Lo que parecía una idea sepultada para siempre volvió a cobrar vida este viernes en la Costa Azul. Eclectic Pictures y Hollywood Ventures Group (HVG) revelaron en el Festival de Cannes que Expendabelles, un spin-off con protagonismo femenino de la franquicia Los Indestructibles, está en marcha nuevamente, integrado en una nueva cartelera de “producciones de alcance global” que ambas compañías desarrollan en conjunto.

Según informó The Hollywood Reporter, los productores se encuentran actualmente en conversaciones con socios de distribución, financiadores y talento creativo, y el proyecto avanza “con el apoyo de Lionsgate”, el estudio que adquirió los derechos de toda la franquicia Los Indestructibles a finales del año pasado.

A diferencia del fallido intento anterior, esta nueva versión de Expendabelles llega con una propuesta narrativa concreta: será una historia de origen ambientada a finales de los años noventa, en plena tensión geopolítica y paranoia del año 2000. El proyecto busca presentar a “una nueva generación de agentes femeninas de élite” en lo que sus creadores describen como “un evento cinematográfico de acción diseñado para expandir la mitología de la franquicia, manteniéndose al mismo tiempo como una obra independiente”.

La productora Heidi Jo Markel, de Eclectic Pictures, junto a Glenn Gainor, cofundador de HVG, encabezarán la producción. El equipo de productores ejecutivos incluye a Sandy Climan (cofundador de HVG), Joe Smith (Thirteenth Studios), Nelly Kim, Julie Kroll, Stephen R. Foreht y John Yarincik. Por el momento, ni el elenco ni la fecha de estreno han sido confirmados: el proyecto se encuentra en “fase de empaquetado” y están “ensamblando activamente” el talento creativo.

“Siempre ha existido un gran apetito global por las franquicias de acción protagonizadas por mujeres, y creemos que el momento de introducir a esta nueva generación de operativas de élite en este universo es ahora”, declaró Jo Markel en su presentación.

Por su parte, Glenn Gainor declaró que el objetivo es “honrar el ADN de lo que hizo que Los Indestructibles resonara globalmente, mientras se evoluciona de una manera que se siente oportuna y comercialmente convincente".

Qué pasó con el primer intento de un spin-off femenino

En octubre de 2012, Millennium Films anunció por primera vez The Expendabelles como una coproducción junto a Eclectic Pictures y Summertime Entertainment. Las guionistas Karen McCullah y Kirsten Smith —quienes trabajaron en Legalmente rubia— fueron contratadas para escribir el libreto, y se habló de nombres como Meryl Streep, Cameron Diaz y Milla Jovovich para los papeles protagónicos.

En febrero de 2014, el director Robert Luketic fue anunciado para ponerse detrás de cámara. La sinopsis oficial de entonces describía a “un grupo de élite de mercenarias altamente entrenadas” que debían rescatar a un científico nuclear secuestrado, mientras derrocaban a un dictador.

Se esperaba que el rodaje comenzara a principios de 2015 en Bulgaria, el mismo país donde se filmaron las entregas anteriores de la saga masculina. Sylvester Stallone, quien no formaba parte del proyecto, llegó a sugerir públicamente que le gustaría ver a Sigourney Weaver en el reparto.

Sin embargo, nada de eso ocurrió. La pobre taquilla de Los Indestructibles 3 (2014) enfrió el entusiasmo, Weaver confirmó su salida del proyecto, y la producción quedó en suspenso indefinido.

En noviembre de 2022, Jeffrey Greenstein, presidente de Millennium Films, confirmó oficialmente que el proyecto estaba archivado. Según explicó a The Hollywood Reporter, uno de los principales obstáculos había sido “tratar de encontrar una manera de justificar por qué tendríamos un equipo exclusivamente femenino”.

En cuanto al futuro de la saga principal, tampoco está claro. Expend4bles (2023) fue un fiasco tanto comercial como crítico, y no hay confirmación de una quinta entrega. Stallone, que hoy tiene 79 años, podría no regresar a la franquicia. Lionsgate, que también adquirió los derechos del nuevo filme de John Rambo protagonizado por Noah Centineo, tendrá que decidir si apuesta por sangre nueva o insiste con el elenco original.

Taylor Swift tomó el control de su lista de invitados: la cantante llama personalmente a sus allegados para invitarlos a su matrimonio con Travis Kelce, en un intento por mantener en secreto los detalles de la ceremonia.

Según informó TMZ, la estrella del pop está prescindiendo de las invitaciones formales y el método tradicional de los “separa la fecha” para comunicarse de manera directa con los asistentes.

Fuentes con conocimiento directo del asunto confirmaron al medio que Swift ha tomado el teléfono para hacer ella misma algunas de las llamadas, mientras su equipo se encarga del resto.

De acuerdo con el mismo medio, los invitados no han recibido la fecha exacta ni la ubicación de la ceremonia.

Solo se les ha indicado que la boda tendrá lugar en algún momento del verano y que deben mantener sus agendas despejadas.

El reporte afirmó que la discreción responde al objetivo de evitar nuevas filtraciones antes del gran día.

Page Six reveló en exclusiva que la pareja ya había enviado los mensajes de “separa la fecha” y que la boda está prevista para el 3 de julio en Nueva York.

Ante la difusión de esos detalles, Taylor Swift habría intensificado los esfuerzos para proteger el resto de la información.

El entrenador de los Kansas City Chiefs, Andy Reid, fue uno de los primeros en confirmar públicamente su asistencia.

En una entrevista emitida el jueves en el programa The Fan, el técnico de 68 años respondió con humor cuando le preguntaron si había recibido una invitación: “Probablemente sí”, dijo, para luego agregar: “Si no me quedo sin caber en el esmoquin antes de esa fecha, voy”.

Reid también se refirió a la relación de la pareja en términos más reflexivos.

“Cuando realmente se reduce a lo esencial, no importa cuán grande sea el espectáculo a su alrededor”, señaló al mismo medio. “Están enamorados y eso es lo más importante”.

El presentador Graham Norton también fue vinculado a la lista de invitados.

En enero, durante un episodio de su podcast, insinuó su asistencia al decir que había firmado múltiples acuerdos de confidencialidad, aunque luego aclaró que se trataba de una broma.

“Lo dije como un chiste en el podcast. Dije: ‘Oh, he firmado todos estos acuerdos de confidencialidad’, y luego empezó a reportarse como algo serio en Estados Unidos”, explicó a su copresentadora Maria McErlane. “No dije que lo cortaran porque pensé que era un chiste demasiado obvio”.

Entre los confirmados para el séquito de la novia figuran Selena Gomez y Gigi Hadid, amigas cercanas de la estrella pop.

También se espera la presencia de Zoë Kravitz, actualmente comprometida con el exnovio de la cantante, Harry Styles.

La boda es la conclusión más esperada del noviazgo que comenzó en septiembre de 2023. Swift y Kelce, ambos de 36 años, anunciaron su compromiso el 26 de agosto de 2025 a través de Instagram.

El historial de los planes para la ceremonia refleja los continuos intentos de la pareja por preservar la privacidad del evento.

Fuentes citadas inicialmente por Page Six indicaron en septiembre que la boda se celebraría en Rhode Island.

En noviembre, el plan habría cambiado hacia un lugar con mayor capacidad.

En diciembre, trascendió que la fecha apuntaba al 13 de junio en ese mismo estado, y que Taylor Swift incluso habría compensado económicamente a otra pareja que tenía reservado el espacio para asegurar esa fecha.

Finalmente, la celebración quedó fijada para el 3 de julio en Nueva York.

Mientras tanto, Swift ha sido vista en varias salidas nocturnas por la ciudad con atuendos en blanco.

Esta semana apareció en el restaurante Via Carota, en West Village, con un vestido blanco de punto, y poco después fue fotografiada en Zero Bond con una blusa blanca con volante y pantalón beige.

Demi Moore desató una ola de críticas en las redes sociales tras declarar en el Festival de Cannes que la industria del cine no puede ganar la batalla contra la inteligencia artificial, con detractores que calificaron sus palabras de “propaganda fascista”.

La actriz estadounidense, integrante del jurado oficial de la competición en su 79.ª edición, hizo las declaraciones durante la rueda de prensa inaugural del certamen.

Sus palabras provocaron una reacción inmediata tanto de quienes la criticaron como de quienes respaldaron su postura.

“La oposición engendra oposición. La IA ya está aquí, y luchar contra ella es, en cierto sentido, luchar contra algo que es una batalla que perderemos. Así que encontrar maneras de trabajar con ella, creo, es un camino más valioso”, dijo Moore, según recogió Deadline.

La estrella de cine también reconoció que la industria no está haciendo lo suficiente para proteger a sus trabajadores frente al avance de la tecnología.

“¿Estamos haciendo suficiente para protegernos? No lo sé... Mi inclinación sería decir que probablemente no”, agregó.

Las declaraciones provocaron una ola de reacciones en las redes sociales, donde varios usuarios acusaron a la veterana de Hollywood de ceder el futuro del cine a los intereses corporativos de Silicon Valley.

“Que Demi Moore tenga el descaro de hablar esta propaganda fascista sobre que es inútil luchar contra la IA, junto a Park Chan-wook, es una locura si entiendes algo de su trabajo“, escribió un usuario en redes sociales, en referencia a La sustancia, filme por el que Moore fue premiada en Cannes en 2024.

Y agregó: “Y después de que ella haya participado en una película sobre cómo los hombres blancos y ricos usan a las mujeres en la industria del cine”.

Otro comentario apuntó contra quienes presentan la IA como algo inevitable: “Noten cómo nunca pueden argumentar por qué la IA es buena en sí misma; siempre es que es inevitable y que simplemente tenemos que aceptar que el futuro es basura”.

Una tercera crítica acusó a la actriz de sonar más como una inversora que como una artista: “Suena como una inversora, no como una artista. Completamente ajena a la tecnología y al arte. Las estrellas de cine de los 90 la tuvieron fácil, se hicieron ricas y se alejaron de preocuparse por la sostenibilidad del negocio que ayudaron a arruinar”.

Sin embargo, las declaraciones de Moore también encontraron defensores. “La IA es el futuro del cine. Quienes no la adopten se quedarán atrás”, escribió un cibernauta.

Otro añadió: “Pueden estar en contra de la IA por instinto y aun así ninguno de ustedes puede ofrecer un camino lógico en su contra”.

Un tercero resumió la postura de los partidarios: “Ella tiene razón. El genio no va a volver a la lámpara”.

La postura de Demi Moore sobre la IA

Demi Moore matizó su postura al señalar que existen dimensiones del arte humano que la tecnología es incapaz de alcanzar.

“Hay aspectos hermosos en poder utilizarla”, reconoció la actriz durante la rueda de prensa, “pero la verdad es que no hay nada que temer, porque lo que la IA nunca podrá reemplazar es de donde viene el verdadero arte, que no es lo físico. Viene del alma”, sostuvo.

No todos en el jurado compartieron el tono conciliador de Moore. Paul Laverty, guionista escocés conocido por sus colaboraciones con el director Ken Loach en filmes como El viento que acaricia el prado e Yo, Daniel Blake, lanzó una advertencia más política sobre los riesgos de la IA sin regulación.

“Lo que me parece absolutamente increíble es que lo hacen y luego asumen que el resto del mundo seguirá y lo aceptará, sin importar las consecuencias”, dijo Laverty durante la rueda de prensa, en referencia a las empresas tecnológicas que impulsan el desarrollo de la IA.

El guionista también llamó a examinar quién controla estas herramientas: “Hay que mirar toda la crisis: cómo las fábricas de datos afectan la sostenibilidad, el agua, las poblaciones. La gente está comenzando a darse cuenta de que no debemos dejar que estos multimillonarios tecnológicos dicten cómo vivimos nuestras vidas”.

La rueda de prensa también abordó la relación entre el cine y la política. Moore defendió la libertad de expresión artística: “Parte del arte es la expresión. Si empezamos a censurarnos, cerramos el núcleo de nuestra creatividad, que es donde podemos descubrir la verdad y las respuestas”.

El presidente del jurado, el cineasta surcoreano Park Chan-wook —conocido por La decisión de partir y Old Boy—, sumó su propia reflexión al respecto.

“Solo porque una obra de arte tenga una declaración política, no debe ser considerada un enemigo del arte. Al mismo tiempo, si un film no hace una declaración política, no debe ser ignorado”, señaló. “Incluso si hacemos una declaración política brillante, si no está expresada con suficiente arte, sería solo propaganda”.

Paris Hilton recordó en una entrevista realizada en 2011 el vínculo que su familia mantuvo durante años con Michael Jackson, una relación que, según explicó, se originó mucho antes de su nacimiento y que estuvo marcada por la amistad entre el cantante y su madre, Kathy Hilton.

Durante su participación en el programa Lopez Tonight, conducido por George López, Hilton relató que el acercamiento entre ambas familias comenzó en la adolescencia de su madre.

Kathy Hilton y Michael Jackson coincidieron en la escuela secundaria, donde, según el testimonio, iniciaron una relación de amistad que con el tiempo se amplió a otros miembros del entorno familiar del cantante, incluida Janet Jackson en algunas ocasiones.

Paris Hilton explicó que, en ese periodo, su madre tenía 13 años y Jackson 14 años, y que solían compartir tiempo después de clases. De acuerdo con el relato, una de las actividades que realizaban era hablar por teléfono y hacer bromas, lo que formaba parte de la dinámica cotidiana de su amistad durante la adolescencia.

La relación entre ambos, según lo narrado por Paris Hilton, no se limitó únicamente a esa etapa escolar. Con el paso de los años, ambos mantuvieron el contacto incluso después de haber formado sus propias familias.

En ese contexto, Hilton señaló que existía un acuerdo informal entre su madre y el cantante relacionado con los nombres de sus futuros hijos.

“Eran muy cercanos, mi mamá y él tenían un pacto, lo hicieron cuando ella tenía 13; dijeron que cualquiera que tuviera una niña, su nombre sería Paris, y mi mamá lo hizo”, explicó.

De acuerdo con su testimonio, el acuerdo incluía también la posibilidad de utilizar el nombre “Prince” en caso de que naciera un niño varón. Este intercambio, según relató, fue parte de las conversaciones entre ambos durante su adolescencia y se mantuvo como una referencia simbólica en su relación a lo largo del tiempo.

La socialité añadió que, cuando Michael Jackson tuvo una hija, expresó su intención de llamarla Paris, en referencia al acuerdo previo. Sin embargo, según su relato, el cantante consultó primero con Kathy Hilton antes de tomar la decisión final.

“Después, él tuvo una niña y quiso llamarla así también”, comentó Hilton en la conversación, en referencia al nombre acordado años antes entre ambos.

Michael Jackson tuvo tres hijos: Prince Michael Jackson, Paris Jackson y Prince Michael Jackson II. La hija del cantante tiene actualmente 28 años y ha desarrollado una carrera en el ámbito artístico, además de presencia en medios y redes sociales.

En los años posteriores a la muerte del cantante, ocurrida en 2009, miembros de la familia Hilton han continuado mencionando la relación de amistad entre ambas familias.

Paris Hilton ha manifestado en distintas ocasiones su postura en relación con las controversias que rodearon la figura pública de Jackson, especialmente en redes sociales, donde ha respondido a comentarios sobre las acusaciones vinculadas al artista.

Según lo expresado por la socialité, ha defendido públicamente al cantante en algunas ocasiones frente a afirmaciones que circulan en internet, calificándolas como “mentiras” difundidas con fines económicos por terceros.

Con el paso del tiempo, Paris Hilton también ha desarrollado una relación cercana con Paris Jackson. De acuerdo con sus publicaciones en redes sociales, Hilton ha mantenido contacto con Jackson y suele enviarle felicitaciones en fechas significativas, como su cumpleaños.

Jack Osbourne confirmó que la película biográfica sobre sus padres, Ozzy Osbourne y Sharon Osbourne, sigue en desarrollo y tiene previsto un estreno estimado para 2028.

La producción fue anunciada originalmente en 2021 y narrará la historia de “El príncipe de la oscuridad”, así como su trayectoria junto a su esposa y representante. El proyecto está siendo desarrollado por Sony Pictures y Polygram Entertainment, con guion del escritor nominado al Óscar Lee Hall, conocido por su trabajo en Rocketman y Billy Elliot.

La película se centra en la vida personal y profesional de Ozzy Osbourne, así como en la relación con Sharon Osbourne, quien también ha sido una figura clave en la gestión de su carrera.

Tras el fallecimiento de Ozzy en julio de 2025, a los 76 años, el proyecto continuó en marcha. En agosto del mismo año, se informó que la producción seguía activa pese a su muerte.

Posteriormente, en enero, Jack Osbourne señaló que ya existía un actor principal seleccionado para interpretar a su padre, al que describió como “fenomenal”, aunque sin revelar su identidad.

En una actualización reciente publicada a través de su canal de YouTube, Jack ofreció nuevos detalles sobre el estado del proyecto. “Puedo decir esto: estamos avanzando. Estaba en llamadas hoy sobre esto. El guion está listo. Estamos bien. Esta película absolutamente va a suceder”, afirmó.

El hijo de Ozzy Osbourne explicó que el proceso de producción continúa con la siguiente fase de desarrollo.

“Realísticamente —quiero decir, ya estamos a mitad del 26— probablemente no se estrene hasta el 28. Pero nunca se sabe. Estamos a toda marcha. Estamos a punto de comenzar a buscar un director”, señaló.

Y añadió: “Es muy importante para nosotros. Ha sido un trabajo hecho con mucha dedicación, por supuesto. Estoy emocionado por ello, emocionado por que todos vean esta película”.

El proyecto sobre Ozzy y Sharon Osbourne fue concebido como una colaboración entre la familia y los estudios involucrados, con la intención de abordar diferentes etapas de sus vidas, incluyendo su trayectoria musical, su vida familiar y su presencia en medios de comunicación.

Ozzy Osbourne fue una figura central en la historia del rock como vocalista de Black Sabbath y posteriormente en su carrera como solista. Sharon Osbourne, por su parte, ha desarrollado una carrera como representante artística y personalidad televisiva, además de su papel en la gestión de la carrera de su esposo.

La noticia del avance de la película de Ozzy llega tras el éxito de otra película biográfica musical, Michael, basada en la vida de Michael Jackson, que ha batido récords de taquilla desde su estreno.

De acuerdo con información publicada por Deadline el lunes 11 de mayo, la película ha recaudado 577 millones de dólares a nivel mundial desde su estreno en salas comerciales.

El total incluye 240.4 millones de dólares en el mercado doméstico y 336.88 millones de dólares en mercados internacionales.

Con estas cifras, la película sobre Michael Jackson se ubicó como la segunda biografía cinematográfica más taquillera de la historia. El resultado superó a Elvis, que había alcanzado 288.7 millones de dólares en total, según datos de Billboard.

El video fue dirigido por François Rousselet y cuenta con la participación de la actriz Odessa A’zion. En las imágenes, el grupo aparece interpretando el tema dentro de un almacén, rodeado por una multitud de seguidores que bailan mientras otros músicos se suman a la interpretación.

En uno de los momentos del videoclip, A’zion interactúa de forma directa con una versión digitalmente rejuvenecida de Mick Jagger. “¿Estás bromeando? Es mi sueño. Estoy obsesionada con The Rolling Stones. Esto definitivamente estaba en mi lista de cosas por hacer”, afirmó la artista.

El trabajo visual del videoclip se basa en recreaciones digitales de los integrantes del grupo, mostrando a Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood con una apariencia que remite a su imagen de finales de los años 70.

La tecnología utilizada ha sido descrita como de rejuvenecimiento digital, con resultados que buscan replicar con precisión su aspecto de esa etapa.

En los créditos de la producción se incluyen dobles de cuerpo para los tres músicos, así como especialistas en inteligencia artificial asociados a Deep Voodoo.

También aparecen acreditados artistas de deepfake responsables de las versiones digitales de cada integrante de la banda, además de un “AI data wrangler”, encargado del manejo de datos para el proceso de generación visual.

El resultado presenta una recreación de los miembros del grupo en escena con una alta fidelidad visual, aunque en algunos momentos se perciben elementos característicos del uso de tecnología de sustitución facial.

El proyecto forma parte de una serie de producciones en las que Deep Voodoo ha participado en la creación de efectos digitales aplicados a figuras reconocidas de la industria musical.

Entre los trabajos previos de la empresa se encuentra el video de Kendrick Lamar para “The Heart Part 5” (2022), en el que el rostro del artista fue transformado digitalmente en el de distintas personalidades, incluyendo O.J. Simpson, Kanye West y Kobe Bryant.

Asimismo, la compañía colaboró en la recreación de la imagen de Billy Joel en el videoclip de “Turn the Lights Back On” (2024), mediante técnicas de rejuvenecimiento digital.

Jennifer Howell, ejecutiva de Deep Voodoo, explicó en una entrevista previa los objetivos de la empresa en relación con este tipo de tecnología. “Nuestro objetivo es hacer cine y televisión bellos y cinematográficos que nunca saquen al espectador de la experiencia porque el efecto no se vea bien”, señaló.

El lanzamiento del videoclip “In the Stars” forma parte de la estrategia de presentación del próximo álbum de estudio de The Rolling Stones, titulado Foreign Tongues. El disco fue anunciado la semana pasada e incluye también el tema “Rough and Twisted”, publicado junto con el sencillo principal.

Según la información difundida por la banda, el álbum tiene prevista su publicación para el 10 de julio.

Kylie Jenner habló por primera vez sobre las complicaciones que atravesó durante su segundo embarazo, cuando esperaba a su hijo Aire, actualmente de cuatro años, en una entrevista reciente en el pódcast Therapuss de Jake Shane.

La empresaria y personalidad televisiva, de 28 años, describió una serie de síntomas físicos y médicos que, según explicó, marcaron el desarrollo de esa etapa.

Jenner, quien tuvo a sus dos hijos junto al rapero Travis Scott, señaló que durante el embarazo experimentó dolor intenso y limitaciones de movilidad.

“Tenía un dolor ciático muy fuerte y un dolor lumbar muy intenso. Realmente quería hacer ejercicio. Me quedé sin poder caminar a las 12 semanas. Tenía náuseas horribles y comía de todo para sobrellevarlo”, comentó.

Más adelante, indicó que su situación médica requirió reposo prolongado tras presentar dilatación prematura. “Y pasaban muchas cosas con mi vagina. Estuve dilatada tres centímetros durante como un mes y medio, dos meses, el bebé estaba bajando”, dijo.

Según relató, estas condiciones derivaron en una etapa de inactividad forzada mientras avanzaba el embarazo. También mencionó que su peso aumentó significativamente durante ese periodo.

Kylie Jenner indicó que llegó a subir alrededor de 65 libras (aproximadamente 29 kilos) y que su peso final antes del parto fue de 210 libras (cerca de 95 kilos).

En la entrevista, la fundadora de Kylie Cosmetics también habló sobre sus hábitos alimenticios durante ese tiempo. “Comía un bote de helado cada noche, simplemente me dejé llevar. Tenía mucho helado. Y muchos carbohidratos. Bagels”, comentó.

Jenner ya había hablado en otras ocasiones sobre sus embarazos, incluido el de su primera hija, Stormi, a quien tuvo a los 20 años. En la conversación recordó que se enteró de su primer embarazo a los 19 y que la reacción inicial fue de incertidumbre.

“Me estaba volviendo loca. Tenía mucho miedo de decírselo a mis padres. Tenía mucho miedo. Pero cuando se lo dije a mis padres, nadie se enojó. Había algo dentro de mí que sabía que quería hacer esto y que tenía que tomar una decisión por mí misma. Incluso si tenía que hacerlo sola o como fuera, esta era la elección que iba a tomar”, dijo.

Kylie Jenner y Travis Scott, con quien comparte la crianza de sus dos hijos, pusieron fin a su relación en 2023. En el plano personal, Kylie mantiene una relación intermitente con el actor Timothée Chalamet desde 2023.

El actor ha sido objeto de comentarios en redes sociales tras su ausencia en eventos como la Met Gala, mientras asistía a partidos de baloncesto de la NBA. En paralelo, la pareja ha sido vista recientemente en Nueva York en distintas salidas públicas.

Durante un partido de los New York Knicks en el Madison Square Garden, ambos fueron fotografiados juntos, en medio de la atención mediática sobre su relación. El actor ha asistido en varias ocasiones a encuentros del equipo en temporadas recientes, mientras Jenner también ha acompañado en diferentes eventos públicos.

Hayden Panettiere afirmó que siente que fue empujada a trabajar desde su infancia como actriz, en declaraciones realizadas a The Hollywood Reporter antes del lanzamiento de su libro de memorias This Is Me: A Reckoning, previsto para el 19 de mayo.

La intérprete, de 36 años, repasó su trayectoria en la industria del entretenimiento, que comenzó cuando era apenas un bebé.

“Creo que es la forma en que fui criada. Fui entrenada. Era como una pequeña soldado y siempre lo he sido. El ‘no’ nunca fue una opción. Era simplemente: ‘Aquí están tus escenas, aquí está tu diálogo, memorízalo, marca tus posiciones, haz lo que te dice el director’. Yo recibía mis órdenes”, dijo.

La actriz comenzó a trabajar en 1990, antes de cumplir un año de edad, participando inicialmente en comerciales y posteriormente en producciones televisivas.

A los cuatro años interpretó a Sarah Roberts en la telenovela One Life to Live, papel que mantuvo entre 1994 y 1997. Más adelante participó en Guiding Light como Lizzie Spaulding y prestó su voz al personaje Dot en la película de Pixar A Bug’s Life.

Su reconocimiento internacional llegó con producciones como Remember the Titans y, posteriormente, con papeles protagónicos en series como Heroes y Nashville.

En la entrevista, Panettiere explicó que durante gran parte de su infancia no percibió su entorno laboral como algo inusual dentro de la industria del entretenimiento. Según relató, la comprensión de esa dinámica cambió con el tiempo.

“Cuando empecé a autolesionarme a través del abuso de sustancias. Mi necesidad de complacer a los demás se fue acumulando, era ira, ansiedad y frustración. Mi vida giraba en torno a otras personas y yo era la última en la lista”, explicó.

Y añadió: “La presión de eso creció y creció hasta que explotó. Empecé a encontrar cualquier manera de atravesarlo. A veces dicen en tratamiento que, sorprendentemente, nuestras adicciones probablemente nos salvaron en cierto punto”.

Hayden Panettiere reconoció que, incluso después de identificar patrones de comportamiento que consideraba problemáticos, le resultó difícil establecer límites en el ámbito profesional. Consultada sobre si logró tomar decisiones laborales con mayor facilidad posteriormente, respondió negativamente.

“No. Luego estaba lidiando con todos esos años de ser la persona que siempre dice que sí y de no defenderme. Nunca decir ‘no, no me siento cómoda haciendo eso’ o decirle a la gente que estaba sobrecargada de trabajo”, dijo.

La actriz añadió que solía esforzarse por cumplir con todas las exigencias en el set. “Me obligaba a hacer lo que fuera que quisieran, pero era demasiado para cualquier persona”, explicó.

En la entrevista, también abordó la posibilidad de que su hija, Kaya, siga una carrera en la actuación. Hayden Panettiere señaló que observa interés en la industria por parte de la menor.

“Eso es lo que pasa, siempre me pregunto si yo me habría inclinado naturalmente hacia la actuación si no me hubieran empujado a ella. Le diré: por favor ve a la universidad, por favor prueba cosas. Y si realmente lo amas, entonces te apoyaré completamente. Y si no le gusta, puede salir. Su mundo no tiene que girar en torno a eso”, dijo.

La actriz también comentó que su ingreso a la industria desde una edad tan temprana le dejó sin alternativas académicas o profesionales fuera del entretenimiento. “Nunca tuve nada a lo que recurrir. Nunca fui a la universidad. No hay vuelta atrás”, afirmó.

La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos anunció este jueves 14 de mayo las 25 nuevas incorporaciones al Registro Nacional de Grabaciones 2026, una selección anual de grabaciones consideradas relevantes por su importancia cultural, histórica o estética dentro del patrimonio sonoro del país.

Entre los títulos añadidos este año figuran “Single Ladies (Put a Ring on It)” de Beyoncé, el álbum 1989 de Taylor Swift y el debut homónimo de Weezer, conocido como The Blue Album.

Con estas nuevas incorporaciones, el registro alcanza un total de 700 grabaciones preservadas desde la creación del programa en 2002. La institución explicó que las obras pueden ser consideradas para el registro una vez que cumplen al menos diez años de antigüedad.

En un comunicado, el bibliotecario interino del Congreso, Robert Newlen, señaló que el programa busca conservar una parte significativa de la historia sonora estadounidense.

“El registro trabaja para preservar nuestra lista nacional de reproducción para las generaciones futuras. La Biblioteca del Congreso se enorgullece de seleccionar estos tesoros de audio y trabajará para preservarlos junto con nuestros socios de la industria discográfica”, indicó.

La selección de este año incluye grabaciones de distintos géneros y períodos históricos. Además de producciones vinculadas con la música pop contemporánea, el listado incorpora la banda sonora del videojuego Doom, compuesta por Bobby Prince en 1993, y el álbum original del musical Chicago, estrenado en 1975.

Las incorporaciones fueron elegidas después de que el público enviara más de 3 mil nominaciones a través del sitio web de la Biblioteca del Congreso. Según la institución, el álbum debut de Weezer estuvo entre los títulos más solicitados por los usuarios.

La inclusión de 1989 representa la primera ocasión en que una grabación de Taylor Swift ingresa al registro. Lo mismo ocurre con Beyoncé, cuya canción “Single Ladies (Put a Ring on It)” se convirtió en su primera obra seleccionada por la institución.

Entre las incorporaciones también figura la transmisión original de The Fight of the Century: Ali vs. Frazier, correspondiente a la pelea de boxeo entre Muhammad Ali y Joe Frazier realizada el 8 de marzo de 1971. Se trata de la única grabación no musical añadida este año.

La clase de 2026 incluye además varios títulos asociados al country de la década de 1990, entre ellos Rumor Has It de Reba McEntire, The Wheel de Rosanne Cash y “Go Rest High on That Mountain” de Vince Gill.

La incorporación de The Wheel marca además un hecho particular dentro del registro: es la primera vez que un padre y una hija forman parte de la colección. Johnny Cash había ingresado previamente en 2003 con el álbum At Folsom Prison.

En declaraciones difundidas por la Biblioteca del Congreso, Rosanne Cash habló sobre la permanencia emocional que mantiene con las canciones de ese disco.

“Canté The Wheel hace un par de semanas en una presentación y sentí escalofríos mientras la interpretaba. Después le dije al público: ‘Qué regalo es cantar una canción de hace más de 30 años y seguir sintiéndola tan viva dentro de mí’”, comentó.

La lista de incorporaciones de 2026 también incluye “Cocktails for Two” de Spike Jones and His City Slickers (1944), “Mambo No. 5” de Pérez Prado (1950), “Teardrops From My Eyes” de Ruth Brown (1950) y “Fly Me to the Moon (In Other Words)” de Kaye Ballard (1954).

Paul McCartney afirmó que existe una petición de los seguidores que continuará rechazando pese a sus más de seis décadas de carrera pública: las fotografías tipo selfie.

El músico británico, de 83 años, habló sobre su relación con la fama y la manera en que han cambiado las interacciones con el público durante una entrevista en el podcast The Rest is Entertainment.

El exintegrante de The Beatles señaló que el uso generalizado de teléfonos móviles modificó por completo la dinámica entre artistas y admiradores.

“Ahora son los teléfonos. Si conozco a alguien, inmediatamente toma su teléfono, y yo digo: ‘Lo siento, no hago fotos’. Y eso es algo radical hoy en día”, comentó.

McCartney explicó que suele rechazar este tipo de solicitudes incluso cuando la reacción de las personas es de sorpresa. Durante la conversación recordó una experiencia que tuvo con la presentadora Oprah Winfrey.

“Le dije eso a Oprah —ahora estoy presumiendo nombres— y ella me dijo: ‘¿No te tomas fotos?’. Yo le dije: ‘No’. Y ella preguntó: ‘¿Por qué?’. Le respondí: ‘Porque no quiero’. Así de simple”, relató.

El músico indicó que su decisión está relacionada con la manera en que desea manejar su imagen pública y preservar cierta sensación de normalidad en su vida cotidiana. Según explicó, no quiere sentirse reducido a una figura disponible únicamente para fotografías o interacciones rápidas.

En ese contexto, Paul McCartney recurrió a una comparación para explicar cómo percibe algunas solicitudes de selfies. “En el momento en que empiezo a pensar que soy algo por encima de mí mismo, ya no me voy a gustar. Es muy importante para mí simplemente ser yo”, señaló.

Después describió una escena que asegura recordar de Saint-Tropez, en el sur de Francia.

“Les digo a las personas: no quiero hacer fotos. Y me preguntan: ‘¿Por qué?’. Entonces entro en esta larga explicación sobre cómo, en la costa sur de Francia, en Saint-Tropez, hay un hombre en la playa que tiene un mono y tú pagas para tomarte una foto con el mono”, contó.

McCartney explicó que esa imagen influye directamente en la forma en que vive las fotografías con seguidores. “Realmente no quiero sentirme como ese mono. Y cuando me tomo una foto con alguien, me siento como él. Ya no soy yo, de repente soy otra cosa”, afirmó.

Además de hablar sobre las selfies y la fama, el artista también se refirió a la cultura de los influencers y al impacto de las redes sociales en la popularidad contemporánea. Durante la entrevista reconoció que le resulta difícil identificarse con ciertos fenómenos digitales actuales.

“No soy de esa generación. Pero no puedes evitar verlo. Mi esposa estará mirando Instagram y mostrándome algo, y luego aparece uno de esos videos”, añadió.

El músico también habló sobre la visibilidad que alcanzan algunos creadores de contenido en plataformas digitales.

“Creo que es curioso —y supongo que siempre pasó— que personas que no parecen particularmente talentosas sean increíblemente famosas. Miles de millones de reproducciones y visualizaciones”, declaró.

Después matizó sus palabras al reconocer que sus opiniones pueden sonar asociadas a otra época. “Hay que tener cuidado al hablar de eso porque te hace sonar muy anticuado. Que lo soy”, agregó.

Paul McCartney mantiene una presencia pública constante mientras prepara el lanzamiento de su nuevo álbum, The Boys of Dungeon Lane. A principios de este mes sorprendió a seguidores durante una sesión privada de escucha realizada en los estudios Abbey Road, en Londres, donde presentó material del disco antes de su publicación oficial.

El músico está casado desde 2011 con Nancy Shevell, exvicepresidenta de la empresa New England Motor Freight. Anteriormente estuvo casado con Linda McCartney entre 1969 y 1998, año en que ella falleció. Más tarde contrajo matrimonio con Heather Mills en 2002; la pareja se divorció en 2008.

La máquina de Hollywood ha comenzado a moverse. Hace solo unas semanas, Amazon MGM Studios inició formalmente las audiciones para el próximo James Bond, según reveló en exclusiva el portal especializado Variety.

El proceso, envuelto en el hermetismo propio de la franquicia, representa el primer paso concreto hacia el relanzamiento de una de las sagas cinematográficas más longevas y rentables de la historia: la película número 26 en el canon oficial de 007.

“La búsqueda del próximo James Bond está en marcha. Aunque no planeamos comentar detalles específicos durante el proceso de casting, estamos emocionados de compartir más novedades con los fans de 007 en cuanto llegue el momento”, dijo el estudio en un comunicado publicado en sus redes sociales.

Para llevar adelante la tarea, Amazon MGM recurrió a Nina Gold, directora de casting con una trayectoria impresionante en proyectos de escala épica. Gold es conocida principalmente por haber poblado el universo de Westeros en la serie Game of Thrones (HBO). Su currículum también incluye la serie biográfica The Crown (Netflix) y cinco películas de la saga Star Wars. En esta última, fue responsable de elegir a Daisy Ridley para interpretar a Rey en The Force Awakens.

También tiene en su haber trabajos como Les Misérables, The Martian y Cónclave. En 2025 recibió una nominación al Oscar por su trabajo en Hamnet, en la primera edición de los premios que incluyó una categoría para directores de casting.

“Estamos tomando el tiempo necesario para hacer esto con cuidado y profundo respeto. Es el sueño de toda una vida para todos nosotros traer este próximo capítulo a las audiencias”, expresó Courtenay Valenti, ejecutiva de Amazon MGM en el Cinemacon más reciente.

El equipo creativo

Más allá del casting, la producción de Bond 26 ya tiene confirmados a sus principales artífices. El director será Denis Villeneuve, el cineasta canadiense responsable de la saga Duna, Arrival y Sicario.

Villeneuve fue confirmado oficialmente en el cargo el 25 de junio de 2025, y declaró al respecto: “Crecí viendo las películas de James Bond con mi padre, desde el Dr. No con Sean Connery. Soy un fan incondicional de Bond. Para mí, es territorio sagrado”.

Según informó Men’s Journal, este será el único film de James Bond que dirija Villeneuve, y el estudio conservará el control creativo final del montaje.

El guion estará a cargo de Steven Knight, confirmado el 31 de julio de 2025 y reconocido por ser el creador de la aclamada serie Peaky Blinders.

“No puedo decir nada al respecto, salvo que me lo estoy pasando fantástico... con Bond, lo que tienes entre manos es un personaje del folclore, como Robin Hood”, adelantó el guionista en enero de 2026.

La productora ejecutiva de las películas de Dune, Tanya Lapointe, también forma parte del equipo en ese rol. La producción estará a cargo de Amy Pascal, con experiencia en las películas de Spider-Man para Sony, y David Heyman, productor de la saga Harry Potter.

¿Quién será el próximo 007? Los nombres que suenan

La pregunta que desvela a los fans de todo el mundo sigue sin tener respuesta oficial. Según Variety, entre los actores cuyo nombre ha circulado con más fuerza en los últimos meses figuran Jacob Elordi, Callum Turner y Aaron Taylor-Johnson.

Este último ha sido el favorito de los rumores durante años: es actual embajador de Omega, la marca de relojes vinculada históricamente a Bond, y en la alfombra roja de 28 Years Later en junio de 2025 se limitó a decir sobre el tema: “No puedo hablar de eso”. El director de esa película, Danny Boyle, también pareció insinuar en abril de 2025 que Taylor-Johnson podría ser el elegido.

Sin embargo, una fuente anónima citada por The Wrap en febrero de 2026 enfrió cualquier especulación: “Todo lo que escuchen sobre el casting de Bond es mentira hasta que el guion sea entregado y puedan realizarse las pruebas de pantalla. No hay absolutamente nadie que vaya a conseguir este papel sin hacer un screen test”.

Por su parte, reportes sobre el estilo de casting sugieren que Villeneuve busca un “rostro nuevo”, un actor relativamente desconocido, en línea con lo que ocurrió con Sean Connery, George Lazenby y Daniel Craig antes de convertirse en 007.

La cantante Britney Spears enfrenta una nueva controversia en Estados Unidos después de que varios testigos la acusaran de causar una escena caótica durante una cena en un restaurante de Los Ángeles. Según reportes difundidos por TMZ, la artista habría “gritado, ladrado y sostenido un cuchillo” mientras se encontraba en el local junto a dos acompañantes.

De acuerdo con las fuentes, el episodio ocurrió la noche del miércoles 13 de mayo en el Blue Dog Tavern de Sherman Oaks, un vecindario ubicado en el Valle de San Fernando. La situación generó comentarios entre los clientes del establecimiento y se volvió viral en redes sociales.

Según el tabloide, Spears “levantaba la voz, gritaba e incluso ladraba por momentos” mientras ocupaba una mesa junto a un hombre y una mujer. Un cliente del restaurante también afirmó que la intérprete de “Toxic” pasó cerca de otras mesas con un cuchillo en la mano.

El periodista de entretenimiento Jeff Sneider aseguró en X que fue uno de los testigos y que él cenaba cerca de Spears cuando ocurrió el supuesto incidente. El comunicador describió que fue un momento “loco” y aseguró que el ambiente dentro del restaurante cambió tras la salida de la artista.

“Ella se acaba de ir y todos en el restaurante se voltearon y empezaron a hablar de eso. Una experiencia gastronómica DE LOCOS. Una clienta temió por su vida. Esto no es un chiste...”, escribió Sneider en sus redes.

Page Six añadió otros detalles sobre la noche. El portal sostuvo que Spears encendió un cigarrillo cerca de la puerta del local y que empleados del restaurante pidieron a uno de sus acompañantes que la convenciera de apagarlo. El medio también afirmó que la cantante alimentó a uno de sus amigos durante la cena y que en un momento le dijo “te amo”, aunque las fuentes consultadas no pudieron determinar si hablaba en serio o si solo bromeaba.

Otro comensal reportó a TMZ que la mesa de Spears quedó tan desordenada que “parecía como si un niño pequeño hubiera estado allí” al final de la cena.

El representante de Britney Spears negó las acusaciones

Horas después de la difusión de los reportes, el representante de Spears respondió a las acusaciones y negó que la artista hubiera actuado de manera peligrosa o fuera de control.

En declaraciones entregadas a los medios el jueves 14 de mayo, el portavoz afirmó que la situación ha sido sobredimensionada por los tabloides.

“Britney estaba disfrutando de una cena tranquila con su asistente y su guardaespaldas”, señaló el representante.

El portavoz también rechazó la versión relacionada con el cuchillo. Según explicó, Spears solo utilizó el utensilio para cortar comida mientras relataba una anécdota sobre su mascota.

“Ella simplemente estaba contando la historia de cómo su perro le ladraba a los vecinos. En ningún momento puso a alguien en peligro con un cuchillo. Estaba cortando su hamburguesa por la mitad”, declaró a PEOPLE.

“Este ataque constante hacia todo lo que ella hace es exactamente lo que ocurrió hace 20 años, cuando los medios intentaron retratar a Britney como una mala persona. Esto es ridículo y tiene que parar ahora”, agregó.

La controversia apareció poco después de los recientes problemas legales de la cantante. El pasado 4 de mayo, Spears aceptó un acuerdo judicial tras su arresto por sospecha de conducir bajo influencia en Ventura, California, ocurrido en marzo de este año.

Según PEOPLE, el abogado Michael A. Goldstein se declaró culpable en representación de la artista de un cargo reducido de “wet reckless”, figura legal vinculada a conducción temeraria relacionada con alcohol. El acuerdo permitió desestimar el cargo original de DUI.

El tribunal sentenció a Spears a 12 meses de libertad condicional y un día de cárcel computado como tiempo cumplido. Además, la cantante deberá asistir a un programa de alcoholismo de tres meses, acudir semanalmente a terapia psicológica y visitar dos veces al mes a un psiquiatra. Las autoridades también autorizaron inspecciones de su vehículo para detectar drogas o alcohol.

El pasado 12 de abril la cantante también fue noticia tras ingresar voluntariamente a rehabilitación. Fuentes cercanas aseguraron a Page Six que Spears “lo estaba haciendo muy bien” después del tratamiento y que continuaba con sesiones de terapia a distancia.

El portal también sostuvo que sus hijos Sean Preston y Jayden James tuvieron un papel importante en la decisión de buscar ayuda profesional.

Las integrantes de ATARASHII GAKKO! se preparan para cerrar 2026 con una gira que las llevará por tres países de Latinoamérica, culminando con el concierto más grande de su carrera en Ciudad de México el 8 de diciembre en el Velódromo Olímpico. El anuncio suma un hito más a una serie de logros internacionales recientes para el grupo tokiota.

En su debut en Chile, los fans tendrán la oportunidad de verlas en el Teatro Caupolicán el 3 de diciembre, un evento largamente esperado por quienes siguen al cuarteto japonés. La gira también incluye su primera participación en el reconocido Primavera Sound São Paulo, en Brasil, los días 5 y 6 de diciembre. Cada fecha representa un paso adelante en la expansión de la banda por nuevas fronteras.

Precios y venta de boletos

Para su presentación en el Teatro Caupolicán de Chile, los precios rondan desde los 38 mil hasta los 75 mil pesos chilenos. La denominada “venta artista” comenzó este 14 de mayo a las 10:00 am (hora local) y la venta general dará inicio el 15 de mayo.

A continuación, la distribución de precios para el concierto de ATARASHII GAKKO! en Chile:

En lo que respecta al show del cuarteto en São Paulo como parte del Primavera Sound, las entradas aún no salen a la venta, por lo que habrá que esperar para que se revelen los precios y modalidades del festival.

Para el cierre de su gira en México, los fans encontrarán solo tres tipos de precio:

• ZONA VIP: $2,331.25
• GENERAL: $1,463.25
• GRADAS: $1,215.25
• Experiencia VIP (no confundir con zona VIP): $4,750.50.

La preventa Citibanamex comenzó este 14 de mayo a las 10:00 am y a partir de este viernes 15 de mayo dará inicio la venta general. A continuación, la distribución de lugares para el concierto de ATARASHII GAKKO! en México:

La historia detrás de ATARASHII GAKKO! y su impacto en Latinoamérica

El grupo, que se traduce como “nueva escuela”, fusiona baile, vocalización y una mezcla de géneros que desafía etiquetas tradicionales, combinando elementos como pop, punk y dance. ATARASHII GAKKO! se ha destacado por su energía escénica y una propuesta que promueve la individualidad, la autoexpresión y el espíritu rebelde del “Seishun”, logrando trascender tanto barreras culturales como idiomáticas.

La llegada de ATARASHII GAKKO! a Latinoamérica responde a un crecimiento acelerado de su base de seguidores en la región, tras el éxito mundial de “Otona Blue”, que superó los 3.3 mil millones de vistas en TikTok. Además de eso, su histórica presentación en el festival mexicano Corona Capital, marcó profundamente a los asistentes, quienes no tardaron en movilizarse en redes para exigir a las promotoras un show individual del cuarteto en el país.

Menos de un año después, la agrupación conformada por Mizyu, Rin, Suzuka y Kanon ya se encontraba dando un show en el Pepsi Center de la Ciudad de México, dejando en claro el profundo vínculo que se forjó entre la banda y el público mexicano. Ahora, este vínculo busca ampliarse a más países de Latinoamérica.

“Chanka Chanka”, lo nuevo de ATARASHII GAKKO!

Como parte del lanzamiento de la gira, el grupo presentó su más reciente sencillo global, “Chanka Chanka”, distribuido por 88rising. La canción se inspira en el matsuri-bayashi y las imágenes de los yokai y el Hyakki Yagyō del folclore japonés, reinterpretando estos elementos desde una visión moderna y con influencias de música de club. “Chanka Chanka” tuvo su estreno en vivo ante entradas agotadas el 26 de abril en Tokio y será interpretada por primera vez en Latinoamérica durante la próxima gira.

El fenómeno ATARASHII GAKKO! ha sido destacado por medios como NME, que reconoció que “con su electrizante espectáculo en vivo, canciones contagiosas y una química ágil, el cuarteto japonés realmente está conquistando el mundo”. Desde su debut global en 2021 bajo el sello 88rising, el grupo ha consolidado una reputación como uno de los actos en vivo más destacados y una voz representativa de la nueva generación del pop japonés.

Todo comenzó en un gimnasio del barrio de Crouch End, en el norte de Londres. Clarke estaba en plena sesión con su entrenador personal cuando comenzó a sentir un dolor de cabeza insoportable. Según relató en su momento al medio The New Yorker, se sentía tan agotada que apenas podía ponerse los zapatos. Cuando su entrenador le pidió que hiciera una plancha, algo se rompió.

“Sentí de inmediato como si una banda elástica estuviera apretando mi cerebro. Intenté ignorar el dolor y seguir, pero simplemente no podía”, recordó Clarke. Casi a rastras, llegó al baño del vestuario, donde se desplomó de rodillas frente al inodoro, presa de vómitos y un dolor “fulminante, punzante y constrictivo”.

Trasladada de urgencia al hospital, fue operada con éxito, pero la cirugía le dejó afasia, un trastorno del lenguaje que le impidió hablar con fluidez. Tardó semanas en poder pronunciar su propio nombre. A pesar de ello, cinco semanas después ya estaba de regreso frente a las cámaras, rodando en Dubrovnik. En el podcast, la actriz confesó que pasó las dos semanas siguientes al colapso tratando, junto a su representante, de ocultarle a HBO lo que había ocurrido, “hasta que supieran que no iba a morir”, según sus propias palabras. Ella temía que la despidieran.

La segunda cirugía: cuando todo salió mal

Durante ese primer procedimiento, los médicos detectaron un segundo aneurisma, más pequeño, en el lado opuesto del cerebro. Clarke explicó que ello se conoce como aneurisma en espejo, una anomalía que ocurre cuando una debilidad en una arteria se replica simétricamente en ambos hemisferios durante el desarrollo fetal. Decidieron no operarlo entonces y simplemente monitorearlo.

Meses después, mientras la actriz protagonizaba una obra en Broadway y disfrutaba de su vida en Nueva York, llegó el momento de una revisión rutinaria. Los médicos estadounidenses encontraron que el aneurisma había triplicado su tamaño. Le aseguraron que sería una operación rápida, casi sin complicaciones: entrar una noche y salir al día siguiente. Sus padres volaron desde Inglaterra para acompañarla.

La realidad fue otra. “Lo siguiente que recuerdo es que me estaban despertando, y sentía ese mismo dolor intenso otra vez, porque me dijeron: ‘Salió mal. Tenemos que abrirte la cabeza y necesitamos tu permiso’”. En ese momento, tendida en una camilla, alcanzó a ver a sus padres al fondo de la sala. “Recuerdo la cabeza de mi mamá asintiendo, diciéndome: ‘Di que sí’”, relató.

Lo que había ocurrido dentro del quirófano fue un fallo técnico con consecuencias gravísimas. El aneurisma había sido tratado con un relleno para sellar la ruptura, pero el material fue introducido en exceso, provocando un desgarro en el tejido. Los cirujanos no tuvieron otra opción que abrir el cráneo de Clarke para bloquear el aneurisma de forma directa. Fue, según describió, “un sangrado bastante grande”.

Mientras la operaban, sus padres esperaban afuera recibiendo actualizaciones que cambiaban cada media hora: “Creemos que va a morir. No, creemos que va a quedar ciega. No, creemos que va a quedar paralizada”. Así durante horas, según contó Clarke en el podcast, mientras los médicos intentaban determinar qué partes de su cerebro estaban siendo afectadas.

Clarke salió con vida de aquella segunda cirugía, pero la persona que emergió ya no era exactamente la misma. En la entrevista con Elizabeth Day, la actriz describió el efecto emocional que tuvo este incidente de salud.

“Lo más grande que me pasó con el segundo derrame cerebral fue que me apagué emocionalmente. Se convirtió en una situación en la que simplemente no podía mirar a nadie a los ojos”, explicó. Y añadió: “Estaba convencida de que había burlado a la muerte y de que se suponía que debía morir, y eso era todo lo que podía pensar cada día”.

“Era lo contrario a ‘sobreviví, me siento genial’. En su lugar, pensaba: ‘no se supone que esté aquí. Esto va a volver a por mí’”, explicó. El resultado fue un aislamiento profundo: “Te desconecta de poder relacionarte con el mundo exterior, porque caminas sabiendo que tu cuerpo te ha fallado, tu cerebro te ha fallado”.

Clarke también reveló que las cicatrices emocionales persisten hasta hoy. Cualquier dolor de cabeza, por leve que sea, desata en ella el miedo a que “vuelva a ocurrir”.

En la misma entrevista, Clarke reveló que este año recibió diagnósticos que atribuye directamente a las lesiones cerebrales de aquella época. La actriz explicó que le han diagnosticado el Síndrome de Ehlers-Danlos, un trastorno del tejido conectivo que afecta la movilidad articular, y el Síndrome de Activación de Mastocitos (MCAS, por sus siglas en inglés), que provoca inflamación crónica porque “mi cuerpo cree que es alérgico a todo”, según sus propias palabras. Ambas condiciones, indicó, son consecuencia de haber vivido con una lesión cerebral sin tratamiento integral durante años.

Desde que hizo pública su historia en 2019, Emilia Clarke ha canalizado parte de su experiencia en SameYou, la organización benéfica que fundó para apoyar la recuperación de personas que han sufrido derrames cerebrales y lesiones cerebrales. La entrevista completa puede escucharse en el podcast How to Fail with Elizabeth Day, disponible en todas las plataformas de streaming.

La imagen pública de Selena Gomez combina glamour, éxito empresarial y una carrera artística en constante ascenso. Sin embargo, esa figura de portada también convive con una predilección absoluta por la comida rápida.

Benny Blanco, esposo de la exestrella Disney, lo contó todo durante una grabación privada del podcast de Gwyneth Paltrow para Goop, realizada el martes 13 de mayo en West Hollywood, cuyo episodio completo será publicado en septiembre.

Frente a una audiencia en vivo de seguidores de la marca Goop, el productor musical de 38 años describió los hábitos culinarios de su esposa con una frase que lo resume todo: Selena Gomez “tiene la dieta de una niña de cinco años”.

Blanco explicó a Gwyneth que ella come “todo lo que es malo para tu dieta” y citó las hamburguesas y las papas fritas como dos de sus favoritos, según reportó el Daily Mail, que estuvo presente en la grabación.

El productor dio como ejemplo lo que había pasado esa misma mañana al entrar a la cocina: su esposa estaba comiendo Jack in the Box —la popular cadena de comida rápida estadounidense conocida por sus hamburguesas, tacos y papas rizadas— a las 6:45 a.m.

La anécdota arrancó una reacción inmediata de Paltrow, quien exclamó horrorizada: “¡Esto NO tiene la aprobación de Goop!”.

Blanco también reveló que a Gomez “realmente no le gustan las frutas ni las verduras”. Como prueba, contó que cuando su esposa pide la ensalada china de pollo de Goop Kitchen —la cadena de comida saludable de Paltrow—, se dedica a sacar “todo lo que está encima de la ensalada” y le deja a él toda la lechuga y los vegetales para que los termine solo.

El músico explicó que eso es prácticamente “lo único saludable” que logra que ella coma.

Las revelaciones de Blanco no sorprenden del todo a quienes siguen la carrera de Gomez. La estrella de 33 años ha sido abiertamente fiel a su amor por la comida chatarra desde hace años. En una entrevista con Gordon Ramsay, describió con orgullo su pedido favorito de Jack in the Box: “Dos tacos, dos egg rolls, papas rizadas y un sándwich de pollo”. En 2016, le contó a Bon Appétit que en su bus de giras nunca faltaban “Hot Cheetos, chocolate y pickles”, y agregó: “Me encanta un buen plato de pollo frito”.

Asimismo, en 2022, Gomez contó cuáles eran sus órdenes favoritas de Jack in the Box: “Pedí cuatro tacos, tres egg rolls, aros de cebolla y un sándwich de pollo picante”. Y ante las críticas a su cuerpo, respondió con contundencia: “No me importa mi peso porque la gente se queja de todas formas. Soy perfecta tal como soy”.

Sin embargo, la preferencia por la comida rápida también le ha traído problemas de salud en el pasado. En 2011, Selena Gomez fue hospitalizada por desnutrición a causa de su dieta. “Sí como. El problema es que no como bien”, declaró en ese momento. “Me encantan los M&M’s, los Kit Kats, los Snickers y los Goobers en el cine”.

Años después, en 2017, fue diagnosticada con lupus —una enfermedad autoinmune crónica— y debió someterse a un trasplante de riñón de emergencia. La medicación para tratar la enfermedad provocó fluctuaciones constantes en su peso, algo que, según confesó en el podcast Giving Back Generation, generó una avalancha de críticas que “la afectaron muchísimo y la perturbaron durante un tiempo”.

Desde entonces, ha trabajado más activamente en su salud, con un gimnasio en casa, entrenador personal y rutinas de ejercicios HIIT y clases de barre.

Sweeney no está haciendo catarsis personal en pantalla. Está actuando. Y lo hace con un talento que le valió una nominación al Emmy como Actriz de Reparto, elogiada por la crítica especializada por su capacidad de mostrar los altibajos emocionales de Cassie Howard sin nunca hacer que el público se vuelva completamente en su contra. Ese equilibrio entre empatía y devastación no es casualidad: es el resultado de una actriz que domina su oficio.

La confusión entre actriz y personaje tiene un historial largo. Le pasó a Bryan Cranston con Walter White. Le pasó a James Gandolfini con Tony Soprano. En todos esos casos, el debate sobre si el actor “era” su personaje quedó reducido al anecdotario. Las actuaciones, en cambio, sobrevivieron como referencias de la televisión contemporánea. La de Sweeney va por el mismo camino.

Un personaje construido para incomodar

Cassie Howard no es un accidente narrativo. Desde su presentación en la primera temporada fue diseñada como un estudio clínico de la dependencia emocional y la necesidad de validación. En esta temporada, ese arco alcanza una nueva dimensión: Cassie abre una cuenta en una plataforma de contenido para adultos y construye una identidad pública alrededor de su exposición.

Lo que hace aún más incómoda la trama es que quien la gestiona y potencia es Maddy, su exmejor amiga, reconvertida en manager: una ironía dramática que la serie despliega sin red de contención. Las escenas que muestran ese proceso no están ahí para escandalizar. Están para retratar, con precisión incómoda, la dinámica real de la economía de la atención digital y lo que le hace al cuerpo y a la identidad de las mujeres jóvenes que la habitan.

Las experiencias más polémicas del personaje se han convertido en puntos de referencia culturales que generaron debates sobre sexualidad, consentimiento y las presiones de las redes sociales, debates que solo ocurren cuando una ficción toca algo verdadero. Si el personaje fuera inofensivo, nadie estaría discutiendo.

Y entender este aspecto del personaje es clave ya que la serie nunca aplaude las acciones de Cassie. Por el contrario, el lenguaje audiovisual busca crear tanta incomodidad como sea posible; lo ha hecho tan bien que personalidades de la misma industria del entretenimiento para adultos han salido a pronunciarse.

En entrevista para Variey, Sydney Leathers, creadora de contenido para adultos desde 2017, calificó la representación de “ridícula y caricaturesca” y resaltó que muchas de las situaciones mostradas ni siquiera serían posibles en la vida real dadas las políticas de las plataformas. Maitland Ward, una de las principales creadoras de contenido explicito, aseguró que el arco de Cassie Howard perpetuaba estereotipos de aquellas personas que se dedican al entretenimiento para adultos.

“En el clima que vivimos, que la vistieran de bebé para hacer contenido pornográfico de OnlyFans fue más que perturbador y nuevamente sirve para perpetuar el estereotipo de que las trabajadoras sexuales no tienen brújula moral y que harán cualquier cosa por dinero. Y siempre existe ese estigma falso de que el trabajo sexual es sinónimo de tráfico sexual y abuso. Y ellos simplemente dijeron: hagamos un chiste de esto. Qué gracioso. Yo no me estoy riendo”, declaró tajante Ward a Variety.

El debate real: quién decide el límite

La pregunta que la nueva temporada deja abierta no es si Euphoria fue demasiado lejos con el sexo. Es quién tiene autoridad para trazar ese límite en la ficción para adultos distribuida en una plataforma de streaming de pago.

Mostrar la hipersexualización de Cassie no es lo mismo que celebrarla. Ponerla en pantalla con toda su crudeza es, en todo caso, lo opuesto a normalizarla: es obligar al espectador a verla de frente, sin el alivio de la metáfora ni el distanciamiento del eufemismo. Cassie Howard es un personaje autodestructivo porque la autodestrucción disfrazada de empoderamiento es uno de los fenómenos más reales y menos discutidos de la cultura digital contemporánea.

Un fenómeno cultural que excede la pantalla

Su impacto en la Generación Z se tradujo en tendencias de maquillaje, moda y estética que trascendieron la pantalla: las sombras de ojos vibrantes y las piedras brillantes del personaje de Maddy se convirtieron en un lenguaje visual propio, al punto de que la diseñadora de maquillaje de la serie lanzó su propia línea de productos basada en los looks de los personajes.

En 2019 recibió el Premio Sentinel por su retrato preciso de la adicción, un galardón que se otorga específicamente a producciones que abordan el tema con rigor y responsabilidad. Ese reconocimiento coexiste con las acusaciones de ser demasiado explícita, lo que ilustra perfectamente la tensión que Euphoria habita por diseño.

La premiere de la tercera temporada se proyectó en el festival Coachella 2026, un gesto que confirma su lugar como objeto cultural y no solo televisivo.

Euphoria acumula 25 nominaciones al Emmy Primetime con 9 premios ganados, además de un Globo de Oro, un premio Peabody y reconocimientos de los Gremios de Directores y Guionistas de Hollywood. Zendaya ganó el Emmy a Mejor Actriz en Drama en dos oportunidades, convirtiéndose en la actriz más joven y la primera mujer negra en conseguir ese logro dos veces.

No son premios menores ni categorías técnicas: son el reconocimiento de la industria más rigurosa del mundo a una ficción que, al mismo tiempo, genera escándalo en las redes sociales cada vez que emite un episodio nuevo. La contradicción dice algo sobre quién tiene razón en ese debate.

La Academia de Televisión también premió a Euphoria por su cinematografía, coreografía y maquillaje, departamentos que definen la identidad visual más reconocible de la televisión actual. Para la tercera temporada, Hans Zimmer se sumó como compositor, un dato que habla del peso que la industria le asigna a la serie.

La tercera temporada recibió una recepción mixta de la prensa especializada, lo que no es necesariamente una mala señal para una serie que siempre apostó a la incomodidad. Incluso las reseñas más duras coinciden en que Zendaya entrega uno de los trabajos más sólidos de la televisión actual, que la cinematografía sigue siendo extraordinaria y que la dirección de arte y el vestuario constituyen un festín visual.

Decider la calificó como un salto creativo mayúsculo. Variety reconoció que la serie nunca deja de entretener y que Zendaya recuerda instantáneamente por qué ganó dos Emmy. El cinematógrafo Marcell Rév filma cada capítulo con técnicas de cine en sala, logrando escenas que algunos críticos describieron como dignas de proyectarse en un museo.

Que una serie tan ganadora siga generando esta clase de debates es la confirmación de que todavía tiene algo urgente para decir.

Para el actor de 49 años, mantenerse íntegro en Hollywood implica aceptar el fracaso y evitar el camino fácil. Esa filosofía lo impulsa a buscar desafíos constantes tanto en su carrera como en su vida personal, mientras prioriza la autenticidad, el compromiso con su familia y la fidelidad a sus propios valores por encima de la fama.

La presión de Hollywood y la autoexigencia

Sentado en su camerino del Teatro August Wilson en Manhattan, Bernthal explicó a Esquire cómo su profesión implica un equilibrio entre la exposición pública y la vida privada.

“Salir al escenario cada noche, donde el fracaso, la humillación, la gloria, la belleza y la devastación son totalmente posibles, es como caminar sobre la cuerda floja. Pero también lo es ser padre, ser esposo, y tomar la decisión diaria de intentar ser el tipo de hombre en quien la gente puede confiar”, reflexionó el actor.

Transformar la vulnerabilidad en un motor creativo fue clave para él. Reconoció que su empeño lo deja agotado, pero afirmó que “soy un luchador, tengo hambre, siempre busco más”. Esta búsqueda constante implica renunciar a la satisfacción duradera de cada logro y mirar siempre hacia el siguiente reto.

Mencionó que su estándar de exigencia es tan alto en lo personal como en lo profesional. Por ello, nada es más importante que rodearse de creadores que compartan esa devoción por su trabajo: “Quiero trabajar con personas que consideren su obra sagrada, igual que yo”.

Jon Bernthal y su visión más oscura de The Punisher

Uno de los temas centrales de la entrevista fue la relación con The Punisher, personaje al que considera mucho más que un simple antihéroe de acción. El actor reveló que al principio dudó en ingresar al Universo Marvel, aunque terminó aceptando porque Frank Castle era “un superhéroe tan inusual” que parecía hecho a su medida.

En el episodio especial “One Last Kill”, estrenado recientemente en Disney+ y escrito por Bernthal junto a Reinaldo Marcus Green, Castle atraviesa uno de sus momentos más extremos: contempla el suicidio mientras enfrenta el vacío emocional dejado por años de violencia y pérdida.

Bernthal explicó que quiso explorar una condición que observó en veteranos de fuerzas especiales, marcada por la ruptura de todos los pilares de sus creencias, desde la religión y el Cuerpo de Marines hasta la propia familia.

“Básicamente, todo lo que era importante para ti, empiezas a verlo como una corrupción. Te ves a ti mismo como el responsable de los problemas del mundo que te rodea, y en el 99% de los casos, esto termina en suicidio”, describió el actor.

También aclaró que no está dispuesto a suavizar al personaje ni a alejarlo de la esencia violenta y oscura que lo define, pese a que en distintas etapas le propusieron versiones mucho más alejadas del espíritu original de The Punisher.

Además, adelantó que Frank Castle volverá a aparecer en Spider-Man: Brand New Day junto a Tom Holland. Aun así, insistió en que solo continuará interpretándolo si puede mantener la complejidad psicológica y la crudeza que considera fundamentales para el personaje.

“Estamos en un punto donde creo que este es el nivel de complejidad psicológica y violencia cruda que los fans realmente quieren para este personaje”, sostuvo. Además aseguró a Esquire que “estoy dispuesto a seguir haciendo más, pero creo que tengo que ser yo quien lo haga”.

Aprender del fracaso y la crítica

Aunque Bernthal transmite fortaleza pública, confesó que la crítica todavía lo afecta. El día de estreno de “Tarde de perros”, la reseña de The New York Times fue especialmente dura con su interpretación. “Me quedé destrozado”, admitió a Esquire.

Esa experiencia lo llevó a hablar abiertamente con sus hijos sobre su vulnerabilidad. Según relató, sincerarse con ellos fortaleció el apoyo familiar y también su propia resiliencia. “Tengo casi 50 años. Me daba pánico hacer esto. Pero lo hice igual. Necesito golpes”, expresó.

A partir de entonces, en lugar de dejarse abatir por las valoraciones externas, Bernthal decidió dedicar la siguiente función a su familia y separar su valía personal del juicio público.

Nuevos proyectos y colaboraciones

Actualmente, interpreta a Menelao en La Odisea, bajo la dirección de Christopher Nolan, a quien admira por su ética de trabajo. “Nolan es un tipo que literalmente nació para esto. Su apetito y su hambre de trabajo y de progreso son casi sobrehumanos”, describió el actor.

La colaboración con Christopher Storer y Ebon Moss-Bachrach en The Bear, entre otras, evidencia la confianza que Bernthal deposita en sus colegas, especialmente cuando se trata de perseguir autenticidad en pantalla. “Solo quiero formar parte de las historias de personas a las que seguiría hasta el fin del mundo”, señaló.

En medio de la celebración cinematográfica, Vin Diesel rindió homenaje a su fallecido compañero Paul Walker, y compartió un emotivo abrazo con Meadow Walker, la hija del actor, ante un público que respondió con una ovación de cuatro minutos.

Según reportó The Hollywood Reporter, la proyección fue uno de los eventos más asistencia del festival, con la famosa Croisette repleta de personas antes de la medianoche. Diesel llegó a la alfombra roja luciendo un blazer cubierto de pedrería bordado con las palabras “Fast Forever”, título del que será el último capítulo de la franquicia, cuyo estreno está programado para el 17 de marzo de 2028.

Antes de que comenzara la proyección, el actor bromeó con el director del festival, Thierry Frémaux, sobre la magnitud del público congregado: “Thierry, ¿de dónde sacaste a toda esta gente? Nunca en mi vida he visto una proyección de medianoche así. Thierry, no es como si esta película no llevara un tiempo en los cines”, dijo entre risas, según recogió Variety.

Tras la proyección, Diesel tomó nuevamente la palabra y dirigió la atención a la memoria de su excoestrella, a quien siempre llamó por el apodo “Pablo”. Él le atribuyó ser el pilar emocional de toda la saga y reconoció lo difícil que le resulta hoy ver esa primera película.

“Es tan difícil para mí verla porque hay tantos momentos en este filme que ustedes ven, que yo veo de manera diferente”, confesó visiblemente conmovido, en declaraciones recogidas por Variety. “La escena que tú ves, yo la veo como el momento en que Pablo me dijo que tenía una hija de un año, y estábamos en el coche rodando una escena, y eso dio lugar a una franquicia de momentos sobre la familia”.

Meadow, la presencia que lo hizo todo posible

Junto a Diesel en el escenario estuvieron también las actrices Michelle Rodriguez, de 47 años, y Jordana Brewster, de 46, ambas pilares de la franquicia desde sus inicios. Pero la presencia más significativa de la noche fue la de Meadow Walker, de 27 años, hija de Paul Walker y ahijada del propio Diesel, quien presidió la velada como heredera del legado de su padre.

“La persona que no iba a dejarme venir aquí solo para representar esa hermandad es Meadow Walker”, expresó Diesel antes de la proyección especial. La joven también recorrió la alfombra roja con el reparto y estuvo al lado de su padrino cuando la película terminó en el Grand Lumiere.

El actor compartió con el público una reflexión que Meadow había hecho horas antes. “Ella dijo: ‘Tengo 27 años y estoy viendo esta película que mi padre hizo a los 27’, y pensé: ‘Qué profundo’”, relató el actor con la voz entrecortada

Acto seguido, mirando directamente a la hija de Paul Walker, Diesel le dijo: “Meadow ha sido una gran fuente de fortaleza, y sé que él estaría muy orgulloso de ti”. Las palabras fueron seguidas de un abrazo entre ambos en el escenario, ante los aplausos del público reunido en el teatro.

La noche también tuvo un componente de cara al futuro. Diesel aprovechó el escenario para agradecer a los fans el apoyo que ha sostenido la franquicia durante un cuarto de siglo y para reafirmar el compromiso del equipo con el desenlace de la saga.

“La única razón por la que estamos haciendo la entrega final de Fast para 2028 es por cada uno de ustedes que nos ha dado su corazón y su lealtad”, afirmó, según People. “Cada uno de ustedes que ha sentido que era parte de nuestra familia. Ustedes nos hacen tener que continuar”.

Fast Forever, que reunirá a buena parte del elenco histórico de la franquicia —incluyendo a Jason Statham, Dwayne Johnson, Jason Momoa y otros—, llegará a los cines el 17 de marzo de 2028.

Chloe Cherry habló sobre su experiencia con procedimientos estéticos durante una reciente participación en el programa digital “Beauty Secrets” de Vogue.

La actriz, conocida por su papel de Faye en la serie Euphoria, abordó de forma directa el uso de rellenos labiales, toxina botulínica y otros tratamientos cosméticos a los que se ha sometido a lo largo de los últimos años.

La famosa explicó que ha recurrido en múltiples ocasiones a rellenos en los labios, señalando que el procedimiento se ha convertido en una práctica habitual dentro de su rutina estética.

“Obviamente, me pongo relleno de labios. Me he puesto tanto relleno de labios a lo largo de mi vida que ya ni siquiera necesito usar la crema anestésica porque estoy muy acostumbrada a la sensación”, dijo.

La actriz, cuyo nombre real es Elise Marily Jones, indicó que la repetición de los tratamientos ha sido constante desde que decidió comenzar con ellos, y que también ha recurrido a inyecciones de toxina botulínica en distintas zonas del rostro.

Chloe Cherry señaló que el uso de estos procedimientos forma parte de su elección personal en relación con su apariencia. Según explicó en el video, su decisión inicial de someterse a estos procedimientos estuvo relacionada con su percepción de su apariencia facial en ese momento.

“Decidí ponerme bótox y rellenos porque no me gustaba el aspecto de mi cara. Al final, terminé teniendo que seguir haciéndolo y manteniéndolo. Me lo he puesto en la frente tantas veces que, en serio, creo que el músculo se me ha atrofiado”, dijo.

Chloe señalando su frente y mostrando cuánto podía mover los músculos. “Así de mucho puedo levantar las cejas. Nunca tendré arrugas en la frente”, añadió riendo.

Además de los procedimientos en el rostro, la artista habló sobre el uso de productos destinados al cuidado de las pestañas.

En el video mencionó un suero de crecimiento de pestañas de la marca Sweed Beauty, indicando que comenzó a utilizarlo aproximadamente un año antes de la grabación. Según su testimonio, el producto contribuyó al crecimiento visible de sus pestañas.

La actriz añadió una anécdota relacionada con el rodaje de Euphoria, en la que aseguró que el crecimiento de sus pestañas llegó a superar la longitud de las pestañas postizas utilizadas en el set.

“Hubo un momento durante el rodaje de Euphoria en el que mis pestañas crecieron más que las pestañas postizas que estaban usando, así que mi maquillador tuvo que recortarlas porque eran demasiado largas”, expresó.

Tras la publicación del video, usuarios en redes sociales comentaron las declaraciones en la sección de comentarios de la plataforma, donde se compartieron opiniones sobre el aspecto de la actriz y su relación con los procedimientos estéticos mencionados.

Algunos mensajes hicieron referencia al uso de rellenos labiales y a la apariencia resultante, mientras otros destacaron su participación en la serie de HBO. “Le queda genial”, escribió uno, mientras que otro añadió: “La verdad es que le queda muy bien”

La tercera temporada de Euphoria se encuentra en emisión a través de HBO, con un capítulo nuevo cada domingo.

Brooke Shields recordó recientemente una entrevista realizada en 1981 por la periodista Barbara Walters, en la que la comunicadora le preguntó directamente por sus medidas corporales cuando la actriz tenía 15 años.

El episodio fue comentado por la artista durante una participación en el podcast Dinner’s on Me, conducido por Jesse Tyler Ferguson, emitido el 12 de mayo.

La entrevista original fue grabada cuando Shields era aún adolescente y se encontraba en las primeras etapas de su carrera como modelo y actriz.

En aquella conversación televisiva, Walters le preguntó: “¿Cuáles son tus medidas?”, a lo que la entonces menor de edad respondió proporcionando su estatura y peso.

Durante la conversación en el podcast, Brooke Shields retomó ese episodio al reflexionar sobre la exposición pública que enfrentó desde su infancia y adolescencia.

“La revista Life publicó todo mi expediente académico de Princeton. Es una locura. Pero, o sea, también es una locura que Barbara Walters me haya preguntado mis medidas”, recordó.

La actriz señaló que, con el paso del tiempo, ha revisado ese tipo de interacciones desde una perspectiva distinta, en el contexto de las prácticas periodísticas y mediáticas de la época.

“Estas mujeres trabajaban en una época en la que las mujeres no tenían ningún poder y vivían en un mundo de hombres. Es como si no pensaran en mí para nada”, explicó.

En el mismo episodio del podcast, la actriz fue consultada sobre si en algún momento recibió comentarios posteriores por parte de Barbara Walters en relación con ese tipo de preguntas o con el enfoque de sus entrevistas.

Sin embargo, Brooke Shields respondió que no hubo ese tipo de contacto. “Eso no va con su personalidad”, indicó.

La actriz añadió que en el pasado tendía a tomar ese tipo de situaciones de manera personal, aunque ha desarrollado herramientas para gestionar de forma diferente la exposición mediática.

“Creo que también es que me tomaba todo personalmente, y en cierto modo todavía lo hago. Ahora soy mucho mejor y no dejo que me afecte tanto”, expresó.

Barbara Walters, quien falleció en 2022 a los 93 años, fue una de las figuras más reconocidas de la televisión informativa en Estados Unidos.

Su carrera incluyó entrevistas con líderes políticos, celebridades y personalidades internacionales, y su estilo periodístico fue ampliamente difundido durante varias décadas.

Por su parte, Shields alcanzó notoriedad desde temprana edad como actriz y modelo, participando en producciones cinematográficas y campañas publicitarias que la situaron en el foco mediático desde la adolescencia.

Su trayectoria incluyó películas como Pretty Baby y The Blue Lagoon, además de campañas publicitarias de alto impacto en la industria de la moda.

La actriz ha abordado en distintas ocasiones las experiencias de exposición pública que vivió durante su juventud, así como la forma en que estas influyeron en su desarrollo personal y profesional.

En entrevistas previas, también ha comentado la interpretación de campañas publicitarias en las que participó siendo menor de edad, como el famoso anuncio de vaqueros Calvin Klein en el que decía: “Nada se interpone entre mis Calvin Klein y yo”.

“Fui ingenua, no le di importancia. No pensé que tuviera que ver con ropa interior, no pensé que fuera algo sexual. Creo que se da por sentado que yo era mucho más astuta de lo que realmente fui”, explicó a Vogue.

La actuación, realizada durante el fin de semana, generó una amplia circulación de imágenes y videos en redes sociales.

El video de la presentación muestra a la artista interpretando su espectáculo sobre el escenario con el vestuario mencionado, lo que provocó múltiples reacciones en plataformas digitales.

De acuerdo con publicaciones en redes sociales, el contenido alcanzó millones de visualizaciones, especialmente en la red social X, donde usuarios comentaron tanto el vestuario como la puesta en escena.

“¿Se viste como una niña pequeña y se toca de forma sexual? ¿Quién demonios apoya este tipo de comportamiento abominable? Que se vista como un adulto y lo haga, vale, ¿pero una niña? ¡Ni hablar!“, escribió un usuario.

Las opiniones se distribuyeron entre diferentes posturas respecto a la interpretación del diseño del vestuario y su relación con la actuación. Algunos señalaron que se trataba de una propuesta artística dentro del contexto de la presentación musical.

“Es realmente frustrante que una mujer ni siquiera pueda vestirse como le da la gana porque la gente enseguida piensa que se está sexualizando. El problema no es Olivia; es tu mentalidad. Tú eres el problema. Si eres un pervertido, ese es tu problema”, expresó un fan

Otros usuarios señalaron que el uso de vestidos tipo babydoll ha formado parte de la estética de distintas corrientes musicales en décadas anteriores.

Algunos comentarios en redes sociales hicieron referencia a la influencia de estilos utilizados en los años 90 por artistas femeninas del ámbito musical alternativo. “Creo que Courtney Love se vestía así y, que yo sepa, no había ningún problema”, afirmó un usuario.

La conversación digital también incluyó referencias a otras producciones recientes del entretenimiento audiovisual en las que se han presentado escenas con estética similar o con debates sobre representación visual.

En este contexto, también se mencionó que la discusión se enmarca en un patrón recurrente dentro de la industria del entretenimiento, donde las decisiones estéticas de artistas femeninas generan debates públicos sobre su significado y su recepción en redes sociales.

La conversación en torno a Olivia Rodrigo se produjo pocas semanas después de otra polémica relacionada con la serie Euphoria, en la que el personaje interpretado por Sydney Sweeney participó en una escena que también generó reacciones en redes sociales debido a su representación visual.

Dicho episodio fue ampliamente comentado en plataformas digitales y medios de comunicación. De hecho, Megyn Kelly destrozó a Sweeney durante una diatriba en su podcast de SiriusXM.

“La verdad es que esto es sexualizar la infancia. Eso es lo que es”, .les dijo a sus copresentadores mientras mostraba una imagen de la actriz con las piernas abiertas en un sofá.

A lo largo de los años, diversas artistas del ámbito musical y audiovisual han sido objeto de debates similares en torno a la estética de sus presentaciones o producciones.

Casos como los de Britney Spears, Ariana Grande y Sabrina Carpenter han sido citados en discusiones previas sobre la evolución de estilos visuales en la industria del entretenimiento.

Paris Jackson obtuvo una resolución favorable en el proceso judicial relacionado con el manejo financiero del patrimonio de su padre, Michael Jackson.

Un juez de Los Ángeles determinó que 625 mil dólares entregados como bonificaciones a despachos jurídicos externos deberán ser devueltos al patrimonio administrado por los ejecutores testamentarios del artista.

La decisión judicial se deriva de objeciones presentadas por Paris respecto a pagos realizados en 2018 a firmas legales externas que trabajaban para la sucesión del “Rey del pop”.

De acuerdo con documentos judiciales obtenidos por TMZ, la corte concluyó que dichas bonificaciones no contaban con la aprobación correspondiente y ordenó que el dinero regresara al patrimonio.

El proceso involucra a los ejecutores testamentarios John Branca y John McClain, quienes han estado a cargo de la administración de la herencia del cantante desde su muerte en 2009.

Según declaraciones emitidas por un portavoz de Paris Jackson, la resolución representa un avance importante dentro de las acciones impulsadas por la hija del artista para obtener mayores mecanismos de supervisión y transparencia sobre el manejo del patrimonio familiar.

El representante señaló que Paris siempre ha priorizado lo que considera mejor para su familia y sostuvo que la decisión permitirá avanzar en materia de rendición de cuentas.

Las objeciones de Paris Jackson fueron presentadas el año pasado, cuando expresó preocupación por ciertas bonificaciones entregadas a despachos jurídicos externos.

En ese momento, la defensa legal de Jackson argumentó que los pagos eran excesivos y cuestionó si existía una supervisión adecuada por parte de los ejecutores sobre los abogados involucrados en la administración del patrimonio.

En documentos judiciales previos, los abogados de la artista afirmaron que las transferencias económicas planteaban dudas sobre la capacidad de los ejecutores para controlar de forma efectiva el trabajo de los asesores legales externos.

También señalaron que los registros disponibles sugerían que un grupo de abogados con altos niveles de remuneración se beneficiaba económicamente mediante pagos realizados desde el patrimonio.

Por su parte, los ejecutores defendieron los pagos argumentando que las tarifas y bonificaciones otorgadas eran habituales dentro de la industria y respondían al trabajo realizado por los despachos externos.

Además, sostuvieron que durante el periodo en cuestión se concretaron acuerdos comerciales de gran relevancia que incrementaron significativamente los ingresos y el valor económico del patrimonio de Michael Jackson.

En la resolución, la corte reconoció el trabajo realizado por los ejecutores en el crecimiento financiero del patrimonio desde la muerte del cantante.

El juez destacó que la administración encabezada por Branca y McClain contribuyó a convertir la herencia en una estructura financiera de gran alcance y señaló que había generado riqueza de carácter generacional para Paris Jackson y sus dos hermanos.

Sin embargo, pese a ese reconocimiento, el tribunal concluyó que las bonificaciones específicas por un total de 625 mil dólares no habían sido aprobadas formalmente y determinó que debían ser reintegradas al patrimonio.

Tras conocerse la decisión, representantes de los ejecutores emitieron una declaración en la que destacaron que la corte valoró positivamente el trabajo desarrollado tanto por los administradores como por los abogados externos vinculados al patrimonio.

También señalaron que, en años anteriores, otras bonificaciones similares sí habían sido aprobadas judicialmente debido a los servicios prestados.

El portavoz de los ejecutores añadió que esta fue la primera ocasión en que esos pagos enfrentaron objeciones formales dentro del proceso judicial.

Asimismo, indicó que siempre existió el entendimiento de que los honorarios legales estaban sujetos a revisión y aprobación de la corte, y que los despachos externos aceptaron previamente devolver cualquier cantidad en caso de que no fuera autorizada.

Los representantes también aclararon que las bonificaciones cuestionadas no fueron entregadas directamente a los ejecutores testamentarios, sino a firmas legales externas que colaboraban en asuntos relacionados con el patrimonio.

Finalmente, los ejecutores manifestaron que, aunque no comparten la decisión del tribunal, respetarán la resolución judicial y actuarán conforme a lo establecido por la corte.

Disney+ estrenó esta semana el especial televisivo The Punisher: One Last Kill, una producción que ha recibido comentarios positivos por parte de críticos y espectadores, aunque también ha generado reacciones en redes sociales debido a problemas técnicos reportados por usuarios y a una escena de efectos visuales que se volvió tema de discusión entre los seguidores del personaje.

El especial, lanzado el martes 12 e3 mqyo en la plataforma de streaming, continúa la historia de Frank Castle, conocido como The Punisher, personaje interpretado por Jon Bernthal.

La producción funciona como continuación de la serie The Punisher y también mantiene la línea narrativa presentada en la primera temporada de Daredevil: Born Again.

Poco después del estreno, usuarios comenzaron a reportar dificultades relacionadas con el audio de la presentación en Disney+. Algunos espectadores señalaron que el volumen de los diálogos era bajo o que existían irregularidades en la configuración del sonido envolvente.

Las observaciones se multiplicaron en redes sociales, donde varios usuarios comentaron que tenían problemas para escuchar claramente las voces de los personajes durante algunas escenas.

“No pude oír absolutamente nada en el audio del especial de The Punisher. Los altavoces de sonido envolvente están mal configurados“, escribió un usuario. Otro expresó: ”El canal central sale por la parte trasera y los niveles también están mal ajustados".

Ante los reportes, Disney+ respondió públicamente a varios usuarios a través de la red social X. En sus mensajes, la plataforma confirmó que tenía conocimiento de la situación y señaló que su equipo técnico trabajaba en una solución.

“Gracias por contactarnos y avisarnos que no tienen audio al verThe Punisher: One Last Kill. La buena noticia es que nuestro equipo está al tanto de este problema y está trabajando en una solución. ¡No duden en contactarnos si necesitan algo más!“, expresaron.

Además de las observaciones sobre el sonido, una secuencia específica del episodio generó comentarios relacionados con los efectos visuales utilizados en una escena de acción.

En el momento en cuestión, Frank Castle es empujado desde un edificio y cae sobre una estructura metálica plateada.

Algunos espectadores compartieron fragmentos de la escena en redes sociales y compararon el movimiento del personaje con animaciones de videojuegos antiguos o secuencias digitales de generaciones anteriores de consolas.

“Realmente parece una escena de GTA… Parece una versión de prueba de alguna escena de Joel para The Last of Us [de PlayStation]“, escribió un fan.

Mientras que otro agregó: “Que Marvel publique ‘accidentalmente’ efectos visuales sin terminar en 2026 es una locura: Jon Bernthal está haciendo una furia digna de Punisher, pero le aplican la física de muñeco de trapo de PS3”.

Sin embargo, una fuente cercana a la producción confirmó a The Hollywood Reporter que la escena fue filmada principalmente de manera práctica y no se trató de una secuencia completamente generada por computadora.

Según esa versión, Jon Bernthal realizó el inicio de la caída, mientras que un doble de riesgo participó en la parte correspondiente al impacto.

La fuente añadió que posteriormente se aplicaron efectos visuales para reemplazar digitalmente el rostro del especialista por el de Bernthal, un procedimiento habitual en producciones de acción.

Pese a las críticas relacionadas con aspectos técnicos específicos, el especial ha obtenido una recepción mayoritariamente positiva. En el sitio especializado Rotten Tomatoes, la producción registra un 86% de aprobación entre críticos y un 91% de aceptación por parte de la audiencia.

Además de este especial y de su participación en Daredevil: Born Again, el personaje de Frank Castle tiene prevista una nueva aparición en Spider-Man: Brand New Day.

Netflix hizo oficial este miércoles uno de los anuncios más esperados por los fanáticos de KPop Demon Hunters: la película animada que se convirtió en un fenómeno cultural global tendrá su propia gira mundial de conciertos en 2027.

La noticia fue revelada durante la presentación anual de Upfronts de la compañía ante anunciantes en Nueva York.

El tour, producido en asociación con la empresa de entretenimiento en vivo AEG Presents, llevará por nombre provisional KPop Demon Hunters Live y ya tiene activo un sitio web oficial en kpopdemonhunterslive.com.

Según reportó Entertainment Weekly, la gira tiene como meta visitar 150 ciudades alrededor del mundo. Por ahora, los detalles sobre fechas, ciudades específicas y venta de entradas no han sido anunciados, aunque Netflix habilitó una lista de espera para recibir actualizaciones.

La compañía de streaming describió el alcance de la propuesta con las mismas palabras que han definido el universo de la película. “Pronto podrás sentir esa energía dorada en la vida real”, señaló un comunicado oficial que hace referencia al poder del “Honmoon”, el concepto ficticio de la cinta según el cual el amor de los fans durante los conciertos es capaz de contener la amenaza del reino demoníaco.

Amy Reinhard, presidenta de ventas publicitarias de Netflix, fue quien anunció el tour ante la audiencia de compradores de medios. “Obviamente, nada ha capturado la atención del mundo como KPop Demon Hunters. Hubo funciones sing-along, disfraces de Halloween, menciones en el US Open y en el Palacio de Buckingham. Incluso se registró un aumento del 25% en vuelos reservados hacia Corea", expuso sobre el impacto del filme. La ejecutiva añadió que la gira buscará “acercar aún más a los fans a los personajes y la música que aman”.

KPop Demon Hunters, producida por Sony Pictures Animation y dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, se estrenó en Netflix en junio de 2025 y rápidamente reescribió los libros de récords de la plataforma. Según datos publicados por Variety, el filme acumuló 325,1 millones de visualizaciones en sus primeros 91 días de streaming, convirtiéndose en la película en inglés más vista de la historia de Netflix. Además, recaudó 24,7 millones de dólares durante su estreno limitado en cines.

El éxito de la cinta también se tradujo en reconocimientos de la industria: en la 98.ª entrega de los Premios Óscar, celebrada en marzo de 2026, KPop Demon Hunters se llevó dos estatuillas: Mejor película animada y Mejor canción original por “Golden”.

Las voces detrás de HUNTR/X, las protagonistas

Uno de los elementos más celebrados de la película es su banda sonora, interpretada por un trío de cantantes reales que prestan sus voces a las integrantes del grupo ficticio HUNTR/X. Ejae es la voz de Rumi en las canciones (la voz hablada es de Arden Cho), Audrey Nuna interpreta a Mira (voz hablada: May Hong) y Rei Ami da vida musical a Zoey (voz hablada: Ji-young Yoo).

Aunque Netflix no ha confirmado oficialmente el elenco artístico del tour, Entertainment Weekly apuntó que la participación de las tres cantantes es ampliamente esperada, dado que ya han representado a HUNTR/X en numerosos escenarios reales.

En marzo de 2026 interpretaron “Golden” en la ceremonia de los Óscar, y en abril volvieron a subirse al escenario del festival Coachella junto al grupo KATSEYE para cantar el tema ganador.

Por otro lado, el universo ficticio de Kpop Demon Hunters seguirá creciendo. En marzo, Netflix confirmó una secuela cinematográfica, aunque su estreno no se espera antes de 2029, dada la complejidad de producir largometrajes animados.

La lista de espera para recibir información sobre el tour ya está activa en su página oficial, y Netflix ha prometido revelar las ciudades y fechas antes de que termine 2026.

Una nueva biografía sobre Olivia Newton-John revela detalles inéditos de la vida privada de la cantante y actriz australiana, fallecida en 2022 a los 73 años tras una larga batalla contra el cáncer de mama: desde su casi romance con John Travolta hasta sus intentos por ayudar a Karen Carpenter en sus últimos meses de vida.

El libro A Little More Love, escrito por Matthew Hild y publicado por Bloomsbury el 14 de mayo, reúne entrevistas nuevas y de archivo con amigos cercanos y colegas de la artista.

La obra traza su trayectoria desde una infancia marcada por la timidez extrema, entre Inglaterra y Australia, hasta convertirse en una de las figuras más queridas del entretenimiento global.

“Siempre pensé que la etiqueta de ‘simpática’ no le hacía justicia”, dijo el periodista australiano Neil McMahon, amigo de Newton-John, en declaraciones recogidas por la biografía.

“Era una palabra demasiado superficial para describirla. Había en ella una profundidad, una sustancia, una autenticidad genuina que te dejaba pensando: ‘¡Guau!’. Y todos lo sentían, sin importar quién fueras".

Dane Bryant, pianista que la acompañó durante años, señaló a la revista People que “cada miembro del público sentía que ella cantaba solo para él”.

Uno de los capítulos más comentados del libro aborda la relación entre Newton-John y su coprotagonista en Grease, John Travolta.

Según Didi Conn, quien interpretó a Frenchy en el filme, la química entre ambos era completamente real.

“No estaban actuando en ese momento... era real, realmente lo era”, declaró Conn en 2018 al medio especializado, en referencia a una escena de un final alternativo de la película.

Un músico que integró la banda de Newton-John y que había estado casado con una miembro de la Iglesia de la Cienciología recordó una conversación que tuvo con la cantante.

“¿Puedo hacerte una pregunta personal?”, le dijo ella. “Obviamente sabes que John es cienciólogo. Sé que la Iglesia lo considera un seguidor muy valioso. Si me hubiera casado con John, ¿me habría exigido que me convirtiera en ciencióloga?”.

El músico le respondió que no habría sido obligatorio, pero sí alentado. “Gracias”, respondió ella. “Es todo lo que quería saber”.

El libro también detalla los esfuerzos de Newton-John por ayudar a su amiga Karen Carpenter, quien luchaba contra la anorexia nerviosa.

Stephanie Spruill, cantante que trabajó con ambas, recordó haberlas visto juntas en una reunión donde todos comían langosta y caviar, con excepción de Carpenter. “Estaba enferma. Muy enferma”, dijo Spruill. “Olivia intentaba que comiera... era terrible”.

Stephen Sinclair, amigo y vecino de Newton-John en aquella época, coincidió en ese retrato. “Lo intentó con todas sus fuerzas, una y otra vez, tratar de ayudarla y ser una buena amiga para ella. Y cada vez que la veía, estaba más delgada”, señaló.

En sus memorias, Newton-John escribió que la última vez que vio a Carpenter, ambas se alojaban en el Hotel Drake de Nueva York y que la cantante “lucía mucho mejor”. Carpenter murió el 4 de febrero de 1983.

Newton-John se enteró mientras conducía por una autopista de Los Ángeles. “Fue un golpe terrible”, le dijo a su biógrafo Randy L. Schmidt.

Otro pasaje del libro aborda la desaparición de Patrick McDermott, camarógrafo y expareja de Newton-John, quien se esfumó en julio de 2005 durante una excursión de pesca frente a la costa de California.

La artista contrató al experto en seguridad Gavin de Becker, quien envió investigadores privados a México sin resultados.

En sus memorias, Newton-John reveló que la relación con McDermott era “intermitente” y que en el momento de su desaparición habían acordado estar “separados”, aunque sin una ruptura definitiva.

“Creo que siempre quedará un signo de interrogación”, dijo Newton-John a un periodista en 2009. “No creo que alguna vez logre estar en paz con esto”.

Su amiga Liona Boyd contó que Newton-John pensaba que McDermott había muerto ahogado y que no creía en los rumores sobre supuestos avistamientos en México.

En sus últimos años, la artista mantuvo una entereza que impresionó a quienes la rodeaban.

Su sobrino Emerson Newton-John relató a la periodista Michele Manelis una visita que le hizo en su rancho en 2021. Sentados afuera, sin nadie más alrededor, ella apoyó la cabeza en su hombro y comenzó a llorar.

“Fue triste”, dijo. “En ese momento me di cuenta: ‘Está lista’”.

Una nueva etapa para la escena electrónica de Ciudad de México se perfila con la llegada de Agents of Time, el dúo italiano reconocido internacionalmente, que volverá a presentarse en el Frontón Bucareli el próximo 5 de junio.

La velada marca el estreno de HAPPY HOUSE como promotora, una apuesta que busca redefinir el concepto de fiesta a través de experiencias inmersivas y una curaduría musical de primer nivel.

La propuesta de Agents of Time se ha destacado por integrar capas melódicas de techno, matices de house oscuro y elementos progresivos, en sets diseñados como verdaderos viajes sensoriales. No se trata solo de bailar: la propuesta invita a sumergirse y dejarse llevar por una historia sonora cuidadosamente hilada.

El próximo junio, el público podrá ser parte de un espectáculo en el que luces, visuales y sonido convergen para crear una atmósfera envolvente.

Tipos de boletos y precios

A través de la boletera Arema, los interesados en esta experiencia audiovisual tendrá disponibles tres tipos de boleto: Backstage, VIP y Dancefloor. Todos estos cuentan con tres fases: Early Bird, Fase 1 y Venta normal. Cabe mencionar que la fase Early Bird está agotada en todas las modalidades de boleto.

A continuación, la lista completa de precios de Agents of Time en el Frontón Bucareli este 5 de junio:

Backstage

• Early bird: $2900
• Fase 1: $3250
• Venta normal: $3500

VIP

• Early Bird: $1250
• Fase 1: $1,600
• Venta normal: $1,900

Dance Floor

• Early Bird: $900
• Fase 1: $1,100
• Venta Normal: $1,400

La cita promete dejar huella en la memoria de quienes busquen algo más que una simple fiesta: una noche donde la conexión con la música transforma la percepción del tiempo.

La historia detrás de Agents of Time

Agents of Time nace en Italia en 2013, originalmente como un trío formado por Andrea Di Ceglie, Fedele Ladisa y Luigi Tutolo. Desde sus primeros lanzamientos, como el EP Polina en el sello Correspondant y el álbum debut Spread the Word en Stem Records (2014), el proyecto se posicionó rápidamente en la escena electrónica europea gracias a su fusión de techno melódico, house y ambient, así como a su uso distintivo de hardware analógico en vivo.

A lo largo de su trayectoria, Agents of Time ha destacado por shows en vivo donde improvisan utilizando sintetizadores y cajas de ritmos, creando una experiencia envolvente y visual. Como se mencionó anteriormente, su sonido se asocia con la corriente de techno melódico surgida en Milán junto a artistas como Tale Of Us y Mind Against.

Han publicado EPs y remixes en sellos como Ellum Audio (Maceo Plex), Afterlife y Curle Recordings, además de fundar su propio sello Obscura y, más recientemente, Time Machine. Entre sus colaboraciones y remixes figuran trabajos para artistas como WhoMadeWho, Guy Mantzur & Sahar Z, Stephan Bodzin y The Weeknd, con quien colaboran en una versión dance/pop del sencillo “Take My Breath”.

A partir de 2021, Agents of Time consolidó su presencia global participando en eventos como ADE y presentándose en países de América y Europa. En 2023, ya como dúo tras la salida de Fedele, lanzan el sello Time Machine y el sencillo “Zodiac”, reafirmando su lugar en las listas internacionales.

Actualmente, Andrea Di Ceglie y Luigi Tutolo continúan innovando en la escena electrónica mundial, siempre fieles a su estilo ecléctico y experimental.

Se trata de Copán: La leyenda, dirigida por Ricardo Morales y producida por Level 7 Studios, con una duración de 74 minutos.

La película narra la historia de Roberto “Papá” Agurcia, un arqueólogo desacreditado que, junto a su nieto Gabo, descubre un portal hacia Xibalbá, el legendario inframundo maya, en las ruinas de Copán.

Más allá de su argumento, el proyecto se presenta como uno de los primeros intentos en Latinoamérica de producir una película animada utilizando IA como eje central de creación visual, desde la ambientación hasta ciertos elementos narrativos.

El proyecto cuenta con el respaldo del Instituto Hondureño de Turismo, que ve en la producción una herramienta para promocionar internacionalmente la riqueza arqueológica y cultural de Copán Ruinas.

Durante la presentación oficial participaron representantes del sector turístico, cultural y empresarial, quienes destacaron la importancia de conectar identidad nacional con innovación tecnológica.

Sus creadores sostienen que la apuesta puede abrir una nueva etapa para el cine independiente en la región, donde los altos costos de producción suelen limitar los proyectos de animación.

Para estudios pequeños, automatizar procesos visuales representa una vía para reducir tiempos y presupuestos que antes hacían inviable este tipo de producciones.

La película se exhibe actualmente en salas de Metrocinemas en Honduras.

Uno de los aspectos que más conversación suscitó en redes sociales es que algunas instituciones educativas estarían solicitando a sus alumnos asistir a funciones del filme como parte de actividades académicas vinculadas a historia, cultura e identidad nacional. La medida dividió opiniones.

Mientras algunos docentes consideran que el filme es una oportunidad para despertar el interés por la arqueología maya y el turismo cultural en una generación habituada a los contenidos digitales, otros cuestionan el carácter obligatorio de la asistencia.

Otro aspecto que ha causado mucho revuelo es el hecho de que se haya hecho con inteligencia artificial. Sin embargo, no es la herramienta en sí, sino el resultado que llegó a la gran pantalla.

Los cibernautas reaccionaron al lanzamiento de Copán: La leyenda en cines con comentarios mayormente negativos. “Te das cuenta de la mala calidad de esta cosa que pretende hacerse pasar por peli animada, cuando incluso ya le sacaron un video parodia con el mismo estilo e incluso las voces suenan mejor”, escribió un usuario en X.

“Tantos animadores que están dando todo lo que tienen para crear animación en Latinoamérica, para que lleguen estos ridículos con sus porquerías, son un insulto, eso es lo que son”, expresó otro en la misma red social.

“Es bastante triste que, aun teniendo herramientas, financiamiento e incluso ‘IA’ (el gran “atractivo revolucionario” de la película), no hayan conseguido elaborar algo mínimamente competente para un largometraje", sostuvo el medio Cinemafilia. “Termina siendo una mezcla forzada, incapaz de desarrollar una idea con verdadero ingenio”.

Y continuó en su reseña: “Escenarios carentes de creatividad y un montaje espeluznante. Los personajes hablan con una lentitud atroz, incapaces de transmitir una sola emoción realista. Lo más deprimente llega cuando intenta construir momentos “icónicos” musicales tan vacíos que solo generan incomodidad".

Por otro lado, hay quienes reconocen los esfuerzos de dar a conocer la cultura hondureña a nivel global a través de proyectos de este tipo. “Se ve interesante, muy pocas películas exploran el mundo de las antiguas civilizaciones prehispánicas”, se lee en un comentario debajo del tráiler compartido en YouTube.

Otro aseguró: “Esto se va ir mundial, primero dios. Honduras tiene mucho para demostrar dios bendiga nuestra patria”. Un seguidor aplaudió el uso de nuevas tecnologías: “Me parece excelente la iniciativa. El uso creativo de la inteligencia artificial para dar vida a una película sobre Honduras es una idea valiosa y merece reconocimiento [...] Con lo poco de cine que se produce en Honduras, lo justo es darle una oportunidad a este proyecto”.

La IA divide a la industria de la animación

Cabe destacar que la discusión que rodea a Copán: La leyenda no es ajena a la industria global. Un informe reciente de la consultora de datos de entretenimiento Luminate, titulado “Animation and AI”, concluye que el uso de la inteligencia artificial generativa en la animación sigue siendo una cuestión divisiva.

Según el documento, quienes defienden la IA la consideran una tecnología revolucionaria capaz de acelerar la producción y reducir costos.

En la vereda opuesta, críticos y artistas tradicionales la califican de tecnología “sucia” y señalan preocupaciones legales, creativas y éticas vinculadas al scraping de datos, los derechos de propiedad intelectual, la pérdida de control creativo y el impacto en la seguridad laboral.

El informe de Luminate identifica a los artistas de concept art y storyboard, los especialistas en efectos visuales y los desarrolladores de videojuegos como los perfiles más expuestos en los próximos dos años.

El documento también destaca la solidez del género animado como inversión para estudios y plataformas. Como ejemplo, señala que Las guerreras K-Pop, de Netflix, se convirtió recientemente en la película original más vista en la historia del servicio.

Asimismo, el 29% de los aficionados al anime asistió a tres o más películas en salas durante los últimos tres meses, superando a cualquier otro género cinematográfico, según la encuesta U.S. Entertainment 365 de Luminate.

Por el momento, Copán: La leyenda enfrenta preguntas sin respuesta sobre los límites éticos y laborales de esa transformación.

El universo de The Big Bang Theory está listo para dar un giro inesperado. HBO Max lanzó el primer tráiler oficial de Stuart no logra salvar el universo, la nueva serie derivada de la popular franquicia, y el adelanto confirmó que la producción abandonará el formato clásico de sitcom para apostar por una historia cargada de ciencia ficción, multiversos y escenarios apocalípticos.

Detalles sobre la trama

La nueva producción tendrá como protagonista a Stuart Bloom, personaje interpretado nuevamente por Kevin Sussman, quien accidentalmente provoca un colapso dimensional tras manipular un dispositivo creado por Sheldon Cooper y Leonard Hofstadter.

A partir de ese momento, distintas realidades alternas comienzan a mezclarse y el caos invade el universo.

El teaser sorprendió a los seguidores de la franquicia por su tono visual mucho más cinematográfico. El avance muestra portales, ciudades destruidas, criaturas extrañas, versiones alternas de personajes conocidos e incluso escenarios con estética futurista y postapocalíptica, algo nunca antes visto dentro del universo de The Big Bang Theory.

Además de Stuart, el tráiler confirmó el regreso de Denise, Bert Kibbler y Barry Kripke, quienes se unirán a la misión para intentar restaurar la realidad.

La serie combinará elementos de sitcom, aventura y comedia multiversal, una apuesta que el propio creador de la franquicia, Chuck Lorre, describió previamente como uno de los proyectos más arriesgados de su carrera.

El productor explicó en entrevistas pasadas que buscaba salir completamente de su zona de confort y explorar una narrativa mucho más ambiciosa dentro de una franquicia que inició en 2007 y que terminó convirtiéndose en una de las sitcoms más exitosas de la televisión.

¿Cuándo se estrena Stuart no logra salvar el universo en México?

HBO Max confirmó que Stuart no logra salvar el universo llegará a México y al resto de Latinoamérica el próximo 23 de julio de 2026. La primera temporada contará con 10 episodios y tendrá estrenos semanales dentro de la plataforma.

La serie se convertirá en la cuarta producción oficial derivada del universo de The Big Bang Theory, después de la serie original, Young Sheldon y Georgie & Mandy’s First Marriage.

El estreno del primer tráiler ya provocó una fuerte conversación entre fanáticos en redes sociales, especialmente por el radical cambio de estilo narrativo y visual respecto a las producciones anteriores de la franquicia.

La actriz australiana Harriet Dyer salió en defensa de su esposo, Patrick Brammall, luego de que críticas en redes sociales apuntaran contra su desempeño como el interés amoroso de Anne Hathaway en El diablo viste a la moda 2, culpando directamente a los realizadores por un montaje que, según ella, dejó fuera escenas clave del personaje.

La polémica comenzó cuando la revista Cosmopolitan publicó un artículo titulado “El novio unidimensional de Andy en El diablo viste a la moda 2 es un insulto a las mujeres solteras de todo el mundo”.

Dyer, de 37 años, fue vista respondiendo en la sección de comentarios de esa publicación. “Publicación mezquina. Cortaron escenas. El corte es brutal”, escribió Dyer, conocida por la serie Colin from Accounts.

Y agregó, en referencia a imágenes de Hathaway y Brammall en personaje que ilustraban la nota: “La escena de la que provienen todas estas fotos fue eliminada”. Cerró su intervención con una defensa personal: “A mí me gustó. Y me casé con él”.

En la secuela, Brammall interpreta a Peter, un contratista divorciado que conoce a Andy Sachs —el personaje de Hathaway— mientras ella busca un nuevo departamento.

El personaje fue originalmente concebido como alguien de Brooklyn, pero fue reescrito como australiano una vez que Patrick Brammall obtuvo el papel.

La propia Anne Hathaway elogió a su coprotagonista en declaraciones recogidas por Vanity Fair: “Es el compañero de escena ideal porque escucha, es rápido y es escritor, así que sabe cómo darle forma a una frase. Y como persona, es una bomba de ensueño”.

Días antes del estreno, Harriet Dyer también recurrió al humor en Instagram para promocionar la película.

Compartió un clip de Brammall hablando en una alfombra roja sobre lo que significaba interpretar a alguien que debía enamorarse de Hathaway: “Un trabajo duro, sí, un trabajo duro”, decía el actor.

Cuando el entrevistador mencionó que Hathaway había sido descrita como “la persona más bella del mundo”, Brammall respondió: “Yo también”.

El video mostraba luego a Dyer fingiendo consternación mientras observaba la entrevista, vestida con una sudadera. “¿Qué?”, reaccionaba con sorpresa simulada.

La actriz tituló la publicación: “No confíes en nadie”, y concluyó: "El diablo viste a la moda 2 se estrena mañana".

¿Quién es Patrick Brammall?

Patrick Brammall es un actor y guionista australiano de 50 años radicado en Los Ángeles desde hace casi una década.

Alcanzó reconocimiento internacional como cocreador, coguionista y protagonista de Colin from Accounts, la comedia romántica que desarrolló junto a Harriet Dyer para la plataforma Fox/Binge y que debutó en 2022.

La serie, que ya suma tres temporadas —la tercera posiblemente la última—, narra la historia de dos personas que se conocen en circunstancias insólitas y terminan compartiendo un perro llamado Colin. En la ficción, al igual que en la vida real, Brammall y Dyer tienen una diferencia de 13 años.

Brammall y Dyer se conocieron en 2015 en el rodaje de la comedia australiana No Activity y confirmaron su relación en 2017. Se casaron en 2021 tras un noviazgo de cinco días.

Ese mismo año adoptaron a su hija Joni, y en febrero de 2025 nació su segunda hija, Mabel.

El papel en El diablo viste a la moda 2 llegó de manera inesperada. Según relató en Vanity Fair, Brammall recibió un pedido de audición pero no llegó a enviar el tape.

Una semana después, el director de la secuela, David Frankel, le escribió personalmente para pedirle que aceptara el rol. La película, distribuida por 20th Century Studios, se estrenó el 1 de mayo.

Actualmente, Brammall y Dyer trabajan en el guion de una película para una productora británica.

La actriz Sharon Stone atraviesa un nuevo momento doloroso en el plano familiar. La estrella de Bajos instintos anunció este miércoles la muerte de su hermano mayor, Mike Stone, quien falleció a los 74 años tras enfrentar una enfermedad prolongada.

La celebridad de Hollywood compartió la noticia en Instagram, con un breve mensaje acompañado de una fotografía de su familiar. “Mike Stone, mi hermano mayor, ha fallecido. Tras una larga enfermedad. Le deseamos paz. Sharon, Roan, Laird y Quinn”, escribió la actriz, en referencia también a sus tres hijos.

Numerosos seguidores y figuras públicas enviaron comentarios de apoyo a Stone. Entre quienes reaccionaron a la publicación estuvieron la actriz Melanie Griffith y Hilaria Baldwin.

Según informó el medio estadounidense Page Six, Mike Stone mantuvo durante gran parte de su vida un perfil alejado de la exposición mediática, aunque también desarrolló una carrera vinculada al entretenimiento. Además de músico, trabajó como actor en varias producciones cinematográficas durante la década de 1990.

Entre sus primeros créditos figura la película End of the Night (1990), considerada su debut actoral. Años después participó junto a su famosa hermana en el western Rápida y mortal (1995), protagonizado además por Russell Crowe y Leonardo DiCaprio. De acuerdo con Daily Mail, Mike interpretó a uno de los consejeros del filme dirigido por Sam Raimi.

El hermano de Sharon Stone también apareció en producciones como Eraser y Malevolence. Aunque nunca alcanzó el nivel de fama de la actriz de Casino, Mike Stone permaneció ligado al mundo artístico durante varios años.

Pese a sus trabajos en cine, Mike Stone mantuvo una vida mayormente privada. Page Six recordó que estuvo comprometido durante aproximadamente un año con la socialité británica Tamara Beckwith, aunque la relación terminó en 1995 y nunca llegó al matrimonio.

La muerte de Mike Stone representa otro golpe para la familia de la actriz, que en los últimos años enfrentó varias pérdidas.

En febrero de 2023 murió Patrick Stone, hermano menor de Sharon, a los 57 años. Según contó entonces la actriz, Patrick sufrió una muerte cardíaca súbita vinculada a una enfermedad del corazón.

Asimismo, la tragedia ya había golpeado al propio Patrick tiempo antes. Su hijo River murió en agosto de 2021 con apenas 11 meses debido a una falla orgánica. La noticia causó gran conmoción dentro de la familia Stone.

La muerte de Dorothy Stone

La actriz también perdió a su madre, Dorothy Stone, en marzo de 2025. Tenía 91 años. Sharon confirmó la noticia mediante Instagram y explicó que Dorothy sufrió varios derrames cerebrales durante sus últimos años de vida.

Según Daily Mail, la actriz cuidó a su madre en su casa de Beverly Hills durante esa etapa. Sharon Stone habló en varias oportunidades sobre la difícil relación que mantuvo con Dorothy, asunto que también abordó en sus memorias The Beauty of Living Twice, publicadas en 2021.

La actriz recordó incluso las últimas palabras de su madre. “Hablas demasiado, haces que quiera suicidarme”, contó Stone en una entrevista. Aunque las personas presentes reaccionaron con risas, la actriz reconoció que fue una despedida dolorosa.

Pese a las tensiones familiares, Sharon Stone sostuvo en distintas ocasiones que su madre le enseñó a “valerse por sí misma”. Dorothy permaneció casada con Joseph Stone desde 1950 hasta la muerte de él en 2009.

La presencia de Demi Moore en el Festival de Cannes 2026 no pasó desapercibida. La actriz de 63 años, integrante del jurado oficial de esta edición del certamen, acaparó titulares por sus llamativos atuendos de diseñador, y también por el intenso debate que se desató en redes sociales acerca de su visible pérdida de peso.

Moore apareció primero en el tradicional photocall del jurado en el Palais des Festivals, donde lució un vestido strapless blanco de la colección otoño 2026 de Jacquemus. El diseño incluía lunares multicolores tridimensionales y detalles con plumas que creaban un efecto “confeti”, acompañado por un bolso Valérie a juego, gafas cat-eye blancas y zapatos con lazos del mismo tono.

Medios especializados en moda destacaron el estilo de la actriz y el carácter llamativo del diseño. W Magazine describió el vestido como una propuesta “caprichosa” y señaló que Moore volvió a apostar por una estética teatral y arriesgada en Cannes.

Horas después, la protagonista de La sustancia apareció en la alfombra roja inaugural del festival con otro diseño de Jacquemus: un vestido palabra de honor cubierto de lentejuelas claras y acompañado por joyas de Chopard.

Mientras numerosos usuarios elogiaron el estilo y presencia de Moore, otros expresaron preocupación por lo que consideraron una delgadez extrema.

Daily Mail recopiló varios comentarios en redes sociales donde seguidores se muestran alarmados por los brazos de la actriz, pues hay un marcado contraste respecto a cómo lucían un año atrás.

Otros hicieron referencia a rumores no confirmados sobre un supuesto uso de Ozempic. El medio británico indicó además que representantes de la actriz no respondieron a solicitudes de comentarios sobre las especulaciones.

También aparecieron mensajes favorables de personas que defendieron a la actriz y calificaron su look como “hermoso” y “elegante”. Otros le pidieron que cuidara su salud.

No es la primera vez que la apariencia de Moore genera comentarios recientes. Según Daily Mail, ya durante los SAG Awards de marzo varios usuarios habían especulado sobre su pérdida de peso. Algunos incluso hicieron referencias irónicas a La sustancia, filme de horror corporal que protagonizó en 2024.

Las referencias a esa película no resultan casuales. El largometraje dirigido por Coralie Fargeat aborda precisamente la obsesión de Hollywood con la juventud y los estándares imposibles de belleza. En la historia, Moore interpreta a Elisabeth Sparkle, una actriz que consume una sustancia ilegal capaz de crear una versión más joven y “perfecta” de sí misma.

La película recibió elogios por su crítica a la presión estética que ejerce la industria del entretenimiento, especialmente hacia las mujeres mayores de 50 años. El papel también le permitió a Moore volver al centro de la conversación cinematográfica y obtener reconocimiento durante la temporada de premios.

En entrevistas recientes, la actriz habló sobre cómo La sustancia influyó en su visión del envejecimiento y del autocuidado. En declaraciones para ELLE, explicó que el rodaje le hizo reflexionar sobre “los peligros de la autocrítica” y sobre la importancia de tratarse “con amabilidad”.

Más allá de la controversia, la actriz se mantiene como una de las grandes figuras de esta edición de Cannes. Como miembro del jurado principal, Moore pasará casi dos semanas viendo las películas en competencia junto a figuras como Ruth Negga, Chloé Zhao, Stellan Skarsgård y el presidente del jurado, Park Chan-wook.

George Clooney reveló que su esposa le preparó una sorpresa de cumpleaños “peligrosa” al hacer aparecer a sus amigos disfrazados de meseros en la celebración de sus 65 años, un episodio que el actor describió con humor ante la prensa durante el 50 aniversario de The King’s Trust, celebrado el 11 de mayo.

“Acabo de sorprenderlo en su cumpleaños, con varias cosas”, contó Amal Clooney, de 48 años, a British Vogue en el marco del evento.

Fue el propio George quien completó el relato: “Sí, ella hizo que amigos míos aparecieran haciéndose pasar” por meseros, según recogió el medio.

El famoso artista no tardó en relativizar el susto con su habitual tono irónico. “Es peligroso sorprender a alguien cuando cumple 65 años porque te puedes caer”, advirtió ante British Vogue. “Sabes, podría ser el fin, así que hay que tener mucho cuidado cuando se sorprende a la gente”.

Y sobre cómo salió del trance, remató: “Sigo en pie, apenas”.

La pareja, que tiene gemelos de 9 años llamados Ella y Alexander, aprovechó la ocasión para compartir los consejos que esperan transmitirles a sus hijos.

George optó por la vía práctica: “No mezclen granos y uvas. Creo que eso es importante que los niños lo sepan”.

Amal, en cambio, apuntó hacia valores más amplios: “Queremos que se mantengan curiosos, que hagan muchas preguntas y que desafíen las cosas que no les hagan sentido, como gran parte de lo que ocurre en el mundo”, señaló a British Vogue.

La estrella de cine, fiel a su estilo, reconoció la diferencia entre ambas respuestas: “¿Ven? Mi esposa da una respuesta elegante, y yo doy la respuesta importante".

Ella cerró el intercambio con una broma: “¡Y pregúntenle a su papá cuando se trata de bebidas!”.

El intérprete de Batman también reflexionó ante Variety, en una entrevista publicada en diciembre pasado, sobre cómo la paternidad transformó su relación con el trabajo.

“No voy a hacer muchas películas de grandes estudios”, afirmó. “Las películas en las que voy a trabajar van a ser más pequeñas. Si voy a ausentarme y alejarme de mis hijos, tiene que haber una razón creativa real para ello”.

Y agregó: “El dinero ya no es un problema para mí”.

El ganador del Oscar, que contrajo matrimonio con Amal Clooney en 2014, reconoció que esa libertad de elección es un privilegio que no da por sentado.

“La mayoría de mis éxitos fueron éxitos de término medio”, reflexionó ante Variety. “Eso fue una suerte, porque nunca quedé encasillado. Pude hacer todo tipo de cosas. Pude hacer películas muy serias, como Michael Clayton, y luego algo diferente como Burn After Reading“.

Esa versatilidad, añadió, le garantizó longevidad: “Significó que, cuando ya no podía hacer el papel del galán, todavía podía tener una carrera”.

George Clooney y la incomodidad ante los focos

A pesar de décadas en Hollywood y de una trayectoria que incluye dos premios Oscar y cuatro Globos de Oro, George Clooney admitió ante la revista People que nunca logró sentirse cómodo bajo la atención mediática que rodea las galas y ceremonias.

“La atención mediática me resulta algo embarazosa”, confesó, según recogió People.

El actor señaló que el humor y la camaradería con sus colegas son los recursos que le permiten sobrellevar la presión de los grandes eventos. Compartir esos momentos con otros integrantes de la industria, explicó a People, ayuda a disfrutar de las premiaciones pese a la exposición constante.

Para Clooney, el verdadero sentido de esas ceremonias no radica en el reconocimiento individual. “El sentido real de estos eventos está en destacar el esfuerzo de todos los que participan en un proyecto”, afirmó.

Peter Jackson, premiado con la Palma de Oro honorífica en el Festival de Cannes 2026, explicó que su postura respecto a la inteligencia artificial en el cine es absolutamente práctica: solo la ve como una herramienta. El creador de la trilogía de El Señor de los Anillos compartió esa perspectiva y otras novedades durante una masterclass realizada este miércoles en el marco del famoso festival francés.

“No me disgusta en absoluto”, dijo sobre la IA aplicada al cine. “Para mí es solo un efecto especial. No es diferente de otros efectos especiales”, reportó Variety.

Sin embargo, el cineasta trazó una línea roja con igual claridad: la protección de los actores frente al uso no autorizado de su imagen. “Es absolutamente crucial proteger los derechos de los actores para que su imagen o voz no sean robadas y utilizadas en películas sin su permiso”, señaló.

“Si estás haciendo un duplicado de IA de alguien, como Indiana Jones o cualquier otro, siempre que hayas licenciado los derechos de la persona que estás mostrando, no veo el problema. El problema es cuando la imagen de alguien es robada y usurpada”, argumentó.

No obstante, el ingreso de IA generativa al discurso cinematográfico también ha impactado en la percepción de otras expresiones artísticas humanas, como las actuaciones de captura de movimiento.

“Mucha gente en el entorno actual está tan preocupada por la IA... No creo que un personaje tipo Gollum o un personaje generado tenga ninguna esperanza de ganar premios”, dijo Jackson. “Lo cual es un poco injusto, especialmente en el caso de Andy Serkis, donde no es una actuación generada por IA, es una actuación creada por un humano al 100%”.

El director también explicó, en diálogo con el periodista francés Didier Allouch, el origen de la idea de usar la captura de movimiento para el personaje. Según citó Deadline, el plan inicial era un Gollum completamente animado, con Serkis a cargo solo de la voz. Sin embargo, como el actor debía estar físicamente en el set para que los demás intérpretes tuvieran una referencia visual, la producción tomó la decisión de incorporar su actuación completa mediante la tecnología de motion capture.

‘Hunt for Gollum’: “Andy conoce a este personaje mejor que nadie”

Jackson también habló sobre El Señor de los Anillos: la caza de Gollum, la nueva película de la saga prevista para el 17 de diciembre de 2027, con Serkis como director y protagonista. Aunque Jackson figura como productor, explicó su decisión de no tomar la dirección esta vez.

“Podría haberlo dirigido, pero pensé: ya lo he hecho”, dijo ante los periodistas reunidos en Cannes, según Deadline. “Sería más interesante, con esta historia particular —que transcurre entre El Hobbit y El Señor de los Anillos— que la dirigiera Andy Serkis". Y añadió: “Es una historia interna sobre la psicología y la adicción de Gollum. Es una historia personal para Gollum. Andy conoce a este personaje mejor que nadie. No pensé en mí. La versión más emocionante de esta película será con Andy Serkis al mando”.

Sobre su rol como productor, Jackson fue enfático en su voluntad de no interferir: “Le he dado tanta libertad como he podido”, afirmó.

Más allá del universo tolkieniano, el director de 64 años reveló otros proyectos en marcha durante el evento en Cannes. Jackson ya trabaja en un nuevo guion de Tintín junto a su colaboradora y pareja Fran Walsh, en el marco del acuerdo que tiene con Steven Spielberg. “El trato era que Steven dirigiera una y yo dirija otra”, explicó, en referencia a la película de 2011 que Spielberg llevó a la pantalla.

Asimismo, expresó su deseo de retomar Dambusters, un proyecto sobre el célebre ataque de la Royal Air Force a las represas alemanas en la noche del 16 de mayo de 1943. El filme era una de sus prioridades antes de asumir El Hobbit tras la salida de Guillermo del Toro.

La viuda del actor James Van Der Beek, Kimberly Van Der Beek, homenajeó este martes a su esposo a tres meses de su muerte con una serie de fotografías en las que aparece junto a sus seis hijos, y confesó que el dolor de la pérdida se vuelve cada vez más real.

El martes 12 de mayo, Kimberly publicó en Instagram un carrusel de nueve imágenes para marcar el tercer mes desde la muerte del protagonista de Dawson’s Creek, ocurrida el 11 de febrero a los 48 años tras su batalla contra un cáncer colorrectal en estadio 3.

En las fotografías, James aparece junto a sus seis hijos —Olivia, Joshua, Annabel, Emilia, Gwendolyn y Jeremiah—, a quienes el actor describió en vida como las personas que “me hicieron más feliz”.

“Ayer se cumplieron tres meses desde que perdimos a @vanderjames. Decir que tengo el corazón destrozado es quedarse muy corto”, escribió Kimberly en el texto que acompañó la publicación.

“Las palabras no alcanzan para describir lo que es el duelo. El alivio que da el shock inicial ya se fue. Poco a poco voy asimilando la realidad... y lo extraño. Todos lo extrañamos”.

Sin embargo, Kimberly Van Der Beek también transmitió un mensaje de esperanza.

“Hay una magia diferente en el aire. Lo siento. Lo conozco más profundamente”, continuó. “Mi conexión consciente con Dios se ha profundizado. Los velos del universo se han adelgazado. Y confío en que este es el camino que mi familia y yo siempre estuvimos destinados a recorrer”.

La viuda cerró su mensaje con palabras de agradecimiento hacia quienes los acompañaron en los momentos más difíciles.

“El amor y el apoyo que recibimos han sido inmensos, jamás podría haberlo esperado”, escribió. “Han sostenido a nuestra familia de la manera más hermosa. Fueron absolutamente más allá de todo lo que pude haber imaginado al apoyarnos y honrar a James. Estoy profundamente agradecida. Hay mucho más que compartir y, con el tiempo, lo haré”.

James Van Der Beek falleció el 11 de febrero de 2025. Su esposa anunció la noticia ese mismo día a través de Instagram, indicando que el actor “partió en paz esta mañana” y que “afrontó sus últimos días con valentía, fe y gracia”.

En esa oportunidad, Kimberly pidió “privacidad y tranquilidad mientras lloramos a nuestro amado esposo, padre, hijo, hermano y amigo”.

El actor había sido diagnosticado con cáncer colorrectal en 2023 y lo dio a conocer públicamente en noviembre de 2024 en declaraciones a la revista People.

“Tengo cáncer colorrectal. He estado lidiando con este diagnóstico de forma privada y he estado tomando medidas para resolverlo, con el apoyo de mi increíble familia”, afirmó en ese momento. “Hay razones para el optimismo y me siento bien”.

En julio de 2024, Van Der Beek explicó en el programa Today cómo había abordado la situación con sus hijos.

“Estamos lejos de ser expertos, pero nuestra decisión fue ser lo más honestos posible, honestos en la medida de lo que ellos pueden comprender, porque ellos lo saben”, señaló.

En declaraciones a People, agregó que los niños procesaron la noticia a su manera: “Tienen miedo. Es natural. Pero han sido muy solidarios, cariñosos y tiernos”.

James y Kimberly se casaron en agosto de 2010. El matrimonio tuvo seis hijos: Olivia (2010), Joshua (2012), Annabel, Emilia (2016), Gwendolyn (2018) y Jeremiah (2021).

En una entrevista con Good Morning America en 2023, Van Der Beek señaló que la paternidad era “lo que más feliz me ha hecho” en la vida.

En su último aniversario de bodas, celebrado en agosto de 2025 —meses antes de su muerte—, el actor le dedicó un mensaje público a su esposa en Instagram.

“Hace 15 años, esta mujer aceptó ser mi novia. Eres el ser humano más extraordinario que he conocido. No solo me has salvado la vida... me has mostrado lo que es vivirla”.

Victoria Beckham aseguró que filmar su documental de Netflix fue “como un año de terapia intensiva” y que el proceso la llevó a reconocer, por primera vez, que está orgullosa de sí misma.

La diseñadora también se refirió a la crianza de sus hijos y a la filosofía que comparte con su marido, David Beckham, en medio del distanciamiento público con su hijo mayor, Brooklyn.

La ex integrante de las Spice Girls, de 52 años, realizó esas declaraciones durante su participación en el Time100 Summit de Nueva York, donde fue entrevistada por la directora editorial de Time, Lucy Feldman.

Consultada sobre cómo vivió el hecho de ceder su privacidad ante las cámaras, Beckham respondió que disfrutó del proceso. “Siempre digo que entré siendo una maniática del control y salí siendo una maniática del control reformada, porque no tuve tanto control”, señaló en el escenario.

Victoria Beckham, la serie de tres partes, se estrenó en Netflix en octubre y reveló detalles inéditos sobre su marca de moda.

En declaraciones previas a Elle, la diseñadora había admitido que su negocio atravesaba dificultades: “Había rumores desde el principio: ¿era esto un proyecto de vanidad, mi marido me estaba rescatando económicamente? Eso no era una opinión. Era un hecho. Mi negocio estaba en problemas“.

“Me he abierto de verdad por primera vez, y hay una vulnerabilidad en eso”, agregó en la misma entrevista.

En el Time100 Summit, Beckham fue más lejos y describió el impacto emocional que tuvo el proceso. “Fue como un año de terapia intensiva, siendo honesta”, dijo. “Porque siempre vivo en el presente y siempre miro hacia adelante”.

La diseñadora reconoció que mirar hacia atrás fue una experiencia poco habitual para ella, y que le permitió dimensionar el camino recorrido.

“Me di cuenta de que he pasado la mayor parte de mi vida escuchando que no, que no soy suficientemente buena por alguna razón, desde que era joven y estaba en la escuela. Y cada vez que me han derribado, me he vuelto a levantar”, afirmó.

“Estoy muy orgullosa de mí misma después de todos estos años, y nunca pensé que diría eso”, concluyó sobre el tema.

Beckham también se refirió a cómo ella y su marido David Beckham —quien protagonizó su propio documental en 2023, Beckham— han aprendido a sobrellevar la exposición pública.

“Esto lleva pasando desde que tenía 20 años, así que ya lleva mucho tiempo”, dijo. “Tengo un marido increíble que me apoya enormemente. Siempre estamos el uno para el otro. Y aprendí hace mucho tiempo a no escuchar el ruido, a no centrarme en el ruido”.

Victoria Beckham y la presión sobre los hijos

En medio del distanciamiento público con su hijo mayor, Brooklyn Peltz Beckham, Victoria Beckham salió a hablar sobre su filosofía de crianza y aseguró que ni ella ni David Beckham ejercen presión sobre sus cuatro hijos.

“Creo que criar hijos adultos es muy diferente a criar hijos pequeños”, dijo la diseñadora en el podcast Aspire with Emma Grede, emitido el 5 de mayo. “Solo intento hacer lo mejor que puedo”.

“Es mi trabajo asegurarme de que mis hijos sean la mejor versión de sí mismos y que se sientan realizados. Siempre los animo a soñar en grande y luego a soñar aún más grande”, agregó.

Beckham destacó que ella y su marido no imponen expectativas a sus hijos. “No ponemos ninguna presión sobre nuestros hijos. Solo queremos que hagan lo que aman, que trabajen duro y que sean felices”, afirmó.

Como ejemplo, mencionó la carrera musical de su hijo Cruz, de 21 años. “Está en una banda. Es música alternativa. Y lo que significa el éxito en una etapa temprana es muy diferente a lo que significó para mí con las Spice Girls”, explicó.

Y agregó: “Mi trabajo como su madre es apoyarlo y alentarlo. Nunca se trata de presionar o forzar”.

La diseñadora también destacó el valor de la comunicación dentro de la familia. “Estar muy unidos es realmente, realmente importante para nosotros. La comunicación es clave”, sostuvo.

Sus declaraciones se produjeron semanas después de que Brooklyn, de 27 años, publicara en enero un extenso comunicado en Instagram en el que aseguró que sus padres han intentado “arruinar” su relación con su esposa, Nicola Peltz Beckham, de 31 años, y que no tiene intención de reconciliarse con su familia.

Donald Gibb, actor recordado por encarnar a Frederick Aloysius “Ogro” Palowaski en la película La venganza de los nerds de 1984, murió a los 71 años. La noticia fue confirmada por su familia este 12 de mayo, que destacó su generosidad y la huella que dejó tanto en el ámbito personal como profesional.

En un comunicado, los familiares resaltaron que Gibb “amaba al Señor, a su familia, sus amigos y a sus admiradores con todo su corazón” y subrayaron su presencia imponente en pantalla, así como la amabilidad que demostraba fuera de los reflectores. El actor, conocido por su icónico grito “¡Nerds!”, se convirtió en uno de los personajes más recordados de la comedia dirigida por Jeff Kanew.

Trayectoria y legado en el cine

Nacido el 4 de agosto de 1954 en Nueva York, Gibb creció en California y asistió a la Universidad de Nuevo México gracias a una beca de baloncesto, antes de transferirse a la Universidad de San Diego, donde jugó fútbol americano. Incluso formó parte del equipo de los San Diego Chargers antes de decidir dedicarse a la actuación.

En su carrera, Gibb participó en una amplia variedad de películas, entre ellas Conan the Barbarian (1982), Meatballs Part II (1984), Jocks (1986), Magic Kid 2 (1994) y Hancock (2008). Además, tuvo papeles como invitado en series emblemáticas, incluyendo Magnum, P.I. (1982), MacGyver (1991), Cheers (1992), The X-Files (1993) y Seinfeld (1995).

La figura de Gibb trascendió, sobre todo, por su papel en La venganza de los nerds, donde su estatura de casi dos metros y su capacidad para dar vida a Ogro lo convirtieron en un personaje inolvidable. Volvió a interpretar a Ogre en la secuela La venganza de los nerds II (1987) y en la cuarta entrega que solo llegó a televisión (1994).

En 2025, Gibb reveló los planes de una nueva película de la saga. Esta se enfocaría en un viaje a México con toda la pandilla y, según palabras del mismo actor, sería mucho mejor que los últimos dos filmes que “no llegaron a ningún lado”. En su momento, Donald aseguró que la película llegaría a finales de 2025, pero nunca vio la luz; ahora, tras su muerte, es muy probable que el proyecto quede archivado.

Cabe mencionar que la noticia de su fallecimiento llega pocos meses después de la muerte de Robert Carradine, otro miembro del elenco de La venganza de los nerds, quien falleció el 23 de febrero a la misma edad.

Participaciones memorables y vida personal

Uno de los papeles más recordados de Gibb fuera de la saga de los “nerds” fue el de Ray Jackson en Contacto sangriento (1988), donde compartió pantalla con Jean-Claude Van Damme y más tarde regresó para la secuela Contacto sangriento II: The Next Kumite (1996). También interpretó durante seis temporadas a Leslie “Dr. Death” Krunchner en la serie de HBO 1st & Ten.

A lo largo de los años, Gibb ganó el afecto de una comunidad de admiradores que valoraron tanto su humor como su calidez. La familia aseguró que “su fuerza, generosidad y espíritu serán recordados por quienes tuvieron el privilegio de conocerlo y por los numerosos fans cuyas vidas tocó”.

Christopher Nolan explicó la razón de la participación Travis Scott en su próxima película La Odisea, una adaptación del poema épico griego atribuido a Homero.

En una entrevista con Time, el director confirmó que el rapero interpretará a un bardo, figura tradicional encargada de recitar versos y narraciones sobre héroes y acontecimientos históricos.

El director señaló que la elección del artista está vinculada con el enfoque narrativo del proyecto y con la tradición oral del relato original. “Elegí a Travis Scott porque quería hacer referencia a la idea de que esta historia ha sido transmitida como poesía oral, lo cual es análogo al rap”, explicó.

La participación de Travis Scott en el proyecto fue adelantada en meses recientes a través de apariciones en materiales promocionales televisivos de la película.

En esos avances, el personaje interpretado por Scott aparece relatando episodios relacionados con la Guerra de Troya, conflicto central en la narrativa de La Odisea.

La película está basada en el poema épico griego La Odisea, que describe el viaje de regreso de Odiseo a Ítaca tras la guerra. La obra ha sido transmitida históricamente mediante tradición oral antes de su recopilación escrita, un aspecto que ha sido considerado en la adaptación cinematográfica.

Cabe recordar que Scott ya había colaborado previamente con Nolan en la película Tenet (2020), para la cual compuso la canción “The Plan”.

El personaje principal de la historia, Odiseo, es interpretado por Matt Damon. En el reparto también figuran actores como Tom Holland, en el papel de Telémaco, y Anne Hathaway, quien interpreta a Penélope, esposa de Odiseo.

El elenco incluye además a Zendaya, Charlize Theron, Robert Pattinson, Elliot Page, Mia Goth y John Leguizamo, entre otros intérpretes.

En el mismo perfil de Time, Christopher Nolan confirmó que la actriz Lupita Nyong’o interpretará dos personajes en la película: Helena de Troya y su hermana Clitemnestra.

Según declaraciones recogidas en la entrevista, el guion mantiene fidelidad a la estructura de la obra original. Damon señaló que la adaptación respeta el texto de Homero en términos narrativos.

“El guion era muy específico en lo que estaba haciendo. Es muy fiel a Homero porque no es alguien que se pueda reescribir. Pero temáticamente, lo que exploró fue realmente interesante”, afirmó.

La producción ha generado atención también por su enfoque en la reconstrucción del viaje de Odiseo, que en la obra original se extiende durante diez años tras el final de la Guerra de Troya. La película retrata ese recorrido desde distintas perspectivas dentro del universo narrativo.

El estreno de La Odisea está previsto para el 17 de julio en salas de cine. La película forma parte del calendario de estrenos del director, conocido por producciones de gran escala y narrativas complejas en el cine contemporáneo.

Macaulay Culkin recordó recientemente a su compañera de reparto Catherine O’Hara, quien interpretó a su madre en la saga Mi pobre angelito y su secuela. En una entrevista concedida a Gentleman’s Journal, el actor reflexionó sobre la muerte de la actriz, ocurrida el pasado 30 de enero a los 71 años.

“Cuando Catherine falleció en enero, eso me afectó. Me afectó bastante, porque fue demasiado pronto”, señaló.

La artista murió a causa de una embolia pulmonar, con un cáncer de recto como causa subyacente a largo plazo, según el certificado de defunción citado en medios estadounidenses.

Culkin, conocido mundialmente por su papel de Kevin McCallister en la franquicia, afirmó que sintió que su relación profesional con O’Hara quedó inconclusa.

“Sentía que teníamos asuntos pendientes. Definitivamente siento que tenía asuntos pendientes con ella. Siento que le debía un favor, y no me gusta tener una deuda pendiente”, dijo.

Tras la muerte de Catherine O’Hara, el actor publicó un mensaje en redes sociales en el que expresó su reacción ante la noticia.

“Mamá. Pensé que teníamos tiempo. Quería más. Quería sentarme en una silla junto a ti. Te escuché. Pero tenía mucho más que decir”, escribió en su cuenta de Instagram.

Por si fuera poco, Macaulay Culkin describió su posición dentro de la industria cinematográfica como la de alguien que ha permanecido desde una etapa muy temprana en Hollywood.

“No soy la punta de la esfera. Soy la parte trasera de la esfera. Estoy cerrando una especie de vieja guardia de Hollywood. Voy a ser una de las últimas personas en pie en ese sentido”, afirmó.

Culkin señaló que su trayectoria ha sido distinta a la de muchos actores de su generación. Según explicó, su experiencia no le ha permitido establecer comparaciones directas con otros colegas que atravesaron procesos similares en la industria.

“Mi vida es única para mí. No tengo muchos contemporáneos cuando se trata de esto. No puedo mirar a los lados y pensar: ‘esas personas han tenido una experiencia similar a la mía’”, indicó.

A pesar de ello, el actor afirmó que ha intentado asumir esa singularidad como parte de su vida profesional. “Trato de valorarlo tanto como puedo. Siento que estoy viviendo una vida realmente única y maravillosa”, dijo.

En otro punto de la entrevista, Macaulay Culkin también respondió a preguntas sobre el futuro de los actores infantiles que participarán en la próxima adaptación televisiva de Harry Potter (serie de HBO).

“Intento no hablar por otros niños ni por su experiencia. No hice mucho trabajo colaborativo. No estuve en The Goonies. A menudo estaba solo, como en Cast Away, aunque él al menos tenía un balón con quien hablar”, explicó.

Culkin añadió que no trabajó junto a actores de su edad hasta la película Saved en 2004. “Y fue muy divertido. Se sintió como un campamento de verano. Pensé: ‘esto es lo que me estaba perdiendo’”, recordó.

Sobre la nueva generación de actores infantiles, el intérprete señaló que la convivencia entre jóvenes en un mismo proyecto puede influir en su experiencia laboral. Según expresó, compartir rodaje puede generar tanto apoyo mutuo como dinámicas complejas dentro del grupo.

Brooke Shields recordó públicamente la compleja relación entre Michael Jackson y su padre, Joe Jackson, durante una entrevista realizada en 2017 en el programa radial Jim and Sam Show.

La actriz, quien mantuvo una amistad cercana con el cantante durante décadas, habló de las conversaciones privadas que sostuvo con él acerca de su infancia y del impacto emocional que, según ella, tuvo la figura paterna en su vida.

“Nunca me gustó su padre, nunca me gustó. Jamás me oirás decir nada malo de nadie excepto de esa persona. Él no es un ser humano, él es el diablo”, declaró al referirse a Joe Jackson, quien dirigió la carrera musical de sus hijos desde los inicios de The Jackson 5.

La actriz explicó que, pese a la relación conflictiva que Michael Jackson mantenía con su padre, el cantante no expresaba odio hacia él.

“Michael no lo odiaba porque él era incapaz de sentir odio en su interior. Creo que él se sentía tan profundamente herido por él que simplemente no podía creerlo. No podía creer lo malo que era para él”, afirmó.

Durante la conversación, Shields también recordó haber hablado directamente con Joe Jackson en una ocasión. “Le dije: ‘¿Sabes qué te voy a decir? Gracias. Te voy a dar las gracias por el hijo que tuviste. Porque tu hijo cambió el mundo y era mi amigo’”, relató.

Las declaraciones de Brooke Shields retomaron un tema que Michael Jackson abordó en diferentes entrevistas a lo largo de su carrera.

El cantante habló públicamente sobre las exigencias y métodos de disciplina impuestos por su padre durante la etapa en la que comenzó a actuar junto a sus hermanos siendo apenas un niño.

Joe Jackson fue el responsable de dirigir la carrera del grupo y tuvo una participación central en la vida artística y personal de sus hijos.

La amistad entre Brooke Shields y Michael Jackson comenzó durante la década de 1980 y se mantuvo hasta la muerte del artista en 2009. Ambos compartían experiencias relacionadas con la fama temprana y la exposición pública desde la infancia.

Shields inició su carrera siendo una niña y rápidamente se convirtió en una de las figuras juveniles más conocidas de Hollywood.

La actriz comenzó trabajando como modelo y participó desde pequeña en campañas publicitarias y producciones audiovisuales. A los nueve años debutó en el cine y posteriormente protagonizó películas como Pretty Baby y The Blue Lagoon, producciones que generaron controversia por incluir escenas de desnudez cuando la actriz todavía era menor de edad.

Con el paso de los años, Shields habló sobre la presión que enfrentó durante su infancia dentro de la industria del entretenimiento y sobre la relación de dependencia profesional que mantuvo con su madre, quien administraba su carrera.

Esa experiencia fue uno de los elementos que fortaleció su vínculo con Michael Jackson, quien también expresó públicamente las dificultades de crecer bajo la atención constante de los medios y las exigencias familiares.

La cercanía entre ambos artistas generó rumores sobre una posible relación sentimental, versiones que Brooke Shields negó en distintas ocasiones. La actriz sostuvo que su relación con el cantante siempre estuvo basada en una amistad cercana y en el apoyo mutuo.

La ceremonia de los Premios Grammy se celebrará el 7 de febrero de 2027, con una edición que marcará el inicio de una nueva etapa en la transmisión televisiva y digital del evento en Estados Unidos.

A partir de esta edición, la gala dejará de emitirse por CBS tras más de cinco décadas y pasará a estar disponible en ABC, además de las plataformas Hulu y Disney+.

El evento tendrá lugar en la arena Crypto.com Arena, ubicada en el centro de Los Ángeles, ciudad que ha sido sede habitual de la ceremonia en los últimos años.

Las nominaciones para la 69ª edición de los premios se anunciarán el 16 de noviembre de 2026, mientras que el periodo de elegibilidad se extenderá del 31 de agosto de 2025 al 31 de agosto de 2026.

El proceso de votación de los premios se desarrollará en distintas fases. La primera ronda de votación se realizará entre el 12 y el 22 de octubre de 2026.

Posteriormente, la votación final tendrá lugar entre el 10 de diciembre de 2026 y el 7 de enero de 2027, periodo tras el cual se definirán los ganadores de las distintas categorías.

La producción del evento aún no ha sido confirmada oficialmente. Sin embargo, se prevé la continuidad de Ben Winston, quien ha estado a cargo de la gala desde 2021. Winston ha liderado la dirección creativa de las últimas ediciones, incluyendo el formato televisivo y la organización de la transmisión en vivo.

El anuncio del cambio de plataforma ha sido acompañado por declaraciones de representantes de la industria del entretenimiento. Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación, señaló que la ceremonia mantiene su enfoque en la música y su impacto global.

“Los Premios Grammy se tratan de celebrar la música que mueve al mundo, y este momento se basa precisamente en eso. Este es un momento emocionante para nuestra organización: un nuevo hogar y un nuevo y audaz capítulo para los Premios Grammy. Apenas estamos comenzando y lo mejor está por venir”, dijo.

Desde el lado de la industria televisiva, la compañía Disney ha destacado la relevancia del acuerdo dentro de su estrategia de programación para 2027.

Rita Ferro, presidenta de publicidad global de The Walt Disney Company, explicó en el pódcast Daily Variety que la compañía concentrará en pocas semanas varios eventos de gran audiencia.

Ferro mencionó que la programación incluirá la final del campeonato universitario de fútbol americano, la transmisión del Super Bowl a través de ABC y ESPN, así como la ceremonia de los Academy Awards.

En ese contexto, la llegada de los Premios Grammy a ABC y sus plataformas de streaming forma parte de una estrategia de consolidación de eventos en directo dentro del catálogo de la compañía.

Según la ejecutiva, la concentración de estos eventos en una misma empresa representa un elemento relevante en términos de audiencia y distribución. Estas transmisiones se ubican en un calendario cercano entre sí, lo que permite una programación continua de eventos en vivo de alto seguimiento.

En el video, la artista aparece usando una bata blanca frente a una imagen de una nota periodística sobre el compromiso del compositor. La intérprete de “Firework” sostiene una bebida de color naranja, la sirve en una copa y realiza un brindis mientras mantiene una expresión seria.

Posteriormente comienza a beber, derrama parte del líquido sobre su ropa y simula llorar antes de salir del encuadre. La cantante acompañó el clip con la canción “The One That Got Away”, lanzada en 2010 como parte de su álbum Teenage Dream.

A lo largo de los años, diversos seguidores han relacionado el tema con Josh Groban debido a declaraciones realizadas por Katy Perry en entrevistas y transmisiones en vivo. La publicación incluyó el mensaje “felicidades” junto a un emoji de brindis.

Perry y Groban tuvieron una relación brevemente en 2009. Aunque ambos mantuvieron en privado gran parte de su vínculo, con el paso del tiempo han hecho comentarios públicos sobre esa etapa y sobre la amistad que conservan actualmente.

En una entrevista realizada en 2013, Groban recordó cómo conoció a Perry antes del lanzamiento de su primer álbum de estudio. El cantante señaló que ambos conectaron rápidamente debido a intereses y personalidades similares.

“Nos conocimos incluso antes de que saliera su primer álbum, y congeniamos enseguida porque los dos somos un poco payasos”, dijo.

Años después, durante una transmisión en vivo realizada en 2017 junto al presentador James Corden, la cantante participó en una dinámica en la que debía clasificar a algunas de sus exparejas.

En ese contexto, describió a Groban como “el que se le escapó”. James reaccionó a esas declaraciones en 2018 durante una entrevista en el programa Watch What Happens Live conducido por Andy Cohen.

“Me quedé boquiabierto y casi me atraganto con el café cuando lo vi. Es muy amable de su parte decir eso. Me siento muy halagado. Pero también me sorprendió mucho”, expresó.

Durante la misma entrevista, el compositor expresó dudas sobre la teoría de que la canción “The One That Got Away” estuviera inspirada en él. El artista mencionó que varios elementos descritos en la letra no coinciden con aspectos de su vida personal.

“Escuché la letra de la canción y pensé: ‘Nunca tuve un Mustang. No tengo tatuajes. ¿Estás seguro de que se refiere a mí?’”, reflexionó.

Pese a ello, el cantante explicó que ambos mantuvieron una relación cordial tras su separación y continuaron siendo amigos con el paso de los años.

“Ambos éramos muy reservados y nos dimos cuenta de que éramos mejores como amigos, y hemos sido muy, muy buenos amigos hasta el día de hoy. Ella es la mejor”, dijo.

El compromiso entre Josh Groban y Natalie McQueen fue anunciado oficialmente el pasado 21 de abril a través de Instagram.

El cantante compartió varias fotografías del momento en que le propuso matrimonio a la actriz en Disneyland. En la publicación escribió que compartir su vida con McQueen representa “su lugar más feliz”.

La relación entre Groban y McQueen se hizo oficial en redes sociales en febrero de 2023, coincidiendo con el Día de San Valentín. Desde entonces, ambos han aparecido juntos en distintos eventos públicos y ceremonias de la industria del entretenimiento.

Demi Moore compartió su postura sobre uno de los debates más urgentes del cine contemporáneo durante la rueda de prensa inaugural del 79.º Festival de Cannes. La actriz estadounidense, integrante del jurado oficial de la competición, explicó que considera inevitable el impacto de la inteligencia artificial (IA) en la industria del entretenimiento.

“La IA ya está aquí. Luchar contra ella es luchar contra algo que es una batalla que perderemos. Así que encontrar maneras de trabajar con ella, creo, es un camino más valioso”, afirmó Moore, de 63 años, ante los medios reunidos en el Palais des Festivals.

No obstante, la estrella de La sustancia reconoció que actualmente hay grandes limitaciones en el sector para resguardar la labor creativa de sus trabajadores. “¿Estamos haciendo suficiente para protegernos? No lo sé. No tengo la respuesta a eso, y mi inclinación sería decir que probablemente no”, señaló.

Asimismo, Moore cree que hay una dimensión del arte humano que la tecnología es incapaz de alcanzar. “La verdad es que no hay nada que temer, porque lo que la IA nunca podrá reemplazar es de donde viene el verdadero arte, que no es lo físico. Viene del alma. Viene del espíritu de cada uno de nosotros que crea cada día. Y eso nunca podrán recrearlo a través de algo técnico”, declaró.

No todos en el jurado compartieron el tono conciliador de Moore. Paul Laverty, guionista escocés conocido por sus colaboraciones con el director Ken Loach en películas como El viento que agita la cebada y Yo, Daniel Blake, lanzó una advertencia más política sobre los riesgos de la IA sin regulación.

“Lo que me parece absolutamente increíble es que lo hacen y luego asumen que el resto del mundo seguirá y lo aceptará, sin importar las consecuencias”, dijo Laverty, en referencia a las empresas tecnológicas que impulsan el desarrollo de la IA.

El guionista exhortó a analizar quién controla estas herramientas antes de adoptarlas masivamente. “Hay que mirar toda la crisis: cómo las fábricas de datos afectan la sostenibilidad, el agua, las poblaciones. La gente está comenzando a darse cuenta de que no debemos dejar que estos multimillonarios tecnológicos dicten cómo vivimos nuestras vidas”, sostuvo.

“¿Cuál es el efecto en los trabajadores —más allá de los artistas—, en los trabajadores ordinarios, en la sociedad, en nuestros hijos? Tenemos que examinar quién la posee, y debemos hacerlo de forma transparente y democrática. Es demasiado importante para dejársela a estos tipos”, agregó Laverty.

La rueda de prensa también abordó la relación entre el cine y la política. Moore defendió la libertad de expresión artística sin reservas. “Parte del arte es la expresión. Si empezamos a censurarnos, cerramos el núcleo de nuestra creatividad, que es donde podemos descubrir la verdad y las respuestas”, afirmó, al ser consultada sobre si pronunciarse políticamente puede perjudicar la carrera de un artista.

El presidente del jurado, el cineasta surcoreano Park Chan-wook, añadió su propia reflexión sobre el vínculo entre arte y política: “Creo que es un concepto extraño pensar que están en conflicto. Solo porque una obra de arte tenga una declaración política, no debe ser considerada un enemigo del arte. Al mismo tiempo, si un film no hace una declaración política, no debe ser ignorado. Incluso si hacemos una declaración política brillante, si no está expresada con suficiente arte, sería solo propaganda”.

Moore forma parte de un jurado de nueve miembros encabezado por Park Chan-wook (La decisión de partir, No Other Choice). Lo completan la actriz irlandesa Ruth Negga (Loving, Passing); el actor ivoriano Isaach de Bankolé; el actor sueco Stellan Skarsgård; la directora belga Laura Wandel (Playground); el director y guionista chileno Diego Céspedes (La misteriosa mirada del flamenco); la directora ganadora del Óscar Chloé Zhao (Nómadland, Hamnet); y el propio Laverty.

Más de 17 años después del estreno de la primera película de Camp Rock, Disney confirmó que el lanzamiento de Camp Rock 3 llegará a Disney+ en agosto de 2026. La compañía había informado previamente que el estreno ocurriría durante el verano de ese año, aunque sin precisar una fecha concreta.

La nueva entrega retoma la historia 15 años después de los acontecimientos narrados en Camp Rock 2: The Final Jam. En esta ocasión, la banda ficticia Connect 3, integrada por los hermanos Jonas, enfrenta la pérdida del acto de apertura de una gira de reunión.

Ante esta situación, los personajes regresan al campamento musical Camp Rock con el objetivo de encontrar nuevos talentos para acompañarlos en la gira.

De acuerdo con la sinopsis oficial, los campistas competirán por la oportunidad de convertirse en la banda telonera de Connect 3. En el proceso surgirán rivalidades, alianzas, romances y conflictos entre los participantes.

Nick Jonas, Joe Jonas y Kevin Jonas volverán a interpretar a los integrantes de Connect 3: Nate Gray, Shane Gray y Jason Gray, respectivamente.

Además de protagonizar la película, los tres participan como productores ejecutivos del proyecto junto con Demi Lovato, quien encabezó las dos primeras películas de la franquicia.

La dirección está a cargo de Veronica Rodriguez y el guion fue escrito por Eydie Faye.

Demi Lovato no ha sido confirmada como parte del elenco. Sin embargo, su participación como productora ejecutiva fue anunciada oficialmente.

La cantante y actriz interpretó a Mitchie Torres en Camp Rock (2008) y Camp Rock 2: The Final Jam (2010). En declaraciones recientes, Lovato señaló que la nueva película busca dar espacio a una nueva generación de artistas dentro de la franquicia.

La directora Veronica Rodriguez indicó en una entrevista con Entertainment Weekly que el personaje de Mitchie continúa siendo una referencia importante dentro de la historia, aunque evitó confirmar si aparecerá en pantalla.

Entre los actores que regresan también se encuentra Maria Canals-Barrera, quien retomará el papel de Connie Torres, madre de Mitchie. Según Rodriguez, el personaje tendrá una participación más amplia en esta nueva entrega.

La película incorporará además a un nuevo grupo de personajes. Liamani Segura interpretará a Sage, descrita como una joven decidida y segura de sí misma. Hudson Stone dará vida a Desi, hermano de Sage.

El elenco juvenil también incluye a Malachi Barton como Fletch, Lumi Pollack como Rosie, Casey Trotter como Cliff, Brooklynn Pitts como Callie y Ava Jean como Madison. La actriz Sherry Cola se suma al proyecto en el papel de Lark.

El rodaje de Camp Rock 3 se realizó en Vancouver, Canadá, y concluyó el 1 de noviembre de 2025 tras siete semanas de filmación. Disney lanzó el primer adelanto oficial el 4 de diciembre de 2025.

El video muestra a los Jonas Brothers regresando al lago de Camp Rock mientras suena “Wouldn’t Change a Thing”, canción interpretada originalmente por los personajes de Mitchie y Shane en la segunda película.

Durante el avance, Nick Jonas menciona las palabras “música, amistad y recuerdos”, mientras Joe Jonas afirma: “Estamos de vuelta. Exactamente donde debemos estar”. Kevin Jonas cierra la escena con una referencia humorística relacionada con las películas anteriores.

Las dos primeras producciones de la saga se encuentran entre las películas originales más vistas de Disney Channel, ambas encabezaron los estrenos de películas para televisión por cable en sus respectivos años de lanzamiento.

Camp Rock 3 se emitirá en Disney Channel y estará disponible en la plataforma Disney+ a partir de agosto de 2026.

Después de años de retrasos, cambios creativos y problemas legales relacionados con los derechos de la franquicia, Crystal Lake finalmente tiene fecha de estreno. Peacock confirmó que la nueva serie basada en el universo de Viernes 13 llegará a la plataforma el próximo 15 de octubre de 2026.

La producción supondrá el regreso oficial de Jason Voorhees a la pantalla tras 17 años sin una película oficial de la saga, cuya última entrega cinematográfica se estrenó en 2009.

La serie contará con ocho episodios y estará disponible en Peacock. El proyecto pertenece a A24, estudio detrás de películas y series de terror como Hereditary, Midsommar y Beef.

Una precuela ambientada antes de la película original

A diferencia de las entregas más populares de Viernes 13, centradas en Jason Voorhees como asesino enmascarado, Crystal Lake explorará los hechos previos a la primera película estrenada en 1980.

Según la información difundida por medios estadounidenses, la historia seguirá a la familia Voorhees antes de la muerte de Jason en el campamento Crystal Lake y antes de los asesinatos que dieron origen a la franquicia.

Linda Cardellini interpretará a Pamela Voorhees, madre de Jason y responsable de los crímenes del largometraje original. En aquella película, Pamela asesinaba a los consejeros del campamento tras considerar que su negligencia provocó la muerte de su hijo.

Por otro lado, Callum Vinson dará vida a una versión joven de Jason Voorhees. El actor infantil, quien participó en la serie Chucky, también aparecerá en la futura adaptación televisiva de God of War para Prime Video.

Según las fuentes especializadas, Crystal Lake incluirá varios personajes y referencias directas a las películas originales de Viernes 13.

Nick Cordileone interpretará a Ralph, personaje asociado con “Crazy Ralph”, el hombre que advertía sobre la supuesta maldición de Camp Crystal Lake en las primeras películas.

Además, Phoenix Parnevik y Danielle Kotch asumirán los papeles de Barry y Claudette. Ambos nombres corresponden a los dos consejeros asesinados en la secuencia inicial de la película original.

El elenco también incluye a William Catlett, Devin Kessler, Cameron Scoggins, Gwendolyn Sundstrom, Nancy Nagrant y Joy Suprano.

Una producción con años de desarrollo

El proyecto atravesó un extenso proceso de desarrollo. IGN recordó que las primeras ideas para una serie basada en Viernes 13 aparecieron a inicios de los años 2000, cuando el director Sean S. Cunningham habló sobre un posible spin-off ambientado en el pueblo de Crystal Lake.

En aquella etapa, la propuesta llegó a desarrollarse para The CW. Sin embargo, la cadena decidió no continuar porque consideraba que el concepto resultaba demasiado oscuro para una serie de larga duración.

Tiempo después, A24 retomó el proyecto para streaming. La producción sufrió nuevos retrasos debido a la huelga de guionistas de 2023 y a una reestructuración creativa. El rodaje comenzó recién en 2025.

Brad Caleb Kane ocupa los cargos de guionista, showrunner y productor ejecutivo. Para los seguidores de la franquicia, su nombre resulta familiar por su trabajo en la serie It: Bienvenidos a Derry, uno de los títulos de terror más comentados de 2025.

Además, Victor Miller, creador del guion original de Viernes 13, participa como productor ejecutivo junto a Marc Toberoff, Robert M. Barsamian, Robert P. Barsamian y Stuart Manashil.

La dirección de los episodios quedó en manos de Michael Lennox, Celine Held, Logan George y Quyen Tran.

Crystal Lake se estrenará el 15 de octubre de 2026, aunque en redes sociales varios fanáticos lamentaron la oportunidad perdida de lanzar la serie durante un “auténtico viernes 13”.

Un hombre declarado culpable de robar discos duros con música inédita de Beyoncé fue condenado el martes a dos años de prisión tras aceptar un acuerdo con la fiscalía en un tribunal de Atlanta, según informaron medios estadounidenses.

Kelvin Evans, de 40 años, se declaró culpable ante el Tribunal Superior del condado de Fulton de los cargos de violación de propiedad ajena e ingreso a un vehículo con intención de cometer robo, de acuerdo con lo reportado por Fox 5 Atlanta.

La sentencia total es de cinco años: dos en prisión y el resto en libertad condicional. Evans también quedó obligado a mantenerse alejado de las víctimas y del lugar donde ocurrió el robo.

El incidente se remonta a julio de 2025, cuando el coreógrafo de Beyoncé, Christopher Grant, y el bailarín Diandre Blue denunciaron ante la policía que la ventana del maletero de su auto de alquiler había sido forzada y que dos maletas habían desaparecido.

En ese momento, ambos se encontraban en Atlanta por las fechas de la gira Cowboy Carter de la cantante.

Según el informe policial, las maletas contenían “información personal sensible” vinculada a Beyoncé: discos duros con música con marca de agua, música inédita, planes de filmación del espectáculo y listas de canciones pasadas y futuras, según recogió Rolling Stone.

Durante la audiencia del martes, los fiscales describieron imágenes de cámaras de vigilancia que mostraban a Evans conduciendo por un estacionamiento de Atlanta y estacionando junto al vehículo del que fueron sustraídas las maletas.

Según Fox 5 Atlanta, las imágenes también lo muestran revisando el interior del auto, retirando las dos maletas negras y llevándolas posteriormente a un edificio vinculado a su hermana.

Los fiscales señalaron que las maletas “nunca volvieron a ser vistas” y que, en una entrevista, Evans se refirió a sí mismo como el “rey del robo en Atlanta”.

La sobrina del acusado declaró ante la policía que había recibido un iPhone y varios cargadores que formaban parte de los objetos robados, extremo que los fiscales confirmaron como bienes reportados como sustraídos, de acuerdo con la información difundida por Variety.

Evans había rechazado previamente un acuerdo que contemplaba cinco años de prisión. Según Rolling Stone, cambió su postura un día después de que comenzara el juicio, lo que le permitió reducir considerablemente su condena.

De haber sido condenado sin acuerdo, habría enfrentado cuatro años adicionales de reclusión, según consignó The Hollywood Reporter.

La policía de Atlanta logró rastrear y recuperar dos computadoras portátiles MacBook que también habían sido robadas, aunque el paradero de las maletas y su contenido continúa siendo desconocido, según informó The Hollywood Reporter.

El robo ocurrió en pleno desarrollo de la gira Cowboy Carter, que Beyoncé cerró en Las Vegas tres meses después del incidente.

El álbum homónimo le valió a la artista su primer Grammy a Álbum del Año en 2025. Hasta el momento, no quedó claro si el material contenido en los discos duros estaba relacionado con un próximo trabajo discográfico o con producciones anteriores, según precisó The Hollywood Reporter.

Un representante de Beyoncé no respondió de inmediato a las solicitudes de comentarios realizadas por los medios.

Por primera vez en mucho tiempo, Ian McKellen ha vuelto a poner sobre la mesa uno de los rumores más fascinantes del cine de fantasía: ¿estuvo David Bowie a punto de convertirse en Gandalf? El actor británico de 86 años abordó el tema en una entrevista publicada el 7 de mayo de 2026 por The Guardian, donde un lector le preguntó directamente sobre el asunto tras las declaraciones previas de su colega Dominic Monaghan, quien afirmó haber visto a Bowie en la oficina de casting de El Señor de los Anillos.

“Nunca he logrado persuadir a Peter de que confirme quién rechazó el papel de su vida con este mago”, admitió el intérprete.

Aunque no confirmó ni desmintió la participación de Bowie en el proceso de selección, sí reflexionó sobre lo que habría significado tenerlo en el papel.

“En cuanto a Bowie, no fue el único entre las radiantes estrellas de la música que habrían querido tener igual éxito en el cine, pero nunca lo lograron del todo”, señaló el actor, quien actualmente protagoniza la película The Christophers.

Asimismo, McKellen explicó que su propia visión del personaje era bastante distinta de cómo imagina un Gandalf encarnado por Bowie.

“A pesar de toda la familiaridad de Gandalf con la magia y lo sobrenatural, lo que más me atrajo del viejo fue su humanidad: la especie de vagabundo hirsuto que uno esperaría encontrar deambulando por los caminos y senderos de la Tierra Media. Quizás los llamativos looks y la voz de Bowie habrían acentuado el lado más sobrenatural de su naturaleza y apariencia”, expresó el veterano actor.

Más allá de las palabras de McKellen, el asunto tiene un antecedente documentado. En una entrevista con The Huffington Post, Amy Hubbard, directora de casting de la trilogía, confirmó que Peter Jackson sí consideró a Bowie para el papel, aunque aclaró que nunca hubo una audición formal.

“Nos acercamos a él. Estoy bastante segura de que fue idea de Peter Jackson en las primeras semanas en que empezamos. Era algo sobre lo que siempre se había preguntado, y llamamos a Chris (Andrews, agente de CAA), pero (Bowie) estaba demasiado ocupado”, explicó Hubbard.

La directora de casting añadió más detalles sobre la naturaleza de aquel breve contacto: “Fue una conversación muy rápida con el legendario Chris Andrews de CAA. Sí creo que (Bowie) fue y tocó para todos en la fiesta del Milenio. Eso habría sido la Nochevieja del año 1999, que fue cuando se estaban rodando las películas. Fue y entretuvo a todos, pero nunca hizo una audición. Eso es seguro”.

En 1999, cuando la producción estaba en marcha, Bowie tenía 52 años. McKellen, quien finalmente obtuvo el papel, tenía 60. Una diferencia de edad que, como señaló ScreenRant en su momento, habría resultado prácticamente invisible bajo el maquillaje y el vestuario del mago.

David Bowie, quien murió en enero de 2016 a los 69 años, también dejó huella en el cine. Su primer papel protagónico llegó en 1976 con El hombre que cayó a la Tierra. Pero fue en 1986, interpretando a Jareth, el rey de los goblins, en Labyrinth, donde demostró que su presencia escénica podía trasladarse con total naturalidad a la pantalla grande. También apareció en La última tentación de Cristo (1988), Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992) y El truco final (2006), donde encarnó al inventor Nikola Tesla.

Por otro lado, Ian McKellen se prepara para retomar una vez más su papel más emblemático en El Señor de los Anillos: La caza de Gollum, prevista para estrenarse en diciembre de 2027 y dirigida por Andy Serkis.

El músico Paul McCartney declinó la invitación de Netflix para ser el centro de un especial de humor en formato roast, según reveló Variety.

La propuesta llegó antes de que la plataforma eligiera a Kevin Hart para el evento que se celebró el domingo por la noche en el Kia Forum de Los Ángeles.

De acuerdo con fuentes citadas por la revista, los productores del formato buscaban repetir el éxito del roast de Tom Brady en 2024 y apuntaron al músico como candidato para una nueva entrega estelar. McCartney rechazó la propuesta.

Jeff Ross, comediante conocido como el “Roastmaster General” y productor ejecutivo del formato, confirmó el acercamiento al citado medio.

“Sí le preguntamos a Paul McCartney en algún momento. Para mí, eso sería el roast de fantasía. Paul McCartney no necesita nada, pero un roast de Paul McCartney sería bueno para el mundo. Me parecería tan gracioso porque él es tan querido”, declaró Ross.

Netflix declinó hacer comentarios, mientras que un representante de McCartney no respondió de inmediato a la solicitud de Variety.

Robbie Praw, responsable del área de comedia de Netflix, reconoció ante el festival Netflix Is a Joke Fest que la compañía había “barajado muchos nombres” para un posible roast.

Entre ellos, de acuerdo con un reporte de 2025 del medio Puck, figuró Will Smith. Fuentes consultadas por la revista señalaron que el formato podría haber servido para rehabilitar la imagen del actor tras el incidente en los premios Oscar.

El formato de roast de Netflix arrancó en 2024 con el especial dedicado a Brady, conducido por Hart y nominado al Emmy como mejor especial de variedades en directo. La intención, según los productores, era crear eventos de alto perfil con figuras de primer nivel, a diferencia del histórico formato de Comedy Central.

Ross también anticipó sus próximos deseos para el programa. “Una estrella del pop o del rock sería genial. Un rapero sería genial”, dijo.

“Podría ver a Drake siendo el sujeto del roast y siendo uno buenísimo. Una de mis ideas favoritas de siempre es Stevie Wonder. Siempre digo: ‘El roast de Stevie Wonder: hay que escucharlo para creerlo’”, agregó el productor.

El especial El roast de Kevin Hart, conducido por Shane Gillis, contó con la participación de Chelsea Handler, Pete Davidson, Regina Hall y sorpresas como Dwayne Johnson —compañero de Hart en Jumanji— y Katt Williams.

Paul McCartney presenta su nuevo álbum ante 50 fans en Abbey Road

Mientras la industria del entretenimiento discutía su posible participación en un especial de comedia, Paul McCartney eligió un escenario más íntimo para dar a conocer su próximo trabajo discográfico.

El pasado martes, el ex Beatle recibió a 50 seguidores en el Estudio Dos de Abbey Road, en Londres, para una escucha anticipada de The Boys of Dungeon Lane, su decimoctavo álbum de estudio en solitario, con fecha de lanzamiento el 29 de mayo.

Los asistentes, ganadores de un concurso, no esperaban la presencia del propio músico. Según recogió The Guardian, la sala enmudeció cuando McCartney entró desde la cabina de control.

“Hola y bienvenidos a los estudios Abbey Road. Voy a poner el álbum para ustedes e intentaré pensar en cosas que decir al respecto”, dijo el artista, según el mismo medio.

A lo largo de 90 minutos, McCartney repasó sus recuerdos de infancia en Liverpool, su amistad con John Lennon y George Harrison, y su proceso de composición.

El álbum nació, según explicó, de un encuentro casual hace cinco años con el productor Andrew Watt, cuando descubrió una secuencia de tres acordes que no reconocía. Esa improvisación se convirtió en la pista de apertura, “As You Lie There”, grabada en gran parte por él mismo.

“Arriba en una de las ventanas había una chica de la que me gustaba llamada Jasmine. Pero no sabía cómo acercarme a ella, nunca le hablé”, recordó McCartney ante los presentes. El tema parte de ese recuerdo y evoluciona desde la palabra hablada hacia una melodía en constante cambio.

El título del disco proviene de “Days We Left Behind”, una pista acústica que hace referencia a Dungeon Lane, cerca del río Mersey, donde McCartney pasó su infancia, y a una promesa hecha a Lennon en su casa de la infancia en Forthlin Road.

“Me mantengo fiel a lo que dije, la promesa que hice nunca se romperá”, reza la letra, según detalló el propio músico.

“Esto tiene muchos recuerdos de Liverpool para mí, pero también de cualquier día que hayamos dejado atrás. Todo el mundo los tiene: el colegio, los viejos amigos”, agregó McCartney.

Al referirse a la canción en el Estudio Dos, añadió: “Es un poco emotivo. Aquí es donde trabajábamos, siempre en este estudio. Solíamos entrar por la entrada de los proveedores.”

El álbum incluye “Ripples in a Pond”, escrita para su esposa Nancy Shevell; “Mountaintop”, narrada desde la perspectiva de una joven en el festival de Glastonbury; “Home to Us”, su primer dúo con Ringo Starr; y “Life Can Be Hard”, compuesta durante el confinamiento.

The Boys of Dungeon Lane llega tras una serie de proyectos retrospectivos, entre ellos el documental de Wings del año pasado y el sencillo “Now and Then” de 2023, construido a partir de una maqueta de Lennon.

Las raíces familiares y el teatro infantil definieron de manera profunda la vocación y el compromiso de Ayo Edebiri y Don Cheadle, según compartieron ambos en una conversación con el programa informativo estadounidense CBS Sunday Morning.

Unidos por una admiración mutua y por una sensación inmediata de complicidad en escena, los actores reflexionaron sobre cómo sus experiencias personales se enlazan y cómo el teatro ha sido un espacio donde han forjado un lazo de respeto genuino.

La influencia del entorno familiar, la impronta de docentes y las primeras vivencias en el escenario fueron decisivas en su pasión por la actuación. Edebiri relató que su profesora de teatro en la primaria y las funciones para público infantil marcaron su camino inicial, mientras que Cheadle describió cómo siente la presencia de sus padres al actuar y la relación profunda que el teatro crea más allá de la simple interpretación.

Raíces familiares y primeras vocaciones

“Está en mi Monte Rushmore de actores”, confesó Edebiri sobre Cheadle durante la entrevista con CBS Sunday Morning. La actriz recordó que fue elegida para el teatro infantil siendo apenas una niña, impulsada por su profesora de teatro a asumir papeles que la hicieron comprender el poder del escenario: “Mi vida, mis moléculas, cambiaron por el teatro en vivo”, contó.

Por su parte, Cheadle narró experiencias similares, evocando la emoción y los nervios de sus primeras veces en escena. “Cuando vi el set, fue como un retroceso; recordé esa mariposa en el estómago antes de actuar”, expresó el actor.

La disposición y el esfuerzo de sus familias jugaron un papel clave. A veces, era necesario movilizar recursos para pagar entradas asequibles o apoyar actividades escolares relacionadas con el arte. “Poder pagar una entrada era la única forma de ver teatro”, subrayó Edebiri sobre sus comienzos.

Complicidad y proceso creativo en el escenario

La química entre los protagonistas surgió de inmediato en el primer ensayo. “Sentí de inmediato un instinto paternal con Ayo”, admitió Cheadle en la conversación con CBS Sunday Morning. Edebiri también remarcó la profundidad del vínculo: “No tuvimos que ser formales; de inmediato fuimos compañeros de escena al mismo nivel”.

Ambos destacaron que la comunicación iba más allá de los ensayos formales. “Me escribía mensajes sobre una línea o una escena, y eso me motivaba”, relató la actriz.

En el día a día, la dinámica se hace evidente a través de cuidados y bromas mutuas con tono familiar. “Si Ayo va a trasnochar, le recuerdo que tenemos función”, relató Cheadle entre risas, a lo que ella añadió: “Y yo hago lo mismo contigo; es recíproco”.

El desafío de reinventarse sobre el escenario

Reflexionando sobre la diferencia entre teatro y audiovisual, ambos subrayaron la naturaleza irrepetible y exigente del escenario en vivo.

Edebiri compartió su preferencia por arriesgarse: “Prefiero fracasar de forma espectacular que tener éxito sin alma”, afirmando el valor de experimentar y ensayar con humildad.

“El valor está en lo que el público siente, no en la ovación”, señaló Cheadle, remarcando que la recompensa del proceso creativo se encuentra en la autenticidad y el impacto real en los espectadores. Ambos coinciden en que el aprendizaje radica en aceptar errores y mejorar noche tras noche. “En el teatro, la palabra es lo más importante”, insistió el actor, resaltando la fidelidad al texto.

Teatro accesible y el poder de transformar vidas

El compromiso de Ayo Edebiri y Don Cheadle con un teatro accesible forma parte central de sus motivaciones. “Fue importante para nosotros porque el teatro es parte de nuestra base; poder pagar una entrada era fundamental”, enfatizó Edebiri, destacando la influencia de iniciativas para entradas asequibles.

Ambos aseguraron a CBS Sunday Morning que no solo apoyan la accesibilidad, sino que contribuyen directamente con recursos para que nuevos públicos puedan acceder a espectáculos. “La entrada puede ser una barrera real, pero estamos trabajando para expandir el acceso”, apuntó Cheadle.

La implicación de Barack Obama y Michelle Obama —expresidente de Estados Unidos y ex primera dama— como productores aportó un nuevo horizonte al proyecto. “Es estupendo contar con su apoyo en esta misión de apertura”, reconoció el actor, remarcando la sintonía del espectáculo con un propósito inclusivo y transformador.

Ambos intérpretes consideran que el proceso teatral representa un aprendizaje constante y un desafío que aviva su vocación. “Ser parte de un grupo donde puedo equivocarme, experimentar y crecer me inspira cada día”, declaró Edebiri. Cheadle señaló la importancia de salir de la zona de confort: “El arte nos invita a cruzar límites, a crecer y encontrar nuevos caminos”.

“Hoy es una época bastante puntual, de carencia de trabajo, carencia de ficción”, comenzó el actor, aludiendo sin rodeos al presente de la industria audiovisual. Francella puso en contraste su propio recorrido con el clima actual: “Cuando yo crecí, crecí con la televisión abierta. Hoy ya no hay más televisión abierta”.

La transformación de los medios fue uno de los ejes centrales de su mensaje. “Hoy no hay tantos castings. Te preguntan cuántos seguidores tienes en Instagram para ver si te convocan. Entonces, ha cambiado el mundo, la vida”, explicó.

Para quienes inician el camino actoral, Francella no dudó en señalar la vocación como punto de partida.“Si alguien ya tiene la vocación, ya es maravilloso. Después, si puede vivir de la misma, tal vez no sea tan sencillo, pero que tenga la vocación”, sostuvo.

El intérprete insistió en la necesidad de la tenacidad y la resiliencia, dos virtudes que definió con énfasis: “Ir, ir, ir, no claudicar, tener la resiliencia que tenga que tener. Pero por sobre todas las cosas, esa constancia, esa energía que nunca merme, que van a tener satisfacciones”.

Aunque reconoce que el éxito no depende solo del esfuerzo individual, advierte sobre los riesgos de abandonar la carrera por frustración. “Si la idea es ‘haber prueba y no fue, no, debe ser muy difícil’, y abandonan y siempre le queda como algo frustrado a lo largo de su vida, eso no les tiene que pasar nunca. Tienen que ir al frente”, recomendó.

Francella también subrayó la influencia de factores que escapan de las manos de los aspirantes: “También está el factor suerte, el factor cómo te manejas socialmente, qué cintura tenés. Hay un montón de elementos, porque a veces hay gente muy talentosa y no, no tiene esa suerte”.

Al cerrar, el actor remarcó la complejidad de la ecuación para lograr una carrera sostenida en la actuación. En un entorno donde el talento, la perseverancia y la capacidad de adaptarse se entrelazan con la exposición en redes y el azar, Francella dejó en claro que la única receta segura es no dejar de intentarlo.

El recibimiento del Premio Platino de Honor

En una íntima ceremonia rodeado de medios de comunicación, Guillermo Francella recibió su Premio Platino de Honor que, como su nombre lo indica, rinde homenaje a una trayectoria extraordinaria en la industria fílmica.

Con producciones respaldándolo como la reciente Homo Argentum (por la cual también recibió una nominación en esta edición de los Premios Platino a Mejor Interpretación Masculina), El robo del siglo, Mi obra maestra y la inolvidable ganadora del Oscar a Mejor película extranjera, El secreto de sus ojos, Francella se consagra como uno de los nombres más importantes dentro del entretenimiento argentino.

En su discurso de aceptación, el actor recordó su lucha para posicionarse dentro del cine, asegurando que recibió mucha ayuda para llegar a donde hoy está:

“Era una lotería encontrar que alguien te mire. Entrar a los canales con fotos, que las guardaban en los cajones y no sabías si alguna vez la iban a volver a mirar.Era muy difícil todo. Pero tuve mucha gente que me acompañó, mucha gente que me apoyó”.

Actualmente, Francella protagoniza El Encargado, una serie que recién estrenó su cuarta temporada y se ha convertido en favorita del público latinoamericano. El programa se puede ver a través de la señal de Disney plus, además, ya se prepara un spin-off que refleja el éxito que ha tenido el proyecto, que en gran medida, es gracias al trabajo de Guillermo Francella como el emblemático Eliseo.

Samsung Electronics emitió una respuesta oficial ante la demanda presentada por Dua Lipa, quien acusa a la compañía de utilizar su imagen en el empaque de televisores sin autorización.

El caso está radicado en el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Central de California y comprende una solicitud de compensación por 15 millones de dólares, además de medidas cautelares para frenar la distribución de los productos señalados.

La demanda fue presentada el viernes 8 de mayo por los abogados de la artista. Según el documento, la imagen fue tomada en los bastidores del festival Austin City Limits en 2024 y pertenece a Dua Lipa.

La fotografía habría sido incluida en la parte frontal de las cajas de cartón de televisores Samsung, distribuidas y comercializadas en Estados Unidos durante 2025 y 2026.

Los representantes legales de la cantante sostienen que se trata de una infracción tanto de los derechos de autor de la imagen como de los derechos sobre la propia imagen de Lipa.

El escrito judicial, recogido por Variety, indica: “La cara de la señorita Lipa fue utilizada de manera prominente en una campaña de marketing masivo para un producto de consumo sin su conocimiento, sin contraprestación alguna y sin que ella tuviera ninguna participación, control o injerencia”.

Según la demanda, Dua Lipa supo del uso de su fotografía en junio de 2025 y, desde entonces, solicitó a Samsung que dejara de usarla.

De acuerdo con sus abogados, la empresa rechazó el pedido y mantuvo los productos en el mercado.

El escrito sostiene que la respuesta de la empresa fue “desdeñosa e insensible”, y que los empaques continúan distribuyéndose, lo que llevó a la cantante a presentar el litigio.

En su defensa, Samsung expuso su versión de los hechos.

En una declaración enviada a Billboard el lunes 11 de mayo, la empresa afirmó: “La imagen de la señorita Lipa fue utilizada en 2025 para reflejar el contenido de nuestros socios externos disponible en televisores Samsung y fue proporcionada originalmente por un socio de contenido para nuestro servicio gratuito de streaming Samsung TV Plus”.

Y continuó en su pronunciamiento: “La imagen se utilizó solo después de recibir la garantía explícita del socio de contenido de que se había obtenido el permiso, incluso para las cajas de venta al por menor. Dada esta garantía, negamos cualquier acusación de uso indebido intencionado”.

La empresa surcoreana añadió que mantiene “gran respeto por la señorita Lipa y la propiedad intelectual de todos los artistas” y que ha buscado activamente, y mantiene la disposición, para alcanzar una “resolución constructiva” con el equipo de la estrella pop.

La demanda de Dua Lipa incluye cargos por infracción de derechos de autor, infracción de marca registrada, violación de la ley de derechos de publicidad del estado de California y violaciones de la Ley Lanham federal.

A través del escrito, la cantante solicita, además de los 15 millones de dólares en concepto de daños e indemnizaciones, una parte de las ganancias obtenidas por la venta de los televisores vendidos con su imagen.

Los abogados de la cantante afirman que la conducta de la empresa le ha causado un “daño irreparable”, al capitalizar una supuesta asociación implícita y falsa con la artista como patrocinadora de los televisores Samsung en los empaques.

El documento judicial sostiene que “la arrogancia de Samsung al negarse a detener su infracción confirma su desprecio consciente por los derechos de propiedad intelectual e identidad personal de la señorita Lipa”.

En el escenario actual, donde figuras públicas enfrentan desafíos por el uso no autorizado de su imagen, el caso toma especial atención.

La demanda señala que la utilización de la imagen ocurrió “sin conocimiento, sin contraprestación alguna y sin participación, control o injerencia” de la intérprete.

Además, el hecho de que la fotografía pertenezca a Dua Lipa refuerza la posición de la demanda, según sus abogados.

Por su parte, Samsung afirma que actuó basándose en la información proporcionada por un socio externo, el cual aseguró haber obtenido los permisos necesarios.

La empresa rechaza cualquier intención de uso indebido y manifiesta su disposición para resolver el conflicto mediante un acuerdo.

Hasta el momento, los representantes legales de Dua Lipa no han realizado comentarios sobre la declaración difundida por Samsung.

El proceso sigue en curso ante la justicia federal estadounidense, mientras las partes exploran posibles formas de resolución.

Blake Lively sufrió un nuevo revés judicial en la disputa que mantiene con Justin Baldoni, pocos días después de que ambas partes alcanzaran un sorpresivo acuerdo para poner fin a la batalla legal derivada de la película It Ends With Us.

Según informó TMZ el 11 de mayo de 2026, el juez federal Lewis Liman rechazó la solicitud presentada por el equipo legal de Lively para entregar escritos adicionales y nueva información antes de emitir una decisión definitiva sobre los honorarios legales y posibles daños económicos que la actriz reclama contra Baldoni.

Aunque los protagonistas de Romper el círculo llegaron recientemente a un acuerdo que puso fin a gran parte del enfrentamiento judicial, todavía existe un punto pendiente: la solicitud de la actriz para recibir honorarios legales y daños compensatorios bajo la legislación de California.

De acuerdo con documentos judiciales citados por TMZ, Lively sostiene que tiene derecho a recuperar esos costos porque fue la “parte vencedora” luego de que el tribunal desestimara la demanda por difamación presentada por Baldoni.

La actriz argumenta que esa demanda fue presentada como represalia por la acusación de acoso sexual y hostilidad laboral que interpuso anteriormente contra su coprotagonista de It Ends With Us.

En ese sentido, su abogado, Michael Gottlieb, sostuvo ante la corte que la legislación aplicable —la sección 47.1 del Código Civil de California— fue creada para proteger a las personas que denuncian acoso sexual y permitirles compartir sus experiencias “con tribunales, agencias, la prensa y otras personas sin temor a ser demandadas”.

El equipo legal de Lively ya había presentado mociones relacionadas con este tema meses atrás, pero buscaba incluir nuevos argumentos y pruebas adicionales antes de que el juez emitiera su fallo definitivo. Según TMZ, también solicitó autorización para presentar un escrito adicional de cinco páginas con detalles sobre el cálculo de la compensación económica que reclama la actriz.

Esa petición fue precisamente la que el juez rechazó esta semana. El magistrado dejó claro que no considera necesario recibir más documentos de ninguna de las partes involucradas.

La respuesta del equipo de Baldoni

Por su parte, los abogados de Baldoni calificaron de “draconiano” cualquier intento de obligar al actor a pagar los costos legales de Lively.

El abogado Bryan Freedman afirmó que Baldoni tenía derecho a defenderse judicialmente y acusó a Lively de intentar conseguir inmunidad total frente a cualquier responsabilidad derivada del conflicto.

Tras el anuncio del acuerdo entre ambas partes, Freedman declaró que el desenlace representaba una “victoria total” para su cliente.

“El tribunal ya había desestimado 10 de las 13 reclamaciones de la señora Lively, incluidas todas las acusaciones de acoso sexual, todas las reclamaciones por difamación y todas las acusaciones contra los demandados individuales”, afirmó el abogado en un comunicado citado por Daily Mail.

“Desde nuestro punto de vista, llegaron a un acuerdo porque sabían que iban a perder en el tribunal”, añadió.

Los detalles del acuerdo de conciliación firmado por ambos actores se mantienen en reserva; sin embargo, trascendió que no incluyó ningún pago económico. Otro punto clave fue que tanto Lively como Baldoni renunciaron oficialmente a su derecho de apelar.

Universal evalúa el desarrollo de un nuevo live-action de El Grinch, según un reporte del insider de entretenimiento Daniel Richtman, conocido en redes sociales como DanielRPK, difundido el 11 de mayo de 2026.

El estudio no ha confirmado oficialmente el proyecto, y por el momento se desconocen director, elenco y fechas de estreno.

La información fue difundida por la cuenta Popped (@PoppedNews) en X, donde publicó: “Universal está desarrollando aparentemente una nueva película live-action de ‘THE GRINCH’”.

La publicación provocó una reacción inmediata entre los seguidores de la franquicia, que cuestionaron la necesidad de una nueva versión de una producción que aún goza de popularidad masiva.

DanielRPK, quien fue el primero en informar de este proyecto, acumuló una gran popularidad en los últimos años gracias a sus filtraciones sobre películas de Marvel y DC, con adelantos de fechas de estreno de tráilers y la participación de personajes.

Más recientemente, el insider también dio mucho de qué hablar al revelar detalles de la trama de la cuarta entrega de Sonic, entre ellos la presencia de elementos de viaje en el tiempo y el papel central de Amy en la historia.

Por ahora, no hay certeza sobre si el proyecto se trataría de un reboot, una reimaginación o una historia completamente nueva en torno al personaje. Universal Pictures tampoco se ha pronunciado al respecto.

El Grinch fue estrenada en el año 2000 bajo la dirección de Ron Howard y con Jim Carrey como protagonista.

La película, basada en el libro del Dr. Seuss, obtuvo el Oscar a Mejor Maquillaje y se convirtió en una referencia obligada de la temporada navideña.

Más de dos décadas después, el título sigue presente en plataformas de streaming, en la programación televisiva de diciembre y en la oferta de merchandising de los parques temáticos de Universal, donde las experiencias del personaje figuran entre las más visitadas durante las fiestas.

Esa vigencia es precisamente lo que convierte el anuncio en un terreno delicado para el estudio. La franquicia sigue siendo una de las propiedades más rentables de Universal en el segmento familiar, y cualquier nueva versión enfrentará comparaciones inevitables con la actuación de Carrey, cuya interpretación física y cómica del personaje marcó a varias generaciones de espectadores.

El contexto de la industria añade otro factor de riesgo: las audiencias muestran una fatiga creciente ante los reboots de franquicias establecidas, y el hecho de que El Grinch siga siendo un producto activo hace que la justificación comercial resulte menos evidente para una parte del público.

Desde el punto de vista del negocio, la lógica del estudio tiene sustento. Las propiedades intelectuales reconocidas suelen ofrecer mejores resultados financieros que las apuestas originales, en especial dentro del entretenimiento familiar.

Qué dijo Jim Carrey antes sobre una secuela de “El Grinch”

Unos años antes de que trascendiera el rumor sobre el nuevo live-action, Jim Carrey ya había descartado públicamente su regreso al personaje.

A través de su representante, el actor emitió un comunicado recogido por People en el que fue categórico: “No hay verdad en que Jim vaya a retomar su papel como el Grinch en una secuela de El Grinch”.

La declaración cerró la puerta a cualquier continuación directa de la película de 2000 con el mismo elenco, aunque no descartó que el estudio avanzara con otro actor.

El desinterés de Carrey en regresar al personaje se enmarca en una postura más amplia respecto a su carrera.

En 2022, en declaraciones a Access Hollywood, anticipó que evaluaba alejarse de la actuación tras Sonic 2: “Me estoy retirando. Sí, probablemente. Lo digo bastante en serio. Depende”, afirmó, y aclaró que solo consideraría volver ante un guion de peso.

“Si los ángeles traen algún tipo de guion escrito en tinta dorada que me diga que va a ser realmente importante para la gente verlo, podría continuar en el camino, pero me estoy tomando un descanso”, agregó en la misma entrevista.

Jim Carrey también dejó en claro sus prioridades actuales: “Me gusta mucho mi vida tranquila y me gusta mucho poner pintura en el lienzo y amo mi vida espiritual”, antes de añadir: “Tengo suficiente. He hecho suficiente. Soy suficiente”.

La silueta inconfundible de un hombre con sombrero se recorta sobre luces rojas y un escenario monumental. Así presenta Jamiroquai su retorno a Latinoamérica, con una gira que recorrerá seis ciudades del continente entre el 11 y el 27 de septiembre de 2026. El anuncio, plasmado en un cartel oficial, ha desatado la expectativa de miles de seguidores que esperaban la vuelta de la banda británica a escenarios latinos tras años de ausencia.

Las ciudades confirmadas

El anuncio, difundido a través de jamiroquai.com y redes sociales, ya moviliza a los seguidores para la compra de entradas y la organización de viajes.

Jamiroquai recorrerá Brasil, Chile, Argentina, Colombia y México en un periplo que promete marcar septiembre de 2026 en la memoria de los aficionados. Las fechas y recintos son:

• 11 de septiembre: Río de Janeiro, BR – Rock in Rio (Festival)
• 15 de septiembre: Santiago, CL – Claro Arena
• 17 de septiembre: Buenos Aires, AR – Hipódromo de San Isidro
• 19 de septiembre: Bogotá, CO – Coliseo Medplus
• 23 de septiembre: Monterrey, MX – Arena Monterrey
• 25 de septiembre: Guadalajara, MX – Arena Guadalajara
• 27 de septiembre: Ciudad de México, MX – Arena CDMX

Compra de boletos y venta para fans

La agrupación invitó a sus seguidores a ingresar el código BUFFALOMAN en su sitio web oficial para conseguir los boletos antes que nadie en una venta exclusiva que dará inicio este miércoles 13 de mayo.

“Consigue acceso prioritario a las entradas con el código BUFFALOMAN mañana, 13 de mayo, a las 10:00 a. m., hora local”, se lee en el anuncio oficial.

Sin embargo, en algunos de los países de la región ya circulan otras fechas para la preventa, venta e incluso se han revelado precios.

En el caso de México, se sabe que la preventa dará inició el 14 de mayo a través de SUPERBOLETOS y con tarjetas Banco Azteca. Posteriormente, la venta general dará inició el 15 de mayo.

En Argentina ya se reveló que los precios irán desde los 95 mil hasta los 325 mil pesos. La preventa se llevará a cabo el 18 de mayo con tarjetas Banco Patagonia y un día después arrancará la venta general.

Una celebración del funk y la conexión con el público latinoamericano

La banda, liderada por el carismático Jay Kay, ha mantenido una relación especial con el público latino desde sus primeras visitas.

La elección de recintos icónicos en cada ciudad refuerza la magnitud de la gira. Desde el histórico Rock in Rio hasta arenas con capacidad para miles de personas, la producción promete un despliegue visual y sonoro a la altura de la reputación de la banda.

La última vez que Jamiroquai se presentó en Latinoamérica fue en 2018. En esa gira, la banda brindó presentaciones en Ciudad de México, Santiago de Chile, Buenos Aires, São Paulo y Río de Janeiro entre los meses de marzo y abril. La gira estaba enfocada en promocionar su álbum Automaton, lanzado en 2017, el cual, además, es el más reciente dentro de su discografía.

Matt Damon encabeza el elenco de La Odisea, la nueva película del director Christopher Nolan que llegará próximamente a los cines. El actor interpreta a Odiseo, el rey de Ítaca cuyo regreso a casa tras la Guerra de Troya es el eje de la historia.

“¿Cómo abordar esto para una audiencia moderna? Obviamente, empezamos con el elenco”, dijo Nolan durante su presentación en CinemaCon, según recogió Variety. “Será más rápido que les diga quién no está en la película. Los habría traído a todos aquí, pero el peso masivo de tanto talento extraordinario habría derrumbado el escenario”.

Anne Hathaway interpreta a Penélope, la esposa de Odiseo, que espera el regreso de su marido durante 20 años mientras esquiva los planes de 108 pretendientes que buscan cortejarla y usurpar el trono.

La actriz reveló a Time que se llevó una sorpresa al leer el guion de Nolan: “Hay esta imagen de Penélope que es la imagen de la modestia, la imagen de la paciencia. Y le dije: ‘Chris, si no me equivoco, has escrito a alguien llena de furia y pareces estar insinuando que en realidad es la igual de Odiseo’”.

Tom Holland da vida a Telémaco, el hijo de Odiseo, un joven cargado con el peso de la leyenda de un padre que no recuerda. El filme le otorga más tiempo en pantalla junto a Damon que el que Homer dedicó a esa relación.

Zendaya interpretará a Atenea, la deidad protectora y mentora principal de Odiseo y su familia. Ella se encarga de guiar al protagonista en su viaje de vuelta a casa.

Charlize Theron aparece como Calipso, la ninfa junto a quien Odiseo se encuentra en una playa de Marruecos. En el metraje presentado en CinemaCon, Damon le confiesa: “No recuerdo nada antes de Troya. ¿Tuve una esposa? ¿Hijos? ¿Quizás un hijo? Si tuve un hijo, ¿cuántos años tendría ahora?”.

Lupita Nyong’o asume un doble rol: interpreta tanto a Helena, considerada la mujer más hermosa del mundo y a quien se responsabiliza de haber desencadenado la guerra, como a Clitemnestra, su hermana.

Samantha Morton da vida a Circe, la hechicera que en la épica homérica transforma a hombres en animales, y que en esta versión recibe un tratamiento más desarrollado y humano.

Jon Bernthal encarna a Menelao, el rey griego y esposo de Helena, mientras que Benny Safdie es Agamenón, cuyo difícil matrimonio con Clitemnestra es, según el propio Nolan, “francamente, difícil de calificar con suavidad”. Por su parte, Bill Irwin será el Cíclope.

El elenco se completa con Robert Pattinson, Elliot Page, John Leguizamo e Himesh Patel en roles que Nolan aún no ha detallado públicamente.

El rapero Travis Scott también tiene presencia en el filme. “Lo contraté porque quería aludir a la idea de que esta historia ha sido transmitida como poesía oral, lo cual es análogo al rap”, explicó Nolan a Time.

Qué se sabe sobre “La Odisea”

La Odisea será el primer largometraje rodado íntegramente con cámaras IMAX, una hazaña que Christopher Nolan describió ante los exhibidores en CinemaCon como “mi ambición más largamente sostenida”.

La producción llevó al equipo a rodar en Marruecos, Grecia, Italia, Islandia y Escocia durante 91 días, nueve días antes de lo previsto.

“Ha sido una pesadilla absoluta de filmar, pero en el buen sentido”, afirmó el director según Variety. “Lo pasamos increíble”.

Damon describió las condiciones de rodaje como las más duras de su carrera. “Películas como esta ya no se hacen. Hacer esto sin pantalla verde, como lo habría hecho David Lean, no conozco a nadie, con la excepción de Chris, que siquiera lo intente”, dijo a Time.

Rodó bajo chorros de agua, escaló a diario el Castillo de Santa Caterina en Sicilia y soportó lluvias en Islandia durante las noches blancas. La última escena que grabó, en una playa marroquí junto a Theron, no fue más sencilla: el lugar resultó ser, según el propio actor, la capital mundial del kitesurf.

“El viento era tan fuerte que la arena nos arañaba los ojos y no había absolutamente nada que pudiéramos hacer para detenerla”, sostuvo.

Para la banda sonora, Nolan instruyó al compositor Ludwig Göransson para que prescindiera de una orquesta. El músico alquiló en cambio 35 gongos de bronce de distintos tamaños y los combinó con sintetizadores.

“No es que la orquesta existiera en aquella época”, explicó Göransson a Time. “Fue un desafío y también una apertura para intentar crear algo único”. El sonido de la lira también cumple un rol narrativo: representa el chasquido del arco de Odiseo.

La Odisea llega a los cines de América Latina el 16 de julio de 2026.

Fox difundió la primera imagen del reboot de Baywatch, la serie que renovará la franquicia que durante su emisión original se convirtió en el programa más visto del mundo, con más de mil millones de espectadores semanales en más de 200 países.

La fotografía muestra al elenco reunido en la playa y anticipa el regreso de una producción que, décadas atrás, lanzó a David Hasselhoff y Pamela Anderson a la fama mundial.

Stephen Amell encabeza el reparto en el papel de Hobie Buchannon, un capitán de Baywatch que sigue los pasos de su padre, Mitch.

La trama se reanuda cuando su hija Charlie Vale, interpretada por Jessica Belkin, aparece en su puerta y transforma su vida.

El elenco se completa con Shay Mitchell como Trina, Hassie Harrison como Nat, Thaddeus LaGrone como Brad, Brooks Nader como Selene, Noah Beck como Luke, Livvy Dunne como Grace y Nadia Gray como Lisa.

Dos figuras de la serie original también forman parte de la producción. David Chokachi retoma el papel de Cody Madison, mientras que Erika Eleniak —quien protagonizó las dos primeras temporadas— regresa como Shauni McClain, ahora concejal de la ciudad de Santa Monica, en una participación especial.

Su personaje vuelve a la playa para colaborar con Hobie Buchannon en la organización de los “Beach Games” anuales entre Baywatch y la Guardia Costera.

Matt Nix, conocido por Burn Notice, se desempeña como showrunner y productor ejecutivo. También producen ejecutivamente McG, Michael Berk, Greg Bonann, Doug Schwartz, Dante Di Loreto y Mike Horowitz. La serie es coproducción de Fox Entertainment y Fremantle.

Todo lo que se sabe del reboot de “Baywatch”

La serie no llegará en el otoño televisivo estadounidense, sino que hará su debut en la franja de mitad de temporada. Según confirmó Fox a The Hollywood Reporter, el estreno está previsto para “finales” de enero de 2027.

Michael Thorn, presidente del canal Fox, defendió la apuesta por ese período del año ante los medios. “Tenemos una historia de lanzar series en mitad de temporada”, dijo, y citó como antecedentes exitosos a Best Medicine, Memory of a Killer y Doc.

“Obviamente, Baywatch es una prioridad enorme para nosotros, y creemos que tenemos una gran oportunidad de posicionar bien el programa", agregó.

Thorn también reconoció ante THR la presión que implica retomar una franquicia de este peso. “Hay grandes zapatos que llenar”, dijo. “Hay mucha presión sobre nosotros para tratar de que sea excelente”, aunque remarcó: “No hay forma de que no intentes ese desafío”.

La apuesta publicitaria ya dio sus primeros frutos. Toyota se convirtió en el socio automotriz exclusivo de la producción, y Fox estaba próximo a cerrar un acuerdo con una marca de cerveza al momento de las declaraciones.

Thorn destacó ante The Wrap que el antecedente de la franja de enero es alentador: Best Medicine reunió 15,4 millones de espectadores en su debut, Memory of a Killer alcanzó 18,4 millones y Fear Factor: House of Fear llegó a 16,6 millones.

“Esperamos repetir lo que hicimos la temporada pasada con nuestros nuevos programas”, afirmó. La producción recibió además un incentivo fiscal del estado de California para filmar en Los Ángeles, y en febrero Fox organizó un casting abierto en busca de nuevos talentos.

Durante su primera emisión, que se extendió por once temporadas, Baywatch fue el programa más visto del mundo, con presencia en más de 200 países.

El nuevo Baywatch retoma la historia de los socorristas de Santa Monica con un elenco renovado y dos figuras de la producción original.

El momento, captado en video y difundido en redes sociales, se convirtió rápidamente en viral.

La actriz y los hermanos Marlon Wayans y Shawn Wayans llegaron a la capital mexicana el lunes 11 de mayo para dar inicio a la promoción internacional del filme.

Los tres protagonistas posaron juntos en una sesión fotográfica en el Bosque de Chapultepec, donde Faris también fue captada bailando junto a un hombre vestido con el disfraz paródico de Ghostface mientras una banda de mariachi amenizaba el evento.

La visita forma parte de un fan event organizado por Paramount en colaboración con De Estreno MX y Los 40 Mx, en el que los seguidores mexicanos pudieron interactuar con el elenco.

En el video promocional del evento, los tres actores hablaron en español, y Marlon Wayans recreó el célebre “Wazaaaaaaap” de la primera película, esta vez en castellano. Shawn Wayans señaló que le habían dicho que los fans mexicanos son los más grandes seguidores de Scary Movie y que vino a comprobarlo.

Todo sobre “Scary Movie 6″

La nueva entrega reúne al elenco original que no coincidía en pantalla desde las dos primeras películas.

Marlon Wayans (“Shorty”), Shawn Wayans (“Ray”), Anna Faris (“Cindy”) y Regina Hall (“Brenda”) vuelven a compartir pantalla veintiséis años después de la primera entrega, en lo que constituye la primera participación de la familia Wayans en la saga desde Scary Movie 2 (2001).

El filme también cuenta con Damon Wayans Jr., Gregg Wayans y Kim Wayans, además de un amplio reparto que incluye a Cheri Oteri, Heidi Gardner, Anthony Anthony Anderson, Jon Abrahams, Chris Elliott, Dave Sheridan y Lochlyn Munro, entre otros.

La trama sitúa a los cuatro protagonistas nuevamente en el punto de mira de un asesino enmascarado y despliega una andanada de parodias contra reboots, remakes, precuelas, secuelas, spin-offs, el llamado “horror elevado” y todo título que lleve la palabra “legado”.

Entre los villanos que aparecen en el filme figuran Jason de Viernes 13, Leatherface de La masacre de Texas y Ghostface caracterizado como M3GAN.

Marlon Wayans explicó a Entertainment Weekly la filosofía detrás del proyecto: “Lo que intentamos hacer es devolver la risa. Se trata de recuperar la comedia como era antes. Y creo que la única manera de hacerlo es cancelar la cultura de la cancelación”.

El actor también destacó el alcance generacional de la propuesta: “Esta película es multigeneracional. Es una conversación cómica necesaria, que va desde nuestra generación hasta la Generación Alfa. Y es inclusiva”.

Por su parte, Anna Faris reflexionó sobre el significado personal del reencuentro en declaraciones a People. “Para todos nosotros volver juntos, para mí fue una victoria. No importaba lo que pasara, cómo fuera recibida la película”, dijo a la revista.

Y reconoció: “En ese momento se sintió tan bien a nivel personal. Es como la guinda del pastel que el público esté tan emocionado de verla. Es un momento muy especial en mi vida. Me siento agradecida”.

Scary Movie 5, estrenada en 2013, había llegado sin Faris, sin Hall y sin los hermanos Wayans, quienes perdieron el control de la franquicia tras la segunda entrega.

El regreso de todo el elenco original a la sexta película cierra una ausencia de más de dos décadas. Scary Movie 6 se estrena el 4 de junio en América Latina.

Hayden Panettiere rompió el silencio sobre uno de los episodios más traumáticos de su vida. La actriz de las series Heroes y Nashville reveló que a los 18 años fue llevada a un camarote en un yate y colocada en una cama junto a un hombre mayor, desnudo y muy famoso. Para ella fue una situación de abuso y traición que la dejó muy impactada.

Los detalles los compartió durante una entrevista en el pódcast On Purpose with Jay Shetty, emitida el lunes 11 de mayo, y forman parte de su próximo libro de memorias, This Is Me: A Reckoning, que se publicará el 19 de mayo.

“Escribes sobre un momento en tu carrera en el que una amiga te lleva a un yate. Te llevan a un cuarto en el que hay un hombre mayor y básicamente te dicen que realices actos sexuales”, expresó el presentador para introducir el tema en la entrevista.

Panettiere, hoy de 36 años, contó que aquella noche no hubo ninguna advertencia de lo que estaba por ocurrir. La tomó por sorpresa, ya que la “amiga” que la llevó al barco era alguien en quien confiaba plenamente.

“Fue conducida por alguien en quien había llegado a confiar y a quien veía como una protectora, alguien que me respaldaba”, explicó Panettiere en el podcast.

Una vez a bordo, su acompañante la escoltó a un cuarto pequeño en la parte inferior del yate. Lo que ocurrió a continuación la dejó paralizada. “Físicamente me metió en la cama junto a este hombre desnudo que era muy famoso”, declaró la actriz. Añadió que él se comportaba “como si esto fuera un día normal para él”.

A pesar del impacto inicial, Panettiere dijo que reaccionó de inmediato con determinación. “Ese león que hay en mí, ese fuego que hay en mí… se me pusieron los pelos de punta y me volví feroz”, relató. “Fue como: ‘Esto no va a pasar’.”

La actriz salió corriendo del camarote e intentó esconderse en otro lugar del yate, pero pronto entendió que no había una salida real. “No había forma de saltar y alejarse nadando. Y no había nadie que fuera a ser empático con mi situación. Me di cuenta de que esto no era nada nuevo para ellos”, confesó.

Uno de los aspectos que más marcó a Panettiere no fue solo el incidente en sí, sino el hecho de que quien lo orquestó era alguien a quien ella respetaba.

“Cuando realmente encuentras a alguien en quien confías, te aferras a esa persona con todas tus fuerzas y te sientes muy afortunada”, dijo. “Así que ser traicionada de esa manera es simplemente un sentimiento horrible”.

La actriz también reconoció que, aunque en aquel momento se sentía madura y capaz de tomar decisiones, su edad la hacía más vulnerable de lo que ella misma percibía. “Yo tenía 18 años, aunque había vivido tantas cosas y pensaba que era tan madura a los 18… científicamente, los lóbulos frontales no se desarrollan hasta los 25 o 26 años. Así que aunque sentía que podía tomar decisiones saludables, decisiones seguras, no era capaz de ser plenamente consciente de lo que estaba pasando a mi alrededor”, reflexionó.

Un libro de memorias y nuevas confesiones

El episodio del yate es solo uno de los temas que Panettiere aborda en This Is Me: A Reckoning, un libro en el que la actriz hace un recuento honesto de su vida y carrera. En las últimas semanas, la también protagonista de la saga Scream ha realizado diversas apariciones públicas para promocionar la publicación.

En ese contexto, Panettiere también hizo otra revelación personal significativa: en una entrevista con Us Weekly, la actriz se declaró públicamente bisexual.

“Siempre fue el miedo a no ser perfecta, y lo que mi equipo iba a pensar al respecto, cuál iba a ser la opinión del público sobre eso”, explicó sobre las razones que la llevaron a esperar tanto tiempo. “Nunca fue el momento adecuado, y era un tema muy difícil de articular correctamente… Es triste que haya tenido que esperar hasta los 36 años para compartir esa parte de mí, pero más vale tarde que nunca, ¿verdad?”, declaró al medio.

Panettiere comenzó su carrera desde niña en telenovelas como One Life to Live y Guiding Light, y alcanzó la fama internacional en 2006 con el papel de Claire Bennet en Heroes. Entre 2012 y 2018 protagonizó Nashville, y más recientemente retomó su papel de Kirby Reed en Scream VI.

This Is Me: A Reckoning sale a la venta el 19 de mayo.

Vin Diesel anunció el lunes que la plataforma estadounidense Peacock desarrollará cuatro series de televisión ambientadas en el universo de Fast & Furious, franquicia que en 25 años ha recaudado más de 7.000 millones de dólares en taquilla mundial.

El actor y productor hizo el anuncio en persona durante la presentación upfront de NBCUniversal, celebrada en el Radio City Music Hall de Nueva York, donde compartió escenario con el presentador Jimmy Fallon.

“Peacock está lanzando cuatro programas del universo de Fast and the Furious”, declaró Diesel ante los anunciantes reunidos en el evento.

Sin embargo, una fuente interna de Peacock precisó a ese mismo medio que, por el momento, solo una de las series se encuentra en desarrollo activo, mientras que las restantes estarían en distintas etapas de gestación en Universal Television.

La producción que sí tiene luz verde cuenta con Diesel como productor ejecutivo junto a Sam Vincent, el veterano productor de la saga Neal Moritz, Pavun Shetty de Original Film, y los también productores de la franquicia Chris Morgan —quien además escribió varios de los filmes— y Jeff Kirschenbaum.

El piloto estará a cargo de los guionistas Mike Daniels y Wolfe Coleman, quienes ya colaboraron juntos en la serie de NBC Shades of Blue.

Daniels, por su parte, tiene actualmente en marcha una adaptación de The Rockford Files para la misma cadena.

El actor central de la saga, también conocida como Rápidos y Furiosos, explicó que durante años se resistió a la idea de extenderla a la televisión, del mismo modo en que en su momento rechazó hacer una secuela de la película original.

En ese sentido, Vin Diesel señaló que fue el nombramiento de Donna Langley —titular de Universal Studios— al frente de las operaciones televisivas de NBCUniversal lo que finalmente lo convenció.

“Eso fue cuando supe que la integridad de los personajes, el atractivo internacional, lo que nos hace sentir como una familia, estaría protegido en el espacio televisivo”, afirmó.

El actor también subrayó ante el público del upfront que los fans llevan una década reclamando una expansión del universo en la pequeña pantalla.

“Hemos comprendido que los fans querían más, querían que expandiéramos los personajes de la saga, sus historias”, señaló.

La serie en desarrollo no cuenta aún con una sinopsis oficial. The Hollywood Reporter indicó que el único texto clave disponible es “más por venir”, sin precisiones adicionales sobre trama ni reparto.

No es la primera incursión de la franquicia en televisión. Fast & Furious Spy Racers, una serie animada dirigida al público infantil protagonizada por Tony Toretto —primo menor de Dominic Toretto—, se emitió durante 52 episodios en Netflix.

Diesel, Moritz y Morgan figuran también como productores ejecutivos de esa producción, realizada por DreamWorks Animation.

El éxito de “Fast & Furious”

La franquicia celebra este año su 25 aniversario con una proyección especial de la película original en el Festival de Cannes, a la que asistirán Vin Diesel y el productor Neal Moritz.

La undécima y última entrega cinematográfica de la saga, Fast Forever, está prevista para el 17 de marzo de 2028.

Universal Studios prepara además la apertura de la primera montaña rusa del universo Fast & Furious en sus parques temáticos.

El universo es una de las franquicias de acción más exitosas y longevas de Hollywood. Nació en 2001 con The Fast and the Furious, una película de bajo presupuesto inspirada en un artículo sobre carreras callejeras ilegales.

A lo largo de diez entregas principales, un spin-off, dos cortometrajes y una serie animada, pasó de los circuitos clandestinos a misiones de espionaje internacional y aventuras espaciales.

La saga gira en torno al concepto de “familia”, valor que define la lealtad entre sus personajes centrales: Letty Ortiz (Michelle Rodriguez), Mia Toretto (Jordana Brewster), Han Lue (Sung Kang), Roman Pearce (Tyrese Gibson) y Tej Parker (Ludacris), entre otros.

La apertura de la exposición Paul McCartney and Wings en el Salón de la Fama del Rock & Roll prevista para el 15 de mayo, se ha visto afectada por retrasos en el traslado de parte del material expositivo, según información difundida por fuentes citadas por Page Six.

El proyecto, que explora la etapa posterior a The Beatles y la formación de Wings, enfrenta dificultades con el envío de siete guitarras pertenecientes a McCartney. Los instrumentos permanecen retenidos en aduanas en Londres desde hace aproximadamente un mes.

De acuerdo con la información disponible, la retención está vinculada a la aplicación de la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES), debido a que las guitarras están fabricadas con madera de palisandro brasileño, una especie considerada en riesgo y sujeta a restricciones de comercio internacional.

“Llevan un mes retenidos en la aduana de Londres. El árbol está en peligro de extinción, por lo que ya no se puede utilizar, pero es la mejor madera que se puede usar para el sonido y la acústica”, expresó el informante.

Es así que las autoridades correspondientes revisan su salida del Reino Unido debido a las regulaciones que afectan a materiales derivados de especies protegidas.

El palisandro brasileño, utilizado históricamente en la fabricación de instrumentos musicales por sus propiedades acústicas, se encuentra actualmente regulado en el comercio internacional, lo que ha generado restricciones en su exportación e importación.

Este factor ha influido en la situación de los instrumentos pertenecientes al archivo personal de Paul McCartney.

Las guitarras forman parte de la colección privada del músico y estaban previstas como piezas centrales de la exposición en Cleveland. El traslado internacional de estos instrumentos sería la primera ocasión en décadas en la que salen del país, según las fuentes consultadas.

El museo ha definido la muestra como la primera gran exposición dedicada a la etapa de McCartney con Wings, destacando el papel del grupo en la evolución del rock durante la década de 1970.

La institución ha señalado que la banda representó un puente entre el final de la etapa de The Beatles y nuevas tendencias dentro de la música popular de la época.

A pesar del retraso en el envío de los instrumentos, fuentes cercanas al proyecto indicaron que ha habido avances recientes en el proceso aduanero. Esto abre la posibilidad de que las guitarras puedan llegar a tiempo para la inauguración de la exposición, aunque no existe confirmación oficial sobre su llegada definitiva.

En paralelo, Paul McCartney mantiene otros compromisos profesionales. Está previsto que participe como invitado musical en la temporada final del programa Saturday Night Live, cuya emisión está programada para el sábado.

Hasta el momento, ni representantes del músico ni del Salón de la fama del Rock & Roll han emitido declaraciones oficiales sobre el retraso en el traslado de los instrumentos o su posible impacto en la apertura de la muestra.

La exposición “Paul McCartney and Wings” sigue programada para abrir al público el 15 de mayo en Cleveland, mientras continúa el proceso para la posible llegada del material retenido en Londres.

FKA Twigs interpretará a la icónica figura del jazz Josephine Baker en una nueva película biográfica dirigida por Maimouna Doucouré, cuyo rodaje está previsto para comenzar en otoño de este año.

El proyecto, aún sin título oficial, está financiado y coproducido por Studiocanal, que también lanzará las ventas internacionales en el próximo Festival de Cannes. La participación de FKA Twigs en el papel principal se produce tras negociaciones previas reportadas por Variety.

La artista, recientemente vista en la película Mother Mary de A24, confirmó su incorporación al proyecto mediante un comunicado en el que describió la figura de Baker como una fuente de inspiración personal.

En su declaración, la ganadora de un Grammy señaló que interpreta el proyecto como una oportunidad para representar distintos aspectos de la vida de la cantante de jazz.

“El extraordinario legado de Josephine Baker es una gran inspiración para mí y para muchísimas personas en todo el mundo. Vive en nuestros corazones como una mujer visionaria e innovadora cuya historia es tan poderosa como relevante hoy en día”, expresó.

Y añadió: “Estoy deseando encarnar a Josephine Baker, llevando su lucha, su amor, sus pérdidas, su talento y su heroísmo a la gran pantalla”.

La película abordará la vida de Josephine Baker, nacida en 1906 en St. Louis, Estados Unidos, y su posterior traslado a París en 1925, ciudad en la que alcanzó reconocimiento internacional como bailarina, cantante y actriz durante la denominada era del jazz.

Su carrera artística la convirtió en una figura destacada del entretenimiento en Europa durante el siglo XX.

Más allá de su trabajo en el escenario, la biografía cinematográfica también incluirá su participación en la Segunda Guerra Mundial, cuando se integró en la Resistencia francesa y colaboró con los aliados en actividades vinculadas al conflicto.

Posteriormente, durante las décadas de 1950 y 1960, Baker participó en movimientos relacionados con los derechos civiles en Estados Unidos.

El proyecto cuenta con el respaldo de los hijos adoptivos de Baker, Jean-Claude Bouillon Baker y Brian Bouillon Baker, así como del grupo conocido como “Rainbow Tribe”, denominación utilizada por la artista para referirse a su familia adoptiva.

La dirección y el guion están a cargo de Maimouna Doucouré, quien también produce la película a través de su compañía Bien Ou Bien Prods., en colaboración con Studiocanal y CPB Films.

Doucouré, conocida por la película Cuties, señaló que el proyecto se centra en explorar distintos aspectos de la vida de Baker, incluyendo su carrera, sus contradicciones personales y su activismo.

“Josephine Baker ha estado presente en mi vida durante años. Al trabajar en esta película, me doy cuenta de lo moderna, valiente y compleja que era. Más allá de la leyenda, quiero explorar sus contradicciones, sus heridas y su inmenso coraje, así como su incansable lucha por la dignidad”, dijo.

Y continuó: “Con la extraordinaria FKA Twigs aportando su singular talento artístico, inteligencia y profundidad emocional al papel, es un gran honor trabajar con Studiocanal para llevar la historia de Josephine a la pantalla para una audiencia global: la historia de una mujer que nunca dejó de reinventarse y luchar por la justicia y la igualdad”.

La película será distribuida en varios territorios, incluyendo Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, Benelux, Polonia, Australia y Nueva Zelanda.

Man of Tomorrow continúa ampliando su elenco en plena fase de producción. De acuerdo con información publicada por Deadline, Matthew Lillard se incorporará a la secuela de Superman, proyecto desarrollado por James Gunn, quien dirige, produce y escribe el guion.

La producción, que forma parte del universo de DC Studios, tiene previsto su estreno para el 9 de julio de 2027. El rodaje ya se encuentra en marcha y el estudio no ha ofrecido comentarios sobre la incorporación del actor ni sobre el papel que interpretará.

El reparto de la película incluye a David Corenswet, quien retoma el papel de Clark Kent / Superman. También participan Nicholas Hoult como Lex Luthor, Rachel Brosnahan como Lois Lane, Skyler Gisondo como Jimmy Olsen, Sara Sampaio como Eve Teschmacher, Isabela Merced como Hawkgirl, Nathan Fillion como Guy Gardner y Edi Gathegi como Mister Terrific.

El elenco también incorpora a Adria Arjona como Maxima y a Aaron Pierre en un papel que aún no ha sido detallado públicamente.

Aunque el estudio no ha confirmado el personaje de Matthew Lillard, distintas versiones apuntan a que su incorporación podría vincularse con personajes del universo DC aún no presentados en la pantalla grande.

Entre las especulaciones surgidas en la industria se menciona la posibilidad de que interprete a Plastic Man, personaje de los cómics de DC que ha sido objeto de múltiples intentos de adaptación cinematográfica en el pasado.

El proyecto de Plastic Man, creado originalmente en 1941 por Jack Cole en los cómics de Quality Comics y posteriormente integrado al catálogo de DC, ha sido desarrollado en distintas ocasiones sin llegar a concretarse.

El personaje, cuyo nombre real es Patrick “Eel” O’Brien, obtiene habilidades de elasticidad tras un accidente químico y posteriormente adopta una identidad heroica.

La posible vinculación entre Lillard y este personaje se relaciona con antecedentes de colaboración entre el actor y James Gunn. Ambos trabajaron en las películas de Scooby-Doo y Scooby-Doo 2: Monsters Unleashed, en las que actor interpretó a Shaggy Rogers.

En ese contexto, se ha mencionado que ambos habrían discutido en el pasado la posibilidad de desarrollar un proyecto basado en Plastic Man durante el rodaje de dichas producciones.

Man of Tomorrow forma parte de la nueva etapa de expansión del universo cinematográfico de DC, liderado creativamente por Gunn. La película sigue a Superman, estrenada recientemente, que registró una recaudación superior a los 300 millones de dólares en el mercado doméstico, según datos de la industria.

En paralelo a su incorporación al proyecto de DC Studios, Matthew Lillard ha mantenido una agenda activa en cine y televisión.

El actor retomó recientemente su papel en Scream 7, participó en la serie Cross y en la producción de Daredevil: Born Again. También tiene previsto aparecer en la serie de Carrie producida por A24.

La trayectoria reciente de Lillard incluye además su participación en la película Five Nights at Freddy’s, consolidando su presencia en producciones de distintos géneros dentro de la industria audiovisual.

Por el momento, ni DC Studios ni los representantes del actor han confirmado detalles adicionales sobre su papel en Man of Tomorrow, mientras la producción continúa su desarrollo con vistas a su estreno previsto para 2027.

Anne Hathaway volverá a interpretar a Mia Thermopolis en El diario de la princesa 3, la nueva entrega de la franquicia cinematográfica iniciada en 2001.

El proyecto será dirigido por Adele Lim, quien recientemente ofreció detalles sobre el desarrollo de la película durante la alfombra roja de la Gold Gala.

En declaraciones recogidas durante el evento, Lim señaló que el trabajo en la producción “va bien” y explicó que el equipo busca construir una historia que responda a las expectativas de quienes siguieron las primeras películas de la saga.

“Simplemente queremos hacer bien la historia porque es una franquicia muy querida por muchísimas personas”, dijo.

Según indicó, parte de la audiencia que vio la cinta original hace más de dos décadas hoy pertenece a una generación distinta, incluyendo espectadores que ahora son madres.

La directora comentó que esa experiencia influyó en el enfoque narrativo de la nueva entrega. Mientras las películas anteriores se centraban en el descubrimiento personal de una adolescente que ingresaba a la realeza, esta nueva producción abordará una etapa diferente del personaje principal.

De acuerdo con sus declaraciones, la película buscará mostrar a una mujer en una etapa de mayor madurez y liderazgo.

“Hay muchas películas que son un sueño cumplido para las princesas, pero no tenemos muchas películas que cumplan los sueños de las reinas. Eso es lo que nos proponemos hacer aquí: mostrar a una mujer en todo su esplendor”, señaló.

La primera película de la franquicia, El diario de la princesa, presentó a Mia Thermopolis como una estudiante adolescente que descubre que es heredera al trono del ficticio reino de Genovia.

El filme estuvo protagonizado por Anne Hathaway y contó además con la participación de Julie Andrews en el papel de la reina Clarisse Renaldi. La producción tuvo una secuela en 2004 con El diario de la princesa 2: Compromiso real.

Según Adele Lim, la tercera película retomará la historia de Mia Thermopolis ahora como reina de Genovia. La directora adelantó además que la producción planea rodarse parcialmente en Europa para mostrar el reino ficticio “en toda su dimensión”.

También mencionó que algunos personajes de las entregas anteriores volverán a aparecer, aunque no confirmó detalles específicos del elenco.

Cabe recordar que Anne Hathaway señaló en una entrevista con Entertainment Weekly que el desarrollo de una tercera entrega de El diario de la princesa continúa en proceso, aunque sin confirmación oficial de producción.

“Al 100%, estamos trabajando constantemente en ello”, dijo en referencia a una nueva película ambientada en el universo de Genovia.

Por si fuera poco, la estrella de Hollywood comentó que el desarrollo de otros compromisos profesionales ha influido en la evolución del proyecto, que aún no cuenta con luz verde definitiva.

Anne Hathaway explicó que el rodaje de El diablo viste a la moda 2 “surgió de forma inesperada y se apoderó del espacio”, por lo que ocupó parte de su agenda durante el último verano, así que “se volvió imposible concentrarse en ambas cosas a la vez”.

La actriz añadió que su intención es que el proyecto de Genovia sea el siguiente en su agenda cinematográfica, aunque subrayó que la producción no ha sido confirmada ni aprobada por el estudio.

De acuerdo con sus declaraciones, el desarrollo continúa dependiendo de la evolución del guion y de decisiones de producción.

Michael ha alcanzado un hito importante en su desempeño en taquilla global tras tres semanas en cartelera. De acuerdo con información publicada por Deadline el lunes 11 de mayo, la película ha recaudado 577 millones de dólares a nivel mundial desde su estreno en salas comerciales.

El total incluye 240.4 millones de dólares en el mercado doméstico y 336.88 millones de dólares en mercados internacionales.

En su tercer fin de semana de exhibición, la producción sumó aproximadamente 95 millones de dólares, lo que permitió consolidar su posición en el ranking global de biopics de mayor recaudación.

Con estas cifras, la película sobre Michael Jackson se ubicó como la segunda biografía cinematográfica más taquillera de la historia. El resultado superó a Elvis, que había alcanzado 288.7 millones de dólares en total, según datos de Billboard.

Sin embargo, la primera posición del ranking continúa ocupada por Bohemian Rhapsody, producción centrada en la vida de Freddie Mercury y la banda Queen. Esa película alcanzó 216.7 millones de dólares en la taquilla doméstica y 910.8 millones de dólares a nivel global.

Michael también ha registrado un desempeño destacado en distintos mercados internacionales. Según el reporte de Deadline, la producción ha tenido buena recepción en países como Reino Unido, España, Países Bajos, Alemania, Australia, Brasil y Francia.

En este último país, la película debutó en el primer lugar de taquilla con 7.2 millones de dólares durante el fin de semana más reciente. El estreno en salas se produjo el 24 de abril, más de tres años después del anuncio inicial del proyecto.

La producción está protagonizada por Jaafar Jackson, sobrino de Michael Jackson, quien interpreta al artista en su etapa adulta. En el reparto también participa Juliano Krue Valdi, encargado de dar vida al cantante durante su infancia.

El elenco incluye además a Colman Domingo en el papel de Joe Jackson, quien fue representante de The Jackson 5 durante los primeros años de la carrera musical de sus hijos.

La producción también cuenta con la participación de Nia Long como Katherine Jackson, Miles Teller como el abogado John Branca, Laura Harrier como la productora Suzanne de Passe y Mike Myers como el ejecutivo de CBS Records Walter Yetnikoff.

En su primer fin de semana, la película ya había establecido un récord dentro del género biográfico al obtener 314 millones de dólares a nivel mundial, incluyendo 97 millones de dólares en Estados Unidos y 217 millones de dólares en mercados internacionales.

Esa cifra superó el registro previo de Straight Outta Compton, que había recaudado 60 millones en su estreno.

El desempeño inicial también situó a Michael como el segundo mayor estreno del año 2026 hasta el momento, por detrás de The Super Mario Galaxy Movie, que había alcanzado 131 millones de dólares en su debut.

La película fue dirigida por Antoine Fuqua y escrita por John Logan. Su narrativa se centra en la vida de Michael Jackson desde su infancia y su etapa con The Jackson 5 hasta los primeros años de su carrera como solista.

De acuerdo con la sinopsis oficial, la producción incluye representaciones de actuaciones y aspectos de su vida fuera del escenario.

El proyecto fue desarrollado con la participación de miembros de la familia del artista, fallecido en 2009 a los 50 años. La historia concluye en 1988 y no aborda los acontecimientos posteriores relacionados con acusaciones públicas que surgieron en años siguientes. Michael continúa en exhibición en salas de cine.

Tom Brady realizó una aparición sorpresa durante el roast dedicado al comediante Kevin Hart, evento celebrado el domingo 10 de mayo como parte del festival Netflix Is a Joke Fest en Los Ángeles.

El exjugador de la NFL abrió la ceremonia con una serie de bromas dirigidas al actor y comediante antes del inicio formal del espectáculo. Brady, quien fue protagonista del roast organizado por Netflix en 2024, apareció sobre el escenario del Kia Forum para participar brevemente en la presentación inicial.

Durante su intervención, hizo referencia a sus actividades en Las Vegas y lanzó comentarios relacionados con un episodio de la vida personal de Hart ocurrido en 2017.

“Esto no tomará mucho tiempo porque, como saben, soy un hombre ocupado. Tengo algunas palabras para ti antes de volver a mis asuntos en Las Vegas. Oh, espera, estoy hablando de aventuras en Las Vegas. ¿Eso estuvo fuera de lugar? ¿No se supone que se puede hablar de aventuras en Vegas? Creo que rompí otra regla”, dijo.

El comentario aludía a un hecho ocurrido en 2017, cuando Kevin Hart reconoció públicamente haber sido infiel a su esposa, Eniko Hart, mientras ella estaba embarazada.

Tom Brady, por su parte, mantiene vínculos deportivos con la ciudad de Las Vegas al ser propietario minoritario de los Las Vegas Raiders de la NFL y de las Las Vegas Aces de la WNBA.

La participación de Brady ocurrió después de que Hart mencionara el roast que el exmariscal de campo protagonizó en 2024. Antes de la aparición sorpresa, el comediante comparó ambos eventos frente a la audiencia y afirmó que el suyo sería “mejor que el roast de Brady”.

“La razón es que yo no soy un cobarde. Tom es un cobarde. Tom estuvo ahí sentado todo el tiempo con esa cara de blanco... Era un cobarde. Yo no soy ningún cobarde. Trae lo que tengas que decir. Me importa un bledo. Ve y di lo que quieras. Dilo. Me da igual. Al fin y al cabo, soy Kevin Hart. Soy el mejor”, expresó.

Minutos después, el exdeportista ingresó al escenario y respondió al actor con nuevas bromas.

“¿Alguna vez te callas? ¿Has salido del Forum o has estado aquí gritando al micrófono los últimos dos años esperando a que papá vuelva a casa? Bueno, a diferencia de tu verdadero padre, yo sí que vine”, dijo

El roast fue conducido por Shane Gillis y se llevó a cabo en vivo durante la última noche del festival de comedia organizado por Netflix. El evento comenzó a las 5 p.m., hora del Pacífico, y reunió a varias figuras del entretenimiento y el deporte.

Entre los participantes invitados estuvieron Chelsea Handler, Tony Hinchcliffe, Pete Davidson, Draymond Green, Tiffany Haddish, Sheryl Underwood, Regina Hall y Na’im Lynn.

Los roasts se han consolidado en los últimos años como uno de los formatos de comedia más difundidos en plataformas de streaming y televisión en vivo. Estas presentaciones suelen reunir a figuras públicas, comediantes y celebridades que intercambian bromas y comentarios satíricos sobre la trayectoria profesional y la vida personal de los homenajeados.

En 2024, Tom Brady fue el centro de un roast producido por Netflix que contó con la participación de varios comediantes y celebridades, entre ellos Hart. En aquella edición, el actor realizó varios comentarios sobre Tom.

Ed Kemper, conocido como “The Co-Ed Killer”, es uno de los asesinos seriales más conocidos de la historia criminal de Estados Unidos.

Además de los delitos por los que fue condenado, su permanencia en prisión estuvo marcada por una actividad poco habitual: la narración de audiolibros para personas con discapacidad visual dentro de un programa penitenciario en California.

Los primeros crímenes de Kemper ocurrieron cuando tenía 15 años. En 1964 asesinó a sus abuelos paternos, hecho por el cual fue internado en el Hospital Estatal de Atascadero para Criminales Mentalmente Insanos.

Permaneció allí entre 1964 y 1969 y posteriormente fue transferido a la Autoridad Juvenil de California. De acuerdo con registros citados por The New York Times, las autoridades determinaron entonces que había sido “curado”.

Entre mayo de 1972 y abril de 1973, Ed Kemper cometió una serie de asesinatos en la zona de Santa Cruz, California. Durante un periodo de once meses asesinó a seis mujeres, en su mayoría estudiantes universitarias.

También mató a su madre, Clarnell Kemper, y a una amiga de ella, Sally Hallett. En 1973 fue condenado a cadena perpetua por ocho cargos de asesinato en primer grado.

Mientras cumplía su condena en la California Medical Facility, Kemper participó en “The Blind Project”, una iniciativa desarrollada por el California Department of Corrections and Rehabilitation y la organización Volunteers of Vacaville.

El programa estaba destinado a producir grabaciones de libros para personas ciegas o con discapacidad visual.

Según un artículo publicado por el diario Los Angeles Times en 1987, los internos participantes grababan novelas, libros de texto y obras infantiles para usuarios de distintas partes de Estados Unidos.

Las tareas también incluían la atención de solicitudes y la reparación de máquinas de escritura Braille utilizadas en centros de rehabilitación y escuelas.

Ed Kemper fue uno de los narradores más activos del programa. El periódico informó que había dedicado miles de horas a la lectura y acumulado “más de cuatro millones de pies de cinta y varios cientos de libros” registrados en audio.

Entre los títulos narrados por él se encontraban Flowers in the Attic, de V.C. Andrews; The Glass Key, de Dashiell Hammett; y The Rosary Murders, de William X. Kienzle.

El proyecto funcionaba con turnos de ocho horas y llegó a contar con un catálogo de más de dos mil títulos en 1987. Algunos usuarios de las grabaciones visitaban la prisión para conocer a quienes realizaban las narraciones.

De acuerdo con los reportes de la época, la institución también exhibía dos trofeos entregados a Kemper por colaboradores externos como reconocimiento a su participación en el programa.

Originalmente, las grabaciones estaban dirigidas a personas que no podían acceder a los libros en formato convencional. Con el paso del tiempo, los audiolibros ampliaron su alcance y se popularizaron también entre el público general, especialmente tras la expansión de los formatos digitales.

En declaraciones recogidas por Los Angeles Times, Kemper afirmó que participar en la iniciativa representaba una oportunidad de realizar una actividad considerada útil para otras personas.

“No puedo expresar con palabras lo que esto ha significado para mí, poder hacer algo constructivo por otra persona, ser apreciado por tanta gente, la buena sensación que me produce después de lo que he hecho”, señaló.

Actualmente, Ed Kemper tiene 77 años y continúa recluido en la California Medical Facility, donde cumple ocho cadenas perpetuas simultáneas. “The Blind Project” seguía activo hasta 2024, de acuerdo con información del sistema penitenciario de California.

Bianca Censori volvió a sus looks más atrevidos con una foto publicada en sus historias de Instagram el fin de semana, apenas días después de que Kim Kardashian apareciera en la Met Gala 2026 con un conjunto que muchos compararon con el estilo característico de la arquitecta australiana.

La imagen, compartida el sábado, muestra a Censori de pie frente a una pared lisa, con una malla gris ajustada y un body negro de escaso cubrimiento en la zona del pecho.

Su cabello castaño, partido al medio, caía suelto sobre sus hombros, y completó el look con zapatos de taco color camel.

La publicación llegó pocos días después de que Kardashian desfilara por la alfombra de la Met Gala 2026 con un body metálico naranja del artista británico Allen Jones y la firma Whitaker Malem, que incluía una placa moldeada en el pecho.

La pieza tomó como referencia el afiche del filme erótico francés de 1975 Maîtresse y recibió, en su momento, una calificación X en Estados Unidos.

La ex esposa de West completó el look con una caída de cuero en tonos beige y naranja intenso. No es la primera vez que se señala a Kardashian por adoptar elementos del estilo de Censori.

En octubre del año pasado, la empresaria apareció con el cabello corto, un cambio que fue comparado con el look que Censori llevaba por entonces.

En 2024, Kardashian lució un body blanco con medias, combinación que la arquitecta también había usado en ocasiones anteriores.

La foto del fin de semana contrasta con las apariciones más recubiertas que Censori había tenido en las últimas semanas.

En abril, visitó la Escuela de Posgrado de Arquitectura, Planificación y Preservación de la Universidad de Columbia, en Nueva York, como crítica invitada en las revisiones finales del Master of Architecture Advanced Studio IV.

Para la ocasión, eligió un saco negro, una falda negra por debajo de la rodilla y botas de cuero con taco.

Censori, que cuenta con una licenciatura y una maestría en arquitectura obtenidas en la Universidad de Melbourne, también optó por un look cubierto cuando acompañó a su hijastra North West, de 12 años, a la fiesta de lanzamiento del álbum de la joven.

En esa oportunidad llevó mallas negras ajustadas, una chaqueta y botas de plataforma en cuero rojo.

En marzo, además, Censori lució un conjunto notablemente sobrio al presentarse en un tribunal de Los Ángeles para testificar en una demanda civil contra West.

El caso fue iniciado por Tony Saxon, contratado en 2021 como director de proyecto para la renovación de la mansión de West en Malibú, quien alegó impago de salarios, condiciones de trabajo peligrosas y despido injustificado.

El estilo de Censori ha sido objeto de debate público en reiteradas oportunidades.

En febrero, la arquitecta habló con Vanity Fair y rechazó las versiones que indicaban que West decidía su vestimenta.

“No haría algo que no quisiera hacer”, dijo al medio, y agregó que trabaja junto a su esposo en la definición de sus looks.

“Mi marido y yo trabajábamos juntos en mis atuendos. Era una colaboración, nunca fue ‘me estaban diciendo que hiciera algo’”, sostuvo.

Y añadió: “Si estuvieras casada con Gianni Versace, ¿no te daría un vestido o algo así?“.

Bianca Censori y Kanye West contrajeron matrimonio en 2022. La semana pasada, la arquitecta fue vista saliendo de un spa en Calabasas con un enterizo negro semitransparente sin ropa interior, tras lo cual subió al vehículo donde la esperaba el cantante.

Pamela Anderson y Debbie Harry protagonizarán la comedia Maitreya, que se presenta en el mercado del Festival de Cannes.

La productora Caviar está detrás del proyecto, que será dirigido por Jonathan Krisel —conocido por Portlandia— y contará con un guion de Samuel D. Hunter, nominado al BAFTA por The Whale.

La película seguirá a Maitreya (Anderson), una figura en ascenso dentro de la comunidad de sanación New Age que está a punto de viajar a una conferencia en India cuando recibe una llamada de su hermana distanciada, Mónica: su padre está muriendo.

En lugar de quedarse a su lado, Maitreya decide llevar a toda su familia —incluida su madre Barbara (Harry)— a la conferencia y poner a prueba sus teorías de sanación, mientras recopila en secreto material para su próximo libro.

La venta internacional estará a cargo de Fortitude International, de Nadine de Barros, con presentación en Cannes, mientras que CAA Media Finance y UTA Independent Film Group manejarán los derechos en América del Norte.

El rodaje está previsto para fines de 2026. Los productores del proyecto son Bert Hamelinck, Michael Sagol y Allison Hironaka por parte de Caviar, junto a Danica Radovanov.

Sagol, director gerente de Caviar, declaró al medio que ser parte de Maitreya “ha sido muy divertido desde ya”, y añadió que producir el primer largometraje de Krisel —al que definió como “una exploración del alma de una familia disfuncional, perfectamente adaptada a su voz cómica absurdista y distintiva”— los tiene “rebosantes de entusiasmo”.

Por su parte, Debbie Harry, voz de Blondie e integrante del Salón de la Fama del Rock and Roll, regresa a la pantalla grande tras más de una década de ausencia en el cine.

La artista, que comenzó su carrera actoral en 1975, es recordada por sus papeles en Videodrome, de David Cronenberg, y en Hairspray, de John Waters.

La segunda oportunidad de Pamela Anderson en Hollywood

Maitreya se suma a una agenda de proyectos que afianza el regreso de Pamela Anderson al primer plano de la industria cinematográfica.

La actriz canadiense recibió nominaciones al SAG y al Globo de Oro por su actuación en The Last Showgirl, de Gia Coppola, presentada en Cannes, y protagonizó Y dónde está el policía el año pasado.

En declaraciones a Rolling Stone AU/NZ, Anderson describió su momento actual como “una segunda oportunidad en una carrera que casi se me escapa de las manos”.

Entre los proyectos que ya tiene filmados, la actriz mencionó a ese medio Rosebush Pruning, junto a Riley Keough, Callum Turner, Elle Fanning y Jamie Bell; Somedays, con Billy Bob Thornton; y Place To Be, del director Kornel Mondruczó, rodada en Australia con Taika Waititi.

También está pendiente de estreno el debut como director de Michael Cera, junto a Steve Coogan y Jamie Dornan.

Próximamente, Anderson rodará Alma, bajo la dirección de Sally Potter, y Queen of the Falls, descrita como un musical con Guy Pearce. Además, tiene en desarrollo una producción teatral para 2027.

Consultada por ese mismo medio sobre el retorno a las tablas y las pantallas, Anderson señaló que su motivación es desafiarse a sí misma y construir personajes alejados de su propia persona: “Doy todo lo que soy, y hasta me sorprendo cuando un director saca de mí algo que no sabía que existía”.

Sobre la convivencia entre drama y comedia, afirmó que ambos géneros demandan “la misma cantidad de exploración intensa” y que su ambición es abarcarlos todos: “Quiero hacerlo todo, siempre que no sea demasiado aterrador o explotador”.

En un nuevo documental titulado Michael Jackson’s “secret” second family break their silence presentado por 6O Minutes Australia, los hermanos Cascio acusan a Michael Jackson de haber abusado sexualmente de cada uno de ellos desde su infancia, aprovechando la confianza familiar y su acceso privilegiado a lujos, giras y una convivencia marcada por la admiración. Afirman que durante años los aisló, los obligó a guardar silencio mediante promesas y amenazas, y ejerció un control absoluto mientras el mundo lo idolatraba.

Así era la relación entre Michael Jackson y los Cascio

La historia entre la familia Cascio y Jackson comenzó en 1986, cuando el artista visitó por primera vez su casa en Nueva Jersey a partir de conocer al padre de los chicos. Este trabajaba en un hotel donde se hospedaban grandes celebridades.

Desde entonces, las reuniones, que solían ocurrir de madrugada, se volvieron rutinarias. Jackson no solo los sorprendía con la presencia de su chimpancé Bubbles, sino que los integró en su círculo más íntimo: viajes en jets privados, acceso a giras internacionales, fiestas y una convivencia cotidiana que lo llevó a considerarlos su “segunda familia secreta”.

La cercanía era tal que los padres Cascio llegaron a confiar plenamente en Jackson, permitiendo que sus hijos pasaran largas estancias bajo su cuidado, convencidos de que el vínculo era genuino y seguro. Los niños participaban en jornadas de diversión: visitas a parques, tiendas de juguetes y eventos exclusivos que reforzaban la idea de formar parte de la vida privada de una superestrella.

Esta relación, cimentada en el favoritismo y los privilegios, creó un entorno propicio para el aislamiento de los hermanos y el inicio de la etapa más oscura de su convivencia.

Los testimonios de abuso sexual infantil

Cuatro de los hermanos Cascio —Eddie, Dominic, Marie y Aldo— relatan haber sido víctimas de abuso sexual por parte de Michael Jackson, precedido siempre por un proceso de manipulación psicológica.

• Eddie cuenta que el abuso comenzó durante la gira Dangerous, cuando tenía 11 años: Jackson usaba frases afectuosas, creaba códigos secretos y lo mantenía constantemente a su lado, compartiendo cama, baños y exigiendo silencio a cambio de mantener los lujos y la “relación especial”.
• Dominic recuerda que el abuso empezó cuando tenía ocho años, disfrazado de juegos. Detalla que el cantante introdujo alcohol y medicamentos como Vicodin y Xanax en sus rutinas, reforzando su lealtad y dependencia como parte del selecto ‘Apple Head Club’. Dominic, además, compartió una de las declaraciones más explícitas y escandalosas dentro del documental: “Él me masturbaba, y luego pasábamos a más cosas, como besos, sexo oral, y él me decía que eso era un vínculo especial que teníamos y me decía cosas como: ‘Solo hago esto contigo’, o ‘Te quiero muchísimo’. Y hacía muchas cosas para demostrármelo. Ya sabes, algunas de las cosas que hacía eran... bebía mi orina y me decía: ‘Esto es lo mucho que te quiero’“.
• Marie, la única mujer entre los hermanos, sostiene que Jackson la convencía de que la desnudez y el contacto sexual eran signos de amor y confianza. Desde los 12 años, le obligó a desnudarse y guardar secreto sobre encuentros que se prolongaron por cuatro años.
• Aldo, el menor, asegura que Jackson comenzó a abusar de él a los siete años y que el abuso se mantuvo hasta su adolescencia, siempre dentro del discurso de cariño y lealtad promovido por el cantante.

Para cada hermano, el aislamiento fue absoluto: ninguno supo de los abusos a los demás hasta llegar a la adultez. Jackson reforzaba este silencio con amenazas, simulacros de interrogatorio y técnicas de manipulación para asegurarse de que negaran cualquier acusación.

Secuelas e impacto en la salud mental de las víctimas

Las consecuencias del abuso han dejado huellas profundas en la vida de los Cascio. El peso del secreto y la manipulación les impidió reconocerse como víctimas durante muchos años, marcando su salud mental con ansiedad, depresión y dificultades para establecer relaciones de confianza en la adultez.

Entre las situaciones traumáticas de la infancia, los hermanos destacan que fueron testigos del consumo excesivo de drogas y alcohol por parte de Jackson, enfrentando episodios como sobredosis o situaciones en las que debían encubrir lesiones del artista. Aldo afirma que el miedo era permanente, pues Jackson entrenaba a los niños para mentir y ocultar la verdad, alimentando una sensación de amenaza constante.

La revelación del abuso al interior de la familia solo ocurrió años después de la muerte de Jackson, detonada por el documental Leaving Neverland en 2019, el cual llevó a los hermanos a compartir sus experiencias y descubrir que, aunque vivieron realidades similares, cada uno soportó el abuso en soledad.

Otras denuncias y reacciones ante el caso

Michael Jackson enfrentó otras acusaciones de abuso sexual infantil a lo largo de su carrera. En 1993, el niño Jordy Chandler lo denunció públicamente y, para evitar un juicio, el cantante acordó un pago de USD 25 millones, aunque siempre rechazó los señalamientos. Posteriormente, en 2003, fue arrestado tras nuevas denuncias y en el juicio de 2005 resultó absuelto de todos los cargos; no fue declarado culpable en instancias judiciales.

Los hermanos Cascio señalan que durante esos procesos Jackson les daba instrucciones específicas para encubrirlo, simular escenarios de defensa y guardar silencio, reforzando la idea de manipulación sobre víctimas y entorno. Tras la difusión del documental sobre otros casos, la familia Cascio recibió ofrecimientos económicos por parte del patrimonio del cantante: acuerdos por USD 690 mil anuales durante cinco años a cambio de confidencialidad.

Sin embargo, la reaparición mediática de Michael Jackson, impulsada por una película biográfica y el renovado culto a su figura, ha provocado inconformidad entre los Cascio, quienes sostienen que el reconocimiento público ignora el sufrimiento infligido. La defensa del artista rechaza las acusaciones y ha emprendido acciones legales contra la familia para intentar mantener los acuerdos de secreto y detener nuevas denuncias.

Hoy, los hermanos Cascio afirman que alzar la voz es su única vía para exigir reconocimiento y reparación por los años de control, abuso y pérdida de la infancia, vividos bajo la sombra de un ídolo admirado en todo el mundo.

El quinto episodio de la tercera temporada de Euphoria fue recibido con reacciones de rechazo en redes sociales tras la emisión de escenas de contenido sexual protagonizadas por Sydney Sweeney en su papel de Cassie Howard, una creadora de contenido en OnlyFans que intenta saldar las deudas de su marido con un prestamista.

El capítulo, titulado “This Little Piggy” y emitido por HBO, mostró a Cassie grabando material para su cuenta en la plataforma de suscripción: se filmó chupándose el dedo del pie, posó en topless frente a un cliente y realizó contenido de ASMR en ropa interior, susurrando al micrófono frases como “Hola, soy tu chica de ensueño favorita”.

En otra secuencia, frotó el micrófono contra su escote antes de acercarlo a sus genitales.

Su representante en la ficción, Maddy Perez (Alexa Demie), coordinó parte de las grabaciones y acompañó a Cassie en la gestión de su creciente base de seguidores, que alcanzó las 50.000 suscripciones. También envió por correo la ropa interior usada de Cassie a un cliente.

La reacción del público en redes sociales fue de rechazo generalizado. Según recogió el Daily Mail, varios usuarios calificaron el episodio de “perturbador” y afirmaron que la serie “ha ido demasiado lejos”.

“¿Por qué estoy viendo a Cassie chuparse los dedos de los pies?”, escribió uno. Otro comentó: “Esta temporada de Euphoria se está convirtiendo en un ritual de humillación para Sydney Sweeney“.

El episodio también avanzó otras tramas paralelas. Rue (Zendaya), que trabaja como informante de la DEA, fue llevada a un paraje remoto por Alamo (Adewale Akinnuoye-Agbaje), el dueño de un club de striptease, quien la obligó a cavar un hoyo y la enterró hasta el cuello antes de que la pantalla se fundiera en negro.

Jules (Hunter Schafer), por su parte, vive como sugar baby de un cirujano plástico que costea su apartamento, aunque su relación con Rue complica la situación.

En cuanto al arco de Cassie, el influencer Brandon Fontaine la invitó a mudarse a su mansión de creadores de contenido. Su marido, Nate (Jacob Elordi), no solo no se opuso, sino que le sugirió grabar un video con él.

Cassie intentó despedir a Maddy, pero dio marcha atrás al enterarse de que esta le había conseguido una audición para la telenovela de horario estelar L.A. Nights. Maddy, que había mentido sobre la audición, terminó por presionar a Lexi (Maude Apatow) para que incluyera el nombre de su hermana en la lista del departamento de casting.

Cassie interpretó un monólogo de Antonio y Cleopatra de Shakespeare y obtuvo el papel. Los 30.000 dólares que Cassie envió a Nate no fueron suficientes para cubrir un pago vencido con el prestamista, quien le amputó un dedo del pie y le cortó el anular.

El final de la temporada está programado para el 31 de mayo.

“Euphoria” está enfadando a las estrellas de OnlyFans

La representación de Cassie como creadora de OnlyFans en la tercera temporada de Euphoria no solo irritó a la audiencia general: también provocó el rechazo de trabajadoras reales de la plataforma, que denunciaron ante Variety que el retrato es inexacto, estereotipado y, en algunos puntos, directamente ilegal según las normas del servicio.

Sydney Leathers, creadora en OnlyFans desde 2017, señaló al medio que “hay mucho que es ridículo y caricaturesco” en la trama.

“Hay tantas cosas que le hacen hacer que ni siquiera están permitidas en OnlyFans, y eso solo ya es exasperante: el contenido de juego de roles de bebé donde aparece vestida con pañal, por ejemplo. Las procesadoras de tarjetas de crédito tienen normas muy estrictas que hay que cumplir, y las reglas son cada vez más restrictivas”, declaró.

La política de uso aceptable de OnlyFans prohíbe expresamente cualquier contenido de simulación de menores, bajo pena de desactivación de la cuenta.

Maitland Ward, actriz y creadora con ingresos de seis cifras mensuales en la plataforma —conocida por sus papeles en la comedia Boy Meets World y la película ¿Y dónde están las rubias?—, fue más contundente.

“En el clima que vivimos, que la vistieran de bebé para hacer contenido pornográfico de OnlyFans fue más que preocupante y perpetúa el estereotipo de que las trabajadoras sexuales no tienen brújula moral y harán cualquier cosa por dinero", dijo.

Y añadió: “Siempre existe el estigma falso de que el trabajo sexual es sinónimo de tráfico sexual y abuso. Y simplemente dijeron, hagamos una broma de esto. Eso es muy gracioso. Yo no me río”.

El creador de la serie, Sam Levinson, explicó a The Hollywood Reporter que su intención con las escenas de OnlyFans era encontrar “la otra capa de absurdo” para no quedar atrapado dentro de la fantasía del personaje.

Sobre la iluminación de esas secuencias, detalló que usaron únicamente los aros de luz que emplearía una creadora real: “Cuando estás dentro, es una luz frontal preciosa, pero luego te alejas y solo es un charco de luz rodeado de oscuridad. Es sórdido e impactante”.

Para Ward, esa declaración confirma el problema de fondo. “Eso me dice mucho sobre por qué esta trama de OnlyFans está siendo representada de la manera en que lo está. No se está tomando en serio”, afirmó a Variety. “Me recuerda cuando paseaba en lencería en Boy Meets World. Son los chicos de la sala de guionistas dando rienda suelta a sus fantasías".

Alix Lynx, otra creadora y actriz, reconoció ante Variety que algunos elementos de la trama son realistas —como la estrategia de Cassie de acudir a fiestas de influencers para ganar visibilidad—, pero criticó la idea de que el éxito en la plataforma llega de forma inmediata.

“Se retrata que si solo te vistes y haces locuras, al instante ganarás dinero, o que solo tienes que estar buena y tener pechos grandes y al instante lo logras, y no funciona así. Tienes que crecer y cultivar una base de fans de verdad”, señaló.

A sus 16 años, Owen Cooper se convirtió en uno de los actores más premiados de la televisión mundial con su interpretación de Jamie Miller en Adolescencia, la miniserie de Netflix que este domingo arrasó en los premios BAFTA de televisión celebrados en el Royal Festival Hall de Londres.

Cooper, quien no tenía ningún crédito profesional previo cuando fue seleccionado entre más de 500 candidatos para el papel a los 13 años, se alzó con el BAFTA a Mejor Actor de Reparto, completando así un barrido histórico de los principales galardones televisivos del año.

Al recoger el premio de manos de Lucy Punch, el joven actor de Warrington reconoció la extrañeza del momento: “Hace un año por estas fechas estaba entregando un premio y ahora estoy recogiendo uno, así que esto es un poco alucinante”, dijo ante la audiencia de BBC One.

Antes de abandonar el escenario, Cooper cerró su discurso con una cita y un tributo a la banda de su ciudad natal: “En palabras de John Lennon, no conseguirás nada a menos que tengas la visión de imaginarlo.

Creo que solo necesitas tres cosas para triunfar en la vida: una, una obsesión; dos, un sueño; y tres, los Beatles. Muchas gracias".

En las imágenes del evento, Owen Cooper apareció con una notable altura, mayor a sus más recientes apariciones de este año, como los Globos de Oro. Lo que llamó la atención fue que también le sacara una cabeza de tamaño a su co-estrella, Stephen Graham, quien mide 1,66 m.

El joven actor creció en Warrington con el sueño de ser futbolista. Su interés por la interpretación surgió tras ver a Tom Holland en Lo imposible, lo que lo llevó a tomar clases semanales en The Drama Mob, una escuela de teatro de Mánchester.

En Adolescencia, Cooper interpreta a Jamie Miller, un adolescente de 13 años detenido bajo sospecha de asesinar a una compañera de clase.

Su episodio más exigente lo enfrenta durante una hora completa, sin cortes y en una sola toma, a la psicóloga Erin Doherty.

Un formato que pondría a prueba a cualquier actor veterano, y que Cooper afrontó en su primer trabajo profesional, a los 15 años.

La serie, estrenada en Netflix en marzo del año pasado, se convirtió en la segunda producción en inglés más vista de la plataforma, con 141 millones de reproducciones en sus primeros tres meses, y desencadenó un debate sostenido en el Reino Unido sobre seguridad en internet, radicalización y cultura incel.

Owen Cooper arrasa en los Generational Awards de los BAFTA

El BAFTA del domingo fue el último eslabón de una cadena de premios sin precedentes para un debut actoral.

Antes de la ceremonia londinense, Cooper ya había conquistado el Primetime Emmy, el Globo de Oro, el Premio SAG y el Critics’ Choice Award, convirtiéndose en el actor más joven en llevarse los cuatro grandes galardones televisivos estadounidenses por una sola actuación.

A esa lista se sumaron victorias en los Gotham Awards, los Independent Spirit Awards y los Royal Television Society Awards.

El triunfo de Cooper no fue el único de Adolescencia en la noche.

Stephen Graham, cocreador de la serie, obtuvo el BAFTA al Mejor Actor Principal. Al recibir el galardón, Graham evocó su infancia y la influencia del programa televisivo Scully: “Para cualquier niño, sin importar de dónde seas, todo es posible”, afirmó según The Guardian.

“No salvamos vidas”, añadió. “Pero tenemos la oportunidad de contar la condición humana. Y tenemos la obligación de contar historias hermosas”.

Christine Tremarco, quien interpreta a la madre de Jamie Miller en la ficción, se llevó el BAFTA a Mejor Actriz de Reparto, superando a Erin Doherty, cuya nominación por el mismo episodio que catapultó a Cooper generó expectativa entre la prensa especializada.

“Me siento muy afortunada de estar aquí sosteniendo este BAFTA”, declaró Tremarco en el escenario, mientras Graham lloraba entre el público.

Adolescencia también se llevó el premio a Mejor Drama Limitado, con lo que acumuló cuatro galardones en la velada, a los que se añaden los dos obtenidos previamente en los BAFTA TV Craft Awards.

Según apuntó GB News en su cobertura de la ceremonia, ganar un BAFTA a los 16 años es el tipo de logro que suele marcar el punto más alto de una carrera. Para Cooper, todo indica que es el punto de partida.

Ian McKellen reveló que Alec Guinness, el intérprete de Obi-Wan Kenobi en Star Wars, le pidió en privado que abandonara su activismo en favor de los derechos homosexuales, argumentando que “no es propio de un actor meterse en asuntos políticos”.

El actor británico contó el episodio en una entrevista con The Guardian, en la que recordó que Guinness lo citó a almorzar en un restaurante italiano en el barrio londinense de Pimlico con una agenda oculta.

“Conversamos sobre esto y aquello hasta que sacó el verdadero motivo de su invitación”, dijo al medio británico.

Él había tomado conocimiento del trabajo de McKellen para fundar Stonewall, un grupo de presión creado para presentar ante el gobierno y la opinión pública el caso por la igualdad legal de lesbianas y homosexuales en el Reino Unido.

“Consideraba que era algo impropio para un actor involucrarse en asuntos públicos o políticos, y me aconsejó, casi me rogó, que me retirara”, relató McKellen. “Un consejo de una generación mayor, que no seguí”.

El protagonista de El señor de los anillos y X-Men señaló que el recuerdo de aquel encuentro le volvió a la memoria tras ver la obra teatral itinerante Two Halves of Guinness, un espectáculo unipersonal protagonizado por Zeb Soanes en el papel del recordado actor.

Según McKellen, la pieza “insinúa la bisexualidad latente de Alec Guinness de una manera que lo hubiera perturbado, supongo".

El artista salió públicamente del armario en 1988, a los 48 años, durante una entrevista radial en la BBC, y desde entonces se convirtió en una de las figuras más visibles del activismo por los derechos de la comunidad homosexual en el mundo del espectáculo.

Ian McKellen llama a los actores a salir del armario

En declaraciones al diario The Times of London, Ian McKellen instó a los actores que aún no han revelado su orientación sexual a dar ese paso, y descartó que hacerlo pueda representar un perjuicio real para sus carreras.

“Nunca conocí a nadie que se haya arrepentido de salir del armario”, afirmó. “Siento lástima por cualquier persona famosa que sienta que no puede hacerlo. Estar en el armario es una tontería, no hay necesidad. No escuchen a sus representantes, escuchen su corazón. Escuchen a sus amigos homosexuales, que saben mejor. Salgan. Salgan a la luz del sol".

McKellen observó que nunca ha habido un ganador del Oscar a mejor actor que sea abiertamente homosexual, ni un primer ministro británico ni un futbolista de la Premier League en esa condición.

“En el deporte femenino no es un problema”, indicó. “Me imagino que los futbolistas jóvenes probablemente están recibiendo, como los actores, muy malos consejos de agentes que se preocupan por sus propios ingresos. Pero el primer futbolista de la Premier League que salga del armario se convertirá en el más famoso del mundo, con todas las agencias suplicando que preste su nombre a sus productos”.

La actriz Kate Winslet se pronunció en términos similares en una entrevista con The Sunday Times en 2021, al calificar como “una estupidez obsoleta” que Hollywood discrimine a los actores homosexuales, especialmente a la hora de asignarles papeles heterosexuales. “Eso debería ser casi ilegal”, sostuvo.

Winslet agregó que conoce a numerosos actores, algunos reconocidos y otros en los comienzos de su carrera, que sienten terror de que su orientación sexual sea expuesta por temor a que eso les impida ser elegidos para roles heterosexuales.

Ian McKellen es uno de los actores británicos más versátiles y reconocidos de su generación. Formado en la Universidad de Cambridge, inició su carrera profesional en 1961 y se consolidó como figura central de la Royal Shakespeare Company y el National Theatre durante la década de 1970, acumulando seis premios Laurence Olivier por trabajos en obras como Bent, Wild Honey y Richard III.

En Broadway obtuvo el Tony al Mejor Actor por su interpretación de Antonio Salieri en Amadeus (1980). Su proyección internacional en el cine llegó en los años 2000 con dos franquicias simultáneas: la saga X-Men, donde dio vida al villano Magneto, y la trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson, en la que encarnó al mago Gandalf —papel que le valió una nominación al Oscar—, y que repitió en la trilogía de El hobbit.

Con más de seis décadas de trayectoria ininterrumpida, McKellen fue nombrado Caballero del Imperio Británico en 1991 y mantiene presencia activa en cine, teatro y televisión, con participación confirmada en Avengers: Doomsday (2026).

Estrellas de Hollywood y figuras del entretenimiento inundaron las redes sociales con mensajes, fotografías y videos en ocasión del Día de la Madre 2026, en una jornada marcada por homenajes a sus propias madres y a sus hijos.

Kris Jenner, matriarca del clan Kardashian-Jenner, fue una de las más activas en la celebración.

La empresaria compartió una serie de fotografías familiares en las que aparecen su madre, Mary Jo Campbell, junto a sus hijos y nietos.

“Ser madre y abuela es el papel más gratificante y significativo de mi vida”, escribió en sus redes sociales. “Me ha traído más alegría, amor y propósito del que jamás pude haber imaginado. Estoy muy agradecida con mi hermosa madre, que me enseñó todo sobre el amor incondicional, la fortaleza y estar siempre presente para la familia”.

Jenner también dedicó palabras a sus hijas: “Estoy infinitamente orgullosa de las mujeres y madres en que se han convertido mis hijas. Verlas amar y criar a sus bebés es uno de los mayores regalos”.

Kim Kardashian, fundadora de SKIMS, publicó en sus redes sociales un video con sus cuatro hijos —North, de 12 años; Saint, de 10; Chicago, de 8; y Psalm, de 7—, fruto de su relación con el rapero Kanye “Ye” West.

“¡Mis bebés! Gracias por elegirme como su mamá”, escribió la empresaria en Instagram.

Su hermana Khloé Kardashian también se sumó a los festejos. La cofundadora de Good American comenzó el día con sorpresas de parte de sus hijos True, de 8 años, y Tatum, de 3, que tiene con el exjugador de básquetbol Tristan Thompson.

Kylie Jenner compartió en sus redes sociales una imagen de sus dos hijos, Stormi, de 8 años, y Aire, de 4, que tiene con su ex Travis Scott, acompañada únicamente por el emoji del planeta Tierra.

La empresaria de belleza comenzó el día con decoraciones y arreglos de globos que le prepararon sus hijos.

Nicole Kidman publicó una fotografía junto a sus hijas Sunday Rose y Faith Margaret: “Para mis hermosas niñas, la mayor alegría es ser su madre. Feliz Día de la Madre a todas las madres del mundo”, escribió la actriz australiana en sus redes sociales.

Demi Moore también se sumó a la celebración con un mensaje dirigido a sus hijas. “Todavía recuerdo la primera vez que cada una de ustedes cabía en mis brazos. Ahora mírenlas”, escribió en Instagram. “Mis dulces niñas, han crecido de maneras que me quitan el aliento, y de alguna manera, cada año me enamoro más de quiénes son”.

Gwyneth Paltrow compartió una fotografía junto a su hija Apple Martin y su madre Blythe Danner. “Feliz Día de la Madre. Enviando amor a todas las mujeres increíbles que nos moldearon, nos amaron y nos mostraron el camino”, escribió la actriz en sus redes sociales.

Cindy Crawford publicó fotografías de sus hijos Kaia y Presley Gerber, que tiene con su esposo Rande Gerber, y celebró su rol como madre. “¡Para siempre agradecida con quienes me convirtieron en mamá! Feliz Día de la Madre a todas las mamás”, escribió la modelo en Instagram.

Lily Collins celebró por primera vez el Día de la Madre como mamá de su hija Tove, a quien tiene con el director Charlie McDowell.

“La alegría es ser tu mamá”, escribió la actriz en Instagram. “Pensando en todas mis compañeras mamás y figuras maternas de hoy, así como en quienes están de duelo por sus madres o por la maternidad. Independientemente de lo que este día signifique para ti, todas son superhéroes para mí”.

Uno de los momentos más emotivos de la jornada lo protagonizó Billie Lourd, hija de la recordada actriz Carrie Fisher.

La estrella de Star Wars utilizó su Instagram para rendir tributo a su madre fallecida y, al mismo tiempo, celebrar su propio rol como mamá de dos hijos de 3 y 5 años.

“Por primera vez desde que murió mi mamá, me desperté sintiendo más dulzura que amargura en el Día de la Madre”, escribió en sus redes sociales. “Perder a mi mamá a una edad tan temprana me dio una apreciación por toda la alegría de la vida que nunca tuve antes. Y una comprensión de que toda esa alegría no existiría si mi mamá no hubiera existido”.

Justin Timberlake también participó de la celebración al homenajear a su esposa, Jessica Biel, madre de sus hijos Silas, de 11 años, y Phineas, de 5.

“Las mujeres más grandiosas que conozco. Feliz Día de la Madre”, escribió el cantante en Instagram.

El exjugador de fútbol americano Tom Brady publicó homenajes tanto para Bridget Moynahan, madre de su hijo Jack, de 18 años, como para su exesposa, la modelo Gisele Bündchen, con quien tiene a Benjamin, de 16 años, y Vivian, de 13.

Por su parte, la marca de belleza Rhode —fundada por Hailey Bieber— utilizó su cuenta de Instagram para compartir una serie de imágenes de la empresaria bajo el título “la mamá de Jack”, en referencia a su hijo.

El anuncio de la salida de Stephen Colbert de The Late Show sacudió a la televisión nocturna estadounidense. La decisión de Paramount y su cadena CBS tomó por sorpresa al conductor, quien lleva más de una década al frente del ciclo desde el Ed Sullivan Theater, en Nueva York. El cierre definitivo del programa está previsto para el 21 de mayo de 2026.

En una extensa entrevista con The Hollywood Reporter, Colbert relató detalles sobre la noticia, sus reacciones y los posibles rumbos que podría tomar tras la cancelación.

Colbert encara el final de su ciclo en The Late Show en medio de una etapa de reestructuraciones empresariales, despidos y cambios tecnológicos en la industria de la televisión.

Reconoció el peso de las circunstancias económicas, admitió sorpresa por la forma en que le fue comunicado el final de su programa y ya proyecta nuevas iniciativas en el mundo del entretenimiento, sin dejar de lado la autocrítica y el humor que lo han caracterizado.

Motivos detrás de la cancelación de The Late Show

El humorista recibió la noticia de la cancelación a través de su representante, James “Babydoll” Dixon, durante el verano del año anterior. “Esta va a ser la última temporada”, le transmitieron, según relató a The Hollywood Reporter. El conductor expresó su asombro e inmediatamente preguntó: “¿En serio? Bueno, esto es una sorpresa”.

Explicó que la versión transmitida por la cadena fue económica: “Me dijeron que el programa no resultaba rentable”. Luego admitió que entendía que el ciclo eventualmente iba a llegar a su fin, aunque no imaginaba un desenlace de ese tipo: “Sabía que el programa tenía que terminar en algún momento. Sin embargo, no esperaba que terminara así”.

Si bien aseguró comprender las lógicas empresariales, remarcó su desconcierto: “No lo entiendo. No han pasado ni dos años desde que firmé mi último contrato… estaban ansiosos por quedarme”.

De manera directa, el conductor sostuvo que era innegable que el modelo de radiodifusión atravesaba una crisis profunda. Además, remarcó que el formato había sido rentable “durante unos 70 años”. Al analizar el final del programa, consideró que quizá habían sido el primer programa en convertirse en un obstáculo y también los primeros en cambiar de rumbo.

La cancelación se produjo en medio de la fusión entre Paramount y Skydance y después del cuestionado pago de USD 16 millones de dólares a Donald Trump por parte de la cadena para resolver, según fuentes, una demanda que habría podido derivar en costos aún mayores.

Consultado sobre su relación con los ejecutivos tras la noticia, Colbert mantuvo el pragmatismo y el humor, sin rencores manifiestos: “¿De qué sirve estar enojado?... Lo único que quiero es divertirme para un público que lo aprecie, y ese ha sido mi objetivo durante 10 meses”.

La visión de Colbert sobre el legado y la televisión nocturna

En la entrevista con The Hollywood Reporter, el presentador aseguró que le gustaría que su paso por The Late Show fuera recordado principalmente por el humor. “Quiero que me recuerden por mi espectáculo de comedia. Nos ganamos la vida haciendo reír, y eso es lo que más deseo”, expresó.

También relativizó las interpretaciones sobre las razones detrás de la cancelación y señaló que “la causalidad no es lo mismo que la correlación”. En tono provocador, comparó el cierre del ciclo con “un tumor natural que había que extirpar de la corporación”.

Tras su salida, el espacio será ocupado por Comics Unleashed, conducido por Byron Allen. Colbert contó que, al enterarse de la noticia, le escribió al presentador para felicitarlo.

Por último, reflexionó sobre el futuro del género nocturno en la televisión estadounidense y admitió que observa un panorama incierto. “No sé qué va a pasar, ni qué más puedo hacer para ayudar aparte de lo que he hecho durante los últimos 11 años. Pero una noche encenderé la televisión y probablemente no habrá nadie”, concluyó.

Nuevos proyectos y etapa futura de Colbert

El cierre de su etapa en la televisión nocturna también abrió nuevas oportunidades para Colbert, quien se sumó como guionista a una nueva película del universo de El Señor de los Anillos. “No hay razón para que confíen en mí… lo único que puedes hacer como artista es seguir tu corazón y el oficio que has aprendido”, explicó sobre su colaboración con Philippa Boyens.

Además, reveló que recibió otras propuestas audiovisuales, aunque aclaró que todavía no definió cuál será su próximo rumbo profesional porque sigue concentrado en el cierre de The Late Show.

También contó que habló con Jon Stewart y Conan O’Brien sobre cómo es la vida después de la televisión nocturna y remarcó que no se ve iniciando de inmediato una carrera como monologuista, ya que su trayectoria siempre estuvo ligada a trabajos colaborativos e improvisados.

“El deporte es parecido a la guardia del hospital: sabés que algo va a pasar, pero muchas veces no sabés exactamente qué ni cuándo.”. Con esa imagen, Bruno explica cómo una operación que combina transmisiones en vivo, canales de televisión, plataformas digitales y de streaming y cobertura regional exige una planificación permanente que convive, sin contradicción, con la incertidumbre absoluta del resultado deportivo.

El negocio del entretenimiento deportivo cambió mucho en los últimos años. ¿Qué tan diferente es operar hoy?

Muchísimo más complejo y sofisticado. Antes comprabas derechos, producías contenido, se lo vendías a una industria de televisión paga que crecía, y el valor lo ponían las señales. Hoy un suscriptor en una plataforma de streaming premium está a un clic de irse o de entrar. Antes darte de baja de un servicio de televisión paga requería llamar por teléfono. Hoy es un botón.

Pero esa misma sofisticación trajo información que antes no existía. El rating era prácticamente todo lo que teníamos. Hoy hay datos sobre qué mira cada usuario, qué no mira, cuándo abandona, qué le gusta y qué no. La curiosidad que tengas como operador marca el límite de lo que podés conocer de tu audiencia.

¿Cómo definís hoy el éxito de un evento o producción deportiva?

No hay una respuesta única. Depende del tipo de contenido que estés evaluando. En formatos cortos para digital, los KPIs son los propios de esa plataforma. En televisión, el rating sigue siendo la vara. En streaming, lo que importa es la cantidad de cuentas activas y el tiempo que una persona pasa mirando lo que estás haciendo.

Cuando se trata de inversiones en derechos deportivos, el desafío es otro: cualquiera que conozca el sector sabe que una propiedad importante te va a traer relevancia. El verdadero trabajo es cómo construir un negocio alrededor de esa adquisición: qué valor le da a los afiliados, cuánta adquisición genera en la plataforma de streaming, si ayuda a retener suscriptores o si atrae a un público que todavía no tenés.

¿Cómo es la logística de coordinar una operación de esta escala en simultáneo?

Es todo. Hay una operación regional de aproximadamente mil personas dedicadas al deporte. Y en una ventana de dos meses podés tener la final de la FA Cup en Londres, la final de la Europa League en Estambul, las finales de la Champions femenina y masculina en distintas ciudades, más el arranque de un Mundial, más las ligas locales que siguen su temporada normal.

Eso significa mover equipos técnicos, personal operativo, productores y talentos —los periodistas, conductores y comentaristas que aparecen frente a cámara— a través de distintos países. Y al mismo tiempo tomar decisiones sobre si conviene llevar el propio equipamiento o alquilarlo en cada destino. No hay una fórmula fija: es un rompecabezas que se arma de nuevo para cada evento.

El próximo Mundial se juega en tres países. ¿Qué implica eso en términos operativos?

Es mucho más complejo que un Mundial concentrado en una sola sede. El anterior se jugó en una ciudad donde todos los estadios estaban a 30 o 40 minutos de distancia. Planificar eso es completamente diferente a coordinar operaciones en tres países con miles de kilómetros de distancia entre sí.

En la cobertura regional hay que seguir a varias selecciones al mismo tiempo: Argentina, Brasil, México, Ecuador, Colombia, Uruguay. Eso requiere un equipo planificando con más de un año de anticipación dónde se va a estar, qué base se va a montar, cómo se aprovecha la infraestructura ya disponible en países donde hay operación propia. Y encima de eso, está la necesidad de localización: un periodista de otro país hablando de Argentina no le es relevante al hincha argentino.

¿Cómo se planifica algo que por naturaleza es impredecible?

El deporte es parecido a la guardia del hospital: sabés que algo va a pasar, pero muchas veces no sabés exactamente qué ni cuándo. Entonces construís una operación preparada para cualquier escenario. Necesitás tener plan A, Plan B y Plan C. Si esto empieza a subir, ya tenés pensado qué hacer.

Para quienes no están en el ADN del deporte, eso puede parecer un caos. Pero no lo es. Está pensado el plan A, el plan B y el plan C según quién gana, qué pasa en el partido, si llueve y se suspende, si un juego llega a 50 games porque no termina. El Mundial se planifica con más de un año de anticipación. Pero hasta el día anterior no sabés quién juega contra quién. Esa es la naturaleza del vivo.

¿Por qué el deporte sigue siendo tan central como contenido, más allá de toda la fragmentación de plataformas?

Porque tatúa momentos. Hay pocas cosas que generen eso. El fútbol, la música en cierta medida, pero el deporte tiene algo que te marca recuerdos muy concretos: con quién estabas, dónde lo viste, el abrazo que te dieron. Eso no lo da cualquier contenido.

En América Latina eso se exagera. No existe un fanático latinoamericano genérico. Hay fanáticos argentinos, mexicanos, brasileños, colombianos. Cada uno vive el deporte distinto. Y nuestra misión es estar ahí, en cualquier plataforma, con la relevancia local correcta.

El exjugador de la NFL Tom Brady volvió a sorprender este Día de la Madre al dedicar públicas y afectuosas felicitaciones a sus dos exparejas, Gisele Bündchen y Bridget Moynahan, a través de su cuenta de Instagram, en un gesto que se ha convertido en tradición para el retirado deportista.

El exmariscal de campo, de 48 años, publicó una serie de historias en esa red social en las que rindió homenaje a las madres de sus tres hijos: Moynahan, madre de Jack, de 18 años; y Bündchen, con quien tuvo a Benjamin, de 16, y Vivian, de 13.

En una de las imágenes, Brady compartió una fotografía de Bündchen besando a su hijastro Jack mientras posaba junto a Moynahan.

“Feliz Día de la Madre”, escribió el deportista junto a la imagen, acompañada de corazones rojos.

En otra publicación, el exdeportista mostró una imagen de Bündchen junto a los tres hijos, con el mensaje: “Feliz Día de la Madre a todas las madres increíbles de este mundo”.

El exquarterback también dedicó palabras a su propia madre, Galynn Brady, a quien llamó “la mejor mamá del mundo”, junto a una fotografía en la que aparece sosteniendo a Vivian. “Esta imagen resume perfectamente quién eres, mamá”, escribió.

La relación entre Tom Brady y sus exparejas ha estado marcada por la cordialidad desde hace años.

El deportista y Bridget Moynahan terminaron su relación cuando la actriz ya estaba embarazada de Jack, quien nació en 2007. En ese momento, Brady ya mantenía un vínculo con Gisele Bündchen, con quien contrajo matrimonio y estuvo casado más de diez años antes de divorciarse en 2022.

Pese a las separaciones, el ex jugador de la NFL mantiene el gesto de homenajear públicamente a ambas mujeres cada Día de la Madre.

El año pasado las calificó, a través de historias de Instagram, como “mamás increíbles” a quienes se siente “afortunado” de conocer. En mayo de 2024, las describió como madres “amables, afectuosas, compasivas y PODEROSAS”, y agregó: “Nada de esto sería posible sin su amor”.

En declaraciones a USA Today en febrero, el propio Tom Brady se refirió a la dinámica de crianza compartida con Gisele Bündchen.

“Cuando eres una pareja casada, estás en la misma casa todo el tiempo, así que siempre tratas de estar en la misma página. Y cuando ya no estás en la misma casa, sigues intentando estarlo en lo que respecta a los hijos”, explicó.

“Ambos amamos a nuestros hijos más que a nada en el mundo, y hacemos lo posible por ser el mejor ejemplo que podemos ser, sabiendo que los padres tampoco son perfectos”, añadió.

Por su parte, Bündchen también se expresó este Día de la Madre a través de sus redes sociales. “Nada en este mundo llena mi vida de más significado y alegría que ser mamá. Estoy muy agradecida de experimentar la vida con ellos, aprendiendo y creciendo juntos cada día”, escribió la modelo en Instagram, junto a una serie de fotografías con sus hijos y algunas imágenes junto a su madre, Vania Nonnenmacher, fallecida en 2024.

“Feliz Día de la Madre a todas las mamás, especialmente a la mía, que siempre está a mi lado en espíritu y me inspira a ser la mejor madre que puedo ser”, concluyó.

La supermodelo rehizo su vida desde el divorcio. En febrero de 2025 dio la bienvenida a un niño junto a su actual esposo, el instructor de jiu-jitsu Joaquim Valente, con quien comenzó a entrenarse en 2021 y se casó en diciembre de ese mismo año.

En una entrevista con Harper’s Bazaar, Bündchen había comentado que ella y Brady tienen “formas distintas” de criar a sus hijos, lo que en ocasiones genera “resistencia” por parte de los adolescentes.

En cuanto a la vida sentimental de Brady, el exdeportista estuvo vinculado recientemente con la creadora de contenido Alix Earle y con Yael Cohen, exesposa del empresario Scooter Braun, aunque hasta la fecha no confirmó ninguna relación pública desde su separación de Bündchen.

Lim Ji-yeon protagoniza el nuevo k-drama de Netflix que, tras solo dos episodios, se colocó entre los contenidos más vistos de la plataforma en todo el mundo y alcanzó el número uno en más de 16 países.

La actriz surcoreana, conocida por su papel de villana en la exitosa serie La gloria, regresa a la pantalla con una propuesta radicalmente distinta.

Mi némesis con aires de realeza es una comedia romántica de fantasía que se estrenó el 8 de mayo en la cadena surcoreana SBS y que ya se encuentra disponible para el público internacional a través de la plataforma de streaming.

La serie, dirigida por Han Tae-sub y escrita por Kang Hyun-joo, sigue la historia de Shin Seo-ri, una actriz de bajo perfil cuyo cuerpo es tomado por el espíritu de Kang Dan-sim, una notoria villana de la era Joseon condenada a morir envenenada.

Al despertar 300 años después en el Seúl del siglo XXI, Dan-sim deberá adaptarse a un mundo que no reconoce, mientras choca constantemente con Cha Se-gye, el heredero de un poderoso conglomerado empresarial que considera el matrimonio poco más que una fusión corporativa.

El elenco principal está integrado por Lim Ji-yeon, Heo Nam-jun y Jang Seung-jo, acompañados por Kim Min-seok, Lee Se-hee y Kim Hae-sook.

La producción consta de 14 episodios que se emiten los viernes y sábados, con fecha de cierre prevista para el 20 de junio.

El impacto fue inmediato. Tras la emisión del primer episodio, Mi némesis con aires de realeza alcanzó el tercer puesto en el ranking global de series de televisión de Netflix.

Además, encabezó las listas en más de 16 países, entre ellos Perú, Chile, Colombia, México, Venezuela, Ecuador y República Dominicana.

En términos de audiencia televisiva en Corea del Sur, el segundo episodio registró un pico de 6,9% de rating nacional y un 5,4% de promedio general, citando datos de Nielsen Korea.

Esa cifra representó un incremento de 1,4 puntos porcentuales respecto al debut, que había partido en 4,1%.

La apuesta de Lim Ji-yeon por el género de la comedia fue una decisión deliberada. “Siempre hago mucho trabajo de género oscuro, así que cuando pensé que quería hacer algo brillante y animado, me encontré con esto”, declaró la actriz durante un evento promocional, según recogió Chosun Biz.

Y agregó: “Traté de integrarme bien en el set y actuar en comedia”.

En una conferencia de prensa celebrada en la sede de SBS en Seúl, Lim Ji-yeon fue más enfática.

“Vine al proyecto justo cuando me estaba enamorando del género. Es un gran desafío para mí. Después de una serie de thrillers oscuros y pesados, tenía muchas ganas de probar algo brillante, burbujeante y genuinamente divertido”, afirmó, según consignó el diario Korea Times.

La actriz también tendió un puente explícito con su papel más recordado: “Honestamente, tengo una confianza increíble. Este personaje tendrá tanto impacto como Yeon-jin”, señaló ante Korea Times.

Y continuó en su declaración: “Siento que he aprovechado hasta el último gramo de mi capacidad para este papel. Seo-ri es un personaje diferente a cualquier otro en el panorama de los k-dramas. He puesto todo mi corazón y alma en ella y espero sinceramente que el público la ame tanto como yo”.

El director Han Tae-sub respaldó esa valoración. "Lim Ji-yeon en sí misma es nuestra mayor ventaja competitiva", sostuvo en la misma rueda de prensa.

“Alguien que ha experimentado la muerte obtiene una perspectiva completamente diferente sobre la vida; ese cambio es la trama y el género de este programa. Hemos incluido todo lo que un actor puede hacer, desde la comedia romántica y el melodrama de época hasta la acción. Lim entregó el 120%, demostrando por qué es el corazón de esta producción”, agregó.

Heo Nam-jun, quien da vida al magnate Cha Se-gye, explicó a Korea Times los matices de su personaje: “Si bien es una figura antagónica, tiene momentos de humanidad y torpeza que lo hacen encantador”.

El director también adelantó la filosofía que sostiene el relato. “El guion tiene una línea que dice: ‘Las mujeres buenas van al cielo, pero las mujeres malas van adonde quieran’. La fortaleza de este drama radica en el viaje impredecible de Dan-sim —la villana de Joseon— mientras navega su segunda oportunidad en la vida y construye nuevas relaciones”, indicó al citado medio.

Mi némesis con aires de realeza emite nuevos episodios cada viernes y sábado en SBS, y los capítulos están disponibles en Netflix con subtítulos para el público internacional al cierre de cada jornada de emisión en Corea del Sur.

Dua Lipa presentó una demanda por 15 millones de dólares contra Samsung Electronics, alegando que la empresa utilizó su imagen en el empaque de televisores sin su autorización ni compensación económica.

La denuncia fue presentada el viernes ante el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Central de California.

En ella, la cantante afirma que el fabricante de electrónica utilizó de manera destacada una fotografía con copyright de su rostro en la parte frontal de las cajas de cartón que contenían televisores Samsung, y que luego distribuyó y comercializó ese empaque junto con los productos.

Según el documento judicial, la imagen fue tomada entre bastidores del festival Austin City Limits en 2024 y es propiedad de la artista.

La artista asegura que no tuvo conocimiento del uso de su fotografía hasta aproximadamente junio de 2025, momento en el que solicitó a Samsung que dejara de utilizarla. La empresa, según la demanda, rechazó ese pedido.

“La cara de la señorita Lipa fue utilizada de manera prominente en una campaña de marketing masivo para un producto de consumo sin su conocimiento, sin contraprestación alguna y sin que ella tuviera ninguna participación, control o injerencia”, señala la presentación judicial, recogida por Variety.

La demanda califica la respuesta de Samsung ante las solicitudes de cese como “desdeñosa e insensible” y sostiene que los televisores y su empaque siguen siendo comercializados en todo el país.

Por esa razón, el escrito alega que la compañía se ha beneficiado y continúa beneficiándose “inmensamente” de la impresión de que la cantante respalda sus productos, cuando en realidad no existe tal acuerdo.

“La arrogancia de Samsung al negarse a detener su infracción confirma su desprecio consciente por los derechos de propiedad intelectual e identidad personal de la señorita Lipa“, indica la demanda, recogida por Entertainment Weekly.

El escrito añade que la conducta “deliberada y dolosa” de la empresa le ha causado un “daño irreparable” a la estrella pop.

La presentación judicial sostiene que Samsung está “capitalizando la asociación implícita —y falsa— con Dua Lipa como patrocinadora de los televisores de comercialización masiva de Samsung en las cajas en las que aparece de manera destacada".

Los cargos incluyen infracción de derechos de autor, infracción de marca registrada, violación de la ley de derechos de publicidad del estado de California y violaciones de la Ley Lanham federal.

La artista solicita daños e indemnizaciones, además de medidas cautelares por infracción de derechos de autor.

La demanda llega en un momento en que Dua Lipa mantiene una activa trayectoria en el mundo de las alianzas comerciales.

A lo largo de su carrera, la cantante ha sido embajadora global de marcas como Puma, YSL Beauty, Bvlgari y Nespresso; ha cocreado una línea de moda con Donatella Versace; ha colaborado con Yves Saint Laurent en su perfume Libre; y ha trabajado con Porsche, Apple, Chanel, Tiffany & Co. y otras firmas de lujo y moda.

Recientemente, también protagonizó una campaña promocional de los Juegos Olímpicos de Invierno de Milán 2026.

Representantes de Samsung no respondieron de inmediato a las solicitudes de comentarios realizadas por Entertainment Weekly.

John Krasinski confirmó el inicio del rodaje de Un lugar en silencio: Parte III, la tercera entrega de la franquicia de terror que reunirá a Emily Blunt y Cillian Murphy para continuar la historia de la familia Abbott.

El director compartió una imagen desde el set en Nueva York a través de su cuenta de Instagram, acompañada de la frase: “Aquí. Vamos. #Part III”. La publicación confirmó oficialmente que la producción está en marcha.

Krasinski regresa al proyecto no solo como director, sino también como guionista y productor. La película es una coproducción de Sunday Night Productions —su productora junto a Allyson Seeger— y Platinum Dunes, con Paramount Pictures como distribuidora. Sunday Night mantiene un acuerdo de primera opción con el estudio.

El estreno está programado para el 30 de julio de 2027, lo que significa que habrán transcurrido seis años desde el lanzamiento de Un lugar en silencio: Parte II, estrenada en mayo de 2021.

Todo lo que se sabe sobre “Un lugar en silencio: Parte III”

Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe retoman sus roles como Evelyn, Regan y Marcus Abbott, respectivamente.

Se suma Cillian Murphy, quien en la segunda entrega interpretó a Emmett, un sobreviviente que conocía a la familia Abbott antes del apocalipsis y que desarrolló un vínculo paternal con Regan mientras la acompañaba en su misión contra los alienígenas.

La película también incorpora nuevos rostros: Jack O’Connell, conocido por Sinners; Jason Clarke, de Terminator Genisys; y Katy O’Brian, de Love Lies Bleeding. Por el momento, no se han revelado los personajes que interpretarán.

Según informó Deadline, tanto Blunt como Murphy cerraron sus contratos oficialmente antes del anuncio público del inicio del rodaje.

Los detalles argumentales se mantienen bajo estricta reserva. La historia retomará el hilo de Un lugar en silencio: Parte II, cuyo desenlace mostraba a Regan transmitiendo el feedback de su audífono —la frecuencia que vulnera a las criaturas— a través de una señal de radio, con el potencial de llegar a otros sobrevivientes.

No se espera el regreso de Djimon Hounsou como Henri, personaje que murió al final de la segunda entrega y que también apareció en la precuela Un lugar en silencio: Día uno.

En cambio, no se descarta una nueva aparición de John Krasinski como Lee Abbott mediante flashbacks, recurso ya utilizado en la segunda película. Tampoco se descarta el regreso de Joseph Quinn como Eric, personaje que al final de la precuela abordaba el barco de Henri rumbo a la isla.

Un lugar en silencio: Parte III llega tras años de demoras. El proyecto fue anunciado originalmente para 2025, pero Paramount lo retiró del calendario de estrenos en 2024. La confirmación oficial de Krasinski como director, guionista y productor se produjo en agosto de 2025.

La franquicia acumula más de 900 millones de dólares en taquilla mundial con sus tres producciones anteriores. La primera película recaudó 341 millones de dólares con un presupuesto de 17 millones; Un lugar en silencio: Parte II sumó 297 millones con una inversión de 61 millones; y la precuela Un lugar en silencio: Día uno, dirigida por Michael Sarnoski y protagonizada por Lupita Nyong’o, alcanzó los 267 millones con un presupuesto de 67 millones.

Con el regreso de la familia Abbott y un elenco ampliado, la cuarta producción de la saga tiene altas probabilidades de convertir a la franquicia en un fenómeno de taquilla que supere los 1.000 millones de dólares acumulados.

Sharon Osbourne reveló que gestionó la carrera de Queen durante un mes en los inicios de la banda y fue quien presentó a Freddie Mercury a su futuro representante, John Reid, en una fiesta que cambiaría la historia del grupo británico.

La empresaria de 73 años hizo la revelación durante un episodio reciente del pódcast The Osbournes, donde conversaba con su hijo Jack Osbourne sobre el impacto del biopic Bohemian Rhapsody —estrenado en 2018— en el interés del público por la música de Queen.

Fue en ese contexto que Sharon compartió su vínculo personal con la banda.

Según relató al programa, todo comenzó cuando salía con un hombre que compraba ropa en un mercado de antigüedades en Kensington, Londres, donde Mercury trabajaba en ese entonces.

“Lo gestionamos durante un mes”, afirmó, ante el asombro de su hijo. “No tenía idea”, respondió Jack, quien preguntó de inmediato si había sido su abuelo quien había arruinado la relación.

“No, no lo hizo. Organizamos una fiesta. Invitamos a John Reid, que era el mánager de Elton John en ese momento. John era amigo nuestro. Había trabajado en EMI. Y Freddie conoció a John, John conoció a Freddie. Amor a primera vista“, relató Sharon en el pódcast.

Reid pasó a gestionar la carrera de Queen desde 1975 hasta comienzos de 1978.

Al respecto, Sharon explicó con humor la situación: “¿Qué se puede hacer cuando dos amigos tuyos se miran y te dicen ‘Te queremos, pero nos queremos más el uno al otro’? Les dices: ‘Adelante, diviértanse’. Y eso fue todo”.

En cuanto al biopic, Sharon volvió a referirse a sus reparos sobre la película, a la que calificó como un “Hallmark de rock” por considerarla demasiado edulcorada.

Sin embargo, reconoció su mérito: “Esas canciones vivirán para siempre y acercó a toda una generación a la música de Queen que nunca la había escuchado. En ese sentido, fue fenomenal”, señaló. “Pero no creo que fuera una gran película. Cambiaron los tiempos de la historia y todo en ella”.

Sharon Osbourne y la protección de Ozzy

Durante años, Sharon Osbourne recurrió a métodos poco convencionales para intentar frenar el consumo de sustancias de su marido, el músico Ozzy Osbourne, exlíder de Black Sabbath.

Así lo reveló en el pódcast Dumb Blonde, donde describió una estrategia que incluyó contaminar el alcohol y las drogas que encontraba en casa con heces humanas para hacerlas repulsivas.

“Cada vez que encontraba algo, lo alteraba para hacerlo intomable”, declaró al programa.

Según relató, llegó a esconder botellas de alcohol en el horno de la cocina, confiando en que Ozzy nunca buscaría allí porque ella no cocinaba.

La hija del matrimonio, Kelly Osbourne, también fue involucrada en alguna de estas situaciones, según contó Sharon en el mismo pódcast.

Kelly recordó que su madre le había pedido ayuda para contaminar marihuana que había encontrado entre las pertenencias de su padre.

La respuesta de la joven, según la narración, fue categórica: “No, no voy a volver a hacer esto por ti. Soy demasiado mayor para cagar en las drogas de papá”.

Sharon terminó realizando el procedimiento por su cuenta. Tras descubrirlo, Ozzy reaccionó con furia y persiguió a ambas por los pasillos del hotel donde se encontraban.

En una ocasión, Ozzy bebió de una de las botellas adulteradas y vomitó de inmediato. Sharon reconoció en Dumb Blonde que, pese a estos esfuerzos, el músico siempre encontraba la manera de acceder a nuevas sustancias.

Al reflexionar sobre aquella etapa, Sharon justificó sus acciones en el amor que sentía por su marido. “Cuando era más joven, pensaba que una medida tan repulsiva pondría fin a todo esto, que lo alejaría definitivamente del consumo”, declaró.

Ozzy Osbourne falleció el 22 de julio de 2025 a los 76 años.

El músico también reflexionó sobre cómo el recuerdo de figuras decisivas como Kurt Cobain, junto con el apoyo emocional de su entorno y la conexión con el público, moldearon una etapa en la que la música funciona tanto como refugio personal como espacio de encuentro colectivo.

Foo Fighters y la urgencia de crear canciones nuevas

Grohl enfatizó que la motivación por seguir componiendo está tan presente como en los primeros días. “Nos reunimos a ensayar todos los días. Estar con los muchachos, trabajando en canciones nuevas, todavía me produce una sensación increíble”, afirmó en la entrevista.

El proceso actual, describió, responde a “una urgencia” que nace de la energía interna y la necesidad de expresión, sin depender de expectativas externas. “Menos en la cabeza, más en el corazón. Esos son los momentos en que todo cobra sentido”, expresó Grohl para explicar ese enfoque visceral que imprime en la composición.

La banda considera que cada tema nuevo aporta una fuerza distinta: “Agregar 10 canciones nuevas a un setlist de 26 hace que cada show sea gigante, pero todos queremos que esas canciones vean la luz”, detalló el músico, quien atribuye a los ensayos diarios la capacidad de mantener viva la creatividad y el entusiasmo.

Pat Smear, guitarrista, volvió tras una lesión y retomó los ensayos con una emoción renovada. Esta energía se traslada al escenario y se percibe como “contagiosa”, fortaleciendo el impulso colectivo del grupo.

El detrás de escena de los conciertos y la conexión con los fans

Para Foo Fighters, definir el repertorio de cada concierto implica un equilibrio entre lo emocional y lo creativo. Grohl explicó que prioriza aquellas canciones capaces de generar una conexión inmediata con el público: “Una de mis cosas favoritas de tocar en vivo es la conexión con el público. Para mí es lo más importante”.

Por eso, la banda busca combinar material nuevo con clásicos como Best of You y Everlong, temas que Grohl considera fundamentales para sostener la energía colectiva del show.

El músico aseguró que esos momentos funcionan como “el pegamento” de cada presentación y remarcó que no le interesa sacrificar ese vínculo con la audiencia solo para incorporar rarezas al setlist.

En la estructura de sus conciertos, compara el setlist con una lasaña: primero, los infaltables; luego, las novedades; y en el medio, joyas menos conocidas. “La base la forman los temas imprescindibles, después mostramos lo nuevo, y en el centro rescatamos algunas joyas”, relató en el pódcast.

La música como refugio ante la pérdida y el duelo

Más allá de los escenarios, reflexionó sobre el papel que tuvo la música en los momentos más difíciles de su vida. Las muertes de personas cercanas como Taylor Hawkins, su madre y, especialmente, Kurt Cobain marcaron profundamente su historia personal. Frente a esas pérdidas, el líder de Foo Fighters recordó haber pensado: “La música es lo que me va a salvar después de tantas pérdidas”.

Al recordar a su madre, relató cómo la música lograba reconectarla incluso en momentos críticos de salud, subrayando el poder reparador de las canciones. Reconoció que muchas noches sin poder dormir las pasa tocando por el simple placer de redescubrir esa sensación de asombro íntimo.

“Sueño con Taylor todo el tiempo, igual que con mi madre. Su energía sigue aquí. Creo que nunca nos abandonan del todo”, afirmó Grohl, resaltando la importancia de los sueños y la música para canalizar recuerdos y emociones en el proceso de duelo.

La familia, en especial sus hijas Violet y Harper, ocupa un lugar central en la vida de Grohl y también influye de manera directa en su forma de crear música. El líder de Foo Fighters aseguró: “La familia y los vínculos son inseparables de mi proceso creativo”.

Kurt Cobain, terapia y familia: motores del proceso creativo de Dave Grohl

El recuerdo de Cobain y la importancia de los vínculos personales marcaron profundamente a Grohl. “Cobain fue, sin duda, uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Su huella es imborrable”, expresó Grohl en Apple Music podcast.

Grohl abordó el papel que tuvo la terapia en su vida, desde la infancia hasta el duelo tras la pérdida de Cobain, Hawkins y otros amigos. “Es importante tener a alguien con la empatía y el conocimiento suficientes para recibir lo que entregas, sin importar cuán complicado sea”, sostuvo el músico.

El líder de Foo Fighters sostuvo: “El entorno, el hogar y quienes te rodean le dan sentido a todo lo que creas”, una idea que refleja cómo combina las experiencias personales y el paso del tiempo en su música.

Foo Fighters y el sentido de pertenencia: presente, pasado y futuro

Grohl resumió el espíritu actual de Foo Fighters como un equilibrio entre la memoria y la capacidad de reinventarse. Al referirse a Your Favorite Toy, el duodécimo álbum de estudio de la banda lanzado en abril de 2026, afirmó: “Este álbum nace desde el corazón y el instinto. Tener la oportunidad de seguir haciendo música con mis amigos lo es todo”.

La convivencia diaria, el estudio propio y la historia compartida forjaron un entorno donde la creatividad y el sentido de “hogar” se potencian. “Mientras tengamos esta química, podamos subir al escenario y luego al autobús juntos, la música será siempre nuestro lugar en el mundo”, concluyó.

Britney Spears habló de un “viaje espiritual” y de una “bendición disfrazada” días después de que su abogado se declarara culpable en su nombre de conducción temeraria ante un tribunal de California.

La cantante de 44 años publicó el sábado 9 de mayo una imagen en Instagram sosteniéndose una serpiente bebé tras ir a una tienda de mascotas junto a sus hijos.

En ese sentido, escribió una extensa reflexión sobre su estado de ánimo en la actualidad.

“Las serpientes son simbólicas de buena salud, conciencia superior y pura suerte”, afirmó en el texto que acompañó la fotografía.

En el mismo mensaje, Spears agradeció a quienes la rodean y aludió a un proceso de cambio personal.

“Estoy muy agradecida con mis amigos y con tantas personas nuevas y hermosas que he conocido a través de mi viaje espiritual… todo es una bendición disfrazada”, escribió, sin mencionar en ningún momento su reciente arresto ni el proceso judicial.

La “Princesa del Pop” también reconoció que continúa trabajando en su bienestar emocional.

“Todavía tengo que aprender a ser amable conmigo misma y con la manera en que me hablo… Es un camino sin fin y a veces simplemente me detengo, miro hacia arriba y digo: ‘Dios mío, creo que eras tú’, y sonrío”, añadió.

Antes de esa publicación, tras su sentencia del lunes 4 de mayo, Spears había roto su silencio públicamente con una imagen que contenía la frase “Tu energía es magnética, diosa”, atribuida a “Moon Magic Priestess”, sin añadir ninguna leyenda al post.

Britney Spears no irá a la cárcel por conducir en estado de ebriedad

Britney Spears no estuvo presente en la audiencia celebrada el lunes 4 de mayo en el Tribunal Superior del Condado de Ventura, California, en la que su abogado Michael A. Goldstein aceptó en su nombre un acuerdo conocido como “wet reckless”, una figura de cargo reducido habitual en casos de infractores por primera vez con niveles bajos de alcohol en sangre y sin accidentes ni lesiones.

La artista no estaba obligada a comparecer, según informó la Fiscalía del Condado de Ventura.

“A través de su declaración de culpabilidad, Britney ha aceptado la responsabilidad por su conducta. Ha dado pasos significativos para implementar un cambio positivo, lo que se refleja claramente en la decisión de la Fiscalía del Condado de Ventura de reducir el cargo en este caso y desestimar el DUI”, dijo Goldstein en declaraciones recogidas por la prensa estadounidense.

Como resultado del acuerdo, la artista fue sentenciada a 12 meses de libertad condicional informal y un día de cárcel, computado como tiempo cumplido, además de una multa de 571 dólares.

Deberá completar un programa de educación sobre alcohol de tres meses de duración, asistir a sesiones semanales con un psicólogo y al menos dos visitas mensuales con un psiquiatra.

Su vehículo podrá ser registrado en busca de alcohol y drogas en cualquier momento. El fiscal del Condado de Ventura, Erik Nasarenko, detalló las condiciones ante la prensa tras la audiencia.

“Uno de los componentes clave de la resolución de esta mañana fue asegurarnos de que la señora Spears continuara con su régimen de salud mental y de abuso de sustancias", afirmó, según declaraciones recogidas por Page Six.

“Ya sea una cantante famosa o una maestra de escuela, queremos lo mismo para cada infractor por primera vez en el Condado de Ventura”, agregó.

Los hechos que originaron el proceso se remontan a la noche del 4 de marzo, cuando la Patrulla de Carreteras de California recibió un reporte sobre un vehículo a exceso de velocidad en la autopista 101, en el Condado de Ventura.

Según un audio del despacho del 911, Britney Spears conducía un BMW negro que circulaba “entrando y saliendo de los carriles” y “a alta velocidad”.

El incidente ocurrió durante un paseo al aire libre. Bacon describió la secuencia en un video publicado en su cuenta de Instagram el jueves.

“Scoot iba adelante, Sosie estaba en el medio y yo cerraba la marcha”, relató el protagonista de Footloose. “Scoot señaló hacia la izquierda que había una colmena, y Sosie me dijo: ‘Papá, oye, hay una colmena, ten cuidado’”.

La advertencia no fue suficiente. Según el propio Bacon, las abejas lo eligieron a él como único blanco.

“Esas abejas, supongo que no les gustó mi trabajo, porque dejaron a los otros dos en paz y vinieron directamente contra mí”, recordó el actor de 66 años. “‘Vamos a atacar a KB’. Las abejas me picaron por todos lados, incluso debajo de la camisa”.

Kevin Bacon aclaró que agradeció que nadie hubiera filmado el episodio, aunque igualmente quiso compartir una recreación visual con sus seguidores.

“Fue muy amable de parte de mi hija no sacar el teléfono y empezar a grabar esa épica danza de picaduras de abeja que estaba haciendo”, dijo. “Pero le pregunté si había alguna manera de que pudiera recrearla de memoria”.

En el video, Sosie Bacon imitó el momento desde su casa. Primero reprodujo la advertencia de su pareja Scoot McNairy —“Hay abejas ahí“— y luego pasó a encarnar a su padre: agitó los brazos con dramatismo, lanzó su gorra de béisbol al suelo y comenzó a quitarse el buzo en plena huida imaginaria.

“No fue ni más ni menos que ese baile exacto”, escribió Sosie en los comentarios de la publicación. La actriz Kyra Sedgwick, esposa de Bacon, celebró el video con entusiasmo en los comentarios.

¿Quién es Sosie Bacon, la hija actriz de Kevin Bacon?

Sosie Bacon nació el 15 de marzo de 1992 y es la hija menor de Kevin Bacon y Kyra Sedgwick, quienes están casados desde 1988.

A sus 34 años, la artista cuenta con una trayectoria reconocida en cine y televisión.

Entre sus créditos más destacados figuran la serie de HBO Mare of Easttown, Narcos: México, 13 Reasons Why de Netflix y Here and Now.

Su debut frente a cámara llegó en 2005, cuando Bacon —en su rol de director— la eligió para interpretar la versión joven del personaje de su madre en la película Loverboy.

“Simplemente no pude resistirme”, explicó el actor a la revista New York Magazine. “Sosie estuvo genial”.

En noviembre de 2013, Sosie fue coronada Miss Golden Globe. Ante esa distinción, Kevin Bacon declaró a la revista People: “Estoy muy orgulloso de mi pequeña. Estoy orgulloso de ella los 365 días del año”.

Su salto al primer plano llegó en 2022 con el protagónico en la película de terror Smile.

Bacon habló sobre ese momento con People y destacó la exigencia del papel: “Cuando vi la película, quedé verdaderamente sorprendido, no solo por lo buena que estuvo, sino también por lo difícil que era ese rol”, señaló.

Recientemente, toda la familia participó en Family Movie, una comedia de terror con producción de Dark Castle que reúne a Kevin Bacon, Kyra Sedgwick, Sosie y su hermano Travis Bacon, músico y compositor. El filme tuvo su premiere en el festival South by Southwest en marzo.

En esa ocasión, Sosie Bacon reconoció ante Entertainment Weekly que la experiencia generó algunas dudas previas: “Tenía reservas, sin duda. Creo que todos teníamos preocupaciones de que surgieran discusiones... pequeñas tensiones en el set”.

Travis, en cambio, destacó el resultado positivo: “Se sintió sumamente colaborativo y sentí que las voces de todos fueron escuchadas. Fue mágico”, afirmó al mismo medio.

James Haspiel, amigo de la actriz durante ocho años, reveló a la revista People los motivos por los que Marilyn Monroe rechazaba los corsés y fajas que eran habituales entre las actrices de su época.

Haspiel, hoy de 88 años, conoció a la estrella de Hollywood en septiembre de 1954, cuando él tenía 16 años y ella llegó a Nueva York para filmar El dulce pálpito, la comedia de 1955.

Lo que comenzó como una relación entre fan y estrella derivó con el tiempo en una amistad cercana que le permitió conocer a la persona detrás del personaje público. “Era amada porque no usaba faja”, dijo Haspiel a People. “Era auténtica”.

En los años 50, el uso de fajas era una práctica extendida entre las celebridades del cine. “Las actrices usaban fajas para tener un estómago plano”, señaló. “Lana Turner es el ejemplo perfecto. Nunca tuvo más que una figura perfecta”.

Monroe, en cambio, fue la excepción. “Hacía cosas que otras actrices no solían hacer”, indicó Haspiel.

Como prueba de ello, recordó una de las escenas más célebres del thriller de 1953 Niágara, en la que la actriz luce un vestido rosa y ceñido al cuerpo mientras camina hacia la cámara.

“Su estómago es prominente en el vestido. Si hubiera llevado faja, no habría sido así”, señaló.

Haspiel también mencionó la comedia romántica de 1957 El príncipe y la corista como otro ejemplo visible de la silueta natural de la actriz.

A lo largo de su vida, Marilyn Monroe fue objeto de críticas injustas por su peso, que fluctuaba en parte debido a su lucha crónica con la endometriosis, enfermedad que puede provocar hinchazón abdominal.

Esa característica física dio pie a especulaciones sobre posibles embarazos.

El 8 de septiembre de 1960, tras una sesión de vestuario para el drama de 1961 Vidas rebeldes en Nueva York, circularon rumores de que la artista esperaba un hijo, no de su entonces esposo Arthur Miller, sino de otros hombres de alto perfil con quienes se la vinculaba.

Haspiel descartó esas versiones de manera categórica. “Es el mismo vientre que se ve en pantalla durante dos horas en El príncipe y la corista y el mismo que apareció por primera vez en Niágara”, afirmó.

Y agregó: “En otras palabras, puedes volver a esas películas y ver ese mismo vientre. Y era simplemente porque, a diferencia de otras actrices, Marilyn no usaba faja“.

Más allá de rechazar las fajas, Monroe era activa para los estándares de la época: levantaba pesas de dos kilos y medio y salía a trotar, hábitos poco frecuentes entre las actrices de entonces.

Haspiel resumió así la naturaleza dual de la estrella: “Marilyn Monroe era un disfraz que se ponía. Era su invención, le dio éxito, pero en la vida real era Norma Jeane“, en referencia al nombre de pila que la actriz llevó antes de cambiarlo en 1946.

Marilyn Monroe fue hallada muerta el 5 de agosto de 1962, a los 36 años, en lo que se determinó como una sobredosis de medicamentos. James Haspiel confesó que lloró durante dos años tras su muerte.

La última entrevista de Marilyn Monroe

En el verano de 1962, semanas antes de su muerte, la actriz concedió una serie de conversaciones al editor de la revista Life, Richard Meryman, en las que abordó su relación con la fama y el malestar que le generaba su imagen pública.

“La mayoría de la gente realmente no me conoce. Ese es el problema: un símbolo sexual se convierte en un objeto. Simplemente odio ser un objeto”, declaró la actriz, según recogió el medio.

Marilyn Monroe, nacida como Norma Jeane Baker, relató una infancia marcada por estancias en hogares de acogida, donde algunos tutores la enviaban al cine por horas.

“Decidí que quería ser actriz cuando tenía cinco años. Me sentaba todo el día y hasta bien entrada la noche —ahí adelante, una niña pequeña completamente sola— y me encantaba”, recordó.

A los 18 años fue descubierta por un fotógrafo mientras trabajaba en una fábrica, lo que dio inicio a su carrera como modelo y luego como actriz.

Sobre la fama, fue igualmente ambivalente. “Es como el caviar. Está bien tener caviar, pero si lo tuvieras todos los malditos días, ¿sabes? Demasiado caviar”, expresó.

Respecto a su imagen como símbolo sexual, declaró: “Creo que la sexualidad solo es atractiva cuando es natural y espontánea. Nunca he actuado conscientemente desde un punto de vista sexual”.

La entrevista fue publicada el 3 de agosto de 1962 en Life. Dos días después, Monroe fue hallada muerta por intoxicación aguda de barbitúricos, en un caso catalogado como “posible suicidio”.

Esas declaraciones forman parte del libro Marilyn: The Lost Photographs, The Last Interview, que incluye la entrevista completa junto con fotografías de Allan Grant y se publicó el 12 de mayo de 2026.

Sally Field reveló que fue Jack Nicholson quien relanzó su carrera cinematográfica al recomendarla como “un talento sin descubrir” tras verla entrenar en el Actor Studio de Los Ángeles, cuando ningún director quería considerarla después de su paso por la serie de televisión The Flying Nun.

En una entrevista con la revista People, la actriz de 79 años recordó que, tras protagonizar la comedia fantástica durante los primeros años de la década de 1970, enfrentó un cierre casi total de puertas en la industria.

“No podía entrar a una sala para hacer una audición. No podía estar en la lista. Creían que ya sabían lo que era. ‘No, gracias. No queremos nada de eso’”, declaró la estrella de Papá por siempre y Magnolias de acero.

Ante ese panorama, Field adoptó una postura que, según sus propias palabras, la sostuvo durante años: “Tuve que decirme a mí misma que si no estaba donde quería estar, tenía que mejorar”.

La artista reconoció que Hollywood puede ser “podrido” e “injusto”, pero consideró que la responsabilidad de cambiar su situación recaía sobre ella misma.

“Sentí que si no hacía eso, les estaba entregando todo el poder”, señaló.

Con ese objetivo, Sally Field comenzó a estudiar en el Actor Studio de Los Ángeles, la reconocida escuela fundada por el coach Lee Strasberg.

Fue allí donde coincidió con Jack Nicholson, entonces uno de los tantos “actores maravillosos, actores que realmente trabajaban” que se formaban bajo su dirección. “Todo el mundo solía venir. Estaba lleno. No se podía entrar”, recordó.

Field se entregó al trabajo con una dedicación que, según describió, era constante. “Me dije a mí misma: ‘Cambiará cuando sea lo suficientemente buena’. Y en última instancia, de una manera extraña, sucedió porque estaba actuando tanto en el estudio”, explicó.

Fue precisamente Nicholson, de 89 años, quien la vio entrenar junto a Strasberg y decidió recomendarla ante el director Bob Rafelson y la directora de casting Dianne Crittenden, describiéndola como “un talento sin descubrir”.

Crittenden llamó entonces a Field para una reunión, que la actriz describió a People como su primera entrevista real desde Gidget, la comedia televisiva de 1965. El encuentro fue para la película Stay Hungry, una comedia dramática dirigida por Rafelson y ambientada en un gimnasio.

“Mi teoría era correcta. Trabajé en el Actor Studio durante tanto tiempo, y fue tan difícil, que Jack lo había visto y la palabra se difundió“, señaló.

Field obtuvo el papel y protagonizó la película junto a Jeff Bridges y un entonces desconocido Arnold Schwarzenegger. El estreno de Stay Hungry, en 1976, marcó el inicio de una nueva etapa en su carrera.

“Fue el comienzo del cambio hacia una carrera más significativa en Hollywood”, concluyó.

Ese mismo año, Field ganó un Emmy por la miniserie Sybil. A partir de allí, encadenó una serie de trabajos que la consolidaron como una de las figuras centrales del cine estadounidense: Smokey and the Bandit, Norma Rae y Places in the Heart, entre otros. Hoy suma dos premios Óscar, dos Emmy y una nominación al Tony.

Sin embargo, la experiencia de Stay Hungry no estuvo exenta de episodios oscuros. En su autobiografía de 2018, In Pieces, Field afirmó que Rafelson le pidió que se quitara la parte superior de la ropa durante el proceso de audición y que la besara, alegando que necesitaba evaluar cómo filmarla para una escena de desnudo.

Rafelson negó los hechos ante The New York Times ese mismo año, cuatro años antes de su muerte en 2022. “Es totalmente falso. Es la primera vez que escucho esto. No hice que nadie me besara para conseguir ningún papel”, declaró.

Actualmente, Field protagoniza Remarkably Bright Creatures, adaptación del libro de Shelby Van Pelt, disponible en Netflix. La actriz adelantó a People que prevé sumarse a los ensayos de una obra de teatro a finales del verano. “Es lo que hago”, dijo. “Siempre espero mejorar”.

La producción superó en la categoría a 'Bajo las banderas, el sol’, Flores para Antonio y Tardes de soledad durante la ceremonia celebrada este sábado.

El productor e investigador Brunno Pacini recibió el premio en representación del equipo de la película. Durante su discurso, citado por el medio brasileño Omelete, destacó el trabajo de los investigadores y técnicos que participaron en el proyecto.

“Es un equipo maravilloso, gigantesco... No hay palabras para explicar lo que hicieron, las horas trabajadas. Investigadores que fueron detrás de documentos que ni siquiera sabíamos que existían. Todos ellos fueron fundamentales para que esta película se hiciera realidad”, expresó. “El cine documental tiene la capacidad de transformar el trauma en memoria, y la memoria en movimiento”.

De qué trata ‘Apocalipsis en los trópicos’

El filme examiena el crecimiento del movimiento evangélico dentro de la política brasileña y el poder que adquirieron algunos líderes religiosos durante los últimos años.

La directora centra parte de la historia en Silas Malafaia, uno de los aliados más visibles del expresidente Jair Bolsonaro. El documental muestra cómo sectores evangélicos adquirieron influencia dentro del Congreso y del discurso político de la derecha brasileña.

Según la descripción de la producción, Costa obtuvo acceso cercano a Malafaia y a figuras vinculadas al bolsonarismo.

La película también aborda la pandemia de COVID-19 en Brasil, las elecciones presidenciales de 2022 y la crisis política posterior a la derrota electoral de Bolsonaro frente a Luiz Inácio Lula da Silva. Plantea la pregunta de si la religión exacerbó el contexto social en el marco del intento de golpe de Estado ocurrido tras las elecciones brasileñas.

Al mismo tiempo, la película muestra los esfuerzos de Lula por acercarse al electorado religioso y por construir un discurso de reconciliación en medio de un escenario político polarizado.

El documental también provocó polémica en Brasil. Según información citada en la ficha de la película, Silas Malafaia asistió a una proyección especial en Río de Janeiro y abandonó la sala molesto por el contenido del filme.

¿Dónde ver el documental ‘Apocalipsis en los trópicos’?

La película tuvo su estreno mundial fuera de competencia en el Festival Internacional de Cine de Venecia el 29 de agosto de 2024.

Después llegó a salas de cine de Brasil en julio de 2025 y más tarde se incorporó al catálogo de Netflix, empresa responsable de su distribución internacional. El estreno mundial en la plataforma ocurrió el 14 de julio de 2025. Actualmente, Apocalipsis en los trópicos permanece disponible en Netflix para el público internacional.

La producción también obtuvo cuatro nominaciones en los Critics Choice Documentary Awards y recibió un premio de la International Documentary Association. Además, apareció en la lista de preseleccionados al Oscar 2026, aunque no ingresó a las nominaciones finales.

La decimotercera edición de los Premios Platino Xcaret se celebra este sábado en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en Riviera Maya, México, con una ceremonia que comenzará a las 20:00 horas (horario local). Este año, la organización amplió el número de categorías y modificó la estructura tradicional de la premiación para reconocer con mayor amplitud al cine y las series iberoamericanas.

El 7 de mayo se realizó por primera vez una Ceremonia de Apertura, en la que se entregaron 21 estatuillas cuyos ganadores fueron previamente revelados el pasado 16 de abril.

La ceremonia principal estará conducida por el actor colombiano Carlos Torres y la actriz española Cayetana Guillén Cuervo. Sobre el escenario, una larga lista de figuras del audiovisual iberoamericano presentará categorías y entregará los reconocimientos: Alfredo Castro, André Lamoglia, Antonia Zegers, Belén Rueda, Carmen Villalobos, China Suárez, Christian Malheiros, Christian Meier, Giba, Javier Sotomayor, Jorge López, Juan Alfonso Baptista, Juana Acosta, Ludwika Paleta, Manolo Cardona, Mariela Garriga, Michel Brown, Nicolás Furtado, Paco León, Santiago Cabrera, Sara Linares, Stephanie Cayo y Valeria Mazza.

También entregarán galardones algunos de los ganadores ya consagrados en la Ceremonia de Apertura: Álvaro Cervantes, premiado como Mejor Interpretación Masculina de Reparto por Sorda, y César Troncoso y Andrea Pietra, ganadores en las categorías de Mejor Interpretación Masculina y Femenina de Reparto en Miniserie por El Eternauta.

La gala homenajeará con el Platino de Honor al actor argentino Guillermo Francella, quien acumula ya dos estatuillas: una a Mejor Interpretación Masculina por El Clan en 2016 y otra a Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie por El Encargado en 2023. Este año, además, compite en la categoría de Mejor Interpretación Masculina por su trabajo en Homo Argentum.

A continuación, la cobertura minuto a minuto del evento:

Mejor película iberoamericana de ficción

Belén Rueda y Edgar Ramírez entregaron el premio a O agente secreto.

Mejor dirección

Paco León y Antonia Zegers le entregaron el premio a Kleber Mendonça Filho por su trabajo en O agente secreto.

Mejor Guion

Mariela Garriga, Santiago Cabrera y Christian Malheiros entregaron el premio a Kleber Mendonça Filho por O agente secreto.

Mejor interpretación masculina

Álvaro Cervantes y Juana Acosta a Wagner Moura por su trabajo en O agente secreto. El actor no pudo asistir a la ceremonia por cuestiones de trabajo.

Mejor interpretación femenina

Alfredo Castro y Camila Plaate entregaron la estatuilla a Blanca Soroa por su protagónico en Los domingos.

Mejor comedia iberoamericana de ficción

Ana Claudia Talancón y José Eduardo Derbez entregaron la estatuilla a La cena, dirigida por Manuel Gómez Pereira.

Mejor Ópera Prima

Stephanie Cayo y André Lamoglia entregaron el galardón a Sorda, dirigida por Eva Libertad.

Homenaje a Guillermo Francella

Guillermo Francella fue homenajeado con el premio Platino de Honor gracias a su trayectoria de varias décadas en la televisión.

Mejor serie de larga duración

Carmen Villalobos y Juan Alfonso Baptista entregaron el galardón a Beleza Fatal.

Mejor película documental

Javier Sotomayor, Valeria Mazza y Giba entregaron el galardón a Apocalipse nos trópicos. La directora del filme, Petra Costa, no pudo asistir a la ceremonia.

Mejor película animada

Sara Linares, Michel Brown y Jorge López entregaron el galardón a la cinta Olivia & las nubes.

Mejor miniserie o teleserie

Mabel Moreno, Michael Ronda y Manolo Cardona entregaron el premio a El eternauta.

Mejor interpretación femenina en una miniserie o teleserie

Juan Minujín y Andrea Pietra entregaron el galardón a Paulina Gaitán por su participación en Las muertas.

Mejor interpretación masculina en una miniserie o teleserie

Ludwika Paleta y César Troncoso entregaron la estatuilla a Ricardo Darín por su trabajo en El eternauta. El actor no pudo asistir a la ceremonia para recoger su premio.

Mejor creador en miniserie o teleserie

Carolina Kopelioff y Christian Meier entregaron el galardón a Bruno Stagnaro por su trabajo de adaptación en El eternauta

María Becerra inaugura la ceremonia

María Becerra abrió la ceremonia de los Premios Platino 2026 con la interpretación de su tema “El recuerdo que nunca existió”

Dolores Fonzi llega a la alfombra roja

Dolores Fonzi está nominada a Mejor Interpretación Femenina por su trabajo en Belén.

Guillermo Francella llega a la alfombra roja

Guillermo Francella está nominado a Mejor Interpretación Masculina por Homo Argentum.

Antes de la ceremonia principal de los Premios Platino Xcaret, los artistas desfilarán por la alfombra roja.

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La película The Rip (El botín), protagonizada por Matt Damon y Ben Affleck, ha propiciado una controversia legal: dos oficiales del Miami-Dade Sheriff’s Office presentaron una demanda por difamación contra las compañías relacionadas con el filme.

Según reportaron los medios el 9 de mayo de 2026, los agentes Jason Smith y Jonathan Santana sostienen que la producción de Netflix los retrata de manera implícita como policías corruptos vinculados a actividades criminales.

La denuncia fue presentada contra Artists Equity, la productora fundada por Damon y Affleck a cargo del proyecto, y contra Falco Productions. Aunque los nombres de Smith y Santana nunca aparecen en la película, los oficiales aseguran que el guion los habría vinculado con los personajes ficticios debido a los detalles específicos utilizados en la historia.

¿De qué trata ‘The Rip’?

Estrenada en Netflix en enero de 2026, El botín es un thriller criminal dirigido y escrito por Joe Carnahan. El filme reúne otra vez a Damon y Affleck en pantalla como el teniente Dane Dumars y el detective J.D. Byrne, dos policías de Miami que descubren millones de dólares pertenecientes a un cartel de drogas durante un operativo.

Después del hallazgo, la trama muestra cómo surgen sospechas de corrupción dentro del departamento policial y cómo la confianza entre los agentes empieza a deteriorarse. El elenco también incluye a Teyana Taylor, Sasha Calle, Scott Adkins y Steven Yeun.

Desde la promoción del filme, Carnahan explicó que la historia estaba inspirada en una redada antidrogas real ocurrida en Miami Lakes en 2016, cuando autoridades del entonces Departamento de Policía de Miami-Dade incautaron más de 21 millones de dólares en efectivo producto del lavado de dinero. La operación fue considerada una de las mayores confiscaciones en la historia del condado.

Otro detalle que resaltan los demandantes es que el filme inicia con el mensaje “inspirado en hechos reales”.

Las acusaciones de los oficiales

De acuerdo con Entertainment Weekly, la demanda sostiene que la película y su publicidad “implican mala conducta, pobre juicio y comportamiento poco ético en conexión con una operación policial real”.

Los oficiales aseguran que el uso de detalles específicos del operativo de junio de 2016, junto con la ambientación en Miami-Dade y la representación de una unidad antidrogas, lleva al público a relacionarlos directamente con los personajes ficticios.

Entre las escenas mencionadas en la denuncia aparecen secuencias en las que los personajes quiebran procedimientos policiales, mantienen contacto con carteles de droga e incluso consideran quedarse ilegalmente con parte del dinero hallado durante el operativo. Una de las escenas más cuestionadas involucra al personaje de Affleck, quien asesina a un agente de la DEA.

Los demandantes sostienen que, salvo la existencia de una gran incautación de dinero, “los eventos retratados en la película no ocurrieron”.

Jonathan Santana, quien fue el detective principal del caso real de 2016, declaró a 7 News Miami que desde el estreno del filme ha sido objeto de burlas y sospechas. “Cuando robas algo, estás robando algo. Nosotros nunca robamos ni un dólar”, dijo el oficial.

Santana también afirmó que antes del estreno era reconocido positivamente por su trabajo, pero ahora muchas personas hacen comentarios insinuando que hurtó “baldes de dinero”.

Asimismo, el abogado del oficial, Ignacio Alvarez, acusó directamente a la producción de presentar a sus clientes como agentes corruptos. “Ahora sus reputaciones están dañadas”, declaró.

La demanda reportada por las autoridades acusa a las compañías productoras de difamación directa, difamación implícita y daño emocional intencional. Los oficiales solicitan que se retracten publicamente, además de la incorporación de un “disclaimer prominente” que deje claro que los hechos mostrados en pantalla no representan lo sucedido en la investigación real.

También piden daños compensatorios, daños punitivos y el pago de honorarios legales.

Según Entertainment Weekly, los abogados de Smith y Santana enviaron una carta en diciembre de 2025 para intentar bloquear el lanzamiento de la película debido a los elementos supuestamente difamatorios. Sin embargo, tras el estreno, las compañías respondieron que “las preocupaciones eran infundadas porque la película no nombraba expresamente al sargento Smith y no existía ninguna implicación de que los demandantes hubieran participado en mala conducta”.

Hasta ahora, representantes de Damon, Affleck y Artists Equity no emitieron comentarios públicos sobre el caso. Netflix, que no figura como demandada en la denuncia, también rechazó hacer comentarios.

Durante siete años, Holly Madison vivió bajo el mismo techo que Hugh Hefner en la icónica Mansión Playboy. Era la novia número uno del magnate del entretenimiento para adultos, aunque ello implicaba más obligaciones que privilegios en el dormitorio.

Ahora, años después de la muerte de Hefner en 2017, Madison saca a la luz detalles inéditos de su vida como pareja del empresario. En una entrevista publicada el 5 de mayo de 2026 en el podcast Let’s Be Honest with Kristin Cavallari, la actriz describió cómo funcionaban los encuentros sexuales grupales que Hefner organizaba con regularidad.

Antes de que el reality show The Girls Next Door comenzara a filmarse en 2005, Hefner (quien tenía casi 80 años) exigía a sus novias principales acompañarlo en “noches de cita” todos los miércoles y viernes. La rutina era siempre la misma: salir a un club nocturno y regresar a la mansión para tener relaciones sexuales en grupo.

Las tres novias principales eran Madison, Bridget Marquardt y Kendra Wilkinson, pero con el tiempo se sumaban otras mujeres al dormitorio, lo que Holly describió como “una escena realmente rara”.

Según relató al podcast, había cierto orden implícito en esos encuentros: “Era como una especie de turnos, y las chicas que no estaban activas con él actuaban como si lo estuvieran con las otras chicas, pero en realidad no”, explicó.

El ambiente era oscuro, con enormes pantallas de pornografía como telón de fondo, y la prioridad de todas era terminar cuanto antes. “Era una escena realmente extraña. A nadie le gustaba y todo el mundo trataba de terminar lo más rápido posible”, confesó Madison.

La llegada de The Girls Next Door a la cadena E! en 2005 transformó esa dinámica. El programa, que siguió durante seis temporadas la vida de Madison, Marquardt y Wilkinson dentro de la mansión, rompió varios récords de audiencia en sus primeras tres temporadas y revitalizó la marca Playboy, que entonces tenía 50 años de existencia.

Y con el éxito, llegó el alivio de las noches de cita. “Después de que empezamos a filmar el show, eso simplemente se terminó, lo cual fue increíble”, recordó Madison.

La razón, según ella, tenía que ver con el ego de Hefner: “Le encantaba el show. Lo tenía eufórico. Le dio nueva relevancia, ese impulso para su ego. Así que no sentía realmente la necesidad de, ‘Oh, tengo que hacer estas noches de sexo compulsivo para sentirme querido y relevante’, creo”.

“No es que no saliéramos nunca, si era una ocasión especial, pero dejamos esas noches de club regulares, donde salíamos todos los miércoles y viernes, porque estábamos muy ocupadas con el show”, explicó Madison.

Las tres novias y el fin de una era

Madison, Marquardt y Wilkinson protagonizaron juntas los cinco primeros años del show, pero su vínculo fue evolucionando. Según Madison, las tres llegaron a un entendimiento tácito sobre las obligaciones sexuales: “Creo que Bridget, Kendra y yo estábamos tan en la misma página que simplemente no queríamos hacer eso más. Nadie tuvo que decir nada. Fue como, ‘Okay, ya no vamos a salir más’”.

Para la última temporada de The Girls Next Door en 2009, las tres ya no eran novias de Hefner, aunque seguían apareciendo en pantalla. Sus reemplazos fueron Crystal Harris, quien se casó con Hefner en 2012, y las gemelas de 19 años Kristina y Karissa Shannon.

Estas revelaciones no son las primeras de Madison sobre su tiempo en la mansión. En 2022, la docuserie Secrets of Playboy de A&E recogió sus declaraciones. Ahí, ella confesó que su primera vez con el magnate fue “traumática” y comparó el ambiente con el de una secta.

Justin Baldoni continúa enfrentando las consecuencias emocionales derivadas de la disputa legal que sostuvo con Blake Lively, de acuerdo con declaraciones recientes de su amigo y coprotagonista Adam Mondschein.

Mondschein, quien participó junto a Baldoni en la película It Ends With Us, habló sobre el estado emocional del cineasta durante una entrevista concedida al medio Page Six.

Según explicó, Baldoni ha experimentado “estrés emocional” en medio del prolongado proceso judicial relacionado con la producción cinematográfica.

“Es una gran carga para llevar por el peso y el estrés emocional que esto le genera”, señaló Mondschein al referirse a la situación que atraviesa el actor y director de 42 años.

También mencionó el impacto que el conflicto habría tenido tanto en Baldoni como en su entorno familiar. “Es una persona real”, afirmó el intérprete de 50 años, quien agregó que sostener públicamente una versión distinta sobre sí mismo puede resultar agotador.

Adam Mondschein también indicó que Justin Baldoni se encuentra afectado emocionalmente por la situación y aseguró que considera al director una persona comprometida con su trabajo y sus proyectos profesionales.

La controversia legal comenzó en diciembre de 2024, cuando Blake Lively presentó una denuncia contra Baldoni.

En ella acusó a su coprotagonista y director de acoso sexual y de fomentar un ambiente laboral tóxico durante la realización de It Ends With Us, adaptación cinematográfica de la novela homónima escrita por Colleen Hoover.

La actriz también sostuvo que Justin habría participado en una campaña organizada para afectar su imagen pública, acusación que posteriormente fue abordada en un artículo publicado por The New York Times bajo el título “We Can Bury Anyone: Inside a Hollywood Smear Machine”.

Posteriormente, Lively presentó una demanda formal contra el actor, en la que incluyó acusaciones por acoso sexual, incumplimiento de contrato, invasión de privacidad y daños emocionales.

Baldoni negó públicamente todas las acusaciones presentadas por la actriz y respondió con una demanda por difamación y extorsión valuada en 400 millones de dólares. La acción legal también incluyó a Ryan Reynolds, esposo de Lively, así como al equipo de relaciones públicas de la actriz.

El proceso judicial avanzó durante varios meses y estuvo acompañado de declaraciones públicas y presentaciones legales de ambas partes.

Más adelante, el tribunal desestimó la mayoría de las acusaciones presentadas por Blake Lively, incluidas las relacionadas con acoso sexual contra Baldoni. Luego de ese fallo, ambas partes alcanzaron un acuerdo para resolver el conflicto judicial.

Sin embargo, la resolución del caso se concretó el pasado 4 de mayo mediante un acuerdo alcanzado poco antes de continuar con nuevas etapas del proceso legal.

En medio de la controversia, Mondschein también habló sobre la motivación que, según él, llevó a Justin Baldoni a involucrarse en la adaptación cinematográfica de la novela de Hoover.

“La razón por la que quiso dirigir esta obra, la razón por la que quiso participar en ella, por la que quiso volcarse en ella, fue porque consideró que el libro era importante”, explicó, señalando que Baldoni tenía “una gran relación” con la autora y quería contar “la mejor” historia.

El actor Nick Pasqual, quien fue parte de la serie How I Met Your Mother, fue declarado culpable de intento de asesinato por el violento ataque contra su expareja, la maquilladora de Hollywood Allie Shehorn, ocurrido en mayo de 2024 en la ciudad de Los Ángeles.

El veredicto se conoció el viernes 8 de mayo, después de un juicio que se extendió entre el 27 de abril y el 8 de mayo de 2026. Según reportó la prensa local, Pasqual recibió una condena por todos los cargos relacionados con el atentado contra Shehorn, quien sufrió más de 20 puñaladas en su vivienda del vecindario de Sunland.

Documentos judiciales revisados por Entertainment Weekly señalan que el jurado además validó dos agravantes: causar lesiones graves en un contexto de violencia doméstica y utilizar un arma blanca durante el crimen.

Pasqual también recibió una condena por violación sexual debido a un hecho ocurrido un mes antes del ataque. A eso se sumaron cargos por robo residencial en primer grado y varios delitos por lesiones contra una pareja o conviviente. El actor de 36 años se había declarado inocente de todas las acusaciones.

El relato de la víctima durante el juicio

Durante el proceso judicial, Allie Shehorn declaró ante el tribunal y describió el episodio que casi le cuesta la vida. La maquilladora apareció con cicatrices visibles en el brazo y el cuello. Según su testimonio, la relación con Pasqual se volvió violenta antes de la separación.

Shehorn narró uno de los incidentes que le hizo ver que tenía que romper el romance: “Cerré la puerta y él empezó a golpearla y a hacer agujeros. Después corrí al baño porque pensé que esa puerta tenía otra cerradura”, declaró entre lágrimas.

Debido a esos antecedentes de abuso físico, Shehorn ya había solicitado una orden de restricción contra Pasqual antes del ataque. Cinco días antes de la brutal agresión hacia Allie, el actor salió de prisión tras pagar una fianza de 50 mil dólares.

“Tan pronto como pagó la fianza, fue tras ella”, declaró Jeff Dornoff, amigo cercano de Shehorn, a la revista PEOPLE.

La fiscalía sostuvo que Pasqual ingresó a la vivienda de Shehorn durante la madrugada del 23 de mayo de 2024 y la atacó con un cuchillo alrededor de las 4:30 a.m.

Después de la agresión, Christine White, amiga de la víctima, encontró a Shehorn gravemente herida en un charco de sangre dentro de la vivienda. Según Los Angeles Times, la maquilladora presentaba más de 20 heridas de arma blanca.

“Le dije que mantuviera la mano en su cuello para detener el sangrado”, recordó White sobre los primeros minutos posteriores al ataque.

Shehorn pasó por 14 horas de cirugías reconstructivas y procedimientos de emergencia. Además, necesitó tubos de alimentación y asistencia respiratoria durante parte de su recuperación, según información difundida en una campaña de GoFundMe creada para cubrir gastos médicos.

Podría recibir cadena perpetua

Tras el ataque, Pasqual huyó del lugar y terminó detenido en un puesto de control fronterizo entre Estados Unidos y México, en Sierra Blanca, Texas. La información fue confirmada por la oficina del fiscal de distrito de Los Ángeles.

El actor podría recibir una sentencia máxima de cadena perpetua en una prisión estatal. La audiencia de sentencia quedó programada para el 2 de junio en Los Ángeles.

Aunque Nick Pasqual no tuvo una carrera protagónica en Hollywood, apareció en varios proyectos de cine y televisión. Además de su participación en How I Met Your Mother en 2011, trabajó en el programa de sketches National Day Riff y tuvo pequeños papeles en películas como Rebel Moon – Part One: A Child of Fire, Jobs y The Road.

Por su parte, Allie Shehorn participó como maquilladora en producciones como Babylon, Mean Girls y Rebel Moon – Part One: A Child of Fire.

Martin Short recordó cómo conoció a su colaborador y amigo de larga trayectoria Steve Martin en 1985, durante una conversación pública celebrada en Los Ángeles.

La anécdota fue compartida en el evento Netflix Is a Joke Presents: This Better Be Funny with David Letterman.

Durante el panel, Short habló sobre el inicio de su relación profesional y personal con Martin, quien actualmente tiene 80 años. Según relató, el encuentro ocurrió después de una aparición en el programa de Letterman a mediados de la década de 1980.

“Después volé a Los Ángeles para recoger el guion de Three Amigos! en su casa. Entré y vi todo ese arte increíble y dije: ‘¿Cómo te hiciste tan rico? Porque he visto tu espectáculo’”, explicó.

El actor añadió que desde entonces ambos mantuvieron una relación cercana. Poco tiempo después compartieron pantalla en la película Three Amigos!, estrenada en 1986, producción que marcó el inicio de una colaboración continua entre los dos actores.

El comediante explicó que, tras finalizar el rodaje, decidieron mantener el vínculo más allá del trabajo cinematográfico.

“Una cosa sobre las películas es que pasas meses juntos y luego nunca vuelves a verte. Steve y yo tomamos la decisión consciente de no permitir que eso ocurriera”, señaló.

A lo largo de las últimas décadas, ambos artistas han desarrollado proyectos conjuntos tanto en cine como en televisión y espectáculos en vivo.

Según Short, durante más de diez años han realizado alrededor de 35 presentaciones anuales juntos. También comentó que los nombres de sus espectáculos han variado con el tiempo, mencionando títulos como “The Dukes of Funnytown” y “Two Wild and Crazy Guys”.

Además de sus giras, Steve Martin y Martin Short participan desde 2021 en la serie Only Murders in the Building. La producción fue cocreada por Martin y John Hoffman, mientras que Short figura también como productor ejecutivo. En la serie comparten elenco con Selena Gomez.

En entrevistas previas, ambos actores han hablado públicamente sobre su amistad.

En 2022, Steve Martin declaró a la revista People que existe una relación de naturalidad entre ellos y señaló que suele reír con intensidad cuando pasa tiempo junto a Short.

Por su parte, Martin Short comentó en 2019 que una de las principales cualidades de Martin es su carácter personal. En aquella ocasión afirmó que su colega es una persona “moral”, “leal” y “ética”, además de destacar su trayectoria profesional.

Martin también ha expresado opiniones similares sobre Short. En declaraciones anteriores describió a su compañero como “la persona perfecta” y resaltó aspectos como su sentido del humor y su facilidad para relacionarse socialmente.

Según Martin, la presencia de Short suele transformar el ambiente en reuniones y encuentros sociales.

“Es inteligente, es gracioso, Tiene muchos amigos. Es el tipo más popular en cualquier cena. Si él viene a una cena, la cena es mucho mejor. Si Marty no puede venir, cancelas la fiesta”, dijo.

Actualmente, Martin Short se prepara para el estreno de su próximo documental, Marty, Life Is Short, que llegará a la plataforma Netflix el próximo 12 de mayo.

La decimotercera edición de los Premios Platino Xcaret se celebrará este sábado 9 de mayo en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en Riviera Maya, México, con una ceremonia que comenzará a las 20:00 horas (horario local) y podrá seguirse en vivo a través de TNT y HBO Max en toda Latinoamérica.

La cobertura de ambas plataformas arrancará una hora antes, a las 19:00 horas, con un pre-show desde la alfombra roja conducido por Axel Kuschevatzky y Gaby Cam, con acceso a los nominados previo al inicio de la premiación.

Hora por país y dónde ver los Premios Platino Xcaret 2026

La transmisión oficial corre a cargo de TNT para Latinoamérica y el Caribe (excepto Puerto Rico) y por las señales locales de cada país. A continuación, la hora de inicio según cada país:

• Argentina, Uruguay, Brasil, Chile y Paraguay: 22:00 horas del domingo 10 de mayo — TNT / Canal Brasil (Brasil) / Canal 5 (Uruguay) / Trece (Paraguay)
• Colombia, Perú, Ecuador y Panama: 20:00 horas — TNT / Global TV (Perú) / RTS (Ecuador) / RPC (Panamá)
• México, Costa Rica, Nicaragua, El Salvador, Guatemala y Honduras: 19:00 horas — TNT / Canal 5 (Uruguay) / Canal 6 (Costa Rica) / Canal 11 (Nicaragua) / Canal 12 (El Salvador) / Canal 13 (Guatemala) / VTV Canal 9 (Honduras)
• Venezuela: 21:00 horas — Venevisión
• Bolivia: 21:00 horas — Canal Bolivia TV
• República Dominicana: 21:00 horas — Telesistema
• España: 03:00 horas del domingo 10 de mayo — La 2 de RTVE
• Estados Unidos y Puerto Rico: 21:00 horas (ET) — Universo y Telemundo

La gala también estará disponible en la plataforma SmartPlatino (smartPlatino.tv) y en HBO Max para los suscriptores de la región.

La ceremonia principal estará conducida por el actor colombiano Carlos Torres y la actriz española Cayetana Guillén Cuervo.

Sobre el escenario, una larga lista de figuras del audiovisual iberoamericano presentará categorías y entregará los reconocimientos: Alfredo Castro, André Lamoglia, Antonia Zegers, Belén Rueda, Carmen Villalobos, China Suárez, Christian Malheiros, Christian Meier, Giba, Javier Sotomayor, Jorge López, Juan Alfonso Baptista, Juana Acosta, Ludwika Paleta, Manolo Cardona, Mariela Garriga, Michel Brown, Nicolás Furtado, Paco León, Santiago Cabrera, Sara Linares, Stephanie Cayo y Valeria Mazza.

También entregarán galardones algunos de los ganadores ya consagrados en la Ceremonia de Apertura del 7 de mayo: Álvaro Cervantes, premiado como Mejor Interpretación Masculina de Reparto por Sorda, y César Troncoso y Andrea Pietra, ganadores en las categorías de Mejor Interpretación Masculina y Femenina de Reparto en Miniserie por El Eternauta.

Asimismo, Carolina Kopelioff, protagonista de Cautiva, la nueva serie de TNT y Flow, hará entrega de uno de los premios de la noche.

La gala homenajeará con el Platino de Honor al actor argentino Guillermo Francella, quien acumula ya dos estatuillas: una a Mejor Interpretación Masculina por El Clan en 2016 y otra a Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie por El Encargado en 2023. Este año, además, compite en la categoría de Mejor Interpretación Masculina por su trabajo en Homo Argentum.

Entre las producciones que aspiran al Platino a Mejor Película Iberoamericana de Ficción figuran Aún es de noche en Caracas (Marité Ugás y Mariana Rondón, México/Venezuela), Belén (Dolores Fonzi, Argentina), Los Domingos (Alauda Ruiz de Azúa, España), O Agente Secreto (Kleber Mendonça Filho, Brasil) y Sirât (Oliver Laxe, España).

En televisión y plataformas, la categoría de Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica enfrenta a Anatomía de un instante (España), Chespirito: sin querer queriendo (México), El Eternauta (Argentina) y Las muertas (México).

La nueva categoría de Mejor Serie de Larga Duración incluye a Beleza Fatal (Brasil), La Promesa (España), Sueños de Libertad (España) y Velvet: el nuevo imperio (Estados Unidos).

La música correrá a cargo de Camilo (Colombia), Manuel Carrasco (España), María Becerra (Argentina) y Tony Grox & Lucycalys (España).

Esta edición incorpora 12 nuevas categorías, con lo que el total de galardones asciende a 36. Con el fin de agilizar el formato televisivo, 21 premios fueron entregados en la Ceremonia de Apertura del 7 de mayo, mientras que 15 estatuillas se otorgarán durante la gala del sábado.

El próximo 5 de junio de 2026, la historia de los certámenes de belleza escribirá un capítulo dorado en tierras centroamericanas. Lo que muchos consideraban un sueño para los “missólogos” y seguidores de la industria, se ha convertido en una realidad oficial: Costa Rica recibirá simultáneamente a las últimas tres soberanas universales.

La “Gala Dorada” de Miss Universe Costa Rica no será solo una noche de elección nacional; será un cónclave de realeza que posicionará al país ante los ojos del mundo entero. La confirmación de la asistencia de Sheynnis Palacios (2023), Victoria Kjær Theilvig (2024) y Fátima Bosch Fernández (2025) marca un hito sin precedentes. No es común que tres reinas titulares de años consecutivos coincidan en un escenario de una franquicia nacional, lo que eleva el prestigio de la organización costarricense a niveles estratosféricos.

La presencia de Sheynnis Palacios, Miss Universe 2023, tiene un peso emocional profundo. Como la primera centroamericana en ganar la corona universal, su vínculo con la región es inquebrantable. En esta ocasión, Palacios no solo engalanará el evento con su presencia, sino que asumirá el rol de conductora oficial.

Su carisma y la elocuencia que la caracterizaron durante su reinado serán el hilo conductor de una noche donde la nostalgia y la celebración se darán la mano. Ver a Sheynnis liderar la gala es un recordatorio del empoderamiento femenino y del orgullo centroamericano que sigue resonando en cada rincón del planeta.

La perfección Danesa y la soberana actual

Por otro lado, la llegada de Victoria Kjær, Miss Universe 2024, añade un toque de sofisticación europea y disciplina. La danesa, conocida por su rostro de porcelana y su impecable oratoria, viajará a Costa Rica con una misión crucial: actuar como jurado oficial.

Su participación garantiza que la próxima representante costarricense sea evaluada bajo los más altos estándares internacionales. Que una reina de su nivel sea la encargada de elegir a la sucesora nacional asegura que Costa Rica busca, más que nunca, una candidata capaz de pelear el “Back to Back” o, al menos, asegurar un puesto de honor en la próxima competencia global.

Completando este tridente de impacto está Fátima Bosch Fernández, Miss Universe 2025. Su presencia representa el presente de la organización y la continuidad de un legado de mujeres líderes.

Fátima llega en la cúspide de su reinado, aportando el brillo de la corona vigente y permitiendo que el público costarricense sea testigo de la evolución de la belleza universal. Su participación en la Gala Dorada simboliza el respaldo total de la Miss Universe Organization al crecimiento de la franquicia en Costa Rica.

¿Qué representa este momento para Costa Rica?

Este “Gran Encuentro Universal” atraerá la atención de medios internacionales, creadores de contenido y fanáticos que viajarán desde diversos países para presenciar lo que ya se denomina como “la noche más icónica de la década” en el país.

Ver a una nicaragüense, una danesa y una soberana de 2025 unidas en suelo costarricense habla de la universalidad de los valores que estas mujeres representan: la educación, la resiliencia, la diplomacia y el servicio social.

La cita está pactada para las 8:00 PM del 5 de junio. Bajo las luces de la Gala Dorada, Costa Rica no solo elegirá a una reina; celebrará la excelencia femenina global. El mundo estará mirando, y la belleza, en su máxima expresión, tendrá un solo hogar: el corazón de Centroamérica.

El personal del hospital la denunció ante la policía, argumentando que la joven habría provocado el aborto. Fue detenida en el hospital, permaneció presa durante más de dos años y fue condenada en 2016 a ocho años de prisión por “homicidio doblemente agravado por el vínculo y alevosía”. Su detención y condena generaron protestas sociales y reclamos de organismos de derechos humanos, que denunciaron irregularidades en el proceso, ausencia de pruebas y violación de derechos fundamentales.

Esta es la historia verídica de Belén, a quien se le dio ese nombre para proteger su identidad. 10 años después de que el caso terminara, Dolores Fonzi decidió llevar este trágico suceso al cine con un resultado tan poderoso como conmovedor.

Dolores dirige y protagoniza esta historia interpretando a la abogada Soledad Deza, quien luchó contra una burocracia corrupta de Argentina para liberar a Belén.

La idea de llevar la historia de Belén al cine se comenzó a gestar hace 10 años; mientras la mujer seguía presa, Dolores recibía el premio a Mejor Actriz por su trabajo en La Patota en los Premios Platino y, ante los cientos de asistentes a la premiación y los miles de televidentes, Dolores pidió por la liberación de Belén.

Las palabras llegaron a los oídos de la productora Leticia Cristi, quien compró los derechos del libro inspirado en la historia de Belén para crear una película. Entonces, Dolores ya estaba siendo considerada para interpretar a Soledad Deza, pero la cinta aún no contaba con director.

Llegaría el año de 2023 y con ello, el debut como directora de Dolores Fonzi en la película Blondi. Cristi quedó encantada con el trabajo de Dolores y le pidió que protagonizara la película y también la dirigiera, algo a lo que Dolores “no le pudo decir que no”.

Ahora, en el presente, la película es la más nominada de la edición XIII de los Premios Platino, donde Dolores conversó con Infobae sobre el impacto de la película tanto en su vida como en el de miles de mujeres que han sufrido injusticias como las de la propia Belén.

“Uno es instrumento de la historia, después pasa a ser de todos, ya no es más nuestra. Lo lindo de eso es que la película se ve en hospitales, cárceles, escuelas, universidades (...) que se haya convertido en una herramienta es lo mejor”, comenta Dolores sobre lo que ha significado para ella trabajar en esta película.

La historia de Belén generó un gran revuelo en Argentina en su momento, siendo clave para que el aborto se legalizara en Argentina en el año 2020. No obstante, la corrupción y el desinterés de las instituciones continúan vigentes.

“Soledad Deza sigue teniendo casos similares hasta el día de hoy, sigue defendiendo a chicas que tienen emergencias obstétricas que son acusadas. Pero sí siento que el feminismo entra en el entramado social de manera cotidiana. Se habla en las mesas del aborto, deja de ser tabú para ser algo más cercano y reflexionado y creo que ese es un avance enorme”, comparte Dolores acerca de cómo ha cambiado Argentina desde que el caso de Belén conmocionó al país.

La participación de la verdadera Belén en la película

Como se mencionó anteriormente, Belén fue el nombre que se le dio a la mujer para proteger su identidad. Cuando el juicio terminó, Belén decidió continuar en el anonimato y vivir una vida tranquila, pero continúa sumando esfuerzos para que su tragedia no se repita, llegando incluso a ponerse en contacto con Dolores Fonzi para la realización de esta película.

“Ella cobró un dinero por la película, cobró por la novela de Ana Correa, fue muy parte de todo el proceso, hablamos, estamos en contacto”, dice Dolores sobre su relación con la verdadera Belén. Además, asegura que tanto Belén como Soledad quedaron muy felices con el resultado de la cinta.

“Soledad y Belén fueron muy generosas conmigo sin saber qué mirada iba a aportarle a sus vidas. Ellas me dieron sus vidas para que las pusiera en escena sin saber que iba a pasar, podía ser un desastre; les agradezco mucho. Ella (Belén), nombró en un diario que la película fue como un broche de oro a esa parte terrible de su vida, así que me quedo contenta yo también”.

Finalmente, Dolores reflexiona sobre el significado de la película para aquellas mujeres que han vivido situaciones semejantes a las que vivió Belén:

“La película es un registro de que no estamos solas. Ver la película te hace sentir acompañada, te inspira, te hace reflexionar y las sociedades que ya tienen la ley (pro aborto) les refresca la sensación de haber logrado un cambio y las sociedades que no la tienen las puede inspirar a creer en el trabajo colectivo para llegar a un cambio concreto”.

El acuerdo que el pasado 4 de mayo marcó una tregua en el enfrentamiento legal entre Blake Lively y Justin Baldoni por la película Romper el círculo (2024) no ha cerrado del todo las discrepancias entre ambos bandos.

Apenas 72 horas después de que los equipos jurídicos de ambas partes anunciaran haber llegado a un arreglo extrajudicial, los abogados de la actriz salieron a la prensa para calificar el resultado como una “resonante victoria”. La respuesta del letrado que representa a Baldoni no tardó en llegar.

En una entrevista concedida al programa Entertainment Tonight, el abogado Bryan Freedman desestimó por completo la lectura triunfalista del equipo de Lively y cuestionó la solidez legal de los pasos que continúa dando su defensa.

Los abogados de Lively argumentan que el acuerdo coloca a Baldoni y a los demás demandados ante una responsabilidad personal por haber abusado del sistema judicial para intimidar a su clienta. Para el letrado, ese argumento no tiene sustento.

“Nunca he visto a nadie que haya perdido 10 o 13 reclamaciones en una moción de juicio sumario y luego salga en redes sociales a proclamar la victoria”, declaró Freedman. “Nunca lo había visto antes, así que esto es una primicia para mí”.

El abogado recordó que el juez federal Lewis J. Liman ya había desestimado la mayoría de las acusaciones presentadas por Lively, incluidas todas las relacionadas con acoso sexual, al determinar que la actriz trabajó como contratista independiente durante el rodaje y no como empleada. Según Freedman, Lively “retiró voluntariamente el resto” de sus demandas.

“En nuestra opinión, llegaron a un acuerdo porque sabían que iban a perder en el tribunal”, afirmó el abogado según Associated Press.

La disputa por los honorarios legales continúa

A pesar del cierre formal del caso, el equipo de Lively anunció que continúa buscando compensación económica amparada en una ley de California que protege a quienes denuncian acoso sexual de contrademandas por difamación presentadas como represalia.

Los abogados de la actriz, Michael Gottlieb y Esra Hudson, sostienen que la contrademanda de 400 millones de dólares que Baldoni interpuso contra Lively en enero de 2025 —y que fue desestimada por el juez Liman en junio de ese año— viola esa norma y obliga al actor a pagar cuantiosas penalidades.

Ante eso, Freedman quitó peso a la acción judicial. “Creo que tienen su propia interpretación de lo que ellos consideran que es la ley”, dijo. “Creo que es una moción de procedimiento que quedó pendiente en el caso —es bastante habitual— pero si quieres salir por ahí y llamar victoria a una derrota, este es tu intento de hacerlo. Parece más un sinsentido de parte de la señora Lively”.

“Creo que le es imposible a la señora Lively asumir la responsabilidad por cualquier parte de sus acciones”, afirmó.

Cuando se le preguntó si Baldoni estaría dispuesto a pagar los honorarios legales de Lively simplemente para cerrar el capítulo de forma definitiva, Freedman no quiso dar una respuesta directa.

“Desde el primer día dijimos que no firmaríamos un acuerdo en este caso”, señaló. “Y Justin sostuvo desde el inicio que no llegaría a un acuerdo si involucraba una acusación de acoso sexual”. Y añadió: “Fiel a nuestras declaraciones desde el inicio del caso, Justin ha luchado todo este tiempo para asegurarse de que prevaleciera en cualquier acusación de acoso sexual, y eso es exactamente lo que logró”.

En su entrevista, el abogado además reveló que el acuerdo extrajudicial no incluye cláusulas de confidencialidad que impidan a las partes hablar públicamente sobre el asunto: “Absolutamente no se firmó ningún NDA. Y Justin y el resto de las partes, el resto de los demandados en el caso, nunca habrían firmado un NDA ni restringido su libertad de expresión en el caso”.

El acuerdo fue formalizado ante el tribunal el jueves 7 de mayo. Los términos económicos no fueron divulgados. En el comunicado conjunto emitido el lunes por ambas partes, se expresó el deseo de que el cierre del caso permitiera “a todos los involucrados avanzar de manera constructiva y en paz”.

Entre ellos estuvo Pablo Cruz, actor que interpretó a Roberto Gómez Bolaños en la serie Chespirito: sin querer queriendo, que además, se llevó el premio del público a Mejor Miniserie. Conversando con Infobae, Pablo reveló los retos de darle vida a uno de los cómicos más queridos de Latinoamérica, además de hacer una profunda reflexión del por qué su imagen genera sentimientos tan polarizantes en México.

“Me sorprendí mucho cuando recibí la invitación al casting”, confiesa Pablo entre risas, pues con el maquillaje fuera, el parecido con el creador de El Chavo del 8 es nulo. Además de agradecer al equipo que lo transformó en Chespirito, Pablo asegura que encontró “puntos de identidad” que lo hicieron conectar más con el personaje y, al final, Cruz “desapareció” a lo largo de 10 semanas para convertirse en Roberto Gómez Bolaños.

“Si me revelo, deseo que sea una cosa orgánica, si el personaje se revela ante mí que simplemente sea una manera de entender otras cosas de mí mismo en piel ajena”, comparte Pablo refiriéndose tanto a su trabajo en la serie como a su trayectoria actoral.

Convertirse en Chespirito no fue tarea sencilla. Diariamente, Pablo debía despertar a las 4 de la mañana para rasurarse todo el cuerpo. Posteriormente, llegaba a la filmación y pasaba por todo el proceso de maquillaje que también requería mucho tiempo, una dinámica que el actor describió simplemente como “algo tedioso”; no obstante, el sacrificio rindió frutos.

La complicada relación de Chespirito y México

La figura de Chespirito es sumamente polarizante. Mientras en gran parte de Latinoamérica adoran su trabajo, importantes sectores de México no encuentran particularmente divertida su comedia.

Desde su perspectiva, Pablo considera que este fenómeno se dio por un clasismo que, hasta el día de hoy, sigue causando estragos en la sociedad mexicana:

“Mucha gente, incluso pudiendo apreciar lo que estaba ahí, esa interpretación, de lo que son muchas comunidades en Latinoamérica, lo vieron como una alegoría a la miseria. Hubo una posición muy clara que decía que dependiendo de qué tipo de humor consumías, si te gustaba o no Chespirito, entonces pertenecías a cierto círculo social o ideología, lo cual es una pendejada”, asegura Cruz sobre la relación entre los mexicanos y el trabajo de Chespirito.

Pablo confiesa que su misma familia no consumía el trabajo de Bolaños, lo cual hizo que él se acercara hasta su adultez y ahora más protagonizando la serie del comediante. Al final, una relación de mucho cariño se gestó y ahora Pablo manda un mensaje a todo el público mexicano que le dio la espalda a El Chavo, El Chapulín Colorado o El Chanfle sin haberle dado al menos una oportunidad de hacerlos reír:

“Dense la oportunidad de gozar un contenido que está hecho para que nosotros, hermanos latinoamericanos e iberoamericanos entendamos una faceta más de quienes somos, aunque a veces sea incómodo aceptar que eso es lo que somos, somos eso también”.

Jaime Pressly es la más reciente estrella de Hollywood en abrir una cuenta en OnlyFans. La actriz que encarnó a Joy Turner en la exitosa sitcom My Name Is Earl (Mi nombre es Earl) anunció oficialmente su llegada a la plataforma de suscripción el 7 de mayo de 2026.

La noticia fue revelada inicialmente por Variety, medio al que Pressly explicó las razones detrás de esta nueva etapa profesional. “Siempre he creído en evolucionar con los tiempos”, declaró la actriz. “Esta es otra manera de conectar directamente con mi audiencia, en mis propios términos, con creatividad e intención”.

La artista de 48 años también aseguró que sus experiencias en eventos públicos recientes influyeron en su decisión de abrir una cuenta en la plataforma. “Me ha encantado conocer a los fans en diferentes Comic Cons, y la emoción de tener esos momentos reales cara a cara me hizo querer buscar opciones como OnlyFans”, añadió.

El perfil que Pressly ha abierto en la plataforma promete un vistazo más cercano y espontáneo a la actriz. “Aquí es donde las cosas se vuelven un poco más personales, juguetonas y completamente sin filtros”, escribió en la descripción. “Si alguna vez te preguntaste cómo soy realmente cuando termina el guion… acércate”.

Una carrera marcada por la comedia

Pressly se convirtió en una figura muy popular de la televisión estadounidense gracias a su interpretación de Joy Turner en My Name Is Earl, emitida entre 2005 y 2009. Su trabajo en la serie le valió el Emmy a Mejor Actriz de Reparto en una Serie de Comedia en 2007, además de nominaciones al Globo de Oro y al Sindicato de Actores.

Otro de los títulos más importantes de su portafolio fue Mom, donde interpretó a Jill Kendall entre 2014 y 2021 junto a Allison Janney y Anna Faris. Ese papel le otorgó una nominación a los Critics’ Choice Television Awards.

En cine, Pressly participó en películas de comedia y cultura pop de finales de los noventa y principios de los 2000 como No es otra tonta película americana, I Love You, Man y Ya no puedo esperar. También tuvo apariciones en series populares como Dos hombres y medio.

El fenómeno de las celebridades en OnlyFans

La llegada de Pressly a OnlyFans ocurre poco después del exitoso debut de su amiga Shannon Elizabeth en la plataforma. La actriz de American Pie y Scary Movie reveló recientemente que ganó más de 1,2 millones de dólares durante su primera semana en el servicio de suscripción.

Elizabeth explicó anteriormente a People que una de las razones por las que decidió unirse a OnlyFans fue el cansancio que sentía respecto al sistema tradicional de Hollywood. “He pasado toda mi carrera trabajando en Hollywood, donde otras personas controlaban la narrativa y el resultado de mi carrera”, afirmó.

Cabe mencionar que, poco antes del lanzamiento de la cuenta de Pressly, ambas actrices compartieron una fotografía juntas en Instagram. En aquella publicación, Elizabeth escribió: “Siempre es agradable volver a cruzarnos y compartir un momento como este. Qué hermosa persona, por dentro y por fuera”.

El auge de celebridades en OnlyFans no se limita a Pressly y Elizabeth. En los últimos años, varias figuras de Hollywood han utilizado la plataforma para monetizar contenido exclusivo e impulsar más interacciones con sus audiencias.

Una de las pioneras fue Bella Thorne, quien en 2020 aseguró haber ganado dos millones de dólares en menos de una semana tras abrir su cuenta. “OnlyFans es la primera plataforma donde puedo controlar completamente mi imagen; sin censura, sin juicios y sin ser acosada en internet por ser yo misma”, declaró en ese momento a Paper.

Otra actriz que dio el salto fue Drea de Matteo, reconocida por The Sopranos. En 2023, contó que sus propios hijos la animaron a crear contenido para la plataforma. Asimismo, en 2024, la cantante Lily Allen también lanzó una cuenta dedicada exclusivamente a fotografías de sus pies.

Disney confirmó que estrenará en septiembre un documental sobre la gira de reunión de Oasis, que incluirá la primera entrevista conjunta de los hermanos Gallagher en más de 25 años.

La película documental llegará a las salas de cine en una función teatral limitada, incluyendo IMAX, el 11 de septiembre de 2026, antes de desembarcar en Disney+ en una fecha por determinar.

El proyecto, aún sin título oficial, está escrito por Steven Knight, creador de Peaky Blinders y actual guionista de la franquicia James Bond; y dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace, responsables de Shut Up and Play the Hits y Meet Me in the Bathroom.

El largometraje recorre la gira de reunión Oasis Live ’25, descripta por sus realizadores como “un relato sin disculpas y edificante del que fue posiblemente el evento musical más importante de 2025, que captura la experiencia y las emociones de la banda y sus fanáticos en todo el mundo”.

Las cámaras tuvieron acceso a los ensayos, el backstage y el escenario. El punto de mayor expectativa es la inclusión de la primera entrevista conjunta de Liam y Noel Gallagher en más de 25 años.

“Genuinamente no puedo esperar para que el mundo vea esta película”, declaró Knight. “Creo que captura el espíritu y la emoción de un momento cultural global y hace justicia al ingenio y al talento de dos personas excepcionales. Quise contar la historia de los hermanos y la banda, pero también, en igual medida, la historia de los fanáticos cuyas vidas la música tocó y a veces transformó para siempre”.

Y añadió: “Es también la historia de cómo la música y la composición pueden unir generaciones, culturas y países y, en un tiempo de rencor y división, darnos a todos alguna razón para tener esperanza”.

El documental es una producción de Magna Studios, presentada por Sony Music Vision en asociación con Sony Music Entertainment UK.

Los productores son Sam Bridger y Guy Heeley, mientras que entre los productores ejecutivos figuran Kate Shepherd, Marisa Clifford, Tom Mackay, Krista Wegener, Isabel Davis y Tim O’Shea.

El equipo técnico lo encabezan los mezcladores de sonido ganadores del Oscar James Mather y Tarn Willers, junto al director de fotografía Haris Zambarloukos.

“Oportunidades como esta son increíblemente escasas”, sostuvo Eric Schrier, presidente de originals internacionales directos al consumidor de Disney, en declaraciones recogidas por Variety.

“La película es una historia íntima sobre la reconciliación, el poder de la música y Oasis, uno de los actos más exitosos e influyentes de todos los tiempos. Es un privilegio llevar esta extraordinaria película a la gran pantalla y a los suscriptores de Disney+ en todo el mundo”, agregó.

Oasis, la banda de Manchester formada por los hermanos Gallagher, realizó 17 conciertos durante 2025, comenzando en Cardiff en julio.

La demanda de entradas fue tan elevada que muchos fanáticos terminaron pagando sumas muy superiores a las previstas debido al sistema de “precios dinámicos” aplicado por los sitios de venta, práctica que fue investigada posteriormente por un organismo gubernamental del Reino Unido.

Oasis ingresó al Salón de la Fama del Rock

Oasis fue confirmada entre los inductos al Salón de la Fama del Rock and Roll de 2026, en una ceremonia que se celebrará el 14 de noviembre en el Peacock Theatre de Los Ángeles.

La distinción llega un año después de que la banda completara su mayor gira por Estados Unidos, que incluyó dos noches con entradas agotadas en el Rose Bowl de Pasadena, con capacidad para 90.000 personas.

La lista de inductos de este año incluye además a Iron Maiden, Sade, Joy Division/New Order, Phil Collins —previamente incorporado como miembro de Genesis en 2010—, Billy Idol, el fallecido cantante de soul Luther Vandross y el grupo de hip hop Wu-Tang Clan.

Se trata de un récord histórico: seis actos británicos entre ocho inductos en un mismo año, superando la marca anterior de cinco, establecida en 2019.

Liam Gallagher había descartado públicamente el premio en el pasado, asegurando que no le interesaba recibir un galardón de “algún anciano con sombrero de vaquero”.

Sin embargo, tras conocerse el anuncio, publicó en X: “Oasis en el Salón de la Fama del rock, quiero agradecer a todas las personas que votaron por nosotros, es un verdadero honor. Desde que era un niño pequeño y cantaba en la ducha soñé con estar algún día en el salón de la fama. Es verdad lo que dicen: todo es posible si tienes un sueño”, escribió el músico.

Después de años de rumores, intentos fallidos y pedidos constantes de los fanáticos, Brendan Fraser finalmente confirmó que el regreso de La Momia con su cuarta película ya está en marcha. Y mientras el proyecto empieza a tomar forma, el actor reveló que también atraviesa un exigente proceso físico para volver a interpretar al aventurero Rick O’Connell casi dos décadas después de su última aparición en la saga.

Durante una reciente visita al programa The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, Fraser habló sobre el esperado reencuentro con sus antiguos compañeros de reparto y confesó que ya comenzó a entrenar para recuperar el estado físico que exige una franquicia marcada por las escenas de acción, persecuciones y aventuras.

“Por favor, deséenme suerte. Estoy haciendo lo mejor que puedo para poner en forma este equipo de 57 años”, dijo entre risas. El actor tenía poco más de 30 cuando protagonizó la trilogía original.

El regreso del elenco original

Uno de los aspectos más celebrados por los fanáticos es que la nueva película reunirá nuevamente al elenco principal de las primeras entregas. Fraser confirmó en televisión que Rachel Weisz regresará como Evelyn Carnahan, mientras que John Hannah volverá a interpretar a Jonathan.

“Vamos a reunir a la banda otra vez. Es la única manera de hacerlo”, declaró Fraser en el programa de Jimmy Fallon. “Vamos a darle al público lo que nos ha estado pidiendo durante estos más de veinte años”.

La participación de Weisz genera más entusiasmo ya que la actriz no apareció en La momia: La tumba del emperador dragón, donde su personaje fue interpretado por Maria Bello. Aquella tercera película, estrenada en 2008, terminó siendo la entrega menos exitosa de la trilogía original y recibió críticas mucho más negativas que La momia regresa y que la cinta de 1999.

Fraser reconoció que durante mucho tiempo dudó de que una nueva secuela pudiera concretarse. “Tuve esperanza durante mucho tiempo, y luego pensé: ‘No sé si ellos quieren hacerlo’”, recordó el actor. “Después se hicieron otras películas de La Momia”.

Con esa frase, Fraser hizo referencia indirecta a los diferentes intentos de Universal por revivir la franquicia, incluido el reboot protagonizado por Tom Cruise en 2017, una película que no logró conectar con el público como esperaba el estudio.

Años atrás, el propio Fraser había comentado a Variety que aquella versión había virado a ser “demasiado una película de terror”, en contraste el tono de aventura y humor que caracterizó a sus películas originales.

Además de recuperar al elenco clásico, la nueva producción también buscará reconectar con la esencia visual de las primeras películas. “Lo que vamos a hacer es volver a ensillar los caballos, regresar a las locaciones… probablemente debería dejar de hablar antes de revelar demasiado”, comentó el actor durante su conversación con Fallon.

Según informó Variety, La momia 4 tiene previsto estrenarse el 15 de octubre de 2027. La película marcará el regreso de Fraser al cine de acción después de varios años enfocado en proyectos dramáticos.

En tiempos recientes, el actor atravesó una importante resurrección profesional. En 2023 ganó el Oscar a Mejor Actor por La ballena y luego participó en títulos como Los asesinos de la luna, dirigida por Martin Scorsese.

Detrás del regreso de la franquicia se encuentra el dúo de directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, conocidos colectivamente como Radio Silence y responsables de películas como Ready or Not y las recientes entregas de Scream.

Kris Jenner reconoció públicamente, por primera vez, haber probado el Ozempic antes de que el medicamento se popularizara, aunque debió abandonarlo por los efectos secundarios que le provocó.

La revelación la hizo el martes 5 de mayo durante su participación en el pódcast SHE MD, conducido por la ginecóloga y obstetra Dra. Thais Aliabadi y la activista por los derechos de la mujer Mary Alice Haney.

“Lo intenté. Lo probamos una vez cuando nadie sabía lo que era y me puso muy enferma”, declaró en el programa.

La empresaria y mánager de 70 años relató que le comunicó a Aliabadi su malestar con las siguientes palabras: “No puedo trabajar más. Estoy muy enferma. Estoy muy nauseabunda”, a lo que la médica respondió proponiéndole explorar otras alternativas.

La confesión marca la primera vez que Jenner admite haber recurrido al semaglutide —principio activo del Ozempic, un fármaco desarrollado originalmente para el control del azúcar en sangre en adultos con diabetes tipo 2— desde que en el verano de 2023 desató especulaciones al publicar fotos de vacaciones en Instagram que la llevaron a ser apodada una “Ozempic baddie”.

Tras descartar ese tratamiento, Kris Jenner y su médica “buscaron diferentes opciones” hasta dar con una alternativa efectiva.

“Me di cuenta de que una inyección de péptidos era realmente buena para mí. Y luego la complemento con suplementos”, explicó en el pódcast.

Los péptidos inyectables —cadenas cortas de aminoácidos— han ganado popularidad en los últimos años por sus supuestos beneficios para la pérdida de peso y el rendimiento físico, aunque la Asociación Médica Americana advierte que sus efectos no han sido estudiados de forma exhaustiva y que pueden causar efectos secundarios que van desde molestias estomacales hasta pancreatitis.

La matriarca del clan Kardashian-Jenner detalló que la Dra. Aliabadi la orienta sobre qué suplementos incorporar a su dieta, como aceites de pescado y omega-3.

“Y eso fue un cambio radical. Eso me dio un par de horas extra por la noche”, afirmó Jenner, quien agregó que las inyecciones también le aportaron mayor energía y que los suplementos benefician el cabello, las uñas y la piel.

Otra de sus prácticas es el análisis de sangre cada tres meses.

“Me extraigo sangre cada tres meses solo para mantener mis hormonas equilibradas, porque me di cuenta después de los 45 años de que eso era fundamental para la salud física femenina”, explicó ante los oyentes del pódcast.

“Cuando observas tu tiroides, tu salud hormonal y lo que tu cuerpo necesita”, añadió.

La cirugía estética que se volvió viral

A fines de abril, en el pódcast Khloé in Wonderland —conducido por su hija Khloé Kardashian—, Kris Jenner desmintió de forma categórica los rumores difundidos por RadarOnline que la señalaban como furiosa con los resultados de su lifting facial.

“El titular ahora mismo es que odio mi lifting y que estoy realmente enfadada con mi médico, Steven Levine, lo cual no podría estar más lejos de la verdad. Es una mentira rotunda. Amo mi lifting. Adoro a mi médico. Estoy obsesionada con él”, afirmó Jenner en ese episodio.

La empresaria explicó que nunca había planeado hacer pública la intervención: la atención mediática se produjo tras un viaje a París en el que la prensa reparó en los cambios en su rostro.

“Nunca en la vida planeé hablar de mi lifting. Fui a París para un evento y la prensa empezó a fijarse en mi mandíbula, mi cuello, todo”, narró en Khloé in Wonderland.

Señaló que varios médicos emitieron opiniones sobre su apariencia sin conocerla, lo que avivó las especulaciones.

Jenner precisó que su objetivo con la cirugía fue claro: “Buscaba un resultado natural, no cambiar todo mi rostro”.

En el pódcast SHE MD, también reconoció el impacto de la intervención con humor: “Tuve un lifting muy conocido hace un año. Así que eso fue útil”, dijo entre risas, con crédito explícito para el Dr. Levine.