La cinta de drama ‘Pasajero’ llegaría a las salas de cine en nuestro país a inicios de abril de este año, pero se retrasó la fecha oficial de estreno.

El filme está protagonizado por Alexander Skarsgård, quien participó en filmes como ‘La leyenda de Tarzán’ y ‘El dador de los recuerdos’, y Harry Melling, más conocido por ser el primo molesto de Harry Potter en la saga de películas del mismo nombre.

‘Pasajero’ se estrenaría originalmente este miércoles 1 de abril, de acuerdo con lo indicado por los complejos cinematográficos del país, pero la fecha de estreno fue retrasada sin que hasta el momento se sepa el motivo por el cual se pospuso.

Las cadenas de cines revelaron la nueva fecha en la que la película llegaría a las distintas pantallas grandes de nuestro país.

Nueva fecha de estreno de ‘Pasajero’ en México

La nueva fecha de estreno de ‘Pasajero’ en México será este jueves 16 de abril en todas las salas de cine de nuestro país.

Hasta el momento se desconoce en qué formatos llegará el nuevo filme de drama.

¿De qué trata la película de ‘Pasajero’?

La película Pillion explora la relación entre Colin, un joven introvertido que vive con sus padres en Londres, y Ray, un misterioso motociclista con quien inicia un vínculo de dominación y sumisión.

El filme presenta cómo Colin, interpretado por Harry Melling, se convierte en el compañero sumiso de Ray, interpretado por Alexander Skarsgård, adaptando su vida a los deseos y reglas de su pareja.

A lo largo de la historia, Colin se enfrenta a dilemas emocionales y familiares. Su madre, enferma terminal, y su padre muestran preocupación por el cambio en su comportamiento y por la naturaleza de la relación.

El guion aborda el descubrimiento sexual y la búsqueda de límites personales, reflejando el proceso de autoconocimiento de Colin.

El filme, basado en la novela "Box Hill" de Adam Mars-Jones, utiliza el contexto del BDSM para retratar la construcción de identidad y poder en las relaciones.

La narrativa enfatiza la evolución de Colin, quien pasa de ser un seguidor pasivo a entender sus propias necesidades y a negociar sus reglas.

La película combina escenas íntimas y momentos de humor, mostrando el trayecto hacia la autoafirmación y la autenticidad personal.

¿Qué temas aborda ‘Pasajero’?

La película Pillion aborda temas centrales sobre la identidad y los vínculos humanos.

• Descubrimiento sexual: Explora el proceso de autoconocimiento de Colin a través de la relación BDSM con Ray.
• Poder y sumisión: Analiza las dinámicas de control, obediencia y negociación en la pareja.
• Familia y aceptación: Muestra el impacto de la relación en el entorno familiar y la búsqueda de aceptación.
• Autoafirmación: Refleja el camino hacia la autenticidad personal.

El personaje de Fedra recibe una segunda oportunidad para enfrentar su destino y revivir los episodios fundamentales de su vida, con el conocimiento pleno de las experiencias que marcaron su existencia. Dentro de este enfoque, “Fedra en los infiernos” presentará en el Festival de Teatro Clásico de Mérida una versión revisada del mito, combinando la dimensión onírica y la influencia de Las Moiras, figuras asociadas al destino en la mitología griega. Según informó la organización del festival, esta nueva propuesta escénica, escrita y dirigida por José María del Castillo, tendrá su estreno el 12 de agosto y permanecerá en cartel hasta el 16 de ese mes, con una puesta en escena que busca reinterpretar el universo clásico desde una visión contemporánea.

Tal como publicó el medio sobre la programación del Festival de Teatro Clásico de Mérida, la actriz Lydia Bosch regresará al teatro después de 37 años de ausencia, asumiendo el papel protagonista en este montaje. Tras décadas dedicada principalmente a televisión y cine, Bosch ocupa el centro del escenario en una obra que explora nuevas dimensiones en la psicología de su personaje. En palabras recogidas por la organización, Bosch manifestó que esta versión de Fedra “permite conectar con la parte más profunda y disfrutona como actriz y poder crear una Fedra humana, vulnerable, poderosa, dubitativa y libre, con sus luces y sus sombras, sus miedos y represiones”.

La dirección de José María del Castillo plantea una mirada fresca sobre el mito clásico, ofreciendo al público una experiencia donde la vulnerabilidad y la sensibilidad adquieren protagonismo. Según detalló Del Castillo, este montaje aborda “desde una perspectiva contemporánea, y especialmente sensible y vulnerable, a este gran personaje”. La dramaturgia gira en torno al regreso de Fedra a la vida, guiada por Las Moiras, quienes marcarán el desarrollo onírico de la narración y abrirán la puerta a una relectura de los acontecimientos tradicionales asociados al mito.

El elenco principal incluye, junto a Lydia Bosch, a los intérpretes Julio Peña y Alejandro Albarracín. Completan el reparto Marta Calvó, Antonio Albella, Eva Diago y Yaiza Marcos, quienes aportarán a la construcción coral de la historia. De acuerdo con el equipo de la producción, el espectáculo integrará a todos estos actores en una serie de escenas que buscarán profundizar en los vínculos personales y las disputas internas de los personajes, favoreciendo un acercamiento humano y actual al relato.

La propuesta técnica de la obra también ha sido cuidadosamente planificada. Según consignó la producción, Anna Tussel se encargará de la escenografía, un elemento fundamental para la ambición estética del montaje, mientras que Florencio Ortiz estará al frente del diseño de iluminación. En lo que respecta al vestuario, la creación ha recaído en Pier Paolo Álvaro y Roger Portal. El maquillaje y la peluquería estarán en manos de Roberto Sigueiro, mientras que las coreografías han sido diseñadas por Benjamín Leiva, y la composición musical corre a cargo de Alejandro Cruz Benavídez, quien aportará la banda sonora original.

El Festival de Teatro Clásico de Mérida, con una larga trayectoria en la puesta en escena de obras emblemáticas de la tradición grecolatina, presentará así un estreno que busca actualizar el diálogo con los clásicos y reflexionar acerca del papel de la mujer en la narrativa mítica. Según la información difundida por la organización, la versión de “Fedra en los infiernos” pretende fusionar elementos del pasado con un tratamiento dramático adaptado al público actual, sin renunciar a los aspectos formales y simbólicos del mito.

La decisión de convocar a Lydia Bosch resalta como uno de los grandes atractivos de la temporada. Bosch, reconocida por su trabajo en diversos ámbitos escénicos, retorna a las tablas después de más de tres décadas, motivada por un personaje complejo cuya puesta en escena requiere una intensa labor actoral. Según reportó la producción, la actriz ha preparado el rol con un enfoque en las contradicciones internas de Fedra y la gama de emociones que implica retratar un mito que interpela tanto a la tradición como a la actualidad.

La obra forma parte de la línea de programación del festival que promueve la revisión e innovación de los textos clásicos, acercándolos a públicos diversos y favoreciendo nuevas lecturas. El montaje renovará la iconografía habitual, integrando elementos visuales y sonoros contemporáneos para acompañar la evolución del personaje en escena, según detalló el festival. La puesta contará así con una conjunción de factores artísticos que buscan potenciar el espacio mítico y el viaje emocional de la protagonista dentro del universo de Mérida.

El retorno de Lydia Bosch y la intervención creativa de José María del Castillo conforman los principales ejes de una propuesta que indaga en la mitología con perspectiva renovada, integrando al elenco y al equipo técnico en una apuesta por la imaginación escénica y la actualización del repertorio trágico clásico, de acuerdo con la información oficial del certamen.

Sylvester Stallone y su perro Butkus protagonizan una de las historias más emotivas de superación en la industria del cine. El actor, conocido mundialmente por sus papeles en Rocky y Rambo, atravesó una dura etapa de precariedad antes de alcanzar el éxito. La relación con su mascota marcó profundamente su vida y su carrera, en una época en la que luchaba por abrirse camino en Hollywood y carecía de recursos para subsistir.

De acuerdo con relatos publicados en medios estadounidenses y entrevistas con el propio Stallone, el actor vivió en condiciones extremas durante sus primeros años en la industria cinematográfica. A comienzos de los años 70, perdió su vivienda y pasó noches en una terminal de autobuses. El único apoyo en ese periodo fue su perro Butkus, un bullmastiff que eligió en honor a una leyenda del fútbol americano. Sin dinero suficiente para alimentarlo, se vio obligado a vender al can por 40 dólares.

La inspiración para el guión de Rocky surgió al ver la película Marcado por el odio, sobre la vida del boxeador Rocky Graziano. Según declaraciones del propio Stallone, escribió el guión en menos de 24 horas y lo ofreció a los productores Irwin Winkler y Robert Chartoff, quienes se interesaron de inmediato y ofrecieron una suma considerable por los derechos.

En ese sentido, el actor aceptó un pago mucho menor con tal de interpretar al personaje principal, ya que insistió en protagonizar la película.

El regreso de Butkus y la oportunidad de “Rocky”

Tras recibir el primer adelanto por la venta del guión, Stallone tomó una decisión determinante: montó guardia durante tres días en la puerta del local donde había vendido a Butkus, localizó al nuevo dueño, le explicó la situación y ofreció una suma considerable para recuperar a su perro.

Finalmente, Stallone pagó 15.000 dólares y logró reencontrarse con Butkus, quien además participó en la película “Rocky” como la mascota del protagonista.

La historia de Butkus y Stallone ilustra la perseverancia y la fidelidad en momentos de adversidad. El actor nunca ocultó el valor emocional de esta experiencia. Según sus propias palabras en entrevistas y redes sociales, la recuperación de su perro representó un símbolo de esperanza y recompensa tras años de esfuerzo.

La película “Rocky” se estrenó en 1976 y transformó la vida de Stallone. El film obtuvo un éxito rotundo en taquilla y recibió diez nominaciones al Oscar, ganando tres estatuillas, incluida la de Mejor Película. El guión y la actuación de Stallone lo catapultaron al estrellato, consolidando su lugar en la historia del cine.

Un ejemplo de lucha personal en Hollywood

La vida de Stallone antes del éxito destaca por sus dificultades económicas y laborales. El actor realizó trabajos ocasionales, actuó como extra en películas sin acreditar y sobrevivió en condiciones precarias.

Asimismo, sufrió rechazos en audiciones, como en El Padrino, y vendió su primer guión bajo condiciones poco favorables. En esos años, la compañía de Butkus le dio consuelo y motivación para seguir adelante.

Stallone financió sus estudios en arte dramático y buscó inspiración en la literatura clásica. Recurrió a bibliotecas públicas y leyó relatos de Edgar Allan Poe para perfeccionar su estilo. Según el propio actor, la figura de Butkus le recordó la importancia de la lealtad y la esperanza en los momentos más duros.

La aparición de Butkus en Rocky añadió autenticidad al personaje y a la historia. El perro, testigo silencioso de la lucha diaria de su dueño, simbolizó el triunfo del esfuerzo y la constancia.

El legado de “Rocky” y la relación con Butkus

El éxito de Rocky marcó el inicio de una de las sagas cinematográficas más influyentes. Stallone, junto a su perro recuperado, mostró que la determinación y el amor propio superan las adversidades. La historia personal del actor inspiró a generaciones y se convirtió en referencia para quienes persiguen sus sueños pese a las dificultades.

La relación entre Stallone y Butkus, reconstruida después de tiempos difíciles, destaca como un ejemplo de superación y afecto incondicional. La vida del actor cambió radicalmente tras el estreno de Rocky, pero nunca olvidó los sacrificios que lo llevaron hasta allí. El vínculo con su mascota representa la recompensa al esfuerzo y la fidelidad que trasciende la pantalla.

La autenticidad y el carisma de Williams convierten a su personaje, Gaby, en el eje de la historia, según relató la actriz en una entrevista con Rolling Stone.

En una cancha de baloncesto en Glendale, California, Williams despliega la energía que la distingue dentro y fuera de la pantalla. “La atracción de ‘Shrinking’ es que son personas con las que quieres pasar el tiempo”, declaró la actriz, quien añadió: “No es una serie cool, entre comillas. Es una serie accesible y tierna”.

Williams aporta a Gaby una riqueza emocional inspirada en sus propias experiencias. “Siento que el duelo me ha cambiado, la vida es corta y ahora solo quiero decir lo que no me deja dormir. Me resulta liberador estar en ese espacio en televisión. Me da libertad para ser yo misma”, afirmó.

La conexión del elenco se produjo de inmediato desde la primera lectura del guion, según Jason Segel. “La energía de esa reunión fue: ‘Jessica Williams nunca va a dejar caer la pelota’”, explicó el actor principal a Rolling Stone.

Michael Urie, compañero de reparto, resaltó la capacidad de Williams para improvisar: “Es la mejor improvisadora con la que he trabajado”.

Trayectoria personal: talento, duelo y autenticidad

Nacida en Los Ángeles, Williams eligió el teatro desde pequeña, prefiriéndolo por encima de los deportes. Asistió a la universidad y luego se integró a la famosa compañía de improvisación Upright Citizens Brigade. Con solo 22 años, fue la corresponsal más joven en la historia de The Daily Show.

En 2019, Williams atravesó una etapa difícil por la muerte de su pareja. “Fue como si me hubieran arrancado una parte del alma”, recordó durante la entrevista con Rolling Stone.

“Me cambió profundamente. Ahora me considero más sensible, lloro por todo: cuando estoy feliz, cuando mi perro hace algo tierno, y cuando estoy triste o molesta”, aseguró la actriz. Y agregó: “Como mujer negra, me siento triste y molesta casi todo el tiempo. Pero tuve que incorporar eso en mis elecciones de vida y en mi trabajo como actriz”.

Este proceso llevó a Williams a definirse como una persona y una intérprete con un cartel de “manéjese con cuidado”. “Siempre estamos de duelo. Creo que el proceso es aprender a estar cómodo con la incomodidad”, reflexionó.

La conexión con Shrinking fue inmediata cuando los creadores le propusieron construir a Gaby considerando su sensibilidad. “Bill Lawrence quería que Gaby fuera para mí. Querían que aportara mi forma de sentir para dar vida a este personaje. Eso es muy especial”, señaló.

El efecto Williams: reconocimiento, éxito y filosofía vital

El avance de la serie fue progresivo, logrando nominaciones al Emmy tanto para Williams como para Jason Segel, Harrison Ford y Michael Urie, así como una nominación a mejor comedia. “A veces es difícil no ser una sensación instantánea, pero agradezco que haya sido un éxito que va creciendo poco a poco. No sé si uno es más feliz siendo superfamoso, no sé cómo afecta eso mentalmente”, manifestó.

La actriz prefiere mantener un perfil bajo y disfrutar de una vida tranquila, paseando a su perro o dedicándose a pasatiempos lejos de los reflectores. “Creo que por haber crecido aquí, me mantengo alejada del negocio en ese sentido. Sufro mucha ansiedad social. Llego a una fiesta, me tomo unas fotos, me voy a casa y luego hablo con mis amigos de siempre”, admitió.

En el trabajo, su naturalidad marca una diferencia notoria. Michael Urie comentó al erspecto: “Le he contado mis problemas y luego recuerdo que no es mi terapeuta real, solo interpreta a uno en la serie”.

Para Williams, parte del atractivo de Shrinking reside en la autenticidad con la que el elenco representa versiones de sí mismos: “La otra vez mi depiladora me preguntó: ‘¿Todos son como sus personajes?’. Es un trabajo de ensueño”.

Nada la intimida al lado de celebridades. Sobre Harrison Ford, relató con humor que pensó que necesitaba ayuda, pero solo estaba comprando ropa y comiendo tacos con un vendedor.

Para Williams, el reconocimiento más valioso llega a través del público. “Estaba en Best Buy y un chico me dijo: ‘No sé de dónde te conozco, pero me inspiras mucha simpatía’. Fue una interacción perfecta”, relató a Rolling Stone.

El medio destaca que, la serie y el personaje de Gaby transmiten una calidez genuina, reflejo directo del espíritu que Jessica Williams imprime en cada capítulo. La autenticidad, la naturalidad y el crecimiento personal definen tanto a la actriz como a la producción que lidera. La conexión emocional con el público es el mayor logro de esta etapa en su carrera.

Amarga Navidad, película del director español Pedro Almodóvar, será una nuevo de sus propuestas, luego de haber dirigido -por primera ocasión- su más reciente cinta en inglés, La habitación de al lado.

Esta semana, las principales cadenas de cine en México, así como productoras que traen los filmes internacionales al país, liberaron el tráiler oficial y dieron a conocer la fecha exacta en que la nueva película estará disponible en la pantalla grande.

En España la cinta llegará a las salas de cine el 20 de marzo, de acuerdo a lo mencionado por El Deseo, productora oficial que lanzará el filme.

Ficha técnica de ‘Amarga Navidad’, nueva película de Pedro Almodóvar

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Guion: Pedro Almodóvar
• Reparto:
• • Bárbara Lennie
  • Leonardo Sbaraglia
  • Aitana Sánchez-Gijón

¿De qué trata ‘Amarga Navidad’, nueva cinta de Pedro Almodóvar?

Elsa trabaja como directora de publicidad y pierde a su madre durante un fin de semana largo en diciembre. Para afrontar la pérdida, Elsa se sumerge por completo en sus tareas laborales, sin permitir espacio para procesar el duelo, buscando escapar hacia el futuro.

Sin embargo, sufre una crisis de ansiedad que la obliga a detenerse y tomarse un respiro.

Bonifacio, su compañero sentimental, se convirtió en su principal apoyo y la ayudó a enfrentar la muerte de su madre. Para dar un nuevo rumbo a su vida, Elsa decide viajar a Lanzarote con su amiga Patricia, quien también busca alejarse por un tiempo de Madrid, mientras Bonifacio permanece en la ciudad.

¿Cuándo será el estreno en México de la película ‘Amarga Navidad’?

De acuerdo con Warner Bros. Pictures, la nueva cinta de Pedro Almodóvar, ‘Amarga Navidad’ llegará a las salas de cine en México en el mes de mayo y la propia productora que traerá la película dio a conocer la fecha exacta.

Será el jueves 28 de mayo cuando ‘Amarga Navidad’ llegue a las salas de cine en México, según lo indicado esta semana en sus redes sociales oficiales.

Breve historia de Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar es un cineasta español reconocido internacionalmente por su estilo distintivo y su influencia en el cine contemporáneo. Nacido en Calzada de Calatrava en 1949, inició su carrera en la movida madrileña y rápidamente se consolidó como una de las voces más originales del cine europeo.

Sus películas exploran temas como la identidad, la sexualidad, la familia y el deseo, abordando historias complejas con personajes profundos y matices emocionales.

Almodóvar ha dirigido títulos icónicos como “Todo sobre mi madre”, “Hable con ella”, “Volver” y “La piel que habito”, obteniendo numerosos premios, entre ellos dos premios Óscar y varios Goya.

Su trabajo destaca por una cuidada estética visual, el uso simbólico del color y guiones con diálogos potentes. Además, ha sido clave para el reconocimiento internacional de actores españoles. Almodóvar es considerado uno de los directores más influyentes del cine moderno.

Según explicó a Rolling Stone, incursionar en el drama y mostrar vulnerabilidad en pantalla le permitió reconectar con el entusiasmo que lo llevó a Nueva York hace 35 años.

La inspiración para el proyecto surgió en una embarcación en Ámsterdam en 2022, donde Arnett conoció a John Bishop, un hombre que atravesaba un divorcio y decidió probar suerte en una noche de micrófono abierto. Bishop compartió su situación personal ante desconocidos y, como relató Arnett, regresó la semana siguiente para repetir la experiencia, sin comentarlo con nadie.

Al cabo de unos meses, las personas a su alrededor notaron un cambio genuino en su ánimo. Para Arnett, esa búsqueda de autenticidad fue el motor para llevar la historia al cine.

Transformar esa vivencia en una película implicó abandonar el molde cómico que lo había definido. El propio Arnett reconoció que no sentía la necesidad de demostrar algo diferente, pero la historia lo impulsó a preguntarse: “¿Por qué no yo?”.

La colaboración de Bradley Cooper, amigo desde hace 20 años, resultó esencial. Cooper, quien también dirigió y coescribió el guion, aportó una visión aguda sobre las relaciones humanas y orientó el enfoque hacia la desconexión en los vínculos de pareja.

El desafío del stand-up y la transformación actoral

Para interpretar a Alex Novak, Arnett debió sumergirse en el circuito real del stand-up neoyorquino, una experiencia inédita para él. Durante seis semanas, se presentó cada noche —hasta tres veces por jornada— en el Comedy Cellar, enfrentando a un público que muchas veces lo reconocía, pero que exigía autenticidad en escena.

Cooper supervisó de cerca el proceso y, en palabras de Arnett, lo animó a no buscar la aprobación del público ni a hacerlos reír, sino a explorar otra forma de presencia sobre el escenario. “Eso me permitió aceptar el silencio y la incomodidad”, admitió el actor.

Aseguró en su entrevista con Rolling Stone que el proceso fue arduo y no estuvo exento de noches frustrantes. Arnett llegó a considerar que, tras experimentar la indiferencia de 50 personas en el público, ya nada podía herirlo de la misma manera. La experiencia, que describió como transformadora, lo llevó a repensar su vínculo con la actuación y el escenario.

A lo largo del rodaje, la frontera entre lo artístico y lo personal se fue desdibujando. Mientras exploraba la crisis matrimonial de Alex, Arnett advirtió que transitaba un proceso propio similar, donde logró dejar atrás el cinismo acumulado durante años y recuperar el entusiasmo de sus primeros días en Nueva York. Según reconoció, este paralelismo fue una coincidencia reveladora que lo impulsó a modificar viejas actitudes.

Fama, autenticidad y un renacimiento artístico

El impacto de Is This Thing On? también modificó la percepción que Arnett tiene sobre su carrera y la fama. Aunque alcanzó notoriedad mundial con personajes como Gob Bluth en “Arrested Development” y en “BoJack Horseman”, el actor remarcó que su objetivo siempre fue actuar y ser tomado en serio, no perseguir el reconocimiento. La comedia, aseguró, surgió como una necesidad económica, no como elección principal.

Respecto a la relación entre visibilidad y autenticidad, Arnett se mostró tajante al afirmar que muchas de las teorías sobre su vida en los medios son simples especulaciones y no lo definen. La motivación esencial detrás de cada proyecto, insistió, siempre fue la búsqueda personal y el placer de experimentar.

“En ‘Arrested Development’ pensábamos que quizá estábamos creando la peor serie del mundo o algo especial; solo nos divertíamos y experimentábamos”, recordó.

En esta nueva etapa, Arnett considera que el cambio trasciende lo profesional y supone una transformación interna significativa. Asegura haber dejado atrás hábitos y posturas que lo definieron durante mucho tiempo, identificando en el recorrido de Alex una apertura que se refleja en su propio crecimiento como intérprete y como persona.

El rodaje, realizado en apenas 33 días y con bajo presupuesto, fue vivido por Arnett y su círculo cercano como una experiencia profundamente íntima.

La revitalización de Will Arnett con Is This Thing On? va más allá de cualquier logro artístico; reside en la energía y el entusiasmo renovados por su oficio. El proceso creativo de esta película significó para él un renacimiento auténtico, inspirándolo a encarar futuros desafíos tanto en el cine como en su vida personal. La búsqueda de autenticidad, el riesgo y la transformación artística definen esta nueva etapa.

La cartelera de cines incorporará novedades vinculadas a hechos noticiosos recientes junto a relatos de búsqueda personal y reconciliación íntima. De acuerdo con los detalles reportados por el medio, la película “Papeles” se inspira en el caso de los Papeles de Panamá y retrata las consecuencias del escándalo desde la perspectiva de Ana, directora jurídica de un importante despacho internacional. La protagonista, encarnada por Megan Montaner, se convierte en objetivo de una investigación por blanqueo de capitales y, tras huir del ataque mediático y judicial, enfrenta aislamiento familiar y personal al esconderse en la selva. Esta producción cuenta también con Carlos Bardem y Antonio Dencent, bajo la dirección de Arturo Montenegro.

Según lo publicado, la cartelera de este puente incluye estrenos de géneros terror, acción y drama, mientras destaca la llegada de la secuela de “Five Nights at Freddy’s”, cinta animatrónica dirigida por Emma Tammi. Tras convertirse en 2023 en la película de terror con mayor recaudación basada en un videojuego, la nueva entrega presenta a Josh Hutcherson, Elizabeth Lail y Matthew Lillard entre sus protagonistas, junto a Freddy Carter, Skeet Ulrich, Theodus Crane, Teo Briones, Aubrey Brockwell y David Andrew Calvillo. “Five Nights at Freddy’s 2” expande el universo de horror ambientado en locales de entretenimiento con figuras animatrónicas implicadas en hechos siniestros.

Asimismo, tal como consignó el medio, el thriller español “Golpes”, dirigido por Raba Cobos, introduce a Luis Tosar y Jesús Carroza como figuras centrales. La trama se sitúa en la España de inicios de los años 80, relatando la historia de Migueli, interpretado por Tosar, quien tras salir de prisión busca restablecer su vida y afrontar heridas del pasado. La necesidad apremiante de recursos económicos desemboca en acciones que reabren vínculos y dilemas del entorno que dejó atrás, mostrando los cambios sociales y personales de la época.

El medio también detalló que los estrenos incluyen propuestas de géneros diversos. La película noruega “Valor sentimental”, bajo la dirección de Joachim Trier, explora la complejidad de las relaciones familiares frente a una pérdida significativa. El filme, protagonizado por Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning, investiga la capacidad de dejar atrás el dolor y reintegrar la vida familiar tras una crisis. El tratamiento íntimo y dramático de Trier ahonda en discusiones sobre memoria, olvido y reconstrucción de lazos.

La comedia romántica “Me has robado el corazón”, dirigida por Chus Gutiérrez y con actuaciones de Óscar Casas y Ana Jara, presenta una historia que combina romance, persecución policial y elementos de “road movie”. Eric, joven ingeniero, conoce a Vera por una aplicación de citas y la convence para conducir mientras huye hacia Galicia tras cometer un atraco bancario en Madrid. La persecución policial añade tensión y contexto mientras los protagonistas tratan de encontrar sus propios propósitos en el viaje.

Por otra parte, “Playa de lobos” suma a su elenco a Guillermo Francella y Dani Rovira en una propuesta que fusiona comedia y misterio. El desarrollo gira alrededor de Manu, trabajador de un chiringuito de playa, quien descubre que Klaus, un turista aparentemente rutinario reacio a abandonar una tumbona, oculta motivaciones que alteran la convivencia. La sospecha de Manu sobre la verdadera razón de la presencia de Klaus genera una dinámica de desconfianza y gradual desvelamiento de identidades.

“La tierra de Almira”, bajo la dirección de Roberto Jiménez, propone un análisis social a partir del encuentro de generaciones y mundos opuestos dentro de la España interior. El largometraje refleja las dificultades para salvar la brecha entre las zonas rurales en proceso de despoblación y el entorno urbano que desconoce sus condiciones. Además, pone en juego tensiones culturales y religiosas, mostrando los intentos por mantener la agricultura y la vida comunitaria como parte esencial de la diversidad nacional.

Para los más pequeños, el medio informó sobre el estreno de “200% Wolf. Pequeño gran lobo”, donde Freddy Lupin regresa en una nueva aventura animada, consolidando el perfil familiar de la programación. Junto a este lanzamiento, la película “Tommy Tom. En busca del peluche perdido” fortalece la apuesta de los cines por el entretenimiento infantil durante el puente.

Con el estreno simultáneo de estos títulos, las salas proponen una variedad de opciones que abarcan desde temáticas sociales inspiradas en hechos de repercusión mundial hasta relatos de acción, road movies y propuestas de animación para distintos segmentos del público, según detalló la información suministrada por el medio.

Una de las películas mexicanas más importantes de la década de los noventas volverá a las salas de cine para un reestreno especial por su aniversario número 30.

Se trata de El callejón de los milagros, película protagonizada por Salma Hayek, Bruno Bichir, María Rojo, Ernesto Gómez Cruz, Juan Manuel Bernal, Tiare Scanda, entre otros artistas reconocidos del cine mexicano. Es dirigida por Jorge Fons.

La noticia fue informada por la casa productora que reestrenará la película. Esta misma noticia fue confirmada por algunos actores que participaron en la cinta que mezcla el drama y el suspenso.

La cinta fue estrenada por primera vez en 1995 y tres décadas después viene para nuevamente ser exhibida en salas de cine de México.

Otros actores como Juan Manuel Bernal también compartieron a través de sus redes sociales oficiales y con emoción el reestreno de la cinta. De igual manera, Bruno Bichir, quien ha sido reconocido por su talento en la pantalla chica y grande también habló sobre la llegada de El callejón de los milagros nuevamente a salas de cine.

Cabe destacar que el filme mexicano será reestrenado en una versión remasterizada en 4K.

El callejón de los milagros ya tiene fecha de reestreno en todas las salas de cine en México de los distintos complejos cinematográficos para festejar su 30 aniversario.

¿De qué trata El callejón de los milagros, película mexicana que será reestrenada en versión remasterizada en 4K?

El Callejón de los milagros es una película mexicana dirigida por Jorge Fons y estrenada en 1995. La historia, inspirada en la novela homónima de Naguib Mahfuz, se traslada a un barrio popular de la Ciudad de México.

La trama retrata la vida de los vecinos de un callejón, mostrando sus aspiraciones, conflictos y relaciones a través de una estructura narrativa fragmentada que presenta la misma historia desde diferentes perspectivas.

La cinta se enfoca en varios personajes, entre ellos Alma, una joven con deseos de superación; Don Ru, dueño de la cantina y figura central del barrio; Susanita, administradora de la vecindad, y Abel, un joven humilde enamorado de Alma.

A partir de sus historias cruzadas, la película aborda temas como el amor, la traición, la lucha de clases, la violencia y las expectativas sociales.

El Callejón de los milagros recibió múltiples reconocimientos y es considerada una obra relevante dentro del cine mexicano, por su mirada coral y su retrato de la vida urbana y las problemáticas sociales de la época.

El certamen abrió sus puertas el pasado día 13 en la megalópolis oriental china y se prolongará hasta este domingo, 22 de junio, un día después de la gran gala en la que se repartirán las estatuillas conocidas como 'cáliz de oro'.

En el marco de este evento, el Instituto Cervantes de Shanghái organizó hoy una recepción para directores, productores y actores de las mencionadas producciones hispanohablantes. Según la prensa local, la presencia iberoamericana de este año es la mayor en la historia del Festival.

Las miradas estarán puestas en 'Los renacidos', ya que Argentina puso el listón bien alto el año pasado: el drama 'Adulto', dirigido por Mariano González, obtuvo el gran premio del jurado, el segundo mayor honor repartido en esta competencia.

El jurado calificó aquel filme como "una película reseñable que revela, con urgencia, tensión y verdad, la degradación social de un país a través de la mirada de un adolescente que debe entender cómo tratar con adultos".

"Participar de una competencia oficial como esta supone un muy buen lugar para la película. Si nos vamos con algo, muchísimo mejor, pero (...) estamos preparados para cualquiera de los panoramas, irnos con algo o irnos sin nada. Nos vamos muy contentos de estar viviendo esta experiencia tan increíble", apuntó hoy en declaraciones a EFE Santiago Esteves, director de 'Los renacidos'.

Este filme, encuadrado en los géneros de suspense y drama, sigue la historia de dos hermanos distanciados que entran en el negocio de ayudar a personas a fingir su propia muerte, donde una compleja operación pone sus vidas en peligro.

"En un país y en un continente con una tradición de género tan poderosa, nos interesa mucho mostrara nuestra película y ponerla en discusión con una tradición cinematográfica muy sólida como la asiática", explicó Esteves.

También está seleccionada en la competición principal 'Después de la niebla', dirigido por Miriam Heard, un drama histórico sobre las experiencias de los chilenos tras el plebiscito en 1988 que puso en marcha la transición a la democracia después de la dictadura de Augusto Pinochet.

En la categoría de documentales se hallan 'Brigada 2045' (Olivia Luengas), obra que sitúa a un grupo de brigadistas forestales que se enfrentan a una oleada de incendios en las inmediaciones de una de las metrópolis más grandes de Latinoamérica en 2045, y 'Constanza' (Agustín Márquez), que sigue la historia de un escultor que decide hacer una escultura diferente al resto de sus trabajos y trabaja con una joven modelo con la que va entablando relación.

"He intentado hacer una película que trata de la contemplación, de la búsqueda de la belleza y de la sencillez. (...) Tengo mucha curiosidad por cómo se lo va a tomar el espectador aquí en Shanghái; es una película tratada con cierta sencillez, puede tener algunas reminiscencias de cine asiático", afirmó Márquez.

Cerrando la presencia hispana y duplicando la española se sitúa el corto 'La font de la memòria', que narra el reencuentro de los protagonistas en busca de una mitológica fuente que restauraría los recuerdos perdidos, ya que ambos han olvidado quiénes eran el uno para el otro. EFE

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Este reestreno conmemora uno de los mayores hitos del cine mudo, y devuelve al público la oportunidad de disfrutar en pantalla grande de una obra que marcó un antes y un después en la historia del séptimo arte.

El pasado Festival de Cannes inauguró su sección Cannes Classics con la proyección de este clásico estrenado en 1925 en Estados Unidos, que narra las desventuras del entrañable vagabundo Charlot en busca de fortuna durante la fiebre del oro en Alaska.

La acción se desarrolla en Klondike, a finales del siglo XIX. Los aventureros parten hacia las montañas nevadas en busca de vetas de oro y entre ellos está Charlot, que se refugia un día tormentoso en una cabaña aislada donde conoce a otros dos buscadores de oro.

De regreso a la ciudad con las manos vacías, el hombrecillo conoce a Georgia, de quien se enamora.

Chaplin combinó en esta obra maestra comedia, drama y crítica social con una sensibilidad única. Escenas como 'el baile de los panecillos' o la 'cena del zapato hervido' forman ya parte del imaginario colectivo del cine universal.

En 1942, Chaplin reestrenó la película con banda sonora compuesta por él mismo y narración en 'off', logrando dos nominaciones al Óscar.

En 1992, fue incluida en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por su relevancia cultural, histórica y estética; y figura entre las mejores películas de todos los tiempos en múltiples clasificaciones. EFE

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Santiago de Compostela, 26 may (EFE).- Tras obtener el premio del Jurado en el festival de Cannes con 'Sirât', el cineasta Oliver Laxe ha querido compartir su triunfo "en casa", con el preestreno anoche de la película en Navia de Suarna y su proyección y posterior rueda de prensa este lunes en Santiago.

Los medios de comunicación han asistido esta mañana al visionado de un filme que no ha dejado a nadie indiferente tras su paso por Cannes y tampoco en Galicia, donde se recibió anoche con entusiasmo por cientos de personas que se reunieron en Navia de Suarna, el lugar en el que Laxe reside y donde rodó su anterior largometraje, 'O que arde'.

"Ya había ido más veces a Cannes, pero nunca me había sucedido lo que me sucedió con 'Sirât'. Sentimos cómo la película removía al espectador. Estamos hablando de Francia, un país muy cartesiano, donde hablan mucho de cine y analizan muy bien, pero con 'Sirât' no eran capaces de analizar verdaderamente lo que sentían. Eso me parecía muy buena señal", ha declarado el director.

A él le acompañaban este lunes en Santiago el actor Sergi López, protagonista de la cinta, y el productor Xavi Font, que han refrendado sus palabras y han señalado que "era evidente" el impacto que generó en Cannes una película que llegará a las salas españolas el próximo 6 de junio.

"La gente hablaba de que hacía muchos años que no tenían una experiencia cinematográfica así", ha dicho Laxe, mientras que López ha destacado que "después de nueve días" la gente "no olvidaba" la cinta.

"Confío en el cine y en el poder de las imágenes. Sé que muchos que vayan a ver la película saldrán de la sala y dirán 'qué paranoia' o 'qué se tomó el director'. Pero confío en que esas imágenes les penetrarán y quedarán dentro de ellos y que querrán ir a ver otra película de estas, hechas con alma", ha agregado el director.

Según ha dicho, 'Sirât' trata de alguna manera de "conectar" con la gente "joven" que muchas veces están faltos de "referentes, especialmente espirituales".

"Necesitamos obras que tengan luz, que nos den esperanza, que nos hagan crecer", ha manifestado el autor de una película que sigue a un hombre que viaja con su hijo pequeño a Marruecos para buscar a su hija desaparecida en un extraño ambiente de 'raves' en el desierto y que conecta "con el deseo de otro mundo posible".

Laxe ha definido 'Sirât' como un largometraje con tintes de 'road movie' y cine 'survival'. Pero sobre todo es un drama con altas dosis de "suspense" que hacen de ella "un espectáculo para ir a ver al cine".

"Lo que pasa en una sala de cine es increíble, en comunión, en comunidad. Hay una energía totalmente diferente a ver una película en casa. No solo por las condiciones de proyección, también por cómo las imágenes pueden penetrar en nosotros".

Así ocurrió en Navia de Suarna, donde decidieron proyectar la película tan solo un día después del palmarés de Cannes.

"Nos parecía muy simbólico comenzar en casa. Si tengo que estrenar algo, tengo que hacerlo en mi casa, donde sé que puedo invitar, que mi gente me va a cuidar, fue una noche preciosísima", ha afirmado Laxe, que acostumbra a hacer "de la periferia el centro" y consideraba que "lo natural" era llevarla primero allí.

"Me hubiera parecido injusto venir de Cannes y llegar directos a Madrid con el premio, cuando yo soy de aquí", ha añadido; mientras que el productor Xavi Font ha asegurado que estrenar en Navia fue "la mejor manera de arrancar", debido al "estallido de emoción" que se produjo entre los vecinos que acompañaron el preestreno.

Allí estaba todo dispuesto para su llegada, incluso con "un plato caliente" esperándoles. Laxe reconoce que cada proyección es "diferente" y que una carpa "no es el mejor sitio" para mostrar su película, aunque da más importancia "al gesto": "Confío mucho en el espectador. No es tanto lo que la gente diga, sino cómo afecta al ser humano", ha manifestado.

'Sirât', que es en contenido y forma una película "muy diferente" a 'O que arde' -su particular homenaje a Os Ancares-, brilló con luz propia en un pequeño pueblo como Navia, en el que sobre todo viven personas mayores, que la recibieron con alegría a pesar de la dureza de las imágenes.

"Muchas veces la gente mayor entiende mejor mi filosofía de vida que la gente joven. La vida nunca llama a la puerta, nunca avisa cuando te quiere decir algo, cuando te abofetea", ha declarado un director que confía en que las crisis "hacen crecer a las personas" y mirar "más hacia adentro". EFE

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El personaje protagonista es la mujer más independiente de las que retrató en sus películas porque lo hace todo sola, "luchar, perdonar, vengarse...', según explicó el realizador en una conferencia de prensa.

'Womand and child' es la historia de Mahnaz (interpretada por Parinaz Izadyar), un viuda con dos hijos, que vive con su madre y su hermana menor. Es enfermera y está pensando en volver a casarse mientras lidia con su problemático hijo mayor.

El personaje protagonista "es una composición de diferentes personajes de la sociedad iraní, en la que las mujeres son cada vez más independientes", afirmó el realizador.

Una afirmación que fue contestada por algunos periodistas que participaban en la rueda de prensa y que criticaron que el director no se haya atrevido a mostrar la verdadera realidad de la sociedad iraní, en la que muchas mujeres han dejado de usar el velo como forma de desobediencia civil desde la muerte de Mahsa Amini en 2022 tras ser detenida por no llevar bien puesto el hiyab.

En el filme, sin embargo, todos los personaje femeninos llevan el hiyab, incluso en sus casas.

"La última vez -explicó el director en referencia a la presentación en Cannes de 'La familia de Leila' (2022)- me confiscaron mi pasaporte al regresar a Irán, espero que esta vez pueda regresar tranquilamente a mi país", afirmó.

Roustaee fue condenado a seis meses de cárcel y a cinco años de prohibición de trabajo, porque ese filme fomentaba "la propaganda de la oposición contra el sistema islámico", una pena que ahora está en suspenso.

"Cuando tienes este problema, afecta no solo a tu cine también a tu familia, a tus amigos, es algo que supera la vida normal, yo puedo soportar esa presión, pero mis padres ancianos, no, especialmente cuando todo el mundo lo sabe y los medios hablan, lo que lo hace incluso más complicado de gestionar", agregó.

Para este nuevo filme las presiones han continuado y "ha habido mucha gente que ha hecho todo lo posible" para que Roustaee no pudiera completarlo. Puso como ejemplo que las autoridades tardaron seis meses en darle la autorización para rodar, en un intento de que no tuviera opciones para volver a presentar la película en Cannes.

"Con los medios que tenía he hecho lo mejor que he podido", afirmó el cineasta, de 35 años, que siempre ha trabajado en Irán, que no se plantea salir de su país y que aseguró que su cine es "la continuación del cine social iraní de los últimos 45 años".

"Yo soy el resultado de ese cine, no sé hasta qué punto me autocensuro, pero hago mis filmes en Irán y me gustaría que mis películas se vean en Irán y, obviamente, tengo cuidado con ciertas cosas para que eso se pueda lograr", agregó.

En 'Woman and Child' retrata a una mujer pero también a la sociedad iraní, el poder de los hombres por encima de las mujeres, el escaso valor de la justicia o las corruptelas que marcan el ritmo de la cotidianidad.

Un drama en el que no paran de ocurrir cosas: muertes, abandonos, juicios, venganzas, duelos, peleas, bodas... y todo ello en un ambiente creciente de crispación, gritos y nervios. EFE

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Ian Richard Hodgkinson, conocido en el mundo de la lucha libre como El Vampiro Canadiense, está listo para dejar los cuadriláteros y comenzar un nuevo capítulo en su vida.

A sus casi 60 años, el exluchador anunció su incursión en el mundo del entretenimiento, pero en el género de terror, con una serie original producida por Bloody Disgusting, una de las plataformas más importantes a nivel global en este rubro.

El proyecto será acompañado por un podcast bilingüe, en el que compartirá sus propias experiencias paranormales, muchas de ellas ocurridas en México.

En entrevista con Infobae México, el Vampiro Canadiense detalló cómo la transición hacia el cine y los contenidos audiovisuales no es un cambio repentino, sino el cumplimiento de una pasión que ha cultivado durante décadas.

“Siempre estaba involucrado en eso, la radio, el cine y libros. Era obvio un punto en mi vida que el Vampiro Canadiense como luchador, pues tiene que ser un cambio. Ya casi tengo 60 años, entonces es difícil recuperarme. Tengo otros intereses y siempre era mi obsesión el cine de terror, escribir, estudiar más que nada. Y esa es una gran oportunidad de ser todo eso”, explicó.

Con más de tres décadas en el mundo del pancracio y miles de batallas libradas, el Vampiro Canadiense decidió que es momento de explorar su otra faceta: la del narrador de historias oscuras, siendo investigador de lo paranormal y creador de relatos que estremecen.

Su conexión con lo oculto, según narró, se reforzó durante sus años viviendo en México, un país que considera rico en tradiciones, mitos y escenarios sobrenaturales.

“Hay muchísimas. Uno de las que más pasé fue cuando estuve en el panteón de Belén allá en Guadalajara. El panteón de Belén tiene su historia. Ya es está protegido. Yo pasé mucho tiempo en este panteón. Hay muchas leyendas urbanas allí, tiene esa vibra y si tengo el amor a este género y la posibilidad que hay más en el universo, me gusta estar espantado y tener algo enfrente de ti que es real, pues el panteón de Belén se impone en la noche”, relató.

Esta atracción por lo sobrenatural no es nueva. Desde hace años, Vampiro se ha mostrado interesado en fenómenos paranormales, lectura esotérica y espiritualidad.

Lo que sí representa una novedad es que, por primera vez, podrá combinar todo esto con una producción audiovisual profesional, bajo el sello de Screambox, plataforma dirigida por Bloody Disgusting.

“Yo soy muy fan de La Mano Peluda y estoy buscando cómo puedo incluir que la gente me marque. Entonces, eh ahorita ya estamos masticando diferentes ideas. Y yo no quiero poner mucha energía porque tengo 8000 ideas, pero tengo que ver lo que ellos también quieren”, comentó sobre su nuevo podcast, el cual busca crear una comunidad de oyentes dispuestos a compartir y escuchar historias paranormales reales.

Además de la serie y el podcast, Vampiro también expresó su intención de escribir guiones, participar en otras producciones y explorar diferentes formas de narración. El contenido será bilingüe, en inglés y español, lo que le permitirá conectar tanto con su público latinoamericano como con su audiencia en Canadá y Estados Unidos.

Para Hodgkinson, este giro representa no solo un cambio profesional, sino también un redescubrimiento espiritual. Tras una carrera marcada por la intensidad física y emocional de la lucha libre, ahora abraza un estilo de vida más introspectivo, donde la reflexión, la paciencia y la exploración personal tienen un rol fundamental.

“Es mucho descubrir, analizar, es ser paciente. Si estamos hablando de magia, los rituales, no es de instante, es un compromiso. Entonces, el lenguaje, lo que absorbo es muy distinto. Entonces, en la lucha libre es mucha adrenalina, no descansar, no recuperar. En esto si no estás recuperando, no funciona. Entonces, es un giro completamente distinto y la verdad me tiene tan dedicado eso. Yo estoy emocionado para ver lo que sigue”, dijo convencido.

Aunque para muchos aficionados será difícil imaginarlo fuera del ring, Vampiro está seguro de que este proyecto es una extensión de su legado. No lo motiva la nostalgia, sino la oportunidad de seguir compartiendo su esencia con el público, ahora desde otro plano: el del terror, la curiosidad y lo sobrenatural.

Con su carisma intacto, su voz inconfundible y una historia de vida tan intensa como sus combates, el Vampiro promete entregar una propuesta honesta, visceral y aterradora.

Desde los pasillos de los cementerios hasta los estudios de grabación, el luchador canadiense está listo para un nuevo tipo de combate: el que se libra en la oscuridad del alma y los miedos más profundos del ser humano.

Los seguidores podrán disfrutar próximamente de sus relatos en Screambox, así como del podcast que pretende continuar con el legado radiofónico de programas como La Mano Peluda, pero desde una mirada personal, mística y cruda. Vampiro no se retira, simplemente cambia de escenario.

Barcelona, 29 ene (EFE).- La directora y productora Elena Manrique estrena el 31 de enero su ópera prima ‘Fin de fiesta’, un drama con alta dosis de comedia sobre las relaciones de poder, la inmigración irregular, el clasismo y la solidaridad, en el que ha querido mostrar la sociedad “y sus defectos”, ha explicado en una entrevista con EFE.

Tras veinticinco años como productora ejecutiva y el tanteo de varios documentales y cortos, Elena Manrique ha dado el salto al largometraje con un filme que tuvo su premiere internacional en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) y que se estrenó en Europa en la 69 Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).

Interpretada por Sonia Barba, Edith Martínez-Val y Beatriz Arjona, ‘Fin de fiesta’ arranca con un emigrante africano escondido en el cobertizo de una casa señorial andaluza, desde donde contempla la vida cotidiana de la señora de la casa, Carmina, y su joven asistenta, Lupe, hasta que es descubierto.

Tras el susto inicial, el migrante es acogido por Carmina, una rica terrateniente de vida ociosa que decide auxiliarlo de forma clandestina con distintas finalidades que se van descubriendo a lo largo de la película, “queríamos que el público se enamorara de ella, que pensaran que era inofensiva y luego vieran su peligrosidad”, ha explicado Sonia Barba, que interpreta a Carmina.

“Yo no quería que fuera una parodia, ni que tuviera un tono didáctico, yo quería que la gente viera la película y las barbaridades que se dicen y pensara que este tipo de personas existen”, ha explicado Manrique, que diseñó el escenario de la película – la casa de Carmina– de modo que pareciera un reflejo de como está dividida la sociedad, pues tanto el papel de las protagonistas como los espacios que ocupan determinan su clase social.

“En esta película jugamos mucho con las dinámicas de poder y los privilegios de clase”, ha añadido Manrique, que ha comparado con la situación actual a nivel mundial, “en un momento tan convulso, con las barbaridades que dicen los partidos políticos de extrema derecha, y ‘Elon Trump’ manejando el mundo”.

La directora ha explicado también que fue durante la pandemia cuando surgió su necesidad de hacer el largometraje, a partir de una vivencia de unos amigos suyos de El Palmar, cuando un emigrante africano que vino en una patera se les coló en casa; ellos le dieron de comer y dinero para comprar un billete de tren.

El carminismo

Sonia Barba y Elena Manrique han coincidido en explicar el concepto de “Carmina y el carminismo”, “una persona con actitud de sentirse autorizada para hacer lo que le dé la gana, con un egoísmo tremendo”, han detallado.

“Carminas hay en todo el mundo”, ha sentenciado Manrique, “pero a veces para hablar de cosas globales tienes que ir de lo micro a lo macro”, y ella ha empezado por explicar la historia desde la perspectiva de una terrateniente española y una persona migrante africana.

“Todos conocemos a alguna Carmina, es gente que cae bien, nos divierte, pero luego no aguantamos”, han explicado, aunque “la Carmina de la película lleva el carminismo a niveles estratosféricos”.

La película cuenta con la ayuda del Ministerio de Cultura ICAA, el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, de Europa Creativa MEDIA y del fondo Eurimages y la participación de RTVE, Canal Sur TV y Movistar Plus+.

“Fin de fiesta” supone el salto al largometraje de una productora que ha estado más de 20 años dedicada a la producción de cine y televisión, y que, tras descubrir el mundo de la dirección, asegura que tiene otros proyectos en mente. EFE

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Los Ángeles (EE.UU.), 23 ene (EFE).- El narcomusical francés de Jacques Audiard 'Emilia Pérez' y el drama del cineasta brasileño de Walter Salles 'I'm Still Here' fueron nominadas este jueves al Óscar a mejor película internacional junto a 'Flow', 'The Seed of the Sacred Fig' y 'The Girl with A Needle'. EFE

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Madrid, 23 ene (EFE).- Vito Sanz está nominado al Goya al Mejor Actor por 'Volveréis', una historia sobre la particular celebración de una pareja que ha decidido romper, mezcla de comedia, amor, desamor y algo de drama. Un tono que le sienta bien y que repite con 'Miocardio', uno de los estrenos en salas de este viernes.

Dirigida por José Manuel Carrasco, 'Miocardio' recupera el ritmo de la 'screwball comedy', que películas como 'La fiera de mi niña' popularizaron en Hollywood durante los años 30 y 40 del siglo pasado, para contar el reencuentro de Pablo con Ana en un momento de crisis vital y tormenta interior.

Protagonizan la película Vito Sanz y Marina Salas, quien ha participado en series como 'Yo, adicto' y protagonizado obras teatrales como 'La infamia', de Lydia Cacho. Salas y Carrasco atendieron a EFE el pasado miércoles en Madrid (Sanz tuvo que ausentarse por un problema familiar).

En 'Miocardio', lo que empieza como una comedia a toda velocidad comenzará a atravesar pasajes de romanticismo y hasta de drama, de manera que se deconstruye el tono cómico para dejar paso a una mirada melancólica sobre el pasado y optimista sobre el futuro.

Carrasco explica el porqué del giro: "A mi modo de ver, hay una lectura, que es la de las oportunidades perdidas, pero no es la principal. La principal, creo, es la oportunidad que nos damos a nosotros mismos para seguir adelante, para no quedarse anclado en el pasado, para intentar reparar lo que has hecho mal, para intentar conseguir lo que crees que te mereces".

"Quizá podamos hablar de nostalgia -prosigue- porque las cosas en la vida empiezan y acaban, y yo quería contar una historia para recordar lo vivido como algo bonito".

Y la historia es la de Pablo, en estado depresivo, y la de Ana, una mujer de su pasado que reaparece en su vida y cambia todo, generando una reflexión sobre lo que pudo ser.

"Intento deconstruir la comedia", apunta el cineasta, "jugar con ese ritmo, mezclar géneros, sin perder de vista el pasado de los personajes y la situación de Pablo y su salud mental, que es algo muy importante".

Marina Salas interpreta a Ana, personaje fundamental, porque "no es la musa que salva al hombre perdido y lo encamina, y así lo dice: 'no soy la chica chispeante que viene a salvarte la vida, la realidad es mucho más dura'".

Al final prevalece "una mirada optimista" que dice "'sal, vive y deja de mirar atrás'". Porque para Salas 'Miocardio' es un "canto a las futuras oportunidades".

Fue un rodaje complicado por la estructura de la película, así que Carrasco, Sanz y Salas ensayaron mucho. "Nos entendimos muy bien", asegura el director, quien habla maravillas del actor y de la actriz, una profesional "divertidísima" con la que había trabajado ya.

Salas devuelve el piropo: "Fue bonito. Conocía a José Manuel, su universo, su cultura cinematográfica. Y trabajar con Vito fue una gozada, fue un salvavidas en muchas ocasiones". EFE

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El revuelo mediático en torno a Diego Klein y Angélica Rivera alcanzó su punto máximo luego de que diversos medios especularan sobre un supuesto romance entre ambos actores. Finalmente, Klein decidió romper el silencio y esclarecer la situación.

Todo comenzó el pasado 19 de febrero cuando una revista aseguró que la exprimera dama y el galán de telenovelas sostenían una relación sentimental. Pese a que la actriz desmintiera la información, la publicación sostuvo que contaba con pruebas irrefutables, lo que avivó la curiosidad del público y generó un sinfín de especulaciones.

Diego Klein está abierto al amor

El tema cobró mayor relevancia cuando, en la presentación de la serie Con esa misma mirada, los reporteros aprovecharon la ocasión para preguntarles directamente a los protagonistas sobre su vínculo. Klein, con naturalidad, dejó entrever su apertura al amor al declarar: “Claro que estaría 100 por ciento abierto. Cualquier persona lo estaría”.

Sin embargo, fue en una reciente entrevista en el programa La Saga, conducido por Adela Micha, donde el actor disipó cualquier duda con una respuesta que dejó boquiabiertos a muchos.

“¿Y si andas con ella o no?”, cuestionó Micha con su característico estilo directo. Entre risas, Klein respondió de manera ambigua: “Andamos”, haciendo una pausa antes de aclarar: “pero en la novela”.

La conductora insistió: “¿Y fuera?”, a lo que el actor explicó: “Fuera somos muy buenos amigos, nos llevamos increíble, la admiro, la quiero, somos muy cariñosos. Es su regreso (a la televisión) y rompimos récord histórico. Es la más vista en la historia de ViX”.

Así es la relación entre Diego Klein y Angélica Rivera

Si bien el vínculo entre Klein y Rivera es innegable, el actor dejó en claro que su relación se basa en la amistad y el respeto mutuo. No obstante, su química en pantalla ha sido tan potente que los espectadores han llegado a creer que lo que ocurre en la ficción podría trascender a la realidad.

La serie, que ha sido un rotundo éxito, no solo marca el regreso de Angélica Rivera a la actuación tras un largo receso de 18 años, sino que también ha generado gran expectativa con la confirmación de su segunda, tercera y cuarta temporada.

Por ahora, lo que queda claro es que, aunque en la pantalla interpretan a una pareja, en la vida real Diego Klein y Angélica Rivera son simplemente dos grandes amigos que han sabido conquistar al público con su talento.

Beverly Hills (EE.UU.), 5 ene (EFE).- Hiroyuki Sanada se alzó con el Globo de Oro a mejor actor de una serie de drama por su interpretación en el drama japonés 'Shogun', venciendo a contendientes como Gary Oldman ('Slow Horses') o Jake Gyllenhaal ('Presumed Innocent'), en la edición 82 de estos premios que se llevan a cabo en el Beverly Hilton de Los Ángeles.

La puerta se abre de golpe. Policías armados irrumpen con gritos autoritarios. En segundos, la tranquilidad doméstica se desmorona. “¡Al suelo!”, ordenan. Los habitantes de la casa se miran, paralizados, incrédulos ante la violencia que los rodea. “¿Qué está pasando?”, balbucea una mujer.

Un adolescente, aturdido, levanta las manos mientras su padre exclama: “¡Cometen un grave error!”. Entre sollozos, el chico repite: “Papá, yo no hice nada”. La tensión es absoluta.

Este impactante arranque marca el tono de Adolescencia, la nueva serie de Netflix que promete convertirse en un thriller psicológico imperdible.

¿De qué se trata la miniserie Adolescencia?

La historia sigue a Jamie Miller (Owen Cooper), un chico de 13 años acusado de asesinar a una compañera de escuela. La detención sacude a su familia y pone a prueba el sistema judicial mientras un detective y una psicóloga intentan descubrir la verdad.

Stephen Graham interpreta a Eddie Miller, un padre que lucha contra el peso de la sospecha sobre su hijo. Ashley Walters encarna al inspector Luke Bascombe, encargado de la investigación, y Erin Doherty da vida a Briony Ariston, la terapeuta asignada al caso.

La serie surge de la colaboración entre Graham y Philip Barantini, quienes ya trabajaron juntos en El chef, una película elogiada por su realismo y su técnica de una sola toma. El multipremiado Jack Thorne (Las nadadoras, Joy) firma el guion, garantizando una narrativa intensa y compleja. La producción corre a cargo de nombres de peso en la industria, entre ellos Brad Pitt, Jeremy Kleiner y Dede Gardner, bajo el sello de Plan B Entertainment.

Esto se muestra en el tráiler oficial de “Adolescencia”

El adelanto oficial, con una duración de dos minutos y medio, encapsula la carga emocional y el suspenso de la historia. Desde la brutal irrupción policial hasta los interrogatorios que revelan detalles inquietantes, el trailer ofrece un vistazo a la espiral de incertidumbre en la que se ven atrapados los personajes.

“¿Conoces a Katie Leonard?”, interroga una voz en la sala de interrogatorios. “Sí”, responde Jamie. “¿Dirías que eran amigos?”, insisten. Su expresión se transforma al comprender lo que implica la pregunta. “Entonces, ella es quien murió”.

A lo largo de la serie, el espectador se verá inmerso en una atmósfera sofocante donde cada pista puede ser un engaño y cada testimonio, una verdad a medias. Adolescencia no sólo explora el sistema judicial británico, sino que también pone sobre la mesa el impacto de la presión social y mediática en un caso que sacude la opinión pública.

Netflix apuesta fuerte por esta historia de crimen, culpa e inocencia en la delgada línea entre la verdad y la percepción. Con un elenco sólido y una dirección que promete intensidad narrativa, Adolescencia se perfila como una de las propuestas más impactantes del año.

Madrid, 24 dic (EFE).- La cartelera cinematográfica se dispone a cerrar 2024 con una muestra corta pero variada de estrenos, en la que caben la última aventura de un erizo azul y veloz como el rayo llamado Sonic y la versión siglo XXI de una leyenda del cine de terror, el vampiro Nosferatu.

Si Sonic vuelve para la tercera parte de una saga de reciente creación, Nosferatu regresa para un remake un siglo después de la película original que rodó F.W. Murnau.

Pero en el terreno que dejen en medio estos iconos hay lugar para una comedia española, 'Sin instrucciones'; para un drama sobre la muerte, 'Oh Canada'; y para la poesía visual de una referencia del cine mundial: proviene de Italia y se llama Paolo Sorrentino.

Estos son los estrenos del 25 de diciembre, día de Navidad:

Vuelve a la pantalla el erizo que hizo grande a la marca de videojuegos SEGA, y vuelve con una aventura más compleja que las anteriores debido a los superpoderes del villano, una figura misteriosa llamada Shadow. De hecho, ni Sonic ni sus amigos Knuckles y Tails podrán con él, así que deberán recurrir a un viejo enemigo.

Dirige Jeff Fowler la tercera entrega de la saga, en la que figuras animadas y actores de carne y hueso conviven. Es el caso de Jim Carrey, de nuevo el doctor Eggman. Keanu Reeves da voz a Shadow.

Paco León y Silvia Alonso, junto a Maia Zaitegi, protagonizan esta comedia sobre la paternidad pensada para las risas, pero también para alguna que otra lagrimilla. Dirige Marina Seresesky sobre la base de la producción mexicana 'No se aceptan devoluciones', de Eugenio Derbez, que cuando se estrenó en 2013, arrasó en taquilla.

La sinopsis: un tipo soltero (Paco León) vive plácidamente en Canarias hasta la visita de una ex, Julia (Silvia Alonso), quien le entrega una niña argumentando que es su hija. Al principio intentará devolverla a su madre, pero al no conseguirlo decidirá criarla... Hasta otra visita de Julia.

La película que se estrenará el miércoles es, como la que se estrenó hace más de un siglo, el cuento sobre el amor de un aterrador vampiro hacia una joven.

Robert Eggers se ha encargado del reto de emular a Murnau, en lo que juega a favor su bagaje. Se trata de un especialista en el cine de terror, dueño de un poder visual inquietante, como demostró en 'La bruja' o 'El faro'.

Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Lily-Rose Depp, Aaron Taylor-Johnson y Willem Dafoe forman parte del reparto.

Richard Gere protagoniza este drama dirigido por Paul Schrader, lo que ya anticipa un tipo de cine exigente y profundamente independiente. En el reparto, además, Umma Thurman.

Aquí Schrader adapta y dirige una novela de Russell Banks para contar los últimos días del cineasta documental Leonard Fife, enfermo terminal. Quiere despedirse dando testimonio a una cámara de lo que ha sido su vida, o de lo que cree que ha sido, porque eso aborda el filme: la facilidad con la que deformamos y tergiversamos recuerdos.

El italiano Paolo Sorrentino se ha hecho con un espacio de privilegio en el cine mundial gracias a títulos como 'El divo', 'La gran belleza' o 'Fue la mano de Dios'. Regresa con 'Parthenope', ambientada de nuevo en un Nápoles de ensueño, dorado por el sol y el mar.

Se trata de un poema hecho de imágenes, las de la vida de Parthenope desde los 50 hasta la actualidad y en las que se reconocen señas de identidad del cineasta: el amor, el desamor, la muerte, el sexo, la juventud y la belleza.

Tercera película de la vaca Klara tras 'Klara y el ladrón de manzanas' y 'Klara y la Navidad en la granja', ahora para resolver un misterio junto a la conejita detective Agatha Christensen.

Animación procedente de Noruega dirigida por Will Ashurst. EFE

Ángel Alonso Giménez

Madrid, 23 dic (EFE).- En 'Oh Canada', que se estrenará el 25 de diciembre en España, Richard Gere interpreta a un famoso cineasta documental que antes de morir quiere contar la verdad de su vida. O lo que él cree que es la verdad, porque "toda su vida es una ficción, y todos de alguna manera vivimos así".

Gere se expresó de este modo durante la entrevista que ofreció a EFE la semana pasada con motivo del estreno en España de su último trabajo. 'Oh Canada' es, además, el reencuentro del actor con el cineasta Paul Schrader, quien le dirigió en los 80 en 'American Gigolo'.

Son ahora casi 50 años más mayores, les han pasado muchas cosas, algunas tragedias. Tragedias que influyeron en la película, de hecho.

Como cuenta Gere (75 años), el propio Schrader sufrió recientemente la muerte del autor de la novela en la que se inspira la película, Russell Banks, de quien era muy amigo. Y Gere perdió a su padre antes de que el cineasta le llamara para interpretar a Leonard Fife.

"Así que Paul y yo afrontamos esta película con esa sensación de profundidad que dejan las pérdidas de seres queridos", puntualiza.

La muerte está presente en la película. El personaje central (Gere) está a punto de decir adiós por culpa de un cáncer terminal. Antes, quiere contar la verdad de su vida ante una cámara. Quiere cambiar de lado, ser él el grabado.

Dice Gere al respecto: "Es lo que le importa: el mecanismo de la cámara. solo le importa que la cámara esté encendida para que diga la verdad. Así que la película también es un relato metafísico sobre cómo se hacen las películas". O cómo nos construimos la vida.

Porque la vida de Fife, indica el actor, es "una ficción". "Todos -prosigue- vivimos así de algún modo. Tenemos un pasado que recordamos, pero la memoria a veces falla. El futuro es un sueño; el presente no existe".

Ese pasado borroso y confuso conecta la trama. Los 'flashbacks' no siguen una lógica narrativa típica, en consecuencia. Schrader, como destaca Gere, mezcla color y blanco y negro, diferentes formatos de pantalla y texturas variadas para construir escenas que viven en la cabeza del protagonista; escenas que, sean reales o no, salen así de su cabeza.

"Mi personaje es complicado porque es narcisista y egocéntrico. Un artista. Él crea dramas en sus vidas, es probable que exagere las historias que cuenta, pueden no ser verdad", describe.

Trabajar en 'Oh Canada' con Schrader, guionista de títulos como 'Taxi driver' y autor de largometrajes como 'Affliction', fue intenso por el peso de las muertes de seres queridos en la construcción de una película que versa sobre ello.

Pero es también estimulante. Según subraya el protagonista de las películas 'Oficial y caballero', 'Pretty woman' o 'Las dos caras de la verdad', el guion tenía entre 70 y 80 páginas y la película, "un presupuesto determinado".

"Del rodaje no ha sobrado nada. Lo que se ve es justo lo que rodamos", asegura Richard Gere. EFE

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La voz de Yuridia resonará en cada capítulo de “Con esa misma mirada”, la serie que pronto llegará a la plataforma de streaming ViX.

Esta cantante interpretará el tema principal de la producción estelarizada por Angélica Rivera, Iván Sánchez y Diego Klein, un remake del melodrama colombiano “Señora Isabel”, que inspiró la icónica telenovela “Mirada de mujer”.

Durante la presentación oficial de la serie, a la que asistió INFOBAE MÉXICO, la canción de Yuridia sonó mientras Angélica Rivera ingresaba al foro uno de Televisa San Ángel.

Aunque en este encuentro no se mencionó a la exacadémica, la propia artista confirmó su participación al compartir en redes sociales un fragmento de la balada, acompañado de imágenes donde la exprimera dama de México y su hija, Sofía Castro, captaban la atención de las cámaras.

¿Cuándo se estrena “Con esa misma mirada”?

El público podrá ver esta historia a partir del 21 de marzo cuando se estrene el plan Premium de ViX, con un elenco que también incluye a Ximena Herrera, Pamela Almanza, Sofía Castro y otros talentos que rodearán a esta trama llena de drama, romance y giros inesperados, que contará con 24 capítulos en total, divididos en tres temporadas.

¿De qué trata “Con esa misma mirada”?

La historia se centra en la vida del personaje llamado Eloísa Obregón de Hidalgo, interpretado por Rivera, quien es una mujer que tras 25 años dedicados a su rol de esposa y madre, llega un momento en que se da cuenta que ha sido humillada y subestimada por su marido.

Este drama aumenta y se convierte en una crisis personal cuando inevitablemente descubre que el amor de su vida le fue infiel: Octavio (Iván Sánchez).

Hasta ese momento, Eloísa había vivido bajo las sobras de este hombre: un abogado que es bastante exitoso, dueño de un prestigioso bufete, quien disfruta más su tiempo libre al lado de su amante, que estar con su esposa, en casa.

Pero el destino le tiene preparado algo mejor para la protagonista, quien en un giro inesperado puede reencontrarse con su pasión hacia el arte y tomará decisiones que la impulsarán a una transformación real en su día a día, que incluye en primer lugar: correr a su pareja de la casa a pesar de sentir una tristeza enorme, así como darse la oportunidad de tener una relación amorosa con un joven mucho más joven que ella, pero que siente una fuerte conexión y la hace sentir viva.

El vapor de la regadera empaña el cristal mientras dos siluetas se funden en un juego de caricias y deseo. En otra escena se ve cómo dentro de la penumbra de una habitación, la tensión se desborda cuando Eloísa, despojada de inhibiciones, deja caer la última prenda que la separa del hombre que la hace sentir viva nuevamente.

En un giro inesperado, su vulnerabilidad se convierte en empoderamiento, un renacer que la actriz Angélica Rivera encarna con una intensidad inédita.

El regreso de la exprimera dama de México a la pantalla chica tras 18 años de ausencia no podría ser más impactante. En la serie “Con esa misma mirada”, la actriz no sólo encarna a una mujer en busca de redención tras una traición conyugal, sino que también se atreve a explorar escenas de una sensualidad pocas veces vistas en su carrera.

El drama de Televisa, producido por Argos y basado en la historia “Señora Isabel” de Bernardo Romero Pereiro, se estrenará el próximo 21 de marzo en ViX Premium y promete una narrativa cargada de emociones, revelaciones y una transformación personal que pondrá a prueba los cimientos de una familia.

Angélica Rivera, más sensual que nunca

En el adelanto oficial, Rivera se deja ver en un contexto completamente distinto al de sus antiguas telenovelas. El personaje de Eloísa, una mujer que ha vivido a la sombra de su esposo Octavio Hidalgo (interpretado por Iván Sánchez), decide renacer tras descubrir una infidelidad.

Su despertar emocional y físico la conduce a una serie de escenas que desafían cualquier imagen previa de la actriz, en momentos sensuales, que a continuación te presentamos.

El tráiler muestra a este personaje femenino en momentos de gran intimidad con dos de los personajes masculinos clave: Iván Sánchez y tiempo después con Diego Klein.

En una de las secuencias más comentadas en redes sociales, Rivera aparece en la regadera con Sánchez, mientras la tensión se eleva entre caricias y miradas encendidas.

Pero la escena que realmente ha causado revuelo ocurre en la cama: Eloísa, liberada de las ataduras de su pasado, va despojándose lentamente de su ropa frente a Klein, hasta quedar en un estado de vulnerabilidad absoluta. En un par de segundos, el deseo se apodera de la pantalla y la transforma en una mujer que se redescubre a sí misma a través del amor.

Un reto tras 18 años fuera de escena

Para la actriz, esta serie representa mucho más que un regreso a la actuación: es una reivindicación. “Fue un reto en general toda la historia porque llevaba 18 años fuera, pero las escenas que van a ver de cama, sensuales, me di la oportunidad como actriz porque también el personaje lo requiere”, expresó la actriz en un encuentro con medios de comunicació, incluido INFOBAE MÉXICO.

Su entrega al papel la llevó a explorar nuevas facetas interpretativas, rompiendo con la imagen de la “Gaviota” que el público recuerda.

El elenco que acompaña a Rivera está conformado por talentos de primera línea: Ximena Herrera, Pamela Almanza, Diego Klein y su hija, Sofía Castro, así como Ivanna Castro, quienes aportan un matiz adicional a esta historia de reconstrucción femenina.

Una historia de redención y pasión

“Con esa misma mirada” es una serie sobre traiciones y nuevas oportunidades. La trama profundiza en el autodescubrimiento, la fuerza de la sororidad y los conflictos internos de una mujer que, tras décadas de sometimiento, decide recuperar su vida y su identidad.

Eloísa además de enfrentar la infidelidad de su esposo, también lidia con la fractura de su familia. Su hijo Samuel (Nicolás Haza) rompe lazos con su padre y encuentra refugio en la fotografía; Antonia (Sofía Castro) lucha por cumplir las expectativas impuestas, y Matilde (Ivanna Castro) enfrenta sus propios demonios internos en busca de aceptación.

Angélica Rivera aparece sin ropa

Con tomas cuidadas, Angélica Rivera aparece sin ropa en algunas escenas de la serie, de acuerdo al tráiler de esta producción que contará con tres temporadas.

El melodrama “Las hijas de la señora García” está a punto de llegar a su final este domingo, luego de una temporada llena de emociones, momentos emblemáticos, de mucho drama y romance.

Será en el canal de Las Estrellas en donde los televidentes podrán ver este último episodio en donde el suspenso y los conflictos terminarán. A continuación te presentamos todos los detalles.

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Mikaela Viqueira

Los Ángeles (EE.UU.), 9 dic (EFE).- El fenómeno del musical 'Emilia Pérez' arrasó este lunes con 10 nominaciones a los Globos de Oro, convirtiéndose en la película de comedia o musical más nominada de la historia de estos premios que destacaron a estrellas hispanas como Javier Bardem, Sofía Vergara y Liza Colón-Zayas en las series.

La película de Netflix optará a la candidatura a mejor película de comedia o musical y a mejor película de habla no inglesa en la gala que tendrá lugar el próximo 5 de enero en Los Ángeles (California).

Los Globos de Oro también destacaron el trabajo de su reparto: una histórica nominación para la española Karla Sofía Gascón, primera intérprete trans nominada a mejor actriz en comedia o musical, y la candidatura a mejor actriz de reparto para sus compañeras Zoe Saldaña y Selena Gómez.

El cineasta Jacques Audiard también fue nominado a mejor director de película y mejor guión de película.

El musical de animación 'Wicked', que partía también entre las grandes favoritas en la sección de comedia y musical, obtuvo cuatro nominaciones: a mejor película musical o de comedia, logro cinematográfico y de taquilla, mejor actriz de comedia o musical (Cynthia Erivo) y mejor actriz de reparto (Ariana Grande).

La brasileña Fernanda Torres competirá por su parte por la estatuilla a mejor interpretación femenina por 'I'm Still Here' junto a grandes nombres de la industria de Hollywood como Angelina Jolie ('María'); Nicole Kidman ('Babygirl'); Pamela Anderson ('The Last Showgirl'); Kate Winslet ('Lee') y Tilda Swinton por 'The Room Next Door', de Pedro Almodóvar.

Es precisamente esta la única mención que ha logrado el cineasta español en esta edición de los premios, cuya última película nominada fue 'Dolor y Gloria' (2019) en 2020.

A 'Emilia Pérez' le sigue el 'The Brutalist', de Brady Corbet, con siete nominaciones entre las que se encuentran Adrien Broody a mejor actor de drama y Felicity Jones a mejor actriz de reparto; y el drama eclesiástico 'Conclave', de Edward Berger, con Ralph Finees optando a su séptima nominación de su trayectoria a mejor actor.

Donde sí proliferan los artistas hispanos y latinos es en las series: el español Javier Bardem optará a su sexta nominación a los Globos de Oro por su interpretación como José Menéndez en la serie 'Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story', mientras que el mexicano Diego Luna será su rival por su actuación en 'La Máquina'.

La serie 'Disclaimer' (Apple TV+), creada por el director mexicano Alfonso Cuarón, alcanzó tres menciones y también figura entre las nominadas a mejor serie limitada junto a 'Monsters' o 'Ripley'.

La comedia del chef Carmen Berzatto protagonizada por Jeremy Allen White, 'The Bear', se alzó con cinco nominaciones y destacaron a la puertorriqueña Liza Colón-Zayas con su primera nominación a un galardón que deberá disputarse contra  Allison Janney ('The Diplomat'), Dakota Fanning ('Ripley'); Hannah Einbinder ('Hacks’), Jessica Gunning ('Baby REindeer') y Kali Reis ('True Detective: Polar Night').

También la colombiana Sofía Vergara, que ha estado nominada a estos premios en cuatro ocasiones, aspirará a su primera estatuilla por su papel en 'Griselda', la serie de Netflix en la que se convertía en "la reina de la coca" en mundo criminal en el que imperaba el machismo.

 Aquí competirá junto a otras grandes estrellas de la industria como Jodie Foster ('True Detective: Polar Night'); Kate Winslet ('The Regimen'), Cristin Milioti ('The Penguin'), Naomi Watts ('Feud: Capote vs. The Swans') y Cate Blanchet ('Disclaimer').

En cuanto a las plataformas digitales, Netflix logra imponerse como la más nominada, con 23 candidaturas para televisión y otras 13 en las categoría de cine, sumando un total de 36. EFE

(foto)(vídeo)

Desde la primera edición de los Oscar en 1929, los Premios de la Academia reconocieron a lo mejor del cine con la estatuilla dorada a la Mejor Película, consolidándose como el mayor galardón de la industria. A lo largo de sus 97 años de historia, las tendencias de votación reflejaron las preferencias y cambios en la industria cinematográfica.

Aunque los musicales dominaron en las décadas de 1950 y 1960, su presencia disminuyó considerablemente en las últimas décadas. En contraste, las epopeyas y los dramas biográficos mantuvieron su relevancia con el paso del tiempo, mientras que los géneros de terror y ciencia ficción encontraron dificultades para consolidarse como favoritos entre los votantes.

El análisis de The Hollywood Reporter clasifica las películas ganadoras de Mejor Película en nueve géneros principales, basándose en los nominados de la edición 2025 de los premios. La revisión de los antecedentes históricos permite entender qué tipo de películas tienen más posibilidades de imponerse en la ceremonia más importante de Hollywood.

Los dramas biográficos, un género que domina la premiación

Las narrativas centradas en personajes históricos y sus influencias en eventos claves fueron recurrentes en la historia de los premios. Oppenheimer (2023) es la producción más reciente en esta categoría, con un éxito tanto en crítica como en taquilla, al recaudar casi mil millones de dólares en todo el mundo.

En años anteriores, otras producciones consiguieron el galardón en esta categoría, como Green Book (2018), Spotlight (2015), 12 años de esclavitud (2013) y El discurso del rey (2010). Entre las más emblemáticas se encuentran Amadeus (1984) y Platoon (1986), que consolidaron al género como una apuesta segura en los Oscar.

Para la edición de 2025, Aún estoy aquí es la candidata en esta categoría, lo que reafirma la tendencia del drama biográfico como una de las elecciones más fuertes para la Academia.

Las epopeyas y su presencia constante en los Oscar

Desde los primeros años de la premiación, las producciones épicas han capturado la atención de los votantes, gracias a su escala narrativa y grandes despliegues de producción. Lo que el viento se llevó (1939), Ben-Hur (1959) y Lawrence de Arabia (1962) marcaron el camino para este tipo de películas.

Las epopeyas bélicas y de aventuras han continuado su dominio con títulos como El padrino (1972) y su secuela de 1974, La lista de Schindler (1993), Gladiador (2000) y El señor de los anillos: El retorno del rey (2003).

Para 2025, la cinta nominada en esta categoría es The Brutalist, una apuesta que podría fortalecer la presencia de este género en la gala.

La comedia romántica, un género de prestigio selectivo

A pesar de que las comedias románticas fueron bien recibidas por el público, su reconocimiento en los Oscar casi siempre fue limitado. La primera en ganar el premio a Mejor Película fue Sucedió una noche (1934), que además se convirtió en la primera película en obtener los cinco premios principales de la Academia.

Desde entonces, solo unas pocas consiguieron la estatuilla dorada, como El apartamento (1960), Annie Hall (1977) y Shakespeare enamorado (1998). Este año, Anora representa a la comedia romántica entre los nominados, un género que en los últimos años ha perdido protagonismo en la ceremonia.

El terror y la ciencia ficción, géneros con poca representación

El terror, a lo largo de los años, tuvo una presencia mínima en los premios Oscar, con El silencio de los inocentes (1991) como la única película del género en obtener el galardón. Antes de The Substance, cinta nominada en 2025, solo seis películas de terror fueron consideradas para Mejor Película, reflejando las dificultades del género para imponerse en la ceremonia.

La ciencia ficción enfrentó un camino similar. La naranja mecánica (1971) fue la primera nominada del género, pero pasaron más de cuatro décadas hasta que una película de ciencia ficción obtuviera la victoria: La forma del agua (2017), de Guillermo del Toro. Más recientemente, Everything Everywhere All at Once (2022) logró la misma hazaña. En la próxima edición, “Dune: Parte Dos” es la representante del género, con altas expectativas debido al éxito de su predecesora.

Los musicales, del dominio absoluto a la ausencia prolongada

Durante las décadas de 1950 y 1960, los musicales fueron una apuesta segura en los Oscar. Películas como West Side Story (1961), My Fair Lady (1964) y Sonrisas y lágrimas (1965) dominaron la premiación, alcanzando récords en la cantidad de premios obtenidos.

Sin embargo, su presencia se vio reducida en las últimas décadas. Chicago (2002) es el musical más reciente en obtener la estatuilla dorada, y desde entonces ninguna producción del género pudo repetir la hazaña. Para la edición de 2025, Emilia Pérez y Wicked intentan devolver el reconocimiento al musical en la ceremonia de la Academia.

El suspenso y el drama histórico, géneros con altibajos

Las películas de suspenso fueron premiadas en contadas ocasiones, destacando títulos como Rebecca (1940), En el calor de la noche (1967), Infiltrados (2006) y Parasite (2019). En 2025, Cónclave es la representante del género, con la posibilidad de seguir el camino trazado por estos éxitos.

Por su parte, los dramas históricos tuvieron una representación moderada en la premiación, con películas como Argo (2012), Carrozas de fuego (1981) y Un hombre para la eternidad (1966). Nickel Boys, nominada en 2025, busca consolidar este género en la próxima entrega de los premios.

La evolución de los Oscar reflejó los cambios en la industria del cine, y aunque algunos géneros mantuvieron su relevancia, otros desaparecieron del radar de la Academia. El drama ha sido el género más galardonado, con más del 50% de las victorias, mostrando la clara preferencia de los votantes por historias profundas y emocionales.

En el otro extremo, el terror sigue siendo el género menos premiado, con una única victoria en toda la historia. Con la ceremonia de 2025, que se celebrará el domingo 2 de marzo, los votantes definirán si las tendencias históricas se mantienen o si se abre el camino para nuevas sorpresas en la premiación más importante del cine.

El proyecto que lo llevó a la pantalla grande es la adaptación de The Nickel Boys, la novela de Colson Whitehead ganadora del Premio Pulitzer en 2019. La historia sigue a Elwood y Turner, dos adolescentes atrapados en el brutal sistema de la Nickel Academy, una escuela reformatorio inspirada en la real Dozier School for Boys, un centro de detención en Florida con un oscuro historial de abusos. Desde su estreno en Telluride (Estados Unidos), la película fue elogiada por su innovador uso del punto de vista en primera persona y por su concepto estilístico, que evita la violencia explícita sin restarle impacto emocional.

Para Ross, el proceso de escritura fue una exploración más que un ejercicio técnico. “No hice investigación, no me interesa la estructura de tres actos, pero vi un cine increíble”, afirmó el director. Su método consistió en orientarse con un “compás” propio, sin seguir reglas preestablecidas. Junto con la productora Joslyn Barnes, trabajó en un guion que respetara la esencia de la novela, y también propusiera una forma diferente de recordar el pasado.

El desafío de adaptar Nickel Boys

A pesar de su escasa experiencia con guiones, RaMell Ross nunca consideró un obstáculo su falta de formación tradicional en escritura cinematográfica. Lejos de preocuparse por estructuras narrativas convencionales, prefirió abordar la adaptación con una visión más libre, confiando en su instinto visual y en su conocimiento del lenguaje cinematográfico. Su colaboración con la productora Barnes fue clave, ya que ambos coincidieron en escribir el mejor filme posible sin preocuparse por limitaciones presupuestarias o técnicas.

Uno de los aspectos más innovadores del guion es su manejo del punto de vista, que alterna entre Elwood y Turner, los jóvenes protagonistas de la historia. Esta elección le permitió a Ross explorar la subjetividad de cada personaje sin atarse a una narración lineal. Sin embargo, lo que realmente distingue a la película es la manera en que el guion transforma la crudeza de la novela en una experiencia cinematográfica sensorial.

La fidelidad al espíritu de la obra original de Colson Whitehead no significaba replicar la historia exactamente como estaba escrita, sino encontrar formas alternativas de evocar el impacto emocional de los acontecimientos. Desde el inicio del proyecto, Ross dejó claro que su intención no era mostrar sufrimiento de manera gráfica, pero sí de construir una experiencia que hiciera sentir la realidad de la Nickel Academy sin depender de imágenes explícitas de abuso.

La escena de Martin Luther King Jr.

Uno de los momentos más impactantes de la película ocurre cuando el joven Elwood observa en televisión un discurso de Martin Luther King Jr., una experiencia que lo marca profundamente. Esta inclusión del líder de derechos civiles en la película estuvo en riesgo debido a las restricciones sobre su patrimonio y el uso de imágenes originales. “Escribimos nuestra película ideal sin pensar en si se podía hacer”, explicó Ross.

Como alternativa, tenían preparado un plan de respaldo: si no conseguían el permiso para usar la imagen de King, las escenas serían reemplazadas por imágenes de Harry Belafonte, el icónico actor y activista. Además, el fragmento televisivo podría haberse modificado en postproducción con otro discurso. Pero dos días antes de filmar la secuencia, recibieron la aprobación oficial para incluir a King en la trama.

El estilo narrativo de Ross y su visión del cine

Desde el inicio, Ross desafió las tradicionales narrativas para adaptar la novela Nickel Boys. Con la prioridad de buscar nuevas formas de representar la memoria y el trauma, reflejó su negativa a mostrar violencia explícita en pantalla. Para el guionista, el impacto emocional de la historia no dependía de la crudeza visual, sino de la manera en que el espectador percibía el sufrimiento de los personajes.

El concepto se afianza en la secuencia del “White House”, el espacio donde los estudiantes de la Nickel Academy eran brutalmente castigados. En lugar de representar los golpes de manera directa, Ross optó por un montaje de imágenes distorsionadas y rostros de estudiantes reales de la Dozier School (institución que inspiró la novela). “No queríamos imágenes contemporáneas, sino una representación abstracta que también fuera literal”, sentenció el guionista.

Valencia, 12 nov (EFE).- El defensa del Levante Diego Pampín explicó este martes que espera que el partido que el sábado les enfrentará en Valencia al Elche sirva para que los afectados por la dana sean felices "unas horitas" e "intenten olvidar" el drama que les rodea.

"Por lo menos que tengan un momento de evasión de lo que están pasando fuera, que entren en el Ciutat y que valoren lo que queremos hacer por ellos, que se sientan felices durante unas horitas y que al final se intenten olvidar de lo que está pasando fuera, que es un drama, y poder darles un ese aliento", dijo Pampín a los medios oficiales del club.

El partido ante el Elche será el primero en el Ciutat de València desde la dana del pasado 29 de octubre y el Levante pondrá autobuses a disposición de los afectados para que acudan al partido en una medida aplaudida por Pampín.

"Tenemos ganas de reencontrarnos con nuestra gente y de retomar esa normalidad que tanto deseamos y, evidentemente, estamos a la expectactiva de un partido que va a ser muy disputado en el que los dos vamos a ir a por todas", afirmó el futbolista.

Pampín recordó que hubo miembros del equipo que lo pasaron "realmente mal" y subrayó la solidaridad que han recibido todos los afectados.

"Qué menos que estar con la gente. Al final nosotros también somos uno más y qué menos que ayudarles, que sientan el calor de todo el mundo. Cuando a la ciudad le afecta algo, el Levante va a estar ahí", indicó.

Además, el defensor se mostró muy satisfecho por haberse recuperado de la lesión en la musculatura isquiotibial de la pierna izquierda que le mantuvo de baja desde el pasado 5 de octubre.

"Tenía muchas ganas de volver a estar con el grupo. Se me hizo bastante largo, desde fuera no se pasa del todo bien. He vuelto con buen nivel físico, creo que no he perdido y con ganas de entrar, de poder ayudar en lo que me diga el míster e intentar ayudar al equipo", finalizó. EFE

pzm sm/og

Felicity Jones, conocida por su habilidad para interpretar personajes complejos, enfrenta un nuevo desafío en The Brutalist, la monumental obra de Brady Corbet que explora la resiliencia humana tras las tragedias del siglo XX.

En una entrevista reciente para Vanity Fair, la actriz británica compartió cómo, de manera inusual, decidió aceptar este proyecto sin vacilaciones. “Por lo general, necesito mucho tiempo para comprometerme con un papel, pero en este caso fue instantáneo. Desde el principio hasta el final, me sentí completamente involucrada”, afirmó.

En esta epopeya de tres horas y media, Felicity Jones interpreta a Erzsébet Tóth, esposa de László Tóth (Adrien Brody), un arquitecto húngaro que emigra a Estados Unidos tras sobrevivir al Holocausto. Erzsébet aparece por primera vez en la segunda mitad de la película, pero su presencia se siente desde el inicio como un pilar emocional y narrativo fundamental en la historia de este matrimonio que enfrenta tanto las secuelas del pasado como las dificultades del presente.

El desafío de interpretar a Erzsébet

Erzsébet es una mujer que encarna tanto la fragilidad física como la fortaleza mental. Sobreviviente de los horrores de los campos de concentración, sufre graves secuelas de desnutrición, lo que limita su movilidad. A pesar de estas adversidades, se muestra como una fuerza imparable, con un espíritu optimista que impulsa a su esposo en su búsqueda de la grandeza artística y que, al mismo tiempo, enfrenta los abusos del industrial Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce).

Para prepararse, Jones trabajó en varios niveles técnicos y emocionales. Desde dominar el acento húngaro hasta reflejar físicamente la debilidad inicial de Erzsébet y su progresiva recuperación. “Mi mayor desafío fue hacer que todo pareciera lo más natural posible”, explicó, destacando también la importancia de transmitir el peso del trauma de su personaje sin necesidad de expresarlo verbalmente. La actriz recurrió a grabaciones históricas y modelos reales para capturar con precisión la voz y el trasfondo de Erzsébet.

Una dirección que desafía las convenciones

The Brutalist es un desafío para sus actores, y también para los espectadores. Brady Corbet decidió alejarse de los métodos convencionales, optando por no realizar ensayos previos y grabar escenas extensas sin interrupciones.

Según Jones, este enfoque se asemeja más al teatro que al cine tradicional, y requirió una intensa preparación. “Es un estilo que exige estar completamente presente. A veces, el nerviosismo inicial daba paso a descubrimientos frente a la cámara”, comentó la actriz.

La película, además, rompe con las expectativas habituales de un drama histórico. Jones describe la obra como una mezcla de nostalgia por el cine clásico con un enfoque radicalmente moderno. “Brady le da a la película una sensación punk, transformando fragmentos de la narrativa en algo que sorprende al espectador. No hay espacio para el sentimentalismo; siempre está retándote a ver más allá”, señaló.

Erzsébet: más que una esposa

El impacto de Erzsébet en la narrativa no se limita a su papel como soporte emocional de László. Su pragmatismo y determinación la convierten en una figura central, capaz de enfrentarse a figuras poderosas como Van Buren. Jones compara su espíritu inquebrantable con un tren que avanza sin detenerse. Su llegada a la pantalla en la segunda mitad de la película no pasa desapercibida, dejando una huella inmediata en el público.

La actriz también reflexiona sobre los paralelismos entre Erzsébet y otros roles que interpretó, como su personaje en La teoría del todo. Sin embargo, enfatiza que su interés siempre radica en ir más allá de las etiquetas simplistas. “Siempre intento interpretar a personas completas, no a estereotipos. Erzsébet es mucho más que una esposa o madre; tiene una vida rica y significativa, incluso cuando no está en pantalla”, afirmó.

Un proyecto que resuena profundamente

Para Jones, The Brutalist representa un punto culminante en su carrera. La combinación de autenticidad histórica, profundidad emocional y una estética innovadora hacen de esta obra algo único. Su personaje, en particular, le ofreció la oportunidad de explorar nuevas dimensiones interpretativas. “Hay algo muy liberador en asumir este tipo de roles. Erzsébet no solo sobrevive; prospera contra todo pronóstico”, dijo.

Con su compromiso hacia la autenticidad y su capacidad para conectar con el público, Felicity Jones sigue consolidándose como una de las actrices más versátiles de su generación. The Brutalist, con su ambición artística y narrativa, promete ser una película inolvidable, y gran parte de su impacto se debe a la dedicación que Jones aportó al proyecto.

Silvia García Herráez

Cádiz, 30 oct (EFE).- La actriz británica Sophie Turner vuelve a la pequeña pantalla con 'Joan', una serie dramática con “algunas pinceladas cómicas” y en la que se mete en la piel de Joan Hannington, quien en la década de 1980 se ganó el apodo de ‘La Madrina’ del robo de diamantes.

La ficción, que se ha presentado este miércoles en South International Series Festival de Cádiz, cuenta con guion de Anna Symon y está basada en las memorias que la propia Hannington publicó en 2002 ‘Soy lo que soy: la verdadera historia de la ladrona de joyas más famosa de Gran Bretaña’.

“Una productora me dio el libro, y vi que había una historia increíble. Sin embargo, lo mejor fue cuando quedé con Joan en una cafetería para hablarle del proyecto y llegó con un glamour que dejó a todo el mundo con la boca abierta. Entonces dije sí o sí hay que llevarla a la pantalla”, ha explicado la guionista en declaraciones a EFE.

Symon confiesa que a Hannington le “encantó” la idea del proyecto. De hecho, llevaba esperando toda su vida que el mundo conociera su historia. Sin embargo, precisó que si se iba a llevar adelante, había que incluir ciertas cosas y líneas que no se podían cruzar.

“Cuando nos conocimos, me dijo que no quería que contara su historia en pantalla, a menos que resaltara su infancia", porque creía que eso explicaba algunas de las decisiones que tomó. "Lo dijo muy en serio. Yo lo habría hecho de todos modos, el contar su pasado; su padre la pegaba, había sufrido maltrato también de pequeña y quería que la gente supiera de dónde se originó este personaje extraordinario”, ha añadido.

La línea roja que la guionista no debía cruzar es que no quedara reflejada nunca como una chivata de la policía, porque, ha subrayado que “eso nunca fue verdad, y no había que mostrar nada de eso”.

La guionista cuenta que fue tal el nivel de entusiasmo de Hannington con el proyecto que no solo acudía al rodaje algunos días o al montaje, sino que también revisaba o corregía cosas de los guiones.

“Era gracioso verla leer su propia vida en voz alta a través de los guiones y como cambiaba cosas cuando algo no le gustaba o añadía otras según se acordaba”, ha rememorado.

La trama de ‘Joan’ sigue a una joven madre que, tras la huida de su esposo Gary, decide comenzar una nueva vida como ladrona de joyas para asegurar el futuro de su hija Kelly.

Con este giro en su vida, Joan (Turner) se sumerge en el mundo del crimen, robando piedras preciosas sin cortar y ganándose una reputación de temida y admirada.

Al intentar vender esas piezas robadas conoce a Boisie Hannington (Frank Dillane), un perista que tiene una tienda de antigüedades y que se mueve como pez en el agua en los bajos fondos londinenses. Ambos comenzarán una relación profesional y personal.

La serie, en parte rodada en Marbella, se estrenó en la cadena británica ITV y tiene pensado dar el salto a una plataforma española próximamente para que la historia de la ladrona de joyas se pueda internacionalmente. EFE

sgh-np/oli

Cádiz, 26 oct (EFE).- Un thriller lleno de "intrigas, tensión, acción, coraje y drama" protagonizado por cuatro mujeres y dirigido por mujeres, así es ‘Asuntos internos’, la nueva ficción de RTVE "femenina y feminista", que se ha presentado este sábado en el South International Series Festival de Cádiz.

Dirigida por María Togores y Samantha López Speranza, y creada por Pedro García Ríos y Rodrigo Martín Antoranz, la ficción de seis capítulos cuenta "la llegada de la mujer a puestos que nunca antes habían estado a su disposición en una década de transformación y adicción".

"En el 79 tuvo lugar la primera promoción de mujeres policías y reflejar ese hecho en la ficción es importante", apunta José Pastor, director de cine y ficción de RTVE.

Asimismo, las directoras agregan que es una serie "muy especial porque está ambientada en la Transición y cuenta el drama de cuatro mujeres que buscan su hueco en la sociedad y los hombres que quieren tener ese cambio, pero son juzgados por otros hombres. Cuenta problemas que son importantes en esa época y ahora", inciden.

Otra de las tramas de la serie gira en torno a la entrada masiva de estupefacientes sobre los que no había suficiente información generada por la apertura de España tras la dictadura.

"La generación de los años 80 se perdió en la droga, la heroína estaba empezando, no se sabía muy bien lo que era y la libertad explotó”, cuenta Togores.

De esta manera, la serie sitúa al espectador en el año 1979, donde Clara Montesinos (Laia Manzanares), miembro de la primera promoción de mujeres policía, llega a una comisaría en la que la irrupción de la heroína condiciona la vida de todo el barrio, entre ellas la de Gema (Carla Campra).

Allí, la nueva inspectora va a aprender que ser agente es mucho más duro de lo que pensó, y más en ese destino.

Ella luchará por limpiar el barrio, lucha en la que encontrará aliadas inesperadas empujadas a coger el toro por los cuernos para salir adelante como Ana (Silvia Abascal), una madre adinerada cuya hija cae en las garras de la droga; y Berta (Marta Poveda), la mujer que sirve en su casa, que ha de dar el paso de tomar las riendas de su vida y la de su familia para salir de la situación en la que vive.

Para Campra lo más complicado fue adentrarse en el mundo de las drogas y, sobre todo, en el de la heroína.

"Meterme en ese mundo ha sido muy fuerte, tuve que prepararme mucho tanto a nivel de investigación, leer muchos libros; como físicamente para poder reproducir el síndrome de abstinencia o simular cuando te metes un pico. Lo trabajé mucho con una coach para que fuera lo más verosímil posible", detalla.

Sin embargo, confiesa que interpretar un papel como este, de heroinómana, es un "regalo" que toda actriz quiere hacer.

Por su parte, Poveda destaca el viaje mental de su personaje, que supone dejar de ser una mujer "absolutamente ninguneada desde un lugar de sumisión" y convertirse en alguien que "empieza a tomar las riendas de su vida".

"También es una mujer que lucha contra la opresión del hombre con el que vive, se enfrenta con arrojo a él gracias a lo que aprende al juntarse con las otras mujeres valientes", afirma.

El reparto se completa también con Nacho Fresneda, en el papel de Urbieta, un inspector jefe de policía de los de antaño, resistente al cambio gradual que iba viviendo la sociedad española de finales de los años 70.

Sin aún fecha de estreno, Pastor avanza que a él le gustaría que se le diera un perfil de continuidad tras finalizar 'Las abogadas'. "Esta serie acaba en el año 77/78 y 'Asuntos internos' empieza en el 79, por lo que tendría sentido esta continuidad", aclara. EFE

Sgh/pbn/jmj

En 2023 vio la luz en Prime Video 'Citadel', serie de espías creada por los hermanos Russo. La ficción se convirtió en franquicia con el estreno de 'Citadel: Diana', ambientada en Italia, y ahora dará el salto a India con 'Citadel: Honey Bunny', que llegará al servicio de streaming de Amazon el próximo 7 de noviembre. Lo hará con un equipo eminente local tanto delante como detrás de las pantallas, algo importante ya que, según aseguran sus protagonistas, el público "se da cuenta" cuando "ve una serie local hecha por un extranjero".

En este nuevo spin-off, el doble de acción Bunny (Varun Dhawan) recluta a la actriz en ciernes Honey (Samantha) para un trabajo en el que ambos se ven inmersos en un mundo de acción, espionaje y traición. Años más tarde, Honey y Bunny, distanciados, deben reunirse y luchar para proteger a su hija Nadia.

"Es completamente diferente en tono y género, y eso es lo que les gustó a los hermanos Russo. Creían que cada serie debía tener su propia presencia, su propia voz, su propia personalidad", explica el cocreador Krishna D.K. sobre el spin-off en una entrevista concedida a Europa Press.

https://www.youtube.com/watch?v=uSayzhGbf28

La localización tiene un peso muy importante en la trama serie, y es que, tal como cuenta el cocreador Raj Nidimoru, tomaron inspiración del cine de Bollywood. "La idea es hacerlo muy local y, cuando lo haces así y funciona en tu país, es el primer paso para ir a lo global", añade D.K.

"Cuando ve una película o una serie local hecha por un extranjero, el público se da cuenta. No es que seas un experto, es la forma en que ves las cosas. La gente puede sentir cuando alguien nativo está trabajando en una historia local", agrega Nidimoru.

"Los fans de la acción, especialmente aquellos que han visto nuestra idea de las películas de acción, probablemente podrán disfrutar de otro sabor", comenta Nidimoru, mientras que D.K. afirma que, más allá de la acción, el spin-off destaca por su "drama que engancha" "Si tuviera que resumirlo, diría que trata sobre la unidad familiar", puntualiza el cocreador. "Te lleva por toda una gama de emociones. Hay mucho corazón, hay mucha acción y, al final, trata sobre las relaciones", destaca por su parte la guionista Sita Menon.

Kay Kay Menon, Simran, Saqib Saleem, Sikandar Kher, Soham Majumdar, Shivankit Parihar y Kashvi Majmundar completan el elenco de 'Citadel: Honey Bunny'. La ficción, que se estrena el próximo 7 de noviembre en exclusiva en Prime Video, constará de seis episodios. Además, desde el pasado 10 de octubre los usuarios de la plataforma de streaming ya pueden ver 'Citadel: Diana'.

Madrid, 9 oct (EFE).- El dramaturgo Patxo Tellería firma el texto que protagoniza junto a Ramón Barea, 'El dilema del corcho', un espectáculo que llevan al Teatro de la Abadía (Madrid), bajo la dirección de Mireia Gabilondo y que plantea el dilema de si es posible mantener la ética ante una enfermedad terminal.

Una obra que no es documental -aclara su autor-, pero sí parte de un hecho real; la donación realizada en 2021 por Amancio Ortega -fundador de Inditex- con la que se adquirieron máquinas avanzadas para tratar el cáncer en diversos hospitales.

Tellería ha explicado que, en realidad, quería hablar sobre impuestos, "un tema difícil de tratar en teatro", ha bromeado.

"Cuando se nos caen las grandes teorías sobre cómo cambiar el mundo y, ya absorbidos por el capitalismo, lo que nos queda es luchar por un sistema fiscal justo y progresivo", ha explicado este miércoles Patxo Tellería en boca de su protagonista.

La obra narra cómo un prestigioso profesor jubilado (Ramón Barea), catedrático de Ética y Filosofía Política se plantea renunciar a un tratamiento que podría acabar con su cáncer.

Su vida depende de un equipamiento de radioterapia avanzado que le ha ofrecido un conocido magnate y con el que quiere lavar su imagen. El profesor debe decidir si ser fiel a sus principios o ceder ante el filántropo. Cuando ha tomado una decisión y la va a hacer pública recibe la visita de un antiguo alumno (Patxo Telleria).

La puesta en escena de la obra, por parte de la compañía Tartean Teatro, plantea un texto sobre ética, coherencia, traición y venganzas, en el que se mezcla comedia y drama, así como thriller político y psicológico de dos viejos amigos "que se piden cuentas", ha señalado Tellería.

Una opinión que apoya Ramón Barea (Bilbao, 1949), que ha manifestado que a "los personajes se les viene el pasado encima" y ha reseñado que la obra tiene "la carpintería de comedia de enredo", aunque su contenido responde a cuestiones más psicológicas, "con muchos dilemas morales".

En este sentido, ha manifestado que el profesor fue un referente de la izquierda que con el tiempo fue atemperando su discurso. "Es un tipo que se parece a otros tipos", al que se le viene encima "toda su actitud ante la vida".

Por su parte, la directora Mireia Gabilondo ha asegurado que le "encantó" el texto nada más leerlo. "Está muy bien escrito, lleno de sorpresas y habla de cosas importantes, con personajes muy reales".

La obra, que ha tenido un largo recorrido en euskera, se estrena en el Teatro de La Abadía el 24 de octubre y se podrá ver hasta el 10 de noviembre. EFE

Madrid, 1 oct (EFE).- La directora y dramaturga Marta Pazos lleva a la escena el espectáculo 'Juana de Arco' alejado del historicismo y con la intención de poner el foco en el poder en términos generales: el establecido y el propio sobre cómo se ejerce el liderazgo.

Marta Pazos es directora y dramaturga, junto a Sergio Martínez Vila, de esta obra en la que ha querido conectar la espiritualidad del personaje, con lo terrenal. "Juana de Arco es un rayo de luz en la guerra de los Cien Años, una mujer inspiradora", ha dicho.

En la presentación de 'Juana de Arco' este martes en Madrid, la directora ha reconocido que le gusta llevar al escenario personajes "no privilegiados por la historia por su identidad de género; mujeres a las que otros han escrito su propia historia".

La obra, que se representará del 3 de octubre al 3 de noviembre en la Nave 10 de Matadero, busca reescribir el mito de la heroína del siglo XV más allá de la versión oficial, y está protagonizada por un elenco íntegramente femenino: Georgina Amorós, Katalin Arana, Macarena García, Lucía Juárez, Bea de Paz, Ana Polvorosa y Joana Vilapuig (Juana de Arco).

Todas ellas van creando todos los poderes de un auto sacramental, "sin serlo", ha precisado Pazos. Son mujeres que emergen, que dan referencia de la protagonista "que va a la guerra por el bien común", ha manifestado.

Con apenas diecisiete años, Juana de Arco acude a la corte del Delfín Carlos VII para que el heredero ponga en sus manos el mando del ejército. La joven dice hablar en nombre de Dios, le convence, consigue levantar el asedio inglés en Orleans y es así como se convierte en una líder para los soldados y el pueblo. Sin embargo, sin embargo, pasa de la gloria a ser acusada de herejía.

"Es la historia de una mujer muy joven durante la guerra de los Cien Años, que conectaba con el misticismo y con el poder" en manos de hombres.

Una adolescente con una personalidad capaz de liderar un ejército de miles de hombres. "A veces el poder empieza por algo insignificante", de ahí la importancia de elegir bien las palabras con las que se expresa.

Once versiones han sido necesarias para dar con el lenguaje apropiado, "ni demasiado poético ni muy terrenal", un protagonismo de la palabra que se hace necesario para conformar "un viaje contemplativo y auditivo".

El texto habla de la monarquía, de lo bélico, lo salvaje, la justicia, lo espiritual y lo divino, según su autora, que ha detallado que ella y Martínez Vila han buceado en documentos históricos para su recreación, sin dejar de lado referencias cinematográficas.

El diseñador Leandro Cano es el encargado de un vestuario en el que el color borgoña es el protagonista (el del vino y la sangre), como guiño a la historia, ya que Juana de Arco fue capturada por los hombres del duque de Borgoña-.

La música electrónica que Hugo Torres ha creado para la función es también un "traje a medida" que arropa un escenario casi vacío, "minimalista", en el que habrá un cruz, un eclipse de luna y de sol y un tronco que simboliza la hoguera -que no se verá-.

"Para mi lo importante es qué queda de ella, cuál es su legado de conexión, de inspiración de tribu", ha relatado la directora.

Además, ha reconocido que no quiere equiparar la situación de Juana de Arco a la actualidad, aunque podría asemejarse con casos recientes, como el de la atleta olímpica ugandesa Rebecca Cheptegei, quemada por su novio, o el de una mujer en Vigo. EFE

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Madrid, 1 oct (EFE).- 'La Franquicia', una comedia de Sam Mendes sobre el rodaje de un filme de superhéroes; 'Observada', un thriller psicológico de Alfonso Cuarón con Cate Blanchett y Sacha Baron Cohen, y el sólido drama judicial 'Querer', con el que debuta en las series Alauda Ruíz de Azúa, son algunas de las propuestas más destacadas en series para octubre.

La revitalización de una saga de superhéroes centra el argumento de 'La Franquicia', creada por Sam Mendes, Jon Brown ('Succesion') y Armando Iannucci ('Veep'), y protagonizada por Bill Magnussen, Aya Cash, Himesh Patel, Jessica Hynes y Daniel Brühl.

La serie muestra, en clave de comedia, los entresijos de la creación de películas y sagas de superhéroes, que dicta el porvenir de la industria cinematográfica. El equipo de producción debe enfrentarse a innumerables situaciones catastróficas para sacar adelante una franquicia en horas bajas, mientras afrontan multitud de situaciones cómicas.

Cate Blanchett protagoniza este thriller dirigido por Alfonso Cuarón en el que encontramos también figuras de la talla de Sacha Baron Cohen o Kevin Kline, acompañados por jóvenes talentos como Louis Partridge ('Enola Holmes') o Hoyeon ('El juego del calamar)'.

Blanchett interpreta a Catherine Ravenscroft, una periodista de investigación famosa por destapar escándalos públicos que descubre en su mesita de noche una extraña novela de un autor desconocido (Kline), y tras leerla, observa horrorizada que describe sus secretos mejor guardados.

Miniserie que, a lo largo de sus cuatro episodios, bucea por primera vez en una serie en la difícil decisión de denunciar a un marido por abuso y falta de consentimiento sexual después de 30 años de matrimonio.

Nagore Aramburu es la madre que denuncia a su marido por violación continuada, mientras sus dos hijos deben decidir si creer a su madre o a su padre. El calvario personal y jurídico de las denuncias por maltrato centran la trama, con un soberbio reparto que incluye a Pedro Casablanc, Miguel Benardeau e Iván Pellicer.

Un thriller que comienza con un atraco en un autobús en el que un misterioso encapuchado acaba con los atracadores, cuya identidad se niegan a revelar los testigos cuando la policía intenta esclarecer los hechos.

La historia, que pone al espectador frente al dilema moral de elegir qué es lo correcto, está protagonizada por Ana Polvorosa, Paco Tous, Pablo Molinero y Michelle Jenner, para esta producción que encabezan David Victori y Jordi Vallejo.

Gael García Bernal es Esteban, un boxeador en horas bajas que empieza a intuir el final de su carrera mientras Diego Luna interpreta a su representante, Andy, un hombre alocado y sin escrúpulos, pero fiel a su cliente, en este reencuentro de los protagonistas de 'Y tu mamá también' (2001).

Ante la posibilidad de un último combate que pueda volver a encumbrar a "La Máquina", el sobrenombre de Esteban, Andy recurre a organizaciones delictivas, y se desencadena una espiral de amenazas, persecuciones y extorsión que también implicará a la pareja de Esteban, Irasema, interpretada por Eiza González.

Un príncipe indio despojado de todas sus pertenencias materiales y de sus seres queridos por la Compañía de las Indias Orientales busca venganza a bordo del Nautilus, un submarino robado con el que vivirá aventuras a lo largo del mundo en busca de sus enemigos mientras navega por rincones inexplorados y lucha contra criaturas desconocidas.

La serie, basada en la novela clásica de ciencia ficción de Julio Verne '20.000 leguas de viaje submarino', llega a Prime Video después de que fuera descartada por Disney, con Shazad Latif en el papel del capitán Nemo.

Alice (Andrea Riseborough) trabaja en el sector de las finanzas y Jack (Domhnall Gleeson) es científico; entre ellos surge una historia de amor que articula el argumento de esta serie, que les sigue los 16 años que dura su relación, con sus altibajos, rupturas y reconciliaciones, en un drama romántico dirigido por Victor Levin ('La boda de mi ex').

La desaparición de un jugador de fútbol americano del instituto de un pueblo norteamericano causa una gran conmoción en la comunidad y sirve de excusa para que una banda de heavy metal lance su carrera utilizando los mensajes satánicos como forma de expresión, provocando que ocurran sucesos extraños que desembocan en una caza de brujas.

Julie Bowen ('Modern Family') encarna a Linda Campbell, la madre de  Dylan, el líder de la banda, interpretado por Emjay Anthony ('Chef'), con Jessica Treska ('Heridas abiertas'), Anna Camp ('Dando la nota') y Garret Dillahunt ('Deadwood') también en el elenco.

La serie de cuatro episodios es un thriller psicológico ambientado en los meses posteriores al atentado en la sala Bataclan de París en 2015, en los que una mujer aficionada a la música rock, que fue testigo de los ataques, ingresa en una asociación de supervivientes.

Se trata de una historia de mentiras, engaños y manipulación alrededor de la tragedia parisina, que supone la primera serie francesa original de la plataforma Max, y está protagonizada por Laure Calamy ('A tiempo completo').

Basada en la novela 'La última noche en Tremore Beach' de Mikel Santiago, 'La última noche en Tremor' cuenta cómo un  músico que se recluye en una casa aislada, lejos de toda civilización, empieza a tener visiones sobre la muerte de sus vecinos tras una virulenta tormenta.

Ana Polvorosa, Javier Rey, Willy Toledo y Pilar Castro conforman lo más destacado del elenco de la serie creada por Oriol Paulo ('Los renglones torcidos de Dios') y Jordi Vallejo ('No matarás').

Wanda es una joven rebelde de 17 años que vive en un pueblo modélico en Alemania; tras desaparecer en el bosque, su familia emprende su búsqueda, y después de visitar comisarías y platós de televisión, deciden tomar cartas en el asunto y buscar por su cuenta, con la ayuda de dispositivos electrónicos.

Poco a poco, descubren los estrafalarios secretos de sus vecinos, con multitud de situaciones surrealistas. EFE

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Barcelona, 27 sep (EFE).- La 12ª edición del Asian Film Festival Barcelona|AFFBCN, el festival de cine asiático de autor que organiza Casa Asia y que tendrá lugar del 24 de octubre al 3 de noviembre, se inaugurará con el filme coreano 'Citizen of a Kind', de la directora Park Young-ju.

Según ha informado este viernes el certamen, clausurará el festival 'Time Still Turns the Pages', del director de Hong Kong Nick Cheuk, que estará presente en Barcelona, al igual que la directora de la jornada inaugural.

El Festival mantiene un año más sus señas de identidad y proyectará más de un centenar de películas representativas del cine experimental e independiente del nuevo cine asiático, con la participación de filmografías procedentes de una veintena de países de Asia y el Pacífico.

La producción cinematográfica del AFFBCN incluye títulos procedentes de Irán, Afganistán, Kazajistán, Uzbekistán, Kirguistán, Australia, Nueva Zelanda, Bangladés, Camboya, Indonesia, Malasia, Pakistán, Filipinas, Singapur, Tailandia, Vietnam, Mongolia, Nepal; y nuevos títulos de industrias cinematografías tan consolidadas como las de Japón, Corea del Sur, China, Hong Kong e India.

El AFFBCN 2024 distribuirá su programación en cinco secciones: Oficial, Oficial Panorama, Discoveries, NETPAC y Especial, todas ellas a concurso.

Una de las novedades de esta edición es la Retrospectiva que se dedica al cine aborigen australiano, que incluirá un total de nueve películas.

El centenar de películas que se podrán ver en este festival especializado en cine asiático corresponde a los años 2023 y 2024 en su mayoría, y el género que predomina es el drama en todas sus acepciones, aunque también habrá algunos documentales, un cortometraje y cine de animación. EFE

Alicia G. Arribas.

San Sebastián, 27 sep (EFE).- Alauda Ruíz de Azúa, realizadora de la premiada 'Cinco lobitos' (2023), ha presentado este viernes en el Festival de San Sebastián su primera serie como directora y guionista, 'Querer', un drama judicial que abre un "asunto sin explorar y de lo más pantanoso": el abuso dentro del matrimonio.

Con un guion pegado a la realidad -escrito a seis manos por Ruíz de Azúa, Jùlia de Paz y Eduard Solá-, 'Querer' aborda el consentimiento sexual en una relación de pareja de más de 30 años de casados; un terreno, explica la directora vasca en una entrevista con EFE, donde "surgen otro tipo de preguntas, como cómo se pasa del amor a una violación, de consentir a ceder, de priorizar el deseo del otro a, de repente, la violencia sexual", explica.

La serie, que se estrenará en octubre en Movistar Plus+, cuenta en sus principales papeles con Nagore Aranburu, Pedro Casablanc, Miguel Bernardeau, Loreto Mauleón e Iván Pellicer, impecables en sus interpretaciones. 'Querer' participa fuera de concurso en el Zinemaldia, siguiendo los pasos de otras producciones como 'La Mesías' o 'Antidisturbios'.

La directora, Goya como mejor debutante en 2023, explica que el equipo debatió "mucho" el tema de "no juzgar a los personajes, que era algo más fácil de decir que de hacer", y para lograrlo tuvieron que "trabajar" con cosas muy emocionales, "a veces muy dolorosas e incómodas, y muy intensas".

Por ello, la selección de actores fue de las cosas más importantes, "porque generas ya la relación" con la que van a trabajar como familia, explica Ruíz de Azúa. En este caso, asegura, ha tenido mucha suerte porque "tienen muchísimo talento, pero sobre todo, todos tienen una capacidad de entrar a lo visceral, a lo emocional, muy fuerte, muy auténtica".

'Querer' es una miniserie de cuatro capítulos que comienza con Miren (Aranburu), una madre de una familia 'bien' del País Vasco a punto de salir por la puerta con su maleta y dejar el que ha sido su hogar durante 30 años de matrimonio. No solo ha decidido abandonar el domicilio familiar sino que también va a denunciar a su marido (Casablanc) por violación continuada. Es consciente del 'shock' que va a causar en su entorno, y no solo en sus hijos.

Los hijos, Aitor (Miguel Bernardeau), 'clavadito' a su padre, se posiciona de su lado, por supuesto, pero Jon... (Iván Pellicer), un chaval que no ha podido decirle a su padre quién es, quiere oír lo que tenga que decir su madre; ambos juegan un papel importante en este relato.

"Es un dilema cuando te pones realmente en esos zapatos -dice Alauda- porque puedes querer apoyar a tu madre, que es la que denuncia, pero también es tu padre el que se está jugando el ir o no a la cárcel. A quién crees, por qué le crees".

"No elegimos como un caso concreto, pero sí hemos investigado muchos casos y es verdad que el caso de Miren Torres, que es un personaje ficticio, está inspirado en muchos casos reales. Todo lo que sale le ha pasado a muchas mujeres", afirma Azúa.

"Pienso que, por eso también, mucha gente se puede ver reflejada no en todo, pero sí en pequeñas cosas. Muchos destellos de esa violencia. Cuando te asomas, te das cuenta que es bastante escalofriante, que por desgracia se repiten muchos patrones.

Del trabajo de actores destaca también la directora a sus "abogados", encabezados por una sólida Loreto Mauleón, que tuvieron que aprender cómo es un juicio, pero de verdad. "Han hecho un trabajo increíble porque la dificultad de esos papeles es hablar como si lo dijeras todos los días, no es tan fácil, además cuando se te están cruzando sentimientos y ganas de decir 'será hijo de ...'".

"Es verdad que cuando me pongo a escribir sobre universos familiares siempre termino con lo cercano, yo los visualizo allí (en Euskadi) donde tengo mis referencias. Y así es como puedo imaginar cómo vive la gente, cómo se reúne, cómo habla estas cosas o cómo podría hablarlas", apunta la barakaldara que, de nuevo, como ya hiciera en 'Cinco lobitos', borda la inmersión en los entornos de los protagonistas, llevando al espectador a sentirse parte del problema.

 "Para mí, como vasca y como cineasta, estrenar mi primera serie en el Festival de San Sebastián me hace feliz, me siento muy privilegiada y muy honrada de que su estreno sea en Zinemaldia, en ese contexto de amor por el cine y en una sala". EFE

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MoviesDomestic ViolenceActors and ActressesBaldoni, JustinLively, BlakeReynolds, RyanIt Ends With Us (Movie)

La trama de la película ha pasado a un segundo plano ahora que la atención pública se concentra en las diferencias entre Blake Lively y Justin Baldoni, su coprotagonista y director.

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Romper el círculo, el drama romántico de Blake Lively, gira en torno a una florista, y la campaña de mercadeo de la película, incluyendo la alfombra roja y los carteles, ha sido totalmente de temática floral. Pero la gira de prensa no ha sido un camino de rosas.

La película en sí es un éxito de taquilla, con una recaudación de 50 millones de dólares tras su estreno el pasado fin de semana. La trama se centra en Lily Bloom (Lively), quien escapa de una infancia dura, abre la floristería de sus sueños y pronto conoce al que parece ser el chico de sus sueños, Ryle Kincaid, interpretado por el director de la película, Justin Baldoni.

Basada en una exitosa novela de Colleen Hoover, Romper el círculo trata en última instancia de romper el ciclo de violencia doméstica que atrapa a una generación tras otra. Pero la película ha estado en el centro de un número sorprendentemente variado de controversias que han suscitado una serie de preguntas:

¿Ha habido discordia entre Baldoni y el reparto?

En los estrenos de Nueva York y Europa surgieron indicios de que las cosas no iban bien. Aunque Baldoni estuvo presente, no posó para las cámaras con ningún otro actor de la película ni participó en entrevistas conjuntas. Los fans especularon con que se trataba de una táctica de mercadeo, dado que interpreta a un marido maltratador. La teoría parecía ser que la distancia era una declaración para no idealizar la relación entre los personajes de Lively y Baldoni.

Pero esa conjetura se descartó rápidamente cuando se supo que Lively, su marido, Ryan Reynolds, otros miembros del reparto e incluso Hoover habían dejado de seguir a Baldoni en las redes sociales. El drama interpersonal se vio alimentado por los reportes de conflicto durante el rodaje de la película, todos ellos relatados por fuentes anónimas, por supuesto.

¿Involucra el distanciamiento a Ryan Reynolds?

Baldoni y su productora, Wayfarer Studios, obtuvieron los derechos del libro en 2019, y en 2023 se anunció que Lively había firmado para protagonizarlo. Y lo que es más importante, ambos eran productores ejecutivos.

Esto es relevante porque las entrevistas durante la gira de prensa sugirieron que había diferencias creativas entre Baldoni y Lively. Cuando Entertainment Tonight preguntó a Baldoni si dirigiría una adaptación de la secuela, Volver a empezar, dijo: "Creo que Blake Lively está preparada para dirigir. Eso es lo que creo".

Las sospechas de diferencias se avivaron aún más con la revelación de Lively de que Reynolds había tenido algo que ver en el guion.

En la alfombra roja con E! News, dijo que Reynolds, cuya película Deadpool & Wolverine también está actualmente en los cines, estuvo muy involucrado en Romper el círculo, a pesar de no tener ningún papel formal, y que fue el responsable de adaptar una escena. "La icónica escena de la azotea de esta película, la escribió mi marido. Nadie lo sabe", dijo.

La guionista, Christy Hall, declaró a People que desconocía la existencia de cualquier reescritura y que, en cambio, pensaba que los actores estaban improvisando.

Además, según The Hollywood Reporter, Lively encargó un montaje de la película a Shane Reid, el mismo editor que trabajó en Deadpool & Wolverine. La mayor incógnita que se cierne sobre Hollywood es si el montaje de Baldoni o el de Lively es el que finalmente se estrenó.

¿Está la campaña de mercadeo restando importancia al tema de la violencia doméstica?

La promoción de la película por parte de Lively ha incluido el impulso de su nueva línea de productos para el cuidado del cabello, el debate sobre la ropa de la película y respuestas a preguntas sobre el abuso, que han sido criticadas por superficiales e insensibles. En la página oficial de TikTok de la película Romper el círculo, Lively dice: "agarra a tus amigos, ponte tus prendas florales y anda a verla".

Para algunos usuarios de las redes sociales, eso parece fuera de lugar para una película sobre la violencia doméstica y ha inspirado TikToks de personas que se burlan de su enfoque ligero. Un usuario de TikTok, @hiremeimfunny, ha publicado una serie titulada "si otras películas se promocionaran como Romper el círculo". En un video, dice: "Llamando a todas las mamás de chicos: tomen sus bocadillos y lleven a su hijo a la película familiar del año, Réquiem por un sueño. Solo en el cine, no en tu mente".

Baldoni, por el contrario, ha hecho hincapié en la importancia de concientizar sobre la violencia doméstica y proporcionar recursos a quienes se encuentran en situaciones similares.

"Si una Lily Bloom en la vida real puede sentarse en este teatro, y hacer una elección para sí misma diferente a la que otros hicieron para ella, tal vez se vea reflejada en esa pantalla y elija algo diferente para ella misma", dijo Baldoni en una entrevista en la alfombra roja. Su compañía, Wayfarer, también se asoció con la Fundación No More para proporcionar recursos e información sobre el abuso.

Shivani Gonzalez es asistente de noticias en el Times, escribe una columna semanal sobre televisión y colabora en diversas secciones. Más de Shivani Gonzalez

Bangkok, 24 jun (EFE).- La película tailandesa 'How To Make Millions Before Grandma Dies' ('Cómo ganar millones antes de que muera la abuela') ha cautivado al público en varios países del Sudeste Asiático que ha llenado las redes sociales de elogios a esta emotiva película.

Dirigida por Pat Boonnitipat y producida por GDH, la cinta relata la historia de un joven rebelde y mal estudiante que decide mudarse a vivir con su abuela, enferma de cáncer, y cuidarla con el fin de poder heredar su dinero en el seno de una familia tailandesa de origen chino.

M, el joven interpretado por el popular actor Putthipong Assaratanakul, establece una relación más íntima con la abuela, a la que da vida Usha Seamkhum, mientras que otros miembros de la familia también muestran un interés crematístico por ella.

'How To Make Millions Before Grandma Dies', estrenada este año, llegó a ser en abril la película de habla tailandesa más vista en Tailandia llegando a recaudar 320 millones de bat (8,72 millones de dólares o 8,14 millones de dólares).

También ha tenido un éxito notable de taquilla en otros países de la región como Indonesia, Malasia y Singapur, donde ha resonado con muchas familias de origen chino.

"Es una película muy buena. Yo tengo 'amah' (abuela) y la película fue muy conmovedora. Lloré mucho. La actriz (la abuela) actuó muy bien. Me gusta mucho, Quiero verla otra vez", afirmó Patcharat, una espectadora, en Tiktok.

Otro internauta señaló en Google que merece la pena ver la película, aunque el final sea predecible: "Uno de los atractivos de las películas tailandesas es lo bien que se centran en los pequeños detalles que pueden llegarte al corazón".

Aunque la mayoría de los comentarios son positivos, también hay quienes la han criticado como Prongsi, quien dijo en TikTok que no le conmovió la cita.

El crítico filipino Jason Tan Liwat elogió en un artículo en Rappler la dirección y la actuación de esta película de estética íntima que habla de temas universales.

"'How to Make Millions Before Grandma Dies' ha resonado de manera profunda y amplia porque fuerza a sus personajes -y también a la audiencia- a afrontar la realidad de que la remuneración es imposible. Ninguna herencia sustituye a los buenos momentos ni supera los malos", indicó Tan Liwat.