La actriz Emma Stone regresa oficialmente al género de la comedia romántica, protagonizando una nueva película junto a Chris Pine que será dirigida por su esposo, Dave McCary. El filme, titulado The Catch, tiene su estreno previsto en salas para el 21 de mayo de 2027 y marca un retorno al tipo de historias que consolidaron la carrera de Stone ante el gran público. Stone es reconocida por su participación en comedias románticas como La La Land, Rumores y mentiras, Crazy, Stupid, Love y Aloha. Su actuación en La La Land le valió el Oscar a la Mejor Actriz Protagonista, uno de los seis premios que obtuvo el filme en los Premios de la Academia. En años recientes, la actriz había abandonado el género romántico, centrándose en colaboraciones con el director griego Yorgos Lanthimos en títulos como Poor Things, Kinds of Kindness y Bugonia.

El anuncio de The Catch representa el primer acercamiento de Stone a la comedia romántica desde hace varios años. Según se informó, Stone eligió este proyecto después de analizar varios guiones y quedar especialmente interesada en la versión más reciente del texto, escrita por Jen Statsky (Hacks) y Travis Helwig, sobre un guion original de Patrick Kang y Michael Levin. Hasta el momento, no se han revelado detalles oficiales sobre la trama de la película. La noticia confirma que tanto Emma Stone como Chris Pine serán los protagonistas de The Catch. Esta colaboración reúne a dos intérpretes con experiencia previa en comedias románticas. Pine ha participado en películas como Princesa por sorpresa 2, Devuélveme mi suerte, o Esto es la guerra. En los últimos años, ambos actores orientaron sus carreras hacia producciones menos convencionales, pero su participación en este proyecto supone un regreso al género que definió etapas previas de sus trayectorias.

The Catch es el primer largometraje de Stone tras Bugonia, su más reciente trabajo con Lanthimos. La actriz obtuvo una nominación al Oscar por ese papel, convirtiéndose en la segunda persona más joven y la mujer más joven en alcanzar siete nominaciones a los Premios de la Academia. Solo Meryl Streep había alcanzado ese récord a una edad similar, mientras que Walt Disney sigue siendo la persona más joven en lograrlo, con 34 años. La dirección de la película estará a cargo de Dave McCary, quien además de ser el esposo de Stone, tiene una reconocida trayectoria como guionista y realizador. McCary dirigió y escribió numerosos episodios de Saturday Night Live y ha desarrollado una carrera en cine y televisión. En 2024, la productora que comparte con Stone, Fruit Tree, firmó un acuerdo de primera opción con Universal Pictures.

Estrechando lazos

El vínculo personal y profesional entre Stone y McCary añade un atractivo adicional al proyecto, que contará con el respaldo de Universal y la experiencia de ambos en la industria cinematográfica. Entre las películas producidas anteriormente por Fruit Tree se encuentran Poor Things, I Saw the TV Glow, A Real Pain y Bugonia. La producción de The Catch estará a cargo de Fruit Tree y también de 21 Laps, la compañía de Shawn Levy y Dan Levine. Levy, conocido por su labor como productor y director, se encuentra inmerso en la posproducción de Star Wars: Starfighter, filme que llegará a los cines una semana después del estreno de The Catch, el 28 de mayo de 2027.

El guion de la película fue inicialmente escrito por Patrick Kang y Michael Levin, pero la versión que finalmente atrajo a Stone fue desarrollada por Jen Statsky y Travis Helwig. Aunque la sinopsis oficial aún no ha sido difundida, fuentes de la producción indican que el guion fue uno de los factores determinantes para que la actriz aceptara el proyecto. En los últimos años, Emma Stone se ha concentrado en roles dramáticos y colaboraciones de alto perfil, alejándose de las comedias románticas que la impulsaron al estrellato. Su trabajo con Lanthimos ha sido destacado por la crítica y la ha mantenido como una de las figuras más influyentes de su generación.

Por su parte, Chris Pine alternó papeles en cine independiente y proyectos más comerciales, incluyendo su debut como director en Poolman. La unión de ambos actores en una comedia romántica dirigida por McCary representa un reencuentro con el cine mainstream y una apuesta por revitalizar el género con figuras reconocidas y experiencia comprobada. El estreno de The Catch en mayo de 2027 se perfila como uno de los regresos más esperados en la carrera de Stone y una oportunidad para que el género vuelva a captar la atención del público con nuevos rostros y perspectivas.

La decisión de Emma Watson de no protagonizar La La Land, uno de los mayores éxitos musicales de los últimos años, marcó un cambio relevante en su carrera y en la del elenco final. Según recuerda Sensacine, Emma Stone asumió el papel principal y resultó galardonada con el Oscar, contribuyendo al éxito de la película dirigida por Damien Chazelle. Mientras, Watson enfocó sus esfuerzos en La Bella y la Bestia, consolidando su relación con Disney y orientando su trayectoria hacia nuevas direcciones en la industria cinematográfica.

El origen de “La La Land” y el proceso de selección de reparto

La La Land, dirigida por Damien Chazelle, nació como un proyecto pensado para renovar el cine musical contemporáneo. Desde su inicio, el cineasta contempló a Emma Watson como candidata principal para el personaje de Mia, una actriz en busca de su gran oportunidad en Hollywood.

Para el papel masculino de Sebastian, la opción inicial fue Miles Teller, aunque finalmente el rol fue interpretado por Ryan Gosling tras desmentir los rumores sobre desacuerdos económicos, según señala Sensacine. Ninguno de los dos protagonistas finales fue la primera elección del director.

La historia, centrada en Mia y Sebastian, terminó en manos de Stone y Gosling, una combinación que redefinió el género romántico-musical de la década y llevó a La La Land a convertirse en referente y fenómeno de crítica.

Emma Watson: decisión y justificación profesional

La negativa de Watson a interpretar a Mia tuvo relación directa con compromisos previos. Según Sensacine, la actriz británica ya había dado su palabra para trabajar en la versión de acción real de La Bella y la Bestia, lo que hizo inviable coordinar su agenda con el rodaje de La La Land.

En varias ocasiones, Watson remarcó la dificultad de compatibilizar varios proyectos internacionales. “Es frustrante que se asocien nombres a proyectos desde el principio para generar expectación o emoción por algo que está por venir, antes de que nada esté realmente acordado o decidido”, advirtió la actriz en declaraciones recogidas por Sensacine.

La intérprete explicó que debía someterse a un proceso exhaustivo de preparación física y artística para encarnar a Bella, incluyendo meses de entrenamiento en Londres: “Sabía que tenía que entrenar caballos, bailar, cantar durante tres meses y estar en Londres para hacerlo”, relató, una planificación incompatible con la filmación de La La Land en Estados Unidos.

Así, por motivos de agenda, se vio obligada a tomar una decisión. Como documenta Sensacine, Watson eligió continuar con el proyecto de Disney, definición que marcó el destino de las dos películas y el de sus respectivos repartos.

El éxito y las consecuencias para ambas películas

La elección de Emma Stone como Mia y Ryan Gosling como Sebastian impulsó a La La Land a un éxito formidable. La película obtuvo 6 premios Oscar, entre ellos los de Mejor Director para Chazelle y Mejor Actriz para Stone, cimentando su estatus como referente del género musical y reforzando la carrera de su director y protagonista.

En paralelo, La Bella y la Bestia, con Watson al frente, se posicionó como uno de los mayores éxitos de taquilla de Disney. La película superó los USD 1.264 millones en recaudación, de acuerdo con los datos de Sensacine, y fortaleció la visibilidad de la actriz en mercados internacionales, consolidando a los grandes estudios en la cartelera global.

La repercusión de ambas obras se extendió tanto a nivel artístico como comercial, marcando una época en el cine de Hollywood.

Reacciones y reflexión de Emma Watson

A pesar de dejar pasar uno de los papeles más aspirados de la década, Watson siempre expresó una postura profesional ante su decisión. En entrevistas, insistió en la importancia de ceñirse a los compromisos aceptados y criticó la costumbre de la industria de vincular nombres célebres a proyectos antes de firmar acuerdos.

“Es frustrante que se asocien nombres a proyectos desde el principio para generar expectación o emoción por algo que está por venir, antes de que nada esté realmente acordado o decidido”, reiteró en declaraciones citadas por Sensacine.

Sobre su dedicación a La Bella y la Bestia, la intérprete indicó que el proyecto requería preparación intensiva y total implicación. “Sabía que tenía que hacer el trabajo y estar donde tenía que estar”, aseveró, enfatizando su compromiso profesional con el personaje. Ante rumores sobre un posible arrepentimiento, Watson reafirmó que su elección fue resultado de una evaluación honesta de sus prioridades y capacidades en ese momento.

La huella de La La Land en la crítica sigue siendo indiscutida, mientras que el desempeño en taquilla y la recaudación millonaria de La Bella y la Bestia mantienen a ambas cintas como referentes de la industria cinematográfica en la última década, concluye Sensacine.

La más reciente temporada de premios puso a Emma Stone en el centro de la conversación por un récord histórico: a los 37 años, se convirtió en la mujer más joven en alcanzar siete nominaciones a los premios Oscar, superando a una referente como Meryl Streep.

Este logro refuerza no solo su prestigio en Hollywood, sino también su influencia como ícono de estilo en cada alfombra roja. Con cada aparición, Stone transforma el vestuario en una declaración personal que inspira a toda la industria y marca tendencia.

1- Look satinado en marfil y dorado pálido

En una de sus apariciones más comentadas, en los Globos de Oro 2026, optó por un conjunto que fusiona elegancia clásica y modernidad. La actriz lució un top sin mangas, de línea recta y tejido satinado en color marfil, que aporta una luminosidad discreta sobre su piel.

Este se combinó con una falda larga de textura densa en tono dorado pálido, decorada cuidadosamente con pequeños destellos que capturan la luz en cada movimiento. El estilismo se completó con su cabello corto, peinado liso y con raya al medio, enmarcando el rostro de manera natural.

2- Vestido blanco plisado con cinturón oscuro en los AFI Awards

Uno de los aspectos más admirados del estilo de Emma Stone es su habilidad para reinterpretar la feminidad clásica. En este caso, para los American Film Institute (AFI) 2026, la actriz apostó por un vestido blanco de escote palabra de honor, confeccionado en tejido plisado y ligero. La estructura holgada en la zona superior y la falda de corte midi aportaron movimiento y frescura, mientras que el cinturón fino de color oscuro marca de forma sutil la cintura.

El cabello, recogido hacia atrás con un acabado pulcro, completó un estilismo que remite a la sencillez y el refinamiento.

3- Vestido negro de hombros descubiertos en la gala de los Oscar

En otro de sus momentos destacados, para los Governors Awards 2026 deslumbró con un vestido largo negro de corte recto, hombros descubiertos y escote decorado por una tira brillante que recorre la parte superior del busto y los brazos. El diseño, sobrio y sofisticado, resaltó la silueta sin recurrir a excesos.

La selección de este atuendo reflejó el dominio de Stone para mezclar la elegancia tradicional con toques de modernidad y destellos de luz que capturan la atención.

4- Vestido naranja intenso con estola vaporosa

Apostando por la audacia cromática, para la premiere de “Bugonia” en 2025, eligió un vestido largo de tirantes finos en tono naranja intenso. El diseño, de corte recto y vaporoso, se acompañó de una estola del mismo tejido que cae suavemente por los brazos, sumando movimiento y dinamismo visual.

El cabello, de tono cobrizo y peinado hacia un lado, potencia la calidez del conjunto. Este look evidenció la disposición de Stone a experimentar con colores vibrantes y siluetas fluidas.

5- Vestido blanco con cuello abanico estructurado

Para el Festival de Cannes de 2025, llevó un vestido largo blanco de tejido liso y corte ajustado, destacando por un cuello estructurado en forma de abanico rígido que enmarca los hombros y la espalda. El cabello recogido reforzó la imagen de sofisticación.

6- Vestido azul marino satinado con encaje blanco

Para el Festival de Cannes 2025, optó por un vestido largo de tirantes finos y tejido satinado azul marino. El diseño incorporó franjas de encaje blanco en el busto, la cintura y el dobladillo, así como volantes superpuestos que añadieron textura y movimiento. El cabello corto, ondulado y peinado hacia un lado enmarcó el rostro de la actriz.

7- Vestido claro con líneas diagonales brillantes

En otra alfombra roja, para el Festival de Venecia 2025 optó por un vestido largo de tirantes finos en tono claro, decorado con líneas diagonales de brillo plateado. La parte superior, ceñida, contrasta con la falda de efecto abullonado.

El peinado corto y ladeado aportó un aire juvenil y fresco, consolidando una imagen de modernidad y elegancia sencilla.

8- Vestido metálico de lentejuelas plateadas

Finalmente, uno de los looks más deslumbrantes de Emma Stone fue el vestido largo de escote pronunciado y tirantes anchos, confeccionado en un tejido metálico de lentejuelas plateadas que usó para los Oscar 2025. La silueta ajustada y el cabello recogido refuerzan la sofisticación.

El anuncio de las nominaciones al Oscar 2026 situó a Emma Stone en el centro de la conversación sobre récords de la industria. A sus 37 años, la actriz se convirtió en la segunda persona más joven, y la mujer más joven, en alcanzar siete nominaciones a los Premios de la Academia, una marca que hasta ahora solo había superado Walt Disney con 34 años en 1936. La marca histórica previa para una mujer la mantenía Meryl Streep, quien sumó su séptima candidatura a los 38 años en 1988.

La protagonista de Bugonia logró por segunda vez una doble nominación como productora y actriz principal por el mismo filme. Según los registros de The Hollywood Reporter, Frances McDormand fue la primera en hacerlo, gracias a Nomadland en 2021. Stone repitió la hazaña con Poor Things en 2023 y la consolidó este año al ser postulada nuevamente en ambas categorías por su trabajo en Bugonia.

De las cinco candidaturas obtenidas por Stone antes del anuncio de este jueves, dos resultaron en victoria en la categoría de mejor actriz: una por La La Land en 2016 y otra por Poor Things.

Ahora, Emma compite por su tercera estatuilla como actriz principal, un hito que sólo han alcanzado dos luminarias del cine: Katharine Hepburn con un total de cuatro premios Oscar a mejor actriz y Frances McDormand con tres.

Cabe mencionar que otras grandes actrices como Ingrid Bergman y la misma Meryl Streep también cuentan con tres Oscar cada una. Sin embargo, ambos casos ostentan dos estatuillas a Mejor Actriz de Reparto y una a Mejor Actriz Principal.

En la contienda de mejor actriz, Stone compartió la lista de nominadas con Jessie Buckley (Hamnet), Rose Byrne (If I Had Legs I’d Kick You), Kate Hudson (Song Sung Blue) y Renate Reinsve (Sentimental Value). Mientras tanto, en la puja por mejor película, Bugonia figuró entre las seleccionadas junto a F1, Frankenstein, Hamnet, Marty Supreme, One Battle After Another, The Secret Agent, Sentimental Value y Sinners.

Bugonia sumó además nominaciones en las categorías de mejor guion adaptado, competencia liderada por Will Tracy, y mejor banda sonora original, a cargo de Jerskin Fendrix.

Las principales plataformas de streaming y las salas de cine de todo el mundo ya tienen en su cartelera a las películas nominadas a los Premios Oscar 2026. La oferta abarca desde producciones de grandes estudios hasta propuestas independientes que debutaron en festivales internacionales. La pregunta clave para los seguidores del cine es sencilla: ¿dónde ver cada uno de estos títulos antes de la ceremonia?

Sinners (Pecadores) lidera este año con 16 nominaciones, superando marcas históricas y situándose como la favorita en la conversación sobre los premios. Esta obra mezcla el thriller gótico con lo sobrenatural y la música, y traslada al espectador al Mississippi de 1932, donde dos hermanos intentan abrir un bar destinado a la comunidad negra. Una fuerza misteriosa pondrá en jaque a los protagonistas y a toda la ciudad. Según la información disponible, se encuentra en HBO Max.

La adaptación de Frankenstein de Guillermo del Toro se ha convertido en una de las producciones más aclamadas de la temporada, obteniendo un total de 10 nominaciones. La cinta, disponible en Netflix, explora las fronteras de la humanidad y la monstruosidad, enfatizando el papel de la crueldad humana por encima del terror sobrenatural.

En el terreno del drama familiar, Sentimental Value (Valor sentimental) sobresale con 11 nominaciones. El nuevo largometraje del creador de La peor persona del mundo examina la complejidad de los lazos familiares y la reconciliación con el pasado. La historia sigue a dos hermanas distanciadas y a su padre, un cineasta que busca reunirlas para un proyecto personal. Actualmente, la película está en cines.

Bugonia aporta un giro de ciencia ficción y humor negro, con Emma Stone postulada a Mejor Actriz. La trama gira en torno al secuestro de una ejecutiva, sospechosa de ser una entidad alienígena. Este filme puede verse tanto en salas de cine como en alquiler digital a través de Prime Video y Apple TV.

Para los aficionados al deporte y la acción, F1 presenta la historia de un piloto veterano, interpretado por Brad Pitt, que regresa a las pistas para salvar a su equipo y formar a un joven talento. El largometraje está disponible para alquiler en Prime Video y puede verse también en Apple TV.

Hamnet, basada en la novela de Maggie O’Farrell, profundiza en el origen de Hamlet y la experiencia del duelo como motor creativo. Jessie Buckley encarna a Agnes Hathaway, mientras que Paul Mescal asume el rol de Shakespeare. La película se exhibe en cines.

El drama deportivo Marty Supreme rescata la vida de Marty Reisman en el Nueva York de los años 50. El protagonista, interpretado por Timothée Chalamet, busca redimirse en el mundo del deporte al enfrentarse a un adversario japonés. La película puede verse actualmente en salas de cine.

One Battle After Another (Una batalla tras otra) apuesta por el suspense político y la sátira social, con Leonardo DiCaprio como un ex revolucionario obligado a regresar a la acción tras el secuestro de su hija. La plataforma HBO Max tiene disponible este título.

La propuesta brasileña El agente secreto, situada en la década de los 70, narra la vida de un hombre obligado a esconder su identidad para escapar del régimen. Wagner Moura protagoniza esta historia de memoria y supervivencia. El estreno en cines está previsto para febrero de 2026.

Por último, Train Dreams (Sueños de trenes) se sumerge en la transformación social de Estados Unidos durante el inicio del siglo XX, a través de la vida de Robert Grainger, interpretado por Joel Edgerton. El drama está accesible en Netflix.

La variedad de géneros, temáticas y estilos confirma la riqueza del cine actual. El acceso a estos títulos, en streaming o en la pantalla grande, permite a los espectadores preparar su propio maratón y participar del debate cinéfilo en la antesala de los Oscar 2026.

Un papel sin precedentes

La construcción de Bella Baxter significó para Stone un punto de inflexión profesional. El personaje, una mujer que inicia su vida con el cerebro de un bebé, obligó a la actriz a explorar matices inéditos dentro de su repertorio. En palabras de la actriz: “Bella es mi personaje favorito, sin duda, por mucho; es increíble”. Esta afirmación subraya la intensidad con la que Stone vivió la experiencia actoral y la huella que dejó en su carrera, diferenciándose de cualquier trabajo anterior.

Interpretar a Bella Baxter implicó navegar entre extremos emocionales. El papel requería que Stone encarnara la inocencia, la curiosidad y la espontaneidad de una niña, al tiempo que experimentaba el despertar de la sexualidad y se enfrentaba a la construcción de una identidad propia. Este reto actoral colocó a la actriz en una posición única, exigiendo una entrega total y una comprensión profunda del personaje.

Dualidad y autodescubrimiento en la narrativa

A lo largo de Pobres criaturas, Baxter transita un viaje de autodescubrimiento. La historia explora la dualidad entre el asombro ante el mundo y los dilemas vinculados a la búsqueda de la felicidad, situando a Bella como un enigma tanto emocional como psicológico. Esta complejidad convirtió a Baxter en un personaje desafiante para el público, que fue testigo de su evolución constante.

La película permite observar cómo Bella se enfrenta a cuestiones esenciales sobre el lenguaje, la identidad y la sexualidad. La inocencia inicial del personaje se transforma en autoconocimiento y deseo de libertad. Este proceso de evolución personal genera una empatía particular, pues la audiencia acompaña a Bella en cada paso de su descubrimiento interior y en su relación con los demás.

El respaldo de Yorgos Lanthimos

El director griego Yorgos Lanthimos reconoció públicamente la conexión especial que Stone desarrolló con Bella Baxter. “Lo entendemos, extrañas a Bella. Supéralo. Madura”, bromeó Lanthimos, reflejando el vínculo profundo que la actriz forjó con su personaje. La colaboración entre ambos resultó fundamental para la construcción de una Bella compleja y auténtica.

La dirección de Lanthimos impulsó a Stone a asumir riesgos interpretativos y a explorar territorios inexplorados. El director, conocido por su estilo audaz y su habilidad para desafiar a los actores, facilitó un ambiente en el que Stone pudo profundizar en la psicología y emociones de Bella, llevando su actuación a un nuevo nivel.

Comparaciones y legado actoral

La trascendencia de Bella Baxter se destaca más al comparar este papel con otros personajes interpretados por Stone, como los de “Cruella”, “La La Land” y “Bugonia”. Si bien estos trabajos le otorgaron reconocimiento internacional y consolidaron su estatus en la industria, la actriz señaló que su experiencia con Bella fue la más intensa y reveladora de todas. La complejidad y humanidad de Baxter han dejado una marca imborrable en su carrera.

Stone explicó que la oportunidad de interpretar un papel tan transformador es poco común. Reconoció sentirse afortunada de haber recibido un desafío actoral de tal magnitud. La actriz valoró el significado especial que tiene Bella Baxter dentro de su trayectoria, consciente de que es poco probable que vuelva a surgir un personaje de semejante profundidad y riqueza.

Un hito en la carrera de Emma Stone

La interpretación de Bella Baxter en Pobres criaturas ha marcado un antes y un después en la vida profesional de Emma Stone. Su entrega absoluta, la complejidad emocional del personaje y la colaboración estrecha con Yorgos Lanthimos consolidaron este papel como un hito en su filmografía.

Para la actriz, Bella representa mucho más que un reto actoral: es la síntesis de una etapa de autodescubrimiento y crecimiento personal que difícilmente podrá igualar en el futuro. El vínculo entre Stone y Baxter perdura más allá de la pantalla, estableciendo un estándar para futuras interpretaciones y dejando una huella indeleble en el cine contemporáneo.

La serie del momento es sin duda Pluribus. La ficción de, por ahora, nueve episodios, estrenada en Apple TV el pasado mes de noviembre, se ha convertido en la más vista de la plataforma en toda su historia -nació en 2019- y el pasado 11 de enero le dio a su protagonista Rhea Seehorn su primer Globo de Oro, y unos días antes el Critics’ Choice Award a la mejor actriz de serie dramática por el mismo papel.

Creada por Vince Gilligan, la mente detrás de Breaking Bad y Better Call Saul, Pluribus -título que deriva de la expresión latina e pluribus unum, que significa “de muchos, uno”-,se sitúa en Albuquerque y sigue a un virus de origen extraterrestre que ha infectado a casi toda la población mundial. Carol Sturka, a quien da vida Seehorn, una escritora de vida aparentemente anodina, descubre que es inmune. La serie cuenta además con un reparto coral en el que figuran Karolina Wydra, Carlos Manuel Vesga, Miriam Shor, Samba Schutte, Peter Bergman y Max Reeves.

No es casual que tras su éxito, Apple TV ya haya confirmado una segunda temporada. Y si te has quedado atrapado por su universo, hay una miniserie que también puede conquistarte: Maniac.

Disponible en Netflix y estrenada en septiembre de 2018, está protagonizada por la dos veces ganadora del Oscar Emma Stone y Jonah Hill, y fue creada por Patrick Somerville. Ambientada en un Nueva York retrofuturista, la serie sigue a dos desconocidos, Annie Landsberg (Stone) y Owen Milgram (Hill) que participan en un ensayo farmacéutico experimental que promete curar cualquier problema psicológico.

Lo que dicen los que la han visto: “La mejor interpretación de sus carreras”

Formado por diez capítulos, el primero se centra en Owen, mientras que el segundo se narra desde la perspectiva de Annie, pero ambos se centran en lo que sucede mientras se preparan para cruzar las puertas de Neberdine Pharmaceutical y participar en ese ensayo clínico de tres días.

La serie recibió muy buenas críticas por parte del público de la crítica. En Rotten Tomatoes, página web que recopila reseñas de críticos de cine y televisión, y también del público, obtuvo una puntuación total de 84 puntos sobre 100, la misma puntuación que por parte de los espectadores.

“Es salvaje, audaz, adictiva y oscila tan precariamente entre la realidad y la fantasía que el público se preguntará de inmediato qué es real y qué no”, describió en su crítica la periodista Jen Chaney, crítica de televisión en los medios estadounidense Vulture y New York.

The Guardian también alabó a la ficción tachándola de “maravillosa”. “Posiblemente la serie de televisión más redentora, inquietante y fascinante que ha aparecido en nuestras pantallas en mucho tiempo”, escribió el crítico Euan Ferguson.

Por otro lado, el público también se deshizo en elogios. “Puede que sea la mejor interpretación de sus respectivas carreras [de Stone y Hill]. Acabo de volver a verla por segunda vez. Sigue siendo la mejor miniserie del 2018″, escribió un usuario en la mencionada plataforma.

Emma Stone recordó públicamente la influencia que tuvo Diane Keaton tanto en su vida como en su carrera, y destacó las enseñanzas personales y profesionales que recibió de la intérprete, fallecida el 11 de octubre de 2025 a los 79 años a causa de una neumonía.

La actriz de 37 años, habló sobre su vínculo con su colega en una entrevista con W Magazine. En el artículo, Stone reconoció que incluso pensar en Keaton le resultaba emocionalmente difícil.

“Me estoy emocionando solo de pensarlo. Siempre será mi Estrella del Norte, mi heroína definitiva, porque me enseñó a no querer emular a nadie más, ni siquiera a ella. Me enseñó lo valioso que es para el mundo que una persona se dé cuenta de quién es y de lo que puede aportar”, expresó.

Según la estrella de Hollywood, esa enseñanza trascendió el ámbito actoral y se extendió a todos los aspectos de la vida y del trabajo creativo.

Por si fuera poco, Emma Stone destacó que Diane Keaton fue una figura singular no solo por su trayectoria como actriz, sino también por la diversidad de intereses que desarrolló a lo largo de su vida.

“En muchos sentidos, no solo como la actriz brillante que fue, sino también como directora, fotógrafa, curadora de libros de mesa, una persona que hacía vinos era completamente ella misma”, afirmó.

En ese sentido, subrayó que cada faceta de Keaton estaba marcada por una identidad clara y personal: “Las casas, la moda, todo en ella era único y completamente Diane”.

Para Emma, ese compromiso con la individualidad fue una enseñanza decisiva y describió a Diane como alguien “muy viva”, una cualidad que, según dijo, se reflejaba tanto en su trabajo como en su forma de entender el mundo.

“Es la persona que realmente me hizo entender que lo más valioso que puedes ser es tú misma, de manera auténtica. Fue la mejor de todas”, señaló.

La actriz también se refirió a la capacidad de Keaton para expresar la complejidad de la experiencia humana.

“Creo que la vida, en general, es muy trágica y muy divertida al mismo tiempo. Normalmente estás sosteniendo ambas cosas, en el estado del mundo, en las relaciones, en todo. Es una especie de tragicomedia”, reflexionó.

En ese contexto, Stone valoró la habilidad de Keaton para canalizar esa dualidad en pantalla: “Cualquiera que pueda transmitir eso y sacarlo a la luz como ella lo hacía es un regalo para todos nosotros”.

Cabe destacar que la relación entre ambas actrices se remonta a varios años atrás. En 2015, Diane Keaton entrevistó a Emma Stone para la revista Interview, en una conversación en la que hablaron sobre la creciente popularidad de la actriz más joven y su vínculo con el público.

En ese intercambio, Stone comentó: “No me siento diferente a nadie. Soy una fanática absoluta, como tú mejor que nadie lo sabes. Sé lo que es ser fan”.

En aquella charla también abordaron temas vinculados a la estética, la moda y la identidad personal. Emma le dijo a Diane que compartían gustos similares y añadió: “Cuanto más único, mejor”.

Para la protagonista de La La Land, la autenticidad era un rasgo central de la atracción que sentía por otras personas. “Cuando sientes que alguien es fiel a cómo quiere verse o a quién es, hay algo en esa aceptación de uno mismo que se percibe. Eso suele ser lo que más me atrae”, afirmó.

Convertirse en una directora ejecutiva despiadada, quizás alienígena, y arriesgarse a acciones drásticas como afeitarse la cabeza son parte de la constante transformación de Emma Stone, según W Magazine. Un accionar que, según confesó, se inspira en otras grandes referentes de la pantalla grande.

Es que Emma Stone no oculta la emoción al recordar a Diane Keaton. “Fue y será mi maestra y referente, porque me enseñó el valor de no querer emular a nadie, ni siquiera a ella”, expresó.

La admiración por esa autenticidad y libertad deja una marca profunda en su manera de entender el oficio. En ese sentido, en su colaboración con el director Yorgos Lanthimos, Stone decidió enfrentar nuevos desafíos en Bugonia.

Un papel que exige cambios radicales

“En la versión original, mi personaje era un hombre y también le afeitan la cabeza. En ‘Bugonia’, en la página ocho del guion, ya me estaban quitando el cabello porque, por supuesto, si eres una alienígena puedes comunicarte con tu nave madre a través del pelo. Todo el mundo sabe eso”, explica Stone en diálogo con W Magazine.

La intérprete aclara que la escena no fue fruto del maquillaje: realmente se despidió de su cabello para el papel. Al rememorar el rodaje, cuenta: “La crema fría fue mucho peor que quedar calva. Sentí alivio de no tener pelo, porque habría sido un desastre. Imagina el pelo largo y la crema. Una pesadilla sensorial”.

La huella de personajes y referentes

Stone también aborda el lazo emocional con personajes previos, especialmente con Bella Baxter, la protagonista de Poor Things. “Echo de menos a Bella Baxter todo el tiempo. Si tuviera la oportunidad de interpretarla por siempre, lo haría”, comparte la actriz.

La actriz observa con distancia divertida los homenajes a Bella Baxter y sus bromas más recientes. “He visto a gente disfrazada de Bella”, comenta, “pero este año me disfracé de cirujana en Halloween, que creo que en realidad es mi verdadera profesión”, bromea.

“Soy doctora. Quizá no tengo el título, pero te lo aseguro: soy doctora. Si necesitas un diagnóstico o ayuda médica, acude a mí. Fui a la Facultad de Medicina de Harvard y tengo un equipo que me respalda”, agrega con ironía, según W Magazine.

Diane Keaton y el equilibrio entre comedia y drama

La muerte reciente de Diane Keaton, su gran referente, le sigue emocionando. “Me toca hablar de ella”, confiesa Stone a W Magazine: “Me hizo ver lo importante que es descubrir quién eres y qué puedes aportar”.

Para Stone, Keaton era mucho más que una gran actriz: “Era directora, fotógrafa, autora de libros, productora de vinos. Todo lo hacía siendo absolutamente ella misma. En casas, moda, en todo, era única y completamente Diane. Me enseñó que lo más valioso es ser uno auténticamente”.

Al reflexionar sobre la convivencia entre comedia y drama, la actriz concluye: “La vida es profundamente trágica y muy divertida al mismo tiempo. Normalmente, llevamos ambas cosas a la vez, tanto en el estado del mundo como en las relaciones y en todo lo demás. Todo es una comedia trágica de alguna forma. Las personas capaces de canalizar ambos lados y mostrarlos como ella lo hacía nos regalan algo único”.

Para finalizar, frente a los rumores sobre futuros trabajos, Stone aclara el supuesto proyecto de interpretar a Miss Piggy junto a Jennifer Lawrence: “Para empezar, es el mayor insulto que he oído para Miss Piggy y no permitiré que su nombre sea difamado. ¿Por qué interpretaría yo a una estrella literal? Es la mejor. Ni Jen ni yo interpretaremos a Miss Piggy. Ella supera a cualquiera, ¿estás loco? Miss Piggy interpreta a Miss Piggy. Si oyera esto, saldría indignada ahora mismo”, concluyó.

Lo que más nos gusta del séptimo arte, es su factor sorpresa. En una época donde el exceso está delimitado por las tendencias y algoritmos que dictan hacía donde mover la maquinaria de producción, algunas películas buscan romper el molde y proponen algo nuevo, contundente, fuera de lo común. Es verdad que un gran director, junto con un gran guionista y buenos actores, puede hacer una obra maestra, que reivindique el formato en cada una de sus aristas. Pero esa perfección no siempre es lo que más nos llama la atención. A veces se busca el baldazo de agua fría, lo disruptivo, lo que verdaderamente nos mueve a nivel emocional, lejos del estilo técnico refinado.

Gustos son gustos, y mucho no podemos hacer contra eso. Por eso mismo elegimos 10 exponentes que, en conjunto, más nos llegaron a todos los que hacemos Malditos Nerds. No estamos seguros si este 2025 fue un gran año, o no, para el cine. En otros momentos, quizás esta premisa estaba mucho más clara. 2025 tuvo sus altibajos, de eso no hay duda, pero si hay algo que podemos afirmar es que el cine de autor está cobrando relevancia frente a las grandes producciones. Así como en algún momento el cine digital cambió el paradigma de lo que era hacer una película, la industria pareciera estar agotando sus propuestas interesantes y le da paso a directores que tienen su propia marca registrada, como podría ser Paul Thomas Anderson o Spike Lee.

Para ser más claros, no estamos frente a un top, sino que construimos un listado con las 10 mejores películas de 2025 según nuestro propio criterio. Sin dilatarlo mucho más, los invitamos a leer el resto de la nota:

One Battle After Another (Paul Thomas Anderson)

One Battle After Another, la nueva película de Paul Thomas Anderson, se presenta como una obra ambiciosa y profundamente conectada con el clima político y social actual. Inspirada libremente en Vineland, de Thomas Pynchon, la cinta no busca ser una adaptación fiel, sino que utiliza su espíritu para construir un relato propio sobre la resistencia, el poder y los lazos familiares. La historia arranca con una acción radical contra un centro de detención migratorio liderada por un grupo clandestino, lo que da pie a un conflicto que mezcla thriller político, sátira y drama. Desde sus primeros minutos, la película deja en claro su ritmo intenso y su voluntad de confrontar al espectador con un país atrapado en un presente perpetuo, inquietantemente reconocible.

Años después, el relato se desplaza hacia un correlato más íntimo, centrado en un padre que vive oculto y en la relación con su hija adolescente, mientras viejas amenazas resurgen con mayor violencia y poder institucional. Anderson equilibra el espectáculo narrativo con una mirada profundamente humanista, apoyado en interpretaciones sólidas y una banda sonora que refuerza la tensión constante. Aunque la película retrata un mundo dominado por el miedo, el extremismo y el agotamiento moral, su conclusión apunta a una idea clara: frente a la brutalidad del sistema y la repetición del conflicto, el amor y la empatía siguen siendo la forma más radical y duradera de resistencia.

Frankenstein (Guillermo del Toro)

La nueva versión de Frankenstein dirigida por Guillermo del Toro es, ante todo, una obra profundamente personal. Inspirada por la impresión que le causó de niño el clásico de 1931 protagonizado por Boris Karloff, la película retoma el mito creado por Mary Shelley para reinterpretarlo desde la empatía hacia el monstruo, no desde el miedo. Del Toro recoge elementos de la novela original y de décadas de cine gótico, pero los reorganiza bajo una mirada propia, marcada por el dolor del rechazo, la responsabilidad de la creación y la ausencia de amor. Su Frankenstein no se limita a repetir una historia conocida, sino que la transforma en una confesión artística sobre lo que significa traer algo —o a alguien— al mundo y abandonarlo a su suerte.

Visualmente exuberante y cargada de referencias al cine clásico, la película encuentra su centro emocional en la relación rota entre Victor Frankenstein, interpretado por Oscar Isaac, y la Criatura, encarnada por Jacob Elordi con una mezcla de furia contenida y vulnerabilidad infantil. Aquí, el monstruo nace como un ser asustado y necesitado de afecto, mientras su creador reproduce los errores de una crianza marcada por el abuso y la frialdad. Del Toro deja claro de qué lado está su corazón, mostrando que el horror no reside en la Criatura, sino en quienes le niegan humanidad. El resultado es una obra que no solo amplía el legado del clásico literario, sino que reafirma al cine como un espacio donde las obsesiones personales, cuando son honestas, pueden convertirse en algo universal.

Mickey 17 (Bong Joon-ho)

Seis años después de Parásitos, Bong Joon-ho regresa al cine con Mickey 17, una ambiciosa fábula de ciencia ficción que mezcla sátira social, espectáculo visual y humor oscuro. Adaptada de la novela Mickey7 de Edward Ashton, la película imagina un futuro en el que las grandes corporaciones espaciales explotan incluso a la muerte. Nuestro protagonista, interpretado por Robert Pattinson, es un trabajador “prescindible” que muere una y otra vez en misiones letales para luego ser clonado con sus recuerdos intactos. Bong utiliza esta premisa para apuntar contra el cinismo tecnológico y el desprecio por la vida humana, en una crítica reconocible a los discursos que ven el espacio como una huida fácil frente al colapso del presente.

Visualmente impactante y más cercana al tono de Snowpiercer que al de Parásitos, Mickey 17 apuesta por un estilo expansivo que a veces juega en su contra. Con un metraje generoso y villanos deliberadamente caricaturescos, la película avanza entre momentos de horror, ternura y comedia grotesca, mientras explora el choque entre dos versiones del mismo hombre, donde una resulta ser dócil y empática, y la otra brutal y violenta. La película conserva una curiosa nota de optimismo y plantea una pregunta inquietante que nunca termina de responder: ¿qué significa morir cuando la muerte deja de ser definitiva? Esa idea abierta, sin respuesta, es lo que nos llevamos como espectadores.

Sinners (Ryan Coogler)

Con Sinners (2025), Ryan Coogler firma la película más libre y personal de su carrera. Lejos de las ataduras de las grandes franquicias que marcaron su recorrido reciente, el director se sumerge de lleno en el cine de género para usarlo como vehículo de expresión íntima, política y cultural. Ambientada en el Mississippi de los años 30, la historia combina vampiros, mafia, blues, religión y espiritualidad afroamericana en un relato que no responde a moldes clásicos ni busca la comodidad del cliché. Coogler se permite construir con paciencia un universo propio, atento a los vínculos, a la memoria colectiva y a las heridas históricas, apostando por una primera mitad más atmosférica y autoral antes de dejar que el horror y la violencia emerjan de forma orgánica.

Más que una película de terror convencional, Sinners funciona como una metáfora poderosa sobre identidad, pertenencia y resistencia. Los vampiros no son solo criaturas nocturnas, sino la representación de un sistema que explota, vacía y devora comunidades enteras. La música, compuesta por Ludwig Göransson, se vuelve el verdadero corazón del film, fusionando blues, ritualidad y modernidad hasta convertir el sonido en un personaje más. Aunque el film deja entrever caminos que podrían haberse explorado con mayor profundidad, su apuesta no está en la acumulación de acción sino en la alquimia entre lo político, lo espiritual y lo sensorial. Sinners es una obra valiente, imperfecta y profundamente singular, un manifiesto disfrazado de espectáculo que confirma a Coogler como un autor dispuesto a arriesgarlo todo para decir algo propio.

Bring Her Back (Danny Philippou y Michael Philippou)

Bring Her Back (2025) confirma a los hermanos Danny Philippou y Michael Philippou como dos de las voces más singulares del terror contemporáneo. Lejos de apoyarse en fórmulas reconocibles o guiños evidentes al pasado, la película construye su identidad desde una incomodidad constante, física y emocional, que atraviesa cada plano. No se trata de un terror basado en sustos fáciles ni en estructuras previsibles, sino de una experiencia sensorial que trabaja con el asco, la tensión y el miedo latente. Desde su puesta en escena hasta su ritmo narrativo, el film se toma el tiempo necesario para envolver al espectador en un clima opresivo, donde lo desconocido y lo cotidiano conviven de forma perturbadora, y donde la sorpresa no es un truco, sino una consecuencia natural del relato.

Más allá del impacto visceral, Bring Her Back se sostiene sobre temas como la pérdida, el duelo y la fragilidad de los vínculos humanos, utilizando el terror como una herramienta expresiva y no como un fin en sí mismo. Las actuaciones, en especial la de Sally Hawkins, aportan una dimensión perturbadora al relato, construyendo personajes que generan miedo y compasión al mismo tiempo. La película no explica de más ni subraya sus símbolos: confía en la inteligencia y la sensibilidad del espectador para completar los espacios en blanco. En ese gesto reside gran parte de su potencia. Bring Her Back no busca agradar ni ser universal, sino que propone un descenso oscuro, incómodo y profundamente personal que deja marca, y reafirma que el cine de terror todavía puede sorprender cuando se atreve a romper con lo conocido.

It Was Just an Accident (Jafar Panahi )

Jafar Panahi vuelve a desafiar al poder con una de las películas más directas y emocionalmente expuestas de su carrera. El veterano cineasta iraní, perseguido durante años por el régimen de su país, construye aquí un relato que combina sátira negra, tragedia y un humor incómodo (realmente incómodo) para hablar de la violencia del Estado y de las heridas que deja incluso cuando la vida cotidiana aparenta normalidad. La historia parte de un hecho mínimo —un accidente nocturno en una ruta— que deriva en un encuentro cargado de memoria, miedo y reconocimiento. A partir de allí, Panahi despliega un relato coral donde distintos personajes, unidos por haber sufrido abusos del sistema, se ven arrastrados a una situación tan absurda como inquietante.

La película avanza con un tono cambiante que oscila entre lo grotesco y lo doloroso, sin caer nunca en la farsa vacía. Panahi utiliza el humor como arma política, especialmente en su retrato corrosivo de la corrupción institucional, donde los sobornos se piden con naturalidad y hasta se pagan con terminales electrónicas. La puesta en escena, casi onírica por momentos, refuerza la sensación de encierro moral y social, donde no hay escapatoria posible cuando toda una vida ha sido moldeada por la violencia estructural. Con esta obra, Panahi no solo reafirma su valentía como cineasta, sino que vuelve a demostrar que el cine puede ser un acto de resistencia, capaz de incomodar, hacer reír y confrontar al espectador con verdades difíciles de digerir.

Nouvelle Vague (Richard Linklater)

Con Nouvelle Vague, Richard Linklater firma una declaración de amor al cine y, en particular, al espíritu irreverente de la Nouvelle Vague francesa. Rodada en blanco y negro y con una puesta en escena que replica la estética y las limitaciones técnicas de fines de los años 50, la película reconstruye el caótico nacimiento de À bout de souffle (Sin aliento en Argentina) el debut cinematográfico de Jean-Luc Godard. Más que una biografía clásica, el film funciona como una inmersión en un momento histórico donde la cinefilia, la intuición y la desobediencia a las normas industriales estaban a punto de cambiar para siempre la forma de hacer películas. Linklater observa ese proceso con curiosidad y afecto, mostrando un París creativo, despreocupado y febril, donde nadie parecía del todo consciente de que se estaba rescribiendo la historia.

La película encuentra su centro en las tensiones del rodaje, con la obstinación casi críptica de Godard, la impaciencia de Jean Seberg ante un método que parecía improvisado y el juego cómplice de Jean-Paul Belmondo, más dispuesto a lanzarse al vacío. Aunque su guion a veces ordena y suaviza el caos que definió a la Nouvelle Vague, esta propuesta logra algo valioso como transmitir el entusiasmo contagioso de una generación que filmaba con urgencia, convicción y muy poco dinero. Linklater no intenta desmitificar ni canonizar, sino compartir su propia fascinación por el cine y por aquellos autores que le enseñaron a mirar. El resultado es una película accesible, cálida y pedagógica, que propone tanto descubrir como revisitar un movimiento que entendió el cine como un acto de libertad.

Die, My Love (Lynne Ramsay)

Con Die My Love, Lynne Ramsay entrega una de las películas más intensas y físicamente abrumadoras de su filmografía. Adaptada de la novela de Ariana Harwicz, la película se adentra sin concesiones en la experiencia del aislamiento, la maternidad y el colapso mental, siguiendo a una mujer atrapada en una casa rural de Montana mientras su vida emocional se fragmenta. Ramsay construye este descenso con una puesta en escena feroz, donde el sonido ensordecedor, la fotografía saturada y una dirección que no da respiro funcionan como extensiones del estado psicológico de su protagonista. Desde el inicio, la película deja claro que va a ser sutil ni esperanzadora, sino que apunta a ser una inmersión total en el dolor, el deseo y la confusión.

Jennifer Lawrence ofrece una interpretación cruda y visceral como Grace, una mujer que pasa del erotismo y la euforia a la paranoia y la autodestrucción, mientras Robert Pattinson encarna a un marido cada vez más ausente, incapaz de comprender la magnitud del derrumbe. A su alrededor, Ramsay llena el relato de figuras inquietantes y tensiones tácitas, hasta que la realidad comienza a mezclarse con fantasías y alucinaciones que vuelven todo inestable. Die My Love es una película incómoda, furiosa y emocionalmente agotadora, que observa la enfermedad mental no desde la contención sino desde el exceso. Puede resultar abrasiva, incluso extrema, pero en esa falta de moderación reside su fuerza. Ramsay filma desde una posición de poder absoluto, decidida a que cada imagen y cada sonido se sientan como un golpe directo al cuerpo del espectador.

Bugonia (Yorgos Lanthimos)

Con Bugonia, Yorgos Lanthimos vuelve a demostrar su talento para obligarnos a mirar de frente a personajes que resultan moralmente repulsivos y, aun así, inquietantemente fascinantes. La película plantea un duelo tan ideológico como violento entre dos figuras extremas: una CEO farmacéutica que encarna la hipocresía pulida del capitalismo contemporáneo y un activista radical convencido de que la única justicia posible pasa por la destrucción del sistema. Lanthimos retrata este enfrentamiento con una mezcla de humor negro, frialdad quirúrgica y provocación constante, heredera del mejor Stanley Kubrick y del cine más salvaje de Oliver Stone, pero filtrada por su propia ironía. Desde el secuestro que dispara la trama, Bugonia se mueve en un terreno incómodo, donde ninguna postura resulta del todo defendible y cada argumento parece esconder su propia forma de violencia.

Emma Stone compone a una ejecutiva brillante y cruel, experta en vender empatía corporativa mientras su empresa deja víctimas a su paso, y Jesse Plemons ofrece una interpretación descomunal como un eco-terrorista paranoico, lúcido y delirante a partes iguales. El guion, afilado y sorprendentemente teatral, convierte sus diálogos en un campo de batalla sobre poder, culpa, activismo y cinismo moral, empujando al espectador a revisar continuamente sus propias empatías. Bugonia es un thriller de ideas que muta, se retuerce y termina adquiriendo una dimensión casi cósmica. Lanthimos entrega así una obra provocadora y perturbadora, capaz de incomodar y seducir al mismo tiempo, y de recordarnos que el mundo que estos personajes disputan es tan frágil como profundamente humano.

Highest 2 Lowest (Spike Lee)

Con Highest 2 Lowest, Spike Lee parece preguntarse abiertamente qué significa seguir siendo relevante después de décadas de carrera, y lo hace regresando a dos pilares fundamentales de su cine: Akira Kurosawa y Denzel Washington. El resultado es una película ambiciosa, irregular a propósito y cargada de energía, que arranca con una fidelidad casi asfixiante a High and Low antes de romperla desde dentro. En su primera mitad, el film avanza con un ritmo denso y controlado, encerrado en espacios lujosos que funcionan como metáfora de un protagonista desconectado del mundo real y de un creador que revisa su propio legado. Lee no oculta la sensación de estancamiento inicial sino que, al contrario, la utiliza para plantear una crisis artística y generacional que atraviesa tanto al personaje de Washington como al propio director.

Cuando la acción abandona el encierro y baja literalmente a la calle, Highest 2 Lowest se transforma en una explosión de cine puro. Lee recupera su pulso más visceral, mezcla música, movimiento y cultura urbana con una libertad contagiosa, y convierte una secuencia clave en una de las más vibrantes de toda su filmografía. Washington, en una de sus interpretaciones más afiladas de los últimos años, encarna a un hombre poderoso obligado a reconciliarse con su pasado, mientras el film abraza sin pudor el exceso estilístico, el humor y la identidad que siempre han definido al director. Más que un remake, Highest 2 Lowest es una declaración de intenciones, con un Spike Lee que no está mirando atrás por nostalgia, sino que está usando el pasado como trampolín para reafirmar su voz en lo que bien podría ser la etapa final de su carrera.

Mención especial: KPop Demon Hunters (Chris Appelhans y Maggie Kang)

KPop Demon Hunters podría describirse, en la superficie, como una mezcla improbable entre lo mejor de Disney y Pixar, el anime de magia y aventuras y la estética cultural del K-pop, pero su impacto va mucho más allá de esa fórmula llamativa. El fenómeno no se explica sólo por canciones que dominan los rankings o por su éxito arrollador en Netflix, sino por la solidez con la que articula espectáculo, emoción y su propio mundo narrativo. La historia de Huntrix —un grupo idol que protege a la humanidad mediante el poder literal de su voz— se sostiene sobre una mitología clara, dinámica y sorprendentemente madura. Rumi, su protagonista mitad demonio, encarna un conflicto identitario que no se queda en la metáfora fácil, sino que abraza el miedo a mostrarse tal cual es, el peso de la herencia y la culpa, y la dificultad de aceptar que incluso lo que duele forma parte de uno mismo. El guión entiende que estos temas solo funcionan si están orgánicamente ligados a los personajes, y por eso el conflicto con Jinu, líder de los Saja Boys, se vuelve el corazón emocional del relato, donde dos figuras están marcadas por su origen, enfrentadas por sistemas que los definieron antes de que pudieran elegir.

En lo formal, la película es un despliegue impresionante de energía visual y musical. La animación de Sony Pictures Animation vuelve a demostrar que el camino abierto por el Spider-Verse no es un truco estilístico, sino un lenguaje en expansión, lleno de colores vibrantes, expresividad exagerada, humor visual heredado del anime y una coreografía que convierte cada pelea y cada número musical en un acontecimiento realmente único. Pero el verdadero triunfo está en cómo la música no adorna, sino que narra. Las canciones no interrumpen la historia, sino que la empujan, la explican y la transforman, convirtiendo a KPop Demon Hunters en un musical donde cada tema es indispensable. Puede que tenga algún arco emocional menos explorado de lo deseable, pero su fuerza temática —la aceptación, la deconstrucción del odio inculcado, la hermandad— y su capacidad para generar una experiencia colectiva genuina la colocan muy por encima de la media del cine animado reciente. Estamos, sin duda, frente a una demostración de cómo el cine comercial puede ser vibrante, emotivo y honesto al mismo tiempo.

Este remake en inglés de Save the Green Planet! del director coreano Jang Joon-hwan (adaptado por Will Tracy) se toma generosas libertades con los detalles, pero la trama se mantiene fiel a la fuente: Teddy Gatz (interpretado por Jesse Plemons) es apicultor a tiempo parcial, empleado de comercio electrónico a tiempo parcial y teórico de la conspiración a tiempo completo, que planea el secuestro de Michelle Fuller (Emma Stone), la poderosa directora ejecutiva de la farmacéutica Auxolith, cuyos medicamentos podrían haber dejado a su madre en coma.

Si Teddy es el cerebro de la operación, su primo neurodivergente Don es el freno; interpretado en un fabuloso debut por el actor autista Aidan Delbis, es una fuerza moderadora insuficiente ante la rabia de Teddy y el núcleo del peso emocional de la película.

Convencidos (en su mayoría) de que Fuller es en realidad una alienígena de la galaxia de Andrómeda, los primos ejecutan el secuestro más chapucero de la historia, encierran a la ejecutiva en su sótano, le afeitan la cabeza (para evitar que envíe transmisiones S.O.S., por supuesto) y le untan el cuerpo con crema antihistamínica, una de varias precauciones derivadas de Hacer la Propia Investigación. (De manera indirecta, Bugonia también trata sobre el sistema migratorio: la cuestión de quién pertenece y quién no.)

Las conversaciones que siguen entre Teddy y Michelle son una batalla de ingenios deshilachados y afinados, respectivamente. “¡Nada de diálogo!”, ladra Teddy cuando las cosas se calientan. “¡Esto no es La muerte de un viajante!” Estas negociaciones finalmente alcanzan un clímax impactante que me hizo aferrarme al apoyabrazos, y posiblemente no volver a escuchar a Green Day jamás.

Con los ojos desorbitados y brillante de sudor incesante, Jesse Plemons camina hábilmente la línea entre la “autohipnosis inducida por internet” y la crisis existencial. Su mundo es de “trampas de dolor” y “compulsiones psíquicas” donde poderes invisibles penetran como una jeringa. Pero la falla que ha resquebrajado la mente de Teddy claramente comienza en su corazón. La actuación de Plemons, incluso en los momentos más desquiciados de su personaje, resulta increíblemente compasiva.

De igual manera, la Fuller de Emma Stone es casi impecable: con tacones Louboutin, obsesionada con el bienestar, entrenada en artes marciales y decidida (según un trofeo en su oficina) a “Patear el trasero de lo imposible”, trabaja duro, conduce rápido y se desahoga cantando a gritos con Chappell Roan. Si su monolítica Bella Baxter en Pobres criaturas (2023) fue un ejercicio de contención y el exacto opuesto, su interpretación de Michelle está llena de matices expresivos y cautivadores que impiden que apartes la vista cuando está en pantalla.

El comediante Stavros Halkias realiza una encantadora, aunque algo repetitiva, serie de apariciones como Casey, un policía local cuya autoridad tambaleante se remonta a su época como niñero de Teddy. Alicia Silverstone se materializa en inquietantes flashbacks como la madre de Teddy, el corazón apenas palpitante de la venganza de este muchacho, horriblemente atada por un manojo de largas agujas.

Como en lo mejor de las otras películas de Lanthimos, Bugonia (la palabra hace referencia a un antiguo ritual en el que se sacrifica un buey con la esperanza de que su cadáver genere abejas espontáneamente) logra y mantiene una inquietante atmósfera de temor.

Esto se debe en gran parte al regreso del compositor Jerskin Fendrix, quien compuso la música de Pobres criaturas así como la antología Kinds of Kindness (2024) Su partitura, interpretada por la London Contemporary Orchestra de 90 integrantes, se siente como un ecosistema en descomposición. (En lugar de un guion, Lanthimos supuestamente le proporcionó a Fendrix una lista de cuatro términos sobre los que trabajar: abejas, sótano, nave espacial y “Emily-pelada”).

Los oyentes atentos también apreciarán el trabajo del diseñador de sonido Johnnie Burn, cuya atención al detalle difuso ayudó a esculpir la atmósfera angustiante de La zona de interés de Jonathan Glazer.

Pero la forma en que Bugonia te da la vuelta poco a poco también es producto de la alquimia única entre director y actores. Esta es la cuarta colaboración de Emma Stone con Yorgos Lanthimos, tras La favorita (2018); Kinds of Kindness (en la que interpretó a tres personajes); y Pobres criaturas, por la que ganó el Oscar a mejor actriz. Jesse Plemons también tuvo triple papel en Kindness.

Es también una película llena de sorpresas que te hacen soltar la bebida y que no soñaría con revelar aquí, en particular una secuencia final de tableaux vivant (a su manera) que puede ser mi truco favorito de todos los que ha hecho el director griego.

Más que de costumbre, Lanthimos ahonda en el absurdo (y la crueldad) que acompaña nuestro deseo de cuidar a los demás, y que fácilmente puede transformarse en ansias de destrucción. A la luz parpadeante del sótano de Bugonia, la humanidad parece un instinto alienígena.

Fuente: The Washington Post

[Fotos: Yorgos Lanthimos/Focus Features]

Hay papeles que cambian vidas, y rechazos de los que uno se arrepiente toda la vida. La historia del cine está llena de momentos en los que un intérprete pudo haber aparecido en una película, pero por azares de la vida se quedó fuera. En el caso de uno de los proyectos más esperados de Hollywood, la historia se ha vuelto a repetir después de conocer qué gran actriz podría haber aparecido en The Batman II, para un papel que finalmente ha recaído en manos de Scarlett Johansson.

Tal y como ha desvelado TheInsneider, uno de los insiders en Hollywood encargados de revelar en primicia esta exclusiva, Scarlett Johansson se suma al reparto de The Batman II, la esperada secuela dirigida por Matt Reeves y protagonizada por Robert Pattinson. Este movimiento ocurre después de que la ganadora del Oscar Emma Stone rechazara el mismo papel, según la misma fuente, marcando así una de las adiciones más notables al universo cinematográfico de DC en el último año.

Durante el proceso de casting, fuentes cercanas a la producción aseguraron a TheInsneider que la oferta para sumarse al elenco primero fue dirigida a Emma Stone, actriz reconocida por sus papeles en Pobres criarturas y Bugonia. No se ha revelado el motivo exacto de su negativa, aunque su historial en películas de superhéroes incluye la interpretación de Gwen Stacy en The Amazing Spider-Man. Según el informe, tras el rechazo de Stone, Johansson solicitó a sus agentes que priorizaran este proyecto en su agenda, a pesar de múltiples compromisos futuros, incluido el largometraje relacionado con El Exorcista dirigido por Mike Flanagan.

TheInsneider explica que el papel en disputa corresponde a un nuevo interés amoroso de Bruce Wayne, aunque oficialmente no se ha confirmado el nombre del personaje. Las especulaciones de la prensa y los fanáticos apuntan a figuras clásicas como Vicki Vale, Poison Ivy y Talia al Ghul. Sin embargo, el nombre que más fuerza ha cobrado es el de Andrea Beaumont, personaje originado en el largometraje animado Batman: La máscara del fantasma de 1993 y que hasta ahora no había sido adaptado a imagen real. Esta figura, ex prometida de Bruce Wayne, regresa de manera inesperada y está relacionada con eventos oscuros en el pasado del héroe.

Una nueva perspectiva

La contratación de Scarlett Johansson refuerza la estrategia de Matt Reeves de atraer talento de alto perfil para una franquicia que busca distinguirse por la complejidad psicológica de sus personajes y una atmósfera realista. La primera entrega, estrenada en 2022, fue aclamada tanto por la crítica como por la audiencia por su tono oscuro y su aproximación introspectiva al personaje de Batman. Ahora, Reeves ha adelantado que la continuación ahondará en la personalidad de Bruce Wayne y su vida previa a adoptar el manto del vigilante, lo que coincide con la posible introducción de un vínculo romántico profundamente ligado a su historia.

Emma Stone mantiene una sólida presencia en el cine contemporáneo. Además de encarnar a Gwen Stacy, sus recientes colaboraciones con el director Yorgos Lanthimos y su creciente prestigio como actriz han consolidado su carrera. El medio señala que su rechazo a The Batman II podría responder a la saturación de papeles en el género de superhéroes o a su preferencia por otro tipo de proyectos, aunque oficialmente no se han ofrecido declaraciones al respecto.

Mientras la preproducción avanza y los rumores proliferan, la llegada de Scarlett Johansson acapara la atención de fanáticos y analistas sobre el futuro de la saga. El hecho de que la actriz priorizara este proyecto subraya la relevancia y el peso de la secuela dentro del panorama actual del cine de superhéroes. El rodaje de The Batman II está previsto para el próximo año. Los detalles sobre el personaje de Johansson y el enfoque narrativo elegido por Matt Reeves continúan sin salir a la luz, mientras aumentan las expectativas sobre una franquicia que ha sabido reinventar el relato de Batman para una nueva generación de espectadores.

Emma Stone no estaba dispuesta a enfrentarse sola al drástico cambio de imagen que exigía Bugonia. La actriz y colaboradora frecuente del director Yorgos Lanthimos, confesó que puso una sola condición antes de aceptar raparse la cabeza para interpretar a Michelle Fuller, la CEO protagonista de la historia.

De acuerdo con la ganadora del Oscar, el cineasta tenia que hacer lo mismo. Y, sorprendentemente, Lanthimos aceptó sin objeciones.

En un video detrás de cámaras compartido en exclusiva con PEOPLE, La artista de 37 años, cuenta cómo se desarrolló el momento.

“Cuando supe que íbamos a hacer esto, le dije a Yorgos: ‘Vamos a tener que afeitarte la cabeza a ti también para ser solidarios’. Y él me respondió: ‘Está bien’”, relató.

El clip incluso muestra a Stone tomando la máquina eléctrica y encargándose personalmente del nuevo look del director.

Aunque admite que se sintió emocionada antes de poner manos a la obra, Emma Stone reconoció que el proceso fue menos impactante de lo esperado.

“Fue emocionante, pero no tanto como pensé que sería afeitarle la cabeza. Fue cool, pero la verdad es que mi rasurada se sintió mucho más dramática. No es por presumir, pero mi cabello era bastante largo, y el suyo no”, dijo.

La preparación para el personaje de Michelle Fuller, una ejecutiva poderosa que es secuestrada por dos teóricos de conspiración (interpretados por Jesse Plemons y Aidan Delbis), también implicó compromiso constante con la continuidad visual.

El diseñador de cabello y maquillaje de la producción, Torsten Witte, explicó que el equipo debía volver a rapar la cabeza de Stone cada tres días aproximadamente para mantener la longitud exacta que requería la trama. “A ella le encanta, y se ve maravillosa sin cabello”, aseguró.

En Bugonia, los secuestradores creen que la CEO es una extraterrestre que amenaza la Tierra, y deciden afeitarle la cabeza porque están convencidos de que su cabello es una vía de comunicación con una supuesta nave nodriza.

Por si fuera poco, durante una sesión de preguntas y respuestas realizada en septiembre, Yorgos Lanthimos reveló que la actriz tuvo “un breve ataque de pánico” justo antes del rodaje del momento decisivo.

Emma Stone lo confirmó, asegurando que sus dudas surgieron literalmente minutos antes de que las cámaras comenzaran a grabar.

“Sabía desde hacía un año y medio que iba a raparme la cabeza. Pero el día de la filmación, estaban montando cuatro cámaras porque debíamos captarlo en una sola toma, y se estaban tardando mucho. Empecé a entrar en pánico”, explicó.

El equipo utilizaba principalmente cámaras VistaVision, reconocidas por su calidad visual pero también por su volatilidad técnica, lo que hacía aún más crucial obtener la toma perfecta.

Pese al nerviosismo, la estrella de Hollywood cumplió con la escena, manteniendo el secreto de su transformación durante meses, incluso mientras la promoción del proyecto comenzaba a tomar forma. Más tarde, reveló que el look radical le resultó liberador.

Un video difundido el lunes 24 de noviembre en las redes sociales del portal especializado Toma 20 encendió la imaginación de fanáticos del cine al presentar una reinterpretación de la película La La Land (2016), ambientada en las calles y sitios emblemáticos de Bogotá.

La propuesta, surgida de una joven creadora de contenido apasionada por el séptimo arte, desplaza el clásico reparto encabezado por Emma Stone y Ryan Gosling a una versión colombiana, basada en las dinámicas cotidianas y la geografía de la capital.

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En el ejercicio de reimaginar el musical se plantea que los protagonistas dejarían de ser Mía y Sebastián para convertirse en Valentina y Camilo.

“Se hubieran conocido en un trancón eterno de la autopista norte. Pero en lugar de cantar Another day of sun, bailarían al son de los músicos que piden plata en Transmilenio”, inicia el nuevo relato.

Entre los cambios propuestos, los sueños y aspiraciones de los personajes también se transformarían, adaptados a las referencias culturales colombianas.

La joven señala: “Valentina no soñaría con ser actriz de Hollywood, sino con actuar en el amado Teatro Nacional. Y Camilo no soñaría con montar un club de jazz en Los Ángeles, sino cantar con el grupo Niche”.

Así, el relato que en la versión original recorre los paisajes de Los Ángeles y su ambiente musical, se traslada a los rincones más representativos de Bogotá.

La elección del reparto tampoco escapa a la imaginación de esta creadora.

Según su visión, los papeles principales quedarían en manos de la pareja televisiva conformada por Laura Londoño y Luciano D’Alessandro. “¿Más drama que La ley del corazón? Seguro”, comenta la joven, aludiendo a la popular telenovela colombiana para sugerir una mayor carga dramática en la posible adaptación.

Uno de los momentos más reconocidos del film original, la escena romántica con la ciudad de fondo, también encontraría su correlato local.

“Olvídense del Observatorio de Los Ángeles. Aquí, la escena romántica sería en Monserrate, con toda Bogotá iluminada al fondo. O quizás en el planetario, con estrellas proyectadas en el techo, la verdadera City of stars sería Bogotá, a 2.600 metros más cerca de las estrellas”, afirma la autora, en una de las citas destacadas por el portal especializado.

La adaptación colombiana contempla incluso un cambio en los sonidos que acompañarían a los personajes en el clímax emocional de la historia: el final

“El reencuentro final no sería en el club de jazz (en Los Ángeles), sino en una discoteca de Chapinero o en plena zona T (Chapinero), con luces neón y reguetón a todo volumen. Y claro, un vallenatico sonando de fondo”, sugiere la joven creadora.

La propuesta también atribuye a Bogotá características propias de los relatos románticos. “¿Se imaginan a Ryan Gosling bailando salsa en Usaquén? Yo sí. Porque si algo sabe hacer Bogotá es convertir cualquier historia de amor en un trancón eterno. Pero ojo, siempre con los cerros de fondo”.

Los comentarios de los usuarios generaron una debate para ver cuál sería la próxima entrega.

“Me encantaa, ¿cómo sería La Sustancia? Algo me dice que estaría Amparo Grisales"; “¿Taxi Driver en Bogotá? Sería muy oscuro?" o “Saw” en Colombia, por favor” fueron dos de los comentarios que dejaron los usuarios, y que esperan con ansias la próxima entrega de cómo sería la versión bogotano de un éxito cinematográfico.

El portal especializado en series y cine sigue recibiendo comentarios con posibles opciones por parte de los colombianos, con miras a ver cómo sería otro episodio de esta temática en una cuenta que también realiza crítica y reseñas sobre producciones nacionales (como telenovelas) y estrenos, y análisis de películas.

En Bugonia Lanthimos recupera la acción desarrollada en casi un único espacio, aunque ahora sus personajes parecen vivir en una cárcel más mental que física: internet. Más concretamente, las redes sociales cada vez más contaminadas por la polarización —no hace falta oír el nombre de Elon Musk y X para que resuene su eco— cuando no foros directamente de ultraderecha. Una problemática que poco a poco han ido retratando obras recientes como The Sweet East o Eddington, por lo que en ese sentido tampoco aporta una visión muy novedosa más que afianzar el interés de Hollywood por este tipo de historias.

Tras la fábula de la Frankenstein moderna y presuntamente empoderada de Pobres criaturas o el tríptico de historias extrañas que era Kinds of Kindness —cuáles no lo son en el cine de Lanthimos—, Bugonia cuenta la historia de una exitosa empresaria que es secuestrada por dos hombres convencidos de que ella en realidad es una alienígena infiltrada en la Tierra para ir matando lentamente a la humanidad, comenzando por las abejas. Una premisa loca que toma su inspiración de la película surcoreana Save the green planet, pero a la que Lanthimos imprime varias de sus señas de identidad, a saber, los grandes angulares —ahora en el formato VistaVision recuperado con The Brutalist—, los diálogos aparatosos y un humor tan absurdo como pretendidamente mordaz.

‘Misery’ en tiempos de posverdad

Como pronto se dan cuenta tanto los espectadores como los propios protagonistas, lo realmente importante en Bugonia no es si Michelle (Emma Stone) es una andromedana, sino por qué dos personas podrían estar tan convencidos de ello hasta el punto de secuestrarla y torturarla. La película pretende exponer como buena parte de la sociedad es presa fácil de las fake news y de cómo nosotros, como sociedad, buscamos convencernos de que nuestra vida no puede ser casualidad, que tiene que haber un gran significado detrás de todo. En el caso de Teddy (Jesse Plemons), su particular caza de andromedanos responde a una serie de tragedias familiares y de cómo esta se puede entender mejor a través de “conspiraciones” que de la cruda realidad: que el ser humano es cruel.

Esta es la tesis de Lanthimos, pero su forma de responder a ella es igual de cruel, vulgar, y estúpida. Somete a sus personajes a torturas físicas —Emma Stone rapada mediante— y morales, sin arrojar nada de luz en ningún momento. Como ejemplifica un atropellado diálogo entre Teddy y Michelle cuando esta se encuentra amordazada en el comedor, no hay espacio para el diálogo, pero de ninguno de los dos lados. El cineasta griego opta en varias ocasiones por resolver sus escenas a base de golpes de efecto —cambios de plano o interrupciones musicales, cuando no golpes físicos sujetos al montaje— cuando la película intenta llegar remotamente a una reflexión. Para qué, si es mucho más sencillo quedarse en el chiste.

El agotamiento de una pareja y una fórmula

Todo apunta a que tanto Lanthimos como al guionista de Bugonia, Will Tracy (El menú) les pareció tan buena idea hacer una película sobre el auge de los conspiracionistas y las CEOs empoderadas que se les olvidó construir una película entre medias. Todo es tan formulaico, tan superficial y tan facilón que para cuando llega la película a su giro final da igual que sorprenda o no, es solo el remate a un chiste tan alargado que ha perdido la gracia. Por el camino, la sensación de que Lanthimos y sus actores se lo han pasado de lo lindo interpretando a estrambóticos personajes antes que intentar comprenderlos y entender de dónde viene ese odio que profesan.

En un año en el que están apareciendo películas que invitan a la reflexión sobre posturas históricamente polarizadas como Los domingos, Bugonia opta por quedarse en la broma antes que articular un discurso y añadir la ironía después. No es que sorprenda viendo la deriva de sus películas, pero parece después de todo que quizá él mismo se ha cansado de la fórmula y planea tomarse un descanso después de encadenar varios proyectos seguidos: “No puedo seguir haciendo eso. Eso es lo que tenemos claro ahora mismo. Creo que necesito un descanso”. Quizá esté cansado o quizá se haya contagiado de la propia apatía y desconfianza hacia la humanidad que exudan sus películas, pero siempre le quedarán sus compatriotas de hace miles de años para recuperar algo la fe en la especie humana.

La nueva entrega del tándem entre Emma Stone y Yorgos Lanthimos, lo último de David Trueba o el regreso de la saga Crepúsculo son algunos de los protagonistas. Entre medias, una road movie española y una de ciencia ficción con las criaturas más aterradoras con permiso de los Aliens de Ridley Scott, los Depredadores. Al final la cosa sí iba a seguir dando miedo después de todo.

Bugonia

Sobre alienígenas versa en gran medida la semana, y no solo por una de las canciones con las que abrieron los marcianos Radiohead en su paso por Madrid estos días. Sino también por Bugonia, la nueva película del director griego Yorgos Lanthimos con la que ya se ha vuelto su actriz de confianza, Emma Stone. En esta nueva colaboración tras La favorita, Pobres criaturas o Kinds of Kindness, Stone asume el papel de la CEO de una empresa que es secuestrada por dos conspiranoicos hombres que creen que se trata de una alienígena disfrazada de humana para acabar con la Tierra.

Predator: Badlands

El director Dan Trachtenberg retomó hace unos años Depredador, la saga de acción y ciencia ficción que inmortalizó Arnold Schwarzenegger en los años 80 y que incluso llegó a tener su propio crossover con los Aliens de Ridley Scott. Tras un reinicio con Predator: La presa ambientada en una comunidad comanche, en esta se traslada al futuro y a un universo tan peligroso que los propios depredadores son las criaturas más inofensivas. Un joven predator marginado de su comunidad se topa en el camino de una androide, que le ayudará a sobrevivir en un planeta tan salvaje que todo es susceptible de matarlo.

Siempre es invierno

David Trueba se adapta a sí mismo con esta película que toma como punto de partida su novela Blitz, en la que un arquitecto quedaba varado en Berlín tras asistir a una conferencia y ser dejado por su pareja. En este caso la película cambia la capital alemana por Bruselas, pero el resultado es el mismo: Miguel (David Verdaguer) pierde el concurso de paisajismo, a su novia (Amaia Salamanca) y la poca seguridad en sí mismo que le quedaba. Solo le consuela encontrarse en el camino de Olga (Isabelle Renauld), una mujer mayor que él que le hace ver la vida de otra manera y recuperar algo la fe en el mundo.

Leo & Lou

De extraños que terminan haciéndose inseparables va la cosa también, porque la otra película española destacada de la semana es esta aventura entre una joven huérfana y un hombre gruñón. Cuando la pequeña Leo se escapa de su centro de acogida, Lou pretende llevarla de vuelta a casa, peor finalmente es convencido de darse ambos a la fugar para empezar a disfrutar de la vida por primera vez en mucho tiempo. Carlos Solano debuta en el largometraje con Isak Férriz y la joven Julia Sulleiro como protagonistas.

Crepúsculo

Vampiro malo nunca muere, y si algo ha vivido Crepúsculo en los más de 17 años desde su estreno es todo tipo de etapas: la del fenómeno global, la de saga denostada y, desde hace algunos años, la condición de película de culto. En ese ambiente de tardía reivindicación regresa a los cines, con un estreno limitado en salas de todas las entregas de la franquicia vampírica protagonizada por Kristen Stewart y Robert Pattinson.

El universo de los Muppets se prepara para un nuevo hito cinematográfico: Disney ha confirmado el desarrollo de una película centrada en Miss Piggy, bajo la producción de Jennifer Lawrence y Emma Stone. El guion estará a cargo de Cole Escola, reciente ganador del premio Tony.

La noticia, difundida por The Guardian, marca un antes y un después para el célebre personaje y reúne a dos de las actrices más influyentes de Hollywood en esta iniciativa, que aspira a cautivar tanto a los seguidores de la franquicia como a quienes aún no conocen la historia de la carismática cerdita.

El anuncio se realizó el 5 de noviembre de 2025, cuando Lawrence reveló en el pódcast Las Culturistas que ella y Stone están al frente de la producción, y que Escola escribe el libreto. “Emma Stone y yo estamos produciendo una película de Miss Piggy y Cole está escribiéndola”, afirmó Lawrence. Aunque la posible participación de ambas como actrices no está confirmada, dejó abierta la puerta con un comentario: “Creo que sí. Tenemos que hacerlo... Es una locura que no hayamos hecho una película juntas”.

Durante la conversación, la actriz elogió el trabajo de Escola, especialmente por la obra Oh, Mary!, que le valió el Tony a mejor actor en una obra. Lawrence llegó a considerar su debut en Broadway con ese montaje, pero finalmente lo descartó por las exigencias físicas del teatro. “El único momento en que quise hacer teatro fue con Oh, Mary!... Simplemente no habría funcionado”, relató Lawrence, según lo recogido por The Guardian.

El proyecto de Miss Piggy surge en un momento destacado para todas las personalidades involucradas. Lawrence se encuentra promocionando Die, My Love, un thriller psicológico junto a Robert Pattinson. Stone, por su parte, acaba de estrenar Bugonia, una comedia sobre teorías conspirativas que representa su quinta colaboración con Yorgos Lanthimos y se suma a su reciente Oscar como mejor actriz por Poor Things en 2024. Escola, además de triunfar en Broadway, se consolida como una de las voces creativas más versátiles del panorama actual.

La película coincide con varias efemérides de la franquicia: los Muppets celebran 70 años desde su creación por Jim Henson en 1955, mientras que The Muppet Show cumplirá su 50º aniversario en 2026. A la par, Seth Rogen y Evan Goldberg han anunciado una renovación de The Muppet Show y un especial para Disney+ previsto para el próximo año, con la incorporación de Sabrina Carpenter y la expectativa de una nueva serie, tal como informó The Guardian.

Miss Piggy, cuya historia es fundamental dentro del universo de los Muppets, debutó en 1976 como parte del coro en The Muppet Show. Rápidamente, su carisma, humor y personalidad arrolladora la convirtieron en una de las figuras medulares de la franquicia. Creada por Jim Henson y originalmente interpretada por Frank Oz, la cerdita diva destaca tanto por su temperamento explosivo y su elegancia como por su lealtad al grupo y su legendario vínculo con la rana Kermit (conocido como la Rana René en algunos países de habla hispana). Su personaje ha trascendido el ámbito de los títeres para convertirse en un ícono de la cultura pop internacional.

Miss Piggy personifica la confianza y la autoafirmación. A lo largo de las décadas, ha protagonizado escenas en las que demuestra su sentido del espectáculo, sus dotes para el canto y su pasión por la moda. Su evolución, desde un personaje secundario hasta estrella principal, refleja su capacidad para reinventarse, además de su impacto en varias generaciones de espectadores. Famosa por su frase “¡Hi-ya!” y sus respuestas ingeniosas, Miss Piggy también ha sido entrevistada en talk shows, desfilado en alfombras rojas y colaborado con reconocidos diseñadores.

Si la nueva película se concreta, la diva se embarcará en su primera aventura en solitario, sumando otro capítulo a su longeva trayectoria. Este proyecto no solo reafirma la vigencia de los Muppets, sino que subraya la importancia de Miss Piggy como uno de los personajes más queridos y representativos del entretenimiento familiar. Así, la franquicia abre una etapa inédita para el público y para uno de sus íconos más entrañables.

Emma Stone suele ser protagonista de las alfombras rojas. Su exploración estilística y una predilección clara por los detalles, marcan tendencia siempre.

Hoy, la actriz cumple 37 años. A continuación ocho looks que marcaron su trayectoria en la moda y en los eventos internacionales:

Vestido largo naranja con escote recto y chal coordinado

Stone apostó recientemente, para la premiere de “Bugonia” en el Festival de Cine de Londres 2025, por un vestido largo de tirantes finos en color naranja intenso, una elección que atrajo las miradas por la vibración cromática y la pureza de líneas. El escote recto define una silueta depurada, mientras que la caída fluida de la falda aporta movimiento y ligereza.

Como nota distintiva, la actriz añadió un chal a juego, que descansa suavemente sobre los brazos y refuerza la armonía del conjunto. El peinado, recogido de forma sencilla, y los accesorios discretos permiten que la vitalidad de la prenda se imponga sin distracciones.

Vestido largo negro con volados y encaje

Otro de sus recientes looks, durante el Festival de Venecia, fue un vestido largo en negro, que demostró su maestría en la elección de prendas que conjugan clasicismo y originalidad.

El diseño, en tejido satinado, presentó tirantes delicados y un escote en “V” que estilizó la figura. Los volantes asimétricos de encaje al final de la pollera introdujeron textura y contraste, mientras el volumen ligero acompañó el movimiento natural.

Vestido largo plateado con falda abullonada y líneas metalizadas

La actriz también se destacó, en el Festival de Venecia, con un look en tonos plateados, mediante un vestido largo de textura metalizada y corte estructurado. Las líneas verticales del tejido estilizaron, mientras la falda abullonada en la cadera aporta un volumen dramático y moderno.

Los tirantes finos y el escote recto subrayan la sencillez superior de la prenda. En combinación, optó por peinar su cabello hacia atrás y un maquillaje natural, lo que permitió que el brillo y el dinamismo de la prenda sean el punto focal, sin recurrir a ninguna sobrecarga.

Vestido largo de lentejuelas plateadas

En la misma gama cromática plateada, Stone eligió para otra ocasión, para los Oscars 2025, un vestido largo y ceñido, confeccionado enteramente en lentejuelas que capturan la luz con cada movimiento. El escote en “V” y los tirantes anchos rematan una silueta que se prolonga con rectitud hasta los pies.

El cabello iba recogido y el maquillaje mantenía la línea de discreción, haciendo que el conjunto brille por la excelencia de la prenda y la destreza en su portado.

Conjuntos en negro y verde oliva

La actriz no pasó por alto la clásica combinación del negro, como se evidencia en el conjunto de top y pollera negra de encaje, durante el Film Independent Sprit Awards de 2025, el top ajustado se combinó con una falda de encaje traslúcido que cae por debajo de la rodilla, logrando un balance entre opacidad y transparencia.

La elección de sandalias negras y el peinado recogido reforzaron la naturalidad y versatilidad de este enfoque monocromático.

Vestidos asimétricos y detalles llamativos

Dentro de sus apuestas más vanguardistas se notó, durante la premiere de la película “Eddington” el vestido largo asimétrico en tonos violeta claro y negro. Este diseño ofreció una manga caída que dejó un hombro al descubierto y presentó ondas geométricas en la construcción, con la cintura decorada por aros metálicos.

El tejido ligeramente brillante complementó una presencia sofisticada, en la que destaca también un maquillaje de ojos más marcado.

Clásico rojo palabra de honor

Por último, Emma Stone reafirmó su afinidad por los tonos primarios y cortes clásicos con un vestido rojo palabra de honor, largo, de línea recta y ceñido con una cinturilla ancha que incorporó un lazo plano en el mismo tono.

El pelo, peinado hacia atrás, y los labios en tono rojo coordinaron a la perfección.

Jennifer Lawrence está lista para llevar su característico sentido del humor al universo de los Muppets.

Durante su participación en el pódcast Las Culturistas, conducido por Matt Rogers y Bowen Yang, la actriz reveló que está produciendo una película sobre Miss Piggy junto a Emma Stone.

La ganadora del Óscar por Silver Linings Playbook adelantó que, además de estar detrás de cámaras, podría también protagonizar la cinta.

“No sé si puedo anunciar esto, pero lo voy a hacer. Emma Stone y yo estamos produciendo una película de Miss Piggy, y Cole Escola la está escribiendo”, dijo.

La declaración tomó por sorpresa a los conductores y a los fans, ya que Disney, propietario de los Muppets, no ha emitido aún ningún anuncio oficial sobre el proyecto.

Aunque la actriz no ofreció más detalles sobre la trama o el elenco, su colaboración con Stone —con quien mantiene una estrecha amistad desde hace más de una década— ha despertado gran expectativa.

Ambas intérpretes, ganadoras del Óscar y reconocidas por su versatilidad, han demostrado afinidad tanto dentro como fuera de los sets de filmación.

Lawrence, de 35 años, viene de estrenar Die, My Love y ha estado enfocada en su faceta como productora a través de su compañía Excellent Cadaver, desde la cual ha impulsado filmes y documentales con enfoque social y político.

En el pódcast, la actriz también mencionó que rechazó un papel en la obra de Broadway Oh Mary! —escrita por Escola— debido a conflictos de agenda. El personaje terminó siendo interpretado por Jane Krakowski, quien ganó un premio Tony por su actuación.

Durante la conversación, Jennifer Lawrence también desmintió los rumores sobre su supuesta participación en un remake de Death Becomes Her, la icónica comedia negra de 1992 protagonizada por Meryl Streep y Goldie Hawn. “No, eso solo fue algo de fan casting. Sería genial, me encantaría. Yo estaría ahí”, aclaró entre risas.

El anuncio de su nuevo proyecto llega poco después de que la actriz hablara sobre su decisión de mantener sus opiniones políticas en privado durante el segundo mandato del expresidente Donald Trump.

En declaraciones previas, la artista explicó que busca evitar que su postura pública aleje a posibles espectadores. “No quiero que nadie deje de ver una película que pueda cambiar conciencias o el mundo solo porque no está de acuerdo con mis ideas”, señaló.

Sin embargo, la actriz enfatizó que sus convicciones siguen presentes en los proyectos que elige impulsar desde su productora.

“Muchas de las películas que salen de mi compañía son una expresión del panorama político, y siento que esa es mi forma de ser útil”, dijo.

En 2024, la famosa había manifestado su apoyo a Kamala Harris en la contienda presidencial frente a Donald Trump, destacando su compromiso con los derechos reproductivos.

“El aborto está literalmente en la boleta. Votaré por Kamala porque creo que es una candidata increíble y hará todo lo posible por proteger los derechos reproductivos. Lo más importante es no permitir que alguien llegue a la Casa Blanca para prohibir el aborto”, declaró entonces a People.

Aunque el proyecto de Miss Piggy aún no tiene fecha ni estudio confirmado, la combinación de Jennifer Lawrence, Emma Stone y Cole Escola promete una propuesta tan irreverente como creativa.

Su ascenso, marcado por una evolución profesional y personal notable, captó la atención de directores, colegas y críticos, quienes ahora lo reconocen como una de las figuras más versátiles de la actualidad, según destacó un análisis publicado en The Washington Post.

De actor secundario a figura principal

La trayectoria de Plemons comenzó a los 19 años interpretando a Landry Clarke en Friday Night Lights. Desde ese momento, su capacidad de transformación lo hizo indispensable en papeles secundarios, destacándose en Breaking Bad y colaboraciones con directores como Martin Scorsese, Charlie Kaufman, Jane Campion y Shaka King, consolidando su fama como un “arma secreta” del cine contemporáneo.

El reconocimiento de la Academia de Hollywood llegó en 2022 con su primera nominación al Oscar por “El poder del perro”, dirigida por Jane Campion, donde compartió escena con Kirsten Dunst, quien posteriormente se convertiría en su esposa.

No obstante, su salto definitivo ocurrió con “Bugonia”, bajo la dirección de Yorgos Lanthimos. El papel protagónico de Teddy lo instaló entre los mejores actores del momento, aunque él mismo expresó humildad: “No pienso en eso. Es gracioso. Teddy es técnicamente un personaje principal, pero sigue siendo un personaje. Simplemente aparezco más en pantalla”.

El método Plemons: naturalidad y profundidad

Su actuación en Bugonia fue elogiada por su autenticidad y riqueza de matices. El rodaje exigió soportar un intenso calor mientras trabajaba largas horas con traje de apicultor, suponiendo un reto físico y emocional. “¡Hacía bastante calor en ese traje de abejas, te lo aseguro!”, relató con humor.

Para interpretar a Teddy, un teórico de la conspiración que secuestra a la directora ejecutiva de una farmacéutica, se sumergió en la mentalidad de su personaje y exploró foros, documentales y teorías poco convencionales. Con respecto a esto, explicó en The Washington Post: “Lo que me agradece este trabajo es que, al principio, lo ves desde fuera, pero llega un momento en que solo intentas comprender”.

Emma Stone, compañera de reparto, destacó la profundidad que imprimió al papel: “Simplemente le creí todo el tiempo, que era ese hombre y que todo ese dolor vivía dentro de él”. Mientras que Yorgos Lanthimos resaltó la transformación del actor: “Ver cómo su cuerpo se transforma y se convierte en ese animal fue realmente fascinante”.

El nivel de compromiso del intérprete con la verosimilitud alcanzó extremos insólitos, como narró Stone: antes de las escenas finales, él salía a correr para sudar y llegar extenuado a toma. “La última parte de la película, Jesse solo corre. Así que antes de cada toma tenía que dar una vuelta completa para estar sudando y jadeando”, recordó entre risas.

Relación con Kirsten Dunst: amor y colaboración creativa

La vida personal de Plemons está influida por su relación con Kirsten Dunst, a quien conoció durante la grabación de Fargo en 2015. Ambos, exactores infantiles, hallaron consuelo creativo y emocional uno en el otro. The Washington Post mencionó que “se enamoraron creativamente primero”, y ambos son padres de Ennis y James.

El artista estadounidense encontró un equilibrio entre su profesión y la familia, aunque reconoció que la distancia por compromisos laborales es uno de los desafíos más arduos. La familia tiene planeado reunirse en Berlín, donde él participa en el rodaje de la precuela de “Los juegos del hambre”, y luego compartirán las festividades en Austin, su lugar de origen.

La colaboración profesional también se mantiene: en 2024, él se sumó al elenco de Civil War, animado por Dunst. Su papel en dicha producción generó un fuerte impacto en el entorno. “Verlo en ese papel fue impresionante… Pensé: ‘Vaya, mi chico lo está haciendo increíble. Es un gran actor’”, expresó Dunst en The Washington Post.

Transformación física y profesional

Los cambios físicos de Plemons generaron una catarata de comentarios. El actor emprendió un régimen estricto de ayuno intermitente y perdió aproximadamente 23 kilos, aclarando siempre que no recurrió a medicamentos. Su transformación está ligada más a una necesidad personal y profesional que a exigencias externas, influyendo en la imagen pública de su versatilidad.

De esta manera, la disciplina y el compromiso con los personajes marcan su carrera. Lanthimos lo eligió para protagonizar Kinds of Kindness después de intentarlo por años, valorando su disposición para asumir retos complejos, como interpretar tres papeles diferentes en una misma película. Plemons admitió que ciertos roles, como el de Teddy en Bugonia, le resultaron emocionalmente demandantes; necesitó tiempo para dejar atrás la carga psicológica finalizado el rodaje.

Proyectos recientes y futuro en Hollywood

Actualmente, se encuentra colmado de proyectos. Tras grabar Bugonia, se incorporó a la precuela de Los juegos del hambre, Sunrise on the Reaping, donde encarna a un joven Plutarch Heavensbee, heredando el personaje que Philip Seymour Hoffman interpretó en su día y al que considera referente personal.

También, intervino en la más reciente película de Alejandro González Iñárritu y en “Kinds of Kindness”, reafirmando su presencia en el cine de autor y en producciones de relevancia social. Su capacidad para dar vida a personajes complejos y abordar cuestiones contemporáneas, como la polarización y la lucha por el poder, lo convirtieron en una figura influyente en el sector.

A pesar del ritmo vertiginoso de trabajo, Jesse Plemons mantiene el enfoque en el equilibrio entre la vida profesional y familiar. La familia, la colaboración creativa con Dunst y la elección de proyectos capaces de revelar nuevas facetas personales son sus prioridades.

Emma Stone afrontó uno de los desafíos más singulares de su carrera durante la filmación de la película Bugonia, dirigida por Yorgos Lanthimos.

En una escena clave de la producción, debió afeitarse la cabeza, una transformación que solo pudo registrarse en una toma y que la propia intérprete describió como una experiencia de concentración absoluta.

La ganadora del Oscar encarnó a Michelle Fuller, líder de la farmacéutica ficticia Auxolith, quien es secuestrada bajo la sospecha de ser un ser extraterrestre encubierto.

“Estaba meditando en mantenerme quieta, simplemente mantenerme quieta“, relató Stone a Entertainment Weekly sobre el momento en que su compañero en la ficción, interpretado por Aidan Delbis, usaba la máquina de afeitar mientras el personaje de Jesse Plemons huía del lugar del delito.

La actriz reconoció que “tuve mucho miedo de arruinar la toma abriendo los ojos o moviéndome”, ya que en la escena su personaje permanecía inconsciente. “En mi mente solo repetía que debía hacerme la muerta, básicamente”, admitió en la entrevista.

El rodaje de este pasaje central de Bugonia implicó una sola oportunidad, sin margen para repetir. “Era una toma y había cuatro cámaras instaladas para asegurarlo“, explicó Stone, un dato confirmado por el propio Yorgos Lanthimos.

De acuerdo con el cineasta, “no fue difícil convencer a Emma para que se afeitara la cabeza, ya que estaba en el guion desde el inicio".

“Ella primero leyó la escena y apenas sintió un nudo en el estómago, no una verdadera duda, pero sí una reacción visceral”, explicó el cineasta.

Y añadió: “Afortunadamente lo logramos, solo teníamos una chance. Después de grabar, se vio y realmente le gustó el resultado, se sintió muy libre“.

Para el equipo de producción, este momento representaba un quiebre en la narrativa. Dejar la iconicidad del cabello de la estrella fuera de escena sirvió al guion, ya que los secuestradores creían que la melena era una suerte de “dispositivo de comunicación” capaz de conectar a la protagonista con una nave nodriza.

La credibilidad del pasaje descansó en la naturalidad y determinación de la actriz, quien se sometió así a una transformación física irreversible para la continuidad del film.

Yorgos Lanthimos llegó incluso a sugerirle a Emma Stone que mantuviera el nuevo aspecto más tiempo.

“Pensé que se veía increíble. Intenté convencerla de conservarlo, pero no quiso“, reconoció el director.

Según declaró a la revista, el proceso de ocultar la cabeza rapada durante otros segmentos de la filmación complicó la rutina diaria de la actriz, por lo que no extendió la experiencia fuera del set.

El próximo papel de Emma Stone

El cambio de apariencia no fue el único reto para Emma Stone en Bugonia. El guion obligó a la intérprete a someterse a otros maquillajes complejos a raíz de las creencias del captor de su personaje.

Tras rapar la cabeza de Michelle Fuller, el secuestrador aplicaba capas espesas de cremas sobre su piel para “anular los poderes alienígenas”.

La actriz explicó a Entertainment Weekly que el proceso implicó pruebas con diferentes productos y combinaciones diarias, ya que el calor del cuerpo humano supera los 37°C (98,6°F), umbral que derrite frecuentemente muchos de estos materiales.

“Dependiendo del día, se usaban bases, humectantes u otras fórmulas. Fue un verdadero experimento”, detalló Stone, que durante meses trabajó con el equipo dirigido por Torsten Witte.

"Hasta que la crema dio paso a la sangre“, bromeó la actriz, aludiendo al nivel de compromiso físico que demandó el rodaje.

Pese a estos desafíos, manifestó un particular interés en dar vida a una ejecutiva poderosa y enigmática, situada en el centro de una trama donde su secuestrador sospecha de su origen extraterrestre.

En el mismo diálogo, Emma Stone analizó las motivaciones opuestas entre su personaje y el de Jesse Plemons, ambos “con la idea de salvar el mundo desde posiciones irreconciliables”.

“Me resultó fascinante porque ella parece siempre apacible y amistosa, pero en el fondo sus palabras carecen de sentido verdadero“, señaló la actriz.

La película contrapone el discurso corporativo habitual de Fuller con el estrés y la improvisación a los que la obliga el encierro, generando un diálogo que la propia Stone describió como “divertido y triste a la vez”.

Bugonia cuenta además con las actuaciones de Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias y Alicia Silverstone. El film refuerza la colaboración entre Emma Stone y Yorgos Lanthimos, dupla artística que ya había destacado previamente en el cine internacional.

El rodaje de Bugonia reunió de nuevo a Lanthimos y Stone tras sus exitosas colaboraciones en La favorita, Pobres criaturas y Kinds of Kindness. En este proyecto, Stone interpreta a Michelle Fuller, directora de una empresa de biomedicina, cuya identidad es cuestionada de formas insólitas. Sin embargo, en la vida real, la mayor incertidumbre radicaba en la complejidad técnica y emocional de filmar la escena en la que se rapaba la cabeza.

El equipo solo disponía de una oportunidad para conseguir la toma. El propio Yorgos Lanthimos explicó que instaló cuatro cámaras en el automóvil para minimizar riesgos: “Sólo podía hacerse una vez, así que debíamos estar seguros de que ningún equipo fallaría”, relató el cineasta. Para Stone, la espera entre preparativos prolongados y ensayos le generó ansiedad. “Me decían: ‘Listos en diez minutos... no, en treinta... no, en una hora’. La espera aumentó la anticipación y hubo un momento donde tuve dudas, pero Yorgos conversó conmigo y logré tranquilizarme. Al final, adoré todo el proceso”, contó la actriz.

La escena en cuestión muestra a Michelle inconsciente mientras es rapada. Emma Stone confesó que se preparó mentalmente para quedarse completamente inmóvil: “Estaba ahí, meditando, diciéndome que debía quedarme quieta. Si abría los ojos o me movía, lo arruinaría todo”. Esta disciplina contrastó con los nervios sobre su apariencia y, ante la inminente transformación, la actriz pensó primero en la reacción de su hija, Louise Jean. Desde semanas antes del rodaje, Stone se esforzó por transmitirle tranquilidad a la niña. La artista reveló que fue directa con ella: “Le dije: ‘Voy a afeitarme la cabeza. Me voy a quitar el cabello y volverá a crecer. ¿No es estúpido y divertido? Podemos hacer lo que queramos con el pelo, ¡puede cambiar siempre!’. Ella respondió: ‘Está bien’ y lo aceptó con naturalidad”, rememoró la actriz en la entrevista publicada por USA Today.

De casa al set de rodaje

El impacto familiar de los cambios de apariencia se multiplicó en el set. Jesse Plemons, coprotagonista y amigo cercano de la actriz —a quien llama por su nombre real, Emily—, confesó que se sintió más ansioso que la propia Stone durante el rodaje. “Pensé: ‘Emily está comprometiéndose de verdad, así que es mi turno de dar lo mejor’”, compartió con humor. Plemons también pasó por una transformación para su papel: debió dejarse crecer el cabello mucho más de lo habitual, lo que desconcertó inicialmente a sus hijos Ennis y James. Según recuerda, uno de ellos llegaba a levantarle el sombrero en público para burlarse del nuevo tono rojizo de su pelo.

El proceso fue igualmente complicado a nivel técnico. Plemons relató que después de Bugonia trabajó con el director Alejandro Iñárritu, quien solicitó teñirle el cabello de rojo intenso para un nuevo proyecto. Volver a su color natural fue una odisea: “Me hice varios tratamientos, parecía estar cerca y luego de una semana el rojo regresaba, como un virus”, bromeó. Stone empatizó con sus dificultades: “Sí, el rojo es implacable”.

La dinámica entre participación artística radical y vida privada quedó plasmada en la relación de los actores con sus hijos. Los niños, testigos y jueces directos de los experimentos estilísticos de sus padres, reaccionaron con una franqueza que Stone y Plemons agradecen. De fondo, persiste la reflexión sobre la capacidad del cine para alterar la imagen y, transversalmente, influir en el entorno familiar, un efecto inevitable en la carrera de intérpretes que, como Stone, apuestan por decisiones audaces ante la cámara.

“Cada audición me recuerda que todavía hay mucho por probar”, afirmó Stone ante Horowitz. Junto a Plemons, reflexionó sobre el síndrome del impostor, desafío persistente incluso tras años de éxitos.

Presentaron Bugonia, su nueva colaboración con el director Yorgos Lanthimos, en una charla que combinó confidencias y risas al detallar los desafíos y aprendizajes en sus trayectorias.

Ganadora del Oscar y protagonista de la película, Stone remarcó la importancia de seguir audicionando: “Estoy completamente abierta a audicionar, y creo que es un proceso realmente útil, aunque también puede ser brutal”, explicó.

Cada prueba representa una oportunidad para explorar matices inexplorados y enfrentar la incertidumbre de encarnar nuevos personajes.

Plemons, a su vez, reconoció que los nervios nunca desaparecen: “Siempre estoy nervioso, pero creo que eso significa que te importa”. Ambos coinciden en que la autoexigencia los acompaña en cada etapa, sin importar los reconocimientos.

De los sueños iniciales a la madurez artística

Durante la charla, los actores recordaron sus inicios y los sueños que guiaron su vocación. Stone expresó que integrarse a una comedia televisiva o aparecer en Saturday Night Live era su mayor aspiración: “Mi sueño sigue siendo SNL, honestamente”, confesó.

Plemons rememoró su etapa en Friday Night Lights como su punto de inflexión profesional. Ambos subrayaron la importancia de la comedia y la televisión en sus primeros pasos, y reconocieron que la evolución de sus carreras superó sus expectativas iniciales.

Bugonia: rodaje sin reglas y libertad creativa

El estreno de Bugonia en Telluride, tras su paso por Venecia, representa un nuevo capítulo en la colaboración de ambos con Lanthimos. Definida por Horowitz como “un drama de secuestro con comedia oscura”, la película permitió a los actores sumergirse en un rodaje singular y desafiante.

Según relataron, el trabajo con Lanthimos se caracteriza por la falta de directrices explícitas sobre el tono: únicamente les recalca que “es una comedia”. Esta libertad implicó una exigencia física y mental extra, especialmente en escenas largas y monólogos exigentes. “Es agotador de una manera maravillosa. Me siento afortunada de que este sea mi trabajo”, resumió Stone.

La dinámica en el set, atravesada por el humor y la complicidad, les permitió explorar nuevas facetas de sus personajes. Plemons destacó que varias escenas de Bugonia figuran entre las más gratificantes de su carrera, tanto por la riqueza del guion como por la oportunidad de compartir pantalla con Stone y Aiden.

La actriz resaltó el esfuerzo de memorizar extensos diálogos y mantener la energía jornada tras jornada. Ambos insisten en que la mayor satisfacción llega al saber que dieron todo en una interpretación.

Anécdotas, aprendizaje y autodescubrimiento

La entrevista incluyó anécdotas sobre papeles emblemáticos. Stone contó cómo Andrew Garfield le ocultó su participación en Spider-Man: sin camino a casa: “Le pregunté si iba a estar en la película y me dijo: ‘No sé de qué hablas’”, recordó divertida.

Aunque no vio el filme, confesó que sería una experiencia emotiva. Plemons habló del desafío de interpretar a Plutarch en la nueva Los juegos del hambre, asumiendo el rol con respeto a Philip Seymour Hoffman: “Fue una de las cosas que me hizo cuestionar si quería hacerlo, por el respeto y admiración que tengo por Philip Seymour Hoffman”, señaló.

Ambos actores reflexionan sobre el aprendizaje permanente que exige la profesión. Stone mencionó habilidades desarrolladas para varios papeles —desde el manejo de armas en Tierra de Zombies hasta el buceo en Tipos De Gentileza—, experiencias que transforman su perspectiva.

Plemons reveló que, tras interpretar a un ciclista en El engaño del siglo, tardó años en volver a una bicicleta, pero Bugonia lo ayudó a reconciliarse con esa faceta. Coinciden en que la actuación es una vía de aprendizaje y autodescubrimiento que deja huellas más allá del set.

El lado humano tras el éxito

La charla, recogida íntegramente por YouTube, cerró con momentos ligeros. Stone bromeó sobre cómo a veces la confunden con Emma Watson o Debra Messing; Plemons confesó su afición por la fotografía y su colección de cámaras.

Ambos compartieron detalles cotidianos —como el fondo de pantalla de sus teléfonos, protagonizado por imágenes de sus hijos— y su preferencia por los perros. La complicidad y el tono relajado evidencian la humanidad y el humor que mantienen pese al éxito.

Antes de despedirse, Stone y Plemons compartieron la misma idea: la verdadera satisfacción tras un rodaje surge al saber que dieron todo en su trabajo, un impulso constante en cada nuevo proyecto.

Sea como sea, lo que hasta ahora no se había visto era que ser calvo tuviera algún tipo de privilegio, una situación que de manera puntual ha invertido la última película dos veces ganadora del premio Oscar, Emma Stone, en su nueva colaboración con el director griego Yorgos Lanthimos, con el que ha trabajado en otros proyectos como Pobres criaturas o La favorita.

Un peluquero en la sala de cine

La actriz de La La Land prepara ahora el estreno de su nueva película con el cineasta, Bugonia, la cual ya aparece en varias quinielas de cara a la próxima gala de los premios Oscar. Todavía es pronto para saber si esas predicciones son ciertas, pero lo cierto es que la pieza, que cuenta la historia de cómo dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la presidenta de una gran compañía porque creen que se trata de una extraterrestre, ya ha despertado una gran expectación.

Eso sí, entre los motivos, habría que contar también ese privilegio que las personas calvas tendrán antes de su estreno. Y es que, tal y como han informado sus responsables, este mismo lunes 20 de octubre se podrá acceder a un pase adelantado de la película en el Culver Theater del estado de California (Estados Unidos)... siempre y cuando los asistentes no tengan ni un solo pelo en su cabeza.

“Si no eres calvo, ve a visitar a un barbero para que te afeite”, informan los responsables del pase. "La proyección será a las 20:00, pero tendremos a nuestro peluquero en el cine desde las 18:00 para aquellos que lo necesiten”. La razón por la que se realiza esta iniciativa tiene mucho que ver con el aspecto que luce la propia Emma Stone en la película, con la cabeza completamente rapada. De este modo, quién sabe si, mientras dure la promoción, esta misma propuesta se realizará en más países.

Cuándo se estrenará ‘Bugonia’

Para quienes no estén dispuestos a desprenderse de su cabellera, tocará esperar hasta el próximo 7 de noviembre para ver el nuevo trabajo de la actriz, fecha en la que se producirá su estreno en cines. Junto a ella, estará de nuevo con Jesse Plemons, un actor con el que ya trabajó en la última película de Lanthimos, Kinds of Kindness, completando el elenco protagonista, el debutante intérprete estadounidense Aidan Delbis.

Bugonia ya se pudo ver en el pasado Festival de Venecia, donde provocó reacciones tanto positivas como negativas por parte de la crítica especializada. Eso sí, la mayoría de reseñas coincidieron en que, en un tono de aparente comedia, el nuevo trabajo de Emma Stone acaba por convertirse en una de las películas más inquietantes que podremos ver este año. Parece que solo los calvos podrán confirmar, por el momento, si esto es así.

Stone, habitual de películas contemporáneas, contó en diversas entrevistas cómo abordó este desafío. El objetivo del equipo artístico era lograr que su apariencia reflejara tanto la época como las complejidades de la joven ambiciosa que retrata en pantalla.

Según revela Fotogramas, el proceso incluyó la utilización de maquillaje sutil para palidecer la piel y realzar las facciones conforme a los cánones estéticos históricos. Además, la forma de vestir, el peinado y detalles como la postura resultaron esenciales para recrear la autenticidad del personaje.

El trabajo se concentró en borrar rasgos actuales y dotar a Stone de la imagen austera y reservada que las clases femeninas ostentaban en la Inglaterra de aquella época.

El enfoque del equipo de maquillaje y vestuario en la película

El equipo de maquillaje y vestuario desplegó un trabajo minucioso para transportar al público al universo de la corte de la reina Ana. En el caso de Emma Stone, el desafío fue transformar sus rasgos físicos y faciales sin caer en exageraciones ni caricaturas, alejándola del glamour habitual en otras producciones.

Para lograrlo, se optó por un maquillaje que evitó tonos modernos y se enfocó en recrear imperfecciones y detalles característicos de la época, aportando realismo y autenticidad a su personaje.

El vestuario, firmado por expertos de producción, combinó tejidos históricos, colores apagados y corsés estructurados. Estos atuendos no solo transformaron el porte de Stone, obligándola a mantener una postura rígida y una gestualidad específica, sino que contribuyeron a definir la psicología del personaje.

El impacto del cambio físico en la interpretación de Emma Stone

La transformación externa no fue solo una cuestión estética; tuvo un efecto directo en el desempeño de Emma Stone durante el rodaje. La actriz reconoció que el peso, la incomodidad del vestuario y los cambios en la piel le ayudaron a entender mejor las limitaciones y sentimientos de su personaje. Esta inmersión física la llevó a adoptar una actitud modesta y contenida en sus expresiones, en línea con las normas sociales del siglo XVIII.

Este enfoque entregó una interpretación más verosímil y enriquecida, según relatan miembros del equipo. Emma Stone debía manipular el lenguaje corporal y los gestos mínimos para transmitir las emociones de Abigail Masham, ya que el corsé y los peinados estrictos controlaban buena parte de sus movimientos.

Asimismo, la actriz manifestó que el proceso le permitió encontrar matices inéditos y precisión en sus reacciones, ajustando su actuación a los requerimientos del drama histórico.

Reacciones y declaraciones de Emma Stone sobre el proceso

Sobre el proceso de transformación, Emma Stone se ha mostrado abierta en compartir sus impresiones en distintas entrevistas. La actriz destacó especialmente la experiencia de ver su imagen alterada para acercarse tanto a la época como al carácter luchador de su papel.

Al describir las exigencias del vestuario y el ambiente del set, Stone subrayó cómo la sumersión en estos elementos modificó su percepción tanto del personaje como de sí misma como intérprete.

En sus declaraciones, manifestó sorpresa inicial y cierta incomodidad por los métodos empleados para lograr su apariencia, normalmente alejada del maquillaje y vestuario recargados. Sin embargo, reconoció que esa incomodidad fue decisiva para comprender a Abigail Masham y adoptar la actitud adecuada para cada escena.

El proceso de adaptación, según sus propias palabras, le permitió desarrollar nuevas herramientas actorales y valorar el trabajo de todos los departamentos técnicos involucrados.

Willem Dafoe, protagonista de Late Fame, atrajo la atención en el reciente Festival de Venecia, tanto por su papel principal como por un momento viral junto a Emma Stone. Más allá del bullicio mediático, el reconocido actor mostró una faceta reflexiva sobre el paso del tiempo, el reconocimiento y el sentido de la vida, vinculada a su retiro en una granja de alpacas.

En una entrevista con Vanity Fair, el intérprete compartió impresiones sobre la memoria, el arte y su conexión con la naturaleza, dejando ver la profundidad de su visión sobre la existencia y el trabajo artístico. “Pienso en la edad más de lo que admito”, fue una de las frases más destacadas del artista.

Una memoria marcada por Nueva York y la creatividad colectiva

Durante su estadía en el Lido, Dafoe presentó Late Fame, cinta en la que interpreta a Ed Saxberger, un poeta olvidado que recibe tardío reconocimiento de un grupo de jóvenes artistas. La película, en la que también actúan Edmund Donovan y Greta Lee, explora los vínculos entre la memoria, las generaciones y la ilusión de la juventud.

Según Dafoe, este papel le permitió mirar su propia historia, marcada por su llegada a Nueva York en los años 70, en un periodo de creatividad y dificultades económicas.

“Cuando tenía 21 años y llegué a Nueva York, la ciudad estaba en bancarrota. Había mucha delincuencia. Había crecido en la clase media, pero allí me sentía tres clases sociales por debajo”, relató a Vanity Fair.

Enfrentar la edad y hallar libertad en el arte

El paso del tiempo es un tema recurrente para Dafoe. Aunque no piensa continuamente en la edad, la memoria de sus proyectos y la práctica de yoga le recuerdan los cambios físicos y vitales.

“Solía ser el más joven, ahora a menudo soy el más viejo. Pienso en la edad más de lo que admito”, confesó.

La muerte de personas cercanas y la conciencia de su propia mortalidad lo llevan a valorar la genética y la posibilidad de mantenerse activo en el cine, siempre y cuando la salud se lo permita. Respecto a la fama y la libertad, Dafoe sostiene que la libertad absoluta es una ilusión.

“Nunca me siento completamente libre. Todos estamos en la misma situación: sabemos que dejaremos este mundo, pero no sabemos cuándo, y eso nos atormenta”, explicó.

La vida rural y la conexión con la naturaleza

Vivir lejos de los escenarios y cámaras aportó a Dafoe un nuevo equilibrio. Su granja, donde convive con alpacas y otros animales, representa para él una familia no humana y un espacio de contacto con los ciclos de la vida.

“No es un zoo donde la gente acaricia animales, sino un lugar vivo, una verdadera familia a la que cuido”, describió. El contacto cotidiano con la naturaleza le permite mantener una actitud positiva y recordar que “salir cada día y ver que todo es un milagro” es la mejor forma de sentirse libre.

Nuevas generaciones, vínculos en el arte y la importancia del contacto real

Sobre las nuevas generaciones, Dafoe observa una mezcla de admiración y preocupación. Trabajar con jóvenes en el cine le aporta energía, aunque percibe que la vida actual, mediada por la tecnología y los filtros sociales, dificulta los contactos directos.

“Incluso escuché decir que los jóvenes ya no tienen relaciones sexuales. No sé si es cierto, pero es significativo: significa que incluso la esfera más íntima y natural está condicionada por filtros, mediaciones, barreras”, comentó a Vanity Fair. Para Dafoe, esta desconexión contradice la esencia del arte, que nace de la relación auténtica.

El vínculo profesional y personal con Emma Stone y el director Yorgos Lanthimos también estuvo presente en la entrevista.

Dafoe relató con humor el episodio viral del beso con Stone en el festival, recordando la complicidad y el afecto que existe entre ambos tras varias colaboraciones. “Emma me dijo antes del Festival de Venecia: ‘Ven. Te daré un beso y un puñetazo en la mandíbula’. Era su forma cariñosa de decir: ‘Ven, por favor’”, recordó el actor.

La actualidad internacional estuvo presente, en especial la situación en Gaza, tema que suscitó debate durante el festival. En ese sentido, Dafoe manifestó: “La gente está sufriendo, la ayuda humanitaria debe poder llegar”.

Familia, diversidad y sentido de la fama

Residente en Italia, Dafoe percibe diferencias entre la sociedad de Estados Unidos y la europea, aunque admite que no sigue de cerca la actualidad de su país natal. En su entorno familiar, valora la diversidad y la apertura.

Criado por sus hermanas ante la ausencia laboral de sus padres, procuró criar a su hijo en un ambiente plural, rodeado de personas de distintas edades, orientaciones y orígenes. “Siento que lo crié junto a un grupo. Al fin y al cabo, se necesita un pueblo para criar a un hombre”, reflexionó.

Al hablar sobre la fama y el éxito, Dafoe concluyó que el verdadero sentido de su carrera está en la autenticidad y la capacidad de compartir experiencias.

Aunque la fama puede volverse una carga, reconoce que le abrió puertas y le dio fuerzas para continuar. Frente a la frustración o inseguridad inherentes a la vida artística, Dafoe considera esencial encontrar aquello que mantenga viva la esperanza.

Durante los próximos 11 días se concentrarán un enorme puñado de películas entre la Sección Oficial, fuera de concurso y paralelas. Este año no tenemos representación en la competición, pero todavía recordamos el histórico León de Oro que consiguió Pedro Almodóvar con La habitación de al lado.

‘Frankenstein’, de Guillermo del Toro

Entre los proyectos más esperados destaca la adaptación de la novela de Mary Shelley que Guillermo Del Toro ha perseguido durante años.

El realizador mexicano, que ya obtuvo el León de Oro en 2017 con La forma del agua, presenta ahora su versión de Frankenstein, con Oscar Isaac como el doctor Victor Frankenstein y Jacob Elordi en el papel de la criatura.

Del Toro había declarado en 2007 que esta era una película que “mataría por hacer”, y finalmente ha logrado materializar ese anhelo, marcando su segunda participación en la competición veneciana.

‘Jay Keller’, de Noah Baumbach

Noah Baumbach regresa al certamen tras competir previamente con Historia de un matrimonio (2019) y Ruido de fondo (2022). Su nueva propuesta es una tragicomedia centrada en un actor de cine, interpretado por George Clooney, que atraviesa una crisis de identidad y se embarca en un viaje por Europa junto a su representante, encarnado por Adam Sandler.

‘Caza de brujas’, de Luca Guadagnino

El director italiano Luca Guadagnino vuelve a la Mostra apenas un año después de presentar Queer (2024). Su último largometraje ofrece a Julia Roberts un papel que podría igualar la relevancia de su actuación en Erin Brockovich (2000), por la que recibió el Oscar.

La película explora la cultura de la cancelación a través de la historia de una profesora universitaria que debe afrontar su pasado cuando su protegida acusa de agresión sexual a un colega.

‘Bugonia’, de Yorgos Lanthimos

La dupla formada por Yorgos Lanthimos y Emma Stone retorna a Venecia tras el éxito de Pobres Criaturas (2023), que les valió el León de Oro y abrió la puerta a varios Oscar. En esta ocasión, presentan una nueva versión de la coreana Salvar el planeta Tierra (2003), una comedia negra de ciencia ficción donde dos jóvenes, obsesionados con 'teorías conspiranoicas’, secuestran al director general de una farmacéutica al sospechar que es un alienígena con intenciones destructivas.

‘Father Mother Sister Brother’, de Jim Jarmusch

Por primera vez en décadas, Jim Jarmusch compite en Venecia tras una larga trayectoria en Cannes. Su película, definida por él como “una película de anti-acción”, se estructura en tres partes y examina las relaciones entre hijos adultos y padres distantes. El reparto incluye a Cate Blanchett, Adam Driver, Vicky Krieps, Tom Waits y Charlotte Rampling.

‘A House of Dynamite’, de Kathryn Bigelow

El regreso de Kathryn Bigelow a la Mostra se produce ocho años después de su último largometraje y casi dos décadas tras el estreno de En tierra hostil, que inició en Venecia un recorrido que culminó con seis premios Oscar.

Su nueva obra, un thriller político, sigue a un grupo de funcionarios de la Casa Blanca que deben identificar al responsable de una amenaza de ataque con misiles contra Estados Unidos y decidir la respuesta gubernamental adecuada.

‘No Other Choice’, de Park Chan-wook

El cineasta surcoreano Park Chan-wook vuelve a la competición veinte años después de triunfar con Sympathy for Lady Vengeance (2005). Su último trabajo, una mezcla de thriller y sátira anticapitalista basada en la novela The Ax (1997) de Donald E. Westlake, narra la historia de un hombre que, tras perder su empleo y fracasar en su búsqueda de trabajo, opta por eliminar a sus rivales laborales.

‘The Smashing Machine’, de Ben Safdie

La vida de Mark Kerr, figura de las artes marciales mixtas, sirve de base para una reflexión sobre el coste de la fama y la obsesión por el éxito. Dwayne Johnson asume aquí su primer papel dramático relevante, lo que podría abrirle las puertas a reconocimientos cinematográficos de prestigio. La dirección corre a cargo de Benny Safdie, quien debuta en solitario tras codirigir Good Time (2017) y Diamantes en bruto (2019) junto a su hermano.

‘Nuestra tierra’, de Lucrecia Martel

La directora argentina Lucrecia Martel presenta un híbrido entre ficción y documental que relata el asesinato del líder indígena Javier Chocobar en 2009, un hecho que desembocó en un juicio en 2018 y reavivó el debate sobre el pasado colonial en Argentina. Martel ya había participado en la Mostra con Zama en 2017 y presidió el jurado oficial en 2019.

‘El mago del Kremlin’, de Olivier Assayas

En el ámbito político, una producción con Jude Law en el papel de un joven Vladímir Putin explora el ascenso al poder del líder ruso durante los últimos años de la Unión Soviética. El foco principal recae en Paul Dano, quien interpreta a un personaje inspirado en Vladislav Surkov, figura clave en el Kremlin.

La película, dirigida por Olivier Assayas se basa en la novela homónima de 2022 de Giuliano da Empoli, que ofrece una visión inquietante del pasado y presente de Rusia.

Presencia española

La presencia española en la sección principal de la Mostra es limitada, una tendencia que se mantiene desde que Álex de la Iglesia obtuvo dos premios con Balada triste de trompeta hace 15 años. Desde entonces, solo Pedro Almodóvar ha competido por el León de Oro, logrando el galardón el año pasado con La habitación de al lado.

No obstante, en las secciones paralelas participan cuatro títulos con producción española: Estrany Riu de Jaume Claret Muxart, que aborda la memoria y el paso del tiempo a través de la experiencia de un adolescente en Alemania; Calle Málaga de Maryam Touzani, que retrata la vida en un barrio de Tánger y cuenta con Carmen Maura y Marta Etura; Anoche conquisté Tebas de Gabriel Azorín y el documental Memoria de los olvidados de Javier Espada, dedicado a rescatar episodios poco conocidos de la vida y obra de Luis Buñuel.

¿Qué opinaba todo el mundo? ¿A favor? ¿En contra? Superchic, ¿no? ¿Podríamos cualquiera de nosotros, simples mortales, copiar su look sin ESA CARA? ¿Y por qué lo había hecho?

Los detectives de Internet ya lo habían averiguado, en parte. Cada vez que había sido fotografiada en otoño de 2024, llevaba una gorra, que casualmente fue cuando estaba rodando Bugonia, su última colaboración con su director de Poor Things y The Favourite, Yorgos Lanthimos. Seguramente, especularon los fans, debía de haberse afeitado la cabeza para el papel. También se la había visto en el Festival de Cine de Nueva York con una peluca.

Pero no fue hasta el jueves por la mañana, durante las primeras proyecciones de Bugonia en el Festival de Cine de Venecia, cuando supimos por qué se afeitó la cabeza.

De hecho, es un espóiler. Estás avisado.

En Bugonia, se supone que los alienígenas tienen un pelo muy fuerte. Y toda la premisa de Bugonia es que Stone puede ser un alienígena. Vamos a discutirlo.

Basada libremente en la película de ciencia ficción surcoreana de 2003 ¡Salvemos el planeta verde!, la última película de Lanthimos es un thriller sociopolítico de secuestros que enfrenta al teórico de la conspiración apicultor de Jesse Plemons con la ejecutiva de sangre fría de Stone. Stone interpreta a Michelle Fuller, la antisocial y estricta directora ejecutiva de Auxolith Corp, una empresa farmacéutica con una cultura de trabajo supuestamente utópica que es claramente una máscara para algo nefasto. Sin que ella lo sepa, se ha ganado la ira del Teddy de Plemons, un empleado de fábrica de bajo nivel que forra las ventanas de su casa con papel de aluminio. Ha estado probando ideologías –izquierdista, marxista, alt-right, “alt-left”– con su joven e impresionable primo Don (el recién llegado Aidan Delbis) desde que su madre (Alicia Silverstone) entró en coma tras probar un fármaco experimental para curar la adicción a los opiáceos, fabricado por, ninguna sorpresa, Auxolith. Su director ejecutivo, sospecha Teddy, debe de ser un alienígena empeñado en destruir la humanidad y el planeta. Así que planea algo funesto.

Lo que nos lleva de nuevo al pelo: por lo que a Teddy respecta, tiene que desaparecer. (Está en el tráiler, amigos.)

Lanthimos insistió en que todo el afeitado de la cabeza tuviera lugar en la pantalla. Plemons explicó a Vogue que, desde el momento en que lo leyó en el guion, se dio cuenta del enorme compromiso que supondría para Stone y de que la producción tenía que hacerlo bien. “Fue como: ‘Allá vamos: Emily se ha afeitado la cabeza’”, dice Plemons. “Será mejor que lo hagamos bien”. (El nombre de pila de Stone es Emily Jean.)

“¿Fue fácil raparme el pelo?”. dijo Stone, respondiendo a la pregunta que sabía que le iban a hacer en la rueda de prensa de Bugonia. “Es lo más fácil del mundo. Coges la maquinilla y ¡puf! Mucho más fácil que cualquier peinado”. Los entrenamientos de lucha, hacer ejercicio constantemente... esas eran las partes difíciles.

Aunque no tenía ninguna duda sobre la escena en sí, Stone dijo a Vogue que tenía una condición: Afeitar primero la cabeza de Lanthimos. En cuanto se perdió de vista en su caravana, admitió a la revista, rompió a llorar. Le recordó cómo su madre Krista perdió el pelo durante el tratamiento contra el cáncer de mama hace años.

La película es la segunda de Stone con Plemons y Lanthimos y la cuarta en total con el director. En cuanto a las películas juguetonamente nihilistas de Lanthimos, es menos populista que The Favourite y Poor Things, pero quizá un poco más accesible que la perversamente divertida y muy sangrienta Kinds of Kindness. Los observadores de los Oscar en Internet, muchos de los cuales no habían visto la película, empezaron a declarar inmediatamente que éste podría ser el Oscar nº 3 para Stone después de Poor Things. Ella está genial, pero como muchos críticos han señalado, Plemons es la jugada para tu quiniela de los Oscar. (En este papel está mucho más delgado, sudoroso y con la cara más roja de lo que nunca le has visto, con una coleta raída y un uniforme de apicultor cochambroso que prácticamente puedes oler a través de la pantalla.)

También es la película más actual de Lanthimos, quizá de todos los tiempos. Un director farmacéutico desalmado destruye vidas y el medio ambiente mientras pregona la “transparencia” y la diversidad. Su villano secuestrador no es solo un chiflado, sino también un conservacionista y amante de los animales que quiere salvar el mundo... y hace algunas buenas observaciones. “Hay una frase genial en la que Teddy califica la educación universitaria de ‘estafa credencialista para blanquear privilegios’, y está dicha de forma tan convincente que te hace preguntarte: bueno, ¿no es así?”, escribe Ryan Lattanzio, de Indiewire.

“Se sentía muy relevante entonces, y se siente aún más relevante ahora, por desgracia. En todo caso, esta película dice que esto está ocurriendo ahora”, dijo Lanthimos en la rueda de prensa, descartando la idea de que la película sea “distópica”.

“Esto está ocurriendo ahora”, dijo Lanthimos. “La humanidad se enfrenta a un ajuste de cuentas muy pronto. La gente tiene que elegir el camino correcto en muchos sentidos. De lo contrario, no sé cuánto tiempo nos queda... con la tecnología, con la inteligencia artificial, con las guerras, el cambio climático y la negación de todas estas cosas. Lo insensibles que nos hemos vuelto a todas estas cosas... Esperemos que haga reflexionar a la gente sobre lo que está ocurriendo en todo el mundo”.

Plemons dijo que su forma de interpretar al personaje era pensar en Teddy como un alma torturada que, en el fondo, sólo quería ayudar. Aunque instintivamente podemos apartar la mirada de las cosas que dan miedo o son difíciles de entender, su trabajo como actor es enfrentarse a ellas directamente. “Existe el riesgo de descartar [a personas como Teddy] como no humanas”, dijo en la rueda de prensa.

Por eso Stone dice que sigue trabajando con el director, no solo por el ambiente de seguridad que crea en el plató para que ella se ponga a actuar. Sino porque, en esta y en todas sus películas, “hay muchas cosas que reflejan este momento de nuestro mundo, y son divertidas, conmovedoras, jodidas y vivas”, dijo.

Y en lugar del pelo de Stone, el estreno de la película nos ha traído un nuevo tema con el que obsesionarnos.

“¿Cómo sabes que no soy un extraterrestre?” preguntó Stone crípticamente.

Más tarde, un periodista le preguntó si creía en los extraterrestres. Stone respondió sobre el astrónomo Carl Sagan: “Es una de mis personas favoritas de la historia”. Devoró su serie Cosmos y se enamoró perdidamente ”de su filosofía y su ciencia y de lo brillante que parece ser”.

Y continuó. “Y creo que él creería profundamente que la idea de que estamos solos en esta vasta extensión del universo -no que estamos siendo observados, sino que estamos solos aquí fuera- es algo bastante narcisista”.

Entonces levantó el brazo, esbozó una enorme sonrisa e hizo un anuncio: “Así que sí, voy a decirlo. Creo en los extraterrestres. Gracias”.

Fuente: The Washington Post. Fotos: Focus Features, Reuters/ Yara Nardi.

“No hay mucho de la distopía en esta película que sea muy ficticio”, dijo Yorgos el jueves en el Festival de Cine de Venecia. “Gran parte refleja mucho del mundo real”.

Bugonia se estrenó mundialmente el jueves por la noche en el prestigioso festival, donde compite por el máximo galardón, el León de Oro. Focus Features estrenará la película en los cines norteamericanos el 24 de octubre.

La película es un remake de la coreana de 2003 ¡Salvemos el planeta verde!, y mezcla elementos de ciencia ficción, terror y comedia. El personaje de Plemons está obsesionado con la idea de que Stone pertenece a una especie alienígena que se ha infiltrado en la Tierra con planes de destruirla. La adaptación, escrita por Will Tracy, ha estado en desarrollo durante varios años, con Ari Aster involucrado antes de que Lanthimos se subiera a bordo para dirigirla.

“Nunca antes me habían dado un guión que pareciera tan listo para ser rodado”, dijo Lanthimos. “Me pareció muy divertido y entretenido, pero también muy impactante, y te hacía reflexionar profundamente. Inmediatamente me interesó hacerla. Me pareció muy relevante entonces, y de eso hace ya tres años, y me parece aún más relevante ahora”.

Es la cuarta vez que Stone trabaja con Lanthimos y la segunda para Plemons. Ambos aparecieron recientemente en la película Kinds of Kindness. La última vez que Lanthimos presentó una película en Venecia fue en 2023, cuando Poor Things ganó el León de Oro. Luego ganó varios Oscar, incluido el de mejor actriz para Stone.

“Me encanta el material que le atrae y los mundos que quiere explorar”, dijo Stone. Añadió que, aunque suene a tópico, tener cerca a un reparto y un equipo conocidos es como sentirse en familia y un “entorno realmente reconfortante y seguro para explorar”.

Parte del papel requería afeitarse la cabeza, lo que según ella fue “lo más fácil del mundo”. Stone dijo que le encantó especialmente lo “divertido y (improperio) vivo” que era el guión, y cómo reflejaba el mundo.

A lo largo del desarrollo del guión y de la realización de la película, Lanthimos afirmó que sus temas no hicieron más que cobrar relevancia.

“La humanidad se enfrenta a un ajuste de cuentas muy pronto”, dijo Lanthimos. “La gente tiene que elegir el camino correcto en muchos sentidos, de lo contrario no sé cuánto tiempo nos queda con todo lo que está ocurriendo en el mundo con la tecnología, con la IA, con las guerras... el cambio climático”.

Añadió que espera que su película “haga reflexionar a la gente sobre lo que está ocurriendo hoy en día en todo el mundo”.

(c) 2025, AP News

Ahora mismo hay dos personas en la faz de la Tierra sobre las que absolutamente todo el mundo está comentando lo mismo: su rapado. El primero es Carlos Alcaraz, el tenista español que sigue avanzando firme dentro del US Open con la esperanza de llegar a la final y, quien sabe, obtener venganza frente a su rival y buen amigo Jannik Sinner. Pero la segunda es Emma Stone, quien ha reaparecido esta semana con motivo del Festival de Venecia, donde presenta su última película y con ella el peinado más radical que ha llevado a lo largo de toda su carrera.

La actriz estadounidense se ha presentado en el certamen italiano con un cabello corto y en el color pelirrojo que le caracteriza -aunque originalmente es rubia, todo hay que decirlo-, pero ello no ha evitado que mucha gente comentase su look en la película. En Bugonia, la ganadora del Oscar por La La Land y Pobres criaturas da vida a la CEO de una empresa que es secuestrada por dos hombres conspiranoicos que están convencidos de que esta mujer es en realidad un alienígena, y por eso deciden secuestrarla. En su cautiverio, la CEO terminará con la cabeza completamente afeitada, algo que llevó a Emma Stone a realizar la transformación más radical en toda su carrera.

“Es la cosa más fácil del mundo. Simplemente coges la cuchilla y (hace el gesto de afeitarse) ya está. Es mucho más fácil que cualquier otro peinado”, bromeaba la actriz, quien aprovechaba para detallar cómo fue ese cambio físico para la que es ya su cuarta colaboración con el griego Yorgos Lanthimos tras La favorita, Pobres criaturas y Kinds of kindness. “Para la preparación física hice algo de entrenamiento de pelea, intenté hacer bastante ejercicio, no sé como de efectivo fue para mi personaje. Y luego para nuestras secuencias de lucha contamos con un doble de acción, tuvimos unos especialistas alucinantes”, explicaba la intérprete.

¿A por otro Oscar?

Antes de llegar a Venecia, Stone ya había calmado los ánimos como acostumbra hacer después de que mucha gente se sorprendiese con su peinado. “La primera ducha después de raparte es alucinante”, bromeaba en entrevistas, igual que lo ha hecho ahora ironizando con la posibilidad de que ella misma no sea de este mundo. “¿Cómo sabes que no soy una alienígena?“, vacilaba la actriz de 36 años a uno de los periodistas desplazados a la rueda de prensa de la película en Venecia. Los que ya han podido ver la película han alabado precisamente la actuación de la estadounidense, quien con este papel podría optar nuevamente al Oscar, con la oportunidad de convertirse en una actriz legendaria en caso de ganar una tercera estatuilla sin haber pasado siquiera los cuarenta años.

Acabe siendo nominada al Oscar -algo que ha sucedido en las anteriores colaboraciones con Lanthimos- y lo gane o no, lo cierto es que Stone ha encontrado en el cineasta griego una de sus colaboraciones más fructíferas, siendo el director con el que más veces ha trabajado. La actriz, que este mismo año también participa en Eddington de Ari Aster, asegura que es feliz trabajando a su lado y no descarta seguir colaborando con él en el futuro, siempre y cuando ambos encuentren la historia adecuada para prolongar su relación.

En ese año, los directores más influyentes de la cinematografía oriental estrenaron sus nuevas obras. Junto a ellos, también debutó Jang Joon-hwan con una película titulada Save the Green Planet!, en español, Salvar el planeta Tierra, que fue un fracaso en la taquilla local, pero que pronto se convertiría en un éxito de culto.

Ahora, Yorgos Lanthimos ha hecho un remake de esta película ‘marciana’, junto a su actriz de confianza, Emma Stone, Jesse Plemons y el regreso a la actualidad cinematográfica de Alicia Silverstone.

De qué iba ‘Salvar el planeta Tierra’

Los extraterrestres existen. Eso como premisa. Y uno de ellos ha vivido oculto como un poderoso ejecutivo en la Tierra. A partir de ahí, lo que nos encontramos es con una película que fusiona la ciencia ficción, la comedia negra, el thriller psicológico y el absurdo, así como la paranoia a la hora de abordar la violencia y la condición humana.

La trama se centraba en Lee Byeong-Gu, un hombre marcado por traumas infantiles y convencido de que los alienígenas de Andrómeda PK 45 planeaban invadir el planeta.

Para intentar paliar la catástrofe, Byeong-Gu secuestrará a Kang Man-Shik, un influyente ejecutivo farmacéutico, a quien identifica como un emisario extraterrestre capaz de contactar al príncipe de Andrómeda durante el próximo eclipse.

La complicidad de su novia, la artista de circo Su-Ni, reforzará la atmósfera delirante que impregna toda la narración.

El cautiverio de Kang Man-Shik en el sótano de Byeong-Gu se convertirá en una sucesión de torturas y experimentos, donde el protagonista intentará neutralizar supuestos transmisores alienígenas utilizando un analgésico coreano, mulpad, y una toalla tradicional de los Ttaemiris.

La obsesión de Byeong-Gu se alimenta de una venganza personal: la creencia de que la empresa del ejecutivo envenenó a su madre durante una prueba farmacéutica. Este trasfondo revela que el secuestro no solo responde a un delirio, sino también a una psicosis agravada por un entorno de violencia y abandono.

La intervención policial añadirá tensión a la historia. Un detective, tras investigar la desaparición de Kang Man-Shik, se verá engañado por las maniobras de Byeong-Gu, pero, al salir de la casa, descubrirá al perro del protagonista, llamado Tierra, devorando restos humanos.

Al intentar buscar ayuda, el detective será asesinado por las abejas mascota de Byeong-Gu, quienes lo descuartizarán y alimentarán al perro con sus restos. Loco, ¿verdad?

‘Bugonia’, una loquísima adaptación

Y todo irá a más, en una escalada de locura difícil de describir. Cadáveres mutilados, diarios escritos con sangre, restos humanos conservados en frascos hasta referencias bíblicas y parodias de 2001: Odisea en el espacio.

Salvar el planeta Tierra constituyó una metáfora sobre la corrupción y la crueldad humana. ¿Es la Tierra un experimento fallido? ¿Cómo se puede demostrar que no es así?

La génesis de Save The Green Planet! se remonta a la experiencia de Jang Joon-Hwan al ver la película Misery. Insatisfecho con la superficialidad del personaje de Annie Wilkes, Jang concibió una historia de secuestro narrada desde la perspectiva del captor.

Posteriormente, la inspiración se amplió al descubrir un sitio web que acusaba a Leonardo DiCaprio de ser un extraterrestre con intenciones de conquistar la Tierra seduciendo a sus mujeres, lo que llevó a la fusión de ambos conceptos.

El impacto de la película trascendió fronteras. En mayo de 2020, CJ Entertainment anunció la producción de una versión en inglés, con Ari Aster y Lars Knudsen como productores, conocidos por sus trabajos en Midsommar y Hereditary.

En febrero de 2024, se informó que Yorgos Lanthimos dirigiría la adaptación, con Aster, Ed Guiney y Andrew Lowe de Element Pictures en la producción.

Ahora, el remake de este clásico de culto coreano es una realidad que se inserta a la perfección dentro de las teorías ‘conspiranoicas’ que están presentes en nuestro día a día.

Cada vez más famosos deciden que “quieren creer”.

Tal es el caso de Emma Stone quien confesó que cree en extraterrestres en una conferencia de prensa para promocionar su nueva película, durante el Festival de Cine de Venecia.

La ganadora del Oscar se presentó en el Palazzo del Cinema de Lido, donde se celebra el Festival de Cine de Venecia, para promocionar Bugonia, de Yorgos Lanthimos.

En un punto de la entrevista, Stone le confesó a los periodistas que sería egoísta creer que somos la única especie en el universo y, con base a esa lógica, ella creía en la posibilidad de que exista vida alienígena.

“Es un poco narcisista pensar que los humanos estamos solos allá afuera” dijo Stone “entonces, sí, lo voy a decir: creo en los extraterrestres”, declaró ante la mirada de los reporteros.

Luego agregó haciendo una referencia a Bugonia “¿Cómo saben que no soy un alíen?“, señaló que probablemente la respuesta sería demasiado ”escalofriante" y compleja, para explicarlo en la rueda de prensa de una película.

Las preguntas sobre vida extraterrestre surgieron porque la trama de Bugonia gira en torno a dos jóvenes obsesionados con teorías de conspiraciones que secuestran a la CEO de una gran empresa, ya que están convencidos de que la empresaria de alto perfil es realmente una alienígena que pretende destruir la Tierra.

Una reflexión sobre el mundo actual

Stone, además, explicó que actualmente todos tenemos un conflicto de percepción. “Todos lidiamos con esa sensación de que la gente cree que te conoce”, la artista culpó a las redes sociales las cuales de alterar la forma en la que el mundo nos ve.

“Estoy yo, y estoy yo dentro de mi”, confesó Stone asegurando que separa sus dos formas de ser como un mecanismo de defensa, “Está la persona que viene aquí y luego está la persona que soy con todos mis amigos y familiares. Son la misma persona, pero es lo que hago para mantener la cordura“.

La nueva película se basa en la comedia del 2003, Save the Green Planet, del autor surcoreano Jang Joon-hwan. Dirigida por Yorgos Lanthimos con Emma Stone en el papel protagónico y la participación coestelar de Alicia Silverstone, Aidan Delbid y Stavros Halkias.

El radical cambio de imagen de Emma Stone

Anteriormente, Stone dijo para la revista Vogue que para la película se rasuró la cabeza “de verdad” para agregarle el máximo realismo a una escena.

“No hay mejor sensación en el mundo ¿La primera ducha cuando te has afeitado la cabeza? Dios mío es increíble”, dijo la actriz respecto a lo pragmático que era tener la cabeza afeitada.

Lanthimos dijo que no podría imaginarse a “Emma siendo de otra forma”, confesó que le gusta trabajar con Stone porque a ella le encanta hacer su trabajo “para ella hacer cosas nuevas y arriesgadas es parte de toda la experiencia. Por eso es una de las mejores".

La transformación forma parte de su cuarto proyecto en conjunto con el director, consolidando una de las colaboraciones más recurrentes en el cine contemporáneo reciente.

La actriz interpreta a Michelle Fuller, una ejecutiva de la industria farmacéutica que es secuestrada por dos conspiradores convencidos de que ella proviene de otro planeta.

El tráiler se presentó el jueves, mismo día en que la película tuvo su estreno mundial en la Mostra de Venecia.

El avance de Bugonia revela el drástico cambio físico de Emma Stone: la intérprete aparece con la cabeza completamente rapada, dejando atrás su habitual imagen de cabello rojo.

La escena inicial muestra a Fuller conduciendo su automóvil mientras suena “Good Luck, Babe!” de Chappell Roan, poco antes de ser sorprendida y capturada por los personajes que interpretan Jesse Plemons y Aidan Delbis.

Esta decisión estética responde al guion, que establece que el rapado fue necesario para impedir, según los secuestradores, “que contacte a su nave nodriza”.

Durante una conferencia de prensa en el Festival de Venecia, Emma Stone abordó la premisa central del filme y su propia creencia sobre la vida extraterrestre. “Voy a decirlo — creo en los extraterrestres”, afirmó la actriz ante la prensa especializada.

El nuevo look capilar de Stone representa uno de los cambios más radicales en su carrera, especialmente considerando que su cabello teñido de rojo se ha consolidado como una de sus señas más reconocidas en películas como Easy A, Zombieland y La La Land.

A pesar de tratarse de un componente visual potente, el vistazo sugiere que el mayor desafío de su personaje radica en la lucha psicológica que sostiene con sus captores.

“Ellos quieren que creas que eres tú quien hizo este mundo. Pero siempre han sido ellos”, se escucha en el avance la voz de Plemons, retratando la tensión que recorre la narrativa.

Más adelante, el mismo personaje añade: “Todo lo que hemos perdido... Todo esto nos lo han hecho... Estamos arreglando las cosas otra vez”.

La película no sólo explora el tema de la identidad y la paranoia a través de la narrativa y las actuaciones, sino que añade opiniones personales de los propios creadores.

Durante su paso por Venecia, Yorgos Lanthimos explicó a la prensa que el guion de Bugonia le resultó aún más actual que cuando lo leyó por primera vez tres años atrás.

“Lamentablemente, mucho de la distopía de esta película no es tan ficticia. Refleja bastante el mundo real”, destacó el cineasta.

Asimismo, Lanthimos detalló que la historia adquiere mayor vigencia frente a fenómenos globales relacionados con la tecnología, la inteligencia artificial, conflictos armados, la crisis climática y la reacción social cada vez más desensibilizada ante estas problemáticas.

El elenco de Bugonia incluye, además de Emma Stone, a Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias y Alicia Silverstone.

El film se inspira en la cinta surcoreana Save The Green Planet! de Jang Joon-hwan. El guion fue elaborado por Will Tracy, inicialmente desarrollado por Ari Aster y Lars Knudsen.

Todo sobre “Bugonia”, lo nuevo de Yorgos Lanthimos

Bugonia supone la cuarta colaboración entre Emma Stone y Yorgos Lanthimos, después de La favorita, Pobres criaturas —por la que la estrella recibió su segundo premio Oscar— y Tipos de gentileza.

La relación profesional entre ambos ha sido fructífera, permitiendo que tres de las cinco nominaciones al Oscar de Stone hayan surgido justamente bajo la dirección de Lanthimos.

La trama profundiza en la paranoia y el combate psicológico entre los personajes: Michelle Fuller y sus secuestradores, quienes están convencidos del origen extraterrestre de la empresaria.

A medida que avanza la historia, la protagonista enfrenta pruebas extremas y mantiene una lucha constante para sobrevivir y demostrar su inocencia.

Bugonia se estrenará en cines de Estados Unidos el 24 de octubre, con una campaña de lanzamiento pensada para la temporada de premios.

La actriz, protagonista de la nueva comedia negra dirigida por Yorgos Lanthimos, abordó el tema cuando se le preguntó si consideraba posible que existiera una inteligencia suprema observando a la humanidad y, quizás, interviniendo en su destino.

Stone respondió que, aunque no está segura de que haya seres “mirándonos desde arriba”, su admiración por Carl Sagan influyó en su perspectiva.

Emma Stone cree en los extraterrestres

Según la actriz, el célebre divulgador científico sostenía que pensar que la humanidad está sola en el universo es “bastante narcisista”. Stone concluyó su intervención afirmando: “Así que sí, lo digo abiertamente, ¡creo en los extraterrestres!”

El filme Bugonia, que compite en la selección oficial del festival, presenta a Stone en el papel de una poderosa directora ejecutiva secuestrada por dos teóricos de la conspiración convencidos de que ella es un ser de otro planeta enviado para destruir la Tierra.

La trama, cargada de elementos fantásticos y humor negro, propició que la prensa indagara sobre las creencias personales de la actriz respecto a la vida fuera de nuestro planeta.

Por su parte, Yorgos Lanthimos fue preguntado sobre su opinión acerca de la posibilidad de vida extraterrestre. El director, entre risas, eludió una respuesta directa y calificó la cuestión como “muy complicada de responder de manera seria”.

En otro momento de la conferencia, un periodista preguntó a Stone cómo gestiona el éxito sin “convertirse en un alienígena”. La actriz replicó con ironía: “¿Cómo sabes que no soy un alienígena?” y reflexionó sobre la dificultad de mantener la autenticidad bajo el escrutinio público. Explicó que existe una diferencia entre la persona que se muestra en eventos y la que comparte su vida con amigos y familiares, aunque ambas sean la misma. Según Stone, esa distinción es lo que le permite conservar la cordura.

Qué es ‘Bugonia’

Bugonia supone la tercera colaboración consecutiva entre Lanthimos y Stone. El elenco incluye a Jesse Plemons como un apicultor ‘conspiracionista’, Aidan Delbis como su cómplice, además de Stavros Halkias y Alicia Silverstone.

El guion, escrito por Will Tracy, coautor de El menú, adapta al inglés la película surcoreana de 2003 Save the Green Planet!, dirigida por Jang Joon-hwan.

La presencia de Lanthimos en el Lido se remonta a 2023, cuando presentó la comedia gótica Pobres criaturas, que obtuvo el León de Oro a la mejor película y posteriormente ganó cuatro premios Oscar, incluido el de mejor actriz para Stone.

Al año siguiente, el director estrenó en el Festival de Cannes la antología Kinds of Kindness, protagonizada también por Stone y Plemons. Esta última producción le valió a Plemons el premio al mejor actor del certamen.

Tras su paso por Venecia, Bugonia llegará a las salas de cine el 24 de octubre.

Emma Stone reaparecerá en el Festival de Cine de Venecia tras siete años de ausencia, lo que renueva su estatus como protagonista en la unión entre moda y cine. Su regreso fue previsto para el 28 de agosto con el estreno de la película de ciencia ficción “Bugonia”.

El regreso de Stone refuerza su papel como referente estilístico y actoral, además de consolidar uno de los recorridos fashionistas más seguidos en los principales eventos cinematográficos del mundo.

Aquí, un repaso por algunos de sus principales hitos y looks.

El legado de Venecia 2018: transparencias y grabados

La última participación de Emma Stone en Venecia, en 2018, permanece en el recuerdo por el impacto visual de su estilismo. Eligió para la alfombra roja un vestido largo Louis Vuitton, realizado en tejido translúcido nude.

El diseño impresionó por sus bordados florales azul claro y detalles plateados, así como por su escote profundo en V delineado con pedrería y mangas largas sueltas.

Brillo plateado y líneas geométricas en la gala veneciana

En otra gala del festival, Stone apostó por un vestido largo plateado, también de Louis Vuitton, cubierto de lentejuelas y aplicaciones brillantes.

El modelo se distinguió por el cuello halter y las tiras que partían desde la cintura, creando una sensación de movimiento que permitía vislumbrar las piernas a cada paso.

El pelo recogido en un moño bajo y el maquillaje discreto definen el estilo sobrio de la actriz. En este look, Stone demostró su preferencia por la elegancia depurada y los detalles brillantes, en perfecta consonancia con la atmósfera sofisticada del festival.

Glamour contemporáneo en los Oscar 2025

En la ceremonia de los premios Oscar celebrada el 2 de marzo de 2025 en Los Ángeles, Emma Stone lució un vestido largo ajustado recubierto íntegramente de lentejuelas plateadas.

El diseño, de escote pronunciado en V y tirantes anchos, dejaba hombros y brazos al aire para lograr una silueta limpia y moderna. La tela reflejaba las luces del evento y destacaba cada movimiento de la actriz, que completó la propuesta con un moño bajo pulido, maquillaje natural y un anillo vistoso como único accesorio principal.

Su imagen representó la apuesta por el impacto visual a través de una prenda de corte sencillo, pero con acabado vibrante.

Minimalismo audaz en Cannes 2024

En el Festival de Cannes 2024, Stone eligió un conjunto tipo blazer extragrande en blanco hueso, con solapas anchas y sin blusa debajo, remarcando así el escote profundo.

El cinturón negro ajustado en la cintura contrastó con la amplitud de la chaqueta, mientras sandalias de tiras negras completaron el estilismo. El moño bajo y pulido y un maquillaje suave completaron la imagen sofisticada.

Este atuendo demostró su capacidad de jugar con la moda de líneas masculinas y recursos minimalistas, en diálogo directo con el entorno luminoso y la presencia constante de público y cámaras internacionales.

Escultura de texturas y color en los Oscar 2024

Durante la gala de los Oscar el 10 de marzo de 2024, Stone apareció vestida con un diseño palabra de honor verde menta, caracterizado por una textura visible y un péplum ancho que añadía estructura y volumen sobre la silueta recta de la falda.

Llevó el pelo suelto peinado hacia atrás con raya central y un collar de diamantes como único complemento. El fondo dorado del escenario fue el marco para un look escultórico y refinado, capaz de distinguirse entre las tendencias más comentadas de la temporada.

Anticipo de Venecia: azul minimalista y encaje

Previo a su regreso a Venecia, la actriz posó con un vestido azul oscuro de tirantes finos en el Festival de Cannes el 17 de mayo, confeccionado en satén con volantes asimétricos y delicados detalles de encaje blanco en capas diagonales.

El juego de contrastes y la profundidad visual del diseño reforzaron el aire contemporáneo, acentuado por su cabello corto peinado hacia un lado, maquillaje discreto y ausencia de joyería visible.

La actriz, que interpretó a Gwen Stacy en la saga, compartió que, aunque atesora recuerdos positivos del rodaje y del equipo, la exigencia de la promoción global resultó abrumadora.

Durante una entrevista en video con Vogue, Stone repasó algunos de sus momentos más emblemáticos en la alfombra roja, entre ellos el vestido amarillo que lució en la premiere londinense de El sorprendente Hombre Araña 2 en 2014.

Este recuerdo la llevó a reflexionar sobre su paso por la franquicia de Marvel. “Me encantó hacer ‘Spider-Man’. Amé a todos con quienes trabajé. Allí conocí a Andrew Garfield, a Sally Field. Marc Webb fue maravilloso. Fue una etapa muy especial en mi vida”, afirmó la actriz, según recogió Variety.

Stone subrayó que, más allá de la película, lo que permanece con ella son las personas con las que compartió la experiencia, y aseguró que solo guarda recuerdos gratos de ese periodo.

“El sorprendente Hombre Araña”: reinicio y legado en Marvel

La saga El sorprendente Hombre Araña supuso un reinicio para el personaje tras la trilogía original dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire. Stone debutó como Gwen Stacy junto a Andrew Garfield, quien encarnó a Peter Parker, en la película de 2012 dirigida por Marc Webb.

La secuela, estrenada en 2014, recibió críticas mixtas, lo que llevó a la conclusión de esa etapa y a que Sony alcanzara un acuerdo con Marvel Studios para introducir a Tom Holland como el nuevo Spider-Man en el Universo Cinematográfico de Marvel.

Gwen Stacy: el amor del Peter Parker de Garfield

La relación entre Peter Parker y Gwen Stacy se sitúa en el centro de las dos películas, donde la interpretación de Emma Stone destaca como uno de los principales atractivos. La conexión entre los protagonistas se percibe como especialmente intensa, en parte porque ambos actores mantenían una relación sentimental fuera de la pantalla.

Esta circunstancia contribuye a que asuman con solvencia el peso dramático de la película, que supera el habitual en otras producciones de superhéroes de cómic. El filme se presenta como una historia marcada por la tensión emocional entre los personajes principales, lo que, para algunos críticos, representa el mayor valor de una obra considerada menor dentro del género.

Andrew Garfield y el futuro de Spider-Man

El regreso de Garfield al papel en Spider-Man: Sin camino a casa en 2021 marcó un hito para la franquicia. La película, que reunió a Garfield, Holland y Maguire, recaudó 1.900 millones de dólares a nivel mundial, según datos citados por Variety. Este éxito renovó el interés de los seguidores y del propio Garfield por el personaje.

En los últimos meses, Garfield ha manifestado en varias ocasiones su disposición a volver a interpretar a Spider-Man, aunque con condiciones muy claras. Durante el Middle East Film & Comic Con, el actor declaró: “Tendría que ser algo muy raro. Me gustaría hacer algo muy extraño. Algo único, poco convencional y sorprendente, como la libertad creativa que tienen en las películas animadas de ‘Spider-Verse’”.

En una entrevista con Esquire, Garfield profundizó en su postura: “Por supuesto, volvería al 100% si fuera lo correcto, si aporta algo a la cultura, si hay un gran concepto o algo que no se haya hecho antes, que sea único, extraño, emocionante y en lo que puedas involucrarte de verdad. Amo a ese personaje y me da alegría”, recogió Variety.

Así, tanto Stone como Garfield han dejado claro que, más allá de la presión y el cansancio, su paso por la franquicia arácnida les ha dejado una huella positiva, alimentada por la conexión con el público y el equipo. Para quienes han formado parte de la saga, la satisfacción de aportar entusiasmo y alegría a los demás se convierte, a su vez, en una fuente de gratitud personal.

Emma Stone realizó un inusual comentario sobre su expareja Andrew Garfield en una reciente entrevista. Ambos actores estuvieron en una relación tras enamorarse mientras filmaban El sorprendente Hombre Araña.

La entrevista tuvo lugar durante la serie Life in Looks de Vogue, publicada el jueves 14 de agosto, donde la ganadora de dos premios Oscar repasó episodios relevantes de su trayectoria artística.

La actriz fue consultada sobre el vestido amarillo de Versace que lució en la premiere londinense de The Amazing Spider-Man 2 en 2014.

Ese recuerdo llevó a Stone a reflexionar sobre su trabajo dentro de la franquicia y el ambiente que se generó en el set.

“Realmente disfruté hacer Spider-Man. Adoré a todos con quienes trabajé. Ahí conocí a Andrew, conocí a Sally Field y Marc Webb fue maravilloso. Fue realmente un momento especial en mi vida”, afirmó.

La estrella de 36 años enfatizó que el factor humano tuvo mayor peso en su experiencia que los logros cinematográficos en sí mismo.

“El tema recurrente es la gente, más que la propia película, eso es lo que permanece por tanto tiempo conmigo. Solo tengo los recuerdos más agradables de toda esa experiencia”, señaló.

Emma Stone insistió en que fueron los lazos creados durante la filmación de las dos películas sobre Spider-Man lo que más la marcó, por encima de cualquier otra consideración profesional.

En las dos entregas de la saga, Andrew Garfield interpretó al superhéroe Peter Parker, mientras que Emma Stone encarnó a Gwen Stacy.

Los dos mantuvieron una relación sentimental fuera de los estudios durante cuatro años tras conocerse en pleno rodaje, unión que se desarrolló bajo la atención del público y los medios especializados.

El actor también ha hablado en otras ocasiones de esta etapa. En una declaración recogida en 2021, el actor describió el trabajo junto a Stone como “hermoso”, resaltando que por entonces pudo conocerla y colaborar estrechamente con ella y Sally Field.

A pesar del tono cálido con que recuerda esa época, Emma Stone identificó un aspecto menos favorable: las exigentes giras de prensa que acompañaron cada estreno mundial.

“No sé cómo lo hace la gente. Recuerdo que fueron como nueve países en unas dos semanas, y funcionas con un tipo de desfase horario nunca antes experimentado. Me sentí realmente fuera de mí todo el tiempo”, relató para Vogue.

Y agregó: “Así que en esta foto estoy medio muerta, pero amo el look”, bromeó sobre una de las imágenes repasadas.

La oscarizada artista destacó que esa experiencia la llevó a comprender las dificultades que implica la promoción de grandes producciones a escala global.

Gwen Stacy, interpretada por Stone, tuvo un rol protagónico en ambas películas, siendo la pareja sentimental de Peter Parker.

En la segunda entrega, el arco del personaje concluye en una escena dramática en la que cae desde lo alto de un reloj durante la lucha entre Spider-Man y el villano Green Goblin, y muere en los brazos de Peter.

Por su parte, Andrew Garfield fue consultado el año pasado sobre la posibilidad de regresar al universo de Spider-Man tras su aparición en la taquillera Spider-Man: No Way Home (2021), junto a Tobey Maguire y Tom Holland.

Ante la prensa de People en octubre de 2024, el actor señaló: “Creo que lo que haría falta es una gran idea, un concepto original, algo sorprendente, extraño y divertido. Debe valer la pena”, sin descartar completamente un eventual regreso al papel.

“Bugonia”, la próxima película de Emma Stone

En una nueva colaboración con Yorgos Lanthimos, la actriz protagoniza Bugonia, su más reciente proyecto cinematográfico.

La producción corresponde a una adaptación de la comedia surcoreana Save The Green Planet!, centrada en dos amigos convencidos de que una influyente ejecutiva de empresa es en realidad un ser de otro planeta con intenciones de destruir la Tierra.

El film, que contará además con las actuaciones de Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias y Alicia Silverstone, consiste en la cuarta colaboración de Emma Stone y el cineasta griego.

El propio Lanthimos impulsa el largometraje como productor junto a Stone y sus respectivas compañías.

El debut del largometraje está previsto para un estreno limitado en salas seleccionadas a partir del 24 de octubre, para luego expandirse a nivel internacional desde el 31 de octubre de 2025.

La película, que tendrá su debut en el Festival de Cine de Venecia y llegará a las salas en octubre, abre un nuevo capítulo en la carrera de Stone, a quien Vogue describe como una de las intérpretes más versátiles y una figura ejemplar de reinvención artística y personal.

Bugonia: transformación y riesgo

El estreno de Bugonia marca un giro en la carrera de Stone y confirma su disposición para asumir riesgos inusuales. En la cinta, inspirada en el filme surcoreano Save the Green Planet!, ella interpreta a una ejecutiva farmacéutica secuestrada por dos teóricos de la conspiración, encarnados por Jesse Plemons y el debutante Aidan Delbis.

Sobresale especialmente una escena filmada sin efectos especiales, donde Stone se afeita la cabeza con una cuchilla de 1,5 milímetros en el asiento trasero de un Range Rover. “No hay mejor sensación en el mundo”, afirmó Stone a Vogue al recordar cómo perdió su distintivo cabello pelirrojo. Sin embargo, antes de grabar, admitió: “Me encerré en el camerino, encendí la música y de repente empecé a llorar como una niña. No entendía por qué me afectaba tanto”.

La experiencia resultó liberadora y su madre, Krista, quien también perdió el cabello durante un tratamiento oncológico, llegó incluso a bromear con admiración: “Te tengo un poco de envidia por lanzarte así”.

El compromiso de Stone no pasó desapercibido dentro del equipo. Jesse Plemons lo resumió así: “Fue como: ‘Emma se afeitó la cabeza. Más vale que esto salga bien’”.

Transformación física y secretos de rodaje

Jennifer Lawrence, amiga cercana de Stone, confesó a Vogue su preocupación inicial por este cambio radical, pero terminó admirando el resultado: “Sinceramente, se veía hermosa. Lo logró”. Para mantener la transformación en secreto durante el rodaje, la actriz recurrió a pelucas y sombreros.

El corte de pelo fue objeto de atención durante la temporada de premios, aunque la revelación definitiva llegó con el avance oficial de Bugonia. Su metamorfosis es muestra de una “inclinación natural por los desafíos artísticos”, según la propia Stone, quien desde sus comienzos en comedias como Supercool optó por proyectos que requieren versatilidad y coraje.

Su vínculo con Lanthimos, iniciado en The Favourite y afianzado en Pobres criaturas —película que le otorgó su segundo Oscar—, resultó decisivo en esta evolución profesional. El director, de 51 años, describe así el motor creativo de Stone: “No creo que pueda ser de otra manera. Quiere emocionarse con lo que hace, probar cosas diferentes. Para ella, se trata más de la experiencia que del resultado”.

Según Stone, trabajar con Lanthimos le permite “arriesgarlo todo y volver a empezar, una y otra vez”. Pobres criaturas simbolizó un antes y un después para ambos, y Bugonia promete ampliar esa exploración, incorporando temas como las teorías de la conspiración y la corrupción médica.

Maternidad, vida personal y un tándem creativo

El éxito profesional de Stone es solo un aspecto de su presente. En los últimos años, sumó dos premios Oscar y participó en producciones tan distintas como La batalla de los sexos, Cruella, la serie Maniac y The Curse.

Además, junto a su esposo Dave McCary, fundó la productora Fruit Tree, con la que impulsa películas y series que desafían las convenciones del mercado. La pareja, comprometida en 2019 y casada un año después, comparte una vida discreta en Nueva York, lejos de la exposición mediática.

Su maternidad supuso un punto de inflexión. En marzo de 2021, Stone dio la bienvenida a su hija Louise Jean, a quien agradeció durante su discurso de los Oscar por haber transformado su existencia en “Technicolor”.

La actriz relata que ahora, antes de aceptar un trabajo, se pregunta: “¿Merece la pena pasar tanto tiempo lejos de mi hija?”. Martha MacIsaac, de su círculo más próximo, resalta la serenidad y el equilibrio que Stone transmite en la crianza, mientras que la propia actriz reconoce: “No hay nada en mi vida por lo que me sienta más afortunada”.

Moda, colaboraciones y complicidad en escena

Su relación con la moda es destacada por Vogue. Desde el primer encuentro en la Met Gala de 2012, Stone mantiene una estrecha complicidad con Nicolas Ghesquière, director artístico de Louis Vuitton, quien diseñó tanto sus atuendos de alfombra roja como su vestido de boda. El modisto la define así: “La alta costura se trata de experimentar, y eso le encanta a Emma. Su pasión por la artesanía es auténtica”.

La sintonía entre ambos fue evidente en la última entrega de los Oscars, cuando un contratiempo con la cremallera del vestido de Stone generó un momento espontáneo sobre el escenario. “Fue un instante hermoso, genuino y humano”, afirmó Ghesquière.

En su círculo, Stone cultiva relaciones duraderas. Jennifer Lawrence la describe como “genuina y muy autocrítica, incluso en medio del mayor éxito”. Plemons resalta su capacidad de motivar y liderar durante ensayos exigentes con Lanthimos. Ghesquière se emociona: “He sido testigo de sus momentos clave, desde su boda hasta la Met Gala, y me honra acompañarla”.

Intimidad y nuevos desafíos

Stone rechaza la exposición en redes sociales y prefiere los momentos cotidianos, como hornear galletas o ver series infantiles junto a su hija. Conserva su amor por el teatro y no descarta un regreso a los escenarios de Broadway en algún momento. Profesionalmente, se inclina “por proyectos que cuestionan más de lo que responden”. Para la actriz, la reflexión crítica es “uno de los recursos más valiosos que tiene el arte… y la vida”.

La maternidad y los cambios recientes la empujaron, en sus propias palabras, “a un espectro emocional mucho más amplio, que da a todo a mi alrededor una energía distinta y poderosa”.

Bugonia y el proceso de transformación evidencian el momento de madurez y exploración que vive Emma Stone, dispuesta a asumir retos y a redefinir sus propios límites, entre lágrimas, complicidades y una inquebrantable curiosidad artística.

El flequillo se ha consolidado como un recurso versátil en el estilismo capilar. No por nada, en el último tiempo, fue elegido por celebridades del cine y de la música.

Basta un cambio de este tipo para transformar completamente la imagen e introducir un aire de modernidad, sofisticación o rebeldía.

Analizar los estilos elegidos por las figuras globales permite entender por qué cada tipo de flequillo triunfa, especialmente, al adaptarse a diferentes rostros y contexturas de cabello.

1- Flequillo cortina: Jennifer Lawrence apuesta por la sofisticación atemporal

El flequillo cortina, conocido en inglés como curtain bangs, revalida su vigencia y versatilidad en 2025. Jennifer Lawrence eligió este corte como parte de su transformación para la temporada, proyectando una imagen joven, relajada y a la vez sofisticada.

Este tipo de flequillo parte desde la raya central y se va abriendo hacia los laterales, generando capas que se funden con el resto del cabello y enmarcan el rostro de manera sutil. Es un estilo inspirado en la moda de los años 70, pero con una adaptación contemporánea que facilita su mantenimiento y acelera el proceso de crecimiento si se prefiere dejarlo atrás.

En el caso de la actriz, el cambio de look confirmó cómo este flequillo añade movimiento y frescura, perfecto para quienes buscan actualizar su melena sin perder naturalidad.

2- Micro flequillo: Emma Stone y la apuesta audaz

El micro flequillo o baby bang se presenta como la opción más revolucionaria del 2025. Este corte ultracorto detiene su recorrido muy por encima de las cejas, exponiendo la frente y destacando la mirada. Emma Stone lo mostró tanto en alfombras rojas como en campañas publicitarias, consolidando su perfil de ícono de estilo.

El micro flequillo es una alternativa para quienes desean un cambio notorio y contemporáneo, ya que redefine el contorno del rostro y realza la expresión facial.

No todos los rostros se adaptan de igual modo a este flequillo. Es recomendable para caras ovaladas o con rasgos pequeños y proporcionados, pues intensifica la atención en los ojos y la zona superior de la cara. Su mantenimiento requiere recortes frecuentes para conservar la altura y evitar el crecimiento desigual.

3- Flequillo japonés: Sabrina Carpenter y la elegancia minimalista

La influencia de la estética japonesa continúa fuerte, y el flequillo de corte japonés lo encarna a la perfección. Sabrina Carpenter popularizó este estilo en 2025, apostando por líneas limpias, rectas y definidas.

Este flequillo se recorta justo por encima de las cejas, con una densidad media o ligera, y puede llevarse recto, ligeramente desfilado o peinado hacia un costado. El resultado es un look ordenado, minimalista y sofisticado, que proyecta delicadeza sin perder fuerza visual.

El flequillo japonés es una opción recomendada para rostros redondos, ovalados y triangulares, ya que ofrece estructura y puede ayudar a equilibrar proporciones. Otra de sus ventajas es el bajo mantenimiento, porque la longitud intermedia permite peinarlo fácilmente o retirarlo con horquillas si se necesita un look distinto.

4- Flequillo recto: Dakota Johnson y el regreso del clásico moderno

Dakota Johnson optó este año por el flequillo recto, confirmando la resistencia de este clásico en la evolución de la moda capilar. Este flequillo se corta justo sobre las cejas, puede llevarse compacto o levemente desfilado en las puntas, y ofrece un marco definido, ideal para resaltar los ojos y dotar al rostro de simetría.

La actriz demostró en múltiples ocasiones cómo el flequillo recto puede ajustarse a distintos largos y texturas de cabello, manteniendo siempre una imagen sofisticada y vigente.

El flequillo recto suele favorecer a rostros alargados y óvalos, aunque se puede adaptar mediante el grosor o la longitud para hacerlo más versátil. El mantenimiento no exige gran dedicación: basta un recorte regular y un cuidado básico para evitar que el flequillo pierda forma.

El filme no se limita a mostrar la disputa entre estos dos personajes principales. Con un reparto que incluye a Emma Stone como Louise, la esposa de Cross, y a Austin Butler como Vernon, un influyente personaje de derecha, Aster entrelaza historias personales con las tensiones sociales que conmueven al pueblo.

La película explora con precisión cómo las ambiciones individuales, en tiempos de crisis, pueden fracturar comunidades ya de por sí vulnerables.

Tras su estreno en el Festival de Cine de Cannes, Eddington generó reacciones mixtas y un debate sobre su enfoque y narrativa. Esta audaz versión del western, con un trasfondo de conspiraciones y conflictos actuales, subraya los temores colectivos surgidos durante la pandemia. Mediante escenas intensas y diálogos potentes, Aster invita al público a reflexionar sobre los peligros de una polarización extrema.

Eddington arroja luz sobre cómo la ficción puede reflejar las desigualdades y conflictos del mundo real. Durante su presentación, Aster comentó cómo su propio miedo y ansiedad influyeron en la creación de la película.

Con tal premisa, el filme ha resultado tan polémico como esclarecedor. Esto subraya la capacidad única del cine para fomentar debates necesarios y la particular presión que sienten los directores al abordar temas políticamente sensibles en tiempos actuales.

La actriz Emma Stone, ganadora del Oscar por La La Land, acaba de poner en venta una impresionante mansión ubicada en uno de los barrios más exclusivos de Austin, Texas. La propiedad, de estilo colonial georgiano, combina el encanto de los años 40 con las comodidades más modernas, fruto de una cuidadosa restauración que tomó cuatro años.

Aunque la actriz y su esposo, el guionista y director Dave McCary, nunca llegaron a mudarse a la propiedad, supervisaron personalmente la renovación, apostando por un equilibrio entre la conservación histórica y la innovación arquitectónica.

Cómo es la mansión de Emma Stone

La propiedad está situada en Rockmoor Avenue, en el elegante barrio de Tarrytown, una zona residencial muy valorada por su tranquilidad y su cercanía con el centro de Austin. Ocupa un terreno de 1,24 hectáreas, una rareza en una ciudad que atraviesa un intenso proceso de urbanización.

La casa mantiene intacta su fachada de ladrillo georgiana, una característica distintiva de las viviendas coloniales de mediados del siglo XX. Sin embargo, por dentro fue completamente modernizada. Entre las actualizaciones se destacan:

• Estructura interna reforzada con acero y hormigón.
• Ambientes con amplias paredes de vidrio orientadas a la luz natural.
• Cocina gourmet con muebles oscuros, pisos de madera clara y electrodomésticos empotrados.
• Biblioteca revestida en madera, sala de cine insonorizada y solárium acristalado.

El dormitorio principal conserva armarios empotrados de estilo original, mientras que los baños integran terminaciones clásicas y revestimientos restaurados. En el exterior, el proyecto del estudio Cuppett Kilpatrick incluye un jardín, huerta, espacio para comidas al aire libre y la infraestructura lista para una piscina. Además, una casa secundaria con dos habitaciones puede funcionar como área de invitados o estudio privado.

La casa se vende como “casi lista”, con finalización prevista para el verano de 2025 en Estados Unidos.

Dónde vive actualmente Emma Stone

Tras este ambicioso proyecto en Texas, Emma Stone decidió establecerse de forma más estable en Nueva York, ciudad en la que vivió intermitentemente durante los últimos años. Según allegados, la actriz busca una rutina que le permita equilibrar la vida profesional con sus intereses personales, como la decoración, la arquitectura y el tiempo en familia.

En recientes entrevistas, señaló su necesidad de arraigo y discreción, condiciones que encuentra en el estilo de vida neoyorquino, lejos del ajetreo de Hollywood o del exhibicionismo de otras figuras de su generación.

Los últimos pasos de la carrera de Emma Stone

Nacida como Emily Jean Stone en Scottsdale, Arizona, el 6 de noviembre de 1988, la actriz alcanzó la fama mundial como protagonista de grandes éxitos como Easy A, The Help, Birdman y La La Land, por la que recibió el Oscar, el BAFTA y el Globo de Oro a Mejor Actriz.

Recientemente, Stone brilló en el Festival de Cannes, donde fue reconocida por su interpretación en una producción aún no estrenada a nivel comercial. Además, exploró nuevos roles como productora ejecutiva y demostró un creciente interés por disciplinas ligadas al arte y la restauración de propiedades.

En paralelo, llevó una vida privada cuidadosamente protegida. Se casó en 2020 con Dave McCary, a quien conoció en el programa Saturday Night Live, y en 2021 tuvieron una hija. Su discreción fue constante a lo largo de su carrera.

Por qué no tiene redes sociales Emma Stone

Emma Stone es una de las pocas celebridades de su generación que optó por mantenerse completamente fuera de las redes sociales. En una entrevista con su amiga y también actriz Jennifer Lawrence, publicada por la revista Elle, Stone explicó que no considera que tener presencia online sea algo positivo para ella.

“Si la gente puede lidiar con esa clase de escaparate en la esfera de las redes sociales, bien por ellos. Pero no creo que fuera a ser saludable para mí”, afirmó en la revista estadounidense Elle. La actriz también reveló que durante años luchó con inseguridades vinculadas a su apariencia y la exposición pública constante. Decidió que proteger su intimidad era clave para su bienestar emocional.

Sus palabras dejaron en claro una visión muy distinta a la de otras estrellas de Hollywood que hacen de Instagram o TikTok una parte fundamental de su marca personal. En cambio, Stone prefirió cultivar una vida más reservada, centrada en su círculo cercano y en proyectos significativos.

El público suele asociar a Meryl Streep con una de las trayectorias más sólidas y reconocibles de Hollywood, pero pocos saben que el nombre que la ha acompañado en la cima del cine no es el que figura en su partida de nacimiento. Según informó SensaCine, la actriz en realidad se llama Mary Louise Streep, un dato que ha sorprendido a muchos y que revela una tradición familiar que se remonta varias generaciones atrás.

Esta curiosidad se suma a una tendencia más amplia en la industria: el cambio de nombre por parte de actores y actrices, ya sea por motivos personales, familiares o profesionales.

Tradición familiar

Mary Louise Streep recibió su nombre de nacimiento como parte de una costumbre familiar. La actriz fue llamada así por seguire una línea materna que repetía el mismo nombre a lo largo de varias generaciones. “Me llamaron Mary porque el nombre de mi madre era Mary y el nombre de su madre era Mary y el nombre de su madre era Mary”, relató ella misma durante una entrevista en The Graham Norton Show en 2016. Esta declaración pone de manifiesto la importancia de la tradición en la familia Streep.

El segundo nombre de la actriz, Louise, también tiene un origen significativo. Según SensaCine, la familia lo eligió en honor a una amiga cercana.

El origen de “Meryl” y la opinión de la actriz

El nombre artístico por el que el mundo conoce a Streep no surgió de una decisión propia, sino de la creatividad de su padre. Fue él quien ideó el nombre "Meryl“, un apodo que, en un principio, no fue del agrado de la actriz. “Le gustaba ese nombre y yo lo odiaba”, confesó Streep en su intervención en The Graham Norton Show. La actriz también compartió que, de haber tenido la opción, habría preferido llamarse Patty o Kathy, nombres que le resultaban más atractivos en su juventud.

Esta revelación aporta una perspectiva diferente sobre la identidad pública de la actriz. Mientras que para el público “Meryl Streep” es sinónimo de excelencia interpretativa, para la propia artista el nombre fue, en sus inicios, una imposición familiar más que una elección personal.

La continuidad de la tradición en la familia Streep

La costumbre de perpetuar el nombre Mary no terminó con Meryl Streep. La actriz decidió mantener la tradición al nombrar a su hija mayor Mary Willa Gummer, aunque en el ámbito profesional es conocida como Mamie Gummer. De este modo, la familia Streep ha conservado la práctica de transmitir el nombre Mary a las nuevas generaciones, adaptándolo a las circunstancias y preferencias de cada época.

Este detalle subraya la importancia que la familia otorga a sus raíces y a la continuidad de sus costumbres. Al igual que su madre y sus antepasadas, Mamie Gummer lleva el nombre Mary, aunque en su caso ha optado por un nombre artístico diferente para su carrera en la actuación.

Otros actores que han cambiado su nombre: el caso de Emma Stone

El fenómeno de los nombres artísticos no se limita a la familia Streep. En la industria cinematográfica, es común que actores y actrices adopten nombres diferentes a los que recibieron al nacer, ya sea por razones personales o por exigencias profesionales. Uno de los casos más recientes y comentados es el de Emma Stone, cuyo nombre real es Emily Stone.

Durante una rueda de prensa en el Festival de Cine de Cannes, en el marco de la presentación de la película “Kinds of Kindness” (2024) dirigida por Yorgos Lanthimos, un periodista le preguntó a la actriz si usaba su nombre artístico, Emma, o su nombre real, Emily. Ella respondió: “Estoy bien de cualquier manera”. “Aunque mi verdadero nombre es Emily”. El episodio se volvió viral.

El motivo detrás del cambio de nombre de Stone está relacionado con una norma del sindicato de actores de Estados Unidos, SAG-AFTRA (Screen Actors Guild‐American Federation of Television and Radio Artists). SensaCine explica que, al ingresar al sindicato, la actriz descubrió que ya existía una Emily Stone registrada, y la normativa impide que dos miembros tengan el mismo nombre profesional. Ante esta situación, la actriz eligió el nombre Emma, inspirada en su Spice Girl favorita, Emma Lee Bunton.

Michael Keaton, Diane Keaton y Elizabeth Banks: otros ejemplos de nombres artísticos y la regla del sindicato

La regla del sindicato SAG-AFTRA ha llevado a otros intérpretes a modificar sus nombres para evitar duplicidades. Por ejemplo, el caso de Michael Keaton, cuyo nombre de nacimiento es Michael Douglas. Debido a que el nombre ya estaba registrado por el conocido actor Michael Douglas, Keaton optó por un apellido diferente para su carrera en el cine.

De manera similar, Diane Keaton nació como Diane Hall, pero adoptó el apellido Keaton para distinguirse en la industria. Elizabeth Banks, por su parte, se llama en realidad Elizabeth Mitchell, pero eligió un nombre artístico para evitar confusiones con otra actriz registrada bajo su nombre real.

El impacto de la normativa sindical y la viralidad de los nombres reales

La práctica de cambiar de nombre en la industria del cine responde, en muchos casos, a la normativa establecida por el sindicato SAG-AFTRA, que prohíbe la repetición de nombres entre sus miembros. Esta regla, diseñada para evitar confusiones en los créditos y registros profesionales, ha dado lugar a una amplia variedad de nombres artísticos que, con el tiempo, se han convertido en marcas reconocidas a nivel internacional.

El episodio protagonizado por Emma Stone en Cannes, donde la actriz recordó públicamente su nombre real, puso de relieve la distancia que a veces existe entre la identidad personal y la profesional de los intérpretes.

Consolidado como un éxito financiero en la industria cinematográfica, el drama Criadas y Señoras aún arrastra un trasfondo de controversia que ha resonado particularmente en la voz de una de sus protagonistas, Viola Davis. Mientras la película enfrentó un éxito arrollador con una recaudación superior a los 221 millones de dólares para un presupuesto de apenas 25 millones, generó sentimientos mixtos en algunos de sus actores respecto a la representación de la historia. Según informó el medio New York Times, fue Davis quien expresó su arrepentimiento por su papel en 2018, revelando que “al final, no fueron las voces de los sirvientes las que oímos”.

Viola Davis interpretó a Aibileen Clark, una institutriz negra en el contexto de la década de 1960, quien decide compartir su historia en medio del clima racial convulso de los Estados Unidos, relativo a la segregación y el movimiento por los derechos civiles. Sin embargo, Davis ha señalado que este relato crucial se vio limitado por una narrativa dominada por los puntos de vista de los personajes blancos. Refiriéndose emocionalmente a su experiencia, mencionó, “Conozco a Aibileen. Conozco a Minny. Son mi abuela. Son mi madre”. Esto subraya el desapego que siente respecto a la representación auténtica de esas voces silenciadas en la producción.

El medio Vanity Fair publicó en 2020 una profundización de Davis sobre su participación en la película que también protagonizaban Emma Stone o Jessica Chastain, donde confesó su sentimiento de traición hacia sí misma y su comunidad, al protagonizar una historia que consideró no prepararse para narrar la verdad total. “Hay una parte de mí que todavía cree que me traicioné a mí misma y a mi gente, por protagonizar esta película que no estaba preparada para contar toda la verdad. Fue creada con el filtro de Hollywood en un contexto de racismo sistémico". Este comentario permitió entender su participación en el marco de una industria que a menudo diluye conversaciones importantes sobre el racismo en la industria.

Afinando la perspectiva

Octavia Spencer, quien compartió el protagonismo con Davis, llegó a recibir un Oscar a Mejor Actriz de Reparto por su actuación, mientras que Bryce Dallas Howard, también parte del elenco, reflexionó en 2020 vía Facebook sobre la perspectiva incorrecta en Criadas y Señoras para aprender sobre el Movimiento por los Derechos Civiles, sugiriendo que la historia fue “narrada desde la perspectiva de un personaje blanco y fue creada por narradores predominantemente blancos”.

El mismo año, en el que el movimiento Black Lives Matter experimentó un resurgimiento significativo tras los eventos de brutalidad policial como el caso de George Floyd, la película fue reexaminada bajo un nuevo contexto social. Con estos eventos, se pusieron bajo lupa las representaciones culturales en el cine y su impacto en la percepción pública de temas raciales, mostrando cómo producciones pasadas pueden ser revaloradas y criticadas por sus aproximaciones a las experiencias de las comunidades negras.

La influencia del movimiento en Estados Unidos y el papel de figuras públicas como Davis han servido para ampliar el diálogo sobre la necesidad de narrativas más auténticas y representativas en el cine, particularmente en producciones que abordan temáticas raciales. Este contexto demuestra cómo obras de gran éxito en la cultura popular pueden encontrarse en el centro de debates sobre autenticidad y responsabilidad narrativa.

Cannes (Francia), 23 may (EFE).- El Festival de Cannes 2025 ha sido un poco agitado para la estrella estadounidense Emma Stone, que protagonizó uno de los momentos más accidentalmente divertidos de esta edición 78 cuando una periodista sin miramientos contó un enorme 'spoiler' de la serie 'The last of us'.

Ocurrió en la rueda de prensa de presentación de la película 'Eddington' -la aspirante a Palma de Oro del cineasta estadounidense Ari Aster-, durante una pregunta de una reportera australiana a su compañero de reparto Pedro Pascal.

La cara de la actriz de 'Poor things', desencajada de pura incredulidad, dejó inmediatamente claro que no estaba al día con la última temporada de la serie de HBO.

"De veras no lo sabía", lamentó la actriz por encima de los murmullos que se desataron en la sala.

No fue el único accidente para Stone, que la víspera había tenido un cómico 'altercado' con una avispa que zumbaba a su alrededor en la alfombra roja previa al estreno de 'Eddington'.

Fue allí, al subir los legendarios escalones del Gran Teatro Lumière, donde las cámaras captaron también otra imagen fuera de lo ordinario: la de Pascal advirtiendo discretamente a Joaquin Phoenix (que es el protagonista de la película de Aster) para que cambiara de gesto cuando, al saludar al público, extendía demasiado el brazo en alto.

Aparentemente, según la interpretación de la prensa, Pascal le estaba salvando de aproximarse en exceso a lo que podría interpretarse como un saludo nazi. Eso hizo que Phoenix moviera su brazo de inmediato con cara de espanto.

La alfombra roja, en cualquier caso, suele ser siempre la mayor fuente de anécdotas de cada edición, a pesar de las estrictas normas de protocolo que aplica el festival.

De hecho, esas reglas habían causado las primeras sorpresas en vísperas de la ceremonia de inauguración, al hacerse viral que se había prohibido expresamente la desnudez.

También los grandes volúmenes, que luego hacen complicado sentarse en las butacas para ver las películas, y eso obligó a la actriz Halle Berry -que es una de las integrantes del jurado que preside este año la francesa Juliette Binoche- a improvisar un cambio de última hora en el vestido que había previsto para la gala inaugural.

Pero al comprobar que no todo el mundo era tan escrupulosamente respetuoso con las normas, al día siguiente -en la presentación de la nueva entrega de la saga 'Misión Imposible', que llevó la 'revolución Tom Cruise' a la Croisette- se la pudo ver con un llamativo vestido de cuerpo negro y falda rosa abullonada, abultado y con cola.

Acompañado por soldados ucranianos desfiló por la alfombra roja el cantante Bono, líder de la banda U2, para recordar el combate en ese país contra la invasión rusa. Fue al presentar fuera de competición el documental biográfico 'Bono: Stories of Surrender', dirigido por Andrew Dominik.

Por contra, la alfombra de la película brasileña 'O Agente Secreto' -la aspirante a la Palma de Oro del director Kleber Mendonça Filho con Wagner Moura como protagonista- se convirtió en un carnaval, con una comparsa de música y personas disfrazadas.

Menos sorprendió Wes Anderson, pese a aparecer en la Croisette en un autobús vintage junto al cargamento de estrellas de su 'The Phoenician Scheme'. Y es que el estadounidense ya había hecho lo mismo hace dos años, cuando compitió en Cannes con 'Asteroid City'.

De naranja brillante se presentó Spike Lee a la première de 'Highest 2 Lowest', un evento que fue aprovechado para desvelar uno de los secretos mejor guardados de esta edición: el actor Denzel Washington recibió por sorpresa una Palma de Oro honorífica.

Embarazadísima de ocho meses y medio se presentó en la Croisette la española Carla Simón, para presentar 'Romería', y en la de 'Sirat', Oliver Laxe estuvo acompañado por los 'raveros' reales que aparecen en su película.

No pasó por la alfombra roja, vetado por el festival en una decisión inédita, el actor francés Théo Navarro-Mussy ('Dossier 137'), por tener pendiente un proceso judicial por acusaciones de violación.

Ese no fue el único escándalo relacionado con el 'Me Too' este año, ya que en pleno festival fue despedido el vicepresidente de la sección paralela de la Asociación del Cine Independiente para Su Difusión (ACID), tras ser acusado de violencias sexuales por una joven en una mesa redonda.

Este Cannes también ha dejado otras anécdotas para el recuerdo, como ver a la actriz Elle Fanning lucir una camiseta con la leyenda 'Joachim Trier summer' (el director de la película que presentaba), en referencia directa a la cantante Charli xcx, o el mexicano Gael García Bernal sin poder contener las lágrimas al hablar del 25 aniversario de 'Amores perros' junto a Alejandro González Iñárritu. EFE

Cannes (Francia), 17 may (EFE).- Joaquín Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone y Austin Butler presentaron este sábado en Cannes 'Eddington', un filme que compite por la Palma de Oro del festival y en el que su director, Ari Aster, que quería reflejar el mundo actual de individualismos y las realidades paralelas en las que vivimos.

"Quería tratar lo que pasa en el mundo" y describir "lo que estamos experimentando en un mundo en el que nadie sabe discernir lo que es real y lo que no lo es", explicó en rueda de prensa Aster, conocido por títulos de terror como 'Hereditary' (2018) o 'Midsommar' (2019).

En este caso no ha tirado del terror, aunque su película da miedo, por lo que plantea, por lo que muestra y por lo que obvia.

Una película que ha recibido críticas mixtas tras su primera proyección en Cannes y que se desarrolla en un pueblo llamado Eddington, en Nuevo México, en el momento más duro de la pandemia, en pleno confinamiento.

Phoenix es el sheriff Joe Cross, que ni lleva mascarilla ni la hace llevar y que está enfrentado con el alcalde, Ted García (Pascal), mientras su mujer (Stone) cae en un delirio alimentado por teorías conspiranoícas que le hacen conocer a un predicador, interpretado por Butler.

Una locura con la que Aster ha querido criticar el hiperindividualismo que se ha desarrollado en los últimos 20 años y que ha acabado con la fuerza social. "Quería hacer un filme sobre lo que Estados Unidos sentía y lo que yo sentía. Estoy muy preocupado".

"Necesitamos comprometernos de nuevo, volver a acercarnos los unos a los otros, para mí eso es esencial", afirmó el realizador, que repitió esta idea varias veces durante la rueda de prensa.

Cada personaje representa una realidad diferente y una idea opuesta de lo que es Estados Unidos, explicó Aster, una opinión con la que estuvo de acuerdo Pascal, para quien estamos alejados de una "función social común".

A Pascal le parece muy interesante la visión de Aster de su país, de alguien desde dentro. "Es un mensaje muy potente" frente a cine habitual sobre Estados Unidos pero hecho desde el exterior, señaló.

"Cuando leí el guion pensé que era muy valiente hablar de un mundo que no tiene ningún sentido de realidad común, para mí es un mensaje poderosos y sincero, muy auténtico".

Una historia que refleja el momento actual. "Estamos en una vía peligrosas, siento que estamos viviendo en un experimento que está saliendo mal" y que no parecer tener solución, agregó el realizador.

"El filme es sobre lo que pasa cuando la gente está tan aislada y viven en su propias realidades, chocan entre ellos y se crea una nueva lógica, peligrosa", que es el caldo de cultivo para las paranoias.

Para Emma Stone, amiga personal de Aster, al que respeta y admira "profundamente", el guión era increíble y mostraba a su personaje, Louise, como "un fantasma, claramente traumatizada", atrapada en un matrimonio precario, a lo que se une el confinamiento.

"Fue un desafío interesante", afirmó la actriz, que al igual que el resto del elenco, alabó la labor del realizador.

Señaló que cuando le llega un proyecto tiene que decidir muy rápido sobre si lo acepta o no. Y, agregó, "si tienes la oportunidad de trabajar con un director que admiras y respetas profundamente, que te desafía, si tienes esa fortuna de poder elegirlo, no puedo imaginar no hacerlo".

Phoenix señaló por su parte que trabajar con directores como Aster es uno de los motivos que le hacen querer ser actor porque siempre encuentra soluciones a cualquier problema que se presente.

Mientras que Butler calificó de "sueño" haber formado parte de este proyecto y Pascal provocó las risas al reconocer que antes de comenzar el rodaje creía que Aster sería "pretencioso y difícil" pero fue todo lo contrario. EFE

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"El miedo es su forma da ganar", afirmó Pascal en una rueda de prensa al responder a la cuestión planteada por una periodista estadounidense sobre el miedo que siente la gente de otros países a viajar a Estados Unidos para participar en festivales de cine.

Hay que "seguir contando historias, expresándose y luchando", dijo el actor, que lanzó un consejo: "Que se jodan quienes intentan asustarte y contraataca. No hay que dejarles que ganen".

Pascal compartía rueda de prensa con Joaquin Phoenix, Emma Stone y Austin Butler, todos ellos protagonistas de la película 'Eddington', de Ari Aster, presentada hoy en la competición oficial de Cannes.

Aster se unió al chileno al asegurar que busca "desesperadamente esperanza" en medio del caos político de su país y consideró que la única forma de salir de la situación actual es "volver a comprometerse unos con otros".

Otro de los temas que surgió en la rueda de prensa fue el de la deportación de inmigrantes que el Gobierno de Trump ha decretado.

Y aunque Pascal reconoció no estar lo "suficientemente informado" para opinar sobre el tema, sí recordó que él es inmigrante y sus padres, refugiados de Chile que huyeron de la dictadura.

"Tuve el privilegio de crecer en Estados Unidos tras obtener asilo en Dinamarca. No sé qué hubiera sido de nosotros" de no lograrlo.

Por eso, aseguró que "siempre" defiende la protección de inmigrantes y refugiados. "Quiero que la gente esté segura y protegida". EFE

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Más que gritos, fueron auténticos chillidos los que se oyeron en la Croisette al bajar de su coche Pedro Pascal, vestido enteramente de negro, con bigote, gafas y corbata.

Justo antes había aparecido en escena el protagonista de la película, Joaquin Phoenix, enfundado en un esmoquin tradicional y acompañado por su pareja, la también actriz Rooney Mara.

Stone, por su parte, optó por el blanco con un vestido en el que destacaba un gran cuello redondo, que se extendía sobre sus hombros como si fuera un volante de tejido algo más rígido.

El color contrastaba claramente con su melena cortísima y pelirroja, peinada hacia atrás, y las esmeraldas de sus pendientes.

Los tres subieron los escalones del Palacio de Festivales junto a Austin Butler -quien no dudó en escaparse momentáneamente de la alfombra para firmar autógrafos-, Aster y el resto del equipo de la película, que es uno de los títulos más esperados de la competición por la Palma de Oro.

Esa expectación quedó patente en el gran número de estrellas que no quisieron perderse este estreno de la gala, como la actriz Angelina Jolie, vestida de un rosa pálido que contrastó con el rojo de unas rosas que le regaló una mujer del público nada más llegar.

Por allí pasaron también los miembros del jurado de este año, encabezados por Juliette Binoche; el actor británico Harris Dickinson, que mañana presentará su ópera prima como director, llamada 'Urchin', en la sección Una cierta mirada; y la actriz Natalie Portman, que pone la voz en la película de animación 'Arco' (Ugo Bienvenu).

Otros que no quisieron faltar a la cita fueron los realizadores españoles Javier Calvo y Javier Ambrossi, el actor Joel Edgerton, la actriz Julia Garner o el cineasta francés Claude Lelouch, cuya película 'Un homme et une femme' protagoniza el inédito cartel de esta edición 78 del Festival de Cannes. EFE

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Mientras posaba para la prensa junto a sus compañeros de reparto, Pedro Pascal y Austin Butler, Stone se percató de la cercanía de una abeja. El insecto voló muy próximo a su rostro, lo que llevó a que la actriz tratara de alejarse con una expresión atemorizada.

Pascal, que estaba a su izquierda, trató de ahuyentar a la abeja con la mano sin perder la sonrisa por la anécdota.

El divertido momento se viralizó en redes sociales y fue captado por los fotógrafos en el Festival de Cannes.

Eddington, película que se estrenó en competencia en el evento, es la nueva propuesta de Ari Aster que enlaza elementos de thriller y comedia negra en el contexto de la pandemia.

La ficción está ambientada en mayo de 2020, un período marcado por la propagación de la COVID 19, y se sitúa en un pueblo de Nuevo México.

Joaquin Phoenix encarna al sheriff Joe Cross, quien se enfrenta al alcalde Ted Garcia, interpretado por Pascal. La película refleja las tensas dinámicas sociales provocadas por la crisis sanitaria, incluyendo la proliferación de noticias falsas y el aumento de la ansiedad colectiva.

Emma Stone se convierte en la esposa del Sheriff, mientras que Austin Butler toma el rol de un gurú espiritual.

Tras ser proyectada en el auditorio principal, Eddington recibió una cálida ovación de 5 minutos según The Hollywood Reporter. Durante ese momento, Phoenix fue visto conmovido hasta las lágrimas.

El medio Deadline destacó que, aunque la película tiene sus imperfecciones, representa un “gran intento” de mostrar cómo la crisis sanitaria fue el catalizador de los problemas sociopolíticos actuales.

Aster, conocido por sus trabajos previos como Hereditary y Midsommar, describió que la visión del mundo fragmentado contemporáneo y el miedo prevalente fueron inspiraciones centrales para su narrativa.

“Siento que durante los últimos 20 años hemos caído en una era de hiperindividualismo, y esa fuerza social que solía ser central en las democracias liberales de masas, algo que todo el mundo reconoce, ya no existe. La COVID-19 fue el momento en que ese vínculo se cortó definitivamente”, expresó en conferencia de prensa.

Asimismo, el cineasta también reflexionó sobre el estado de la política y la sociedad en los Estados Unidos, un tema transversal en su película.

“Creo que estamos en un camino peligroso y estamos viviendo un experimento que no ha salido bien”, declaró.

Por otro lado, Pedro Pascal respondió a una pregunta sobre el endurecimiento de los controles fronterizos de EE.UU. con un mensaje de resistencia optimista. Afirmó que “el miedo es la manera en que ganan, así que deberíamos seguir contando historias”.

En la misma rueda de prensa, Emma Stone relató una inevitable consecuencia de su proceso de preparación para la película.

Su personaje, Louise, cae en las teorías de conspiración cuando encuentra al seductor gurú que intepreta Austin Butler.

Stone contó que su algoritmo en redes sociales todavía le mostraba cosas extrañas que investigó para el filme. “Una vez que comienzas a googlear eso, te aparecen cada vez más y más. Así que sí es como entramparse en un pozo sin salida. Lamentablemente [el algoritmo] aún me alimenta con cosas locas”, explicó.

Tras su paso por Cannes, Eddington se estrenará en cines el 18 de julio, bajo la producción y distribución de A24.

En su lugar, los roles de Mia y Sebastian, los soñadores que dan vida al relato de un romance lleno de sueños y frustraciones en Los Ángeles, estaban destinados a Emma Watson y Miles Teller.

Este cambio de elenco es una de las historias más reveladoras de los esfuerzos creativos de Damien Chazelle, el joven director que, tras el éxito de Whiplash, se embarcó en el que sería un desafío monumental, no solo en términos de la narrativa y la música, sino también en cuanto al casting.

El comienzo de la película fue complicado, especialmente en la selección de los actores que interpretarían a los personajes principales.

El director había trabajado con Miles Teller en Whiplash, y había quedado impresionado por su talento, lo que llevó a que lo considerara para el papel masculino de La La Land.

Según relató el propio Teller en una entrevista con Esquire en 2015, recibió una llamada de su agente diciéndole que Damien Chazelle había decidido seguir adelante sin él, ya que “ya no pensaba que fuera el adecuado para el proyecto”.

Esta noticia le cayó como un balde de agua fría a Teller, quien inmediatamente reaccionó de manera airada enviando un mensaje a Chazelle muy enojado, según contó en dicha entrevista.

Sin embargo, Chazelle, que más tarde se convirtió en un defensor abierto del talento de Teller, no quiso profundizar demasiado en la disputa.

En una conversación con Uproxx, el director se limitó a decir: “Probablemente, no voy a decir nada sobre lo que él dijo en la entrevista. Excepto que el casting de esta película, durante los seis años que se tardó en realizar, pasó por muchas transformaciones"

“Y es cierto que hubo un momento en el que Emma Watson y Miles Teller estaban involucrados, pero ninguno de esos elencos terminó funcionando”​, agregó

De igual manera, según Hollywood Reporter, tampoco estaba de acuerdo Teller con el cachet de dinero que le habian ofrecido, pero esa no fue la razón principal de su no convocatoria.

El cambio de actores fue un golpe significativo para la producción, ya que la película había estado en desarrollo durante años y parecía que finalmente encontraría su camino con Teller y Watson como los protagonistas.

En cuanto a Emma Watson, la actriz, conocida mundialmente por su papel en Harry Potter, también abandonó el proyecto, principalmente debido a la gran demanda de tiempo que requería el rodaje.

En lugar de continuar con La La Land, Watson optó por asumir el papel principal en la exitosa película de Disney, La Bella y la Bestia, lo que dejó un vacío en el personaje de Mia.

Según Variety, con ambos papeles vacíos, Chazelle y su equipo se vieron obligados a rehacer la película, buscando nuevas estrellas que pudieran aportar lo que necesitaban para dar vida a una historia tan emotiva como compleja.

Fue entonces cuando Ryan Gosling y Emma Stone llegaron a la escena. A pesar de que ya se conocían por sus anteriores colaboraciones en Crazy, Stupid, Love y Gangster Squad, no era una opción evidente para el director, al menos no al principio.

De hecho, cuando Chazelle les propuso unirse a la película, se encontró con una cierta resistencia, ya que ambos actores se consideraban más conocidos por su trabajo en comedias y otros géneros, no en musicales.

Sin embargo, según The Hollywood Reporter, tras varias reuniones y ensayos previos, Gosling y Stone aceptaron el reto de interpretar a los personajes soñadores que luchan por mantener su relación mientras persiguen sus metas artísticas en una ciudad llena de promesas y desilusiones.

El proceso de producción fue igualmente desafiante, especialmente en términos de su enfoque musical. La idea de Chazelle era crear una película que rindiera homenaje a los musicales clásicos de Hollywood, pero con un giro moderno.

Para lograr esto, se necesitaba una banda sonora original que no solo impulsara la narrativa, sino que también transmitiera las emociones de los personajes a través de la música.

La película contó con una serie de números musicales complejos, algunos de los cuales fueron filmados en tomas largas y complicadas sin cortes, lo que representó una enorme dificultad para los actores, quienes tuvieron que perfeccionar tanto su canto como sus movimientos de baile.

El tono de La La Land fue otro aspecto que causó incertidumbre durante su desarrollo. Según contó el director a Hollywood Reporter, tenía claro que quería una película que celebrara el amor, la música y los sueños, también sabía que el material debía mantener un equilibrio delicado entre la fantasía de los números musicales y la realidad del conflicto emocional entre los personajes.

El director, según relató el propio Gosling, no quería que los personajes cambiaran repentinamente cuando comenzaran a cantar.

En su lugar, buscaban una forma sutil de que la música reflejara sus sentimientos, sin que los personajes se convirtieran en “cantantes teatrales”​.

Sin embargo, todo cambió cuando la película se presentó en el Festival de Cine de Venecia en 2016, donde recibió una ovación de pie, y Emma Stone ganó el premio a Mejor Actriz​.

En los días siguientes, La La Land continuó cosechando elogios en otros festivales, lo que catapultó su éxito en la temporada de premios, llegando incluso a ganar varios Globos de Oro y convirtiéndose en una de las películas más aclamadas de su tiempo.

La película fue nominada a 14 premios Óscar, alzándose finalmente con los de mejor director (Chazelle), mejor diseño de producción, mejor cinematografía, mejor canción original, mejor banda sonora y mejor actriz (Stone).

De esta forma, lo que comenzó como un proyecto plagado de dudas y cambios terminó por convertirse en un fenómeno cultural, gracias no solo a la visión de Chazelle y la química entre Gosling y Stone, sino también al proceso de transformación que la película experimentó en sus primeros años de desarrollo.

En una industria donde las colaboraciones entre actores tienden a ser esporádicas, Emma Stone ha manifestado un deseo poco común: trabajar con Ryan Gosling durante toda su carrera.

Lejos de ser una expresión casual, la actriz evoca explícitamente las legendarias asociaciones del Hollywood dorado, como la de Katharine Hepburn y Spencer Tracy, al describir la química profesional que la une a su colega.

En conversación con Collider, Stone reveló que su vínculo artístico con Gosling nació en 2011, durante el rodaje de Crazy Stupid Love y, desde entonces, considera que encontró en él a un “compañero de equipo”.

“Aprendí que puedes conocer personas con las que querrías hacer todas las películas. Conocí a Ryan y pensé: ‘es increíble, haría tantas películas como me dejaran con él’. Es divertido encontrar a alguien así, como un tipo de relación Hepburn-Tracy. Ojalá”, afirmó.

La idea de una dupla recurrente no es nueva. En la época dorada de los estudios, era habitual ver a parejas como Fred Astaire y Ginger Rogers, o Humphrey Bogart y Lauren Bacall, compartir pantalla en múltiples ocasiones.

La química que lograban traspasaba los límites del guion y, en muchos casos, generaba romances fuera de cámara. Esta práctica, sin embargo, ha perdido protagonismo en el cine contemporáneo.

Excepciones modernas como Meg Ryan y Tom Hanks en la década de los noventa —con títulos como Sleepless in Seattle, You’ve Got Mail y Joe Versus the Volcano— demostraron que el público sigue valorando ese tipo de continuidad emocional.

Ahora, Stone y Gosling parecen posicionarse como una posible reedición de ese modelo, con una química que ha sabido cautivar tanto a críticos como a espectadores.

Su primer encuentro actoral ocurrió en Crazy Stupid Love, donde Gosling encarnaba a un seductor empedernido que termina enamorándose del personaje de Stone. Aunque la película recibió críticas favorables, fue su segunda colaboración la que consolidó su reputación conjunta.

La La Land (2016), dirigida por Damien Chazelle, no sólo fue un éxito comercial, sino también un fenómeno cultural. Stone ganó el Óscar a Mejor Actriz y Gosling fue nominado como Mejor Actor. Su interpretación de una pareja de soñadores en Los Ángeles dejó una huella en la memoria cinéfila contemporánea.

La admiración de Stone por Gosling se extiende más allá del talento individual. Según la actriz, su trabajo en común les permite sacar lo mejor de sí mismos, una cualidad escasa y profundamente valorada en un medio competitivo.

La mención explícita de Hepburn y Tracy —quienes protagonizaron nueve películas juntos entre 1942 y 1967— no es fortuita: Stone aspira a replicar, en la medida que el cine actual lo permita, una relación artística marcada por la constancia, la complicidad y la evolución compartida a lo largo del tiempo.

Mientras los estudios y productores contemporáneos priorizan la novedad y la rotación de elencos, Stone lanza una apuesta por la permanencia, recuperando una tradición que, quizás, tenga aún espacio en la gran pantalla.

De continuar su trayectoria conjunta, Ryan Gosling y Emma Stone podrían convertirse en la pareja cinematográfica más emblemática de su generación.

Este tipo de colaboraciones sostenidas no sólo revalorizan el trabajo actoral como un arte de intercambio humano profundo, sino que también ofrecen al público una narrativa paralela: la de dos intérpretes que crecen, maduran y se transforman juntos a través de distintos personajes y épocas.

Si Hollywood decide abrazar nuevamente este modelo, duplas como la de Stone y Gosling podrían devolver al cine algo de la magia perdurable que marcaron las grandes parejas de antaño.

En un panorama cinematográfico cada vez más marcado por franquicias y proyectos aislados, la propuesta de Emma Stone resuena como un gesto romántico y a contracorriente.

Ha pasado una semana desde los Oscar, y aunque siguen llegando nuevas y grandes películas a cartelera, lo cierto es que la resaca de los premios con premios sale. A falta de más de un año para que se vuelva a celebrar una nueva edición, es momento de mirar al horizonte para encontrar cuáles serán los próximos títulos que podrían estar en la contienda.

Grandes autores, estrellas de cine, secuelas de películas que ya han probado su éxito o joyas independientes son algunos de los elementos que componen nuestra selección para la apuesta de cara a los Oscar del año que viene. No será fácil acertar con todas, pero hay motivos de sobra en cada una de ellas para pensar que cualquiera de sus actores, directores o miembros del equipo técnico podrían desfilar por la alfombra roja en 2026.

‘F1′

Se han pasado meses acudiendo a circuitos y rodando a la vez que se disputaba algún que otro Gran Premio. Brad Pitt, Javier Bardem y el director Joseph Kosinski no podrían haber hecho más por acercarse a la realidad de la Fórmula 1, y con esta película intentarán llevar a la gran pantalla la adrenalina y la pasión que corren por el asfalto. Pitt dará vida a un piloto retirado que vuelve para una última temporada, mientras que Bardem será el responsable de la escudería del piloto que compite contra estrellas reales del automovilismo como Lewis Hamilton.

‘Die, My love’

“Lynne Ramsay estaba en lo más alto de mi lista de directores con los que quería trabajar. Y le doy la respuesta a la formidable Jennifer Lawrence. Pienso que nuestras actuaciones van a ser muy geniales”, anunciaba Robert Pattinson en una reciente entrevista. Tendrá que demostrar si está en lo cierto con respecto a Die, My Love, la nueva película de la directora de En realidad, nunca estuviste aquí, que cuenta la historia de una mujer que lucha contra una enfermedad mientras su matrimonio se hunde.

‘One Battle After Another’

Leonardo DiCaprio siempre es sinónimo de Oscar, y si al actor le sumas un director tan prestigioso como Paul Thomas Anderson, entonces la combinación es letal. El autor de películas como Magnolia o El hilo invisible vuelve a la carga en una nueva adaptación del escritor Thomas Pynchon —como ya hiciera en Puro vicio— aunque esta vez con DiCaprio en lugar de Joaquin Phoenix, y acompañado de otros como Sean Penn, Regina Hall o Alana Haim, la cantante a la que hizo debutar como actriz con Licorice Pizza.

‘Wicked: Parte 2′

La primera parte fue una de las películas más nominadas en esta edición, con hasta 10 candidaturas, de las cuales terminó obteniendo Mejor diseño de producción y Mejor Vestuario. Por ello no es de extrañar que su segunda parte, fijada para este mismo 2025, pueda llegar con muchas opciones a los Oscar. Al fin y al cabo, cuenta con el mismo director, equipo técnico y especialmente actrices protagonistas, unas Ariana Grande y Cynthia Erivo que incluso darán más el do de pecho para el cierre del ambicioso musical inspirado en el universo de El mago de Oz.

‘Materialists’

Vidas pasadas fue una de las grandes revelaciones hace un par de años, una película independiente sobre un triángulo amoroso que terminó con la nominación a Mejor guion y Mejor película. De nuevo bajo el sello A24 y de nuevo versando sobre un triángulo amoroso, la directora Celine Song presentará Materialists, en este caso con Chris Evans, Dakota Johnson y Pedro Pascal dando vida al trío protagonista.

‘Avatar: fuego y ceniza’

En toda carrera a los Oscar hay que contar con una gran película que pueda llevarse los premios técnicos, y si este último año han estado más repartidos que nunca entre Dune: Parte Dos, The Brutalist o Wicked, parece que el año que viene podrían tener un único dueño. Avatar: fuego y ceniza será la tercera entrega de la épica saga de James Cameron. En este caso, Jake Sully (Sam Wortinghton) y el resto del clan Na’vi irán a parar a las Tierras de Fuego, donde se encontrarán con un pueblo mucho más agresivo de lo que podrían pensar.

‘Bugonia’

El dúo formado por Emma Stone y Yorgos Lanthimos se ha convertido en uno de los más fructíferos de los últimos tiempos. Actriz y cineasta han rodado ya tres películas juntos, dos de ellas, La favorita y Pobres criaturas, con gran presencia en sus respectivas ediciones de los Oscar, y van a por la cuarta. Se trata de Bugonia, un remake libre de Salvar el planeta Tierra, la película surcoreana de 2003 dirigida por Jang Joon-hwan. Esta extraña comedia negra de ciencia ficción contará la historia de una directora ejecutiva que es secuestrada por un hombre que está convencido de que ella es un extraterrestre que quiere destruir el planeta Tierra.

La categoría de Mejor Actriz es, sin duda, una de las más esperadas de los Premios Oscar, el máximo reconocimiento de la industria cinematográfica. Cada año, este galardón celebra las interpretaciones más impactantes, reconociendo a actrices que han dejado su huella en la pantalla con roles desafiantes y memorables. En la edición 2024, el premio fue para Emma Stone por su extravagante y transformadora actuación en Pobres Criaturas, imponiéndose sobre nombres como Lily Gladstone (Los asesinos de la luna), Carey Mulligan (Maestro), Sandra Hüller (Anatomía de una caída) y Annette Bening (Nyad), en una de las ternas más sólidas de los últimos años.

Para la 97.ª edición de los Premios de la Academia las nominadas eran Cynthia Erivo (Wicked), Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez), Fernanda Torres (Aún estoy aquí), Demi Moore (La Sustancia) y Mikey Madison (Anora). Aunque todo indicaba que la estatuilla iba para Moore, el Oscar a Mejor Actriz Principal terminó en manos de Madison.

El proyecto, dirigido por Sean Baker (conocido por El proyecto Florida), narra la historia de una trabajadora sexual llamada Anora que se ve envuelta en un inesperado romance con el hijo de un millonario ruso. Tras casarse con él, la protagonista enfrenta la presión externa de sus padres, quienes se oponen al matrimonio y hacen todo lo posible por separarlos.

La actriz, a quien vimos anteriormente en Había una vez en Hollywood (Once Upon a Time in Hollywood, 2019), ya había sido reconocida con el BAFTA y el Spirit Award por su destacada interpretación en este proyecto.

Los Independent Spirit Awards, también conocidos como los Spirit Awards, son una ceremonia que celebra las producciones independientes tanto en el cine como en la televisión. En su 40ª edición, realizada el 22 de febrero en Santa Mónica, se reconocieron proyectos con un presupuesto inferior a 30 millones de dólares. Con Aidy Bryant (The Big Sick) como anfitriona por segundo año consecutivo, la gala destacó lo mejor del entretenimiento fuera del circuito de los grandes estudios, consolidando su importancia en la industria audiovisual.

En esta edición de los Independent Spirit Awards, Anora reafirmó su impacto en la temporada de premios al llevarse tres de los galardones más importantes de la noche. La película, que también compite en los Oscar con seis nominaciones, destacó en las categorías de Mejor Actuación Protagónica para Mikey Madison (Había una vez en Hollywood), Mejor Director para Sean Baker (Red Rocket, El proyecto Florida) y Mejor Película. Su éxito en la crítica y la audiencia la ha posicionado como una de las producciones más aclamadas del último año.

La historia sigue a Anora, una trabajadora sexual que, tras una noche de trabajo, se ve envuelta en una inesperada relación con el hijo de una influyente familia rusa. A partir de este punto, la trama transita por distintos géneros y plantea desafíos tanto emocionales como narrativos para sus personajes, consolidando el sello distintivo de Baker en el cine independiente.

Además de Anora, otros dos largometrajes dejaron su huella en la ceremonia. Un Dolor Real (A Real Pain), el drama que explora el vínculo entre dos primos con personalidades opuestas durante un viaje a Polonia para honrar a su abuela, obtuvo dos importantes galardones: Mejor Interpretación de Reparto para Kieran Culkin (Succession) y Mejor Guion para Jesse Eisenberg. La emoción de la noche llegó con el discurso de Eisenberg, quien dedicó su premio a Emma Stone (La la land), productora del film, destacando su papel fundamental en llevar la historia a la pantalla. Por su parte, Dìdi, un coming of age (historia sobre el crecimiento) centrado en la experiencia de Chris, un adolescente taiwanés-estadounidense que enfrenta los desafíos de crecer en California durante el verano de 2008, también fue reconocida con dos estatuillas: Mejor Ópera Prima y Mejor Guion de Ópera Prima para Sean Wang (Still Here).

En el ámbito televisivo, Bebé reno (Baby Reindeer) se consagró como una de las grandes triunfadoras de la noche. La serie, basada en hechos reales, sorprendió al público no por una gran campaña de marketing, sino por la fuerza de su historia y el boca a boca entre los espectadores. La trama sigue la experiencia personal de Richard Gadd, quien vivió el acoso constante de una mujer llamada Martha, explorando de manera cruda y profunda los efectos psicológicos de esta situación. Este impactante relato fue reconocido con tres premios: Richard Gadd ganó en la categoría de Mejor Actuación Protagónica en una Nueva Serie Guionada, Jessica Gunning obtuvo el galardón a Actuación Revelación, y Nava Mau se llevó el premio a Mejor Actuación de Reparto. Además, Shōgun, el drama épico ambientado en el Japón feudal, fue distinguido como la Mejor Nueva Serie Guionada, consolidando su éxito en la temporada de premios.

Sin dudas, es importante celebrar las producciones audiovisuales que han logrado cautivar al público con sus historias y personajes. Los Independent Spirit Awards 2025 reafirmaron el valor del cine y la televisión independientes, destacando propuestas que, más allá de sus limitaciones presupuestarias, han sabido dejar una huella en la audiencia y la crítica.

La La Land una de las películas musicales contemporáneas más queridas por el público mexicano, volverá a las salas de cine muy pronto. La cinta protagonizada por Emma Stone, Ryan Gosling y mítica perdedora del Oscar frente a Moonlight, se ha convertido en uno de los clásicos modernos más aclamados por el público.

Fue hace un par de días que Cinemex sorprendió a los cinéfilos mexicanos al anunciar el esperado regreso del filme a sus salas de cine. La noticia fue confirmada a través de sus redes sociales, donde invitaron a los usuarios a participar interactuando con un video promocional que pregunta: “¿Qué canción estás esperando cantar?”.

Además, compartieron un mensaje que dice: “Déjanos en los comentarios tu canción favorita y la que más te emociona cantar en el reestreno de La La Land”, lo que provocó emoción entre los fans de esta célebre película musical y una lluvia de títulos de canciones que van desde “City of Stars” o “Another Day of Sun”.

El éxito de La La Land en México desde su primer estreno en los primeros meses del 2017 es innegable. La película, que cuenta la historia de amor entre un pianista de jazz y una aspirante a actriz, recaudó en el país poco más de 4 millones de dólares, además de conquistar al público con su narrativa visual, su música original y su estética vibrante. A nivel internacional, fue igualmente exitosa al obtener seis Premios Oscar, incluido Mejor Actriz para Emma Stone, y convertirse en un fenómeno cultural.

Los reestrenos cinematográficos en México han demostrado ser una estrategia que conecta con el público y genera importantes números en taquilla. Ejemplo de ello es el reciente regreso de Interstellar a las salas de cine por su décimo aniversario, que incluso superó los ingresos de su estreno en 2014. De igual manera, Coraline fue relanzada en 2024 con notable éxito, una muestra del interés que tiene el público por revivir grandes producciones en la pantalla grande.

El regreso de La La Land promete ser sin duda una experiencia nostálgica y especial para quienes disfrutaron del filme en su momento y para una nueva generación de espectadores que tendrán la oportunidad de verla por primera vez en cines.

La respuesta del público ha sido inmediata. En redes sociales, los comentarios sobre este reestreno no se han hecho esperar, dejando en claro el cariño del público mexicano por esta obra es casi tan grande como sus números musicales.

Sin embargo, aunque muchos han preguntado por la fecha exacta del estreno, Cinemex solo ha respondido con mensajes como “Mantente al pendiente de nuestras redes para conocer más de lo que tenemos preparado para ti”, acompañados de un enigmático emoji de un conejo y un corazón, lo que algunos interpretan como una posible referencia al periodo de Pascua.

Si bien el regreso de La La Land a las salas de cine aún no tiene una fecha fija, se puede decir que se trata de todo un hecho.

El director de la serie, Cary Joji Fukunaga, reveló que Stone nunca ha visto El señor de los anillos y que le cuesta conectar con historias de fantasía. En una escena específica de la producción de Netflix, tuvo que vestirse como un elfo, una experiencia que no disfrutó en absoluto. “Simplemente, no es de su gusto”, explicó el cineasta, quien aclaró que la actriz accedió a filmarla por un pedido personal del director.

Un viaje a lo surrealista: Maniac y el desafío de interpretar múltiples personajes

Desde sus inicios en la actuación, Emma Stone ha mostrado una clara predilección por historias complejas y provocadoras, alejadas de los relatos convencionales. En Maniac, donde compartió pantalla con Jonah Hill, se sumergió en un mundo en el que dos desconocidos participan en un experimento farmacéutico destinado a curar sus traumas emocionales.

La serie, dirigida por Fukunaga y creada por Patrick Somerville, presenta una sociedad distópica donde las personas pueden ganar dinero viendo anuncios publicitarios o tomar píldoras para eliminar el dolor emocional. En este contexto, los protagonistas atraviesan un viaje onírico lleno de situaciones absurdas y perturbadoras, explorando los límites de la mente y la identidad.

Uno de los elementos más desafiantes para Stone en Maniac fue la necesidad de cambiar constantemente de personaje, ya que la historia la obligaba a interpretar múltiples versiones de sí misma dentro del universo de la serie. Entre estos papeles, hubo uno que le resultó particularmente difícil de aceptar: un elfo inspirado en la estética de El señor de los anillos.

El papel que Emma Stone odió interpretar

A pesar de su gusto por lo inusual y surrealista, Emma Stone ha demostrado que no todas las narrativas encajan con sus preferencias personales. Según Fukunaga, la escena del elfo fue una decisión deliberada del creador de la serie, Patrick Somerville, quien conocía la aversión de la actriz hacia el género de fantasía.

En Maniac, los protagonistas deben tomar una droga llamada “Confrontación”, diseñada para hacerles enfrentar sus mayores miedos y ansiedades. En el caso del personaje de Stone, esto significaba ser transportada a un universo de fantasía medieval, obligándola a vestirse como un elfo con vestimenta y orejas puntiagudas.

Fukunaga recordó que la actriz realizó la escena con evidente incomodidad. “Cuando la filmó, me dijo entre dientes: ‘Cary, estoy haciendo esto por vos’”, comentó el director. Aunque la producción buscaba precisamente explorar los límites de la incomodidad humana, la experiencia resultó especialmente desafiante para Stone.

Más allá de esta escena específica, su participación en Maniac reafirmó su capacidad de sumergirse en proyectos que desdibujan las líneas entre la realidad y la ficción. Su carrera ha estado marcada por la exploración de historias psicológicamente complejas, como en The Curse, donde comparte protagonismo con Nathan Fielder, o en Kinds of Kindness, un relato alegórico que desafía las normas narrativas tradicionales.

A pesar de su clara afinidad por lo surrealista y desafiante, la escena del elfo en Maniac demostró que incluso una actriz como Emma Stone tiene límites creativos. Su rechazo al género de fantasía no ha impedido que continúe apostando por proyectos arriesgados y conceptualmente exigentes, consolidándola como una de las figuras más audaces y versátiles del cine contemporáneo.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció una nueva lista de celebridades que presentarán premios en la 97ª edición de los Premios Oscar, que se celebrará el próximo 2 de marzo en el Dolby Theatre.

Entre los nombres destacados se encuentran Halle Berry, Penélope Cruz, Elle Fanning, Scarlett Johansson, John Lithgow, Amy Poehler, June Squibb y Bowen Yang.

Estas figuras se suman a los presentadores previamente confirmados, entre ellos los ganadores de actuación del año pasado: Cillian Murphy, Emma Stone, Robert Downey Jr. y Da’Vine Joy Randolph.

Como es tradición, los actores que recibieron premios en la edición anterior suelen ser los encargados de entregar las estatuillas en las mismas categorías, pero en su versión opuesta.

Esto significa que Murphy, quien ganó Mejor Actor en 2024, podría presentar el premio a Mejor Actriz, mientras que Stone, galardonada con Mejor Actriz, haría lo propio con Mejor Actor.

La Academia no ha confirmado qué premios entregará cada presentador, por lo que el anuncio de las asignaciones finales se espera en los próximos días.

Los Oscar 2025 serán conducidos por el comediante Conan O’Brien, quien se estrena como anfitrión de los premios, rompiendo la racha de Jimmy Kimmel, quien presentó la gala en 2023 y 2024.

La producción de la ceremonia estará a cargo de Raj Kapoor, como productor y showrunner, junto a la productora ejecutiva Katy Mullan.

En una entrevista con The Hollywood Reporter, O’Brien expresó su intención de utilizar la ceremonia para visibilizar los daños causados por los incendios forestales recientes en Los Ángeles, asegurando que el evento buscará un equilibrio entre la sensibilidad y el entretenimiento.

“Es un objetivo en movimiento, así que quiero asegurarme de hacer un programa que se adapte al momento en el que nos encontramos el 2 de marzo”, afirmó O’Brien. “Queremos poner un foco en la gente de Los Ángeles que ha sido afectada, de manera sensible, comprensiva y, espero, también edificante. Que haya diversión”.

Aunque la ceremonia mantendrá su estructura tradicional, se espera que incluya momentos en los que se haga mención a los recientes desastres naturales que han afectado a California.

Otro de los aspectos más comentados en la previa de la gala es la posibilidad de que la ceremonia inicie con una presentación musical de Cynthia Erivo y Ariana Grande, protagonistas de la próxima adaptación cinematográfica de Wicked, quienes han sido nominadas en las categorías de Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto, respectivamente.

Cuando se le preguntó al respecto en el Santa Barbara International Film Festival, Grande no confirmó ni desmintió la información.

“Sería muy divertido”, comentó la cantante y actriz. “Tendremos nuestros termos rosa y verde llenos de té. El de ella probablemente tendrá una mezcla de rosa y desayuno inglés o algo así. Si es necesario, estaremos listas, pero no sé nada”.

Whoopi Goldberg regresa a los Oscar tras casi 10 años

Uno de los anuncios más destacados de esta nueva lista de presentadores es el regreso de Whoopi Goldberg al escenario de los Oscar después de casi diez años.

La actriz y comediante, ganadora del premio a Mejor Actriz de Reparto en 1991 por su papel en Ghost, no había participado en la ceremonia desde 2016, cuando presentó el segmento de los premios honoríficos y el Premio Humanitario Jean Hersholt.

Goldberg, reconocida por su versatilidad en la industria cinematográfica y televisiva, ha sido una presencia recurrente en los Oscar, tanto como presentadora como anfitriona.

En total, ha conducido la ceremonia en cuatro ocasiones: 1994, 1996, 1999 y 2002. Su récord la convierte en la mujer que más veces ha presentado los premios en la historia de la Academia.

Además de su trabajo en los Oscar, Goldberg ha mantenido una presencia constante en la televisión como moderadora del programa The View y ha sido parte de eventos especiales relacionados con la Academia.

En 2017, participó en un segmento titulado “Mean Tweets” durante la transmisión de los 89º Premios Oscar, y al año siguiente fue presentadora en la gala de los Premios de los Gobernadores.

El regreso de Whoopi Goldberg coincide con un año en el que su excompañera de reparto en Ghost, Demi Moore, es una de las principales candidatas en la categoría de Mejor Actriz por su papel en La sustancia, una película de terror corporal que ha sido ampliamente elogiada.

Los Oscar 2025 se transmitirán en vivo el domingo 2 de marzo a través de TNT y Max para América Latina.

Ari Aster se ha consolidado en los últimos años como una de las figuras más destacadas del cine de terror moderno. Aunque comenzó su carrera con cortometrajes como TDF Really Works y The Strange Thing About the Johnsons, su reconocimiento a nivel internacional llegó con el estreno de El legado del diablo (Hereditary - 2018), una perturbadora historia protagonizada por Toni Collette (El callejón de las almas perdidas). Más adelante, continuó explorando el género con Midsommar (2019) y Beau tiene miedo (Beau Is Afraid - 2023). Ahora, el cineasta se encuentra trabajando en su próximo proyecto, Eddington, cuya ventana de estreno acaba de ser revelada.

El largometraje marcará una nueva colaboración entre Ari Aster y A24 (Todo en todas partes al mismo tiempo), reforzando la exitosa relación del cineasta con la productora. El proyecto será presentado este mes en el Mercado de Cine Europeo en Berlín, donde buscará asegurar su distribución internacional. Además, según informes recientes, se está trabajando para que la película tenga su debut en el prestigioso Festival de Cine de Cannes, cuya edición de 2025 se llevará a cabo del 13 al 24 de mayo. En cuanto a su estreno para el público general, la productora tiene previsto lanzar Eddington durante el verano estadounidense.

La película, actualmente en etapa de postproducción tras iniciar su rodaje en marzo de 2024, ha sido descrita como un western moderno con una marcada influencia del terror. Según la sinopsis revelada: “La historia gira en torno a una pareja que se queda varada en un pequeño pueblo de Nuevo México. Aunque al principio son bien recibidos, al anochecer el pueblo adquiere un giro siniestro”.

Uno de los aspectos más llamativos de esta producción es su elenco de primer nivel, encabezado por Joaquin Phoenix (Napoleón, Gladiator, Guasón). El actor ya había trabajado con el director en Beau tiene miedo, una película que dividió opiniones al explorar la mente de Beau Wassermann, un hombre consumido por la ansiedad y la paranoia. A lo largo de la historia, el protagonista se embarca en un viaje surrealista que lo enfrenta a sus temores más profundos y a una compleja relación con su familia.

Acompañándolo en el reparto, la película reúne a grandes nombres de la industria, como Pedro Pascal (The Last of Us, The Mandalorian), Emma Stone (La La Land, Pobres Criaturas) y Luke Grimes (Yellowstone). También formarán parte Austin Butler (Elvis, El club de los vándalos), Deirdre O’Connell (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos), Micheal Ward (Imperio de luz, Top Boy) y Clifton Collins Jr. (Entre hermanos, Star Trek), consolidando un grupo de actores de gran trayectoria y reconocimiento.

Estaremos atentos a las futuras actualizaciones de Eddington.

La pasada gala de los Globos de Oro dejó grandes momentos, muchas películas premiadas y un sinfín de actores y actrices desfilando por su alfombra roja. No obstante, pocas estrellas hubo que dejasen un paso tan sonado como el de Emma Stone, quien sorprendió a todos con un look inédito hasta la fecha. Muchos se han preguntado por qué la intérprete de películas como La La Land o Rumores y mentiras se presentó así en la gala, y la razón no es otra que el propio cine.

En una gala en la que películas como The brutalist o Emilia Perez se coronaron como grandes vencedoras, quien más llamó la atención fue Emma Stone, quien se dejó ver con un corte de pelo muy llamativo. La actriz, que acostumbra a llevar el pelo largo y cobrizo aunque en alguna ocasión lo ha llevado más o menos corto, se presentó con un corte pixie al estilo de Audrey Hepburn, Mia Farrow o Emma Watson en Las ventajas de ser un marginado, con el pelo muy corto para lo que la actriz tiene acostumbrado al mundo. Ello provocó muchas miradas y otras tantas preguntas, y aunque la actriz no respondió a los medios durante la gala, se sabe a qué se debe este cambio radical.

La respuesta, como viene siendo habitual en todo lo que alude a la actriz recientemente, tiene nombre y apellidos: Yorgos Lanthimos. El cineasta griego prepara su nueva película, Bugonia, y no iba a contar con otra actriz como protagonista que Stone, quien en esta ocasión lo ha vuelto a dar todo por el papel, en este caso su pelo incluido. La actriz ya fue vista hace unos meses llevando peluca, y todo ello se debía al rodaje de la película que estaba haciendo junto a Lanthimos, que llegará a nuestros cines a finales del mes de noviembre.

Una colaboración duradera

Bugonia es un remake libre de Salvar el planeta Tierra, la película surcoreana de 2003 dirigida por Jang Joon-hwan. Esta extraña comedia negra de ciencia ficción ha sido la elegida por Lanthimos como inspiración para su nueva película, en la que se contará la historia de una directora ejecutiva que es secuestrada por un hombre que está convencido de que ella es un extraterrestre que quiere destruir el planeta Tierra. Aunque en la película original el papel es masculino, aquí recae en Emma Stone, lo cual a juzgar por la trama podría dar pistas de por qué se rapó la cabeza y ha tenido que llevar peluca hasta tener este peculiar corte de pelo.

Bugonia supondrá la cuarta colaboración entre Emma Stone y Lanthimos, quienes comenzaron a trabajar en La favorita para luego continuar con Pobres criaturas y Kinds of kindness. Ambos se han beneficiado de su asociación con sendas nominaciones y premios como el que obtuvo Stone la edición pasada de los Oscar, pero ante todo han demostrado ser dos compañeros muy unidos y con muchas ganas de seguir planteando retos al espectador y a sí mismos. A la vista está, pues Emma Stone llevaba sin un cambio radical casi desde que empezase como actriz y le sugiriesen cambiar de color de pelo -era rubia original y se pasó al pelirrojo con Supersalidos-. ¿Qué saldrá de esta nueva colaboración?

La edición número 82 de los Golden Globes, celebrada en el icónico Beverly Hilton de Los Ángeles, estuvo marcada por momentos inolvidables. Sin embargo, Emma Stone se llevó las miradas con su nuevo corte de cabello pixie, un cambio radical que atrajo la atención de críticos, fanáticos y expertos en moda.

Tal como destacó Paris Match, la actriz de 36 años se presentó en la alfombra roja con un vestido bustier rojo de Louis Vuitton que realzó aún más su renovada imagen, consolidando su lugar como un ícono de la versatilidad y el estilo en Hollywood.

Un cambio estilístico cuidadosamente diseñado para el cine

Según el análisis de la revista francesa, esta transformación no fue una decisión casual, sino que responde a las demandas de su próximo proyecto cinematográfico, Bugonia. En esta película dirigida por el famoso Yorgos Lanthimos, Stone interpreta a una directora ejecutiva secuestrada por dos hombres obsesionados con teorías conspirativas que la confunden con un extraterrestre dispuesto a destruir el planeta.

Esta película, cuyo estreno está previsto para el 5 de noviembre, marca la cuarta colaboración entre la actriz y el director griego, quienes ya trabajaron juntos en títulos aclamados por el público como La Favorita, Pobres Criaturas y Kinds of Kindness.

Este corte pixie también generó comparaciones inevitables con figuras legendarias del cine, como Mia Farrow en Rosemary’s Baby y Audrey Hepburn, cuyos estilos atemporales siguen inspirando tendencias.

Para los especialistas citados por Paris Match, este gesto refleja no solo la capacidad de Emma Stone para reinventarse, sino también su compromiso con los personajes que interpreta, utilizando su imagen como una extensión de su narrativa artística.

De las especulaciones a la confirmación en los Golden Globes

El cambio de look no sorprendió completamente al público, ya que los rumores comenzaron a circular meses antes del evento. Stone fue vista en Londres usando un gorro que ocultaba completamente su pelo, lo que despertó especulaciones.

Estas se intensificaron cuando apareció en el New York Film Festival con lo que parecía ser una peluca. Su llegada a los Golden Globes confirmó que el cambio no era temporal ni accidental, sino parte de una evolución cuidadosamente diseñada.

Además, su paso por el evento no solo reafirmó su transformación, sino que se convirtió en uno de los momentos más memorables de la gala, donde compartió protagonismo con figuras como Zendaya, Nicole Kidman y Angelina Jolie.

La velada también estuvo marcada por el éxito del cine francés, que celebró la victoria de Emilia Pérez, dirigida por Jacques Audiard, una película que conquistó cuatro premios y reafirmó el alcance internacional del certamen.

Una artista que transforma estilo y narrativa con cada proyecto

Como señaló Paris Match, Emma Stone demostró ser mucho más que una actriz versátil; su capacidad para transformar su imagen en función de las exigencias de su arte refuerza su lugar como una de las intérpretes más relevantes de su generación.

Este cambio no solo reafirma su compromiso con la creación de personajes complejos, al mismo tiempo evidencia su habilidad para usar cada transformación como una herramienta narrativa.

Su aparición en los Golden Globes marcó un momento de renovación, no solo en términos estilísticos, sino también en su trayectoria como figura clave en el cine contemporáneo.

Andrew Garfield no encaja en el molde típico de las estrellas de Hollywood. Este actor, aclamado tanto por sus interpretaciones como por su autenticidad, se convirtió en un referente de cómo mantener la integridad personal y profesional en una industria conocida por sus exigencias y convencionalismos. Con su regreso al cine tras tres años de pausa autoimpuesta, demuestra que priorizar la introspección no está reñido con el éxito.

Una carrera que desafía expectativas

Andrew Garfield, nacido en Los Ángeles en 1983 y criado en el Reino Unido, dio sus primeros pasos como actor en teatro y televisión británica. Su aparición en la icónica serie Doctor Who fue un preludio a su ascenso en el cine. Su debut en Hollywood llegó con Leones por corderos (2007), compartiendo pantalla con Tom Cruise y Meryl Streep. Desde entonces, optó por proyectos que desafían las narrativas convencionales, trabajando con directores como David Fincher en La red social (2010), donde interpretó al cofundador de Facebook, Eduardo Saverin, un papel que consolidó su estatus como estrella.

En 2012, asumió el manto de Spider-Man en The Amazing Spider-Man, ofreciendo una versión más introspectiva del icónico superhéroe. Aunque la secuela no alcanzó las expectativas de taquilla, su interpretación fue ampliamente elogiada y fue reivindicada con el tiempo. Este papel marcó un punto de inflexión en su carrera, llevándolo a explorar producciones más arriesgadas como Hasta el último hombre (2016) de Mel Gibson y Silencio (2016) de Martin Scorsese.

El arte de la pausa en la cima del éxito

A pesar de un 2021 deslumbrante con títulos como Tick, Tick… Boom!, por el que recibió una nominación al Oscar, y Spider-Man: No Way Home, Garfield decidió dar un paso atrás. Según Vanity Fair, este parón, que él describió como una reorganización necesaria, le permitió reflexionar sobre su trayectoria y adaptarse a los cambios que acompañan a la mediana edad. “Fue como llenar las arcas de la experiencia”, confesó el actor.

Durante este tiempo, Garfield no abandonó del todo el mundo artístico. Participó en la miniserie Por mandato del cielo y en el podcast 1984, basado en la obra de George Orwell. Sin embargo, evitó las grandes producciones cinematográficas, optando por un enfoque más introspectivo.

Una conexión profunda con el teatro y su vulnerabilidad

Aunque alcanzó fama mundial en el cine, Garfield nunca perdió su conexión con el teatro. En 2017, protagonizó Angels in America en el National Theatre de Londres, una obra que posteriormente llevó a Broadway y le valió un premio Tony. Esta experiencia reflejó su compromiso con proyectos que exploran temas complejos y profundamente humanos, reafirmando su capacidad para equilibrar el arte y la industria.

La pérdida de su madre, Lynn Garfield, en 2021, marcó profundamente al actor. Este evento lo llevó a romper su regla de no hablar públicamente sobre su vida personal. En entrevistas y programas de televisión, Garfield compartió sus reflexiones sobre el duelo, buscando desestigmatizar la vulnerabilidad masculina y fomentar conversaciones más abiertas sobre el dolor. “La tristeza es un regalo”, afirmó en una de sus intervenciones, mostrando una sensibilidad que resonó con el público.

El regreso con propósito

Garfield está de vuelta con Vivir el momento, un drama romántico impulsado por la prestigiosa productora A24, en el que comparte pantalla con Florence Pugh. Este proyecto, que se estrena en España el 3 de enero, marca un nuevo capítulo en su carrera. Sin embargo, lo que distingue al actor no es solo su talento, sino su capacidad para desafiar las normas de Hollywood, priorizar su bienestar y mantenerse fiel a sus valores.

En un mundo donde las estrellas a menudo se ven obligadas a adaptarse a las demandas del mercado, Andrew Garfield sigue siendo una anomalía refrescante, recordando que el éxito no tiene por qué sacrificar la autenticidad.

Por definición, cualquier intento de clasificar a los mejores actores de un siglo será subjetivo y debatible.

Sin embargo, el staff de cultura de The Independent emprendió esta tarea, rindiendo homenaje a los intérpretes que transformaron la pantalla grande desde el año 2000.

Con parámetros claros —exclusión de actuaciones previas al nuevo milenio y valoración de películas sobre televisión o teatro—, el objetivo de esta lista es celebrar la versatilidad, profundidad y consistencia de los actores contemporáneos, aunque no sin generar controversias.

A continuación, los 10 primeros nombres de esta lista que retrata el talento del siglo XXI.

10. Florence Pugh

Con tan solo 27 años, Florence Pugh demostró ser una de las actrices más sobresalientes de su generación. Su versatilidad quedó patente desde Lady Macbeth (2016), un drama oscuro que marcó su entrada triunfal al cine, hasta Mujercitas (2019), donde encarnó a la ingeniosa y ambiciosa Amy March, robándose cada escena.

Su habilidad para abordar géneros diversos queda clara con papeles como el de una luchadora en Peleando con mi familia (2019) o una estadounidense adicta en Una buena persona (2023).

Incluso en roles secundarios, como su breve pero impactante participación en Oppenheimer (2023) como Jean Tatlock, Pugh logra imprimir profundidad y relevancia.

9. Colin Farrell

La carrera de Colin Farrell es una historia de transformación. Este irlandés, que comenzó como un galán en éxitos comerciales como Sentencia previa (2002) y Corrupción en Miami (2006), evolucionó hasta convertirse en un intérprete respetado en el cine de autor.

Farrell brilló especialmente en colaboraciones con cineastas como Yorgos Lanthimos (La langosta, de 2015), Sofia Coppola (El seductor, de 2017) y Martin McDonagh (Escondidos en Brujas, de 2008, y Los espíritus de la isla, de 2022). En estos papeles, deja entrever una vulnerabilidad conmovedora que contrasta con el carisma inicial de su carrera.

8. Cate Blanchett

Describir a Cate Blanchett como versátil sería un eufemismo. La actriz australiana creó personajes inolvidables en una amplia gama de géneros: desde la majestuosidad de Galadriel en El Señor de los Anillos (2001) hasta la intensidad emocional de Carol (2015) y la complejidad psicológica de Tár (2022).

Blanchett también supo moverse con gracia entre éxitos de taquilla (Thor: Ragnarok, de 2017) y producciones más experimentales (I’m Not There, de 2007). Su capacidad para transformar cada papel en una obra maestra la consolida como una de las grandes de su generación.

7. Song Kang Ho

Figura emblemática del cine surcoreano, Song Kang Ho fue un pilar en la aclamada filmografía de directores como Bong Joon Ho y Park Chan Wook.

Aunque muchos lo conocen por Parásitos (2019), ganador del Oscar a Mejor Película en 2020, su trabajo en Memorias de un asesino (2003) es igualmente destacable.

En esta película, Song combina desesperación e ironía, encapsulando las emociones contradictorias de un detective frustrado en su búsqueda de un asesino en serie.

6. Daniel Kaluuya

Desde su aclamado debut en ¡Huye! (2017), Daniel Kaluuya demostró una capacidad única para transmitir emociones intensas. Su mirada —capaz de alternar vulnerabilidad y determinación— se convirtió en un elemento central de su estilo interpretativo.

Papeles en películas como Queen & Slim (2019) y Judas y el Mesías Negro (2021) consolidaron su lugar como una voz fundamental en la representación de historias profundamente humanas en la gran pantalla.

5. Nicole Kidman

Nicole Kidman construyó una carrera que desafía etiquetas. Desde el musical extravagante Moulin Rouge (2001) hasta el drama introspectivo Las horas (2002), la actriz demostró su disposición para explorar personajes complejos y emocionalmente exigentes.

Kidman también apostó por colaboraciones con directoras, participando en 15 proyectos liderados por mujeres en los últimos siete años, algo que la distingue en una industria en constante cambio.

4. Denzel Washington

Denzel Washington encarna la fuerza y el carisma del cine clásico, pero con una vigencia que trasciende décadas. Desde papeles explosivos como en Training Day (2001) hasta su electrizante actuación en The Tragedy of Macbeth (2021), Washington es sinónimo de excelencia actoral.

Su habilidad para transitar entre géneros y su presencia imponente en pantalla lo convierten en una figura imprescindible del cine moderno.

3. Daniel Day-Lewis

Conocido por su obsesión con el método, Daniel Day-Lewis creó personajes inolvidables, como el despiadado magnate petrolero de There Will Be Blood (2007) y el prócer y presidente estadounidense en Lincoln (2012).

Aunque anunció su retiro, su legado perdura como un recordatorio del arte más puro y exigente en la actuación.

2. Emma Stone

Emma Stone comenzó su carrera como el arquetipo de la “chica de al lado”, pero evolucionó hacia papeles arriesgados y complejos.

Desde su baile en La La Land (2016) hasta su visceral interpretación en The Favourite (2018), Stone siempre sorprende con su capacidad para reinventarse. Su trayectoria demuestra un deseo constante de explorar lo inesperado y lo desconocido.

1. Philip Seymour Hoffman

El primer puesto está reservado para un actor cuya pérdida se siente profundamente: Philip Seymour Hoffman. Capaz de transformar material mediocre en algo brillante, Hoffman brilló en películas como Capote (2005), The Master (2012) y A Most Wanted Man (2014).

Su empatía y compromiso con cada personaje dejaron una marca imborrable en el cine contemporáneo. Como lo describe The New York Times, Hoffman fue un “actor con profundidad”, y su legado sigue vivo en cada actuación que nos dejó.

En el espectáculo, un nombre lo es todo. Puede definir una carrera, construir una imagen pública o dar ese toque especial que un artista necesita para destacar. Pero lo que pocos saben es que detrás de muchos de los nombres más conocidos en la industria del cine, la música y la televisión hay historias sorprendentes.

Emma Stone, Bruno Mars, Drake y Lana del Rey son solo algunos de los nombres que, aunque suenen naturales a los oídos del público, esconden identidades reales completamente distintas. Algunos artistas, como Katy Perry, adoptaron un seudónimo para evitar confusiones con otras celebridades; otros, como Calvin Harris, lo hicieron para llegar a un público más amplio, mientras que figuras como Iggy Azalea y Olivia Wilde eligieron nombres con raíces personales y emocionales.

Adoptar un nombre artístico no es algo nuevo: grandes leyendas del pasado, como Marilyn Monroe o Elvis Presley, también entendieron el poder de un nombre en la industria del entretenimiento. En algunos casos, la transformación fue parte de una estrategia para proyectar una imagen más atractiva o memorable, mientras que, en otros, fue una necesidad para adaptarse a las reglas del juego de Hollywood y la música comercial.

14 famosos que usan un nombre artístico y no lo sabías

1. Emma Stone

Su nombre original, Emily Jean Stone, ya estaba registrado en el Sindicato de Actores de Estados Unidos (SAG-AFTRA), pero la actriz contó en entrevistas que siempre adoró el nombre “Emma”. De niña, era fanática de las Spice Girls, especialmente de Emma Bunton, conocida como “Baby Spice”. Así, el cambio a “Emma” no solo fue práctico, sino también un guiño a su infancia.

2. Bruno Mars

El cantante de hits como Uptown Funk y Just the Way You Are nació como Peter Gene Hernandez. Eligió “Bruno” inspirado en el luchador Bruno Sammartino y “Mars” para darle un toque más estelar a su imagen musical.

3. Drake

Antes de convertirse en el ícono del rap y R&B, Drake fue conocido como Aubrey Drake Graham, su nombre real. Sin embargo, decidió usar su segundo nombre en el mundo de la música, creando una marca más pegadiza fácil de recordar.

4. Nicki Minaj

El nombre original de Nicki Minaj, Onika Tanya Maraj, fue modificado por sus primeros productores musicales. Según ha contado la rapera, la decisión de cambiar su apellido “Maraj” a “Minaj” no fue completamente de su agrado al inicio, ya que lo sentía demasiado comercial. Sin embargo, el nuevo nombre terminó consolidándose como una pieza fundamental de su identidad artística y su imagen extravagante.

5. Meg Ryan

La estrella de clásicos como Tienes un e-mail no siempre fue conocida como Meg Ryan. Su verdadero nombre es Margaret Mary Emily Anne Hyra, un nombre extenso que decidió acortar para el cine.

6. Vin Diesel

Este musculoso actor de Rápidos y Furiosos nació como Mark Sinclair Vincent. Adoptó “Vin Diesel” como un homenaje a su apellido “Vincent” y a su personalidad “eléctrica”.

7. Olivia Wilde

Además de ser un homenaje a Oscar Wilde, la decisión de Olivia Jane Cockburn de cambiar su apellido estuvo motivada también por la necesidad de evitar que su carrera como actriz se viera opacada por prejuicios relacionados con la pronunciación y la percepción del apellido “Cockburn” en la industria estadounidense. Eligió “Wilde” como un apellido breve, literario y fácil de recordar.

8. Katy Perry

Katy Perry no solo adoptó su apellido artístico para diferenciarse de la actriz Kate Hudson, sino que también quiso alejarse de su imagen como cantante gospel bajo su nombre real, Katheryn Elizabeth Hudson. Perry creció en una familia profundamente religiosa y lanzó un álbum de música cristiana en 2001. El cambio de nombre simbolizó su transición hacia el mundo del pop y una ruptura con su estilo musical inicial.

9. Lana del Rey

La voz nostálgica detrás de Summertime Sadness nació como Elizabeth Woolridge Grant. Inspirada en el glamour vintage, adoptó un nombre más artístico y evocador: “Lana del Rey”.

10. Iggy Azalea

El nombre “Iggy” era el de su perro de la infancia, un bull terrier que tuvo una influencia emocional significativa en la infancia de Amethyst Amelia Kelly. “Azalea” viene de la calle “Azalea Street” en Mullumbimby, Australia, donde creció. Así, su nombre artístico combina su vida familiar y sus raíces australianas.

11. Shania Twain

La estrella del country-pop, famosa por Man! I Feel Like a Woman, nació como Eilleen Regina Edwards. Eligió “Shania”, un nombre de raíces ojibwa que significa “en mi camino”.

12. Marilyn Manson

El polémico cantante de rock industrial nació como Brian Hugh Warner. Eligió su nombre artístico combinando las figuras de Marilyn Monroe y Charles Manson, como un contraste entre lo glamoroso y lo oscuro.

13. Calvin Harris

El motivo detrás de la elección de “Calvin Harris” tiene un trasfondo interesante. Adam Richard Wiles adoptó este nombre porque quería un seudónimo que sonara racialmente ambiguo, según declaró en entrevistas. En sus inicios, Harris producía música de estilo soul y creía que un nombre más neutral le ayudaría a llegar a una audiencia más amplia y diversa.

14. Travis Scott

El famoso rapero y pareja de Kylie Jenner nació como Jacques Berman Webster II. Eligió su nombre en honor a su tío, a quien admiraba, y para darle un toque más distintivo a su imagen artística.

• El amanecer de los muertos
• Cuarentena
• Tierra de zombies
• Lisa Frankestein

Desde el momento en que George A. Romero delineó las bases del zombie moderno con La noche de los muertos vivientes (The Night of the Living Dead) en 1968, el cine ha visto nacer cientos de películas con esta temática. A lo largo de las décadas, el subgénero evolucionó dando a lugar a propuestas que mezclan terror, comedia, sátira, e incluso, romance.

En Max, podemos encontrar una interesante selección de películas que abarcan distintos enfoques dentro del espectro zombie que van desde la lucha por la supervivencia hasta historias de madurez. Hoy en Malditos Nerds repasamos el cine Z presente en la plataforma de streaming.

El amanecer de los muertos (Dawn of the Dead, 2004)

Una de las propuestas más conocidas que podemos encontrar en el catálogo de Max es El amanecer de los muertos, un remake de alto presupuesto del clásico de George A. Romero. Dirigida por Zack Snyder (Liga de la Justicia), esta reinvención es una experiencia vertiginosa que combina terror y gore con un ritmo frenético. Al igual que su antecesora, la historia se centra en un grupo de sobrevivientes que se refugia en un centro comercial mientras el mundo exterior se convierte en una trampa mortal con infectados hambrientos por carne humana.

La película, que marca el debut como director de Snyder, se destaca por su tensión constante y por presentar zombies veloces, un cambio significativo respecto a la versión de Romero que la ubica en mayor sintonía con películas como Exterminio (2002) de Danny Boyle. Con un guion de James Gunn (Guardianes de la galaxia), El amanecer de los muertos equilibra momentos de drama humano con escenas de acción de alto voltaje, aunque aborda en menor medida la crítica a la sociedad de consumo, algo que era un sello distintivo de la obra original.

Aun así, El amanecer de los muertos tuvo una recepción crítica positiva y terminó convirtiéndose en todo un éxito de taquilla al recaudar más de 100 millones de dólares a nivel mundial.

Cuarentena (Quarantine, 2008)

En Max también podemos encontrar Cuarentena, la adaptación americana de la película española [REC] que catapultó las carreras de los directores Jaume Balagueró y Paco Plaza. Esta producción, protagonizada por Jennifer Carpenter en el rol antes interpretado por Manuela Velazco, repite la fórmula de su antecesora y sigue a una reportera que junto con su camarógrafo queda atrapada en un edificio aislado con residentes que sucumben ante una misteriosa infección.

Aunque algunos críticos compararon desfavorablemente a Cuarentena con [REC] señalando que no alcanzaba el nivel de innovación de su antecesora, esta adaptación dirigida por John Erick Dowdle (Así en la Tierra como en el Infierno) aporta su propia visión y es una buena propuesta para quienes disfrutan de momentos llenos de adrenalina. A su vez, en el mercado estadounidense Cuarentena se destacó por adaptar la narrativa de forma accesible a un público más amplio, sumando algunos elementos propios al guion.

Tierra de Zombies (Zombieland, 2009)

En el extremo opuesto del espectro del género encontramos Tierra de zombies (ampliamente conocida como Zombieland), una comedia Z que marcó un antes y un después con su tono irreverente. Dirigida por Ruben Fleischer, la película presenta a un grupo de sobrevivientes (interpretados por Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Breslin) que cruzan Estados Unidos enfrentando hordas de muertos vivientes y sus propios conflictos internos.

Con su lista de reglas para la supervivencia, un elenco plagado de talento y un presupuesto abultado para este tipo de producciones, Tierra de zombies no solo se presentó como una propuesta refrescante para quienes buscan un enfoque más ligero del apocalipsis, sino que se convirtió en uno de los títulos más populares de 2009 y recaudó en todo el mundo más de 100 millones de dólares.

Lisa Frankenstein (2024)

Por último, en el catálogo de Max podemos encontrar a Lisa Frankenstein, una película que aporta un giro peculiar al cine Z. Esta cinta que marca el debut como directora de Zelda Williams, la hija del legendario actor Robin Williams, ofrece una experiencia más colorida y peculiar dentro de un género normalmente oscuro. Es una muestra de cómo las historias de zombies pueden expandirse hacia terrenos inesperados, explorando nuevas formas de narrativa.

Protagonizada por Kathryn Newton y Cole Sprouse, la historia de Lisa Frankenstein se ambienta en 1989 y sigue los pasos de una chica poco popular e incomprendida que accidentalmente reanima un atractivo cadáver victoriano. Convencida que podría tratarse del hombre de sus sueños, Lisa (Newton) se embarca en una macabra búsqueda para completar a su “proyecto de novio”, lo que la lleva por un oscuro camino de asesinatos. Con una estética retro y un enfoque de comedia romántica oscura, Lisa Frankenstein se presenta como una alternativa que mezcla zombies con coming-of-age y sátira. Además de los talentos mencionados, la película cuenta con un libreto de Diablo Cody, la ganadora del Oscar por La vida de Juno.

Aunque, generalmente, los vemos en la cima de su carrera, rodeados de admiradores y viviendo en el centro del foco mediático, los famosos también tienen sus propios íconos y momentos de asombro. A veces, la realidad es que hasta los grandes de Hollywood pueden volverse fangirls cuando se encuentran con una figura que los inspira o a la que admiran profundamente. Es curioso pensar que, por más estrellas que sean, siguen siendo humanos, capaces de emocionarse como cualquier persona cuando interactúan con sus propios héroes.

8 famosos que son fanáticos de otros famosos

1. Emma Stone y Taylor Swift

Emma Stone no pudo ocultar su entusiasmo durante el Eras Tour de Taylor Swift. Fue capturada en varios videos que rápidamente se volvieron virales, la actriz fue vista disfrutando y cantando a todo pulmón durante el concierto de la cantante en Glendale, Arizona, ante una multitud de 60.000 personas. En el video, Emma se muestra especialmente emocionada durante la interpretación de “Love Story”, pero también se la puede ver disfrutando otros clásicos como “You Belong With Me” y “Fearless”. Aunque Emma Stone es una estrella mundialmente conocida, no pudo evitar desbordar su emoción al ser una fan más de Taylor Swift.

2. Adele, Lizzo y Beyoncé

Una de las situaciones más entrañables de esta lista ocurrió en los Premios Grammy. Durante la ceremonia, Lizzo compartió un selfie con Adele, mientras que en el fondo, Beyoncé hacía historia al recibir su cuarto Grammy de la noche, convirtiéndose en la artista más premiada de la historia con un total de 32 premios. Lizzo, visiblemente emocionada, comentó en Twitter: “Selfie mientras Beyoncé casualmente hace historia”. Más tarde, en su discurso de agradecimiento por su premio, Lizzo aprovechó para rendir homenaje a Beyoncé, recordando cómo en su infancia había saltado clases para ver un concierto de la cantante. “Tú cambiaste mi vida. Gracias por inspirarme tanto”, le dijo Lizzo.

3. Florence Pugh y Scarlett Johansson

Aunque Scarlett Johansson y Florence Pugh compitieron por el mismo premio en los Premios Óscar a la Mejor Actriz de Reparto, con Scarlett nominada por Jojo Rabbit y Florence por Little Women, eso no impidió que se mostraran mutualmente emocionadas por el éxito de la otra. Durante la ceremonia, ambas estrellas intercambiaron palabras de apoyo en la alfombra roja, demostrando que, a pesar de la competencia profesional, se admiraban profundamente. Al final, el galardón fue para Laura Dern, pero el cariño entre estas dos grandes actrices dejó una huella positiva.

4. Gigi Hadid y Blake Lively

La supermodelo Gigi Hadid no escatima elogios cuando se trata de su amiga Blake Lively. En el cumpleaños de Blake, Gigi compartió un emotivo mensaje a sus 49,3 millones de seguidores en Instagram, agradeciendo a su amiga por su apoyo constante. Gigi describió a Blake como una “reina” que la inspira de muchas maneras. Además, en tono humorístico, mencionó cómo planeaba agradecerle a Blake con interminables pancakes y enseñando a sus hijos a tomar fotos con cámaras desechables.

5. David Beckham y John Bradley (Game of Thrones)

David Beckham, famoso exfutbolista y una de las figuras más mediáticas del deporte, se mostró visiblemente emocionado al conocer a John Bradley, quien interpretó a Samwell Tarly en Game of Thrones. En una publicación de Instagram, Beckham compartió una foto de ellos juntos, destacando lo “sabio” que era Bradley y expresando su admiración por el actor. David incluso confesó haber tenido la tentación de preguntarle algo sobre el futuro de la serie, pero no pudo evitar sentirse demasiado admirado por su presencia.

6. Millie Bobby Brown y Las Kardashian

En una divertida entrevista en el programa The Tonight Show con Jimmy Fallon, Millie Bobby Brown reveló su admiración por la familia Kardashian y su peculiar lenguaje. El video rápidamente se viralizó, y las propias Kardashians no tardaron en expresar su amor por Millie en sus redes sociales. Khloé Kardashian retuiteó el video con un mensaje de cariño: “¡Es una fiesta de amor mutuo! ¡Te amamos, @milliebbrown!”. Por su parte, Kim Kardashian también mostró su admiración, afirmando: “¡Te amamos, Millie, te adoramos!”.

7. Sophie Turner y Ryan Gosling

Antes de que su vida amorosa con Joe Jonas se hiciera mundialmente conocida, Sophie Turner fue capturada en los Premios SAG en un claro momento de fanatismo hacia Ryan Gosling, quien estaba detrás de ella en la ceremonia. Sophie compartió en Instagram una foto en la que se la ve claramente deslumbrada por el actor de La La Land. Con un toque de humor, Sophie escribió: “Lo siento chicos, ya no estoy disponible”, en un guiño a la atracción que sentía por Gosling en ese momento.

8. Pink y Johnny Depp

En una de las situaciones más espontáneas de la lista, la cantante Pink se mostró completamente sorprendida al ver a su gran ídolo Johnny Depp entrar en el estudio durante una entrevista en Jimmy Kimmel Live. La reacción de la artista fue pura emoción, tanto que su pelo, que ya era rosa, pareció intensificarse por su reacción al ver al actor de Piratas del Caribe.

• Intensamente 2
• Tipos de gentileza
• Culpa cero

Disney+ se ha consolidado como una de las plataformas líderes del panorama actual, ofreciendo un catálogo diverso que abarca una amplia gama de géneros y producciones. Entre sus destacados, encontramos las diferentes fases del Universo Cinematográfico de Marvel, junto con series aclamadas como Agatha en todas partes (Agatha All Along), Loki y Falcon y el Soldado del Invierno (The Falcon and the Winter Soldier - 2021). Además, la plataforma alberga la icónica franquicia de Star Wars, que incluye tanto la trilogía original como las nuevas películas y series, así como proyectos galardonados como Shōgun, El oso (The Bear) y Only Murders in the Building, entre otros.

Sin embargo, en esta ocasión, nos enfocaremos en tres largometrajes que han llegado recientemente a Disney+, ofreciendo opciones para todos los gustos. Estas producciones incluyen desde uno de los títulos más destacados del año, pasando por una película argentina, hasta la última obra de Yorgos Lanthimos (La Favorita), todas ellas diseñadas para entretener y sorprender a los espectadores con sus narrativas únicas y enfoques creativos.

Tipos de gentileza - Kinds of Kindness

Comenzamos con una de las más recientes adiciones a Disney+, Tipos de gentileza (Kinds of Kindness), que se estrenó en agosto en los cines. Esta película antológica examina las diversas facetas de la bondad humana en situaciones distintas. Con un enfoque en la comedia absurda, la narrativa se divide en tres historias interrelacionadas: la de un hombre que busca retomar las riendas de su vida, la de un policía que se enfrenta al regreso de su esposa tras una misteriosa desaparición, y la de una mujer que aspira a convertirse en una líder espiritual influyente.

La película fue dirigida por Yorgos Lanthimos, un cineasta griego conocido por su estilo provocador y narrativas innovadoras. Lanthimos ha dirigido obras aclamadas como La favorita (The Favourite - 2018), que recibió múltiples nominaciones al Oscar, y Langosta (The Lobster - 2015), que también fue bien recibida por la crítica. Su filmografía también incluye títulos como Dogtooth (2009) y El sacrificio del ciervo sagrado (The Killing of a Sacred Deer - 2017).

En cuanto al elenco, la película cuenta con actuaciones de reconocidos actores y actrices. Emma Stone (Cruella, La La Land, Loco y estúpido amor), quien ha colaborado anteriormente con Lanthimos en La favorita y Pobres Criaturas (Poor Things - 2023), lidera el reparto. Junto a ella, destacan Jesse Plemons (Civil War), Margaret Qualley (La sustancia, Había una vez en Hollywood), Willem Dafoe (El faro) y Hunter Schafer (Euphoria).

Intensamente 2 - Inside Out

Seguimos este recorrido con Intensamente 2 (Inside Out), la nueva entrega de Pixar (Buscando a Nemo, Toy Story) que llegó a Disney+ el pasado 25 de septiembre. La película ha logrado un impresionante desempeño en taquilla, superando los 1.700 millones de dólares y convirtiéndose en la película animada de mayor recaudación de la historia. Además, en sus primeros cinco días en la plataforma, Intensamente 2 generó 30,5 millones de visitas en todo el mundo, reafirmando la conexión emocional que los espectadores sienten hacia la historia de Riley y sus complejas emociones.

La primera entrega, lanzada en 2015 y dirigida por Pete Docter (Monsters, Inc.), nos presentó a Riley, una niña de 11 años que enfrenta el desafío de una mudanza. A través de su perspectiva, conocemos las emociones que habitan en su mente: Alegría, Tristeza, Temor, Ira y Desagrado. Este enfoque innovador sobre la salud emocional resonó con audiencias de todas las edades, convirtiendo a la película en un clásico instantáneo y en una referencia para abordar temas de crecimiento personal y autoconocimiento.

En esta nueva aventura, bajo la dirección de Kelsey Mann (Un gran dinosaurio), regresamos al mundo de Riley, ahora en su adolescencia, quien debe navegar por los altibajos de esta etapa tumultuosa junto a nuevas emociones como Ansiedad, Aburrimiento, Envidia y Vergüenza. Con un talentoso elenco que incluye a Maya Hawke (Stranger Things), Adèle Exarchopoulos (Beating Hearts, Pasajes), Ayo Edebiri (El oso) y Paul Walter Hauser (El caso de Richard Jewell), Intensamente 2 explora de manera profunda y divertida los desafíos de crecer, manteniendo la esencia entrañable que hizo de su predecesora un éxito atemporal.

Culpa cero

En último lugar, presentamos Culpa Cero, una película argentina que, tras su paso por los cines, llegó a Disney+ el 2 de octubre. La historia sigue la vida de Berta Müller, una aclamada escritora cuya brillante carrera se ve bruscamente interrumpida cuando es acusada de plagio en los medios de comunicación. En lugar de aceptar la responsabilidad por sus acciones, Berta opta por desmentir las acusaciones y busca maneras cada vez más absurdas de justificar su conducta. A medida que intenta proteger su reputación, se van revelando los oscuros secretos que ha mantenido ocultos, planteando interrogantes sobre la ética en la escritura y la lucha interna entre la verdad y la imagen pública.

La dirección de Culpa Cero corre a cargo de Valeria Bertuccelli, quien también protagoniza la película. Con una carrera destacada en el cine argentino, Bertuccelli es conocida por su participación en La reina del miedo y otros títulos como Un novio para mi mujer y El cuaderno de Tomy. El elenco incluye a Justina Bustos (La muerte no existe y el amor tampoco, Los que aman odian), Cecilia Roth (Todo sobre mi madre, Las fiestas) y Martin Garabal (División Palermo, Envidiosa).

• La maldición
• George and Tammy
• The Affair

Paramount+ sigue ganando terreno en el competitivo mundo del streaming, destacándose con producciones exitosas como Yellowstone y sus spin-offs. La plataforma también ofrece una variedad de dramas coreanos como El acuerdo (Bargain) y Señal (Signal), que han captado la atención de los fanáticos de las historias profundas y emotivas. Además, no se limita a un solo formato; su catálogo incluye series animadas como Daria, Tortugas Ninjas: Historias Mutantes (Tales of the Teenage Mutant Ninja Turtles), Transformers: La chispa de la Tierra (Transformers: EarthSpark) y Kamp Koral: ¡Los primeros años de Bob Esponja!, ofreciendo opciones para todos los gustos.

En esta ocasión, nos enfocaremos en el mundo de las series dramáticas disponibles en Paramount+. Aunque nuestra selección es breve, exploraremos tres producciones que se destacan por sus intensas narrativas y complejas tramas.

La maldición - The Curse

Empezamos este recorrido con La maldición (The Curse), una serie actualmente disponible en Paramount+ que se lanzó en 2023. Esta producción, que cuenta con una temporada de 10 episodios, sigue la historia de una familia cuyo intento de construir un imperio de bienes raíces se ve interrumpido por una serie de eventos desafortunados. A medida que la familia enfrenta desafíos cada vez más extraños y perturbadores, la serie explora temas de ambición, poder y las consecuencias del éxito.

Lo interesante de este proyecto, que mezcla el drama con la comedia oscura, es la gente detrás de cámaras. Creada por Nathan Fielder y Benny Safdie, La maldición combina el estilo único de ambos creadores. Fielder, además de escribir el guion, también protagoniza la serie. Es conocido por sus trabajos en El Ensayo (The Rehearsal - 2022), Nathan al rescate (Nathan For You) y Marcel, el caracol con zapatos (Marcel the Shell with Shoes On - 2021). Por su parte, Benny Safdie, quien también actúa en la serie, es reconocido por sus colaboraciones con su hermano Joshua Safdie en Diamantes en bruto (Uncut Gems - 2019) y Good Time: Viviendo al límite (Good Time - 2017), además de su participación en Oppenheimer y Licorice Pizza.

En cuanto al elenco, Fielder no actúa solo. Comparte protagonismo con la galardonada Emma Stone, conocida por su papel en Cruella, La La Land y Pobres criaturas (Poor Things - 2023). También participan Nizhonniya Austin (Inheritance), Barkhad Abdi (Castle Rock, Captain Phillips) y Constance Shulman (Orange Is the New Black), entre otros. La combinación de estos talentos promete una serie intrigante y multifacética que ha captado la atención tanto de críticos como de espectadores.

George and Tammy

Seguimos con George and Tammy, la miniserie de seis episodios creada por Abe Sylvia, conocido por su trabajo en Muertos para mí (Dead to Me), Palm Royale y Los ojos de Tammy Faye (The Eyes of Tammy Faye). Esta producción biográfica se centra en los icónicos cantantes de country Tammy Wynette y George Jones, explorando su tumultuosa relación personal y profesional. La serie ofrece un retrato íntimo de sus vidas, abordando tanto sus desafíos como sus éxitos, y nos sumerge en el mundo de la música country a través de una narrativa emocional y detallada.

El elenco de George and Tammy está encabezado por Jessica Chastain y Michael Shannon, quienes interpretan a Tammy y George, respectivamente. Chastain, conocida por su versatilidad en películas como Apuesta maestra (Molly’s Game - 2017) y La noche más oscura (Zero Dark Thirty - 2012), aporta una profundidad y autenticidad a su personaje. Shannon, famoso por sus papeles en Animales nocturnos (Nocturnal Animals - 2016) y Atormentado (Take Shelter - 2011), ofrece una interpretación intensa y convincente que refleja la complejidad de Jones. Completan el elenco Steve Zahn (The White Lotus), Walton Goggins (Fallout), David Wilson Barnes (Falsa identidad), Kelly McCormack (Un pequeño favor) y Katy Mixon (Ni en tu casa ni en la mía), quienes enriquecen la serie con sus actuaciones sólidas y contribuyen a la profundidad emocional de la narrativa.

The Affair

The Affair debutó en Showtime en 2014 y pronto se destacó como un drama complejo, creado por Sarah Treem (Infieles) y Hagai Levi (Secretos de un matrimonio). La serie, que se extendió por cinco temporadas, se adentra en los efectos profundos y a menudo devastadores de una relación adúltera entre Noah Solloway y Alison Bailey. La narrativa se despliega a través de una innovadora estructura de múltiples perspectivas, permitiendo a los espectadores experimentar los eventos desde los puntos de vista tanto de los protagonistas como de sus seres queridos. Esta aproximación revela cómo cada decisión y acción dentro de la relación tiene ramificaciones extensas y duraderas, afectando no solo a los dos implicados, sino también a sus familias y comunidades. The Affair explora temas de culpa, redención y las complejidades emocionales de los vínculos humanos, ofreciendo una visión profunda de las consecuencias de un amor prohibido.

A lo largo de sus 53 episodios, el elenco de The Affair ofrece interpretaciones memorables que enriquecen la trama. Dominic West (The Crown) y Ruth Wilson (La mujer en la pared) encarnan a Noah y Alison con una intensidad que captura la complejidad de sus personajes. Maura Tierney (Tornados) y Joshua Jackson (Fringe, Dr. Muerte) complementan el reparto principal con sus roles como Helen y Cole, aportando una dimensión adicional al drama con sus actuaciones convincentes. La serie se distingue por su habilidad para profundizar en las emociones y los conflictos internos de sus personajes, manteniendo a la audiencia cautivada hasta el final.

• Pie Pequeño
• Los Croods
• La vida secreta de tus mascotas

Dentro de Prime Video, encontramos una interesante selección de producciones animadas, como Batman: el enmascarado (Batman: Caped Crusader) e Invincible. Además, la plataforma tiene en camino Secret Level, una antología que explorará diferentes juegos clásicos de la industria, desde Armored Core hasta PAC-MAN, ofreciendo una experiencia única en cada episodio para los amantes de los videojuegos. Esta variedad de títulos demuestra el compromiso de Prime Video por ofrecer contenido diverso que abarca tanto el cine como la cultura del videojuego.

En esta ocasión, sin embargo, nos alejaremos de las series y pondremos el foco en los largometrajes animados disponibles en la plataforma. Hemos seleccionado tres películas que son ideales para disfrutar en familia, ofreciendo entretenimiento para todas las edades. Estas producciones destacan no solo por su calidad de animación, sino también por sus historias cautivadoras y personajes entrañables, garantizando una experiencia cinematográfica memorable para todos los espectadores.

Pie Pequeño - Smallfoot (Dir. Karey Kirkpatrick y Jason Reisig)

En 2018, Warner Animation lanzó una encantadora película animada titulada Pie Pequeño (Smallfoot), dirigida por Karey Kirkpatrick (Mi papá y nuestro mundo fantástico) y Jason Reisig (Bug Therapy). Este film nos presenta una aventura llena de humor y ternura, donde los personajes enfrentan desafíos inesperados que los llevan a cuestionar todo lo que creían saber. Con una animación vibrante y un guión que mezcla comedia con reflexiones sobre la amistad y el descubrimiento, Pie Pequeño se convierte en una experiencia entretenida para toda la familia.

La historia sigue a Migo, un joven yeti que descubre algo que su comunidad creía inexistente: un humano. Este hallazgo pone patas arriba todo lo que los yetis habían aprendido y desata una serie de eventos que llevan a Migo y sus amigos a embarcarse en una misión para descubrir la verdad. Con un elenco de voces que incluye a Channing Tatum (Parpadea dos veces, Magic Mike), Zendaya (Euphoria, Desafiantes), y Danny DeVito (Matilda), la película no solo ofrece un relato divertido y conmovedor, sino también actuaciones vocales que dan vida a personajes memorables y entrañables.

Basada en el libro Yeti Tracks de Sergio Pablos, Pie Pequeño no solo se destaca por su historia, sino también por su mensaje de apertura y comprensión entre diferentes culturas. La película es un recordatorio de la importancia de la curiosidad y la valentía para desafiar lo establecido para descubrir nuevas verdades.

Los Croods - The Croods (Dir. Chris Sanders y Kirk DeMicco)

Continuamos con Los Croods, una producción animada que se convirtió en un éxito instantáneo al ser lanzada en 2013. Este proyecto fue producido por DreamWorks Animation (Shrek) y dirigido por Chris Sanders (Robot salvaje, Lilo y Stitch) y Kirk DeMicco (Krakens y sirenas: Conoce a los Gillman). Durante su travesía, los Croods descubren un mundo lleno de maravillas y peligros, lo que los obliga a adaptarse y evolucionar para sobrevivir en su nuevo entorno.

La película fue un éxito tanto crítico como comercial, recaudando más de 587 millones de dólares en taquilla a nivel mundial. La trama sigue a Grug, el patriarca de la familia, mientras guía a su clan a través de un entorno cambiante, enfrentándose a criaturas extrañas y peligros naturales.

En cuanto al elenco de voces, contó con un impresionante reparto encabezado por Nicolas Cage (Longlegs) junto a Emma Stone (Pobres criaturas, La La Land), Ryan Reynolds (Deadpool), Catherine Keener (¿Quieres ser John Malkovich?) y Clark Duke (El club de las madres rebeldes). Debido al éxito de la película, en 2020 se lanzó una secuela titulada Los Croods 2: Una nueva era (The Croods: A New Age), que continuó las aventuras de la familia en su nuevo hogar.

La vida secreta de tus mascotas - The Secret Life of Pets (Dir. Chris Renaud)

En último lugar, dentro de Prime Video encontramos La vida secreta de tus mascotas (The Secret Life of Pets), una película animada lanzada en 2016 bajo la dirección de Chris Renaud, conocido por su trabajo en Mi villano favorito. Este largometraje explora lo que realmente hacen nuestras mascotas cuando no estamos en casa, presentando un mundo lleno de aventuras inesperadas y situaciones cómicas.

Con respecto al elenco, la película cuenta con un gran reparto de voces, incluyendo a Louis C.K. (Lucky Louie), Eric Stonestreet (Modern Family), Kevin Hart (Jumanji: En la selva), Jenny Slate (Romper el círculo) y Ellie Kemper (The Office). Estos actores dan vida a una variedad de personajes, desde un perro leal llamado Max hasta un conejo rebelde llamado Snowball. La vida secreta de tus mascotas combina humor y ternura, ofreciendo una perspectiva divertida y conmovedora sobre la vida de los animales domésticos.

Ryan Gosling, el actor canadiense de 43 años, comenzó su carrera siendo asociado principalmente con películas románticas, destacando en éxitos como El diario de una pasión (The Notebook - 2004) y Blue Valentine (2010). Su habilidad para interpretar papeles románticos y profundos le otorgó una gran popularidad y aclamación crítica. Sin embargo, a lo largo de su carrera, Gosling ha demostrado ser mucho más que un galán en historias de amor.

El actor ha brillado en una variedad de géneros, desde el musical con el aclamado La La Land junto a Emma Stone (Pobres criaturas), hasta la comedia en Dos tipos peligrosos (The Nice Guys - 2016), y su notable papel en la ciencia ficción con Blade Runner 2049. En esta ocasión, nos enfocaremos en tres largometrajes protagonizados por el actor en el género de acción, donde ha demostrado su versatilidad y capacidad para liderar películas en este emocionante ámbito.

Profesión peligro - The Fall Guy (Dir. David Leitch)

En Profesión Peligro (The Fall Guy), Ryan Gosling se aventura en el mundo del cine de acción bajo la dirección de David Leitch, conocido por su trabajo en Deadpool 2 y Tren Bala (Bullet Train - 2022). Este largometraje se basa en la serie clásica de los años 80 del mismo nombre, protagonizada por Lee Majors. Leitch, quien es tanto coordinador de escenas de acción como director, vuelve a demostrar su experiencia en el género con una historia que explora los desafíos de un doble de riesgo. Gosling interpreta a un profesional que, tras un accidente que amenaza su carrera, se ve obligado a resolver varios problemas simultáneamente: buscar a una estrella de cine desaparecida, resolver un complicado caso y tratar de reconquistar a su antiguo amor.

El elenco de Profesión Peligro incluye a Emily Blunt (Oppenheimer, Un lugar en silencio), Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass), Winston Duke (Nosotros, Black Panther) y Hannah Waddingham (Garfield: Fuera de casa, Ted Lasso), quienes aportan sus talentos para enriquecer la historia. Este largometraje promete no solo adrenalina, sino también una experiencia entretenida y bien ejecutada dentro del género de acción.

Drive (Dir. Nicolas Winding Refn)

Dentro de la destacada carrera de Gosling, Drive (2011) se erige como una pieza fundamental que combina elementos de acción con drama y suspenso. Dirigida por Nicolas Winding Refn, responsable de audiovisuales El Demonio Neon (The Neon Demon - 2016) y Solo Dios Perdona (Only God Forgives - 2013), la película ofrece una experiencia cinematográfica intensa que explora la complejidad del protagonista, interpretado magistralmente por Gosling.

En Drive, el actor interpreta a un conductor de acrobacias y mecánico que lleva una vida tranquila hasta que se ve atrapado en una espiral de violencia tras un robo fallido. La trama sigue su lucha por proteger a quienes ama mientras enfrenta una serie de desafíos peligrosos. La película destaca no solo por su dirección estilizada y atmósfera tensa, sino también por su reparto, que incluye a Carey Mulligan (Hermosa venganza, El gran Gatsby), Bryan Cranston (Breaking Bad), Oscar Isaac (Moon Knight, Duna), Albert Brooks (Buscando a Nemo), Christina Hendricks (Mad Men) y Ron Perlman (Sons of Anarchy).

El hombre gris - The Gray Man (Dir. Anthony Russo y Joe Russo)

El hombre gris (The Gray Man) es una adaptación de la novela de Mark Greaney, dirigida por los hermanos Russo, conocidos por su trabajo en el Universo Cinematográfico de Marvel en títulos cómo Infinity War y Endgame. La película sigue a Court Gentry, un espía encubierto que se convierte en el objetivo de una cacería internacional después de descubrir información comprometedora. La trama se desarrolla a través de intensas secuencias de acción y giros inesperados que exploran el mundo del espionaje.

Gentry, interpretado por Ryan Gosling, es traicionado por su propia agencia y debe enfrentarse a Lloyd Hansen, un antiguo colega encargado de eliminarlo. La película muestra cómo nuestro protagonista enfrenta diversos desafíos mientras trata de mantenerse con vida y resolver el misterio detrás de su traición.

El reparto de El hombre gris incluye a Chris Evans (Capitán América: el primer vengador) como Hansen, junto con Ana de Armas (Entre navajas y secretos), Jessica Henwick (Matrix: Resurrecciones), Wagner Moura (Guerra Civil), Julia Butters (Había una vez en Hollywood) y Regé-Jean Page (Bridgerton).

La Federación Internacional de Críticos de Cine ha elegido al filme de Lanthimos entre todos los estrenados a partir del 1 de julio de 2023 en una votación en la que han participado 791 especialistas de todo el mundo, informó este lunes el Zinemaldia en un comunicado.

Las otras cuatro películas finalistas fueron Do not Expect Too Much from the End of the World, del rumano Radu Jade; Evil Does Not Exist, del japonés Ryusuke Hamaguchi; All of US Strangers, del británico Andrew Haigh; y The Seed of the Sacred Fig, del iraní Mohamad Rasoulof, que se podrá ver en la sección Perlak de este año.

Poor things, protagonizada por Emma Stone, Mark Ruffalo y Willem Dafoe se estrenó en 2023 en el Festival de Venecia, donde obtuvo el León de Oro.

La película ha logrado además dos Globos de Oro, cinco premios Bafta y cuatro Oscar, entre ellos el de mejor actriz para Stone.

Desde su creación en 1999, han recibido el Gran Premio Fipresci cineastas como Maren Ade, Pedro Almodóvar, Paul Thomas Anderson, Alfonso Cuarón, Jean-Luc Godard, Ryusuke Hamaguchi, Michael Haneke, Aki Kaurismäki, Richard Linklater, Terrence Malick, George Miller, Cristian Mungiu y Chloé Zhao.

Fuente: EFE.

Fotos: Yorgos Lanthimos/Searchlight Pictures vía AP.

• Parpadea dos veces
• El cuervo
• Tipos de gentileza
• Relatos salvajes
• La maldición de Cenicienta

Agosto continúa brindándonos una amplía gama de propuestas en materia cinematográfica que van desde comedias oscuras y dramas, a reimaginaciones de clásicos. Esta semana a Romper el círculo y Alien: Romulus, dos de los lanzamientos destacados del jueves pasado, se le suman el regreso a las salas de Relatos salvajes, lo nuevo de Yorgos Lanthimos con Emma Stone, El cuervo y Parpadea dos veces, el debut como directora de Zoë Kravitz.

¡Acompáñanos a repasar los títulos que se incorporan a la cartelera en los próximos días!

Parpadea dos veces - Blink Twice (Dir. Zoë Kravitz)

Zoë Kravitz, la actriz conocida por la serie Big Little Lies y The Batman, debuta como directora con Parpadea dos veces, un enigmático thriller que propone retratar el lado oscuro de la riqueza y el poder.

Esta película que tiene a Channing Tatum (Deadpool & Wolverine) y Naomi Ackie (I Wanna Dance with Somebody) como protagonistas, sigue los pasos de un magnate tecnológico que, en plena gala de recaudación de fondos, queda flechado por una joven camarera. A raíz de una química instantánea entre ambos, este la invita a unirse a él en unas vacaciones de ensueño en su isla privada. Sin embargo, paulatinamente las cosas comienzan a tomar un curso extraño, haciendo que la invitada llegue a cuestionarse su propia cordura.

Además de Tatum y Ackie, Kravitz logró reclutar un reparto de lujo para su primera película como realizadora. El elenco se completa con Geena Davis (Beetlejuice), Haley Joel Osment (Sexto sentido), Christian Slater (Las crónicas de Spiderwick), Alia Shawkat (Big Mouth), Kyle MacLachlan (Fallout) y Adria Arjona (Andor).

El cuervo - The Crow (Dir. Rupert Sanders)

Un reboot del clásico de culto de 1994 protagonizado por Brandon Lee en su último papel en el cine llega a las salas esta semana, esta vez con Bill Skarsgård (It: capítulo uno) en el rol principal. Su historia seguirá a Eric Draven y Shelly Webster, una pareja que resulta brutalmente asesinada cuando los demonios del oscuro pasado de ella los alcanzan. Ante la oportunidad de salvar a su verdadero amor sacrificándose a sí mismo, Eric se dispone a vengarse sin piedad de sus asesinos, atravesando los mundos de los vivos y los muertos para arreglar lo que está mal.

Esta nueva adaptación de la novela gráfica homónima de James O’Barr estuvo a cargo del director Rupert Sanders, responsable de la película con Scarlett Johansson, Ghost in the Shell a partir de un libreto de Zach Baylin (Creed III).

Tipos de gentileza - Kinds of Kindness (Dir. Yorgos Lanthimos)

Tras el éxito de Pobres Criaturas (Poor Things, 2023) que consiguió un total de 11 nominaciones en la última edición de los Premios Oscar y se convirtió en una de las grandes favoritas del 2023, Yorgos Lanthimos vuelve a hacer equipo con Emma Stone para Tipos de gentileza. Este proyecto, que también cuenta con Jesse Plemons (Civil War), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood) y Willem Dafoe (El faro), se trata una antología que explora las complejidades y matices de la bondad humana en diversas circunstancias.

La película se describe como una comedia absurda y se compone de tres historias interconectadas. Estas, protagonizadas por figuras conocidas de la galería de Lanthimos, siguen a un hombre que intenta retomar el control de su vida, un policía que se reencuentra con su esposa después de que esta haya desaparecido, e incluso, a una mujer destinada a convertirse en una líder espiritual prodigiosa.

Relatos salvajes – reestreno (Dir. Damián Szifron)

A una década de su lanzamiento, Relatos salvajes, una de las películas argentinas más vistas de toda la historia, regresa a los cines. La obra de Damián Szifron (Los simuladores) que ganó más de 40 premios internacionales e incluso una nominación al Oscar, combina seis relatos independientes que abordan temas de venganza, injusticia y los límites de la paciencia humana, a través de una narrativa que refleja las tensiones y frustraciones de la vida cotidiana.

Además de la dirección de Szifron, Relatos salvajes cuenta con un reparto que incluye a figuras como Ricardo Darín (El secreto de sus ojos), Érica Rivas (Los sonámbulos) y Leonardo Sbaraglia (Puan).

La maldición de Cenicienta - Cinderella´s curse (Dir. Louisa Warren)

Siguiendo los pasos de Winnie the Pooh, Peter Pan e incluso Bambi, llega a las salas de cine una reimaginación en clave de terror y de bajo presupuesto de La Cenicienta, el clásico de Charles Perrault. Esta adaptación, que se lanzará en Latinoamérica con el título de La maldición de Cenicienta, le da un vuelco gore a la historia clásica para presentar a una protagonista mucho más cercana a Carrie de Stephen King que a la típica princesa de Disney.

Dirigida por Louisa Warren a partir de un guion de Harry Boxley, la película cuenta con los protagónicos de Kelly Rian Sanson, Chrissie Wunna y Danielle Scott.

• Se dice de mí
• Loco y estúpido amor
• Los Croods

Emma Stone, a sus 35 años, ya ha participado en una impresionante variedad de proyectos audiovisuales que la han consolidado como una de las actrices más destacadas de su generación. Con su talento y versatilidad, ha ganado múltiples premios, incluidos dos Oscars, uno por su inolvidable actuación en el aclamado musical La La Land y otro por su papel en Pobres Criaturas (Poor Things), donde compartió protagonismo con Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Margaret Qualley y Ramy Youssef, entre otros.

En esta ocasión, nos adentramos en tres de las películas de Emma Stone disponibles en la plataforma Max. Desde una comedia juvenil que capturó los corazones de una generación hasta un largometraje de animación que destacó su habilidad para dar vida a personajes con su voz, exploramos cómo la actriz ha dejado su huella en diversos géneros, demostrando su capacidad para abordar cualquier papel con maestría.

Se dice de mí - Easy A (Dir. Will Gluck - Disponible en Max)

En primer lugar, tenemos a Emma Stone en la comedia adolescente Se dice de mí (Easy A), lanzada en 2010. La trama sigue la vida de Olive Penderghast, una estudiante de secundaria que, tras mentir sobre su vida amorosa para ganar popularidad, ve cómo su pequeña mentira se sale de control y afecta su reputación. Stone brilla en el papel de Olive, mostrando su habilidad para combinar humor, carisma y vulnerabilidad, lo que le valió su primer gran reconocimiento en Hollywood y una nominación al Globo de Oro.

La película fue dirigida por Will Gluck, conocido por sus trabajos en comedias como Con todos menos contigo (Anyone but You - 2023), Amigos con beneficios (Friends with Benefits - 2011) y Fired Up! (2009). Se dice de mí no solo destaca por la interpretación de Stone, sino también por un elenco estelar que incluye a Amanda Bynes (Lo que una chica quiere, Una chica en apuros), Penn Badgley (Gossip Girl), Stanley Tucci (El diablo viste a la moda), Lisa Kudrow (Friends) y Dan Byrd (La nueva cenicienta). Con su humor afilado y un guión ingenioso, la película se convirtió en un éxito de taquilla y crítica.

Loco y estúpido amor - Crazy, Stupid, Love (Dir. Glenn Ficarra y John Requa)

En segundo lugar, tenemos la comedia romántica Loco y estúpido amor (Crazy, Stupid, Love), estrenada en 2011. La película nos presenta la historia de Cal Weaver, un hombre de mediana edad que ve cómo su vida da un giro inesperado cuando su esposa le pide el divorcio. Desorientado y deprimido, Cal se adentra en el mundo de las citas con la ayuda de Jacob Palmer, un joven y carismático soltero que le enseña los trucos para volver a ser atractivo y seguro de sí mismo.

Dirigida por Glenn Ficarra (Focus: maestros de la estafa) y John Requa (Una pareja dispareja), Loco y estúpido amor destaca no solo por su guion ingenioso, sino también por un elenco de primer nivel. Steve Carell (The Office) interpreta a Cal, aportando una mezcla perfecta de comedia y vulnerabilidad, mientras que Ryan Gosling (Profesión peligro) brilla como Jacob, ofreciendo una actuación carismática y encantadora que le valió una nominación al Globo de Oro. La química entre Carell y Gosling es uno de los puntos fuertes de la película, proporcionando momentos memorables que van desde lo hilarante hasta lo emotivo.

Además, la película cuenta con Julianne Moore, conocida por Secretos de un escándalo, en el papel de Emily, la esposa de Cal. Emma Stone también tiene un papel crucial, interpretando a Hannah, una joven abogada que capta la atención de Jacob.

Los Croods - The Croods (Dir. Chris Sanders y Kirk DeMicco)

En último lugar, tenemos la participación de Emma Stone en Los Croods (The Croods). Este proyecto animado, estrenado en 2013, sigue las aventuras de los Croods, una familia prehistórica que enfrenta el desafío de adaptarse a un mundo en constante cambio. La historia comienza cuando su cueva es destruida y deben abandonar su hogar para explorar un nuevo territorio.

La película, que recaudó más de 587 millones de dólares en taquilla, fue dirigida por Chris Sanders y Kirk DeMicco, dos expertos en animación. Sanders, conocido por su trabajo en Lilo & Stitch y Cómo entrenar a tu dragón (How to Train Your Dragon), y DeMicco, conocido por Space Chimps y Ruby Gillman, Teenage Kraken, aportan su experiencia para crear un mundo vibrante y lleno de vida.

En cuanto a las voces, Los Croods cuenta con un gran elenco además de Emma Stone, quien presta su voz a Eep, la hija adolescente de la familia. Nicolas Cage (Longlegs) da vida al patriarca de la familia, Grug, mientras que otros miembros del reparto incluyen a Catherine Keener (Get Out) como la madre, Ugga, y Clark Duke (Kick-Ass) como el hermano, Thunk. La película también presenta a Ryan Reynolds (Deadpool) como Guy, un joven innovador que ayuda a los Croods en su viaje.

• Gol gana
• Ford V Ferrari
• La batalla de los sexos

A lo largo de la historia del cine, el deporte ha sido un tema recurrente en diversas producciones. Películas como Rocky y Golpes del destino (Million Dollar Baby - 2004) exploran el mundo del boxeo con gran profundidad, mientras que Garra (Hustle - 2022), protagonizada por Adam Sandler (Son como niños, Una esposa de mentira), se adentra en el universo del baloncesto. Además, Desafiantes (Challengers - 2024), con Zendaya (Duna: Parte dos) en el papel principal, explora el mundo del tenis a través de un intenso drama.

Sin embargo, en esta ocasión nos enfocamos en el catálogo de Disney+ para descubrir las películas sobre deportes disponibles en la plataforma

Gol gana - Next Goal Wins (Dir. Taika Waititi - Disponible en Disney+)

En primer lugar, Gol gana (Next Goal Wins) es una película basada en hechos reales que narra la historia del ascenso de la selección de fútbol de Samoa Americana. Conocida por haber sido el “peor equipo del mundo”, Samoa Americana se enfrenta a un desafío monumental después de una histórica derrota de 31 a 0. La trama sigue el esfuerzo por transformar a este desastroso equipo en un contendiente digno de aspirar a la Copa Mundial de la FIFA, presentando una narrativa emotiva y motivadora sobre perseverancia y espíritu de equipo.

El director de este proyecto imprescindible para los aficionados al fútbol es Taika Waititi, el cineasta detrás de Jojo Rabbit (2019), Thor: Amor y trueno (Thor: Love and Thunder - 2022), y Casa Vampiro (What We Do in the Shadows - 2014). Waititi aporta su distintivo estilo humorístico y creativo al relato, que fusiona comedia y drama. Su habilidad para contar historias con un enfoque personal y cautivador se refleja en cada escena, dotando a la película de una combinación única de profundidad emocional y entretenimiento.

En cuanto al elenco, Gol gana cuenta con actuaciones de Michael Fassbender (Alien: Covenant, Bastardos sin gloria, X-Men: primera generación), Oscar Kightley (Sione’s Wedding, Dawn Raid) y Luke Hemsworth (Rescate imposible).

Contra lo imposible - Ford v Ferrari (Dir. James Mangold - Disponible en Disney+)

Seguimos con Contra lo imposible (Ford v Ferrari), una película que narra la fascinante historia del enfrentamiento entre Ford y Ferrari en la carrera de Le Mans de 1966. El filme presenta el ambicioso proyecto de Ford para desafiar el dominio de Ferrari en las carreras automovilísticas, centrándose en la colaboración entre el diseñador de automóviles Carroll Shelby y el intrépido piloto Ken Miles. A través de sus esfuerzos, la película captura la intensidad y la pasión detrás de uno de los duelos más legendarios en la historia del automovilismo.

El largometraje contó con la dirección de James Mangold, el cineasta conocido por su trabajo en Indiana Jones y el Dial del Destino (Indiana Jones and the Dial of Destiny - 2023) y Logan (2017). Próximamente, Mangold dirigirá A Complete Unknown, donde Timothée Chalamet (Llámame por tu nombre, Duna) se transformará en Bob Dylan, demostrando su versatilidad y talento en el manejo de diversas historias y géneros.

En cuanto al elenco de Contra lo imposible, la película cuenta con las participaciones de Christian Bale (Batman inicia, El maquinista, La gran apuesta), Matt Damon (Oppenheimer, Jason Bourne, Misión rescate), Caitriona Balfe (Belfast, Outlander), Noah Jupe (Honey Boy, Un lugar en silencio), Josh Lucas (Palm Royale, No me olvides) y Jon Bernthal (The Punisher, The Walking Dead, El oso).

La batalla de los sexos - Battle of the Sexes (Dir. Jonathan Dayton y Valerie Faris)

En último lugar, nos adentramos en el universo del tenis con La batalla de los sexos (Battle of the Sexes), donde se presenta la histórica confrontación entre la tenista Billie Jean King y el ex campeón Bobby Riggs. Dirigida por Jonathan Dayton (Pequeña Miss Sunshine, Ruby, la chica de mis sueños) y Valerie Faris (La nueva vida de Toby), la película narra el icónico partido de 1973 que no solo desafió las habilidades deportivas de los contendientes, sino también los estereotipos de género en el deporte.

A través de una cuidadosa recreación de los eventos, el filme explora temáticas relacionadas a la igualdad, destacando las luchas y triunfos tanto en la cancha como en la vida personal de sus protagonistas. Con respecto al elenco, La batalla de los sexos fue protagonizada por Emma Stone (Pobres criaturas, La La Land, La favorita), Steve Carell (The Office, Mi villano favorito, Virgen a los 40), Andrea Riseborough (Mandy, Oblivion), Sarah Silverman (Ralph, el demoledor, Escuela de rock), Jessica McNamee (Mortal Kombat, Megalodón), Austin Stowell (Cariño, cuánto te odio) y Elisabeth Shue (Volver al futuro II, Karate Kid, Coctel).

• Maxxxine
• La trampa
• Borderlands
• Alien: Romulus
• Relatos salvajes
• Tipos de gentileza
• El cuervo
• Longlegs: Coleccionista de almas

Finalmente dejamos atrás julio y le damos la bienvenida a agosto con una emocionante variedad de estrenos que llegarán a la gran pantalla. Este mes, la cartelera se llenará de películas de terror como MaXXXine, Longlegs y La trampa (Trap), junto con adaptaciones de videojuegos y reestrenos de clásicos argentinos como Relatos Salvajes. También veremos una serie de estrenos destacados que prometen actualizar y enriquecer la oferta cinematográfica. En esta ocasión, repasamos algunas de las películas más esperadas que estarán disponibles en los cines.

MaXXXine (Dir. Ti West - Estreno 01 de agosto)

Comenzamos el mes con una emocionante propuesta para los amantes del género del terror: la nueva entrega de la trilogía X. Dirigida por Ti West y protagonizada por Mia Goth (High Life, Emma, Muerte infinita), esta película promete cerrar la saga que comenzó en 2022 con X y continuó con Pearl, la cual funcionó como precuela.

En esta entrega, seguimos a Maxxxine Minx, una joven que busca abrirse camino como actriz en Hollywood. Su objetivo es dejar atrás su pasado en la industria cinematográfica para adultos, pero el camino hacia la fama no es sencillo. En su lucha por alcanzar sus sueños, Maxxxine se enfrenta a numerosos desafíos, incluyendo la dura competencia y las trampas de la industria. Sin embargo, su determinación y talento la impulsan a seguir adelante, a pesar de las adversidades.

Mientras la joven persigue su sueño, Los Ángeles se ve sacudida por la presencia de un asesino en serie. Este peligroso escenario obliga a la protagonista a enfrentar sus propios demonios del pasado mientras navega por el ambiente vibrante y caótico de los años 80. Junto a Goth, el largometraje contará con las actuaciones de Halsey (Sing 2), Elizabeth Debicki (The Crown), Lily Collins (Emily en París), Sophie Thatcher (Yellowjackets), Kevin Bacon (Footloose) y Giancarlo Esposito (Breaking Bad).

La trampa - Trap (Dir. M. Night Shyamalan - Estreno 08 de agosto)

En segundo lugar, tenemos La trampa (Trap), la nueva entrega cinematográfica de M. Night Shyamalan, el reconocido director detrás de éxitos como El sexto sentido (The Sixth Sense - 1999), Fragmentado (Split - 2016) y La aldea (The Village - 2004), entre otros.

En esta ocasión, la trama sigue a un padre y su hija mientras planean asistir a un concierto de la estrella pop del momento para disfrutar de un tiempo especial juntos. Sin embargo, el esperado evento es en realidad una trampa orquestada por la policía para atrapar a un temido asesino en serie conocido como el carnicero. En cuanto al reparto, La trampa cuenta con las actuaciones de Josh Hartnett (Oppenheimer, Pearl Harbor) y Ariel Donoghue (Un lobo como yo).

Borderlands (Dir. Eli Roth, Tim Miller - Estreno 08 de agosto)

En agosto también llega Borderlands, el proyecto que adapta el exitoso videojuego de Gearbox lanzado en 2009. Dirigida por Eli Roth (Viernes Negro) y Tim Miller (Love, Death & Robots, Deadpool), la película narra la historia de Lilith, una cazarrecompensas con un misterioso pasado que regresa a su planeta natal para intentar encontrar a la hija desaparecida del villano de la película. A lo largo de su viaje, ella se unirá a un inesperado grupo de aliados para concluir su misión.

En cuanto al elenco, la película cuenta con intérpretes como Cate Blanchett (Carol, El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo), Kevin Hart (Jumanji: En la selva), Jamie Lee Curtis (Todo en todas partes al mismo tiempo), Jack Black (Escuela de rock), Haley Bennett (La chica del tren), Ariana Greenblatt (Love and Monsters), Gina Gershon (Contracara) y Édgar Ramírez (Punto de quiebre).

Alien: Romulus (Dir. Fede Álvarez - Estreno 15 de Agosto)

Alien: Romulus, dirigida por el cineasta uruguayo Fede Álvarez (No respires, La chica en la telaraña, Posesión infernal), promete revitalizar una de las franquicias más icónicas de la historia del cine. Con su estreno programado para el 15 de agosto, esta nueva entrega busca ofrecer una visión fresca y aterradora de los infames xenomorfos, manteniendo la esencia que hizo de Alien una saga legendaria. Álvarez, conocido por su capacidad para crear tensiones palpables y horrores intensos, parece ser la elección perfecta para llevar esta nueva historia a la gran pantalla.

En este proyecto, seguiremos a un grupo de jóvenes exploradores que, en su búsqueda de investigar una estación de la Weyland Corporation, se toparán con un peligroso encuentro con xenomorfos. La trama promete una gran dosis de horror, fiel al estilo que ha definido la saga Alien desde su inicio. Con respecto al elenco, este proyecto estará protagonizado por Cailee Spaeny (Priscilla, Civil War), Isabela Merced (Dora y la ciudad perdida, Madame Web), Archie Renaux (Ascenso, Shadow and Bone) y David Jonsson (Rye Lane).

Relatos salvajes (Dir. Damián Szifron - Estreno 22 de Agosto)

Seguimos con el reestreno de Relatos salvajes, la película argentina que se estrenó en el año 2014. Este largometraje, la película argentina más vista de la historia, regresa a los cines en su décimo aniversario y no solo conquistó la taquilla sino también a la crítica, ganando más de 40 premios internacionales e incluso una nominación al Oscar. Esta obra combina seis relatos independientes que abordan temas de venganza, injusticia y los límites de la paciencia humana, presentando una narrativa cautivadora que refleja las tensiones y frustraciones de la vida cotidiana.

Bajo la dirección de Damián Szifron (Los simuladores, Tiempo de valientes), este audiovisual contó con un elenco de renombre que incluye a Ricardo Darín (La odisea de los giles, El secreto de sus ojos), Érica Rivas (Los sonámbulos, El prófugo) y Leonardo Sbaraglia (Puan, Plata quemada).

Relatos salvajes ofrece una visión mordaz y entretenida de situaciones extremas que llevan a los personajes al borde de la cordura.

Tipos de gentileza - Kinds of Kindness (Dir. Yorgos Lanthimos - Estreno 22 de agosto)

El 22 de agosto también llega a la cartelera Tipos de gentileza (Kinds of Kindness), una historia que explora las complejidades y matices de la bondad humana en diversas circunstancias. La película entrelaza varias narrativas que destacan actos de generosidad, tanto pequeños cómo grandes, y cómo estos gestos afectan profundamente a las vidas de los personajes involucrados.

Tipos de gentileza fue dirigida por Yorgos Lanthimos, el cineasta detrás de Langosta (The Lobster - 2015) y El sacrificio del ciervo sagrado (The Killing of a Sacred Deer - 2017). Con respecto al elenco, Lanthimos vuelve a dirigir a Emma Stone luego de su trabajo en conjunto en Pobres criaturas (Poor Things - 2023) y La favorita (The Favourite - 2018). Junto a ella, el elenco se completa con Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood), Jesse Plemons (Civil War) y Willem Dafoe (El faro), entre otros.

El cuervo - The Crow (Dir. Rupert Sanders - Estreno 22 de agosto)

Después de varios retrasos, parece que El cuervo finalmente se estrenará en los cines el próximo 22 de agosto. En esta nueva adaptación, los personajes de Shelly Webster y Eric Draven sufren un asesinato brutal a manos de fuerzas que arrastran los demonios del pasado de Shelly. Eric, al enfrentar la oportunidad de redimir a su amor verdadero a través de un sacrificio personal, se embarca en una implacable misión de venganza.

La dirección del largometraje estuvo a cargo de Rupert Sanders (Blancanieves y el cazador). Con respecto al elenco, El cuervo cuenta con las actuaciones de Bill Skarsgård (Barbarian, It, Contra todos) y FKA Twigs (Honey Boy: un niño encantador)

Longlegs: Coleccionista de almas - Longlegs (Dir. Oz Perkins - Estreno 29 de agosto)

Por último, llega otro emocionante largometraje de terror con Longlegs. Este proyecto, dirigido por Oz Perkins (La enviada del mal, Gretel y Hansel), sigue a Lee Harker (interpretada por Maika Monroe), una agente novata del FBI que enfrenta un enigmático caso de asesinatos en serie donde las pistas parecen desvanecerse en el misterio. A medida que profundiza en la investigación, Harker descubre que las evidencias ocultan un vínculo personal con el asesino (encarnado por el galardonado Nicolas Cage), llevándola a una desesperada carrera contrarreloj para evitar otro trágico crimen.

• El club de las peleadoras
• La noche de las nerds
• Chicas Pesadas

Las comedias juveniles han dejado una huella imborrable en el cine a lo largo de los años, ofreciendo una mezcla irresistible de humor y nostalgia. Clásicos como Ni idea (Clueless - 1995), con Alicia Silverstone (The Crush) y Paul Rudd (Ghostbusters: el legado), y 10 cosas que odio de ti (10 Things I Hate About You - 1999), han capturado la esencia de la vida adolescente con ingenio y carisma. Igualmente, Se dice de mí (Easy A), protagonizada por Emma Stone (Pobres criaturas), se destacó por su enfoque moderno de las experiencias escolares y sociales. Estos filmes suelen abordar temas recurrentes como las aventuras escolares, los primeros amores y las complicadas relaciones de amistad, convirtiéndose en referentes para generaciones de jóvenes.

En esta ocasión, nos enfocaremos en el género de comedias juveniles en Prime Video, explorando una selección de tres películas que continúan la tradición de capturar las experiencias y emociones de la adolescencia con tintes humorístico.

El club de las peleadoras - Bottoms (Dir. Emma Seligman - Disponible en Prime Video)

Comenzamos con El club de las peleadoras (Bottoms), una comedia juvenil lanzada en 2023 que explora la vida de dos jóvenes marginadas en su escuela. La trama sigue a dos amigas mientras se embarcan en una audaz y divertida aventura para mejorar su estatus social y encontrar su lugar en un entorno que inicialmente las excluye. Para lograrlo, las protagonistas crean un club de lucha con el objetivo de acercarse a las estudiantes populares y también conquistar a las animadoras de su institución.

A través de situaciones cómicas y momentos de autodescubrimiento, la película ofrece una visión oscura y entretenida sobre la amistad durante la adolescencia. Disponible en Prime Video, El club de las peleadoras combina humor y profundidad para capturar la esencia de la experiencia juvenil contemporánea.

El largometraje fue dirigido por Emma Seligman (Shiva Baby), quien también coescribió el guión junto a Rachel Sennott (The Idol), protagonista del film. Además de Sennott, el elenco incluye a jóvenes estrellas del momento como Ayo Edebiri (El oso, Intensamente 2), Nicholas Galitzine (La idea de ti, Rojo, blanco y sangre azul), Ruby Cruz (Mare of Easttown), Havana Rose Liu (La directora) y Kaia Gerber (Palm Royale, Babylon).

La noche de las nerds - Booksmart (Dir. Olivia Wilde - Disponible en Prime Video)

En segundo lugar, tenemos La noche de las nerds (Booksmart - 2019), que sigue la historia de dos amigas, Molly y Amy, en el día previo a su graduación. Este momento crucial marca un punto de inflexión para muchos estudiantes, ya que deben decidir cuál será su futuro y enfrentar la separación de sus amigos más cercanos.

A medida que se acercan al final de su etapa escolar, las protagonistas se dan cuenta de que, a pesar de su dedicación académica, han dejado de lado muchas experiencias típicas de la adolescencia. Decididas a compensar el tiempo perdido, Molly y Amy se embarcan en una noche llena de aventuras y locuras, desafiando sus propias expectativas y celebrando su amistad antes de tomar caminos separados.

Este proyecto marcó el debut como directora de la actriz Olivia Wilde (Dr. House, Si fueras yo). Posteriormente, dirigió su segundo proyecto, No te preocupes, cariño (Don’t Worry Darling - 2022), protagonizado por Harry Styles (Dunkirk) y Florence Pugh (Midsommar). En cuanto al elenco de La noche de las nerds, estuvo encabezado por Beanie Feldstein (Lady Bird), Kaitlyn Dever (Nadie podrá salvarte), Molly Gordon (El oso) y Jason Sudeikis (Ted Lasso).

Chicas Pesadas - Mean Girls (Dir. Mark Waters - Disponible en Prime Video)

Por último, tenemos Chicas Pesadas (Mean Girls), el clásico de los 2000 dirigido por Mark Waters (Un viernes de locos). Esta película, imprescindible para los seguidores de las comedias adolescentes, nos presenta a la joven Cady Heron, quien se enfrenta a la vida en un nuevo colegio después de haber pasado su infancia en el extranjero. A medida que navega por las jerarquías escolares, Cady aprende valiosas lecciones sobre la amistad, la autenticidad y las consecuencias de intentar encajar a toda costa.

Esta película, escrita por Tina Fey (Una noche fuera de serie), contó con las actuaciones de Lindsay Lohan (Juegos de gemelas), Rachel McAdams (Diario de una pasión, Cuestión de tiempo), Amanda Seyfried (Mamma Mia!, Diabólica tentación, Cartas a Julieta), Lacey Chabert (Perdidos en el espacio) y Tim Meadows (Son como niños), entre otros.

En Prime Video, no solo encontramos este proyecto, sino también su poco conocida secuela Chicas Pesadas 2, protagonizada por Meaghan Martin (Camp Rock). Además, está disponible el reciente reboot de esta historia, que se diferencia por ser un musical y cuenta con las actuaciones de Reneé Rapp (La vida sexual de las universitarias), Avantika Vandanapu (Tarot de la muerte), Christopher Briney (El verano en que me enamoré) y Angourie Rice (Honor Society).

• Buffy, la cazavampiros
• Los expedientes secretos X
• Malcom in the Middle
• Lost

Con la reciente fusión de contenido de Star+, la plataforma de Disney+ ha ampliado su catálogo con varios títulos icónicos que marcaron una época de la televisión por cable. Aventuras sobrenaturales, conspiraciones gubernamentales y comedias familiares, el servicio de streaming ahora reúne algunas de las producciones más influyentes y exitosas de los últimos años.

Desde Buffy, la cazavampiros a Los expedientes secretos X, en esta nota recordamos cuatro series que no solo definieron géneros, sino que también dejaron una huella imborrable en la cultura pop y que ahora se pueden encontrar en Disney+.

Buffy, la cazavampiros – Buffy, the vampire slayer (7 temporadas disponibles en Disney+)

Creada por Joss Whedon, Buffy, la cazavampiros fue un éxito indiscutido entre el público adolescente que logró sostenerse durante siete temporadas. Mezclando una trama sobrenatural, algo de terror, drama y humor, la serie protagonizada por Sarah Michelle Gellar es considerada un hito en la representación de mujeres en la televisión y ha influenciado a innumerables producciones desde su emisión.

Su historia sigue a Buffy Summers, una adolescente carismática y con exceso de onda que descubre ser la elegida para luchar contra vampiros, demonios y otras fuerzas oscuras. A lo largo de las siete temporadas, tanto ella como su equipo de amigos se enfrentan a todo tipo de amenazas y a los propios desafíos de estudiar en una escuela secundaria edificada sobre la boca del infierno.

El éxito de Buffy, la cazavampiros dio a lugar a una variedad de productos relacionados, entre los que se incluyen novelas, cómics, videojuegos y parodias. La serie, su spin-off, Angel, y sus extensiones, se han denominado colectivamente Buffyverso y este todavía continúa vigente a través de formatos como el podcast.

Los expedientes secretos X – The X Files (11 temporadas disponibles en Disney+)

Estrenada por Fox en septiembre de 1993, Los expedientes secretos X dejó una huella imborrable en la pantalla chica y en la cultura popular en general con un total de 11 temporadas, e incluso, dos películas. Creada por Chris Carter, su historia sigue las investigaciones de dos agentes del FBI, interpretados por Gillian Anderson y David Duchovny, profesionales abocados a resolver casos clasificados también conocidos como Los expedientes X. Estos incluían fenómenos paranormales, avistamientos de ovnis y, por supuesto, conspiraciones.

Los expedientes secretos X fue uno de los mayores éxitos de la cadena, ganando una base de fans devotos y críticas que alabaron su atmósfera oscura como la inteligencia de sus guiones. También se convirtió en una de las series más premiadas de la historia, siendo nominada para un total de 141 premios a lo largo de su recorrido.

Además de Duchovny y Anderson, la serie contó con invitados especiales incluyeron a Bryan Cranston, Lucy Lawless, Aaron Paul, Luke Wilson, Dany Trejo y hasta un cameo de Dave Grohl.

Malcom in the Middle (7 temporadas disponibles en Disney+)

En su momento promocionada como una serie “con un humor similar a Los Simpsons, pero de acción real”, Malcom in the Middle fue otro de los aciertos televisivos de Fox. Creada por Linwood Boomer, esta comedia de situación con mucho humor negro sigue la vida de Malcolm (Frankie Muniz), un joven superdotado que, junto a sus excéntricos hermanos y peculiares padres, lidian con situaciones cotidianas y absurdas.

Malcom in the middle fue aclamada por su enfoque innovador, rompiendo la cuarta pared y presentando una visión cómica e irónicamente, más realista de la dinámica familiar. Además de Muniz, el elenco principal incluye a Jane Kaczmarek, Bryan Cranston y Christopher Masterson. La serie también contó con estrellas invitadas como Emma Stone y Octavia Spencer.

Lost (6 temporadas disponibles en Disney+)

Creada por J.J. Abrams, Damon Lindelof y Jeffrey Lieber, Lost narra las historias de los sobrevivientes de un accidente aéreo en una misteriosa isla. La serie entrelaza los flashbacks de los personajes con el presente, revelando sus oscuros secretos y los misterios que rodean su nuevo entorno.

Con su narrativa innovadora y una cantidad excesiva de cliffhangers, Lost logró capturar la atención de los espectadores y se convirtió en un fenómeno mundial. La serie, cuyas siete temporadas también están disponibles en Disney+, contó con un elenco encabezado por Matthew Fox, Evangeline Lilly y Terry O’Quinn, además de estrellas invitadas como Michelle Rodriguez e Ian Somerhalder.

Por el momento, 2024 ha sido un año variado en lo que se refiere a propuestas, pero da la sensación de que todavía no ha dado lo mejor de sí, que falta algún título contundente o totémico, como lo fue Succession a lo largo de varias temporadas.

Todavía quedan algunas apuestas potentes por llegar, como la segunda temporada de La casa del dragón, y en lo que se refiere a ficción española, se supone que algunas plataformas guardan sus mejores cartuchos para el tercer cuatrimestre del año o de cara al Festival de San Sebastián, donde se eligen algunos de los proyectos que más tarde acaparan la temporada de premios, como pasó con La Mesías en 2023.

Por el momento, estas son algunas de las series que han marcado este 2024, ya sea por su nivel de popularidad o por sus logros creativos.

‘Mr. & Mrs. Smith’ (Prime Video)

Lo que podría haber sido un remake convencional de la película que unió a Angelina Jolie y Brad Pitt, se convierte en manos de Donald Glover (que es el protagonista y uno de los showrunners, junto a Francesca Sloane) en una serie tan inteligente como repleta de sorpresas en la que cada capítulo funciona de una forma independiente, manejando los códigos de los seriales de espías, pero que en conjunto se encarga de dinamitar los estereotipos de las relaciones de pareja.

Una mezcla sorprendente entre acción, humor negro y comedia romántica en la que brilla Maya Erskine como auténtico descubrimiento, y que se rodea de todo un grupo de secundarios de lujo, entre los que encontramos desde John Turturro a Paul Dano pasando por Wagner Moura o Úrsula Corberó.

‘Mi reno de peluche’ (Netflix)

Una de las sorpresas de la temporada ha sido sin duda esta serie creada y protagonizada por Richard Gadd, que se basa en sus propias experiencias y que parte de un monólogo de humor corrosivo en el que contaba cómo había sido abusado por un productor de cine y había sido víctima de acoso por parte de una mujer que se obsesionó con él.

Una miniserie de 7 episodios de una duración aproximada de 30 minutos que habla en primera persona de las relaciones tóxicas, de los problemas de salud mental, de la falta de autoestima, la búsqueda de la identidad y el sexo no consentido. Una ficción que bascula entre la crudeza, la incomodidad y la comicidad más oscura, y que siempre nos lleva por caminos inesperados.

‘Los Bridgerton 3′ (Netflix)

Shonda Rhimes sigue teniendo la varita mágica para que sigamos enganchados a este ‘culebrón’ de lujo en el que lo que importan son los escándalos, los cotilleos, los romances imposibles a ritmo de canciones pop, dentro de un entorno histórico tan ‘ucrónico’ como delirante y delicioso.

En esta ocasión, la trama se centra en el personaje de Penelope Featherington, convirtiendo a Nicola Coughlan en la auténtica protagonista, tanto en su sorprendente relación pasional con Colin Bridgerton (Luke Newton), como en su faceta como Lady Whistledown. Como suele ser habitual, los momentos de alcoba alcanzan límites maravillosos de locura expresiva y, en este caso, la escena del carruaje con un tema de Pitbull ya es un clásico contemporáneo.

‘Eric’ (Netflix)

Es una recién llegada, pero ya merece un puesto de honor en cualquier lista de lo mejor del año. Se trata de una ficción creada por Abi Morgan protagonizada por Benedict Cumberbatch y que se inspira en un caso real que conmocionó a la sociedad norteamericana durante los años ochenta, el secuestro de un niño en su propio barrio, casi al lado de su casa.

Lo curioso de esta historia es que se convierte no solo en un crudo retrato de los Estados Unidos durante la era Reagan y en una disección del dolor de unos padres por encontrar a su hijo, sino que aporta un extraño punto de vista fantástico al cobrar vida uno de los personajes que dibujaba el niño desaparecido y que simbolizaba la toxicidad de su progenitor.

‘Nos vemos en otra vida’ (Disney Plus+)

Los hermanos Alberto y Jorge Sánchez-Cabezudo, fundadores de la ficción española tal y como la conocemos hoy en día gracias a Crematorio, se sumergen en la difícil tarea de contar los atentados yihadistas que tuvieron lugar en nuestro país a través del punto de vista de los responsables que facilitaron los explosivos que utilizaron los terroristas para colocar en los trenes y que causaron la masacre del 11-M. Un thriller repleto de vericuetos, apasionante y riguroso y en el que no hay lugar para la empatía con los protagonistas, y que ha dado una de las interpretaciones del año, la de Pol López en la piel del desequilibrado Emilio Suárez Trashorras, el cerebro de la que se ha denominado ‘trama asturiana’.

‘Marbella’ (Movistar Plus+)

El tándem formado por Dani de la Torre y Alberto Marini, responsables de La unidad, se introducen dentro del universo de Marbella a partir de un reportaje periodístico de Nacho Carretero y Arturo Lezcano sobre las mafias que operan en la localidad malagueña.

Hugo Silva se mete en la piel de un corrupto abogado encargado de servir de intermediario a los criminales que operan en la zona, al mismo tiempo que los responsables de la ficción nos introducen en ese escenario de excesos, lujo desbocado y violencia encubierta. Una estupenda serie sobre ‘gángsters’ españoles que podría remitir al cine de Martin Scorsese pero que, sin duda, tiene una personalidad propia muy potente.

‘Ripley’ (Netflix)

El personaje creado por Patricia Highsmith sigue protagonizando estupendas versiones después de las míticas A pleno sol o El talento de Mr. Ripley. En este caso, Steven Zaillan (responsable de The Night Of y de algunos grandes guiones, entre ellos para Martin Scorsese) se embarca en la tarea de ofrecer un artefacto absolutamente delicioso desde el punto de vista formal, rodado en blanco y negro, en el que el protagonista muestra su lado más oscuro. Un papel en el que brilla Andrew Scott dentro de este noir exquisito repleto de encuadres deliciosos y minimalistas.

‘Shōgun’ (Disney Plus+)

Basada en la novela de James Clavell (que ya había contado con una adaptación en los años 80), esta serie histórica ambientada en el Japón feudal del siglo XVII, ha ido poco a poco captando adeptos. Y es que resulta un prodigio, de principio a fin, tanto a nivel narrativo como formal. En ella, un barco europeo se estanca en la costa nipona y se convertirá en la clave dentro de una guerra entre clanes y samuráis. Está basada en la historia real de Williams Adams, un navegante británico que se convertiría en testigo de la llegada al poder del shōgun Tokugawa. En el reparto de esta versión arrolladora, Cosmo Jarvis, Hiroyuki Sanada y Tadanobu Asano.

‘Hacks. Temporada 3′ (HBO Max)

La aclamada serie creada por Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Statsky alcanza su esperada tercera temporada después de haber conseguido un buen puñado de los más prestigiosos galardones en la categoría de comedia, como el Emmy y el Globo de Oro para su protagonista, Jean Smart. La historia entre una mítica diva cómica llamada Deborah Vance y una escritora joven que comenzará a ejercer de asistenta y de guionista de sus shows está lejos de agotarse y continúa siendo igual de inteligente, divertida, ácida y refrescante como siempre.

‘El caso Sambre’ (Movistar Plus+)

Un true crime tremebundo que pone el foco en las víctimas. A lo largo de treinta años, entre 1988 y 2018, un hombre llamado Dino Scala cometió más de 50 violaciones y agresiones sexuales en las orillas del río Sambre, que transcurre entre Francia y Bélgica, en la región de Maubege. Cuando se celebró el juicio en 2022, se le consideró el mayor depredador sexual de la historia de Francia.

Un portentoso y meticuloso thriller creado por Jean-Xavier de Lestrade, experto en el género después del documental The Staircase, que gira en torno a la investigación que llevó a cabo una periodista. En cada capítulo, se irán sumando capas y nuevos personajes, pero siempre girará en torno a la primera víctima, encarnada por Alix Poisson.

‘The Curse’ (SkyShowtime)

Después de Los ensayos, Nathan Fielder, uno de los reyes de la comedia incómoda actual, continúa explorando la sátira a medio camino entre los terrenos de la ficción y la telerrealidad. Junto a Emma Stone ha protagonizado una de las parejas más improbables de la televisión contemporánea, dedicada a hacer un programa de reformas de casas que en realidad esconde el propósito de captar a posibles inversores para un un proyecto de hogares sostenibles. Una serie de culto inmediata que bascula entre las situaciones surrealistas, los retos de Tik Tok y la cara más ridícula del sueño americano a través de toda clase de gags sonrojantes.

‘El simpatizante’ (HBO Max)

Está basada en el Premio Pulitzer del mismo nombre del escritor Viet Thanh Nuguyen y cuenta la historia de un agente doble del Viet Cong que ejercía como espía para la comunidad survietnamita exiliada. Un thriller político que también es una comedia negra con trazos de ‘metaficción’ que nos introduce en la guerra de Vietnam desde el punto de vista de un nativo.

Está producida por A24, entre sus creadores se encuentra Park Chan-wook (autor de títulos como Oldboy) y en ella Robert Downey Jr. interpreta hasta cinco personajes diferentes. Una serie apasionante que constituye un repaso por una parte de la historia poco conocida y que, además, está repleta de referencias cinéfilas.

‘Mary & George’ (SkyShowtime)

Una especie de Las amistades peligrosas en versión contemporánea, o lo que es lo mismo, la historia de la condesa de Buckingham que consiguió que su hijo se convirtiera en el amante del rey Jacobo I para conseguir toda clase de privilegios y poder económico, social y político. Una serie con el morbo por todo lo alto protagonizada por Julianne Moore y Nicholas Galitzine, que apuesta por el libertinaje y la sexualidad en todos sus sentidos.

‘El problema de los tres cuerpos’ (Netflix)

Ambiciosa superproducción de Netflix en el terreno de la ciencia ficción que adapta la novela de Liu Cixin y creada por los responsables de Juego de Tronos. Una historia repleta de vericuetos espacio temporales que propone una distopía que nos lleva desde la Revolución Cultural China a un presente en el que la humanidad se encuentra amenazada por una especie alienígena que llegará a nuestro planeta para colonizarlo dentro de 400 años. A través de presupuestos de la física, nos acercamos al lado más humano y también al más cruel de nuestra especie.

‘Sugar’ (Apple TV)

Colin Farrell se mete en la piel de un detective cinéfilo en este noir sofisticado que cuenta con uno de los giros más inesperados de toda la ficción de este año. Solo por eso, merece la pena acercarnos a esta serie sobre un sabueso que lee Cahiers du Cinema y es un auténtico apasionado de la edad dorada de Hollywood. Todo el imaginario detectivesco del cine negro se encuentra presente en una trama en la que John Sugar tendrá que buscar a la nieta de un todopoderoso productor de cine y que está repleta de referencias cinéfilas deliciosas que nos llevan de El halcón maltés a Los sobornados.

El mes de junio viene repleto de novedades en las diferentes plataformas: desde la segunda tanda de la tercera temporada de Los Bridgerton a una nueva entrega de la saga Star Wars que se adentra en el “lado oscuro de la fuerza”.

Además, el biopic sobre el modisto Karl Lagerfeld y la segunda temporada de La Casa del Dragón. También recomendamos algunas propuestas que podrían pasar desapercibidas y que merecen toda nuestra atención.

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‘Star Wars: The Acolyte’ (Disney Plus+)

El universo Star Wars sigue expandiéndose de forma indefinida y ahora le toca centrarse en “el lado oscuro”, o lo que es lo mismo, en los Sith, los enemigos mortales de los Jedi.

La serie creada por Leslye Headland (showrunner de la magnífica Muñeca rusa) se adentra en este universo para contar los orígenes de esa orden (100 años antes de los acontecimientos que tienen lugar en La amenaza fantasma) dispuesta a hacerse con el control de la galaxia a través del mal, y tiene la particularidad de contar con personajes completamente nuevos dentro del canon de la ficción que inició George Lucas, convirtiéndose desde este momento en la primera en orden cronológico de toda la saga.

Estreno: 5 de junio de 2024

‘Becoming Karl Lagerfeld’ (Disney Plus+)

La fiebre por los biopics de diseñadores no para. Después de la serie sobre Cristóbal Balenciaga, de la película La casa Gucci o del documental sobre John Galliano, ahora tenemos la oportunidad de introducirnos en el universo de Karl Lagerfeld en esta producción francesa que sigue su ascenso en el mundo de la moda parisina en la década de los 70 y su rivalidad con el socio de Yves Saint Laurent, Pierre Berge, al que también hemos visto representado en varias películas alrededor de esta figura icónica.

Daniel Brühl se mete en la piel del modisto y encabeza un reparto en el que también encontramos a Agnès Jaoui, Alex Lutz o la fundadora de la firma Rouge, Jeanne Damas, que interpreta a Paloma Picasso.

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Estreno: 7 de junio de 2024

‘Fantasmas’ (HBO Max)

Una comedia original creada, dirigida y protagonizada por uno de los fenómenos de la nueva generación latina, el salvadoreño Julio Torres, responsable de títulos de culto norteamericanos como Problemista, con Tilda Swinton y RZA.

En esta nueva aventura, apadrinada por Emma Stone, se embarcará en la búsqueda de una ostra de oro en la ciudad de Nueva York, mientras se encuentra con toda una serie de personajes extravagantes.

Estreno: 8 de junio de 2024

‘The Boys. T-4′ (Prime Video)

Continúan las aventuras de este éxito de culto de la televisión web basada en un cómic de superhéroes que luchan contra individuos que abusan de sus poderes. En esta ocasión, el villano Patriota (Anthoy Starr) está a punto de conseguir el poder de la nación gracias a uno de sus títeres, mientras que el equipo liderado por Billy ‘el Carnicero’ (Karl Urban) tendrá que reorganizarse después de sus constantes mentiras y colaborar para salvar el mundo.

Estreno: 13 de junio de 2024

‘Los Bridgerton. T-3′ (Netflix)

Esta tercera temporada basada en el personaje de Nicola Coughlan, o lo que es lo mismo Penelope Featherington o Lady Whistledown, se ha dividido en dos tandas para mantener (todavía más) la expectación del espectador.

Después de la ya icónica escena del carruaje, donde Penelope y Colin Bridgerton (Luke Newton) daban rienda suelta a su deseo amoroso, ahora la pareja, ya comprometida, tendrá que enfrentarse al pasado de la célebre columnista de ‘cotilleos’ de la corte de la reina Carlota. No sabemos lo que nos espera, pero seguramente será un final de “alto voltaje”.

Estreno: 13 de junio de 2024

‘La Casa del Dragón. T-2′ (HBO Max)

Continúa la precuela de Juego de tronos basada en el universo de George R.R. Martin. En esta segunda parte, continuarán las disputas entre Rhaenyra Targaryen (Emma D’Arcy) y la reina Alicent Hightower (Olivia Cooke) por hacerse con la corona.

Si la primera temporada sirvió para presentar a los nuevos personajes y el nuevo contexto, en esta ocasión la acción tomará el protagonismo, acompañada, por supuesto, de los dragones de la casa Targaryen para conseguir el reinado maldito.

Estreno: 17 de junio de 2024

‘Presunto inocente’ (Apple TV)

Jake Gyllenhaal, después de Road House. De profesión: duro (Prime Video), parece haber iniciado una nueva carrera dentro del terreno de las plataformas de streaming. Ahora estrena esta miniserie de 8 episodios que también es un remake, en esta ocasión de la película de Alan J. Pakula del mismo nombre protagonizada por Harrison Ford.

Un asesinato terrible trastocará la fiscalía de Chicago cuando uno de sus miembros se convierta en el máximo sospechoso de un crimen. El responsable de esta ficción es nada más y nada menos que David E. Kelley, creador, entre otras de Ally McBeal o Big Little Lies.

Estreno: 12 de junio de 2024

‘Clanes’ (Netflix)

El guionista de cabecera de cineastas como Álex de la Iglesia, Daniel Calparsoro o Daniel Monzón se estrena como showrunner en esta serie dirigida por Rogel Gual y protagonizada por Clara Lago y Tamar Novas que tiene lugar en Galicia.

Una joven abogada llegará a un pueblo de Cambados y su presencia no pasará desapercibida, sobre todo para el hijo de uno de los mayores narcotraficantes de la zona. Completan el reparto María Pujalte, Diego Anido y Chechu Salgado. Drogas y amores al más puro estilo Fariña.

Estreno: 21 de junio de 2024

Antes de que un periodista siquiera lanzara una pregunta, Emma Stone y Yorgos Lanthimos escupen una serie de respuestas superpuestas.

“Tenemos una relación estupenda”, comienza Lanthimos. ‘”Nos encanta trabajar juntos”, añade Stone. “Fue genial hacer una pieza moderna”. “Volviendo a algunas de las primeras cosas”, dice Lanthimos. “Un retroceso”, dice Stone. “Nuestra relación ha evolucionado con el tiempo”, añade Lanthimos.

“Totalmente”, dice Stone.

Stone y Lanthimos ya han perfeccionado su discurso. Están apenas alejados de la campaña del Oscar por Poor Things, que culminó con cuatro premios de la Academia, incluido el de mejor actriz para Stone . Apenas dos meses después, vuelven a estar juntos en el Festival de Cine de Cannes con Kinds of Kindness, su tercer largometraje juntos y su cuarta película, contando el cortometraje de 2022 Bleat.

“Tenemos un doble acto”, se encoge de hombros Stone.

Su colaboración se ha vuelto ahora tan regular y los temas de conversación tan programados que sería fácil darlo por sentado. Minutos antes de sentarse para una entrevista en Cannes, salió un comunicado de prensa con la noticia de que Lanthimos y Stone pronto comenzarán a filmar otra película juntos, titulada Bugonia.

Por muy opuesto que parezcan (uno es una estrella de 35 años de Arizona, el otro un cineasta de autor de 50 años de Atenas), rápidamente han formado una de las asociaciones entre director y actor más fuertes de las películas, una colaboración basada en un sentimiento compartido de absurdo y una voluntad de ir, a toda velocidad, a lugares muy extraños.

Para Stone, la conexión que siente con Lanthimos no es tan diferente a la que siente con Nathan Fielder, el comediante sombrío e inexpresivo de The Curse.

“No digo esto a la ligera, aunque sé que es fácil usar esta palabra con ligereza: ambos son genios”, dice Stone. “Ellos son. Creo que es algo innato. Realmente no se puede enseñar ni describir. Es solo una forma de ver la sociedad y las personas. De hecho, ambos se sienten atraídos por temas como “¿Por qué esta estructura social es así?” “¿Por qué tenemos estas reglas?” “¿Cómo se supone que debemos funcionar dentro de ellos?”,

Se puede captar una actitud similar en la andanada inicial de respuestas de Lanthimos y Stone a preguntas no formuladas, desarmando los ritmos habituales de una entrevista. O en cómo Stone, la estrella de cine, constantemente se debilita a sí misma con un sarcasmo autocrítico.

Pero la mayoría puedes verlo juntos en sus películas. La agresiva farsa de época de La favorita. La experiencia infantil de Bella Baxter con las costumbres sociales en Poor Things. En Kinds of Kindness, un tríptico de historias extremas sobre relaciones controladoras, Lanthimos, que trabaja nuevamente con el guionista Efthimis Filippou, continúa con sus exámenes idiosincrásicos de la conformidad social.

“Me inspiré leyendo Calígula, de Camus”, dice Lanthimos. “Comencé a pensar en el control de un hombre sobre la vida de otras personas. Luego pensé que sería interesante explorar a un nivel más personal cómo se sentiría tener a alguien en control total de tu vida, incluso en el más mínimo detalle”.

Kinds of Kindness, que Searchlight Pictures estrenará el 21 de junio en los cines, fue una oportunidad para Stone (aparte de Bleat) de trabajar con Lanthimos al estilo de sus películas anteriores (The Lobster, The Killing of a Ciervo Sagrado) con Filippou.

“Era la oportunidad de estar finalmente en esa versión de la mente de Yorgos”, dice Stone. “Antes de conocerlo, obviamente, esos eran los únicos que había visto”.

Los dos habían discutido hacer Kinds of Kindness antes de Poor Things, pero la filmaron después de su película ganadora del Oscar durante su largo proceso de postproducción debido a la gran cantidad de efectos especiales de la película.

“¿Recuerdas que hicimos esto lo más rápido que pudimos porque estábamos como, ‘No sé qué diablos va a pasar en Poor Things?’”, le recuerda Stone a Lanthimos.

“Todos los días, después del trabajo, hablábamos de ello. ¿Cómo fue? ¿Viste las prisas? ¿Qué opinas?” continúa Stone. “Y él dice: ‘Esto es un desastre’. Todos los días. Y yo decía: ‘Está bien, eso es lo que pensé’”.

Alternativamente, Kinds of Kindness, dice Stone, “fue libre y feliz y a todos les encantará”.

Esto podría resultar sorprendente para cualquiera que haya visto Kinds of Kindness, de tres horas de duración, que utiliza en gran medida la misma compañía de actores en las tres historias. (Entre ellos: Jesse Plemons, Willem Dafoe y Margaret Qualley.) Las tres partes llevan historias de equilibrio entre vida personal y laboral, sospechas conyugales y abuso sexual hasta extremos severos y surrealistas.

Para Stone, Kinds of Kindness extiende una serie de proyectos audazmente poco convencionales, incluidos The Curse y I Saw the TV Glow, de Jane Schoenbrun, que ella produjo, en un momento en que Stone podía, por sí misma, ayudar a dar luz verde a casi cualquier cosa. .

“El denominador común de las cosas en las que he participado es que son cosas que quiero ver”, dice Stone. “Ese es el único indicador que tengo. Si no es algo que yo diría: ‘Tengo que ir a ver esto el día que salga’, entonces probablemente no sea una buena opción para mí”.

Pero ella y Lanthimos pueden estar cambiando el estándar de lo que constituye “convencional”. Los extremos brutales de Kinds of Kindness han llevado a algunos, al compararlo con Poor Things, haciendo referencia al último –un cuento descaradamente profano sobre la mayoría de edad sobre una mujer muerta reanimada con el cerebro de un niño– como si fuera una especie de deleite para todos los públicos.

“Es muy divertido escuchar a la gente hablar de Poor Things como en la película convencional que hicimos”, dice Lanthimos, sonriendo. “Me irrito un poco, pero luego digo, no, espera, es genial que la gente considere Poor Things como algo normal. No pudimos hacerlo durante 12 años”.

Sin embargo, en este punto, la colaboración de Stone y Lanthimos es tan continua que los proyectos pueden fusionarse entre sí. Tomemos como ejemplo el baile ya viral de Stone en Kinds of Kindness, un momento que aparece en los avances de la película. Inicialmente, eso era algo que Stone estaba haciendo entre escenas de Poor Things.

“Ella ponía una canción y bailaba como loca”, dice Lanthimos. “Le dije: ‘Quiero que hagas esto en Kinds of Kindness”.

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Fuente: AP. Fotos: Vianney Le Caer (Invision/AP) y REUTERS (Clodagh Kilcoyne).

Tras el éxito de Pobres Criaturas (Poor Things, 2023) que consiguió un total de 11 nominaciones en la última edición de los Premios Oscar y se convirtió en una de las grandes favoritas del año, Yorgos Lanthimos volverá a trabajar con Emma Stone en Bugonia. Este proyecto, que también contará con Jesse Plemons, se tratará de un remake de Save the planet, la popular comedia oscura surcoreana de 2003.

El anuncio llega pocas horas después de la presentación de Kinds of Kindness, el último largometraje del realizador estrenado en Cannes, también protagonizado por Stone y Plemons. Bugonia, que cuenta con el respaldo de Focus Features, se presenta como una comedia ácida e irreverente sobre el poder, la corrupción y el miedo a lo desconocido. La sinopsis oficial revelada por su distribuidora adelanta que su historia seguirá a dos individuos que, obsesionados con la idea de una conspiración, secuestran a la poderosa directora ejecutiva de una gran empresa, convencidos de que es una alienígena que pretende destruir el planeta Tierra.

“Yorgos Lanthimos es un visionario cinematográfico con un estilo singular que ha cautivado al público de todo el mundo. No podríamos estar más emocionados de asociarnos con él, Emma y los increíbles equipos de Element, Square Peg y CJ ENM para reimaginar esta historia retorcida y oscuramente divertida”, declaró el Presidente de Focus Features en un comunicado reciente.

Además del seis veces nominado al Oscar en la silla del director y de Stone (en el doble rol de protagonista y productora), Bugonia cuenta con un libreto a cargo de Will Tracy. Entre los créditos de este último se encuentran la escritura de varios episodios para la aclamada serie de HBO, Succession, y la película The Menu (2023) con Anya Taylor-Joy.

Save the Green Planet, la película en la que se basará lo nuevo de Lanthimos, se estrenó en 2003, llevándose numerosos elogios tras su paso por festivales. Desde entonces ha sido considerada como una de las cintas clave en propulsar la popularidad del cine surcoreano. Por el momento, Bugonia no cuenta con una fecha de estreno, pero se espera que su rodaje se inicie a mediados de año en Inglaterra y Nueva York.

Kinds of Kindness son los verdaderos relatos salvajes. El Festival de Cine de Cannes fue testigo el viernes por la noche del estreno de la nueva película del director Yorgos Lanthimos. Protagonizada por Emma Stone, el filme presenta una antología de extravagantes historias que oscilan entre los cultos sexuales, el canibalismo y el libertinaje.

Estructurada como tres historias distintas que escalan en intensidad, la obra impactó al público, especialmente después del segundo capítulo por su explosivo contenido sangriento.

La trama retoma el estilo vanguardista y provocador por el que es conocido Lanthimos. Entre las escenas descabelladas destaca un ritual donde se muestra a Hong Chau lamiendo el sudor de sus seguidores como parte de un ritual, además de la historia de un hombre convencido de que su esposa es una especie de alienígena, y secuencias de sexo grupal.

El largometraje también incluye escenas culinarias perturbadoras, así como momentos de mutilaciones y violencia gráfica que pueden resultar perturbadores. Pero incluso con todo los elementos brutales proyectándose en la pantalla, el humor absurdo del cineasta griego logró arrancar varias carcajadas del público de Cannes.

Culminado los créditos, la recepción fue enérgica. La ovación de pie duró cuatro minutos y medio, y quizá hubiese sido más larga si tanto el director como su elenco, entre ellos Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley, y Joe Alwyn, no hubiesen abandonado la sala mientras aún resonaban los aplausos.

Aunque no brindaron declaraciones al público, previo al debut, las estrellas desfilaron por la alfombra roja. Lanthimos estuvo acompañado por Stone, su actriz principal en Pobres criaturas, junto a Dafoe, Plemons, Alwyn, Chau, Mamoudou Athie y Qualley. Entre los asistentes estuvieron Demi Moore, Mike Faist de Challengers, Eva Green y Chloe Fineman.

Lanthimos no es un extraño en Cannes; anteriormente estrenó películas como Langosta y El sacrificio del ciervo sagrado. Sin embargo, sus trabajos más recientes, como La favorita y Pobres criaturas debutaron en el Festival de Cine de Venecia, funcionando como trampolín para el éxito en la temporada de premios. Esta última logró llevarse cuatro premios Oscar en la ceremonia de 2024.

Desnudez y feminismo

En una rueda de prensa del sábado 18 de mayo, la favorita de Lanthimos, Emma Stone, recibió múltiples preguntas sobre protagonizar estas películas que muestran desnudez explícita y su relación con el feminismo.

“Soy feminista, haya activismo o no. Cuando se trata de estas historias, son simplemente obras que me resultan interesantes como actriz. El mundo es interesante y es algo que quiero explorar. Soy feminista y me gusta trabajar con Yorgos Lanthimos”, subrayó.

Por su lado, el cineasta extendió la conversación sobre las escenas obscenas y mencionó que para él “el físico resulta muy importante”, así como “el lenguaje corporal”. “Muy a menudo parto de eso. Nuestro proceso de ensayo siempre comienza con lo físico en lugar de intelectualizar las cosas. Mucho de ello es oscuro, ridículo e incómodo, tratamos de informar todo eso”, señaló.

La protagonista de La La Land lo respaldó y agregó: “Realmente no discutimos intelectualmente lo que está sucediendo porque ellos están orientados físicamente y él quiere bailar. Nuestro trabajo como actores es aportar más al personaje a través del aspecto físico. Así es como lo entiendo y por eso me siento muy cómodo y feliz siendo una persona en un cuerpo. Confío en él [Lanthimos] más de lo que he confiado nunca en ningún director”.

Actualmente, el título mantiene un puntaje de 95% en Rotten Tomatoes. En las primeras reseñas de la prensa, el diario The Guardian la describió como un “tríptico macabro y absurdo”, mientras que la revista Variety la llamó una “mezcla curiosa destinada a desconcertar y deleitar”.

Searchlight Pictures distribuirá Kinds of Kindness y fijó su estreno en los Estados Unidos el 21 de junio de 2024. Se espera que el filme llegue a América Latina y España en una fecha cercana.