Meta y YouTube confirmaron que aceptarán anunciar el documental Musk, dirigido por Alex Gibney, luego de haber rechazado inicialmente esas publicidades por considerarlas contenido político.

La marcha atrás llegó un día después de que The Hollywood Reporter publicara que Meta, YouTube, TikTok y la red X, propiedad de Elon Musk, se habían negado a correr avisos pagos para el tráiler de la película.

“Esto fue un error y estamos restaurando los anuncios”, dijo un vocero de Meta en un comunicado enviado a TheWrap el sábado.

YouTube emitió una explicación distinta a través de su cuenta oficial. “El tráiler siempre estuvo disponible en YouTube. Cuando se envió como anuncio, fue restringido temporalmente por nuestro sistema. Tras la revisión, el anuncio fue habilitado para funcionar”, señaló la plataforma de Google.

Cuál es el origen del rechazo de la publicidad del documental

Según The Hollywood Reporter, Meta, TikTok y YouTube habían justificado el bloqueo por tratarse de contenido político, una categoría sujeta a distintas restricciones en cada plataforma.

Meta había anunciado el año pasado que dejaría de aceptar publicidad política en la Unión Europea, mientras que TikTok directamente no admite ese tipo de avisos en ningún mercado.

No quedó claro, sin embargo, de qué manera el tráiler de un documental podía encuadrarse como publicidad de campaña electoral. El distribuidor estadounidense del filme, Bleecker Street, había dicho a The Hollywood Reporter que apeló los rechazos de las plataformas.

El rechazo de X resultó menos sorpresivo: Musk, dueño de esa red social, había escrito públicamente que “la mierda de perro merece más respeto que Gibney”, en referencia al director del documental.

Un estreno con repercusión previa

Musk, de casi cuatro horas de duración, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia a comienzos de septiembre y recibió críticas mayormente favorables.

Gibney había dirigido antes documentales como Going Clear, sobre la Iglesia de la Cienciología, y The Inventor, centrado en Elizabeth Holmes y el caso Theranos, además de una película sobre Steve Jobs.

Pese a la buena recepción crítica, The Hollywood Reporter también informó que Universal Pictures dudaba sobre su compromiso de distribuir el filme a nivel internacional, por temor a molestar a la administración de Donald Trump. Universal aclaró luego que estrenará el documental en salas, aunque todavía define su estrategia de lanzamiento.

TikTok y X no respondieron a los pedidos de comentario de TechCrunch ni confirmaron si revertirán su postura sobre los anuncios del documental.

Con tres capítulos que suman 153 minutos, esta serie documental, que llegará a Netflix el 18 de diciembre, cierra el círculo sobre un suceso del que sus protagonistas nunca imaginaron que iban a seguir hablando más de medio siglo después y que había mantenido separados estas cinco décadas a los vivos de los allegados de los muertos.

El “reencuentro” lo propició La sociedad de la nieve, el filme de 2023 en el que Bayona ficcionó la tragedia y que, en un principio, iba a proyectar por separado a unas y otras familias.

Sin embargo, Gustavo Zerbino, uno de los supervivientes, decidió romper con una situación “enquistada” desde entonces, cuando fueron rescatados y se supo que se habían mantenido con vida durante 72 días porque se alimentaron de los cuerpos de los fallecidos.

“El motor de la serie fue esa proyección improvisada. Cuando acabó, todos se abrazaron y lloraron juntos. Esto te da una idea de adónde puede llegar la ficción, de cómo nuestro trabajo puede darle sentido a la tragedia”, explicó Bayona en San Sebastián.

Lo que pasó después del rescate

Más allá de la sociedad se estrena este miércoles en el Festival de San Sebastián, en la Sección Oficial fuera de concurso, con la presencia de sus creadores, que han hablado de los dos años de rodaje del documental para contar lo que pasó después del rescate, que es el momento final de la película.

Junto a ellos estuvieron también Stella Pérez del Castillo, familiar de uno de los fallecidos; Eduardo Strauch, superviviente, y el actor Enzo Vogrincic, que interpreta a Numa Turcatti, uno de los 29 que no regresaron, y que también tiene un protagonismo especial en la miniserie como parte de una ficción que ha sido sanadora para unos y otros.

“Ver la película fue un cambio radical para nosotros. Me preguntaron luego si estaría dispuesta a dar entrevistas. ‘Con ustedes, sí’, les dije, ‘porque sé cómo han tratado el tema y eso me da tranquilidad’. El documental me abrió el corazón y estar aquí representando a todas las familias de los que no volvieron es como estar viendo la película”, destacó Stella Pérez del Castillo.

Strauch aseguró, por su parte, que estaba “esperando desesperadamente a que la historia se contara por un director latino”.

“Siempre he dicho que no había necesitado ayuda psicológica, pero veo que he estado haciendo autoterapia y que hablar de ello me viene muy bien”, remarcó.

Bayona dijo que en las historias de supervivencia “se utiliza la frase de ‘regresar para contarlo’”. Ellos han aprendido a contar la de la tragedia de los Andes “para no hacer daño” a quienes tuvieron que vivir un largo duelo tras el rescate.

El paso del tiempo y el “cambio generacional” les permitió acercarse a quienes perdieron a sus seres queridos, que se han abierto no solo al equipo de la película, sino a aquellos que lograron sobrevivir al accidente y con los que no existía relación, pese a que muchos eran amigos e integrantes del mismo equipo de jugadores de rugby que se embarcaron en aquel vuelo 571 con destino a Chile.

“Este es el relato que ellos querían tener y que es la historia de 45 familias en las que nadie sobrevivió del todo y nadie murió del todo”, subrayó Bayona.

Fuente: EFE.

Fotos: Gari Garaialde / prensa SSIFF.

Video: Netflix.

Jennings, que ya había trabajado con la banda en los videos de “Help the Aged” (1997) y “A Little Soul” (1998), estructura el relato en torno a dos conciertos filmados en el O2 Arena de Londres los días 13 y 14 de junio de 2025, interrumpidos elegantemente por material de archivo. El montaje, a cargo de Barney Pilling (editor de El Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson), rompe la lógica habitual de la película de concierto: en lugar de ofrecer el show como un bloque continuo, lo fragmenta en interludios que funcionan casi como cortes comerciales, un recurso que aleja al filme de cualquier registro promocional convencional y lo acerca más a un collage audiovisual que a un documental musical más.

A diferencia de las películas musicales que usan el show final como clímax resolutivo, el recital opera aquí como marco activo desde el cual se examina la trayectoria completa del grupo. ¿Qué harías... explica de manera cronológica cómo Pulp llegó a colmar estadios en 2025; en cambio, contrapone la realidad triunfal del presente con la vulnerabilidad y la incomodidad social de sus orígenes. Esa estructura fragmentada resuena con la propia historia de la banda, marcada por salidas en falso y décadas de irrelevancia previas a su explosión comercial en los noventa, los años del britpop y la Cool Britannia del primer ministro laborista Tony Blair.

El relato recae casi por completo en la perspectiva subjetiva de Jarvis Cocker, inspirado narrador con ese tono pausado y un acentro inglés inevitablemente norteño. La película prescinde de entrevistas con otros miembros de la banda: el vocalista no aparece frente a cámara en formato de “cabeza parlante”, sino que su narración en off lee extractos de sus diarios adolescentes y pasajes de su libro de memorias Good Pop, Bad Pop (2022).

Esta subjetividad extrema conlleva omisiones deliberadas, como la protesta de Cocker contra Michael Jackson en los premios BRIT de 1996 o el estatus del grupo en Glastonbury 1995. En cambio, el relato prioriza la intimidad: el documental detiene el concierto para ofrecer un segmento acústico en homenaje al bajista Steve Mackey, fallecido en 2023, que reconfigura la película hacia una meditación sobre el duelo.

El pop como acto de reciclaje

El discurso de Jarvis Cocker a lo largo del filme funciona como una tesis sobre la marginalidad y la identidad de clase. “Este filme será como ir a un mercado de pulgas. Rebuscar entre pilas de basura para encontrar el oro que necesitamos para contar una historia”, afirma el cantante, en una declaración que funciona como el manifiesto metodológico de la película. La analogía conecta con la estética histórica de la banda, desde la ropa de segunda mano que los caracteriza hasta los sintetizadores económicos que definieron su sonido.

El cantante, letrista, compositor y cara visible de la banda (él es Pulp, qué duda cabe) también atribuye a la música un carácter casi fenomenológico: “Las canciones contienen bolsillos de energía de tu vida pasada que se liberan de nuevo cuando las interpretas. Son verdaderos viajes en el tiempo, mucho mejores que Doctor Who”. Con esa idea, despoja a la gira de reunión del cinismo financiero que suele acompañar los regresos de bandas veteranas a los grandes estadios (¿alguien dijo “Oasis”?). En paralelo, el documental exhibe un cuaderno escolar que Cocker escribió a los 15 años, con un “plan maestro” que detallaba el vestuario y la trayectoria de la banda mucho antes de que sus integrantes supieran tocar instrumentos, lo que sitúa la teatralidad del grupo como una ambición calculada desde la adolescencia y no como un producto del mercado pop de los noventa. “Para mí, el pop no tenía nada que ver con la realidad. Era una mejora de la realidad”, sostiene Cocker en otro pasaje, en referencia a su necesidad de escapar del declive industrial de la gris Sheffield a través de la televisión.

El registro del recital exhibe una puesta en escena que amplía significativamente la formación clásica de Jarvis Cocker, Candida Doyle, Nick Banks y Mark Webber. Se suman el bajista Andrew McKinney, músicos de percusión y sintetizadores, y una sección de cuerdas de diez integrantes llamada Elysian Collective. El escenario, con plataformas estratificadas y un fondo panorámico de motivos galácticos, transforma cada canción en una pieza escenográfica distinta: “Spike Island” arranca con siluetas proyectadas contra una “luna azul” antes de que el cantante emerja del subsuelo; la oscura “This Is Hardcore” recrea un ambiente gótico con Cocker recostado en un sillón bajo un candelabro; y “F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.” convierte los arreglos originales de Barry White en un paisaje industrial disonante.

La dirección de Jennings encuentra su momento más audaz en el super hit “Common People”, cuando cede el control de la cámara al propio Cocker. El cantante empuña un dispositivo portátil y filma directamente al público desde el borde del escenario; ese metraje crudo e inestable se proyecta en tiempo real sobre la pantalla del estadio. El gesto rompe deliberadamente la cuarta pared y convierte un recurso técnico modesto en la resolución visual de la canción: el público, antes objeto de la letra, pasa a ser sujeto de la imagen. Es en esa clase de decisiones, más que en la escala del espectáculo, donde el filme se despega del rockumentary tradicional y se acerca a un ejercicio de estilo.

Una infancia forjada por la televisión

Más allá del concierto, el tratamiento del material de archivo constituye el rasgo más singular de la película. El director intercala las interpretaciones en vivo con anuncios televisivos de los años setenta y ochenta, apariciones de la banda en programas infantiles como Live & Kicking y TFI Friday, y fragmentos de series de ciencia ficción como Star Trek y Doctor Who. Esa selección sostiene una idea central: a diferencia de bandas del Britpop como Blur, Suede u Oasis, que basaron su identidad en el linaje del rock británico de los sesenta, Pulp construyó su mitología a partir del consumismo televisivo de masas como vía de escape de la depresión económica de Sheffield.

El archivo también incorpora material inédito, entre ellas fotografías polaroid de un joven Cocker (“me gastaban todo el tiempo diciendo ”ahí viene Elvis Costello”, confiesa él mismo) ensayando con las primeras formaciones del grupo y grabaciones caseras de su madre y su abuela, que documentan una crianza en un hogar matriarcal. Para acompañar la interpretación acústica de “Something Changed”, la película superpone un montaje retrospectivo de Cocker junto a Steve Mackey a lo largo de las décadas, en lo que constituye el centro emocional del filme. El resultado es una estructura que abandona la linealidad esperable del biopic musical y se organiza, en cambio, como una memoria asociativa: el pasado no se explica, aparece. Si se quiere aplicar el mismo razonamiento para el objeto central de esta obra audiovisual, se puede decir: Pulp no se explica, aparece.

[Fotos: prensa Mubi]

La separación de Jesse & Joy volvió a la conversación después de que Joy Huerta enfrentara sola a la prensa y llorara al hablar del futuro del proyecto musical que construyó con su hermano.

El episodio alimentó versiones entre seguidores sobre una posible fractura personal entre ambos. En ese clima, el documental de los hermanos recobró interés porque expone momentos de su historia familiar que ayudan a comprender la cercanía, los conflictos y la forma en que la música se convirtió en un espacio compartido para los dos.

Joy lloró ante la ausencia de Jesse y el dúo mantendrá actividades

La controversia creció el 22 de septiembre, cuando Jesse no acudió a una conferencia de prensa sobre los próximos planes de Jesse & Joy. Joy quedó como única vocera ante los medios y se quebró al referirse a la incertidumbre que enfrenta.

“No está aquí la persona con la que construí todo esto”, expresó Joy ante la prensa. La cantante contó que debía procesar la ausencia de su hermano y el futuro de las presentaciones programadas.

La intérprete también sostuvo que seguirá cantando para el público, incluso ante las dudas que le provoca la nueva etapa. Su postura fue continuar con la agrupación y mantener en pie las fechas pactadas.

La situación ocurrió después de que Jesse anunciara una pausa en su trayectoria junto a Joy. El músico explicó que necesitaba cuidar su salud mental y emocional, además de atender otras dimensiones de su vida.

La residencia de Jesse & Joy en el Auditorio Nacional de Ciudad de México conserva sus compromisos. El proyecto agregó una función para el 6 de diciembre de 2026 luego de agotar las entradas para el concierto del 21 de octubre.

Jesse negó un desplante y reafirmó su vínculo con Joy

Horas después de la conferencia, Jesse Huerta publicó un comunicado en Instagram para negar que hubiera abandonado a Joy o que hubiera desairado a los medios. El cantante indicó que su equipo había informado con anticipación que no asistiría al encuentro.

El músico aclaró que cumplirá sus compromisos confirmados con Jesse & Joy hasta el 5 de diciembre. También señaló que no participará en la fecha del día siguiente, debido a la pausa que comunicó semanas antes.

“Mi hermana ha tenido y siempre tendrá todo mi amor”, escribió Jesse en el mensaje que difundió tras la polémica. El artista insistió en que respalda las decisiones de Joy y que las canciones del dúo seguirán siendo parte de ambos.

En su publicación, Jesse describió la separación temporal como una resolución dolorosa, pero necesaria para su bienestar. También pidió comprensión al público que ha acompañado al dúo durante su carrera.

La explicación del cantante contrastó con el desconcierto que mostró Joy en la conferencia. La artista afirmó que se enteró de la decisión de su hermano poco antes de que se hiciera pública, un dato que reforzó las especulaciones de los seguidores.

¿De qué trata el documental?

El documental se titula Jesse y Joy: Lo que nunca dijimos y reúne testimonios de los dos músicos sobre su infancia y adolescencia. La producción aborda la relación con su padre, Eduardo Huerta, quien fue pastor evangélico.

Cuando se anunció el estreno, Joy relató que durante años buscó una forma de salir de su casa. Jesse, por su parte, recuerda la presión que ambos sentían bajo la autoridad paterna.

“Nos tenía asfixiados a los dos”, afirmó Jesse en el avance de la serie. La declaración se refiere al control que, de acuerdo con los artistas, su padre ejercía sobre distintos aspectos de sus vidas.

Joy cuenta que su padre exigía que ella cumpliera con la imagen de “la hija perfecta”. Jesse quedó ubicado en el lugar de “la oveja negra” de la familia, en especial después de convertirse en padre durante la adolescencia.

La producción también expone que Eduardo Huerta quería involucrarse en el proceso creativo de las canciones. Jesse recordó que se molestaba cuando ellos escribían sin su participación.

La música aparece como el camino que permitió a los hermanos obtener independencia. Joy rememora que ambos consideraron necesario realizar un disco que les diera la fuerza económica y personal para salir de ese entorno.

El relato incluye la experiencia de Joy al asumir públicamente su relación con Diana Atri, quien luego se convirtió en su esposa. La cantante describe el temor que sentía por una posible ruptura con las expectativas religiosas de su familia.

Dónde ver Jesse y Joy: Lo que nunca dijimos

El documental Jesse y Joy: Lo que nunca dijimos está disponible en HBO para América Latina y el público hispano de Estados Unidos. La serie tiene cuatro episodios.

La producción se estrenó el 25 de septiembre de 2025. Allí, Jesse y Joy revisan episodios de su vida privada, la presión familiar que atravesaron y el papel que tuvo su carrera artística en su emancipación.

El documental no presenta la pausa actual como consecuencia de aquellos hechos, ya que fue realizado antes de la crisis que se hizo pública en septiembre de 2026.

Tampoco hay una confirmación de los hermanos que vincule su historia familiar con la decisión de Jesse de alejarse temporalmente del proyecto.

La serie sí permite conocer una parte de la relación que ambos construyeron antes y durante su carrera. Por eso, tras las imágenes de Joy llorando y la posterior aclaración de Jesse, los seguidores volvieron a buscarla como una referencia para entender la dimensión humana detrás de Jesse & Joy.

El documentalista chileno Patricio Guzmán, fallecido el martes 15 de septiembre a los 85 años, será despedido en el cementerio parisino de Père Lachaise el viernes 25 de septiembre, informaron fuentes de la distribuidora de sus películas en Francia. En un escueto mensaje, la familia hizo saber que la despedida tendrá lugar a las 13:30 horas en el crematorio del famoso campo santo de la capital francesa, donde se encuentran las tumbas de personajes ilustres como Jim Morrison, Édith Piaf o Frédéric Chopin, entre muchos otros.

El aclamado cineasta, radicado en Francia hace más de cuatro décadas, realizó más de una veintena de películas, en su mayoría trabajos documentales. Entre ellos destaca sobre todo La Batalla de Chile (1975-1979), una trilogía que retrata los álgidos años de la Unidad Popular (1970-1973) y la desestabilización política que culminó en 1973 con el golpe de Estado contra Salvador Allende.

La película, que Guzmán tuvo que sacar clandestinamente del país a causa de la persecución de la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990), se transformó en el documental latinoamericano más difundido de la historia y una obra de referencia del documental político a nivel global.

Quién fue Patricio Guzmán

Patricio Guzmán, el documentalista chileno fallecido el martes 15 de septiembre en París a los 85 años, construyó a lo largo de más de cinco décadas una obra centrada en examinar el pasado reciente de Chile a través de la exploración de la memoria colectiva. Exiliado en Francia tras el Golpe de Estado de 1973, Guzmán desarrolló desde el extranjero un método de trabajo que combinó el registro histórico con una reflexión personal sobre el desarraigo y el olvido, rasgos que definieron su estilo y lo distinguieron dentro del cine documental latinoamericano. Su filmografía abordó de manera recurrente la dictadura de Augusto Pinochet y sus consecuencias sociales, un eje temático que sostuvo a lo largo de toda su carrera.

Entre sus trabajos más reconocidos figuran Nostalgia de la luz, que vinculó la búsqueda astronómica en el desierto de Atacama con la búsqueda de restos de detenidos desaparecidos, y El botón de nácar, centrado en la relación entre el agua, la historia de Chile y la represión política. Con La cordillera de los sueños completó una trilogía geográfica y simbólica que cerró su indagación sobre el territorio chileno como testigo de la violencia estatal. Guzmán también dirigió El caso Pinochet y Chile, la memoria obstinada, títulos que reforzaron su papel como uno de los principales registros audiovisuales de la Unidad Popular y del período posterior al golpe militar. Su obra, distribuida y proyectada en festivales y plataformas internacionales, consolidó un archivo documental que hoy funciona como referencia para el estudio de la historia reciente chilena.

En 2023, Guzmán recibió en Chile el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales, un galardón que se sumó a otros logros como el Oso de Plata al mejor guion de la Berlinale en 2015 por su documental El botón de nácar o el Goya a la mejor película iberoamericana en 2022 por La cordillera de los sueños, primer documental que logró ese premio. Por ese título se llevó además el reconocimiento a mejor documental en el festival de Cannes, y por Nostalgia de la luz el Premio del cine Europeo a mejor documental en 2010.

Fuente: EFE

[Fotos: archivo]

La Asociación Nacional de Magistrados de Circuito y Jueces de Distrito del Poder Judicial de la Federación (JUFED) compartió este 17 de septiembre de 2026 el documental Cuando perdimos el juicio: crónica de la Reforma Judicial en México, a dos años de la firma del decreto de la Reforma del Poder Judicial y a un año de su implementación.

Señaló la JUFED que el material reconstruye los hechos que, según la organización, fracturaron la división de poderes y afectaron la independencia judicial.

El documental reúne testimonios sobre las movilizaciones de trabajadores del Poder Judicial de la Federación, las irregularidades legislativas durante la aprobación de la reforma y el debilitamiento de la meritocracia en la impartición de justicia. También aborda las tensiones políticas, la resistencia de juzgadoras y juzgadores de carrera y las advertencias de organismos internacionales.

La producción fue impulsada por Juicio Justo, la Fundación Konrad Adenauer Stiftung y el Rule of Law Lab / NYU Law, bajo la dirección de Amir Galván. La JUFED informó que el documental puede consultarse en el sitio oficial https://www.cuandoperdimoseljuicio.org/ y en YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=t5JdcseFCVg&feature=youtu.be.

Suprema Corte enfrenta un déficit de 130 millones de pesos mientras busca abatir el rezago

El ministro presidente de la Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN), Hugo Aguilar Ortiz, afirma que el filtro más estricto para admitir expedientes ha reducido cerca de 30% los asuntos que llegan al Máximo Tribunal, una medida con la que busca abatir el rezago mientras enfrenta un déficit de 130 millones de pesos, el debate por el seguro médico de trabajadores y una resolución pendiente sobre prisión preventiva oficiosa antes de que termine 2026.

La Comisión Interamericana de Derechos Humanos fijó ese plazo para eliminar la prisión preventiva oficiosa. Aguilar se comprometió a resolver el asunto este año, aunque no adelantó cuál será el sentido de la determinación de la SCJN.

En entrevista con Infobae México, el ministro presidente evaluó como positivo su primer año de gestión y señaló que aún le resta un año al frente de la institución. Por ello, consideró que “no es el momento” de discutir una eventual alternancia en la presidencia.

Corte admite menos casos para reducir el rezago

La Secretaría General de Acuerdos revisa ahora de manera exhaustiva cada asunto antes de admitirlo. Los expedientes que no puedan fijar un criterio útil para el sistema jurídico nacional dejan de llegar al pleno.

Aguilar sostuvo que el propósito es impedir que los mecanismos judiciales se utilicen “para retrasar la solución de los conflictos”. También aseguró que antes algunos asuntos eran admitidos “solo para guardarlos en el cajón”, una práctica que, dijo, ya no ocurre.

“Para abatir rezago necesitamos sacar más asuntos que los que ingresan”, afirmó. El ministro presidente indicó que la salida de expedientes ya comienza a superar la entrada de nuevos casos.

El tiempo para que un expediente llegue a la mesa de los ministros pasó de tres meses a entre 15 y 20 días. Aun con esa reducción, mencionó un engrose —el ajuste final de una sentencia— que permaneció dos años sin concluirse y un caso que acumula cuatro años de rezago.

Entre las modificaciones atribuidas a su administración está un sistema informático que distribuye los asuntos de manera aleatoria. La Suprema Corte también permite dar seguimiento a los expedientes mediante códigos QR desde cualquier punto del país.

La digitalización será progresiva y conservará apoyo para las personas que no tienen acceso a internet, de acuerdo con Aguilar.

El seguro de 288 trabajadores depende del presupuesto disponible

La restitución del seguro de gastos médicos mayores para 288 trabajadores de la SCJN no está decidida y solo procederá si existe suficiencia presupuestaria, explicó Aguilar. La institución enfrenta un déficit de 130 millones de pesos y la medida no incluye a los ministros.

El tema cobró atención pública luego de que la presidenta Claudia Sheinbaum lo abordó. El ministro presidente sostuvo que se difundió información parcial sobre el posible regreso de la prestación.

Aguilar también respondió a los señalamientos por las camionetas adquiridas al inicio de su gestión. Defendió que eran vehículos de gama baja, comprados tras dictámenes técnicos debido al mal estado de las unidades anteriores.

Las camionetas ya fueron reasignadas a jueces y magistrados que las requieren en mayor medida, señaló.

Aguilar anuncia foros públicos ante reuniones con empresarios

La fotografía de la ministra Lenia Batres con el empresario Carlos Slim abrió cuestionamientos sobre un posible cabildeo empresarial dentro de la Corte. Aguilar defendió que el tribunal mantenga una política de puertas abiertas con sindicatos, empresarios, banqueros y periodistas.

El presidente de la SCJN anunció foros públicos desde septiembre para transparentar el diálogo con esos sectores. “No puedo decir que hay un sector que incide” en las decisiones del Pleno, declaró, al sostener que los ministros se guían por “la Constitución, la sensibilidad y el sentido de justicia”.

El cineasta, a quien Esquire describió alguna vez como alguien que estaba “convirtiéndose en el documentalista más importante de nuestra época”, ha abordado a Enron, Eliot Spitzer, Vladimir Putin y Elizabeth Holmes. Ahora puso la mirada sobre el hombre más rico de la historia del mundo. Musk, de 3 horas y 45 minutos —más un intermedio de 10 minutos—, llega a los cines el 16 de octubre, pero ya está generando revuelo.

El documental, que abarca desde sus primeros días en Silicon Valley, sus incursiones en el Departamento de Eficiencia Gubernamental (DOGE) y la adquisición de Twitter, hasta su ascenso como el primer billonario del mundo, retrata a Musk como un estafador emocionalmente inestable con más poder e influencia que quizá cualquier otro ser humano que haya existido. Gibney no se guarda nada, ni en el documental ni en las entrevistas sobre la película, en las que calificó el poder y la influencia de Musk como “extremadamente peligrosos para la democracia mundial”.

“Lo que descubrí fue que la historia de Musk no era una nueva historia tecnológica”, dijo Gibney en el Festival de Cine de Venecia a principios de este mes. Y agregó que es “realmente la historia de un vino viejo en una botella nueva. Resulta que su historia es la del embaucador, el inflador de acciones. Su riqueza y poder provienen de acciones infladas, así que ya había contado esa historia antes con Enron y con Elizabeth Holmes, y por eso era una historia extrañamente familiar para mí”.

Como era de esperarse, Musk no se siente precisamente halagado por la representación. “Gibney simplemente reunió una lista de personas que o bien tienen un hacha que afilar o ni siquiera me conocen —pero igualmente tienen un hacha que afilar—”, tuiteó Musk la semana pasada. “Tiene CERO integridad. Un ser humano horrible”.

Alex Spiro, abogado del magnate, envió una carta a Jigsaw Productions, la productora de Gibney, amenazando con presentar una demanda por difamación, según The Hollywood Reporter. Las acusaciones se centran en un intercambio de mensajes entre Musk y Ashley St. Clair, una expareja con quien tiene un hijo, que aparece en la película. Ahí, Musk le dice a St. Clair que se siente más optimista sobre las elecciones de 2024, en las que apoyó al presidente Donald Trump, porque “mañana liberamos la anomalía en la matriz”. Añade: “Ahora mismo tengo más de 10 mil láseres en el espacio”.

Vi Musk durante el Festival Internacional de Cine de Toronto el domingo. Hay muchísimo para analizar, pero estas son algunas conclusiones inmediatas.

Sí, es larga. Y se gana esa duración

La proyección comenzó a las 9 de la mañana y terminó a la 1 de la tarde. Si no hubiera mirado el reloj, tal vez habría calculado que habían pasado unas dos horas. Sin embargo, la película avanza con fluidez. Ayuda que sea profundamente exhaustiva: empieza con la cofundación de Zip2 en 1995 y llega hasta la incorporación de Grok por el Departamento de Defensa a principios de este verano en el hemisferio norte.

La película no arroja bombas atómicas de información nueva sobre el público. En cambio, entrelaza todos los hilos dispersos del imperio y de la vida de Elon Musk que probablemente uno conoce vagamente —Tesla, SpaceX, su pronatalismo extremo, sus cambios políticos, Grok, Twitter, DOGE, Starlink— en un contundente estudio de carácter sobre un hombre que quizá alguna vez creyó realmente en el futurismo y en ayudar a la humanidad.

Pero que, según lo presenta el documental, se ha convertido en un estafador megalómano, hambriento de poder y con un complejo de dios.

Un Musk generado por computadora

La película comienza con Musk hablando sobre la teoría de la simulación, la idea de que todos vivimos en realidad dentro de una simulación informática. Para explicar por qué cree que podría ser cierta, señala el rápido avance de los videojuegos, desde Pong hasta los juegos de rol multijugador masivos en línea (MMORPG) hiperrealistas y dinámicos, que miles de personas en todo el mundo juegan simultáneamente. Si pudimos dar ese salto en 50 años, razona, ¿cómo no habríamos llegado ya al punto de crear una simulación real de la vida?

Cuando el documental se anunció por primera vez, antes de que el director se acercara al protagonista de la historia para entrevistarlo, el magnate tecnológico tuiteó: “Gibney es un idiota”. Puede suponerse con seguridad que no participa en la película. Como alternativa, el realizador recurrió al interés de Musk por la teoría de la simulación y generó un inquietante avatar digital animado de Musk. El equipo utilizó IA para sincronizar los labios del avatar con declaraciones reales que Musk hizo.

La película va más allá y utiliza una estética de videojuego a lo largo de toda la película —un guiño a la adoración de Musk—. Por ejemplo, cuando este realiza recortes masivos en el gobierno federal como jefe de DOGE, la película se convierte en un videojuego de disparos en primera persona en el que Musk empuña una motosierra animada.

La vida privada —muy privada— de Musk

Los aspectos más cargados emocionalmente de la película surgen durante las entrevistas con exparejas sentimentales de Musk. Su primera esposa, Justine Musk, con quien tuvo seis hijos, dice que aprendió el término gaslighting —manipulación psicológica para hacer dudar a alguien de su propia percepción— a través de su relación.

Su primer hijo, Nevada, murió por el síndrome de muerte súbita del lactante 10 semanas después de nacer. En noviembre de 2022, Musk tuiteó: “Mi primer hijo murió en mis brazos. Sentí el último latido de su corazón”. Pero Justine afirma que, en realidad, ella sostenía a Nevada.

Con voz temblorosa, Justine dice que no era extraño que Musk tergiversara la realidad y la presentara como verdad, que la criticara e intentara controlarla. Mientras bailaban en su noche de bodas, Musk le dijo: “Yo soy el alfa en esta relación”.

“Él inventaba el terreno de la conversación y te expulsaba de él”, dice, y añade que su matrimonio era “guerra, paz, guerra, paz”.

“Soy tu esposa, no tu empleada”, recuerda haberle dicho una y otra vez. Luego recuerda su respuesta: “Si fueras mi empleada, te despediría”.

Según St. Clair, la exinfluencer del movimiento MAGA con quien Musk tiene un hijo, intenta desesperadamente mantener su vida privada en reserva. El empresario le ofreció 15 millones de dólares y 100.000 dólares mensuales durante 21 años para que firmara un acuerdo de confidencialidad que le exigía no compartir la paternidad de su hijo Romulus con nadie, excepto con el propio Romulus.

Musk se acercó por primera vez a ella a través de Twitter, algo que, según afirma, no es inusual en él. Dice que desde entonces ha escuchado a muchas otras mujeres jóvenes a las que contactó por Twitter para ofrecerles donarles su esperma, en su ferviente intento pronatalista de poblar el mundo con su descendencia. “Es como una ametralladora de esperma en sus mensajes directos”, dice.

La música Grimes, con quien comparte tres hijos, también aparece brevemente en el documental. La película detalla que, mientras estaban esperando a su segundo hijo juntos, Musk tuvo en secreto gemelos mediante fertilización in vitro con su colega Shivon Zilis. Más tarde, los dos mantuvieron una disputa por la custodia de sus tres hijos, quienes, según Grimes, fueron llevados por él.

Uno de los objetivos de Musk, plantea el documental, es tener tantos hijos como sea posible. Le escribió a St. Clair que quería crear “una legión de niños antes de la guerra civil”.

En una voz en off, Gibney dice que se conocen 14 hijos de Musk, aunque probablemente haya muchos más. Musk construyó un complejo en Austin para los niños y sus madres. Su razonamiento, según la periodista tecnológica Kara Swisher: “Tengo genes superiores y necesito procrear”.

Los padres de Musk también aparecen en el documental. Cabe señalar que su padre, Errol, dijo a The Sun en 2022 que “lo único que hacemos en la Tierra es reproducirnos”. Estaba defendiendo el hecho de haber tenido un segundo hijo con su hijastra. Sí, leíste bien. Errol describe la infancia de su hijo como una época marcada por el acoso y las palizas. Su madre, Maye, por su parte, describe un hogar caótico en el que Errol le decía tres veces al día que era estúpida y fea, antes de golpearla ocasionalmente.

“Hábil inventor de su propio valor”

Uno de los recursos de Gibney como cineasta es mostrar cómo Musk presenta sus empresas y sus logros antes de exhibir la realidad detrás de ellos. “Era un hábil inventor de su propio valor”, dice Gibney en voz en off.

Uno de los pasajes más extensos de la película se centra en Tesla y muestra varias contradicciones entre las declaraciones públicas y los hechos reales.

Durante una presentación, Musk afirma haber resuelto el mayor obstáculo de los autos eléctricos —la limitada duración de la batería— mediante estaciones que intercambian rápidamente una batería de más de 450 kilos por otra. Luego, la película pasa a la única estación que realmente se construyó: una instalación piloto en Harris Ranch, California.

Sin embargo, el interés principal de Gibney en Tesla son las frecuentes afirmaciones de Musk de que los autos pueden conducirse solos. Muestra múltiples fragmentos en donde dice que se pueden jugar videojuegos o tomar una siesta mientras el auto conduce. También exhibe el famoso video con “Paint It Black”, que supuestamente demostraba esa tecnología, solo para que un exingeniero de Tesla admita que estaba dentro del auto escribiendo código sobre la marcha para hacerlo funcionar, y que aun así el video necesitó edición.

Para ahorrar dinero, añade la película, Tesla utilizó cámaras en lugar de avanzados sensores para guiar el piloto automático. Luego presenta estremecedoras imágenes de accidentes mortales que, según sostiene, fueron provocados por el piloto automático. Hasta ahora, el piloto automático defectuoso habría causado más de 60 muertes. Se desconocen los detalles de la mayoría de los casos, ya que Tesla llegó a acuerdos con gran parte de las familias de las víctimas.

El giro a la derecha de Elon Musk

A lo largo de la película, vemos cómo Musk revierte posturas que sostenía anteriormente cuando le resulta conveniente. Por ejemplo, pasa de ser un férreo escéptico de la IA, que creía que exterminaría a la humanidad —si no decidía mantenernos como mascotas—, a convertirse en una de las voces más fuertes a favor de la IA y a integrar su chatbot Grok en las Fuerzas Armadas de Estados Unidos.

Durante gran parte de su presencia en la escena pública, Musk no fue político. En un fragmento, dice que es socialmente liberal y que, en lo económico, está en el centro. Luego llegó la pandemia. “El covid fue el momento en el que algo cambió en su cerebro”, dice el neurocientífico y podcaster Sam Harris, quien fue cercano hasta que se distanciaron después de que este comenzara a tuitear que “el pánico por el coronavirus es estúpido”.

Musk se convirtió en uno de los críticos más ruidosos de los confinamientos y reabrió una fábrica de Tesla en el condado de Alameda, pese a las restricciones. Posteriormente se reportaron alrededor de 450 casos de covid-19. Al mismo tiempo, el gobierno abrió varias investigaciones sobre Musk y sus empresas. El documental sostiene que esa fue la verdadera razón de su acercamiento a Trump: cerrarlas.

“Si gana Kamala Harris, está acabado”, dice Swisher. “Su única opción era ayudar a Trump, y Trump lo dejaría en paz”. O, como le dijo Tucker Carlson antes de las elecciones: “Si pierde, amigo, estás jodido”. “Si pierde, estoy jodido”, responde Musk.

Hay mucho más

Esto apenas roza la superficie de una obra documental triunfal que intenta responder una pregunta formulada por St. Clair: “¿Qué está construyendo realmente Elon? ¿Cuáles son sus objetivos?”.

Está Twitter/X. Está SpaceX. Está DOGE. Está la destrucción de la Agencia de Estados Unidos para el Desarrollo Internacional y sus consecuencias globales. Hay demandas que sostienen que Grok se utiliza para crear pornografía infantil. Está Starlink. Está la forma en que todo se conecta.

Gibney no termina con una conclusión. En cambio, permite que el público decida por sí mismo qué pensar sobre esta figura casi mítica. Pero St. Clair ya tomó una decisión: “Elon es una bomba nuclear”.

Fuente: The Washington Post

Si uno quiere conocer los antecedentes históricos y diplomáticos que fundamentan nuestra soberanía sobre las Islas Malvinas, el documental “Las Razones de Malvinas” es una pieza clave para comprender por qué es legítimo el reclamo que comenzó apenas el archipiélago fue usurpado por Gran Bretaña por la fuerza el 3 de enero de 1833.

Esta pieza de 28 minutos no es bélica, aunque la guerra sobrevuela. No es un film de propaganda sino un instrumento más con sobrados elementos e hipótesis fundamentadas que explican a Malvinas como parte de un entramado colonialista, intereses económicos y como pieza geopolítica clave para el Reino Unido como proyección a la Antártida y control del paso entre los océanos Atlántico y Pacífico.

Se estrenó en vivo por YouTube y el proyecto está basado en el libro “Malvinas, un problema pendiente”, del Dr. Jorge Vicchi, Doctor en Derecho Internacional Público y titular del Instituto Argentino de Relaciones Internacionales. Vicchi, cursando una diplomatura en Relaciones Internacionales en la Escuela Diplomática de Madrid, se había abocado a realizar su tesis sobre Malvinas. Tuvo la fortuna de nutrirse de documentación británica, y elaboró un análisis lógico de la posición argentina. El libro fue publicado por dicha escuela como aporte al estudio de la problemática del conflicto austral.

Según contó Nicolás Vicchi, uno de los realizadores, la pieza busca “concientizar, formar e informar sobre la dinámica de colonización de Gran Bretaña y cómo Malvinas encaja en esa estrategia imperialista”. Vicchi, de 37 años, es un abogado ligado a la industria vitivinícola mendocina que comentó a Infobae no conoce las islas porque se niega a que le sellen el pasaporte. Aunque admite que, a partir de charlas con veteranos, ellos le enseñaron a “ver Malvinas” fuera de la guerra.

La problemática en cuatro capítulos

El documental, pensado para exhibir en colegios secundarios, universidades y público en general que se interese en la temática, invita a recorrer, capítulo a capítulo, las distintas caras del reclamo argentino. El primero, “El imperio del mar”, repasa los argumentos históricos, desde el enfrentamiento entre potencias terrestres y marítimas hasta la usurpación británica de 1833.

El segundo, “La llave del Atlántico Sur”, se adentra en los aspectos estratégicos de la zona en disputa, que muestra una didáctica síntesis de la evolución de Gran Bretaña en el concierto internacional, el nuevo orden inglés en los mares, pasando revista a las invasiones inglesas y la Vuelta de Obligado, entre otros. Según los realizadores, “es imposible entender la usurpación sin estudiar el papel de Gran Bretaña en el mundo”.

El tercero, “Las riquezas de Malvinas”, cuenta los argumentos económicos, con los recursos del Atlántico Sur desde los yacimientos de hidrocarburos, la pesca y hasta el oro y el krill, y mirando al continente blanco como la puerta de expansión territorial.

Y el cuarto, “La soberanía en disputa”, cierra el recorrido con los argumentos jurídicos, entre ellos los tratados de Tordesillas y de Utrecht, el principio de uti possidetis iuris, las resoluciones de las Naciones Unidas sobre descolonización, y la eterna puja entre la argumentación inglesa, basada en la autodeterminación de los pueblos -cambiada a partir de 1983 por los “intereses de los isleños”- y la argentina, que sostiene el concepto de integridad territorial.

Una necesaria mención a la guerra, y al heroico desempeño de quienes defendieron nuestro suelo en 1982, “invita al espectador sobre el final a la gratitud y la esperanza de cara a los esfuerzos necesarios para recuperar el archipiélago tan querido de nuestro Atlántico Sur”, según señalan.

Otro de los involucrados en este proyecto es el padre Pedro Giunta, un mendocino del Movimiento Fasta (Fraternidad de Agrupaciones Santo Tomás de Aquino), quien aseguró que percibe “una adhesión creciente a la causa Malvinas que trascienden los sucesos de 1982 y que escala año a año”. Explicó que el documental “aporta un marco conceptual a algo emocional. Malvinas no es solo la guerra, sino que también se juega el futuro”. El religioso participa de “Generación Austral”, un grupo juvenil que interpreta a Malvinas como un signo de identidad cultural argentino.

“Las Razones de Malvinas” es una coproducción entre Cumbre Contenidos, la Academia de Historia Beato Federico Ozanam, la Municipalidad de La Calera y la Asociación Civil Generación Austral. Está disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=Vu4x-86Hj8M

Con un formato ágil y cercano, el ciclo busca acompañar a estudiantes y docentes —y también a cualquier persona interesada en la problemática— a conocer de manera clara y accesible los argumentos para entender que las Malvinas fueron, son y serán argentinas.

El documental ‘Colombia: una fábrica de niños trans’, publicado en YouTube el 17 de mayo de 2026, se convirtió en tendencia y subió potencialmente el número de visualizaciones en esta plataforma a más de 3.829.580 millones luego de que se reportó el arresto de su productor y director, el creador de contenido Samuel Adrián, por “desacato”, al negarse a eliminar la producción audiovisual.

En medio de inquietudes, comentarios, juicios y cuestionamientos, este video hace una crítica directa a la “agenda transexual para los niños en Colombia”, o “la agenda ideológica más oscura del tiempo presente”, que incluyó testimonios reales de víctimas de tratamientos y atribuciones explícitas a quienes desarrollan terapias y tratamientos de reafirmación de género en el país.

Allí se presentaron denuncias contra instituciones de salud, activistas y autoridades que, según sus realizadores, promueven tratamientos de afirmación de género para menores de edad. Cabe hacer mención que, pese a que se consideraron casos de hormonización y cirugía sin consentimiento informado, en el documental no se afirmó que en el país se hacen procedimientos quirúrgicos, salvo las intenciones que están dispuestas en el proyecto de Ley Integral Trans.

La producción se apoyó en testimonios, entrevistas y fragmentos de archivos televisivos, aunque varias de las acusaciones expuestas no incluyeron respuestas de las personas e instituciones señaladas. De la misma manera, las narraciones de las personas que se sometieron a estos tratamientos incluyeron parte de su historia personal y cómo se refugiaron en la diversidad sexual tras duras situaciones en su vida, o por influencia del activismo político o mediático a través de telenovelas.

Laura cuestionó la rapidez de su proceso de atención

La pieza, además, centró parte de su relato en la Clínica de Género de la Fundación Valle del Lili, en Cali, así como a las intervenciones atribuidas al endocrinólogo pediatra Mario Angulo, fundador de esa unidad, y el testimonio de una joven identificada como Laura, cuyo caso fue conocido en Colombia por, según su denuncia, haber sido masculinizada sin su consentimiento.

La joven aseguró haberse sometido a tratamientos y a una cirugía de masculinización torácica —ya mayor de edad— después de iniciar atención médica durante la adolescencia, pero expresó no sentirse cómoda por cómo sucedieron los procedimientos.

“A los 15, como a los cuatro meses y pico de llegar a la clínica, ya me llevaron al endocrino”, relató. Según su versión, en la primera consulta con el especialista recibió una pregunta sobre una eventual mastectomía.

“En la primera consulta fue que él dijo: ‘¿Para cuándo la mastectomía?’”, afirmó Laura. La joven sostuvo que sus padres expresaron inquietudes por la velocidad del proceso y que la respuesta que recibieron fue que confiaran en el equipo médico.

También aseguró que, en una etapa posterior, recibió una dosis de bloqueadores hormonales que, según su relato, no quedó consignada en su historia clínica. “Como no te lo autorizan, yo te lo regalo”, dijo que le habrían comunicado. Esa es una acusación atribuida exclusivamente a su testimonio dentro del documental.

Laura afirmó que posteriormente se arrepintió de la transición y que la cirugía torácica afectó su proyecto de maternidad. “A pesar de que siempre dejé claro que quería tener hijos y amamantar, ya pasó lo que pasó y no, nunca voy a poder hacerlo”, manifestó.

El documental cuestionó el consentimiento informado y los protocolos médicos en Colombia

La producción sostuvo que los procesos de afirmación de género en menores requieren mayor control médico, judicial y familiar. Por ende, el abogado Pedro Contreras, que representó a Laura, afirmó en uno de los fragmentos que la familia no recuerda haber firmado un consentimiento informado cualificado.

“Ellos arrancan a intervenirla, pero en ningún momento les hacen firmar (…) el consentimiento informado que la ley exige”, declaró Contreras. Añadió que el equipo jurídico solicitó ese documento a la clínica en tres oportunidades, sin recibirlo, según su versión.

En uno de los pasajes grabados en la Fundación Valle del Lili, Samuel Adrián denunció que la clínica atendía a pacientes menores y cuestionó los procedimientos médicos de afirmación de género, presuntamente liderados por Angulo, que fue consultado por Adrián en el interior del centro asistencial, en la zona de Especialidades Pediátricas.

“Este doctor es la punta de lanza de la agenda transexual para los niños aquí en Colombia”, aseguró al referirse al cuestionado médico. Más adelante, tras una visita al centro médico, sostuvo que encontró la mencionada unidad de género que, según sus palabras, atendía a menores.

El realizador dejó claro que ingresó al hospital como infiltrado, con una cámara oculta, y reportó lo que dijo el médico sobre posibles efectos sobre la fertilidad. “Nos llevamos la sorpresa de que terminé hablando con el mismo doctor que comenzó a hormonarla desde que era menor de edad, desde los 15 años”, dijo en referencia al caso de Laura.

En otro tramo del documental, Adrián presentó otra denuncia el supuesto uso de bloqueadores hormonales y tratamientos de hormonización en adolescentes.

Mario Angulo explicó que la clínica trabaja con un equipo multidisciplinario

El doctor Mario Angulo describió en la conversación que sostuvo con Samuel Adrián el funcionamiento de la ahora cerrada Clínica de Género para Niños y Adolescentes de la Fundación Valle del Lili. Según la conversación incluida en el documental, la unidad reúne profesionales de varias especialidades.

“Nosotros hemos estructurado un equipo multidisciplinario de psiquiatría, psicología, pediatría, medicina familiar y endocrinología pediátrica para dar manejo a todo lo que es la identidad diversa en niños y adolescentes”, expresó Angulo.

El médico añadió que el equipo trabaja con pacientes menores de 18 años. Su intervención no precisa en ese fragmento cuántos pacientes han sido atendidos, cuáles fueron los tratamientos aplicados ni los criterios médicos que se usan en cada caso.

El documental también reproduce una explicación atribuida a Angulo sobre los bloqueadores de la pubertad. En ese pasaje se señala que, si un menor de sexo masculino recibe bloqueadores y continúa una ruta de afirmación de género, puede perder su fertilidad porque los testículos no se desarrollarían para producir espermatozoides.

Consta de tres episodios y aborda la vida personal y trayectoria profesional del futbolista colombiano, abarcando desde sus inicios hasta momentos clave como el Mundial 2014 y pasajes íntimos de su carrera.

“En esta serie documental, James Rodríguez, el mítico número 10 de Colombia, comparte su camino hacia la élite del fútbol y el sueño de hacer historia con la camiseta de su país”, señala la descripción en Netflix.

Cómo ver el documental de James en Netflix

Para ver el documental de James Rodríguez en Netflix, es necesario contar con una suscripción activa a la plataforma. Los planes, precios y prestaciones varían según el país.

En Colombia, Netflix ofrece tres alternativas. El plan Básico cuesta COP 18.900 mensuales e incluye reproducción en un dispositivo a la vez, resolución HD de 720p y descargas en un equipo.

El plan Estándar vale COP 29.900 al mes, permite ver contenidos en dos dispositivos simultáneamente, cuenta con calidad Full HD y habilita la incorporación de un miembro extra por COP 9.900 mensuales.

El plan Premium tiene un valor de COP 44.900 al mes, admite hasta cuatro reproducciones en simultáneo, ofrece calidad 4K con HDR, audio espacial y la posibilidad de añadir hasta dos miembros extra por un monto extra.

En Argentina, el plan Básico cuesta ARS 8.999 al mes. El Estándar tiene un valor de ARS 14.999 mensuales y permite sumar un miembro extra por ARS 5.399. El Premium vale ARS 19.999 por mes e incluye la opción de agregar hasta dos miembros extra por un cargo adicional.

En México, la plataforma dispone de un plan Estándar con anuncios por MXN 139 al mes. El plan Estándar sin publicidad cuesta MXN 269 mensuales, mientras que el Premium asciende a MXN 369. Los usuarios pueden agregar miembros extra por MXN 69 al mes con anuncios o por MXN 79 sin publicidad.

En Estados Unidos, el plan Estándar con anuncios cuesta USD 8,99 mensuales. El Estándar sin anuncios tiene un precio de USD 19,99, y el Premium, de USD 26,99 al mes. Los miembros extra cuestan USD 7,99 con anuncios o USD 9,99 sin publicidad.

James Rodríguez se despide de la selección Colombia

James Rodríguez puso fin a su etapa en la selección Colombia, equipo con el que acumuló 131 encuentros y alcanzó el récord de apariciones. El mediocampista dio a conocer su determinación mediante un video en Instagram, donde definió su paso por la Tricolor como uno de los capítulos más relevantes de su carrera.

El futbolista indicó que dejará el combinado nacional después del Mundial de 2026, decisión que coincide con su vuelta al fútbol colombiano. En su mensaje, recordó el sueño que representaba para él vestir la camiseta del país desde niño y remarcó la responsabilidad que implicaba hacerlo ante sus compañeros, sus familiares y la afición.

El número diez subrayó que los avances del equipo respondieron al trabajo de una generación de jugadores, los cuerpos técnicos y el apoyo de los colombianos. También se refirió al valor que tuvieron para él la camiseta número diez y la capitanía, funciones que aseguró haber asumido con compromiso.

Rodríguez expresó su gratitud a sus compañeros, entrenadores, colaboradores y familiares. Además, agradeció a los aficionados por acompañarlo tanto en los festejos como en las etapas de resultados negativos.

El mediocampista deja la selección con 31 goles, registro que lo sitúa detrás de Radamel Falcao en la tabla de máximos anotadores.

En Brasil 2014 obtuvo la Bota de Oro gracias a sus seis tantos y en la Copa América de Estados Unidos 2024 recibió el reconocimiento como mejor jugador. Ahora continuará su carrera en Atlético Nacional, luego de 17 años fuera del país.

Chile y el cine documental mundial perdieron a su figura más influyente. Patricio Guzmán, el director que durante cinco décadas hizo de la memoria histórica su materia prima y del documental su forma de resistencia, falleció este martes a los 85 años en París. Autor de La batalla de Chile —considerado el documental latinoamericano más difundido de la historia y una de las obras capitales del género a escala global—, Guzmán construyó un cine que no distingue entre el pasado y el presente: sus películas indagan en el golpe de Estado de 1973, en los detenidos desaparecidos, en el desierto, en los glaciares, en la cordillera, como si todos esos territorios fueran, en el fondo, el mismo territorio.

Esa mirada singular le valió reconocimientos en los festivales de Berlín, Cannes y el Cine Europeo, el Premio Nacional de Artes de Chile y un lugar entre los cineastas más influyentes del siglo XX. La ciudad que lo acogió desde que el régimen de Pinochet lo forzó al exilio fue también la que lo vio morir: París, donde residía desde los años ochenta. La causa de muerte fue un paro cardiorrespiratorio, según confirmaron fuentes cercanas al director. La noticia fue divulgada por CinemaChile, la agencia de promoción del audiovisual chileno, que lo describió como “uno de los documentalistas más importantes de la historia del cine chileno y una figura fundamental del cine documental a nivel mundial”.

Patricio Guzmán nació en Santiago en 1941. Estudió Teatro, Historia y Geografía, y Filosofía, aunque abandonó las tres carreras para dedicarse al cine. En 1967 viajó a Madrid para formarse en la Escuela Oficial de Cinematografía, donde realizó seis cortometrajes de ficción. De regreso a Chile, colaboró con el Instituto Fílmico de la Universidad Católica y filmó Viva la libertad (1965), un cortometraje de animación que trazaba un paralelo entre un zoológico y la cárcel.

Su primer largo, El primer año (1972), registró los inicios del gobierno de Salvador Allende. La película fascinó al cineasta francés Chris Marker, quien adquirió los derechos de exhibición para estrenarla en Francia y, más tarde, le entregó el material fílmico con el que Guzmán rodó lo que sería su obra más célebre.

‘La batalla de Chile’ nació en el exilio y lo consagró en el mundo

Cuando el golpe de Estado de 1973 interrumpió el proyecto que Guzmán estaba filmando en las calles de Santiago, fue detenido en el Estadio Nacional, donde según sus propios relatos enfrentó amenazas de fusilamiento. Logró salir del país y partió al exilio en Cuba, llevando consigo el material grabado. Allí, en una pequeña sala de montaje del Instituto Cubano de Artes e Industria Cinematográficos (ICAIC), terminó La batalla de Chile, la lucha de un pueblo sin armas: una trilogía compuesta por La insurrección de la burguesía (1975), El golpe de Estado (1976) y El poder popular (1979), que narró desde adentro el auge y el derrocamiento del gobierno de la Unidad Popular. La obra se convirtió en el documental latinoamericano más difundido de la historia, con estrenos en más de 35 países de Europa, América, Asia y Australia, y premios en los festivales de Grenoble, Bruselas, Benalmádena, La Habana y Leipzig.

La trilogía, filmada en blanco y negro con un equipo reducido —el camarógrafo Jorge Müller, el sonidista Bernardo Menz, el asistente de dirección José Bartolomé y el productor Federico Elton—, fue posible gracias a una cadena de solidaridades en tiempos de represión. El material fílmico fue sacado clandestinamente de Chile con la colaboración del embajador sueco Harald Edelstam, enviado por barco a Estocolmo y luego a Cuba. El propio Müller no corrió la misma suerte: fue secuestrado por la DINA en Santiago y es hasta hoy uno de los más de 1.200 detenidos desaparecidos del régimen militar. Su ausencia pesa sobre cada fotograma de la trilogía como una marca indeleble.

Cincuenta y tres años después del golpe, La batalla de Chile sigue encontrando nuevos públicos. El pasado viernes 11 de septiembre —en la conmemoración de un nuevo aniversario del golpe de Pinochet— la trilogía llegó a la plataforma MUBI y ahora está disponible en toda América Latina, lo que amplía de manera sustancial el alcance de una obra que la revista Sight & Sound y otros referentes de la crítica internacional consideran entre los grandes documentales de todos los tiempos.

Desde el exilio —primero en España, luego establecido definitivamente en París— continuó filmando. Realizó En nombre de Dios (1987), sobre el rol de la Iglesia Católica chilena durante la dictadura; Chile, la memoria obstinada (1997); El caso Pinochet (2001); y Salvador Allende (2004). En paralelo, fundó en 1997 el Festival Internacional de Documentales de Santiago (Fidocs), que continúa activo y al que siguió vinculado pese a la distancia.

Una trilogía sobre el territorio y la memoria

El período final de su obra alcanzó una dimensión poética que lo situó entre los cineastas más reconocidos a escala global. Nostalgia de la luz (2010) estableció una relación entre los astrónomos que trabajan en el Desierto de Atacama y los detenidos desaparecidos cuyos restos yacen en el mismo terreno. La prestigiosa revista Sight & Sound la incluyó entre las 25 mejores películas de la historia.

La trilogía se completó con El botón de nácar (2015) —ganadora del Oso de Plata al Mejor Guion en la Berlinale de ese año— y La cordillera de los sueños (2019), que obtuvo el Premio Ojo Dorado (L’Œil d’or) al mejor documental en el Festival de Cannes 2019 y, tres años después, el Goya a la Mejor Película Iberoamericana, otorgado por la Academia de Cine de España. Nostalgia de la luz, por su parte, había sumado en 2010 el Premio del Cine Europeo al Mejor Documental. Su último largometraje, Mi país imaginario (2022), lo sumergió en el estallido social chileno y el proceso constituyente.

Premio Nacional de Artes en Chile

En agosto de 2023, fue reconocido con el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales, convirtiéndose junto a Raúl Ruiz en los únicos cineastas en obtener esa distinción. Sin embargo, no viajó a Santiago para recibir el galardón. Uno de los motivos habría sido su deteriorado estado de salud.

En abril de 2024, en una entrevista con el suplemento Culto del diario La Tercera a raíz del estreno de la versión remasterizada de El primer año, el director habló abiertamente de sus problemas físicos. “Tuve un ataque al corazón y otro en la columna vertebral. Y me hicieron dos operaciones, riesgosas, complicadas, pero que salieron bien”, relató. Aun así, manifestó su deseo de volver a Chile para filmar un nuevo proyecto. “El tema, que no te lo puedo decir todavía, es muy bueno”, adelantó. Ese proyecto quedó inconcluso. Una vez conocida la noticia de la muerte, el ministro de Culturas de Chile, Francisco Undurraga, expresó sus condolencias: “Su obra marcó a generaciones y llevó el cine chileno al mundo, dejando una huella profunda que permanecerá en nuestra cultura”.

Ensayo sobre la vejez, el documental de Valeria Sampedro y Daniel Raichijk, con banda sonora de Alberto “Carpo” Cortés, aborda el envejecimiento, la memoria, el deterioro físico y la dificultad de reconocerse viejo a través de testimonios que indagan cuándo comienza esa etapa y cómo se atraviesa el tramo final de la vida. La película, que dura 48 minutos, eligió sostener un ritmo contemplativo y rechazó extenderse para ajustarse a las exigencias comerciales de las salas.

La obra propone una mirada alejada de dos extremos: el rechazo a las personas mayores por considerarlas caducas o sin lugar social, y la idealización que celebra que alguien “no parece” de su edad. “Lo viejo sigue estando mal” incluso en esos elogios, planteó Sampedro al explicar el origen del proyecto.

El documental fue declarado de interés por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, aunque el organismo no aportó recursos ni pudo incorporarlo al circuito tradicional de salas por su duración. La presentación en la Biblioteca Nacional precedió a un estreno formal en el Centro Cultural de la Cooperación, con funciones consecutivas durante octubre, según la agenda cultural de la institución.

—Juan Mascardi: Lo primero que les quiero preguntar es cómo llegaron a la vejez como tema. ¿Qué caminos recorrieron hasta decidir abordarla y desde qué lugar?

—Valeria Sampedro: Surgió en el mismo momento en que decidimos avanzar juntos con un proyecto documental. Primero apareció la idea de hacer algo en paralelo y por fuera de lo que nos tocaba en la diaria. En ese momento trabajábamos muy seguido en la calle como equipo: Dani como camarógrafo de Canal 13 y yo como cronista. Por la superposición de horarios y coberturas pasábamos mucho tiempo juntos y ya éramos amigos.

En una guardia, un poco hastiados de la diaria, empezamos a hablar de la posibilidad de hacer un documental. Cuando pensamos en posibles temas, le propuse la vejez porque era algo sobre lo que venía reflexionando. Me interesaba como una idea de empatía cuando me tocaba contar una historia. Sentía que los viejos estaban un poco invisibilizados, corridos de plano, incluso cuando se contaban sus historias o se hablaba de ellos.

Cuando empezamos a darle forma al proyecto, la pregunta era cómo contar la vejez o qué queríamos contar de ella. Hay dos extremos muy marcados: el viejismo, que es el rechazo a lo viejo porque está caduco, vencido o ya no sirve; y la romantización, con frases como “qué bien que estás” o “no parecés tan viejo”. Los dos extremos llegan al mismo lugar, porque detrás de ese “no parecés” sigue estando la idea de que lo viejo está mal. La vejez no es ni buena ni mala. Queríamos mirar a personas de determinada edad que no suelen estar tan miradas. Dani agarró viaje enseguida y empezamos a pensar más en concreto.

—JM: Retomo eso y te pregunto, Daniel: ¿cómo fue la traducción de esa idea, de esos fundamentos y de ese punto de vista a una propuesta visual que por momentos tiene una impronta poética y lleva a universos propios?

—Daniel Lázaro Raichijk: Te agradezco lo de poético, porque esa fue la idea. Queríamos salir del formato de mostrar literalmente lo que se dice. Si alguien dice que va a la cocina a hacer un churrasco, no queríamos poner la imagen de esa persona con la plancha y el churrasco. Queríamos corrernos de ese lugar, que es el formato del noticiero y de la televisión. No está mal ni bien, es un formato. El desafío era construir visualmente una narración que fuera en paralelo con lo textual, sin que fuera obvia. La naturaleza puede parecer una elección evidente, pero envejecer es natural. No es malo, bueno, lindo ni feo: es parte de la naturaleza. Todos nacemos, maduramos y envejecemos. La naturaleza también refleja eso.

Buscábamos una escritura visual que permitiera volar un poco, reflexionar sobre lo que se escucha con un soporte visual que no estuviera vinculado de manera directa con lo que se dice.

—JM: ¿Qué criterios usaron para seleccionar a las personas, diseñar las entrevistas y elegir los espacios?

—VS: Quiero sumar algo sobre ese tratamiento estético. Dani propuso la elección del blanco y negro, también como una decisión de ir a algo más crudo. Desde el principio insistía en los primeros planos. Cuando íbamos a mi casa a hacer pruebas, con él detrás de la cámara y yo sentada, todo el tiempo hablaba de ese encuadre.

Después lo llevamos al montaje: mientras una persona habla, aparece otra imagen, y no necesariamente la de quien está hablando, sino la de otro. Eso genera un clima que contribuye a la idea final, que era una reflexión coral, donde todos hablan y, de algún modo, también hablan entre ellos.

—JM: Y lo sonoro tiene un vuelo impresionante...

—DR: Gracias. Para agregar a lo que decía Vale, trabajamos el fuera de campo. Es lo más interpelador, porque es lo que uno no ve pero construye. Yo te muestro una cosa, pero alrededor de ese objeto, de esa toma, hay un mundo que queda afuera de lo que te estoy mostrando.

—VS: Y las voces no están siempre relacionadas de forma directa con lo que se ve. En cuanto a la selección de las personas, cuando entendimos por dónde queríamos ir, tuvimos claro que había que escucharlas. Nuestro objetivo era corrernos y lograr que hablaran a cámara, al eje de cámara, casi entre ellas.

Armamos cuestionarios muy similares y flexibles, con el objetivo de pasar por determinados tópicos. Ahí aparece un cruce con el ejercicio periodístico: quién es una voz autorizada y cómo hacer para que la selección represente, en la medida de lo posible, un universo muy variado y vasto.

Al principio teníamos una ambición más grande, con más gente, pero nos encontramos con la falta de presupuesto, que acotó el despliegue. Después apareció otro motivo que terminó sosteniendo esa decisión: esas voces empezaban a tener carácter propio y queríamos que se identificaran a lo largo del documental.

Había dos opciones: hacer un documental eterno, de tres horas, con todos hablando, o seleccionar. En una entrevista podías encontrar cinco, seis, siete u ocho testimonios fuertes de una misma persona sobre distintos tópicos. Si queríamos darles espacio y tiempo, sin interrumpirlas ni cortarlas demasiado en el montaje, el documental se hacía eterno.

La selección se volvió más desafiante. Queríamos incluir varones y mujeres, gente de distintos lugares, no solo de Capital, no solo de clase media. También buscamos variedad en términos socioeconómicos, profesionales y laborales.

Está quién es más filósofo de la vida, quien estudió y la mujer de un barrio popular que habla del nieto que le pide milanesas y está acompañada por sus gatos. Tienen ejes comunes: de repente todos llegan a un mismo lugar de necesidad o de soledad. Eso los iguala. En esta etapa de la vida confluyen cosas muy humanas y comunes.

—JM: Valeria, hablabas del cuestionario y de los ejes que se repiten. En todo ensayo hay un diseño de tópicos. ¿Cómo los definieron, frente a un entramado tan vasto?

—VS: El cuestionario era largo y tenía muchos tópicos. Después uno decide en cuáles detenerse. Lo que teníamos claro era que no queríamos anécdotas de vida. También queríamos corrernos de la historia de vida empática del noticiero.

De repente, alguna persona cuenta que bajó de un barco. Podríamos habernos detenido en esa anécdota, que era muy jugosa, pero no íbamos por ahí. La pregunta era: tenés 90, 95, 98, 100 u 80 años, ¿qué pensás del paso del tiempo?

Había cuestiones bastante obvias, porque queríamos indagar en la vejez, y otras que descubrimos durante las entrevistas. La amistad adquirió mucho peso. En todos apareció la necesidad, la avidez y la nostalgia por las amistades perdidas, muchas veces sin que se los preguntáramos. Había que mantener una escucha abierta y reconocer: acá hay algo y tiene que estar.

—DR: En el documental trabajamos la contemplación. En una época de scroll, de contenidos que duran cinco segundos y del vértigo del celular o la computadora, queríamos trabajar la contemplación. Los protagonistas también hablan de una vida enloquecida y de su preferencia por ir paso a paso. Si tenés que ver una imagen durante 20 segundos, mirala durante 20 segundos. Puede gustarte, rechazarte, generar empatía o pasarte de largo, pero mirala.

—VS: Eso fue parte de las discusiones durante el armado. A veces decíamos: “Dejala”. Otras veces: “Me hace ruido, estoy llegando al límite”. Pero la dejábamos.

—DR: Eso viene de una influencia muy fuerte de Andrei Tarkovski. Él hablaba de la atención interna, una idea que tomó de Dostoievski: llevar todo a un extremo, hasta donde casi se rompe, para sostener la atención del espectador.

En muchas series y películas estadounidenses todo va rápido. Es un estilo, una manera, no es mala ni buena. El documental es corto, porque dura 48 minutos, pero tiene un tempo interno relajado, contemplativo. Esa fue la intención. Si tenés que ver una nube, mirá la nube. Escuchá lo que dice el personaje, pero mirá cómo pasa, cómo corre. No está puesta cinco segundos: está ahí para que la mires.

—JM: Ustedes vienen de la televisión, donde la emisión y la recepción ocurren en el momento. ¿Cómo transitan ahora una producción que debe salir a encontrar a su público? ¿Cómo será la vida de Ensayo sobre la vejez?

—VS: Estamos muy contentos, expectantes y conscientes de que es otro camino. También fue una decisión. Incluso después de haberlo terminado, uno se pregunta cuándo se termina un documental, porque siempre le encuentra algo más. En algún momento dijimos: “Ya está”.

Pasaron cinco años y a nosotros nos pasó de todo. Dani dejó el canal, se fue de la ciudad, se instaló en un lugar completamente distinto y armó una nueva vida. Pasamos la pandemia, yo tuve un hijo y atravesé un embarazo en el medio. El interés por el proyecto se sostuvo, y eso hablaba de ganas genuinas de terminarlo.

Consultamos a algunos distribuidores por el circuito de festivales, pero todo requería plata y no la teníamos. Entonces seguimos haciendo todo entre los dos. Ahora eso me parece una característica preciosa y tierna del documental.

Todo lo hicimos entre nosotros, salvo la música, que aportó Alberto Fidel “Carpo” Cortés. Hablábamos por videollamada: “Dani, en el minuto 3.40 fijate que hay un acento mal puesto”. Él lo corregía desde allá y me mandaba una nueva versión. Así trabajamos.

Desde los distribuidores y desde el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales nos dijeron que no podían ponerla en las salas del circuito porque dura 48 minutos, aunque la habían declarado de interés. Otra distribuidora nos propuso agregarle diez minutos. Los tenemos, pero no queremos agregarlos. Todos los días, en la tele, escucho que si una nota funciona hay que hacer dos preguntas más, ver qué sigue... Nosotros queremos otra cosa. Queremos que el documental camine lo que tenga que caminar y por el circuito que tenga que ir.

Además de la presentación en la Biblioteca Nacional, conseguimos el Centro Cultural de la Cooperación. Durante todo octubre tendrá un estreno formal en una sala, con cuatro funciones consecutivas los miércoles, que además son los miércoles de los jubilados. Hay una simbología interesante ahí. Por ahora, ese es el recorrido. Buscamos otras salas para que sigan las proyecciones. Más adelante veremos la posibilidad de que esté disponible en alguna plataforma.

—DR: Ya tenemos invitaciones en Tucumán y en Córdoba.

Ficha técnica

Ensayo sobre la vejez es un documental que indaga en el paso del tiempo, la finitud y las distintas formas de transitar la vejez. A través de testimonios, la película reflexiona sobre el deterioro físico, la memoria, la mirada de los otros y la resistencia a reconocernos viejos. La obra busca poner en discusión cuándo comienza realmente la vejez y qué experiencias, deseos, pérdidas y vínculos atraviesan ese tramo de la vida.

Realización Valeria Sampedro nació en Buenos Aires en 1976. Es periodista y locutora, con más de 20 años de trayectoria en medios de comunicación. Fue cronista de exteriores en Radio Rivadavia, Radio Continental, América TV, Canal 13 y Todo Noticias. Formó parte del colectivo de comunicadoras que impulsó la movilización Ni Una Menos en 2015. Actualmente conduce Arriba Argentinos, el noticiero de la primera mañana de Canal 13. Recibió un premio Lola Mora por su labor periodística con perspectiva de género y fue nominada dos veces al Martín Fierro, en 2016 y 2017. Ensayo sobre la vejez es su primer trabajo como directora de cine documental.

Daniel Lázaro Raichijk nació en Buenos Aires en 1963. Es realizador cinematográfico, camarógrafo profesional y fotógrafo. Se formó en el Instituto de Artes Cinematográficas (IDAC) de Avellaneda. En 1988 fundó la videoteca La Fábrica de los sueños, con 6 mil títulos de cine de autor y documental, en la librería Liberarte. En 2008 estrenó su primer largometraje documental, Nos Otros, sobre el racismo y la discriminación en Argentina.

La banda sonora estuvo a cargo de Alberto Fidel Cortés, “Carpo”.

Título: Ensayo sobre la vejez. Dirección: Valeria Sampedro y Daniel Lázaro Raichijk. Banda sonora: Alberto Fidel Cortés. Duración: 48 minutos. País: Argentina. Género: Documental. Año: 2026

El caso ocurre tras sus denuncias sobre supuestos tratamientos de afirmación de género en menores y abre un debate político sobre los protocolos médicos aplicados a niños y adolescentes.

Samuel Adrián gana notoriedad en Colombia por la difusión de ese documental, en el que presenta entrevistas y testimonios relacionados con tratamientos hormonales, procedimientos médicos y protocolos de atención para menores que buscan una transición de género.

El creador mantiene una postura crítica frente a esas intervenciones. En su producción cuestiona sus posibles consecuencias en niños y adolescentes, además de los criterios bajo los cuales instituciones médicas autorizan o acompañan los tratamientos.

El título Fábrica de Niños Trans corresponde al enfoque del documentalista. No representa una conclusión de las autoridades colombianas ni una determinación judicial sobre la existencia de centros que operen bajo esa descripción.

Samuel Adrián fue detenido el 13 de septiembre en El Dorado

Adrián fue detenido el pasado domingo 13 de septiembre de 2026 al llegar al Aeropuerto Internacional El Dorado de Bogotá. La Policía Nacional de Colombia ejecuta una orden de arresto emitida por un juzgado de Cali, relacionada con un incidente de desacato.

Las autoridades trasladan al influencer mexicano a una dependencia policial dentro del aeropuerto para iniciar el trámite de cumplimiento de la orden judicial. La sanción contempla 10 días de privación de la libertad y una multa equivalente a 15 salarios mínimos mensuales.

La Policía Nacional aclara que el procedimiento no corresponde a una captura derivada de una investigación penal. La medida se origina en un proceso judicial por desacato, una figura que puede imponerse cuando una persona incumple una orden emitida en el marco de una acción de tutela.

Antes de viajar a Colombia, Adrián comparte un video desde el Aeropuerto Internacional de Tocumen, en Panamá. Ahí afirma que conocía la providencia judicial y que podría ser detenido al aterrizar en Bogotá.

El documentalista sostiene que viaja pese a la posibilidad de su arresto. También solicita apoyo al Gobierno de México y pide a sus seguidores difundir su mensaje mientras sus abogados en México y Colombia preparan su defensa.

El médico Mario Angulo promovió una acción de tutela

El expediente judicial se relaciona con una acción presentada por el médico Mario Angulo, mencionado por Adrián tanto en el documental como en publicaciones posteriores de su canal de YouTube.

De acuerdo con la información conocida sobre el caso, el creador de contenido se niega a retirar el material audiovisual y otros contenidos vinculados con Angulo. Esa negativa habría motivado las sanciones dictadas dentro del proceso de tutela.

En un video difundido por Fundamento, la productora relacionada con el documental, Adrián asegura que recibe la notificación mientras se encuentra en Panamá. El creador rechaza que haya cometido un delito.

“No cometí ningún delito y no me voy a quedar de brazos cruzados”, afirma Adrián en el video. El mexicano atribuye la orden de arresto a sus declaraciones en Colombia: Fábrica de Niños Trans y a grabaciones que relaciona con Angulo.

El proceso judicial se concentra en el cumplimiento de órdenes derivadas de la tutela. La Policía colombiana subraya que la detención no implica, por sí misma, que Adrián enfrente un proceso penal por el contenido del documental.

Abelardo de la Espriella pide al Congreso revisar los procedimientos

El presidente de Colombia, Abelardo de la Espriella, se pronuncia sobre la detención de Samuel Adrián en su cuenta oficial de X. El mandatario afirma que el caso debe impulsar una discusión nacional sobre las intervenciones médicas vinculadas con la transición de género en menores.

“El caso de Samuel Adrián, quien hoy empieza 10 días de privación de libertad tras denunciar tratamientos hormonales para el mal llamado cambio de sexo en menores y advertir sobre sus posibles consecuencias irreversibles, debe abrir un debate nacional”, escribe el presidente.

De la Espriella llama al Congreso colombiano a revisar los límites y las prohibiciones que podrían aplicarse a estos procedimientos en menores de edad. Su postura se enfoca en la interpretación del libre desarrollo de la personalidad y de la autonomía progresiva.

“Llegó la hora de legislar sobre los límites y prohibiciones de estos procedimientos en menores”, señala el mandatario. El presidente afirma que el Legislativo debe resolver lo que considera vacíos en la regulación actual.

El jefe de Estado añade que las decisiones sobre estos tratamientos no deberían depender únicamente de tutelas, protocolos administrativos o criterios jurisprudenciales. También sostiene que el debate debe partir de la prevalencia constitucional de los derechos de los niños.

“La interpretación del libre desarrollo de la personalidad y la autonomía progresiva ha dejado vacíos que deben ser resueltos legislativamente, siempre bajo el principio constitucional de prevalencia de los derechos de los niños”, publica De la Espriella.

El documental cuestiona tratamientos de afirmación de género en menores

Colombia: Fábrica de Niños Trans presenta el trabajo de Samuel Adrián como documentalista y creador de contenido. La producción reúne entrevistas y testimonios sobre tratamientos hormonales y otros procedimientos médicos de afirmación de género dirigidos a niños y adolescentes en Colombia.

Adrián cuestiona los protocolos médicos y las decisiones que involucran a menores. El contenido coloca en el centro el debate sobre el consentimiento, la participación de madres y padres de familia, así como los posibles efectos de tratamientos que, según el documentalista, requieren mayor escrutinio público.

Las afirmaciones presentadas en el documental forman parte de la postura de su autor. El proceso judicial que deriva en su arresto se relaciona con publicaciones específicas y con la negativa de retirar contenidos, no con una determinación oficial que confirme los señalamientos incluidos en la producción.

Samuel Adrián afirma que sus abogados en México y Colombia asumirán su defensa frente a la orden de desacato y la multa impuesta por el juzgado de Cali.

La vertiginosa y conflictiva carrera de la popular banda Oasis llegó a un violento final en 2009 en París, cuando el guitarrista Noel Gallagher y su hermano, el vocalista Liam Gallagher, terminaron en una pelea a puñetazos detrás de escena bastidores antes de salir a tocar. El show fue cancelado, el grupo se separó y los hermanos no se hablaron durante más de una década.

Ya existen películas sobre Oasis, pero la más reciente, Oasis: Don’t Look Back in Anger, aporta algo nuevo, al narrar la triunfal reunión de la banda y su gira mundial en 2025. Dirigido por Will Lovelace y Dylan Southern, este enérgico y optimista documental crea ocasionalmente efectos vertiginosos con su mezcla de imágenes nuevas y de archivo. Según cuenta, una vez tomada la decisión de reunirse, los viejos resentimientos entre los hermanos desaparecieron. “Tenemos la oportunidad de cambiar la historia”, dice Noel.

La primera semana de ensayos se presenta tensa, ya que Liam solo participa dos días. Pero una vez que la banda arranca, reina la armonía, no solo entre Liam y Noel, sino también con su público multigeneracional. Noel Gallagher es un experto no solo en potentes temas de ritmo medio, sino también en baladas épicas, y un Liam Gallagher con mucha personalidad se desenvuelve de maravilla en ambos estilos.

Mientras recorren el mundo, los cineastas nos muestran breves momentos con los superfans y el impacto que la banda ha tenido en ellos. Es difícil no emocionarse al ver a Liam cantar “Live Forever” ante un estadio lleno de gente. Esta película es a la vez un himno para el rock y un drama conmovedor.

Fuente: The New York Times

Antes del estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia, de un documental de casi cuatro horas de Alex Gibney sobre Elon Musk, a los potenciales espectadores se les podía perdonar que se preguntaran: ¿Qué podría decir que no se haya comentado ya ampliamente?

Desde que Tesla y SpaceX se convirtieron en nombres conocidos en todos los hogares —si no en material para Saturday Night Live—, el primer billonario del mundo ha sido objeto de olas permanentes de noticias e imágenes, además de conversaciones en las redes sociales. Ahora, ni siquiera una isla italiana ha resultado ser un lugar para escapar de eso.

¿Y acaso toda publicidad no es buena publicidad? Sin duda, el magnate tecnológico, supuestamente ávido de atención, no desearía nada más que un monumento épico a su poder, una prueba de que tanto sus admiradores como sus detractores no pueden dejar de hablar de él.

Ganador del Oscar y del Emmy, Alex Gibney es conocido por correr el velo sobre los magos de Silicon Valley, Wall Street y Washington. Aunque gran parte de lo que presenta aquí sobre Elon Musk no es particularmente nuevo, hay una fuerza temible en la manera en que el director lo reúne todo. Musk no es solo una figura molesta del ciclo de noticias. El mega-retrato de Gibney nos pide mirar el conjunto de sus acciones y tomarlo en serio como una amenaza para la democracia.

“Han ocurrido tantos incidentes; hay tantos árboles”, dijo el director en una conferencia de prensa. “A veces es útil ver el bosque y unir todo en una narrativa.” Ir a Marte solía ser una aspiración romántica, pero Gibney ve en el megamillonario la degradación de ese sueño. La secuencia de apertura nos lleva flotando por el cosmos, donde oímos una voz que suena como la de Musk explicando su misión de comprender el universo. Al principio parece una charla genérica de “genio”, hasta que empieza a hablar de su amor por los videojuegos: “capaz que estamos en una simulación”, una versión ideal de la realidad creada por una inteligencia artificial del futuro.

En la película aparece entonces como una “cabeza parlante” (talking head) —no el Musk real, de carne y hueso, sino uno generado por inteligencia artificial, de aspecto ceroso, mirada vacía (y notablemente más esculpido), cuyas palabras provienen íntegramente de entrevistas pasadas y comentarios públicos. Musk ha dicho que los videojuegos “calman sus demonios”, señaló Gibney, pero el director agregó que también eran “un mecanismo para que invirtiera en una irrealidad”. Gibney añadió: “Queríamos transmitir la realidad de lo que ha hecho, así como la irrealidad de su narrativa”. Una de las voces principales de la película, Ashley St. Clair, la escritora de derecha que reveló en 2025 que había tenido una relación con Musk, dijo en la conferencia de prensa: “Su relación más complicada es con la verdad”.

La película, para la cual el personaje central rechazó ser entrevistado, aborda primero los años iniciales del empresario como un millonario más en un mar de imitadores de Steve Jobs, subido a la ola del boom tecnológico de los años 90. Al comienzo, aparece como un emprendedor ambicioso con lo que Gibney describió como objetivos admirables. “Iba a crear una automotriz que priorizara los vehículos eléctricos para ayudar a enfrentar el calentamiento global”, dijo el director. “Iba a revitalizar la industria espacial abaratando sus costos”. Después, las cosas empezaron a ponerse feas. Y raras.

“Estaba impregnado de una ‘corrupción por causa noble’”: la idea de que el fin justifica los medios cuando se trata de hacer realidad su visión particular de un mundo mejor. Aunque puede defenderse el valor de los visionarios que piensan en grande, Gibney sostiene que las promesas de Musk —como sus misiones a Marte y los vehículos autónomos— muchas veces han sido una cortina de humo para elevar su propia marca. “Su riqueza y su poder provienen de acciones sobrevaloradas”, afirmó el director.

A eso hay que sumar las posturas pronatalistas y su determinación de perpetuar su propio linaje; la poderosa capacidad de recolección de datos de la tecnología de Tesla y su emprendimiento satelital, Starlink; y su compra de Twitter, rebautizado como X, donde los ajustes que hizo en el algoritmo derivaron en un aumento del discurso de odio, así como de su propio contenido.

Gibney ya tenía más que suficiente para un largometraje cuando cerró su primer montaje en 2024. Pero después Musk se involucró en la política y el presidente Trump fue elegido para un segundo mandato. El hombre empezó entonces a participar en conferencias de prensa en la Oficina Oval y a desmantelar agencias federales con su Departamento de Eficiencia Gubernamental. Más ampliamente, está “involucrado con partidos políticos de derecha en todo el mundo”, dijo el realizador sobre los vínculos del magnate tecnológico con jefes de Estado actuales y anteriores, como Javier Milei, de Argentina, y Jair Bolsonaro, de Brasil.

Los numerosos entrevistados de la película —incluida su primera esposa, Justine Musk; excolegas de SpaceX, Tesla y X; y un grupo de destacados periodistas tecnológicos— dejaron algo en claro: Musk quiere que todo el mundo se suba a su peculiar visión del mundo. “Está tratando constantemente de optimizarnos”, dijo St. Clair. “¿Hay algo que te guste de los seres humanos, que no estés intentando optimizar?”

No me convence la decisión de Gibney de insertar a lo largo de la película secuencias agresivas de videojuegos, lo que le da un tono casi eufórico a la idea de la dominación mundial del personaje. Pero es una metáfora eficaz. Es como el protagonista de un videojuego que no puede ser derrotado.

Fuente: The New York Times

Manuscritos repletos de referencias, postales, libros anotados... Un exhaustivo documental lleva a la gran pantalla la vida de Borges a través de innumerables objetos y lugares que marcaron la vida del legendario escritor argentino.

“Biografía de Jorge Luis Borges”, dirigida por Mariano Llinás y estrenada en la Mostra de Venecia fuera de competición, traza en cinco horas y media la vida del autor de “El Aleph”.

El proyecto nació como un encargo de una fundación estadounidense que posee una vasta colección de objetos de Borges (1899-1986) para grabar el momento en que un experto analizaba todos esos documentos.

Pero Llinás, autor de “La flor” (2018) y miembro del colectivo cinematográfico El Pampero, vio rápidamente que con ese material se podía ir mucho más allá.

“En ese momento sentí que se podía hacer una biografía”, dice el cineasta argentino en una entrevista a AFP. Y aunque al principio sintió “un vértigo absoluto” ante tal aspiración, al final “no hubo miedo, fue más bien adrenalina”.

Con ello vio una posibilidad de acercase a esta gran figura literaria latinoamericana a través de la cámara.

“Entrar desde el cine hacia Borges había sido siempre muy difícil”, asegura.

El laberinto

Entre los documentos que aparecen en el documental figuran numerosos cuadernos.

En uno de ellos de mediados de los años 1950, a las páginas manuscritas de Borges le siguen otras escritas por su madre, lo que presupone que el escritor ya no podía anotar y dictaba sus textos. Se había quedado ciego.

Otros manuscritos están repletos de tachaduras, correcciones, añadidos en letra muy pequeña y variantes que Borges agregaba a medida que iba escribiendo.

“Escribe tanteando”, dice en un momento del documental el experto Ernesto Montequín, mirando embelesado estos papeles amarillentos, que manipula con extremo cuidado.

“Lo que más me impresionó, sobre todo de los manuscritos borgianos, es hasta qué punto una hoja de papel puede ser un mapa de la mente de una persona”, afirma Llinás.

“Le gustaba la idea del laberinto y construir un laberinto a cada lugar a donde fuera. Uno ve sus páginas y eso está ahí [...] Su mente funcionaba de esa manera”, remata.

Un momento “feliz”

El documental también transita por los lugares que marcaron la vida del escritor, y que también aparecen en su obra.

Además de Ginebra, donde está enterrado, o Austin, Texas, donde fue profesor, la cinta muestra por supuesto múltiples rincones de Buenos Aires, como la Biblioteca Nacional --que dirigió entre 1955 y 1978-- o la calle Posadas, residencia de su amigo Adolfo Bioy Casares y donde Borges almorzaba a menudo.

El documental va hasta Islandia, una isla que siempre interesó al escritor y que visitó por primera vez en 1971. Ahí se encontró con María Kodama, que se convertiría más tarde en su esposa.

“Es un momento que nosotros intuimos que para Borges fue feliz”, explica Llinás. “Uno se da cuenta de que un hombre viejo está contento, como un muchacho enamorado. Me parece un momento muy conmovedor”.

A pesar de la exhaustiva documentación que contiene el documental, para el cineasta, la clave de esta biografía es “la incertidumbre”.

“El cine tiene la ventaja de ser siempre un poco conjetural, es naturalmente ambiguo”, estima.

Fuente: AFP

Siempre se dice que del Festival de Telluride salen las grandes sorpresas de cara a la temporada de premios. Pues bien, este año, ha irrumpido en la carrera de los Oscar You Can See Everything, un documental de 174 minutos presentado por sorpresa en el certamen, dirigido por Nathan Fielder y Lance Oppenheim que aborda la figura de Elizabeth Holmes, fundadora de Theranos y que protagonizó uno de los mayores escándalos de Silicon Valley.

Holmes había fundado esta compañía de diagnostico clínico portátil que la catapultó a la fama y la convirtió en una de las personas más ricas de los Estados Unidos en tiempo récord. Sin embargo, su sistema fue acusado de fraude y la empresaria terminó condenada.

La película arranca 34 días antes de que Holmes entrara en prisión para cumplir una condena de 11 años por fraude a inversores y fraude electrónico. El rodaje comenzó en 2023, cuando la fundadora de Theranos permitió a un pequeño equipo filmar su vida cotidiana, y acabó convertido en un seguimiento de tres años.

A24, responsable del proyecto, confirmó la misma noche del estreno, el título, publicó un avance y fijó su lanzamiento para octubre. La distribuidora ha situado así una producción de no ficción de larga duración en pleno centro de la temporada de premios, después de una recepción inmediata que ha oscilado entre el desconcierto, el entusiasmo y la conmoción.

Un caso que sacudió la opinión pública

La premisa es concreta: Holmes invitó a Fielder y Oppenheim a entrar en su casa poco antes de ingresar en prisión. La sinopsis define el resultado como un viaje de tres años “al abismo” que comienza como el retrato íntimo de una delincuente condenada.

El proyecto llega después de varios intentos de Hollywood por abordar el caso Theranos. Alex Gibney dirigió el documental The Inventor: Out for Blood in Silicon Valley en 2019, Hulu produjo The Dropout, serie por la que Amanda Seyfried ganó un Emmy, y un proyecto con Jennifer Lawrence y Adam McKay terminó por desmoronarse antes del rodaje.

La novedad está en el enfoque. Fielder, es conocido por Nathan For You y por Los ensayos, y firma aquí su debut como director de largometrajes, formando además parte del encuadre. Su estilo es famoso por romper la cuarta pared y dinamitar el propio mecanismo de estudio, así como por el fuerte componente surrealista de sus composiciones y su humor afilado.

Oppenheim, acaba de estrenar en el Festival de Venecia su primera película de no ficción, Primetime, con Robert Pattinson, después de las brillantes Una clase en el cielo o La feria del renacimiento.

Según IndieWire, los responsables alteran los puntos de vista desde Holmes a su marido, Billy Evans, así como también el papel del propio director. El medio especializado sostiene que Fielder pasa de observador a pieza de la escena, forzado por sus sujetos y por su propia necesidad de intervenir, en un dispositivo que convierte al espectador en un examinador más de la veracidad de lo que está viendo.

En la valoración publicada, el filme sitúa preguntas simples y directas en el centro del relato. Una de ellas resume buena parte de su mecanismo: “¿Cuál es tu definición de una mentira?”. La crítica añade que la película explora la capacidad del lenguaje para desdibujar hechos, coartadas e interpretaciones.

¿Un documental nominado a mejor película?

La película ha activado la conversación sobre premios por una razón adicional. Variety subraya que ningún documental ha sido nominado nunca a mejor película en las 98 ceremonias de la Academia, pese a que la ampliación del número de candidatas en 2009 pretendía abrir la puerta también a la no ficción y a la animación.

El problema no es solo estadístico. El diario apunta que la rama documental de la Academia nunca ha terminado de asumir con comodidad la no ficción participativa y cercana a la comedia. Ese reparo puede pesar sobre una película en la que el director no se limita a observar, sino que aparece implicado de forma visible en la dinámica que intenta registrar.

También pesa el asunto de fondo: dar visibilidad a una condenada por fraude. La publicación sostiene que cualquier campaña tendrá que defender con claridad que la película no rehabilita a Holmes, sino que la somete a examen. Su argumento más sólido, añade, estaría en el propio diseño del largometraje: no una gira de redención, sino un estudio sobre la imposibilidad de saber con certeza qué es auténtico.

Las primeras reacciones públicas recogidas por The Hollywood Reporter y el propio Telluride han reforzado esa idea. Varios asistentes la describieron en redes como una obra “brillante”, “impactante” o “demencial”, mientras uno de los comentarios más repetidos fue una variante de la misma pregunta: qué acababan de ver exactamente.

La película incluye además una declaración de Elizabeth Holmes en el avance difundido por A24. “Yo no soy esa persona. Puedo prometértelo”, dice la ‘exdirectiva’. Según Variety, cuando se encendieron las luces en Telluride, la duda central no era qué había contado el documental, sino si alguien en la sala seguía creyéndola.

A los 64 años, Julio César Chávez fue consultado sobre si siente que le falta algo por cumplir en su carrera personal. El Gran Campeón Mexicano respondió que solo tiene pendiente realizar su película, proyecto sobre el cual no ofreció detalles, pero aseguró que se concretará el próximo año.

En la previa del estreno de su nueva serie, Chávez vs Chávez, Julio César compartió esta revelación durante una entrevista con los medios. Reconocido como uno de los deportistas más destacados de la historia, tanto en México como a nivel mundial, el exboxeador se refirió así a sus próximos pasos tras su etapa profesional en el ring.

“Ya nada más mi película el próximo año y ya (respondió sobre si tiene pendiente hacer algo), ya me puedo morir en paz (dijo entre risas)”.

Chávez vs Chávez: de qué trata la nueva serie de Julio César

Julio César Chávez prepara el estreno de “Chávez vs Chávez”, una serie documental de N+Docs que llega este 11 de septiembre y revisa su trayectoria en el boxeo, su vida familiar y el periodo de adicciones que, según el excampeón, lo llevó a enfrentarse con su propio pasado.

La producción presenta al sinaloense desde sus primeras carencias hasta su consolidación como campeón mundial. El documental también aborda los conflictos personales que atravesó después de alcanzar la cima del boxeo profesional.

El eje de “Chávez vs Chávez” no está sólo en los cinturones, los nocauts o las funciones multitudinarias. La producción plantea un enfrentamiento entre dos facetas del mismo personaje: el deportista que alcanza sus metas y el hombre que cae en el consumo de alcohol y drogas.

En entrevista con Infobae México, el excampeón describió al “Chávez bueno” como el niño que quería ser campeón del mundo, que se mantenía sano y que buscaba sacar adelante a su familia. Esa parte de su historia se relaciona con los años de preparación y las victorias que lo colocan entre los boxeadores mexicanos con mayor número de peleas titulares.

La otra faceta aparece después de la fama y los logros deportivos. Chávez explicó que las adicciones lo atrapan de manera gradual y lo alejan de la vida que había construido en el ring.

“Es una enfermedad que te atrapa y te va consumiendo poco a poco”, señaló Chávez a Infobae México. El boxeador añadió que ese periodo lo lleva a un punto en el que no percibe el daño que causa a las personas cercanas.

Carrera de Chávez

La carrera del llamado Gran Campeón Mexicano reúne 37 peleas de campeonato mundial, una cifra que, ningún otro púgil ha alcanzado. En esos combates realizó 27 defensas exitosas. Su primer título mundial llegó en una pelea frente a Mario “Azabache” Martínez. Ese combate abre una etapa en la que Chávez se convirtió en una de las figuras centrales del boxeo mexicano.

El peleador sinaloense enfrentó a rivales de distintas etapas y estilos. Entre ellos aparece Meldrick Taylor, a quien vence en los últimos segundos de un combate que permanece entre los episodios más recordados de su carrera. También peleó contra el estadounidense Greg Haugen en 1993, durante una función en el Estadio Azteca. Cabe señalar que esta pelea juntó a más de 130,000 espectadores.

Chávez sostuvo que el origen de su carrera está en una meta que se fija desde niño: convertirse en campeón mundial y darle mejores condiciones de vida a su familia. Su madre ocupa un lugar central en ese proceso, de acuerdo con el relato presentado sobre la serie.

El proyecto presenta un formato de producción donde los equipos trabajan sobre los capítulos mientras el campeonato está en desarrollo. De esta manera, las imágenes se capturan, editan y finalizan durante la competencia. A partir de los cuartos de final, además, cada tanda de episodios se estrenará antes del comienzo de la siguiente instancia.

“Esta serie representa un nuevo paso en nuestra forma de acercar la Conmebol Libertadores a millones de hinchas en todo el continente. Por primera vez, podremos mostrar desde adentro historias, emociones y momentos que habitualmente no llegan al público, acompañando además el desarrollo de la competencia prácticamente en tiempo real”, afirmó Juan Emilio Roa, director comercial de la Conmebol.

El ejecutivo agregó: “Queremos que los aficionados puedan vivir la Gloria Eterna como nunca antes, con un acceso único a sus equipos y protagonistas”.

Las cámaras recorren distintos espacios vinculados con los clubes y sus integrantes, tanto dentro como fuera de los estadios. Vestuarios, túneles, entrenamientos, concentraciones y traslados forman parte del material registrado para la producción. También se incluyen entrevistas inéditas, imágenes exclusivas, archivos históricos y testimonios de leyendas del fútbol sudamericano.

El objetivo también aparece reflejado en las palabras de Esteban Raffo, GVP, Streaming Sports & GTM de HBO Max: “Nuestro compromiso es consolidar a HBO Max como el hogar de las historias más relevantes para la audiencia latinoamericana, y el deporte ocupa un lugar central en esa ambición”.

“La Conmebol Libertadores es el torneo de clubes más importante de la región y su primera serie documental oficial merecía un tratamiento a la altura. Junto a Conmebol y Offline Sports logramos algo que no se había hecho antes: una serie con calidad cinematográfica que se produce y estrena mientras la competencia se desarrolla”, sostuvo Raffo.

Desde Offline Sports, sus productores ejecutivos y cofundadores Diego Piasek y Gonzalo Arias remarcaron el desafío de trabajar sobre acontecimientos que todavía están sucediendo.

“Producir la primera serie oficial de la Conmebol Libertadores junto a Conmebol y HBO Max —la casa de The Sopranos, The Wire y Game of Thrones— es un sueño profesional”, expresaron.

“Hacerlo en tiempo casi real supone un enorme desafío creativo y operativo: contar las historias mientras suceden, con la profundidad necesaria para que trasciendan el resultado y perduren”, señalaron Piasek y Arias. También agradecieron a “los clubes, jugadores, directivos y equipos de prensa, comunicación digital y film-makers” por permitir el acceso a sus vestuarios.

Los primeros cuatro episodios, correspondientes a la fase de grupos, se incorporaron este sábado al catálogo de HBO Max. El próximo estreno será el 11 de septiembre, cuando estarán disponibles otros tres capítulos dedicados a los octavos de final.

El 9 de octubre llegarán dos episodios sobre los cuartos de final. El capítulo correspondiente a las semifinales se estrenará el 13 de noviembre, mientras que el episodio de la Gran Final podrá verse el 4 de diciembre.

El máximo referente del boxeo en México y uno de los deportistas más destacados en la historia, Julio César Chávez, estrenará su nueva serie “Chávez vs Chávez”, donde se revelará la parte más intima de su vida.

En el documental producido por N+Docs, se podrá conocer lo más cercano a la vida del Gran Campeón Mexicano, desde sus peleas más destacadas y la preparación que lo llevaron a lo más alto de la fama, hasta los problemas familiares y con las adicciones que lo hicieron caer hasta abajo.

Chávez vs Chávez: el rival más complicado

A lo largo de su trayectoria, Julio César Chávez tuvo una larga lista de contrincantes complicados y destacados, como Mario “Azabache” Martínez con quien disputó su primer campeonato del mundo, Meldrick Taylor al que venció de manera agónica en los últimos segundos del combate o esa inolvidable función ante el estadounidense Greg Haugen en 1993 en el Estadio Azteca ante más de 130 mil personas.

Sin embargo, ninguno de estos nombres fue el rival más complicado en la carrera de Julio César Chávez, sino el mismo Chávez. En entrevista con Infobae México, Julio aseguró que el rival más difícil de enfrentar durante toda su trayectoria fue él mismo.

El excampeón del mundo señaló que existieron sus dos versiones, el Chávez bueno, el que de niño tuvo muchas carencias, que quería ser campeón del mundo y sacar a su familia adelante, y el Chávez malo, el que se refugió en las adicciones haciendo daño a su alrededor y que tocó fondo.

“Porque el Chávez que soñaba con ser campeón del mundo, que soñaba con tener lo que todo niño sueña cuando viene uno de la promesa. Entonces tienes un sueño ¿no?, tienes una visión, tienes una meta de llegar a ser campeón del mundo. Y lo logré, ese era el Chávez bueno, el Chávez que era sano, que era limpio, que no tiene ninguna adicción. Pero te enfrentas al otro Chávez, de repente te tropiezas y te refugias en el alcohol y las drogas, entonces ese es el otro Chávez que no eres tu, es una enfermedad que te atrapa y te va consumiendo poco a poco y llegas a un fondo sin salida y no te das cuenta de todo el daño que hacer a tu alrededor", comentó en la entrevista.

Julio César Chávez: una carrera de gloria y sufrimiento

La carrera de Julio César estuvo llena de gloria, pero también de sufrimiento, impulsado por toda su familia pero sobre todo por su mamá, pudo llegar a lo más alto en cuanto a nivel deportivo se refiere disputando 37 peleas de campeonato mundial, récord que ningún peleador ha podido alcanzar. Además de realizar 27 defensas con éxito, dejó un récord casi perfecto que se ve muy complicado de superar. 107 victorias (87 por la vía del nocaut), 6 derrotas y 2 empates.

Dentro de estas estadísticas cabe señalar que llegó a una racha invicta durante sus primeras 90 peleas, 89 victorias y un empate. Su primer derrota llegó tras más de 10 años de carrea cuando cayó ante Frankie Randall en 1994.

Dentro de esta gloria, también estuvo el sufrimiento. Después de tenerlo todo y ganarle a casi todos, el problema con las adicciones llevó a Chávez a caer en lo más bajo, aunque como lo hizo en el cuadrilátero, pudo levantarse y salir adelante.

Se trata de Un hijo propio, un ‘docudrama’ que gira en torno al caso de Eleonor Alejandra Marín Mendoza, una trabajadora de un hospital de Ciudad de México que, en 2009, fingió un embarazo y salió del centro con una recién nacida escondida en una bolsa. Una historia que sacudió a la opinión pública del país y que el filme utiliza para examinar la presión social sobre la maternidad y los fallos de atención en materia de salud mental.

El caso acabó con una condena de 13 años, 3 meses y 25 días de prisión para Marín Mendoza, la localización de la bebé pocas horas después en un hotel del este de Ciudad de México y la absolución posterior de su marido, Arturo Calderón Gamiño, que pasó dos años y seis meses en prisión preventiva mientras se investigaba su posible implicación.

Un ‘true crime’ nada convencional

La película se aparta del ‘true crime’ convencional, como no podía ser de otra manera en el cine de Alberdi, y articula el relato en dos planos: una primera mitad dramatizada desde la versión de Marín Mendoza, con actores que cuentan la historia desde el pasado, y una segunda parte en la que aparecen la propia protagonista en prisión, así como otras personas vinculadas al caso e imágenes de archivo de 2009.

La directora chilena, dos veces nominada al Oscar en documental, ha explicado que esa recreación adopta la forma de un “cuento de hadas” para reflejar la mirada subjetiva de la protagonista sobre su matrimonio y su deseo de ser madre.

La investigación se activó el 17 de junio de 2009, el día en que Marín había anunciado a su familia que daría a luz. La sustracción se produjo minutos antes de las 19.00 en el área de ‘ginecobstetricia’ del hospital donde trabajaba: la mujer cogió a una recién nacida de las cunas, la ocultó en una bolsa de papel y salió del edificio.

Los vídeos de seguridad permitieron identificar que quien se había llevado a la niña era una empleada del propio hospital. A partir de esa pista, las autoridades revisaron su domicilio y sus registros telefónicos, localizaron un número de hotel y encontraron de madrugada a la bebé sana junto a Marín y a su esposo.

La recién nacida, Katya Valentina, fue devuelta ilesa a sus padres pocas horas después. Arturo Calderón Gamiño también fue detenido en ese operativo, aunque terminó absuelto.

La versión de Marín Mendoza sobre lo sucedido difiere de la mantenida por la familia de la niña. Ella sostiene que conoció en la maternidad a una embarazada llamada Mayra Navarro Vega, que esa mujer no quería a la bebé y que había aceptado entregársela tras el parto.

Mayra rechaza de forma tajante ese relato y afirma que solo vio a Marín el día del nacimiento, cuando apareció en su habitación haciéndose pasar por trabajadora social y preguntándole por su vida, el padre de la niña y su relación con él.

La madre de la bebé ha declarado que fue al baño del hospital y, al volver, descubrió que su hija había desaparecido. También niega que existiera acuerdo alguno y sostiene que llevó el embarazo en otro centro sanitario y no conoció a Marín hasta ese momento.

Cómo fingir un embarazo

El documental sitúa el origen del engaño mucho antes del secuestro. Marín Mendoza se casó siendo adolescente, quedó embarazada y sufrió un aborto espontáneo; después perdió un segundo embarazo y ocultó un tercero por miedo a la reacción de su marido y de su familia política.

Para mantener la ficción de que seguía gestando, aumentó de peso de 54 a más de 89 kg comiendo comida basura y manipuló sus propios historiales médicos en el departamento de obstetricia y ginecología donde trabajaba. La película incluye además un episodio especialmente revelador: un médico llegó a autorizarle la baja por maternidad tras asegurar que había detectado el latido de un bebé.

Alberdi ha comentado en varias entrevistas que el caso le interesó por la pregunta de fondo: por qué alguien sentiría la necesidad de fingir un embarazo. Su respuesta no exculpa el delito, pero desplaza parte del foco hacia el entorno familiar, sanitario y social que rodeó a la protagonista.

En esa misma línea se pronuncia la psicóloga forense Norma Romero Sánchez, que evaluó a Marín tras su detención y aparece en la película. La especialista sostiene que la presión para sentirse realizada como mujer a través de la maternidad contribuyó a una fantasía defensiva frente a una realidad dolorosa marcada por abortos recurrentes.

Romero Sánchez añade que el engaño solo pudo llegar tan lejos por un perfil psicológico concreto, con pocos recursos para afrontar conflictos y tendencia a la disociación, hasta el punto de confundir fantasía y realidad. A su juicio, un mayor apoyo profesional habría cambiado el recorrido del caso, aunque también reclama una revisión de los estereotipos culturales que siguen asociando la identidad femenina a tener hijos.

Tras salir de prisión en 2023, Marín Mendoza asegura en el documental que ha pasado años “asumiendo el hecho de no ser madre”. En esa revisión de su propia historia, afirma que aquel deseo estaba más relacionado con complacer a los demás que con una decisión propia.

El documental de Maite Alberdi

Alberdi vuelve a manejar como solo ella sabe los recursos del documental, componiendo un magnífico híbrido entre ficción y realidad y suspendiendo así la verdad del relato a través de los diferentes puntos de vista.

Y es que nos encontramos frente a un personaje que puso en suspenso la noción de objetividad, que se inventó un universo paralelo y que engañó a todos los que se encontraban a su alrededor. Así que, en consecuencia, la película también juega con eso, a manejar la perspectiva del espectador a través de los nuevos datos que poco a poco se van ofreciendo.

Su propio hijo es una película repleta de capas que se va reinventando a sí misma en todo momento, que demuestra la capacidad de la directora para observar y su delicadeza para que las tramas vayan encontrando su espacio y su hondura, al mismo tiempo que los personajes van adquiriendo una enorme dimensión y ambigüedad psicológica.

Salieron a fumar. Yerai le contó que quería grabar un disco con ese mismo título. Álvarez-Tangana vio algo más: una historia familiar atravesada por un secreto que llevaba años sin poder ser contado. “Quería ir directamente a los hechos”, explicó el músico en rol de director. La guitarra sería, en sus palabras, “una excusa” para entrar en el mundo de esa familia gitana alicantina (con todo lo que ello significa). Lo que siguió fue un rodaje de tres años, con pausas, dudas y cartas escritas para no herir a quienes aparecían ante la cámara. El resultado es una obra que opera como un acto de memoria afectiva: un documental donde la música funciona como vía de duelo, reconciliación y reescritura de una tumultuosa historia familiar.

Disco y película se concibieron como dos caras de una misma obra. Las canciones se fueron escribiendo mientras se rodaba, siguiendo el curso de los acontecimientos reales, de modo que cada tema del álbum dialoga con un fragmento biográfico del guitarrista. “Es un disco basado en hechos reales”, explicó Álvarez, porque se fue haciendo mientras se rodaba, con la única premisa de respetar lo que sucedía. Ambos se publicaron el mismo día: el 20 de diciembre de 2024.

Un secreto familiar en el centro del relato

Yerai Cortés comenzó a tocar el cajón a los cuatro años y dominaba la guitarra a los ocho. Creció en el barrio Virgen del Remedio, un entorno periférico donde la música y la comunidad funcionan como redes de apoyo y afirmación identitaria. A los 29 años, cuando se estrenó el documental, ya era una figura respetada en el flamenco contemporáneo, con presencia en tablaos como el Corral de la Morería de Madrid. C. Tangana lo describió con una frase que resume su posición singular: “Los modernos le tratan de moderno y los gitanos le tratan de gitano.”

Esa dualidad no es solo anecdótica. El documental la sitúa en el centro de su retrato, mostrando cómo navega entre expectativas contradictorias en una sociedad que el propio filme describe como racista. La identidad gitana no aparece como telón de fondo exótico, sino como condición atravesada por desigualdades estructurales que marcaron la historia de su familia. Y es esa historia —con sus silencios, sus culpas y su dolor acumulado— la que organiza la arquitectura narrativa de la película.

El núcleo dramático del documental es la familia de Yerai: su padre, su madre y su pareja, la cantante Tania García. Los padres, divorciados, aparecen ante la cámara con una fuerza de la naturaleza: capaces de sostener primeros planos donde se exponen vulnerabilidades y se revisan decisiones difíciles. Detrás del divorcio, y detrás del toque de Yerai, hay una muerte injusta que la familia llevaba años sin poder nombrar. El documental gira en torno a ese secreto sin convertirlo en espectáculo: lo rodea, lo mira desde distintos ángulos, deja que los personajes se acerquen a él a su propio ritmo. “Hablo de nudos familiares y de cargas”, dijo Yerai Cortés. “El documental se hizo para sanar heridas y para reescribir una historia que estaba mal contada.”

La película se construye como un thriller jondo: el secreto emerge poco a poco, rodeado de alusiones indirectas y silencios significativos. Cada escena aporta un fragmento, cada canción del disco abre una capa más de la historia, hasta que lo que estuvo callado durante años puede finalmente ser dicho. Cuando eso ocurre, el impacto ya está preparado por una empatía construida escena a escena. “Tenía una necesidad de contar mi historia”, dijo Yerai. “De hacer explícitas las cosas que me habían pasado.” La guitarra, por sí sola, solo podía producir notas y acordes; el documental se convirtió en el soporte visual y narrativo que permitió ordenar esas vivencias.

La voz que enhebra el relato

Tania García no es solo la pareja del protagonista. Su voz atraviesa toda la película como hilo conductor emocional, y su interpretación de “Los Almendros” —la canción que obtuvo el Premio Goya a Mejor Canción Original— funciona como el momento en que se condensa la experiencia de duelo, amor y reconciliación que el documental construye durante 91 minutos. La portada del proyecto la muestra en primer plano, una decisión que el propio Yerai explicó con claridad: “La guitarra es la protagonista, pero el hilo conductor es Tania.”

La canción habla de recuerdos, de pérdida y de los almendros como símbolo de conexión con quienes ya no están. Al llevarla al escenario y a los medios, el relato íntimo que nació en el círculo familiar se transformó en un gesto público compartido. La figura de Tania amplía así los límites de la familia retratada: no es solo acompañante afectiva, sino agente central de la narración musical y cinematográfica, la voz que da forma a lo que la guitarra no puede decir con palabras.

C Tangana, una estrella como cineasta aprendiz

La ópera prima de Antón Álvarez (C Tangana) como director llegó después de proyectos audiovisuales previos, como el magnífico documental sobre su propia gira Esta ambición desmedida, donde aprendió sobre fotografía y sobre el ritmo narrativo de la pantalla. Ese aprendizaje se tradujo en decisiones técnicas precisas. La más llamativa fue el diseño de sonido: en lugar de aislar instrumentos y voces como se hace en un estudio, se colocaron dos micrófonos directamente en la cámara, de modo que el punto de vista auditivo coincidiera con el visual. Cuando la cámara se gira hacia la guitarra, la voz pasa al fondo; cuando enfoca la voz, la guitarra retrocede sonoramente. El resultado es una experiencia de escucha que imita la percepción real del espectador si estuviera físicamente en el espacio filmado.

Las escenas musicales se filmaron en su mayoría con planos secuencia sin cortes, capturando no solo la música sino el ambiente que la rodea: los golpes de percusión, las palmas, las respiraciones, la reverberación de la sala. En el flamenco, donde la reacción del entorno forma parte constitutiva de la actuación, ese diseño permite que la película transma algo que los documentales de estudio suelen perder. “Cuando a un artista no le dicen ‘olé’ mientras toca, puede llegar a pensar que no está gustando”, explicó Yerai Cortés.

La fotografía, a cargo de cinco directores de imagen —Uri Barcelona, Nauzet Gaspar, Àlvar Riu Dolz, Diego Trenas y Arnau Valls Colomer—, privilegió encuadres cercanos a las manos de Yerai, a los rostros de los padres, a la mirada de Tania. La luz, en muchos casos natural, evitó la estilización excesiva.

Álvarez reconoció la influencia de Carlos Saura y su impar trilogía flamenca —Bodas de sangre, Carmen, El amor brujo— en la concepción visual del documental. Pero donde Saura filmó en espacios escénicos depurados, con iluminación controlada y coreografías estudiadas, el director de La guitarra flamenca de Yerai Cortés optó por sacar el flamenco del teatro y llevarlo a descampados, plazas de barrio y esquinas del barrio Virgen del Remedio. “Me parece que había que estar a la altura del maestro”, dijo Álvarez, “pero sacando el flamenco de la escena y poniéndolo en un mundo más natural.”

Esa decisión conecta el toque de Yerai con su origen social de manera directa: la música no flota en un espacio abstracto, más bien suena en los lugares donde se vive y se sufre. Las actuaciones en descampados y plazas muestran el flamenco como práctica comunitaria, no como espectáculo para el consumo turístico y antropológico. Frente al riesgo del “lavado de cara” que amenaza a muchas producciones del género —documentales que funcionan principalmente como herramientas de imagen para el artista—, la película apuesta por la naturalidad. Yerai lo formuló con su propia lógica: “¿Por qué tiene que ser tan grave mostrarte vulnerable?”

El punto de partida del documental no es una cancha de tenis, sino un bosque de Serbia. A los 10 años, Djokovic se encontró solo frente a un lobo. Ambos se miraron durante diez segundos antes de que el animal inclinara la cabeza y se marchara. Esa imagen, según el propio tenista, condensa la soledad que sostuvo toda su trayectoria.

Las noches en los refugios durante los bombardeos, el dolor de la guerra y la angustia de una infancia atravesada por el conflicto armado aparecen en el documental como los cimientos sobre los que se construyó uno de los deportistas más laureados de la historia. “El tenis me dio muchísimo, pero las batallas más importantes nunca se libraron solo en la pista”, afirma Djokovic en el filme, según recoge Vanity Fair.

Federer, Nadal y Agassi en el documental

La producción de Prime Video también explora el entorno humano que rodeó al campeón a lo largo de las décadas. Su esposa Jelena Djokovic, sus hijos y su primera entrenadora, Jelena Gencic, ocupan un lugar destacado en el relato. “Sin ella no sería quien soy”, señala el tenista en referencia a Gencic, a quien atribuye parte esencial de su formación como deportista.

El documental recorre además sus primeras apariciones en el circuito profesional como un recién llegado que buscaba un lugar entre los grandes, y la obsesión constante por demostrar que podía estar a la altura de los mejores, de acuerdo con la información difundida por Vanity Fair.

Entre los testimonios que estructuran el relato figuran tres de los nombres más reconocidos del tenis mundial. Andre Agassi lo define como “el mejor de todos los tiempos”; Roger Federer lo llama “el aguafiestas”; y Rafa Nadal lo recuerda como “difícil, dificilísimo de enfrentar”.

Las tres caracterizaciones, reunidas en el mismo filme, trazan el perímetro de una rivalidad que marcó una generación entera del deporte, según detalla Vanity Fair.

Los números de una carrera récord

El palmarés que sostiene esa reputación va más allá de los 24 Grand Slams. Djokovic acumula más de 1.100 victorias en individuales a lo largo de su carrera, una medalla de oro olímpica y el récord de 428 semanas como número uno del ranking mundial, la marca más extensa registrada en la historia del tenis profesional.

Esos números, desgranados a lo largo del documental, permiten dimensionar la escala de una carrera que comenzó en las canchas de tierra batida de Serbia y se extendió durante más de dos décadas en los principales escenarios del circuito internacional.

Qué dice Djokovic sobre Sinner

El filme también incluye referencias al presente del circuito. Djokovic habla sobre Jannik Sinner con una franqueza que no deja lugar a interpretaciones. “He dado muchos consejos a sus entrenadores, primero a Piatti y luego a Cahill, sobre cómo mejorarlo, y no me arrepiento, así soy yo”, señala el serbio.

La declaración revela una faceta del campeón que pocas veces había trascendido públicamente: la disposición a aportar a rivales directos aun cuando eso pudiera ir en contra de sus propios intereses sobre la pista.

El futuro de Djokovic a los 40

El tenista, que cumplirá 40 años el 22 de mayo de 2027, no cierra la puerta a seguir compitiendo. El documental concluye con una figura que conserva aspiraciones sobre la pista y que apunta a sorprender tanto al público como a sus pares en las etapas finales de una carrera en el tenis masculino.

Netflix anunció que Jessica Simpson, de 46 años, será la protagonista de un documental de largo aliento que llegará a la plataforma en 2027, con el director Joe Pearlman al frente del proyecto.

El filme, aún sin título oficial, promete una “inmersión profunda en la vida y la carrera de la estrella del pop”, según describió Tudum, el portal de contenidos de Netflix.

Pearlman es un cineasta nominado a los premios BAFTA, los Emmy y los Grammy, conocido por su trabajo en documentales de alto perfil como Robbie Williams (2023), Lewis Capaldi: How I’m Feeling Now (2023), Mourinho y Harry Potter 20th Anniversary: Return to Hogwarts (2022). La producción estará a cargo de Van Toffler —ex presidente de MTV Networks, la cadena que convirtió a Simpson en nombre familiar con el reality Newlyweds: Nick and Jessica— y tendrá como productoras ejecutivas a la compañía Gunpowder & Sky, junto a Pearlman y Jonathan Silberberg.

La trayectoria de Simpson ofrece material de sobra para el formato. La cantante texana debutó en la música a los 18 años con el sencillo “I Wanna Love You Forever” (1999) y se convirtió en una de las figuras del pop de principios de los 2000, con más de 20 millones de discos vendidos en todo el mundo. Su exposición pública alcanzó otro nivel con el reality Newlyweds: Nick and Jessica (2003-2005), en el que compartió cámara con su entonces esposo, el cantante Nick Lachey, hasta que el divorcio en 2006 la dejó en el centro de un escrutinio mediático que se prolongó por años.

Lo que siguió al fin de ese matrimonio fue una década marcada por relaciones turbulentas —incluyendo un vínculo on and off con el músico John Mayer que Simpson describió como emocionalmente destructivo—, presiones de la industria sobre su cuerpo desde los 17 años, y una dependencia al alcohol y a pastillas que se agravó con el tiempo.

}En 2020 publicó sus memorias Open Book, un éxito de ventas en el que reveló haber sufrido abuso sexual en la infancia, haber consumido pastillas para dormir desde adolescente y haber llegado a un punto de quiebre en 2017, cuando no pudo ayudar a sus hijos a prepararse para Halloween por estar bajo los efectos del alcohol. “Tuve que despojarme de todo el automedicamento para sentir el dolor y descubrir qué estaba mal”, escribió. Alcanzó la sobriedad ese mismo año.

Mientras su carrera musical atravesaba turbulencias, Simpson construyó en paralelo uno de los imperios empresariales más inesperados de la industria del entretenimiento. En 2005 lanzó The Jessica Simpson Collection, una línea de calzado en colaboración con el diseñador Vince Camuto que se expandió a ropa, carteras, accesorios, fragancias y productos para el hogar en más de 30 categorías.

Para 2010, la marca generaba 750 millones de dólares anuales en ventas minoristas; en 2014 superó los 1.000 millones de dólares, convirtiéndose en la marca de licencias de celebridades más exitosa de su época, por encima de Michael Kors en volumen de ventas. En 2021, tras la quiebra de su empresa holding Sequential Brands, Simpson recuperó el 100% de la propiedad de su marca en una subasta por 65 millones de dólares, lo que le permitió quedarse con la totalidad de las ganancias futuras.

Después de 15 años de silencio discográfico —su último álbum de estudio había sido Do You Know (2008), un trabajo de country que debutó en el número uno del Billboard Top Country Albums y que aun así le valió la rescisión de su contrato discográfico—, Simpson regresó a la música en 2025 con dos EP independientes bajo el sello Nashville Canyon. El primero, Nashville Canyon, Pt. 1, llegó el 21 de marzo de 2025 con cinco canciones de americana y roots rock escritas en medio de su separación de su segundo esposo, Eric Johnson, tras diez años de matrimonio. El segundo volumen siguió en septiembre de ese mismo año. “Cuando he tenido éxito en mi vida ha sido cuando he sido honesta y auténtica. Nunca había tenido la oportunidad de hacerlo en la música hasta ahora”, declaró Simpson a Rolling Stone en marzo de 2025.

El regreso musical se combinó con una reaparición en la televisión: Simpson tuvo un papel en All’s Fair, la reciente serie protagonizada por Kim Kardashian. Ahora, con el documental de Netflix, la artista vuelve a abrir las puertas de su vida al escrutinio público por primera vez desde Newlyweds, más de dos décadas después. “Ahora ha vuelto a abrir las puertas para contarlo todo en un nuevo documental”, señaló Tudum al anunciar el proyecto. El documental no tiene aún fecha de estreno precisa dentro de 2027.

La intérprete compartió en redes sociales cómo experimentó una transformación total, tanto en su cuerpo como en su perspectiva de vida, durante el rodaje de la cinta basada en hechos que conmocionaron a México.

La película revive el caso de la bebé robada en el Hospital General

La producción, inspirada en el caso de una recién nacida sustraída en el Hospital General de Ciudad de México, abordó uno de los episodios más debatidos de la última década.

El filme reconstruye la historia desde la perspectiva de la mujer sentenciada, así como de los familiares afectados y el contexto judicial de la época. El caso, ocurrido en 2009, generó un amplio debate sobre la seguridad hospitalaria, el dolor colectivo y la criminalización de la infertilidad.

La cinta propone una mirada íntima de los hechos y de los motivos que impulsaron a la protagonista, evitando juicios y mostrando las consecuencias personales, familiares y sociales del delito.

La narrativa buscó dar voz tanto a la mujer que cometió el acto como a quienes resultaron afectados directamente.

El impacto mediático y la reapertura del caso en documentales y ficciones recientes reavivaron la discusión sobre la protección de la niñez y la salud mental materna.

El proceso de transformación de Ana Celeste para el papel

Ana Celeste relató en sus cuentas de TikTok e Instagram que el proceso de construir a su personaje fue uno de los retos más grandes de su carrera.

“Decidí grabar mi proceso porque solo mi coach y yo sabíamos cómo me sentía… construir fue hermoso como actriz, doloroso como Ale, pero sobre todo intenté honrar los dolores por los que pasamos todas. Hay un dolor colectivo que nos habita y ahí quería estar para poder contar esto”, compartió en uno de sus videos.

La actriz describió que tuvo que someterse a una intensa transformación física para el papel, incluyendo un aumento de peso significativo.

“Subí 10 kilos, cambió todo de mí, cambió mi manera de ver el mundo, hasta mi música era otra, mi mente ya nunca fue la misma”, escribió en Instagram.

Ana Celeste detalló que, para lograr esta construcción, fue necesario dejar atrás sus propios juicios y permitir que afloraran emociones profundas.

En su mensaje, la intérprete habló de cómo el trabajo actoral la llevó a explorar y habitar dolores propios y ajenos.

“Me permití habitar mis dolores más grandes, descubrí mis heridas y otras que no sabía que estaban y al mismo tiempo, en medio de toda la destrucción, me sentí completa”, explicó.

Consideró que habitar el espíritu y las emociones de otro ser a través de su cuerpo y conciencia le permitió experimentar una catarsis personal y profesional.

La experiencia de filmar la cinta la llevó a reflexionar sobre su disciplina y su vocación actoral.

“Sentí que había valido la pena tanto esfuerzo, tanto estudiar, tanto esperar, tantos años de trabajo… Sentí respeto, disciplina, fuerza, dolor, convicción y una satisfacción muy grande”, expresó en su publicación.

Ana Celeste subrayó la importancia de la transformación en su carrera: “Siempre he visto la transformación como algo necesario, quiero habitarme de todas las formas posibles, me gusta el límite, lo diferente, aunque me da miedo siempre viajo a lo más profundo de mí”.

Finalmente, la actriz agradeció la oportunidad de interpretar a Alejandra y de contar su historia.

“Gracias Alejandra por permitirme habitarte y contar tu historia”, concluyó. El papel dejó en Ana Celeste un aprendizaje duradero y una visión renovada sobre la empatía, el dolor y la fuerza que implica encarnar historias reales en la pantalla.

La cineasta, documentalista y promotora cultural salvadoreña Paula Heredia será reconocida como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, según información publicada por elsalvador.com y La Gaceta Suchitoto.

La distinción será entregada por el Ministerio de Cultura de Francia el próximo 26 de agosto, durante una ceremonia que será presidida por la embajadora Anne Denis-Blanchardon, en San Salvador.

La Orden de las Artes y las Letras, creada en 1957, distingue a personalidades que han sobresalido por sus aportes en los ámbitos artístico o literario y por su contribución a la difusión de la cultura. La candidatura de Paula Heredia fue impulsada y documentada por la Embajada de Francia en El Salvador, proceso que fue posteriormente evaluado por las instancias competentes de la Orden y el Ministerio de Europa y de Asuntos Exteriores de Francia, según detalla La Gaceta Suchitoto.

Paula Heredia cuenta con una trayectoria internacional vinculada al cine y el documental. Ha recibido reconocimientos como un premio Emmy y un ACE Eddie Award. En 2002, Heredia obtuvo el Emmy por su trabajo de edición en el documental “In Memoriam: New York City, 9/11/01”, producido por HBO, y en 2009 dirigió el filme “Africa Rising”, producido por Meryl Streep. Además de su labor audiovisual, Heredia ha desarrollado una importante dimensión cultural y educativa en El Salvador, especialmente en Suchitoto.

La labor de Heredia ha tenido un impacto significativo en la vida cultural de Suchitoto. Es fundadora de la Fundación Casa Clementina y directora artística del Festival Internacional de Cine de Suchitoto (FICS), desde donde ha impulsado la promoción del cine, el arte y el desarrollo comunitario.

El FICS, creado en 2014, se ha consolidado como un espacio de encuentro entre el público local y producciones cinematográficas salvadoreñas e internacionales, además de propiciar alianzas que han permitido acercar el cine francés a las pantallas salvadoreñas.

En 2025, el festival presentó un ciclo de animación francesa en colaboración con la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français de París, según destaca La Gaceta Suchitoto.

Heredia expresó su gratitud al conocer la noticia del reconocimiento. “Me llena de mucha felicidad este reconocimiento. Aceptaré esta distinción con profunda gratitud y con el firme compromiso de seguir tendiendo puentes entre nuestras culturas”, declaró en diálogo con elsalvador.com.

La Fundación Casa Clementina, fundada por Heredia, ha promovido iniciativas comunitarias como Jóvenes Emprendedores, las Damas de los Bordados, las Residencias Artísticas y el Laboratorio entre Artistas y Artesanos. Estos programas buscan fortalecer la identidad local, la formación técnica y el emprendimiento a través del arte y el patrimonio cultural salvadoreño.

Con este reconocimiento, Paula Heredia se suma a una lista de salvadoreños destacados que han recibido la Orden de las Artes y las Letras de Francia, entre ellos los pintores Carlos Cañas y César Menéndez, el escultor Ricardo Carbonell, el director teatral Roberto Salomón, el gestor cultural Sergio Alfaro y la musicóloga Elizabeth Trabanino Suárez, según reporta elsalvador.com.

La distinción reconoce una trayectoria que ha combinado la creación audiovisual con la gestión cultural y el impulso de proyectos orientados a conectar a las comunidades salvadoreñas con expresiones artísticas nacionales e internacionales. Desde Suchitoto, la comunidad felicita a Heredia por una carrera que ha contribuido a colocar a la ciudad en el mapa cultural y cinematográfico internacional, como resalta La Gaceta Suchitoto.

Esta condecoración reafirma el compromiso de Paula Heredia de continuar promoviendo el intercambio cultural entre El Salvador y Francia, y de seguir aportando al desarrollo artístico y comunitario desde Suchitoto.

El director brasileño Kleber Mendonça Filho filmó un documental de ocho minutos sobre el cineasta iraní Jafar Panahi en las calles de Nueva York, durante la 63ª edición del Festival de Cine de Nueva York (NYFF, por sus siglas en inglés). El cortometraje, titulado South of Tehran, tendrá su estreno mundial en la 64ª edición del certamen, que se extenderá del 25 de septiembre al 12 de octubre, según informó en exclusiva la revista IndieWire.

La película surgió de una serie de conversaciones entre ambos directores a lo largo de distintos puntos de la ciudad, mientras los dos participaban en el festival de 2025 con sus respectivos largometrajes. Mendonça Filho presentaba El agente secreto, por la que obtuvo el premio al Mejor Director en Cannes 2025. Panahi, por su parte, llevó a Nueva York Fue solo un accidente, el thriller político con el que ganó la Palma de Oro en ese mismo festival. Ambas películas fueron posteriormente nominadas al Óscar a la Mejor Película Internacional en la ceremonia de 2026.

La elección de Jafar Panahi como sujeto del documental no es casual. El director iraní, nacido en 1960, lleva más de una década filmando bajo una prohibición formal impuesta por el gobierno de Irán en 2010, que le vetó dirigir películas, escribir guiones, dar entrevistas y salir del país durante 20 años, tras ser acusado de propaganda contra la República Islámica. Lejos de abandonar su oficio, rodó en condiciones clandestinas: This Is Not a Film (2011) se filmó en su apartamento y salió del país en un pendrive oculto dentro de un pastel; Taxi (2015) se rodó desde el interior de un automóvil; Fue solo un accidente se filmó de manera guerrillera con actores en su mayoría no profesionales y se editó en una MacBook Air sin conexión a internet. Panahi es uno de los cuatro directores en la historia del cine que ganaron los premios máximos de los tres grandes festivales europeos: Cannes, Berlín y Venecia.

South of Tehran es la primera entrega de NYFF Encounters, un nuevo ciclo anual del festival neoyorquino que encarga a un director con película en la programación un cortometraje rodado durante el certamen, para estrenar en la edición siguiente. El director artístico del NYFF, Dennis Lim, describió el espíritu de la iniciativa: “El Festival de Cine de Nueva York es, ante todo, un lugar de encuentro: entre cineastas, públicos, películas y la ciudad misma”, y añadió que la esperanza es que estos filmes formen con el tiempo “un archivo histórico tan significativo como nuestra colección de afiches”.

El propio Mendonça Filho explicó cómo nació el proyecto. “Amo el hecho de que mi próxima película fue sugerida por Dennis Lim, casi como un reto”, declaró el director brasileño. “Acepté el desafío y pude filmar una pequeña película en el NYFF del año pasado con el maravilloso Jafar Panahi.” El cortometraje, producido por Emilie Lesclaux, se proyectará en la sección Spotlight del festival y tendrá presentaciones adicionales junto a algunas de las películas del programa principal.

La iniciativa NYFF Encounters toma como modelo un cortometraje que permaneció inédito durante décadas: Pier Paolo Pasolini — Agnès Varda — New York — 1967, filmado por Agnès Varda con cámara de 16 milímetros durante la 4ª edición del festival, mientras ella y el cineasta italiano recorrían las calles de Manhattan. El material fue descubierto en 2021, tras la muerte de Varda, restaurado y exhibido en el NYFF de 2023. La 64ª edición del festival, presentada por Film at Lincoln Center, incluye en su programa principal 32 películas de 31 países.

La producción aborda el proceso de reunión de los hermanos Liam y Noel Gallagher, así como los conciertos y la respuesta de sus seguidores después de 16 años de separación.

El adelanto comienza en un estudio de ensayo vacío, mientras los integrantes de Oasis llegan al lugar. Fragmentos de noticias recuerdan las diferencias entre Liam y Noel Gallagher y la ruptura del grupo en 2009.

Posteriormente, el material muestra las primeras conversaciones sobre la posibilidad de volver a tocar juntos. En una de las escenas, Liam Gallagher explica que la manera en que terminó la historia de la banda fue “inaceptable” para él.

Noel Gallagher, por su parte, expresa sus dudas sobre regresar a los escenarios junto a su hermano debido a las tensiones que habían marcado la relación entre ambos.

“Simplemente no me veo en el escenario con Liam. No quiero volver a lidiar con la tensión. ¿Volverá a desmoronarse todo ?”, dijo.

Por si fuera poco, el tráiler también muestra imágenes de los ensayos y de la preparación de la gira. La producción continúa con escenas del primer concierto de Live ’25, realizado en Cardiff, Gales, en julio de 2025.

En el adelanto, Liam describe los conciertos como una oportunidad para afrontar los conflictos del pasado. La gira representó el regreso de Oasis después de la separación de 2009, cuando Noel abandonó la agrupación tras años de diferencias con su hermano.

Tras la disolución del grupo, ambos músicos desarrollaron carreras por separado y continuaron intercambiando declaraciones sobre sus diferencias en entrevistas y redes sociales. La reunión puso fin a una espera de 16 años para los seguidores de la banda.

Oasis: Don’t Look Back in Anger tendrá su estreno mundial en cines el 11 de septiembre de 2026. El 9 de septiembre se realizarán funciones anticipadas en formato IMAX en Reino Unido y Norteamérica. Antes de su lanzamiento comercial, la película será presentada en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

De acuerdo con la información difundida por la producción, la película tendrá una duración de dos horas e incluirá imágenes de los ensayos y presentaciones de la gira, además de material que no había sido mostrado anteriormente. También contará con la primera entrevista conjunta de Liam y Noel Gallagher en más de dos décadas.

Oasis comenzó la gira en Cardiff en julio de 2025, en el marco de su regreso a los escenarios. A lo largo de su trayectoria, el grupo colocó tres canciones en el Billboard Hot 100, entre ellas “Wonderwall”, que alcanzó el puesto número 8. Además, registró 11 lanzamientos en el Billboard 200.

El documental fue producido por Steven Knight, productor y guionista nominado a los premios BAFTA y los premios Oscar. Asimismo, fue dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace, responsables del documental Shut Up and Play the Hits, centrado en LCD Soundsystem.

“Seamos libres, lo demás no importa nada”. La frase más citada de José de San Martín no es solamente una proclama de libertad: es una jerarquía. Hay algo que está por encima de todo, y todo lo otro —los agravios, las facciones, las cuentas pendientes, las heridas personales— entra sin más trámite en la categoría de “lo demás”.

Dos siglos después, la Argentina invirtió esa jerarquía. “Lo demás” ocupa la escena completa. A esa inversión apunta El Libertador, el cortometraje producido por Infobae con imágenes generadas por inteligencia artificial, que narra el encuentro entre San Martín y Sarmiento en la residencia de Grand Bourg.

No es una pieza concebida con pretensión artística ni como aporte al debate historiográfico, y tampoco sirve para estudiar la vida del Libertador. Convoca a otra cosa: a pensar el presente de una Patria desgarrada a partir del encuentro entre dos personalidades que el imaginario histórico-político nacional suele ubicar en veredas opuestas.

¿Es posible promover un punto de encuentro y de diálogo entre quienes abrazaron posiciones distintas? El cortometraje no se regodea en las desavenencias ni en los enfrentamientos fratricidas que provocaron el exilio de San Martín, ni se detiene en las anécdotas de la política doméstica rioplatense.

Sarmiento no pone el dedo en la llaga: interpela al Libertador sobre algo más trascendente, el encuentro con Bolívar y el desarrollo de la campaña libertadora. San Martín, a su vez, no enumera los agravios de quienes lo denostaron durante décadas. Narra lo único que importa cuando se trata de pensar la Patria. Ahí está la metáfora: la de aquello que falta, pero sobre todo la de lo que puede hacerse si se abandonan los esquemas de pensamiento binario y se abraza la Patria desde la complejidad de su entramado social, geográfico, económico y político.

Francia tiene su Panteón, y en la entrada la inscripción “A los grandes hombres, la Patria agradecida”. Allí descansan quienes hicieron grande esa nación, sin distinguir banderas ni partidos. Rousseau reposa justo enfrente de Voltaire: dos intelectuales de la Ilustración y de la Revolución que en vida sostuvieron ideas sensiblemente enfrentadas. Francia no eligió a uno y negó al otro. Los acogió a ambos, en pie de igualdad y cara a cara, para que dialoguen entre sí y con el imaginario colectivo hasta el fin de los tiempos.

Los partidos expresan una parte, nunca el todo: lo dice su propia etimología. Y una nación se edifica con todas las partes. El problema argentino —porque existe como tal— no deriva de coyunturas específicas. Es de raíz, y se vincula con el quiebre de valores compartidos que llevó a exacerbar hasta lo indecible un enfrentamiento que, a la luz del tiempo, se ha vuelto incomprensible.

Rosas, Urquiza, Alberdi, Sarmiento, Roca, la generación del 80, Yrigoyen, Alvear, Perón, Frondizi y tantos otros son figuras que, en su justa ponderación, pueden aportar a una gran síntesis nacional. Y una síntesis no es la negación de nada: es la superación de dos tesis antagónicas mediante un salto dialéctico que alumbra una nueva verdad compartida.

En los últimos años se ha naturalizado el agravio en la política. Se lo ha celebrado y aplaudido complacientemente, reproduciendo una práctica asentada en acentuar las discrepancias antes que en construir soluciones entre todos. Los resultados están a la vista.

Tal vez haya llegado la hora de desandar tantos desencuentros y de volver a pensar en grande, más allá de lo anecdótico. Conviene recordar que el cruce de los Andes no fue una excursión. Fue una epopeya realizada con frío, al borde del abismo, en la inmensidad de una geografía amenazante y con un enemigo agazapado.

El corolario de la liberación de Chile, Perú y el continente entero no fue la gloria mundana: fue el destierro y el agravio de la facción que pensaba más en la guerra civil que en la campaña emancipadora. Y aun así, el Padre de la Patria jamás se mostró arrepentido. Hizo lo que tenía que hacer, como un verdadero soldado.

Es posible —y necesario— recuperar los valores fundantes de la Patria. Valor, esfuerzo, disciplina, coraje y pensamiento estratégico. Darlo todo sin esperar nada a cambio. Que la potencia de ese ejemplo se vuelva práctica cotidiana, y que la vieja jerarquía vuelva a su lugar: seamos libres, que lo demás, efectivamente, no importa nada.

El proyecto estará encabezado por Majo Riera, madre de Lali Espósito, quien asumirá la conducción de un ciclo de siete episodios dedicado a explorar la vida de mujeres que acompañaron el crecimiento personal y profesional de figuras con alta exposición pública. La presentación oficial se realizó este 12 de agosto de 2026 a través de un comunicado de Personal.

La propuesta se centra en el costado menos visible de esas historias familiares. Según la información difundida por la compañía, la serie busca mostrar cómo esas madres atravesaron la crianza, el sostén cotidiano y la cercanía con trayectorias artísticas que luego alcanzaron una fuerte repercusión pública. El ciclo pondrá el acento en sus historias personales, sus tensiones y el vínculo con la exposición mediática.

Entre las entrevistadas figuran Marlene Rodríguez Miranda, madre de Evaluna, Mau y Ricky, además de esposa de Ricardo Montaner; y Sandra Viviana Quiroga, madre de Duki. A ese grupo se suman, de acuerdo con la información difundida sobre el proyecto, las madres de Emilia Mernes, Nicki Nicole, Milo J y Tiago PZK, en una serie de encuentros que también incluirán a la propia Lali Espósito.

La producción plantea un recorrido por distintas ciudades, entre ellas Nogoyá, Rosario y Buenos Aires, con entrevistas que buscarán reconstruir el lugar que ocuparon esas mujeres en el desarrollo de las carreras de sus hijos. En el avance promocional, una de las participantes afirma: “Gracias a Nicki me di cuenta de que yo podía hacer cosas también, de manos que sostienen y abrazan”. Otra de las voces que aparecen en el tráiler sostiene: “Porque hay cosas que no se pueden transferir, ni vender, ni imitar. El único bien de familia que tengo”.

Riera también dejó una definición sobre el origen de la idea, según surge del material de difusión del lanzamiento. “Hace 20 años acompaño a mi hija en su carrera artística. Es muy difícil trabajar con un hijo”, señala en la presentación del ciclo. Más adelante agrega: “Un día alguien me dijo ‘dejá que te vea el seguidor’ y entendí lo invisible que era mi trabajo”, en una reflexión sobre el lugar de las madres que cumplen tareas de acompañamiento dentro de la industria del espectáculo.

El lanzamiento del tráiler sumó reacciones en redes sociales. Entre ellas apareció un mensaje de Lali Espósito, quien comentó “La Majo” junto a corazones, y también hubo expresiones de apoyo de figuras del ambiente artístico y de varias de las madres que participaron de la grabación.

Flow incorporará la serie a partir del jueves 27 de agosto dentro de su oferta On Demand, en un catálogo que reúne series, películas, documentales, música en vivo, noticias y deportes.

El documental de Oxygen True Crime sobre la vida de Emma Coronel Aispuro, esposa de Joaquín “El Chapo” Guzmán, llega en streaming a México luego de nueve meses de su estreno en Estados Unidos.

Married to El Chapo: Emma Coronel Speaks —o Casada con El Chapo: Emma Coronel Habla, como se conoce en español— se estrenó originalmente el 28 de noviembre de 2025 y desde entonces no ha dejado de generar polémica.

En él, Coronel habla de su infancia en Durango, de cómo conoció al capo mexicano, de las capturas, las infidelidades y de su propio arresto en un aeropuerto de Virginia.

Una niña en la sierra que no tenía televisión y no sabía quién era El Chapo

Emma Coronel Aispuro nació en California pero creció en un rancho de Durango sin agua potable, sin electricidad y sin señal de televisión. Lo cuenta ella misma en el documental: “Vivía en mi casa con mis papás, mis tres hermanos. No había agua potable, no había electricidad, y por supuesto que no había televisión. Estábamos realmente incomunicados del mundo”.

En ese entorno, el cultivo de marihuana era la economía de la región. “Cultivaban marihuana en los ranchos desde que tengo uso de razón. Esa es la forma de vivir de las personas. O te mueres de hambre o haces lo que haya que hacer para sobrevivir”, relató.

Fue en ese contexto que Coronel justifica no haber sabido quién era Joaquín Guzmán Loera cuando lo conoció a los 17 años, en una fiesta local donde participaba como candidata a reina de la Feria del Café y la Guayaba: “Siempre que lo digo, dicen: ‘¿Cómo no vas a saber? Si salía en la tele’. ¡Yo no tenía tele! Carajo, pues, ¿dónde yo lo iba a ver?”.

El primer acercamiento fue breve. Alguien le dijo que una persona importante en la fiesta quería bailar con ella. “Llegó un hombre y me dijo: ‘Mi nombre es Joaquín’”, recuerda. Guzmán tenía entonces alrededor de 50 años y ya era prófugo de la justicia.

El cortejo de los días siguientes incluyó visitas en helicóptero al rancho familiar. Coronel recuerda una en particular: mientras ella y su familia lavaban ropa a mano y la tendían a secar, escucharon llegar la aeronave. “Se voló por todos lados. Todo el mundo dice: ‘Ay, qué padre. Joaquín fue a visitarte en un helicóptero, wow’. Y yo nada más pensando: ‘Ya me volaste toda la ropa, ya me llenaste todo de polvo’”.

Se casaron en una ceremonia simbólica en el rancho, sin unión civil, cuando ella cumplió 18 años. “Sencilla, en mi rancho, con mi familia, música, mi pastel”, describió. Hoy, ese recuerdo no le produce emoción: “Es un aburrimiento para mí estar hablando de eso. Mas que tristeza, no siento nada”.

La vida clandestina: avionetas, puertas traseras y un capo que veía novelas

La vida en pareja transcurrió entre la sierra de Durango y casas clandestinas. Para visitar a Guzmán, Coronel Aispuro dejaba todos sus celulares en casa, salía por puertas traseras de tiendas, cambiaba de vehículo en movimiento y abordaba avionetas hacia pistas sin nombre en ranchos de Durango.

“Para mí esa era la vida normal”, dijo en el especial de Oxygen. “Ahora me doy cuenta que no era normal”.

Cuando estaban juntos, el capo elegía actividades domésticas. Le gustaba ver novelas —la que más le gustó fue Destilando amor—, cantaba en la regadera y le pedía a Coronel que le hiciera enchiladas con los mismos ingredientes que usaba su madre. “Él no se sentaba a hablar conmigo sobre su trabajo. Ni yo le preguntaba, ni lo veía trabajar”, aseguró.

Al ser preguntada por la fortuna que llevó a Forbes a ubicar a El Chapo en la posición 701 de los más ricos del mundo, Coronel respondió: “Nunca vi esas cantidades. Ni siquiera lo escuché mencionarlo. También me gustaría que dijeran dónde está, porque yo nunca la vi”. Luego reconoció que tampoco preguntó: “No le pregunté de dónde venía su dinero por falta de experiencia, tal vez por comodidad”.

Podían verse una semana seguida o pasar un mes sin encontrarse. Cuando salían noticias sobre él en los medios, Guzmán le avisaba: “Me lograba avisar: ‘Si te enteras de alguna noticia o ves la tele, no te asustes, yo estoy bien’”.

La madrugada en Mazatlán, la fuga del Altiplano y la última Navidad juntos

El 22 de febrero de 2014, Coronel estaba con sus hijas pequeñas en un hotel de Miramar, en Mazatlán, cuando las fuerzas federales irrumpieron. Guzmán la había convocado ahí días después de escapar de una persecución en Culiacán. Ella pensó: “‘Bueno, pues ¿por qué no esperaste a que se estuviera un poco más calmado para llevarnos?’”, pero accedió.

Alrededor de las cuatro de la mañana, la calma se rompió: “Nos tumbaron la puerta. Había personas gritando su nombre, ‘Joaquín, Joaquín’. Estaban en cinco segundos apuntándome con armas largas. Yo creo que es el momento que más miedo he sentido porque también, pues al lado estaban mis hijas”.

Guzmán se entregó cuando escuchó que apuntaban a su esposa: “Ya salió y dijo: ‘Ya, ya. Aquí estoy, aquí estoy’”. Coronel, la niñera y la cocinera fueron detenidas, esposadas y vendadas de los ojos. “Esos momentos se te hacen una eternidad”, recordó.

Sobre la fuga del Altiplano en julio de 2015 —por la que se declaró culpable ante una corte federal de Washington—, Coronel fue evasiva frente a la cámara. Cuando le preguntaron directamente su papel en el plan, pidió detener la grabación. Solo se escucha: “Quería explicarlo de una forma que después no me afecte”.

La última vez que vio a su esposo en libertad fue días antes de Navidad de 2015, en una cena familiar con cohetes artificiales. El 8 de enero de 2016, Guzmán fue recapturado en Los Mochis en la Operación Cisne Negro. Coronel se enteró por los medios. “Son muchas emociones: Tristeza, estrés, molestia, preocupación. Creo que fue el siguiente día que yo iba manejando en sentido contrario y fue un shock para mí cuando me di cuenta”, narró.

El juicio del siglo y la Chapodiputada: la infidelidad ventilada frente a la prensa

Durante el juicio de El Chapo en Nueva York, Coronel decidió asistir todos los días: “Era la única forma de verlo y de mostrarle un apoyo emocional”. Fue ahí donde, frente a la prensa, las autoridades y los asistentes, quedó al descubierto la relación extramarital de Guzmán con Lucero Sánchez, exdiputada local de Sinaloa por el PAN, conocida como “La Chapodiputada”.

Sánchez declaró ante la corte sobre su vínculo personal y de negocios con Guzmán y entregó miles de mensajes como evidencia. En un momento del testimonio se refirió a él como “mi esposo”.

Coronel presenció todo desde la galería. En el documental habló por primera vez del golpe que le significó: “Obviamente, sufriendo imaginarlo, que me estuvieran engañando, ¿quién no? Duele que no fui la única pareja en su vida; que tuvo amantes antes, después y cuando estuvo conmigo”.

Sobre los rumores previos al juicio, contó que Guzmán siempre los minimizaba: “Ah, claro, eso eran chismes. ‘Es que tú no sabes’, ‘La gente no quiere vernos bien’”. Y aclaró: “No es como que de repente lo descubriera con las manos en la masa o vi prueba... pues no las vi”.

El exagente de la DEA Carl Pike, también entrevistado en el especial, aportó su propia lectura sobre las vulnerabilidades del capo: “Él no consumía drogas. Realmente no bebía, pero tomaba Viagra como si fueran caramelos. Era adicto a las mujeres”.

Sin inglés, sin higiene básica y separada de sus hijas: el arresto de Emma Coronel

El 22 de febrero de 2021, agentes del FBI abordaron la aeronave en la que viajaba Coronel al aeropuerto de Dulles, en Virginia, y fueron directo a su asiento. “Entraron los agentes del FBI. Fueron directo a mí y me dijeron: ‘Acompáñanos’. Fue súper rápido, fue cuestión de minutos en los que yo ya estaba abajo”.

Los primeros días bajo custodia fueron especialmente duros. La periodista Emily Palmer, entrevistada en el documental, reveló que Coronel estaba en su periodo cuando fue arrestada y que le dieron apenas dos paños durante cuatro días completos. No hablaba inglés. Su abogada Mariel Colón tuvo que deletrearle palabras por teléfono para que pudiera pedir una ducha o solicitar una cobija para el frío.

Coronel se declaró culpable de conspiración para el tráfico de drogas, lavado de dinero y colaboración en la fuga del Altiplano. Fue sentenciada a 36 meses de prisión. La separación de sus hijas fue, según ella, el castigo más severo: “Estar separada de mis hijas fue lo peor del mundo. Tienes tiempo de pensar, de llorar, no tienes algo para distraerte. Estaba entrando en un cuadro de depresión”.

Recuperó la libertad en septiembre de 2023 bajo cuatro años de libertad condicional. Desde entonces no ha vuelto a ver a su esposo: “No tengo ningún tipo de comunicación con él. No sé por qué no me han autorizado ni visita, ni llamada. Ya no lo volví a ver físicamente”.

Dónde y cuándo ver el documental de Emma Coronel en México

Casada con El Chapo: Emma Coronel Habla está disponible en la plataforma de streaming HBO Max a partir de las 22:00 horas del 11 de agosto de 2026. El especial forma parte del catálogo de Oxygen True Crime, canal de NBCUniversal especializado en crimen real, al que se puede acceder en México a través de la plataforma de streaming.

Cuándo y dónde ver la serie documental ‘Mourinho’ en Netflix

La fecha de lanzamiento oficial de ‘Mourinho’ es el 11 de agosto de 2026. La serie está disponible exclusivamente en Netflix, lo que permite acceder a los tres episodios desde cualquier país donde la plataforma opere.

El estreno se produce en una semana relevante para el fútbol español: Mourinho vuelve a dirigir al Real Madrid después de 13 años, reforzando así el interés por la producción entre los aficionados del club y del fútbol internacional.

Qué temas y momentos aborda la serie documental sobre José Mourinho en Netflix

La miniserie explora los momentos clave de la carrera de José Mourinho, incluyendo sus logros más destacados, sus métodos de trabajo y su relación con jugadores y directivos.

Entre los episodios que se recuperan figuran su vínculo con Sir Alex Ferguson, el conflicto con Iker Casillas y los éxitos obtenidos en clubes como el Chelsea. El documental se filmó durante dos años, con acceso privilegiado al entrenador y a protagonistas de distintas etapas de su trayectoria, lo que favorece una mirada integral sobre su evolución profesional y personal.

Quiénes participan en la serie documental ‘Mourinho’

El documental reúne declaraciones y apariciones de personalidades que marcaron la carrera de Mourinho. Entre los participantes se encuentran Sir Alex Ferguson, John Terry, Frank Lampard, Didier Drogba, Zlatan Ibrahimović, Samuel Eto’o, Javier Zanetti, Iker Casillas, Marcelo y Sami Khedira, entre otros.

El acceso directo al técnico y a estas figuras permite al público conocer detalles inéditos de los vestuarios, de los entrenamientos y de las relaciones personales que influyeron en los grandes momentos de la carrera del entrenador portugués.

Qué papel juegan las redes sociales en la figura pública de José Mourinho

El documental y los análisis recientes subrayan el cambio radical en la forma en que Mourinho gestiona su imagen pública. A pesar de su fama de entrenador de la vieja escuela, supo anticipar la importancia de las redes sociales como herramienta para conectar con los aficionados y posicionar su marca personal.

Un informe del New York Times de diciembre de 2020 reveló cómo, tras su paso por el Tottenham, reactivó su cuenta de Instagram y en un solo día sumó 1,5 millones de seguidores. En la actualidad, el técnico tiene 5,8 millones de seguidores en esa red, incrementando su alcance global, sobre todo tras su vuelta al Real Madrid.

Expertos en marketing deportivo como Alexandre Vasconcellos y Claudio Fiorito destacan que la presencia en redes sociales ya no solo responde a la promoción personal, sino que forma parte de una estrategia más amplia de posicionamiento de marca y de consolidación de relaciones comerciales.

Mourinho, según estos especialistas, comprendió que la autenticidad y la conexión con el público generan valor más allá de los resultados deportivos.

Cómo ha evolucionado la exposición mediática de Mourinho

La exposición pública de Mourinho ha evolucionado en paralelo con el auge de las plataformas digitales. Su retorno a Instagram fue impulsado tanto por la demanda de los patrocinadores como por la experiencia de convivir con las cámaras durante la grabación del documental ‘All or Nothing: Tottenham Hotspur’ de Amazon Prime Video.

Aunque en un principio mostró incomodidad ante la presencia constante del equipo de filmación, terminó por reconocer que mostrar el día a día de un entrenador genera un interés genuino entre los seguidores del fútbol y fortalece su marca personal.

Cinco años después, en enero de 2025, Mourinho utilizó Instagram para lanzar su propio vino, The Special One, una referencia a la frase que lo acompañó desde su llegada al Chelsea en 2004 y que consolidó una identidad distintiva en el fútbol mundial.

Qué otras producciones sobre José Mourinho pueden verse en plataformas digitales

Además de ‘Mourinho’ en Netflix, existen otras producciones centradas en el entrenador disponibles en Amazon Prime Video. La más destacada es ‘All or Nothing: Tottenham Hotspur’ (2020), una serie documental donde Mourinho es protagonista. Este contenido sigue su llegada al club, su método de trabajo y su día a día con los jugadores.

Otra producción relevante es ‘The Making Of: José Mourinho’ (2022), un episodio documental en formato de entrevista en el que analiza tres partidos determinantes en su carrera profesional. Estas propuestas complementan la nueva serie de Netflix, permitiendo al público explorar diferentes facetas del entrenador y comprender mejor su influencia en el fútbol contemporáneo.

La oferta de documentales y series que abordan la figura de Mourinho confirma el interés global por los líderes deportivos convertidos en marcas e íconos mediáticos.

Un documental estrenado a los 89 años del nacimiento de Juan José Saer volvió a situar a la Casa Tomatis en el centro de la obra del escritor al mostrar cómo esa vivienda de Santa Fe funcionó en la realidad y en la ficción como escenario de novelas y cuentos. Ubicado en Mendoza al 2811, el espacio empieza además a abrirse al público en recorridos especiales.

La película dura media hora, se puede ver en YouTube y fue estrenada el 28 de julio pasado. El edificio está en el centro de la ciudad de Santa Fe, a pocas cuadras de la que fue la calle comercial más importante del siglo pasado, y fue construido en la década del 50 por un inmigrante sirio de apellido Saer que se mudó de Serodino a la capital provincial para instalar su negocio de telas y alojar a su familia.

La casa de Carlos Tomatis en la ficción pertenece hoy a José Tuma, sobrino del autor, y es uno de los espacios con mayor presencia en los relatos de Saer, que pasó allí su adolescencia y parte de su juventud. El escritor vivió en Serodino, Colastiné, Santa Fe y París.

La apertura de la casa al público quedó incorporada al regreso de las caminatas saerianas “La ciudad narrada”, que volvieron a realizarse con apoyo del Ministerio de Cultura de Santa Fe y la Universidad Nacional del Litoral. El recorrido del 27 de junio comenzó a las 9.30 en el Café Tokio Norte, duró una hora y media y propuso una caminata de 15 cuadras por escenarios asociados a Cicatrices, Glosay Lo imborrable.

El circuito incluyó la esquina de Hipólito Yrigoyen y San Martín, la parada “Glosa”, el edificio que inspiró al Diario La Región en San Martín 2659, la Casa Escasany, el Palace Hotel en Cortada Falucho y 25 de Mayo, el Bar Gran Doria y el antiguo Mercado, hoy Plaza del Soldado, antes de llegar a la vivienda.

La casa fue construida por el padre de Saer para integrar en un mismo edificio la vivienda familiar, su local comercial y un cuarto de estudio para sus hijos varones, contó el diario santafesino. En esa habitación, “Juani” escribió su primer libro de cuentos; en la terraza celebró su casamiento y en esa misma propiedad conoció a los autores que marcaron su formación.

Luciano Lazzarini dijo a La Nación que la propiedad sigue en manos de la familia y que, hasta hace algunos años, vivió allí la hermana del escritor. También explicó que las obras de puesta en valor fueron pagadas por la familia y que, por tratarse de una vivienda privada, no existe por ahora la posibilidad de convertirla en centro cultural, aunque su dueño mantiene disposición para abrirla en ocasiones especiales.

Este año, agregó el productor, la casa volverá a abrirse dos veces más: durante la Noche de los Museos y en la Feria del Libro de Santa Fe. Para la primera de esas fechas está previsto sumar obras del Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo, además de piezas de Fernando Espino y Ricardo Supisiche, dos pintores vinculados con Saer.

Con producción de Luciano Lazzarini y Lorena Menaker, cámaras de Leandro Mottier y Oscar Marticorena, edición de Mottier, arte de Paloma Montani, archivo de Pablo Bertoldi y música de Ricardo Gigena,Casa Tomatis reúne fragmentos de El limonero realde Gustavo Fontán, Retrato de Juan José Saer de Rafael Fillipelli y el corto Ajedrez/Ordende Raúl Beceyro.

También incorpora testimonios de José Tuma, Paulo Ricci, Roberto Maurer y el arquitecto Javier Mendiondo, quien define la vivienda como un “contenedor de los relatos” de Saer. La voz en off pertenece a Claudia Chamudis.

El propio documental resume el peso biográfico y literario del lugar al afirmar que en esa casa Saer descubrió a los escritores que le enseñaron a narrar, mantuvo una relación tirante con su padre, escribió su primer libro de cuentos y compartió tardes en la terraza con su amigo Roberto Maurer. El film añade que, desde hace años, lectores de distintas partes del mundo pasan por la fachada e imaginan a Tomatis saliendo por esa puerta.

El vínculo entre ciudad y literatura también alcanza al periodismo. Antes de consolidarse como uno de los narradores argentinos de mayor reconocimiento, Saer fue redactor de El Litoral, donde a fines de los 50 y principios de los 60 publicó con frecuencia en las páginas literarias acompañado por ilustraciones de Ricardo Supisiche, Enrique Estrada Bello y Fernando Espino.

Mientras la casa santafesina comienza a incorporarse al recorrido público de la obra saeriana, en Serodino sigue pendiente el proyecto para poner en valor la casa natal del escritor y convertirla en centro cultural. La iniciativa fue anunciada en 2019, cuando el gobierno de Santa Fe adquirió la propiedad, pero aún faltan los fondos que la administración provincial no envió.

La plataforma Netflix presentó el proyecto este 6 de agosto de 2026 en Buenos Aires, donde confirmó que el largometraje tendrá estreno global y que pondrá el foco en una etapa marcada por la pausa que el artista debió hacer en 2024. Ese episodio, según la información difundida por la compañía, funciona como el punto de partida narrativo de una obra que repasa sus vínculos, sus momentos de mayor exposición pública y su trayectoria de más de cuatro décadas en la música en español.

De acuerdo con el material promocional, el documental toma como disparador el accidente que obligó al músico a interrumpir parte de su gira en 2024. A partir de ese hecho, el film reconstruye una mirada más introspectiva sobre su historia personal y profesional. La propuesta, según la presentación de Netflix, busca mostrar a Páez desde un lugar “íntimo y sin filtros”, con una cercanía que la plataforma considera inédita dentro de las producciones dedicadas al artista.

La película observa al músico en estudios de grabación, ensayos, viajes y conciertos durante más de un año. La sinopsis oficial señala que la cámara acompaña sus pasos por ciudades de América Latina, Europa y Estados Unidos, y suma material de archivo inédito, registros en vivo y conversaciones personales. El recorrido incluye amores, desamores, amistades, hijos, tragedias, excesos, fracasos y éxitos, según la descripción difundida para el lanzamiento.

La dirección quedó en manos de Matías Gueilburt, realizador de títulos como El vendedor de ilusiones: El caso Generación Zoe, Los ladrones: el robo del siglo y Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada. La producción remarcó que la relación personal entre Gueilburt y Páez resultó clave para alcanzar el nivel de acceso que atraviesa la película. El guion fue escrito por Nicolás Gueilburt y Matías Gueilburt, mientras que la producción ejecutiva estuvo a cargo de Sebastián Gamba, Julián Rousso y el propio director.

Con este lanzamiento, Netflix amplía su catálogo de documentales musicales argentinos, una línea que en los últimos meses sumó títulos como Rockstar: DUKI desde el fin del mundo y LALI: La que le gana al tiempo. La compañía también anticipó otro estreno centrado en Gustavo Cerati, lo que consolida una estrategia orientada a figuras de alto reconocimiento dentro de la música argentina y latinoamericana.

El nuevo proyecto marca además el regreso de Fito Páez a la plataforma tras la serie biográfica que repasó su juventud y el proceso creativo de El amor después del amor. En este caso, la propuesta cambia el enfoque: ya no se trata de una dramatización de episodios de su pasado, sino de una película documental construida desde su propia voz, con el artista como narrador de los momentos que definieron su recorrido.

La fecha elegida para el estreno global es el 3 de septiembre, cuando la producción quedará disponible solo en Netflix. Con el tráiler ya publicado y el arte promocional en circulación, la plataforma activó la campaña de lanzamiento de una película que vuelve sobre una de las figuras centrales del rock en español desde un registro de observación directa y testimonio personal.

“Escucharlo leer la narración... hubo momentos en que se me pusieron los pelos de punta”, confiesa Mary Donahue, Vicepresidenta Sénior de Producción y Desarrollo de History Channel, sobre el trabajo junto al actor en Segunda Guerra Mundial con Tom Hanks, la serie documental de 20 episodios que reconstruye el conflicto más devastador del siglo XX a partir de material de archivo real, gran parte de él nunca visto públicamente.

Mary Donahue ocupa su cargo desde 2017 y es responsable de supervisar toda la producción del canal, desde documentales dramáticos hasta series de no ficción. Ganadora de cuatro premios Emmy —con diez nominaciones personales y veinte obtenidas por los programas que desarrolló—, tiene detrás una trayectoria que incluye series sobre los presidentes Abraham Lincoln, Theodore Roosevelt y Franklin D. Roosevelt, producidas junto a la historiadora Doris Kearns Goodwin, y proyectos con figuras como Leonardo DiCaprio y Kevin Costner.

La producción que ahora presenta, resultado de más de diez años de trabajo, abarca el conflicto en toda su magnitud: desde el ascenso del nazismo y el expansionismo japonés hasta la caída de las potencias del Eje y el surgimiento del nuevo orden mundial posterior a 1945. Los 20 episodios recorren las batallas más decisivas —Stalingrado, el Día D, la ofensiva final sobre Berlín y el desenlace nuclear en Hiroshima y Nagasaki— y se adentran también en aspectos menos explorados, como las operaciones de inteligencia vinculadas al código Enigma, la resistencia clandestina en los territorios ocupados y el costo humano del Holocausto. “Rastrear todo ese archivo, conseguir los derechos, encontrar todas las fotos y el material filmado, y asegurarnos de usarlos de manera responsable y emotiva fue realmente desafiante, pero también muy gratificante”, señala Donahue desde su casa en las afueras de Nueva York (con mucho calor, señala). A través de una videollamada, la responsable de producción de esta monumental serie documental habló con Infobae Cultura sobre el proceso de producción, el rol central de Tom Hanks y el desafío de abordar episodios tan complejos como los bombardeos sobre Hiroshima y Nagasaki sin caer en una sola mirada parcial.

La serie emite dos episodios cada lunes por History Channel —a las 21 de Argentina y a las 20:10 en Colombia y México—. Los próximos capítulos son Overlord y Largo camino a Tokio el 10 de agosto; Frente interno y Resistencia el 17 de agosto; Sin redención y Últimos días del Reich el 24 de agosto; y Final del juego y Consecuencias el 31 de agosto. El lunes 2 de septiembre, cuando se cumplan 81 años del fin de la Segunda Guerra Mundial, los 20 episodios estarán disponibles por completo On Demand.

En la conversación, Mary Donahue revela además una anécdota personal: durante las sesiones de narración, Tom Hanks almorzó con el equipo, contó historias sobre directores que admiraba y, en un momento, habló en la voz de Woody, su personaje en la saga Toy Story. “Fue increíble”, recuerda. “Ver que el Tom Hanks de la pantalla era exactamente el mismo que conocías en persona fue maravilloso”.

—¿Cuál fue el mayor desafío de tomar ese volumen de material de archivo y construir una buena historia?

—Lo que hizo que esto fuera tan desafiante fue la escala del proyecto. Fue verdaderamente... estaba pensado para ser uno de los eventos más importantes en la historia del canal, porque queríamos lanzarlo globalmente. Era muy importante para nosotros que todos los países que emiten History Channel lo estrenaran al mismo tiempo. Nos entusiasmó mucho que toda América Latina se uniera a ese estreno global. Pero para merecer ese tipo de estreno mundial, teníamos que asegurarnos de que el producto fuera asombroso. Decidimos que la escala sería sin precedentes: 20 episodios, la reconstrucción más épica de la Segunda Guerra Mundial desde el famoso proyecto de la BBC narrado por Laurence Olivier en 1973. Tuvimos mucha suerte porque teníamos acceso a nuevas fuentes de archivo que no estaban disponibles en 1973. Pero rastrear todo ese archivo, conseguir los derechos, encontrar todas las fotos y el material filmado, y asegurarnos de usarlos de manera responsable y emotiva fue realmente desafiante, pero también muy gratificante. Y luego, por supuesto, teníamos que honrar no solo a todos los países cuya gente luchó y murió en este terrible evento global, sino también hacer un producto que fuera digno de Tom Hanks, quien está tan apasionadamente conectado con la Segunda Guerra Mundial. Trabajamos muy duro, pero fue un privilegio trabajar en esta serie, y estamos muy orgullosos de ella.

—¿Qué cree que la serie le dice al presente sobre ese pasado?

—La Segunda Guerra Mundial es claramente uno de los eventos más significativos de la historia de la humanidad. En algún punto entre 70 y 85 millones de personas murieron en esa guerra, e involucró a todos los países de la Tierra. Dio forma al mundo moderno en el que vivimos hoy. Y creo que quizás la generación actual —mi hija tiene 25 años, por ejemplo— cree que sabe sobre la Segunda Guerra Mundial, pero no es tan consciente de cómo moldeó el mundo en el que vive hoy. Nos pareció muy importante contar toda la amplitud del evento: cómo comenzó, por qué comenzó, las grandes batallas, quiénes estuvieron involucrados, las decisiones que tomaron y cómo terminó. Y esa amplitud se siente realmente relevante para todos nosotros hoy.

—¿Cómo abordó la serie esos episodios sin caer en una perspectiva única, concretamente la de Estados Unidos?

—Hubo algunos temas episódicos en los que pasamos mucho tiempo pensando cuál era el enfoque correcto. En el episodio sobre el lanzamiento de la bomba, habíamos explicado en episodios anteriores el curso de la guerra, las decisiones que tomaron los Estados Unidos y por qué las tomaron, y también hablamos con un amplio abanico de expertos para tener una perspectiva de Japón también. Tuvimos un grupo muy importante de consultores históricos, uno de los cuales fue el exdirector del Museo de la Segunda Guerra Mundial de Nueva Orleans, y fueron muy rigurosos para asegurarse de que no contáramos lo que sucedió en el episodio del lanzamiento de la bomba solo desde una perspectiva estadounidense. Eso hubiera sido irresponsable, y entendimos que teníamos que considerar el impacto que tuvo sobre Japón. Por esa razón, hicimos un episodio muy interesante sobre el frente interno en Japón y Alemania varios episodios antes de que se lanzara la bomba. Así se puede ver cómo se retrataba la guerra en Japón y cómo la vivía la gente en el terreno. Espero que cuando lo vean, estén de acuerdo en que fuimos responsables. Pusimos muchísimo cuidado.

—Históricamente no sucedió, al menos en Occidente ¿Cómo equilibró la serie la visión soviética y las otras miradas sobre el conflicto?

—Una de las cosas de las que estoy muy orgullosa en esta serie es la cantidad de episodios que exploran la guerra desde el punto de vista ruso. Tenemos un episodio sobre la Operación Barbarroja, uno sobre Stalingrado, y también uno en el que miramos las consecuencias de la guerra y el surgimiento del conflicto entre las dos superpotencias. Una de las cosas que resulta realmente fascinante es que cuando se hizo The World at War en 1973, existía la Unión Soviética. A lo que nosotros tuvimos acceso, y ellos no, fue al archivo de la experiencia rusa durante la guerra. Eso es una de las cosas que hace que esta nueva serie sea tanto atrapante como reveladora. Tenemos material de archivo y testimonios que hablan del lado ruso de la guerra, y una de las cosas de las que me siento muy orgullosa es que se obtiene una perspectiva de por qué Stalin y la Unión Soviética combatieron, qué experimentaron en esas diversas batallas, y se ve desde el punto de vista ruso, no desde el estadounidense. Lo hicimos así porque sentimos la responsabilidad, dado que fue un estreno global, de contar una historia que reflejara a todos los principales combatientes y su perspectiva.

—¿Cómo balanceó el rigor académico que aportan los historiadores con la necesidad de mantener un relato atractivo para una audiencia masiva?

—Una de las grandes cosas que tienen los grandes historiadores es que también son narradores fenomenales. Fuimos cuidadosos al elegir a los participantes de cada episodio: no solo buscamos a los principales expertos mundiales en los distintos temas, sino también a personas apasionadas por la historia de la Segunda Guerra Mundial y que pudieran contar una gran historia. Resulta que soy una de las mayores admiradoras de Simon Sebag Montefiore en el mundo. Creo que es un narrador asombroso, y además tiene un conocimiento enorme. Le dio vida a Stalin en los episodios rusos de una manera que fue reveladora para mí. Creo que tuvimos la suerte de contar no solo con grandes historiadores académicos, sino con personas que sabían cómo contar una historia de una manera realmente atrapante y emotiva, además de precisa.

[Fotos: prensa History Channel]

La Sala Leopoldo Lugones volvió a quedar confirmada como sede de la 26ª edición de DocBuenosAires, la muestra de cine documental de creación que se realizó del martes 18 al domingo 23 de agosto en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, según la gacetilla de Buenos Aires Ciudad de Artes.

La programación abarcó títulos nacionales e internacionales en formatos DCP y, en un caso, DM, con funciones pautadas entre las 14 y las 21, de acuerdo con cada jornada.

La muestra se organizó por el Complejo Teatral de Buenos Aires (Ministerio de Cultura de la Ciudad) y DocBuenosAires, junto con la Fundación Cinemateca Argentina, con apoyo de Mecenazgo Cultural y Directores Argentinos Cinematográficos (DAC).

Una de las líneas curatoriales más visibles de la agenda se apoyó en un foco dedicado a Tsai Ming-liang, con varias obras programadas entre el martes y el jueves, incluidas piezas vinculadas a la serie The Walker.

El martes 18, la Lugones programó La noche (The Night, Taiwán, 2021) y Vivienda pública de Xining (Xining Public Housing, Taiwán, 2024), ambas dirigidas por Tsai Ming-liang, en una función a las 15 con duración total de 81’.

En el texto de presentación de Vivienda pública de Xining, el propio director explicó su vínculo con el edificio: “Filmé en Xining Public Housing en dos ocasiones: primero para la serie All the Corners of the World y luego para mi largometraje The Hole, rodado íntegramente allí”.

La gacetilla precisó además que ese complejo fue construido en 1981 y fue hogar de unas 500 familias de bajos recursos, con una demolición que “parece inminente”, en palabras atribuidas al cineasta.

El miércoles 19 continuó el recorrido con El caminante (Walker, Taiwán, 2012) y Regreso a casa (Back Home, Taiwán, 2025), a las 15, con duración total de 92’. Allí se incluyó una cita extensa atribuida a Tsai Ming-liang sobre Hong Kong y el paso del tiempo: “Me pregunté: ¿Hong Kong cambió demasiado rápido o fui yo quien no pudo seguir su ritmo?”.

El jueves 20, la programación sumó Luz (Light, Taiwán, 2019) y Habitando ningún lugar (Abiding Nowhere, Estados Unidos/Taiwán, 2024), anunciada como “la décima película de la serie The Walker”, en una función a las 14.30 con duración total de 97’.

DocBuenosAires incluyó programas dobles y triples que cruzaron geografías y materiales. El martes 18 a las 20.30 se proyectaron La revolución contra la muerte (The Revolution Against Death, Dinamarca/Estados Unidos/Suecia, 2026), de Joshua Oppenheimer, y Un calendario incompleto (An Incomplete Calendar, Canadá/Irán/Turquía/Venezuela, 2026), de Sanaz Sohrabi, con duración total de 100’.

El viernes 21 a las 17, el programa combinó El lado B del paisaje (Auf der Rückseite der Landschaft, Alemania, 2026), de Philipp Hartmann, filmada en 16 mm revelada a mano según la sinopsis, y Vocabulario activo (Active Vocabulary, Alemania, 2025), de Yulia Lokshina, con duración total de 112’.

El sábado 22 a las 17.30, la agenda sumó En las cercanías del paraíso (Im Umkreis des Paradieses, Alemania, 2026), también dirigida por Yulia Lokshina, con una proyección de 121’.

El domingo 23 a las 15, la Lugones programó Pequeños poemas en prosa (Little Poems in Prose, Rumania, 2025), de Radu Jude y Andrei Rus, y Los rusos (Noruega, 2026), de Mirko Stopar, con duración total de 92’. La sinopsis de este último situó la observación en ciudadanos rusos que se trasladaron a Buenos Aires en 2023 “a causa de la guerra en Ucrania”, con énfasis en mujeres embarazadas que viajaron para dar a luz y tramitar ciudadanía y pasaporte argentinos.

La grilla reservó un bloque de producción local con tres títulos el miércoles 19 a las 20.30: Darkroom (Argentina, 2026), de Marcelo Cugliari; El canto de los pájaros (Argentina, 2026), de Sebastián Zanzottera; e Introducción a la catástrofe (Argentina, 2026), de Priya Govinda, con duración total de 88’.

El jueves 20 a las 20.30 se presentó el díptico En otra Palestina (Perú, 2026), de Yaela Gottlieb, y Vado in America (Argentina/Suiza, 2026), de Lucy Riera, anunciado como “un ensayo documental e investigativo” sobre migración, memoria familiar y archivo audiovisual, con duración total de 100’.

El viernes 21 a las 20, la función unió Hablan las aves (Argentina, 2026), de Rodrigo Montani, y Bosque arriba en la montaña (Argentina, 2026), de Sofía Bordenave, con duración total de 102’. La sinopsis de la segunda fechó un hecho puntual: el 25 de noviembre de 2017 fuerzas de seguridad estatales mataron al joven mapuche Rafael Nahuel en un bosque de la Patagonia.

El sábado 22 a las 21, DocBuenosAires programó Dice que… (Argentina, 2025), de Alejandro Fernández Mouján, con 67 minutos de duración, centrado en la reconstrucción de la muerte de José Luis Alvarenga a partir del eco de una frase: “mataron a Lorenzo Lamas”.

El domingo 23 a las 17.30, la selección incluyó No arreglen ni limpien mi habitación, a mí me gusta como está (Argentina, 2026), de Ignacio Ceroi, con 83 minutos, sobre la compra de una handycam usada en Francia en 2019 y el hallazgo de videos del dueño anterior.

A las 20.30 del mismo día, se proyectaron La felicidad (Paraguay, 2025), de Paz Encina, y El hogar fue sepultado en esa tierra que nunca pudimos encontrar (Colombia, 2026), de Deimer Qu

intero Vertel, con duración total de 109’. Paz Encina definió su obra en primera persona: “La felicidad es un cortometraje que aborda la nostalgia y el recuerdo hacia mi hermano fallecido. Desde entonces, solamente pienso en él e intento recrear alguna imagen que todavía pueda unirnos”.

El reconocido alpinista nepalí-británico Nirmal “Nims” Purja, una de las figuras más destacadas del montañismo de alta montaña y protagonista del documental de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, murió a los 43 años tras la avalancha que sorprendió a su expedición en el Broad Peak, en Pakistán. La noticia fue confirmada este sábado 1 de agosto por Elite Exped, la empresa de expediciones que él mismo cofundó y que lideraba durante el ascenso.

En un comunicado difundido en redes sociales, la compañía expresó su “profunda tristeza” por el fallecimiento del montañista y confirmó que otros integrantes de la expedición tampoco sobrevivieron.

“Hoy lloramos no solo a Nims, sino a cada vida perdida en esta tragedia”, señaló la empresa, que también identificó entre las víctimas a los guías Pur Bahadur Gurung, conocido como “Yukta”, y Nima Sherpa. Elite Exped también solicitó respeto por la privacidad de las familias durante el duelo.

La tragedia ocurrió el jueves, cuando Purja encabezaba una expedición de diez personas con el objetivo de alcanzar la cima del Broad Peak, la duodécima montaña más alta del mundo, con 8.051 metros de altitud, ubicada en la cordillera del Karakórum, en la frontera entre Pakistán y China.

De acuerdo con información difundida por las autoridades de Gilgit-Baltistán, el grupo mantenía contacto con el operador de la expedición hasta las 9:00 de la mañana, hora local. Horas después, una avalancha alcanzó a los montañistas mientras ascendían entre el campamento II y el campamento III, a unos 6.600 metros de altitud.

Las labores de rescate comenzaron la mañana del viernes luego de que la empresa organizadora solicitara apoyo al Ejército de Pakistán. Tres helicópteros militares fueron desplegados para participar en la búsqueda, mientras drones sobrevolaban la zona en un intento por localizar a los desaparecidos.

Sin embargo, las condiciones meteorológicas complicaron la operación desde el inicio. Las fuertes nevadas, la escasa visibilidad y el riesgo de nuevas avalanchas obligaron a suspender temporalmente los vuelos y limitar el avance de los equipos terrestres, que permanecieron varias horas en el campamento base a la espera de una mejora del tiempo.

La búsqueda también recibió el apoyo de montañistas paquistaníes y sherpas nepalíes que suspendieron sus expediciones en el cercano K2 para sumarse al operativo. Según declaró Ayaz Shigri, secretario general del Alpine Club of Pakistan, citado por la BBC, los rescatistas trabajaban con extrema cautela debido al peligro de nuevos desprendimientos de nieve.

Las imágenes captadas por drones permitieron detectar varios cuerpos sobre la montaña antes de que los equipos pudieran acceder al lugar. The Independent informó que los restos recuperados fueron trasladados en helicóptero a un hospital para cumplir con los procedimientos legales de identificación.

Hasta el momento, las autoridades paquistaníes han confirmado la muerte de Sarah Mallory Geis, montañista estadounidense originaria de Texas; Nadhira Ahmed Abdullah Al Harthy, de Omán; Pur Bahadur Gurung, ciudadano nepalí, y posteriormente Elite Exped confirmó también el fallecimiento de Nirmal Purja y de Nima Sherpa. Las operaciones continúan debido a que otros integrantes de la expedición permanecían desaparecidos tras el accidente.

El hombre que cambió el montañismo moderno

Nirmal Purja, nacido en Nepal en 1983 y posteriormente nacionalizado británico, sirvió durante 16 años en las Fuerzas Armadas del Reino Unido. Primero integró los Queen’s Gurkha Engineers y más tarde se convirtió en el primer gurkha en ingresar al Special Boat Service (SBS), una de las unidades de fuerzas especiales británicas.

Su carrera como alpinista alcanzó notoriedad mundial en 2019 con el proyecto Project Possible, mediante el cual escaló las 14 montañas de más de 8.000 metros del planeta en apenas seis meses y seis días, pulverizando el récord que hasta entonces se medía en años. Aunque esa marca fue superada posteriormente por la noruega Kristin Harila, la hazaña de Purja sacudió los límites del montañismo de velocidad.

Su historia llegó a millones de personas gracias al documental de Netflix Los 14 ochomiles: No hay nada imposible, estrenado en 2021. La producción siguió su desafío por los Himalayas y mostró también su propósito de dar mayor reconocimiento internacional a los sherpas y montañistas nepalíes, cuyo trabajo es fundamental en las grandes expediciones.

Entre sus logros más importantes también figura el primer ascenso invernal al K2, conseguido en enero de 2021 junto a un equipo integrado mayoritariamente por alpinistas nepalíes. Años después completó otro desafío sin precedentes al convertirse en la primera persona en escalar los 14 ochomiles tanto con oxígeno suplementario como sin él.

Según recuerda el obituario publicado por Nepal News, Purja dedicó buena parte de su carrera a demostrar la capacidad de los montañistas nepalíes y a visibilizar el papel de los guías de altura, tradicionalmente relegados a un segundo plano. Además de desempeñarse como conferencista y autor, impulsó proyectos de apoyo a comunidades de montaña mediante la Nimsdai Foundation.

Días antes de desaparecer tras la avalancha que golpeó a su expedición en el Broad Peak, el alpinista nepalí Nirmal “Nims” Purja publicó un mensaje en redes sociales en el que reveló que su ascenso a dicha cumbre obedecía a un cambio inesperado en sus planes.

El reconocido montañista del documental de Netflix Los 14 ochomil hizo una publicación el 27 de julio en X bajo el título “La misión cambia. La brújula se mantiene”. En el texto, Purja reveló que Broad Peak no estaba contemplado inicialmente dentro de su expedición a Pakistán. Su intención original era escalar únicamente el Gasherbrum II (G2).

“Esto nunca estuvo en el plan. Inicialmente, el plan era escalar solo G2. Pero justo antes de partir hacia Pakistán, revisé mis ascensos de 8.000 metros. Ahí me di cuenta: si completo Broad Peak mientras estoy aquí, solo quedará uno: Cho Oyu. Entonces me convertiré en la primera persona en la historia en escalar las 14 montañas de ocho mil metros dos veces. Sin oxígeno”, escribió.

El cambio de ruta estaba relacionado con su Hat Trick Campaign, un ambicioso proyecto con el que buscaba completar por tercera vez las 14 cumbres más altas del planeta. Sin embargo, Purja aseguró que la decisión no nació de una competencia contra otros escaladores, sino de una oportunidad que apareció durante su propio camino.

“Las oportunidades no gritan: susurran a quienes ya están trabajando en silencio”, señaló.

Aunque el mensaje estaba centrado en sus objetivos deportivos, algunas frases de la publicación llamaron especialmente la atención después del accidente. Purja dedicó unas líneas a la cumbre, reconoció el riesgo de la expedición y expresó su deseo de regresar con seguridad.

“Broad Peak, no pido nada más que un ascenso y descenso seguros. No tomo ninguna montaña a la ligera. Ni una sola”, escribió. “En el momento en que mi pie deja el campamento base, es al 100%. Siempre ha sido así. Siempre lo será”.

La búsqueda tras la avalancha

El jueves 30 de julio, una avalancha alcanzó al equipo internacional de 10 escaladores liderado por Purja en el Broad Peak, ubicado en la cordillera del Karakórum, Pakistán. Según el Alpine Club of Pakistan, el grupo perdió comunicación después del incidente.

Este viernes, las autoridades confirmaron el hallazgo de restos humanos correspondientes a tres integrantes de la expedición. Se trata de la escaladora omaní Nadhira Ahmed Abdullah Al Harthy, el nepalí Pur Bahadur Gurung “Yukta”, y la estadounidense Sarah Mallory.

Las labores de rescate fueron afectadas por las malas condiciones meteorológicas, que limitaron el uso de helicópteros y obligaron a los equipos a realizar búsquedas en tierra. Según Everest Today, las posibilidades de encontrar sobrevivientes se consideran extremadamente bajas. La oficina del comisionado de Baltistan indicó que se retomaría la búsqueda este sábado, cuando el clima mejore en la zona.

Mingma Gyabu Sherpa, socio de Purja, explicó que un dispositivo de rastreo que llevaba el montañista mostró un movimiento después de la avalancha, aunque advirtió que esos datos no bastaban para confirmar su estado.

“Inicialmente, parecía que había sido arrastrado montaña abajo por la avalancha. Pero después del punto donde el rastreo se detuvo, la ubicación parece haber cambiado nuevamente”, declaró al medio nepalí Kantipur.

Antes del accidente, Purja venía de completar su 57.º ascenso a una montaña de más de 8.000 metros tras alcanzar la cima del Gasherbrum II sin oxígeno el 21 de julio.

“Nims” es una figura importante en el alpinismo moderno, quien, en 2019, completó el ascenso de las 14 montañas de más de 8.000 metros del planeta en seis meses y seis días. Su hazaña fue documentada en el filme de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, donde se mostró el desafío físico y logístico detrás de aquella misión. Antes de dedicarse al alpinismo profesional, Purja tuvo una carrera de 16 años en el Ejército británico, incluidos 10 años en las fuerzas especiales, y fue el primer gurkha en superar la selección del Special Boat Service. En 2018 recibió un MBE por su servicio militar en entornos de alto riesgo.

En 2024, una investigación de The New York Times recogió las denuncias de dos mujeres alpinistas que lo acusaron de acoso sexual. El montañista negó las acusaciones a través de su abogado.

Alice McShane aseguró que uno de los principales objetivos del documental Jared Leto: Hollywood’s Dark Secret fue exponer las acusaciones de conducta sexual inapropiada contra Jared Leto, así como plantear por qué, más de un año después de la publicación de esas denuncias, su carrera no parece haber sufrido un impacto significativo.

En una entrevista con Variety, la directora explicó que la investigación comenzó en abril de 2025, después de que la DJ Allie Teilz publicara en Instagram una acusación contra el actor.

Durante la producción del documental, AirMail publicó un reportaje en el que nueve mujeres acusaban al también músico de conducta sexual inapropiada, un hecho que, según la cineasta, redefinió el enfoque del proyecto.

“Pensamos: ‘Esta es la historia, este es el momento’. Lo que realmente nos sorprendió fue que no pareciera pasar gran cosa con la carrera de Leto después de que ese artículo salió a la luz”, declaró.

La cineasta señaló que esa aparente falta de consecuencias profesionales fue uno de los motivos que impulsó al equipo a continuar con la investigación.

“Eso renovó nuestras energías para seguir adelante con el documental e investigar qué estaba ocurriendo”, afirmó.

El documental, producido por la BBC, reúne los testimonios de diez mujeres, cuatro de las cuales presentan acusaciones de conducta sexual de carácter criminal.

Jared Leto ha rechazado las denuncias. A través de un comunicado difundido por sus representantes, el actor señaló: “Nunca he agredido sexualmente a nadie en toda mi vida. Estas acusaciones son absoluta y categóricamente falsas”.

Alice McShane explicó que reunir un amplio conjunto de pruebas fue una prioridad tanto por el impacto que buscaban generar como por los requisitos editoriales y legales de la BBC.

“Estas mujeres están dando un paso al frente y enfrentándose a la perspectiva, muy intimidante, de señalar a un hombre muy rico y poderoso como Jared Leto. Uno quiere que el documental cumpla su propósito y, con suerte, contribuya a que exista algún tipo de rendición de cuentas en su nombre”, sostuvo.

Asimismo, indicó que ese objetivo también implicó respaldar cada uno de los testimonios con evidencia suficiente para cumplir con los estándares legales exigidos por la cadena.

Uno de los puntos que más llamó la atención de la directora fue que, pese a la publicación del reportaje de AirMail, Leto continuó participando en producciones de alto perfil.

“Lo que mostramos en la película es que, a pesar de las acusaciones publicadas en el artículo de AirMail, él siguió participando en dos grandes películas“, dijo.

McShane también respondió a quienes han sugerido que el documental se estrenó ahora debido al momento que atraviesa la carrera cinematográfica del actor.

“Para mí es completamente irrelevante si es o no un ‘veneno para la taquilla’. Sigue siendo una persona extremadamente famosa. El departamento de actualidad de la BBC no es Hollywood; somos periodistas. Estamos para exigir responsabilidades a quienes tienen poder y eso es exactamente lo que estamos haciendo”, afirmó.

Durante la entrevista, la realizadora fue consultada sobre por qué considera que las acusaciones contra Leto no han tenido un impacto similar al de otros casos recientes. Su respuesta fue que todavía no encuentra una explicación definitiva.

“Es todo un misterio, ¿no? Creo que hay algo en nuestra cultura en este momento. Tengo la sensación de que, diez años después del movimiento #MeToo, la indignación frente a historias como esta se ha enfriado un poco”, comentó.

Y añadió: “Creo que este tipo de historias, de alguna manera, se han normalizado en la mente de muchas personas. Ya no generan el mismo nivel de atención que probablemente habrían tenido hace diez años”.

McShane también opinó que la imagen pública construida por el actor ha podido contribuir a esa situación.

“Creo que Leto ha cultivado la imagen de un personaje extraño, enigmático y misterioso, y pienso que, de alguna manera, eso lo ha protegido de tener que rendir cuentas”, señaló.

Respecto al derecho de respuesta, la directora explicó que el equipo de producción envió una carta detallando las acusaciones que serían incluidas en el documental y trató de contactar a Jared Leto a través de diferentes vías.

“Nos comunicamos con todas las personas que sabíamos que seguían vinculadas a él: agentes, abogados, su socio de negocios de muchos años y otros colaboradores. Lo único que obtuvimos fue un silencio absoluto”, relató.

Y continuó: “Fue bastante extraño. Llegó la fecha límite y seguíamos sin recibir ninguna respuesta. Nunca había vivido una situación en la que simplemente no hubiera ninguna contestación”.

Alice McShane indicó que, aunque posteriormente el actor emitió un comunicado público negando las acusaciones, durante la realización del documental no recibieron una respuesta directa al contenido de las denuncias planteadas por el equipo de investigación.

La película prescinde de entrevistas, expertos y carteles explicativos intermedios. Su único material es el archivo televisivo restaurado de diciembre de 2001 —en su mayoría proveniente de Crónica TV y del archivo DiFilm—, reorganizado de manera impecable por el montajista Fernando Epstein con diseño sonoro de Daniel Yafalián. El film recorre el período comprendido entre el 1 de diciembre de 2001 y el 3 de enero de 2002, cuando la sucesión presidencial se estabilizó con la llegada de Eduardo Duhalde, sin más intervención externa que un cartel al inicio y otro al final que sitúan el marco temporal.

El director Lucas Gallo no llega a este territorio sin antecedentes. Su documental anterior, 1982, ya trabajaba con parámetros similares: archivo televisivo, ausencia de análisis ex post, confianza en la potencia de las imágenes para articular sentido sin intermediarios. Pero Diciembre radicaliza esa apuesta al eliminar casi por completo cualquier intervención ajena al material original. En una entrevista con la revista Caligari, el director planteó que no cree que el documental deba “dar respuestas y certezas sobre lo sucedido”, y que su función puede ser, antes que eso, la de interrogar el archivo y abrir preguntas. Esa posición atraviesa cada decisión formal de la película y actúa en el beneficio de su impacto.

El relato arranca con el “corralito” —el decreto 1570 que el gobierno de Fernando de la Rúa y su ministro Domingo Cavallo implementó el 1 de diciembre para restringir las extracciones de dinero y contener la corrida bancaria— y avanza, sin pausas explicativas, hacia los cacerolazos, los saqueos, la represión y las renuncias en cascada. La acumulación de imágenes construye el retrato de una medida técnica que se transformó en detonante político: de la restricción al efectivo a la fractura del vínculo entre el Estado y los ciudadanos.

Las jornadas del 19 y 20 de diciembre de 2001 ocupan el núcleo dramático del film. El anuncio del estado de sitio, decretado para frenar los saqueos, produjo el efecto contrario: una salida masiva a las calles de sectores que hasta entonces no se habían movilizado. Quienes vivimos esos días agobiantes -y no solo por las altas temperaturas propias de la época- no podemos dejar de sentir cierta incomodidad (¿A esto llegamos?) e incluso la incredulidad propia del paso del tiempo (¿Esto pasó de verdad?). Diciembre presenta aquel discurso del presidente De la Rúa como parte de la secuencia televisiva, seguido de inmediato por imágenes de las cacerolas como instrumento de protesta y multitudes desplazándose hacia plazas y avenidas de la ciudad de Buenos Aires, en un montaje que hace visible la correlación entre la palabra oficial y la respuesta de la calle.

Los cacerolazos que el film registra no eran un fenómeno nuevo en Argentina, pero en 2001 adquirieron una escala sin precedentes. Estudios académicos relevados por la hemeroteca digital Redalyc señalan que el bienio 2001-2002 constituyó el período de mayor presencia de cacerolazos en la historia reciente del país: mientras el promedio anual de la década previa fue inferior a los 100 eventos de protesta, durante esos dos años se superaron los 1.000 casos. El documental hace visible esa transformación al mostrar protestas en barrios de clase media (en el barrio de Belgrano por ejemplo, en “Cabildo y Cacerolazo” bromeaba por aquellos años Andrés Calamaro), en esquinas alejadas de la Plaza de Mayo y en plazas de distintas ciudades, conviviendo con escenas de saqueos y declaraciones de dirigentes luego de reuniones convocadas de urgencia.

“¡Que se vayan todos!” no es solo un eslogan en Diciembre: es el eje que el montaje construye sin enunciarlo como tesis. La consigna aparece en carteles, pancartas, grafitis y declaraciones espontáneas captadas por la televisión, donde manifestantes expresan su rechazo a políticos “de cualquier partido”. La sucesión de cinco presidentes en poco más de un mes —De la Rúa, Ramón Puerta, Adolfo Rodríguez Saá, Eduardo Camaño y Eduardo Duhalde— se convierte en elemento narrativo poderoso: se suceden las imágenes de juramentos y conferencias de prensa con escenas de protestas que continúan pese a los cambios de personajes, transmitiendo la sensación de que el rechazo no se agotaba en la caída de un presidente.

El trabajo de montaje y diseño sonoro es, en ausencia de narrador, la escritura política del film. La edición de Epstein decide qué imágenes se suceden, qué fragmentos de sonido se superponen, cómo se construyen las transiciones entre escenas que en su emisión original podían estar separadas por horas. Al colocar el anuncio del corralito junto a escenas de ahorristas desesperados y cacerolazos, o al yuxtaponer declaraciones supuestamente tranquilizadoras de funcionarios con imágenes de represión, el film construye interpretaciones implícitas sobre la desconexión entre discurso oficial y realidad social sin necesidad de enunciarlas.

Lucas Gallo planteó que su labor consiste en “interrogar las imágenes, ofrecerles nuevas conexiones y devolver al público la potencia original de un material que todavía hoy sigue interpelando”. Esa declaración describe con precisión lo que Diciembre hace: no explica el sentido de la crisis, sino que lo reactiva, dejando que sean las imágenes de 2001 las que formulen preguntas sobre representación, violencia estatal y legitimidad institucional que el tiempo no ha vuelto abstractas.

*Diciembre se proyecta este viernes 31 de julio a las 22 en Malba Cine (Av. Figueroa Alcorta 3415) y los viernes 21 y 28 de agosto, 4, 18 y 25 de septiembre a las 20 en Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434).

Cuatro mujeres acusan a Jared Leto de conducta sexual criminal en hechos ocurridos cuando eran adolescentes, según un nuevo documental de la BBC que reúne los testimonios de diez mujeres contra el actor y músico. Las acusaciones incluyen agresiones ocurridas entre 2002 y 2016, cuando Leto tenía entre 30 y 40 años.

En “Jared Leto: Hollywood’s Dark Secret”, nueve de las denunciantes relatan públicamente sus casos por primera vez, según la BBC. Una de las víctimas señala que el actor la agredió en el baño de un motel cuando tenía 17 años. Otra mujer afirma que Leto la amenazó con agresión sexual a los 19 años. Una tercera sostiene que mantuvo relaciones con Leto en California cuando tenía 17, por debajo de la edad de consentimiento legal en ese estado, y que el actor “restó importancia” al tema al discutirlo con ella.

El documental muestra un acuerdo de confidencialidad que una de las denunciantes, quien recibió llamadas sexuales de Leto a los 16 años, se negó a firmar. Según la BBC, cuatro mujeres describen llamadas “extrañas y muy sexuales” cuando eran menores de edad. Las interacciones habrían ocurrido mientras Leto era líder de la banda Thirty Seconds to Mars.

BBC documenta testimonios y pruebas

La BBC afirma haber corroborado los testimonios de varias mujeres con amistades y familiares que supieron de los hechos en su momento. Además, el medio asegura haber visto imágenes y mensajes que respaldan los relatos. Dos exempleados de la Thirty Seconds to Mars señalan en el documental que el personal se sentía incómodo por la forma en que Leto interactuaba con adolescentes, a quienes a veces invitaba a camerinos o a la casa donde grababa. “Todos pensaban que la diferencia de edad era demasiado grande”, afirma uno de los exempleados.

Nueve denuncias previas en Air Mail

El año pasado, la DJ Allie Teilz denunció a Leto por conducta sexual inapropiada cuando ella tenía 17 años. Su testimonio motivó que otras mujeres hicieran públicas acusaciones similares. Un reportaje de la revista Air Mail en junio de 2025 recogió las versiones de nueve mujeres que acusan al actor de mantener contacto sexual o conductas inapropiadas con menores durante varios años. En ese reportaje, una mujer relató que Leto le pidió su número telefónico cuando ella tenía 16 años y, posteriormente, le hizo llamadas con contenido sexual. Otra denunciante afirmó que el músico la invitó a fiestas en su casa y la contactaba de madrugada.

En el mismo texto de Air Mail, la modelo Laura La Rue afirmó que conoció a Leto a los 16 años y que él insistió en obtener su número. También relató un episodio donde el actor se presentó completamente desnudo ante ella cuando tenía 17 años. Los representantes de Leto niegan todas las acusaciones, aseguran que las interacciones fueron apropiadas y señalan que La Rue habría pedido trabajar como asistente personal del actor, lo que ella rechaza.

Patrón de comportamiento y reacción de Jared Leto

Otras mujeres consultadas por la BBC y Air Mail describen un patrón de contacto nocturno, mensajes sexuales y fiestas con presencia mayoritaria de jóvenes. Una de las denunciantes declaró: “Esto fue hace 25 años… él ha salido impune”.

El equipo legal de Jared Leto rechaza todas las acusaciones y sostiene que el músico no ha consumido alcohol ni drogas en más de 35 años. Las investigaciones de la BBC y Air Mail revelan que las denuncias se remontan a los primeros años de la carrera musical y actoral de Leto y que varias de las víctimas han aportado pruebas documentales.

El entusiasta de los cómics Jon Bolerjack comenzó a filmar a un nonagenario Stan Lee alrededor de 2014 con la intención de retratar un día en la vida de la leyenda detrás de muchos de los superhéroes de Marvel.

Pero terminó documentando un presunto abuso sufrido por el hombre que revolucionó el mundo del cómic, un relato que resuena como una advertencia para parte de la industria.

Stan Lee: The Final Chapter, que llega al streaming este martes en varias plataformas, muestra a Lee sometido a una extenuante agenda en sus últimos años, marcada por infinitas sesiones de autógrafos y convenciones.

Recoge denuncias de su entorno sobre la supuesta explotación por parte de dos exmánagers, uno de los cuales fue acusado en 2019, un año después de la muerte de Lee, de fraude, robo y la privación ilegal de libertad del cocreador de superhéroes como el Hombre Araña y Pantera Negra.

Bolerjack, quien dice haber acompañado a Lee en sus últimos días, afirmó en una entrevista con AFP que recibió presiones directas e indirectas para no publicar el material, provenientes de un exadministrador del editor y de compañías que prefirió no identificar.

“Existe el factor de la vergüenza: hay quienes sabían parte de lo que ocurría, pero desviaron la mirada”, comentó durante la Comic-Con de San Diego, la gran fiesta estadounidense de la cultura pop que este año recibió su documental.

También “hay compañías que se sienten culpables por sus acciones (...) Si quieres el rostro de Stan en una lonchera, ¿quieres que la gente tenga pensamientos felices en torno a Stan? ¿o quieres que sepan que él no era tan feliz?”. “Es más fácil vender a Stan si es feliz”.

Malas decisiones

Nacido en 1922 en Nueva York, Stanley Martin Lieber comenzó a trabajar de adolescente en la predecesora de Marvel, Timely Comics, donde adoptó el seudónimo de Stan Lee y cocreó algunos de los superhéroes más famosos de todos los tiempos.

Sus personajes eran hombres imperfectos, con súperpoderes pero también con problemas mundanos, lo que ayudó a popularizarlos y a crear legiones de fans que lo elevaron a una categoría de semidios.

La cámara de Bolerjack retrata a un Lee afable y con poco tino comercial.

“Nadie ha tomado peores decisiones comerciales que yo”, dice en una escena Lee al describir un acuerdo con Disney en el que, según él, aconsejado por un abogado, habría rechazado regalías por personajes de Marvel, y aceptado un pago de 6 millones de dólares, de los cuales su abogado habría tomado la mitad.

Disney compró Marvel Entertainment en 2009 por 4.000 millones de dólares.

Diez años después, llegó Avengers: Endgame, la segunda película más taquillera de la historia, con una recaudación de 2.920 millones de dólares.

Visita de Kevin Feige

Pero Lee no guardaba rencores, afirmó Bolerjack: “Él sabía que hizo un mal negocio, y nunca trató de culpar a Disney por eso”.

El documentalista reveló que el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, visitó a Lee un mes antes de su muerte. “Fue muy amable (...) Sé que Stan lo apreció y le hizo sentir especial que se tomara la molestia”.

Sus últimos días transcurrieron “en paz”, dijo el director y guionista, quien aún se pregunta si Lee realmente comprendió “lo que le ocurrió”.

Bolerjack insiste en que su documental no trata sobre un famoso que fue estafado, sino sobre una situación que puede afectar a cualquiera y la importancia de cuidar a nuestros seres queridos.

“Esto siempre va a ocurrir, Le pasó a Elvis (Presley) y va a pasar de nuevo. Probablemente está pasando ahora mismo a 100 pies de distancia”, dijo refiriéndose a la Comic-Con, uno de cuyos pilares es el legado de Lee.

“Si te llevo ahora mismo al área de ventas y te señalo a alguien y te digo: ‘Ese es el próximo Stan Lee’, ¿qué harías?”, preguntó.

Fuente: AFP.

Fotos: Chris Delmas/ AFP y capturas de video.

Netflix se encuentra en el centro de un nuevo conflicto legal tras el reclamo del mercado de predicciones Kalshi, que ha solicitado la retirada inmediata del tráiler de su próximo documental “Instadocs: The Prediction Games”.

De acuerdo con la plataforma de predicciones el adelanto es “difamatorio” y contiene “documentos fabricados y declaraciones falsas”, lo que habría generado una situación tensa a solo días del estreno oficial.

Cuál es el conflicto con el tráiler de Netflix

El documental de Netflix, que forma parte de la serie “Instadoc”, explora el auge de los mercados de predicción y cuenta con entrevistas tanto al CEO de Polymarket, Shayne Coplan, como al CEO de Kalshi, Tarek Mansour. Sin embargo, el foco del conflicto está en una escena ambientada en una fiesta en Las Vegas durante la final de la Copa del Mundo, donde varios asistentes muestran apuestas millonarias realizadas en plataformas como Kalshi.

Según la carta de cese y desistimiento enviada por Kalshi, el tráiler induce al público a creer que se realizaron apuestas deportivas en Nevada el 19 de julio de 2026, a pesar de que la empresa tenía prohibido operar en ese estado desde mucho antes. Desde la plataforma afirman que la captura de pantalla mostrada es de una apuesta realizada en mayo de 2025, antes de la prohibición judicial, y que Netflix acordó no incluir ese recibo en el documental final.

Sin embargo, la imagen sigue presente en el tráiler, lo que llevó a Kalshi a denunciar una maniobra engañosa destinada a “engañar a millones de clientes”.

Netflix, por su parte, reconoce que la captura de pantalla corresponde a 2025 pero niega cualquier manipulación. “Las imágenes fueron filmadas en el evento Winible World Cup Watch Weekend en Las Vegas el 17 de julio de 2026”, señaló un portavoz a The Hollywood Reporter, subrayando que cualquier operación específica es responsabilidad de los usuarios y de las aplicaciones implicadas.

El trasfondo: apuestas, reputación y presión legal

El caso visibiliza el delicado equilibrio entre la libertad creativa de los documentales y la protección de la reputación de actores relevantes en la industria fintech y de apuestas. Kalshi sostiene que la difusión del tráiler puede afectar su imagen ante reguladores, usuarios y socios comerciales, especialmente cuando el sector de los mercados de predicción se encuentra bajo estricta supervisión legal en Estados Unidos.

El conflicto también refleja la presión sobre las plataformas de streaming para generar contenido atractivo y de impacto rápido, en un mercado donde la competencia, y la polémica, son moneda corriente.

Netflix: cambios estratégicos, caída en la participación y nuevos formatos

No es el único frente abierto para Netflix, que en paralelo estudia incorporar canales de televisión en vivo y programación lineal para revertir la caída de la participación de sus suscriptores. La métrica de interacción, que mide el tiempo y la frecuencia con la que los usuarios completan películas y series, ha mostrado signos de declive, llevando a la empresa a explorar nuevas formas de retener audiencia.

Entre las estrategias en análisis figuran la transmisión continua de contenido por género o programación temática, la integración de servicios de terceros como Peacock y la entrada selectiva en eventos deportivos en directo. En Francia, Netflix ya ha comenzado a ofrecer acceso a la programación de la cadena TF1, lo que podría anticipar movimientos similares en otros mercados.

En medio de estos cambios, Netflix firmó un acuerdo exclusivo para transmitir en Estados Unidos y Puerto Rico las ediciones 2027 y 2031 de la Copa Mundial Femenina de la FIFA, incluyendo la producción de docuseries sobre las jugadoras y el crecimiento del fútbol femenino. Este movimiento refuerza el interés de la plataforma por combinar deporte en directo, contenido original y estrategias de fidelización.

El conflicto con Kalshi y las nuevas apuestas de Netflix en programación en directo muestran el dinamismo y los desafíos del sector del streaming. Entre la presión legal, las demandas de los usuarios y la competencia por la atención, las plataformas deberán navegar con cautela la delgada línea entre el storytelling de impacto y la rigurosidad factual, en un entorno donde cada imagen y cada dato pueden desencadenar disputas de alto voltaje.

Tumaco, municipio ubicado en la costa pacífica de Nariño, cuenta con una población estimada de 220.000 habitantes, en su mayoría afrodescendientes e indígenas, y aunque se destaca por su riqueza cultural, biodiversidad y potencial turístico, la presencia de grupos armados ilegales ha provocado que se generen estigmatizaciones contra el territorio.

Buscando mostrar la verdadera cara de la región, la Dirección General Marítima (Dimar) y la Sociedad Portuaria de Tumaco presentaron el documental Con los ojos puestos en los océanos, una producción audiovisual que recorre Tumaco para contar, desde las voces de sus habitantes, investigadores y autoridades, cómo el océano hace parte de la identidad, la economía, la cultura y el futuro del Pacífico colombiano.

“Más que un registro audiovisual, el documental refleja el trabajo que se desarrolla para fortalecer la investigación científica marina, la seguridad integral marítima y la apropiación social del conocimiento, integrando la experiencia de las comunidades con el desarrollo científico y tecnológico que lidera la entidad”, declaró sobre el proyecto el capitán de Navío Juan Carlos Olarte.

La producción reúne testimonios de pescadores artesanales, mujeres concheras, docentes, estudiantes, científicos, autoridades locales y representantes del sector privado, que coinciden en que proteger el océano también significa proteger la historia, el bienestar y las oportunidades de desarrollo de miles de familias que dependen de él.

En el documental se destacan las capacidades científicas que existen en la región para generar información técnica que apoya el ordenamiento marino y costero, la elaboración de cartas náuticas, los pronósticos meteomarinos y otras herramientas fundamentales para la seguridad de la navegación y la planificación del litoral Pacífico.

De la misma forma, el audiovisual muestra cómo la educación ambiental y la divulgación científica permiten acercar el conocimiento oceanográfico a niños, jóvenes y comunidades costeras, despertando vocaciones científicas y fortaleciendo el sentido de corresponsabilidad frente a la conservación de los ecosistemas marinos.

Creadores del documental afirmaron que buscaron que este resaltara las acciones desarrolladas por organizaciones sociales, de la academia y empresas privadas para recuperar playas, restaurar ecosistemas de manglar y promover prácticas sostenibles que contribuyen a la resiliencia ambiental del territorio.

“Ver a nuestra comunidad, a nuestros pescadores y jóvenes, ser protagonistas de esta historia nos llena de orgullo. Este trabajo conjunto demuestra que, cuando el conocimiento científico se suma a la visión de quienes habitamos este territorio, logramos una gestión del Pacífico más consciente”, indicó Guillermo Londoño, vocero de Pacific Port.

Londoño también habló de la importancia de sumar esfuerzos entre instituciones, comunidades y sector productivo para consolidar un desarrollo marítimo responsable y sostenible. “Nuestro compromiso es seguir impulsando proyectos que protejan el ecosistema mientras garantizamos bienestar para las familias que dependen del mar”.

La producción audiovisual concluye con una invitación a reconocer el océano como un patrimonio natural que conecta a Colombia con el mundo y cuya protección depende del compromiso conjunto de autoridades, comunidades y ciudadanía.

Se espera que, con la presentación de “Con los ojos puestos en los océanos”, más personas entiendan que, con la divulgación científica y la construcción de una cultura marítima, Colombia podrá conservar la riqueza natural, cultural y estratégica del Pacífico. “Estamos demostrando que el verdadero desarrollo marítimo se construye cuando la ciencia, la conservación y las comunidades navegan en la misma dirección”.

Cabe mencionar que el mar Pacífico representa una vía estratégica para el comercio exterior de Colombia, facilitando la conexión con mercados de Asia y Oceanía. El puerto de Tumaco, ubicado en Nariño, es fundamental para la exportación de productos agrícolas, pesqueros y energéticos. Además, impulsa la economía regional y nacional, genera empleo y fortalece la conectividad marítima. Su posición geográfica lo convierte en un punto clave para el desarrollo logístico, la integración internacional y la seguridad del litoral colombiano.

La directora costarricense Hilda Hidalgo prepara Cousins (Primas), su tercer largometraje de ficción, un drama sobre dos primas de 12 años que huyen de sus casas tras un hecho traumático y usan las cámaras de sus teléfonos para exponer la verdad, una historia que la cineasta vincula con una realidad de abuso sexual que, según dijo, atraviesa a muchas familias en Costa Rica.

Antes de iniciar la selección de las protagonistas, la realizadora busca cerrar el financiamiento y sumar socios de coproducción internacional. De acuerdo con Variety, Hidalgo considera indispensable asegurar esos recursos antes del casting porque trabajar con intérpretes infantiles exige evitar procesos demasiado largos que puedan afectar el proyecto.

La publicación especializada reveló los primeros detalles de la película en un reportaje exclusivo. Según el medio, la nueva producción seguirá a dos niñas de 12 años en una fuga atravesada por la complicidad, el miedo y visiones febriles.

En ese recorrido, las protagonistas grabarán parte de lo que viven con sus propios teléfonos móviles. Ese material servirá para exponer lo que no pueden nombrar y se convertirá en una parte central del lenguaje visual de la película.

Hidalgo explicó al medio que, aunque Cousins es una ficción escrita, su intención es incorporar recursos propios del cine documental. “Cada película exige su propio lenguaje. Con Cousins, aunque es una ficción escrita, quiero que esté impregnada del espíritu del documental”.

La directora agregó: “El guion existe, pero me interesa preservar la imprevisibilidad, la intimidad y el sentido de descubrimiento que permite el cine documental”. Esa búsqueda formal retoma una metodología que ya había utilizado en Two Homelands, su documental filmado en Cuba.

La cineasta también señaló que las dos actrices tendrán un papel activo en la construcción de la obra. “Quiero que las actrices se conviertan en coautoras de la película. A medida que construyan una amistad real y compartan experiencias, podrán filmar momentos por sí mismas, sin que el equipo esté presente. Ese material formará parte esencial del lenguaje visual de la película”, señaló.

El proyecto volverá a reunir a Hidalgo con integrantes del equipo creativo de Violeta al fin. Entre ellos figuran la productora Emi Kodo, el director de fotografía Nicolás Wong y la directora de arte Olga Madrigal.

La película aborda cómo la violencia atraviesa el despertar sexual en la infancia

El eje temático de Cousins se concentra en el despertar de la sexualidad durante la infancia y en la manera en que ese proceso puede quedar marcado por la violencia y el abuso.

“La película también trata sobre el despertar del deseo, sobre descubrir la propia sexualidad a una edad en la que esos sentimientos apenas comienzan a surgir”, afirmó Hidalgo a la revista Variety.

La directora definió esa etapa como una experiencia contradictoria. “Eso es lo que la hace tan paradójica. Es un momento en el que el deseo todavía es frágil y está lleno de asombro, pero también puede quedar marcado por la violencia y el abuso”, subrayó.

Hidalgo sostuvo que esa reflexión nace de una realidad que observa en Costa Rica. “Es imposible ignorarlo. Difícilmente puedo pensar en una familia que no haya sido tocada por el abuso de alguna manera”, destacó.

La realizadora añadió que quiso contar la historia sin desplazar la mirada de las niñas. “Es una realidad profundamente presente y sentí la necesidad de explorarla. Pero quería contar esta historia sin perder la perspectiva de las niñas”, aseguró la cineasta.

En esa misma línea, precisó cuál será el enfoque del relato. Dijo que la “película no está definida por la violencia que sufren, sino por la forma en que ellas la viven, la comprenden y descubren dentro de sí mismas la capacidad de resistir y rebelarse”.

La directora también defendió la coproducción internacional como una herramienta central para el cine costarricense. Afirmó que una película puede levantarse solo con financiamiento local, pero eso vuelve más difícil su circulación y reduce su alcance en un mercado que describió como pequeño.

Según la revista, Hidalgo sostiene que asociarse con otros países no solo facilita conseguir recursos, sino que también fortalece la distribución y la vida internacional de una película. El antecedente está en su propia filmografía: Del amor y otros demonios fue la primera coproducción cinematográfica entre Costa Rica y Colombia, mientras que Violeta al fin se realizó junto con México.

La película, con una producción de Gato Grande, llega a cines selectos del país el 30 de julio y a Netflix el 13 de agosto de 2026.

Un caso que conmocionó a México

La historia sigue a Alejandra, una mujer recién casada cuyos planes de formar una familia se vieron truncados por varias pérdidas gestacionales. La presión de su entorno familiar y social la llevó a simular un embarazo que, para sostenerse, derivó en el robo de una recién nacida de un hospital. El caso se convirtió en un escándalo mediático que sacudió a México.

Un hijo propio examina cómo las expectativas familiares y sociales en torno a la maternidad influyeron en las decisiones de Alejandra. El documental plantea una reflexión sobre la presión que enfrentan las mujeres para convertirse en madres, el impacto emocional de las pérdidas de embarazo y las estructuras culturales que rodean ese mandato.

La obra también interroga el tratamiento mediático del caso y las consecuencias personales y públicas que desencadenó una vez que la historia alcanzó notoriedad nacional.

Formato, elenco y equipo creativo

La propuesta combina entrevistas a los protagonistas reales del caso con recreaciones dramáticas. El guion es de Julián Loyola y Esteban Student, y la producción ejecutiva estuvo a cargo de Sandra Godínez, Carla González Vargas y Maximiliano Sanguine.

El elenco de las recreaciones lo encabezan Ana Celeste Montalvo Peña y Armando Espitia, acompañados por Luisa Guzmán, Mayra Sérbulo, Casio Figueroa, Alejandro Porter, Mayra Batalla y Ángeles Cruz.

El caso real: una empleada del hospital, tres abortos y una bebé robada

Los hechos ocurrieron en junio de 2009 en el Hospital General de México, en CDMX. Eleonor Alejandra Marín Mendoza, de 26 años y empleada administrativa del propio nosocomio, había fingido un embarazo durante meses, llegando a subir más de 20 kilos, y había informado a su familia que el 17 de junio nacería su bebé. Antes del robo, había sufrido tres abortos espontáneos.

Ese día, Marín Mendoza ingresó al área de ginecobstetricia, tomó a la recién nacida Katia Valentina, de un día de vida, y la sacó del hospital dentro de una bolsa de papel de una tienda departamental. La esperaba afuera su esposo, Arturo Calderón Gamiño, de 28 años. Las cámaras de seguridad del hospital registraron toda la secuencia y permitieron identificarla de inmediato.

Horas después, ambos fueron detenidos mientras dormían en la habitación 449 de un hotel en la colonia Agrícola Oriental, en Iztacalco. La bebé fue recuperada con vida, aún con el brazalete del hospital, y devuelta a sus padres. Marín Mendoza declaró que la madre biológica le había prometido a la niña, versión que los padres de Katia Valentina negaron y que nunca pudo acreditarse legalmente.

La pareja fue procesada por privación ilegal de la libertad. Marín Mendoza cumplió más de 13 años de prisión en el penal de Santa Martha Acatitla. Fue durante una visita a ese reclusorio donde Alberdi conoció el caso de primera mano, al escucharlo de la propia protagonista.

Quién es Maite Alberdi

La cineasta chilena nació en Santiago el 29 de marzo de 1983 y se formó en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde estudió estética y comunicación social. Es la fundadora de Micromundo Producciones y miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos desde 2018.

Su carrera está construida sobre el retrato íntimo de mundos pequeños. Con La once (2014) obtuvo reconocimiento internacional y una nominación al Goya a la mejor película iberoamericana. Los niños (2016) le valió el premio a la mejor dirección femenina documental en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA), el más prestigioso del género a nivel mundial.

Las dos nominaciones al Óscar que la proyectaron globalmente

El salto definitivo llegó con El agente topo (2020), estrenado en el Festival de Sundance, que se convirtió en el primer documental chileno nominado al Premio Óscar. La película también compitió en los Goya y los Spirit Awards, y ganó el premio del público en el Festival de San Sebastián.

Su siguiente largometraje, La memoria infinita (2023), profundizó ese reconocimiento: ganó el Gran Premio del Jurado en Sundance, el Goya a la mejor película iberoamericana y obtuvo su segunda nominación a la Academia. En 2024 dio el salto a la ficción con El lugar de la otra, estrenada en la sección oficial del Festival de San Sebastián y nominada al Ariel a la mejor película iberoamericana en México.

El periodista Andrés Burgo firma El Partido. Argentina-Inglaterra 1986 (Tusquets, 2016), obra de casi 300 páginas que sirvió de base al documental y fue traducida al francés, al portugués y al italiano. Con una prosa austera y abundante en datos, el libro fusiona la crónica del encuentro del 22 de junio de 1986 con una reflexión sobre la memoria colectiva, el trasfondo de la Guerra de las Malvinas y la deificación de Diego Maradona en un puñado de minutos.

La apuesta narrativa del libro parte de una decisión deliberada: correrse del protagonista central para contar la historia desde la periferia. “Maradona ese día llegó a la cima del Everest, pero no lo hizo solo. Por eso yo decido contar la historia de los sherpas que lo acompañaron“, explicó Burgo, quien rastreó a jugadores, árbitros, utileros y hasta a un ignoto ayudante de campo que nadie recordaba. El resultado es un relato polifónico donde cada testimonio reconstruye un partido diferente: el que ocurrió y el que cada quien guardó en su memoria. “Todos recuerdan cosas diferentes y crearon cosas diferentes”, sintetizó el autor.

2. Borges y la Guerra de Malvinas

El documental construye su relato a partir de una decisión narrativa central: Jorge Valdano y Gary Lineker —protagonistas de aquella tarde en México y luego relevantes comentaristas televisivos; Valdano, además, columnista de El País hasta hoy— son los narradores de la historia. Los directores Juan Cabral y Santiago Franco los describen como personalidades afines —cultos, progresistas y mediáticos— y los sitúan frente a una pantalla grande para que reaccionen en tiempo real ante escenas del partido. “Ambos tienen un talento para explicar lo que está pasando y lo que sienten proverbialmente. Poseen una cadencia al hablar que hace que te vayas dejando llevar“, afirmaron los realizadores en Cannes.

Esa química alcanza su punto más alto en el cierre del documental, cuando Valdano lee en voz alta, ante un Lineker visiblemente emocionado que termina por abrazarlo, el poema de Jorge Luis Borges sobre dos soldados —uno inglés, uno argentino— muertos en la Guerra de las Malvinas: “Les tocó en suerte una época extraña [...] / Hubieran sido amigos, pero se vieron una sola vez cara a cara, en unas islas demasiado famosas, y cada uno de los dos fue Caín, y cada uno, Abel. / Los enterraron juntos. La nieve y la corrupción los conocen”.

3. Los directores

Juan Cabral, nacido en Buenos Aires en 1978, se formó en diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires y acumuló reconocimiento internacional en publicidad antes de volcarse al cine con los largometrajes Two/One (2019) y Risa y la cabina del viento (2025). Santiago Franco, también porteño, estudió dirección en la Universidad del Cine (FUC) y desde 2010 dirigió comerciales y videoclips en América Latina y Europa. “Este partido, para los argentinos es parte de la cultura, es algo que creemos, que conocemos de memoria y, sin embargo, nosotros, que lo hemos explorado en profundidad, seguimos descubriendo cosas”, afirmó Cabral en Cannes.

Para acceder a las estrellas inglesas como Gary Lineker o John Barnes, los realizadores contaron que debieron generar “confianza”, como si se acercaran a un “animal herido”. El resultado fue revelarles un universo de supersticiones argentinas que desconocían por completo: desde las dos canciones de ritual obligatorio —“Total Eclipse of the Heart” de Bonnie Tyler y “Eye of the Tiger” de Survivor— hasta los caramelos enterrados en el campo del estadio Azteca. “No tenían ni idea de todo lo que sucedió del lado argentino”, subrayó Franco, quien enfatizó que el documental trasciende el fútbol para que “cualquiera pueda emocionarse”.

4. Los protagonistas, 40 años después

El documental reúne por primera vez en pantalla a protagonistas de ambas selecciones para reconstruir el cuarto de final del Mundial 86 desde adentro. Por el lado argentino, Oscar Ruggeri, Jorge Olarticoechea, Jorge Burruchaga y Ricardo Giusti aportan sus memorias del encuentro disputado en el estadio Azteca de Ciudad de México. Giusti, con la cábala del caramelo enterrado en el campo, y Olarticoechea, con su anécdota en el peaje de la autopista Ricchieri junto a Carlos Bilardo y su papel central en el segmento bautizado “La nuca de Dios” —considerada una de las mejores salvadas de un jugador de campo en la historia de los mundiales—, se roban el protagonismo.

Del lado británico, la presencia más cargada de historia es la de Peter Shilton, el arquero que recibió los dos goles de Maradona —“la mano de Dios” y el llamado “Gol del Siglo”— y que durante décadas mantuvo una postura pública de rechazo hacia el astro argentino por no haber pedido disculpas por su “trampa”. Su aparición junto a John Barnes, el extremo izquierdo que revirtió parcialmente el rumbo del partido en los últimos veinte minutos, representa uno de los gestos más elocuentes del filme: el de quienes cargaron con la derrota y se sientan, cuarenta años después, a contar su versión de una historia que los marcó para siempre.

5. Qué dijo la crítica internacional

El Partido tuvo su estreno mundial en la sección Cannes Premiere del Festival de Cannes, donde la crítica internacional lo recibió con elogios generalizados. Variety lo describió como “uno de los documentales más absorbentes y accesibles jamás realizados sobre el deporte”, mientras que The Irish Times destacó su equilibrio narrativo y lo calificó como “un proyecto prodigioso, comprensivo y suavemente realizado que cubre todas las bases históricas”.

The Times de Londres sumó su voz al reconocimiento colectivo con una lectura más matizada: aunque advirtió que el filme “difícilmente convertirá a nuevos fanáticos del fútbol”, reconoció que está “salpicado de suficiente folclore peculiar y detalles de fondo” como para mantener enganchado incluso a espectadores ajenos al deporte. El diario británico también elogió la factura visual del proyecto y subrayó que el documental “trabaja de manera impresionante para hablar de algo más grande que el fútbol”. La frase con la que cierra su reseña es contundente: “They shoot, they mostly score” (Disparan, y mayormente, convierten un gol).

[Fotos: Buena Vista / Disney]

La película dura 79 minutos, está dirigida por Jyllian Gunther y Stephanie Schwam, y retrata a Byrd cuando cumple 69 y 70 años mientras decide qué hacer con 600 cintas de su archivo televisivo. El documental concluye con su decisión de conservar ese material como testimonio de toda una época.

Robin Byrd fue la cara de un formato emitido entre 1977 y 1998 en Nueva York, con stripteases de hombres y mujeres, entrevistas a actrices porno, artistas de performance y trabajadores sexuales, y llamadas en directo del público. Ese espacio la convirtió en un icono de culto y su visibilidad la utilizó para defender la libertad sexual y concienciar sobre el VIH y el sida.

Interés histórico y biográfíco

El interés actual del documental se sitúa en dos planos. El primero es histórico: revisa una fase en la que la pornografía y la industria del sexo empezaron a ocupar un lugar más visible en la cultura popular. El segundo es biográfico: Byrd fue una figura muy expuesta en pantalla, pero mantuvo su vida privada en la sombra durante décadas.

Byrd fue presentadora de un universo deliberadamente kitsch, de tono sexual durante la emisión nocturna, reconocible por su bikini negro de ganchillo, su melena rubio caramelo y una batería de frases repetidas programa tras programa. En pantalla presentaba las actuaciones de la noche, en un formato que mezclaba desnudo, comedia, improvisación y una cercanía poco habitual con la audiencia gracias a las llamadas en directo.

Ese componente en vivo fue una de las claves del espacio. En Channel J, identificado como el primer canal de acceso público donde podía alquilarse tiempo de emisión y vender publicidad, el programa encontró además una vía de negocio con la promoción de líneas telefónicas de sexo.

La película también reconstruye la carrera previa de Byrd en el porno. Apareció en 13 películas, entre ellas Debbie Does Dallas, y más tarde tomó las riendas de un programa llamado Hot Legs, al que rebautizó en 1977 como The Robin Byrd Show.

Un show parte de la cultura popular

Por ese plató pasaron nombres como Porsche Lynn, Candida Royalle, Samantha Fox y Annie Sprinkle. Byrd las entrevistaba y las mostraba como personas reconocibles más allá de su trabajo en la industria pornográfica.

La influencia del programa se desbordó fuera del circuito marginal. Cheri Oteri la parodió en Saturday Night Live, un salto a la cultura popular que consolidó su notoriedad, y las emisiones semanales también llegaron al bar gay Julius’, en el West Village, cuando Byrd ya había estrechado su vínculo con la comunidad queer y había convertido el espacio en una voz activa durante la crisis del sida.

El documental aborda también una faceta menos conocida de la presentadora: la judicial. En los años noventa se alió con Al Goldstein, responsable de Midnight Blue, para demandar a Time Warner después de que sus programas de acceso público fueran vetados por obscenos.

Ese litigio podría compararse con la batalla por la libertad de expresión impulsada por Larry Flynt ya que caso de Goldstein y Byrd llegó al Tribunal Supremo de Estados Unidos, donde ambos acabaron imponiéndose. Esa victoria se convirtió en referencia de un momento político y judicial en el país.

La vida privada de Robin Byrd

En el plano personal, la película despeja algunos de los interrogantes que durante años rodearon a Byrd. En 1976, cuando estaba a punto de entrar en la industria sexual, inició una relación con Shelly, director de arte publicitario, y se casó con él. Siguen juntos medio siglo después, y en la propia película ella afirma que es bisexual.

El documental incorpora además episodios de su infancia y adolescencia. Byrd fue adoptada, creció en Manhattan muy unida a su padre, un anticuario que murió cuando ella tenía ocho años, y huyó de casa para escapar de una madre abusiva.

En la actualidad aparece viviendo en un dúplex recargado junto a Shelly, ya anciano y con demencia. Allí señala la pared donde guarda las cintas de sus antiguos programas y las define así: “¡Estos son todos nuestros hijos!”.

Byrd eligió no someterse a retoques estéticos, una rareza en una figura del espectáculo tan asociada a la imagen. El metraje la muestra con el pelo largo encanecido, flequillo y un moño sujeto en la parte superior de la cabeza, y remata con un montaje en el que baila por Manhattan con la misma energía lúdica que marcaba el cierre de su programa al son de Bang My Box, la canción rock que ella misma grabó para despedir cada emisión.

La pieza se presentó en una fecha calculada para la conversación global: el primer aniversario del arranque de la gira Oasis Live ’25. Ese tour empezó el 4 de julio de 2025 en Cardiff, Gales, y marcó la primera vez que la banda tocó junta en 16 años.

El teaser mostró públicos masivos y dejó ver fragmentos de ensayos, con narraciones en off de Noel Gallagher y Liam Gallagher que apuntaron al peso interno de volver a compartir escenario después de la separación del grupo.

El proyecto se acreditó como una creación del guionista, productor y director Steven Knight. La dirección quedó en manos de Dylan Southern y Will Lovelace.

El dato de industria: ventana IMAX, salas selectas y exclusividad en streaming

El calendario de distribución colocó a Don’t Look Back in Anger primero en la exhibición premium: en septiembre se estrenará en salas IMAX y en cines seleccionados. Más tarde, quedará disponible de forma exclusiva en Disney+ a finales de este año.

La película se produjo por Magna Studios y Sony Music Vision, y se presentó por Sony Music Vision en colaboración con Sony Music Entertainment UK. En el paquete de producción figuraron Sam Bridger y Guy Heeley como productores, junto con un listado de productores ejecutivos: Kate Shepherd, Marisa Clifford, Tom Mackay, Krista Wegener, Isabel Davis y Tim O’Shea.

En el equipo técnico creativo se incluyeron los mezcladores de sonido ganadores de un Óscar James Mather y Tarn Willers, además del director de fotografía Haris Zambarloukos.

Qué promete la película: ensayos, backstage y entrevistas conjuntas

Don’t Look Back in Anger se planteó como el registro de la gira de reunión de los hermanos Gallagher, con acceso a ensayos, backstage y escenas sobre el escenario. La sinopsis la definió como un recuento “abiertamente optimista” del que describió como el “mayor evento musical de 2025”, con foco en la experiencia de la banda y sus fans alrededor del mundo.

Uno de los ganchos de material inédito apuntó a la conversación entre los protagonistas: el proyecto anunció las primeras entrevistas conjuntas de Noel y Liam en más de 25 años.

En el adelanto, el tono se apoyó en el contraste entre el pasado y el reencuentro. “Yo simplemente no me veo en el escenario con Liam, no me veo”, dijo Noel en la narración del teaser. “El modo en que terminó, inaceptable”, dijo Liam en el mismo avance.

Knight y el acceso “a la mesa” de los Gallagher

Steven Knight enmarcó el documental como algo más que una filmación de shows. “La gira mundial de Oasis unió a generaciones, culturas y países y le habló a un mundo roto sobre la reconciliación”, dijo en un comunicado difundido por el medio.

Knight también describió el tipo de acceso que buscó la producción: “Don’t Look Back In Anger no solo es tu boleto para el show: es un pase al backstage y un lugar en la mesa cuando Liam y Noel se sienten juntos por primera vez en 15 años y lo cuenten como es y como fue”.

Los protagonistas fueron Angela Nikolau, de 33 años, e Ivan Beerkus, de 32, dos escaladores urbanos que desde hace más de una década han construido una carrera basada en desafiar los límites físicos y las normas de acceso a algunos de los edificios más altos del planeta.

Asimismo, antes de realizar su descenso, se sabe que la pareja se comprometió. Ambos fueron detenedlos por las autoridades.

¿Quiénes son Angela Nikolau e Ivan Beerkus?

Angela Nikolau nació en Rusia en 1993 dentro de una familia de artistas de circo, un entorno que marcó su relación con las alturas desde la infancia.

Creció rodeada de trapecistas, gimnastas y acróbatas, por lo que el equilibrio, la coordinación y el trabajo físico formaron parte de su vida cotidiana desde temprana edad.

Esa preparación le permitió desarrollar habilidades que más tarde trasladaría al fenómeno conocido como rooftopping, una práctica que consiste en escalar edificios, puentes, grúas y otras estructuras de gran altura, generalmente sin equipo de seguridad.

Su notoriedad comenzó a mediados de la década de 2010, cuando empezó a publicar fotografías y videos en redes sociales en los que aparecía caminando por cornisas, colgándose de grúas o realizando poses sobre la cima de algunos de los edificios más altos del mundo.

Más allá del riesgo, Angela Nikolau ha explicado en distintas entrevistas que concibe estas imágenes como una forma de expresión artística, donde la composición fotográfica y el paisaje urbano son tan importantes como la escalada misma.

A lo largo de su carrera ha realizado ascensos en ciudades como Dubái, Hong Kong, Shanghái, Kuala Lumpur y Moscú, convirtiéndose en una de las mujeres más reconocidas dentro de la comunidad internacional de escaladores urbanos.

Por su parte, Ivan Beerkus, conocido también como Vanya Beerkus, nació en Rusia en 1994 y desarrolló desde joven un interés por la exploración de espacios urbanos e industriales.

Antes de alcanzar notoriedad internacional ya recorría edificios abandonados, torres y estructuras de gran altura, documentando sus recorridos mediante fotografía y video.

Con el paso del tiempo se especializó en el rooftopping, disciplina que exige planificación, resistencia física y conocimiento de las estructuras que se escalan.

Sus expediciones suelen realizarse sin equipo de seguridad y, en muchos casos, sin autorización de los propietarios de los edificios, por lo que implican riesgos tanto físicos como legales.

Además de escalar, Beerkus se ha consolidado como creador de contenido audiovisual. Su trabajo consiste en registrar desde perspectivas poco comunes algunos de los paisajes urbanos más emblemáticos del mundo.

Angela Nikolau e Ivan Beerkus se conocieron en 2016, cuando ambos ya formaban parte de la comunidad de rooftoppers.

Según ha contado la propia Nikolau, cuando lo conoció lo admiraba porque era uno de los escaladores urbanos más reconocidos de Rusia. Ella empezó a seguir sus pasos, intentando visitar los mismos edificios que él escalaba.

La interacción entre ambos comenzó en Instagram, donde Beerkus empezó a dar “me gusta” a sus publicaciones. Poco después, él la invitó a participar en un viaje patrocinado a China para escalar lo que entonces era la obra de construcción más alta del mundo. Fue durante ese viaje cuando la relación dejó de ser únicamente profesional y comenzó el romance.

Esa relación es el eje narrativo de Skywalkers: A Love Story, documental estrenado en 2024, que sigue durante varios años la preparación de la pareja para escalar el Merdeka 118, en Kuala Lumpur, considerado el segundo edificio más alto del mundo.

El largometraje muestra no solo la complejidad técnica de la expedición, sino también los desafíos personales derivados de una actividad que puede implicar detenciones, restricciones de viaje y un riesgo permanente.

A través de conversaciones personales y material grabado por ellos mismos, la película explora las tensiones que surgen entre el deseo de alcanzar nuevos retos, las diferencias creativas y el impacto emocional que implica vivir al límite.

Para realizar el documental se recopilaron más de 200 horas de grabación obtenidas a lo largo de siete años. El material combina imágenes aéreas, grabaciones en primera persona, videos de archivo y entrevistas que permiten conocer la evolución de la pareja y la manera en que afrontan los riesgos físicos, legales y personales de su actividad.

Además, el filme aborda las dificultades que enfrentaron durante la pandemia de COVID-19 y las restricciones derivadas del conflicto entre Rusia y Ucrania, circunstancias que alteraron sus planes de viaje y complicaron la realización de nuevos proyectos.

Tras su estreno en el Festival de Sundance en 2024, la película recibió críticas mayoritariamente positivas por su capacidad para equilibrar la tensión de las secuencias de escalada con el desarrollo emocional de sus protagonistas.

El estreno del nuevo documental sobre el asesinato de Paco Stanley reavivó el debate público y las dudas en torno a los señalados históricos del caso.

Entre las voces protagonistas, Mario Bezares expuso en entrevista para Ventaneandoque su reputación solo podría quedar limpia ante la sociedad si sucediera un escenario muy particular, luego de veintisiete años de señalamientos y estigmas.

¿Qué podría limpiar el nombre de Bezares?

En conversación con el vespertino de TV Azteca, Mario Bezares reconoció que, pese a ser absuelto judicialmente, la percepción pública no cambió por completo.

“Por más que pueda venir el Espíritu Santo diciendo que nosotros no tenemos nada que ver, es una cicatriz que tenemos en el cuerpo, ahí va a quedar de por vida”, afirmó.

Bezares insistió en que la única vía para limpiar su nombre sería la intervención de la autoridad:

“Si es un caso contundente, tienen pruebas y todo eso, ya es momento que la Fiscalía tome cartas en el asunto y diga qué es eso. La justicia nos llegó hace 27 años, cuando nos absolvieron a todos, nos dieron la libertad”.

Aseguró que, desde el inicio, sostuvo su inocencia: “Desde un principio venimos diciéndoles que nosotros no tuvimos nada que ver y que si está llegando este nuevo documental y que si tiene pruebas fehacientes y contundentes, que las presenten a la fiscalía para ver si tiene el valor o el sustento para que este caso quede cerrado”.

El documental busca aportar pruebas inéditas en el caso Paco Stanley

El reciente documental sobre el asesinato de Paco Stanley presentó testimonios y evidencias que, según sus productores, podrían cambiar la percepción pública y ofrecer elementos nuevos para esclarecer el caso.

El material generó reacciones entre los involucrados, quienes manifestaron tanto alivio como escepticismo ante la posibilidad de que el documental traiga justicia o cierre definitivo al expediente.

Paola Durante, quien también ha estado en el ojo público por años debido al caso de Paco Stanley, lloró en algunas entrevistas tras haber visto el nuevo documental.

“Tengo muchas emociones. He llorado mucho, pero ya no de tristeza, sino de emoción, de felicidad, porque es algo que no solo mi familia y mi mamá querían escuchar, sino yo también. Estoy en shock”, confesó.

La producción sostiene que muchos de los habitantes de Pompeya tuvieron opciones reales de sobrevivir al desastre, un punto que matiza y a la vez desafía la versión tradicionalmente aceptada por la divulgación histórica y el audiovisual. En diálogo con la prensa oficial del estudio, el equipo destacó que la serie se apoya en nuevas pruebas y análisis interpretados por arqueólogos, historiadores, geólogos y especialistas en desastres para reconstruir las últimas horas de la ciudad, focalizándose en la toma de decisiones de individuos anónimos frente al inminente cataclismo.

El lanzamiento español se anticipa a la publicación de un reportaje extenso en NatGeo.com el 21 de julio, complementando el despliegue con datos inéditos sobre tres ciudades sepultadas en el año 79 de nuestra era. La casa matriz de National Geographic apostó por el uso de inteligencia artificial y técnicas avanzadas de análisis de ADN para profundizar en la vida cotidiana, las desigualdades de clase y género en Oplontis, los textos carbonizados de Herculano y la alimentación y enfermedades en Pompeya, cuestiones que posicionan a la serie y su cobertura digital como eje transversal de su campaña 2024.

La construcción narrativa: colaboración MCU y arqueología

En la génesis del proyecto, Hiddleston vuelve a ocupar el centro narrativo no como actor de reparto ni como personaje aislado, sino como guía y conductor que introduce a la audiencia en las historias de un aprendiz adolescente, una empresaria de peso y un miembro de la guardia pretoriana, arquetipos trabajados en formato dramatizado para romper la estructura clásica del documental histórico.

El showrunner Tom Barbor-Might, también responsable de la dirección, ha diseñado una narrativa de cuenta atrás que recurre a fórmulas propias del drama contemporáneo. El guion, firmado por Jessica Ruston y Mark Ravenhill con aportes de Wright y Barbor-Might, despliega líneas diegéticas que alternan testimonios de especialistas con reconstrucciones cinematográficas. En palabras de Tom McDonald, vicepresidente ejecutivo de contenidos para National Geographic, “se inventó un género totalmente nuevo de programación histórica” al integrar los datos científicos con recursos de ficción visual.

Integración vertical: sinergias creativas y nuevas prácticas documentales

Desde la estructura de producción, Plimsoll Productions acentúa la modalidad de documental híbrido: Kevin R. Wright, Grant Mansfield, Helen Flint y Alan Eyres ocupan el rol de productores ejecutivos junto a Carolyn Payne por el lado de National Geographic. La supervisión editorial incorpora a Charlie Parsons, vicepresidente senior de Desarrollo; Bengt Anderson, vicepresidente senior de Producción no guionizada; y el propio McDonald, responsables de garantizar los estándares editoriales de la marca.

La música original de la serie, compuesta por Aisling Brouwer, tiene previsto su lanzamiento global el 24 de julio de 2026 en plataformas líderes de música bajo demanda, consolidando una expansión multiplataforma del proyecto que trasciende el estreno audiovisual.

Revisión de paradigma: evidencia científica y relato humano

Pompeya: Más allá del tiempo con Tom Hiddleston apuesta por desplazar el foco narrativo de la destrucción hacia la reconstrucción de la experiencia humana y la toma de decisiones bajo presión. El dato de mayor impacto industrial reside en la decisión de reinterpretar las investigaciones recientes —entre ellas, la posibilidad de supervivencia de víctimas clásicamente consideradas irremediablemente perdidas— y en la combinación de disciplinas (arqueología, genética forense, historia social) para desglosar actitudes individuales y colectivas ante la catástrofe.

La serie tiene la intención declarada de “desmontar algunos de los grandes mitos” sobre la erupción, en especial la idea de que los habitantes quedaron indefensos y sin margen de acción. Este reposicionamiento conceptual redefine el relato de Pompeya no solo como momento histórico de destrucción, sino como ventana a la fortaleza, el sacrificio y la supervivencia de las personas que convivieron con el Vesubio.

La confesión del capitán argentino aportó una nueva perspectiva sobre el impacto de las historias deportivas en su vida y permitió conocer los puntos en común que identifica con el tenista español.

Messi y Nadal: afinidades entre dos referentes del deporte mundial

"ESTAMOS MIRANDO AHORA LA SERIE DE RAFA NADAL Y ME IDENTIFICO MUCHO. CREO QUE SOMOS MUY PARECIDOS..."

✍️ Leo Messi tras otro partido único en el Mundial

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— SportsCenter (@SC_ESPN) June 17, 2026

Luego del debut ante Argelia en el Mundial, el capitán argentino compartió en la rueda de prensa su experiencia como espectador de la serie documental sobre ell tenista español: “Estamos mirando la serie de Rafa Nadal y me identifico mucho con él, creo que somos muy parecidos en ese sentido, que siempre quiero dar el máximo y siempre me quiero sentir bien”, afirmó el capitán argentino. Sus declaraciones, recogidas tras el partido, pusieron en primer plano no solo la admiración por el tenista mallorquín, sino también la autoexigencia y la búsqueda constante de superación que ambos comparten.

La referencia de Messi a la serie Rafa, disponible en Netflix, trasladó la conversación pública al impacto de las historias de resiliencia y sacrificio en los atletas de élite. El futbolista explicó que la docuserie muestra facetas poco conocidas de la personalidad de Nadal y destacó la profundidad con la que se retrata la lucha contra el dolor físico y la presión competitiva.

Qué muestra “Rafa”, la serie que cautivó a Messi

La producción de Netflix dirigida por Zach Heinzerling se centra en el último año de competencia de Rafael Nadal y ofrece, según el análisis del sitio estadounidense The Contending, “una mirada sobria, incluso sombría, sobre el dolor físico y mental que acompaña a los grandes atletas”. La serie alterna entre los inicios de Nadal y su regreso en 2024, mostrando cómo el paso del tiempo afecta la capacidad de competir al máximo nivel.

A lo largo de los episodios, el documental revela los sacrificios personales y físicos del tenista. Desde el diagnóstico de síndrome de Müller-Weiss, una enfermedad degenerativa en el pie izquierdo, hasta las múltiples lesiones que condicionaron su carrera, la narrativa expone cómo Rafa convivió con el dolor durante toda su trayectoria. El medio estadounidense detalla que el deportista “creía que cuando sufría, estaba dando todo de sí, y esa convicción marcó su camino en el deporte”.

La serie explora además el entorno familiar de Nadal, en especial la influencia de su tío Toni, quien lo entrenó durante años y defendía la idea de que el sufrimiento era parte del camino hacia la grandeza. El documental recopila material inédito, testimonios de rivales históricos como Roger Federer y Novak Djokovic, y repasa los momentos más críticos de la carrera del mallorquín, incluyendo episodios en los que debió competir anestesiado por el dolor.

The Contending destaca que la docuserie “transmite la naturaleza efímera de la carrera deportiva y la humanidad de Nadal, logrando una mirada honesta sobre su legado”. La producción evita el tono celebratorio y expone sin filtros el desgaste físico y emocional que supone competir al más alto nivel.

El valor de la resiliencia: Messi y las historias que inspiran

Las declaraciones de Leo Messi sobre la serie Rafa abren el debate sobre la influencia de las historias de resiliencia y sacrificio en la mentalidad de los grandes referentes deportivos. Para el capitán argentino, la identificación con el relato de Nadal radica en el esfuerzo constante, la exigencia personal y la capacidad para sobreponerse a la adversidad.

La serie, según la crítica internacional, no solo se dirige a los fanáticos del tenis, sino a quienes buscan comprender los desafíos emocionales y físicos que atraviesan los atletas de élite. La confesión de Messi tras el triunfo mundialista refuerza el impacto que tienen estos relatos en la construcción de la identidad y la motivación de los deportistas contemporáneos.

“¿Es posible ser trans sin sufrir tanto?”.

La pregunta aparece en el film cuando se lo ve a Tristán compartiendo con amigas, amigos, amigues. Disfrutando. También aparece en los textos de presentación.

Su historia va por ahí. No nace del sufrimiento. Y quizás, en ese sentido, también es una disrupción: Tristán no es un adolescente trans que padece su cambio identitario, que se enfrenta a las personas de su círculo y se va dando portazos con el corazón roto por no saberse aceptado. Su madre y sus amigos lo abrazan, su escuela lo contiene, el Estado le da derechos, le facilita sus procesos. Lo que no quiere decir que el camino haya sido fácil, que haya estado exento de tensiones, de subibajas.

Tampoco es una historia de la marginalidad.

El trailer de Tristán y los días por venir inicia con una voz aniñada pero certera.

—Tristán Alexander.

—¿Con “x”, verdad? —se escucha preguntar a una mujer adulta.

—Sí.

El trailer de Tristán y los días por venir termina con la imagen de un adulto joven, en sus veintis, la bandera del orgullo trans como capa, anudada al cuello, barba y bigote incipiente, lentes, piercing en la nariz, abanico en la mano, en medio de una marcha. De fondo, el discurso: “Vienen por nuestros derechos. Hay que seguir defendiéndolos. Hay que seguir construyendo el mundo en el que queremos vivir”.

En el medio hay siete años.

La historia que comienza con un adolescente de 15 que hacía muy poco había decidido comenzar a exteriorizar lo que en su interior estaba claro: que habitaba un cuerpo que le quedaba incómodo. Que está determinado a ir, en todos los planos de su vida, por esa identidad que ya latía clara: cambiar su DNI, su cuerpo y desplegar enteramente ese que ya sabía que era. Que empieza a compartir ese proceso con su familia, con sus pares. Es una historia filmada a través del tiempo. Un documental que muestra, como lo definen Martina Matzkin y Gabriela Uassouf, sus directoras, “un retrato del crecer”.

—En realidad creo que ni siquiera me dijeron: “Vamos a hacer un documental”. Dijeron algo más como: “Vamos a filmar un par de cosas, a ver qué sale”.

Del otro lado de la pantalla Tristán Alexander Miranda, de 22 años, repasa cómo fue que Martina Matzkin, Gabriela Uassouf y él decidieron comenzar a registrar una serie de momentos —hitos y también episodios cotidianos de su vida— que terminaron por transformarse en siete años de filmación que documentan su transición de género, pero también su paso de la pubertad a la adolescencia más pura, de la adolescencia a la primera adultez. En un país que también cambió de colores, de banderas y de ideas.

—No tuvo siempre una dirección tan clara —sigue Tristán—. Con pocos recursos empezamos a filmar sin muchos planes y a veces [las directoras] decían: “Bueno, sí, capaz hacemos esto”. Como yo recién empezaba mi transición social y, sobre todo, lo legal, estuvo bueno ir documentando eso. Pero tampoco teníamos una idea fija de hacia dónde iba a ir lo que íbamos a filmar. Y terminó siendo algo muy lindo.

Las realizadoras Martina Matzkin y Gabriela Uassouf ya conocían a Tristán. Ellas venían trabajando juntas: habían codirigido un primer documental, Cuidadoras —producido, como este, por Groncho estudio y estrenado en 2025— en el que contaban la experiencia de tres mujeres trans que comenzaban a trabajar como cuidadoras en un hogar público para adultos mayores. En medio de ese proceso Martina había escrito un corto de ficción: El nombre del hijo, que muestra lo que le sucede a Lucho, un niño trans de 13 años que no comparte demasiado tiempo con su padre, cuando sale de vacaciones con él y su hermana pequeña; y qué pasa con los vínculos cuando, de repente, se acercan. E invitó a Gabriela a ser parte del equipo para desarrollarlo. Juntas hicieron el casting para el papel protagónico: buscaban a un niño o preadolescente trans.

—Conocimos un montón de pibes en ese camino —repasa Gabriela—. Elegimos juntas a Tristán como protagonista por razones que tenían mucho que ver con su sensibilidad, con su potencial. Nunca había estado frente a cámara, no había actuado en otra cosa. Entonces, ya cuando filmamos El nombre del hijo y forjamos esa relación —no solo con Tristán sino también con con su mamá, Virginia— empezamos a compartir otras cosas de la vida más allá del rodaje. Ahí resurgió un proyecto inicial que había salido de Martu de buscar por el lado de las de las adolescencias, del crecer, de las infancias. No sabíamos, era muy amplio todavía. De hecho esta peli tuvo una infinidad de formas hasta que, con el tiempo de laburo y de búsqueda y el compartir con Tristán, encontró la suya.

Tristán había comenzado a contar lo que sentía, dispuesto a encarar su transición, a los 13 años. Y, junto a su madre, emprendieron una búsqueda de información, de espacios, de comunidades de niñeces y adolescencias trans para acercarse y hacer red. Se sumaron a la Asociación Civil Infancias Libres y, luego, a otra llamada Munay: agrupación de familias de niñes y adolescentes trans, travestis y no binaries. En una de estas comunidades circuló el flyer para el casting y se presentó.

“Era mi primera vez actuando frente a cámara”, dice Trsitán, pero no era su primera vez encarnando un papel. “Yo siempre hice teatro, hice comedia musical, siempre me gustó actuar. Mi familia cuenta que desde chico fui muy teatrero, en el sentido de que me subía a la mesa y me ponía a cantar canciones de Floricienta. Era una de las tantas cosas que me gustaban hacer”.

Tristán fue al casting más por curiosidad, para probarse poniendo en práctica un hobby del que disfrutaba, que por el deseo aspiracional de transformar la actuación en un oficio. Después de quedarse con el protagónico y de la experiencia de trabajo con Martina y Gabriela, no dudó cuando ellas le propusieron empezar a acompañarlo y registrar diferentes momentos de su vida.

—Hay momentos que están filmados en los que yo no me sentía bien, me sentía muy mal —dice Tristán—; me gusta poder verlo ahora, pensar en ese momento y entender que no era tan terrible o que ahora estoy mejor. O verme cuando era chico y creía muy imposibles los cambios físicos que quería en mi transición. Lo veía en personas que documentan su proceso y decía: “No sé si yo voy a poder hacer eso”. Pero se fue dando y fue más rápido de lo que pensé. A los 15, 16 años no pensaba que a los 19 iba a poder hacerme la masculinización de tórax y es una de las mejores cosas que me pasó en la vida porque desde ese entonces soy mucho más feliz en mi propio cuerpo y me siento tan bien. Toda esa angustia que tenía a los 14 años por tener que salir del clóset ya no está. Y en ese momento sentía que iba a estar toda la vida así. También hay cosas que no tienen que ver necesariamente con transicionar, que simplemente es mi vida con amigues, con mi pareja, con mi familia, y me parece muy lindo que estén. Es raro porque es hasta humanizante: como que las personas piensan que las personas trans solamente somos trans pero antes somos personas.

Sobre la elección de qué momentos de su vida registrar y las decisiones del rodaje, Martina suma que si bien “fue una película que tenía un rumbo, se fue construyendo mucho en el hacer”.

—Por ejemplo: algo que nos pasó, bastante impredecible, fue la pandemia, en donde decidimos filmar igualmente con todas las complejidades y dificultades que eso tuvo, y con mucha seguridad de que había ciertos hitos que no nos queríamos perder, aunque no sabíamos dónde iban a encajar en la película. Pero, de pronto, Tristán tuvo la posibilidad de cambiar su partida de nacimiento, de recibir un nuevo DNI, y queríamos estar ahí y registrarlo. O el día en que se recibió de la secundaria o un cumpleaños. Pero también nos interesaba estar más allá de esos grandes momentos, nos interesaba hacer un registro de esa cotidianidad, porque la vida no es un compendio de hitos. Entonces fue un poco eso, una combinación de momentos que estábamos seguras de que queríamos y de vida cotidiana. No sé si desde el principio sabíamos cuánto tiempo iba a durar la filmación porque un retrato del crecer podría ser eterno. Creo que lo pensábamos un poco más corto, pero a medida que pasaba el tiempo nos dábamos cuenta de esa fuerza vital tan grande que implica acompañar un crecimiento, presenciar todas esas cosas que iban pasando, no solo con Tristán sino con su entorno más cercano y con el contexto sociopolítico que lo rodea. Me parece que es muy interesante ver eso condensado y registrado a lo largo de los años.

—En cuanto al rodaje, creo que también evolucionó con la película y con el crecimiento de Tristán y del vínculo entre él y nosotras —suma Gabriela—. Yo realmente aprecio y le agradezco públicamente a él todo lo que nos bancó porque, siendo adolescente, tenés otras ganas y otra rebeldía y tal vez no estás todos los días con ganas de filmar. Y hubo muchos momentos en los cuales claramente Tristán tenía ganas de estar haciendo otra cosa e igual le ponía el cuerpo, y momentos en los que sabía que lo ponía nervioso que filmáramos pero igual nos avisaba, tomaba aire y lo hacía. Pienso en la escuela, por ejemplo. Me acuerdo cuando conversábamos sobre si filmar o no filmar ahí. Tristán tuvo experiencias muy diversas a lo largo de su infancia, pubertad y adolescencia con respecto a la institución escuela, a sus compañeres. Y cuando nosotras lo filmamos ya tenía mucho camino recorrido y tenía mucho manejo del terreno y del discurso, de cómo pararse frente a situaciones donde le tocaba defenderse. [En su escuela] encontramos una institución que lo comprendía y lo acogía un montón, pero todo ese camino no fue fácil. Y hacia el final del rodaje ya era Tristán el que nos proponía más cosas que filmar. Entonces creo que la peli evolucionó con él y con nosotras.

—Creo que pensar al documental como “un retrato del crecer” es algo bastante acertado —agrega Martina—. Muestra una edad en la que, en general, uno busca mucho quién es en el mundo, cómo se relaciona con el mundo y cómo el mundo se relaciona con uno. Creo que es un retrato particularmente de esa etapa y me parece que, aunque siempre estamos buscando algo, es un momento muy enfocado en eso, en cómo nos vamos a relacionar; es salir de muchas burbujas, en las que solemos encontrarnos durante la niñez y el principio de la adolescencia, y empezar a ver por dónde nos interesa meternos. Me parece que es un retrato de eso y es bastante conmovedor. Yo no sé si siempre miramos atrás, les adultes, y nos ponemos a pensar cómo fuimos construyendo esos que estamos siendo; podemos ver cómo nos estamos construyendo en el presente, pero a veces no hacemos esa mirada en retrospectiva. También es muy difícil comprender cómo es la construcción de otre en esta actualidad. A nosotras nos separan unos quince años de la edad de Tristán y el suyo era otro mundo. Está bueno pararse, mirar y tratar de entender cómo es adolecer o tener esa edad en este momento.

Tristán Alexander Miranda es de Trujui, la segunda ciudad más importante del partido de Moreno, en la Zona Oeste del Gran Buenos Aires. Cursó la secundaria en la Escuela N° 12 Cataratas del Iguazú. Tanto ahí como en su escuela primaria, los y las docentes fueron refugio en su proceso identitario.

A diferencia de muchas otras historias de infancias y adolescencias trans, la de Tristán parece una fácil. Como si todos en su entorno hubiesen tenido la cabeza completamente abierta al momento de que él anunciara su transición. La realidad no fue exactamente así. No fue exactamente tan amable todo el tiempo. Ni tan lineal.

—He tenido mis peleas con la familia —cuenta Tristán— o personas que directamente no querían tratarme. Con mi abuela, por ejemplo, es una historia muy chistosa. Porque con mi mamá fue un tema, también, pero no quiero hablar de eso. Lo de mi abuela me causó gracia. Ella no es tan grande, pero tiene otro pensamiento. Entonces no quería llamarme por mi nombre, me llamaba por el deadname [N de la R.: el deadname (nombre muerto) es el que le fue asignado al nacer a una persona transgénero o no binaria que, luego de asumir su identidad, deja de utilizar]. Y yo agarré —justo nos habíamos ido de vacaciones mi mamá, mi tía y ella— y la ignoré durante un día. Menos. Menos de 12 horas. Y ella no lo soportó porque siempre fuimos muy unidos, ella me cuidaba cuando mi mamá necesitaba, vivíamos cerca. No aguantó que la ignorara, se dio cuenta de que iba en serio y ya a la noche me estaba llamando por mi nombre. Eso fue gracioso. Me da ternura —dice y se ríe.

Con el resto de su familia fue más sencillo.

—La familia de mi papá, que ya tiene otro pensamiento, me dijo: “Bueno, está bien. ¿Pero vas a seguir viniendo a comer los domingos, no?”.

Cuando Tristán inició su proceso de transición, el contexto también acompañaba. La Ley 26.743 de Identidad de Género, promulgada el 24 de mayo de 2012 y considerada por el Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Derechos Humanos (Acnudh) como una de las más avanzadas del mundo en cuanto a libertades para el colectivo trans, regía vigorosa —aún lo hace— y eran usuales, sin mayores obstáculos, las rectificaciones de documentos de identidad. Las luchas del colectivo se orientaban a más conquistas: a cupos laborales justos, a ocupar puestos en el Estado, en la política. Para cuando Gabriela, Martina y Tristán decidieron darle un fin al rodaje, el país y las ideas dominantes ya eran otras.

Tristán dice que a nivel identitario ese giro no lo afectó directamente porque él ya tenía resueltos sus cambios físicos y formales antes de que todo se complejizara. Pero que, como parte del colectivo, tiene cerca a muchas personas que piden sus nuevos documentos y les devuelven partidas y trámites con la identidad anterior. “Lo cual —recuerda— es inconstitucional, es ilegal, porque hay una ley que dice que tiene que ser de una forma”.

—Me enoja mucho y me angustia que esto, que es tan importante, no se respete. No entiendo la necesidad de hacerle mal a personas que lo único que quieren es estar bien consigo mismas. Me afecta en ese sentido. También me afecta en lo económico. Hay algo que no se llega a ver en la peli pero yo, a los 18 o a los 19, me mudé un tiempo con unes amigues. Durante más o menos un año estuve viviendo independizado y tenía la posibilidad de hacerlo porque con mi trabajo (soy ilustrador y hago comisiones) podía vivir bien. No teníamos lujos pero todos los viernes comíamos pizza. Y hoy en día no estoy en la misma situación. Estoy viviendo hace un par de meses con un roomie, y mi idea era seguir estudiando pero no pude porque tuve que salir a buscar laburo. Entonces no hay tiempo para estudiar. En eso sí me afecta. Hace unos años con un par de comisiones a la semana vivía bastante bien y ahora es muy difícil, incluso con un alquiler barato.

—¿Qué ves cuando te ves en el documental?

—Veo una historia muy linda que es, simplemente, la de crecer siendo una persona trans. Siento que puede ayudar a personas más jóvenes, en la edad en la que yo estaba cuando empezamos a filmar, que se están descubriendo o que saben que son trans y no saben cómo llevarlo a cabo. Siento que puede ayudar mucho, por la información, a saber cuáles son sus derechos o a que salgan del closet. También puede ayudar a personas que tienen familiares trans. Eso es algo que me gustaría que la gente viera.

—¿Es posible ser trans sin sufrir tanto?

—Yo creo que sí. Espero que sí. O sea, creo que todes sufrimos por razones parecidas al crecer y por eso cuando veo las historias de personas trans ya adultas, de hace unos años, pienso que mi experiencia es igual de válida que la de estas personas que sufrieron todas estas cosas como persecución política, ir presas simplemente por ser, todas las cosas físicas a las que se sometieron por su transición. Algo que una vez leí en el post de una persona trans y desde entonces pienso es que ser trans no se trata de lo mal que te sentís siendo, sino de lo bien que podés sentirte con vos mismo. No se trata de: soy trans: sufro, se trata de qué tan mejor puedo estar. Y creo que eso es muy importante. Yo no me mataría en el gimnasio para ser un chabón supermusculoso y masculino y hegemónico. Yo estoy bien, es algo que pensaba que no me iba a pasar. Me siento tan bien… y, si sufro, es por la economía y porque no tengo tiempo para estudiar para un parcial o cosas así. No sufro porque soy trans. Y me gustaría que sea así para todes.

El próximo 7 de junio se cumplen exactamente 27 años de que el conductor de televisión Paco Stanley fue asesinado afuera del restaurante El Charco de las Ranas, ubicado al sur de la Ciudad de México (CDMX), tras recibir cuatro disparos en el rostro, lo que le quitó la vida prácticamente de manera instantánea.

Muchas son las versiones que se dan en torno al asesinato del artista, sin embargo, un nuevo documental de la plataforma Reellee TV da a conocer impactantes detalles sobre el crimen, incluyendo quién estaría detrás del asesinato. Se trata de Testigos, la verdad tiene voz.

Juan Carlos Uribe, productor de la serie y creador de Reellee TV, en entrevista con Infobae México, explicó algunos detalles sobre la novedosa producción, misma en la que se revela que Juan José Esparragoza Moreno, alias El Azul, uno de los líderes y fundadores del Cártel de Sinaloa, habría mandado a asesinar a Stanley.

Esto, de acuerdo con uno de los entrevistados para su documental, quien señaló que fuertes deudas de dinero que no pudo pagar, habrían sido el motivo del asesinato.

“Nadie lo mencionó, nadie sabía de él. El Azul fue una parte muy importante después de que se unieron (Rafael) Caro Quintero, (Ernesto) Fonseca, Don Neto, en el Cartel de Sinaloa, en Guadalajara, el señor El Azul, él trabajaba para la DFS, la Dirección Federal de Seguridad. En aquellos tiempos la DFS era como la CIA mexicana. Inclusive todos los participantes eran entrenados por la CIA en Jalisco cuando matan a (Enrique) Kiki Camarena, por eso se cuenta toda la historia de Kiki Camarena, porque desde ahí viene todo el desenlace.

“Cuando matan a Kiki Camarena, el gobierno estadounidense con Ronald Reagan se mete y exige respuestas a la Dirección Federal (de Seguridad), exigen respuestas, sabiendo que la CIA estaba involucrada en alguna parte por medio por con el narcotráfico, porque la CIA era la que le llevaba las drogas a Estados Unidos y la hacía les llevaba a los contras en Nicaragua las armas, que luego fue el caso de los contras. Entonces este y se metió al general Oliver North el Congreso y todo este rollo, ¿no?“, explicó el productor.

Señaló que El Azul era un gran comandante de la corporación, y que cuando la misma se desintegró, se unió al narcotráfico. El dato de que Juan José Esparragoza Moreno estaba detrás de la muerte de Stanley, es algo que nadie había mencionado anteriormente, pues se creía en ese tiempo que quien estaba detrás del asesinato era Amado Carrillo Fuentes, El Señor de los Cielos, quien fue líder del Cártel de Juárez, aseguró.

El diferenciador de esta serie, en contraste con otras disponibles tanto en plataformas digitales como en YouTube, reside —según Uribe— en “dar a conocer simplemente la verdad”.

Durante el documental se entrevista a tres personas involucradas de alguna manera. La primera es Arlette Garibay, periodista, productora y conductora mexicana, conocida por su trabajo en televisión abierta, especialmente en Televisa y TV Azteca. Ella fue conductora del programa matutino Con Sello de Mujer en TV Azteca entre 1998 y 2001, y también presentó junto a Paco Stanley el programa ¡Ándale! en 1991.

René López, otro de los entrevistados, fue un agente de la Policía Judicial de Jalisco entre 1981 y 1985. Fue guardaespaldas de altos mandos del Cártel de Guadalajara y afirmó tener conocimiento de vínculos entre el narcotráfico y autoridades estadounidenses.

Y el último fue Jorge Godoy López, exagente de la Policía Judicial de Jalisco entre 1980 y 1985, y declaró ante la DEA como testigo clave en en el juicio, en Los Ángeles, California, contra Rubén Zuno Arce, ex cuñado del Presidente Luis Echeverría del PRI y el doctor Alvarez Machin donde habló de la corrupción del Cártel de Guadalajara y su implicación con figuras como Miguel Ángel Félix Gallardo. Él fue parte de las revelaciones de complicidad entre cárteles y autoridades en los años 80.

El minidocumental de 14 minutos fue coordinado por Presidencia de la Nación y el Ministerio de Salud, cuando ambas áreas comenzaron a evaluar la posibilidad de contar la posición oficial de ese conflicto. El material terminó de realizarse más de medio año después por parte del documentalista de Javier Milei y director de Realización Audiovisual de la Presidencia, Santiago Oría.

“Al comienzo del año electoral, la demanda de los gremios era por el salario del personal de salud. Este históricamente reclamó por mejores sueldos y ningún gobierno los benefició. Los gremios en 2025 tomaron esa bandera y poco a poco la hicieron mutar. Así fue que algo que comenzó como un reclamo genuino terminó en denuncias de vaciamiento y una sanción de una ley de emergencia pediátrica, para una emergencia que no existía”, sintetizaron las autoridades del Ministerio de Salud.

El relato estructurado en el documental es contado por diferentes integrantes del staff del Hospital. La producción recurrió a testimonios de integrantes del Consejo de Administración y trabajadores de diferentes áreas que vivieron el conflicto desde adentro pero que no abogaron por los mecanismos de reclamo iniciado por los residentes. Son ellos a los que el Gobierno busca colocar como “Los héroes del Garrahan”.

Una de las principales voces del material es el Director Médico del Garrahan, Mariano Pirozzo, quien por decisión del Ministerio de Salud asumió en julio del año pasado en medio de la espiralización del conflicto. En ese entonces, el principal reclamo era encabezado por los médicos residentes, quienes solicitaban un incremento del salario de bolsillo, en ese entonces de $ 797.000.

Según el relato oficial, los gremios tomaron esa bandera y la transformaron: las demandas de mejores sueldos mutaron en denuncias de vaciamiento y, finalmente, en la sanción de una ley de emergencia pediátrica que el Ejecutivo considera injustificada.

El documental recopila material de archivo de las distintas medidas de fuerza que se acumularon a lo largo del año. La cifra que presenta el Gobierno es la siguiente: hubo más de 40 acciones gremiales, entre paros parciales, paros de 24, 48 y 72 horas, abrazos simbólicos, “ruidazos”, festivales a la puerta del hospital, radios abiertas que bloquearon el ingreso al establecimiento, movilizaciones al Ministerio de Salud, Plaza de Mayo y el Congreso, y asambleas permanentes. Gremios, partidos políticos y medios de comunicación aparecen en el relato oficial como actores que pusieron en riesgo el funcionamiento del hospital.

El episodio que el Gobierno señala como el de mayor gravedad ocurrió el 31 de octubre de 2025: la toma de la oficina de la Dirección Médica del Garrahan. Para hacer énfasis en ese acontecimiento, el documental señala que la ocupación se produjo después de que el Ejecutivo otorgara a todo el personal un aumento salarial del 61%. Para las autoridades de Presidencia consultadas por Infobae, ese dato figura en el documental como evidencia de que el conflicto había dejado de responder a razones económicas para convertirse en una disputa de otra naturaleza.

Frente a ese registro de tensiones, el material hace un contrapunto con la nueva administración y buscó apuntalar su gestión en base a criterios como eficiencia operativa, planificación y racionalización del gasto.

El lanzamiento de este documental no cerró la controversia, sino todo lo contrario. La Asociación de Profesionales y Técnicos (APyT) y la Junta Interna de la Asociación de Trabajadores del Estado (ATE) convocaron para este mismo jueves a una conferencia de prensa y un acto frente al hospital para rechazar lo que calificaron como una campaña de estigmatización contra el personal.

“El reclamo de 2025 surgió de las entrañas del hospital. Quienes garantizaron los procedimientos más complejos también hicieron paro. Es que esos procedimientos dependen de un complejo engranaje de oficios y profesiones que salió a la lucha porque no se aguantaba más el desastre salarial”, declaro Alejandro Lipcovich, secretario general de ATE Garrahan.

Los gremios sostienen que persisten problemas estructurales ligados al ajuste presupuestario, la falta de personal y suspensiones que consideran arbitrarias, y denuncian persecución política contra trabajadores que participaron de las medidas del último año. La convocatoria estaba prevista para las 13 horas en la puerta del establecimiento.

Al negarse a colaborar con ellos, el militar fue asesinado el martes 19 de agosto de 1975 y, cuatro días después, su cuerpo apareció envuelto en una sábana y en una frazada en un zanjón cercano a la avenida Ovidio Lagos y Muñoz, en Rosario. Pesaba 40 kilos y la autopsia determinó que había sido estrangulado con un cable y que había recibido un fuerte golpe en el cráneo.

Organizado por la Dirección de Cultura, Museo y Extensión Federal de la Cámara baja, la proyección del filme dirigido por Fabián Pérez Battaglini, y producido por Marina Turletto -evento con entrada gratuita e inscripción previa- contó con palabras previas de su realizador. “Soy un documentalista que cuenta Historia, que está alejado de la militancia política, pero esta historia del coronel y su familia me impactó y creo debe ser conocida”, subrayó.

Este tipo de eventos no se había podido realizar antes del gobierno de Javier Milei. Un ejemplo: vale recordar la fallida presentación del libro La estafa con los desaparecidos. Mentiras y millones, del escritor y periodista José D’Angelo. Por aquel entonces, 7 marzo de 2023, el diputado nacional de Juntos por el Cambio, Alberto Asseff, denunció que por presión del kirchnerismo fue suspendida en la Biblioteca del Congreso. Y que desde el área de Ceremonial de la Cámara Baja le habían comunicado, un día antes, que la actividad había sido suspendida.

Esto no sucedió con el documental de Battaglini, impulsado por el legislador de la Libertad Avanza, Federico Agustín Pelli, quien había sido noticia el 11 de marzo de este año por haber sufrido un salvaje cabezazo por parte de Marcelo “Pichón” Segura, cuando intentaba acceder a la localidad de La Madrid, en el sur de la provincia de Tucumán, para brindar asistencia por las inundaciones que afectaron a la ciudad.

Por su parte, durante el evento, el legislador provincial por Tucumán, Walter Adrián Bernarducci, declaró de interés legislativo, cultural e histórico este documental e hizo entrega a Arturo Larrabure, hijo del militar asesinado, un reconocimiento especial a su padre otorgado por unanimidad por la Legislatura tucumana.

Reconocimientos al coronel Larrabure

Según Pelli, el documental “nos convoca a la memoria y al recuerdo de un argentino que vistió el uniforme de la Patria con honor y que sirvió a su Nación con convicción”. Y agregó: “Las palabras memoria y recuerdo, en el caso de él, hoy nos interpelan y llaman a la reflexión como país y como sociedad, porque es insólito que un hombre cuyo ejemplo es digno de los más altos valores, principios e ideales de amor por su patria y por sus compatriotas, haya sido dejado de lado y olvidado durante tanto tiempo”, enfatizó ante los presentes.

El diputado nacional pidió que recordar al coronel Larrabure sea una oportunidad para reafirmar el compromiso con la verdad histórica y no un ejercicio de división o enfrentamiento. En ese mismo sentido, el obispo castrense monseñor Santiago Olivera y el general retirado José Luis Figueroa presentaron su figura como un llamado a la reconciliación, el perdón y la cultura del encuentro.

Ese planteo quedó ligado también a nuevas iniciativas de difusión de su legado. El militar retirado señaló que el mensaje de Larrabure se refleja en el libro próximo a publicarse Larrabure, Voces para el Reencuentro, en el que participan más de 40 personalidades de distintos ámbitos, actividades y corrientes de pensamiento.

Pelli afirmó que homenajear a Larrabure implica recordar “a un soldado argentino, a un esposo, a un padre y a un hombre que permaneció fiel a sus ideales hasta el último momento de su vida”. Según sus declaraciones, el homenaje debe sostenerse en una idea central: la memoria no debe ser usada para profundizar fracturas, sino para sostener una verdad histórica compartida.

Monseñor Olivera: la causa ante la Santa Sede con la mirada puesta en la canonización

El obispo castrense Santiago Olivera explicó que escribió a la Santa Sede y al Dicasterio de la Causa de los Santos para impulsar el proceso de canonización de Larrabure, que ya cuenta con un tribunal de siete religiosos para su investigación. Según Olivera, aunque la muerte ocurrió en Rosario, pudo comenzar la causa porque el obispo era miembro del obispado castrense.

Olivera sostuvo que Larrabure “tiene que estar reconocido y tiene que ser un faro para nuestra patria”. También dijo que la autorización para iniciar ese camino le produjo “mucha alegría” y remarcó que el objetivo “no es para enfrentar, sino para valorar el encuentro, la reconciliación, el perdón”.

Al fundamentar esa posición, Olivera citó al extinto papa Francisco I y al papa León XIV. Según el obispo castrense, Francisco advirtió en un documento de la Iglesia que “las ideologías de cualquier signo, tanto de derecha o de izquierda, ciegan”, y León dijo “hace muy poco” que “las ideologías nos hacen sordos a la verdad”.

A partir de esas referencias, Olivera afirmó que la consigna “memoria, verdad y justicia” sigue vigente “para todos, no de un solo costado”, y reclamó “memoria completa, no fragmentada, una verdad no sesgada y justicia y no violencia, no, no venganza”. En el cierre de su intervención, agregó que la figura de Larrabure puede ayudar a encontrar caminos de encuentro y reconciliación “porque vamos en camino hacia el martirio”.

El obispo castrense sostuvo que fue mártir porque no renegó de su fe y porque entregó la vida antes que salvarse a cualquier precio. En esa línea, vinculó su conducta con una idea expresada por Francisco: “Nos salvamos entre todos”.

“Una enseñanza contra el odio y la confrontación”, el legado de Larrabure

El general retirado José Luis Figueroa agradeció al autor del documental El Vasco nos mira desde arriba y a Pelli por haber abierto en la Cámara de Diputados un espacio que, según expresó, permanecía cerrado para transmitir el mensaje de Larrabure y para dar lugar a una parte de la verdad que durante años permaneció silenciada.

Figueroa dijo que el caso permite visibilizar una etapa de la historia argentina marcada por la violencia terrorista, que a su juicio suele ser olvidada. Aun así, remarcó que el mensaje de Larrabure debe entenderse ante todo como un llamado al encuentro entre los argentinos y no como una reivindicación sectorial.

Al describir ese enfoque, afirmó: “En una guerra fratricida, como en una pelea entre hermanos, hay poco para reivindicar y mucho para analizar, pedir y dar perdón, y aprender para no repetir los mismos errores”. Para Figueroa, ese aprendizaje se resume en tres enseñanzas.

La primera, dijo, es la capacidad de no odiar, perdonar y, si fuera necesario, poner la otra mejilla. Según Figueroa, aun en las condiciones durísimas de su cautiverio, Larrabure no dejó mensajes de resentimiento sino de esperanza, fe y reconciliación.

La segunda enseñanza es la centralidad de los valores y las virtudes. Figueroa recordó que durante el cautiverio se le ofreció recuperar la libertad si colaboraba en la fabricación de explosivos, una propuesta que rechazó con la frase: “A ese precio, no”.

La tercera enseñanza, añadió, es no quedar atrapados en el pasado y mirar hacia el futuro. En su planteo, la memoria debe funcionar como una herramienta de aprendizaje para construir una vida más plena y una Nación más grande, no como un mecanismo para alimentar resentimientos.

Figueroa sostuvo que ese mensaje fue creciendo “como un grano de mostaza” con el paso del tiempo. Señaló que el libro en preparación reúne voces de excombatientes, víctimas y familiares de ambos lados de la tragedia argentina que, desde experiencias distintas, coinciden en la necesidad de cerrar las brechas que aún dividen a los argentinos.

En el tramo final de su exposición, afirmó que la sociedad argentina debe abandonar los discursos de confrontación permanente y recuperar la cultura del encuentro. Según Figueroa, las armas de los años de violencia política ya no son las mismas, pero persisten enfrentamientos estériles que dificultan la construcción de objetivos comunes.

Desde esa idea, concluyó que las diferencias deben resolverse por medio del diálogo, la discusión franca, la negociación y la búsqueda de consensos. Cuando eso no ocurra, añadió, deben operar los mecanismos de una sociedad democrática y civilizada: las elecciones, las instituciones y la justicia.

La escritora mexicana Brenda Navarro, autora de las aclamadas novelas Casas Vacías y Cenizas en la boca, debutará como directora de cine con el documental No hay lugar en este país, un proyecto que abordará temas como la violencia en México, las desapariciones de personas y la búsqueda de justicia para las víctimas.

La producción estará a cargo de Mandarina Cine, encabezada por Carlos Hernández Vázquez y Gabriela Gavica, en colaboración con Cacerola Films, de la reconocida productora Laura Imperiale.

El documental será codirigido por Navarro y la periodista, escritora y documentalista mexicana Daniela Rea, quien cuenta con una amplia trayectoria en trabajos relacionados con derechos humanos e investigación social.

¿De qué trata el documental?

El documental “No hay lugar en este país” es un estudio sobre conceptos como la violencia, la figura de la víctima y el victimario, así como las dificultades para alcanzar justicia en México.

El proyecto tiene su origen en un taller literario impartido durante la pandemia por la propia Navarro, donde participaron familiares de personas desaparecidas. A través de ejercicios de memoria, las y los participantes recuperaron las historias de sus seres queridos ausentes y reflexionaron sobre los obstáculos que enfrentan en su búsqueda de verdad y justicia.

De ese trabajo surgió un libro homónimo editado por Fundar a principios de 2024, que ahora servirá como base para la adaptación documental.

Debut en el cine

Con este proyecto, Brenda Navarro realizará su primera incursión detrás de la cámara. La escritora se ha consolidado como una de las voces más relevantes de la literatura contemporánea en español gracias a novelas como Casas Vacías y Cenizas en la boca.

Esta última obra fue llevada al cine por el actor y director mexicano Diego Luna, cuya adaptación tuvo su estreno internacional durante la edición 79 del Festival de Cannes.

Daniela Rea regresa al documental

Para Daniela Rea, este será su segundo trabajo en un largometraje documental. En 2017 presentó No sucumbió la eternidad en el Festival Internacional de Cine de Morelia y en Ambulante.

Rea es reconocida por su trabajo periodístico enfocado en derechos humanos y conflictos sociales. Entre sus publicaciones destacan los libros Fruto, Nadie les pidió perdón y La Tropa. Por qué mata un soldado. Además, ha colaborado como investigadora en documentales como Una Jauría llamada Ernesto y Anatomía del Mal, del realizador Everardo González.

Guanajuato, lugar central en la historia

La producción contará con la experiencia de Laura Imperiale, quien acumula más de 25 años de trayectoria en la industria cinematográfica y ha participado en proyectos como El coronel no tiene quien le escriba y El crimen del padre Amaro.

El documental pondrá especial atención en el estado de Guanajuato, entidad de origen tanto de Carlos Hernández Vázquez como de Daniela Rea, originarios de Celaya e Irapuato, respectivamente.

¿Cuándo se estrenará la cinta?

De acuerdo con los productores, el rodaje comenzará durante el verano de 2026 y se prevé que concluya su proceso de producción para estrenarse a finales de 2027.

La película buscará abrir una reflexión sobre la violencia en México, las desapariciones y los desafíos que enfrentan miles de familias para acceder a la justicia, a partir de testimonios y experiencias reales que surgieron de un ejercicio colectivo de memoria.

El talento periodístico de Centroamérica brilló con fuerza el miércoles 27 de mayo en el Jazz at Lincoln Center de Nueva York. Durante la prestigiosa ceremonia de los Premios Emmy de Noticias y Documentales 2026, organizada por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión (NATAS), la producción audiovisual “Sobreviviendo al CECOT” obtuvo el galardón en la categoría de «Cobertura periodística investigativa destacada en Español».

La estatuilla fue recibida en el escenario por el realizador y periodista visual guatemalteco Gerardo del Valle, quien se desempeñó como productor y editor del proyecto, consolidando una noche histórica para el periodismo de la región.

Al momento de aceptar el galardón, Del Valle se mostró conmovido y orgulloso de representar a su país en una plataforma de tal magnitud. “Soy de Guatemala y este es un momento verdaderamente surreal”, manifestó el documentalista, quien aprovechó la oportunidad para recordar sus inicios y honrar a los colegas de su país natal que influyeron en su formación profesional.

Durante su discurso, el periodista guatemalteco hizo especial hincapié en la naturaleza colectiva del oficio, señalando que los proyectos de gran envergadura requieren la suma de múltiples voluntades. “El periodismo de investigación nunca es una tarea en solitario, sobre todo cuando se documenta el costo humano de complejas decisiones políticas sobre las comunidades”, reflexionó.

Los datos y el contenido del documental galardonado

“Sobreviviendo al CECOT” es una investigación de carácter colaborativo en la que participaron los medios ProPublica y The Texas Tribune, junto a la Alianza Rebelde Investiga (integrada por Runrun.es, El Pitazo y Tal Cual) y la organización Cazadores de Fake News.

El eje central del documental gira en torno a la reconstrucción de los expedientes de traslado y deportación ejecutados por las autoridades de los Estados Unidos el 15 de marzo de 2025. La narrativa sigue de cerca los casos específicos de tres ciudadanos venezolanos: Juan José Ramos Ramos, Andry Blanco Bonilla y Wilmer Vega Sandia, quienes fueron transferidos directamente desde territorio estadounidense hacia el Centro de Confinamiento del Terrorismo (CECOT), ubicado en El Salvador.

Para dimensionar el contexto de estos traslados, el equipo periodístico desarrolló una exhaustiva auditoría de datos que abarcó a un grupo de 238 hombres incluidos en el mismo operativo. A través de la revisión minuciosa de registros judiciales tanto en los EE.UU. como en Sudamérica, la investigación documentó los siguientes hallazgos estadísticos sobre el estatus legal de los implicados:

• Ausencia de condenas: Al menos 197 de los ciudadanos trasladados en esa fecha no registraban ninguna condena por delitos dentro de los Estados Unidos.
• Procesos pendientes: Prácticamente la mitad de los hombres deportados en dicho grupo contaba con procesos migratorios abiertos y en curso dentro del sistema estadounidense al momento de su expulsión.

Por lo que, el trabajo audiovisual se enfocó en mostrar la dimensión humana de estas cifras, recopilando los testimonios de los familiares de los detenidos, quienes abrieron las puertas de sus hogares para narrar el impacto y la incertidumbre que supuso la separación y el traslado de sus allegados bajo acusaciones que no habían sido dirimidas en un tribunal.

La trayectoria de Gerardo del Valle: de Guatemala a Nueva York

El triunfo en los Emmy 2026 representa un hito en la sólida carrera de Gerardo del Valle. El comunicador inició su formación académica en la Universidad Rafael Landívar de Guatemala, donde se graduó en Ciencias de la Comunicación. Sus primeros pasos en el ámbito del periodismo de profundidad los dio en Plaza Pública, un reconocido medio digital guatemalteco enfocado en la investigación y el análisis social.

Con el objetivo de especializarse en la narrativa audiovisual, Del Valle se trasladó a los Estados Unidos, donde completó una maestría en periodismo en la City University of New York (CUNY). A lo largo de su carrera, ha colaborado en la producción de documentales y coberturas especiales para cadenas internacionales de prestigio como la BBC, Vice, Univision, NBC y la Agencia EFE.

En la actualidad, el guatemalteco se desempeña como productor audiovisual y periodista visual en la redacción de ProPublica. Su trabajo ha sido respaldado por prestigiosas fundaciones globales.

Elvira, Richi y Ramón llegaron a la Estación de Francia de Barcelona junto a un hombre la mañana del domingo 22 de abril de 1984. Los tres hermanos, de dos, cuatro y seis años, viajaban en un vehículo conducido por aquel adulto, que los dejó sentados en un banco de la estación y desapareció sin dejar rastro.

Durante horas, los niños recorrieron los andenes y los vagones de los trenes sin ser conscientes de la gravedad de la situación, hasta que un trabajador de la estación se percató de que estaban solos. Cuando les preguntaron dónde estaban sus padres, no supieron responder: desconocían sus nombres y eran incapaces de explicar cómo habían llegado hasta allí. Nadie regresó a la estación para recogerlos ni volvió a reclamar su custodia.

Aquel episodio dio origen a una de las historias más desconcertantes relacionadas con el abandono infantil en España. Lo que comenzó con tres niños sin identidad conocida terminó convirtiéndose, cuatro décadas después, en una compleja investigación familiar para descubrir quiénes eran sus padres y qué ocurrió realmente con ellos.

Una nueva vida tras el abandono

Poco tiempo después de ser encontrados, los tres hermanos fueron adoptados por Marisa y Luis, un matrimonio de pedagogos de Barcelona que les proporcionó un hogar. A pesar de las circunstancias de su llegada a la familia, los hermanos crecieron sin que la búsqueda de sus orígenes les preocupara mucho. La más pequeña apenas conservaba recuerdos, mientras el mediano había bloqueado gran parte de su infancia como mecanismo de protección. Ramón, el mayor, era quien conservaba más imágenes del pasado, aunque muchas aparecían fragmentadas y difíciles de interpretar.

Algunas de esas imágenes incluían grandes casas, coches de lujo y situaciones que le generaban miedo. Con el paso del tiempo, los hermanos llegaron incluso a elaborar sus propias teorías para explicar lo ocurrido. “Creíamos que nuestros padres podían formar parte de la mafia y que nos habían abandonado para protegernos”, recuerdan en declaraciones a El Mundo.

La búsqueda de los orígenes

El impulso definitivo para investigar llegó décadas después, cuando Elvira se convirtió en madre. La experiencia despertó en ella la necesidad de conocer sus raíces y responder preguntas que llevaba años arrastrando: desde su verdadera fecha de nacimiento hasta las circunstancias que llevaron a su familia a desaparecer. “Realmente lo que me apetecía era que me contaran en primera persona quiénes eran mis padres”, explica a El País.

En 2020, los tres hermanos iniciaron una investigación que comenzó de forma artesanal. Revisaron archivos, recopilaron documentos, realizaron pruebas genéticas y contactaron con personas que pudieran aportar alguna pista. Con el tiempo, la búsqueda se amplió gracias a la colaboración de periodistas, investigadores independientes y ciudadanos anónimos de distintos países.

Entre ellos destacó el periodista británico Giles Tremlett, corresponsal de The Guardian en España, que ayudó a conectar a los hermanos con nuevas fuentes e impulsó el avance de la investigación antes de la incorporación del equipo de Carles Porta.

Descubrimientos inesperados

A medida que avanzaban las pesquisas, comenzaron a aparecer datos que permitieron reconstruir parte de la historia familiar. Los hermanos descubrieron que sus padres biológicos eran andaluces y que su vida había estado marcada por continuos desplazamientos y episodios relacionados con la delincuencia.

También lograron localizar a familiares biológicos, recuperar fotografías antiguas y conocer aspectos de la vida de sus progenitores que habían permanecido ocultos durante décadas. En las imágenes encontradas aparecía una familia aparentemente unida, lo que hacía aún más difícil comprender por qué se produjo el abandono.

Cuando la investigación llegó a un punto muerto, los hermanos encontraron apoyo en el periodista y documentalista Carles Porta, especializado en sucesos y crónica negra. “Hay casos que sabes que esconden algo enorme”, afirma Porta en declaraciones a El Mundo al recordar su primer contacto con la historia.

Junto a su equipo, y con el impulso previo de colaboradores como Giles Tremlett, los hermanos continuaron investigando en distintos puntos de España y también en países como Francia y Bélgica. Nuevos testimonios y documentos permitieron seguir reconstruyendo el rompecabezas familiar, aunque muchas respuestas siguen siendo esquivas debido al paso del tiempo.

Según Porta, la búsqueda nunca estuvo relacionada con una carencia afectiva: “No necesitaban encontrar unos padres porque ellos ya tenían padres. Lo suyo era una necesidad racional, humana. La necesidad de conocer el origen”, sostiene. No obstante, el periodista destaca también una frase de Ramón que refleja el conflicto emocional que acompañó la investigación: “Tenía miedo de perder la vida que tenía ahora”.

Un caso que sigue abierto

Cuatro décadas después de aquel día en la Estación de Francia, Elvira, Richi y Ramón han conseguido algo que durante años parecía imposible: reconstruir buena parte de su pasado. Han identificado a familiares, recuperado recuerdos y reconstruido numerosos episodios de su historia. Sin embargo, la principal incógnita continúa sin resolverse. Todavía desconocen qué ocurrió con sus padres biológicos y si siguen vivos.

Esta historia ha vuelto ahora a la actualidad gracias a la docuserie Abandonados, estrenada en Disney+, que recoge el proceso de investigación y la reconstrucción de una vida marcada por preguntas sin respuesta. Más allá del misterio, el caso se ha convertido en un reflejo de la necesidad humana de comprender el propio origen y de cómo algunas historias continúan abiertas incluso después de cuarenta años.

La carrera de Rafael Nadal ha estado marcada por gestas deportivas y momentos épicos, pero también por una batalla silenciosa y constante. Durante 20 años, el ex tenista español convivió con un dolor que nunca fue visible para el público.

En su documental de Netflix, que se estrenó este viernes 29 de mayo, el nacido en Mallorca revela la dimensión real de la afección que condicionó cada paso en las canchas: el síndrome de Müller-Weiss, una enfermedad rara que deforma el pie y desafía la resistencia física y mental de quien la padece.

El ganador de 22 Grand Slam, que cumplirá sus 40 años el próximo miércoles, expone en su documental llamado “Rafa” el impacto de esta patología en su trayectoria con una contundente frase dirigida a Toni Nadal, su tío y ex entrenador: “Lo siento, pero no puedo más. Estaba continuamente con dolor”.

Qué es el síndrome de Müller-Weiss y cómo afecta el pie

El síndrome de Müller-Weiss es una enfermedad degenerativa y crónica que afecta al hueso escafoides tarsiano, situado en la parte media del pie. De acuerdo con la Sociedad Española de Radiología Médica (SERAM), se desarrolla en la infancia pero suele manifestarse en la adultez. La alteración consiste en una displasia del escafoides que degenera progresivamente y produce deformidad, dolor agudo y crónico, e incluso necrosis del hueso por falta de irrigación sanguínea.

El escafoides tarsiano es clave en la biomecánica del pie, ya que distribuye las cargas del cuerpo y brinda estabilidad a la pisada. Cuando la enfermedad avanza, la estructura colapsa, lo que genera un bulto prominente y dificulta la función de caminar o realizar deportes de alto impacto. El dolor puede extenderse a las rodillas, caderas y columna, debido a las compensaciones biomecánicas.

El diagnóstico de Rafael Nadal llegó en 2005, tras conquistar su primer Roland Garros. A sus 19 años, el mallorquín recibió la noticia de que padecía osteocondritis del escafoides tarsiano. Desde ese momento, la convivencia con el dolor se volvió parte de su rutina. Fue la lesión más condicionante de toda su trayectoria ya que se trata de un hueso clave para la estabilidad y para repartir cargas.

El español habló públicamente por primera vez sobre su afección en junio de 2022, durante una rueda de prensa en París tras ganar su 14º título de Roland Garros. Durante años, evitó mostrar la lesión para no desviar la atención de sus logros. Solo ahora, en el documental, exhibe la imagen de su pie izquierdo, donde destaca una deformación notoria: un impactante y prominente bulto que sobresale en la zona de su tobillo y pie izquierdo.

Tratamientos, adaptaciones y secuelas físicas

Para soportar el dolor y prolongar su carrera, Nadal recurrió a múltiples estrategias. Utilizó zapatillas adaptadas, plantillas ortopédicas diseñadas específicamente para su pie, infiltraciones de analgésicos y ácido hialurónico. En ocasiones, como en Roland Garros 2022, compitió con el pie completamente anestesiado.

El consumo prolongado de antiinflamatorios trajo consigo otras complicaciones, como perforaciones intestinales. Las adaptaciones biomecánicas necesarias para mitigar el dolor derivaron en lesiones en otras partes del cuerpo: rodillas, espalda, cadera. Pueden aparecer dolores articulares limitantes en las articulaciones del pie, rodilla, cadera de ambos lados y dolor por compensación en zona lumbar y columna vertebral.

La lucha contra el dolor crónico y la enfermedad degenerativa no solo dejó marcas físicas. El desgaste emocional fue constante. Una de las frases del propio Nadal en el documental impactaron a sus espectadores: “Yo no soy un ganador. Soy un competidor”. El deportista reconoce que la motivación para seguir luchando fue clave: “Lo que siempre me ha motivado son la ganas de seguir luchando”.

La exposición pública de su lesión, a través del documental, visibiliza una realidad que permaneció oculta mientras no se cansaba de levantar trofeos. El síndrome de Müller-Weiss no solo condicionó su tenis, sino que también precipitó su retirada definitiva en 2024. La huella de la enfermedad queda registrada no solo en los títulos, sino en la imagen de un pie marcado por el esfuerzo.

Paris Hilton ha ido más allá de sus facetas de empresaria y figura mediática. En los últimos años se ha convertido en una de las voces más activas en la lucha contra la violencia digital hacia las mujeres. Su más reciente proyecto surge de una alianza con la periodista tecnológica Laurie Segall para producir y protagonizar Searching for Mr. Deepfakes, una serie investigativa de 13 partes que investiga a los responsables de una de las plataformas más conocidas de imágenes íntimas falsas generadas con inteligencia artificial.

El proyecto, producido por Mostly Human Media en alianza con 11:11 Media, la compañía de Hilton, fue presentado como una apuesta poco convencional para el periodismo de investigación: una docuserie diseñada específicamente para TikTok, con episodios breves de entre dos y cuatro minutos dirigidos a las audiencias que consumen contenido en redes sociales.

De acuerdo con Variety, la serie sigue una investigación de tres años sobre el operador anónimo de un sitio de deepfakes sexuales que llegó a registrar 17 millones de visitas mensuales antes de ser cerrado.

“Me encanta esta idea de crear un nuevo manual para el contenido no guionado”, afirmó Segall en declaraciones recogidas por Variety. “Esto es una especie de prueba beta”, añadió la periodista sobre el experimento narrativo y periodístico detrás de la serie.

Segall explicó que el objetivo del proyecto era llegar a las personas más afectadas por este tipo de violencia digital. “Realmente queremos que las personas que más lo necesitan puedan verlo”, sostuvo.

La periodista, que trabajó durante más de una década en CNN cubriendo tecnología antes de fundar su propia productora, señaló además que las nuevas plataformas permiten explorar otras formas de distribución y formatos para investigaciones complejas. “El contenido no tiene que quedarse en un solo lugar”, comentó.

Por ejemplo, Adweek destaca que Hilton y Segall decidieron adaptar el contenido al lenguaje de TikTok en lugar de presentar la investigación como un episodio largo para streaming o para un canal televisivo tradicional.

En cambio, la serie será publicada directamente en la cuenta de TikTok de Hilton, que acumula cientos de millones de seguidores, en una estrategia que busca aprovechar comunidades digitales ya existentes para amplificar el alcance del proyecto.

La docuserie también tendrá una expansión en audio. El podcast Mostly Human lanzará una serie especial de cuatro episodios a partir del 4 de junio, profundizando en la investigación sobre las redes y foros que distribuyen deepfakes sexuales.

Para Segall, es urgente poner el tema sobre la mesa debido a la velocidad con la que avanzan las herramientas de inteligencia artificial. “Puedo ver venir un choque de trenes”, advirtió en Variety, al referirse a los riesgos que aparecen cuando la tecnología evoluciona más rápido que las leyes y los mecanismos de protección.

El vínculo personal de Paris Hilton con la historia

La heredera también ha sido víctima de la difusión no consentida de contenido íntimo desde comienzos de los años 2000.

“Fue una de las experiencias más dolorosas, traumatizantes, humillantes y degradantes de mi vida”, afirmó durante una conversación con Segall incluida en uno de los episodios.

La empresaria ha convertido ese episodio en parte central de su activismo contra los deepfakes y la explotación digital impulsada por inteligencia artificial. En enero de 2026 apareció frente al Capitolio de Estados Unidos junto a la congresista Alexandria Ocasio-Cortez para respaldar la DEFIANCE Act, una propuesta legislativa destinada a ofrecer herramientas legales a las víctimas de falsificaciones sexuales digitales.

Durante ese acto, Hilton habló públicamente sobre la filtración de un video íntimo cuando tenía 19 años. “La gente lo llamó un escándalo. No lo fue. Fue abuso”, declaró, según recogió Euronews. “No había leyes en ese momento para protegerme, ni siquiera existían palabras para describir lo que me habían hecho”, afirmó.

Hilton también explicó que el trauma provocado por aquella experiencia sigue presente hoy debido a la proliferación de imágenes falsas creadas con inteligencia artificial usando su rostro.

“Tengo 100 mil deepfakes sexualizados. Ni uno solo es real y ninguno es consensuado”, aseguró durante el acto en Washington. “Y cada vez que aparece uno nuevo, regresa esa horrible sensación, ese miedo de que alguien en algún lugar lo esté mirando ahora mismo y piense que es real”.

“La pornografía deepfake se ha convertido en una epidemia”, afirmó. “Es la forma más nueva de abuso que está ocurriendo a gran escala: contra sus hijas, sus hermanas, sus amigas y sus vecinas”.

Moisés Muñoz volvió a colocarse bajo los reflectores este 26 de mayo, una fecha imborrable para los aficionados del América y para el propio exguardameta azulcrema. El exportero, recordado por marcar el gol que llevó a las Águilas al alargue en la histórica final del Clausura 2013 frente a Cruz Azul, presentó en la Ciudad de México su nuevo proyecto audiovisual titulado Mi Serie.

El exjugador americanista, conocido desde aquella noche como “El Portero del Milagro”, compartió detalles sobre esta producción que mostrará aspectos desconocidos de su vida, más allá del futbol y de las hazañas que protagonizó dentro de la cancha.

Durante una entrevista exclusiva con Infobae México, Moisés Muñoz reconoció la emoción que le genera lanzar este proyecto precisamente en una fecha tan significativa para su carrera deportiva.

“Estoy feliz, nervioso al mismo tiempo, por el lanzamiento de la serie, pero recordar esta fecha (26 de mayo) sin duda alguna me trae a mi mente precisamente cosas felices, cosas positivas y siempre lo disfruto con mucho cariño. Cada 26 de mayo, yo creo que esta fecha nunca la voy a olvidar. Honestamente, no sabíamos [ríe] cómo llamarla. Al final se queda así mi serie. Este, yo creo que esa es la explicación más honesta y más sincera, porque no, no sabíamos cómo ponerle a esta serie”, comentó el exarquero de las Águilas.

La serie no estará enfocada únicamente en el futbol ni en sus momentos de gloria con el América. De acuerdo con Muñoz, el proyecto busca retratar distintas etapas personales y familiares que marcaron su vida antes, durante y después de su carrera profesional.

“Vamos a ver una historia de vida. No solamente tiene que ver con el futbol. Hablo acerca de mi familia, el apoyo incondicional que he tenido por parte de ellos, en un principio de mis padres, de mis hermanos, posteriormente de mi esposa, de mis hijos y de muchos amigos y gente que quiero, me quiere y que han estado siempre en mi barco, siempre a mi lado. Muchos de ellos están aquí el día de hoy, otros tantos no pudieron estar aquí, pero sé que están conmigo siempre. Entonces, es de alguna manera, en honor a ellos, un tributo a ellos y, y contar cosas divertidas que me pasaron, algunas tanto dramáticas, pero que terminan de una manera muy positiva y muy feliz”, destacó.

El evento reunió a distintas personalidades del deporte y los medios de comunicación. Entre los invitados estuvieron los exfutbolistas Juan Carlos Valenzuela y Jagger Martínez, además de los periodistas Alejandro Villalvazo y Gustavo Adolfo Infante. También acudió Antonio Pérez Garibay, padre del piloto de Fórmula 1 Sergio Pérez, así como el presidente de la Federación Mexicana de Futbol, Ivar Sisniega.

Todos ellos participaron dentro del documental compartiendo testimonios sobre la trayectoria y personalidad del histórico exportero americanista.

La producción se estrenará oficialmente el próximo 15 de junio a través de la plataforma Morita Play, servicio que tendrá un costo mensual de 85 pesos para quienes deseen seguir de cerca la vida de una de las figuras más recordadas en la historia reciente del América.

A diferencia de otros productos centrados en la selección argentina, esta docuserie desarrolla su narrativa en tres episodios de 30 minutos cada uno, incorporando material inédito y una estructura deliberadamente metodológica para documentar el proceso de liderazgo encabezado por Lionel Scaloni y su cuerpo técnico. La producción accedió a testimonios exclusivos no solo de Scaloni, sino también de referentes internacionales como Diego Simeone y José Pekerman, así como jugadores clave del ciclo mundialista: Lionel Messi, Rodrigo De Paul, Ángel Di María, Leandro Paredes, Emiliano Martínez, Enzo Fernández y Alexis Mac Allister destacan en el listado de entrevistados.

La propuesta representa la primera alianza entre Flow, Virgen Films y Business Meet Culture (BMC Consultores) en torno a un biopic orientado al análisis metodológico, con Diego Peskins a cargo de la dirección y Fabian Jalife como responsable de la investigación y curaduría de contenidos.

La presencia del propio Jalife en la estructura narrativa refuerza el componente documental de investigación. El proyecto pone el foco en la “gestión grupal” y la reconstrucción identitaria más allá del acontecimiento deportivo, introduciendo imágenes inéditas y la voz directa de protagonistas del proceso, según especificó la comunicación oficial.

El abordaje metodológico y su impacto en el documental deportivo

El método Scaloni busca diferenciarse de las producciones tradicionales sobre fútbol argentino mediante la formalización de un enfoque que prioriza la “curaduría metodológica” y el trabajo de documentación exhaustiva liderado por Jalife. La serie articula conceptos de liderazgo, dinámica de grupo y reconstrucción de identidad colectiva, inscribiéndose en un formato que apunta tanto al mercado de plataformas como al sector educativo y corporativo interesado en análisis de procesos de gestión a partir de casos reales.

Este dispositivo, poco habitual en documentales deportivos argentinos, se refuerza con entrevistas que exploran los principios de “resiliencia, unión y compromiso”, extendiendo la mirada hacia la transformación del equipo nacional en un fenómeno que, según el equipo productor, “trascendió el fútbol” para convertirse en caso de estudio de reconexión social.

El formato seriado y la estrategia de coproducción

El documental original de Flow adopta la estructura de miniserie, apostando por episodios de duración estándar para plataformas (30 minutos), lo que señala una estrategia de lanzamiento que busca maximizar el engagement y facilitar su circulación en mercados digitales y educativos.

El equipo recurre a “imágenes nunca antes vistas” y al acceso directo a los protagonistas, integrando relatos en primera persona para articular una versión del proceso Scaloni desde dentro de la concentración y el cuerpo técnico. El trabajo de Jalife posiciona a la serie dentro de la tendencia global de docuseries que buscan explicar liderazgos contemporáneos mediante recursos audiovisuales y análisis de gestión aplicados.

Entrevistados, acceso y posicionamiento de contenido original

El documental cuenta con la participación de referentes internacionales como Simeone y Pekerman, además de figuras de la generación reciente albiceleste, lo que garantiza un acceso privilegiado a voces autorizadas y actualiza el modelo de series documentales sobre selecciones nacionales. La presencia de Messi, De Paul, Di María, Paredes, Martínez, Fernández y Mac Allister, en el listado de entrevistas inéditas, potencia el atractivo comercial y el valor de archivo del proyecto.

La pieza, que se lanzará de manera directa en Flow On Demand, anticipa una explotación primaria en el segmento VOD (video on demand) y suma potencial para el circuito de festivales y ventas internacionales por el diferencial de acceso, estructura metodológica y relevancia de las fuentes movilizadas.

María Antonieta de las Nieves, reconocida por su papel como La Chilindrina en El Chavo del 8, confirmó en un encuentro reciente con medios que prepara un documental con material inédito sobre su trayectoria artística.

La actriz, quien acudió a la Asociación Nacional de Intérpretes para inaugurar una muestra fotográfica, explicó que el proyecto busca mostrar su vida en los escenarios y su paso por la icónica vecindad, utilizando archivos personales nunca antes vistos.

María Antonieta de las Nieves reveló que su documental incluirá material inédito

Durante la conversación, De las Nieves aclaró que el documental no solo sería narrado por ella ni tendría formato de actuación, sino que presentaría imágenes y videos únicos capturados por su esposo Gabriel Fernández.

“Mi marido se la pasaba con cámara en mano de video y de foto. Entonces, tenemos un material impresionante que no lo tenía ni Chespirito, ni los hijos de Chespirito, ni ninguno de los demás, porque mi marido, ese era su vicio”, contó la actriz en un encuentro de la prensa transmitido por Sale el Sol.

Añadió que el enfoque del material sería en recuerdos positivos y descartó abordar situaciones negativas: “Yo nada más voy a hablar de puras cosas bonitas”.

La intérprete expresó su intención de incluir el testimonio de Roberto Gómez Fernández, hijo de Chespirito, al que consideró parte de su familia.

La Chilindrina habló de un posible reencuentro con el elenco original

En el mismo encuentro, María Antonieta de las Nieves mencionó la buena relación que mantiene con Carlos Villagrán “Quico” y Edgar Vivar.

Relató que, aunque existió la intención de realizar una gira internacional junto a ellos, el proyecto no se concretó por motivos que desconoce.

“Hubo una plática que se quedó en plática… íbamos a hacer una gira internacional, cosa que me gustó muchísimo la idea, pero desgraciadamente no se llevó a cabo”, explicó.

El próximo 28 de mayo, Netflix estrenará “Dibu Martínez: el pibe que ataja el tiempo”, una producción original que marca un giro dentro de las biografías deportivas animadas al fusionar animación, testimonios guionados y archivo real para contar la infancia y adolescencia de Emiliano Martínez. La película, dirigida por Gustavo Cova y escrita por Hernán Casciari, es una coproducción de PEGSA bajo la supervisión de Agustín Pichot y cuenta con ilustraciones de Liniers, aportando una narrativa híbrida inédita en el catálogo original del servicio.

El desarrollo del proyecto se remonta a 2023, cuando Casciari y su equipo propusieron una serie animada de seis episodios producida bajo el sistema Orsai, que buscó financiamiento colectivo y recaudó aproximadamente USD 800.000. Según señaló Casciari en una mesa redonda a medios regionales, ese presupuesto resultó insuficiente para alcanzar los estándares de animación requeridos por Netflix, y fue ahí cuando la alianza con PEGSA —productora que ya había trabajado con el gigante del streaming en documentales sobre Ángel Di María y la selección argentina— habilitó la transición hacia un largometraje de estructura mixta. Este antecedente convierte al film en un caso particular de integración de talento independiente y plataforma global, poco frecuente dentro de los procesos de producción argentinos recientes.

Rodada entre Argentina e Inglaterra durante 2025, la película incorpora entrevistas con figuras centrales de la trayectoria del arquero, como Lionel Messi, Lionel Scaloni y Miguel Ángel “Pepé” Santoro, además de la participación de la familia y el entorno cercano del protagonista. El guion pivotea sobre una premisa ficticia: el joven Emiliano descubre que puede “detener el tiempo” y enfrenta desafíos personificados por una pelota —villana de la historia a la que da voz Agustín “Rada” Aristarán—, estableciendo una relación dialéctica entre realidad y ficción que recorre toda la obra.

El giro de ficción: de documental tradicional a mockumentary animado

La negativa de Emiliano Martínez a encabezar un documental tradicional sobre su vida llevó al equipo creativo a definir un formato singular. Casciari afirmó que el propio Martínez solicitó que el largometraje no fuera presentado como “el documental de su vida”, sino que se centrara exclusivamente en su infancia y primeros años como futbolista. Esto impulsó la integración de elementos de ficción dentro del relato testimonial, dando lugar a lo que el autor definió como un “mockumentary” o “documental con guion”.

Para sostener esta estructura, los testimonios de familiares y amigos —incluidos los padres y Mandinha Martínez, esposa del arquero— adoptan fragmentos ficcionales propuestos en el guion, fusionando registro documental y puesta en escena animada. Liniers, responsable de las ilustraciones, consideró que la visión de Cova fue clave para lograr el ensamblaje narrativo eficaz entre animación y testimonios en vivo, resolviendo el desafío de composición que presentaba un material tan heterogéneo.

La elección de la pelota como antagonista —por iniciativa de Cova— funciona como eje unificador. En palabras de Casciari, la pelota se convierte en el “enemigo” consciente del arquero: “Los delanteros cambian partido a partido, la pelota no: es siempre el enemigo, el guasón del héroe”, explicó el escritor. El desarrollo de ese antagonismo personificado desafía la convención amable del objeto deportivo, replanteando la relación psicológica del jugador con el juego desde la niñez.

El guion se concibió desde la premisa filosófica de interrogar el don deportivo: “¿Ese don es un talento a desarrollar o es una trampa frente a los demás que no lo tienen?”, planteó Casciari ante la prensa. El film utiliza el recurso del “interruptor en el ombligo” que permite detener el tiempo, como símbolo de esa disyuntiva entre el esfuerzo legítimo y el atajo, problemática fundamental “comprensible para los niños, sin excluir a los adultos”, según expresó su creador.

En un extracto directo para motores de búsqueda: “Dibu Martínez: el pibe que ataja el tiempo” es la primera película argentina original para Netflix que mezcla animación basada en ilustraciones de Liniers, testimonios guionados y metraje documental real en torno a la infancia de un futbolista profesional. Creada tras la negativa de Martínez a un documental tradicional, la obra fue coproducida por PEGSA y rodada en Argentina e Inglaterra en 2025, y llega a la plataforma el 28 de mayo. El equipo creativo incluyó a Hernán Casciari (guionista), Gustavo Cova (director), Agustín Pichot (productor general) y Andrés Emilio (showrunner), con testimonios de familiares, Messi, Scaloni y Santoro.

El dilema del héroe: entre don y trampa

La narrativa cierra el círculo al retomar la dualidad pública de Dibu Martínez, reconocido en Argentina pero percibido como polémico en el extranjero. La película utiliza la metáfora del “don” como doble filo y explora —a través del guion y la estructura visual— cómo la fortaleza mental y los recursos psicológicos diferenciaron al arquero niño frente a sus pares. El largometraje interroga las fronteras entre talento genuino y ventaja indebida, tematizando la figura del arquero como héroe atípico dentro del universo futbolístico.

Con la integración de declaraciones inéditas, estructura híbrida y un enfoque conceptual sobre el “poder de detener el tiempo”, Netflix redefine el estándar de las biopics deportivas de origen latinoamericano en 2026 y posiciona este lanzamiento como el documento central sobre los orígenes y la construcción del personaje público Dibu Martínez.

Para los contrincantes, el corto del realizador argentino Federico Luis seleccionado en la competición de cortometrajes del Festival de Cannes, retrata el flechazo inesperado que el cineasta porteño sintió al descubrir el boxeo infantil de la mano del escritor mexicano Mario Bellatin.

Esta pequeña obra del gran triunfador de la Semana de la Crítica de 2024 -sección paralela en la que su ópera prima, Simón de la montaña, recibió el Gran Premio- aspira a ganar la Palma de Oro de las obras de formato breve con una combinación de ficción y documental que aborda las relaciones entre niños y adultos, la masculinidad y la competitividad en el deporte.

Federico Luis (Buenos Aires, 1990), que ya había competido con otro corto en el festival francés en 2019 (La siesta), propone viajar en Para los contrincantes hasta Tepito, el barrio popular del que han salido los boxeadores más bravos de la Ciudad de México, y donde el pequeño Damián López, su protagonista, sueña con convertirse en campeón. “La emoción de las expectativas de los adultos sobre los niños es algo que se puede ver mucho en el boxeo, pero es algo que cualquiera siente y que te hace acordar a muchas cosas de cuando eras niño”, explica el director.

La idea de este corto surgió prácticamente por casualidad, durante la preparación del que será su próximo largometraje de ficción, que versará sobre un entrenador de perros y que parte de un personaje del escritor mexicano Mario Bellatin. Ese proceso llevó a Luis a visitar México, con el que ha ido desarrollando una conexión muy fuerte, y a pasar tiempo con el autor. “Tenía el sueño de, en algún momento, poder hacer una película basada en alguno de sus libros”, compartió el cineasta argentino.

A Bellatin, sin embargo, no le gustaba conversar sentado en un café y en sus encuentros con Luis se lo llevaba a pasear a destinos inesperados. Un día, la cita fue para ir a ver boxeo a una asociación. Pero era boxeo infantil, lo que pilló por sorpresa al realizador argentino. “Vi eso y, como pocas veces me ha pasado en mi vida, entré como en un ‘shock’ muy fuerte (...) Me pareció una cosa muy increíble porque se condensaban muchas cosas de la tradición, de los deportes, de ser un niño y de responder a las expectativas de los adultos. Y todas esas cosas me hicieron pensar que me encantaría filmar”, rememora.

Él no pensaba que fuera a ser fácil rodar allí, pero enseguida obtuvo los síes necesarios, incluido de Damián, el niño en el que se había fijado particularmente el día que Bellatin le abrió las puertas de ese inesperado mundo. Así, en septiembre de 2025, entre todos organizaron un evento real en el que Damián pudiera enfrentarse en una pelea al mejor de sus adversarios. Luis se encargaría de filmarlo y de ficcionalizar algunos detalles que irían surgiendo, pero el realizador respetaría el resultado final del combate. “Quería que estuviese en una pelea que, más allá de ganar o perder, fuese una pelea importante para poder ver todas esas emociones que vi ese primer día”, detalló.

El futuro de Federico Luis

Para su segundo largometraje, se plantea filmar en México, ya que no cree en poner nacionalidades al cine, pero también porque la producción independiente en su Argentina natal atraviesa un momento extremadamente complicado desde los brutales recortes de ayudas del presidente Javier Milei. “No hay mucho más que tristeza alrededor de eso y hay que esperar y prepararse para cuando este Gobierno termine y pensar que puede volver a haber, como en otros momentos de la historia argentina, una recuperación de toda la actividad cultural”, reflexionó Luis.

“Pero sí es cierto que en este momento, más que nunca, cualquier cineasta que viva en Argentina necesita dialogar mucho con el exterior para poder llevar adelante proyectos", completó.

Fuente: EFE

La película Rehearsals for a Revolution (Ensayos para una revolución), una coproducción de República Checa y España en la que la realizadora iraní Pegah Ahangarani cuenta la historia reciente de los movimientos sociales y políticos en su país a través de su familia, ganó este viernes el Premio Ojo de Oro al mejor documental del Festival de Cannes.

“Esta película nos permite adentrarnos en la intrincada y compleja realidad del Irán contemporáneo a través de una mezcla de cine personal, histórico y poético”, destacó el jurado del galardón. “En su búsqueda del lenguaje adecuado para expresar las verdades del momento”, la directora de este documental “no teme cuestionar sus propios gestos, dudar de sí misma y mostrarse vulnerable”, agregó el veredicto. “El jurado quedó impresionado por el magistral guion y la narración vívida y apremiante, así como por una cineasta que nos ha transportado a través de las violentas olas de la historia sin perder nunca de vista el valor de cada vida humana”, agregó la justificación del premio.

La película de Ahangarani, que formaba parte de las Sesiones Especiales (fuera de competición) de la selección oficial de esta edición número 79.ª del Festival de Cannes, también ha recibido una mención especial de The Golden Globes Prize for Documentary, un galardón otorgado por los Globos de Oro en colaboración con la Fundación Artemis Rising.

El documental consta de cinco capítulos con los que la realizadora -que también fue una actriz conocida en su país, pero que vive exiliada en Alemania desde hace cuatro años-, a través de las historias de sus padres, sus tíos, de una profesora y de ella misma, retrata la evolución de Irán desde la Revolución Islámica de 1979 hasta la reciente guerra con Estados Unidos e Israel. “Hay familias con historias mucho más trágicas, mucho más complicadas. Conozco a madres que han perdido un hijo en la guerra y el otro ejecutado por el régimen al mismo tiempo”, explicó Ahangarani en una entrevista con motivo del estreno del documental, el pasado 16 de mayo.

El cierre del documental, con su declaración de que las identidades de los personajes han sido modificadas —al modo del periodismo que protege fuentes confidenciales—, revela una de las tensiones más productivas de Rehearsals for a Revolution: la necesidad de salvaguardar a quienes ofrecieron su testimonio sobre eventos que, pese a ser históricos, siguen teniendo consecuencias reales. La directora Pegah Ahangarani sabe que el cine iraní posrevolucionario ha operado siempre bajo el signo del secreto y el camuflaje, y su película no es una excepción.

Ahangarani llegó al largometraje desde una doble trayectoria: la de actriz de reconocida trayectoria en la industria iraní y la de documentalista con base en Londres. Su ópera prima estructura el relato en cinco capítulos, cada uno centrado en una figura cercana —casi siempre un familiar, aunque el tramo más revelador gira en torno a su profesora de literatura— para rastrear el deseo y los intentos de alterar el statu quo político de Irán. El entusiasmo inicial del padre de la directora por el jomeinismo, erosionado tras la devastación de la Guerra Irán-Irak; las ambiciones reformistas del tío durante su etapa como periodista estudiantil; y la propia radicalización de Ahangarani en el seno del movimiento democrático Verde de 2009 conforman el eje narrativo del filme.

Para dar cuerpo a esas historias, la directora despliega un archivo heterogéneo: noticieros de época, cine comercial y material de propaganda, junto a películas domésticas en distintos formatos de pequeño calibre. La estrategia remite, en su tramo final, a la influencia confesada de Jonas Mekas y su diario fílmico Mientras avanzaba, ocasionalmente veía breves destellos de belleza, aunque el resultado de Ahangarani apunta en una dirección opuesta: donde Mekas cultivaba la abstracción poética, ella privilegia la accesibilidad y la claridad expositiva.

Con información de: EFE

[Fotos: Festival de Cannes y Reuters/ Sarah Meyssonnier]

El periodista deportivo Andrés Burgo (Buenos Aires, 1974) firma El partido. Argentina-Inglaterra 1986 (Tusquets, 2016), obra que sirvió de base al documental y fue traducida al francés, al portugués y al italiano. En casi 300 páginas, fusiona con una prosa austera pero amena y ciertamente profusa en datos, la crónica del encuentro del domingo 22 de junio de 1986 con una reflexión sobre la memoria colectiva, el trasfondo de la Guerra de las Malvinas y la deificación de Diego Maradona en un puñado de minutos.

La apuesta narrativa del libro reside en una decisión deliberada: correrse del protagonista central para contar la historia desde la periferia. “Maradona ese día llegó a la cima del Everest, pero no lo hizo solo. Por eso yo decido contar la historia de los sherpas que lo acompañaron”, explicó el autor, quien rastreó con minuciosidad a jugadores, árbitros, utileros y hasta a un ignoto ayudante de campo que nadie recordaba. El resultado es un relato polifónico donde cada testimonio reconstruye un partido diferente: el que ocurrió y el que cada quien guardó en su memoria. “Todos recuerdan cosas diferentes y crearon cosas diferentes”, sintetizó.

2. Valdano, Lineker y Borges

El documental construye su relato a partir de una decisión narrativa central: Jorge Valdano y Gary Lineker -protagonistas de aquella tarde, y luego ya retirados del fútbol, relevantes comentaristas televisivos; en el caso de Valdano, además, columnista del diario El País hasta hoy- son los narradores de la historia. Los directores Juan Cabral y Santiago Franco los describen como personalidades afines —cultos, progresistas y mediáticos— y los sitúan frente a una pantalla grande para que reaccionen en tiempo real ante escenas del partido y otros materiales del filme. “Ambos tienen un talento para explicar lo que está pasando y lo que sienten proverbialmente. Poseen una cadencia al hablar que hace que te vayas dejando llevar. Y una enorme capacidad aún de verse años después y de entenderse”, afirmaron los realizadores en Cannes.

Esa química entre el argentino y el inglés alcanza su punto más alto en el cierre del documental, cuando Valdano lee en voz alta, ante un Lineker visiblemente emocionado que termina por abrazarlo, el poema de Jorge Luis Borges sobre dos soldados —uno inglés, uno argentino— muertos en la Guerra de las Malvinas: “Les tocó en suerte una época extraña [...] / Hubieran sido amigos, pero se vieron una sola vez cara a cara, en unas islas demasiado famosas, y cada uno de los dos fue Caín, y cada uno, Abel. / Los enterraron juntos. La nieve y la corrupción los conocen”. En ese instante, el documental deja de hablar de fútbol para hablar de otra cosa.

3. Los directores

Juan Cabral y Santiago Franco construyeron un relato que va más allá de un célebre partido de fútbol. Juan Cabral, nacido en Buenos Aires en 1978, es un director formado en diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires que acumuló reconocimiento internacional en publicidad antes de volcarse al cine con los largometrajes Two/One (2019) y Risa y la cabina del viento (2025). Santiago Franco, también porteño, estudió dirección de cine en la Universidad del Cine (FUC) y desde 2010 dirigió comerciales y videoclips en América Latina y Europa. “Este partido, para los argentinos es parte de la cultura, es algo que creemos, que conocemos de memoria y, sin embargo, nosotros, que lo hemos explorado en profundidad, seguimos descubriendo cosas”, afirmó Cabral en Cannes.

Para acceder a las estrellas inglesas como Gary Lineker o John Barnes, contaron que tuvieron que generar “confianza”, como si se acercaran a un “animal herido”, según la descripción del propio Cabral. El resultado fue revelar a los futbolistas británicos un universo de supersticiones argentinas que desconocían por completo: desde las dos canciones de ritual obligatorio —“Total Eclipse of the Heart” de Bonnie Tyler y la canción central de la banda sonora de Rocky, “Eye of the Tiger” de la banda Survivor— hasta los caramelos enterrados en el campo de juego del estadio Azteca. “No tenían ni idea de todo lo que sucedió del lado argentino”, subrayó Franco, quien además enfatizó que el documental trasciende el fútbol para que “cualquiera pueda emocionarse”.

4. Los jugadores

El documental reúne por primera vez en pantalla a protagonistas de ambas selecciones nacionales para reconstruir aquel juego de cuartos de final del Mundial 86 desde adentro. Por el lado argentino, Oscar Ruggeri, Jorge Olarticoechea, Jorge Burruchaga y Ricardo Giusti aportan sus memorias del encuentro disputado en el estadio Azteca de Ciudad de México. El “gringo” Giusti con la cábala del caramelo y el “vasco” Olarticoechea con su anécdota vivida en el peaje de la autopista Ricchieri junto a Carlos Bilardo, y su protagonismo central en el segmento bautizado “La nuca de Dios” -posiblemente la mejor salvada de un jugador de campo en la historia de los mundiales-, se roban el protagonismo.

Del lado británico, la presencia más cargada de historia es la de Peter Shilton, el arquero que recibió los dos goles de Maradona —el de “la mano de Dios” y el llamado “Gol del Siglo”— y que durante décadas mantuvo una postura pública de rechazo hacia el astro argentino por no haber pedido disculpas por su “trampa” Su aparición en el documental junto a John Barnes, el extremo izquierdo que revirtió parcialmente el rumbo del partido en los últimos veinte minutos, representa uno de los gestos más elocuentes del filme: el de quienes cargaron con la derrota y se sientan, cuarenta años después, a contar su versión de una historia que los marcó para siempre.

5. ‘El partido’ en Cannes

El Partido tuvo su estreno mundial en la sección Cannes Premiere del Festival de Cannes, donde la crítica internacional lo recibió con elogios generalizados. Variety lo describió como “uno de los documentales más absorbentes y accesibles jamás realizados sobre el deporte”, mientras que The Irish Times destacó su equilibrio narrativo y lo calificó como “un proyecto prodigioso, comprensivo y suavemente realizado que cubre todas las bases históricas”.

The Times de Londres sumó su voz al reconocimiento colectivo con una lectura más matizada: aunque advirtió que el filme “difícilmente convertirá a nuevos fanáticos del fútbol”, reconoció que está “salpicado de suficiente folclore peculiar y detalles de fondo” como para mantener enganchado incluso a espectadores ajenos al deporte. El diario británico también elogió la factura visual del proyecto y subrayó que, más allá del acabado estético, el documental “trabaja de manera impresionante para hablar de algo más grande que el fútbol”. La frase con la que cierra su reseña es contundente: “They shoot, they mostly score” (Disparan, y en su mayoría convierten un gol).

El Salvador vuelve a colocarse en el centro del debate internacional, pero esta vez a través de las pantallas. Este miércoles 20 de mayo se estrena a nivel mundial el documental “El Salvador: El día en que el miedo cambió de lado”, una ambiciosa producción de la reconocida productora brasileña Brasil Paralelo.

El reportaje promete ofrecer una mirada profunda, sin filtros ni prismas ideológicos, sobre la radical transformación del país centroamericano y el funcionamiento de su megaprisión, el Centro de Confinamiento del Terrorismo (CECOT).

La producción audiovisual centra su tesis en una metamorfosis que muchos consideran un milagro político y otros un experimento controversial. Quienes transitan hoy en día por las calles de El Salvador difícilmente pueden imaginar la realidad de hace apenas cuatro años.

En aquel entonces, el territorio nacional estaba fragmentado y controlado en casi un 80% por bandas criminales conocidas como “Maras”.

Estos grupos aterrorizaban a la población civil, controlaban el comercio mediante la extorsión y disputaban hectáreas de tierra a base de sangre.

De registrar las tasas de homicidios más altas del planeta, El Salvador ha dado un vuelco estadístico sin precedentes. Hoy, el país presume de tener un índice de criminalidad inferior al de naciones como Canadá, consolidándose según las métricas gubernamentales como el lugar más seguro del hemisferio occidental.

El eje central de este cambio ha sido el modelo de seguridad pública del presidente Nayib Bukele, caracterizado por la implementación del Régimen de Excepción y la edificación del CECOT, considerada la prisión de máxima seguridad más grande del mundo.

El largometraje se transmitirá de forma completamente gratuita hoy en un evento en directo. Para el público en Brasil, la cita es a las 20:00 horas, lo que equivale a las 17:00 horas (5:00 PM) en el horario de El Salvador.

La productora ha enfatizado que la gratuidad del material estará sujeta estrictamente a la conexión en vivo durante su estreno.

Voces oficiales y el debate por los Derechos Humanos

El tráiler oficial del documental anticipa la participación de figuras clave dentro del gabinete de Bukele y la política salvadoreña. Entre los entrevistados destacan el Ministro de Justicia y Seguridad Pública, Gustavo Villatoro; el Ministro de la Defensa Nacional, René Francis Merino Monroy; el presidente de la Asamblea Legislativa, Ernesto Castro; y el jefe de la bancada de Nuevas Ideas, Christian Guevara.

Sin embargo, uno de los mayores atractivos de la propuesta de Brasil Paralelo es su búsqueda de equilibrio periodístico. La producción ha dejado claro que la pieza no se limita a replicar la narrativa oficial del oficialismo. Las cámaras también recogieron los testimonios de periodistas independientes, figuras de la oposición y críticos acérrimos de la estrategia de seguridad.

De igual manera, el documental plantea una interrogante incómoda pero inevitable para el público sudamericano: ¿Podría aplicarse en Brasil lo sucedido en El Salvador? Con grandes urbes brasileñas lidiando con el narcotráfico y el crimen organizado, las lecciones positivas y negativas del modelo de Bukele generan un enorme interés y polarización.

Entre el elogio internacional por el desmantelamiento de las pandillas y la condena de organismos internacionales por presuntas violaciones a los derechos humanos, “El día en que el miedo cambió de lado” busca que el espectador comprenda la verdadera magnitud de lo que ocurre dentro de las fronteras salvadoreñas.

La cita es esta tarde. Una oportunidad para mirar desde adentro los pasillos del CECOT y evaluar, con datos y testimonios de ambos lados de la balanza, el precio y el beneficio de la paz social.

La llegada de “Azul Oscuro, Azul Celeste” a las salas de Cinemex promete arrojar luz sobre uno de los capítulos menos transparentes en la historia reciente del fútbol mexicano. La producción, con estreno previsto para el 28 de mayo, se adentra en los orígenes y el desarrollo tanto del club como de la cooperativa, mientras examina con detalle el periodo en que Guillermo “Billy” Álvarez Cuevas ocupó la presidencia de la Cooperativa de la Cruz Azul.

El largometraje no solo revisa los momentos clave en la historia celeste, sino que pone especial énfasis en las consecuencias de una administración controvertida. El relato, según lo anunciado, busca explicar por qué la gestión de “Billy” Álvarez generó divisiones internas y afectó la estabilidad de la organización, tanto en lo deportivo como en lo institucional.

¿Quiénes son los futbolistas y periodistas que participan en la serie " Azul Oscuro, Azul Celeste"?

En el corazón del documental se encuentran los testimonios de figuras que han sido testigos directos de la evolución y los conflictos de la institución. Entre los participantes se cuentan desde exjugadores como Óscar “Conejo” Pérez y Orbelín Pineda, hasta directivos y periodistas como Ricardo Peláez, Carlos Córdova y Álvaro Morales. Este mosaico de voces permite reconstruir una visión compleja de los factores que marcaron la vida del club y la cooperativa a lo largo de las décadas.

Quienes busquen entender el trasfondo de los problemas que marcaron al club cementero encontrarán en este documental una oportunidad única. “Azul Oscuro, Azul Celeste” promete ofrecer testimonios inéditos y análisis de protagonistas como Gerardo Torrado, Víctor Velázquez, Leo Zuckerman, Juan Reynoso, Javier Alarcón, Julio César “Cata” Domínguez y Roberto “Piojo” Alvarado.

Premiere del documental “Azul Oscuro, Azul Celeste”

Cabe señalar que la función de estreno de “Azul Oscuro Azul Celeste” reunió a un grupo selecto de invitados en Artz Pedregal, donde Cinemex organizó una proyección especial el lunes pasado. Entre los asistentes figuraron influencers, periodistas y miembros del club Cruz Azul, quienes tuvieron acceso anticipado al documental antes de su llegada a cartelera abierta.

Una parte central del relato detalla el momento en que Álvarez fue detenido, después de haber permanecido prófugo, y los cargos judiciales que enfrenta. Los realizadores abordan en el documental cómo estos hallazgos impactaron la estabilidad tanto del club como de la cooperativa. La investigación revela el modus operandi que permitió el desvío de recursos y la concentración de poder, según lo expuesto por los documentos revisados y las entrevistas a protagonistas clave.

Este lunes 18 de mayo se realizó la premiere del documental "Azul Oscuro Azul Celeste" en una función especial organizada por CINEMEX en Artz Pedregal. Al evento acudieron invitados seleccionados, entre ellos influencers, periodistas y miembros del club, quienes pudieron disfrutar de la proyección antes de su estreno general.

La producción, dirigida por Carlos Carrera y Carlos Batiz, aborda algunos de los episodios más complejos que atravesó la Cooperativa Cruz Azul durante los 32 años de gestión de Guillermo “Billy” Álvarez, un periodo marcado por señalamientos de corrupción, fraude y desvío de recursos.

El documental llegará a todas las salas de CINEMEX a partir del 28 de mayo, permitiendo que los aficionados celestes y seguidores del futbol conozcan una de las historias más controvertidas de la Liga Mx.

Temas que aborda el documental

El documental se basa en testimonios de primera mano, una investigación detallada y el análisis de documentos filtrados. De acuerdo con la sinopsis, “Azul Oscuro, Azul Celeste” explora cómo, a lo largo de varias décadas, la disputa por el control de la cooperativa generó una red de intereses políticos, financieros y judiciales que afectó tanto el rumbo de la organización como la identidad deportiva y social de Cruz Azul, uno de los equipos más representativos de México.

La producción, que originalmente se planeó como una serie y finalmente tomó forma de documental, ofrece una mirada crítica al manejo interno del club, al que describe como una “dictadura construida en cemento” en referencia al poder concentrado en Guillermo “Billy” Álvarez.

La narrativa sigue la trayectoria de Álvarez, desde su llegada y consolidación en la cooperativa hasta su caída, incluyendo su detención luego de un periodo prófugo. El documental expone los procesos judiciales en su contra por delitos como delincuencia organizada, lavado de dinero y extorsión.

Documentos oficiales citados en la investigación señalan que, bajo la gestión de Álvarez, se detectaron movimientos financieros irregulares por más de 1,000 millones de pesos, realizados a través de empresas fantasma y mecanismos para evadir la supervisión.

El partido que vimos con mi viejo y mi vieja, frente a un televisor en blanco y negro, en la cocina de una casa ubicada en el predio de la Escuela Técnica “Luciano Fortabat”. Ahí gritamos los dos goles (por supuesto mucho más el segundo, por obvias razones). Cuando terminó y terminó el sufrimiento de los últimos minutos, ya estaba oscureciendo. Hacía frío pero estábamos felices. Faltaban dos partidos más para ser campeones del mundo. Demás está decir que el miércoles siguiente (antes del partido con Bélgica) y el domingo 29 de junio, antes de la final con Alemania, cumplí religiosamente -como le hubiera gustado a Bilardo de saberlo, y yo creo que lo sabía- cada uno de los pasos: auto al sol, Clarín deportivo, Radio Argentina y sentarse frente a la tele a las 3 de la tarde.

Como el sabor de la magdalena mojada en una taza de té que dispara Por el camino de Swann, de Marcel Proust, recordé todo eso mientras veía el magnífico documental El Partido, escrito y dirigido por Juan Cabral y Santiago Franco, recién presentado en el Festival de Cannes y que se estrena el jueves 21 de mayo. Basado en el libro homónimo escrito por Andrés Burgo -que por supuesto también leí con fruición cuando fue publicado hace 10 años- cuenta el antes, durante y después del juego entre las selecciones de Argentina e Inglaterra por los cuartos de final del campeonato mundial de fútbol de México 1986.

El Partido dura 91 minutos —entiendo que replica el tiempo de juego de aquel histórico enfrentamiento—, y reúne por primera vez a jugadores argentinos e ingleses para reconstruir no solo el partido de 1986, sino también los procesos históricos que lo antecedieron. Como narradores principales están los lúcidos -y ubicados intelectualmente por encima de la media del futbolista promedio- Jorge Valdano y Gary Lineker, y además se incluyen los testimonios de Ricardo Giusti, Julio Olarticoechea, Oscar Ruggeri, Peter Shilton y John Barnes. El relato los ubica frente a una pantalla que proyecta imágenes del partido, como para acentuar el efecto dramático de la revisión. Hay material inédito de los entrenadores Bobby Robson y Carlos Bilardo, el testimonio auditivo del árbitro tunecino Ali Bennaceur, mucho y rico material de archivo de la época y sobre todo, una mirada que engloba la ¿cabría denominarla “ancestral”? tensión entre Argentina e Inglaterra (mejor dicho el imperio británico), que involucra las invasiones inglesas, el pacto Roca-Runciman, la deuda con la Baring Brothers, los ferrocarriles, el fútbol, la carne, las Malvinas y finalmente, desde mediados del siglo XX, el fútbol. El fútbol, bendita locura. Cabría aquí reformular la frase “la guerra es la continuación de la política por otros medios” para ubicar “fútbol” en lugar de “política” y calzaría perfecto con esta historia.

El documental estructura su relato en torno a la dimensión simbólica de un match por cuartos de final de un mundial de fútbol pero aborda este partido -que lo fue- como un fenómeno que trasciende lo deportivo y se inscribe en la política, la pasión, los conflictos históricos y la vida misma de dos naciones. Esos 91 minutos de juego fueron, en sí mismos, un hecho histórico que reunió belleza, pasión, astucia, trampa y una dolorosa historia previa que, inevitablemente, estaba ahí, flotando en el aire de ese caluroso mediodía mexicano. El recorrido de la película se remonta al desembarco inglés en las Islas Malvinas, la invención del fútbol, la historia de las rivalidades deportivas —incluido el episodio del Mundial de 1966, con la famosa expulsión de Rattin en Wembley— y otros intercambios culturales, como la llegada de Queen a la Argentina en 1981, hasta alcanzar el conflicto bélico de 1982 y sus secuelas. Un repaso por los años previos de ambas selecciones, con cuerpos técnicos y planteles cuestionados, y los partidos anteriores en el Mundial de México, prepara el terreno para el desarrollo del partido en sí.

Ahora bien, la propuesta de El Partido rehúye el análisis futbolístico-técnico y se centra en las reacciones y comentarios de los protagonistas y el encuentros inducido entre los antiguos rivales. De estos intercambios surge el mensaje más valioso de la película: narrar una historia marcada por tensiones, rivalidades y desconfianza para desembocar en un presente de respeto y admiración mutua. Al respecto, y sin spoiler, la escena final es muy gratificante (Borges incluido).

Y por sobre todo eso, ÉL. Sin quien no hubiera existido esta historia hecha libro y luego película. Diego Maradona, “un marciano” según su hermano. El que dice al comienzo del documental “Es sólo fútbol, y punto”. Él sabía que no era así, que nunca es así. A lo largo de toda la película, su figura -aún cuando no está presente- sobrevuela el relato y lo considero un logro de los realizadores, ayuda a entender a jóvenes generaciones quién fue en su verdadera dimensión emocional. Antes de aquella tarde del 22 de junio de 1986 era un extraordinario jugador de fútbol (el mejor de todos los tiempos, opinión personal) y un ídolo popular, pero después de aquel día, pasó a ser una deidad. “Un dios sucio que se nos parece”, escribió Eduardo Galeano. Sabiamente como en el libro, el documental juega con el tiempo anterior y posterior, y detiene en los detalles que habrían de cambiar la historia. Cito dos de mis momentos favoritos: el gol que Diego no hizo en Wembley seis años antes (ay, también lo vi por tele y lo lamenté) y que, en aquel mágico instante volvió a su mente para hacerle caso a su hermano y gambetear al arquero en lugar de buscar el segundo palo. Y también, como sabiamente se titula, “la nuca de Dios”: cuando nos tenían contra un arco, el morocho Barnes desbordó, tiró el centro y el vasco Olarticoechea se tiró en palomita para sacar la pelota con la nuca de la línea de gol. Nunca lo vi en persona al vasco, pero juro que siempre lo he pensado y tal vez alguna vez sucederá: le diré “gracias, gracias por ese nucazo”. Nos salvó la vida.

Por cierto, por supuesto está desarrollado el mito de la frase que pasó a la historia. Si la “mano de Dios” fue una invención periodística o un rayo de inspiración creativa del protagonista, queda claro. No quiero spoilear acá tampoco.

Volviendo a Diego. Está el relato de Víctor Hugo (que escuchamos en vivo mientras veíamos el partido, porque en casa se bajaba el audio aburrido de la tele y se escuchaba la radio) y después, todo lo que vino hasta la fatídica tarde del 25 de noviembre de 2020 cuando se nos fue. Mientras veía las imágenes de El Partido -que tiene sentido porque él existió- se me cayeron unas lágrimas. Me pasa seguido cuando su recuerdo me viene (¿a cuántos argentinos y argentinas se nos viene él en el recuerdo, cuántas veces por día?). Me pasa con las memorias de la pasión por Boca que me une con él y que también me une con mi viejo, con mi abuelo, con mi hermano, con mis sobrinos, mis hijos y mis amigos. Llevo una imagen de Diego Maradona vestido con la camiseta azul y oro en la billetera como si fuera una estampita y la he exhibido orgulloso en Londres, en Rio de Janeiro, Nueva York, Madrid y Doha. Siempre camina conmigo.

Cuanto terminó la película y salí caminando al mundo exterior de una Buenos Aires soleada de otoño, mientras iba por Córdoba hacia Callao, volvieron a mí esas imágenes y sobre todo, esas sensaciones de aquella tarde de junio de 1986: la radio, Víctor Hugo, el Renault 12, mis viejos tomando mate mientras mirábamos el partido, los goles, la alegría que sentí. El vértigo previo a ganar un mundial. Tenía 16 años, pasaron 40 años, ahora tengo 56. Ese instante mágico volvió a mí por una película. Parece poco relevante para una vida, siendo nada más que fútbol. Pero no es solamente fútbol, lo sabemos. Y El Partido, impecablemente relatado y con una bella realización audiovisual, nos lo hace sentir.

[Fotos: prensa Buena Vista Internacional]

Eric Cantona fue una estrella del fútbol, tan conocido por sus genialidades sobre el campo como por su famosa patada voladora a un espectador cuando jugaba en Manchester United. Era, en sus propias palabras, “un ángel y un demonio”, como reconoce en un documental presentado este viernes en el Festival de Cannes. “Puedo ser una buena persona pero también la flor del mal”, afirma el exjugador parafraseando la obra de Baudelaire, además de asegurar que no se arrepiente “de nada” porque todo lo que ha hecho en su vida ha sido siguiendo su instinto.

Cantona, que ahora se dedica al cine y a la pintura, asistió a la primera proyección en Cannes de este documental dirigido por David Tryhorn y Ben Nicholas y que, aunque hace un retrato global de su carrera, se centra en su etapa en el Manchester United. Tryhorn afirmó al presentar el filme que Cantona “se mantuvo y se mantiene en pie por sus principios, incluso hoy”, mientras que el exjugador se limitó a señalar que está “muy orgulloso” del documental.

Un documental que comienza con una tremenda entrevista que Cantona dio a un canal francés en 2001 y en la que se dedicó a insultar a los periodistas por decirle que debía pedir perdón por aquel célebre incidente ocurrido en 1995 en un partido de la Premier League contra el Crystal Palace. Tras ser expulsado por cometer una grave falta contra un rival, el francés fue increpado por un seguidor y decidió saltar cual karateka para propinarle una patada, lo que le costó ser retirado de su equipo el resto de temporada.

A base de flashbacks, el filme cuenta los brillantes inicios del jugador en el club Auxerre, entrenado por Guy Roux, un segundo padre para Cantona, imágenes que combina con entrevistas tanto al protagonista como a otras personas importantes en su vida y carrera. Roux supo ver algo especial en aquel potente y hábil delantero, que luego no terminó de encontrar su sitio en su soñado Olympique de Marsella ni en la selección nacional francesa, de donde fue apartado un año, también por su comportamiento.

Tras un amago de retirada a los 25 años, se marchó al Leeds británico, donde solo estuvo una temporada y media, antes de llegar al Manchester United, entrenado por Alex Ferguson. “Me di cuenta de que estaba malgastando mi carrera y que era mi última oportunidad”, reconoce sobre su llegada a un club que buscaba desesperadamente ganar la liga tras 18 años desde su último título. Ferguson, uno de los principales testimonios de la película, asegura que el jugador era deslumbrante: “Era como ver a Laurence Olivier entrando en escena”.

“En Inglaterra recuperé la pasión por el fútbol”, señala Cantona, que en sus cinco temporadas en los “diablos rojos” de Manchester logró cuatro títulos de liga antes de retirarse con solo 30 años porque perdió “el fuego, la pasión” por el fútbol. Y allí coincidió con un joven David Beckham, en su primera temporada en el primer equipo del United y que dice en el documental que aprendió a jugar viendo a Cantona.

Aún con el oscuro episodio de su patada a un seguidor, fue la época más estable del jugador, gracias a que Ferguson lo supo entender y se convirtió “en su tercer padre”, según la madre de Cantona, que también participa en la película. Al igual que su padre, que reconoce que su hijo tiene el mismo carácter de toda la familia, explosivo pero solo cuando le llevan la contraria.

“No soy un hombre, soy Cantona”, afirma en un momento del documental, que reconoce haber merecido todos los castigos profesionales que recibió durante su carrera. Pero, genio y figura, agrega: “Lo hice y no lo lamento”.

Fuente: EFE

Desde muy pequeña, la cineasta Ana Ts’uyeb comenzó a cuestionar las prácticas normalizadas en su entorno, especialmente aquellas justificadas bajo los usos y costumbres en la comunidad tzotzil en la que nació en Chiapas, esto la llevó años más tarde a realizar su ópera primera “Li Cham” o traducida al español: Morir para renacer.

En poco más de una hora, este documental sumerge al espectador a la vida de tres mujeres de la selva chiapaneca que hablan sobre las violencias patriarcales que sufrieron gran parte de su vida, comenzando por sus sueños truncados por los padres que no les permitieron estudiar.

Las tres mujeres, que forman parte de la familia de la propia directora Ts’uyeb, hablan sobre las experiencias que vivieron y que les provocaron más de una muerte tanto a nivel emocional como ideológico, pero también muestran su renacer tras la llegada del Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) desde los años noventa, el cual les permitió acceder a sus propios derechos.

De cuestionar los roles de género a sancionar la violencia física: así influenció el zapatismo

En entrevista con Infobae México, Ana Ts’uyeb explicó que este documental representa una esperanza para las nuevas generaciones de mujeres chiapanecas para que persigan su propio camino cuestionando las costumbres rígidas de la comunidad.

“Este proyecto se volvió todo, porque es un sueño de mis ancestras también, pero es un sueño mío y es una posibilidad de seguir dando ese eco de voz donde no fueron escuchadas. Es una esperanza para otras generaciones de seguir construyendo o haciendo incidencia en distintos espacios donde no tuvimos otras generaciones, como mi mamá, como mi abuela, no tuvieron esta posibilidad”, expresó la directora.

La ópera prima de Ts’uyeb no solo es una historia íntima contada desde los propios ojos de una mujer indígena, también muestra la influencia del zapatismo en las comunidades de Chiapas y cómo esto permitió que muchas de ellas pudieran obtener tierras, cuestionar las violencias y formar parte de la política.

Ana dijo que este movimiento vino a dejar semillas en las nuevas generaciones para cuestionar la manera en la que viven, sobre todo para las mujeres.

“El zapatismo es algo también muy abierto, donde, claro, sí tiene sus leyes muy rígidas y quien lo quiere respetar, asumir, pues está ahí. Pero tampoco se exige, tampoco se condiciona, sino que es un espacio, un movimiento con libertad de estar o no estar o continuar con esta ideología, pero de alguna forma ya dejaron las semillas en cada rincón del territorio chiapaneco. Y eso es lo que pasó. Acá sí hay una generación de mujeres que ya no las casan obligados o donde sí ya están muy conscientes de su derecho, y también ya deciden de su vida, de su cuerpo, lo que antes no sucedía”, explicó.

Los dos objetivos de Li Cham frente al espectador

Ana Ts’uyeb explicó que su documental se hizo con dos objetivos distintos que implican tanto a la propia comunidad tzotzil como al público que se encuentra fuera de ella, esto con el objetivo de llevarlos a reflexionar y cuestionar no solo los roles de género, sino también a conocer la manera en que se vive en los pueblos originarios sin romantizar su contexto.

Li Cham ha sido reconocido con el premio Ojo a Mejor Largometraje Documental Mexicano en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2024, así como a Mejor Documental de Cine de Autor en Guadalajara.

Actualmente se encuentra disponible en salas de cine a nivel a nacional, para consultar los sitios que la tendrán en cartelera se puede seguir a la distribuidora @artegiosdist en Instragram, así como a la directora @anatsuyeb97.

A través de los testimonios de Domenech y de tres jugadores, William Gallas y Bacary Sagna, además de Evra, el documental El autobús: los Bleus en huelga revive la atmósfera irrespirable que reinaba en el seno del grupo en Sudáfrica.

Una crisis que alcanzó su paroxismo cuando los jugadores decidieron boicotear su entrenamiento en Knysna, ante las cámaras del mundo entero.

“Lo que me llamó la atención, 16 años después, es ver que varios protagonistas seguían marcados a fuego por este acontecimiento”, subraya ante esta agencia uno de los productores, Stephen Kamga, que habla de una “herida para nada cerrada”, a un mes del próximo mundial, cuya lista de convocados de la selección francesa será anunciada el jueves por el técnico Didier Deschamps.

Domenech dio acceso al diario que llevaba en aquella época y que inspiró, hace años, un primer libro, Completamente solo.

Un documento personal “en el que volcaba todas sus emociones, todas sus frustraciones”, describe otro productor, Yoan Zerbit.

En medio de comentarios poco amables hacia algunos jugadores, Domenech confiesa su desasosiego.

“Ganas de desaparecer lejos de todo, a veces tengo ataques de odio hacia esos imbéciles”, escribe en el momento de la derrota contra México (2-0).

Los jugadores y el seleccionador repasan con detalle el altercado verbal que enfrentó a Domenech y Anelka en el descanso de ese partido, y cuya revelación en la portada de L’équipe encenderá la mecha y provocará la expulsión del delantero.

“Gentuza inmadura”

¿Insultó Anelka a Domenech llamándolo “hijo de puta”, como escribió el diario? “Nunca me lo dijo”, reitera Domenech.

¿Por qué no lo desmintió? “Porque me da igual”, suelta.

Evra, Gallas y Sagna intentan, por su parte, ofrecer otra verdad distinta de la de “gentuza inmadura”, como la ministra de Deportes de la época, Roselyne Bachelot, había calificado a algunos jugadores sin nombrarlos.

Evra asegura que Anelka estaba dispuesto a disculparse internamente, pero que no se le dio la ocasión.

El capitán reconoce que acudió “loco de rabia” a la rueda de prensa durante la cual soltó: “El problema de la selección francesa es el traidor que está entre nosotros”.

Del mismo modo, tras la huelga y el escándalo que provoca, Evra también quería hacer propósito de enmienda en rueda de prensa, pero Domenech se habría negado a que se expresara.

“¿Tú crees que voy a aceptar sentarme a tu lado para que pidas perdón?”, recuerda el exseleccionador.

Evra ve en ello la voluntad de enviar un mensaje: “Venga, venga, vamos a demostrar que son unos niños mimados, unos millonarios que se niegan a entrenar”.

El documental termina con una tesis inesperada en torno al posible “topo”, un elemento que Netflix ha pedido a los medios que no desvelen.

Fuente: AFP.

La llegada del primer documental oficial sobre la reunión de Oasis, bajo la producción ejecutiva de Steven Knight y la dirección de Dylan Southern y Will Lovelace, ha sido confirmada para septiembre de 2026 en cines, con estreno posterior y exclusivo en Disney+ a finales de año, según un comunicado conjunto de Disney, Magna Studios y Sony Music Vision. El largometraje, sin título definitivo aún, documenta tanto la gira global Oasis Live ’25 —considerada uno de los mayores acontecimientos musicales del último lustro— como métricas inéditas de rendimiento, entre ellas la venta de más de 1,4 millones de entradas únicamente en Reino Unido, lo que se traduce en USD 322 millones recaudados en ese territorio.

Esta cifra posiciona la gira de regreso de Oasis entre los tours más exitosos de la industria en los últimos años y define su impacto comercial, superando la tendencia general en conciertos de grandes bandas británicas, un segmento que ha sido marcado recientemente por relanzamientos de catálogos y retornos a escenarios masivos. El documental explora este fenómeno con acceso a material inédito: ensayos, bastidores, presentaciones en formato IMAX y, por primera vez en 25 años, la inclusión de entrevistas conjuntas con Liam y Noel Gallagher, hechos que consolidan a la producción como un caso singular en la documentación audiovisual de mitologías del britpop.

El recorrido de la película supera el relato de la gira de reuniones. Fuentes de producción afirman que la obra revela imágenes exclusivas del reencuentro personal de los hermanos Gallagher antes del espectáculo inaugural y dedica secuencias a su interacción con los fans y a la construcción emocional del fenómeno Oasis en la cultura global. Un miembro del equipo declaró a The Mirror sobre el material: “Nunca antes se había visto a Liam y Noel de una manera tan abierta y vulnerable”, aludiendo a la profundidad de acceso gestionada por la productora.

El acceso inédito tras la cámara y su potencial en la industria

La logística y la coordinación de grabaciones durante las 41 fechas de la gira han exigido sinergia entre Sony Music Vision, Magna Studios y el equipo original de Peaky Blinders, con Sam Bridger y Guy Heeley como productores y la participación de los mezcladores de sonido James Mather y Tarn Willers, además del director de fotografía Haris Zambarloukos. Knight, nominado al BAFTA y al Oscar, profundizó en el enfoque narrativo: “Quería contar la historia de los hermanos y de la banda, pero también la de los fans cuyas vidas la música ha marcado y, a veces, cambiado para siempre. Es una historia de reconciliación y de cómo la música puede unir generaciones y culturas”, explicó el cineasta en un comunicado difundido por las compañías involucradas.

El documental constituye además el primer caso en la historia reciente de la compañía del ratón en que un film centrado en un retorno musical británico de gran escala es presentado primero en cines comerciales —incluidos circuitos premium IMAX— y posteriormente en ventana exclusiva para Disney+ a nivel mundial. La estrategia responde a la tendencia de captar suscriptores mediante eventos culturales de alta demanda. Eric Schrier, presidente de la división internacional de originales y programación estratégica de Disney, definió el acuerdo como “una oportunidad increíblemente escasa”, en referencia a la magnitud de los activos y a su importancia industrial.

El documental como jet de contenido exclusivo y narrativa de reconciliación

El estreno de la película marca asimismo el debut conjunto de Knight, Southern y Lovelace en este tipo de proyecto, junto a una nueva alianza entre la división de entretenimiento de Sony y las ramas de contenido original directo al consumidor de Disney. La sinopsis oficial, revelada en los canales corporativos, confirma el tratamiento multidisciplinario: ensayos, backstage, escenario principal, testimonios inéditos y escenas de la organización logística global. El equipo creativo ha subrayado que la producción incluye acceso a los primeros encuentros familiares y profesionales tras décadas de distanciamiento público de los Gallagher, lo que aporta un ángulo narrativo hasta ahora inédito en la cobertura mediática sobre Oasis.

Noel Gallagher, distinguido como Compositor del Año en los BRIT Awards en febrero de 2026, expresó sobre el trabajo aún en desarrollo: “Solo he visto una pequeña parte… Todos los que lo han visto, o han visto más que yo, han dicho que es increíble. Si logra capturar siquiera el cinco por ciento de lo que fue esa gira, será asombroso”, sostuvo el músico durante declaraciones públicas tras la ceremonia.

La ventana de estreno ha sido fijada para el 11 de septiembre con lanzamiento inicial en cines, seguido por el debut en streaming en una operación coordinada entre los tres estudios involucrados. El anuncio ha confirmado el formato IMAX y la promesa de alta definición en la plataforma digital, factores que potencian el atractivo para los fans y posicionan a la película como pieza central del catálogo musical exclusivo de Disney+ en 2026.

La proyección internacional y la cifra de más de 1,4 millones de entradas en un solo país sitúan la reunión de Oasis —y el documental de Knight— en el foco de la industria musical audiovisual. Las fuentes corporativas aclaran que, aunque existen especulaciones sobre un posible nuevo álbum de estudio, los hermanos han optado por el silencio acerca de futuros lanzamientos, sin confirmar si la colaboración continuará más allá de los escenarios y la pantalla.

La ilusión volvió a encenderse entre los fans peruanos de Oasis. La cuenta de Instagram de Tu Entrada Segura, plataforma relacionada con la venta de entradas para eventos, publicó un afiche con la imagen de los hermanos Gallagher y el mensaje “Próximo anuncio”, acompañado de la descripción “OASIS muy pronto en Perú”, lo que desató una ola de comentarios y especulaciones entre los seguidores de la banda en el país.

El anuncio, sin embargo, es ambiguo. Si bien Tu Entrada Segura opera principalmente en el mercado de venta de boletos para conciertos, también podría estar vinculado a la proyección especial del documental oficial de la gira de reunión de Oasis, que Disney confirmó para el 11 de septiembre de 2026.

El largometraje, aún sin título oficial, llegará primero a cines en funciones limitadas, incluyendo IMAX, antes de desembarcar en Disney+. La posibilidad de que se esté organizando algo especial en Perú para ese estreno no puede descartarse.

Los comentarios en la publicación reflejan tanto el entusiasmo como el escepticismo de los fans: “Que sea cierto”, “No lo creo hasta no ver el anuncio oficial”, “El documental seguro, en septiembre”, “No jueguen así con mi corazón” y “Ni en UK anuncia y aquí este flyer” fueron algunas de las reacciones más repetidas.

El documental que lo explica todo

El proyecto audiovisual, dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace y escrito por Steven Knight, creador de Peaky Blinders, recorre la gira de reunión “Oasis Live ’25” con acceso exclusivo a ensayos, backstage y escenario. El punto de mayor expectativa es la inclusión de la primera entrevista conjunta de Liam y Noel Gallagher en más de 25 años, lo que convierte al documental en un evento cultural de primer orden para los millones de fans de la banda en todo el mundo.

“Genuinamente no puedo esperar para que el mundo vea esta película. Creo que captura el espíritu y la emoción de un momento cultural global y hace justicia al ingenio y al talento de dos personas excepcionales”, declaró Knight al anuncio del proyecto.

La producción es de Magna Studios, presentada por Sony Music Vision en asociación con Sony Music Entertainment UK, y contará con el respaldo de Disney para su distribución global.

La historia de Oasis y Perú

Para entender la magnitud del revuelo que genera cualquier anuncio relacionado con Oasis en el Perú, hay que recordar que la banda visitó Lima una sola vez: el 30 de abril de 2009, en un concierto histórico en el Estadio Nacional ante más de 40 000 personas.

Fue la primera y única visita de los Gallagher al país, y Noel agradeció al público peruano por ser su “primera vez en este bello país”. Meses después, en agosto de 2009, la banda se disolvió definitivamente tras el enésimo enfrentamiento entre los hermanos.

Cuando Oasis anunció su gira de reunión “Live ’25” en 2025, la expectativa en el Perú fue enorme, pero la decepción llegó rápidamente: la banda no incluyó a Lima entre sus fechas, concentrándose en Argentina, Chile, Brasil y México para América Latina.

Los fans peruanos respondieron con campañas en redes sociales y hasta con paneles publicitarios pagados para pedir que Oasis incluyera Lima en su tour, bajo el hashtag #OasisEnPerú2025.

La exclusión del Perú de la gira oficial dejó una herida abierta entre los seguidores locales, que siguen esperando la oportunidad de ver a los Gallagher en su país. Ese contexto explica por qué un simple afiche con la frase “muy pronto en Perú” es suficiente para generar una ola de reacciones.

Oasis en el Salón de la Fama del Rock

El anuncio llega además en un momento de máxima visibilidad para la banda. Oasis fue confirmada entre los inductos al Salón de la Fama del Rock and Roll de 2026, en una ceremonia que se celebrará el 14 de noviembre en el Peacock Theatre de Los ángeles. El reconocimiento llega un año después de que la banda completara su mayor gira por Estados Unidos, que incluyó dos noches con entradas agotadas en el Rose Bowl de Pasadena.

Liam Gallagher, quien en el pasado había descartado el premio públicamente, reaccionó con entusiasmo al anuncio: “Oasis en el Salón de la Fama del Rock, quiero agradecer a todas las personas que votaron por nosotros. Es un verdadero honor. Desde que era un niño pequeño y cantaba en la ducha soñé con estar algún día en el salón de la fama. Es verdad lo que dicen: todo es posible si tienes un sueño”.

Por ahora, la incógnita sigue abierta. ¿Concierto o documental? Los fans peruanos esperan el próximo anuncio oficial con la misma mezcla de esperanza y cautela que ha caracterizado su relación con la banda durante los últimos 16 años.

Luego de que la banda de Liverpool se separara, McCartney reconstruyó su carrera desde cero y encontró refugio en su entorno familiar. La decisión de crear Wings fue clave para alejarse del pasado, apoyado por el soporte emocional y creativo de Linda McCartney.

Este proceso, explorado en el documental Man on the Run, permitió a McCartney experimentar con nuevas canciones, conectar con nuevas audiencias y consolidar una vida familiar lejos del centro de atención.

“No fue fácil. The Beatles fue una banda tan grande que te preguntas: ¿cómo sigues después de algo así?”, aseguró y recordó el músico de 83 años.

Explicó que la presión solo dejaba dos opciones: abandonar o continuar en la música, y para él no era una verdadera elección. “No quería crear un súpergrupo con amigos famosos. Volví al inicio, recordando cómo empezamos The Beatles: desde cero”, detalló.

El proceso de reinvención incluyó rechazar la idea de formar grupos monumentales y optar, en cambio, por volver a los orígenes, según describió el propio McCartney. La presión de la crítica y la incertidumbre marcaron esos primeros años tras la separación.

La búsqueda de identidad: superar la etiqueta de Beatle

El reto era escapar del estigma de “Beatle”. Destacó durante la entrevista que su principal objetivo fue encontrar una nueva identidad musical. “Si intentábamos formar un grupo nuevo, había que lograr que la gente no nos relacionara solo con los Beatles… Fue entonces cuando nacieron canciones como Band on the Run y Jet, que no suenan en absoluto a los Beatles”, describió.

Admitió que esta libertad era una ventaja y una dificultad: “No me detenía a pensar las cosas, simplemente seguía mi instinto, aunque después me preguntara por qué había tomado determinadas decisiones”. Sin embargo, insistió en que mantenerse fiel a sí mismo y dejar espacio a lo imprevisible fue esencial en su camino de renovación.

Wings: un nuevo proyecto y la validación ante el público

La formación de Wings permitió al artista británico enfrentarse a públicos y escenarios nuevos, lejos del impacto inicial de The Beatles. “Wings vive a la sombra de The Beatles... pero ahora hay muchas personas que crecieron con esas canciones”, explicó.

El músico evocó los conciertos en lugares emblemáticos y la colaboración con miembros como Denny Laine. “Él entendió lo que intentábamos construir”, recordó. La voz y el entusiasmo de Linda McCartney también fueron fundamentales: “Linda no tenía formación formal, pero su voz y el amor por el canto le daban a las armonías una autenticidad que no se podía imitar”.

Aunque la etapa de Wings no siempre fue destacada en los titulares, McCartney insistió en su impacto duradero. “Hoy ves a gente haciendo el signo de Wings en los conciertos; hay niños y mayores juntos disfrutando de aquellas canciones”, expresó.

Man on the Run: escape y reinvención constante

El documental Man on the Run funciona como metáfora de una vida en busca de nuevos horizontes. “No huía de la ley, sino de mí mismo, de mi situación”, señaló McCartney.

La grabación en lugares como Nashville, Nueva Orleans y Lagos aportó una atmósfera única a su música, aunque el principal valor radicaba en la libertad de moverse y descubrir nuevos paisajes. “El ambiente y la actitud de seguir adelante era lo más valioso”, comentó el ex Beatle.

Fiestas intensas, incidentes inesperados y encuentros fortuitos, incluido el recordado episodio en Japón, ofrecieron libertad creativa para McCartney y su grupo. “Lo importante estaba en vivir sin preocuparse por la historia o las expectativas”, apuntó.

Linda McCartney, motor íntimo y creativo

La presencia de Linda redefinió a Paul tanto en lo personal como en lo creativo. El músico la describió como una influencia liberadora: “Linda tuvo una crianza acomodada, pero no le gustaba ese destino. Su mentalidad abierta por el rock and roll me ayudó a no ser tan rígido”.

McCartney recordó que ambos habían optado por centrarse en la vida familiar y mantenerse alejados del entorno mediático, y señaló que todo giraba en torno a la familia. Linda fue siempre la primera oyente de sus temas y reconoció que “si a Linda le gustaba, probablemente funcionaba”.

Durante las giras, la familia viajaba unida: “No se trataba de arrastrar a los hijos por el mundo; era fundamental estar cerca, aunque eso implicara dormir en sitios poco convencionales”.

La vida cotidiana en la campiña escocesa, construir muebles y cultivar alimentos aportaron una sensación renovadora. “Linda me enseñó que está bien permitirse nuevas cosas; fue un motor emocional y creativo”, relató el músico.

Lennon y la reconciliación: de la rivalidad a la paz

La relación con John Lennon atravesó etapas de hostilidad tras la separación hasta alcanzar una reconciliación genuina. Paul rememoró los momentos de conflicto: “Al principio, John me lanzaba misiles a través de sus canciones”.

Sin embargo, con el tiempo, volvieron a conversar sobre temas cotidianos y familiares: “Charlábamos sobre los hijos, sobre hacer pan; fue reconfortante recuperar esa normalidad”.

“Cuando John murió, lo único que me consoló fue saber que habíamos hecho las paces. No sé cómo habría sido si hubiéramos seguido distanciados”, reconoció McCartney en la entrevista de Morgan Neville.

Con los años, la cotidianidad, la familia y la reconciliación cerraron heridas antes insuperables. Para McCartney, ofrecer a sus hijos recuerdos felices fue su mayor satisfacción.

A través de desafíos, reinvención y compañía, mostró que transformar la adversidad y disfrutar el proceso puede convertirse en su mayor acto de libertad y creación compartida.

La señal de EWTN, red global de Televisión Católica, pondrá en pantalla este 1 de mayo el documental ‘El Perú del Papa León XIV’, una producción de una hora que reconstruye la etapa misionera del hoy pontífice en tierras peruanas, clave para comprender su trayectoria dentro de la Iglesia.

Montse Alvarado, presidenta EWTN News, subrayó que el estreno coincide con la cercanía del primer aniversario de su elección en la Basílica de San Pedro aquel 8 de mayo tras el cónclave. Según indicó, este especial permite comprender mejor las experiencias que hoy influyen en su liderazgo desde Roma.

La entrega de este especial que ha sido desarrollado por EWTN News, propone un recorrido por el norte del Perú guiado por el periodista Jonathan Liedl, quien recoge testimonios y escenas en los lugares donde el entonces sacerdote dejó huella. El itinerario incluye Chulucanas —su primer destino misionero—, Trujillo, donde fortaleció su perfil pastoral, y la Diócesis de Chiclayo, jurisdicción en la que más adelante asumió como obispo.

A lo largo del documental, las historias recogidas en campo permiten dimensionar el impacto de su trabajo en parroquias y sectores vulnerables. Las entrevistas coinciden en resaltar su cercanía con la gente. “La palabra que más se repetía entre quienes lo conocieron era ‘amigo’”, comenta Liedl, aludiendo a su disposición para escuchar y acompañar tanto a voluntarios de comedores populares como a líderes eclesiales, acólitos y otros obispos.

La producción no solo repasa su labor pastoral, sino que también sitúa el papel de la Iglesia peruana en la formación de quien hoy encabeza la Iglesia universal. Este enfoque aporta claves para entender las líneas que marcan el pontificado del Papa León XIV, especialmente su atención a los más necesitados y su interés por sanar comunidades fragmentadas.

¿Dónde y a qué hora verlo?

Podrás ver 'El Perú del Papa León XIV’ en la señal de EWTN este 1 de mayo a las 8:00 p. m. (hora del Este), lo que equivale a:

• 7:00 p. m. en Perú

Además, el documental también estará disponible en formato digital:

• En la web oficial de EWTN News
• En su canal oficial de YouTube.

El Papa León XIV y su inesperada elección entre Perú y USA

En la antesala del Mundial que se disputará en Norteamérica, el Papa León XIV volvió a evidenciar su estrecho vínculo con el Perú, esta vez en el terreno futbolístico. Durante una conversación distendida, fue consultado sobre a qué selección apoyaría en un eventual enfrentamiento entre Estados Unidos —país donde nació— y Perú, nación con la que mantiene una conexión profunda tras años de labor misionera.

La respuesta fue directa y no dejó espacio a dudas: “Probablemente a Perú”, señaló, dejando entrever que su identidad también está marcada por su paso por el país sudamericano. El pontífice, nacido como Robert Francis Prevost en Chicago, desarrolló gran parte de su vocación religiosa en ciudades como Chiclayo y Trujillo, donde su cercanía con las comunidades dejó una huella duradera.

El episodio, que rápidamente se viralizó en redes sociales, se conoció poco después de la visita de una delegación del club Alianza Lima al Vaticano. La institución recordó que el Papa cuenta con nacionalidad peruana desde 2015, cuando era obispo en Chiclayo, y reveló su afinidad por el equipo blanquiazul. “Es un orgullo que el Papa sea no solo peruano, sino también blanquiazul”, expresó César Cueto, quien le entregó una camiseta del club como gesto simbólico en nombre de la institución.

La producción, actualmente en rodaje bajo el sello de Landia, destaca por la alianza de dirección entre Picky Talarico y Andy Fogwil. Talarico retoma el formato tras haber dirigido Rompan Todo: La historia del rock en América Latina para la misma plataforma, aportando su experiencia de colaboración personal y profesional con Cerati, la cual comparte con Fogwil, responsable de la dirección creativa. El proyecto se distancia de la estructura biográfica convencional al proponer una reconstrucción centrada en “gestos mínimos y zonas silenciosas”, según informó el equipo en el comunicado difundido por Netflix.

Entre los elementos distintivos frente a otras obras documentales, la nueva película incorpora el testimonio y la producción asociada de Laura Cerati, hermana del músico, fortaleciendo la legitimidad del relato desde una perspectiva familiar. “Este documental significa poder resumir la vida única de un ser que llegó a contagiar su pasión a muchos a través de su poesía y su música”, expresó Laura. Además, destacó la versatilidad de Cerati al definirlo como “un hombre con los pies sobre la tierra y, al mismo tiempo, con mucho vuelo propio y creatividad”. Esta perspectiva, que enfatiza la construcción de puentes generacionales y geográficos mediante la música, organiza el relato fuera de la cronología biográfica habitual y se centra en los niveles de impacto artístico y personal del ex Soda Stereo.

La dirección creativa de Andy Fogwil y el liderazgo de Talarico consolidan un equipo con experiencia directa en la realización de videoclips esenciales para la carrera de Cerati. El comunicado oficial recalca que esta cercanía profesional garantiza un enfoque “auténtico y respetuoso” en la confección de la narrativa, reaprovechando archivos generados durante años de trabajo conjunto y habilitando el acceso a escenas jamás vistas por el público.

La colaboración de Landia y la estrategia de contenido original de Netflix en Argentina

La colaboración entre Landia y Netflix refuerza la tendencia de los servicios globales de suscripción a diferenciar su catálogo mediante títulos conectados con la cultura local y respaldados por equipos creativos argentinos. La producción ejecutiva está a cargo de Pablo Flores y Adrián D’Amario, mientras que la dirección de arte recae en Roy Garcia.

Esta producción busca afianzar a Netflix en la competencia por el contenido biográfico de alto valor emocional y relevancia generacional, alineada con el reciente auge del consumo de documentales musicales en Latinoamérica. Según el equipo, “a 12 años del fallecimiento de Cerati, su figura sigue creciendo y es ahora objeto de reinterpretación entre nuevas generaciones”.

Quién fue Gustavo Cerati y cómo fue su final

La figura de Gustavo Cerati marcó un antes y un después en la música latinoamericana. Reconocido mundialmente como líder de Soda Stereo, su trayectoria abarcó tanto éxitos con la banda como una consolidada carrera solista. Nacido en Buenos Aires en 1959, Cerati se convirtió en uno de los referentes del rock en español, logrando proyección internacional y múltiples premios por su aporte artístico.

Cerati se mantuvo activo en la escena musical hasta 2010, año en que sufrió un accidente cerebrovascular tras un concierto en Caracas, Venezuela. El episodio ocurrió el 15 de mayo, cuando el músico finalizaba una presentación como parte de su gira latinoamericana. Desde entonces, permaneció en estado de coma, sin recuperar la conciencia, internado primero en Venezuela y luego trasladado a una clínica de Buenos Aires.

La muerte de Gustavo Cerati se confirmó el 4 de septiembre de 2014, tras más de cuatro años de internación. El parte médico firmado por la clínica ALCLA mencionó como causa un paro respiratorio. Durante ese tiempo, familiares, colegas y fanáticos mantuvieron constantes muestras de apoyo y homenajes en distintos países de América Latina.

El legado de sus composiciones y su influencia se observa en diferentes estilos y bandas emergentes. La noticia de su fallecimiento generó repercusiones a nivel internacional y motivó tributos en escenarios y festivales.

El recorrido de Gustavo Cerati desde el éxito hasta su trágico final permanece como una de las historias más significativas de la música argentina y latinoamericana.

El documental, cuya fecha de estreno fue confirmada para 2027, será el primer título de la plataforma sobre Cerati que incluye la perspectiva de los integrantes originales de Soda Stereo y de su familia directa, ampliando el alcance hacia nuevas audiencias dentro y fuera de Argentina.

La reciente edición del torneo benéfico de pickleball “Light Up the Court”, impulsada por Katy Perry y su hermana Angela Lerche, reunió a personalidades del espectáculo y del deporte para respaldar a la Firework Foundation.

La jornada, celebrada hace pocos días, tuvo como punto culminante el triunfo de Perry, quien compartió equipo con el profesional Connor Garnett en el partido principal.

Perry y Garnett se enfrentaron a la dupla formada por Lerche y Wes Borrows, deportista radicado en Los Ángeles. El marcador final, 11-8, selló la victoria del equipo liderado por la cantante. Al concluir el encuentro, los cuatro protagonistas posaron juntos, reflejando el ambiente de camaradería que marcó el evento, según informó People.

Este torneo solidario tiene como objetivo principal recaudar fondos para la Firework Foundation, una organización fundada por Perry y Lerche que promueve oportunidades para niños y adolescentes de comunidades vulnerables. El dinero conseguido durante la cita se destina a programas de mentoría y arte, según detalló el medio estadounidense.

Entre las iniciativas impulsadas por la fundación destaca Camp Firework, una propuesta que combina talleres artísticos con experiencias al aire libre para menores. La organización también ha extendido su alcance a estudiantes de secundaria, brindando mentorías en áreas como cine, moda, música y gastronomía.

Estas actividades buscan potenciar las habilidades creativas de los jóvenes y construir redes de apoyo que amplíen sus posibilidades de desarrollo.

La edición más reciente del torneo se celebró en un lugar que no fue especificado por el medio. El evento se caracterizó por la sana rivalidad entre las hermanas Perry y Lerche, quienes, a pesar de la competencia, resaltaron la importancia del trabajo conjunto en beneficio de los menores. Tras la partida, la atmósfera de deportividad fue evidente en la foto grupal de los participantes.

El propósito de Firework Foundation y su impacto

El dinero recaudado en el torneo se dirige a sostener los programas de la Firework Foundation, con el propósito de empoderar a menores de entornos vulnerables a través del arte y la mentoría. Según datos proporcionados por PEOPLE, las actividades de la fundación incluyen talleres creativos y encuentros con profesionales de diversas disciplinas artísticas.

La fundación, encabezada por Perry y Lerche, ha logrado ampliar su red de apoyo ofreciendo mentorías especializadas para estudiantes de secundaria. Estas mentorías brindan a los jóvenes la oportunidad de explorar el cine, la moda, la música y la gastronomía, ampliando sus horizontes y facilitando conexiones con referentes de cada sector.

De acuerdo con la información compartida por el medio, estas acciones tienen como objetivo fortalecer las habilidades y la confianza de los adolescentes, preparándolos para enfrentar desafíos futuros y superar barreras sociales.

Katy Perry anuncia documental musical

En simultáneo con la celebración del torneo benéfico, Katy Perry dio a conocer el próximo estreno de su documental musical, titulado Katy Perry: The Lifetimes Tour – Live in Paris. La primera proyección de la cinta tendrá lugar en el Tribeca Festival, donde la artista participará en una conversación pública sobre el filme, dirigido por Paul Dugdale y producido por Daniel E. Catullo III, Simon Fisher, Andrew Ward y Baz Halpin.

La organización del festival, según recogió Peopley citó Billboard, describió el documental como una experiencia que acerca al espectador al universo de Perry a través de presentaciones energéticas, imágenes potentes y momentos íntimos de su vida en los escenarios.

La gira mundial y sus cifras

El anuncio del documental coincide con el cierre de la última gira internacional de Perry, que la llevó a escenarios de Asia, Australia, Europa, Norteamérica y Sudamérica durante 7 meses y concluyó en Abu Dabi en diciembre. Según cifras recopiladas por People, la gira congregó a más de 1 millón de asistentes y generó una recaudación que superó los USD 134 millones.

Este balance confirma el alcance global de la cantante y la magnitud de su impacto tanto en la industria musical como en el ámbito solidario, reforzando la proyección internacional de la fundación que lidera junto a su hermana.

Palabras de cierre y agradecimiento

Al finalizar el evento de pickleball, Angela Lerche expresó su agradecimiento a los participantes y colaboradores, haciendo hincapié en la importancia de la unidad para impulsar el crecimiento de las nuevas generaciones.

La edición más reciente del torneo se consolidó así como una plataforma de encuentro entre el deporte, el espectáculo y la solidaridad, con el objetivo de generar oportunidades concretas para niños y adolescentes que enfrentan dificultades sociales y económicas.

En concreto, el torneo “Light Up the Court” se ha convertido en un referente de colaboración entre figuras públicas y organizaciones benéficas, sumando esfuerzos para transformar realidades a través del arte y la mentoría.

La Secretaría de Cultura, a través de la Cineteca Nacional, inauguró un ciclo dedicado al reconocido cineasta italiano Gianfranco Rosi, figura central del cine documental contemporáneo.

La muestra, organizada en colaboración con el Instituto Italiano de Cultura y los estudios Cinecittà, busca acercar al público mexicano a una obra que redefine los límites entre el documental y el relato cinematográfico.

Una retrospectiva que impulsa el diálogo cultural

La titular de la Secretaría de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, destacó que este tipo de iniciativas fortalecen el acceso al cine de autor, fomentan el diálogo cultural y contribuyen a la formación de nuevas audiencias. Subrayó que abrir espacios a grandes voces del cine contemporáneo es fundamental para garantizar el derecho a mirar, reflexionar y conocer otras formas de narrar la vida.

Las retrospectivas cinematográficas permiten analizar el lenguaje audiovisual y conocer a fondo la obra de cineastas como Rosi, cuya propuesta se caracteriza por la inmersión prolongada, la ausencia de narración explicativa y una construcción basada en la observación del tiempo y la realidad.

Inauguración con el cineasta y la comunidad cinéfila

El ciclo fue inaugurado el 23 de abril de 2026 con la participación de la directora general de la Cineteca Nacional, Marina Stavenhagen; el director del Instituto Italiano de Cultura, Gianni Vinciguerra; y el propio Rosi.

Durante el evento se proyectó la película “Pompei sotto le nuvole / Pompeya bajo las nubes”, la más reciente obra del director. Stavenhagen resaltó la importancia de mantener colaboraciones internacionales que permitan difundir el cine italiano y sus autores, mientras que Vinciguerra celebró la oportunidad de acercar al público mexicano a un cine exigente y reflexivo.

La mirada de Gianfranco Rosi

En su intervención, Rosi agradeció la realización del ciclo y reflexionó sobre la importancia de las salas de cine como espacios fundamentales para la experiencia cinematográfica. Señaló que sus películas buscan acompañar la realidad, más que explicarla, invitando al espectador a observar, escuchar y habitar las historias.

El cineasta también destacó la evolución de su trayectoria, recordando sus primeras retrospectivas y la relevancia de presentar su obra en espacios emblemáticos como la Cineteca Nacional.

Películas que conforman la retrospectiva

El ciclo incluye una selección representativa de su filmografía, entre ellas:

• Boatman (Italia, 1993), su primer largometraje
• Bajo el nivel del mar / Below Sea Level (2008), premiada en el Festival de Venecia
• El Sicario, Room 164 (2010)
• Sacro GRA (2013), una de sus obras más reconocidas

Estas películas permiten recorrer la evolución creativa del director, desde sus inicios hasta sus trabajos más recientes, consolidando su lugar en el cine internacional.

Fechas, sede y actividades especiales

La retrospectiva estará disponible hasta el 3 de mayo de 2026 en la sala 10 de la Cineteca Nacional, ubicada en la colonia Xoco, alcaldía Benito Juárez, en la Ciudad de México. La programación completa puede consultarse en el sitio oficial de la institución.

Como parte de las actividades, el 25 de abril Rosi impartió una Masterclass dirigida a estudiantes de cine, promoviendo el intercambio directo con nuevas generaciones de realizadores.

Con este ciclo, la Cineteca Nacional reafirma su papel como espacio clave para la difusión del cine documental, ofreciendo al público una oportunidad única para explorar la obra de uno de los cineastas más influyentes de la actualidad.

Durante un panel realizado el 22 de abril, Charlie Sheen explicó las razones por las que su padre, Martin Sheen, y de su hermano, Emilio Estevez no participaron en su documental biográfico aka Charlie Sheen.

El actor relató que su padre sí tuvo acceso a un corte previo del documental y le compartió su reacción tras verlo.

“Lo vio y le encantó, estaba riendo, estaba llorando, estaba completamente involucrado, y luego se me acercó y me dijo: ‘Yo ya estoy en esto. Prefiero aparecer joven y bien en esta película que como soy ahora; no necesitas a este hombre mayor en tu proyecto’”, recordó.

Asimismo, el artista añadió que no coincidía del todo con esa postura, aunque respetó la decisión.

El director del documental, Andrew Renzi, también participó en la conversación y ofreció su perspectiva sobre la ausencia de Emilio Estevez. Según explicó, la decisión respondió a la intención de permitir que el proyecto se centrara en la experiencia personal del actor.

“Él quería que Charlie tuviera este espacio. Consideró que era su momento y que la historia debía enfocarse en él”, señaló.

En la misma línea, Charlie Sheen indicó que su hermano consideraba que los acontecimientos abordados en el documental correspondían a su propia vivencia. “Sentía que eran mis historias las que debían contarse”, afirmó.

Renzi añadió que, desde su punto de vista, la familia pudo haber optado por no participar para evitar abordar públicamente episodios que ya han sido ampliamente difundidos.

“Si me pongo en su lugar, sin que ellos me lo hayan dicho directamente, es una historia que han vivido durante mucho tiempo y probablemente había muchos temas que no querían tener que volver a tratar frente a una cámara”, explicó.

El director también mencionó una reflexión de Martin Sheen relacionada con su rol como padre durante la realización del documental. Según relató, el actor expresó reservas sobre involucrarse directamente en el proyecto en caso de que la narrativa tomara un rumbo desfavorable.

“Hubo algo que dijo que siempre voy a respetar. Señaló que, si el proyecto no resultaba bien o si se presentaba de una manera perjudicial, él necesitaba poder mantenerse al lado de su hijo como siempre lo ha hecho. Y que, si participaba en el documental, no podría hacerlo de la misma forma, porque sería parte de lo que se mostrara”, indicó.

El documental aka Charlie Sheen presenta un recorrido por la vida del actor a través de testimonios de personas cercanas, entre ellas Denise Richards, Heidi Fleiss, Jon Cryer, Sean Penn, Chris Tucker y Brooke Mueller, entre otros.

Además, incluye la participación del propio Sheen, quien aborda distintos aspectos de su trayectoria personal y profesional.

En la producción, el actor se refiere tanto a su infancia en Malibú y su ascenso a la fama durante las décadas de 1980 y 1990, como sus problemas relacionados con el consumo de sustancias. Actualmente está disponible en Netflix.

Bajo la dirección de Alejandro Hartmann, la producción vuelve sobre los hechos que conmocionaron a la Argentina en los años 70, cuando Murano, acorralada por deudas y estafas, envenenó a sus amigas con cianuro. La investigación judicial cobró fuerza tras la autopsia de Carmen Zulema Del Giorgio de Venturino, la última víctima, que reveló la presencia del potente veneno. Este hallazgo llevó a la Justicia a exhumar los cuerpos de Nilda Gamba y Lelia Formisano de Ayala, fallecidas en circunstancias similares, y a descubrir un patrón: las tres mujeres habían compartido un té con Murano antes de morir.

El documental dedica especial atención a la investigación forense y a la polémica sobre el método utilizado. Aunque la tradición popular instaló la idea de que el cianuro se encontraba en las masitas, los especialistas consultados en la serie sostienen que lo más probable es que el veneno estuviera en los saquitos de té, donde su sabor podía pasar más desapercibido, desmontando así años de creencias erróneas.

Sin embargo, Yiya Murano: Muerte a la hora del té no se limita al relato criminal. Profundiza en la dimensión mediática y social del caso: tras recuperar la libertad en los años 90, Murano supo reinventarse, convirtiéndose en un personaje televisivo carismático y desfachatado. Su presencia en sets y programas de TV muchas veces opacó el dolor de las víctimas y desvió el foco del verdadero impacto de sus crímenes, transformando la tragedia en espectáculo.

Yiya Murano: Muerte a la hora del té traza una línea desde el crimen económico y la manipulación emocional de los 70 hasta el estrellato mediático que alcanzó la protagonista tras cumplir condena. La película integra entrevistas a protagonistas clave, reconstrucciones visuales y archivos que evidencian cómo el caso trascendió la crónica policial para convertirse en pieza de cultura pop argentina”, indicó la producción. El enfoque supera anteriores adaptaciones del caso al centrar el relato en testimonios directos y detalles inéditos, diferenciándose de los tratamientos previos.

El documental cuenta con la participación de Martín Murano, Horacio Romeo, José Massoni, Jorge Arona, Virginia Messi, Jorge Ávalos, Mariana Olivera Venturini, Eloy Ayala, Martín Olivera Venturini, Osvaldo Bazán, Rodolfo Palacios, Candelaria Botto, Fernando Cardini y Chiche Gelblung. El uso de relatos de familiares, periodistas y abogados aporta a Netflix un diferencial en la reconstrucción histórica y amplía el universo de fuentes respecto a otras producciones de la compañía en la región.

El hijo de la envenenadora de Monserrat habló días atrás con Infobae y aseguró que tiene pruebas de que al menos otras dos mujeres-que no tenían relación con las tres por las cuales condenaron a Yiya- y un hombre fueron envenenados y asesinados por su madre.

“Estas mujeres estaban relacionadas indirectamente con otro asesino, Burgos, el descuartizador de Barracas (NdeR: un hombre que mató y descuartizó a su mujer en 1955, y cuya historia, según contó, Yiya le contaba cada vez que lo acompañaba a dormir). Ellas vivían en el mismo edificio que él y eran inversionistas de mi madre”, explicó Martín a este medio.

Karime Pindter abre su intimidad en el documental “La verdadera Matryoshka”, una producción que muestra el proceso personal y profesional que vivió durante el año más decisivo de su carrera.

El estreno llega este miércoles 22 de abril en más de sesenta y cinco salas de Cinemex, acercando al público una mirada sin filtros a la vida de la conductora y actriz.

En entrevista con Infobae México, Pindter relata cómo su pasión por el entretenimiento y la disciplina la llevaron a documentar una etapa en la que, según sus palabras, “sin tener nada puedes llegar a cumplir un gran sueño”.

Durante el último año, Pindter consolidó su presencia como conductora en “La Más Draga 7”, uno de los realities con mayor influencia en la cultura pop y la comunidad LGBTQ+ en México.

La artista relata que decidió grabar su experiencia al enfrentar el reto de presentarse en un número musical durante la final del programa, un momento que describe como “mi oportunidad de vivir mi sueño pop star, aunque no sabía bailar nada”.

El reto de convertirse en su propio proyecto

El documental retrata la transformación de Pindter al asumir la producción total de su número musical. “Yo soy mi proyecto, soy mi producto, mi casa y mi empresa. Si no me invierto yo, ¿quién lo va a hacer?”, señala en conversación con Infobae México. A lo largo de la preparación, la conductora enfrentó críticas y dificultades, pero recurrió a la ayuda de colegas como Andrea Rodríguez y Álvaro Gordoa para mejorar su desempeño como presentadora.

Pindter narra que el proceso incluyó inversión en vestuario, producción y capacitación. El resultado fue un producto “lleno de vulnerabilidad, de esfuerzo y de trabajo”, que trasciende el tono cómico que imaginó en un inicio. “Pensé que iba a ser solo para redes sociales, pero Cinemex me apoyó y ahora lo vemos en pantalla grande”, afirma.

Familia, comunidad y raíces: pilares en su historia

La relación con su familia ocupa un lugar central en el documental. Pindter destaca la presencia constante de su madre en su vida pública y privada. “Mi mamá salió en Acapulco Shore, en La casa de los famosos, en mi pódcast, ha ido a Hoy cocinando conmigo. Ahora está emocionadísima por verse en la pantalla grande”, relata la conductora.

La premiere de “La verdadera Matryoshka” se realizó este lunes 20 de abril. La madre de Karime invitó a sus amigas del yoga y a su círculo cercano para celebrar el lanzamiento, un gesto que la conductora recibe con entusiasmo. “Me llena de emoción que puedan vivir esa experiencia”, menciona durante la charla.

Reconocer la vulnerabilidad y agradecer a la comunidad

En el filme, Pindter muestra distintas capas de su personalidad —como las muñecas matrioshka que dan nombre al documental— y se presenta como una figura auténtica y cercana. La conductora resalta el aprendizaje de enfrentar críticas y convertir la adversidad en humor y autoconocimiento. “Siempre tomo las cosas con humor”, comparte, y se refiere con ironía a los comentarios sobre su velocidad al hablar y otras críticas recibidas en redes sociales.

Durante el año que documenta la cinta, Pindter fue reconocida como Personalidad LGBTIQ+ del Año en los Impulse Awards y consolidó su relación con la comunidad LGBTQ+. “Mi pasión en esta vida es entretenerlos, y si se puede llevarles algún aprendizaje, mejor. Gracias por su apoyo y espero que disfruten mucho este documental”, expresa al cierre de la entrevista con Infobae México.

Estreno y mensaje al público

“La verdadera Matryoshka: un documental de Karime Pindter” se estrena en salas mexicanas el jueves 23 de abril. La producción abre una ventana a la vida de la conductora, quien invita a sus seguidores a acompañarla en este recorrido. “Literal, mi pasión es entretenerlos y espero que no solo se rían o se entretengan, sino que les deje un mensaje muy bonito.”

El director Martín Serra presenta “El Punto”, un documental que aborda la vida y el legado espiritual de Ismael Quiles, sacerdote jesuita y filósofo español radicado en Argentina, considerado una de las figuras centrales del pensamiento filosófico y el diálogo intercultural en el país durante el siglo XX. Se llevará a cabo el próximo lunes 27 de abril, en la sede de la Universidad del Salvador (USAL), ubicada en la calle Tucumán 1845, en la Ciudad de Buenos Aires.

A partir de preguntas como “¿Quién soy yo?”, “¿Cuál es mi destino?” y “¿Quién es Dios en mí?”, el documental sigue la trayectoria del padre Quiles y profundiza en su noción filosófica central: el in-sistencialismo. El filme recurre a material de archivo y testimonios para explorar la búsqueda de Quiles por identificar el núcleo interior que define la esencia humana y su vínculo con la trascendencia.

La obra destaca el rol pionero de Quiles en el diálogo entre Oriente y Occidente, así como su labor fundacional en la Escuela de Estudios Orientales de la USAL.

Según se informó en la gacetilla de prensa, el documental invita al espectador a una experiencia de introspección sobre la identidad y el sentido del verdadero diálogo, entendido como una vivencia de amor. El estreno coincide con el 70° aniversario de la Universidad del Salvador y busca acercar la figura de Quiles a nuevas generaciones.

“El Punto” cuenta con dirección de Martín Serra, guion de Rodolfo Martínez Mendoza, Martín Serra y Esteban Rial, quien también realizó la investigación. La producción estuvo a cargo de Cruz del Sur Cine SRL, con dirección de fotografía de Nahuel Raiman y música de Rodolfo Martínez Mendoza.

La película propone recuperar la vigencia del pensamiento de Ismael Quiles en un contexto contemporáneo caracterizado por la sobreestimulación y la dificultad para alcanzar el silencio interior.

“El documental busca captar la vigencia de su pensamiento en una era sobreestimulada que suele evadir el silencio interior, invitando al espectador a una introspección necesaria sobre la identidad y el reconocimiento de que el verdadero diálogo es una experiencia de amor”, señalaron desde la USAL.

“Este acontecimiento cobra un valor especial al darse en el marco de los 70 años de la Universidad del Salvador y será una oportunidad, entre otras cosas, para que lo conozcan las generaciones más jóvenes”, concluyeron.

Martin Scorsese estrenó en la Ciudad del Vaticano el documental Aldeas, The Final Dream of Pope Francis (Aldeas, el sueño final del Papa Francisco) en coincidencia con el primer aniversario de la muerte de Francisco. La obra, codirigida junto a Johnny Shipley y Clare Tavernor, incluye la última entrevista audiovisual en profundidad concedida por el pontífice y se convierte en el primer largometraje en proyectarse como parte de los actos organizados en homenaje póstumo al papa argentino

El lanzamiento no es solo un evento cinematográfico sino un caso de estudio en la convergencia entre cine, política cultural y legado institucional. La proyección fue impulsada por Scholas Occurrentes, la organización global fundada por Francisco en 2001 que, tras su llegada al papado en 2013, pasó a ser fundación internacional. En este contexto, la plataforma ha utilizado el documental para reforzar su movimiento “community cinema” (cine comunitario), que el propio Francisco definió en términos de “ir a las raíces de lo que significa la vida humana, los vínculos, los conflictos y el viaje esencial de cada existencia”.

La película se anunció poco después de la muerte de Francisco, hace un año, bajo el título inicial Aldeas – A New Story. Scorsese presentó el proyecto con la decisión explícita de documentar el testamento visual e ideológico del papa, situando su labor como parte de una línea de interés religioso que ha marcado las más recientes producciones del cineasta, entre ellas la adaptación Silencio (2016) y la serie documental Los Santos (2024).

La última entrevista de Francisco

Aldeas, The Final Dream of Pope Francis surge en un escenario de tensiones institucionales y diplomáticas. En relación con el sentido del documental, Scorsese señaló que para Francisco, resultaba clave que “personas de todo el planeta intercambiaran ideas con respeto y sin perder su identidad cultural”, y afirmó: “El cine es el mejor medio para lograrlo”. El director sostuvo que la vocación de la obra es propiciar espacios de escucha y entendimiento mutuo, a través de relatos que surgen de experiencias personales y colectivas.

La colaboración entre Scorsese y Francisco se desarrolló a lo largo de múltiples encuentros cuya impronta se manifestó en las sucesivas aproximaciones temáticas del cineasta al universo espiritual y religioso. La última conversación registrada en el documental constituye, según el propio Scorsese, una pieza central para comprender la visión antropológica del pontífice respecto al “valor del conocimiento, la importancia de la autoevaluación y la práctica de un perdón universal y constante”.

El director de La última tentación de Cristo -una polémica película que en los años 80 le valió la condena de varios representantes de la Iglesia Católica en diversos países- describió a Francisco como “un ser humano excepcional en todos los sentidos”, recordando: “Reconocía sus limitaciones, irradiaba sabiduría, bondad y tuvo siempre un compromiso inquebrantable con el bien”. Scorsese remarcó que el pontífice “nunca dejó de aprender ni de iluminar a otros”, y sintetizó el impacto de su muerte en términos personales e históricos: “La pérdida para mí es profunda – tuve la suerte de conocerlo y extrañaré su presencia y calidez. La pérdida para el mundo es inmensa. Pero dejó una luz, y esa luz nunca podrá ser apagada”.

[Fotos: Reuters; Vatican Media; Vatican News]

Yiya Murano: Muerte a la hora del té fue dirigida por Alejandro Hartmann -que antes hizo, entre otras, Carmel. ¿Quién mató a Maria Marta? y Nahir, el secreto de un crimen. La producen Haddock Films y Vanessa Ragone, quienes se vieron ante el desafío de encontrar algo nuevo, de contar de otra manera una historia que ya tiene una serie y tuvo hasta un musical. La decisión cinematográfica fue complementar testimonios fuertes de personajes protagónicos -Horacio Romeo, el policía que llevó adelante la investigación y Martín Murano, el hijo de la envenenadora- con el relato de dos periodistas que van explicando el caso -Virginia Messi y Rodolfo Palacios- y algunos tramos teatralizados, que permiten sentir el clima de la época. Además de muchos segmentos tomados de la televisión: Yiya con Chiche Gelblung, Yiya con Moria Casán. Y, después de que Carlos Menem la indultara, un inolvidable almuerzo con Mirtha Legrand, al que entra rodeada de aplausos y a quien Yiya, en un desafío, convida con masitas.

Entre todos, destaca Martín, el hijo. “Yo hice todo lo que hice para no ser el hijo de Yiya Murano”, dice el hombre, que cuando chico acompañaba a su madre a tomar el té con sus amantes y tuvo que ver cómo la Policía entraba a la casa a buscarla. Murano es autor de Mi madre, Yiya Murano, un libro que permitió conocer al personaje. “Yo quise terminar con la historia de Yiya. ¿Y sabés lo que hice? La inmortalicé“, cuenta con amargura.

En las espléndidas oficinas de Netflix, Ragone y Hartmann dialogan con Infobae.

-¿Cómo llegan a hacer una película sobre este personaje, que está bastante transitado? ¿Por qué el deseo?

Vanessa Ragone: -Por un lado, nos dimos cuenta de que hay una generación o varias que no saben quién es Yiya Murano, o que la conocen por el sticker del Día del Amigo. Pero yo empecé pensando en los Telares de la Abundancia, esa estafa piramidal. Pensaba en las mujeres metiendo a mujeres en estafas. Y pensando en todo eso, dije: “Pero acá ya había algo piramidal en algún personaje femenino argentino... Y era Yiya”. Se lo conté a Alejandro y ahí empezamos a, a trabajar sobre el personaje, a investigar en profundidad cómo había sido todo su proceder, sus crímenes. El origen fueron las estafas piramidales.

-Claro, normalmente se piensa en los asesinatos y no en por qué los cometió.

AH: Justamente, quisimos contar un poquito esta otra cuestión un-poquito más profunda o más social. Y así vimos que tenía mucho que ver con el hoy. Que el origen, el porqué Yiya había matado, tenía que ver con una cuestión económica y de negocios malos. Desde los Telares hasta los criptobros y la generación Zoe... las estafas que se te ocurran.

-¿Tuvieron que abrir nuevos puntos de investigación?

AH: -Sí, no teníamos un personaje a quien entrevistar que no fuese Martín. Entonces buscamos a alguien que hubiera estado en el caso, en la primera etapa. Yiya hizo lo que hizo en los fines de los setentas y los ochentas, pero en los 90 aparece en la tele y la gente la conoce. En el medio estuvo en la cárcel. Bueno, de toda esa primera etapa no había prácticamente nada.

-¿Y cómo apareció?

AH: -Virginia Messi había hecho una investigación superinteresante para Clarín. ¡Y había dado con el expediente! A partir de distintas puntas empezamos a encontrar a los parientes de las víctimas, por un lado, y por otro al investigador, que nunca había hablado, nunca había sido entrevistado.

-¿Había cosas nuevas en el expediente?

AH: -El expediente era una cosa increíble. Hoy está en el Museo de la Corte Suprema de Justicia, lo tienen separado. Es una joya. En parte lo habia redactado el policía, Romeo. Pero nos enteramos de que en las actuaciones judiciales, por ejemplo, uno de los redactores era un tipo que escribía en Tía Vicenta, un periodista. Leés el expediente y te das cuenta de que hay una pluma ahí atrás y que lo que hacían era tratar de captar al personaje. Hay un estudio psicológico que lleva adelante un médico. Todo va construyendo la historia de una manera fantástica.

-¿El comisario Romeo quiso participar? ¿O tenía pruritos?

AH: -Hubo que convencerlo. Pero también le parecía que ya era tiempo y que él tenía un secreto, que es que nadie sabe realmente cómo mataba “la Yiya”, así lo dice él. Y que era su momento de contarlo.

-Y él lo descubrió.

AH: -Él lo descubrió y sentía que el mito popular y toda la cuestión de las masitas habían tapado. La verdad es lo que está en el expediente.

VR: -Además, el expediente y cómo estaban descritos los crímenes y a la propia Yiya, nos dio una una gran cantidad de elementos para las ficcionalizaciones. Eran muy descriptivos.

-Me preguntaba cuánto de la mirada de la época sobre las mujeres se ve en ese expediente.

VR: -Cantidad.

AH: -Las descripciones psicológicas de Yiya son impactantes. Toda la cuestión de sus amantes también. Las palabras que se usan, lo dicho y lo no dicho... Ella reporta encuentros con hombres. Hay eufemismos de todo tipo. También hay resquicios de la época.

-Es atractivo el personaje del hijo. A quien Yiya le hizo mal y que no se siente querido. Primero dice que nunca va a poder dejar de ser su hijo. Y al final dice: “Aquí murió el hijo de Yiya Murano y nace Martín Murano”.

AH: -Después, después del proceso de dos días de entrevistas, él que lo había logrado. Le agradecemos mucho su participación: es otra víctima de Yiya.

VR: Quizás la primera. Fue usado para ir a encontrarse con los amantes de la madre sin entender lo que estaba pasando, tuvo que encontrarse con su tía muerta..

-Y un día ver entrar a la Policía a su casa.

AH: -El libro de él es muy desgarrador. Muy impresionante.

-¿Por qué hicieron partes ficcionalizadas?

AH: -Cuando leía la historia y también cuando leía el libro de Martín, que fue parte de las fuentes, me parecía una historia muy porteña también. De un Buenos Aires que un poquito se fue, todavía un poco tanguero. Cuando nos pusimos a trabajar en concreto, nos dimos cuenta de que había poco material de Yiya de archivo. Estaba el expediente, pero Martín dice haber tirado a la basura o quemado todos los álbumes de fotos de Yiya. Entonces, de alguna manera había que construir a esta Yiya joven o relativamente joven, con sus amantes, con su hijo... y no alcanzaba con el relato.

-Y hay algo de época.

AH: -Algo de época y de mis propios recuerdos de los 70, que yo los recuerdo muy en blanco y negro y medio invernales. En general, las recreaciones de los true crimes suelen ser muy tímidas. Acá dimos un pasito más.

-Hacia el final, aparece algo más sociológico: por que nos fascina una asesina. Qué están aplaudiendo los que la aplauden en lo de Mirtha, que hasta ella se disculpa de haber entrado en el chiste de las masitas.

VR: -Fue muy deliberado poner ese corte de Mirtha para que ella nos traiga desde una voz de la televisión esta reflexión que estamos haciendo nosotros también. Que es: “che, qué cosa llevar a un almuerzo a una asesina serial presentada como tal, la que mató a sus amigas...” Habla de nosotros

AH: -Como argentinos y como realizadores de true crime. Tenemos que pensar por qué nos obsesionan estas cosas.

-¿Y qué pensaron? También hay algo de la lógica del espectáculo. Messi dice: “es fascinante”.

AH: -Pienso muchas cosas. Los argentinos nos jactamos de que somos los mejores amigos del mundo; vos vas a, no sé, Estados Unidos y decís: “No tienen amigos”. Y hay algo de Yiya que opera sobre ese lugar, que es una especie de tabú... Evidentemente hay alguna clase de fantasía de matar a los amigos o algo por el estilo. Valoramos los códigos. Y Yiya rompe los códigos, porque también sus negocios estaban basados en la confianza. Si no hubiesen sido sus amigas, nadie le daba diez mil dólares a Yiya.

VR: -Y hay algo luminoso en ese personaje, tiene una luz todo el tiempo. Hemos batallado contra eso, porque de ninguna manera queríamos dejarnos seducir.

AH: -Yiya como que te gana. Nosotros decíamos: “Se nos escapa Yiya”. No la podés agarrar.

VR: -Hay algo de ella que siempre está como un poco más allá. Fue muy desafiante ponerla en el lugar en el que definitivamente teníamos que ponerla, que es el de una asesina que igual fue valorada por la sociedad, tanto que se hizo hasta una comedia musical. Es esta fascinación por los monstruos, es un poco insondable lo que nos pasa. En el documental lo dice Bazán y lo dice el nieto de una de las asesinadas. Y se ríe. Y otro pariente come masitas y hace un chiste. Esaduplicidad de ese personaje es fabuloso. Y que sea una mujer también es fabuloso.

AH: -Sería para hablar largo rato, pero sigo pensando que hay algo profundamente argentino en el fondo.Algo de dos caras que tenemos. el personaje es muy argento y lo que nos pasa también: la fascinación y a la vez la posibilidad de reflexión.

VR: - Está en la película la economista Candelaria Botto, que es una generación más joven y que apenas si la conocía. Yo la contacté para traer la visión de la estafa, de la economía, de lo piramidal. Y ella me dice: “Yo la verdad que la tengo nomás de los stickers o de los chistes de Twitter”. Le mandé el expediente, le mandé un montón de información, ella investigó y lo que dice es que aparece una mujer que en esa época, capaz de tratando de vivir esa vida más libre que quería vivir, tanto en lo económico como en lo romántico. Pero el camino que utiliza es el de la estafa y luego finalmente, cuando la estafa se desmadra, el asesinato. Pero Candelarialo ve como un personaje medio liberado, digamos. Que fue a romper todas las reglas y después envenenó, midió bien las gotitas y las mató. Y lo niega y lo negará hasta la muerte.

-Es una viejita que dice “No he matado”, con soltura.

VR: -Está muy bien armada esa frase, “no he matado”.

-¿Se quedaron con alguna duda respecto de si había matado o no?

VR: -Yo no, yo estoy segura de que las mató.

AH: -No. Hablamos con el químico...

VR: -Al menos a esas tres, las mató. Porque se le atribuyen como 11 crímenes. Pero a las tres amigas es muy difícil imaginar que no las mató. Si no, es imposible entender cómo se murieron.

AH: -El tema es cómo. Pero no lo pongas, sería un spoiler.

En diálogo con el programa “Desayuno Americano”, Capristo despejó los rumores y fue tajante: “La serie es sobre Silvina Luna. Obviamente autoricé a que pasen imágenes mías si querían pero no quise participar. Uno puede decidir ser parte o no pero yo no cartoneo”. La actriz insistió en que su vínculo con Luna estuvo signado por el afecto genuino y la lealtad, y que la presión mediática no la haría cambiar de postura.

La relación entre Capristo, Conti y la modelo trascendió la pantalla. Se forjó en la convivencia de Gran Hermano y se consolidó en más de dos décadas de amistad, trascendiendo cualquier vínculo. “Silvina nos consideraba familia y nosotros a ella lo mismo. Uno puede elegir estar o no, yo preferí no estar. Jamás, pero jamás, cartoneé con mi amiga”, reiteró Capristo, aludiendo a las acusaciones que circularon tras conocerse su ausencia en la producción.

La polémica se intensificó cuando algunos sugirieron que la decisión de no participar respondía a una búsqueda de protagonismo o beneficio personal. Capristo respondió con firmeza: “Algunos dicen que cartoneo pero creo que es todo lo contrario. Ahí (en el documental) hay un montón así pero yo jamás. Yo sé la relación que tuvimos, pudimos verla en su último momento porque su hermano autorizó la entrada y se lo agradezco, pero elijo no estar”.

Con la serie próxima a estrenarse y el tráiler ya disponible, la ausencia de Capristo y Conti generó especulaciones sobre desacuerdos internos. Sin embargo, la propia Capristo aclaró que su decisión es estrictamente personal y que mantiene intacto el cariño por Silvina Luna. “Tengo su foto en un cuadro, le prendo una velita y le rezo como a la gente que falleció y yo amaba, como mi mamá”, confesó, describiendo el modo íntimo en que recuerda a su amiga y como la mantiene presente en los rituales cotidianos del recuerdo.

La exparticipante de Gran Hermano subrayó que la elección de no sumarse al documental obedece a un límite propio y no a diferencias con la familia Luna. “Los demás pueden decir lo que quieran, mi marido, Silvina y yo sabemos la verdad. Ella tenía ganas de hacer la serie y contar todo, con ella en vida hubiera aceptado si me lo pedía, pero ella no está y decido yo”, expresó, dejando en claro que su determinación no es negociable.

La decisión de Ximena Capristo de no formar parte del documental sobre Silvina Luna, a pesar de la amistad de más de dos décadas y la invitación de la familia, responde a razones personales ligadas al respeto y la intimidad. La actriz sostiene que su homenaje a la modelo ocurre puertas adentro, en el ámbito privado y lejos de las cámaras, desmarcándose así de cualquier especulación sobre su vínculo con Silvina.

La historia de estos tres comenzó en el set de Gran Hermano en 2001. El vínculo creció con el paso de los años, al punto de convertirse en una familia elegida. Capristo remarcó: “La acompañamos hasta el último momento porque la amábamos y de ambos lados nos sentíamos familia”, sentenció.

El documental profundiza en los asesinatos cometidos por Yiya Murano en la Argentina de fines de los setenta, donde envenenó a tres amigas para ocultar estafas económicas en un contexto dictatorial. El proyecto se distingue por incorporar testimonios inéditos, entre ellos los de Martín Murano, hijo de la acusada, y el periodista Chiche Gelblung, además de reconstrucciones de los hechos y el repaso de la condena judicial. Este enfoque busca desmontar versiones previas y plantea una revisión integral del fenómeno mediático en torno a la figura de Murano después de su liberación, en la década del noventa.

Previo a su llegada a la plataforma, la película tendrá una función exclusiva el 17 de abril a las 19 horas en el Cine Gaumont, en el marco del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI). Esta estrategia de estreno anticipado posiciona el film entre los títulos de alto perfil de la temporada argentina y refuerza la presencia de Netflix en festivales de cine locales con producciones propias.

El fenómeno Yiya Murano y el desembarco en Netflix

La decisión de Netflix de respaldar este relato se inscribe en una tendencia de la plataforma por incorporar narrativas documentales sobre crímenes reales argentinos, valiéndose del antecedente de títulos como “El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas” y “Carmel: ¿Quién mató a María Marta?”, ambas propuestas del mismo equipo creativo encabezado por Hartmann y Ragone. A este fenómeno se suman obras presentes en el catálogo local como “50 segundos: el caso Fernando Báez Sosa”, “Las mil muertes de Nora Dalmasso”, “María Soledad: El fin del silencio” y “Nisman: El fiscal, la presidenta y el espía”.

“Yiya Murano: Muerte a la hora del té traza una línea desde el crimen económico y la manipulación emocional de los 70 hasta el estrellato mediático que alcanzó la protagonista tras cumplir condena. La película integra entrevistas a protagonistas clave, reconstrucciones visuales y archivos que evidencian cómo el caso trascendió la crónica policial para convertirse en pieza de cultura pop argentina”, indicó la producción. El enfoque supera anteriores adaptaciones del caso al centrar el relato en testimonios directos y detalles inéditos, diferenciándose de los tratamientos previos.

Testimonios clave y estrategia de contenido original

El documental cuenta con la participación de Martín Murano, Horacio Romeo, José Massoni, Jorge Arona, Virginia Messi, Jorge Ávalos, Mariana Olivera Venturini, Eloy Ayala, Martín Olivera Venturini, Osvaldo Bazán, Rodolfo Palacios, Candelaria Botto, Fernando Cardini y Chiche Gelblung. El uso de relatos de familiares, periodistas y abogados aporta a Netflix un diferencial en la reconstrucción histórica y amplía el universo de fuentes respecto a otras producciones de la compañía en la región.

Quién fue Yiya Murano

Yiya Murano, cuyo nombre completo fue María Bernardina de las Mercedes Bolla Aponte de Murano, nació en Corrientes el 20 de mayo de 1930 y murió en Buenos Aires el 26 de abril de 2014. Se la conoce como “la envenenadora de Monserrat” y fue una de las criminales más famosas de la historia argentina.

Murano fue condenada por el asesinato de tres mujeres de su círculo íntimo: Nilda Gamba, Lelia “Chicha” Formisano y Carmen Zulema “Mema” del Giorgio de Venturini. Los crímenes ocurrieron entre febrero y marzo de 1979 en el barrio porteño de Monserrat. El método utilizado fue el envenenamiento con cianuro, disimulado en té y masas finas, aprovechando la confianza de sus víctimas, a quienes además les debía dinero.

La investigación determinó que las muertes no habían sido naturales, como se creyó en un principio, sino homicidios por envenenamiento. Murano fue detenida el 27 de abril de 1979. Su proceso judicial tuvo varias idas y vueltas: en 1982 fue absuelta y liberada por falta de pruebas, pero en 1985 la Cámara de Apelaciones revocó la absolución y la condenó a prisión perpetua por triple homicidio agravado por el uso de veneno y estafas.

Debido al beneficio del “dos por uno” (que permitía computar doble el tiempo de prisión preventiva sin condena firme), Yiya Murano cumplió 13 años de prisión efectiva. Salió en libertad en 1993 tras la conmutación de su pena durante la presidencia de Carlos Menem. Murió sola, en un geriátrico del barrio porteño de Belgrano, el 26 de abril de 2014.

Por el momento, “Yiya Murano: Muerte a la hora del té” se configura como el principal lanzamiento de no ficción del semestre en el mercado argentino dentro de la plataforma.

Un gran documental producido, escrito y dirigido por Julia Loktev acaba de estrenarse en Mubi. En español se llama Mis amigos indeseables. Primera parte: Último aire en Moscú, pero el comienzo de su título debería ser en realidad Mis amigas indeseables, ya que las protagonistas principales son mujeres. Un elenco brillante de periodistas rusas jóvenes y con coraje; personas que hacen su trabajo bajo una presión psicológica descomunal, acechadas por un gobierno que censura la libertad de expresión y reprime la crítica con leyes que llegan con multas, allanamientos, juicios amañados y años de prisión. Ese gobierno, se sabe, es conducido hace más de 26 años por Vladimir Putin, quien, al igual que otros líderes contemporáneos que descreen de los valores de la democracia liberal, también opina que la humanidad no odia lo suficiente a los periodistas.

La película comenzó a filmarse en octubre de 2021, unos meses antes de la invasión rusa a Ucrania y cuando el político opositor más desafiante, Alexei Navalny, ya estaba en prisión, luego de sobrevivir a un intento de envenenamiento. Para sorpresa de nadie, Navalny murió tras las rejas en febrero de 2024: todo indica que su muerte no fue ni accidental ni natural.

La cámara de Julia Loktev (en realidad, su Iphone, que ni siquiera era entonces el último modelo) estaba justo ahí, registrando a pura adrenalina conversaciones, brindis de fin de año, risas, diálogos angustiantes y silencios tensos, cuando comenzó la guerra a gran escala ordenada por Putin, en febrero de 2022. Desde el vamos sabemos por un mensaje de la directora que nada de lo que estamos viendo en materia de periodismo independiente seguirá en pie a partir de ese día y también que las protagonistas saldrán de Moscú en la primera semana de la guerra, una palabra que en los medios rusos no se podía pronunciar.

Los autoritarismos son proclives a crear lenguajes y diccionarios propios, al borde del absurdo. Por eso para el Kremlin la guerra no era una guerra sino que debía ser llamada “operación militar especial”. Y, por supuesto, no se trataba de una sugerencia, era una orden.

Directora de ficción y de no ficción, Julia Loktev (Moment of Impact; Day Night, Day Night) nació en San Petersburgo, Rusia (entonces Leningrado) en 1969. Tenía 9 años cuando su familia se fue a vivir a Estados Unidos. Su viaje a Moscú desde Brooklyn, donde vive, tenía la intención de capturar de manera íntima la vida de algunas periodistas que habían sido designadas como “agentes extranjeras”, etiqueta con la que el gobierno ruso hostiga a organizaciones y personas con el fin de descalificar sus producciones y convertirlos en sujetos y espacios indeseables para el resto de la sociedad.

Entre las ONGs más perseguidas, la más conocida es Memorial, el grupo de derechos humanos y promotor de la democracia más antiguo del país, que investigó los crímenes del estalinismo y recibió el premio Nobel de la Paz en 2022. Ahora solo pertenecer a esa organización es un delito.

La mancha venenosa

La etiqueta de “agente extranjero” representa en Rusia una mancha venenosa que es sinónimo de traición y deslealtad: las personas se alejan de quienes portan el estigma y ninguna marca comercial quiere quedar asociada a ese concepto, un resabio de la guerra fría que aún golpea fuerte en la identidad rusa. Cada viernes el gobierno ampliaba la lista de “venenosos” y el club no dejaba de ganar socios. En la película comparten bromas, hay furia, hay rock y cinismo a propósito de ese sello que para los acusados deriva en una forma de vida amarga, con menos posibilidades sociales y laborales y siempre al borde de una sanción mayor.

La ley de agentes extranjeros se promulgó por primera vez en Rusia en 2012, luego de una serie de protestas multitudinarias contra Putin y se convirtió a partir de entonces en una herramienta efectiva para acorralar a opositores y críticos del régimen, que bajo esa norma deben rendir permanentemente cuentas al Estado de sus finanzas y que, cada vez que hacen pública su palabra (incluso en un posteo de Instagram), se ven obligados a exhibir antes un disclaimer que anuncia que lo que se está viendo y/o escuchando es producido por un “agente extranjero”: sutil perversión esa de obligar a los ciudadanos a autoincriminarse.

En 2015 la persecución se hizo más pronunciada cuando Putin promulgó la ley contra las organizaciones indeseables, que otorgaba a los fiscales la facultad de declarar “indeseables” a las organizaciones extranjeras y clausurarlas. A partir de 2022, para muchos la opción se redujo a salir de Rusia o prepararse para ir a la cárcel.

Amiga personal de Anna Nemzer, conductora de un programa de entrevistas con activistas de la sociedad civil en TV Rain, el único canal independiente que todavía quedaba en pie, Loktev grabó durante meses a Anya (quien fue además codirectora del documental) y también a Ksenia Mironova (periodista de TV Rain y novia de Ivan Safronov, periodista preso desde 2020 y condenado a 22 años de cárcel por revelar secretos militares, a su vez hijo de un periodista del mismo nombre que murió sospechosamente en 2007 al caer de un quinto piso); Sonya Groysman, Olga Churakova (ambas creadoras del podcast Hola, eres un agente extranjero), Irina Dolinina, Alesya Marokhovskaya (juntas hacen periodismo de investigación para I Stories) y Elena Kostyuchenko (redactora de Novaya Gazeta, un medio particularmente golpeado por allanamientos y asesinatos de periodistas y para el que trabajaba Anna Politkovskaya, acribillada a balazos por un sicario checheno en el ascensor de su casa, en octubre de 2006).

Los críticos inscriben el documental de Loktev en géneros como cinéma verité, cine observacional o cine directo, estilos surgidos entre fines de los 50 y comienzos de los 60 del siglo XX, que intentan llegar lo más cerca posible a la realidad que narran y que surgieron cuando aparecieron cámaras más livianas que permitían seguir el objeto de estudio dando lugar a una forma extrema de realismo. El documental es excepcional también en su extensión: dura cinco horas y media y está dividido en cinco capítulos.

Iphone en mano, micrófonos en las solapas de los filmados y algunos otros dispuestos en las diferentes escenas, la cineasta registró con minuciosidad la vida pública y privada de las últimas semanas de trabajo de las periodistas en su país. Las filmaba en sus casas, en oficinas, redacciones y estudios de TV; filmó también la primera marcha contra la guerra y la represión a los manifestantes. En ese cruce de lo privado y lo público aparecen momentos de la vida personal de las protagonistas, algunas de ellas en pareja con otras mujeres, con lo complejo que sigue siendo el tema de los derechos civiles para el universo LGBT ruso tanto por el conservadurismo social como por la llamada Ley de propaganda homosexual, que pena “cualquier información que promueva relaciones sexuales no tradicionales” y que se reforzó a fines de 2022.

Hay muchas escenas filmadas en interiores de autos y esos momentos proponen una inmersión mayor en el espacio de las protagonistas (sobre todo Anya) pero también un acercamiento a la ciudad que es escenario de lo que se narra: Moscú aparece vibrante en su esplendor y alimenta las contradicciones porque luce brillante y en movimiento como telón de fondo de testimonios y reflexiones tenebrosas y de alto dramatismo. Lo que se observa también es que mientras para los periodistas, organizaciones de derechos humanos y políticos opositores hay una vida en estado de disciplinamiento y terror, otras personas –incluso dentro de sus propias familias– no parecen afectadas por el estado de las cosas: todos los canales de televisión, el medio por el que se informa la enorme mayoría de los rusos en el país más grande de la tierra, son oficialistas y están entrenados para la propaganda.

“Es un intento constante, por un lado, de no entrar en pánico ni volverse histérica: todo está bien, todo está bien. Por otro lado, no puedes permitirte acostumbrarte a esto”, dirá Anya Nemzer en un momento. “Esta sensación de que estamos en estado de guerra, y que todos a nuestro alrededor no lo están, es típica de los regímenes totalitarios”, dirá alguien en otra escena del documental.

Acompañada de un equipo mínimo, Julia Loktev vivió junto a las periodistas el pulso de la censura y consiguió salvar sus filmaciones con un operativo demencial, descargando cada noche el material en su hotel con pésimo wi fi en discos externos que se ocupaba de repartir a diferentes personas y de dejar en diferentes casas, a la manera de los viejos samizdats, como se llamaba el proceso clandestino de copia y distribución de los textos censurados en los tiempos soviéticos. Gracias a ese resguardo, sus tomas pudieron ser editadas más tarde hasta llegar a componer una obra virtuosa en términos estéticos y técnicos y, a la vez, de un valor político y cultural incalculable.

Pronto se estrenará la segunda parte del trabajo, resultado del seguimiento de la directora a las mismas periodistas en el exilio al que se vieron obligadas a partir. Todas ellas armaron sus valijas en un par de horas y salieron de la ciudad rumbo a alguno de los pocos países que todavía aceptaban la llegada de rusos (como Turquía o Mongolia). Además de dejar sus casas, amores, familia y mascotas, se fueron casi sin dinero porque los cajeros automáticos ya estaban vacíos y mientras tanto veían cómo minuto a minuto las sanciones impuestas a Rusia convertían sus tarjetas de crédito en plásticos inútiles y sin valor. La única ilusión era seguir informando, aún desde afuera de Rusia.

La película de Loktev es documento, es información, es cine y es también una experiencia que ubica al espectador en medio de un thriller real en el que hay acoso, persecución, represión y miedo. La extensión de la película, que por momentos puede parecer desmesurada y el uso del tiempo, en el que la espera ocupa un lugar central, extreman la sensación de agobio e impotencia frente a los abusos de poder y también frente a decisiones dramáticas como atacar con misiles e invadir un país vecino y cercano en términos afectivos, históricos y culturales.

(Resulta doloroso ver a las periodistas, durísimas opositoras a Putin, llorando sin consuelo cuando, de un día para el otro, sus frecuentes colaboradores y fuentes ucranianas comienzan a maltratarlas por zoom luego de la invasión, acusándolas de cómplices de la decisión del gobierno ruso).

Más allá de Rusia

Muchas de las lecturas sobre el filme que se hicieron a partir de su estreno en 2024 fueron más allá de la crítica o el repudio al autoritarismo ruso. La reacción es coincidente: en las imágenes de este documental oscuro y asombroso es posible hallar un avance de lo que ocurre cuando la división de poderes no asegura los pesos y contrapesos necesarios para evitar autocracias y tiranías, incluso en aquellos países que históricamente han sido referencia de la democracia mundial.

El desfinanciamiento a las universidades, a la cultura, a la ciencia, el maltrato a la prensa y la descalificación insultante a los opositores ya no sorprenden como antes. Estamos en 2026, el año en el que en Estados Unidos se vieron escenas apocalípticas en operativos antiinmigrantes, con agentes enmascarados secuestrando a personas a la luz del día y subiéndolas a autos sin identificación rumbo a un destino desconocido.

Hasta hace algún tiempo, el estilo de Vladimir Putin, su ambición autocrática y la vulgaridad de su retórica frente a periodistas, empresarios o invitados internacionales no dejaban de sorprender. Si tomamos como referencia los últimos diez años (cuando se dio la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca por primera vez) podríamos decir que Putin hizo escuela en materia de liderazgo sin modales pero también en impugnar la democracia liberal y en gobernar tomando el Estado como patrimonio personal.

Es justamente porque la Rusia de Putin aparece como antecedente de ciertos cambios dramáticos hoy naturalizados tanto en las formas de la política como en el orden internacional, que parece importante ver Mis amigos indeseables. Y es que además de ser un documental excepcional por lo que muestra y el modo en que fue filmado, la película de Loktev exhibe en clave de advertencia cómo se desliza un sistema hacia el fascismo mientras incluso los más críticos con el gobierno siguen creyendo que queda margen para combatir las mentiras del poder con la investigación rigurosa de los hechos y para enfrentar la represión y el autoritarismo.

Pensaban que a fuerza de coraje, trabajo y entusiasmo podrían impedir que las libertades individuales desaparecieran del todo. Estaban equivocados: hoy todos ellos se encuentran escondidos, en prisión o directamente fuera de Rusia.

Conti se refirió al tema en el ciclo Desayuno, donde despejó dudas sobre su eventual participación: “Yo no soy parte. No formo parte de la serie”, expresó en el inicio de la entrevista. Relató que efectivamente fue contactado para autorizar su aparición en la serie, pero prefirió no involucrarse.

“Cuando me pidieron autorización para estar, les dije que no quería estar y no creo que esté. No quiero formar parte, no. Yo lo que tenía con Silvina lo tenía en vida. Lo aproveché. Le dije cuánto la quería, todo lo que pude hacer por ella lo hice en vida”, sostuvo, al marcar así su decisión de mantener su vínculo en la esfera privada.

El actor detalló que, tras el fallecimiento de la modelo, experimentó situaciones que lo llevaron a alejarse tanto del entorno de Luna como del proyecto audiovisual en marcha. “Cuando pasó el desenlace que pasó, a mí me maltrataron y preferí entonces abrirme y no formar parte. Solamente hablo con una amiga de ella que es la que siempre me acompañó a mí, me informó de todo lo sucedido. Y después, cosas que sucedieron que me pareció que no estaban bien. Entonces listo, me abrí. Cuando en un lugar no sos bien recibido, yo me abro, yo me voy. En la vida misma hago eso”, sostuvo.

También se le preguntó si había estado presente en los momentos más delicados de la vida de Luna, especialmente cuando ella misma documentaba su situación médica. Conti reconoció que su presencia fue limitada:+. “Estuve poco porque no me dieron... no me integraron tal vez como yo hubiese preferido. También respeto por la situación que estaban pasando, pero preferí, con este desenlace final, preferí abrirme y ya está, terminar como corresponde”, aseguró.

Ante la posibilidad de que el documental muestre imágenes íntimas y momentos dolorosos, el exparticipante de Gran Hermano manifestó: “Si era lo que ella quería, sí. Si ella era lo que pretendía, sí. No creo que el hermano haga nada que ella no quisiera. Y debe ser tremendo verla, por todo como sucedió y por la clase de persona que era ella. La verdad que con pensarlo ya me pone mal, así que capaz ni lo veo. Me entristece mucho todo el tema de Silvina a mí”. Su testimonio deja en claro un profundo respeto por la voluntad de la modelo y un pesar latente ante la exposición del sufrimiento de su amiga.

Con respecto al reclamo de justicia ante el terrible desenlace que tuvo Silvina fue tajante. “Nunca se va a hacer justicia porque ella no está más, pero estaría bueno que se pudra ahí adentro hasta el último día de su vida”, en referencia al cirujano Aníbal Lotocki. Esta frase sintetiza la frustración de quienes acompañaron a la modelo en su lucha y la convicción de que ningún fallo judicial puede reparar la pérdida.

La plataforma encargada de la serie documental confirmó que el estreno tendrá lugar a mediados de 2027. El anuncio fue acompañado por la promesa de revelar testimonios inéditos de amigos, allegados y figuras que permanecieron en silencio hasta ahora, entre ellos Ezequiel Luna, hermano de la modelo.

Bajo el título Perfecta: La voz de Silvina Luna, propone reconstruir el trayecto completo de la actriz, desde su irrupción mediática hasta sus últimos días, marcados por una compleja batalla médica y judicial. El proyecto se apoya en material íntimo y relatos de primera mano, recopilados con el objetivo de ofrecer una visión integral de la vida y el legado de Luna.

El estreno está previsto para mediados de 2027, pero el adelanto ya dejó huella. Allí se percibe el pulso emocional de un relato íntimo: Silvina narra sus sueños, sus alegrías y también el dolor que marcó sus últimos años, cuando su salud comenzó a declinar tras someterse a intervenciones estéticas con el médico Aníbal Lotocki. La serie se propone no solo repasar los momentos felices de la modelo y actriz, sino también dar testimonio de su enorme valentía frente a la adversidad.

Una de las grandes novedades del documental es la recuperación de videos y mensajes personales que Silvina grabó para su familia y sus amigos durante los días más difíciles de su tratamiento. Estas imágenes, nunca vistas por el público, retratan la fragilidad y, a la vez, la fortaleza con la que enfrentó el dolor físico y emocional. En esas grabaciones, se percibe el amor y la preocupación de quienes la rodearon, pero sobre todo, la propia esperanza de Silvina de que su historia sirviera para crear conciencia.

Entre los testimonios más poderosos aparecen los de su hermano, Ezequiel Luna, y el de Bárbara Corvalán, una de sus amigas más cercanas. Sus palabras no solo reconstruyen los hechos, sino que también abren la puerta a la intimidad de una familia golpeada por la pérdida y el desconcierto. El anuncio de la serie, hecho por Netflix en redes sociales, se transformó en un homenaje colectivo y, a la vez, en una expresión de apoyo a la producción nacional, que este año suma historias movilizadoras y muy nuestras a la pantalla global.

En febrero, en el programa SQP (América), la periodista Pía Shaw anticipó detalles que generaron aún más expectativa. “Era el deseo de Silvina Luna en vida y por supuesto que quedó mucho material. Tuve la oportunidad de poder leer, además acá lo tengo en mis manos, todo el trabajo que hizo el cuerpo médico forense. Si vos supieras los últimos diez años de Silvina lo que fueron. También hablan periodistas, el fiscal de la causa, su abogado Fernando Burlando. Se va a ver con el material que ella dejó grabado, que quería que se vea, con amigos. También hay testimonios de pacientes”, relató, visiblemente conmovida.

La estructura de la docuserie se compone de varios capítulos repletos de voces potentes, pero es Silvina quien lleva el hilo de la narración. “Año tras año esta mujer conoció más guardias de hospitales que todos nosotros juntos”, contó Shaw, en un intento de dimensionar el calvario que vivió la modelo en la última década.

El abogado Fernando Burlando, quien acompañó a la familia en la causa judicial, compartió su perspectiva: “Como todas las series documentales que tratan temas que son bisagra en la sociedad, creo que la pérdida de Silvina para mí y para la sociedad es muy dolorosa. Es un mensaje que quería dejar ella. Creo que en esa idea y ese propósito de Silvina, la misión por parte de Ezequiel va a estar cumplida”.

Burlando también subrayó el hermetismo en torno al material inédito. “Obviamente participan muchos, muchas del entorno y de los amigos de Silvina. Nadie vio ese material, se está terminando de grabar. Por supuesto que muchos de los que forman parte firmaron un contrato de no pueden contar demasiados detalles”, explicó, en referencia a la política de confidencialidad de la producción.

Conocer a Jorge Mario Bergoglio para entender a Francisco, esta es la premisa del documental italiano La Argentina de Francisco, presentado este miércoles a la prensa en la Filmoteca Vaticana, una obra que viaja a los barrios de Buenos Aires para descifrar el nexo entre el sacerdote jesuita y el pontífice fallecido hace un año.

El documental, producido por la televisión italiana Telepace en colaboración con los medios vaticanos, a través de testimonios inéditos y un recorrido por su vida cotidiana, propone que los conceptos que definieron su pontificado (2013-2025), como la “Iglesia hospital de campaña” o la “globalización de la indiferencia”, se gestaron décadas antes en Argentina.

“Es una manera de comprender mejor su enseñanza partiendo de sus lugares y sus hábitos”, explica el director del documental, Eugenio Bonanata.

Las raíces en Flores y Almagro

El film reconstruye la vida cotidiana de Bergoglio a través de testimonios de personas que lo conocieron de cerca en los barrios porteños de Flores y Almagro.

La obra rescata momentos fundamentales, como su pasión por el club San Lorenzo de Almagro o el “día de la primavera” en el que decidió ser sacerdote tras una confesión espontánea en la basílica de San José de Flores.

Asimismo, el documental revela dimensiones menos conocidas, como su etapa como docente de Literatura, donde alumnos entrevistados destacan su labor como “formador de personas”.

En aquellos años, el joven jesuita al que sus estudiantes apodaban “Carucha” impuso la premisa de que “no podían estudiar para servir a Dios si a la vez no hacían acciones sociales”.

En ese contexto de compromiso, Bergoglio logró que el célebre escritor argentino Jorge Luis Borges viajara a Santa Fe para impartir clases a sus alumnos y prologara un libro escrito por ellos.

El rodaje, realizado en Buenos Aires a finales de 2024, se adentra especialmente en las periferias urbanas y las “villas miseria”, escenario que Bergoglio convirtió en el centro neurálgico de su pastoral al considerar que en ellas se halla tanto la pobreza material como la “existencial”.

En estos barrios, marcados por la exclusión y el narcotráfico, el entonces arzobispo impulsó una identidad eclesiástica propia con la creación del Vicariato de las Villas y el lanzamiento de los “Hogares de Cristo”, una red de recuperación para jóvenes adictos que hoy suma 300 centros en Argentina.

La obra destaca que este apoyo es evangélico, nunca político o ideológico, basado en el ejemplo de los “curas villeros” que vivían integrados con los vecinos.

El estreno, que coincide con el primer aniversario de la muerte del papa Francisco el próximo 21 de abril, adquiere un valor conmemorativo para recordar un magisterio que, según Bonanata, Bergoglio ya “anticipó” en Argentina.

“Bergoglio y Francisco están muy cerca: la visión de la fe ya estaba presente antes del pontificado; él anticipó la Iglesia del futuro en Buenos Aires”, señala el director.

Tras su paso por la Santa Sede, la obra, rodada en español con subtítulos en italiano, se proyectará en la isla italiana de Lampedusa y en la cárcel romana de Regina Coeli, lugares simbólicos que representan la “Iglesia en salida” y la atención a los “descartados” que Jorge Mario Bergoglio impulsó en las periferias porteñas mucho antes de llegar a Roma.

Fuente: EFE

En 2008, la valoración de mercado de Ronaldinho llegó hasta los 80 millones de euros, un registro máximo en su trayectoria profesional y un indicador de la magnitud comercial de su marca personal. La serie documental también documenta el proceso que consolidó el nombre “Ronaldinho” como activo de consumo masivo, mediante la sistematización de premios individuales, cifras de transferencia, datos de audiencia y ventas de indumentaria. El relato incluye el paso del jugador por clubes como FC Barcelona, Paris Saint-Germain y AC Milan, así como la conquista del Mundial de Corea-Japón 2002 y la posterior obtención de la Copa Libertadores con Atlético Mineiro en 2013.

La estructura narrativa del documental está dividida por etapas de rendimiento físico y comercial. El film no elude las controversias: incorpora información detallada sobre la detención de Ronaldinho en Paraguay durante el año 2020 por uso de documentos falsificados, hecho que lo mantuvo privado de su libertad por 171 días. El documental también aborda el perfil mediático y los episodios extradeportivos que precipitaron su salida del fútbol de élite tras el declive estadístico posterior al Mundial. La producción demuestra que la información sobre ausencias en entrenamientos y su vida nocturna, especialmente durante la etapa en Castelldefels, fue documentada por la prensa e influyó en la gestión deportiva de su carrera posterior.

El impacto industrial de Ronaldinho en la era pre-redes sociales

Ronaldinho Gaúcho analiza el surgimiento de la marca del brasileño en el contexto de la evolución del mercado futbolístico global. El documental sostiene que el deportista fue el primer ícono internacional de la alegría como producto comercial, antes de la explosión de las redes sociales. El contenido utiliza datos comparativos para demostrar que las estadísticas técnicas del jugador —especialmente los regates exitosos por partido— superaron los estándares de la Premier League contemporánea, marcando diferencias tangibles en los estilos de juego y el posicionamiento del talento latinoamericano en ligas europeas. La serie incluye secuencias reconstruidas con cámaras de alta definición, procesando archivos analógicos de la década de los noventa para exhibir entrenamientos de fútbol sala donde Ronaldinho desarrolló su destreza en espacios reducidos.

La relación técnica con Messi ocupa un segmento central del relato, con foco en dos hitos: la asistencia directa de Ronaldinho para el primer gol oficial del argentino en el Barcelona y el traspaso del dorsal número 10, gesto que la narrativa presenta como cambio de era en la gestión deportiva del club catalán. El documental contextualiza ese traspaso en el marco de un modelo de liderazgo y mentoría que sentó precedentes en la estructura de cantera del club.

La nueva estrategia de contenido deportivo de Netflix en Brasil

Este documental representa el primero de una trilogía que Netflix desarrolla como parte de su nueva estrategia de contenidos deportivos enfocados en el mercado brasileño y su proyección internacional. Después del lanzamiento de Ronaldinho Gaúcho, la plataforma producirá Tetra: Acreditar de Novo, que repasará el Mundial de Brasil 1994, y Várzea: Onde Nasce o Futebol, una serie dedicada a documentar el fútbol amateur y su rol como semillero de talentos en el país sudamericano.

Mediante el acceso a testimonios exclusivos de campeones mundiales y personalidades que compartieron vestuario con Ronaldinho, la trilogía persigue capitalizar la demanda de documentales biográficos y deportivos, un género que ya reportó altas cifras de audiencia con títulos previos sobre Pelé y Vinícius Jr. en la plataforma. Los tres episodios de la serie de Ronaldinho amplían el catálogo de producciones originales de Netflix que buscan combinar material inédito, estructura fílmica de alto estándar y reconstrucción de hechos verificables para públicos locales y globales por igual.

La llegada de “La verdadera Matryoshka: Un documental de Karime Pindter” a la red de Cinemex marca un hito en la industria del entretenimiento mexicano, al convertirse en el primer documental comercial protagonizado, producido y dirigido por una celebridad nacional.

El filme estará disponible para el público en México a partir del 23 de abril, según informaron fuentes oficiales.

De los reality shows a la pantalla grande

Karime Pindter, reconocida por su trayectoria en los reality shows más influyentes de Latinoamérica, da un paso decisivo en su carrera con este proyecto cinematográfico. Tras más de una década de exposición constante ante millones de televidentes, la también empresaria y conductora asume el control total de su narrativa con un documental que expone su vida personal y profesional.

La influencer es la primera figura mexicana en protagonizar, producir y dirigir un documental propio con exhibición comercial a nivel nacional. La película, distribuida por Cinemex Alternativo, representa un precedente en la industria audiovisual mexicana.

Un retrato íntimo y sin filtros

El largometraje explora distintas facetas de la vida de Karime Pindter, mostrando desde sus momentos de éxito hasta los desafíos más complejos. El relato incluye sus preparativos para la final de La Más Draga, evento que reunió a 20,000 personas en uno de los recintos más emblemáticos de Ciudad de México. En este contexto, la protagonista enfrenta el reto de ofrecer un espectáculo de alto nivel, pese a no ser bailarina profesional.

“Llevo más de diez años viviendo frente a una cámara, pero siempre bajo las reglas de alguien más. Con este documental, yo tomo el control”, declaró Pindter. La creadora de contenido destaca que el filme refleja no solo logros y lujos, sino también inseguridades y trabajo constante.

“Quise mostrar que detrás de las frases y los altos lujos, hay todo un proceso… inseguridades, miedos que vencer y muchísimo trabajo. Estar en el cine no es solo un logro para mí, es demostrar que las mujeres latinas de esta industria podemos producir nuestras propias historias”, afirmó.

Entre la cultura pop y la vulnerabilidad

El documental combina elementos de comedia, entretenimiento y cultura pop, presentando una imagen multifacética de Pindter. La trama incluye fragmentos de su relación con personalidades de la televisión, como Galilea Montijo y Andrea Legarreta, y miembros destacados de la comunidad LGBT. Además, se muestran tanto los momentos de celebración como aquellos que implicaron retos personales.

La obra aborda el proceso de preparación para la final de La Más Draga, caracterizado por ensayos intensos, frases virales y la presencia de lujos como Lamborghinis. El documental enfatiza que el verdadero espectáculo se encuentra en el proceso y en la superación de temores personales.

Una producción que abre nuevas etapas

La producción también marca un punto de inflexión en la carrera musical de Karime Pindter. El documental incluye la canción “Sex Siren”, descrita como un himno de empoderamiento femenino. La producción musical estuvo a cargo de Luis Salazar, quien ha trabajado con artistas como Maluma, Sebastián Yatra y Chayanne. La composición es de Samantha Cámara, autora de temas para figuras como Anitta, Danna Paola y Kenia Os. “Sex Siren” estará disponible en plataformas digitales a partir del 9 de abril.

La distribución de Cinemex Alternativo garantiza que “La verdadera Matryoshka: Un documental de Karime Pindter” llegue a salas de todo el país. La proyección nacional refuerza la posición de Pindter como referente en la industria y evidencia el interés creciente del mercado mexicano por narrativas personales y proyectos liderados por mujeres.

Nació cuatro días antes del regreso de la democracia y se dedica al cine. Tiene un apellido que es una marca en materia de derechos humanos: su padre fue uno de los jueces durante el Juicio a las Juntas y su madre, una asistente social que trabajó en la Justicia en el tema de la restitución de los nietos recuperados. Ese linaje derivó en sensibilidad y empatía por el tema de la dictadura y también en la necesidad personal de registrar y documentar para la memoria colectiva.

Nicolás Gil Lavedra es cineasta, decíamos, y entre sus películas se encuentran Verdades verdaderas (2011), basada en la vida de Estela de Carlotto, Las grietas de Jara (2018, basada en la novela homónima de Claudia Piñeiro) y Como el mar, protagonizada por Sofía Gala Castiglione y Zoe Hochbaum. En estas semanas, cuando acaban de cumplirse cincuenta años del inicio de la última dictadura militar, Gil Lavedra está presentando y hablando de Traslados, el exitoso documental que dirigió y que luego de estrenarse en 2024 y pasar por varios festivales, ahora puede verse en Prime Video. Se trata de una película que a través de testimonios de sobrevivientes, familiares de desaparecidos, expertos y testigos, más documentos judiciales, reconstrucciones de escenas y trabajo de archivo, analiza un capítulo particularmente siniestro y perturbador del plan de exterminio y desaparición diseñado por los militares: los llamados “vuelos de la muerte”.

Lo que sigue es la transcripción de la conversación que mantuvimos la semana pasada, un día después de la emotiva y multitudinaria marcha del 24 de marzo.

— En un documental como Traslados, la elección de reconstruir escenas es algo muy delicado porque ese recurso está siempre al borde de la maqueta o la caricatura. Y, en este caso, la verdad es que eso no pasa, pero ¿cómo fue que decidieron incluir escenas de reconstrucción y por qué?

— Fue un poco un pedido mío, yo vengo del palo de la ficción. Más allá que mi primera película es la biopic de Estela de Carlotto, muy cercana a un material como Traslados, mi lenguaje cinematográfico tiene que ver con ficción, con contar historias. A mí me convoca Zoe Hochbaum y me dice que quería hacer un material de los vuelos de la muerte porque era un tema que a ella la conmovía mucho desde chica, tiene 24 años. Y lo primero que me dice es que tenía que ser algo pensado para llegar a los jóvenes. Y yo ahí pedí hacer reconstrucciones, sin saber muy bien de qué, pero porque me sentía más cómodo en ese lenguaje. Y después pedí hacer las entrevistas. Porque más allá de que teníamos un gran equipo de investigación con Eduardo Anguita y Daniel Cecchini a la cabeza, y después se sumó María Laura Guembe, me parecía que era importante poder contener yo mismo a los entrevistados y, desde mi lugar de director, darles el espacio y la amorosidad para que ellos puedan contar su historia y hablar de la ausencia. Yo trabajé mucho la idea de la ausencia, pienso un poco en la muestra del fotógrafo Gustavo Germano, que marca esa idea en su trabajo.

— Que es buenísimo.

— Mi ojo cinematográfico me tiraba por darle palabras e imagen a la ausencia. Por eso en cada reconstrucción muestro lo que queda. Lo que más muestro es la Iglesia de la Santa Cruz y ese secuestro. Pero me parecía importante mostrar la taza del bar que queda cuando es chupado alguien que será un desaparecido. O cuando en el caso de Azucena (Villaflor) quedan las compras del almacén tiradas en la vereda, junto con el diario que tenía esa solicitada famosa que habían logrado pagar las Madres. Me sentía más cómodo trabajando el documental desde la ficción, y lo mismo con el archivo, que en la película es, de alguna manera, un personaje más.

— Recién decías: “yo pedí hacer las entrevistas para contener a los entrevistados desde mi lugar como director”. Y te voy a hacer una pregunta delicada: sos el director, sí, pero además tenés un apellido que pesa mucho en este tema. ¿Cuánto es el peso a favor en este caso?

— Pesa a favor, en términos de todo lo bueno que trae ser el hijo de Gil Lavedra en este mundo, y lo digo con mucho orgullo. Más allá de muchas diferencias que puedo tener en este tema y en muchos otros, él es un gran padre y una persona a la que admiro mucho. A su vez, todos somos hijos de alguien, pero a mí lo que me dio ser hijo de mi viejo, y de mi vieja – que es asistente social y fue es una de las primeras en trabajar desde la Justicia en las restituciones de nietos– es que éste era un tema que yo conocía mucho. Por eso, también, a lo mejor, mi primera película fue la de Estela. También me dio un nivel de información y un nivel de empatía —me imagino que les pasa un poco a todos los que trabajamos con este tema—, que elegimos hacerlo por vocación de querer ayudar a una causa y de querer unificar esta grieta estúpida que hay con este tema, al menos. Yo estoy orgulloso de ser hijo de quien soy, de los dos, de la peronista y el radical, pero también por lo que han hecho por nuestra historia. Y siento que nos toca seguir a nosotros ahora, a las nuevas generaciones.

— ¿En qué año naciste, Nico?

— En el 83. Nací cuatro días antes de la democracia: el 6 de diciembre del 83. Era muy chico cuando fue el juicio, también. Mis primeros recuerdos tienen que ver con cómo lo conocían a mi papá en la calle. O de un momento en el que nos cruzamos con Videla en un aeropuerto, en los 90, y mi papá no es que estaba asustado pero sí nos llevó para otro lado. Y, después, verlo a él en el colegio en algún libro de Cívica y que los profesores supieran quién es y todo lo que eso genera. Ayer miraba una entrevista en la que él contaba que tenía 36 años.

— Y cuando haces los números decís: pero era muy joven este señor.

— Es un montón. Y yo, que tengo 42, todo el tiempo me pregunto qué estoy haciendo de mi vida cuando este tipo a los 36 metió tremendo juicio. Y es cierto que, por ahí, para muchos entrevistados que también esté yo en el proyecto, más allá de Anguita, de Zoe, de mucha gente importante, les daba tranquilidad porque sabían que por mi trayectoria iba a tratar el tema seriamente y con mucho respeto, como se merece.

— Ahí volvemos entonces a la película, que tiene reconstrucciones de los hechos, recopilación de testimonios y también investigación, como lo del destino de los aviones. Contame cómo que se fue ensamblando todo esto.

— Mirá, cuando yo me involucro, que fue en febrero del 2023, los investigadores ya venían trabajando hacía un mes y ahí me empiezan a dar muchos textos, muchos libros, entre ellos Skyvan, de Miriam Lewin —ya lo había leído— y El vuelo de Horacio Verbitsky. Y me parecía importante cuando empezamos a perfilar a quiénes íbamos a entrevistar que estuviera Miriam, no sólo por su lugar como ex detenida desaparecida de la ESMA sino que, además, con su investigación me sumaba al policial, que es una estructura que encuentra el documental con lo que tiene que ver con el arma homicida que, de alguna manera, es el avión.

— Claro.

— Yo siempre digo todo lo que está en el documental está publicado, el tema es que no hay nada que lo junte en 90 minutos, lo que lo vuelve mucho más potente. Pero todo lo que nosotros trabajamos en el documental está en causas judiciales y tiene sentencias. Por eso también trabajamos solamente la ESMA y Campo de Mayo, porque son los dos centros clandestinos con sentencias en los vuelos de la muerte. Me parecía que, al ser un documental de investigación, la investigación tenía que ser perfecta. Tenía que ser súper cerrada, no podía dar lugar a que un negacionista dijera: bueno, están opinando, son cosas que se dijeron.

— No, claro: es cosa juzgada.

— Es cosa juzgada, que está en una causa judicial que se juzgó, que se apeló y que se confirmó la sentencia. Y eso para mí era muy importante y para los investigadores también. Todo el tiempo salían hilos de los que uno quería tirar. Y cuando hacía las entrevistas —cada una duraba tres horas—, imaginate la cantidad de material que hay. Yo quería tirar de cosas y después me miraba el guionista o alguien del equipo de investigación y me decían: volvé porque ya te estás metiendo en un terreno que no nos va a sumar. La de Miriam fue la primera entrevista que hice, duró casi cuatro horas y ella fue súper generosa conmigo. Fue muy difícil porque está toda su historia personal. Y ella además había declarado en el Juicio a las Juntas. Y la verdad es que fue increíble cómo también ella le va sumando… Bueno, como también es periodista, explica las cosas muy bien.

— Es muy bueno el relato de Miriam en la película, sí. La edición de las entrevistas está muy bien..

— Sí, sí. Ella tiene un cierre que para mí es impresionante y que tiene que ver primero con por qué sobrevivió, que lo sigo viendo y me parte en cien. Esto de analizar tanto sufrimiento en un por qué, ¿no? Y, después, el acercar esta historia a los jóvenes. Que así como el 1810 es tan lejano para ellos, hoy la dictadura es también así de lejana, pero ella tiene una manera tan didáctica de contarlo.

— ¿Cómo fue ese momento en que Zoe Hochbaum dijo aquello de que quería que el documental fuera visto por la gente joven? ¿Resultó un desafío interesante para vos?

— Mira, que una chica, en ese momento creo que Zoe tenía 22, me dijera que desde los 15 estaba obsesionada con ese tema hizo que yo dijera: bueno, hay que ir por ahí. Si Miriam Lewin cuenta que ella tenía 18 años cuando pasó esto, le va a generar empatía a un joven a la hora de verlo. Y lo mismo con mi papá. Porque por ahí hoy uno los ve y son gente grande pero hace 50 años eran jóvenes, también. Entonces lo que intenté laburar todo el tiempo es la empatía. Que también es algo que yo siento que se perdió. Lograr que, al margen del ritmo, que es necesario para que los jóvenes no se distraigan en el medio en una película, poder trabajar la empatía o la falta de empatía. Porque cuando hablamos de los 90, hablamos de la falta de empatía. Entonces por eso también la idea de cerrar con Estela y su mensaje. Constantemente yo buscaba equilibrar para que quien lo viera sintiera que le podía haber pasado a él, a su hermano, a su mamá. Que, más allá de los partidismos, que siempre están porque todos somos seres políticos, entender que lo que le pasó le podía haber pasado a cualquiera. Que esto no fue una guerra contra una guerrilla, que no fue una guerra. Entender que fue terrorismo de Estado con apoyo cívico-militar. Y con el poder económico, por supuesto. Que los jóvenes la vean, más allá de lo que voten después. Porque pensemos en 1985, una película que hizo un millón de espectadores en el 2023, con muchos jóvenes en la fila.

— Y fue un año antes de que ganara Milei, con mucho voto joven. Es un tema pleno de contradicciones.

— Creo que lo que votan después en el cuarto oscuro tiene que ver con una democracia que no supo dar respuestas y con muchas grietas internas. Una democracia que no supo dar respuestas a lo que la sociedad pide. Y por eso el hartazgo y por eso se va a un extremo, ¿no?

— Es posible pensar también que si sos muy joven y te hablan de algo que quedó lejos en el tiempo y llega un momento en el que hay una sobreabundancia de documentación y de información y de discurso, puede haber hartazgo. Entonces, ¿cómo hacer para que haya una mirada nueva sobre esos mismos temas? Cómo hacer para que todos volvamos a mirar los hechos: secuestraban a la gente, luego se llevaban a los prisioneros, los dormían, los metían en un avión y los tiraban al mar. Todo eso, dicho así, no debería perder nunca contundencia. Y, sin embargo, hay períodos históricos en los que la pierde.

— Yo creo que tiene que ver con que hubo períodos históricos y gobiernos que, más allá de su política de derechos humanos, que era válida y la comparto, siento que hubo momentos en que se podían haber agilizado las sentencias, los procesos judiciales. Si el Estado, como Estado, reparaba realmente a las víctimas y lograba que con el Poder Judicial los juicios se hicieran en uno, dos años, poniendo todos esos recursos para que no se alarguen en el tiempo y no sean por ahí material de más campaña, yo creo que se habría agilizado mucho más y se habría no saneado, porque no es un tema que se vaya a sanear nunca, pero habría evolucionado un poco más. Sí me parece que en los últimos años hubo un hartazgo de la manera en que se contaba siempre lo mismo, ¿no? Y, por eso, también, creo que ahora es nuestra responsabilidad ver cómo encontramos la manera de correr el prisma. Seguir hablando de lo mismo, pero ahora: los vuelos. Y, si te fijás, yo no entro en el tema de la guerrilla. No entro a discutir temas que ya están discutidos. O las torturas, porque para eso está Garage Olimpo. Hay películas que lo grafican, que lo muestran y que si uno las quiere buscar, están. Entonces me parecía importante mostrar todo junto lo que estaba en el aire pero que en lo audiovisual por ahí se había mostrado un poco menos. Porque hay un momento en la película en el que mostramos el traslado y nos van contando todo entre los testigos y (Adolfo) Scilingo y el archivo y la recreación y nos van mostrando lo que eran. Y eso lo vuelve insoportable.

— Es que es insoportable.

— Y lo vuelve insoportable para el cuerpo. Porque una cosa es el nombre “vuelos de la muerte” y otra cosa es escucharlo, verlo y sentirlo en una película. Y desde ese lugar intenté mostrar desde otro prisma algo que está contado, porque no voy a decir que fui el primero, pero el documental por ahí es el más contundente y sin distracciones. Todo el tiempo me distraía con Montoneros, ERP, Isabelita, la Triple A. Todo el tiempo surgían esas cosas en las entrevistas. Pero el tema es: no viene a cuento. Yo quería hablar de terrorismo de Estado y del plan sistemático de desaparición de las personas. Lo de los vuelos de la muerte fue un plan híper eficaz, si nos ponemos a pensar. Porque si aparecieron 70 cuerpos y solo de dos centros hubo dos vuelos semanales y uno semanal durante 6, 7 años, la cantidad de gente que tiraron son miles. Entonces fue eficaz como plan. Yo quería hablar de eso y me parecía que la sociedad se debía una discusión. Hablan del número, discutimos el número, pero nadie dice dónde están. Entonces, si me vas a rebatir los 30.000, decime cuántos fueron y dónde están, dónde los tiraron, dónde los enterraron.

— Pertenezco a la generación de Floreal Avellaneda. O sea, la generación de los hermanos menores de los desaparecidos, digamos. Son muy poquitos los desaparecidos de mi generación, Floreal Avellaneda es uno. Para cualquiera de nosotros siempre fue el: “pude ser yo”. La elección de su caso me imagino que tampoco es inocente, en el sentido de la idea de llegar a los chicos más jóvenes. Volvemos a la empatía.

— Al margen de que ya conocía la historia, hay algo cuando uno escucha el relato de Iris (N. de la R.: la madre del joven asesinado)... A Iris la íbamos a entrevistar y no pudimos, tuvo un tema de salud y no pudo venir y por eso la pusimos después por archivo. Pero hay algo de esa historia que tiene que ver con el límite. Aunque ya sabemos por Abuelas que no hay un límite: que robaron bebés que nacieron en cautiverio y que los daban a cualquiera, a militares, policías, enfermeros, médicos, sociedad civil que estaba apoyándolos. Pero ver el caso de un chico de 15 años, que a la madre la legalizan y la llevan a Devoto y él en cambio aparece totalmente destrozado,…

— Porque fue con saña.

— Ni siquiera militaba. Él era hijo de un sindicalista y no porque milite lo justifico, pero tenía 14 años. A mí me destrozó porque pensar que ese chico apareció en Uruguay, destrozado, y que por una nota en un diario en la que hablaban de un tatuaje la tía pida por exhorto a la Justicia de San Martín y le den las huellas, porque en plena dictadura sucede esto, no es que sucede en democracia, a mí me pareció el límite del horror. Porque ya sabemos lo de los bebés y que había algo de “son hijos de guerrilleros, hay que reformarlos”. Pero a un chico de 14 años, ¿cuál es tu límite? ¿Cuál es tu regodeo frente a esa tortura y frente a eso tan siniestro? Por eso también a mí me parecía importante, cuando hablábamos de los primeros casos de Uruguay, hablar de ese caso. Porque un chico, a la hora de verlo, puede entender que pudo haber sido él y eso lo vuelve mucho más horroroso.

— Antes hablabas y me decías que eras muy chico cuando fue el Juicio a las Juntas y mencionabas a Zoe Hochbaum, que desde los 15 años tenía la obsesión con el tema de los vuelos de la muerte. ¿Para vos el tema era relevante? ¿Era algo en lo que te habías detenido antes de que te convocaran?

— Mira, había leído el libro de Miriam. En algún momento me lo acercaron de la editorial para ver si yo quería hacer algo audiovisual. Me pareció algo buenísimo. Pero después de haber hecho la película de Estela yo también sentí la necesidad de correrme un poco de los derechos humanos porque no es fácil contar estas historias. Al margen del éxito, que es relativo, en una película hay algo anímico, uno pone mucho. Y después cuando vas, compartís las proyecciones, no dejás de hablar de la pérdida, del dolor, de la esperanza, también. Pero cuesta. En algún momento coqueteé con el libro que publicó mi viejo, La hermandad de los astronautas, pero después de 1985 tampoco tenía tanto sentido. Pero era un tema del que no sabía tanto, conocía la investigación de Miriam, pero no sabía la magnitud de lo que después fui descubriendo con lo de Scilingo.

— Por eso, no había sido algo que te resultara particularmente perturbador. Era una forma más de las torturas.

— Era una tortura más; no lo ubicaba en el peso de plan sistemático de exterminio porque descubrir que los vuelos fueron un plan sistemático para mí fue como: ah, no, bueno, hay que hablar de esto y solo de esto porque esto es un montón. Me parecía muy importante ver qué sabía la sociedad. Porque yo creo que, así como en algún momento la sociedad fue sabiendo lo que pasaba, hay otro momento en que la sociedad deja de apoyar a los militares y por eso después de la Guerra de Malvinas también caen. Hay otro momento en el cual la sociedad banca un juicio y después vienen los 90 y la sociedad parece que los sostiene. Pero después, frente a lo que uno va sabiendo, dejan de apoyar eso y viene un presidente que da vuelta las cosas y la sociedad sigue acompañando. Entonces me parece que había que mostrar cómo la sociedad, a medida que va sabiendo más, va apoyando lo que corresponde, que tiene que ver con entender que todos somos víctimas y que necesitamos memoria, verdad y justicia. Se vio en la última marcha. Miles, miles y miles.

— Y muy tranquila.

— Sí, hermosa.

— Fue, así, como un abrazo generalizado.

— Pero es que me parece que este tema necesita ese abrazo. Digo, las Abuelas, las Madres, más allá de los partidismos, que yo entiendo que hay gente que se va a sentir más cercana que otra en las ideologías, este tema necesita unión. Necesita que las Abuelas encuentren los 300 bebés robados. Las Madres necesitan ser reivindicadas. Porque yo siempre digo, uno puede tener muchas diferencias con Hebe (Bonafini) pero el laburo que hicieron las Madres, nacional, internacional, es enorme.

— Más allá de la complejidad de las personas.

— Era algo que también quería trabajar en el documental. Primero, no tener partidismos; que estén los presidentes al menos hasta la época de (Néstor) Kirchner, que es cuando se reabren los juicios, que aparezcan todos con sus bemoles. Y, después, los organismos. Me parecía que Norita (Cortiñas), que en ese momento estaba viva, tenía que estar y que también había que darle lugar a Hebe. Y por más que ya no estaba, hay un archivo hermoso. Fue una necesidad.

— En la película aparece en un lugar destacado Azucena Villaflor de De Vincenti.

— Sí, porque es el caso juzgado de la Iglesia de la Santa Cruz, que es el origen de Madres.

— Tampoco hay forma de saber cómo habría evolucionado el pensamiento, las ideas de tanta gente. Es un gran interrogante que no va a tener respuesta porque los asesinaron.

— Totalmente. Pienso también en (Esther) Ballestrino de Careaga, que habiendo encontrado a su hija igual siguió participando en Madres. Fue una de las fundadoras. Digo, esta cosa de aprender que la lucha es colectiva y que lo que le pasa al otro también me va a afectar a mí. Estamos en un país y en un mundo donde lo individualista está ganando mucho terreno. Entonces también desde el documental teníamos que hablar de lo colectivo. Más allá de las diferencias, había que unir fuerzas. A mí me destrozó Ana María (Careaga) contando que una vez que a ella la liberan y se exilia, su madre siguió y luego desapareció. Una madre que no pudo conocer a sus nietas. Me parece muy doloroso.

— Decías que pediste hacer las entrevistas. ¿Y qué querías que se destacara en cada testimonio? En el resultado final se ve una suerte de formato, una estética.

— Eso también fue surgiendo en la previa, que tenía que ver primero con la cantidad de cámaras. De qué manera las cámaras son medio testigos, porque ellos todos me miran a mí y hay tres cámaras que los van siguiendo. Y hay una en especial, que a mí me gustaba mucho, que está siempre a través de algo. Está a través de un vidrio roto, a través de una ventana de avión, a través de una reja. Y a mí me parecía que eso contaba también lo que ellos hablaban. Entonces, si yo lograba que esas entrevistas fueran humanas, más allá de los datos, de la experiencia de vida o de los periodistas investigadores que por ahí no lo vivieron pero lo pueden contar, si yo lograba que eso fuera humano, la cámara iba a poder captar eso como en una película. Y después hay algo de la estética, del color.

— O la luz.

— La luz. La manera en que eso está fotografiado. Todo está buscado, nada es casual. Lo mismo la música. La música tiene ecos, tiene ruidos. Tiene grilletes. Tiene lo que se escuchaba en esos lugares. El trabajo después de los efectos epeciales. Yo trabajo con unas fotos de la CONADEP del 84 que sacaron de la ESMA en donde los vuelvo a poner en la ESMA actual. Hay ahí un trabajo en donde recorto a las personas que iban mostrando lo que era la ESMA, los espacios, y pude filmar en la ESMA y pude trabajar estas dos capas, que para mí es el pasado en el presente. Hay cuerpos que aparecen y que son identificados ahora.

— ¿Qué te pasó cuando veías las imágenes y escuchabas los testimonios de Scilingo?

— Uf. Bueno, ese fue un tema que surgió al principio. Queríamos entrevistarlo, nos parecía interesante periodísticamente. Se lo llamó, se lo convocó. Se le explicó para qué lo queríamos. Él se negó. Él está preso con prisión domiciliaria en su casa en un pueblo cercano a Madrid, con una tobillera. Y él se negó, lo cual para mí fue de alguna manera un alivio porque teníamos ese archivo. Él lo había dicho ya todo en cámara. Y mi miedo era que ahora él se desdijera como persona mayor, como persona que ya está condenada.

— Era un riesgo.

— Era un riesgo porque en alguna nota él lo hizo desde la cárcel. Entonces me parecía que si saliste en Grondona, saliste en televisión española, saliste con Mirtha Legrand y dijiste todo lo que dijiste y te hiciste cargo de, creo que son 30 personas que él tiró, me parecía que eso había que mostrarlo. Y ahí es donde el archivo también cobra otro sentido. El archivo de los 90 para mí es esto, es un personaje y es mostrar cómo funcionaban los periodistas en esa época. Y de alguna manera eso vuelve ahora porque hay muchos periodistas que trabajan en esa misma línea ahora, en donde justifican cosas. Digo, el silencio que hay entre Scilingo y Grondona para decir por qué está diciendo todas estas cosas ahora y Grondona se queda callado, estás avalando también y estás diciendo que era una guerra cuando el Estado, teniendo todo el poder, nunca puede estar en guerra con una guerrilla de 2.000 personas a quienes podrías haber llevado a la Justicia. Entonces me parece que poder mostrar eso, poder mostrar la liviandad con la que se hablaba en esa época de los indultos o Menem mandando a la gente a confesarse en vez de a la Justicia. Más allá de que en esa época estaban los juicios de la verdad. No nos olvidemos de que hubo sentencias por el robo de bebés, un tema que no estaba juzgado en el Juicio a las Juntas, lo cual permite que después también se abran los demás juicios. Entonces me parecía que mostrar eso era muy importante y darle voz a Scilingo, con todas las diferencias que puedo tener, lo convertía en una persona de adentro que confesaba lo que había hecho, lo mismo que el sargento Ibáñez, que era un conductor de camión. Son personas que han tenido micrófono, pero que después la gente se olvida. Me parecía importante que quedara ese registro.

— Hablabas de entrevistas de tres horas. ¿Hubo alguna de las entrevistas que particularmente te haya resultado tan demoledora que necesitaste parar para no seguir escuchando?

— Mirá, en todas las entrevistas yo tenía que parar cada 15 o 20 minutos, por un tema de las tarjetas.

— Un tema técnico.

— Sí, un tema técnico de cámaras. Y eso a mí me ayudó mucho porque por ejemplo algunas entrevistas fueron muy dolorosas porque ellos se abrían y te contaban lo que habían sufrido. Ana María (Careaga) me contaba sus torturas. Cecilia De Vincenti me contaba lo que sabía que había vivido su madre. Y yo encima después en la película iba a recrear eso, con la responsabilidad que eso significa para después cuando ella lo ve. Y lo mismo con Pérez Esquivel. Todo el tiempo yo tenía que parar porque a mí me destrozaba, Yo no dejo de ser un hijo de la democracia y por más que uno tenga toda esa información, tengo la empatía la tengo. Escuchar a Miriam, más allá de que lo cuenta con esa distancia, a mí me daban ganas de abrazarla cada vez que hablaba. Y por eso también hoy por ahí me siento tan cercano a ella y me siento un amigo ahora. Pero en ese momento no nos conocíamos. Y todo el tiempo yo aprovechaba esos parates no solo para acercarme y ver cómo estaba la persona porque es su vida, es abrir un poco tu corazón. Lo notaba en el detrás de cámara. El silencio y el respeto que había. Pensá que era un equipo grande, porque tres cámaras son dos foquistas, dos o tres camarógrafos, eléctricos, sonidistas. Había un equipo grande. Y el silencio que había era muy contundente. Para mí lo que sucede atrás de cámara con el equipo es lo que le llega después a la gente.

— Recién mencionaste la fortuna de poder contar con recursos para filmar Traslados. Por un lado están los recursos que tienen que ver con la experiencia, por otro lado los recursos técnicos, pero también los recursos económicos. Pudiste hacer esta película porque se juntaron una cantidad de factores y de fondos que colaboraron para que esta película se hiciera del modo en que se hizo. Pero éste es un momento en el que se está discutiendo la falta de apoyo y estímulo por parte del Estado a las industrias culturales. Me gustaría que me dijeras qué pensás de eso, de la función del INCAA y del retiro del apoyo al fomento del cine.

— Estamos viviendo un momento terrible para la industria. Terrible para los compañeros que trabajan en esto. Y yo lo digo desde un lugar de privilegio porque tengo una carrera de 15 años y puedo ir manejándome y ahorrando a medida que voy haciendo cosas. Pero pienso en los técnicos, en los directores, las cabezas de equipo. Cada país tiene su cine, su historia, su identidad, y necesitamos de los recursos y los fondos que nos ayuden a realizar ese cine. Pensemos en Brasil, en Francia, donde la plata sale de la entrada de otras películas. Sale del 10% de las entradas de Spider-Man, de Batman. No es que sale de los impuestos de la gente. Eso es lo que la gente por ahí no ve. Y hoy siento que este gobierno tiene el lema de destruir nuestro cine. De destruir que se cuenten nuestras historias. Porque si hablamos de nosotros y hablamos de nuestro pasado, de los indígenas, de la dictadura, del 1900, no importa de qué época, estamos hablando de educación. Estamos hablando de cultura. Y a los gobiernos de derecha no les interesa eso. ¿Por qué? Porque no les conviene. Porque se dan cuenta de que en general son los mismos poderes económicos que están detrás de las personas que gobiernan y son los que deciden el futuro de todo el país. Pero la situación que se está viviendo es terrible. Lo que considera el INCAA hoy, que por ahí viene sacando algún fondo más en apoyo al cine, son números muy tristes. Ahora sacaron un concurso de seis ficciones que ganan 250.000 dólares. Con eso no pagás una semana de una película de ficción. Hoy una película de ficción debe estar saliendo 2 millones, 2 millones y medio de dólares. Y lo que también pasa es que más allá de que están las plataformas, en el caso de Traslados es una licencia, no es un original de la plataforma, y también pasa que por ahí las plataformas no se involucran demasiado en algunos temas. Un poco lo están haciendo: Netflix está filmando la historia de Azucena Villaflor. Que está buenísimo. O Amazon hizo 1985, que está buenísimo. Pero hay que hacer mucho más. Hay muchísimos directores. Y a mí lo que más me preocupa son los jóvenes, cómo van a pensar sus carreras. De qué va a vivir alguien que ahora está estudiando cine. Qué vas a hacer si el INCAA no te apoya. Tenés Mecenazgo en la Ciudad de Buenos Aires, que es un gran apoyo pero es chico también en términos de lo que necesita una película. Y terminas yendo afuera. Ahora estoy produciendo un documental, nos apoyan más afuera que acá. Los montos que consigo en fondos públicos de Alemania, de Francia, de España, son más grandes que los de Argentina. Y después nuestras películas recorren el mundo. Esta película, que no tuvo el apoyo del INCAA, ganó en un festival en Estados Unidos. Estuvo en San Sebastián. Estuvo en Cannes. Estuvo en Polonia. Está en la televisión en España. También tenemos que pensar en eso. Esta película hoy, que es impensado, está como número 1 de documentales en Amazon y hoy está en el Top 3 de películas, compitiendo contra los tanques americanos en Amazon Argentina. Y eso habla de que hay un interés. Entonces, qué bueno sería que las plataformas o que el Estado pongan plata porque eso genera más trabajo, genera más plata. Y genera educación. Conocer lo que nos pasó es poder vivir el presente. Esto que hablábamos antes, es un pasado que está vivo. Nuestro pasado con los indígenas también está vivo.

— Bueno, eso lo demuestra el interés por Nuestra tierra, la nueva película de Lucrecia Martel, ¿no?

— Bueno, por supuesto. Y es un documental que metió 20.000 personas en dos semanas. Me parece que necesitamos gente, interlocutores inteligentes que se den cuenta. Un gobierno liberal qué hace, proteccionismo. Y este hace todo lo opuesto frente a nuestra industria: la destrozó en estos dos años. Y yo sé que nos vamos a reconvertir. Lo hicimos en el 2001, lo hicimos en los 90. Va a costar un montón pero vamos a seguir. Somos resilientes. Hay que mirar a los países a los que les va bien con su cine como Brasil, que viene con dos películas nominadas al Oscar en los últimos años, Francia que el 80% de las películas que se ven en Francia son francesas. Le ganan a Spider-Man, le ganan a los tanques. Si ahí funcionan y generan plata y hacen que una economía crezca: cómo puede ser que acá hacemos lo contrario. Es desahuciante tener interlocutores que por ahí no analizan los números y los datos sin una mirada apartidaria. Porque para mí hay que sacar lo partidario en la educación, en la cultura. Si querés hablemos de Milei en un documental. No tengo problemas en que el INCAA financie un documental de Milei. Mientras que financie un documental de derechos humanos, de Lucrecia. Digo, tiene que ser justo en ese sentido. La batalla cultural es la ignorancia, es la estupidez. Es que son incultos a la hora de querer generar cultura. Es pobreza mental. Por eso digo, se va a terminar esto de alguna manera. Va a costar levantarnos pero a mí esto que está pasando con el documental, no por mí eh, y no por el documental en sí.

— Pero te genera entusiasmo.

— Más allá del orgullo de que le va bien, me genera mucha esperanza. Que me escriban chicos de 5to año, 4to año, que me hagan preguntas en Instagram porque están haciendo un trabajo de la Facultad o de colegio. Las invitaciones a colegios que estoy recibiendo para hablar con ellos. Me genera como una línea de esperanza en todo este lío que estamos viviendo en el mundo.

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FICHA TÉCNICA “TRASLADOS”

Director: Nicolas Gil Lavedra

Idea Original: Zoe Hochbaum

Guión: Gustavo Gersberg

Producción general: Zoe Hochbaum, Milagros Hadad

Producción Ejecutiva: Lucila Krämer

Producción ejecutiva: Diego Robino, Santiago López Rodríguez, Ramón Cardini

Investigación: Eduardo Anguita, Daniel Cecchini

Producción de archivo: Laura Mattarollo

Dirección segunda unidad: Martin Vilela

Director de fotografía: Paul Aenlle

Directora de arte: Paula Terra

Vestuario: Valentina Casales

Jefe de producción Natasha Gurfinkel, Claudia Gallo

Montaje: Santiago Parysow (SAE)

Sonido directo: Catriel Vildosola (ASA), Martin Porta (ASA)

Música original: Luciano Supervielle, Camila Rodriguez

Tema Musical “Los dinosaurios” Carlos Alberto García - Universal Music Publishing

S.A

Interpretación vocal: Vera Spinetta

Interpretación, Producción y Mastering: Pablo Bursztyn y Guido Moretti Bucello

Supervisor de efectos visuales & motion graphics: Alejandro Valente

Productor de post-producción: Iñaki Dubourg

Supervisión técnica: Iair Michel Attías

Coordinación de Post-Producción: Simón Arnautou

Entrevistados (por orden alfabético):

- Eduardo Anguita

- Martín Balza

- Félix Eduardo Bravo

- Ana María Careaga

- Gustavo Ezequiel Catulo

- Estela de Carlotto

- Nora Cortiñas

- Ricardo Gil Lavedra

- Nora Hochbaum

- Martín Gras

- María Laura Guembe

- Miriam Lewin

- Pablo Llonto

- Adolfo Pérez Esquivel

- Enrique Piñeyro

- Daniel Rafecas

- Maco Somigliana

- Pablo Verna

- Cecilia de Vincenti

El Consejo Presidencial para el Desarrollo de la Sociedad Civil y los Derechos Humanos (HRC) de Rusia solicitó a la organización de los Premios Óscar y a la UNESCO que investiguen el empleo de imágenes de menores en el documental 'Mr Nobody contra Putin', argumentando que no se obtuvo el consentimiento correspondiente para su inclusión. Este reclamo ocurrido tras la notable repercusión internacional del filme, se suma a la serie de acciones tomadas por las autoridades rusas contra uno de sus directores, el cineasta Pavel Talankin.

Según reportó el Ministerio de Justicia ruso, Talankin integró el listado oficial de "agentes extranjeros" el viernes, tras la acusación de colaborar en la creación de contenidos para entidades catalogadas como "agentes extranjeros y organizaciones indeseables". De acuerdo con el comunicado oficial citado por el medio de comunicación, el realizador "difundió información falsa sobre decisiones y políticas adoptadas" por el gobierno ruso y expresó públicamente su rechazo a la llamada "operación militar especial" en Ucrania, refiriéndose a la intervención militar ordenada por el presidente Vladimir Putin desde febrero de 2022.

La declaración de Talankin como "agente extranjero" ocurre después de que un tribunal de la región de Cheliábinsk vetara la distribución de 'Mr Nobody contra Putin' en territorio ruso a través de tres plataformas de streaming. Esta prohibición judicial se fundamentó en criterios de la Fiscalía rusa, que consideró que el documental manifestaba "una actitud negativa hacia la operación militar especial" y hacia el gobierno de Rusia. Según consignó el comunicado ministerial, estas acciones de censura representaron una escalada en las medidas de control sobre la difusión de contenidos críticos desde el Kremlin.

Talankin, originario de Karabaz en la región de Cheliábinsk y docente retirado, partió de Rusia en 2024, trasladando consigo los registros audiovisuales empleados más tarde en la película. El documental, codirigido junto al estadounidense David Borenstein, tiene como uno de sus puntos centrales la exhibición de materiales de propaganda en centros escolares rusos, tomados tras el inicio de la invasión sobre Ucrania. El filme debutó internacionalmente en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2025 y logró respaldo en la crítica especializada.

Según detalló el Ministerio de Justicia ruso, además de la acusación de colaboración con entidades consideradas hostiles por el Estado, los cargos contra Talankin incluyen la propagación de información evaluada como falsa sobre las políticas oficiales. Tal como reportó la agencia, se especifica que estas denuncias se suman a los argumentos presentados para impedir la visualización del documental en plataformas digitales nacionales.

La repercusión de 'Mr Nobody contra Putin' ha tenido alcance global. En 2026, el largometraje obtuvo el Óscar a "mejor largometraje documental", reconociendo el trabajo conjunto de Talankin y Borenstein. De acuerdo con la información publicada en el comunicado, la producción también resultó vencedora en los BAFTA, donde fue reconocida como "mejor documental" durante el mismo año. Estos galardones contribuyeron a aumentar la visibilidad internacional del filme y de sus directores.

En paralelo a los reconocimientos, la censura aplicada por el tribunal de Cheliábinsk ha implicado la retirada del documental del acceso público en grandes plataformas digitales dentro de Rusia. Las acusaciones centrales provienen de la Fiscalía, según la cual la obra promueve una visión negativa de la incursión militar y las autoridades vigentes en el país. Según indicó el Ministerio de Justicia, la designación de Talankin como "agente extranjero" también se inscribe en el marco de la legislación adoptada en los últimos años, la cual amplió el margen para catalogar como hostil a toda persona u organización que reciba financiamiento externo o desarrolle mensajes críticos hacia las políticas oficiales.

La controversia sobre la protección de menores en el documental se suma a las objeciones legales. De acuerdo con el HRC y con información publicada por las autoridades rusas, se solicitó formalmente a las instancias internacionales una revisión del procedimiento de filmación y el empleo de imágenes de estudiantes en contextos escolares.

El caso de Talankin refleja la aplicación de las restricciones estatales a la producción y circulación de obras audiovisuales consideradas contrarias al discurso oficial. Las acciones legales y administrativas coinciden con la intensificación de la censura desde el inicio de la ofensiva en Ucrania. Diversos organismos rusos, citados por medios oficiales, han reiterado la posición según la cual la difusión de contenidos críticos constituye un atentado contra los intereses nacionales y amerita sanciones tanto legales como institucionales.

Desde la inclusión de Talankin en el listado de "agentes extranjeros", toda producción vinculada a su labor queda sujeta a regulaciones restrictivas adicionales y a la advertencia explícita de las autoridades rusas sobre su carácter considerado hostil. Según informó el Ministerio de Justicia, en el contexto actual resulta central para la administración mantener el control sobre los canales de distribución de contenidos que puedan alimentar la disidencia frente a la intervención en Ucrania.

Tras la fuga de Pablo Escobar de La Catedral, el cartel de Cali se unió con los hermanos Castaño y otros capos para conformar Los Pepes, que tenían como objetivo dar de baja al máximo cabecilla del cartel de Medellín.

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El 2 de diciembre de 1993, Escobar murió en el tejado de una vivienda del barrio Los Olivos, en Medellín. Sobre su deceso hay diferentes historias, puesto que las autoridades se atribuyen el hecho, lo mismo que Los Pepes, mientras que los familiares del antioqueño aseguran que se suicidó.

Sin certezas sobre lo registrado en esa jornada, una de las claridades del caso es que el cartel de Cali y los demás enemigos de Pablo Escobar lograron interceptar las comunicaciones del mafioso, algo sobre lo que no se ha revelado mucho hasta el momento.

Heredero del cartel de Cali anunció un documental sobre la casería contra Pablo Escobar

En su cuenta de Instagram, Fernando Mondragón, hijo de Gilberto Rodríguez Orejuela, fundador del cartel de Cali que falleció en una prisión de Estados Unidos en 2022, decidió hablar sobre qué pasó con las grabaciones que su familia tenía sobre Pablo Escobar.

Mondragón indicó que todo el material está en poder de sus primos, hijos de Miguel Rodríguez Orejuela, preso en Norteamérica, y anticipó que están realizando un documental al respecto.

“Lo tenía el cartel de Cali porque él también mandaba VHS y filmaciones. Todo este material está en poder de los hijos de mi tío Miguel. Ellos sacarán un documental que se hará y se llamará Los caballeros de Cali; allí se narrará todo lo que pasó durante la persecución del cartel de Cali contra Pablo Escobar”.

En la publicación, el hijo del “Ajedrecista” mencionó otros aspectos del material interceptado de Pablo Escobar, asegurando que la organización criminal fue clave para identificar la ubicación del capo antioqueño y no las autoridades.

“La caída de Pablo Escobar no fue solo el resultado de una ofensiva militar; fue, ante todo, una victoria de la inteligencia técnica. Durante años, el cartel de Cali operó la red de interceptación y espionaje más avanzada de la época, logrando capturar cada movimiento del cartel de Medellín. Esta superioridad tecnológica permitió a “La Corporación” anticipar atentados y rastrear los hilos de poder que sostenían a Escobar cuando las autoridades oficiales aún estaban a ciegas”.

Fernando Mondragón afirmó que las grabaciones que tienen sus primos serán el tema principal del largometraje, del que entregó pocos detalles.

“Este invaluable acervo histórico, compuesto por miles de cassettes, cintas VHS y grabaciones Beta, contiene las comunicaciones reales de Escobar y la bitácora de su declive. Actualmente, este material estratégico permanece bajo custodia de los hijos de mi tío, Miguel Rodríguez Orejuela, y será el eje central del documental”.

Por último, Mondragón mencionó las producciones que se han hecho sobre la vida de Pablo Escobar, asegurando que las grabaciones que tiene su familia van a desmentir todo lo que se ha afirmado sobre la muerte del capo del cartel de Medellín y la verdadera participación que tuvieron Los Pepes en este hecho.

“En esta producción, se desclasificará por primera vez el registro forense de la persecución y los audios originales que desmantelan las versiones distorsionadas de la televisión”.