Netflix estrenará este viernes 13 de noviembre Russell Brand: Open Secret, un documental que reconstruye el ascenso y la caída del comediante. El actor británico fue enjuiciado por denuncias de agresión sexual, litigio que culminó este mes con una condena de 10 años y seis meses de prisión.

La producción recorre las distintas etapas de la vida de Brand: desde sus primeros éxitos en la comedia y su llegada al cine hasta su transformación en activista político y creador de contenido en YouTube, donde empezó a difundir teorías conspirativas. El relato también aborda el proceso judicial que lo llevó a convertirse en protagonista de uno de los casos más mediáticos recientes del Reino Unido.

Russell Brand: Open Secret fue dirigido por Olivia Isaacs y es un documental de larga duración producido por 72 Films, compañía perteneciente al grupo Fremantle. El equipo también estuvo a cargo de Jimmy Savile: A British Horror Story, la producción de Netflix de 2022 que examinó los abusos sexuales cometidos por el presentador británico Jimmy Savile.

La película reúne testimonios de personas que conocieron a Brand en distintos momentos de su vida y material de archivo para reconstruir su trayectoria personal y profesional. The Sun adelantó que uno de los entrevistados fue Mark Pinheiro, quien fue compañero de departamento del comediante y declaró como testigo durante el reciente juicio.

También participará Georgina Baillie, nieta del actor Andrew Sachs, quien estuvo en el centro del escándalo conocido como Sachsgate en 2008, relacionado con una llamada telefónica de Brand y el presentador Jonathan Ross a Sachs.

Otro eje central será la investigación periodística que permitió que las denuncias contra el actor llegaran a la esfera pública. El documental contará con la participación de Rosamund Urwin, corresponsal jefe de medios de The Sunday Times, y Charlotte Wace, periodista de investigación de The Times. Ambas estuvieron involucradas en las publicaciones de 2023 que impulsaron las posteriores investigaciones policiales.

The Hollywood Reporter destacó que la producción también examinará cómo Brand consiguió eludir consecuencias durante años, pese a que varias personas de la industria televisiva conocían su comportamiento.

De acuerdo con The Sun, la película no incluirá testimonios de las mujeres que fueron víctimas de los delitos por los que el comediante resultó condenado.

La sentencia que precede al estreno

El pasado 9 de noviembre, solo cuatro días antes del estreno del filme documental, Brand recibió una condena de 10 años y seis meses de prisión. El 5 de noviembre, un jurado de un tribunal de Londres lo declaró culpable de un cargo de violación y tres de agresión sexual. En cambio, fue absuelto de otros dos cargos de violación y uno de intento de agresión indecente.

Durante la lectura de la sentencia, el juez Justice Bennathan cuestionó la conducta del actor y describió su actitud durante los ataques como de “arrogancia pasmosa”. También señaló que su entorno había consentido con frecuencia su “terrible comportamiento”, según informó The Hollywood Reporter.

La producción ejecutiva de Russell Brand: Open Secret está a cargo de Clare Cameron, David Glover y Mark Raphael, mientras que Kate Yandle, Laura Spence y Felicity Cross figuran como productoras.

El documental estará disponible en Netflix a partir del 13 de noviembre.

La producción de HBO Max de la serie Valentín: La muerte del Gallo de Oro evitó responder a los cuestionamientos de la familia de Valentín Elizalde durante el conversatorio previo a su estreno.

El equipo fue consultado por la prensa sobre el comunicado difundido este 11 de noviembre, en el que los familiares marcaron distancia del proyecto, pero se limitó a invitar al público a ver los tres episodios desde este 12 de noviembre.

La postura de la familia llega a días del vigésimo aniversario del asesinato del cantante, ocurrido el 25 de noviembre de 2006 en Reynosa, Tamaulipas.

El evento de presentación fue moderado por Mónica Noguera y contó con la participación de Esteban Vidal, productor ejecutivo de HBO; Ida Cuéllar, director de la serie, y Alejandro Sugich, productor ejecutivo de Sula Entertainment.

Producción de HBO la serie evita responder sobre el comunicado de la familia

Una reportera preguntó al panel qué opinaba sobre el comunicado firmado por familiares de Valentín Elizalde, entre ellos su hija Valentina y sus hermanos. También cuestionó si hubo acercamiento con esa parte de la familia antes de realizar la producción.

Esteban Vidal, productor ejecutivo de HBO, no respondió si existió contacto con los familiares.

“Todo lo que tenemos que decir sobre el documental está en el documental y lo pueden ver a partir de mañana a las doce de la noche”, contestó.

Los reporteros lanzaron al aire una segunda pregunta y preguntaron si había un mensaje para la familia.

Vidal volvió a evitar el tema:

“Muchas gracias por el atendido. Tenemos que irnos”, respondió antes de que el conversatorio concluyera. Ni Ida Cuéllar ni Alejandro Sugich fijaron una postura sobre el deslinde de los familiares.

La docuserie Valentín: La muerte del Gallo de Oro se estrena este 12 de noviembre en HBO Max. La plataforma presentará tres episodios sobre el homicidio del cantante sonorense y las distintas hipótesis que han rodeado el caso desde 2006.

La serie reconstruye 72 horas alrededor del asesinato de Valentín Elizalde

Durante la conferencia, Esteban Vidal explicó que el proyecto no busca sustituir una investigación judicial ni resolver el crimen. Dijo que la serie reúne voces cercanas al caso para exponer los elementos que han permanecido sin respuesta durante dos décadas.

“Este tipo de proyecto no es una investigación judicial. Es un relato”, sostuvo Vidal. El productor afirmó que la producción presenta testimonios de personas cercanas, testigos, periodistas, familiares y otros participantes vinculados con el caso.

Alejandro Sugich, productor ejecutivo de Sula Entertainment, explicó que la idea del proyecto surgió de su vínculo con Sonora y del interés por mostrar al cantante más allá de los rumores alrededor de su muerte.

Sugich señaló que el documental también busca hablar de la impunidad en los asesinatos de músicos. “Valentín, creo yo que este proyecto puede funcionar para darle visibilidad a todos ellos”, dijo en referencia a víctimas de violencia vinculadas con la música regional mexicana.

Ida Cuéllar explica cómo construyeron la serie como un thriller documental

Ida Cuéllar, director de la producción, relató que conoció a fondo la historia de Valentín Elizalde cuando Alejandro Sugich le mostró un avance inicial del proyecto. A partir de ahí, explicó, el equipo trabajó para reconstruir los hechos como una inmersión documental.

Cuéllar señaló que la producción utiliza elementos de thriller, con una estructura enfocada en las horas que rodearon el ataque. También incorpora tres líneas de investigación que permiten explorar facetas distintas del intérprete.

El director explicó que la serie combina entrevistas, recreaciones, videos de archivo y materiales pregrabados. El desafío, dijo, fue diferenciar las fuentes visuales y mantener una línea que ayudara al público a seguir los hechos.

Cuéllar habló también de las entrevistas con personas cercanas a Elizalde. Dijo que el proceso exigió que los participantes revivieran episodios dolorosos, por lo que buscaron crear un ambiente que les permitiera contar sus experiencias con detalle.

La familia pide que el recuerdo del cantante no se reduzca a su asesinato

La familia de Valentín Elizalde publicó su postura este 11 de noviembre. En el texto afirmó que no participó en las producciones audiovisuales recientes sobre el cantante.

“Al no haber revisado su contenido, preferimos no emitir opinión sobre ellas”, señalaron los familiares en el comunicado. También indicaron que desean preservar el recuerdo del intérprete desde la experiencia familiar.

“Hay historias que otros podrán contar, pero hay un legado que nosotros seguimos viviendo”, expresaron. El comunicado subraya que, para la familia, el cantante no debe ser recordado únicamente por las circunstancias de su muerte.

Los familiares mencionaron el proyecto “La Dinastía Elizalde Continúa”, en el que participan Jesús “El Flaco” Elizalde, Joel Elizalde, Francisco “El Gallo” Elizalde y Valentina Elizalde.

Valentín Elizalde fue asesinado a los 27 años después de una presentación en un palenque de Reynosa. En el ataque también murieron su representante, Mario Mendoza, y su chofer, Reinaldo Vallesteros.

Las empresas Brasil Paralelo, Traim Films y Yelmo Distribución confirmaron que el documental El Salvador: Cuando el miedo cambió de bando llegará a las salas de cine este 12 de noviembre. La producción ya había tenido una exhibición gratuita en línea el 20 de mayo de este año y un paso previo por los cines salvadoreños el 8 de octubre.

En El Salvador, el estreno regional se concentrará en seis complejos: Cinépolis Galerías Escalón, Cinépolis Metrocentro Santa Ana, Cinépolis Multiplaza Panamericana, Cinemark La Gran Vía, Cinemark Metrocentro San Salvador y Cinemark San Miguel.

Leobardo Cisneros, CEO de Yelmo Distribución, informó que ambas cadenas ofrecerán horarios variados y la posibilidad de reservar salas para grupos especiales.

De qué trata el documental

La cinta, dirigida por Lucas Ferrugem y Henrique Zingano, documenta la transformación de El Salvador: de tener las tasas de homicidio más altas del mundo a convertirse en uno de los países con menor criminalidad del continente.

Un equipo de investigación recorrió comunidades antes controladas por pandillas, zonas en reintegración urbana y el Centro de Confinamiento del Terrorismo (CECOT).

El largometraje reúne testimonios de habitantes locales, funcionarios de gobierno, analistas políticos, sociólogos y críticos independientes que debaten el alcance del llamado “Modelo Bukele” y su posible aplicación en otros países de la región.

El país pasó de más de 100 homicidios por cada 100.000 habitantes en los años previos a 2019 a una tasa de 1,3 por cada 100.000 habitantes al cierre de 2025, según cifras oficiales citadas en reportes recientes. El cambio se atribuye al Plan Control Territorial, vigente desde 2019, y al Régimen de Excepción, aprobado el 27 de marzo de 2022.

El debate que atraviesa al documental

La premisa del filme busca ir más allá de la crónica y abrir una reflexión sobre la tensión entre la eficacia contra el crimen organizado y sus implicaciones para la democracia. Ese debate no quedó cerrado con el estreno: continúa en la agenda pública salvadoreña.

El vicepresidente Félix Ulloa descartó fijar una fecha de fin para el régimen de excepción, prorrogado en 56 ocasiones, y afirmó que la medida cuenta con 97% de respaldo ciudadano, según dijo a Europa Press, agencia española, en una entrevista en Madrid.

“Un gobierno que gobierna para el pueblo, hace lo que el pueblo le pide”, sostuvo el funcionario. Ulloa defendió ante el medio que ninguna libertad pública se vio afectada: “Ni la libertad de expresión, la libertad de asociación, la libertad de movilización están afectadas”.

Las cifras de criminalidad no son el único dato en disputa. Según Infobae Centroamérica, octubre de 2026 cerró con una reducción del 98% en los homicidios vinculados a estructuras criminales frente al mismo mes de 2018: cuatro casos registrados por la Policía Nacional Civil (PNC) contra 240 en aquel año.

Quiénes están detrás de la producción

Brasil Paralelo es una empresa brasileña de entretenimiento y educación enfocada en producción audiovisual independiente, con documentales, series y contenido formativo sobre historia, política, economía y filosofía. La compañía se presenta sin afiliación a partidos políticos.

Traim Films, productora y distribuidora chilena, se suma al proyecto tras el éxito obtenido con el largometraje Amada. La firma consolida así alianzas regionales para cine centrado en valores humanos y reflexión social.

La distribución en América Latina quedó a cargo de Yelmo Distribución, compañía mexicana con más de 35 años de trayectoria en producción, comercialización y distribución audiovisual, con sede en Ciudad de México y presencia operativa en 18 países de la región.

El contexto del estreno regional

El paso del documental por los cines salvadoreños en octubre no fue su primera exhibición pública: Brasil Paralelo lo había estrenado de forma gratuita el 20 de mayo, en una transmisión en vivo, antes de sumarlo a su catálogo digital.

El filme llega a las pantallas en momentos en que el modelo de seguridad salvadoreño sigue generando interés fuera de sus fronteras. En las últimas semanas, mandatarios de otros países de la región visitaron el CECOT para conocer de primera mano la estrategia carcelaria, en medio de un debate regional sobre su posible réplica en contextos con dinámicas de violencia distintas a las de El Salvador.

El documental, dirigido por Lucía S. Ruiz y codirigido y guionado por Andrea “Andy” Testa, se construye a partir de 50 horas de registros que la propia Epumer filmó —o filmaron sus allegados— entre mediados de los años 90 y 2002. El material permaneció durante años en cajas que guardó su familia: había cintas de video y audio, fotografías, vestuarios y recortes de prensa.

Perfume, una película de María Gabriela Epumer, tendrá su estreno comercial el 12 de noviembre. Desde el 13 podrá verse los viernes de noviembre en Malba Cine y llegará a salas de distintas ciudades del país con distribución de Moving Pics.

Testa, que conoció primero a Epumer a través de su trabajo con Charly García y asistió de adolescente a un homenaje que se hizo tras su muerte (el 30 de junio de 2003, a los 39 años, los mismos que hoy tiene Testa), define a la música como una referencia personal. En diálogo con Teleshow, la realizadora habló de la confianza de la familia Epumer, de la decisión de dejar que la artista condujera el relato desde sus propios archivos y de una proyección íntima que reunió a Charly con los hermanos de la guitarrista.

—La familia de María Gabriela Epumer les entregó un archivo íntimo y desconocido incluso para ellos. ¿Cómo fue ganar esa confianza?

—El proyecto empezó con Lucía Ruiz, la directora, que se acercó a la familia con la idea de hacer una película sobre María Gabriela. Ellos aceptaron y nos entregaron las cajas: nos dijeron que las tenían guardadas, pero que ni siquiera sabían qué había dentro de las cintas. Fue un gesto de mucha confianza y, al mismo tiempo, una responsabilidad enorme. Ahí aparecieron vestuarios, cientos de fotos, recortes de revistas, material sonoro y unas 50 horas de registros audiovisuales. Primero tuvimos que digitalizar y catalogar todo.

A partir de ese hallazgo, sentimos que la película estaba esperando ser en esas cajas. María Gabriela había registrado muchos momentos de su vida artística: ensayos, salas de grabación, tras bambalinas de recitales, viajes. Hay pasajes íntimos, pero lo que atraviesa el archivo es su deseo de dejar documentado el trabajo de una música y una artista.

—¿Por qué eligieron usar solamente ese archivo y evitar una reconstrucción más convencional de su vida y su carrera?

—Cuando apareció el material, entendimos que tenía una fuerza propia. Si incorporábamos imágenes de otra naturaleza, la película perdía algo de su identidad. Queríamos que fuera ella quien condujera el relato, desde su voz, su cámara y su forma de mirar. El registro empieza aproximadamente en 1995 y llega hasta 2002, un año antes de su muerte. Esa delimitación de tiempo estaba dada por el propio archivo y decidimos respetarla.

El trabajo de guion y montaje fue compartido entre Lucía, Lorena Moriconi y yo, con mucho ida y vuelta. Nos propusimos hilvanar las imágenes con sutileza, encontrarles un ritmo lento pero sin pausa y permitir que el público se detenga en gestos que cuentan mucho. Por ejemplo, María Gabriela prende la cámara, se ve su mano, las líneas de su palma, y después la entrega para que otra persona filme. Ahí aparece su confianza y también una manera de crear con los demás.

Había tomas que en una producción más homogénea se descartarían: el comienzo de una escena antes de que todo esté listo, un desequilibrio de luz, el diafragma automático que vela una imagen o el corte de una cinta. No quisimos corregir esos rastros. Eran parte de la materialidad del archivo y de una relación artesanal con la música. La película no es cronológica: propone un viaje con ella, una entrada a su mundo.

—El viaje de Epumer a La Pampa, junto a su familia y la comunidad ranquel, ocupa un lugar central. ¿Qué encontraron allí?

—En el archivo estaba el registro de un viaje que hizo con su hermana Claudia, su papá y miembros de la comunidad de descendientes ranqueles para la restitución de los restos del cacique Panquitrúz. Las imágenes tienen una espiritualidad muy fuerte: la caminata, los abrazos, los silencios, la forma en que filma.

Nos interesaba que ese momento conviviera con las imágenes de los recitales masivos y de las bandas con las que tocaba, porque esos mundos aparentemente distantes también eran parte de su identidad. Por eso pensamos ese viaje como el corazón de la película. Fuimos a La Pampa para conocer el lugar que ella había filmado. Al llegar, encontramos la pirámide y la figura del zorro sobre la que María Gabriela había hecho zoom. Estaban ahí, aunque el paso del tiempo también se veía en la madera envejecida y en los colores gastados. Eso nos hizo pensar mucho en la ausencia, pero también en que ella estaba muy viva en sus imágenes.

—Charly García autorizó el uso del material desde los inicios del proyecto y después vio la película terminada. ¿Cómo vivieron ese encuentro?

—Cuando ya habíamos digitalizado y catalogado el archivo, empezamos a escribir el proyecto, armar la carpeta y buscar los fondos necesarios para hacer la película. En ese momento tuvimos un primer contacto con Charly, a través de su mánager, Guillermo “Tato” Vega. Necesitábamos su autorización porque sabíamos que era una figura fundamental en la vida de María Gabriela, como ella lo fue en la de él. Charly firmó el permiso para que usáramos los materiales que habíamos seleccionado y eso nos abrió una puerta muy importante.

Pasaron dos años y medio o tres desde aquel contacto hasta que terminamos el armado. Entonces volvimos a comunicarnos para que pudiera ver la película. Era importante por una cuestión ética: trabajábamos con la obra y la vida de una persona que ya no está para decirnos qué le parecía. Queríamos saber qué sentían la familia y las personas cercanas a ella. Con Charly, además, no sabíamos si querría verla completa ni qué le iba a pasar, porque era alguien a quien quiso muchísimo. Intentamos cuidar ese momento, como también cuidamos las proyecciones que hicimos para la familia y los allegados.

—¿Qué pasó durante la proyección en La Fábrica?

—Yo nunca había visto a Charly en persona. Para mí era alguien imposible de conocer, porque su música me acompañó toda la vida. Cuando llegó a La Fábrica, el lugar donde compartió tiempo con María Gabriela mientras componían, ensayaban y grababan, fue un momento muy fuerte. Entra con una presencia que te hace pensar: “Claro, es Charly”. Pero también encontré a un Charly diferente de la imagen televisiva: más humano, muy perceptivo y amoroso.

Durante la función lo íbamos mirando. Él estaba atento a la pantalla, nos miraba a los ojos y seguía la película con concentración. Al terminar, tenía un brillo en los ojos, levantó el pulgar y dijo: “Me encantó”. Después compartimos un rato con pocas palabras, más bien desde la alegría de estar ahí. Estaban Lito y Claudia Epumer, Fernando Kabusacki y otras personas centrales en la vida de María Gabriela. Fue un privilegio ver que una película podía reunirlos alrededor de una hermana, una amiga y una compañera artística. La intención siempre fue celebrarla, no construir una película desde el golpe bajo o la nostalgia.

—Antes de codirigir Perfume, Epumer ya era una referencia para vos. ¿Qué lugar ocupaba en tu historia?

—Yo la conocí primero a través de Charly García, por su voz y por su presencia en esa banda. Al año de la muerte de María Gabriela hubo un recital homenaje en el Dorrego. Yo tenía 15 o 16 años y fui. Me impactó mucho: por un lado, conocí su trabajo como solista cuando ella ya no estaba; por otro, me llevé una especie de llave. Desde entonces fue una referenta musical para mí. Escuchaba Perfume todo el tiempo y sigue siendo un disco que me gusta mucho.

Cuando Lucía me contó que tenía este proyecto entre manos, sentí muchísimo deseo de que la película existiera. Después de trabajar durante tanto tiempo con sus imágenes, la quiero mucho más y la siento muy cerca, aunque nunca la conoció en vida. Intentamos hacer la película con mucho respeto y afecto.

—En un posteo escribiste que “Charly fue mi papá cuando mi papá no estaba”. ¿Cómo atravesó esa experiencia la realización de la película?

—Desde la adolescencia supe que quería dedicarme al cine. Me gustaba escribir y el arte fue una forma de refugio, un lugar afectivo que me contenía. Tuve una infancia muy dura, marcada por el abandono de mi padre y por situaciones de violencia. Con mis hermanas y mi mamá atravesamos momentos complejos, y desde muy chica sentí que tenía que protegerla. A los 39 años, y como mamá de una hija que está por cumplir 11, todavía me pregunto por esa ausencia y por qué no pude tener con él un vínculo como el que hoy veo entre mi hija y su papá.

Mi papá amaba a Charly García. De chica, con mis hermanas, escuchábamos un casete de Parte de la religión y un CD de Sui Generis una y otra vez. Era una herencia contradictoria: a veces sentía que mi papá quería más a Charly que a mí, algo que de chica no podía entender. Pero esa música se convirtió en una compañía propia. Más grande entendí por qué algunas letras se habían quedado en mí. Cuando Charly canta “cuando estés mal, cuando estés solo, cuando estés cansado de llorar, no te olvides de mí”, hay algo que habla directamente de esa pregunta: si alguien en el mundo piensa en mí.

Por eso, cuando Charly vio Perfume, se juntaron muchas cosas personales. La poesía y el arte pueden acompañar, cubrir, ayudar a sentir aquello que a veces no se logra explicar de forma racional. El cine, en este caso, reunió mucho amor. También me confirmó que el arte no es solo una consigna: puede acercar a las personas, ayudarlas a encontrarse con lo que sienten y a estar fuertes junto a otros.

Mariano Llinás no está cansado de hablar de Jorge Luis Borges. Todo lo contrario. “Me parece que es interminable la cantidad de conversación que uno puede tener sobre Borges. Estoy feliz de poder hablar de él y que me paguen por ello.” Este fin de semana, Llinás estrena en Buenos Aires Biografía de Jorge Luis Borges, en el inicio de una serie de funciones con entradas agotadas antes de que la película llegara a la pantalla. Durante noviembre —y todo indica que así será en los meses subsiguientes— la película se proyectará en Malba Cine todos los domingos a las 18, y las entradas para todo el mes ya no estaban disponibles días antes del estreno. “Se agotaron muy rápidamente”, cuenta Llinás. “Supongo que les irá bien también en diciembre, porque cuando empieza tan fuerte es raro que se apague. Tengo fe en que va a durar todo el verano, como mínimo.”

La película —con producción de Laura Citarella y fotografía de Agustín Mendilaharzu— tuvo su primera proyección en Argentina el jueves 5 de noviembre en el festival Fuera de Campo, que se realiza en Mar del Plata en paralelo —y como explícita protesta— al Festival Internacional que también comenzó el jueves. Llinás habló desde allí, donde participó junto a su equipo. El festival, que anteriormente se llamaba Contracampo, funciona para el director como el espacio donde todavía sobrevive la cinefilia con criterio: “Es el lugar en donde siguen funcionando las cosas como funcionaban cuando el festival existía: las discusiones, los debates, cierta elección de películas con un criterio de modernidad, o de fuerza política en el sentido cinematográfico. El público también. Me da la impresión de que el festival oficial se volvió algo que no le interesa demasiado a nadie, sobre todo a los propios organizadores.”

Con una duración de 323 minutos divididos en tres episodios, Biografía de Jorge Luis Borges parte del registro exhaustivo de los manuscritos, cartas, libros y anotaciones del escritor —conservados como colección en Nueva York— para construir, desde allí, una pesquisa que se expande hacia los lugares que Borges habitó, los viajes que hizo, las mujeres que amó y las polémicas en las que se involucró. La voz en off de Llinás conduce un relato que no busca conclusiones sino preguntas, y que recorre Suiza, Islandia, Chile, China, Uruguay, Estados Unidos y España, entre otros países, siempre con alguna excusa borgeana como pretexto. Junto al director emerge Ernesto Montequín, investigador y traductor especializado en la vida y obra de Borges, quien oficia de guía en el laberinto del escritor argentino más relevante de la historia. Entre los dos, mejor dicho con la interacción entre ambos, la película cobra un sentido más liviano, incluso divertido por momentos.

El título del documental fue una decisión deliberada de despojo. Llinás explicó que lo primero que descartó fue caer en lo que llamó el “cotillón borgeano”: “Si hay algo que tratamos de hacer es no meternos en esa especie de laberintos y tigres y cuchilleros que a la gente parece necesitar tanto. No poner la soñera y el barro, como los libros y la noche, el agua y el aire, ese tipo de cosas. Queríamos hacer una película que fuese la biografía de Jorge Luis Borges. El tema de la película es casi la posibilidad de hacer una biografía de Borges, si se puede hacer una biografía desde el cine.” El nombre, en ese sentido, no es una simplificación sino una toma de posición: la película es exactamente lo que dice ser.

—Viajaste mucho con la película antes del estreno en Argentina. ¿Qué te traes de esa gira por festivales internacionales?

—Lo más grato de todo es la alegría que tenía la gente de ver una película de cinco horas. La sensación de disfrute de que una película durara tanto me pareció muy reconfortante, porque existe mucho un discurso muy pesimista que sugiere que ya a la gente no le interesa el cine, que no tienen capacidad de concentración, que no tienen capacidad de ver algo largo, que solamente pueden mirar TikTok. En lo que a mí respecta, no fue así. Lo que hubo fue un interés enorme por ver la película y un interés enorme por quedarse ahí y por tener la experiencia cinematográfica. En ningún momento existió ninguna de esas amenazas a la atención o a la concentración que todo el tiempo dicen que hay. Otra vez hicimos una película larga y otra vez el público se mostró entusiasta. No a pesar de que fuera larga, sino porque era larga. Siento que muchos de los prejuicios que existen son prejuicios falsos y que se subestima una vez más al público.

—El lugar común indica que si decís Argentina fuera del país, te responden “Messi” o “Maradona”, o te hablan del Che y el Papa Francisco. También de Borges, ¿Es así?

—En los lugares donde yo muestro películas no pasa eso, esa limitación a Borges, a Messi, al fútbol, al tango. Gente que va a ver las películas que yo hago conoce al cine argentino. Dentro de las personas a las cuales les importa el cine, el cine argentino es un cine importante. No es que van a ver una película de un lugar exótico. Para cualquier persona a la que le interese el cine, el hecho de que una película sea argentina ya es una especie de oferta de algo interesante. Argentina es uno de los países más importantes del mundo en relación con el cine. Que haya una película sobre Borges importa, pero me parece que les importa tanto por Borges cuanto por el hecho de que sea una película argentina.

—Al comienzo de la película aparecen palabras como “libertador”, “prócer”, “mártir” para definir a Borges. ¿Por qué?

—Son palabras deliberadamente hiperbólicas, pero si tuviera que justificarlas: mi impresión es que para quienes nos gustan los libros hay algo en Borges en que sí, es una persona que consagró su vida a las letras, que le dio su vida a la literatura y que vivió básicamente por la literatura y para la literatura. Eso le costó gran parte de lo que los demás llamamos la vida. Es una persona que no pudo formar una familia, que no pudo tener descendencia, que no pudo tener una vida independiente, que vivió en muchos casos muy recluido, que fue ciego. Ambas cosas él siempre las conectó. La vocación literaria para él fue de un enorme costo. De ahí lo de prócer o mártir: alguien que pensó la literatura como pocos y la importancia de la literatura en la vida cotidiana como pocos.

—La idea de un Borges desdichado flota en ese texto inicial que abre la película.

—Esa definición es de él, no mía. Él se pensó a sí mismo como alguien que vivió una vida desdichada. Hay que ver cuánto de eso es cierto. Pero hay algunas cosas que en general son consideradas como fuentes de dicha —como el hecho de formar una familia, tener un compañero afectivo, tener hijos— que para él no existieron y no pudieron existir. Uno piensa en alguien que no fue amado en el sentido físico y espiritual, que el amor de las mujeres, que eran su permanente preocupación, no lo consiguió posiblemente nunca. Pienso en alguien desdichado. Si yo me pienso en esa vida, pienso que él estuvo solo bastante la mayor parte del tiempo. Bueno, con la excepción de su mamá.

—Por varias cuestiones propias de su estructura y la forma de resolverla desde las imágenes, la película elude la definición estandar de un documental ¿Es un documental?

—Ahora se le dice documental. Pero la palabra siempre reveló una especie de lugar muy estrecho de lo que se le permite al cine. En general se habla de documentales cuando son películas donde no hay actores haciendo escenas dramáticas. Entonces, todo lo que no sea eso se le llama documental. Es un poco limitado. Solo quien piensa que el cine es una serie de actores diciendo diálogos —que es una idea del cine muy antigua— usa esa distinción. No estoy seguro de que la distinción entre documental y ficción todavía continúe. Pero si se llama documental a todo lo que no es una ficción clásica, supongo que es un documental, sí.

—La película no llega a ninguna conclusión sobre Borges. Parece que el camino “es” la película.

—La película se comporta de manera borgeana. Establece la idea de que hay un montón de hipótesis y un montón de preguntas, y que la gracia es que existan esas preguntas y esas hipótesis sin la obligación de responderlas. Las respuestas son siempre fallidas o truncas, pero a nadie le importan tanto las respuestas. La aventura es la busca, como diría Borges, de preguntas y no de respuestas. Lo que vale la pena es ir ahí a encontrarse con cosas que uno no sabe, no buscarle solución. Me parece que toda la obra de Borges está sostenida en una idea parecida: que en el fondo cualquier forma de respuesta es una forma puramente conjetural.

—Ernesto Montequín aparece como compañero de aventuras. ¿Cómo definirías lo que se da entre ustedes en la película?

—Uno podría pensar que es una película sobre dos personas que se van haciendo amigas a lo largo del relato. Esa es una palabra que nunca se dice, pero yo pienso que uno podría pensar en eso: se conocen y cuando la película termina, ya son amigos, ya hay una confianza. Dos hombres se hacen amigos gracias a Borges; no está mal pensarlo así. Hay algo de eso que le da a la película una especie de brillo que si fuera solamente la busca de Borges y sus misterios tal vez no tendría. Creo que hay un aspecto un poco más conmovedor ahí.

—¿Es eso algo específicamente argentino, dos tipos que van juntos en búsqueda de algo? No se me ocurre una película francesa con esa onda.

—No les negaría a los franceses la posibilidad de la amistad (risas). Pero siento que hay algo de eso que es una idea muy borgeana también. Borges decía que la amistad en otras partes del mundo no funciona de la misma manera. Hay una canción de Virus que se arroga, entre los múltiples inventos argentinos, a los amigos. Misteriosamente coincide con Borges. Creo que hay algo de la amistad que tal vez es un tema importante para la literatura argentina. Cuando Borges habla de Huckleberry Finn o de Kim, de Kipling, pone el acento en la amistad. Los lectores anglosajones no piensan en eso: no piensan que es un libro sobre la amistad de un muchacho y un exesclavo negro. Borges descubre ahí la idea de la amistad como algo central. Y me gusta pensar en mis propias películas también bajo esa óptica. Siento que son películas donde hay amigos.

—En el documental recrean con tu esposa Laura Paredes una graciosa entrevista a Borges sobre Guillermo Vilas. ¿Eso entra dentro de la idea de desacralizar a Borges?

—El propio Borges se desacralizaba a sí mismo con esas cosas. Para mucha gente, Borges fue esa especie de personaje casi cómico, de alguien encerrado en lo suyo, con el célebre “perdonen mi ignorancia” que Mario Sapag imitaba. Era una persona conocida, una persona que estaba siempre ahí. Alguien que no sabía lo que todo el mundo sabía y que al mismo tiempo sabía cosas que nadie más sabía. Me pareció bueno incorporar eso porque forma parte de su biografía, de ese personaje público. Y después también hay algo de la obsesión argentina con Inglaterra: un país que se pensó tan anglófobo como Argentina, tener a su escritor más importante con una relación tan intensa con Inglaterra siempre fue algo difícil de tragar para muchos. Y él jugaba con eso.

—El documental aborda también el tema político: Borges y su apoyo a las dictaduras de Pinochet y Videla, por ejemplo. ¿Desde qué punto de vista decidiste encararlo?

—Me parece que es un momento importante dentro de su biografía. Eso modificó su personaje público de manera total, porque está el famoso Premio Nobel. Durante mucho tiempo Borges era una persona que se suponía que iba a sacar el Premio Nobel y no se lo sacaba. Y evidentemente esas formas de manifestación política violenta que él tenía influyeron. Él estaba acostumbrado a lanzar frases escandalosas, tenía ideas que escandalizaban con razón a la opinión pública de la época y que escandalizarían a cualquier época. Era un personaje que buscaba, de manera franca, decir cosas que molestaran. No le estaba hablando a un público de ultraderecha. Le estaba hablando al público de clase media, que eran sus lectores. Deliberadamente quería tener ese lugar de provocación. Si hay algo que nadie puede pensar es que Borges era una persona de ultraderecha. Más bien tenía ideas muy conservadoras y, sobre todo, un gusto muy grande por exhibirlas. Probablemente hubiera muchos escritores que pensaban lo mismo, pero no sabían decirlo de manera tan gozosa como Borges lo hacía.

—Corresponde citar que para una parte de la población argentina, que incluso tal vez no haya leído a Borges, es una persona definida lisa y llanamente como “gorila”.

—Bueno, si se usa la palabra gorila: por supuesto. Si a uno le gusta usarla, me parece que no hay mejor ejemplo que Borges. Fue funcionario de la Revolución Libertadora, defendió las dictaduras, defendió los fusilamientos de José León Suárez. No le faltó ninguna figurita de ese álbum. Es comprensible que quienes usan la palabra gorila la usen con Borges. Supongo que él estaría muy orgulloso de recibirlo.

—¿Estás cansado de hablar de Borges?

—No, para nada. Siempre me gusta hablar de Borges. Cada vez que nos encontramos con Montequín seguimos inventando cosas, seguimos descubriendo cosas. Lo más lindo de esta película es que puedo hablar de uno de los temas que más me interesan. Me acuerdo de cuando hablábamos de 1985, que era una película que me enorgullecía mucho. Pero lo que había para decir sobre el juicio a las juntas ya estaba dicho. En el caso de Borges, me parece que es interminable la cantidad de conversación que uno puede tener. Así que no, estoy todo lo contrario. Estoy feliz de poder hablar de Borges y que me paguen por ello.

[Fotos: El Pampero Cine]

La producción propone un recorrido por la historia del movimiento zapatista y por la construcción pública de Marcos, quien se convirtió en una de las voces más reconocibles del levantamiento indígena de 1994 en Chiapas.

La película reúne el resultado de una investigación que acumula más de 5 mil horas de archivo y decenas de entrevistas. El proyecto busca mostrar tanto al personaje que apareció detrás del pasamontañas como a las comunidades que sostienen el movimiento en el sureste mexicano.

Diego Enrique Osorno revisa el origen de un personaje sin rostro

Diego Enrique Osorno escribe y dirige Marcos: Otro mundo es posible. El periodista y documentalista toma como punto de partida a un hombre que, en 1994, se volvió la cara más visible de una rebelión indígena que llamó la atención dentro y fuera de México.

El documental se acerca a la historia del EZLN desde las voces de personas que participaron o fueron testigos de su formación. También incluye la mirada del propio Marcos, cuya figura ha estado ligada durante más de tres décadas a los comunicados, las giras y la organización zapatista.

Osorno plantea una revisión del personaje público y de las razones que lo colocaron en el centro de la conversación nacional. La película busca alejarse de una lectura limitada a la imagen del pasamontañas para observar el movimiento colectivo que lo respaldó.

“Detrás del pasamontañas no está una persona: está un personaje y sobre todo un movimiento indígena que sorprendió al mundo y lo puso de cabeza”, señala Osorno a Netflix.

El documental pone el foco en las comunidades zapatistas de Chiapas

La sinopsis sitúa el relato en enero de 1994, cuando el levantamiento armado del Ejército Zapatista de Liberación Nacional irrumpió en Chiapas. Desde entonces, el movimiento mantiene una organización propia en territorios indígenas de la entidad.

La producción retoma esa historia desde el presente. El eje no queda solo en la aparición del Subcomandante Marcos, sino en la lucha de los pueblos zapatistas y en la forma en que construyen sus comunidades en las montañas chiapanecas.

El tráiler adelanta un relato que combina la memoria política con una dimensión personal. El documental examina los testimonios alrededor de un movimiento que planteó demandas de autonomía, justicia, tierra, salud, educación y participación para los pueblos indígenas.

La cinta llega en un momento en que la historia del zapatismo vuelve a ser materia de revisión documental. La obra de Osorno se concentra en los archivos, los recuerdos de quienes vivieron los primeros años del movimiento y las palabras de una de sus figuras más conocidas.

Detective reúne a un equipo encabezado por Carlos Sosa y Tania Regalado

Marcos: Otro mundo es posible es una producción de Detective. Carlos Sosa figura como productor y Tania Regalado como productora ejecutiva del proyecto.

La dirección de fotografía corre a cargo de María Secco y Axel Pedraza. Israel Cárdenas participa en la edición, mientras Osorno firma el guion además de asumir la dirección.

La investigación documental incorpora material que permite reconstruir el surgimiento del personaje de Marcos y el lugar que ocupó en la difusión de los planteamientos zapatistas. El proyecto también busca mostrar cómo el movimiento mantiene formas de resistencia y organización en Chiapas.

Cuándo se estrena Marcos: Otro mundo es posible en Netflix

El documental Marcos: Otro mundo es posible se estrena en Netflix el próximo 2 de diciembre.

La docuserie Mágico, dedicada al exfutbolista Jorge Alberto González, es presentada como especial este martes 3 de noviembre en Cádiz, España, la ciudad donde el salvadoreño se convirtió en referente del club local. La producción de cuatro episodios busca mostrar al hombre detrás de la figura pública y reconstruir una trayectoria que atravesó El Salvador, España y México.

El estreno en premier se realizó a las 18:45 en el Gran Teatro Falla, dentro del South International Series Festival 2026. El público verá el primer capítulo y un resumen de los tres restantes; la función programada a las 11:45 en El Salvador.

La serie, dirigida y escrita por Gonzalo Lamela y Javier Krause, está integrada por cuatro episodios de unos 40 minutos cada uno. Ecocinema confirmó que el rodaje se realizó en los tres países que marcaron distintas etapas de la vida del exjugador.

La relación entre Cádiz, El Salvador y la figura de Maradona

El relato se concentra en las facetas de González como futbolista, personaje público y hombre alejado de las exigencias tradicionales del profesionalismo. También aborda su vínculo con Diego Armando Maradona y los acontecimientos que consolidaron una leyenda alrededor de su vida dentro y fuera de las canchas.

González comenzó su carrera en el equipo de ANTEL, pasó por Independiente Fútbol Club de San Vicente y fue contratado por Club Deportivo FAS en 1977. Su apodo nació tras un partido entre ANTEL y Club Deportivo Águila que terminó 3-1: el comentarista deportivo Rosalío Hernández Colorado lo llamó “el mago” después de su actuación.

Su juego contribuyó a la clasificación de la selección salvadoreña al Mundial de España 1982. Aunque El Salvador perdió sus tres partidos de la fase de grupos, su desempeño despertó el interés de clubes como Atlético de Madrid, Cádiz CF, Paris Saint-Germain, Los Angeles Aztecs y Universitario de Deportes.

El Cádiz obtuvo su fichaje tras acordar 7 millones de pesetas para el primer año y otros 13 millones si deseaba retenerlo en la siguiente temporada. El club pagó al FAS un monto equivalente a USD 1,3 millones, de los cuales el jugador recibió USD 60.000.

Su debut oficial con el equipo andaluz ocurrió el 11 de septiembre de 1982, en un encuentro ante Murcia que terminó 1-3. En España, el apodo se redujo a “Mágico” y su talento lo convirtió en ídolo de la afición gaditana, pese a los problemas de disciplina que marcaron parte de su carrera.

El propio González explicó su relación con el fútbol en una declaración incluida en el material de la producción: “Reconozco que no soy un santo, que me gusta la noche y que las ganas de juerga no me las quita ni mi madre. Sé que soy un irresponsable y un mal profesional, y puede que esté desaprovechando la oportunidad de mi vida. Lo sé, pero tengo una tontería en el coco: no me gusta tomarme el fútbol como un trabajo. Si lo hiciera no sería yo. Solo juego por divertirme”.

Tras el descenso del Cádiz a Segunda División en la temporada 1983/84, González rechazó propuestas de Paris Saint-Germain y Fiorentina para permanecer en el club. En 1984 realizó una gira por Estados Unidos con el FC Barcelona y Maradona, y marcó un gol en uno de los amistosos, aunque el conjunto catalán no formalizó su contratación.

El futbolista tuvo un paso por Real Valladolid durante la temporada 1984/85 y regresó al Cádiz en 1986/87. Permaneció allí hasta el 6 de junio de 1991, cuando volvió a El Salvador para incorporarse nuevamente al FAS, donde jugó hasta su retiro en 2000.

Ecocinema y una producción con energía solar

La serie cuenta con una producción internacional impulsada por Ecocinema, Womack Studios y Cádiz CF, entre otras compañías. La propuesta pretende revisar relatos populares alrededor de González y su decisión de vivir bajo sus propias reglas, por encima de la disciplina habitual de los clubes.

Ecocinema sostiene un modelo de producción audiovisual basado íntegramente en energía solar para reducir el consumo de electricidad durante las grabaciones. La empresa también organiza proyecciones al aire libre en comunidades con acceso limitado a las salas de cine, mediante el uso de parques, escenarios deportivos y otros espacios de reunión.

La productora desarrolla además contenidos vinculados al fútbol, algunos ya disponibles en HBO Max y Netflix.

Cuando el cineasta Francisco D’Eufemia abrió el material que le había enviado Laura Mattarollo, la responsable de la primera búsqueda de documentos, y se encontró con diez minutos de grabación de una visita guiada al “Museo de la Subversión” que funcionaba en el Regimiento de Patricios, pleno barrio porteño de Palermo, se rió: “Che, yo quiero hacer una película seria, esto no es serio, es demasiado bizarro, demasiado raro”.

—Era la pandemia y estábamos pensando en un proyecto sobre operaciones psicológicas durante la dictadura. Un proyecto que trataba de ser bastante amplio y abarcar las distintas acciones que el régimen había desarrollado en esos términos. Estábamos juntando un montón de materiales diversos, materiales de archivo producidos por la dictadura, y Laura Mattarollo, que es la que se encarga de bucear y buscar, me manda un montón de cosas, entre ellas, un pedazo de esa visita guiada que se ve en la película. Mi primera reacción fue pensar “es demasiado bizarro, cómo lo pongo en contexto, cómo se explica esto”. Y también, algo muy típico de los cineastas, es que tenía una idea en la cabeza y me quise quedar con esa idea previa. Después, con el breve paso del tiempo, Fernando Krapp y Julia Straface, que participaron en montaje y guión, en la escritura y el armado de la película, entre los dos, una noche me dijeron: “Che, es por acá, por los museos”.

Bizarro. Quizás sea el primer calificativo que aparece a partir de esas imágenes. Una exposición integrada por maniquíes ataviados con vestimentas que se suponían arquetípicas de los miembros de las organizaciones guerrilleras, armas —verdaderas y falsas—, libros, imprentas, organigramas, panfletos, bombas caseras, banderas. Una serie de objetos, muchos de ellos originales, robados a militantes que eran secuestrados y asesinados, y otros puestos especialmente para el montaje de las salas, componía la muestra museológica que formaba parte del dispositivo comunicacional que la dictadura militar intentó instalar en la Argentina entre 1976 y 1983.

Superada esa primera impresión de extrañeza —como le sucedió al director del film—, lo que se ve en la pantalla es algo mucho más oscuro, algo que está lejos de formar parte de una parodia capusottesca, como podrían sugerir las imágenes a primer golpe de ojo. Algo que formaba parte de la construcción del relato instaurado por los perpetradores pero había quedado oculto entre los pliegues de la historia. En esas imágenes que vio D’Eufemia (y verán los espectadores), diez minutos de un material rarísimo, asomaba la punta de un hilo. El equipo de documentalistas tiró de él para ver qué pasaba.

—Yo decía: ‘No, es demasiado raro’. Y me quedé con el compromiso de investigar más, a ver qué pasaba con eso, a ver si había una película y no algo sumamente anecdótico. Porque, hasta ese momento, no había encontrado nada por ningún lado. Era como un objeto extraño pero sin patas: no había dónde apoyarlo ni contra qué contrastarlo.

Con ojo de investigador ferretero

La pesquisa para ver si podían conseguir más información alrededor de ese material fílmico no fue sencilla. Lo primero que encontraron fue un libro escrito por Mariana Sirimarco, doctora en Ciencias Antropológicas e investigadora del CONICET, que luego va a ser una de las entrevistadas en el documental. Ella se preguntaba cómo estudiar, desde las ciencias sociales, a las fuerzas de seguridad, y escribió sobre los museos de las fuerzas a lo largo de su historia. “Uno de esos capítulos, chiquitito, adentro del libro y medio en un rinconcito, es sobre los museos de la subversión”, dice D’Eufemia. Y observa lo ocultos que se mantuvieron estos sitios señalando que, incluso en el libro, “que es una investigación supercompleta, del museo del Regimiento de Patricios, del cual nosotros teníamos una visita guiada, ella no tenía prácticamente ninguna referencia, solamente lo había escuchado nombrar en algún testimonio”.

—Ahí estuvo buenísimo porque, de alguna manera, complementamos la investigación que Mariana había hecho basada en mucha documentación. Y la contrastamos con algo que ella llamó ‘mi ojo de investigador ferretero’, que fue tratar de reconocer tipos de baldosas, marcos de las puertas, a partir de las imágenes.

Con la información recogida en la investigación académica y el material audiovisual que habían hallado, D’Eufemia y su equipo se lanzaron al campo: comenzaron a recorrer unidades militares para intentar darse cuenta si se correspondían con las imágenes que habían hallado. Siguieron buscando. Y encontraron.

—Pasó algo muy lindo: volvimos al archivo en el que estaba guardado este material y buscamos continuidad de tapes por número de cassettes y resultó que en el que le seguía, que no estaba etiquetado, había media hora más de la visita guiada. Después, como al año, mirando el material, percibo que hay algo que está faltando, vamos de vuelta al archivo y en un tercer cassette encontramos dos minutos más. Fue apareciendo por partes. Es un material que se grabó hace más de cuarenta años en una tecnología analógica que se discontinuó, entonces, en el medio, hubo sucesivas digitalizaciones de ese material, y todo el tiempo estábamos volviendo al archivo para encontrar el mejor soporte en el cual eso había estado guardado. Mientras íbamos filmando y nos iba llegando información: alguien nos ponía en contacto con alguien que nos contaba una anécdota, que tiraba por tierra algo que habíamos armado y entonces lo desarmábamos y volvíamos a visitar un lugar. Así, haciendo un esquema bastante circular de averiguar, arreglar, hacer algo más, volver a grabar, fue avanzando.

Además de las tareas de investigación, el director del documental describe el trabajo que encararon para el film como “una arqueología de los materiales”: la búsqueda de la mejor versión, la toma de fragmentos de diferentes soportes para lograr la imagen más definida, el sonido más nítido.

Fue un poco antes de esa labor fina, casi artesanal, después de haber hallado la segunda cinta y haber visto treinta minutos completos de esa visita guiada que daba cuenta de uno de los tres sitios que existieron en los que la muerte de los desaparecidos y el discurso triunfalista de los genocidas, así como el accionar de la represión ilegal, se exhibían en escaparates, cuando lo supo: “Tengo información para aportar sobre el tema: lancémonos a hacer esta película”.

Los museos de la subversión: otro capítulo en la trama narrativa de la dictadura

Argentina, octubre de 1985.

Por primera vez en la historia, durante un Gobierno democrático, se enjuicia por crímenes de lesa humanidad a las juntas militares que usurparon el poder y aterrorizaron al país.

Un grupo de periodistas extranjeros, que cubren esas audiencias, visitan el Museo de la Subversión en los cuarteles de Palermo, en Buenos Aires.

Después del texto, las imágenes inéditas. Las filmaciones crudas de la visita guiada de ese grupo de periodistas que cubría el Juicio a las Juntas y fue ¿conducido? ¿invitado? a recorrer uno de los tres museos de la subversión que funcionaron en la Argentina durante la última dictadura cívico-militar. Esta es la cinta que permitió la película. La película que le quita el polvo a estos recintos y los trae a formar aparte del acervo de estrategias que los genocidas montaron para sustentar su discurso de guerra interna, justificar la tortura y la muerte.

La cámara se pasea por los maniquíes vestidos como guerrilleros —varones y mujeres—, por las armas que tienen en las manos y en la cintura, por la placa que anuncia “Sector Montoneros”; recorre las escopetas y fusiles cuidadosamente ordenados. Se detiene en cada objeto, se toman su tiempo.

“La puesta en escena de estos museos estaba basada en la sustracción y la sustitución. Era una representación de aquello que los militares pretendieron mostrar y a la vez ocultar. Exponer y desaparecer”, dice la voz en off de Belén Blanco, la narradora. Y condensa en pocas palabras el núcleo alrededor del que se tejió la trama narrativa de la dictadura. La construcción del otro como enemigo. La clandestinidad de la muerte que era, a la vez, un secreto a voces. Las estrategias para diseminar el terror. Y para respaldarlo.

Luego la película reconstruye, con otras imágenes, documentos y testimonios de especialistas, la historia de estos sitios que funcionaron en diferentes instituciones militares a partir de 1978, que ofrecían visitas guiadas a los colegios y continuaban, mediante los materiales exhibidos, el relato propagado por los represores sobre su papel heroico en “la guerra contra la subversión”.

—Los museos comienzan a funcionar en el año 1978. Ahí se inaugura el primero, en Campo de Mayo. En el 80 se inaugura el segundo, en Córdoba, y el tercero se inaugura en el año 81, donde actualmente está el Regimiento de Patricios, en Palermo. En esa época estaba el Cuerpo de Infantería N° 1, en el edificio de adelante —repasa D’Eufemia—. Hasta donde yo sé, según personas que me dijeron que fueron con los colegios o como colimbas, más o menos hasta el año 83 los museos estuvieron abiertos. Tengo certeza de que el de Campo de Mayo recibía gente al menos hasta el 81, porque conozco a un colimba que estuvo a cargo del museo. El del Regimiento de Patricios sé que hasta el año 83, porque un colega montajista me dijo que fue con el secundario ese año y nuestra filmación es del año 85 en ese museo. Sobre ese en particular hay dos cosas que me interesa comentar después de ver la peli. Una es que, no se llega a apreciar, pero el museo está sucio. Hay mucha tierra adentro. Se ve en los hombros de algunos maniquíes que tienen puesta una campera de cuero, en la parte de adelante de un auto azul que hay estacionado. A mí eso me da la pauta de que el museo estaba cerrado y fue abierto especialmente. Y, además, otra cosa —esto ya es más subjetivo pero después de años mirando material me animo a decirlo—, está muy ruidosa la filmación y eso no está tan cerca de la calle, eso me da la pauta de que abrieron las puertas, las ventanas. Yo veo la imagen y percibo que hay un poco de olor a humedad, si se me permite darle ese valor a un video. Entonces, a mí me da la sensación de que el museo estaba cerrado desde hacía un rato largo y lo reabrieron para esta visita guiada.

—Hay algo que no encaja: la visita guiada que se ve en la película es de 1985, pero desde 1983 la Argentina vivía en democracia. ¿Cómo sucede ese recorrido por ese lugar, guiado por militares, en el marco del Juicio a las Juntas?

—Yo creo que los museos estaban cerrados en 1985. La filmación principal de la película sucede ese año. Hay un grupo de periodistas extranjeros que está cubriendo los alegatos, la última parte del Juicio a las Juntas. Eso lo sabemos porque los mismos periodistas aparecen en otros tapes en las puertas de Tribunales, haciendo copetes, entrevistando testigos, políticos, un poco de todo y, en medio de esa actividad —que pudimos reconstruir a partir de las fechas que tienen los distintos tapes en los cuales ellos están—, sin ningún indicio de otro tipo, un día está la visita guiada a este museo. Supongo que alguien que participaría de la comunicación del lado de las Fuerzas Armadas se acercó a uno de los tantos grupos de periodistas extranjeros que habría entonces en el país y lo llevó al museo que, como te decía, yo lo veo sucio; para mí estaba recontra cerrado y se abre para esta visita.

D’Eufemia dice que no logró ubicar a los periodistas que recorren el museo en el film, no tuvo cómo saber quiénes eran para pedirles los detalles de esa experiencia, corroborar o echar por tierra su hipótesis de cómo sucedió esa visita en ese momento de la historia argentina, donde los hechos que escribirían un capítulo sin precedentes estaban enfocados en juzgar a los máximos responsables del genocidio perpetrado durante la dictadura cívico-militar.

—Sí pude hablar con el camarógrafo, que no participa en la película pero es quien tenía la filmación en su archivo privado. El camarógrafo recordaba la época pero no tenía un recuerdo particular de haber ido a un museo extraño con maniquíes. Según él, tenían una agenda muy movida y muy ecléctica donde un día cubrían política, otro día espectáculos, deportes. Era un camarógrafo local que tenía el equipo y hacía lo que hoy se conoce como servicio de producción para medios extranjeros. Entonces lo llamaban y él iba. Incluso contó que muchas veces ni siquiera sabía dónde iba. A él simplemente le decían a qué hora lo pasaban a buscar. Estaba muy desconectado del hecho. Y a los periodistas no los llegué a identificar. Ninguno de los que aparece era muy joven, o sea que, en caso de estar vivos, ya deberían ser bastante grandes.

Aunque no hay certezas absolutas respecto a qué día cerraron sus puertas estos sitios, D’Eufemia se entrevistó con Martín Balza, veterano de Malvinas y exjefe del Estado Mayor General del Ejército entre 1991 y 1999, y le confirmó que​ recién en el año 94 se desmontó el museo que funcionaba en Campo de Mayo.

—Que entiendo que ya hacía mucho tiempo que estaba cerrado, pero aún montado —dice el cineasta—. Ese museo se desarmó, se hizo un inventario. Balza me dijo que él mismo lacró las cajas que salieron del regimiento hacia Ciudadela, que es donde empezaba a armarse el nuevo Museo de las Fuerzas Armadas. A Ciudadela fui, visité el museo, me entrevisté con su director. Fue muy breve la charla, con muy poca voluntad de su parte. Le mostré fotos de las cosas. Él me dijo: “Jamás había visto nada de eso”. Es verdad que él no era director del museo cuando esas cosas llegaron en el año 94. A mí lo que me habían dicho como comentario, pero no lo pudimos corroborar, es que los objetos habían estado en un depósito, en las cajas, y que a partir de determinada época a las personas amigas que visitaban la unidad se les permitía llevarse un souvenir; era una acción informal, por supuesto, porque, es una paradoja lo que voy a decir, pero eso era propiedad del Ejército, estaba inventariado por el Ejército. Era propiedad de terceras personas, cosas que en su gran mayoría habían sido robadas por los grupos de tarea, pero había pasado a sus arcas. Por eso estaba inventariado. Esas cosas lentamente se fueron.

De esa manera. O de alguna otra.

Objetos que hablan: la película como museo

En el documental se ve una variedad de objetos que eran utilizados por los militantes de las organizaciones armadas, dispuestos para encajar en el discurso de los perpetradores.

Hay una frase que Belén Blanco, siempre en off, dice en los primeros minutos y resulta significativa: “Estaban las granadas y las imprentas en el mismo estante. Los libros y las armas en un mismo sector”. La observación no es casual. Que las hayan acomodado así, probablemente, tampoco. La dictadura había montado un discurso que vinculaba al pensamiento, a determinados autores, teorías e ideas, con la violencia, el terrorismo y la lucha armada. Desde esa premisa, había lanzado un dispositivo de censura: escritores que no se podían leer, artistas y personalidades de la cultura que no se podían ver o escuchar. (Muchas debieron exiliarse). Como parte de esa operación hubo quema de libros en piras ardientes que buscaba extinguir el pensamiento crítico, y a los textos y autores que pudieran despertarlo.

El documental también muestra una visita de Videla a Córdoba que incluía en su agenda un recorrido por el “Museo de la lucha contra la Subversión” que se encontraba en el comando del III Cuerpo de Ejército, en la misma guarnición militar donde funcionaba La Perla, considerado el mayor centro clandestino de detención del interior del país.

El fotoperiodista Rafael Calviño, entrevistado en la película, recuerda que fue enviado como corresponsal de la editorial Atlántida a cubrir ese viaje de Videla. No olvida que, sin ningún aviso, lo llevaron al museo. Muestra las fotos que le tomó ahí a Videla junto a Antonio Domingo Bussi, quien dirigía el sitio. Se los ve a ambos observando lo expuesto en las salas: paneles con títulos como “Asesinatos selectivos”, “Penetración ideológica”, “Acciones criminales”. Se los ve recorrer objetos diversos y, en la última imagen, lo que busca y logra el fotógrafo es retratar a Videla de tal modo que da la sensación de que el maniquí vestido de guerrillero, detrás de él, le está marcando su presencia.

Después el film, en la voz de Blanco, dice: “Bussi fue el fundador de estos museos. Propulsor, creador y promotor”.

La investigación también recupera unas placas que, aparentemente, estaban en la entrada de los museos como una suerte de acta fundacional. La de Campo de Mayo decía: “Recuerdo de presencia, coraje y martirologio.

Este museo perpetuará la victoria sobre el enemigo apátrida y traidor.

Y para que no se olvide jamás quede en Campo de Mayo la prueba de su escarmiento.

Sí, este museo se hizo para no olvidar.

Aquí vienen los niños de los colegios para saber cómo fue esa guerra”.

La de Córdoba, decía: “Este museo demuestra la superioridad del bien contra el mal, de los hijos del señor contra los esbirros del príncipe de las tinieblas. Dios está con nosotros en la hora de la victoria. No se olviden jamás de estas páginas que marcan la agonía y la muerte de la subversión en la selva tucumana y el coraje de los argentinos que la vencieron”.

“Es de una grandilocuencia bíblica”, se analiza en el film luego de leerlas. “Es un tipo de retórica que ni siquiera en los medios de la época podía verse. Pero acá, en estos museos, la imaginación política del régimen militar estaba desatada”.

En el documental no hay música. El ambiente es crudo, áspero. No hay recursos que lo vistan de amabilidad o le agreguen una capa acolchada para que llegue de manera armónica a quien mira. Está desnudo. Raspa.

Hay fragmentos de la visita guiada, fotos, periódicos, trozos de noticieros con allanamientos en los que se ven algunos de los objetos expuestos luego. Especialistas que toman la voz —aunque sus nombres aparecen solo al final—. Se muestra el proceso de restauración al que se somete a los objetos hallados o recuperados en causas judiciales.

La película, que estrena el próximo jueves 5 de noviembre en la Sala Lugones, en la Avenida Corrientes, tuvo sus primeras proyecciones en los festivales provinciales de cine de Entre Ríos y de La Plata. En los dos, D’Eufemia recibió respuestas del público que lo movilizaron.

—Me pasó en la función de La Plata, por ejemplo, que vino un chico, hijo de padres que habían militado en Montoneros y se habían exiliado. Él había nacido en el exilio. Y los padres habían sido unos militantes muy orgullosos. Entonces él se había criado escuchando hablar de los caños y los operativos y los embutes y todo el vocabulario utilizado por las orgas, pero nunca había podido ver cómo eran esas cosas. La película le generaba una sensación muy extraña porque era a partir de la reposición que los militares hacían de los objetos que él estaba pudiendo acceder a toda esta materialidad que había sido el imaginario de su infancia. Nunca había visto esas cosas más que en una foto blanco y negro y el video le permitía verlo en colores, con otra dimensionalidad, pero con el sabor amargo de saber que ese objeto que para él era liberador y revolucionario, estaba apresado, oprimido, en el marco del museo.

En la película hay frases que hablan de eso y quedan reverberando: “Los museos de la subversión como ‘una herramienta más del Estado dictatorial para sostener su relato’”. “Los objetos cambian de mano y adquieren un nuevo sentido”. “Los objetos hablan, nos dicen quiénes eran esas personas, qué hacían, qué futuro se imaginaban y qué futuro finalmente tuvieron”.

D’Eufemia dice que la película “viene con una responsabilidad muy grande, que es la de dar a conocer esta historia desconocida y, al mismo tiempo, curar un material que, en su estricta lectura, dice muchas cosas. Dependiendo del título que se le ponga”.

—Ese material da cuenta no solo de la construcción que se hacía en el período, sino también del período. Entonces, para mí, lo más importante, es curarlo y, como dice el film, presentar “la película como museo” y mostrar: acá estamos nosotros diciendo lo que pensamos de esto. No despegarnos de lo que la película hace e incluso continuar lo que la película dice, tratar de abrir ese juego en el diálogo con el público. Me parece que si bien el documental es histórico, porque trata un hecho del pasado, tiende un puente importante con el presente, en el sentido de que uno podría decir que el tema es la construcción del enemigo, que es un asunto bastante actual —venimos de las elecciones en Brasil y de todo lo que pasa en la política de derechas en el mundo—. Entonces, creo que permite enlazar el pasado con el presente, no solo traerlo, sino juntarlo.

En charla con Teleshow, Tejada repasó el trabajo colectivo detrás de la producción, la decisión estética que guía el relato y su recorrido profesional, que comenzó con la fotografía y los ciclos documentales de televisión. También anticipó algunos de sus próximos proyectos, entre ellos una película de ficción en Perú y la serie sobre Wanda Nara para una plataforma internacional.

—La historia de la serie es muy potente, al igual que la manera en que está relatada y filmada. ¿Cómo fue ese trabajo?

—Fue en conjunto. Desde el principio era muy importante para nosotros buscar la manera de acompañar el relato de Matías y acompañarlo a él, con conciencia de lo difícil de la historia. También queríamos encontrar algo que representara quién es él, porque Matías tiene una luz muy grande. Nos interesaba trabajar sobre ese contraste entre la oscuridad de lo que ocurrió y la luz que hay detrás, en relación con él.

—En las escenas que no son de archivo, la palabra y los testimonios tienen un valor central...

—Son fundamentales. La serie tiene elementos del true crime, aunque estaba esa disyuntiva porque hay muchos proyectos de ese estilo con mucho éxito. Pero la intención era contar una historia profundamente humana y luminosa. El objetivo era hablar de la capacidad de una persona para reconstruirse y seguir adelante.

—También aparecen testimonios que el público no conocía...

—Hubo un trabajo de investigación muy bueno de Mariana Montero, que viene contando esta historia con Matías desde hace tiempo. Él la contó durante muchísimos años en distintos lugares, así que la búsqueda era pensar qué podíamos agregar y cómo narrarla de una manera diferente. Eso atravesó la forma de filmar: necesitábamos tensión, archivo y oscuridad, pero sobre todo acompañar el relato de Matías y del resto de los entrevistados. Ahí hay algo interesante para observar y escuchar, que para mí define la identidad de la serie.

La charla con Juan José Campanella y el encuentro sin protocolo

—Sorprendió la participación de Juan José Campanella, parecía que iba a ser un testimonio más...

—Matías y Juan se conocen desde hace mucho tiempo. Para Matías también era tranquilizador que Juan estuviera detrás de la producción, trabajando con nosotros. Él quería que fuera una charla, no una entrevista. Al principio, por los compromisos de Juan, era complicado coordinarlo, pero logró venir. Cuando registramos ese encuentro pensamos que debía ser una conversación y no algo tan formal. Entonces decidimos que participara en cámara y que ese momento tuviera una dinámica más descontracturada.

—Tu trabajo abarca universos muy diferentes, desde una historia como esta hasta un reality familiar. ¿Cómo se da esa transición?

—Tengo un recorrido audiovisual bastante ecléctico. Me gusta encontrarme con desafíos distintos y buscar la particularidad y el tono de cada proyecto. También aprendo en el intercambio con los demás. Todo alimenta la observación. Ahora, por ejemplo, voy a filmar una película de ficción a la selva peruana, que no tiene nada que ver con esto.

Hago documentales desde que empecé. Trabajé en Endemol, en proyectos como Policías en acción y Cárceles, dentro de un área documental que tenía mucha presencia en la televisión de ese momento. Después fui incorporando herramientas de puesta en escena y construcción narrativa. Todo es un aprendizaje, ya sea un documental, una ficción o un reality. La intención siempre es hacer crecer cada proyecto y llevarlo a un lugar diferente, sin perder su identidad.

—¿Siempre quisiste ser director?

—De más chico quería ser fotógrafo. Me gustaba mucho la fotografía y admiraba a los reporteros que trabajaban para National Geographic, viajaban por el mundo y hacían fotoperiodismo. De a poco me fui acercando al video y al documental. Agarré una cámara, empecé a trabajar en la productora de un amigo y después pasé a una productora más grande.

En paralelo, a los 19 años, empecé a estudiar cine en la Universidad del Cine. Ahí se me abrió el mundo de las películas y la ficción, y me deslumbró. Mientras estudiaba seguí trabajando hasta que conocí a Alejandro Ravazzola, que trabajaba para History Channel. Con él hicimos tres documentales sobre incas, mayas y aztecas. Viajamos durante unos seis meses por América Latina y sentí que estaba haciendo aquello que quería hacer, pero con una cámara de video.

La ficción también ocupó siempre un lugar importante en mi vida, por el aprendizaje y la admiración hacia grandes directores. Por eso, cada vez que puedo hacer una película, trato de hacerlo. Y proyectos como La masacre de Flores, por su dimensión humana, representan un privilegio: permiten acompañar a una persona en el relato de una experiencia muy fuerte y dejar testimonio de algo que, de alguna manera, interpela a toda la sociedad.

El rodaje con los Tinelli y la nueva serie sobre Wanda Nara

—¿Es difícil filmar una familia, como ocurrió con los Tinelli?

—Es difícil por todo lo que implica, desde lo logístico, hasta prender la cámara y empezar a grabar. Pero una vez que llegás a ese momento, la cosa fluye. La energía va mutando y te lleva por lugares inesperados. En ese proyecto hubo un equipo de contenidos muy atento a cómo armar las continuidades entre las escenas. Fue muy divertido de hacer y todos, con sus matices, sus mambos y sus buenas ondas, fuimos encontrando la manera.

—También estás trabajando en la serie sobre Wanda Nara. ¿Ya comenzaron las grabaciones?

—Sí. La plataforma ya lo anunció en redes. En principio serán seis capítulos, aunque ya estamos viendo los primeros cortes y la serie está muy buena. Wanda es un imán; escucharla y verla en todo lo que hace es un show.

—¿Qué se verá en la serie?

—Hay cuestiones que no se pueden abordar por temas judiciales, pero es inevitable que algunos temas estén presentes. Aparecen sus hijos, sus padres, amigos y también viajamos a Italia. Hay una mezcla de elementos que hace atractivo el proyecto. La idea es que salga el año que viene.

A menos de tres semanas de que se cumplan 20 años de la madrugada que cambió la historia de la música regional mexicana con el asesinato de Valentín Elizalde, el anuncio de una docuserie sobre las preguntas que todavía rodean el caso abrió una disputa dentro de su familia.

Valentina Elizalde, hija del querido cantante, cuestionó la producción de HBO Max y afirmó que sus familiares no conocían el proyecto.

La serie, titulada Valentín: La muerte del Gallo de Oro, tiene previsto llegar a la plataforma el 12 de noviembre de 2026. El adelanto promete nuevas voces y archivos sobre el homicidio, pero la respuesta de la joven desplazó la atención hacia los permisos para utilizar la imagen y la historia de su padre.

Valentina Elizalde cuestionó quién dio permiso para usar la imagen de su padre

El anuncio de la producción provocó comentarios de Valentina en las redes sociales de la plataforma. La cantante sostuvo que su entorno familiar no recibió información previa sobre el proyecto y expresó dudas sobre la persona que habría impulsado la serie.

En uno de sus mensajes, la joven afirmó que “la familia no tenía ni idea de esta serie”, y agregó que la producción vendría “de parte de alguien más para limpiar imagen”. Valentina no identificó a quién se refería ni explicó qué parte de la historia considera que busca favorecer el documental.

La hija de El Gallo de Oro también puso sobre la mesa el uso de la identidad de su padre. Al dirigirse a la cuenta de la plataforma, preguntó: “¿Y los derechos de imagen?”.

Hasta ahora, no se conoce una respuesta pública de HBO Max sobre esos señalamientos. Tampoco se ha informado qué familiares participaron en la producción, qué testimonios fueron recabados o bajo qué acuerdos se utilizaron los archivos que formarán parte de la serie.

El calendario vuelve más sensible la discusión: para la familia, noviembre reúne la memoria del ataque y una nueva producción que reconstruirá sus consecuencias.

La disputa por el legado de El Gallo de Oro no comenzó con la docuserie

La protesta contra el documental se suma a desacuerdos previos entre integrantes de la familia sobre proyectos audiovisuales y los derechos vinculados con el cantante sinaloense.

• En 2024, Valentina aseguró que ella y sus hermanas, Gabriela y Valeria, tenían derechos sobre la imagen de su padre en calidad de herederas.
• Ese mismo año, cuestionó la posibilidad de que sus medias hermanas autorizaran una serie biográfica.
• La joven sostuvo que no había dado su firma para una producción de ese tipo por respeto a la memoria de su padre.
• La nueva docuserie llega en un contexto donde no se ha confirmado públicamente qué familiares participaron en la producción, si hubo entrevistas directas con las hijas o si se utilizaron materiales de los herederos.
• El proyecto está programado para estrenarse el 12 de noviembre, 13 días antes del aniversario luctuoso del cantante, asesinado el 25 de noviembre de 2006 tras una presentación en Reynosa, Tamaulipas.

La fecha agrega una carga especial al reclamo. Para la familia, noviembre no sólo marca el regreso de una historia a la pantalla, sino también la cercanía de dos décadas desde la madrugada en que el cantante murió a los 27 años.

Un documento resguardado por la familia volvió a poner el caso bajo la lupa

Antes de que HBO Max anunciara la producción, Valentina ya había hablado de su interés por conocer más sobre el homicidio de su padre. Esa búsqueda se relaciona con un peritaje alterno cuyo contenido no ha sido revelado.

• El 5 de octubre de 2026, Valentina dijo que estaba en contacto con un abogado y que quería saber qué ocurrió en el asesinato de su padre. No informó si presentó una solicitud formal para reabrir la investigación.
• Familiares de Valentín Elizalde han mencionado la existencia de un peritaje que habría sido localizado por Camila Valencia, madre del cantante, y que permaneció bajo resguardo durante años.
• El contenido del documento no se ha hecho público. Por esa razón, no es posible establecer si contiene pruebas nuevas, si contradice la investigación original o si podría modificar las líneas conocidas del caso.

Así, mientras la serie se prepara para llegar a la plataforma, Valentina Elizalde mantiene dos cuestionamientos sobre la mesa: qué información se contará sobre la muerte de su padre y quién autorizó que esa historia se llevara a la pantalla.

El fallecimiento carcelario de Andrés Filomeno Mendoza Celis este 29 de octubre reactiva la memoria sobre la docuserie que el máximo tribunal mexicano auspició para exhibir sus crímenes.

El reo murió a los 78 años en el penal de Tenango del Valle mientras cumplía ocho condenas por feminicidio.

La producción televisiva requirió un presupuesto público de 12 millones pesos, de acuerdo con la resolución oficial de transparencia CT-CUM/A-29-2022.

La emisión reunió a más de 16 millones de televidentes durante sus primeros tres días de transmisión abierta nacional en junio de 2022.

El proyecto rompió la tradición jurídica del país. La Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN) asumió de forma directa el financiamiento de una obra audiovisual de cinco capítulos para abordar la crisis de feminicidios en el Estado de México.

El máximo tribunal asumió la producción de un expediente criminal

La gestión del ministro Arturo Zaldívar impulsó la creación de “Caníbal: Indignación total”.

El proyecto audiovisual contó con la dirección cinematográfica del realizador español Grau Serra y un guion elaborado por la documentalista Ana Mata.

La periodista Gabriela Warkentin asumió la vocería del equipo de investigación. La serie documentó las más de cuatro décadas en las que el asesino serial operó en el municipio de Atizapán de Zaragoza con total impunidad.

El contrato formal involucró a Camila Producciones con una cesión de derechos promovida por Javier Tejado Dondé. La transmisión conjunta utilizó las señales de Las Estrellas, Canal 22 y el canal judicial Justicia TV, hoy Plural TV, en horario nocturno estelar.

El fallo judicial contra el agresor sumó una pena vitalicia, una condena de 92 años y seis castigos adicionales de 55 años de reclusión.

Los expedientes acreditaron el asesinato de al menos 19 personas en la colonia Lomas de San Miguel.

La ruptura estética frente al arquetipo de Hollywood

El tratamiento narrativo tomó distancia del canon de plataformas internacionales. La obra prescindió de la figura del asesino con intelecto superior o fascinación psicológica, habitual en títulos dramáticos como “Dahmer” o “Mindhunter”.

El relato expuso la figura de un carnicero de la tercera edad integrado a la vida cotidiana de su comunidad. Mendoza Celis operaba desde el Comité de Participación Ciudadana local, donde repartía apoyos y despensas para generar confianza entre sus víctimas.

La trama técnica demostró que la prolongación de sus delitos no respondió a un plan metódico complejo. Los crímenes se mantuvieron ocultos por la omisión constante de las agencias del Ministerio Público mexiquense.

Las carpetas de investigación por desaparición permanecieron archivadas durante años sin seguimiento pericial. El agresor aprovechó las condiciones de vulnerabilidad económica de mujeres trabajadoras en bares y comercios de la zona metropolitana.

El testimonio forense sustituyó a la recreación explícita

La serie centró su impacto en la inspección ministerial del domicilio ubicado en la calle Margaritas. Los peritos de la fiscalía retiraron capas de concreto para recuperar entre 4,300 y 4,600 restos óseos ocultos en el subsuelo.

Las cámaras registraron el hallazgo de credenciales del INE, ropa femenina, calzado y libretas con anotaciones de peso corporal. El realizador utilizó testimonios de antropólogos forenses y policías en lugar de dramatizaciones con actores.

El expediente reveló que la captura no derivó de labores policiales de inteligencia, el esposo de Reyna González Amador, un agente municipal, localizó por cuenta propia el domicilio donde halló el cuerpo cercenado de la mujer en mayo de 2021.

Las declaraciones integradas en la obra mostraron el cinismo procesal del imputado, el reo admitió ante el juez actos de canibalismo y el uso de técnicas de corte aprendidas en rastros municipales para preservar tejido humano con sal.

El dilema ético sobre la memoria de las víctimas

El estreno de la producción detonó cuestionamientos públicos sobre la utilización de fondos de la judicatura. Diversos colectivos señalaron el riesgo de generar morbo institucional con el dolor de las familias afectadas.

La producción respondió destinando el cuarto episodio, titulado “Consecuencias”, al duelo colectivo de las madres buscadoras, las tomas registraron las protestas del 8 de marzo y el reclamo frente a la violencia feminicida nacional.

Los familiares de las víctimas denunciaron ante las cámaras la estigmatización que sufrieron durante los procesos de búsqueda. Los testimonios desmontaron versiones que pretendían justificar las agresiones bajo prejuicios sobre la vida personal de las mujeres.

Cada transmisión cerró con un directorio de instituciones públicas y colectivos civiles dedicados al auxilio de mujeres en riesgo. La producción buscó que la audiencia canalizara denuncias y solicitudes de apoyo legal inmediato.

La permanencia del material en plataformas digitales

Con la muerte del agresor en el centro penitenciario, la responsabilidad penal personal quedó extinguida. Las autoridades periciales mantienen el cotejo de perfiles genéticos sobre los miles de fragmentos recuperados en el inmueble.

La obra acumula 127 minutos de duración divididos en cinco entregas: “Reyna”, “Un vecino perfecto”, “El caníbal”, “Consecuencias” e “Indignación total”.

Al ser una producción de la Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN) con fines de concientización, la docuserie no forma parte del catálogo de las plataformas comerciales tradicionales de streaming ni cuenta con una distribución permanente bajo demanda para ver todos sus episodios íntegros.

Los sitios oficiales del proyecto y de Plural TV únicamente conservan fragmentos, testimonios y contenidos complementarios. Quienes buscan ver la serie completa deben recurrir a las retransmisiones periódicas que Canal 22 anuncia en sus espacios institucionales, o a cuentas no oficiales en YouTube que comparten las emisiones televisivas originales.

El material audiovisual funciona como un registro documental sobre el colapso del sistema penal frente a la violencia serial de género. El caso de Atizapán permanece como testimonio público del costo de la negligencia institucional en el país.

La muerte de Cuauhtémoc Cárdenas este 28 de octubre vuelve a colocar su trayectoria dentro y fuera del PRI en el centro de la discusión pública. El político aparece entre las voces de PRI: Crónica del Fin, serie documental.

La producción reúne 130 horas de entrevistas con ex presidentes, dirigentes partidistas y figuras de oposición. Cárdenas participa como uno de los protagonistas del quiebre interno que derivó en la Corriente Democrática, su salida del PRI y la candidatura presidencial de 1988.

El proyecto de N+ Docs tardó 35 meses en investigación y producción. El equipo revisó 3,956 horas de archivos y digitalizó otras 1,694 horas de video.

La muerte de Cuauhtémoc Cárdenas revive su ruptura con el PRI

Cuauhtémoc Cárdenas Solórzano murió a los 92 años este miércoles 28 de octubre de 2026. Su carrera atravesó la estructura del priismo desde dentro, antes de convertirse en una de las figuras que disputaron el poder al partido durante las últimas décadas del siglo XX.

El ingeniero civil nació el 1 de mayo de 1934 en Ciudad de México. Fue senador por Michoacán y gobernador de esa entidad entre 1980 y 1986 bajo las siglas del PRI.

En 1986, Cárdenas formó la Corriente Democrática junto con Porfirio Muñoz Ledo, Ifigenia Martínez y otros priistas. El grupo cuestionó el método de selección de candidaturas y expresó diferencias con el rumbo económico del gobierno federal.

La ruptura con la dirigencia priista abrió el camino para su candidatura presidencial por el Frente Democrático Nacional en 1988. La elección quedó marcada por la llamada “caída del sistema”, que interrumpió la difusión de resultados durante la jornada electoral.

El resultado oficial dio el triunfo a Carlos Salinas de Gortari, mientras Cárdenas quedó en segundo lugar. Un año después, este 5 de mayo de 1989, participó en la fundación del PRD y se convirtió en su primer presidente nacional.

La serie PRI: Crónica del Fin incorpora su testimonio en ese recorrido. El documental lo presenta entre las voces que ayudan a reconstruir el ascenso, las reglas internas y la posterior fractura del partido que gobernó México durante casi todo el siglo XX.

El documental reúne testimonios de Carlos Salinas, Peña Nieto y Cárdenas

PRI: Crónica del Fin está escrita y dirigida por Denise Maerker. La producción se integra por cinco episodios que revisan medio siglo de vida política nacional, desde la consolidación del partido hasta su pérdida de fuerza electoral.

Además de Cárdenas, la serie incluye entrevistas con Carlos Salinas de Gortari, Enrique Peña Nieto, Porfirio Muñoz Ledo, Elba Esther Gordillo y Vicente Fox. El material combina testimonios, documentos y grabaciones de archivo que no habían sido difundidas.

La participación de Cárdenas resulta útil para entender el momento en que una parte del priismo comenzó a cuestionar la concentración de decisiones en la dirigencia. Su salida no fue un episodio aislado: derivó en una fuerza opositora que compitió por la Presidencia y obtuvo el gobierno de la capital.

En 1997, Cárdenas ganó la primera elección popular para la jefatura de Gobierno del entonces Distrito Federal. Dejó el cargo en 1999 para buscar por tercera vez la Presidencia de la República en los comicios de 2000.

Dónde ver PRI: Crónica del Fin y de qué trata

Los cinco episodios de PRI: Crónica del Fin están disponibles en ViX.

Para ver el documental, los usuarios deben ingresar a la plataforma de streaming y buscar el título completo: PRI: Crónica del Fin. La serie está centrada en el auge del PRI, sus crisis internas, el funcionamiento de su sistema político y los factores que llevaron a su declive.

El documental retoma la evolución de un partido que pasó de dominar las elecciones y las instituciones del país a perder la Presidencia en 2000, recuperarla en 2012 y volver a quedar fuera del gobierno federal en 2018.

Cárdenas aparece en ese relato como un exmilitante priista que cuestionó el cierre del partido a la competencia interna. Su testimonio se suma a los de expresidentes y dirigentes para revisar las disputas que transformaron el mapa político de México.

Durante 2026, el IPN le otorgó el Doctorado Honoris Causa y la UNAM creó la Cátedra Extraordinaria Cuauhtémoc Cárdenas Solórzano, dedicada al estudio de la democracia y los procesos electorales.

La plataforma de streaming HBO Max estrenará una serie que revisa el asesinato del cantante Valentín Elizalde mediante testimonios sobre la presunta traición dentro de su círculo familiar.

La producción, titulada “Valentín: La muerte del Gallo de Oro”, llega a la plataforma el 12 de noviembre de 2026 con un formato de 3 episodios de emisión semanal.

La serie documental se estrena dos semanas antes de que se cumplan 20 años del atentado en Tamaulipas.

El proyecto realizado por las casas productoras Sula Entertainment y Lemon Studios reconstruye los hechos de la madrugada del 25 de noviembre de 2006, cuando un comando disparó más de 60 casquillos de armas de alto poder contra la camioneta donde viajaba el músico sonorense al salir del Palenque de la Expo-Feria de Reynosa.

La conducta de Tano Elizalde concentra los cuestionamientos familiares

El ataque armado dejó sin vida a Valentín Elizalde, a su representante Mario Mendoza Grajeda y al chofer Reynaldo Ballesteros. El primo del intérprete, Fausto “Tano” Elizalde, resultó el único sobreviviente del vehículo tras permanecer recostado en el asiento trasero durante la ráfaga.

Las dudas sobre su papel crecieron a partir de las declaraciones de su exesposa Marisol Castro quién afirmó que “Tano” mostró un nerviosismo extremo durante las horas previas a la presentación y presionó para modificar la agenda de trabajo.

La versión de la expareja sostiene que la oficina del cantante tenía programada una fecha en Tijuana, pero “Tano” insistió en cancelarla para acudir a Reynosa, una plaza bajo el control del Cártel del Golfo y su brazo armado de entonces, Los Zetas.

El propio “Tano” declaró en entrevistas televisivas que durante el tiroteo no vio a los agresores y que abandonó la escena a bordo de un taxi mientras los cuerpos de sus acompañantes permanecían dentro de la camioneta Suburban.

Familiares directos del músico cuestionaron ese relato a lo largo de los años. Valentina Elizalde, hija menor del cantante, afirmó en declaraciones que su tío planeó los traslados y conocía los riesgos de llevar la presentación a esa ciudad fronteriza.

El matrimonio con Gabriela Sabag y el control del legado musical

El distanciamiento entre “Tano” y la dinastía Elizalde aumentó cuando el músico confirmó su relación sentimental con Gabriela Sabag, la única esposa legítima de Valentín y designada como albacea universal de sus bienes y derechos de imagen.

Ambos anunciaron su compromiso matrimonial en 2021 y formalizaron su enlace civil años más tarde. Esa unión otorgó a “Tano” acceso a la administración del patrimonio y a las autorizaciones legales para el uso comercial del nombre del cantante.

Fausto “Tano” Elizalde intentó desarrollar un proyecto biográfico propio bajo el título “La verdad de mi Tano”. La iniciativa provocó el rechazo de Camila Valencia, madre de Valentín, y de sus tres hijas, quienes denunciaron intentos de lucrar con la memoria del intérprete sin consentimiento familiar.

La nueva serie de la plataforma digital incluye material documental sobre estas disputas patrimoniales que dividieron a la familia durante más de una década.

Un peritaje independiente contradice la indagatoria ministerial

La producción televisiva también incorpora la existencia de un informe técnico y pericial alterno que la madre del cantante resguardó de forma privada durante años.

Los hermanos Francisco Joel y Jesús “El Flaco” Elizalde revelaron que el documento contiene elementos balísticos y testimoniales que nunca formaron parte de la averiguación previa integrada por las autoridades ministeriales en Tamaulipas.

“El Flaco” Elizalde expuso que las conclusiones de ese expediente privado descartan que el ataque respondiera de forma exclusiva a una confrontación entre organizaciones criminales rivales y abren la línea de un móvil pasional.

Las hijas del artista mantienen bajo su potestad la decisión de presentar formalmente estas pruebas ante instancias judiciales para exigir una reapertura del caso antes de que concluya el plazo legal de prescripción.

El vigésimo aniversario luctuoso coincide con el límite legal para que las autoridades ministeriales de Tamaulipas decreten la prescripción penal del expediente.

Las hijas del intérprete buscan que los testimonios y los dictámenes recabados para la producción audiovisual sirvan como base para solicitar formalmente a la fiscalía estatal la reapertura de las indagatorias.

La interpretación de “A mis enemigos” en territorio de Los Zetas

Las indagatorias judiciales atribuyeron el homicidio a una orden directa de integrantes de Los Zetas, con mención de Jaime González Durán, alias “El Hummer”, quien operaba como mando de esa estructura en Reynosa.

El móvil principal en esa línea de investigación apunta a la interpretación del corrido “A mis enemigos”. Elizalde abrió y cerró su concierto en el palenque con esa canción, cuya letra contenía alusiones de respaldo hacia Joaquín “El Chapo” Guzmán en una zona dominada por el bando contrario.

González Durán, exmilitar y fundador de Los Zetas, fue detenido en 2008 por autoridades federales en Reynosa y purga sentencias que suman más de 70 años de prisión en el penal federal de Hermosillo.

La Procuraduría General de la República también vinculó en su momento a Raúl Hernández Barrón, conocido como “El Flander I”, aunque el expediente ministerial no derivó en sentencias firmes por el triple homicidio en el palenque.

El documental integra entrevistas con especialistas en seguridad y periodistas locales que cubrieron la escena criminal aquella madrugada.

Los tres capítulos de la serie documental quedan disponibles para los suscriptores a partir del 12 de noviembre de 2026.

Valentín Elizalde tendrá una nueva serie documental dedicada a su asesinato a casi 20 años de la emboscada en la que murió el cantante conocido como el Gallo de Oro.

Este miércoles 28 de octubre se anunció que la producción recuperará nuevas voces y archivos sobre las preguntas que persistieron alrededor del caso.

La campaña de promoción adelantó el enfoque de la serie con una frase: “A 20 años de su muerte, nuevas voces y archivos vuelven sobre las preguntas que rodean la historia de Valentín Elizalde”.

El anuncio confirmó que el proyecto llevó por título Valentín: La muerte del Gallo de Oro.

El cantante murió el 25 de noviembre de 2006, cuando tenía 27 años. El ataque ocurrió después de una presentación en un palenque de Reynosa, Tamaulipas, y también dejó sin vida a su representante Mario Mendoza y a su chofer Reinaldo Vallesteros.

La promoción planteó otra interrogante sobre el expediente: “¿Qué pasó realmente con Valentín Elizalde?”. La pregunta volvió a colocarse en el centro de la conversación cuando la familia del intérprete habló de documentos y líneas de investigación que no se habían integrado públicamente al caso.

La serie de Valentín Elizalde tendrá fecha de estreno en HBO Max

Valentín: La muerte del Gallo de Oro fue anunciada para estrenarse el 12 de noviembre en HBO Max, de acuerdo con una publicación de la cuenta verificada @hbomaxmx incluida en la imagen proporcionada para esta nota.

El cartel de la producción mostró a Elizalde con un traje negro de vivos rojos, sombrero vaquero y la figura de un gallo dorado. La imagen también incluyó una camioneta, un elemento asociado con los últimos momentos del cantante y con la emboscada ocurrida en Reynosa.

La plataforma presentó el proyecto como una “nueva serie documental original de HBO”. El anuncio no detalló cuántos episodios tendría la producción ni identificó a las personas que participarían con testimonios o materiales de archivo.

El lanzamiento quedó programado a menos de dos semanas del aniversario luctuoso de Elizalde.

HBO Max adelantó que la docuserie recuperaría “nuevas voces y archivos”. Ese planteamiento abrió la posibilidad de que el programa revisara testimonios conocidos, documentos familiares y versiones que surgieron desde 2006 alrededor de la muerte del cantante sinaloense.

Un peritaje alterno permaneció bajo resguardo de la familia Elizalde

La noticia de la serie llegó meses después de que Francisco Joel y Jesús “El Flaco” Elizalde hablaron sobre un peritaje alterno relacionado con el asesinato de su hermano.

Los hermanos explicaron que el informe técnico fue localizado por su madre, Camila Valencia. La decisión de pedir formalmente que se incorporara al caso correspondió a las hijas del cantante: Valentina, Valeria y Gabriela Elizalde.

Francisco Joel y “El Flaco” sostuvieron que el contenido del documento solo era conocido dentro del entorno familiar. Por esa razón, no revelaron los detalles del peritaje ni las conclusiones que habría contenido.

La versión difundida por los familiares sumó una nueva arista a un expediente que acumuló hipótesis durante casi dos décadas. Una de ellas relacionó el crimen con Los Zetas, organización que tuvo presencia en Reynosa cuando ocurrió la agresión.

Jesús “El Flaco” Elizalde planteó una postura distinta sobre el móvil. El hermano del cantante sostuvo que el homicidio “no sería un ajuste de cuentas del cártel, sino un crimen pasional”.

La serie Valentín: La muerte del Gallo de Oro fue anunciada mientras el expediente todavía concentró versiones familiares, testimonios criminales y peritajes que no se conocieron de forma pública. HBO Max programó la producción para el 12 de noviembre.

La hermana de Matthew Perry, Mia Perry Bowick, reveló nuevos detalles sobre los últimos días y la despedida del actor en un documental de Netflix estrenado este martes. La producción, titulada The One About Matthew Perry (El de Matthew Perry), repasa su carrera, su lucha contra las adicciones y su muerte en 2023.

La docuserie está formada por tres episodios dirigidos por Mary Robertson e incluye testimonios sobre la vida personal y profesional del intérprete de Chandler Bing en Friends. Entre ellos, Bowick recordó cómo fue el funeral privado que la familia organizó seis días después de la muerte del actor, en el cementerio Forest Lawn Memorial Park de Los Ángeles.

“El funeral fue muy pequeño, solo familia y amigos cercanos. Recuerdo estar sentada en la primera fila con nuestra familia y ver a su madre y a todos los demás hermanos”, relató Bowick en el documental. “Y entonces el resto del elenco de Friends, ellos entraron todos juntos”.

La hermana del actor no veía a Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc y David Schwimmer desde hacía cerca de dos décadas, contó a las cámaras de Netflix. “Jen Aniston fue la primera en acercarse y darme un abrazo enorme, pero todos lo hicieron”, contó.

“Y luego los cinco caminaron hacia el ataúd tomados de la mano, y simplemente se quedaron parados a su alrededor, llorando”, agregó Bowick. Se trata de uno de los pasajes más conmovedores de la serie, según la directora de la producción.

Bowick también describió un episodio inesperado durante el servicio: percibió la presencia de su hermano justo detrás de ella. “Lo sentí justo detrás de mi hombro derecho y dijo: ‘Qué jodido es esto’”, recordó, según el testimonio recogido por Page Six. “Y empecé a reírme muchísimo. Pensé: ‘Dios mío, ahí está’”.

Para la directora Robertson, ese contraste entre el dolor y el humor refleja la personalidad del actor. “Creo que eso es fiel a la experiencia vivida por Matthew, fiel a su legado y fiel a nuestra experiencia como seres humanos”, señaló la ganadora de un Emmy.

La lucha de Matthew Perry contra las adicciones

El documental también muestra cómo la adicción afectó la vida del actor y su trabajo en Friends. Roger Costillo, uno de sus mejores amigos, recordó que la producción de la comedia tuvo que detenerse temporalmente en 2001, cuando Perry ingresó a rehabilitación. Su hermana explicó que él sentía vergüenza y culpa porque sabía que muchas personas dependían laboralmente de la continuidad de la serie, aunque también comprendía que necesitaba recuperarse.

Durante la séptima temporada, Perry viajaba entre un centro de rehabilitación en Malibú y el set para cumplir con sus escenas. Entre ellas estaba la boda de Chandler y Monica, que formó parte del final de temporada. Bowick recordó que ambas familias acudieron al rodaje, preocupadas por el futuro del actor. Ver a su hermano pronunciar los votos y compartir esa escena con Courteney Cox fue una experiencia emotiva: para ella, había un afecto genuino entre ambos, aunque el recuerdo también estuvo acompañado de tristeza por la situación que atravesaba Perry.

La ausencia del elenco en el documental

Aunque los cinco actores de Friends asistieron al funeral, ninguno participó en la docuserie. Tampoco aparecen otros familiares de Perry, como su padrastro, Keith Morrison, corresponsal de Dateline. Robertson explicó a Page Six que el equipo invitó a los intérpretes a participar, pero ellos declinaron la propuesta.

“Sé que los actores de Friends aman a Matthew y lo lloran. Les pedimos que participaran y decidieron no hacerlo”, indicó la cineasta.

Matthew Perry murió en octubre de 2023, a los 54 años, en su casa de Los Ángeles. La autopsia determinó que la causa fue por los efectos agudos de la ketamina y estableció el deceso como un ahogamiento accidental. Varias personas vinculadas al caso, entre ellas su asistente Kenneth Iwamasa, fueron condenadas a prisión por su participación en la sobredosis.

El festival, organizado por la Corporación Colombiana de Documentalistas ALADOS, se extenderá hasta el 4 de noviembre bajo el lema Sonido imprescindible, una invitación a desplazar el protagonismo habitual de la imagen para atender aquello que resuena —y lo que calla— en el cine de lo real.

La edición de este año conserva las tres secciones que han definido la identidad de la MIDBO a lo largo de casi tres décadas: la Muestra de Cine Documental, Documental Expandido y el Encuentro Pensar lo Real. A ellas se suma una programación dirigida a públicos diversos que incluye funciones para personas sordas, ciegas y adultos mayores, proyecciones en colegios públicos y actividades en la cárcel La Picota, entre otras iniciativas de inclusión.

Cuatro competencias y una sección dedicada a la memoria y la justicia restaurativa

El núcleo de la programación cinematográfica lo componen cuatro competencias: largometraje nacional (6 películas), cortometraje nacional (16), largometraje iberoamericano (7) y cortometraje iberoamericano (17). A ese bloque competitivo se agregan tres panoramas fuera de concurso con 18 producciones recientes y Espejos: Gestos de reparación, una sección integrada por 14 documentales que abordan la memoria, la justicia restaurativa, las violencias basadas en género y la recuperación de archivos. Las películas seleccionadas provienen de distintas cinematografías de Colombia, Iberoamérica, Europa y Asia, con historias que recorren conflictos sociales, identidades, comunidades y las transformaciones del presente.

La clausura tendrá lugar el 4 de noviembre con la proyección de El coloquio de los pájaros, de la directora peruana Sofía Velázquez.

Claire Simon, Ignacio Agüero y Santiago Álvarez, los focos de esta edición

Tres focos dedicados a documentalistas consagrados vertebran la programación especial. La cineasta inglesa radicada en Francia, Claire Simon, llegará a Colombia por primera vez para presentar Nuestro cuerpo (2024) y Escribir la vida – Annie Ernaux relatada por estudiantes de bachillerato (2025). El chileno Ignacio Agüero participará con Cien niños esperando un tren (1988), Como me da la gana (1985) y Cartas a mis padres muertos (2025), además de ofrecer una clase magistral. El tercer foco recupera una selección de cortometrajes del realizador cubano Santiago Álvarez, figura capital del documental latinoamericano.

A esos programas se suma una retrospectiva dedicada a la cineasta cubana Sara Gómez, que incluirá De cierta manera (1974) y una serie de documentales feministas y revolucionarios restaurados con apoyo del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC). Según la organización, será la primera vez que la obra restaurada de Gómez se exhiba en Colombia.

El sonido como materia sensible y política

El eje curatorial de esta edición propone entender el sonido no como un recurso técnico subordinado a la imagen, sino como una materia con peso propio. Carmen Viveros, productora general de la MIDBO, explicó que la intención es “trasladar parte de la atención que suele concentrarse en la imagen hacia el componente sonoro y la escucha”. En esa línea, describió al sonido como “una materia sensible, política, afectiva” y como otra manera de relacionarse con aquello que un documental cuenta.

Esa búsqueda atraviesa las tres secciones del festival. En la Muestra de Cine Documental, las películas seleccionadas exploran voces, silencios, archivos y memorias. En el Encuentro Pensar lo Real, el seminario Lenguajes sonoros reunirá clases magistrales, mesas redondas y laboratorios dedicados a la escritura cinematográfica, el montaje documental, la creación sonora y los usos críticos del archivo. Claire Simon, Mercedes Gaviria y Samuel Larson figuran entre los invitados a ese espacio académico.

Ocho propuestas de Documental Expandido ocuparán la Cinemateca hasta noviembre

La sección de Documental Expandido explorará El sonido de lo real a través de ocho propuestas que combinan instalaciones, cine analógico, archivos, conciertos y creación sonora en vivo. Cuatro obras instalativas forman parte del programa: Arenarias, de Isabella Arenas; Circo, de Daniel Torres; Patrimonio líquido II, de Sergio Díaz —los tres colombianos—; y Cartografías de la reclusión, de la mexicana Yareni Velázquez.

El programa se completa con experiencias sonoras como Diario de una oreja, Periferias de escucha – Archivo de memoria y La guerra invisible, además de un concierto homenaje a Roberto García Piedrahita, pionero del arte sonoro colombiano, que recuperará materiales inéditos de su obra mediante una interpretación en vivo. Las instalaciones permanecerán abiertas en la Sala E de la Cinemateca de Bogotá hasta el 16 de noviembre, lo que extenderá la presencia de la MIDBO más allá de la semana central del festival.

Reconocimiento a Pablo Mora Calderón y lanzamiento de revista especializada

El componente académico también contempla la entrega del reconocimiento A toda una vida a Pablo Mora Calderón, por su trayectoria y sus aportes al documental colombiano. La distinción se sumará al lanzamiento de la séptima edición de La Pesadilla de Nanook, revista especializada en cine documental, y al Encuentro de Documentalistas ALADOS Colombia.

María Fernanda Carrillo, directora artística de la MIDBO, señaló que el festival busca ampliar la percepción que el público tiene del género: “Hay una concepción de que el documental es aburrido y se limita a ofrecer información y datos, pero también es poesía, ensayo y reflexión íntima”, afirmó. Según Carrillo, la muestra ofrece la posibilidad de “viajar, acercarse a otras formas de vida y descubrir diferentes perspectivas del mundo” a través de las búsquedas de quienes documentan la realidad.

Colegios, audiodescripción y cortometrajes realizados por colectivos CREA

La MIDBO dedicó parte de su programación a iniciativas de formación e inclusión. Por tercer año consecutivo se realizó La MIDBO va a los colegios públicos, un proyecto que acercó el documental colombiano ¿Quién quemó el bus?, del director Juan José Jaramillo, a los colegios Manuelita Sáenz y Alejandro Obregón. Cerca de 250 estudiantes participaron en el proceso, apoyados en una guía didáctica diseñada por la organización, y asistieron a funciones con la presencia del director y del productor Alejandro Ángel.

Entre las producciones que se exhibirán durante la muestra figura el cortometraje Salvando el proyecto (2026), dirigido por Sindy Joya y rodado por un equipo mixto de estudiantes sordos y oyentes del Colegio Isabel II de Bogotá. La programación incluirá además la charla Más allá de la pantalla: accesibilidad para llegar a nuevas audiencias, prevista para el 28 de octubre, y la proyección con audiodescripción del documental Estancia (2024), de Andrés Carmona Rivera, dirigida a personas ciegas. También se estrenarán más de diez cortometrajes realizados por colectivos CREA del Instituto Distrital de las Artes (Idartes).

Julio Lamaña, documentalista y coordinador de públicos de la MIDBO, destacó el valor de esas acciones: “Integrarnos en procesos educativos, aportar herramientas didácticas y contar con la presencia de autores para presentar las películas en los colegios posibilita el diálogo con los estudiantes”, afirmó, y añadió que la iniciativa se convierte en “un aporte clave para dar a conocer nuestro cine documental a las nuevas generaciones, que en muchas ocasiones no tienen fácil acceso a este tipo de contenidos”.

Itinerancias en seis ciudades y más de 5.400 asistentes en la edición anterior

Aunque el encuentro central se desarrollará en Bogotá, la actividad de la MIDBO se extenderá a otras regiones del país. La organización diseñó una ruta por Cali, Medellín, Cartagena, Santa Marta, Barranquilla y Leticia, con proyecciones y encuentros que se realizarán antes, durante y después de la muestra capitalina, con el propósito de fortalecer vínculos con comunidades e instituciones.

En 2025, la edición anterior registró cerca de 5.400 asistentes entre proyecciones, itinerancias, los martes MIDBO y las actividades de gestión de públicos. En Bogotá, la programación de este año tendrá como escenario principal la Cinemateca de Bogotá y se distribuirá en sedes como la Alianza Francesa, la Universidad Nacional, la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación, el Centro Cultural Gabriel García Márquez y salas aliadas en las localidades de Ciudad Bolívar y Kennedy.

En 2005, Eleanor Coppola grabó 80 horas de metraje detrás de cámaras durante la producción de María Antonieta. Era el tercer largometraje de su hija Sofia Coppola y uno bastante ambicioso, con acceso sin precedentes a Versalles, un presupuesto de 40 millones de dólares y 57 días de rodaje programados.

Aunque Eleanor había realizado uno de los mejores documentales sobre el proceso de creación cinematográfica, Corazones de las tinieblas: el apocalipsis de un cineasta, que retrataba el caos de la película de su marido, Francis Ford Coppola, Apocalypse Now, no había ido a Maria Antoineta para rodar su propia película. Estaba allí para ayudar a capturar momentos clave para la promoción. “Le encantaba mostrar cómo se hacían las cosas”, declaró Sofía en una entrevista reciente. “Siempre le interesó saber qué había detrás de todo aquello”.

La visión de Eleanor Coppola para un documental

El estreno de la película llegó y pasó, y la vida siguió su curso, pero a Eleanor le frustraba que su trabajo nunca se hubiera plasmado como ella quería, que los preciosos vestuarios de Milena Canonero, que ella había capturado con tanto cariño, nunca hubieran sido destacados. Entonces, un día durante la pandemia de COVID-19, decidió revisar el material grabado y empezó a soñar en grande: Quizás, después de todo, había algo especial allí.

Aunque no llegó a verla terminada, tenía razón: había algo especial en ella. Y Sofía sí la vería completada: Making Marie Antoinette, una mirada luminosa e íntima al proceso creativo: el 6 de noviembre estará disponible en streaming en Mubi.

“Siempre me han encantado las películas de Frederick Wiseman que no tienen argumento. Son como observar todo desde la distancia”, dijo Sofía. “Y pensé: ‘Quizás sería genial que la película reflejara cómo era estar en el set’. Ese fue, en cierto modo, el punto de partida”.

Desde el principio, Eleanor y Sofía se preocuparon por la falta de drama. No hubo crisis como las de El corazón de las tinieblas. Sofía incluso terminó María Antonieta a tiempo y dentro del presupuesto. “Es como lo opuesto a El corazón de las tinieblas”, dijo Sofía. “En cierto modo, es un buen contrapunto porque esa película es tan machista y masculina, y esta es tan femenina”.

Y además, se ajusta a lo que realmente sucedió. Al revisar las grabaciones, descubrieron un tesoro de momentos memorables que su madre capturó, incluyendo el primer encuentro con Thomas Mars, el cantante de la banda francesa Phoenix y entonces novio de Sofía, y a la fallecida Marianne Faithfull , con su hermoso vestuario, elogiando las películas de Eleanor Coppola.

Sofia Coppola ayudó a terminar lo que su madre había comenzado

Antes de fallecer en abril de 2024, Eleanor le expresó a su hija su deseo de que la película se terminara y su libro, Two of Me: Notes on Living and Leaving (Dos de mí: apuntes sobre vivir y partir) se publicara. Y, en medio del duelo, Sofía, junto con amigos de la familia y colaboradores de larga data, se puso manos a la obra para hacer realidad su visión.

“Siempre se trató de terminar lo que había empezado”, dijo Sofía. “Como con cualquier documental, he aprendido que uno va tomando forma a medida que avanza. Lo más difícil fue participar yo. Jamás se me habría ocurrido mostrar imágenes mías en un momento de vulnerabilidad”.

En un momento dado, está sentada en una caravana con su madre y se la ve visiblemente molesta porque la están filmando. “Quizás debería descansar para poder llegar fresca al rodaje y sin haber hecho una rueda de prensa con mi madre”, dice Sofía.

Cualquier madre e hija, sin importar su edad, conocen bien este tipo de interacción. Pero eso no facilitó su inclusión. “Yo pensaba: ‘Ay, ¿de verdad tenemos que incluir esto?’, dijo Sofía. “Me da vergüenza estar siendo tan irritable y altanera con mi madre. Pero es la verdad. Así que le encantaría. No quería que fuera un artículo superficial. Quería mostrar todas las facetas de esa experiencia porque eso era lo que ella buscaba”.»

La película también muestra a la cineasta aprendiendo en tiempo real a hacerse valer en una producción de gran envergadura. “Espero que sea útil para la gente ver que las personas evolucionan, que no llegas al set y ya eres una persona experimentada, sino que tienes que ir descubriendo esa experiencia”, dijo Sofía. “Y tienes que hacer las cosas a tu manera, y no siempre de la misma forma que las hacen los demás”.

Mientras el proyecto tomaba forma, se dieron cuenta de que también podían recurrir a las palabras de Eleanor de aquella época, extraídas de su diario, que podían superponer a las imágenes. En la película, estas palabras son leídas por Diane Lane, una actriz que conoce a los Coppola desde joven y que ha participado en muchas de las películas de Francis, desde Rebeldes y La ley de la calle. También protagonizó el debut como directora de Eleanor, París puede esperar. “Ella quería muchísimo a mi mamá”, dijo Sofía. “La conocía muy bien. Así que podía, en cierto modo, encarnarla, captar la esencia de mi mamá”.

Veinte años de ‘María Antonieta’

María Antonieta tuvo un estreno complicado. Fue abucheada en el Festival de Cannes y recibió críticas mixtas de un grupo de críticos mayoritariamente masculinos, aunque hubo algunas excepciones.

Roger Ebert, en una reseña de cuatro estrellas, escribió que “todas las críticas que he leído sobre esta película alterarían su frágil magia y reducirían su emotividad romántica y trágica al nivel de un documental didáctico”. En recaudación, no fue un desastre, pero tampoco un éxito rotundo, con unos 60 millones de dólares en ventas de entradas a nivel mundial.

Pero en los últimos 20 años, ha experimentado una importante revalorización cultural. Por ello, su vigésimo aniversario se ha convertido en una gran celebración, con Making Marie Antoinette, un reestreno en cines en 4K de la película, un libro sobre el rodaje con fotografías de su amigo Andrew Durham y una exposición en el Petit Trianon del Palacio de Versalles que estará abierta hasta enero.

Pero quizás lo más importante para Sofía sea la oportunidad de recordar (o mostrar) al mundo quién fue su madre como artista y documentalista. “Es un regalo maravilloso que nos haya dado estas imágenes y que yo haya podido vivir este año de duelo de esta manera”,. “Tenía una forma muy particular de hacer las cosas y de ver el mundo”.

Fuente: AP

Dentro de ese marco de descontento generalizado, la semilla del postpunk (o afterpunk) nacional comenzaba a germinar cada vez más y hacía mella en un excéntrico veinteañero: Hernán Darwin Reyna quien le daría vida, junto a Javier Calamaro, el hermano menor de Andrés, a un grupo de culto que se camufló, entre la noche y el día, con dos álbumes tan disímiles como rupturistas, editados en 1986 y 1987, respectivamente. La banda, El Corte.

Y para hacerle justicia -y honor- a su historia y legado, hoy se proyecta El camino contrario, un logrado documental de los periodistas Daniel Flores y Martín Wain que intentaron develar (y revelar) parte de ese universo que conjugó dualidad, vanguardia y tragedia. “De toda esa generación, es un grupo paradigmático y, personalmente, el que más me gusta”, se sincera Flores (co-director/co-guionista y al frente de la revista Rolling Stone, desde 2019) tampoco olvida otros espectros musicales como Los Pillos, Los Encargados, La Sobrecarga, Don Cornelio y la Zona, Los Corrosivos y demás portadores de sobretodos oscuros, rostros maquillados empalidecidos y raros peinados darks. “Pero la historia de Hernán le agregaba otra capa, con mucho potencial para un documental”, spoilea quien comenzó a escribir hace tres décadas en La Nación.

Él, de chico, se había comprado los dos discos de El Corte (el disco homónimo de 1986 y El camino contrario, editado un año después) en el Musimundo de Villa del Parque. “Los había escuchado antes porque iban al Tom Lupo Show (la sección del programa Submarino Amarillo, emitido por Radio del Plata) que seguía mucho y grababa los grupos raros que ponía”, rememora acerca de aquella banda que lo imantó para siempre.

A este grupo le dedicó el segundo capítulo del libro Gente que no (Postpunks, darks y otros iconoclastas del under porteño en los 80), editado en 2009, que sirvió de disparador para el documental, ya que uno de esos “iconoclastas” era Darwin Reyna, un guitarrista, tecladista y cantante nacido el 17 de diciembre de 1963, en la ciudad de Buenos Aires, y cuya vida fue truncada 30 años después, en el invierno europeo de 1994, precisamente el 30 de enero, en las frías aguas del Mar Mediterráneo frente a las costas del municipio de Jávea, donde residía con su novia Sol Giner, en la provincia de Alicante, España.

“Siguiendo un poco el camino que él (Daniel) empezó, acompañándolo, porque me parecía que era una muy buena historia, empiezo a escuchar la banda a partir del capítulo de su libro. No conocía la historia de El Corte y menos la de Hernán Darwin Reyna”, se sincera Wain ante Infobae Cultura, en el piso 14 de una torre de Núñez, entre vinilos de época y fotos de archivo que despliega con meticulosidad sobre una amplia mesa de madera para la posterior sesión fotográfica que ilustra gran parte de esta nota.

Flores y Wain estructuraron un documental de culto para los amantes de la música oscura de los años 80, pero, a gran escala, con un intenso trabajo de producción que arroparon y pulieron una y otra vez a lo largo de más de un lustro. “Si nosotros hubiéramos tenido los medios económicos y el empuje para resolver esto en seis meses, hubiera sido un problema, porque fue una investigación con rodaje, todo al mismo tiempo. Si esto lo hacíamos rápido, un montón de cosas que encontramos y logramos hoy no estarían”, sintetizó Flores.

Porque uno de los aspectos más relevantes del documental fue reunir –y reflejar in situ- a los músicos de El Corte, desperdigados por las ciudades de Buenos Aires, Nueva York y Barcelona. “Se encontraron entre ellos, grabaron y tocaron en vivo. El secreto fue que este documental se cocinó a fuego lento”, agregó Flores, también tecladista de Satélite Kingston y autor de libros como La manera correcta de gritar, Remeras de rock y Jamaica no existe.

Juventud, divino tesoro

El documental comienza retratando a un jovencísimo Reyna en La Escuela del Sol, por entonces en la calle Ciudad de la Paz, en el barrio de Belgrano, la única institución educativa en donde Hernán encontró su lugar, ya que su conducta no era la mejor. Allí fue donde conoció a quien sería su gemelo musical, Javier Calamaro, como así también a Julián Benjamin y un por entonces ignoto Kevin Johansen, quien participó del rodaje. Este último describiría a su excompañero como “un tipo extraño, algo antisocial”. No sería el único.

Así las cosas, los cuatro jóvenes formaron Zaratustra, debutaron en vivo en aquel colegio con público de lujo: estaban Andrés Calamaro, Miguel Abuelo y Cachorro López entre los presentes, según investigó Flores para su libro de los 80. Pero luego de la disolución del grupo (Johansen y Benjamin formarían Instrucción Cívica), el tándem Calamaro-Reyna ensamblarían Frappé y editaron su primer vinilo (Frappé, 1985) vía Interdisc, el sello del reconocido Pelo Aprile, luego de las gestiones del Calamaro mayor.

Pero el grupo duraría una angustiante exhalación y maduraba el origen de El Corte, vinculado a una excentricidad. Luego de leer una reseña negativa de un show de Frappé, en la Esquina del Sol, publicada en la revista Pelo y rubricada por un tal Federico Oldenburg, Reyna y Calamaro lo confrontaron. Pero, lejos de disgustarse, coincidieron con el punto de vista del crítico, le preguntaron si tocaba algún instrumento y así se sumó al grupo. Una apostilla: el reconocido saxofonista Sergio Rotman intervino en la búsqueda de músicos que terminó con la incorporación del bajista Pablo Martín, años después radicado en Nueva York y quien viajó a Buenos Aires para participar del rodaje del documental.

Y así tomaría forma la alineación clásica del grupo: Javier Calamaro, en guitarra, teclados, batería y voz; Hernán Darwin Reyna en guitarra, teclados y voz, Pablo Martín en bajo; Leonardo Ramella en batería y teclados y el citado Oldenburg, también en teclados. Cuarenta años después, y especialmente para El camino contrario, volverían a tocar un tema de El Corte, interpretando el hit “Fruto del mal”, perteneciente al segundo disco de la banda, pero con Ariel Minimal en las voces, Pablo Martín en guitarra, Calamaro en voz y los invitados Julius Solo (batería), Juan Martín Ferreyra (bajo), Leo Martínez (guitarra) y Maxi Iglesias (teclados).

Novias, sol y un archivo de lujo

Los testimonios de exnovias de Darwin Reyna, como Nushi Muntaabski –de quien escapa en Buenos Aires por el consumo de cocaína- y Giselle Hlousek, con quien emigró hacia Alemania en 1988, además de la mencionada Sol Giner, ocuparon un rol primordial en el esqueleto del guión.

Esta última protagonizó uno de los momentos más emotivos del film: fue registrada en un bote semirrígido, frente a las grutas costeras valencianas, mientras contaba paso a paso como se desató la trágica tormenta invernal de 1994 que terminó con la vida de su exnovio, quien no sabía nadar y, por la ropa gruesa que usaba, sumado al violento oleaje, fue arrancado de la vida al caer de un bote de madera junto a su pareja y otros amigos.

Por ello, ver a Hernán sonreír en el film, en la soleada España, significaba “un montón” para los realizadores. Y fue Giner quien abrió la llave de un cofre de recuerdos cerrado por mucho tiempo, con un material inédito de altísimo valor documental. “Eran videos caseros que Hernán le enviaba a su familia desde Europa, filmaciones hechas con una cámara Súper 8”, se entusiasma Flores al contar cómo salió la punta del ovillo de la cual tirar. Y Wain continuó dándole al carretel fílmico: “Ella fue su pareja en Madrid, tenía muy buen material que resultó la columna vertebral visual de la película. Parte del material ya lo teníamos en un VHS, pero cuando Sol nos habilita eso, dijimos: ´Ya está, acá hay una película, ya lo tenemos a él´.

Pero faltaba algo más para coronar la faena periodística: escucharlo, sin que intermedie la música. “Nos faltaba eso y, en algún punto, también entendimos que esa había sido su decisión, mandar los videos sin audio”, razona Wain a lo que su compañero de rodaje acató y acotó: “Eso nos llevaba a contar una parte de la historia porque nunca conseguimos la voz de Hernán, que no sea cantando”.

Un guión silente y, a su vez, musical

Por ende, y ante esta sorpresa en cinta, la dupla de periodistas decidió no trabajar el documental sobre un guión cerrado, sino que la investigación fuera todo un proceso y que guíase a la cocción de la película. Sorprenderse paso a paso. “Los que conocieron al grupo sostienen que no les interesaba la fama para nada”, recuerda Wain.

Y así era: la segunda voz y guitarra de El Corte tocaba casi de espaldas a la gente, no le gustaba que lo aplaudan en escena y buscaba impedir que emitieran sus canciones en los programas radiales de la época o bien tener publicidad en medios gráficos, resumían varios de los entrevistados. “Si nosotros contábamos la película sin su voz, con todas las voces que lo pudieran testimoniar, viendo la huella que había dejado, era un montón”, sintetiza Wain.

—O sea que hicieron el camino contrario, como reza el título del disco y documental, armaron la película a partir de los últimos momentos de Hernán, de atrás para adelante...

—Daniel Flores: Sí, fue así, quizás porque la historia desde la parte musical la teníamos ya en el libro y era un poco más pública. Había algunos artículos publicados en revistas de rock de los 80 sobre El Corte, pero no semblanzas ni perfiles de Hernán Darwin Reyna en ningún lado. Eso había que ir a buscarlo. Y ahí la familia era muy importante.

—Martín Wain: Siempre supimos que el tema archivo era un problema porque no teníamos material de la banda tocando y eso era un problema importante, un obstáculo.

—Flores: Aparte, cuando armás algo sobre una banda que la mayoría de gente no conoce, es complicado explicarlo, tenés que contarlo de una manera sin un montón de características y singularidades que tienen para sus fans. Y cuando posee pocos seguidores, es aún más difícil. La historia de Hernán hacía que tuvieras siempre algo de donde agarrarte para que generara expectativa. La dificultad era contar la historia de él, en simultáneo, con la historia de la banda para que sea una sola película, y no dos. Que la historia de Hernán no dejara afuera la de El Corte y viceversa. A partir de ahí dijimos: “Bueno, el gran laburo acá es cómo combinarlo a nivel narrativo, cómo funciona”.

Errante, familiero y dual

Hernán no poseía muchas pertenencias, era un alma bohemia: vivía un poco en lo de la madre, otro en lo del padre, siempre en lo de los amigos. Y también con una de sus tres hermanas, Mariela (las otras eran Florencia y Virginia), una de las piezas familiares más confidentes del documental.

La madre vivía en un departamento de la calle Quintana y Junín, pleno Recoleta y, el padre, en Adrogué, él pianista de jazz, comerciante y corredor de autos, con quien Hernán tenía una relación difícil. “La mamá tenía tres laburos para mantener, desde muy joven, a cuatro hijos. Era una familia con cierto nivel social, pero no así en lo económico: Hernán no tenía un mango”, recuerda Wain, desmitificando el buen pasar del músico.

Pero esas dificultades familiares de dinero poco le importaba a la facción de público que les gritaba “chetos, millonarios” durante una presentación de El Corte, en el Teatro Santa María, junto a Los Pillos, otra banda contemporánea cuyo líder (el baterista y fundador Pablo Esau, junto con su novia Mónica Vidal, cantante del grupo Antihéroes) también sufrieron un prematuro final de su vida en febrero de 1990, luego de desaparecer en plena selva boliviana por un trágico accidente aéreo.

Con respecto a la madre, a quien entrevistaron, ¿habrá mostrado cierta reticencia con respecto al documental y recordar a un hijo fallecido? “No fue fácil llegar porque, en ese momento, ella estaba en Mar de las Pampas (hoy radica en Córdoba) y, a través de una amiga mía que vivía cerca, hizo de nexo. Me le aparecí en la casa, charlamos y así se dio. Pero fue ese momento, una sola vez, no hubo ni un antes ni un después”, sintetiza Wain.

Aquel único encuentro con Kuky Rossi sirvió para desempolvar otros tesoros del legado Darwin Reyna: cartas manuscritas que su hijo le mandaba desde Europa. “Ella nos dijo que no había leído esas cartas por 30 años. Ese encuentro fue un poco: ´bueno, vamos a hablar de algo que nunca quise hablar´. Pasó eso”, resume el guionista.

Ecos de la ansiedad, ida y vuelta

Otro de los momentos top del documental, más allá de la exhaustiva pesquisa para reconstruir la identidad visual de El Corte y de Hernán Darwin Reyna, fue haber rodado -durante 2021, plena pandemia latente- en la misma locación en donde se registró el álbum debut del grupo y el videoclip del tema “Ansia negra”.

Pero esto no fue en un mítico estudio de grabación, casa familiar o sala de ensayo derruida. No, el álbum homónimo se plasmó en directo, cuatro décadas atrás, con un sonido cavernoso y crudo en solo 20 horas. ¿El excéntrico lugar? Un galpón-depósito abandonado situado en Villa Devoto y perteneciente a lo que era Obras Sanitarias de la Nación, actual AYSA. Un fiel homenaje al fabril, frío e industrial comienzo de la película El ansia (The Hunger, 1983) ineludible referencia cinematográfica de la oleada dark británica, con los mismísimos Bauhaus ejecutando el grito seminal del género gótico (“Bela Lugosi´s Dead”), durante los créditos iniciales de aquel recordado film que conjugaba terror, misterio, drama y fantasía.

“Teníamos el permiso para filmar y fuimos entrando, de a poco al lugar, hasta que, en un momento, Javier Calamaro -que estaba muy entusiasmado por volver a aquella locación en donde grabó y rodó el videoclip- dirigido por Jorge Caterbona, se mandó hasta el fondo y ya no lo podían parar (risas). Por otro lado, la dirección de la ingeniería de sonido, a cargo de Mario Breuer, aprovechó al máximo la acústica del lugar para incorporar ruidos ambientales a la grabación”, recuerda Wain sobre algunos momentos de cierta incomodidad por la presencia de operarios y curiosos durante el rodaje del documental.

—Hicieron una película de una banda local semidesconocida y que dejó de existir hace casi 40 años, ¿cómo fue la recepción del público joven y de la gente contemporánea a El Corte?

—Flores: Pasó algo muy gracioso y significativo durante el último BAFICI, festival en donde se estrenó el film. Al final de una de las proyecciones, durante las preguntas y respuestas a los realizadores, un chico -que tendría unos veintipico de años- contó que trabajaba para este ciclo de cine, nos dijo que él era el que ponía en punta las películas antes de proyectarlas, preparaba, chequeaba que estuviera todo bien y miraba un par de minutos de cada film. Nos confesó que se quedó viéndola y además estuvo en otra función. Después hicimos una fiesta por el estreno, donde tocaron varios de los músicos de El Corte en el bar Strummer…. y fue este muchacho con una amiga que ¡tenía puesta una remera de Hernán Reyna que se mandó a hacer! Nunca vi una de él.

—Es muy fuerte eso…

—Flores: Sí, también, en el otro extremo, después de la última función (NdR: una semana atrás, también en el Gaumont) me habló gente que podría haberlos conocido en su momento, o haber visto a El Corte en vivo y me dijeron: “No tenía idea quiénes eran, pero me enganché y encantó, ahora quiero escuchar los discos”.

—Por momentos, el documental peca de cierta superficialidad, tocaban un tema “X”, entraban y salían sin profundizar mucho, como que había una mirada rasante y te quedás pensando: “¿Y qué pasó después?”

—Flores: Por eso partimos de una premisa: “Saber hasta dónde profundizar”. Si me meto mucho, tengo que reconocer que me aparto del hilo conductor, entendiendo que la mayor parte de la gente que va a ver esta película, no solo no conoce la historia de El Corte, sino tampoco de la existencia del grupo ni de la escena musical de aquella época. Era una decisión compleja hasta dónde meterte en algunos detalles.

—Wain: Intentamos hacer una película para que se conozca la banda e intentar llegar a todos. Y, al tener también que lidiar entre dos historias paralelas -que es la historia de Darwin Reyna y la de El Corte- cualquier cosa de Hernán que tuviera que ver con lo familiar se corría cada vez más de lo que era su música y el grupo. Y cualquier cosa que tuviera que ver más con la banda, se alejaba del núcleo: “Están hablando cuatro músicos, falta uno, bueno, ¿qué sucedió ahí?”.

—Flores: Y lograr mantener un equilibrio donde, de repente, por más interesante que sea el segundo disco y no tanto el primero, se desequilibra, entonces, terminás dejando algo afuera, no porque no sea interesante sino para mantener la musicalidad de la película. Aparte, otra de las decisiones que tomamos fue dejar correr un poquito más la música: cuando suena un tema, que se escuche un poquito más, aunque eso le quite espacio a los testimonios. Y también preferimos generar situaciones en las que los músicos hablaran entre ellos y no tanto que nosotros les preguntemos y nos respondan. Además, todos hicieron un montón de cosas después de este grupo y ya les hicieron notas al respecto pero nunca les preguntaron sobre El Corte, por eso es que nos recibían más bien con curiosidad que con reparos. Ni hablar de la familia de Hernán, lo último que se les hubiera ocurrido es que alguien iba a ir a preguntarles qué pasó. Algunos de los familiares, que no entrevistamos, vinieron a la proyección de la película y se enteraron ahí de muchísimas cosas que desconocían de Hernán.

—Ambos provienen del periodismo gráfico, ¿cómo fue dar el salto hacia la narrativa audiovisual?

—Wain: Creo que es parte de lo mismo que nos gusta del periodismo, que es contar historias. Ya el hecho de que a alguien le interese leerlo en gráfica es lo mismo que nos pasa cuando hacemos una película. Por ahí, sí nos pusimos el objetivo de que le guste a gente que no está necesariamente interesada en la música de El Corte, no queríamos que fuera solo para un grupo de fans que quiere seguir a un personaje. Fueron acompañamientos de un proceso que lo fuimos bancando y tuvimos mucho equipo técnico atrás, que trabajan con las principales plataformas de streaming y, además, son melómanos y fanáticos de El Corte. Nosotros lo dirigimos, pero tuvimos a Mili Abate Cano, que hizo la producción y nos ayudó mucho a estructurar todo el proyecto como así también a Eliane D. Katz que fue la montajista junto a Camila Menéndez, y Esteban Descalzo Thiery que se ocupó de la dirección de sonido.

—Aparte de la voz de Hernán, por fuera de su registro como cantante, ¿qué les faltó conseguir para redondear el documental?

—Flores: Yo creo que sigue existiendo la posibilidad de que, en algún lugar del mundo, alguien tenga un VHS con un show de El Corte en algún formato. Hemos tenido en las manos DATs (Digital Audio Tape o cinta de audio digital) que se pusieron en una Datera y ¡estallaron! porque es una tecnología, un formato frágil que no está resistiendo bien el paso del tiempo, mucho peor que el casete de audio común. Nos pasó lo mismo con dos DATs.

—Pero también consiguieron varias perlas aparte de los videos de Hernán en España…

—Flores: Sí, videos y fotos de los ensayos, que no fueron tantos, pero localizamos dos lugares. Uno fue la Manzana de las Luces, que tuvieron una salita ahí y es en donde debutaron en vivo y también en la casa de los padres del baterista Leo Ramella, en Adrogué, y también en el Teatro Santa María ya que ellos esquivaban el circuito de bares y boliches de la época y tocaron además en el Centro Cultural Recoleta y en el Centro Cultural San Martín. Después se juntaban a componer y a grabar cosas en la portastudio de los Calamaro, en un departamento de la calle Las Heras y Coronel Díaz.

Bises y vicios de una edición profunda

“Eso, al final, quedó afuera” fue una frase que se repitió varias veces durante la hora de entrevista –y charlas en off– de los realizadores con Infobae Cultura. Un caso: el histórico concierto subacuático de Calamaro, ocurrido el 31 de mayo de 2008, en donde el músico se sumergió a unos siete metros de profundidad dentro de una cápsula o campana de buceo y realizó el primer recital subacuático del mundo dedicado a las ballenas en Puerto Pirámides, Península Valdés, provincia de Chubut.

“Tenía una potencia visual muy buena, teníamos el material en alta resolución pero la historia no encajaba con el documental ya que hicimos un trabajo muy profundo de edición de guión y mucho de lo que grabamos empezó a desmenuzarse”, sostuvieron casi a dúo los guionistas.

Otra veta de Reyna que no tuvo lugar en El camino contrario fue su colaboración como guitarrista en La Algodonera, el debut musical del fallecido compositor, multinstrumentista y vocalista Flavio Etcheto, excolaborador musical de Gustavo Cerati, Soda Stereo y Daniel Melero. El material –editado en 1998 en casete bajo el mítico sello Catálogo Incierto- contaba con seis temas.

“Hernán colaboró en uno de esos temas, totalmente instrumental, ni siquiera canta ahí ya”, rememora Flores sobre el legado de Hernán quien también dejó algunas canciones inéditas que fueron recuperadas y exhumadas por el sello Mucha Madera, en 2022, bajo el proyecto intitulado Darwin y el álbum “Grabaciones recuperadas 1990-1992” junto a Daniel Santamaría y Federico Oldenburg, como así también lo hizo el sello Berlín Records que editó, en 1987, el álbum “Mix” de Foxie Nelson, el último registro Calamaro-Reyna, post El Corte y pre Los Guarros, con cuatro temas con puros tintes electrónicos que tampoco figuraron en el documental.

Hacia el final del documental se cuentan retazos de la morada final de Hernán y su particular despedida. Su exnovia afirmó en cámara que “se lo enterró con una guitarra e hicimos una buena fiesta de celebración, pero alegre con música y vino, no fue una ceremonia al uso, sino juntarnos con amigos y recordarlo, dejarlo ir de una manera alegre”. Su cuerpo había aparecido dos días después del naufragio, el de la otra víctima, jamás.

—¿Por qué no hubo registro de la tumba de Reyna ya que el documental “nació” allá, en Jávea, y filmaron a la exnovia de él?

­—Flores: Podríamos haber decidido ir, incluso Federico (Oldenburg) estaba en Jávea con Alejandro (Lingenti, el periodista que hizo las notas en España). Estuvo la conversación de si valía la pena y al final dijimos que no tenía sentido. Ya haber logrado eso…

—Wain: … de Sol en el barco, eso fue fuertísimo.

*El camino contrario se proyecta este sábado a las 20 hs en la sala 2 del Cine Gaumont (avenida Rivadavia 1635, CABA).

“Ahora sí, Charly por Charly”, dice el cumpleañero mirando a cámara en lo primero que se ve del tráiler, mientras empieza a sonar su emblemática canción “Demoliendo hoteles”.

El proyecto estará dirigido por Alejandro Hartmann y producido por Haddock Films, la compañía encabezada por Vanessa Ragone. Por el momento, Netflix no informó el título definitivo de la película, la fecha de estreno ni los detalles sobre el material de archivo y los entrevistados que formarán parte del relato. Apenas un anuncio tan escueto como elocuente: “El documental de Charly García llega a Netflix. Bien, ¿no?“, escribieron en la cuenta oficial de la plataforma.

La noticia llegó acompañada por imágenes de Charly tomadas por la fotógrafa Nora Lezano, además de un video registrado en las oficinas de Netflix y un mensaje del propio artista. La participación directa del músico aparece como uno de los aspectos centrales de la producción: será él quien ponga voz a distintos momentos de una historia que transformó la música popular argentina.

Una obra que atraviesa más de cinco décadas

La propuesta buscará reconstruir el recorrido de Charly García, desde sus primeros años como compositor hasta su consolidación como solista y referente cultural. Su obra incluye etapas fundamentales junto a grupos como Sui Generis, PorSuiGieco, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán, además de una discografía solista que comenzó en 1982 con Yendo de la cama al living.

Con canciones que forman parte del cancionero popular, García construyó un repertorio que dialogó con los cambios políticos, sociales y culturales de la Argentina. Rasguña las piedras, Canción para mi muerte, Seminare, Demoliendo hoteles, Nos siguen pegando abajo y Rezo por vos. son algunos de los títulos que se mantienen vigentes dentro y fuera de las generaciones que los escucharon por primera vez.

El anuncio pone el foco en una figura cuya influencia va más allá del rock. García fue reconocido en 2009 con el Grammy Latino a la Excelencia Musical y, en 2013, recibió el Premio Konex de Brillante.

Los premios y el regreso con “La lógica del escorpión”

A sus 75 años, el músico mantiene una presencia pública intermitente, aunque cada una de sus apariciones genera expectativa. En noviembre de 2024 publicó La lógica del escorpión, su último álbum de estudio, y volvió a ocupar el centro de la conversación musical con un trabajo que reunió nuevas composiciones y colaboraciones.

Hartmann, realizador de la serie documental Carmel: ¿Quién mató a María Marta? y de El fotógrafo y el cartero: el crimen de Cabezas, se refirió a la dimensión personal que tiene para él abordar la vida y la obra del artista.

“Desde chico Charly y su música son parte de mi vida. Retratarlo es el desafío más alucinante que puedo imaginar”, sostuvo el director en el comunicado difundido por la plataforma. También destacó la permanencia de su repertorio: “La música de Charly se oye una y otra vez; incluso suena sola en la cabeza, sin necesidad de oírla”.

Para Hartmann, el desafío estará puesto en narrar al artista y, al mismo tiempo, acercarse a una obra que conserva un lugar propio en la cultura argentina. “El desafío de contarlo a él y a su obra es un sueño hecho realidad”, agregó.

“Este documental es un orgullo, una responsabilidad inmensa, y ante todo mucha felicidad”, afirmó Vanesa Ragone. “Producir un documental sobre la figura que considero más icónica de la música nacional, cuya obra ha sido y es la banda sonora de mi vida, es una oportunidad extraordinaria”, expresó. La productora también subrayó la confianza que recibieron de Charly García y de Netflix para llevar adelante el proyecto.

De esta manera, el anuncio del documental sobre García se suma a una lista de producciones de Netflix centradas en figuras y acontecimientos argentinos. Sin fecha de entrega, por ahora cabe verlo como un regalo para sus fans en un día cruzado por las emociones.

Un documental promete destapar presuntas irregularidades detrás de la coronación de Fátima Bosch como Miss Universo 2025. El proyecto, dirigido por Patt McGee, se estrenará en noviembre, días antes de la final de la edición 2026 del certamen en Puerto Rico.

El anuncio lo realizó el paparazzi español Jordi Martin a través de sus redes sociales. “Ya es oficial. El 12 de noviembre se estrena el documental en HBO Max sobre el fraude en Miss Universo 2025”, escribió Martin, quien aseguró contar con pruebas reunidas durante una investigación realizada en Bangkok, Tailandia, sede del certamen.

Omar Harfouch entregó grabaciones de audio con Raúl Rocha Cantú

El documental cuenta con la participación central del exjurado Omar Harfouch, compositor franco-libanés que renunció al panel antes de la gala final de 2025. Harfouch proporcionó las grabaciones exclusivas en las que presuntamente se escucha a Raúl Rocha Cantú, presidente de la Organización Miss Universo, explicar por qué únicamente Bosch podía ganar el certamen y por qué no debía permitirse el triunfo de otras candidatas.

Dichos materiales buscan sustentar que el resultado se definió antes de la noche de coronación, celebrada el 21 de noviembre de 2025 en Bangkok. Harfouch también denunció la existencia de una lista paralela de 30 semifinalistas elegida sin la participación del panel oficial de jueces, acusación que la organización negó y atribuyó a una confusión con el programa social Beyond the Crown.

Cuándo y dónde ver el documental que expone el presunto fraude en Miss Universo

El documental que expone el supuesto fraude en el triunfo de Fátima Bosch se estrenará el 12 de noviembre, días antes de la final de la edición 2026 de Miss Universo; y se podrá ver a través de la plataforma de streaming HBO Max.

• Fecha: 12 de noviembre 2026
• Dónde ver: HBO Max

El enfrentamiento previo con el director de Miss Universo Tailandia

La controversia alrededor de Bosch arrancó antes de la final. El 4 de noviembre de 2025, Nawat Itsaragrisil, director de Miss Universo Tailandia, llamó “tonta” y “cabeza hueca” a la representante mexicana durante una actividad previa al certamen, luego de cuestionarla por supuestamente incumplir actividades promocionales.

Fátima Bosch abandonó la sala en señal de protesta y varias concursantes se levantaron en solidaridad. El episodio se viralizó y generó indignación en redes sociales. Itsaragrisil ofreció disculpas públicas días después y la organización condenó su comportamiento.

TLC estrenará un segundo documental el mismo día

De forma paralela, el canal TLC lanzará ese mismo 12 de noviembre otro documental sobre el escándalo, titulado Crown of Deceit: Inside the Miss Universe Scandal. Según USA Today, el proyecto incluye declaraciones de Rodrigo Goytortua, exdirector general de Miss Universo México, quien aborda acusaciones de favoritismo, abuso de poder y manipulación de resultados dentro de la organización.

El medio estadounidense detalla que la producción también explora investigaciones policiales en Tailandia por presunta promoción ilegal de casinos en línea vinculados a la publicidad del certamen, las cuales derivaron en la detención de una socia de Rocha Cantú.

Una acusación sin pruebas confirmadas de manera independiente

Harfouch calificó la conversación que mantuvo con Rocha Cantú como “irrespetuosa” y denunció “falta de transparencia en el proceso de votación de Miss Universo”, de acuerdo con USA Today. La organización ha negado de manera pública las acusaciones del exjurado desde que este renunció, el 18 de noviembre de 2025.

El exjurado señaló además presuntos nexos comerciales entre Rocha Cantú y el padre de Bosch, un punto que alimentó las dudas sobre la legitimidad del triunfo, aunque hasta ahora no constituye una prueba verificada de manipulación del resultado. La existencia de un fraude en la elección de la ganadora no ha sido demostrada públicamente por ninguna autoridad ni investigación independiente.

El triunfo de Fátima Bosch, marcado por la polémica

Fátima Bosch, mexicana de 25 años, fue coronada Miss Universo el 20 de noviembre de 2025 en Bangkok, Tailandia, en una de las ediciones más turbulentas del certamen. Antes de la final no figuraba entre las favoritas: analistas apostaban por Tailandia, Costa de Marfil o Filipinas. Al anunciarse su nombre, el público en el recinto reaccionó con abucheos.

Semanas antes, Bosch protagonizó un enfrentamiento con Nawat Itsaragrisil, director de Miss Universo Tailandia, quien la llamó “tonta” y “cabeza hueca” frente a las demás candidatas y ordenó que seguridad la sacara del lugar. Varias concursantes abandonaron la sala en solidaridad con ella. El episodio generó una ola de simpatía internacional hacia la mexicana y la organización terminó por disculparse públicamente y retirar a Itsaragrisil del evento.

Las acusaciones de fraude por el triunfo de Fátima Bosch

Días antes de la final, el jurado Omar Harfouch, compositor franco-libanés, renunció al panel y denunció que existía una “votación secreta” para elegir a las 30 semifinalistas, realizada sin la participación del jurado oficial. Tras la coronación, Harfouch calificó a Bosch como una “falsa ganadora” y aseguró haber predicho el triunfo 24 horas antes, porque Raúl Rocha, presidente de la Organización Miss Universo, mantendría negocios con Bernardo Bosch, padre de la ganadora y empresario ligado a Pemex.

El presunto conflicto de interés por el padre de Fátima Bosch

Según reportes de medios mexicanos, en 2023 —mientras el padre de Bosch ocupaba un cargo directivo en Pemex— se habría otorgado, mediante licitación, un contrato de 745.6 millones de pesos a una empresa de Rocha.

El Universal matizó que el área donde trabajaba el padre de la Miss no participó en esa licitación, pero la coincidencia alimentó las sospechas en redes sociales. El periodista Carlos Loret de Mola también acusó a Pemex de “comprar” el triunfo, aunque hasta ahora no existe documentación que pruebe la participación directa del padre de Bosch.

Las renuncias de los jueces y la postura oficial de Miss Universo

Al escándalo se sumó la salida del exfutbolista francés Claude Makélélé del jurado, citando “razones personales imprevistas”, y la ausencia del artista Romero Britto, también designado juez. La jueza Natalie Glebova, Miss Universo 2005, publicó una foto de Miss Tailandia con el texto “mi ganadora”.

La Organización Miss Universo negó las acusaciones de Harfouch y afirmó que “ningún grupo externo ha sido autorizado para evaluar a las candidatas ni seleccionar a las finalistas”. La organización advirtió acciones legales contra Harfouch, mientras este dijo evaluar demandar a la MUO por fraude, corrupción y conflicto de intereses.

Hasta el momento, la existencia de un fraude en la elección de la ganadora no ha sido demostrada públicamente. Harfouch prometió presentar pruebas en el documental de HBO Max.

El Grupo Experimental de Cine Universitario (GECU) de la Universidad de Panamá y el Ministerio de Cultura están convocando a cineastas panameños a ceder los derechos de exhibición de sus obras.

El objetivo es reunir fondos para reconstruir la sede del Festival Internacional de Cine Documental ACAMPADOC, dañada por el terremoto del 9 de octubre.

Como parte de la iniciativa, se organizará una muestra de películas panameñas producidas con fondos de promoción del cine nacional.

Las funciones benéficas comenzarán el miércoles 11 de noviembre en la sala del Cine Universitario.

Con esta acción se busca movilizar a la comunidad cinematográfica nacional y al público general para garantizar la continuidad del espacio cultural afectado.

La modalidad representa un cambio respecto de la programación habitual, donde las funciones regulares del espacio suelen ofrecerse de manera gratuita, pero en este caso las exhibiciones tendrán un costo de entrada simbólico.

La totalidad de los fondos recaudados se destinará a la Fundación INDICRI, organización responsable del festival. El dinero se empleará en los trabajos de rehabilitación y acondicionamiento de la sede dañada.

La convocatoria, se reiteró, surge después de que las instalaciones de ACAMPADOC, ubicadas en La Villa de Los Santos, sufrieran daños durante el evento sísmico, que tuvo una magnitud de 7.5 grados.

Según la comunicación remitida por el GECU, la infraestructura del festival resultó afectada y su recuperación demandará tiempo y recursos económicos.

ACAMPADOC está considerada como una de las principales residencias y escuelas internacionales de cine documental de Centroamérica y el Caribe.

El festival funciona además como un referente regional en la formación y promoción del género documental, y cumple un papel en la salvaguarda del patrimonio natural y cultural de Panamá.

Los organizadores convocan a productores, directores y realizadores panameños a sumarse a la causa mediante la autorización de exhibición de sus obras.

Afirman que la participación de los cineastas resulta clave para ampliar el catálogo de películas disponibles para la muestra benéfica.

Esta iniciativa se plantea como una alianza entre instituciones culturales y académicas para apoyar la recuperación de uno de los proyectos más importantes del cine documental panameño.

De igual manera, se indica que el gesto también reafirma el compromiso del sector audiovisual con la preservación de sus espacios de formación, creación y encuentro.

Al respecto, esta semana el Consejo de Gabinete aprobó el proyecto de ley 40-26, que pretende modernizar, unificar y fortalecer el marco jurídico de la industria cinematográfica y audiovisual nacional.

Se informó que la iniciativa deroga la Ley 16 de 2012 y actualiza el régimen especial para dotarlo de mayor certeza jurídica, competitividad e instrumentos de fomento equiparables a los de países líderes de Iberoamérica.

Una nota de prensa oficial manifiesta que la actual ley se elaboró en un momento en que el cine panameño era aún incipiente y, por ello, se basó en gran medida en modelos de derecho comparado más que en una experiencia local consolidada.

Trece años después, con un poco más de 100 películas panameñas producidas, el gremio de la industria cinematográfica y audiovisual se encuentra más fortalecido y con un mayor aprendizaje sobre las particularidades del mercado local.

El informe de exposición de motivos destaca que Panamá compite desde un mercado pequeño, por lo que requiere reglas claras, incentivos eficaces y coordinación interinstitucional eficiente para atraer inversión, generar empleo creativo y técnico, así como promover la circulación de obras de forma internacional para atraer turismo.

Añade que, sin una intervención legal integral, el país pierde la posibilidad de atraer rodajes internacionales de alta gama, dejando esa inversión extranjera a merced de países con mejores y mayores atractivos incentivos.

En la actualidad, el crecimiento del sector se encuentra amenazado ante países como Colombia, República Dominicana, Uruguay, México, Chile y España, los cuales han actualizado sus regímenes con incentivos altamente competitivos, infraestructura robusta, ventanillas únicas funcionales y políticas de exhibición activas.

Con una duración de 110 minutos, el largometraje se concentra en la dimensión social y humanitaria que atravesó la trayectoria de Francisco. El relato incorpora material de archivo, testimonios y episodios de su vida para acercarse a las convicciones que sostuvo antes y después de convertirse en máxima autoridad de la Iglesia católica.

La película pone el foco en los sectores más vulnerables

El documental presenta a Bergoglio a partir de su relación con los pobres, los marginados y las personas que suelen quedar fuera de la agenda pública. La propuesta evita limitarse a los momentos institucionales de su pontificado y busca recuperar las experiencias, decisiones e ideas que marcaron su vida desde la juventud.

Según la información de la producción, Recen por mí: la historia de Francisco incluye imágenes de archivo exclusivas y fragmentos de su testimonio personal. A través de esos materiales, la película plantea un recorrido cronológico que parte de la Argentina y alcanza su proyección internacional como líder religioso.

La elección del título remite a una de las frases que Francisco utilizaba habitualmente en sus apariciones públicas. El documental toma esa expresión como punto de partida para presentar una biografía centrada en el hombre y en la construcción de un mensaje que colocó la dignidad humana, la solidaridad y la atención a los excluidos entre sus ejes principales.

Bartucci propone mirar al hombre detrás del pontífice

Para Facundo Bartucci, el proyecto nació de la intención de mostrar una faceta humana de Francisco y de volver sobre sus orígenes. El director sostiene que el compromiso de Bergoglio con los sectores vulnerables no comenzó con su llegada al Vaticano, sino que formó parte de su recorrido previo.

“Me interesaba especialmente su compromiso con los sectores más vulnerables de la sociedad, algo que marcó su vida desde mucho antes de ser elegido Papa”, explicó Bartucci al referirse a la intención de la película.

El realizador sitúa la obra en un contexto de crisis económicas, ambientales y espirituales. Desde esa perspectiva, el documental retoma la figura de Francisco como un dirigente religioso que insistió en la necesidad de escuchar a quienes no tienen representación ni visibilidad en los ámbitos de poder.

“Quería retratarlo no como una figura de poder, sino como un hombre comprometido con acompañar y dar voz a quienes nunca son escuchados”, señaló el director. Esa idea ordena la narración y define el lugar que ocupan los pasajes dedicados a su labor social.

El debut documental de un director argentino

Bartucci es director y productor argentino, además de cofundador de la productora independiente Amargo y Retruco Films. Su trabajo reúne investigación histórica, asuntos sociales y relatos centrados en procesos humanos. En 2024 realizó el cortometraje Ofelia y cursó estudios de Producción en la New York Film Academy.

Recen por mí: la historia de Francisco será su primer largometraje documental. La película se presenta dentro de los géneros documental, biográfico y social, y combina español, italiano y latín; contará además con subtítulos en inglés.

El estreno había sido anunciado por la distribuidora A Contracorriente Films en fechas cercanas a la festividad de San Francisco de Asís, santo que inspiró a Bergoglio al elegir su nombre pontificio. La producción subraya ese vínculo con la sencillez, la humildad y el servicio a los pobres.

Una biografía que recorre una trayectoria pública

La cinta reconstruye etapas de la vida de Francisco sin limitarse a su dimensión religiosa. El eje pasa por su vínculo con las comunidades vulnerables, sus intervenciones sobre desigualdad y exclusión, y la repercusión internacional que alcanzó su mensaje.

Con ese enfoque, la película propone revisar el legado de Jorge Bergoglio desde sus convicciones personales y su acción pública. El estreno del 19 de noviembre llevará a las salas una mirada argentina sobre una figura cuya trayectoria mantuvo una atención constante sobre quienes viven en los márgenes.

El documental sobre Elizabeth Holmes y el caso Theranos, You Can See Everything, recaudó 15 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, tras estrenarse en 855 salas. La cifra lo ha ubicado como el segundo mejor debut de la historia para un documental no musical.

La película, codirigida por Nathan Fielder y Lance Oppenheim, se centra en la fundadora de Theranos, condenada por fraude tras el derrumbe de su empresa de análisis de sangre. La distribuidora A24 informó que el estreno acumuló más de 2.000 sesiones agotadas.

Con 15 millones de dólares, You Can See Everything quedó tan solo detrás de Fahrenheit 9/11, de Michael Moore, que había debutado con 23,9 millones en 2004. Aquella producción se estrenó durante un año electoral en Estados Unidos y cuestionaba la gestión de George W. Bush.

El rendimiento de la película sobre Holmes se ha producido en un escenario distinto. El caso Theranos ha mantenido una presencia pública durante casi una década, con pódcast, libros, documentales y adaptaciones televisivas. Amanda Seyfried interpretó a Holmes en una producción para televisión titulada The Dropout.

You Can See Everything se ha convertido en un éxito de taquilla porque ha reunido una historia conocida con información que la campaña promocional presentó como inédita. A24 evitó revelar las principales sorpresas del documental, una decisión que llevó a parte del público a acudir a las salas para conocer el contenido sin anticipos.

La recaudación también plantea un resultado comercial favorable para la productora. El presupuesto de la película fue de 7 millones de dólares, menos de la mitad de lo que obtuvo durante su apertura, según los datos difundidos sobre el lanzamiento.

La promoción convirtió el secreto en un argumento

A24 promovió la película sin exponer los hallazgos que Fielder y Oppenheim habían anticipado durante la campaña. Esa reserva buscó sostener la curiosidad de los espectadores, pese a que el caso de Holmes ya había sido contado en distintos formatos.

El interés por la exempresaria se sostiene en la dimensión pública de su caída. Holmes logró atraer a figuras influyentes de Washington y a dirigentes empresariales antes de que Theranos colapsara y miles de millones de dólares se perdieran.

La campaña también se apoyó en la presencia de Fielder, quien construyó una audiencia con programas como Nathan for You, de Comedy Central, y Los ensayos, de HBO. Proyectos que se caracterizan por una puesta en escena que combina incomodidad, humor y mecanismos de ficción dentro de situaciones reales.

Oppenheim llegó al estreno tras dirigir Primetime, otro lanzamiento de A24 protagonizado por Robert Pattinson. La película, centrada en Chris Hansen, conductor de To Catch a Predator, había recaudado cerca de 45 millones de dólares con un presupuesto de 14,5 millones.

La combinación de los dos directores, el caso Theranos y una campaña basada en no adelantar información fue parte del atractivo comercial del documental. El número de sesiones agotadas mostró que una fracción de la audiencia prefirió ver la historia en salas antes que esperar detalles o comentarios sobre su contenido.

El éxito llega tras una etapa irregular para A24

El buen resultado de You Can See Everything se produce después de un período de recuperación para A24. Un año antes, el estudio atravesaba una situación más complicada tras invertir en películas que no respondieron en taquilla como esperaba la compañía.

En 2024, Thrive Capital invirtió 75 millones en A24, una operación que valoró a la empresa en 3.500 millones. Parte de esos recursos se destinó a producciones de alto presupuesto que tuvieron resultados bajos en salas.

Entre ellas estuvo The Smashing Machine, una película de 50 millones que aspiraba a impulsar la carrera de Dwayne Johnson en la temporada de premios. El filme recaudó 21,1 millones. También figuró Eddington, dirigida por Ari Aster y ambientada en la pandemia de COVID-19.

La situación cambió desde diciembre de 2025, cuando Marty Supreme llegó a los cines. La película sobre un jugador de tenis de mesa se convirtió en el mayor éxito comercial de A24 hasta ese momento, con 192,4 millones de recaudación y un presupuesto de 70 millones.

Ese récord fue superado poco después por Backrooms, que recaudó más de 400 millones con un presupuesto de 10 millones. El estudio también obtuvo buenos resultados con Tony y The Drama, aunque mantuvo algunos tropiezos como Mother Mary.

La caída de Holmes mantiene interés en el público

La repercusión de You Can See Everything muestra que la historia de Elizabeth Holmes sigue convocando espectadores incluso después de años de que sucediera. El documental ha llegado cuando su figura ya era conocida por investigaciones periodísticas, ficciones televisivas y producciones audiovisuales.

El estreno también refuerza la apuesta de A24 por películas dirigidas a públicos que buscan propuestas de autor con potencial comercial. Así, el estudio ofrece a realizadores como Fielder y Oppenheim una vía para conservar libertad creativa y, al mismo tiempo, llegar a una audiencia más amplia.

TikTok suspendió de manera permanente la cuenta publicitaria que promocionaba Musk, el documental sobre Elon Musk dirigido por Alex Gibney, justo cuando la película se expandía a cientos de salas en Estados Unidos. La plataforma invocó violaciones a su política de contenido político, pero no detalló cuáles fueron.

La distribuidora independiente Bleecker Street confirmó a varios medios que TikTok le avisó el viernes por la tarde que la suspensión era inminente. La cuenta, que había acumulado más de 10.000 seguidores, fue retirada de la plataforma poco después.

El documental, dirigido por el realizador ganador del Oscar Alex Gibney, se estrenó en formato limitado el 9 de octubre en Nueva York y Los Ángeles, donde recaudó USD 68.900 en cuatro salas, según cifras publicadas por Variety. El viernes 17 de octubre se expandió a 472 cines de Estados Unidos y Canadá.

Un bloqueo sin explicación

TikTok le comunicó a Bleecker Street que la cuenta había incurrido en un “nivel de gravedad en violaciones de política política” que “dispara la suspensión inmediata”, según la cita que recogió The Hollywood Reporter. La empresa no precisó qué publicación concreta motivó la medida.

El caso no es nuevo. A fines de septiembre, YouTube, Meta y TikTok habían rechazado anuncios para el tráiler de Musk por su contenido político. YouTube y Meta revirtieron la decisión días después.

Meta calificó el rechazo inicial como “un error” y YouTube dijo que el aviso había sido “restringido” de forma temporal por su sistema automático antes de ser aprobado. TikTok, en cambio, mantuvo el bloqueo y ahora lo llevó al extremo de dar de baja la cuenta entera. X, la red que pertenece a Musk, nunca aceptó publicidad para la película.

Bleecker Street apeló la suspensión ante TikTok, de acuerdo con una reconstrucción publicada por el sitio pakistaní The News. La red social no respondió consultas de los diferentes medios de comunicación sobre los motivos puntuales de la baja ni sobre los plazos de una eventual revisión.

Las respuestas de Musk y Gibney

Musk calificó al documental de “hit piece” (una pieza armada para dañar su imagen) antes del estreno y escribió en su red social que “el excremento de perro merece más respeto” que la película. También acusó a Gibney de no tener “ninguna integridad” y lo llamó “un ser humano horrible”.

Gibney, por su parte, contó en una entrevista con The New York Times que Universal Pictures dudó antes de confirmar la distribución internacional del filme.

Consultado sobre los motivos, el director respondió: “¿Les preocupaba que en este clima político una película sobre el hombre más rico del mundo fuera problemática? Puede ser, pero hay que preguntarles a ellos”. Universal terminó avanzando con el estreno fuera de Estados Unidos.

La conexión con Oracle y Skydance

El bloqueo de TikTok llama la atención porque la propia red social tiene un vínculo indirecto con una de las figuras que aparecen en el documental. Oracle, la empresa que preside Larry Ellison, controla el 15% del consorcio que opera TikTok en Estados Unidos.

Ellison es mencionado en la película a través de un mensaje de texto en el que le ofrece a Musk financiar la compra de Twitter, hoy X.

La situación se vuelve más enredada todavía porque HBO, la cadena que financió Musk y que la transmitirá en 2027, pasó a ser parte de Skydance luego de que esa compañía absorbiera a Warner Bros. Discovery. Skydance está encabezada por David Ellison, hijo de Larry Ellison.

Pese a ese cruce de intereses, Skydance confirmó que HBO mantendrá el estreno del documental según lo previsto.

La película llega a los cines en un contexto comercial débil: Variety estimó que la recaudación del fin de semana de expansión rondaría los USD 385.000 en las 472 salas, muy por debajo de lo habitual para un estreno de esa escala. TheWrap, con una proyección distinta, calculó un promedio de USD 629 por sala.

Bleecker Street no confirmó una fecha para que TikTok resuelva la apelación presentada tras la suspensión.

La película se asoma a ese universo familiar, donde muchos de sus integrantes se dedicaron a la actuación, con cercanía y sin solemnidad. Hay afectos, heridas, secretos a medias y personajes que parecen moverse con la naturalidad de quien no sabe que está dejando una huella. De esa convivencia entre lo cotidiano y lo inesperado nace una historia en la que cada revelación abre una nueva pregunta.

El registro comenzó hace casi 20 años

—¿Por qué empezaste a filmar a tu familia?

—Empecé hace mucho, hace como 20 años. No arranqué pensando tanto en contar la historia de la familia, porque había muchas cosas que no sabía cuando comencé a filmarlos. Pero me llamaba la atención lo que pasaba alrededor mío. Lo vivía más con la sensación de ser espectador que de ser director.

—¿Qué veías en ellos?

—Son muy magnéticos delante de la cámara. Son genuinos, divertidos. Hay algo de un Machado frente a cámara que funciona.

—¿Con qué equipos hiciste esas primeras filmaciones?

—Con el celular que tenía a mano. Por eso la película tiene una escalada de formatos: hay cosas que se ven muy mal, imágenes hechas con cámara de fotos, con celulares viejos y con celulares nuevos. Esa es también una de las reglas de la película.

—¿Tu familia aceptaba que la filmaras?

—A todos les encanta que los filmen. Incluso mi abuela, que no es actriz y es un personaje muy importante. Con el tiempo se acostumbraron a que estuviera con la cámara. Como tardé tanto en terminar la película, creo que por momentos habrán dudado de que fuera a llegar al final.

Una familia atravesada por la actuación

—¿Quiénes integran la familia que aparece en el documental?

—Mi mamá es Marta Machado, la mayor de cuatro hermanos. Después viene Rodolfo Machado, que se llama igual que mi abuelo. Él fue el único que no se dedicó a la actuación hasta que murió mi abuelo, en 2020. A partir de entonces empezó a trabajar como actor.

—¿Tu madre también tuvo una carrera artística?

—Sí. Actuó en Rosa de lejos, junto con mi abuelo; tuvo participaciones en Montaña rusa, Muñeca brava y Hombres de ley. También trabajó en El lado oscuro del corazón y en varias obras de teatro. Hizo trabajos con Alberto Ure y compartió escenario con Cristina Banegas.

—¿Vos seguiste ese camino?

—Estudié teatro durante bastante tiempo, pero entendí que no era lo mío. Me sirvió como una herramienta para lo que quería hacer, que era dirigir películas. Mi hermana menor, Carmen, sí es actriz; mi hermana mayor es abogada.

La historia de Marta Machado y el vínculo con sus hijos

—En la película aparece la historia de tu mamá. ¿Cuándo comenzaron sus internaciones?

—Su primera internación fue cuando yo tenía 11 años. Me enteré de eso hace relativamente poco, porque yo recordaba como primera internación la que tuvo cuando se fue de casa, dos años después. Ella atravesó depresión, bipolaridad, trastorno límite de la personalidad y otros problemas de salud mental. También tuvo intentos de suicidio.

—¿Cómo fue ese proceso para la familia?

—En las internaciones le indicaban medicación, se estabilizaba y, al tiempo, recibía el alta. Después se sentía mejor y dejaba de tomarla, o se sentía mal y tomaba más de lo que le habían recetado. Eso la desestabilizaba. En distintos momentos, ella misma pidió volver a internarse. Nunca fue internada por la fuerza. En el lugar donde está ahora lleva cinco o seis años, pero antes pasó por alrededor de diez o quince instituciones psiquiátricas, entre la Ciudad y la provincia de Buenos Aires.

—¿Por qué se fue de su casa?

—Ella decidió irse porque sentía que no era feliz, que necesitaba libertad y vivir cosas que no había vivido. Pero nunca se fue y se borró. Siempre estuvo presente y, en el estado en que estuviera, su prioridad fuimos nosotros tres: mis dos hermanas y yo.

—¿Qué edad tenían ustedes entonces?

—Yo tenía 13 años, mi hermana menor nueve y la mayor 15. Nos quedamos viviendo con mi papá, que es psicoanalista. Él intentaba contenerla y ayudarla, pero para una persona con los impulsos que tenía ella también podía ser insoportable sentir que la controlaban todo el tiempo.

—¿Cómo describís hoy el problema de salud que atravesaba tu mamá?

—Nunca perdió la noción del tiempo y el espacio. Le costaba controlar impulsos y pensar en las consecuencias. Podía conseguir un trabajo muy bueno, ir una semana y después no volver. O tener plata y gastarla. Mi papá cuenta que, al principio, le fascinaba su costado libre y desestructurado. Hay algo de esa forma de ser que en la juventud puede resultar atractivo, pero con los años necesita otro encauzamiento.

—¿Filmar a tu familia fue un ejercicio catártico?

—Creo que ese fue un efecto secundario. Nunca encaré la película con ese objetivo. Si uno hace un proyecto así solo para tramitar un trauma o elaborar algo personal, puede terminar siendo insoportable para el espectador. Yo la pensé como una película para disfrutar en una sala, para reírse y emocionarse.

—¿Qué pasó en el plano personal mientras hacías la película?

—Inevitablemente pasan muchas cosas en el vínculo conmigo, con mi mamá y con mi familia. Tengo pocos recuerdos de mi infancia y, al ver la película, me conecto emocionalmente con situaciones de mi historia con ella que en la vida cotidiana no me pasan o me cuesta registrar. Viéndola me emociono, me río y me atraviesan cosas que no aparecen de la misma manera fuera de la película.

—¿El dolor fue lo que te impulsó a filmar?

—No. La película en punto es divertida. Ellos hablan de situaciones terribles desde el humor y el amor; atraviesan la tragedia de una forma muy vital. Eso siempre estuvo presente en la familia.

—Uno de los temas es la ludopatía de tu abuelo, Rodolfo Machado. ¿Cómo decidiste abordarlo?

—Es algo delicado de la intimidad familiar, pero quienes lo conocían sabían que era central en su vida. La actividad que más hacía era ir al bingo a jugar a las maquinitas. Sin embargo, tampoco era un tema tabú: él mismo se reía de eso.

—Tuvo una carrera con continuidad, y sobre todo en la ficción...

—Hizo muchísima televisión y todo tipo de personajes. En sus últimos 15 años dejó la televisión y salió de gira por la provincia de Buenos Aires con un unipersonal que escribía, dirigía, protagonizaba y vendía él mismo. Lo hacía en bares y teatros pequeños. Siguió trabajando hasta dos semanas antes de morir, a los 88 o 89 años.

—La obra también hablaba de su relación con el juego...

—La última se llamaba Cerraron el bingo, me quiero matar. Él se reía mucho de eso. En la familia, casi ningún tema funciona como un tema delicado. Es una forma de vivir y de transitar las cosas.

—¿Cuánto tiempo te llevó editar la película?

—Estuve diez años editando y trabajé con cinco montajistas distintos. Fue muy importante para mí trabajar con esas personas, porque cada una proponía una mirada diferente. A uno le parecía mejor sumar más escenas de novelas; otro proponía sacar entrevistas. Fui tomando lo que me servía de cada proceso.

—¿Por qué decidías cambiar de montajista?

—Porque no sentía que la película estuviera terminada. Con cada uno trabajaba un aspecto distinto y aparecían ideas nuevas. Seguí mucho mi intuición. Cuando terminé el último corte, sentí que habíamos llegado al mejor corte posible con el material que tenía. Después de tanto tiempo, fue una satisfacción enorme.

—¿Cuánto material reuniste?

—Hay unas 80 horas de filmaciones propias, además de muchas horas en VHS que mi abuela grababa cuando los Machado aparecían en televisión. Con los últimos dos montajistas, el trabajo fue muy preciso. Ellos partían del corte que yo les llevaba y proponían ideas; entonces yo podía volver a una escena o una entrevista determinada porque tenía todo el material catalogado y marcado.

—¿Todo lo que se ve en la película es real?

—Sí. Hay escenas de ficción protagonizadas por ellos que vienen de VHS en los que mi abuela grababa telenovelas, pero lo que contamos es real. Mucha gente me pregunta cómo podía estar con la cámara en ciertos momentos y no puede creer que no estuviera guionado.

—¿Agregaste voces o sonidos en el proceso de edición?

—En el documental se puede construir sentido con voces o sonidos que no estaban presentes cuando se registró una escena. En esta película, todo lo que se escucha estaba sonando y todo lo que se decía se dijo en el instante en que la cámara filmó. Hay algo genuino, incluso bruto, en la cámara enfocando y encuadrando como podía en ese momento. Eso forma parte del sentido de la película.

—¿Cómo fueron las primeras reacciones?

—En BAFICI la película recibió el premio de la crítica, el del público y el de asociaciones de montaje. En las últimas semanas pasó algo distinto: empezó a circular más, hubo entrevistas y recomendaciones de personas que la vieron. Las repercusiones fueron increíbles.

—Presenciaste funciones...

—Sí, claro. Disfruto mucho cuando la gente se ríe, y viene pasando bastante. Pero también hubo proyecciones en las que algunas personas se reían y otras se ofendían por esas risas. Depende de cómo lo tome cada uno. Hay quienes terminan más golpeados desde lo emocional y otros que salen más esperanzados. Que pase eso muestra que la película genera cosas.

—¿Los espectadores comparten sus propias experiencias?

—Muchísimo. Después de cada función se acercan dos o tres personas y dicen que su familia es igual o cuentan situaciones que vivieron. Se identifican mucho, y eso es algo lindo.

—¿Tu familia estuvo en el estreno?

—Sí, fueron todos, mi mamá, mi abuela y mis tres tíos. Estaban encantados. El único que no llegó a ver la película terminada fue mi abuelo, porque murió en 2020.

—¿Alguien te cuestionó una escena o te pidió que quitaras algo?

—No, nada. Vienen a verla y cada vez les gusta más. Antes del estreno, algunos estaban preocupados porque no habían visto el corte final y yo tenía muchísimo material. Con esas horas se podía armar una película muy diferente.

—¿Dejaste cosas afuera para cuidar la intimidad de la familia?

—Hay un montón de cosas que no usé, que habrían armado otra película y contado otros aspectos de la intimidad familiar. Decidí no incluirlas porque los conozco y sé qué cosas exponen y cuáles quieren que se sepan.

—¿Cómo fue la reacción de tu papá?

—Está fascinado y va a todas las funciones. En los primeros cortes tenía entrevistas muy buenas y era otro personaje de la película. Pero uno de los montajistas propuso sacarlo: mi papá, desde su lugar de psicólogo, podía quedar como una voz autorizada que opinaba sobre los Machado, y eso rompía con la esencia de la película.

—¿Y tu abuela?

—Era la persona sobre la que más dudas tenía, porque siempre fue muy de las formas, la imagen y lo correcto. Su familia tuvo mucho dinero y lo perdió todo, y a veces fue negadora con algunos aspectos de la historia familiar. Pero vio la película, le encantó y, al terminar la función, dijo que quería que todos supieran que seguía amando a su marido y que lo amaría para siempre.

Participaron de actividades arqueológicas en el terreno donde se libró la batalla de Pavón el 17 de septiembre de 1861; recorrieron los lugares emblemáticos donde se combatió en Malvinas, solo reconociendo el terreno porque no se permite más que eso; exploraron las orillas del Paraná donde ocurrió el combate de la Vuelta de Obligado el 20 de noviembre de 1845; se emocionaron cuando hallaron distintos vestigios en el campo donde se luchó en La Verde el 26 de noviembre de 1874 durante la revolución mitrista. Cuando fue el turno de estudiar donde se levantaron dos fortines, en la época de la lucha contra el indígena, la experiencia se transformó en un documental, “Aquellos Horizontes”, donde los protagonistas, además de los arqueólogos, también fueron ellos, veteranos de guerra de Malvinas.

Replicada a partir de una experiencia que ya se desarrolla en Europa, por ejemplo en el campo de batalla de Waterloo, la película ahonda en una experiencia pionera en América Latina, donde sorprendentemente la arqueología se convierte en una herramienta terapéutica para los que pelearon en 1982.

De acuerdo a lo que concluyen, el efecto de su participación en este tipo de acciones para todos es impensado. Los profesionales aseguran que esta terapia inédita de salud mental resulta beneficiosa para aliviar el estrés postraumático.

En “Aquellos Horizontes”, de una hora de duración, para los veteranos Pablo Conde, Fernando Suárez, Gustavo Pedemonte y Eduardo Gómez fue un camino para resignificar su propia experiencia bélica, y que deja al descubierto esas heridas del alma que la posguerra no pudo cerrar. Los veteranos, a partir del contacto con las huellas materiales del pasado, reflexionan sobre su papel en la guerra, se suceden diversos planteamientos, algunos confesaron que demoraron décadas en acudir a un psicólogo –“te creés Superman pero no lo sos”- y reflexionan sobre cuestiones muy profundas, como la idea misma de morir por la patria.

El arqueólogo Carlos Landa, que lidera un equipo multidisciplinario de profesionales de Arqueología Histórica del CONICET y la UBA, explicó que “nosotros hacemos sentir las cosas. Si la arqueología puede aportar un granito de disfrute y potencial terapéutico, ¿por qué no ponerlo a su servicio?”

“Cuando aparecía una bala, a ellos les impactaba mucho, mucho más que un fragmento de loza, que reafirma el trauma. Porque la bala del fortín Miñana es también la de Monte Longdon”, señaló.

A lo largo del documental, los veteranos cuentan sus vivencias y sentimientos. Destacan que participar de las campañas resulta estimulador, porque cuando se excava en un campo de batalla se proyectan las situaciones, por ejemplo, si un soldado de la frontera habrá pasado por situaciones similares a las que los veteranos vivieron en las islas. “Aprendí a regresar a una época en que otros soldados, en otras batallas, por distintos motivos, iban y nosotros también. Porque el soldado sigue siendo soldado”.

Una integrante del equipo es Melina Gómez, estudiante de Arqueología. Su papá, Eduardo Guillermo Gómez, es veterano, quien confesó “tardé como treinta años en llorar por Malvinas”.

En la selección de veteranos en estas campañas participa el Centro de Salud Conjunto de Veteranos de Malvinas, cuyo director médico es el teniente coronel médico Martín María Bourdieu, veterano. Bourdieu había tenido la baja del servicio militar cuando fue nuevamente convocado. Combatió en Malvinas como soldado del Regimiento de Infantería 3, y en la posguerra, para poder ayudar a sus compañeros, estudió Medicina y se especializó en psiquiatría, transformándose en un referente mundial en la materia.

La selección de los veteranos incluye un riguroso protocolo, donde los veteranos son sometidos a entrevistas previas. Explicaron que es necesario ir con cuidado por los riesgos al estímulo que a ellos les causó el trauma de haber vivido una guerra.

El director del documental es Alejandro Ravazzola, un licenciado en Comunicación Social, documentalista, investigador periodístico, guionista, editor, productor y director. Desde hace más de veinte años desarrolla proyectos documentales y de no ficción que exploran la memoria, los derechos humanos y acontecimientos históricos.

En el 2016 conoció al grupo y con ellos desarrolló “Memorias del frente”, un programa que se emitía por Canal Encuentro en el que cada emisión se dedicaba al estudio de un campo de batalla, como fueron los casos de Carmen de Patagones, Vuelta de Obligado, La Verde y Cepeda.

En la película -que contó con el apoyo de Bafilma (Plataforma Audiovisual Bonaerense) se desistió de incluir imágenes de archivo de la época de la guerra o fotografías de cuando los veteranos eran jóvenes soldados; se quiso enfocar en el presente y en cómo lidian con los recuerdos y con el estrés postraumático. “Son héroes, que tienen heridas profundas”, remarcó Ravazzola.

Los describe como gente de carne y hueso, que puede ser un vecino, padre de un amigo, gente común, que lleva una pesada mochila a cuestas.

Destacó que “sería bueno pensar un poco más allá y buscarle un sentido a la participación de los soldados en guerra de 1982, porque es un tema central de su identidad”.

Los profesionales remarcaron a Infobae que “en las excavaciones se comparte, se socializa; las cuadrículas es una terapia, se habla mucho, se van soltando cosas. Con el hallazgo se produce un hecho potente que vincula al veterano con el objeto hallado”. Comparten todo el día, desde el alba a la noche, y cada instante es la excusa perfecta donde el veterano deja al descubierto el duro y triste camino que transitaron en la posguerra.

“Cuando en el campo de Pavón, en una batalla que enfrentó al Estado de Buenos Aires con la Confederación Argentina, el veterano quedaba absorto cuando hallaba un proyectil, porque reflexionaba que esa bala la disparó un argentino para matar a otro argentino”, remarcaron.

En la película se ven los trabajos de campo en Fortín Miñana (1860-1864), que fue una fortificación defensiva, que estaba ubicado a unos cincuenta kilómetros al sur de la ciudad de Azul. También se hizo un reconocimiento donde se levantó el Fortín Otamendi (1858-1869), situado en Benito Juárez, cercano a la laguna “La Barrancosa”. Ambos emplazamientos fueron exponentes de la lucha contra el indígena en la pampa bonaerense.

Los veteranos, a lo largo de la campaña arqueológica, completan fichas, en donde las respuestas son constantemente supervisadas por psicólogos, presentes también en el campo.

Ellos admiten que, en ese trabajo que realizan junto a los arqueólogos, sienten una suerte de adrenalina; “es algo así como sentirte vivo en ese momento”, destacó Pablo Conde.

El grupo interdisciplinario está integrado por los arqueólogos Carlos Landa, Alejandra Raies y Facundo Gómez Romero; Sebastián Avila es el historiador; Eduardo Quinteros, musicoterapeuta y Melina Gómez, estudiante de Arqueología. Completó el grupo Gabriela Cinalli. “Aquellos Horizontes” se proyectará hoy en Yunta Bar, Lavalle 3491, a las 19 horas.

Los arqueólogos dijeron que los veteranos dejan de ser solo veteranos, para transformarse en miembros del grupo. “Yo me siento entre hermanos”, señaló Landa. Y es algo que en el documental se nota.

El episodio ocurrió el lunes por la noche, en el marco de una conversación con el conductor Mario Pergolini, quien le preguntó si creía que grandes dictadores y asesinos podían tener algún componente humano. “Yo creo que sí”, respondió Massaccesi, y acto seguido explicó el trabajo que tiene en proceso. “Ahora estoy haciendo un documental a propósito de Videla y hay un costado de él íntimo, a partir de información y testimonios y cosas que tenemos, que después las vamos a publicar. Estamos armando un lindo documental y hay una parte que no se ve de él, lo cual no lo convierte en un bueno como presidente, aclaro esto”, afirmó el periodista en el aire del programa.

Massaccesi amplió su reflexión con un argumento de alcance más general: “El mundo está como está, no porque los malos hayan hecho mucho, sino porque los buenos no hemos hecho lo suficiente”. Sus declaraciones no tardaron en generar repercusión, dado el contexto histórico de la última dictadura militar que comenzó en 1976 bajo el mando de Videla y todo lo que sucedió durante los años que estuvieron en el poder.

Al día siguiente, debido a la gran repercusión que tuvieron sus palabras en redes sociales, el periodista recurrió a su perfil de Instagram para dar precisiones y pedir disculpas si sus palabras habían dado lugar a confusiones. “Si en algún punto no he sido claro, se prestó a confusión, pido disculpas”, comenzó. Luego fue categórico: “Jorge Rafael Videla es un asesino, es un genocida, es un dictador. Lo ha ratificado la justicia en un juicio ejemplar en los años ochenta. No debería haber sido indultado y bien preso estuvo después”, sostuvo.

El conductor de Cuestión de Peso (El Trece) también ratificó su postura sobre los derechos humanos: “Sigo creyendo en la aparición con vida de las personas desaparecidas, en el juicio y castigo a los culpables, en la recuperación de los nietos desaparecidos que fueron arrancados de sus familias”. Y fue enfático al descartar cualquier intención reivindicativa detrás del documental: “Ni se me cruza por la cabeza hacer un trabajo para lavarle la cara a Videla ni lavarle la cara a nadie. No haría un trabajo para negar la dimensión y el desastre humanitario de la dictadura militar”.

Con todo, el periodista ratificó la premisa que expuso en el programa: “Creo que todas las personas nacemos en esencia con la posibilidad de ser buenas, que somos almas buenas y que después, por distintas razones, nos podemos convertir en lo peor de lo peor, como en el caso de Videla. Creo que todos tenemos la posibilidad de explorar lo mejor del ser humano, pero por distintas razones hay gente que termina convirtiéndose en verdaderos monstruos”. El periodista cerró el video con un mensaje directo: “Quiero aclarar esto, espero que quede claro, sobre todo mi posición de que yo no defiendo ni pretendo generar en Videla una imagen que además no tengo”.

En el pie de la publicación sumó: “Aqui una aclaración sobre la nota con Mario Pergolini. Ni defensa de Jorge Rafael Videla. Ni lavado de cara”. De esta manera Mario dio por terminado el tema de una vez por todas y dejó en claro lo que quería decir.

Alex Gibney, director del documental Musk, sostiene que Elon Musk construyó su imperio rodeándose únicamente de personas que le dicen que sí, una diferencia que marca frente a su comparación con Steve Jobs.

El documental sobre el dueño de Tesla y SpaceX ha generado el rechazo del empresario, calificando a su director de “charlatán”, “idiota” y aseguró que “el excremento de perro merece más respeto” que el cineasta, según sus mensajes en X. Por lo que Gibney habló con la revista TIME sobre el impacto de esta producción,

Cuál es la diferencia entre Jobs y Musk

Gibney explicó que, tras su paso por NeXT, Jobs se rodeó de un grupo reducido de personas capaces de decirle que no, y que él las escuchaba. Según el director, esa dinámica fue la que permitió que Apple alcanzara su nivel de éxito, sumada a lo que describió como una atención obsesiva al detalle en el desarrollo de productos.

“Elon hizo justo lo contrario. Se rodeó de gente que solo le dice que sí”, afirmó Gibney.

El cineasta trazó también un paralelo con Elizabeth Holmes, fundadora de Theranos, a quien también retrató en un documental anterior. Para Gibney, Musk comparte con Holmes la lógica del “finge hasta que lo logres” propia de Silicon Valley.

Sin embargo, marcó una diferencia central: mientras el dispositivo de diagnóstico de Theranos, llamado Edison, nunca funcionó, los productos de Musk sí son reales.

“Se puede manejar un Tesla”, señaló Gibney, en referencia a que, a pesar de las fallas y promesas incumplidas del empresario, SpaceX y Tesla produjeron cohetes, autos y satélites que efectivamente operan.

El director reconoció que esas tecnologías son impresionantes, en particular la recuperación de cohetes reutilizables. No obstante, cuestionó la narrativa que Musk construyó sobre el origen de SpaceX. Según el empresario, si el cuarto lanzamiento de un cohete no hubiera tenido éxito, habría quedado en bancarrota y la compañía habría desaparecido.

Gibney citó a la exadministradora de la NASA Lori Garver, quien ofrece una versión distinta en el documental: el Gobierno federal ya había decidido utilizar a Musk como caso de prueba y seguiría trabajando con él más allá del resultado de ese lanzamiento.

Para el cineasta, esto contradice la idea del empresario que triunfa sin ayuda estatal, ya que, a su juicio, el apoyo gubernamental resultó determinante tanto para SpaceX como para la rentabilidad de Tesla en momentos críticos.

Controversia por la distribución del documental

El estreno de “Musk” estuvo marcado por el rechazo inicial de varias plataformas a difundir su tráiler. A fines de septiembre, The Hollywood Reporter informó que YouTube, Meta, TikTok y X se negaron a publicitar la película debido a su “contenido político”.

Según detalló Gibney, YouTube y Meta, tanto en Instagram como en Facebook, ya permiten la difusión de los anuncios. TikTok continúa sin autorizarlos, y X, pese a haber dicho que lo haría, todavía no mostró evidencia de cumplirlo.

Universal Pictures, que controla los derechos de distribución internacional del filme, también demoró su lanzamiento por sensibilidades políticas antes de manifestar que respaldaba la producción. Un representante de Gibney informó a TIME el 5 de octubre que la distribución internacional quedó “resuelta” tras una llamada con Universal realizada el 2 de octubre, sin ofrecer más detalles.

Gibney comparó la situación con la que vivió al realizar un documental sobre la Iglesia de la Cienciología, ya que Musk amenazó con demandarlo sin haber visto la película, algo que el director consideró parte de un patrón ya conocido en el empresario. El cineasta mencionó además un episodio en Camden, Maine, donde notó que alguien lo fotografiaba desde un vehículo, aunque no confirmó que estuviera relacionado con el magnate.

Para Gibney, el rechazo inicial de las plataformas tecnológicas a difundir el tráiler refleja una tendencia más amplia hacia lo que definió como una concentración de poder que busca limitar las críticas sobre la acumulación de dinero e influencia.

Machado, el primer largometraje documental de Julián Tagle, se estrena este viernes en MALBA Cine con el aval de tres premios del 27° Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) y una pregunta sin respuesta sencilla: qué queda de una familia cuando la cámara deja de grabar.

Tagle es nieto de Rodolfo Machado e hijo de Martha Machado, quien permanece internada en instituciones psiquiátricas desde hace más de 25 años. Esa historia íntima —comprender qué ocurrió con su madre— organiza el recorrido de un documental que, desde lo autobiográfico, amplía su mirada hacia el conjunto de una familia que la televisión argentina convirtió en figura y que cargó, fuera de pantalla, con conflictos que el público nunca vio. Los Machado integraron el elenco de algunas de las ficciones más populares de los años 80 y 90. Rosa de lejos, Celeste, Regalo del cielo y Ricos y famosos fueron parte de su trayectoria, y su apellido resultaba familiar para millones de espectadores. Lo que esos programas no mostraban es, precisamente, el territorio que el documental decide recorrer.

Machado aborda situaciones vinculadas con internaciones psiquiátricas, adicciones, ludopatía y vínculos familiares dañados. Lo hace sin golpes bajos: Tagle se involucra directamente con lo que filma, y esa implicación convierte el proyecto en un ejercicio de comprensión de su propia historia. La película también reserva lugar para el humor y el afecto, lo que impide que el relato quede reducido a una crónica del sufrimiento.

El archivo ocupa un lugar central en el recorrido. Fotografías, registros audiovisuales y materiales de aquella televisión conviven con imágenes del presente, y esa combinación permite observar el paso del tiempo mientras repone lo que había detrás de los personajes que el público veía desde el otro lado de la pantalla.

En el BAFICI, Machado obtuvo el premio al Mejor Largometraje de la Competencia Oficial Argentina, el Premio del Público al Mejor Largometraje Argentino de las tres competencias y el galardón al Mejor Montaje, otorgado por las asociaciones SAE y EDA a Tagle, Dante Perini, Constanza Curia, Alejandra Almirón, Hernán Roselli y Martín Farina. A ese palmarés se suma el premio al mejor documental de la competencia de largometraje bonaerense en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la Provincia de Buenos Aires (FICPBA).

Con 72 minutos de duración, el documental se estrena este viernes 9 de octubre a las 22 horas en el Auditorio del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). Nuevas funciones están programadas para los días 16, 23 y 30 de octubre.

[Fotos: Malba Cine]

Sin embargo, hay un acontecimiento en su carrera que pasó desapercibido para la opinión pública a pesar de llegar a los tribunales: el pleito que emprendió contra Lucas Grijander, personaje interpretado por Florentino Fernández en el programa Esta noche cruzamos el Mississippi, por parodiarlo y apropiarse de su identidad cómica.

En torno a ese juicio se sitúa El otro Chiquito, documental de Juan Zavala y Javi Morales, a partir de una idea de Diego San José, que se ha estrenado en Movistar Plus+ y que se encarga de recuperar la figura del artista sin recurrir al usual ‘biopic’, sino situándolo en una especie de thriller de investigación sobre los límites de la identidad creadora.

Desde sus duros inicios al éxito con 60 años

El otro Chiquito comienza acercándonos a la figura de Gregorio Sánchez, nombre real del humorista malagueño, a través de sus duros inicios en el mundo del espectáculo. Se había ganado la vida con ‘cantaor’, e incluso había estado varios años en Japón para buscarse la vida. Sin embargo, nadie podía imaginar que con 60 años alcanzara la fama contando chistes. Y, además, de la manera tan particular como lo hacía él.

El documental nos descubre conexiones sorprendentes, como la de Mario Conde con Chiquito. El empresario podría considerarse como uno de sus descubridores e incluso entabló con él una relación de amistad que duraría años.

Cuando aterrizó en la televisión en 1995, su estilo fue aceptado casi de inmediato por los espectadores. Expresiones como “fistro”, “pecador de la pradera” o “no puedor” comenzaron a integrarse al lenguaje popular y todavía forman parte del acervo coloquial de nuestro país.

Un documental sobre el concepto de copia o parodia

Tras repasar esta trayectoria tan atípica como apasionante, el documental se detiene en su objeto de estudio: ¿Copia o imitación? ¿Homenaje o parodia? ¿Apropiación cultural o fruto de la memoria colectiva? Todo eso, a partir de la aparición de Lucas Grijander y Crispín Klander en el ‘late night’ de Pepe Navarro, dos personajes que interpretaría Florentino Fernández basándose en la idiosincrasia de Chiquito, en sus expresiones y en su manera de hablar.

Al artista aquello no le sentó bien, que alguien se encargara de imitarlo y sacar rendimiento de sus chistes. Así que demandó a Telecinco y a la productora de Esta noche cruzamos el Mississippi.

El caso obligaba a determinar si aquella reproducción era plagio, si vulneraba la imagen del cómico o si constituía una parodia admisible. La falta de jurisprudencia y de jueces especializados en propiedad intelectual dificultó entonces una respuesta clara.

¿Hasta qué punto el artista original merece una remuneración o un reconocimiento por parte de quien lo ha copiado? Es una de las preguntas que se establecen en este trabajo en el que las fronteras no resultan fáciles de definir.

Por eso el documental tampoco presenta una resolución definitiva, sino que sitúa al espectador en el lugar del jurado. La pregunta central es si Chiquito de la Calzada era un personaje sujeto a derechos de propiedad intelectual o una persona cuya identidad podía ser objeto de parodia.

De Paz Padilla a Mario Conde

El documental reúne los testimonios de Florentino Fernández, Pepe Navarro, Manolo Sarria, Paz Padilla, José Mercé, Ramón García, Juan y Medio, Celia Villalobos, Nieves Herrero, Manuel Campo Vidal, Manuel Jabois, Luz Sánchez-Mellado y Mariola Cubells. Y, por supuesto, también Mario Conde, que se convierte en la presencia más sorprendente de este trabajo.

La producción combina esas entrevistas con recreaciones, concebidas no para repetir el relato, sino para aportar tono a la narración y con mucho material de archivo de la televisión del momento, que nos mostraba una España diferente en pleno surgimiento de las cadenas privadas y la guerra de audiencias.

Chiquito de la Calzada fallecería en 2017 y su personaje continúa vivo en la memoria de toda una generación. De alguna manera, este documental le rinde homenaje de una forma diferente, original y despcrejuicida.

Producida por 100 Bares, la serie reconstruye uno de los crímenes que mayor impacto causó en la Argentina a partir del relato de Bagnato, que tenía 16 años cuando logró salir de la vivienda en llamas. En el incendio murieron sus padres, José Bagnato y Alicia Plaza; sus hermanos Fernando y Alejandro; y Nicolás Borda, amigo de uno de ellos.

La producción contará con tres episodios de 45 minutos y será dirigida por Augusto Tejada. El cineasta Juan José Campanella participa como productor ejecutivo y comparte con Bagnato una serie de conversaciones que organizan el relato.

El caso que cambió la vida de Matías Bagnato

El ataque ocurrió de madrugada en una casa de Flores. La investigación judicial concluyó que el fuego fue provocado por Fructuoso Álvarez González, familiar político de la familia y exsocio del padre de Matías. Según estableció la causa, el agresor ingresó al inmueble con combustible, lo roció y prendió fuego la vivienda.

La Justicia vinculó el crimen con un conflicto económico surgido tras el fracaso de una sociedad comercial vinculada a una fábrica de zapatillas. Antes del ataque, la familia había denunciado amenazas y episodios de violencia atribuidos a Álvarez González.

Bagnato consiguió escapar con la ayuda de un vecino y de un policía. A partir de entonces, su vida quedó atravesada por la pérdida de su familia, el proceso judicial y el temor ante las amenazas que, según contó en distintas oportunidades, continuaron incluso años después de la condena.

Álvarez González recibió una pena de prisión perpetua en noviembre de 1995, dictada por el Tribunal Oral en lo Criminal N.º 12. En 2004 fue extraditado a España para continuar allí el cumplimiento de la pena, aunque regresó a la Argentina siete años más tarde. Murió en 2023, mientras permanecía detenido.

Una reconstrucción con archivos y voces del expediente

La masacre de Flores reunirá material de archivo inédito, testimonios de allegados y las intervenciones de periodistas, abogados, integrantes del tribunal y otras personas que siguieron el caso desde sus primeros días. El enfoque se detiene en los hechos que derivaron en el crimen, pero también en el tiempo posterior: el impacto psicológico, la exposición pública y los mecanismos que Bagnato encontró para reconstruir su vida.

La serie pone el eje en el sobreviviente y en las consecuencias que un caso de esta magnitud puede tener fuera del expediente. La presencia de Campanella en las conversaciones busca acompañar ese recorrido desde una perspectiva personal, con Bagnato como narrador de su propia historia.

En declaraciones difundidas al comienzo del proyecto, Bagnato señaló que hablar de lo ocurrido en este formato implicaba una instancia difícil, aunque necesaria. “Contar mi historia no es fácil, pero sé que estoy rodeado de personas increíbles que van a tratarla con respeto, sensibilidad y compromiso”, afirmó al anunciar el inicio de la producción.

Con el paso de los años, Bagnato habló públicamente sobre el acompañamiento de su abuela, la terapia y la necesidad de transformar el trauma en un testimonio destinado a otras generaciones. El documental retoma esa dimensión sin desprenderse de la investigación criminal que marcó el caso.

Campanella integra el equipo de producción ejecutiva

Además de Campanella, la producción ejecutiva está a cargo de Martino Zaidelis, Ana Paula Bello, Mariano Cesar, Sergio Nakasone y Cecilia Abraham. La producción periodística cuenta con Mariana Montero y también participa Muriel Cabeza.

El estreno se inscribe en la línea de documentales de HBO Max basados en hechos reales y casos de alto impacto público. La plataforma anunció que la serie propondrá una reconstrucción desde múltiples perspectivas, con especial atención al tratamiento de los involucrados.

La masacre de Flores llegará a HBO Max el 22 de octubre con el testimonio directo de Matías Bagnato y una mirada sobre una tragedia cuyos efectos continuaron mucho después de la sentencia judicial.

Lucrecia Martel convirtió su conversación en el Malba, en el marco del FILBA, en una defensa del cine como herramienta para intervenir en la vida colectiva. La directora presentó las ideas que atraviesan Nuestra tierra, su primer largometraje documental, y anunció que trabaja en una película de ciencia ficción que aspira a financiar y estrenar con alcance masivo.

Acompañada por la escritora y poeta Mercedes Halfon, Martel habló ante el público del festival sobre la circulación de su reciente película, el conflicto territorial de la comunidad indígena de Chuschagasta, el valor de los archivos y el lugar de la conversación en la experiencia artística. “Yo pensé que el cine era para cambiar el mundo, que pensar es para cambiar el mundo, que estudiar es para cambiar el mundo”, afirmó.

La cineasta sostuvo que el estreno y las proyecciones comunitarias de Nuestra tierra modificaron su relación con el trabajo audiovisual. El documental parte del asesinato del dirigente indígena Javier Chocobar, cometido en 2009, y del juicio oral que condenó en 2018 al terrateniente Darío Amín y a sus acompañantes.

A partir de ese caso, reconstruye las disputas históricas por la tierra de la comunidad Chuschagasta, en Tucumán. La directora explicó que el equipo dedicó años a encontrar una forma para narrar un conflicto conocido en la Argentina, pero que a menudo queda neutralizado por la distancia o la repetición. “Teníamos anticuerpos perceptivos suficientes para que no nos importe, para que no nos haga mella el padecimiento de esas personas”, dijo sobre la desposesión territorial que padecen las comunidades indígenas.

Martel señaló que la investigación reunió miles de páginas de expedientes judiciales, cientos de horas de conversaciones y unas 5.000 fotografías. El desafío, planteó, fue elegir qué materiales compartir y cómo organizarlos para transmitir “la dimensión humana” de vivir bajo la amenaza de un desalojo.

“A mí lo que más me importa, sinceramente, [es] pensar en mis contemporáneos del norte argentino”, sostuvo. Para Martel, el problema tiene una urgencia particular en esa región, donde, según dijo, se han construido explicaciones para eludir la responsabilidad sobre las decisiones de propiedad y distribución de la tierra. “Un país que tiene una parte importante de su población permanentemente humillada es un país condenado al fracaso”, sostuvo. “Despreciamos y humillamos a una parte importante de nuestros ciudadanos”.

La directora relacionó su interés por el sonido y la oralidad con una concepción de la conversación como experiencia. “Si vos te ponés a charlar bien, con entusiasmo con alguien, enseguida ese alguien te va a transmitir una experiencia de espacio”, explicó. Al terminar esa conversación, añadió, “tu experiencia de espacio, de alguna manera, se ha extendido”. “A la propia de tu vida le agregaste la que te ha transmitido esa persona”, dijo sobre el intercambio oral. Esa mirada atraviesa también Un destino común, el libro de Caja Negra que reúne conferencias e intervenciones públicas de Martel y que fue mencionado en la charla.

Martel contó que empezó a dar conferencias después del estreno de La mujer sin cabeza en la Tate Modern. Aunque valoró la institución, recordó haber sentido que esa circulación internacional no respondía al objetivo que imaginaba para sus películas. “Yo quería estar con una comunidad”, resumió. “Quería estar donde yo siento que puede incidir la película en transformar el mundo”.

En ese marco, propuso recuperar la palabra “utilidad” para pensar el arte. Para ella, una obra puede ser útil cuando modifica la percepción de quien la recibe y habilita preguntas sobre lo arbitrario, lo doloroso o lo posible. “El cine no es sobre la verdad”, afirmó. “El cine es sobre cómo se construyó la verdad y si sirve para algo, la verdad”.

Al referirse a las respuestas frente a la violencia y a la concentración de poder, Martel cuestionó la idea de resistencia como única estrategia. “La invención es todo lo contrario a la resistencia”, dijo, y propuso observar la capacidad de adaptación de ratas y cucarachas para encontrar nuevos circuitos de supervivencia. “Frente a la violencia que ejerce el poder sobre la ciudadanía, la respuesta es la invención”, sostuvo. Para la directora, pensar el futuro implica ante todo imaginar acciones presentes que den “deseos de seguir en este planeta”.

También recomendó pequeños gestos para sustraerse a la atención capturada por las redes sociales: usar la cámara del teléfono para observar el entorno, volver a los lugares filmados, escribir un cuento o conversar con un vecino. “Tenemos que conquistar de nuevo” el espacio del planeta, dijo.

Hacia el final, Lucrecia Martel anunció que escribe una película de ciencia ficción. “Voy a tratar de juntar muchísimo dinero, no sé si eso va a ser posible, y voy a intentar que sea un éxito de público”, declaró. La directora pidió a los asistentes que compartieran sus propios proyectos y deseos con otras personas: “Declaren sus deseos a sus amigos, que yo se los declaro a ustedes, y después veamos si lo logramos”.

Creada en 2004, la Bienal se realiza de manera ininterrumpida y es considerada el festival de fotografía más antiguo de la Argentina. A lo largo de sus ediciones se consolidó como un espacio de referencia para el debate, la formación y la circulación de la fotografía documental en América Latina. La institución es, además, miembro fundador de la International Photography Festivals Association (IPFA), lo que refuerza su posición dentro del circuito internacional de festivales dedicados al género.

La apertura oficial de esta edición tendrá lugar en el Museo Casa Histórica de la Independencia, punto de partida de una programación que se extenderá durante cuatro días por las principales sedes culturales de la ciudad.

El encuentro convocará a fotógrafos, artistas visuales, curadores, investigadores, editores y estudiantes provenientes de Argentina, Chile, Perú, Brasil, Paraguay, Estados Unidos y Bulgaria. Esa diversidad de procedencias es uno de los elementos que, según los organizadores, consolidan a Tucumán como una referencia continental para la fotografía contemporánea. Entre los invitados centrales figura Ataúlfo Pérez Aznar, considerado una figura fundamental de la fotografía argentina contemporánea, quien presentará una exposición especialmente invitada y participará de distintas actividades públicas durante el festival.

Las exposiciones, entre lo histórico y lo contemporáneo

La programación expositiva incluirá una muestra dedicada al fotógrafo peruano Martín Chambi, uno de los grandes referentes históricos de la fotografía latinoamericana. Se sumarán trabajos de María de la Paz Gutiérrez, Ana Sabiá (Brasil), Daphne Carlos (Perú) y Diegx Argota (Chile), entre otros artistas argentinos e internacionales. Las curadurías estarán a cargo de Jazmín Tessone, Juan Travnik y David Pujadó, entre otros profesionales invitados.

En total, la Bienal ofrecerá 19 exposiciones distribuidas en el Centro Cultural Virla y el Museo de la Universidad Nacional de Tucumán (MUNT), a las que se sumarán intervenciones y propuestas en el espacio público que ampliarán el recorrido por el circuito cultural de la ciudad.

La agenda académica contempla seis talleres intensivos dictados por figuras del pensamiento y la producción visual contemporánea, entre ellas Ana Longoni, Cora Gamarnik, Stefi Wolff y Nicolás Pousthomis. También participará Silvia Spitta, profesora del Dartmouth College e investigadora especializada en estudios visuales y fotografía latinoamericana, quien desarrollará actividades académicas y de intercambio con investigadores y estudiantes locales.

Como en cada edición, la Bienal contará con un amplio programa profesional que incluirá el visionado de alrededor de 200 portfolios, a cargo de fotógrafos, editores, curadores, directores de galerías y especialistas internacionales. A esa actividad se sumarán una feria de fotolibros, presentaciones de libros, proyecciones y encuentros abiertos con autores, pensados para favorecer el intercambio entre profesionales y público general.

La propuesta combina exhibición, formación, pensamiento crítico y producción de redes internacionales, un esquema que, cada dos años, convierte a la ciudad en escenario de debate sobre el presente y el futuro de la imagen documental.

Información general:

• Cuándo: del 7 al 10 de octubre.
• Dónde: apertura en el Museo Casa Histórica de la Independencia; exposiciones en el Centro Cultural Virla y el Museo de la Universidad Nacional de Tucumán (MUNT), además de intervenciones en el espacio público.
• Más información: Instagram @fotobienal y www.fotobienal.com.ar.

Meta y YouTube confirmaron que aceptarán anunciar el documental Musk, dirigido por Alex Gibney, luego de haber rechazado inicialmente esas publicidades por considerarlas contenido político.

La marcha atrás llegó un día después de que The Hollywood Reporter publicara que Meta, YouTube, TikTok y la red X, propiedad de Elon Musk, se habían negado a correr avisos pagos para el tráiler de la película.

“Esto fue un error y estamos restaurando los anuncios”, dijo un vocero de Meta en un comunicado enviado a TheWrap el sábado.

YouTube emitió una explicación distinta a través de su cuenta oficial. “El tráiler siempre estuvo disponible en YouTube. Cuando se envió como anuncio, fue restringido temporalmente por nuestro sistema. Tras la revisión, el anuncio fue habilitado para funcionar”, señaló la plataforma de Google.

Cuál es el origen del rechazo de la publicidad del documental

Según The Hollywood Reporter, Meta, TikTok y YouTube habían justificado el bloqueo por tratarse de contenido político, una categoría sujeta a distintas restricciones en cada plataforma.

Meta había anunciado el año pasado que dejaría de aceptar publicidad política en la Unión Europea, mientras que TikTok directamente no admite ese tipo de avisos en ningún mercado.

No quedó claro, sin embargo, de qué manera el tráiler de un documental podía encuadrarse como publicidad de campaña electoral. El distribuidor estadounidense del filme, Bleecker Street, había dicho a The Hollywood Reporter que apeló los rechazos de las plataformas.

El rechazo de X resultó menos sorpresivo: Musk, dueño de esa red social, había escrito públicamente que “la mierda de perro merece más respeto que Gibney”, en referencia al director del documental.

Un estreno con repercusión previa

Musk, de casi cuatro horas de duración, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia a comienzos de septiembre y recibió críticas mayormente favorables.

Gibney había dirigido antes documentales como Going Clear, sobre la Iglesia de la Cienciología, y The Inventor, centrado en Elizabeth Holmes y el caso Theranos, además de una película sobre Steve Jobs.

Pese a la buena recepción crítica, The Hollywood Reporter también informó que Universal Pictures dudaba sobre su compromiso de distribuir el filme a nivel internacional, por temor a molestar a la administración de Donald Trump. Universal aclaró luego que estrenará el documental en salas, aunque todavía define su estrategia de lanzamiento.

TikTok y X no respondieron a los pedidos de comentario de TechCrunch ni confirmaron si revertirán su postura sobre los anuncios del documental.

Con tres capítulos que suman 153 minutos, esta serie documental, que llegará a Netflix el 18 de diciembre, cierra el círculo sobre un suceso del que sus protagonistas nunca imaginaron que iban a seguir hablando más de medio siglo después y que había mantenido separados estas cinco décadas a los vivos de los allegados de los muertos.

El “reencuentro” lo propició La sociedad de la nieve, el filme de 2023 en el que Bayona ficcionó la tragedia y que, en un principio, iba a proyectar por separado a unas y otras familias.

Sin embargo, Gustavo Zerbino, uno de los supervivientes, decidió romper con una situación “enquistada” desde entonces, cuando fueron rescatados y se supo que se habían mantenido con vida durante 72 días porque se alimentaron de los cuerpos de los fallecidos.

“El motor de la serie fue esa proyección improvisada. Cuando acabó, todos se abrazaron y lloraron juntos. Esto te da una idea de adónde puede llegar la ficción, de cómo nuestro trabajo puede darle sentido a la tragedia”, explicó Bayona en San Sebastián.

Lo que pasó después del rescate

Más allá de la sociedad se estrena este miércoles en el Festival de San Sebastián, en la Sección Oficial fuera de concurso, con la presencia de sus creadores, que han hablado de los dos años de rodaje del documental para contar lo que pasó después del rescate, que es el momento final de la película.

Junto a ellos estuvieron también Stella Pérez del Castillo, familiar de uno de los fallecidos; Eduardo Strauch, superviviente, y el actor Enzo Vogrincic, que interpreta a Numa Turcatti, uno de los 29 que no regresaron, y que también tiene un protagonismo especial en la miniserie como parte de una ficción que ha sido sanadora para unos y otros.

“Ver la película fue un cambio radical para nosotros. Me preguntaron luego si estaría dispuesta a dar entrevistas. ‘Con ustedes, sí’, les dije, ‘porque sé cómo han tratado el tema y eso me da tranquilidad’. El documental me abrió el corazón y estar aquí representando a todas las familias de los que no volvieron es como estar viendo la película”, destacó Stella Pérez del Castillo.

Strauch aseguró, por su parte, que estaba “esperando desesperadamente a que la historia se contara por un director latino”.

“Siempre he dicho que no había necesitado ayuda psicológica, pero veo que he estado haciendo autoterapia y que hablar de ello me viene muy bien”, remarcó.

Bayona dijo que en las historias de supervivencia “se utiliza la frase de ‘regresar para contarlo’”. Ellos han aprendido a contar la de la tragedia de los Andes “para no hacer daño” a quienes tuvieron que vivir un largo duelo tras el rescate.

El paso del tiempo y el “cambio generacional” les permitió acercarse a quienes perdieron a sus seres queridos, que se han abierto no solo al equipo de la película, sino a aquellos que lograron sobrevivir al accidente y con los que no existía relación, pese a que muchos eran amigos e integrantes del mismo equipo de jugadores de rugby que se embarcaron en aquel vuelo 571 con destino a Chile.

“Este es el relato que ellos querían tener y que es la historia de 45 familias en las que nadie sobrevivió del todo y nadie murió del todo”, subrayó Bayona.

Fuente: EFE.

Fotos: Gari Garaialde / prensa SSIFF.

Video: Netflix.

Jennings, que ya había trabajado con la banda en los videos de “Help the Aged” (1997) y “A Little Soul” (1998), estructura el relato en torno a dos conciertos filmados en el O2 Arena de Londres los días 13 y 14 de junio de 2025, interrumpidos elegantemente por material de archivo. El montaje, a cargo de Barney Pilling (editor de El Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson), rompe la lógica habitual de la película de concierto: en lugar de ofrecer el show como un bloque continuo, lo fragmenta en interludios que funcionan casi como cortes comerciales, un recurso que aleja al filme de cualquier registro promocional convencional y lo acerca más a un collage audiovisual que a un documental musical más.

A diferencia de las películas musicales que usan el show final como clímax resolutivo, el recital opera aquí como marco activo desde el cual se examina la trayectoria completa del grupo. ¿Qué harías... explica de manera cronológica cómo Pulp llegó a colmar estadios en 2025; en cambio, contrapone la realidad triunfal del presente con la vulnerabilidad y la incomodidad social de sus orígenes. Esa estructura fragmentada resuena con la propia historia de la banda, marcada por salidas en falso y décadas de irrelevancia previas a su explosión comercial en los noventa, los años del britpop y la Cool Britannia del primer ministro laborista Tony Blair.

El relato recae casi por completo en la perspectiva subjetiva de Jarvis Cocker, inspirado narrador con ese tono pausado y un acentro inglés inevitablemente norteño. La película prescinde de entrevistas con otros miembros de la banda: el vocalista no aparece frente a cámara en formato de “cabeza parlante”, sino que su narración en off lee extractos de sus diarios adolescentes y pasajes de su libro de memorias Good Pop, Bad Pop (2022).

Esta subjetividad extrema conlleva omisiones deliberadas, como la protesta de Cocker contra Michael Jackson en los premios BRIT de 1996 o el estatus del grupo en Glastonbury 1995. En cambio, el relato prioriza la intimidad: el documental detiene el concierto para ofrecer un segmento acústico en homenaje al bajista Steve Mackey, fallecido en 2023, que reconfigura la película hacia una meditación sobre el duelo.

El pop como acto de reciclaje

El discurso de Jarvis Cocker a lo largo del filme funciona como una tesis sobre la marginalidad y la identidad de clase. “Este filme será como ir a un mercado de pulgas. Rebuscar entre pilas de basura para encontrar el oro que necesitamos para contar una historia”, afirma el cantante, en una declaración que funciona como el manifiesto metodológico de la película. La analogía conecta con la estética histórica de la banda, desde la ropa de segunda mano que los caracteriza hasta los sintetizadores económicos que definieron su sonido.

El cantante, letrista, compositor y cara visible de la banda (él es Pulp, qué duda cabe) también atribuye a la música un carácter casi fenomenológico: “Las canciones contienen bolsillos de energía de tu vida pasada que se liberan de nuevo cuando las interpretas. Son verdaderos viajes en el tiempo, mucho mejores que Doctor Who”. Con esa idea, despoja a la gira de reunión del cinismo financiero que suele acompañar los regresos de bandas veteranas a los grandes estadios (¿alguien dijo “Oasis”?). En paralelo, el documental exhibe un cuaderno escolar que Cocker escribió a los 15 años, con un “plan maestro” que detallaba el vestuario y la trayectoria de la banda mucho antes de que sus integrantes supieran tocar instrumentos, lo que sitúa la teatralidad del grupo como una ambición calculada desde la adolescencia y no como un producto del mercado pop de los noventa. “Para mí, el pop no tenía nada que ver con la realidad. Era una mejora de la realidad”, sostiene Cocker en otro pasaje, en referencia a su necesidad de escapar del declive industrial de la gris Sheffield a través de la televisión.

El registro del recital exhibe una puesta en escena que amplía significativamente la formación clásica de Jarvis Cocker, Candida Doyle, Nick Banks y Mark Webber. Se suman el bajista Andrew McKinney, músicos de percusión y sintetizadores, y una sección de cuerdas de diez integrantes llamada Elysian Collective. El escenario, con plataformas estratificadas y un fondo panorámico de motivos galácticos, transforma cada canción en una pieza escenográfica distinta: “Spike Island” arranca con siluetas proyectadas contra una “luna azul” antes de que el cantante emerja del subsuelo; la oscura “This Is Hardcore” recrea un ambiente gótico con Cocker recostado en un sillón bajo un candelabro; y “F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.” convierte los arreglos originales de Barry White en un paisaje industrial disonante.

La dirección de Jennings encuentra su momento más audaz en el super hit “Common People”, cuando cede el control de la cámara al propio Cocker. El cantante empuña un dispositivo portátil y filma directamente al público desde el borde del escenario; ese metraje crudo e inestable se proyecta en tiempo real sobre la pantalla del estadio. El gesto rompe deliberadamente la cuarta pared y convierte un recurso técnico modesto en la resolución visual de la canción: el público, antes objeto de la letra, pasa a ser sujeto de la imagen. Es en esa clase de decisiones, más que en la escala del espectáculo, donde el filme se despega del rockumentary tradicional y se acerca a un ejercicio de estilo.

Una infancia forjada por la televisión

Más allá del concierto, el tratamiento del material de archivo constituye el rasgo más singular de la película. El director intercala las interpretaciones en vivo con anuncios televisivos de los años setenta y ochenta, apariciones de la banda en programas infantiles como Live & Kicking y TFI Friday, y fragmentos de series de ciencia ficción como Star Trek y Doctor Who. Esa selección sostiene una idea central: a diferencia de bandas del Britpop como Blur, Suede u Oasis, que basaron su identidad en el linaje del rock británico de los sesenta, Pulp construyó su mitología a partir del consumismo televisivo de masas como vía de escape de la depresión económica de Sheffield.

El archivo también incorpora material inédito, entre ellas fotografías polaroid de un joven Cocker (“me gastaban todo el tiempo diciendo ”ahí viene Elvis Costello”, confiesa él mismo) ensayando con las primeras formaciones del grupo y grabaciones caseras de su madre y su abuela, que documentan una crianza en un hogar matriarcal. Para acompañar la interpretación acústica de “Something Changed”, la película superpone un montaje retrospectivo de Cocker junto a Steve Mackey a lo largo de las décadas, en lo que constituye el centro emocional del filme. El resultado es una estructura que abandona la linealidad esperable del biopic musical y se organiza, en cambio, como una memoria asociativa: el pasado no se explica, aparece. Si se quiere aplicar el mismo razonamiento para el objeto central de esta obra audiovisual, se puede decir: Pulp no se explica, aparece.

[Fotos: prensa Mubi]

La separación de Jesse & Joy volvió a la conversación después de que Joy Huerta enfrentara sola a la prensa y llorara al hablar del futuro del proyecto musical que construyó con su hermano.

El episodio alimentó versiones entre seguidores sobre una posible fractura personal entre ambos. En ese clima, el documental de los hermanos recobró interés porque expone momentos de su historia familiar que ayudan a comprender la cercanía, los conflictos y la forma en que la música se convirtió en un espacio compartido para los dos.

Joy lloró ante la ausencia de Jesse y el dúo mantendrá actividades

La controversia creció el 22 de septiembre, cuando Jesse no acudió a una conferencia de prensa sobre los próximos planes de Jesse & Joy. Joy quedó como única vocera ante los medios y se quebró al referirse a la incertidumbre que enfrenta.

“No está aquí la persona con la que construí todo esto”, expresó Joy ante la prensa. La cantante contó que debía procesar la ausencia de su hermano y el futuro de las presentaciones programadas.

La intérprete también sostuvo que seguirá cantando para el público, incluso ante las dudas que le provoca la nueva etapa. Su postura fue continuar con la agrupación y mantener en pie las fechas pactadas.

La situación ocurrió después de que Jesse anunciara una pausa en su trayectoria junto a Joy. El músico explicó que necesitaba cuidar su salud mental y emocional, además de atender otras dimensiones de su vida.

La residencia de Jesse & Joy en el Auditorio Nacional de Ciudad de México conserva sus compromisos. El proyecto agregó una función para el 6 de diciembre de 2026 luego de agotar las entradas para el concierto del 21 de octubre.

Jesse negó un desplante y reafirmó su vínculo con Joy

Horas después de la conferencia, Jesse Huerta publicó un comunicado en Instagram para negar que hubiera abandonado a Joy o que hubiera desairado a los medios. El cantante indicó que su equipo había informado con anticipación que no asistiría al encuentro.

El músico aclaró que cumplirá sus compromisos confirmados con Jesse & Joy hasta el 5 de diciembre. También señaló que no participará en la fecha del día siguiente, debido a la pausa que comunicó semanas antes.

“Mi hermana ha tenido y siempre tendrá todo mi amor”, escribió Jesse en el mensaje que difundió tras la polémica. El artista insistió en que respalda las decisiones de Joy y que las canciones del dúo seguirán siendo parte de ambos.

En su publicación, Jesse describió la separación temporal como una resolución dolorosa, pero necesaria para su bienestar. También pidió comprensión al público que ha acompañado al dúo durante su carrera.

La explicación del cantante contrastó con el desconcierto que mostró Joy en la conferencia. La artista afirmó que se enteró de la decisión de su hermano poco antes de que se hiciera pública, un dato que reforzó las especulaciones de los seguidores.

¿De qué trata el documental?

El documental se titula Jesse y Joy: Lo que nunca dijimos y reúne testimonios de los dos músicos sobre su infancia y adolescencia. La producción aborda la relación con su padre, Eduardo Huerta, quien fue pastor evangélico.

Cuando se anunció el estreno, Joy relató que durante años buscó una forma de salir de su casa. Jesse, por su parte, recuerda la presión que ambos sentían bajo la autoridad paterna.

“Nos tenía asfixiados a los dos”, afirmó Jesse en el avance de la serie. La declaración se refiere al control que, de acuerdo con los artistas, su padre ejercía sobre distintos aspectos de sus vidas.

Joy cuenta que su padre exigía que ella cumpliera con la imagen de “la hija perfecta”. Jesse quedó ubicado en el lugar de “la oveja negra” de la familia, en especial después de convertirse en padre durante la adolescencia.

La producción también expone que Eduardo Huerta quería involucrarse en el proceso creativo de las canciones. Jesse recordó que se molestaba cuando ellos escribían sin su participación.

La música aparece como el camino que permitió a los hermanos obtener independencia. Joy rememora que ambos consideraron necesario realizar un disco que les diera la fuerza económica y personal para salir de ese entorno.

El relato incluye la experiencia de Joy al asumir públicamente su relación con Diana Atri, quien luego se convirtió en su esposa. La cantante describe el temor que sentía por una posible ruptura con las expectativas religiosas de su familia.

Dónde ver Jesse y Joy: Lo que nunca dijimos

El documental Jesse y Joy: Lo que nunca dijimos está disponible en HBO para América Latina y el público hispano de Estados Unidos. La serie tiene cuatro episodios.

La producción se estrenó el 25 de septiembre de 2025. Allí, Jesse y Joy revisan episodios de su vida privada, la presión familiar que atravesaron y el papel que tuvo su carrera artística en su emancipación.

El documental no presenta la pausa actual como consecuencia de aquellos hechos, ya que fue realizado antes de la crisis que se hizo pública en septiembre de 2026.

Tampoco hay una confirmación de los hermanos que vincule su historia familiar con la decisión de Jesse de alejarse temporalmente del proyecto.

La serie sí permite conocer una parte de la relación que ambos construyeron antes y durante su carrera. Por eso, tras las imágenes de Joy llorando y la posterior aclaración de Jesse, los seguidores volvieron a buscarla como una referencia para entender la dimensión humana detrás de Jesse & Joy.

El documentalista chileno Patricio Guzmán, fallecido el martes 15 de septiembre a los 85 años, será despedido en el cementerio parisino de Père Lachaise el viernes 25 de septiembre, informaron fuentes de la distribuidora de sus películas en Francia. En un escueto mensaje, la familia hizo saber que la despedida tendrá lugar a las 13:30 horas en el crematorio del famoso campo santo de la capital francesa, donde se encuentran las tumbas de personajes ilustres como Jim Morrison, Édith Piaf o Frédéric Chopin, entre muchos otros.

El aclamado cineasta, radicado en Francia hace más de cuatro décadas, realizó más de una veintena de películas, en su mayoría trabajos documentales. Entre ellos destaca sobre todo La Batalla de Chile (1975-1979), una trilogía que retrata los álgidos años de la Unidad Popular (1970-1973) y la desestabilización política que culminó en 1973 con el golpe de Estado contra Salvador Allende.

La película, que Guzmán tuvo que sacar clandestinamente del país a causa de la persecución de la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990), se transformó en el documental latinoamericano más difundido de la historia y una obra de referencia del documental político a nivel global.

Quién fue Patricio Guzmán

Patricio Guzmán, el documentalista chileno fallecido el martes 15 de septiembre en París a los 85 años, construyó a lo largo de más de cinco décadas una obra centrada en examinar el pasado reciente de Chile a través de la exploración de la memoria colectiva. Exiliado en Francia tras el Golpe de Estado de 1973, Guzmán desarrolló desde el extranjero un método de trabajo que combinó el registro histórico con una reflexión personal sobre el desarraigo y el olvido, rasgos que definieron su estilo y lo distinguieron dentro del cine documental latinoamericano. Su filmografía abordó de manera recurrente la dictadura de Augusto Pinochet y sus consecuencias sociales, un eje temático que sostuvo a lo largo de toda su carrera.

Entre sus trabajos más reconocidos figuran Nostalgia de la luz, que vinculó la búsqueda astronómica en el desierto de Atacama con la búsqueda de restos de detenidos desaparecidos, y El botón de nácar, centrado en la relación entre el agua, la historia de Chile y la represión política. Con La cordillera de los sueños completó una trilogía geográfica y simbólica que cerró su indagación sobre el territorio chileno como testigo de la violencia estatal. Guzmán también dirigió El caso Pinochet y Chile, la memoria obstinada, títulos que reforzaron su papel como uno de los principales registros audiovisuales de la Unidad Popular y del período posterior al golpe militar. Su obra, distribuida y proyectada en festivales y plataformas internacionales, consolidó un archivo documental que hoy funciona como referencia para el estudio de la historia reciente chilena.

En 2023, Guzmán recibió en Chile el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales, un galardón que se sumó a otros logros como el Oso de Plata al mejor guion de la Berlinale en 2015 por su documental El botón de nácar o el Goya a la mejor película iberoamericana en 2022 por La cordillera de los sueños, primer documental que logró ese premio. Por ese título se llevó además el reconocimiento a mejor documental en el festival de Cannes, y por Nostalgia de la luz el Premio del cine Europeo a mejor documental en 2010.

Fuente: EFE

[Fotos: archivo]

La Asociación Nacional de Magistrados de Circuito y Jueces de Distrito del Poder Judicial de la Federación (JUFED) compartió este 17 de septiembre de 2026 el documental Cuando perdimos el juicio: crónica de la Reforma Judicial en México, a dos años de la firma del decreto de la Reforma del Poder Judicial y a un año de su implementación.

Señaló la JUFED que el material reconstruye los hechos que, según la organización, fracturaron la división de poderes y afectaron la independencia judicial.

El documental reúne testimonios sobre las movilizaciones de trabajadores del Poder Judicial de la Federación, las irregularidades legislativas durante la aprobación de la reforma y el debilitamiento de la meritocracia en la impartición de justicia. También aborda las tensiones políticas, la resistencia de juzgadoras y juzgadores de carrera y las advertencias de organismos internacionales.

La producción fue impulsada por Juicio Justo, la Fundación Konrad Adenauer Stiftung y el Rule of Law Lab / NYU Law, bajo la dirección de Amir Galván. La JUFED informó que el documental puede consultarse en el sitio oficial https://www.cuandoperdimoseljuicio.org/ y en YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=t5JdcseFCVg&feature=youtu.be.

Suprema Corte enfrenta un déficit de 130 millones de pesos mientras busca abatir el rezago

El ministro presidente de la Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN), Hugo Aguilar Ortiz, afirma que el filtro más estricto para admitir expedientes ha reducido cerca de 30% los asuntos que llegan al Máximo Tribunal, una medida con la que busca abatir el rezago mientras enfrenta un déficit de 130 millones de pesos, el debate por el seguro médico de trabajadores y una resolución pendiente sobre prisión preventiva oficiosa antes de que termine 2026.

La Comisión Interamericana de Derechos Humanos fijó ese plazo para eliminar la prisión preventiva oficiosa. Aguilar se comprometió a resolver el asunto este año, aunque no adelantó cuál será el sentido de la determinación de la SCJN.

En entrevista con Infobae México, el ministro presidente evaluó como positivo su primer año de gestión y señaló que aún le resta un año al frente de la institución. Por ello, consideró que “no es el momento” de discutir una eventual alternancia en la presidencia.

Corte admite menos casos para reducir el rezago

La Secretaría General de Acuerdos revisa ahora de manera exhaustiva cada asunto antes de admitirlo. Los expedientes que no puedan fijar un criterio útil para el sistema jurídico nacional dejan de llegar al pleno.

Aguilar sostuvo que el propósito es impedir que los mecanismos judiciales se utilicen “para retrasar la solución de los conflictos”. También aseguró que antes algunos asuntos eran admitidos “solo para guardarlos en el cajón”, una práctica que, dijo, ya no ocurre.

“Para abatir rezago necesitamos sacar más asuntos que los que ingresan”, afirmó. El ministro presidente indicó que la salida de expedientes ya comienza a superar la entrada de nuevos casos.

El tiempo para que un expediente llegue a la mesa de los ministros pasó de tres meses a entre 15 y 20 días. Aun con esa reducción, mencionó un engrose —el ajuste final de una sentencia— que permaneció dos años sin concluirse y un caso que acumula cuatro años de rezago.

Entre las modificaciones atribuidas a su administración está un sistema informático que distribuye los asuntos de manera aleatoria. La Suprema Corte también permite dar seguimiento a los expedientes mediante códigos QR desde cualquier punto del país.

La digitalización será progresiva y conservará apoyo para las personas que no tienen acceso a internet, de acuerdo con Aguilar.

El seguro de 288 trabajadores depende del presupuesto disponible

La restitución del seguro de gastos médicos mayores para 288 trabajadores de la SCJN no está decidida y solo procederá si existe suficiencia presupuestaria, explicó Aguilar. La institución enfrenta un déficit de 130 millones de pesos y la medida no incluye a los ministros.

El tema cobró atención pública luego de que la presidenta Claudia Sheinbaum lo abordó. El ministro presidente sostuvo que se difundió información parcial sobre el posible regreso de la prestación.

Aguilar también respondió a los señalamientos por las camionetas adquiridas al inicio de su gestión. Defendió que eran vehículos de gama baja, comprados tras dictámenes técnicos debido al mal estado de las unidades anteriores.

Las camionetas ya fueron reasignadas a jueces y magistrados que las requieren en mayor medida, señaló.

Aguilar anuncia foros públicos ante reuniones con empresarios

La fotografía de la ministra Lenia Batres con el empresario Carlos Slim abrió cuestionamientos sobre un posible cabildeo empresarial dentro de la Corte. Aguilar defendió que el tribunal mantenga una política de puertas abiertas con sindicatos, empresarios, banqueros y periodistas.

El presidente de la SCJN anunció foros públicos desde septiembre para transparentar el diálogo con esos sectores. “No puedo decir que hay un sector que incide” en las decisiones del Pleno, declaró, al sostener que los ministros se guían por “la Constitución, la sensibilidad y el sentido de justicia”.

El cineasta, a quien Esquire describió alguna vez como alguien que estaba “convirtiéndose en el documentalista más importante de nuestra época”, ha abordado a Enron, Eliot Spitzer, Vladimir Putin y Elizabeth Holmes. Ahora puso la mirada sobre el hombre más rico de la historia del mundo. Musk, de 3 horas y 45 minutos —más un intermedio de 10 minutos—, llega a los cines el 16 de octubre, pero ya está generando revuelo.

El documental, que abarca desde sus primeros días en Silicon Valley, sus incursiones en el Departamento de Eficiencia Gubernamental (DOGE) y la adquisición de Twitter, hasta su ascenso como el primer billonario del mundo, retrata a Musk como un estafador emocionalmente inestable con más poder e influencia que quizá cualquier otro ser humano que haya existido. Gibney no se guarda nada, ni en el documental ni en las entrevistas sobre la película, en las que calificó el poder y la influencia de Musk como “extremadamente peligrosos para la democracia mundial”.

“Lo que descubrí fue que la historia de Musk no era una nueva historia tecnológica”, dijo Gibney en el Festival de Cine de Venecia a principios de este mes. Y agregó que es “realmente la historia de un vino viejo en una botella nueva. Resulta que su historia es la del embaucador, el inflador de acciones. Su riqueza y poder provienen de acciones infladas, así que ya había contado esa historia antes con Enron y con Elizabeth Holmes, y por eso era una historia extrañamente familiar para mí”.

Como era de esperarse, Musk no se siente precisamente halagado por la representación. “Gibney simplemente reunió una lista de personas que o bien tienen un hacha que afilar o ni siquiera me conocen —pero igualmente tienen un hacha que afilar—”, tuiteó Musk la semana pasada. “Tiene CERO integridad. Un ser humano horrible”.

Alex Spiro, abogado del magnate, envió una carta a Jigsaw Productions, la productora de Gibney, amenazando con presentar una demanda por difamación, según The Hollywood Reporter. Las acusaciones se centran en un intercambio de mensajes entre Musk y Ashley St. Clair, una expareja con quien tiene un hijo, que aparece en la película. Ahí, Musk le dice a St. Clair que se siente más optimista sobre las elecciones de 2024, en las que apoyó al presidente Donald Trump, porque “mañana liberamos la anomalía en la matriz”. Añade: “Ahora mismo tengo más de 10 mil láseres en el espacio”.

Vi Musk durante el Festival Internacional de Cine de Toronto el domingo. Hay muchísimo para analizar, pero estas son algunas conclusiones inmediatas.

Sí, es larga. Y se gana esa duración

La proyección comenzó a las 9 de la mañana y terminó a la 1 de la tarde. Si no hubiera mirado el reloj, tal vez habría calculado que habían pasado unas dos horas. Sin embargo, la película avanza con fluidez. Ayuda que sea profundamente exhaustiva: empieza con la cofundación de Zip2 en 1995 y llega hasta la incorporación de Grok por el Departamento de Defensa a principios de este verano en el hemisferio norte.

La película no arroja bombas atómicas de información nueva sobre el público. En cambio, entrelaza todos los hilos dispersos del imperio y de la vida de Elon Musk que probablemente uno conoce vagamente —Tesla, SpaceX, su pronatalismo extremo, sus cambios políticos, Grok, Twitter, DOGE, Starlink— en un contundente estudio de carácter sobre un hombre que quizá alguna vez creyó realmente en el futurismo y en ayudar a la humanidad.

Pero que, según lo presenta el documental, se ha convertido en un estafador megalómano, hambriento de poder y con un complejo de dios.

Un Musk generado por computadora

La película comienza con Musk hablando sobre la teoría de la simulación, la idea de que todos vivimos en realidad dentro de una simulación informática. Para explicar por qué cree que podría ser cierta, señala el rápido avance de los videojuegos, desde Pong hasta los juegos de rol multijugador masivos en línea (MMORPG) hiperrealistas y dinámicos, que miles de personas en todo el mundo juegan simultáneamente. Si pudimos dar ese salto en 50 años, razona, ¿cómo no habríamos llegado ya al punto de crear una simulación real de la vida?

Cuando el documental se anunció por primera vez, antes de que el director se acercara al protagonista de la historia para entrevistarlo, el magnate tecnológico tuiteó: “Gibney es un idiota”. Puede suponerse con seguridad que no participa en la película. Como alternativa, el realizador recurrió al interés de Musk por la teoría de la simulación y generó un inquietante avatar digital animado de Musk. El equipo utilizó IA para sincronizar los labios del avatar con declaraciones reales que Musk hizo.

La película va más allá y utiliza una estética de videojuego a lo largo de toda la película —un guiño a la adoración de Musk—. Por ejemplo, cuando este realiza recortes masivos en el gobierno federal como jefe de DOGE, la película se convierte en un videojuego de disparos en primera persona en el que Musk empuña una motosierra animada.

La vida privada —muy privada— de Musk

Los aspectos más cargados emocionalmente de la película surgen durante las entrevistas con exparejas sentimentales de Musk. Su primera esposa, Justine Musk, con quien tuvo seis hijos, dice que aprendió el término gaslighting —manipulación psicológica para hacer dudar a alguien de su propia percepción— a través de su relación.

Su primer hijo, Nevada, murió por el síndrome de muerte súbita del lactante 10 semanas después de nacer. En noviembre de 2022, Musk tuiteó: “Mi primer hijo murió en mis brazos. Sentí el último latido de su corazón”. Pero Justine afirma que, en realidad, ella sostenía a Nevada.

Con voz temblorosa, Justine dice que no era extraño que Musk tergiversara la realidad y la presentara como verdad, que la criticara e intentara controlarla. Mientras bailaban en su noche de bodas, Musk le dijo: “Yo soy el alfa en esta relación”.

“Él inventaba el terreno de la conversación y te expulsaba de él”, dice, y añade que su matrimonio era “guerra, paz, guerra, paz”.

“Soy tu esposa, no tu empleada”, recuerda haberle dicho una y otra vez. Luego recuerda su respuesta: “Si fueras mi empleada, te despediría”.

Según St. Clair, la exinfluencer del movimiento MAGA con quien Musk tiene un hijo, intenta desesperadamente mantener su vida privada en reserva. El empresario le ofreció 15 millones de dólares y 100.000 dólares mensuales durante 21 años para que firmara un acuerdo de confidencialidad que le exigía no compartir la paternidad de su hijo Romulus con nadie, excepto con el propio Romulus.

Musk se acercó por primera vez a ella a través de Twitter, algo que, según afirma, no es inusual en él. Dice que desde entonces ha escuchado a muchas otras mujeres jóvenes a las que contactó por Twitter para ofrecerles donarles su esperma, en su ferviente intento pronatalista de poblar el mundo con su descendencia. “Es como una ametralladora de esperma en sus mensajes directos”, dice.

La música Grimes, con quien comparte tres hijos, también aparece brevemente en el documental. La película detalla que, mientras estaban esperando a su segundo hijo juntos, Musk tuvo en secreto gemelos mediante fertilización in vitro con su colega Shivon Zilis. Más tarde, los dos mantuvieron una disputa por la custodia de sus tres hijos, quienes, según Grimes, fueron llevados por él.

Uno de los objetivos de Musk, plantea el documental, es tener tantos hijos como sea posible. Le escribió a St. Clair que quería crear “una legión de niños antes de la guerra civil”.

En una voz en off, Gibney dice que se conocen 14 hijos de Musk, aunque probablemente haya muchos más. Musk construyó un complejo en Austin para los niños y sus madres. Su razonamiento, según la periodista tecnológica Kara Swisher: “Tengo genes superiores y necesito procrear”.

Los padres de Musk también aparecen en el documental. Cabe señalar que su padre, Errol, dijo a The Sun en 2022 que “lo único que hacemos en la Tierra es reproducirnos”. Estaba defendiendo el hecho de haber tenido un segundo hijo con su hijastra. Sí, leíste bien. Errol describe la infancia de su hijo como una época marcada por el acoso y las palizas. Su madre, Maye, por su parte, describe un hogar caótico en el que Errol le decía tres veces al día que era estúpida y fea, antes de golpearla ocasionalmente.

“Hábil inventor de su propio valor”

Uno de los recursos de Gibney como cineasta es mostrar cómo Musk presenta sus empresas y sus logros antes de exhibir la realidad detrás de ellos. “Era un hábil inventor de su propio valor”, dice Gibney en voz en off.

Uno de los pasajes más extensos de la película se centra en Tesla y muestra varias contradicciones entre las declaraciones públicas y los hechos reales.

Durante una presentación, Musk afirma haber resuelto el mayor obstáculo de los autos eléctricos —la limitada duración de la batería— mediante estaciones que intercambian rápidamente una batería de más de 450 kilos por otra. Luego, la película pasa a la única estación que realmente se construyó: una instalación piloto en Harris Ranch, California.

Sin embargo, el interés principal de Gibney en Tesla son las frecuentes afirmaciones de Musk de que los autos pueden conducirse solos. Muestra múltiples fragmentos en donde dice que se pueden jugar videojuegos o tomar una siesta mientras el auto conduce. También exhibe el famoso video con “Paint It Black”, que supuestamente demostraba esa tecnología, solo para que un exingeniero de Tesla admita que estaba dentro del auto escribiendo código sobre la marcha para hacerlo funcionar, y que aun así el video necesitó edición.

Para ahorrar dinero, añade la película, Tesla utilizó cámaras en lugar de avanzados sensores para guiar el piloto automático. Luego presenta estremecedoras imágenes de accidentes mortales que, según sostiene, fueron provocados por el piloto automático. Hasta ahora, el piloto automático defectuoso habría causado más de 60 muertes. Se desconocen los detalles de la mayoría de los casos, ya que Tesla llegó a acuerdos con gran parte de las familias de las víctimas.

El giro a la derecha de Elon Musk

A lo largo de la película, vemos cómo Musk revierte posturas que sostenía anteriormente cuando le resulta conveniente. Por ejemplo, pasa de ser un férreo escéptico de la IA, que creía que exterminaría a la humanidad —si no decidía mantenernos como mascotas—, a convertirse en una de las voces más fuertes a favor de la IA y a integrar su chatbot Grok en las Fuerzas Armadas de Estados Unidos.

Durante gran parte de su presencia en la escena pública, Musk no fue político. En un fragmento, dice que es socialmente liberal y que, en lo económico, está en el centro. Luego llegó la pandemia. “El covid fue el momento en el que algo cambió en su cerebro”, dice el neurocientífico y podcaster Sam Harris, quien fue cercano hasta que se distanciaron después de que este comenzara a tuitear que “el pánico por el coronavirus es estúpido”.

Musk se convirtió en uno de los críticos más ruidosos de los confinamientos y reabrió una fábrica de Tesla en el condado de Alameda, pese a las restricciones. Posteriormente se reportaron alrededor de 450 casos de covid-19. Al mismo tiempo, el gobierno abrió varias investigaciones sobre Musk y sus empresas. El documental sostiene que esa fue la verdadera razón de su acercamiento a Trump: cerrarlas.

“Si gana Kamala Harris, está acabado”, dice Swisher. “Su única opción era ayudar a Trump, y Trump lo dejaría en paz”. O, como le dijo Tucker Carlson antes de las elecciones: “Si pierde, amigo, estás jodido”. “Si pierde, estoy jodido”, responde Musk.

Hay mucho más

Esto apenas roza la superficie de una obra documental triunfal que intenta responder una pregunta formulada por St. Clair: “¿Qué está construyendo realmente Elon? ¿Cuáles son sus objetivos?”.

Está Twitter/X. Está SpaceX. Está DOGE. Está la destrucción de la Agencia de Estados Unidos para el Desarrollo Internacional y sus consecuencias globales. Hay demandas que sostienen que Grok se utiliza para crear pornografía infantil. Está Starlink. Está la forma en que todo se conecta.

Gibney no termina con una conclusión. En cambio, permite que el público decida por sí mismo qué pensar sobre esta figura casi mítica. Pero St. Clair ya tomó una decisión: “Elon es una bomba nuclear”.

Fuente: The Washington Post

Si uno quiere conocer los antecedentes históricos y diplomáticos que fundamentan nuestra soberanía sobre las Islas Malvinas, el documental “Las Razones de Malvinas” es una pieza clave para comprender por qué es legítimo el reclamo que comenzó apenas el archipiélago fue usurpado por Gran Bretaña por la fuerza el 3 de enero de 1833.

Esta pieza de 28 minutos no es bélica, aunque la guerra sobrevuela. No es un film de propaganda sino un instrumento más con sobrados elementos e hipótesis fundamentadas que explican a Malvinas como parte de un entramado colonialista, intereses económicos y como pieza geopolítica clave para el Reino Unido como proyección a la Antártida y control del paso entre los océanos Atlántico y Pacífico.

Se estrenó en vivo por YouTube y el proyecto está basado en el libro “Malvinas, un problema pendiente”, del Dr. Jorge Vicchi, Doctor en Derecho Internacional Público y titular del Instituto Argentino de Relaciones Internacionales. Vicchi, cursando una diplomatura en Relaciones Internacionales en la Escuela Diplomática de Madrid, se había abocado a realizar su tesis sobre Malvinas. Tuvo la fortuna de nutrirse de documentación británica, y elaboró un análisis lógico de la posición argentina. El libro fue publicado por dicha escuela como aporte al estudio de la problemática del conflicto austral.

Según contó Nicolás Vicchi, uno de los realizadores, la pieza busca “concientizar, formar e informar sobre la dinámica de colonización de Gran Bretaña y cómo Malvinas encaja en esa estrategia imperialista”. Vicchi, de 37 años, es un abogado ligado a la industria vitivinícola mendocina que comentó a Infobae no conoce las islas porque se niega a que le sellen el pasaporte. Aunque admite que, a partir de charlas con veteranos, ellos le enseñaron a “ver Malvinas” fuera de la guerra.

La problemática en cuatro capítulos

El documental, pensado para exhibir en colegios secundarios, universidades y público en general que se interese en la temática, invita a recorrer, capítulo a capítulo, las distintas caras del reclamo argentino. El primero, “El imperio del mar”, repasa los argumentos históricos, desde el enfrentamiento entre potencias terrestres y marítimas hasta la usurpación británica de 1833.

El segundo, “La llave del Atlántico Sur”, se adentra en los aspectos estratégicos de la zona en disputa, que muestra una didáctica síntesis de la evolución de Gran Bretaña en el concierto internacional, el nuevo orden inglés en los mares, pasando revista a las invasiones inglesas y la Vuelta de Obligado, entre otros. Según los realizadores, “es imposible entender la usurpación sin estudiar el papel de Gran Bretaña en el mundo”.

El tercero, “Las riquezas de Malvinas”, cuenta los argumentos económicos, con los recursos del Atlántico Sur desde los yacimientos de hidrocarburos, la pesca y hasta el oro y el krill, y mirando al continente blanco como la puerta de expansión territorial.

Y el cuarto, “La soberanía en disputa”, cierra el recorrido con los argumentos jurídicos, entre ellos los tratados de Tordesillas y de Utrecht, el principio de uti possidetis iuris, las resoluciones de las Naciones Unidas sobre descolonización, y la eterna puja entre la argumentación inglesa, basada en la autodeterminación de los pueblos -cambiada a partir de 1983 por los “intereses de los isleños”- y la argentina, que sostiene el concepto de integridad territorial.

Una necesaria mención a la guerra, y al heroico desempeño de quienes defendieron nuestro suelo en 1982, “invita al espectador sobre el final a la gratitud y la esperanza de cara a los esfuerzos necesarios para recuperar el archipiélago tan querido de nuestro Atlántico Sur”, según señalan.

Otro de los involucrados en este proyecto es el padre Pedro Giunta, un mendocino del Movimiento Fasta (Fraternidad de Agrupaciones Santo Tomás de Aquino), quien aseguró que percibe “una adhesión creciente a la causa Malvinas que trascienden los sucesos de 1982 y que escala año a año”. Explicó que el documental “aporta un marco conceptual a algo emocional. Malvinas no es solo la guerra, sino que también se juega el futuro”. El religioso participa de “Generación Austral”, un grupo juvenil que interpreta a Malvinas como un signo de identidad cultural argentino.

“Las Razones de Malvinas” es una coproducción entre Cumbre Contenidos, la Academia de Historia Beato Federico Ozanam, la Municipalidad de La Calera y la Asociación Civil Generación Austral. Está disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=Vu4x-86Hj8M

Con un formato ágil y cercano, el ciclo busca acompañar a estudiantes y docentes —y también a cualquier persona interesada en la problemática— a conocer de manera clara y accesible los argumentos para entender que las Malvinas fueron, son y serán argentinas.

El documental ‘Colombia: una fábrica de niños trans’, publicado en YouTube el 17 de mayo de 2026, se convirtió en tendencia y subió potencialmente el número de visualizaciones en esta plataforma a más de 3.829.580 millones luego de que se reportó el arresto de su productor y director, el creador de contenido Samuel Adrián, por “desacato”, al negarse a eliminar la producción audiovisual.

En medio de inquietudes, comentarios, juicios y cuestionamientos, este video hace una crítica directa a la “agenda transexual para los niños en Colombia”, o “la agenda ideológica más oscura del tiempo presente”, que incluyó testimonios reales de víctimas de tratamientos y atribuciones explícitas a quienes desarrollan terapias y tratamientos de reafirmación de género en el país.

Allí se presentaron denuncias contra instituciones de salud, activistas y autoridades que, según sus realizadores, promueven tratamientos de afirmación de género para menores de edad. Cabe hacer mención que, pese a que se consideraron casos de hormonización y cirugía sin consentimiento informado, en el documental no se afirmó que en el país se hacen procedimientos quirúrgicos, salvo las intenciones que están dispuestas en el proyecto de Ley Integral Trans.

La producción se apoyó en testimonios, entrevistas y fragmentos de archivos televisivos, aunque varias de las acusaciones expuestas no incluyeron respuestas de las personas e instituciones señaladas. De la misma manera, las narraciones de las personas que se sometieron a estos tratamientos incluyeron parte de su historia personal y cómo se refugiaron en la diversidad sexual tras duras situaciones en su vida, o por influencia del activismo político o mediático a través de telenovelas.

Laura cuestionó la rapidez de su proceso de atención

La pieza, además, centró parte de su relato en la Clínica de Género de la Fundación Valle del Lili, en Cali, así como a las intervenciones atribuidas al endocrinólogo pediatra Mario Angulo, fundador de esa unidad, y el testimonio de una joven identificada como Laura, cuyo caso fue conocido en Colombia por, según su denuncia, haber sido masculinizada sin su consentimiento.

La joven aseguró haberse sometido a tratamientos y a una cirugía de masculinización torácica —ya mayor de edad— después de iniciar atención médica durante la adolescencia, pero expresó no sentirse cómoda por cómo sucedieron los procedimientos.

“A los 15, como a los cuatro meses y pico de llegar a la clínica, ya me llevaron al endocrino”, relató. Según su versión, en la primera consulta con el especialista recibió una pregunta sobre una eventual mastectomía.

“En la primera consulta fue que él dijo: ‘¿Para cuándo la mastectomía?’”, afirmó Laura. La joven sostuvo que sus padres expresaron inquietudes por la velocidad del proceso y que la respuesta que recibieron fue que confiaran en el equipo médico.

También aseguró que, en una etapa posterior, recibió una dosis de bloqueadores hormonales que, según su relato, no quedó consignada en su historia clínica. “Como no te lo autorizan, yo te lo regalo”, dijo que le habrían comunicado. Esa es una acusación atribuida exclusivamente a su testimonio dentro del documental.

Laura afirmó que posteriormente se arrepintió de la transición y que la cirugía torácica afectó su proyecto de maternidad. “A pesar de que siempre dejé claro que quería tener hijos y amamantar, ya pasó lo que pasó y no, nunca voy a poder hacerlo”, manifestó.

El documental cuestionó el consentimiento informado y los protocolos médicos en Colombia

La producción sostuvo que los procesos de afirmación de género en menores requieren mayor control médico, judicial y familiar. Por ende, el abogado Pedro Contreras, que representó a Laura, afirmó en uno de los fragmentos que la familia no recuerda haber firmado un consentimiento informado cualificado.

“Ellos arrancan a intervenirla, pero en ningún momento les hacen firmar (…) el consentimiento informado que la ley exige”, declaró Contreras. Añadió que el equipo jurídico solicitó ese documento a la clínica en tres oportunidades, sin recibirlo, según su versión.

En uno de los pasajes grabados en la Fundación Valle del Lili, Samuel Adrián denunció que la clínica atendía a pacientes menores y cuestionó los procedimientos médicos de afirmación de género, presuntamente liderados por Angulo, que fue consultado por Adrián en el interior del centro asistencial, en la zona de Especialidades Pediátricas.

“Este doctor es la punta de lanza de la agenda transexual para los niños aquí en Colombia”, aseguró al referirse al cuestionado médico. Más adelante, tras una visita al centro médico, sostuvo que encontró la mencionada unidad de género que, según sus palabras, atendía a menores.

El realizador dejó claro que ingresó al hospital como infiltrado, con una cámara oculta, y reportó lo que dijo el médico sobre posibles efectos sobre la fertilidad. “Nos llevamos la sorpresa de que terminé hablando con el mismo doctor que comenzó a hormonarla desde que era menor de edad, desde los 15 años”, dijo en referencia al caso de Laura.

En otro tramo del documental, Adrián presentó otra denuncia el supuesto uso de bloqueadores hormonales y tratamientos de hormonización en adolescentes.

Mario Angulo explicó que la clínica trabaja con un equipo multidisciplinario

El doctor Mario Angulo describió en la conversación que sostuvo con Samuel Adrián el funcionamiento de la ahora cerrada Clínica de Género para Niños y Adolescentes de la Fundación Valle del Lili. Según la conversación incluida en el documental, la unidad reúne profesionales de varias especialidades.

“Nosotros hemos estructurado un equipo multidisciplinario de psiquiatría, psicología, pediatría, medicina familiar y endocrinología pediátrica para dar manejo a todo lo que es la identidad diversa en niños y adolescentes”, expresó Angulo.

El médico añadió que el equipo trabaja con pacientes menores de 18 años. Su intervención no precisa en ese fragmento cuántos pacientes han sido atendidos, cuáles fueron los tratamientos aplicados ni los criterios médicos que se usan en cada caso.

El documental también reproduce una explicación atribuida a Angulo sobre los bloqueadores de la pubertad. En ese pasaje se señala que, si un menor de sexo masculino recibe bloqueadores y continúa una ruta de afirmación de género, puede perder su fertilidad porque los testículos no se desarrollarían para producir espermatozoides.

Consta de tres episodios y aborda la vida personal y trayectoria profesional del futbolista colombiano, abarcando desde sus inicios hasta momentos clave como el Mundial 2014 y pasajes íntimos de su carrera.

“En esta serie documental, James Rodríguez, el mítico número 10 de Colombia, comparte su camino hacia la élite del fútbol y el sueño de hacer historia con la camiseta de su país”, señala la descripción en Netflix.

Cómo ver el documental de James en Netflix

Para ver el documental de James Rodríguez en Netflix, es necesario contar con una suscripción activa a la plataforma. Los planes, precios y prestaciones varían según el país.

En Colombia, Netflix ofrece tres alternativas. El plan Básico cuesta COP 18.900 mensuales e incluye reproducción en un dispositivo a la vez, resolución HD de 720p y descargas en un equipo.

El plan Estándar vale COP 29.900 al mes, permite ver contenidos en dos dispositivos simultáneamente, cuenta con calidad Full HD y habilita la incorporación de un miembro extra por COP 9.900 mensuales.

El plan Premium tiene un valor de COP 44.900 al mes, admite hasta cuatro reproducciones en simultáneo, ofrece calidad 4K con HDR, audio espacial y la posibilidad de añadir hasta dos miembros extra por un monto extra.

En Argentina, el plan Básico cuesta ARS 8.999 al mes. El Estándar tiene un valor de ARS 14.999 mensuales y permite sumar un miembro extra por ARS 5.399. El Premium vale ARS 19.999 por mes e incluye la opción de agregar hasta dos miembros extra por un cargo adicional.

En México, la plataforma dispone de un plan Estándar con anuncios por MXN 139 al mes. El plan Estándar sin publicidad cuesta MXN 269 mensuales, mientras que el Premium asciende a MXN 369. Los usuarios pueden agregar miembros extra por MXN 69 al mes con anuncios o por MXN 79 sin publicidad.

En Estados Unidos, el plan Estándar con anuncios cuesta USD 8,99 mensuales. El Estándar sin anuncios tiene un precio de USD 19,99, y el Premium, de USD 26,99 al mes. Los miembros extra cuestan USD 7,99 con anuncios o USD 9,99 sin publicidad.

James Rodríguez se despide de la selección Colombia

James Rodríguez puso fin a su etapa en la selección Colombia, equipo con el que acumuló 131 encuentros y alcanzó el récord de apariciones. El mediocampista dio a conocer su determinación mediante un video en Instagram, donde definió su paso por la Tricolor como uno de los capítulos más relevantes de su carrera.

El futbolista indicó que dejará el combinado nacional después del Mundial de 2026, decisión que coincide con su vuelta al fútbol colombiano. En su mensaje, recordó el sueño que representaba para él vestir la camiseta del país desde niño y remarcó la responsabilidad que implicaba hacerlo ante sus compañeros, sus familiares y la afición.

El número diez subrayó que los avances del equipo respondieron al trabajo de una generación de jugadores, los cuerpos técnicos y el apoyo de los colombianos. También se refirió al valor que tuvieron para él la camiseta número diez y la capitanía, funciones que aseguró haber asumido con compromiso.

Rodríguez expresó su gratitud a sus compañeros, entrenadores, colaboradores y familiares. Además, agradeció a los aficionados por acompañarlo tanto en los festejos como en las etapas de resultados negativos.

El mediocampista deja la selección con 31 goles, registro que lo sitúa detrás de Radamel Falcao en la tabla de máximos anotadores.

En Brasil 2014 obtuvo la Bota de Oro gracias a sus seis tantos y en la Copa América de Estados Unidos 2024 recibió el reconocimiento como mejor jugador. Ahora continuará su carrera en Atlético Nacional, luego de 17 años fuera del país.

Chile y el cine documental mundial perdieron a su figura más influyente. Patricio Guzmán, el director que durante cinco décadas hizo de la memoria histórica su materia prima y del documental su forma de resistencia, falleció este martes a los 85 años en París. Autor de La batalla de Chile —considerado el documental latinoamericano más difundido de la historia y una de las obras capitales del género a escala global—, Guzmán construyó un cine que no distingue entre el pasado y el presente: sus películas indagan en el golpe de Estado de 1973, en los detenidos desaparecidos, en el desierto, en los glaciares, en la cordillera, como si todos esos territorios fueran, en el fondo, el mismo territorio.

Esa mirada singular le valió reconocimientos en los festivales de Berlín, Cannes y el Cine Europeo, el Premio Nacional de Artes de Chile y un lugar entre los cineastas más influyentes del siglo XX. La ciudad que lo acogió desde que el régimen de Pinochet lo forzó al exilio fue también la que lo vio morir: París, donde residía desde los años ochenta. La causa de muerte fue un paro cardiorrespiratorio, según confirmaron fuentes cercanas al director. La noticia fue divulgada por CinemaChile, la agencia de promoción del audiovisual chileno, que lo describió como “uno de los documentalistas más importantes de la historia del cine chileno y una figura fundamental del cine documental a nivel mundial”.

Patricio Guzmán nació en Santiago en 1941. Estudió Teatro, Historia y Geografía, y Filosofía, aunque abandonó las tres carreras para dedicarse al cine. En 1967 viajó a Madrid para formarse en la Escuela Oficial de Cinematografía, donde realizó seis cortometrajes de ficción. De regreso a Chile, colaboró con el Instituto Fílmico de la Universidad Católica y filmó Viva la libertad (1965), un cortometraje de animación que trazaba un paralelo entre un zoológico y la cárcel.

Su primer largo, El primer año (1972), registró los inicios del gobierno de Salvador Allende. La película fascinó al cineasta francés Chris Marker, quien adquirió los derechos de exhibición para estrenarla en Francia y, más tarde, le entregó el material fílmico con el que Guzmán rodó lo que sería su obra más célebre.

‘La batalla de Chile’ nació en el exilio y lo consagró en el mundo

Cuando el golpe de Estado de 1973 interrumpió el proyecto que Guzmán estaba filmando en las calles de Santiago, fue detenido en el Estadio Nacional, donde según sus propios relatos enfrentó amenazas de fusilamiento. Logró salir del país y partió al exilio en Cuba, llevando consigo el material grabado. Allí, en una pequeña sala de montaje del Instituto Cubano de Artes e Industria Cinematográficos (ICAIC), terminó La batalla de Chile, la lucha de un pueblo sin armas: una trilogía compuesta por La insurrección de la burguesía (1975), El golpe de Estado (1976) y El poder popular (1979), que narró desde adentro el auge y el derrocamiento del gobierno de la Unidad Popular. La obra se convirtió en el documental latinoamericano más difundido de la historia, con estrenos en más de 35 países de Europa, América, Asia y Australia, y premios en los festivales de Grenoble, Bruselas, Benalmádena, La Habana y Leipzig.

La trilogía, filmada en blanco y negro con un equipo reducido —el camarógrafo Jorge Müller, el sonidista Bernardo Menz, el asistente de dirección José Bartolomé y el productor Federico Elton—, fue posible gracias a una cadena de solidaridades en tiempos de represión. El material fílmico fue sacado clandestinamente de Chile con la colaboración del embajador sueco Harald Edelstam, enviado por barco a Estocolmo y luego a Cuba. El propio Müller no corrió la misma suerte: fue secuestrado por la DINA en Santiago y es hasta hoy uno de los más de 1.200 detenidos desaparecidos del régimen militar. Su ausencia pesa sobre cada fotograma de la trilogía como una marca indeleble.

Cincuenta y tres años después del golpe, La batalla de Chile sigue encontrando nuevos públicos. El pasado viernes 11 de septiembre —en la conmemoración de un nuevo aniversario del golpe de Pinochet— la trilogía llegó a la plataforma MUBI y ahora está disponible en toda América Latina, lo que amplía de manera sustancial el alcance de una obra que la revista Sight & Sound y otros referentes de la crítica internacional consideran entre los grandes documentales de todos los tiempos.

Desde el exilio —primero en España, luego establecido definitivamente en París— continuó filmando. Realizó En nombre de Dios (1987), sobre el rol de la Iglesia Católica chilena durante la dictadura; Chile, la memoria obstinada (1997); El caso Pinochet (2001); y Salvador Allende (2004). En paralelo, fundó en 1997 el Festival Internacional de Documentales de Santiago (Fidocs), que continúa activo y al que siguió vinculado pese a la distancia.

Una trilogía sobre el territorio y la memoria

El período final de su obra alcanzó una dimensión poética que lo situó entre los cineastas más reconocidos a escala global. Nostalgia de la luz (2010) estableció una relación entre los astrónomos que trabajan en el Desierto de Atacama y los detenidos desaparecidos cuyos restos yacen en el mismo terreno. La prestigiosa revista Sight & Sound la incluyó entre las 25 mejores películas de la historia.

La trilogía se completó con El botón de nácar (2015) —ganadora del Oso de Plata al Mejor Guion en la Berlinale de ese año— y La cordillera de los sueños (2019), que obtuvo el Premio Ojo Dorado (L’Œil d’or) al mejor documental en el Festival de Cannes 2019 y, tres años después, el Goya a la Mejor Película Iberoamericana, otorgado por la Academia de Cine de España. Nostalgia de la luz, por su parte, había sumado en 2010 el Premio del Cine Europeo al Mejor Documental. Su último largometraje, Mi país imaginario (2022), lo sumergió en el estallido social chileno y el proceso constituyente.

Premio Nacional de Artes en Chile

En agosto de 2023, fue reconocido con el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales, convirtiéndose junto a Raúl Ruiz en los únicos cineastas en obtener esa distinción. Sin embargo, no viajó a Santiago para recibir el galardón. Uno de los motivos habría sido su deteriorado estado de salud.

En abril de 2024, en una entrevista con el suplemento Culto del diario La Tercera a raíz del estreno de la versión remasterizada de El primer año, el director habló abiertamente de sus problemas físicos. “Tuve un ataque al corazón y otro en la columna vertebral. Y me hicieron dos operaciones, riesgosas, complicadas, pero que salieron bien”, relató. Aun así, manifestó su deseo de volver a Chile para filmar un nuevo proyecto. “El tema, que no te lo puedo decir todavía, es muy bueno”, adelantó. Ese proyecto quedó inconcluso. Una vez conocida la noticia de la muerte, el ministro de Culturas de Chile, Francisco Undurraga, expresó sus condolencias: “Su obra marcó a generaciones y llevó el cine chileno al mundo, dejando una huella profunda que permanecerá en nuestra cultura”.

Ensayo sobre la vejez, el documental de Valeria Sampedro y Daniel Raichijk, con banda sonora de Alberto “Carpo” Cortés, aborda el envejecimiento, la memoria, el deterioro físico y la dificultad de reconocerse viejo a través de testimonios que indagan cuándo comienza esa etapa y cómo se atraviesa el tramo final de la vida. La película, que dura 48 minutos, eligió sostener un ritmo contemplativo y rechazó extenderse para ajustarse a las exigencias comerciales de las salas.

La obra propone una mirada alejada de dos extremos: el rechazo a las personas mayores por considerarlas caducas o sin lugar social, y la idealización que celebra que alguien “no parece” de su edad. “Lo viejo sigue estando mal” incluso en esos elogios, planteó Sampedro al explicar el origen del proyecto.

El documental fue declarado de interés por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, aunque el organismo no aportó recursos ni pudo incorporarlo al circuito tradicional de salas por su duración. La presentación en la Biblioteca Nacional precedió a un estreno formal en el Centro Cultural de la Cooperación, con funciones consecutivas durante octubre, según la agenda cultural de la institución.

—Juan Mascardi: Lo primero que les quiero preguntar es cómo llegaron a la vejez como tema. ¿Qué caminos recorrieron hasta decidir abordarla y desde qué lugar?

—Valeria Sampedro: Surgió en el mismo momento en que decidimos avanzar juntos con un proyecto documental. Primero apareció la idea de hacer algo en paralelo y por fuera de lo que nos tocaba en la diaria. En ese momento trabajábamos muy seguido en la calle como equipo: Dani como camarógrafo de Canal 13 y yo como cronista. Por la superposición de horarios y coberturas pasábamos mucho tiempo juntos y ya éramos amigos.

En una guardia, un poco hastiados de la diaria, empezamos a hablar de la posibilidad de hacer un documental. Cuando pensamos en posibles temas, le propuse la vejez porque era algo sobre lo que venía reflexionando. Me interesaba como una idea de empatía cuando me tocaba contar una historia. Sentía que los viejos estaban un poco invisibilizados, corridos de plano, incluso cuando se contaban sus historias o se hablaba de ellos.

Cuando empezamos a darle forma al proyecto, la pregunta era cómo contar la vejez o qué queríamos contar de ella. Hay dos extremos muy marcados: el viejismo, que es el rechazo a lo viejo porque está caduco, vencido o ya no sirve; y la romantización, con frases como “qué bien que estás” o “no parecés tan viejo”. Los dos extremos llegan al mismo lugar, porque detrás de ese “no parecés” sigue estando la idea de que lo viejo está mal. La vejez no es ni buena ni mala. Queríamos mirar a personas de determinada edad que no suelen estar tan miradas. Dani agarró viaje enseguida y empezamos a pensar más en concreto.

—JM: Retomo eso y te pregunto, Daniel: ¿cómo fue la traducción de esa idea, de esos fundamentos y de ese punto de vista a una propuesta visual que por momentos tiene una impronta poética y lleva a universos propios?

—Daniel Lázaro Raichijk: Te agradezco lo de poético, porque esa fue la idea. Queríamos salir del formato de mostrar literalmente lo que se dice. Si alguien dice que va a la cocina a hacer un churrasco, no queríamos poner la imagen de esa persona con la plancha y el churrasco. Queríamos corrernos de ese lugar, que es el formato del noticiero y de la televisión. No está mal ni bien, es un formato. El desafío era construir visualmente una narración que fuera en paralelo con lo textual, sin que fuera obvia. La naturaleza puede parecer una elección evidente, pero envejecer es natural. No es malo, bueno, lindo ni feo: es parte de la naturaleza. Todos nacemos, maduramos y envejecemos. La naturaleza también refleja eso.

Buscábamos una escritura visual que permitiera volar un poco, reflexionar sobre lo que se escucha con un soporte visual que no estuviera vinculado de manera directa con lo que se dice.

—JM: ¿Qué criterios usaron para seleccionar a las personas, diseñar las entrevistas y elegir los espacios?

—VS: Quiero sumar algo sobre ese tratamiento estético. Dani propuso la elección del blanco y negro, también como una decisión de ir a algo más crudo. Desde el principio insistía en los primeros planos. Cuando íbamos a mi casa a hacer pruebas, con él detrás de la cámara y yo sentada, todo el tiempo hablaba de ese encuadre.

Después lo llevamos al montaje: mientras una persona habla, aparece otra imagen, y no necesariamente la de quien está hablando, sino la de otro. Eso genera un clima que contribuye a la idea final, que era una reflexión coral, donde todos hablan y, de algún modo, también hablan entre ellos.

—JM: Y lo sonoro tiene un vuelo impresionante...

—DR: Gracias. Para agregar a lo que decía Vale, trabajamos el fuera de campo. Es lo más interpelador, porque es lo que uno no ve pero construye. Yo te muestro una cosa, pero alrededor de ese objeto, de esa toma, hay un mundo que queda afuera de lo que te estoy mostrando.

—VS: Y las voces no están siempre relacionadas de forma directa con lo que se ve. En cuanto a la selección de las personas, cuando entendimos por dónde queríamos ir, tuvimos claro que había que escucharlas. Nuestro objetivo era corrernos y lograr que hablaran a cámara, al eje de cámara, casi entre ellas.

Armamos cuestionarios muy similares y flexibles, con el objetivo de pasar por determinados tópicos. Ahí aparece un cruce con el ejercicio periodístico: quién es una voz autorizada y cómo hacer para que la selección represente, en la medida de lo posible, un universo muy variado y vasto.

Al principio teníamos una ambición más grande, con más gente, pero nos encontramos con la falta de presupuesto, que acotó el despliegue. Después apareció otro motivo que terminó sosteniendo esa decisión: esas voces empezaban a tener carácter propio y queríamos que se identificaran a lo largo del documental.

Había dos opciones: hacer un documental eterno, de tres horas, con todos hablando, o seleccionar. En una entrevista podías encontrar cinco, seis, siete u ocho testimonios fuertes de una misma persona sobre distintos tópicos. Si queríamos darles espacio y tiempo, sin interrumpirlas ni cortarlas demasiado en el montaje, el documental se hacía eterno.

La selección se volvió más desafiante. Queríamos incluir varones y mujeres, gente de distintos lugares, no solo de Capital, no solo de clase media. También buscamos variedad en términos socioeconómicos, profesionales y laborales.

Está quién es más filósofo de la vida, quien estudió y la mujer de un barrio popular que habla del nieto que le pide milanesas y está acompañada por sus gatos. Tienen ejes comunes: de repente todos llegan a un mismo lugar de necesidad o de soledad. Eso los iguala. En esta etapa de la vida confluyen cosas muy humanas y comunes.

—JM: Valeria, hablabas del cuestionario y de los ejes que se repiten. En todo ensayo hay un diseño de tópicos. ¿Cómo los definieron, frente a un entramado tan vasto?

—VS: El cuestionario era largo y tenía muchos tópicos. Después uno decide en cuáles detenerse. Lo que teníamos claro era que no queríamos anécdotas de vida. También queríamos corrernos de la historia de vida empática del noticiero.

De repente, alguna persona cuenta que bajó de un barco. Podríamos habernos detenido en esa anécdota, que era muy jugosa, pero no íbamos por ahí. La pregunta era: tenés 90, 95, 98, 100 u 80 años, ¿qué pensás del paso del tiempo?

Había cuestiones bastante obvias, porque queríamos indagar en la vejez, y otras que descubrimos durante las entrevistas. La amistad adquirió mucho peso. En todos apareció la necesidad, la avidez y la nostalgia por las amistades perdidas, muchas veces sin que se los preguntáramos. Había que mantener una escucha abierta y reconocer: acá hay algo y tiene que estar.

—DR: En el documental trabajamos la contemplación. En una época de scroll, de contenidos que duran cinco segundos y del vértigo del celular o la computadora, queríamos trabajar la contemplación. Los protagonistas también hablan de una vida enloquecida y de su preferencia por ir paso a paso. Si tenés que ver una imagen durante 20 segundos, mirala durante 20 segundos. Puede gustarte, rechazarte, generar empatía o pasarte de largo, pero mirala.

—VS: Eso fue parte de las discusiones durante el armado. A veces decíamos: “Dejala”. Otras veces: “Me hace ruido, estoy llegando al límite”. Pero la dejábamos.

—DR: Eso viene de una influencia muy fuerte de Andrei Tarkovski. Él hablaba de la atención interna, una idea que tomó de Dostoievski: llevar todo a un extremo, hasta donde casi se rompe, para sostener la atención del espectador.

En muchas series y películas estadounidenses todo va rápido. Es un estilo, una manera, no es mala ni buena. El documental es corto, porque dura 48 minutos, pero tiene un tempo interno relajado, contemplativo. Esa fue la intención. Si tenés que ver una nube, mirá la nube. Escuchá lo que dice el personaje, pero mirá cómo pasa, cómo corre. No está puesta cinco segundos: está ahí para que la mires.

—JM: Ustedes vienen de la televisión, donde la emisión y la recepción ocurren en el momento. ¿Cómo transitan ahora una producción que debe salir a encontrar a su público? ¿Cómo será la vida de Ensayo sobre la vejez?

—VS: Estamos muy contentos, expectantes y conscientes de que es otro camino. También fue una decisión. Incluso después de haberlo terminado, uno se pregunta cuándo se termina un documental, porque siempre le encuentra algo más. En algún momento dijimos: “Ya está”.

Pasaron cinco años y a nosotros nos pasó de todo. Dani dejó el canal, se fue de la ciudad, se instaló en un lugar completamente distinto y armó una nueva vida. Pasamos la pandemia, yo tuve un hijo y atravesé un embarazo en el medio. El interés por el proyecto se sostuvo, y eso hablaba de ganas genuinas de terminarlo.

Consultamos a algunos distribuidores por el circuito de festivales, pero todo requería plata y no la teníamos. Entonces seguimos haciendo todo entre los dos. Ahora eso me parece una característica preciosa y tierna del documental.

Todo lo hicimos entre nosotros, salvo la música, que aportó Alberto Fidel “Carpo” Cortés. Hablábamos por videollamada: “Dani, en el minuto 3.40 fijate que hay un acento mal puesto”. Él lo corregía desde allá y me mandaba una nueva versión. Así trabajamos.

Desde los distribuidores y desde el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales nos dijeron que no podían ponerla en las salas del circuito porque dura 48 minutos, aunque la habían declarado de interés. Otra distribuidora nos propuso agregarle diez minutos. Los tenemos, pero no queremos agregarlos. Todos los días, en la tele, escucho que si una nota funciona hay que hacer dos preguntas más, ver qué sigue... Nosotros queremos otra cosa. Queremos que el documental camine lo que tenga que caminar y por el circuito que tenga que ir.

Además de la presentación en la Biblioteca Nacional, conseguimos el Centro Cultural de la Cooperación. Durante todo octubre tendrá un estreno formal en una sala, con cuatro funciones consecutivas los miércoles, que además son los miércoles de los jubilados. Hay una simbología interesante ahí. Por ahora, ese es el recorrido. Buscamos otras salas para que sigan las proyecciones. Más adelante veremos la posibilidad de que esté disponible en alguna plataforma.

—DR: Ya tenemos invitaciones en Tucumán y en Córdoba.

Ficha técnica

Ensayo sobre la vejez es un documental que indaga en el paso del tiempo, la finitud y las distintas formas de transitar la vejez. A través de testimonios, la película reflexiona sobre el deterioro físico, la memoria, la mirada de los otros y la resistencia a reconocernos viejos. La obra busca poner en discusión cuándo comienza realmente la vejez y qué experiencias, deseos, pérdidas y vínculos atraviesan ese tramo de la vida.

Realización Valeria Sampedro nació en Buenos Aires en 1976. Es periodista y locutora, con más de 20 años de trayectoria en medios de comunicación. Fue cronista de exteriores en Radio Rivadavia, Radio Continental, América TV, Canal 13 y Todo Noticias. Formó parte del colectivo de comunicadoras que impulsó la movilización Ni Una Menos en 2015. Actualmente conduce Arriba Argentinos, el noticiero de la primera mañana de Canal 13. Recibió un premio Lola Mora por su labor periodística con perspectiva de género y fue nominada dos veces al Martín Fierro, en 2016 y 2017. Ensayo sobre la vejez es su primer trabajo como directora de cine documental.

Daniel Lázaro Raichijk nació en Buenos Aires en 1963. Es realizador cinematográfico, camarógrafo profesional y fotógrafo. Se formó en el Instituto de Artes Cinematográficas (IDAC) de Avellaneda. En 1988 fundó la videoteca La Fábrica de los sueños, con 6 mil títulos de cine de autor y documental, en la librería Liberarte. En 2008 estrenó su primer largometraje documental, Nos Otros, sobre el racismo y la discriminación en Argentina.

La banda sonora estuvo a cargo de Alberto Fidel Cortés, “Carpo”.

Título: Ensayo sobre la vejez. Dirección: Valeria Sampedro y Daniel Lázaro Raichijk. Banda sonora: Alberto Fidel Cortés. Duración: 48 minutos. País: Argentina. Género: Documental. Año: 2026

El caso ocurre tras sus denuncias sobre supuestos tratamientos de afirmación de género en menores y abre un debate político sobre los protocolos médicos aplicados a niños y adolescentes.

Samuel Adrián gana notoriedad en Colombia por la difusión de ese documental, en el que presenta entrevistas y testimonios relacionados con tratamientos hormonales, procedimientos médicos y protocolos de atención para menores que buscan una transición de género.

El creador mantiene una postura crítica frente a esas intervenciones. En su producción cuestiona sus posibles consecuencias en niños y adolescentes, además de los criterios bajo los cuales instituciones médicas autorizan o acompañan los tratamientos.

El título Fábrica de Niños Trans corresponde al enfoque del documentalista. No representa una conclusión de las autoridades colombianas ni una determinación judicial sobre la existencia de centros que operen bajo esa descripción.

Samuel Adrián fue detenido el 13 de septiembre en El Dorado

Adrián fue detenido el pasado domingo 13 de septiembre de 2026 al llegar al Aeropuerto Internacional El Dorado de Bogotá. La Policía Nacional de Colombia ejecuta una orden de arresto emitida por un juzgado de Cali, relacionada con un incidente de desacato.

Las autoridades trasladan al influencer mexicano a una dependencia policial dentro del aeropuerto para iniciar el trámite de cumplimiento de la orden judicial. La sanción contempla 10 días de privación de la libertad y una multa equivalente a 15 salarios mínimos mensuales.

La Policía Nacional aclara que el procedimiento no corresponde a una captura derivada de una investigación penal. La medida se origina en un proceso judicial por desacato, una figura que puede imponerse cuando una persona incumple una orden emitida en el marco de una acción de tutela.

Antes de viajar a Colombia, Adrián comparte un video desde el Aeropuerto Internacional de Tocumen, en Panamá. Ahí afirma que conocía la providencia judicial y que podría ser detenido al aterrizar en Bogotá.

El documentalista sostiene que viaja pese a la posibilidad de su arresto. También solicita apoyo al Gobierno de México y pide a sus seguidores difundir su mensaje mientras sus abogados en México y Colombia preparan su defensa.

El médico Mario Angulo promovió una acción de tutela

El expediente judicial se relaciona con una acción presentada por el médico Mario Angulo, mencionado por Adrián tanto en el documental como en publicaciones posteriores de su canal de YouTube.

De acuerdo con la información conocida sobre el caso, el creador de contenido se niega a retirar el material audiovisual y otros contenidos vinculados con Angulo. Esa negativa habría motivado las sanciones dictadas dentro del proceso de tutela.

En un video difundido por Fundamento, la productora relacionada con el documental, Adrián asegura que recibe la notificación mientras se encuentra en Panamá. El creador rechaza que haya cometido un delito.

“No cometí ningún delito y no me voy a quedar de brazos cruzados”, afirma Adrián en el video. El mexicano atribuye la orden de arresto a sus declaraciones en Colombia: Fábrica de Niños Trans y a grabaciones que relaciona con Angulo.

El proceso judicial se concentra en el cumplimiento de órdenes derivadas de la tutela. La Policía colombiana subraya que la detención no implica, por sí misma, que Adrián enfrente un proceso penal por el contenido del documental.

Abelardo de la Espriella pide al Congreso revisar los procedimientos

El presidente de Colombia, Abelardo de la Espriella, se pronuncia sobre la detención de Samuel Adrián en su cuenta oficial de X. El mandatario afirma que el caso debe impulsar una discusión nacional sobre las intervenciones médicas vinculadas con la transición de género en menores.

“El caso de Samuel Adrián, quien hoy empieza 10 días de privación de libertad tras denunciar tratamientos hormonales para el mal llamado cambio de sexo en menores y advertir sobre sus posibles consecuencias irreversibles, debe abrir un debate nacional”, escribe el presidente.

De la Espriella llama al Congreso colombiano a revisar los límites y las prohibiciones que podrían aplicarse a estos procedimientos en menores de edad. Su postura se enfoca en la interpretación del libre desarrollo de la personalidad y de la autonomía progresiva.

“Llegó la hora de legislar sobre los límites y prohibiciones de estos procedimientos en menores”, señala el mandatario. El presidente afirma que el Legislativo debe resolver lo que considera vacíos en la regulación actual.

El jefe de Estado añade que las decisiones sobre estos tratamientos no deberían depender únicamente de tutelas, protocolos administrativos o criterios jurisprudenciales. También sostiene que el debate debe partir de la prevalencia constitucional de los derechos de los niños.

“La interpretación del libre desarrollo de la personalidad y la autonomía progresiva ha dejado vacíos que deben ser resueltos legislativamente, siempre bajo el principio constitucional de prevalencia de los derechos de los niños”, publica De la Espriella.

El documental cuestiona tratamientos de afirmación de género en menores

Colombia: Fábrica de Niños Trans presenta el trabajo de Samuel Adrián como documentalista y creador de contenido. La producción reúne entrevistas y testimonios sobre tratamientos hormonales y otros procedimientos médicos de afirmación de género dirigidos a niños y adolescentes en Colombia.

Adrián cuestiona los protocolos médicos y las decisiones que involucran a menores. El contenido coloca en el centro el debate sobre el consentimiento, la participación de madres y padres de familia, así como los posibles efectos de tratamientos que, según el documentalista, requieren mayor escrutinio público.

Las afirmaciones presentadas en el documental forman parte de la postura de su autor. El proceso judicial que deriva en su arresto se relaciona con publicaciones específicas y con la negativa de retirar contenidos, no con una determinación oficial que confirme los señalamientos incluidos en la producción.

Samuel Adrián afirma que sus abogados en México y Colombia asumirán su defensa frente a la orden de desacato y la multa impuesta por el juzgado de Cali.

La vertiginosa y conflictiva carrera de la popular banda Oasis llegó a un violento final en 2009 en París, cuando el guitarrista Noel Gallagher y su hermano, el vocalista Liam Gallagher, terminaron en una pelea a puñetazos detrás de escena bastidores antes de salir a tocar. El show fue cancelado, el grupo se separó y los hermanos no se hablaron durante más de una década.

Ya existen películas sobre Oasis, pero la más reciente, Oasis: Don’t Look Back in Anger, aporta algo nuevo, al narrar la triunfal reunión de la banda y su gira mundial en 2025. Dirigido por Will Lovelace y Dylan Southern, este enérgico y optimista documental crea ocasionalmente efectos vertiginosos con su mezcla de imágenes nuevas y de archivo. Según cuenta, una vez tomada la decisión de reunirse, los viejos resentimientos entre los hermanos desaparecieron. “Tenemos la oportunidad de cambiar la historia”, dice Noel.

La primera semana de ensayos se presenta tensa, ya que Liam solo participa dos días. Pero una vez que la banda arranca, reina la armonía, no solo entre Liam y Noel, sino también con su público multigeneracional. Noel Gallagher es un experto no solo en potentes temas de ritmo medio, sino también en baladas épicas, y un Liam Gallagher con mucha personalidad se desenvuelve de maravilla en ambos estilos.

Mientras recorren el mundo, los cineastas nos muestran breves momentos con los superfans y el impacto que la banda ha tenido en ellos. Es difícil no emocionarse al ver a Liam cantar “Live Forever” ante un estadio lleno de gente. Esta película es a la vez un himno para el rock y un drama conmovedor.

Fuente: The New York Times

Antes del estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia, de un documental de casi cuatro horas de Alex Gibney sobre Elon Musk, a los potenciales espectadores se les podía perdonar que se preguntaran: ¿Qué podría decir que no se haya comentado ya ampliamente?

Desde que Tesla y SpaceX se convirtieron en nombres conocidos en todos los hogares —si no en material para Saturday Night Live—, el primer billonario del mundo ha sido objeto de olas permanentes de noticias e imágenes, además de conversaciones en las redes sociales. Ahora, ni siquiera una isla italiana ha resultado ser un lugar para escapar de eso.

¿Y acaso toda publicidad no es buena publicidad? Sin duda, el magnate tecnológico, supuestamente ávido de atención, no desearía nada más que un monumento épico a su poder, una prueba de que tanto sus admiradores como sus detractores no pueden dejar de hablar de él.

Ganador del Oscar y del Emmy, Alex Gibney es conocido por correr el velo sobre los magos de Silicon Valley, Wall Street y Washington. Aunque gran parte de lo que presenta aquí sobre Elon Musk no es particularmente nuevo, hay una fuerza temible en la manera en que el director lo reúne todo. Musk no es solo una figura molesta del ciclo de noticias. El mega-retrato de Gibney nos pide mirar el conjunto de sus acciones y tomarlo en serio como una amenaza para la democracia.

“Han ocurrido tantos incidentes; hay tantos árboles”, dijo el director en una conferencia de prensa. “A veces es útil ver el bosque y unir todo en una narrativa.” Ir a Marte solía ser una aspiración romántica, pero Gibney ve en el megamillonario la degradación de ese sueño. La secuencia de apertura nos lleva flotando por el cosmos, donde oímos una voz que suena como la de Musk explicando su misión de comprender el universo. Al principio parece una charla genérica de “genio”, hasta que empieza a hablar de su amor por los videojuegos: “capaz que estamos en una simulación”, una versión ideal de la realidad creada por una inteligencia artificial del futuro.

En la película aparece entonces como una “cabeza parlante” (talking head) —no el Musk real, de carne y hueso, sino uno generado por inteligencia artificial, de aspecto ceroso, mirada vacía (y notablemente más esculpido), cuyas palabras provienen íntegramente de entrevistas pasadas y comentarios públicos. Musk ha dicho que los videojuegos “calman sus demonios”, señaló Gibney, pero el director agregó que también eran “un mecanismo para que invirtiera en una irrealidad”. Gibney añadió: “Queríamos transmitir la realidad de lo que ha hecho, así como la irrealidad de su narrativa”. Una de las voces principales de la película, Ashley St. Clair, la escritora de derecha que reveló en 2025 que había tenido una relación con Musk, dijo en la conferencia de prensa: “Su relación más complicada es con la verdad”.

La película, para la cual el personaje central rechazó ser entrevistado, aborda primero los años iniciales del empresario como un millonario más en un mar de imitadores de Steve Jobs, subido a la ola del boom tecnológico de los años 90. Al comienzo, aparece como un emprendedor ambicioso con lo que Gibney describió como objetivos admirables. “Iba a crear una automotriz que priorizara los vehículos eléctricos para ayudar a enfrentar el calentamiento global”, dijo el director. “Iba a revitalizar la industria espacial abaratando sus costos”. Después, las cosas empezaron a ponerse feas. Y raras.

“Estaba impregnado de una ‘corrupción por causa noble’”: la idea de que el fin justifica los medios cuando se trata de hacer realidad su visión particular de un mundo mejor. Aunque puede defenderse el valor de los visionarios que piensan en grande, Gibney sostiene que las promesas de Musk —como sus misiones a Marte y los vehículos autónomos— muchas veces han sido una cortina de humo para elevar su propia marca. “Su riqueza y su poder provienen de acciones sobrevaloradas”, afirmó el director.

A eso hay que sumar las posturas pronatalistas y su determinación de perpetuar su propio linaje; la poderosa capacidad de recolección de datos de la tecnología de Tesla y su emprendimiento satelital, Starlink; y su compra de Twitter, rebautizado como X, donde los ajustes que hizo en el algoritmo derivaron en un aumento del discurso de odio, así como de su propio contenido.

Gibney ya tenía más que suficiente para un largometraje cuando cerró su primer montaje en 2024. Pero después Musk se involucró en la política y el presidente Trump fue elegido para un segundo mandato. El hombre empezó entonces a participar en conferencias de prensa en la Oficina Oval y a desmantelar agencias federales con su Departamento de Eficiencia Gubernamental. Más ampliamente, está “involucrado con partidos políticos de derecha en todo el mundo”, dijo el realizador sobre los vínculos del magnate tecnológico con jefes de Estado actuales y anteriores, como Javier Milei, de Argentina, y Jair Bolsonaro, de Brasil.

Los numerosos entrevistados de la película —incluida su primera esposa, Justine Musk; excolegas de SpaceX, Tesla y X; y un grupo de destacados periodistas tecnológicos— dejaron algo en claro: Musk quiere que todo el mundo se suba a su peculiar visión del mundo. “Está tratando constantemente de optimizarnos”, dijo St. Clair. “¿Hay algo que te guste de los seres humanos, que no estés intentando optimizar?”

No me convence la decisión de Gibney de insertar a lo largo de la película secuencias agresivas de videojuegos, lo que le da un tono casi eufórico a la idea de la dominación mundial del personaje. Pero es una metáfora eficaz. Es como el protagonista de un videojuego que no puede ser derrotado.

Fuente: The New York Times

Manuscritos repletos de referencias, postales, libros anotados... Un exhaustivo documental lleva a la gran pantalla la vida de Borges a través de innumerables objetos y lugares que marcaron la vida del legendario escritor argentino.

“Biografía de Jorge Luis Borges”, dirigida por Mariano Llinás y estrenada en la Mostra de Venecia fuera de competición, traza en cinco horas y media la vida del autor de “El Aleph”.

El proyecto nació como un encargo de una fundación estadounidense que posee una vasta colección de objetos de Borges (1899-1986) para grabar el momento en que un experto analizaba todos esos documentos.

Pero Llinás, autor de “La flor” (2018) y miembro del colectivo cinematográfico El Pampero, vio rápidamente que con ese material se podía ir mucho más allá.

“En ese momento sentí que se podía hacer una biografía”, dice el cineasta argentino en una entrevista a AFP. Y aunque al principio sintió “un vértigo absoluto” ante tal aspiración, al final “no hubo miedo, fue más bien adrenalina”.

Con ello vio una posibilidad de acercase a esta gran figura literaria latinoamericana a través de la cámara.

“Entrar desde el cine hacia Borges había sido siempre muy difícil”, asegura.

El laberinto

Entre los documentos que aparecen en el documental figuran numerosos cuadernos.

En uno de ellos de mediados de los años 1950, a las páginas manuscritas de Borges le siguen otras escritas por su madre, lo que presupone que el escritor ya no podía anotar y dictaba sus textos. Se había quedado ciego.

Otros manuscritos están repletos de tachaduras, correcciones, añadidos en letra muy pequeña y variantes que Borges agregaba a medida que iba escribiendo.

“Escribe tanteando”, dice en un momento del documental el experto Ernesto Montequín, mirando embelesado estos papeles amarillentos, que manipula con extremo cuidado.

“Lo que más me impresionó, sobre todo de los manuscritos borgianos, es hasta qué punto una hoja de papel puede ser un mapa de la mente de una persona”, afirma Llinás.

“Le gustaba la idea del laberinto y construir un laberinto a cada lugar a donde fuera. Uno ve sus páginas y eso está ahí [...] Su mente funcionaba de esa manera”, remata.

Un momento “feliz”

El documental también transita por los lugares que marcaron la vida del escritor, y que también aparecen en su obra.

Además de Ginebra, donde está enterrado, o Austin, Texas, donde fue profesor, la cinta muestra por supuesto múltiples rincones de Buenos Aires, como la Biblioteca Nacional --que dirigió entre 1955 y 1978-- o la calle Posadas, residencia de su amigo Adolfo Bioy Casares y donde Borges almorzaba a menudo.

El documental va hasta Islandia, una isla que siempre interesó al escritor y que visitó por primera vez en 1971. Ahí se encontró con María Kodama, que se convertiría más tarde en su esposa.

“Es un momento que nosotros intuimos que para Borges fue feliz”, explica Llinás. “Uno se da cuenta de que un hombre viejo está contento, como un muchacho enamorado. Me parece un momento muy conmovedor”.

A pesar de la exhaustiva documentación que contiene el documental, para el cineasta, la clave de esta biografía es “la incertidumbre”.

“El cine tiene la ventaja de ser siempre un poco conjetural, es naturalmente ambiguo”, estima.

Fuente: AFP

Siempre se dice que del Festival de Telluride salen las grandes sorpresas de cara a la temporada de premios. Pues bien, este año, ha irrumpido en la carrera de los Oscar You Can See Everything, un documental de 174 minutos presentado por sorpresa en el certamen, dirigido por Nathan Fielder y Lance Oppenheim que aborda la figura de Elizabeth Holmes, fundadora de Theranos y que protagonizó uno de los mayores escándalos de Silicon Valley.

Holmes había fundado esta compañía de diagnostico clínico portátil que la catapultó a la fama y la convirtió en una de las personas más ricas de los Estados Unidos en tiempo récord. Sin embargo, su sistema fue acusado de fraude y la empresaria terminó condenada.

La película arranca 34 días antes de que Holmes entrara en prisión para cumplir una condena de 11 años por fraude a inversores y fraude electrónico. El rodaje comenzó en 2023, cuando la fundadora de Theranos permitió a un pequeño equipo filmar su vida cotidiana, y acabó convertido en un seguimiento de tres años.

A24, responsable del proyecto, confirmó la misma noche del estreno, el título, publicó un avance y fijó su lanzamiento para octubre. La distribuidora ha situado así una producción de no ficción de larga duración en pleno centro de la temporada de premios, después de una recepción inmediata que ha oscilado entre el desconcierto, el entusiasmo y la conmoción.

Un caso que sacudió la opinión pública

La premisa es concreta: Holmes invitó a Fielder y Oppenheim a entrar en su casa poco antes de ingresar en prisión. La sinopsis define el resultado como un viaje de tres años “al abismo” que comienza como el retrato íntimo de una delincuente condenada.

El proyecto llega después de varios intentos de Hollywood por abordar el caso Theranos. Alex Gibney dirigió el documental The Inventor: Out for Blood in Silicon Valley en 2019, Hulu produjo The Dropout, serie por la que Amanda Seyfried ganó un Emmy, y un proyecto con Jennifer Lawrence y Adam McKay terminó por desmoronarse antes del rodaje.

La novedad está en el enfoque. Fielder, es conocido por Nathan For You y por Los ensayos, y firma aquí su debut como director de largometrajes, formando además parte del encuadre. Su estilo es famoso por romper la cuarta pared y dinamitar el propio mecanismo de estudio, así como por el fuerte componente surrealista de sus composiciones y su humor afilado.

Oppenheim, acaba de estrenar en el Festival de Venecia su primera película de no ficción, Primetime, con Robert Pattinson, después de las brillantes Una clase en el cielo o La feria del renacimiento.

Según IndieWire, los responsables alteran los puntos de vista desde Holmes a su marido, Billy Evans, así como también el papel del propio director. El medio especializado sostiene que Fielder pasa de observador a pieza de la escena, forzado por sus sujetos y por su propia necesidad de intervenir, en un dispositivo que convierte al espectador en un examinador más de la veracidad de lo que está viendo.

En la valoración publicada, el filme sitúa preguntas simples y directas en el centro del relato. Una de ellas resume buena parte de su mecanismo: “¿Cuál es tu definición de una mentira?”. La crítica añade que la película explora la capacidad del lenguaje para desdibujar hechos, coartadas e interpretaciones.

¿Un documental nominado a mejor película?

La película ha activado la conversación sobre premios por una razón adicional. Variety subraya que ningún documental ha sido nominado nunca a mejor película en las 98 ceremonias de la Academia, pese a que la ampliación del número de candidatas en 2009 pretendía abrir la puerta también a la no ficción y a la animación.

El problema no es solo estadístico. El diario apunta que la rama documental de la Academia nunca ha terminado de asumir con comodidad la no ficción participativa y cercana a la comedia. Ese reparo puede pesar sobre una película en la que el director no se limita a observar, sino que aparece implicado de forma visible en la dinámica que intenta registrar.

También pesa el asunto de fondo: dar visibilidad a una condenada por fraude. La publicación sostiene que cualquier campaña tendrá que defender con claridad que la película no rehabilita a Holmes, sino que la somete a examen. Su argumento más sólido, añade, estaría en el propio diseño del largometraje: no una gira de redención, sino un estudio sobre la imposibilidad de saber con certeza qué es auténtico.

Las primeras reacciones públicas recogidas por The Hollywood Reporter y el propio Telluride han reforzado esa idea. Varios asistentes la describieron en redes como una obra “brillante”, “impactante” o “demencial”, mientras uno de los comentarios más repetidos fue una variante de la misma pregunta: qué acababan de ver exactamente.

La película incluye además una declaración de Elizabeth Holmes en el avance difundido por A24. “Yo no soy esa persona. Puedo prometértelo”, dice la ‘exdirectiva’. Según Variety, cuando se encendieron las luces en Telluride, la duda central no era qué había contado el documental, sino si alguien en la sala seguía creyéndola.

A los 64 años, Julio César Chávez fue consultado sobre si siente que le falta algo por cumplir en su carrera personal. El Gran Campeón Mexicano respondió que solo tiene pendiente realizar su película, proyecto sobre el cual no ofreció detalles, pero aseguró que se concretará el próximo año.

En la previa del estreno de su nueva serie, Chávez vs Chávez, Julio César compartió esta revelación durante una entrevista con los medios. Reconocido como uno de los deportistas más destacados de la historia, tanto en México como a nivel mundial, el exboxeador se refirió así a sus próximos pasos tras su etapa profesional en el ring.

“Ya nada más mi película el próximo año y ya (respondió sobre si tiene pendiente hacer algo), ya me puedo morir en paz (dijo entre risas)”.

Chávez vs Chávez: de qué trata la nueva serie de Julio César

Julio César Chávez prepara el estreno de “Chávez vs Chávez”, una serie documental de N+Docs que llega este 11 de septiembre y revisa su trayectoria en el boxeo, su vida familiar y el periodo de adicciones que, según el excampeón, lo llevó a enfrentarse con su propio pasado.

La producción presenta al sinaloense desde sus primeras carencias hasta su consolidación como campeón mundial. El documental también aborda los conflictos personales que atravesó después de alcanzar la cima del boxeo profesional.

El eje de “Chávez vs Chávez” no está sólo en los cinturones, los nocauts o las funciones multitudinarias. La producción plantea un enfrentamiento entre dos facetas del mismo personaje: el deportista que alcanza sus metas y el hombre que cae en el consumo de alcohol y drogas.

En entrevista con Infobae México, el excampeón describió al “Chávez bueno” como el niño que quería ser campeón del mundo, que se mantenía sano y que buscaba sacar adelante a su familia. Esa parte de su historia se relaciona con los años de preparación y las victorias que lo colocan entre los boxeadores mexicanos con mayor número de peleas titulares.

La otra faceta aparece después de la fama y los logros deportivos. Chávez explicó que las adicciones lo atrapan de manera gradual y lo alejan de la vida que había construido en el ring.

“Es una enfermedad que te atrapa y te va consumiendo poco a poco”, señaló Chávez a Infobae México. El boxeador añadió que ese periodo lo lleva a un punto en el que no percibe el daño que causa a las personas cercanas.

Carrera de Chávez

La carrera del llamado Gran Campeón Mexicano reúne 37 peleas de campeonato mundial, una cifra que, ningún otro púgil ha alcanzado. En esos combates realizó 27 defensas exitosas. Su primer título mundial llegó en una pelea frente a Mario “Azabache” Martínez. Ese combate abre una etapa en la que Chávez se convirtió en una de las figuras centrales del boxeo mexicano.

El peleador sinaloense enfrentó a rivales de distintas etapas y estilos. Entre ellos aparece Meldrick Taylor, a quien vence en los últimos segundos de un combate que permanece entre los episodios más recordados de su carrera. También peleó contra el estadounidense Greg Haugen en 1993, durante una función en el Estadio Azteca. Cabe señalar que esta pelea juntó a más de 130,000 espectadores.

Chávez sostuvo que el origen de su carrera está en una meta que se fija desde niño: convertirse en campeón mundial y darle mejores condiciones de vida a su familia. Su madre ocupa un lugar central en ese proceso, de acuerdo con el relato presentado sobre la serie.

El proyecto presenta un formato de producción donde los equipos trabajan sobre los capítulos mientras el campeonato está en desarrollo. De esta manera, las imágenes se capturan, editan y finalizan durante la competencia. A partir de los cuartos de final, además, cada tanda de episodios se estrenará antes del comienzo de la siguiente instancia.

“Esta serie representa un nuevo paso en nuestra forma de acercar la Conmebol Libertadores a millones de hinchas en todo el continente. Por primera vez, podremos mostrar desde adentro historias, emociones y momentos que habitualmente no llegan al público, acompañando además el desarrollo de la competencia prácticamente en tiempo real”, afirmó Juan Emilio Roa, director comercial de la Conmebol.

El ejecutivo agregó: “Queremos que los aficionados puedan vivir la Gloria Eterna como nunca antes, con un acceso único a sus equipos y protagonistas”.

Las cámaras recorren distintos espacios vinculados con los clubes y sus integrantes, tanto dentro como fuera de los estadios. Vestuarios, túneles, entrenamientos, concentraciones y traslados forman parte del material registrado para la producción. También se incluyen entrevistas inéditas, imágenes exclusivas, archivos históricos y testimonios de leyendas del fútbol sudamericano.

El objetivo también aparece reflejado en las palabras de Esteban Raffo, GVP, Streaming Sports & GTM de HBO Max: “Nuestro compromiso es consolidar a HBO Max como el hogar de las historias más relevantes para la audiencia latinoamericana, y el deporte ocupa un lugar central en esa ambición”.

“La Conmebol Libertadores es el torneo de clubes más importante de la región y su primera serie documental oficial merecía un tratamiento a la altura. Junto a Conmebol y Offline Sports logramos algo que no se había hecho antes: una serie con calidad cinematográfica que se produce y estrena mientras la competencia se desarrolla”, sostuvo Raffo.

Desde Offline Sports, sus productores ejecutivos y cofundadores Diego Piasek y Gonzalo Arias remarcaron el desafío de trabajar sobre acontecimientos que todavía están sucediendo.

“Producir la primera serie oficial de la Conmebol Libertadores junto a Conmebol y HBO Max —la casa de The Sopranos, The Wire y Game of Thrones— es un sueño profesional”, expresaron.

“Hacerlo en tiempo casi real supone un enorme desafío creativo y operativo: contar las historias mientras suceden, con la profundidad necesaria para que trasciendan el resultado y perduren”, señalaron Piasek y Arias. También agradecieron a “los clubes, jugadores, directivos y equipos de prensa, comunicación digital y film-makers” por permitir el acceso a sus vestuarios.

Los primeros cuatro episodios, correspondientes a la fase de grupos, se incorporaron este sábado al catálogo de HBO Max. El próximo estreno será el 11 de septiembre, cuando estarán disponibles otros tres capítulos dedicados a los octavos de final.

El 9 de octubre llegarán dos episodios sobre los cuartos de final. El capítulo correspondiente a las semifinales se estrenará el 13 de noviembre, mientras que el episodio de la Gran Final podrá verse el 4 de diciembre.

El máximo referente del boxeo en México y uno de los deportistas más destacados en la historia, Julio César Chávez, estrenará su nueva serie “Chávez vs Chávez”, donde se revelará la parte más intima de su vida.

En el documental producido por N+Docs, se podrá conocer lo más cercano a la vida del Gran Campeón Mexicano, desde sus peleas más destacadas y la preparación que lo llevaron a lo más alto de la fama, hasta los problemas familiares y con las adicciones que lo hicieron caer hasta abajo.

Chávez vs Chávez: el rival más complicado

A lo largo de su trayectoria, Julio César Chávez tuvo una larga lista de contrincantes complicados y destacados, como Mario “Azabache” Martínez con quien disputó su primer campeonato del mundo, Meldrick Taylor al que venció de manera agónica en los últimos segundos del combate o esa inolvidable función ante el estadounidense Greg Haugen en 1993 en el Estadio Azteca ante más de 130 mil personas.

Sin embargo, ninguno de estos nombres fue el rival más complicado en la carrera de Julio César Chávez, sino el mismo Chávez. En entrevista con Infobae México, Julio aseguró que el rival más difícil de enfrentar durante toda su trayectoria fue él mismo.

El excampeón del mundo señaló que existieron sus dos versiones, el Chávez bueno, el que de niño tuvo muchas carencias, que quería ser campeón del mundo y sacar a su familia adelante, y el Chávez malo, el que se refugió en las adicciones haciendo daño a su alrededor y que tocó fondo.

“Porque el Chávez que soñaba con ser campeón del mundo, que soñaba con tener lo que todo niño sueña cuando viene uno de la promesa. Entonces tienes un sueño ¿no?, tienes una visión, tienes una meta de llegar a ser campeón del mundo. Y lo logré, ese era el Chávez bueno, el Chávez que era sano, que era limpio, que no tiene ninguna adicción. Pero te enfrentas al otro Chávez, de repente te tropiezas y te refugias en el alcohol y las drogas, entonces ese es el otro Chávez que no eres tu, es una enfermedad que te atrapa y te va consumiendo poco a poco y llegas a un fondo sin salida y no te das cuenta de todo el daño que hacer a tu alrededor", comentó en la entrevista.

Julio César Chávez: una carrera de gloria y sufrimiento

La carrera de Julio César estuvo llena de gloria, pero también de sufrimiento, impulsado por toda su familia pero sobre todo por su mamá, pudo llegar a lo más alto en cuanto a nivel deportivo se refiere disputando 37 peleas de campeonato mundial, récord que ningún peleador ha podido alcanzar. Además de realizar 27 defensas con éxito, dejó un récord casi perfecto que se ve muy complicado de superar. 107 victorias (87 por la vía del nocaut), 6 derrotas y 2 empates.

Dentro de estas estadísticas cabe señalar que llegó a una racha invicta durante sus primeras 90 peleas, 89 victorias y un empate. Su primer derrota llegó tras más de 10 años de carrea cuando cayó ante Frankie Randall en 1994.

Dentro de esta gloria, también estuvo el sufrimiento. Después de tenerlo todo y ganarle a casi todos, el problema con las adicciones llevó a Chávez a caer en lo más bajo, aunque como lo hizo en el cuadrilátero, pudo levantarse y salir adelante.

Se trata de Un hijo propio, un ‘docudrama’ que gira en torno al caso de Eleonor Alejandra Marín Mendoza, una trabajadora de un hospital de Ciudad de México que, en 2009, fingió un embarazo y salió del centro con una recién nacida escondida en una bolsa. Una historia que sacudió a la opinión pública del país y que el filme utiliza para examinar la presión social sobre la maternidad y los fallos de atención en materia de salud mental.

El caso acabó con una condena de 13 años, 3 meses y 25 días de prisión para Marín Mendoza, la localización de la bebé pocas horas después en un hotel del este de Ciudad de México y la absolución posterior de su marido, Arturo Calderón Gamiño, que pasó dos años y seis meses en prisión preventiva mientras se investigaba su posible implicación.

Un ‘true crime’ nada convencional

La película se aparta del ‘true crime’ convencional, como no podía ser de otra manera en el cine de Alberdi, y articula el relato en dos planos: una primera mitad dramatizada desde la versión de Marín Mendoza, con actores que cuentan la historia desde el pasado, y una segunda parte en la que aparecen la propia protagonista en prisión, así como otras personas vinculadas al caso e imágenes de archivo de 2009.

La directora chilena, dos veces nominada al Oscar en documental, ha explicado que esa recreación adopta la forma de un “cuento de hadas” para reflejar la mirada subjetiva de la protagonista sobre su matrimonio y su deseo de ser madre.

La investigación se activó el 17 de junio de 2009, el día en que Marín había anunciado a su familia que daría a luz. La sustracción se produjo minutos antes de las 19.00 en el área de ‘ginecobstetricia’ del hospital donde trabajaba: la mujer cogió a una recién nacida de las cunas, la ocultó en una bolsa de papel y salió del edificio.

Los vídeos de seguridad permitieron identificar que quien se había llevado a la niña era una empleada del propio hospital. A partir de esa pista, las autoridades revisaron su domicilio y sus registros telefónicos, localizaron un número de hotel y encontraron de madrugada a la bebé sana junto a Marín y a su esposo.

La recién nacida, Katya Valentina, fue devuelta ilesa a sus padres pocas horas después. Arturo Calderón Gamiño también fue detenido en ese operativo, aunque terminó absuelto.

La versión de Marín Mendoza sobre lo sucedido difiere de la mantenida por la familia de la niña. Ella sostiene que conoció en la maternidad a una embarazada llamada Mayra Navarro Vega, que esa mujer no quería a la bebé y que había aceptado entregársela tras el parto.

Mayra rechaza de forma tajante ese relato y afirma que solo vio a Marín el día del nacimiento, cuando apareció en su habitación haciéndose pasar por trabajadora social y preguntándole por su vida, el padre de la niña y su relación con él.

La madre de la bebé ha declarado que fue al baño del hospital y, al volver, descubrió que su hija había desaparecido. También niega que existiera acuerdo alguno y sostiene que llevó el embarazo en otro centro sanitario y no conoció a Marín hasta ese momento.

Cómo fingir un embarazo

El documental sitúa el origen del engaño mucho antes del secuestro. Marín Mendoza se casó siendo adolescente, quedó embarazada y sufrió un aborto espontáneo; después perdió un segundo embarazo y ocultó un tercero por miedo a la reacción de su marido y de su familia política.

Para mantener la ficción de que seguía gestando, aumentó de peso de 54 a más de 89 kg comiendo comida basura y manipuló sus propios historiales médicos en el departamento de obstetricia y ginecología donde trabajaba. La película incluye además un episodio especialmente revelador: un médico llegó a autorizarle la baja por maternidad tras asegurar que había detectado el latido de un bebé.

Alberdi ha comentado en varias entrevistas que el caso le interesó por la pregunta de fondo: por qué alguien sentiría la necesidad de fingir un embarazo. Su respuesta no exculpa el delito, pero desplaza parte del foco hacia el entorno familiar, sanitario y social que rodeó a la protagonista.

En esa misma línea se pronuncia la psicóloga forense Norma Romero Sánchez, que evaluó a Marín tras su detención y aparece en la película. La especialista sostiene que la presión para sentirse realizada como mujer a través de la maternidad contribuyó a una fantasía defensiva frente a una realidad dolorosa marcada por abortos recurrentes.

Romero Sánchez añade que el engaño solo pudo llegar tan lejos por un perfil psicológico concreto, con pocos recursos para afrontar conflictos y tendencia a la disociación, hasta el punto de confundir fantasía y realidad. A su juicio, un mayor apoyo profesional habría cambiado el recorrido del caso, aunque también reclama una revisión de los estereotipos culturales que siguen asociando la identidad femenina a tener hijos.

Tras salir de prisión en 2023, Marín Mendoza asegura en el documental que ha pasado años “asumiendo el hecho de no ser madre”. En esa revisión de su propia historia, afirma que aquel deseo estaba más relacionado con complacer a los demás que con una decisión propia.

El documental de Maite Alberdi

Alberdi vuelve a manejar como solo ella sabe los recursos del documental, componiendo un magnífico híbrido entre ficción y realidad y suspendiendo así la verdad del relato a través de los diferentes puntos de vista.

Y es que nos encontramos frente a un personaje que puso en suspenso la noción de objetividad, que se inventó un universo paralelo y que engañó a todos los que se encontraban a su alrededor. Así que, en consecuencia, la película también juega con eso, a manejar la perspectiva del espectador a través de los nuevos datos que poco a poco se van ofreciendo.

Su propio hijo es una película repleta de capas que se va reinventando a sí misma en todo momento, que demuestra la capacidad de la directora para observar y su delicadeza para que las tramas vayan encontrando su espacio y su hondura, al mismo tiempo que los personajes van adquiriendo una enorme dimensión y ambigüedad psicológica.

Salieron a fumar. Yerai le contó que quería grabar un disco con ese mismo título. Álvarez-Tangana vio algo más: una historia familiar atravesada por un secreto que llevaba años sin poder ser contado. “Quería ir directamente a los hechos”, explicó el músico en rol de director. La guitarra sería, en sus palabras, “una excusa” para entrar en el mundo de esa familia gitana alicantina (con todo lo que ello significa). Lo que siguió fue un rodaje de tres años, con pausas, dudas y cartas escritas para no herir a quienes aparecían ante la cámara. El resultado es una obra que opera como un acto de memoria afectiva: un documental donde la música funciona como vía de duelo, reconciliación y reescritura de una tumultuosa historia familiar.

Disco y película se concibieron como dos caras de una misma obra. Las canciones se fueron escribiendo mientras se rodaba, siguiendo el curso de los acontecimientos reales, de modo que cada tema del álbum dialoga con un fragmento biográfico del guitarrista. “Es un disco basado en hechos reales”, explicó Álvarez, porque se fue haciendo mientras se rodaba, con la única premisa de respetar lo que sucedía. Ambos se publicaron el mismo día: el 20 de diciembre de 2024.

Un secreto familiar en el centro del relato

Yerai Cortés comenzó a tocar el cajón a los cuatro años y dominaba la guitarra a los ocho. Creció en el barrio Virgen del Remedio, un entorno periférico donde la música y la comunidad funcionan como redes de apoyo y afirmación identitaria. A los 29 años, cuando se estrenó el documental, ya era una figura respetada en el flamenco contemporáneo, con presencia en tablaos como el Corral de la Morería de Madrid. C. Tangana lo describió con una frase que resume su posición singular: “Los modernos le tratan de moderno y los gitanos le tratan de gitano.”

Esa dualidad no es solo anecdótica. El documental la sitúa en el centro de su retrato, mostrando cómo navega entre expectativas contradictorias en una sociedad que el propio filme describe como racista. La identidad gitana no aparece como telón de fondo exótico, sino como condición atravesada por desigualdades estructurales que marcaron la historia de su familia. Y es esa historia —con sus silencios, sus culpas y su dolor acumulado— la que organiza la arquitectura narrativa de la película.

El núcleo dramático del documental es la familia de Yerai: su padre, su madre y su pareja, la cantante Tania García. Los padres, divorciados, aparecen ante la cámara con una fuerza de la naturaleza: capaces de sostener primeros planos donde se exponen vulnerabilidades y se revisan decisiones difíciles. Detrás del divorcio, y detrás del toque de Yerai, hay una muerte injusta que la familia llevaba años sin poder nombrar. El documental gira en torno a ese secreto sin convertirlo en espectáculo: lo rodea, lo mira desde distintos ángulos, deja que los personajes se acerquen a él a su propio ritmo. “Hablo de nudos familiares y de cargas”, dijo Yerai Cortés. “El documental se hizo para sanar heridas y para reescribir una historia que estaba mal contada.”

La película se construye como un thriller jondo: el secreto emerge poco a poco, rodeado de alusiones indirectas y silencios significativos. Cada escena aporta un fragmento, cada canción del disco abre una capa más de la historia, hasta que lo que estuvo callado durante años puede finalmente ser dicho. Cuando eso ocurre, el impacto ya está preparado por una empatía construida escena a escena. “Tenía una necesidad de contar mi historia”, dijo Yerai. “De hacer explícitas las cosas que me habían pasado.” La guitarra, por sí sola, solo podía producir notas y acordes; el documental se convirtió en el soporte visual y narrativo que permitió ordenar esas vivencias.

La voz que enhebra el relato

Tania García no es solo la pareja del protagonista. Su voz atraviesa toda la película como hilo conductor emocional, y su interpretación de “Los Almendros” —la canción que obtuvo el Premio Goya a Mejor Canción Original— funciona como el momento en que se condensa la experiencia de duelo, amor y reconciliación que el documental construye durante 91 minutos. La portada del proyecto la muestra en primer plano, una decisión que el propio Yerai explicó con claridad: “La guitarra es la protagonista, pero el hilo conductor es Tania.”

La canción habla de recuerdos, de pérdida y de los almendros como símbolo de conexión con quienes ya no están. Al llevarla al escenario y a los medios, el relato íntimo que nació en el círculo familiar se transformó en un gesto público compartido. La figura de Tania amplía así los límites de la familia retratada: no es solo acompañante afectiva, sino agente central de la narración musical y cinematográfica, la voz que da forma a lo que la guitarra no puede decir con palabras.

C Tangana, una estrella como cineasta aprendiz

La ópera prima de Antón Álvarez (C Tangana) como director llegó después de proyectos audiovisuales previos, como el magnífico documental sobre su propia gira Esta ambición desmedida, donde aprendió sobre fotografía y sobre el ritmo narrativo de la pantalla. Ese aprendizaje se tradujo en decisiones técnicas precisas. La más llamativa fue el diseño de sonido: en lugar de aislar instrumentos y voces como se hace en un estudio, se colocaron dos micrófonos directamente en la cámara, de modo que el punto de vista auditivo coincidiera con el visual. Cuando la cámara se gira hacia la guitarra, la voz pasa al fondo; cuando enfoca la voz, la guitarra retrocede sonoramente. El resultado es una experiencia de escucha que imita la percepción real del espectador si estuviera físicamente en el espacio filmado.

Las escenas musicales se filmaron en su mayoría con planos secuencia sin cortes, capturando no solo la música sino el ambiente que la rodea: los golpes de percusión, las palmas, las respiraciones, la reverberación de la sala. En el flamenco, donde la reacción del entorno forma parte constitutiva de la actuación, ese diseño permite que la película transma algo que los documentales de estudio suelen perder. “Cuando a un artista no le dicen ‘olé’ mientras toca, puede llegar a pensar que no está gustando”, explicó Yerai Cortés.

La fotografía, a cargo de cinco directores de imagen —Uri Barcelona, Nauzet Gaspar, Àlvar Riu Dolz, Diego Trenas y Arnau Valls Colomer—, privilegió encuadres cercanos a las manos de Yerai, a los rostros de los padres, a la mirada de Tania. La luz, en muchos casos natural, evitó la estilización excesiva.

Álvarez reconoció la influencia de Carlos Saura y su impar trilogía flamenca —Bodas de sangre, Carmen, El amor brujo— en la concepción visual del documental. Pero donde Saura filmó en espacios escénicos depurados, con iluminación controlada y coreografías estudiadas, el director de La guitarra flamenca de Yerai Cortés optó por sacar el flamenco del teatro y llevarlo a descampados, plazas de barrio y esquinas del barrio Virgen del Remedio. “Me parece que había que estar a la altura del maestro”, dijo Álvarez, “pero sacando el flamenco de la escena y poniéndolo en un mundo más natural.”

Esa decisión conecta el toque de Yerai con su origen social de manera directa: la música no flota en un espacio abstracto, más bien suena en los lugares donde se vive y se sufre. Las actuaciones en descampados y plazas muestran el flamenco como práctica comunitaria, no como espectáculo para el consumo turístico y antropológico. Frente al riesgo del “lavado de cara” que amenaza a muchas producciones del género —documentales que funcionan principalmente como herramientas de imagen para el artista—, la película apuesta por la naturalidad. Yerai lo formuló con su propia lógica: “¿Por qué tiene que ser tan grave mostrarte vulnerable?”

El punto de partida del documental no es una cancha de tenis, sino un bosque de Serbia. A los 10 años, Djokovic se encontró solo frente a un lobo. Ambos se miraron durante diez segundos antes de que el animal inclinara la cabeza y se marchara. Esa imagen, según el propio tenista, condensa la soledad que sostuvo toda su trayectoria.

Las noches en los refugios durante los bombardeos, el dolor de la guerra y la angustia de una infancia atravesada por el conflicto armado aparecen en el documental como los cimientos sobre los que se construyó uno de los deportistas más laureados de la historia. “El tenis me dio muchísimo, pero las batallas más importantes nunca se libraron solo en la pista”, afirma Djokovic en el filme, según recoge Vanity Fair.

Federer, Nadal y Agassi en el documental

La producción de Prime Video también explora el entorno humano que rodeó al campeón a lo largo de las décadas. Su esposa Jelena Djokovic, sus hijos y su primera entrenadora, Jelena Gencic, ocupan un lugar destacado en el relato. “Sin ella no sería quien soy”, señala el tenista en referencia a Gencic, a quien atribuye parte esencial de su formación como deportista.

El documental recorre además sus primeras apariciones en el circuito profesional como un recién llegado que buscaba un lugar entre los grandes, y la obsesión constante por demostrar que podía estar a la altura de los mejores, de acuerdo con la información difundida por Vanity Fair.

Entre los testimonios que estructuran el relato figuran tres de los nombres más reconocidos del tenis mundial. Andre Agassi lo define como “el mejor de todos los tiempos”; Roger Federer lo llama “el aguafiestas”; y Rafa Nadal lo recuerda como “difícil, dificilísimo de enfrentar”.

Las tres caracterizaciones, reunidas en el mismo filme, trazan el perímetro de una rivalidad que marcó una generación entera del deporte, según detalla Vanity Fair.

Los números de una carrera récord

El palmarés que sostiene esa reputación va más allá de los 24 Grand Slams. Djokovic acumula más de 1.100 victorias en individuales a lo largo de su carrera, una medalla de oro olímpica y el récord de 428 semanas como número uno del ranking mundial, la marca más extensa registrada en la historia del tenis profesional.

Esos números, desgranados a lo largo del documental, permiten dimensionar la escala de una carrera que comenzó en las canchas de tierra batida de Serbia y se extendió durante más de dos décadas en los principales escenarios del circuito internacional.

Qué dice Djokovic sobre Sinner

El filme también incluye referencias al presente del circuito. Djokovic habla sobre Jannik Sinner con una franqueza que no deja lugar a interpretaciones. “He dado muchos consejos a sus entrenadores, primero a Piatti y luego a Cahill, sobre cómo mejorarlo, y no me arrepiento, así soy yo”, señala el serbio.

La declaración revela una faceta del campeón que pocas veces había trascendido públicamente: la disposición a aportar a rivales directos aun cuando eso pudiera ir en contra de sus propios intereses sobre la pista.

El futuro de Djokovic a los 40

El tenista, que cumplirá 40 años el 22 de mayo de 2027, no cierra la puerta a seguir compitiendo. El documental concluye con una figura que conserva aspiraciones sobre la pista y que apunta a sorprender tanto al público como a sus pares en las etapas finales de una carrera en el tenis masculino.

Netflix anunció que Jessica Simpson, de 46 años, será la protagonista de un documental de largo aliento que llegará a la plataforma en 2027, con el director Joe Pearlman al frente del proyecto.

El filme, aún sin título oficial, promete una “inmersión profunda en la vida y la carrera de la estrella del pop”, según describió Tudum, el portal de contenidos de Netflix.

Pearlman es un cineasta nominado a los premios BAFTA, los Emmy y los Grammy, conocido por su trabajo en documentales de alto perfil como Robbie Williams (2023), Lewis Capaldi: How I’m Feeling Now (2023), Mourinho y Harry Potter 20th Anniversary: Return to Hogwarts (2022). La producción estará a cargo de Van Toffler —ex presidente de MTV Networks, la cadena que convirtió a Simpson en nombre familiar con el reality Newlyweds: Nick and Jessica— y tendrá como productoras ejecutivas a la compañía Gunpowder & Sky, junto a Pearlman y Jonathan Silberberg.

La trayectoria de Simpson ofrece material de sobra para el formato. La cantante texana debutó en la música a los 18 años con el sencillo “I Wanna Love You Forever” (1999) y se convirtió en una de las figuras del pop de principios de los 2000, con más de 20 millones de discos vendidos en todo el mundo. Su exposición pública alcanzó otro nivel con el reality Newlyweds: Nick and Jessica (2003-2005), en el que compartió cámara con su entonces esposo, el cantante Nick Lachey, hasta que el divorcio en 2006 la dejó en el centro de un escrutinio mediático que se prolongó por años.

Lo que siguió al fin de ese matrimonio fue una década marcada por relaciones turbulentas —incluyendo un vínculo on and off con el músico John Mayer que Simpson describió como emocionalmente destructivo—, presiones de la industria sobre su cuerpo desde los 17 años, y una dependencia al alcohol y a pastillas que se agravó con el tiempo.

}En 2020 publicó sus memorias Open Book, un éxito de ventas en el que reveló haber sufrido abuso sexual en la infancia, haber consumido pastillas para dormir desde adolescente y haber llegado a un punto de quiebre en 2017, cuando no pudo ayudar a sus hijos a prepararse para Halloween por estar bajo los efectos del alcohol. “Tuve que despojarme de todo el automedicamento para sentir el dolor y descubrir qué estaba mal”, escribió. Alcanzó la sobriedad ese mismo año.

Mientras su carrera musical atravesaba turbulencias, Simpson construyó en paralelo uno de los imperios empresariales más inesperados de la industria del entretenimiento. En 2005 lanzó The Jessica Simpson Collection, una línea de calzado en colaboración con el diseñador Vince Camuto que se expandió a ropa, carteras, accesorios, fragancias y productos para el hogar en más de 30 categorías.

Para 2010, la marca generaba 750 millones de dólares anuales en ventas minoristas; en 2014 superó los 1.000 millones de dólares, convirtiéndose en la marca de licencias de celebridades más exitosa de su época, por encima de Michael Kors en volumen de ventas. En 2021, tras la quiebra de su empresa holding Sequential Brands, Simpson recuperó el 100% de la propiedad de su marca en una subasta por 65 millones de dólares, lo que le permitió quedarse con la totalidad de las ganancias futuras.

Después de 15 años de silencio discográfico —su último álbum de estudio había sido Do You Know (2008), un trabajo de country que debutó en el número uno del Billboard Top Country Albums y que aun así le valió la rescisión de su contrato discográfico—, Simpson regresó a la música en 2025 con dos EP independientes bajo el sello Nashville Canyon. El primero, Nashville Canyon, Pt. 1, llegó el 21 de marzo de 2025 con cinco canciones de americana y roots rock escritas en medio de su separación de su segundo esposo, Eric Johnson, tras diez años de matrimonio. El segundo volumen siguió en septiembre de ese mismo año. “Cuando he tenido éxito en mi vida ha sido cuando he sido honesta y auténtica. Nunca había tenido la oportunidad de hacerlo en la música hasta ahora”, declaró Simpson a Rolling Stone en marzo de 2025.

El regreso musical se combinó con una reaparición en la televisión: Simpson tuvo un papel en All’s Fair, la reciente serie protagonizada por Kim Kardashian. Ahora, con el documental de Netflix, la artista vuelve a abrir las puertas de su vida al escrutinio público por primera vez desde Newlyweds, más de dos décadas después. “Ahora ha vuelto a abrir las puertas para contarlo todo en un nuevo documental”, señaló Tudum al anunciar el proyecto. El documental no tiene aún fecha de estreno precisa dentro de 2027.

La intérprete compartió en redes sociales cómo experimentó una transformación total, tanto en su cuerpo como en su perspectiva de vida, durante el rodaje de la cinta basada en hechos que conmocionaron a México.

La película revive el caso de la bebé robada en el Hospital General

La producción, inspirada en el caso de una recién nacida sustraída en el Hospital General de Ciudad de México, abordó uno de los episodios más debatidos de la última década.

El filme reconstruye la historia desde la perspectiva de la mujer sentenciada, así como de los familiares afectados y el contexto judicial de la época. El caso, ocurrido en 2009, generó un amplio debate sobre la seguridad hospitalaria, el dolor colectivo y la criminalización de la infertilidad.

La cinta propone una mirada íntima de los hechos y de los motivos que impulsaron a la protagonista, evitando juicios y mostrando las consecuencias personales, familiares y sociales del delito.

La narrativa buscó dar voz tanto a la mujer que cometió el acto como a quienes resultaron afectados directamente.

El impacto mediático y la reapertura del caso en documentales y ficciones recientes reavivaron la discusión sobre la protección de la niñez y la salud mental materna.

El proceso de transformación de Ana Celeste para el papel

Ana Celeste relató en sus cuentas de TikTok e Instagram que el proceso de construir a su personaje fue uno de los retos más grandes de su carrera.

“Decidí grabar mi proceso porque solo mi coach y yo sabíamos cómo me sentía… construir fue hermoso como actriz, doloroso como Ale, pero sobre todo intenté honrar los dolores por los que pasamos todas. Hay un dolor colectivo que nos habita y ahí quería estar para poder contar esto”, compartió en uno de sus videos.

La actriz describió que tuvo que someterse a una intensa transformación física para el papel, incluyendo un aumento de peso significativo.

“Subí 10 kilos, cambió todo de mí, cambió mi manera de ver el mundo, hasta mi música era otra, mi mente ya nunca fue la misma”, escribió en Instagram.

Ana Celeste detalló que, para lograr esta construcción, fue necesario dejar atrás sus propios juicios y permitir que afloraran emociones profundas.

En su mensaje, la intérprete habló de cómo el trabajo actoral la llevó a explorar y habitar dolores propios y ajenos.

“Me permití habitar mis dolores más grandes, descubrí mis heridas y otras que no sabía que estaban y al mismo tiempo, en medio de toda la destrucción, me sentí completa”, explicó.

Consideró que habitar el espíritu y las emociones de otro ser a través de su cuerpo y conciencia le permitió experimentar una catarsis personal y profesional.

La experiencia de filmar la cinta la llevó a reflexionar sobre su disciplina y su vocación actoral.

“Sentí que había valido la pena tanto esfuerzo, tanto estudiar, tanto esperar, tantos años de trabajo… Sentí respeto, disciplina, fuerza, dolor, convicción y una satisfacción muy grande”, expresó en su publicación.

Ana Celeste subrayó la importancia de la transformación en su carrera: “Siempre he visto la transformación como algo necesario, quiero habitarme de todas las formas posibles, me gusta el límite, lo diferente, aunque me da miedo siempre viajo a lo más profundo de mí”.

Finalmente, la actriz agradeció la oportunidad de interpretar a Alejandra y de contar su historia.

“Gracias Alejandra por permitirme habitarte y contar tu historia”, concluyó. El papel dejó en Ana Celeste un aprendizaje duradero y una visión renovada sobre la empatía, el dolor y la fuerza que implica encarnar historias reales en la pantalla.

La cineasta, documentalista y promotora cultural salvadoreña Paula Heredia será reconocida como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, según información publicada por elsalvador.com y La Gaceta Suchitoto.

La distinción será entregada por el Ministerio de Cultura de Francia el próximo 26 de agosto, durante una ceremonia que será presidida por la embajadora Anne Denis-Blanchardon, en San Salvador.

La Orden de las Artes y las Letras, creada en 1957, distingue a personalidades que han sobresalido por sus aportes en los ámbitos artístico o literario y por su contribución a la difusión de la cultura. La candidatura de Paula Heredia fue impulsada y documentada por la Embajada de Francia en El Salvador, proceso que fue posteriormente evaluado por las instancias competentes de la Orden y el Ministerio de Europa y de Asuntos Exteriores de Francia, según detalla La Gaceta Suchitoto.

Paula Heredia cuenta con una trayectoria internacional vinculada al cine y el documental. Ha recibido reconocimientos como un premio Emmy y un ACE Eddie Award. En 2002, Heredia obtuvo el Emmy por su trabajo de edición en el documental “In Memoriam: New York City, 9/11/01”, producido por HBO, y en 2009 dirigió el filme “Africa Rising”, producido por Meryl Streep. Además de su labor audiovisual, Heredia ha desarrollado una importante dimensión cultural y educativa en El Salvador, especialmente en Suchitoto.

La labor de Heredia ha tenido un impacto significativo en la vida cultural de Suchitoto. Es fundadora de la Fundación Casa Clementina y directora artística del Festival Internacional de Cine de Suchitoto (FICS), desde donde ha impulsado la promoción del cine, el arte y el desarrollo comunitario.

El FICS, creado en 2014, se ha consolidado como un espacio de encuentro entre el público local y producciones cinematográficas salvadoreñas e internacionales, además de propiciar alianzas que han permitido acercar el cine francés a las pantallas salvadoreñas.

En 2025, el festival presentó un ciclo de animación francesa en colaboración con la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français de París, según destaca La Gaceta Suchitoto.

Heredia expresó su gratitud al conocer la noticia del reconocimiento. “Me llena de mucha felicidad este reconocimiento. Aceptaré esta distinción con profunda gratitud y con el firme compromiso de seguir tendiendo puentes entre nuestras culturas”, declaró en diálogo con elsalvador.com.

La Fundación Casa Clementina, fundada por Heredia, ha promovido iniciativas comunitarias como Jóvenes Emprendedores, las Damas de los Bordados, las Residencias Artísticas y el Laboratorio entre Artistas y Artesanos. Estos programas buscan fortalecer la identidad local, la formación técnica y el emprendimiento a través del arte y el patrimonio cultural salvadoreño.

Con este reconocimiento, Paula Heredia se suma a una lista de salvadoreños destacados que han recibido la Orden de las Artes y las Letras de Francia, entre ellos los pintores Carlos Cañas y César Menéndez, el escultor Ricardo Carbonell, el director teatral Roberto Salomón, el gestor cultural Sergio Alfaro y la musicóloga Elizabeth Trabanino Suárez, según reporta elsalvador.com.

La distinción reconoce una trayectoria que ha combinado la creación audiovisual con la gestión cultural y el impulso de proyectos orientados a conectar a las comunidades salvadoreñas con expresiones artísticas nacionales e internacionales. Desde Suchitoto, la comunidad felicita a Heredia por una carrera que ha contribuido a colocar a la ciudad en el mapa cultural y cinematográfico internacional, como resalta La Gaceta Suchitoto.

Esta condecoración reafirma el compromiso de Paula Heredia de continuar promoviendo el intercambio cultural entre El Salvador y Francia, y de seguir aportando al desarrollo artístico y comunitario desde Suchitoto.

El director brasileño Kleber Mendonça Filho filmó un documental de ocho minutos sobre el cineasta iraní Jafar Panahi en las calles de Nueva York, durante la 63ª edición del Festival de Cine de Nueva York (NYFF, por sus siglas en inglés). El cortometraje, titulado South of Tehran, tendrá su estreno mundial en la 64ª edición del certamen, que se extenderá del 25 de septiembre al 12 de octubre, según informó en exclusiva la revista IndieWire.

La película surgió de una serie de conversaciones entre ambos directores a lo largo de distintos puntos de la ciudad, mientras los dos participaban en el festival de 2025 con sus respectivos largometrajes. Mendonça Filho presentaba El agente secreto, por la que obtuvo el premio al Mejor Director en Cannes 2025. Panahi, por su parte, llevó a Nueva York Fue solo un accidente, el thriller político con el que ganó la Palma de Oro en ese mismo festival. Ambas películas fueron posteriormente nominadas al Óscar a la Mejor Película Internacional en la ceremonia de 2026.

La elección de Jafar Panahi como sujeto del documental no es casual. El director iraní, nacido en 1960, lleva más de una década filmando bajo una prohibición formal impuesta por el gobierno de Irán en 2010, que le vetó dirigir películas, escribir guiones, dar entrevistas y salir del país durante 20 años, tras ser acusado de propaganda contra la República Islámica. Lejos de abandonar su oficio, rodó en condiciones clandestinas: This Is Not a Film (2011) se filmó en su apartamento y salió del país en un pendrive oculto dentro de un pastel; Taxi (2015) se rodó desde el interior de un automóvil; Fue solo un accidente se filmó de manera guerrillera con actores en su mayoría no profesionales y se editó en una MacBook Air sin conexión a internet. Panahi es uno de los cuatro directores en la historia del cine que ganaron los premios máximos de los tres grandes festivales europeos: Cannes, Berlín y Venecia.

South of Tehran es la primera entrega de NYFF Encounters, un nuevo ciclo anual del festival neoyorquino que encarga a un director con película en la programación un cortometraje rodado durante el certamen, para estrenar en la edición siguiente. El director artístico del NYFF, Dennis Lim, describió el espíritu de la iniciativa: “El Festival de Cine de Nueva York es, ante todo, un lugar de encuentro: entre cineastas, públicos, películas y la ciudad misma”, y añadió que la esperanza es que estos filmes formen con el tiempo “un archivo histórico tan significativo como nuestra colección de afiches”.

El propio Mendonça Filho explicó cómo nació el proyecto. “Amo el hecho de que mi próxima película fue sugerida por Dennis Lim, casi como un reto”, declaró el director brasileño. “Acepté el desafío y pude filmar una pequeña película en el NYFF del año pasado con el maravilloso Jafar Panahi.” El cortometraje, producido por Emilie Lesclaux, se proyectará en la sección Spotlight del festival y tendrá presentaciones adicionales junto a algunas de las películas del programa principal.

La iniciativa NYFF Encounters toma como modelo un cortometraje que permaneció inédito durante décadas: Pier Paolo Pasolini — Agnès Varda — New York — 1967, filmado por Agnès Varda con cámara de 16 milímetros durante la 4ª edición del festival, mientras ella y el cineasta italiano recorrían las calles de Manhattan. El material fue descubierto en 2021, tras la muerte de Varda, restaurado y exhibido en el NYFF de 2023. La 64ª edición del festival, presentada por Film at Lincoln Center, incluye en su programa principal 32 películas de 31 países.

La producción aborda el proceso de reunión de los hermanos Liam y Noel Gallagher, así como los conciertos y la respuesta de sus seguidores después de 16 años de separación.

El adelanto comienza en un estudio de ensayo vacío, mientras los integrantes de Oasis llegan al lugar. Fragmentos de noticias recuerdan las diferencias entre Liam y Noel Gallagher y la ruptura del grupo en 2009.

Posteriormente, el material muestra las primeras conversaciones sobre la posibilidad de volver a tocar juntos. En una de las escenas, Liam Gallagher explica que la manera en que terminó la historia de la banda fue “inaceptable” para él.

Noel Gallagher, por su parte, expresa sus dudas sobre regresar a los escenarios junto a su hermano debido a las tensiones que habían marcado la relación entre ambos.

“Simplemente no me veo en el escenario con Liam. No quiero volver a lidiar con la tensión. ¿Volverá a desmoronarse todo ?”, dijo.

Por si fuera poco, el tráiler también muestra imágenes de los ensayos y de la preparación de la gira. La producción continúa con escenas del primer concierto de Live ’25, realizado en Cardiff, Gales, en julio de 2025.

En el adelanto, Liam describe los conciertos como una oportunidad para afrontar los conflictos del pasado. La gira representó el regreso de Oasis después de la separación de 2009, cuando Noel abandonó la agrupación tras años de diferencias con su hermano.

Tras la disolución del grupo, ambos músicos desarrollaron carreras por separado y continuaron intercambiando declaraciones sobre sus diferencias en entrevistas y redes sociales. La reunión puso fin a una espera de 16 años para los seguidores de la banda.

Oasis: Don’t Look Back in Anger tendrá su estreno mundial en cines el 11 de septiembre de 2026. El 9 de septiembre se realizarán funciones anticipadas en formato IMAX en Reino Unido y Norteamérica. Antes de su lanzamiento comercial, la película será presentada en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

De acuerdo con la información difundida por la producción, la película tendrá una duración de dos horas e incluirá imágenes de los ensayos y presentaciones de la gira, además de material que no había sido mostrado anteriormente. También contará con la primera entrevista conjunta de Liam y Noel Gallagher en más de dos décadas.

Oasis comenzó la gira en Cardiff en julio de 2025, en el marco de su regreso a los escenarios. A lo largo de su trayectoria, el grupo colocó tres canciones en el Billboard Hot 100, entre ellas “Wonderwall”, que alcanzó el puesto número 8. Además, registró 11 lanzamientos en el Billboard 200.

El documental fue producido por Steven Knight, productor y guionista nominado a los premios BAFTA y los premios Oscar. Asimismo, fue dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace, responsables del documental Shut Up and Play the Hits, centrado en LCD Soundsystem.

“Seamos libres, lo demás no importa nada”. La frase más citada de José de San Martín no es solamente una proclama de libertad: es una jerarquía. Hay algo que está por encima de todo, y todo lo otro —los agravios, las facciones, las cuentas pendientes, las heridas personales— entra sin más trámite en la categoría de “lo demás”.

Dos siglos después, la Argentina invirtió esa jerarquía. “Lo demás” ocupa la escena completa. A esa inversión apunta El Libertador, el cortometraje producido por Infobae con imágenes generadas por inteligencia artificial, que narra el encuentro entre San Martín y Sarmiento en la residencia de Grand Bourg.

No es una pieza concebida con pretensión artística ni como aporte al debate historiográfico, y tampoco sirve para estudiar la vida del Libertador. Convoca a otra cosa: a pensar el presente de una Patria desgarrada a partir del encuentro entre dos personalidades que el imaginario histórico-político nacional suele ubicar en veredas opuestas.

¿Es posible promover un punto de encuentro y de diálogo entre quienes abrazaron posiciones distintas? El cortometraje no se regodea en las desavenencias ni en los enfrentamientos fratricidas que provocaron el exilio de San Martín, ni se detiene en las anécdotas de la política doméstica rioplatense.

Sarmiento no pone el dedo en la llaga: interpela al Libertador sobre algo más trascendente, el encuentro con Bolívar y el desarrollo de la campaña libertadora. San Martín, a su vez, no enumera los agravios de quienes lo denostaron durante décadas. Narra lo único que importa cuando se trata de pensar la Patria. Ahí está la metáfora: la de aquello que falta, pero sobre todo la de lo que puede hacerse si se abandonan los esquemas de pensamiento binario y se abraza la Patria desde la complejidad de su entramado social, geográfico, económico y político.

Francia tiene su Panteón, y en la entrada la inscripción “A los grandes hombres, la Patria agradecida”. Allí descansan quienes hicieron grande esa nación, sin distinguir banderas ni partidos. Rousseau reposa justo enfrente de Voltaire: dos intelectuales de la Ilustración y de la Revolución que en vida sostuvieron ideas sensiblemente enfrentadas. Francia no eligió a uno y negó al otro. Los acogió a ambos, en pie de igualdad y cara a cara, para que dialoguen entre sí y con el imaginario colectivo hasta el fin de los tiempos.

Los partidos expresan una parte, nunca el todo: lo dice su propia etimología. Y una nación se edifica con todas las partes. El problema argentino —porque existe como tal— no deriva de coyunturas específicas. Es de raíz, y se vincula con el quiebre de valores compartidos que llevó a exacerbar hasta lo indecible un enfrentamiento que, a la luz del tiempo, se ha vuelto incomprensible.

Rosas, Urquiza, Alberdi, Sarmiento, Roca, la generación del 80, Yrigoyen, Alvear, Perón, Frondizi y tantos otros son figuras que, en su justa ponderación, pueden aportar a una gran síntesis nacional. Y una síntesis no es la negación de nada: es la superación de dos tesis antagónicas mediante un salto dialéctico que alumbra una nueva verdad compartida.

En los últimos años se ha naturalizado el agravio en la política. Se lo ha celebrado y aplaudido complacientemente, reproduciendo una práctica asentada en acentuar las discrepancias antes que en construir soluciones entre todos. Los resultados están a la vista.

Tal vez haya llegado la hora de desandar tantos desencuentros y de volver a pensar en grande, más allá de lo anecdótico. Conviene recordar que el cruce de los Andes no fue una excursión. Fue una epopeya realizada con frío, al borde del abismo, en la inmensidad de una geografía amenazante y con un enemigo agazapado.

El corolario de la liberación de Chile, Perú y el continente entero no fue la gloria mundana: fue el destierro y el agravio de la facción que pensaba más en la guerra civil que en la campaña emancipadora. Y aun así, el Padre de la Patria jamás se mostró arrepentido. Hizo lo que tenía que hacer, como un verdadero soldado.

Es posible —y necesario— recuperar los valores fundantes de la Patria. Valor, esfuerzo, disciplina, coraje y pensamiento estratégico. Darlo todo sin esperar nada a cambio. Que la potencia de ese ejemplo se vuelva práctica cotidiana, y que la vieja jerarquía vuelva a su lugar: seamos libres, que lo demás, efectivamente, no importa nada.

El proyecto estará encabezado por Majo Riera, madre de Lali Espósito, quien asumirá la conducción de un ciclo de siete episodios dedicado a explorar la vida de mujeres que acompañaron el crecimiento personal y profesional de figuras con alta exposición pública. La presentación oficial se realizó este 12 de agosto de 2026 a través de un comunicado de Personal.

La propuesta se centra en el costado menos visible de esas historias familiares. Según la información difundida por la compañía, la serie busca mostrar cómo esas madres atravesaron la crianza, el sostén cotidiano y la cercanía con trayectorias artísticas que luego alcanzaron una fuerte repercusión pública. El ciclo pondrá el acento en sus historias personales, sus tensiones y el vínculo con la exposición mediática.

Entre las entrevistadas figuran Marlene Rodríguez Miranda, madre de Evaluna, Mau y Ricky, además de esposa de Ricardo Montaner; y Sandra Viviana Quiroga, madre de Duki. A ese grupo se suman, de acuerdo con la información difundida sobre el proyecto, las madres de Emilia Mernes, Nicki Nicole, Milo J y Tiago PZK, en una serie de encuentros que también incluirán a la propia Lali Espósito.

La producción plantea un recorrido por distintas ciudades, entre ellas Nogoyá, Rosario y Buenos Aires, con entrevistas que buscarán reconstruir el lugar que ocuparon esas mujeres en el desarrollo de las carreras de sus hijos. En el avance promocional, una de las participantes afirma: “Gracias a Nicki me di cuenta de que yo podía hacer cosas también, de manos que sostienen y abrazan”. Otra de las voces que aparecen en el tráiler sostiene: “Porque hay cosas que no se pueden transferir, ni vender, ni imitar. El único bien de familia que tengo”.

Riera también dejó una definición sobre el origen de la idea, según surge del material de difusión del lanzamiento. “Hace 20 años acompaño a mi hija en su carrera artística. Es muy difícil trabajar con un hijo”, señala en la presentación del ciclo. Más adelante agrega: “Un día alguien me dijo ‘dejá que te vea el seguidor’ y entendí lo invisible que era mi trabajo”, en una reflexión sobre el lugar de las madres que cumplen tareas de acompañamiento dentro de la industria del espectáculo.

El lanzamiento del tráiler sumó reacciones en redes sociales. Entre ellas apareció un mensaje de Lali Espósito, quien comentó “La Majo” junto a corazones, y también hubo expresiones de apoyo de figuras del ambiente artístico y de varias de las madres que participaron de la grabación.

Flow incorporará la serie a partir del jueves 27 de agosto dentro de su oferta On Demand, en un catálogo que reúne series, películas, documentales, música en vivo, noticias y deportes.

El documental de Oxygen True Crime sobre la vida de Emma Coronel Aispuro, esposa de Joaquín “El Chapo” Guzmán, llega en streaming a México luego de nueve meses de su estreno en Estados Unidos.

Married to El Chapo: Emma Coronel Speaks —o Casada con El Chapo: Emma Coronel Habla, como se conoce en español— se estrenó originalmente el 28 de noviembre de 2025 y desde entonces no ha dejado de generar polémica.

En él, Coronel habla de su infancia en Durango, de cómo conoció al capo mexicano, de las capturas, las infidelidades y de su propio arresto en un aeropuerto de Virginia.

Una niña en la sierra que no tenía televisión y no sabía quién era El Chapo

Emma Coronel Aispuro nació en California pero creció en un rancho de Durango sin agua potable, sin electricidad y sin señal de televisión. Lo cuenta ella misma en el documental: “Vivía en mi casa con mis papás, mis tres hermanos. No había agua potable, no había electricidad, y por supuesto que no había televisión. Estábamos realmente incomunicados del mundo”.

En ese entorno, el cultivo de marihuana era la economía de la región. “Cultivaban marihuana en los ranchos desde que tengo uso de razón. Esa es la forma de vivir de las personas. O te mueres de hambre o haces lo que haya que hacer para sobrevivir”, relató.

Fue en ese contexto que Coronel justifica no haber sabido quién era Joaquín Guzmán Loera cuando lo conoció a los 17 años, en una fiesta local donde participaba como candidata a reina de la Feria del Café y la Guayaba: “Siempre que lo digo, dicen: ‘¿Cómo no vas a saber? Si salía en la tele’. ¡Yo no tenía tele! Carajo, pues, ¿dónde yo lo iba a ver?”.

El primer acercamiento fue breve. Alguien le dijo que una persona importante en la fiesta quería bailar con ella. “Llegó un hombre y me dijo: ‘Mi nombre es Joaquín’”, recuerda. Guzmán tenía entonces alrededor de 50 años y ya era prófugo de la justicia.

El cortejo de los días siguientes incluyó visitas en helicóptero al rancho familiar. Coronel recuerda una en particular: mientras ella y su familia lavaban ropa a mano y la tendían a secar, escucharon llegar la aeronave. “Se voló por todos lados. Todo el mundo dice: ‘Ay, qué padre. Joaquín fue a visitarte en un helicóptero, wow’. Y yo nada más pensando: ‘Ya me volaste toda la ropa, ya me llenaste todo de polvo’”.

Se casaron en una ceremonia simbólica en el rancho, sin unión civil, cuando ella cumplió 18 años. “Sencilla, en mi rancho, con mi familia, música, mi pastel”, describió. Hoy, ese recuerdo no le produce emoción: “Es un aburrimiento para mí estar hablando de eso. Mas que tristeza, no siento nada”.

La vida clandestina: avionetas, puertas traseras y un capo que veía novelas

La vida en pareja transcurrió entre la sierra de Durango y casas clandestinas. Para visitar a Guzmán, Coronel Aispuro dejaba todos sus celulares en casa, salía por puertas traseras de tiendas, cambiaba de vehículo en movimiento y abordaba avionetas hacia pistas sin nombre en ranchos de Durango.

“Para mí esa era la vida normal”, dijo en el especial de Oxygen. “Ahora me doy cuenta que no era normal”.

Cuando estaban juntos, el capo elegía actividades domésticas. Le gustaba ver novelas —la que más le gustó fue Destilando amor—, cantaba en la regadera y le pedía a Coronel que le hiciera enchiladas con los mismos ingredientes que usaba su madre. “Él no se sentaba a hablar conmigo sobre su trabajo. Ni yo le preguntaba, ni lo veía trabajar”, aseguró.

Al ser preguntada por la fortuna que llevó a Forbes a ubicar a El Chapo en la posición 701 de los más ricos del mundo, Coronel respondió: “Nunca vi esas cantidades. Ni siquiera lo escuché mencionarlo. También me gustaría que dijeran dónde está, porque yo nunca la vi”. Luego reconoció que tampoco preguntó: “No le pregunté de dónde venía su dinero por falta de experiencia, tal vez por comodidad”.

Podían verse una semana seguida o pasar un mes sin encontrarse. Cuando salían noticias sobre él en los medios, Guzmán le avisaba: “Me lograba avisar: ‘Si te enteras de alguna noticia o ves la tele, no te asustes, yo estoy bien’”.

La madrugada en Mazatlán, la fuga del Altiplano y la última Navidad juntos

El 22 de febrero de 2014, Coronel estaba con sus hijas pequeñas en un hotel de Miramar, en Mazatlán, cuando las fuerzas federales irrumpieron. Guzmán la había convocado ahí días después de escapar de una persecución en Culiacán. Ella pensó: “‘Bueno, pues ¿por qué no esperaste a que se estuviera un poco más calmado para llevarnos?’”, pero accedió.

Alrededor de las cuatro de la mañana, la calma se rompió: “Nos tumbaron la puerta. Había personas gritando su nombre, ‘Joaquín, Joaquín’. Estaban en cinco segundos apuntándome con armas largas. Yo creo que es el momento que más miedo he sentido porque también, pues al lado estaban mis hijas”.

Guzmán se entregó cuando escuchó que apuntaban a su esposa: “Ya salió y dijo: ‘Ya, ya. Aquí estoy, aquí estoy’”. Coronel, la niñera y la cocinera fueron detenidas, esposadas y vendadas de los ojos. “Esos momentos se te hacen una eternidad”, recordó.

Sobre la fuga del Altiplano en julio de 2015 —por la que se declaró culpable ante una corte federal de Washington—, Coronel fue evasiva frente a la cámara. Cuando le preguntaron directamente su papel en el plan, pidió detener la grabación. Solo se escucha: “Quería explicarlo de una forma que después no me afecte”.

La última vez que vio a su esposo en libertad fue días antes de Navidad de 2015, en una cena familiar con cohetes artificiales. El 8 de enero de 2016, Guzmán fue recapturado en Los Mochis en la Operación Cisne Negro. Coronel se enteró por los medios. “Son muchas emociones: Tristeza, estrés, molestia, preocupación. Creo que fue el siguiente día que yo iba manejando en sentido contrario y fue un shock para mí cuando me di cuenta”, narró.

El juicio del siglo y la Chapodiputada: la infidelidad ventilada frente a la prensa

Durante el juicio de El Chapo en Nueva York, Coronel decidió asistir todos los días: “Era la única forma de verlo y de mostrarle un apoyo emocional”. Fue ahí donde, frente a la prensa, las autoridades y los asistentes, quedó al descubierto la relación extramarital de Guzmán con Lucero Sánchez, exdiputada local de Sinaloa por el PAN, conocida como “La Chapodiputada”.

Sánchez declaró ante la corte sobre su vínculo personal y de negocios con Guzmán y entregó miles de mensajes como evidencia. En un momento del testimonio se refirió a él como “mi esposo”.

Coronel presenció todo desde la galería. En el documental habló por primera vez del golpe que le significó: “Obviamente, sufriendo imaginarlo, que me estuvieran engañando, ¿quién no? Duele que no fui la única pareja en su vida; que tuvo amantes antes, después y cuando estuvo conmigo”.

Sobre los rumores previos al juicio, contó que Guzmán siempre los minimizaba: “Ah, claro, eso eran chismes. ‘Es que tú no sabes’, ‘La gente no quiere vernos bien’”. Y aclaró: “No es como que de repente lo descubriera con las manos en la masa o vi prueba... pues no las vi”.

El exagente de la DEA Carl Pike, también entrevistado en el especial, aportó su propia lectura sobre las vulnerabilidades del capo: “Él no consumía drogas. Realmente no bebía, pero tomaba Viagra como si fueran caramelos. Era adicto a las mujeres”.

Sin inglés, sin higiene básica y separada de sus hijas: el arresto de Emma Coronel

El 22 de febrero de 2021, agentes del FBI abordaron la aeronave en la que viajaba Coronel al aeropuerto de Dulles, en Virginia, y fueron directo a su asiento. “Entraron los agentes del FBI. Fueron directo a mí y me dijeron: ‘Acompáñanos’. Fue súper rápido, fue cuestión de minutos en los que yo ya estaba abajo”.

Los primeros días bajo custodia fueron especialmente duros. La periodista Emily Palmer, entrevistada en el documental, reveló que Coronel estaba en su periodo cuando fue arrestada y que le dieron apenas dos paños durante cuatro días completos. No hablaba inglés. Su abogada Mariel Colón tuvo que deletrearle palabras por teléfono para que pudiera pedir una ducha o solicitar una cobija para el frío.

Coronel se declaró culpable de conspiración para el tráfico de drogas, lavado de dinero y colaboración en la fuga del Altiplano. Fue sentenciada a 36 meses de prisión. La separación de sus hijas fue, según ella, el castigo más severo: “Estar separada de mis hijas fue lo peor del mundo. Tienes tiempo de pensar, de llorar, no tienes algo para distraerte. Estaba entrando en un cuadro de depresión”.

Recuperó la libertad en septiembre de 2023 bajo cuatro años de libertad condicional. Desde entonces no ha vuelto a ver a su esposo: “No tengo ningún tipo de comunicación con él. No sé por qué no me han autorizado ni visita, ni llamada. Ya no lo volví a ver físicamente”.

Dónde y cuándo ver el documental de Emma Coronel en México

Casada con El Chapo: Emma Coronel Habla está disponible en la plataforma de streaming HBO Max a partir de las 22:00 horas del 11 de agosto de 2026. El especial forma parte del catálogo de Oxygen True Crime, canal de NBCUniversal especializado en crimen real, al que se puede acceder en México a través de la plataforma de streaming.

Cuándo y dónde ver la serie documental ‘Mourinho’ en Netflix

La fecha de lanzamiento oficial de ‘Mourinho’ es el 11 de agosto de 2026. La serie está disponible exclusivamente en Netflix, lo que permite acceder a los tres episodios desde cualquier país donde la plataforma opere.

El estreno se produce en una semana relevante para el fútbol español: Mourinho vuelve a dirigir al Real Madrid después de 13 años, reforzando así el interés por la producción entre los aficionados del club y del fútbol internacional.

Qué temas y momentos aborda la serie documental sobre José Mourinho en Netflix

La miniserie explora los momentos clave de la carrera de José Mourinho, incluyendo sus logros más destacados, sus métodos de trabajo y su relación con jugadores y directivos.

Entre los episodios que se recuperan figuran su vínculo con Sir Alex Ferguson, el conflicto con Iker Casillas y los éxitos obtenidos en clubes como el Chelsea. El documental se filmó durante dos años, con acceso privilegiado al entrenador y a protagonistas de distintas etapas de su trayectoria, lo que favorece una mirada integral sobre su evolución profesional y personal.

Quiénes participan en la serie documental ‘Mourinho’

El documental reúne declaraciones y apariciones de personalidades que marcaron la carrera de Mourinho. Entre los participantes se encuentran Sir Alex Ferguson, John Terry, Frank Lampard, Didier Drogba, Zlatan Ibrahimović, Samuel Eto’o, Javier Zanetti, Iker Casillas, Marcelo y Sami Khedira, entre otros.

El acceso directo al técnico y a estas figuras permite al público conocer detalles inéditos de los vestuarios, de los entrenamientos y de las relaciones personales que influyeron en los grandes momentos de la carrera del entrenador portugués.

Qué papel juegan las redes sociales en la figura pública de José Mourinho

El documental y los análisis recientes subrayan el cambio radical en la forma en que Mourinho gestiona su imagen pública. A pesar de su fama de entrenador de la vieja escuela, supo anticipar la importancia de las redes sociales como herramienta para conectar con los aficionados y posicionar su marca personal.

Un informe del New York Times de diciembre de 2020 reveló cómo, tras su paso por el Tottenham, reactivó su cuenta de Instagram y en un solo día sumó 1,5 millones de seguidores. En la actualidad, el técnico tiene 5,8 millones de seguidores en esa red, incrementando su alcance global, sobre todo tras su vuelta al Real Madrid.

Expertos en marketing deportivo como Alexandre Vasconcellos y Claudio Fiorito destacan que la presencia en redes sociales ya no solo responde a la promoción personal, sino que forma parte de una estrategia más amplia de posicionamiento de marca y de consolidación de relaciones comerciales.

Mourinho, según estos especialistas, comprendió que la autenticidad y la conexión con el público generan valor más allá de los resultados deportivos.

Cómo ha evolucionado la exposición mediática de Mourinho

La exposición pública de Mourinho ha evolucionado en paralelo con el auge de las plataformas digitales. Su retorno a Instagram fue impulsado tanto por la demanda de los patrocinadores como por la experiencia de convivir con las cámaras durante la grabación del documental ‘All or Nothing: Tottenham Hotspur’ de Amazon Prime Video.

Aunque en un principio mostró incomodidad ante la presencia constante del equipo de filmación, terminó por reconocer que mostrar el día a día de un entrenador genera un interés genuino entre los seguidores del fútbol y fortalece su marca personal.

Cinco años después, en enero de 2025, Mourinho utilizó Instagram para lanzar su propio vino, The Special One, una referencia a la frase que lo acompañó desde su llegada al Chelsea en 2004 y que consolidó una identidad distintiva en el fútbol mundial.

Qué otras producciones sobre José Mourinho pueden verse en plataformas digitales

Además de ‘Mourinho’ en Netflix, existen otras producciones centradas en el entrenador disponibles en Amazon Prime Video. La más destacada es ‘All or Nothing: Tottenham Hotspur’ (2020), una serie documental donde Mourinho es protagonista. Este contenido sigue su llegada al club, su método de trabajo y su día a día con los jugadores.

Otra producción relevante es ‘The Making Of: José Mourinho’ (2022), un episodio documental en formato de entrevista en el que analiza tres partidos determinantes en su carrera profesional. Estas propuestas complementan la nueva serie de Netflix, permitiendo al público explorar diferentes facetas del entrenador y comprender mejor su influencia en el fútbol contemporáneo.

La oferta de documentales y series que abordan la figura de Mourinho confirma el interés global por los líderes deportivos convertidos en marcas e íconos mediáticos.

Un documental estrenado a los 89 años del nacimiento de Juan José Saer volvió a situar a la Casa Tomatis en el centro de la obra del escritor al mostrar cómo esa vivienda de Santa Fe funcionó en la realidad y en la ficción como escenario de novelas y cuentos. Ubicado en Mendoza al 2811, el espacio empieza además a abrirse al público en recorridos especiales.

La película dura media hora, se puede ver en YouTube y fue estrenada el 28 de julio pasado. El edificio está en el centro de la ciudad de Santa Fe, a pocas cuadras de la que fue la calle comercial más importante del siglo pasado, y fue construido en la década del 50 por un inmigrante sirio de apellido Saer que se mudó de Serodino a la capital provincial para instalar su negocio de telas y alojar a su familia.

La casa de Carlos Tomatis en la ficción pertenece hoy a José Tuma, sobrino del autor, y es uno de los espacios con mayor presencia en los relatos de Saer, que pasó allí su adolescencia y parte de su juventud. El escritor vivió en Serodino, Colastiné, Santa Fe y París.

La apertura de la casa al público quedó incorporada al regreso de las caminatas saerianas “La ciudad narrada”, que volvieron a realizarse con apoyo del Ministerio de Cultura de Santa Fe y la Universidad Nacional del Litoral. El recorrido del 27 de junio comenzó a las 9.30 en el Café Tokio Norte, duró una hora y media y propuso una caminata de 15 cuadras por escenarios asociados a Cicatrices, Glosay Lo imborrable.

El circuito incluyó la esquina de Hipólito Yrigoyen y San Martín, la parada “Glosa”, el edificio que inspiró al Diario La Región en San Martín 2659, la Casa Escasany, el Palace Hotel en Cortada Falucho y 25 de Mayo, el Bar Gran Doria y el antiguo Mercado, hoy Plaza del Soldado, antes de llegar a la vivienda.

La casa fue construida por el padre de Saer para integrar en un mismo edificio la vivienda familiar, su local comercial y un cuarto de estudio para sus hijos varones, contó el diario santafesino. En esa habitación, “Juani” escribió su primer libro de cuentos; en la terraza celebró su casamiento y en esa misma propiedad conoció a los autores que marcaron su formación.

Luciano Lazzarini dijo a La Nación que la propiedad sigue en manos de la familia y que, hasta hace algunos años, vivió allí la hermana del escritor. También explicó que las obras de puesta en valor fueron pagadas por la familia y que, por tratarse de una vivienda privada, no existe por ahora la posibilidad de convertirla en centro cultural, aunque su dueño mantiene disposición para abrirla en ocasiones especiales.

Este año, agregó el productor, la casa volverá a abrirse dos veces más: durante la Noche de los Museos y en la Feria del Libro de Santa Fe. Para la primera de esas fechas está previsto sumar obras del Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo, además de piezas de Fernando Espino y Ricardo Supisiche, dos pintores vinculados con Saer.

Con producción de Luciano Lazzarini y Lorena Menaker, cámaras de Leandro Mottier y Oscar Marticorena, edición de Mottier, arte de Paloma Montani, archivo de Pablo Bertoldi y música de Ricardo Gigena,Casa Tomatis reúne fragmentos de El limonero realde Gustavo Fontán, Retrato de Juan José Saer de Rafael Fillipelli y el corto Ajedrez/Ordende Raúl Beceyro.

También incorpora testimonios de José Tuma, Paulo Ricci, Roberto Maurer y el arquitecto Javier Mendiondo, quien define la vivienda como un “contenedor de los relatos” de Saer. La voz en off pertenece a Claudia Chamudis.

El propio documental resume el peso biográfico y literario del lugar al afirmar que en esa casa Saer descubrió a los escritores que le enseñaron a narrar, mantuvo una relación tirante con su padre, escribió su primer libro de cuentos y compartió tardes en la terraza con su amigo Roberto Maurer. El film añade que, desde hace años, lectores de distintas partes del mundo pasan por la fachada e imaginan a Tomatis saliendo por esa puerta.

El vínculo entre ciudad y literatura también alcanza al periodismo. Antes de consolidarse como uno de los narradores argentinos de mayor reconocimiento, Saer fue redactor de El Litoral, donde a fines de los 50 y principios de los 60 publicó con frecuencia en las páginas literarias acompañado por ilustraciones de Ricardo Supisiche, Enrique Estrada Bello y Fernando Espino.

Mientras la casa santafesina comienza a incorporarse al recorrido público de la obra saeriana, en Serodino sigue pendiente el proyecto para poner en valor la casa natal del escritor y convertirla en centro cultural. La iniciativa fue anunciada en 2019, cuando el gobierno de Santa Fe adquirió la propiedad, pero aún faltan los fondos que la administración provincial no envió.

La plataforma Netflix presentó el proyecto este 6 de agosto de 2026 en Buenos Aires, donde confirmó que el largometraje tendrá estreno global y que pondrá el foco en una etapa marcada por la pausa que el artista debió hacer en 2024. Ese episodio, según la información difundida por la compañía, funciona como el punto de partida narrativo de una obra que repasa sus vínculos, sus momentos de mayor exposición pública y su trayectoria de más de cuatro décadas en la música en español.

De acuerdo con el material promocional, el documental toma como disparador el accidente que obligó al músico a interrumpir parte de su gira en 2024. A partir de ese hecho, el film reconstruye una mirada más introspectiva sobre su historia personal y profesional. La propuesta, según la presentación de Netflix, busca mostrar a Páez desde un lugar “íntimo y sin filtros”, con una cercanía que la plataforma considera inédita dentro de las producciones dedicadas al artista.

La película observa al músico en estudios de grabación, ensayos, viajes y conciertos durante más de un año. La sinopsis oficial señala que la cámara acompaña sus pasos por ciudades de América Latina, Europa y Estados Unidos, y suma material de archivo inédito, registros en vivo y conversaciones personales. El recorrido incluye amores, desamores, amistades, hijos, tragedias, excesos, fracasos y éxitos, según la descripción difundida para el lanzamiento.

La dirección quedó en manos de Matías Gueilburt, realizador de títulos como El vendedor de ilusiones: El caso Generación Zoe, Los ladrones: el robo del siglo y Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada. La producción remarcó que la relación personal entre Gueilburt y Páez resultó clave para alcanzar el nivel de acceso que atraviesa la película. El guion fue escrito por Nicolás Gueilburt y Matías Gueilburt, mientras que la producción ejecutiva estuvo a cargo de Sebastián Gamba, Julián Rousso y el propio director.

Con este lanzamiento, Netflix amplía su catálogo de documentales musicales argentinos, una línea que en los últimos meses sumó títulos como Rockstar: DUKI desde el fin del mundo y LALI: La que le gana al tiempo. La compañía también anticipó otro estreno centrado en Gustavo Cerati, lo que consolida una estrategia orientada a figuras de alto reconocimiento dentro de la música argentina y latinoamericana.

El nuevo proyecto marca además el regreso de Fito Páez a la plataforma tras la serie biográfica que repasó su juventud y el proceso creativo de El amor después del amor. En este caso, la propuesta cambia el enfoque: ya no se trata de una dramatización de episodios de su pasado, sino de una película documental construida desde su propia voz, con el artista como narrador de los momentos que definieron su recorrido.

La fecha elegida para el estreno global es el 3 de septiembre, cuando la producción quedará disponible solo en Netflix. Con el tráiler ya publicado y el arte promocional en circulación, la plataforma activó la campaña de lanzamiento de una película que vuelve sobre una de las figuras centrales del rock en español desde un registro de observación directa y testimonio personal.

“Escucharlo leer la narración... hubo momentos en que se me pusieron los pelos de punta”, confiesa Mary Donahue, Vicepresidenta Sénior de Producción y Desarrollo de History Channel, sobre el trabajo junto al actor en Segunda Guerra Mundial con Tom Hanks, la serie documental de 20 episodios que reconstruye el conflicto más devastador del siglo XX a partir de material de archivo real, gran parte de él nunca visto públicamente.

Mary Donahue ocupa su cargo desde 2017 y es responsable de supervisar toda la producción del canal, desde documentales dramáticos hasta series de no ficción. Ganadora de cuatro premios Emmy —con diez nominaciones personales y veinte obtenidas por los programas que desarrolló—, tiene detrás una trayectoria que incluye series sobre los presidentes Abraham Lincoln, Theodore Roosevelt y Franklin D. Roosevelt, producidas junto a la historiadora Doris Kearns Goodwin, y proyectos con figuras como Leonardo DiCaprio y Kevin Costner.

La producción que ahora presenta, resultado de más de diez años de trabajo, abarca el conflicto en toda su magnitud: desde el ascenso del nazismo y el expansionismo japonés hasta la caída de las potencias del Eje y el surgimiento del nuevo orden mundial posterior a 1945. Los 20 episodios recorren las batallas más decisivas —Stalingrado, el Día D, la ofensiva final sobre Berlín y el desenlace nuclear en Hiroshima y Nagasaki— y se adentran también en aspectos menos explorados, como las operaciones de inteligencia vinculadas al código Enigma, la resistencia clandestina en los territorios ocupados y el costo humano del Holocausto. “Rastrear todo ese archivo, conseguir los derechos, encontrar todas las fotos y el material filmado, y asegurarnos de usarlos de manera responsable y emotiva fue realmente desafiante, pero también muy gratificante”, señala Donahue desde su casa en las afueras de Nueva York (con mucho calor, señala). A través de una videollamada, la responsable de producción de esta monumental serie documental habló con Infobae Cultura sobre el proceso de producción, el rol central de Tom Hanks y el desafío de abordar episodios tan complejos como los bombardeos sobre Hiroshima y Nagasaki sin caer en una sola mirada parcial.

La serie emite dos episodios cada lunes por History Channel —a las 21 de Argentina y a las 20:10 en Colombia y México—. Los próximos capítulos son Overlord y Largo camino a Tokio el 10 de agosto; Frente interno y Resistencia el 17 de agosto; Sin redención y Últimos días del Reich el 24 de agosto; y Final del juego y Consecuencias el 31 de agosto. El lunes 2 de septiembre, cuando se cumplan 81 años del fin de la Segunda Guerra Mundial, los 20 episodios estarán disponibles por completo On Demand.

En la conversación, Mary Donahue revela además una anécdota personal: durante las sesiones de narración, Tom Hanks almorzó con el equipo, contó historias sobre directores que admiraba y, en un momento, habló en la voz de Woody, su personaje en la saga Toy Story. “Fue increíble”, recuerda. “Ver que el Tom Hanks de la pantalla era exactamente el mismo que conocías en persona fue maravilloso”.

—¿Cuál fue el mayor desafío de tomar ese volumen de material de archivo y construir una buena historia?

—Lo que hizo que esto fuera tan desafiante fue la escala del proyecto. Fue verdaderamente... estaba pensado para ser uno de los eventos más importantes en la historia del canal, porque queríamos lanzarlo globalmente. Era muy importante para nosotros que todos los países que emiten History Channel lo estrenaran al mismo tiempo. Nos entusiasmó mucho que toda América Latina se uniera a ese estreno global. Pero para merecer ese tipo de estreno mundial, teníamos que asegurarnos de que el producto fuera asombroso. Decidimos que la escala sería sin precedentes: 20 episodios, la reconstrucción más épica de la Segunda Guerra Mundial desde el famoso proyecto de la BBC narrado por Laurence Olivier en 1973. Tuvimos mucha suerte porque teníamos acceso a nuevas fuentes de archivo que no estaban disponibles en 1973. Pero rastrear todo ese archivo, conseguir los derechos, encontrar todas las fotos y el material filmado, y asegurarnos de usarlos de manera responsable y emotiva fue realmente desafiante, pero también muy gratificante. Y luego, por supuesto, teníamos que honrar no solo a todos los países cuya gente luchó y murió en este terrible evento global, sino también hacer un producto que fuera digno de Tom Hanks, quien está tan apasionadamente conectado con la Segunda Guerra Mundial. Trabajamos muy duro, pero fue un privilegio trabajar en esta serie, y estamos muy orgullosos de ella.

—¿Qué cree que la serie le dice al presente sobre ese pasado?

—La Segunda Guerra Mundial es claramente uno de los eventos más significativos de la historia de la humanidad. En algún punto entre 70 y 85 millones de personas murieron en esa guerra, e involucró a todos los países de la Tierra. Dio forma al mundo moderno en el que vivimos hoy. Y creo que quizás la generación actual —mi hija tiene 25 años, por ejemplo— cree que sabe sobre la Segunda Guerra Mundial, pero no es tan consciente de cómo moldeó el mundo en el que vive hoy. Nos pareció muy importante contar toda la amplitud del evento: cómo comenzó, por qué comenzó, las grandes batallas, quiénes estuvieron involucrados, las decisiones que tomaron y cómo terminó. Y esa amplitud se siente realmente relevante para todos nosotros hoy.

—¿Cómo abordó la serie esos episodios sin caer en una perspectiva única, concretamente la de Estados Unidos?

—Hubo algunos temas episódicos en los que pasamos mucho tiempo pensando cuál era el enfoque correcto. En el episodio sobre el lanzamiento de la bomba, habíamos explicado en episodios anteriores el curso de la guerra, las decisiones que tomaron los Estados Unidos y por qué las tomaron, y también hablamos con un amplio abanico de expertos para tener una perspectiva de Japón también. Tuvimos un grupo muy importante de consultores históricos, uno de los cuales fue el exdirector del Museo de la Segunda Guerra Mundial de Nueva Orleans, y fueron muy rigurosos para asegurarse de que no contáramos lo que sucedió en el episodio del lanzamiento de la bomba solo desde una perspectiva estadounidense. Eso hubiera sido irresponsable, y entendimos que teníamos que considerar el impacto que tuvo sobre Japón. Por esa razón, hicimos un episodio muy interesante sobre el frente interno en Japón y Alemania varios episodios antes de que se lanzara la bomba. Así se puede ver cómo se retrataba la guerra en Japón y cómo la vivía la gente en el terreno. Espero que cuando lo vean, estén de acuerdo en que fuimos responsables. Pusimos muchísimo cuidado.

—Históricamente no sucedió, al menos en Occidente ¿Cómo equilibró la serie la visión soviética y las otras miradas sobre el conflicto?

—Una de las cosas de las que estoy muy orgullosa en esta serie es la cantidad de episodios que exploran la guerra desde el punto de vista ruso. Tenemos un episodio sobre la Operación Barbarroja, uno sobre Stalingrado, y también uno en el que miramos las consecuencias de la guerra y el surgimiento del conflicto entre las dos superpotencias. Una de las cosas que resulta realmente fascinante es que cuando se hizo The World at War en 1973, existía la Unión Soviética. A lo que nosotros tuvimos acceso, y ellos no, fue al archivo de la experiencia rusa durante la guerra. Eso es una de las cosas que hace que esta nueva serie sea tanto atrapante como reveladora. Tenemos material de archivo y testimonios que hablan del lado ruso de la guerra, y una de las cosas de las que me siento muy orgullosa es que se obtiene una perspectiva de por qué Stalin y la Unión Soviética combatieron, qué experimentaron en esas diversas batallas, y se ve desde el punto de vista ruso, no desde el estadounidense. Lo hicimos así porque sentimos la responsabilidad, dado que fue un estreno global, de contar una historia que reflejara a todos los principales combatientes y su perspectiva.

—¿Cómo balanceó el rigor académico que aportan los historiadores con la necesidad de mantener un relato atractivo para una audiencia masiva?

—Una de las grandes cosas que tienen los grandes historiadores es que también son narradores fenomenales. Fuimos cuidadosos al elegir a los participantes de cada episodio: no solo buscamos a los principales expertos mundiales en los distintos temas, sino también a personas apasionadas por la historia de la Segunda Guerra Mundial y que pudieran contar una gran historia. Resulta que soy una de las mayores admiradoras de Simon Sebag Montefiore en el mundo. Creo que es un narrador asombroso, y además tiene un conocimiento enorme. Le dio vida a Stalin en los episodios rusos de una manera que fue reveladora para mí. Creo que tuvimos la suerte de contar no solo con grandes historiadores académicos, sino con personas que sabían cómo contar una historia de una manera realmente atrapante y emotiva, además de precisa.

[Fotos: prensa History Channel]

La Sala Leopoldo Lugones volvió a quedar confirmada como sede de la 26ª edición de DocBuenosAires, la muestra de cine documental de creación que se realizó del martes 18 al domingo 23 de agosto en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, según la gacetilla de Buenos Aires Ciudad de Artes.

La programación abarcó títulos nacionales e internacionales en formatos DCP y, en un caso, DM, con funciones pautadas entre las 14 y las 21, de acuerdo con cada jornada.

La muestra se organizó por el Complejo Teatral de Buenos Aires (Ministerio de Cultura de la Ciudad) y DocBuenosAires, junto con la Fundación Cinemateca Argentina, con apoyo de Mecenazgo Cultural y Directores Argentinos Cinematográficos (DAC).

Una de las líneas curatoriales más visibles de la agenda se apoyó en un foco dedicado a Tsai Ming-liang, con varias obras programadas entre el martes y el jueves, incluidas piezas vinculadas a la serie The Walker.

El martes 18, la Lugones programó La noche (The Night, Taiwán, 2021) y Vivienda pública de Xining (Xining Public Housing, Taiwán, 2024), ambas dirigidas por Tsai Ming-liang, en una función a las 15 con duración total de 81’.

En el texto de presentación de Vivienda pública de Xining, el propio director explicó su vínculo con el edificio: “Filmé en Xining Public Housing en dos ocasiones: primero para la serie All the Corners of the World y luego para mi largometraje The Hole, rodado íntegramente allí”.

La gacetilla precisó además que ese complejo fue construido en 1981 y fue hogar de unas 500 familias de bajos recursos, con una demolición que “parece inminente”, en palabras atribuidas al cineasta.

El miércoles 19 continuó el recorrido con El caminante (Walker, Taiwán, 2012) y Regreso a casa (Back Home, Taiwán, 2025), a las 15, con duración total de 92’. Allí se incluyó una cita extensa atribuida a Tsai Ming-liang sobre Hong Kong y el paso del tiempo: “Me pregunté: ¿Hong Kong cambió demasiado rápido o fui yo quien no pudo seguir su ritmo?”.

El jueves 20, la programación sumó Luz (Light, Taiwán, 2019) y Habitando ningún lugar (Abiding Nowhere, Estados Unidos/Taiwán, 2024), anunciada como “la décima película de la serie The Walker”, en una función a las 14.30 con duración total de 97’.

DocBuenosAires incluyó programas dobles y triples que cruzaron geografías y materiales. El martes 18 a las 20.30 se proyectaron La revolución contra la muerte (The Revolution Against Death, Dinamarca/Estados Unidos/Suecia, 2026), de Joshua Oppenheimer, y Un calendario incompleto (An Incomplete Calendar, Canadá/Irán/Turquía/Venezuela, 2026), de Sanaz Sohrabi, con duración total de 100’.

El viernes 21 a las 17, el programa combinó El lado B del paisaje (Auf der Rückseite der Landschaft, Alemania, 2026), de Philipp Hartmann, filmada en 16 mm revelada a mano según la sinopsis, y Vocabulario activo (Active Vocabulary, Alemania, 2025), de Yulia Lokshina, con duración total de 112’.

El sábado 22 a las 17.30, la agenda sumó En las cercanías del paraíso (Im Umkreis des Paradieses, Alemania, 2026), también dirigida por Yulia Lokshina, con una proyección de 121’.

El domingo 23 a las 15, la Lugones programó Pequeños poemas en prosa (Little Poems in Prose, Rumania, 2025), de Radu Jude y Andrei Rus, y Los rusos (Noruega, 2026), de Mirko Stopar, con duración total de 92’. La sinopsis de este último situó la observación en ciudadanos rusos que se trasladaron a Buenos Aires en 2023 “a causa de la guerra en Ucrania”, con énfasis en mujeres embarazadas que viajaron para dar a luz y tramitar ciudadanía y pasaporte argentinos.

La grilla reservó un bloque de producción local con tres títulos el miércoles 19 a las 20.30: Darkroom (Argentina, 2026), de Marcelo Cugliari; El canto de los pájaros (Argentina, 2026), de Sebastián Zanzottera; e Introducción a la catástrofe (Argentina, 2026), de Priya Govinda, con duración total de 88’.

El jueves 20 a las 20.30 se presentó el díptico En otra Palestina (Perú, 2026), de Yaela Gottlieb, y Vado in America (Argentina/Suiza, 2026), de Lucy Riera, anunciado como “un ensayo documental e investigativo” sobre migración, memoria familiar y archivo audiovisual, con duración total de 100’.

El viernes 21 a las 20, la función unió Hablan las aves (Argentina, 2026), de Rodrigo Montani, y Bosque arriba en la montaña (Argentina, 2026), de Sofía Bordenave, con duración total de 102’. La sinopsis de la segunda fechó un hecho puntual: el 25 de noviembre de 2017 fuerzas de seguridad estatales mataron al joven mapuche Rafael Nahuel en un bosque de la Patagonia.

El sábado 22 a las 21, DocBuenosAires programó Dice que… (Argentina, 2025), de Alejandro Fernández Mouján, con 67 minutos de duración, centrado en la reconstrucción de la muerte de José Luis Alvarenga a partir del eco de una frase: “mataron a Lorenzo Lamas”.

El domingo 23 a las 17.30, la selección incluyó No arreglen ni limpien mi habitación, a mí me gusta como está (Argentina, 2026), de Ignacio Ceroi, con 83 minutos, sobre la compra de una handycam usada en Francia en 2019 y el hallazgo de videos del dueño anterior.

A las 20.30 del mismo día, se proyectaron La felicidad (Paraguay, 2025), de Paz Encina, y El hogar fue sepultado en esa tierra que nunca pudimos encontrar (Colombia, 2026), de Deimer Qu

intero Vertel, con duración total de 109’. Paz Encina definió su obra en primera persona: “La felicidad es un cortometraje que aborda la nostalgia y el recuerdo hacia mi hermano fallecido. Desde entonces, solamente pienso en él e intento recrear alguna imagen que todavía pueda unirnos”.

El reconocido alpinista nepalí-británico Nirmal “Nims” Purja, una de las figuras más destacadas del montañismo de alta montaña y protagonista del documental de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, murió a los 43 años tras la avalancha que sorprendió a su expedición en el Broad Peak, en Pakistán. La noticia fue confirmada este sábado 1 de agosto por Elite Exped, la empresa de expediciones que él mismo cofundó y que lideraba durante el ascenso.

En un comunicado difundido en redes sociales, la compañía expresó su “profunda tristeza” por el fallecimiento del montañista y confirmó que otros integrantes de la expedición tampoco sobrevivieron.

“Hoy lloramos no solo a Nims, sino a cada vida perdida en esta tragedia”, señaló la empresa, que también identificó entre las víctimas a los guías Pur Bahadur Gurung, conocido como “Yukta”, y Nima Sherpa. Elite Exped también solicitó respeto por la privacidad de las familias durante el duelo.

La tragedia ocurrió el jueves, cuando Purja encabezaba una expedición de diez personas con el objetivo de alcanzar la cima del Broad Peak, la duodécima montaña más alta del mundo, con 8.051 metros de altitud, ubicada en la cordillera del Karakórum, en la frontera entre Pakistán y China.

De acuerdo con información difundida por las autoridades de Gilgit-Baltistán, el grupo mantenía contacto con el operador de la expedición hasta las 9:00 de la mañana, hora local. Horas después, una avalancha alcanzó a los montañistas mientras ascendían entre el campamento II y el campamento III, a unos 6.600 metros de altitud.

Las labores de rescate comenzaron la mañana del viernes luego de que la empresa organizadora solicitara apoyo al Ejército de Pakistán. Tres helicópteros militares fueron desplegados para participar en la búsqueda, mientras drones sobrevolaban la zona en un intento por localizar a los desaparecidos.

Sin embargo, las condiciones meteorológicas complicaron la operación desde el inicio. Las fuertes nevadas, la escasa visibilidad y el riesgo de nuevas avalanchas obligaron a suspender temporalmente los vuelos y limitar el avance de los equipos terrestres, que permanecieron varias horas en el campamento base a la espera de una mejora del tiempo.

La búsqueda también recibió el apoyo de montañistas paquistaníes y sherpas nepalíes que suspendieron sus expediciones en el cercano K2 para sumarse al operativo. Según declaró Ayaz Shigri, secretario general del Alpine Club of Pakistan, citado por la BBC, los rescatistas trabajaban con extrema cautela debido al peligro de nuevos desprendimientos de nieve.

Las imágenes captadas por drones permitieron detectar varios cuerpos sobre la montaña antes de que los equipos pudieran acceder al lugar. The Independent informó que los restos recuperados fueron trasladados en helicóptero a un hospital para cumplir con los procedimientos legales de identificación.

Hasta el momento, las autoridades paquistaníes han confirmado la muerte de Sarah Mallory Geis, montañista estadounidense originaria de Texas; Nadhira Ahmed Abdullah Al Harthy, de Omán; Pur Bahadur Gurung, ciudadano nepalí, y posteriormente Elite Exped confirmó también el fallecimiento de Nirmal Purja y de Nima Sherpa. Las operaciones continúan debido a que otros integrantes de la expedición permanecían desaparecidos tras el accidente.

El hombre que cambió el montañismo moderno

Nirmal Purja, nacido en Nepal en 1983 y posteriormente nacionalizado británico, sirvió durante 16 años en las Fuerzas Armadas del Reino Unido. Primero integró los Queen’s Gurkha Engineers y más tarde se convirtió en el primer gurkha en ingresar al Special Boat Service (SBS), una de las unidades de fuerzas especiales británicas.

Su carrera como alpinista alcanzó notoriedad mundial en 2019 con el proyecto Project Possible, mediante el cual escaló las 14 montañas de más de 8.000 metros del planeta en apenas seis meses y seis días, pulverizando el récord que hasta entonces se medía en años. Aunque esa marca fue superada posteriormente por la noruega Kristin Harila, la hazaña de Purja sacudió los límites del montañismo de velocidad.

Su historia llegó a millones de personas gracias al documental de Netflix Los 14 ochomiles: No hay nada imposible, estrenado en 2021. La producción siguió su desafío por los Himalayas y mostró también su propósito de dar mayor reconocimiento internacional a los sherpas y montañistas nepalíes, cuyo trabajo es fundamental en las grandes expediciones.

Entre sus logros más importantes también figura el primer ascenso invernal al K2, conseguido en enero de 2021 junto a un equipo integrado mayoritariamente por alpinistas nepalíes. Años después completó otro desafío sin precedentes al convertirse en la primera persona en escalar los 14 ochomiles tanto con oxígeno suplementario como sin él.

Según recuerda el obituario publicado por Nepal News, Purja dedicó buena parte de su carrera a demostrar la capacidad de los montañistas nepalíes y a visibilizar el papel de los guías de altura, tradicionalmente relegados a un segundo plano. Además de desempeñarse como conferencista y autor, impulsó proyectos de apoyo a comunidades de montaña mediante la Nimsdai Foundation.

Días antes de desaparecer tras la avalancha que golpeó a su expedición en el Broad Peak, el alpinista nepalí Nirmal “Nims” Purja publicó un mensaje en redes sociales en el que reveló que su ascenso a dicha cumbre obedecía a un cambio inesperado en sus planes.

El reconocido montañista del documental de Netflix Los 14 ochomil hizo una publicación el 27 de julio en X bajo el título “La misión cambia. La brújula se mantiene”. En el texto, Purja reveló que Broad Peak no estaba contemplado inicialmente dentro de su expedición a Pakistán. Su intención original era escalar únicamente el Gasherbrum II (G2).

“Esto nunca estuvo en el plan. Inicialmente, el plan era escalar solo G2. Pero justo antes de partir hacia Pakistán, revisé mis ascensos de 8.000 metros. Ahí me di cuenta: si completo Broad Peak mientras estoy aquí, solo quedará uno: Cho Oyu. Entonces me convertiré en la primera persona en la historia en escalar las 14 montañas de ocho mil metros dos veces. Sin oxígeno”, escribió.

El cambio de ruta estaba relacionado con su Hat Trick Campaign, un ambicioso proyecto con el que buscaba completar por tercera vez las 14 cumbres más altas del planeta. Sin embargo, Purja aseguró que la decisión no nació de una competencia contra otros escaladores, sino de una oportunidad que apareció durante su propio camino.

“Las oportunidades no gritan: susurran a quienes ya están trabajando en silencio”, señaló.

Aunque el mensaje estaba centrado en sus objetivos deportivos, algunas frases de la publicación llamaron especialmente la atención después del accidente. Purja dedicó unas líneas a la cumbre, reconoció el riesgo de la expedición y expresó su deseo de regresar con seguridad.

“Broad Peak, no pido nada más que un ascenso y descenso seguros. No tomo ninguna montaña a la ligera. Ni una sola”, escribió. “En el momento en que mi pie deja el campamento base, es al 100%. Siempre ha sido así. Siempre lo será”.

La búsqueda tras la avalancha

El jueves 30 de julio, una avalancha alcanzó al equipo internacional de 10 escaladores liderado por Purja en el Broad Peak, ubicado en la cordillera del Karakórum, Pakistán. Según el Alpine Club of Pakistan, el grupo perdió comunicación después del incidente.

Este viernes, las autoridades confirmaron el hallazgo de restos humanos correspondientes a tres integrantes de la expedición. Se trata de la escaladora omaní Nadhira Ahmed Abdullah Al Harthy, el nepalí Pur Bahadur Gurung “Yukta”, y la estadounidense Sarah Mallory.

Las labores de rescate fueron afectadas por las malas condiciones meteorológicas, que limitaron el uso de helicópteros y obligaron a los equipos a realizar búsquedas en tierra. Según Everest Today, las posibilidades de encontrar sobrevivientes se consideran extremadamente bajas. La oficina del comisionado de Baltistan indicó que se retomaría la búsqueda este sábado, cuando el clima mejore en la zona.

Mingma Gyabu Sherpa, socio de Purja, explicó que un dispositivo de rastreo que llevaba el montañista mostró un movimiento después de la avalancha, aunque advirtió que esos datos no bastaban para confirmar su estado.

“Inicialmente, parecía que había sido arrastrado montaña abajo por la avalancha. Pero después del punto donde el rastreo se detuvo, la ubicación parece haber cambiado nuevamente”, declaró al medio nepalí Kantipur.

Antes del accidente, Purja venía de completar su 57.º ascenso a una montaña de más de 8.000 metros tras alcanzar la cima del Gasherbrum II sin oxígeno el 21 de julio.

“Nims” es una figura importante en el alpinismo moderno, quien, en 2019, completó el ascenso de las 14 montañas de más de 8.000 metros del planeta en seis meses y seis días. Su hazaña fue documentada en el filme de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, donde se mostró el desafío físico y logístico detrás de aquella misión. Antes de dedicarse al alpinismo profesional, Purja tuvo una carrera de 16 años en el Ejército británico, incluidos 10 años en las fuerzas especiales, y fue el primer gurkha en superar la selección del Special Boat Service. En 2018 recibió un MBE por su servicio militar en entornos de alto riesgo.

En 2024, una investigación de The New York Times recogió las denuncias de dos mujeres alpinistas que lo acusaron de acoso sexual. El montañista negó las acusaciones a través de su abogado.

Alice McShane aseguró que uno de los principales objetivos del documental Jared Leto: Hollywood’s Dark Secret fue exponer las acusaciones de conducta sexual inapropiada contra Jared Leto, así como plantear por qué, más de un año después de la publicación de esas denuncias, su carrera no parece haber sufrido un impacto significativo.

En una entrevista con Variety, la directora explicó que la investigación comenzó en abril de 2025, después de que la DJ Allie Teilz publicara en Instagram una acusación contra el actor.

Durante la producción del documental, AirMail publicó un reportaje en el que nueve mujeres acusaban al también músico de conducta sexual inapropiada, un hecho que, según la cineasta, redefinió el enfoque del proyecto.

“Pensamos: ‘Esta es la historia, este es el momento’. Lo que realmente nos sorprendió fue que no pareciera pasar gran cosa con la carrera de Leto después de que ese artículo salió a la luz”, declaró.

La cineasta señaló que esa aparente falta de consecuencias profesionales fue uno de los motivos que impulsó al equipo a continuar con la investigación.

“Eso renovó nuestras energías para seguir adelante con el documental e investigar qué estaba ocurriendo”, afirmó.

El documental, producido por la BBC, reúne los testimonios de diez mujeres, cuatro de las cuales presentan acusaciones de conducta sexual de carácter criminal.

Jared Leto ha rechazado las denuncias. A través de un comunicado difundido por sus representantes, el actor señaló: “Nunca he agredido sexualmente a nadie en toda mi vida. Estas acusaciones son absoluta y categóricamente falsas”.

Alice McShane explicó que reunir un amplio conjunto de pruebas fue una prioridad tanto por el impacto que buscaban generar como por los requisitos editoriales y legales de la BBC.

“Estas mujeres están dando un paso al frente y enfrentándose a la perspectiva, muy intimidante, de señalar a un hombre muy rico y poderoso como Jared Leto. Uno quiere que el documental cumpla su propósito y, con suerte, contribuya a que exista algún tipo de rendición de cuentas en su nombre”, sostuvo.

Asimismo, indicó que ese objetivo también implicó respaldar cada uno de los testimonios con evidencia suficiente para cumplir con los estándares legales exigidos por la cadena.

Uno de los puntos que más llamó la atención de la directora fue que, pese a la publicación del reportaje de AirMail, Leto continuó participando en producciones de alto perfil.

“Lo que mostramos en la película es que, a pesar de las acusaciones publicadas en el artículo de AirMail, él siguió participando en dos grandes películas“, dijo.

McShane también respondió a quienes han sugerido que el documental se estrenó ahora debido al momento que atraviesa la carrera cinematográfica del actor.

“Para mí es completamente irrelevante si es o no un ‘veneno para la taquilla’. Sigue siendo una persona extremadamente famosa. El departamento de actualidad de la BBC no es Hollywood; somos periodistas. Estamos para exigir responsabilidades a quienes tienen poder y eso es exactamente lo que estamos haciendo”, afirmó.

Durante la entrevista, la realizadora fue consultada sobre por qué considera que las acusaciones contra Leto no han tenido un impacto similar al de otros casos recientes. Su respuesta fue que todavía no encuentra una explicación definitiva.

“Es todo un misterio, ¿no? Creo que hay algo en nuestra cultura en este momento. Tengo la sensación de que, diez años después del movimiento #MeToo, la indignación frente a historias como esta se ha enfriado un poco”, comentó.

Y añadió: “Creo que este tipo de historias, de alguna manera, se han normalizado en la mente de muchas personas. Ya no generan el mismo nivel de atención que probablemente habrían tenido hace diez años”.

McShane también opinó que la imagen pública construida por el actor ha podido contribuir a esa situación.

“Creo que Leto ha cultivado la imagen de un personaje extraño, enigmático y misterioso, y pienso que, de alguna manera, eso lo ha protegido de tener que rendir cuentas”, señaló.

Respecto al derecho de respuesta, la directora explicó que el equipo de producción envió una carta detallando las acusaciones que serían incluidas en el documental y trató de contactar a Jared Leto a través de diferentes vías.

“Nos comunicamos con todas las personas que sabíamos que seguían vinculadas a él: agentes, abogados, su socio de negocios de muchos años y otros colaboradores. Lo único que obtuvimos fue un silencio absoluto”, relató.

Y continuó: “Fue bastante extraño. Llegó la fecha límite y seguíamos sin recibir ninguna respuesta. Nunca había vivido una situación en la que simplemente no hubiera ninguna contestación”.

Alice McShane indicó que, aunque posteriormente el actor emitió un comunicado público negando las acusaciones, durante la realización del documental no recibieron una respuesta directa al contenido de las denuncias planteadas por el equipo de investigación.

La película prescinde de entrevistas, expertos y carteles explicativos intermedios. Su único material es el archivo televisivo restaurado de diciembre de 2001 —en su mayoría proveniente de Crónica TV y del archivo DiFilm—, reorganizado de manera impecable por el montajista Fernando Epstein con diseño sonoro de Daniel Yafalián. El film recorre el período comprendido entre el 1 de diciembre de 2001 y el 3 de enero de 2002, cuando la sucesión presidencial se estabilizó con la llegada de Eduardo Duhalde, sin más intervención externa que un cartel al inicio y otro al final que sitúan el marco temporal.

El director Lucas Gallo no llega a este territorio sin antecedentes. Su documental anterior, 1982, ya trabajaba con parámetros similares: archivo televisivo, ausencia de análisis ex post, confianza en la potencia de las imágenes para articular sentido sin intermediarios. Pero Diciembre radicaliza esa apuesta al eliminar casi por completo cualquier intervención ajena al material original. En una entrevista con la revista Caligari, el director planteó que no cree que el documental deba “dar respuestas y certezas sobre lo sucedido”, y que su función puede ser, antes que eso, la de interrogar el archivo y abrir preguntas. Esa posición atraviesa cada decisión formal de la película y actúa en el beneficio de su impacto.

El relato arranca con el “corralito” —el decreto 1570 que el gobierno de Fernando de la Rúa y su ministro Domingo Cavallo implementó el 1 de diciembre para restringir las extracciones de dinero y contener la corrida bancaria— y avanza, sin pausas explicativas, hacia los cacerolazos, los saqueos, la represión y las renuncias en cascada. La acumulación de imágenes construye el retrato de una medida técnica que se transformó en detonante político: de la restricción al efectivo a la fractura del vínculo entre el Estado y los ciudadanos.

Las jornadas del 19 y 20 de diciembre de 2001 ocupan el núcleo dramático del film. El anuncio del estado de sitio, decretado para frenar los saqueos, produjo el efecto contrario: una salida masiva a las calles de sectores que hasta entonces no se habían movilizado. Quienes vivimos esos días agobiantes -y no solo por las altas temperaturas propias de la época- no podemos dejar de sentir cierta incomodidad (¿A esto llegamos?) e incluso la incredulidad propia del paso del tiempo (¿Esto pasó de verdad?). Diciembre presenta aquel discurso del presidente De la Rúa como parte de la secuencia televisiva, seguido de inmediato por imágenes de las cacerolas como instrumento de protesta y multitudes desplazándose hacia plazas y avenidas de la ciudad de Buenos Aires, en un montaje que hace visible la correlación entre la palabra oficial y la respuesta de la calle.

Los cacerolazos que el film registra no eran un fenómeno nuevo en Argentina, pero en 2001 adquirieron una escala sin precedentes. Estudios académicos relevados por la hemeroteca digital Redalyc señalan que el bienio 2001-2002 constituyó el período de mayor presencia de cacerolazos en la historia reciente del país: mientras el promedio anual de la década previa fue inferior a los 100 eventos de protesta, durante esos dos años se superaron los 1.000 casos. El documental hace visible esa transformación al mostrar protestas en barrios de clase media (en el barrio de Belgrano por ejemplo, en “Cabildo y Cacerolazo” bromeaba por aquellos años Andrés Calamaro), en esquinas alejadas de la Plaza de Mayo y en plazas de distintas ciudades, conviviendo con escenas de saqueos y declaraciones de dirigentes luego de reuniones convocadas de urgencia.

“¡Que se vayan todos!” no es solo un eslogan en Diciembre: es el eje que el montaje construye sin enunciarlo como tesis. La consigna aparece en carteles, pancartas, grafitis y declaraciones espontáneas captadas por la televisión, donde manifestantes expresan su rechazo a políticos “de cualquier partido”. La sucesión de cinco presidentes en poco más de un mes —De la Rúa, Ramón Puerta, Adolfo Rodríguez Saá, Eduardo Camaño y Eduardo Duhalde— se convierte en elemento narrativo poderoso: se suceden las imágenes de juramentos y conferencias de prensa con escenas de protestas que continúan pese a los cambios de personajes, transmitiendo la sensación de que el rechazo no se agotaba en la caída de un presidente.

El trabajo de montaje y diseño sonoro es, en ausencia de narrador, la escritura política del film. La edición de Epstein decide qué imágenes se suceden, qué fragmentos de sonido se superponen, cómo se construyen las transiciones entre escenas que en su emisión original podían estar separadas por horas. Al colocar el anuncio del corralito junto a escenas de ahorristas desesperados y cacerolazos, o al yuxtaponer declaraciones supuestamente tranquilizadoras de funcionarios con imágenes de represión, el film construye interpretaciones implícitas sobre la desconexión entre discurso oficial y realidad social sin necesidad de enunciarlas.

Lucas Gallo planteó que su labor consiste en “interrogar las imágenes, ofrecerles nuevas conexiones y devolver al público la potencia original de un material que todavía hoy sigue interpelando”. Esa declaración describe con precisión lo que Diciembre hace: no explica el sentido de la crisis, sino que lo reactiva, dejando que sean las imágenes de 2001 las que formulen preguntas sobre representación, violencia estatal y legitimidad institucional que el tiempo no ha vuelto abstractas.

*Diciembre se proyecta este viernes 31 de julio a las 22 en Malba Cine (Av. Figueroa Alcorta 3415) y los viernes 21 y 28 de agosto, 4, 18 y 25 de septiembre a las 20 en Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434).

Cuatro mujeres acusan a Jared Leto de conducta sexual criminal en hechos ocurridos cuando eran adolescentes, según un nuevo documental de la BBC que reúne los testimonios de diez mujeres contra el actor y músico. Las acusaciones incluyen agresiones ocurridas entre 2002 y 2016, cuando Leto tenía entre 30 y 40 años.

En “Jared Leto: Hollywood’s Dark Secret”, nueve de las denunciantes relatan públicamente sus casos por primera vez, según la BBC. Una de las víctimas señala que el actor la agredió en el baño de un motel cuando tenía 17 años. Otra mujer afirma que Leto la amenazó con agresión sexual a los 19 años. Una tercera sostiene que mantuvo relaciones con Leto en California cuando tenía 17, por debajo de la edad de consentimiento legal en ese estado, y que el actor “restó importancia” al tema al discutirlo con ella.

El documental muestra un acuerdo de confidencialidad que una de las denunciantes, quien recibió llamadas sexuales de Leto a los 16 años, se negó a firmar. Según la BBC, cuatro mujeres describen llamadas “extrañas y muy sexuales” cuando eran menores de edad. Las interacciones habrían ocurrido mientras Leto era líder de la banda Thirty Seconds to Mars.

BBC documenta testimonios y pruebas

La BBC afirma haber corroborado los testimonios de varias mujeres con amistades y familiares que supieron de los hechos en su momento. Además, el medio asegura haber visto imágenes y mensajes que respaldan los relatos. Dos exempleados de la Thirty Seconds to Mars señalan en el documental que el personal se sentía incómodo por la forma en que Leto interactuaba con adolescentes, a quienes a veces invitaba a camerinos o a la casa donde grababa. “Todos pensaban que la diferencia de edad era demasiado grande”, afirma uno de los exempleados.

Nueve denuncias previas en Air Mail

El año pasado, la DJ Allie Teilz denunció a Leto por conducta sexual inapropiada cuando ella tenía 17 años. Su testimonio motivó que otras mujeres hicieran públicas acusaciones similares. Un reportaje de la revista Air Mail en junio de 2025 recogió las versiones de nueve mujeres que acusan al actor de mantener contacto sexual o conductas inapropiadas con menores durante varios años. En ese reportaje, una mujer relató que Leto le pidió su número telefónico cuando ella tenía 16 años y, posteriormente, le hizo llamadas con contenido sexual. Otra denunciante afirmó que el músico la invitó a fiestas en su casa y la contactaba de madrugada.

En el mismo texto de Air Mail, la modelo Laura La Rue afirmó que conoció a Leto a los 16 años y que él insistió en obtener su número. También relató un episodio donde el actor se presentó completamente desnudo ante ella cuando tenía 17 años. Los representantes de Leto niegan todas las acusaciones, aseguran que las interacciones fueron apropiadas y señalan que La Rue habría pedido trabajar como asistente personal del actor, lo que ella rechaza.

Patrón de comportamiento y reacción de Jared Leto

Otras mujeres consultadas por la BBC y Air Mail describen un patrón de contacto nocturno, mensajes sexuales y fiestas con presencia mayoritaria de jóvenes. Una de las denunciantes declaró: “Esto fue hace 25 años… él ha salido impune”.

El equipo legal de Jared Leto rechaza todas las acusaciones y sostiene que el músico no ha consumido alcohol ni drogas en más de 35 años. Las investigaciones de la BBC y Air Mail revelan que las denuncias se remontan a los primeros años de la carrera musical y actoral de Leto y que varias de las víctimas han aportado pruebas documentales.

El entusiasta de los cómics Jon Bolerjack comenzó a filmar a un nonagenario Stan Lee alrededor de 2014 con la intención de retratar un día en la vida de la leyenda detrás de muchos de los superhéroes de Marvel.

Pero terminó documentando un presunto abuso sufrido por el hombre que revolucionó el mundo del cómic, un relato que resuena como una advertencia para parte de la industria.

Stan Lee: The Final Chapter, que llega al streaming este martes en varias plataformas, muestra a Lee sometido a una extenuante agenda en sus últimos años, marcada por infinitas sesiones de autógrafos y convenciones.

Recoge denuncias de su entorno sobre la supuesta explotación por parte de dos exmánagers, uno de los cuales fue acusado en 2019, un año después de la muerte de Lee, de fraude, robo y la privación ilegal de libertad del cocreador de superhéroes como el Hombre Araña y Pantera Negra.

Bolerjack, quien dice haber acompañado a Lee en sus últimos días, afirmó en una entrevista con AFP que recibió presiones directas e indirectas para no publicar el material, provenientes de un exadministrador del editor y de compañías que prefirió no identificar.

“Existe el factor de la vergüenza: hay quienes sabían parte de lo que ocurría, pero desviaron la mirada”, comentó durante la Comic-Con de San Diego, la gran fiesta estadounidense de la cultura pop que este año recibió su documental.

También “hay compañías que se sienten culpables por sus acciones (...) Si quieres el rostro de Stan en una lonchera, ¿quieres que la gente tenga pensamientos felices en torno a Stan? ¿o quieres que sepan que él no era tan feliz?”. “Es más fácil vender a Stan si es feliz”.

Malas decisiones

Nacido en 1922 en Nueva York, Stanley Martin Lieber comenzó a trabajar de adolescente en la predecesora de Marvel, Timely Comics, donde adoptó el seudónimo de Stan Lee y cocreó algunos de los superhéroes más famosos de todos los tiempos.

Sus personajes eran hombres imperfectos, con súperpoderes pero también con problemas mundanos, lo que ayudó a popularizarlos y a crear legiones de fans que lo elevaron a una categoría de semidios.

La cámara de Bolerjack retrata a un Lee afable y con poco tino comercial.

“Nadie ha tomado peores decisiones comerciales que yo”, dice en una escena Lee al describir un acuerdo con Disney en el que, según él, aconsejado por un abogado, habría rechazado regalías por personajes de Marvel, y aceptado un pago de 6 millones de dólares, de los cuales su abogado habría tomado la mitad.

Disney compró Marvel Entertainment en 2009 por 4.000 millones de dólares.

Diez años después, llegó Avengers: Endgame, la segunda película más taquillera de la historia, con una recaudación de 2.920 millones de dólares.

Visita de Kevin Feige

Pero Lee no guardaba rencores, afirmó Bolerjack: “Él sabía que hizo un mal negocio, y nunca trató de culpar a Disney por eso”.

El documentalista reveló que el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, visitó a Lee un mes antes de su muerte. “Fue muy amable (...) Sé que Stan lo apreció y le hizo sentir especial que se tomara la molestia”.

Sus últimos días transcurrieron “en paz”, dijo el director y guionista, quien aún se pregunta si Lee realmente comprendió “lo que le ocurrió”.

Bolerjack insiste en que su documental no trata sobre un famoso que fue estafado, sino sobre una situación que puede afectar a cualquiera y la importancia de cuidar a nuestros seres queridos.

“Esto siempre va a ocurrir, Le pasó a Elvis (Presley) y va a pasar de nuevo. Probablemente está pasando ahora mismo a 100 pies de distancia”, dijo refiriéndose a la Comic-Con, uno de cuyos pilares es el legado de Lee.

“Si te llevo ahora mismo al área de ventas y te señalo a alguien y te digo: ‘Ese es el próximo Stan Lee’, ¿qué harías?”, preguntó.

Fuente: AFP.

Fotos: Chris Delmas/ AFP y capturas de video.

Netflix se encuentra en el centro de un nuevo conflicto legal tras el reclamo del mercado de predicciones Kalshi, que ha solicitado la retirada inmediata del tráiler de su próximo documental “Instadocs: The Prediction Games”.

De acuerdo con la plataforma de predicciones el adelanto es “difamatorio” y contiene “documentos fabricados y declaraciones falsas”, lo que habría generado una situación tensa a solo días del estreno oficial.

Cuál es el conflicto con el tráiler de Netflix

El documental de Netflix, que forma parte de la serie “Instadoc”, explora el auge de los mercados de predicción y cuenta con entrevistas tanto al CEO de Polymarket, Shayne Coplan, como al CEO de Kalshi, Tarek Mansour. Sin embargo, el foco del conflicto está en una escena ambientada en una fiesta en Las Vegas durante la final de la Copa del Mundo, donde varios asistentes muestran apuestas millonarias realizadas en plataformas como Kalshi.

Según la carta de cese y desistimiento enviada por Kalshi, el tráiler induce al público a creer que se realizaron apuestas deportivas en Nevada el 19 de julio de 2026, a pesar de que la empresa tenía prohibido operar en ese estado desde mucho antes. Desde la plataforma afirman que la captura de pantalla mostrada es de una apuesta realizada en mayo de 2025, antes de la prohibición judicial, y que Netflix acordó no incluir ese recibo en el documental final.

Sin embargo, la imagen sigue presente en el tráiler, lo que llevó a Kalshi a denunciar una maniobra engañosa destinada a “engañar a millones de clientes”.

Netflix, por su parte, reconoce que la captura de pantalla corresponde a 2025 pero niega cualquier manipulación. “Las imágenes fueron filmadas en el evento Winible World Cup Watch Weekend en Las Vegas el 17 de julio de 2026”, señaló un portavoz a The Hollywood Reporter, subrayando que cualquier operación específica es responsabilidad de los usuarios y de las aplicaciones implicadas.

El trasfondo: apuestas, reputación y presión legal

El caso visibiliza el delicado equilibrio entre la libertad creativa de los documentales y la protección de la reputación de actores relevantes en la industria fintech y de apuestas. Kalshi sostiene que la difusión del tráiler puede afectar su imagen ante reguladores, usuarios y socios comerciales, especialmente cuando el sector de los mercados de predicción se encuentra bajo estricta supervisión legal en Estados Unidos.

El conflicto también refleja la presión sobre las plataformas de streaming para generar contenido atractivo y de impacto rápido, en un mercado donde la competencia, y la polémica, son moneda corriente.

Netflix: cambios estratégicos, caída en la participación y nuevos formatos

No es el único frente abierto para Netflix, que en paralelo estudia incorporar canales de televisión en vivo y programación lineal para revertir la caída de la participación de sus suscriptores. La métrica de interacción, que mide el tiempo y la frecuencia con la que los usuarios completan películas y series, ha mostrado signos de declive, llevando a la empresa a explorar nuevas formas de retener audiencia.

Entre las estrategias en análisis figuran la transmisión continua de contenido por género o programación temática, la integración de servicios de terceros como Peacock y la entrada selectiva en eventos deportivos en directo. En Francia, Netflix ya ha comenzado a ofrecer acceso a la programación de la cadena TF1, lo que podría anticipar movimientos similares en otros mercados.

En medio de estos cambios, Netflix firmó un acuerdo exclusivo para transmitir en Estados Unidos y Puerto Rico las ediciones 2027 y 2031 de la Copa Mundial Femenina de la FIFA, incluyendo la producción de docuseries sobre las jugadoras y el crecimiento del fútbol femenino. Este movimiento refuerza el interés de la plataforma por combinar deporte en directo, contenido original y estrategias de fidelización.

El conflicto con Kalshi y las nuevas apuestas de Netflix en programación en directo muestran el dinamismo y los desafíos del sector del streaming. Entre la presión legal, las demandas de los usuarios y la competencia por la atención, las plataformas deberán navegar con cautela la delgada línea entre el storytelling de impacto y la rigurosidad factual, en un entorno donde cada imagen y cada dato pueden desencadenar disputas de alto voltaje.

Tumaco, municipio ubicado en la costa pacífica de Nariño, cuenta con una población estimada de 220.000 habitantes, en su mayoría afrodescendientes e indígenas, y aunque se destaca por su riqueza cultural, biodiversidad y potencial turístico, la presencia de grupos armados ilegales ha provocado que se generen estigmatizaciones contra el territorio.

Buscando mostrar la verdadera cara de la región, la Dirección General Marítima (Dimar) y la Sociedad Portuaria de Tumaco presentaron el documental Con los ojos puestos en los océanos, una producción audiovisual que recorre Tumaco para contar, desde las voces de sus habitantes, investigadores y autoridades, cómo el océano hace parte de la identidad, la economía, la cultura y el futuro del Pacífico colombiano.

“Más que un registro audiovisual, el documental refleja el trabajo que se desarrolla para fortalecer la investigación científica marina, la seguridad integral marítima y la apropiación social del conocimiento, integrando la experiencia de las comunidades con el desarrollo científico y tecnológico que lidera la entidad”, declaró sobre el proyecto el capitán de Navío Juan Carlos Olarte.

La producción reúne testimonios de pescadores artesanales, mujeres concheras, docentes, estudiantes, científicos, autoridades locales y representantes del sector privado, que coinciden en que proteger el océano también significa proteger la historia, el bienestar y las oportunidades de desarrollo de miles de familias que dependen de él.

En el documental se destacan las capacidades científicas que existen en la región para generar información técnica que apoya el ordenamiento marino y costero, la elaboración de cartas náuticas, los pronósticos meteomarinos y otras herramientas fundamentales para la seguridad de la navegación y la planificación del litoral Pacífico.

De la misma forma, el audiovisual muestra cómo la educación ambiental y la divulgación científica permiten acercar el conocimiento oceanográfico a niños, jóvenes y comunidades costeras, despertando vocaciones científicas y fortaleciendo el sentido de corresponsabilidad frente a la conservación de los ecosistemas marinos.

Creadores del documental afirmaron que buscaron que este resaltara las acciones desarrolladas por organizaciones sociales, de la academia y empresas privadas para recuperar playas, restaurar ecosistemas de manglar y promover prácticas sostenibles que contribuyen a la resiliencia ambiental del territorio.

“Ver a nuestra comunidad, a nuestros pescadores y jóvenes, ser protagonistas de esta historia nos llena de orgullo. Este trabajo conjunto demuestra que, cuando el conocimiento científico se suma a la visión de quienes habitamos este territorio, logramos una gestión del Pacífico más consciente”, indicó Guillermo Londoño, vocero de Pacific Port.

Londoño también habló de la importancia de sumar esfuerzos entre instituciones, comunidades y sector productivo para consolidar un desarrollo marítimo responsable y sostenible. “Nuestro compromiso es seguir impulsando proyectos que protejan el ecosistema mientras garantizamos bienestar para las familias que dependen del mar”.

La producción audiovisual concluye con una invitación a reconocer el océano como un patrimonio natural que conecta a Colombia con el mundo y cuya protección depende del compromiso conjunto de autoridades, comunidades y ciudadanía.

Se espera que, con la presentación de “Con los ojos puestos en los océanos”, más personas entiendan que, con la divulgación científica y la construcción de una cultura marítima, Colombia podrá conservar la riqueza natural, cultural y estratégica del Pacífico. “Estamos demostrando que el verdadero desarrollo marítimo se construye cuando la ciencia, la conservación y las comunidades navegan en la misma dirección”.

Cabe mencionar que el mar Pacífico representa una vía estratégica para el comercio exterior de Colombia, facilitando la conexión con mercados de Asia y Oceanía. El puerto de Tumaco, ubicado en Nariño, es fundamental para la exportación de productos agrícolas, pesqueros y energéticos. Además, impulsa la economía regional y nacional, genera empleo y fortalece la conectividad marítima. Su posición geográfica lo convierte en un punto clave para el desarrollo logístico, la integración internacional y la seguridad del litoral colombiano.

La directora costarricense Hilda Hidalgo prepara Cousins (Primas), su tercer largometraje de ficción, un drama sobre dos primas de 12 años que huyen de sus casas tras un hecho traumático y usan las cámaras de sus teléfonos para exponer la verdad, una historia que la cineasta vincula con una realidad de abuso sexual que, según dijo, atraviesa a muchas familias en Costa Rica.

Antes de iniciar la selección de las protagonistas, la realizadora busca cerrar el financiamiento y sumar socios de coproducción internacional. De acuerdo con Variety, Hidalgo considera indispensable asegurar esos recursos antes del casting porque trabajar con intérpretes infantiles exige evitar procesos demasiado largos que puedan afectar el proyecto.

La publicación especializada reveló los primeros detalles de la película en un reportaje exclusivo. Según el medio, la nueva producción seguirá a dos niñas de 12 años en una fuga atravesada por la complicidad, el miedo y visiones febriles.

En ese recorrido, las protagonistas grabarán parte de lo que viven con sus propios teléfonos móviles. Ese material servirá para exponer lo que no pueden nombrar y se convertirá en una parte central del lenguaje visual de la película.

Hidalgo explicó al medio que, aunque Cousins es una ficción escrita, su intención es incorporar recursos propios del cine documental. “Cada película exige su propio lenguaje. Con Cousins, aunque es una ficción escrita, quiero que esté impregnada del espíritu del documental”.

La directora agregó: “El guion existe, pero me interesa preservar la imprevisibilidad, la intimidad y el sentido de descubrimiento que permite el cine documental”. Esa búsqueda formal retoma una metodología que ya había utilizado en Two Homelands, su documental filmado en Cuba.

La cineasta también señaló que las dos actrices tendrán un papel activo en la construcción de la obra. “Quiero que las actrices se conviertan en coautoras de la película. A medida que construyan una amistad real y compartan experiencias, podrán filmar momentos por sí mismas, sin que el equipo esté presente. Ese material formará parte esencial del lenguaje visual de la película”, señaló.

El proyecto volverá a reunir a Hidalgo con integrantes del equipo creativo de Violeta al fin. Entre ellos figuran la productora Emi Kodo, el director de fotografía Nicolás Wong y la directora de arte Olga Madrigal.

La película aborda cómo la violencia atraviesa el despertar sexual en la infancia

El eje temático de Cousins se concentra en el despertar de la sexualidad durante la infancia y en la manera en que ese proceso puede quedar marcado por la violencia y el abuso.

“La película también trata sobre el despertar del deseo, sobre descubrir la propia sexualidad a una edad en la que esos sentimientos apenas comienzan a surgir”, afirmó Hidalgo a la revista Variety.

La directora definió esa etapa como una experiencia contradictoria. “Eso es lo que la hace tan paradójica. Es un momento en el que el deseo todavía es frágil y está lleno de asombro, pero también puede quedar marcado por la violencia y el abuso”, subrayó.

Hidalgo sostuvo que esa reflexión nace de una realidad que observa en Costa Rica. “Es imposible ignorarlo. Difícilmente puedo pensar en una familia que no haya sido tocada por el abuso de alguna manera”, destacó.

La realizadora añadió que quiso contar la historia sin desplazar la mirada de las niñas. “Es una realidad profundamente presente y sentí la necesidad de explorarla. Pero quería contar esta historia sin perder la perspectiva de las niñas”, aseguró la cineasta.

En esa misma línea, precisó cuál será el enfoque del relato. Dijo que la “película no está definida por la violencia que sufren, sino por la forma en que ellas la viven, la comprenden y descubren dentro de sí mismas la capacidad de resistir y rebelarse”.

La directora también defendió la coproducción internacional como una herramienta central para el cine costarricense. Afirmó que una película puede levantarse solo con financiamiento local, pero eso vuelve más difícil su circulación y reduce su alcance en un mercado que describió como pequeño.

Según la revista, Hidalgo sostiene que asociarse con otros países no solo facilita conseguir recursos, sino que también fortalece la distribución y la vida internacional de una película. El antecedente está en su propia filmografía: Del amor y otros demonios fue la primera coproducción cinematográfica entre Costa Rica y Colombia, mientras que Violeta al fin se realizó junto con México.

La película, con una producción de Gato Grande, llega a cines selectos del país el 30 de julio y a Netflix el 13 de agosto de 2026.

Un caso que conmocionó a México

La historia sigue a Alejandra, una mujer recién casada cuyos planes de formar una familia se vieron truncados por varias pérdidas gestacionales. La presión de su entorno familiar y social la llevó a simular un embarazo que, para sostenerse, derivó en el robo de una recién nacida de un hospital. El caso se convirtió en un escándalo mediático que sacudió a México.

Un hijo propio examina cómo las expectativas familiares y sociales en torno a la maternidad influyeron en las decisiones de Alejandra. El documental plantea una reflexión sobre la presión que enfrentan las mujeres para convertirse en madres, el impacto emocional de las pérdidas de embarazo y las estructuras culturales que rodean ese mandato.

La obra también interroga el tratamiento mediático del caso y las consecuencias personales y públicas que desencadenó una vez que la historia alcanzó notoriedad nacional.

Formato, elenco y equipo creativo

La propuesta combina entrevistas a los protagonistas reales del caso con recreaciones dramáticas. El guion es de Julián Loyola y Esteban Student, y la producción ejecutiva estuvo a cargo de Sandra Godínez, Carla González Vargas y Maximiliano Sanguine.

El elenco de las recreaciones lo encabezan Ana Celeste Montalvo Peña y Armando Espitia, acompañados por Luisa Guzmán, Mayra Sérbulo, Casio Figueroa, Alejandro Porter, Mayra Batalla y Ángeles Cruz.

El caso real: una empleada del hospital, tres abortos y una bebé robada

Los hechos ocurrieron en junio de 2009 en el Hospital General de México, en CDMX. Eleonor Alejandra Marín Mendoza, de 26 años y empleada administrativa del propio nosocomio, había fingido un embarazo durante meses, llegando a subir más de 20 kilos, y había informado a su familia que el 17 de junio nacería su bebé. Antes del robo, había sufrido tres abortos espontáneos.

Ese día, Marín Mendoza ingresó al área de ginecobstetricia, tomó a la recién nacida Katia Valentina, de un día de vida, y la sacó del hospital dentro de una bolsa de papel de una tienda departamental. La esperaba afuera su esposo, Arturo Calderón Gamiño, de 28 años. Las cámaras de seguridad del hospital registraron toda la secuencia y permitieron identificarla de inmediato.

Horas después, ambos fueron detenidos mientras dormían en la habitación 449 de un hotel en la colonia Agrícola Oriental, en Iztacalco. La bebé fue recuperada con vida, aún con el brazalete del hospital, y devuelta a sus padres. Marín Mendoza declaró que la madre biológica le había prometido a la niña, versión que los padres de Katia Valentina negaron y que nunca pudo acreditarse legalmente.

La pareja fue procesada por privación ilegal de la libertad. Marín Mendoza cumplió más de 13 años de prisión en el penal de Santa Martha Acatitla. Fue durante una visita a ese reclusorio donde Alberdi conoció el caso de primera mano, al escucharlo de la propia protagonista.

Quién es Maite Alberdi

La cineasta chilena nació en Santiago el 29 de marzo de 1983 y se formó en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde estudió estética y comunicación social. Es la fundadora de Micromundo Producciones y miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos desde 2018.

Su carrera está construida sobre el retrato íntimo de mundos pequeños. Con La once (2014) obtuvo reconocimiento internacional y una nominación al Goya a la mejor película iberoamericana. Los niños (2016) le valió el premio a la mejor dirección femenina documental en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA), el más prestigioso del género a nivel mundial.

Las dos nominaciones al Óscar que la proyectaron globalmente

El salto definitivo llegó con El agente topo (2020), estrenado en el Festival de Sundance, que se convirtió en el primer documental chileno nominado al Premio Óscar. La película también compitió en los Goya y los Spirit Awards, y ganó el premio del público en el Festival de San Sebastián.

Su siguiente largometraje, La memoria infinita (2023), profundizó ese reconocimiento: ganó el Gran Premio del Jurado en Sundance, el Goya a la mejor película iberoamericana y obtuvo su segunda nominación a la Academia. En 2024 dio el salto a la ficción con El lugar de la otra, estrenada en la sección oficial del Festival de San Sebastián y nominada al Ariel a la mejor película iberoamericana en México.

El periodista Andrés Burgo firma El Partido. Argentina-Inglaterra 1986 (Tusquets, 2016), obra de casi 300 páginas que sirvió de base al documental y fue traducida al francés, al portugués y al italiano. Con una prosa austera y abundante en datos, el libro fusiona la crónica del encuentro del 22 de junio de 1986 con una reflexión sobre la memoria colectiva, el trasfondo de la Guerra de las Malvinas y la deificación de Diego Maradona en un puñado de minutos.

La apuesta narrativa del libro parte de una decisión deliberada: correrse del protagonista central para contar la historia desde la periferia. “Maradona ese día llegó a la cima del Everest, pero no lo hizo solo. Por eso yo decido contar la historia de los sherpas que lo acompañaron“, explicó Burgo, quien rastreó a jugadores, árbitros, utileros y hasta a un ignoto ayudante de campo que nadie recordaba. El resultado es un relato polifónico donde cada testimonio reconstruye un partido diferente: el que ocurrió y el que cada quien guardó en su memoria. “Todos recuerdan cosas diferentes y crearon cosas diferentes”, sintetizó el autor.

2. Borges y la Guerra de Malvinas

El documental construye su relato a partir de una decisión narrativa central: Jorge Valdano y Gary Lineker —protagonistas de aquella tarde en México y luego relevantes comentaristas televisivos; Valdano, además, columnista de El País hasta hoy— son los narradores de la historia. Los directores Juan Cabral y Santiago Franco los describen como personalidades afines —cultos, progresistas y mediáticos— y los sitúan frente a una pantalla grande para que reaccionen en tiempo real ante escenas del partido. “Ambos tienen un talento para explicar lo que está pasando y lo que sienten proverbialmente. Poseen una cadencia al hablar que hace que te vayas dejando llevar“, afirmaron los realizadores en Cannes.

Esa química alcanza su punto más alto en el cierre del documental, cuando Valdano lee en voz alta, ante un Lineker visiblemente emocionado que termina por abrazarlo, el poema de Jorge Luis Borges sobre dos soldados —uno inglés, uno argentino— muertos en la Guerra de las Malvinas: “Les tocó en suerte una época extraña [...] / Hubieran sido amigos, pero se vieron una sola vez cara a cara, en unas islas demasiado famosas, y cada uno de los dos fue Caín, y cada uno, Abel. / Los enterraron juntos. La nieve y la corrupción los conocen”.

3. Los directores

Juan Cabral, nacido en Buenos Aires en 1978, se formó en diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires y acumuló reconocimiento internacional en publicidad antes de volcarse al cine con los largometrajes Two/One (2019) y Risa y la cabina del viento (2025). Santiago Franco, también porteño, estudió dirección en la Universidad del Cine (FUC) y desde 2010 dirigió comerciales y videoclips en América Latina y Europa. “Este partido, para los argentinos es parte de la cultura, es algo que creemos, que conocemos de memoria y, sin embargo, nosotros, que lo hemos explorado en profundidad, seguimos descubriendo cosas”, afirmó Cabral en Cannes.

Para acceder a las estrellas inglesas como Gary Lineker o John Barnes, los realizadores contaron que debieron generar “confianza”, como si se acercaran a un “animal herido”. El resultado fue revelarles un universo de supersticiones argentinas que desconocían por completo: desde las dos canciones de ritual obligatorio —“Total Eclipse of the Heart” de Bonnie Tyler y “Eye of the Tiger” de Survivor— hasta los caramelos enterrados en el campo del estadio Azteca. “No tenían ni idea de todo lo que sucedió del lado argentino”, subrayó Franco, quien enfatizó que el documental trasciende el fútbol para que “cualquiera pueda emocionarse”.

4. Los protagonistas, 40 años después

El documental reúne por primera vez en pantalla a protagonistas de ambas selecciones para reconstruir el cuarto de final del Mundial 86 desde adentro. Por el lado argentino, Oscar Ruggeri, Jorge Olarticoechea, Jorge Burruchaga y Ricardo Giusti aportan sus memorias del encuentro disputado en el estadio Azteca de Ciudad de México. Giusti, con la cábala del caramelo enterrado en el campo, y Olarticoechea, con su anécdota en el peaje de la autopista Ricchieri junto a Carlos Bilardo y su papel central en el segmento bautizado “La nuca de Dios” —considerada una de las mejores salvadas de un jugador de campo en la historia de los mundiales—, se roban el protagonismo.

Del lado británico, la presencia más cargada de historia es la de Peter Shilton, el arquero que recibió los dos goles de Maradona —“la mano de Dios” y el llamado “Gol del Siglo”— y que durante décadas mantuvo una postura pública de rechazo hacia el astro argentino por no haber pedido disculpas por su “trampa”. Su aparición junto a John Barnes, el extremo izquierdo que revirtió parcialmente el rumbo del partido en los últimos veinte minutos, representa uno de los gestos más elocuentes del filme: el de quienes cargaron con la derrota y se sientan, cuarenta años después, a contar su versión de una historia que los marcó para siempre.

5. Qué dijo la crítica internacional

El Partido tuvo su estreno mundial en la sección Cannes Premiere del Festival de Cannes, donde la crítica internacional lo recibió con elogios generalizados. Variety lo describió como “uno de los documentales más absorbentes y accesibles jamás realizados sobre el deporte”, mientras que The Irish Times destacó su equilibrio narrativo y lo calificó como “un proyecto prodigioso, comprensivo y suavemente realizado que cubre todas las bases históricas”.

The Times de Londres sumó su voz al reconocimiento colectivo con una lectura más matizada: aunque advirtió que el filme “difícilmente convertirá a nuevos fanáticos del fútbol”, reconoció que está “salpicado de suficiente folclore peculiar y detalles de fondo” como para mantener enganchado incluso a espectadores ajenos al deporte. El diario británico también elogió la factura visual del proyecto y subrayó que el documental “trabaja de manera impresionante para hablar de algo más grande que el fútbol”. La frase con la que cierra su reseña es contundente: “They shoot, they mostly score” (Disparan, y mayormente, convierten un gol).

[Fotos: Buena Vista / Disney]

La película dura 79 minutos, está dirigida por Jyllian Gunther y Stephanie Schwam, y retrata a Byrd cuando cumple 69 y 70 años mientras decide qué hacer con 600 cintas de su archivo televisivo. El documental concluye con su decisión de conservar ese material como testimonio de toda una época.

Robin Byrd fue la cara de un formato emitido entre 1977 y 1998 en Nueva York, con stripteases de hombres y mujeres, entrevistas a actrices porno, artistas de performance y trabajadores sexuales, y llamadas en directo del público. Ese espacio la convirtió en un icono de culto y su visibilidad la utilizó para defender la libertad sexual y concienciar sobre el VIH y el sida.

Interés histórico y biográfíco

El interés actual del documental se sitúa en dos planos. El primero es histórico: revisa una fase en la que la pornografía y la industria del sexo empezaron a ocupar un lugar más visible en la cultura popular. El segundo es biográfico: Byrd fue una figura muy expuesta en pantalla, pero mantuvo su vida privada en la sombra durante décadas.

Byrd fue presentadora de un universo deliberadamente kitsch, de tono sexual durante la emisión nocturna, reconocible por su bikini negro de ganchillo, su melena rubio caramelo y una batería de frases repetidas programa tras programa. En pantalla presentaba las actuaciones de la noche, en un formato que mezclaba desnudo, comedia, improvisación y una cercanía poco habitual con la audiencia gracias a las llamadas en directo.

Ese componente en vivo fue una de las claves del espacio. En Channel J, identificado como el primer canal de acceso público donde podía alquilarse tiempo de emisión y vender publicidad, el programa encontró además una vía de negocio con la promoción de líneas telefónicas de sexo.

La película también reconstruye la carrera previa de Byrd en el porno. Apareció en 13 películas, entre ellas Debbie Does Dallas, y más tarde tomó las riendas de un programa llamado Hot Legs, al que rebautizó en 1977 como The Robin Byrd Show.

Un show parte de la cultura popular

Por ese plató pasaron nombres como Porsche Lynn, Candida Royalle, Samantha Fox y Annie Sprinkle. Byrd las entrevistaba y las mostraba como personas reconocibles más allá de su trabajo en la industria pornográfica.

La influencia del programa se desbordó fuera del circuito marginal. Cheri Oteri la parodió en Saturday Night Live, un salto a la cultura popular que consolidó su notoriedad, y las emisiones semanales también llegaron al bar gay Julius’, en el West Village, cuando Byrd ya había estrechado su vínculo con la comunidad queer y había convertido el espacio en una voz activa durante la crisis del sida.

El documental aborda también una faceta menos conocida de la presentadora: la judicial. En los años noventa se alió con Al Goldstein, responsable de Midnight Blue, para demandar a Time Warner después de que sus programas de acceso público fueran vetados por obscenos.

Ese litigio podría compararse con la batalla por la libertad de expresión impulsada por Larry Flynt ya que caso de Goldstein y Byrd llegó al Tribunal Supremo de Estados Unidos, donde ambos acabaron imponiéndose. Esa victoria se convirtió en referencia de un momento político y judicial en el país.

La vida privada de Robin Byrd

En el plano personal, la película despeja algunos de los interrogantes que durante años rodearon a Byrd. En 1976, cuando estaba a punto de entrar en la industria sexual, inició una relación con Shelly, director de arte publicitario, y se casó con él. Siguen juntos medio siglo después, y en la propia película ella afirma que es bisexual.

El documental incorpora además episodios de su infancia y adolescencia. Byrd fue adoptada, creció en Manhattan muy unida a su padre, un anticuario que murió cuando ella tenía ocho años, y huyó de casa para escapar de una madre abusiva.

En la actualidad aparece viviendo en un dúplex recargado junto a Shelly, ya anciano y con demencia. Allí señala la pared donde guarda las cintas de sus antiguos programas y las define así: “¡Estos son todos nuestros hijos!”.

Byrd eligió no someterse a retoques estéticos, una rareza en una figura del espectáculo tan asociada a la imagen. El metraje la muestra con el pelo largo encanecido, flequillo y un moño sujeto en la parte superior de la cabeza, y remata con un montaje en el que baila por Manhattan con la misma energía lúdica que marcaba el cierre de su programa al son de Bang My Box, la canción rock que ella misma grabó para despedir cada emisión.

La pieza se presentó en una fecha calculada para la conversación global: el primer aniversario del arranque de la gira Oasis Live ’25. Ese tour empezó el 4 de julio de 2025 en Cardiff, Gales, y marcó la primera vez que la banda tocó junta en 16 años.

El teaser mostró públicos masivos y dejó ver fragmentos de ensayos, con narraciones en off de Noel Gallagher y Liam Gallagher que apuntaron al peso interno de volver a compartir escenario después de la separación del grupo.

El proyecto se acreditó como una creación del guionista, productor y director Steven Knight. La dirección quedó en manos de Dylan Southern y Will Lovelace.

El dato de industria: ventana IMAX, salas selectas y exclusividad en streaming

El calendario de distribución colocó a Don’t Look Back in Anger primero en la exhibición premium: en septiembre se estrenará en salas IMAX y en cines seleccionados. Más tarde, quedará disponible de forma exclusiva en Disney+ a finales de este año.

La película se produjo por Magna Studios y Sony Music Vision, y se presentó por Sony Music Vision en colaboración con Sony Music Entertainment UK. En el paquete de producción figuraron Sam Bridger y Guy Heeley como productores, junto con un listado de productores ejecutivos: Kate Shepherd, Marisa Clifford, Tom Mackay, Krista Wegener, Isabel Davis y Tim O’Shea.

En el equipo técnico creativo se incluyeron los mezcladores de sonido ganadores de un Óscar James Mather y Tarn Willers, además del director de fotografía Haris Zambarloukos.

Qué promete la película: ensayos, backstage y entrevistas conjuntas

Don’t Look Back in Anger se planteó como el registro de la gira de reunión de los hermanos Gallagher, con acceso a ensayos, backstage y escenas sobre el escenario. La sinopsis la definió como un recuento “abiertamente optimista” del que describió como el “mayor evento musical de 2025”, con foco en la experiencia de la banda y sus fans alrededor del mundo.

Uno de los ganchos de material inédito apuntó a la conversación entre los protagonistas: el proyecto anunció las primeras entrevistas conjuntas de Noel y Liam en más de 25 años.

En el adelanto, el tono se apoyó en el contraste entre el pasado y el reencuentro. “Yo simplemente no me veo en el escenario con Liam, no me veo”, dijo Noel en la narración del teaser. “El modo en que terminó, inaceptable”, dijo Liam en el mismo avance.

Knight y el acceso “a la mesa” de los Gallagher

Steven Knight enmarcó el documental como algo más que una filmación de shows. “La gira mundial de Oasis unió a generaciones, culturas y países y le habló a un mundo roto sobre la reconciliación”, dijo en un comunicado difundido por el medio.

Knight también describió el tipo de acceso que buscó la producción: “Don’t Look Back In Anger no solo es tu boleto para el show: es un pase al backstage y un lugar en la mesa cuando Liam y Noel se sienten juntos por primera vez en 15 años y lo cuenten como es y como fue”.

Los protagonistas fueron Angela Nikolau, de 33 años, e Ivan Beerkus, de 32, dos escaladores urbanos que desde hace más de una década han construido una carrera basada en desafiar los límites físicos y las normas de acceso a algunos de los edificios más altos del planeta.

Asimismo, antes de realizar su descenso, se sabe que la pareja se comprometió. Ambos fueron detenedlos por las autoridades.

¿Quiénes son Angela Nikolau e Ivan Beerkus?

Angela Nikolau nació en Rusia en 1993 dentro de una familia de artistas de circo, un entorno que marcó su relación con las alturas desde la infancia.

Creció rodeada de trapecistas, gimnastas y acróbatas, por lo que el equilibrio, la coordinación y el trabajo físico formaron parte de su vida cotidiana desde temprana edad.

Esa preparación le permitió desarrollar habilidades que más tarde trasladaría al fenómeno conocido como rooftopping, una práctica que consiste en escalar edificios, puentes, grúas y otras estructuras de gran altura, generalmente sin equipo de seguridad.

Su notoriedad comenzó a mediados de la década de 2010, cuando empezó a publicar fotografías y videos en redes sociales en los que aparecía caminando por cornisas, colgándose de grúas o realizando poses sobre la cima de algunos de los edificios más altos del mundo.

Más allá del riesgo, Angela Nikolau ha explicado en distintas entrevistas que concibe estas imágenes como una forma de expresión artística, donde la composición fotográfica y el paisaje urbano son tan importantes como la escalada misma.

A lo largo de su carrera ha realizado ascensos en ciudades como Dubái, Hong Kong, Shanghái, Kuala Lumpur y Moscú, convirtiéndose en una de las mujeres más reconocidas dentro de la comunidad internacional de escaladores urbanos.

Por su parte, Ivan Beerkus, conocido también como Vanya Beerkus, nació en Rusia en 1994 y desarrolló desde joven un interés por la exploración de espacios urbanos e industriales.

Antes de alcanzar notoriedad internacional ya recorría edificios abandonados, torres y estructuras de gran altura, documentando sus recorridos mediante fotografía y video.

Con el paso del tiempo se especializó en el rooftopping, disciplina que exige planificación, resistencia física y conocimiento de las estructuras que se escalan.

Sus expediciones suelen realizarse sin equipo de seguridad y, en muchos casos, sin autorización de los propietarios de los edificios, por lo que implican riesgos tanto físicos como legales.

Además de escalar, Beerkus se ha consolidado como creador de contenido audiovisual. Su trabajo consiste en registrar desde perspectivas poco comunes algunos de los paisajes urbanos más emblemáticos del mundo.

Angela Nikolau e Ivan Beerkus se conocieron en 2016, cuando ambos ya formaban parte de la comunidad de rooftoppers.

Según ha contado la propia Nikolau, cuando lo conoció lo admiraba porque era uno de los escaladores urbanos más reconocidos de Rusia. Ella empezó a seguir sus pasos, intentando visitar los mismos edificios que él escalaba.

La interacción entre ambos comenzó en Instagram, donde Beerkus empezó a dar “me gusta” a sus publicaciones. Poco después, él la invitó a participar en un viaje patrocinado a China para escalar lo que entonces era la obra de construcción más alta del mundo. Fue durante ese viaje cuando la relación dejó de ser únicamente profesional y comenzó el romance.

Esa relación es el eje narrativo de Skywalkers: A Love Story, documental estrenado en 2024, que sigue durante varios años la preparación de la pareja para escalar el Merdeka 118, en Kuala Lumpur, considerado el segundo edificio más alto del mundo.

El largometraje muestra no solo la complejidad técnica de la expedición, sino también los desafíos personales derivados de una actividad que puede implicar detenciones, restricciones de viaje y un riesgo permanente.

A través de conversaciones personales y material grabado por ellos mismos, la película explora las tensiones que surgen entre el deseo de alcanzar nuevos retos, las diferencias creativas y el impacto emocional que implica vivir al límite.

Para realizar el documental se recopilaron más de 200 horas de grabación obtenidas a lo largo de siete años. El material combina imágenes aéreas, grabaciones en primera persona, videos de archivo y entrevistas que permiten conocer la evolución de la pareja y la manera en que afrontan los riesgos físicos, legales y personales de su actividad.

Además, el filme aborda las dificultades que enfrentaron durante la pandemia de COVID-19 y las restricciones derivadas del conflicto entre Rusia y Ucrania, circunstancias que alteraron sus planes de viaje y complicaron la realización de nuevos proyectos.

Tras su estreno en el Festival de Sundance en 2024, la película recibió críticas mayoritariamente positivas por su capacidad para equilibrar la tensión de las secuencias de escalada con el desarrollo emocional de sus protagonistas.

El estreno del nuevo documental sobre el asesinato de Paco Stanley reavivó el debate público y las dudas en torno a los señalados históricos del caso.

Entre las voces protagonistas, Mario Bezares expuso en entrevista para Ventaneandoque su reputación solo podría quedar limpia ante la sociedad si sucediera un escenario muy particular, luego de veintisiete años de señalamientos y estigmas.

¿Qué podría limpiar el nombre de Bezares?

En conversación con el vespertino de TV Azteca, Mario Bezares reconoció que, pese a ser absuelto judicialmente, la percepción pública no cambió por completo.

“Por más que pueda venir el Espíritu Santo diciendo que nosotros no tenemos nada que ver, es una cicatriz que tenemos en el cuerpo, ahí va a quedar de por vida”, afirmó.

Bezares insistió en que la única vía para limpiar su nombre sería la intervención de la autoridad:

“Si es un caso contundente, tienen pruebas y todo eso, ya es momento que la Fiscalía tome cartas en el asunto y diga qué es eso. La justicia nos llegó hace 27 años, cuando nos absolvieron a todos, nos dieron la libertad”.

Aseguró que, desde el inicio, sostuvo su inocencia: “Desde un principio venimos diciéndoles que nosotros no tuvimos nada que ver y que si está llegando este nuevo documental y que si tiene pruebas fehacientes y contundentes, que las presenten a la fiscalía para ver si tiene el valor o el sustento para que este caso quede cerrado”.

El documental busca aportar pruebas inéditas en el caso Paco Stanley

El reciente documental sobre el asesinato de Paco Stanley presentó testimonios y evidencias que, según sus productores, podrían cambiar la percepción pública y ofrecer elementos nuevos para esclarecer el caso.

El material generó reacciones entre los involucrados, quienes manifestaron tanto alivio como escepticismo ante la posibilidad de que el documental traiga justicia o cierre definitivo al expediente.

Paola Durante, quien también ha estado en el ojo público por años debido al caso de Paco Stanley, lloró en algunas entrevistas tras haber visto el nuevo documental.

“Tengo muchas emociones. He llorado mucho, pero ya no de tristeza, sino de emoción, de felicidad, porque es algo que no solo mi familia y mi mamá querían escuchar, sino yo también. Estoy en shock”, confesó.

La producción sostiene que muchos de los habitantes de Pompeya tuvieron opciones reales de sobrevivir al desastre, un punto que matiza y a la vez desafía la versión tradicionalmente aceptada por la divulgación histórica y el audiovisual. En diálogo con la prensa oficial del estudio, el equipo destacó que la serie se apoya en nuevas pruebas y análisis interpretados por arqueólogos, historiadores, geólogos y especialistas en desastres para reconstruir las últimas horas de la ciudad, focalizándose en la toma de decisiones de individuos anónimos frente al inminente cataclismo.

El lanzamiento español se anticipa a la publicación de un reportaje extenso en NatGeo.com el 21 de julio, complementando el despliegue con datos inéditos sobre tres ciudades sepultadas en el año 79 de nuestra era. La casa matriz de National Geographic apostó por el uso de inteligencia artificial y técnicas avanzadas de análisis de ADN para profundizar en la vida cotidiana, las desigualdades de clase y género en Oplontis, los textos carbonizados de Herculano y la alimentación y enfermedades en Pompeya, cuestiones que posicionan a la serie y su cobertura digital como eje transversal de su campaña 2024.

La construcción narrativa: colaboración MCU y arqueología

En la génesis del proyecto, Hiddleston vuelve a ocupar el centro narrativo no como actor de reparto ni como personaje aislado, sino como guía y conductor que introduce a la audiencia en las historias de un aprendiz adolescente, una empresaria de peso y un miembro de la guardia pretoriana, arquetipos trabajados en formato dramatizado para romper la estructura clásica del documental histórico.

El showrunner Tom Barbor-Might, también responsable de la dirección, ha diseñado una narrativa de cuenta atrás que recurre a fórmulas propias del drama contemporáneo. El guion, firmado por Jessica Ruston y Mark Ravenhill con aportes de Wright y Barbor-Might, despliega líneas diegéticas que alternan testimonios de especialistas con reconstrucciones cinematográficas. En palabras de Tom McDonald, vicepresidente ejecutivo de contenidos para National Geographic, “se inventó un género totalmente nuevo de programación histórica” al integrar los datos científicos con recursos de ficción visual.

Integración vertical: sinergias creativas y nuevas prácticas documentales

Desde la estructura de producción, Plimsoll Productions acentúa la modalidad de documental híbrido: Kevin R. Wright, Grant Mansfield, Helen Flint y Alan Eyres ocupan el rol de productores ejecutivos junto a Carolyn Payne por el lado de National Geographic. La supervisión editorial incorpora a Charlie Parsons, vicepresidente senior de Desarrollo; Bengt Anderson, vicepresidente senior de Producción no guionizada; y el propio McDonald, responsables de garantizar los estándares editoriales de la marca.

La música original de la serie, compuesta por Aisling Brouwer, tiene previsto su lanzamiento global el 24 de julio de 2026 en plataformas líderes de música bajo demanda, consolidando una expansión multiplataforma del proyecto que trasciende el estreno audiovisual.

Revisión de paradigma: evidencia científica y relato humano

Pompeya: Más allá del tiempo con Tom Hiddleston apuesta por desplazar el foco narrativo de la destrucción hacia la reconstrucción de la experiencia humana y la toma de decisiones bajo presión. El dato de mayor impacto industrial reside en la decisión de reinterpretar las investigaciones recientes —entre ellas, la posibilidad de supervivencia de víctimas clásicamente consideradas irremediablemente perdidas— y en la combinación de disciplinas (arqueología, genética forense, historia social) para desglosar actitudes individuales y colectivas ante la catástrofe.

La serie tiene la intención declarada de “desmontar algunos de los grandes mitos” sobre la erupción, en especial la idea de que los habitantes quedaron indefensos y sin margen de acción. Este reposicionamiento conceptual redefine el relato de Pompeya no solo como momento histórico de destrucción, sino como ventana a la fortaleza, el sacrificio y la supervivencia de las personas que convivieron con el Vesubio.

La confesión del capitán argentino aportó una nueva perspectiva sobre el impacto de las historias deportivas en su vida y permitió conocer los puntos en común que identifica con el tenista español.

Messi y Nadal: afinidades entre dos referentes del deporte mundial

"ESTAMOS MIRANDO AHORA LA SERIE DE RAFA NADAL Y ME IDENTIFICO MUCHO. CREO QUE SOMOS MUY PARECIDOS..."

✍️ Leo Messi tras otro partido único en el Mundial

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— SportsCenter (@SC_ESPN) June 17, 2026

Luego del debut ante Argelia en el Mundial, el capitán argentino compartió en la rueda de prensa su experiencia como espectador de la serie documental sobre ell tenista español: “Estamos mirando la serie de Rafa Nadal y me identifico mucho con él, creo que somos muy parecidos en ese sentido, que siempre quiero dar el máximo y siempre me quiero sentir bien”, afirmó el capitán argentino. Sus declaraciones, recogidas tras el partido, pusieron en primer plano no solo la admiración por el tenista mallorquín, sino también la autoexigencia y la búsqueda constante de superación que ambos comparten.

La referencia de Messi a la serie Rafa, disponible en Netflix, trasladó la conversación pública al impacto de las historias de resiliencia y sacrificio en los atletas de élite. El futbolista explicó que la docuserie muestra facetas poco conocidas de la personalidad de Nadal y destacó la profundidad con la que se retrata la lucha contra el dolor físico y la presión competitiva.

Qué muestra “Rafa”, la serie que cautivó a Messi

La producción de Netflix dirigida por Zach Heinzerling se centra en el último año de competencia de Rafael Nadal y ofrece, según el análisis del sitio estadounidense The Contending, “una mirada sobria, incluso sombría, sobre el dolor físico y mental que acompaña a los grandes atletas”. La serie alterna entre los inicios de Nadal y su regreso en 2024, mostrando cómo el paso del tiempo afecta la capacidad de competir al máximo nivel.

A lo largo de los episodios, el documental revela los sacrificios personales y físicos del tenista. Desde el diagnóstico de síndrome de Müller-Weiss, una enfermedad degenerativa en el pie izquierdo, hasta las múltiples lesiones que condicionaron su carrera, la narrativa expone cómo Rafa convivió con el dolor durante toda su trayectoria. El medio estadounidense detalla que el deportista “creía que cuando sufría, estaba dando todo de sí, y esa convicción marcó su camino en el deporte”.

La serie explora además el entorno familiar de Nadal, en especial la influencia de su tío Toni, quien lo entrenó durante años y defendía la idea de que el sufrimiento era parte del camino hacia la grandeza. El documental recopila material inédito, testimonios de rivales históricos como Roger Federer y Novak Djokovic, y repasa los momentos más críticos de la carrera del mallorquín, incluyendo episodios en los que debió competir anestesiado por el dolor.

The Contending destaca que la docuserie “transmite la naturaleza efímera de la carrera deportiva y la humanidad de Nadal, logrando una mirada honesta sobre su legado”. La producción evita el tono celebratorio y expone sin filtros el desgaste físico y emocional que supone competir al más alto nivel.

El valor de la resiliencia: Messi y las historias que inspiran

Las declaraciones de Leo Messi sobre la serie Rafa abren el debate sobre la influencia de las historias de resiliencia y sacrificio en la mentalidad de los grandes referentes deportivos. Para el capitán argentino, la identificación con el relato de Nadal radica en el esfuerzo constante, la exigencia personal y la capacidad para sobreponerse a la adversidad.

La serie, según la crítica internacional, no solo se dirige a los fanáticos del tenis, sino a quienes buscan comprender los desafíos emocionales y físicos que atraviesan los atletas de élite. La confesión de Messi tras el triunfo mundialista refuerza el impacto que tienen estos relatos en la construcción de la identidad y la motivación de los deportistas contemporáneos.

“¿Es posible ser trans sin sufrir tanto?”.

La pregunta aparece en el film cuando se lo ve a Tristán compartiendo con amigas, amigos, amigues. Disfrutando. También aparece en los textos de presentación.

Su historia va por ahí. No nace del sufrimiento. Y quizás, en ese sentido, también es una disrupción: Tristán no es un adolescente trans que padece su cambio identitario, que se enfrenta a las personas de su círculo y se va dando portazos con el corazón roto por no saberse aceptado. Su madre y sus amigos lo abrazan, su escuela lo contiene, el Estado le da derechos, le facilita sus procesos. Lo que no quiere decir que el camino haya sido fácil, que haya estado exento de tensiones, de subibajas.

Tampoco es una historia de la marginalidad.

El trailer de Tristán y los días por venir inicia con una voz aniñada pero certera.

—Tristán Alexander.

—¿Con “x”, verdad? —se escucha preguntar a una mujer adulta.

—Sí.

El trailer de Tristán y los días por venir termina con la imagen de un adulto joven, en sus veintis, la bandera del orgullo trans como capa, anudada al cuello, barba y bigote incipiente, lentes, piercing en la nariz, abanico en la mano, en medio de una marcha. De fondo, el discurso: “Vienen por nuestros derechos. Hay que seguir defendiéndolos. Hay que seguir construyendo el mundo en el que queremos vivir”.

En el medio hay siete años.

La historia que comienza con un adolescente de 15 que hacía muy poco había decidido comenzar a exteriorizar lo que en su interior estaba claro: que habitaba un cuerpo que le quedaba incómodo. Que está determinado a ir, en todos los planos de su vida, por esa identidad que ya latía clara: cambiar su DNI, su cuerpo y desplegar enteramente ese que ya sabía que era. Que empieza a compartir ese proceso con su familia, con sus pares. Es una historia filmada a través del tiempo. Un documental que muestra, como lo definen Martina Matzkin y Gabriela Uassouf, sus directoras, “un retrato del crecer”.

—En realidad creo que ni siquiera me dijeron: “Vamos a hacer un documental”. Dijeron algo más como: “Vamos a filmar un par de cosas, a ver qué sale”.

Del otro lado de la pantalla Tristán Alexander Miranda, de 22 años, repasa cómo fue que Martina Matzkin, Gabriela Uassouf y él decidieron comenzar a registrar una serie de momentos —hitos y también episodios cotidianos de su vida— que terminaron por transformarse en siete años de filmación que documentan su transición de género, pero también su paso de la pubertad a la adolescencia más pura, de la adolescencia a la primera adultez. En un país que también cambió de colores, de banderas y de ideas.

—No tuvo siempre una dirección tan clara —sigue Tristán—. Con pocos recursos empezamos a filmar sin muchos planes y a veces [las directoras] decían: “Bueno, sí, capaz hacemos esto”. Como yo recién empezaba mi transición social y, sobre todo, lo legal, estuvo bueno ir documentando eso. Pero tampoco teníamos una idea fija de hacia dónde iba a ir lo que íbamos a filmar. Y terminó siendo algo muy lindo.

Las realizadoras Martina Matzkin y Gabriela Uassouf ya conocían a Tristán. Ellas venían trabajando juntas: habían codirigido un primer documental, Cuidadoras —producido, como este, por Groncho estudio y estrenado en 2025— en el que contaban la experiencia de tres mujeres trans que comenzaban a trabajar como cuidadoras en un hogar público para adultos mayores. En medio de ese proceso Martina había escrito un corto de ficción: El nombre del hijo, que muestra lo que le sucede a Lucho, un niño trans de 13 años que no comparte demasiado tiempo con su padre, cuando sale de vacaciones con él y su hermana pequeña; y qué pasa con los vínculos cuando, de repente, se acercan. E invitó a Gabriela a ser parte del equipo para desarrollarlo. Juntas hicieron el casting para el papel protagónico: buscaban a un niño o preadolescente trans.

—Conocimos un montón de pibes en ese camino —repasa Gabriela—. Elegimos juntas a Tristán como protagonista por razones que tenían mucho que ver con su sensibilidad, con su potencial. Nunca había estado frente a cámara, no había actuado en otra cosa. Entonces, ya cuando filmamos El nombre del hijo y forjamos esa relación —no solo con Tristán sino también con con su mamá, Virginia— empezamos a compartir otras cosas de la vida más allá del rodaje. Ahí resurgió un proyecto inicial que había salido de Martu de buscar por el lado de las de las adolescencias, del crecer, de las infancias. No sabíamos, era muy amplio todavía. De hecho esta peli tuvo una infinidad de formas hasta que, con el tiempo de laburo y de búsqueda y el compartir con Tristán, encontró la suya.

Tristán había comenzado a contar lo que sentía, dispuesto a encarar su transición, a los 13 años. Y, junto a su madre, emprendieron una búsqueda de información, de espacios, de comunidades de niñeces y adolescencias trans para acercarse y hacer red. Se sumaron a la Asociación Civil Infancias Libres y, luego, a otra llamada Munay: agrupación de familias de niñes y adolescentes trans, travestis y no binaries. En una de estas comunidades circuló el flyer para el casting y se presentó.

“Era mi primera vez actuando frente a cámara”, dice Trsitán, pero no era su primera vez encarnando un papel. “Yo siempre hice teatro, hice comedia musical, siempre me gustó actuar. Mi familia cuenta que desde chico fui muy teatrero, en el sentido de que me subía a la mesa y me ponía a cantar canciones de Floricienta. Era una de las tantas cosas que me gustaban hacer”.

Tristán fue al casting más por curiosidad, para probarse poniendo en práctica un hobby del que disfrutaba, que por el deseo aspiracional de transformar la actuación en un oficio. Después de quedarse con el protagónico y de la experiencia de trabajo con Martina y Gabriela, no dudó cuando ellas le propusieron empezar a acompañarlo y registrar diferentes momentos de su vida.

—Hay momentos que están filmados en los que yo no me sentía bien, me sentía muy mal —dice Tristán—; me gusta poder verlo ahora, pensar en ese momento y entender que no era tan terrible o que ahora estoy mejor. O verme cuando era chico y creía muy imposibles los cambios físicos que quería en mi transición. Lo veía en personas que documentan su proceso y decía: “No sé si yo voy a poder hacer eso”. Pero se fue dando y fue más rápido de lo que pensé. A los 15, 16 años no pensaba que a los 19 iba a poder hacerme la masculinización de tórax y es una de las mejores cosas que me pasó en la vida porque desde ese entonces soy mucho más feliz en mi propio cuerpo y me siento tan bien. Toda esa angustia que tenía a los 14 años por tener que salir del clóset ya no está. Y en ese momento sentía que iba a estar toda la vida así. También hay cosas que no tienen que ver necesariamente con transicionar, que simplemente es mi vida con amigues, con mi pareja, con mi familia, y me parece muy lindo que estén. Es raro porque es hasta humanizante: como que las personas piensan que las personas trans solamente somos trans pero antes somos personas.

Sobre la elección de qué momentos de su vida registrar y las decisiones del rodaje, Martina suma que si bien “fue una película que tenía un rumbo, se fue construyendo mucho en el hacer”.

—Por ejemplo: algo que nos pasó, bastante impredecible, fue la pandemia, en donde decidimos filmar igualmente con todas las complejidades y dificultades que eso tuvo, y con mucha seguridad de que había ciertos hitos que no nos queríamos perder, aunque no sabíamos dónde iban a encajar en la película. Pero, de pronto, Tristán tuvo la posibilidad de cambiar su partida de nacimiento, de recibir un nuevo DNI, y queríamos estar ahí y registrarlo. O el día en que se recibió de la secundaria o un cumpleaños. Pero también nos interesaba estar más allá de esos grandes momentos, nos interesaba hacer un registro de esa cotidianidad, porque la vida no es un compendio de hitos. Entonces fue un poco eso, una combinación de momentos que estábamos seguras de que queríamos y de vida cotidiana. No sé si desde el principio sabíamos cuánto tiempo iba a durar la filmación porque un retrato del crecer podría ser eterno. Creo que lo pensábamos un poco más corto, pero a medida que pasaba el tiempo nos dábamos cuenta de esa fuerza vital tan grande que implica acompañar un crecimiento, presenciar todas esas cosas que iban pasando, no solo con Tristán sino con su entorno más cercano y con el contexto sociopolítico que lo rodea. Me parece que es muy interesante ver eso condensado y registrado a lo largo de los años.

—En cuanto al rodaje, creo que también evolucionó con la película y con el crecimiento de Tristán y del vínculo entre él y nosotras —suma Gabriela—. Yo realmente aprecio y le agradezco públicamente a él todo lo que nos bancó porque, siendo adolescente, tenés otras ganas y otra rebeldía y tal vez no estás todos los días con ganas de filmar. Y hubo muchos momentos en los cuales claramente Tristán tenía ganas de estar haciendo otra cosa e igual le ponía el cuerpo, y momentos en los que sabía que lo ponía nervioso que filmáramos pero igual nos avisaba, tomaba aire y lo hacía. Pienso en la escuela, por ejemplo. Me acuerdo cuando conversábamos sobre si filmar o no filmar ahí. Tristán tuvo experiencias muy diversas a lo largo de su infancia, pubertad y adolescencia con respecto a la institución escuela, a sus compañeres. Y cuando nosotras lo filmamos ya tenía mucho camino recorrido y tenía mucho manejo del terreno y del discurso, de cómo pararse frente a situaciones donde le tocaba defenderse. [En su escuela] encontramos una institución que lo comprendía y lo acogía un montón, pero todo ese camino no fue fácil. Y hacia el final del rodaje ya era Tristán el que nos proponía más cosas que filmar. Entonces creo que la peli evolucionó con él y con nosotras.

—Creo que pensar al documental como “un retrato del crecer” es algo bastante acertado —agrega Martina—. Muestra una edad en la que, en general, uno busca mucho quién es en el mundo, cómo se relaciona con el mundo y cómo el mundo se relaciona con uno. Creo que es un retrato particularmente de esa etapa y me parece que, aunque siempre estamos buscando algo, es un momento muy enfocado en eso, en cómo nos vamos a relacionar; es salir de muchas burbujas, en las que solemos encontrarnos durante la niñez y el principio de la adolescencia, y empezar a ver por dónde nos interesa meternos. Me parece que es un retrato de eso y es bastante conmovedor. Yo no sé si siempre miramos atrás, les adultes, y nos ponemos a pensar cómo fuimos construyendo esos que estamos siendo; podemos ver cómo nos estamos construyendo en el presente, pero a veces no hacemos esa mirada en retrospectiva. También es muy difícil comprender cómo es la construcción de otre en esta actualidad. A nosotras nos separan unos quince años de la edad de Tristán y el suyo era otro mundo. Está bueno pararse, mirar y tratar de entender cómo es adolecer o tener esa edad en este momento.

Tristán Alexander Miranda es de Trujui, la segunda ciudad más importante del partido de Moreno, en la Zona Oeste del Gran Buenos Aires. Cursó la secundaria en la Escuela N° 12 Cataratas del Iguazú. Tanto ahí como en su escuela primaria, los y las docentes fueron refugio en su proceso identitario.

A diferencia de muchas otras historias de infancias y adolescencias trans, la de Tristán parece una fácil. Como si todos en su entorno hubiesen tenido la cabeza completamente abierta al momento de que él anunciara su transición. La realidad no fue exactamente así. No fue exactamente tan amable todo el tiempo. Ni tan lineal.

—He tenido mis peleas con la familia —cuenta Tristán— o personas que directamente no querían tratarme. Con mi abuela, por ejemplo, es una historia muy chistosa. Porque con mi mamá fue un tema, también, pero no quiero hablar de eso. Lo de mi abuela me causó gracia. Ella no es tan grande, pero tiene otro pensamiento. Entonces no quería llamarme por mi nombre, me llamaba por el deadname [N de la R.: el deadname (nombre muerto) es el que le fue asignado al nacer a una persona transgénero o no binaria que, luego de asumir su identidad, deja de utilizar]. Y yo agarré —justo nos habíamos ido de vacaciones mi mamá, mi tía y ella— y la ignoré durante un día. Menos. Menos de 12 horas. Y ella no lo soportó porque siempre fuimos muy unidos, ella me cuidaba cuando mi mamá necesitaba, vivíamos cerca. No aguantó que la ignorara, se dio cuenta de que iba en serio y ya a la noche me estaba llamando por mi nombre. Eso fue gracioso. Me da ternura —dice y se ríe.

Con el resto de su familia fue más sencillo.

—La familia de mi papá, que ya tiene otro pensamiento, me dijo: “Bueno, está bien. ¿Pero vas a seguir viniendo a comer los domingos, no?”.

Cuando Tristán inició su proceso de transición, el contexto también acompañaba. La Ley 26.743 de Identidad de Género, promulgada el 24 de mayo de 2012 y considerada por el Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Derechos Humanos (Acnudh) como una de las más avanzadas del mundo en cuanto a libertades para el colectivo trans, regía vigorosa —aún lo hace— y eran usuales, sin mayores obstáculos, las rectificaciones de documentos de identidad. Las luchas del colectivo se orientaban a más conquistas: a cupos laborales justos, a ocupar puestos en el Estado, en la política. Para cuando Gabriela, Martina y Tristán decidieron darle un fin al rodaje, el país y las ideas dominantes ya eran otras.

Tristán dice que a nivel identitario ese giro no lo afectó directamente porque él ya tenía resueltos sus cambios físicos y formales antes de que todo se complejizara. Pero que, como parte del colectivo, tiene cerca a muchas personas que piden sus nuevos documentos y les devuelven partidas y trámites con la identidad anterior. “Lo cual —recuerda— es inconstitucional, es ilegal, porque hay una ley que dice que tiene que ser de una forma”.

—Me enoja mucho y me angustia que esto, que es tan importante, no se respete. No entiendo la necesidad de hacerle mal a personas que lo único que quieren es estar bien consigo mismas. Me afecta en ese sentido. También me afecta en lo económico. Hay algo que no se llega a ver en la peli pero yo, a los 18 o a los 19, me mudé un tiempo con unes amigues. Durante más o menos un año estuve viviendo independizado y tenía la posibilidad de hacerlo porque con mi trabajo (soy ilustrador y hago comisiones) podía vivir bien. No teníamos lujos pero todos los viernes comíamos pizza. Y hoy en día no estoy en la misma situación. Estoy viviendo hace un par de meses con un roomie, y mi idea era seguir estudiando pero no pude porque tuve que salir a buscar laburo. Entonces no hay tiempo para estudiar. En eso sí me afecta. Hace unos años con un par de comisiones a la semana vivía bastante bien y ahora es muy difícil, incluso con un alquiler barato.

—¿Qué ves cuando te ves en el documental?

—Veo una historia muy linda que es, simplemente, la de crecer siendo una persona trans. Siento que puede ayudar a personas más jóvenes, en la edad en la que yo estaba cuando empezamos a filmar, que se están descubriendo o que saben que son trans y no saben cómo llevarlo a cabo. Siento que puede ayudar mucho, por la información, a saber cuáles son sus derechos o a que salgan del closet. También puede ayudar a personas que tienen familiares trans. Eso es algo que me gustaría que la gente viera.

—¿Es posible ser trans sin sufrir tanto?

—Yo creo que sí. Espero que sí. O sea, creo que todes sufrimos por razones parecidas al crecer y por eso cuando veo las historias de personas trans ya adultas, de hace unos años, pienso que mi experiencia es igual de válida que la de estas personas que sufrieron todas estas cosas como persecución política, ir presas simplemente por ser, todas las cosas físicas a las que se sometieron por su transición. Algo que una vez leí en el post de una persona trans y desde entonces pienso es que ser trans no se trata de lo mal que te sentís siendo, sino de lo bien que podés sentirte con vos mismo. No se trata de: soy trans: sufro, se trata de qué tan mejor puedo estar. Y creo que eso es muy importante. Yo no me mataría en el gimnasio para ser un chabón supermusculoso y masculino y hegemónico. Yo estoy bien, es algo que pensaba que no me iba a pasar. Me siento tan bien… y, si sufro, es por la economía y porque no tengo tiempo para estudiar para un parcial o cosas así. No sufro porque soy trans. Y me gustaría que sea así para todes.

El próximo 7 de junio se cumplen exactamente 27 años de que el conductor de televisión Paco Stanley fue asesinado afuera del restaurante El Charco de las Ranas, ubicado al sur de la Ciudad de México (CDMX), tras recibir cuatro disparos en el rostro, lo que le quitó la vida prácticamente de manera instantánea.

Muchas son las versiones que se dan en torno al asesinato del artista, sin embargo, un nuevo documental de la plataforma Reellee TV da a conocer impactantes detalles sobre el crimen, incluyendo quién estaría detrás del asesinato. Se trata de Testigos, la verdad tiene voz.

Juan Carlos Uribe, productor de la serie y creador de Reellee TV, en entrevista con Infobae México, explicó algunos detalles sobre la novedosa producción, misma en la que se revela que Juan José Esparragoza Moreno, alias El Azul, uno de los líderes y fundadores del Cártel de Sinaloa, habría mandado a asesinar a Stanley.

Esto, de acuerdo con uno de los entrevistados para su documental, quien señaló que fuertes deudas de dinero que no pudo pagar, habrían sido el motivo del asesinato.

“Nadie lo mencionó, nadie sabía de él. El Azul fue una parte muy importante después de que se unieron (Rafael) Caro Quintero, (Ernesto) Fonseca, Don Neto, en el Cartel de Sinaloa, en Guadalajara, el señor El Azul, él trabajaba para la DFS, la Dirección Federal de Seguridad. En aquellos tiempos la DFS era como la CIA mexicana. Inclusive todos los participantes eran entrenados por la CIA en Jalisco cuando matan a (Enrique) Kiki Camarena, por eso se cuenta toda la historia de Kiki Camarena, porque desde ahí viene todo el desenlace.

“Cuando matan a Kiki Camarena, el gobierno estadounidense con Ronald Reagan se mete y exige respuestas a la Dirección Federal (de Seguridad), exigen respuestas, sabiendo que la CIA estaba involucrada en alguna parte por medio por con el narcotráfico, porque la CIA era la que le llevaba las drogas a Estados Unidos y la hacía les llevaba a los contras en Nicaragua las armas, que luego fue el caso de los contras. Entonces este y se metió al general Oliver North el Congreso y todo este rollo, ¿no?“, explicó el productor.

Señaló que El Azul era un gran comandante de la corporación, y que cuando la misma se desintegró, se unió al narcotráfico. El dato de que Juan José Esparragoza Moreno estaba detrás de la muerte de Stanley, es algo que nadie había mencionado anteriormente, pues se creía en ese tiempo que quien estaba detrás del asesinato era Amado Carrillo Fuentes, El Señor de los Cielos, quien fue líder del Cártel de Juárez, aseguró.

El diferenciador de esta serie, en contraste con otras disponibles tanto en plataformas digitales como en YouTube, reside —según Uribe— en “dar a conocer simplemente la verdad”.

Durante el documental se entrevista a tres personas involucradas de alguna manera. La primera es Arlette Garibay, periodista, productora y conductora mexicana, conocida por su trabajo en televisión abierta, especialmente en Televisa y TV Azteca. Ella fue conductora del programa matutino Con Sello de Mujer en TV Azteca entre 1998 y 2001, y también presentó junto a Paco Stanley el programa ¡Ándale! en 1991.

René López, otro de los entrevistados, fue un agente de la Policía Judicial de Jalisco entre 1981 y 1985. Fue guardaespaldas de altos mandos del Cártel de Guadalajara y afirmó tener conocimiento de vínculos entre el narcotráfico y autoridades estadounidenses.

Y el último fue Jorge Godoy López, exagente de la Policía Judicial de Jalisco entre 1980 y 1985, y declaró ante la DEA como testigo clave en en el juicio, en Los Ángeles, California, contra Rubén Zuno Arce, ex cuñado del Presidente Luis Echeverría del PRI y el doctor Alvarez Machin donde habló de la corrupción del Cártel de Guadalajara y su implicación con figuras como Miguel Ángel Félix Gallardo. Él fue parte de las revelaciones de complicidad entre cárteles y autoridades en los años 80.

El minidocumental de 14 minutos fue coordinado por Presidencia de la Nación y el Ministerio de Salud, cuando ambas áreas comenzaron a evaluar la posibilidad de contar la posición oficial de ese conflicto. El material terminó de realizarse más de medio año después por parte del documentalista de Javier Milei y director de Realización Audiovisual de la Presidencia, Santiago Oría.

“Al comienzo del año electoral, la demanda de los gremios era por el salario del personal de salud. Este históricamente reclamó por mejores sueldos y ningún gobierno los benefició. Los gremios en 2025 tomaron esa bandera y poco a poco la hicieron mutar. Así fue que algo que comenzó como un reclamo genuino terminó en denuncias de vaciamiento y una sanción de una ley de emergencia pediátrica, para una emergencia que no existía”, sintetizaron las autoridades del Ministerio de Salud.

El relato estructurado en el documental es contado por diferentes integrantes del staff del Hospital. La producción recurrió a testimonios de integrantes del Consejo de Administración y trabajadores de diferentes áreas que vivieron el conflicto desde adentro pero que no abogaron por los mecanismos de reclamo iniciado por los residentes. Son ellos a los que el Gobierno busca colocar como “Los héroes del Garrahan”.

Una de las principales voces del material es el Director Médico del Garrahan, Mariano Pirozzo, quien por decisión del Ministerio de Salud asumió en julio del año pasado en medio de la espiralización del conflicto. En ese entonces, el principal reclamo era encabezado por los médicos residentes, quienes solicitaban un incremento del salario de bolsillo, en ese entonces de $ 797.000.

Según el relato oficial, los gremios tomaron esa bandera y la transformaron: las demandas de mejores sueldos mutaron en denuncias de vaciamiento y, finalmente, en la sanción de una ley de emergencia pediátrica que el Ejecutivo considera injustificada.

El documental recopila material de archivo de las distintas medidas de fuerza que se acumularon a lo largo del año. La cifra que presenta el Gobierno es la siguiente: hubo más de 40 acciones gremiales, entre paros parciales, paros de 24, 48 y 72 horas, abrazos simbólicos, “ruidazos”, festivales a la puerta del hospital, radios abiertas que bloquearon el ingreso al establecimiento, movilizaciones al Ministerio de Salud, Plaza de Mayo y el Congreso, y asambleas permanentes. Gremios, partidos políticos y medios de comunicación aparecen en el relato oficial como actores que pusieron en riesgo el funcionamiento del hospital.

El episodio que el Gobierno señala como el de mayor gravedad ocurrió el 31 de octubre de 2025: la toma de la oficina de la Dirección Médica del Garrahan. Para hacer énfasis en ese acontecimiento, el documental señala que la ocupación se produjo después de que el Ejecutivo otorgara a todo el personal un aumento salarial del 61%. Para las autoridades de Presidencia consultadas por Infobae, ese dato figura en el documental como evidencia de que el conflicto había dejado de responder a razones económicas para convertirse en una disputa de otra naturaleza.

Frente a ese registro de tensiones, el material hace un contrapunto con la nueva administración y buscó apuntalar su gestión en base a criterios como eficiencia operativa, planificación y racionalización del gasto.

El lanzamiento de este documental no cerró la controversia, sino todo lo contrario. La Asociación de Profesionales y Técnicos (APyT) y la Junta Interna de la Asociación de Trabajadores del Estado (ATE) convocaron para este mismo jueves a una conferencia de prensa y un acto frente al hospital para rechazar lo que calificaron como una campaña de estigmatización contra el personal.

“El reclamo de 2025 surgió de las entrañas del hospital. Quienes garantizaron los procedimientos más complejos también hicieron paro. Es que esos procedimientos dependen de un complejo engranaje de oficios y profesiones que salió a la lucha porque no se aguantaba más el desastre salarial”, declaro Alejandro Lipcovich, secretario general de ATE Garrahan.

Los gremios sostienen que persisten problemas estructurales ligados al ajuste presupuestario, la falta de personal y suspensiones que consideran arbitrarias, y denuncian persecución política contra trabajadores que participaron de las medidas del último año. La convocatoria estaba prevista para las 13 horas en la puerta del establecimiento.

Al negarse a colaborar con ellos, el militar fue asesinado el martes 19 de agosto de 1975 y, cuatro días después, su cuerpo apareció envuelto en una sábana y en una frazada en un zanjón cercano a la avenida Ovidio Lagos y Muñoz, en Rosario. Pesaba 40 kilos y la autopsia determinó que había sido estrangulado con un cable y que había recibido un fuerte golpe en el cráneo.

Organizado por la Dirección de Cultura, Museo y Extensión Federal de la Cámara baja, la proyección del filme dirigido por Fabián Pérez Battaglini, y producido por Marina Turletto -evento con entrada gratuita e inscripción previa- contó con palabras previas de su realizador. “Soy un documentalista que cuenta Historia, que está alejado de la militancia política, pero esta historia del coronel y su familia me impactó y creo debe ser conocida”, subrayó.

Este tipo de eventos no se había podido realizar antes del gobierno de Javier Milei. Un ejemplo: vale recordar la fallida presentación del libro La estafa con los desaparecidos. Mentiras y millones, del escritor y periodista José D’Angelo. Por aquel entonces, 7 marzo de 2023, el diputado nacional de Juntos por el Cambio, Alberto Asseff, denunció que por presión del kirchnerismo fue suspendida en la Biblioteca del Congreso. Y que desde el área de Ceremonial de la Cámara Baja le habían comunicado, un día antes, que la actividad había sido suspendida.

Esto no sucedió con el documental de Battaglini, impulsado por el legislador de la Libertad Avanza, Federico Agustín Pelli, quien había sido noticia el 11 de marzo de este año por haber sufrido un salvaje cabezazo por parte de Marcelo “Pichón” Segura, cuando intentaba acceder a la localidad de La Madrid, en el sur de la provincia de Tucumán, para brindar asistencia por las inundaciones que afectaron a la ciudad.

Por su parte, durante el evento, el legislador provincial por Tucumán, Walter Adrián Bernarducci, declaró de interés legislativo, cultural e histórico este documental e hizo entrega a Arturo Larrabure, hijo del militar asesinado, un reconocimiento especial a su padre otorgado por unanimidad por la Legislatura tucumana.

Reconocimientos al coronel Larrabure

Según Pelli, el documental “nos convoca a la memoria y al recuerdo de un argentino que vistió el uniforme de la Patria con honor y que sirvió a su Nación con convicción”. Y agregó: “Las palabras memoria y recuerdo, en el caso de él, hoy nos interpelan y llaman a la reflexión como país y como sociedad, porque es insólito que un hombre cuyo ejemplo es digno de los más altos valores, principios e ideales de amor por su patria y por sus compatriotas, haya sido dejado de lado y olvidado durante tanto tiempo”, enfatizó ante los presentes.

El diputado nacional pidió que recordar al coronel Larrabure sea una oportunidad para reafirmar el compromiso con la verdad histórica y no un ejercicio de división o enfrentamiento. En ese mismo sentido, el obispo castrense monseñor Santiago Olivera y el general retirado José Luis Figueroa presentaron su figura como un llamado a la reconciliación, el perdón y la cultura del encuentro.

Ese planteo quedó ligado también a nuevas iniciativas de difusión de su legado. El militar retirado señaló que el mensaje de Larrabure se refleja en el libro próximo a publicarse Larrabure, Voces para el Reencuentro, en el que participan más de 40 personalidades de distintos ámbitos, actividades y corrientes de pensamiento.

Pelli afirmó que homenajear a Larrabure implica recordar “a un soldado argentino, a un esposo, a un padre y a un hombre que permaneció fiel a sus ideales hasta el último momento de su vida”. Según sus declaraciones, el homenaje debe sostenerse en una idea central: la memoria no debe ser usada para profundizar fracturas, sino para sostener una verdad histórica compartida.

Monseñor Olivera: la causa ante la Santa Sede con la mirada puesta en la canonización

El obispo castrense Santiago Olivera explicó que escribió a la Santa Sede y al Dicasterio de la Causa de los Santos para impulsar el proceso de canonización de Larrabure, que ya cuenta con un tribunal de siete religiosos para su investigación. Según Olivera, aunque la muerte ocurrió en Rosario, pudo comenzar la causa porque el obispo era miembro del obispado castrense.

Olivera sostuvo que Larrabure “tiene que estar reconocido y tiene que ser un faro para nuestra patria”. También dijo que la autorización para iniciar ese camino le produjo “mucha alegría” y remarcó que el objetivo “no es para enfrentar, sino para valorar el encuentro, la reconciliación, el perdón”.

Al fundamentar esa posición, Olivera citó al extinto papa Francisco I y al papa León XIV. Según el obispo castrense, Francisco advirtió en un documento de la Iglesia que “las ideologías de cualquier signo, tanto de derecha o de izquierda, ciegan”, y León dijo “hace muy poco” que “las ideologías nos hacen sordos a la verdad”.

A partir de esas referencias, Olivera afirmó que la consigna “memoria, verdad y justicia” sigue vigente “para todos, no de un solo costado”, y reclamó “memoria completa, no fragmentada, una verdad no sesgada y justicia y no violencia, no, no venganza”. En el cierre de su intervención, agregó que la figura de Larrabure puede ayudar a encontrar caminos de encuentro y reconciliación “porque vamos en camino hacia el martirio”.

El obispo castrense sostuvo que fue mártir porque no renegó de su fe y porque entregó la vida antes que salvarse a cualquier precio. En esa línea, vinculó su conducta con una idea expresada por Francisco: “Nos salvamos entre todos”.

“Una enseñanza contra el odio y la confrontación”, el legado de Larrabure

El general retirado José Luis Figueroa agradeció al autor del documental El Vasco nos mira desde arriba y a Pelli por haber abierto en la Cámara de Diputados un espacio que, según expresó, permanecía cerrado para transmitir el mensaje de Larrabure y para dar lugar a una parte de la verdad que durante años permaneció silenciada.

Figueroa dijo que el caso permite visibilizar una etapa de la historia argentina marcada por la violencia terrorista, que a su juicio suele ser olvidada. Aun así, remarcó que el mensaje de Larrabure debe entenderse ante todo como un llamado al encuentro entre los argentinos y no como una reivindicación sectorial.

Al describir ese enfoque, afirmó: “En una guerra fratricida, como en una pelea entre hermanos, hay poco para reivindicar y mucho para analizar, pedir y dar perdón, y aprender para no repetir los mismos errores”. Para Figueroa, ese aprendizaje se resume en tres enseñanzas.

La primera, dijo, es la capacidad de no odiar, perdonar y, si fuera necesario, poner la otra mejilla. Según Figueroa, aun en las condiciones durísimas de su cautiverio, Larrabure no dejó mensajes de resentimiento sino de esperanza, fe y reconciliación.

La segunda enseñanza es la centralidad de los valores y las virtudes. Figueroa recordó que durante el cautiverio se le ofreció recuperar la libertad si colaboraba en la fabricación de explosivos, una propuesta que rechazó con la frase: “A ese precio, no”.

La tercera enseñanza, añadió, es no quedar atrapados en el pasado y mirar hacia el futuro. En su planteo, la memoria debe funcionar como una herramienta de aprendizaje para construir una vida más plena y una Nación más grande, no como un mecanismo para alimentar resentimientos.

Figueroa sostuvo que ese mensaje fue creciendo “como un grano de mostaza” con el paso del tiempo. Señaló que el libro en preparación reúne voces de excombatientes, víctimas y familiares de ambos lados de la tragedia argentina que, desde experiencias distintas, coinciden en la necesidad de cerrar las brechas que aún dividen a los argentinos.

En el tramo final de su exposición, afirmó que la sociedad argentina debe abandonar los discursos de confrontación permanente y recuperar la cultura del encuentro. Según Figueroa, las armas de los años de violencia política ya no son las mismas, pero persisten enfrentamientos estériles que dificultan la construcción de objetivos comunes.

Desde esa idea, concluyó que las diferencias deben resolverse por medio del diálogo, la discusión franca, la negociación y la búsqueda de consensos. Cuando eso no ocurra, añadió, deben operar los mecanismos de una sociedad democrática y civilizada: las elecciones, las instituciones y la justicia.

La escritora mexicana Brenda Navarro, autora de las aclamadas novelas Casas Vacías y Cenizas en la boca, debutará como directora de cine con el documental No hay lugar en este país, un proyecto que abordará temas como la violencia en México, las desapariciones de personas y la búsqueda de justicia para las víctimas.

La producción estará a cargo de Mandarina Cine, encabezada por Carlos Hernández Vázquez y Gabriela Gavica, en colaboración con Cacerola Films, de la reconocida productora Laura Imperiale.

El documental será codirigido por Navarro y la periodista, escritora y documentalista mexicana Daniela Rea, quien cuenta con una amplia trayectoria en trabajos relacionados con derechos humanos e investigación social.

¿De qué trata el documental?

El documental “No hay lugar en este país” es un estudio sobre conceptos como la violencia, la figura de la víctima y el victimario, así como las dificultades para alcanzar justicia en México.

El proyecto tiene su origen en un taller literario impartido durante la pandemia por la propia Navarro, donde participaron familiares de personas desaparecidas. A través de ejercicios de memoria, las y los participantes recuperaron las historias de sus seres queridos ausentes y reflexionaron sobre los obstáculos que enfrentan en su búsqueda de verdad y justicia.

De ese trabajo surgió un libro homónimo editado por Fundar a principios de 2024, que ahora servirá como base para la adaptación documental.

Debut en el cine

Con este proyecto, Brenda Navarro realizará su primera incursión detrás de la cámara. La escritora se ha consolidado como una de las voces más relevantes de la literatura contemporánea en español gracias a novelas como Casas Vacías y Cenizas en la boca.

Esta última obra fue llevada al cine por el actor y director mexicano Diego Luna, cuya adaptación tuvo su estreno internacional durante la edición 79 del Festival de Cannes.

Daniela Rea regresa al documental

Para Daniela Rea, este será su segundo trabajo en un largometraje documental. En 2017 presentó No sucumbió la eternidad en el Festival Internacional de Cine de Morelia y en Ambulante.

Rea es reconocida por su trabajo periodístico enfocado en derechos humanos y conflictos sociales. Entre sus publicaciones destacan los libros Fruto, Nadie les pidió perdón y La Tropa. Por qué mata un soldado. Además, ha colaborado como investigadora en documentales como Una Jauría llamada Ernesto y Anatomía del Mal, del realizador Everardo González.

Guanajuato, lugar central en la historia

La producción contará con la experiencia de Laura Imperiale, quien acumula más de 25 años de trayectoria en la industria cinematográfica y ha participado en proyectos como El coronel no tiene quien le escriba y El crimen del padre Amaro.

El documental pondrá especial atención en el estado de Guanajuato, entidad de origen tanto de Carlos Hernández Vázquez como de Daniela Rea, originarios de Celaya e Irapuato, respectivamente.

¿Cuándo se estrenará la cinta?

De acuerdo con los productores, el rodaje comenzará durante el verano de 2026 y se prevé que concluya su proceso de producción para estrenarse a finales de 2027.

La película buscará abrir una reflexión sobre la violencia en México, las desapariciones y los desafíos que enfrentan miles de familias para acceder a la justicia, a partir de testimonios y experiencias reales que surgieron de un ejercicio colectivo de memoria.

El talento periodístico de Centroamérica brilló con fuerza el miércoles 27 de mayo en el Jazz at Lincoln Center de Nueva York. Durante la prestigiosa ceremonia de los Premios Emmy de Noticias y Documentales 2026, organizada por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión (NATAS), la producción audiovisual “Sobreviviendo al CECOT” obtuvo el galardón en la categoría de «Cobertura periodística investigativa destacada en Español».

La estatuilla fue recibida en el escenario por el realizador y periodista visual guatemalteco Gerardo del Valle, quien se desempeñó como productor y editor del proyecto, consolidando una noche histórica para el periodismo de la región.

Al momento de aceptar el galardón, Del Valle se mostró conmovido y orgulloso de representar a su país en una plataforma de tal magnitud. “Soy de Guatemala y este es un momento verdaderamente surreal”, manifestó el documentalista, quien aprovechó la oportunidad para recordar sus inicios y honrar a los colegas de su país natal que influyeron en su formación profesional.

Durante su discurso, el periodista guatemalteco hizo especial hincapié en la naturaleza colectiva del oficio, señalando que los proyectos de gran envergadura requieren la suma de múltiples voluntades. “El periodismo de investigación nunca es una tarea en solitario, sobre todo cuando se documenta el costo humano de complejas decisiones políticas sobre las comunidades”, reflexionó.

Los datos y el contenido del documental galardonado

“Sobreviviendo al CECOT” es una investigación de carácter colaborativo en la que participaron los medios ProPublica y The Texas Tribune, junto a la Alianza Rebelde Investiga (integrada por Runrun.es, El Pitazo y Tal Cual) y la organización Cazadores de Fake News.

El eje central del documental gira en torno a la reconstrucción de los expedientes de traslado y deportación ejecutados por las autoridades de los Estados Unidos el 15 de marzo de 2025. La narrativa sigue de cerca los casos específicos de tres ciudadanos venezolanos: Juan José Ramos Ramos, Andry Blanco Bonilla y Wilmer Vega Sandia, quienes fueron transferidos directamente desde territorio estadounidense hacia el Centro de Confinamiento del Terrorismo (CECOT), ubicado en El Salvador.

Para dimensionar el contexto de estos traslados, el equipo periodístico desarrolló una exhaustiva auditoría de datos que abarcó a un grupo de 238 hombres incluidos en el mismo operativo. A través de la revisión minuciosa de registros judiciales tanto en los EE.UU. como en Sudamérica, la investigación documentó los siguientes hallazgos estadísticos sobre el estatus legal de los implicados:

• Ausencia de condenas: Al menos 197 de los ciudadanos trasladados en esa fecha no registraban ninguna condena por delitos dentro de los Estados Unidos.
• Procesos pendientes: Prácticamente la mitad de los hombres deportados en dicho grupo contaba con procesos migratorios abiertos y en curso dentro del sistema estadounidense al momento de su expulsión.

Por lo que, el trabajo audiovisual se enfocó en mostrar la dimensión humana de estas cifras, recopilando los testimonios de los familiares de los detenidos, quienes abrieron las puertas de sus hogares para narrar el impacto y la incertidumbre que supuso la separación y el traslado de sus allegados bajo acusaciones que no habían sido dirimidas en un tribunal.

La trayectoria de Gerardo del Valle: de Guatemala a Nueva York

El triunfo en los Emmy 2026 representa un hito en la sólida carrera de Gerardo del Valle. El comunicador inició su formación académica en la Universidad Rafael Landívar de Guatemala, donde se graduó en Ciencias de la Comunicación. Sus primeros pasos en el ámbito del periodismo de profundidad los dio en Plaza Pública, un reconocido medio digital guatemalteco enfocado en la investigación y el análisis social.

Con el objetivo de especializarse en la narrativa audiovisual, Del Valle se trasladó a los Estados Unidos, donde completó una maestría en periodismo en la City University of New York (CUNY). A lo largo de su carrera, ha colaborado en la producción de documentales y coberturas especiales para cadenas internacionales de prestigio como la BBC, Vice, Univision, NBC y la Agencia EFE.

En la actualidad, el guatemalteco se desempeña como productor audiovisual y periodista visual en la redacción de ProPublica. Su trabajo ha sido respaldado por prestigiosas fundaciones globales.

Elvira, Richi y Ramón llegaron a la Estación de Francia de Barcelona junto a un hombre la mañana del domingo 22 de abril de 1984. Los tres hermanos, de dos, cuatro y seis años, viajaban en un vehículo conducido por aquel adulto, que los dejó sentados en un banco de la estación y desapareció sin dejar rastro.

Durante horas, los niños recorrieron los andenes y los vagones de los trenes sin ser conscientes de la gravedad de la situación, hasta que un trabajador de la estación se percató de que estaban solos. Cuando les preguntaron dónde estaban sus padres, no supieron responder: desconocían sus nombres y eran incapaces de explicar cómo habían llegado hasta allí. Nadie regresó a la estación para recogerlos ni volvió a reclamar su custodia.

Aquel episodio dio origen a una de las historias más desconcertantes relacionadas con el abandono infantil en España. Lo que comenzó con tres niños sin identidad conocida terminó convirtiéndose, cuatro décadas después, en una compleja investigación familiar para descubrir quiénes eran sus padres y qué ocurrió realmente con ellos.

Una nueva vida tras el abandono

Poco tiempo después de ser encontrados, los tres hermanos fueron adoptados por Marisa y Luis, un matrimonio de pedagogos de Barcelona que les proporcionó un hogar. A pesar de las circunstancias de su llegada a la familia, los hermanos crecieron sin que la búsqueda de sus orígenes les preocupara mucho. La más pequeña apenas conservaba recuerdos, mientras el mediano había bloqueado gran parte de su infancia como mecanismo de protección. Ramón, el mayor, era quien conservaba más imágenes del pasado, aunque muchas aparecían fragmentadas y difíciles de interpretar.

Algunas de esas imágenes incluían grandes casas, coches de lujo y situaciones que le generaban miedo. Con el paso del tiempo, los hermanos llegaron incluso a elaborar sus propias teorías para explicar lo ocurrido. “Creíamos que nuestros padres podían formar parte de la mafia y que nos habían abandonado para protegernos”, recuerdan en declaraciones a El Mundo.

La búsqueda de los orígenes

El impulso definitivo para investigar llegó décadas después, cuando Elvira se convirtió en madre. La experiencia despertó en ella la necesidad de conocer sus raíces y responder preguntas que llevaba años arrastrando: desde su verdadera fecha de nacimiento hasta las circunstancias que llevaron a su familia a desaparecer. “Realmente lo que me apetecía era que me contaran en primera persona quiénes eran mis padres”, explica a El País.

En 2020, los tres hermanos iniciaron una investigación que comenzó de forma artesanal. Revisaron archivos, recopilaron documentos, realizaron pruebas genéticas y contactaron con personas que pudieran aportar alguna pista. Con el tiempo, la búsqueda se amplió gracias a la colaboración de periodistas, investigadores independientes y ciudadanos anónimos de distintos países.

Entre ellos destacó el periodista británico Giles Tremlett, corresponsal de The Guardian en España, que ayudó a conectar a los hermanos con nuevas fuentes e impulsó el avance de la investigación antes de la incorporación del equipo de Carles Porta.

Descubrimientos inesperados

A medida que avanzaban las pesquisas, comenzaron a aparecer datos que permitieron reconstruir parte de la historia familiar. Los hermanos descubrieron que sus padres biológicos eran andaluces y que su vida había estado marcada por continuos desplazamientos y episodios relacionados con la delincuencia.

También lograron localizar a familiares biológicos, recuperar fotografías antiguas y conocer aspectos de la vida de sus progenitores que habían permanecido ocultos durante décadas. En las imágenes encontradas aparecía una familia aparentemente unida, lo que hacía aún más difícil comprender por qué se produjo el abandono.

Cuando la investigación llegó a un punto muerto, los hermanos encontraron apoyo en el periodista y documentalista Carles Porta, especializado en sucesos y crónica negra. “Hay casos que sabes que esconden algo enorme”, afirma Porta en declaraciones a El Mundo al recordar su primer contacto con la historia.

Junto a su equipo, y con el impulso previo de colaboradores como Giles Tremlett, los hermanos continuaron investigando en distintos puntos de España y también en países como Francia y Bélgica. Nuevos testimonios y documentos permitieron seguir reconstruyendo el rompecabezas familiar, aunque muchas respuestas siguen siendo esquivas debido al paso del tiempo.

Según Porta, la búsqueda nunca estuvo relacionada con una carencia afectiva: “No necesitaban encontrar unos padres porque ellos ya tenían padres. Lo suyo era una necesidad racional, humana. La necesidad de conocer el origen”, sostiene. No obstante, el periodista destaca también una frase de Ramón que refleja el conflicto emocional que acompañó la investigación: “Tenía miedo de perder la vida que tenía ahora”.

Un caso que sigue abierto

Cuatro décadas después de aquel día en la Estación de Francia, Elvira, Richi y Ramón han conseguido algo que durante años parecía imposible: reconstruir buena parte de su pasado. Han identificado a familiares, recuperado recuerdos y reconstruido numerosos episodios de su historia. Sin embargo, la principal incógnita continúa sin resolverse. Todavía desconocen qué ocurrió con sus padres biológicos y si siguen vivos.

Esta historia ha vuelto ahora a la actualidad gracias a la docuserie Abandonados, estrenada en Disney+, que recoge el proceso de investigación y la reconstrucción de una vida marcada por preguntas sin respuesta. Más allá del misterio, el caso se ha convertido en un reflejo de la necesidad humana de comprender el propio origen y de cómo algunas historias continúan abiertas incluso después de cuarenta años.

La carrera de Rafael Nadal ha estado marcada por gestas deportivas y momentos épicos, pero también por una batalla silenciosa y constante. Durante 20 años, el ex tenista español convivió con un dolor que nunca fue visible para el público.

En su documental de Netflix, que se estrenó este viernes 29 de mayo, el nacido en Mallorca revela la dimensión real de la afección que condicionó cada paso en las canchas: el síndrome de Müller-Weiss, una enfermedad rara que deforma el pie y desafía la resistencia física y mental de quien la padece.

El ganador de 22 Grand Slam, que cumplirá sus 40 años el próximo miércoles, expone en su documental llamado “Rafa” el impacto de esta patología en su trayectoria con una contundente frase dirigida a Toni Nadal, su tío y ex entrenador: “Lo siento, pero no puedo más. Estaba continuamente con dolor”.

Qué es el síndrome de Müller-Weiss y cómo afecta el pie

El síndrome de Müller-Weiss es una enfermedad degenerativa y crónica que afecta al hueso escafoides tarsiano, situado en la parte media del pie. De acuerdo con la Sociedad Española de Radiología Médica (SERAM), se desarrolla en la infancia pero suele manifestarse en la adultez. La alteración consiste en una displasia del escafoides que degenera progresivamente y produce deformidad, dolor agudo y crónico, e incluso necrosis del hueso por falta de irrigación sanguínea.

El escafoides tarsiano es clave en la biomecánica del pie, ya que distribuye las cargas del cuerpo y brinda estabilidad a la pisada. Cuando la enfermedad avanza, la estructura colapsa, lo que genera un bulto prominente y dificulta la función de caminar o realizar deportes de alto impacto. El dolor puede extenderse a las rodillas, caderas y columna, debido a las compensaciones biomecánicas.

El diagnóstico de Rafael Nadal llegó en 2005, tras conquistar su primer Roland Garros. A sus 19 años, el mallorquín recibió la noticia de que padecía osteocondritis del escafoides tarsiano. Desde ese momento, la convivencia con el dolor se volvió parte de su rutina. Fue la lesión más condicionante de toda su trayectoria ya que se trata de un hueso clave para la estabilidad y para repartir cargas.

El español habló públicamente por primera vez sobre su afección en junio de 2022, durante una rueda de prensa en París tras ganar su 14º título de Roland Garros. Durante años, evitó mostrar la lesión para no desviar la atención de sus logros. Solo ahora, en el documental, exhibe la imagen de su pie izquierdo, donde destaca una deformación notoria: un impactante y prominente bulto que sobresale en la zona de su tobillo y pie izquierdo.

Tratamientos, adaptaciones y secuelas físicas

Para soportar el dolor y prolongar su carrera, Nadal recurrió a múltiples estrategias. Utilizó zapatillas adaptadas, plantillas ortopédicas diseñadas específicamente para su pie, infiltraciones de analgésicos y ácido hialurónico. En ocasiones, como en Roland Garros 2022, compitió con el pie completamente anestesiado.

El consumo prolongado de antiinflamatorios trajo consigo otras complicaciones, como perforaciones intestinales. Las adaptaciones biomecánicas necesarias para mitigar el dolor derivaron en lesiones en otras partes del cuerpo: rodillas, espalda, cadera. Pueden aparecer dolores articulares limitantes en las articulaciones del pie, rodilla, cadera de ambos lados y dolor por compensación en zona lumbar y columna vertebral.

La lucha contra el dolor crónico y la enfermedad degenerativa no solo dejó marcas físicas. El desgaste emocional fue constante. Una de las frases del propio Nadal en el documental impactaron a sus espectadores: “Yo no soy un ganador. Soy un competidor”. El deportista reconoce que la motivación para seguir luchando fue clave: “Lo que siempre me ha motivado son la ganas de seguir luchando”.

La exposición pública de su lesión, a través del documental, visibiliza una realidad que permaneció oculta mientras no se cansaba de levantar trofeos. El síndrome de Müller-Weiss no solo condicionó su tenis, sino que también precipitó su retirada definitiva en 2024. La huella de la enfermedad queda registrada no solo en los títulos, sino en la imagen de un pie marcado por el esfuerzo.

Paris Hilton ha ido más allá de sus facetas de empresaria y figura mediática. En los últimos años se ha convertido en una de las voces más activas en la lucha contra la violencia digital hacia las mujeres. Su más reciente proyecto surge de una alianza con la periodista tecnológica Laurie Segall para producir y protagonizar Searching for Mr. Deepfakes, una serie investigativa de 13 partes que investiga a los responsables de una de las plataformas más conocidas de imágenes íntimas falsas generadas con inteligencia artificial.

El proyecto, producido por Mostly Human Media en alianza con 11:11 Media, la compañía de Hilton, fue presentado como una apuesta poco convencional para el periodismo de investigación: una docuserie diseñada específicamente para TikTok, con episodios breves de entre dos y cuatro minutos dirigidos a las audiencias que consumen contenido en redes sociales.

De acuerdo con Variety, la serie sigue una investigación de tres años sobre el operador anónimo de un sitio de deepfakes sexuales que llegó a registrar 17 millones de visitas mensuales antes de ser cerrado.

“Me encanta esta idea de crear un nuevo manual para el contenido no guionado”, afirmó Segall en declaraciones recogidas por Variety. “Esto es una especie de prueba beta”, añadió la periodista sobre el experimento narrativo y periodístico detrás de la serie.

Segall explicó que el objetivo del proyecto era llegar a las personas más afectadas por este tipo de violencia digital. “Realmente queremos que las personas que más lo necesitan puedan verlo”, sostuvo.

La periodista, que trabajó durante más de una década en CNN cubriendo tecnología antes de fundar su propia productora, señaló además que las nuevas plataformas permiten explorar otras formas de distribución y formatos para investigaciones complejas. “El contenido no tiene que quedarse en un solo lugar”, comentó.

Por ejemplo, Adweek destaca que Hilton y Segall decidieron adaptar el contenido al lenguaje de TikTok en lugar de presentar la investigación como un episodio largo para streaming o para un canal televisivo tradicional.

En cambio, la serie será publicada directamente en la cuenta de TikTok de Hilton, que acumula cientos de millones de seguidores, en una estrategia que busca aprovechar comunidades digitales ya existentes para amplificar el alcance del proyecto.

La docuserie también tendrá una expansión en audio. El podcast Mostly Human lanzará una serie especial de cuatro episodios a partir del 4 de junio, profundizando en la investigación sobre las redes y foros que distribuyen deepfakes sexuales.

Para Segall, es urgente poner el tema sobre la mesa debido a la velocidad con la que avanzan las herramientas de inteligencia artificial. “Puedo ver venir un choque de trenes”, advirtió en Variety, al referirse a los riesgos que aparecen cuando la tecnología evoluciona más rápido que las leyes y los mecanismos de protección.

El vínculo personal de Paris Hilton con la historia

La heredera también ha sido víctima de la difusión no consentida de contenido íntimo desde comienzos de los años 2000.

“Fue una de las experiencias más dolorosas, traumatizantes, humillantes y degradantes de mi vida”, afirmó durante una conversación con Segall incluida en uno de los episodios.

La empresaria ha convertido ese episodio en parte central de su activismo contra los deepfakes y la explotación digital impulsada por inteligencia artificial. En enero de 2026 apareció frente al Capitolio de Estados Unidos junto a la congresista Alexandria Ocasio-Cortez para respaldar la DEFIANCE Act, una propuesta legislativa destinada a ofrecer herramientas legales a las víctimas de falsificaciones sexuales digitales.

Durante ese acto, Hilton habló públicamente sobre la filtración de un video íntimo cuando tenía 19 años. “La gente lo llamó un escándalo. No lo fue. Fue abuso”, declaró, según recogió Euronews. “No había leyes en ese momento para protegerme, ni siquiera existían palabras para describir lo que me habían hecho”, afirmó.

Hilton también explicó que el trauma provocado por aquella experiencia sigue presente hoy debido a la proliferación de imágenes falsas creadas con inteligencia artificial usando su rostro.

“Tengo 100 mil deepfakes sexualizados. Ni uno solo es real y ninguno es consensuado”, aseguró durante el acto en Washington. “Y cada vez que aparece uno nuevo, regresa esa horrible sensación, ese miedo de que alguien en algún lugar lo esté mirando ahora mismo y piense que es real”.

“La pornografía deepfake se ha convertido en una epidemia”, afirmó. “Es la forma más nueva de abuso que está ocurriendo a gran escala: contra sus hijas, sus hermanas, sus amigas y sus vecinas”.

Moisés Muñoz volvió a colocarse bajo los reflectores este 26 de mayo, una fecha imborrable para los aficionados del América y para el propio exguardameta azulcrema. El exportero, recordado por marcar el gol que llevó a las Águilas al alargue en la histórica final del Clausura 2013 frente a Cruz Azul, presentó en la Ciudad de México su nuevo proyecto audiovisual titulado Mi Serie.

El exjugador americanista, conocido desde aquella noche como “El Portero del Milagro”, compartió detalles sobre esta producción que mostrará aspectos desconocidos de su vida, más allá del futbol y de las hazañas que protagonizó dentro de la cancha.

Durante una entrevista exclusiva con Infobae México, Moisés Muñoz reconoció la emoción que le genera lanzar este proyecto precisamente en una fecha tan significativa para su carrera deportiva.

“Estoy feliz, nervioso al mismo tiempo, por el lanzamiento de la serie, pero recordar esta fecha (26 de mayo) sin duda alguna me trae a mi mente precisamente cosas felices, cosas positivas y siempre lo disfruto con mucho cariño. Cada 26 de mayo, yo creo que esta fecha nunca la voy a olvidar. Honestamente, no sabíamos [ríe] cómo llamarla. Al final se queda así mi serie. Este, yo creo que esa es la explicación más honesta y más sincera, porque no, no sabíamos cómo ponerle a esta serie”, comentó el exarquero de las Águilas.

La serie no estará enfocada únicamente en el futbol ni en sus momentos de gloria con el América. De acuerdo con Muñoz, el proyecto busca retratar distintas etapas personales y familiares que marcaron su vida antes, durante y después de su carrera profesional.

“Vamos a ver una historia de vida. No solamente tiene que ver con el futbol. Hablo acerca de mi familia, el apoyo incondicional que he tenido por parte de ellos, en un principio de mis padres, de mis hermanos, posteriormente de mi esposa, de mis hijos y de muchos amigos y gente que quiero, me quiere y que han estado siempre en mi barco, siempre a mi lado. Muchos de ellos están aquí el día de hoy, otros tantos no pudieron estar aquí, pero sé que están conmigo siempre. Entonces, es de alguna manera, en honor a ellos, un tributo a ellos y, y contar cosas divertidas que me pasaron, algunas tanto dramáticas, pero que terminan de una manera muy positiva y muy feliz”, destacó.

El evento reunió a distintas personalidades del deporte y los medios de comunicación. Entre los invitados estuvieron los exfutbolistas Juan Carlos Valenzuela y Jagger Martínez, además de los periodistas Alejandro Villalvazo y Gustavo Adolfo Infante. También acudió Antonio Pérez Garibay, padre del piloto de Fórmula 1 Sergio Pérez, así como el presidente de la Federación Mexicana de Futbol, Ivar Sisniega.

Todos ellos participaron dentro del documental compartiendo testimonios sobre la trayectoria y personalidad del histórico exportero americanista.

La producción se estrenará oficialmente el próximo 15 de junio a través de la plataforma Morita Play, servicio que tendrá un costo mensual de 85 pesos para quienes deseen seguir de cerca la vida de una de las figuras más recordadas en la historia reciente del América.

A diferencia de otros productos centrados en la selección argentina, esta docuserie desarrolla su narrativa en tres episodios de 30 minutos cada uno, incorporando material inédito y una estructura deliberadamente metodológica para documentar el proceso de liderazgo encabezado por Lionel Scaloni y su cuerpo técnico. La producción accedió a testimonios exclusivos no solo de Scaloni, sino también de referentes internacionales como Diego Simeone y José Pekerman, así como jugadores clave del ciclo mundialista: Lionel Messi, Rodrigo De Paul, Ángel Di María, Leandro Paredes, Emiliano Martínez, Enzo Fernández y Alexis Mac Allister destacan en el listado de entrevistados.

La propuesta representa la primera alianza entre Flow, Virgen Films y Business Meet Culture (BMC Consultores) en torno a un biopic orientado al análisis metodológico, con Diego Peskins a cargo de la dirección y Fabian Jalife como responsable de la investigación y curaduría de contenidos.

La presencia del propio Jalife en la estructura narrativa refuerza el componente documental de investigación. El proyecto pone el foco en la “gestión grupal” y la reconstrucción identitaria más allá del acontecimiento deportivo, introduciendo imágenes inéditas y la voz directa de protagonistas del proceso, según especificó la comunicación oficial.

El abordaje metodológico y su impacto en el documental deportivo

El método Scaloni busca diferenciarse de las producciones tradicionales sobre fútbol argentino mediante la formalización de un enfoque que prioriza la “curaduría metodológica” y el trabajo de documentación exhaustiva liderado por Jalife. La serie articula conceptos de liderazgo, dinámica de grupo y reconstrucción de identidad colectiva, inscribiéndose en un formato que apunta tanto al mercado de plataformas como al sector educativo y corporativo interesado en análisis de procesos de gestión a partir de casos reales.

Este dispositivo, poco habitual en documentales deportivos argentinos, se refuerza con entrevistas que exploran los principios de “resiliencia, unión y compromiso”, extendiendo la mirada hacia la transformación del equipo nacional en un fenómeno que, según el equipo productor, “trascendió el fútbol” para convertirse en caso de estudio de reconexión social.

El formato seriado y la estrategia de coproducción

El documental original de Flow adopta la estructura de miniserie, apostando por episodios de duración estándar para plataformas (30 minutos), lo que señala una estrategia de lanzamiento que busca maximizar el engagement y facilitar su circulación en mercados digitales y educativos.

El equipo recurre a “imágenes nunca antes vistas” y al acceso directo a los protagonistas, integrando relatos en primera persona para articular una versión del proceso Scaloni desde dentro de la concentración y el cuerpo técnico. El trabajo de Jalife posiciona a la serie dentro de la tendencia global de docuseries que buscan explicar liderazgos contemporáneos mediante recursos audiovisuales y análisis de gestión aplicados.

Entrevistados, acceso y posicionamiento de contenido original

El documental cuenta con la participación de referentes internacionales como Simeone y Pekerman, además de figuras de la generación reciente albiceleste, lo que garantiza un acceso privilegiado a voces autorizadas y actualiza el modelo de series documentales sobre selecciones nacionales. La presencia de Messi, De Paul, Di María, Paredes, Martínez, Fernández y Mac Allister, en el listado de entrevistas inéditas, potencia el atractivo comercial y el valor de archivo del proyecto.

La pieza, que se lanzará de manera directa en Flow On Demand, anticipa una explotación primaria en el segmento VOD (video on demand) y suma potencial para el circuito de festivales y ventas internacionales por el diferencial de acceso, estructura metodológica y relevancia de las fuentes movilizadas.

María Antonieta de las Nieves, reconocida por su papel como La Chilindrina en El Chavo del 8, confirmó en un encuentro reciente con medios que prepara un documental con material inédito sobre su trayectoria artística.

La actriz, quien acudió a la Asociación Nacional de Intérpretes para inaugurar una muestra fotográfica, explicó que el proyecto busca mostrar su vida en los escenarios y su paso por la icónica vecindad, utilizando archivos personales nunca antes vistos.

María Antonieta de las Nieves reveló que su documental incluirá material inédito

Durante la conversación, De las Nieves aclaró que el documental no solo sería narrado por ella ni tendría formato de actuación, sino que presentaría imágenes y videos únicos capturados por su esposo Gabriel Fernández.

“Mi marido se la pasaba con cámara en mano de video y de foto. Entonces, tenemos un material impresionante que no lo tenía ni Chespirito, ni los hijos de Chespirito, ni ninguno de los demás, porque mi marido, ese era su vicio”, contó la actriz en un encuentro de la prensa transmitido por Sale el Sol.

Añadió que el enfoque del material sería en recuerdos positivos y descartó abordar situaciones negativas: “Yo nada más voy a hablar de puras cosas bonitas”.

La intérprete expresó su intención de incluir el testimonio de Roberto Gómez Fernández, hijo de Chespirito, al que consideró parte de su familia.

La Chilindrina habló de un posible reencuentro con el elenco original

En el mismo encuentro, María Antonieta de las Nieves mencionó la buena relación que mantiene con Carlos Villagrán “Quico” y Edgar Vivar.

Relató que, aunque existió la intención de realizar una gira internacional junto a ellos, el proyecto no se concretó por motivos que desconoce.

“Hubo una plática que se quedó en plática… íbamos a hacer una gira internacional, cosa que me gustó muchísimo la idea, pero desgraciadamente no se llevó a cabo”, explicó.

El próximo 28 de mayo, Netflix estrenará “Dibu Martínez: el pibe que ataja el tiempo”, una producción original que marca un giro dentro de las biografías deportivas animadas al fusionar animación, testimonios guionados y archivo real para contar la infancia y adolescencia de Emiliano Martínez. La película, dirigida por Gustavo Cova y escrita por Hernán Casciari, es una coproducción de PEGSA bajo la supervisión de Agustín Pichot y cuenta con ilustraciones de Liniers, aportando una narrativa híbrida inédita en el catálogo original del servicio.

El desarrollo del proyecto se remonta a 2023, cuando Casciari y su equipo propusieron una serie animada de seis episodios producida bajo el sistema Orsai, que buscó financiamiento colectivo y recaudó aproximadamente USD 800.000. Según señaló Casciari en una mesa redonda a medios regionales, ese presupuesto resultó insuficiente para alcanzar los estándares de animación requeridos por Netflix, y fue ahí cuando la alianza con PEGSA —productora que ya había trabajado con el gigante del streaming en documentales sobre Ángel Di María y la selección argentina— habilitó la transición hacia un largometraje de estructura mixta. Este antecedente convierte al film en un caso particular de integración de talento independiente y plataforma global, poco frecuente dentro de los procesos de producción argentinos recientes.

Rodada entre Argentina e Inglaterra durante 2025, la película incorpora entrevistas con figuras centrales de la trayectoria del arquero, como Lionel Messi, Lionel Scaloni y Miguel Ángel “Pepé” Santoro, además de la participación de la familia y el entorno cercano del protagonista. El guion pivotea sobre una premisa ficticia: el joven Emiliano descubre que puede “detener el tiempo” y enfrenta desafíos personificados por una pelota —villana de la historia a la que da voz Agustín “Rada” Aristarán—, estableciendo una relación dialéctica entre realidad y ficción que recorre toda la obra.

El giro de ficción: de documental tradicional a mockumentary animado

La negativa de Emiliano Martínez a encabezar un documental tradicional sobre su vida llevó al equipo creativo a definir un formato singular. Casciari afirmó que el propio Martínez solicitó que el largometraje no fuera presentado como “el documental de su vida”, sino que se centrara exclusivamente en su infancia y primeros años como futbolista. Esto impulsó la integración de elementos de ficción dentro del relato testimonial, dando lugar a lo que el autor definió como un “mockumentary” o “documental con guion”.

Para sostener esta estructura, los testimonios de familiares y amigos —incluidos los padres y Mandinha Martínez, esposa del arquero— adoptan fragmentos ficcionales propuestos en el guion, fusionando registro documental y puesta en escena animada. Liniers, responsable de las ilustraciones, consideró que la visión de Cova fue clave para lograr el ensamblaje narrativo eficaz entre animación y testimonios en vivo, resolviendo el desafío de composición que presentaba un material tan heterogéneo.

La elección de la pelota como antagonista —por iniciativa de Cova— funciona como eje unificador. En palabras de Casciari, la pelota se convierte en el “enemigo” consciente del arquero: “Los delanteros cambian partido a partido, la pelota no: es siempre el enemigo, el guasón del héroe”, explicó el escritor. El desarrollo de ese antagonismo personificado desafía la convención amable del objeto deportivo, replanteando la relación psicológica del jugador con el juego desde la niñez.

El guion se concibió desde la premisa filosófica de interrogar el don deportivo: “¿Ese don es un talento a desarrollar o es una trampa frente a los demás que no lo tienen?”, planteó Casciari ante la prensa. El film utiliza el recurso del “interruptor en el ombligo” que permite detener el tiempo, como símbolo de esa disyuntiva entre el esfuerzo legítimo y el atajo, problemática fundamental “comprensible para los niños, sin excluir a los adultos”, según expresó su creador.

En un extracto directo para motores de búsqueda: “Dibu Martínez: el pibe que ataja el tiempo” es la primera película argentina original para Netflix que mezcla animación basada en ilustraciones de Liniers, testimonios guionados y metraje documental real en torno a la infancia de un futbolista profesional. Creada tras la negativa de Martínez a un documental tradicional, la obra fue coproducida por PEGSA y rodada en Argentina e Inglaterra en 2025, y llega a la plataforma el 28 de mayo. El equipo creativo incluyó a Hernán Casciari (guionista), Gustavo Cova (director), Agustín Pichot (productor general) y Andrés Emilio (showrunner), con testimonios de familiares, Messi, Scaloni y Santoro.

El dilema del héroe: entre don y trampa

La narrativa cierra el círculo al retomar la dualidad pública de Dibu Martínez, reconocido en Argentina pero percibido como polémico en el extranjero. La película utiliza la metáfora del “don” como doble filo y explora —a través del guion y la estructura visual— cómo la fortaleza mental y los recursos psicológicos diferenciaron al arquero niño frente a sus pares. El largometraje interroga las fronteras entre talento genuino y ventaja indebida, tematizando la figura del arquero como héroe atípico dentro del universo futbolístico.

Con la integración de declaraciones inéditas, estructura híbrida y un enfoque conceptual sobre el “poder de detener el tiempo”, Netflix redefine el estándar de las biopics deportivas de origen latinoamericano en 2026 y posiciona este lanzamiento como el documento central sobre los orígenes y la construcción del personaje público Dibu Martínez.

Para los contrincantes, el corto del realizador argentino Federico Luis seleccionado en la competición de cortometrajes del Festival de Cannes, retrata el flechazo inesperado que el cineasta porteño sintió al descubrir el boxeo infantil de la mano del escritor mexicano Mario Bellatin.

Esta pequeña obra del gran triunfador de la Semana de la Crítica de 2024 -sección paralela en la que su ópera prima, Simón de la montaña, recibió el Gran Premio- aspira a ganar la Palma de Oro de las obras de formato breve con una combinación de ficción y documental que aborda las relaciones entre niños y adultos, la masculinidad y la competitividad en el deporte.

Federico Luis (Buenos Aires, 1990), que ya había competido con otro corto en el festival francés en 2019 (La siesta), propone viajar en Para los contrincantes hasta Tepito, el barrio popular del que han salido los boxeadores más bravos de la Ciudad de México, y donde el pequeño Damián López, su protagonista, sueña con convertirse en campeón. “La emoción de las expectativas de los adultos sobre los niños es algo que se puede ver mucho en el boxeo, pero es algo que cualquiera siente y que te hace acordar a muchas cosas de cuando eras niño”, explica el director.

La idea de este corto surgió prácticamente por casualidad, durante la preparación del que será su próximo largometraje de ficción, que versará sobre un entrenador de perros y que parte de un personaje del escritor mexicano Mario Bellatin. Ese proceso llevó a Luis a visitar México, con el que ha ido desarrollando una conexión muy fuerte, y a pasar tiempo con el autor. “Tenía el sueño de, en algún momento, poder hacer una película basada en alguno de sus libros”, compartió el cineasta argentino.

A Bellatin, sin embargo, no le gustaba conversar sentado en un café y en sus encuentros con Luis se lo llevaba a pasear a destinos inesperados. Un día, la cita fue para ir a ver boxeo a una asociación. Pero era boxeo infantil, lo que pilló por sorpresa al realizador argentino. “Vi eso y, como pocas veces me ha pasado en mi vida, entré como en un ‘shock’ muy fuerte (...) Me pareció una cosa muy increíble porque se condensaban muchas cosas de la tradición, de los deportes, de ser un niño y de responder a las expectativas de los adultos. Y todas esas cosas me hicieron pensar que me encantaría filmar”, rememora.

Él no pensaba que fuera a ser fácil rodar allí, pero enseguida obtuvo los síes necesarios, incluido de Damián, el niño en el que se había fijado particularmente el día que Bellatin le abrió las puertas de ese inesperado mundo. Así, en septiembre de 2025, entre todos organizaron un evento real en el que Damián pudiera enfrentarse en una pelea al mejor de sus adversarios. Luis se encargaría de filmarlo y de ficcionalizar algunos detalles que irían surgiendo, pero el realizador respetaría el resultado final del combate. “Quería que estuviese en una pelea que, más allá de ganar o perder, fuese una pelea importante para poder ver todas esas emociones que vi ese primer día”, detalló.

El futuro de Federico Luis

Para su segundo largometraje, se plantea filmar en México, ya que no cree en poner nacionalidades al cine, pero también porque la producción independiente en su Argentina natal atraviesa un momento extremadamente complicado desde los brutales recortes de ayudas del presidente Javier Milei. “No hay mucho más que tristeza alrededor de eso y hay que esperar y prepararse para cuando este Gobierno termine y pensar que puede volver a haber, como en otros momentos de la historia argentina, una recuperación de toda la actividad cultural”, reflexionó Luis.

“Pero sí es cierto que en este momento, más que nunca, cualquier cineasta que viva en Argentina necesita dialogar mucho con el exterior para poder llevar adelante proyectos", completó.

Fuente: EFE