Estas diez mujeres son un excelente ejemplo que demuestra que, contra lo que muchos imaginan y predican, la belleza no tiene fecha de caducidad. Porque sí, incluso después de los 60, es posible seguir destilando sensualidad, buena salud y energía.

Helen Mirren

¡El éxito de la actriz británica no da señales de desaceleración! A sus 80 años, sigue luciendo sus atributos naturales en filmes y pasarelas. Recientemente se sumó a la campaña Age UK. Reconoció que la vejez trae “complicaciones”, “dolores” y “molestias”, y por ello a los adultos más jóvenes a empezar desde los 50 años a cambiar algunos hábitos y llevar una vida más saludable.

Meryl Streep

La galardonada actriz de 69 años es un gran ejemplo de mujer que no le teme a la edad. Elude los cánones de belleza impuestos y se muestra auténtica. Sus recetas antiage las tomó del ejemplo de su abuela, que no hacía gimnasia pero se mantenerse ocupada. En cuanto a ella, sube escaleras y practica natación.

Michelle Pfeiffer

A sus 67 años, la actriz es conocida por su belleza natural. Ha prohibido retocar su imagen en varias publicaciones y afirma que su buena salud se debe a su dieta vegana y al ejercicio. Su aparición en el desfile de Yves Saint-Laurent en la Semana de la Moda en París despertó muchos comentarios elogiosos en las redes.

Sharon Stone

La modelo, actriz y productora de 67 años es considerada un ícono de Hollywood. Tras sufrir un derrame cerebral en 2001, aprendió a vivir con más humildad y gratitud, a aceptar el paso del tiempo, ¡y aun así es considerada una de las mujeres más sexys del cine! Recientemente, cuestionó que la gente le tema “al envejecimiento” y criticó lo que percibe como una doble moral en torno al cuerpo y la imagen. “Se supone que debemos estar aterrados cuando nos miramos al espejo, nos asusta la desnudez, pero no la violencia”, dijo, y agregó: “Seguimos teniendo miedo al envejecimiento y a vivir en nuestro propio ser”.

Andie MacDowell

La actriz estadounidense de 67 años atribuye su alegría y belleza a su estilo de vida saludable. Practica yoga y hace caminatas. “Ejercito mis glúteos todos los días, así no me duele la cadera”, confió.

Angela Bassett

La cantante, compositora, instrumentista, actriz y directora estadounidense tiene 67 años y goza de excelente salud. Al igual que Andie, atribuye su alegría a un estilo de vida saludable, que incluye buenos hábitos alimenticios y ejercicio.

Susan Sarandon

¡La galardonada actriz de 79 años es un verdadero ícono! Se opone a la cirugía plástica porque, dice, representa una reafirmación del miedo a envejecer, miedo que ella no comparte. Eso sí, sigue tiñéndose las canas porque, dice, no cree tener las sudicientes como para dejarse la cabellera gris. De modo que mantiene su característico tono rojizo.

Emma Thompson

La actriz británica de 66 años se atrevió a aparecer completamente desnuda en una de sus últimas actuaciones cinematográficas. Una belleza desinhibida y natural. Sobre su desnudo, dijo: Y sobre su desnudo dijo: “Mi edad actual lo hace extremadamente desafiante porque no estamos acostumbrados a ver cuerpos al natural en la pantalla”.

Sigourney Weaver

La inolvidable Teniente Ripley en Alien, una mujer alta (1,85 m), continúa destilando belleza natural a sus 76 años. Recientemente dijo: “Nada más inspirador para mí que una mujer de 70 años, llena de vida, dando lo mejor lo mejor de sí”.

Demi Moore

La actriz de 63 años ha estado últimamente muy presente en la vida pública, entre otras cosas porque la industria de la moda y la cosmética empiezan a valorar la belleza madura. Una marca de productos para el cabello la eligió como imagen para su campaña, y aunque su delgadez preocupó a algunos, la actriz conserva toda su belleza.

La experiencia de rodaje modificó los parámetros habituales para Thompson. En sus palabras, “me arrastré por el barro durante 12 horas”, relató la actriz británica durante el evento en el festival suizo. La intérprete explicó que la crudeza del entorno sobrepasó cualquier preparación: “No había dobles para la mayoría de las escenas”, reconoció Thompson, explicitando que debió realizar personalmente las acrobacias, movimientos complejos y atravesar algunas de las condiciones climáticas más adversas que enfrentó en su carrera.

En ese contexto, la protagonista también abordó la construcción psíquica del personaje. El proceso para interpretar a Barb requirió asesoramiento de especialistas en trauma y supervivencia. “Fue una experiencia transformadora, tanto física como mentalmente”, afirmó Thompson ante la audiencia, revelando el componente emocional de un papel sostenido sobre el dolor y la adaptación al límite.

La logística del rodaje representó para el equipo técnico y artístico un reto mayúsculo. Trabajaron en locaciones remotas, debiendo ajustar el cronograma de producción a los cambios meteorológicos de la región. Thompson remarcó la entrega de todos los involucrados: “Todos estábamos al límite, pero eso nos unió más”, señaló durante su intervención en Locarno. El rodaje enfrentó jornadas que alcanzaron las 14 horas, intensificando el desgaste, pero también la cohesión entre el equipo.

En paralelo al relato de la protagonista, la crítica internacional subrayó el resultado en pantalla. Sandra Hall, del Sydney Morning Herald, sostuvo: “Thompson emerge del caos circundante con una actuación creíble y conmovedora. Sin adornos innecesarios, ella y el paisaje colaboran con efecto contundente”. Por su parte, Leigh Paatsch del Daily Telegraph escribió: “El esfuerzo descarnado de Thompson va mucho más allá de lo que cualquiera podría haber asumido que esta condecorada actriz es capaz de hacer, y es razón suficiente para que todos los espectadores se queden hasta un final formidable”.

El guion de Nicholas Jacobson-Larson y Dalton Leeb propuso una trayectoria para la protagonista donde el paisaje y la amenaza externa se convirtieron en antagonistas equivalentes. El crítico Mark Kermode destacó la fotografía de Christopher Ross y su aprovechamiento del entorno: “Christopher Ross, el director de fotografía, saca el máximo provecho de este increíble escenario congelado e implacable”.

Dentro del reparto, Judy Greer asumió un papel opuesto a sus registros habituales, interpretando a una antagonista inquietante junto a Marc Menchaca y Laurel Marsden, quienes contribuyeron a mantener la tensión narrativa. El rodaje, que se desarrolló en parajes remotos de Escocia, recreó de forma convincente la crudeza invernal de Minnesota.

“Muerte en Invierno” se estrenó en salas el 5 de marzo, con una duración de 97 minutos y distribución de BF Paris. El trabajo de Thompson obtuvo el Leopard Club Award en Locarno, consolidando una transformación de registro inesperada en una de las actrices más reconocidas del cine.

“Buena suerte, Leo Grande” es el título de esta película de 2024 que no solo estuvo en cines sino también en plataformas de streaming, y que reúne en un escenario casi teatral a dos grandes intérpretes: Emma Thompson y Daryl McCormack.

Durante casi dos horas vamos explorando la sexualidad, los conflictos, heridas y complejos de ambos personajes. Todo esto sin desarrollar la historia cliché de que “se enamoran y son felices” o que uno tiene la desesperada necesidad de salvar al otro.

La película tiene momentos divertidos, incómodos y de gran carga emocional. Es sencillo empatizar con todo el conflicto interno de la maestra Nancy Stokes. Con diálogos maravillosos, nos muestran a una mujer que ha tenido la obligación de seguir un mandato social como maestra, madre y esposa. Mientras que el personaje de Leo muestra que no sólo se trata de “cumplir todas las fantasías ajenas”.

Los avances y retrocesos de Nancy muestran claramente el conflicto que enfrenta una mujer madura, sexagenaria, que si bien ha dado el paso trascendental de contratar a un trabajador sexual para cumplir sus fantasías teme ingresar al rol tan vilipendiado de la “vieja pervertida”. En un momento dice: “Esto está mal, mi hijo estaría horrorizado”.

“Eres el segundo hombre con el que voy a tener sexo”, dice en un momento. Los temores, la inseguridad ante un cuerpo que muestra las señales del tiempo y que se aleja de los estereotipos de lo deseable, van cayendo de a poco en la relación que se establece con Leo.

La historia no incurre en los estereotipos a los que el cine nos tiene acostumbrados, donde el amor sobreviene y redime tanto al prostituto o a la prostituta como al empresario ganador o a la señora de buena cuna que se atrevió a buscar a alguien más joven que ella.

Hasta hace poco, la sensualidad y el deseo de las mujeres mayores era un tema tabú en el cine. De hecho, en general, la seducción y el placer a cualquier edad seguían estando reservados exclusivamente a los hombres. Por ello, la película de Sophie Hyde abre una brecha importante, ya que no solo no condena los deseos de su protagonista, sino que además los explora y los magnifica.

Tal vez una excepción fue American Gigoló, la película que protagonizó Richard Gere en 1980, en la que encarna a un joven que trabaja como “acompañante masculino” para una agencia en Los Ángeles. La trama central de la película es policial, pero hay un momento en el cual el personaje que encarna Gere explica por qué se “especializa” en mujeres grandes. En efecto casi todas sus clientas son señoras bien entradas en canas. Y hasta rechaza los requerimientos de una mujer atractiva, madura pero no lo suficiente, porque no la ve como un desafío. El que implica hacer gozar a señoras “grandes”, algo que, dice, le da especial satisfacción...

En “Buena suerte, Leo Grande”, se trata de exponer los deseos más íntimos de una mujer madura, que no se resigna a seguir viviendo su vida sin experimentar aquello que se ha atrevido a plasmar en una lista. Porque Nancy es una mujer acostumbrada a organizar sus clases y su vida. Sin embargo, poco a poco, las barreras irán bajando, y al correr de los diálogos sinceros que logra sostener con Leo llegaremos a contemplar a esta maravillosa mujer que se anima a enfrentar su desnudez en un espejo, en una de las escenas más emotivas del film.

El deseo sexual pervive en la madurez, tanto en hombres como en mujeres. Como bien lo dice una pieza teatral realizada en Francia por un joven dramaturgo, hay “una vida secreta de los viejos”. Si bien existen diferencias en la forma en que esta sexualidad se vive tanto en hombres como en mujeres, no quiere decir que haya que ignorarla o esconderla. Buena suerte, Leo Grande, es un paso interesante para abrir una conversación abierta y sincera al respecto.

Se trata de El misterio de Cemetery Road y acaba de aterrizar en Apple TV+. La trama se desarrolla en un apacible barrio de Oxford, donde la rutina se ve abruptamente interrumpida por la explosión de una vivienda. Este suceso, que en un principio se atribuye a una fuga de gas, deja como saldo la muerte de un matrimonio y la desaparición de su hija, quien es evacuada al hospital bajo un manto de secretismo.

La inquietud de Sarah Tucker (interpretada por Ruth Wilson), una restauradora de arte insatisfecha con su vida personal, la impulsa a investigar el caso, motivada inicialmente por el deseo de entregar un dibujo a la niña desaparecida.

Una detective que busca mascotas extraviadas

La búsqueda de respuestas lleva a Sarah a contactar con la detective privada Zoë Boehm, encarnada por Emma Thompson. Boehm, cuya agencia comparte con su esposo Joe (Adam Godley), se dedica habitualmente a casos menores, como infidelidades o mascotas extraviadas. Sin embargo, la insistencia de Sarah y la negativa de las autoridades a colaborar la convencen de involucrarse en una investigación que pronto revela conexiones con el gobierno británico, los servicios de inteligencia y el ejército, así como la presencia de peligrosos sicarios.

A medida que la serie avanza, la aparente sencillez del caso inicial se transforma en una compleja red de conspiraciones y secretos de Estado. La desaparición de la niña Dinah se convierte en el eje de una trama que lleva a las protagonistas desde las calles de Oxford hasta una remota isla escocesa, enfrentándose a amenazas constantes y a una violencia inesperada. El personaje de Amos Crane, interpretado por Fehinti Balogun, emerge como una presencia amenazante que intensificará la tensión.

El guion y la adaptación de la serie están a cargo de Morwenna Banks, quien ya había trabajado en Slow Horses y que logra trasladar el característico humor negro y la ironía de Herron a la pantalla. La dirección de los ocho episodios se reparte entre Samuel Donovan, Börkur Sigþórsson y Natalie Bailey, aportando variedad de estilos a la narrativa.

La construcción de los personajes es uno de los puntos fuertes de la serie. Zoë Boehm es descrita por la propia Emma Thompson como una detective pragmática, directa y poco dada a las convenciones sociales, que compensa sus carencias personales con una actitud moral firme y una notable resistencia emocional. “Ella es buena asumiendo los riesgos necesarios. Es maleducada y directa, y no es buena en las conversaciones intrascendentes porque no le interesa la vida privada de la gente. Es muy moral, aunque se presenta como un poco amoral, y es fascinantemente resistente al cariño”, dijo Emma Thompson a Radio Times.

El gran reto de Emma Thompson

La actriz también destaca el esfuerzo físico requerido para el papel, mencionando: “Me he preparado tanto como he podido: por ejemplo, he intentado entrenar más y comer menos pasteles. He hecho pesas y sentadillas, y llevaba un reloj de aquellos que te miden el ritmo cardíaco y son una constante fuente de decepción”, según sus declaraciones a Radio Times.

Por su parte, Ruth Wilson define a Sarah como una mujer de clase media con un pasado complicado y un trauma no resuelto, lo que añade profundidad a su obsesión por el caso.

La actriz subraya que la serie, aunque comparte el trasfondo de los servicios de inteligencia británicos con Slow Horses, adquiere un tono más salvaje y peligroso a medida que avanza, especialmente en los últimos episodios, que se asemejan a una película de acción.

El tono de la serie oscila entre el drama y la comedia negra, manteniendo la tensión a través de diálogos ingeniosos y situaciones inesperadas. Aunque la serie sigue los cánones del thriller británico clásico, la combinación de humor y gravedad resulta efectiva, permitiendo que las protagonistas, a pesar de no estar preparadas para enfrentarse a amenazas de seguridad nacional, logren desenvolverse con éxito en situaciones extremas.

El reparto se completa con actores como Adeel Akhtar, Nathan Stewart-Jarrett, Tom Goodman-Hill, Darren Boydy Tom Riley, quienes aportan matices a una galería de personajes secundarios que, en ocasiones, rozan la caricatura pero contribuyen al dinamismo de la historia.

La saga literaria de Zoë Boehm, iniciada en 2003 con Down Cemetery Road, no había sido publicada en España, pero goza de reconocimiento en el Reino Unido.

Junto a Ruth Wilson, la actriz protagoniza una trama centrada en la desaparición de una niña y el hallazgo de secretos oscuros. En una entrevista para Radio Times, Emma explicó que la propuesta ofrece tensión, humor negro y personajes femeninos complejos.

La creación de Zoë Boehm marca un punto de inflexión en la carrera de Thompson. La actriz recuerda que, en su juventud, los thrillers que leía mostraban a mujeres condenadas a enamorarse y morir, o a ser víctimas de la violencia.

“Por las leyes de la probabilidad, debería seguir buscando papeles en los que seduzco y me matan, me enamoro y me matan, o administro un portacigarrillos sin quemarme”, reflexionó Thompson.

Su interpretación de Boehm le permite romper estos estereotipos: da vida a una mujer brillante, cínica, marcada por su pasado y decidida a no ser “una buena chica”.

Boehm opta por el ingenio como herramienta de supervivencia y se muestra directa, poco interesada en la vida privada de los demás y resistente al afecto. Thompson subraya que su personaje es “altamente moral aunque aparente lo contrario, y fascinantemente resistente al afecto”.

La serie se distingue por su enfoque en personajes femeninos capaces de superar el test de Bechdel, algo poco habitual en el thriller clásico. Herron, autor de la novela, es conocido por retratar mujeres alejadas de los roles convencionales del género.

Thompson celebra que, en Down Cemetery Road: el misterio de Oxford, las mujeres “hacen cosas y dicen cosas”, con espacio para interactuar entre sí más allá de los hombres. Esta perspectiva se refleja en una narrativa que desafía la idiotez patriarcal y la autocomplacencia, aportando humor ácido y realismo al argumento.

Creación del personaje y rodaje exigente

El proceso de creación de Zoë Boehm resultó una experiencia enriquecedora para Thompson gracias al trabajo con el equipo de vestuario y maquillaje. Annie Symons, diseñadora de vestuario, aportó una chaqueta de cuero negra hallada en una venta de segunda mano en Camden Town, que se integró como prenda clave del personaje.

“Me di cuenta de que Zoë podría haber ido a la escuela en esa parte de Londres, llena de adictos y vagabundos”, recordó la actriz. El atuendo se completó con botas Doc Martens y un maquillaje sencillo, ideado por Naomi Donne, quien optó por un corte de cabello que transmite la indiferencia de Boehm hacia su imagen.

Donne explicó: “No es lo que llamarías un corte de pelo, pero dice algo”. Así surge una protagonista que transmite autenticidad y desdén por las convenciones, lejos de preocuparse por el cuidado de la piel.

La preparación física supuso un reto adicional para Thompson. A sus 66 años, afrontó escenas de acción exigentes, entrenó más de lo habitual, levantó pesas y usó un reloj para medir su ritmo cardíaco, aunque este “siempre se mostraba decepcionado”.

Las jornadas incluyeron ser arrastrada por túneles infestados de ratas, correr bajo explosiones simuladas y pasar horas en barcos de pesca en mares agitados.

Pese a la intensidad, Thompson destaca la influencia positiva de Zoë, quien le enseñó a no esperar demasiado de los demás y a disfrutar de placeres sencillos.

Dinámica entre el elenco y adaptación literaria

La relación profesional y personal entre Emma Thompson y Ruth Wilson fue fundamental en el proyecto. Ambas compartieron jornadas intensas y arriesgadas, encontrando apoyo mutuo en los momentos de mayor agotamiento.

Thompson describe a Wilson como “una mujer de gran fortaleza que acepta cualquier desafío sin quejarse”. Al término de cada jornada, las actrices compartían impresiones y, a veces, un trago, preguntándose cómo lograron superar el día.

El elenco incluyó a Steven Cree como Bob Poland y Fehinti Balogun en el rol de antagonista. Thompson recuerda con humor las escenas junto a Cree y la camaradería forjada fuera de cámara, donde Balogun preparaba comidas caribeñas tras largas jornadas. Estas dinámicas contribuyeron a un ambiente laboral colaborativo y animado.

La adaptación televisiva corrió a cargo de Morwenna Banks, guionista y amiga de Thompson desde sus comienzos en la comedia de sketches. La versión escrita por Banks aportó más acción de la esperada y supuso un desafío durante los ocho meses de rodaje.

La obra original de Herron, reconocida por su humor negro y su visión crítica de las instituciones, sirvió de base para una serie que combina tensión, ironía y una perspectiva poco convencional del género.

Localizaciones y balance final

El rodaje tuvo lugar en distintas localizaciones del Reino Unido, con Polperro, en Cornualles, y la estación de King’s Cross en Londres como escenarios destacados.

Thompson menciona que Polperro se transformó en su lugar predilecto, en parte por el ambiente acogedor del pub The Blue Peter, donde disfrutó de la gastronomía local entre tomas. La variedad de escenarios aportó riqueza visual y autenticidad a la serie.

Tras ocho meses de trabajo, la filmación concluyó el 3 de febrero de 2025. Emma Thompson expresó sentimientos de alivio y nostalgia al cierre del rodaje.

Down Cemetery Road: el misterio de Oxford se perfila como una serie que desafía las convenciones del thriller británico, apostando por mujeres fuertes, drama emocional y una puesta en escena realista y mordaz.

Emma Thompson, actriz británica de 66 años, ha reabierto el debate sobre la imagen corporal y el envejecimiento en la industria del entretenimiento con contundentes declaraciones en una entrevista para Women’s Health. Reconocida por su trayectoria y múltiples premios, Thompson calificó las cirugías estéticas como una “psicosis colectiva” y se distanció abiertamente de las presiones que imperan en Hollywood respecto a la apariencia física.

En sus palabras, la presión social sobre el cuerpo, especialmente el femenino, sigue siendo un desafío central. “No voy a desperdiciar mi pasión, energía y propósito de vida en preocuparme por mi cuerpo”, afirmó la actriz en diálogo con Women’s Health.

Esta postura refleja su rechazo a someterse a procedimientos estéticos para ocultar los signos del paso del tiempo y su decisión de priorizar la aceptación. Thompson sostiene que el envejecimiento es un proceso natural que merece respeto y autenticidad, no ocultamiento.

Un rodaje transformador: “Buena suerte, Leo Grande”

Un momento clave en el recorrido reciente de Thompson fue su experiencia durante el rodaje de Buena suerte, Leo Grande (2022). En la película, la actriz afrontó una escena de desnudo integral que consideró un reto personal y profesional.

Según narró, el trabajo previo a la filmación incluyó ensayos desnudos, conversaciones abiertas sobre el cuerpo y análisis íntimos sobre la relación personal con la propia imagen: “Ensayamos completamente desnudos y hablamos de nuestros cuerpos. Conversamos sobre nuestra relación con ellos, los dibujamos, discutimos las cosas que nos resultan difíciles, las que nos gustan y describimos los cuerpos de los demás”.

Esta vivencia resultó transformadora para Thompson, quien reconoció: “No creo que hubiera podido hacerlo antes de tener la edad que tengo. Y, sin embargo, claro, mi edad también lo complica enormemente, porque no estamos acostumbrados a ver cuerpos sin retoques en la pantalla”.

Las exigencias de Hollywood y la presión sobre las mujeres

En sus declaraciones, la actriz profundizó sobre la persistencia de estándares exigentes y la presión de delgadez en la industria cinematográfica. En el Sundance Cinema Café, advirtió: “Esa presión de tener que estar delgada continúa igual que siempre y, de hecho, en algunos aspectos, creo que ahora es incluso peor”. Estas expectativas, según Thompson, lejos de atenuarse, se han intensificado en ciertos sectores a pesar de los reclamos sociales por mayor inclusión y diversidad.

La visión de Thompson sobre la cirugía plástica va más allá de una simple opinión personal; la actriz la definió en Women’s Health como una reacción desproporcionada ante la naturaleza. “Cortarte a ti mismo para recolocar partes de tu cuerpo con el fin de ocultar lo que en realidad ocurre, que estás envejeciendo, un proceso completamente natural es, en sí mismo, una forma de psicosis colectiva”, expuso.

Para Thompson, esta obsesión por modificar la apariencia física responde a una presión social que afecta especialmente a aquellas mujeres expuestas al escrutinio público.

Su planteo adopta una perspectiva abiertamente feminista y de defensa de la autonomía. En diálogo con The Wrap, recogido por Women’s Health, denunció que las mujeres han sido históricamente objeto de expectativas y exigencias injustas relacionadas con su aspecto físico, y destacó la importancia de cuestionar los mensajes sociales sobre los cuerpos femeninos.

Thompson ha hecho del cuestionamiento a estos mandatos una bandera a lo largo de su carrera, reclamando el derecho de las mujeres a decidir sobre sus propios cuerpos sin presión externa.

Una voz relevante en el debate sobre la aceptación

Con este posicionamiento, Emma Thompson ha convertido sus experiencias y sus palabras en un ejemplo de autenticidad y aceptación, invitando a reflexionar sobre el papel que juega la industria en la valoración del cuerpo femenino y sobre la necesidad de desafiar los modelos únicos de belleza y envejecimiento.

Sus declaraciones, respaldadas por vivencias personales y una postura consistente, suman una voz relevante al debate social sobre la autonomía, la autoaceptación y el respeto por la diversidad en todas las etapas de la vida.

Emma Thompson, una de las actrices británicas más reconocidas y premiadas de las últimas décadas, generó debate durante el Festival de Locarno al compartir con honestidad sus impresiones sobre su paso por la saga cinematográfica de Harry Potter. En una sesión de preguntas y respuestas con el público, la intérprete fue tajante respecto a su nivel de implicación con la famosa franquicia basada en los libros de J.K. Rowling. Thompson confesó que su participación en la historia mágica no fue fruto de una afinidad o motivación artística especial, sino que estuvo motivada principalmente por el factor económico, tema que fue recogido por el medio Espinof.

Una franqueza poco frecuente en la industria

Al compartir su experiencia, Thompson afirmó: “No es realmente una parte importante de mi trabajo creativo. Lo siento mucho. No quiero ser grosera con quienes les gusta Harry Potter, pero, ¿sabes?, llegué, hice un poco con las gafas, mucho con el pelo, y luego me fui a casa con un sueldo bastante bueno. Estoy muy agradecida”, explicó según Espinof.

Sus palabras se alejan de la narrativa habitual de quienes participaron en la saga, muchos de los cuales destacan un fuerte impacto emocional y profesional. Para Thompson, la experiencia constituyó un episodio más en su carrera, sin un apego especial ni un valor sentimental.

El personaje de Sybill Trelawney, profesora de adivinación famosa por su excentricidad, solo apareció en tres de las ocho películas de la saga. Aunque su caracterización dejó huella entre el público, Thompson nunca pretendió que su interpretación tuviera mayor trascendencia en su trayectoria. Su integración fue puntual y sin mayor implicación creativa ni personal.

Un rol secundario y reflexiones en Locarno

Durante su estancia en el Festival de Locarno, donde fue reconocida como invitada de honor, Thompson reflexionó sobre proyectos que han marcado su carrera de manera distinta. Relatando sobre ‘Love Actually’, expresó: “La verdad es que me asombra constantemente que esa película haya durado, no es que no me guste. Me gusta mucho, pero es rara (...) Tocó una fibra sensible porque, sobre todo las mujeres, cuando nos rompen el corazón, tenemos que ocultarlo para que no lo vean”, comentó según Espinof. Este tipo de declaraciones subraya la diferencia entre sus papeles: hay proyectos que logran trascender la pantalla y tocar su vida, mientras otros quedan en un plano estrictamente profesional.

Sin embargo, el contraste más notorio surgió cuando abordó su trabajo en la franquicia ‘La niñera mágica’ (‘Nanny McPhee’). En ella, además de protagonizar, participó activamente en la escritura y el desarrollo creativo. Thompson lo explicó con claridad: “Las películas de Harry Potter son parte de una gran franquicia a la que no siento un apego emocional ni necesariamente creativo. Es más como interpretar un papel, mientras que las de Nanny McPhee son algo que he escrito yo”. Este vínculo directo con el proceso creativo otorga a ‘La niñera mágica’ un significado especial, completamente distinto al que experimentó con Harry Potter.

Compromiso creativo: esencia de su carrera

Para Emma Thompson, el valor duradero de una obra depende de su implicación personal. Solo en aquellos trabajos donde pudo aportar creatividad propia y esfuerzo personal se genera un recuerdo significativo. Thompson reafirma que el sentido profundo de su trabajo reside en las historias que siente como propias, más allá del éxito mundial o la popularidad de una franquicia. Es esta convicción la que, según Espinof, define su vínculo con el cine, el arte y los proyectos a los que se entrega. El compromiso creativo, antes que la fama o el éxito comercial, es lo que impulsa su carrera y da sentido a su recorrido profesional.

La postura sincera de Emma Thompson invita a repensar la verdadera trascendencia de participar en grandes sagas frente al valor de crear algo genuino. Para la actriz, la clave está en el proceso y en su relación cercana con la obra, no en el reconocimiento masivo. El auténtico valor se construye en el compromiso y la pasión que se invierten en cada proyecto, diferenciando a quienes solo buscan el reconocimiento y a quienes, como ella, encuentran sentido en una verdadera entrega artística.

La actriz británica Emma Thompson rememoró en el Locarno Film Festival un episodio poco conocido relacionado con el presidente estadounidense Donald Trump, ocurrido a finales de la década de 1990.

Durante un conversatorio en Suiza, la artista, reconocida por su labor en el cine y el teatro, expuso los detalles de una invitación a cenar que recibió directamente de Trump mientras trabajaba en el rodaje de la película Primary Colors, adaptación del libro homónimo de Joe Klein.

Según Thompson, la llamada se produjo en su camerino durante la filmación de la cinta, que aborda la campaña presidencial de Bill Clinton.

En ese sentido, relató que el teléfono sonó en el interior de su tráiler y, al contestar, se sorprendió por la identidad de su interlocutor.

“Estaba en mi tráiler un día mientras hacíamos esa película y el teléfono sonó. Nadie había llamado antes a esa línea, y dije: ‘Hola’. ‘Hola, habla Donald Trump’, y pensé que era una broma”, explicó ante el auditorio del festival.

¿Cuál fue la respuesta de Emma Thompson?

Ante el desconcierto, Emma Thompson preguntó cómo podía ayudar, considerando que tal vez se trataba de alguien que necesitaba indicaciones para llegar a algún lugar.

La respuesta de Trump, según la actriz, fue directa: “Me encantaría que vinieras a quedarte en uno de mis hermosos lugares. Tal vez podríamos cenar”, recordó que le propuso el magnate inmobiliario.

Ella replicó agradeciendo la invitación y concluyó la conversación con un cortés: “Eso es muy dulce. Muchas gracias. Ya te responderé”.

En sus declaraciones, la estrella de cine destacó la sorpresa que le ocasionó tanto la llamada como el momento en que se produjo.

“Luego me di cuenta de que ese mismo día había llegado el decreto de mi divorcio”, dijo en referencia al final de su matrimonio con el actor y director Kenneth Branagh, ocurrido en 1995 después de haberse casado en 1989.

Thompson señaló que la coincidencia temporal pudo haber jugado un papel en la elección de Trump para establecer contacto con ella. “Apuesto a que tiene gente buscando personas adecuadas para salir. Una buena divorciada, eso era lo que buscaba”, reflexionó.

Donald Trump, por su parte, se encontraba en ese entonces todavía casado con Marla Maples, de quien se había separado en 1997. El divorcio de la pareja se oficializó en 1999.

La actriz también mantenía una relación estable con el actor Greg Wise, a quien conoció en el rodaje de Sense and Sensibility en 1995 y con quien más tarde contrajo matrimonio en 2003.

La anécdota, compartida por Emma Thompson en varias ocasiones previas, como en una entrevista televisiva en 2017, ha sido motivo de reflexión y humor por parte de la estrella.

En la reciente charla en Locarno, afirmó: “Así que sí, podría haber salido a cenar con Donald Trump. ¡Podría haber cambiado el curso de la historia estadounidense!”, exclamó entre risas, aludiendo irónicamente a las posibles repercusiones de haber aceptado la invitación.

Asimismo, aseguró que nunca devolvió la llamada ni mantuvo posteriores contactos con el empresario.

Durante la misma intervención en el Locarno Film Festival, Thompson ironizó sobre el hecho de que Trump obtuviera su número privado en el set de Primary Colors, calificándolo como un acto de “acoso”.

A partir de ese contacto, elaboró sobre el carácter inesperado del acercamiento: “Encontró mi número en mi tráiler. Eso es acosar”.

En el contexto de la llamada, Emma Thompson llevaba una carrera consolidada y había finalizado recientemente un proceso personal difícil.

Donald Trump, entonces empresario y figura de la sociedad neoyorquina, aún no había iniciado su proyección en el mundo del entretenimiento ni su carrera política.

La actriz Emma Thompson se enfrentó a una exigente jornada de rodaje en la que, según relató, “me arrastré por el barro durante 12 horas” para dar vida a su personaje en la película Dead of Winter, el thriller de Brian Kirk, contó durante una conversación con el público en el Festival de Locarno.

Dead of Winter explora la historia de una mujer que, tras la muerte de su esposo, se ve envuelta en una situación límite en las montañas escocesas. La actriz, reconocida por su versatilidad y profundidad interpretativa, se sumergió en un rodaje que exigió tanto resistencia física como una intensa preparación emocional.

Emma Thompson detalló que el rodaje incluyó “escenas de acción muy duras” y que, a pesar de su experiencia en el cine, nunca antes había enfrentado un desafío físico de tal magnitud. La actriz describió cómo el equipo de producción la preparó para las secuencias más exigentes, pero subrayó que la crudeza del entorno natural y las condiciones climáticas extremas de las Highlands escocesas añadieron un nivel de dificultad inesperado. “No había dobles para la mayoría de las escenas”, lo que la obligó a realizar personalmente las acrobacias y movimientos complejos según detalló.

El guion de “Dead of Winter” se centra en la transformación de una mujer que, tras perder a su pareja, debe enfrentarse a una amenaza desconocida mientras lucha por sobrevivir en un entorno hostil.

La actriz también reflexionó sobre el impacto emocional de interpretar a un personaje que atraviesa el duelo y la desesperación. Explicó que el proceso de preparación incluyó sesiones con especialistas en trauma y supervivencia, lo que le permitió comprender mejor la psicología de su personaje. “Fue una experiencia transformadora, tanto física como mentalmente”, afirmó Thompson ante el público del festival suizo.

El rodaje de Dead of Winter se llevó a cabo en locaciones remotas de Escocia, lo que supuso un reto logístico para el equipo técnico y artístico. La producción debió adaptar su calendario a las condiciones meteorológicas cambiantes, lo que derivó en jornadas de trabajo de hasta 14 horas. Emma Thompson destacó la colaboración y el compromiso del equipo, señalando que “todos estábamos al límite, pero eso nos unió más”.

[Fotos: prensa Festival de Locarno]

En una industria donde la exposición mediática puede devorar la intimidad de sus protagonistas, la actriz británica Kate Winslet ha forjado una carrera basada no solo en el talento actoral, sino también en una firme defensa de su integridad.

Desde sus primeras apariciones en la gran pantalla hasta la actualidad, Winslet ha dejado claro que no está dispuesta a sacrificar sus valores personales en nombre de la fama.

A sus 49 años, la protagonista de Titanic ha mantenido una postura crítica ante las presiones de la cultura de la imagen.

En una reciente entrevista con El País, Winslet expresó su rechazo a una de las formas más frecuentes en que se la elogia por su trabajo actoral:

“No quiero que me llamen ‘valiente’ por mostrar mi cuerpo en escenas de desnudos. No estoy en Ucrania”. Con esta afirmación, la actriz desmonta la condescendencia disfrazada de admiración que muchas veces rodea las representaciones físicas femeninas en el cine.

Winslet tampoco ha ocultado su incomodidad con las redes sociales, a las que se niega a participar activamente. “Me enojan las redes sociales. No quiero saber qué se ponen otros o si se han divorciado… ¿Por qué necesito saberlo?”, se pregunta retóricamente, dejando en evidencia su postura de protección hacia la vida privada y la desconexión con una cultura de constante vigilancia.

El inicio de un camino sólido

Formada en la Redroofs Theatre School, Winslet obtuvo su primer papel importante en Heavenly Creatures (1994), dirigida por Peter Jackson. En este drama psicológico, interpretó a una adolescente implicada en un crimen, dejando en claro desde el inicio su capacidad para asumir personajes complejos.

Pero sería al año siguiente, con Sentido y sensibilidad (1995), donde alcanzaría el reconocimiento internacional gracias a su interpretación de Marianne Dashwood. Esta actuación no solo le valió su primera nominación al Óscar, sino que cimentó su posición como una de las nuevas grandes figuras del cine británico.

En ese rodaje, su compañera de reparto, Emma Thompson, no solo escribió el guion sino que ejerció un rol determinante en la formación de Winslet como artista. “Fue quien me hizo creer que me había ganado mi lugar en esa película”, reconoció la actriz, evidenciando el impacto personal que tuvo esa colaboración en un momento crucial de su carrera.

Consejos fundamentales para una carrera equilibrada

El vínculo con Emma Thompson perduraría más allá de la pantalla. Luego del éxito global de Titanic (1997), que transformó la vida de Winslet en un fenómeno mediático, Thompson le ofreció un consejo que marcaría su trayectoria profesional: “Escucha, cariño, simplemente recuerda que es tan importante no trabajar como trabajar”.

Esta frase le permitió comprender el valor de la pausa y la elección consciente de sus proyectos.

A lo largo de los años, Winslet ha demostrado una versatilidad notable con papeles en películas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), The Reader (2008) —por la que recibió el Óscar a Mejor Actriz— y Steve Jobs (2015), sumando múltiples reconocimientos, incluyendo BAFTA y Globos de Oro.

Después de Titanic, la actriz fue objeto de crueles comentarios sobre su cuerpo. Lejos de callar, Winslet enfrentó públicamente esas agresiones con determinación: “Espero que esto os persiga”, dijo entre lágrimas en una entrevista reciente.

Su respuesta se ha convertido en un emblema de resistencia ante la gordofobia y la cosificación femenina que aún persisten en el ámbito artístico.

Coherencia y dignidad como estandartes

Kate Winslet ha sabido proteger su intimidad sin renunciar al compromiso artístico. Su negativa a dejarse absorber por las dinámicas invasivas del espectáculo y su constante defensa del valor del trabajo actoral han hecho de ella una figura representativa del cine contemporáneo, no solo por su talento, sino también por su integridad.

Con una carrera marcada por la coherencia y la profundidad, Winslet no sólo ha interpretado memorables personajes, sino que ha dado ejemplo de cómo navegar una industria exigente sin perder la brújula ética.

Su historia es, sin duda, una lección de dignidad en un mundo donde la apariencia muchas veces se impone sobre la sustancia.

Londres, 10 dic (EFE).- La ONG ecologista Greenpeace y el gigante energético Shell han llegado a un acuerdo extrajudicial para resolver la demanda multimillonaria que la petrolera había interpuesto contra la organización y nueve activistas que participaron en una protesta en un buque en febrero de 2023.

Según señalaron Greenpeace y Shell en sendos comunicados, el arreglo contempla que la ONG haga una donación de 300.000 libras (unos 360.000 euros) a la organización de rescate Royal National Lifeboat Institution (RNLI) a cambio de que la compañía retire su acción judicial.

La acusación reclamaba 11 millones de dólares (10,5 millones de euros) en daños y perjuicios y costas judiciales al entender que se habían puesto en riesgo vidas humanas, según Greenpeace.

Por el acuerdo, los acusados se comprometen a no acercarse a cuatro explotaciones en Shell en el Mar del Norte por un periodo de entre 5 y 10 años, aunque según la asociación esos lugares están en "declive" y no tenían previsto más acciones directas en ellos.

Para la codirectora ejecutiva de Greenpeace en el Reino Unido, Areeba Hamid, la demanda de Shell se había convertido en "una rueda de molino de relaciones públicas en torno a su cuello".

"La respuesta pública contra sus tácticas de acoso le hizo retroceder y buscar un acuerdo extrajudicial", subrayó la responsable de Greenpeace, que destacó la participación de personalidades como los actores Benedict Cumberbatch o Emma Thompson en sus campañas públicas.

Para Shell, "el derecho a protestar es fundamental y no ha sido cuestionado", pero creen que este caso trataba de un "abordaje ilegal que, según describió un juez del Tribunal Superior, puso en peligro sus vidas e, indirectamente, las de la tripulación"

Los activistas de Greenpeace permanecieron 13 días a bordo de un barco que transportaba una plataforma petrolífera de Shell en aguas al norte de Canarias para protestar por la perforación de gas y petróleo en el Mar del Norte, y desembarcaron en el puerto noruego de Haugesun tras 4.000 kilómetros de travesía EFE

er/ja/cc

• La historia sin fin
• El mago de Oz
• La nana mágica
• Wonka

El género fantástico encontró en Max un hogar ideal para llevar a los espectadores a mundos llenos de magia, aventuras y personajes memorables. Desde películas clásicas como El Mago de Oz hasta modernas reinterpretaciones como Wonka, la plataforma ofrece una gran variedad de opciones para quienes buscan escaparse de la realidad y adentrarse en un universo lleno de posibilidades infinitas. Hoy en Malditos Nerds, exploramos algunos títulos destacados del género que podemos encontrar en el catálogo del servicio de streaming.

La historia sin fin (The Neverending Story, 1984) - Dir. Wolfgang Petersen

Una de las joyas más queridas del cine fantástico es La historia sin fin, dirigida por Wolfgang Petersen. Basada en la novela de Michael Ende, la película lleva al público a través de un mundo donde la imaginación no tiene límites. Su historia sigue a Bastian un chico que, al leer un misterioso libro, se ve transportado al mágico reino de Fantasía, donde deberá ayudar al joven héroe Atreyu a salvarlo de la destrucción.

Con una de las bandas sonoras más icónicas y efectos especiales prácticos que marcaron su época, La historia sin fin sigue siendo un clásico atemporal que no pierde su poder de fascinación, tanto para nuevos espectadores como para quienes ya la han visto varias veces. La relación entre Bastian y el libro, que cobra vida, continúa siendo una de las representaciones más entrañables del poder de la literatura y la fantasía.

El Mago de Oz (The Wizard of Oz, 1939) - Dir. Victor Fleming

Si hablamos de cine fantástico, no se puede dejar de mencionar El Mago de Oz, una obra maestra dirigida por Victor Fleming que sentó las bases del género. Esta adaptación del libro de L. Frank Baum estrenada en 1939 marcó generaciones con su colorido mundo y personajes inolvidables.

Su historia sigue a Dorothy, una niña de Kansas interpretada por la icónica Judy Garland, que se ve transportada por un tornado a la mágica Tierra de Oz, donde buscará al Gran Mago para poder regresar a su hogar. La película no solo es famosa por sus canciones y su vibrante mundo, sino también por su mensaje sobre la importancia de la amistad, el valor y el deseo de encontrar el hogar, sin importar el lugar. Un verdadero pilar dentro del cine fantástico que está disponible en Max para ser disfrutada.

La Nana Mágica (Nanny McPhee, 2005) - Dir. Kirk Jones

Otra opción más contemporánea presente en el catálogo de Max es La Nana Mágica, dirigida por Kirk Jones. La película sigue a un hombre viudo, interpretado por Colin Firth, que se ve desbordado por el comportamiento de sus siete traviesos hijos. Sin embargo, la llegada de una nana muy especial, encarnada por Emma Thompson, cambia por completo la dinámica familiar.

Con un toque de magia, Nanny McPhee tiene la habilidad de ayudar a los niños a aprender valiosas lecciones de vida, mientras que al mismo tiempo les enseña a comportarse. La película es una propuesta entretenida para toda la familia, con un enfoque en los valores y la transformación personal, todo envuelto en una atmósfera fantástica y con algo de humor exagerado que la hace perfecta para ver en cualquier momento.

Wonka (2023) - Dir. Paul King

Wonka forma parte de una de las adiciones más recientes del género fantástico al catálogo de Max. Dirigida por Paul King, a quien muchos conocen por la franquicia cinematográfica de Paddington, esta película relata los primeros años de Willy Wonka, el personaje famoso por sus chocolates mágicos en Charlie y la Fábrica de Chocolate.

Protagonizada por Timothée Chalamet, Wonka nos lleva a un viaje por los orígenes del famoso chocolatero, mostrándonos sus primeros pasos hacia la creación de la icónica fábrica. Con un tono de aventura fantástica y una trama llena de magia, risas y música, esta precuela promete encantarnos con la misma magia que hizo tan famosa a la historia original.

Christopher Reeve es, sin dudas, una leyenda en la industria del cine. Su interpretación de Superman en Superman: The Movie (1978) no solo revolucionó el género de superhéroes, sino que también estableció un nuevo estándar para el personaje. Las secuelas, Superman II (1980), Superman III (1983) y Superman IV: En busca de la paz (Superman IV: The Quest for Peace - 1987), continuaron explorando su legado como el Hombre de Acero, consolidando su estatus icónico en el cine. Sin embargo, en esta ocasión, nos vamos a enfocar en su carrera fuera de este rol, demostrando que el intérprete fue mucho más que Superman y explorando sus contribuciones a una variedad de géneros cinematográficos.

Christopher Reeve en Pide al tiempo que vuelva (Somewhere in Time - 1980)

Empezamos con una de las actuaciones más emblemáticas de Reeve en Pide al tiempo que vuelva (Somewhere in Time), una película lanzada en 1980 que sigue la historia de Richard Collier, un dramaturgo que viaja en el tiempo para encontrarse con el amor de su vida. La película, basada en la novela de Richard Matheson, se adentra en el terreno de la fantasía romántica, donde el actor ofrece una interpretación profundamente conmovedora y sensible como el protagonista que se embarca en un viaje atemporal para buscar el amor perdido.

El largometraje fue dirigido por Jeannot Szwarc, conocido por su trabajo en Tiburón 2 y Santa Claus: La película. Szwarc crea una atmósfera envolvente y nostálgica que resuena con la esencia romántica y fantástica de la historia. La película también cuenta con un elenco destacado que incluye a Jane Seymour (007: Vive y deja morir, Dr. Quinn, Medicine Woman) en el papel de la musa de Reeve, Christopher Plummer (La novicia rebelde, El informante) como el antagonista, y Teresa Wright (Los mejores años de nuestra vida, La sombra de una duda) en un rol secundario notable. La colaboración de estos talentosos actores, junto con la evocadora banda sonora de John Barry (Los diamantes son eternos), hace que Pide al tiempo que vuelva sea una experiencia cinematográfica única y apreciada por los aficionados al género de fantasía romántica.

Christopher Reeve en Lo que queda del día (The Remains of the Day - 1993)

En segundo lugar, tenemos la película dramática Lo que queda del día (The Remains of the Day - 1993), que nos cuenta la vida de un mayordomo inglés, Stevens, quien reflexiona sobre su vida mientras sirve a un aristócrata durante el periodo previo a la Segunda Guerra Mundial. Christopher Reeve ofrece una actuación destacada en este filme, interpretando al Congresista Jack Lewis, un personaje que, aunque secundario, juega un papel crucial en la trama. Su interpretación aporta una dimensión adicional al filme, ayudando a destacar el contraste entre el deber y el deseo personal, temas centrales de la historia.

Junto al actor, el reparto está protagonizado por Anthony Hopkins (El Padre, El silencio de los inocentes) y Emma Thompson (Realmente amor, Harry Potter y la Orden del Fénix), quienes ofrecen actuaciones notables que son el corazón de la historia. James Fox (Pasaje a la India, El sirviente), Peter Vaughan (Game of Thrones) y Hugh Grant (Un lugar llamado Notting Hill, Cuatro bodas y un funeral) también forman parte del elenco, enriqueciendo la trama con sus interpretaciones en un contexto de cambio social y político.

Christopher Reeve en Trampa mortal (Deathtrap - 1982)

En último lugar, tenemos otro rol fundamental del actor en Trampa mortal (Deathtrap - 1982), un thriller psicológico que nos cuenta la historia de un dramaturgo en decadencia, Sidney Bruhl, interpretado por Michael Caine (El gran truco), que trama un elaborado plan para asesinar a un joven artista y robar su obra maestra. Christopher Reeve interpreta a el joven escritor Clifford Anderson, cuyo papel es crucial para el desarrollo de la intrincada trama de engaños y giros inesperados. Reeve aporta una interpretación que equilibra la vulnerabilidad y el misterio, creando una dinámica intrigante con Caine en un duelo de ingenio y manipulación.

Basada en la obra de teatro homónima de Ira Levin, Trampa mortal está dirigida por Sidney Lumet, una eminencia en el cine conocido por clásicos como 12 hombres en pugna (12 Angry Men - 1957) y Larga jornada hacia la noche (Long Day’s Journey Into Night - 1962). La película cuenta con las participaciones de Dyan Cannon (El cielo puede esperar), Irene Worth (Su sombra siniestra) y Henry Jones (Una mujer de cuidado), quienes aportan profundidad y matices adicionales a la trama. La colaboración entre Lumet y estos talentosos actores convierte a Trampa mortal en una pieza esencial del thriller psicológico, llena de tensión y giros dramáticos que mantienen al espectador al borde de su asiento.

Pixar, reconocida por su innovación en la animación cinematográfica, ha reafirmado su posición como líder de esta técnica con el reciente lanzamiento de Intensamente 2, la esperada secuela de su película emblemática estrenada en 2015. En esta nueva entrega, la historia se centra en una Riley adolescente, quien enfrenta una serie de desafíos que reflejan las complejidades emocionales de esta etapa de la vida. Ansiedad, Aburrimiento, Envidia y Vergüenza se convierten en temas centrales, explorados de manera profunda y con el estilo característico de la productora en la representación de las emociones humanas.

Dirigida por Kelsey Mann, conocido por su trabajo en Monsters University: Party Central, Intensamente 2 no solo ha capturado la atención de la crítica, sino que también ha batido récords en taquilla. En tan solo 19 días desde su estreno, la película superó la barrera del billón de dólares en ingresos, superando incluso a grandes producciones como Duna: parte dos (Dune: Part Two). Con una combinación de tecnología de animación de vanguardia y guiones cuidadosamente elaborados, Pixar demuestra una vez más por qué es considerada una de las fuerzas impulsoras detrás de las historias animadas que trascienden generaciones y fronteras culturales.

Por eso, para aprovechar este éxito, vamos a explorar tres películas poco recordadas de Pixar.

Un gran dinosaurio - The Good Dinosaur (Dir. Peter Sohnh - Disponible en Disney+)

Arrancamos este recorrido por las películas menos conocidas de Pixar con Un Gran Dinosaurio, dirigida por Peter Sohn (Elementos) y estrenada en 2015. Esta obra, aunque no alcanzó el mismo reconocimiento que otros éxitos del estudio, como Toy Story o Buscando a Nemo (Finding Nemo - 2003), ofrece una historia emotiva y divertida de una amistad impensada.

En una historia alternativa, el asteroide que amenazaba con causar la extinción de los dinosaurios pasa sobre la Tierra sin consecuencias catastróficas. Es en este escenario donde conocemos a Arlo, un apatosaurio joven y tímido que se ve separado de su familia en un mundo prehistórico lleno de desafíos y peligros. A raíz de esto, nuestro protagonista se hace amigo de Spot, un niño humano salvaje, y juntos enfrentan peligros mientras descubren lecciones sobre el coraje, la amistad y el autodescubrimiento

Aunque Un gran dinosaurio no alcanzó el reconocimiento masivo, sigue siendo apreciada por los fanáticos de la compañía por su narrativa conmovedora y su impresionante despliegue visual.

Valiente - Brave (Dir. Mark Andrews, Brenda Chapman, Steve Purcell - Disponible en Disney+)

Valiente, dirigida por Mark Andrews (El ataque de Jack-Jack), Brenda Chapman (La bella y la bestia) y Steve Purcell (Toy Story: Olvidados en el tiempo), se estrenó en cines de todo el mundo en 2012, transportando a los espectadores a las tierras de Escocia. La historia gira en torno a Mérida, una joven princesa con una habilidad excepcional para el tiro con arco y una voluntad indomable. Enfrentada a las expectativas sociales, Mérida desafía una antigua costumbre, desatando consecuencias inesperadas que la llevan a descubrir el verdadero significado del valor y la determinación.

La relación entre madre e hija es el núcleo principal de este proyecto. Mérida y su madre, la Reina Elinor, tienen visiones opuestas sobre el futuro de la princesa. A medida que enfrentan desafíos peligrosos juntas, aprenden a valorar las fortalezas únicas de cada una y a encontrar un entendimiento mutuo que va más allá de las diferencias generacionales.

El elenco vocal incluye a talentos cómo Kelly Macdonald (Trainspotting), Emma Thompson (Cruella, Harry Potter y la Orden del Fénix), Billy Connolly (El último samurái) y Julie Walters (Billy Elliot). Aunque la película recibió reconocimientos importantes de la industria cinematográfica, su lugar en la memoria colectiva no es tan prominente como otras producciones animadas.

Bichos: una aventura en miniatura - A Bug’s Life (Dir. John Lasseter y Andrew Stanton - Disponible en Disney+)

Por último, tenemos Bichos: una aventura en miniatura, estrenada en el año 1998 bajo la dirección de John Lasseter (Toy Story 2) y Andrew Stanton (Buscando a Nemo). La historia sigue a una curiosa e inventiva hormiga llamada Flik, que se embarca en una misión para salvar su colonia de las amenazas de los temibles saltamontes. A lo largo de su viaje, Flik descubre el valor de la determinación y el trabajo en equipo, enfrentándose a desafíos que ponen a prueba su ingenio y coraje.

La película, al igual que las mencionadas anteriormente, no ha alcanzado el mismo reconocimiento dentro del panteón de Pixar. Esto puede deberse en parte a que fue la segunda producción del estudio tras el rotundo éxito de Toy Story. Desde el inicio de la producción, los creativos se enfrentaron al desafío de innovar después de la aclamada primera película. Optaron por crear una epopeya visualmente impresionante que explora un mundo diminuto lleno de grandes aventuras y profundas lecciones sobre la superación personal y la valentía.