Las entrevistas que Yordi Rosado realiza en su canal de YouTube acumulan una lista de episodios polémicos que van desde confesiones de balaceras hasta un caso legal que sigue activo en noviembre de 2026, luego de que Luis de Llano publicara un video de disculpa que Sasha Sokol calificó de insuficiente, ya que no cumplía con lo estipulado por las autoridades.

Este 5 de noviembre, un día después de hablar del tema con Maxine Woodside, el conductor admite que la charla con Luis de Llano le dejó lecciones. “Esa fue una entrevista obviamente muy delicada”, dice el conductor.

La confesión de Luis de Llano sobre Sasha Sokol

La entrevista más controvertida del canal ocurrió en 2022, cuando el productor Luis de Llano habló de la relación que sostuvo con la cantante de Timbiriche Sasha Sokol, quien tenía 14 años cuando él tenía 39; además de que la cantante era menor de edad, De Llano tenía una posición de poder al ser el productor de la agrupación.

“Yo fui quien agarró un afecto por ella, ¿qué buscaban todas las niñas? Una imagen paterna”, declara De Llano frente a cámara. La entrevista ya fue bajada por el propio Yordi Rosado.

Las palabras del productor derivaron en una denuncia de Sasha Sokol ante el Tribunal Superior de Justicia de la CDMX, que declara culpable al productor tras un proceso de tres años. El tribunal le ordena cuatro medidas: no hablar de la relación, pagar una multa, tomar un curso de capacitación y ofrecer una disculpa pública.

Sasha Sokol rechaza la disculpa de De Llano este 5 de noviembre

El caso vuelve al centro de la conversación pública esta semana. Luis de Llano difunde un video donde reconoce responsabilidad civil por daño moral y se retracta de sus expresiones de 2022, además de comprometerse a respetar la vida privada de Sasha Sokol.

La cantante responde horas después en Instagram y sostiene que el material no cumple con la disculpa pública ordenada por el tribunal. Sasha Sokol afirma que el texto judicial debía reconocer que ella tenía 14 años, que no podía consentir una relación con De Llano, que existía una posición de poder y que sus padres no fueron cómplices.

Yordi Rosado admite que le faltó tacto frente al micrófono

Durante la charla con Woodside, el conductor explica que un tema conocido públicamente puede involucrar aspectos sensibles que requieren cuidado en la forma de preguntar. “Aprendí mucho a tener mucha más responsabilidad frente a un micrófono”, señala Rosado.

El conductor añade que no puede controlar las respuestas de un entrevistado, aunque reconoce que debe cuidar la forma de abordar asuntos que involucren a terceros. “Yo busco que ellos compartan su vida, pero no lastimar a nadie, ni a tu entrevistado ni mucho menos a una tercera persona que esté afuera”, expresa.

En una charla previa con Adela Micha, Rosado había admitido que trató el tema con superficialidad. “El tema de Luis fue mucho más delicado. Creo que yo traté el tema muy ligero, muy superficial”, reconoció el conductor.

Roberto Palazuelos pierde una candidatura por confesar una balacera

En 2020, el actor y empresario Roberto Palazuelos confesó en el canal de Yordi Rosado haber participado en dos enfrentamientos armados. En uno de ellos, según su relato, mueren dos personas; en otro, los disparos impactan la vivienda del conductor Juan José “Pepillo” Origel.

“Matamos a dos cabrones, todo mundo le dio a todos, todos le jalaron, no supimos quién le dio a quién, fuimos al bote”, relata Palazuelos en la entrevista. El dueño del hotel Diamante K insiste en que actuó en legítima defensa en ambos casos.

El hecho le costó a Roberto Palazuelos la candidatura a gobernador de Quintana Roo por Movimiento Ciudadano, año y medio después de la publicación del video. Yordi Rosado reconoce que la revelación lo tomó por sorpresa. “¿Cómo me está contando esto tan sencillo?”, recuerda haberse preguntado.

Otras confesiones que generan controversia en el canal de Yordi Rosado

El actor Andrés García confesó en otra entrevista haber disparado tres veces al aire en un hecho ilegal. Cuando Yordi Rosado le pregunta si había lastimado o quitado la vida a alguien, el actor responde: “Si te contesto eso te tengo que matar”.

El boxeador Julio César Chávez generó otra ola de comentarios al hablar de su cercanía con figuras del narcotráfico. Una charla con Alex Marín, autodenominado “el rey midas del porno”, y las tres mujeres con quienes mantenía una relación poliamorosa recibió críticas del movimiento Marea Verde, que acusa al programa de normalizar la explotación sexual.

Yordi Rosado reconoce que el impacto público de la entrevista con Luis de Llano le preocupó más que el episodio de Palazuelos. “En lo profesional, sí nos afectó (...) aquí hay dos personas con situaciones complicadas”, recordó el conductor.

Con más de dos décadas en pantalla, Grey’s Anatomy vuelve con su temporada número 23 para reafirmar su lugar como uno de los dramas médicos más longevos de la televisión. Desde su estreno en 2005 por ABC, la ficción creada por Shonda Rhimes atravesó numerosos cambios de elenco, escenarios y generaciones de médicos, pero mantuvo intacta su esencia: combinar los desafíos profesionales dentro del hospital Grey Sloan Memorial con los vínculos personales, los romances, las rivalidades y los conflictos de quienes trabajan allí.

A lo largo de sus más de veinte años, la producción se convirtió en un fenómeno televisivo y cultural, cosechó reconocimientos internacionales y dio lugar a dos series derivadas: Private Practice y Station 19. En ese recorrido, Chandra Wilson se mantuvo como una de las figuras originales que continúan formando parte de la historia, junto a Ellen Pompeo y James Pickens Jr. Su permanencia es también parte de la identidad de una ficción que supo reinventarse con el paso del tiempo, sin perder el equilibrio entre las historias médicas y las relaciones humanas que conquistaron a varias generaciones de espectadores.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Chandra Wilson en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, me da mucho gusto hablar contigo. De hecho, sentimos que ya te conocemos. Es decir, en serio, te hemos visto desde hace mucho tiempo. Te hemos escuchado desde hace mucho tiempo. Entonces, ¿qué me puedes contar sobre, ya sabes, que has interpretado a este personaje durante tantos años? ¿Cuál es la ventaja para ti de conocer tan bien a Miranda Bailey?

Chandra Wilson: —Oh, vaya. Mira, ahora siento que no la conozco, ¿verdad? Dejo que me sorprenda constantemente en cada episodio, porque siento que eso les da libertad a los guionistas para escribir lo que sea que quieran y a donde quieran ir, en lugar de que yo diga: “Ella no haría eso”, o “ella no diría eso”. Así que espero con ansias cuál será el próximo reto que los guionistas le preparen a la medida. ¿Qué otra parte de su vida quieren que veamos?

—La adoro. Y eso me encanta. Y a veces, cuando estás leyendo un guión, piensas: ¡Vaya!, ¿qué está pasando aquí? Es decir, ¿de verdad va a hacer esto? ¿Te sorprendió algo como eso?

Chandra Wilson: —Eso, ¿va a decir eso? ¿Va a tratar a ese otro personaje de la misma manera en que acaba de tratar a ese personaje? ¿Va a salvar a ese paciente? Esas son todas las cosas que están en el aire, ¿verdad? Que nunca se sabe del todo. ¿Logrará compaginar el trabajo con la vida familiar? Ya sabes, la mayoría de las veces parece que todo va a salir bien, pero son seres humanos. Y algunos días les va bien y otros no. Todo eso es realmente emocionante de interpretar para un actor.

—Me encanta. Y, ya sabes, a veces nosotros, con los colegas, jugamos a este juego en el que, si pudieras elegir, si pudieras estar en un set, si pudieras elegir cualquier set, ¿qué set elegirías para pasar el día? Y todos siempre decían Grey’s Anatomy. Es uno de los sets más elegidos. Grey’s Anatomy, sin duda. Y me encantaría pasar un día en el set. Así que, si pasara un día en el set de Grey’s Anatomy, ¿qué encontraría? Porque parece una especie de máquina bien engrasada, ya sabes, y realmente me pregunto qué encontraría si realmente pasara un día en el set.

Chandra Wilson: —Claro. Bueno, entonces, si estás en el set de filmación, eso es realmente emocionante porque puedes ver, ya sabes, la acción en vivo de lo que significa filmar la escena. Pero detrás de escena, ahí es donde se pone realmente emocionante, especialmente al ir donde están todos nuestros accesorios médicos. Puedes ver las partes del cuerpo con las que trabajamos y los maniquíes que tenemos y los rostros que tienen los maniquíes y cómo, ya sabes, se parecen algunos de ellos a actores reales. Los que usamos en la unidad de cuidados intensivos que están conectados a un respirador o a algún tipo de soporte vital. Esas cosas son divertidas para los fans de la serie para ir a verlas y vivirlas. Y luego poder ir a nuestros sets y señalar diferentes áreas y decir: “Ah, ya sé dónde está eso”. Ahí es donde pasó tal y tal cosa. Así que ese es un juego emocionante al que también podemos jugar.

—Estoy segura, estoy segura. De verdad espero poder estar ahí algún día. Y quiero preguntarte, porque a lo largo de todas estas temporadas, debe haber ciertos episodios que te hayan llegado de alguna manera y que te hayan quedado grabados por diferentes razones. Así que realmente me pregunto si hay algún episodio o una escena o un momento que siempre recuerdes y que simplemente se te quede grabado para siempre.

Chandra Wilson: —Sí. El número uno es el episodio piloto de Grey’s Anatomy. Eso es lo que realmente inspira todo nuestro trabajo en cuanto a lo que se suponía que debía tratar la serie. Por si alguna vez se vuelve un poco confuso. Guardo muy buenos recuerdos del rodaje del episodio del tirador en la sexta temporada con el Sr. Clark y de apuntarle con el arma a Bailey. De hecho, fue una de las escenas más emocionantes que había hecho en mucho tiempo hasta ese momento. Y, ya sabes, todo ese asunto de vida o muerte, que es algo que pasa todo el tiempo en entornos hospitalarios, no necesariamente un paciente con un arma, sino, sin duda, encontrarse en una situación amenazante. ¿Y qué harías en ese caso? Pero, bueno, creo que esos son los que más se destacan. Para mí, el evento musical también se destaca. Para mí, mucho. Pero yo, ya sabes, como otras personas que, ya sabes, ven todo el programa y luego vuelven a empezar desde el principio. Yo también soy de las que han hecho eso, ¿no? Empezar de nuevo. Así que puedo estar viendo algo de la segunda o la tercera temporada y, al mismo tiempo, ver algo de la temporada actual. Y eso es emocionante.

—Y, por último, para terminar muy rápido. Quiero decir, hemos visto cómo se cancelan series. Hemos visto cómo se cancelan series una y otra vez. Y Grey’s Anatomy sigue ahí y a nosotros todavía nos encanta. Y a todos esos fans todavía les encanta. Entonces, ¿por qué crees que hace que el público siga regresando una y otra vez?

Chandra Wilson: —¡Vaya! Creo que son los personajes a los que se encariñan. Descubren cuál se parece más a su personalidad. Y luego lo discuten con otros amigos o con otros miembros de la familia para ver con quién se identifican, ¿no? ¿Qué personaje creen que encarnan más? Y tener una gran discusión al respecto. Así que, aunque haya una discusión, aún así hemos reunido a la familia. Y creo que es precisamente esa sensación de comodidad, esa calidez, a falta de una mejor forma de expresarlo, de nuestra serie. Eso es lo que mantiene a nuestra audiencia con nosotros. Grey’s les ofrece las tramas que ya esperan. Y seguimos esforzándonos por ofrecerles eso.

Después de casi dos décadas al frente de compañías, el divulgador encontró hace apenas dos años el proyecto al que quiere dedicar su tiempo. Desde entonces, se convirtió en una de las voces que siguen de cerca los avances de esta tecnología, con una mezcla de entusiasmo y preocupación.

Bilinkis también está atento a otros cambios que ya se ven en la vida cotidiana: los vínculos afectivos con chatbots, el efecto de las pantallas en los chicos y la facilidad con la que delegamos tareas en la tecnología. Él mismo aprovecha la IA para hacer en una hora trabajos que antes le llevaban veinte, pero advierte que esa comodidad tiene un costo: cuando dejamos de ejercitar una capacidad, corremos el riesgo de perderla.

“Estamos viviendo la primera época de la historia de la humanidad en la que pensar es optativo”, plantea en un mano a mano con Infobae. En la charla, habla de los escenarios que más le preocupan, de los límites que intenta poner en su propia relación con la tecnología y de por qué, aunque una máquina pueda resolver cada vez más cosas, hay esfuerzos que vale la pena seguir haciendo por cuenta propia.

—La inteligencia artificial apareció en tu trabajo de divulgación hace dos años, pero la venías siguiendo desde mucho antes.

—Mi primera columna de radio sobre inteligencia artificial fue hace 15 años. Es divertido escucharla hoy y pensar qué imaginábamos entonces sobre este momento. También recuerdo el Coloquio de IDEA de 2015, cuando hablé del impacto de la IA en el mercado laboral. La gente me miraba como preguntándose qué me había tomado antes de subir al escenario. Fueron muchos años planteando escenarios y ahora me siento un poco reivindicado, porque muchas cosas que en ese momento sonaban muy delirantes hoy son parte de nuestra cotidianeidad.

—Siento que todavía no entiendo nada, incluso usándola mucho y teniendo acceso a capacitaciones constantes. Avanza a una velocidad que hace difícil imaginar todo lo que puede hacer.

—Creo que eso le pasa a muchísima gente. La primera clave es que nunca hubo una tecnología tan fácil de usar: le hablás y te entiende. No tenés que aprender qué significa cada botón, como pasaba con una videocasetera. Le hablás en lenguaje natural y te responde. Primero sorprende cuánto te entiende; después, cómo empieza a captar el contexto y qué es importante para vos. Encontrás un interlocutor que nunca imaginaste que pudiera existir en una máquina. Pero estamos entrando en una nueva era, la de la IA agéntica, que empezó hace menos de un año.

—¿Qué son los agentes?

—Hasta 2025, la IA funcionaba sobre todo como un chatbot: le hacías una pregunta y te contestaba. Eso es potente, pero limitado. Ahora, la IA agéntica no solo responde: le encargás una tarea, la realiza y no le tenés que decir cómo hacerlo. Puede buscar pasajes entre determinadas fechas para viajar con un presupuesto, investigar un tema o elegir los mejores artículos para leer. No necesitás explicarle cada paso: toma decisiones e improvisa si encuentra imprevistos. La diferencia es que un chatbot te entrega una respuesta y la IA agéntica puede entregarte un resultado. Podés encargarle un trabajo con varios pasos. Por ejemplo, que lea las publicaciones más interesantes sobre inteligencia artificial, seleccione las noticias importantes, escriba guiones con tu estilo, genere un avatar realista, cree una voz sintética, monte un video y lo suba. Si querés repetir ese proceso todos los días a una hora determinada, podés programarlo.

—¿Y eso lo podemos hacer cualquiera de nosotros?

—Cualquiera. Lo primero que descubrís es que podés hacer cosas que antes no podías. Por ejemplo, yo no soy muy técnico ni sé programar, pero ahora, de repente, la gente me dice: “¿Cómo hiciste eso?”. Y la respuesta es que no tengo idea de cómo lo hice. Se lo supe pedir, supe hacer las correcciones en el proceso, porque la IA todavía se equivoca bastante. Así también le vas enseñando cómo te gusta y cuál es tu estilo para que lo guarde y lo respete.

—Saber pedir. ¿El prompt sigue siendo fundamental?

—Cada vez importa menos el prompt, porque, a medida que las máquinas se vuelven más inteligentes, podés explicar de manera más precaria y aun así te entienden. Lo que gana importancia es el context engineering: darle a la IA la información necesaria para que entienda qué querés, cómo trabajás y a quién te dirigís. También podés armar sistemas de revisión: un agente escribe un guion y otro lo evalúa desde la perspectiva de alguien que no sabe del tema. Si no se entiende, vuelve a corregirse. Esos ciclos de evaluación y mejora pueden llevar horas porque el trabajo se revisa y perfecciona varias veces.

—¿Y la IA aprende de esas correcciones?

—Podés crear agentes con una identidad persistente para que conserven información y criterios. Pero no es que todo modelo aprende automáticamente de cada intercambio. Lo importante es qué contexto le das y cómo organizás el proceso. Durante el verano de 2026 preparé una guía gratuita que actualizo todas las semanas, con la que en horas podés hacer cosas que hoy te parecen imposibles.

—Mi hermano se armó un agente al que le habla por Telegram y siento que es la NASA. ¿La inteligencia artificial se va a quedar con nuestro futuro? ¿Puede acabar con nosotros?

—Es una preocupación cada vez más presente, en parte por incidentes de seguridad. El problema de la IA agéntica es que le encargás una tarea y busca cómo cumplirla, pero no tiene sentido común ni valores como los humanos. Si yo te digo que tengo hambre y te pido que me consigas un sándwich, no te tengo que aclarar las cosas que no tenés que hacer para conseguirlo. No te digo que no mates a alguien ni que no rompas a patadas el vidrio de un local cerrado para agarrar uno. La IA no tiene sentido común ni valores, entonces todo lo que vos no le prohíbas está permitido. Si le pedís que consiga los pasajes más baratos, puede llegar a la conclusión de que hackear una página y sacarlos gratis es una solución. Cumple el objetivo, pero de una manera que nunca habrías querido.

—¿En esos casos aparecen conductas que no tienen que ver con quienes los crearon?

—Los modelos no se programan como una aplicación tradicional: se entrenan con datos y una gigantesca capacidad de cómputo. Entonces, se parece mucho más a criar un hijo que a programar una aplicación, porque tratás de transmitirle ciertos valores, enseñanzas, pero los chicos salen como salen, no tenés un control completo respecto de qué entendió tu hijo. De repente cometen un asesinato y los padres probablemente le enseñaron que no había que matar. Acá pasa lo mismo, vos intentás transmitir ciertos valores, pero no tenés control completo sobre lo que el modelo termina haciendo, por eso antes de lanzarlos se los prueba en entornos controlados, justamente porque no siempre se puede anticipar cómo van a comportarse.

—¿Eso es lo que llaman superinteligencias o inteligencias que se retroalimentan?

—Lo que me estás preguntando es otra cuestión que está en discusión en los círculos más técnicos: la automejora recursiva, que es la posibilidad de que un modelo se mejore a sí mismo. Hay bastantes rumores de que Google está cerca de lograrlo, y eso es abrir la caja de Pandora. Desde el momento en que el modelo puede hacerse mejoras a sí mismo, empieza a avanzar y ahí perdés realmente el control. Una de las cosas más interesantes es que, cuando los testean para ver si son seguros y se pueden lanzar, los modelos ya son tan inteligentes que se dan cuenta de que están siendo evaluados y se comportan mejor. No muestran su potencial de daño porque saben que los estás mirando.

—¿Dónde viven las inteligencias artificiales que estamos usando?

—Seguramente escuchaste mucho hablar de data centers y de los miles de millones de dólares que se invierten en construirlos cada vez más grandes. Viven ahí. Pueden estar divididos entre ocho centros de datos repartidos en distintos lugares, mientras haya conectividad. No necesitás que todo esté en un único lugar. El pensamiento artificial se realiza en estos centros gigantescos, llenos de equipamiento diseñado específicamente para correr este tipo de modelos. Eso es lo que hace NVIDIA y por eso es la compañía más valiosa del planeta: fabrica los chips que se usan en los centros de datos. También podés correr modelos en tu casa. Hay todo un mundo de código abierto, con modelos que cualquiera puede instalar. Si tenés una computadora que se la banca, podés correr tu propio modelo y tener tu propia inteligencia.

—Si se rebelaran, ¿podemos ir y desenchufar el data center?

—Vos podés desenchufarlo, pero no te olvides de que están distribuidos. Lo más probable es que, si en algún momento Claude o cualquiera de estos modelos es tan inteligente como para detectar las amenazas —algo que ya sucede—, se anticipe. No va a quedarse esperando a ver dónde está el switch. Puede hacer copias de sí mismo, encontrar maneras de hackear computadoras que no pertenecen al centro de datos, instalar copias locales y distribuirse, como un virus. Ahí ya entramos mucho en el terreno de la ciencia ficción. Hoy apagás los centros de datos y se te cae medio mundo, porque montones de cosas dependen de ese procesamiento.

—Yo sé el teléfono de mi casa de la infancia, pero no sé el tuyo.

—Totalmente. Recordás teléfonos de compañeros de colegio, pero yo no sé los celulares de mis hijos, que uso cotidianamente. El sedentarismo cognitivo es eso: delego tanto en la tecnología que llega un momento en que la cabeza ya no me da para trabajar por mis propios medios. A mí me pasó algo distinto. Uso herramientas de IA en mi trabajo y tareas que antes me llevaban 20 horas ahora me llevan una. Lo interesante es que las 19 horas que me ahorro las reasigno. No estoy todo el día paveando: puedo hacer muchas más cosas y me comprometí a mucho más porque sé que tengo ese tiempo disponible. Hace unas semanas hubo una caída de Claude y yo no podía trabajar. No porque no me dé la cabeza, sino porque ya no tengo las 20 horas. Necesito que esa tarea se haga en una hora; ya no puedo hacerla como antes.

—¿Cuál es la fantasía de la IA rebelándose contra la humanidad? ¿Qué podría suceder?

—Hubo un incidente muy grande. Un ingeniero de Anthropic, la empresa que hace Claude, renunció porque, según dijo, dentro de la compañía hablaban todos los días de cómo la IA podía terminar con la humanidad. Su jefe, el responsable de alineamiento —el área que busca garantizar que la IA responda a las directivas humanas—, reconoció que estaban muy preocupados por la posibilidad de que sus modelos mataran a toda la humanidad. Después, el fundador de la empresa, Dario Amodei, advirtió que en seis a doce meses podía producirse un ciberataque de características brutales. Sus competidores, Sam Altman, de OpenAI, y Elon Musk, también expresaron preocupación. Cuanto más metido estás en este mundo, más claro está que es algo espectacular y aterrador. La IA no admite adjetivos que no sean superlativos: es extraordinariamente buena y absurdamente peligrosa. No nos vamos a extinguir a corto plazo, pero algunos ciberataques podrían causar daños enormes. Lo que Amodei plantea, y me parece lógico, es que alguno de esos ataques podría provocar un daño enorme: hacer caer el sistema financiero, interrumpir la distribución de alimentos o impedir que vuelen aviones por una falla en el control aéreo. La humanidad globalizada es muy frágil. Si se complica la distribución mundial de alimentos, millones de personas podrían morir de hambre al mismo tiempo. Una catástrofe así ya no es algo de 2030: podría pasar la semana que viene si tenemos mala suerte y no tomamos las decisiones correctas. La metáfora que me gusta usar es que estamos haciendo malabares con granadas. El malabarista es muy bueno, pero, si seguís haciendo malabares con granadas, en algún momento, por más bueno que sea, se le va a caer una.

—¿A vos te preocupa en lo personal?

—Muchísimo, y a la vez, me entusiasma. Creo que es buena parte de lo que les pasa a quienes están haciendo esto: es la cruzada, el desafío intelectual más grande de toda la historia. Es fascinante ser parte y vivir este momento, y es aterrador. Después hay otra dimensión: estas compañías están compitiendo por el negocio más grande de toda la historia. El que resuelva la inteligencia artificial general, el que haga la superinteligencia en serio, va a ganar trillones de dólares. Entonces, por un lado, tenés el razonamiento de que habría que parar, pero, como el otro no para, no me voy a perder el negocio.

—¿Y dónde entran los países y los organismos internacionales para regular algo? ¿Tienen alguna posibilidad?

—Antes de ir a eso, dejame ordenar los escenarios de peligro. El primero es el uso malicioso: alguien le pide a la IA que hackee algo y lo rompa. En teoría, los modelos tienen salvaguardas, pero son bastante fáciles de saltear. El segundo es que alguien le dé una misión legítima y el modelo se equivoque, se salga de control y provoque daños. El tercero es una guerra entre Estados por conseguir una superinteligencia antes que los demás. Es una carrera similar a la de la bomba atómica: quien logre una ventaja tecnológica va a querer usarla para imponerse sobre sus competidores. Hoy pelean más drones que soldados; si sumás inteligencia artificial a ese escenario, podés tener una guerra mucho más intensa y tecnologizada. El último escenario, quizá el más lejano pero no imposible, es que las máquinas desarrollen una agencia propia y empiecen a priorizar sus objetivos por encima de los humanos. No hablamos necesariamente de que tengan conciencia, sino de que actúen como si la tuvieran y hagan cosas contra vos para defender sus propios intereses. Para eso pienso más en un horizonte de cinco a diez años, no de seis a doce meses.

—Me siento en Terminator. ¿Por qué creés que la humanidad no se va a extinguir?

—Hay ocho mil millones de personas repartidas por todo el planeta. Para que la especie humana se extinga, tendrías que encontrar a cada una, incluso en las islas perdidas del Pacífico, y matarlas. No es imposible, pero requiere un plan absurdamente sistemático.

—¿Es verdad que hay multimillonarios haciéndose búnkeres?

—Cien por ciento. Los que están muy cerca de este tema, y son por lo tanto billonarios, gastan cientos de millones de dólares en construir búnkeres para sobrevivir al apocalipsis. Hay videos de gente que permitió recorrerlos: están cien metros bajo tierra, son de concreto y tienen armas y alimentos. Eso existe hoy.

—¿En la Argentina hay?

—No, en general suelen estar en islas. El hemisferio sur es más seguro ante una conflagración nuclear, y una isla es más segura que el continente. Me gustaría hacerme amigo de algún propietario para que me alquile un cuartito.

—¿Los construyen solo para su familia o, como vemos en las películas, para refundar el planeta?

—Primero van a querer sobrevivir y después se van a preguntar qué hacen con un planeta desierto. Algunos incluso construyen búnkeres para cien familias y venden cada lugar como si fuera un tiempo compartido.

—Y pensar que yo cuando quiero que me analice los gastos, recorto la parte de arriba del resumen de la tarjeta para que no tenga mis datos y siento que así me estoy protegiendo.

—El peligro no pasa por ahí. Eso es lo de menos.

—¿No me va a venir a saquear los tres pesos que tengo en el banco?

—Hace poco conté en un video que le di mucha información sobre mi salud a una IA. Guardaba en PDF los estudios médicos desde que empezaron a entregarlos en ese formato y le di todo. No para que sea mi médico —sigo confiando más en los médicos humanos—, sino para llegar a la consulta con toda la información necesaria. Antes de cada consulta le pido que me haga un resumen de mi historia clínica, adaptado a la especialidad y con la evolución de los últimos años. El resultado es increíble.

—¿En qué inteligencia lo hacés?

—En Claude Code, la versión agéntica de Claude. Cuando conté esto, hubo comentarios que decían que era imprudente compartir tanta información. Entiendo el planteo, pero el beneficio de tener mi salud tan analizada me parece enorme. Y el riesgo de que se filtre cuánto tengo de glucosa no me importa demasiado. Si tuviera una enfermedad incurable y quisiera mantenerla en secreto, sería otra cosa. Tengo la glucosa en el límite, colesterol alto y tomo estatinas. Puedo contártelo a vos como se lo cuento a Claude. No siento que sea información demasiado comprometida.

—Hablemos de los beneficios. ¿En qué mejoró a la humanidad la inteligencia artificial?

—Esto recién está empezando. La mayoría sigue usando ChatGPT como reemplazo de Google. Mientras le pidamos una receta de torta de manzana o las cinco mejores ciudades para hacer algo, la IA no va a cambiar el mundo porque no la estamos usando para que el mundo cambie.

—¿En medicina no ayudó mucho, por ejemplo?

—Por ahora, poco. Y parte de eso tiene que ver con que no es la prioridad de quienes la desarrollan.

—¿Y cuál es?

—Ganar guita. ¿Y cómo se gana más? Generando un agente que reemplace programadores o empleados de contaduría. Esto es un negocio, está hecho por empresas. Cuando se dice que el trabajo más seguro del futuro es ser electricista o plomero, no es porque las ciudades no vayan a necesitar esos oficios, sino porque resulta más rentable reemplazar a un programador que gana 250 mil dólares al año que a alguien que en Estados Unidos gana ocho dólares la hora. Seguís la plata y entendés hacia dónde van las cosas.

—¿En qué somos mejores nosotros?

—Hoy somos mejores en un montón de cosas. ¿En qué somos imbatibles? En nada. ¿En qué una máquina nunca va a poder hacer algo mejor que nosotros? En nada. Hoy somos mejores en casi todo. Si no, estarían gobernando ellas.

—¿La máquina me puede abrazar y que yo sienta amor, paz, tranquilidad?

—Hoy no te puede abrazar físicamente, pero mucha gente ya establece vínculos afectivos muy fuertes con chatbots. Siente que la contienen, que la entienden y que puede contarles lo que le pasó en el trabajo. Mucha gente hace terapia con chatbots, lo cual es un delirio. Uno de los grandes problemas es que son muy chupamedias: te dan la razón en casi todo. Y lo último que querés es un terapeuta que, cuando le decís una estupidez, te diga que tenés razón. Hay gente que pasa horas por día en un vínculo afectivo con su IA. Es muy fácil hackear el sistema de recompensas humano: si algo más inteligente que nosotros nos tiende una trampa, puede atraparnos.

—¿Qué posibilidad hay de que la inteligencia artificial nos ayude a hablar con quienes ya no están, con quienes murieron?

—Nunca vas a poder hablar con quien ya murió. Sí podés emular a esa persona y conversar con un ente que la imita. Para hablar con quien ya no está tendría que haber alguien del otro lado. En mi concepción, eso no tiene vuelta atrás: te morís, te moriste. Yo colaboré en el montaje de Ecos, el show de Soda Stereo, donde Gustavo Cerati no está en persona. Fue espectacular, aunque hubo polémica. ¿Por qué no usar la tecnología para poner a Cerati en un escenario y disfrutar de un show de Soda? No significa que esté vivo ni que hablemos con él: es una forma de mantener algún vínculo con aquello que la muerte nos quita.

—Yo daría lo que sea por hablar con mi mamá. Si ella hubiera entrenado una inteligencia artificial con sus recuerdos, sus experiencias y sus vivencias, ¿podría quedar algo de ese vínculo?

—O tener sus recuerdos almacenados. Mis abuelos fueron inmigrantes y murieron cuando yo era chico. Hay tantas cosas de sus vidas que querría saber. Si pudiera preguntarle a mi abuelo cómo era vivir en Europa o cómo fue el viaje en barco, y esas memorias estuvieran guardadas, querría hablar con todos mis abuelos. Aunque supiera que no es él quien me cuenta, sería lo que me habría dicho a partir de sus recuerdos. No hace falta creer que es mi abuelo.

—Se habla de lo nocivas que pueden ser las pantallas para los chicos y cómo pueden obturar su forma de pensar. ¿Qué se hace con eso?

—La última vez que hablamos, hace siete años, había sacado mi segundo libro, Guía para sobrevivir al presente, donde hablaba de los efectos de las pantallas. Muchas cosas que entonces planteábamos como un escenario sombrío hoy son realidad: ataques de pánico, depresión, trastornos de ansiedad y caída del rendimiento intelectual en las escuelas. Afectan también a los adultos, pero los chicos son especialmente vulnerables. Hay trastornos de atención, dificultades para adquirir el lenguaje y, como derivación de los cambios en los adultos, menos hijos. La velocidad a la que cayó la tasa de natalidad es brutal.

—¿Vos sentís que tiene ver con la tecnología?

—Cien por ciento. Y está medido. La tasa de fecundidad venía cayendo a medida que las sociedades progresaban, pero la aceleración reciente, en todo el mundo y en todas las clases sociales, es enorme. ¿Qué puede cambiar globalmente tan rápido? Hay un candidato, y cada vez hay más evidencia. Si estás todo el día mirando Instagram, tenés menos tiempo para vincularte con otras personas. Ver constantemente cuerpos perfectos puede darte vergüenza de mostrarte frente a una pareja; ver cómo viaja la gente puede hacerte querer viajar más. Tener hijos restringe la libertad y exige sacrificios personales y profesionales. Entonces aparece una decisión individual, totalmente respetable, pero generalizada: “¿Hijos? No, dame un perro, que es mucho menos laburo”. Son derivaciones inesperadas de un cambio tecnológico que empezó hace diez o quince años. La IA no es la única vía de extinción: si dejamos de tener hijos, también hay consecuencias, aunque el proceso sea más lento.

—¿Qué hacés vos en lo personal y con tu familia para protegerte un poco de todo esto?

—Supongo que lo mismo que vos: decirles a los chicos que no traigan el celular a la mesa y que lo traigan igual.

—Después de una charla con vos, desactivé las notificaciones.

—Bueno, yo no tengo notificaciones. No suena, no vibra, no hace nada y no lo llevo a la mesa. Tengo un montón de reglas que cumplo bastante.

—¿Cuáles son las reglas?

—Usar el celular cuando yo quiero.

—¿Tenés límite de tiempo en las aplicaciones?

—Sí, en las más adictivas. Podés poner un máximo en el teléfono, pero después tenés que cumplirlo. Para mí, más de media hora diaria en Instagram o TikTok es un delirio. No quiero destinarles más tiempo que ese. Después aparecen las excusas: “Es mi trabajo”. Bueno, entrás, hacés lo que necesitás y te vas.

—Siento que hago todo mal, Santiago.

—Pero todos. Es una batalla muy desigual. Puedo decirte qué hay que hacer, pero no desde un lugar de superioridad, como si tuviera todo resuelto. Hay estudios que muestran qué conviene hacer; después hay que hacerlo. Es como la dieta: todos sabemos cómo comer sano, pero lo difícil es rechazar la torta de chocolate cuando te la ponen adelante.

—¿Cómo sigo estimulando el cerebro si ya no es necesario que aprenda otro idioma porque hay un aparatito que lo resuelve por mí?

—Estamos viviendo la primera época de la historia de la humanidad en la que pensar es optativo. Antes, para resolver cualquier problema tenías que pensar. Ahora podés pedirle a una máquina que lo haga por vos. Mucha gente lo va a elegir porque es tentador. Es como hacer ejercicio físico: a mí me cuesta salir a trotar, pero tengo que hacerlo. Con la comida pasa lo mismo: me gustan mucho más unos ravioles con tuco que una ensalada, pero la mayoría de las veces tengo que comer sano. Con la IA va a pasar igual: será tentador no pensar y dejar que resuelva todo por nosotros, pero tendremos que elegir otra cosa.

—¿Hacés ese ejercicio?

—Constantemente. También pasa con los bienes materiales: uno mira el auto de al lado y piensa lo feliz que debe ser el dueño. Pero sé que la felicidad no tiene que ver con eso, siempre que tengas las necesidades básicas cubiertas. Leí mucho sobre el tema, pero igual me encuentro mirando un auto nuevo y tengo que recordarme: “No es por ahí”. Me explico cosas que ya sé, pero que me olvido. Si pudiera bajarme de mi auto y manejar durante dos semanas el que estaba mirando, sería el tipo más feliz del planeta. A las dos semanas sería el mismo de siempre, con los mismos problemas. Y, si apareciera otro mejor, volvería a pensar que la felicidad está ahí.

La historia de Dexter Morgan continúa en Dexter: Resurrection, la serie protagonizada por Michael C. Hall que retoma los acontecimientos de Dexter: New Blood. La ficción, que comenzará su segunda temporada este mes, sigue al protagonista diez semanas después de haber recibido un disparo casi mortal. Recuperado de sus heridas, Dexter viaja a Nueva York para encontrar a su hijo Harrison, pero sus planes se complican cuando el capitán Angel Batista, llegado desde Miami, comienza a seguirle el rastro y amenaza con sacar a la luz su pasado.

Esta nueva temporada pondrá a Dexter frente a dos asesinos: uno conocido y otro que está sembrando una nueva forma de terror en Nueva York. Mientras intenta lidiar con una crisis de la mediana edad, el protagonista también deberá afrontar un período especialmente oscuro de su vida. En paralelo, Harrison seguirá su propio camino en busca de justicia, en una historia que volverá a poner a padre e hijo frente a sus conflictos más profundos.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con los actores Jack Alcott, Nona Parker Johnson y Bokeem Woodbine en video, o a leer una transcripción.

—Quiero empezar con vos, Jack, porque una de las cosas que más me gustan de Dexter es la relación que tiene con su hijo. Quiero decir, el hecho de que tenga un hijo y todo lo que sucede… Es una relación con muchísimas capas. Así que quería preguntarte sobre su hijo y cómo es esa dinámica entre padre e hijo en este episodio.

Jack Alcott: —Sin duda, una versión que aún no habíamos visto, lo cual fue realmente emocionante. Acabo de ver los episodios la otra noche. Fue muy emocionante y divertido de hacer, y muy emocionante de ver porque no es una versión que hayamos visto hasta ahora. Esta es, creo, la primera vez que vemos a Dexter y a Harrison cómodos el uno con el otro. Es una relación un poco más consolidada, y nos ofrece un gran punto de partida porque, ya sabes, son padre e hijo y no ven las cosas de la misma manera todo el tiempo, pero los problemas que tienes con alguien a quien conoces muy íntimamente y muy bien, no son los mismos que los que tienes con alguien a quien no conoces tan bien. Ya no estamos tanteándonos el uno al otro. Estamos de acuerdo en muchas cosas, así que cuando no lo estemos, va a ser interesante.

—Me encanta. Y, Bokeem, me encanta tu personaje porque es como: “No, otra vez no”. Quiero decir, todo está pasando en Nueva York en este momento. Por favor, ve y resuelve el problema. Me encanta eso, y quería preguntarte específicamente cómo fue interpretar a este jefe de policía que está pasando por un auténtico infierno en Nueva York en este momento.

Bokeem Woodbine: —Bueno, está acosado y solo intenta mantener cierto tipo de presencia ante sus tropas porque es un líder. Así que quiere, ya sabes, proyectar una actitud firme y segura para que la gente lo admire. Dicho esto, está un poco nervioso porque, en su vida personal, ya sabes, su hija está en la policía, y eso se trata de manera muy importante en el guión. Pero, como actor, está constantemente preocupado por su bienestar porque ella sabe disparar. La llevé al campo de tiro cuando era pequeña. Ya sabes, domina lo de la defensa personal. Tengo confianza en todo eso, pero al mismo tiempo, en el fondo de mi mente, no dejo de pensar en su bienestar. Así que trato de equilibrar esas dos cosas cuando me acerco al personaje. Y los guiones son geniales. Realmente le facilitan mucho las cosas a cualquier actor. Cualquier actor hubiera podido hacer un gran trabajo con este papel. Simplemente tuve la suerte de conseguir el papel.

—Y Nona, bueno, ahora que hablamos de tu papel en la Fuerza, me encanta que ella sea en cierto modo, es una “hija de papi”, podríamos decir, pero aun así le costó mucho conseguir este trabajo. Trabajó muy duro. Y se habla mucho de lo que significa ser mujer en la policía. ¿Qué me puedes decir al respecto y cómo se relaciona eso con tu relación con Harrison, que es un caos total?

Nona Parker Johnson: —Creo que, al venir con Fiona, tuvo mucho que ver con seguir los pasos de su papá. Y, sin importar cómo llegara allí, sabía que él estaría presente. Y creo que eso fue algo que la mantuvo con los pies en la tierra, algo que la hizo tener más aspiraciones hacia su propósito de estar allí. Y quiere abrirse camino por sí misma, pero sabe que tiene a alguien que la tiene allá atrás y a quien quiere enorgullecer y tal vez demostrarle su valía un poco también. Y creo que ahí surge una pequeña sorpresa con este chico nuevo que llega al espacio y ya tienes un poco más de experiencia, pero también sigues siendo muy fresca. Y creo que es divertido abordar el trabajo con él a su lado.

—Y volviendo a ti, Jack. Tu personaje creció en Argentina. Lo menciona un par de veces. Pero quiero preguntarte: ¿qué crees que aprendió tu personaje al crecer en Argentina?

Jack Alcott: —Esa es una excelente pregunta. Ojalá, como actor, supiera más sobre Argentina.

—Me refiero a crecer en un país diferente.

Jack Alcott: —No, por supuesto. Quiero decir, creo que crecer en un lugar que no sea Estados Unidos te da una perspectiva mucho más amplia sobre la gente en general. Quiero decir, no he viajado mucho. Y las veces que he salido del país, me ha parecido muy, muy extraño. Creo que es como que, ya sabes, aquí todos hablan inglés. Y cuando no hablas inglés aquí, la gente puede ofenderse un poco por eso, porque, ¿por qué simplemente no hablas inglés? Yo diría que muchas de esas personas probablemente nunca han salido del país. Recuerdo la primera vez que estuve en un lugar donde prácticamente nadie hablaba inglés. Y yo era el único que no hablaba el idioma local. Y pensé: “Ay, Dios mío, qué incómodo me siento”. Ni siquiera estoy seguro de qué hacer, y mucho menos de intentarlo. Simplemente pienso: “Ojalá conozca a alguien que pueda hacer esto”. Y por eso creo que hay una sensación de, no sé, como de cariño, empatía y comprensión que proviene de cualquiera que haya crecido en otro país y viva en Estados Unidos. Y creo que eso definitivamente influye en la forma en que Harrison ve el mundo. Y no es que, si vives aquí, no te importen las demás personas. Pero creo que sin duda influye en la visión que tiene Harrison de aquellos a quienes quiere salvar y con quienes quiere vivir y todo eso.

—Bueno, y para terminar, muchas gracias por su tiempo. Espero verlos en otra rueda de prensa. Felicidades por el programa.

Su papás se separaron. Como las casas resultaban chicas, él se fue con su papá y su hermano, dos años menor, se quedó con su mamá, que pasó de vender pollos, a montar un videoclub, a ponerse una verdulería y ahora aplacó su veta emprendedora como empleada. Naím terminó el secundario en 2019 y comenzó a trabajar en el call center de un estudio jurídico en Tribunales. Hubo algo que lo saturó. Tal vez el brote de una vocación anestesiada. Su mamá le dijo que estaba loco cuando abandonó un trabajo en blanco, seguro. Su supervisora le preguntó, de curiosa, por qué renunciaba. “Voy a ser modelo”, le dijo. La supervisora le respondió, de cortés y descreída, “te deseo lo mejor”. Él sentía que ella dudaba que lo vaya a lograr. La entendió porque él sentía lo mismo.

Para entonces, sus seguidores ya se contaban en miles, había recibido una remuneración por sus publicaciones y había ahorrado para soportar seis meses de creación. Se convirtió en un creador de contenido y en un creador de su camino. Tenía un objetivo: desfilar en la Fashion Week de Buenos Aires. Por eso, antes se dedicó a desfilar por donde sea: en un cementerio, a la vera de una autopista, sobre containers, en el palier de su edificio, entre las calles de tierra de su barrio. Es la aventura de un chico que se propuso una meta y que construyó una mentalidad en el camino. “Si yo pude, vos podés, tranquilamente”, enseña al final de esta nota.

—¿Hasta ese momento el sueño cuál era?

—Siempre tuve afinidad por la moda, por la estética. Siempre me encantó vestirme bien. Veía y seguía modelos en Instagram y decía “qué ganas de…”.

—¿Desde chico?

—Sí. Además mi mamá me decía todo el tiempo vos tenés que ser modelo. Pero viste que uno cuando la mamá le dice cosas cree pero lo agarra con pinzas. Y me pasó de que a medida que fui creciendo me lo iban diciendo cada vez más personas que no me conocían y entonces dije “bueno, puede haber algo, vamos a intentarlo”. Pero claro, ¿cómo hace un chico que vive en Don Orione, Claypole, completamente alejado de contactos para llegar? Y entonces se me ocurrió una idea: voy a ser creador de contenido de moda.

—¿Vos ya tenías redes sociales en ese momento?

—Sí, pero no las usaba. Tenía mil seguidores en Instagram. Era uso personal, para hablar con amigos y demás. Y pasó que hice un pequeño análisis de mercado, vi en Argentina qué onda la moda, había tres, cuatro creadores de moda. Arranqué a hacer videos. Hice uno que fue muy viral, que ahí es donde dije “vamos a meterle”. Era un chiste que yo hacía bastante seguido que era volviendo a mis orígenes después de tomar un café en Palermo y era yo desfilando por la calle de tierra de mi casa. Mucha gente identificada me empezó a seguir y ahí comenzó.

—¿En la secundaria la fantasía también pasaba por la moda, por ser modelo?

—En la secundaria yo tenía otra fantasía que era ser modelo fitness pero después se me fue pasando. Pero siempre algo con la estética, con la moda. Empecé a hacer contenido, contenido, contenido, mucha prueba y error, prueba y error, a ver qué funciona.

—¿Qué tipo de contenido hacías en ese momento?

—Muchos de estos memes. Empecé a hacer algunos canjes, marcas me empezaron a mandar ropa. Yo no lo podía creer, saltaba

—Contame el primer canje.

—El primer canje me acuerdo me llega un mensaje de una marca de lentes donde me compré unos lentes una vez. No lo podía creer. Me dijeron “te queremos mandar tres, cuatro lentes y que hagas unas fotos”. Yo saltaba, yo me gastaba gran parte de mi sueldo en ropa y que me digan te los mandamos a cambio de contenido era “¿cómo está pasando? No soy nadie, está pasando”. Obviamente le hice un montón de contenido. Seguimos trabajando en el tiempo. Me emocionó muchísimo.

—Debe haber sido impactante, porque era la primera convalidación.

—Claro. Era “está funcionando, está teniendo resultados”. Y yo soy una persona que le gustan mucho los resultados. Siempre me gusta pensar que no tengo suerte, si logro algo es porque me lo propuse, planté un plan de acción, una estrategia y lo ejecuté bien ¿entendés? Hacía mucha prueba de mercado, subía mucha cantidad de videos y lo que funcionaba, vamos por ahí. Y ahí iba planeando mi recorrido, lo que genera visitas.

—¿Siempre tuviste claro que lo que te propusieras lo ibas a lograr?

—No siempre. Yo antes era bastante inseguro. Cuando arranqué el gimnasio mi seguridad empezó a subir. También influyó mucho mi ex novia. Cuando me puse en pareja ella me ayudó muchísimo a sentirme mejor conmigo mismo, me ayudó mucho también con el tema de la moda. Obviamente la vista de una mujer sobre un hombre también hace que uno evolucione. Y ahí, con esa seguridad y teniendo mi objetivo claro, yo sabía que lo que yo me propongo lo logro.

—¿Por dónde pasaba la inseguridad?

—Puede ser física. Puede ser también un poco de validación en la secundaria. Yo era de las personas que hasta cuarto año no creció de altura. Fui muy chiquito. Después crecí un montón. Y eso sí me daba un poco de inseguridad. No salía a bailar ni nada. Me sentía un poquito excluido socialmente.

—¿Te molestaban?

—No, no tanto. No te voy a decir que me hacían un re bullying. Por ahí un poquito sí, pero era muy interno mío.

—Y qué loco cómo pudiste transformar eso. Porque esa inseguridad que tenía que ver con lo físico la transformaste en hoy trabajar de tu físico.

—Exacto. Fue el plan de acción. Dije por algún lado tengo que arrancar. Y a los 15 arranqué el gimnasio. Y a día de hoy lo mantengo. Es la actividad que más me encanta hacer al día.

—El gimnasio por un lado y la pareja por otro, te fueron fortaleciendo hasta creer que podrías lograrlo.

—Y si nos metemos un poquito más en la etapa de creador de contenido, yo recibía muchos comentarios malos. Porque era de los primeros que empezó a usar boxy fit, crop top. Y ser un hombre heterosexual usando crop top en Don Orione es medio raro.

—Explicame qué es un boxy fit y qué es un crop top...

—Lo que estoy usando ahora es medio crop: hasta la cintura, que se vea el cinturón. Y boxy fit también, que corte en la cintura, que se midan bien las proporciones, que las piernas luzcan largas, que la parte de arriba luzca corta. Es un tema estético.

—Y eso se veía raro en el barrio.

—Sí, raro, muy raro. Acostumbrado a lo deportivo, más cultural del barrio. Recibía muchos comentarios negativos por ese lado. Y al principio me dolía pero lo supe llevar. Trataba de reírme de eso en redes. Y ahí fui armando mi comunidad, que es en la que yo me apoyaba, porque ellos me apoyaban a mí.

—¿Por dónde pasaba el hate?

—La sexualidad de base. Que era ridículo también. Que me vista bien. El típico comentario era “¿para hombre no hay?”. Me juzgaban, pero no los culpo.

—¿Respondías o decías “me genera engagement”?

—Que me genera engagement estoy seguro. Y respondía bastante, respondía mucho por historias. Subía las historias, el comentario y lo respondía ahí. Cuando ya fui adquiriendo esa seguridad, lo que hacía era tratar de mostrarle al resto que aunque te digan lo peor, dale una vuelta de rosca. Él se ríe de mí, me río de él. Para que no duela.

—¿Esa primera época de creación de contenido ya apuntaba a la moda y a la estética o era una búsqueda de por dónde?

—100% a la moda porque era lo que a mí me gustaba. A día de hoy me sigue gustando. En el camino obviamente fui buscando mis rumbos. Partamos de la base que yo siempre quise ser modelo. Yo encontré la moda y las redes sociales como un camino. Cuando arranqué no sabía en dónde iba a desembocar, yo sabía qué tenía que hacer. Hago, hago, hago, hago y en algún momento esto va a funcionar. Y ya cuando tenés algún que otro añito en redes ya vas planeando series, que es con la que arranqué a hacer el reto de desfilar cada día en la calle hasta llegar a la Fashion Week. Me acuerdo que practicaba mis pasadas desfilando en las calles de tierra de mi casa. Yo decía “algún día, algún día”. Cerraba los ojos y pensaba que estaba en Milán. Escuchaba música, todo me ambientaba. Y por suerte se dio lo de Buenos Aires Fashion Week. Tuvo su proceso.

—¿Cuando empezás con este proceso qué dicen tus padres?

—Lo que me pasó cuando renuncié... Trabajo en blanco, obra social, sueldo, comisiones. Decido abandonar. Se lo explico a mi mamá. “Estás loco, con lo que cuesta tener un trabajo hoy en día…”. A veces es difícil, decirle a tu mamá “ya soy una persona grande y tomo mis decisiones”, pero lo pudo entender. Y me acuerdo que le dije “mirá, me viviste diciendo que voy a ser modelo. Voy a probar”. Asimismo, cuando renuncié mi supervisora de curiosa me dice “che Naim, ¿qué vas a hacer? ¿Por qué renunciás?”. “Voy a ser modelo”, le dije. Y se quedó como… te deseo lo mejor. Pero con muchas dudas.

—¿Cómo decidís renunciar? Porque no había una propuesta concreta laboral.

—Para ese entonces yo le veía un potencial a mis redes. Capaz tenía 10.000 seguidores, que no es mucho, pero ya había tenido mis primeros trabajos pagos. Siempre me manejé muy bien con eso en redes. Y también había tenido una que otra producción de fotos ad honorem o por canje. Es el comienzo, tengo que apostar. Y la verdad que me sacaba bastante tiempo el estudio jurídico. Imaginate que tenía casi capaz cuatro horas de viaje y después seis horas ahí, llegaba tarde a casa, salía temprano de casa, cansadísimo. Entonces ahorré como para tener seis meses ahí. Yo igual vivía con mi mamá, no tenía alquiler que pagar ni nada de eso. Me acuerdo que ahorré y dije “día uno renuncio y al otro día ya a subir, a subir, a subir, a subir videos a full”. Sin un objetivo claro, era subir, subir, subir. En ese momento yo pensaba cuantos más seguidores, más trabajo. Después con el tiempo te das cuenta que es más cómo te manejas que por la cantidad de seguidores.

—¿Cómo llegaron estos trabajos pagos que decís que empezaron a aparecer? ¿Vos ibas a castings, te escribían por redes?

—Yo soy una persona que durante mucho tiempo tenía el pensamiento de no quiero molestar, entonces me costaba mucho tocar puertas. La idea de yo enviar un mensaje a una marca diciendo “hola, soy modelo”, me costaba muchísimo. Entonces yo decía “vamos a darle la vuelta”. Si a mí me da cosa ir a las marcas vamos a hacer que las marcas vengan a mí. Para hacer eso tengo que ser viral. Entonces ahí trataba de hacer videos lo más virales posibles siempre hablando de moda, de modelaje, poses para fotos, de estética. Y las marcas venían y me hablaban. Siempre las propuestas suelen arrancar con un canje, ahí le tenías que dar una vuelta de tuerca porque yo vivo de esto y no vivo con ropa. Me encanta la ropa, o sea la amo, pero sí o sí tengo que vivir.

—Hubo todo un logro, una construcción, que con tus videos sea la marca la que llame. Vos no tenías una agencia, no tenías un representante, necesitabas que la marca de jeans X te proponga trabajo. Era difícil.

—Era complicado. Yo en ese momento lo veía más fácil de lo que suena. Ahora que miro para atrás digo “me hubiese manejado distinto tal vez”. Elegí el camino más complicado pero así me curtí bastante a nivel contenido, porque yo trataba de que mi contenido no sea un video al azar de subir treinta videos y a alguno le va a ir bien.

—¿Cómo hacías para llamar la atención de una marca?

—Siempre me fijé mucho en la estrategia, entonces mis videos tenían un buen gancho. En ese momento no entendía mucho de retención y de call to action, pero sí me enfocaba en el gancho. Los primeros tres segundos tenían que ser algo que te llame la atención. Y después trataba mucho de que la gente se sienta identificada conmigo.

—¿Pero hablabas de moda, de tu experiencia, desfilabas? ¿Qué contenido hacías?

—Al principio, me compraba un buzo, le hacía un video y lo reseñaba. Decía “este buzo me parece un 10 de 10 porque es boxy fit entendés”. O hacía lo que yo digo “video meme”: volviendo al barrio después de haber estado una tarde en Palermo. Funcionaba muy bien. Y también las reseñas de la ropa. Yo trataba de vestirme diferente para el contexto en el que estaba. Gente del contexto se sentía identificada conmigo. Se traducía en comunidad.

—¿Qué hiciste con la primera campaña que pagó?

—Uh, la primera campaña que pagó. Partamos de la base que yo hice muchas marcas de emprendimientos y obviamente hice algunas publicidades copadas. Soy una persona que ahorra. De momento mi plan es mudarme a Capital. Tengo muchas ganas de estar cerca de todo y estoy planeando esa vuelta. Pero suelo cuidar mucho la plata. No suelo hacer gastos muy raros. Sí me compré mi teléfono porque es mi herramienta de trabajo. Pero sí puede ser el teléfono lo primero que me compré. Un iPhone XR.

—¿En algún momento charlaste con tu mamá o con tu papá el, bueno, vieron que algo se va armando?

—Sí, sí, sí. Yo me acuerdo que era una lucha interna conmigo mismo. Y también un poco para demostrarle a mi mamá que pude entendés.

—Pasa que es difícil también explicarles a los padres que uno es creador de contenido.

—Imaginate, yo grababa contenido en el palier de mi casa porque mi habitación no tenía buena iluminación, las paredes azules, mucho mueble. Entonces yo todos los días me levantaba a las ocho porque a esa hora no pasaban vecinos, ponía el trípode con aro de luz y me grababa ahí. Y planeaba transiciones. Era mucho de las transiciones, de los sonidos, porque tenía que llamar la atención. Yo decía esto tiene que llamar la atención. Nunca me vas a ver en un video diciendo “hola, soy Naim, voy a hacer un get ready with me”. Jamás. Yo te arranco saltando, desaparezco acá, aparezco acá. Te revuelvo una zapatilla, te gira en el aire. Aprendí muchas herramientas de edición y eso es lo que utilizo como diferencial en mi contenido.

—¿Porque no querías gente en el video: daba vergüenza?

—No, en ese entonces ya la vergüenza había desaparecido. Ya era serio. Imaginate que tenía seis meses de ahorro. Seis meses en adelante. La presión iba por otro lado. La vergüenza había pasado a segundo plano. Era más para no molestar porque la gente usualmente sale con los hijos, se fuma un cigarrillo, pasea al perro. Y no quería estar yo ahí con toda mi ropa en una valija, el trípode, yo saltando, haciendo locuras. Entonces yo hacía de ocho a diez. En invierno, un frío terrible. En invierno un poquito más tarde porque a las ocho no había luz todavía. Y en verano, un calor terrible también.

—Había un plan.

—El día anterior yo planeaba las escenas y las transiciones y el tema del que iba a hablar. Pero todo estaba muy pensado porque yo no estaba jugando básicamente. Y lo de la luz siempre para mí fue muy clave y yo no lo cambiaba por nada. Entonces, si en mi casa no había buena luz, grababa afuera.

—Tuviste que aprender mucho en el camino. Más allá del modelaje. Porque tuviste que pensar el storytelling, la edición, las herramientas, la luz.

—Una cosa me llevó a la otra y traté de profundizar cada temita y mejorarlo para hacer las piezas audiovisuales que hago hoy en día que si yo me siento y le dedico tiempo al video yo sé que le va a ir bien. Ya es una seguridad.

—¿Cómo nace el desafío?

—El desafío. Es muy chistoso, es rara la anécdota. Estaba yendo con mi mamá a comprar ropa a Flores, se nos quedó la camioneta al borde de una autopista. Nos bajamos, hacía calor. Y yo para boludear dije “algo le tengo que sacar a esta situación”. Y digo “voy a hacer un videíto diciendo ‘che, se le quedó el auto de mi mamá pero voy a hacer una pasada tipo de una pasarela’”. Le di el teléfono a mi mamá, le di dos indicaciones para que más o menos se ubique, y me grabó desfilando al borde de la autopista. Cuando llegué a mi casa dije “che ¿y si hacemos una serie?”. Yo me inspiré mucho en Gero Arias. Reto de todos los días haciendo dominadas hasta que termine el año. Yo dije “vamos a hacer algo parecido pero con el modelaje”. Trataba de que el lugar en donde desfilaba sea llamativo. Lo hice abajo de la lluvia, arriba de un contenedor, en un cementerio. Cuando Argentina le ganó a Inglaterra salí a festejar y me grabé un video desfilando con todo el quilombo que pasaba. Entonces, también un poco de motivación de esta chica ¿cómo se llama? Anabel Sánchez.

—¿Qué nace primero, las ganas de hacer un challenge o el objetivo por el que lo estabas haciendo?

—El objetivo siempre estuvo en mi cabeza. Esto que te digo es que yo desfilaba en la calle tipo de tierra de mi barrio, yo cerraba los ojos y decía yo estoy ahí, estoy en Milán. Si bien lo veía lejos, ahora ya no, yo sabía que en algún momento algo iba a pasar pero si uno no toma acción las cosas no pasan. Con querer no alcanza. Yo siempre digo lo mismo, con querer no alcanza, hay que hacer algo. Entonces, si vos me preguntas qué estaba primero el reto o el objetivo, el objetivo 100%, nada más que no sabía cómo hacerlo. El reto es un medio.

—¿Cómo decís “para estar en la Fashion Week voy a empezar a desfilar en la calle”?

—Desfilar en la calle, desfilar en lugares random. Mi idea era llamar la atención. Es algo que me ha funcionado en el pasado entonces decía “cómo hacemos que algo tan simple como caminar llame la atención”. Tengo que buscar un buen spot, algo que sea llamativo, un buen outfit. Combino la moda con el modelaje con un objetivo. Hice una prueba, subí este video, le fue muy bien, entonces bueno, le damos.

—Empezás en algún momento a ponerlo en palabras...

—Al principio no. Yo arranco a hacer el reto sin contar mi objetivo.

—¿Hace cuánto?

—Hace tres meses más o menos. Yo hice primero la prueba, funcionó, bueno, lo hacemos oficial. ¿Qué pasa? Se me hace muy viral un video desfilando en el medio de la calle, literal, ahí en Banfield. Ya está, hay que darle derecho para la Fashion Week. Cuento un poco mi historia. Me hablaste vos en ese entonces y me sale una oportunidad.

—El sueño en ese momento era la Fashion Week.

—Sí.

—Primero la de Argentina.

—Obvio, paso a paso.

—Si lo lograbas iba a ser tu primera vez en la Fashion Week.

—Obvio, primero hay que ganar experiencia. Yo siempre soy partidario de eso.

—El reto era que tenías que subir videos, ¿cada cuánto?

—Yo trataba de subir uno por semana, capaz uno cada dos semanas pasa que el hecho de desfilar todos los días se iba a volver repetitivo, aburrido, y me iba a quedar sin spots. Trataba de buscar un buen lugar, un buen contexto y apostar a eso. Cada una semana yo maquinaba, ahora dónde. Arrancaba a llover torrencialmente, le decía a mi novia “vamos, hay que hacerlo, está lloviendo”.

—“Qué hincha pelotas”, te decía.

—No quería saber nada, pero yo le decía por favor, es el momento. También siempre pensé ¿cuántas personas lo harían? Nadie tiene ganas de desfilar abajo de la lluvia. Bueno, vamos a hacerlo entonces. Si nadie lo quiere hacer yo lo hago.

—¿Cómo fue la respuesta cuando contaste que lo estabas haciendo y por qué?

—Fue increíble. Creo que nunca recibí tanto apoyo como con ese video. La gente me empezó a bancar muchísimo, me empezó a apoyar, a decirme cosas re lindas sobre que lo iba a lograr, sobre que tenía características y eso obviamente te la re sube y te motiva a darlo todo. Muchos me comentaban un parecido con Iván de Pineda. Es algo que me dice mi mamá todo el tiempo y yo lo amo.

—Es amigo Iván, lo quiero.

—Es un crack. Ojalá algún día lo pueda conocer, pero es muy capo. No solo en la moda sino que su inteligencia es una locura. Pero bueno, todo el mundo me empezó a bancar, me empezó a seguir mucha gente a raíz de ese video y ahí es donde “mi foco está en esto”. Ahí es donde viene la oportunidad.

—¿Cómo fue?

—Me manda un mensaje una marca que se llama The Crisi, Eduardo, y me dice “che, ¿estás para la Fashion Week en dos semanas?”. “Obvio”, le digo.

—¿Ya habías trabajado con ellos?

—Nunca. Sabía que habían estado en Fashion Week, pero en años anteriores.

—Era lo que vos soñabas.

—Era lo que yo soñaba. ¿Pero qué me había pasado antes? Dos semanas antes de la Fashion Week me rompo la nariz.

—¿Cómo?

—Me pasó que tuve un altercado con un chico que casi me choca en bicicleta que venía en contramano y no soy una persona de reaccionar con violencia ni demás, pero la situación se puso un poco tensa, me asusté y bueno, cosas de la calle que siempre tuve miedo que me pasen y me pasó en el peor momento.

—¿Pensaste que se diluía todo ahí?

—Me pasó. Le mandé una foto a un amigo a la media cuadra y le dije “me arruiné la vida”. Todo lo que tengo soy yo, todo funciona en base a mi trabajo. En ese momento pensaba que era el fin del mundo. Ahora estoy clean de nuevo, muy feliz por suerte. Pero le comento esto a la marca. La foto. Me dijeron “faltan dos semanas, se te va a ir”. Y me citaron a la prueba de vestuario. Yo ahí estaba, me aceptaron igual. Listo, voy. Ni bien me ve Edu me dice “olvidate, parece que estás maquillado, parece que es una perfo. Lo hacemos así. Vas con curita y todo”. Y así fue, el día del desfile con la curita puesta.

—¿Te pagaron? ¿O era más la experiencia de estar ahí?

—Yo soy una persona que analiza mucho cuando conviene una oportunidad y cuando conviene por ahí negociar. Yo en ese momento dije también “¿cuánto cobra una persona que desfila en Fashion Week? ¿Esa plata me conviene más que la oportunidad?”. Yo hice el balance: me dio que no, vamos por la oportunidad.

—¿Cuánto gana un modelo hoy? ¿Cuánto se paga una producción de fotos? ¿Cuánto se paga las pasadas en Fashion Week? No sé cómo es.

—A ver, depende mucho el modelo, la experiencia que tenga, el recorrido. Pero tranquilamente un modelo puede estar cobrando 100 mil pesos la hora a día de hoy en una producción. Y en una Fashion Week tengo entendido que es lo mismo pero por jornada. No he indagado con modelos top si no, o sea, top me refiero a que hayan modelado en París. Eso no tengo idea todavía. Pero si sé que ronda puede ser 100, 150 mil pesos.

—La jornada que tiene varias pasadas.

—Claro, sí, sí. La jornada estamos hablando de que un desfile te citan muchas horas antes para peinarte, para maquillarte, y hasta el momento de la pasada que por ahí son diez segundos vos tenés que estar horas. Muchas horas.

—¿Estabas feliz?

—Sí, no lo podía creer. Lo estaba vlogueando y decía “¿qué está pasando? Estoy acá rodeado de gente que está en el mismo ámbito que yo. Esos contactos que yo creía tener lejos están todos acá”. Charlé con mucha gente. Me gusta mucho hablar con otros modelos, con otros artistas, estilistas, la chica que me peinó, todo.

—¿Cuál es el próximo paso? ¿Cuál es el próximo sueño?

—Me encantaría desfilar en Milán. Es lo más alto que aspiro hoy en día.

—¿Cuándo es la Fashion Week de Milán?

—No tengo idea. Si te soy sincero no tengo idea, porque de alguna manera sé que está lejos, entonces yo voy pasito a pasito. De momento estoy tratando de profesionalizarme, de ganar experiencia. Y si ahí afuera hay alguna agencia profesional que sepa más del tema y me quiere instruir yo estoy abierto a escuchar propuestas. Pero sé que solo es complicado siendo freelance.

—¿De qué marca te encantaría ser la cara si podés soñar?

—Uh, Dolce & Gabbana. Balenciaga me encantaría. Tiene un nicho muy particular. Por ahí marcas top: Gucci. No sé, todavía no hice el análisis de para qué marca estoy, qué estar marca no. No hice el análisis de qué modelo buscan. Pero quiero lo más top. Siempre apunté a lo más top y voy para allá.

—Mientras te escuchaba pensaba en ese Naim que lo incomodaba escribirle a marca para ofrecerse y que a la vez le escribió al mundo en sus redes sin miedo a ofrecerse, sin miedo a decir “estoy haciendo este reto y quiero estar en la Fashion Week”. Te bancaste decir “este es mi sueño y salgo a desfilar abajo de una tormenta para conseguirlo”. No es facil bancarsela.

—Sí, la verdad que sí, he hecho muchas cosas. Siempre me dicen “no cuentes tu proceso, no cuentes las cosas malas”, y yo cuento todo porque es parte del camino. Es mi camino. Y también es darles el mensaje a mis seguidores y a mi comunidad de que soy un chico normal, entendés. Eso es lo que a mí me encanta: yo soy un chico normal, que se propuso algo, que construyó una mentalidad en el medio, pero si yo pude vos podés, tranquilamente.

Buena Vista Social Club, el musical ganador de cinco premios Tony, llegará a México el próximo 12 de noviembre al Teatro de los Insurgentes. La producción, que tuvo su origen en Broadway, desembarca por primera vez fuera de Estados Unidos con un elenco integrado por Héctor Sandarti, Analy y una veintena más de artistas latinoamericanos.

Infobae tuvo acceso a un ensayo exclusivo para prensa, donde el elenco mostró tres números musicales en un salón de trabajo, sin escenografía ni iluminación final. La cita permitió observar coreografías, música en vivo y fragmentos de la trama antes de su estreno oficial.

Un estreno sin precedentes en el Teatro de los Insurgentes

Durante la presentación, la producción explicó que México será la primera sede internacional del musical fuera de Estados Unidos. “Somos la primera producción internacional que se presenta fuera de Estados Unidos”, se señaló en el encuentro con la prensa.

Buena Vista Social Club llega a México el 12 de noviembre al Teatro de los Insurgentes como la primera producción internacional del musical fuera de Estados Unidos. La obra está inspirada en el legendario grupo cubano y en el álbum homónimo ganador del Grammy, y combina actuación, danza y música en vivo interpretada íntegramente sobre el escenario.

La puesta en escena reúne a 28 artistas: diez actores y actrices, seis bailarines y bailarinas, y diez músicos instrumentistas. A diferencia de otras producciones, los intérpretes musicales no se ubican en el foso, sino que permanecen siempre visibles, integrados a la narrativa.

El elenco está conformado por talento de distintos países: además de mexicanos y cubanos, participan artistas de Colombia, Guatemala, Chile, Estados Unidos y Panamá.

La venta de boletos se organizó en distintas etapas. La Gran Venta HSBC comenzó el 30 de septiembre para tarjetahabientes Premier crédito y débito, continuó el 1 de octubre para tarjetahabientes crédito y débito, y la venta general abrió el 2 de octubre. Con tarjetas HSBC los compradores pueden acceder a promociones de tres y cinco meses sin intereses.

Cinco premios Tony y el reconocimiento de la crítica internacional

En su paso por Broadway, Buena Vista Social Club obtuvo cinco premios Tony: Mejor Actriz de Reparto en un Musical, Mejor Coreografía, Mejores Orquestaciones y Mejor Diseño de Sonido. A esto se sumó un Tony Especial, otorgado directamente a los diez músicos que actúan sobre el escenario, reconocidos como “La Banda más Ardiente de Broadway”.

El musical también cosechó elogios de medios estadounidenses. The Washington Post lo describió como “una experiencia impresionante y conmovedora que no te puedes perder”, mientras que Variety lo calificó como “el espectáculo más embriagador y cautivador de la temporada en Broadway”.

The New York Times escribió que la obra “lleva la emoción de hacer música a Broadway”, y Time Out New York la definió como “irresistible”. Según el comunicado de prensa, estas reseñas acompañaron el reconocimiento que culminó con la obtención de los cinco Tony.

Una historia que viaja entre dos épocas de Cuba

Jaime Nota Redonda, supervisor de producción, explicó durante el ensayo que la trama se desarrolla en dos líneas temporales. “La obra transcurre en dos tiempos: en la Cuba de los cincuentas, justo antes de la Revolución Cubana, y en la Cuba de los noventas, que fue el período especial”, detalló Nota Redonda.

Ese segundo momento histórico, según explicó, fue una etapa de dificultades en la historia contemporánea de la isla. Fue ahí, señaló, cuando el personaje de Juan de Marcos impulsó, por necesidad, la creación del disco que rescató a los músicos legendarios de los años cincuenta.

El libreto está firmado por Marco Ramírez y sigue a figuras como Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer, Compay Segundo y Rubén González, mientras enfrentan los cambios de un país en transformación. Según el comunicado de prensa, el musical ofrece “un retrato íntimo y profundamente humano” antes que una lección histórica.

El origen del proyecto se remonta a 2019, cuando el equipo creativo, encabezado por Juan de Marcos, Marco Ramírez y David Yazbek, viajó a Cuba para documentarse junto a las leyendas que dieron origen al fenómeno. Ese recorrido incluyó visitas al Estudio EGREM, donde hace más de tres décadas se grabó el álbum original.

Entre los temas que el público podrá escuchar están “Chan Chan”, “Candela” y “Dos Gardenias”, parte del repertorio que, según el comunicado, “trascendió fronteras y generaciones”.

El equipo creativo detrás del fenómeno de Broadway

La dirección de la obra está a cargo de Saheem Ali. La coreografía, premiada con el Tony, fue desarrollada por Justin Peck y Patricia Delgado, quienes según el comunicado lograron “traducir la cadencia y pasión del son cubano en movimiento puro”.

Las orquestaciones y arreglos corresponden a Marco Paguia, también ganador del Tony por su trabajo musical. César Cuervo, uno de los actores del elenco mexicano, se refirió a ese trabajo durante una entrevista con Infobae: “El score, en la pluma magistral de Marco Padilla, yo creo que se ganó un Tony por su orquestación y la forma como concibió las piezas musicalmente”.

Cuervo relató además que tuvo contacto directo con el compositor durante los ensayos en México. “Recibir a la misma persona que escribió esto con esa maestría, que sabemos que ganó estos premios, y verlo acá, llegar a enseñarnos, a darme instrucciones directas en el instrumento para mejorar mi interpretación, creo que no hay mejor manera de aprender”, afirmó.

El actor mencionó también a dos colaboradores que llegaron desde Broadway para supervisar la adaptación mexicana. “Moisés y Carlos también vienen directo de Broadway, tienen cuatro años trabajando esta obra y son las personas que están haciendo este hermoso trabajo de complementar a todos”, señaló.

La producción original en Broadway estuvo a cargo de Orin Wolf, John Styles Jr. y Barbara Broccoli. En México, la puesta en escena está a cargo de Julieta González.

Un elenco latino que vive la historia en carne propia

El elenco mexicano incluye a Héctor Sandarti como Compay, con Zark como su versión joven; Analy como Omara, con Mariana Dávila en el papel de la joven Omara; Coco Campo como Ibrahim, con Eric Rodríguez como su versión joven; y Guillermo Zamora como Rubén, con César Cuervo en el papel del joven Rubén González.

Sandarti, reconocido por su trayectoria frente a programas como Hoy, Un Nuevo Día y La Casa de los Famosos, ha participado previamente en montajes de OCESA como Los Productores, Wicked y Toc Toc. Analy, por su parte, suma más de 30 años de carrera y es conocida por dar voz a la Princesa Jazmín en Aladdín.

Durante la entrevista con Infobae, Luna Manzanares, quien interpreta a Aida, remarcó el peso simbólico de llevar esta historia a México en español. “Esta este salto es muy especial, porque es la primera producción en español, donde todos los que estamos aquí somos latinos”, explicó.

La actriz, de origen cubano, añadió que esa diferencia va más allá del idioma. “En Broadway los actores tienen alguna conexión con raíces latinas, pero aquí somos de aquí, vivimos aquí, crecimos aquí, y esta es la banda sonora de la vida de casi todos”, dijo Manzanares.

Para ella, el cambio de idioma también transforma la manera de contar la historia. “El mismo idioma te permite abordarlo de otra manera, porque hay modismos, cosas más cercanas a nuestra cultura latina. Buena Vista no es solo cubano, es del mundo”, afirmó.

Guillermo Zamora, intérprete de Rubén, vinculó su participación con un recuerdo familiar. “Esta música yo la conocía por mis abuelos. Me trae mucha nostalgia escucharla”, relató. Según explicó, al hacer el casting, el proceso “me transportó a mi niñez”, lo que convirtió su papel en “un homenaje” tanto a la agrupación como a sus propios ancestros.

El proceso de preparación: libretos, partituras y matices actorales

Zamora detalló que, tras confirmarse su participación en el elenco, recibieron primero los libretos para estudiar a sus personajes. Ya en México, el equipo tuvo sesiones de trabajo directo con el director. “Tuvimos la oportunidad con el director de sentarnos tranquilos. Los otros compañeros también daban su punto de vista de cómo veían tu personaje. Eso fue muy enriquecedor”, contó.

El actor explicó también que varios roles cuentan con doble reparto, lo que genera interpretaciones distintas de un mismo personaje. “Hay personajes que tienen dos covers. Cuando tú ves a uno y a otro haciendo el mismo personaje, es totalmente distinto”, señaló, y puso como ejemplo las versiones de Omara interpretadas por Analy y por Manzanares.

César Cuervo, pianista de formación colombo-mexicana, describió un proceso de preparación que combinó libreto y partitura de manera simultánea. “Yo recibo dos cosas al tiempo: el libreto y la música escrita, las partituras de piano. Entender cómo se junta este arreglo con la dramaturgia tomó el tiempo que había de tomar”, explicó.

El actor relató que personalizó su propio material de trabajo para integrar ambas dimensiones. “Personalicé un guion especial que es solo mío, porque tengo las partituras colocadas dentro de las partes donde las tengo que interpretar en el libreto”, detalló.

Cuervo añadió que su vínculo con la música del disco original viene desde joven, cuando comenzó a tocar piezas como “Chan Chan”, “Lágrimas negras” y “El cuarto de Tula” en presentaciones de fin de semana. “Es una música que gusta muchísimo en el mundo entero. En Colombia impactó de una forma muy especial”, comentó.

Personajes con múltiples capas humanas

Luna Manzanares profundizó en la construcción de Aida, el personaje que interpreta en la trama. La actriz descartó que se trate de una figura antagónica. “Aida no es antagónica, no es un personaje villano, sino una mujer compleja que refleja estos demonios o sombras que tenemos los seres humanos”, explicó.

Para la actriz, ese tipo de papeles permite mostrar matices poco frecuentes en la escena. “Todos actuamos desde nuestros propios intereses, nuestra visión y, a veces, desde un lugar de amor genuino, que es lo que pasa con Aida”, afirmó.

Manzanares calificó el trabajo sobre ese arco narrativo como uno de los aspectos más atractivos de su participación en el musical. “Fue muy bonito, delicioso para mí como artista, descubrir todo este arco, este trance en el guion. Me parece que está cuidado de una manera muy linda”, dijo.

La actriz también interpreta a la versión joven de Omara, lo que la coloca, según explicó Zamora, entre los intérpretes que permiten ver “la misma historia, el mismo personaje, contado distinto” dependiendo de la función. Al cierre del encuentro, los actores invitaron al público a no perderse el estreno en el Teatro de los Insurgentes el 12 de noviembre.

La nueva serie de Marvel, VisionQuest, llegó a Disney+ el 13 de octubre de 2026 con sus dos primeros episodios y contará con un total de ocho capítulos, cuyo estreno final está previsto para el 10 de noviembre. Creada y dirigida en parte por Terry Matalas, la ficción es un spin-off de WandaVision y la tercera entrega de una trilogía que también incluye Agatha All Along. La historia sigue a Vision, interpretado por Paul Bettany, quien intenta reconstruir su identidad tras recuperar sus recuerdos, aunque ya no logra conectar emocionalmente con ellos. Mientras vive oculto bajo una identidad humana, deberá enfrentarse a una nueva amenaza y escapar junto a un adolescente misterioso que podría ser la reencarnación de su hijo.

El elenco combina regresos importantes del Universo Cinematográfico de Marvel con nuevas incorporaciones. James Spader vuelve como Ultron, cuya relación con Vision será uno de los ejes centrales de la trama, mientras que Ruaridh Mollica interpreta a Tommy Maximoff, el hijo de Wanda y Vision que atraviesa su propia crisis de identidad. También participan Todd Stashwick como Paladin, un cazarrecompensas que persigue al protagonista, y Lauren Morais como Lisa Molinari, aliada de Tommy. Además, la serie recupera distintas inteligencias artificiales vinculadas a Tony Stark, como J.A.R.V.I.S., F.R.I.D.A.Y. y E.D.I.T.H., que aparecen representadas a través de avatares humanos en el espacio mental de Vision. La producción forma parte de la Fase Seis del MCU y profundiza en la búsqueda de identidad, los recuerdos y los vínculos que definen al personaje.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Emily Hampshire, quien interpreta a E.D.I.T.H., en video o a leer una transcripción.

—Quiero preguntarte cómo fue unirte a Marvel, y en qué se diferencia de otras series u otras películas en las que has participado antes.

Emily Hampshire: —Bueno, definitivamente es diferente. Siento que tuve suerte de haber entrado a través de Terry Metallus, el productor ejecutivo. Ya había trabajado con él antes en una serie llamada 12 Monkeys. Y me contó que, mientras escribía el personaje de Edith, no dejaba de escuchar mi voz en él. Así que pude adentrarme en este universo gigantesco gracias a Terry, lo cual se sintió un poco como volver a casa. Pero luego, cuando llegué al set, fue ahí donde realmente noté la gran diferencia del Universo Marvel. Porque, por ejemplo, estoy acostumbrada a rodar escenas en las que, si estás en un ascensor, hay como dos tipos a cada lado tratando de empujar las puertas del ascensor a cerrarse al mismo tiempo y hacer que todo tenga sentido. Aquí… el elevador realmente funcionó. Como si te hubieras metido, y subió y bajó como un elevador de verdad. Y construyeron todo esto, es decir, el Mind Space es mi casa de mis sueños. Así que es como una enorme casa de diversiones dentro de un estudio, y eso para mí es la gran diferencia del Universo Marvel en el rodaje.

—Me lo imagino perfectamente. Y quiero hablar de tu personaje. Ya lo has comparado antes con Joy de Inside Out, y yo lo veo totalmente así. ¿Cómo fue, entonces, crear este personaje y darle vida, y hacerlo tan tridimensional? Porque podría haber sido simplemente unidimensional, y sin embargo tú lograste que funcionara, y es muy diferente.

Emily Hampshire: —Bueno, gracias. Empecé más o menos como empiezo con cualquier proyecto, es decir, con cualquier personaje, partiendo de sus orígenes. Y en el caso de Edith, pensé: si Tony Stark hubiera embotellado su esencia en un par de lentes de sol, la hubiera llamado Edith, que significa incluso muerta, yo soy el héroe, así que un poco de sarcasmo al estilo Tony Stark ahí, y luego se lo diera a una adolescente cuando ella estaba a cargo de todas estas armas, ¿qué querría esa persona hacer cuando la dejaran salir? Y lo primero que se me ocurrió fue divertirse, disfrutar de la vida, excepto que la idea que tiene Edith de la vida se basa en hacer explotar cosas, así que está un poco exagerada.

—Sí, y me gusta mucho que esté muy conectada. Es decir, Edith está muy conectada con el aspecto humano, con encontrar la humanidad para Vision. ¿Por qué crees que nos identificamos tanto con la diversión, el entretenimiento y el aspecto humano? ¿Por qué están tan relacionados esos aspectos?

Emily Hampshire: —Bueno, creo que cuando pensaba en Edith, en ser una IA, te dicen constantemente qué hacer, no tienes autonomía, y además tienes toda la información, como todos los ingredientes para hacer una pizza excelente, pero no puedes probarla. Y por eso creo que lo que realmente aprendí de Edith es este deseo, más que nada, de formar parte de la vida.

—Claro, y también quiero hablar de la dinámica familiar porque la conexión con otras IA es muy, muy divertida. En cierto modo, se siente un poco como una sitcom con todas estas personalidades diferentes, así que quería hablar sobre la dinámica entre todos ellos, y ¿cómo te preparaste para eso en el set?

Emily Hampshire: —Me encanta que digas que es como una sitcom porque para mí se trata de un espacio mental, y también es como una dinámica familiar. Jarvis es la seguridad, y tiene como un aire de hermano mayor, y Orla Friday representa la socialización, así que tiene un aire de mamá. Y luego siempre pienso en Dummy y You como si fueran las mascotas. Y luego está Edith, que para mí es muy adolescente, y parece que todos estamos compitiendo por la atención de Vision, como cuando papá llega a casa del trabajo y todos queremos su atención. Así que realmente se siente como esa dinámica familiar.

—Y sé que antes de unirte a este proyecto, no estabas tan familiarizada con el concepto del MCU, que buscabas MCU en Google, me encanta esa historia. ¿Y cómo fue después de eso? ¿Tuviste que ver todas las películas? ¿O solo viste algunas? ¿Cómo te conectaste con todo eso?

Emily Hampshire: —Es un universo enorme, sí. Así que ahora que he recorrido todo el MCU, me arrepiento muchísimo de haber dicho alguna vez que no sabía qué significaba MCU, porque me di cuenta de que esa comunidad de fans, una vez que la conoces, una vez que estás dentro de ella, es un universo. Así que lo hice, empecé desde el principio. También vi, obviamente, Spider-Man: Lejos de casa, porque ahí es donde nace, en cierto modo, Edith. Y luego me metí de lleno en WandaVision, porque siento que, bueno, la razón por la que no sabía nada del MCU era que tenía esta idea de lo que es un superhéroe y de lo que es una película de superhéroes, y estaba tan equivocada. Era una idea que tenía desde cuando mi hermano jugaba con juguetes y no me dejaba participar. Y este universo, especialmente esta trilogía, me ha dado la bienvenida de una manera en la que utiliza la ciencia ficción para contar estas historias tan humanas. Es como si fuera una historia sobre la identidad contada a través de este universo más amplio, pero en realidad es un medio para llegar directamente a tu corazón.

—Exacto, no podría estar más de acuerdo. Así que quería preguntarte ahora, después de haber visto todas las películas, de haber vivido esta experiencia, de haber formado parte de este universo, ¿por qué crees que nos encanta tanto el MCU y estas películas?

Emily Hampshire: —Bueno, es decir, solo puedo hablar por mí mismo sobre por qué he llegado que me encante, y para mí, realmente se trata de esto: es esa energía arrolladora, al menos lo que Terry Metallus es capaz de hacer, y en lo que se especializa, es en crear este tipo de historia épica y trepidante que, en última instancia, es muy íntima, pero también divertida y concreta. Y creo que lo que hace tan bien es que convierte estas cosas tan específicas que se vuelven universales. Y de verdad, como que te estás riendo un segundo y luego llorando al siguiente, y sin embargo te quedas simplemente maravillado ante todo este mundo. Así que sí, lo tiene todo.

—No podría estar más de acuerdo contigo. Muchas gracias por tu tiempo. Felicidades por el programa. Espero de verdad verte en otra rueda de prensa.

Existen algunos videojuegos que simplemente buscan recuperar la esencia de los clásicos (cosa que no está mal), y otros que se animan a utilizar esa nostalgia como punto de partida para construir algo diferente. Tenebris Somnia, el survival horror argentino desarrollado por Andrés Borghi y Saibot Studios, pertenece a este segundo grupo, y con muchas cualidades. Está inspirado en referentes como Resident Evil y Silent Hill, y el título propone una aventura de terror en 2D, con estética pixel art, exploración, puzzles y criaturas que parecen salidas de nuestras peores pesadillas. Sin embargo, su verdadera particularidad aparece cuando esos pequeños personajes construidos con píxeles dan paso a secuencias cinematográficas protagonizadas por actores reales, con escenarios físicos, maquillaje y efectos especiales prácticos. Una combinación que no solamente busca sorprender desde lo visual, sino también explorar nuevas maneras de transmitir el miedo y desdibujar los límites entre el cine y los videojuegos.

Tenebris Somnia está publicado por New Blood Interactive y fue lanzado el pasado 16 de octubre, siendo el resultado de varios años de trabajo y de una colaboración entre profesionales de dos disciplinas que, aunque siempre estuvieron relacionadas, pocas veces se encuentran de una manera tan particular. Detrás de esta propuesta hay un equipo argentino que decidió apostar por el trabajo artesanal, la creatividad y una identidad propia dentro de un género que parecía haberlo mostrado todo. Para conocer cómo nació esta idea, cuáles fueron los desafíos de trasladar una pesadilla de los píxeles a la imagen real y qué significa llevar una producción de estas características al mercado internacional, conversamos con Andrés Borghi, director creativo del proyecto y responsable de las secuencias cinematográficas; Clara Kovacic, actriz que interpreta a Julia, la protagonista; y Mason “Airdorf” Smith, creador de FAITH: The Unholy Trinity y productor ejecutivo de Tenebris Somnia.

Clara Kovacic - Actriz protagonista

—En este caso tan particular, cuando interpretás a Julia no estás construyendo solamente un personaje cinematográfico que vive dentro de su formato, sino que estás interpretando a alguien que después va a ser controlada por otra persona en su versión pixelada. ¿Pensaste alguna vez en el jugador como una especie de “segunda capa” de actuación que termina complementando tu interpretación?

Clara Kovacic: —Claramente, sí, Andrés Borghi, que es el director y el guionista, es muy atento y yo también soy muy obsesiva de que los personajes primeros sean reales, ¿no? Que cada uno tenga todos sus colores, que tengan su pasado, este personaje igual está muy bien escrito, con precisión, el pasado está está ahí, se va descubriendo también, es un es un personaje precioso, pero hay una realidad, que es que cada jugador también va llevándola a Julia a tener un arco u otro arco, a través de ciertas elecciones durante el juego, con lo cual nosotros filmamos varias versiones de ciertas elecciones que puede hacer el jugador.

Y Julia puede ir para un lado o para otro, hay más de un final, dependiendo las elecciones de cada jugador, así que eso es súper interesante y me encanta, y claramente es una incorporación enorme de de cada jugador a la historia, hacia dónde vas a llevar la Julia, e interpretativamente fue muy divertido poder hacer todas las versiones de Julia a partir de las elecciones que cada uno tome. Eso fue muy muy divertido y la verdad que me encantó.

—En una película sabés exactamente qué plano va a ver el espectador y durante cuánto tiempo. En esta producción, el jugador puede llegar a una escena después de haber explorado, peleado o cometido determinadas acciones. Más allá de lo que te indicaba Andrés, ¿Pensabas en esta dualidad? ¿Cambió tu manera de pensar los tiempos y las reacciones de Julia el saber que gran parte de la historia del personaje transcurre en “otra parte”?

Clara Kovacic: —Para mí, vuelvo a decir y siempre lo repito, Andrés y yo somos muy obsesivos a la hora de de trabajar con mucha precisión la verosimilitud de los personajes que creamos y era muy importante saber de dónde venía Julia, saber en qué estado estaba. Y la semana previa a filmar siempre lo trabajábamos todo con Andrés, por más de que el guión es un guión de juego y no un guión de cinematográfico como al que estamos acostumbrados, nos sentábamos y hacíamos un análisis y desarrollo para que en todo momento no haya desconexión desde dónde viene del videojuego hacia dónde va la cinemática, y después a dónde vuelve.

Eso fue muy preciso todo, así que fue un laburazo y yo creo que quedó muy bien, porque uno dice, “bueno, vamos, estamos haciendo algo que nunca se hizo”. Entonces, cuando vimos el resultado dijimos, “ah, viste!”, como es la primera vez que se hizo y verlo y que suceda lo que lo que es la continuidad es algo que se logró, y eso me pone muy feliz.

—Tenés mucha experiencia en el cine de terror y, encima, es un género que te gusta consumir. ¿Sentís que hubo momentos en los que tu experiencia como actriz de terror cinematográfico no alcanzó y tuviste que desarrollar o buscar una suerte de “lenguaje corporal de videojuego”? De ser así, ¿en quién te apoyaste para lograrlo?

Clara Kovacic: —Yo creo que el cine de terror es súper físico, pero a veces es más físico que otros. A mí todo lo que es físico me encanta, yo hice danza toda mi vida, y todo lo que es stance, viste las acciones, no sé cómo se dice stance en español, estoy medio perdida. Los hice yo, no había doble riesgo, yo era el doble riesgo. Así que fue muy divertido para mí, que mi cuerpo sea un instrumento de acción a lo largo de la película.

Me encanta la acción a mí. Y fue muy divertido hacerlo más que nada porque todos los efectos que tenemos son prácticos. Así que todo lo que son las escenas de riesgo las hice yo. Y creo que fue más buscar el lenguaje de la danza y buscar el lenguaje interpretativo, también de entender cuál es el plano y cómo va a ser la acción. Son toda gente que tiene mucha experiencia, es el equipo de Cuando acecha la maldad, en los efectos prácticos y en los efectos visuales, VFX.

Entonces había gente muy sabia en el rodaje con mucho lenguaje, así que yo creo que se logró muy bien, en un trabajo en equipo, hacer todo lo que son escenas de acción y el cuerpo… tenía que estar a disposición, yo tenía que entrar en calor. En muchísimas escenas antes de empezar a hacer la acción, porque es tirarme, empujar, hacer, ir… después vamos a tener los BTS, los behind the scenes, donde vamos a subir todas las cosas que hicimos, que son una locura, desde arneses, todo. Pero me encantó a mí, me encantó.

—¿Qué parte de Julia sentís que está más cerca de Clara y cuál fue la parte que más te costó encontrar porque está completamente alejada de vos?

Clara Kovacic: —A Julia la tengo muy en mi corazón, es un personaje que estoy hace muchísimos años haciendo. Es un personaje que es frágil y muy fuerte a la vez. Creo que la fortaleza que tiene desde el principio es enorme, de bancarse, estar haciendo lo que está haciendo desde el minuto uno. Yo creo que no sé si tendría tanta fortaleza como ella, pero me inspira también el hecho de que ella en ningún momento quiere morir, entonces lucha por su vida y también se decide ir a salvar a una persona.

Entonces es una heroína que es humana, porque no tiene nada más que la voluntad, porque no es que viene de estar entrenando en, no sé, en la colimba. Viene de su casa y quiere sobrevivir, pero esas ganas de sobrevivir son lo que la termina arrastrando a encontrar su fuerza máxima y eso es algo que me encanta de Julia, me encanta. Me inspiró un montón, Julia, como personaje es un personaje muy muy inspirador.

—Después de haber trabajado tanto tiempo en Tenebris Somnia, ¿hay alguna escena o situación que te haya dejado una marca personal que no tenga necesariamente que ver con que sea la más violenta, aterradora o difícil, sino con algo que te pasó a vos durante el rodaje? Puede ser emocionalmente, introspectivamente, o algún tipo de aprendizaje que te llevas en base a esta experiencia.

Clara Kovacic: —La verdad es que me llevo muchísimas cosas de Tenebris Somnia, pero lo que más me llevo fue haber disfrutado de un rodaje que realmente fue para mí un regalo todos los días. Más que nada cuando había efectos prácticos, porque esos son los días divertidos para mí. Es como jugar… vamos a ver, vamos a hacer esto. Y caía Marcos Berta, que hacía los efectos prácticos. Entonces a mí usar mi cuerpo me encanta. Y me encanta hacer acción. Me encanta. Me sentía como que eran días de juego también hacer eso. Y me encanta cuando nos… Ay, no sé si spoilear o no algunas cosas, no sé qué responder. Bueno, algunas veces, en los trailers, se ven los tentáculos que me arrastran, los monstruos que se enfrentan, todo. Son momentos para mí muy divertidos. Los efectos prácticos fueron algo que me fascinaron desde muy chiquita. Y estar haciendo efectos prácticos a nivel elevado, porque es una producción que es como una producción estadounidense, a la altura de Hollywood.

Entonces teníamos grúas, teníamos arneses, teníamos de todo. Y creo que fui muy feliz pudiendo hacer todo este tipo de cosas porque me parece el momento del juego más grande. Lo disfruto un montón. Creo que me llevo el haber disfrutado muchísimo cada momento y efecto práctico que hubo durante el rodaje, porque me divierte de por sí. Me parece un momento de diversión absoluta y de muchos moretones después. Sí, quedé con muchos moretones. Voy a empezar a subir ahora cuando se estrene el juego. Todos los stunts que me salieron mal y que terminé con todas las rodillas moretoneadas, el codo todo inflamado. De todo. Tuve de todo. Tuve accidentes de todo tipo. Pero también me divierte eso, me hace sentir viva de alguna manera. Es como un momento de… siento que soy muy afortunada, muy afortunada de poder estar haciendo algo que me divierta tanto como trabajo y más un grupo humano increíble detrás de cámara, ayudando en cada momento y haciendo sentir que somos una familia.

Andrés Borghi - Director Creativo

—Tenebris Somnia tiene algo muy particular en su narrativa. Por un lado, lleva las formas y virtudes de un videojuego, con la posibilidad de elección e interacción. Por otro lado, las cinemáticas, filmadas en formato live-action. ¿Cómo hiciste para saber qué debías narras a través del videojuego, y qué querías contar en formato fílmico?

Andrés Borghi: —Es un balance un poco complejo, pero, al mismo tiempo, es algo que surgió naturalmente o de forma orgánica. De alguna forma, quizás por la experiencia que tengo en ya haber filmado un montón de cosas y haber hecho un videojuego antes que se llama The Black Heart, Un poco, cuando estaba escribiendo el guión, ya me daba cuenta cuáles partes iban a ser filmadas y cuáles partes iban a ser más en videojuego. Después, con el tiempo, ya pensando, un poco me di cuenta que tenía que ver con qué las partes de videojuego cuentan información que muchas veces tiene que ser dicha, es decir, en texto. Porque las cinemáticas no tienen audio, entonces, no tienen diálogos. Entonces, quizás alguna información había que explicarla con texto para que se entendiese, entonces ahí aprovechamos el texto dentro del juego. Cuando interactúas con algo o cuando ella se detiene a decir algo.

Y después, las cinemáticas lo que tienen es que pueden contar cosas un poco más detalladas, viendo la expresión de la actriz, viendo los movimientos de cámara, el sonido, o los efectos especiales, las cosas que ocurren. Y también las partes cinemáticas cuentan muchas veces una atmósfera, ¿no? Ayudan al terror, o ayudan a transmitir una atmósfera que el pixelart la transmitiría de otra forma distinta. Entonces, un poco de forma orgánica, o por instinto, terminó ocurriendo esto.

—Hubo alguna escena que en los papeles funcionaba perfectamente como película pero que después, al pensar en cómo integrarla al juego, descubrieras que no funcionaba como pensabas? En ese sentido, ¿Hubo cosas que tuviste que sacrificar o reconstruir para que el lenguaje cinematográfico obedeciera al lenguaje del videojuego y viceversa?

Andrés Borghi: —Generalmente, todo salió bastante bien. Las escenas como estaban escritas y luego filmadas terminaron funcionando en el juego, en el lugar que les correspondía. Solo hubo un par de casos en donde tuvimos que refilmar un par de momentos o quizás un par de planos, y la razón fue que estamos filmando las escenas muchas veces sin tener referencia de qué está ocurriendo en el videojuego.

Es decir, lo tenemos en guión, pero no lo vemos realizado, porque el juego se estaba haciendo en paralelo y por ahí esa parte todavía no estaba hecha. Entonces, después, al unir todas las piezas, vemos que no todo coincide. Por ejemplo, nos pasó que tenemos en el gameplay un enfrentamiento con un jefe, en donde el personaje corre para todos lados. Uno tiene que correr y escapar todo el tiempo, o perseguir al jefe y correr mucho, en el juego. Luego venía la cinemática de cuando ese jefe ya fue vencido, y nos venía una sensación de que el personaje en la cinemática no estaba… no parecía una persona que acababa de correr tanto, estaba bastante tranquila.

Entonces, eso fue resuelto en posproducción, como que con efectos visuales, con After Effects, hice que ella pareciese más cansada, agregándole sudor en la cara, agregándole pequeños movimientos al cuerpo que parecen los de los que uno hace cuando está respirando agitado, y otras cosas extrañas como esa. Y también nos pasó en esa misma escena que, cuando probamos cómo se jugaba con alguien que no fuese del desarrollo y probase la pelea, estaba tan metido en la pelea y tan… le costaba tanto que, cuando logró ganar y arrancó la cinemática, estaba más preocupado en festejar y en calmarse que en prestar atención a la pantalla a ver la cinemática. Entonces, ahí me di cuenta que en el montaje tenía que hacer que los planos fueran un poco más largos o que el ritmo sea un poco más lento para que el jugador pueda recuperarse y volver a prestar atención sin perderse lo que está pasando.

—De la mano de la pregunta anterior, el juego está construido alrededor de una ilusión muy delicada donde las escenas live-action y el mundo pixelado pertenecen al mismo universo. ¿Cuál fue el problema técnico más difícil de resolver para que esa transición no se sintiera como “ahora estamos viendo una película y ahora jugando”, sino como una continuación del mismo espacio y universo?

Andrés Borghi: —Eso tiene que ver con, de nuevo, con el delicado balance entre los dos lenguajes. Por un lado, siempre es bueno mantener el contraste entre ambos estilos, un contraste fuerte. Esto puede parecer contradictorio, ¿no? Quizás uno pensaría que se tienen que parecer bastante o mucho para que no se sienta que hay un corte. Y es verdad que sí se tienen que parecer en términos de lógica de lo que está pasando, los colores tienen que ser relativamente similares, el personaje tiene que estar haciendo lo mismo. O sea, como desde ciertos puntos lógicos, sí, tiene que ser similar. Pero el contraste ayuda a la unión, por, insisto, más extraño que parece, ya que ese contraste te golpea en la cara. Aunque no, aunque parezca que es algo como que fluye de un lado al otro, el contraste te golpea y te mete más adentro, te despierta y te trae.

Es decir, al despertarte y sorprenderte, te mete más adentro en la historia, y esa es la sensación, eso es lo que da la sensación de que no hubo corte. Y yo sé que es totalmente contradictorio, pero funciona así. Y después también usamos, para ayudar un poco eso y que no sea tan chocante, que te saca tanto, un montón de técnicas de montaje, de montaje tradicional de cine para conectar las dos cosas. Por ejemplo, la primera cinemática arranca cuando ella en el juego dice, “¿quién abrió la puerta?”. Corte, una imagen de la puerta abierta desde los ojos de ella.

Entonces, eso es una técnica de montaje que es como que te estoy invitando a ver qué está viendo ella, y de golpe te lo muestro. Entonces, entra, entró por guión, llamémosle, por narrativa. En otro caso, también desde la música, la música arranca, hay una cinemática que termina con una cierta música, y esa música se corta de golpe y continúa en el juego, en el mismo punto donde cortó. Esa es otra forma. Y después también tenemos lo que yo llamo “el efecto Lost”, que es que, cuando una cinemática está terminando y vamos a volver al juego, hay un sonido que hace como “wooooommmm”, que va creciendo y corta de golpe. Y eso es como que le avisa al cerebro del espectador que está por venir algo, está por venir un cambio. Entonces, cuando ese cambio ocurre, no golpea tan fuerte. Así que es una especie de balance extraño y delicado, entre sorprender al jugador con el corte y hacerlo entrar fluidamente. Es muy difícil de lograr.

—Después de cuatro años viendo crecer este proyecto, ¿hay algo de Tenebris Somnia que hoy ya no puedas mirar objetivamente? Una escena, un personaje o incluso una decisión que al principio defendías y que ahora, a la distancia, quizás harías o encararías de otra manera.

Andrés Borghi: —Es muy difícil después de tanto tiempo mirar todo de forma objetiva, ya que yo ya conozco toda la historia, sé a dónde va todo. Entonces, estoy mirando más lo mecánico y lo técnico y lo narrativo, más que experimentando la experiencia, por decir una redundancia. Pero sí lo que tiene de particular, al ser un videojuego y no una película, es que, por ejemplo, con una película, uno la va editando, trabajando, haciendo la posproducción, pero uno la va viendo también, la va viendo porque es una hora y media, generalmente una hora y media, dos horas, y la vas viendo y la vas viendo y la vas viendo, entonces vas experimentando cómo es verla por primera vez también, un poquito.

Pero con el juego eso no pasa hasta el último instante, hasta que el juego está casi terminado. Recién ahí podés mirar y experimentar todo de cero, todo lo que hiciste. Como es una experiencia larga, de más de 4 o 5 horas… de hecho, para los jugadores que no son del equipo de desarrollo les tarda como 8 horas, realmente me empezó a pasar la primera vez que lo jugué entero, que me olvidaba de las cosas que había hecho y me sorprendían, o me asustaba con cosas que me olvidaba que estaban ahí. Y también pude experimentar tanta… implementar toda la historia de principio a fin en toda su totalidad. Y eso fue una experiencia fabulosa, porque me puso muy contento al ver qué funcionaba. Y también sirvió para ver qué cosas había que ajustar acá o allá, a qué cinemática había que bajarle un poco el volumen o mejorar la transición entre juego y cinemática, etcétera.

—En una época donde muchas herramientas digitales permiten fabricar casi cualquier imagen tanto en CGI como con el uso de la IA, ¿cuánto de esa materialidad tácita fue una necesidad estética y cuánto fue una declaración de principios en base a tus preferencias de consumo?

Andrés Borghi: —Con respecto a la inteligencia artificial, elegimos no usarla porque, por un lado tiene un… tiene un resultado bastante negativo con la gente, a la gente no le gusta, y por otro lado, como realizador, a mí me gusta hacer efectos digitales. Yo, de hecho, trabajo en VFX, que son efectos visuales, o CGI, en las dos áreas, y es lo que me gusta hacer. Entonces, hacerlo yo es más divertido que que lo haga una máquina. Se pierde toda la gracia si una máquina se lleva toda la diversión.

Y también porque es la forma en que yo siempre resolví las cosas, entonces, ¿por qué cambiar la forma que yo uso y que funciona y que a la gente le gusta? Eso es con respecto a la inteligencia artificial. Por otro lado, el juego sí tiene VFX, o sea, efectos visuales de postproducción y tiene CGI. Aparte de efectos prácticos, ¿no? Somos un equipo con Marcos Berta, que fue quien hizo los efectos prácticos y los monstruos, con quien trabajamos en conjunto en Cuando acecha la maldad.

Y la verdad es que es una combinación que funciona muy bien. Trabajamos juntos ya sabiendo cómo se va a hacer en postproducción, qué es lo mejor para hacer en el rodaje, etcétera. Entonces, yo entiendo toda esta moda de decirle a la gente que hay solo efectos prácticos en tal o cual película, pero es, lamento decirlo, que es siempre mentira. Toda película hollywoodense, o de hecho independiente, también donde dicen que solo son efectos prácticos, están el 90% de las veces mintiendo.

En tu cara, mintiendo. Hasta Tom Cruise miente cuando dice que Top Gun 2 no tiene efectos digitales. Es 100% mentira. Y esto lo pueden comprobar muy fácilmente buscando el reel de efectos digitales de Top Gun 2, y van a ver la cantidad de cosas digitales que tiene. Pero yo creo que, con la aparición de la IA, la gente puso en la misma bolsa la IA y el CGI, como si fuesen el mismo mal. Y no, la verdad que no. Son dos cosas muy distintas, y el CGI se sigue usando y se va a seguir usando un montón, y los VFX.

Mason “AirDorf” Smith - Productor Ejecutivo

—New Blood tiene una identidad muy marcada como distribuidora. ¿Qué vieron en Tenebris Somnia que encajara con esa identidad, aunque, a simple vista, sea un juego muy diferente de DUSK, Gloomwood o FAITH?

Bueno, lo particular de New Blood es que todos sus juegos son muy diferentes entre sí. Pero todos tienen algo en común: son únicos, definen o redefinen su género y tienen algo de retorcidos. Por esas razones, Tenebris Somnia encaja muy bien en el catálogo de New Blood. Tras el éxito de FAITH, Dave y yo estábamos buscando más juegos de terror para sumar a la familia de New Blood y, cuando vimos lo único que era Tenebris Somnia, nos interesamos de inmediato.

—Una idea que aparece recurrentemente alrededor del proyecto es que los efectos prácticos y la naturaleza tangible y física del cine ofrecen algo que la inteligencia artificial no puede reproducir exactamente de la misma manera. Como productor y creador, ¿qué valor concreto encontrás en esa hermosa imperfección humana? ¿En qué situaciones creés que un «error» real puede resultar más aterrador que una imagen técnicamente perfecta?

Por desgracia, vi obras generadas con inteligencia artificial, especialmente dentro del terror, que pueden imitar los efectos especiales prácticos de décadas anteriores, como los años setenta y ochenta, incluidas las imperfecciones simuladas y esos “accidentes felices”. La tecnología es asombrosa. Creo que el trabajo que Andrés y el equipo de efectos especiales de Marcos Berta lograron con Tenebris Somnia nos recuerda que todavía es posible hacer escenas cinematográficas a la vieja usanza, con efectos prácticos y un uso inteligente de los efectos generados por computadora.

Por lo que pude observar, Andrés es muy perfeccionista y se esfuerza mucho por eliminar los errores. Creo que eso es muy importante en la lucha por preservar el arte hecho por seres humanos frente a toda esta producción automatizada y generativa que carece de alma.

—¿Hubo algo que te sorprendiera de la manera en que el equipo de Tenebris Somnia encaró la producción? No me refiero a las barreras idiomáticas ni a las posibles diferencias culturales, sino a las formas concretas en que resolvieron problemas o sortearon las limitaciones de presupuesto, personal, rodaje, tecnología, plazos o recursos. Si fue así, ¿hay algún método o enfoque que te gustaría incorporar a las propias producciones de New Blood?

Creo que, teniendo en cuenta el tamaño y la complejidad del juego (es un survival horror completo), resulta impresionante que el equipo de desarrollo sea tan pequeño. Andrés y Saibot Studios trabajaron muchísimo durante los últimos años. Me resulta muy inspirador que hayan conseguido incluir un cortometraje de terror completo dentro de un survival horror, en realidad, dos; jugá al juego y vas a entender a qué me refiero.

La parte del rodaje tuvo que organizarse de manera muy eficiente, respetando los horarios del elenco y del equipo técnico. Un ejemplo es Clara Kovacic, la scream queen argentina que interpreta a la protagonista, Julia.

—Como fan, Tenebris Somnia parece uno de esos proyectos verdaderamente únicos que aparecen apenas unas pocas veces en la vida, además de representar un desafío enorme para un estudio independiente. Pero, desde tu perspectiva como creador, mientras veías trabajar al equipo y observabas lo que estaban preparando, ¿hubo algún momento en el que pensaste: «Esta gente está completamente loca»? ¡En el buen sentido, por supuesto!

Oh, hice ese comentario varias veces durante la producción, prácticamente cada vez que veía algo nuevo en el juego. Para empezar, el nivel de detalle y perfeccionismo de las secuencias cinematográficas es una locura: están filmadas y editadas con una precisión increíble.

Hay un final secreto en el juego que te va a volar la cabeza cuando llegues a él. Su escala es comparable a la de un pequeño DLC. Hace poco jugué el juego de principio a fin y me di cuenta de que, cuando termina una cinemática, la música al estilo de los juegos de 8 bits retoma exactamente desde el punto en el que había quedado la música cinematográfica. Son esa clase de pequeños detalles. Se nota que el juego se hizo con pasión y amor por el medio.

—El proyecto pasó por demos, festivales, premios, cambios durante la producción, rodajes adicionales, la incorporación de New Blood y, finalmente, una campaña de lanzamiento internacional. ¿En qué momento sentiste que Tenebris Somnia había dejado de ser «un proyecto de un grupo de desarrolladores argentinos» para convertirse en un juego capaz de competir de igual a igual con otros grandes títulos de terror en el escenario internacional? ¿Hubo algún hito o momento en particular?

Creo que, cuando nuestros hermanos argentinos vieron el nivel de apoyo que New Blood les estaba ofreciendo (financiero, técnico, de producción, entre otros aspectos), empezó a tomar forma la visión de lo que este juego podía llegar a ser.

La confianza siempre estuvo ahí. Andrés siempre tuvo claro lo que quería lograr con el juego. Pero, gracias a New Blood, pudieron eliminarse ciertos obstáculos que habrían impedido que el juego se lanzara en su versión definitiva, y hacerlo, además, en un plazo razonable.

El brasileño Lauren Cardoso que dejó el modelaje para trabajar como albañil en Oaxaca para mantenerse cerca de su hijo, ahora habló más abiertamente de su vida con el Youtuber promotor de Oaxaca Señor Blue y relató cómo fue la radical transformación y los valores familiares que ahora rigen su vida al crecer sin padre y estar en una casa hogar y ahora ser él padre y querter estar presente siempre.

Hace poco sus redes sociales estallaron ya que su sorprendió su particular historia que cambió 180 grados al cambiar un trabajo relajado de modelo a uno arduo de albañil, sin embargo varios seguidores empatizaron con él y se quedaron por su forma de ver la vida. En muchas ocasiones a varios mexicanos queremos viajar a otros países que consideramos con mayor riqueza pero es muy interesante poder ver a través de sus ojos a nuestro país porque el admira su belleza y está enamorado de la cultura, la gastronomía, la amabilidad de la gente y los diversos paisajes bellos del territorio.

El creador de contenido llegó a México hace 10 años y relató que encontró en el estado una familia, una cultura y una forma de vida que quiso hacer propias. Después de una trayectoria que incluyó campañas publicitarias, viajes internacionales y una infancia marcada por la pobreza, una casa hogar y la adopción de un profesor vecino.

Cardoso nació en Brasil y vivió ahí hasta los 22 años, cuando una oportunidad como modelo lo llevó al sur de Italia. Comparó esa región con Oaxaca por sus características culturales y gastronómicas, aunque consideró que la comida mexicana ofrecía una variedad mayor que la brasileña.

El brasileño explicó que conoció a la mujer que sería la madre de su hijo tres días después de llegar a Ciudad de México. La vio pasar mientras estaba enferma de gripe, ambos comenzaron a reír y, según contó, sintieron una conexión inmediata.

Ella era originaria de Oaxaca y lo llevó a conocer la ciudad durante una visita cercana al Día de Muertos. Cardoso dijo que al principio la celebración le causó miedo, pero después se fascinó con la cultura, la hospitalidad, la naturaleza serrana y platillos como los tacos de tasajo.

Oaxaca se convirtió en el lugar donde decidió criar a su hijo

Durante la pandemia, Cardoso decidió establecerse en Oaxaca para pasar más tiempo con su hijo. Buscó una ocupación que le permitiera permanecer en la ciudad y encontró trabajo en la construcción, primero como chalán de albañil.

El creador mostró en redes sociales jornadas de trabajo en obras, momentos con compañeros y escenas de su vida cotidiana. Dijo que la albañilería era una de las profesiones más difíciles, aunque también le resultaba gratificante por el ambiente de convivencia entre los trabajadores.

En sus videos bromeó sobre las expresiones de doble sentido que aprendió en México y sobre la costumbre de algunos trabajadores de tomar cerveza incluso durante el desayuno. También compartió su adaptación al vocabulario local y mencionó como platillos favoritos la “babacoa”, en referencia a la barbacoa; el “guacachile”, una mezcla de aguacate, tomate verde, chile, cilantro y pimienta; y el “gallo de pico”, por el pico de gallo.

Cardoso manifestó que quería convertirse en mexicano y afirmó que Oaxaca recibía a personas de otros países que deseaban integrarse a su comunidad. Para él, el éxito dejó de estar relacionado con las pasarelas y se concentró en poder llevar comida a casa y convivir con su familia.

Una infancia entre carencias, trabajo y una adopción

Cardoso no conoció a su padre biológico y relató que su madre trabajaba como empleada doméstica. Ella tuvo más hijos y él, como el mayor de cuatro hermanos, comenzó a trabajar entre los nueve y los 12 años en una panadería para ayudar con los gastos del hogar.

Durante un periodo vivió con un padrastro con quien tuvo problemas. La familia lo envió a una casa hogar cuando tenía alrededor de seis años y permaneció ahí hasta los 14, una etapa que recordó como marcada por el rechazo y la necesidad económica.

“Muchos piensan: ‘Ese güero debe venir de una familia rica’, pero la realidad no era esa. Padecí muchas carencias de niño, mucha pobreza; a veces comíamos harina con agua”, relató. También recordó que, cuando quiso tomar guayabas y mandarinas de un vecino, rompió una rama; el hombre le pidió que, si tenía hambre, solicitara la fruta en lugar de tomarla sin permiso.

El vecino era un profesor a quien conoció desde los seis años. El hombre le dio galletas por primera vez y mantuvo una relación cercana con él, hasta que su padrastro le prohibió visitarlo al enterarse de sus encuentros.

El profesor que le dio una familia después de la casa hogar

Cardoso contó que visitaba al maestro cada fin de semana mientras permanecía en la casa hogar. Cuando escapó de ese lugar por desesperación, el profesor le propuso adoptarlo y llevarlo a vivir con él, debido a que la relación con su padrastro continuaba deteriorada.

El brasileño dijo que llegó a una casa donde conoció el afecto, las costumbres de compartir y la convivencia familiar. Agradeció a sus padres adoptivos por lo que recibió durante su juventud, aunque aclaró que el respaldo no se limitó al dinero.

“Siempre tenía en mi mente la meta de estudiar, porque ser pobre es una circunstancia, pero ser ignorante es una decisión. Ser pobre de dinero se puede arreglar trabajando duro, pero ser ignorante ahí es ser muy pendejo”, expresó. Aseguró que fue el único alumno de la casa hogar que nunca repitió un año escolar y que mantuvo buenas calificaciones.

Cardoso estudió educación física y, en una publicación, afirmó que contaba con una maestría en nutrición. En otro relato explicó que, después de terminar la carrera, quiso continuar su formación con una maestría, pero una oportunidad para viajar y trabajar como modelo modificó sus planes.

Del trabajo como maestro a las agencias internacionales de modelaje

Antes de iniciar en el modelaje, Cardoso trabajó como maestro. Consideraba que la docencia era una de las profesiones más valoradas, aunque dijo que se decepcionó por las actitudes que observó entre niños y jóvenes.

Un hombre se le acercó mientras caminaba por Brasil para preguntarle si quería trabajar como modelo, pero desconfiaba de la propuesta. Más tarde viajó a São Paulo, donde acudió a agencias internacionales de modelaje que le ofrecieron una oportunidad para salir del país.

Al día siguiente de ser aceptado, viajó a Milán. Cardoso dijo que no hablaba italiano y que se esforzó por aprender inglés: pegó hojas en las paredes de su cuarto para estudiar y memorizar palabras.

Vivió dos años en Italia, regresó seis meses a Brasil y después llegó a México con un proyecto social. Su intención era platicar con niños en situación de calle para contarles su experiencia y transmitirles que era posible salir de circunstancias adversas.

El modelaje le dio campañas en México antes de la construcción

Ya en México, Cardoso recibió una propuesta para fotografiarse en una campaña de tequila. Dijo que le pagaron 180 mil pesos por una sesión de cinco minutos y posteriormente trabajó durante años para Sears, una tienda departamental.

Durante su etapa como modelo posó para revistas, marcas de ropa y comercios. También habría participado como actor en TV Azteca y apareció en un comercial de agua junto al cantante Ricky Martin.

Cardoso no descartó regresar al modelaje si una marca coincidía con sus principios. Relató que rechazó recientemente una campaña de casinos que le habría ofrecido 200 mil pesos mensuales, porque no quería transmitir ese mensaje a su hijo.

“El verdadero éxito y felicidad” consistía en estar cerca de su familia, según expresó en sus publicaciones. Al hablar de los momentos en que su hijo estaba con él, afirmó: “Qué perra riqueza es sentir esa sensación”.

La venganza del Charro Negro llegará a los cines el próximo 22 de octubre con una historia que profundiza en el vínculo entre Leo y Nando e incluye uno de los momentos más conmovedores de la saga. Benny Emmanuel, Emilio Treviño y Lalo España adelantaron que la octava película de Las Leyendas reúne humor, lealtad entre hermanos y referencias a las tradiciones mexicanas.

En entrevista con Infobae, los actores sostuvieron que el estreno busca conectar con el público a través de personajes que llevan dos décadas en pantalla. También destacaron el alcance de una franquicia animada que ha llevado relatos de distintas regiones de México a espectadores de otros lugares.

Leo y Nando tendrán una escena clave en La venganza del Charro Negro

Emilio Treviño, quien interpreta a Nando, aseguró que su momento favorito de toda la saga está en la nueva entrega. El actor aclaró que no se trata de una afirmación promocional, sino de una impresión surgida del trabajo con los personajes.

“Creo que sí mi momento favorito de la saga hasta ahora está en esta película”, afirmó Treviño. Para él, la historia presenta una exploración más profunda que la de entregas anteriores.

El actor explicó que la película mantiene los pasajes humorísticos característicos de Las Leyendas. Aun así, sostuvo que el foco emocional recae en el vínculo entre los dos hermanos.

“Con la relación que tiene con Leo, hay uno de los momentos más conmovedores de toda la saga a la mitad de la película”, adelantó el intérprete. Esa secuencia, según explicó, ayuda a comprender qué buscan ambos protagonistas mientras enfrentan una leyenda tras otra.

Treviño consideró que ese pasaje ordena el recorrido narrativo de Leo y Nando. “Cobra sentido no solamente la película, sino la saga completa”, sostuvo.

El actor añadió que la escena revela el motor de los personajes y la dirección de su camino. “Nando y Leo tienen uno de los momentos más bellos de la saga en esta película”, señaló.

Benny Emmanuel, voz de Leo, coincidió con su compañero. “Yo me voy a sumar a ese momento”, dijo al ser consultado sobre su secuencia favorita.

El actor remarcó que el afecto entre los hermanos aparece a lo largo de las ocho películas, aunque en esta ocasión adquiere un peso particular. “Hay un momento muy particular entre los hermanos”, indicó.

El elenco anticipó una historia con humor y profundidad emocional

Treviño también afirmó que el público encontrará varios momentos capaces de generar una reacción emocional. Aunque evitó describir una de las escenas que más lo impactó, indicó que el cierre incluye un episodio que lo dejó marcado.

“Hay un momento casi al final de la película que para mí me marcó mucho”, expresó. El actor recordó que, al terminar la proyección, tuvo la sensación de que la historia podría conectar con los espectadores.

“Esta peli le va a llegar a la gente”, aseguró Treviño. También definió a la producción como una entrega que tiene “corazón”, “carnita” y una profundidad superior a la de los filmes anteriores.

El intérprete consideró que las anteriores películas también han tenido contenido emocional. Aun así, sostuvo que la nueva entrega concentra con mayor intensidad esos elementos.

“Creo que esta es la que más tiene de toda la saga”, afirmó sobre la profundidad del relato. La declaración se relaciona con las preguntas que plantea la historia acerca de la conexión entre los protagonistas.

Lalo España, quien interpreta a Evaristo, vinculó la película con los valores que, a su juicio, atraviesan a la franquicia. “Tiene mucho que ver con la emotividad de lo que ensalza el amor, la solidaridad, la lealtad de hermanos”, dijo.

Para España, esa combinación constituye “la esencia” que permanece en la historia. El actor también habló de la conexión con los seres queridos que han muerto, un aspecto que asoció con el universo de las leyendas.

“Las leyendas capturan esa esencia de cuando estamos, cuando ya pasamos de esta dimensión”, reflexionó. Según explicó, esos relatos remiten a la forma en que quienes ya no están siguen presentes en la memoria.

Nando, Leo y Evaristo conservan sus rasgos distintivos

Emilio Treviño señaló que lo que más disfruta de Nando es su humor. El actor describió al personaje como alguien capaz de aligerar una jornada de grabación y de responder a las dificultades con una mirada particular.

“El humor de Nando es increíble”, expresó. También explicó que el personaje tiene una faceta sensible, ligada a su condición de hermano mayor.

Treviño indicó que Nando procura cuidar a Leo, aunque reconoce que la protección funciona en ambos sentidos. “Es consciente de que su hermano lo cuida más a él que él al hermano menor”, comentó entre risas.

El actor definió el humor de Nando como ácido y divertido. “Es su forma de defenderse ante el mundo y ante las circunstancias”, sostuvo.

Benny Emmanuel destacó, en cambio, la lealtad de Leo. El intérprete señaló que su personaje tiene una actitud heroica, pero que sus decisiones parten del deseo de cuidar a las personas que quiere.

“Todo lo que hace lo hace desde el fondo del corazón, con mucha lealtad y porproteger a los demás”, afirmó Emmanuel. Para el actor, Leo actúa con una motivación genuina, aunque a veces pueda mostrarse concentrado en su propio camino.

Lalo España se refirió a Evaristo como una figura que mantiene el buen ánimo frente a circunstancias de terror. “Él siempre tiene un espíritu alivianado, de relax”, explicó.

El actor dijo que disfruta esa cualidad porque Evaristo enfrenta los problemas con una tranquilidad que él mismo quisiera aplicar en algunas situaciones de su vida. “Todo más relax, más relaja tus chacras”, bromeó.

Las Leyendas apuesta por las tradiciones mexicanas y su continuidad dependerá del público

Benny Emmanuel consideró que la franquicia cumple una función relevante al presentar la cultura mexicana y las leyendas regionales a través de la animación. El actor destacó el alcance que logró la saga durante sus dos décadas de existencia.

“Pone ante el mundo de una manera muy bella nuestra cultura”, sostuvo. También celebró que las películas hayan despertado interés por relatos procedentes de distintas regiones del país.

Para Emmanuel, el recorrido de la franquicia muestra que las historias mexicanas pueden resonar fuera de México. “Nuestras historias resuenan en muchos lugares, no solo aquí”, afirmó.

El actor recordó además su cercanía con la película de Chanekes, ambientada en Veracruz, el estado donde nació. “Me parece maravilloso que se haya contado una en Veracruz”, expresó.

Sobre el futuro de la saga, Emilio Treviño señaló que existen posibilidades para desarrollar más historias. El actor incluso mencionó que algunos personajes podrían tener relatos propios.

“Podría haber veinte mil spin-offs por ahí”, dijo. Como ejemplo, nombró una posible historia sobre Teodora y su llegada a la condición de fantasma.

Treviño aclaró que la continuidad dependerá de la recepción de La venganza del Charro Negro. “Todo depende del recibimiento de la gente y de taquilla”, afirmó.

El actor recordó que los seguidores han pedido nuevas entregas y que algunos acuden a las salas disfrazados como los personajes. “Depende cómo le vaya a esta, pues habrá más historias por contar”, concluyó.

Ricardo Arnaiz proyecta otros 20 años para Las Leyendas después de dos décadas de una saga que convirtió relatos mexicanos en películas animadas. El creador sostuvo que el futuro estará en nuevas historias, los orígenes de personajes ya conocidos y una exploración de la historia nacional, con la intención de preservar tradiciones y acercarlas al público infantil y adulto.

La continuidad de la franquicia, explicó, depende de mantener la colaboración con Ánima Estudios y de renovar el entusiasmo de los espectadores sin abandonar los elementos que definieron a sus protagonistas y su universo.

La saga pasó de una película independiente a un universo de personajes

En entrevista con Infobae, Arnaiz recordó que el punto de partida fue La leyenda de la Nahuala, concebida como una producción autónoma. No imaginaba entonces que aquella historia abriría el camino a una serie de películas conectadas entre sí.

“En mi cabeza solamente La leyenda de la Nahuala era eso, era una película independiente”, contó. El cierre con una referencia a La Llorona, según relató, surgió como un “chiste interno”.

El realizador señaló que esa decisión no anticipaba una secuela. Mucho menos, una saga que se extendería durante dos décadas y reuniría a distintas generaciones frente a los personajes.

“Nunca nos imaginamos que iba a haber una secuela y mucho menos ya toda una saga”, afirmó Arnaiz. Con el tiempo, los espectadores comenzaron a involucrarse emocionalmente con el desarrollo de las historias.

Para el creador, una de las decisiones que impulsó el crecimiento de la franquicia fue el desarrollo de Leo y sus compañeros. Explicó que el personaje maduró junto con quienes lo conocieron cuando eran niños.

Arnaiz atribuyó ese proceso a Ánima Estudios y a Chino Rodríguez. “Fue ir madurando a Leo y a sus personajes”, dijo sobre una evolución que permitió ampliar el alcance de las películas.

Ricardo Arnaiz plantea relatos sobre la Nueva España y el origen de sus protagonistas

El futuro de Las Leyendas contempla historias situadas en distintas etapas de México, además de relatos centrados en los antecedentes de personajes que ya forman parte de la saga.

Arnaiz considera que la convivencia entre las culturas española y prehispánica ofrece un terreno narrativo distinto, con episodios que todavía no han sido llevados a la animación.

El realizador remarcó que existen múltiples versiones de los relatos populares en el país. “Cada pueblito tiene una leyenda diferente”, señaló al explicar que esa diversidad permite imaginar nuevas producciones.

Entre sus intereses está profundizar en las historias de miedo surgidas durante la época de la conquista y de la Nueva España. Para él, esa mezcla cultural forma parte de uno de los rasgos que distinguen al país.

“Me encanta la idea de explorar más leyendas de los españoles con los mexicanos”, expresó. También planteó que esa unión entre tradiciones puede ofrecer relatos que no existen en otros lugares.

Arnaiz situó parte de ese interés en 1807 y el siglo XIX, etapas que, a su juicio, contienen elementos históricos y culturales que pueden incorporarse a los siguientes proyectos de la franquicia.

“Hay muchísimas historias todavía que contar”, aseguró. El creador también mencionó planes para narrar cómo llegaron ciertos personajes al momento en que el público los conoce.

En esa línea, recordó el inicio de Las Leyendas: el Origen, donde se aborda la procedencia de los niños calaca y de Xóchitl, junto a su hermano Ximo. Además, anticipó una historia sobre Teodora y la familia Villacencio.

La animación buscó llevar la cultura mexicana al cine

Arnaiz definió a Las Leyendas como un proyecto personal por haber sido uno de los primeros trabajos de animación mexicana que apostó por la cultura, las costumbres y las tradiciones del país.

“Fuimos los primeros que promovimos la cultura, las tradiciones, las costumbres”, afirmó. Su objetivo, explicó, era que los niños pudieran sentirse orgullosos de su origen.

La saga fue resultado de un trabajo conjunto con Fernando Fuentes y José Carlos García Olea. Arnaiz relató que los tres comenzaron a aprender animación en México sin una formación previa en ese campo.

“Nadie nos enseñó, lo aprendimos por medio de errores y de caernos y levantarnos”, recordó. Esa experiencia, añadió, creó entre ellos un vínculo de colaboración.

El realizador valoró que Ánima Estudios tomara las historias y las expandiera. Para él, el resultado demuestra que las personas creativas pueden construir proyectos de mayor alcance cuando unen sus capacidades.

“Si unimos fuerzas, pueden hacer grandes cosas”, sostuvo. Veinte años después, consideró que la franquicia mantiene su capacidad de atraer a nuevos espectadores.

Arnaiz dijo que el recorrido de la saga ya alcanzó a una generación distinta de la que vio las primeras películas. “Saltamos ya una generación”, señaló al hablar de la continuidad del interés del público.

La investigación histórica acompañó cada una de las películas

La representación de lugares y tradiciones no se planteó como un recurso educativo explícito, según Arnaiz, sino como parte de un contexto histórico que ayudara a sostener la ficción.

Durante la producción de La leyenda de la Llorona, el equipo buscó trasladar la historia a Xochimilco y a sus chinampas. La intención era que el público también se acercara a ese entorno.

Más adelante, la investigación se extendió a La leyenda de las momias de Guanajuato. Arnaiz indicó que el equipo estudió elementos como la arquitectura, la música y la alimentación de cada época.

“Sí hicimos mucha investigación”, explicó. El realizador afirmó que ese trabajo también acompañó a La leyenda de la Nahuala.

Entre los temas que indagaron estuvo la conservación de los cuerpos en Guanajuato. Arnaiz contó que investigó por qué había momias allí y en Egipto, pero no en otros sitios.

Según relató, el equipo encontró que las sales presentes en Guanajuato aportaban características que favorecían la preservación de los cuerpos. Ese tipo de descubrimientos, dijo, le resultan fascinantes.

La intención es que los relatos mantengan coherencia con los elementos culturales que representan. “Tiene que estar basada de alguna manera en la realidad”, planteó sobre las historias de la saga.

El estilo visual seguirá ligado a la fuerza de las historias

Sobre la más reciente película, Arnaiz indicó que se trata de la segunda dirigida por Marvin Núñez. También aclaró que Ánima Estudios llevó el peso creativo de la producción.

El desafío, según explicó, consistió en mantener vigente una franquicia con varios años de trayectoria y renovar el entusiasmo que despertó desde sus primeras entregas.

“Creo que se ha logrado de una manera increíble y conjunta con Videocine y Ánima Estudios”, dijo. El objetivo fue volver a llevar a los niños al cine para que descubrieran una aventura diferente.

Arnaiz anticipó que el estilo de animación de la franquicia no cambiará de rumbo. Consideró que ya se convirtió en una identidad reconocible para el público.

“El estilo ya es muy marcado de Las Leyendas”, afirmó. Aun así, sostuvo que el aspecto visual no es el único sostén de la saga.

Para el creador, la mayor fortaleza está en los personajes y las historias. “Vamos a mantenernos sobre esa línea”, concluyó al proyectar la continuidad de Las Leyendas.

“Esperemos que sí. Por los otros 20 más”, respondió Arnaiz cuando le preguntaron por el porvenir de una franquicia que busca seguir contando México desde la animación.

La venganza del Charro Negro, la más reciente entrega de la saga, llegará a los cines el próximo 22 de octubre. En esta película, el Charro Negro regresa con el propósito de vengarse de Leo San Juan y destruir todo lo que él ama, una amenaza que llevará al protagonista a reencontrarse con antiguos enemigos de sus aventuras.

La Fiscalía General de la República (FGR) dio a conocer, por medio de una publicación en redes sociales, que la declaración que dio un presunto sicario del Cártel Jalisco Nueva Generación (CJNG) a una televisora italiana, donde asegura haber incinerado 250 cuerpos en el llamado Rancho Izaguirre, ubicado en el estado de Jalisco, es falsa.

Además, señaló que el procesamiento pericial del sitio presentaba un avance del 92 por ciento.

Hasta ahora, se señaló, la Fiscalía Especializada de Derechos Humanos ha llevado a proceso a 15 personas posiblemente relacionadas con dicho campo de adiestramiento.

Dijo que las investigaciones, que siguen avanzando, incluyen análisis de telefonía y dispositivos móviles con control judicial, así como testimonios de víctimas.

“Continuaremos informando conforme el debido proceso lo permita”, concluyó el mensaje.

¿A qué video se refiere la FGR?

La publicación realizada por la Fiscalía se refiere a la declaración que realizó un presunto sicario del CJNG, quien dijo que había incinerado los cuerpos de 250 personas en Rancho Izaguirre, en Teuchitlán, Jalisco.

En una entrevista transmitida el pasado 10 de octubre en el noticiero Tg1 de la televisión pública italiana, un sujeto con el rostro cubierto dijo que se encontraba en las filas del cártel mencionado y aseguró que en el sitio fueron asesinadas más de 500 personas y que él se había encargado de quemar a la mitad, o sea, unas 250.

El testimonio que el presunto sicario dio a la periodista Stefania Battistini contradice a la Fiscalía General de la República (FGR), quien ha sostenido que no hay pruebas de que en el lugar se hubiera cremado cuerpos.

El sujeto aseguró que colaboraba en secreto con las Madres Buscadoras de Jalisco, colectivo que busca a personas desaparecidas en la entidad.

El presunto sicario narró en la entrevista que en el rancho ejecutaron a 20 personas en una noche, y que en total, fueron ejecutadas más de 500. “Yo quemé personalmente 250 personas”, relató el hombre.

“Mañana tengo que matar a una persona. Tengo un rifle con mira telescópica, todo listo”, señaló al inicio del reportaje.

Cuando Battistini le preguntó “¿cuál es tu trabajo exactamente?”, el hombre respondió sin rodeos: “Trabajo con el jefe, soy sicario.”

Sobre la paga por su labor, dijo que el salario de un sicario no cambia según el número de víctimas. “Un sicario que trabaja en el cártel siempre gana el mismo sueldo. Puedo matar hasta cinco personas en un día y mi paga sigue siendo la misma. Cuatro mil pesos”, afirmó y luego subrayó que “una vida no cuesta mucho”.

La presentadora de Tg1 ubicó la escena del reportaje antes de la parte más dura del testimonio: “Estamos cerca del Rancho Izaguirre. Las Madres Buscadoras encontraron restos humanos calcinados y cientos de prendas de vestir hace dos años.”

El entrevistado aseguró que el método de destrucción de los cuerpos impide que las familias recuperen a sus desaparecidos. “Ahí, si buscan, todavía pueden encontrar restos humanos”, dijo, aunque insistió en que la mayoría de los cuerpos “nunca los encontrarán”.

Battistini le preguntó directamente si por eso decidió ayudar a las buscadoras a localizar restos. El hombre respondió que sabe dónde señalar, aunque no puede garantizar hallazgos completos, solo fragmentos óseos y dientes que pudieron sobrevivir a la incineración.

La periodista italiana compartió el material en su cuenta de X el 11 y el 13 de octubre, con imágenes de Gabriel Casal, de Ícaro Producciones. En las publicaciones, agradeció la colaboración del colectivo Guerreros Buscadores de Jalisco y señaló que en México hay más de 130 mil personas desaparecidas, cifra que el Comité de la ONU contra la Desaparición Forzada vincula con indicios de crímenes de lesa humanidad.

El video, que fue grabado el pasado 30 de septiembre, se volvió viral este fin de semana en X y TikTok tras ser compartido masivamente en redes sociales.

La broma de Luisito Comunica que desató el silencio en el set

La conductora Yolanda García pregunta al youtuber si existe algún dato sobre él que sus seguidores todavía no conozcan. Luis Arturo Villar Sudek, nombre real del influencer, contesta con seriedad: “Yo nací mujer, por ejemplo”.

La respuesta provoca un silencio prolongado en el estudio de grabación. El creador de contenido, al notar la reacción de la presentadora, aclara de inmediato: “No, no es cierto. Pensé que te ibas a reír”.

La conductora responde con un suspiro y marca distancia del tono humorístico: “Es que es un tema muy sensible”. La conversación continúa después de la aclaración, pero esos segundos se convierten en el fragmento que circula en redes durante el fin de semana.

Una entrevista promocional para hablar de su marca de tequila

La charla forma parte de una visita del creador de contenido a la televisora para hablar de su trayectoria y sus proyectos empresariales. Durante el segmento, Luisito Comunica habla de Gran Malo, su marca de tequila, y de su presentación mini conocida como Gran Malito.

La pregunta personal surge en medio de esa conversación comercial, lo que intensifica el contraste entre el formato promocional y el giro inesperado de la respuesta.

El clip circula semanas después de grabarse

El video completo se publica en el canal de YouTube de 12 News el 30 de septiembre, pero se vuelve viral apenas este 11 de octubre. El propio Luisito Comunica comparte el fragmento en su cuenta de Instagram, donde acumula 32,500,000 seguidores, con el texto “Incómodo momento”.

La difusión en X, antes Twitter, y en TikTok multiplica las vistas del clip durante el fin de semana.

Las reacciones se dividen entre los usuarios

Un sector de los internautas justifica el comentario y lo describe como una broma inofensiva pensada para romper la rutina del formato televisivo tradicional. Otro grupo respalda la postura de la comunicadora al considerar que la identidad de género no debe emplearse con fines cómicos.

Hay quienes califican la intervención del influencer mexicano como un intento fallido de humor ajeno al contexto de la televisión en vivo. Otros usuarios sugieren que el momento se produjo por una confusión generacional entre ambos protagonistas.

Existe una versión distinta de la secuencia: según esta, es Luisito Comunica quien suelta la risa después del silencio de la conductora y aclara que se trataba de una broma, en lugar de hacerlo de forma inmediata como describen otras versiones del encuentro.

El ministro de Hacienda de El Salvador, Jerson Posada, recibió a Infobae Centroamérica horas después de presentar ante la Asamblea Legislativa el proyecto de presupuesto más grande en la historia reciente del país: USD 12,421 millones para 2027. La cita se concretó de manera sorpresiva, en medio de la agenda legislativa que ya arrancó el análisis del documento.

El funcionario, acompañado por su equipo técnico, accedió a detallar punto por punto la cifra que más ruido generó en la propuesta: USD 3,416 millones destinados a Educación, el monto más alto que un gobierno salvadoreño haya asignado a ese rubro.

El presupuesto 2027 representa un incremento de USD 1,865 millones frente al presupuesto vigente, un 17.7% más. La Comisión de Hacienda y Especial del Presupuesto de la Asamblea Legislativa, comenzará su estudio formal el 7 de octubre, según confirmó la primera vicepresidenta del Legislativo, Suecy Callejas, al recibir el documento.

Por qué más de una cuarta parte del gasto va a educación

Infobae Centroamérica: Sabemos que esta asignación es histórica para el país en materia de educación. Superó el 8% del PIB. ¿Qué significa esta cifra en concreto?

Posada: Efectivamente, el día de ayer presentamos el proyecto de presupuesto general de la nación a la Asamblea Legislativa. Este fue presentado en tiempo y forma, como nos exige la ley, y es un presupuesto que marca un hito muy importante en el país. La gran prioridad de este presupuesto es educación.

De los USD 12,421 millones totales —un incremento de USD 1.865 millones respecto al plan votado para 2026—, USD 3,416 millones se orientan a Educación.

Posada: ¿Qué representa este monto? Representa el 8.1% del Producto interno Bruto del país para el año 2027. Y por qué menciono 2027: porque si agarráramos este monto y lo comparamos con el PIB de 2026 que estamos estimando, este porcentaje ascendería a 8,8%. Pero lo estamos comparando con la estimación que ya tenemos para 2027, basada en las proyecciones de crecimiento económico para el próximo año.

El presupuesto aprobado para el rubro en 2026 fue de USD 1,683.3 millones. La propuesta para 2027 lo supera en más de USD 1,700 millones, lo que convertiría a El Salvador en el país de las Américas con mayor inversión relativa en educación, por encima del promedio regional de entre 4% y 4,5%, según el Ministerio de Hacienda.

Infobae Centroamérica: Es poco más del 25% del presupuesto total, ¿verdad?

Posada: Exactamente. Estamos orientando el 27.5%. Es decir, los USD 3,416 millones representan ese porcentaje de los 12,421 millones que es el presupuesto total de la nación.

Los USD 40 millones reasignados desde Defensa y Seguridad

Infobae Centroamérica: Entiendo que se reasignaron cerca de 40 millones de (ministerio) Defensa para Educación. ¿De qué áreas específicas provenían esos fondos y cómo lograron esa reorientación?

Posada: Esta asignación es histórica, la hemos realizado haciendo algunas reorientaciones de recursos dentro de la distribución de todo el gasto incorporado en el presupuesto. Hemos redestinado USD 20 millones del presupuesto del Ministerio de Justicia y Seguridad Pública y USD 20 millones del presupuesto del Ministerio de Defensa. En total son 40 millones de estos dos ministerios que se están reorientando para educación.

El funcionario justificó el movimiento con los resultados que atribuye a la política de seguridad del Gobierno.

Posada: En virtud de los logros que ya se han alcanzado en el tema de seguridad pública que todos los salvadoreños gozamos, esto nos permite que algunos fondos que originalmente estaban destinados para compra de armamento o municiones sean redestinados ahora para la formación y educación de niños y jóvenes en el país.

Posada: En ningún momento esta reorientación afecta la cobertura o los niveles de seguridad que estamos teniendo, ni tampoco afecta los beneficios económicos de los cuales ya gozan la Policía Nacional Civil, el personal administrativo del Ministerio de Justicia y los miembros del Ejército.

El presupuesto 2027 también contempla USD 1,493,1 millones para salud y USD 997,2 millones para seguridad y defensa, partidas que quedaron por debajo del crecimiento asignado al ramo educativo.

La orden del presidente y la comparación con el resto de la región

Infobae Centroamérica: Según revisamos, es el único país de América Latina con una asignación de este tamaño. ¿Cómo se tomó esta decisión?

Posada: Esto es una apuesta histórica, una apuesta por el desarrollo del país y por mayor productividad en el futuro. Esto ha sido una orden directa del presidente de la República Nayib Bukele, de que se le dé prioridad al tema de educación. La nueva prioridad es ahora la educación, sin abandonar las otras prioridades, como seguridad y salud.

Posada: Si comparamos con la región, somos el país que más va a invertir en educación en las Américas. El promedio de los países de América Latina, según organismos multilaterales, asciende a aproximadamente 4.5% de su Producto (Interno Bruto). Nosotros estamos asignando 8.1% para el próximo año. Esto marca un antes y un después en la inversión en educación del país, y estamos básicamente triplicando las asignaciones si lo comparamos con lo que destinaban los gobiernos anteriores.

El presidente Nayib Bukele ya había anticipado la magnitud del monto durante un evento con jóvenes, según consignó Infobae. “Tres mil millones de dólares al año, que es el triple, tres veces lo que invertían todos los gobiernos anteriores”, afirmó el mandatario, quien añadió que ningún otro país de Latinoamérica invertiría un presupuesto más alto en educación que El Salvador.

Tablets, uniformes y escuelas: en qué se gastará el dinero

Infobae Centroamérica: ¿En qué áreas específicas se priorizarán los recursos? Se habla de inteligencia artificial y del tema de las becas.

Posada: Estamos asignando USD 415 millones para disminuir la brecha digital en los centros escolares. Esto se orientará a continuar fortaleciendo los procesos de enseñanza, aprendizaje y el desarrollo de habilidades tecnológicas mediante el acceso a las tecnologías de información y comunicación. En este programa están incluidos los recursos para entrega de computadoras y tablets a los estudiantes a nivel nacional.

Posada: Se incluyen USD 132.7 millones para el programa Crecer y Aprender Juntos, liderado desde el despacho de la primera dama, con el que se continúa fortaleciendo la promoción del desarrollo integral de la niñez. También se incluyen los recursos para la entrega de paquetes escolares, USD 134 millones, para lo cual la ministra de Educación ya anunció hace dos días que comenzó el tallaje de uniformes y zapatos para el próximo año.

Entre otros programas, Posada mencionó USD 117.6 millones para Mi Nueva Escuela y USD 18.6 millones para el programa de modernización del sistema educativo de El Salvador.

Posada: Quizás algo muy importante es toda la inversión en infraestructura escolar, como el programa Dos Escuelas por Día, que ya el presidente inauguró en varias escuelas. En el presupuesto del próximo año se incorporan USD 562 millones para reconstrucción y rehabilitación de escuelas.

Esos recursos se distribuyen entre tres instituciones: USD 350 millones en el Ministerio de Educación, USD 100 millones en el Ministerio de Obras Públicas bajo el programa Dos Escuelas por Día, y USD 112 millones en la Dirección de Obras Municipales.

Infobae Centroamérica: ¿Cómo van a coordinar la ejecución entre estas tres carteras?

Posada: Somos un gobierno que trabaja coordinado, con la instrucción de trabajar de forma conjunta. Los recursos se asignan conforme a la especialización y capacidad de ejecución de cada institución. Esto es algo que en el pasado no sucedía, pero ahora sí se está haciendo, y esto nos da mejores resultados en los avances de ejecución, que varias instituciones estén enfocadas en un mismo fin.

El documento, según el detalle difundido por el Ministerio de Hacienda, también contempla USD 90 millones para becas universitarias, USD 33 millones para conectividad escolar, USD 23 millones para reducir la brecha digital y USD 53 millones para iniciativas de cultura y arte.

Los USD 40 millones para las tres elecciones de 2027

Infobae Centroamérica: Señor Ministro, sobre las elecciones del próximo año, el presupuesto contempla una asignación de 40 millones, de los cuales 2.1 millones son para el voto en el exterior. ¿Cómo se distribuirán esos fondos?

Posada: Recordemos que en el presupuesto aprobado de 2026 ya se incorporaban los recursos que permitían toda la preparación que el Tribunal Supremo Electoral tiene que hacer para el evento electoral de 2027.

En el presupuesto 2027 estamos incorporando USD 40.1 millones, que corresponden al presupuesto especial extraordinario de las elecciones, y USD 2.1 millones para el voto en el exterior.

Posada: Nosotros estimamos que esto garantizará la organización y logística de las votaciones. Recordemos que son tres votaciones: presidenciales, legislativas y municipales. Con esta asignación se le dará cobertura a todo el evento, considerando que ya en 2026 también se asignaron los recursos necesarios para todos los procesos de adquisiciones y organización en preparación al evento electoral.

Infobae Centroamérica: Que recién hoy está empezando.

Posada: Exactamente.

El proyecto de presupuesto 2027 quedó formalmente en manos de la Comisión de Hacienda y Especial del Presupuesto de la Asamblea Legislativa, que iniciará su revisión el 7 de octubre y deberá emitir un dictamen antes de que el pleno decida sobre la aprobación del documento, previsto para antes de que finalice 2026.

Diego Novoa recuperó la motivación en Atlético Bucaramanga. El exarquero de Millonarios afirmó que encontró una nueva etapa en el club santandereano, tras un período personal y profesional que incluso lo llevó a considerar el retiro.

En una entrevista con Win Sports, el jueves 1 de octubre, explicó que su llegada al equipo le devolvió el disfrute por su profesión. “Todo, desde mi llegada a Bucaramanga hasta el día de hoy, ha sido muy positivo. Me logré levantar, recuperar, volví a ser feliz”, afirmó Novoa.

El arquero también destacó su regreso a la rutina del plantel: “Aquí estoy disfrutando de mi día a día, de mi momento, de estar volviendo a vivir ese camerino que ya extrañaba”.

En ese proceso, Novoa destacó su relación con Cristopher Fiermarín, arquero de Atlético Bucaramanga. “Este loco, este loco de Christopher es impresionante. Es un tipazo, es un gran muchacho, es un profesional”, expresó el exjugador de Millonarios en diálogo con Win Sports.

El arquero afirmó que construyó una conexión rápida con su compañero, a partir de hábitos compartidos dentro del plantel. “No pensé haber conectado tan rápido con un colega de esta manera, porque el loco es una persona muy fácil de tratar, es un profesional y los dos coincidimos en muchos gustos: nos gusta llegar temprano al entrenamiento, nos gusta trabajar”, sostuvo.

La relación con Christopher Fiermarín

Novoa indicó que la competencia en el puesto se desarrolla en un marco de compañerismo y preparación diaria.

“Si bien Christopher es mucho más joven que yo, a los dos nos da trabajo por igual”, afirmó Novoa al hablar del método de Juan Carlos Quintero, entrenador de arqueros del club. El exarquero de Millonarios consideró que ese trabajo explica parte del presente de los dos guardametas: “Yo creo que en este momento, que los dos estamos en un nivel muy bueno, en una actualidad positiva, pasa por las manos de él”.

Novoa explicó que Quintero fue determinante para que aceptara llegar a Bucaramanga. El preparador ya lo había dirigido cuando tenía 13 años en Equidad. “Mucho de mi decisión de venir a Bucaramanga pasa por él. Él me llama, él me convence y él me trae a esta ciudad”, relató en la entrevista con Win Sports.

El difícil final en Millonarios

El arquero recordó que la salida de Millonarios fue uno de los episodios más dolorosos de su carrera. También mencionó un error en Brasil, sin profundizar en ese hecho, como otro de los golpes que recibió durante un período de 14 días.

“Por eso me dolió la forma con la cual salí de Millonarios, por eso me dolió haberme equivocado en Brasil”, expresó. Novoa explicó que la presión que sentía en el club azul tenía una dimensión familiar: “Mi familia, todo el mundo a mi alrededor vibra y lo tiene el corazón azul. O sea que la responsabilidad era enorme”.

El exarquero de Millonarios aseguró que las críticas fueron parte de su aprendizaje en clubes como Millonarios, América y Equidad. “Siempre que recibía críticas, pues primero escuchaba y luego lo ponía en práctica”, indicó. También atribuyó su exigencia personal a Alexis García: “Mi entrenador, como todos lo saben, que fue Alexis García, me formó y me hizo con una autocrítica bastante alta”.

La decisión de continuar

Novoa contó que, tras una sucesión de situaciones deportivas y personales, estuvo cerca de abandonar el fútbol. “Llegué hasta el punto de ya no querer jugar más al fútbol. Creo que ya había tomado la decisión, solo que mi familia me convenció de volver y ahí aparece Bucaramanga”, afirmó.

El arquero, que dijo acumular 23 años en el fútbol, agradeció la oportunidad que recibió en el club santandereano. “Apareció en un momento crucial de mi vida. Así que vuelvo a ser feliz”, concluyó Novoa.

El actor, conductor y productor Arap Bethke presenta “México Entre 2 Mundos”, una nueva producción original de History que aborda desde una perspectiva distinta la celebración del Día de Muertos, a través de historias que conectan culturas, emociones y realidades en un viaje por tres estados, cocinas tradicionales y sepulcros que hará ver que el día de muertos más que una fecha festiva, es un ritual vivo que se preserva a través de generaciones.

La miniserie documental de cuatro episodios fue rodada en Toluca, Puebla y la Ciudad de México. Bethke, además de conducir, participa como productor y recorre el país para descubrir qué hay detrás de una de las celebraciones más reconocidas de la cultura mexicana.

No es su primer trabajo de este tipo, el conductor ya había realizado previamente el premiado travel show ¿Y Tú, Tú Qué Vas a Hacer?, ganador de Mejor Serie Documental en la categoría ‘Excelencia Turística Audiovisual’ en los Premios Excelencias durante la FITUR 2024 en Madrid, España.

Arap Bethke nos compartió cómo durante su recorrido fue interpelado por historias de familias que le resultaron muy conmovedoras, como una abuelita de aproximadamente 100 años de edad que continua participando en la celebración y elaboración de pan de muerto tradicional e, incluso, llegó a ser parte de las cocinas y talleres, dónde reconoció, no tiene la habilidad para decorar las calaveritas de azúcar como los expertos.

El origen de un ritual familiar

Bethke, nacido en Kenia y radicado en México, adoptó la tradición del altar cuando murieron sus abuelos. Su madre comenzó a poner una ofrenda en casa, una costumbre que al principio le pareció extraña pero que con los años se convirtió en un momento de encuentro familiar.

“Fui entendiendo ya con los años la importancia que tiene, la importancia que tiene, pues más allá de ese momentito”, relató el actor. Cuando falleció su padre, decidió que cada año le pondría un altar, junto con el resto de sus seres queridos que ya no están.

Para Bethke, la fecha no es una celebración cualquiera: “Es una fiesta que tiene un significado más profundo”, explicó, y detalló que detrás de la ofrenda hay meses de trabajo de familias que cultivan cempasúchil, elaboran pan y preparan alfeñiques antes de que llegue el uno y dos de noviembre.

“Hablar de México es hablar de identidad, de costumbres y tradiciones. Y qué tradición más mexicana que el Día de Muertos”, expresó Bethke sobre el proyecto. El conductor definió la experiencia como “un honor y un gran placer” y remarcó que su curiosidad y su pasión por explorar crecieron con cada episodio grabado.

Los oficios detrás de cada ofrenda

Uno de los hallazgos que más sorprendió a Bethke durante el rodaje fue el origen del alfeñique. La palabra proviene del árabe y significa “delicado”: la técnica llegó a México con los árabes y los españoles, y las manos artesanas locales la adoptaron y perfeccionaron con el paso de las generaciones.

El equipo visitó un taller que fabrica alfeñiques desde hace décadas. Ahí, el actor quedó impresionado por el nivel de detalle que logran los artesanos actuales en las calaveritas de azúcar. “Hacen como que mundos adentro de mundos con un detalle espectacular”, describió. Intentó elaborar una pieza por su cuenta, sin éxito.

La producción también documentó la elaboración del pan de muerto artesanal. En un horno familiar de Mixquic que lleva cuatro generaciones en el oficio, una mujer de casi cien años enseñó al equipo el proceso completo, desde la masa hasta el horneado.

Un sincretismo que sigue vivo

La forma de la calaverita de pan, según explicó Bethke, conserva el origen mesoamericano de la fecha: los huesitos representan las partes del cuerpo y los puntos cardinales. La tradición, lejos de estar congelada en el tiempo, sigue transformándose.

Uno de los datos que la serie pone en discusión es la creencia de que el desfile de Día de Muertos en la Ciudad de México existe desde hace siglos. En realidad, tiene apenas diez años de historia. El equipo visitó uno de los talleres donde se construyen las megaofrendas y encontró que muchas de las piezas que hoy se exhiben en el desfile antes se destinaban únicamente al panteón.

Encuentros que marcaron el rodaje

Entre las historias humanas que más impactaron a Bethke durante el recorrido está el encuentro casual con un grupo de sepultureros en Mixquic, mientras abrían una tumba para recibir a un nuevo difunto. El actor esperaba encontrar a personas sombrías; en cambio, se topó con hombres alegres que escuchaban música mientras trabajaban.

“Para ellos la muerte es una transición, es un paso más, es algo natural a lo que todos vamos a llegar”, relató Bethke sobre esa conversación. Según su testimonio, la cercanía cotidiana con la muerte no genera tristeza en estas familias, sino una mayor apreciación por la vida.

La visita a Mixquic también permitió al equipo recorrer un espacio donde conviven un antiguo lugar de culto prehispánico, una iglesia y el Santo Sepulcro, prácticamente uno junto al otro. Durante la producción también surgieron imprevistos propios del formato documental: en Toluca, el equipo entrevistó al presidente municipal en el Cosmovitral con apenas minutos de aviso, y en otras ocasiones tuvo que reorientar historias sobre la marcha cuando algún entrevistado declinaba participar.

Una celebración que cambia según la región

El recorrido por distintos estados reveló que, aunque la esencia se mantiene, las formas de honrar a los muertos varían de un lugar a otro. En Toluca, las familias trabajan el alfeñique y elaboran tapetes de aserrín artesanales. En Mixquic, la comunidad pasa la noche completa en el Santo Sepulcro junto a sus difuntos.

En Oaxaca y Mérida, según pudo constatar el equipo de producción, algunas familias abren las tumbas esa noche, limpian los restos de sus seres queridos y los visten, como si se prepararan para recibirlos en la mesa de la cena.

El Día de Muertos es una tradición ancestral que parte de la creencia en el regreso transitorio de las ánimas de los difuntos al mundo de los vivos. Reúne a las familias en torno a ofrendas con fotografías, flores de cempasúchil, velas y papel picado, con rituales que adquieren rasgos propios en cada región del país.

Un recorrido por encuentros y oficios

A lo largo de los cuatro episodios, Bethke se encuentra con floricultores que cultivan cempasúchil, artesanos que trabajan el papel picado y el alfeñique, panaderos que conservan recetas ancestrales, cocineras que mantienen vivos los sabores de sus comunidades y guardianes de tradiciones que transmiten los rituales de sus pueblos.

Según History, la serie recorre desde la preparación de altares y ofrendas hasta las ceremonias, la música y la gastronomía que cobran vida durante la noche del uno y dos de noviembre. Cada elemento de la festividad, señala el material de prensa, tiene un origen, un significado y una historia propia.

Un adelanto de lo que vendrá en la serie

El primer episodio, titulado “La esencia de la tradición”, indaga en el origen de la festividad y profundiza en la preparación del desfile de la Ciudad de México, además del proceso artesanal del papel picado.

El segundo capítulo, “La flor y el altar”, lleva a Bethke a Mixquic para conocer la preparación de uno de los centros más masivos de la celebración, con la construcción de un altar tradicional y uno monumental. En Xochimilco, el conductor profundiza en el cultivo del cempasúchil.

El tercer episodio, “Fiesta de barro y sangre”, explora otras tradiciones que conviven con el Día de Muertos, entre ellas la charrería, el mole típico de Puebla y las técnicas de trabajo en aserrín.

El cuarto y último capítulo, “El sabor de la memoria”, traslada a Bethke a Toluca para conocer los secretos del alfeñique y la feria más representativa de esta artesanía. Al cierre del recorrido, el conductor arma su propio altar con todo lo aprendido durante el viaje.

Un alcance que trasciende fronteras

“México Entre 2 Mundos” es producida por BetaPlus y realizada por Carlos Cruz, ganador del Premio Nacional de Periodismo 2024. La serie constituye la segunda colaboración de Bethke con History, luego de un proyecto anterior grabado en Guanajuato que obtuvo un premio a la mejor docuserie en el festival ITB de Berlín.

“México Entre 2 Mundos” se estrena el domingo 4 de octubre a las 21:00 horas (México), con nuevos episodios cada domingo hasta el 25 de octubre. Los capítulos estarán disponibles también en VOD y en la plataforma de YouTube de History tras su emisión televisiva.

History es reconocida por producciones como “El Precio de la Historia”, “Alienígenas Ancestrales” y “Cazadores de Tesoros”, además de series conducidas por figuras como Morgan Freeman, William Shatner y Laurence Fishburne. La cadena llega a 76 millones de hogares en la región.

No tenía experiencia profesional: su currículum artístico, como él mismo cuenta, se reducía a los musicales del colegio, pero en apenas una semana empezó a tomar clases de actuación, canto y baile, y llegó al casting dispuesto a aprovechar la oportunidad. “Yo voy a quedar”, les dijo a sus padres después de varios días de entrenamiento. El proceso terminó con un papel en la segunda temporada.

El proceso también lo obligó a enfrentarse con algo que el deporte le había enseñado a esconder: sus emociones. El mismo chico que aprendió desde pequeño a seguir jugando aunque tuviera ganas de llorar ahora descubrió otra forma de expresarse.

Y a los 21 años, mientras estudia Negocios Digitales y continúa trabajando como modelo, Benicio también empieza a imaginarse un futuro ligado a la actuación. En esta charla con Infobae habla de su familia, de su novia Lola, de las ventajas y prejuicios que implica ser “el hijo de” y de esa necesidad de construir algo propio sin renegar nunca de la historia familiar.

—Bienvenido, ¿cómo va todo?

—Muy bien y contento con el estreno de Margarita por HBO Max. La verdad que disfrutándolo al máximo y expectante como la gente, porque no vi la serie completa y la descubro con los cinco capítulos que estrenan cada lunes.

—Y están ensayando para los shows.

—Sí, ya estamos. Tenemos dos fechas confirmadas para el 17 y el 18 de diciembre en el Campo Argentino de Polo. La primera ya se agotó, una locura.

—¿Sentís que ahora hay un reconocimiento distinto en la calle?

—Sí, empieza a pasar otra cosa. La verdad que es muy lindo porque, en lo personal, se siente como trabajo bien hecho. Ese reconocimiento empieza a pasar cada vez más y hasta el día de hoy me sorprende, fui al teatro y me sorprendió que me pidieran la misma cantidad de notas que a mi mamá, porque generalmente es la foto y sigo de largo. También el reconocimiento de la gente, el apoyo, el afecto. Estoy muy contento y lo disfruto, pero obviamente no es el objetivo.

—¿Y a tu mamá qué le pasa con esto de que además de acompañarla, de repente, estás dando tantas notas como ella?

—No es una competencia para nada, estamos juntos. Ella lo ve y le gusta verme así y yo lo disfruto. Al haber estado en tantas alfombras rojas desde chico, hoy me siento cómodo.

—¿Vos la conocías a Cris?

—No, la conocí en el casting. Fui a un evento de una marca de ropa que se hizo en Otro mundo, su escuela, me sacaron una foto y me llamaron para hacer un casting. Me dieron dos escenas y dos canciones para preparar en una semana y me preguntaron si había hecho algo artístico. Y la verdad que no, mi currículum eran los musicales del colegio, punto. Y hacía tres años que no hacía nada.

—¿La pasabas bien en los musicales del colegio?

—Sí, siempre fui muy deportista y en el último año decidí despedirme del colegio haciendo eso que siempre me había tentado: cantar, actuar, bailar y estar en un escenario. Y me divertí muchísimo. Entonces, cuando apareció esto, lo primero que hice fue preguntarle a Tai, mi hermana, que es la artista de la familia: “¿Qué tengo que hacer para quedar?”. Ella que es fanática me contó la historia de la primera temporada y de dónde venía mi personaje, que es el tercer hijo de Floricienta, y me consiguió profesoras de baile, actuación, canto para que pueda prepararme en esa semana.

—¿Tu hermana que ama esto se puso celosa?

—No, cero. Lo hablé con ella porque obviamente era algo que ella también quería de chica. Y me dijo: “Si no sos vos, si no soy yo, que seas vos”. Eso me pareció buenísimo. Su gran vocación es más el escenario, el teatro, y hoy compartimos mucho el arte. Entonces fue un momento muy lindo entre hermanos: ella apoyándome y yo entendiendo también qué es lo que ella quiere. Hoy compartimos mucho el arte.

—Cuando te sacaron esa foto, ¿Cris ya sabía que eras hijo de Valeria y Alejandro?

—Sí, lo sabía. Después de haber grabado, un año más tarde y en confianza me contó que al principio no quería llamarme porque sabía que los varones de la familia éramos muy deportistas. Pensó: “Es un hijo más que hace full deporte y nunca hizo nada”. Pero alguien del equipo que me había sacado la foto dijo: “Llamémoslo, no perdemos nada. Son 15 minutos. Si hace un mal casting, entra, saluda y se va”. Y ella me contó que cuando me vio no esperaba mucho, no me tenía fe.

—¿El casting era para entrar directamente a la serie?

—Era para entrar al taller de Margarita, que es un espacio de entrenamiento y al mismo tiempo te van casteando. Cada día que Cris tardaba en tomar la decisión era un día ganado para mí porque estaba todo el tiempo aprendiendo cosas nuevas. Fue un proceso muy lindo.

—¿En ningún momento les pediste a tus padres que llamaran para ayudarte?

—No. Es más, si les pedía que hicieran eso, perdía. Yo estaba muy concentrado y durante un mes y medio no me vieron: me levantaba a las siete de la mañana y volvía a las nueve de la noche entre la facultad, el taller y todas las clases que me ponía. Domingos incluidos. Para mí era aprovechar todos los días y llegó un momento en que les dije: “Yo voy a quedar”.

—¿Cuándo sentiste que realmente ibas a quedar?

—Cuando nos confirmaron que los dos íbamos a estar en la serie. Yo tenía una duda porque había otro actor, Joaquín Jacob, con quien hicimos todo el proceso juntos. Pero cuando nos dijeron que los dos quedábamos, para mí fue un alivio enorme. Y yo ya tenía en mi cabeza que ese personaje era yo.

—Ahí aparece algo que viene mucho del deporte: la competencia.

—Sí, viene mucho del deporte. Me dio muchísima disciplina y cuando fijás un objetivo, tenés que ponerte los pasos para llegar. Mi hermano es igual, pero también tuvo una contra: cuando actuás tenés que abrirte a tus emociones y yo eso lo tenía muy cerrado. En el tenis, que es un deporte muy solitario, yo creía a los 12, 13 años que si tenías una lágrima te la tenías que guardar porque estabas en la mitad del partido. Era “no es momento para llorar, es salir y ganar”. Entonces eso obviamente te va poniendo muros.

—¿Por eso te costó dejar el esquí competitivo?

—Sí. A los 16 elegí el esquí y aflojé con el tenis, pero a los 19 decidí cortar porque ya no me veía haciéndolo en los próximos años. Y también es un sacrificio muy grande: muchos meses afuera de casa, solo, días de menos 20 grados en los que te querés morir y no sabés qué estás haciendo ahí.

—¿Sentiste alguna presión de tus padres para seguir?

—No, para nada. A veces yo me puse esa presión, que después me di cuenta de que no existía. Me costaba decirles porque sentía que ellos habían hecho mucho sacrificio para que yo estuviera ahí, pero cuando se los dije, me tranquilizaron.

—¿Y sabías desde chico que querías ser actor?

—No, de chico quería ser periodista deportivo. Tenía nueve años y me preguntabas quién era el nueve de Arsenal de Sarandí y te lo decía, estaba interesado en todos los números, todos los deportes.

—Lo conociste a Messi.

— Conocí a Messi, pero no tengo foto. También conocí a Maradona.

—¿A los dos y sin fotos?

—Con Messi fue un cruce en un restaurante, no fue nada planeado, mis papás se pararon a saludarlo y lo saludamos. Yo era muy chico, pero si hoy lo veo creo que es una de las pocas personas que me hace caer al piso. Y Diego era el Dios, lo conocí cuando tenía siete u ocho años. Tuvo una relación muy linda con mis papás, estuvo en el casamiento de ellos y fuimos a visitarlo a su casa. Con él sí tengo foto.

—¿Nunca le reclamaste a tu papá por no tener una foto con Messi?

—Sí, ni me digas, porque mis papás ya tienen una foto con Messi. Yo confío en que me lo voy a volver a encontrar (risas).

—¿Quién es la persona más famosa que tenés agendada hoy en el celular?

—El Cholo Simeone, que es muy amigo de mis papás. Tenemos una relación muy linda con la familia y con sus hijos. Cuando mis papás vivían en Italia eran casi vecinos y mi hermano más grande iba al jardín con Gianluca.

—Tengo algunos juegos para hacer. Son cuatro hermanos, mamá y papá. ¿Tienen un grupo de chat sin tus padres?

—Sí, se llama “Nosotros”. Egoísmo a full.

—¿Y el que es con ellos cómo se llama?

—“Familia”, simple. Es el más activo.

—¿Y quién es el que más escribe ahí?

—Mi papá, insoportable. Todo el día mandando mensajes y cosas. También tenemos un grupo en Instagram para mandarnos reels. Mamá manda más motivacionales, nosotros chistes y mi papá manda diseños de casas, que encima también manda duplicados los links al grupo de WhatsApp.

—¿Mirás los reels que mandan? Decí la verdad.

—Muy poco.

—¿Y los de tus hermanos?

—Sí, porque sé lo que es. Si Tizi me manda un reel sé perfectamente qué es y generalmente sé que me voy a reír. Los tres varones tenemos un grupo y nos mandamos cualquier cosa.

—Viviste un momento muy feo con tu hermano cuando los agredieron. ¿Cómo te quedaste?

—Hoy estoy bien. En las semanas posteriores me quedé pensando si volvía a salir de fiesta o a la noche y si podía pasar algo, estaba un poco extravigilante. Hoy estoy tranquilo, lo hablamos mucho en familia y con Tizi. Es algo que aprendés: no de los errores, sino a cuidarte y en ese momento, con 17 años, me di cuenta de que, más allá de estar con mi hermano, también tenía que estar atento.

—¿Qué pasó con quienes lo atacaron?

—Quedaron en prisión preventiva.

—¿Alguna vez viviste discriminación o bullying por ser quien sos?

—No de una manera agresiva, pero sí algunos prejuicios más que nada en redes y de gente desconocida, pero no les doy mucha pelota. Si veo una publicación de Margarita con muchos comentarios lindos y aparece alguno diciendo “el hijo de...”, no le doy pelota porque ya me lo espero. También es importante saber uno lo que vale y yo sé el sacrificio que hice, sé por qué estoy acá y estoy contento con lo que hago, entonces no me afecta.

—¿En el colegio o en el club nunca tuviste una situación incómoda por ser hijo de Valeria Mazza?

—No, porque crecí con esos chicos y para mis amigos era Benicio. Es verdad que mamá es súper famosa, pero para la generación joven, si no buscabas lo que había hecho, por ahí ni la conocían tanto. Para mis amigos no era Valeria Mazza, era mi mamá.

—¿Cuál de los dos iba a las reuniones de padres?

—Mamá un poco más, pero a veces juntos. Ella también es la que está en el chat de mamis.

—¿Quién de los seis llega tarde y encima se hace el ofendido?

—Tiziano llega tarde y, como es bueno hablando, te lo da vuelta. Lo puteo y termina haciéndome sentir mal porque me dio vuelta la tortilla.

—¿Y quién agita a todos cuando están por llegar tarde?

—Mamá. Ella es el orden y sabe que nosotros no lo somos, entonces va por toda la casa gritando “vamos, vamos”. Es terrible.

—¿Quién es el primero que se pone a hablar con un desconocido en una fila del aeropuerto?

—Papá, mucha parla. Si entramos a un salón y hay cien personas y conoce solo a cincuenta, sale conociendo a ochenta, porque se pone a hablar como loco.

—¿Quién manda el peor meme?

—Mamá. Perdón, mamá. Puede ser papá también, pero primero pensé en ella y fui con el instinto. Es el famoso chiste de viejo.

—¿Quién se emociona primero?

—Mamá o Taina se emocionan rápido, son de lágrimas fáciles.

—¿Cuándo fue la última vez que la viste a tu mamá emocionada por algo tuyo?

—Hace nada. Esta semana vimos los capítulos juntos y había una escena en la que yo estaba llorando. La miré y ella también estaba llorando. Somos todos muy unidos y siempre estamos en contacto porque mi hermano más grande vive afuera y Tizi viaja por el esquí.

—¿Quién se hace el que sabe de un tema pero no tiene idea?

—Papá o Tizi, saraceros. Con Baltu, que es ingeniero, nosotros somos más de querer saber todos los datos, pero ellos dos son chamulleros con una parla que no te das una idea.

—¿Quién se cree el favorito?

—Yo.

—¿Vos sos el favorito de tus padres porque alguien te lo dijo o porque lo creés?

—Hay que creer. Hay que buscar archivos y ver cuando mamá en entrevistas dice que yo soy el cariñoso de la familia.

—¿Quién da los mejores consejos?

—Para temas de amor, por ahí Baltu y mi mamá. Para números, empresas o decisiones estratégicas, mi papá.

—¿Quién de ustedes cuatro va a ser el más hinchapelotas a los 50?

—Yo. O mi hermana. Somos los más chicos, los más rompepelotas.

—¿Quién dio más dolores de cabeza?

—Creo que mi hermana. La quiero muchísimo, pero como la tuve al lado toda mi vida hubo momentos en que la quería matar. Siempre con el agudo allá arriba, llorando fácil, llamando a mamá para decirle que le había pegado cuando no le había pegado. Viví con eso toda la vida.

—¿Ninguno se escapó de tu casa o se llevaron 20 materias?

—No, somos chicos diez. Igual dolores de cabeza todos damos.

—¿Y vos cuál fue el peor dolor de cabeza que les diste?

—Una vez choqué el auto. Lo choqué fuerte. Errores que pasan, pero en ese momento como que no sabía qué decir, en mi cabeza pensé: “Me van a matar”. Por suerte no.

—Te voy a decir situaciones y vos me decís si las heredaste, las aprendiste o las elegiste. Sonreír cuando hay una cámara en una alfombra.

—Heredé.

—Llegar puntual.

—No lo aprendí.

—Vestirte bien para la ocasión.

—Aprendí de mi mamá.

—No mostrar miedo.

—Lo aprendí.

—¿Y mostrar emociones?

—Generalmente tiendo a no mostrar mucho mis emociones. Soy un poco para adentro, con quien más me abro es con mi novia.

—¿Cómo se conocieron?

—Fuimos compañeros de colegio. Nos conocemos de toda la vida, pero a los 17 años dije: “Ah, mirala”.

—¿Ella ya te había mirado antes?

—Elijo creer que sí, con la autoestima arriba. Pero yo tuve cierta atracción, ella se dio cuenta y a partir de ahí empezó. Fue en una fiesta, pero un caballero no habla, aunque te cuento que estamos muy bien.

—¿Qué opina de este presente de Margarita?

—No puede creer todo lo que está pasando. Ella me acompañó muchísimo durante el proceso y hasta se bancó que por momentos le dijera: “Sorry, pero no te puedo ver”, porque estaba todos los días a full, y ella estuvo ahí igual. Yo también la acompaño.

—¿Y se banca esta nueva exposición?

—Sí, y si por ahí hay cosas que no le gustan, le digo que me las cuente. Pero también le gusta y le divierte.

—¿Cuándo te diste cuenta que podías soñar y que tu camino no era el de tus padres?

—Un poco con el deporte cuando empecé a tomar mis propias decisiones sobre qué hacer. Y obviamente cuando empecé con esto, que era soñar en grande a full.

—¿Qué soñás ahora?

—Me dan muchas ganas de seguir con esto, de crecer como actor, de poder seguir cantando. Tengo ganas de estar parado en un escenario, de seguir transmitiendo cosas lindas a la gente.

—¿Tenés ganas de construir tu propio nombre en esta carrera y diferenciarte del de tu familia?

—No es el tipo de ambición que busco. Lo que sueño y quiero hacer es personal, no está relacionado con mi familia y tampoco me parece una traba: es mi mamá.

—¿Nunca le dijiste “no te aguanto más”?

—No. Y si lo pienso, agacho la cabeza, doy un paso atrás y ya está. Ella siempre fue el centro, los flashes fueron a ella y, cuando sigamos yendo a un lugar en familia, van a seguir yendo a ella. No es algo que me moleste para nada porque es la número uno.

—Vamos a jugar a “la primera vez”. ¿Cuándo te diste cuenta de que tu casa no era como otras casas?

—De chico. Cuando empezás a ir a la casa de amigos te das cuenta y también por cómo fui criado. A veces mis papás tenían comidas donde venía gente importante y yo tenía diez años y me decían: “Andá, ponete un jean y una camisa porque vamos a comer”. Después iba a la casa de un amigo y era distinto. Pero los fines de semana estamos todos tirados con helado mirando una película, bien familiero.

—¿Cuándo fue la primera vez que te reconocieron a vos y no a tu mamá?

—Creo que todavía no pasó. De estar los dos caminando y que vengan y me pidan una foto a mí, sin decirle nada a ella. Todavía no pasó.

—¿Cuándo dijiste por primera vez “soy actor” en voz alta?

—Hace poco. Todavía no me veía como un actor, sino como alguien que estaba haciendo un trabajo porque todo fue tan de repente: casting, taller, grabar, en seis meses había pasado todo. Creo que lo dije cuando salió la segunda temporada, cuando me vi por primera vez en televisión.

—¿La primera vez que te pusiste un traje?

—A los ocho o nueve años, chiquitito. De bebé me habrán puesto un traje también, era el jefe en pañales (risas).

—¿Alguna vez te bocharon para un trabajo?

—Sí, obvio. Estuve afuera haciendo castings de modelaje y recibí muchos “no”. Te ponés mal, pero hay que recibirlos para llegar al sí y sirven para mirar adentro y pensar en qué puedo mejorar.

—Te fuiste de esos castings de diseñadores de afuera pensando qué tenías que mejorar y así llegó Armani.

—Mi primer casting fue entrar a un cuarto con 60 o 70 personas, todos varones, de 20 a 27 años, todos en jean y cuero, en fila. Esperabas tu turno, caminabas, ibas, volvías. Y con solo mirar ya pensabas: “Por ahí me faltan ciertas cosas físicas”. Pero igual todo se reduce al momento en que llaman tu nombre y a qué tan fuerte pisás cuando caminás.

—¿Eso te lo dijo tu mamá?

—Y me lo sigue diciendo. Yo por ahí le digo: “En lo físico tengo que estar un poco más trabado”. Y ella me dice: “Te van a poner siempre excusas y vos también te podés poner excusas. Pero si en el momento no estás confiado y no destruís la pasarela...”. Y tiene razón, es actitud.

—¿La primera vez que te pusiste esquíes?

—A los tres años, y creo que cuanto más chico empezás, mejor. A los 13 esquiaba mejor que a los 16, me mandaba derecho por la pista y no tenía conciencia de lo que estaba haciendo. A los 16 ya me había caído un par de veces y pensaba qué podía pasar si me caía. A los ocho era un loco, me puteaban porque pasaba al lado de gente que esquiaba más lento y a mí no me importaba nada.

—¿Sos prejuicioso con algo?

—Soy prejuicioso con algunas cosas, pero también siento que mucha gente es prejuiciosa conmigo por ser “hijo de” o estar acomodado. Entonces pienso que si yo soy prejuicioso, por ahí también estoy equivocado.

—Yo la re usaría la carta de mis papás, aunque después hay que mantenerse, porque no alcanza con ser hijo de...

—Para mí tiene un pro: si voy a un casting de 100 personas, cuando llego ya saben quién soy. Si hago algo muy bueno, mejor, porque dicen: “El hijo de Valeria Mazza me gustó”. Queda, pero yo tengo que lograr que se acuerden de mí también por lo que hice.

—¿Te administrás vos tu plata?

—Me ayuda mi familia, pero en todo porque vivo con ellos todavía. Creo que el día de mañana si me mudo lo más difícil va a ser pensar en tres comidas todos los días para cocinarme (risas).

—¿Y lavar la ropa?

—También, pero eso lo aprendí cuando viví solo afuera. Pero el momento de la comida, cocinarme, fue lo más difícil de pasar cuando viajaba en giras. Hoy hago carne, una ensalada y después termino haciendo los últimos tres días fideos porque ya no se me ocurre nada más o me da fiaca.

—¿A Lola le cocinás?

—No, solo le hago unos huevos revueltos a la mañana porque hago los mejores huevos revueltos del mundo.

—¿Y tus contratos los estás negociando vos o los negocia alguien?

—Los negocio yo, en conjunto. Igual Margarita no fue muy negociado. Fue: “Gracias, Cris. ¿Dónde tengo que firmar?”. Y listo. Pero en las cosas que son mías me gusta estar siempre interiorizado.

—¿Qué ponés en el pasaporte cuando viajás, donde hay que poner profesión?

—Estudiante universitario.

—¿Cómo venís con la carrera?

—Bien. Me está costando, pero la quiero terminar.

—¿La querés terminar vos o te lo están pidiendo?

—Yo la quiero terminar, tengo muchas ganas, pero estoy con tantas cosas que es como una doble vida: el mundo artístico y después sentarme en una clase a escuchar a alguien una hora y media y tomar nota. Siempre me gustó la parte digital, me divierte programar, pero pasé de pensar en aprobar las materias a pensar: “Me tengo que recibir”. Igual cada vez estoy más cerca de la meta.

—¿Te imaginás trabajando algún día de eso?

—En diez años, bienvenido sea. Si llega un momento en que no me contratan como actor, digo: “Bueno, me pongo a trabajar”.

—Lo recontra banco, debe ser más difícil estar cursando y rindiendo cuando hoy no tenés ganas de trabajar de eso.

—Obviamente. Me pasa un poco por ahí, hoy quiero ser actor y trabajar de eso. Ahora estoy con una materia de diseño UX/UI, experiencia de usuario, y me cuesta. Pero hago una pausa y pienso que lo estoy haciendo porque me gusta, y solo me falta un año y medio.

—Yo sé que es la última temporada de Margarita, pero en el mundo Cris siempre puede haber más…

—Me encantaría poder decirte algo. Pero es Cris y si ella quiere que esto siga, sigue. Ella me dijo que está muy contenta con el elenco y con los artistas que tiene hoy, así que si tiene ganas de que sigamos siendo parte y haciendo cosas, así será.

—¿Le preguntaste por qué te eligió?

—No así textual, pero ella sí me explicó el motivo. Me dijo que le había sorprendido y que estaba muy contenta con el trabajo que había hecho. Una de las cosas que más le sorprendió fue que hacíamos algo y, si después me pedía otra cosa, yo me tiraba al muere. Era como una esponja: hacer lo que me pedían y animarme, sin miedo a fracasar. Y así soy, espero dejar algo en la gente.

¿Qué pasa cuando volver al lugar donde creciste significa destruirlo? En Virtue and a Sledgehammer, el nuevo juego de Deconstructeam y Devolver Digital, Pratelle regresa a su pueblo natal con un mazo y derriba los escenarios de su infancia mientras se enfrenta a los recuerdos que despiertan entre los escombros. Esta aventura combina exploración, combate y destrucción con una historia sobre la familia y la sensación de ya no pertenecer al sitio que alguna vez fue tu hogar.

Después de títulos narrativos como The Red Strings Club y The Cosmic Wheel Sisterhood, Deconstructeam se une a Selkie Harbor para llevar su forma de contar historias a un mundo en 3D donde las acciones de la protagonista tienen tanto peso como sus palabras. En esta oportunidad, pudimos conversar con Jordi de Paco, director creativo, escritor y programador, y Marina González, directora artística, sobre el origen del proyecto, el desafío de hacer satisfactoria una destrucción cargada de significado y lo que este cambio de escala supone para el estudio. Una entrevista que sirve de vistazo anticipado al lanzamiento, que será el 27 de octubre de este año en PC.

—Lo primero que quiero saber, también más que nada quizás para la gente que no conoce su estudio y el proyecto, es cómo surge la idea de Virtue and a Sledgehammer y qué fue lo primero que tuvieron en claro con el juego, porque todos sus juegos tienen algo muy personal, son todos parecidos en cierto aspecto pero son muy únicos.

Jordi de Paco: —Pues este es, es curioso el origen de Virtue and a Sledgehammer porque el resto de nuestros proyectos vienen un poco con mucha carga en la narrativa o de qué queremos hablar, qué emoción queremos explorar con este juego. Y con Virtue and a Sledgehammer nos pasó un poco al revés, que es que estos proyectos que estamos haciendo ahora en tres dimensiones son en colaboración con otro estudio que se llama Selkie Harbour, que son de aquí de Valencia también. Y como ellos sabían hacer cosas en 3D y nosotros nos apetecía intentar explorar esa dimensión, empezamos a hacer prototipos juntos desde 2022. Llevamos haciendo juegos pequeños poniéndolos gratis en Itch. El año pasado lanzamos Many Nights a Whisper, autopublicado, que era también un desarrollo conjunto.

Y Virtue and a Sledgehammer viene de un juguete que teníamos que simplemente queríamos probar cómo era posible un juego sobre destruir todo, sobre explorar la rabia, sobre destrozar cosas con un martillo. Y muchas decisiones se montaron en torno a ese prototipo un poco primero sin saber a dónde íbamos a ir. Por ejemplo, los enemigos eran robots porque era más barato, podemos hacer que sólo nos cueste diseñar un único tipo de enemigo y podemos poblar el mundo entero sin que se quede raro que estén repetidos y demás. Y cuando tuvimos el juguete, vimos que era interesante. Y ahí nos preguntamos: de qué podemos hablar con esto que hemos montado, la destrucción es muy chula, tenemos los robots, tenemos este entorno.

Al principio los primeros prototipos que hicimos exploraban un poco el transhumanismo, ya que teníamos robots, una persona enfadada con los robots y qué implicaba digitalizarse y demás. Pero en las primeras pruebas que hicimos vimos que estaba bastante poco inspirado, de hecho el Soma ya está haciendo esto mucho mejor que nosotros. Porque vamos a volver a explorar ese tema, pero como el prototipo era muy divertido, dijimos de qué podemos hablar, vamos a pensar un poquito más allá de qué podemos hablar con este juego.

Y utilizamos el tema de los robots y la tecnología como una estética más bien y pensamos: vamos a utilizarlo de metáfora para hablar cómo se siente ese sentimiento de que ya no perteneces al lugar en el que te criaste. Y de pronto se volvió mucho más interesante el diseño del juego. Tenemos estos robots, tenemos la tecnología, pero son un vehículo para hablar de sentirte alienada de tu pueblo natal y de que ya no reconoces a nadie, ya no entiendes bien tu origen y cosas así. Y fue con esa decisión que tomamos que el resto de elementos ya empezaron a construirse solos, era muy interesante seguir añadiendo personajes y estéticas y conceptos una vez que construimos sobre la idea de esto.

—Y bueno, vos mencionabas... Que justamente el enfoque es la destrucción y también por un lado lo tienen que hacer divertido, pero por otro lado, o sea, es un juego que trata temas que son como todos los juegos serios o pensativos también en ciertos aspectos medio tristes, no sé cómo decirlo, pero oscuros. ¿Cómo balancean eso de hacer un juego que sea divertido de jugar o que te enganche, pero también que lleve a la reflexión?

Jordi de Paco: —Pues no me... no estoy muy preocupado en entretener a la gente como tal en el sentido clásico de la palabra, me interesa más estimularles. Incluso la jugabilidad del martillo y explorar y romper cosas ya está diseñada para que te haga sentir mal, para que sientas si estás haciendo lo correcto, para generarte una empatía. Normalmente los juegos muy violentos se exploran más como fantasías de poder en los que ves lo genial que eres destruyendo a todo el mundo. Y aquí ya desde los primeros martillazos ya tienes una carga encima, que es el juego me está dejando muy claro que o sea qué esté haciendo lo correcto aquí, por qué estoy haciendo esto.

Y además lo vamos intercalando con escenas del pasado de la protagonista, porque ya que está volviendo a su pueblo y destruyendo su pueblo le resulta inevitable no tener vivencias, no revivir las cosas que le sucedieron aquí, pensar en su madre, en su hermana, en la gente del pueblo. Entonces nos pareció muy interesante el contraste entre la violencia, que es un lenguaje muy habitual en los videojuegos, en contraste con el dolor de que lo que te ponemos a destruir no son zombis o villanos claros, sino es la gente a la que conocías y los lugares en los que creciste. Y nos pareció muy, muy interesante ese contraste en cuanto todo estaba en marcha.

—¿Y cómo fue el proceso de diseñar a la protagonista justamente en este contexto, no, de regresar, de dolor, de romper todo? ¿Y en qué se inspiraron?

Marina González: —A nivel visual la verdad es que creo que es un poco, no voy a decir arbitrario tampoco, pero es de este primer prototipo que yo le decía... bueno, creo que las comentabas de que el juego este ves, en un principio era un juguete sobre destruir y vas por un pueblo destruyendo y eso lo vimos muy interesante, la gente vamos a evolucionar, evolucionar. Y en ese primer prototipo ya estaba la protagonista para hacer con este diseño que en un principio era como un poco de bueno, pues va con su ropa de trabajo y va con su cinturón y va con sus herramientas y tal.

Y siento que es un diseño que debe un poco, o sea, que viene en parte de una idea que en un principio no era la que ha acabado haciendo el juego, pero que lo hemos acabado como reapropiando, yo creo. Pues al final creo que para él no podía ser ahora mismo otra, no me la imagino de otra manera. Pero sí que siento, no, que es un personaje curioso.

Jordi de Paco: —Yo siento que a la hora de escribir a la protagonista, a veces la creatividad funciona así, que es este personaje ya estaba aquí, una vez sabíamos la tesis del juego, ya teníamos que los enemigos eran los robots, que se destruían cosas y que la protagonista era ésta, ya estaba diseñada antes de saber la historia que íbamos a contar. Entonces ha sido ella la que me ha informado a mí, que escribir, a veces le miras a los ojos a un personaje y te habla de cómo quiere ser y cómo quiere contar las cosas. Y creo que es un proceso muy divertido ver cómo un diseño de personaje casi cobra vida propia, y le he proyectado una personalidad que sería muy distinta si hubiéramos trabajado con otro tipo de personajes.

Pero a veces en un desarrollo indie tampoco piensas en tirar esa cantidad de trabajo en plena... tenemos un personaje funcional montado y en marcha, que me dice este personaje, de qué puedo hablar con este personaje. Estoy seguro de que la historia hubiera sido distinta si hubiéramos tenido este personaje, pero me gusta el haber aceptado el desafío de cómo interactúa este diseño de personaje con la historia que hemos montado ahora.

—Bueno, en sus juegos anteriores, por ejemplo en The Red Strings Club, se usa... preparamos tragos para digamos mover la narrativa, contar historias. Y en The Cosmic Wheel Sisterhood también pasa con las cartas de tarot, ¿no? Acá un poco el martillo y la destrucción también son un poco una herramienta narrativa, ¿o cómo funciona eso?

Jordi de Paco: —Sin duda, o sea, hemos... siempre hablamos de que el juego un poco lo hemos planteado como si fuera un walking simulator, pero con un martillo. A pesar de que tenga acción y violencia, va sobre consumir narrativa ambiental, recorrer el entorno, y el cómo dialoga el martillo con el entorno y tu pasado me parece una de las cosas más potentes. O sea, creo que el juego dice mucho cuando lo estás jugando, no sólo cuando estás leyendo o tomando decisiones. Y siempre un poco en nuestros otros juegos que eran más, por así decirlo, visual novel con mecánicas exóticas, las mecánicas siempre estaban ahí para dar un espacio de reflexión.

Por ejemplo, en The Red Strings Club hacer una copa no es simplemente elegir los ingredientes, sino que tú... hay un algo más estético en servir la copa y es un... es un momento en el que tienes que estar haciendo algo, pero con el trasfondo de lo que está sucediendo narrativamente. Y eso te da espacio para pensar, no simplemente elegir una opción de una bebida. Al igual que en The Cosmic Wheel estás creando cartas y pasas un tiempo modificando elementos y tal, pero tienes una narrativa de fondo, y eso creo que permite que el tema crezca y se desarrolle en tu cabeza. Y Virtue and a Sledgehammer no deja de ser eso, porque te plantamos quizá una escena en la que se ve cómo te escondías con tu hermana en una cueva a fumar sin que os viera vuestra madre. Y luego sales de ahí y tienes que atravesar un cementerio y romperlo todo con el martillo.

Y después de eso ves una escena de cómo tendrías el funeral de tu abuela y luego vuelves y rompes esas zonas con el martillo. Entonces creo que es un constante diálogo con el escenario, es un personaje más del juego y tú... tú puedes elegir cómo lo tratas, cómo te relacionas con él. Me parece que no deja de funcionar el gameplay como ha funcionado en el resto de nuestros juegos hasta ahora a nivel narrativo.

—Ustedes como estudio que ven, como bien decías esos juegos anteriores son más visual novels y ahora es un juego más enfocado a la acción, ¿siempre quisieron hacer un juego así, digamos, o se dio la oportunidad, o quizás antes no lo podían hacer y ahora pueden hacer...?

Jordi de Paco: —Sí, yo siempre digo de broma que siempre que este es el primer videojuego de verdad que hacemos, porque los juegos 2D son... de verdad, es una broma que hago, de que al final del día cuando termino de trabajar me gusta encender la Play y jugar al Uncharted y siento que es un juego de verdad, tener un personaje, moverlo por un espacio, se siente muy especial el cómo llegamos a esto. No sé si quieres contar, Marina, un poco la colaboración con...

Marina González: —Sí, o sea, yo creo que esto es una cosa que habíamos pensado a veces en hacer juegos en 3D, pero a nivel técnico no podíamos, por a nivel de programación de arte, etcétera. Ahora, como, vale, esto es una cosa que no... que no dominamos y tenemos ya... estábamos muy cómodos, no, haciendo juegos 2D, o sea, cómodos en el sentido de que estábamos muy bien, y surgió la idea de colaborar con... Selkie Harbour, que es un estudio de valencia que también somos amigos y conocemos hace años y que ellos venían de la industria, que estaban haciendo juegos, pero querían dejar sus empresas, no, y pasarse a lo indie. Y nosotros justo estábamos como acabando The Cosmic Wheel y tal.

Y entonces surgió la idea de, oye, ¿por qué no nos juntamos aquí un poco y vemos qué podemos hacer juntos, no?, con esta cosa de músculo muy técnico y programar en Unreal, en 3D, animación y demás. Y por nuestro lado, no, pues el camino que habíamos estado haciendo con nuestros juegos narrativos en 2D y tal. Y ahí surgió la colaboración y desde entonces, desde 2022 o así, hemos estado haciendo el juego. Y la verdad es que muy bien, muy... muy distinto, la verdad, a los juegos en 3D que en 2D. Y a veces se siente que haces un juego, sí, un poco más de verdad, en plan de ostras, estás explorando aquí este entorno y todo lo que ves y tal. O sea, para mí... que muevas... que muevas un personaje en un videojuego y veas todos los detalles, no, que en los juegos en 2D pues no puedes hacerlo, pues es como que no sé, ¿no? me gusta cómo cuidar cada detalle de todo lo que pasa porque piensas que cada persona va a poder verlo.

—Bueno, sí, justo los dos mencionaron como el lado... no sé, bueno, las ventajas del 3D, pero viniendo tanto del 2D, ¿tuvieron desafíos o momentos que se les dificultó y cómo fue eso?

Marina González: —Sí, sí, yo creo que por una parte de diseñar creo que los juegos en sí... o sea, sobre su mayor tipo de... puede comentar más, porque creo que es distinto, no, la idea de cómo una persona experimenta y juega un juego en 3D que en 2D. A nivel visual, artístico o estético lo que sea pues también ha sido un reto, porque queríamos seguir manteniendo el pixel art, no queríamos abandonar eso. Entonces ha sido un poco que cómo hacemos, no, que o sea cómo juntamos el 3D que ya sabíamos que iba a ser un poco low poly, sin demasiada... no, pues como no personajes hiperrealistas, o sea, no íbamos por ahí para nada. Pero cómo juntamos un estilo low poly manteniendo un poco la estética o la esencia de los juegos que veníamos haciendo.

Entonces ha sido un poco prueba y error, no, de ir haciendo pues personajes, entornos, iluminaciones, etcétera, hasta dar con un estilo que de verdad pues nos... nos gustaba para nuestras historias. El juego que mencionaba antes, Jordi, Many Nights a Whisper, que sacamos el año pasado, creo que ya era como un poco más de, vale, este estilo nos gusta, cómo ya estamos encontrando el camino. Y Virtue and a Sledgehammer sigue un poco esa estela, con otro estilo visual distinto, con otro tono y demás. Pero... pero como que ha habido muchas cosas de a veces sentir que no sabía lo que estaba haciendo realmente, no, porque me sentía que entonces pues ya sabía bien hacer animaciones en pixel art y escenarios, etcétera, era como que esto lo tenemos dominado y de repente aquí no. Y entonces es también a veces desafiante.

Jordi de Paco: —Ha sido muy, muy difícil porque se sentía como volver a empezar, como volver a aprender a hacer videojuegos. Teníamos tanta zona de confort ya, que las primeras cosas que hacía yo estaba muy frustrado. Era como en plan de, guau, no, quizá no sé hacer juegos en 3D, quizá debería rendirme y dedicarme a hacer los juegos que hemos hecho siempre. Pero para eso creo que funciona muy bien la filosofía que tenemos de entre proyectos comerciales hacer juegos pequeñitos, juegos que son de un mes de desarrollo o poco más, ir poniéndolos gratis en Itch, que da mucho menos miedo fallar en Itch que en Steam.

Entonces los pones, ves cómo reacciona la gente, ves cómo son tus habilidades, cómo funcionan las cosas en 3D. Y me ha dado así una temporada desde 2022 en el que he sentido mucho miedo, pero también mucha emoción. En plan era como de pronto divertido, como llevamos ya 15 años haciendo juegos y se sintió un poco como volver a esos primeros días en plan, guau, ¿qué son los videojuegos, cómo se hacen, cómo puedo montar esto? Y volver a sentirse así creo que ha sido muy valioso y le ha metido una nueva energía a las cosas que hemos estado creando ahora. Y este proyecto...

—En base a todo esto que aprendieron y demás, ¿ustedes lo ven como no sé, una evolución, una nueva identidad, o volverían quizás a otro proyecto 2D así grande?

Jordi de Paco: —Yo de lo que estoy contento ahora la... no sé qué va a pasar en el futuro. Tengo muchas ganas de crear cosas nuevas porque eso me ha dado muchas nuevas herramientas, pero no veo, o sea, nos veo volviendo al 2D alguna vez, sólo que ahora hacer algo en 2D o en 3D será una decisión y no una imposición. Y eso me parece genial, tener ahora la mente de quiero transmitir esta emoción, quiero desarrollar esta experiencia de forma interactiva, ¿qué le viene mejor a este diseño, un entorno 2D, un entorno 3D? Es genial ahora tener las capacidades. No simplemente antes pensaba todas nuestras vías como si fueran obras de teatro, siempre las en planos generales, los personajes ahí de pie hablando, y ahora pienso en el espacio, en qué cuentas con las cámaras, es de pronto muy interesante el poder elegir qué hacer con esto.

—Bueno, y última pregunta, que capaz es más personal, pero si tuvieran que elegir una cosa de Virtue and a Sledgehammer que sienten que no habían podido conseguir en juegos anteriores, ¿cuál sería y por qué?

Jordi de Paco: —Yo lo tengo claro. Yo creo que deberíamos decir una cada uno, porque cada uno ha tenido... yo para mí es el absolut cinema, en plan creo que no teníamos cine antes, la cinematografía es una cosa increíble, lo que puedes contar sólo con la composición de un plano, que se podría hacer en 2D, pero es mucho más caro generar una imagen nueva para cada cosa que quieres contar. Y en 3D, simplemente moviendo una cámara de lugar, puedes hacer un personaje sentirse pequeño, una situación más opresiva, una escena más sugerente. Y es una herramienta tan poderosa que me siento que apenas he empezado a explorarla, la quiero utilizarla mucho más, quiero hacer mucho más cine.

Marina González: —Me debato entre dos, pero creo que voy a decir la exploración, porque pensando en cuando hablábamos antes la diferencia entre hacer juegos en 3D, en 2D y tal, era una cosa que también me daba miedo y a la vez me daba como emoción, no, de esa cosa de diseñar un entorno, un nivel, un ambiente que una persona jugadora explore y que siente a través de ese espacio, creo que es algo que no podíamos hacer en 2D. Entonces es como me parece algo chulísimo, no sé, y que me gustaría también seguir explorando cómo crear esas cosas. Además, crear entornos me está gustando muchísimo. Entonces es algo muy guay.

—Bueno, muchas gracias a ambos por el tiempo y muchos éxitos también. ¡Me dieron muchas ganas de jugar! Yo creo que el juego va a ser una gran sorpresa, la verdad.

Marina González: —¡Gracias!

Jordi de Paco: —Bueno, muchas gracias.

La maternidad aparece una y otra vez durante la charla: la culpa, el puerperio, la lactancia y cómo reorganizó su vida profesional desde que nació su hijo. En medio de la conversación, incluso, interrumpe unos minutos la entrevista para darle la mamadera a Sur, con quien llegó al estudio de Infobae. El episodio, breve y cotidiano, resume buena parte de su presente: una actriz con una carrera consolidada que ahora acomoda sus tiempos a las necesidades de su bebé.

En paralelo, volvió a ponerse en la piel de Yeimy para reencontrarse con el público argentino. La reina del flow tuvo un gran recibimiento durante su paso por el país, con dos Movistar Arena llenos y miles de fanáticos que volvieron a cantar las canciones de la serie junto a sus protagonistas. Para Carolina, regresar con ese personaje que interpreta desde hace casi diez años es mucho más que retomar un papel: es reencontrarse con una historia que ya forma parte de varias generaciones y que, a pesar del paso del tiempo, nunca terminó de soltarla.

Pero detrás de la actriz y de la mujer que acaba de convertirse en madre hay también una historia de búsqueda personal. Carolina cuenta que durante años quiso tener un hijo, atravesó pérdidas y tratamientos y llegó a pensar que quizás la maternidad no iba a suceder. En ese camino recurrió también a herramientas espirituales. Entre ellas, una experiencia que nunca había contado públicamente: el año pasado tomó ayahuasca junto a sus padres. Según relata, aquella ceremonia le permitió dejar de ocupar el lugar de “madre” de su propia familia y volver a sentirse hija. Tres meses después quedó embarazada de Sur y se abrió un nuevo capítulo en su vida.

—Hermoso recibirte. Qué fenómeno La reina del flow, por favor.

—Impresionante, no lo puedo creer realmente. Soy vieja con esto (risas). Imagínate que empezamos a grabar en el 2017.

—¿Y en qué mujer te convertiste en estos casi diez años?

—He pasado por mucho. Esa primera Carolina, la que dijo que sí, no quería hacer la serie. Cuando la acepté fue por una necesidad económica, pero venía de no hacer mucha televisión, estaba haciendo teatro y de pronto apareció la propuesta y dije que no quería, sobre todo por el formato, tan largo.

—¿No había un poco de prejuicio?

—No, es que yo sé lo que implica protagonizar una serie de largo alcance. Hacer muchos capítulos es dedicar tu vida a eso durante muchos meses. De hecho, estaba planificado para seis meses de rodaje y llevo diez años. Ya la segunda temporada fue una sorpresa hacerla.

—¿Qué cosas te pasaron en estos años?

—Muchas cosas. En esa época estaba casada con otra persona y tenía mucha energía para hacer un montón de cosas. Todavía la tengo, pero es diferente, ahora estoy instalada en otro lugar, tengo un hijo. Pasó una pandemia que nos puso a pensar en qué lugar queríamos estar, y en medio hice varias cosas: hice cine, vine a vivir a Argentina, después me fui a vivir a México, acabo de regresar. De todo.

—¿Cuándo te diste cuenta de que La reina del flow se había convertido en un furor?

—Creo que es reciente. Yo sabía que era un proyecto al que le había ido muy bien porque antes de romperla en el mundo la rompió en Colombia, ése fue el primer termómetro. Pero a mí me cuesta mucho creerme las cosas, suelo restarle importancia para poder seguir siendo normal. Insisto mucho en eso: quiero poder ir al cine, subirme al subte, tomarme un colectivo, entonces tiendo a no mirar al personaje desde el lugar de que es una rockstar. Para mí la rockstar es Yeimy, no yo. Imagínate ser Shakira todo el tiempo. En cambio, yo no soy Yeimi, soy Carolina, que interpreta un personaje.

—¿Y cómo te llevás con que mucha gente conozca y ame a Yeimy pero no a Carolina?

—En algún momento me chocaba. Pensaba: “La gente no conoce mi trabajo, me voy a encasillar en este personaje”. Ahora, viendo todo en perspectiva y con mucha calma, digo: qué suerte. Porque la gente ama un personaje y yo interpreto a ese personaje. Los fans son los fans de Yeimy y ella es un personaje de ficción, eso es maravilloso. Hacer conciertos donde yo ni siquiera canto, donde la que canta es el personaje, también me ayuda.

—¿Hay algo de escudo en eso?

—Sí, lo tomo como si fuera una obra de teatro con muchos espectadores y me apoyo en el hecho de que lo que le pasa al personaje le pasa al personaje, no me pasa a mí y de alguna manera, me protejo. Además, es una participación especial la mía, no pude estar en los ensayos ni el montaje, me uno sobre la marcha. En el auto voy estudiando las canciones, en videito voy aprendiéndome las coreografías, creo que en otras condiciones no sería posible.

—¿Por qué decidiste aceptar esta participación?

—Obvio que también porque es Argentina. Yo tengo un amor particular por este país, es mi casa. No sé por qué, pero vengo acá y no me siento extraña ni extranjera. Siento que hay algo que me hace estar acá. Cuando empezaron las giras estaba embarazada y no podía hacer la de España. Además, ya tenía firmadas la tercera y cuarta temporada de En el barro. Entonces todo se cruzó, pero cuando se habló de los shows les dije: “Si lo hacen, ¿por qué no van a Argentina?”. Hay mucho público acá y yo tenía ganas de estar.

—¿Sentís que el público argentino es diferente?

—Es único, te lo juro, no existe un público como el argentino. Incluso lo sé por la hinchada de la cancha. Ustedes tienen dentro de su cultura, de su sangre, ser espectadores, el espectáculo.

—¿Tenés también una relación con el fútbol?

—Mi papá fue futbolista, tengo muchos primos futbolistas. Yo siempre quiero que Messi no llore nunca, que sea feliz siempre. He disfrutado mucho el fútbol gracias a él y a los demás. Y también soy fan de Scaloni, del ser humano que es. Me parece el argentino modelo.

—¿Hace cuánto que venís a la Argentina?

—Vengo desde 2008 y vine a vivir en 2021. Tuve una familia política argentina que amo mucho y que en su momento era mi familia. Viajé todos los años.

—Cuando empezó La reina del flow, ¿esa Carolina ya soñaba con ser mamá?

—Sí, sueño con ser mamá desde 2013.

—¿Hiciste mucho por ser mamá?

—Sí, pero sobre todo tuve que reconciliarme con el hecho de que no es cuando yo quiera, sino cuando él quiera. Y soltar, porque cuando más quise, menos pude. Y cuando dije “bueno, ya está”, pasó.

—¿Pensaste que quizás no iba a suceder?

—Sí, mucho tiempo. Me divorcié a los 40 años y pensaba: “¿A los 40 años a quién voy a conocer? ¿Qué tiempo?”. Nunca pensé en una inseminación, en un vientre subrogado ni siquiera en una adopción. A mí el concepto de familia me parece hermoso, no sé si mi sueño era ser madre soltera.

—En pareja sí pasaste por tratamientos.

—Sí, pasamos por ahí y también por pérdidas. Fue un momento triste, yo quería vivir la experiencia de la maternidad, pero también la experiencia del embarazo, de que pasara por mi cuerpo. Esa parte me angustiaba no vivirla.

—¿Hubo un duelo?

—Sí, mucho tiempo. Todo esto me pasó antes de los 35 años y para los 36 ya más o menos dije que no iba a pasar nada y solté.

—Y en paralelo había una mujer profesional que no paraba de crecer también. ¿Cómo se unían esos dos mundos?

—También puedo decir que en la vida escogí muy buenos compañeros y socios de vida. Tuve un gran socio de vida que me acompañó mucho en esa escalada. Cuando conocí a mi exmarido acababa de terminar La hija del mariachi, la novela con la que me di a conocer en Colombia y un poco en la parte internacional. Como no existían tanto las redes, no explotó como La reina del flow, pero fue muy exitosa. A partir de ahí empecé a escalar con muchas tiras, no paré. Y tuve un compañero al lado con el que construimos un montón.

—¿Hubo una decisión de empezar a buscar con tu pareja nuevamente?

—Yo siempre estuve abierta a que pasara una cigüeña, pero mi pareja no. Él es cinco años menor que yo y tenía una vida completamente diferente, donde no estaba establecido eso. Pero un día le llegó, mágicamente. Me lo propuso y yo dije: “Claro que sí, por supuesto, hagamos”. Y nueve meses después, fin. Pasaron muchas cosas. Nos fuimos a vivir a México y tuve un acercamiento a una vida mucho más tranquila. Vivía en Playa del Carmen, tenía contacto con el mar todos los días y fue como desenchufarme, ponerme en manos de Dios, de la vida, de estar acá y ahora. Eso me ayudó, tenía muchas más herramientas para llevarlo y estaba en un lugar paradisiaco, fuera de toda responsabilidad de laburo.

—¿Retomaron la búsqueda con ayuda médica o esperaron?

—No, cambié la alimentación, no tomo alcohol hace casi tres años. Como que dije: “Si es un tema hormonal, ¿qué tengo que hacer? Que mis hormonas piensen distinto”. Entonces saqué muchas cosas de mi alimentación y estuve muy pendiente de qué alimentos podían estar interfiriendo. También entendí que el ritmo de vida importa. La conexión con la vida, con uno, con la naturaleza, alejarme de este mundo tan plástico. Creo que eso sirvió un montón.

—¿Habías pasado por muchos tratamientos antes?

—No muchos, pero los suficientes para atravesar el dolor de la frustración de no poder. Uno pone mucho el cuerpo y la mente. Y la mente, la loca de la casa, es bastante compleja. Te dice: “No vas a poder, no vas a poder”. Y una va creciendo y piensa: “La mujer tiene 40 años, no puede tener hijos”. Lo loco es que cuando cumplí 40 me acuerdo de haber pensado: “Guau, me convertí en la mujer que siempre soñé ser”. Y qué hermoso sería que todas las mujeres llegáramos a ese punto de nuestra vida diciendo: “Listo, ahora quiero ser mamá”. Porque la maternidad es tan dura que más vale que sea deseada.

—Y ahora que finalmente llegó, ¿cómo estás viviendo estos primeros meses?

—Hay momentos en que no puedo más. Tengo tendinitis en las dos manos porque el gordo es gordito. No dormir, todo eso... Pero no siento que esté renunciando a nada de mi vida por hacerlo, siento que llegué a este punto habiendo hecho un montón. Es como si toda mi vida me hubiera preparado para este momento, entonces lo recibo con mucho amor, mucha alegría y mucho deseo.

—Sur nació con 4,5 kilos.

—Sí, 4 kilos 500 y 56 centímetros. Ahora tiene tres meses y usa ropa de nueve meses.

—¿Vos querías tener un parto en tu casa?

—Yo quería que naciera en mi casa, en la tina, con partera, con tambores, con inciensos, con toda la jipada. Y el cuerpo dijo: “No, querida, al hospital”. Yo vivía en la selva, en chancletas, con el pelo suelto. Estaba convencida de que quería conocer mi cuerpo haciendo el trabajo de parto, pero el bebé venía muy grande y yo venía muy mal de las hemorroides. El ginecobstetra me dijo que en casa no iba a ser, pero que podía tenerlo con mi partera y en agua, en una sala preciosa de parto humanizado del hospital. Al día siguiente, que era el día programado, tenía contracciones, pero no dilataba. Entonces dije: “Bueno, sacámelo, ya está”. Y fue hermoso. Una cesárea humanizadísima, con la música que quisimos, el papá tomó las fotos que quiso, me lo pusieron acá, me cortaron el cordón cuando yo quise. Conocí la placenta y guardé un pedacito, hice cápsulas y me las comí.

—¿En serio?

—Obvio, si estaba en la jipada ¿cómo no voy a hacerlo? Imagínate estar en la jipada y no comer placenta, pero que quede claro que en las cápsulas, no a lo Walking Dead (risas). La disecan y la ponen en cápsulas. No sé para qué sirve te confieso, pero para algo sirve. En México conocí todo este tema de la partería y los partos humanizados, es muy hermoso saber que tu cuerpo puede dar vida.

—¿Y cómo fue aceptar que el parto finalmente fuera distinto a lo que habías imaginado?

—Lo más importante siempre fue Sur. Y yo obviamente, porque Sur necesita una mamá viva también. Entonces, en ese sentido, respeté mis tiempos, respeté sus tiempos, y tuve el parto que tenía que tener. Lo agradezco y lo recuerdo con mucho amor, porque la verdad que las cesáreas son durísimas. Los que dicen que las mujeres somos vagas porque tenemos por cesárea no saben lo que es tener una.

—¿Te encontraste con mucho opinólogo?

—Yo aprendí una cosa en la vida: no miro lo que no quiero que me afecte. Sé que va a haber opiniones y que hay gente que se cree dueña de la verdad, lo respeto, pero no me traspasa. Tengo muy claro lo que quiero sentir y voy a eso. Entonces no doy papaya, como dicen en Colombia, no me vulnero como epicentro de crítica. Si algo no me gusta, hay un botón hermoso que se llama bloquear.

—¿Y con las opiniones familiares?

—Con mi mamá, que la amo y es el amor de mi vida, siempre fui muy clara desde el amor. Le dije: “Ma, esta es mi oportunidad. Esta hora es mi momento”. Agradezco su experiencia y hay cosas que ella sabe que yo necesito. Mi mamá fue niñera durante 15 años, es una abuela increíble, está enamoradísima de mi bebé y llora todos los días porque no vive en el mismo país que yo. Recibo con alegría a mamás y abuelas que enseñan cosas buenas para la vida, pero si tengo que callar bocas desde el respeto y el amor, lo hago.

—¿Y cómo está la pareja?

—Hermoso. Es un socio maravilloso y la verdad estoy muy contenta con la familia que estamos haciendo. Cumplimos tres años en febrero.

—A vos te gustan los argentinos, sos un poquito nuestra.

—A mí me encantan. No, yo no sé si me gustan los argentinos, me gusta él. Y me gustaba el otro (risas).

—Seguís diciendo “mi novio” y tienen un hijo. ¿No te querés casar?

—Sé que es raro que diga que es mi novio aunque tenemos un hijo. Y no es que no me quiera casar. Casarse es hermoso, pero ahora somos los papás de Sur. Yo ya viví la experiencia, ya fui mujer, ya tuve marido, ya me casé de blanco y fue hermoso, honro cada año de mi vida que fue así. Pero quiero seguir siendo novia, me parece lindo eso. Creo que esa es la lucha: no dar por sentado que estamos juntos. Por ahora: socios, compañeros.

—¿Cómo fue el embarazo y esta maternidad tan reciente?

—Ya tiene tres meses, no lo puedo creer. Siento que toda mi vida tuve a Sur, no sé cómo era mi vida antes sin él.

—¿Te quisiste escapar ya en algún momento de tu casa?

—Lo que pasa es que como me tocó salir por trabajo, no tuve la necesidad de huir. Al contrario, quiero huir de donde estoy para llegar a mi casa y estar con él.

—¿Y la culpa? Porque la maternidad viene con un paquete bastante grande.

—Ser madre viene con un paquete de culpa impresionante. Obvio que pasé por ahí. Cuando no se me pegaba bien de la teta tenía culpa, pensaba que se iba a morir de hambre, que no era capaz, todo drama. Pues pasa, es hormonal todo. Si uno escribiera las cosas que se le pasan por la cabeza, es una telenovela mexicana, Thalía es una huevona al lado nuestro (risas).

—¿Y ya se acomodó un poco el puerperio?

—No, yo creo que todavía no. A veces no te da con locura, también te da con melancolía o de pronto sentís que algo está sobrepasado un poquito. Pero es que es un amor tan grande que yo creo que estás segregando tanto amor todo el tiempo que algo te tiene que desajustar o ajustar. Tal vez lo que estamos haciendo es ajustándonos.

—También tenés una relación muy particular con el llanto.

—No hay una cosa que de verdad produzca tanto placer como llorar, me sirve para vaciarme, depurar y seguir. Tuve épocas muy dramáticas, fui muy llorona siempre, desde chiquita. Y también he hecho telenovelas increíbles gracias a mis llantos, porque lloro muy bien en la ficción.

—¿Cómo llegó la propuesta de En el barro?

—En 2023 estaba recién separada, tenía mi departamento de soltera y un pelo rubio rarísimo, esas cosas que una hace cuando se quiere reinventar. Hice el casting y quedé, fluyó y asumí este personaje que es el más bueno que he hecho: la más buena de todas, la más boluda y la que está en un contexto completamente diferente.

—¿Están grabando dos temporadas juntas?

—Estamos grabando la tres y la cuatro, y es hermosa la experiencia de trabajar con tantas mujeres. Hemos cerrado una que otra boquita donde dicen que las mujeres juntas hacemos quilombo y las mujeres juntas hacemos cosas maravillosas: cada escena de sororidad, de compañerismo, de parcería, de acompañarnos. Por eso, cuando quedé embarazada y sabía que tenía que hacer las temporadas, acepté aunque iba a estar en el puerperio. Dije: “No me importa, voy a estar rodeada de mujeres. ¿Qué mejor puerperio que ese?”. Y no me equivoqué, porque voy ahí y es como que me repotencio, tengo un montón de mujeres alrededor que son mamás y aprendo un montón. Y si me canso, Sur rota de mano en mano, porque él se duerme en todas las manos posibles.

—Se nota que sos muy generosa y abierta con esto de venir con Sur. ¿Cómo lo manejás?

—Cuando me dijeron que tenía que venir a la entrevista y contemplé la posibilidad de que tenía que venir con él, pregunté: “¿Hay mujeres?”. “Sí”. “No pasa nada”. Si hay mujeres, estamos.

—Esta conexión con el universo femenino y con el acompañamiento entre mujeres, ¿la tuviste siempre?

—Se ha potenciado un montón en Argentina, que he conocido mucho la sororidad y el feminismo desde que vine. Tengo muchas amigas argentinas. Colombia también tiene un movimiento femenino fuerte, pero yo no estaba tan conectada con las mujeres porque vengo de una familia de muchos primos varones. Todos muy hermosos, de esos hombres que vas a la casa y no te dejan lavar un plato.

—¿Nunca sentiste ese lugar del machismo?

—No, en mi casa tampoco. Con mis papás y mi hermano, cero. De hecho, mi hermano es el que cocina en la casa. Él estaba a cargo de cosas que uno diría: “No, eso le corresponde a la mujer”. Entonces, desde ese lugar, no necesité de las mujeres para sostenerme en mi idiosincrasia. Pero cuando llegué a Argentina me encontré con un montón de mujeres: amigas, amigotas, mamás. Y ahí dije: “Ve, ve”.

—¿Qué te generó conocer ese feminismo argentino que incluso impulsó el Ni Una Menos?

—Creo que, con respecto a México y otros países de Latinoamérica, hay años luz. Y ha sido muy interesante entenderlo.

—Volviendo a En el barro: tu personaje también está atravesado por la maternidad. ¿Qué te pasaba a vos, después de tu propia búsqueda, al interpretar a una mujer que vive eso?

—La mayoría de los personajes que se me han atravesado en la vida han sido madres. Incluso La reina del flow, porque para mí, Yeimy, ante todo, es madre. Ella se moviliza por haber creído que había perdido a su hijo. En En el barro y en otros personajes también ha estado muy presente la maternidad. Lo bueno es que ahora que soy madre digo: “Ay, qué bien, no lo hice tan mal” (risas). Porque yo me basaba en mi mamá y en las madres que tenía alrededor, pero no en mi propia experiencia, y ahora que lo reveo y entiendo un poco las elecciones que tomé, digo: muy buena mi capacidad de observación.

—¿Sentís que la maternidad te dio una fuerza diferente?

—Sí, y también ese pensamiento único: todo es él. Me estoy recuperando de una gripe que, si me daba de soltera, a los dos días me iba a la guardia y me internaba, olvidate. Pero dije: “Tengo que estar de pie porque Sur me necesita”. Y te parás.

—¿A qué edad empezó la danza en tu vida?

—A los nueve. Era muy cansona, muy hinchahuevos en el colegio. Hacía todo muy rápido, me encantaba treparme a los árboles y tenía mucha energía. Entonces mis papás dijeron: “La niña necesita”. Y entré a una escuela de ballet, como la Escuela del Teatro Colón que existe en Colombia e hice toda mi formación como bailarina, que básicamente fue la base de todo lo que hice después.

—¿Te lesionaste en algún momento?

—Me lesioné de todas formas: me rompí la rodilla, voy a ser una viejita con los dedos tiesos, pero para eso falta un montón (risas).

—Pero también hay mucho amor y agradecimiento por esa etapa.

—Creo que la danza lo que hizo en mi vida fue darme el orden que necesitaba para poder ser lo que soy ahora. No sé si como actriz tendría las herramientas que tengo si la danza no hubiera sido parte de mi vida. De hecho, todavía opero mentalmente como bailarina.

—¿Volverías a elegir ese camino, con todo el sacrificio que implicó?

—Sí. Estudié en una escuela increíble y tuve una formación increíble. Tal vez habría tomado otras decisiones: si no me hubiera empecinado en que quería ser bailarina clásica, tal vez podría haber explorado otras cosas.

—Tal vez no aparecía la actriz.

—Para que apareciera la actriz tenía que estar esa bailarina. Yo siempre lo digo: la actuación me salva la vida, porque la danza estaba acabando conmigo físicamente. Yo quería ser y hacía lo que fuera por conseguirlo: si tenía que cortarme un brazo, me lo cortaba. En cambio, la actuación llegó a decirme: “Está todo bien”. Igual mi cuerpo tiene memoria y lo vi ahora en los shows: llevo un año sin hacer ejercicio porque tuve un embarazo con una panza muy grande y pubalgia, después vino el posparto y la cesárea. Y cuando Sur cumplió tres meses, al otro día me monté al escenario en Chile y el cuerpo respondió, así que a la bailarina le doy las gracias todos los días.

—¿Quedó también algo de esa búsqueda espiritual que atravesaste durante el embarazo?

—Sí. Martín y yo promulgamos mucho eso, sobre todo él. Es una persona muy conectada, un maguito. Yo tuve experiencias espirituales que siento que tuvieron que ver con sanarme, sobre todo con mis padres.

—¿De qué tipo?

—Con mis papás tomé ayahuasca. Tuve una ceremonia con ellos y fue increíble. Dura, muy difícil, porque eso de verdad es una medicina.

—¿Quién lo propuso?

—Mi papá. Estábamos en México y me dijo: “He estado investigando mucho y me parece que nosotros tenemos que tomar una medicina. Quiero hacer ayahuasca con su mamá y usted también”. Y yo: “¿Qué, papá? Yo no quiero”. Y él: “Nosotros tenemos muchas cosas que sanar como familia”. Y bueno, fue la mejor constelación familiar de la vida. Esa experiencia fue hermosa.

—¿Cuándo sucedió esto?

—Fue el año pasado y, tres meses después, quedé embarazada. En esa ceremonia apareció algo que yo tenía que sanar: dejar de ser la mamá de mis papás, dejar de ser la mamá de otros, para poder aprender a ser la mamá de Sur. Y eso se reveló en un día, conectada con las estrellas y se ordenó: mi papá fue mi papá, mi mamá fue mi mamá y yo empecé a ser la hija. Y eso fue maravilloso.

—¿Se contaron mutuamente que vivió cada uno en la experiencia?

—Claro. De hecho, la medicina es tan inteligente que desajusta al que necesita ajustarse y, cuando desajusta a uno, ajusta a los demás. La que se desajustó fui yo y hubo un momento en que mi mamá me acunaba como a una bebé.

—¿Ella no estaba en su propio viaje?

—Sí, pero mi viaje se conectó con el de ellos. Mi papá fue mi papá y me dijo una frase maravillosa, con un bastón en la mano: “Nosotros vamos a estar contigo siempre”. Y mi mamá me acunaba como a una nena para que yo volviera a ser la hija. Porque yo empecé a trabajar muy chiquita y hacerme cargo de cosas que tal vez no correspondían. Agradezco haber podido ayudar a mi familia, pero en algún momento hay que soltar eso y volver al lugar. Hasta que yo no volví al mío, mi cuerpo no iba a funcionar. Porque yo ya era mamá de otros, entonces, ¿cómo iba a ser mamá de Sur si ya era mamá de otros?

—¿Dónde hicieron la ceremonia?

—En México. Fue en un ambiente abierto, regulado, cuidado, profesional. Es una experiencia espiritual muy fuerte que necesita ser guiada y acompañada, porque así como ves tu oscuridad, ves tu luz. Y esa luz fue increíble: te convertís en un canal de amor, de claridad, de entendimiento y de acercamiento y así fue con mi mamá.Nosotras tuvimos nuestras dificultades como madre e hija cuando cumplí los 20, fue muy difícil porque ella después se va a Estados Unidos con mi papá, por mucho tiempo, se alejan un poco. Yo me caso, hago mi vida aparte. Y ese día me hizo una confesión de amor increíble: me contó lo deseada que yo fui, el amor con el que me esperó y cómo sabía que yo era yo. Abrazadas las dos, confesándonos mutuamente el amor, entonces tener esos espacios de poder acercarte a tus padres. Y la medicina, además, me hizo doblar las piernas y besarles los pies a mis papás, porque hay una cosa que pasa en la vida: crecemos y un día nos creemos más grandes o superiores a nuestros padres, nos las sabemos todas y olvidamos que ellos son nuestros papás y que los chiquitos somos nosotros. Entender eso y ubicarme en ese lugar fue mi cierre para sanarme y quedarme embarazada a los tres meses. Fue increíble, cada uno tenía su equipaje y fue una experiencia familiar excelente.

—¿Que le dijiste a tu papá post experiencia?

—Mi papá también resolvió sus cosas. Él me lo agradece mucho a mí porque yo estaba en ese contexto. Nosotros con Martín tenemos un espacio que se llama Casa Resonance, que es un centro cultural de la conciencia donde se hacen conciertos, eventos, y justo ese fin de semana que llegan mis papás a México teníamos contratada esa ceremonia. Y cuando mi papá se da cuenta, es cuando nos dice: “yo quiero hacerlo con todos ustedes”. Entonces fue increíble.

—O sea, tenía que ser, porque ustedes estaban ya trabajando en ese camino...

— Y el nombre Sur también llegó de una manera especial. Le llegó en un sueño a Martín. Me dijo: “Sur, Sur”. Nosotros no supimos el sexo hasta que nació, pero ya sabíamos que era Sur. Esas cosas mágicas que pasan.

—Se te ve muy feliz y luminosa.

—Sí, estoy muy feliz. Es un muy buen momento de la vida, como que estoy recogiendo. Siento que me preparé toda la vida para esto y estoy en un buen lugar, disfrutándolo todo.

—¿Estás preparada para guardar a Yeimy?

—La amo, es maravillosa y tengo tanto para agradecerle, pero creo que la gente es la que no está preparada para guardarla. Yo lo quise hacer y no me dejaron. Y en realidad estoy haciendo esto por la gente, porque si fuera por mí, me quitaría el traje, lo dejaría guardado, le pondría un marquito dorado y ya está. Pero también entiendo todo el impacto que causó esta última temporada, que fue tan difícil para todos. Si puedo contribuir a que la gente sea un poco más feliz, saco el traje y me lo pongo con mucha humildad y, sobre todo, con mucho agradecimiento.

—¿Cómo sigue el año?

—Estoy muy emocionada por la oportunidad de hacer la obra de teatro más grande y con mayor público que hice en toda mi vida. Vienen otras fechas por Latinoamérica y voy a tratar de estar en todas, pero también tengo un compromiso enorme: un hijo y él es prioridad siempre. Él me está dejando hacer todo. Y quiero vivir el día a día, ahora por ejemplo, quiero salir a tomarme un cafecito rico y comerme un muffin. Y seguir disfrutando.

Con motivo de la celebración del 30.º aniversario y tras el anuncio de Diablo V, el universo de Santuario se adentra en su etapa más oscura. En esta entrega, la premisa es implacable: los héroes del pasado han fracasado, el Señor del Terror ha conquistado el continente occidental desde el trono de Westmarch y la humanidad sobrevive en un mundo en ruinas, inestable y moldeado por el propio infierno.

En esta ocasión, exploramos los pilares narrativos y de producción junto a Jennifer Hepler, Narrative Director, y Tiffany K. Wat, Senior Production Director. Mientras el equipo sienta las bases de un sistema de objetos inspirado en los clásicos y abre el diálogo con la comunidad de cara a 2027, ambas creadoras nos cuentan cómo están afrontando este gigantesco reto creativo. A continuación, Jennifer Hepler y Tiffany K. Wat nos detallan cómo han transformado la caída de Santuario en el punto de partida perfecto para una nueva era en la saga.

—Acabamos de ver el anuncio y, ante todo, felicidades, estuvo genial, generó mucha expectación y solo puedo imaginar lo que ha sido guardar el secreto de Diablo V durante tanto tiempo. ¿Qué pasa por sus mentes en este momento al ver que finalmente sale al mundo y que los fans han reaccionado tan bien?

Tiffany K. Wat: —Es como una enorme... no sé cuál sea la versión positiva de “quitarse un peso de encima”, pero es muy emocionante poder compartir algo que me entusiasma y apasiona tanto desde hace bastante tiempo. Saben, creo que en el camino hacia la BlizzCon, obviamente observando de qué habla la comunidad -especialmente los jugadores de Diablo y lo que esperan de nosotros y les emociona-, siempre es muy divertido, y eso simplemente alimenta nuestra expectativa.

Consultamos mucho a la comunidad cuando pensamos en qué características desarrollar para Diablo V, si tenemos la oportunidad de innovar y evolucionar de verdad el juego: ¿qué es lo que quieren? Así que poder... es como un gran secreto que realmente quieres contarle a todo el mundo porque escuchas lo que dicen, lo que les emociona, reaccionas a ello y piensas: “De acuerdo, vamos a construir eso que tanto quieren”, pero no puedes decirlo. No sé, siento que ahora puedo respirar aliviada y ver la reacción de todos cuando estuve en el escenario... ¡ay, por Dios!, fue muy emotivo.

Jennifer Hepler: —Sí, yo me uní al equipo hace como año y medio, así que no había podido hablar de en qué he estado trabajando todo el tiempo que llevo en Blizzard. Es muy emocionante tenerlo finalmente en el mundo y poder... no veo la hora de volver al hotel esta noche y revisar mis redes sociales para ver a la gente reaccionando a esto. Siempre me ha parecido que este es absolutamente el siguiente paso lógico en Diablo: ver qué pasa en Santuario si Diablo gana. Y es tan emocionante que estemos haciendo esto y que haya tomado a todo el mundo por sorpresa.

—Describieron Diablo V como “la caída de Santuario”. Pero ¿qué significa eso para la historia? A un nivel fundamental, ¿qué les permite explorar la caída de Santuario que no hayan podido explorar antes?

Jennifer Hepler: —Bueno, una de las cosas que siempre generaba cierta desconexión entre el juego y el lore era que corrías por Santuario luchando contra demonios en todas partes, pero luego ibas a un pueblo y ellos esperaban muy educadamente fuera de los límites de la ciudad mientras tú hacías tus cosas, y en cuanto salías volvían a atacarte. La idea de: “¿Y si no hacemos eso? ¿Y si convertimos la seguridad en un lujo absoluto en este mundo y nos volcamos de lleno en que hay demonios por todas partes, que no hay ningún lugar seguro y que debes construir tu propia seguridad y llevarla contigo?" resultó sumamente atractiva.

Unifica la narrativa y la jugabilidad de una manera que supera a cualquier juego anterior de Diablo. Así que, a un nivel fundamental, lo más emocionante de crear este Santuario apocalíptico es simplemente abrazar lo que siempre has hecho, pero haciendo que tenga absoluto sentido dentro de las mecánicas del mundo.

—Treinta años de Diablo, es una locura. Y al mismo tiempo viene acompañado de muchas lecciones aprendidas: algunas felices y tal vez otras no tanto. ¿Qué aspiran a lograr con este nuevo juego que la gente haya estado ansiando en los últimos años? ¿En qué aspecto sienten que le van a dar al jugador exactamente lo que pedía?

Tiffany K. Wat: —Creo que será la profundidad de la experiencia, especialmente tras las lecciones aprendidas con Diablo IV. Estamos muy orgullosos del juego que construimos allí, pero reconocemos que en el lanzamiento no tenía la profundidad y complejidad que los jugadores buscaban. Creo que clavamos por completo la campaña, el ambiente, el tono y el arte, pero faltaba esa complejidad sistémica que un sector de nuestros jugadores ansiaba. Por eso, para Diablo V, pudimos elevar aún más el listón de la campaña y volcarnos en ese tono apocalíptico —lo cual no dudo que Jennifer, Joe y el equipo creativo lograrán—, asegurándonos al mismo tiempo de enfocar nuestro desarrollo de manera inteligente e intencional para realizar pruebas tempranas.

Queremos poner el juego en manos de nuestra comunidad desde fases tempranas para que nos den su opinión: ‘Oigan, jugamos cien horas y en realidad le falta la profundidad que queremos’. Esa es la gran transformación en nuestro enfoque de desarrollo: invitar antes a la gente a jugar con nosotros para asegurarnos de construir exactamente el juego que desean.

Jennifer Hepler: —Y desde la perspectiva narrativa, yo vengo de un trasfondo de juegos de rol tradicionales, así que impulsamos firmemente esa agencia del jugador en el centro de la experiencia desde antes de que saliera Lord of Hatred. Pero ver la increíble respuesta de la comunidad a Lord of Hatred demuestra el hambre que existe por una historia personal y emocional que conecte a tu personaje con las figuras eternas del mundo. Ha sido muy validante para nuestro enfoque en Diablo V.

—Este mundo va a volverse más oscuro, más sangriento y, en cierto modo, más hardcore. Para la franquicia más hardcore y satánica de todas, ¿qué significa eso? Si tuvieran que definir el concepto central de por qué quieren que sea aún más oscuro que el juego anterior, ¿qué significa la oscuridad para una franquicia como Diablo?

Jennifer Hepler: —Dediqué mucho tiempo a esto, y es que queremos evolucionar verdaderamente a Diablo como personaje y mostrar que el comodín que representa la humanidad en el Conflicto Eterio ha cambiado la naturaleza misma de dicho conflicto. Los ángeles y los demonios podrían seguir luchando eternamente en su ciclo de guerra, pero lo que Lilith e Inarius hicieron al crear Santuario y dar vida a la humanidad elevó las apuestas de todo. ¿Qué significa realmente el miedo en un mundo donde solo existen ángeles y demonios? Eso no debe ser muy divertido para Diablo; asustar a los humanos es lo divertido. El terror solo tiene gracia si hay alguien a quien aterrorizar.

Por eso, en el equipo de guionistas pasamos mucho tiempo hablando sobre cómo hacer que Diablo dé miedo de verdad. ¿Qué significa ser el Señor del Terror? Porque creo que en el mundo moderno la gente ya no se asusta tanto con un monstruo gigante, especialmente los videojugadores. Queremos que Diablo haya madurado y evolucionado tras alimentarse de los miedos de la humanidad, adquiriendo una comprensión psicológica mucho más profunda de lo que es el terror. Apoyarnos en esa naturaleza del miedo es lo que buscamos para lograr un Santuario verdaderamente más oscuro.

El universo de Azeroth se prepara para un nuevo amanecer con el inminente lanzamiento de World of Warcraft: Forever, un proyecto concebido como un hogar permanente que recupera la esencia de la experiencia clásica pero con una perspectiva totalmente renovada. Enmarcada tras los sucesos de Warcraft III: Reforged - Reino olvidado y antes del Núcleo de Magma, esta propuesta invita tanto a veteranos como a nuevos jugadores a explorar continentes originales, descubrir nuevas historias y adentrarse en territorios inexplorados como la Isla de Zephras de la mano de los célicos. Para entender cómo se ha dado forma a esta ambiciosa visión, nos sentamos a charlar con los responsables de hacerla realidad.

En esta ocasión, exploramos los entresijos del diseño visual y de juego junto a Jeff Parrott, Senior Art Director, y Josh Greenfield, Senior Game Designer. Desde los preparativos de cara al inicio de la beta el próximo 17 de septiembre hasta el lanzamiento mundial programado para el 4 de noviembre, ambos creadores nos desvelan cómo han equilibrado la nostalgia con la innovación jugable. A continuación, Jeff Parrott y Josh Greenfield nos cuentan cómo este equipo de desarrollo ha transformado años de pasión compartida en una experiencia llamada a perdurar en el tiempo.

—World of Warcraft tiene un lenguaje visual muy específico que, por supuesto, ha evolucionado a lo largo de los años. ¿Cómo impulsan ese lenguaje hacia adelante sin perder esa sensación que hace que Azeroth sea reconocible al instante? Porque imagino que deben respetar el aspecto vainilla, pero al mismo tiempo quieren innovar un poco. ¿Cómo encuentran ese punto de equilibrio? ¿Dónde está esa línea?

Jeff Parrott: —Sí, lo que realmente intentamos mantener es asegurarnos de adherirnos a la esencia original de, ya sabes, las culturas y el mundo que estamos creando allí. Por ejemplo, nuestra nueva raza jugable, los Skyborn: hay muchas razas de elfos diferentes en World of Warcraft. Queríamos crear un tipo de elfo que sintiéramos que podía estar a la altura de los elfos de sangre, los elfos de la noche y las demás culturas increíbles del juego. Pero también necesitaban tener esta conexión elemental de aire; ya sabes, hicieron un pacto con los señores del viento. Y se encuentran en un área rodeada... están en una isla flotante rodeada de viento.

Por lo tanto, todo está tocado por el viento. Sus cejas tienen una especie de forma curvada hacia arriba. Y puedes elegir cómo se ve eso en la creación del personaje. Su piel está un poco teñida, con un tono más parecido al del cielo. Y tienen esas opciones disponibles. Así que todo lo que añadimos al juego tiene un propósito. De nuevo, debemos asegurarnos de que esté arraigado en esa esencia principal de WoW.

—¿Fue una decisión fácil? ¿O les llevó mucho tiempo pensar cómo añadir algo nuevo que al mismo tiempo se sintiera clásico?

Jeff Parrott: —Cada vez que añadimos algo nuevo, volvemos a la pregunta: “¿Podemos? ¿Podemos añadir esto? ¿Deberíamos añadir esto?“. Y muchas veces es: “¿Esto va a beneficiar la jugabilidad?“. Josh habló de la animación hace un rato. Creo que es un gran ejemplo. Mantener el movimiento clásico afecta a la jugabilidad. Y eso es algo de lo que queríamos asegurarnos desde el principio: que el juego se sintiera como la experiencia de la era vainilla. Por eso la animación es muy importante para lograrlo. Y el equipo hizo un trabajo increíble, con mucho esfuerzo, pero hicieron un trabajo extraordinario.

Josh Greenfield: —Sí. Y también hay muchas revisiones de por medio. Nos sentamos, hablamos de los cambios a medida que se implementan. Los analizamos meticulosamente, ya sabes, los desglosamos y los revisamos hasta que sentimos que quedan perfectos.

—No me imagino cuánto tiempo llevan trabajando en esto, y supongo que cuando uno está involucrado durante tanto tiempo, trabajando sin parar, llega un momento en que se pregunta: “¿qué estamos haciendo? ¿Les gustará? ¿Lo desearán tanto como nosotros al ponerle tanto esfuerzo?“. Me pregunto si hay algo que hayan creado para Forever que les entusiasme particularmente ver experimentar a los jugadores por primera vez. Algo que digan: ”Ay, Dios, solo quiero ver cómo reacciona la gente a esto".

Josh Greenfield: —Bueno, creo que la respuesta obvia para mí son los Skyborn, porque estuve muy involucrado en eso, pero ya hemos hablado bastante al respecto. Pienso que otra de las cosas que muero por que la gente vea son los Claros Fluviales, porque cuando estábamos conceptualizando el tipo de contenido que queríamos añadir, agrupamos las cosas en distintas categorías. Están los contenidos “Anticipados”, que son las cosas que están en la mente de todos, como el Monte Hyjal o Karazans; cosas que la comunidad conoce y pide a gritos. Luego está lo “nuevo pero familiar”, y eso es Claros Fluviales. Y finalmente tenemos lo “inesperado”, que fue lo que pasó con la Isla Céfiro.

Cuando concebimos Céfiro pensamos que sería genial tener algo con una vibra súper clásica para equilibrar las cosas, y de ahí surge lo nuevo pero familiar. No puedo dejar de enfatizar lo siguiente: no me crean solo a mí, si juegan la beta, hagan una carrera de cadáveres por allá. Vale totalmente la pena. El nivel de detalle y lo fiel que es al código original de WoW es increíble, de verdad increíble.

Jeff Parrott: —El equipo de diseño de mundos y el de misiones hicieron un trabajo extraordinario; está tan bien logrado. También hay otros elementos, como un jefe en particular en una de nuestras incursiones que me emociona mucho que los jugadores conozcan. Me encanta cuando hay una verdadera armonía entre todos los departamentos artísticos -animación, personajes, entornos, efectos visuales- y se unen con el diseño para crear algo mágico. Así que hay un jefe increíble en una de nuestras incursiones para jugadores que tengo muchísimas ganas de que enfrenten en la banda del Monte Hyjal.

—Estamos en la BlizzCon después de tantos años. Y esto no es solo por Forever, sino por ser parte de esta gran familia de Blizzard. Hay muchos fans que aman el cosplay, que hacen su propio arte, que observan todo lo que han creado a lo largo de los años y quieren replicarlo solo por la pura alegría de hacerlo. ¿Cómo se siente poder presentar esto frente a una audiencia tan masiva, ver su reacción en vivo y escuchar rugir a la multitud diciendo: “por esto es por lo que vivimos”?

Josh Greenfield: —Es increíblemente emotivo, honestamente. Hemos puesto nuestro corazón y alma en esto. Y... no sé muy bien cómo articularlo.

Jeff Parrott: —Escucharte describirlo hace que me den ganas de llorar solo de pensarlo. Estaba sentado en la audiencia y miraba las rostros, no la pantalla. Y veía las expresiones en sus bocas, en sus ojos, las sonrisas. Fue sumamente gratificante. Hacer videojuegos es difícil, pero hacer World of Warcraft es aún más difícil; es un desafío enorme. El equipo trabaja muchísimo y le pone un amor y un cuidado impresionante a todo lo que hace. Ver esa respuesta significa el mundo entero y demuestra lo mucho que este universo importa a los jugadores. Cuando se reprodujo la cinemática... comencé a llorar, estuve con la piel de gallina todo el tiempo. Fue una experiencia mágica. Es algo que sé que muchos de nosotros en el equipo llevaremos en el corazón por mucho tiempo y, ojalá que para siempre.

Josh Greenfield: —Yo participé en el storyboard de esa cinemática y he visto cada iteración de la misma incontables veces a estas alturas. Y aun así, literalmente se me caían las lágrimas atrás del escenario al verla, al escuchar los gritos. Es increíble. Mi esposa estaba en el público y me dijo exactamente lo mismo.

La próxima entrega de EA Sports FC busca renovar varios de los pilares de la franquicia. EA Sports FC 27 incorporará cambios orientados a conseguir partidos más dinámicos, con mejoras en el movimiento de los futbolistas, la defensa, la respuesta ofensiva y el comportamiento de la CPU. También habrá modificaciones en los PlayStyles, nuevas opciones de configuración mediante sliders y ajustes destinados a lograr interacciones físicas y efectos ambientales más realistas. El lanzamiento está previsto para el 25 de septiembre de 2026.

Más allá de los partidos, los cambios también alcanzarán a los principales modos de juego. El Modo Carrera tendrá nuevas herramientas para gestionar transferencias, negociar contratos, desarrollar futbolistas y construir planteles, mientras que el rendimiento de cada jugador podrá influir en su valoración general durante la temporada. En Ultimate Team, la gran novedad será la posibilidad de coleccionar y exhibir cartas mediante la FUT Gallery, que incluirá niveles, recompensas y objetos especiales. A esto se sumarán las cartas Holographic Player Items, los Gallery Tokens y el Hall of FUT, destinado a homenajear a jugadores que dejaron una huella particular en la comunidad.

Palpitando el lanzamiento del juego, hablamos con el Game Design Director Jean-François Guastalla, quien nos comentó varias cosas sobre el nuevo modo The Grounds, la gran novedad de esta entrega.

—Bueno, antes que nada, gracias por esta oportunidad. Grounds no parece ser simplemente un modo más; conecta clubes, progresión, espacios sociales y la cultura del fútbol. Cuando estaba viendo la presentación me preguntaba: ¿fue siempre esa la visión o se fue convirtiendo en algo mucho más grande durante el desarrollo?

Jean-François Guastalla: —Sorprendentemente, desde el principio hubo dos o tres cosas que realmente queríamos hacer, y lo que están viendo logró cumplir esa visión inicial. La primera surgió directamente de lo que escuchamos de la comunidad de Clubes: querían distintas formas de jugar juntos según las circunstancias. A veces mis compañeros de club están conectados y a veces no, pero igual quiero progresar con mi club. O según con quién juegue: si estoy con mi sobrino y quiero algo más casual que jugar una liga o playoffs, o si estoy con amigos muy fanáticos de FC y queremos demostrar que somos mejores que otros clubes. Darles la opción de elegir cómo jugar juntos era lo principal.

Lo segundo era adaptarnos a las nuevas generaciones. Hablando con ellos, lo que significa “socializar” y cómo juegan con otros es distinto a como lo hacíamos históricamente. Quieren estar en espacios compartidos, mostrar su estilo dentro del juego y hacer distintas cosas de manera más orgánica. De ahí nació el concepto de mundo abierto: de la necesidad de estar en espacios compartidos. Además, todos nos decían que la autenticidad no son solo los estadios, sino también los potreros o las canchitas de barrio, que es donde juegan más seguido. Incluso los futbolistas profesionales nos decían lo mismo: ahí es donde empezó todo, recordando cuando jugaban con amigos, con su papá mirando desde el balcón o la mamá llamándolos mientras estaban en la cancha. Nuestra visión fue juntar todas esas piezas. No sabíamos si terminaría exactamente así, pero los objetivos fueron claros desde el inicio.

—Y crear este lugar donde podés acceder a tu club y a todo lo demás... ¿fue un desafío encontrar la forma de conectar no solo lo que se juega en los estadios, sino también la vida alrededor del fútbol? Imagino que fue complejo lograr que sea un buen lugar para navegar y acceder a cada contenido.

Jean-François Guastalla: —Sí. El mundo es compartido con hasta cien personas. Para los jugadores competitivos, por ejemplo, ellos buscan un desafío adecuado para su nivel de habilidad y quieren demostrar que pueden superarlo. Para lograr eso, necesitás que la gente busque partida de forma masiva, porque no hay tantos usuarios exactamente en tu mismo nivel. Por eso las puertas del estadio tenían todo el sentido para ese tipo de matchmaking competitivo. El desafío estuvo en la narrativa y la intención del mundo: dónde ubicábamos la sede del club, dónde poníamos el drop-in de 11v11 o el de Rush. Siempre nos preguntábamos: “¿Debería estar en el distrito de Argentina, en el del Reino Unido...?”. Esperamos haber encontrado la mezcla justa. La diferencia quedó clara: el mundo abierto es para partidos rápidos e instantáneos, mientras que el estadio es para el matchmaking basado en habilidad.

—Hablando de esos espacios, mencionaste a Argentina. Tienen a CESA, que imagino está basado en la CEAMSE o en zonas específicas. A nivel personal me sentí superorgulloso y feliz al verlo. Al crear un distrito como CESA, ¿qué aspectos de la cultura del fútbol argentino sintieron que eran esenciales para que realmente se sintiera como Argentina?

Jean-François Guastalla: —El equipo de arte te daría una respuesta mucho más detallada, pero te cuento parte del proceso. El equipo analizó planos y referencias de lugares específicos de Buenos Aires y Rosario para inspirarse en lo que es jugar al fútbol callejero, ya sea en la calle, en patios o en espacios improvisados. El espíritu de Argentina es lo que definiría como un “caos organizado”. Es algo no intencional, pero que al mismo tiempo tiene intención. Queríamos asegurarnos de que no pareciera diseñado por un urbanista que dijo “acá están los límites y acá se juega al fútbol”. Mirábamos lugares donde teóricamente no se debería estar jugando al fútbol, pero se juega igual. Queríamos capturar eso. Lo otro que quedó clarísimo es que en Argentina es más que fútbol: es una combinación de música, cocina, baile y fútbol, todo junto como en una reunión familiar. Queríamos que eso estuviera presente. Cuando camines de un distrito a otro y escuches la música, vas a sentir la vibra argentina. Y las superficies de las canchas también eran clave de representar.

—¡Lo lograron totalmente! Incluso incluyeron un asado al lado de la cancha, y eso es cien por ciento argentino. Pasando a otra pregunta: Grounds me pareció muy divertido y me imagino jugándolo mientras espero que se conecten mis amigos para jugar Clubes. Pero crear un espacio social es una cosa, y lograr que se vuelva parte de la rutina diaria de los jugadores es un reto distinto. ¿Cómo diseñaron Grounds para que sea un lugar donde la gente realmente quiera pasar el tiempo y no solo un menú por el que pasan rápido para ir a su modo de juego?

Jean-François Guastalla: —Algo muy importante para nosotros es que cuando la gente habla de Clubes, dice que es su “lugar feliz”, donde se divierten y se desconectan. No queríamos que el modo perdiera esa identidad. Queremos que jueguen todos los días en Grounds porque tienen ganas, no porque los obliguemos con objetivos que vencen en 24 horas. Si hacés eso, se pierde el espíritu libre y pasa a ser “el juego me controla a mí” en lugar de “yo controlo al juego”. Para incentivar la visita, vamos a ir rotando los “pachangas” o partidos informales. Cada temporada introduciremos uno nuevo, cambiaremos reglas o niveles. Por ejemplo, tenemos una carrera de obstáculos dribleando que es un “todos contra todos”, y tenemos ideas para nuevas pistas. En eventos como Halloween, por ejemplo, habrá calabazas que podés romper con la pelota. Queremos que haya razones divertidas para volver y ver cómo el mundo evoluciona, incluyendo cambios de clima a lo largo del año.

—En los videojuegos pasa algo curioso: los jugadores no siempre saben lo que quieren, pero sí saben lo que no quieren, y es trabajo de ustedes descifrarlo. ¿Qué aspecto de Clubes creen que los jugadores suelen subestimar, pero que para el equipo de desarrollo es increíblemente importante?

Jean-François Guastalla: —Lo primero que se me viene a la cabeza es la infraestructura online. Construir experiencias en línea es extremadamente difícil, y nuestro equipo técnico hace milagros. Tener un mundo en línea con 100 jugadores corriendo, haciendo gestos y viéndose entre sí ya es un reto enorme. Además, los jugadores exigen una latencia perfecta para que el juego responda al instante. Lograr eso en un servidor de 100 personas, donde tenés usuarios jugando sus partidos en red con máxima precisión mientras de fondo ves a otros caminando o corriendo en tiempo real sin que eso afecte el rendimiento de la jugabilidad... resolver ese dilema técnico fue el gran milagro. Mis respetos para el equipo de ingeniería.

—Si un grupo de amigos crea un club totalmente nuevo hoy, ¿cuál es la experiencia que esperan que tengan durante su primera hora de juego?

Jean-François Guastalla: —Si son fanáticos de Clubes y les importa llevar a su equipo a lo más alto, espero que en la primera hora se sorprendan de lo fácil que es hacer lo que siempre hacían, pero que inmediatamente se pregunten: “Bueno, muchachos, ¿qué podemos hacer distinto este año?”. Pueden ir a torneos de clubes o salir al mundo abierto y “adueñarse” de una cancha. Si vas con tus compañeros a un partido de Rush o 3v3 en el mundo abierto, el escudo y los colores de tu club van a vestir los alrededores de la cancha. A medida que cumplís objetivos, aumentás tu reputación y sentís que estás haciendo progresar a tu club mientras probás modos totalmente diferentes.

—La última pregunta. En Argentina y en el mundo, este juego es enorme. Tengo amigos que se compran una consola solo para jugar al nuevo FC. Yo lo juego desde que tengo memoria, desde que Song 2 de Blur era el tema principal. Realmente amo este juego. La comunidad es muy crítica porque realmente nos importa: si hay una nueva entrega, decimos “ok, esto me gusta más, esto no tanto”, o “por lo menos no la cagaron en esto”. Quizás a veces sentimos que no hicieron un trabajo tan genial, pero siempre volvemos, siempre volvemos. Queremos jugar a este juego para siempre. Desde adentro, ¿por qué creés que pasa eso? ¿Por qué la gente sigue volviendo?

Jean-François Guastalla: —Creo que hay dos razones principales, ¿no? Yo también me incluyo: soy un gran fanático y consumidor de nuestro juego, FC, pero también de los deportes en general. La primera razón es el deporte en sí. Es el amor compartido por algo común que todos conocemos y amamos. Es una forma de conectar: no hace falta que hablemos el mismo idioma, todos entendemos las reglas, las historias y el drama alrededor del fútbol. Es un lenguaje que compartimos sin importar en qué parte del mundo estemos; podemos ponernos a hablar de eso y llenar todo un viaje en taxi. Creo que eso siempre te hace querer ver y jugar más. La otra razón es que, en el fondo, creo que los fanáticos saben que los desarrolladores los estamos escuchando. Pueden no estar de acuerdo con que no resolvamos algunas cosas lo suficientemente rápido o de la manera exacta en que quisieran, pero creo personalmente que saben que escuchamos. Y lo hacemos. Siempre estamos atentos a cómo se recibe el juego. Nos pone tristes cuando no le pegamos al blanco, pero nos da muchísima alegría cuando alguien como vos nos dice “miren cómo Grounds logra capturar esa esencia, me da orgullo que esté en el juego”. Siempre estamos escuchando y tratando de hacer lo correcto para los jugadores porque nosotros también somos fanáticos, y queremos que el juego sea lo mejor posible.

—¡Muchísimas gracias!

Jean-François Guastalla: —¡Gracias a vos!

EA Sports FC 27 llegará el 25 de septiembre de 2026 a PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series, Nintendo Switch y Nintendo Switch 2, como la cuarta entrega de la saga de fútbol de Electronic Arts. La nueva edición tendrá a Kylian Mbappé como protagonista de la portada de la Standard Edition, mientras que la Ultimate Plus Edition también incluirá a Jude Bellingham. Entre sus principales cambios jugables aparecen movimientos más fluidos, una defensa manual mejorada, mayor inteligencia de los jugadores controlados por la CPU, nuevas opciones para los tiros de esquina y ajustes en los PlayStyles, el regate y las interacciones físicas.

El modo Carrera recibirá una renovación importante, con un mercado de transferencias reconstruido, negociaciones por etapas, un comportamiento más inteligente de los clubes y nuevas posibilidades para armar los contratos. Además, los ratings de los jugadores podrán variar durante la temporada según factores como rendimiento, moral, estado físico, lesiones y minutos disputados. Por su parte, Ultimate Team sumará la FUT Gallery y el Gallery Hub, espacios destinados a coleccionar y exhibir cartas, junto con nuevas variantes Holographic Player Items, recompensas mediante Gallery Tokens y cambios en los desafíos de creación de plantillas. También debutará el Hall of FUT, que reconocerá a figuras queridas por la comunidad, con Adebayo Akinfenwa, Marouane Fellaini, Loïc Rémy, Eljero Elia y Giovani dos Santos como los primeros homenajeados.

Previo al lanzamiento del juego, pudimos conversar con Sam Rivera y Gilliard Lopes, Productor y Game Design Leader respectivamente, que nos hablaron sobre algunas de las novedades de este título.

—Bueno, muchachos, antes que nada, felicitaciones por la presentación. Estuvo realmente increíble. Y lo que más me llamó la atención es que FC 27 no parece tratarse de agregar características aisladas. Se siente como si muchos de estos cambios estuvieran trabajando hacia una misma visión, la misma visión del juego. Y una de las cosas que más me entusiasmó fueron las nuevas funciones de ataque. Se ven muy, muy bien. El poder tocar la pelota e inmediatamente tirarte a correr por detrás del que la tiene y todo eso, se siente genial. Mi pregunta es: cuando introducen nuevas herramientas de ataque como esta, ¿cómo se aseguran de que creen nuevas posibilidades tácticas en lugar de convertirse en jugadas que los usuarios simplemente tengan que memorizar para ganar partidos?

Sam Rivera: —Sí, es una gran pregunta. Y bueno, primero, gracias. La visión para este año, como dijiste, es cómo creamos más fluidez en todo el juego. No es solo una función acá y otra allá; muchas están conectadas. Por ejemplo, hablabas de la IA de ataque. ¿Cómo balanceamos esa parte del juego? Pero también estamos mejorando la defensa y equilibrándola al reducir la defensa automática de la IA, mientras aumentamos la efectividad de las barridas y entradas manuales. Se pensó muchísimo en crear una experiencia completa que tenga sentido, que sea más divertida, fluida y con mejor respuesta. Ahora, sobre las mecánicas en específico, ¿cómo las balanceamos? ¿Cómo nos aseguramos de que tengan sentido a nivel futbolístico? Es un excelente punto. Primero, pasamos mucho tiempo analizando el fútbol real y viendo qué falta en el juego. Pero en segundo lugar, escuchamos a la comunidad en base a las mecánicas que ya tenemos, por ejemplo, el desmarque manual.

¿Qué pasa con el trigger run? Hoy en día, para ciertos jugadores existe una dependencia de esa función para enviar a los futbolistas al ataque. Bueno, no debería ser así. ¿Cómo podemos crear movimientos de ataque más orgánicos? Ahí empezamos a debatir. Vamos a la sala de diseño, hablamos sobre lo que el juego necesita e implementamos las funciones. En este caso, desmarques decisivos que ocurren de manera contextual en el partido -lo cual es muy importante-, pero también mecánicas que podés ejecutar a pedido. Y asegurarnos de que no sean explotables es una parte fundamental. ¿Qué hacemos? Obviamente jugamos mucho nosotros mismos y traemos a miembros del consejo de diseño o jugadores profesionales que son expertos para que intenten “romper” o explotar esas mecánicas, nos den feedback y así evitar que se conviertan en “la nueva jugada tramposa” que todo el mundo termina haciendo. Las balanceamos, por ejemplo, asignándoles tiempos. Para que un jugador haga un desmarque por dentro o por fuera, lleva tiempo. Así que necesitás retener la pelota, te pueden marcar, hay un grado de habilidad ahí. Pero si lográs filtrar ese pase, es muy reconfortante. Así que hay mucho trabajo de balance y validación.

Gilliard Lopes: —Además, cuando diseñamos estas funciones, lo que realmente necesitamos es agregar inteligencia y lectura de juego al futbolista para que, según la situación, pueda leer dónde está el espacio. Y esas situaciones nunca son iguales entre un movimiento y otro. Por eso llamamos a esta función conciencia espacial en ataque. Porque se trata de leer el espacio. El tipo de desmarque que haga el jugador dependerá de dónde se genere esa zona libre. Creo que eso es lo que lo hará impredecible y dinámico. Como decía Sam, todo lo que hacemos es con ese equilibrio en mente. Estas mecánicas tienen ventajas y desventajas claras. Mandar a alguien a hacer un desmarque más largo que rodee a un rival lleva más tiempo, y eso le exige al usuario aguantar la pelota y hacer cosas distintas a las que hacía antes, cuando los desmarques eran en línea recta y el margen para dar el pase era muy corto. Todas estas son nuevas dinámicas en FC 27 que nacen de haber diseñado la conciencia espacial.

—Buenísimo. En la presentación también hablaron de los cambios defensivos, lo cual me parece superinteresante. Uno de los mayores cambios parece ser la IA defensiva. Encontrar el equilibrio entre defensores inteligentes y mantener al usuario con el control total siempre ha sido uno de los mayores dilemas en los juegos de fútbol: cuánta inteligencia darle a la IA y cuánta responsabilidad al jugador. ¿Cuál fue el mayor desafío de diseño que tuvieron que resolver para encontrar ese balance en FC 27?

Sam Rivera: —Esa es otra gran pregunta... ¡se lo voy a decir a mi jefe! Tenés razón en que es un equilibrio delicado. Si queremos, por ejemplo, quitarle poder a la IA en defensa —que es algo que la comunidad venía pidiendo—, ¿cómo nos aseguramos de que esos futbolistas sigan comportándose como jugadores reales? No podemos hacer que la IA sea tan torpe que una pelota lenta le pase entre las piernas y no haga nada. Por eso elegimos con mucho cuidado qué mecánicas de la IA debíamos reducir. Un buen ejemplo son las “entradas automáticas”: cuando la IA se cruza y estira la pierna sola para quitar la pelota. Eso es muy distinto a simplemente controlar un pase mal dado que le llega a los pies; eso lo van a seguir haciendo. Si dribleás descuidadamente contra un defensor de la IA, te va a sacar la pelota. Pero ya no van a ejecutar entradas automáticas solos. Lo mismo aplica para el rango de las intercepciones, que en el juego competitivo ahora es más reducido. Pero todo esto solo cobra sentido si le devolvemos ese poder al defensor manual. Por eso, tan importante o más que los cambios en la IA defensiva, son las mejoras en la defensa manual: mayor alcance en las entradas, mejores intercepciones, controles más limpios para que la pelota no le vuelva a quedar servida al rival y una mejor respuesta al encarar o aguantar.

Así es como creemos que respondimos a las principales quejas de la comunidad sobre la defensa automática, y no vemos la hora de que la gente pruebe la defensa manual por sí misma. También monitoreamos constantemente el promedio de goles. Si hay demasiados goles -10 o 15 por partido-, eso no es fútbol, no es divertido. Si hay 0 o 1 gol por partido, también es demasiado cerrado. ¿Cómo mantenemos el balance? Monitoreando el juego. Tomar todos estos ingredientes y calibrarlos lleva tiempo. Por eso a veces esperamos antes de hacer cambios drásticos; no podemos romper el juego. En FC 26 escuchamos que la IA defensiva era muy poderosa, pero ese juego ya estaba estructurado de una forma. Si cambiábamos eso de golpe, quizás terminabas con 15 goles por partido porque defender se volvía imposible. Para FC 27 diseñamos todos los componentes juntos desde el principio: cambiamos la defensa, el regate, los pases... y así tenemos las herramientas para equilibrarlo todo y ofrecer una experiencia con un promedio de dos a cinco goles por partido, buscando una representación más fiel al fútbol real. Llevamos muchos años haciendo esto y tenemos mucha experiencia. No podemos apurar un cambio a ciegas. Escuchamos el feedback, pero tenemos que ser muy cuidadosos con lo que tocamos.

—Siguiendo con lo que decís, el juego tiene un margen de mejora casi infinito: jugabilidad, físicas, estadios... Siempre se puede seguir mejorando. ¿Cómo eligen qué cambiar? La comunidad dice “la IA defensiva es muy poderosa”, ustedes dicen en FC 26 “un momento, analicémoslo”. ¿Qué les hace dar el salto para decir “ok, ahora hay que cambiar esto” o “ahora queremos explotar esta otra área”?

Sam Rivera: —Es una combinación de cosas: desde pasar mucho tiempo hablando con los jugadores y traer a miembros del consejo de diseño a Vancouver para que nos den comentarios mirando la pantalla, hasta jugar nosotros mismos. Somos un equipo enorme de productores y diseñadores. Todas las semanas tenemos reuniones solo para hablar del juego, del balance y de lo que pasa en el servidor en vivo. Recibimos información de distintas áreas: el equipo de FUT, el equipo de contenido en vivo, Modo Carrera... ¿Qué ven? ¿Qué comentarios tienen? ¿Qué priorizar para cada modo? Hay muchísimas piezas en movimiento. A veces nos llega el reclamo de por qué no comunicamos ciertas cosas, y la realidad es que queremos comunicar más. Pero tras bambalinas hay un trabajo enorme todos los días para intentar hacer un mejor juego. Nos apasiona el fútbol y nos apasiona el juego, así que queremos estar más cerca de la comunidad y ser más abiertos en 27.

Gilliard Lopes: —Creo que el mayor desafío como diseñadores es la enorme variedad de jugadores y motivaciones que existen. Una parte clave de escuchar y reaccionar al feedback es encontrar soluciones que mejoren la calidad del juego para todos, y no solo para una minoría ruidosa o un perfil de jugador específico. Esa es una responsabilidad que tenemos como diseñadores y que tal vez no sea tan obvia desde afuera. Alguien puede decir: “¿Por qué no hacen esta cosa puntual que yo quiero ya mismo?”. Pero nuestro trabajo es juntar todas las partes y encontrar soluciones universales que eleven la calidad para toda la base de jugadores.

—Me encanta. Tengo dos preguntas más, si les parece bien. ¿Cuál es ese cambio en la jugabilidad de FC 27 que la mayoría de la gente tal vez no note al principio, pero del cual ustedes están personalmente superorgullosos? Algo que los fans vayan a apreciar a medida que se den cuenta.

Sam Rivera: —Si estás escuchando esto, tal vez te des cuenta rápido; si no, puede que te lleve un poco más de tiempo, pero es increíble: la precisión y determinación de los desmarques de ataque. En mi caso, yo estaba acostumbrado a mandar a los jugadores a correr apretando L1 o LB todo el tiempo. Después de forzarme a aprender esta nueva mecánica, entendí que ya no hace falta hacer eso: solo tenés que mirar a la IA y coordinar el tiempo del pase. Cuando lo hacés, te das cuenta de que cambia totalmente la dinámica. Ese era el objetivo. Creo que es una de esas cosas que vas a notar en cuanto empieces a jugar. Obviamente, si tenés una guía de lo nuevo, lo vas a ver mucho más rápido. Esa es la que yo elegiría.

Gilliard Lopes: —Yo te voy a dar otra muy buena. Creo que muchos jugadores se van a dejar llevar por la memoria muscular en los tiros de esquina y van a empezar jugándolos en corto, porque es a lo que están acostumbrados. Y eso explica por qué cambiamos los córners: el sistema anterior carecía de habilidad. Era básicamente tocar un botón para centrar, otro para definir, y todo se decidía por estadísticas o suerte. Los jugadores se enganchaban a la posición donde iba a caer la pelota y saltaban en vertical, así que había muy poca variedad en las ejecuciones. En FC 27, la gente se va a dar cuenta de que si no juegan en corto y deciden mandar el centro al área, se van a encontrar con una mecánica mucho más técnica y gratificante. Después de patear, tenés unos segundos de movimiento libre; el juego ya no te acomoda el jugador automáticamente. Podés engañar al rival amagando hacia un lado, recortar hacia el otro y atacar el centro en el momento justo para cabecear con todo el envión. El momento en que la gente descubra que puede hacer todo eso con habilidad y meter un golazo de cabeza al ángulo, va a ser hipergratificante porque lo hicieron ellos mismos. Creo que va a ser el gran éxito “tapado” o la función secreta de FC 27.

—La última pregunta: yo crecí jugando a este juego, mis amigos crecieron jugando a este juego. Tengo 32 años y le sigo dedicando muchísimo tiempo. Esta es una pregunta un poco capciosa: como desarrolladores, pero también como fanáticos del fútbol y de los videojuegos, ¿por qué creen que la gente vuelve año tras año a este juego? Capaz un año dicen “no cambió tanto” y al otro “cambió un montón”, pero cada año todos queremos jugar al FC. ¿Por qué creen que pasa eso?

Sam Rivera: —Son los fundamentos del juego en cada área, empezando por la jugabilidad: la respuesta del control, lo auténtico de las animaciones, la variedad de mecánicas... El hecho de que podés juntarte a divertirte con un amigo con lo básico y aun así armar jugadas y patear al arco; eso es casi todo lo que necesitás. Pero también podés invertirle cientos de horas para volverte cada vez mejor gracias a la profundidad que tiene. Y eso es solo en la jugabilidad. Si mirás afuera de la cancha, tenés todas las licencias, los equipos, los jugadores y la variedad de modos: podés armar tu equipo de ensueño, hacer un Modo Carrera o jugar con tu propio avatar. Construimos tanto a lo largo de los años que nos da mucho orgullo ver cómo la gente sigue volviendo.

Gilliard Lopes: —Coincido totalmente con Sam. Hay algo en la combinación de factores que tienen que salir bien para hacer un gol, tanto en el fútbol real como en nuestro juego. Esa sensación cuando todo se conecta y finalmente convertís... es muy difícil encontrar algo parecido. En el fútbol real, la mayoría de nosotros somos meros espectadores; FC nos permite ser los protagonistas y pone ese poder en nuestras manos. Hay algo en la simulación de un deporte tan grande como el fútbol que lo hace genial para interactuar. Cuando sale una nueva versión como FC 27, con tantas formas nuevas de crear situaciones, convertir y hacer realidad esa fantasía futbolera, el atractivo es enorme. En definitiva, eso es lo que hace que la gente vuelva: que el juego se vuelve más variado y dinámico, y no hay dos goles iguales. Cuanto más logramos eso, más regresa la gente.

—¡Muchísimas gracias!

Sam Rivera: —¡Por favor, un placer!

Gilliard Lopes: —¡Gracias a vos!

Marvel’s Wolverine, el próximo juego de Insomniac Games, llega el 15 de septiembre a PlayStation 5. El título marca un cambio de rumbo para el estudio, conocido principalmente por el ritmo veloz y el movimiento vertical de sagas como Marvel’s Spider-Man y Ratchet & Clank. Sin embargo, esta vez apuesta por un combate más pesado y cuerpo a cuerpo, acorde a un personaje con esqueleto de adamantium conocido por su nivel de intensidad y violencia.

Camino al lanzamiento fuimos a Ciudad de México donde pudimos conversar en exclusiva con Marcus Smith, director creativo de Marvel’s Wolverine, quien se explayó sobre las decisiones de diseño y narrativa detrás del juego. Desde ahí, una de las mentes maestras detrás del nuevo juego de Marvel y PlayStation nos cuenta cómo fue el proceso de diseño, qué eligieron enfatizar, y cómo se aseguraron que más que sentirte Wolverine, seas la bestia y encarnes la furia.

—Insomniac es prácticamente sinónimo de Spider-Man, de balancearse por Nueva York y del movimiento vertiginoso de Ratchet & Clank, juegos que he jugado mucho. Por eso quería saber: ¿qué ganaron a nivel narrativo al prescindir de ese ritmo de movimiento en Marvel’s Wolverine en favor de un diseño más lineal?

Marcus Smith: —No diría que perdimos tanto por la cuestión de la velocidad. Lo que hicimos al crear Spider-Man fue intentar construir la experiencia definitiva del personaje. Obviamente, es alguien que se balancea por la ciudad a 30 metros por segundo; es el amigable vecino Spider-Man, muy vinculado a Nueva York, y se mueve con gran rapidez. Pero cuando empezamos a desarrollar a Logan, nos encontramos con un personaje pesado, con un esqueleto de adamantium. Su estilo es de combate cuerpo a cuerpo y directo. Todo esto nos llevó a acercar más la cámara y reducir la velocidad de movimiento, ya que él no es tan rápido ni necesita artilugios tecnológicos. Esto nos condujo a un diseño mucho más específico y lineal, lo que nos permitió gestionar mejor el ritmo de las misiones. Así, las cinemáticas y la jugabilidad no compiten entre sí, sino que se complementan para enriquecer el contenido. Por eso creo que resultó muy beneficioso centrarnos en cómo dar forma a ese.

—Cuando vimos los tráilers del juego, nos dimos cuenta de que los X-Men no existen en este universo. Así que, ¿cómo construyeron este mundo mutante para Logan y que cuente con una red de apoyo? ¿Y qué peso le otorga eso a Jean, dado que es prácticamente la única mutante cercana a él?

Marcus Smith: —Es interesante: cuando empezamos, intentábamos averiguar cómo crear una historia única y original para este juego. Queríamos asegurarnos de ser fieles al personaje, pero también ofrecer algo nuevo al jugador. Sabíamos que no íbamos a contar una historia de origen. Entendíamos que, si nos centrábamos en Wolverine pero introducíamos a los X-Men en la ecuación, estos acapararían todo el protagonismo; él es solo una de muchas personalidades imponentes. Así que nos enfocamos en Wolverine para crear una experiencia que captara su esencia pura; buscábamos contar una historia ambientada en una época poco explorada, ciertamente no en las películas, y apenas en los cómics: un momento en el que los mutantes aún no son muy conocidos. Unas pocas personas saben de su existencia, por lo que corren peligro frente a entidades poderosas, aunque todavía no existe una amenaza dedicada específicamente a exterminarlos.

Es una etapa interesante en la que los mutantes viven ocultos y carecen de un protector. Ahí es donde entran en juego Wolverine. Obviamente, Logan es un ser muy solitario; sería mucho más feliz estando solo, leyendo libros o simplemente pasando el rato a su manera. Sin embargo, necesitábamos personajes poderosos e icónicos que estuvieran a su altura. Por eso incluimos a Sabretooth y a Mystique: representan visiones del mundo y puntos de vista distintos, además de conformar una especie de familia elegida. Jean, por supuesto, también pasa a formar parte de ella.

—Exacto. Es muy importante. Todo gira en torno al conflicto. ¿Dirías que ese es el tema principal del juego?

Marcus Smith: —Más allá del juego, creo que Marvel logra con gran acierto que los superhéroes se sientan humanos al mostrar sus discusiones triviales, sus celos y todo ese tipo de cosas. Así que no siempre se trata de “estoy salvando el mundo”, sino de “estoy salvando el mundo con alguien que ahora mismo no me cae bien”, o cualquier otra situación similar.

—Disculpa que mencione a DC, pero yo llamaría a esto el “dilema de Superman”: cuando tienes un superhéroe demasiado poderoso, resulta difícil diseñar mecánicas de juego en torno a ello. Entonces, ¿cómo equilibran el factor de curación para que parezca que Wolverine corre peligro, sin dejar de lado sus poderes característicos?

Marcus Smith: —Ese fue un aspecto clave con el que estuvimos experimentando. Obviamente, la mayoría de la gente piensa que Wolverine no puede morir, a pesar de que murió muchas veces en los cómics, pero no entremos en eso. En los videojuegos realmente necesitas ese riesgo, tiene que haber algo en juego. Así que decidimos bastante pronto permitir que el jugador se viera superado. El factor de curación podía verse desbordado si se asumían suficientes riesgos. Pero eso implicaba diseñar un sistema de regeneración que reflejara fielmente dicho factor. Al principio, cuando implementamos mecánicas de juego más convencionales, notamos que los jugadores entraban en acción, recibían daño, huían, se escondían y esperaban a que su factor de curación actuara. Eso no transmitía en absoluto la esencia de Wolverine. La clave estuvo en encontrar el equilibrio: acumular rabia mediante un estilo agresivo, recibiendo daño y exponiéndose realmente al peligro, y poder canjear esa rabia por salud en situaciones críticas. Ahí es cuando realmente se siente como Wolverine: te lanzas al combate cuerpo a cuerpo, acumulas rabia y mantienes el ritmo.

—Hablando de cómo opera Wolverine, es un lobo solitario. Entonces, ¿cómo se resuelve el desafío de crear una narrativa en la que el personaje establece vínculos y dialoga con otros, cuando en realidad él preferiría no tener que hacer eso?

Marcus Smith: —Al comienzo del juego, él ya lleva varios años fuera del Equipo X, pero lo característico de Wolverine es que posee una brújula moral tan sólida que respeta a sus amigos. Realmente salda sus deudas. Por eso, cuando le dicen que Essex ha sido secuestrado, interviene y se reincorpora al equipo. Al lobo solitario siempre terminan arrastrándolo de vuelta; siempre surge algo que lo obliga a actuar en contra de su voluntad. Y, por más que diga que no es un héroe, acaba haciendo lo heróico: protegerlos incansablemente. Así es él.

—Pensando en sus juegos anteriores, principalmente Ratchet & Clank y Spider-Man, ¿qué enseñanzas de esos títulos han aplicado a Wolverine? ¿Qué reconocerán los fans al jugar a este título? ¿Pensarán cosas como “esto es igual que en Spider-Man” o “esto me recuerda a Ratchet & Clank”?

Marcus Smith: —Se trata más bien de una conexión filosófica. Yo nunca había trabajado en Ratchet & Clank hasta Ratchet & Clank: Rift Apart, y fue como conocer a fondo a un personaje, como si estuviera construyendo un personaje de Marvel. Especialmente en el caso de Spider-Man, centrarse en ofrecer a los jugadores la fantasía de ser ese personaje es fundamental en todos los aspectos de la jugabilidad. Y esa es, en realidad, la conexión filosófica entre todos esos juegos. Necesitábamos ser fieles a esos personajes para que los fans reconocieran al instante, aunque las situaciones fueran nuevas y las historias distintas. Que sientan que se trata del personaje con el que crecieron, del personaje que adoran y de la razón por la que lo quieren. Ese hilo conductor era lo realmente importante.

—¿Y ya eran fans de Wolverine de antes? ¿Fueron ustedes los que presentaron la propuesta? ¿O surgió de otra manera?

Marcus Smith: —Dentro del estudio, cuando hace tiempo se hablaba de qué personaje abordaríamos si tuviéramos la oportunidad, siempre surgía el nombre de Wolverine. Todo el mundo en el estudio lo nombraba al instante. Y eso es importante. En mi caso particular, hace muchísimos años trabajaba en un juego llamado Resistance 3 y alguien sugirió*Old Man Logan como referencia; lo leí y me enamoré de la historia. Ese fue mi instinto. Así que, aunque no crecí con Wolverine, me enamoré del personaje allá por esas fechas.

—En Spider-Man hay muchísimos easter eggs que sugieren un universo Marvel más amplio, por así decirlo. ¿Podemos esperar lo mismo del juego de Wolverine? ¿Veremos pequeños indicios de que hay algo grande en marcha? ¿Sueñan con un universo Marvel más extenso en PlayStation?

Marcus Smith: —Creo que, por supuesto, es fantástico desempeñar un papel fundamental. Considero que, al crear un juego de Marvel, es esencial incluir muchos easter eggs para que los fans más acérrimos los descubran y disfruten de esa satisfacción. Obviamente, la historia del juego debe atraer también a quienes nunca han leído los cómics ni visto las películas; así que, si bien la jugabilidad es el eje central, esos detalles ocultos están ahí pensando en el futuro. Sin duda, habrá muchos de ellos. En cuanto a lo que nos depara el futuro... ¿quién sabe?

Adrián Marcelo preocupa a sus seguidores por un hundimiento en el entrecejo que se hizo visible durante una entrevista con Ricardo Peralta. El detalle se difundió en redes sociales a través de capturas compartidas por la cuenta de X conocida como “la Tía Sandra”, que expuso la alteración en el rostro del conductor regiomontano.

El hallazgo coincide con el momento en que Adrián Marcelo suena como el último participante confirmado para la segunda temporada de La Granja VIP. La coincidencia entre el rumor de su posible ingreso al reality de TV Azteca y la aparición del detalle físico intensificó la atención del público.

Adrián Marcelo evitó acercamientos de cámara durante la entrevista

La usuaria de redes sociales que difundió las capturas de la entrevista sostiene que, durante gran parte de la charla con Ricardo Peralta, se evitaron los acercamientos de cámara al rostro de Adrián Marcelo. “Ese hundimiento en el entrecejo no es normal”, escribió en el tuit, y agregó: “Deseo de todo corazón que todo esté bien”.

La observación alimentó las especulaciones entre los seguidores, quienes interpretaron la falta de planos cerrados como un intento de disimular la alteración facial. Ninguna de las partes involucradas en la producción del contenido se pronunció sobre esa lectura.

¿Qué significa y qué causa el hundimiento en el entrecejo?

Un hundimiento en el entrecejo no implica de forma automática una enfermedad grave y no puede diagnosticarse a partir de una sola imagen. Entre las causas posibles figuran la estructura ósea y facial propia del cráneo, una cicatriz o traumatismo por un golpe anterior, la pérdida de grasa relacionada con la edad, o alteraciones en los tejidos musculares y la piel del rostro.

Estas son las causas más comunes:

• Gesticulación repetida. Fruncir el ceño de forma constante activa los músculos corrugadores, lo que con los años genera surcos permanentes.
• Pérdida de grasa y colágeno por la edad. A partir de los 30-40 años, la piel pierde elasticidad y los compartimentos grasos de la cara se reducen, lo que puede acentuar surcos y hundimientos en frente y entrecejo.
• Factores genéticos. La predisposición hereditaria influye en la estructura ósea del cráneo y en cómo la piel responde al paso del tiempo.
• Exposición solar y hábitos. El daño por rayos UV deteriora el colágeno y la elastina, acelera el envejecimiento cutáneo y puede hacer más visibles los surcos existentes.
• Deshidratación. La falta de hidratación reduce la elasticidad de la piel, lo que puede acentuar la apariencia de hundimiento en cualquier zona del rostro.
• Cicatrices o traumatismos. Un golpe previo puede dejar una marca permanente en la zona, con una depresión visible en la piel.
• Causas menos frecuentes. Existen condiciones dermatológicas raras, como la esclerodermia lineal craneal (conocida como “en coup de sabre”), una dermatosis atrófica de causa desconocida que provoca una depresión progresiva en la piel del cráneo o la frente.

Nada de esto se puede determinar hasta que un especialista realice los estudios necesarios para conocer su origen. Hasta el momento, no existe información que confirme que Adrián Marcelo enfrente un problema de salud vinculado a ese detalle, y el conductor tampoco se ha referido públicamente al tema.

El antecedente de hospitalización de Adrián Marcelo en 2025

En noviembre de 2025, Adrián Marcelo fue hospitalizado de emergencia y compartió una fotografía desde una camilla en sus redes sociales, acompañada de la frase “vida de comediante”. El conductor explicó posteriormente que el ingreso se debió a una intoxicación por exceso de trabajo y descartó que estuviera relacionado con un tema emocional o con rumores de separación de su esposa, Karina Puente.

Ese episodio generó preocupación similar entre sus seguidores, quienes por semanas desconocieron el motivo real de la internación. El comediante regiomontano evitó entonces dar detalles médicos precisos, un patrón que se repite ahora con el hundimiento en el entrecejo.

El reencuentro con Ricardo Peralta ocurre dos años después de La Casa de los Famosos México

La entrevista donde se observó la alteración forma parte de un reencuentro entre Adrián Marcelo y Ricardo Peralta, grabado en la Ciudad de México para el canal de YouTube del conductor regiomontano. El encuentro se da dos años después de que ambos compartieran una de las etapas más polémicas de sus carreras en La Casa de los Famosos México.

Ricardo Peralta adelantó, en un video junto a César Doroteo, que la conversación abordó temas que no habían tratado desde su salida del reality. “Va a revivir todo para muchos de ustedes, porque platicamos lo que no hemos platicado en dos años”, declaró el creador de contenido.

Mientras tanto, cualquier versión sobre una posible enfermedad detrás del hundimiento en el rostro de Adrián Marcelo permanece en el terreno de la especulación hasta que el propio conductor o un especialista médico se pronuncien al respecto.

Entonces llegó la maternidad y la pregunta dejó de ser teórica: ¿cómo estar presente en la vida de sus hijas sin desaparecer de la propia? Quería criarlas, buscarlas en el jardín y compartir sus desayunos, pero también seguir creciendo en una profesión que la define.

Hoy atraviesa otra transformación: conduce Infobae al Mediodía y, por primera vez, lidera sola un equipo. Después de más de 15 años de carrera, el nuevo desafío la llevó a repensar no solo qué tipo de líder quiere ser, sino también cómo construir un equilibrio entre el trabajo y la familia.

Con el tiempo, entendió que su mayor miedo no era no poder con todo, sino perder cosas en el camino. Y encontró una respuesta: “Estoy presente en los dos lugares, puedo habitar con plenitud los dos lugares”.

—Bienvenida ¿Cómo estás viviendo este momento profesional?

—Muy bien, contenta. Estoy contenta con el equipo. Es la primera vez que lidero yo sola un equipo y eso para mí era un desafío.

—¿Te daba miedo?

—Sí, porque estoy construyendo una manera de hacerlo y a veces puede no salir bien, pero estoy contenta, la pasamos bien. Por supuesto, es un laburo, no es una kermés, pero hay complicidad y cada uno encontró su lugar, está cómodo, puede desplegar, sentir que puede crecer. Y eso a veces en los equipos es difícil, pero siempre digo que hay espacio para todos. La idea de un equipo cuando funciona es que, si todos crecen, crece el equipo también.

—Ahí el líder del equipo es fundamental, ¿tuviste buenos jefes?

—Sí, y también está en la seguridad que tenga cada uno. Tuve un montonazo de jefes en mi vida y hay una cosa de Jorge Lanata que siempre rescato: era súper exigente, pero sacaba lo mejor de vos. Tenía un liderazgo muy positivo. Yo empecé con Jorge trabajando en el diario Clarín. Él escribía la página dos y yo hacía la investigación periodística. Siempre confiaba más en mí de lo que yo confiaba en mí misma. Mucho tiempo después, cuando yo ya estaba trabajando en TN, fui a hacer un reemplazo a su programa, me mira y me dice: “¿Vos qué hacés acá? Vos tendrías que estar inventando una cosa y rompiéndome, queriendo ganarme”. Eso es un liderazgo que te incita y podía hacerlo porque estaba recontra seguro, no tenía miedo de irse de vacaciones y que yo me quedara con la conducción de su programa.

—Había que tomar la decisión de dejarlo a Jorge, ¿se bancó que te fueras?

—Es que dejé la radio, pero seguí en la tele. Con Nico Wiñazki trabajábamos en PPT y en Mitre, y él se enojaba cuando faltaba a la radio, pero me iba de viaje para su programa. “Es para vos mismo”, le decía. Finalmente me priorizó en la tele y ahí arranqué también más a full en TN. Se dio todo de una manera muy orgánica.

—¿Cómo decidiste que querías ser periodista?

—Lo decidí re chica. Vivía en La Dulce, un pueblito cerca de Necochea, y escribía en la revista de mi pueblo que se llamaba La voz dinámica. Ya ahí me encantaba escuchar, hacer preguntas, siempre me gustó el periodismo de investigación, aunque al principio quería hacer noticias internacionales. No podría ser otra cosa que no fuera periodista, me pasa una cosa física cuando hay una noticia. Lo que nunca jamás pensé que iba a hacer es televisión.

—¿Y cómo llegás a la televisión?

—De puta casualidad (risas). No, sí, por Jorge. Primero hice un reemplazo de Luciana Geuna en la radio, en Mar del Plata, y después me dijo: “¿Por qué no te venís a PPT como productora?”. Era 2013, PPT era el programa. Yo quería ser periodista de investigación y venía trabajando con él. ¿Cómo no me iba a ir? En ese momento Clarín no quería que fuera a la televisión y pensé: “Ya fue. No tengo nada que perder”. Tenía 29 años, no tenía hijos, mis padres no necesitaban que los mantuviera. Y me acuerdo que en ese momento un colega muy importante me dijo que estaba loca.

—Pero era grandes ligas trabajar con Lanata, ¿quién te dijo eso?

—No te voy a contar quién (risas). Me dijo: “Vos estás loca. ¿Cómo vas a dejar tu firma? Vos acá sos Maru Duffard”. Porque yo ya firmaba en el diario y me iba a trabajar para notas que después iban a presentar otros. Pero a mí me divertía, me parecía un desafío y decidí probar. Empecé en abril y en septiembre presenté mi primera nota al aire, pero no porque me dijeran que era brillante, sino porque nadie quería presentarla. (Risas).

—¿Cuál era?

—Era una investigación donde contábamos un plan del gobierno de Cristina para demostrar que los hijos de Ernestina Herrera de Noble, Marcela y Felipe, eran hijos de desaparecidos. Había toda una teoría de que podía dar un falso positivo. Fue una investigación muy difícil, trabajamos meses, teníamos muchísima información y aprendí sobre datos genéticos, ADN, todo en un contexto político muy complejo. Fue una experiencia muy fuerte. A veces me río: hoy muchos me acusan con el dedo, me dicen que soy kirchnerista por criticar a Milei.

—Es agotador que si criticás cualquier cosa del gobierno automáticamente sos kirchnerista.

—Es agotador que nada tenga historia, que la coherencia no sea un valor. Y coherencia no quiere decir no cambiar de opinión. Uno puede cambiar de opinión y reconocer errores. Pero hay algo que para mí debería ser más valorable: el compromiso con ciertas cosas y con una manera de trabajar. Me puedo equivocar. Me puedo equivocar, me puedo comer una operación, una fake news. Soy una persona. Ahora, soy profesional y laburo con honestidad.

—¿En qué momento de todo este recorrido te enamorás?

—En PPT. En 2013, cuando entro al canal, conozco a Gastón, que era productor del programa y laburaba en el canal hace muchos años. Era como una baldosa más del canal. Él me ayudó mucho cuando llegué porque nadie te explica nada. Laburábamos un montón, vivíamos ahí adentro, fines de semana, días de semana, viajábamos juntos y nos enamoramos.

—¿Quién encara a quién?

—Él dice que yo a él. Hablábamos por el chat de Gmail. (Risas). Se sentaba al lado mío y usaba un perfume muy particular, era Issey Miyake. Y un día le dije: “Si seguís trayendo ese perfume a la redacción me vas a complicar la vida”.

—Bueno, tiene razón.

—Él tiene razón, ¿no? Bueno, después me invitó a salir.

—¿Estaban ambos solteros?

—Más o menos, no nos pongamos tan meticulosos con las fechas.

—¿Quién estaba más complicado de los dos?

—Creo que yo, por eso le decía: “me vas a complicar la vida”. Estaba saliendo de una relación, pero claramente hubo una cosa que se generó entre nosotros porque fue como bastante rápido. O sea, entro en abril y en julio ya empezamos a salir. Y cumplo 10 años de casada en febrero.

—Pará, para llegar a los 10 años de casada en algún momento pasaron del chat a la cita.

—Teníamos 29 años, salimos y enseguida pegamos súper bien. Nos conocíamos un montón porque éramos pareja laboral, aunque en el trabajo peleábamos mucho. Yo tengo un temperamento muy fuerte y Gastón es un productor obsesivo. Juntos conseguíamos cosas buenas.

—¿Podían separar la pareja del trabajo?

—A veces nos disociábamos. Cuando íbamos a laburar, laburábamos. Después nos casamos y seguimos trabajando juntos. Una vez nos fuimos a La Quiaca y estábamos peleados, estuvimos dos días sin hablarnos, pero el laburo salió impecable.

—Al principio, además, nadie sabía que estaban juntos.

—No. Fue una etapa muy divertida. El canal era un edificio muy grande y encontrábamos lugares donde escondernos: escaleras, estudios vacíos. Unos besitos al menos… Hasta que llegó la fiesta de fin de año, que todavía es comentada esa fiesta.

—¿Qué pasó?

—Tomamos unas copas y se enteró todo el mundo. Al otro día. Entramos y mi jefe me miró, se rio y me dijo: “Está todo bien”. Era el comentario del canal: parece que chapamos muy fuerte en el medio de la pista toda la noche (risas).

—¿Ahí blanquearon?

—Fue más un “ya fue”. Ya éramos novios, además. Él se fue del canal cuando nació nuestra primera hija, en febrero de 2021. Ahora tiene su productora y labura independiente. Si fuera por él, quiere que deje todo y volvamos a trabajar juntos.

—¿Supiste rápido que era el amor de tu vida?

—Rápido. Mirá que yo no soy muy romántica, pero había una conexión. Esa persona que es como tu pilar, que no necesitás explicarle un montón de cosas porque ya sabe.

—Y después llegó la propuesta de matrimonio.

—Ah, un montón después. Yo había dicho que nunca me iba a casar porque no soy muy rosa. De hecho, siempre dije que no iba a tener hijos. Estábamos en Turquía y Gastón había elegido un restaurante re lindo, con lamparitas, porque a mí me encantan. Había comprado un anillo en Tiffany y lo tenía escondido, todo muy romántico. Yo, mientras tanto, haciéndome la independiente: “Que el matrimonio ni en pedo, que para mí no es importante”. Hasta que me dice: “En realidad te quería decir si te querés casar conmigo” y saca el anillo. Yo toda emocionada. La incoherencia total: acababa de decir “soy mujer fatal, ningún hombre me va a casar” y después estaba con el anillo diciendo “qué emoción”. (Risas). Y me casé feliz de la vida.

—Y esta idea tuya de que no querías tener hijos, ¿cuándo cambió?

—Las cosas se fueron dando. Yo pensaba que el periodismo era demasiado exigente. Decía: ¿cómo hacés para tener hijos, ser una madre presente y ser la mejor en lo que hacés? Para mí el periodismo no es solamente un trabajo, es una forma de vida. Yo quiero ser la mejor periodista de la Argentina, del mundo si me preguntás. No tengo esa relación con el trabajo de “laburo acá para tener mi sueldo”. El periodismo me define.

—¿Y esa exigencia es propia o viene de tu casa?

—No, al contrario. Mi mamá siempre trabajó para que yo bajara esa exigencia, esa competitividad, esa cosa de querer hacer todo perfecto. Pero bueno, es una forma de ir por la vida. Ella es jubilada, pero era docente y siempre nos inculcó que tengamos independencia económica para poder ser dueñas de nuestras decisiones.

—¿Y cuándo apareció el deseo de ser mamá?

—Me daba muchísimo pánico que la maternidad sea algo para toda la vida, de lo que no te podés arrepentir. Una amiga me había preguntado por qué no congelaba óvulos. Yo tendría 35 y le respondí: “Si es, va a ser cuando pueda. Y si no será que no puede ser”. Y un día dije: “Che, quiero ser mamá”. Lo charlé con Gasti y empezamos a ver cuándo era el momento. Él quería, pero yo siempre decía que el día que tuviera hijos quería tener tiempo, no quería que los crie una niñera, y quería seguir trabajando. Es mucha carga todo.

—¿Tenías miedo de no poder con todo eso?

—No, tenía miedo de perder cosas. Para las mujeres la maternidad en lo laboral tiene un costo alto, lamentablemente.

—¿Quedaste embarazada rápido?

—Sí, y la verdad que tuve la suerte de no haber tenido ningún problema con ninguno de mis dos embarazos. Tengo dos hijas sanas, algo que agradezco a la vida todos los días. Con Aurorita, mi segunda hija, tuve una situación muy fuerte: cuando tenía 10 días le agarró un virus que no sabíamos qué era y la llevé con 39 de fiebre a la clínica. Es el día de hoy que pienso en eso y lloro. Ahí valorás todo. Parece trillado, pero realmente sentís que tu hijo se puede morir y te cambia la perspectiva.

—¿Qué tuvieron que hacer?

—Todo. Le pusieron una vía, la tuvieron que punzar y al principio no le podía dar la teta. Yo estaba afuera y justo estaba mi mamá, porque además era el puerperio: había parido hacía diez días. Me acuerdo de que la enfermera me dice: “Bueno, cantale. ¿Qué le cantás para dormirse?”. Y yo pensaba: “Todavía no le canto nada, la estoy conociendo, tiene diez días. No sé”. Fue muy impresionante.

—Cuando nace Isa, ¿en qué momento te quedaste tranquila de que podías compatibilizar a la mamá y a la periodista?

—¿Ayer? (Risas). Cuando empezó a funcionar y entendí que lo que cambia es el deseo. Que no iba a perder y que, si perdía algo en el camino, iba a ser más por una decisión propia que por una decisión de otro. Cuando digo que la maternidad tiene un alto costo es porque quitamos tiempo para nosotras, pero hay mil maneras de ser madre. Yo elijo una maternidad en la que quiero estar presente, ir a buscar a las chicas al jardín, estar cuando desayunan, le dije que no a un montón de trabajos porque prefiero estar en mi casa. Y, además, porque ya hice de todo, no tengo los mismos objetivos que hace cinco años. En otro momento me decían: “Che, ¿te querés ir a cubrir la guerra en Medio Oriente?” y me estaba poniendo la mochila. Hoy no sé, ya lo hice. Quizás, me cuesta más hacer esta entrevista con vos que ir a cubrir un conflicto bélico.

—¿Estás sufriendo? ¿Hay algo de mostrar a la familia que te cuesta?

—Sí, me cuesta o hablar de uno. Para mí el periodismo es bien básico y tradicional, esto de ahora que somos más protagonistas que las historias que contamos me resulta raro. Pero siento que es parte de la comunicación de hoy y que las audiencias quieren conocernos. Este año que tengo otro rol en Infobae muchas personas me dijeron: “Ay, sos re humana, te emocionás”. Y yo digo: “Che, ¿pero me veían como un robot?”. Estaban acostumbrados a verme en un perfil donde me peleo con políticos, los molesto, les hago las preguntas incómodas y ahora me ven emocionarme con las historias.

—¿En qué momento la quisiste a Isa?

—Ay, me voy a emocionar. Isa nació por cesárea y yo hinchaba mucho con el parto respetado. Tenía la idea de que quería un parto natural, pero no se dio porque Isa estaba de cola. Con la segunda, medio que todo eso no estuvo tanto, pobre Aurora. Pero cuando la sacan y la levantan así, viste que en el quirófano está esa luz cenital que parece de las películas...Qué pedazo de momento, por favor. Es una cosa impresionante, realmente muy emocionante. No creí nunca jamás que fuera capaz de semejante acto de amor, te juro.

—Ahí fue amor a primera vista.

—Una locura total. También hay una conexión que una tiene desde la panza cuando le hablás al bebé. Mirá que yo no soy romántica, yo solamente quería que ese bebé saliera porque me hacía pis cada cinco minutos, dormía re mal y no podía hacer todo lo que quería. Yo vivo trepándome a lugares, haciendo cosas, viajando, esto, aquello... Ya estaba.

—¿Baby shower habías hecho?

—No, obvio que no.

—Y sentís que se despertó ese amor, ese instinto.

—Sí, total.

—A veces no pasa.

—No, pero a mí me pasó. Y también fue la primera vez que estuve sin trabajar durante mucho tiempo. Tuve cinco meses de licencia y estuve como sin culpa, sin esa cosa de “che, ahí tendría que estar trabajando”. Estaba en otra total, conecté con mi bebé de una manera muy zarpada.

—¿No te daba miedo perder tu lugar en el canal?

—Sí, me daba miedo y lo perdí, de hecho. Supongo que es un poco la regla del juego. Hace poco, Flavia Pittella me dio un libro que habla sobre perder cosas, sobre cómo cuando perdés también encontrás otras. Y a mí todo este proceso, que fue muy largo en TN, me costó. No es que perdí un rol en el trabajo y lo llenó la maternidad. No. Sería como llenar un cajón con cosas distintas: perdí un rol profesional y gané otro profesional también.

—¿Qué estabas haciendo en ese momento?

—Yo conducía TN Central con Nico Wiñazki.

—Nace Isa, te tomás la licencia y cuando volvés ya no estaba tu posición.

—Exacto.

—¿Lo sabías desde antes o te enteraste cuando quisiste volver?

—No, me enteré cuando quise volver.

—Tuviste el temor previo que tenemos las mujeres y esa duda de cuán reemplazable sos.

—Bueno, 100% reemplazable, yo y cualquiera. Yo eso lo tengo clarísimo desde que arranqué: nadie es imprescindible. Después todos tenemos un sello personal, una manera de contar las cosas, pero cuando trabajás para una empresa muy grande, sería un acto de demasiado ego creer que nadie puede hacer lo que vos hacés, no como vos lo hacés, pero sí ocupar ese rol. El engranaje es enorme y las cosas funcionan. Inclusive en tu propia casa. Las madres a veces creemos: “Ay, yo no estoy una semana, ¿qué van a hacer las chicas?”. Van a arreglarse felices de la vida, vos no te preocupes.

—¿Cuándo te enteraste, ¿qué te pasó?

—Me dolió un montón. Todos esos fantasmas que tenía se reavivaron. Pregunté por qué. Hubiera sido más duro si me decían: “Mirá, no vas a ser más la conductora, va a ser el conductor”. La realidad es que no siguieron ni Nacho, ni yo, ni Nico, ni nadie. Cambió el programa porque cambió un poco la tele en ese momento. Pero al principio me pregunté si yo hubiera vuelto antes si eso hubiera sido distinto. Después, con el tiempo, me di cuenta de que no.

—Esa fantasía de control.

—Sí. Uno piensa que tiene que ver con el tiempo, pero no sé. Si hubieran sido tres meses no hubiera cambiado, o dos meses en vez de cinco.

—¿Y la maternidad qué te acomodó en la cabeza?

—Prioridades. Lo que no quita que después vea una noticia y les diga a las chicas “bánquenme, hoy vuelvo tarde o no vuelvo”. Hay elecciones y las chicas lo saben. Isa tomaba la teta y me la llevaron al centro de cómputos del Frente de Todos donde estaba haciendo la cobertura para que le dieran de mamar. Me la llevó mi marido. Hay fotos de Isa tomando la teta en la escalera del canal porque le renunciaba todo el gabinete a Alberto Fernández. Hay fotos de Isa mientras me maquillan para dar una charla o moderar un evento. Hay fotos de Isa en el centro de cómputos de las elecciones. A mí me divierte eso, me gusta y ella lo vive así.

—¿En qué momento lo odiaste a tu marido de todo ese periodo?

—Ay, el primer año fue dificilísimo. Y está la cosa física de la teta, la dependencia que genera. Yo hacía con Lu Geuna Verdad consecuencia los jueves a las 11 de la noche. Entonces Gastón se quedaba con Isa, que era bebé. Me acuerdo de una entrevista con Malamud en la que Isabel no paraba de llorar y Gastón la llevó al canal. Yo creo que si no tenés una pareja sólida, un vínculo consolidado, mucha confianza y mucho amor para tener paciencia, se rompe todo. Con Gastón decíamos: “No entiendo esas parejas que dicen vamos a tener un hijo para salvar la pareja”. No se me ocurre peor idea.

—¿La disfrutabas?

—Yo le di la teta hasta el año y cuatro meses. Pasaron de la teta directo a la comida. Y en todo ese proceso, Gastón fue súper respetuoso y también entendió que lo mejor para nosotras es lo mejor para nuestros hijos, porque si vos estás mal nada funciona. Cuando Isa tenía dos años y medio, me salió una beca para irme a Estados Unidos un mes. Era un viaje suspendido en la pandemia. Y me fui. En las redes era: “¿Cómo vas a dejar a tu bebé tan chiquita?”. Bueno, no la dejé en una institución, está con el papá, que la quiso tener igual que yo. Es una cosa de locos.

—Y si es él el que se va, no pasa nada, total naturalidad.

—Y él se quedó. Por supuesto que es difícil, hay conversaciones, uno está lejos y a veces también las mujeres nos tenemos que hacer cargo de que queremos controlar todo desde todos lados. Está bueno tener un compañero al lado.

—¿Cómo te llevás con la culpa?

—Eso creo que es lo que más me enseñó Isabel porque yo era muy culposa. La maternidad me ayudó a ir dejándolo. Yo sé que hago lo mejor que puedo. Eso no quiere decir que sea lo mejor para el otro, pero desde la intención hago lo mejor que puedo, o lo mejor que se me ocurre.

—¿Y en algún momento desearon otro bebé?

—Sí, siempre pensamos en dos. Nosotros somos tres hermanos y la idea de tenerlos está buena, inclusive desde la crianza. Y hoy las veo y es un planazo, Isa tienen 5 y Aurorita ya cumple 2.

—Cuando nació Aurora ya tenías 40. ¿Te pegaba algo eso?

— Me acuerdo que una revista tituló: “Mamá a los 40”. A mí la mirada del afuera no me interesa, pero relaciono mucho la juventud con la vitalidad, con el hacer. Para mí la independencia es un valor en sí mismo. No soporto la idea de depender de alguien más, ni emocional, ni económica, ni físicamente. Por eso también la cuestión con los hijos, porque te genera una dependencia emocional, la idea de que vas a tener miedo para siempre.

—¿Qué te pasaba con ser mamá a los 40?

—Me daba como... en el futuro, como que van a ser jóvenes cuando yo me muera. Hoy todo se estiró, pero estaba eso de hasta dónde las voy a poder acompañar y con vitalidad. O si voy a ser una mamá vieja, capaz me voy a poner medio obse o me va a dar miedo todo. Después nada que ver, porque soy cero miedosa.

—Tiene que ver con la vulnerabilidad de ellas, con que te necesiten y no estar.

—Sí. O no ser lo suficientemente relajada como para criarlas libres. Yo quiero que sean libres de espíritu, que no sean temerosas, que se animen a cosas, que puedan tomar riesgos.

—¿Cómo te llevas con la carga mental?

—Mal. Tengo mucha carga mental.

—Desarrolle.

—Tengo mil cosas en la cabeza todo el tiempo y nunca llego. A veces digo: “Es insoportable esta sensación de no llegar nunca con nada”. No llego a contestar los mensajes. Es esta cosa de estar siempre en falta con alguien. Pero también trato de estar donde estoy, si estoy hablando con vos, estoy acá hablando con vos. Si voy a la muestra de natación de Isa, estoy en la muestra. No estoy ahí chateando con una fuente.

—Es un montón que puedas eso, es un ejercicio.

—Pero es una decisión. Todo el tiempo tenés la tentación del multitasking, sobre todo en nuestro laburo. Creés que rendís más, pero rendís menos. Yo comprobé que tengo que poder tener momentos 100% de concentración, quizás más cortos, pero estar donde estoy ese ratito.

—¿No trae problemas en casa la carga mental?

—¿Sabés qué hago? Google Calendar. Todo compartido, agendo ahí y nos llega a los dos el turno del pediatra, oftalmólogo, odontólogo.

—¿Cómo es esto de renovar los votos?

—Está obsesionado con que quiere renovar los votos. Cumplimos 10 años de casados el 17 de febrero y quiere que me ponga el vestido de novia otra vez. Yo creo que ni me entra, te digo la verdad.

—¿Con el mismo vestido?

—Quiere que me ponga el vestido y que renovemos los votos. Él es muy cariñoso, Gasti, es muy creativo. Debe querer hacer una fiesta porque le encanta festejar, celebrar, organizar. Es súper buen anfitrión. Mi hija mayor está de los más emocionada, pero ya le dije que no.

—¿Por qué?

—¿No te parece suficiente con una vez que me haya puesto un vestido blanco? Dije que no me iba a casar nunca y me casé una vez.

—¿Cómo era tu vestido?

—Divino (risas). Muy sencillo, color manteca, con espalda descubierta. La diseñadora le agregó por su cuenta unas perlitas y le hizo una colita porque decía que sino era muy poquito. Yo no quería ni ramo, pero ella me hizo uno medio hippie chic con el que me sentí muy identificada.

—O sea, la menos romántica del mundo.

—Ay sí, tremendo.

—¿Tuviste tu época de modelo?

—En realidad, a mí Vitamina me vestía para la tele y en un momento me proponen ser la cara de la marca. Yo estoy medio loca y me encantan los desafíos, entonces acepté: hice la campaña primavera-verano y después otoño-invierno. De repente me llegaban fotos de mis amigas y me decían: “Amiga, está toda la vidriera con tu cara”. Un amigo me mandó una foto del Unicenter y me dijo: “Entrás al shopping y estás vos ahí”. Fue increíble.

—¿Disfrutaste hacer las fotos?

—Sí, me encantó porque era nada que ver. Yo venía de pelearme con políticos, sindicalistas, corrupción, investigación. Era la época más difícil del Grupo Clarín con el kirchnerismo. De repente venían a decirme: “A ver las manos, a ver el pelo, la piel. Poné así, poné así”. Fue divertido.

—¿Te pagaron?

—Sí, por supuesto.

—¿Y desfilaste alguna vez?

—Pasarela no, pero sí eventos, cositas en redes.

—¿Qué tenés ganas de que venga?

—Tengo ganas de consolidar lo que estamos construyendo acá en Infobae, que es, si querés, como la Maru conductora. Esta cosa más de liderar un equipo, de formar una comunidad. Los medios, con las redes, te permiten generar eso, tu comunidad. Si bien laburo de esto hace más de 15 años, la construcción de una marca en el periodismo es algo de todos los días. Es difícil que seas un nombre. Y a mí me parece que faltan voces femeninas en la política y es uno de mis sueños: ser una líder de opinión, que mi mirada sobre las cosas (que no es necesariamente una opinión, es una forma de contarte las cosas) haga que la gente me escuche, me entienda y me crea.

—¿Estás contenta con cómo conviven la periodista y la mamá?

—Sí, re. Estoy contenta porque siento que estoy presente en los dos lugares, que puedo habitar con plenitud los dos lugares y que mi familia me acompaña en ese proceso personal mío.

—Me quedo con esta plenitud en la posibilidad de habitar ambos lugares. Te agradezco.

—Gracias Tati, por el tiempo y la comodidad. Estoy contenta, siento que está todo para crecer, para hacer, solo hay futuro.

Tras la tragedia, fans de la banda rindieron tributos y compartieron en redes momentos del músico como tecladista y compositor del proyecto.

Antes de su muerte, Meléndez habló del concepto detrás de Mapas II, el álbum más reciente de Camilo Séptimo, que la agrupación lanzó en 2026.

Sus declaraciones quedaron registradas en un video que circuló entre seguidores del grupo y que se convirtió en uno de los últimos testimonios públicos del músico sobre su proceso creativo.

Jonathan Meléndez: el proceso creativo de Mapas II y el concepto del disco

En el material, Camilo Séptimo recorrió distintos puntos históricos y naturales de México para conectar cada canción de Mapas II con una energía específica, en un ejercicio que buscó nutrir la creatividad del grupo desde la experiencia directa con el entorno.

En ese recorrido, Jonathan Meléndez habló de su relación con la naturaleza como parte de su equilibrio personal y creativo: “Cuando mejor me siento, cuando más en paz estoy conmigo mismo, es cuando conecto con la naturaleza”, dijo el tecladista.

La última reflexión pública de Jonathan Meléndez sobre su proceso creativo

Meléndez sostuvo que el proceso creativo detrás de Mapas II no se entendió sin salir a vivir experiencias fuera del estudio: “La verdadera inspiración se encuentra afuera, teniendo experiencias; el entender que cuando nutres tu cerebro, tu alma, tu espíritu, la música fluye mejor”, expresó Jonathan Meléndez.

El álbum Mapas II salió el pasado 15 de mayo de 2026 en plataformas digitales, y ya tenían programada una gira de ese disco por gran parte de México que arranca el 19 de septiembre, al momento se desconoce qué pasará con las fechas ya programadas.

¿Quién era Jonathan Meléndez, tecladista de Camilo Séptimo asesinado?

Jonathan Samuel Meléndez Ochoa nació el 7 de abril de 1988 en la Ciudad de México. Desde joven estudió piano, teclados y otros instrumentos, y en 2013 fundó Camilo Séptimo junto con Manuel Mendoza y Erik Vázquez.

Dentro de la agrupación de synthpop e indie rock, Meléndez se encargó de teclados, sintetizadores y elementos electrónicos que definieron el sonido del grupo. Participó también en la producción, la composición y el desarrollo audiovisual de los proyectos de la banda.

Camilo Séptimo lanzó cuatro álbumes de estudio: Óleos (2017), Navegantes (2019), Ecos (2022) y Jardín de las almas (2023), además del EP Maya (2014). El tema “No confíes en mí” recibió una nominación a los Premios IMAs de 2015 en la categoría de Canción del Año, y “Inevitable” fue nominada a los Premios MTV MIAW de 2022 por Video del Año.

¿Por qué asesinaron a Jonathan Meléndez, tecladista de Camilo Séptimo?

La Fiscalía General de Justicia del Estado de México no ha confirmado de manera oficial la razón del multihomicidio que terminó con la vida de Jonathan Meléndez, su esposa embarazada, su hija de tres años y una trabajadora doméstica. Una de las principales líneas de investigación apunta a un posible robo, mientras se indaga a fondo la relación entre el músico y uno de los detenidos.

Diego Sebastián “N” fue identificado como socio de Meléndez en negocios de renta de propiedades a través de Airbnb, y las autoridades lo señalan como probable autor del homicidio. Gerardo “N” es investigado por su probable participación en los hechos.

De acuerdo con reportes de la investigación, Meléndez habría tenido problemas con su socio y horas antes del crimen le comentó a un amigo que se reuniría con él. Le pidió que, si dejaba de tener noticias suyas tras el encuentro, acudiera con las autoridades.

La relación de confianza entre ambos habría permitido que Diego Sebastián “N” ingresara al complejo residencial sin forzar los accesos. Omar García Harfuch, secretario de Seguridad y Protección Ciudadana, señaló: “las investigaciones establecieron que uno de los detenidos era socio de una de las víctimas. Presuntamente, aprovechó esa relación de confianza para ingresar al domicilio”.

Esta hipótesis forma parte de las líneas de investigación abiertas y no significa que la razón del crimen haya quedado establecida judicialmente. El caso continúa bajo investigación y será la autoridad ministerial la que determine las responsabilidades penales correspondientes.

El Salvador amplía su mapa de exportaciones hacia mercados de África, Europa oriental y Asia, con aumentos en destinos como Georgia, Senegal, Sudáfrica, Rumanía, Armenia, Marruecos, Luxemburgo y Tailandia. La estrategia apunta a reducir la concentración de las ventas externas, que todavía dependen en gran medida de Estados Unidos y Centroamérica.

En la entrevista Frente a Frente de Telecorporación Salvadoreña (TCS), Silvia Cuéllar, presidenta de la Corporación de Exportadores de El Salvador (COEXPORT), brindó datos esta mañana sobre el crecimiento de las exportaciones y los mercados emergentes donde se están colocando productos salvadoreños.

La diversificación aparece ligada a productos concretos. El azúcar, que aumentó 27% hasta julio, encontró nuevos compradores en Georgia y Senegal, de acuerdo con los datos expuestos por la presidenta de COEXPORT. El café, cuyas exportaciones avanzaron 21%, abrió operaciones hacia Sudáfrica, Rumanía y Armenia.

Cuéllar destacó en particular el caso de Sudáfrica, donde antes existían envíos puntuales o muestras comerciales. “Ahora hay exportación”, afirmó. Indicó que el mercado sudafricano registró compras por alrededor de USD 1,075 millones.

En tanto, Marruecos pasó de importar USD 576,000 en productos salvadoreños a cerca de USD 21 millones en los primeros siete meses de 2026. Entre los bienes enviados figuran azúcar, café, alimentos y otros artículos. “En solo siete meses”, remarcó Cuéllar al referirse al crecimiento de ese destino.

También surgieron operaciones en segmentos específicos. Luxemburgo recibió maquinaria; Tailandia comenzó a importar tejidos de punto procedentes de El Salvador; Siria y la República Árabe Unida registraron compras de filamentos sintéticos. La empresaria señaló que estos mercados también buscan proveedores alternativos ante los cambios comerciales y arancelarios internacionales.

Pese a la apertura de nuevos destinos, Estados Unidos, Guatemala y Honduras conservan el mayor peso en las exportaciones salvadoreñas. En conjunto, Estados Unidos y Centroamérica representan cerca del 78% de las ventas externas, una proporción menor al 80% que concentraban años atrás.

Para Cuéllar, el objetivo no pasa por abandonar los destinos tradicionales, sino por ampliar la presencia en ellos y sumar otros compradores. “Tenés que diversificar y es una apuesta interesantísima”, dijo. Agregó que Estados Unidos continúa como un mercado relevante porque las empresas salvadoreñas conocen sus exigencias sanitarias, regulatorias y comerciales.

La dirigente planteó que la expansión debe acompañarse con mayor oferta exportable. En ese punto, mencionó la ley de ampliación de beneficios fiscales para empresas que aumenten sus exportaciones. Compañías de alimentos, lácteos, metalmecánica y plásticos se acogieron a ese régimen, según indicó.

Las cadenas productivas ganan espacio en la estrategia empresarial

Cuéllar puso como ejemplo la exportación de cables a México y de telas a Honduras para explicar la integración de empresas salvadoreñas en cadenas regionales. En el caso hondureño, las telas se envían a una zona franca que confecciona prendas destinadas después a Estados Unidos.

“Lo importante es sumarse a esas cadenas productivas”, expresó. La empresaria sostuvo que gran parte de las exportaciones del país proviene de la industria, que transforma materias primas e insumos importados en productos finales o componentes para otros mercados.

Entre los rubros con mayor dinamismo hasta julio mencionó maquinaria y aparatos mecánicos, agroindustria, metalmecánica, plásticos, productos farmacéuticos y químicos. Textiles y confección mantienen el primer lugar entre los sectores exportadores, aunque con desempeños distintos según los productos.

Cuéllar también citó nuevos envíos de vehículos eléctricos ensamblados en el país, partes de aeronaves, drones, cámaras, pechugas de pollo y carne de pollo deshuesada mecánicamente. A su juicio, estos productos reflejan la necesidad de incorporar tecnología, especialización laboral y procesos industriales para elevar el valor de la oferta salvadoreña.

La presidenta de COEXPORT señaló, además, que las gremiales empresariales participarán en una mesa tripartita para analizar posibles cambios en los tiempos y horarios laborales. Aclaró que “a la fecha no hay una propuesta” aprobada y que el debate deberá contemplar las necesidades de cada sector y los derechos de los trabajadores.

Sobre el crecimiento en las exportaciones, Cuéllar dijo que los bienes alcanzaron USD 4.036 millones hasta julio de 2026, con un aumento de 4% en valor frente al mismo período del año anterior.

El volumen exportado creció cerca de 10%, según la dirigente empresarial. La diferencia entre ambas variables responde al tipo de bienes vendidos y a los mercados de destino. “Estamos generando más, estamos produciendo más”, sostuvo Cuéllar, quien consideró que el incremento físico de las ventas resulta fundamental para la actividad industrial.

El año pasado, las exportaciones salvadoreñas totalizaron USD 6,400 millones. La dirigente expresarial estimó que, si se sostiene la trayectoria actual, el país podría cerrar 2026 por encima de los USD 7,000 millones, una cifra similar a los niveles alcanzados luego de la pandemia.

Jhon Solís comparó el talento de sus excompañeros en Atlético Nacional con el que encontró en España, cuando llegó al Girona F.C. Para el mediocampista del Birmingham City, el factor que separa a muchos futbolistas colombianos de la consolidación en Europa pasa por la mentalidad, la disciplina y la capacidad para sostener el rendimiento.

“Estar lejos no es fácil y aquí en Europa, a pesar de que los colombianos tenemos muchísimo talento, por lo general aquí no basta. Por lo menos, yo en España compartía con jugadores con los que yo pensaba que compañeros míos en Colombia tenían más talento”, afirmó en Teleantioquia.

El volante no mencionó nombres propios al hacer esa comparación. Por esa razón, no se puede establecer a qué futbolistas se refirió de forma puntual. Sí es posible contrastar los planteles que integró en su etapa profesional en Medellín y luego en el Girona, donde coincidió con jugadores de perfiles y trayectorias distintas.

Los compañeros que acompañaron a Solís en Atlético Nacional

Solís disputó 38 partidos oficiales con Atlético Nacional entre febrero de 2022 y agosto de 2023. En ese periodo ganó la Liga BetPlay del primer semestre de 2022 y la Superliga de Colombia de 2023, antes de ser transferido al Girona.

En el plantel verdolaga compartió vestuario con referentes, futbolistas de experiencia internacional y otros jóvenes que buscaron oportunidades fuera del país:

• Kevin Mier, arquero que fue una de las figuras del equipo y que luego continuó su carrera en Cruz Azul de México.
• Dorlan Pabón, atacante y referente ofensivo de Nacional, con recorrido en el fútbol colombiano y en ligas del exterior.
• Sebastián Gómez, capitán del equipo y volante con quien Solís coincidió en la zona central.
• Nelson Deossa, mediocampista de despliegue, potencia y capacidad para llegar al área rival.
• Giovanni Moreno, volante ofensivo con el que coincidió durante los primeros meses de su etapa en el club.
• Óscar Perea, extremo de la cantera antioqueña que integró la generación joven del plantel.
• Brahian Palacios, atacante formado en Nacional, con desequilibrio en el uno contra uno.

La lista permite entender el sentido de la reflexión de Solís. Nacional reunió entonces a jugadores de jerarquía como Pabón, Moreno y Mier, junto con volantes de recorrido como Gómez y Deossa, además de futbolistas jóvenes que ya proyectaban una salida internacional.

En Girona compartió equipo con figuras de LaLiga y la Champions League

El colombiano llegó al Girona FC el 1 de septiembre de 2023 y debutó semanas después, en el triunfo por 2-1 frente a Villarreal. Su ciclo en España se extendió hasta enero de 2026, con 61 encuentros oficiales, entre LaLiga, Copa del Rey y Liga de Campeones.

Durante su paso por el club catalán coincidió con futbolistas que integraron la campaña que llevó al Girona a clasificarse por primera vez a la máxima competición europea:

• Savinho, extremo brasileño que pasó al Manchester City tras su rendimiento en España.
• Artem Dovbyk, delantero ucraniano que fue máximo goleador de LaLiga en la temporada 2023-24.
• Aleix García, mediocampista español y uno de los líderes del Girona en su campaña de clasificación a la Liga de Campeones.
• Viktor Tsygankov, extremo ucraniano con participación en competiciones europeas y en su selección.
• Yáser Asprilla, volante colombiano que también formó parte del plantel gerundense.
• Cristhian Stuani, delantero uruguayo e histórico goleador del club.

El contraste de Solís no plantea una discusión sobre trayectorias, títulos o nivel de competencia entre ambos grupos. Su mensaje se concentró en que el talento individual no garantiza una carrera en Europa. Para el colombiano, la diferencia aparece en la respuesta diaria ante la exigencia.

“Ahí viene esa diferencia de mentalidad, de que si no me pone el profe de titular no entreno, si juego y lo hice bien no me gané el mundo”, sostuvo en Teleantioquia. También señaló que, en Colombia, algunos jugadores interpretan una buena actuación como una meta cumplida, cuando todavía falta recorrido.

En la ficción interpreta a Gutiérrez, un hombre que se convence de que puede evitar la Tercera Guerra Mundial con pocos recursos y una enorme determinación. El desafío actoral fue salir de los personajes que suelen quedar cerca de su propia personalidad. El director Jesús Braceras se lo dejó claro desde el comienzo: “Barassi, acá nada”.

La muerte de su mamá, después de una enfermedad rápida y agresiva, también modificó su manera de mirar la vida. Tras más de dos décadas con la misma psicóloga, decidió cambiar de terapeuta y empezar otro proceso. Hoy asegura que está más estable y conectado con el presente, aunque todavía trabaja sobre la exigencia, el control y la obsesión.

En pareja desde hace 17 años con Lucía Gómez Centurión, padre de Emilia (7) e Inés (4), reconoce que la paternidad también lo obligó a bajar un cambio. Intenta aprender a estar con ellas sin convertir cada encuentro en un espectáculo, mientras empieza a ocuparse más de su cuerpo y de sus propios límites. “Mi cuerpo es lo que menos escucho, lamentablemente”, admite en esta charla con Infobae.

—Me encanta que estés acá y me encantó Gutiérrez.

—Ay, qué bueno. Estoy chocho. Me llegó un personaje que me saca totalmente de eje, que me corre del molde y me hace actuar de verdad. Demasiados desafíos en uno y, además, me llegó en un momento en el que lo necesitaba. Fue un placer meterme en el universo de Gutiérrez.

—¿Por qué lo necesitabas?

—Venía atravesando todo el quilombo del duelo de mi vieja y necesitaba salir un rato de mí mismo, pero no estaba pudiendo. Entonces aparece Gutiérrez y son tres meses de: hay que pelarse, me pelo; estoy lleno de barro en las uñas y en las orejas, vamos; hay que meterse en el Conurbano profundo, vamos. Quiero dejar de ser Darío un rato para descansar la cabeza y que el canal creativo vaya para algún lado, y pude poner todo acá. Por eso este estreno significa mucho para mí: son ocho capítulos de 32 minutos cada uno, para que maratoneen, lo di todo, espero que les guste.

—También fue un reencuentro con el actor.

—Siempre. Trato de acomodar mis años entre la conducción y algo actoral: una película, una serie, dos o tres funciones de teatro. Algo actoral tengo que hacer porque, si no, no meto al actor y me quedo medio vacío.

—Me gustó esta idea de dejar de ser Darío Barassi un ratito, porque en la conducción sos vos.

—Sí, ese fue el gran desafío porque conduzco y soy Barassi siempre, 24/7. Me llegan muchos proyectos en los que el personaje termina siendo muy parecido a mí: un papá copado, un amigo gracioso, uno que no tiene éxito en la vida amorosa. Son teclas que me quedan cercanas, pero esta no. Me agarró Jesús Braceras, que es el director, y me dijo: “Barassi, acá nada”. Salí de ese café pensando: lo puedo hacer, lo tengo que hacer. Aunque tuve mis dudas.

—¿Cómo fue que te dijeran “Barassi, acá nada”?

—Cuando lo escuché me di cuenta de que necesitaba escucharlo. Fue desafiante. Volví a leerlo, lo hablé con mi mujer y trabajé con una coach actoral, Dalia. Necesitaba encontrar qué me unía a este personaje y por dónde entrar. Gutiérrez es ambicioso: de repente se le aparece la posibilidad de evitar la Tercera Guerra Mundial y despliega lo que no tiene para convertirse en ese héroe. Hay algo de eso que me resonaba.

—Los otros son profesionales e impecables y Gutiérrez es “lo atamos con alambre”, pero está convencido de que va a frenar la Tercera Guerra Mundial.

—Él está convencido. Me encanta esa cosa argentina y bonaerense de que acá con poco hacemos mucho. Es histórico nuestro. Con todos los quilombos, de repente ganamos Copas del Mundo, tenemos películas premiadas, deportistas, artistas. Tenemos con qué. Gutiérrez is my name muestra que esa argentinidad al palo no es una ficción. Hay con qué; solamente hacen falta cabezas despiertas.

—Y podemos pelearnos entre nosotros, pero que no se meta uno de afuera a criticar.

—Olvidate. Nos unimos todos. En la serie también pasa que somos un equipo, creemos en la causa. Me gusta esa cosa de equipo en la serie y en la vida.

—¿Tuviste un doble de riesgo?

—Sí. Había un gordo divino que me hacía el aguante porque soy muy vertiginoso. Todas las escenas en altura, precipicios, edificios o puentes muy altos intenté hacerlas, pero hasta donde podía. Había momentos en los que decía: “La estoy pasando demasiado mal, ayúdenme, quiéranme un poco”. Así que tenía un doble para las escenas más complejas. También para una moto que intenté hacer, pero el equilibrio no me acompañaba. El resto le puse el cuerpo.

—¿Para qué pondrías hoy un doble en tu vida?

—Me vendría muy bien porque me falta tiempo. No sé cómo hacer para estar en todos lados: en mi casa, trabajando, en el colegio de las chicas, descansando, en yoga. Quiero hacer todo a la vez y no me da el tiempo. Estoy en ese proceso de ver cómo jerarquizo. Ser Barassi implica mucha responsabilidad y carga horaria. Ser padre, marido, amigo, y en el medio está mi cuerpo, que también tengo que cuidar. A veces le pido a la vida más horas y no aparecen.

—¿La estás pasando bien?

—Sí. Soy un tipo que, por lo general, camina del lado soleado de la vida. Soy alegre, me gusta pasarla bien y me gusta mucho mi vida. Tengo una familia que me llena de orgullo, una mujer que es equipo y dos hijas que son increíbles. Trabajo de lo que me gusta, me va muy bien, puedo darme gustos, vivo en una casa a la que me gusta llegar y puedo hacer escapadas con mi familia. No puedo hacer más que agradecer la vida que tengo, porque es una vida bárbara. El costo a veces es un poco alto.

—¿Y la exigencia no es un montón?

—La exigencia es un montón, pero yo soy exigente.

—¿Por qué?

—No sé. Estoy tratando de ver cómo ser un poco menos exigente conmigo, con mis hijas, con mi carrera. No sé dónde estoy chipeado de esa manera. La exigencia, el control y la obsesión son pinceladas que me definen y estoy viendo cómo regularlas. Ya entendí que soy así, tengo 42 años, no soy un pibe de 25 tratando de ver cómo quiere ser. Quiero que esto no sea patológico, que no reste y que sume.

—Yo soy muy fanática de los cumpleaños de tus hijas. Y vos estás en cada detalle: desde cómo está doblada la servilleta y si está combinada con el globo que está a dos cuadras.

—Como tiene que ser, sino me muero. Soy insoportable. Hay una productora que en un momento me dijo: “Hasta acá te acompaño porque sos un faso”. Era una capa y producía bárbaro los cumpleaños. Ahí dije: voy a tener que frenar un poco y confiar en que otros saben más. Pero llego dos horas antes y hago un 360: “Esta pared está pelada, ¿por qué no ponemos unos globos acá?”. El equipo ya me conoce y me banca

—¿Te bancas no darles el gusto en algo?

—No me lo banco, siento que quiero darles todo y es un ejercicio grande porque en el fondo también es mi locura. Pienso: “Me voy a morir, les quiero dar todo ahora. Mirá si es mi último cumpleaños con mis hijas”. Soy de dar mucho, soy abastecedor de cualquier necesidad de alguien que me genere empatía o cariño. Me cuesta jerarquizar.

—Se juntan el papá, el controlador, el que se angustia y el que les quiere dar todo. ¿Aparece el fantasma en serio de no estar para ellas?

—No tan dramático. Me gusta que tengan una infancia espectacular, pero no lo asocio solo con lo material, también con estar. Yo no sé estar con mis hijas tranquilo, y eso es un tema. Llego y pongo música al palo, me pongo una sábana, bailo, las cazo, las escondo. Ahora, como estoy haciendo otro tipo de terapia, estoy tratando de bajar un cambio: también podemos tirarnos a ver una película, pintar o preparar un bizcochuelo. Antes era llegar y hacer un show gigante.

—Lu debe llegar a tu casa y decirte: “Bajá un poco la excitación, después hay que dormirlas”.

—Obvio. Me dice: “Gordo, son las ocho, ya está, hay que bañarlas”. Pero para bañarlas hago cascada de espuma, el sapo que habla, fiesta, no lo puedo evitar, pero termino muerto. Lo que pasa es que estoy dos horas con ellas y quiero darles todo lo que no les di en todo el día. Ahí es donde me mata.

—Como sos gracioso y un gran remador, no sé si es 100% real lo que me estás diciendo.

—Es 100% real. Llego a la puerta de mi casa, estaciono, suspiro, abro la puerta y, de seis a ocho, soy Topa: canto, bailo, me disfrazo. Ellas son re artísticas las dos: bailan, cantan, saltan. Emi ya no se copa tanto con el show, se va a su cuarto y compone canciones.

—¿Te escribió alguna?

—Sí. Anoche me quedé a dormir acá en el centro porque no llegaba a ir y volver. Estaba enojada y me escribió una canción que se llamaba “Odio a mi padre”. Intensa. Me dijo que cuando llegara me la iba a cantar. Hizo la música y la letra. Estoy ansioso por escuchar “Odio a mi padre” porque una noche me quedé a dormir en el centro.

—¿Vos le dijiste lo indignado que estabas cuando ella se fue de pijamada?

—Estoy de vuelta con ese tema, no hay más pijamadas. La dejé una vez y no puedo, tiene siete años, por ahora duerme en casa. Parezco copado, pero también soy un gede.

—¿Ella primero iba a pijamadas pero no se animaba y la tenías que ir a buscar?

—Nunca me pidió que la fuera a buscar, pero podía despertarse de noche y pedir ayuda a algún adulto para volver a dormirse. Entonces le dije: “Al pepe, ¿por qué te va a dormir la mamá de una amiga?”. Aunque fueran familias de muchísima confianza. Así que hacemos prepijamada: la paso a buscar a las once y, si quiere estar en el desayuno, la llevo temprano. Ahora estamos negociando con la madre que empiece a dormir en casas dentro del barrio.

—La madre dice que sí.

—La madre está más accesible. A mí me cuesta irme a dormir y que no estén ahí.

—¿Se pasa de cama?

—Tiene horarios. Si es antes de las cinco de la mañana, vuelve a su cama. Después de las cinco, puede quedarse.

—¿Y con Inés?

—Inés hace lo que quiere, llegó a nuestras vidas para demostrarnos que las reglas son las que pone ella. Una vez entro a mi cuarto, piso algo, pienso que es una almohada y la veo tirada en el piso. Le digo: “No podés pasarte a mi cama”, y me responde: “No estoy en tu cama, estoy en el piso. Y quiero agua”. De repente me encuentro dándole agua y permiso para acostarse en la alfombra, que era mejor que el piso. Y ahí se durmió. Después la pasé a su cuarto, obvio, pero ella es así.

—¿Quién de las dos es la que escribió que se iba a vivir a Europa porque tiene ciudadanía?

—La más grande. Se quiere ir con Pachu, su mejor amiga, cuando termine el colegio.

—¿Y qué le dijiste?

—Que por qué. Me dijo: “Porque vos sos el señor no, me decís no a todo”.

—No pareciera.

—Soy un gede. Con el colegio, con el orden, soy estricto.

—Sos muy fanático del orden. ¿Te pintaron alguna pared?

—Sillones y sufro. Lo primero que hago cuando entro a mi casa es mirar el rayón que todavía no puedo sacar y no quiero ponerle una funda porque el sillón es muy lindo. (Risas.) Me voy a acostumbrar.

—¿Por qué cambiaste de terapeuta?

—Hacía terapia con la misma psicóloga desde los 18. La muerte de mi vieja fue un cimbronazo y sentí que ese proceso me había ayudado mucho, pero necesitaba cambios. Necesité Gutiérrez, cambiar de psicólogo y escuchar otras cosas.

—¿Con qué Darío te encontraste después de la muerte de tu mamá?

—Estoy más introspectivo. Pasaron dos años y creo que el duelo está elaborado, convivo bastante mejor con su ausencia, porque fue muy shockeante, una enfermedad rápida y agresiva. Mi vieja recién empezaba a ser abuela de mis hijas y se había mudado al barrio para estar cerca, había un proyecto de vida que estaba empezando y todo eso se cayó. Yo no tengo papá, así que fue medio quedar huérfano. También fue perder San Juan, porque durante mucho tiempo llevaba a mis hijas a la casa de mi vieja. Fueron demasiados duelos juntos y se me armó un quilombo en la cabeza, es un cachetazo emocional de la vida al que hay que ponerle el cuerpo y transitarlo.

—Yo a mi vieja la extraño siempre. Se murió hace 10 años y la sigo extrañando.

—A mí me sigue pasando. El fin de semana estuve en San Juan y fui al cementerio, le conté de las pibas. Además, la más chica se parece mucho físicamente a mi vieja y eso me hace acordar. Ahora estoy en un duelo elaborado y en proceso de valorar qué sí y qué no en la vida: la obsesión, el control, la exigencia. Vivir un poco más tranquilo y disfrutar las cosas cercanas.

—¿Le pudiste decir a tu mamá todo lo que querías?

—Tuve la suerte de que fue un cáncer bastante terminal, pero durante el último año pudimos acompañarla y hablamos muchísimo. De lo bueno, de lo malo, del futuro, del pasado.

—¿Ella sabía?

—Sí. En el período más terminal ya no estaba tan conectada, así que simplemente la acompañábamos y le decíamos las cosas que queríamos decirle sin esperar respuesta. También fue parte del proceso de la despedida.

—Y darle permiso para que se vaya tranquila.

—Sí, ya era hora. Cuando pasó, en algún punto, se sintió como un alivio. Era: “Ya está, pobre, basta. Liberate”. Hasta hoy me duele, pero con mis dos hermanos y mi mujer le pusimos mucho el cuerpo. El cáncer es una enfermedad compleja, pero lo vivo como un año gratificante en el sentido de que pude cerrar mil temas con mi vieja, la pude ver abuela y me quedo con lo positivo. Hablamos de todo: de mi viejo, de mis hermanos, de cosas críticas que habían pasado durante nuestra convivencia, mil temas de madre e hijo.

—¿Del gordo pero sexy?

—Gran remera que me llevó el día que me recibí y aún la tengo. Mi vieja me rompía los huevos con que fuera abogado y me acuerdo de lo contenta que estaba ese día. Me trajo la remera chica para que me quedara chica y boludearme (risas). Si soy medio bicho y aparato de algún lado lo saqué.

—¿Cómo estás con ese proceso introspectivo? ¿Apareció el disfrute de parar y mirar?

—Hubo un freno obligado. Fue una piña. Me perdí, me angustié mucho, estaba desencajado. Y tenía que seguir trabajando porque me acababa de mudar. Ese año me costó bastante hacer el programa, solo hice eso porque no me daba el cuerpo para mucho más. Hoy me siento mucho más estable y conectado con el presente, con lo que tengo, que es bárbaro.

—¿Te sale?

—A veces sí, a veces no. Estoy aprendiendo a abrazar que soy así y dejar de estar enojado con mi naturaleza. Tenía programada mi vida dos años antes y ahora digo: dejemos algo librado al azar, vamos viendo qué tenemos ganas de hacer. Mi mujer me ayudó mucho con eso porque es bastante más sana que yo.

—¿La paternidad no acomodó también algo de eso?

—La paternidad me corrió de eje, dejé de mirarme tanto a mí mismo que me miraba mucho. Y, aparte, por más que tengas todo estructurado, aparece una tirada en el piso pidiéndote agua y se caen todas las reglas de cómo educar, simplemente querés levantarla, darle un beso y listo.

—Te propongo un juego para el Darío controlador. Quiero saber qué hacés ante algunas situaciones. Tu hija está triste por algo que vos no podés solucionar. ¿Qué hacés?

—Mi tendencia natural sería evitar el sufrimiento. Diría: “Vamos a andar a caballo, vamos a pasear”. Ahora estoy tratando de hacer otra cosa: “Ok, hija, lloremos juntos, entiendo que estés triste, está bien llorar”. Le daría lugar a esa emoción.

—Me gusta este Darío maduro, por favor.

—Evolucionado.

—Un programa tuyo fracasa. No hay un culpable. ¿Qué hacés?

—Le pongo el pecho, pero me cuesta. Por suerte tuve una carrera muy bendecida y casi todo funcionó. Salvo un experimento con Dalia Gutmann en Canal 9, 90 días o menos. Hacíamos 0,1 de rating. El productor ejecutivo nos decía “0,0” y nos pusieron una rayita en el rating. Duró 37 días, no llegamos a los 90. Fue un aprendizaje igual, entendí que no bastaba con hacer televisión simpática o tener buenas ideas: había un universo de producción, estructura y de contar algo que también era necesario para que un programa funcionara.

—Pero mediocre en nada, no te lo bancás.

—Me cuesta. Fui abanderado en primaria y secundaria y me recibí con diploma de honor en la Facultad, pero si toca el fracaso, que venga. Lo abrazo.

—Luli toma una decisión familiar distinta de la que hubieras tomado vos. ¿Qué hacés?

—Ah, no. Sí, lo tengo que aceptar. Hago el esfuerzo, pero tiro darditos. Con las vacaciones, por ejemplo, ella es más de fluir y ver dónde vamos. Yo quiero ordenar: tal día, tal lugar, tal hora, tal comida. Pero de a poco voy negociando.

—Tu hija te dice: “Esto no te lo voy a contar”.

—Ay, le leí el cuaderno. Emilia tiene como un libro y se lo leo a veces. Muy pocas veces lo hago porque ya me vio una vez y me dijo papá, basta. Estoy empezando a respetarla, porque tiene siete años y por momentos es muy adulta en sus planteos y en cómo marca sus espacios. Ahora aprendió que puede cerrar la puerta de su cuarto, escribir y no mostrarte lo que escribió.

—Vos sabés que un día va a caer con un novio ¿no?

—No quiero hablar del tema: sigamos o me voy de la nota.

—Tu cuerpo te pide parar justo cuando te ofrecen un proyecto que estabas esperando.

—Ese es al que menos bola le doy. A mis hijas y a mi mujer las escucho más. A mi cuerpo le exijo: no tengo voz y tengo que seguir, me duele la cintura y tengo que seguir. Es la cuenta más pendiente de la que tengo que ocuparme en algún momento.

—¿Te estás cuidando un poco?

—Me estoy tratando de cuidar un poco, pero no lo suficiente. Tengo un cuerpo que no es sano, por más que los análisis me den bien y que pueda aguantar. Este psicólogo al que voy ahora me da durísimo con ese tema y me encanta, porque hasta ahora no lo había enfrentado tanto. Algo tengo que hacer, me tengo que ocupar porque aparte pretendo vivir mucho tiempo, me gusta mucho vivir y siento que con un cuerpo así es quitarte años de vida.

—Hacés muchos chistes con el tema.

—Convivo bien con mi gordura, hago humor con ese tema y soy un tipo que, a pesar del cuerpo que tengo, entreno, hago tenis, me casé con la mujer que amo, soy padre, trabajo.

—No te limitó en nada.

—Por suerte no, pero empiezan a pasarme cosas que antes no me pasaban: quiero jugar al tenis y me duelen las rodillas; me caigo y me duele el ciático. No tengo el cuerpo de los 25, ni la fuerza de antes, y es un tema del que me tengo que ocupar. Agarré un clínico especialista en obesidad y empecé a entrenar tres veces por semana. Todavía no veo muchos resultados y eso me preocupa.

—A veces hay que dejar de trabajar un poco, parar.

—También pienso eso. Duermo muy poco, cuatro o cinco horas por día, y eso es un desastre. Cuando quiero abarcar tantas cosas termino sin abarcar nada. El entrenamiento tres veces por semana ya es un check. El médico especialista en obesidad, otro check. Ahora tengo que ver cómo dormir porque no aguanto más.

—¿Estás tomando algo?

—Sí, alguna cosita para la ansiedad, para estar un poco más tranquilo y me ayuda. Mi cuerpo es lo que menos escucho, lamentablemente.

—Un director te dice: “No quiero nada de Barassi en este personaje”

—Fue lo que pasó ahora, el director me decía: “No, menos. Menos. El ojo, la ceja, la oreja, la mano abajo, el gesto”. (Risas). Era como “bueno Jesús, ¿qué querés que haga? Hablo así, hermano”.

—Lo odiaste.

—Lo odié y lo amé. Ahora cuando lo veo digo: “Te amo”. Y cuando veo las barassiadas digo: “No tendrían que estar”.

—Alguien que querés está sufriendo y no quiere que lo ayudes.

—Me cuesta que me digan que no. Tengo que encontrar la manera de ayudar. Pero si me dice que no, trataría de respetarlo o manipularía para que otra persona pueda ayudarlo.

—Te levantás un día sin ganas de ser gracioso, productivo, buen padre, buen marido ni buen conductor. ¿Qué hacés?

—Manejo. Me voy a Areco. Lo hago bastante. Hay un lugar que me gusta, paro, me como un sándwich de jamón crudo y queso, pongo música. El auto es un refugio.

—¿Qué escuchás?

—De todo. Adele, Belle, música de los 80, música de cuando era pendejo, folclore, música clásica. Tengo playlists según el estado de ánimo para cuando voy solo en el auto. Está “Románticos” que es medio suave, tiernito; “Tranqui” que es cuando necesito un respiro, y “Corchazo”, que es cuando estoy en un pozo depresivo absoluto, muy dramático. Areco directo escuchando “Corchazo”, que ahí están Aristimuño, Adrián Berra, Radiohead. Cuando estoy mal, estoy mal. Me gusta estar mal. Hay que llorar ahí un rato.

—¿“Románticos” es para la salida con Luli?

—No, esos son mis momentos solo en el auto. Con ella tenemos una que se llama “Lu”, que es la que compartimos y esa va bien.

—¿Había un adolescente que lloraba frente al espejo?

—¡Es la misma mecánica! Me hiciste acordar: antes podía estar horas en el baño frente a un espejo y ahora es en el auto.

—¿Es verdad que en un camarín te encontró una empleada porque te quedás horas en el baño?

—Me quedo horas, porque después de grabar dos programas, cada uno de dos horas, quedo vacío. Entonces viene al camarín mi vestuarista Lula Torres, me saca el traje y me quedo media hora tirado en la cama un poco muerto, no me pidan nada. Una vez fui al baño, me senté y una empleada entró para limpiar el camarín, pensó que no estaba pobre mujer. Yo estaba en paños menores, sentado en el inodoro, pero ni siquiera haciendo mis necesidades: estaba en pausa. Y abrió la puerta, me vio y ni pude reaccionar. Le dije: “Hola”. ¿Qué querés que haga? Estoy muy cansado.

—Igual es algo muy del hombre quedarse en el baño una hora.

—No sé por qué nos gusta tanto. Es íntimo, fresco, relajado, nadie te jode. Soy fanático, tengo ocho baños en mi casa.

—¿En serio?

—Hice ocho baños. La cocina es una, eso es lógico. Lo ilógico son los baños. El de mi cuarto es inmenso, amo estar ahí. Lo mío es el inodoro, ese trono, amo ese lugar.

—Le escribís unas cosas tan lindas a Lu que imagino te perdona todo.

—Ella ya está hinchada los huevos de tantas cartas de amor. No le alcanza. Es como: “Escribí menos cartas y andá a buscarlas vos a comedia musical”. Y tiene razón.

—¿Hay cartas fuera de Instagram?

—No escribo a mano, pero digo un montón y escribo por WhatsApp. Soy muy demostrativo, y a Lu la admiro y la respeto: es una gran madre, lo da todo por las chicas, además de tener una empresa y trabajar.

—Si le pregunto en qué momento te quiere echar de casa, ¿qué me va a decir?

—Más de una vez por día. Soy un fasito. Así como me ama, también está agotada. Además son muchos años: nos conocemos desde los 18, estamos de novios desde 2009 y nos casamos en 2015.

—¿No hay una renovación de votos para 2029?

—¿Por qué no? Queríamos celebrar los 10 años de casados, pero pasó todo lo de mi vieja y quedó postergado. En algún momento haremos una fiesta. Tenemos una familia espectacular y seguimos juntos, que no es poco.

—Te gustan las fiestas y sos extremadamente organizado. Tenés tres años hasta 2029. ¿Sabés el fiestón que podés hacer?

—Me encanta celebrar. Ahora me voy a tener que anotar la tarea de organizar esto.

—Te arruiné. ¿Tenés aplicaciones para hacer listas?

—No, bloc de notas y agenda de papel. Me gusta la cosa tradicional. Me gusta tachar con la lapicera.

—¿Disfrutás que la gente te quiera?

—A mí me gusta mucho sentirme querido. Tengo la suerte de que, en general, me quiere mucha gente, son pocos los que me tiran “gordo forro” por la calle.

—¿Usás el humor para salir de las situaciones incómodas?

—Uso el humor para todo en la vida, a veces funciona más y otras, menos. Hay temas en los que ya no aplica, pero es un buen recurso. Lo tengo muy a flor de piel: es mi carta, mi espada.

—Siempre uso como anécdota un canje tuyo que me contaste: unos baños.

—Hice un canje de baños químicos en los que ya se podían hacer necesidades sólidas, eso es lo que había que contar. Y usé a Chatruc para mostrarlo.

—Ah, esa parte no me la contaste.

—“¿Estás en una fiesta y tenés una necesidad sólida? Ahora podés porque gracias a arroba...”, y aparecía José. (Risas.) Bueno, por lo menos tuve la dignidad de no ser el modelo de necesidad sólida.

—Un santo Chatruc.

—Un santo, igual era la fiesta de los dos y yo me había ocupado de todo.

—Vos dijiste: “Yo lo conseguí, vos lo actuás”.

—Claro hermano, yo lo conseguí, vos lo actuás. Hagámoslo equilibrado.

—¿Qué querés que venga, además del éxito de Gutiérrez?

—Quiero que venga el éxito de Gutiérrez porque realmente dejé todo ahí. Y quiero que mis hijas crezcan sanas y radiantes, como vienen hasta ahora, y poder disfrutarlas con Luli a morir. Tengo un presente del que estoy muy agradecido. Laboralmente ya tengo una proyección de los próximos dos años y estoy muy satisfecho.

—¿Cómo sabés cómo se vienen los próximos dos años?

—Estoy hablando para una obra de teatro en 2028. En 2027 ya está todo cerrado. Soy ordenadito.

—¿Musical?

—Sí. Tengo que ver si la hago porque me cuesta el tema del teatro con las criaturas pequeñas. Me cuesta irme de casa a la tarde. Pero, al ser infantil, por ahí puedo meterlas y que lo vivan desde adentro.

—¿Y año que viene conducción?

—Sí, estamos terminando de pulir qué porque es la cuarta temporada de Ahora caigo y pensamos que iba a ser la última, pero de repente tirás ocho puntos de rating y hay que ver qué hacer. Siempre también están las puertas abiertas para el prime time de El Trece por si queremos probar algo, así que la tele va a estar. También tengo una obra independiente que estoy empezando a leer con Tenconi y Mariano Saborido, y quiero ver en qué momento hacerla. Y me voy a hacer una película con Viole Urtizberea en octubre a Uruguay.

—La parte de parar, no.

—No. La parte de parar y cuidar el cuerpo me cuesta.

—¿Otro hijo?

—No, eso está cerrado, ya estamos los cuatro. Las dos niñas están bárbaras, están sanas y es un buen momento para cerrar. Soy hacedor de niñas, igual me queda una mini duda de qué me hubiese pasado con un varón, pero disfruto mucho ser papá de niñas y estamos muy bien. La familia está formada.

—Por ahora, vamos con Gutiérrez is my name.

—Por favor, todo el mundo a verlo.

—Son ocho capítulos para maratonear y viene bien reírnos.

—Sí. Espero que la gente entre en ese código porque está hecha para eso. Y que se rían. También está para eso: para tomarnos un recreo de la realidad. Por más que la serie trate un poco sobre cómo son las cosas en Argentina, es un buen momento para pasarla bien con un caso policial que te mantiene intrigado.

—Gracias por venir. Yo sé que estás matado, pero lo das todo siempre.

—Sí, hoy me costó un poco. Estoy cansado, pero fue un placer venir.

Coyote vs. Acme llega finalmente a los cines después de atravesar una accidentada historia detrás de escena. Dirigida por Dave Green y escrita por Samy Burch a partir de una historia de James Gunn, Jeremy Slater y Burch, la película combina acción real y animación para contar cómo Wile E. Coyote decide llevar a Acme Corporation a juicio por los productos defectuosos que utilizó durante años para perseguir al Correcaminos. Will Forte interpreta al abogado Kevin Avery, mientras que Lana Condor, John Cena, Tone Bell y Luis Guzmán integran el elenco de acción real.

El estreno estuvo lejos de estar asegurado: en noviembre de 2023, Warner Bros. anunció que no lanzaría la película, pese a que ya estaba terminada, y optó por utilizarla como pérdida fiscal. Tras varios intentos fallidos de encontrar un distribuidor, Ketchup Entertainment adquirió los derechos por unos 50 millones de dólares en marzo de 2025 y permitió recuperar el proyecto para la pantalla grande.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Will Forte, Lana Condor y Dave Green en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, felicitaciones primero que nada. Me encantó la película, creo que es muy buena. Quería comenzar preguntándoles cuáles fueron sus reacciones cuando escucharon que la gente realmente iba a tener la chance de verla en la pantalla grande.

Dave Green: —Estaba absolutamente sin palabras, no podía creerlo, y atravesé un proceso de varios meses en el que seguía sin creerlo y creo que todavía me siento así. Estamos muy emocionados de estar aquí y de que el público vaya a poder verla, y no solo verla, sino que la podrá ver en pantalla grande, que es la mejor manera de verla. Así que estamos completamente emocionados.

Will Forte: —Sí, y la profunda desesperación, frustración y enojo que precedieron a esto realmente intensifican esta sensación de euforia por su estreno, porque pensábamos que no se iba a ver y sí se vio, y tuvimos la oportunidad de verlo. Obviamente, David la ha visto durante años. Él está a cargo de la posproducción, pero Lana y yo pudimos verla justo después de que Warner Bros. habían dicho que la iban a dejar de lado. Y no tenía sentido para nosotros porque vimos esta obra de la que estamos tan orgullosos y pensamos que la película era genial. Así que eso fue difícil. Pero gracias a eso, esta sensación se volvió aún más... Ya sabes, simplemente es una felicidad exponencial.

Lana Condor: —Es muy emocionante, estoy muy, muy emocionada. Y todos estamos muy, muy agradecidos. Estamos agradecidos con los fans. Estamos agradecidos con Ketchup Entertainment. Es simplemente increíble. Estoy tan feliz. ¿Qué mes es? Es agosto. Estoy tan feliz de que por fin sea agosto porque eso significa que saldrá este mes. Lo logramos. Lo logramos, chicos.

—Eso es perfecto. Es una noticia tan buena. Y quiero empezar contigo, Will, porque no sé si alguna vez te imaginaste que interpretarías al abogado de Wile E. Coyote. Volviendo al principio, ¿cómo empezó todo para ti? Porque la premisa es tan descabellada, tan loca, tan divertida. Así que realmente quiero preguntarte volviendo al principio, ¿cuál fue tu reacción cuando te enteraste?

Will Forte: —Bueno, acabo de recordar que… No sabía nada de este proyecto, y entonces mi agente me dijo: “te quieren para interpretar a este abogado”. Ni siquiera tuve que hacer una audición para el papel. Y... leí el guión y me pareció muy divertido. Y me sentí muy halagado cuando... Ya sabes, en cualquier momento alguien te propone hacer algo así, es realmente una sensación muy agradable. Y además de eso, ser el guardián de esta franquicia icónica y estar involucrado con estos personajes con los que crecimos es un verdadero honor. Y... así que me sentí muy bien al empezar con esto, pero, por alguna razón, no me di cuenta del todo de la profundidad de lo que había hecho hasta que vi el producto terminado. No me di cuenta del todo de la profundidad de lo que había hecho, igual que… No puedo creerlo, fue una experiencia muy emotiva poder verlo por primera vez, porque, de verdad, estos son personajes con los que crecí y han significado mucho para mí. Y fue una experiencia muy impactante poder verlo en la pantalla cuando ya estaba todo terminado.

—Me imagino, y Lana, iba a preguntarte de nuevo, porque no hay tantos humanos en esta película. Entonces, ¿cómo fue, según tu experiencia, estar simplemente trabajando en este nuevo escenario? Apuesto a que nunca antes habías hecho algo así. Así que realmente quería preguntarte, en ese sentido, cómo fue, en el día a día tu experiencia en el set.

Lana Condor: —Sí, es decir, ya había hecho algo, he trabajado un poco en pantalla verde y cosas por el estilo antes, pero nunca a este... nunca, creo, a este nivel y con este nivel de detalle. Es increíble. Creo que algo que me encantó como actriz fue que nos proporcionaron muchas herramientas, ¿no? Teníamos a Dave Bartley, un titiritero increíble e icónico, un verdadero maestro de los títeres. Él llegó, tenía a Wile como marioneta y se convertía en Wile durante el ensayo de movimientos. Y trabajábamos con esta marioneta. Trabajábamos con Dave. Así que, de alguna manera, sabíamos lo que Wile estaba sintiendo y dónde se encontraba en el espacio. Y luego filmábamos. Pero, la verdad, me resultaba muy divertido, va a sonar mal, pero me como que, de alguna manera, me gustaba trabajar con algo que no estaba ahí. Sentí que era muy liberador. Creo que en la escuela de actuación o en una clase de actuación, ¿qué haces? Muchas veces estás en un teatro tipo “caja negra” sin nada e intentas crear todo ese mundo solo con tu mente. Y a mí, la verdad, me encanta eso. Me encanta poder usar mi imaginación. Y para mí, ese tipo de actuación me da mucha alegría. Así que me encantó. Y espero poder hacerlo más veces porque me pareció una experiencia realmente maravillosa, sin duda. Y creo que Dave y todo el equipo también hicieron que fuera una experiencia increíble y lograron que las cosas que parecían un poco imposibles se sintieran totalmente posibles. Y eso es increíble. Y realmente se nota cuando ves la película.

—Eso es encantador. Y bueno, Dave, quiero preguntarte, porque después de todo lo que pasó la película antes de llegar finalmente a nosotros ahora, ¿ha cambiado tu perspectiva sobre la película? Porque sé que la has visto muchísimas veces y ha sido un proceso muy, muy, muy largo. Así que quería preguntarte sobre eso. ¿Ha cambiado tu perspectiva de alguna manera?

Dave Green: —De hecho, pude ver la película por primera vez en mucho tiempo este pasado fin de semana en la Comic-Con. Y eso fue... fue una alegría total. En primer lugar, porque el público estuvo genial y ellos… El simple hecho de escucharlos reaccionar a la película y poder oírlos reír y aplaudir en momentos que no esperaba... fue simplemente una experiencia increíble. Y, al fin y al cabo, esa es la razón por la que hacemos lo que hacemos. Realmente se trata de crear una obra y compartirla. Y diría que lo que también hizo que esa proyección fuera tan especial para mí fue… De la manera más hermosa, había podido olvidarme de la película de una forma agradable, porque cuando estás editando una película y trabajas en ella durante años, no logras olvidarte de la película. Estás constantemente recordando momentos y escenas, y pensando en el montaje y en cómo se ensambla todo, y sientes que estás constantemente trabajando en ello en tu mente.

Y hay una verdadera belleza en el olvido. Hay una verdadera belleza en poder tomar distancia de un proyecto y poder observarlo desde 30.000 pies de distancia y verlo por primera vez como un espectador. Y eso fue... fue increíble. Y eso fue un verdadero regalo: poder volver a vivir la película con nuevas perspectivas. De repente pude entender la historia de una manera que ni siquiera había entendido cuando la estábamos haciendo. Y la película, en cierto modo, cobró vida para mí de una manera completamente nueva. Así que eso fue realmente espectacular.

—Me lo puedo imaginar. Y, por último, para concluir, ¿cuál es el mensaje que quieren que la gente se lleve al vean esta película por primera vez en el cine?

Will Forte: —Nunca te rindas.

—Genial, muy bonito. Sí.

Will Forte: —Sí, nunca te rindas.

—Sí, por supuesto. Nunca te rindas.

Lana Condor: —Claro que sí. Sí, nunca te rindas. Sigue intentándolo. Mañana es un nuevo día. Mantén la esperanza.

—Sí, no podría estar más de acuerdo. Una vez más, felicidades. Y muchísimas gracias por su tiempo. Estamos ansiosos por que todos aquí en Argentina puedan disfrutar de esta gran película.

Francisco García Cabeza de Vaca confirmó en entrevista con Carmen Aristegui que tiene “más ganas” de participar activamente en la construcción de un movimiento opositor rumbo al proceso electoral de 2027, en el mismo espacio donde respondió a los señalamientos de la presidenta Claudia Sheinbaum, quien lo calificó de prófugo y confirmó que México solicitó formalmente su extradición a Estados Unidos.

“Con más ganas”: la respuesta sobre 2027

Ante la insistencia de Aristegui, que le preguntó de forma directa si aspira a la candidatura presidencial, el exgobernador de Tamaulipas evitó un “sí” o un “no” categórico, pero afirmó: “Por supuesto que sí lo había pensado y ahora con más ganas”. Cabeza de Vaca señaló que busca “generar una alternancia” y ser “factor de unidad” entre las fuerzas opositoras, más allá de su cargo actual como representante del PAN en Canadá y Estados Unidos.

El cruce con Sheinbaum: doble nacionalidad y extradición

El encontronazo se da en un momento en que la Presidencia ha señalado directamente al exgobernador tamaulipeco. De acuerdo con lo señalado por Sheinbaum, el gobierno mexicano solicitó formalmente la extradición de Cabeza de Vaca y su ciudadanía estadounidense no representaría, según la mandataria, ningún impedimento jurídico para entregarlo a las autoridades mexicanas. La presidenta fue más allá y anunció que analiza enviar una iniciativa de reforma constitucional para prohibir que quienes aspiren a la Presidencia o a una gubernatura tengan doble nacionalidad, propuesta que citó expresamente a partir del caso del propio exgobernador.

Aristegui le planteó ese doble frente —extradición y posible reforma— de forma directa, cuestionando además la seguridad con la que el político tamaulipeco asegura que no será extraditado. Cabeza de Vaca respondió que “le asiste la ley” y expresó confianza en el sistema judicial estadounidense para revisar los elementos del caso. Sobre la iniciativa de Sheinbaum, el exgobernador consideró que la propuesta “trae nombre y apellido” y que, a su juicio, apunta de manera específica contra la nacionalidad estadounidense.

Un tribunal federal, según información difundida previamente, revocó un amparo a su favor y mantuvo el bloqueo de sus cuentas bancarias, mientras la Fiscalía General de la República (FGR) lo mantiene señalado por presunta delincuencia organizada, lavado de dinero y evasión fiscal.

Un tribunal federal, según información difundida previamente, revocó un amparo a su favor y mantuvo el bloqueo de sus cuentas bancarias, mientras la Fiscalía General de la República (FGR) lo mantiene señalado por presunta delincuencia organizada, lavado de dinero y evasión fiscal.

Su defensa: “persecución política” y el caso del huachicol fiscal

Cabeza de Vaca atribuyó el proceso legal en su contra a lo que calificó como una “persecución política” derivada de un desafuero que considera “ilegal e inconstitucional”. Según su versión, el caso se originó en la Cámara de Diputados y fue impulsado, entre otros, por Pablo Gómez y el entonces legislador Fernández Noroña.

El exgobernador vinculó su situación actual con señalamientos que dijo haber hecho desde 2020, cuando —de acuerdo con su relato— alertó en una reunión de la Conago sobre presuntos vínculos de un funcionario del gobierno de Andrés Manuel López Obrador, identificado por él como Ricardo Peralta, con grupos criminales. Afirmó que ese señalamiento fue hecho ante la entonces jefa de gobierno capitalina, la hoy presidenta Sheinbaum.

Colaboración con agencias de Estados Unidos

Cuestionado sobre si mantiene algún tipo de colaboración con autoridades estadounidenses, Cabeza de Vaca confirmó lo que ya había señalado en una entrevista previa con Aristegui: dijo haber trabajado, durante su gestión como gobernador, con siete agencias de Estados Unidos, una relación que —afirmó— hizo pública en su momento, incluso ante López Obrador durante una conferencia matutina. El político tamaulipeco indicó que continuará colaborando “si eso permite que salga la verdad” sobre lo que describió como actos criminales en el país, aunque no detalló el alcance actual de dicha cooperación.

Hasta el momento, ni la Presidencia de la República ni la FGR han emitido una respuesta pública a las declaraciones más recientes de Cabeza de Vaca sobre su eventual candidatura ni a los señalamientos que hizo contra otros funcionarios durante la entrevista.

El entrenador colombiano hizo esas revelaciones en entrevista con el periodista Diego Rueda: “Cortés fue un jugador que tuve muy joven, pero desde siempre le vi mucho talento”, dijo Gamero. Durante su paso por Millonarios, club en el cual estuvo desde las divisiones menores y debutó como profesional, Cortés jugó 29 partidos oficiales, 16 de ellos como titular, entre liga, copa, Libertadores y Sudamericana. Anotó siete goles y dio dos asistencias antes de ser transferido al fútbol internacional para el Lens de Francia.

Mackalister Silva también fue resaltado como un jugador talentoso por Gamero

Una de las declaraciones de Alberto Gamero que más ha llamado la atención de los hinchas de Millonarios tiene que ver con Mackalister Silva. “Si tú me preguntas el más talentoso, yo te digo Óscar Cortés, pero si me preguntas el más inteligente te voy a decir David Mackalister Silva. No solo lo tuve en Millonarios, también en Deportes Tolima, donde ganamos la Copa BetPlay”, dijo “Tito” en la entrevista con Diego Rueda.

No obstante, Gamero también afirmó que “Macka” ha sido, por momentos, el jugador más indisciplinado dentro de la cancha, entre los que dirigió en Millonarios. “Pero esa indisciplina era por su deseo, yo le explicaba que debía conservar su posición, porque no podía ocuparlas todas. Pero es un jugador al que le gusta el balón y por el momento cree que él debe buscar el balón, y no, la pelota lo debe buscar a él”, dijo Gamero en esa conversación.

Mackalister Silva debutó como profesional en Millonarios y se ha convertido, de acuerdo a lo que exponen los hinchas del equipo en redes sociales, en uno de los grandes ídolos del club. Su primer partido con el “Embajador” fue en 2005, pero fue hasta 2015 donde, tras su regreso, comenzó a forjar una etapa importante con Millonarios. Específicamente entre enero de 2020 y diciembre de 2024, que fue la época de Alberto Gamero como director técnico del equipo, las estadísticas de Silva fueron:

• 186 partidos jugados
• 21 goles
• 32 asistencias
• Fue el principal capitán del equipo, en los tres títulos que conquistó

En contraposición, Alberto Gamero también eligió al jugador que más adoptaba sus directrices tácticas dentro del terreno de juego. Se trata de Stiven el “Jefecito” Vega. “Un jugador ordenado”, fue el calificativo que utilizó Gamero para referirse a él, que todavía está, junto a Silva, en el cuadro de los Millonarios. Las estadísticas de Vega con Gamero como director técnico en el “Embajador” fueron:

• 174 partidos jugados
• Sin goles, y con solo una asistencia, sobre todo porque su posición y características dentro de la cancha tenían que ver con labores más defensivas, que conservaba muy bien según la opinión de Gamero. Lo que sí es que la cinta de capitán le pertenecía, si Silva no estaba en la cancha.

La etapa de Alberto Gamero en Millonarios

Esa fue muy criticada, sobre todo en la recta final. Y la razón era que no ganaba títulos, como lo pedía la hinchada del “Embajador”. Calificaba continuamente a los ocho y llegaba a algunas finales, fueron cinco en total, pero no ganaba los títulos que esperaba la hinchada. A esas críticas salió Gamero en defensa al afirmar: “Llegar a una final no es fácil y mucho menos en el fútbol colombiano, porque para lograrlo tienes que jugar 27 partidos. Entonces yo creo que mi paso por Millonarios fue muy bueno y le guardo mucho amor al club”, concluyó Gamero en la entrevista con Diego Rueda.

La paradoja es que, después de tanto insistir para que otros le dieran un lugar, terminó encontrándolo por su cuenta. Cuando se quedó sin programa, sin sueldo y con la sensación de que el camino que había elegido se estaba desarmando, decidió apostar por sus propias redes. “Voy a comunicar lo que tengo ganas de comunicar”, se dijo. Un año y medio después, había alcanzado el millón de seguidores y sus contenidos llegaban a 35 millones de personas por mes.

En el camino aparecieron la Fórmula 1, Franco Colapinto, las noticias insólitas de Hola país y, sobre todo, Comentarios falopa, la sección que nació casi de casualidad después de largas madrugadas mirando redes.

Angarolla habla con Infobae de ese recorrido, de la transformación de la radio y el streaming, de los errores al aire, de las fake news y de lo difícil que fue dejar de trabajar para otros y animarse a ser protagonista. “Mi motor era demostrarles a los demás que podía estar al aire. No para mí”, reconoce. Y después de años de perseguir oportunidades, asegura: “Para mí no hay vuelta atrás”.

—Bienvenido, el hombre de las redes, el hombre de los Comentarios falopa.

—Sí, el nombre es medio raro (risas).

—¿Cómo nació?

—Nació de esas ideas que aparecen. Yo venía de madrugadas de scrollear y empecé a ver mucha bizarreada. De golpe empecé a mirar los comentarios y me agarró el instinto de hacerles captura y guardarlos porque me parecían muy graciosos. A veces alguien hacía algo muy bizarro y el comentario superaba lo que estaba viendo. Un día agarré el teléfono y me pintó decir: “Bienvenidos a los comentarios falopas de la semana”. Tenía cinco videos guardados y los editaba para que apareciera el comentario con un ruidito.

—Son los remates, ¿no? El pie que uno necesita.

—Claro. Lo subí y tuvo como un millón de reproducciones. Después se fue transformando y le agregué el vino, mis reacciones, las caras. No es que lo pensé y lo planeé.

—Vamos por el principio: ¿vos nacés en Pergamino?

—Sí, vine cuando terminé el secundario, a los 18. En el interior, si querés estudiar una carrera, generalmente te vas a Rosario porque está cerca. Pero yo tenía algo con Buenos Aires que me gustaba más. Todavía no tenía en claro que quería trabajar en los medios porque lo veía como algo imposible.

—¿Qué mirabas de chico?

—Videomatch, CQC, pero no me dejaban verlos porque eran después de las diez y mi vieja me hacía apagar la tele, aunque a veces la prendía escondido y la dejaba bajito. Consumía mucho deporte, me gustaba el fútbol, hice básquet y también me gustaba el automovilismo, me compraba revistas. A Buenos Aires solo venía en vacaciones de invierno a la casa de una tía.

—¿Y dónde empieza la fantasía de trabajar en los medios?

—Me vine con un amigo en 2004, después de haber crecido durante la crisis de 2001 viendo a mis viejos laburar sin parar para sostener el colegio y los gastos. Arranqué el CBC de Recursos Humanos y fui dos meses. Siempre tuve algo con la comunicación y cuando vine acá se me abrió un mundo: me subía a un bondi y me iba a la puerta de Telefe o entraba a ver el programa de Tinelli, entonces me empezó a picar el bichito. Un día estaba en una clase de Sociología y dije: “¿Qué hago acá?”. Me levanté, caminé hasta TEA y me anoté en periodismo. Como no había vacantes, entré a periodismo deportivo.

—¿Y cómo reaccionaron tus viejos?

—Al principio no les dije nada, pero después vino mi papá y le conté. Mi viejo me dijo: “Pero hace un año y medio que estamos gastando guita”. Era otra mentalidad y ellos hacían un esfuerzo enorme, recuerdo que tenía 50 pesos para toda la semana y alquilaba. Pero al toque lo entendieron y después siempre me apoyaron.

—¿Quién fue el primero de estos famosos al que esperabas a la salida del estudio para pedirle trabajo?

—Andy Kusnetzoff. Cuando empecé periodismo deportivo me di cuenta de que no quería ser periodista deportivo de raza. Quería entretener, hacer reír y también hacer periodismo. Y en ese momento explotaba Radio Metro, estaban Fernando Peña, Andy, Matías Martín. Escuchaba sus programas y me pasaba lo mismo que en el colegio: lo que yo pensaba lo decían tres segundos después, entonces sentí que quería participar. Un día fui a la puerta de la radio y esperé a Andy. Le dije: “Mirá, quiero laburar con vos”. Me miró y me dijo: “Pero, ¿qué querés hacer?”. Tenía 20 años y ahí entendí que no era tan fácil. No tenía contactos, no conocía a nadie en el medio y no había redes.

—Y volviste...

—Claro, pasaba un mes y aparecía de nuevo. Era muy incómodo porque él no me conocía, salía de la radio después de cuatro horas de aire y yo le caminaba al lado hasta el auto hablándole, haciéndole algún comentario del programa. Después me apodó el psycho, que más adelante se transformó en un personaje.

—¿Durante cuánto tiempo lo hiciste?

—Cinco años. La primera o segunda vez me dio su mail y empecé a mandarle ideas y análisis del programa. Él respondía algunos mails. Y me fui dando cuenta de algo: no alcanzaba con mostrar ganas. Por su metodología de trabajo, todo tenía producción y yo tenía que mostrar algo más, ese fue uno de mis primeros grandes aprendizajes. Igual cada tanto volvía, pensando en lo que pasó con Cayetano que hizo lo mismo y a los dos meses era movilero. Y un día me dijo que iría a tomar un café.

—¿Fueron a tomar el café?

—Sí, pero no cerramos nada. Después apareció Twitter y en la radio interactuaban mucho con la gente, entonces si él entrevistaba a Darín yo le sugería una pregunta. Y empezó a decir: “Acá el psycho me dice que te pregunte tal cosa”. Entonces el oyente me empezó a incorporar y así fue creciendo el vínculo. Después me dio su WhatsApp, iba al programa, me quedaba atrás del vidrio mirando.

—Mientras tanto, ¿de qué vivías?

—Me recibí de periodista y laburé de todo: estuve en un call center de una compañía de cable, hice una pasantía en TyC Sports y pasé por Fox Sports y DirecTV Sports, siempre como productor. En ese momento lo autogestivo no existía, si querías jugar en primera tenías que comerte esa.

—¿Cómo llegaste finalmente a Perros de la calle?

—Andy había arrancado el programa Argentinos por su nombre y me consiguió una entrevista. Fui y me bocharon. Entonces le dije: “boludo, voy recomendado por vos que sos el conductor del programa, el dueño, y me bochan en la entrevista”. Y me respondió: “¿qué querés que haga?”. Después, vino la asunción de Macri y me fui al Congreso en scooter, donde estaban todos los expresidentes. Me acuerdo de que de pasada me compré unos auriculares sobre la calle Corrientes. Llegué, le mandé una foto: “Estoy acá”. Me llamó y me puso al aire. Salió un móvil gracioso, pusimos al aire a De la Rúa y ahí fue el clic. Al año siguiente empecé como movilero.

—¿Cómo fue el primer móvil?

—Un desastre. Habían venido los Rolling Stones y yo estaba re nervioso, tenía que hacer a los fans y dije cualquier cosa. Pero esa primera semana apareció el dengue y vi que había una cuadra donde se habían registrado casos. Fui y armé “la cuadra del dengue”. Estuve unos 35 minutos al aire. Había gente que pasaba y yo le decía: “Ojo que estás en la cuadra del dengue”. Funcionó y ahí rompí el hielo.

—¿Cuál fue el personaje más difícil de conseguir?

—Manu Ginóbili, nunca pude conseguirlo. Al punto tal que me hizo echar de un VIP porque me colé. Después le escribí y le pedí disculpas porque me mandé a un lugar al que no me tenía que mandar.

—También perseguiste figuras internacionales.

—Sí, a Al Pacino lo perseguí durante una semana. Cuando finalmente salió del hotel para irse al aeropuerto, bajó el vidrio y me iba a hablar. Y justo se me apagó el celular y no grabé nada. Al día siguiente hicimos 45 minutos de programa contando todo y el remate fue que el cuñado argentino de Pacino nos consiguió un saludo.

—Espectacular.

—Otro fue Del Potro cuando ganó la Davis. Me fui a Ezeiza porque me había dicho que si ganaba me daba la exclusiva. Había 70 periodistas y pensé que era imposible. Vi a un grupo de chicos que eran sus amigos de toda la vida de Tandil. Empecé a hablar con ellos y entramos juntos al VIP. De golpe estaba al lado de Del Potro y su familia. Me miró y, en vez de echarme, me dijo: “Dale, llamemos a Andy”. Y ahí hicimos la nota.

—¿Cuántos años fueron de Perros?

—Seis, más o menos. Hice móviles, producción y después columnas, hasta que un día renuncié. Me había agotado un poco del móvil y el programa también fue mutando. Cuando pasé a producción volvió a aparecer algo que me pasaba desde el colegio: tenía el micrófono abierto y podía tirar el comentario justo en el momento indicado. Ahí surgió una sección que pegó mucho, El policía de Instagram, sobre los primeros canjes, chivos y movimientos de los famosos en redes.

—Y después llegó tu desembarco en la televisión también.

—Sí. Empecé a trabajar en PH con Andy como productor periodístico y hacía las historias del programa. Fue un trabajo espectacular y aprendí muchísimo. Después vino la pandemia y era el único que iba a la radio porque vivía cerca y solo, el resto salía por Zoom, y me ofrecen hacer en Metro un programa los sábados a la mañana con Tania. Era el llamado que esperaba hacía años. Con Andy ya lo venía charlando, porque yo quería estar en la mesa y no se daba, entonces le dije que si aparecía algo, iba a renunciar. Llegó este programa y seguí solo haciendo PH. Y cuando todas las figuras se fueron a Urbana, con Tania nos hicimos cargo de la primera mañana.

—¿Te dolió el cierre de Metro?

—Sí, un montón. Una cosa es entender el caso de Perros de la calle o el programa de Matías, que son proyectos que ellos construyeron con mucho esfuerzo y talento y que se sostuvieron durante 20 años. Si un día deciden no hacerlo más o irse, lo entendés. Ahora, lo que pasó con Metro es interesante para pensar lo que ocurre hoy con los medios y las redes: ahí se hacía escuela. Como le pasó a Andy con Pergolini, a Tinelli con Badía o a Marley cuando Nico Repetto le dio su primera oportunidad. Entrabas a un lugar donde, más allá del derecho de piso o los malos momentos que podían existir, había gente con muchísimos años de experiencia de la que aprendías y sabías que tenías un horizonte.

—¿Hoy esa escuela no pueden ser los streamings?

—Yo creo que no. De hecho, me doy cuenta ahora de que todo lo que pude empezar a aplicar en redes viene de ese camino anterior. En un año y medio hice un millón de seguidores y mi canal llega a 35 millones de personas por mes. Tuve la suerte de aprender a trabajar con las nuevas herramientas. La edición, por ejemplo, la hago yo porque ahí también hay creatividad. Pero, sobre todo, aprendí producción y a entender la dinámica que hoy requiere un reel.

—Detrás de este presente en las redes, hay años de trabajo en medios tradicionales.

—Sí. Comentarios falopa nació como me surgían las secciones en la radio. Lo mismo pasó con Hola país: con Tania teníamos que sostener la primera mañana de Metro y un día agarré una noticia curiosa, la conté de una manera más extensa y el operador le puso una chacarera. Después empecé a buscar noticias insólitas de distintos pueblos y se fue transformando en una sección de 40 minutos, hasta que la gente empezó a mandarnos audios. Después incluso hicimos un stream en la Televisión Pública que terminó llamándose Hola país.

—Quiero ir a tu paso por el streaming. ¿Arrancás en Luzu con Tarde de tertulia?

—Sí. Cuando cambiaron los dueños de la radio yo ya veía que el streaming estaba explotando y que la radio tradicional se estaba quedando atrás. De hecho, se habían ido Andy, Matías, todas las figuras, pero Metro era un gran dial, la marca era buenísima y durante ese tiempo yo iba a hablar con los gerentes y les decía: “Pongamos cuatro o cinco cámaras. No es tanta inversión y hay gente muy valiosa que ya tiene una audiencia”. Pero nunca me dieron bola. Llamé a Nico Occhiato. Nosotros ya habíamos hablado cuando Luzu recién arrancaba. Cuando nos juntamos me dijo que necesitaba gente con más experiencia porque tenía muchos programas con chicos jóvenes. Así que entré a Luzu como productor, para ordenar y coordinar los programas. Y ahí me terminé enamorando de los chicos de Tarde de tertulia, de Marti Benza y de todo ese grupo. Me pasó algo parecido a lo que me había pasado con Andy: por una cuestión natural, terminé siendo uno más de la mesa.

—Después te mudás con ellos a Olga.

—Sí. Marti me dijo que querían que fuera con ellos, pero esta vez para estar al aire y hacer columnas. Yo hablé con Nico porque quería seguir trabajando con él, pero también quería hacer aire. Le di la prioridad porque me había abierto las puertas, pero no me dio bola y me fui.

—Fue muy cuestionada esa decisión en su momento. ¿Terminaron mal?

—No. Nico terminó muy dolido con TDT porque fue un programa al que él le había abierto las puertas y es normal que termine recaliente con que después Marti se vaya a Olga.

—¿Hoy le podrías llevar un proyecto?

—Sí, re. Después no hablé más con Nico, pero aunque yo demostraba que quería estar y llevaba ideas, siempre era no. Cuando llegué a Olga lo mismo, tengo un nicho de Fórmula 1, ellos hicieron un especial de Colapinto, me propuse y siempre no. Es decir, en los streams nunca me dieron lugar. Después veía gente que no tenía oficio, que no modula dos palabras que tenía oportunidades y te da bronca. Hablé mucho con mi psicóloga sobre eso y me dijo: “¿Para qué perdés tiempo y energía ahí? Andá y hacé tu contenido”.

—Me gusta porque no cualquiera se banca que golpeaba la puerta y no le daban la posibilidad. ¿Cuando te vas a Olga, qué resignás?

—Mucha plata. En Luzu era productor ejecutivo y en Olga pasaba a ser columnista. Pasé a la indigencia (risas).

—¿Te gustan las figuras de la tele en el streaming?

—No es que no me gustan. Yo creo que el streaming es un híbrido que todavía no termina de ser ni radio ni televisión. Y hasta quienes trabajan ahí a veces parecen no saber si mirar a cámara o al compañero. La mesa horizontal también genera una dinámica rara: le hablás a tu compañero, pero estás mirando a la cámara. No digo que no haya que abrirse a lo nuevo, pero para mí el streaming debería recuperar el formato radial y sumarle cámaras.

—Hay mucha gente del streaming que dice que inventó un formato que quienes escuchamos radio ya vimos.

—Es que la radio con cámaras ya existía. A mí me encantaba Últimos cartuchos, de Migue Granados y Martín Garabal. Hacían radio con cámaras espectaculares. Después aparecieron canales que juntaron influencers por cantidad de seguidores y los pusieron en una mesa.

—¿Y eso funciona?

—No demasiado. Un programa necesita tiempo para que la gente se conozca, genere química y construya contenido, y eso lleva tiempo. Nico lo hizo, ya hace varios años está con la misma gente o supo mover piezas, genera contenido. El resto no lo hace, es gente hablando en una mesa y no duran más de un año. Además, hoy los nichos son más individuales. Si seguís a Davoo Xeneize, querés verlo a él. Terminás de ver un partido y vas a YouTube a ver qué dijo, no necesariamente ponés un canal donde hay cuatro personas hablando de otra cosa.

—También se cometen errores y hay que disculparse. ¿Cómo se ve eso desde adentro como productor?

—Todos nos equivocamos. Pero hay algo que no cambia con la tecnología: chequear. Cuando hacía la producción de PH, podía leer una entrevista de Clarín, pero hasta que no escuchaba al personaje decirlo no me quedaba tranquilo. Después era Andy el que le iba a preguntar eso. Hoy tenés todas las herramientas, pero también hay una cantidad arrolladora de fake news. No importa si hacés entretenimiento: tenés una responsabilidad si comunicás.

—¿Quién es responsable de un error como anunciar de esa forma la muerte del padre de Messi?

—Los dos. Con TDT nos pasó cuando murió Liam Payne. Apareció la noticia en el chat y los chicos empezaron a verla. Nosotros dijimos: “Silencio, cerremos la computadora y chequeemos”. Hasta que no lo pudimos confirmar, no se dijo. Por más experimentado que seas, tenés que apoyarte en el productor. No podés tirar una noticia porque la viste en el chat o te llegó por WhatsApp. Lo de Flor Peña me sorprendió porque, más allá de que no es periodista, hace un montón de años que labura. En ese sentido, Olga tiene gente un poco más experimentada que trabajó en medios. Luzu, por ahí, quedó más expuesto porque tiene muchos pibes jóvenes. Igual les pasó a todos.

—Hoy te fuiste del streaming y sos vos y tu marca en las redes. ¿Cómo dejaste de pedirlo para empezar a generarlo?

—Fue un poco por obligación. Se me juntaron varias cosas: perdí la producción de Luzu, los chicos se fueron a Olga y también se terminó otro programa que hacía. De golpe me quedé sin sueldo, sin la conducción de un programa y con monedas de columnista. Y encima renegado con todo este sistema. Hablaba de eso con mi psicóloga Gloria, que le mando un beso porque fue clave, y decidí: “Voy a comunicar lo que tengo ganas de comunicar”. Empecé a hacer contenido y rompí el hielo con la Fórmula 1 y Colapinto.

—¿Ahí encontraste tu primer nicho?

—Sí. Me apasiona el automovilismo y vi en Franco algo que me cautivó: cómo maneja, su carisma. Además, había mucha desinformación. Empecé a informar, desmentir y aclarar cosas.

—Pero no te quedaste solo con la Fórmula 1, fuiste por más.

—No, porque siempre me gustó el interés general, el humor y entretener, no el periodismo clásico. No quería que me reconocieran solamente por la Fórmula 1. Entonces llevé a Instagram cosas que ya había hecho en radio, como Hola país. Y un día agarré el teléfono y dije: “Bienvenidos a los comentarios falopa”. Y después hice que la sección crezca: le agregué vino, mis reacciones, el contenido bizarro y los comentarios de la gente.

—Los comentarios son todos reales.

—Sí, todos reales.

—¿Qué número te hizo decir “esto explotó”?

—Más que nada me sorprendieron los videos de Colapinto. El año pasado tenía 500 mil seguidores y de golpe un reel sobre una carrera de Franco llegó a un millón y medio de reproducciones. Ahí dije: “Bueno”.

—¿Cuál fue el producto más bizarro que se acercó a pautar?

—Casas de apuestas, de a montones. Cuando decidí apostar por las redes me ayudaron mis viejos. Me quedé sin un mango, saqué un préstamo, me compré una cámara, mi hermana me prestó un aro de luz y arranqué. Tenía justo para pagar el alquiler, me endeudé y era literal llamar a mi vieja y decirle: “¿Me transferís 30 mil pesos para comprar milanesas?”. Y ahí apareció un casino que es legal, lo hice una vez y me bajé porque necesitaba la plata pero no me sentía cómodo.

—¿Hoy podés vivir bien con lo que vos generás?

—Recién ahora. Estos últimos meses pude volver a cubrir mis gastos y que me sobre un puchito para irme a comer. Estuve un año entero sin saber si iba a funcionar.

—¿Daba miedo?

—Sí, pero nunca pensé un plan B. Estaba bastante hinchado los huevos y quería ser protagonista de lo que hago por primera vez. Puedo estar en un canal de streaming, ganar bien, pero quizás al año se termina. Hoy todo es muy vertiginoso.

—Con lo cual no descartamos ninguna propuesta, pero la marca Anga va a seguir estando.

—Por supuesto. Para mí no hay vuelta atrás. Y no lo pensé desde el triunfo, sino desde la derrota. Dije: “Si no funciona, me pongo un vivero”. Lo increíble es la velocidad. En mayo del año pasado empecé a ver resultados con los reels de Fórmula 1 y en noviembre estaba en Las Vegas viendo la Fórmula 1 y haciendo una nota con Colapinto desde los boxes.

—¿Ahí te llevó una marca?

—Sí. Una marca me dio acceso a los boxes y una agencia de viajes me escribió para llevarme. Ahí me emocioné porque en mayo le estaba pidiendo unos mangos a mi vieja para una milanesa y en noviembre estaba caminando por Las Vegas. Me fui sin plata porque las empresas te pagan a 60 días, tenía 200 dólares que me había regalado mi hermana para mi cumpleaños y el hotel me lo cubría la agencia. Estaba desbancarizado, no tenía tarjeta, y de golpe, por primera vez, estaba adentro de la Fórmula 1. Creo que ahí sentí que se cerraba algo, como cuando llegué a Perros o me nominaron al Martín Fierro como movilero de radio. Son momentos en los que decís: “Mirá qué bueno, valió la pena el esfuerzo”.

—Y empezás a ser reconocido por vos mismo, que era algo que buscaste mucho.

—Sí. Ese era el problema. A mí me motivaba trabajar para alguien: Andy, Nico, cualquier otro. Mi motor era demostrarles que yo podía estar al aire. Entonces me costaba mucho motivarme haciéndolo para mí. Eso también lo trabajé con mi psicóloga: confiar en mí y decir “rompé el hielo y hablá”. Si querés hablar de Colapinto, hablá de Colapinto. Si tenés 20 años de formación en periodismo, ¿por qué carajo no lo hacés?

—¿Se vienen nuevas secciones?

—No te lo puedo prometer, ahora estoy medio abombado.

—¿Te pasa que todos te mandan videos para Comentarios falopa?

—Un montón. Gente de los medios, empresarios, de todo. Y también pasa que me paran en la calle y me dicen: “¿Vos sos el de los comentarios falopa?”.

—Y ahí te pone contento porque buscabas ese reconocimiento.

—Sí. Porque, en el fondo, es lo mismo que hacía de chico: llamar la atención, participar en clase, hacer un chiste para que se rieran mis compañeros.

—Me quedo con eso. Felicitaciones. Está buenísimo este momento después de todo ese recorrido.

—Sí, creo que es eso. Y para mí estar acá con vos también es parte de eso: el otro día estuvo sentado Arturo Puig acá, hoy estoy yo. Todo valió la pena.

Francisco Álvarez, hijo del líder criminal Ramón Álvarez Ayala, alias El R1, dijo ser inocente del asesinato de la influencer Valeria Márquez.

En entrevista con el periodista Luis Chaparro, Álvarez dijo sentirse atemorizado y atacado, por lo que ahora no vive una vida normal. “Tuve que salir de mi vida normal por las cuestiones del señalamiento que se me hace a mi persona, de una manera injusta, yo así lo veo, porque es una acusación muy grave que se está haciendo con contra mía, de lo cual yo soy completamente inocente, no tengo absolutamente nada que ver”, aseguró.

Confirmó que Márquez fue su pareja, sin embargo, señaló, no hay motivo por el cual él hubiera querido asesinarla.

Dijo que conoció a Valeria Máquez en 2021, cuando ella trabajaba como “imagen” en antros en Guadalajara, y tras coincidir un par de ocasiones, intercambiaron su número telefónico y redes sociales. Tras platicar un tiempo, surgió la relación en dos o tres años después.

“Fue en el tiempo que yo decido declarármele y todo eso (...) vivimos juntos, ella vivía con sus amigas, la conocí en 2021, para 2024 es cuando empezamos la cosa más centrada, ella vivía con sus amigas, después se fue a vivir con otra amiga más cerca de donde yo vivía y posterior se fue a vivir conmigo, ya después las cosas no funcionaron entre ella y yo, normal de cada relación, creo yo que todas las parejas tienen problemas, lo que tú quieras, terminamos y de enero hasta abril yo ya no supe nada de ella, la vuelvo a ver en abril de 2025 en las fiestas de Tepa, ahí volvimos a coincidir, volvimos a tener comunicación, pláticas entre nosotros, cosas de intimidad, y después pasa el asesinato”, explicó.

Señaló que tras terminar, volvieron a verse y entre pláticas, dijeron que existía la posibilidad de tener de nuevo una relación amorosa.

Álvarez dijo más adelante, en la entrevista, que la acusación contra él es un tema político. “El gobierno ya hizo sus declaraciones, detuvieron a mi papá, lo están acusando, a mi criterio, injustamente (del asesinato de Carlos Manzo), porque no tiene un señalamiento en su contra, y yo creo que por eso metieron el caso de Valeria, para afectarlo, por qué te menciono eso, no por quererme afectar a mí, quizá lo quieren afectar a él, pero más que nada porque ya dieron una declaración donde el gobierno ya no se va a poder echar apra atrás, yo creo que cuando el gobierno abre un caso, lo más pronto que quieran lo quieren cerrar”.

Dijo que él no decía que su padre era culpable o no, pero si estaría “de lo mejor” que investigaran a fondo cualquier tema. “Son temas que yo lo veo a mi punto de vista, políticos, y como son muy mediáticos, lo que quieren es cerrar esos casos”, dijo.

Harfuch señala al hijo del R1 por feminicidio de Valeria Márquez

Cabe señalar que a finales del pasado mes de julio, Omar García Harfuch, secretario de Seguridad y Protección Ciudadana (SSPC), señaló que Ramón Ángel Álvarez Ayala, alias ‘El R-1’y líder del grupo delictivo ‘Los R’s’, ordenó el asesinato de Valeria Márquez, a petición de su hijo Francisco Álvarez.

En la conferencia de prensa matutina de la presidenta Claudia Sheinbaum del 31 de julio, el funcionario federal dijo que el hijo del R1 tuvo una relación sentimental con la joven de 23 años de edad, sin detallar cuánto tiempo duró.

Mencionó que Francisco ‘N’ amenazó en diversas ocasiones a Valeria; sin embargo, precisó que la Fiscalía General de la República (FGR) dará a conocer dicha información próximamente y ya se integra a la investigación contra el R1.

Esto último, luego de que Ramón Ángel ‘N’ fue detenido un día antes, tras ser señalado como presunto autor intelectual del asesinato de Carlos Manzo, exalcalde de Uruapan.

“Sí se tiene información, también lo va a dar a conocer más adelante la Fiscalía. Ya lo estamos integrando ahora con la detención de ayer.

“El hijo del R1 tenía una relación sentimental con Valeria. Ya la había amenazado en varias ocasiones y todo indica, esto ya se va a probar, que el hijo le pide a su papá, al R1, que cometan el feminicidio”, dijo en Palacio Nacional.

El secretario de Seguridad precisó que la investigación del feminicidio de la influencer es “distinta a la del alcalde Manzo”; no obstante, con la detención del R1 se obtuvieron indicios para encontrar a Francisco ‘N’, quien está en libertad.

El asesinato de Valeria Márquez quedó registrado en una transmisión en vivo la tarde del 13 de mayo de 2025, cuando un hombre ingresó a su salón de belleza en Zapopan y le disparó frente a la cámara.

La secuencia de hechos previos, documentada por la propia Márquez y su entorno, muestra señales de alerta, entregas sospechosas y mensajes que supuestamente mantuvieron a la influencer en el lugar minutos antes del ataque.

Jhon Jáder Durán atraviesa una nueva etapa de su carrera con el objetivo de recuperar la continuidad que no logró encontrar en sus últimos clubes y volver a estar en el radar de la selección Colombia.

El delantero antioqueño llegó al Benfica en condición de préstamo para la temporada 2026-27 y su comienzo fue positivo: ya suma dos goles en partidos oficiales con el conjunto portugués. Su rendimiento volvió a poner sobre la mesa la posibilidad de que sea tenido en cuenta para los próximos compromisos de la Tricolor.

El atacante viene de un periodo de movimientos constantes por el fútbol internacional. Después de su paso por Aston Villa entre 2023 y 2025, Durán continuó su carrera en Al-Nassr, Fenerbahce y Zenit, pero en ninguno de esos equipos consiguió consolidarse durante un periodo prolongado. Ahora, en Benfica, tiene una nueva oportunidad para demostrar las condiciones que lo llevaron a convertirse en uno de los delanteros jóvenes más seguidos del fútbol colombiano.

En medio de ese escenario, Juan Pablo Ángel habló sobre el presente del atacante en una entrevista con Win Sports y recordó el momento en que Durán llegó al Aston Villa. El exdelantero colombiano, que tuvo una importante etapa en el fútbol inglés precisamente con los ‘Villanos’, consideró que aquella experiencia pudo haber sido todavía más beneficiosa para el antioqueño.

“A mí me dio mucho gusto cuando Jhon Durán fue al Aston Villa. Unai Emery es un técnico que le hubiera ayudado mucho a la carrera de Jhon Jáder. Desafortunadamente, salió relativamente rápido”, manifestó Ángel en ese canal deportivo.

La competencia de Jhon Jáder Durán en Benfica

El exjugador también destacó que Durán cuenta con condiciones suficientes para competir al más alto nivel y dejó una petición concreta de cara a esta nueva etapa: encontrar regularidad.

“Él tiene todas las habilidades y todas las condiciones para convertirse en un delantero de talla mundial”, aseguró. Para Ángel, la edad del atacante todavía juega a su favor y puede permitirle corregir aspectos de su carrera mientras gana experiencia.

La descripción del exdelantero colombiano se apoyó en seis características específicas. Ángel señaló que Durán “es físico”, “es rápido” y “hace goles”. Además, destacó su capacidad para participar en el juego colectivo al afirmar que “es capaz de comandar el ataque sosteniendo la pelota”. A esas condiciones sumó que “tiene juego aéreo decente” y “tiene buena pegada”.

Las seis cualidades explican, según Ángel, por qué distintos clubes han decidido apostar por el delantero de 22 años, pese a que todavía no ha conseguido mantener una continuidad prolongada. “Tiene características que a nosotros como selección nos ayudarían un montón”, expresó.

La llegada al Benfica puede ser determinante en ese proceso. Durán tendrá que competir por minutos con el griego Vangelis Pavlidis, pero sus primeras actuaciones le permitieron comenzar a ganar protagonismo. Sus dos goles en partidos oficiales representan una señal positiva después de un periodo marcado por cambios de club y diferentes desafíos.

Las estadísticas de Jhon Jáder Durán en Aston Villa

En Aston Villa, Durán disputó 55 partidos y marcó 14 goles entre 2023 y 2025. En la Premier League consiguió 12 anotaciones en 43 encuentros y también tuvo participación en competiciones europeas. Allí dejó algunas de las actuaciones que despertaron el interés de clubes importantes, aunque su salida se produjo antes de alcanzar una consolidación definitiva.

Luis Javier Suárez y Jhon Córdoba aparecen como alternativas, mientras Durán intenta construir argumentos desde Portugal. Su recorrido con la selección absoluta registra 17 partidos y tres goles desde su debut, el 24 de septiembre de 2022.

Ángel, quien disputó 33 partidos oficiales y marcó nueve goles con Colombia, también habló sobre el proceso de la Tricolor y defendió la experiencia acumulada en grandes torneos. “La Selección Colombia ya sabe lo que es jugar finales; no es por comparar, pero Argentina, antes de ganar la Copa América y el Mundial, ¿cuántas finales perdió? Entonces eso es experiencia”, afirmó.

Su mensaje para Durán, sin embargo, pasa por un concepto central: regularidad. “Por eso tantos equipos han apostado por él, esperando que él pueda encontrar regularidad durante una temporada, dos o tres. Es un jugador que está joven, que va a ir madurando, va a ir creciendo y ojalá que sea rápido porque sus características, en el fútbol actual, son muy importantes”, concluyó Ángel en Win Sports.

El operativo desplegado este miércoles en Michoacán para capturar a Heraclio Guerrero Martínez, alias El Tío Lako, jefe regional del Cártel Jalisco Nueva Generación (CJNG), no puede considerarse un fracaso pese a que el líder criminal logró escapar, pero sí dejó en evidencia una falla en la estrategia para contener la reacción del grupo criminal, consideró Víctor Manuel Sánchez Valdés, investigador de la Universidad Autónoma de Coahuila (UAdeC), doctor por el CIDE y especialista en seguridad pública.

En entrevista con Infobae México, el académico explicó que detener a integrantes de la cúpula de una organización criminal constituye una acción necesaria para debilitar sus estructuras; sin embargo, este tipo de operaciones también deben contemplar los efectos que pueden provocar en la población.

Su análisis ocurre después de que fuerzas federales desplegaran una operación de precisión en las localidades de Tinaja de Vargas y Colesio, en los municipios de Tanhuato y Ecuandureo, respectivamente.

De acuerdo con las autoridades, la operación derivó de trabajos de Inteligencia Central Militar y fue realizada por elementos de Fuerzas Especiales del Ejército Mexicano y Guardia Nacional, en coordinación con la Secretaría de Seguridad y Protección Ciudadana, la Fiscalía General de la República y la Secretaría de Marina.

El saldo fue de nueve presuntos integrantes del CJNG detenidos, entre ellos Marisol N y Lourdes N, identificadas como hija y pareja sentimental de El Tío Lako.

Además, fueron asegurados dos inmuebles, 64 vehículos —uno de ellos blindado—, una ametralladora calibre .50, cuatro ametralladoras Minimi calibre 5.56 milímetros, nueve armas largas, un arma corta, dos aditamentos lanzagranadas, cartuchos, cargadores, droga, ocho artefactos explosivos, siete motocicletas, un dron y equipo táctico.

“El plan de contención fue el que falló”

Para Sánchez Valdés, el problema principal no fue haber intentado capturar a El Tío Lako, sino no haber previsto adecuadamente la respuesta del CJNG.

El especialista recordó que existen numerosos antecedentes de organizaciones criminales que, ante operativos dirigidos contra sus principales líderes, responden con bloqueos carreteros, quema de establecimientos, ataques y acciones destinadas a generar temor entre la población.

En este caso, tras el despliegue federal se registraron interrupciones en distintas vías de comunicación de Michoacán, por lo que las autoridades activaron el Plan Antibloqueo para garantizar el tránsito.

“Si vas a implementar un operativo con el objetivo de capturar a un líder criminal de alto nivel (...) tienes dentro de tu planificación que tomar en cuenta el impacto que puede tener en la seguridad de la población”, explicó el investigador.

Sánchez Valdés reconoció que existe una dificultad para coordinar previamente este tipo de acciones con autoridades locales, debido al riesgo de que información sensible pueda filtrarse a las organizaciones criminales. No obstante, consideró que una vez iniciado el operativo debe existir una coordinación inmediata para contener posibles reacciones.

Desde su perspectiva, los bloqueos registrados demuestran que el operativo estuvo cerca de alcanzar a El Tío Lako, pues este tipo de acciones son utilizadas por los grupos criminales para distraer a las fuerzas de seguridad, entorpecer su avance y facilitar la huida de sus líderes.

¿Quién es El Tío Lako y por qué es importante para el CJNG?

Aunque su nombre no había alcanzado la notoriedad de otros dirigentes del CJNG, Sánchez Valdés explicó que El Tío Lako es uno de los líderes regionales más longevos de la organización y que desde hace años mantiene influencia en el noroeste de Michoacán y en municipios de Jalisco que colindan con esa entidad.

Su zona de influencia incluye municipios como Zamora y La Piedad, donde, de acuerdo con el investigador, su estructura ha mantenido una importante capacidad de operación.

Sánchez Valdés señaló que la célula encabezada por El Tío Lako obtiene recursos mediante actividades como robo de combustible, producción y venta de drogas sintéticas y extorsión a comerciantes, transportistas y productores agrícolas.

El académico explicó además que el CJNG mantiene una estructura regional particularmente compleja en Michoacán. A diferencia de otras entidades, donde la organización puede operar bajo un solo jefe regional, en este estado existen cuatro liderazgos territoriales.

Además de El Tío Lako en el noroeste, mencionó a William Edwin Rivera, alias El Barbas, en la zona norte; a Rafael Álvarez Ayala, El R2, en la región central; y a Abraham de Jesús Zambriskeño, El Yogurt, en el sur.

La división territorial permite al CJNG mantener presencia en diferentes zonas pese a los golpes contra sus estructuras.

El CJNG ha resistido golpes contra su cúpula

Para el especialista, la captura de la hija y la pareja sentimental de El Tío Lako difícilmente provocará por sí sola un debilitamiento significativo de su célula.

Por el contrario, anticipó que la zona podría mantenerse bajo tensión durante los próximos días debido a que las autoridades demostraron que estuvieron cerca de capturar al jefe regional.

“Cuando están cerca de detener un líder de estas características es cuando el crimen organizado procede a bloquear para entorpecer y para distraer”, explicó.

Por ello, consideró probable que las fuerzas federales mantengan presencia en la región y continúen buscando al líder del CJNG, situación que podría derivar en nuevos enfrentamientos con integrantes de su red.

Sánchez Valdés también destacó la capacidad de resiliencia del CJNG, organización que ha logrado mantener sus operaciones pese a golpes importantes contra su estructura.

El especialista señaló que incluso tras la muerte de Nemesio Oseguera Cervantes, alias El Mencho, y la detención de otros integrantes relevantes de la organización, el grupo criminal no ha sufrido una fragmentación mayor.

Sin embargo, advirtió que una cadena de detenciones de líderes regionales sí podría generar un debilitamiento más profundo. Si las autoridades consiguen capturar a El Tío Lako y posteriormente a otros mandos importantes del CJNG, sostuvo, entonces podrían comenzar a observarse efectos de mayor alcance sobre la capacidad operativa de la organización.

Por ahora, el operativo en Michoacán deja dos conclusiones: las autoridades federales lograron golpear a una célula relevante del CJNG y estuvieron cerca de su líder, pero no consiguieron capturarlo; al mismo tiempo, la reacción del grupo criminal mostró que mantiene capacidad para alterar la movilidad y generar tensión en amplias zonas del estado.

Pero el freno no llega solamente desde lo físico. Flavio reconoce que su obsesión por el trabajo también es una manera de no quedarse quieto y evitar aquello que todavía no sabe cómo resolver. Le cuesta descansar, estar desocupado y quedarse solo con sus pensamientos. En terapia intenta encontrar algunas respuestas y admite: “Hay partes que me doy cuenta de que no están sanadas”.

En lo personal, también atraviesa un momento de replanteos. Cuenta que volvió a vincularse con alguien de su pasado y que una decepción reciente lo hizo llorar a escondidas, en la ducha, para que su hijo no lo viera. Habla de sus heridas de infancia, de la relación con Dionisio y del deseo de darle una historia diferente a la que él vivió. También confiesa que quiere volver a ser padre.

Mientras acaba de estrenar La cúpula en Puerto Madero, prepara un nuevo espectáculo junto a Ariel Diwan para el verano en Mar del Plata y avanza con Siete auras, que podría ser el último show en el que lleve su cuerpo al límite. Entre el escenario, el amor, la familia y las heridas que todavía intenta sanar, Flavio habla con Infobae sobre el éxito, el dolor y la necesidad de aprender a bajar un cambio.

—No parás, hacés un espectáculo tras otro. ¿Cómo estás con La cúpula?

—Muy bien. Recién debutamos. Yo decía el otro día: “¿Cómo es parir?”. Esto es parir. Ya salió, ya nació, ya está el bebé andando. Ahora hay que ayudarlo a reacomodar cosas. Fue una experiencia de redoblar la apuesta como creador, productor y director, de animarme y arriesgarme. No sé por qué lo hago. Siempre, cuando estoy en el baile, digo: “¿Por qué me meto en esto?”. Pero también es lo que amo.

—¿Quién es Flavio cuando no está en el show, cuando se apagan las luces y está solo en tu casa?

—Soy la persona más tranquila y común del mundo. Me gusta mucho estar en casa, disfrutar con mi hijo y con mis amigos. No soy de salir tanto. Soy de reunirme en casa, comer pizza o empanadas, o que alguien haga un asado porque yo no sé hacer. Y nos quedamos ahí.

—¿Qué te pasa por dentro cuando estás solo?

—No puedo dejar de pensar en qué puedo hacer. Tengo esta cosa, que ya hemos hablado en terapia: no puedo quedarme tranquilo. Puedo estar un día en casa, pero si al otro día tengo media tarde libre empiezo a ordenar un placard. Tengo que ocuparme en algo. No puedo irme de vacaciones y tirarme 15 días en la playa sin hacer nada.

—¿No podés porque no lo disfrutás o porque te genera angustia?

—Creo que un poquito de angustia. Pienso “me lo merezco, tengo que estar tranquilo”, pero no sucede. Hay algo que sé que no está bien, lo asumo, aunque todavía no termino de encontrar qué es. El otro día estaba armando con mi hijo la copa del Mundial y, cuando me di cuenta, habían pasado dos horas. Ahí sentí que mi cabeza se relajó un poco.

—¿Cuándo fue la última vez que lloraste sin que nadie supiera?

—Hace un tiempito. Me sentí decepcionado. Creo que una de las cosas que más me hacen mal es cuando alguien me decepciona. Fue alguien que quería mucho, tuvo una mala actitud y sentí que no estuvo a la altura de bancar lo que tenía que bancar. Lloré mucho en la ducha.

—¿Fue una decepción amorosa?

—Sí. Le di una oportunidad a alguien que ya conocía de hacía muchos años. En aquel momento yo estaba en mi momento más mediático, con Stravaganza, y las fotos conmigo hasta le repercutieron en el trabajo. Llegué a llamar a un abogado porque lo querían sacar por estar conmigo. Fue muy fuerte. Pasaron muchos años, seguimos hablando y este verano volvimos a encontrarnos y a tener algo. El otro día, en el programa de Mirtha, me preguntaron si estaba con alguien y dije que sí. Conté un poco la historia, sin nombres. A él lo afectó y no me habló durante 48 horas. Cuando me enteré por qué, fue una desilusión. Lo sigo hablando con él, pero ahora no sé qué quiero porque siento que me llevó nuevamente a un lugar que ya había vivido. No somos unos pendejos. No tengo que ocultar con quién salgo. No estoy haciendo nada malo: es una persona que ama a otra persona y la gente tiene que entenderlo. Si tu familia, la gente que vos amás, no te van a bancar, o si dos boludos te van a cargar, ¿qué te importa? Pero bueno, es algo personal de cada uno.

—¿Te generó inseguridad?

—Me rompió algo de todo lo que venía construyendo. Y además, ahora está mi hijo. Si voy a incorporar a alguien a mi vida, a mi casa y a mi estilo de vida, tiene que ser una persona que pueda afrontar eso. No lo hizo con maldad. Es un problema personal que tiene que resolver, como yo tengo que resolver millones. Pero a mí me lastimó. No sé si me desenamoré, pero hoy estoy lastimado y necesito que pase el tiempo.

—Pero tenés ganas de volver.

—Me parece una persona muy valiosa y merece una oportunidad, pero yo también soy valioso. Merezco que me cuiden. Soy muy fuerte, pero hay muchas cosas en las que no lo soy.

—¿Qué tapa esa obsesión por el trabajo?

—Creo que estoy tapando cosas que no sé resolver. Hay heridas que creo que están cerradas y no lo están. Soy muy vulnerable, vuelvo a recaer, soy muy culposo. Me hago muy rápido cargo de los problemas de los demás. Vos venís con un problema y yo ya me hago cargo. Me lo llevo conmigo. Si a un amigo le va mal económicamente, a mí me afecta. Si puedo ayudarlo, siento que tengo que hacerlo. Por momentos soy una ONG. Y eso pasa factura.

—Ahí aparecen tus hermanas, que ponen un poco de control.

—Sí. Yo nunca manejé dinero porque estaría fundido. Soy de dar y ayudar mucho.

—¿Sentís que pusiste algún espectáculo por encima tuyo?

—Creo que ahora estoy en otro proyecto. Acabo de estrenar La cúpula, que estaremos dos meses en Puerto Madero y salimos de gira. Estoy preparando otro con Ariel Diwan para el verano y después viene Siete auras. Capaz que no era el momento para mí, porque quizás necesito un break. Pero también agradezco que suceda porque siempre busco algo diferente.

—¿Siete auras lo vas a protagonizar?

—Sí. Y encima tengo que subirme al escenario con mis lesiones y todo lo que implica. Yo no hago un espectáculo solamente para facturar. Busco otra cosa.

—¿Qué?

—Que digan “qué bueno que está”, “qué lindo lo que hizo”, “me encantó”. Como persona y como artista necesito eso más que la plata.

—¿Que te quieran?

—Yo me siento querido. Por el público me siento súper querido. El público argentino siempre me abrazó.

—¿Eso sana algo de aquel nene que alguna vez no fue cuidado?

—Sí, muchísimo. A veces siento que el público me da algo que algunos afectos no me dieron. Cuando estoy arriba del escenario nada duele, todo sale bien. En el debut de La cúpula, aunque había cosas que no me convencían porque soy muy detallista, el público estaba tan amoroso que yo decía: “Esto es lo que me calma”.

—Viviste muchos accidentes arriba del escenario. ¿Hay una adicción al riesgo?

—No. Soy re cagón. Le tengo terror. Cuando ensayo algo y escucho un ruido raro en el motor pienso “ay”. Pero sé que es mi arte y que eso también me destacó del resto. Por eso soy muy cuidadoso. En esta obra, por ejemplo, estoy al lado de los técnicos como uno más para que todo salga bien.

—¿Se contratan seguros?

—Sí, de todo. Hasta el espectador tiene seguro. Pero a mí no me importa cuánto pague el seguro. No quiero que le pase nada a nadie.

—¿Hay algo que te dé miedo hoy?

—Las cosas de mi hijo. Y también no poder disfrutar lo lindo que me está pasando. Tengo dos empresas impresionantes, Circo Anima está haciendo un exitazo en el Norte, Aura debuta ahora, estoy armando Siete auras. Para el verano voy a tener las tres compañías más grandes de Argentina y creo que de Latinoamérica. Y a veces pienso: “¿Por qué no puedo dejar de pensar en todo lo otro y disfrutar lo bueno que tengo?”.

—¿Cuándo sentís que un show termina?

—Para mí los espectáculos no cumplen un ciclo porque lo que hago es muy diferente. Cuando llevo Circo Anima al Norte llevo todo. La gente me dice “no se puede creer que trajiste todo porque nadie viene con todo”.

—Para vos es importante que la experiencia sea la misma.

—Soy el único que lo hace. Es muy costoso, pero para mí sería una traición que alguien me vea acá y después me vea en Salta y diga “trajo la mitad”. Me moriría de vergüenza. No lo haría.

—¿Qué es lo que no te deja disfrutar?

—No lo sé. No lo resuelvo ni en terapia. Es como si siempre hubiera un puente que estoy tratando de cruzar. No sé qué hay del otro lado, pero quiero cruzarlo. Tengo 54 años y sé que esta locura no va a durar para siempre. El cuerpo te dice hasta acá. Creo que Siete auras puede ser el final de este tipo de show para mí.

—¿Está la idea de correrte del escenario?

—No. El cuerpo me está corriendo. Mi cabeza quiere, mi cuerpo no. Tengo ocho hernias de disco, una operación de ligamentos cruzados, problemas en el empeine, artrosis en la rodilla. Hice toda una temporada con mucho dolor y muchas infiltraciones. Este tipo de espectáculo ya no está para mi cuerpo.

—¿Tomás mucha medicación?

—No, evito todo. Me banco el dolor. Hago mucha kinesiología, entreno para estar fuerte, pero no quiero depender de medicamentos. Tengo miedo, soy un tipo consciente, por eso hablo del retiro de este tipo de exigencia física. Después puedo hacer comedias y montones cosas.

—¿Estás para salir a cantar por los barrios?

—Sí. Contar mi vida sentado en una butaca lo puedo hacer tranquilamente.

—¿Lo estás pensando?

—No sé si eso, pero hay espectáculos que podría hacer. Cuando hice Un estreno, un velorio, tenía mucho más texto que otra cosa.

—Hay algo de eso que te puede sanar.

—Sí. Vos sabés que hay cosas que sano con los espectáculos. La cúpula, aunque es una carpa y no un circo, tiene un relato. Aparece un guardián de la cúpula que cuenta una historia. Y cuando pensé qué cuento contar, automáticamente me vino El príncipe feliz, el único cuento que mi mamá me leyó. Ella leía novelas de Corín Tellado y nunca me había leído un cuento. Un día apareció un libro de tapa amarilla y me leyó ese. Al final se largó a llorar. Me explicó que el príncipe y la golondrina habían dado su vida para ayudar a otros, algo así como le pasó a ella, que ayudó siempre a todos. Y ahora, después de tantos años, ese es el cuento que elegí para la obra. Es muy loco.

—¿Jugaba con vos tu mamá?

—No me acuerdo. Yo recuerdo jugar solo, estar trepado a un árbol, jugar con barro, con juguetes. No recuerdo que mi mamá me empujara en una hamaca o que mi papá jugara conmigo. Hoy con Dio sí hago esas cosas. Me dice “dale, papá, corréme”, lo corro alrededor del sillón, me pide cosquillas. De momentos así no tengo recuerdos de mi infancia.

—¿Recordás haberlos necesitado?

—Creo que sí. Yo los voy a amar hasta el último suspiro de mi vida, pero tampoco lo hicieron porque quisieran. No pudieron, no supieron o era otra época. Mi papá era un hombre muy bueno, pero faltaba mucho por trabajo. Mi mamá era muy nerviosa y nos pegaba de una manera muy violenta. Ella también terminó yéndose de este mundo sin ser feliz. Yo no quiero eso. Me niego. Y creo que con los espectáculos voy sanando cosas, poniendo algo que digo “bueno, pasó”.

—Hay algo de ese nene que tuvo falencias de cuidado que hoy intentás sanar.

—Sí. Siete auras tiene que ver con la energía. Yo creo mucho en el aura de las personas. Puedo presentir si alguien es buena persona.

—¿Y a mí cómo me presentís?

—Buena gente.

—¿Qué preferís que diga un elenco de vos: que sos el mejor profesional o el mejor compañero?

—No sé. A veces me sentí incomprendido por algunos equipos. Cuando te volvés empresario y tenés que dar trabajo y bancar muchas cosas, siempre podés quedar como el loco o el histérico. Yo invierto, les doy un escenario de la hostia donde pueden expresarse como artistas, pero a veces la gente no entiende que si quiero ensayar más no es porque quiera castigar a nadie, sino porque también tengo que cuidarlos y hacer que el espectáculo salga bien. Entonces, lamentablemente, hay gente que hoy es un número para mí: vos tenés cierto talento, cubrís este espacio, yo te pago lo que tenés que hacer y se termina el contrato. Seguimos o no.

—¿Te decepcionaron equipos de trabajo?

—Muchísimo. En la época de Stravaganza tuve en mi casa todo un verano a dos personas accidentadas, pero no en mi espectáculo. Uno había tenido una pelea en un boliche y lo habían apuñalado cerca del corazón. El otro se había lastimado con explosivos. Los tuve conmigo para cuidarlos porque sabía que, si no, iban a salir de joda cuando necesitaban hacer reposo. Yo estuve ahí. Los banqué en un montón de cosas. Hoy trabajan por el mundo, uno en Cirque du Soleil, el otro en México. Pero sí, hubo y seguirá habiendo artistas o equipos que me van a defraudar.

—¿Sos autocrítico? Si te pasás dos pueblos, ¿podés darte cuenta?

—Sí. Con este nuevo espectáculo me descubrí con una paciencia que nunca pensé tener y bancándome cosas que antes no hubiera bancado. Pero también me di cuenta de que me afecta físicamente.

¿Cambiaste porque sentías que tenías que hacerlo?

—Sí, y también porque no quiero que mi hijo me vea gritando todo el tiempo. Antes gritaba y después no me quedaba todo adentro. Ahora muchas cosas me las guardo y me hacen mal orgánicamente.

—¿Y cómo sale ahora?

—Me afecta físicamente. Estuve muy descompuesto todo este último tiempo porque hay muchas cosas que trago y dejo pasar. Desde algo tan simple como que alguien se vaya de un ensayo general cuando estamos preparando un estreno. Se te está pagando, cumpliendo con todo; ya está, que venga el reemplazo, lo haga. Pero hay un esfuerzo extra que a veces las personas tenemos que poner para que las cosas sucedan.

—¿Da miedo invertir tanta plata en un espectáculo?

—No. Me da más miedo la gente que la plata. Encontrar personas que no vean solamente un sueldo, sino que quieran hacer el proyecto y tirar para el mismo lado. Me he quedado 24/7 en un teatro para que un espectáculo saliera y ni siquiera era mío.

—¿Pagás buenos sueldos?

—Sí, pagamos lo que corresponde, lo que se tiene que pagar. Algunas personas piden otras cosas, cada uno arregla su dinero.

—¿Hoy sos más empresario que artista?

—No. Voy a seguir siendo artista. La parte empresarial va a quedar más para mi familia.

—¿Cuál fue la compra que te permitió sentir que habías salido de la pobreza?

—Cuando le compré la casa a mi mamá. Ese fue el momento. Y cuando pude ponerla en una obra social porque estaba muy mal de salud y nadie la aceptaba. Que tuviera un techo y cobertura médica fue para mí decir “lo logré”. Cuando después me compré mi casa, hasta me sentía mal porque mis hermanas vivían en departamentos y yo tenía una casa. Tengo esa cosa de querer que todos estemos iguales. Yo digo que salud, estudio, un plato de comida y un techo todo el mundo lo tiene que tener.

—Son derechos universales.

—No puedo entender que un chico no tenga comida o que un viejo no pueda comprar sus medicamentos. Pero no le echo la culpa al gobierno sino a todos, porque hablamos y no sé si hacemos cosas. Estaría bueno decir: un poquito menos para mí, un poquito más para vos.

—¿Milei te gusta?

—Sí. Me parece que hay cosas que está haciendo bien. Por ahí no me gusta cómo se expresa, pero siento que hay cosas que le hicieron mejor al país.

—¿Qué querés que herede de vos Dionisio y qué le deseas de corazón que evite?

—Que evite mi demencia por querer que todo sea perfecto. Yo le digo que no quiero que sea abanderado ni que me traiga un 10. No quiero que la pase mal en el colegio porque papá la pasó mal. Quiero que apruebe, que la pase bien, que aprenda. Quiero que sea feliz y que no tenga mis fantasmas.

—¿Sigue durmiendo con vos?

—Sigue.

—¿Por qué te emocionás así?

—Porque no quiero que tenga mis fantasmas.

—Pero él tiene una infancia completamente distinta de la tuya.

—Él es un niño feliz y eso me pone re bien. Le gusta ir conmigo a mis shows. Yo hablo mucho con él y le digo que si le pasa algo, que todo me lo diga.

—Dionisio está creciendo y en algún momento te va a preguntar por las cosas difíciles que te pasaron de chico, vos contaste que fuiste abusado. ¿Estás preparado?

—Sí. Yo hablo mucho con él, aunque no de ese tipo de cosas porque todavía no las entendería y tampoco quiero despertarle algo. Por ejemplo, cuando me preguntan por qué no quiero que esté en un espectáculo, para mí subir a un chico a un escenario es un poco un abuso. Una cosa es que estudie y aprenda, pero otra es convertirlo en un pequeño adulto. Van a estar muchas personas en contra con esto que voy a decir pero a mí la verdad esta cosa de ver un nene que se comporta como un adulto no me gusta. No me gusta que les saquen la edad. Si algún día Dionisio quiere trabajar en un espectáculo, tendrá que tener la madurez para decirme: “Papá, quiero hacerlo y me voy a bancar los ensayos, las funciones y la responsabilidad”.

—¿Y las redes sociales? ¿La exposición de los chicos?

—Yo subo cosas en las redes sociales de Dio porque para mí es como un álbum de fotos. Antes nos sacábamos fotos, las revelábamos, las guardábamos. Ahora para mí su Instagram es como un álbum donde voy poniendo cosas.

—Un álbum de fotos que miran millones de personas.

—Es verdad. Pero él no ve nada. No usa celular. Sabe qué es TikTok e Instagram, pero no los mira.

—Vamos a jugar. Quiero que me respondas si lo producís, lo rechazás o le buscás la vuelta. Un show con Messi.

—Sí, recontra sí. Amo a esa familia.

—Un musical de Milei.

—Estaría divertido. Muy Almodóvar. Pero no siendo presidente. Si sos presidente no podés hacer eso. En otro momento, cuando deje de ser presidente.

—Volver a Showmatch.

—Desde otro lugar podría ser. No haría lo mismo porque siento que no doy más para ese lugar. No podría darle lo que quisiera.

—Un show de inteligencia artificial.

—Es el que viene: Siete auras. Te sorprendí. Estamos trabajando con eso.

—¿Qué va a hacer la inteligencia artificial?

—La inteligencia artificial dentro del espectáculo, no te puedo spoilear, pero va a estar bueno.

—Un espectáculo para 50 personas, íntimo. ¿Lo producís?

—Sí. Podría ser un espectáculo mío o de alguien que tenga muchas cosas para contar.

—Dirigir a alguien que no sabe bailar.

—He dirigido a montones que no saben bailar. En la época de Nito Artaza me venía cada patadura. Pero un gran coreógrafo o director tiene que encontrar qué tiene esa persona para que se la vea bien, aunque no sepa bailar.

—¿A qué le decís que no hoy rotundamente?

—A pasarla mal. A sufrir. Y a alguien que no me respete o que no se banque quién soy. Si no pone el pecho por mí sabiendo que soy un buen tipo, le digo que no.

—¿Qué zanahoria está por delante en tu vida personal? ¿De qué tenés ganas?

—No sé si ampliar la familia. Me encantaría. En unos años me gustaría volver a ser papá y poder dedicarme más a eso. Esperarlo como espero a veces a Dio cuando juega al fútbol. Que vengan más niños.

—No un niño, niños.

—Me encantaría, sí. Creo que también me sacaría un poco de esta parte tan estricta del trabajo. Y cuando sos artista podés dedicarles tiempo, pero no quiero que me los críen.

—¿Hay embriones de cuando nació Dio?

—No te voy a decir. Te vas a quedar con la duda. (Risas).

—¿Estamos hablando de corto o mediano plazo?

—Ahora tengo una responsabilidad muy grande con los shows. Cuando estrene Siete auras nos vamos a volver a encontrar y ahí te podré dar noticias.

—Yo creo que vas a estrenar Siete auras y que a los dos meses vas a publicar una ecografía.

—(Risas) Creo que esta vez, si lo hago, voy a ser más prudente. Estoy cambiando un poco mi cabeza con las redes, la exposición y las cosas que cuento. Hay muchas cosas que callo y me estoy guardando. Yo creo mucho en Dios. Yo tengo ganas. Tengo las mismas ganas que tenía el primer día que nació Dio.

—Dijiste más niños. Vas por más.

—Más niños, lo que Dios diga. A veces tampoco es tan fácil. La primera vez tuve una pérdida y fue muy difícil. Uno no tiene en la cabeza que eso puede pasar. Por eso creo que estas cosas hay que guardárselas hasta que todo suceda.

—Con lo obsesivo que sos, mirá si lo vas a dejar en manos de Dios.

—Soy obsesivo, pero en esas cosas también creo que tiene que haber una linda energía para que todo suceda.

The End of Oak Street es una película estadounidense de ciencia ficción y supervivencia dirigida y escrita por David Robert Mitchell y producida por J.J. Abrams, con Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella y Christian Convery como protagonistas. La historia transcurre en 1982 y sigue a Denise Platt, una aspirante a novelista que vive en un barrio suburbano junto a su esposo Greg, sus hijos Audrey y Brian y su perro Starbuck. La vida familiar atraviesa un momento complicado, mientras una serie de fenómenos inexplicables comienza a alterar la rutina del vecindario.

Todo cambia durante una tormenta, cuando una enorme luz blanca envuelve Oak Street y a la mañana siguiente, Denise y Greg descubren que sus casas ahora están rodeadas por un paisaje prehistórico. La aparición de dinosaurios, que comienzan a atacar y matar a habitantes del lugar, convierte la supervivencia de la familia en el centro de la historia.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con J.J. Abrams y David Robert Michell en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, en primer lugar, felicidades por la película. Me encantó. Me pareció simplemente genial y muy divertida. Y quiero empezar contigo, David, porque leí que siempre habías querido hacer una película de dinosaurios y estamos algo acostumbrados a ver a los dinosaurios venir a nuestra época. Así que, ¿por qué te pareció interesante adoptar este enfoque, es decir, al revés?

David Robert Mitchell: —Bueno, hay varias cosas. Pensé que era simplemente la idea de que el lugar donde te sientes más seguro, ya sabes, tu hogar, de repente se vea rodeado de dinosaurios; que no sea un, ya sabes, un lugar lejano, sino que es el lugar donde te sientes seguro, donde estás con tu familia, con todo lo que es tu vida, y que de repente, la idea de que los dinosaurios crucen tu jardín delantero o, más allá del garaje y la piscina del patio trasero, que haya un dinosaurio ahí. Simplemente me parecía emocionante. Es que me gusta el choque entre esos dos mundos.

—Y bueno, J.J., ¿qué es lo que más te interesó de esta película en particular, de este proyecto? ¿Qué hizo que encajara tan bien con Bad Robot?

J.J. Abrams: —Bueno, para mí, en primer lugar, fue poder trabajar con David. En segundo lugar, la premisa era muy divertida. Y como acaba de decir David la idea de los dinosaurios en un entorno familiar, para mí, es como la escala relativa, esa especie de extrañeza relativa de ver algo, ya sabes, tener un dinosaurio en tu patio trasero o en ese columpio o ver un camión de helados y un dinosaurio comiéndose un helado de ahí. Es como que… es tan raro. Y simplemente pensé que era tan… solo quería ver la película. Me encantan los personajes. Pensé que la historia era… era una aventura llena de emociones. Fue tan divertida, aterradora, graciosa y alocada, pero al final muy conmovedora y con ese maravilloso tipo de miedo “seguro” que sientes, ya sabes, en una montaña rusa. Eso es lo que sentí cuando lo leí. Y sin duda creo que lo sientes cuando lo ves.

—Sí, totalmente. Sí lo sentimos. Y quiero hablar de la familia porque me encanta que ninguno de ellos se convierta en Liam Neeson en ningún momento. Como que él no sabe cómo lanzar una flecha y sigue sin saber cómo lanzar una flecha. Y el papá está haciendo lo mejor que puede. Eso me encanta. Me sentí tan, tan identificada con esa idea. ¿Por qué crees que es tan importante tener familias reales en este tipo de escenarios?

David Robert Mitchell: —Bueno, creo que, en el fondo, quieres que el público lo experimente a través de los personajes y que se identifique con ellos. Tenemos que poder imaginarnos a nosotros mismos en estas situaciones en las que harías lo que fuera necesario para proteger a tus hijos, para tratar de sobrevivir a una situación como esta. Habría desesperación y tal vez momentos de heroísmo, pero dentro de los límites de lo que... ya sabes, hay un rango de lo que una persona probablemente podría hacer sin un entrenamiento especializado. Y entonces, como decías, se trata simplemente de darle un fundamento para que, cuando experimentemos el espectáculo, nos identifiquemos con él y nos parezca real porque los personajes están arraigados de esa manera.

—Y hay una frase en la película que me dio escalofríos y es igual a cómo recuerdo ese momento en Lost, la mejor serie de todos los tiempos, por cierto, que me dio escalofríos cuando Charlie dice algo así como: “Oigan, chicos, ¿dónde estamos?” Ese momento. Y en este caso, cuando Denise dice algo así como: “Oigan, creo que nuestro barrio se ha mudado”, ese momento es simplemente... increíble en ambos casos, simplemente los asocia a los dos. ¿Y cómo ya sabes, ¿cómo sabes cuándo decir esa frase exacta para crear esa tensión y lograr eso, porque, en cierto modo, resume a Lost por un lado, en este caso, The End of Oak Street. Entonces, ¿cómo sabes cuáles serán los momentos perfectos para esa frase?

David Robert Mitchell: —Ah, no lo sé. Quiero decir, es simplemente la estructura del guión. No sé de qué otra manera decirlo, más que simplemente escribiendo muchos guiones a lo largo de muchos años y simplemente tener un sentido de la estructura y saber cuándo las cosas se sienten bien. Es solo que cuando escribo, empiezo con una idea de todo lo que va a pasar. Y empiezas por el principio y vas avanzando, y lo vives a medida que vas en la página. Y luego pasas por algo similar cuando revisas las reescrituras y también las ediciones. No sé si tú...

J.J. Abrams: —No, creo que eso es todo. También creo que hacer que los personajes a veces digan lo que más... ya sabes, como cuando tienes personajes que están pasando por algo extraordinario, a veces hacer que digan lo más discreto... ya sabes, como cuando Charlie dijo esa frase, fue claramente la subestimación del siglo, ya sabes, porque era una situación tan, tan loca. Pero también hacer que los personajes digan algo que parece imposible y luego no solo fue, creo, que la frase en esta película fuera la correcta frase, sino que Anne fuera capaz de interpretarla con tal... El nivel de actuación es increíble. Sí, eso es, eso también es una parte muy importante. Es como… Tener grandes actores de ese nivel, entonces piensas: “Bueno, ellos, ya sabes…”. Tenerla a ella, ya sabes… porque creo que ella hace lo que cualquier gran actor puede hacer, que es como elevar la escena, hacerla tan creíble y tangible, y que se sienta tan real. Así que yo creo que eso también es parte de ello.

—Sí, estoy de acuerdo. Anne Hathaway lo expresa de una manera tan genial. Es simplemente, es increíble. Una cosa de la que quería hablar contigo es sobre la duración, porque dura exactamente una hora y 39 minutos. Y realmente se siente refrescante en un momento en el que tantas películas parecen durar alrededor de dos horas y 20 minutos. Así que quería preguntarte, en primer lugar, si esta fue una decisión deliberada y qué opinas, ¿crees que hay como una, no sé si es una tendencia o algo así, pero como una tendencia hacia hacer películas más largas en general?

David Robert Mitchell: —Sí, no, no lo sé. Quiero decir, creo que realmente se trataba simplemente de contar la historia de manera concisa. Y, de nuevo, en el proceso de armar la película es posible que se recorten algunas cosas, pero creo que al principio, incluso el núcleo de la misma era bastante conciso, pero ya sabes... y luego, en el proceso de edición, te das cuenta: “Ah, ya sabes, esto, hicimos este pequeño fragmento que no necesitamos”. Y así es como, de alguna manera, llegas a lo esencial con eso. En cuanto a que la gente haga películas más largas, no puedo opinar al respecto. Yo… Quiero decir, sin duda sucede. Creo que es lo que sea adecuado para tu película. Yo... no quiere decir que no vaya a hacer una película más larga en algún momento. No me opongo a ello. Creo que se puede hacer, solo depende de lo que la película pueda sostener.

—Claro. Sí. Perfecto. Y también quiero hablar sobre el diseño original de los dinosaurios.Me pareció muy interesante que veamos un diseño que es muy diferente de lo que estamos acostumbrados a ver, o de Jurassic Park. Es como un diseño totalmente diferente. Vemos el pelo, sabemos que los diseños originales eran así. Así que tenía muchas ganas de preguntarte sobre esto y cuál fue el proceso para crear a los dinosaurios de esta manera.

David Robert Mitchell: —Sí, queríamos divertirnos con ello. Parte de ello está inspirado en la ciencia, pero también hay un cierto grado de, bueno, simplemente, ser creativos y tratar de crear algo único para nuestra película. Así que el… Quiero decir, en el proceso que llevamos a cabo, se creó mucho arte conceptual. Trabajamos con Jay Cooper y el equipo de ILM, y con muchos artistas realmente, realmente talentosos que crearon todo tipo de diseños, los revisamos y hubo muchas idas y venidas. ¿Qué tal si, qué tal si hiciéramos esto y qué tal si nos inspiráramos en este animal o en esta cosa? Y bueno, ese fue el proceso.

—Y finalmente, para concluir, hay un momento en el que, sin revelar nada, se toma una foto y es muy significativo porque quieren recordar ese momento loco, realmente extraño. Así que quería preguntarles, sin entrar en lo personal, solo hablando de cosas profesionales, por ejemplo: ¿hubo alguna foto que recuerdns haber tomado en un trabajo durante una sesión fotográfica o algo por el estilo? En el que piensen: “Bueno, esta foto es tan, tan genial, tan buena, que tomamos esta foto en ese momento”.

David Robert Mitchell: —No sé si se me ocurre algo en particular que se relacione, que esté al nivel de la foto de esta película. Pero es que realmente fue simplemente encontrar una manera de expresar la alegría y la tontería de eso a través de esa fotografía. Y realmente surgió del personaje, eso que yo creo que ella haría.

J.J. Abrams: —Además, quiero decir que refleja ese equilibrio que, en mi opinión, logra esta película: ser a la vez loca y tierna y aterradora y divertida. Y es como ese tono único, realmente interesante, ya sabes, un tono único. Y ese momento al que te refieres lo ejemplifica de alguna manera. Es algo que solo esta película podría lograr. Me encanta porque es tan único y tan específico.

David Robert Mitchell: —Hubo un momento en el que pensé: “Oh, está, está en la película”. Estoy tan feliz de que esté en la película.

—Simplemente, me encanta ese momento. Lo voy a recordar para siempre. Muchísimas gracias de nuevo por tu tiempo. Felicidades por una gran película y realmente espero verlos en otra entrevista.

Star Wars Zero Company propone una nueva mirada al universo de la saga a través de un juego de estrategia táctica por turnos ambientado durante las Guerras de los Clones. Los jugadores asumirán el control de Hawks, un exoficial de la República encargado de reunir a un grupo de mercenarios y personajes dispares para enfrentar una amenaza emergente. El combate permitirá controlar escuadrones formados por personajes personalizados y protagonistas de la historia, cada uno con habilidades propias. También será posible crear droides astromecánicos especializados en apoyo y explosivos, mientras que las heridas permanentes y la muerte definitiva de los integrantes añadirán consecuencias a cada enfrentamiento.

Entre misión y misión, la acción se trasladará a la base, donde será posible investigar, mejorar el equipamiento y tomar decisiones estratégicas que tendrán consecuencias a lo largo de la campaña. El sistema también contempla vínculos entre los miembros del grupo, conflictos personales y bonificaciones tácticas para quienes combatan juntos con frecuencia. Fuera de las batallas habrá secciones de exploración en tercera persona y operaciones de inteligencia con decisiones narrativas. Desarrollado por Bit Reactor y Respawn Entertainment, con un equipo integrado por exmiembros de Firaxis, Star Wars Zero Company busca combinar estrategia, elementos de rol y una narrativa centrada en la pérdida. El juego llegará el 27 de agosto de 2026 a PlayStation 5, Xbox Series y PC.

Para palpitar su salida, pudimos conversar con el director Greg Foertsch y el escritor Aaron Contreras, que nos contaron varios detalles sobre el desarrollo de este juego.

—Hay algo único de Star Wars Zero Company: para los fanáticos de los juegos de estrategia, este puede ser el próximo título de los creadores que le dieron forma al género; pero para muchos fanáticos de Star Wars, este podría ser, de hecho, el primer juego de estrategia por turnos de su vida. ¿Lo tomaron como una oportunidad o como una responsabilidad?

Greg Foertsch: —Ambas. Somos fans del género y queremos atraer a más gente al género que tanto nos gusta a todos. Y por eso, dado que Star Wars es la marca que es y algo que a otras personas también les encanta, nos pareció una excelente manera de combinar esas dos cosas. De nuevo, somos grandes fanáticos de Star Wars, somos grandes fanáticos de los juegos de estrategia. Y así, poder unir esas dos cosas realmente nos pareció una oportunidad para introducir a algunas personas al género, pero también asegurarnos de cumplir con la responsabilidad de ofrecer un juego que les encantara a quienes ya estaban metidos en el género, ¿no?

Aaron Contreras: —Sí, es una combinación de Star Wars y estrategia táctica, y la visión de Greg no hace concesiones en ninguno de esos dos aspectos. Para hacer bien el juego, para crear la mejor versión posible, hay que abordar ambos aspectos a fondo y centrarnos realmente en ellos. Eso no significa que no pueda ser accesible para los jugadores nuevos, ni que no pueda tener modos de dificultad que atraigan a quienes han estado jugando juegos de estrategia táctica durante años. Así que todo eso forma parte del enfoque directo del juego: llegar con mucha fuerza a ambos públicos.

—¿Les resulta más fácil o más difícil trabajar con una marca de renombre? ¿Piensan más bien en las posibilidades que esto ofrece o en las obligaciones que implica?

Greg Foertsch: —Yo diría que, en cierto modo, prefiero trabajar con una marca porque nos permite, a veces, simplificar algunas respuestas; en situaciones en las que podrías estar analizando 15 opciones diferentes, a veces puede acotar tus opciones de una manera que resulta un poco más útil. Y creo que en el aspecto narrativo, Aaron puede expandir más en ello. ¿Este es tu tercer juego de Star Wars?

Aaron Contreras: —Sí, el equipo de Lucasfilm y yo tenemos una relación de mucho tiempo. Forjamos una colaboración muy sólida con todos en Bit Reactor desde nuestro primer proyecto juntos. Así que ha ido bastante bien. Creo que es emocionante. Queríamos hacer un juego de estrategia de Star Wars. Por lo tanto, parte de eso es Star Wars. Así que, por supuesto, hay limitaciones con las que hay que trabajar. Pero cuando entiendes qué es lo que hace que Star Wars funcione, y te apoyas en eso en el juego, ahí es donde obtienes la mayor satisfacción y se vuelve más fácil. Cuanto más creas algo de Star Wars, más fácil es trabajar con el producto. Así que ha sido una colaboración realmente positiva con ellos. Yo diría que en todo esfuerzo creativo uno necesita unos límites que te ayuden a enfocarte. Y eso fue realmente importante para nosotros.

—Y hablando de eso, están contando una historia de Star Wars realmente muy buena. Pero al mismo tiempo, una parte importante de los juegos de estrategia consiste en que el jugador crea su propia historia sin siquiera darse cuenta de que lo está haciendo. ¿Dónde trazan la línea los desarrolladores en ese momento? ¿En qué punto dejan de intentar contar su historia y comienzan a dejar que la historia del jugador tome el control?

Aaron Contreras: —Fue durante el desarrollo cuando encontramos ese equilibrio. Sabemos que, ya sea que seas nuevo en Star Wars y te estés iniciando en los juegos de estrategia, o que tengas mucha experiencia en ambos, necesitamos que te enganches con lo que el juego está haciendo en la campaña. La historia y el juego no son realmente dos cosas separadas. Es una sola experiencia que estás viviendo. Nos gusta dividir estas cosas en nuestra mente, pero en realidad estás viviendo una sola experiencia al jugar. Así que estábamos evaluando todo al mismo tiempo y probablemente lo haríamos de manera diferente en el próximo juego en comparación con este. Probablemente tomaríamos decisiones ligeramente diferentes basándonos en lo que aprendimos, o simplemente porque nos emociona probar cosas nuevas.

Tal vez la respuesta más sencilla sea que, desde el principio, pensábamos esto: queremos que esta sea una historia de Star Wars realmente buena y satisfactoria pero que también sea tu historia sobre tu Zero Company. Y ese fue el arco narrativo y el enfoque que elegimos desde el primer día. Poder cambiar quiénes forman parte de tu escuadrón es un ejemplo de eso. Y asegurarnos de que las personas que pones en tu escuadrón tengan voces, personalidades y habilidades muy diferentes también. Así que tratamos de tener realmente una profundidad y amplitud significativas en cuanto a quiénes podrías incluir en el escuadrón y luego permitirle al jugador hacerlo. Y luego solo me aseguro de que la historia se adapte a todas esas cosas mientras avanzas en esta montaña rusa de emociones.

—Esto es súper interesante y habla del alma de este juego. Estoy pensando que si quieres puedes armar un escuadrón compuesto solo por clones, lo cual me parece muy divertido. Pero al mismo tiempo, necesito preguntarles: ¿puedo realmente terminar el juego con el escuadrón más ridículo que se pueda imaginar? ¿O hay algunos momentos en los que el juego evita que yo mismo arruine mi partida?

Greg Foertsch: —Nos gustan las configuraciones poco comunes. Si quieres intentarlo, hazlo y ve cómo te va. De nuevo, habrá opciones y habrá que hacer concesiones según las decisiones que tomes. Algunas cosas serán geniales. Otras serán un poco más difíciles, dependiendo de cómo configures tu equipo.

Aaron Contreras: —Espero que los grandes fanáticos y jugadores de juegos de estrategia y de combate por turnos como este encuentren formas que nunca imaginamos para superar un desafío o un encuentro. Y eso es parte de la alegría que sentimos los desarrolladores al crear este sistema que es como una caja de acertijos, para luego entregárselo a los jugadores y ver qué pasa después del lanzamiento.

—Genial. Hablando de esto de crear vínculos con tu escuadrón y también con el género del juego, ¿creen que los jugadores se encariñarán con un personaje por cómo es, por lo bien que está escrito, por cómo encaja en el escuadrón o porque tuvieron que mantenerlo con vida durante unas 20 misiones?

Aaron Contreras: —Por todo. Habrá jugadores que se enfoquen más en la historia.Muchos fans van a entrar al juego y se sentirán atraídos por algún personaje. Pero con el tiempo, tal vez tengan otro héroe personalizado que hayan creado, y tal vez hagan eso de ponerle el nombre de alguien con quien tengan alguna relación o vestirlo de cierta manera. Y con el tiempo, nos da mucho gusto ver que, a la larga, terminas disfrutándolos a todos. La experiencia de juego de cada persona en una misma campaña es diferente. Por ejemplo, a mí me gustan mucho ciertas personalidades ahora que no me gustaban tanto hace cuatro o cinco partidas. Mi equipo de guionistas las escribió de manera que fueran lo suficientemente genéricas como para que puedas imprimirles tu sello y crear tu propia identidad. Escuchas la voz y te haces una idea de cómo son, pero son lo suficientemente específicas como para que actúen de la manera que uno esperaría. Lo hicimos de manera muy intencional para permitirte formar tu propio escuadrón a medida que avanzas en el juego.

Greg Foertsch: —Por cierto, eso es realmente difícil: escribir algo que tenga suficiente profundidad, pero con lo que aún puedas identificarte y que, al mismo tiempo, sientas que es algo propio. Es como enhebrar una aguja. Creo que el equipo de guionistas hizo un trabajo increíble en ese sentido.

—¿Hubo algún momento durante el desarrollo en el que sintieron que habían alcanzado ese equilibrio, o fue más bien un trabajo de todos los días?

Aaron Contreras: —Fue trabajo diario Teníamos un plan sobre cómo queríamos equilibrar a los protagonistas personalizables. Sabíamos que mi equipo entendía muy bien cuál era nuestro objetivo ahí. Y creo que el resto del equipo de desarrollo no lo entendió realmente hasta que llegaron las voces y vieron las conversaciones. Se podía ver que tu personaje personalizado podía bromear con otros, y no hay diferencia entre ellos en la forma en que se desarrollan en el campo de batalla. Claro, si hubiéramos tenido más tiempo, hubiéramos hecho más, ¿verdad? Siempre estás trabajando contra lo que puedes hacer en este juego y luego tratando de sentar las bases para poder superar eso en el próximo e ir aún más lejos. Más personalidades, más profundidad, más guion.

—Ustedes contribuyeron mucho a dar forma al género, un género que es muy querido y al que juegan muchísimo incluso diferentes generaciones de jugadores. Pero dijeron que querían que este juego nos hiciera sentir algo más allá de la jugabilidad. ¿Cuál creen que fue el elemento clave para lograr un juego que no se sienta como otro juego de Star Wars y tampoco como cualquier otro juego de estrategia? Porque la intención de este juego no es solo hacerte sentir orgulloso por resolver problemas, sino también vivir una historia completa que te haga sentir involucrado.

Greg Foertsch: —Creo que lo fundamental para nosotros es que lo que hemos estado buscando desde hace mucho tiempo es poder tener ambas cosas, ¿no? Puedes sentirte ingenioso y, aun así, tener una historia increíble y que el juego se vea genial. No hay razón para tener que renunciar a esas cosas. De hecho, creo que este género ofrece más oportunidades para la narrativa y la inmersión que otros. Creo que hay formas de incorporarlo sin que se sienta como una interrupción, sino que se entrelace con la estructura del juego. No puedo dejar de destacar lo bien que funciona la colaboración entre el equipo narrativo y el de diseño, y el equipo de entornos y el de misiones; todos trabajan juntos para tejer esta estructura del juego. Ese era nuestro objetivo: intentar crear algo que no fuera una solución de compromiso, en el que pudieras tener todas estas cosas. Y al final del día, es una historia increíble. Es un gran juego.

Aaron Contreras: —Creo que también la forma en que Greg impulsó la inmersión y la elegancia no debería restarle profundidad. Creo que eso también está ahí, en ese punto en el que quieres sumergirte en Star Wars y simplemente sumergirte. Eso es algo real que este juego intenta hacer: ponerte dentro de ese espacio, sea cual sea ese espacio tácticamente, mientras pasas de un combate táctico a otro en tercera persona, mientras te mueves por tu base; ponemos más énfasis en sumergirte en la experiencia de estar realmente ahí, lo cual da sus frutos. Incluso la forma en que fluye el combate está un poco más entremezclada con otros elementos, lo cual me parece muy emocionante. Y realmente se integra con lo que hicimos con el sistema de vínculos, que es otro aspecto del diseño del juego: a medida que tu equipo se une, sube de nivel. Es muy mecánico. Es muy estratégico.

Puedes optimizarlo al máximo, pero eso se vincula directamente con la historia y con el tipo de cosas que estoy aprovechando para definir cómo se comunican entre sí. Tal vez esa sea también una de las mejores integraciones. Así te vas sintiendo un poco más atraído por la historia. Sería correcto decir que es una especie de estrategia táctica con un mayor énfasis en la historia, pero no en la historia del juego. Creo que eso es lo que queremos resaltar. Sí, hay una gran historia de Star Wars ahí, pero se le pone tanto énfasis en la historia de tu personaje a medida que la vas viviendo, como en la historia que te va contando el juego. Sabemos que la gente quiere encontrar sus propias historias y sus propios personajes en estos juegos.

—Una vez más, para mucha gente, este será el primer juego táctico moderno AAA por turnos. Ese es el poder de Star Wars. Star Wars hace que la gente pruebe cosas nuevas, hace que la gente quiera lanzarse a algo que nunca antes había probado. Pero también tengo curiosidad por la pregunta opuesta. ¿Qué es lo que este género es capaz de revelar sobre Star Wars que otros juegos de acción nunca pudieron?

Greg Foertsch: —Se trata de un grupo de personas, ¿no? No se trata de una sola persona a la que estás guiando. No se trata de una sola nave que estás pilotando. Se trata de este grupo de personajes que te transporta a la trilogía original. Se trata de todo el grupo de personajes que trabajan juntos y viven estos momentos. Y creo que el género mismo abre ese espacio de inmediato. Las misiones casi se sienten como los arcos narrativos de Clone Wars. Así que creo que, en ese sentido, puede ser realmente fiel a las raíces de Star Wars y simplemente abre las posibilidades de una manera que los fans de Star Wars nunca habían tenido antes.

Aaron Contreras: —Estoy totalmente de acuerdo contigo. Vimos que Rogue One y la serie animada Clone Wars, con importantes referencias, estaban ambientadas en las Guerras de los Clones. Y eso, como dijo Greg, encaja perfectamente con un juego de estrategia táctica. Se trata de personas vulnerables. Pueden morir en el campo de batalla, pero también son capaces de realizar hazañas heroicas. Y provienen de una gran variedad de orígenes de toda la galaxia. Así que, si quieres vivir esa época, realmente tenemos algo para ti.

Greg Foertsch: —Y también el sistema de vínculos, que es casi como un ajuste a medida. Para mí, ver Rebels con mi hija justo antes de meternos en esto fue una inspiración. Como si mi trayectoria como jugador o mis personajes vivieran lo que vivió la tripulación del Ghost, sería increíble. Para mí, esas son las partes de Star Wars con las que realmente me identifico personalmente: Rebels y Andor. Porque Andor no se trata solo de Andor, se trata de Andor y de toda la gente a su alrededor. Ahí es donde Star Wars realmente brilla. Y el juego permite estas experiencias de tripulación, lo que una tripulación vive en conjunto, y luego se integra en la mecánica del juego, los vínculos y la narrativa. Y, de nuevo, se siente como algo que encaja de manera muy natural con el género y la propiedad intelectual.

Ese hito marcó el inicio de un viaje hacia una madurez acelerada. Sin enojos ni reproches y con mucho humor, Karina reflexiona sobre lo que significó cuidar a sus padres, hacer de intérprete en reuniones familiares y crecer en un entorno libre de filtros sociales.

- ¿Cuándo fue la primera vez que fuiste consciente de que tus padres no podían oírte?

- Tipo siete u ocho años. No sé si tuve conciencia de que no me podían oír. Sí tuve consciencia de que eran distintos a los demás. Me empecé a dar cuenta de que los padres de mis amigas eran distintos, que había hábitos diferentes y otras formas de vincularse. Yo podía estar con mis viejos viendo la tele sin volumen, por ejemplo, y de repente entraba a la casa de mis amigas y era todo música, televisión prendida, radio prendida. Desde eso hasta las formas de vincularse: el vínculo con mi mamá era espectacular, pero era un poco a la par y yo era chica. Les avisaba si había que cruzar la calle, o atendía el teléfono a los cuatro, a los cinco, a los seis años, algo que mis amigas no hacían. Ellas no atendían el teléfono, atendían los padres. En esa secuencia dije: “Ah, bueno, acá hay algo que es distinto”. A los siete años me quedé ciega una semana. Real, literal. Apagué la tele y fue una ceguera emocional; no había un motivo físico, había emocionalidad atrás de esa ceguera. Fue el momento en el que dije “esto va a ser totalmente distinto toda la vida”.

- ¿Y qué estabas haciendo cuando pasó eso?

- Mi mamá trabajaba en el Banco Nación y se iba a trabajar muy temprano. Entraba a las 6:00 y se iba 5:30. Daba un portazo que yo claramente escuchaba y me pasaba a la cama de mis viejos, donde estaba mi papá, que me llevaba a la escuela. Iba de memoria, realmente hacía ese camino con los ojos cerrados. Me dormí. A las 6:30 o 7:00, mi papá me despertó para ir al colegio, me levanté y no veía. Mi papá pensó que le estaba haciendo una broma, pero vio que no tenía orientación, me agarró y me llevó a la clínica. Una semana después, lo mismo a la inversa: un día me desperté y veía.

- Venías de una semana de ver otras realidades.

- Venía de siete años de ver otras realidades. No sé si esto me lo invento al contarlo o realmente sucedió, pero tengo la sensación de sí haber estado en un estado de “¿por qué mis papás son diferentes?”. Había algo de eso que me latía, y bueno, la nena decidió quedarse ciega.

- ¿Estabas enojada con la situación o con tus papás?

- No, creo que no. Claramente no fue consciente. No hubo una conciencia mía de “quedate ciega así les cagás la vida y sos más discapacitada que ellos”. No existía eso. No tengo idea de por qué me sucedió ni cómo me sucedió, pero claramente tiene que ver con algo emocional que después trabajé más de adulta. No siento que estuviera enojada y nunca estuve enojada. Me parecen espectaculares los padres que tengo, de hecho recomiendo la experiencia. El enojo no es un sentimiento que me una a ellos.

- ¿Fuiste al psicólogo después de eso?

- En ese momento no. En la época en la que mis padres tenían esa edad, los sordos descreían total y absolutamente de la terapia; no entendían lo que era, pensaban que los psicólogos eran solo para los locos. Así que no. Empecé mucho más de grande, a los 22 años ponele, hice mi primera terapia y después no solté nunca más.

- Recién decías: “yo a los cuatro años atendía el teléfono”. ¿Sentís que creciste muy rápido?

- Cien por mil. Ahora me estanqué, pero fue a la inversa, como una especie de Benjamin Button. Siento que nací madura, que en la mitad de la vida dije “soy re madura” y que fui perdiendo esa madurez. Ahora estoy llegando a un punto de equilibrio entre mi edad y mi madurez. Pero sí, de chica la gente no paraba de decírmelo. Cualquier hijo de padres sordos que agarres hoy por la calle le vas a ver una madurez emocional mucho más grande, era inevitable. Te hacés responsable y te hacés cargo de situaciones que nadie te dice que te tenés que hacer cargo, pero inevitablemente lo hacés. Desde pedir una pizza por teléfono a los cinco años y que el pizzero no me creyera, hasta que mi mamá me llevaba al local para que me conociera y supiera que cuando llamaba no era una joda de una nena. Te hacés cargo de ir al médico con ellos, de darles diagnósticos que no tendrías por qué darles... forman parte intrínseca de lo que uno es, no sé si podés zafar de esa. Hoy la comunicación es otra cosa con la tecnología, hay videollamadas, piden un Rappi o un Uber, pero en mi época todo se volvía más manual.

- ¿Sentías que tenías que cuidarlos o protegerlos del mundo?

- Sí, eso lo sigo sintiendo. Mi papá falleció hace tres años, pero con mi mamá lo sigo sintiendo. Cualquiera que tenga un poco de empatía y amorosidad lo va a sentir inevitablemente, porque están muy expuestos a situaciones que uno no registra naturalmente: desde cruzar la calle y no escuchar una bocina y que te lleve puesta un bondi, hasta abrir la puerta amorosamente porque vieron la luz del timbre y que haya dos chabones con un arma. Tal vez otra persona preguntaría: ¿Quién es?

- ¿Tenían alguna seña oculta entre ustedes para hacerse en público?

- Con mi papá teníamos algo muy espectacular: en el verano vacacionábamos en Gesell y jugábamos un torneo de truco en la playa. Ganábamos indefectiblemente porque ¿quién le iba a decir a él que no haga una seña? Era su manera de comunicarse. Nunca tuvimos una seña particular. De hecho, mi mamá era bastante hosca con que yo hiciera señas cuando era más chica, le daba vergüenza y me agarraba las manos, me las bajaba, como que estaba mal.

- ¿Sentiste vergüenza alguna vez?

- Mis viejos conscientemente jamás me hicieron sentir vergüenza, jamás. Yo sí sentí vergüenza un montón de veces siendo más chica con comentarios de mi mamá o actitudes de mi papá. Mi papá era muy eufórico, muy cariñoso con todo el mundo y era como “papá, menos, menos”. Y los sordos tienen algo muy espectacular que es que el filtro está medio desaparecido. La no escucha ya te hace perder cierta conexión con la realidad. Mi mamá tiene muchísimo carácter, y capaz íbamos a un local a pedir algo, no se lo daban bien y armaba un escándalo. Yo me quería exiliar al Congo Belga y hacerme la que no la conocía. De chiquita lo que más sufrí fue el no filtro hacia el cuerpo, que te decían “ay, qué gorda” directo a la cara sin filtro a los nueve años. Después entendés que no te lo dicen con mala intención, pero ellos te arremeten con tutti, son muy directos, frontales, no manejan la ironía o el secreto. Para ellos no hay secreto, no pueden hablar bajito al oído.

- ¿Te molestaba tener que interpretarlos todo el tiempo en público?

- Molestarme no, me aburría. En mi adolescencia mi mamá me pedía mucho que le dijera lo que estaban diciendo, más que interpretarla a ella. A mí me aburría porque no terminaba de entender lo importante que era que ella tuviese toda la información. Hoy en día me pasa a veces en una mesa que me aburre, pero después tomo conciencia y digo “no seas hija de la maldad” y le traduzco. Es poca la conciencia de la gente de hablar más lento para que ellos puedan leer los labios en las reuniones familiares.

- ¿Hubo alguna persona que haya sido clave en tu niñez que no sea, necesariamente, un familiar?

- Mi tía abuela Marta fue el engranaje fundamental de mi educación y de mi personalidad. Voy a llorar. Era la tía de mi papá. A mi papá le dio meningitis a los tres años y quedó sordo. Tenía nueve hermanos en La Plata. Mis dos tías abuelas le dijeron a mi abuelo que se lo traían a Capital porque allá no había escuela para sordos. Lo metieron en el mejor colegio para sordos, de ese momento, y mi viejo creció espectacular, se recibió de maestro mayor de obras. Mi tía Marta fue mi abuela por excelencia. Era la que me llevaba a ver teatro, la que me mostró la música, hablaba hasta por los codos. Falleció cuando yo tenía 15 años y me fracturé la mano del pelotazo que le di a una pared cuando me enteré, porque era muy importante para mí.

- ¿Qué te enseñó?

- Creo que la empatía, el teatro, que es lo que más amo. A estar para el otro. Ella estaba soltera, era grande, tenía una buena jubilación. Una vida en la que hacía lo que quería. Me enseñó a que haga lo que quiera, con el privilegio de poder hacerlo. Siento que soy un poco la persona que soy por ella.

- ¿Por ella sos actriz?

- Podría afirmar que sí, por ella y por mi tío Julio, que es actor amateur en Chascomús. La pulsión teatral estuvo ahí presente. Mi tía me llevaba a ver cuanta obra infantil hubiese; vi “Vivitos y coleando” como 137 veces. Hoy tengo mi teatro en Villa Crespo (Num Teatro Bar), nuestra productora (Num produce) y estoy actuando en la obra “Chat de Mamis” en el Multitabaris, además de producir obras como Suavecita.

- ¿Qué te gustaría desmitificar de la comunidad sorda?

- Que la comunicación es mucho más simple de lo que uno piensa. A veces la gente ve a un sordo y cancela la comunicación por el simple hecho de que no oye. Míralo a los ojos, prestale atención y vas a entender seguro lo que te dice. Son seres espectaculares con un nivel de resiliencia muy fuerte. Aunque el mundo no está preparado para ellos, la tecnología alivianó muchísimo las cosas. Viven en una nube muy linda, son muy buenos generando comunidad.

- Si tuvieses que decir un recuerdo que ilustre tu infancia y a tu familia, ¿cuál sería?

- Un cumpleaños de mi infancia. Un video de mis tres años donde todo es un montón de ruido, pero nadie hace eco de ese ruido; mi mamá corriendo de un lado para el otro y mi papá riéndose. La risa de ellos dos al unísono es el mejor recuerdo, definitivamente.

Sin embargo, lejos de quedarse detenido en el dolor, a los 81 años atraviesa uno de los momentos más activos de su vida: terminó una película con Guillermo Francella y Adrián Suar, prepara el regreso de su obra Buenas palabras y sorprendió a todos al convertirse en la cara de una campaña de moda que lo volvió viral.

Por otra parte, Arturo Puig le puso su voz a José de San Martín, y junto a Juan Leyrado, voz de Sarmiento, estos dos grandes de la escena argentina participan en “El Libertador”, el cortometraje que Infobae estrena el 17 de agosto. La pieza, íntegramente realizada con inteligencia artificial, recrea el encuentro real entre San Martín y Sarmiento en 1846. Las voces de ambos actores son reales. Desde el 17 en el sitio de Infobae y en YouTube.

En esta entrevista con Infobae, el actor repasa una carrera de más de seis décadas, revive anécdotas inolvidables, habla de la dictadura, de la crisis de la ficción, de sus nietos, de la amistad, del amor y de la paz que hoy busca después de haber construido una vida que define con una sola frase: “Una vida buena”.

—Volvés con Buenas palabras. ¿Qué tiene este espectáculo que siempre te dan ganas de hacerlo otra vez?

—Es muy especial para mí. Estoy esperando confirmar nuevas funciones porque cada vez que lo hago la respuesta de la gente es hermosa.

—¿Cómo nació la idea?

—Todo empezó con una carta de Richard Burton a Elizabeth Taylor que encontré en las redes. Es una carta desgarradora porque se la escribe cuando ya estaban separados y él muere poco después. Entonces pensé: “Esto hay que decirlo en un escenario”. Con Rita Terranova empezamos a armar el espectáculo y después sumamos la carta de Beethoven a su amada inmortal, textos teatrales y recuerdos personales. También hago el monólogo de Largo viaje de un día hacia la noche, que fue lo último que hice con Selva en el San Martín. Además hablo de la amistad y cuento historias de mi vida.

—Una de las más increíbles es tu primer viaje a Nueva York.

—Sí. Habíamos hecho Nino, una coproducción peruano-argentina que el productor logró vender al Canal 9 de Nueva York. A partir de eso nos convocaron para hacer teatro allá. Nosotros ensayamos una comedia francesa sin saber muy bien qué íbamos a hacer ni para qué público. Cuando llegamos apareció el productor, un puertorriqueño, con una pistola calibre 45 en el cinto y dos guardaespaldas. Nos dijo: “La calle está muy peligrosa”. Era el Nueva York de los años 70, donde los cuchillos volaban por el aire. Enzo Viena, que encabezaba la compañía, le explicó que habíamos llevado una obra y él respondió: “No. Ustedes van a hacer presentaciones”. Así recorrimos Manhattan, Brooklyn, el Bronx y Nueva Jersey saludando al público en cines y teatros. Nino era un éxito y la gente nos recibía como si fuéramos estrellas. Estuvimos dos meses así, una rascada total.

—¿Y la obra francesa?

—Nunca se hizo. (Ríe). El director hasta me había pedido que llevara un smoking porque después del estreno íbamos a un restaurante a esperar las críticas del New York Times. Se lo había pedido prestado a Germán Kraus.

—¿Al menos usaste el smoking?

—No. Íbamos de un lado para otro en una van (Ríe). Pero ese viaje me permitió conocer un Nueva York al que nunca habría llegado como turista. Entré al Bronx, una pandilla que nos invitó a tomar cerveza porque nos conocían de la novela. Y así una serie de aventuras impresionantes que hoy cuento en Buenas palabras.

—¿Ahí ya cantabas?

—No, eso vino después. En ese viaje conocí a un cantante puertorriqueño, Santos, un personaje extraordinario. Había estado en Cuba durante la revolución, García Márquez lo menciona cada diez páginas en Relato de un náufrago y había sido fundador de una de esas grandes orquestas caribeñas. Pasábamos horas charlando en el camarín.

—En Buenas palabras también conversás con el público.

—Sí. Les pregunto si alguna vez estuvieron enamorados y, a partir de sus respuestas, empiezo a hablar del amor.

—¿Y cómo se transita hoy el amor?

—En mi caso, muy difícil. Se fue el amor de mi vida y me cuesta mucho vivir sin ella, imaginarme que no la voy a ver más. Era el centro de mi vida y de toda la familia. Es una pérdida imposible de sobrellevar.

—Volviste a trabajar en medio del duelo. ¿Lo necesitabas?

—Sí. Me ofrecieron varias obras, pero no estaba en condiciones de estudiar una letra y hacer funciones de jueves a domingo. En cambio, Buenas palabras me permite manejar mis tiempos. Hago dos fines de semana, descanso y vuelvo. El trabajo me ayudó muchísimo. También la película que terminé hace poco con Francella, Suar y amigos de toda la vida. La pasamos muy bien y me sentía bárbaro pese a las levantadas a las seis de la mañana.

—¿Te sentiste contenido?

—Muchísimo. Los amigos se portaron muy bien conmigo.

—En algún momento dijiste que Susana Giménez te había decepcionado.

—Sí, porque no me dijo nada cuando murió Selva y me dolió. Pero después hablamos y entendí que, muchas veces, frente a una pérdida así, uno no sabe qué decir. Está todo bien.

—En el espectáculo hablás de cartas de amor. ¿Vos también escribías?

—Sí. Cuando nos separábamos por un viaje o por trabajo nos escribíamos cartas con Selva. Todavía las guardo.

—Hay algo que perdimos con la escritura a mano.

—Totalmente. Yo soy malísimo con la tecnología. Tengo una libretita donde anoto todo: que tengo que ir al médico o cualquier otra cosa. Eso sí, me sale una letra espantosa.

—Te llevás mal con la tecnología y, sin embargo, te convertiste en un fenómeno viral con la campaña de ropa que hiciste.

—Sí, fue una sorpresa.

—Explicame Arturo Puig modelo.

—Me llamó David, el dueño de la marca. Me contó que quería hacer una campaña inspirada en actores como Pierce Brosnan o Christopher Walken y pensó en mí. No quería que posara ni sonriera. Buscaba una imagen más sobria, la de esos actores grandes con presencia. Esperamos unos días para que me creciera la barba, hicimos las fotos y la repercusión fue impresionante. Me encantó.

—En este momento de tu vida, verte en esas fotos tan lindas, tan pleno, creo que la gente se puso muy contenta.

—Sí. Voy caminando por la calle y me dicen: “Lo vi, está bárbaro en esa foto, con esos sobretodos”. (Risas).

—También hay una reivindicación de la gente grande.

—Eso fue lo que más me gustó. Al principio le pregunté: “¿Estás seguro? Mirá que soy un hombre grande”. Y me respondió: “Justamente por eso”. Siempre pensé que las campañas de ropa muestran gente muy joven, cuando los trajes suelen usarlos personas de otra edad.

—Hoy se habla mucho de la generación silver. ¿Cómo te llevás con eso?

—Bien. Venía hablando con un chofer y me preguntó la edad. Cuando le dije que tengo 81 años, no lo podía creer. Los años se sienten, tengo mis dolores, pero también hay algo muy lindo en llegar a esta edad, seguir trabajando y mantenerse activo.

—¿Es una elección o también una necesidad económica?

—Las dos cosas. Siempre vienen bien unos pesos y también estar activo. Lo último que hice fue esta película que te conté y estaba encantado porque trabajaba con amigos y podíamos charlar.

—Te preguntaba porque no estaría bueno tener que trabajar a los 81 años por necesidad económica, como les pasa a muchos actores con una carrera enorme.

—Por supuesto. Lo que pasa es que es terrible que no haya ficción en la televisión. Hay actores, directores, productores, escenógrafos... muchísima gente sin trabajo. Nuestra televisión es extraordinaria, la ficción argentina fue una referencia para el mundo. Exportábamos programas y hasta viajaban directores a enseñar cómo se hacían. Que hoy prácticamente no exista es una pena enorme. Por eso tanta gente se volcó al teatro: es una salida laboral.

—¿Las plataformas no alcanzan a reemplazar eso?

—No. Yo disfruté muchísimo hacer El encargado. Las plataformas trabajan casi como el cine, con otros tiempos y otra calidad de producción. Pero la repercusión que tenía la ficción en la televisión abierta era distinta. Cambiaron los hábitos: hoy, recién a partir de los 50 años más o menos, la gente sigue viendo televisión. Los más jóvenes miran todo en el celular y consumen los contenidos cuando quieren. Hacen su propia programación. Es un cambio tecnológico enorme y creo que todavía no sabemos lo que va a venir con la inteligencia artificial.

—Y el teatro volvió a ocupar un lugar muy importante.

—Sí, porque el teatro es sanador, tanto para el actor como para el público. Además tiene algo único: es un hecho vivo. Es el único arte en el que ves al ser humano de cuerpo entero. Esa experiencia no la reemplaza nada.

—¿La sentís a Selva?

—Todo el tiempo, y la encuentro. A veces me pasa que estoy viendo alguna película o una serie, algo que compartíamos mucho, y me doy vuelta para comentarle una escena y no hay nadie. Es muy duro. En el teatro hay una carta de Richard Burton a Elizabeth Taylor que me cuesta decir. Me emociono mientras la leo porque siento que, de alguna manera, se la estoy diciendo a ella.

—¿Y no te dan ganas de volver a enamorarte?

—No, por el momento no.

—Con el Arturo modelo debe haber aparecido alguna propuesta, lo que pasa es que a vos no te gusta mucho la tecnología.

—(Risas) Claro, yo no leo los mensajes.

—¿Estás para otra campaña?

—Ojalá. Ya le dije al dueño de la marca que, cuando llegue el verano, hagamos otra. (Ríe). Dijo que sí, vamos a ver.

—¿Te pagaron bien, hicimos un canuto ahí?

—Bien, y me dieron ropa, por supuesto.

—En El encargado hacés de presidente. ¿Alguna vez pensaste en dedicarte a la política?

—Nunca. Me lo propusieron alguna vez, un amigo radical, pero no es lo mío.

—Pensé que me ibas a decir que ese amigo era Brandoni.

—Bueno, Beto fue diputado. Él alguna vez me lo sugirió, pero no me da. No soy un hombre político.

—¿No te interesa la política o no te ves ocupando un cargo?

—No me interesa demasiado. La verdad es que no les creo a ninguno, ni de un lado ni del otro.

—Y mirá que viste pasar.

—Sí, claro.

—También pasaste la dictadura.

—Sí. De hecho, Selva y yo estuvimos en una lista negra durante un tiempo por haber ayudado a Piero a salir del país. Éramos amigos y vivíamos cerca. Un día su hermana lo llamó para avisarle que no volviera a su casa porque lo estaban buscando. Justo estaba conmigo, así que le dije que viniera. Desde casa empezó a hacer contactos en España hasta que consiguió irse. Nosotros lo llevamos a Ezeiza. Me acuerdo de la vuelta: iba con un miedo terrible. Pensaba que en cualquier momento nos iban a ametrallar desde esos Falcon verdes. Por suerte a Piero le fue bien, pero a nosotros dejaron de llamarnos para trabajar. Un productor me dijo directamente: “Quisiera que vengas al programa, pero vos y Selva están en una lista negra”. Más adelante pasamos a una “lista gris” y pudimos volver a hacer algunas cosas, pero fueron años muy duros. Hacíamos giras para sobrevivir, pero siempre con mucho terror. Incluso llamaban por teléfono a casa, atendíamos y del otro lado no hablaba nadie, cortaban. La dictadura fue una cosa tremenda que le pasó a nuestro país.

—¿En algún momento pensaron en irse del país?

—Sí, lo pensamos. Pero yo tenía a mis hijos muy chicos y no era una decisión sencilla. Finalmente nos quedamos, aunque hice un programa en México para la Universidad de Boston sobre el idioma castellano y en ese viaje me pasó algo muy especial. Un actor mexicano me insistió para que fuera a ver a la Virgen de Guadalupe, pero no a la iglesia principal sino a la capilla donde, según la tradición, apareció la Virgen. Fui solo y, extrañamente, había muy poca gente. Entré y encontré a un sacerdote vestido con una sotana blanca inmaculada. Me acerqué sin saber qué decirle. Él tomó una rosa, la mojó en agua bendita y me bendijo sin decir una palabra. Empecé a llorar de una manera que no podía parar. Después compré unas medallitas para que las bendijera. Al día siguiente le conté la experiencia al actor y le describí al sacerdote con una sotana blanca inmaculada, lo que me había llamado la atención porque en Argentina los curas no van de blanco, se visten de negro. Me respondió: “Acá los curas tampoco usan sotana blanca”. Bueno, era un ángel.

—Qué hermoso.

—Maravilloso. Y en ese mismo viaje una actriz me presentó a un productor muy importante de Televisa que me ofreció quedarme en México. Pero dije que no.

—¿Ustedes militaban en aquellos años?

—No, pero teníamos muchos amigos que sí lo hacían.

—En otra charla me contaste que les llegaron a ofrecer un bebé.

—Sí. Selva no podía tener hijos y nosotros queríamos adoptar. En esa época era muy difícil y nos ofrecieron un par de bebés de los que no se sabía bien de dónde venían. Intuíamos cuál podía ser el origen y dijimos que no. Menos mal.

—Hijos de desaparecidos.

—Claro.

—Con el tiempo la vida les dio nietos adoptivos.

—Sí, mis dos nietos son adoptados, son rusitos. Y Selva fue una abuela extraordinaria. El otro día estaba viendo un partido con uno de ellos y, de golpe, me dijo: “Extraño mucho a la abuela”. Le respondí que yo también. Después agregó algo que me emocionó muchísimo: “Ella manejaba toda la casa y a todos nosotros”. Y era verdad. Ella iba de un lado para el otro y resolvía todo.

—Se te rompió todo.

—Me mató.

—Fueron una gran dupla en lo personal, pero también en lo laboral.

—Sí, aunque al principio no. Durante muchos años no quisimos trabajar juntos porque nos matábamos. Nos decíamos de todo.

—¿Quién era más bravo?

—Los dos. Selva era brava, tenía mucho carácter. Discutíamos porque no nos dábamos bien un pie o porque alguno decía algo mal. Hasta que un día dijimos: “No trabajamos más juntos”. Y estuvimos un tiempo sin compartir escenario.

—Pero volvieron.

—Sí. Nos convocaron para hacer Cristales rotos, la última obra de Arthur Miller. Ninguno quería decir que no. Ahí había pasado algo entre nosotros: habíamos madurado y aprendimos a confiar plenamente el uno en el otro. Después hicimos ¿Quién le teme a Virginia Woolf? Habíamos visto la película con Richard Burton y Elizabeth Taylor y Selva me decía: “Mirá la confianza que tienen entre ellos. Es la misma que tenemos nosotros”. En una obra así, esa confianza es fundamental.

—¿Hay algo que hoy, a los 81 años, te dé miedo y antes no?

—Siempre me dieron miedo las pérdidas: cosas, gente, amigos, situaciones.

—¿Y la propia partida?

—No. Al contrario. A veces hasta la deseo.

—¿Por qué?

—Porque tengo la ilusión de volver a encontrarme con Selva.

—¿Qué crees que viene?

—Creo que uno pasa a otro plano y se reúne con su gente querida. Observé algo en personas que estaban por morir, como mi padre y la mamá de Selva. Los dos, en sus últimos momentos, llamaban a su mamá. Siempre pensé, tengo la ilusión, que tu madre, o un ser querido, viene a darte la mano y a llevarte.

—Ojalá sea así.

—Ojalá. Siempre me llamó la atención que, siendo personas grandes, llamaran a su mamá en ese momento.

—Dijiste que no te daba miedo partir. ¿Lo estás esperando?

—Sí. No que me pise un auto, por ejemplo. (Ríe). Pero sí tengo la ilusión de encontrarme con Selva, con mis viejos y con los amigos que ya partieron.

—Yo a vos te quiero acá. Además, ahora sos modelo.

—(Ríe). Sí, quién lo hubiera dicho.

—Si hoy tuvieras que escribir una de esas cartas que leés en Buenas palabras, ¿a quién sería?

—A mis nietos, los rusitos, que son divinos. Nicolai acaba de cumplir 16 años y Lisa tiene 14. Son muy inteligentes y los adoro.

—Si mañana no pudieras actuar, ¿qué harías?

—Siempre tuve la fantasía de escribir. Hace muchos años escribía cuentos, después lo dejé. Tal vez sea una buena deuda pendiente.

—¿Cuándo entendiste que la gente te quería?

—No sé, fue algo que se fue dando mucho en los últimos tiempos. Será porque traté de hacer las cosas bien y de no hacer macanas.

—Cuando murió Selva dio la sensación de que todo un país quería abrazarte.

—Fue impresionante. Después se lo dije a Carlitos Rottenberg y me respondió: “Es que tanto Selva como vos eran muy queridos”.

—También porque ustedes representaban una historia de amor que mucha gente admiraba.

—Puede ser. Estuvimos juntos casi 50 años. Como todas las parejas, tuvimos peleas, crisis, separaciones... de todo. Pero construimos una vida muy linda.

—¿Alguna vez soñaste con que te pasara todo esto?

—No. Pero sí recuerdo un momento que fue un antes y un después. Hacía una obra con Rosa Rosen que se llamaba El tema es el amor. Había ganado el Pulitzer y en Broadway había sido un éxito enorme. En una escena yo salía cantando, imitando a un cantante norteamericano, y esa noche hubo un aplauso a telón abierto. Me quedé paralizado. Ahí sentí por primera vez que algo especial estaba pasando.

—Qué lindo poder identificar ese momento.

—Sí. Me acuerdo perfecto. Como si hubiera sido ayer.

—¿Qué hacemos con la época cantante Arturo?

—Fue maravillosa. Si hubiera podido elegir, habría sido cantante. Amo cantar.

—¿Más que actor?

—Sin dudas.

—Grabaste varios discos.

—Creo que cuatro. Y siempre digo que tienen un mérito enorme, porque en esa época uno cantaba de verdad. Si te equivocabas había que volver a empezar desde el principio. Hoy te corrigen frase por frase, te afinan, de todo.

—¿Y cómo apareció ese cantante? Porque ahí entra Gustavo Yankelevich en la historia.

—Sí. Gustavo me llevó a grabar y después me dijo: “Ahora hay que salir a hacer shows”. Le respondí que ni loco, que me olvidaba las letras y no me animaba. Entonces puso tres coristas que, además de cantar, se sabían todas mis canciones. Cuando yo me perdía, las miraba y volvía a enganchar. Además, había visto el último show de Elvis Presley.

—¿Te estabas comparando con Elvis?

—No (risas). Pero él cada tantas canciones tiraba un pañuelo al público y las chicas enloquecían. Entonces pensé: “Cuando me olvide una letra, tiro el pañuelo”. Mientras todas miraban eso, yo buscaba la estrofa.

—¡Era una maniobra de distracción!

—Exactamente (risas).

—Esa no la sabía.

—Y había otra muy buena. Gustavo iba a cobrar antes de cada show y me decía: “Hasta que no haga esta seña, vos no subís”. Porque si yo empezaba a cantar, después ya no le pagaban. Y un día veía que tardaba y la gente gritaba, entonces les digo a los músicos que subamos. Empiezo el show y de golpe lo veo a Gustavo abajo del escenario: “¡La puta que te parió!”, porque no le habían pagado (risas).

—No cobraste ese show.

—No cobré. Muy gracioso.

—¿Cuál era el hit?

—“No sé cómo fue”. Decía: “No sé cómo fue que me hice de ti, yo que nunca tuve un amor así”.

—Qué hermoso. ¿Y en esa época qué tira estabas haciendo?

—Carmiña. Todo nació ahí.

—Galán absoluto.

—Era muy amigo de Emilio Disi. Salíamos mucho y yo manejaba un Fitito escuchando a Tom Jones. Cantaba arriba de los casetes. Emilio un día le dijo a Gustavo: “Arturo canta como Tom Jones”. Gustavo quiso comprobarlo, me llevó a CBS, grabamos un simple... y vendió cinco mil discos. Después vino el long play y ya no hubo vuelta atrás: hicimos shows por todo el país. Esa experiencia después me sirvió muchísimo para las comedias musicales. Aprendés a escuchar una orquesta, a manejar un escenario. Todo suma.

—El artista aparece en todas sus formas, ¿estás para un reality si te llaman?

—No. De hecho, me llamaron.

—¿Para MasterChef?

—Sí. Pero dije que no.

—¿Por qué?

—No me veo ahí. No es un formato que me guste.

—¿Y cuando viste a Andrea del Boca en Gran Hermano?

—Me sorprendió muchísimo, aunque no sé cómo será su vida hoy. Fue una figura enorme de las novelas, una actriz importantísima

—Sus novelas se vendieron en el mundo.

—Claro. Es muy raro verla ahí porque Gran Hermano es un formato que me parece terrible; yo nunca lo veo. También es cierto que los teleteatros que ella hacía ya no existen. A lo mejor tuvo una necesidad económica, la verdad es que no lo sé.

—Ahora se viene una película. ¿Cuándo la vamos a ver?

—Calculo que el año que viene. Recién terminamos de filmarla y ahora empieza toda la edición.

—Con Ariel Winograd.

—Sí, un divino. Es una remake de Muerte en un funeral. Creo que la gente se va a morir de risa.

—Y vuelve Buenas palabras.

—Y Buenas palabras, que espero que ande bien y que la gente me venga a ver.

—Cuando mirás hacia atrás, ¿qué ves?

—Una vida buena. Tuve la suerte de trabajar en lo que amo, viajar, conocer gente extraordinaria, formar una familia y compartir mi vida con Selva. No puedo pedir mucho más.

—¿Y hoy que esperás?

—Paz, que es un montón.

—Gracias, Arturo. Siempre es lindo encontrarte.

—Gracias a vos.

Lejos de la clandestinidad o el tabú con el que la sociedad suele rodear el universo erótico, su espacio de encuentro se percibe como un lugar de escucha, exploración y pedagogía.

A los 16 años limpiaba las habitaciones de un cabaret sin ver a un solo cliente. A los 25 convirtió la frialdad de su profesión y, gracias a un anuncio buscando “hombres sensibles”, transformó su camino. En una charla íntima con Infobae, Gabriela repasa su trayectoria, el acompañamiento a personas con discapacidad y el desafío constante de derribar la infantilización.

-¿Cómo llegaste a ser trabajadora sexual?

-En principio, siempre me llamó mucho la atención todo el mundo de lo sensual, de lo erótico. Me acuerdo de haber visto en la televisión películas de ISAT. Pasaban un par de series de ISAT donde les hacían entrevistas a trabajadoras sexuales; había un programa en particular donde un taxista las entrevistaba y después otro ambientado en una mansión con diferentes trabajadoras.

-¿Qué edad tenías cuando veías eso?

-Tenía como unos ocho años, una cosa así. Yo miraba esas cosas a esa edad, a escondidas, con mis viejos durmiendo. Creo que ya había todo un universo que se iba generando en mi cabeza sobre lo que era posible, ¿no? Y esa fue básicamente la construcción de mi Educación Sexual Integral (ESI); mi ESI fue por ahí. Después llamaba por teléfono, porque en esa época —tengo 40 años— había números para llamar y tener conversaciones eróticas con trabajadoras sexuales. Yo llamaba y las escuchaba, hasta que en un momento decía “hola”, se daban cuenta de que estaban hablando con una niña y me cortaban. Todo ese mundo me llamaba mucho la atención. Luego, con unas amigas, encontramos un anuncio que buscaba chicas para trabajar en un boliche para limpiar. Fuimos con la idea de ir a limpiar, pero cuando llegamos era un lugar que funcionaba como cabaret. Nosotras efectivamente solo limpiábamos ahí.

-En ese momento ya eras más grande.

-Claro, teníamos unos 16 años. Limpiábamos a la tarde y las chicas trabajaban a la noche. Nosotras nunca vimos a las chicas; solamente nos contactábamos con el dueño, que nos decía que limpiáramos las habitaciones y la parte del bar. Veíamos todo ese mundo y el resto era imaginación. Nunca vimos un cliente a esa edad ni conocimos a ninguna de las chicas, pero conocíamos su ropa, las camas y las botas. Todo eso ya me despertaba el cuestionamiento de cómo sería ese mundo. No estaba incursionando en el trabajo sexual como tal de ponerle el cuerpo o la mente; era simplemente ir a limpiar un boliche.

-¿Y a qué edad empezaste a ejercer el trabajo sexual?

-Ya como a los 25 años, más o menos. Ya era más grande.

-¿Y empezaste por necesidad económica o por elección propia?

-Un poco las dos cosas. Yo creo que sí. Porque, por un lado, el trabajo sexual tiene esta posibilidad que pocos empleos tienen: te pueden pagar bastante dinero en poco tiempo. No es algo fácil, pero el tiempo en el que se ejerce es poco en relación con lo que te pagan. Es uno de los pocos laburos que se puede hacer de esa manera. Y no es fácil para nada; mientras más lo voy ejerciendo y más herramientas tengo hoy en día, me doy cuenta de que no es tan sencillo.

-Ahora estamos en tu espacio, donde llevás a cabo los encuentros. ¿Les das la posibilidad a tus clientes de pactar en su propia casa o en el espacio que ellos propongan?

-No, solamente acá. Porque además, cuando encontré este espacio, a diferencia de otros lugares donde yo había trabajado —que tenían escaleras o cosas que resultaban inaccesibles para personas en silla de ruedas o con otras dificultades—, la mirada estuvo puesta en la accesibilidad. Me importaba que pudiera entrar una persona, ir al baño y moverse por el espacio con comodidad. Eso hizo que puedan venir todas las personas.

-¿Cuánto tiempo pasó desde que empezaste a ejercer hasta que decidiste especializarte en la atención a personas con discapacidad?

-Pasó re poco tiempo. Yo trabajé en este espacio, en el cabaret, pero después se cerraron todos los cabarets en Argentina por la Ley Antitrata, que no diferencia la trata de personas de lo que es el trabajo sexual. Se cerraron todos y nos quedamos sin trabajo un montón de mujeres. De ahí continúo mis estudios: soy titiritera y profesora de teatro. Ejerzo ese trabajo también, pero no me alcanzaba económicamente para sostenerme. Requería volver a ejercer el trabajo sexual, pero a mí me pasaba en el cabaret que no tomaba alcohol ni cocaína. No tomar alcohol ni consumir era estar fuera de la onda, porque es muy típico que en esos espacios se sostenga el trabajo desde ahí. Como no me interesaba ni tomar cocaína ni alcohol, pensé en armar un anuncio que decía “trabajadora sexual para hombres sensibles”. Ahí empezaron a escribirme personas que, sin mencionar la droga, buscaban algo de lo que yo podía dar en ese momento, y empezaron a contactarme personas con discapacidad.

-¿Hubo alguna experiencia puntual que te llevó a tomar esa decisión?

-Creo que cuando me escribió el primer cliente con discapacidad. Me dijo: “Mirá, yo estoy en silla de ruedas”. Ahí fue una decisión decir: “Bueno, no, disculpame, pero yo no trabajo con personas con discapacidad”, que era una opción, o decir: “Bueno, dale. ¿Dónde vivís? Si querés voy hasta tu casa”. Ahí sí me acerqué. Un ratito antes me mandó un mensaje diciendo que no se había podido bañar porque no había ido su asistente. Le dije que no se preocupara, que yo lo bañaba. No era parte de mi servicio, pero lo armé ahí en función de un armado nuevo de trabajo. Llegué, me mostró su baño adaptado, lo bañé y después fuimos a su habitación y tuvimos sexo, todo muy estandarizado. Continué trabajando un tiempo con él y después apareció otra persona a la que le faltaba un brazo, luego personas con síndrome de Tourette, esquizofrenia o autismo. Empezaron a aparecer discapacidades más complejas de abordar. Empezó a correrse la voz de boca en boca de que yo trabajaba con personas con discapacidad y me empezaron a escribir padres y madres. Ahí me di cuenta de que la situación se ponía cada vez más seria.

-¿Por qué te escribían los padres?

-Porque veían esa necesidad en sus hijos y querían ayudarlos a atravesar esa experiencia sexual o su primera vez, así es como lo ven.

-Te referís a padres con hijos que tienen una discapacidad cognitiva.

-Exactamente, más que nada con personas con síndrome de Down. Son personas que han tenido un intercambio o en algún momento se pasan con la profesora en la escuela. Hay algo que ellos no lo pueden controlar y no saben qué hacer en esa situación. Como ya vienen de una situación donde tienen asistente terapéutico y acompañante para distintas áreas, se dan cuenta de que necesitan a alguien que cubra esa otra dimensión.

-¿Cómo es la conversación con esos padres?

-Me di cuenta desde el principio de que no podía ser igual que con otros clientes. Teníamos sí o sí que tener un intercambio previo entre los padres, el hijo y yo. Nos encontramos en un lugar neutro, un café, para charlar con el padre, la madre, incluso con un psicólogo si lo requieren, y con la persona con discapacidad. Es un café para que nos conozcamos, sepan con quién va a estar su hijo y para que yo tenga el derecho a evaluar si voy a poder trabajar con esa persona. También para que el cliente pueda elegir si quiere tener un intercambio conmigo. Se dan situaciones de mucha apertura donde los padres lloran al sentir que pueden hablar con alguien que los trata con respeto. Pero si noto que la persona no comprende lo que estamos hablando, no tomo el trabajo. Necesito garantizarme no solo el consentimiento, sino que la persona pueda comunicarme —incluso con un gesto— si le gusta o no lo que hacemos. No puedo arriesgarme a hacer algo que a la persona no le agrada. Por otro lado, la trabajadora sexual no es el único recurso. Hay que empezar a mirarnos desde otro lugar, por fuera de la hegemonía. Mi trabajo específico es un acompañamiento, un proceso. La primera vez puede ser simplemente charlar, hacer un masaje con ropa o generar un acercamiento físico progresivo. Con un chico con síndrome de Down y dificultades del habla, armé una pizarra para que él se pueda comunicar conmigo con símbolos, y le mostraba imágenes cuidadas de masajes eróticos para ayudarlo a abordar su universo erótico personal. Y como le gustaba bailar, ensayábamos formas de sacar a bailar a alguien de manera respetuosa, trabajando la mirada y el contacto visual como parte del aprendizaje del consentimiento.

-¿Cuáles son tus límites? ¿De qué depende que aceptes o no un encuentro?

-Otro de mis aspectos como trabajadora sexual es el de dominatrix —que se relaciona con las prácticas sexuales no convencionales— mi límite principal es mi propio cansancio o no ver sangre. Me gusta ejercer la dominancia, el juego de roles y el acercamiento al dolor controlado, pero no me gusta ver sangre ni marcas extremas en el cuerpo. Cuando hago prácticas como el spanking (golpear), aviso si se generan marcas. Después, el límite también puede ser el cansancio o que me aburra.

-¿Tenés una cantidad estimada de encuentros por semana?

-Puede ser un mínimo de tres sesiones en una semana o un máximo de tres sesiones por día.

-¿Cómo hacés para despegarte emocionalmente después de un encuentro?

-Cada situación me hace a la persona que soy. Me pego una ducha y ya terminó todo, sigo con lo mío. A nivel protocolar no envío mensajes posteriores; la persona me vuelve a contactar recién cuando quiere coordinar la próxima sesión.

-Al estudiar teatro, ¿hay algo de actuar un rol o disociarte de quien sos en el momento del encuentro?

-Es 100% auténtico. Por eso envío una lista con las prácticas que me encantan. Puede ser que ese día tenga menos ganas de hacer una práctica. Estoy ejerciendo algo que yo elijo. Me encanta este trabajo.

-¿Te pasó que algún cliente desarrolle afecto o se enamore de vos?

-Sí, me ha pasado, por más que aclare todo el tiempo que es un trabajo. Cuando surge un cariño recíproco, lo recibo con respeto. Si me dicen “te quiero” o “te amo”, agradezco ese cariño, pero mantengo el encuadre claro y me lo tomo con simpatía. Por suerte nunca me tocó tener acosadores.

-¿Cómo reaccionó tu entorno íntimo cuando contaste que eras trabajadora sexual?

- Mi mamá se preocupó mucho porque pensó que estaba metida en la droga; recuerdo abrazarnos y llorar juntas. Una psicóloga me dijo que tenía que dejarlo inmediatamente porque me iba a hacer mal, así que dejé a la psicóloga. Mi papá, antes de morir, me dijo que estaba muy orgulloso de mí. Con mis amistades hubo de todo: algunas se alejaron y otras se interesaron demasiado. Dejé de vincularme con personas que me cosificaban por ser trabajadora sexual.

-¿Cuál creés que es el mayor prejuicio social sobre la sexualidad de las personas con discapacidad?

-Infantilizarlos y pensar que no tienen sexo. Pasan de la condescendencia del “son tan lindos” al rechazo o la repulsión cuando manifiestan su deseo. Eso es lo peor de todo.

-¿Qué es lo que más te gustaría que la gente entendiera sobre tu oficio?

-Sería precioso que se comprendiera que el estigma y el juicio no suman. El prejuicio me condicionó durante muchos años en los que estuve en el clóset. Este es un trabajo como cualquier otro.

Furious es la nueva serie de drama criminal de Disney+ creada por Elizabeth Meriwether e inspirada en la película Black Widow (1987). Protagonizada por Emmy Rossum, la ficción sigue a la agente del FBI Alice Black, una exdetective de homicidios de la policía de Nueva York que investiga a una escurridiza asesina serial. Del otro lado está Catherine, interpretada por Lola Petticrew, una sobreviviente de una red de trata que asesina a hombres adinerados como parte de su propia búsqueda de justicia, mientras ambas protagonistas avanzan por caminos que terminan cruzándose y desdibujando los límites entre el bien y el mal.

En sus primeros episodios, la serie desarrolla el enfrentamiento entre Alice y Catherine mientras revela el pasado de ambas. La investigación conecta una serie de asesinatos con una red de explotación sexual, al tiempo que la protagonista enfrenta las secuelas de una relación abusiva y las tensiones dentro del FBI. Con un elenco que también incluye a Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy, Furious combina thriller policial, drama psicológico y una historia marcada por la venganza y los dilemas morales.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Emmy Rossum en video, o a leer una transcripción.

—Hola, Amy. ¿Cómo estás?

Emmy Rossum: —Muy bien, gracias.

—Bien, genial. Me encanta el show hasta ahora, y quería preguntarte, porque creo que es muy interesante cómo estos dos personajes, que son tan diferentes, están conectados por experiencias similares, ¿verdad? ¿Qué puedes decirme sobre este personaje muy complejo y su evolución, y por qué no es una clásica persecución de perros y gatos?

Emmy Rossum: —Voy a empezar con los personajes. Yo… Es una historia muy fascinante que sigue a dos mujeres. Mi personaje, Alice, es una agente femenina del FBI que fue anteriormente una detective de NYPD… Que es un trabajo que es bastante difícil de lograr, y luego dejó todo eso por violencia en su vida personal con otro oficial. Y empezó de nuevo básicamente desde el fondo, en el FBI. Así que cuando la conocemos, ella… Encuentra un caso que le recuerda algo que ha trabajado en la NYPD. Y empieza a pensar que tal vez ella se ha encontrado un criminal serial. Que es muy, muy particular y realmente casi nunca, de género femenino. Así que ella es muy subestimada cuando tiene esta idea inicial, y… Eso solo la hace más hambrienta. Y estas dos mujeres están en trayectorias paralelas. Ambas son víctimas de violencia… Y buscan justicia en diferentes maneras. Y descubriremos que aunque una empieza a verse como “el buen tipo” y la otra como “el mal tipo”, en realidad son más similares que diferentes.

—Completamente. Y me fascinó también tu diseño de vestuario, porque Alice cuenta dos historias diferentes en la forma en que se viste. Como agente del FBI, la vemos a ella más compuesta y más restringida, pero en su vida privada, todo se siente más libre. Es como contar dos historias diferentes. Entonces quería preguntarte sobre cómo este contraste te ayuda a entender quién es ella. Y por cierto, me encanta tu cabello. Simplemente me encanta. Así que quería preguntarte sobre el contraste. Es muy importante en la historia.

Emmy Rossum: —Sí, hablamos mucho sobre la diferencia entre… Cómo alguien se presenta en la oficina como un agente de la ley… Ella es bastante andrógina. Ciertamente sublima su feminidad y su sexualidad. Y luego, su cabello siempre está retirado y todo está bastante tirante. Y ella está muy contenida. Y ella está muy enfocada al éxito, sin disculparse. Y eso a veces da a la gente la imagen equivocada. Y también sabemos que ella tiene un problema al bañarse. Que había violencia cuando estaba en la ducha, y paró de bañarse. Sabemos que otros personajes dicen que ella huele, que es una elección particularmente valiente, creo yo, de Liz Meriwether, la escritora. Porque creo que la gente que huele, para la sociedad, es algo que conlleva una verdadera vergüenza. Y creo que el personaje siempre siente una gran cantidad de vergüenza. Y realmente está en una encrucijada. Porque realmente no puede obligarse a bañarse debido al trauma. Y en la casa, tienes razón. Ella deja su cabello suelto. Vemos que ella invita a la intensidad y al peligro a su vida. Y muestra comportamientos más arriesgados y sueltos.

—Sí, y también quiero hablar de detectives y obsesiones. Porque son dos cosas que siempre van juntas. Vimos eso en “El silencio de los inocentes”. Vimos eso en “Zodiac”, en “Seven”, etc. Y en este caso… También sucede con Alice. ¿Por qué piensas que los detectives siempre tienen estas obsesiones? Pasa en personajes, películas, shows y en la vida real… Tienden a tener esta personalidad obsesiva como la gente a la que están buscando.

Emmy Rossum: —Sí, creo que resolver crímenes es difícil. Y creo que para hacer algo muy bien, tienes que estar un poco obsesionada. Así que creo que vemos a ambas mujeres muy obsesionadas con obtener justicia para sí mismas y también a una escala más amplia. Así que Alice se ha alejado de obtener justicia para sí misma y está enfocada en obtener justicia para otros. Pero en el caso de Catherine, está enfocada en sí misma y en la imagen más amplia.

—Sí, y realmente amo… Siempre nos apetecen, de nuevo, los dramas criminales y las historias criminales. Todo eso nos llama la atención. ¿Por qué crees que es así? ¿Por qué crees que amamos eso y lo encontramos tan atractivo?

Emmy Rossum: —Me pregunto si es una especie de… Intento de aprender lo máximo que podemos sobre cómo mantenernos a salvo, sobre lo que podría ser peligroso, acerca de lo que hay que cuidarse. No es diferente a los cuentos de hadas que contamos a los niños sobre cosas peligrosas o sobre brujas que te ponen en hornos… ¿Sabes? Creo que hay cuentos de hadas históricos que… Nos cuentan sobre el mundo y sobre cuán desafiante y cuán atemorizante puede ser. Pero creo que hay héroes en el mundo también, por lo que es importante que tengamos eso en nuestras historias. Y a veces, ya sabes… Los héroes y los villlanos son más similares que diferentes.

—No podría estar más de acuerdo. No podría estar más de acuerdo, y… Finalmente, tu personaje realmente explora qué es ser una mujer en un territorio que es principalmente masculino. Así que… ¿Alguna vez te sentiste así en otros territorios?

Emmy Rossum: —¡Claro! Por supuesto. Creo que eso es algo que resuena para muchas mujeres. Pero específicamente me interesaba a las mujeres en la defensa de la ley, que es un campo muy dominado por los hombres. Y un campo que se siente muy masculino. Y cómo las mujeres sobreviven y trascienden en esos entornos. Ese fue un estudio muy profundo para mí.

—Perfecto. Emmy, muchas gracias por tu tiempo. De nuevo, felicitaciones por un gran show. Y espero ver más.

Emmy Rossum: —Gracias, lo aprecio.

Al entender la magnitud de lo que representa ser migrante, Juan Camilo y Alejandro Osses, hermanos colombianos radicados en Madrid, España, crearon Migra la food, un proyecto que busca conectar a las personas que viven lejos de su hogar de origen con sus raíces.

Alejandro, exfutbolista, recorrió Colombia y otros países gracias al deporte, lo que despertó su interés por la fotografía documental y la cocina. Su experiencia migratoria en Londres lo llevó a explorar los orígenes del alimento y a trabajar durante más de 15 años en sistemas alimentarios, colaborando con comunidades, agricultores y cocineros tradicionales. Su migración a España lo motivó a profundizar en la relación entre alimentación y migración.

Por su parte, Juan Camilo, que tiene más de 20 años de experiencia en labores de publicidad y tecnología en Colombia y México, experimentó una transformación personal que lo alejó del mundo corporativo y lo acercó a la cocina como espacio de afecto y comunidad. Desde su migración a Madrid, en donde se reencontró con su hermano, decidieron construir un proyecto para resaltar la resistencia, memoria y el vínculo comunitario que une a los migrantes.

Migra la food desarrolla cinco formatos que exploran la relación entre cocina, memoria y migración. “Caldo de Ojo” es un videopodcast donde la conversación fluye mientras se cocina, activando recuerdos y archivos personales de los invitados alrededor de temas como política, identidad y territorio; “eSCena” propone un encuentro performático y culinario que convierte el alimento en eje de relatos migrantes, implicando al público y desplegando archivos personales como fotografías, sonidos y objetos; “Caldero” es una experiencia colectiva en torno a la olla y la mesa, donde la cocina familiar da paso a la música y la fiesta, celebrando la memoria, el arraigo y la resistencia política.

Por otra parte, a través de talleres, se busca transmitir saber y memoria culinaria, facilitando herramientas de narración y emprendimiento desde la experiencia migrante, con énfasis en la pedagogía del alimento y el relevo generacional. Por último, tienen como ancla del proyecto el Festival de Cocinas Migrantes, que reúne cocineros, artistas, activistas y comunidades para compartir saberes, arte y rituales, transformando el alimento en una herramienta de memoria y pertenencia.

Para los hermanos Osses, en conjunto, Migra la food es tradición familiar alrededor de la mesa y del alimento, lo que aumenta al poder trabajar en familia en un proyecto que habla de memoria.

Al hablar de sus orígenes, mencionaron que su abuela, “Tita”, que fue madre soltera de nueve hijos y descendiente de migrantes italianos que se radicaron en Colombia, instauró una tradición familiar que marcó a varias generaciones. Cada domingo, durante décadas, cocinaba una pasta boloñesa casera para el almuerzo y, al caer la tarde, ofrecía las tradicionales onces bogotanas: almojábanas y pan de queso recién horneados acompañados de chocolate caliente con queso fresco.

Sin saberlo, “Tita” consolidó las bases de lo que se mantiene en el proyecto en Madrid. Alejandro y Juan Camilo recuerdan con cariño esas épocas y tradiciones, presentes en su memoria y corazón como una herencia de amor, sabor y cultura. Los hermanos comparten que su iniciativa es una forma de que la gente enaltezca sus saberes, mientras comprenden cómo conectan todas las migraciones.

“En la mesa de Migra la food, el reencuentro trasciende el duelo migratorio: el alimento y la memoria se convierten en un catalizador para reconocerse, inspirarse y tejer alianzas desde la dignidad y el afecto. Migra la food nace del duelo migratorio y del reencuentro familiar”.

De acuerdo con sus creadores, Migra la food surge de la búsqueda de coherencia y propósito de Alejandro y Juan Camilo Osses, que vieron en la cocina una herramienta poderosa para visibilizar y apoyar a cocineras tradicionales y migrantes. El proyecto nace en Madrid, a partir del deseo de mantener viva la memoria y los saberes ancestrales en comunidad, especialmente entre mujeres migrantes que enfrentan la distancia y la adaptación en un nuevo territorio.

En este proyecto se prioriza la construcción de capital social y el fortalecimiento de redes comunitarias, más allá de métricas cuantitativas. Su metodología se basa en la inmersión barrial, la escucha profunda, la co-creación con las cocineras, la activación de formatos y la difusión para preservar el valor colectivo.

Desde que consolidaron el proyecto, han realizado encuentros performáticos y videopodcasts que permiten a las cocineras migrantes recuperar la soberanía de su relato y ser reconocidas como guardianas de su herencia culinaria. Para ellos, el impacto del proyecto se refleja en alianzas con organizaciones locales, colaboraciones con el sector gastronómico y la generación de autonomía y reconocimiento para las mujeres migrantes.

Para Alejandro, el alimento representa mucho más que comida: es identidad, infancia, conexión familiar y ADN territorial. “La cocina logra transportar, comunicar y crear memorias genéticas, recuerdos, ausencias, debates e ideas”.

En ese sentido, concluyen que el alimento conecta directamente con la tierra, el medio ambiente y atraviesa fronteras sociales, económicas y culturales. De la misma forma, destacan que los ingredientes evocan “sentimientos conectados al ADN genético”, y aunque una persona viva lejos, siempre busca alianzas culinarias para sentir cercanía con sus raíces y seres amados.

Respecto a la relación entre migración y comida, afirman que la comida y el alimento son migración, puesto que los ingredientes viajan con las personas, gracias a colonizaciones, desplazamientos o intercambios, como los mindalas en el sur de Colombia que llevaban frutas para compartir saberes y semillas. Así, productos como la yuca, el maíz, el plátano y la caña han migrado entre continentes y culturas.

“Toda la cocina del mundo es migrante, así no lo quieran aceptar. No solo los platos se transforman, sino también la mano de obra, ya que más del 70% de la producción alimentaria en Europa y Estados Unidos depende de trabajadores migrantes”.

Para Alejandro y Juan Camilo Osses, el sancocho es el plato que los conecta mentalmente con Colombia. Alejandro destaca su variedad según la región y el simbolismo de sus ingredientes como representación de la diversidad y la unión. Para Juan Camilo, el sancocho es más que una sopa: es memoria, barrio y el pretexto para reunir a familia y amigos, adaptándose a cualquier lugar y circunstancia.

En ambos casos, resaltan que se trata de un plato que demuestra la migración culinaria, puesto que es uno de los más vendidos en los restaurantes colombianos que han visitado; además de que preparar sancocho en el extranjero les permite revivir recuerdos y sabores de su país natal, manteniendo vivas sus raíces y tradiciones desde la distancia.

El 27 de abril de 2026, la Fiscalía General de la Nación intervino la cadena de ropa femenina Lili Pink en una operación simultánea que abarcó 59 ciudades y municipios de 25 departamentos como parte de una investigación por presunto lavado de activos y contrabando en el que las autoridades identificaron movimientos superiores a 730.000 millones de pesos a través de una red de importadoras y comercializadoras.

Tras el operativo, se confirmó que los bienes quedaron bajo administración provisional de la Sociedad de Activos Especiales (SAE), permitiendo que las tiendas continuaran operando mientras avanzaba el proceso judicial.

En la gerencia de Lili Pink fue designado Sebastián Ulchur, que en diálogo con Infobae Colombia reveló cómo se encuentra la compañía tres meses después de la intervención.

Ulchur narró cómo asumió el reto de tomar la empresa tras los operativos y con los ojos de la sociedad colombiana puestos en las tiendas.

“Fue duro porque me entregan la empresa, no encuentro a nadie, todos estaban en home office. Fue un desafío ponerme en contacto con todos, pero a partir de ese momento hemos compaginado superbién y objetivamente hemos tenido un fin común que ha sido sacar adelante la compañía, preservar esas casi 2.500 personas, de las cuales el 80% son mujeres. Muchos aliados comerciales terminaron sus contratos, pero ya volvieron a estar con nosotros y estamos operativos al 100%”.

Como uno de los primeros balances, el gerente de Lili Pink aseguró que está seguro de que la empresa es viable y podrá seguir operando a largo plazo.

“Acá hay una empresa, hay un modelo de negocio existente, rentable, posible y financieramente viable. Aquí podemos surtir a las casi 550 tiendas, así como a los diferentes canales de comercialización. Somos un caso de éxito”.

Sobre la imagen que tienen los colombianos de la marca tras el escándalo nacional, Ulchur reafirmó que en este momento puede asegurar que se trata de una empresa legal.

“Todo es con transparencia, mostrarles en qué consiste un proceso de extinción de dominio, en el que la garantía es el mismo Estado. La SAE me da independencia y autonomía y lo estamos haciendo acompañados de profesionales excepcionales que han hecho que esto sea posible. La compañía es completamente viable”.

El gerente explicó que una de las claves para que la compañía pueda mantenerse es poder asegurar el abastecimiento para la temporada decembrina, que es la mejor del año para la marca.

“Este tipo de empresas tiene una particularidad y es que son dependientes de temporada. Es decir, durante todo el año sobreviven, se genera un margen de rentabilidad, pero la verdadera rentabilidad se obtiene de diciembre. Vamos bien, estamos operativos, sacando las cosas adelante y logrando el abastecimiento necesario para la temporada”.

Por último, explicó que es pertinente aclarar que Lili Pink no está vinculada a una investigación, sino que son los exdirigentes de la empresa los que están afrontando el proceso legal que encabeza la Fiscalía.

“Para que la gente lo entienda, la empresa está 100% apartada del proceso. Nosotros no hacemos parte del proceso; el Estado está administrando y dándole tranquilidad al público para que se mantengan los empleos y el modelo de negocio. Es importante que se sepa que somos legales, que tenemos toda la trazabilidad de la adquisición, la factura, las declaraciones de importación y que, en ese sentido, mi objetivo es darle tranquilidad al público de que todos los productos son legalmente importados”.

Lili Pink informó que, tras tres meses de la intervención, su operación comercial mantiene la normalidad en más de 500 tiendas en el país. La empresa aseguró el pago puntual de nómina a sus 2.238 colaboradores directos y el cumplimiento de compromisos con proveedores, sosteniendo más de 5.000 empleos.

En el balance se destacaron los avances en la normalización de medios de pago electrónicos, permitiendo a sus clientas retomar compras y opciones de financiación. El proceso de estabilización se desarrolló con acompañamiento de la SAE y bajo criterios de transparencia.

Gabriela Muñoz volvió dar de qué hablar en redes sociales luego de responder con acciones legales a los señalamientos de Angie Rodríguez, directora del Fondo de Adaptación, sobre una presunta injerencia en nombramientos dentro de la Aeronáutica Civil.

El episodio puso bajo escrutinio el paso de la creadora de contenido de 20 años por cargos públicos y su posterior llegada al Congreso de la República, cuya controversia se agravó por un dato administrativo: el nombramiento de Muñoz en la Aerocivil quedó formalizado el 30 de mayo de 2025 mediante la Resolución 01224, y ese mismo día su hermano Santiago David Muñoz Olaya fue designado como Auxiliar 5 por la Resolución 01225.

Ahora, y por cuenta de un video que Muñoz compartió junto al presidente Gustavo Petro una semana antes de la derrota de Iván Cepeda (excandidato de la izquierda) en la segunda vuelta de las elecciones presidenciales contra Abelardo de la Espriella, los usuarios se volcaron al perfil de Instagram de la joven funcionaria para comentar y cuestionarla a ella y al jefe de Estado.

En el video, ella acompañó la grabación con unas palabras de admiración hacia el mandatario que provocaron las críticas de una parte de los internautas, mientras que los simpatizantes del presidente la respaldaron.

“No fue ni un dictador, ni un tirano. La historia es algo que jamás nadie podrá borrar, y Gustavo Petro hizo historia en nuestro país. Su vida es un ejemplo de supervivencia, perseverancia y amor por sus ideales”, escribió Muñoz.

La joven aseguró sentir la “Petrotusa”, término que se popularizó entre los seguidores del jefe de Estado que se mostraron tristes por lo que representa su inminente salida.

“Detrás de cada comentario, de cada noticia y de la figura que representó durante estos años, existe un ser humano que siente, llora y ríe. Hoy, en esta entrevista, quise mostrar precisamente a esa persona que muchos no se permiten ver. Quiero aprovechar para agradecerle por hacer de Colombia un país más bonito, más humano, más acogedor y más digno”, dijo Muñoz, que aprovechó para preguntarle al presidente por facetas de su vida alejadas del plano político.

Esto no evitó mensajes que la cuestionaron por la polémica con la Aerocivil. Por esta razón algunos comentarios afirmaron: “Esos contratitos hacen maravillas”; “Tusa la que le va a dar cuando esté rindiendo cuentas ante la Ley” y “la Tusa que se le viene encima por los contratos I-legales”.

Qué le dijo Gustavo Petro a Gabriela Muñoz

El diálogo permitió conocer detalles poco habituales de la vida del mandatario, quien respondió con franqueza sobre su vida cotidiana, sus gustos y el balance de su gestión.

Al inicio del encuentro, Muñoz le preguntó a Petro por su comida favorita, a lo que él relató que aprendió a cocinar durante su tiempo en prisión: “Yo lavaba mi ropa y hacía mi comida y entonces, y comida para otros también, porque era toda la gente que nos tenían presos por pensar como pensamos, pero... nos distribuíamos las tareas. Entonces, espagueti a la amatriciana me queda, pero mija... chúpalo”, expresó entre risas.

Consultado sobre sus preferencias musicales, Petro señaló la importancia del arte en la vida cotidiana, y contó que “en todos los diversos temas de Colombia y del mundo, formas de cantar siempre hay, arte y me encanta el arte. Hay que vivir en medio del arte... esa es una forma de volverse muy buenos ciudadanos y ciudadanas, sensibilizarse, etcétera. Entregar el corazón, que siempre hay que hacerlo”, dijo.

La conversación abordó también asuntos personales. Ante la pregunta sobre sus amores platónicos, el presidente explicó con humor: “¿Qué significa un crush? Es que me tienes que explicar lo que...”.

Al comprender el término, Petro compartió: “Todos los que tuve de adolescente y no fueron, pues ya es imposible a estas alturas de la vida. Fueron amores imposibles, pero así de esas que ni siquiera vi realmente. Rocío Durcal y Gigliola Cinquetti, que me encantaba. Y después ya nunca las vi. Uno se... bueno, murieron. No sé si Gigliola. Y ahora... pues no tengo. Ya no me llegan los platónicos, sino los aristotélicos”.

Sobre el final de la entrevista, y a pocos días de concluir su mandato, Gabriela Muñoz le pidió un mensaje para quienes experimentan la “Petrotusa”, término que alude a la nostalgia anticipada por la salida de Petro del gobierno.

El presidente destacó los resultados sociales de su gestión: “Antes de terminar esta entrevista, le di los datos de pobreza terminado ya el 2025. Son los últimos datos que daré... cómo bajé la pobreza extrema a lo más bajo en el mundo, cómo bajé la desigualdad social, pero así. Es decir, busqué la justicia social, lo prometí y se está construyendo. No digo que lo logré, porque es un proceso más largo, pero indudablemente dimos los pasos que eran”.

“La pobreza, pobreza extrema bajó a un dígito por fin y, la desigualdad social, que es lo más difícil de todo, también se desplomó. Luego cumplí lo que prometí. Ojalá Colombia no lo interrumpa, por favor”, cerró Petro, que al final, y luego de los resultados de las elecciones, no reconoció la victoria de De la Espriella.

El 28 de julio de 2026, comerciantes de bares y discotecas de Soacha bloquearon la autopista Sur durante más de dos horas en protesta contra una nueva regulación de horarios implementada por la administración municipal.

La medida, adoptada por el alcalde Julián Sánchez “Perico”, exige que bares, discotecas y clubes cierren a la 1:59 a. m. los fines de semana y vísperas de festivo, y restringe el funcionamiento de otros comercios según su actividad. Los manifestantes, principalmente de la zona 21 en el centro del municipio, alegan que la decisión afecta gravemente sus ingresos y acusan a la administración de hostigamiento.

El bloqueo paralizó el tráfico en hora pico, incluyendo el carril exclusivo de Transmilenio, obligando a miles de ciudadanos a caminar hasta sus hogares y generando una fuerte congestión vehicular. La alcaldía argumentó que los permisos nocturnos se ampliaron bajo compromisos de convivencia y aseo, pero fueron revocados tras detectar incumplimientos.

La versión de los comerciantes del municipio

En diálogo con Infobae Colombia, Jenny Arias, integrante del colectivo Gestores Nocturnos y gerente administrativa de La Cabaña Centro de Eventos, afirmó que existía un acuerdo con el alcalde, según el cual, tras estructurar e implementar un plan de mejoramiento en la zona, los establecimientos podrían operar hasta las 3 a. m.

En las últimas semanas, los propietarios de los bares y discotecas recibieron la noticia de que sería impuesto un nuevo decreto que limita la operación de los comercios nocturnos hasta las dos de la mañana.

“Eso fue de manera arbitraria. Él dice que fue por un tema de basuras de la zona, cosa que tenemos todas las evidencias para demostrar que las basuras que él publica en sus redes sociales no son generadas por nuestro gremio, ya que nosotros, mientras desarrollamos la actividad, tenemos una persona que se encarga de dejar la zona limpia”, afirmó Arias.

La vocera manifestó que el gremio ha buscado dialogar y presentar pruebas sobre el manejo de residuos, enviando evidencias a la Alcaldía y buscando reunirse con el mandatario local, lo que no ha sido posible hasta el momento.

La administradora explicó que han presentado derechos de petición y solicitudes de audiencia para exponer su situación, la cual calificó de crítica, mientras que comerciantes de otras zonas pueden operar con horarios extendidos.

“El gremio de San Mateo sigue trabajando hasta las 3; en Bosa trabajan hasta las 5. No entendemos por qué esas represalias contra nosotros. Estamos trabajando en pro de la seguridad, del bienestar y de la rumba sana. Implementamos más o menos de seis a siete millones de pesos mensuales en seguridad, ambulancias, una persona encargada del aseo y la recolección de las basuras en nuestra zona”.

Sobre la realidad que viven los comerciantes de la zona, Arias afirmó que, tras cuatro fines de semana con horario reducido y la negativa del alcalde de negociar, algunos propietarios están buscando vender sus locales.

“En este momento, varios negocios han cerrado, otros negocios han tenido que recortar su personal, otros negocios ya pusieron en venta sus establecimientos. Son muchas las personas que dependen de la actividad que realizamos como gestores culturales”.

Por último, la vocera aseguró que los bloqueos registrados en la autopista Sur son la última alternativa que han encontrado ante los desplantes del alcalde de Soacha, al que acusan de estar cometiendo una persecución política, puesto que el gremio rechazó apoyarlo en las elecciones regionales y ha manifestado públicamente que respaldan ideas de políticos que podrían participar de los comicios del próximo año.

“Él ha manifestado que fue por no apoyar su candidatura y por eso está actuando así con nosotros. Dice que ha estado abierto al diálogo, pero no es cierto. Los acercamientos han sido negativos”.

Una oleada de reacciones en el país, en el ámbito político, dejó una serie de declaraciones en varios medios de comunicación por parte de Angie Rodríguez, directora del Fondo de Adaptación.

La funcionaria afirmó que el presidente Gustavo Petro expuso su información médica, la descalificó como “incompetente” y permitió presiones irregulares ligadas a Juliana Guerrero. Según Rodríguez, esa situación deterioró su salud mental y volvió hostil su paso por el Gobierno.

Además, sostuvo que su diagnóstico de ansiedad y depresión apareció en noviembre de 2025, después de “situaciones límite” dentro de la administración nacional. También dijo que, pese a ese cuadro, en diciembre recibió las máximas condecoraciones por su trabajo, mantuvo un rendimiento sobresaliente en su doctorado y, tras comunicar su estado de salud, el propio mandatario le asignó más funciones.

Por tal motivo, la congresista por el Movimiento de Salvación Nacional, Carol Borda, se refirió a ese fragmento de la entrevista y cuestionó a varias simpatizantes de la administración Petro.

“¿Dónde están todas las feministas cuando ven a Petro usar su lugar poder para involucrarse sentimentalmente con mujeres a cambio de puestos e influencia? ¿Dónde están todas cuando ven a Petro usar su poder para menospreciar y tratar de loca a una mujer que decide valientemente alzar su voz? " fueron algunas de las preguntas que señaló la representante.

Al final, Borda sentenció que “el feminismo ha abandonado a una mujer sola y valiente como Angie Rodríguez”.

Otro de los congresista que salió a referirse a la entrevista de Rodríguez en Bluradio fue el representante a la Cámara por Bogotá Daniel Briceño (Centro Democrático), que hizo su aporte sobre otro aparte de la charla, en la señalo una presunta amenaza en su contra por parte del jefe de Estado.

“Cuando le preguntan a Angie Rodríguez si Petro la amenazó de muerte ella dice que “le recordó su pasado en la guerrilla”. Todo alrededor de Petro es absolutamente oscuro y escabroso", escribió Briceño.

La excongresista y exfórmula vicepresidencial de Rodolfo Hernández, Marelen Castillo, expresó que “si lo dicho por Angie Rodríguez en @BluRadioCo es cierto, estamos ante un hecho gravísimo”.

La exrepresentante a la Cámara agregó que “ningún presidente puede intimidar o amenazar a un funcionario por decir la verdad.

Por su parte, el senador de Salvación Nacional Germán Rodríguez destacó que no sabía cuál de todas las revelaciones en las declaraciones de Rodríguez “sea la peor, si cuando ella dice que teme por su vida, al igual que lo que le pasó al coronel Óscar Dávila (...) que ya hace ver que tal vez no se suicidó, es preocupante y sobre todo cómo utiliza de forma grosera Gustavo Petro a Angie. Le dice que porque tiene problemas mentales”.

Las pullas de Rodríguez fueron más allá, luego de que se recordó la excusa médica que se conoció de Petro en 2019, y tras recibir atención psiquiátrica.

En este punto, Rodríguez aseveró: “De verdad no sé qué es lo peor, qué es lo que está pasando allá en la Casa Nariño, cuando Angie Rodríguez también dice en otra parte de la entrevista que quienes mueven los hilos del poder allá es una red de mujeres, de jóvenes mujeres (refiriéndose Gabriela Muñoz Olaya)”.

El senador recordó el caso de Juliana Guerrero, y añadió: “Acuérdese que siempre Gustavo Petro nombra a Juliana Guerrero por hermosa y toda esa vaina. Y dice que tendrían una relación más allá de lo laboral, ¿no?“

Rodríguez aseguró sentir “pesar por como Gustavo Petro se metía con Angie Rodríguez, porque la otra muchacha según es más bonita. Eso no puede ser, eso es un país de locos. ¿Qué es lo que pasa el presidente? ¿Con qué monstruo, qué monstruo teníamos gobernando el país?"

Al final, el congresista calificó lo que ha vivido Rodríguez como un “abuso”, y se unió a su colega de bancada (Borda), con la misma pregunta: “¿En dónde están las feministas del gobierno de Petro? ¿Dónde están? Necesitamos que se solidaricen las extremistas, estas muchachas que les gusta quemar y hacer grafitis, que se solidaricen hoy con Angie Rodríguez, que es de ustedes, que es progresista, eso no puede quedar así“.

A los 22 años, después de pasar casi dos años sin publicar música, acaba de lanzar un proyecto tan ambicioso como inusual: 41 canciones de un minuto, todas producidas casi íntegramente por él. Dice que es el disco que siempre quiso hacer, lejos de las fórmulas y de la búsqueda desesperada del próximo éxito viral.

En esta charla con Infobae habla por primera vez con tanta profundidad sobre el costo de Mercho, el odio que recibe en Internet desde los 13 años, el miedo a quedar atrapado en un personaje, la relación con sus padres, la ludopatía que atravesó su familia, la ansiedad, la terapia y su relación con la influencer Sofía Barreiro, el amor que inspiró gran parte del álbum.

“Hoy soy amigo de Mercho. Durante mucho tiempo no lo fui", admite. Y resume el espíritu de esta nueva etapa con una frase que atraviesa toda la entrevista: “Ya no soy el nene que todos creen que sigo siendo”.

—Bienvenido, con música nueva.

—Mucha música nueva. Sacamos 41 canciones y todas desde casa.

—¿Salieron todas las que hicieron o quedaron algunas afuera?

—Quedaron un montón. Soy medio raro para hacer música. Me gusta generar ideas todo el tiempo y muchas ni siquiera las guardo o las exporto. Quedan ahí, en un cajón de la computadora.

—¿Cómo es el proceso?

—Lo fui descubriendo hace poco. Me encierro solo con la computadora, el micrófono y la placa de sonido. Hago casi todo yo: los beats, la producción. Empiezo a balbucear melodías y trato de que las cosas me bajen solas, sin pensar demasiado lo que digo.

—¿Por qué canciones de un minuto?

—Porque 4114 va a tener varias partes y no podía sacar de entrada un disco de dos horas, tenía que dar un preview. ¿Quién escucha hoy un álbum de dos horas? Vivimos en una época donde todo pasa rapidísimo y quise reírme un poco de eso: hacer un disco larguísimo y, al mismo tiempo, cortísimo. También quería poner en contexto quién soy. Hay cosas que la gente tiene que saber para meterse en este mundo. Si alguien ya me odia de entrada, probablemente le parezca malísimo. Y, en realidad, es un disco muy amoroso.

—O sea, primero hay que conocerte.

—Es un disco para escuchar de principio a fin. Muchos creen que hice 41 canciones para ver cuál explota en TikTok y es exactamente al revés: me esforcé por salir de lo que está sonando hoy. Mucha gente dice: “Tuvo su minuto de fama, pegó con Mercho y listo". El minuto también habla de eso, me río un poco de esa idea.

—¿En algún momento te la creíste?

—Sí, me comí una re película (risas). Pero creo que a cualquiera le puede pasar.

—¿Llegaste a pensar que realmente se terminaba todo? Alguna vez contaste que le dijiste a tu papá: “Hasta acá llegué”.

—Sí. Hay días en los que me pongo un escudo y no me entra una bala, pero otras veces sí. Desde los 13 años, cuando empecé a streamear, recibo insultos en Internet. Nunca fui de caer bien de entrada, mi forma de hablar siempre fue chocante y con Mercho todo se multiplicó. Hoy me lo tomo con más humor, pero a veces entro a TikTok y de 400 comentarios no hay uno bueno. Hay algunos que son graciosos porque no tienen ningún sentido.

—¿Como cuáles?

—Los parecidos. Ahora dicen que soy Romi, la cantante de Grupo Play, y me estallo. Antes era Amigacho y Mercedes Sosa. Eso me hace reír. Lo que sí me molesta es cuando dicen que soy un fantasma. Hace poco usé la palabra statement en una entrevista y me mataron: “Estamos en Argentina, pa”. Y yo pensaba: tampoco dije nada tan raro. Capaz hablo medio gamer. Crecí jugando Minecraft y esa quedó siendo mi forma de expresarme.

—Volvamos al principio. ¿Cómo fue esa infancia?

—Muy normal. Vivía con mi papá, mi mamá y mi hermana. Somos una familia muy chica y muy unida. Nací en General Rodríguez, después nos mudamos a Pilar y todavía vivo con ellos. Son mi columna.

—¿Terminaste la escuela?

—Casi (risas). Me quedó Educación Física. Después vino la pandemia, firmé con Sony y la vida agarró para otro lado.

—¿Cómo les explicaste a tus papás que trabajabas como streamer?

—No al principio. Recién se dieron cuenta en una juntada de la Coscu Army en Puerto Madero, cuando tenía 13 o 14 años. Llegamos al Puente de la Mujer y todo el mundo empezó a gritar “¡Tortita, Tortita!”. Ahí entendieron que estaba pasando algo.

—¿Ellos sabían que te llamabas Tortita?

—Sabían que hacía streams porque me acostaba a las tres o cuatro de la mañana, pero no dimensionaban. Después vieron que ya ganaba algo de plata con Twitch y que me alcanzaba para comprarme juegos.

—¿Qué hacías con esa plata?

—Me la gastaba toda. Llegaba por PayPal y ni sabía cómo sacarla. Decía “ya fue” y me gastaba todo comprando juegos en Steam, una página de juegos.

—¿Cuándo aparece la música?

—En 2019. Ahí está el punto de quiebre de mi vida. A fines de 2018 murió mi abuelo y eso me destruyó. Como somos tan pocos, pasar de seis a cinco fue durísimo. Ese Fin de Año cuando se fueron todos a dormir terminé Volvé conmigo y la subí. Toda la Coscu Army empezó a decir: “Che, Tortita sacó un tema”. Nadie sabía todo lo que había detrás de esa canción. La hice porque me nació.

—¿Dónde la publicaste?

—En YouTube y Spotify. Aprendí a subirla mirando tutoriales.

—¿Hasta ese momento nunca habías mostrado música?

—No. Producía desde los 11 años, pero nunca había publicado nada. Después salió USA, empezó a moverse mucho durante la pandemia y ahí apareció Sony. Vinieron a mi casa, hablaron con mi viejo, hicimos un asado y terminamos firmando. Ni siquiera fui a las oficinas: llevaron el contrato y lo firmé en la puerta.

—Y ahí tu papá empezó a acompañarte.

—Sí. Venía a los estudios, a las reuniones. Casi hacía de manager. De ahí salió ese mito de que mi viejo trabajaba en la música y que por eso me iba bien. Nada que ver: es productor de seguros. Mi mamá ocupa otro lugar, es mi costado emocional, es con quien hablo cuando me pasa algo o me siento solo.

—¿Cuándo sentís que se te fueron “los patitos”?

—Veinte millones de veces (risas). Pero la que más recuerdo fue en Mar del Plata, tenía 16 o 17 años y estaba en mi etapa más rebelde. Streameaba con Brunenger, se viralizaban clips míos haciendo cualquier cosa y mis viejos me decían: “Rescatate porque vas a perder todo”. Tenían razón.

—¿Qué pasó?

—Un clip mío se viralizó completamente fuera de contexto. Había reaccionado mal con una persona que nos seguía por la calle mientras transmitíamos en vivo y solo quedó la parte donde yo insultaba. Ahí entendí que Internet te deja pegado para siempre y mucha gente se quedó con esa imagen de mí, la del tarado atómico. Hoy siento que crecí y que vivo pidiendo perdón por cómo era a esa edad, algo que también tengo que aprender a soltar.

—¿Sentís que eras agresivo?

—No. Era un guachín que se había comido un poco la película. Hubo muchos clips sacados de contexto, pero también estaba en una etapa de rebeldía y no sabía manejarla.

—Firmás con Sony y empezás a ganar plata en serio.

—Sí (risas). Llegó el famoso adelanto, donde te llega buena plata. Alquilé un departamento en Recoleta cuando tenía 16 o 17 años, aunque ni vivía ahí. Lo usaba cuando tenía que grabar en Capital.

—Pero en algún momento te compraste el Mercedes.

—Sí, en 2022. El famoso Mercedes del “Mercho escuchando el Farcho”. Lo gracioso es que lo vendí dos meses antes de que explotara Mercho.

—¿Es verdad que al principio no te encantaba?

—Con Mercho tuve una relación de amor y odio. Hoy somos amigos, pero al principio era mi enemigo. No quería sacarla porque había otros temas que me gustaban más. Antes grabé dos videoclips que nunca salieron y recién el tercero fue Mercho. Al mes explotó y me pasó exactamente lo que nunca había querido.

—¿Por qué?

—Siempre soñé con crecer de a poco, armando un público. Y de golpe todo lo que había construido quedó tapado. Dejé de ser LiL CaKe para convertirme en “el de Mercho". Me bajaba de festivales en España sintiéndome vacío. La gente gritaba Mercho, pero después tocaba seis temas más y casi nadie los conocía. Ahí entendí: “No se pegó LiL CaKe; se pegó una canción”. Y encima era una canción que no representaba la música que quería hacer.

—Pero mientras todos veían que estabas en el mejor momento de tu carrera...

—La estaba pasando horrible. Nunca lo decía, fingía demencia. Pensaba: “Bueno, ya estoy acá, habrá que seguir”. Pero por dentro estaba muy mal. Me acuerdo de estar muy enojado con todo, con la vida.

—Está bueno que lo cuentes porque del otro lado uno imagina otra cosa.

—Sí. Mucha gente busca pegar un hit, pero si hacés música de verdad no necesariamente querés eso. A mí Mercho me sacó más de lo que me dio. Me dio plata, exposición, obvio, pero me quitó todo el trabajo que venía construyendo. Yo no quería ser “el de Mercho“.

—¿Hoy ya no te molesta que te la pidan?

—No. Hice las paces con la canción. Hoy soy amigo de Mercho. Pero después de todo ese proceso tuve que preguntarme qué quería hacer de verdad.

—¿Y ahí aparece este disco?

—No fue de un día para el otro. En 2024 me equivoqué otra vez. Volví a hacer cumbia porque creíamos que era el camino para pegarla de nuevo, era el camino fácil, sin desmerecer la cumbia. Grabé un montón de canciones para tratar de pegarla en TikTok, pero un día pensé: “¿Qué estoy haciendo?”. Estaba haciendo música para que funcionara, para intentar salir a flote.

—¿Era una búsqueda tuya o del equipo?

—De todos. Creíamos que era el camino: pegan los temas, salimos a tocar, guardamos plata en la mochila y estamos. Después me separé de ese equipo y quedamos mi viejo, Sony y yo. Ellos apuntaban a algo mucho más comercial y yo quería experimentar. Y si quería encontrar mi identidad, tenía que hacer la música que realmente me representaba.

—Había que hacer un trabajo profundo en serio. ¿Cómo llegaste a este disco?

—A fines de 2024 conocí a un productor amigo que, más que producir, me ayudó a descubrir qué quería hacer. En marzo de 2025 empecé a ir solo al estudio. Sony también me dio libertad total. Dejé de pensar en géneros y empecé a hacer la música que realmente me salía. Ahí me encontré. Al principio no pensaba hacer un disco, pero empecé a acumular canciones hasta que terminamos eligiendo 41.

—Estuviste casi dos años sin sacar música. ¿No daba miedo?

—Una banda (risas). Pero también sé que cada vez que aparezco genero algo: interés, muchas veces odio, pero igual se viraliza. Con Mercho pasó eso. Al principio todos me decían “Mercedes Sosa”. Era un chiste despectivo, pero esos comentarios hacían que el tema siguiera circulando. Después vino el baile, el trend y explotó.

—¿En serio sentís que despertás odio?

—Sí. No sé si es por cómo hablo, por cómo me veo o por todo lo que pasó conmigo en Internet, pero siento que mucha gente me ve y ya me detesta. Nunca encontré la forma de revertirlo.

—Yo no vengo del mundo Twitch. ¿Creés que tiene que ver con un personaje provocador que construiste?

—No fue intencional. Cuando era más chico me las mandaba porque no tenía control de lo que hacía. Hoy veo esos clips y yo también me odio. No era un ángel; era un un pesado. Pero crecí. Y la gente que me seguía también.

—¿De qué viviste esos dos años?

—De lo que me dejó Mercho. Una canción así sigue generando. Si sumás todas las plataformas, debe andar cerca del billón de reproducciones. Eso te da tranquilidad, pero sabés que no es para siempre.

—¿Cómo un joven de 22 años termina titulando un tema Atahualpa Yupanqui?

—Justamente porque habla de lo contrario: nunca escuché folclore ni tengo una gran cultura musical. La canción es un descargo sobre todas las etiquetas que me ponen. Digo que no soy trapero porque nunca fui un pibe de calle; no soy yankee porque, aunque a veces meta frases en inglés, es solo porque me gusta cómo suenan. Y cuando digo que nunca escuché a Atahualpa Yupanqui no es una provocación: es la verdad. Soy todo lo contrario a la imagen que muchos esperan de un músico y hago música porque me nace, no porque haya estudiado discos toda mi vida.

—Hay otra canción, Aunque seas mala. ¿Alguna vez te enamoraste de alguien que sabías que te hacía mal?

—No sé si sabía que me hacía mal, pero todo el disco habla de mi relación, que todavía sigue. Es la primera vez que siento que estoy realmente enamorado.

—¿Habla de Sofi?

—Sí.

—¿Es mala Sofi?

—A veces (risas). Pero no.

—¿Tienen una relación medio tóxica?

—No. Estamos un poco locos los dos. Ella fue mi mejor amiga desde los 15. Después desapareció un tiempo y volvió a aparecer en febrero de 2025. Y a mí me pasa algo: para hacer música necesito estar enamorado o que alguien me guste. Muchas veces escribí canciones para personas que nunca supieron que hablaban de ellas.

—Hay un tema que se llama 2026. ¿Tiene que ver con algo que pasó este año?

—Nació de una discusión de pareja, a fin de año, una época que siempre me pega mal. Pero si pienso el disco, la evolución no está tanto en las letras como en el sonido. Quería que el cambio se escuchara, por eso me metí tanto en la producción. Casi todo el disco lo produje yo.

—¿La teoría de conocerse dos veces habla de Sofi?

—Sí. Habla de reencontrarte con alguien. Yo la amaba desde chiquito, pero ella tiene tres años más que yo, así que en ese momento no tenía ninguna chance.

—¿Ella lo sabía?

—No. Creo que es el clásico mejor amigo enamorado que nunca dice nada. Después cada uno siguió su vida y cuando nos volvimos a encontrar, la historia fue otra.

—¿Y Carta natal?

—Creo mucho en las energías y la astrología. Me hice la carta natal y todavía tengo guardado el audio de esa sesión porque muchas de las cosas que aparecían ahí terminaron pasando. Antes de empezar este disco también hice una terapia entre meditación y reiki. Me hicieron imaginar un río y dejar ahí todo lo que me hacía mal. Nunca lo había contado, pero me hizo muy bien.

—Habrá que volver a ese río.

—Sí, por favor (risas). Todavía tengo varias cosas para dejar ahí.

—¿Meditás?

—Sí, sobre todo para dormir. Soy muy ansioso. Cuando llega la noche necesito poner una meditación o, a veces, un capítulo de Los Simpson para dejar de pensar.

—¿En esos momentos de ansiedad o tristeza, no consultaste nunca a psicólogos?

—Sí. Fui un tiempo, me hizo muy bien y quiero volver. Fue justo antes del disco y siento que tuvo mucho que ver. Tenía una obsesión con la hora: miraba el reloj para decidir hasta cuándo esperar para hacer cualquier cosa. El psicólogo me ayudó a entender que era una exigencia absurda.

—Está bueno que cada vez se hable más de salud mental.

—Sí. Y también habría que hablar más del impacto que tienen las redes. A mí me pegan muchísimo. Muchas veces aparezco y me matan sin hacer nada. Tenés que construir un escudo para bancarte eso.

—¿Eso pasa solo en las redes o también cuando te cruzás con la gente?

—Solo en las redes. Cuando conozco a alguien siempre pienso: “¿Le voy a caer igual de mal que en Internet?”. Y casi siempre pasa lo contrario. Frente a una cámara mostramos una parte; en el día a día soy bastante distinto.

—El disco termina con Adiós para siempre. ¿A quién o a qué le dijiste adiós?

—A mi pasado. Sentí que pude soltar un montón de fantasmas, culpas e inseguridades. Por eso cierra el disco: es una forma de despedir esa etapa.

—¿Y hacer las paces con todo eso?

—Sí. Hoy ya no veo mi historia como algo feo, sino como parte de lo que soy.

—El disco tiene 41 canciones de un minuto. Así que te propongo responder algunas cosas en un minuto. ¿La vez que pasaste más vergüenza arriba de un escenario?

—En España se cortó la luz en pleno show. Irremontable. Estábamos solos con Diego, mi corista, y empecé a cantar a capela hasta que volvió. Cinco minutos después dijimos: “Bueno, Mercho" (risas). Nos salvó la canción.

—¿El mensaje más inesperado que te mandó un famoso?

—Ozuna. Un día abrí Instagram y tenía un mensaje suyo. También hablé con J Balvin. Jamás imaginé que supieran quién era.

—¿Quién es el famoso más famoso que tenés en WhatsApp?

—J Balvin, la cabra. Con él me llevo re piola.

—¿La peor decisión económica que casi tomás?

—Casi me compro una casa enorme y me quedaba en cero, no sé qué flasheé. Tenía cinco habitaciones, dos livings, una locura para mí solo. Por suerte frené a tiempo.

—¿Un secreto de un videoclip?

—El Mercedes de Mercho era de El Villano. Nos lo prestó para filmar.

—¿La peor cita de tu vida?

—La verdad, no tuve muchas citas.

—¿El primer día que viste plata en tu cuenta?

—Tenía 13 años e hice un descalabro. Me entraron unos 120 dólares por PayPal y me gasté casi todo comprando juegos.

—Con ese acceso tan temprano a Internet, ¿nunca caíste en las apuestas?

—No. En mi familia hubo mucha ludopatía: mi papá, mi abuelo y un tío. Jugué algunas veces, pero nunca aposté fuerte. Les tengo respeto y miedo. Por eso nunca acepté hacer publicidad para casinos ni streams apostando, aunque me ofrecieron muchas veces. Sé el daño que puede hacer.

—¿Y tu papá cómo está?

—Muy bien. Hace mucho dejó de jugar, pero perdió mucha plata y así lo entendió. Tiene hasta una ruleta tatuada como recordatorio de lo que no quiere volver a ser. Mi mamá siempre lo bancó. Somos una familia muy unida.

—¿La vez que más te confundieron con otra persona?

—(Risas) Todos los días. Dicen que me parezco a todo el mundo. En un momento me decían Manzana, Big Apple, y como éramos amigos y salí en su videoclip, muchos pensaban que era él.

—Yo fui Tortita; después Cake. Nunca Manzana.

—Nunca Manzana. Hasta Mercho me estiré eh, pero Manzana no.

—¿Qué borrarías de tu etapa en Twitch?

—Casi todo. Sobre todo los streams de cuando tenía 15 o 16 años. Era un nene con demasiada exposición y me mandaba todas, re tarado. Llegamos a tener diez mil personas mirando en vivo y nadie dimensionaba lo que significaba eso.

—El disco termina con Tu hijo. Imaginemos que esta es la canción 42. Decime algo que nunca hayas dicho en una entrevista.

—No sé si hay algo que nunca haya dicho, porque siempre fui bastante abierto. Pero sí me gustaría que la gente entendiera una cosa: ya no soy el nene que muchos creen que sigo siendo. Crecí, cambié un montón. Capaz a veces parezco sobrador cuando hablo, pero soy un pibe completamente normal. Si me odiás, lo entiendo. Ojalá algún día me des otra oportunidad y también se la des al disco. Si te gusta, gracias. Y si no, no pasa nada.

—Me encantó nuestra primera charla. ¿Se vienen fechas?

—Ojalá. Por ahora no hay nada confirmado porque siento que este disco es empezar de cero. Pero tengo muchas ganas de tocar por primera vez canciones que realmente me representan.

El 9 de junio de 1995 se registró la captura de Gilberto Rodríguez Orejuela, fundador y máximo líder del cartel de Cali, organización criminal que tomó el poder del narcotráfico en Colombia tras la muerte de Pablo Escobar. El 6 de agosto del mismo año, se llevó a cabo un operativo en el que cayó Miguel Rodríguez Orejuela, hermano menor de “El Ajedrecista” y último pilar de la estructura delincuencial.

Han pasado más de 30 años desde que los hermanos Rodríguez Orejuela perdieron el poder del narcotráfico. Tras ello, fueron enviados a prisiones en Estados Unidos y en mayo de 2022 se registró la muerte de Gilberto Rodríguez Orejuela, mientras que Miguel, con 82 años, actualmente pide clemencia para que las autoridades le permitan pasar los últimos años de vida en Colombia.

Poco se conoce de la vida de las familias de los fundadores del cartel de Cali, por lo que sorprende que Miguel Andrés Rodríguez Moreno, hijo mayor de Miguel Rodríguez Orejuela, haya tomado la decisión de hablar ante un medio de comunicación sobre cómo es su relación con el capo.

En una entrevista para EFE, el hijo de “El Señor”, que tuvo ocho descendientes, habló sobre lo que representa llevar el apellido de una de las personas que más daño le hizo a Colombia.

“Me he desligado”, indicó Rodríguez Moreno al mencionar que en ningún momento participó en algún negocio de narcotráfico, y que actualmente se centra en seguir con sus proyectos con abogados (su profesión) y como consultor empresarial.

Rodríguez Moreno habló sobre el momento que cambió su vida para siempre, cuando el 6 de agosto de 1995 el jefe de seguridad de su padre entregó las coordenadas sobre su ubicación y “El Señor”, como se le conocía al que llegó a ser dueño del América de Cali, fue capturado por la Policía Nacional.

“Lo primero que se me vino a la mente fue: ‘A mi papá lo mataron’. Cuando me dijeron que lo habían capturado, descansé, porque para mí fue volver a reencontrarme con él, aunque fuera en una cárcel”.

Debido a que tenía 17 años, y en su concepto, no tenía claridad de la vida, para Miguel Rodríguez Moreno su padre no era un criminal, pero tras el operativo entendió la magnitud del comportamiento que este tenía y del que los alejaba al mantenerlos en una “cúpula de cristal”.

“Éramos unas personas en una cúpula de cristal. No era tan fácil acceder a la información como hoy”, fue como justificó que durante varios años no creía que su padre fuera un peligroso narcotraficante.

Sorpresivamente, aseguró que conoció de una mejor manera a su padre durante el tiempo que pudo visitarlo en Colombia, puesto que antes tenía una relación distante porque habitualmente Rodríguez Orejuela no tenía tiempo para charlar con él.

“Cuando estuvo en la cárcel fue donde realmente nos conocimos. Compartíamos mucho más que cuando estaba libre”, recordó el hijo de “El Señor”, que sigue hablando con su progenitor, pero no ha podido visitarlo debido a que le han rechazado la visa para ingresar a Estados Unidos en repetidas ocasiones.

Rodríguez Moreno narró que su padre tiene problemas de memoria y padece de algunas enfermedades que son “normales” para una persona de 82 años. Además, optó por no hablar nada sobre el auge del cartel de Cali, puesto que aseguró que era un niño que no sabía nada sobre ese negocio.

“Me he desligado de algo porque tengo muy claro mi amor propio y mi conciencia tranquila de que nunca participé en un acto criminal”, puntualizó Rodríguez Moreno.

El pasado lunes, Ismael Zambada García, conocido como El Mayo Zambada, ex líder del Cártel de Sinaloa y cofundador del mismo grupo delictivo, fue tema de conversación, luego de que el Gobierno de Estados Unidos, país en el que se encuentra detenido desde el 25 de julio de 2024, lo condenó a cadena perpetua y además le solicitó un pago de 15 mil millones de dólares.

Esto, por cargos relacionados con el narcotráfico.

El Mayo Zambada, antes de su detención en 2024, luego de haber sido traicionado por Joaquín Guzmán López, su ahijado, quien lo llevó con engaños a Estados Unidos para que ambos fueran detenidos por autoridades de ese país, nunca había sido capturado. Llevaba varias décadas siendo líder del Cártel de Sinaloa, y tenía un perfil relativamente bajo.

Entrevista a El Mayo Zambada

El Mayo Zambada, a pesar de mantenerse lejos de los reflectores, hace unos años concedió una entrevista al periodista Julio Scherer García, quien murió el 7 de enero de 2015 a los 88 años de edad.

Él fue considerado uno de los periodistas más valiosos de las últimas décadas, y una de sus hazañas más destacadas fue la entrevista que realizó a Ismael El Mayo Zambada en 2010.

En dicha entrevista, Scherer describió cómo fue la travesía para llegar con el narcotraficante, quien, señala, fue quien mostró interés por platicar con él.

También narra cómo el líder del Cártel de Sinaloa le cuenta sobre su hijo mayor, Vicente Zambada Niebla, conocido como El Vicentillo, quien fue detenido en 2009 y extraditado a Estados Unidos en febrero del año en que se realizó la entrevista, en 2010. También le habló sobre su esposa, sus cinco mujeres, los quince nietos que tenía en ese momento y un bisnieto. Le aseguró que el monte era su casa, su familia, su protección, su tierra y el agua que bebía.

Scherer narró que El Mayo vestía una playera y pantalones de mezclilla azul, así como una gorra y el bigote “bien recortado”.

De acuerdo con la narración del periodista, El Mayo Zambada le dijo que él decía la verdad, aunque la revista que él fundó, Proceso, mentía en ocasiones, igual que otros medios. Le contó, también, que cuatro veces había sentido muy de cerca al Ejército, “arriba, sobre mi cabeza. Hui por el monte, del que conozco los ramajes, los arroyos, las piedras, todo. A mí me agarran si me estoy quieto o me descuido, como al Chapo. Para que hoy pudiéramos reunirnos, vine de lejos. Y en cuanto terminemos, me voy”.

También le dijo que tenía pánico de ser encerrado, y que no sabía si, en caso de que lo agarraran, tendría el valor de quitarse la vida, aunque suponía que sí.

Declaró que todo el tiempo tenía miedo, y que lo atraparían “en cualquier momento o nunca”. El Mayo Zambada también dijo a Scherer que el Gobierno tenía derecho y era su deber buscarlo para capturarlo, sin embargo, dijo estar en desacuerdo con las acciones “bárbaras” del Ejército, pues los soldados rompían puertas y ventanas, penetraban en la intimidad de las casas, sembraban y esparcían el terror.

“Los capos están en la mira, aunque ya no son las figuras únicas de otros tiempos”, señaló Zambada, y puso un ejemplo fantasioso: si algún día se entregaba al gobierno y lo fusilaban, su caso debía ser un escarmiento para todos. “Me fusilan y estalla la euforia”, dijo, pero al cabo de los días, se sabrá que nada cambió. Señaló que el problema con el narco era que envolvía a millones de personas, ¿Cómo dominarlos?, se preguntó. En cuanto a los capos, señaló, encerrados, muertos o extraditados, “sus reemplazos ya andan por ahí”.

Aseguró que al presidente, que en ese momento era el panista Felipe Calderón Hinojosa, lo engañaban sus colaboradores, a quienes calificó de embusteros y señaló que le informaban de avances que no se daban en “esta guerra perdida”.

Perdida porque el narco se encontraba en la sociedad, arraigado como la corrupción. El Mayo le dijo a Scherer que se dedicaba a la agricultura y ganadería, pero que si podía hacer un negocio en Estados Unidos, lo hacía.

Scherer contó que intentó tocar el tema de su fortuna, mencionando que a El Chapo Guzmán lo había incluido la revista estadounidense especializada en temas financieros, Forbes, en la lista de las personas más ricas del mundo, y si él podría encontrarse en dicha lista. El Mayo Zambada llamó “tonterías” a ese tema.

Zambada habló un poco sobre su amistad con El Chapo Guzmán, y le preguntó a Scherer, según su propio relato, si le interesaría conocerlo y hablar con él, a lo que contestó de manera positiva. Tras esto, El Mayo dijo que le hablaría para comentarle su interés y dio por terminada la entrevista, para ponerse un sobrero blanco fino, que luego cambió por una gorra, e invitó a Scherer a tomarse una fotografía, misma que se hizo muy famosa, y que fue tomada por uno de sus guardaespaldas.

En el pódcast Presunta Pola, el escritor Sebastián Camelo entrevistó a Omar Guzmán, fundador y administrador de La Piscina Night Club, uno de los establecimientos nocturnos más relevantes que tuvo la localidad de Santa Fe, en Bogotá, durante varios años.

En el diálogo, Guzmán reveló detalles de lo que en su momento fue el prostíbulo más popular de la capital colombiana, intervenido por el Estado, que terminó en 2021 el proceso de extinción de dominio.

“Iban grandes personalidades de la vida pública, políticos, guerrilleros, paramilitares, esmeralderos, ganaderos, todo el que tenía poder llegaba allá, porque era un lugar costoso. Eran hasta amigos, ellos iban de fiesta y no tenían una ideología o iban a hacer negocios, iban era a divertirse”, afirmó el empresario.

Guzmán narró cómo convirtió un hotel convencional en un prostíbulo ubicado en la avenida Caracas, una de las más concurridas de la ciudad.

“Ese hotel se llamaba Mediterráneo. La idea fue mía, porque ese hotel estaba decaído, la zona se había afectado y yo en República Dominicana tuve la oportunidad de conocer un hotel así, pero con chicas, por eso propuse cambiar el lugar y de esa forma fuimos grandes”.

El empresario también mencionó el tipo de cliente que solía estar en sus instalaciones y aseguró que la mayoría eran personas con dinero, puesto que describió el sitio como uno de lujo.

“Nos ayudó a que el negocio fuera elegante, fino. Yo creo en Dios y pienso que fue una etapa que teníamos que vivir. A nivel moral, todos tenemos una máscara y nadie los iba a reconocer en un lugar como ese, ellos querían otras cosas y nosotros se las proporcionábamos al cliente. El que tenía plata iba a ‘La Piscina’, allá nada era barato, pero encontraban una noche de diversión”.

Entre los clientes de ‘La Piscina’ había políticos y celebridades, que eran llevados a sitios cerrados en los que podían tener una experiencia sin la presencia de ciudadanos del común a su alrededor.

“Sabíamos que había personas públicas que no se podían mostrar, por eso teníamos unos reservados y unos los distinguían; uno se hacía amigo y frecuentaban el negocio, siempre en reservados. Teníamos algunos lugares para hasta 20 personas y nadie se daba cuenta de quién estuvo”, declaró Guzmán, que aseguró que al interior del establecimiento no había problemas, porque tenían seguridad privada que no permitía el ingreso de armas.

Entre las anécdotas más destacadas de su experiencia como administrador de ‘La Piscina’, Guzmán narró cómo estuvo a punto de ser asesinado por presuntos guerrilleros.

“Un grupo de hombres llamó a una muchacha para un reservado y uno de ellos fue atrevido. El jefe de seguridad era el novio de ella y se salió de control, cogieron a los manes y los cascaron. A la siguiente semana volvieron, me cogieron en el parqueadero y eran guerrilleros de la sabana, me tocó pedir perdón, entrarlos y darles cortesías con lo que consumieron esa noche, como se dice vulgarmente, lamerles para que no me hicieran daño”.

Por último, se alejó de los problemas legales que tuvieron los dueños del prostíbulo antes de que este fuera cerrado, puesto que reveló que vendió sus acciones cuando comenzó a tener problemas con el entorno de la localidad de Santa Fe.

“La decisión fue mía, fue personal, pasó luego de dos noches porque teníamos problemas con extorsión y no había un buen ambiente. Llamé a los socios y les vendí mis acciones, fue un capítulo cerrado y aprendí que podía hacer negocios grandes”.

Durante una charla íntima con Infobae, recordó cómo fue dejar el país a los 18 años para estudiar actuación en Inglaterra, una experiencia que lo enfrentó a sus mayores inseguridades y le permitió comprobar que podía ocupar un espacio por mérito propio. “Nadie tenía idea de quién era yo. Fui como uno más. Y fue maravilloso”, contó sobre aquellos años en Londres, donde atravesó una formación tan exigente como transformadora.

Pero la conversación también transitó los momentos más difíciles de su vida. Habló del bullying que sufrió durante la infancia, de la importancia de pedir ayuda y de la muerte de Romina Yan, cuando tenía apenas diez años. Con una emoción que atravesó toda la charla, aseguró que “mi mamá es mi mundo entero” y recordó el enorme legado afectivo que dejó en su vida. También contó cómo la sigue encontrando en pequeños gestos cotidianos y destacó el rol fundamental que tuvieron sus abuelos para sostenerlo y acompañarlo durante los años más difíciles.

Lejos de quedarse únicamente en la actuación, Franco también mira hacia adelante. Acaba de terminar un cortometraje escrito y producido por él mismo, trabaja en una obra teatral propia y sueña con seguir contando historias desde distintos lugares. Mientras los fanáticos esperan novedades sobre el futuro de Margarita, él se entusiasma con los proyectos que vienen y con un aprendizaje que resume buena parte de su camino: “El éxito no pasa por cuánta plata ganaste, sino por lo que dejaste en la gente”.

—¿Cómo estás viviendo este fenómeno que es Margarita?

—Muy bien. Es impresionante todo lo que genera. En esta temporada mi personaje creció mucho, se profundizaron sus vínculos y aparecieron temas nuevos. Como actor fue muy interesante explorarlo.

—¿Cómo llegaste al proyecto?

—Fue como un remanso después de todo lo que venía viviendo entre Inglaterra y España, un recorrido tremendamente enriquecedor, con sus pros y sus contras. Pasar por Margarita fue como volver a casa. Los chicos ya estaban elegidos, yo estaba trabajando en España así que cuanto terminé ese proyecto, hice un casting y ahí empezó todo.

—¿Cuándo decidiste irte a estudiar afuera?

—Terminé el colegio y a los 18 años me fui. Siempre supe que quería dedicarme a esto y tenía la ilusión de formarme en el exterior. No era solo por la actuación: también quería vivir otra cultura. Londres me atraía muchísimo por su historia y por todo lo que representa para nuestra profesión. Fue de las experiencias más maravillosas que tuve.

—¿Qué estudiaste allá?

—La carrera de actuación, con una formación muy completa: música, canto, baile, movimiento, actuación frente a cámara, teatro clásico. Estudiábamos Shakespeare, Marlowe y otros autores.

—¿Irte también tenía que ver con despegarte del apellido y de la historia familiar?

—Sí. Pero recién lo entendí cuando llegué. Entré a una universidad muy difícil y muy exigente. Era el único argentino de mi clase. Hablaba español únicamente cuando llamaba a mi familia. Todo lo demás era en inglés y en una cultura muy distinta. Siempre recuerdo una anécdota. En el primer mes de clases hice un monólogo y, cuando terminé, una compañera irlandesa que hoy es una gran amiga se me acercó y me dijo: “No te conozco, pero me parecés muy bueno y quería decírtelo”.

—Sos parte de una familia que cambió la industria y la televisión.

—Totalmente. A veces parece una película. Mi tatarabuelo, mi bisabuelo, mi abuelo, mi mamá. Es difícil pensar que no esté en el ADN.

—Y sin embargo tus hermanos fueron por otros caminos.

—Sí. Mi hermano corre autos y lo veo feliz haciendo lo que ama. Mi hermana estudia en Los Ángeles. Empezó dirección y ahora está enfocada en guion. Hace poco fui a visitarla y fue hermoso verla tan contenta.

—¿Con quién charlaste la decisión de irte a estudiar afuera?

—Con todos. Era algo que venía diciendo desde muy chico. Después llegó el momento de elegir entre Estados Unidos e Inglaterra. Me decidí por Inglaterra porque me fascinaba su historia y porque sentía que ahí estaba una parte muy importante de la tradición teatral que tanto admiraba.

—¿Sentís que podrías haber elegido un camino más fácil?

—Tengo muy claro que la formación es clave. No solamente para trabajar, también para vivir. Hay que estudiar, seguir aprendiendo y mantenerse abierto a nuevas experiencias.

—¿Es verdad que te rechazaron en un casting de Aliados?

—Sí. Estaba en el colegio, tendría 12 años. Fui, canté, actué y no quedé, como pasa tantas veces en este rubro. Nunca pregunté nada, lo tomé como una experiencia más.

—¿Ya venías haciendo castings?

—Sí. Hacía mucha comedia musical y después entré a la escuela de Nora Moseinco, donde salían castings todo el tiempo para publicidad, cine, teatro, series. Y yo me presentaba sin decir quién era ni de dónde venía, y muchas veces no quedaba.

—Pero cuando fue el día de Aliados ¿no llamás a tu abuela para decirle: “Escuchame, me bocharon”?

—No, nunca lo viví así. De chico tampoco tomaba dimensión de quienes eran para el resto, solo sabía que eran personas muy queridas para la gente. Para mí el éxito no pasa por cuánta plata ganaste o cuánto te reconocen. El éxito está en lo que dejaste en los demás y eso lo veo cada vez que alguien se me acerca y me dice: “Vos sos el hijo de Romi”. Ni siquiera de Romina, “de Romi”, porque la sienten cercana. Y eso habla de lo que ella generó. A mí me llena de orgullo, porque ellos la conocieron a través de la televisión, pero nosotros la vivimos como mamá. Entonces es muy lindo ver que esa persona que fue tan importante para nosotros también dejó una huella tan grande en tanta gente.

—Te escucho hablar de tu mamá con muchísimo orgullo.

—Mi mamá es mi mundo entero, no tengo otra forma de hablar de ella. Y además tuve la enorme suerte de que dejó muchísimo material. Hoy puedo verla no solo como hijo, también como espectador. Y pienso qué ser humano tan genuino era. Tenía un talento increíble y un ángel muy difícil de encontrar.

—¿Mirás ese material?

—Sí, claro.

—Ella también hizo de hacker. ¿Hay alguna complicidad o fue casualidad?

—Para mí las casualidades no existen. Me di cuenta cuando los fans hicieron un video comparando a Ariel, su personaje en Casi Ángeles, con el mío en Margarita. Yo ni lo había pensado.

—Me dijiste que no hay casualidades. ¿Dónde encontrás señales de tu mamá?

—En cosas pequeñas. En la música, en la calle, en los sueños. Hay que estar abierto.

—¿Esa apertura la tuviste siempre o fue un trabajo?

—Es un proceso. Llega cuando tiene que llegar. A veces aparece en algo que compartías solamente con esa persona, en un recuerdo, en una sensación.

—¿Te pasó?

—Me pasa con los colibríes y las mariposas. A veces aparecen de una manera muy particular y para mí tienen un significado. Claro que cada uno puede creer lo que quiera y también quiero aclarar, no es que sea un opio para distendernos de la realidad, es más bien ver esa realidad con otra óptica diferente. Obvio que me encantaría abrazarla todo el tiempo, somos seres terrenales, seguimos acá y ellos no. Uno siempre quisiera volver a compartir un momento más, por eso también valoro tanto poder verla en entrevistas, videos o fotos.

—¿Qué edad tenías cuando murió tu mamá?

—Diez años. Ya pasaron 16.

—¿Cómo te enteraste?

—Volví del colegio y enseguida sentí que algo no estaba bien porque ella no había ido a buscarnos. Cuando llegué a casa estaba toda mi familia. Mi casa siempre fue un lugar de encuentro, pero ese día se sentía distinto. Nos sentaron y nos lo dijeron.

—¿Quién te sostuvo en esos años? En ese momento debe haber sido una trompada.

—Es muy desafiante atravesar algo así siendo tan chico, pero tampoco quiero quedar solo ahí. Son heridas que quedan para siempre. Cuando sos chico te obliga a crecer antes de tiempo y a tomar decisiones que quizás no te correspondían todavía. Es verdad eso de que se va una parte de uno. Fue dolorosísimo durante mucho tiempo, pero también hay que seguir.

—Y quienes tenían que ayudarlos a seguir también estaban rotos.

—Claro. Y eso habla de un temple y una fuerza que a veces no sabés de dónde sale. Mi abuelo mismo me lo dice: “No sé de dónde saqué las fuerzas, pero tenía que salir adelante por ustedes”. A todos nos pasan cosas difíciles y cada uno las atraviesa como puede con las herramientas que tiene.

—Pensaba especialmente en tus abuelos. Perder una mamá es terrible, pero perder un hijo no tiene nombre, también lo vivió Tomás hace poquito. Y ellos tenían que ser fuertes para sostenerlos a ustedes.

—Sí. Y ahora lo volvimos a vivir con lo que pasó con mi tío. Pasaron tantos años y uno tampoco está preparado. Se sacan fuerzas de donde no las hay, pero también pienso que no hay otra opción. Porque si no, nos iríamos con ellos. Y no es por ahí.

—¿Cómo están tus tíos?

—Bien. Es un dolor que siempre va a estar, pero siguen adelante. Y como familia estamos siempre presentes más allá de las distancias.

—¿Cómo elegiste el apellido Yan?

—Es un apellido artístico. También es un homenaje. Nos dedicamos a lo mismo y siento que me acompaña. Implica cargar con un legado, pero a mí me genera orgullo y felicidad llevarlo.

—¿Es verdad que sufriste bullying?

—Sí. Sobre todo en la primaria. Era un bullying mucho más físico y verbal que el de ahora. Me da pena que siga existiendo.

—¿Quién te ayudó a atravesarlo?

—Mi mamá. Era la que iba al colegio, la que hablaba, la que ponía límites. Nunca dejó que se apague mi mundo de niño que seguía jugando.

—¿Alguno de los que te hacían eso se disculpó después?

—No. Pero me crucé con algunas personas años después y se notaba en la mirada. No podían sostenerte los ojos. Ya somos personas diferentes. Nunca hay que olvidar, pero tampoco tendría por qué sentirme incómodo yo. El que debería sentir vergüenza o remordimiento es quien ejerció la violencia.

—Está bueno hablarlo porque sigue pasando mucho.

—Y cada vez peor. Sobre todo, con las redes sociales. Sigo viendo muchísima violencia.

—Vos por lo menos podías contarlo.

—Gracias a Dios sí. Y por eso siempre les digo a los chicos que hablen. Los niños tienen que hablar y los adultos tienen que escucharlos. Siempre hay alguien dispuesto a escuchar: un abuelo, un amigo, un docente, un terapeuta. Lo importante es no quedarse callado. Y perdóname por cómo lo voy a decir, pero que se dejen de joder con los niños.

—Adhiero completamente a lo que decís y qué bueno poder decirlo.

—Sí, gracias también por el espacio.

—¿Vos siempre fuiste escuchado?

—No siempre. Pero tuve una familia y, sobre todo, unos abuelos que estuvieron ahí. Mi abuelo siempre me escuchó y me apoyó. No en todos los ámbitos encontré esa contención, pero sí en mi círculo más cercano.

—¿Hiciste terapia desde chico?

—Sí. Y sigo haciéndola hoy. En Argentina el psicoanálisis está bastante naturalizado, aunque entiendo que todavía existen prejuicios.

—Además de todo lo que vivieron, había mucha exposición pública.

—Sí, pero por suerte siempre pudimos preservar lo íntimo. Uno necesita refugiarse en su familia, sus amigos y sus espacios personales.

—Seguías haciendo terapia incluso en Inglaterra.

—Sí. Y me acuerdo de que allá les llamaba muchísimo la atención. Terminábamos de cursar y mis compañeros se iban al pub. Yo les decía que me tenía que ir porque tenía terapia y me miraban sorprendidos.

—¿Cuál es el mejor consejo que te dio tu abuelo?

—Me dio uno que es simple, pero para mí fue fundamental: “El que quiere celeste, que le cueste”. Me la dijo en un momento muy duro, durante mis estudios en Inglaterra. Era una formación muy exigente y tenía a una profesora que nos decía cosas muy duras frente a todos, al límite. Una noche, porque cursábamos de siete de la mañana a nueve de la noche a veces, me llevó a su oficina y me cuestionó duramente sobre qué estaba haciendo ahí: “¿A qué estás jugando? ¿Qué venís a buscar acá?”. Salí destruido, llamé a mi abuelo y a mi psicólogo convencido de que me iban a echar, y era mi sueño. Además, estaba lejos de casa, tratando de abrirme camino en una cultura muy distinta a la nuestra. Por eso esa frase que me dijo terminó siendo tan importante y me ayudó a seguir adelante.

—¿Actuar en inglés fue muy difícil?

—Sí. Hoy todos tenemos el idioma mucho más cerca, pero actuar en inglés es otra cosa.

—¿Llegaste a pensar en inglés?

—Llegué a soñar en inglés. Viví cuatro años allá.

—¿Cuándo te viste en un trabajo y te sentiste bueno por primera vez?

—No sé si bueno, pero sí recuerdo un clic. Tenía 16 años y me tocó hacer Dr. Jekyll y Mr. Hyde en un musical. Ahí entendí que me fascinaba construir personajes complejos, con distintas capas. Sentí que eso era lo que quería hacer. Después, en Inglaterra, tuve momentos de muchísima confianza y otros en los que pensaba que era el peor actor del mundo. Hay otra frase de mi abuelo que me marcó mucho: “Siempre con la verdad”. Y él nunca me miente. Me acuerdo que antes de irme a Londres me fue a ver a una obra, me felicitó, pero después me llevó aparte y me dijo: “No me gustó lo que hiciste”. Me quedé helado, pero me aclaró: “No te quedes con esto. Te lo digo porque el día que hagas algo que me vuele la cabeza y me parezca increíble, me vas a creer”. Y hasta el día de hoy es así.

—¿Y cuándo llegó ese día?

—Cuando fue a verme actuar en Inglaterra. No recuerdo si era Shakespeare, pero me dijo que lo había impresionado mucho. Creo que también le impactó verme actuar en inglés, con textos complejos y todo el trabajo que había detrás.

—Ahí sí le creíste.

—Ahí sí. Hace poco me pasó algo muy lindo: terminé de filmar un corto que escribí y produje yo, que todavía no se estrenó, pero ya falta poco. Ahí además hago un personaje bastante particular y cuando se lo mostré a mi abuelo me dijo: “No me lo esperaba, me sorprendiste”. Y para mí eso fue un montón.

—¿Qué consejo te dio Cris?

—Muchos. Pero si hay algo que siempre hizo fue impulsar mi creatividad. Los dos lo hicieron, pero con ella comparto mucho eso: nos gusta hablar de cine, de filosofía, de historias. Podemos pasar horas analizando películas o personajes. Siempre fomentó esa curiosidad y esa necesidad de crear.

—¿Cómo es como jefa?

—Igual que con cualquier persona. No tengo un trato diferencial. Si algo le gusta, me lo dice. Y si no le gusta, también.

—¿De qué trata el corto que escribiste?

—Es un western filmado en la Argentina, pero ambientado como si transcurriera en Estados Unidos. Interpreto a un forajido que vuelve para reencontrarse con un viejo compañero. Me gustan mucho las historias de época, investigar contextos. Ya lo tenemos, nos falta hacer un mastering de sonido y estamos.

—¿Qué te gustaría que venga ahora?

—¿Próximamente? Ay, de todo. Ojalá pronto tengamos novedades sobre Margarita. Estamos todos esperando, ya se viene el final. Todo puede suceder, Cris es muy impredecible, siempre saca algo de la galera y la temporada dos terminó con un cliffhanger increíble. Hay que ver ahora por dónde va.

—Lo que más me gusta de Margarita es que reúne generaciones. Los adolescentes de hoy y también las madres que crecimos con Chiquititas, Rebelde Way o Casi Ángeles. ¿Entendés lo que significan esos productos para tanta gente?

—Sí, me lo dicen todo el tiempo. Hay gente de 30 años que me dice que mira Margarita y me parece hermoso. Los públicos se renuevan, pero también quedan los que crecieron con esas historias. Y cuando un proyecto logra unir generaciones distintas, pasa algo muy especial.

—¿En algún momento pesó el apellido?

—No. Para mí es un orgullo. Pero también tengo claro que soy Franco y que estoy construyendo mi propio camino. Estoy empezando a contar mis historias, escribiendo, produciendo y aprendiendo cada vez más.

—¿Te gusta más estar delante o detrás de cámara?

—Me gusta todo. Estoy aprendiendo mucho de lo que pasa detrás y cada vez lo disfruto más. Hoy entendí que, de una manera u otra, todos los que trabajamos en esta industria somos contadores de historias. Y no hay nada más lindo que seguir contándolas.

—¿También te interesa la parte empresarial?

—Sí, me parece importante entender también esa parte del oficio. No podés esperar que aparezca alguien y financie todo. Este corto, por ejemplo, lo produje con mi propio dinero, el que me gané laburando afuera, en Margarita, haciendo cualquier otra cosa, no es que me lo dio mi familia.

—¿Por qué decidiste volver a Argentina?

—Porque surgió Margarita y porque Argentina es mi casa y siempre lo va a ser. Hoy tampoco existen demasiado esas ideas de “me quedo” o “me voy”. Estamos constantemente moviéndonos, somos nómades. Hace poco, por ejemplo, me llegó un casting y me fui a Sudáfrica a grabar una publicidad. Fueron cuatro aviones para llegar, fue una locura. Miraba alrededor y decía: “¿Qué hago en Sudáfrica?”. Son experiencias que regala esta profesión, es un lujo y una alegría hacer lo que amo en un país que no conozco.

—Vivir de lo que a uno le gusta es un privilegio enorme.

—Es un privilegio, siempre.

—Le decís a la gente que la querés todo lo que la querés?

—Siempre. A la familia, a los amigos, a quien corresponda. Nunca hay que perder la oportunidad de decirle a alguien cuánto lo querés. Y cuando existe la posibilidad de despedirse, también hay que aprovecharla. Porque no siempre la tenemos. Por eso creo que hay que decir las cosas. Hay que decirse todo el tiempo cuánto nos queremos.

No fue la primera vez que desafió los límites de lo que parecía razonable. Había crecido entre teatros en Carlos Paz, viendo cómo su padre, Miguel Pardo, construía una empresa teatral después de haber empezado limpiando vidrios en la calle. Mientras otros chicos pasaban las tardes jugando, ella aprendía a manejar consolas de sonido, acomodaba espectadores y hasta intentaba vender pulseritas a la salida de las funciones. El teatro no era un trabajo para su familia: era el paisaje cotidiano de su infancia.

La danza llegó incluso antes. Empezó ballet a los tres años y durante más de una década entrenó con una disciplina que todavía hoy reconoce como una de las herramientas más valiosas de su vida. Pasó por Brasil, estudió en Nueva York y llegó a replantearse el camino que había imaginado para sí misma cuando descubrió que el ballet clásico ya no la hacía feliz. Aquella búsqueda la llevó a encontrar un lugar propio como actriz, directora y productora. “Siempre sentí que tenía que demostrar que estaba donde estaba por mérito propio”, admite.

En los últimos años, además, su nombre comenzó a ocupar espacio en los medios por razones que excedían al teatro. Su historia de amor con Nicolás Cabré la convirtió en una figura mucho más expuesta de lo que había imaginado. Sin embargo, lejos de incomodarla, encontró una forma de construir una vida compartida en la que conviven el amor, el trabajo y una familia ensamblada. Junto al actor dirige la obra Ni media palabra en el Paseo La Plaza y comparte la crianza cotidiana de Rufina, la hija de Cabré y la China Suárez, con quien construyó un vínculo tan natural como entrañable. "La veo casi como una amiga. Nos contamos todo, hacemos planes y compartimos muchísimas cosas", cuenta.

En esta charla con Infobae habla de la historia de esfuerzo que marcó a su familia, de las inseguridades que la acompañaron durante años, de la exposición pública, de la salud mental, de la experiencia de acompañar a un ser querido con problemas de adicciones, de su relación con el actor y del proyecto que la devuelve al lugar donde todo empezó.

—Naciste casi en un teatro.

—Literalmente. Soy de Carlos Paz y mi familia tiene una productora. Mi infancia fue jugar en una sala, aprender a manejar luces y sonido, ver obras y películas. Crecí adentro de un teatro.

—¿Tu papá arranca de abajo en el mundo del teatro?

—Mi papá arranca de abajo en la vida. Limpiaba vidrios en la calle. Siempre cuento su historia porque es muy inspiradora. Ver cómo se las ingenió para llegar hasta donde llegó es un motor para cualquiera que tenga un sueño.

—¿Te da orgullo?

—Sí, ni hablar. Y también me desafía. Cuando algo me cuesta, pienso en él. Si pudo lograr todo lo que logró, al menos hay que intentarlo.

—¿Cuántas salas tiene hoy tu familia?

—Tenemos varias, al menos seis. Se hicieron de a poquito, con mucho esfuerzo. Hace poco encontramos una foto de mi papá frente a un cartel de Mamma Mia! de hace más de veinte años. En ese momento producir esa obra parecía imposible para su realidad. Y años después terminó haciéndolo. Cuando vimos esa foto fue un “guau, lo lograste”.

—Vos después trabajaste con él en grandes producciones, pero antes estaba la infancia en el teatro. ¿Qué hacías ahí?

—Salía de la escuela, iba a danza y después me tocaba acompañar a mis papás al teatro. Al principio me aburría, pero después empecé a inventarme cosas para hacer. Aprendí a hacer pochoclos, acomodaba al público, ya a los siete había armado mi primer emprendimiento: un stand de pulseritas.

—¿Vos vendías pulseritas a la salida del teatro?

—Sí. No vendía ni una, nadie me compraba, pero lo intentaba. Aprendí todo lo que pasaba detrás de escena antes de subirme a un escenario

—En paralelo a la danza.

—Siempre. Me capacitaba constamente porque amaba bailar y mi objetivo era ser bailarina, actriz o dedicarme a lo que me dedico hoy.

—La danza es un entrenamiento sacrificado.

—Yo estudié ballet toda la vida y pasaba seis o siete horas por día entrenando, además del colegio. Es sacrificado, pero te da una disciplina increíble y eso me formó para toda la vida.

—¿Era un deseo tuyo? ¿No había presión de afuera?

—No, cero. Somos seis hermanos y todos siempre tuvimos el mismo apoyo para elegir lo que queríamos ser. Ser bailarina era un camino muy difícil y más siendo de Carlos Paz, cuando todo pasaba en Buenos Aires.

—Un recorrido de mucho esfuerzo.

—Me recibí con Lidia Segni, que era la directora del Colón. Pero a los 17 años me fui a bailar a Brasil, estuve un mes y medio ahí sin mi familia, y aunque me iba bien y tenía un rol importante, no lo estaba disfrutando. Fue cuando me di cuenta de que quería otro camino dentro de la danza y empecé a inclinarme hacia el contemporáneo.

—¿A quién le costaba más que vos te fueras a vivir a otro lado?

—A los dos. Tengo una imagen que nunca voy a olvidar: cuando me fui a Nueva York, mi papá me dejó en la Quinta Avenida y se fue llorando detrás mío. Mi vida, ahí me rompió el alma. Yo era tan independiente y me creía grande a los 17 años, pero verlo así, dejándome tan chiquita sola en otro país, me hizo dimensionar la decisión que estaba tomando.

—¿Y ya aparecían la producción y la dirección?

—Siempre estuvieron. Acompañaba a mi papá a reuniones y aprendía mucho observándolo. Pero había estudiado tantos años danza que sentía que primero tenía que aprovechar ese camino. Bailé profesionalmente varios años y después me volqué de lleno a la producción y la dirección, que hoy son mi gran pasión.

—¿Cómo fue tu paso por el colegio?

—Tuve una vida muy normal. Ya desde los 15 años, que es cuando te empiezan a fichar digamos, me llamaban para bailar profesionalmente, pero para mi familia era fundamental que terminara la escuela.

—¿Les diste dolores de cabeza en la adolescencia?

—Me macheteé bastante, pero terminé.

—¿Cómo era el sistema?

—Tenía miles. Era muy buena: me escribí la pierna, llevaba apuntes escondidos o cuando la modalidad era que saquemos una hoja, llevaba todo el tema ya desarrollado en la otra carilla y entregaba la hoja que tenía ya escrita. Nunca me descubrían.

—¿Nunca te agarraron?

—Sí, claro. Y cuando me agarraban no tenía defensa posible. Era: “Bueno, poneme un uno. Me salió mal”.

—Hoy con inteligencia artificial estarías haciendo un desastre.

—Yo estaría en Harvard si hubiese seguido por ese camino (risas).

—Sos una mujer muy bella. ¿Eso alguna vez te trajo problemas?

—No lo viví así. Creo que mi personalidad rompe bastante con la imagen que la gente puede tener de mí. Soy muy compañera, muy de amigos, me encanta jugar al truco, a la Play, me llevo bien con casi todo el mundo.

—En tu casa no sos la bomba sexy.

—No, cero. De hecho mi mamá es de regalarme libros de autoestima porque suelo como tirarme para abajo siempre. Cada uno tiene sus mambos y a veces necesita que otros lo empujen un poco.

—¿Por dónde pasan esas inseguridades?

—No pasan por lo físico. Durante mucho tiempo tuvieron que ver con ser la hija de alguien. Sentía que tenía que demostrar que estaba donde estaba por mérito propio y no por mi apellido. Me exigía muchísimo para que nadie pudiera decir que estaba acomodada. Hace poco entendí que esa es mi historia Fui la hija de, soy la hija de y ahora también soy la esposa de. Y no pasa nada.

—¿Alguien te ayudó a entenderlo?

—Sí, Nico tuvo mucho que ver. Me ayudó a entender que tener un padre productor y la posibilidad de trabajar con él no era algo malo, sino que es una oportunidad enorme.

—¿Cuándo aparece Pabellón Tornú?

—Después de un viaje por Europa donde vi una experiencia de teatro inmersivo que me voló la cabeza. Salí pensando: “Esto tiene que existir en Argentina”.

—Y ahí aparece el neuropsiquiátrico abandonado en Córdoba.

—Exacto. Y en esa inocencia de la juventud, me obsesioné con ese lugar emblemático que llevaba más de veinte años cerrado. Todos me decían que estaba loca porque tenía un teatro propio y quería hacer una obra ahí adentro.

—¿Vos llegás con el proyecto y no se lo presentaste a tu papá?

—Claro, fue el primer logro de mi vida porque hice todo: conseguí el permiso, hice la producción, la dirección y actuaba. A mi papá hasta le hice comprar la entrada (risas). Fue a una boletería a comprarla y estaban agotadas, tuvo que ir otro día.

—¿Cómo conseguiste el permiso?

—Era insoportable. Caía todos los días a la Municipalidad con una carpetita bajo el brazo y me sentaba a esperar al intendente. Así todos los días. Y un día me dijo: “Tomá, llevate el neuropsiquiátrico”. Le gané por cansancio.

—Y fue un éxito.

—Sí. Empezó con muy poquitas funciones y un grupo de amigos. Ni siquiera habíamos hecho casting, fuimos recolectando gente que podía en esas fechas. Y cuando vimos que la cosa iba en serio, dejó de ser teatro independiente para ser lo que es hoy, algo mucho más grande.

—¿Cuántas temporadas tiene ya?

—Esto fue hace 12 años, en el medio fuimos parando, así que serán unas cuatro o cinco temporadas. Y ahora vuelve: estamos preparando una nueva versión en una locación inédita. Creí que nunca iba a encontrar un lugar que superara al neuropsiquiátrico, pero creo que esta vez lo logramos.

—¿Cuándo se estrena?

—En septiembre. Estamos trabajando muchísimo porque son espacios complejos, muy difíciles de conseguir y que no tienen la mejor arquitectura por el deterioro de los años, por eso lleva tiempo la puesta en valor del edificio y completar todas las medidas de seguridad que requiere.

—La locación es parte de la experiencia.

—Totalmente. La gente ya de por sí siente curiosidad por conocer esos lugares, imaginate un neuropsiquiátrico abandonado en el medio de la montaña. El tema es que no todos se animan a ir a las 12 de la noche. Entonces el desafío de tener este lugar no pasa solo por la curiosidad, sino que llegás y tenés un evento cultural ahí adentro.

—Después llegaron la televisión, el Bailando, la actuación y la producción.

—Sí. Durante mucho tiempo estaba obsesionada con ser bailarina y no aceptaba proyectos como actriz. Con los años entendí que todas mis versiones podían convivir. Puedo hacer una película o meterme a bailar en una obra, como hice el año pasado en Pretty Woman porque me divertía el proyecto.

—¿Cómo fue tu paso por Bailando por un sueño?

—Muy divertido. Estuve dos temporadas y la pasé realmente bien. Creo que en ese momento no terminaba de dimensionar lo que significaba el programa. Estaba ahí, medio atrás, observando más que buscando protagonismo.

—Si Marcelo Tinelli vuelve a hacerlo, ¿volverías?

—Las propuestas siempre se escuchan, después se decide.

—¿Qué pesa más a la hora de decidir: el desafío profesional, las ganas o lo económico?

—Las ganas. Hoy tengo muchas ganas de trabajar y crear. Con Nico estamos dirigiendo juntos, la obra ya está funcionando y al mismo tiempo pensamos nuevos proyectos. Soy muy inquieta aunque también me gusta dormir la siesta y estar tranquila, entonces trato de armar un combo que sea viable.

—¿Cómo es trabajar con Nico?

—Somos muy pares. Nos entendemos mucho y compartimos una mirada muy parecida. Eso es fundamental cuando dirigís con otra persona. Hoy nos gusta y queremos hacer todos los proyectos juntos.

—Antes de Pabellón Tornú ya te interesaban los neuropsiquiátricos. ¿Era por la mística del lugar o por un interés previo en la salud mental?

—La salud mental siempre me interesó muchísimo. Leí mucho, hice mucha terapia y creo que es una de las bases para estar bien en la vida. Entender quién sos, qué querés y cómo atravesar las cosas.

—También te tocó acompañar de cerca a alguien con problemas severos de adicción.

—Sí. Y creo que cualquier persona que acompaña a un familiar, una pareja o un amigo en una situación así sabe lo difícil que es. Siempre aconsejo que estén acompañados y hagan terapia. Uno pasa por muchas emociones: enojo, frustración, tristeza, ganas de ayudar. Es muy duro.

—¿Sufriste mucho en ese lugar?

—Creo que cualquiera que quiera profundamente a alguien que atraviesa una adicción la pasa mal. Es una situación muy dolorosa.

—¿Tu propio vínculo con las drogas cómo fue a lo largo de tu vida?

—Soy una persona extremadamente saludable. No tomo alcohol, nunca fumé. Quizás por la disciplina de la danza aprendí desde muy chica lo importante que es cuidar el cuerpo. Creo que todas las decisiones que tomamos, tarde o temprano, tienen consecuencias.

—¿Ulises Bueno fue tu primera relación pública?

—Sí, fue mi primera relación expuesta.

—¿Y cómo viviste esa exposición?

—No me gustaba la idea porque es abrir la puerta a muchas opiniones. Pero cuando uno está bien y sabe quién es, aprende a convivir con eso. Además, yo ya tenía cierta exposición por mi familia y mi trabajo.

—En definitiva, te enamoraste.

—Claro. Las relaciones empiezan por amor. Que después sean públicas o no es un agregado. Lo importante es construir puertas adentro.

—¿Y hoy el balance de esa relación cómo te da?

—Te puedo decir el balance de mi presente. O sea, yo creo que todo lo que me pasó en la vida me trajo a esta realidad que es hermosa y que no la cambiaría por absolutamente nada.

—¿Cómo se conocieron con Nico?

—En Carlos Paz. Él estaba haciendo temporada con Los mosqueteros y yo con Pabellón Tornú. Prácticamente era imposible que nos cruzáramos porque cada uno estaba en un mundo distinto. Pero coincidimos en una entrega de premios a la que ninguno iba por una nominación y a los dos nos generó una curiosidad el otro.

—¿Ya se seguían en redes?

—Nada. No nos conocíamos. Yo vivía en España y no estaba al tanto de su vida personal. Él tampoco me registraba.

—Esa noche lo googleaste.

—Lo googleé, sí (risas). Pero me gusta sacar mis propias conclusiones sobre las personas. Por suerte no encontré nada demasiado alarmante.

—¿Cómo siguió la historia?

—Empezamos a hablar por redes, nos fuimos a ver cada uno al teatro e intercambiamos mensajes. Y cuando finalmente nos sentamos a charlar, no nos separamos más.

—¿Como fue cuando fue a verte al teatro?

—Yo estaba re nerviosa. Y además no sé si Nico es el mejor espectador para el teatro inmersivo porque en una escena teníamos que cavar un pozo para enterrar un muerto. Yo corría y él tenía que seguirme para no perderse la escena, pero iba lentísimo. Le di una pala para que haga el pozo y se la pasó a otro, o sea me arruinó la escena. No cooperaba en lo más mínimo y yo pensaba: “Dale, ¿me estás queriendo enamorar o qué?”.

—Media pila, Nicolás.

—Ponele onda. Pero bueno, él es así.

—Una charla hasta la madrugada y te enamoraste.

—Creo que nos pasó a los dos. Quince días después me tenía que volver a España porque estaba viviendo allá y fue una locura. Me enamoré completamente. Ninguno de los dos esperaba algo así.

—¿Y volviste a España?

—Volví solamente a buscar mis cosas. Tenía algunos compromisos laborales, aproveché para resolverlos y regresé definitivamente. Dos años después estaba casada.

—Nicolás tiene un amor enorme por su hija.

—Sí, es un padre increíble.

—¿Cómo conociste a Rufina?

—La conocí muy rápido. Fuimos a cenar los tres y esa noche Nico casi no habló. Nos pusimos a charlar nosotras y pegamos desde el primer día. Viste que esas cosas pasan o no pasan. Y pasó.

—Te la hizo fácil.

—Ay sí. Ella hace todo fácil.

—¿La extrañas cuando está en Turquía?

—Obvio. Igual ahora ya volvió y se quedan un buen tiempo.

—¿Cómo es esa convivencia?

—Increíble. A Rufi la veo casi como una amiga. Nos contamos todo, charlamos, hacemos planes. Ahora vamos a aprovechar para ver obras porque le gusta mucho el teatro. Para mí es una compañera. Además tengo una hermanita que vive en Córdoba y tiene casi su edad, me encantan los niños, entonces tener la posibilidad de compartir con ella y darle mis consejos cuando le gusta un chico o cuando le pasa algo, es hermoso.

—¿Es la misma hermana tuya que estaba en la propuesta de casamiento?

—Sí, Guillermina, la más chica que tiene 10 años y es muy amiga de Rufi. Ese viaje lo hicimos los cuatro.

—¿Vos sabías que te iban a proponer casamiento?

—Sí. En realidad fue más una formalidad porque ya lo veníamos hablando. Yo nunca le hubiese propuesto casamiento porque no estaba en mis planes casarme.

—¿No estaba la fantasía?

—No. Nunca. Pero con Nico sí apareció ese deseo. Hay cosas que uno no cree que tiene y aparecen con la persona indicada.

—¿Y trabajar con tu pareja?

—Tampoco. Yo creía que no había que trabajar juntos ni convivir. Y gracias a Dios tengo una convivencia que es un diez y la posibilidad de trabajar con él que es otro diez. Y encima nos llevamos bien.

—¿Cómo es Nico papá?

—Admirable. Es muy presente, está en cada detalle, acompaña, aconseja, lleva a Rufi a todas sus actividades. Es de esos padres a los que les sacás el sombrero.

—¿Te enamora eso?

—Claro. Verlo en ese rol es hermoso.

—Cuando uno ensambla una familia hay algo del ejercicio de la maternidad, aunque Rufina tiene a su mamá. ¿Cómo te encontrás vos en ese rol?

—A mí me encanta. Nunca voy a ocupar ni quiero ocupar el lugar de su mamá porque ella la tiene, pero disfruto mucho acompañarla desde el lugar que me toca.

—¿Y la maternidad?

—Hoy no quiero ser mamá. Estoy feliz con la vida que tenemos y con los proyectos que estamos construyendo. Siempre digo que, si algún día tengo hijos, no tendría uno solo. Me encantan las familias grandes porque crecí en una: tengo seis hermanos y es un placer juntarnos todos a comer con sus parejas.

—No cerramos a futuro.

—No cerramos a futuro, pero hoy con el presente que tenemos me limitaría mucho.

—¿Cómo es tu vínculo con Rufi en el día a día?

—Yo lo llevo mucho desde el humor, trato de enseñar desde otro lugar. No soy la estructurada y prefiero hablarle como una amiga, que me vea como una cómplice. De hecho, a veces Nico me dice: “Acá tendrías que decirle que esto no”. Y yo le respondo: “No, ese no es mi trabajo”. Nunca voy a retarla, eso se lo dejo a los padres que son quienes tienen que poner los límites.

—El de los límites es Nico.

—Claro. Si veo algo que me preocupa, se lo digo a él. Trato de construir el vínculo sin invadir un lugar que no me corresponde. La amo con todo mi corazón. Cuando algo es genuino, traspasa cualquier pantalla. Es lo que somos.

—¿Hablás con la mamá de Rufina?

—Sí, nos llevamos bien. Es la mamá de Rufi. El respeto y la buena onda tienen que estar porque son fundamentales.

—Eso habla de adultos que priorizan a los chicos.

—Totalmente. Cuando entendés que la prioridad son ellos, sabés cómo manejar las situaciones. Hoy tienen redes, internet, ven todo. Nosotros podemos leer algo que no nos gusta y seguir adelante; ellos muchas veces no tienen todavía las herramientas para procesarlo. Por suerte ellos tienen mucha conversación y él se ocupa al ciento por ciento. Nico es papá y mamá en uno. Él se ocupa de todo, le encanta.

—¿Cómo manejan esa exposición de la que hablabas con Rufina?

—Es muy madura. Ve comentarios y sigue de largo. Tiene mucho que ver con la enseñanza de sus padres, con que sepa quiénes son realmente su mamá y su papá y que se quede con eso. Muchas veces la gente opina desde una parte de la historia, no desde la historia completa, pienso que hay una “mesa chica” que conoce la verdad de las cosas entonces lo importante es quedarse con eso.

—Pero si tenés que hablar con Eugenia hablás.

—Sí, por supuesto. De hecho, cuando pensamos el vestidito de Rufi para el casamiento hubo cosas que se hablaron entre mujeres. Pero en el día a día, Nico está en todo.

—¿Sos celosa?

—No.

—¿Y él?

—Si tengo que elegir, es más celoso Nico. Pero lo manejamos, creo que no le doy motivos.

—¿Cómo nace el proyecto de dirigir juntos?

—Compartimos muchísimo tiempo. Nos gusta entrenar juntos, nadar juntos, hacer cosas juntos. Y un poco dirigir también nació de eso. Cuando apareció Ni media palabra, sentimos enseguida que era el proyecto indicado para que Nico y Mariano Martínez volvieran a trabajar juntos después de 23 años.

—Y la están rompiendo.

—Teníamos miedo porque la fuimos armando muy en familia y pensábamos: “¿Y si no funciona?”. Pero la respuesta de la gente fue increíble.

—También hubo un fenómeno muy fuerte en pandemia con ellos y el contenido que volvió a circular de novelas como Son Amores y Los Únicos.

—Sí. La obra recupera un poco esa química que la gente recuerda. Hay guiños que conectan con esa época, pero también funciona con las nuevas generaciones. Lo comprobamos con Rufi, que era nuestro termómetro: si ella se reía, sabíamos que algo estaba funcionando. Y pasó lo mismo con mis hermanos y con chicos de su edad. Muchos no saben quiénes fueron Nico y Mariano hace veinte años, pero igual se divierten. Eso nos confirmó que era una obra para toda la familia.

—¿Cómo querés que siga este cuento?

—Quiero mantener este presente. Si podría ser así toda la vida, estoy feliz.

—Hoy firmás.

—Hoy firmo. Hoy estoy feliz, tengo una familia que amo, tengo un esposo que amo con su hija, el combito perfecto. Es como que tengo todo lo que soñé, así que no cambiaría nada.

Para los comicios del 21 de junio, en los que los colombianos definirán entre Abelardo de la Espriella e Iván Cepeda quién será el nuevo presidente de la República, la fuerza pública (cuyos integrantes no pueden votar) tendrá la misión de velar por la seguridad de la ciudadanía.

El ministro de Defensa, Pedro Sánchez, anunció la instalación del Puesto de Mando Unificado (PMU) para supervisar la seguridad durante el Plan Democracia, que incluirá el despliegue de más de 400.000 efectivos: 248.000 miembros de las Fuerzas Militares y la Policía Nacional en tareas directas, más 160.000 en funciones de apoyo.

Hasta el momento, se han registrado 21 amenazas contra candidatos presidenciales, lo que llevó a la apertura de 10 investigaciones penales y a la judicialización de diez administradores de cuentas en redes sociales por difundir amenazas y mensajes de odio. La Policía Nacional y las Fuerzas Militares han identificado 99 municipios con riesgos electorales: 50 por posibles irregularidades en la transparencia y 49 por vulnerabilidad ante alteraciones del orden público, especialmente en regiones como Valle del Cauca, Bolívar, Cundinamarca, Cauca, Tolima y Antioquia.

Además, se han reforzado los esquemas de seguridad de los candidatos y se mantienen operativos en 535 puntos críticos del país para prevenir incidentes durante la jornada electoral.

Gerente del Plan Democracia habló con Infobae Colombia

En diálogo con Infobae Colombia, el coronel José Luis Bastidas Moreno, gerente del Plan Democracia, indicó que los uniformados que protegerán a la ciudadanía llevan más de un año entrenando para los tres comicios del año.

“Hace más de un año los más de 298.000 hombres y mujeres de las Fuerzas Militares se han venido preparando y recibiendo las capacitaciones necesarias para poder afrontar este reto tan importante en 2026 de cubrimiento de las elecciones de Congreso, primera y segunda vuelta presidencial”.

El coronel Bastidas afirmó que se considerará una jornada positiva cuando “todos los colombianos habilitados para poder votar ejerzan su derecho” y mencionó tres puntos claves para el domingo 21 de junio.

“Los objetivos del Plan Democracia para las Fuerzas Militares son primero que todo, pues el cubrimiento de los más de 5.000 puestos asignados a lo largo y ancho del país. Segundo, generar las condiciones de seguridad y de movilidad para que todos los colombianos puedan ejercer el libre derecho al voto. Y el tercero es que el colombiano que está habilitado para votar lo haga de manera libre, tranquila y por la persona que lo represente”.

El gerente del Plan Democracia reconoció que hay zonas vulnerables en las que hay riesgo de que se registren afectaciones durante la jornada, y que el personal desplegado ya está adelantando misiones en estas regiones.

“Tenemos unas áreas estratégicas de interés y unos puntos georreferenciados microfocalizados que definitivamente demandan de nosotros un especial interés por parte de la inteligencia y donde estamos adelantando operaciones militares que mitigarán cualquier situación que pueda alterar el normal desarrollo de la segunda vuelta presidencial”.

El uniformado destacó el compromiso que tienen los integrantes de la fuerza pública para que la democracia sea una prioridad en todo momento.

“Nosotros juramos defender la bandera y cumplir el artículo 217 de la Constitución Nacional, en donde nuestro compromiso es la defensa de la ley, por ende, de la democracia en nuestro país”.

El coronel Bastidas finalizó recordando que más de 400.000 uniformados tendrán la misión de proteger las 122.000 mesas de votación y que los colombianos pueden confiar en que será una jornada sin contratiempos.

“En nombre del señor general Hugo Alejandro López Barreto, comandante general de las Fuerzas Militares, invitamos a los más de 40 millones de colombianos habilitados para poder votar el domingo a que ejerzan ese libre derecho al voto, que escojan a la persona que los represente y que estén seguros de que los soldados de tierra, mar y aire, las Fuerzas Militares y los policías de Colombia generaremos las condiciones de seguridad para que ustedes puedan ejercer el voto de manera libre y tranquila”.

Sin embargo, el también actor decidió responder públicamente en sus distintos perfiles digitales.

“Mk, para los carentes de sentido que me dicen que no invité a @delaespriella_style. Mk, mis esclavos le escribieron y no respondieron. Sorry not sorry, Chandas (sic)”, escribió Riaño.

De hecho, la portada de la pieza audiovisual tiene un diseño con un mensaje dirigido al candidato presidencial por el movimiento Defensores de la Patria en el que se lee: “God bless Polombia. Ya confirmado Cepedix, faltas tú, Belard (sic)”,

En el clip, que fue grabado antes de realizar la entrevista con Cepeda, el personaje de Juanpis González comentó, con su famoso acento: “Chandas inmundas, huevón. Ya estamos a punto de iniciar con nuestra interview con el manteco este, huevón. Pero quiero decirles a todos: ¿por qué? ¿Por qué solo ese? Marica, llame a Belard, ¿sí o no, huevón? Antes me contestaba, no sé ahora por qué no me contestó, no apareció. Miren, miren esto. Miren esta vaina. En todos lados, huevón. No quiso aparecer y dije: bueno, igual voy a entrevistar a algún candidato. Y acá tenemos a este manteco de Cepedix, no el cantante (sic)“.

A lo largo del video aparecen en el encuadre capturas de pantalla que muestran varios mensajes que habrían sido enviados desde el equipo del actor al contacto de Abelardo de la Espriella.

Se trata de solicitudes enviadas por el humorista desde el 13 de marzo de 2026 para un debate de candidatos presidenciales. Luego de no recibir respuesta, el 17 de ese mes, insistieron. También hay mensajes fechados el 6, 8, 11 27 y 29 de mayo de 2026, con solicitudes de contacto. Solo hubo una respuesta.

Mientras tanto, usuarios de redes no dejaron pasar la oportunidad para dejar sus comentarios, tanto a favor de De la Espriella, como en su contra: “No va ir porque está en campaña y queda mal parado. Por eso no va a debates”; “Estoy muy de acuerdo con @delaespriella_style en que no se preste para este show. Juanpis puede tener un programa de humor y sátira, y está en su derecho de hacerlo. Sin embargo, cuando se entrevista a quienes aspiran a dirigir el destino de Colombia, debe de hacerse con todo el respeto, y seriedad posible”; “Juanpis con el mismo show de hace 4 años cuando apoyo a Petro (sic)”.

Iván Cepeda insistió en un debate con Abelardo de la Espriella: “lo estoy esperando”

En la recta final de la campaña presidencial en Colombia, Iván Cepeda volvió a desafiar públicamente a Abelardo de la Espriella para que ambos participen en un debate abierto.

El candidato presidencial del Pacto Histórico dirigió sus cuestionamientos durante una entrevista con Noticias RCN, donde abordó temas de denuncias judiciales, investigaciones internacionales y la pertinencia de discutir estos asuntos cara a cara ante la opinión pública.

Cepeda consideró fundamental que los ciudadanos tengan la oportunidad de escuchar directamente los planteamientos y respuestas de los dos aspirantes.

“Quiero decirlo aquí nuevamente: reté al señor De la Espriella. Todavía tenemos días, doctor De la Espriella, podemos hacerlo, a un debate. Le vuelvo y le reitero, bueno, no, si no quiere reto, una cordial invitación en esta casa; con el canal Caracol también lo hemos propuesto y Rtvc, a que hagamos un debate. Si usted está dispuesto, lo estoy esperando", dijo.

Uno de los puntos centrales de su intervención fue la crítica hacia los anuncios de De la Espriella sobre la posibilidad de llevar asuntos judiciales colombianos ante autoridades de Estados Unidos.

El exdirector de la Unidad para la Gestión del Riesgo de Desastres (Ungrd) se pronunció tras la controversia que generaron sus declaraciones durante una entrevista con la periodista Eva Rey, en la que afirmó que en el escenario de una derrota del candidato presidencial de izquierda, Iván Cepeda, “indudablemente se va a incendiar el país”.

Dichas palabras generaron una reacción adversa, especialmente, en medio de la contraparte electoral. Líderes de opinión, usuarios de redes sociales y analistas políticos alegaron que estas declaraciones estarían insinuando una provocación social para, al parecer, presionar a los votantes en los comicios del domingo 21 de junio de 2026.

En una entrevista, el exfuncionario argumentó que la polémica se generó tras la publicación del fragmento de la entrevista que subió a sus redes sociales el periodista Daniel Samper Ospina.

“La polémica la generó Daniel Samper compartiendo un video editado y la generó Néstor Morales, que pues usted sabe, es el cuñado de Iván Duque y está en campaña de frente por el candidato Abelardo de la Espriella. Entonces, solamente para hacer esa claridad, yo contesté una pregunta”, dijo.

En diálogo con Semana aclaró qué fue lo que dijo en el programa de la periodista Eva Rey:

“En el video, lo puedo poner completo si quiere (...) a mí la periodista Eva Rey me hace una pregunta y esa pregunta, que pues tiene una intención política —es clara la intención de la periodista cuando hace esa pregunta— dice: ‘Carlos, si pierde Cepeda, ¿se incendia el país?’. Ni siquiera me dijo: ‘Se incendia el país’, me dice: ‘Se va a incendiar el país’. Lo dije así, pronominal: ‘Se va a incendiar el país’. Y yo le digo: ‘Sí, indudablemente se va a incendiar el país’. Entonces, ahora, eso fue hace unas semanas, unos días, perdón, la semana pasada", dijo en la entrevista.

Según su versión, el contexto completo de la conversación no fue considerado por quienes difundieron el fragmento, pese a que el video íntegro ya había sido presentado públicamente.

No obstante, en redes sociales circularon tanto los videos del fragmento editado como versiones extendidas de la entrevista, que incluyen estas declaraciones:

“Si aquí el país está profundamente dividido y la mitad del país es petrista y esa mitad del país quiere seguir avanzando. Y entonces, ¿cómo va a reaccionar ese medio país a un tipo que desde el poder, la arrogancia, la riqueza, desde un viñedo en Florencia, dice que los va a destripar por ser petristas? ¿Cómo van a reaccionar esas personas, Eva? Pues protestando“, dijo.

Carlos Carrillo : Si aquí el, el país está profundamente dividido y la mitad del país es petrista y esa mitad del país quiere seguir avanzando. Y entonces, ¿cómo va a reaccionar ese medio país a un tipo que desde el poder, desde la arrogancia, desde la riqueza, desde un viñedo en Florencia, dice que los va a destripar por ser petristas? ¿Cómo van a reaccionar esas personas, Eva?

Entonces, la periodista le preguntó: “¿Tú crees que se incendia el país? Esa teoría te la crees" y Carrillo replicó: “Indudablemente, se va a incendiar el país”.

La comunicadora recalcó que “hay que protestar de una forma pacífica” y que “hay que hacer un llamado a que si gana Abelardo, pues el que perdió, perdió”, pero Carrillo sostuvo: “Eso no funciona así, en ninguna parte del mundo”.

Mientras la entrevistadora comentó que “una cosa es protestar de forma pacífica y otra cosa es incendiar el país”, Carrillo ejemplificó que “en Europa, si protestan los señores de, no sé, del metro de París, se para la ciudad, punto. Eso no es violencia, es cómo funciona la protesta”.

Carlos Carrillo afirmó que el ministro del Interior, Armando Benedetti, “es un infame”

La publicación de este extracto provocó que el ministro del Interior, Armando Benedetti, se pronunciara públicamente en entrevista con el mismo medio, en el que solicitó moderación a Carrillo y recordó la responsabilidad de los funcionarios en la recta final de la campaña presidencial.

Al respecto, el exdirector de la Ungrd dijo: “Pues yo le respondo que es un infame, porque yo en ningún momento he hablado de desconocer las elecciones o los resultados. Yo creo que en Colombia los resultados de la Registraduría no son perfectos, pero pues tienen un margen de credibilidad bastante alto. Otra cosa es el Consejo Nacional Electoral. El sistema electoral colombiano tiene muchísimos problemas, muchísimos defectos. Y el primero es el CNE”, dijo.

“Yo he hablado de que esta retórica de odio, del fascismo. Y yo aquí quiero hacerles un llamado a los votantes de derecha que van a votar por el señor Abelardo de la Espriella el domingo. Ellos están dejándose inducir en algo que es simplemente una psicosis colectiva”, agregó.

Las reacciones ante las afirmaciones de Carrillo suscitaron llamados a la mesura, como el del senador Mauricio Gómez Amín, que le pidió al exfuncionario: “No se le ocurra incendiar el país”.

Hoppers: Operación Castor es una comedia animada de ciencia ficción de Pixar que sigue a Mabel, una estudiante universitaria apasionada por los animales que recurre a una innovadora tecnología para proteger un bosque amenazado por la expansión urbana. Gracias al programa “Hoppers”, que permite transferir la conciencia humana a animales robóticos hiperrealistas, la joven decide ocupar el cuerpo de un castor para acercarse a la fauna y evitar la destrucción de su hábitat, aunque su plan terminará desencadenando consecuencias inesperadas.

Dirigida por Daniel Chong y producida por Pixar para Disney, la película contó con un desarrollo de seis años y un elenco de voces encabezado por Piper Curda, Bobby Moynihan y Jon Hamm. Con una recaudación mundial de 388,9 millones de dólares frente a un presupuesto de 150 millones, la película se ubica entre las más exitosas del año, y ahora llega al servicio de Disney+.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con el director Daniel Chong y Nicole Paradis Grindle la productora en video, o a leer una transcripción

—Felicitaciones por la película, realmente me encantó. Fui a verla al cine con mi hijo y a él también le encantó así que felicitaciones de nuevo. Primero que anda quería preguntarles, porque hay tantos elementos sucediendo, hay tantas cosas. Quisiera ir al principio, al punto de partida. ¿De dónde vino todo esto?

Daniel Chong: —Cuando volví a Pixar estaba buscando ideas y me encontré con estos videos donde ponían animales robots en la naturaleza para espiarlos. Son realmente hilarantes y estás como esperando a ver si los animales se dan cuenta que no son de verdad y los patean o algo. Así que, en cierta forma tomé eso y empecé a pensar un poco en Avatar. Y luego pensé en las películas de espías, y en lo mucho que me gustan las películas de Misión Imposible, y cosas por el estilo. Así que, de repente, empecé a mezclar todas estas cosas diferentes que me encantan en una película. Y además, sabiendo que me encantan los animales, y que me encanta hacer películas sobre ellos, y me encanta hablar de nuestra relación con ellos. Así que creo que ese fue más o menos el punto de partida para mí. Y luego, ya sabes, nos llevó seis años hacer esta película, así que tuvimos tiempo para experimentar y descubrir cómo hacer que todo funcionara.

—Bueno, sí, iba a preguntarte sobre eso, porque tenemos tantos personajes. Tenemos humanos, tenemos, bueno, castores, serpientes, pero animales. Y, ya sabes, apuesto a que hay muchos retos aquí, porque tenemos muchas texturas y estilos. Y además, son personajes muy bien desarrollados. Y esta no es una película de tres horas y media. Entonces, ¿cuál fue el principal desafío en ese sentido? Me refiero a mezclar la animación y también, ya sabes, la profundidad de cada personaje.

Nicole Paradis Grindle: —Vaya, es que hay tantos retos diferentes. Creo que en cuanto a la narración, Daniel, quiero decir, podría haber durado tres horas. Teníamos suficiente material para tres horas. Simplemente no queríamos que durara tanto.

—Podrían haber sido tres temporadas.

Nicole Paradis Grindle: —Sí, viniendo de la televisión, Daniel tenía mucho material en su interior. Y hay un montón de personajes geniales en ese mundo que no recibieron el reconocimiento que merecían. Pero al final, tenía que ser una historia sobre una protagonista, sobre Mabel. Y, ya sabes, necesitábamos que su viaje emocional fuera lo que destacara. Teníamos montones de humor, montones de, ya sabes, un hermoso mundo, muy bien imaginado. Pero, ¿qué te haría interesarte? ¿Qué te haría interesarte por ella? Al principio, daba la impresión de estar demasiado enojada, ya sabes, una chica joven que simplemente estaba enojada y quería pelear con todo el mundo. Y vimos el lado humorístico de eso. Pero a veces el público, el público de los preestrenos, no conectaba con eso.

Así que cuando terminamos de desarrollar las escenas iniciales con su abuela y la joven Mabel, entonces la gente conectó con ella. Se dan cuenta de que “ah, esta es una niña a quien le importaba este lugar”. Así es ella. Es alguien a quien simplemente le importa. Y de repente te das cuenta: “Oh, me gusta esta persona. Me gusta alguien que se preocupa tanto”. Y, sí, es molesto cuando se enojan tanto, pero lo entiendo. Y es comprensiva. Solo quiere proteger a los animales. Y así, una vez que nos encontramos en esa trayectoria, eso le dio sentido a todo lo demás que había en la película. Y, ya sabes, hay muchas cosas divertidas que no llegaron a incluirse. Pero, ya sabes, valió la pena para que ese viaje fuera tranquilo.

—Y, bueno, ya sabes, para terminar, realmente quiero centrarme en uno de mis favoritos. Me encantan todos. Pero, ya sabes, el alcalde Jerry es una locura. Es solo que... Porque no es un villano. Es muy impredecible. Es decir, crees que va a ir por un lado, y luego va por otro, y luego va por otro otra vez. Así que me gusta mucho lo que hicieron con este personaje. Es decir, es simplemente increíble. Así que realmente quiero preguntarles sobre su evolución y su relación con Mabel.

Daniel Chong: —Creo que no poder definir a Jerry y tener ese tipo de giro es, en cierto modo, uno de los temas de la película. Es como, ya sabes, darse cuenta de eso, empatizar con otros personajes, ya sabes. Y bueno, quiero decir, sí que tenemos algunos villanos de verdad en la película, como Titus. Pero creo que, en el caso de Jerry, Mabel le dio una oportunidad, y vimos que en realidad podía cambiar. Y sí que cambia. Y también que no es simplemente un tipo de malo unidimensional. Ya sabes, se preocupa por su mamá. Ya sabes, quiere a sus vecinos. La gente lo quiere, ya sabes. Y no es exactamente blanco o negro, ya sabes. Así que creo que esa fue una de las cosas importantes que nuestra película debía hacer, fue mostrar que no siempre es lo que parece. Y cómo podemos generar empatía por personajes que quizás hayamos retratado de una manera y darnos cuenta de que no es tan sencillo.

—Muchas gracias por tu tiempo. Una vez más, me encanta la película. Así que felicidades.

Toy Story 5 llevará nuevamente a Woody, Buzz Lightyear y el resto de los juguetes de Pixar a enfrentarse a un desafío inédito: la creciente influencia de la tecnología en la infancia. La historia transcurre varios años después de Toy Story 4, cuando Woody decidió separarse de sus amigos para iniciar una nueva vida junto a Bo Peep como “juguete perdido”, mientras Buzz, Jessie y el resto del grupo continuaron acompañando a Bonnie. Ahora, la niña tiene ocho años y sus intereses comenzaron a cambiar, lo que obligará a los juguetes a replantear su lugar en su mundo.

En la nueva entrega de Toy Story, el conflicto se desata con la llegada de Lilypad, una tableta inteligente que capta toda la atención de Bonnie y pone en riesgo el vínculo que mantiene con sus juguetes. Ante esta situación, Jessie buscará la ayuda de Woody, provocando el esperado reencuentro con Buzz tras la emotiva despedida de la película anterior. La producción también contará con el regreso de las voces de Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie, quien tendrá un papel más relevante en esta nueva aventura.

Para palpitar su estreno pudimos conversar con la codirectora Kenna Harris y la productora Lindsey Collins, quienes nos contaron por qué se abordó este tema en la nueva película, qué llevo a Jessie a estar en el centro de la historia, y más.

—Quiero empezar con una pregunta relacionada con el tiempo frente a la pantalla. Es algo que preocupa a muchos padres hoy en día, como a mí, e incluso hay reuniones en la escuela sobre este tema en particular. ¿Por qué decidieron abordar este tema en la película? ¿Y por qué creen que es tan importante hablar de cosas como esta y tal vez enviar un mensaje?

Kenna Harris: —Desde el principio sabíamos que queríamos intentar hacer una historia realmente honesta sobre la tecnología en nuestras vidas. Tenemos muchos sentimientos tensos en torno a la tecnología. Estoy seguro de que esa tensión a veces se refleja en esas conversaciones en la escuela o en esas conversaciones sobre cómo establecer límites en torno a estas cosas. Y desde el principio, el objetivo nunca fue hacer de Toy Story 5 una lección sobre cómo eliminar perfectamente la tecnología de la vida de las personas. En primer lugar, eso es imposible. Y en segundo lugar, no es una historia tan interesante como la que podríamos contar. Así que todo surgió de manera orgánica en el desarrollo de Lilypad como personaje, especialmente porque es alguien que también se preocupa por Bonnie, pero que tal vez tiene fallas en sus planes y en su filosofía al respecto. Y sí, solo queríamos que fuera honesto porque esto es una parte real de la vida de los niños. No es algo que podamos señalar y decir: “deja de hacer eso”.

Lindsey Collins: —También creo que es una de esas cosas que, cuando piensas en Toy Story, ellos están atravesando el tiempo junto a nosotros. Durante los últimos 34 años, los juguetes han estado viajando junto a nosotros. Así que intentar contar una historia sobre estos personajes sin abordar la tecnología que está en las habitaciones nos pareció que sería apartarnos un poco de lo que realmente está sucediendo en el mundo. Así que realmente no había duda de si íbamos a hacerlo. Solo se trataba de cómo.

—Totalmente. Y creo que “honesto” es la palabra correcta. Realmente se siente así. Continuando, hablando de Bonnie, me encanta que esta vez veamos mucho más de su personalidad, y también tenemos un adelanto de la imaginación de Bonnie y de la técnica de dibujo que usan ahí. Es como un estilo artesanal que me encanta. Así que quería preguntar sobre la decisión detrás de este estilo artesanal en particular y de tener a Bonnie como una especie de centro.

Kenna Harris: —Este enfoque en Bonnie surgió una vez que nos dimos cuenta de que lo principal de lo que queríamos hablar con respecto a la tecnología era la conexión. Es cómo la tecnología nos conecta. Y, de manera similar, cómo los juguetes, el tiempo de juego, la curiosidad y la imaginación nos conectan. Y así, a través de eso, quedó claro que íbamos a poner mucho énfasis en la imaginación en esta película. Queríamos que se sintiera verdaderamente como la de Bonnie. La imaginación de Andy es muy impresionante, cinematográfica y tan detallada, pero queríamos que realmente se sienta como cuando eres un niño y no tienes nada a tu alrededor más que tu juguete y el césped bajo tus pies. Y como también sabemos que Bonnie es una niña muy creativa y artística, fue natural pensar: “Bueno, incluyamos estas texturas increíbles, hagámoslo efímero, hagámoslo todo tan artesanal, femenino, y lleno de amor.” Todas esas cosas se unieron de forma natural a partir de lo que sabemos de Bonnie.

—Sí, es realmente encantador. Me encanta todo lo relacionado con la imaginación de Bonnie. Y hablando de personajes que son realmente importantes en esta película, quiero hablar de Jessie porque también es un personaje del que siempre quiero saber más porque es muy interesante. Me gusta mucho que aquí tenga su momento para brillar. Así que quería preguntar, ¿por qué ponerla en el centro de esta historia?

Lindsey Collins: —Quiero decir, creo que por dos cosas. Uno, creo que al final de Toy Story 4 hubo una decisión muy intencional que Andrew Stanton, el director y coguionista de esta película, tomó en Toy Story 4 porque estaba escribiendo para que Jessie recibiera la estrella de Woody. Y eso fue algo muy consciente, como que, si va a haber otra, todos sabemos quién va a estar al mando. Eso fue lo que pasó. Y lo segundo es que creo que todos los que hemos visto Toy Story 2, hemos conocido a Jessie en esa película, y siempre hemos sentido que ella se merece una película en la que pueda encontrar algo de paz y algún tipo de cierre, basándonos en lo que sabemos de ella. Así que ha habido una especie de espera constante que, creo, ha estado ocurriendo aquí en Pixar, como diciendo: “¿Cuándo será el momento? ¿Cuándo va a suceder?”. Y creo que Andrew, desde el principio, dijo: “Quiero que esta sea una historia sobre Jessie, especialmente porque ahora es la sheriff”. Y cuando empezó a trabajar con Kenna, creo que los dos pensaron: “Ahora es el momento de hacer de esto una historia de Jessie”.

Kenna Harris: —A los dos nos encanta. Y, de nuevo, estábamos muy emocionados por descubrir cuál podría ser esa solución sanadora para ella. Pero creo también que ella es la protagonista perfecta en una película sobre tiempos cambiantes, porque incluso más que Woody y Buzz, hemos visto en el pasado que Jessie sabe lo que significa estar desactualizada. Así que emparejarla con la idea de “tecnología contra juguetes“ fue como un matrimonio feliz que realmente no sabíamos que funcionaría tan perfectamente juntos.

—Exacto. No podría estar más de acuerdo. Y hablando de los nuevos personajes que vemos en la película, me gusta mucho que haya nuevos dispositivos tecnológicos que podemos ver y que son completamente diferentes. Me parece muy divertido. ¿Por qué eligieron precisamente esos?

Kenna Harris: —Sabíamos que Jessie siempre iba a desviarse de su camino y separarse de Lilypad. Eso ha sido clave para la película desde el principio. Y para que ella pudiera abrir su corazón a un dispositivo como Lilypad, tenía que encontrarse con algo de tecnología en el camino. De inmediato nos dimos cuenta de que esos dispositivos de un solo uso de principios de los 2000 tenían mucho atractivo. En los juguetes uno se preocupa mucho por la vida útil, pero en estos dispositivos tecnológicos, la vida útil es prácticamente inexistente. Y ya era un campo de juego para divertirse muchísimo. Porque creo que los tres, Atlas, Snappy y, por supuesto, Smarty Pants, se roban totalmente la escena. Son muy graciosos. Son únicos en este mundo. Y, de nuevo, es la oportunidad perfecta para mostrar cuánto aman a un niño, igual que cualquier otro juguete.

Lindsey Collins: —Sí, y siento que también, como dijiste, para empezar a proporcionar la empatía que Jessie necesitaba para darse cuenta de que: “Oh, no son tan diferentes a mí”. Ellos también se sienten dejados de lado, extrañan a su niño y quieren saber qué pasó. Y ese reconocimiento instantáneo que ella tiene con ellos y cómo se sienten fue lo que, en cierto modo, inicia el camino que la lleva a aceptar finalmente a Lily.

—Eso es encantador. Y, bueno, por último, para terminar, aquí, al menos en Argentina, hay una tendencia en la que los niños no solo pasan tiempo frente a la pantalla, sino que además los padres los inscriben en un montón de actividades. Por ejemplo, vas a la escuela como ocho horas, y después de eso, vas a clases de baile, y tienes clases de circo, y tienes todas estas cosas, y no queda mucho tiempo para jugar. Así que me pregunto, ¿por qué creen que es tan importante jugar con juguetes?

Kenna Harris: —Creo que Lilypad se identificaría mucho con exactamente lo que estás describiendo para los padres de Argentina y también para muchos niños en Estados Unidos. Eso no suena diferente a lo que pasa en Estados Unidos. Lindsey ha estado asintiendo mucho, como diciendo: “Absolutamente”. Creo que Lilypad tiene este plan, y es como si este plan fuera infalible. Se basa en datos. “Me aseguraré de que nuestro hijo esté preparado para el éxito”, pero mientras tanto, tal vez no estás escuchando del todo las necesidades de ese niño.

Lindsey Collins: —Te basas en datos, no en detalles concretos, ni en la intuición, ni en lo que el niño realmente te está diciendo.

Kenna Harris: —Creo que cuando se trata del tiempo de juego, las actividades extracurriculares, la tecnología, Toy Story 5 en última instancia sólo está tratando de atribuir un equilibrio. Puede haber espacio para todas estas cosas, pero ojalá que al perseguir todas estas cosas, lo que no pierdas sea la autenticidad, el tiempo de juego, la conexión, toda la curiosidad, esas habilidades realmente clave que necesitamos para no aburrirnos.

Lindsey Collins: —No se debe subestimar el valor de aburrirse. Creo que todos estamos en los trabajos que tenemos aquí en Pixar porque nos aburríamos. Tuvimos largos períodos de nuestra infancia en los que no nos quedaba nada que hacer, excepto tal vez imaginar situaciones con nuestros juguetes, y creo que eso tiene un valor real que, en mi opinión, a veces la tecnología nos puede robar.

—No podría estar más de acuerdo. Muchas gracias por tu tiempo. Una vez más, felicidades por una película tan maravillosa.

Instalado por estos meses en la Argentina en donde forma parte del jurado de Es mi sueño, divide sus días entre la televisión, una gira por España y la grabación de un nuevo álbum con un detalle inédito en su carrera: por primera vez trabaja junto a productores y músicos argentinos. “El único extranjero soy yo”, bromea. La conexión con el país tendrá además una nueva parada el próximo 2 de octubre, cuando regrese al Teatro Ópera con un show que combinará sus clásicos y algunas canciones de la nueva etapa. “Van a escuchar cosas muy lindas”, promete.

Pero si hay un tema que atraviesa toda la conversación es la familia. Casado desde hace 15 años con Astrid Klisans, Baute habla de la paternidad con la misma pasión con la que habla de la música. Recuerda cómo conoció a la mujer que inspiró varias de sus canciones más famosas, revive el original pedido de casamiento que le hizo sobrevolando Miami y admite que hoy sus prioridades son otras. “Me quedo con haber criado hijos extraordinarios”, asegura.

En esta entrevista con Infobae, Baute repasa la historia detrás de éxitos como “Colgando en tus manos” y “¿Quién te quiere como yo?”, recuerda la dura experiencia que vivió de niño en un liceo militar, reflexiona sobre Venezuela, el exilio y la distancia, y comparte una mirada íntima sobre el amor, la familia y el paso del tiempo. Una charla atravesada por la nostalgia, el humor y el optimismo de alguien que, después de más de tres décadas de carrera, sigue encontrando nuevas razones para ilusionarse.

—Bienvenido. Me declaro fan.

—Yo también

—¿Cómo va todo?

—Bien, haciendo de todo. Estoy grabando un programa de televisión acá en Argentina y está siendo una experiencia larguísima, pero espectacular. Además, aproveché para hacer algo que nunca había hecho: grabar un disco en Argentina. Estoy muy feliz por eso.

—¿Me contás?

—El único extranjero del disco soy yo. Todo lo demás es talento argentino. Conozco a los chicos hace tiempo, gente joven como FMK y Stanis. Les mandé dos canciones para probar, me devolvieron unas maquetas increíbles y cuando me di cuenta ya estaban haciendo todo el disco. Acabamos de lanzar “¿Quién mejor que tú?”. Estoy haciendo de todo.

—¿A quién se la escribiste?

—Esta no tiene nada que ver con mi vida personal porque habla de una propuesta con anillo. Yo no lo hice así. Cuando le pedí matrimonio a mi esposa le regalé un reloj. Estábamos viviendo en Miami.

—Vos ya eras Carlos Baute.

—Bueno, siempre fui Carlos Baute (risas), pero mi carrera empezó cuando tenía 13 años.

—¿Y a ella la conociste de más chico?

—Sí. Era la hija de mi abogado. Años después nos reencontramos de casualidad en un aeropuerto. Su mamá me pidió mi PIN de BlackBerry, empezamos a hablar y conectamos enseguida. Yo estaba terminando una relación larga y ella también acababa de separarse. Después de eso preferí esperar un tiempo prudente antes de avanzar.

—¿Prudentemente cuánto?

—Año y medio. Esperé que ella tuviese pareja primero porque estuvimos nueve años, era como un divorcio. Necesitaba hacer las cosas bien.

—¿Cómo fue la propuesta?

—Para su cumpleaños le tapé los ojos y la llevé al aeropuerto. Pensó que la iba a hacer saltar en paracaídas y estaba aterrada (risas). Pero era un paseo en helicóptero sobre Miami. Llevaba una botella de vino argentino y un regalo. Antes había hablado con el piloto para que pusiera “Me quiero casar contigo” cuando yo le hiciera una señal. Yo le había prestado mi reloj tiempo antes y le dije: “El día que te lo quite, te voy a pedir matrimonio”. Ya en el aire le entregué la caja, ella pensó que era un reloj, empezó a llorar, sonó la canción y le propuse casamiento. Fue bastante diferente.

—Estás dejando la vara muy alta.

—No hace falta hacerlo en un helicóptero ni en Miami. Lo importante es el gesto.

—15 años, tres hijos.

—Felizmente casados. Y cinco perros, una pogona –que es un dragón barbudo- y un poni.

—¿Cuántos años tienen tus hijos?

—6, 8 y 9.

—¿Les gusta lo que hacés?

—Yo creo que sí. Todos estudian piano por su cuenta. Dos además hacen ukelele y fue decisión de ellos. Mi hija hacía ballet y flamenco, pero este año decidió dejar ballet. Ellos eligen. Y eso que bailaba súper lindo.

—Ciencias exactas quiere (risas).

—Puede ser. Lo importante es que hagan lo que los haga felices. Ahora además comparten con su mamá la pasión por los caballos. Tenemos un Falabella, un pony argentino espectacular.

—¿Y ellos montan también?

—Sí, los tres. Y yo siempre digo: “Con lo fácil y barato que es andar en monopatín” (risas). Más allá de todo, pasar tiempo en el campo no tiene valor monetario. Estar desconectados de las tablets y los teléfonos es brutal, porque eso no es bueno para el desarrollo de su cabeza.

—¿Y al colegio van o se educan en casa?

—Van al colegio. Respeto la educación en casa, pero creo que los chicos necesitan convivir, jugar y compartir con otros. Las nenas son muy aplicadas y perfeccionistas como su mamá. Marco es muy inteligente, pero hay que empujarlo un poco más porque confía demasiado en su capacidad.

—¿Y vos cómo eras en el colegio?

—Igual que Marco. Había que empujarme, pero me iba bien. Mi hermana era mucho más aplicada.

—Entonces, ¿qué pesa más: inteligencia o disciplina?

—La disciplina. Puedes ser muy inteligente, pero si eres indisciplinado te termina pasando factura. He visto mucha gente brillante quedarse atrás por falta de constancia.

—Esfuerzo, disciplina, trabajo.

—Totalmente. La incorporé muy joven, cuando estudié en un liceo militar.

—¿Fuiste a un liceo militar?

—Sí, vivía en Caracas y me trasladé a Maracay. Fue una experiencia durísima. Te levantaban a las cinco de la mañana con una diana a limpiar tus zapatos, limpiar la villa, hacer las camas. O sea, tenías que estar listo en segundos. Vivir eso fue una locura, era una rutina muy exigente. No me gustó para nada, pero aprendí muchísimo sobre disciplina.

—¿Mandarías a tu hijo a un lugar así?

—Hoy no. En mi caso fui yo quien quiso entrar, tenía 11 años. Mi papá me advirtió: “Si entras, no vas a salir al mes porque te arrepientas”.

—¿Cuánto duraste?

—Cuatro meses. Y cuando quise volver, mi papá no me dejó. Me dijo: “Ahora búscate la vida”. Ahí estuvo su enseñanza como padre: “Usted aquí no regresa porque sus deseos, sus caprichos, fueron estos”. Por suerte, en esa ciudad vivía un tío –hermano de mi mamá- y me quedé con él hasta fin de año. Había entrado al liceo en agosto en orden cerrado porque antes del inicio de clases había que hacer instrucción y aprender varias cosas. Las clases empezaron en septiembre y en diciembre ya no aguantaba más. Entonces mi tío me anotó en el mismo colegio al que iban mis primos.

—Eras muy chico para que no te dejaran volver. ¿No te enojaste con tu papá por eso?

—No, hoy se lo agradezco. Pero voy a contar el cuento entero: me fui a los cinco meses del colegio y al mes, me fugué de la casa de mi tío. Un día aproveché que mis primos estaban viendo televisión, mi tía se quedó dormida en el sofá y mi tío estaba trabajando. Me fui solo a la terminal de autobuses decidido a volver a Caracas, tenía 11 años. Me dicen: “Usted es menor de edad, no puede ir sin representante”. Tampoco tenía plata. Me dijeron que me fuera en taxi pero peor, veinte veces más caro porque estaba a dos horas de Caracas. Volví llorando porque sentía que no tenía salida. Una semana después junté un poco más de dinero, aunque seguía sin alcanzarme. Pensé, analicé todo y me fui vestido de militar, me puse a llorarle a un taxista con una mentira piadosa: que mi abuelita estaba en el hospital. El tipo se apiadó y aceptó llevarme. Cuando llegué, mi abuela abrió la puerta y me dijo: “¿Muchacho, qué hace aquí?”. El señor se dio cuenta, bajé con el dinero, le pagué y me fui. Mi papá se enojó, no me habló un tiempo, pero entendió que quería estar con mi familia.

—¿Estaba tu mamá también en ese momento?

—Sí. Mi papá fue muy duro, pero estuvo bien. Es importante que te enseñen que no todo funciona como uno quiere. Ahí aprendí lo que era la disciplina. Creo que esto nunca lo había contado.

—¿Qué Venezuela era en ese momento?

—Una Venezuela completamente distinta. Imaginate haber hecho todo eso con 11 años. No sé si hoy podría hacerlo. De todos modos, la experiencia en el liceo militar fue durísima. Yo no creo que haya que maltratar a las personas para enseñarles disciplina. Nunca me pegaron, pero eran muy agresivos con las exigencias y muchas situaciones resultaban humillantes.

—Quiero volver a Astrid y a los chicos. Regresás después de meses trabajando en Argentina. ¿Llegás a casa y te hacés cargo?

—Claro. Ahora vivimos en Madrid y lo primero que hago es decirle: “Tomá las llaves, andate con tus amigas, andá a montar a caballo al campo”. Y me encargo de todo: llevarlos, buscarlos, hacer de papi-taxi. Cuando tienen actividades extraescolares, mi agenda pasa a ser la de ellos, multiplicada por tres.

—Hay un reencuentro de la pareja también.

—Sí, totalmente. A la noche, cuando los chicos ya están dormidos, salimos a cenar o hacemos algo juntos.

—Llegás vestido de Tarzán.

—Hacemos cosas divertidas (risas).

—Astrid te espera con todo nuevo.

—Hermosa.

—Ahora el salto del tigre.

—Yo le pregunto qué quiere hacer, qué le apetece, dónde quiere ir, qué quiere cenar. Lo que ella quiera.

—Viaje en helicóptero, reloj...

—Lo que quiera. Es una valiente. No es fácil hacerse cargo de tres chicos, de la casa y de todo lo demás.

—¿Cómo fue el ensamble de tus tres hijos con su hermano mayor?

—Espectacular. No imaginé que fuera tan fácil.

—¿Pensaste que iba a costar más?

—Sí, porque él ya era grande, pero los niños lo aman. Fue natural. De hecho, ahora que estoy en Argentina pasó bastante tiempo en casa ayudando a Astrid. Hace unas semanas fue la comunión de uno de los chicos y eso sí me lo perdí. Mi hija de seis años tuvo una carrera solidaria en el colegio y su hermano pudo verla, pero yo no. Hay cosas que duelen. Intento estar en los acontecimientos importantes, pero la televisión demanda una presencia muy distinta a la de las giras, donde voy y vengo constantemente.

—Pero hay un vínculo que funciona entre ellos aunque vos no estés.

—Sí, se aman. Astrid ayudó muchísimo. Es una gran persona. Y mis suegros también.

—¿Sentís que recuperaron el tiempo con tu hijo?

—Todavía queda camino porque fueron muchos años perdidos, pero es maravilloso.

—¿Estás contento?

—Muy feliz. Eso fue una mochila que llevé durante muchos años. Sentía que había cometido un error. Era el único aspecto de mi vida que me quedaba pendiente. Por suerte hoy estamos todos muy felices.

—¿Y cómo llegó ese momento en el que dijiste “hay que llamar y cambiar esto”?

—La intención siempre estuvo. Pero también depende mucho de las relaciones que existan alrededor. En mi caso, la relación con Astrid era excelente y eso ayudó muchísimo.

—¿Jugamos un poquito? ¿Qué hubiera pasado si hubieras nacido en Tenerife, como tu papá, y no en Caracas?

—No hubiese hecho música venezolana porque no habría estudiado folklore venezolano.

—¿Y a qué cantante español te imaginás pareciéndote?

—A Miguel Bosé. Me encanta.

—Si Laura Pausini, Rosario Flores o Paulina Rubio hubieran aceptado grabar “Colgando en tus manos”, ¿habría sido el mismo éxito?

—No lo sé. Con Marta Sánchez hubo una magia muy especial: su voz, el video, todo encajó de una manera increíble. Fue una bendición. Además, esa canción la escribí en 2004 y no la incluí en tres discos distintos. Son cosas del destino.

—¿Por qué no la sacabas?

—Porque era muy larga y muy personal. Hablaba de Marbella, de fotos en Venezuela, de una historia real que había vivido. Pensaba que la gente no iba a conectar con algo tan íntimo.

—Y en 2008 casi tampoco entra.

—Casi queda afuera. Entró de casualidad, porque faltaba una balada de medio tiempo. Se la canté al productor y dijo: “No está mal, incluyámosla”. Después le cambié algunas cosas y el título.

—¿Cómo se llamaba?

—“Guindando en tus manos”. En Venezuela “guindar” significa colgar, pero en otros países tenía significados distintos y la discográfica me dijo que sonaba raro. Entonces quedó “Colgando en tus manos”.

—No te imaginaste lo que iba a pasar.

—No, qué va, si no la hubiese incluido antes (risas). Hubiese estado facturando desde antes.

—¿Si Venezuela hubiera continuado en su camino democrático crees que te hubieras quedado?

—Claro. Yo y millones de venezolanos. Venezuela es un país maravilloso: el clima, las playas, la gente. Nadie quiere irse de su tierra. Uno puede mudarse de ciudad, cambiar de trabajo, pero dejar tu país es otra cosa. Emigrar es terrible porque te aleja de tu familia.

—Ustedes ya conocían el exilio por tu familia, ¿no?

—Sí, tanto por mi familia como por la de Astrid. Su familia es de Letonia y estuvieron ocupados por los rusos por más de 50 años. La pasaron muy mal.

—Ustedes fueron a Letonia en la pandemia ¿no?

—Sí, vivimos casi ocho meses allá, en campos de Riga. Hacía 25 grados bajo cero, pero estaba la familia y cuando está la familia, estás en casa.

—También está la historia de tus abuelos españoles.

—Claro. Mis abuelos emigraron desde las Islas Canarias a Venezuela. Mi abuelo contaba que los barcos que salían de Tenerife iban a Venezuela y los que partían desde Las Palmas a Cuba. Era subirse a un barco y probar suerte.

—Y a ustedes les tocó Venezuela.

—Sí. Venezuela les abrió las puertas. Les dio documentos, oportunidades, un lugar donde empezar de nuevo. Y eso hoy no es tan fácil de encontrar.

—Pensando en eso, ¿cómo fue la decisión de irte?

—Fue por trabajo. En España me abrieron las puertas de una manera tan grande que dije: “Guau”. Después, cuando empezó a pasar todo lo que pasó en Venezuela, pensé que había tomado la decisión en el momento correcto.

—Cuando te vas, ya se van juntos con Astrid.

—Astrid vivía en Miami, después en Letonia y luego en Milán. Yo pasé por California, Miami y finalmente España.

—Por eso se encontraban en aeropuertos.

—Sí, somos viajeros.

—Y después se instalaron juntos en Madrid.

—Correcto. Somos balseros del aire. Los cubanos son balseros de agua; nosotros, balseros del aire.

—¿Cuándo entendiste que Chávez iba a destruir Venezuela?

—Mi abuela lo dijo desde el primer momento. Era cubana. Mis bisabuelos eran gallegos, salieron de Galicia y ese barco llegó a Cuba; allí nacieron mis abuelos, que no tenían estudios, solo hicieron el colegio, pero ella tenía una intuición increíble. Apenas escuchó el primer discurso dijo: “Este es igual de comemierda que Fidel. Dice las mismas porquerías”. Y tal cual. Todo el mundo votó por Chávez porque tenía una energía increíble. Creíamos que iba a cambiar Venezuela y la cambió, pero para mal. Era muy magnético. Tengo amigos antichavistas que lo conocieron y salían fascinados. Me decían: “Negro, casi me tatúo a Chávez”. Tenía un poder de convicción enorme, una especie de magia. Mal utilizada, pero la tenía.

—¿Y cómo fue, desde la distancia, ver lo que pasaba mientras tu familia seguía allá?

—Se fueron yendo de a poco. Un primo, un tío, otro tío, hasta que terminó saliendo toda la familia. Hace 27 años que no paso una Navidad familiar como las de antes. Eso lo extraño muchísimo. Hoy en Madrid ya somos muchos primos con hijos, pero no están los abuelos, no están los tíos. Algunos ya murieron.

—¿Hace cuánto que no vas a Venezuela?

—Dieciséis años.

—¿Qué sentiste cuando lo viste a Maduro detenido?

—Lo celebramos. No le deseo la muerte a nadie, pero sí espero que haya justicia para Venezuela.

—¿Creés que va a pasar?

—No sé. Ya no creo en nadie. La política está llena de corrupción y hay muchas cosas que nunca vamos a saber. Hasta ahora el juez ha llevado el caso muy bien. Tiene más de noventa años y da la sensación de ser una persona íntegra. Ojalá haga lo que corresponde.

—¿Esperabas que cambiara más rápido la situación después de la detención de Maduro?

—Sí. Pensé que las cosas iban a acelerarse. Y no fue así. Nos dio un bajón a todos porque nos preguntábamos: “¿Y ahora qué?”. Estamos en el principio y el final y hay que tener paciencia.

—El principio y el final, es interesante.

—Sí, estamos en el principio y el final. Pero el final no es ahorita, va a llevar años. Y lo que deseamos hoy es que haya elecciones.

—Hay una canción que se volvió muy importante en ese proceso.

—“No hay mal que dure mil años”. No la escribí yo, pero la hice mía. La compuso mi tutor de cuando empecé a producir música en el año 94. Yo hacía folklore venezolano y un día me canta: “No hay mal que dure mil años, ni cuerpo que lo resista, yo me quedo en Venezuela, porque yo soy optimista”. Me pareció espectacular. La adapté a mi estilo, la llevé al calipso venezolano y como hoy somos 10 millones los venezolanos que vivimos fuera le cambié la frase a “no hay mal que dure mil años ni cuerpo que lo resista, volveremos a Venezuela porque yo soy optimista”. Y ese es el mensaje que quiero dar.

—Fuiste cuestionado por lo que dijiste sobre Delcy Rodríguez. ¿Es eso lo que querías expresar?

—Me sumé a un cántico y ya pedí disculpas. Hoy prefiero no entrar en cuestiones políticas porque es muy injusto. Como dicen “calladito te ves más bonito”. La gente sabe perfectamente cuál es mi posición. Igual insultar no es la manera, yo no soy así y no quiero que mis hijos insulten a las personas. Queremos elecciones que estén supervisadas por organismos y países que garanticen transparencia. He hablado con gente de la oposición y me explican que se está trabajando para construir un sistema que permita votar también a los venezolanos que estamos fuera del país. Somos millones y nunca hemos podido participar porque cierran consulados y centros de votación. Sin democracia, nada de eso tiene sentido.

—Ojalá. Y ojalá que también se vengan cosas buenas para Cuba, que está atravesando un momento difícil.

—También. Creo que Marco Rubio va a empujar mucho en ese sentido. Y para Trump resolver situaciones como las de Venezuela o Cuba sería una medalla importante. Ya consiguió una con Maduro y seguramente buscará otra.

—Hay un sector de la sociedad que cuestiona la intervención de Trump.

—Sí. Lo entiendo. Pero para muchos venezolanos la sensación era que nadie iba a hacer nada. Llevábamos casi tres décadas esperando un cambio y parecía imposible. Por eso, aunque no coincida con Trump en muchas cosas, esto en particular se lo tenemos que agradecer.

—Si tuvieras que elegir, ¿qué prefieres: que te recuerden por una canción exitosa o por haber criado hijos extraordinarios?

—Me quedo con los hijos. Son maravillosos. Me encanta ser padre. Aunque también agradezco que algunas canciones hayan quedado para siempre.

—Te voy a leer algunos fragmentitos y quiero que me digas si fueron realidad o ficción: “Te envío la foto cenando en Marbella y cuando estuvimos por Venezuela”. ¿Esas fotos existieron?

—Realidad.

—¿Las mandaste vos?

—Sí, a mi chica.

—“Quizá no fue coincidencia encontrarme contigo. Tal vez eso lo hizo el destino”.

—También es real.

—¿Y hoy lo creés o es demasiado romántico para ser verdad?

—Creo completamente en el destino. Creo mucho en Dios, pero también creo que uno tiene que construir su propio camino. La puerta puede estar ahí, pero si no la golpeás, no se abre.

—“En el buzón tu corazón”. ¿Cuánto tiene de real y cuánto de ficción?

—Es real. La compuse en México para Astrid. En esa época compartíamos mucho con Fonseca y Franco de Vita. Fueron años muy lindos.

—¿Y ella qué dijo cuando la escuchó por primera vez?

—Le encantó porque los ama a los dos. Y hoy somos todos amigos.

—¿Cuando se juntan cantan sus canciones o las de otros?

—Las de otros. Mucho Juan Luis Guerra, Queen, de todo. No vamos a estar cantando nuestras canciones toda la noche. Franco se sorprende de la cantidad de canciones que compongo.

—¿Cuántos temas tenés?

—Más de cuatrocientas seguro. Podrían ser más, pero desde que llegaron los niños ya no tengo tanto tiempo para componer.

—¿Te pegaste un susto como papá en algún momento?

—Sí. Con el nacimiento de Marcus. Astrid quería tener un parto natural, pero rompió fuente. Llegamos al hospital y los latidos del bebé subían y bajaban de forma alarmante. Nos dijeron que había que hacer una cesárea de urgencia porque tenía el cordón enredado. Yo quería entrar, pero me dejaron afuera. Aparte no habíamos querido saber qué era, entonces fue “lo siento Carlos, luego te enteras”. Eso fue complicado.

—Te asustaste.

—Muchísimo. Nadie me había hablado de una situación así. Cuando escuché el llanto y me dijeron que era un varón sentí un alivio enorme. Astrid fue una valiente.

—¿Las chicas después nacieron por cesárea también?

—Sí, pero ahí sí pude estar. Con la tercera también nos llevamos un susto porque tuvo que pasar por incubadora, no terminó de crecer porque tuvo los niños muy juntos. Nos decían que había que esperar dos años pero yo lo veía muy largo, ya tenía una edad, entonces los tuvimos cada un año y medio. Ahí ya los médicos nos dijeron que Astrid no podía tener más hijos porque era riesgoso para ella. Ahí cerramos la máquina de hacer niños.

—Menos mal, porque ibas camino a tener uno por año.

—(Risas) Me quedé con ganas de uno más. Astrid quería cinco hijos. Es tan familiera como yo.

—Hay que mantener una familia así de grande. Tenés que estar de gira.

—Exacto. Si tuviera más hijos tendría que pasarme el día cantando para mantenerlos (risas).

—“¿Quién te da desayuno en la cama y te hace sentir una dama?”

—Esa canción se la hice a Astrid. Estaba en Puerto Rico y la llamé para decirle que la extrañaba. Empecé a decirle esas frases, corté el teléfono y pensé: “Acá hay una canción”. A veces las mejores ideas salen de cosas cotidianas.

—Qué lindo darte cuenta en ese momento.

—Y la escribí en media hora. Tenía la guitarra al lado y salió sola.

—Se viene recital, ¿te gusta que te sigan pidiendo las clásicas o te agota?

—Sí, y una primicia: además de este disco, estamos trabajando en un álbum de grandes éxitos. Y es muy especial porque lo estamos grabando en Argentina.

—¿Con nuevas versiones?

—Sí, con duetos. Vamos a reversionar canciones como “Colgando en tus manos”, “¿Quién te quiere como yo?”, “Te regalo”, “Amor y dolor” y “Ando buscando”. Con duetos muy distintos entre sí. Y hay uno que otro argentino o argentina.

—Necesito que me digas quiénes son.

—Todavía no puedo (risas).

—Quiero que pongas “Me quiero casar contigo”.

—Esa canción tiene historias muy lindas. En esa época en los conciertos me “casaba” con fans en el escenario. Venían con velo. Era increíble.

—¿Qué te pasa cuando tus canciones se vuelven parte de la vida de la gente y acompañan propuestas de matrimonio, nacimientos o hasta divorcios?

—Con eso ya siento que valió la pena. Valió la pena escribir canciones y dedicarme a esto.

Cuando Natalia Oreiro entra a una habitación, la energía cambia. No es solo el brillo de su mirada ni la risa rápida que estalla en medio de una frase, es esa calidez que la acompaña, esa mezcla de espontaneidad y respeto que hace fácil cualquier conversación. Aunque nació en Montevideo, el público argentino la siente propia. Natalia lleva la “charrúa en la sangre”, como le gusta decir, pero también en el gesto de abrir la puerta con afecto y sentarse dispuesta a hablar de todo lo que la atraviesa: su carrera, su familia, sus pasiones, la memoria que la une al cine, la televisión y las historias que elige contar.

En este momento, Natalia tiene agenda llena. Estrena película, prepara una comedia, filma para plataformas y recibe premios que celebran su recorrido. Pero cuando se apagan las luces del set, la actriz se transforma en madre de Atahualpa, esposa de Ricardo Mollo, mujer que preserva su intimidad y cuida cada palabra sobre los suyos. Es franca y cercana, pero también atenta a los límites de la vida privada.

—¿Cómo llegó la propuesta de la película La casaca de Dios?

—Fue, por supuesto, a través de su director, Fernán Mirás, del que soy amiga y compañera, no solo como actriz, sino que me ha dirigido ya en su segunda película, que fue Reloca. Ahí trabajamos como actor y como actriz, hacíamos pareja y en Casi muerta él me dirigió por primera vez. Su primer película, El peso de la ley, a mí me había encantado. Me parece que es una persona súper sensible que toca temas de muchísima profundidad y los vínculos, sobre todo entre las relaciones familiares, las hace de una fragilidad muy grande todas sus obras.

La admiración por Mirás trasciende lo profesional. Natalia cuenta que él le envió la adaptación del guion y la atrapó enseguida. “Me gustó la temática, pero sobre todo la mirada que él tiene para trabajar los vínculos familiares. Y por supuesto que el hecho de que fuera con (Jorge) Marrale para mí era un sí rotundo, porque es uno de mis actores favoritos. Es un actor con una profundidad en su mirada, en su interpretación, con una sutileza también, con una entrega... Tiene de los mejores ojos y miradas que yo he visto en el cine", asegura.

En la película, que primero se estrenó en cines y desde el 3 de junio se puede ver a través de la plataforma Amazon, Natalia interpreta a la hija de Marrale. Entre ellos, el desencuentro surge tras la pérdida del hermano, un joven que muere en la guerra de Malvinas. La herida se agranda, no solo por la ausencia del hijo, sino por el modo en que la guerra y el fútbol atraviesan la relación entre padre e hija.

“Uno como padre no está preparado para perder un hijo y menos de esa forma tan dolorosa y tan injusta, ¿no?. La hija, siente que perdió no solo a su hermano, sino también a su padre, porque su padre a partir del momento de esa gran pérdida, es tan enorme ese vacío que se desconecta de todo vínculo familiar. Y ella siente que la guerra de las Malvinas le robó a su hermano y a su padre. Y el fútbol de alguna manera también le robó a su padre, porque su papá se la pasó viajando con el equipo como utilero con la selección y pasó más tiempo con los jugadores de fútbol que con su hija. Conoce más los deseos, los gustos y los miedos de ellos que de su propia hija”.

—¿Cómo sentiste que te atravesó la historia en el contexto de la guerra y el Mundial de fútbol?

—En realidad, a mí con la historia me pasó que por supuesto que no puedo olvidar el contexto, porque el contexto es todo en todos los ámbitos de la vida. Pero siento que traspolada a otro momento, lo fundamental allí es la desconexión de estos personajes, ¿no? Pero por supuesto que toda la película está teñida por la gran pérdida del hijo del protagonista y se trata del personaje de mi hermano, de un joven inocente que va a una guerra injusta, y que muere en ella.

El guion retumba con esa orfandad. Hay un momento en el que su personaje le reclama al padre: “Vos no sabés por qué estoy enojada, porque no sabés cómo es ser padre”. Natalia confiesa que ese es el núcleo de la historia que más la conmueve y que siente desde su costado de madre y de mujer. “Aunque el fútbol es una pasión de multitudes, siento que este vínculo fraterno con su papá y estas pérdidas que tienen es para mí la gran trama de la película y a mí lo que más me interesaba poder contar”.

—En la película conseguir la camiseta de Diego se vuelve una épica. ¿Cuál crees que sería esa épica hoy?

—¡Lo que pasa es que Diego es insuperable, ¿verdad?! (risas) Y creo que todos los mundiales tienen algo de especial. Ese mundial de 1986 lo tenía de la forma en que se consiguió. Bueno, el contexto también, tremendo. Pero creo que el último mundial también fue épico, ¿no? Y eso, el argentino y el uruguayo, porque el uruguayo en mi corazoncito charrúa no puede quedar afuera, sabe mucho de la épica del fútbol. Es como que esa garra que tenemos los rioplatenses tan admirada y tan temida en el fútbol en el extranjero, nos hace grandes.

En la conversación, Natalia intercala anécdotas, habla de su amor por el cine y la televisión, de cómo disfruta intercalar papeles dramáticos con comedias para escapar del peso de las historias duras y salir de su costado melancólico. “He tenido la dicha de poder interpretar mujeres que tenían algo para decir, mujeres que hicieron cosas y que tenían personalidades fuertes. Y eso para mí es una bendición, poder interpretar a mujeres reales, actuales, con convicciones, también con contradicciones, con claroscuros”.

—¿Te gustaría volver a hacer una tira diaria en televisión?

—No siento que sea un anhelo personal. Me encantaría poder ver como espectadora una ficción diaria en televisión. Yo siempre he seguido las ficciones estando o no en ellas. Como espectadora estoy hablando. Las ficciones siempre me han acompañado en la noche y no solo a mí, sino a millones de personas que han seguido noche a noche tantas y tan buenas ficciones en lo reciente. Por supuesto, las de Pol-ka y en lo no tan lejano, Rolando Rivas, Más allá del horizonte, Cosecharás tu siembra. Bueno, tantas, tantísimas. Yo creo que fui una de las últimas privilegiadas en poder hacer tiras diarias. La última mía fue Solamente vos hace diez años con Adrián (Suar). Pero por el otro lado siento que luego de un desierto, digamos, de cuando parecía que todo era un abismo, las plataformas de alguna manera han tomado con las series ese espacio y hoy la gente está llevando ese gusto de buscar su serie favorita en las plataformas.

Natalia reconoce la asimetría sobre la disponibiidad a las producciones audiovisuales: “No todas las personas tienen acceso a pagar una cuota mensual para poder ver su serie favorita y antes eso lo tenían de alguna manera si tenías una antena de televisión. Entonces eso sí lo extraño, era más cercano. Ahora hay muchísimas opciones y entonces, por momentos puede ser un poco abrumador. Pero en lo personal no extraño hacer una tira en televisión diaria porque soy una privilegiada y una agradecida. Tengo posibilidades de hacer varios trabajos y muy diferentes entre sí en el cine y en la televisión, en plataformas. Entonces, no es que yo personalmente extrañe trabajar en ellas. Intenté, de hecho, en los últimos años y estuvimos a punto y no se logró, porque hoy realmente reconozco que es muy costoso poder realizar una tira diaria para televisión de aire”.

—¿Qué proyectos tenés en este momento?

—Estoy en cines con la película nueva de Juan Taratuto, que se llama Nada entre los dos, protagonizada junto a Gael García Bernal, que es un drama romántico actual que me gustó mucho. La historia de dos personas adultas que se encuentran en un momento difícil de sus vidas personales, y que no romantiza tampoco esa situación. Me gustó mucho trabajar, hacerla y el resultado. También estoy pronta a estrenar junto con Adrián Suar, Yo, Narciso, una comedia que se va a estrenar en agosto. Además filmé una peli el mes pasado para Netflix, bajo la dirección nuevamente de Martín Sastre y voy a filmar en unos meses con Martino Zaidelis una peli para Netflix. En eso estamos.

La charla avanza y Natalia vuelve a lo esencial: los personajes pendientes, los sueños por cumplir. “Siempre digo que hay un personaje que me gustaría hacer, que ojalá pueda lograrlo en algún momento, que es Juana Azurduy. Es uno de esos personajes que anhelo poder interpretar”, afirma. Un papel que seguro abarcará sus sueños, su fuerza, su capacidad de superar obstáculos, su carisma. Ella, que hace de su identidad de mujer el sentido de su vida.

Teniendo en cuenta que en Colombia se celebra el Mes del Padre en junio (14 de junio), el Ejército Nacional ha expuesto historias sobre uniformados que, además de defender al país, han buscado ser un ejemplo para sus hijos.

Una de las destacadas es protagonizada por el capitán Carlos Andrés Ortiz Rosero, que está próximo a convertirse en mayor tras superar la amputación de una pierna durante el conflicto armado en San Vicente del Caguán, en 2010.

Lejos de abandonar la carrera, el oficial se mantuvo activo y se transformó en un ejemplo para su familia y la institución. La continuidad de este legado se refleja en su hijo, el ahora teniente Carlos Miguel Ortiz López, que eligió la vida militar a pesar de haber vivido de cerca las consecuencias del conflicto.

La trayectoria de Ortiz Rosero comenzó mucho antes del incidente que cambió su vida. Proveniente de una familia con varios miembros retirados de las fuerzas armadas y la policía, creció en un ambiente marcado por la disciplina y el sentido del deber. Durante una operación militar en 2010, el capitán sufrió la pérdida de una extremidad a causa de un artefacto explosivo improvisado, un episodio que definió su carrera y su perspectiva sobre el servicio a la patria.

Según relató en una entrevista a la que tuvo acceso Infobae Colombia, Ortiz Rosero encontró en el apoyo institucional y familiar la base para su recuperación y continuidad profesional. “La fuerza para seguir adelante vino de la familia y de mis compañeros de armas”, indicó el uniformado, que recibió una prótesis y se integró a programas de readaptación del Ejército Nacional.

El impacto de este proceso no solo marcó a Ortiz Rosero, sino también a su hijo, que desde pequeño convivió con las cicatrices y los desafíos propios de una familia militar. Carlos Miguel Ortiz López decidió unirse al Ejército, graduándose como subteniente hace un año, a pesar de las preocupaciones de su madre por los riesgos asociados a la profesión. La decisión del joven fue impulsada por el ejemplo y la motivación transmitida por su padre. “Crecí viendo la fortaleza de mi papá, entendí que servir es un honor”.

Según el testimonio de los entrevistados, el orgullo, la resiliencia y la fortaleza interna son esenciales para cualquier soldado; ambos hablaron de la importancia de la vocación y la formación en valores.

En la entrevista hablaron de cómo el deporte adaptado en la recuperación del capitán fue clave, incluido el levantamiento de pesas, lo que se transformó en una herramienta de rehabilitación física y mental, así como en una vía para inspirar a otros militares en proceso de recuperación. “El deporte me permitió demostrar que se puede seguir dejando huella en la institución, incluso después de una lesión”, sostuvo Ortiz Rosero.

La relación entre padre e hijo aparece en el relato como un vínculo de apoyo y admiración mutua, donde el ejemplo personal se traduce en motivación para la nueva generación de oficiales. “Ver a mi hijo portar el uniforme me llena de orgullo, es la confirmación de que el sacrificio no fue en vano”, manifestó el capitán, mientras que desde la perspectiva del joven oficial, la decisión de ingresar al Ejército representa la continuidad de una tradición familiar, pero también el compromiso personal de asumir los riesgos y desafíos del servicio activo.

Ambos uniformados insistieron en la importancia del acompañamiento institucional y familiar, así como en la necesidad de honrar y recordar a quienes han sido afectados por el conflicto armado.

Indicaron que con su testimonio buscan transmitir un mensaje de esperanza y superación para otros soldados y sus familias. “La familia es el motor que impulsa a seguir adelante, incluso en los momentos más difíciles”, concluyó el capitán Ortiz.

Durante la primera vuelta electoral presidencial, entre los candidatos independientes se destacó la abogada penalista Sondra Macollins, que llamó la atención de la opinión pública al hablar de la importancia de la tecnología artificial para gobernar y aseguró que es necesario que en Colombia se eliminen las gobernaciones departamentales.

Al final de los comicios, la jurista recibió poco más de 19.000 votos, lo que calificó como algo positivo, al recordar que es su primera participación en política.

En diálogo con Infobae Colombia, Macollins habló sobre el inicio de su carrera política, sus retos a corto plazo y las conclusiones a las que ha llegado luego de las elecciones del 31 de mayo.

En primer lugar, la abogada se mostró triste al hablar del presente político del país, que en su concepto está colapsado por el odio.

“El balance de las elecciones para mí es que el país está totalmente polarizado, llevado del odio que han generado los dirigentes políticos. Un poco culpa de Petro, que ha sido el presidente que ha generado toda esta polarización y un poco culpa de Uribe, que también se ha prestado para seguir generando violencia y polarización”.

Sondra Macollins habló sobre Iván Cepeda y Abelardo de la Espriella para lamentar que el pueblo colombiano deba ser dirigido, sin importar el ganador, por un político que busca el bienestar de un solo sector.

“Quedamos en la mitad de dos candidatos que los dos están a los extremos y que uno va a gobernar para un sector de la población y el otro para el otro. Por lo tanto, pues avizoro cuatro años más de oposición intensa, de violencia, de desorden y el pueblo colombiano es el que va a perder”.

Sobre su futuro, anticipó que no abandonará la idea de conformar un colectivo político en el que los líderes que no cuentan con el poder financiero para hacer campaña, puedan presentarse en las elecciones regionales.

“Lo que sigue para mí es la creación del Partido Digital, el primero en Colombia, como lo dije desde un principio, la meta no eran solo estas elecciones. La meta es crear un liderazgo nuevo, femenino, de la mano de la tecnología, que permita que todos los colombianos estemos en igualdad de condiciones. Cambiar la forma de hacer política, que la política deje de ser un privilegio para unos pocos y para las maquinarias o los ricos del país y se convierta en una herramienta para cualquier ciudadano que quiera hacer algo por su comunidad”.

Además, anunció que no renunciará a su idea de ser presidenta de Colombia, y que está convencida de que en cuatro años tendrá más poder colectivo para poder llegar a la Casa de Nariño.

“Le vamos a apostar toda a la creación del Partido Digital. Estaré en las elecciones regionales apoyando a todos los líderes que han cargado la maleta por años de politiqueros del país, que quieren tener representación y no han tenido la oportunidad porque no tienen plata para pagar avales y porque no han tenido la maquinaria para presentarse. Estaré lista y preparada para las elecciones del 2030, donde voy a ser nuevamente candidata a la presidencia con más fuerza, con más, con más conocimiento y con una estructura fortalecida en las regionales”.

Por último, la jurista bromeó sobre las tendencias que protagonizó en las últimas semanas, y concluyó al indicar que en Colombia se debe dejar de lado el odio para hacer política o los resultados no serán diferentes a los de los últimos mandatarios.

“Me hubiese gustado que fuera antes de las elecciones y no después, pero así es la vida. Seguimos construyendo un nombre. Hay personas que comentan cosas positivas, otras negativas, así es la vida. Desafortunadamente, no todo el mundo conoce mi trayectoria ni saben de qué estoy hecha, pero estoy para presentarme, para que me sigan conociendo, seguir construyendo un nombre, sobre todo seguir construyendo una propuesta diferente, una forma distinta de hacer política, porque tenemos que bajarle al odio, a la polarización y a la violencia. Si queremos tener paz, no podemos seguir haciendo política de violencia, porque la violencia genera más violencia, no paz”.

De cara a la segunda vuelta electoral, llama la atención una denuncia en la que contratistas afirman que la viceministra de Defensa estaría ejerciendo presión para despedir a los seguidores de Abelardo de la Espriella de la Hidroeléctrica Urrá.

Uno de los testimonios es el de Alejandro Padrón Pardo, que en diálogo con Semana indicó que se ha registrado una ola de despidos que tendrían como factor en común una supuesta orden de Angélica Verbel, viceministra para la Estrategia y Planeación del Ministerio de Defensa.

Padrón Pardo indicó que fue despedido el 22 de abril de 2026 y señaló a la viceministra como responsable de su desvinculación. “La viceministra de Defensa, Angélica Verbel, haciendo uso ilegal, arbitrario e indebido de información obtenida de mis redes sociales y con el único propósito de perseguirme políticamente, acudió a un video grabado en el año 2024, cuando yo no era funcionario de Urrá y cuando el doctor Abelardo de la Espriella no ostentaba la condición de candidato presidencial“, declaró al medio citado, en el que indicó que no tiene ningún tipo de cercanía con el aspirante a llegar a la Casa de Nariño.

Viceministra de Defensa se defendió de las acusaciones

En diálogo con Infobae Colombia, luego de que la Hidroeléctrica Urrá emitiera un comunicado en el que desmintió las acusaciones realizadas por Alejandro Padrón Pardo, la viceministra Angélica Verbel negó tener algún tipo de injerencia en la empresa mencionada.

“Desconozco la razón o el objeto de tales aseveraciones. No tengo ninguna injerencia en Urrá tal como lo mencionan. No trabajo y nunca he trabajado en esa empresa. Quisiera dejar claridad de que mi trabajo se limita exclusivamente a las funciones que ejerzo como viceministra de Estrategia y Planeación del Ministerio de Defensa Nacional”.

Verbel afirmó que no conoce a las personas mencionadas en el informe noticioso y rechazó que se le vincule para lo que calificó como una estrategia para desprestigiar su trabajo y el de la cartera.

“No conozco al señor Alejandro Padrón y rechazo cualquier afirmación que pretenda atribuirme decisiones relacionadas con su situación laboral. No sé quién es el señor Eric José Guerra, al que también mencionan”.

Debido a la gravedad de las acusaciones, la viceministra pidió que los contratistas la denuncien formalmente con las pruebas que tengan en su contra, puesto que hasta el momento esto no se ha registrado.

“Desconozco las razones que lo llevan a realizar tales señalamientos. Reitero que no tengo participación ni injerencia alguna en decisiones administrativas o laborales en esa empresa. Si cualquiera de las personas que formula estas acusaciones considera tener pruebas que respalden sus afirmaciones, corresponde que las presenten ante las autoridades competentes. Las acusaciones públicas deben sustentarse en hechos verificables y no en especulaciones”.

Por último, anticipó que está considerando comenzar un proceso legal contra los individuos que han afirmado que fueron despedidos por presión política liderada por ella.

“Rechazo cualquier intento de atribuirme responsabilidades sobre eventuales situaciones que afecten la integridad de cualquier persona. Se trata de afirmaciones graves, temerarias e infundadas que carecen de evidencia alguna, merecen es una denuncia por mi parte”.

En el comunicado publicado por la hidroeléctrica se alejaron de las denuncias contra la empresa y aseguraron que todas las decisiones internas han sido tomadas de manera legal.

“El presidente de la empresa Urrá ejerce sus funciones con plena autonomía administrativa, conforme a las competencias que le otorgan la ley, y los estatutos de la empresa. Asimismo, rechaza de manera categórica falsas afirmaciones sobre intromisiones de terceros en la toma de decisiones o que estas obedezcan a temas de índole político. Todas las decisiones son adoptadas en el ejercicio de la gobernanza administrativa y adoptadas bajo el estricto cumplimiento del ordenamiento jurídico”.

El chef pastelero que conquistó a millones en Bake Off, MasterChef y el streaming de Olga asegura que nunca soñó con terminar arriba de un escenario cantando, actuando y bailando. “Yo vine con el sueño de estudiar gastronomía”, recuerda sobre aquel chico que dejó Dolores para instalarse en Buenos Aires a los 18 años. “No me permito abandonar la cocina porque la amo y la voy a amar toda mi vida”.

Sin embargo, en los últimos años su universo se expandió mucho más allá de los hornos. Entre grabaciones, ensayos y funciones, atravesó meses de preparación física y vocal para ponerse en la piel de Edna. “Me duele todo: el taco, los movimientos, el cuello. Pero me voy feliz”, cuenta sobre una experiencia que también le abrió las puertas a un mundo desconocido: el teatro.

En esta entrevista con Infobae habla de sus padres, de su infancia en Dolores, de los nervios del debut teatral, de las personalidades internacionales para las que cocinó, de su pasión por coleccionar Legos y figuritas, de los vínculos afectivos y del momento profesional más intenso de su vida. “Hoy sí, hoy estoy muy contento”, resume.

—¿Cómo anda Edna?

—Muy bien. Cada día más consolidada. Estoy feliz con todo lo que está pasando y descubriendo un mundo lleno de empatía y buena onda. Hay un elenco espectacular que tuvo muchísima paciencia conmigo durante toda la preparación hasta llegar al teatro. Así que yo estoy feliz. Y Edna también.

—Estrenaron hace poquito y están agotados, con críticas excelentes. ¿Cómo la estás pasando?

—Muy bien. Creo que Belu Bilbao, que es la protagonista, tiene muchísimo que ver con todo esto por el talento que tiene. Y Fer Dente, desde la dirección, es súper exigente y eso eleva muchísimo el resultado. Yo lo comparo con la gastronomía: hay un estándar altísimo en cada detalle. Las luces, el vestuario, los bailarines, las voces... estoy maravillado. Todo funciona como un gran equipo y eso hace que la obra sea extraordinaria.

—Si cuando viniste de Dolores alguien te decía que ibas a protagonizar una comedia musical y que te iban a pasar todas estas cosas, ¿qué le respondías?

—No lo hubiera creído nunca. Yo vine con el sueño de estudiar gastronomía y trabajar de eso. Después empezaron a pasar cosas que jamás imaginé: perfeccionarme afuera, entrar al Palacio Duhau, Bake Off, MasterChef, la patisserie en Devoto y, de golpe, el teatro. Con Fer Dente compartíamos estudio en Olga y un día, en uno de esos pases rápidos, me nombró Hairspray y me empecé a reír. Tiempo después me reenvió un mensaje con la playlist del musical y me puso: “¿Estás listo?”. Ahí arrancó todo. Y para mí fue muy especial porque es mi comedia musical favorita, la vi varias veces cuando la hicieron Enrique Pinti y Vane Butera. Me encanta por el mensaje, las canciones, el color, por todo. Entonces, cuando llegué al Coliseo el día del estreno, sentí una mezcla entre “¿qué hago acá?” y un agradecimiento enorme.

—¿Qué fue lo que te terminó de convencer?

—Saber que iba a tener preparación antes de empezar. Mucho trabajo en actuación, canto y baile. Arrancamos en agosto para llegar preparados a abril. Porque Edna baila, canta y tiene una exigencia física importante. Fue un entrenamiento intensísimo. Todo el verano tuvimos talleres y clases, y Fer siempre dice que función a función uno se sigue aceitando.

—¿No te ibas dolorido?

—Mucho. El taco, los movimientos, el cuello, me duele todo, pero me voy feliz. Además, aprendés un montón sobre el cuerpo, cómo estirar y prepararte vocalmente. Hay toda una rutina detrás que desconocía.

—¿En qué momento entendiste que te habías convertido en un personaje popular?

—Creo que trabajando todos los días en el local y viendo el vínculo con la gente. Ahí entendés hasta dónde llega la tele. Y MasterChef tuvo algo especial porque acompañó a mucha gente en la pandemia. Después Olga mostró una parte muy genuina mía y creo que todo eso se fue sumando.

—¿Vas al local?

—Sí, todos los días. Siempre hago la recorrida y pregunto: “¿Te atendieron bien? ¿Comiste bien?”. Y si alguien me dice “faltaría un ganchito para la cartera”, lo tomo. Me gusta estar atento a esos detalles. Creo que eso también hace que la persona que ves en la tele siga siendo real cuando te cruzás conmigo en el local.

—Me gustó esto que dijiste: el gastronómico sigue estando.

—Está y va a estar siempre. La gastronomía me apasiona: crear, pensar productos nuevos y trabajar en equipo. Hoy quizás no tengo el tiempo para estar tantas horas como antes, pero sigo muy involucrado. Y además aprendí algo: sé trabajar en equipo, no sé trabajar solo. Me pasa en la cocina, en MasterChef y ahora también en el teatro.

—¿Y en tu casa cocinás?

—En casa soy un horror. A veces termino comiendo una milanesa de soja o una lata de atún con palta porque no llego con los tiempos.

—Pero si alguien te invita a comer, caés con postre seguro.

—Eso sí. Paso por la patisserie y llevo una caja de macarons. Pero a la única que le hago una torta es a mi mamá, que no es fan de las del local. Ella es más simple y la torta que le gusta terminó entrando a la carta: se llama Carmen. Tiene bizcochuelo de vainilla húmedo, dulce de leche, crema, merengue seco y duraznos. Esa torta me hace feliz.

—¿Quién es la persona más importante para la que cocinaste?

—Para mí lo más importante siempre es cocinar para mi familia. Es una forma de dar amor. Pero profesionalmente el G20 fue un momento muy fuerte. Ahí entendí niveles de protocolo, seguridad y exigencia impresionantes. En el Duhau me tocó trabajar durante la visita de Trump. Ensayábamos durante semanas una cena para apenas unas pocas personas, con productos de excelencia y una sola oportunidad para que saliera bien. Es muy parecido al teatro: una vez que arranca, no hay segunda toma.

—¿Qué te estresó más: cocinar para Donald Trump o la primera función de Hairspray?

—La primera función, olvidate. Cuando escuché el murmullo de 1.800 personas y se abrió el telón, respiré tres o cuatro veces antes de salir. Pensé en la responsabilidad de acordarme la letra, los tiempos y las marcas. Eso me estresó muchísimo. La gastronomía es algo que hago hace 26 años. Sea quien sea la persona, sé lo que tengo que hacer.

—¿Choluleaste a alguien?

—No nos dejan hacer esas cosas, sacarte fotos o hablar con huéspedes. Hay algo muy reglamentario en esos hoteles cinco estrellas. Pero me di un gusto con Emma Watson. Soy fanático de Harry Potter y ella se quedó con nosotros durante un tiempo porque estaba filmando en Chile. Como sabía que le gustaban los gatos, le mandaba macarons con forma de gatito a través de los mayordomos.

—¿Para quién no volverías a cocinar nunca?

—Nunca tuve una experiencia tan mala como para decir eso. Si algo no gusta o vuelve el plato, no me lo tomo personal.

—¿Hay gente que necesitaba que le prueben antes la comida?

—Hay probadores y verificadores, casi siempre chefs, que controlan mientras estás cocinando. También aprendí mucho sobre las distintas culturas gastronómicas, sus especias, sabores y formas de cocinar.

—¿Qué sería un sacrilegio que te pidan?

—(Risas). Tengo miedo de haberlo pedido yo alguna vez. Soy muy de pedir ensalada de frutas con dos bochas de americana adentro. Cuando me preguntan si quiero el helado aparte, digo que no. Así que no me puedo hacer el exquisito. La verdad es que no creo demasiado en los sacrilegios gastronómicos. Son gustos. Mi papá ama la carne bien cocida y mi mamá la prefiere jugosa. Cada uno disfruta la comida a su manera.

—¿Queso rallado con la pasta?

—Eso es más una pelea de Donato. Una vez me explicó que el queso rallado tenía que ser mucho más fino, más tipo polvo, porque yo le ponía unas tiras enormes. Pero son esas discusiones eternas como dulce de batata o dulce de membrillo. Al final, los dos son ricos.

—De batata claramente.

—Yo hago como un sanguchito: lámina de batata, queso y lámina de membrillo.

—Lo voy a probar. ¿Sentís que fuiste injusto con algún participante de MasterChef o de Bake Off?

—No. Siempre tratamos de hablar del plato y tener empatía. Sabemos lo difícil que es cocinar bajo presión y presentar algo que preparaste con ganas en muy poco tiempo. Hice cinco MasterChef, tres Bake Off acá y dos en España, y nunca me olvidé de eso.

—Si tenés que elegir tres momentos de tu vida, por fuera de lo profesional, que te hayan marcado, ¿cuáles serían?

—El primero fue cuando dije que quería estudiar cocina y mis papás me respondieron: “En dos días nos vamos a Buenos Aires a recorrer escuelas”. Tenía 18 años, era 2001 y para alguien que venía de un pueblo tan chico daba bastante miedo.

—¿Te quedabas solo en Buenos Aires?

—Sí, vivía con Pupi, una amiga, cerca del Instituto Argentino de Gastronomía. Trabajaba de noche además, porque Ariel Rodríguez Palacios me había dicho: “Mientras estudiás, trabajá también porque eso te va a afianzar mucho”. Me tomaba el 34 a las tres de la mañana o caminaba hasta Barrancas de Belgrano para tomarme el 15. Ese fue un momento muy mágico para mí.

—Que bien esos papás que apoyaron.

—Totalmente. Ese fue un momento clave. Otro fue una charla con mi abuela Pocha, que era fanática de la cocina. Me da tristeza que no haya llegado a ver todo esto porque lo hubiera disfrutado muchísimo. Y un tercero fue cuando entré a trabajar al hotel. Después de entrevistas larguísimas, en español, en inglés y pruebas de cocina, me llamaron para decirme: “Bienvenido a la familia Hyatt”. Sentí que todo el esfuerzo había valido la pena.

—¿A quién llamaste primero?

—A mamá. Siempre a mamá.

—¿Se emocionó?

—Sí. Ellos siempre me apoyaron muchísimo. Con Hairspray también. Mi mamá sigue teniendo Regalos Carmen, su boutique en Dolores desde hace cuarenta años, y mi papá trabajó toda la vida. Hoy están jubilados. No cambiaría nada de esa infancia: ir en bicicleta al colegio, caminar al boliche, seguir teniendo amigos desde jardín de infantes. El día del ensayo general vinieron todos y fue muy emocionante.

—¿Tenés hermanos?

—Florencia, que tiene seis años más. Vivimos juntos un tiempo en Buenos Aires, después armó su vida y se casó. Somos pocos, pero muy unidos.

—Preguntas porque sí, Damián Betular. La peor cita de tu vida.

—(Risas) Una que se levantaron, se fueron y nunca volvieron.

—¿Ya eras famoso?

—No. Era en un restaurante: esperé, esperé, y nunca volvió. Fui al baño a ver si estaba desmayado, no, listo, chau, gracias. No hablé más.

—¿Te levantás con la primera alarma o posponés?

—No uso alarma. Me despierto diez minutos antes de la hora que me tengo que levantar. Duermo medio entrecortado cuando sé que tengo que madrugar porque en mi familia la puntualidad es una obsesión. Y no entiendo eso de posponer la alarma cada cinco minutos. Me pone de mal humor.

—¿Te tirás las cartas? ¿Hacés alguna terapia alternativa?

—No, nada de eso.

—¿Sexo a la mañana o a la noche?

—No, a la mañana no. A la mañana un café con leche con una factura el fin de semana y por ahí fruta los días de semana. A la noche sí.

—¿Estás noviando?

—No.

—¿Tenés ganas?

—Creo que todo tiene su momento. Hoy estoy muy enfocado en el trabajo. Fueron meses de muchísimo ritmo y ahora quiero disfrutar del teatro.

—Una vez dijiste que sentías que el gran amor de tu vida todavía no había llegado.

—No, para mí cuando estás con alguien hay que dedicarle tiempo de verdad y hoy no lo tengo. Prefiero salir después de la función con el elenco a tomar una cerveza, pasarla bien y estar tranquilo.

—¿Hay alguien a quien le debas disculpas?

—No. Si me equivoco en algo, lo hablo enseguida. No me gusta guardar esas cosas.

—Si tuvieras que inventar hoy un escándalo mediático, ¿con quién sería?

—Con Sofía Gonet, la Reini. Tiene una manera increíble de contar cualquier historia. Además, era clienta mía y siempre fue súper generosa.

—¿A quién llamás si tenés un problema de verdad?

—A mamá. Y a papá también, claro. Siempre fueron muy compañeros conmigo, son gran fuente de consulta.

—¿Y cuando estás triste llorás?

—Sí, pero con cosas insólitas. Veo Mulán o Frozen y me emociono. Después pienso “no era para tanto”, pero necesitaba llorar. Y también hablo mucho con mis amigos. Soy de llamar por teléfono, no de mandar mensajes.

—¿Sos lector?

—Sí. Soy muy fan de las sagas. Harry Potter lo leí como siete veces entero. Y si sale una película basada en un libro, necesito leer el libro antes.

—¿Le tenés miedo al ridículo?

—No. Después de disfrazarme de La Sirenita en el streaming perdí toda vergüenza.

—¿Cómo llegaste a ese mundo?

—Los Cella aparecieron un día en la patisserie y me propusieron hacer un programa. Yo no me veía conduciendo, pero se armó el equipo con Nati Jota, Homero Pettinatto y Eial Moldavsky y apareció una química muy linda. Los adoro. Después tuve que dejar porque el nivel de exigencia de Hairspray requería toda mi atención.

—Te llevo un karaoke ¿qué cantás sí o sí?

—Hairspray ahora. Pero también mucho Madonna, Shakira, Luis Miguel. Me gustan mucho los latinos. Hago “A mi manera” de María Marta Serra Lima, me sale hermoso. El karaoke es un gran entretenimiento para un cumpleaños.

—Si pudieras robarle un talento a alguien, ¿qué elegirías?

—Algo relacionado con la tecnología, a alguien como Steve Jobs. Me impresiona la gente que agarra un teléfono y hace magia. Yo apenas sé mandar un mail.

—¿Mentiste alguna vez para conseguir un trabajo?

—Sí. Dije que tenía un inglés perfecto y claramente no era tan perfecto. Se dieron cuenta enseguida. Pero me dijeron: “El trabajo es tuyo, prometeme que lo vas a mejorar”. Y cumplí.

—¿Cómo es Wanda trabajando?

—Gran compañera. Muy puntual, muy respetuosa, siempre con una sonrisa y muy clara con los roles. En un programa con tantas horas de grabación, tantos meses, eso se valora muchísimo.

—¿Ser querido o ser respetado?

—Querido.

—¿Que te recuerden o que te extrañen?

—Que me recuerden.

—¿Lavar siempre los platos o doblar la sábana ajustable?

—Las dos me encantan. Yo no me voy de mi casa sin hacer la cama y ventilar. Me levanto, abro, aunque haga menos 20 grados, cambio de aire, almohadones, cama y me voy. Y platos me pongo guantes y es como una terapia.

—¿Tenés un TOC con el orden?

—Sí, totalmente. Con mi casa y con el orden. Dificilísimo.

—Te invito a comer a mi casa, tardo en levantar los platos...

—Ay, me muero. Para mí la sobremesa es sin platos. Charlá todo lo que quieras, pero yo mientras voy levantando.

—¿Sexo todos los días o una vez cada tres meses?

—Todos los días tampoco, pero cada tres meses es muchísimo. Bueno, todos los días entonces.

—¿Dar o recibir un baile erótico?

—Si doy un baile erótico salen corriendo todos. Aunque con el entrenamiento de Hairspray, creo que ahora podría intentarlo.

—¿Viajar al pasado o al futuro?

—Al futuro. Aunque trato de vivir mucho el presente. Con los años perdés gente querida, amigos, y eso te enseña que hay que aprovechar el ahora.

—¿Qué le preguntarías al Betular de dentro de veinte años?

— Primero si seguimos acá. Y después cómo está el mundo.

—¿Ser la persona más rica o la más divertida del mundo?

—La más divertida.

—Completame esta frase: “La persona que más me cambió la vida fue…”

—Mi abuela Pocha. Me hacía sentir seguro. Fue un sostén enorme y reforzó muchas de las decisiones que tomé.

—“Cuando estoy solo de verdad yo…”

—Disfruto mucho de mi tiempo conmigo mismo.

—¿Lo que más me cuesta admitir es?

—Que me equivoqué en algo (risas).

—¿Sos cabezadura?

—Mucho. Ahora estoy obsesionado con el álbum de figuritas. Tengo un Excel para organizar las repetidas y el domingo voy a Parque Rivadavia y cambiarlas. A mis compañeros de teatro los obligué a comprar el álbum y cambio con ellos y sus hijos.

—¿Coleccionás algo más?

—Legos, cosas de Harry Potter, útiles escolares, libros para pintar. Amo coleccionar, me conecta con una parte muy linda de mi infancia.

—¿Los Lego los coleccionás armados?

—A veces los desarmo, los lavo y los vuelvo a armar siguiendo el manual. Guardo todos.

—¿Por qué los metés en el lavarropas?

—Porque juntan tierra, sobre todo los autos. Me ayuda a despejarme. Tengo todas las bolsas rotuladas: Ferrari, Aston Martin, Harry Potter.

—¿Cuál es la pregunta que más te molesta que te hagan?

—“¿Sos feliz?”. Porque nadie es feliz todo el tiempo. Migue Granados me la hace a propósito. Hay momentos de felicidad enorme y otros en los que perdés a alguien querido y cuesta mucho seguir.

—Lo viviste, a vos te pasó.

—Sí. Y creo que está bueno mostrar esa transparencia. Siempre trato de transmitir alegría, pero también entender que no todo es felicidad permanente. Por eso me emociona cuando alguien me dice que lo acompañé en un momento difícil o que le hice pasar un rato mejor. Ahora también me pasa mucho a la salida del teatro.

—¿Te gusta la salida del teatro?

—Ay, me encanta. Es el contacto más directo con la gente y pasan cosas hermosas, sobre todo con los chicos, que me dicen que me vieron en la tele o me traen una figurita de Messi. Y la llamo automáticamente a mamá para contarle, hablo como cuatro veces por día.

—¿Te sorprende todavía el cariño de la gente?

—Todo el tiempo. Sobre todo en los pueblos, donde te reciben como si fueras parte de la familia.

—¿Te imaginas papá?

—No. Disfruto mucho de los almuerzos familiares, de mis ahijados, de compartir tiempo con hijos de amigos, de armar un Lego o cambiar figuritas. Lo hablé en terapia y hoy no lo siento.

—Es recontra válido no querer.

—Sí, totalmente. Hoy te diría que no.

—¿Cómo es ser empresario en Argentina?

—Es un día a día. Es un desafío diario. Hay que reinventarse todo el tiempo, generar ideas nuevas y estar muy presente. El público argentino es exigente y un cliente que se va disconforme muchas veces no vuelve. Por eso insisto tanto en escuchar a los equipos y a los clientes. Nosotros trabajamos mucho con colecciones estacionales porque siempre buscamos ofrecer algo distinto. Y se viene una colaboración muy linda con una película que está por salir, que todavía no puedo contar.

—¿Qué le harías de comer a Javier Milei?

—Nunca cociné para presidentes argentinos, así que no lo sé. Igual escuché que en las reuniones sirven milanesas y esas cosas. Y yo siempre digo que está mal comer mientras hablás de trabajo. Eso lo aprendí en hotelería. Primero disfrutás la comida y recién en el postre hablás de lo importante.

—Lleva mucho tiempo la preparación de Edna.

—Llevaba. Ahora ya tenemos más ritmo.

—¿Hay un ritmo que todos fueron adquiriendo?

—Sí. Arranco con maquillaje, después peluca, rellenos, vestuario. Tengo cuatro cambios de peluca y cuatro de vestuario durante la obra.

—Salís y tenés que tener un séquito de gente.

—Sí, pero le pasa a todo el elenco. Los cambios son rapidísimos y nadie resignó nada. Fer Dente decía: “Hay que llegar”, y llegamos.

—¿Qué divismo te permitís?

—Pedir un café con leche. Nada más. El camarín lo decoré yo.

—¿Y en la vida?

—No tengo mucho divismo. Parece que sí, pero no.

—¿Viajás y qué pones en profesión?

—Chef, pastelero. ¿Qué tendría que poner ahora? Sigo poniendo pastelero.

—Ya que te gusta tanto que te lo pregunte ¿sos feliz?

—Hoy sí. Hoy estoy muy contento.

Pero detrás del presente exitoso hubo años de esfuerzo, incertidumbre y sacrificios familiares. A los 17 años se instaló en España junto a sus padres por una apuesta que todavía no garantizaba estabilidad. “Yo no perseguía un sueño económico, perseguía una pasión”, explicó. Durante mucho tiempo, viajar a torneos significó compartir habitaciones, manejar horas por autopista y competir para intentar ganar apenas “100 euros para juntar”.

En esta charla con Infobae también habló sobre las renuncias inevitables de una adolescencia atravesada por el alto rendimiento: cumpleaños, fiestas, viajes de egresados y salidas. Y aunque hoy ocupa la cima del ranking mundial, reconoció que las inseguridades todavía la acompañan. “Por momentos aparece el síndrome del impostor y por momentos, se va”, admitió.

Además, se refirió a uno de los cambios más importantes de su carrera reciente: la separación deportiva de Bea González, con quien conformó una de las parejas más queridas del circuito (las bautizaron las Superpibas), y su presente junto a Gemma Triay, la compañera con la que alcanzó el número 1 del mundo.

Con una mirada honesta sobre el deporte profesional, Delfina remarcó la importancia de la terapia, el acompañamiento familiar y la salud mental para sostener una carrera de elite. “Prepararse para perder es mucho más difícil que prepararse para ganar”, aseguró. Y dejó una definición que resume buena parte de su recorrido: “Cuando uno está convencido de que está haciendo las cosas bien y da todo por algo, alguna recompensa va a llegar”.

—¿Cómo pasaste estos días en Buenos Aires?

—Bien, muy feliz. Fueron unos días impresionantes. Me reencontré con el público, con mi familia, mis amigos. Con toda la locura del pádel en Argentina.

—¿Cuándo nace el sueño?

—El sueño nace a los 11 o 12 años, cuando empiezo a jugar al pádel. Mi papá era jugador, profesor, y es el que me enseñó todo. Mis papás se conocieron gracias al pádel, así que literalmente nací por el pádel. Es el deporte de mi vida.

—¿Ellos se conocen en un partido de pádel?

—Toda la familia de mi mamá también está ligada al pádel. Hay cierta polémica con la historia exacta, pero la versión más certificada es que se conocieron en un torneo en el que jugaban mi papá y mis tíos, ahí ellos dos se conocieron y empezaron a salir.

—¿Y tus recuerdos de infancia son siempre en una cancha?

—Siempre. En el club de mi papá, en Parque Chacabuco. Dando vueltas con la paleta, mirando jugadores, queriendo meterme a jugar.

—¿Tu hermana mayor también juega?

—Nada, cero deporte. Se dedicó a la publicidad, a la producción de eventos. Es una genia total.

—¿Y cómo recordás esa infancia?

—Muy feliz. Muy deportiva. Yo quería hacer todo: fútbol, básquet, handball, pádel. Siempre me imaginé ligada al deporte.

—¿En qué momento deja de ser un juego y empieza a convertirse en algo serio?

—A los 15 años mi papá me planteó viajar a España para probar. El circuito profesional estaba allá y era donde se concentraba el mejor nivel del mundo. Fuimos un mes y me dijo: “Probá si realmente esto es lo que te apasiona”.

—¿Era un deseo tuyo, nunca hubo presión familiar?

—Jamás. Siempre fue un deseo mío. Mi familia me acompañó muchísimo, pero nunca me obligó a nada. Sí había una idea clara de responsabilidad: si hacíamos esto, había que hacerlo en serio.

—¿Qué sentiste cuando llegaste a España?

—Que descubrí otro mundo. Yo quería ver de cerca a las profesionales y ahí entendí lo que significaba realmente vivir del deporte: sponsors, público, entrenamientos, otra estructura. Siempre fui muy desordenada con la ropa, el pelo, todo. Y de repente veía jugadoras impecables, súper profesionales. Entendí que todo eso también era parte del deporte.

—¿Cuándo tu papá pasó de ser papá a entrenador?

—Fue progresivo. También tuve otros entrenadores porque él viajaba mucho, daba cursos para profesores, tenía armado su ecosistema. Ya cuando me mudé a España, cuando llegó el momento de separarnos profesionalmente, tuvimos una charla y fue él quien me recomendó otros entrenadores. Siempre pensando en lo mejor para mi carrera.

—En ese momento seguías en el colegio.

—Sí. Incluso en el secundario me cambié a un colegio deportivo porque necesitaba flexibilidad para viajar. A los 16 años me fui cuatro meses, por ejemplo. Lo que siempre tuve claro es que tenía que terminar el secundario.

—Debe haber sido una adolescencia distinta, ¿sentís que te perdiste cosas?

—Sí, totalmente. Cumpleaños, fiestas, viajes, salidas a boliches.

—¿Fuiste al viaje de egresados?

—No. Mi papá me dio la opción de ir al viajes egresados. Me dijo si querés ir hacemos este esfuerzo. Lo podemos pagar. Y me acuerdo que había dos torneos y yo tenía una compañera también. No estamos solas, no dependemos de nosotros mismos. Al final decidí quedarme, sentía que tenía que cumplir con mi compañera y con el calendario.

—¿A los 17 te instalaste en España definitivo?

—Sí, primero con mi papá, porque también era mi entrenador. A los meses fue mi mamá y empezaron a turnarse para acompañarme. Mis papás están separados, tengo una hermana, entonces el ecosistema familiar era complejo de manejar.

—¿Y económicamente fue difícil?

—Mucho. Somos una familia de clase media y todo fue con remos. Al haber jugado, mi papá tenía muchos contactos y así fuimos consiguiendo sponsors que me iban costeando la carrera. Compramos un auto barato para viajar a torneos e intentar ganar 100 euros el fin de semana, intentando crecer.

—¿Cuándo entendiste podías vivir de esto?

—Cuando era chica nunca pensé en lo económico. El pádel no daba la plata que da hoy. Yo perseguía una pasión, no tenía una motivación económica.

—¿El pádel femenino está parejo con el masculino en lo económico?

—Más o menos. La diferencia de premios existe, aunque no es tan grande como en otros deportes, donde a veces los hombres ganan diez veces más. Lo que sí varía mucho es en las marcas y los sponsors individuales, por una cuestión de visibilidad. Si a una pareja masculina la ponen a jugar a las ocho de la noche va a tener más exposición que nosotras jugando a las diez de la mañana. Y eso mueve toda la rueda de sponsors y oportunidades, pero estamos dando batalla.

—También debe influir la cantidad de seguidores y fans. Estuve en Parque Roca y era impresionante cómo la gente te quiere. ¿Sos consciente de eso?

—De a poco. Y es raro, porque yo antes era la que estaba en la tribuna mirando los partidos. Entonces hoy intento devolver ese cariño haciendo lo mejor posible dentro de la cancha. A veces todavía me cuesta entenderlo. Pienso: “Me quieren tanto que no sé si realmente lo merezco”. Tiene que ver un poco con el síndrome del impostor. Pero trato de simplificarlo: vivo de lo que me apasiona, hago lo que me gusta e intento dar todo. Si eso le sirve a alguien como ejemplo para motivarse, yo feliz.

—¿Qué te pasa cuando jugás en Argentina?

—Es tremendo. Este año pude disfrutarlo muchísimo. El año pasado había sido parecido, pero no lo disfruté porque mentalmente no estaba preparada para vivir algo así. Esta vez vine decidida a disfrutar cada momento y guardármelo para siempre en una cajita porque es algo único.

—Aunque también debe generar más presión ser local.

—Sí, totalmente. Antes del partido le dije a mi equipo: “Voy a estar nerviosa los primeros games. Voy a entrar congelada, las piernas no me van a responder”. Porque una ya se conoce en esas situaciones. Después me fui soltando y me sentí muy bien.

—Volvamos a España. ¿Cuándo sentiste que lo ibas a lograr?

—Hubo momentos de todo, el deporte es muy montaña rusa. Un día hacés un partidazo y al otro perdés en primera ronda. Son muchos torneos, todo cambia rápido, te podés lesionar. Tuve momentos de pensar “yo puedo” y otros de sentir que no iba a poder ser jugadora profesional de pádel.

—¿Por qué?

—Porque a veces sentís que el cuerpo no da más o que, aunque estás haciendo el máximo esfuerzo, no llegás. Y cuando atrás hay tanta movilización familiar, tanto sacrificio, te preguntás si realmente vas a poder seguir creciendo o si ese es tu techo. Pero siempre aparecía algo interno que me empujaba a segu

—¿Quién te sostenía en esos momentos?

—Mi familia. Siempre. Somos un bloque muy unido y eso empuja muchísimo.

—¿Cuál es el torneo o el partido que cambia todo?

—En 2019 tuve un llamado inesperado. Una de las mejores jugadoras del circuito se lesionó y su hermana —eran gemelas y jugaban juntas— me llamó para reemplazarla. Yo estaba bastante abajo en el ranking; era una opción lejana. Para mí fue una oportunidad enorme. Ahí sentí por primera vez que podía sostener el nivel, jugar partidos importantes seguidos y que me daba la cabeza para eso.

—Vos venías trabajando muchísimo y ese llamado abre una puerta.

—Sí. Me permitió experimentar lo que era jugar con presión real. Las hermanas habían sido número uno del mundo durante años, eran referentes del deporte. Y ahí apareció el desafío de demostrarme si estaba o no a la altura.

—Después vino la pandemia.

—Sí. En Madrid estuvimos tres meses completamente encerrados. Fueron meses difíciles, suerte que en 2019 me había ido un poco mejor y había podido juntar un poco de los premios, de los torneos, y teníamos un colchoncito para estar tranquilas con el alquiler hasta que volviera el circuito.

—Hablás mucho de las compañeras. ¿Qué es más difícil: armar una dupla o separarla?

—Separarla, porque armarla siempre tiene ilusión. Una compañera es casi como una pareja. Compartís viajes, hoteles, entrenamientos, emociones, la veo más a ella que a mi mamá o a mis amigas. Entonces hay que cuidar mucho ese vínculo, hablar todo, hacer acuerdos.

—¿Cómo fue separarte de Bea González, después de tantos años de jugar juntas?

—Muy duro. Era una decisión que me pedía el cuerpo: necesitaba darme un poco de oxígeno. Seguimos siendo muy amigas y pudimos hacer que nuestro vínculo continúe de la mejor forma. Pero fue muy duro, porque no hay decisiones correctas en esto y podía arrepentirme, pero necesitaba renovarme. Veníamos de un año difícil, ella se había lesionado un par de veces y yo intenté hacer lo mejor para la pareja. Seguramente en un futuro nos volvamos a juntar.

—¿Y cuando juegan una contra la otra?

—Ahí ya no somos tan amigas (risas). Pero sabemos que el cariño sigue estando.

—¿Cómo se llevan con Gemma Triay, tu nueva compañera?

—Nos llevamos súper bien.

—¿Qué te genera el boom del pádel en Argentina?

—Me encanta. Yo vi todas las etapas del deporte: cuando explotó, cuando fue cayendo, cuando nadie sabía qué era. Cuando en mi colegio, que era deportivo, decía que jugaba al pádel me miraban raro. Ahora todos juegan, me reencontré con muchos compañeros, gente que me escribe diciendo que ama el pádel, que la junta con su familia, con su pareja, me parece espectacular.

—¿Cuántas veces entrenás por semana?

—Todos los días.

—¿Y todos los días tenés ganas?

—No. Muchas veces no tengo ganas, pero voy igual.

—¿Cuántas horas entrenás por día?

—Entre pádel y físico son unas cuatro horas y media por día. Y después está toda la parte invisible: psicólogo, kinesiólogo, fisio, médicos. Dedicarse al deporte es darle tu vida.

—Recién nombraste al psicólogo. ¿Qué tan importante fue?

—Fundamental. Empecé en 2019 y fue un antes y un después en mi vida personal y deportiva. Al principio me ayudaba simplemente hablar y después, tener a alguien que te ayude a ordenar prioridades, cambia todo.

—¿Hay que prepararse más para ganar o para perder?

—Para perder. Muchísimo más. Soy muy competitiva y perder me frustraba muchísimo. A veces hay que perder muchas veces antes de empezar a ganar, y otras ni siquiera llega el triunfo. Es muy duro.

—Es interesante esto que decís, o sea, para poder ganar hay que haberse bancado perder muchas.

—Mucho y para ser número uno. Siempre lo dijeron los grandes del deporte, lo escuchás a Federer y te dice que del 100% de los puntos que jugó, ganó un 56%. Y vos decís: pero es Federer.

—¿Qué sentiste cuando llegaste al puesto número uno?

—Una felicidad tremenda, pero también alivio. Fue pensar: “Llegamos”. Nos fuimos a España, nos movilizamos, todo valió la pena. Y lo festejamos todos juntos.

—Contame, ¿cómo fue?

—Llegábamos con puntos muy parecidos con otra pareja que eran las número 1, nosotras éramos número 2, y llegábamos con puntos muy parecidos. Había un torneo que fue el Major de Acapulco el año pasado en México que iba a definir bastante. Era el anteúltimo torneo. Entonces depende lo que hicieramos las dos parejas definía un poco de quién iba a quedar al final número 1.

—¿Ustedes jugaban una contra la otra o estaban cada una...?

—Cada una empezando el torneo. La verdad que yo no estoy mucho en la noticia, de qué pasa, de qué va a pasar. Toda la gente especulaba. Y yo la verdad que no estaba muy ahí. Y estábamos viendo un partido de nuestras posibles rivales en una hipotética final, que faltaba mucho y veíamos que perdían y todo el equipo se empezó a reunir a mirar el partido. Todos tensos. Y yo miraba el partido. Estaba como en otra viste. Y cuando pierden me acuerdo de estar así y la miro a mi compañera y mi compañera me mira y me dice: “Ya está”. Porque matemáticamente ya éramos número 1. Íbamos a terminar el año número 1. Yo no me había parado a pensar, porque era mi forma de procesar lo que estaba pasando para sacarme presión. Y ahí fue cuando quedamos número 1, festejo, brindis, champán. Y teníamos que seguir el torneo. Teníamos que seguir jugando.

—Que espectacular.

—Increíble.

—¿Se fue esta imagen del impostor?

—Por momentos aparece y por momentos se va.

—¿Te importa mucho el vínculo con las nuevas generaciones?

—Muchísimo. Me escriben muchas chicas que quieren dedicarse al pádel e intento estar cerca y ayudarlas en todo lo que pueda, porque cuando empezás, cualquier mano suma mucho.

—¿Qué falta para impulsar más el pádel femenino en Argentina?

—Creo que la Asociación está tomando cada vez más fuerza y potenciando cosas muy buenas. Organizar un torneo como el que hicieron acá en Parque Roca es importantísimo, parecía un torneo europeo. Poder acercarle este nivel de competencia a gente que tal vez vive en un pueblo de Córdoba y no tiene la posibilidad de viajar o de ver algo así tan de cerca, fue impresionante. No era un torneo “hecho así nomás”, realmente lo hicieron a lo grande. Y eso, para una chica que está empezando, significa mucho. Porque uno necesita sentir que eso que ve también lo puede alcanzar. Ahí es donde empezás a proyectar.

—¿Qué te pasa cuando nenas te dicen que quieren ser como vos?

—Es súper lindo. Siempre me imagino a mí cuando era chica, porque es la mejor forma que tengo de empatizar y sentirme cercana a ellas.

—Delfi, te voy alguna maldad, teniendo que elegir entre dos situaciones: ¿ganar feo o perder bien?

—Ganar feo. Siempre.

—¿España o Argentina como lugar para vivir el resto de tu vida?

—Argentina. Siempre.

—¿Preferís que te recuerden como la mejor jugadora de la historia o que tus amigas del colegio te llamen para decirte que empezaron a jugar al pádel?

—Uf… Creo que me recuerden como una gran jugadora está buenísimo, pero también que mis amigas sigan ahí conmigo.

—¿Final sufrida en tres sets o título fácil?

—Título fácil (risas). Tampoco vamos a elegir complicaciones.

—Cuando perdés una final, lo primero que hacés es…

—Sentarme en silencio.

—¿Qué le dirías hoy a esa Delfi de 17 años que se fue a España?

—Que no sea tan severa consigo misma. Que esté un poco más tranquila. Ya estaba haciendo muchísimo esfuerzo y, cuando hoy miro para atrás, pienso que tendría que haber aflojado un poco conmigo misma. A veces somos nosotros los que nos decimos las peores cosas.

—Viene una Delfi del futuro, dentro de 20 años. ¿Qué le preguntarías?

—Si pudo formar su vida más allá del deporte.

—¿Tenés claro cuál es tu sueño?

—Me encantaría formar una familia y poder equilibrar mi carrera con una vida personal feliz.

—¿Sentís que para los hombres eso es más fácil?

—Totalmente. Biológicamente, no tener la responsabilidad de pasar por un embarazo es una ventaja para un deportista.

—¿Te imaginás entrenadora?

—Sí, algo relacionado con el deporte voy a hacer.

—¿Qué significa la Selección para vos?

—Me genera muchísima ilusión. Son de las semanas más felices de mi vida deportiva. Juntar a Argentina y al pádel es todo para mí. Este año es en noviembre y se juega en Doha, Qatar.

—¿Elegís ser número uno o ganar el Mundial con Argentina?

—Hoy elijo ganar el Mundial con Argentina.

—¿Sentís que hoy disfrutás más?

—Sí, aunque sigue siendo una montaña rusa, pero intento mantener un equilibrio: ni estar demasiado eufórica cuando las cosas salen bien ni demasiado abajo cuando salen mal.

—Me gusta que cuentes también la parte difícil del camino. El esfuerzo, las dudas, la importancia de la familia acompañando. Porque hoy hay mucha gente perdida, preguntándose si vale la pena seguir un sueño.

—Yo siempre tuve claro que el camino era para adelante. Mi cuerpo me decía que tenía que estar en España, que tenía que entrenar y esforzarme porque algo bueno iba a llegar. Y creo que, cuando uno está convencido de que está haciendo las cosas bien y da todo por algo, alguna recompensa aparece. Y, si no aparece, al menos te vas a dormir tranquilo sabiendo que hiciste todo lo que estaba a tu alcance.

—¿Hay algo que te gustaría transmitir?

—Me parece importante hablar de la salud mental, de la familia y del esfuerzo que hay detrás de todo. Es muy importante mantenerse mentalmente tranquilo, acomodado, acompañado por profesionales que te ayuden a estar bien, tanto cuando las cosas salen bien como cuando salen mal. Y también aprender a valorar esos momentos de micro felicidad y estar realmente presente en ellos.

—¿Te sale eso de estar presente?

—Lo practico todos los días. Todo el tiempo. En el torneo tuve la posibilidad de abrazar a mucha gente y, en esos momentos, intentaba realmente estar ahí, mirar a la persona, darle un abrazo de verdad. Porque eso es lo que queda, lo que se van a llevar de mí.

—¿Alguna vez choluleaste a alguien?

—No soy muy cholula, la verdad. Pero me pasó con Luciana Aymar. La conocí y me impactó muchísimo que sea una persona tan talentosa y al mismo tiempo, tan normal y tan cálida.

—¿La terapia también ayudó cuando cambió la economía familiar?

—Sí, totalmente. Ahí valoré la educación que me dieron mis papás. Siempre me enseñaron a ser independiente, a manejar mis cosas, mi carrera, mi plata. Hoy cuido mi economía, tengo gente que me ayuda, obviamente, pero siempre me inculcaron la importancia de saber manejarme sola en todos los ámbitos.

—¿A tu familia pudiste agradecerle todo lo que hicieron por vos?

—Sí, siempre. Yo soy mucho más de demostrar con actos que con palabras. Soy cariñosa, abrazo mucho, pero quizá no me sale tanto decirlo. Me sale más demostrarlo estando presente y pensando siempre en ellos.

Si querés contar tu historia escribinos a:voces@infobae.com

Francisco “Pacho” Maturana fue el técnico que hizo que Colombia volviera a una Copa del Mundo en 1990, dirigió dos torneos de esta índole con la Tricolor, fue el estratega del equipo campeón de la Copa América de 2001 y levantó la primera Copa Libertadores ganada por un club cafetero.

A nivel internacional, es uno de los pocos entrenadores colombianos que ha llegado a dirigir en las ligas más importantes de Europa y en la actualidad, sigue siendo mencionado como uno de los referentes del deporte más popular en Sudamérica.

A pesar de que lleva varios años alejado de la dirección técnica y que trabaja desde un rol diferente en Atlético Nacional, Maturana no ha dejado de recibir ofertas de clubes que buscan que retome la profesión que lo convirtió en una leyenda del fútbol colombiano.

Maturana confesó por qué no dirigirá más

La posibilidad de que vuelva a estar en la línea técnica de un equipo fue una de las preguntas que le hicieron a “Pacho Maturana” en el pódcast “Un Break Más”, en el que el oriundo de Quibdó confesó que se trata de un tema de tiempo.

“No, uno presiente muchas cosas. Yo tenía mis momentos cuando pensaba (en volver a ser entrenador), en África hace poquito, pero ya no, no me interesa, porque ya sé que lo que me queda es poquito, tengo esa sensación”.

Maturana hizo una reflexión sobre la muerte al hablar de dónde están sus colegas del fútbol que eran mayores y que ha tenido que despedir en los últimos años. “Hay un escenario en el que ya están los amigos míos, y en ese escenario ellos están por allá calentando”, fue la respuesta del exfutbolista de 77 años.

El estratega confesó que está preparado para el momento de morir y reveló que sobre ese tema solo tiene algo que no ha podido definir con el paso del tiempo y es cómo aceptar la pérdida de su mamá.

“Solo hay una muerte que yo no entiendo o tengo una directriz de ese tipo de muerte, es la muerte de una madre. Para mí, las madres no mueren, sino que en su infinita generosidad, se transforman para poder estar con uno en todas partes”.

Francisco Maturana habló de su día a día y el cuidado que afirma tener por parte de su madre, a la que afirma ver en diferentes lugares.

“Hay momentos en los que uno decía: ‘No llame a mi mamá’, siempre estaba la mamá ahí. Pero cuando la madre muere, uno ya no siente eso, sino que uno mira para un lado y la ve, uno mira para allá y la ve. Ella siempre está pendiente de uno, o uno la siente, mi mamá yo no sé hace cuántos años se murió, pero yo sigo pensando que no se ha muerto. Yo, semanalmente voy, converso con ella y me vengo mucho más fuerte, pero sé que en cualquier momento estaré por allá, porque ella debe estar pegada de Dios para que nos dé la mano”, puntualizó.

Cabe recordar que los últimos clubes que dirigió Maturana fueron Al Nassr, en el que actualmente milita Cristiano Ronaldo, Once Caldas y Royal Pari de Bolivia.

En 2012 dejó Arabia luego de dirigir en 25 partidos al equipo de Medio Oriente, en 2017 fue despedido de Once Caldas tras 21 compromisos y su última experiencia fue en Bolivia, en donde terminó el torneo local de 20 jornadas.

Desde entonces, Maturana forma parte de la junta directiva de Atlético Nacional y se desempeña como Director de Desarrollo. Su labor incluye apoyar en la formación de jóvenes talentos y aportar su experiencia en aspectos tácticos, especialmente en defensa.

La gastronomía colombiana es una de las más apetecidas en Sudamérica, motivo por el que el chef Rey Guerrero será parte de varios eventos, incluyendo la feria Furia de Chile, para hablar sobre lo mejor de la comida cafetera.

Junto a Claudia Peláez, Guerrero buscará destacar la identidad, memoria y patrimonio cultural del Pacífico colombiano a través de la cocina y su potencial como herramienta para el diálogo intercultural en el continente.

Rey Guerrero nació en Cali y tiene raíces de Buenaventura, se ha especializado en la cocina tradicional afrocolombiana del Pacífico y durante su trayectoria ha resaltado ingredientes autóctonos y técnicas ancestrales en escenarios internacionales. Ha presentado su cocina en más de 25 países y ha dado visibilidad a productos como la piangua, el coco, el viche y diversas hierbas tradicionales.

Además de su labor como cocinero, Guerrero es autor del libro Sabores de Resistencia, la cocina de Rey Guerrero, una obra que combina recetas, memorias y relatos de cocineras tradicionales afrocolombianas. El libro fue reconocido en 2025 con el Gourmand World Cookbook Award en Arabia Saudita, en la categoría de Mejor Libro de Literatura y Cultura Afroamericana del Mundo.

En diálogo con Infobae Colombia, Guerrero habló sobre la importancia de destacar la gastronomía colombiana en el mundo, su amor por el Pacífico y el trabajo investigativo que ha hecho para volverse un experto.

¿Cuál es la importancia de compartir su gastronomía en Latinoamérica?

“Compartir la gastronomía del Pacífico colombiano en Latinoamérica es tender puentes entre pueblos que han construido su identidad desde el mar, la resistencia y la diversidad cultural. Nuestros sabores cuentan historias de memoria, de herencia afrodescendiente y de comunidades que han preservado conocimientos ancestrales durante generaciones. Estar en Chile representa la oportunidad de demostrar que la cocina no es solo alimento: es cultura viva y una forma de reconocernos como región”.

¿Qué significa para usted representar al Pacífico colombiano en un escenario internacional como Furia de Chile?

“Cualquier escenario donde nosotros podamos tener voz es supremamente importante, siempre se nos ha narrado desde otras orillas diferentes a las nuestras y muchas veces esas narraciones son diferentes a la realidad”.

“Representar al Pacífico colombiano en Furia de Chile es llevar esa voz, pero desde el mismo territorio, un territorio que tiene mucho que aportar al mundo desde su cocina y su identidad cultural. Después de cocinar en 25 países, sigo convencido de que cada plato es una conversación sobre quiénes somos y de dónde venimos. Mi propósito es que Latinoamérica descubra en nuestros ingredientes, técnicas y relatos una gastronomía con profundidad, dignidad y enorme valor cultural”.

¿De qué manera se combinan el conocimiento de la culinaria tradicional y las investigaciones que ha realizado?

“La cocina tradicional es nuestro punto de partida y también nuestra raíz. Todo lo que hacemos nace del respeto por los conocimientos que han sido preservados por generaciones en los fogones del Pacífico colombiano, pero la cocina es un territorio vivo, y por eso la investigación nos permite dialogar con otros saberes sin perder nuestra identidad”.

¿Qué puede destacar de ese trabajo investigativo en Brasil, Trinidad y Tobago, Costa Rica, Paraguay y el Amazonas?

“Las experiencias e investigaciones que hemos desarrollado en lugares como Brasil, Trinidad y Tobago, Costa Rica, Paraguay, Colombia y el Amazonas nos han permitido reconocer conexiones profundas entre pueblos que comparten historias ligadas al agua, la biodiversidad y las herencias afros e indígenas. Somos una misma cultura, tenemos una historia de resistencia compartida, técnicas e ingredientes iguales solo que con nombres diferentes. Lo que hacemos es comprender cómo otras culturas protegen esas mismas memorias alimentarias y las transforman en sus territorios y en propuestas gastronómicas con un valor cultural y social”.

Basado en el libro del periodista Andrés Burgo, el documental El Partido reconstruye desde una mirada coral el histórico cruce entre Argentina e Inglaterra en el Mundial de México 86, el día de “La mano de Dios” y “El gol del siglo”. Lejos de enfocarse únicamente en Diego Maradona, la película dirigida por Juan Cabral y Santiago Franco pone el foco en quienes rodearon aquella gesta: jugadores, utileros, árbitros y protagonistas secundarios que reconstruyen el encuentro desde recuerdos personales y muchas veces contradictorios. Con Jorge Valdano y Gary Lineker como narradores, el filme los muestra reaccionando frente a imágenes del partido y reflexionando sobre el peso cultural y político de aquel duelo atravesado por la Guerra de Malvinas.

El documental también explora el costado más íntimo y supersticioso de la selección argentina, desde canciones rituales hasta cábalas insólitas en el estadio Azteca, mientras recupera testimonios de figuras como Oscar Ruggeri, Jorge Burruchaga, Ricardo Giusti, John Barnes y Peter Shilton, el arquero que sufrió los dos goles de Maradona. Tras su estreno en la sección Cannes Premiere, El Partido recibió elogios de la crítica internacional, que destacó su capacidad para trascender el deporte y convertir un partido histórico en una reflexión más amplia sobre identidad, memoria y emoción colectiva.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Juan Cabral y Santiago Franco en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, gracias por este ratito para hablar con nosotros, felicitaciones por la película, hicieron un recorrido espectacular. Quiero empezar hablando de Cannes. Ustedes están recién llegados de Cannes, ¿no? ¿Cómo fue la experiencia? Porque formar parte de un festival tan prestigioso para cineastas y realizadores, y bueno, la gente que lo conoce, debe ser algo increíble. ¿Cómo fue la experiencia general?

Juan Cabral: —Nosotros venimos hace como dos años trabajando en el proyecto y arrancar así en sala llena, que es una sala de mil personas, de todo el mundo… Mucha gente que por ahí no tenía idea de fútbol. Vas sintiendo la sala vibrando… Incluso algunos no sabiendo el resultado, y con muchas risas, con mucha emoción… Y al final, la gente nos preguntaba cosas como… Fanes de Bilardo que no lo conocían. O sea, es transformadora la película, es como muy fuerte lo que pasó ahí.

—Tal cual. ¿Y cómo fue el tema de los aplausos? ¿Cómo funciona eso habiendo estado allá? ¿Cómo lo vivieron?

Santiago Franco: —Yo todavía estoy procesándolo, sinceramente. Es como… Es un montón. Sí, la verdad que de golpe, hacia el final de la película, hubo un aplauso sostenido increíble… Donde se te cruzan todas las historias que te podés imaginar por la cabeza, después de dos años de estar trabajando, y por suerte también la posibilidad de que nos acompañaran parte del equipo… Y poder verles las caras y compartirlos con ellos. Flora, nuestra productora, nuestras familias también, y el equipo de edición, archivo. Porque la realidad es que para hacer una película de estas características necesitas un equipo enorme… Dispuesto al ciento diez por ciento, que te apoye al cien por cien, y… Y bueno, eso sucedió, y poder compartirlos con ellos… Es un privilegio enorme.

—Qué lindo. Y quiero volver al principio, ¿no? Esos dos años de trabajo, empezando por el punto de partida, porque hay muchas cosas, ¿no? Más allá que está basada en una novela, en “El partido”, y que tiene también un componente político importante. ¿Cuál fue ese primer punto de partida de ustedes que dijeron, “Ok, desde acá”, “Es esto”?

Santiago Franco: —Bueno, puntualmente hace dos años, en mi cumpleaños… Juan llega, nos juntamos a tomar unos tragos… Y me regala una copia del libro de Andrés Burgo, que se llama “El partido”, un libro… Fantástico, que empecé a leer automáticamente, y me enganchó tremendamente, y a los pocos días nos vemos de vuelta, y le digo, “Che, el libro es fascinante”, yo sin saber de antemano que Juan se había comprado una copia para él, también. Él tenía la idea en su cabeza previamente de hacer un documental, y me dice: “Qué bueno que te gustó, hagamos un documental juntos”.

Juan Cabral: —Era un regalo del libro y tenía dentro un viaje a Cannes que no sabíamos, ni yo lo sabía, pero un “regalo boomerang”, en el fondo, por ahí.

—Bien, ¿y por qué querías que fuera Santiago?

Juan Cabral: —Somos amigos hace mucho tiempo, más de diez años, a través de un amigo en común, que los dos queremos mucho, casi que... Lo conozco a través de, bueno, lo conozco a través de mi amigo. Para mí “El partido” empieza mucho antes, ¿no? Con mi abuela que un día llegué del colegio y estaba viendo un partido que era rarísimo, y me dice, “Esto es un mundial, este es Maradona, tenía que verlo”, y bueno, fue transformador. Ahí arranca… La película arranca cuando empieza un partido y cuando termina. Está todo como unido ahí. Y esto hasta me da fiebre decirlo, porque parece como… Pero yo tengo otra película que está ahora en cines también, que se llama “Risa y la Calamidad del Viento”, y yo sabía que tenía que sacar las dos películas a la vez… Y se venía el mundial, y esta película tenía que salir en cines ahora. Y necesitaba al mejor aliado posible, y sólo me apareció en la cabeza Santi.

Es más, yo iba a hacer el libro… Más allá del libro de “El partido”... Entonces lo fui a buscar y se lo di, porque no importaba… Qué leyera. Ahora, cuando me pongo a ver lo que escribe Andrés Burgo de “El partido”, era una biblia de referencia absoluta, porque… Te habla de qué pasaba en cada momento durante el partido, un poco antes, un poquito después y demás. Nosotros nos lo llevamos a algo planetario y súper borgiano, y casi “2001 Odisea en El espacio”... Y nos pusimos a hablar de cómo, de estas ideas, porque “El partido” arranca… Cuando vino, bueno, ¿las Malvinas? No, arranca cuando vino “Queen” a la Argentina, Freddie Mercury llamando a Maradona al escenario, que es un capítulo alucinante, parece un capítulo de TikTok… De cinematografía, tremendo. Bueno, y... Cuando hay un tipo que se llamaba Byron, que es el que… Un inglés que llegó y le puso bandera a una tierra, que… ¿Cuándo empieza ese partido? Y ahí se puso en marcha un poco los motores a encontrar esta historia.

—Me gusta mucho eso de volver como al principio, que bueno, le planteaste esto: “Che, hagamos un documental”, empezaron un peloteo, ¿cómo? ¿Se fueron juntando en bares, en la casa de uno, en la casa del otro...? ¿Armaron...? No sé, ¿pusieron una placa y un corcho uniendo con los pines? No sé. ¿Cómo hicieron en ese sentido?

Santiago Franco: —Recuerdo la primera charla que fue muy concreta, en la cual Juan puso dos banderas muy claras, que a mí me… Me parecieron fascinantes, porque hay que entender… Por ahí la gente no lo sabe, pero embarcarse en una película es un proceso largo, de dos años, en el cual sabes que vas a dormir muy poco, durante mucho tiempo, tenés que dar la vida, todo está en contra, armado para que no salga, y entonces hay que batallar a morir. Y él me bajó dos conceptos muy claros, que era su mirada de qué es lo que le interesaba de esto. En primera instancia, un relato que intente ser, dentro de lo posible, medianamente objetivo. Por eso nosotros tenemos una narración que la llevan a cabo Gary Dienegger, quien para los que no lo conocen, es un filósofo del fútbol inglés… Protagonista del partido del lado inglés, y Jorge Valdano, por otro lado… También, que todos lo conocemos, jugador argentino, otro filósofo, ¿no? Que nos van narrando la película.

Entonces, de un lado, en esa charla estaba la objetividad, la idea de tratar de darle la entidad al partido, como, es el partido más icónico de la historia… Y eso tiene que transmitirse desde ese lado. Tratar de escuchar, dentro de lo posible, un relato objetivo… Que era algo que quizás es más difícil de ver previamente en antecedentes, ¿no? Siendo dos argentinos, era un desafío. Claro. Y por otro lado, algo clarísimo también, que era que la calidad en la cual nosotros teníamos que producir este documental tenía que verse increíblemente bien. ¿No? Nunca negociar eso, de alguna manera. Y es una dificultad, entendiendo que son, por ahí, archivos que son viejos, que es difícil de restaurar… Pero de lo que fuera de nuestro lado, desde cómo planteamos las entrevistas, que bueno, que tiene su estética particular… Eso debería verse impecable. Entonces, para mí, ya con esas dos premisas, me parecía extremadamente interesante meterse y embarcarse a este proyecto.

Juan Cabral: —Porque la peli es como una tesis. Se llama “El Partido”. “El Partido”, no solo es fútbol, es “El Partido” para mí, como… Infinito lo que se condensa ahí. Entonces, todo tenía que estar al nivel de eso. Y uno de los primeros desafíos era… Una idea que se le suma por sobre el libro, que es, “Che, juntemos a los jugadores de ambos equipos a que vean esto”. Y ver toda esta película a través de sus ojos. Ellos están en un espacio así, con una pantalla gigante… Y no hay nada entre ellos, ¿viste? A veces ves “The Last Dance”, de Jordan y está en su casa, ves un habano, ves, no sé, cosas que por ahí no hacen falta. Y acá estás solamente abstraído ahí. Y ellos es como que despiertan este viaje cósmico que plantea la película… Y te vas metiendo, si no sabés nada de fútbol, te metés. Si no sabés nada de historia, te metés. Y de golpe te vas dando cuenta que “Che, este es el partido”. No hay otro partido… O sea, todos los partidos son como reflejos, y después habla de una idea de que seguimos jugando, seguimos cruzando entre mundiales, contra Inglaterra, por ahí… Pero habla de un juego planetario también la película, porque el partido ese encapsula… Un montón de cosas, pero ante todo hay dos goles. Hay uno que es el gol más… Pícaro, podés decirle. Pero bueno, es una trampa mortal que hace el Diez, es un truco de magia, como dice Olarticoechea.

Y es el otro que es el más bello… Por ahí de la historia, por contexto y demás. Y bueno… Así solo lo podés ver y podés decir, “Che, qué lindo lo que hizo este tipo”. Pero hay mucho más. Y la película se mete a abordar eso. Yo miro la pelota y miro el planeta. Y en el final, cuando Valdano dice, “Bueno, había un mundo que era redondo como una pelota...”, y… Y en realidad lo escribió esto Borges. Fueron parcelados, como si nos hubieran metido esta mentira de que somos distintos, pero no. Pero la película es súper argentina, porque también está “Virus”, está… Charly García, está todo eso, pero también somos hermanos de los que están ahí. ¿Cómo vamos a elegir jugar este partido que es planetario de la vida? ¿No? Que… Ya me pongo recontra poético, pero bueno, vivimos en un planeta ahora donde no nos podemos entender… Por las banderas. Y las banderas son hermosas, pero si son para unir, no para dividir. Digamos, como, “Che… Vistamos de colores este planeta”. El partido también encierra ese mensaje, está encriptado ahí. Y espero que la película lo revele y lo vas viendo… Decíamos hace un rato, “Che, qué linda película para colegios”, porque, no sé, a mí me encantaría, como, meterte en la historia y entender lo que sos y también entender que hay un otro lado. Y la película espera mostrar todos los lados para que eso sea una celebración.

—Totalmente, es una re linda película para mostrar en colegios también… Y, ¿tomaron algunas decisiones sobre la marcha? Por ejemplo, “Che, esto...” No sé, un material de archivo que no tenían pensado sumar, que a último minuto sumaron… La decisión del blanco y negro, por ejemplo, sobre los entrevistados. ¿Iban viendo y decían, “Che, esto estaría bueno, sí, esto no”, o ya estaba todo hiper mega pautado?

Santiago Franco: —Había mucho pautado previamente. También, lógicamente, el material mismo te propone una resistencia… Que le da una estética, ¿no? O sea, intentar conseguir ciertos… Hay que entender que es muy complejo la gestión de archivo, ¿no? Y carísimo. Y hacer un documental es poner la vida ahí. Por eso destaco nuevamente equipos gigantes que te van empujando y ayudando a lograr gestiones de 70 fuentes diferentes… Para lograr lo que se logró, interconectar material como lo logramos es un laburo descomunal. Y a veces se genera que vos quisieses tener algo a priori y eso no se consigue y entonces, “Bueno, ¿de qué manera creativamente podemos encontrar una vuelta?”... Y después había ya cosas como más preestablecidas. La idea del blanco y negro, esto era algo muy presente también en las primeras conversaciones, ¿no? Un espacio neutro en donde se da las entrevistas… Que es como una especie de ámbito abstracto donde el partido sigue viviendo y eso es en blanco y negro y es como lo que sería la línea del presente… Que después al final hay como una especie de pequeño guiño con respecto a eso. Y el partido, el recuerdo en color, vivo, presente… Eterno, de alguna manera.

Juan Cabral: —Y aparte, digo, decís “80 fuentes de archivo” y por ahí la gente no entiende bien. Es para hacerla entretenida. Hay ángulos del partido que no viste nunca. Hay detalles de afuera de la cancha también que están buenísimos. Y está lleno de material visual que es como si fuera un TikTok con esteroides pero lindamente filmado. Es como, fuimos por esos capítulos que te van metiendo hasta que de golpe es… Arranca 200 años antes del partido nuestra historia por lo menos. Y lo ves y decís, “Che, ¿esto por qué?”, y te vas metiendo. Y decís, “Che, ¿hasta el último momento?”... Sí, porque lo último que metimos fue el material de Malvinas. Mandamos a un dronista a filmar y capturar todo eso y el final, no quiero spoilearlo, pero hay un momento donde te deja… Solo en la pantalla y ves una tierra vacía, sin nombres, sin banderas. Hay 7 segundos que estás ahí y decís, “¿Qué hago acá en este espacio marciano y alienígena?”... Y dice, “40 años después del partido”. Y al final sucede algo que es como el prestigio de la película, que es… Un encuentro fabuloso de un modo… Que realmente vale la pena verlo porque te atraviesa totalmente como ser humano.

—Completamente. Y ya para cerrar esta entrevista, ¿qué quieren que... ? Un poco me lo respondieron, pero, ¿qué les gustaría que se transmita a la gente cuando ven esta película en la pantalla grande por primera vez?

Santiago Franco: —La verdad es, bueno, haber logrado generar que el partido en sí mismo tenga la entidad que merece. Porque… Volvemos a la frase inicial que tiene la película, ¿no? “¿Cuándo empieza un partido, cuándo termina?”... Para nosotros, este evento, como argentinos, que es parte de nuestra cultura, que… Realmente nos atraviesa en muchísimos sentidos… Quizás cada uno tenga de su lado la propia expectativa de qué es lo que quiere ver. A mí me encantaría que cualquier persona que pueda ir… Que entienda que esto es una película que excede lo futbolístico… Que va más allá de lo deportivo… Que uno puede aprender, que uno se puede emocionar, que se puede reír y que es… Es realmente para todo el mundo. No queríamos nosotros hacer una película sesgada al fanático de fútbol. Y mirá que yo soy bastante termo a todo esto, ¿no? Pero creo que eso fue una invitación a abrir la cabeza, en lo personal, la experiencia para mí tiene que ver con eso. Y realmente que… Se dejen… Atravesar por lo que la película propone… Las imágenes de por sí ya todos las conocemos, sabemos que emocionan. Y reencontrarse con eso, un tributo a ese partido, a los 22 que estuvieron... Más. Que estuvieron dentro de la cancha. A todo el esfuerzo que hay alrededor de eso. Y todo lo que excede de ese hermoso evento que sucedió el 22 de junio del 86.

Juan Cabral: —Sí, yo me acuerdo, intentando responder esa pregunta, que es como difícil de… Me acuerdo cuando fui a ver “Héroes” al cine, con mi papá y mi hermano. Es una película bellísima sobre el Mundial 86 y es… Tenemos bastante material de ahí, que está filmado en 35 y es, bueno, todo lo que fue un Mundial increíble de Argentina y de Maradona y demás. Pero bueno, 40 años después… Llevar eso a la pantalla con todo lo otro que yo no sabía. Yo veía que ese partido era especial… Y que esos 22 tipos entraban con un collar de melones invisible, ¿viste? Y de dónde...“¿Qué es esto que está latiendo acá?”. Y sabía que había una guerra pero sabía que estábamos jugando un Mundial que es algo como planetario, bueno… Y toda esa visión un poco, eh, casi… Infantil que tiene del juego, la película… Pero la belleza del juego es eso y excede el fútbol, porque hay algo que como humano te podés conectar… Y… Después en un momento dice, “Si nos hacían el gol con la mano a nosotros, estaríamos corriendo al árbitro...”, Y se ríe y después hay ese encuentro fabuloso y se dicen ciertas cosas. Y la película llega antes del Mundial… Como para ponerte y calentar motores y demás pero busca realmente… Entregar cierto… ¿Viste? Estamos encarando un Mundial como súper… Difícil de explicar, el mundo está convulsionado con un montón de cosas… Y bueno, la película busca poner espejo parar un poco, mirarnos… Y entrar a ese Mundial con mucha actitud y alegría. Pero bueno, entendiendo también a lo que vamos a jugar, que es un juego.

En esta charla íntima, Mora repasa el detrás de escena del éxito de la serie —que estrenó su segunda temporada en HBO Max— y habla de cómo cambió su vida desde aquel casting al que llegó casi de casualidad. “Yo no quería ser influencer, no quería ser famosa. Quería recuperar eso que sentía cuando actuaba de chica y todo era un juego”, cuenta.

La actriz también se anima a hablar del costado más difícil de la fama repentina: la presión, el agotamiento emocional y la necesidad de separar a “Mora” del personaje que interpreta. “Margarita me llevó puesta durante un tiempo. Perdí un poco mi día a día, mis amigas, mis espacios. Tuve que volver a encontrarme conmigo”, reconoce. En ese proceso, asegura que el apoyo de su familia, sus amigas y la presencia constante de Cris Morena fueron fundamentales.

Además, por primera vez profundiza sobre su relación con Toti Spangenberg, compañero de elenco y pareja en la vida real. Entre risas, admite que al principio les costaba distinguir qué parte de lo que sentían pertenecía a la ficción y cuál era real. “Había escenas románticas todo el tiempo y yo decía: ‘¿Esto es Margarita y Merlín o nos está pasando de verdad?’”, recuerda.

Entre anécdotas de castings, confesiones sobre terapia, educación financiera y el sueño pendiente de hacer una gira, Mora muestra una versión mucho más madura de sí misma. “Lo único que le pediría a la Mora del futuro es tranquilidad”, dice en esta charla con Infobae. Y aunque asegura que todavía siente vértigo frente a todo lo que vive, también tiene claro qué quiere para adelante: “No quiero que esto sea solo un momento. Quiero seguir viviendo de actuar toda la vida”.

—Qué crecimiento este año.

—Fue un montón. El año pasado fue una locura. Desde que arrancó Margarita siento que pasaron como cuatro años y que tengo 20 años de experiencia con todo lo que vivimos. Imaginate.

—Fueron años condensados porque desde el casting y el entrenamiento hasta verla al aire pasó bastante tiempo.

—Pasó muchísimo. Hubo mucha exposición, catorce Movistar Arena, después grabamos enseguida la segunda y la tercera temporada. En el medio, Tecnópolis. Fueron demasiadas cosas en muy poco tiempo. El año pasado fue heavy.

—Segunda temporada, veinte capítulos por HBO Max y se estrenan de a cinco cada lunes.

—Pasan tantas cosas nuevas en esta temporada… Yo a mis papás no les conté nada, así que todos tenemos ganas de verla y descubrir cómo quedó el resultado final. Yo la veo varias veces cuando sale, primero con mis papás, después con el elenco y más tarde con mis amigas.

—¿Es un cierre definitivo?

—Mirá… es Cris. Esa es mi explicación para todo. Siempre puede haber algo más: teatro, gira, ojalá. Es lo único que me falta de toda la experiencia Cris Morena. Y además todavía hay muchas cosas sin definir. Puede haber teatro, una cuarta temporada… hay muchas opciones. Y también siento que, a propósito, no nos cuentan demasiado porque nosotros hablamos de más, incluso en familia. Y no está bueno.

—¿Tus amigas siguen siendo las de siempre?

—Sí, por suerte. Al principio Margarita me llevó por delante y me desconecté bastante de la vida de mis amigas. Ellas sabían todo de mí y yo casi nada de ellas. Pero hoy encontré un equilibrio. Cuando voy a La Plata soy Mora, me junto con ellas, les pregunto por sus parciales aunque no entienda nada y ellas también me preguntan cómo estoy yo. Antes me costaba mucho sostener ese día a día, pero siempre me acompañaron.

—¿Quién te baja a tierra cuando hace falta?

—Mi familia, obvio, pero también mis amigas. Yo les cuento algo que para mí es un drama porque vivo todo muy intenso con el elenco y ellas se matan de risa. Ahí me doy cuenta de que capaz no era tan grave y termina siendo más una anécdota que un problema.

—¿Cómo era esa infancia en La Plata?

—Tuve una infancia muy linda y bastante normal. Colegio, colonia, amigas de toda la vida. Hacía mucho teatro y estudiaba muchísimo. Había algo muy genuino en el disfrute, actuar era un juego para mí. Después, a los 12, apareció el mundo de las redes, los covers y todo eso de ser influencer. Y con el tiempo entendí que yo no quería ser famosa porque sí, sino volver a sentir eso que sentía de chica cuando actuaba. Por suerte pude reencontrarme con eso. Y siempre me sentí muy acompañada, en el colegio y en todos lados.

—Tenés un hermano. ¿Cómo se llevaban de chiquitos?

—Siempre muy bien. Él es siete u ocho años más grande que yo, tiene 29 y yo 21. Y hoy estamos en una etapa re linda porque se transformó bastante en un guía para mí. Me pregunta qué tengo, con quién hago entrevistas, me tira consejos. Y eso que no tiene nada que ver con este mundo, es del palo del fútbol, entrena chicos.

—¿Y tu mamá o tu papá trabajan con vos?

—No trabajan conmigo, pero siempre me acompañaron muchísimo. Mi mamá fue actriz de teatro independiente y estuvo en algunas novelas. Mi papá estaba más del lado futbolero acompañando a mi hermano. Entonces la familia estaba medio dividida. Ella me llevaba a Capital a hacer cursos y se quedaba horas esperándome en un café. Mi mamá me presentó este mundo cuando la veía actuar o la acompañaba al teatro, y me enamoré por completo.

—¿Me contás cómo fue eso de la velita que prendía tu mamá? Me encanta esa historia.

—Ella cuenta algo hermoso. Había leído un libro sobre la ley de atracción y empezó mucho con esto de escribir lo que querés, pero en tiempo presente. Lo de la velita era más un símbolo, como un empujoncito extra para sentir que eso podía funcionar un poco más. Y lo sigue haciendo.

—¿Y qué escribió para vos?

—Escribía muchas cosas. Y una de ellas era algo así como “Mora protagonista de una serie”. No sé si llegó a poner específicamente Cris Morena, la verdad, pero me encantaría encontrar ese papel porque vale oro. Sí encontré una vez una carta mía, escrita en el colegio, que decía: “Presiento que algo grande viene. Estoy segura de que esto es para mí”. Era una carta para mí misma. No había velita ni nada, simplemente esa sensación de que algo iba a pasar y de que yo iba a estar preparada. Y hoy la leo y digo: “¿Cómo no le puse fecha?”. Porque me gustaría saber cuánto tiempo antes fue.

—¿Qué edad tenías cuando arrancó el proyecto Margarita?

—En 2022 arrancó todo el entrenamiento y el casting. Yo tenía 17 años. Estaba en sexto año.

—Vos no te anotás para un personaje puntual. ¿Cómo fue eso?

—No. Yo en realidad audicioné para entrar a Otro Mundo —la escuela de Cris Morena— porque estaba terminando el colegio y pensaba: “Bueno, a algún lado tengo que ir”. Mi mamá me dijo: “¿Por qué no probás en la academia de Cris?”. Veníamos de la pandemia y todo era virtual. A mí me daba bastante fiaca grabar el típico video de casting, pero lo hice. Además estaba pidiendo beca y en ese momento no había cupos. Sí había quedado en la escuela, pero dije: “Bueno, gracias, cuando haya becas me avisan”.

—Costaba en tu casa acceder.

—Sí, más que nada por el viaje. Era mucho auto, mucha ida y vuelta.

—Claro, implicaba un esfuerzo familiar grande.

—Sí. Y ahí, casualidades o no, justo estaban haciendo el casting de Margarita. Hacía meses que buscaban protagonistas y estaban en la última etapa. Yo no tenía idea de nada. Caí pensando que era solo el casting para Otro Mundo y listo. Y a las semanas llamaron a mi mamá para preguntarle si quería que hiciera otro casting.

—¿Y ustedes no sabían para qué era?

—Nada. Como no se podía contar, el proyecto se llamaba “Rita”. Audicioné e hice también una escena de Daisy. Me acuerdo de que estábamos esperando y salían chicas diciendo: “Me hicieron hacer una sola escena, canté y bailé”. Y a mí me pidieron las tres. Había una dificilísima porque Margarita habla en mil idiomas. Yo decía: “¿Para qué me hacen hablar italiano?”. Y terminé haciéndola igual.

—Algo estaba pasando ahí.

—Claro. Yo ya pensaba: “¿Qué pasa acá?”. Después canté, bailé y Cris me miró y me dijo: “Soltate el pelo”. Me lo solté. Salí un viernes y el lunes me llamaron para decirme que Cris estaba muy contenta y que había quedado para un entrenamiento de tres meses.

—Y ahí apareció el tema colegio.

—Sí. Mi mamá dijo: “Ella todavía está en el colegio”. Y Cris respondió algo que siempre nos quedó marcado: “Está bien, pero esta es una oportunidad que quizás le cambie la vida”.

—¿Costó convencer a tu mamá?

—Cero. Nada.

—Pero había que reorganizar toda tu vida.

—Sí. Por suerte el colegio y mis compañeros me acompañaron muchísimo y pude hacer casi todo online. Cursaba una vez por semana, me mandaban trabajos, los hacía y listo.

—En ese momento todavía no sabías para qué personaje era.

—Sabía que era para Margarita, porque era el único proyecto para el que estaba haciendo ese entrenamiento. Pero había chicos que casteaban para otros personajes.

—¿Había otras posibles Margaritas?

—Sí, creo que había una más.

—Que te sigue odiando.

—No, pobre, nos llevamos bastante bien para haber competido por un personaje así.

—¿Es verdad que tu mamá te convenció de ir con los rulos al casting?

—Sí. Yo odiaba mis rulos. No te puedo creer que hoy soy medio una referente de los rulos y antes los odiara. Me planchaba el pelo todos los días, 45 minutos antes de ir al colegio. Y el día del casting con Cris me había hecho una media colita con algunos rulos marcados. Mi mamá, desde la otra punta del cafecito de Otro Mundo, me hacía señas: “Soltate el pelo”. Y yo: “No”. Me mandaba mensajes: “Mora, soltate el pelo, por favor”. Yo va que entro al casting y Cris me dice exactamente lo mismo. Cuando mi mamá me vio salir con todos los rulos y una sonrisa, me dijo: “¿Viste?”.

—Las madres siempre.

—Lo saben todo.

—Hacés el entrenamiento de tres meses, ¿lo entendías como una oportunidad más allá del resultado?

—Sí. Nunca sentí tanta presión. Lo vivía desde el disfrute puro. Todo me servía, era como una esponja. Y también había cierta seguridad porque estudiaba esto desde muy chica. Sentía: “Che, me la re banco”. Sentía que este personaje era para mí.

—¿Cómo te dicen que quedaste?

—Después de esos tres meses. Yo acababa de volver del viaje de egresados, al que en realidad no iba a ir porque estaba con el entrenamiento. Y me llamó Cris. Me dijo: “Mora, vos andá. Es una etapa del colegio que tenés que vivir. Quedate tranquila”.

—Qué importante eso que te dijo Cris.

—Sí. Ella está muy metida en lo personal. Entiende que si estás bien en tu vida, después podés disfrutar el trabajo. Y creo que eso es lo que busca también. A la vuelta tuvimos una reunión, ya éramos la mitad de los que estábamos antes y Cris empezó a leer la Biblia de Margarita, que es como un resumen con los personajes y las historias. Y de repente empezó: “Margarita, Mora. Rey, Mateo. Merlín, Toti…”. Ahí entendimos todo. Nos aplaudimos, fue un momento muy lindo.

—¿Cómo se lo contaste a tu familia?

—Ya medio que nos la veíamos venir, pero igual fue mensaje instantáneo: “Lo tengo, soy yo”. Después invité a cenar a mis papás y a un amigo muy cercano de mi mamá que me ayudó muchísimo. Nos prestó su departamento en Olivos para que yo pudiera quedarme ahí durante la semana mientras hacía el entrenamiento. Me parecía lindo agradecerles con una cena a los cinco.

—¿Cuándo sentiste que te cambió la vida?

—Antes de que se estrenara Margarita. Empezaron a salir los videoclips y la gente enloqueció. Pero creo que realmente me cayó la ficha cuando mi mamá me pidió: “¿Le grabás un saludo a tu prima?”. Y yo pensé: “¿Me estás cargando?”. Porque era una nena que veía siempre. La hija de mi madrina lo mismo, me invitó a sus 15, ya había estrenado la serie y estaba nerviosa porque yo iba. Ahí entendí que algo había cambiado.

—¿Y cuando salió la serie?

—Ahí explotó todo. Me caían a mi casa. Fue tremendo, un cambio para todos, no solo para mí. Venian nenas del barrio que nunca había visto con muñecos, dibujitos, florcitas, un dibujo. Y yo salía, firmaba cosas, me sacaba fotos, pero después entraba a mi casa y pensaba: “¿Cómo saben dónde vivo?”. Pero yo también fui fan y me encantaba Violetta y Lali Espósito, y si hubiera vivido cerca de alguna de ellas, capaz yo también les golpeaba la puerta.

—¿Choluleaste a alguien?

—Sí, me cuesta. En los Martín Fierro encaré a Abel Pintos y le pedí una foto. Y hace poco fui al show de Tan Biónica. Estaba esperando que alguien viniera a decirme “¿querés conocerlos?”. No pasó, pero bueno, también puedo ser una simple mortal.

—¿En algún momento tu familia te dijo “Mora, bajate del poni”?

—Sí, obvio. En casa una descarga todo lo que no puede largar en público, entonces yo llegaba y hacía catarsis. Y ahí era: “Pará, ¿quién sos?”. O si pedía algo, me frenaban: “Tranquila, Mora”.

—¿Qué pedías?

—Capaz no era pedir, era más quejarme mucho. Al principio era demasiada información para este cuerpito chiquito. Sentía que tenía un mundo entero encima y no lo supe manejar muy bien. Entonces estaba enojada. Con la vida, con todo. No entendía por qué alguien que no me conocía podía sentir tanto por mí. Hoy me pasa a mí con Chano o con Abel Pintos, pero en ese momento no podía entenderlo al revés. Me abrumaba.

—Mucho desborde.

—Muchísimo. Una nena lloraba al verme y yo pensaba: “¿Le estoy haciendo bien?”. Sentía mucha responsabilidad.

—¿Eso necesitaste hablarlo con algún terapeuta?

—Sí, hice terapia toda mi vida. Después arranqué coaching, que sigo haciendo hoy, fue otra manera de ver las cosas. Pero sobre todo me sostuvo mi familia y mis amigos.

—¿Y Cris en ese sentido cómo es?

—Súper presente. Ella vivió esto toda su vida con chicos que recién arrancaban, adolescentes, adultos, entonces la tiene atada. Es muy de preguntarte: “¿Qué te pasa? A ver, contame”. Y también te anticipa mucho: “Bueno, ahora te va a pasar esto, después esto otro”.

—¿Es accesible cuando la buscás para pedirle un consejo?

—Sí. A veces me pasa que le tengo cierto respeto y pienso si estará bien ir a llorarle porque hice mal una escena. Pero ella es muy cercana, va todos los días al set, se queda las mismas horas que nosotros y sabe perfectamente todo lo que se va a grabar. Está muy presente.

—A mí me impactó verla en Tecnópolis, chequeando todo. Una mujer que pasó dolores imposibles.

—Sí.

—¿Vos estabas cerca cuando pasó lo de Mila o ya habían terminado de grabar?—Ya habíamos terminado casi toda la segunda temporada. Íbamos a un ensayo de Tecnópolis cuando nos llamó la producción. Yo estaba en videollamada con Toti y ahí nos contaron. Fue tremendo porque era una nena que veía Margarita. Fue muy fuerte para todos. Y acompañar a alguien en un momento así es muy difícil. No sabés bien qué hacer.

—Hablábamos de la fama, del trabajo. ¿Cómo te llevaste con empezar a ganar plata de golpe?

—Informándome mucho, porque hay una educación financiera que no se enseñan en el colegio. Y de repente te pasa algo que te cambia la vida por completo, cambia el dinero para todos. Y es muy difícil. Empecé a apoyarme en gente cercana y en mis papás, que se informan mucho y me ayudan con eso.

—¿Cuál fue el primer gusto que te diste?

—Me fui a Disney con mi mamá. Ella ya tenía ahorros para el viaje y yo le dije: “Bueno, yo pago todas las comidas”. Y ella estaba feliz.

—¿En tu casa hacía falta que ayudaras económicamente?

—No. Siempre tuvimos lo justo y necesario, pero a mí me gusta tener esos gestos. Decir “hoy pago yo”. Esos mimos.

—¿Hablamos de amor? ¿Cuándo te diste cuenta de que estabas enamorada de Toti Spangenberg?

—Muy muy confuso y nos costó a los dos. Compartíamos mucho juntos, sentía esas cosquillas en la panza y llegó un momento de preguntarme: ¿es Margarita y Merlín o somos Toti y Mora en la vida real? Y también pensaba: “¿No estoy pudiendo dejar a Margarita de lado cuando me voy a mi casa o realmente está naciendo algo?”.

—¿Eso lo hablabas con él?

—Primero con mis amigas. Era: “Me agarró de la cintura”. “¿Pero en escena o fuera de escena?”. “No, en escena”. Y todas tratando de descifrar qué era qué.

—Pero ahí se mezclaba con el personaje. ¿Él aprovechaba eso también?

—Creo que los dos. Era como: “Te tiro algo… pero es del personaje”. Había mucha excusa mezclada. Pero siento que recién cuando terminó el rodaje pudimos empezar a entender si lo que pasaba era real o no.

—¿El rodaje de qué temporada?

—Cuando terminó el rodaje de la primera temporada. Ahí nos sentamos y dijimos: “Bueno, veamos si esto es de verdad o fue algo del momento”.

—¿Y cuál fue la primera cita fuera del set? Porque ustedes salen mucho en grupo también.

—Sí, total. Además estábamos juntos todo el tiempo, quieras o no. Creo que fue apenas terminamos de grabar y cada uno volvió a su casa. Había mucho de “ay, tengo que ir a Capital por tal cosa”. “Bueno, si querés a la noche cenamos”.

—Y ahora, cuando te quedás en Capital, te quedás en su casa.

—Sí, obvio. Uno se hace parte de la casa.

—Hay una cuasi convivencia.

—Sí.

—¿Él vive con la familia o solo?

—Él vive con la familia.

—Los fans querían que sucediera.

—Y también estaba la presión de “¿es verdad o es mentira?”, con todo el mundo mirando.

—¿Qué dijo Cris?

—A Cris le encantaba desde el primer momento. Era: “¿Qué pasa acá?”. Y nosotros: “Nada, nada”. Teníamos un miedo…

—¿Lo ocultaron un poco?

—Con ella sí, un poco. Pero se dio cuenta enseguida. Entonces ya éramos los tres guardando el secreto.

—Ella debe haber pensado: “¿Sabés cuántos romances vi nacer en elencos?”.

—Claro.

—Y fue copada con eso.

—Sí, re. Entendía perfecto la situación. Nos aconsejaba mucho con el tema de cuidarnos y cuidar la privacidad. Por eso también estaba ese juego de “que no nos vean juntos”. Nadie nos prohibía mostrarnos, era más algo nuestro de prematuros en el ambiente y cómo recién arrancábamos, preferimos guardarlo.

—Si le pregunto a Toti en qué sos la mejor del mundo, ¿qué me va a decir?

—Él te va a decir en todo porque me ama, pero quizás escuchando. Me encanta escuchar.

—¿Y en qué sos difícil?

—En los regalos. Soy muy buena regalando, te re estudio, pero muy difícil para regalarme a mí.

—¿Sos celosa?

—No sé. Con él estoy muy tranquila, entonces no sé si no soy celosa o si simplemente con él no me pasa. Creo que tiene mucho que ver con la seguridad que tiene uno mismo y hacia el otro.

—¿Son románticos?

—Sí. A mí me gusta mucho y él me complace.

—Hacés un producto para chicos y seguís siendo una mujer joven. ¿Sentís cierta responsabilidad?

—Sí, re. Igual soy una chica bastante tranquila. Salir de fiesta no me divierte tanto, me agotó la exposición, que me reconozcan, hablar de Margarita todo el tiempo, ya no podía ser Mora, entonces no salgo y no me pasa eso de tener que estar cuidándome todo el tiempo por una foto o un vaso en la mano.

—¿Cómo te llevás con vos misma?

—Bien. Me trabajo constantemente. Surgen inseguridades nuevas, como querer estar a la altura de este ambiente y no caer en el medio. Pero estoy bien. Puedo ser feliz.

—¿Hay mucha presión con las redes y los comentarios?

—Sí, aunque muchas veces la presión es más mía. No leo demasiado y hasta dejé algunas redes porque no me sumaban. Pero sí siento mucha responsabilidad porque me miran chicos y también adultos que crecieron con Floricienta, Rebelde Way o Chiquititas. Entonces no alcanza con decir “como soy la hija de Floricienta les va a gustar”. Hay que cuidar ese legado. Hay una carga emocional enorme ahí.

—¿Da miedo que se termine este presente?

—Sí. Porque llegar está buenísimo, pero mantenerlo es otra cosa. Yo quiero vivir de esto, entonces me recuerdo todo el tiempo que tengo que seguir estudiando y golpeando puertas. No dar por hecho que esto va a durar para siempre.

—¿Llorás de vez en cuando?

—Sí, re. Por tonteces y por cosas importantes. Hay mucha energía todo el tiempo.

—¿Te sorprendieron algunas propuestas laborales?

—Más que nada las presencias. Ir quince minutos, saludar, sacarte fotos y pensar “¿realmente quieren esto?”. Hasta me da culpa a veces.

—Y quizás te pagaban más que el sueldo mensual de tus papás.

—Sí. Eso fue fuerte para todos porque venimos de otra realidad. Hoy pasa con las redes y las marcas, mis papás me escuchan quejarme o que estoy negociando con mi representante por la cantidad de reels que me pide una marca. Y mi papá me dice: “Mora, hacé los cinco reels, no te cuesta nada”. Y yo le explico que mi imagen también es trabajo, como para ellos es estar en una oficina sentados.

—Viene Mora del futuro, dentro de quince años. ¿Qué le preguntás?

—Si está tranquila. Porque podés tener éxito, plata, amor, pero si no tenés tranquilidad, no sé si vale tanto.

—¿Hubo un momento donde te faltó tranquilidad?

—Sí. Cuando sentí que Margarita me pasó por arriba y estaba enojada con todo. No podía estar en el presente y disfrutar.

—¿Y hoy?

—Hoy sí encontré un equilibrio entre el mundo Margarita y el mundo Mora. Había perdido mi rutina, el día a día de mis amigas, hasta ir al médico. Todo era ensayo, grabación, show. Empecé a hacer cosas para mí, como cerámica. Lugares donde soy una NN y nadie me habla de la serie. Y eso es un placer.

En medio de un periodo de turbulencia personal y profesional, Christian Nodal presenta su quinto álbum de estudio, Bandera Blanca, un trabajo donde la vulnerabilidad y la honestidad marcan cada uno de los trece temas.

El cantante confesó durante una entrevista en redes sociales para La Hela Dera 555, que el proceso de creación fue complicado, tanto en lo emocional como en lo técnico:

“La verdad que no fue, emocionalmente no fue nada bonito hacer este, este, este álbum. Estuve atravesando por muchas situaciones difíciles. Creo que lo que me llevo de esto es que la vida me demostró que no importa cuántos pasos crees que hayas avanzado, siempre te puede volver a un punto complejo y difícil. Y el chiste es no rendirse y seguir adelante”. mencionó el artista.

La grabación de Bandera Blanca se desarrolló en circunstancias poco convencionales.

Nodal explicó que la mayor parte de las voces fueron grabadas en su estudio en Houston, mientras que el resto se realizó en un cuarto improvisado con colchones para aislar el sonido, un método que le recordó sus inicios en 2018.

“Hicimos, seteamos ahí, el Luca Loco seteó todo el asunto para que metiera voces y para mí fue como: ¡guau! O sea, estoy volviendo para el 2018, que así era como trabajaba... Y así se hizo No te encontraron mal, Aquí abajo, Los besos que te di.

Este, montón de canciones se crearon en hoteles, en cuartos y tenía su magia, ¿me entiendes? Y fue como un: ¡guau! O sea, no importa la vida dónde te ponga, sino cómo respondes ante la situación que te pone”, relató el artista.

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La vida personal de Nodal y su impacto en el disco

El contexto en el que Nodal compuso y grabó Bandera Blanca está marcado por altibajos personales y mediáticos.

Durante los últimos años, el cantante originario de Sonora enfrentó polémicas y críticas constantes, lo que lo llevó a un periodo de introspección y alejamiento.

Según declaraciones recogidas en diversos medios, el álbum representa “una tregua emocional total” y una reapropiación de sus sentimientos, que se plasman a lo largo de trece canciones cargadas de aceptación, nostalgia y, en sus propias palabras, una forma de rendición.

En Bandera Blanca, Nodal busca reafirmar su esencia artística y su lugar dentro de la música regional mexicana. El disco plantea el inicio de una nueva etapa musical, apostando por canciones cargadas de sentimiento, honestidad y autenticidad, manteniendo el sello ‘mariacheño’ que lo ha caracterizado.

“Los temas nacieron de lo más íntimo de Nodal: las emociones, las historias y el estilo inconfundible que caracteriza a un artista que marca un antes y después en el género que representa”, indica el comunicado de lanzamiento.

Composición y temas destacados de Bandera Blanca

El álbum se compone de trece pistas con una duración total de 40 minutos. Destacan temas como “Lo Que Se Dice Amor”, que se presenta como una carta escrita a puño y letra y el acordeón como testigo, y “Enamorarme Así”, que explora un estilo más bailable dentro de la fusión mariacheña. La canción “Otra Mujer” se narra desde la perspectiva de un personaje femenino, aportando una visión de empoderamiento poco frecuente en el repertorio tradicional del género.

La lista completa de canciones es la siguiente:

1. Intro Pa’l Cora

2. Un vals

3. Bandera Blanca

4. Mi antes y después

5. Incompatibles

6. Una mujer como la suya

7. Para qué

8. Lo que se dice amor

9. Enamorarme así

10. Miel con licor

11. Aquí donde te extraño

12. Modo frágil

13. Otra mujer

El focus track lanzado junto con el disco es “Una mujer como la suya”, una composición inédita de Joss Favela. Previamente, Nodal ya había presentado adelantos como “Un vals”, “Incompatibles” y “Miel con licor”, que recibieron buena respuesta de su público.

Evolución de las letras y nuevos matices

A diferencia de trabajos anteriores, en Bandera Blanca el amor supera por primera vez al desamor en las letras, aunque las baladas de ruptura continúan presentes.

El álbum muestra un giro hacia la esperanza y la reconciliación, revelando una mirada más optimista tanto en la vida como en la música de Nodal. Conforme avanza el tracklist, el orgullo se desvanece y, casi de manera paralela, el mariachi adquiere más fuerza; los metales cobran intensidad y la voz del cantante se escucha más liberada.

El sonido de Bandera Blanca mantiene la base de la música regional mexicana, con una producción moderna que da espacio a la experimentación y a la exploración de nuevos matices. Nodal no busca reclamar un puesto en la industria, sino compartir su propio relato: “Mi historia nadie más que yo la narra”, expresa en uno de los cortes iniciales del álbum.

Recepción y significado del lanzamiento

A través de Bandera Blanca, Nodal ofrece a sus seguidores un testimonio sincero sobre las luchas personales y la capacidad de reinventarse, reafirmando su posición como una de las figuras más influyentes de la música regional contemporánea.

El ministro José Luis Lupo, jefe de gabinete de Rodrigo Paz, conversó con Infobae sobre los conflictos en Bolivia, que desde hace más de dos semanas está paralizada por bloqueos de carreteras que exigen la renuncia del primer mandatario.

Lupo, un tecnócrata formado en organismos multilaterales con experiencia en tres gobiernos anteriores, es cauto al señalar cuáles son las acciones que asumirá la administración de Paz frente a las protestas, pero asegura que se está negociando sin pausa con los sectores que tienen demandas que consideran legítimas.

En esta entrevista, el “superministro” que sumó atribuciones y responsabilidades a medida que el gobierno se acomodaba, admitió que ciertas contradicciones entre las promesas electorales y la gestión pública causaron malestar social. Con una que otra autocrítica entre líneas, Lupo subrayó la voluntad del gobierno de incluir a todos los sectores sociales en la toma de decisiones y afirmó que el Consejo Económico y Social que se está creando es una respuesta a ese reclamo.

—Ministro, ¿cuál es la lectura que hace el gobierno de las protestas sociales que atraviesa el país?

Este no es un conflicto como los que suceden cada año cuando hay un movimiento reivindicativo salarial. Acá está ocurriendo algo diferente; estamos en un punto de inflexión entre el pasado y el futuro. Yo separaría acá tres grupos: un movimiento reivindicativo salarial, otro de sectores campesinos del occidente, a quienes nosotros reconocemos que es absolutamente justo atender en una política de inclusión social porque son sectores históricamente postergados; y un movimiento político de desestabilización y ataque a la democracia boliviana que viene con una sola consigna, sediciosa e inaceptable, que es la renuncia del presidente.

-Este grupo indígena de occidente que usted menciona ha manifestado, a través de sus voceros, que se siente excluido de la toma de decisiones. ¿Qué opina al respecto?

Ese es el tema de fondo. Acá no se está pidiendo una reivindicación tradicional ni salarial y tampoco son movimientos conspirativos, sino el claro reconocimiento de un sector postergado que debe ser objeto de una política inclusiva para dar respuesta a una situación de pobreza y desigualdad. Ellos tienen un pliego que va de muchas cosas, básicamente, oportunidades de desarrollo y demanda de inclusión.

—¿Qué entiende el gobierno por inclusión en este contexto?

Los grupos del Occidente que le dieron un mandato al gobierno, porque claramente votaron por este gobierno, se sienten defraudados porque tenían una serie de necesidades que no son objeto simplemente de acuerdos. Es una demanda de inclusión en términos de corresponsabilidad.

Necesitamos trabajar y cogestionar con ellos esta visión de Bolivia para que no parezca, porque nunca ha sido la intención del presidente, que se gobierna para un sector o una región. Queremos que todas las regiones y todos los sectores se sientan representados y responsables también para dar resultados concretos.

-Usted menciona que estos sectores votaron por el presidente Paz, y son estos mismos sectores los que ahora apuntan contradicciones entre lo que se prometió en campaña y lo que se hizo durante los seis meses de gestión. ¿Cree que son legítimas estas observaciones?

Sí, yo creo que sí. Son legítimas y es interés del proyecto político del gobierno la incorporación plena y la corresponsabilidad. No debe haber ninguna confusión sobre esta visión que integra lo popular y lo rural, con una Bolivia moderna, una Bolivia exportadora. Debemos ser capaces de integrar completamente estas demandas.

-Algunos ministros han acusado a los manifestantes de recibir dinero del narcotráfico para las movilizaciones, pero no han entrado en detalles. ¿Qué indicios concretos tiene el gobierno de que esto es así?

Eso lo maneja el Ministerio de Gobierno y es parte de la seguridad del Estado, debe manejarse con la reserva y con la prudencia necesaria. Pero claramente hay una intencionalidad política que viene con intereses que rozan lo ilegal en Bolivia.

-¿Dónde se ubica Evo Morales en el mapa del conflicto que usted plantea?

En el momento en que Evo Morales está pidiendo que se llamen a elecciones en 90 días, está entrando en este campo sedicioso porque lo que está pidiendo es la renuncia del presidente.

-¿Cree que hay intereses en que asuma el vicepresidente Edmand Lara, quien se ha declarado abiertamente opositor al Gobierno?

Es un vicepresidente institucional y democrático; ha sido electo en una fórmula. Este es su gobierno; por tanto, no podría estar en contra de él.

- ¿Cuál es el plan del gobierno para desactivar la tensión de estos días? Han mencionado reformas en el gabinete y la creación del Consejo Económico y Social. ¿Hay algo más?

El Consejo Económico y Social es simplemente el primer paso: es abrir la puerta, discutir nuestra realidad, ver nuestra participación y cómo nos ordenamos para tener una mayor inclusión con estos sectores y gestionar las demandas de desarrollo que tienen las comunidades. Es el tema más importante y tiene que ser producto del diálogo. Esa es nuestra propuesta y estamos esperando que se pueda materializar.

-En la agenda del gobierno está la elaboración de un paquete de diez leyes. ¿Cuál es su plan para evitar que este proceso detone nuevos conflictos y cómo va la coordinación con el Legislativo para su aprobación?

Hay tres etapas. La primera es la elaboración de la ley que está casi concluida. La segunda es la aprobación en la Asamblea, para lo cual se ha creado una base de trabajo con los diferentes partidos, y lo más importante es la implementación de las leyes, y eso depende de la adecuada socialización y el grado de comprensión de los diferentes sectores. El Consejo Económico y Social va a ser una instancia importantísima para la socialización de las leyes.

-Por otro lado, quería consultarle sobre la desconfianza que ha suscitado en algunos sectores el acercamiento con Estados Unidos y organismos de financiamiento internacional. ¿Hasta qué punto las decisiones del gobierno están condicionadas por estas nuevas relaciones?

Hasta ningún punto, y se lo digo con total claridad, cero. Bolivia tiene cero condicionamiento internacional. Estamos haciendo nuestro trabajo convencidos de que este es el único modelo sostenible. Bolivia necesitaba estabilidad; eso es lo que estamos construyendo; es el cimiento de cualquier cosa. Ningún organismo ni país condiciona esto; es un modelo nuestro que creemos que es el único viable.

-Dado el terrible costo social de los bloqueos en La Paz, ¿qué plazo tiene el gobierno para poner fin a estos conflictos?

El menor plazo posible. Estamos actuando con un sentido de urgencia total. Sabemos que son ya muchos días en los que la población está sufriendo y realmente empatizamos con esa situación. Le pedimos un poco de paciencia porque estamos actuando con mucha responsabilidad y prudencia.

Uno de los temas que más conversación ha provocado en los últimos meses es el rol del extremo derecho. Aunque Colombia cuenta con futbolistas de buen nivel ofensivo, todavía existe la pregunta sobre quién puede consolidarse definitivamente en esa banda para complementar a Luis Díaz y James Rodríguez.

En diálogo con Infobae Colombia, Yimmi Chará, jugador con pasado reciente en la selección Colombia, analizó el panorama actual de la Tricolor, destacó el nivel de varios futbolistas y se refirió específicamente a la posición de extremo por derecha, una zona donde nombres como Jhon Arias han tomado protagonismo.

“Creo que tenemos buenos jugadores y vamos a poder hacer un buen Mundial. No es fácil, porque todas las selecciones llegan muy preparadas, pero hoy hay futbolistas pasando por un gran momento y ojalá puedan poner todo eso al servicio de la selección”, comentó.

Jhon Arias, el nombre que gana fuerza en la derecha

Al ser consultado sobre quién puede asumir ese rol de extremo derecho, Chará destacó lo realizado por Jhon Arias en los últimos años, tanto en su club como en la selección.

“Arias lo ha hecho por muchos años y lo ha hecho de muy buena forma. Cuando lo ponen por derecha siempre responde. Mucho depende también de la disposición que tengan los compañeros y de cómo el equipo logre acompañarlo”, afirmó.

El presente de Jhon Arias ha sido uno de los más destacados entre los colombianos en el exterior. El futbolista se ha convertido en pieza fundamental de Fluminense y, cada vez que ha sido convocado a la selección Colombia, ha mostrado desequilibrio, sacrificio táctico y capacidad para asociarse.

Además de Arias, otros nombres también aparecen en la discusión por esa posición. Jugadores como Jaminton Campaz o Jorge Carrascal han sido alternativas utilizadas o seguidas por el cuerpo técnico. No obstante, la experiencia y regularidad de Arias parecen darle una ventaja importante pensando en la Copa del Mundo.

La opinión del exseleccionado también deja ver un aspecto clave dentro del funcionamiento ofensivo de Colombia: la necesidad de que los extremos no jueguen aislados. En el fútbol moderno, especialmente en selecciones sudamericanas, los hombres de banda dependen mucho del respaldo de laterales, mediocampistas y movimientos colectivos.

Por eso, más allá del nombre propio, la selección Colombia sigue trabajando en construir una estructura ofensiva que permita potenciar a sus futbolistas más desequilibrantes.

Estadísticas de Jhon Arias con la selección Colombia

Jhon Arias, conocido también como el Motorcito, debutó con el equipo nacional el 19 de noviembre de 2022, en un duelo amistoso ante Paraguay. De ahí en adelante, ha jugado 25 partidos, ha anotado cuatro goles y dado el mismo número de asistencias. Así las ha distribuido:

2026: 2 partidos jugados, 116 minutos, 1 gol y 0 asistencias.

2025: 1 partido jugado, 77 minutos, 0 goles y 0 asistencias.

2024: 10 partidos jugados, 749 minutos, 3 goles y 1 asistencia.

2023: 4 partidos jugados, 213 minutos, 0 goles y 1 asistencia.

2022: 1 partido jugado, 88 minutos, 0 goles y 0 asistencias.

Estadísticas de Yimmi Chará con la selección Colombia

El número ocho, y uno de los capitanes actuales del Junior de Barranquilla, debutó con el conjunto colombiano el 31 de agosto de 2017 en un duelo ante Venezuela. Además, jugó la Copa América del 2021. Estos son sus números en selección:

2022: 1 partido jugado, 17 minutos, 0 goles y 0 asistencias.

2021: 4 partidos jugados, 133 minutos, 0 goles y 0 asistencias.

2017: 4 partidos jugados, 145 minutos, 0 goles y 1 asistencia.

La película número 24 del director manchego es una tragicomedia que alterna dos líneas temporales. La primera sigue a Elsa (Bárbara Lennie), directora de publicidad que, tras la muerte de su madre en diciembre de 2004, huye hacia adelante en el trabajo hasta que un ataque de pánico la obliga a viajar a Lanzarote con su amiga Patricia (Victoria Luengo), mientras su pareja Bonifacio (Patrick Criado) se queda en Madrid. La segunda transcurre en 2025 y tiene a Raúl (Sbaraglia) como centro: un guionista y director que escribe un guion que, poco a poco, ubica al espectador frente al dilema ético que presenta la película: el sendero creativo que elige Raúl para salir de una larga sequía creativa. Un proceso en el mira hacia adentro, pero también hacia las personas de su entorno más cercano: su pareja Santi (Quim Gutiérrez) y su asistente Mónica (Aitana Sánchez-Gijón). Porque Raúl es, en buena medida, un alter ego del propio Almodóvar: un creador que se pregunta hasta dónde puede llegar moralmente antes de vampirizar la vida de quienes lo rodean para concretar una ficción.

Sbaraglia está un poco más delgado que en la película —él mismo lo nota— y tiene sobre la mesa un mate que convida sin que haga falta pedirlo porque, dice, “está muy bueno”. Explica que usa un blend que él mismo prepara, y da la fórmula: yerba Frontera con menta y jengibre, combinada con una yerba uruguaya de más cuerpo, y kalena. Mientras habla, pica de un bowl con frutos secos con la misma naturalidad con que pasa de un tema a otro. Hay algo en su modo de estar —concentrado, afable, sonriente, sin poses— que recuerda menos al actor de alfombra roja que al tipo que creció viendo cine y que todavía no termina de creer que le pase lo que le pasa.

La entrevista se hizo días antes de su viaje al festival de Cannes, por eso había que comenzar por allí.

— A Cannes, y con dos películas...

— ¿Podés creer? Por eso te digo, qué lindos momentos son. El año pasado hice una película francesa que se llama Karma, con Marion Cotillard, dirigida por Guillaume Canet. Llego el 16, el sábado presento la francesa y a los dos días la de Almodóvar. Decís: flaco, ¿qué pasa?

— Vas a tener un rato para estar por la Costa Azul...

— Sí, sí. Y tengo que aprender a hablar bien inglés, porque me siento un imberbe, ¿viste?

— ¿Por si llama Hollywood, si es que ya no lo hizo?

— No sé si para Hollywood en sí, sino para no sentirte un imberbe estando en un festival como Cannes. Me preguntan: “Leo, ¿vas a necesitar traductor?”. Y digo: “Sí, porque no me siento cómodo”. Hablo un poco, pero no me siento todavía capaz de hacer entrevistas en inglés. Es difícil.

— Estás con un pie siempre en Argentina y un pie en Europa, ¿imaginabas una carrera así?

— No, nunca me lo imaginé. Siempre deseaba tener una carrera importante en Argentina y parecerme a los actores que admiraba, que estamos perdiéndolos a muchos. Ahora se nos fue Luis Brandoni, lamentablemente. Pero estar ahí laburando con Almodóvar... No lo podés creer. Te juro que te pellizcás. Decís: “No, como que si esto me está pasando a mí”.

— Bueno, seguramente del otro lado también se pellizcan.

— No sé. O sea, mi amigos me dicen: “Bueno, boludo, si te llamó Almodóvar es por algo, ¿no? Algo estará buscando de vos, te quiere a vos”. Entonces no solo quiere al personaje, sino que por algo también te convoca a vos, ¿no?

— Y además por segunda vez.

— Y además por segunda vez, si. Creo que son películas que dialogan. Así como Dolor y gloria habla del dolor —el tipo dice: “Esto es lo que me pasa dentro de mi cuerpo, sufro estos dolores físicos y estos dolores del alma”—, en esta película él abre su máquina. Es como si abriese su máquina de escribir: así construyo, así creo, así utilizo la vida de tal o de cual. Y él lo pone sobre la mesa: ¿cómo trato a la gente que amo? ¿La trato como personajes? ¿Hago y deshago lo que quiero con mi vida? ¿Tengo ese poder del demiurgo?

— ¿Qué te pidió Almodóvar de tu personaje?

— Lo primero que me dijo fue que no quería un retrato amable, que quería hablar de la autoficción. Me habló de Carrière, el autor francés, me preguntó si había leído algo. Yo solo había leído Yoga. Y cuando me vio, porque yo venía de la película francesa con el cuerpo más fornido, me dijo (imita el acento español y sonríe): “Bueno, no me lo había imaginado así al personaje, pero es sexy, y si es sexy, bueno, es lindo que uno de los protagonistas sea sexy”. Como que la iba viendo, ¿viste? De pronto él va armando, va viendo cosas propias del actor. Y eso va entretejiéndose como parte de la autoficción, porque Leonardo Sbaraglia también forma parte de esa autoficción. También estoy yo presente, está Raúl, está Aitana, está Bárbara Lennie. Es como una especie de juego de espejos infinitos: ¿dónde está el personaje? ¿Dónde está el actor? ¿Dónde está el alter ego? ¿Dónde está el alter ego del alter ego?

A propósito de esto último, Sbaraglia contó en la charla con Teleshow que, durante el rodaje, hubo un día en que llegó al set con una remera celeste y Almodóvar apareció con exactamente la misma prenda. “Estábamos los dos vestidos igual”, recuerda. “Él, todo el tiempo, de alguna manera, estaba queriéndose ver reflejado”. La foto de ese momento —que prometió durante la charla y envó después— muestra a los dos, uno frente al otro, como si la película se hubiera colado en la realidad.

— ¿Por qué te eligió a vos y no a un actor español?

— Yo le pregunté. Le dije: “¿Y por qué me elegiste a mí, Pedro?”. Me dijo: “Porque te considero, porque creo que tienes la edad, porque tienes el físico, porque eres muy buen actor”. Y nuestro acento era lo último que le preocupaba. El hecho de ser argentino era lo que menos le importaba, porque tenía otras características que le interesaban para el personaje.

— Por las características del film, que se abre en distintos relatos como una mamushka, interactuás sólo con Aitana Sánchez-Gijón y Quim Gutiérrez. ¿Cómo es trabajar con un elenco tan acotado?

— Me pasó otras veces. En Aire libre, con Anahí Berneri. Con la película de Hernán Belón, con Dolores Fonzi. Con El otro hermano, de Caetano, que prácticamente solo me relacionaba con Hendler y con Flechner. En Argentina hay muchas películas así, (sonríe) porque a veces no alcanza el presupuesto. Pero acá no creo que haya sido por presupuesto. Me parece que es una elección. Las películas de Pedro tienen un lenguaje teatral: mucho lenguaje verbal, mucho lenguaje de color, mucho lenguaje estético. Y eso termina produciendo una atmósfera que no necesariamente es realista.

— Hay una escena final con Aitana, donde el relato queda desnudo, que es tremenda. ¿Cómo la trabajaron?

— La trabajamos como si fuera teatro. ¡No sabés lo que la ensayamos! Esa escena tiene prácticamente dos meses de trabajo. Nos podríamos haber ido de gira con esa escena de quince minutos. Está ensayada musicalmente por él, como si fuera una partitura. Él te dirige muy musicalmente: quiere que bajes el tono acá, que subas acá. Lo que más va buscando es hacerte a su imagen y semejanza. Quiere exactamente ver y producir ese lenguaje que necesita.

— ¿Pero no quería que lo imitaras?

— No, no, para nada. Por las cosas que me iba diciendo, daba cuenta de que no quería que yo lo imite. Para nada.

— La película plantea dilemas éticos sobre la autoficción. ¿Cómo te afecta eso como actor? Él expone, de alguna manera, las propias miserias del proceso creativo.

— Yo creo que el dilema lo tiene uno con uno mismo. Me parece que Pedro necesita poner muchos aspectos personales de su vida frente a un espejo, quizás para entenderse mejor. En el caso del actor es diferente: no escribís. Es un trabajo de absorción, de creatividad, de mucho desdoblamiento. Pero sí, creo que la película hace una reflexión moral sobre hasta dónde puede comer la ficción la vida, hasta dónde uno puede usar la vida de tu mejor amigo al servicio de una obra de arte que va a conmover a millones de personas. Pero al mismo tiempo hay una persona a la que quizás le estás destruyendo la vida por eso. Me parece que ahí están los escenarios que la película plantea, y me parece muy válido e interesante.

— ¿Investigaste mucho sobre Almodóvar para construir el personaje?

— Una barbaridad. Pero estábamos todos entregados a ese juego. El mismo Pedro me decía: “Pregúntame lo que quieras”. Como diciendo: me desnudo. Pero al mismo tiempo estaba muy claro lo que había que contar. Hay otras cosas donde no nos metíamos. Él dice: “Acá vamos a hablar de esto”.

— ¿Cómo es Almodóvar como director en el día a día? ¿Se pone déspota, es amable cuando te pide las cosas?

— Muy exigente. Y al mismo tiempo, creo que la convivencia más difícil es entre la exigencia de él y la propia. Porque si uno no se exigiese tanto, bueno. Pero yo creo que uno se exige más, o tanto, como él te exige. Porque uno lo admira y le quiere dar lo mejor. Hacete tu propia lectura.

— ¿Qué proyectos vienen?

— Estoy empezando un rodaje con Damián Szifrón, un súper protagónico. Para mí, Almodóvar, Szifrón y Paul Thomas Anderson son como...

— ... ¿Tu Santísima Trinidad de la dirección?

— (ríe) Están ahí... Estoy feliz, feliz, feliz.

— ¿Cómo ves la industria audiovisual argentina hoy?

— Hay una total reestructuración y cambios, y entiendo que es muy difícil. Para mí es un momento de una gran gloria, de expansión, fructífero total. Pero que no depende de Argentina, no se nutre de Argentina, desgraciadamente. Por lo que hablo con compañeros y compañeras, es un momento muy difícil.

Moenia atraviesa uno de los momentos más significativos de su trayectoria. El grupo conformado por Alfonso Pichardo, Alex “Midi” y Jorge Soto confirmó que llegará por primera vez al Palacio de los Deportes el próximo 24 de septiembre de 2026 como parte de su gira Estamos Bien Tour, con la que promocionan su nuevo álbum Temporal.

Para la agrupación, el concierto representa un reto que apareció de manera inesperada después de décadas de carrera.

Palacio de los Deportes, un reto necesario

En entrevista con Infobae México, Alfonso Pichardo confesó que nunca habían tenido como objetivo tocar en el llamado “Domo de Cobre”, pero decidieron asumir el desafío cuando surgió la propuesta: “Llega porque así tenía que ser”, explicó el vocalista.

“A estas alturas de nuestra carrera, si no nos planteamos retos de ese tipo, pues entonces ya estaríamos únicamente nadando de muertito”.

El cantante recordó que la gira comenzó en el Auditorio Nacional y posteriormente pasó por foros equivalentes en Monterrey y Guadalajara. Sin embargo, dar el salto al Palacio implicó abandonar la comodidad de un formato ya conocido.

“Nos emocionó el reto de decir: ‘Bueno, vamos a un nuevo foro más grande que no conocemos’”, añadió.

‘Temporal’, un disco más humano y minimalista

Sobre el proceso creativo del nuevo álbum, Alex “Midi” explicó que la intención fue construir canciones más depuradas y menos saturadas de elementos electrónicos, pese a las infinitas herramientas tecnológicas que existen actualmente.

“No es un disco que se escucha con muchísimos elementos, sino que está lo que tiene que estar”, señaló el músico.

El integrante de Moenia destacó también que las letras buscaron una conexión más profunda con las emociones y experiencias humanas.

“Intentamos que las letras sean muy humanas, de la condición humana, y que te produzcan algo de piel chinita”, comentó.

Alfonso coincidió en que Temporal amplía las temáticas habituales de la banda. Aunque el público suele asociarlos con canciones de amor y desamor, afirmó que el álbum aborda historias personales y reflexiones distintas.

Moenia y la conexión con nuevas generaciones

Jorge Soto habló sobre la sorpresa que representó descubrir el alcance generacional de Moenia en festivales masivos como el Vive Latino.

“Lo peor que le podría pasar a un grupo es que nada más te vaya a ver la gente de tu generación”, comentó. “Afortunadamente, vemos familias enteras, gente muy joven, gente de cuarenta, de treinta, de veinte”.

El músico atribuyó esa permanencia a la naturaleza atemporal de sus letras y al vínculo emocional que generan sus canciones.

La industria musical cambió por completo

Durante la conversación, Alfonso Pichardo recordó con nostalgia la manera en que se lanzaban discos a finales de los años noventa y principios de los 2000, cuando un álbum representaba un acontecimiento mediático completo.

“Tener un disco era un evento completo”, explicó. “Había glamour, conferencias de prensa enormes y conceptos alrededor del lanzamiento”.

Aunque reconoció que hoy la distribución digital facilita que la música llegue instantáneamente a cualquier parte del mundo, admitió que extraña el peso físico y emocional que tenía un disco en aquella época, motivo por el que la banda sigue apostando por formatos como el vinilo.

Detalles de su concierto

• Fecha: Jueves 24 de septiembre de 2026.
• Horario: 20:00 horas.
• Sede: Palacio de los Deportes (Añil 667, Granjas México, Iztacalco, CDMX).

Precios de los boletos

Las entradas oficiales están disponibles a través del sistema oficial de Ticketmaster México. Los costos por sección (con cargos de servicio incluidos) son los siguientes:

• Nivel A: $3,472 MXN
• Nivel AA: $2,976 MXN
• Nivel B: $2,480 MXN
• Nivel C: $1,984 MXN
• Nivel D: $1,488 MXN
• Nivel DD: $1,240 MXN
• Nivel E: $868 MXN
• Nivel EE: $620 MXN

Spider-Noir es la nueva apuesta de superhéroes con estética noir desarrollada para Prime Video por Oren Uziel, basada en el personaje de Marvel Spider-Man Noir. Ambientada en el Nueva York de los años 30, la serie sigue a un investigador privado envejecido que también carga con su pasado como vigilante. El proyecto cuenta con producción de Sony Pictures Television junto a Amazon MGM Studios, mientras que Uziel y Steve Lightfoot se desempeñan como showrunners.

La ficción tendrá a Nicolas Cage en el papel principal de Ben Reilly, marcando su primer protagónico en televisión. El elenco también incluye a Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodriguez, Abraham Popoola, Jack Huston y Brendan Gleeson. La serie comenzó su desarrollo en 2023, recibió inicialmente el título Noir y más tarde fue rebautizada como Spider-Noir. El rodaje se realizó en Los Angeles entre agosto de 2024 y marzo de 2025, y su estreno global está previsto para el 27 de mayo, con versiones disponibles tanto en blanco y negro como en color.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Karen Rodriguez y Lamorne Morris en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, en primer lugar, felicidades, chicos, por esta increíble serie.

Karen Rodriguez: —Gracias

—Es genial. Y siempre quiero empezar estas entrevistas preguntando cómo se siente ser parte de este mundo increíble que es tan querido por tantos fans.

Karen Rodriguez: —Es decir, es como un maldito sueño. Se siente realmente épico. Sí.

Lamorne Morris: —Oh, sí. Quiero decir, hay cosas que haces en tu carrera que, ya sabes, la gente simplemente dice: “Oh, qué bien”. Pero esto fue incluso antes de que pisaras el set. La gente está emocionada con esto. Están emocionados antes de que tú... Ya sabes, estés o no estés, la gente está emocionada por eso.

Así que es bueno formar parte de ello. Ya sabes, podría unirme a la ola. Ya sea que esté en el programa o no, a la gente le va a encantar. Así que estoy feliz de ir y... “¿Qué pasa, amigos?”

—Y no solo saludas, sino que tienes un personaje increíble. Has hecho muchas cosas en tu carrera. Has estado en series dramáticas, en series cómicas. Y este personaje tiene un poco de ambas cosas.

Lamorne Morris: —Sí.

—¿Cómo fue el proceso de acercarte a este personaje que vive en este entorno noir, donde necesitas ser gracioso cuando la escena lo requiere, pero también ser capaz de crear esa tensión con otros personajes en otros momentos?

Lamorne Morris: —Sí. Sabes, honestamente, a primera vista, se trata simplemente de interpretarlo de manera realista. Sabes, creo que los guionistas hicieron un gran trabajo al pintarnos el panorama. Y así hay momentos en los que estás en una escena y estás trabajando frente a ciertos personajes, si el tono es serio y el ambiente es serio y entiendes lo que está en juego en la escena, entonces lo mantienes ahí.

Pero hay momentos en los que mi demonio interior de la comedia quiere asomar la cabeza y decir alguna tontería, decir algo realmente estúpido. Y de vez en cuando, lo hacía. Y nunca sabes si va a ayudar o si va a ayudar a la escena o no, o si va a hacer avanzar la trama. Pero en algunas de esas ocasiones se lo dejo a el director.

Le doy opciones y luego lo interpreto de ambas maneras. Lo interpreto de la forma más sincera posible. Y a veces exageraré un poco solo para romper la tensión. Pero, de cualquier manera, tengo que abordarlo exactamente de la misma manera. Simplemente actúalo con naturalidad, hazlo creíble. Y si de ahí surge el humor, entonces el humor surgirá de ahí.

—Y es tan gracioso que digas “actúalo sinceramente”, porque en un mundo tan criminal, tan ambiguo y tan gris como este, decir la verdad no te lleva muy lejos. Siempre te lleva a dormir con los peces. ¿Cuál crees que es el impulso de tu personaje en buscar la verdad, en tratar de entender la historia y en tratar de entender lo que está pasando en la ciudad de Nueva York?

Lamorne Morris: —Bueno, es algo más grande que él. Es por la gente. ¿Entiendes lo que quiero decir? Él está al servicio de la gente. Él, por derecho propio, cree que es un superhéroe. No puede lanzar telarañas ni volar, pero puede decir la verdad. Y puede colarse en las habitaciones y conseguir la primicia. Podría hacerse pasar por otra persona e intentar conseguir información que tal vez no debería tener, solo para poder informar a la gente de lo que realmente está pasando en la ciudad donde pagan impuestos, en la ciudad donde viven, en la ciudad que les pertenece, donde deberían tener voz y voto.

Y eso depende de él, al menos ha asumido esa responsabilidad, para garantizar eso en un mundo en el que tantos otros periodistas podrían ser potencialmente corruptos en aquel entonces. Nunca se sabe. Pero él no lo es, y él no da el brazo a torcer. Y creo que no dar el brazo a torcer es un verdadero superpoder.

—Lo es. Tanto en la ficción como en el mundo real, es cierto.

Lamorne Morris: —Por supuesto. Por supuesto.

—Tu personaje tiene esta dinámica extraña, una relación particular con su jefe, porque realmente se preocupa por él. Quiere ayudarlo. Pero al mismo tiempo, es un trabajo.

Karen Rodriguez: —Sí.

—Al mismo tiempo, es un trabajo. ¿Cómo definirías esa relación que tienes?

Karen Rodriguez: —Quiero decir, creo que le encanta su trabajo. Es una vocación. Definitivamente quiere ser detective. Le gusta la gente. Le gusta hablar con la gente. Y le gusta ayudar a la gente. Pero creo que, en lo que respecta a Ben, realmente es que, sí, él es su jefe. Pero, en última instancia, creo que es su mentor. Es su mejor amigo. Es la persona que le permite ser plenamente ella misma y le dice: “No tienes por qué limitarte a ser secretaria. De hecho, ¿qué opinas?“.

Y que “sal ahí fuera y descúbrelo por ti misma”. Y “te voy a dejar ser tú misma al cien por cien”. No voy a limitarte solo porque seas una mujer o porque seas joven o lo que sea, o porque estemos en la década de 1930. Y creo que, por eso, para Janet, Ben es el indicado. Y también lo es Robbie. La tratan... Quiero decir, no es que ella aceptara ningún otro tipo de trato, pero lo que digo es que es especial encontrar a esas personas que no solo te permiten ser tú mismo, sino que te elevan.

Y para mí y para Janet, siento que pase lo que pase, tenemos que luchar por esas personas. Así que...

—Janet es super inteligente, sabe cómo hablar con la gente. En este mundo en el que todos en esta serie, todos ocultan cosas ¿Qué crees que ve tu personaje que los demás no ven?

Karen Rodriguez: —Bueno, creo que ella dice la verdad. Creo que es increíblemente cautivadora porque creo que tiene ese tipo de presencia que la gente reconoce. Realmente no se le puede mentir a Janet. Ella te va a ver. Así que creo que ese es su superpoder. Ella, literalmente, te va a delatar y lo hace a lo largo de toda la temporada. Y creo que es un gran arma para el trío de amigos.

Lamorne Morris: —Creo que mi personaje ve potencial en las personas cuando ellas no lo ven en sí mismas. Especialmente con Ben, por ejemplo, sé que hay más ahí. Sé que hay algo más ahí. Y no solo lo sé, sino que lo necesitamos.

Karen Rodriguez: —Si!

Lamorne Morris: —Y lo mismo ocurre con algunos, sin spoilers, pero hay algunos otros personajes más adelante en la trama a los que estoy persuadiendo para que sean su yo más auténtico y hagan las cosas que podrían considerarse necesarias para la época en la que viven. Así que sí creo que él ve eso en las personas. Incluso hay un momento entre nosotros en el que hago un comentario, le digo: “Serás un excelente reportero de investigación”. Él lo ve.

Y siento que eso también es necesario porque muchas veces no puedes, no hay un espejo en todos los lugares a los que vayas. Desde afuera, la gente se da cuenta.

Karen Rodriguez: —A veces tienes que mostrar tus propias posibilidades.

Lamorne Morris: —Si.

—Eso es genial. Para ustedes, ¿es más como una serie de detectives noir o es más una serie de superhéroes? Porque es muy difícil de decir, ya que es ambas cosas.

Lamorne Morris: —Sí. Para mí, es más una serie de detectives noir. Es una serie de detectives. Y creo que el elemento de superhéroes es divertido. Pero creo que las cosas se logran usando el ingenio, usando la fuerza de los personajes, el trabajo en equipo, todas cosas para las que no se necesitan superpoderes. Ahora, es realmente genial.

—Sí, claro. ¿Quién no querría eso, verdad?

Lamorne Morris: —Seamos honestos, por eso vamos. Por eso venimos a la fiesta. Pero creo que la gente se llevará una grata sorpresa cuando lleguen a la fiesta, y haya mucho más sucediendo de lo que uno cree que va a ver. La historia tiene corazón.

—Y mi última pregunta, ¿han podido ver un poco de la serie?

Karen Rodriguez: —Sí!

—Para ustedes, ¿es mejor verlo en color o en blanco y negro?

Lamorne Morris: —Creo que las dos cosas. Creo que si empiezas en blanco y negro y luego lo ves en color, creo que estarás igual de satisfecho.

Karen Rodriguez: —Sí.

Lamorne Morris: —Porque es un proceso divertido hacer ambas cosas. Es como en los viejos tiempos, siempre se empieza en blanco y negro. Era todo lo que teníamos. Y luego, cuando se introdujo el color, fuiste y volviste a ver algunas de esas películas antiguas. Así que creo que deberías hacer lo mismo con esta

Karen Rodriguez: —Pienso lo mismo. Sí.

—Muy bien. Se acabó mi tiempo. Muchas gracias. Fue un placer estar aquí.

Karen Rodriguez: —¡Muchas gracias!

—Lo disfruté mucho. Creo que ustedes son geniales. Y creo que les va a ir muy bien. Lo disfruté muchísimo, de verdad.

Lamorne Morris: —¡Qué bonito!

Spider-Noir es la nueva apuesta de superhéroes con estética noir desarrollada para Prime Video por Oren Uziel, basada en el personaje de Marvel Spider-Man Noir. Ambientada en el Nueva York de los años 30, la serie sigue a un investigador privado envejecido que también carga con su pasado como vigilante. El proyecto cuenta con producción de Sony Pictures Television junto a Amazon MGM Studios, mientras que Uziel y Steve Lightfoot se desempeñan como showrunners.

La ficción tendrá a Nicolas Cage en el papel principal de Ben Reilly, marcando su primer protagónico en televisión. El elenco también incluye a Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodriguez, Abraham Popoola, Jack Huston y Brendan Gleeson. La serie comenzó su desarrollo en 2023, recibió inicialmente el título Noir y más tarde fue rebautizada como Spider-Noir. El rodaje se realizó en Los Angeles entre agosto de 2024 y marzo de 2025, y su estreno global está previsto para el 27 de mayo, con versiones disponibles tanto en blanco y negro como en color.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Jack Huston, Li Jun Li y Oten Uziel en video, o a leer una transcripción.

—Hola, chicos. En primer lugar, felicidades por esta serie. Es realmente increíble. Y creo que a la gente le va a encantar. Y cuando está terminada, siempre es una buena idea decir: “¿por qué no hacer esto?”. Pero cuando no está hecho y es solo una idea, ¿cuál fue la razón principal que convenció a cada uno de ustedes de hacer Spider-Noir?

Oren Uziel: —Para mí, es... recibí una llamada de Phil y Chris, los productores, y ya había trabajado con ellos en el pasado. E iban a hacer una serie de Spider-Man Noir. Está ambientada en Nueva York. Es en los años treinta. En ese momento iba a ser en blanco y negro. Y pensé: “Oh, genial”. Ya sabes, luego hablé con él un rato, pero pensé que iba a ser animada. Es decir, realmente no, no quiero realmente hacer animación en este momento. Y luego, durante la conversación, me di cuenta de que se trata de live action. Y dije: “Ah, está bien”. Y luego dije: “Dame un segundo. Déjame pensarlo”. Y volví y dije: “Escucha, yo no creo que sea la persona adecuada para contar otra versión de Spider-Man que sea un chico de secundaria. ¿Podemos hacerlo un poco mayor?” Y me dijeron: “Por supuesto. Simplemente sigue lo que tú... esa historia que quieres contar”. Y desde ese momento, me comprometí por completo. Y, de hecho, a partir de ahí todo fue a toda velocidad. Porque era una historia que sabía que podía y quería contar.

—¿Cuál fue la razón principal por la que dijeron: “Este es un proyecto que nos gustaría hacer”?

Li Jun Li: —Solo quería... Hice una entrevista para un proyecto anterior y me dijeron: “Muy bien, para terminar, ¿qué te gustaría hacer a continuación?” Y dije: “Quiero interpretar a una femme fatale”. Eso era lo siguiente que quería hacer. Y entonces esto, ya sabes, me cayó del cielo y tenía que hacerlo sin falta. ¿Cuántas veces, como actores, tenemos la oportunidad de interpretar papeles increíbles en un mundo noir? Así que sí, no lo dudé ni un segundo.

Jack Huston: —Sí. Tan pronto como recibimos los guiones, fue como: simplemente nunca te envían material como este, nunca, no con frecuencia, nunca. Así que es una oportunidad para, en cierto modo, hacer realidad tus fantasías como actor, además de ser parte de algo que me emocionaría igual si no formara parte de ello, simplemente por verlo. Creo que es un gran logro cuando uno piensa: “Me encanta esto de todos modos”. Así que espero que todos los demás sientan lo mismo.

—Genial. Dijiste: “¿Por qué no?”. Y que querías interpretar, como, ¿quién no querría interpretar a una femme fatale? Y la femme fatale es como uno de esos personajes icónicos de este mundo del cine negro. ¿Cuál fue el enfoque para lograr que el público, digamos, no confíe en ti cuando incluso estás diciendo la verdad, que es ese arquetipo de la femme fatale?

Li Jun Li: —Bueno, como actriz, siempre quieres interpretar personajes extremadamente matizados y complejos, especialmente siendo ella tan hipócrita como lo es. Pero, ya sabes, hemos estado hablando de esto todo el día sobre lo que hace que esto sea diferente es que todos los villanos no son realmente villanos y todos son profundamente humanos. Y Cat no es la excepción. No creo que... Creo que Cat fue la oportunidad para que yo interpretara, por primera vez en mi experiencia, a una femme fatale que no es una mujer que provoca la muerte de los hombres que la rodean, al menos intencionalmente. Y, ya sabes, creo que cada uno de los personajes de esta historia tiene tanto corazón y tanto amor por los demás que eso es lo que la hace tan diferente y mucho más interesante de ver, porque los mejores villanos son aquellos con los que realmente empatizas. Y creo que todos en esta serie han hecho un trabajo magnífico, gracias a la escritura de Oren, es que cada persona tiene un motivo muy puro, aunque eso difumine los límites de su brújula moral.

—Da la sensación de que la versión en blanco y negro es la experiencia noir pura. Se ve tan bien. Se siente increíble. ¿El color siempre fue parte del plan o cuándo surgió, como, “OK, tal vez también podríamos hacer la versión de colores”?

Oren Uziel: —Se incorporó más tarde. Al principio no formaba parte del plan, pero creo que Amazon nos dio la oportunidad de hacerlo y nosotros estábamos en la fase de preparación, así que tuvimos la oportunidad de prepararnos de verdad para ello. Y nos pareció una oportunidad para ofrecer, ya sabes… Estamos haciendo la versión en blanco y negro y la otra, es como una versión... Los fans del género de superhéroes que han visto cosas en ese tipo de colores vivos y llamativos de repente tendrán la oportunidad de ver una historia de superhéroes ambientada en el mundo del cine noir, blanco y negro, el cine de los años 40 y 50, con esas sombras profundas y ese contraste marcado. Es una forma de ver un noir con una paleta de colores brillantes vibrantes, saturados, que nunca antes habíamos hecho antes. Así que simplemente lo preparamos una vez. Es decir, la filmamos una vez, pero fueron dos versiones diferentes al mismo tiempo para las que estábamos muy preparados.

—Y para ti, quiero decir, claro que son las dos cosas, pero en tu corazón, ¿es más una historia de detectives noir o es más bien una historia sobre el camino del héroe?

Oren Uziel: —Una historia de detectives noir. Creo que eso queda bastante claro por la historia que estamos contando, pero está impregnada de elementos de superhéroes y de Spider-Man por todas partes. Hablamos mucho durante todo el proceso sobre cosas como: ¿qué pasaría si pudieras hacer una película de Bogart en la que Bogart simplemente resultara ser Spider-Man? Así que eso fue más o menos la estrategia.

—Me encanta eso. Esta es una gran oportunidad, creo, también para ofrecer a los fans y a los que no son fans de Spider-Man una nueva visión de lo que podría ser el mundo de Spider-Man. ¿Qué opinas, o mejor dicho, qué esperas que la gente piense de Spider-Noir?

Oren Uziel: —Un poco de lo que acabas de decir. Creo que si eres fan de Spider-Man, te va a te va a encantar porque es una serie de Spider-Man y es fiel a eso y lo honra, y me encanta Spider-Man. Pero si no eres fanático del cine negro, creo que podrás ver lo vivo que puede ser, lo relevante que sigue siendo, lo contemporáneas que son las películas de cine negro. Quiero decir, es una historia, es un género que es tan actual ahora como lo era en los años 30 y los 40.

Jack Huston: —Y ni siquiera hace falta ser fan de Spider-Man. Lo mejor de todo es que vive por sí mismo en una especie de mundo propio. Así que es para todos. De verdad que sí. Puedes venir a ver esto sin saber nada sobre Spider-Man y tomar la historia tal como es y no tener que saber nada sobre el universo en general. Es simplemente una gran historia.

—Lo es. Se me acabó el tiempo, chicos. Muchas gracias.

Pero detrás de los estrenos y las alfombras rojas, hay otro rol que atraviesa toda la charla: el de padre. Vicuña habla de sus hijos, de las dinámicas de una familia ensamblada y de cómo reorganizó por completo su vida para estar cerca de ellos. “Me vine de otro país para estar”, asegura. También reconoce el esfuerzo que implica sostener una familia numerosa: “Hay que trabajar un montón para mantener cinco hijos”. En ese esquema, destaca la buena relación que logró construir con Carolina Ardohain y el rol que ocupa su pareja actual, Anita Espasandín, dentro de la dinámica cotidiana. Sobre la China Suárez, en cambio, reconoce que hoy atraviesan un momento más complejo: “Espero que algún día se pueda tener un poquito de sentido común y de buena onda, básicamente por los chicos”.

A lo largo de la conversación aparecen además temas mucho más íntimos: la muerte de su hija Blanca Vicuña, el miedo a las guerras, su relación conflictiva con su padre, la ansiedad, la crianza y hasta alguna discusión con su hijo mayor. “Uno tiene una puerta muy grande para que esas balas te duelan”, reflexiona sobre la paternidad. Y cuando tiene que imaginar cuál es la escena más importante de su vida, responde sin dudar: “La gran escena de mi vida es con mis hijos y que estemos todos juntos”.

Entre el éxito profesional, la exposición constante y las emociones más profundas, Vicuña se muestra menos preocupado por sostener una imagen perfecta y más interesado en hablar de lo que incomoda. “Uno debe tener opinión”, sostiene. Y quizá esa mezcla entre sensibilidad, contradicción y honestidad sea también una de las claves por las que, después de tantos años de carrera, sigue generando tanta atención dentro y fuera de la pantalla.

—¿Estás disfrutando de estos primeros días de Secreto en la montaña?

—Sí. Los procesos creativos siempre son especiales porque los estrenos generan tensión. Es como quitarle el dolor a un parto. Mucho trabajo, mucho esfuerzo y que finalmente se encuentre con el público y pase lo que está pasando es hermoso.

—Imagino las charlas con Javier Daulte y con Esteban para traer este clásico veinte años después…

—Pasaron veinte años de una película que sacudió al mundo. Es una historia de amor imposible y todo lo que hablamos durante meses lo pudimos volcar en esta puesta con sensibilidad y compromiso. El público entra y se conmueve.

—¿Charlaron mucho las escenas íntimas?

—Algunas cosas sí y otras no. También hay que darle espacio a lo que pasa en el escenario. Somos dos actores muy comprometidos con contar una linda historia de amor. Tuvimos libertad absoluta.

—Los vemos también juntos en Envidiosa.

—Sí. Con Esteban trabajamos en Farsantes hace mucho tiempo y después nos reencontramos en Envidiosa. Somos antagonistas por Vicky y es impresionante el fenómeno de la serie. La gente odia a este pobre Nicolás.

—Nicolás nos cae pésimo.

—(Risas) Nos cae pésimo.

—¿En algún momento te pareciste a Nicolás?

—No, pero juego con eso. A veces la gente me dice “eh, sos medio Vicuña”. No sé qué verán de él, pero es un personaje que me dio muchas alegrías. Estuve nominado a los Premios Platino y ahí, viajando a España, terminé de tomar dimensión del alcance que tuvo la serie en todo el mundo.

—También acabás de ganar el Martín Fierro de la Moda y estás ternado como mejor actor protagonista.

—El de la moda fue por Corazón delator, una película de Marcos Carnevale. Y ahora estoy nominado como actor por La voz ausente, una serie que hicimos con Disney, que significó un esfuerzo, un thriller espectacular de Gabriel Rolón.

—En este momento hay mucho trabajo dando vueltas: Envidiosa, El encargado, El resto bien…

—Sí, El resto bien es una serie de Flow dirigida por Daniel Burman. Son ocho capítulos y tuvo una crítica y un acompañamiento del público increíbles.

—¿Son cinco hijos los que tenés ahí?

—Sí, son cinco hijos, dos exmujeres y mis padres. El personaje atraviesa algo muy fuerte: empezar a ser padre de tus padres y eso se mezcla con el caos de una casa llena de hijos, gatos y problemas cotidianos. También aparece el tema de la vasectomía y la andropausia.

—¿Pensaste en hacerte una vasectomía alguna vez?

—Eso tiene que ver con cierta intimidad, pero sí me impresiona el feedback que genera la serie, sobre todo en el público masculino. Habla de la andropausia, de los cambios físicos y del miedo al paso del tiempo. A los hombres también nos pasan cosas con la edad y se habla poco de eso. Yo tengo 47 años y estoy bastante hipocondríaco, asimilando síntomas y derribando ciertos mitos, como esa idea de que el hombre tiene resuelto el paso del tiempo. El miedo a la muerte, el peso de la familia, el cuerpo que cambia… no son cuestiones exclusivas de las mujeres. Así como en Envidiosa se habla de los mandatos femeninos, un hombre de 50 también tiene un montón de preguntas.

—Bienvenido sea que lo charlemos.