Uno de los grupos más famosos de Marvel volvió con su clásica serie animada que tanto reconocimiento le dio a una generación de chicos en los ‘90. Ahora, con una segunda temporada mucho más abarcativa y enfocada en profundizar las bases realizadas de la primera, dando pie a una serie mucho más moderna que lo que habíamos visto previamente.

En la temporada anterior, el estilo visual parecía una evolución directa de la serie animada de los ‘90, casi una remasterización con estilo y narrativamente continuaba exactamente en el punto en el que quedó aquella quinta temporada. Había muchos objetivos por resolver porque tenían que volver a presentar estos personajes a una nueva audiencia mientras se remitían a una serie que había salido hace casi 30 años, y a su vez, continuar una historia que había quedado trunca en esas últimas temporadas donde el estudio de animación había cambiado.

Tras el final de la temporada anterior, nuestros héroes se encuentran diezmados y divididos en varias líneas temporales. Algunos en el pasado, otros en el presente y la última tanda en el futuro. Y todos ellos tienen algo en común: fueron transportados a momentos trascendentales de la vida de Apocalipsis, uno de los más grandes villanos que tiene este supergrupo.

Después de la buena y fuerte introducción de Siniestro para la primera temporada, el paso hacia Apocalipsis parecía lógico. Este villano se hizo sumamente popular por esta serie, pero tuvo la particularidad, por el tono de la época, de no haber sido desarrollado narrativamente y de terminar siendo el clásico villano sin mucho más que la intención de destruir el mundo.

En este caso, la acción de los episodios se centra justamente en todos los matices que genera Apocalipsis. Como mutante, como esclavo, como dominador, como amenaza de los X-Men. En cada momento de la línea del tiempo hay una versión diferente a la que enfrentar y todas intentan abarcar la misma pregunta: ¿el mal existe indiferentemente de los sucesos, o un cambio podría solucionar el futuro?

Es interesante cómo estos episodios plantean el conflicto moral porque no sólo lo hacen alrededor de Apocalipsis, sino que plantean la construcción narrativa alrededor de ciertas estructuras para jugar con la dualidad de los personajes. La relación entre Cable y sus padres (Jean Gray y Cíclope), el duelo de Rogue por la muerte de Gambito o la eterna disputa entre los dos puntos de vista sobre los humanos: el de Magneto y el del Profesor X.

A su vez, a un elenco que ya de por sí es numeroso, se le suman en este caso varios personajes que no habían formado parte de la primera temporada y que prometen tener minutos en pantalla. Algunos de ellos no tan conocidos, y otros, como Psylocke, de los que más se extrañaba en la temporada anterior.

A su vez, a nivel audiovisual esta temporada también trae algo fresco ya que apunta a un estilo mucho más tridimensional que la entrega anterior. En mi caso, creo que está bien aplicado y no se aleja tanto de la animación clásica que ofrecía esta producción pero entiendo que a muchas personas le pueda parecer chocante ya que hay momentos que apelan mucho a este recurso.

Algo que me gustó de esta primera mitad de temporada es que se animan rápidamente a jugar con un recurso que fue el clímax de la temporada anterior. Es decir, el techo que tuvimos es ahora el piso donde se cimientan los acontecimientos. Y eso genera, en este caso, la posibilidad de que cualquier cosa suceda en cualquier momento. Le da una libertad creativa muy grande a una serie que lo necesita para poder renovarse continuamente.

X-Men ‘97 sigue demostrando por qué es una de las producciones de mayor calidad de Marvel en los últimos años y también anticipa un futuro donde veremos a estos personajes ser explotados en películas y series a mansalva. La sobrepoblación de superhéroes genera que haya que retomar impulso desde otro lado y los mutantes parecen la oportunidad perfecta.

Aún falta la segunda mitad de la temporada y, si bien hay rumores de que continuará, por el momento tenemos confirmado que X-Men ‘97 seguirá hasta su tercer año, posiblemente en 2027. El camino de los mutantes en Disney+ tiene un largo tramo por delante mientras intentan descubrir cómo enfrentarse al apocalipsis.

Nota anterior:

- Retrocultura Activa | Men in Black: The Series - Alienígenas, rayos neuralizadores y hasta un perro que habla

Gárgolas: héroes góticos entre las sombras de Nueva York

Bienvenidos, queridos lectores de Malditos Nerds, a una nueva entrega de Retrocultura Activa, la columna donde desempolvamos esas joyas de la cultura pop que marcaron la infancia y adolescencia de muchos. Hoy trepamos hasta lo más alto de los rascacielos neoyorquinos para recordar una serie que, aunque hecha de piedra, dejó una huella imborrable en nuestros corazones: Gárgolas: Héroes Góticos.

Un despertar en la televisión

Corría el año 1994 y Disney, en un arranque de osadía poco habitual, decidió salirse del molde con una propuesta que rompía con sus tradicionales historias coloridas y felices. Así nació Gargoyles, una serie animada que nos presentó a un grupo de criaturas de piedra que, lejos de ser simples adornos arquitectónicos, cobraban vida al caer la noche para proteger a los inocentes. La serie se emitió desde el 24 de octubre de 1994 hasta el 15 de febrero de 1997, acumulando un total de 78 episodios repartidos en tres temporadas.

A primera vista, Gárgolas parecía una respuesta oscura a los dibujos animados de superhéroes que dominaban la televisión de la época, pero en realidad, iba mucho más allá. Tenía una narrativa compleja, con personajes bien desarrollados y conflictos que abordaban desde la tragedia hasta el honor y la redención.

La trama gira en torno a Goliath y su clan, gárgolas que, tras ser traicionadas en la Escocia medieval, son petrificadas por un hechizo hasta que, mil años después, despiertan en un moderno Nueva York. Ahí, deben adaptarse a una sociedad que los teme y los rechaza, mientras luchan contra amenazas tanto humanas como sobrenaturales. Goliath, el líder del clan, es un personaje digno de tragedia griega: fuerte, noble y atormentado por la traición de quienes alguna vez protegió. Su relación con Elisa Maza, una detective neoyorquina que se convierte en su aliada y confidente, está cargada de tensión emocional y es uno de los pilares de la serie. Elisa, a su vez, no es la típica “damisela en apuros”, sino una mujer fuerte e independiente que actúa como el puente entre las gárgolas y el mundo humano.

Pero si hay un personaje que roba escenas es David Xanatos, un villano que redefinió el concepto de antagonista en los dibujos animados. Xanatos no era un malvado tradicional de “risa maléfica y planes fallidos”, sino un estratega frío, calculador y siempre un paso adelante. Su “Gambito Xanatos”, un plan en el que todas las posibilidades lo benefician, se convirtió en un recurso narrativo tan efectivo que incluso hoy es estudiado en teoría de la ficción.

Otro de los aspectos más destacados de la serie es su elenco de voces en la versión original, compuesto en gran medida por actores de Star Trek. Jonathan Frakes (William Riker) dio vida a David Xanatos, Marina Sirtis (Deanna Troi) interpretó a Demona y Brent Spiner (Data) prestó su voz al Puck. Esta curiosa coincidencia añadió una capa adicional de disfrute para los fans de ambas franquicias.

Hablando de Demona, ella es, sin duda, una de las villanas más trágicas y complejas de la televisión animada. Alguna vez pareja de Goliath, su odio hacia los humanos y su lucha interna entre el amor y la venganza la convierten en un personaje fascinante. No es una simple “villana malvada” ya que su dolor es real, su rabia es entendible y su tragedia, desgarradora.

Este nivel de profundidad en los personajes es lo que hizo que Gárgolas destacara entre otras series animadas de la época. No eran simplemente héroes o villanos unidimensionales, sino figuras con pasados complejos, motivaciones bien desarrolladas y conflictos internos que los volvían más humanos que muchos personajes de carne y hueso. La serie no se conformaba con enfrentamientos de “buenos contra malos”, ya que exploraba el peso de las decisiones, las heridas del pasado y la dificultad de encontrar un propósito en un mundo hostil. Gárgolas nos recordaba que la tragedia y la esperanza pueden coexistir, y que incluso aquellos hechos de piedra podían tener un corazón vulnerable.

Una serie con referencias literarias

Uno de los puntos más interesantes de Gárgolas es cómo integraba referencias a la literatura y la historia. Se inspiraba en mitos artúricos, literatura clásica y hasta en Shakespeare, con personajes como Macbeth y el propio Puck, extraídos directamente de sus obras. El enfrentamiento entre Macbeth y Demona, por ejemplo, no era solo una lucha física, sino un verdadero drama shakespeareano en su máxima expresión. Además, la serie trataba temas profundos como la identidad, el destino y la naturaleza del bien y el mal. Gárgolas no subestimaba a su público y confiaba en que los niños podían seguir una historia compleja sin necesidad de explicaciones simplistas.

A pesar de su calidad, la serie enfrentó dificultades que llevaron a su cancelación. Greg Weisman ha señalado que eventos externos, como el mediático juicio de O.J. Simpson, desviaron la atención del público y afectaron la audiencia de la serie. Además, la competencia con otras producciones, como los Mighty Morphin Power Rangers, complicó aún más su permanencia en pantalla.

Sin embargo, Gárgolas no fue olvidada. Ha mantenido una base de fans apasionados que han clamado por su regreso. En 2022, Dynamite Entertainment anunció una nueva serie de cómics basada en la serie original, con Greg Weisman retomando las riendas de la historia. Este nuevo cómic no es el primero en continuar la historia, ya que en 2006 la editorial SLG publicó una serie escrita por Weisman que sirvió como la “tercera temporada oficial” de la serie animada. Sin embargo, su publicación se vio afectada por problemas editoriales y finalizó tras solo 12 números. La nueva serie de Dynamite representa una nueva oportunidad para expandir el universo de Gárgolas con una narrativa fresca pero fiel a la esencia original.

Gárgolas: Héroes Góticos no fue una simple serie animada; fue una propuesta audaz que desafío las convenciones de las producciones infantiles de los años noventa. Con una narrativa compleja, personajes bien desarrollados y una atmósfera única, se ganó un lugar especial en el corazón de quienes tuvimos el placer de verla. Hoy, casi tres décadas después, su legado perdura, recordándonos que, aunque hechas de piedra, estas gárgolas tienen un alma que sigue viva en nuestra nostalgia.

Así que, queridos lectores, si alguna vez sienten la necesidad de revivir aquellos tiempos en los que la televisión nos ofrecía historias profundas y personajes memorables, no duden en buscar Gárgolas.

Josh D’Amaro, director ejecutivo de Disney, reconoció durante la presentación más reciente de resultados financieros que The Mandalorian and Grogu y la versión de acción real de Moana rindieron por debajo de las expectativas en los cines durante 2026. El ejecutivo rechazó tratarlas como fracasos absolutos: aseguró que ambas producciones impulsaron el merchandising, los parques temáticos, los videojuegos y el streaming.

Dos resultados por debajo de lo esperado

Las cifras explican la admisión de D’Amaro. The Mandalorian and Grogu recaudó alrededor de 345 millones de dólares en taquilla. Aunque se trata de una suma considerable, quedó lejos del rendimiento de anteriores películas de Star Wars y fue señalada como el largometraje de acción real menos taquillero de la franquicia.

La película trasladó al cine la historia iniciada en la serie de Disney+, con el mandaloriano Din Djarin y Grogu como protagonistas. Su vínculo directo con una producción televisiva exitosa no fue suficiente para alcanzar las previsiones que Disney había establecido para su estreno en salas.

El caso de Moana presenta una diferencia más estrecha entre recaudación y costo de producción. El remake obtuvo unos 262 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto cercano a los 250 millones. Esa comparación no incluye la inversión en publicidad y distribución, por lo que igualar el presupuesto con la venta de entradas no implica recuperar todos los costos.

Las estimaciones citadas ubican las pérdidas netas de Moana entre 100 y 125 millones de dólares. La cifra convierte al remake en uno de los tropiezos más costosos del año para Disney, especialmente frente al buen desempeño atribuido a otros estrenos como Toy Story 5 y Spider-Man: Un nuevo día.

D’Amaro resumió la situación con una admisión directa recogida por Variety: “Incluso cuando nuestras películas de franquicia no cumplen con nuestras expectativas de taquilla, como ocurrió con The Mandalorian and Grogu y la versión de acción real de Moana, nuestras inversiones en estas propiedades clave impulsan otras áreas de Disney”.

Star Wars encontró ingresos fuera de las salas

Disney sostiene que el desempeño comercial de una producción no termina cuando deja la cartelera. En el caso de The Mandalorian and Grogu, D’Amaro afirmó que el estreno produjo un crecimiento sólido en las ventas minoristas vinculadas con Star Wars. Grogu, el personaje conocido popularmente como Baby Yoda, continúa siendo una pieza importante del catálogo de productos derivados.

El ejecutivo también relacionó la película con una mayor asistencia a la atracción renovada del Halcón Milenario, disponible en Disneyland y Walt Disney World. Disney utiliza sus estrenos para dirigir público hacia sus parques, donde una franquicia puede generar ingresos mediante entradas, hoteles, alimentos y productos. D’Amaro no informó cuánto dinero produjo ese movimiento ni si fue suficiente para compensar el resultado cinematográfico.

La película también habría generado una participación relevante en videojuegos relacionados con Star Wars. El reporte no identifica títulos concretos ni ofrece cifras de jugadores o ventas, pero incluye esa actividad entre los beneficios derivados del estreno.

Este argumento permite a Disney separar dos mediciones. La primera corresponde al balance específico de la película en cines, donde The Mandalorian and Grogu quedó bajo lo esperado. La segunda reúne los ingresos y la actividad producidos en divisiones conectadas con la misma propiedad, desde artículos de consumo hasta visitas a parques y participación en juegos.

Vaiana tendrá una segunda prueba en Disney+

Disney espera que Moana encuentre una audiencia mayor cuando llegue a Disney+. La previsión se apoya en el rendimiento de la película animada original, descrita por D’Amaro como uno de los títulos más vistos de la historia del streaming.

El paso a Disney+ puede aumentar las reproducciones y ayudar a retener suscriptores, aunque Disney no comunicó una fecha de estreno en la plataforma ni una estimación económica. Tampoco indicó cuántas visualizaciones necesitaría el remake para compensar las pérdidas asociadas con su recorrido en salas.

“Estas inversiones en franquicias contribuyeron a la creación de valor más allá de sus estrenos en cines”, explicó D’Amaro ante los inversores. La declaración reconoce la brecha entre las expectativas y la recaudación, pero desplaza parte de la evaluación hacia áreas cuyos resultados no fueron detallados públicamente.

Ese criterio no modifica las cifras de taquilla: Moana quedó expuesta a una pérdida estimada de hasta 125 millones de dólares y The Mandalorian and Grogu terminó por debajo de anteriores películas de Star Wars. La previsión comunicada por Disney es que Moana se convierta en un título fuerte de Disney+ después de su paso por los cines.

Disney ha presentado su plan para transformar Disney+ en una “super app” que reunirá streaming, videojuegos, compras y funciones potenciadas por inteligencia artificial (IA), en un movimiento estratégico que busca fortalecer la relación con los fans y diversificar su ecosistema digital.

El anuncio, realizado por el CEO Josh D’Amaro tras un trimestre de sólidos resultados financieros, marca un giro en la estrategia tecnológica de la compañía y anticipa una evolución significativa en la forma en que los usuarios interactúan con sus contenidos y servicios.

La propuesta de una aplicación integral importa hoy porque redefine la experiencia del usuario en el sector del entretenimiento digital. En un mercado saturado de plataformas y opciones, Disney busca diferenciarse conectando películas, series, juegos, productos y experiencias exclusivas en un único entorno digital, con personalización avanzada y beneficios ampliados para suscriptores.

Una nueva era para Disney+: la visión de la “super app”

La próxima versión de Disney+ irá mucho más allá de las películas y series. Según el plan anunciado, la plataforma integrará videojuegos, acceso a productos y servicios exclusivos, y características de compra directa, todo bajo un mismo techo digital.

El objetivo es profundizar el compromiso del público, reducir la tasa de cancelación de suscripciones y aumentar el valor vitalicio de cada fan. Se espera que los primeros elementos de este ecosistema ampliado comiencen a implementarse en la primavera de 2027.

IA y creatividad: la apuesta tecnológica de Disney

La inteligencia artificial jugará un papel central en la nueva estrategia. D’Amaro subraya que la IA no solo se utilizará para optimizar procesos, sino para potenciar la creatividad y proporcionar herramientas innovadoras a los narradores y creadores de contenido de la compañía.

El enfoque apuesta por mantener el proceso creativo “centrado en las personas, dirigido por artistas y guiado por creadores”, aprovechando la IA como un complemento, no un reemplazo.

Integración con videojuegos y comercio digital

La integración de videojuegos en la plataforma permitirá a los usuarios acceder a experiencias interactivas conectadas con las franquicias más populares de Disney. Además, la app facilitará la compra de productos oficiales y acceso a beneficios exclusivos, creando un entorno donde el entretenimiento y el comercio se fusionan de manera fluida.

En línea con esta evolución, Disney ha firmado un acuerdo con TikTok para que contenido generado por usuarios seleccionados se integre en Disney+, ampliando la variedad de experiencias y la interacción entre la comunidad y las marcas del grupo. Esta alianza refuerza el posicionamiento de Disney como referente en la convergencia de entretenimiento, redes sociales y nuevas tecnologías.

Resultados financieros y contexto de mercado

El anuncio se produce tras un crecimiento del 7% en ingresos y un incremento del 28% en las ganancias ajustadas por acción diluida durante el trimestre de junio. El segmento de streaming duplicó su ingreso operativo, alcanzando los 712 millones de dólares, mientras las áreas de experiencias y parques reportaron un alza del 20%.

Estos datos, junto con la expansión de la integración entre Disney+ y Hulu, demuestran la solidez del modelo “One Disney”, que busca captar todo el valor del portafolio para fans y accionistas.

La estrategia de “super app” se apoya en la coordinación entre franquicias, datos y tecnología para construir una experiencia conectada que trascienda formatos y geografías. El modelo prioriza la interacción directa con los fans y la personalización, aprovechando la profundidad de las historias y marcas para impulsar la lealtad y el crecimiento.

La apuesta de Disney por la convergencia de creatividad y tecnología no solo busca liderar el mercado del entretenimiento digital, sino definir los estándares de la próxima generación de experiencias para el usuario. El compromiso con la IA, los videojuegos y el comercio electrónico anticipa un futuro en el que la narrativa, la interacción y la personalización se integran en una sola plataforma.

Disney y TikTok anunciaron un acuerdo para que creadores de contenido puedan acceder a escenas y momentos de títulos de Pixar, Marvel, Star Wars, FX, entre otros y usarlos para producir videos cortos.

Esos clips se publicarán en dicha red social y también estarán disponibles en Verts, la sección de videos verticales dentro de la aplicación de Disney+.

Los creadores, por ejemplo, podrán hacer un video con un fragmento de la película Star Wars: El ataque de los clones o Intensamente y sumarle algún comentario, reacción, explicación o edición.

Según el anuncio, los videos serán de creadores que opten por participar en el programa piloto que se desplegará en Estados Unidos en los próximos meses. Disney señaló que su intención es extender este programa a otros mercados más adelante.

“A través del Programa de Embajadores Creadores de Disney, gestionado conjuntamente, Disney y TikTok permitirán a los creadores más destacados acceder a recompensas especiales, mayor visibilidad, acceso a eventos exclusivos y oportunidades de desarrollo profesional”, explicó la compañía de entretenimiento.

Disney no ha especificado el proceso mediante el cual los creadores pueden acceder a este contenido licenciado.

Según un estudio citado por Disney, casi la mitad de los espectadores afirmaron haber visto una película o serie en un servicio de streaming o en televisión después de descubrir contenido de entretenimiento en la red social mencionada.

Además, los fans compartieron un promedio de 6,5 millones de publicaciones relacionadas con el cine y la televisión cada día el año pasado.

“Esta colaboración crea un nuevo vínculo entre las historias que contamos y la creatividad que inspiran, brindando a los creadores un mayor espacio para compartir sus obras y al público más contenido por descubrir en Disney+ cada día”, firmó Asad Ayaz, director de marketing y marca de The Walt Disney Company.

Dónde se verán los videos

El contenido de formato vertical estará disponible en TikTok y, en paralelo, en Verts dentro de Disney+, como una colección curada de videos centrados en el universo Disney.

La idea es que ese espacio se actualice de manera regular para acompañar conversaciones de fans y fomentar el descubrimiento de historias dentro de la plataforma.

Cómo funciona Verts de Disney+

Verts es una función de Disney+ pensada para el consumo en celular: un feed de video vertical que permite descubrir escenas y momentos de películas y series disponibles en la plataforma.

Para entrar, el usuario toca el ícono de Verts en la barra de navegación de la app móvil y accede a una secuencia de clips que se recorren con el gesto de deslizar.

La mecánica busca que el descubrimiento sea rápido y directo. Mientras mira un clip, el suscriptor puede sumar ese título a su Watchlist o saltar de inmediato a la reproducción completa dentro de Disney+.

Disney plantea a Verts como una primera etapa para incorporar video vertical a la experiencia de streaming y como una herramienta para ayudar a elegir “qué ver” desde el inicio de la navegación.

Por ahora, el lanzamiento mencionado es para suscriptores en Estados Unidos y dentro de la aplicación móvil.

HBO Max agrega videos verticales

HBO Max también había anunciado recientemente que sumaría a su app móvil una sección de videos verticales pensada para facilitar la elección de un título. El ingreso se hace desde un ícono llamado “Shorts”, ubicado en el menú de navegación inferior.

En ese espacio, los suscriptores pueden desplazarse por tráilers, fragmentos y contenidos extra. Si algo les llama la atención, tienen la opción de empezar a verlo en el momento o agregarlo a “My List” sin abandonar el feed.

Además, la selección de videos se adapta a cada perfil en función de sus preferencias y su historial de reproducción.

Para cualquiera con un par de oídos, hace un par de veranos fue el llamado brat summer de Charli XCX, quien intenta ahora repetir el fenómeno con el lanzamiento de su último disco, Music, Fashion, Film. Para aquellos con un par de ojos y muchas ganas de leer, el verano anterior a aquel fue sin duda el Bret summer, pues aterrizó en librerías una novela de lo más adictiva a cargo de Bret Easton Ellis, autor de American Psycho o Menos que cero. Un viaje trepidante y obsesivo por la Los Ángeles de los años 80 que aún deja huellas a cualquiera que se zambulló en sus más de 600 páginas, y que ahora llega de nuevo con su primera adaptación a la pantalla, The Shards.

La serie llega este jueves a Disney+ después de encontrar en Ryan Murphy al máximo responsable de convertir esa interminable pero adictiva historia en una miniserie de ocho episodios. En un primer momento, la serie recayó sobre otros nombres como Luca Guadagnino, director de Call me by your name o Challengers, y más tarde surgió el de Kristoffer Borgli, quien finalmente se embarcó en El drama junto a Zendaya y Robert Pattinson. No obstante, Murphy ha trabajado con el propio Bret Easton Ellis para mantenerse lo más fiel posible al material original, con una factura visual que no difiere mucho de otras producciones de Murphy como las antologías de Monstruo o American Horror Story.

En la novela original, titulada en nuestro país Los destrozos -la serie ha decidido conservar el título original- se nos narra la historia de Bret (Igby Rigney), un joven de clase alta en la Los Ángeles de los años 80 que sueña con ser escritor y al que le rodean una serie de conflictos. El primero de ellos, el estar saliendo con una de las chicas más guapas del instituto, Debbie Schaffer (Hayes Warner), a pesar de que algo en su interior le dice que tiene otros gustos. El segundo, la llegada de un nuevo alumno, Robert Mallory (Homer Gere), con el que Bret empieza a obsesionarse fruto de esos deseos reprimidos. Y el tercero, una oleada de asesinatos a sangre fría que se producen por el barrio y que parecen seguir un común, lo que hace que a este sospechoso se le bautice como “El Arrastrero”. Mientras Bret busca desarrollar sus dotes como escritor, empezará a investigar poco a poco las escenas del crimen del Arrastrero al tiempo que conoce a Robert, del que sospecha podría estar detrás de todo.

Guapos, ricos y demasiado divertidos

Como en toda novela de Bret Easton Ellis -y casi que también en las series de Ryan Murphy-, los personajes de The Shards son extremadamente guapos y ricos, pero también tienen un punto de superficiales y cínicos, especialmente el propio Bret, quien no deja de ser una suerte de alter ego del propio autor. A pesar de que se había especulado mucho con la posibilidad de que grandes estrellas ocupasen los papeles del elenco protagonista, como Jacob Elordi en el papel de Robert Mallory, finalmente la serie de FX distribuida por Disney ha optado por un reparto semidesconocido en el que apenas destacan los secundarios, siendo los padres de Debbie (Evan Rachel Wood y Wes Bentley) los rostros más reconocibles.

“La Generación Z quiere nuevas estrellas, quiere caras nuevas”, contaba en una entrevista el productor de la serie Brad Simpson, y parece que se lo han tomado al pie de la letra, encontrando a sus protagonistas en los desconocidos Igby Rigney, Homer Gere -hijo de Richard Gere-, Graham Campbell o Hayes Warner, esta última además con faceta como cantante incluida. Quizá Kaia Gerber, en su condición de nepobaby como hija de Cindy Crawford sea la única asentada, después de aparecer en otra producción adolescente como era Bottoms de Emma Seligman junto a Rachel Sennott y Ayo Edebiri. Quién sabe si de aquí saldrán los próximos Jacob Elordi que tanto pedían.

La novela a la que (re)engancharse este verano

El estreno de The Shards, además en pleno verano para una historia que transcurre en buena medida durante esta estación, es una oportunidad única también para aprovechar y leer o redescubrir la novela de Easton Ellis, así como otras de su universo compartido como Glamourama o Las leyes de la atracción, que también tuvo una gran adaptación en su momento. Pero aviso a navegantes; una vez que empieces la novela, no podrás parar de leerla. No solo por el intrínseco misterio que arrastra a Bret y al propio espectador, sino por el estilo trepidante y adictivo que imprime Easton Ellis, siendo capaz de manejar a la perfección el thriller psicológico con el drama adolescente.

Una historia inmersiva y cargada de detalles que te sumergirán por completo en esa Los Ángeles de los 80, desde el primer capítulo con el estreno de El resplandor de Stanley Kubrick hasta una banda sonora de ensueño que transita entre U2, Duran Duran, Donna Summer, Dire Straits o Blondie. Solo queda ver si Ryan Murphy ha respetado, además de todo esto, el lujoso y elegante vestuario que llevan los jóvenes; entonces sí podremos hablar de que, con Charli XCX o con The Shards, este ha sido el verano de la música, la moda y el cine.

El reciente balance de Walt Disney World y los parques de Disney en Estados Unidos mostró una tendencia al alza en el tráfico de visitantes, con un crecimiento que desafió la desaceleración turística en Florida Central y la caída de público en Universal Orlando. En contraste, la empresa de Comcast enfrentó una merma en la asistencia.

En el tercer trimestre fiscal de 2026, Disney informó un aumento del 3% en la asistencia a sus parques domésticos, acompañado de un crecimiento del 4% en el gasto por visitante.

El avance se reflejó especialmente en Walt Disney World, que atrajo tanto a turistas nacionales como a titulares de pases anuales y mostró un repunte a partir de promociones focalizadas y la renovación de atracciones.

La empresa atribuyó estos resultados a inversiones constantes, campañas de marketing dirigidas y una experiencia diferencial para el público.

Pese a la incertidumbre macroeconómica y la baja del turismo internacional hacia Estados Unidos, la división de experiencias de Disney marcó un récord con ingresos de casi USD 10.000 millones en el trimestre.

Además, los ingresos operativos superaron los USD 3.000 millones, un alza del 20% frente al año anterior. Según el Consejo Mundial de Viajes y Turismo, el país fue el único gran destino global con caída de visitantes extranjeros.

Universal Orlando y SeaWorld mostraron caídas en la asistencia

Mientras Disney consolidó su liderazgo, Universal Orlando informó una disminución en la asistencia en junio. Comcast, la empresa matriz, atribuyó el descenso al aumento del precio del combustible y a una menor confianza del consumidor.

Michael Cavanagh, codirector ejecutivo, aseguró que la caída sería transitoria y expresó confianza en recuperar el flujo de visitantes cuando mejoren las condiciones económicas.

El contraste se acentuó frente a otros operadores del sector. United Parks & Resorts, matriz de SeaWorld Orlando, reportó una baja del 2,9% en la asistencia trimestral y una leve disminución de los ingresos.

Además, la recaudación de impuestos turísticos en el condado de Orange cayó en junio, con lo que se cortó una racha de 14 meses de crecimiento continuo.

En el caso de Universal, la apertura de Epic Universe, su nuevo parque de varios miles de millones de dólares, logró una respuesta positiva del público, aunque el resto de la división experimentó una caída del 5% en la ganancia trimestral.

Estrategias de Disney: promociones, nuevas atracciones y expansión de cruceros

El crecimiento de Disney se apoyó en acciones específicas. Durante el verano, la empresa desplegó promociones como Cool Kids Summer, con descuentos en entradas y hoteles, fiestas temáticas y beneficios adicionales para huéspedes de sus hoteles, como acceso gratuito a parques acuáticos.

La compañía subrayó que estas ofertas no debían interpretarse como una señal de debilidad, sino como tácticas regulares para estimular segmentos concretos del mercado y generar valor incremental.

El regreso de atracciones como Buzz Lightyear’s Space Ranger Spin, Big Thunder Mountain Railroad y la reapertura de la montaña rusa Rock ‘n’ Roller Coaster con temática de los Muppets fortaleció el atractivo de los parques.

Según Gavin Doyle, fundador de MickeyVisit.com, Disney activó a su base de seguidores y creó urgencia para visitar los parques con una combinación de marketing y novedades.

La expansión se extendió también al negocio de cruceros. Con la incorporación de los barcos Disney Destiny y Disney Adventure, la capacidad de camarotes aumentó un 50%, lo que impulsó un crecimiento del 17% en los ingresos por resorts y vacaciones, que alcanzaron USD 2.770 millones en el período.

Nuevas inversiones y perspectivas para los próximos meses

Disney anunció nuevas áreas temáticas para sus parques en Florida. En Magic Kingdom, se construirán zonas dedicadas a villanos y al universo de Cars.

En Disney’s Hollywood Studios, avanza una ampliación sobre Monsters, Inc., mientras que en Animal Kingdom, la transformación de DinoLand USA dará paso a Tropical Americas, con atracciones inspiradas en Encanto e Indiana Jones.

El director ejecutivo de Disney Parks, Experiences and Products, Josh D’Amaro, afirmó ante inversores que la empresa estaba rindiendo “significativamente mejor que nuestra competencia” y destacó que estos logros se obtuvieron en un contexto de fuerte incertidumbre económica.

Hugh Johnston, director financiero, subrayó que el crecimiento fue impulsado casi exclusivamente por “acciones orgánicas, inversiones y ejecución de marketing”.

La película que Fox consideró demasiado aterradora

Carter concibió la segunda película de Los expedientes secretos X como una historia de terror más gráfica, con elementos inspirados en La cosa, el clásico dirigido por John Carpenter en 1982. Fox consideró que ese tratamiento podía impedir la clasificación PG-13, por lo que pidió reducir las escenas sangrientas y suavizar el montaje destinado a los cines.

El creador explicó que los directivos le hicieron saber que la película era “demasiado aterradora”. Según Carter, el objetivo de esta edición no es publicar un corte alternativo por rutina, sino llevar a la pantalla material y decisiones que estaban presentes en el guion original.

El subtítulo Vrach Frankenshteyn significa Doctor Frankenstein en ruso y remite a la idea que guio la producción. Carter describió el proyecto como una película sobre un Frankenstein de la vida real y reconoció que esa intención quedó incompleta en el estreno de 2008. La nueva edición le permitió, en sus palabras, “volver a aplicar los electrodos” al material.

Las fuentes presentan el lanzamiento como una versión extendida y sin censura, aunque todavía no detallan su duración, la cantidad exacta de escenas restauradas ni todas las diferencias con el corte estrenado en salas. El tráiler difundido para esta edición sí anticipa un tono más cercano al horror corporal y a la propuesta original de Carter.

El regreso de Mulder y Scully después de la serie

La película original llegó seis años después del cierre inicial de Los expedientes secretos X y reunió nuevamente a Fox Mulder y Dana Scully. En ese momento de la historia, Scully trabaja como médica, mientras Mulder vive oculto y continúa perseguido por el gobierno.

El caso comienza con la desaparición de varias mujeres en una zona rural de Virginia Occidental. Un sacerdote expulsado de la Iglesia, que asegura experimentar visiones sobrenaturales, conduce a la policía hasta unas fosas con restos humanos congelados. Las autoridades sospechan que los hallazgos pueden estar relacionados con un experimento secreto y con las mujeres desaparecidas.

El gobierno ofrece retirar la persecución contra Mulder si Scully consigue que colabore con la investigación. Los dos aceptan y vuelven a trabajar juntos, esta vez frente a un caso que mezcla secuestros, procedimientos médicos y fenómenos difíciles de explicar.

Los expedientes secretos X: Quiero creer estuvo lejos de alcanzar el éxito comercial y crítico esperado tras su estreno. También llegó en una etapa particular de la franquicia: la serie había terminado su recorrido original, Mulder había tenido una presencia limitada durante las últimas temporadas y el regreso televisivo de 2016 todavía no existía. Años después, la producción volvió con dos temporadas protagonizadas por Duchovny y Anderson.

El reinicio de Ryan Coogler sigue en desarrollo

El lanzamiento de Vrach Frankenshteyn coincide con el trabajo en una nueva serie de Los expedientes secretos X encabezada por Ryan Coogler, director de Los pecadores y Black Panther. El proyecto tendrá nuevos personajes y misterios, aunque Coogler aseguró que su intención es respetar la esencia de la producción creada por Carter.

Los reportes disponibles difieren sobre el estado exacto del reinicio. Uno señala que Hulu encargó el desarrollo de un episodio piloto antes de decidir si aprueba una temporada completa. Otro afirma que el piloto ya está terminado, dura cerca de dos horas y podría proyectarse en cines o presentarse directamente como una película.

Danielle Deadwyler y Himesh Patel aparecen vinculados a los papeles principales de esta nueva versión. Por ahora no se informó una fecha de estreno ni se confirmó una temporada completa. Mientras ese proyecto avanza, The X-Files: I Want to Believe - Vrach Frankenshteyn llegará a Hulu el 14 de agosto de 2026.

Disney+ estrenó el 5 de agosto los ocho episodios de Star Wars: Visions presenta - La Jedi número 9, la primera serie derivada de la antología animada de Lucasfilm. La historia continúa el recorrido de Lah Kara, quien entrena bajo la tutela del Margrave Juro y emprende una misión para rescatar a su padre, capturado por cazadores de Jedi.

La historia de Lah Kara continúa

La nueva producción retoma los acontecimientos de dos cortometrajes incluidos en los volúmenes primero y tercero de Star Wars: Visions. En lugar de presentar otro relato independiente, desarrolla aquella trama en una temporada completa y recupera a sus personajes principales poco después de su última aparición.

Kara continúa su formación en los caminos de los Jedi bajo la guía del Margrave Juro. Al mismo tiempo, ella y la pequeña comunidad de aprendices reunida por su maestro deben atravesar una galaxia caótica para encontrar a su padre. La búsqueda obliga al grupo a determinar quiénes son sus aliados y quiénes trabajan para los cazadores responsables del secuestro.

La serie está ambientada siglos en el futuro y queda fuera de la cronología oficial de Star Wars. Esa separación del canon permite modificar conceptos conocidos de la franquicia sin tener que ajustarse a las películas y series de acción real. Visions nació precisamente como un espacio para que estudios de animación japoneses reinterpretaran elementos como la Fuerza, los Jedi y los sables de luz con personajes, diseños y períodos propios.

La Jedi número 9 representa un cambio dentro de ese formato. Hasta ahora, la antología estaba compuesta por cortometrajes autoconclusivos creados por diferentes equipos. Esta vez, una de esas historias recibe ocho capítulos para desarrollar el entrenamiento de Kara, la comunidad de Juro y el conflicto que amenaza su supervivencia.

Production I.G. vuelve a la galaxia

Production I.G., estudio responsable de los dos cortometrajes anteriores, regresa para producir la animación en colaboración con Lucasfilm. El equipo japonés es conocido por trabajos como Ghost in the Shell y Haikyuu!!, y mantiene aquí la continuidad visual de la historia original.

La dirección está a cargo de Kenji Kamiyama y Shunsuke Tada. Kamiyama dirigió El señor de los anillos: La guerra de los Rohirrim, mientras que Tada trabajó como responsable de Kuroko no Basket. Ambos conducen una temporada que combina secuencias de combate, momentos de entrenamiento y pasajes centrados en las motivaciones de los protagonistas.

La producción incorpora vehículos, naves, escenarios y especies creados para este relato. Aunque conserva símbolos reconocibles de Star Wars, evita depender visualmente de localizaciones o diseños ya utilizados en las películas. Algunas criaturas y ambientes se acercan a una fantasía más tradicional, un recurso permitido por la autonomía narrativa de Visions.

La banda sonora tampoco reutiliza de forma directa las composiciones de John Williams. En cambio, trabaja con motivos musicales que remiten al estilo de la saga y los adapta a la identidad de esta historia. La animación detallada, el uso del color y el diseño de personajes son algunos de los elementos que mantienen una línea clara con los cortometrajes previos de Production I.G.

Una trama conocida que cambia con el avance

El comienzo recupera varios conflictos habituales de Star Wars: una joven que busca convertirse en Jedi, un maestro veterano, una orden prácticamente erradicada, una fuerza imperialista, rebeldes y un antagonista con armadura negra y sable de luz. También aparece un arma con capacidad para destruir planetas, otro elemento recurrente en la franquicia.

Esa familiaridad marca el primer tercio, aunque la temporada empieza después a profundizar en personajes como Nawaam y Zhima, además de Kara. Sus decisiones amplían el conflicto más allá de una oposición directa entre Jedi y Sith, y abren espacio para combatientes que emplean recursos asociados tanto con el Lado Luminoso como con el Lado Oscuro de la Fuerza.

Estos guerreros, identificados habitualmente como Jedi grises, actúan fuera de la división moral estricta de las órdenes tradicionales. El concepto describe a usuarios de la Fuerza que buscan justicia o equilibrio sin seguir por completo las reglas de los Jedi ni someterse a los Sith. La serie utiliza esa idea para explicar las motivaciones y contradicciones del grupo durante la misión de rescate.

El lanzamiento simultáneo permite ver la temporada completa sin esperar capítulos semanales. Los ocho episodios de Star Wars: Visions presenta - La Jedi número 9 ya están disponibles en Disney+.

En el cierre del plazo para la recepción de ofertas por los derechos de transmisión del fútbol profesional colombiano, el escenario de negociación se transformó ante la llegada de propuestas inesperadas y el anuncio formal de la Dimayor sobre la pluralidad de interesados.

La expectativa de los clubes, marcada por la cifra de cien millones de dólares anuales, encontró respuestas concretas tanto en el campo de las plataformas internacionales como en la irrupción de un actor local con oferta equiparable.

El contrato vigente con Win Sports termina el 31 de diciembre. Hasta la fecha límite, la Dimayor solo había recibido confirmación de dos propuestas, como fue destacado por los panelistas de La Titular. El comunicado oficial hace referencia a una “pluralidad” de ofertas, aunque la información verificada apunta a dos principales, sumando una tercera de último momento.

La Dimayor explicó que la pluralidad no solo implica el número de propuestas, sino también la diversidad de modelos de transmisión, diferenciando entre broadcasting tradicional y opciones de streaming. El comunicado enfatizó la recepción de distintos sistemas, abriendo la puerta a nuevos esquemas de distribución de contenidos del fútbol nacional.

Uno de los movimientos más destacados fue la aparición de una propuesta conjunta por parte de Paramount y Disney. Ambas plataformas plantearon transmitir los partidos de los equipos más grandes a través de streaming, focalizando su interés en los clubes con mayor convocatoria y audiencia. Sin embargo, por ahora no cubre los 100 millones de dólares pretendios por la Dimayor

Esta propuesta está diseñada principalmente para el mercado internacional, aunque los analistas de La Titular señalaron que su impacto inevitablemente alcanzaría el consumo local, dado el escaso interés del público extranjero en el fútbol colombiano. No obstante, la oferta de streaming no compite de forma directa con la de Win Sports, ya que se dirige a un segmento específico y no abarca la totalidad del campeonato.

Paramount y Disney presentaron su propuesta en el límite del plazo, generando expectativa sobre el alcance y la posible fragmentación de los derechos audiovisuales. Los equipos grandes, agrupados en el denominado G8, ven en este modelo una vía para incrementar sus ingresos, aunque la propuesta internacional no cubre la totalidad de la cifra pretendida por la Dimayor.

Sin embargo, los panelistas señalaron que estas dos nuevas opciones estarían disponibles para las personas que están fuera de Colombia. Una nueva opción que busca diversificar la fuente de ingresos del fútbol profesional colombiano.

La sorpresa mayor llegó con la entrada de Mauricio Correa, ex MediaPro, quien se presentó al cierre del plazo con una nueva empresa y una propuesta que iguala la aspiración máxima de los clubes: cien millones de dólares anuales por los derechos de transmisión.

Correa, desvinculado ya de MediaPro, regresó al mercado con una firma distinta y una apuesta que busca seducir tanto a la Dimayor como a los clubes del G8. Su propuesta se diferencia por el monto ofertado, cubriendo la demanda histórica de los equipos grandes y planteando un sistema propio de transmisión.

Los panelistas explicaron que el regreso de Correa representa la reactivación de la idea de un sistema autónomo, fuera del esquema tradicional de Win Sports. La cifra puesta sobre la mesa por su empresa coloca presión sobre los demás oferentes y obliga a la Dimayor a considerar un cambio en la gobernanza y la estructura de los derechos televisivos.

La disputa por los derechos de televisión tiene como trasfondo la urgencia de los equipos más poderosos por aumentar sus ingresos. El bloque conocido como G8 necesita un contrato que les garantice recursos superiores a los recibidos en ciclos anteriores.

Hasta ahora, ningún actor —con la excepción de la propuesta de Correa— se había mostrado dispuesto a cubrir los 100 millones de dólares anuales solicitados. Win Sports, el socio tradicional, solo aceptó ofertar un porcentaje por debajo de esta suma, mientras que las plataformas internacionales circunscribieron su interés a los equipos de mayor arrastre.

Spider-Man: Un nuevo día, la nueva película en solitario del héroe interpretado por Tom Holland, recaudó US$355 millones en Estados Unidos y Canadá durante su primer fin de semana de 2026. El resultado deja al estreno de Sony Pictures y Marvel Studios a apenas US$2 millones del récord norteamericano de Avengers: Endgame, mientras los datos mundiales más recientes citados por The Numbers elevan su total a US$927 millones.

Un estreno cerca de los mayores récords

Los $355 millones obtenidos en Estados Unidos y Canadá representan el segundo mejor debut de la historia en ese mercado, sin ajustar las cifras por inflación. Avengers: Endgame conserva el primer puesto con $357 millones desde 2019, aunque el recuento definitivo de Spider-Man: Un nuevo día todavía podría modificar la distancia entre ambas películas.

La diferencia frente a otros grandes lanzamientos de Marvel es amplia. Spider-Man: Un nuevo día abrió con $260 millones en Norteamérica, mientras Avengers: Infinity War consiguió $257 millones. De esta manera, las cuatro mejores aperturas registradas en la región corresponden a producciones vinculadas con Marvel Studios.

Los primeros cálculos internacionales situaban la recaudación fuera de Norteamérica cerca de $550 millones. Esa estimación llevaba el estreno mundial a unos $875 millones, el segundo mayor debut global detrás de los $1.200 millones obtenidos por Avengers: Endgame en su primer fin de semana.

Un reporte posterior, basado en datos de The Numbers, ubica la recaudación mundial en $927 millones. La diferencia entre ambas cifras responde al carácter preliminar de las estimaciones iniciales y a la actualización de los mercados internacionales. Con el dato más reciente, la película quedó a $73 millones de ingresar al grupo de producciones que superaron los $1.000 millones.

Sony Pictures destinó alrededor de $225 millones a la producción, sin incluir los costos de publicidad y distribución. La película también alcanzó un 90% de aprobación en Rotten Tomatoes y recibió una calificación A entre los espectadores encuestados por CinemaScore.

El nuevo comienzo de Peter Parker

La película está dirigida por Destin Daniel Cretton, responsable de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, y presenta una nueva etapa para Peter Parker después del desenlace de Spider-Man: Sin regreso a casa. En aquella historia, el personaje decidió borrar su identidad de la memoria de todas las personas para evitar una catástrofe, lo que provocó que MJ y Ned olvidaran su relación con él.

Spider-Man: Un nuevo día reduce la escala de ese conflicto y devuelve al protagonista a una aventura centrada en amenazas callejeras. La historia se aleja de los cruces entre realidades que dominaron la entrega anterior y enfrenta a Parker con un peligro invisible y más cercano a su vida cotidiana.

Tom Holland comparte pantalla con Jon Bernthal, quien vuelve como Punisher, y Mark Ruffalo, nuevamente en el papel de Hulk. La presencia de ambos personajes mantiene los vínculos con otras producciones de Marvel, aunque el argumento coloca el foco en la reconstrucción personal de Peter después de quedar aislado de sus antiguos amigos.

La progresión comercial de las películas protagonizadas por Holland ayuda a dimensionar el nuevo resultado. Spider-Man: Homecoming comenzó con $117 millones en Estados Unidos y terminó por encima de $880 millones en todo el mundo. Spider-Man: Lejos de casa abrió con $92 millones en Norteamérica y alcanzó $1.130 millones globales.

Spider-Man: Sin regreso a casa fue mucho más lejos: superó los $1.900 millones durante su recorrido por salas. Su desempeño estuvo impulsado por el regreso de Tobey Maguire y Andrew Garfield, quienes retomaron sus respectivas versiones de Spider-Man junto a Holland.

Marvel vuelve a superar una etapa irregular

El estreno llega después de varios años de resultados desiguales para Marvel Studios. Tras Avengers: Endgame, títulos como Ant-Man y la Avispa: Quantumanía, The Marvels, Capitán América: Brave New World, Thunderbolts y Los cuatro Fantásticos: Primeros pasos quedaron lejos del rendimiento que habían alcanzado las entregas más populares de la franquicia.

Deadpool y Wolverine fue una de las principales excepciones: la película estrenada en 2024 cruzó los $1.000 millones mundiales. Spider-Man: Un nuevo día amplía esa recuperación comercial con cifras que muy pocas producciones alcanzan incluso después de varias semanas en cartelera.

El lanzamiento coincidió con el fuerte desempeño de La Odisea, dirigida por Christopher Nolan. Esa película ya acumulaba más de $911 millones, repartidos entre $395,5 millones en Norteamérica y otros $515 millones procedentes de los mercados internacionales. La actividad conjunta de ambos títulos impulsó un fin de semana récord, con más de $425 millones recaudados entre todas las películas exhibidas.

Marvel Studios continuará su calendario con Avengers: Doomsday, una producción que reunirá a numerosos personajes y traerá de regreso a Robert Downey Jr. El actor no interpretará a Iron Man esta vez, sino al villano Doctor Doom.

El mayor punto ciego de Hollywood nunca fue la narración de historias, sino encontrar la manera de expandir la propiedad intelectual valiosa a nuevos formatos y tecnologías, afirmó el ex CEO de The Walt Disney Company, Michael Eisner. Citó como prueba los repetidos tropiezos de su propia industria en los videojuegos.

“Todos fracasamos”, dijo Eisner. Mientras que agregó: “Terminamos licenciando. Así fue como tuvimos éxito”.

Durante su participación en el panel “Sports in the Gaming Era” del Paley Center for Media, Eisner utilizó el caso de los videojuegos como su ejemplo central de un patrón que, según él, se repite desde hace décadas: las empresas de medios poseen propiedad intelectual muy valiosa, pero suelen juzgar mal cómo —o si— expandirla a formatos desconocidos.

El ejecutivo rastreó este patrón hasta los primeros intentos de la industria en los videojuegos. “Warner Brothers empezó todo con Atari, 1983. Fracasaron”, señaló, agregando que hicieron falta dos años más para que el juego de Mario Brothers de Nintendo reviviera el formato. En efecto, Warner vendió Atari en 1984 con pérdidas, y Super Mario Bros se lanzó en 1985.

Según Eisner, el problema no era de creatividad, sino de analfabetismo tecnológico: los videojuegos “eran un terreno muy tecnológico al principio, y esa no era la fortaleza de ninguno de nosotros”.

Eisner añadió que la industria cambió, pasando de los límites tecnológicos del pasado a aprovechar la propiedad intelectual como un activo. “Ahora todo está impulsado por la historia, por la propiedad intelectual”, explicó.

Según su visión, el mismo fracaso para adaptarse influyó en cómo los estudios piensan sobre licenciar o construir propiedad intelectual original, una tensión que ve como central en el modelo de negocio de Hollywood, no exclusiva de ningún medio.

“Todos tomamos la propiedad intelectual que creamos y la colocamos donde puedas disfrutarla”, dijo sobre el enfoque de Disney en parques, productos y medios. Además aseguró: “En cierto punto, tienes que convertir esa propiedad intelectual en una nueva propiedad intelectual”.

El panel, moderado por Moritz Baier-Lentz, asesor principal de OpenAI, también incluyó al fundador y CEO de Delphi Interactive, Casper Daugaard, cuya startup consiguió rápidamente licencias para juegos de James Bond y FIFA.

La discusión giró en torno a cómo aprovechar una propiedad intelectual reconocible para convertirla en el activo más valioso de la industria de los videojuegos.

La toma de Hollywood por Disney bajo el mando de Eisner

Para Eisner, la estrategia refleja lecciones aprendidas durante décadas en Hollywood. El fundador de The Tornante Company recordó que al principio de su carrera se resistió a las secuelas y las franquicias.

Mientras trabajó en ABC y luego en Paramount Pictures, prefería desarrollar proyectos originales en lugar de trabajar con historias existentes. “Nunca creí en las secuelas”, afirmó Eisner, describiendo su filosofía en la programación como “todo será original”. Pero con el tiempo, las marcas reconocibles demostraron ser un modo eficaz de atraer público.

Esta filosofía marcó buena parte de la gestión de Eisner al frente de Disney, donde el exagente de CAA devolvió a la compañía a la cima de Hollywood, aproximadamente dos décadas después de la muerte de su legendario fundador.

En los años 80 y 90, presidió el llamado “Renacimiento de Disney”, lanzando una serie de películas animadas originales de éxito comercial, como La Sirenita, La Bella y la Bestia, Aladdín y El Rey León.

Al mismo tiempo, Eisner también reconoció el poder de la propiedad intelectual licenciada. Señaló que la adquisición de Star Wars fue una de las mejores decisiones que Disney haya tomado.

“En los últimos 20 años no teníamos nada, así que compramos Star Wars a George Lucas y eso funcionó”, dijo, con cierta exageración —Disney adquirió Pixar por 7.400 millones de dólares en 2006, Marvel por 4.000 millones en 2009 y Lucasfilm por 4.000 millones en 2012—.

Refiriéndose a los fanáticos, agregó: “Están tan comprometidos con la propiedad intelectual que entendí que hay ciertas cosas que vale la pena hacer”.

El protagonismo de la propiedad intelectual en los videojuegos

Ese mismo enfoque empieza a cobrar cada vez más importancia en los videojuegos. Casper Daugaard explicó que Delphi Interactive buscó deliberadamente una franquicia reconocible como James Bond junto a IO Interactive antes de considerar el lanzamiento de propiedades originales, incluyendo una asociación con FIFA tras el fin del acuerdo de licencia de tres décadas con Electronic Arts.

En lugar de diseñar juegos principalmente para los jugadores más experimentados, Daugaard dijo que Delphi busca crear experiencias interactivas para los fanáticos más acérrimos de esas franquicias.

“No hacemos este juego de James Bond para los gamers”, indicó. Y aclaró: “Queremos hacer este juego para los fans de James Bond”. La estrategia refleja cambios más amplios en la industria de los videojuegos, donde los costos de desarrollo subieron y la competencia por la atención del consumidor se intensificó.

Baier-Lentz, ex jugador profesional convertido en inversor, señaló que los juegos compiten cada vez más no solo contra otros juegos, sino también contra redes sociales, servicios de streaming, películas y creadores de contenido.

“Al final del día, solo hay 24 horas y dos ojos en la cabeza”, indicó. “Eso nunca cambiará”. Ante esas limitaciones de tiempo y atención, añadió: “Las propiedades intelectuales son increíblemente poderosas”.

Eisner coincidió en que las marcas existentes siguen siendo la vía más práctica para ingresar en la industria de los videojuegos, pero sostuvo que debe ser solo un medio para un fin. “La clave es que, después de tener cinco o seis propiedades intelectuales, hagas un gran juego que nadie haya escuchado antes”, expresó. “Será un juego gigante. Pero llevará tiempo”.

Eisner describió la licencia de franquicias como “una gran forma de entrar”, aunque advirtió que las compañías que dependen exclusivamente de marcas consolidadas corren el riesgo de agotar al público con secuelas interminables.

Apuntó a la gestión actual de Disney sobre Star Wars como un caso de haber “sobrepasado los límites” con tantas secuelas. Durante la última década, los estudios apostaron cada vez más por grandes propiedades intelectuales como principal atractivo para el público.

Sin embargo, tras años de éxitos millonarios, varias entregas recientes de Marvel y Star Wars no lograron ese nivel, con una audiencia que muestra cada vez menos interés, lo que lleva a los analistas a preguntarse si buscan otros géneros o, como sugiere Eisner, algún tipo de propiedad intelectual novedosa.

En los videojuegos se observa una consolidación similar en torno a las grandes franquicias. La mayoría de los jugadores dedica casi todo su tiempo a solo un puñado de títulos cada año, lo que dificulta aún más el éxito de nuevas propuestas.

Daugaard sostuvo que los propietarios de propiedad intelectual mejoraron su sofisticación ante este desafío. En lugar de firmar acuerdos de licencia a distancia para recibir regalías, marcas como FIFA ahora quieren ser “cofundadores de la empresa”, con incentivos alineados a largo plazo.

Considera que este cambio estructural se acelerará a medida que la IA y el contenido de formato corto dificulten que una propiedad intelectual nueva logre destacarse.

“Está TikTok, hay contenido de formato corto, la IA está en todas partes”, dijo. Y concluyó: “La gente tenderá a buscar aquello que ya conoce”.

(c) 2026, Fortune

Marvel Studios habría elegido a Samara Weaving para interpretar a Emma Frost en la nueva película de X-Men, dirigida por Jake Schreier. Los reportes atribuidos a Deadline y Variety presentan a la actriz como el primer nombre destacado del reinicio, aunque el estudio y sus representantes todavía no realizaron un anuncio oficial ni comunicaron cuándo llegará la producción a los cines.

Un casting avanzado, pero sin confirmación oficial

Según la información publicada, Marvel Studios evaluó a distintas actrices durante varias semanas antes de inclinarse por Weaving. Emma Frost habría sido uno de los papeles que demandó más pruebas dentro del proceso de selección, con una ronda final realizada poco después del 4 de julio.

La audición de Weaving habría convencido tanto a Schreier como a Kevin Feige, presidente de Marvel Studios. El proyecto lleva meses avanzando entre bastidores, pese a que el estudio evitó presentar detalles durante la Comic-Con de San Diego y mantiene bajo reserva la historia, el reparto completo y el calendario de producción.

La falta de confirmación obliga a tratar la incorporación como un fichaje reportado, no como un anuncio cerrado. Ninguno de los representantes involucrados ofreció comentarios públicos. Aun así, las fuentes coinciden en que Weaving sería la primera pieza importante de la nueva generación de mutantes preparada para el MCU.

La actriz australiana cuenta con experiencia en terror, acción y comedia negra. Su filmografía reciente incluye Noche de bodas 2, Over Your Dead Body, The Babysitter, Scream VI y Bill & Ted Face the Music. Durante 2026 también retomó el papel de Grace MacCaullay en Ready or Not 2: Here I Come, que se ubicó entre los contenidos más vistos de Hulu y Disney+, según la información citada.

Después participó junto a Jason Segel en Over Your Dead Body, una producción de IFC premiada por el público en SXSW, y protagonizó el thriller romántico Carolina Caroline. El papel de Emma Frost representaría su entrada a una de las franquicias centrales de Marvel.

Quién es Emma Frost y cuándo apareció en el cine

Emma Frost debutó en las historietas de Marvel Comics durante la década de 1980 como integrante del Club Fuego Infernal. El personaje comenzó como antagonista, pero con el paso de los años se convirtió en aliada y miembro relevante de los X-Men.

Entre sus capacidades se encuentran la telepatía y la transformación de su cuerpo en diamante orgánico. Esta segunda mutación le permite adquirir una resistencia física extraordinaria, aunque suele limitar el uso simultáneo de sus poderes mentales. Su recorrido también está relacionado con figuras como Charles Xavier y Cíclope, además de distintas etapas de liderazgo dentro del grupo.

Esa trayectoria permite que la película la presente como rival, aliada o una figura situada entre ambos extremos. Los reportes no detallan qué versión utilizará el guion ni cuánto peso tendrá dentro de la historia, pero su presunta elección durante una etapa temprana del casting indica que formaría parte de la alineación principal.

La última aparición cinematográfica de Emma Frost fue en X-Men: Primera generación, estrenada en 2011. Allí fue interpretada por January Jones y trabajaba junto a Sebastian Shaw, el antagonista encarnado por Kevin Bacon. Si el fichaje de Weaving se confirma, el personaje regresará a la pantalla grande después de quince años y con una nueva continuidad.

El reinicio de X-Men bajo la dirección de Jake Schreier

El regreso del equipo comenzó a tomar forma después de que Disney adquiriera 20th Century Fox en 2019 y recuperara los derechos cinematográficos de los mutantes. Hasta entonces, las películas de X-Men habían sido desarrolladas fuera del MCU, con distintas líneas temporales y una serie de producciones centradas en Wolverine.

Marvel Studios eligió a Schreier para dirigir el reinicio después de su trabajo en Thunderbolts. El equipo creativo también incluye a Lee Sung Jin, creador de Beef, y Joanna Calo, cocreadora de The Bear, como responsables vinculados al guion.

La película todavía no tiene una trama revelada. Tampoco se conocen los intérpretes elegidos para personajes centrales como Charles Xavier, Magneto, Cíclope, Jean Grey o Tormenta. El posible fichaje de Weaving ofrece así la primera referencia concreta sobre la clase de alineación que Marvel Studios prepara.

El proyecto convivirá con el regreso de actores de las películas anteriores. Ian McKellen, Patrick Stewart y James Marsden están anunciados para Avengers: Doomsday donde retomarán personajes asociados a la etapa previa de X-Men. Esa participación será independiente del nuevo reparto que Schreier está reuniendo para el reinicio.

Por ahora, Marvel Studios no informó una fecha de estreno para X-Men ni confirmó cuándo comenzará el rodaje. La presentación formal de Samara Weaving y del resto del elenco continúa pendiente.

Disney+ canceló Wonder Man cuatro meses después de que la serie de Marvel fuera renovada para una segunda temporada. La producción, protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II, terminará así con una sola tanda de episodios, aunque sus personajes todavía podrían regresar en futuras películas o series del UCM.

Una renovación que nunca llegó al guion

La segunda temporada había sido aprobada en marzo, pero su desarrollo no avanzó. Según los reportes de Variety y Deadline, Marvel nunca abrió una sala de guionistas, el espacio de trabajo en el que un equipo define la historia y escribe los episodios de una serie antes del rodaje.

Los escritores vinculados al proyecto fueron liberados de sus compromisos y recibieron permiso para buscar otros trabajos. Ese dato indica que la continuidad quedó frenada antes de entrar en una etapa activa de producción: no había guiones terminados ni un equipo trabajando en los nuevos capítulos.

La decisión resulta llamativa por el corto período transcurrido desde la renovación. Durante cuatro meses, Wonder Man figuró como una serie con continuidad confirmada, hasta que Disney+ revirtió la aprobación. Las fuentes no mencionan que se hayan filmado escenas ni que existiera una fecha tentativa para el estreno de la segunda temporada.

La serie fue creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest. Cretton también quedó ligado a Marvel como director de Spider-Man: Un nuevo día, una de las próximas películas centradas en el héroe arácnido. La cancelación de Wonder Man no modifica, según la información disponible, su participación en ese proyecto cinematográfico.

Buenas críticas, una nominación y pocos datos de audiencia

La cancelación llega pese a las valoraciones positivas que recibió la producción y a la nominación de Abdul-Mateen II al Emmy como mejor actor de comedia. El reconocimiento individual no fue suficiente para asegurar la continuidad de la serie, cuya repercusión dentro de Disney+ resulta difícil de medir por la falta de cifras oficiales.

Marvel nunca publicó números concretos de audiencia. El único dato citado sobre su desempeño es que Wonder Man apareció en el octavo puesto de una clasificación de los diez programas más vistos entre todas las plataformas de streaming durante su primera semana. Después de ese debut, no se difundieron registros que permitieran seguir su rendimiento o comparar su permanencia con la de otras producciones de Marvel.

La historia seguía a Simon Williams, un actor de Hollywood que intentaba relanzar su carrera al competir por el papel principal en la remake de una película ficticia de superhéroes. Ese enfoque colocaba el foco en la industria del entretenimiento y en el trabajo actoral, con una estructura de comedia diferente a la de otras series de acción del estudio.

Simon compartía la historia con Trevor Slattery, interpretado por Ben Kingsley. El personaje había aparecido previamente en Iron Man 3, donde se hacía pasar por el Mandarín, y luego regresó en otras producciones de Marvel. Su presencia conectaba la serie con acontecimientos anteriores del UCM sin desplazar la trama sobre la carrera de Simon.

Abdul-Mateen II reaccionó a la noticia desde su cuenta oficial de Instagram. El actor escribió “así es la vida”, agradeció a los espectadores que acompañaron la serie y señaló que el éxito del proyecto estuvo en la conexión conseguida con el público.

Qué ocurrirá con los personajes de Wonder Man

La cancelación de la segunda temporada no implica que Simon Williams y Trevor Slattery hayan sido descartados de futuras historias. Fuentes internas citadas por los reportes sostienen que ambos podrían aparecer en otras películas o series, aunque no existe por ahora un proyecto confirmado para su regreso.

Wonder Man queda en una situación parecida a la de She-Hulk: Defensora de Héroes, Caballero Luna e Ironheart. Esas producciones no tienen nuevas temporadas anunciadas, pero sus protagonistas siguen disponibles para incorporarse a otras historias de Marvel. El modelo permite conservar a los personajes sin mantener en producción sus series individuales.

Tras esta decisión, Daredevil: Born Again es la única serie de superhéroes de acción real de Marvel en Disney+ que cuenta con una renovación confirmada. Esto no impide que el servicio anuncie nuevas producciones más adelante, pero reduce la lista actual de continuaciones aprobadas.

Los ocho episodios de Wonder Man permanecen disponibles en Disney+. Hasta el momento, Marvel no comunicó una fecha ni un proyecto específico para el posible regreso de Simon Williams o Trevor Slattery.

Furious es la nueva serie de drama criminal de Disney+ creada por Elizabeth Meriwether e inspirada en la película Black Widow (1987). Protagonizada por Emmy Rossum, la ficción sigue a la agente del FBI Alice Black, una exdetective de homicidios de la policía de Nueva York que investiga a una escurridiza asesina serial. Del otro lado está Catherine, interpretada por Lola Petticrew, una sobreviviente de una red de trata que asesina a hombres adinerados como parte de su propia búsqueda de justicia, mientras ambas protagonistas avanzan por caminos que terminan cruzándose y desdibujando los límites entre el bien y el mal.

En sus primeros episodios, la serie desarrolla el enfrentamiento entre Alice y Catherine mientras revela el pasado de ambas. La investigación conecta una serie de asesinatos con una red de explotación sexual, al tiempo que la protagonista enfrenta las secuelas de una relación abusiva y las tensiones dentro del FBI. Con un elenco que también incluye a Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy, Furious combina thriller policial, drama psicológico y una historia marcada por la venganza y los dilemas morales.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Emmy Rossum en video, o a leer una transcripción.

—Hola, Amy. ¿Cómo estás?

Emmy Rossum: —Muy bien, gracias.

—Bien, genial. Me encanta el show hasta ahora, y quería preguntarte, porque creo que es muy interesante cómo estos dos personajes, que son tan diferentes, están conectados por experiencias similares, ¿verdad? ¿Qué puedes decirme sobre este personaje muy complejo y su evolución, y por qué no es una clásica persecución de perros y gatos?

Emmy Rossum: —Voy a empezar con los personajes. Yo… Es una historia muy fascinante que sigue a dos mujeres. Mi personaje, Alice, es una agente femenina del FBI que fue anteriormente una detective de NYPD… Que es un trabajo que es bastante difícil de lograr, y luego dejó todo eso por violencia en su vida personal con otro oficial. Y empezó de nuevo básicamente desde el fondo, en el FBI. Así que cuando la conocemos, ella… Encuentra un caso que le recuerda algo que ha trabajado en la NYPD. Y empieza a pensar que tal vez ella se ha encontrado un criminal serial. Que es muy, muy particular y realmente casi nunca, de género femenino. Así que ella es muy subestimada cuando tiene esta idea inicial, y… Eso solo la hace más hambrienta. Y estas dos mujeres están en trayectorias paralelas. Ambas son víctimas de violencia… Y buscan justicia en diferentes maneras. Y descubriremos que aunque una empieza a verse como “el buen tipo” y la otra como “el mal tipo”, en realidad son más similares que diferentes.

—Completamente. Y me fascinó también tu diseño de vestuario, porque Alice cuenta dos historias diferentes en la forma en que se viste. Como agente del FBI, la vemos a ella más compuesta y más restringida, pero en su vida privada, todo se siente más libre. Es como contar dos historias diferentes. Entonces quería preguntarte sobre cómo este contraste te ayuda a entender quién es ella. Y por cierto, me encanta tu cabello. Simplemente me encanta. Así que quería preguntarte sobre el contraste. Es muy importante en la historia.

Emmy Rossum: —Sí, hablamos mucho sobre la diferencia entre… Cómo alguien se presenta en la oficina como un agente de la ley… Ella es bastante andrógina. Ciertamente sublima su feminidad y su sexualidad. Y luego, su cabello siempre está retirado y todo está bastante tirante. Y ella está muy contenida. Y ella está muy enfocada al éxito, sin disculparse. Y eso a veces da a la gente la imagen equivocada. Y también sabemos que ella tiene un problema al bañarse. Que había violencia cuando estaba en la ducha, y paró de bañarse. Sabemos que otros personajes dicen que ella huele, que es una elección particularmente valiente, creo yo, de Liz Meriwether, la escritora. Porque creo que la gente que huele, para la sociedad, es algo que conlleva una verdadera vergüenza. Y creo que el personaje siempre siente una gran cantidad de vergüenza. Y realmente está en una encrucijada. Porque realmente no puede obligarse a bañarse debido al trauma. Y en la casa, tienes razón. Ella deja su cabello suelto. Vemos que ella invita a la intensidad y al peligro a su vida. Y muestra comportamientos más arriesgados y sueltos.

—Sí, y también quiero hablar de detectives y obsesiones. Porque son dos cosas que siempre van juntas. Vimos eso en “El silencio de los inocentes”. Vimos eso en “Zodiac”, en “Seven”, etc. Y en este caso… También sucede con Alice. ¿Por qué piensas que los detectives siempre tienen estas obsesiones? Pasa en personajes, películas, shows y en la vida real… Tienden a tener esta personalidad obsesiva como la gente a la que están buscando.

Emmy Rossum: —Sí, creo que resolver crímenes es difícil. Y creo que para hacer algo muy bien, tienes que estar un poco obsesionada. Así que creo que vemos a ambas mujeres muy obsesionadas con obtener justicia para sí mismas y también a una escala más amplia. Así que Alice se ha alejado de obtener justicia para sí misma y está enfocada en obtener justicia para otros. Pero en el caso de Catherine, está enfocada en sí misma y en la imagen más amplia.

—Sí, y realmente amo… Siempre nos apetecen, de nuevo, los dramas criminales y las historias criminales. Todo eso nos llama la atención. ¿Por qué crees que es así? ¿Por qué crees que amamos eso y lo encontramos tan atractivo?

Emmy Rossum: —Me pregunto si es una especie de… Intento de aprender lo máximo que podemos sobre cómo mantenernos a salvo, sobre lo que podría ser peligroso, acerca de lo que hay que cuidarse. No es diferente a los cuentos de hadas que contamos a los niños sobre cosas peligrosas o sobre brujas que te ponen en hornos… ¿Sabes? Creo que hay cuentos de hadas históricos que… Nos cuentan sobre el mundo y sobre cuán desafiante y cuán atemorizante puede ser. Pero creo que hay héroes en el mundo también, por lo que es importante que tengamos eso en nuestras historias. Y a veces, ya sabes… Los héroes y los villlanos son más similares que diferentes.

—No podría estar más de acuerdo. No podría estar más de acuerdo, y… Finalmente, tu personaje realmente explora qué es ser una mujer en un territorio que es principalmente masculino. Así que… ¿Alguna vez te sentiste así en otros territorios?

Emmy Rossum: —¡Claro! Por supuesto. Creo que eso es algo que resuena para muchas mujeres. Pero específicamente me interesaba a las mujeres en la defensa de la ley, que es un campo muy dominado por los hombres. Y un campo que se siente muy masculino. Y cómo las mujeres sobreviven y trascienden en esos entornos. Ese fue un estudio muy profundo para mí.

—Perfecto. Emmy, muchas gracias por tu tiempo. De nuevo, felicitaciones por un gran show. Y espero ver más.

Emmy Rossum: —Gracias, lo aprecio.

Disney anunció que la segunda temporada de Chad Powers, la comedia deportiva protagonizada por Glen Powell, se estrenará completa el 3 de septiembre de 2026. Los nuevos episodios estarán disponibles en Disney+, menos de un año después del debut de la primera entrega, y llegarán acompañados por un cambio de tono que acercará algunos momentos de la historia al thriller.

Fecha, plataforma y primeras imágenes

La nueva temporada se publicará de golpe, en lugar de adoptar un lanzamiento semanal. El estreno fue programado para el comienzo de la actividad fuerte del fútbol americano: llegará poco después del inicio de la temporada universitaria en Estados Unidos y cerca del arranque de la NFL.

La información de distribución presenta una diferencia según el mercado. El anuncio general ubica los episodios en Disney+ a través de Hulu. La primera temporada se había estrenado allí el 30 de septiembre de 2025, por lo que la espera entre ambas entregas será inferior a doce meses.

Junto con la fecha, fueron publicadas las primeras imágenes oficiales. El material vuelve a mostrar a Powell bajo las prótesis, la peluca y los dientes falsos que transforman al jugador Russ Holliday en Chad Powers. También ofrece adelantos de los personajes que regresarán y del entorno deportivo en el que continuará la historia.

La caracterización es una pieza central del engaño. Powell interpreta a un jugador que adopta una identidad irreconocible para ingresar a otro equipo universitario, una situación que sostiene la comedia, pero que ahora tendrá consecuencias más difíciles de controlar.

El engaño de Russ entra en zona de riesgo

En los nuevos episodios, Russ Holliday habrá conseguido que su alter ego se convierta en una estrella dentro del campo. El problema aparecerá fuera de los partidos: el comportamiento extraño de Chad empezará a generar sospechas entre las personas que lo rodean, especialmente el entrenador Hudson y Gerry.

La temporada girará alrededor de la creciente dificultad para mantener la mentira frente al equipo y al público. Russ y Danny intentarán proteger el secreto mientras buscan llevar a los South Georgia Catfish hasta los playoffs universitarios, las rondas eliminatorias que determinan qué equipos compiten por el campeonato.

Para sostener el plan durante toda la campaña deportiva, ambos tendrán que pedir ayuda a Ricky, precisamente la última persona que estaría dispuesta a colaborar con ellos. Esa necesidad agrega otro punto de presión a una identidad falsa que ya se encuentra bajo observación.

Powell adelantó que la serie examinará las consecuencias concretas de mantener una mentira de esa escala frente a todo el país. La comedia seguirá presente, aunque los guionistas incrementarán la tensión a medida que crezcan las sospechas. El actor llegó a describir algunos tramos de la segunda temporada como un thriller.

Reparto, origen y cambio de tono

El elenco contará nuevamente con Perry Mattfeld, Quentin Plair, Wynn Everett, Frankie Rodriguez y Steve Zahn, además de Powell. Michael Waldron continuará al frente del proyecto como cocreador junto con el protagonista.

La premisa nació de un sketch realizado por Eli Manning, exmariscal de campo de la NFL, para su programa en ESPN+. Manning se sometió a una transformación física para probarse de incógnito como jugador universitario bajo el nombre de Chad Powers. La serie convirtió esa idea breve en la historia de Russ y su intento por reconstruir su carrera escondido detrás de prótesis y una personalidad inventada.

La primera temporada recibió críticas tibias por parte de la prensa especializada, pero tuvo una respuesta más favorable entre el público. La segunda entrega retoma directamente el elemento que dejó preparado esa historia: cuanto mejor funciona Chad como jugador, más difícil resulta explicar su conducta y evitar que alguien descubra quién está detrás de la máscara.

Los nuevos episodios mantendrán el conflicto deportivo de los South Georgia Catfish y trasladarán el mayor peso dramático hacia el secreto de Russ. La temporada completa estará disponible desde el 3 de septiembre de 2026.

Realizada por Pampa Films y dirigida por Jesús Braceras, la ficción se aleja de los tradicionales relatos detectivescos para construir una dupla de protagonistas tan carismática como desastrosa. En lugar de detectives brillantes y metódicos, la serie apuesta por dos policías que sobreviven gracias a la improvisación, el instinto y una obstinación que suele generar más problemas que soluciones.

La historia comienza cuando el embajador ruso en Argentina aparece asesinado de un disparo en la frente. Debido a la jurisdicción del caso, la investigación queda en manos del subcomisario Roberto Gutiérrez (Barassi), un oficial comprometido con su trabajo pero claramente sobrepasado por la magnitud del crimen.

La situación cambia cuando la CIA decide intervenir para tomar el control de la investigación. Lejos de aceptar la autoridad de los agentes estadounidenses, Gutiérrez convierte el caso en una cuestión de orgullo personal. Convencido de que nadie conoce mejor su territorio que él, decide competir contra el organismo de inteligencia junto a su inseparable compañero, el teniente Rubén Torcoletti (Yayo).

El choque entre ambos mundos funciona como uno de los principales motores narrativos de la serie. Mientras la CIA representa el profesionalismo, la planificación y los protocolos, los policías argentinos recurren a métodos improvisados, contactos informales y decisiones que bordean permanentemente la ilegalidad. Esa tensión entre dos maneras opuestas de entender la investigación criminal alimenta buena parte del humor de la ficción.

Durante la búsqueda del asesino, la dupla recorrerá un universo profundamente argentino en el que cada episodio suma nuevos personajes y situaciones delirantes. Dealers, desarmaderos clandestinos, caranchos, cabarets, geriátricos, bingos, tomas de rehenes, manifestaciones, cortes de ruta, rusos disidentes e incluso hombres araña aparecen en una sucesión de escenarios que convierten al conurbano en un protagonista más de la historia.

La serie también construye un sólido elenco coral. Completan el reparto principal Juli Savioli, Abian Vainstein y Lucas Molina, junto a Víctor López, Robi Surra y Andrew Vezey, quienes interpretan a los integrantes de una brigada policial tan leal como ineficaz. Entre ellos sobresalen el comisario Capote, la sargento Ventura, los Chakales y el Pibito, personajes que aportan nuevas dosis de absurdo a una investigación donde casi nada sale según lo previsto.

Para Darío Barassi, la producción representa una nueva oportunidad de expandir su carrera actoral luego de consolidarse como una de las figuras más populares de la televisión argentina. Su registro humorístico encuentra aquí un terreno fértil para desarrollar un personaje que combina torpeza, exceso de confianza y una inquebrantable convicción de estar haciendo lo correcto.

Yayo, por su parte, vuelve a un papel de ficción donde explota el humor físico y la improvisación que marcaron buena parte de su carrera. La química entre ambos intérpretes aparece como uno de los principales atractivos de una serie que apuesta a sostener el equilibrio entre el policial clásico y la comedia absurda.

Con ocho episodios cargados de humor negro, referencias a la cultura popular y una mirada satírica sobre las fuerzas de seguridad y los organismos internacionales de inteligencia, la serie busca diferenciarse dentro de la creciente oferta de ficciones argentinas para streaming. Su combinación de crimen, caos y comedia promete convertir a Barassi y Yayo en una de las duplas más inesperadas de la temporada.

Wonder Man formaba parte del selecto grupo de series enmarcadas en el Universo Cinematográfico Marvel que se estrenaron en Disney+ como contenido original. La mayoría de estas producciones, como WandaVision, The Falcon and The Winter Soldier, Hawkeye y Moon Knight, fueron planteadas como historias autoconclusivas de una sola temporada. Solo Loki logró obtener una continuidad con una segunda temporada emitida, mientras que WandaVision generó dos derivados: Vision Quest y Agatha All Along. La renovación inicial de Wonder Man destacaba precisamente por ser una excepción a la norma de Marvel Studios en la plataforma. El anuncio llegó apenas dos meses después del estreno, lo que sugería confianza en el potencial del producto y su integración en la narrativa del MCU. Finalmente, esa continuidad no se materializó, y la serie se une a la lista de producciones Marvel que no extienden su historia más allá de la primera tanda de episodios.

Wonder Man fue creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest, con Cretton encargado de la dirección de los dos primeros episodios, y Guest como showrunner. El elenco estuvo encabezado por Yahya Abdul Mateen II en el papel de Simon Williams, acompañado por Ben Kingsley, quien interpretó a Trevor Slattery. La serie también contó con la participación de X Mayo, Demetrius Grosse, Zlatko Burić, Arian Moayed y Olivia Thirlby. La sinopsis oficial describe a Simon Williams como un aspirante a actor de Hollywood que lucha por consolidar su carrera. Tras un encuentro casual con Trevor Slattery, un actor con sus mejores papeles ya en el pasado, ambos se involucran en la filmación de una nueva versión del filme de superhéroes Wonder Man, dirigida por el legendario Von Kovak. A través de estos personajes, la trama explora la lucha por un papel transformador y ofrece una mirada al funcionamiento interno de la industria del entretenimiento.

Un posible futuro por delante

El estreno de Wonder Man fue recibido con una respuesta positiva por parte de la crítica especializada. El primer y único ciclo consiguió un 91 % de aprobación en Rotten Tomatoes. En su reseña para Variety, Alison Herman destacó la química entre Abdul-Mateen y Kingsley, subrayando el tono entre lo absurdo y lo romántico de sus personajes. Además, Abdul-Mateen logró una nominación al Emmy como mejor actor principal en comedia, convirtiéndose en el único intérprete en recibir una candidatura por proyectos tanto de Marvel como de DC. Disney no publicó datos oficiales de audiencia para Wonder Man. Sin embargo, la serie logró alcanzar la octava posición en el ranking Nielsen de streaming durante la semana de su debut, correspondiente al 26 de enero al 1 de febrero. Posteriormente, salió del top ten en la semana siguiente, sin retornar a las listas de los títulos más vistos.

Según personas con conocimiento de la situación, aunque Wonder Man no continuará como serie, los personajes podrían regresar en futuras producciones del Universo Cinematográfico Marvel. Esta posibilidad mantiene abierta la puerta a nuevas apariciones de Simon Williams, Trevor Slattery y el resto del elenco en próximas historias desarrolladas por el estudio. La cancelación de Wonder Man se suma a la tendencia de Marvel Studios de limitar sus series originales a un solo ciclo, con apenas contadas excepciones. El caso refuerza la estrategia de la empresa de reservar la continuidad para producciones que logran un impacto sobresaliente o que están concebidas desde el inicio como franquicias de largo recorrido.

El mes de agosto arranca y con él llega una nueva oleada de series, tanto el regreso de viejas conocidas como la llegada de nuevas historias y personajes. Ya sea para hacer más llevadero el calor o para aderezar la estancia en la playa o la piscina, estas son las mejores series que llegan este mes a plataformas y que no te puedes perder.

El regreso de dos ya míticas como Ted Lasso o Cien años de soledad, la despedida de algunas como Outer Banks o la llegada de nuevos superhéroes como la esperada Linternas que se podrá ver en HBO. Agosto estará llena de grandes aventuras con las que disfrutar los últimos días del verano.

Cien años de soledad (Netflix, 5 de agosto)

Su primera temporada fue toda una sorpresa, así que en la segunda se espera que Netflix redoble la apuesta. La ambiciosa producción que adapta la colosal novela de Gabriel García Márquez regresa para seguir desarrollando las historias de la emblemática familia Buendia, con una Macondo en el que poco a poco las cosas han cambiado, y la llegada del tren pondrá patas arriba todo.

Ted Lasso (Apple TV y Movistar+, 5 de agosto)

El entrenador favorito de tu entrenador favorito está de vuelta. Y no hablamos de José Mourinho, quien ya se encuentra en el Real Madrid con todo dispuesto para empezar la temporada en el Real Madrid. Hablamos de Ted Lasso, el entrenador más carismático de la ficción y quien vuelve después de unos años alejado del terreno de juego. Lo hará con su club ya mítico, el Richmond, pero con un nuevo y apasionante reto: encargarse de motivar al equipo femenino del club londinense, el cual espera contar con la misma suerte y diversión con la que funcionó durante años el masculino.

Los destrozos (Disney+, 6 de agosto)

Fue una de las grandes novelas de hace un par de años, y era solo cuestión de tiempo que encontrase una adaptación, ya fuese en cine o en serie. Al final, y dado el gran volumen de páginas, ha sido en una miniserie de Disney+ a cargo de Ryan Murphy, el hombre con un sello inconfundible gracias a series como American Horror Story. Murphy, quien recogió el proyecto después de pasar por manos de Luca Guadagnino o Kristofer Borgli, reciente director de El drama, colabora ahora estrechamente con el autor de la novela original, Bret Easton Ellis, en esta historia sobre un joven abriéndose camino en la Los Angeles de los años 80 mientras un asesino en serie anda suelto.

Mi brillante carrera (Netflix, 13 de agosto)

La fiebre de Los Bridgerton llega hasta las costas de Australia, donde se desarrolla una nueva historia de amor entre la alta sociedad. Sybylla es una obstinada campesina que sueña con escribir, pero todo cambia cuando la sociedad espera de ella otra cosa. Tras reencontrarse con Harry, un antiguo conocido y ahora rico pretendiente, en quien al principio verá un obstáculo y después un vehículo para su gran oportunidad de mantenerse independiente y creativa.

Linternas

El universo de DC necesita un nuevo héroe, y en etapa de cambios, nada mejor que darle la oportunidad al que históricamente ha sido de los más poderosos. Linterna Verde, que contó con una fallida adaptación a la gran pantalla de la mano de Ryan Reynolds, vuelve ahora en forma de miniserie para contar sus orígenes y poder integrarlo de una forma mucho más profunda y orgánica en el universo que ya diseña James Gunn junto al Superman de David Corenswet o la Supergirl de Milly Alcock.

Outer Banks (Netflix, 25 de agosto)

Una de las series sobre amistad y aventuras dice adiós después de cinco temporadas. De ella han salido algunos de los actores más cotizados en la actualidad, como Drew Starkey o Madelyn Cline, y por el camino grandes aventuras de estos cazatesoros de la costa de Oakland. En esta última temporada buscarán resolver el mayor misterio hasta la fecha mientras lidian con como la vida los lleva a separar sus caminos.

Materia Oscura (Apple TV y Movistar+, 28 de agosto)

Fue una de las grandes sorpresas de ciencia ficción en 2024, y dos años después regresa con una nueva temporada para seguir indagando en los misterios de los viajes en el tiempo. Jennifer Connelly y Joel Edgerton continúan dando vida a esta pareja embarcada en un peligroso viaje a través de distintos universos.

El regreso de Macaulay Culkin como Kevin McCallister podría estar más cerca de convertirse en realidad. Disney habría iniciado conversaciones con el actor para desarrollar una nueva película de Mi pobre angelito (Home Alone), una posibilidad que llega después de años de distancia entre Culkin y el personaje que lo convirtió en una estrella mundial.

La información fue revelada por el periodista Matt Belloni en su podcast The Town. Según explicó, Culkin fue visto recientemente en los estudios de Disney, una señal que habría despertado entusiasmo dentro de la compañía por la posibilidad de recuperar la franquicia con su protagonista original.

“Disney está salivando” ante la idea de una nueva película con Culkin, aseguró Belloni, quien afirmó que el estudio estaría “cortejándolo como nunca antes”. De acuerdo con el periodista, Disney incluso estaría dispuesto a ofrecerle otro proyecto personal si acepta regresar a interpretar a Kevin McCallister.

“Tienen una buena idea. He hablado con personas que han escuchado la idea y es una muy buena idea para un reboot de Mi pobre angelito con Macaulay Culkin”, comentó Belloni.

El enorme interés del estudio estaría relacionado con la vigencia de la franquicia. Las primeras dos películas, estrenadas en 1990 y 1992, siguen siendo clásicos navideños y mantienen una fuerte presencia cada temporada en las listas de contenidos más vistos en streaming.

La secuela que imaginó Macaulay Culkin

La posibilidad de una nueva entrega también parte de una idea que el propio Culkin compartió anteriormente. Durante los eventos por el aniversario número 35 de Mi pobre angelito, el actor reveló cómo imagina una continuación de la historia de Kevin McCallister, esta vez con el personaje convertido en adulto.

La propuesta cambiaría la dinámica de las películas originales: Kevin ya no sería el niño que protege su casa de los ladrones, sino un padre que enfrenta problemas familiares y termina viviendo una situación similar a la que experimentó en su infancia.

“Soy viudo o divorciado. Estoy criando a un hijo y todo eso. Estoy trabajando muy duro y realmente no le estoy prestando suficiente atención, y el niño empieza a molestarse conmigo, y entonces me quedo fuera [de la casa]”, explicó Culkin.

“Mi hijo no me deja entrar… y él es quien está poniendo las trampas para mí”, agregó el actor. Para Culkin, la casa funcionaría como una metáfora de la relación entre padre e hijo y de la necesidad de Kevin de recuperar el vínculo con su familia.

Durante décadas, Culkin evitó regresar al papel que marcó su infancia. Después del éxito de Mi pobre angelito y Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York, el actor se alejó de la actuación durante un periodo y no participó en las siguientes entregas de la franquicia.

Sin embargo, en los últimos años su relación con Kevin McCallister cambió. Culkin volvió a interpretar al personaje en campañas publicitarias y participó en actividades relacionadas con el aniversario de la primera película. Se le notó más optimista sobre la posibilidad de regresar. En una presentación por los 35 años del estreno, el actor reconoció que deja la puerta abierta a esa opción con la condición de que le ofrezcan una buena historia.

Esta fecha representa una reducción en los tiempos de espera entre temporadas en comparación con el largo intervalo entre las dos primeras entregas, un aspecto al que Disney ha prestado especial atención tras las críticas y la gran expectación de los seguidores.

Enfrentamiento con la Gran Profecía

La adaptación del tercer libro de la saga pone a Percy Jackson, interpretado por Walker Scobell, frente a uno de los desafíos más significativos de la historia: la inminente y enigmática Gran Profecía. Esta profecía, revelada por el Oráculo de Delfos, establece que uno de los hijos semidioses de los llamados Tres Grandes (Zeus, Poseidón y Hades) tendrá la capacidad de conducir al Olimpo hacia una nueva era de esplendor o, por el contrario, hacia su destrucción. La amenaza de la profecía no recae únicamente sobre Percy, sino que afecta a todo el ámbito mitológico, que se encuentra ante una crisis cuyo desenlace podría impactar de manera directa a dioses y mortales.

El tráiler presentado en la Comic-Con muestra a Percy soportando literalmente el destino del Olimpo, en una escena donde carga el peso del cielo sobre sus hombros, lo cual simboliza la gran responsabilidad que le corresponde. También destaca la inesperada desaparición de Annabeth Chase, interpretada por Leah Sava Jeffries, lo que añade tensión y misterio a la trama.

Incorporación de nuevos personajes y dioses en la serie

El elenco principal regresa en esta temporada, incluyendo a Aryan Simhadri como Grover Underwood, Charlie Bushnell como Luke Castellan y Tamara Smart como Thalia Grace. A ellos se suman nuevos integrantes: Levi Chrisopulos interpretando a Nico Di Angelo y Olive Abercrombie como Bianca Di Angelo, ambos hijos de Hades. La participación de estos personajes introduce una nueva dinámica en la historia y aporta profundidad al conflicto entre los descendientes de los Tres Grandes.

Entre las nuevas incorporaciones destacan actores reconocidos en los papeles de importantes figuras de la mitología griega: Dafne Keen como Artemisa, Holt McCallany como Atlas, Ming-Na Wen en el papel de Hera, Kate McKinnon como Afrodita, Jennifer Beals como Démeter y Hubert Jerzyk Smielecki como Apolo. Con este elenco, la serie amplía su universo y la representación de diversas deidades y mitos.

Al mismo tiempo, Disney+ busca distinguir esta adaptación de las películas anteriores de la saga, estrenadas en la década de 2010, que únicamente llegaron a adaptar los dos primeros libros. Los seguidores han valorado positivamente el desarrollo más fiel a la historia original y la incorporación de personajes fundamentales en el universo de Rick Riordan.

Repercusión para el público y el fenómeno Percy Jackson

La confirmación de la fecha de estreno y la agilidad en la producción respecto a la espera previa han generado satisfacción entre los seguidores, quienes criticaron el largo periodo entre las primeras temporadas. Con dos partes ya disponibles en la plataforma, la tercera temporada se posiciona como una de las series juveniles más esperadas de la primavera.

El éxito de Percy Jackson y los dioses del Olimpo también responde al creciente interés por las adaptaciones televisivas basadas en sagas literarias, fenómeno que ha sido marcado recientemente por títulos como Harry Potter o The Witcher. Las plataformas buscan así asegurar la fidelidad del público joven y de la comunidad lectora original, ofreciendo representaciones visuales más profundas de las historias que ya conocen y aprecian, en comparación con versiones cinematográficas anteriores.

En esta temporada, la adaptación de La maldición del Titán pone énfasis no solo en los efectos especiales y la acción, sino especialmente en el desarrollo emocional de Percy y la presión que implica la responsabilidad y la pérdida. La desaparición de Annabeth, una de las figuras más importantes en la vida del protagonista, introduce un nivel de incertidumbre adicional al constante peligro que rodea a los jóvenes semidioses del Campamento Mestizo. Además del atractivo de la fantasía, la historia pretende conectar con preocupaciones comunes en la juventud, como el deber, la lealtad, la incertidumbre sobre el futuro y la búsqueda de identidad.

Producción, rumores y expectativas ante la nueva temporada

Disney+ ha decidido acelerar los procesos de rodaje y postproducción para evitar la pérdida de interés entre temporadas que ha afectado la conexión de la audiencia con la serie. Desde enero se publicó un primer avance, lo que generó rumores en torno a posibles cambios y giros en la trama, que ahora se confirman con el tráiler y la sinopsis oficial presentados en la Comic-Con.

Las primeras imágenes difundidas muestran a Percy afrontando situaciones extremas y a nuevos personajes enfrentándose por primera vez a los desafíos propios del mundo semidiós, combinando acción y drama en un intento por diferenciar la serie de otras franquicias juveniles. La decisión de ampliar el reparto ha sido interpretada por algunos medios especializados como una estrategia destinada a diversificar y enriquecer las historias, además de incrementar las posibilidades de identificación que diferentes tipos de espectadores pueden sentir hacia los personajes, especialmente después de las críticas recibidas por la representación en las adaptaciones cinematográficas previas.

El estreno de esta temporada en noviembre no solo buscará atraer la atención de la audiencia global en la campaña navideña, sino también posicionar a Percy Jackson y los dioses del Olimpo como un referente principal de la cultura popular juvenil actual, reforzando la presencia transmedia de la obra de Rick Riordan.

La industria cinematográfica registró el hito de Toy Story 5 al superar los 1.022 millones de dólares en recaudación global, consolidándose como el mayor éxito de taquilla de 2026 hasta el cierre de julio. El desempeño afecta a estudios, distribuidores y mercados internacionales, al situar nuevamente a Disney y Pixar en el primer plano de la animación comercial, según datos confirmados por Box Office Mojo y Deadline.

De acuerdo con Deadline, la quinta entrega de la franquicia animada de Pixar recaudó 573,5 millones de dólares en mercados internacionales y 448,5 millones en Estados Unidos, cifra que la posiciona como la película más taquillera del año. Box Office Mojo reporta que el filme cruzó la marca de los mil millones durante su sexto fin de semana en cartelera, tras sumar 24,7 millones en la taquilla internacional y 10 millones en la estadounidense en el fin de semana del 26 al 28 de julio.

El récord se produce en un contexto de intensa competencia entre los principales estudios de Hollywood por el liderazgo mundial de la taquilla. En el mismo periodo, “La Odisea” de Christopher Nolan sumó cerca de 640 millones de dólares tras su segundo fin de semana, según cifras de Deadline, mientras otros títulos de alto perfil como “Michael” y “Super Mario Galaxy Movie” también superaron los mil millones en el año.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en taquilla mundial según Box Office Mojo y Deadline?

La cifra oficial reportada por Box Office Mojo es de 1.022 millones de dólares a nivel global para Toy Story 5, con 573,5 millones provenientes del mercado internacional y 448,5 millones de la taquilla doméstica en Estados Unidos. Deadline y Cartoon Brew corroboran que el filme alcanzó este monto después de seis semanas en exhibición, tras sumar 34,7 millones globales en su sexto fin de semana.

El desempeño internacional se apoya en más de 52 mercados, con un descenso de solo 17,7% respecto al fin de semana anterior, impulsado por el estreno en Alemania, de acuerdo con Koimoi y datos agregados de Box Office Mojo.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en Estados Unidos?

En Estados Unidos, Toy Story 5 logró una recaudación acumulada de 448,5 millones de dólares, según Box Office Mojo y Deadline. La cifra representa alrededor del 44% de su recaudación total y convierte a la película en la más taquillera de la franquicia en el país, superando a las entregas previas.

El estreno doméstico alcanzó 159,6 millones de dólares y la película mantuvo presencia en el top 3 de la taquilla estadounidense durante seis semanas consecutivas. Según datos de Cartoon Brew, el sexto fin de semana sumó 10 millones en ese mercado, cifra que permitió mantener la posición entre los títulos más vistos, detrás de “La Odisea” y la versión live-action de Moana de Disney.

¿Qué récords rompió Toy Story 5 para Disney y Pixar?

Box Office Mojo informa que Toy Story 5 es la sexta película de Pixar en superar el umbral de los mil millones de dólares, junto con “IntensaMente 2”, “Los Increíbles 2”, “Toy Story 3”, “Toy Story 4” y “Buscando a Dory”. La película también es el lanzamiento más exitoso del año, desplazando a “Michael” (1.015 millones) y “Super Mario Galaxy Movie” (1.011 millones), como confirma Deadline.

Cartoon Brew destaca que la quinta entrega de la saga es la tercera película de la franquicia en cruzar la barrera de los diez dígitos a nivel global y se ubica como la decimocuarta película animada más taquillera de todos los tiempos, según datos de la Motion Picture Association.

¿Cuáles son los mercados internacionales más importantes para Toy Story 5?

El éxito de Toy Story 5 depende en gran medida de su desempeño en mercados clave fuera de Estados Unidos, según Box Office Mojo y Deadline. Alemania, México, Reino Unido, Japón y China figuran entre los territorios con mayores ingresos, aunque el desglose exacto por país no fue publicado detalladamente por las fuentes principales.

El comportamiento de la taquilla internacional refleja la estrategia de distribución global de Walt Disney Studios y el peso de las audiencias de América Latina, Asia y Europa en la consolidación de las franquicias animadas, según Deadline. En mercados como Alemania, el estreno impulsó la recaudación del sexto fin de semana, permitiendo una caída menor al promedio global de las grandes producciones.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otras películas taquilleras de 2026?

Deadline reporta que, junto con Toy Story 5, otras producciones superaron cifras destacadas en 2026. “La Odisea” de Christopher Nolan alcanzó 640 millones de dólares a nivel mundial tras su segundo fin de semana. “Michael” y “Super Mario Galaxy Movie” también superaron los mil millones, aunque ya han sido superadas por la nueva entrega de Toy Story.

El ranking de recaudación global de 2026 ubica a Toy Story 5 en el primer puesto, según Deadline, con “La Odisea” y “Moana” entre los títulos que completan el podio durante el mismo fin de semana.

¿Por qué Toy Story 5 es relevante para la industria del cine en 2026?

El récord de Toy Story 5 representa un indicador de la recuperación plena de la industria cinematográfica global tras la crisis sanitaria y la reconfiguración de los estrenos internacionales. Según Deadline, la marca de los mil millones alcanzada por la película refuerza la confianza de los estudios en el mercado de la animación y garantiza la continuidad de producciones de alto presupuesto.

La respuesta del público ante franquicias consolidadas como Toy Story y la asistencia sostenida a los cines permiten a Disney y Pixar mantener la franquicia como una de las más rentables del calendario internacional, según Box Office Mojo y la Motion Picture Association.

¿Qué impacto tiene el éxito de Toy Story 5 en los próximos estrenos y en el público?

La taquilla de Toy Story 5 anticipa un aumento de las inversiones en animación y en la producción de secuelas dentro de las grandes franquicias. Deadline señala que el liderazgo de Disney y Pixar impulsa la programación de nuevos proyectos y la consolidación de alianzas internacionales para la distribución de contenidos familiares.

Para los espectadores, el éxito de la saga garantiza la continuidad de la franquicia y refuerza la presencia de títulos familiares en la cartelera internacional. La permanencia en los primeros puestos de la taquilla confirma la vigencia del cine animado y su atractivo para distintas generaciones.

Las protagonistas más recientes enfrentan otro tipo de conflictos. Ya no necesitan derrotar únicamente a una villana ni encontrar al príncipe indicado: deben comprender quiénes son, responder a las expectativas familiares, aceptar aquello que las hace diferentes y decidir qué quieren hacer con su futuro.

El cambio no solo transformó los argumentos de las películas. También modificó los modelos de identidad, valentía y autonomía que el cine animado presenta a niños, adolescentes y adultos. Las nuevas heroínas actúan, se equivocan, cuestionan los mandatos que reciben y avanzan sin tener todas las respuestas.

De la damisela en apuros a la protagonista que decide

Esta evolución es el punto de partida de De princesas a heroínas. Nuevas protagonistas en el cine de animación, una investigación de Álvaro Iparraguirre publicada por el Fondo Editorial de la Universidad de Lima. El libro sigue la transformación de los personajes femeninos de Disney a través de Mirabel, de Encanto; Mei, de Red; y Asha, de Wish.

Para Iparraguirre, la animación cuenta con herramientas particulares para imaginar otras formas de heroísmo. “La animación tiene la capacidad de mostrar lo imposible como si fuera natural. Su libertad para transformar cuerpos, espacios y formas le permite imaginar nuevas maneras de narrar el heroísmo”, señala el investigador.

La transformación, sostiene, va más allá de reemplazar vestidos, escenarios o fórmulas románticas. En estas historias aparecen con mayor fuerza asuntos como la pertenencia, los vínculos familiares, la construcción de la identidad y la búsqueda de un propósito propio. El conflicto principal ya no siempre está fuera de la protagonista: muchas veces ocurre dentro de ella o en su entorno más cercano.

Mirabel, Mei y Asha: tres maneras de romper el molde

Mirabel, protagonista de Encanto, vive en una familia donde cada integrante posee una habilidad extraordinaria. Ella es la única que aparentemente no recibió un don, una diferencia que la obliga a preguntarse cuál es su lugar dentro de una familia construida alrededor de las capacidades excepcionales.

Su fortaleza, sin embargo, no está en levantar montañas ni controlar el clima. Está en observar aquello que los demás prefieren callar, escuchar y conectar con quienes la rodean. Su historia pone sobre la mesa una pregunta reconocible fuera de la pantalla: ¿el valor de una persona depende de lo que puede demostrar?

En Red, Mei atraviesa una transformación física que funciona también como metáfora de la adolescencia. La película aborda los cambios corporales, las emociones intensas y la tensión entre cumplir las expectativas familiares o desarrollar una identidad propia.

Su recorrido no consiste en eliminar aquello que la vuelve diferente, sino en aprender a convivir con esa parte de sí misma. El desafío deja de ser recuperar una supuesta normalidad y pasa a ser la aceptación, incluso cuando esta genera desacuerdos con las personas más cercanas.

Asha, en Wish, lleva el conflicto hacia la libertad de decidir. Vive en un lugar donde los deseos de los habitantes son entregados a una autoridad que controla si podrán cumplirse. Cuando descubre lo que implica ese sistema, deja de aceptar el orden establecido y reclama el derecho de cada persona a intervenir en su propio futuro.

Las tres protagonistas parten de realidades distintas, pero comparten una característica: ninguna espera que alguien llegue a resolver su historia. Son ellas quienes identifican el conflicto, toman posición y asumen las consecuencias de sus decisiones.

Heroínas que dudan, fallan y no necesitan ser perfectas

Las nuevas protagonistas tampoco responden al modelo de una heroína invulnerable. Mirabel se siente insuficiente; Mei intenta complacer a todos; y Asha debe actuar sin saber si alcanzará el resultado que busca. Sus dudas no aparecen como una debilidad que deba esconderse, sino como parte de su recorrido.

Esa complejidad emocional permite que públicos de distintas edades reconozcan experiencias propias en historias aparentemente fantásticas: la presión por destacar, el temor a decepcionar a la familia, la dificultad de aceptar los cambios o la necesidad de defender una decisión personal.

El heroísmo, entonces, deja de medirse únicamente por la capacidad de vencer a un enemigo. También puede encontrarse en hablar sobre un problema familiar, aceptar una característica que antes provocaba vergüenza o cuestionar un destino elegido por otros.

El libro en la FIL Lima 2026

De princesas a heroínas. Nuevas protagonistas en el cine de animación se encuentra disponible en el stand 57 de la Universidad de Lima durante la Feria Internacional del Libro de Lima 2026, que se desarrolla en el Centro de Exposiciones Jockey, en Santiago de Surco, hasta el 6 de agosto.

Quienes visiten la feria este martes 28 de julio también podrán participar en la “Noche de los Libros”, una jornada especial que se realizará de 7:30 p. m. a 9:30 p. m. Durante esas dos horas, librerías, editoriales y fondos universitarios ofrecerán descuentos, promociones por volumen, paquetes, sorteos, regalos por compra y otras dinámicas definidas por cada expositor.

La Universidad de Lima forma parte de los fondos editoriales que participarán en la iniciativa, junto con universidades públicas y privadas, librerías, grupos editoriales y sellos independientes. Los beneficios específicos de cada stand serán difundidos mediante las redes sociales de los participantes.

El esperado anuncio de Marvel Studios durante la Comic-Con de San Diego ha confirmado el estreno de Black Panther 3 para el 15 de diciembre de 2028. El sucesor de Chadwick Boseman será David Jonsson, quien interpretará a Toussaint, el hijo adulto de T’Challa, consolidando el relevo generacional en una de las franquicias de mayor trascendencia social del Universo Cinematográfico de Marvel.

Ryan Coogler, director de todas las entregas de la saga, subió al escenario acompañado por el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, y varios miembros del reparto original, como Letitia Wright y Winston Duke. Ante una multitud, Coogler presentó a Jonsson, actor británico de reconocida trayectoria reciente, como el próximo portador del manto de Black Panther.

La presentación ante miles de fanáticos en San Diego tuvo lugar en el famoso Hall H del Centro de Convenciones, el escenario habitual de los anuncios más relevantes de la industria del entretenimiento. Entre ovaciones y el coro de Wakanda Forever, Coogler resaltó el talento y la historia de Jonsson, quien recibió el aplauso del público. Jonsson, al asumir públicamente este papel representativo para la cultura popular, declaró: “Gracias a esta familia que tengo el honor y la bendición de integrar. No quiero decir demasiado, porque quiero dejar que la pantalla hable”.

Durante el panel, se detalló que Black Panther 3 se centrará en el personaje Toussaint, conocido también como T’Challa II, cuya existencia ya había sido insinuada en la escena poscréditos de Black Panther: Wakanda Forever de 2022, donde Nakia, interpretada por Lupita Nyong’o, revelaba la existencia del hijo de T’Challa. La historia avanzará en el tiempo y se enfocará en el joven Toussaint, que aspirará a tomar el trono de Wakanda y proteger el legado de su padre.

Apuesta tecnológica y legado de la saga

Uno de los aspectos destacados por Coogler durante el anuncio fue la elección de un formato técnico novedoso para la franquicia: toda la película se filmará en celuloide de formato grande de 70mm. Este tipo de película ofrece una resolución y escala visual superiores, característica tradicionalmente vinculada a superproducciones y grandes espectáculos cinematográficos, lo que sitúa a Black Panther 3 en dicha categoría.

La franquicia de Black Panther continúa como una de las más exitosas y de mayor repercusión social dentro del cine de superhéroes. La primera película, estrenada en 2018 y protagonizada por Chadwick Boseman, recaudó más de 1.300 millones de dólares en todo el mundo, fue la primera del género en obtener una nominación al Oscar a Mejor Película y se llevó tres premios de la Academia. El reparto incorporó a figuras como Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Letitia Wright, Winston Duke y Angela Bassett. El fallecimiento de Boseman en agosto de 2020, tras una lucha privada contra el cáncer de colon, dejó un impacto significativo en sus compañeros y en el director, así como un vacío importante en la serie.

La respuesta de Marvel y proyecciones para el MCU

La continuidad de la historia se llevó a cabo en Black Panther: Wakanda Forever, estrenada en 2022, donde la ausencia de T’Challa fue tratada en la trama y el manto de Black Panther pasó temporalmente a Shuri, la hermana del protagonista interpretada por Letitia Wright.

Esta segunda película también recibió elogios, recaudó más de 850 millones de dólares y obtuvo el segundo Oscar consecutivo al mejor vestuario para Ruth E. Carter, quien se convirtió en la primera mujer negra en recibir dos premios de la Academia. Angela Bassett, por su parte, fue nominada como mejor actriz, siendo la primera vez que un intérprete de una película de Marvel recibe este reconocimiento.

David Jonsson, nuevo protagonista y su trayectoria

David Jonsson, de 32 años, fue seleccionado como protagonista de la tercera entrega debido a su trayectoria reciente. Jonsson ha ganado reconocimiento internacional luego de participar en la serie Industry de HBO y en las películas Rye Lane de 2023, Alien: Romulus de 2024 y The Long Walk, una adaptación de una novela de Stephen King que fue mencionada por Coogler durante el panel. El objetivo de Marvel es dar continuidad al legado de Boseman y, al mismo tiempo, refrescar la saga con nuevos actores y argumentos que aborden temas contemporáneos sobre identidad, herencia y liderazgo.

La incorporación de Jonsson no significa un corte definitivo con el pasado. Letitia Wright continuará vinculada al papel en al menos una entrega futura fuera de la trilogía, y el traspaso del manto será desarrollado en la narrativa, según confirmó Marvel, dejando abierta la posibilidad de cameos que mantengan la conexión entre los protagonistas originales y el nuevo capítulo de Wakanda.

Elenco ampliado y el contexto social de la saga

Al elenco habitual de la franquicia, se suma la presencia confirmada de Denzel Washington en un papel aún no revelado, afianzando a Black Panther 3 como una de las producciones más esperadas del próximo calendario de Marvel Studios. Más allá de los récords de taquilla y el reconocimiento recibido, la saga se ha convertido en un fenómeno cultural de gran impacto, relevante tanto en la representación mediática como en el debate sobre diversidad y liderazgo afrodescendiente en el cine global.

Los seguidores de Marvel y la audiencia internacional esperan nuevos detalles sobre la historia y la evolución del reparto, especialmente en torno a cómo afectará el relevo generacional al universo ficticio de Wakanda y a los millones de fanáticos que se identificaron con la etapa encabezada por Chadwick Boseman. El reto para la saga es mantener la coherencia y profundidad emocional mientras se reinventa ante las expectativas de un público global exigente.

En medio de protestas sindicales y debates públicos, los principales estudios de Hollywood profundizan su dependencia de la inteligencia artificial.

Mientras la industria cinematográfica debate los riesgos y el impacto de esta tecnología, un relevamiento reciente de vacantes laborales revela cómo los grandes jugadores del sector refuerzan equipos para integrar herramientas de IA en todas las áreas clave de la producción audiovisual.

La doble estrategia de los estudios: rechazo público y avance interno

El escenario en Estados Unidos muestra una dinámica de doble filo. Por un lado, sindicatos y parte del público expresan sus diferencias sobre la automatización y la posible sustitución de empleos creativos. Por otro, empresas como Disney, Netflix, Amazon MGM Studios y otras aceleran la contratación de perfiles especializados en IA para transformar sus procesos internos.

Una investigación publicada por el Los Angeles Times identificó, a fines de junio, alrededor de 30 posiciones laborales vinculadas a inteligencia artificial entre unas 250 vacantes abiertas en los principales estudios.

La proporción supera el 10% del total de búsquedas, una cifra significativa para una industria tradicionalmente celosa de sus métodos de trabajo.

Estas posiciones reflejan la diversificación de la IA dentro de la industria. Mientras Disney, Netflix y Amazon buscan integrar la inteligencia artificial directamente en el desarrollo creativo —como efectos visuales, animación, sonido y doblaje—, otras compañías como Universal, Paramount, Warner Bros. y Sony priorizan aplicaciones en mercadotecnia, distribución y análisis de audiencias.

Puestos clave y funciones detectadas en los avisos laborales

• Amazon MGM Studios publicó búsquedas para un ejecutivo principal de IA, encargado de impulsar la adopción de herramientas inteligentes en toda la cadena de producción.
• Walt Disney Studios ofreció un puesto de tecnólogo en innovación de producción, orientado a tender puentes entre la investigación y la aplicación práctica en cine de animación y efectos especiales.
• Netflix abrió la vacante de “manager, generative workflows”, un puesto enfocado en introducir tecnologías de IA en las películas que la plataforma estrena en Estados Unidos y Canadá.
• Disney también buscó perfiles con doctorado para investigar gráficos por computadora e inteligencia artificial, con aplicaciones directas en Pixar y producciones propias.
• Skywalker Sound, firma de posproducción de audio perteneciente a Disney, lanzó convocatorias para desarrollar modelos propios de IA orientados a bandas sonoras, separación y transferencia de voz.

Ninguno de los anuncios relevados estuvo dirigido a reemplazar guionistas o actores mediante herramientas automatizadas. La mayoría de los puestos refuerzan áreas técnicas y de soporte creativo, pero no sustituyen tareas de interpretación ni escritura de guiones.

Figuras influyentes y movimientos empresariales: entre el entusiasmo y la cautela

El debate público sobre el uso de IA en Hollywood no se limita a los estudios. Varias de las voces más conocidas del sector manifestaron posturas abiertas a la adopción de estas tecnologías.

• George Lucas, creador de Star Wars, sostuvo en diálogo con una revista especializada: “La inteligencia artificial significa que es mucho más fácil para nosotros hacer películas. No hay nada que puedas hacer al respecto. Eso es progreso. Es el futuro”.
• Martin Scorsese —director premiado y referente del cine estadounidense— respaldó a empresas tecnológicas del sector y se mostró receptivo a la colaboración entre cineastas y desarrolladores.
• Ben Affleck fundó la empresa InterPositive, dedicada a tecnología fílmica basada en IA. La firma fue adquirida por Netflix en marzo por USD 587 millones en efectivo, según un reporte citado por el Los Angeles Times.
• El propio Affleck describió el objetivo de la compañía como una forma de mantener “humana la narración”. Las herramientas desarrolladas allí permitían corregir iluminación, generar planos adicionales y asistir a los equipos creativos sin desplazar las decisiones artísticas.

Netflix, además, exhibió aplicaciones concretas de IA en la producción: Girish Balakrishnan, director sénior de innovación creativa, expuso en el festival Runway AI cómo la tecnología fue utilizada para generar hinchas en el documental Brazil ’70 y para crear tomas de combate en Glory.

Amazon, pionera en la incorporación de IA en el sector audiovisual, sumó tres series animadas generadas por IA a través de su GenAI Creator Fund, y financió la compañía Innovative Dream, con sede en Manhattan Beach, para servicios de producción.

Resistencia sindical, protecciones legales y límites actuales

El avance de la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento convive con límites regulatorios y sindicales. En junio, el sindicato SAG-AFTRA ratificó un nuevo contrato de cuatro años que incorpora protecciones específicas contra los intérpretes sintéticos y apoya una ley nacional orientada a resguardar los derechos de las personas frente a réplicas digitales no autorizadas.

Desde 2023, los estudios mantienen reuniones semestrales con el sindicato para entregar informes confidenciales sobre sus actividades con IA.

Según una fuente con conocimiento de esas conversaciones, las empresas insisten en que aún no utilizan IA para reemplazar completamente a trabajadores humanos.

El gremio sostiene que no existen pruebas documentadas de que la inteligencia artificial generativa haya sido usada para crear interpretaciones actorales.

Las compañías están obligadas a notificar a la organización si comienzan a emplear estas herramientas con ese fin.

Bryn Mooser, director ejecutivo del estudio Asteria, describió el escenario como “difícil de adoptar social, ética y legalmente”, aunque reconoció que la tendencia de uso es la más alta que se haya visto hasta ahora.

Los Angeles Times destaca que la expansión de la inteligencia artificial dentro de la industria cinematográfica expone una paradoja: mientras los estudios avanzan en la integración de herramientas avanzadas y destinan recursos crecientes para fortalecer sus equipos técnicos, la vigilancia sindical y las regulaciones legales continúan marcando límites claros.

Actores, guionistas y técnicos mantienen abiertas las discusiones sobre el alcance de la automatización y las condiciones bajo las cuales se acepta la presencia de algoritmos en los procesos creativos.

Entre desarrollos tecnológicos, contratos blindados y debates sobre el futuro del trabajo en el sector, Hollywood se mantiene en un delicado equilibrio.

El sector explora nuevas fronteras de la producción audiovisual, aunque bajo la mirada atenta de quienes defienden la preservación del talento humano. La evolución de la IA en el corazón del cine estadounidense avanza, empujada por la competencia y la innovación, pero vigilada por quienes buscan garantizar que la creatividad siga siendo, ante todo, un rasgo humano.

Toy Story 5 superó los mil millones de dólares en la taquilla mundial y se convirtió en la película con mayor recaudación del año.

Con 448 millones de dólares en el mercado doméstico de Estados Unidos y 573 millones en el exterior, el filme de Disney y Pixar acumula un total global de 1.022 millones de dólares.

Se trata del tercer largometraje en 2026 en cruzar esa barrera, tras Super Mario Galaxy: la película y Michael, ambas con 1.001 millones de dólares.

A ellas se suma La Odisea, que con 639,6 millones tras apenas dos fines de semana de exhibición apunta a convertirse en la cuarta producción del año en alcanzar esa cifra, antes del estreno de Spider-Man: Brand New Day el 30 de julio.

De acuerdo con Variety, este año se perfila como el de mayor cantidad de películas con recaudación superior a los mil millones de dólares desde que la pandemia alteró la industria cinematográfica en 2020.

En 2019, nueve títulos superaron ese umbral; en 2020, ninguno lo logró. Desde entonces, la cifra fue de uno en 2021, tres en 2022, dos en 2023 y tres en 2024 y 2025.

En los próximos días, Toy Story 5 también superará a Toy Story 4 (2019) como la entrega más taquillera de la franquicia, que recaudó 1.070 millones en su momento. Es la tercera secuela de la saga en cruzar los mil millones, después de Toy Story 3 (2010), con 1.060 millones.

El filme está dirigido por Andrew Stanton, veterano de Pixar, y retoma la historia de Woody (con la voz de Tom Hanks), Buzz Lightyear (Tim Allen) y Jessie (Joan Cusack).

La trama gira en torno a la llegada de Lilypad, una tableta infantil que desplaza a los juguetes como objeto de entretenimiento de su dueña, Bonnie.

La película abrió en junio con 160 millones de dólares, el debut más alto del año y el mejor arranque en la historia de la saga, y sostuvo su atractivo para el público familiar durante toda la temporada de verano.

La música volvió a estar en manos de Randy Newman, compositor de todas las entregas anteriores, con la incorporación del tema de Taylor Swift, producido junto a Jack Antonoff.

Un factor adicional fue la participación de Swift, cuya boda con Travis Kelce fue una de las noticias más comentadas del verano.

La cantante compuso el tema “I Knew It, I Knew You” para la banda sonora del largometraje, un detalle que Variety señaló como un elemento que no pasó inadvertido entre el público.

Al éxito comercial se sumó una semana difícil para el estudio: Pixar Animation Studios fue alcanzado por una ronda de despidos de Disney.

La revista además apuntó que, mientras las secuelas de animación han recuperado terreno en la taquilla, las propuestas originales siguen enfrentando dificultades.

Hoppers, la otra apuesta de Pixar para 2026, no logró sostener su impulso inicial tras un buen fin de semana de apertura.

El récord de “Toy Story 5″ en América Latina

En su primer fin de semana de exhibición en América Latina, Toy Story 5 convocó a más de 10 millones de espectadores en la región y recaudó 53,8 millones de dólares.

Esas cifras la posicionaron como la película más vista de la región en lo que va de 2026 y como el estreno más exitoso del año en el mercado latinoamericano.

El resultado ratifica la vigencia de una franquicia que arrancó en 1995 y que, más de tres décadas después, mantiene convocatoria tanto entre quienes crecieron con sus personajes como entre nuevas generaciones de espectadores.

En cuanto al ecosistema de la franquicia, los títulos de Toy Story acumulan más de 2.000 millones de horas reproducidas en Disney+ y producen más de 1.000 millones de dólares anuales en ventas vinculadas a productos de consumo, videojuegos y publicaciones.

La marca tiene presencia en parques temáticos de Disney en todo el mundo, con cuatro áreas temáticas, 19 atracciones y dos hoteles asociados a sus personajes.

La Guardia Civil de Pontevedra ha abierto una investigación para esclarecer la denuncia presentada por una trabajadora del crucero Disney Dream, que asegura haber sido intoxicada presuntamente por otra compañera de la tripulación durante la escala que el buque realizó el pasado viernes en el puerto de Vigo. La mujer, de nacionalidad argentina, comenzó a encontrarse mal mientras el barco permanecía atracado en la ciudad gallega y tuvo que ser trasladada a un centro hospitalario, donde relató a los sanitarios que creía que alguien había vertido una sustancia en una botella de agua que había consumido.

Según la información facilitada por fuentes de la investigación a El Faro de Vigo, la trabajadora fue atendida inicialmente por los servicios médicos del propio crucero. Sin embargo, su estado hizo necesario su traslado al Hospital Fátima de Vigo una vez el barco había atracado en el Muelle de Trasatlánticos.

Fue en el centro sanitario donde la mujer manifestó que sospechaba haber sido víctima de un envenenamiento y señaló directamente a otra integrante de la tripulación como presunta responsable de los hechos. Tanto la denunciante como la trabajadora a la que atribuye la supuesta intoxicación son de nacionalidad argentina y desempeñan labores como fotógrafas a bordo del crucero de Disney Cruise Line.

Tras recibir el alta médica, la mujer formalizó la denuncia ante las autoridades, lo que dio lugar a la apertura de una investigación para tratar de determinar qué ocurrió realmente y si existió una intoxicación deliberada.

Se analiza la sustancia que habría ingerido

Los investigadores trabajan ahora para esclarecer las circunstancias del caso y verificar el contenido de la denuncia. Entre las diligencias abiertas figura el análisis de la sustancia que habría ingerido la trabajadora, con el objetivo de determinar su composición y comprobar si efectivamente contenía algún producto ajeno al agua.

Fuentes conocedoras del caso apuntan a El Faro de Vigo que la sustancia sospechosa podría ser cloro, aunque este extremo todavía no ha sido confirmado oficialmente y forma parte de las comprobaciones que están realizando los investigadores. La Policía Científica también llevará a cabo análisis sobre el líquido contenido en la botella de agua para identificar con precisión su composición.

Por el momento, la Guardia Civil ha confirmado únicamente que mantiene abierta una investigación y que se están practicando las diligencias necesarias para esclarecer lo sucedido.

Las mismas fuentes han precisado que, hasta ahora, no se ha producido ninguna detención relacionada con estos hechos. Tampoco está completamente definido qué cuerpo policial asumirá finalmente la investigación, ya que, aunque la Guardia Civil intervino inicialmente tras conocerse lo ocurrido a bordo del buque, la denuncia también fue presentada de forma presencial por la supuesta víctima ante la Policía Nacional.

Las pesquisas deberán determinar no solo si existió realmente una intoxicación, sino también el origen de la sustancia que habría ingerido la trabajadora y las circunstancias en las que pudo producirse.

Un crucero con más de 3.800 pasajeros

El Disney Dream llegó a Vigo dentro de un viaje de posicionamiento de siete noches entre Barcelona y Southampton, con escalas previstas en Cartagena, Málaga, Vigo y A Coruña antes de finalizar el itinerario en el Reino Unido.

Durante su estancia en el puerto vigués transportaba a 3.826 pasajeros, en su mayoría de nacionalidad estadounidense y británica, además de 1.439 tripulantes. El barco, consignado por Incargo Galicia, tenía prevista su salida del puerto a las 18.00 horas del viernes para continuar su ruta hacia A Coruña, siguiente escala del viaje, circunstancia que podría facilitar la continuidad de las actuaciones policiales si fuera necesario.

El crucero es uno de los buques más conocidos de Disney Cruise Line y pertenece a la denominada clase Dream. Tiene capacidad para alrededor de 4.000 pasajeros y dispone de aproximadamente 1.500 camarotes. Su característica silueta, con dos chimeneas decoradas con la figura de Mickey Mouse, lo convierte en uno de los barcos más reconocibles de la compañía.

El viaje en el que se encontraba realizando escala en Galicia corresponde a un itinerario cuyos precios partían de 2.636 euros por persona, según la información comercial del crucero.

El precedente más reciente de un incidente se produjo el pasado 8 de agosto, cuando una pasajera de 79 años que viajaba a bordo del Disney Fantasy tuvo que ser evacuada en helicóptero mientras el buque navegaba frente a la costa gallega, a la altura de Porta do Sol. La mujer fue trasladada al Complejo Hospitalario Universitario de A Coruña, ciudad en la que el crucero tenía previsto atracar horas después.

Enredados, una de las películas más populares del mundo de Disney, le da la bienvenida a Diego Luna para su adaptación en live action con un personaje que promete sorprender a los fanáticos de la cinta.

Hace unos meses con la confirmación del elenco, se dio a conocer que el actor mexicano formaría parte de la producción que ha comenzado con sus grabaciones este verano en España.

¿Qué papel protagonizará Diego Luna en Enredados?

De acuerdo con la revista estadounidense The Hollywood Reporter, el personaje que interpretará la estrella mexicana fue creado exclusivamente para la nueva versión, por lo que su rol no aparece en el filme original animado estrenado en 2010.

Todos los detalles sobre su papel sigue siendo un misterio, debido a la política de confidencialidad que caracteriza a la empresa de entretenimiento.

Se espera que durante las grabaciones se revele un poco más sobre su participación en la película dirigida por el cineasta australiano Michael Gracey, famoso por su trabajo en el exitoso musical El gran showman (The Greatest Showman).

La participación de Diego Luna es producto de su fuerte vínculo con Disney, estudio con el que ha trabajado por años al ser el personaje principal de la serie Andor del universo Star Wars. Esta producción, lo llevó a obtener el reconocimiento crítico de la industria, incluyendo las nominaciones a los Emmy, Globos de Oro y Critics Choice.

El actor posee una filmografía amplia tanto en el cine latinoamericano como en Hollywood, con títulos como Y tu mamá también y La Máquina. Paralelamente, sigue desarrollando una carrera como director y productor. Su próximo proyecto, Ashes (Ceniza en la boca), que coescribió y dirigió, se estrenó durante el Festival de Cannes en mayo de 2026.

Esta historia basada en el cuento de Rapunzel, será protagonizada por Teagan Croft como la princesa del renio Corona y Milo Manheim como Flynn Rider, el carismático ladrón que la acompaña en su aventura. Ambos actores fueron seleccionados tras un proceso de casting internacional que duro algunos meses.

Comienzan las grabaciones de la película en España

La compañía estadounidenses ha iniciado la transformación de la Catedral de Girona en el castillo del reino de Corona para una producción que moviliza a 500 personas, con trabajos que se extenderán hasta el 3 de agosto. El rodaje también se lleva a cabo en varios puntos emblemáticos del casco antiguo, lo que ha generado cierres temporales de negocios y ajustes en las visitas turísticas de la zona.

El interior del lugar ha sido especialmente acondicionado: los bancos han sido retirados, se han colgado grandes cortinas sobre los arcos y se han instalado elementos de utilería como tronos y esculturas de leones. Las primeras imágenes muestran decoraciones en azul y dorado, un cambio que ha despertado críticas entre fanáticos por alejarse de los colores tradicionales de la animación original.

La filmación no se limita a Girona. El equipo tiene su sede en los estudios Ciudad de la Luz en Alicante y ha grabado en espacios como el monasterio de Santes Creus y próximamente en Besalú y San Martín de Valparaíso, donde se construyó el castillo exterior. En Girona, participarán hasta 600 extras seleccionados en un casting masivo, reflejando la magnitud y el alcance de esta película live action.

Para los seguidores peruanos de la franquicia, el lanzamiento llega además en un momento particular: faltan menos de cuatro meses para que el espectáculo en vivo toque Lima. La nueva entrega retoma la historia de Luna Valente, interpretada nuevamente por Karol Sevilla, en una etapa de su vida distinta a la que dejó la tercera temporada.

La protagonista ya no es la joven que descubrió el patinaje en el Jam & Roller de Buenos Aires, sino una patinadora profesional que enfrenta un quiebre inesperado en su carrera. Ese punto de partida es el motor de toda la temporada.

Un accidente que la devuelve al inicio: de qué trata la cuarta temporada

En ‘Soy Luna: Volver a Rodar’, Luna Valente avanza como patinadora profesional hasta que un accidente durante una competencia altera por completo su rumbo. La lesión la obliga a alejarse de las pistas y a regresar al Jam & Roller, el espacio donde vivió los momentos que definieron su historia.

En ese escenario de reencuentros, deberá recuperar la confianza en sí misma mientras enfrenta conflictos inesperados y una nueva amenaza que busca interferir en su camino. Disney describió la temporada como una producción que “da continuidad a la historia de Luna” y que presenta “reversiones de las canciones que el público ya ama, temas inéditos, la incorporación de nuevos personajes y aventuras”.

Entre los temas del álbum figura “De ti me enamoré”, una canción que retoma el triángulo sentimental entre Luna, Matteo y Simón, uno de los ejes emocionales más recordados de la serie original. La dirección está a cargo de Martín Sabán, quien ya dirigió ‘Violetta’, la otra gran producción juvenil de Disney en América Latina.

Los guiones son de Marina Efron, responsable también de ‘Violetta’, ‘Siempre fui yo’ y ‘La partitura secreta’. La producción fue realizada por Metrovisión con rodaje en distintas locaciones de Argentina y México.

El elenco que regresa y quiénes no están en esta temporada

Karol Sevilla encabeza nuevamente el reparto como Luna Valente. La acompañan Ruggero Pasquarelli en el papel de Matteo Balsano y Michael Ronda como Simón Álvarez, los dos personajes masculinos centrales del triángulo amoroso que marcó las temporadas originales. Completan el elenco principal Malena Ratner como Delfina, Gastón Vietto como Pedro Arias y Carolina Kopelioff como Nina. La temporada cuenta además con la participación especial de Agustín Bernasconi en el papel de Gastón.

La nueva temporada también incorpora personajes inéditos: Lucila Gandolfo regresa como Sharon Benson y Roberto Carnaghi vuelve como Alfredo Benson. Entre los nuevos integrantes del elenco aparecen Mercedes Funes como Penélope Roma, el artista Kevsh como Lenny y Magalí Altamirano como Azul Schultz.

Valentina Zenere, quien interpretó a Ámbar —la gran rival de Luna durante las tres temporadas originales—, no forma parte de esta nueva entrega. Tampoco regresan Katja Martínez, Ana Jara, Chiara Parravicini ni Jorge López, ausencias que marcan una etapa de cambios en el universo de la franquicia.

Dónde ver ‘Soy Luna: Volver a Rodar’ en Perú y qué hay disponible en Disney+

Los 12 episodios de ‘Soy Luna: Volver a Rodar’ están disponibles de forma exclusiva en Disney+. La plataforma habilitó todos los capítulos al mismo tiempo desde la madrugada del 24 de julio, siguiendo su estrategia habitual para los estrenos internacionales. En Perú, el lanzamiento se activó a las 2:00 a.m.

Dentro del mismo servicio de streaming también se pueden ver las tres temporadas originales de la serie, estrenadas entre 2016 y 2018, lo que permite seguir la historia desde el principio antes de ver la nueva entrega. La franquicia tiene un historial de alcance considerable. ‘Soy Luna’ se emitió entre 2016 y 2018 en casi 150 países, fue doblada en 15 idiomas y alcanzó a más de 59 millones de espectadores en América Latina durante esos tres años.

La serie generó cerca de 10.000 productos de consumo en más de 10 categorías y seis discos de estudio con certificaciones internacionales, incluyendo multiplatino.

Lima tendrá dos noches de ‘Soy Luna Tour, El Último Show’ en noviembre

El regreso de la serie a la pantalla anticipa también su llegada a los escenarios peruanos. ‘Soy Luna Tour, El Último Show’ confirmó dos fechas consecutivas en Lima: el 19 y 20 de noviembre de 2026 en el Arena 1 Park, el recinto ubicado en la Costa Verde de San Miguel. La segunda fecha —19 de noviembre— se añadió como respuesta directa a la alta demanda de entradas para la función ya anunciada del 20.

El espectáculo reunirá en escena a Karol Sevilla, Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Malena Ratner y Gastón Vietto, acompañados por un cuerpo de bailarines, en un repertorio que combinará los éxitos de las primeras temporadas con los temas de ‘Soy Luna: Volver a Rodar’. La producción está a cargo de Golden Peak Live Entertainment, responsable también de producciones como Mundo Pixar y Disney’s Violetta Live.

Las entradas para ambas fechas están disponibles a través de Ticketmaster y en puntos de venta físicos: Wong Ucello (San Borja), Wong Plaza San Miguel, Wong Benavides (Miraflores) y Metro Plaza Norte (Independencia). La gira recorre Lima como parte de un circuito latinoamericano que incluye paradas en Argentina, México, Colombia, Costa Rica, República Dominicana, Bolivia, Ecuador, Uruguay y Chile.

La llegada de El diablo viste de Prada 2 a Disney+ está programada para el 29 de julio. Esta secuela, esperada por quienes disfrutaron la original y por nuevas generaciones de espectadores, se suma así al catálogo de la plataforma tras su paso por cines. El acceso anticipado en Apple TV, mediante compra digital, ha permitido a algunos fans adelantarse al streaming global, pero será a partir de la fecha indicada cuando la película esté disponible para todos los suscriptores de Disney+. Esta ventana de lanzamiento busca aprovechar el interés renovado por la franquicia y la alta demanda que generó en taquilla, donde la película rompió récords y reafirmó el atractivo de sus protagonistas. El regreso de Anne Hathaway y Meryl Streep al universo de la moda, el periodismo y los dilemas personales ha sido recibido con entusiasmo tanto por la crítica como por el público.

En El diablo viste de Prada 2, el guion recupera la dinámica entre Andy Sachs y Miranda Priestly, ahora en un contexto marcado por la transformación de los medios y la industria de la moda. Andy regresa a la revista Runway tras una crisis mediática que amenaza la supervivencia de la publicación, mientras Miranda mantiene el control de su imperio en un entorno complicado para el sector. El reencuentro de ambas reactiva una de las relaciones más reconocibles del cine reciente. La película explora temas actuales como los desafíos de los medios tradicionales, el impacto de la inteligencia artificial y el papel de las mujeres en posiciones de liderazgo. El relato se apoya en el reparto original y en la evolución de los personajes, adaptando el conflicto a un panorama social y tecnológico renovado.

Viejas y nuevas caras

La secuela no solo recupera a Emily Blunt como Emily y Stanley Tucci como Nigel, sino que suma apariciones especiales de figuras del mundo de la moda y la música. Entre los nombres destacados se encuentran Lady Gaga, Donatella Versace, Law Roach y Naomi Campbell. Lady Gaga, además de compartir una escena con Meryl Streep, es responsable de la banda sonora, a la que acompaña un videoclip junto a la rapera Doechii. La presencia de Donatella Versace adquiere especial relevancia, ya que en la primera entrega la industria de la moda evitó participar por temor a represalias. Ahora, la diseñadora aparece en una secuencia con Emily Blunt, considerada significativa para la narrativa y para el reconocimiento del filme en el ámbito de la moda.

La película también ha sido noticia por los cameos que no llegaron a la versión final. Una escena rodada con la actriz Sydney Sweeney fue eliminada poco antes del estreno por razones no aclaradas públicamente. Además, se filmó un encuentro entre Miranda Priestly y Anna Wintour, la editora de Vogue, que finalmente no se incluyó en la película, aunque sí se utilizó como material promocional para el lanzamiento. Estos detalles han generado conversación entre los seguidores de la saga, que han seguido de cerca tanto el proceso de producción como la llegada de la secuela a las plataformas digitales. El diablo viste de Prada 2 se consolida así como un evento cinematográfico y cultural del año, disponible para ver en Disney+ este verano.

El lanzamiento coincide con el décimo aniversario de la ficción estrenada en 2016. Esta nueva entrega consta de 12 episodios y vuelve a contar con Karol Sevilla como Luna Valente, junto a Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Carolina Kopelioff, Malena Ratner y Gastón Vietto. Además, la temporada tiene la participación especial de Agustín Bernasconi.

Según explicó Disney en su nota de prensa, la nueva producción “da continuidad a la historia de Luna” y presenta “reversiones de las canciones que el público ya ama, temas inéditos, la incorporación de nuevos personajes y aventuras”.

El camino de Luna antes de su regreso

La historia de Soy Luna comenzó en 2016 con Luna Valente, una joven mexicana apasionada por el patinaje que vivía en Cancún junto a sus padres adoptivos. Su vida cambió cuando Sharon Benson, una empresaria argentina, compró la mansión donde trabajaban sus padres y llegó al lugar junto a su ahijada Ámbar y Matteo, el novio de esta última.

Tras mudarse a Buenos Aires, Luna ingresó al Blake South College y encontró en el Jam & Roller un espacio para desarrollar su talento sobre ruedas y su pasión por la música. En ese lugar conoció nuevos amigos, participó en competencias y quedó en medio de un conflicto con Ámbar, quien se convirtió en una de sus principales rivales.

La primera etapa de la serie también insertó un triángulo amoroso entre Luna, Simón y Matteo. Mientras Simón era su mejor amigo desde la infancia, Matteo mantenía una relación con Ámbar.

Uno de los momentos más importantes llegó en la segunda temporada, cuando Luna descubrió que su verdadera identidad era Sol Benson, la sobrina de Sharon y heredera de la fortuna familiar. La protagonista reconstruyó los recuerdos de su pasado y reveló la verdad sobre su origen, mientras Sharon intentaba ocultar la identidad de Luna para quedarse con la herencia.

En la tercera temporada, Luna aceptó su nueva realidad como Sol Benson y regresó a la mansión familiar. Además, logró una reconciliación con Ámbar, quien cambió su actitud después de años de enfrentamientos. Al final de la historia original, Luna heredó la fortuna de los Benson, decidió compartirla con Ámbar y confirmó que el patinaje era el camino que quería seguir.

¿De qué trata la cuarta temporada de ‘Soy Luna’?

En Soy Luna: Volver a Rodar, la protagonista enfrenta una nueva etapa de su vida como patinadora profesional. Sin embargo, un accidente en la pista cambia sus planes y la obliga a regresar al Jam & Roller, el lugar donde vivió algunos de los momentos más importantes de su historia.

La nueva temporada muestra a Luna frente a nuevos desafíos personales y profesionales mientras intenta recuperar la confianza después de la lesión. En su regreso al antiguo escenario, volverá a encontrarse con sus amigos, enfrentará conflictos inesperados y descubrirá que una nueva amenaza busca interferir en su camino.

La producción vuelve a contar con el equipo creativo de las temporadas anteriores. Martín Sabán (Violetta) está a cargo de la dirección y Marina Efron (Violetta, Siempre fui yo, La partitura secreta) firma los guiones. La serie fue realizada por Metrovisión y tuvo rodaje en distintas locaciones de Argentina y México.

La música también será parte central del regreso. El álbum oficial incluye nuevas versiones de canciones conocidas por los seguidores y temas inéditos, entre ellos “De ti me enamoré”, una canción que recupera la historia romántica entre Luna, Matteo y Simón.

El regreso de la serie también llegará a los escenarios con Soy Luna Tour, El Último Show, una gira internacional que comenzará en octubre de 2026. Karol Sevilla, Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Malena Ratner y Gastón Vietto participarán del espectáculo, que reunirá canciones clásicas de la serie y nuevos temas de la temporada. El recorrido incluye presentaciones en Argentina, México, Colombia, Costa Rica, República Dominicana, Bolivia, Ecuador, Uruguay, Perú y Chile.

La película animada Toy Story 5 ha alcanzado más de 960 millones de dólares en recaudación mundial al 24 de julio de 2026, convirtiéndose en el mayor estreno de Pixar y Disney en el año. Este desempeño financiero incide directamente en la industria del entretenimiento, estudios de animación y cadenas de exhibición a nivel internacional, pues refleja la capacidad de convocatoria y el impacto económico de la franquicia, según portales especializados y medios de seguimiento financiero.

De acuerdo con datos publicados por Koimoi y confirmados por Box Office Mojo, el largometraje sumó 962,3 millones de dólares en todo el mundo, con 434,6 millones provenientes de Estados Unidos y 527,6 millones de los mercados internacionales. Estas cifras fueron actualizadas el 23 y 24 de julio de 2026 y coinciden con el seguimiento realizado por medios internacionales y sitios de estadísticas de taquilla.

La saga Toy Story es uno de los activos más relevantes de Pixar y Disney desde el estreno de la primera película en 1995. El lanzamiento de Toy Story 5 se produjo durante el verano boreal de 2026 y fue precedido por una campaña internacional de distribución y promoción, en un contexto de recuperación para la industria cinematográfica tras la consolidación de nuevas dinámicas de consumo audiovisual y exhibición, según reportes de Box Office Mojo y The Numbers.

¿Cuánto ha recaudado Toy Story 5 a nivel mundial hasta el 24 de julio de 2026?

De acuerdo con la última actualización publicada por Koimoi, Toy Story 5 ha alcanzado una recaudación global de 962,3 millones de dólares. El desglose detallado por regiones indica que 434,6 millones corresponden a la taquilla doméstica en Estados Unidos, mientras que 527,6 millones provienen de mercados internacionales. Box Office Mojo presenta cifras similares, apenas por debajo de los 963 millones, mientras que The Numbers mantiene su reporte en 764 millones, lo que sugiere diferencias de actualización entre plataformas.

El portal japonés Livedoor News, citando datos de Box Office Mojo, informó que la película superó los 957 millones a nivel mundial el 21 de julio de 2026, lo que confirma la tendencia de crecimiento sostenido en las cifras de taquilla internacional.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en Estados Unidos?

En el mercado estadounidense, Toy Story 5 registró 434,6 millones de dólares en recaudación, de acuerdo con Koimoi y Box Office Mojo. Este resultado posiciona a la película como el estreno animado más exitoso del año en Estados Unidos y uno de los lanzamientos con mayor permanencia en cartelera. El sitio ZoomBangla informó que la cinta tuvo un estreno doméstico de 160 millones de dólares, el inicio más alto para una producción animada en 2026.

Durante las primeras cinco semanas, Toy Story 5 mantuvo su presencia en los primeros puestos de la taquilla, superando los registros de otras entregas de la saga y de títulos recientes del estudio. Según The Numbers, la película se mantuvo en más de 3.500 salas a lo largo del país, lo que permitió sostener el ritmo de ingresos y consolidar la asistencia familiar durante la temporada de vacaciones escolares.

El éxito en Estados Unidos se atribuye a la estrategia de estreno en fechas clave, la distribución en grandes cadenas de exhibición y la expectativa generada en torno al regreso de los personajes clásicos de la franquicia. La recaudación doméstica contribuyó de forma significativa al total global y reforzó la posición de Pixar y Disney en el mercado estadounidense.

¿Por qué hay diferencias entre las cifras de recaudación de Toy Story 5 según las fuentes?

Las plataformas de seguimiento financiero como Box Office Mojo, Koimoi y The Numbers obtienen sus cifras a partir de reportes diarios de los exhibidores y distribuidoras de cine. Las diferencias pueden deberse a varios factores, entre ellos el momento del corte diario, la inclusión o exclusión de mercados secundarios y la conversión de divisas. Por ejemplo, Koimoi y Box Office Mojo muestran datos actualizados al 23 y 24 de julio de 2026, mientras que The Numbers reporta cifras hasta el 22 de julio.

Los portales especializados actualizan sus cifras varias veces por semana, lo que puede generar pequeñas variaciones en los montos reportados. No obstante, todas las fuentes coinciden en que Toy Story 5 es el estreno animado con mayor recaudación en 2026 y uno de los títulos más exitosos en la historia de Pixar.

¿Qué posición ocupa Toy Story 5 entre las películas más taquilleras de Pixar y Disney?

Con la recaudación actual, Toy Story 5 supera ampliamente a otros estrenos de Pixar en 2026 y se posiciona como el mayor éxito del estudio en el año. Según Koimoi y Box Office Mojo, la recaudación global ya ha superado la marca de Toy Story 4, que había alcanzado 1.073 millones de dólares en 2019, si se mantiene la tendencia de ventas y la permanencia en cartelera.

El filme también lidera el ranking de estrenos animados más exitosos en Estados Unidos y figura entre los títulos que más rápido han alcanzado cifras superiores a los 950 millones de dólares en la historia reciente del cine animado, de acuerdo con el análisis de The Numbers y el seguimiento de Box Office Mojo.

¿Qué factores explican el éxito de Toy Story 5 en taquilla?

El desempeño de Toy Story 5 se explica por una combinación de factores estratégicos y contextuales. La consolidación de la marca Toy Story, la estrategia global de distribución de Disney, el lanzamiento en temporada alta de verano y el interés de audiencias familiares en mercados clave como Estados Unidos, Europa y Asia han impulsado la venta de boletos.

El sitio ZoomBangla informó que la película registró un estreno doméstico de 160 millones de dólares, el mayor para una producción animada en 2026. En el mercado internacional, la recaudación inicial fue de 152 millones, lo que refleja la capacidad de convocatoria de la franquicia. La estrategia de Disney priorizó el lanzamiento simultáneo en múltiples territorios y una fuerte presencia en plataformas publicitarias y medios digitales, según lo reportado por Box Office Mojo.

¿Qué cifras específicas aportan las fuentes internacionales sobre Toy Story 5?

• Koimoi: 434,6 millones de dólares en Estados Unidos, 527,6 millones fuera de ese país, total global de 962,3 millones (23 de julio de 2026).
• Box Office Mojo: cifra global estimada en 963 millones, con actualización al 24 de julio de 2026.
• The Numbers: mantiene un reporte de 764 millones, actualizado al 22 de julio de 2026.
• Livedoor News: informa que se superaron los 957 millones globalmente al 21 de julio de 2026, citando datos de Box Office Mojo.

Estas cifras pueden variar levemente según el corte y la metodología de cada plataforma, pero todas reflejan el alto impacto financiero de la película en la industria.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otros estrenos recientes del cine animado?

Toy Story 5 lidera la taquilla de 2026 en el segmento animado y se posiciona como uno de los títulos con mayor recaudación en los últimos cinco años, de acuerdo con Koimoi y Box Office Mojo. La película supera a otros éxitos recientes como Super Mario Galaxy Movie y Michael, que también figuran entre los estrenos más vistos del año según el ranking de Box Office Mojo.

El desempeño de Toy Story 5 se suma a la tendencia de reactivación de la industria tras los desafíos derivados de la pandemia y la transformación de los hábitos de consumo audiovisual. El estreno simultáneo en salas y la apuesta por franquicias reconocidas han favorecido el regreso masivo del público a los cines.

¿Qué impacto tiene este resultado para la industria cinematográfica?

El éxito de Toy Story 5 representa un impulso clave para la industria cinematográfica internacional en 2026, según lo reportado por Box Office Mojo y Koimoi. El volumen de espectadores movilizados y los ingresos generados benefician a los estudios de animación, cadenas de exhibición y filiales de distribución global, en un contexto de recuperación de la actividad tras años de incertidumbre por la pandemia y el avance del streaming.

La película refuerza la estrategia de estrenos globales simultáneos y confirma el rol de las franquicias como motor principal de la reactivación financiera para los estudios. Según The Numbers, la permanencia de Toy Story 5 en los primeros puestos de taquilla influye en la competitividad del mercado animado y en la planificación de futuros lanzamientos de grandes estudios.

¿Qué se espera para la recaudación de Toy Story 5 en las próximas semanas?

Toy Story 5 continúa disponible en las principales cadenas de exhibición de Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina. Los portales de box office proyectan que la película podría consolidar su posición entre los títulos animados más taquilleros de la historia reciente, especialmente durante la temporada de vacaciones escolares que incrementa la afluencia a las salas.

La evolución de la taquilla será monitoreada por fuentes especializadas como Box Office Mojo, Koimoi y The Numbers, que actualizarán sus cifras en función de los reportes diarios de exhibidores y estudios. La performance comercial de Toy Story 5 servirá de referencia para el diseño de estrategias de distribución y promoción en futuros estrenos animados.

¿Qué dicen las fuentes y portales especializados sobre Toy Story 5?

Según Koimoi, “Toy Story 5 ya ha superado los 962 millones de dólares en recaudación mundial, liderando la taquilla animada en 2026”. Por su parte, Box Office Mojo destaca el ritmo sostenido de crecimiento y la expectativa de que la película alcance nuevos hitos en las próximas semanas. The Numbers subraya que la presencia de la saga Toy Story en cartelera refuerza el valor de las franquicias para el sector.

Livedoor News indica que el comportamiento de Toy Story 5 en el mercado japonés y asiático ha sido clave para superar los 950 millones de dólares en tiempo récord, según datos de Box Office Mojo. ZoomBangla resalta que la película tuvo el mayor estreno doméstico de 2026, lo que contribuyó a la aceleración de la recaudación global.

¿Cómo afecta el éxito de Toy Story 5 a los estudios y al público?

La recaudación de Toy Story 5 impacta positivamente en los ingresos de los estudios de animación, las cadenas de exhibición y los mercados asociados de productos derivados. El resultado financiero podría influir en las decisiones sobre futuras secuelas o spin-offs de la franquicia, así como en la estrategia de lanzamientos globales simultáneos. Para el público, la permanencia de la película en cartelera amplía la oferta de entretenimiento familiar durante el verano y marca una tendencia de regreso a las salas de cine, de acuerdo con el seguimiento de Box Office Mojo y Koimoi.

Tom Holland regresa en el papel de un Peter Parker más aislado, mientras que Zendaya, Jacob Batalon y Mark Ruffalo también retoman sus personajes, aportando nuevas dimensiones a la historia. En esta ocasión, Spider-Man se enfrenta a un Hulk completamente fuera de control y a una amenaza inédita encarnada por Sadie Sink.

Un Peter Parker solitario y en transformación

Brand New Day da continuidad a la historia aproximadamente nueve meses después de Sin camino a casa, aunque la mayor parte de la narración se desarrolla cuatro años después del último evento multiversal. Durante este tiempo, Peter ha decidido mantenerse en las sombras, distanciado de MJ y Ned, quienes, debido al hechizo de Doctor Strange, ya no recuerdan su verdadera identidad, medida tomada para salvaguardarlos de posibles peligros. Este aislamiento refuerza su sentido de responsabilidad como héroe, pero también lo sumerge en una vida solitaria y austera, dedicada por completo a su labor como Spider-Man mientras enfrenta las dificultades cotidianas para sobrevivir.

No obstante, este periodo de soledad está marcado por una transformación física inesperada. El tráiler final muestra que Peter empieza a desarrollar nuevas habilidades, como la aparición de telarañas orgánicas, lo que implica posibles consecuencias en su identidad y habilidades. Estas novedades generan incertidumbre incluso para alguien acostumbrado a lo extraordinario. La película propone al espectador un acercamiento tanto a la vulnerabilidad emocional de Peter como a los desafíos biológicos que lo afectan, aportando una dimensión humana a la narrativa característica de Marvel.

Hulk fuera de control: caos en la ciudad

La irrupción de un Hulk descontrolado presenta una amenaza sin antecedentes en el universo de Spider-Man. El tráiler más reciente dedica varios de sus momentos más intensos al enfrentamiento entre Peter Parker y Bruce Banner en su forma monstruosa. A diferencia de interacciones previas en el MCU, esta vez Hulk actúa como una fuerza únicamente destructiva, arrasando edificios y arrojando a Spider-Man contra el suelo con brutalidad.

El caos ocasionado por Hulk no obedece a su habitual deseo de proteger a los inocentes o salvar la ciudad. Más bien, las imágenes sugieren que Banner ha perdido totalmente el control de sí mismo, posiblemente a causa de alguna manipulación mental, aunque no se han confirmado oficialmente los detalles. Esto plantea serias dudas acerca de la estabilidad de los Avengers y la seguridad de los civiles si los propios héroes pueden convertirse en amenazas. Para los ciudadanos de Nueva York, la visión de Hulk destruyendo su entorno incrementa el temor y la desconfianza hacia quienes deberían protegerlos.

A la par, el deterioro físico que sufre Peter se combina con la responsabilidad de detener a uno de sus aliados más poderosos, llevando la historia a una confrontación de consecuencias imprevisibles tanto para él como para la ciudad. Esta mezcla de elementos garantiza que la película no solo descanse en los efectos visuales, sino que profundice en los dilemas morales presentes en el MCU.

La amenaza de La Mano y el personaje de Sadie Sink

Mientras Spider-Man trata de gestionar su crisis personal y la amenaza de Hulk, la organización criminal conocida como La Mano surge como otro adversario formidable. El tráiler muestra escenas de combates intensos entre Peter Parker y miembros de esta organización, tradicionalmente asociada con historias de ninjas y crimen organizado en Marvel. La presencia de La Mano añade un nivel adicional de conspiración y peligro, obligando a Peter a repartir su atención y recursos entre varias amenazas.

Uno de los aspectos más discutidos del avance es la aparición de un nuevo antagonista, cuyo nombre aún no ha sido revelado, interpretado por Sadie Sink. La presentación de este personaje ha despertado el interés de los seguidores del MCU, que especulan acerca de sus motivaciones y relevancia. El tráiler sugiere que este personaje tendrá un papel importante en la trama, pero no revela detalles específicos, aumentando el interés previo al estreno.

La combinación de amenazas externas y conflictos personales sitúa a Peter Parker en el centro de una situación insostenible, obligándolo a buscar nuevas alianzas o a hacer sacrificios mayores para proteger a una ciudad al borde del colapso.

La nueva entrega recupera el universo musical que conquistó a millones de espectadores, aunque esta vez el foco estará puesto en una camada completamente nueva de artistas que buscarán hacerse un lugar bajo la mirada de los integrantes de Connect 3.

La historia comienza cuando la banda pierde inesperadamente a su número de apertura para una importante gira de reencuentro. Ante ese contratiempo, Shane, Nate y Jason Gray regresan al legendario Camp Rock con una misión muy clara: descubrir al próximo gran talento que acompañará al grupo durante la gira.

Lo que parecía una simple búsqueda artística pronto se convierte en una intensa competencia donde los jóvenes campistas luchan por conseguir el lugar soñado. Entre ensayos, desafíos musicales y grandes números coreográficos surgirán rivalidades, amistades inesperadas y romances que volverán a ser el corazón de la historia, una fórmula que convirtió a las dos primeras películas en auténticos fenómenos de la televisión.

El principal atractivo del proyecto es el regreso de los Jonas Brothers a sus recordados personajes. Joe Jonas vuelve como Shane Gray, Nick Jonas retoma el papel de Nate y Kevin Jonas interpreta nuevamente a Jason Gray. También regresa Maria Canals-Barrera como Connie, madre de Mitchie Torres.

La gran ausencia en pantalla es Demi Lovato. Aunque la actriz y cantante no forma parte del elenco confirmado, sí participa como productora ejecutiva junto a los Jonas Brothers, Tim Federle, Betsy Sullenger, Spencer Berman y Gary Marsh. Desde la producción explicaron que la intención es abrir definitivamente la franquicia a una nueva generación de protagonistas, aunque el legado de Mitchie seguirá muy presente dentro del universo de la saga.

El elenco incorpora varios rostros jóvenes encabezados por Liamani Segura, quien interpreta a Sage, una talentosa y decidida cantante. Junto a ella aparecen Malachi Barton como Fletch, Lumi Pollack como Rosie, Hudson Stone como Desi, Casey Trotter como Cliff, Brooklynn Pitts como Callie, Ava Jean como Madison y Sherry Cola como Lark.

Detrás de cámara también hay nombres con experiencia en el entretenimiento musical. La dirección corre por cuenta de Veronica Rodriguez, mientras que el guion fue escrito por Eydie Faye, ambas responsables de Pijamada de locos. La coreografía está nuevamente en manos de Jamal Sims, uno de los referentes del género dentro de Disney.

El lanzamiento del tráiler deja claro cuál será la estrategia del estudio: combinar el peso de la nostalgia con una historia pensada para quienes crecieron viendo la saga y para una audiencia completamente nueva. Las imágenes recuperan escenarios emblemáticos del campamento, muestran el regreso de Connect 3 e introducen a los nuevos protagonistas que tomarán la posta.

La apuesta también pasa por la música. Disney ya lanzó “One Beat Away”, el primer sencillo oficial interpretado por Liamani Segura junto al elenco principal. La canción busca repetir el impacto que tuvieron clásicos como This Is Me, Wouldn’t Change a Thing o Introducing Me, temas que permanecen entre los más recordados de la historia de Disney Channel.

La banda sonora completa estará disponible desde el 13 de agosto, apenas un día antes del estreno mundial de la película.

No se trata de una apuesta menor. Camp Rock (2008) y Camp Rock 2: The Final Jam (2010) figuran entre las películas originales más exitosas de Disney Channel y lideraron las audiencias de los estrenos televisivos por cable en Estados Unidos durante sus respectivos años de lanzamiento. Además, impulsaron las carreras internacionales de Demi Lovato y los Jonas Brothers, cuyos temas siguen acumulando reproducciones y viralizaciones en redes sociales más de una década después.

Con CAMP ROCK 3, Disney intenta repetir aquella fórmula que mezcló música, amistad y crecimiento personal. El desafío será demostrar que la magia del campamento todavía tiene mucho para cantar.

La producción de “El diario de la princesa 3” mantiene en vilo a los seguidores de la franquicia y avanza con novedades relevantes: Anne Hathaway confirmó que sigue ligada al proyecto en el papel de Mia Thermopolis y la autora de la saga, Meg Cabot, expresó su respaldo total al guion más reciente. El desarrollo de la película atraviesa una nueva etapa tras la reescritura del libreto, mientras Disney apuesta por una dirección renovada bajo la conducción de Adele Lim.

Durante una entrevista con SiriusXM’s Radio Andy, Hathaway explicó que el equipo creativo halló una nueva perspectiva para la historia y, por ello, decidió comenzar de cero con el guion. La actriz, de 43 años, identificó este avance como un punto de inflexión para el proyecto: “Creo que tuvimos un avance con la historia. El guion en el que trabajábamos debió reiniciarse sobre esta nueva base, lo que no es la actualización que muchos esperaban, pero todos sentimos que esta será la definitiva”, afirmó. La intérprete también mencionó que su embarazo reciente influye en la falta de fechas concretas para el inicio de rodaje o el estreno.

La saga fílmica, inspirada en los libros de Cabot, narra el descubrimiento de la identidad real de Mia como heredera del trono en el reino ficticio de Genovia. La primera película, estrenada en 2001, supuso el debut estelar de Hathaway en Hollywood, acompañada por Julie Andrews en el rol de la reina Clarisse. Tres años después llegó la segunda entrega, “Royal Engagement”, que reunió al elenco original, incluido Héctor Elizondo como Joe y Heather Matarazzo como Lilly, bajo la dirección de Garry Marshall. El cineasta falleció en 2016, dejando un legado asociado a la franquicia.

En 2024 se sumó Adele Lim como directora y Flora Greeson como guionista. Debra Martin Chase, productora de las dos primeras entregas, reiteró a People en junio que el proyecto sigue en pie y que Disney mantiene la intención de concretar la tercera parte: “Esperamos estar rodando este año. Estamos convencidos de que saldrá adelante y la reacción de la gente nos impulsa cada vez que hay novedades”, expresó.

Por su parte, Meg Cabot compartió en The Hollywood Reporter que el guion que leyó recientemente es su favorito entre todas las versiones, y que prefirió dejar de recibir borradores para no arriesgarse a revelar detalles accidentales: “Leí un guion y fue increíble. Les dije que no me enviaran más, porque me encanta demasiado”, sostuvo. Cabot subrayó que el texto incorpora elementos propios de sus novelas y descartó la posibilidad de una precuela. Confirmó, además, que la película será estrenada en cines y que participa en la producción ejecutiva.

La autora también se refirió a la relación entre los libros y las películas, señalando que existen diferencias notables, pero ambas versiones mantienen su atractivo. Una de las preguntas más frecuentes de los seguidores es si Mia terminará junto a Michael o Nicholas, a lo que Cabot respondió: “Tendrán que esperar para ver”.

Hasta el momento, Anne Hathaway es la única integrante del elenco confirmada oficialmente. Julie Andrews manifestó en 2024 que estaría “muy feliz” de regresar, aunque aclaró que no prevé su participación. El desenlace de la segunda entrega dejó abierta la posibilidad de explorar nuevos caminos narrativos, con Mia convertida en reina tras persuadir al parlamento de que podía asumir el trono sin casarse y con una relación incipiente con Nicholas Devereaux, interpretado por Chris Pine.

La franquicia originada en las novelas de Cabot abarca 12 libros y recientemente incorporó una adaptación en formato de novela gráfica, lanzada en coincidencia con la entrevista en The Hollywood Reporter. En declaraciones recogidas por People, Cabot recordó cómo el éxito de la saga traspasó generaciones y compartió anécdotas sobre la recepción de los libros, cuyo contenido resulta más maduro que el de las películas: “La película es apta para todo público, y los libros tienen besos con lengua”, relató.

Por ahora, “El diario de la princesa 3” no cuenta con fecha de estreno ni sinopsis oficial. El equipo creativo se mantiene enfocado en afinar los detalles para continuar una historia que lleva más de dos décadas conectando con el público de distintas edades. El lanzamiento en cines sigue siendo el objetivo, de acuerdo con los últimos comunicados de la autora.

Arranca la nueva temporada de Survivor México: La Reliquia en Llamas con 16 participantes repartidos en dos tribus que competirán por un premio de 2 millones de pesos, ¿Quiénes serán los integrantes que vivirán el concurso más desafiante de la televisión mexicana en esta nueva edición?

Para esta séptima entrega del reality de supervivencia, transmitida por Azteca Uno y Disney+, tendremos figuras del espectáculo, atletas con trayectoria en otros realities y cuatro personas sin exposición pública previa. Ninguno de los concursantes ha participado antes en Survivor México.

Tribu Halcones: el equipo verde

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Los ocho integrantes de los Halcones reúnen perfiles que van desde la televisión hasta los oficios de calle.

Sahit Sosa, actor originario de Guadalajara, Jalisco, construyó su carrera en telenovelas y series en México y Estados Unidos. Su papel de Ernesto Gamboa en El Señor de los Cielos le dio proyección nacional.

Viviann Baeza, cantante y conductora queretana, se dio a conocer desde niña en La Academia Kids. En 2019 participó en La Voz México con Belinda como coach y llegó al tercer lugar de la final general. Hasta su ingreso al reality conducía el programa matutino Venga la Alegría en Azteca Uno.

Bobby Larios, actor y bailarín tapatío de 56 años, inició su carrera en telenovelas de Televisa en 1996. En 2021 reveló públicamente que superó un diagnóstico de cáncer de próstata. Su regreso a la pantalla se dio en 2025 con MasterChef Celebrity México: Generaciones, paso previo a su llegada a Survivor.

Aurélie Garzonio, francesa radicada en la Ciudad de México desde hace más de una década, fue seleccionada olímpica en natación por su país natal y acumula medallas en competencias de fitness en México. Conductora y coach, participó en el reality Guerreros 2020 de Televisa, donde se ganó el apodo de “Pantera Blanca”.

Javier Márquez, conocido como “Big Papi”, es profesor de Educación Física de 34 años originario de Jalisco. Participó en cinco temporadas de Exatlón México desde 2018 y alcanzó el segundo lugar en la cuarta edición. Antes de su debut en televisión, trabajó como cargador en la Central de Abastos.

Anahí Izali, actriz y creadora de contenido nacida en Acapulco, Guerrero, acumula participaciones en Acapulco Shore, La Casa de los Famosos de Telemundo y La Isla: Desafío en Turquía. Reconoce que no sabe nadar, lo que representa uno de sus mayores retos dentro de la competencia.

Avril Andrade, de 19 años, es comerciante en tianguis de Colima. Erick Castro, de 31 años, trabaja como diablero en la Central de Abastos del Estado de México. Ambos son los participantes sin trayectoria pública del equipo verde.

Tribu Jaguares: el equipo amarillo

Los Jaguares concentran buena parte de los nombres con mayor reconocimiento en el elenco.

Julio Camejo, actor cubano de 48 años radicado en México, estudió en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Ha participado en realities como MasterChef Celebrity México en 2022 y La Isla: Desafío en Turquía en 2023. Para integrarse a esta temporada, dejó su papel en la obra de teatro Perfume de Gardenia.

Azalia Ojeda “La Negra”, conductora de 53 años, saltó a la fama en 2002 como participante de la primera edición de Big Brother México, donde se convirtió en la tercera eliminada. Regresa a los realities más de dos décadas después de aquella aparición.

Rey Grupero, cuyo nombre real es Luis Alberto Ordaz Balderas, es comediante e influencer nacido en la Ciudad de México en 1987. Alcanzó notoriedad en YouTube con videos de bromas callejeras y ha participado en La Casa de los Famosos de Telemundo, MasterChef Celebrity y La Isla 2024: Desafío Grecia y Turquía, donde fue eliminado en la novena posición.

Shada Hernández, ingeniera química y creadora de contenido, también coincidió con Ordaz Balderas en La Isla 2024. Ambos se reencuentran ahora dentro de los Jaguares.

Abel Robles, influencer y coach fitness, y Tzasna Carrasco, atleta de alto rendimiento con 14 años de trayectoria, completan el perfil deportivo del equipo. Carrasco, originaria de Papantla, Veracruz, es cinta negra en jiu-jitsu brasileño y campeona mundial máster en 2024. Su motivación declarada para ganar el premio es costear el tratamiento oncológico de su padre.

Sebastián Yate, actor colombiano de 31 años, y Sheila Velázquez, bombera de 41 años de la Ciudad de México, son los dos participantes desconocidos de los Jaguares.

La Reliquia en Llamas, el elemento que cambia las reglas

La principal novedad de esta temporada es un objeto fragmentado que los concursantes deberán reconstruir a lo largo de la competencia. Quien reúna todas las piezas obtendrá una ventaja estratégica capaz de modificar su permanencia en el juego, aunque la producción no ha detallado el funcionamiento exacto del beneficio.

El elemento introduce un componente adicional de incertidumbre al formato clásico del programa y obliga a los participantes a sumar un objetivo colectivo a la dinámica individual de supervivencia.

Premio y mecánica del juego

El ganador de esta edición recibirá 2 millones de pesos. La meta de cada tribu es conquistar el Collar Sagrado, que determina la inmunidad en los consejos tribales y define quién permanece semana a semana.

El conductor es Carlos Guerrero “Warrior”, al frente del formato desde la segunda temporada en 2021. La transmisión se realiza de lunes a viernes a las 18:30 horas por Azteca Uno y Disney+, mientras que los domingos los duelos de eliminación se emiten a las 18:00 horas.

La quinta entrega de la saga animada Toy Story, producida por Walt Disney Studios Motion Pictures y Pixar Animation Studios, superó los 950 millones de dólares de recaudación global cinco semanas después de su estreno, según datos actualizados el 21 de julio de 2026. El desempeño taquillero refuerza la posición comercial de la franquicia y afecta a la industria internacional del entretenimiento, así como a los estudios productores y a los mercados donde la serie mantiene fuerte presencia.

De acuerdo con datos de Box Office Mojo y con información publicada por medios como Collider y ScreenRant, Toy Story 5 alcanzó un acumulado de 429,8 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos, mientras que el mercado internacional aportó 527,6 millones, lo que representa el 55,1% del total global. El estreno se realizó el 17 de junio de 2026 en regiones de Asia-Pacífico, Europa, Medio Oriente y África y tuvo su lanzamiento posterior en Estados Unidos y otros territorios clave. El debut doméstico, con una apertura de 159,7 millones de dólares, estableció el mejor registro de la franquicia y el más alto del año para una película de animación, según cifras de ScreenRant.

La saga Toy Story, que tuvo su primera entrega en 1995, se mantiene como una de las más relevantes en el mercado global de animación. En 2019, Toy Story 4 cerró su recorrido con 1.073 millones de dólares en recaudación, mientras que la nueva entrega se aproxima a ese umbral a menos de dos meses de su lanzamiento, en un contexto de competencia con otros estrenos de alto perfil. Según Collider, Toy Story 5 es el tercer título en cruzar la barrera de los 950 millones de dólares en lo que va de 2026, detrás de The Super Mario Galaxy Movie y Michael.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en su estreno?

Toy Story 5 registró un debut de 159,7 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, la cifra más alta para una película de la franquicia, según datos de Box Office Mojo y ScreenRant. Esta cifra superó los 120 millones logrados por Toy Story 4 en 2019 y marcó el mayor lanzamiento de animación del año. En Japón, el filme debutó el 3 de julio y obtuvo el mayor registro para una película de animación extranjera, con ingresos de 4.844 millones de yenes (unos 30,1 millones de dólares) en su primer día, de acuerdo con el sitio oficial de Disney Japón.

El rendimiento internacional fue clave para el éxito global. En mercados como Reino Unido, España, México, Corea del Sur y China, Toy Story 5 encabezó las listas de recaudación en las primeras semanas. El acumulado internacional de 527,6 millones de dólares consolidó la posición de la película como una de las más exitosas de 2026.

¿Cuál es la trama de Toy Story 5 y quiénes forman parte del elenco?

La trama de Toy Story 5 gira en torno al impacto de la tecnología y la llegada de juguetes electrónicos que ponen en cuestión el papel de los personajes tradicionales. Woody, Buzz, Jessie y el resto del grupo enfrentan la amenaza de dispositivos que transforman la dinámica del juego infantil, una problemática que refleja cambios en las preferencias y hábitos de los niños, según las sinopsis oficiales de Disney y Pixar Animation Studios.

El elenco incluye a Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie, quienes retoman sus papeles. La película suma a Conan O’Brien como Smarty Pants y a Greta Lee como Lilly Board. La dirección estuvo a cargo de Andrew Stanton, con Kendra Harris como codirectora y Lindsey Collins en la producción ejecutiva, según lo informado por atmovies.com.tw y los comunicados oficiales de Disney.

La producción incluyó también un tema original compuesto por Taylor Swift, titulado “I Knew It, I Knew You”, que fue integrado a la banda sonora y promovido en plataformas digitales. Esta estrategia musical acompañó el lanzamiento global y reforzó la difusión de la película, de acuerdo con el sitio oficial de Disney Japón.

¿Cómo fue la recepción crítica de Toy Story 5?

La recepción crítica de Toy Story 5 ha sido favorable. La película obtuvo una calificación de 92% en el sitio Rotten Tomatoes en la evaluación de la crítica especializada, mientras que la audiencia asignó un 95%, ambos registros superiores a los alcanzados por entregas previas de la saga, según reportó Collider.

Autoridades de Pixar Animation Studios y Walt Disney Studios destacaron el desempeño de la película a través de comunicados institucionales, donde agradecieron el respaldo del público y subrayaron el rol de la innovación tecnológica y narrativa en el éxito alcanzado.

¿Qué récords rompió Toy Story 5 en la taquilla internacional?

Toy Story 5 rompió el récord de apertura en taquilla para la franquicia y se ubicó como uno de los tres títulos con mayor recaudación de 2026, solo detrás de The Super Mario Galaxy Movie y Michael, de acuerdo con ScreenRant. La cifra de 950 millones de dólares supera la barrera de los 900 millones solo cinco semanas después del estreno, un ritmo de recaudación que iguala o supera a otras producciones de gran presupuesto de la temporada.

En mercados como Japón, Toy Story 5 consiguió el mejor registro de apertura para una película animada extranjera y se mantuvo en el primer lugar de recaudación durante las primeras semanas, según Disney Japón. En Estados Unidos, la película fue el mejor estreno animado del año y la más exitosa de la saga en términos de recaudación inicial.

¿Cuáles son las proyecciones para Toy Story 5 y la franquicia?

Las estimaciones proyectan que Toy Story 5 podría superar los 1.100 millones de dólares al finalizar su recorrido en cines, lo que la convertiría en la tercera película más exitosa de Pixar Animation Studios en términos de recaudación, solo por detrás de Incredibles 2 (1.243 millones) e Inside Out 2 (1.699 millones).

Toy Story 5 es el sexto título de la franquicia, incluyendo el spin-off Lightyear de 2022. El comportamiento de la audiencia y el ritmo de los lanzamientos internacionales serán determinantes para definir el alcance final del filme y su lugar entre los grandes éxitos de la animación.

¿Qué impacto tiene Toy Story 5 en la industria del cine y el entretenimiento?

El resultado comercial de Toy Story 5 tiene implicancias directas para los estudios responsables, las cadenas de exhibición y el sector de licencias y merchandising vinculado a la marca. El éxito de la película refuerza la posición de Disney y Pixar en la industria internacional del entretenimiento, donde las franquicias de animación familiar mantienen alta demanda y capacidad de convocatoria.

La estrategia de estrenos simultáneos en mercados clave y la incorporación de figuras reconocidas en el elenco y la banda sonora fueron factores destacados por los analistas para explicar el desempeño de la película, según Collider. El liderazgo de Toy Story 5 en la taquilla anima a los estudios a profundizar en desarrollos similares y a mantener la apuesta por productos orientados a públicos familiares.

¿Qué se puede esperar tras el éxito de Toy Story 5?

A la luz de los resultados, se anticipa que Disney y Pixar Animation Studios evalúen nuevas formas de expansión para la franquicia, tanto en la producción de secuelas como en la diversificación de productos derivados y contenidos asociados. El impacto del filme también podría traducirse en nuevas alianzas comerciales, lanzamientos en plataformas digitales y renovadas estrategias de marketing y merchandising.

El comportamiento de la audiencia y la evolución de la recaudación en mercados internacionales definirán el alcance final de Toy Story 5. El desempeño observado hasta la quinta semana confirma el atractivo sostenido de la franquicia y la vigencia de los personajes en el imaginario cultural global.

Riverdale regresa, pero no como muchos imaginaban. Disney+ ha dado luz verde a una nueva serie ambientada en el universo de Archie, con el equipo original detrás de la exitosa ficción juvenil, aunque esta vez bajo una premisa completamente distinta. El proyecto, titulado Afterlife With Archie, contará con Roberto Aguirre-Sacasa como showrunner y la producción ejecutiva de Greg Berlanti, Sarah Schechter, Leigh London Redman y Jon Goldwater, entre otros. La serie tiene previsto su estreno global para otoño de 2027.

La noticia marca un giro inesperado en la trayectoria del universo Archie en televisión. Hasta ahora, Riverdale había explorado el drama adolescente, los misterios y las relaciones sentimentales en una pequeña ciudad estadounidense. Esta nueva etapa, sin embargo, propone un cambio de género: la tranquilidad de Riverdale se verá alterada por una invasión zombi provocada tras un hechizo fallido de una bruja adolescente, según la descripción oficial del proyecto. Archie y sus amigos deberán luchar por sobrevivir, mientras la ciudad es asediada por los muertos vivientes y las lealtades, amistades y romances se ponen a prueba.

Disney+ apuesta así por el regreso de una de las marcas juveniles más reconocidas de los últimos años, pero lo hace con un enfoque radicalmente nuevo. La producción corre a cargo de Warner Bros. TV, donde tanto Aguirre-Sacasa como Berlanti tienen acuerdos globales, lo que convierte a Afterlife With Archie en una de las pocas series de Disney+ desarrolladas por un estudio externo. La participación de Archie Comics Studios y la productora Muckle Man Productions refuerza la colaboración creativa detrás de la adaptación.

La serie reunirá al equipo creativo que impulsó Riverdale durante siete temporadas en The CW, así como en sus derivados Katy Keene y Las escalofriantes aventuras de Sabrina. Aguirre-Sacasa, responsable de la adaptación televisiva, liderará el proyecto junto a Berlanti y Schechter. La alianza entre Disney+, Warner Bros. TV y Archie Comics representa un movimiento poco común en la industria, donde las plataformas suelen priorizar producciones internas. Según Jon Goldwater, editor de Archie Comics Studios, este regreso al universo Archie supone “un momento de círculo completo” para quienes participaron en la génesis de Riverdale. Berlanti y Schechter, por su parte, destacaron el entusiasmo de reencontrarse con personajes y ambientes familiares, pero bajo un tono y un género completamente distintos.

De drama adolescente a horror sobrenatural

La diferencia fundamental entre ambas series radica en el enfoque narrativo. Afterlife With Archie traslada a los personajes clásicos de Archie a un escenario apocalíptico, donde la amenaza zombi reemplaza los misterios y dilemas adolescentes. Un hechizo fallido ejecutado por una bruja adolescente desencadena la invasión, lo que obliga al grupo a replantearse sus vínculos mientras luchan por sobrevivir en una ciudad sitiada. El proyecto busca mantener los elementos de amistad, lealtad y humanidad propios del universo Archie, pero explorándolos desde el prisma del horror y la supervivencia. Ayo Davis, presidenta de Disney Kids & Family, señaló que la serie será “igual de emocionante que conmovedora”, y anticipó que los seguidores “van a enamorarse de esta nueva versión de la pandilla, y quizá a gritar también”.

Afterlife With Archie nació como cómic en 2013, fruto de la colaboración entre Aguirre-Sacasa y el artista Francesco Francavilla. La publicación recibió elogios por su capacidad para combinar elementos clásicos con horror y drama, y es considerada un antecedente clave para la posterior expansión televisiva del universo Archie. Una edición deluxe que recopila los diez números de la saga está prevista para octubre, lo que refuerza el interés renovado en la franquicia. Aguirre-Sacasa subrayó la importancia personal de este proyecto: “Antes de Riverdale y de Chilling Adventures of Sabrina, existió Afterlife With Archie”. El guionista calificó la adaptación televisiva como “el proyecto soñado” y agradeció la confianza de Disney+, Berlanti Productions y Archie Comics para llevarlo a la pantalla.

La decisión de Disney+ de apostar por una serie basada en un cómic que combina horror y drama adolescente responde a la búsqueda de propuestas diferentes dentro del catálogo juvenil. El equipo creativo expresó su deseo de ofrecer una experiencia única, capaz de atraer tanto a los seguidores de Riverdale como a quienes buscan nuevas perspectivas en la narrativa serial. El regreso de Riverdale a través de Afterlife With Archie representa un experimento ambicioso para Disney+, Warner Bros. TV y Archie Comics Studios. El estreno en otoño de 2027 marcará un nuevo capítulo en la relación entre la franquicia y su público, planteando una mezcla de nostalgia y novedad que buscará consolidar a Archie y su universo como referentes contemporáneos en la ficción televisiva.

El regreso de personajes conocidos y nuevas incorporaciones sorprendentes

El interés de los seguidores se enfoca en el regreso de Robert Downey Jr., cuya interpretación de Tony Stark/Iron Man fue fundamental en la saga de Avengers hasta su sacrificio en Endgame. Ahora, Downey Jr. regresa como Doctor Doom, el principal antagonista de Doomsday, lo que ha generado numerosas teorías y expectativas acerca de su origen, posiblemente como una variante de Iron Man de otro universo. Las escenas mostradas en el tráiler dan indicios de una versión compleja del villano, aunque Marvel ha mantenido algunos detalles en reserva, aumentando la intriga entre los fanáticos.

Junto a Downey Jr., retornan figuras emblemáticas del MCU como Chris Hemsworth en el papel de Thor y Chris Evans como Steve Rogers/Capitán America. La confirmación oficial de Evans, interpretando ahora a un Capitán América que es padre, fue recibida con entusiasmo por el público. También se suman los Cuatro Fantásticos, quienes tras su debut en la pantalla el año anterior, consolidan su participación en el multiverso, interpretados por Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach.

Entre los refuerzos más destacados se encuentran los X-Men, que por fin se integran al universo principal de los Avengers. Patrick Stewart como Profesor Xavier, Ian McKellen como Magneto, Rebecca Romijn como Mystique y James Marsden como Cíclope lideran este regreso. Además, la incorporación de Channing Tatum como Gambito, tras años de rumores, representa un aliciente adicional para los admiradores. El tráiler ya muestra a estos personajes interactuando, sugiriendo una dinámica interesante de colaboración y conflicto entre los equipos.

Un evento de presentación sin precedentes y una sinopsis que redefine el futuro

Marvel ha compartido la sinopsis oficial de la película, aumentando la expectativa al anunciar que Avengers: Doomsday será el inicio de la conclusión de la Saga del Multiverso, desarrollada durante más de siete años y a lo largo de tres Fases del MCU. Según la descripción, los universos colisionan y héroes de diferentes dimensiones deben enfrentar una amenaza existencial inédita. Este enfrentamiento será esencial para definir el futuro del universo Marvel, con miras a Avengers: Secret Wars y el comienzo de la llamada Saga Mutante, planeada para los próximos años.

Como parte de una estrategia de mercadotecnia única, Marvel llevó a cabo un evento especial en marzo de 2025, en el que presentó el extenso reparto mediante una escenografía que incluía los nombres de los actores en las sillas del set. Entre los participantes se encuentran Anthony Mackie como Falcon, Paul Rudd como Ant-Man, Tom Hiddleston como Loki, Letitia Wright como Black Panther, Winston Duke como M’Baku, Simu Liu como Shang-Chi y Tenoch Huerta como Namor, entre otros. También regresan los Thunderbolts, incorporaciones recientes del MCU, encabezados por Florence Pugh, David Harbour y Wyatt Russell.

Presentación del tráiler y estrategias promocionales

El tráiler de Avengers: Doomsday se difundió a nivel mundial luego de meses en los que solo se mostró en convenciones exclusivas, incluyendo un adelanto para los asistentes a CinemaCon en abril. Marvel tiene previsto lanzar el tráiler completo al público durante la próxima edición de la San Diego Comic Con, el sábado 25 de julio, en un panel que es uno de los más esperados por los fanáticos de la franquicia.

Con el objetivo de mantener la expectativa y el secreto, Disney y Marvel han optado por una estrategia de adelantos limitados, presentando cuatro teasers relacionados con las funciones de Avatar: Fuego y ceniza entre finales de 2025 y comienzos de 2026. Cada avance ofreció momentos relevantes: el regreso de Steve Rogers y la aparición de su hijo; la interacción entre Thor y su hija adoptiva Love; la primera presentación conjunta de Profesor X, Magneto y Cíclope; y el encuentro entre Black Panther, Namor y Thing en Wakanda. Esta estrategia ha mantenido el interés del público y fortalecido la anticipación ante la convergencia de los diferentes universos del MCU.

Impacto en los espectadores y perspectivas para Marvel

La propuesta de reunir a héroes de tres universos responde al reto de reconectar con la base de fanáticos tras una serie de lanzamientos menos exitosos. Avengers: Doomsday aspira a convertirse en el evento cinematográfico del año, combinando numerosas referencias para los seguidores de larga data y presentando nuevos personajes y dinámicas para las generaciones recientes. Los espectadores que resultaron impactados por la muerte de Iron Man en Endgame ahora observan con interés el nuevo papel de Downey Jr., que podría traer consigo giros inesperados en la historia y en la construcción del multiverso de Marvel.

Marvel Studios apuesta a que Doomsday logre un éxito inmediato en taquilla y marque el inicio de las futuras etapas argumentales, con especial énfasis en la próxima llegada de Avengers: Secret Wars. El lanzamiento sincronizado del tráiler, la gran variedad de personajes y la posibilidad de abordar temas de gran trascendencia aumentan como pocas veces las expectativas en torno a la franquicia, anunciando el inicio de una nueva etapa en el Universo Cinematográfico de Marvel.

Disney prepara una nueva película de acción real basada en uno de sus personajes más populares: Tiana, la protagonista de La princesa y el sapo. De acuerdo con Deadline, el proyecto se encuentra en una fase temprana de desarrollo y busca ampliar el universo de la película animada estrenada en 2009, aunque no se plantea como una adaptación directa de la historia original.

Fuentes del medio indican que Disney inició conversaciones con Colman Domingo y Robert O’Hara para escribir el guion de la nueva producción. El actor ganador de un Emmy y el dramaturgo y director teatral nominado al Tony desarrollarían en conjunto una historia original inspirada en el clásico animado de Disney. La propuesta se perfila como un spin-off de la película protagonizada por Tiana, más que como un remake tradicional.

Por ahora, Disney no ha anunciado detalles sobre el argumento, el reparto o una fecha de estreno. La compañía tampoco realizó comentarios oficiales sobre el desarrollo del proyecto.

La participación de Colman Domingo también refleja la nueva etapa de su carrera en Hollywood. En los últimos años recibió dos nominaciones consecutivas al Oscar por sus actuaciones en Rustin y Sing Sing. Además, en 2026 obtuvo nuevas nominaciones al Emmy por sus trabajos en The Four Seasons y Euphoria. Ese mismo año fue parte de Michael, la película biográfica sobre Michael Jackson que superó los mil millones de dólares en la taquilla mundial.

Sin embargo, el intérprete también ha ampliado su trabajo más allá de la actuación, con créditos como escritor, productor y director.

“Ahora me están viendo de la forma en que siempre quise que me vieran, que era como un profesional polifacético”, dijo en junio al recibir un reconocimiento de Variety por su trayectoria creativa. “Nunca he querido ser solo un actor. Siempre he querido actuar, escribir, dirigir y producir”.

El regreso de Tiana al universo Disney

La princesa y el sapo, película estrenada en 2009, presentó a Tiana, una joven camarera que vive en Nueva Orleans durante la década de 1920 y sueña con abrir su propio restaurante. La historia sigue su encuentro con el príncipe Naveen, quien fue convertido en rana por el hechicero Facilier. Después de besarlo para intentar romper el hechizo, Tiana también termina transformada y ambos deben encontrar una manera de recuperar su forma humana.

La producción también ocupa un lugar particular dentro de la historia de Disney, ya que fue la última película animada tradicional dibujada a mano del estudio. El relato combinó la estructura de los musicales clásicos de Disney con una ambientación inspirada en Nueva Orleans y una banda sonora compuesta por Randy Newman.

En su paso por los cines, La princesa y el sapo recaudó 267 millones de dólares a nivel mundial y recibió tres nominaciones al Oscar: mejor película animada y dos por las canciones “Almost There” y “Down in New Orleans”.

La estrategia live-action de Disney

La historia de Tiana se suma a una extensa lista de proyectos con los que Disney busca trasladar sus películas animadas al formato de acción real. En los últimos años, el estudio obtuvo importantes resultados comerciales con títulos como La bella y la bestia (2017), Aladdín (2019), El rey león (2019) y Lilo & Stitch (2025), producciones que superaron los mil millones de dólares en la taquilla mundial.

Sin embargo, la fórmula no siempre tuvo éxito en las salas. El reciente estreno de Moana en acción real no cumplió con las expectativas iniciales y recaudó 43 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos y Canadá. La cifra quedó por debajo de las proyecciones para una producción con un presupuesto de 250 millones de dólares, antes de los gastos de marketing.

Entre los factores que explican el desempeño de algunas de estas películas se encuentra la cercanía entre los estrenos de las nuevas versiones y sus películas animadas originales. En el caso de Moana, la llegada del live-action ocurrió poco tiempo después de la secuela animada, que tuvo un destacado rendimiento en taquilla.

A pesar de estos resultados, Disney mantiene su apuesta por este formato. Entre sus próximos proyectos se encuentran la versión live-action de Enredados, actualmente en producción, además de Stepsisters, un spin-off de Cenicienta, Lilo & Stitch 2 e Impossible Creatures.

La demanda superó las proyecciones iniciales. Con las últimas localidades a la venta para la función del 20 de noviembre, Soy Luna Tour, El Último Show confirmó una segunda fecha en Lima: el 19 de noviembre en el Arena 1 Park, el recinto ubicado en la Costa Verde de San Miguel. El elenco original de la serie de Disney Channel regresa así con dos noches consecutivas en la capital peruana, a diez años de su última gira internacional.

La nueva fecha se anunció como respuesta directa a la alta demanda de entradas para el show ya confirmado. El espectáculo reunirá en escena a Karol Sevilla, Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Malena Ratner y Gastón Vietto, acompañados por un cuerpo de bailarines, en un repertorio que combinará los éxitos de las primeras temporadas con los temas de Soy Luna: Volver a Rodar, la nueva temporada de la serie que estrena el 24 de julio en Disney+.

Nueva fecha, preventa y venta general

Las entradas para la función del 19 de noviembre entran en preventa exclusiva para clientes del BBVA los días 18 y 19 de julio, con un descuento del 15% al pagar con tarjetas del banco, a través de Ticketmaster. La venta general se abre el lunes 20 de julio por el mismo canal y en los puntos de venta físicos: Wong Ucello (San Borja), Wong Plaza San Miguel, Wong Benavides (Miraflores) y Metro Plaza Norte (Independencia).

La producción del espectáculo está a cargo de Golden Peak Live Entertainment, compañía especializada en entretenimiento en vivo a gran escala, responsable también de producciones como Mundo Pixar y Disney’s Violetta Live. El show promete una puesta en escena con coreografías, pantallas y un diseño visual pensado para la experiencia del público en vivo.

El anuncio de la segunda fecha llega en un momento de renovado interés por la franquicia. Soy Luna: Volver a Rodar representa el regreso de la serie a la pantalla una década después de su debut en Disney Channel, con el elenco protagónico original, nuevos personajes, reversiones de canciones ya conocidas y temas inéditos. La nueva temporada está producida por Metrovisión y dirigida por Martín Sabán, el mismo responsable de Violetta.

El alcance de una franquicia que llegó a 59 millones de espectadores

Soy Luna se emitió entre 2016 y 2018 en casi 150 países, fue doblada en 15 idiomas y alcanzó a más de 59 millones de espectadores en Latinoamérica durante esos tres años, según datos de Kantar-IBOPE.

La franquicia generó cerca de 10.000 productos de consumo en más de 10 categorías, seis discos de estudio con certificaciones internacionales —incluyendo multiplatino— y una gira previa que convocó a más de un millón de espectadores en 13 países y 32 ciudades de América Latina, y en 8 países y 37 ciudades de Europa. El elenco y la serie acumulan más de 30 premios y 50 nominaciones en premiaciones de la región.

La gira actual recorre Lima como parte de un circuito latinoamericano que incluye paradas en Buenos Aires y Córdoba (Argentina); Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey (México); Bogotá (Colombia); San José (Costa Rica); Santo Domingo (República Dominicana); Santa Cruz de la Sierra y La Paz (Bolivia); Guayaquil y Quito (Ecuador); Montevideo (Uruguay); y Santiago (Chile).

Las tres primeras temporadas de Soy Luna ya están disponibles en Disney+ para quienes quieran revisar la historia antes del estreno de la nueva entrega o del show en vivo.

El universo de la animación recibe nuevamente a los reconocidos Fry, Bender, Leela y el resto del elenco, ya que la temporada 14 de Futurama tiene su estreno programado para el 3 de agosto en Disney+ a nivel internacional y en Hulu para Estados Unidos. Los creadores Matt Groening y David X. Cohen buscan renovar el legado de la serie con nuevas aventuras y referencias a la cultura popular, generando expectativas entre los seguidores.

Las primeras imágenes y detalles ya han comenzado a circular, mostrando poco sobre la trama principal, pero manteniendo la promesa del humor absurdo y la crítica social que han caracterizado a la producción desde su inicio.

Historia de cancelaciones y regresos de la serie

Futurama es una serie animada de ciencia ficción creada por Matt Groening, también responsable de Los Simpsons, y David X. Cohen. Desde su debut en 1999, la serie ha contado con una sólida base de seguidores, aunque ha enfrentado diversas interrupciones: fue cancelada varias veces por distintas cadenas televisivas debido a las fluctuaciones en la audiencia.

Pese a estos altibajos, Futurama ha logrado regresar en varias ocasiones, consolidándose como un referente cultural dentro del género. Esta nueva temporada es una muestra reciente de la capacidad de resistencia de la serie, que llega a Disney+ después de haber pasado por diferentes plataformas y canales, demostrando su adaptabilidad a los cambios en la industria televisiva.

Detalles y adelantos de la temporada 14: imágenes, personajes y referencias

A pocos días del estreno, Hulu compartió con el medio Collider las primeras imágenes de la temporada 14, lo que generó movimiento en redes sociales y foros de fanáticos. En este adelanto visual, se aprecia a los integrantes del Planet Express en escenarios tan variados como un número musical inspirado en Disney y situaciones surrealistas propias del programa.

Llama la atención la recurrente aparición de Zap Brannigan, un personaje secundario que aparentemente tendrá mayor protagonismo esta temporada. Hasta ahora, la producción no ha revelado detalles concretos sobre las historias, aunque se confirmó la existencia de un episodio especialmente significativo, creado bajo la idea de funcionar como posible final de la serie, lo que refleja la incertidumbre acerca del futuro del programa.

Nuevos episodios y su efecto en la audiencia leal

La noticia del regreso ha sido bien recibida por seguidores de larga data y nuevos espectadores, quienes aprecian la capacidad de Futurama para combinar humor absurdo con reflexiones sobre la sociedad actual. La disponibilidad en Disney+ y Hulu amplía su acceso a diferentes regiones, permitiendo que personas de todas las edades puedan disfrutarla. Aunque todavía no existe un avance oficial, el interés se mantiene gracias a la reputación del equipo creativo y la promesa de más agua, en referencia al póster promocional.

Será importante observar si esta temporada consigue renovar el interés en la franquicia sin perder las características que la han hecho perdurar, teniendo en cuenta la competencia de otras series animadas y las altas expectativas de una base de fans que ha pedido su regreso durante años.

Disney tomó la decisión de poner en primer plano a las empresas estadounidenses que sostienen sus parques, cruceros y atracciones en el año en que el país celebró su 250° aniversario, una red que en sus parques temáticos de Estados Unidos aporta casi USD 67 mil millones de impacto económico total y respalda alrededor de 403.000 empleos en todo el país.

La iniciativa incluye socios ubicados en Missouri, Alaska, Nueva York, Florida y California, estados presentes en la nueva atracción Soarin’ Across America, que simula un vuelo a través del territorio estadounidense.

Según Fox Business, la compañía recurrió a ese mapa para destacar a proveedores, firmas de diseño y negocios familiares que participan en la creación de esas experiencias.

Sarah Salvador, gerente sénior de abastecimiento estratégico de Disney Experiences, explicó al medio que la empresa encuentra proveedores a través de eventos del sector, redes internas, búsqueda directa y recomendaciones de socios ya existentes.

También sostuvo que el valor que Disney busca no depende del tamaño de cada firma, sino de la perspectiva y la creatividad que puede aportar.

Los parques de Disney sostienen una red nacional de proveedores y empleo

Salvador afirmó que las inversiones de The Walt Disney Company generan oportunidades más allá de su propia plantilla.

Dijo: “Cuando The Walt Disney Company decide invertir en parques temáticos y complejos turísticos, eso va mucho más allá de los parques temáticos y los complejos turísticos. … Estamos creando oportunidades no solo de manera interna, sino también para empresas externas, grandes y pequeñas”.

La ejecutiva agregó que muchos visitantes no advierten cuántas empresas ajenas a Disney participan del proceso, desde las primeras ideas hasta la instalación final.

“Muchas personas pueden oír Disney y pensar que recurrimos a talento externo ubicado solo donde tenemos un complejo turístico, y eso está muy lejos de la realidad”, dijo. “Trabajamos con firmas de todo el país y también a nivel global”.

En la misma línea, resumió esa red de trabajo con una frase directa: “Realmente hace falta un pueblo entero para crear estas experiencias inmersivas para nuestros visitantes”.

Alaska y California muestran cómo opera esa cadena fuera de los parques

Uno de los casos que la compañía destacó es Allen Marine Tours, una empresa familiar de Sitka, en Alaska, que ofrece excursiones en el sudeste del estado desde 1970 y trabaja con Disney Cruise Line desde sus primeros itinerarios en esa región. La firma forma parte de la oferta que recibe a los pasajeros del crucero fuera del barco.

Zakary Kirkpatrick, director de marketing de Allen Marine Tours, dijo a Fox Business que la empresa intenta conservar un clima familiar mientras crece.

“Todavía tratamos de mantener ese ambiente familiar a bordo de nuestras embarcaciones con nuestra tripulación”, señaló.

“Todo empieza con la capacitación de toda nuestra tripulación. Hablamos de nuestra historia, hablamos de quiénes somos, y realmente los invitamos a ser parte de eso y parte de la familia”.

Kirkpatrick añadió que Alaska ofrece a los pasajeros de Disney Cruise Line una experiencia distinta en cada viaje, con actividades como el avistamiento de ballenas y las excursiones a glaciares.

“Sé que la gran idea de Disney es la magia y aquí, todos los días, en el sudeste de Alaska, hay algo verdaderamente mágico”, afirmó. “Nunca se sabe qué se va a ver”.

Otro socio de larga data es Rando Productions, con sede en North Hollywood, California, que colabora con Disney desde hace cerca de 35 años.

Joe Rando explicó que el vínculo comenzó con carrozas para desfiles y luego se amplió hacia entretenimiento temático, espectáculos en vivo, atracciones y proyectos con Walt Disney Imagineering.

Hoy, la empresa ayuda a diseñar, construir y probar piezas para atracciones y carrozas, incluidas partes móviles que requieren ingeniería mecánica y automatización.

Rando dijo al medio que el trabajo con Disney elevó el nivel de su compañía por el grado de profesionalismo y especialización con el que opera la empresa.

“Lo que yo diría es que trabajar con Disney definitivamente elevó a nuestra compañía porque son un grupo de profesionales y expertos en distintas materias”.

La selección de estas compañías se presentó como una muestra de cómo Disney articula una cadena de producción distribuida fuera de sus complejos turísticos, con negocios que participan en etapas que van desde el diseño hasta la ejecución técnica de atracciones, espectáculos y experiencias para los visitantes.

El fenómeno de ‘Moana’ como la película más vista de Disney+ tiene una explicación, más allá de la calidad de su historia y música. Con más de 1.500 millones de horas reproducidas en la plataforma, el largometraje ha tenido un gran impacto y parte de su éxito radica en la forma en la que funciona el cerebro de los niños.

La obsesión de los niños con esta historia ha motivado investigaciones y reflexiones que van mucho más allá del simple gusto por una película animada.

Por qué los niños ven ‘Moana’ una y otra vez

Detrás del éxito descomunal de ‘Moana’ se encuentra un patrón de comportamiento infantil que fascina a padres y especialistas. Muchos hogares han experimentado la “manía Moana”, con niños que piden ver la película decenas de veces, memorizan los diálogos, las canciones y hasta exigen accesorios relacionados con la protagonista y sus compañeros de aventura.

Los expertos en psicología infantil explican que el cerebro de un niño pequeño aprende a través de la predicción. Según declaraciones a The New York Times de Sam Wass, director del Institute for the Science of Early Years and Youth en la University of East London, cada visionado representa una oportunidad para que el niño ajuste sus expectativas: primero comprende el argumento general, luego se fija en los chistes, las emociones de los personajes y el vocabulario específico.

Esta capacidad de aprender por repetición se activa en lo que Wass denomina la “zona Ricitos de oro” o Goldilocks zone, es decir, ese punto medio entre lo completamente previsible y lo imposible de anticipar.

La estructura de ‘Moana’, con su combinación de aventura marítima, vínculos familiares y crisis de identidad, permite que los niños encuentren nuevos matices en cada visionado. Lo que para un adulto puede parecer una repetición vacía, para el cerebro de un niño de tres años representa el reto justo para seguir aprendiendo. Cada reproducción añade una capa de comprensión sobre el mundo narrativo de la película.

Por qué la música de Moana es tan importante

Otro elemento clave del atractivo de ‘Moana’ radica en el uso de la música. Las canciones compuestas por Lin-Manuel Miranda, como “How Far I’ll Go” y “You’re Welcome”, generan una atracción especial tanto en niños como en adultos. Estas melodías pegadizas y llenas de energía convierten la experiencia de ver la película en una especie de ritual familiar, donde las emociones positivas se refuerzan con cada escucha.

La música en películas como ‘Moana’, ‘Frozen’ o ‘Encanto’ cumple una función emocional y de aprendizaje. Los niños no solo reafirman su memoria escuchando de nuevo los temas, sino que también asocian sensaciones de alegría y seguridad a estas experiencias repetidas.

El hecho de que las canciones permanezcan en el imaginario colectivo ayuda a que la película se convierta en un referente cultural compartido en muchos hogares.

Los adultos también disfrutan de repetir películas cómo Moana

Este fenómeno no se limita a la audiencia infantil. Los adultos también regresan a ‘Moana’ en busca de consuelo o para captar matices que quizás pasaron por alto en visionados anteriores. Según la profesora de marketing Cristel Antonia Russell, la repetición voluntaria de contenidos conocidos es una estrategia para reducir la carga cognitiva en un mundo saturado de opciones.

Esta tendencia, conocida como “paradoja de la elección” y popularizada por el psicólogo Barry Schwartz, explica por qué muchas personas prefieren ver una película familiar en vez de arriesgarse con una nueva.

Ver una película ya conocida elimina la incertidumbre y proporciona una sensación de control y confort. Esta es la razón por la que padres e hijos pueden disfrutar juntos de ‘Moana’, cada uno desde sus propias motivaciones y experiencias personales.

Marvel Studios ha anunciado oficialmente el desarrollo de Nova, una nueva película basada en uno de los superhéroes cósmicos más representativos de los cómics. El guion está a cargo de Michael Waldron, quien cuenta con experiencia en proyectos destacados como Loki y Doctor Strange en el multiverso de la locura.

Actualmente, la película se encuentra en la fase de escritura y, aunque el proceso de selección de actores aún no ha comenzado, el nombre de Glen Powell resuena entre los seguidores y el propio guionista. Esta decisión marca un cambio de rumbo para Marvel, que después de descartar una serie en 2022, ha optado por llevar al personaje directamente al cine.

Cómo ha evolucionado el proyecto de Nova en Marvel

La historia de Nova en el Universo Cinematográfico de Marvel ha sido una sucesión de esperas y cambios. Este personaje, que debutó en los cómics en 1976, es muy apreciado por los lectores debido a su integración en el Nova Corps, la fuerza policial intergaláctica. Aunque el UCM ya ha mostrado al Nova Corps en películas anteriores, el superhéroe principal aún no había hecho su primera aparición en pantalla.

En un principio, Marvel planeó una miniserie sobre Nova, escrita por Sabir Pirzada. Sin embargo, en 2022 el proyecto fue suspendido y quedó en pausa de manera indefinida. Esta cancelación generó decepción entre los fanáticos, quienes habían encontrado indicios de un posible debut del personaje. Finalmente, Marvel Studios ha retomado la idea, transformándola en una película con mayores ambiciones y una posible repercusión global. Con la confirmación oficial registrada en el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos, el desarrollo del guion ya está en marcha, lo que representa el primer gran paso para integrar al personaje en el ámbito cinematográfico.

Michael Waldron, un creativo de confianza para Marvel

La elección de Michael Waldron responde a su amplia experiencia dentro del estudio. Waldron fue showrunner de Loki, obteniendo una gran aceptación tanto de la crítica como del público, y participó como guionista en Doctor Strange en el multiverso de la locura, una de las producciones más importantes de la saga. También está vinculado a próximos proyectos de Marvel, como Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars.

Según distintas fuentes, si Marvel aprueba el guion de Nova, Waldron podría ocupar también el cargo de director. Esta doble función refleja la confianza del estudio en su visión creativa. Recientemente, la colaboración entre Waldron y Glen Powell en la serie Chad Powers ha potenciado los rumores acerca de que Powell interprete al protagonista, aunque hasta el momento no existe confirmación oficial ni procesos de casting abiertos. Los comentarios recientes de Waldron sugieren un marcado interés en contar con Powell para el papel.

Nova y su lugar en una nueva etapa del UCM

El desarrollo de Nova ocurre en un contexto en el que Marvel busca renovar su universo cinematográfico apostando por personajes menos explorados pero con una base de seguidores considerable. La atención está puesta en cómo la película ampliará las tramas cósmicas de cintas previas y presentará entornos nuevos al margen de la Tierra.

Nova se destaca por sus habilidades sobrehumanas y su pertenencia a una fuerza policial intergaláctica, lo que abre numerosas posibilidades narrativas. Aunque la película se encuentra en una etapa inicial y todavía no se conocen detalles sobre la trama o el reparto, la potencial participación de Glen Powell y la dirección de un guionista experimentado como Michael Waldron despiertan un interés significativo.

Para quienes siguen el UCM y los cómics originales, el regreso de Nova no solo responde a un anhelo de larga data, sino que además plantea nuevas oportunidades para la saga, combinando elementos tradicionales con novedades. El proyecto, ahora con una dirección definida y el respaldo institucional necesario, pretende establecer una franquicia sólida capaz de encontrar un lugar en la amplia oferta de películas de superhéroes y ciencia ficción.

La película “Toy Story 5”, producida por Disney y Pixar, superó los 800 millones de dólares en recaudación mundial durante la segunda semana de julio de 2026, posicionándose entre los estrenos de mayor impacto económico y cultural del año. Este resultado afecta tanto a los estudios involucrados como a la industria del cine animado internacional, en un contexto de recuperación de las salas y alta demanda de títulos familiares.

De acuerdo con Variety, la recaudación global de “Toy Story 5” alcanzó los 879,1 millones de dólares tras cuatro semanas en cartelera, con 403,8 millones obtenidos en Estados Unidos y 475,3 millones en mercados internacionales. La información, confirmada también por Box Office Mojo y Comscore, subraya el peso de las audiencias fuera de América del Norte y la vigencia de la franquicia entre distintos públicos.

La saga “Toy Story” suma más de treinta años de influencia en el entretenimiento infantil y familiar. El lanzamiento de la quinta entrega se da en un escenario donde el liderazgo de las películas animadas se disputa entre grandes estudios y plataformas. Según RMN Stars, la tendencia actual sugiere que “Toy Story 5” podría convertirse en la película más taquillera de la serie si mantiene su ritmo de recaudación.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en su estreno mundial?

Según Variety y Box Office Mojo, “Toy Story 5” recaudó 879,1 millones de dólares en el mundo al cierre del 14 de julio de 2026. El desglose muestra 403,8 millones en el mercado doméstico y 475,3 millones fuera de Estados Unidos. México lideró la taquilla internacional con 61,8 millones, seguido por Reino Unido, China, Francia y Australia, todos por encima de los 20 millones cada uno, de acuerdo con Teater.co.

En Reino Unido e Irlanda, la película sumó más de 42 millones de libras en cuatro semanas, según Walt Disney Studios UK. Esta cifra se atribuye a la preferencia por franquicias reconocidas y a la estrategia de estrenos simultáneos en varios países.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en la taquilla de Estados Unidos?

Toy Story 5 alcanzó una recaudación de 403,8 millones de dólares en Estados Unidos al cierre de su cuarta semana de exhibición, según cifras de Box Office Mojo y reportes de Variety. El estreno nacional se ubicó entre los más rentables del año para un filme animado, con un debut que superó los 160 millones de dólares en su primer fin de semana, de acuerdo con Saturation.io. Durante las siguientes semanas, la película mantuvo una posición estable en el top de la taquilla estadounidense, lo que refleja la fortaleza de la marca en el mercado local.

La preferencia del público estadounidense por franquicias familiares se evidenció en la capacidad de “Toy Story 5” para sostener altos niveles de asistencia en salas, incluso frente a la competencia de otros estrenos y de las plataformas digitales. Según Walt Disney Studios, la permanencia de la película entre los primeros lugares de recaudación reafirma el atractivo del cine animado en la cartelera nacional.

El éxito comercial en Estados Unidos representa una base sólida para el rendimiento global del título y refuerza la importancia del mercado doméstico en la estrategia de distribución de Disney y Pixar.

¿Cómo se compara la recaudación de Toy Story 5 con otras películas de la franquicia?

La quinta entrega se acerca a los números de “Toy Story 4”, que cerró su recorrido comercial en 2019 con 1.070 millones de dólares, según Box Office Mojo. De seguir la tendencia de ingresos semanales, la nueva película podría superar los registros anteriores de la saga en las próximas semanas, reporta RMN Stars.

El desempeño de “Toy Story 5” también se compara con otros estrenos recientes del género, como “Moana”, que recaudó 95 millones de dólares globales en su primer fin de semana. La estrategia de Disney de lanzar ambos títulos casi en simultáneo potenció la visibilidad y la recaudación internacional de ambas producciones.

¿Cuáles fueron los factores clave del éxito de Toy Story 5 en taquilla?

El presupuesto de producción de “Toy Story 5” fue de 275 millones de dólares, informa Saturation.io, ubicándola entre las películas animadas más costosas de la década. La campaña de lanzamiento incluyó promoción digital, alianzas comerciales y estrenos en más de 50 mercados internacionales. Según Walt Disney Studios UK, el filme obtuvo una calificación del 90% como “Verified Hot” en Rotten Tomatoes.

Disney y Pixar atribuyen parte del éxito a la capacidad de la franquicia para atraer a varias generaciones y a la preferencia por el cine familiar en salas, en un contexto donde la competencia con el streaming se mantiene, como señala el reporte de RMN Stars.

¿Qué impacto tiene la recaudación de Toy Story 5 para Disney y Pixar?

El desempeño comercial de “Toy Story 5” refuerza la posición de Disney y Pixar en la industria global del cine animado. Según Variety, los resultados de taquilla fortalecen la estrategia de lanzamientos internacionales y confirman la vigencia de franquicias de larga duración en la agenda de la compañía.

Además, la película influye en las expectativas del sector para los próximos lanzamientos y podría determinar la continuidad de la saga, así como el desarrollo de productos derivados y nuevos proyectos asociados, de acuerdo con los analistas consultados por Variety.

¿Qué dicen las fuentes oficiales sobre el desempeño de Toy Story 5?

El reporte de Variety destaca que “Toy Story 5” sumó 45 millones de dólares en su cuarta semana, manteniéndose en los primeros puestos de la taquilla mundial. Según Comscore, los datos indican que la película está en camino a unirse al club de los mil millones de dólares, siempre que mantenga el ritmo de ventas observado hasta la fecha.

Walt Disney Studios difundió un comunicado en el Reino Unido donde destaca el desempeño de la película y la recepción positiva del público. El éxito se ve reflejado en la permanencia de la película entre los primeros lugares de recaudación tanto en América como en Europa y Asia.

¿Qué escenarios se abren para la industria del cine animado tras el estreno de Toy Story 5?

El éxito de “Toy Story 5” marca una referencia para futuros lanzamientos y para la recuperación de la industria tras años de cambios en el consumo audiovisual. Según las proyecciones de RMN Stars y Comscore, la tendencia de la taquilla podría incentivar nuevas inversiones en producciones animadas y favorecer la apuesta por estrenos globales simultáneos.

Para las audiencias, la permanencia de la franquicia asegura la disponibilidad de nuevas entregas y contenidos relacionados. Los especialistas citados por Variety esperan que el desempeño de la película influya en la planificación de próximos estrenos y en la competencia entre estudios por captar públicos masivos.

¿Cómo afecta el éxito de Toy Story 5 al público y a la industria?

El impacto de la recaudación de “Toy Story 5” se traduce en una mayor oferta de contenidos familiares en salas y en la previsibilidad de nuevas entregas por parte de Disney y Pixar. Para la industria, el desempeño de la película refuerza la viabilidad de modelos de negocio basados en franquicias y en la distribución internacional coordinada, según las conclusiones de los reportes de Variety y Comscore.

Mientras la película se acerca a la marca de los mil millones de dólares, los analistas del sector observan que la demanda por títulos reconocidos y la preferencia por experiencias colectivas en salas siguen siendo factores clave para la industria.

El estreno de la versión live-action de “Moana” encabezó la taquilla mundial durante el fin de semana, pero su recaudación de 95 millones de dólares quedó por debajo de las previsiones para una producción de Disney. El desempeño afecta a los estudios, los accionistas y la industria cinematográfica, dado el presupuesto invertido y el peso de la franquicia en el calendario de lanzamientos internacionales. El lanzamiento tuvo lugar el fin de semana del 12 al 14 de julio de 2026, en medio de una fuerte competencia con otras películas familiares.

De acuerdo con datos oficiales citados por Variety y Los Angeles Times, la película recaudó 43 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, mientras que en mercados internacionales sumó 52 millones de dólares. El presupuesto de producción, sin incluir la campaña publicitaria, alcanzó los 250 millones de dólares. Las proyecciones previas de la compañía estimaban una apertura local entre 60 y 65 millones de dólares, lo que pone de manifiesto la diferencia respecto al resultado final.

La saga “Moana” se consolidó como uno de los principales títulos de animación de la última década para Disney. La película original de 2016 superó los 643 millones de dólares en la taquilla global y la secuela de 2024 sobrepasó los 1.000 millones de dólares. El lanzamiento del remake con personajes reales llegó apenas dos años después de la última entrega, lo que agrega un elemento relevante al análisis del rendimiento comercial.

¿Cuánto recaudó Moana en su primer fin de semana?

Según cifras publicadas por Variety, la recaudación global del primer fin de semana alcanzó los 95 millones de dólares, de los cuales 43 millones corresponden a Estados Unidos y Canadá. El resto, 52 millones de dólares, se obtuvo en 50 mercados internacionales.

El resultado se ubicó por debajo de las proyecciones internas de Disney, que aspiraban a superar los 60 millones de dólares solo en el mercado doméstico. El desempeño global representa un desafío para la compañía, dado que el presupuesto de producción fue de 250 millones de dólares.

El estreno de “Moana” en formato live-action se convirtió en el principal lanzamiento del fin de semana, aunque la diferencia respecto a las expectativas marcó el análisis de la industria. El dato contrasta con el desempeño de otras producciones recientes de la empresa.

¿Por qué la recaudación de Moana fue menor a lo esperado?

Diversos analistas citados por Los Angeles Times atribuyeron el resultado a varios factores. Uno de los elementos más señalados fue la cercanía del estreno con la última entrega animada de la saga, lanzada apenas dos años antes. Esto, según fuentes consultadas por Variety, pudo limitar la disposición del público a regresar a los cines para ver una historia similar en un corto intervalo de tiempo.

Otro factor clave fue la competencia directa con otros títulos familiares, como “Toy Story 5” y “Minions & Monsters”, que compartieron el calendario de estrenos. Según The Guardian, “la saturación de películas para el mismo segmento de espectadores afectó la capacidad de Moana para destacarse como opción preferente en la taquilla”.

Las estrategias promocionales y la inversión en mercadotecnia también estuvieron bajo análisis. Variety reportó que el presupuesto de publicidad no se incluyó en los 250 millones de dólares oficiales de producción, lo que sugiere que los costos totales serían aún más elevados.

¿Cómo fue el desempeño de Moana en la taquilla de Estados Unidos?

La recaudación de “Moana” en Estados Unidos y Canadá alcanzó los 43 millones de dólares durante su primer fin de semana, cifra confirmada por Los Angeles Times y Variety. Este resultado se situó por debajo de las previsiones internas, que esperaban una apertura entre 60 y 65 millones de dólares en el mercado doméstico.

Analistas citados por Variety señalaron que, para una franquicia de alto perfil como “Moana”, la cifra representa una de las aperturas más bajas entre los remakes live-action de Disney. El comportamiento de la audiencia en el país marcó una diferencia respecto a otros grandes estrenos de la empresa, como “El Rey León” y “La Bella y la Bestia”, cuyos debuts superaron los 100 millones de dólares en el mismo periodo.

El mercado estadounidense presentó una competencia intensa, con la presencia simultánea de títulos familiares de alto presupuesto. El análisis indica que este entorno limitó la capacidad de “Moana” para captar a toda su audiencia potencial, a pesar del reconocimiento de la marca y la inversión publicitaria.

¿Cómo se compara el estreno de Moana con otras películas de Disney?

El estreno de “Moana” en su versión animada original, en 2016, recaudó 82 millones de dólares en sus primeros cinco días en Estados Unidos y finalizó con 248 millones de dólares en el mercado norteamericano y 643 millones de dólares a nivel global. La secuela, lanzada en 2024, superó los 1.000 millones de dólares en la taquilla internacional, según cifras recopiladas por Variety.

En comparación, el debut de la versión live-action representa una caída significativa en la recaudación inicial para la franquicia. Este desempeño marca una de las aperturas más bajas para un remake de animación de Disney en los últimos años.

La tendencia de adaptar clásicos animados a versiones con actores reales ha ofrecido resultados diversos para la empresa. Algunas producciones, como “El Rey León” y “La Bella y la Bestia”, lograron superar los mil millones de dólares globales, mientras que otras, como “Dumbo”, se situaron por debajo de las expectativas.

¿Quiénes son los protagonistas y el equipo detrás de la nueva Moana?

La dirección de la versión live-action estuvo a cargo de Thomas Kail, según The Guardian y Los Angeles Times. El reparto principal lo integran Catherine Laga’aia en el rol de Moana y Dwayne Johnson como Maui, el semidiós. Johnson ya había prestado su voz al personaje en la versión animada original de 2016, lo que aportó continuidad a la franquicia.

El equipo técnico incluyó profesionales con experiencia en otras producciones de Disney, lo que mantuvo una línea de calidad en los aspectos visuales y de producción. La apuesta de la compañía por actores reconocidos y recursos técnicos avanzados no se tradujo en un impacto proporcional en la taquilla, según el análisis de Variety.

¿Qué calificación recibió Moana en Rotten Tomatoes y CinemaScore?

La recepción crítica de la nueva “Moana” fue dispar. De acuerdo con Variety, la película obtuvo una puntuación de 35% en Rotten Tomatoes, plataforma especializada en reseñas de cine. Por su parte, el público que asistió a los primeros pases le otorgó una calificación de A- en CinemaScore, según datos difundidos por Los Angeles Times.

Estos indicadores reflejan una brecha entre la apreciación de la crítica profesional y la del público, un fenómeno que se observó en otros remakes de Disney en los últimos años. No se registraron declaraciones oficiales por parte del estudio acerca de la valoración crítica en el momento del cierre de este informe.

¿Qué otras películas destacaron en la taquilla el mismo fin de semana?

El fin de semana del estreno de “Moana” estuvo marcado por la presencia de otros títulos de gran recaudación. Según The Guardian, “Minions & Monsters” se mantuvo en puestos destacados, con 280 millones de dólares a nivel mundial, de los cuales 108 millones provinieron de Estados Unidos y Canadá.

“Toy Story 5”, que lleva varias semanas en cartelera, alcanzó los 879 millones de dólares en ingresos globales. Además, el biopic “Michael” sobre la figura de Michael Jackson superó los 1.000 millones de dólares en recaudación, situándose como la segunda película en lograr esa cifra en 2026, de acuerdo con Variety.

La película de terror “Evil Dead Burn” debutó con 40 millones de dólares a nivel mundial, completando un fin de semana con altos niveles de competencia en los cines internacionales.

¿Qué estrategia seguirá Disney tras el estreno de Moana live-action?

Hasta el momento, Disney no comunicó cambios oficiales en su estrategia de remakes de animación, aunque fuentes citadas por Variety afirmaron que la compañía evalúa los resultados comerciales y de recepción de “Moana” para futuros lanzamientos. El desempeño de la película será un punto de referencia para definir el calendario y el enfoque de próximas adaptaciones con actores reales.

El modelo de negocio de Disney para los remakes ha generado debates en la industria. La expectativa es que la empresa ajuste su planificación en función de la respuesta del público y de la rentabilidad de cada proyecto.

¿Qué impacto tiene el desempeño de Moana para la industria y el público?

El resultado de la nueva “Moana” plantea interrogantes sobre la sostenibilidad del modelo de remakes de animación en un entorno de alta competencia y costos crecientes. Para los estudios, el desafío consiste en equilibrar inversiones elevadas con propuestas que generen interés duradero en el público. Para los espectadores, la amplia oferta de opciones familiares en cartelera permite elegir entre diversos títulos, aunque la saturación de estrenos puede diluir el impacto de cada película individual.

De acuerdo con Los Angeles Times, el comportamiento de la taquilla en las próximas semanas y la permanencia del filme en salas serán determinantes para el balance final del proyecto. El seguimiento de la audiencia y la evolución en mercados internacionales definirán el papel de “Moana” en la estrategia a largo plazo de Disney.

Meg Cabot, autora de la saga literaria en la que se basa El diario de la princesa, reveló que Disney le comunicó su decisión de eliminar al personaje del padre antes del inicio de la producción.

“Me llamaron y me dijeron: ‘Tenemos malas noticias. Tenemos que matar al papá en tu libro’”, contó en el programa CBS Mornings. “Y yo pregunté: ‘¿Por qué? ¿Qué hizo?’”.

La explicación que recibió fue directa: el estudio quería incorporar a una actriz para el papel de la abuela y necesitaba ampliarle el rol.

Según le dijeron, la solución era eliminar el citado personaje y trasladarle sus líneas de diálogo a ese otro.

“Tenemos una actriz que queremos que interprete a la abuela y es una actriz muy buena y no ha hecho nada en un tiempo y realmente queremos darle más líneas”, le explicaron desde Disney, según relató la escritora.

Y continuó en referencia a la condición que recibió antes de seguir adelante: “Entonces, vamos a matar al papá y darle a esta actriz las líneas del papá muerto”.

Cabot dudó hasta que supo que la intérprete en cuestión era Julie Andrews. “Dije: ‘Maten al papá. Adiós, papá. Es Julie. Estás fuera’”, bromeó.

El diario de la princesa, estrenada en 2001, fue el primer proyecto de Andrews con Disney desde Mary Poppins, de 1964.

En el film, la veterana estrella interpreta a Clarisse Renaldi, reina de Genovia y abuela de Mia Thermopolis, el personaje de Anne Hathaway. En la versión cinematográfica, el padre de Mia aparece solo en flashbacks, a diferencia del libro, donde tiene una presencia activa.

El cambio confundió a los lectores de la saga, pero funcionó en pantalla: Clarisse retoma el vínculo con su nieta y la prepara para asumir el trono de Genovia mediante las llamadas “lecciones de princesa”.

Andrews repitió el papel en la secuela de 2004, El diario de la princesa 2 —su primera aparición cantando en cine tras una cirugía de garganta en 1997 que le dejó daños permanentes en las cuerdas vocales—, aunque su participación en la tercera entrega aún no está confirmada. La artista tiene actualmente 90 años.

Sobre la producción de la nueva película, Meg Cabot adelantó en CBS Mornings que el equipo está en proceso de buscar locaciones.

“Estamos de compras de castillos ahora mismo. Yo les digo: ‘Necesitamos ir a Mónaco para eso’, pero ya veremos”, comentó.

La escritora también reveló que leyó “múltiples guiones” para El diario de la princesa 3 y que todos le parecieron “increíbles”, aunque el último es su favorito.

“Todos regresan en el guion”, afirmó, en referencia a los personajes de la saga, aunque aclaró que no sabe si todos los actores podrán volver por cuestiones de agenda.

Ante el riesgo de revelar más detalles, pidió que dejaran de enviarle versiones del libreto: “Estoy tan emocionada que no puedo dejar de hablar y de dar spoilers”.

¿De qué tratará “El diario de la princesa 3″?

La tercera entrega de la franquicia retomará la historia de Mia Thermopolis ya como reina de Genovia. La directora del proyecto, Adele Lim, ofreció detalles sobre la trama durante la alfombra roja de la Gold Gala.

Lim señaló que el trabajo en la producción “va bien” y que el equipo busca construir una historia a la altura de las expectativas de quienes siguieron las primeras entregas.

“Simplemente queremos hacer bien la historia porque es una franquicia muy querida por muchísimas personas”, declaró a la prensa durante el evento.

La directora explicó que parte de la audiencia original hoy pertenece a una generación distinta —incluyendo espectadoras que ahora son madres—, y que esa realidad influyó en el enfoque de la nueva producción.

Mientras las dos primeras películas se centraban en el descubrimiento personal de una adolescente que ingresaba a la realeza, la nueva abordará una etapa de mayor madurez.

“Hay muchas películas que son un sueño cumplido para las princesas, pero no tenemos muchas películas que cumplan los sueños de las reinas. Eso es lo que nos proponemos hacer aquí: mostrar a una mujer en todo su esplendor”, señaló Lim.

La producción planea rodarse parcialmente en Europa para mostrar el reino ficticio de Genovia “en toda su dimensión”, y algunos personajes de entregas anteriores volverán a aparecer, aunque la cineasta no confirmó detalles del elenco.

Anne Hathaway reconoció en una entrevista con Entertainment Weekly que el proyecto avanza, pero sin luz verde definitiva del estudio. “Al 100%, estamos trabajando constantemente en ello”, dijo la actriz.

La película Moana en versión live-action registró un estreno inferior a las estimaciones en Estados Unidos, con una recaudación entre 42 y 46 millones de dólares durante su primer fin de semana, según reportes del 11 de julio de 2026. El resultado afecta directamente a The Walt Disney Company, responsable del lanzamiento, en un momento en que el mercado cinematográfico familiar muestra señales de saturación y competencia intensa.

De acuerdo con información publicada por Deadline, la apertura de Moana se ubicó por debajo de los pronósticos, que preveían cifras iniciales de entre 60 y 80 millones de dólares. El desempeño económico adquiere relevancia debido al alto presupuesto de producción, calculado en 250 millones de dólares, y al peso que el mercado de Estados Unidos tiene para el balance global de las franquicias de Disney.

El contexto del estreno incluyó la cercanía con otros lanzamientos familiares recientes, como Toy Story 5 y Minions & Monsters, y la secuela animada Moana 2, que durante 2024 superó los mil millones de dólares de recaudación mundial. Según fuentes de la industria, la proximidad entre títulos y la agenda cargada influyeron en la respuesta del público, que repartió su asistencia entre varias opciones de cartelera.

¿Cuánto recaudó Moana en su primer fin de semana en Estados Unidos?

La versión en acción real de Moana logró una recaudación estimada de entre 42 y 46 millones de dólares en su primer fin de semana en salas estadounidenses. World of Reel informó que la producción obtuvo 4,5 millones de dólares en la jornada de preestreno, mientras que el acumulado hasta el cierre del sábado proyectaba un rango inferior al previsto inicialmente.

Según Los Angeles Times, las previsiones más optimistas situaban el estreno en 60 o 65 millones de dólares, y las expectativas internas de The Walt Disney Company aspiraban a superar los 70 millones. El dato contrasta con el desempeño de Moana 2, cuya recaudación superó los mil millones de dólares en 2024.

¿Por qué el estreno de Moana fue considerado bajo por la industria?

El rendimiento de Moana fue catalogado como modesto por la prensa especializada y la propia industria debido a varios factores. Uno de los principales motivos fue la coincidencia de su estreno con otras grandes producciones familiares, como Toy Story 5 y Minions & Monsters, que acapararon parte del público objetivo. Además, la reciente llegada de Moana 2 al mercado animado redujo el atractivo de asistir de inmediato a una versión en acción real de la misma franquicia, según análisis de Deadline y Forbes.

El calendario de estrenos también influyó. Disney programó el lanzamiento de Moana para evitar la competencia directa con títulos previstos para finales de julio, como The Odyssey y Spider-Man: Brand New Day. Esta estrategia buscó posicionar la película como una alternativa para el público, aunque la saturación del mercado familiar limitó el alcance de la convocatoria.

¿Cómo reaccionó el público ante el lanzamiento de Moana?

A pesar de la recaudación inicial, Moana recibió una valoración positiva por parte de los espectadores. Deadline informó que la película obtuvo una calificación de A- en CinemaScore, sistema que recoge la percepción de los asistentes durante el estreno. El desglose demográfico mostró que el público femenino, especialmente las mujeres mayores de 25 años, representó el 62% de la audiencia, con una recomendación definitiva en el 78% de ese segmento, según datos de PostTrak.

El análisis de asistencia también reveló una amplia participación de comunidades diversas: el 32% de los asistentes se identificó como latino o hispano, el 31% como caucásico, el 16% como afroamericano, el 13% como asiático americano y el 8% pertenecía a otros grupos étnicos. Estos datos reflejan el alcance multicultural de la franquicia.

¿Qué opinan los críticos y la prensa especializada sobre Moana live-action?

La crítica especializada señaló que la versión en acción real de Moana mantuvo una narrativa fiel al filme animado, sin incorporar grandes novedades, lo que fue interpretado como una estrategia conservadora por parte de The Walt Disney Company. De acuerdo con Forbes y Los Angeles Times, la cercanía temporal con la película original y su secuela animada influyó en la recepción de los críticos, quienes destacaron la falta de innovación y la escasa distancia entre lanzamientos.

El único tema musical nuevo de la película, compuesto por Lin-Manuel Miranda, fue incluido en los créditos finales y no modificó la estructura principal de la narración. Según la prensa, los creadores optaron por no realizar cambios profundos para evitar el rechazo de los seguidores de la franquicia.

¿Quiénes participaron en la producción de Moana y cómo evolucionó el proyecto?

La producción de Moana en acción real fue anunciada en abril de 2023 por Dwayne Johnson y el director ejecutivo de The Walt Disney Company, Bob Iger, durante una asamblea anual de accionistas. Posteriormente, la empresa reorganizó su calendario para adelantar la secuela animada y trasladar la fecha de estreno de la nueva versión, según reportes de Deadline y Los Angeles Times.

El desarrollo de la película enfrentó retrasos asociados a la huelga de guionistas y a la complejidad técnica de los efectos visuales, que requirieron más de 60 semanas de posproducción. El proyecto estuvo bajo la supervisión de Sean Bailey hasta febrero de 2024, cuando el ejecutivo dejó la compañía.

¿Cómo se compara el estreno de Moana con otras películas familiares recientes?

El estreno de Moana se suma a una serie de lanzamientos familiares con resultados variados en taquilla. Según Fox News, la película compartió niveles de recaudación con Snow White, otro estreno de Disney que no alcanzó las expectativas.

En la misma semana, Minions & Monsters logró una segunda semana con 21 millones de dólares, mientras que Toy Story 5 acumuló más de 400 millones de dólares en total. El segmento de pantallas premium (PLF) representó el 28% de las ventas de boletos para Moana, con el formato Imax aportando el 9% del total, según cifras de la industria.

¿Qué impacto tendrá el resultado de Moana para Disney y el mercado?

El desempeño de Moana en la taquilla estadounidense condiciona las proyecciones de rentabilidad para The Walt Disney Company y puede influir en futuras decisiones respecto a adaptaciones live-action de producciones animadas. La compañía enfrenta el desafío de ajustar su estrategia de distribución y mercadotecnia en un mercado donde la oferta se ha multiplicado y el público cuenta con diversas alternativas.

Para los espectadores, el panorama ofrece una cartelera amplia de opciones familiares y la expectativa de próximos estrenos como Paw Patrol: The Dino Movie, programado para agosto. La evolución de la taquilla de Moana será observada por la industria como referencia para próximas producciones y para medir el impacto de la saturación de contenidos en el comportamiento del público.

Disney+ analizaría ofrecer series y películas sin costo para competir con YouTube en la batalla por la atención de los usuarios que migran hacia plataformas gratuitas.

El plan habría surgido de una reunión interna: Adam Smith, director de Producto y Tecnología de Disney, habría planteado la iniciativa ante el personal de la compañía durante una asamblea, aunque sin precisar plazos ni el alcance de la propuesta, según el medio Business Insider.

Por qué Disney+ considera ofrecer contenido gratis

Mientras las plataformas de pago elevaron sus precios en los últimos años, un número creciente de usuarios migró hacia contenido gratuito: YouTube consolida su dominio como destino de entretenimiento televisivo, y servicios como Tubi o The Roku Channel ganan terreno con catálogos accesibles sin suscripción.

Disney+ no sería ajeno a esa tendencia: la compañía ya distribuiría parte de su contenido en plataformas externas gratuitas como YouTube e ITVX como parte de una estrategia de alcance más amplio.

Hoy, el paquete combinado de Disney+ y Hulu cuesta USD 12,99 al mes con publicidad o USD 19,99 sin anuncios a precio completo.

Un nivel gratuito representaría un cambio de modelo para la plataforma, que eliminó su período de prueba gratuito a finales de 2021 y no lo ha recuperado.

Qué contenido podría ser gratuito

La propuesta no implicaría abrir todo el catálogo sin costo. Las opciones que se manejarían incluirían canales lineales de acceso libre, una selección acotada de títulos más antiguos disponibles bajo demanda, o la posibilidad de ver el primer episodio de algunas series.

En todos los casos, el acceso gratuito iría acompañado de una mayor carga publicitaria respecto a los planes de pago, con el objetivo de monetizar la audiencia y, al mismo tiempo, atraer a usuarios que hoy rechazan pagar una suscripción mensual.

La propuesta, no obstante, permanecería en una fase exploratoria temprana. Smith no habría compartido una hoja de ruta ni compromisos concretos durante la asamblea, y fuentes de la compañía habrían enfatizado que se trataría de conversaciones en desarrollo, no de decisiones tomadas.

Netflix estaría considerando agregar canales en vivo

Netflix estudiaría incorporar canales de televisión en vivo a su catálogo para frenar la caída en la participación de sus suscriptores, la métrica que mide cuánto tiempo dedican los usuarios a ver contenido y con qué frecuencia completan una película o serie, según The Wall Street Journal.

La compañía habría discutido internamente la posibilidad de transmitir contenido de forma continua: series y películas organizadas por género, o programación lineal accesible desde mosaicos en su página principal.

También habría explorado integrar servicios de terceros como Peacock, de NBCUniversal, al estilo de lo que ya hacen Amazon y Apple con sus plataformas.

El detonante sería una señal de alerta detectada en la revisión anual de negocios: aunque las ganancias crecían y la pérdida de clientes se mantenía en mínimos históricos, la participación de los usuarios apuntaba en la dirección contraria.

Lo que en un principio fue un tema marginal en las reuniones internas se habría convertido en un asunto recurrente de debate.

La televisión en directo también representaría una oportunidad para el negocio publicitario de la plataforma, que generó alrededor de USD 1.500 millones el año pasado y prevé duplicar esa cifra en 2026.

La programación en vivo tiene una ventaja concreta para los anunciantes: los usuarios no pueden saltarse los comerciales.

En Francia, Netflix ya ofreció a sus suscriptores acceso a la programación de la cadena TF1, que incluye informativos. El experimento arrojó resultados: el 25 de junio, T1 registró 8,3 millones de reproducciones únicas diarias durante la final de Koh-Lanta, un programa de telerrealidad.

En materia deportiva, la plataforma obtuvo los derechos exclusivos para Estados Unidos y Puerto Rico de las Copas del Mundo Femeninas de 2027 y 2031, el primer acuerdo de este tipo que firma por una competición completa.

Hace ya varios años que Disney está llevando a cabo esta extraña labor de reinterpretar sus clásicos animados con actores reales, como si estas películas tuvieran fallos que el live action puede arreglar. Desde La Sirenita hasta Blancanieves, todas estas películas han sido objeto de comentarios negativos por parte de la crítica especializada y el público en general, pero sin embargo, Disney sigue haciéndolas.

En esta ocasión le tocó a Moana, una película que está a punto de cumplir 10 años desde su estreno original. Este simple hecho sepultó toda posibilidad de que tenga alguna expectativa por el proyecto. ¿Cuál es el punto de readaptar una película a la que ni siquiera se le dio el tiempo necesario como para poner en duda su envejecimiento?

Esperaba, de nuevo, un remake idéntico al material original y sin ningún propósito de existir, y luego de verla puedo decir que -justamente- es todo eso e, incluso, peor que la película original.

Arranquemos desde el vamos con lo obvio: la película. Salvo algunos momentos, es un calco exacto de la Moana original de 2016, llegando al punto de, a veces, reutilizar los mismos diálogos y planos. Lo poco que se agrega a la película no es suficiente para justificar un remake completo y tampoco aporta nada nuevo a la trama. Estos momentos podrían no haber estado y el mensaje que trataron de enviar hubiese sido el mismo.

Luego, los actores del live action dejan muchísimo que desear. Es increíble el hecho de que Dwayne Johnson esté interpretando a Maui por tercera vez y, sin embargo, parece no entender al personaje. En esta versión pierde todo el carisma que solía tener, convirtiéndolo en un ser arrogante y amargo que se vuelve insufrible a los diez minutos de metraje. “La Roca” parece completamente desmotivado para llevar a la vida real a este personaje y eso afecta en gran parte a la película, siendo que es uno de los personajes principales.

Para rematar, Moana pierde completamente su magia original a favor de una paleta de colores apagada, animales hechos con CGI y reajustes a un guión que nunca estuvo pensado para ser una película live action.

Parte de la expresividad que tenían los personajes gracias a la animación desaparece completamente en busca de expresiones más “realistas” y escenas completas pierden su encanto al hacer el paso hacia carne y hueso. El mayor ejemplo de esto es la diosa Te Fiti, que ahora se ve más como un maniquí con pasto encima, que como a una diosa de la naturaleza.

Entonces, teniendo todo esto en cuenta, me hago la siguiente pregunta: ¿Cuál es el punto de rehacer una película animada en versión live action, sabiendo que gran parte de la esencia de la misma se va a perder porque nunca estuvo pensada para este medio? Disney parece ver a las películas animadas como imperfectas, y que por ese motivo deben ser reinterpretadas.

En conclusión, Moana live action es exactamente lo que podés esperar: un calco de la película animada original y que su mero propósito es el de querer seguir explotando el pasado, aunque éste ni siquiera tuvo su fiesta de 15.

La serie Alien: Planeta Tierra, producida por FX y distribuida en Disney+, ha dado inicio oficialmente a la producción de su segunda temporada en Londres, con una noticia que ha llamado la atención de la comunidad televisiva: la incorporación de Peter Dinklage, Sam Spruell y Jerome Flynn, todos reconocidos por sus papeles en la exitosa franquicia Juego de tronos. También se suma la actriz Tracey Ullman, referente de la comedia británica. La expectativa por la nueva temporada crece mientras los fanáticos se preguntan cómo influirán estos nuevos fichajes en el desarrollo de la trama y el tono de la serie.

El rodaje de la segunda temporada de Alien: Planeta Tierra ya está en marcha en Londres, casi un año después del estreno de la primera entrega. Este regreso al set representa un avance importante para los seguidores, quienes han esperado novedades tras el éxito moderado y el debate generado por la originalidad de la primera temporada. La presencia de actores destacados provenientes de otras franquicias indica que FX apuesta por atraer a una audiencia más amplia y consolidar este spin-off televisivo como una propuesta relevante dentro del extenso universo Alien.

La primera temporada, creada por Noah Hawley, se ubicó cronológicamente dos años antes de los eventos del film original Alien, el octavo pasajero. Presentó una historia en la que un grupo de niños con enfermedades terminales era sometido a un experimento por la corporación Prodigy, transfiriendo sus mentes a cuerpos sintéticos. Simultáneamente, una nave de la poderosa compañía Weyland-Yutani se estrellaba en una ciudad bajo el control de Prodigy, liberando aterradoras criaturas en una zona experimental. Esta premisa significó un cambio respecto al tono tradicional de suspenso y horror puro de la saga, lo que provocó opiniones divididas entre fans y críticos.

Para la segunda temporada, la producción ha decidido reforzar el reparto con actores de renombre. Peter Dinklage, conocido mundialmente por su papel como Tyrion Lannister en Juego de tronos, ya había sido confirmado meses atrás y es considerado uno de los grandes atractivos para esta entrega. Ahora se suman Sam Spruell, famoso por su personaje del príncipe Maekar Targaryen en la serie El caballero de los Siete Reinos, y Jerome Flynn, recordado como Bronn en Juego de tronos.

Como novedad adicional, Tracey Ullman, figura icónica de la televisión británica por The Tracey Ullman Show y pieza fundamental en el surgimiento de Los Simpson, también participará en este nuevo ciclo. La llegada de estos artistas representa tanto una convergencia de universos televisivos como una estrategia para atraer a públicos de diversas generaciones.

El elenco mantendrá además varias figuras de la primera temporada, como Sydney Chandler, Alex Lawther, Timothy Olyphant, Essie Davis, Babou Ceesay, Samuel Blenkin, Adarsh Gourav y Lily Newmark. La variedad del grupo, que incluye a actores jóvenes y veteranos, busca alcanzar un equilibrio entre tradición y renovación.

La producción en Londres ha avanzado a pesar de ciertos retrasos habituales en la industria. El año de trabajo que separa ambas temporadas responde, según fuentes cercanas a FX, al objetivo de mantener el nivel de calidad alcanzado en la primera temporada y mejorar aspectos que recibieron críticas, en particular la creación de atmósfera y el tono narrativo.

No se han revelado detalles específicos sobre la nueva trama, pero el regreso de miembros clave del elenco sugiere una continuación directa de los eventos anteriores. Dado que la producción recién ha comenzado, se estima que la fecha de estreno se ubique hacia mediados de 2027. Los fanáticos parecen dispuestos a esperar si ello garantiza una entrega cuidada y sólida tanto en lo visual como en lo argumental.

La expectativa en redes sociales y foros de discusión es elevada, con seguidores especulando sobre el posible papel de los nuevos actores, especialmente el de Dinklage, cuya versatilidad podría aportar nuevos matices a la ciencia ficción distópica de la serie. Por ahora, la falta de información sobre la trama alimenta tanto el interés como las especulaciones, y muchos esperan que Hawley y su equipo introduzcan elementos capaces de revalorizar el legado de la franquicia.

La decisión de sumar a actores destacados de otras sagas se produce después de que la primera temporada dividiera a la audiencia con propuestas narrativas innovadoras. Este fenómeno ha creado un patrón dentro de la franquicia Alien, en el que cada nuevo proyecto enfrenta el reto de satisfacer a una base de seguidores exigente y nostálgica, mientras intenta modernizarse para atraer a nuevos espectadores.

La llegada de Dinklage, Spruell y Flynn es vista como una posible respuesta a las demandas de parte del público que pedía una mayor solidez actoral y personajes más complejos. Los datos de la crítica destacan que las series con fichajes de alto perfil suelen aumentar su audiencia y generar mayor discusión pública, como ha sucedido previamente con la incorporación de figuras reconocidas en producciones como El mandaloriano o Stranger Things.

Asimismo, el cruce entre universos culturales influye en el consumo de productos derivados como mercancía, videojuegos y foros en línea, lo que dinamiza el interés y revitaliza las comunidades de seguidores. No obstante, algunos fans veteranos de Alien han manifestado en redes sociales cierta preocupación, temiendo que la incorporación de figuras muy populares desvíe el foco del terror y la atmósfera claustrofóbica emblemática de la franquicia, para dar más relevancia al drama de los personajes.

El equipo creativo liderado por Noah Hawley afronta en esta segunda temporada el desafío de equilibrar la identidad tradicional de Alien con las novedades que suponen las nuevas incorporaciones. Hasta el momento, no hay declaraciones oficiales sobre los roles específicos de Spruell, Flynn y Ullman, pero se espera que en los próximos meses se revele información que permita a los fans anticipar el verdadero impacto de estos actores en el desarrollo de la serie.

El mes de julio apenas acaba de arrancar y ya ha dejado títulos para el recuerdo con el estreno de Minions & Monsters o La muerte de Robin Hood la semana pasada, y lo seguirá haciendo la siguiente con el estreno más esperado del año, La Odisea de Christopher Nolan. Entre medias está una semana de transición llena de estrenos españoles, un película argentina muy especial y el remake en acción real de uno de los últimos clásicos de Disney.

Hablamos de Vaiana, por supuesto, pero también de varios títulos nacionales que exploran hechos reales como en Tal vez o imaginan disparatadas historias como la que protagonizan Antonio Resines y Quim Gutiérrez en Haciendo amigos. A la espera de Odiseo y sus hombres, este viernes el cine se llena de nuevas y refrescantes aventuras.

Vaiana

No ha sido acogida con la mejor de las bienvenidas, pero si algo tiene Disney es su capacidad para emocionar al público con algún que otro momento. Además, cuenta para ello con uno de los grandes reclamos del cine actual: Dwayne Johnson. El actor que el año pasado realizó una incursión en el drama más serio con The smashing machine vuelve a su lado más desenfadado con estas aventuras en carne y hueso del que es uno de los últimos clásicos de la Casa de las Ideas. Vaiana (ahora en la piel de Catherine Lagaʻaia) responde a la llamada del océano y, por primera vez, viaja más allá del arrecife de su isla de Motunui con el semidiós Maui (Dwayne Johnson) en un viaje inolvidable para devolver la prosperidad a su pueblo.

Las corrientes

La prestigiosa cineasta argentina Milagros Mumenthaler presenta en nuestro país su última película, Las corrientes. En ella se cuenta la historia de Lina, (Isabel Aimé González Solá), una artista y diseñadora que recibe un premio en una ciudad ajena en Suiza y, en medio de esa escena de consagración, queda absorbida por una oscuridad súbita. Mumenthaler, que se inspiró de una experiencia propia para construir la película. “Paseando por el lago me imaginé a una mujer que se arrojaba al río helado. Esaimagen se instalóen mi cabeza y, a partir de ahí, empecé a pensar en esa mujer, y fue entonces que un personaje se fue desarrollando poco a poco”.

La copia perfecta

En la París de los años cuarenta y cincuenta, Jan Bojarski, refugiado polaco, lleva una existencia dividida. En casa, su familia disfruta de una rutina común, ajena a su otro rostro: el de “el Cézanne de la falsificación”. Durante quince años, Bojarski perfecciona la creación de billetes en un modesto cobertizo, logrando tal realismo que engaña incluso a los controles del Banco de Francia. La destreza de Bojarski despierta la obsesión del comisario Mattei. Así comienza una persecución que, con el tiempo, supera la mera aplicación de la ley y se transforma en un enfrentamiento personal entre ambos.

Tal vez

Adriana Ugarte da vida a la protagonista de este drama romántico de época. Inspirada en la vida de la trapecista y escritora María Cristina del Pino Segura Gómez, más conocida como Pinito del Oro, la película narra la relación de esta con la poeta canaria Natalia Sosa. Una mujer en la que la trapecista encontraría su biográfa ideal, pero también una amiga y confidente a lo largo de los años. Tal vez muestra además una Canarias auténtica, pero reflejando la ciudad gris que describiría Natalia en sus cartas. La directora Arima León adoptó “casi que como un compromiso político” representar esa realidad, influyendo en la iluminación y en todos los aspectos formales. La cineasta defendió “una película llena de contradicciones todo el rato”, reflejo de lo que percibe en la sociedad canaria: “llena de miseria, pero a la vez de optimismo y resiliencia”.

Haciendo amigos

Las recomendaciones concluyen con un dúo que no por imprevisible es menos divertido. El gran Antonio Resines y Quim Gutiérrez unen fuerzas en Haciendo amigos. Ellos dos dan vida a Antonio y Félix, una pareja de ladrones que buscan un lugar seguro en el que esconderse de la policía tras dar un golpe. Sin quererlo se cruzan en el camino de un club de teato integrado por personas con diversidad funcional y del que está a cargo Eva (Megan Montaner), una tierna monitora. Esta confunde a Félix con uno de los miembros del grupo y le da la excusa perfecta a los ladrones para alargar la mentira con tal de escapar hasta que todo se calme.

Cada vez más familias buscan experiencias memorables para festejar cumpleaños, optando por destinos que ofrezcan magia, entretenimiento y momentos únicos. Los parques temáticos se han consolidado como una de las opciones favoritas, combinando diversión para todas las edades, ambientaciones espectaculares y servicios personalizados que transforman cualquier celebración en un recuerdo imborrable.

Por esta razón, los amantes del mundo de Disney pueden optar por una visita a Walt Disney World Resort, ubicado cerca de Orlando en Florida, para disfrutar de una experiencia cuidadosamente diseñada para emocionar, sorprender y tener una celebración memorable.

A continuación, exploramos cómo personalizar estas celebraciones dentro de los cuatro parques icónicos, aprovechando todos los recursos que Disney ofrece a quienes desean festejar a lo grande.

Celebraciones personalizadas en los cuatro parques temáticos de Disney

Cuando se trata de magia, pocos lugares pueden igualar lo que ofrece Walt Disney World Resort, con sus cuatro parques temáticos: Magic Kingdom Park, EPCOT, Disney’s Hollywood Studios y Disney’s Animal Kingdom Theme Park.

El ritual para los festejados comienza pidiendo el Birthday Celebration Button, un botón de cumpleaños gratuito disponible en los módulos de Guest Relations, las tiendas, los Disney Resort Hotels y al ingresar a los parques. Este pequeño accesorio convierte al cumpleañero en una figura especial: los Cast Members lo felicitan, los personajes interactúan de forma especial, e incluso los visitantes pueden sumarse al espíritu festivo.

Si bien no hay obsequios garantizados, es común que los cumpleañeros reciban detalles mágicos, como postres sorpresa en los restaurantes, saludos en los desfiles o gestos inesperados durante las atracciones.

Disfrutar las atracciones más populares en tu cumpleaños

Un cumpleaños es la excusa perfecta para disfrutar de las novedades más emocionantes del resort.

En Magic Kingdom Park, los visitantes pueden sumarse a la aventura en Tiana’s Bayou Adventure, subirse en la velocísima TRON Lightcycle / Run presented by Enterprise® o maravillarse con el espectáculo nocturno Happily Ever After frente al imponente Cinderella Castle.

En EPCOT, la adrenalina llega de la mano de Guardians of the Galaxy: Cosmic Rewind y Remy’s Ratatouille Adventure, además del mágico recorrido por Journey of Water, Inspired by Moana.

En Disney’s Hollywood Studios, destaca el área inmersiva Star Wars: Galaxy’s Edge, donde las familias pueden pilotear el Millennium Falcon: Smugglers Run o unirse a la resistencia en Star Wars: Rise of the Resistance.

Por su parte, Disney’s Animal Kingdom Theme Park ofrece experiencias únicas como Pandora – The World of Avatar, con la espectacular atracción Avatar Flight of Passage, el emblemático safari al aire libre Kilimanjaro Safaris o un recorrido a todas velocidad por las montañas del Himalaya en Expedition Everest - Legend of the Forbidden Mountain.

Paquetes especiales y experiencias exclusivas

Las familias que buscan una celebración elaborada pueden contratar paquetes personalizados* que incluyen decoraciones temáticas en la habitación del hotel, globos, pancartas y regalos exclusivos a través de Disney Floral & Gifts. Para una cena inolvidable, restaurantes como Cinderella’s Royal Table permiten cenar dentro del Castillo de Cenicienta, acompañados por princesas Disney.

Además, las sesiones fotográficas privadas* de Disney PhotoPass garantizan retratos profesionales en los rincones más icónicos del parque, inmortalizando cada momento de la celebración.

Mercancía de edición especial para cumpleaños

Las tiendas del resort ofrecen una gama de productos temáticos que permiten a los cumpleañeros destacarse: orejas de Mickey Mouse con mensajes festivos, camisetas personalizadas, pines coleccionables y accesorios únicos. Estos artículos no solo marcan la ocasión, sino que refuerzan el ambiente festivo y sirven como recuerdos duraderos del viaje.

La experiencia se vuelve aún más especial al portar el botón de cumpleaños, pues el cumpleañero recibe felicitaciones de los Cast Members y en algunas ocasiones se añaden pequeños detalles a las compras, como calcomanías, tarjetas o envoltorios especiales.

Fiestas temáticas y reservas especiales en los Disney Resort Hotels

Más allá de los parques, los más de 25 Disney Resort Hotels dentro del complejo ofrecen múltiples alternativas para continuar la celebración. En el Disney’s Grand Floridian Resort & Spa, se puede reservar una ceremonia de té estilo princesa; en el Disney’s Polynesian Village Resort, disfrutar de cenas con vistas a los fuegos artificiales; y en otros hoteles, encargar pasteles personalizados que se entregan directamente en los restaurantes que cuentan con el servicio y donde la familia tenga reservación.

Estos Disney Resort Hotels, además de brindar alojamiento temático y servicios exclusivos, garantizan el acceso a transporte gratuito dentro del resort y a beneficios como reservas anticipadas para atracciones y espectáculos.

Consejos prácticos para planificar el cumpleaños perfecto

• Pedir el botón de cumpleaños al llegar para maximizar las oportunidades de interacciones especiales.
• Reservar las experiencias anticipadamente, especialmente las cenas con personajes o los restaurantes icónicos.
• Consultar con los Cast Members sobre actividades o recomendaciones especiales para cumpleañeros.
• Explorar las opciones de transporte interno, como monorrieles, botes y el sistema aéreo Disney Skyliner, para moverse cómodamente entre los parques, Disney Resort Hotels y Disney Springs.

Un cumpleaños mágico que permanecerá para siempre en el corazón

Celebrar un cumpleaños en Walt Disney World Resort es mucho más que una visita a un parque: es una inmersión total en un mundo donde cada detalle, interacción y experiencia están pensados para crear recuerdos imborrables. Desde el momento en que el cumpleañero recibe su botón de cumpleaños hasta la última atracción del día, la magia acompaña cada paso, haciendo que toda la familia viva una jornada cargada de emoción y alegría.

Para quienes buscan algo distinto, lleno de fantasía y momentos únicos, Walt Disney World Resort sigue siendo el destino soñado donde los cumpleaños se convierten en aventuras mágicas.

Visita www.DisneyWorldlatino.com para obtener más información y comenzar a planificar una celebración mágica.

*Disponible al llegar a Walt Disney World Resort

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Dedicar un día a las compras durante unas vacaciones puede ser más que una pausa en el itinerario: es una forma de explorar el destino desde otra perspectiva, descubrir productos únicos y llevarse recuerdos que complementan la experiencia.

En Walt Disney World Resort, existe un espacio ideal para hacerlo, que combina tiendas exclusivas, gastronomía diversa y entretenimiento en un entorno abierto y accesible para todos los visitantes. Se trata de Disney Springs, un lugar ideal para quienes desean explorar más allá de los parques temáticos, este espacio ofrece una experiencia completa con más de 150 establecimientos, espectáculos en vivo y opciones para todas las edades.

A continuación, te presentamos una guía esencial para sacar el máximo provecho si visitas Disney Springs por primera vez.

1. ¿Cómo llegar? Transporte dentro del resort

Si te hospedas en uno de los más de 25 Disney Resort Hotels, puedes llegar a Disney Springs mediante transporte gratuito en autobuses o botes, dependiendo de la ubicación del hotel. También se puede acceder en automóvil particular; el estacionamiento estándar es gratuito y hay zonas habilitadas con control de seguridad. Para mayor comodidad, existen zonas de descenso para taxis, rideshares y transporte privado.

2. Accesibilidad y servicios para todos los visitantes

Disney Springs está diseñado para ser accesible. Se permiten sillas de ruedas y scooters eléctricos (ECVs), los cuales pueden alquilarse en el lugar. Hay señalización clara, caminos amplios y baños accesibles. También se ofrecen servicios de asistencia para personas con discapacidad auditiva o visual mediante solicitud previa.

Además, la mayoría de los restaurantes y tiendas aceptan pagos sin contacto, y puedes consultar horarios, mapas y detalles en tiempo real mediante la aplicación de My Disney Experience, la cual está disponible al llegar a Walt Disney World Resort.

3. Recomendaciones imprescindibles para una primera visita

Si es tu primera vez, estos son algunos puntos destacados para considerar:

Gastronomía destacada

• Dockside Margaritas: margaritas artesanales, bebidas auténticas de la Florida, entretenimiento en vivo y vistas increíbles de Buena Vista Cove.
• D-Luxe Burger: hamburguesas gourmet, batidos de helado artesanales y patatas fritas cortadas a mano.
• Swirls on the Water: floats refrescantes, vasos con helado suave y nachos de postre.
• Amorette’s Patisserie: repostería fina con presentaciones personalizadas.

Compras esenciales

• World of Disney: La tienda Disney más grande del resort.
• DisneyStyle y Marketplace Co-Op: Tiendas con colecciones exclusivas de ropa, accesorios y decoración.

Entretenimiento y actividades

• Aerophile – The World Leader in Balloon Flight: Globo aerostático con vistas panorámicas.
• Live Music: Hay escenarios al aire libre con música en vivo todas las noches.
• Drawn to Life: Espectáculo de Cirque du Soleil en colaboración con Disney (requiere entrada por separado).

4. Consejos prácticos para tu recorrido

• Visita en horario vespertino: entre semana, las tardes y noches ofrecen ambiente más animado y menos concurrencia.
• Usa la aplicación oficial: con la aplicación My Disney Experience, disponible al llegar a Walt Disney World Resort, puedes consultar mapas, horarios y disponibilidad en restaurantes.
• Reserva con antelación: restaurantes populares suelen llenarse, especialmente en temporada alta.
• Considera una visita adicional a los parques: Disney Springs es ideal para un día de descanso en tu itinerario.
• Verifica el clima: la mayoría del recorrido es al aire libre, así que conviene llevar sombrero, protector solar o paraguas.

Disney Springs es una opción versátil dentro del resort, ideal para quienes buscan relajarse, comer bien, comprar productos exclusivos o simplemente disfrutar el ambiente. Sin necesidad de un boleto de entrada, representa una extensión del mundo Disney donde la experiencia continúa más allá de los parques.

Visita www.DisneyWorldLatino.com para obtener más información y comenzar a planificar tus próximas vacaciones mágicas.

© 2025 Disney. Todos los derechos reservados.

De acuerdo con la información oficial, Raven-Symoné retomará su papel como Galleria Garibaldi, mientras que Adrienne Bailon-Houghton volverá a interpretar a Chanel Simmons. Además, Sabrina Bryan tendrá una participación especial como Dorinda Thomas.

También regresarán Lynn Whitfield como Dorothea Garibaldi y Lori Alter como Juanita Simmons, las madres de Galleria y Chanel, respectivamente. En contraste, Kiely Williams, quien dio vida a Aqua en las películas originales, no figura entre los integrantes confirmados del reparto hasta el momento.

La nueva película trasladará la acción a África y combinará el regreso de las protagonistas originales con la incorporación de un nuevo grupo de adolescentes. La historia comenzará cuando Galleria y Chanel emprendan un viaje junto a Faith —la hija de Galleria— y tres jóvenes amigas para colaborar como voluntarias en un santuario de vida silvestre.

“En el camino, estas cuatro adolescentes pondrán a prueba su amistad, encontrarán su voz y descubrirán el verdadero espíritu Cheetah mientras salvan la reserva y finalmente suben al escenario como las nuevas Cheetah Girls”, describe la premisa compartida por Disney.

La nueva generación estará integrada por Leah Sava’ Jeffries, conocida por su trabajo en Percy Jackson and the Olympians, quien interpretará a Faith; Carmen Sanchez será Dior, la hermana de Chanel; Kaileen Chang dará vida a Ruby; Sophie Lennon interpretará a Brooklyn; y la debutante Kamogelo Ramashala será Kendi. A ellas se suma Sophia Bush, quien participará en un papel secundario como Jennifré.

El equipo creativo detrás del regreso

La producción reunirá a varios nombres ligados históricamente a la franquicia. Debra Martin Chase, productora ejecutiva de las tres películas originales, volverá a desempeñar ese cargo junto con Raven-Symoné, quien además participará detrás de cámaras como productora ejecutiva.

La dirección estará a cargo de Billie Woodruff, responsable de la segunda película de la saga, mientras que el guion fue escrito por Kara Holden, Sarah Watson y Deborah Swisher. Adrienne Bailon-Houghton ejercerá como coproductora y las coreografías estarán en manos de Kyle Hanagami. El rodaje comenzará este mismo mes en Sudáfrica, escenario donde se desarrollará buena parte de la historia.

Raven-Symoné reaccionó al anuncio en su cuenta de Instagram con un video desde Sudáfrica, donde comenzará el rodaje de la película. “¡Está sucediendo, y es CHEETAHLICIOUS!”, escribió la actriz para celebrar el regreso de The Cheetah Girls.

Basada en la serie de libros de Deborah Gregory, The Cheetah Girls debutó en 2003 como una película original de Disney Channel y rápidamente llegó a ser uno de los mayores éxitos del canal. Su popularidad dio origen a dos secuelas: The Cheetah Girls 2 (2006) y The Cheetah Girls: One World (2008), además de una exitosa carrera musical del grupo, que realizó giras y lanzó discos hasta 2008. Raven-Symoné participó en las dos primeras películas, pero no regresó para la tercera debido a que decidió concentrarse en su carrera como solista.

El éxito de la franquicia también abrió el camino para que Disney apostara por otros musicales originales que posteriormente se convertirían en fenómenos globales, como High School Musical, Camp Rock y Descendants.

“Grabamos acá lo de la aerolínea porque se nos va a ir el sol”, apuró Barón, estableciendo el tono de apremio desde el inicio. Palleiro reforzó esa premura llamando a Momo: “Vení, dale, grabemos antes que se nos va el sol”. La escena se desarrolló en tono de comedia, donde los apuros por la luz se mezclaron con una confusión creciente acerca del nombre de una supuesta aerolínea.

En medio del apuro, Jimena, con su hijo Arturo en brazos, intentó precisar el nombre del patrocinador ficticio: “¿Jeta o es Figa es la aerolínea?”, preguntó. La respuesta, lejos de aclarar el panorama, aumentó la confusión: “Figa”, respondió Matías, quien enseguida se vio envuelto en un juego de palabras junto a Barón. “Figa es... Okey, Figa City. ¿City o Cita?”, indagó la cantante. “Cita”, corrigió Palleiro, asentando la broma interna.

La situación se tornó aún más absurda cuando Momo intervino, desconfiando de la seriedad de sus compañeros. “¿Cómo que Figa Cita? Me están boludeando”, protestó, visiblemente confundido. Matías, entre risas, insistió: “No, cita”. Jimena trató de explicar el nombre ficticio: “Cita, tipo city con a”, mientras que Palleiro añadió otro giro: “Con jota, pero no se pronuncia”. El intento de aclaración solo aumentó el desconcierto de Momo, que no lograba comprender el sentido de aquella elección.

El grupo insistió en el nombre, repitiendo el agradecimiento: “Muchas gracias, Figa Cita”. Barón, sin ocultar el tono de burla, expresó: “Qué mal, es una mier.. ”. Palleiro intentó aportar una justificación técnica, pero la explicación no logró disipar la confusión, y Momo se resignó a seguir la corriente.

La dinámica entre los integrantes mostraba una complicidad evidente. Jimena organizó el cierre de la broma, orquestando la participación de su hijo mayo en el video falso. El grupo se preparó para la toma final, manteniendo el juego y la sorpresa.

Sin entender del todo, Momo improvisó su parte: “Muchas gracias a Figa Cita por los vuelos aéreos para seguir alentando a la selección”. El esfuerzo por mantener la seriedad contrastaba con las risas de Barón y Palleiro. La grabación, lejos de cumplir un propósito comercial, se transformó en una escena humorística destinada a despistar y a confundir aún más a Momo y crear un momento memorable para todos.

En medio de la grabación, la broma alcanzó su clímax cuando Matías Palleiro le pidió a Momo que mirara a cámara y exclamó: “Uno, dos, tres. ¡Nos vamos a Disney!”. Momo, aún confundido, repitió: “¡Nos vamos a Disney!”, mientras el resto celebraba la ocurrencia.

En este intercambio, el grupo mostró cómo el humor espontáneo puede transformar una situación cotidiana en un evento memorable. La complicidad, las bromas y los pequeños malentendidos fueron el eje de una escena que, aunque carecía de un objetivo comercial auténtico, logró su cometido principal: hacer reír y fortalecer los lazos entre los presentes.

La reacción del hijo de Jimena Barón y Daniel Osvaldo, el desconcierto sostenido y la risa compartida muestran que, a veces, el verdadero valor de estos momentos radica en la capacidad de reírse juntos de lo inesperado y lo absurdo. Sin necesidad de un guion preestablecido, el grupo supo convertir la confusión en el mejor motor del humor.

El actor, siempre fiel a su sentido del humor, ha asegurado que se ha reído “muchísimo” con los memes sobre la peluca con la que aparece en la versión de acción real. También ha contado que pasó por 12 pelucas distintas antes de dar con la definitiva, porque el pelo de Maui “es uno de sus poderes” y el equipo consideró imprescindible acertar con ese diseño.

Johnson ha contado que la reacción de internet le pareció “muy, muy divertida” cuando el primer tráiler mostró al intérprete, habitualmente calvo, con una larga melena castaña. Según el medio, las redes se llenaron de comentarios y montajes en cuanto aparecieron las primeras imágenes del personaje.

El intérprete lo resumió con una broma sobre su aspecto en pantalla: dijo que parecía llevar la peluca “después de haber bebido tequila de madrugada un sábado”.

La importancia de ‘Vaiana’

En la ‘premiere’ celebrada el pasado martes por la noche en el Hollywood Bowl de Los Ángeles, el actor también defendió el sentido de rehacer en imagen real una película estrenada hace apenas una década. La cinta original llegó en 2016 y algunas personas han vertido opiniones sobre si el estudio debía esperar más tiempo antes de volver sobre la historia.

Su respuesta fue que esta nueva versión aporta algo distinto porque trabaja con “seres humanos reales, de carne y hueso”. Johnson sostuvo que esa decisión permite mostrar valores que, a su juicio, merecen verse encarnados por intérpretes reales.

Esa idea enlaza con otro de los argumentos que ha repetido durante la promoción: la importancia de la representación cultural. El actor recordó que de niño encontró inspiración en personajes como Indiana Jones, pero no veía en pantalla figuras que se parecieran a él.

“Cuando tenía ocho años y veía a Harrison Ford, pensaba: ‘Quiero ser ese tío’, pero ese tío no se parecía a mí”, afirmó. Para Johnson, el universo cinematográfico de Vaiana tiene peso precisamente por esa visibilidad.

La conversación sobre la peluca no se ha quedado solo en él. Lin-Manuel Miranda, compositor de las canciones, salió en defensa de ese aspecto del personaje y recordó que muchos espectadores olvidan que Johnson ya lució una melena llamativa en El rey Escorpión, una referencia con la que ironizó sobre el revuelo generado por el nuevo look.

Una de las películas más rentables de Disney

La relevancia de Vaiana dentro de Disney no se limita al debate cultural. La primera película recaudó 643 millones de dólares en todo el mundo tras su estreno en 2016 y se convirtió además en uno de los títulos más vistos de Disney+.

La secuela estrenada en 2024, construida a partir de una serie televisiva para streaming que había sido descartada, firmó el mejor resultado de la historia en un fin de semana de Acción de Gracias con 225 millones. Después superó los 1.000 millones de recaudación mundial.

Ese rendimiento explica que ya esté en marcha una tercera entrega. Johnson lo confirmó recientemente en una rueda de prensa en Río de Janeiro, donde aseguró que ya ha habido conversaciones sobre Vaiana 3, aunque antes quieren dejar espacio al estreno de la versión de acción real.

También avanzó que Jared Bush y Dana Ledoux Miller, guionistas vinculados a la saga, escribirán esa nueva película. La adaptación en imagen real está dirigida por Thomas Kail, responsable de la filmación teatral de Hamilton para Disney, y cuenta con Catherine Laga’aia junto a Dwayne Johnson, además de John Tui, Frankie Adams, Rena Owen y Jemaine Clement.

La película Toy Story 5 alcanzó 764 millones de dólares en recaudación global durante su tercer fin de semana en cartelera, consolidándose como uno de los títulos más exitosos de 2026 en el sector cinematográfico internacional. El estreno, producido por Disney y Pixar, afecta al mercado mundial de cine familiar y a los principales estudios de animación, ya que evidencia la vigencia de las franquicias animadas en la competencia por la audiencia. El desempeño de la cinta es relevante, ya que se da en medio de una temporada con varias superproducciones y cambios en los hábitos de consumo, según datos publicados por Variety y Los Angeles Times.

De acuerdo con cifras verificadas por Variety, la película dirigida por Andrew Stanton sumó 69,3 millones de dólares en 50 mercados internacionales durante el último fin de semana, alcanzando cifras récord en Japón, donde obtuvo 14,6 millones de dólares en su debut, la apertura más alta de la historia para una producción de Hollywood en ese país. Los Angeles Times confirmó que la recaudación acumulada se reparte entre 398 millones de dólares provenientes de taquilla internacional y 366,3 millones de dólares del mercado doméstico, que incluye Estados Unidos y Canadá.

La saga Toy Story representa uno de los activos más importantes de Disney y Pixar en el sector audiovisual, con antecedentes como el éxito de Toy Story 4, que en 2019 superó los 1.070 millones de dólares a nivel global. El lanzamiento de la quinta entrega se produce en un contexto de competencia directa con otras franquicias animadas, como Minions & Monsters, y en una temporada marcada por el regreso de las familias a las salas de cine tras años de incertidumbre en la industria.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en cada mercado principal?

Según datos de Variety y Box Office Mojo, Toy Story 5 acumuló 69,3 millones de dólares en 50 mercados internacionales solo en su tercer fin de semana. Japón fue el principal motor de crecimiento, con 14,6 millones de dólares que convierten a la película en la mayor apertura de Hollywood en ese país. México se ubica como el segundo mercado más relevante, con 59,3 millones de dólares, seguido por el Reino Unido, que suma 50 millones, y China, con 37 millones.

La película también mantiene el liderazgo de recaudación en territorios como Francia, Australia, Corea del Sur, Brasil, Bélgica, Arabia Saudita, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Hong Kong, Filipinas y la mayoría de los países latinoamericanos, según el monitoreo de Los Angeles Times y Box Office Mojo. La distribución geográfica de la recaudación refleja la estrategia global de Disney y Pixar para maximizar el impacto de la franquicia.

¿Qué explica el éxito de Toy Story 5 en la taquilla internacional?

El rendimiento internacional de Toy Story 5 puede explicarse por varios factores. De acuerdo con Variety, la estrategia de lanzamiento incluyó estrenos simultáneos en más de 50 países y la programación de fechas coincidentes con los principales periodos vacacionales en mercados clave. Por ejemplo, el estreno en Japón se programó en una semana de alta concurrencia a cines, lo que favoreció la recaudación récord.

La franquicia Toy Story cuenta con una base de seguidores consolidada y una campaña de promoción dirigida tanto a público infantil como a adultos. El informe de Los Angeles Times destaca que la película mantuvo su posición en el primer lugar de la taquilla no local en Francia, Reino Unido, Corea, Hong Kong y varios países de América Latina. El alcance global de la franquicia se traduce en una recaudación internacional que supera por amplio margen a la de otras producciones familiares.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otras películas animadas de 2026?

Según los datos recogidos por Variety y Box Office Mojo, Toy Story 5 mantiene una ventaja significativa frente a otras producciones animadas de 2026. El principal competidor en la temporada es Minions & Monsters, producción de Illumination y Universal, que sumó 160,6 millones de dólares en su segundo fin de semana a nivel global. Toy Story 5, en cambio, alcanzó 764 millones de dólares acumulados en tres semanas.

La dinámica de competencia entre ambos títulos se refleja en la distribución de la recaudación: Minions & Monsters tuvo una sólida apertura internacional, pero Toy Story 5 mantiene cifras superiores en mercados clave, especialmente en Asia y América Latina. El análisis de Los Angeles Times indica que la coexistencia de varias películas familiares responde a la alta demanda en periodos de vacaciones escolares y al atractivo de las franquicias consolidadas.

¿Qué declaraciones oficiales y reacciones se han registrado?

La presidenta de Universal International Distribution, Veronika Kwan Vandenberg, declaró a Deadline que “la respuesta crítica y de público para Minions & Monsters ha sido la más alta en la historia de Illumination”, aunque admitió el impacto del calendario vacacional y de eventos globales en los resultados de taquilla. Por parte de Disney, la información publicada por Variety y Los Angeles Times cita datos oficiales de la compañía y de plataformas de monitoreo como Box Office Mojo, sin incluir declaraciones recientes de ejecutivos.

El director Andrew Stanton fue citado por Variety en relación con la apertura en Japón, donde destacó la importancia de ese mercado para la estrategia de distribución internacional. Además, los informes recogen datos de firmas especializadas y de autoridades del sector cinematográfico, como la Asociación de Productores de Cine de Estados Unidos (MPA).

¿Cuáles son las cifras y proyecciones de recaudación para Toy Story 5?

• Toy Story 5 alcanzó 764,3 millones de dólares en taquilla global al cierre de su tercer fin de semana, según Variety.
• El desglose corresponde a 398 millones de dólares procedentes de mercados internacionales y 366,3 millones de dólares de Estados Unidos y Canadá, de acuerdo con Los Angeles Times.
• Japón registró 14,6 millones de dólares en la apertura, la cifra más alta para una película de Hollywood en ese país.
• México suma 59,3 millones de dólares y el Reino Unido 50 millones, conforme a Box Office Mojo.
• La película proyecta superar los 1.000 millones de dólares en las próximas semanas, según estimaciones de Variety.

¿Qué impacto tiene Toy Story 5 en Estados Unidos?

En el mercado estadounidense, Toy Story 5 recaudó 31 millones de dólares durante el último fin de semana, ubicándose en el segundo lugar de la taquilla, detrás de Minions & Monsters, que logró 37 millones en el mismo periodo, según datos de Los Angeles Times. El acumulado doméstico de Toy Story 5 asciende a 366,3 millones de dólares.

El comportamiento en Estados Unidos se explica por la coincidencia del fin de semana festivo del 4 de julio y la competencia con otras producciones familiares. El informe de Deadline señala que la película mantiene un promedio de asistencia alto en las principales cadenas de cine y proyecta crecimiento durante el periodo vacacional.

Además, Box Office Mojo reporta que la saga Toy Story sigue figurando entre las franquicias animadas más rentables en la historia del cine estadounidense, lo que refuerza la posición de Disney y Pixar en el sector.

¿Qué se puede esperar de Toy Story 5 en las próximas semanas?

La evolución de la recaudación de Toy Story 5 dependerá de la permanencia de la película en cartelera durante los principales periodos de vacaciones escolares y de la respuesta en mercados donde el estreno aún está pendiente. La tendencia observada por Variety y Box Office Mojo indica que la película podría superar el umbral de los mil millones de dólares, lo que la convertiría en la entrega más exitosa de la saga.

El impacto para Disney, Pixar y la industria cinematográfica radica en la confirmación del atractivo de las franquicias animadas y la capacidad de sostener resultados positivos en un entorno de alta competencia y cambios en los hábitos de consumo. Las plataformas de monitoreo continuarán reportando cifras actualizadas en las próximas semanas, según los datos publicados por Variety, Los Angeles Times y Box Office Mojo.

La pieza se presentó en una fecha calculada para la conversación global: el primer aniversario del arranque de la gira Oasis Live ’25. Ese tour empezó el 4 de julio de 2025 en Cardiff, Gales, y marcó la primera vez que la banda tocó junta en 16 años.

El teaser mostró públicos masivos y dejó ver fragmentos de ensayos, con narraciones en off de Noel Gallagher y Liam Gallagher que apuntaron al peso interno de volver a compartir escenario después de la separación del grupo.

El proyecto se acreditó como una creación del guionista, productor y director Steven Knight. La dirección quedó en manos de Dylan Southern y Will Lovelace.

El dato de industria: ventana IMAX, salas selectas y exclusividad en streaming

El calendario de distribución colocó a Don’t Look Back in Anger primero en la exhibición premium: en septiembre se estrenará en salas IMAX y en cines seleccionados. Más tarde, quedará disponible de forma exclusiva en Disney+ a finales de este año.

La película se produjo por Magna Studios y Sony Music Vision, y se presentó por Sony Music Vision en colaboración con Sony Music Entertainment UK. En el paquete de producción figuraron Sam Bridger y Guy Heeley como productores, junto con un listado de productores ejecutivos: Kate Shepherd, Marisa Clifford, Tom Mackay, Krista Wegener, Isabel Davis y Tim O’Shea.

En el equipo técnico creativo se incluyeron los mezcladores de sonido ganadores de un Óscar James Mather y Tarn Willers, además del director de fotografía Haris Zambarloukos.

Qué promete la película: ensayos, backstage y entrevistas conjuntas

Don’t Look Back in Anger se planteó como el registro de la gira de reunión de los hermanos Gallagher, con acceso a ensayos, backstage y escenas sobre el escenario. La sinopsis la definió como un recuento “abiertamente optimista” del que describió como el “mayor evento musical de 2025”, con foco en la experiencia de la banda y sus fans alrededor del mundo.

Uno de los ganchos de material inédito apuntó a la conversación entre los protagonistas: el proyecto anunció las primeras entrevistas conjuntas de Noel y Liam en más de 25 años.

En el adelanto, el tono se apoyó en el contraste entre el pasado y el reencuentro. “Yo simplemente no me veo en el escenario con Liam, no me veo”, dijo Noel en la narración del teaser. “El modo en que terminó, inaceptable”, dijo Liam en el mismo avance.

Knight y el acceso “a la mesa” de los Gallagher

Steven Knight enmarcó el documental como algo más que una filmación de shows. “La gira mundial de Oasis unió a generaciones, culturas y países y le habló a un mundo roto sobre la reconciliación”, dijo en un comunicado difundido por el medio.

Knight también describió el tipo de acceso que buscó la producción: “Don’t Look Back In Anger no solo es tu boleto para el show: es un pase al backstage y un lugar en la mesa cuando Liam y Noel se sienten juntos por primera vez en 15 años y lo cuenten como es y como fue”.

El lanzamiento llega con una pieza de posicionamiento clave para la franquicia: ya quedan disponibles el tráiler y el póster de la producción, una señal de que Lucasfilm y el estudio japonés Production I.G activaron la campaña con materiales oficiales de cara al debut.

La presentación del avance y el arte se hizo en una mesa redonda especial dentro de la Anime Expo 2026, en el Centro de Convenciones de Los Ángeles. Allí participaron Kenji Kamiyama como director supervisor, Shunsuke Tada como director y el productor Hitoshi Ito.

La operación marca un punto de inflexión para Star Wars: Visions: un corto que nació dentro de la antología, The Ninth Jedi, pasó de ser un episodio unitario a sostener una narrativa seriada con continuidad directa.

Star Wars: Visions Presenta, la iniciativa que extendió relatos a ocho capítulos

La nueva serie se integra a Star Wars: Visions Presenta, una iniciativa que planteó “historias más extensas” nacidas dentro de Star Wars: Visions. El movimiento reordena el modelo: de relatos independientes de distintos estudios a un desarrollo por temporada, con una sola trama sostenida.

La base argumental retoma los hechos “poco después” de los cortometrajes Visions: La Novena Jedi y La Novena Jedi: La Hija de la Esperanza. El recorte temporal deja claro que no se trata de una reinterpretación, sino de una continuación dentro del mismo arco.

En términos de industria, el dato operativo fue concreto: Lucasfilm produjo la serie junto con Production I.G, el estudio acreditado por trabajos como Ghost in the Shell: Stand Alone Complex y Kaiju No. 8, siempre según Qué Ver en Disney+.

Lah Kara, el Margrave Juro y la misión para rescatar al padre de la protagonista

La sinopsis se concentra en la progresión de la protagonista: Lah Kara continua su formación en los caminos de los Jedi bajo la tutela del Margrave Juro. El relato suma un eje de comunidad: Kara se integra a una pequeña comunidad de aprendices de Juro.

La misión que estructura la temporada queda planteada como objetivo central: el grupo sale a salvar al padre de Kara. En paralelo, la serie presenta un “viaje de autodescubrimiento” para la protagonista, de acuerdo con la descripción difundida por la publicación.

Créditos creativos, producción y reparto de doblaje en inglés

En el armado creativo, el título queda encabezado por Shunsuke Tada en la dirección y Mitsuyasu Sakai en el guion. Kenji Kamiyama asume el rol de director supervisor.

La estructura de producción ejecutiva reune a James Waugh, Jacqui López, Josh Rimes, Justin Leach y Mitsuhisa Ishikawa. En producción, el proyecto acredita a Hitoshi Ito y Kanako Shirasaki, con Caroline Keller como coproductora.

El elenco de doblaje en inglés incluye regresos y nuevas incorporaciones. Volvieron Kimiko Glenn como Kara, Andrew Kishino como Juro, Masi Oka como Ethan, Patrick Seitz como Homen, JP Karliak como Gramps, Simu Liu como Lah Zhima y Neil Kaplan como el narrador. Se sumaron Feodor Chin como Gennoh, Young Mazino como Nawaam, Chase Sui Wonders como Tafflah y Keone Young como Kwana.

Hasta ahora, lo confirmado es que Disney trabaja en Moana 3, que Bush y Miller serán los guionistas y que el estudio dará prioridad al estreno de la versión de acción real de Moana, prevista para el 9 de julio, antes de avanzar públicamente con la tercera cinta animada.

Durante una rueda de prensa de Moana en Brasil, Johnson respondió: “La respuesta a la pregunta es sí. Hemos hablado sobre Moana 3. Sí”, dijo el actor, en una declaración recogida por Variety.

Lo que se sabe del elenco, la historia y la música

No hay detalles sobre la trama de Moana 3. Variety indicó que la historia de la película aún no se ha revelado. La misma fuente señaló que se espera que Auliʻi Cravalho y Johnson vuelvan a sus papeles de voz como Moana y Maui. Ese posible regreso figura como una expectativa y no como un anuncio oficial.

La primera película siguió a la hija del jefe de una aldea, elegida por el océano para devolver la prosperidad a su isla. En la segunda, la navegante regresó al mar para encontrar una isla oculta y romper una maldición.

Tampoco está definido quién escribirá la música de Moana 3. Lin-Manuel Miranda escribió temas como "Cuán lejos voy" y "De nada" para la cinta original, pero no volvió para la segunda parte. En esa secuela, la composición musical quedó a cargo de Abigail Barlow y Emily Bear.

Por qué Disney refuerza una de sus sagas más rentables

El rendimiento comercial de la franquicia ayuda a explicar el avance de una nueva película. Moana original recaudó USD 680 millones en todo el mundo en 2016, según Variety. La película también ganó popularidad en Disney+, donde permanece entre los títulos más vistos de la plataforma.

Ese desempeño reforzó el peso de la marca dentro del estudio. Variety informó además que Moana 2 nació primero como un proyecto para Disney+ antes de convertirse en largometraje. La apuesta por llevar esa historia a los cines terminó con resultados para Disney.

La secuela se estrenó en torno al Día de Acción de Gracias de 2024 con USD 225 millones y cerró su recorrido mundial con USD 1.059 millones.

El estreno de la versión de acción real antes de la tercera entrega

Antes de que Moana 3 avance hacia los cines, Disney estrenará su versión de acción real de la historia original. la adaptación llegará a salas. La película tendrá a Johnson y Catherine Laga’aia en los papeles principales. Thomas Kail dirigió el proyecto en su debut en largometrajes y Bush y Miller firmaron el guion.

La trama sigue el viaje de Moana, quien, movida por el legado de sus antepasados y la conexión espiritual con su abuela, desafía los límites de su entorno en busca de respuestas a los misterios que rodean su comunidad. El relato adquiere así una dimensión que trasciende la aventura personal, convirtiéndose en una exploración colectiva de memoria y futuro para su pueblo.

Uno de los mayores énfasis de la película reside en la figura de Tala, la abuela de Moana. La interpretación de Rena Owen potencia el papel de este personaje como guía espiritual y vínculo esencial con las tradiciones de la comunidad. La relación entre ambas sirve de anclaje para la búsqueda de identidad y el sentido de pertenencia que recorre toda la historia.

Andrés Robles, un niño de ocho años de Arizona, fue nombrado el visitante honorario número 1.000 millones de Disneyland el viernes, durante la celebración del 70° aniversario del parque en California.

En una ceremonia en el andén de la estación de tren de Main Street USA, Robles y su familia, que viajaron desde Arizona, fueron recibidos por Mickey Mouse y Minnie Mouse. Luego ayudaron a develar un letrero actualizado que decía “Población 1.000.000.000”.

En un comunicado, Jill Estorino, presidenta de Disneyland Resort, afirmó: “Recibir a nuestro visitante número mil millones es un hito extraordinario para Disneyland Resort y un testimonio de las generaciones de visitantes que han hecho de este lugar especial parte de sus vidas”.

El nombramiento de Robles como visitante honorario se realizó durante las actividades por el aniversario de Disneyland en California, en la estación de tren de Main Street USA, donde su familia develó el cartel con la inscripción “Población 1.000.000.000”. El letrero quedó como señal de la cifra mencionada durante el evento y como parte de la puesta en escena del anuncio.

La ceremonia incluyó el recibimiento por parte de Mickey Mouse y Minnie Mouse, quienes saludaron a Robles y a sus familiares antes del anuncio y de la presentación del cartel. La presencia de los personajes acompañó el momento en el que la familia participó del acto central del viernes y se sumó a las actividades por el 70° aniversario.

El anuncio del visitante número 1.000 millones durante el aniversario del parque

El anuncio fue comunicado como un hecho destacado dentro de la conmemoración en Disneyland. El evento tuvo como eje la cifra “1.000.000.000” y la identificación de Robles como visitante honorario, en un contexto en el que el parque celebró un nuevo aniversario desde su apertura original.

La escena del anuncio se desarrolló en Main Street USA, con el letrero como elemento principal del acto. La familia de Robles participó de la develación del cartel y quedó ubicada junto a los personajes que acompañaron el recibimiento, en una ceremonia prevista como parte de las actividades programadas para ese día.

El comunicado oficial difundido por Disneyland Resort enmarcó el reconocimiento como un hito del complejo. En ese texto, Jill Estorino vinculó el nombramiento con “las generaciones de visitantes”, al describir el parque como un lugar que se integró a la experiencia de muchas familias a lo largo del tiempo.

La visita VIP para la familia de Andrés Robles y las experiencias incluidas

Como parte del reconocimiento y de la agenda por el aniversario, la familia realizó una visita VIP por áreas específicas del complejo. Según lo informado, el recorrido incluyó el apartamento privado de Walt Disney, un acceso reservado que forma parte de las experiencias incluidas en este tipo de visitas.

El itinerario también contempló un vistazo a la atracción Soarin’ Across America, además de otras experiencias. La visita fue presentada como parte del homenaje por el nombramiento del visitante honorario número 1.000 millones, en el marco de la conmemoración en California.

El reconocimiento a Robles se anunció como un hecho dentro de esa conmemoración. La visita VIP quedó integrada al programa previsto para la familia, junto con el acto público en Main Street USA y la difusión del comunicado institucional.

La evolución de Disneyland Resort en Anaheim, California

Disneyland abrió por primera vez el 17 de julio de 1955. Según Disneyland, el complejo mantiene la visión de Walt Disney de crear un lugar donde padres e hijos pudieran disfrutar tiempo juntos.

Con los años, el destino pasó a ser un complejo turístico. Ubicado en Anaheim, California, Disneyland Resort pasó de ser un único parque temático a un espacio que reúne distintas áreas bajo una misma marca, con infraestructura y oferta ampliadas.

En la actualidad, el complejo incluye Disneyland Park, Disney California Adventure Park, tres hoteles y el distrito Downtown Disney. Esa expansión transformó el parque original en un destino más amplio, con propuestas que combinan parques temáticos, alojamiento y zonas comerciales.

La mención del aniversario se vinculó con esa historia: desde la apertura en 1955 hasta el presente, el parque mantuvo su posición como un punto de atracción para visitantes que viajan desde otros lugares, como ocurrió con la familia de Robles para participar del evento del viernes. El anuncio del visitante honorario número 1.000 millones se incorporó a esa cronología y quedó asociado a una cifra puntual mostrada en el letrero.

El comunicado citado por Jill Estorino se enmarcó en esa línea institucional. La presidenta de Disneyland Resort describió el reconocimiento como un “hito extraordinario” y lo asoció a “las generaciones de visitantes” que incorporaron al parque en sus vidas. La declaración fue difundida como parte del anuncio oficial que acompañó la ceremonia y la presentación del cartel.

El nombre de Robles quedó asociado a la cifra “1.000.000.000” en el contexto del aniversario del parque en California. La escena del anuncio se desarrolló frente a su familia, en un espacio central de Main Street USA, con el letrero como elemento principal del acto y con la visita VIP como parte del reconocimiento anunciado para ese día.

Con un enfoque radicalmente distinto al canon tradicional, la serie sitúa la acción en una época lejana de la saga Skywalker, en una galaxia donde tanto los Jedi como los Sith han desaparecido y nuevas fuerzas compiten por el control.

Producción destacada: anime japonés y el universo Star Wars

La dirección de la serie está a cargo de Kenji Kamiyama y Shunsuke Tada, reconocidos creadores del anime que ya han trabajado en franquicias de gran renombre. Production I.G., el estudio responsable, es conocido por proyectos como Ghost in the Shell y Haikyū!!, aportando un estilo visual distintivo y una animación de alta calidad que diferencia a la serie de otras producciones animadas de Star Wars. La serie contará con ocho episodios y ha sido anunciada como la primera de varios posibles spin-offs bajo el sello Star Wars Visions Presents, fortaleciendo la estrategia de Lucasfilm para diversificar su universo en diferentes medios y formatos.

El elenco de personajes incluye figuras conocidas de los cortos originales, como el margrave Juro, Ethan, Homen, Gramps, Lah Zhima y la joven protagonista Lah Kara, junto a varios personajes nuevos. Entre estos últimos, destaca la aparición de un villano ambiguo cuya afiliación es incierta, lo que difumina los límites tradicionales entre Jedi y Sith.

Narrativa innovadora: más allá del canon y de la dualidad Jedi-Sith

La trama de The Ninth Jedi deja de lado la seguridad del canon de los Skywalker para proponer una narrativa novedosa y atrevida. La protagonista, Lah Kara, emprende la búsqueda de su padre, quien ha sido capturado por cazadores de Jedi, mientras la galaxia permanece sumida en el caos tras la desaparición de las órdenes legendarias.

La historia presenta un escenario donde las diferencias filosóficas y éticas entre Jedi y Sith se vuelven difusas. Esto se plasma en la creación de nuevos sables láser, entre ellos uno de hoja roja empuñado por la heroína, y en un antagonista que desafía la expectativa del típico villano al estilo Darth Vader, sugiriendo que la línea entre el bien y el mal en este universo es más fina de lo que se pensaba.

La serie busca así ampliar el debate sobre el significado de la luz y la oscuridad en la galaxia, algo que podría influir en futuras interpretaciones y producciones, y que pone en primer plano los matices éticos y personales de los personajes en lugar de las categorías absolutas habituales.

Impacto en seguidores y nuevo público: relatos inéditos y cuestionamientos abiertos

El estreno de El Noveno Jedi representa una apuesta significativa por parte de Lucasfilm y Disney+ para atraer tanto a seguidores veteranos de Star Wars como a nuevas audiencias, especialmente aquellas interesadas en el anime japonés. Al contar una historia centrada en personajes nuevos y en un periodo temporal poco explorado, la serie ofrece una puerta de entrada fresca y accesible para quienes no están familiarizados con el extenso canon de la franquicia.

El entusiasmo entre seguidores del anime y de Star Wars se refleja en la recepción del tráiler oficial, presentado en la Anime Expo de Los Ángeles, y en el hecho de que, por primera vez, una historia de la antología Visions recibe un desarrollo a mayor escala. La decisión de continuar un corto previamente emitido y expandirlo en una serie de ocho episodios también anticipa una estrategia de diversificación narrativa que podría aplicarse a otros relatos destacados de la antología.

En cuanto al público general, la serie llega tras la tibia recepción de The Mandalorian & Grogu en cines, ofreciendo una alternativa sólida que combina acción, drama y dilemas morales con una renovación estética. Con su estreno mundial en Disney+ este 5 de agosto, Star Wars: El Noveno Jedi busca consolidarse como una de las propuestas más originales y arriesgadas de Star Wars en el corto plazo, invitando al público a cuestionar las certezas sobre el bien y el mal en una galaxia renovada.

La franquicia de Moana podría continuar con una tercera entrega, según declaraciones recientes de Dwayne Johnson, quien interpreta al semidiós Maui en la saga animada y en la próxima adaptación en acción real.

El proyecto fue mencionado durante una conferencia de prensa realizada en Río de Janeiro, en el marco de la promoción de la versión live-action de la historia.

De acuerdo con información publicada por Variety, el actor señaló que la posibilidad de una tercera película ya ha sido discutida dentro del equipo creativo. “Sí, hemos hablado de Moana 3, sí”, afirmó el actor durante el encuentro con medios.

El intérprete también indicó que los guionistas Jared Bush y Dana Ledoux Miller estarían nuevamente involucrados en el desarrollo de la historia.

Bush ha participado en la escritura de todas las entregas de la franquicia, mientras que Ledoux Miller ha trabajado en las dos producciones más recientes. Sin embargo, Johnson subrayó que la atención principal del equipo se encuentra actualmente en el estreno de la versión en acción real.

“Pero primero, Moana en live-action, vamos a dejar que eso salga primero. Tenemos al increíble Jared Bush y Dana Ledoux Miller, quienes han sido nuestros escritores… ellos escribirán Moana 3”, declaró.

La película original Moana, estrenada en 2016, narra la historia de una joven navegante que emprende un viaje por el océano junto a Maui para restaurar el corazón de la diosa Te Fiti y salvar a su isla.

La producción contó con las voces de Auliʻi Cravalho en el papel de Moana y Dwayne Johnson como Maui, además de la participación de Rachel House, Temuera Morrison, Nicole Scherzinger y Jemaine Clement.

La banda sonora estuvo a cargo de Lin-Manuel Miranda, Mark Mancina y Opetaia Foaʻi, e incluyó temas como “How Far I’ll Go”, “You’re Welcome” y “Shiny”, que alcanzaron amplia difusión tras el estreno de la película.

En 2024 se estrenó Moana 2, ocho años después de la primera entrega, con el regreso de varios miembros del elenco original. La secuela amplió la historia de la protagonista y continuó el desarrollo del universo narrativo de la franquicia.

En febrero de ese mismo año, el director ejecutivo de Disney, Bob Iger, confirmó la producción de una nueva película de la saga, al referirse al interés de la compañía en continuar expandiendo la historia de Moana y Maui.

En ese momento, señaló que la franquicia mantenía una fuerte popularidad dentro del catálogo del estudio.

De acuerdo con declaraciones previas recogidas por Variety, el proyecto de la secuela había sido concebido inicialmente como una serie de televisión, pero posteriormente fue transformado en una película de largometraje tras una evaluación interna del material producido.

El universo de Moana también se encuentra en expansión con una versión en acción real de la película original. Esta producción tiene previsto su estreno en cines el 10 de julio y cuenta con Catherine Laga’aia en el papel principal.

Dwayne Johnson retoma su personaje de Maui, mientras que otros miembros del elenco incluyen a John Tui, Frankie Adams y Rena Owen. Auliʻi Cravalho participa como productora ejecutiva en este proyecto.

El avance presentado incluye un fragmento de la canción One Beat Away y confirma el regreso de figuras clave como Joe, Nick y Kevin Jonas, así como la incorporación de Liamani Segura, Malachi Barton, Lumi Pollack y Sherry Cola como los nuevos protagonistas. La trama gira en torno a la búsqueda de un nuevo acto de apertura para la próxima gira de Connect 3, lo que desata competencias, rivalidades y romances entre los campistas, y deja abierta la expectativa de apariciones sorpresa de viejos conocidos como Demi Lovato y Maria Canals-Barrera.

Un nuevo escenario con nuevos protagonistas

La tercera parte de Camp Rock comienza con un giro inesperado: Connect 3 debe encontrar un nuevo telonero luego de que el artista original abandona la gira poco antes del inicio del tour de reencuentro. Este hecho lleva a los hermanos Gray, nuevamente interpretados por los Jonas Brothers, a regresar a Camp Rock para descubrir a la próxima estrella juvenil, iniciando así una competencia animada entre jóvenes aspirantes.

Entre los nuevos rostros destacan Sage (Liamani Segura), Fletch (Malachi Barton), Rosie (Lumi Pollack) y Lark (Sherry Cola), quienes se convierten en el eje central de la nueva trama. La elección de estos actores busca plasmar la diversidad y la innovación que Disney pretende aportar a sus producciones, sin perder los elementos y dinámicas que hicieron famosa a la franquicia.

Otra figura que regresa es Connie, papel de Maria Canals-Barrera, madre de la protagonista original Mitchie Torres. Su retorno ofrece un componente nostálgico apreciado por los seguidores de las primeras entregas y genera expectativas en torno a su relación con los nuevos personajes. La presencia de actores como Hudson Stone, Casey Trotter, Brooklynn Pitts y Ava Jean complementa el elenco, cuyos personajes enfrentarán desafíos tanto musicales como personales a lo largo de la historia.

Equipo creativo detrás de la tercera entrega

La dirección está a cargo de Veronica Rodriguez, y el guion es obra de Eydie Faye, dos nombres que buscan ofrecer una visión innovadora sin perder el espíritu de la saga. Entre los productores ejecutivos se encuentran Joe, Nick y Kevin Jonas, junto a Tim Federle, Demi Lovato, Betsy Sullenger, Spencer Berman y Gary Marsh, lo que asegura un vínculo directo entre quienes hicieron posible la franquicia y el aporte de nuevos talentos. La coreografía está bajo la responsabilidad de Jamal Sims, reconocido por su trabajo en musicales y producciones juveniles, encargado de inyectar energía renovada a los números de canto y baile que forman parte fundamental del atractivo de Camp Rock 3.

Un aspecto que ha despertado particular interés es la participación de Demi Lovato. Aunque confirmada en su rol de productora ejecutiva, aún no se ha revelado si aparecerá como Mitchie Torres, la protagonista de las dos primeras películas. Esta decisión ha sido utilizada para mantener la expectativa y convertir un posible cameo en uno de los momentos más esperados de la película. Por otro lado, la confirmada participación de los Jonas Brothers tanto delante como detrás de cámaras asegura la continuidad del espíritu y la calidad musical que caracterizan a la saga.

Temas de competencia, amistad y música: el legado de la franquicia

Camp Rock 3 mantiene el enfoque que definió a las películas anteriores: la competencia amigable entre jóvenes artistas que buscan cumplir sus sueños mientras sortean los desafíos personales propios de la adolescencia. El avance incluye fragmentos de One Beat Away, que promete convertirse en uno de los éxitos musicales del verano, y muestra escenas de las competencias, rivalidades y relaciones románticas entre los campistas.

Esta clase de historias suele conectar con el público juvenil, promoviendo valores como el trabajo en equipo, la perseverancia y la autenticidad, y también refleja las presiones propias de un ambiente competitivo y mediático. De acuerdo con las imágenes difundidas, la película pondrá un especial énfasis en la diversidad de sus personajes, con arcos narrativos dedicados a explorar distintos contextos sociales y familiares. La producción de Disney Kids & Family busca de este modo ampliar su audiencia, adaptándose a los cambios culturales y a la multiplicidad de experiencias de los espectadores actuales.

La confirmación de las fechas de estreno, 13 de agosto en Disney Channel y 14 de agosto en Disney+, asegura una distribución amplia tanto por cable como por streaming, facilitando el acceso a la película en distintos formatos y dispositivos. El renovado interés en la saga, impulsado por la nostalgia y la curiosidad por ver cómo la nueva generación asume el legado de Camp Rock, pone a prueba la capacidad de las franquicias juveniles para reinventarse y continuar influyendo en adolescentes y jóvenes adultos.

Las imágenes que circularon desde el interior de la atracción mostraron a empleados actuando mientras las barcas seguían avanzando por el recorrido. En uno de los videos, difundido por usuarios de TikTok y citado por The California Post, se observó a un trabajador de Disney usando un extintor sobre una de las embarcaciones mientras el humo todavía permanecía en el ambiente.

En la grabación se alcanzó a ver que la intervención se realizó con los pasajeros a bordo, en un tramo del recorrido donde las embarcaciones continuaban desplazándose.

Otro video compartido en la misma red social mostró la misma secuencia desde un ángulo distinto. En esa publicación, el usuario que lo difundió afirmó: “¡Los miembros del elenco de Disney actuaron con rapidez para extinguir el pequeño incendio!”. En ambos casos, las imágenes se viralizaron con rapidez y concentraron comentarios sobre la reacción del personal y sobre el origen del humo.

Qué se sabe sobre el origen del fuego

Walt Disney World no confirmó públicamente la causa del episodio. Los testimonios que acompañaron las grabaciones sostuvieron que el fuego se originó en una batería portátil de teléfono que se incendió dentro de un bolso durante el trayecto, una versión repetida por distintos usuarios en redes sociales, sin pronunciamiento oficial que la corroborara.

Uno de los usuarios que comentó las imágenes aseguró: “Fue el cargador portátil de un visitante el que explotó, no Disney ni la atracción.

Se les puede culpar de muchas cosas, pero no de esta”. Otra usuaria, identificada como Hanna, afirmó que un familiar suyo estuvo involucrado y dijo que un niño había colocado entre sus piernas un bolso con un nuevo cargador magnético portátil antes de que comenzara a arder. Según esa versión, la situación obligó a evacuar a los huéspedes.

También circuló en línea el mensaje de una persona que se identificó como empleada de Disney y respaldó esa explicación. escribió: “Esto es correcto. ¡Soy empleado de SW! Todo está bien, incluida la atracción”.

Disney no confirmó la causa del fuego en It’s a Small World

The California Post indicó que se puso en contacto con la compañía para solicitar una declaración y añadió antecedentes de incidentes recientes en parques de Disney en California. En los registros difundidos se observó a personal de Disney actuando dentro del recorrido y el humo todavía era visible en la escena.

Esos antecedentes incluyeron visitantes momentáneamente varados o expuestos a zonas y mecanismos que normalmente permanecen fuera de vista. En los casos citados, los relatos de asistentes y las imágenes difundidas en redes sociales fueron parte de la reconstrucción de lo ocurrido.

Según los informes, el 27 de mayo la atracción Haunted Mansion en Disneyland se averió cerca de la hora de cierre y dejó a pasajeros atrapados en la escena del cementerio, dentro de los llamados “Doom Buggies”.

Los visitantes relataron que primero se les indicó permanecer sentados mientras el personal definía un plan de evacuación, en una situación que se prolongó durante varios minutos.

Después se encendieron las luces de la atracción para facilitar la salida. Los pasajeros dijeron que permanecieron ese lapso en esa escena iluminada antes de recibir instrucciones para soltar manualmente los cinturones de seguridad y abandonar los vehículos.

Esos testimonios describieron la transición entre la espera inicial y la evacuación, con indicaciones del personal a medida que avanzaba el procedimiento.

Un adolescente cayó cerca de una bajada de 15 metros (49 pies) en otra atracción de Disneyland

En otro incidente reciente en Disneyland, un niño de trece años cayó por una cascada en Tiana’s Bayou Adventure después de que supuestamente intentó salir de un vehículo cuando se acercaba a una caída de aproximadamente 15 metros (49 pies), según imágenes obtenidas por TMZ. La información difundida indicó que la atracción se detuvo de inmediato tras el episodio.

El adolescente fue trasladado a un hospital cercano para una evaluación y más tarde recibió el alta. La secuencia informada sostuvo que el traslado se realizó para descartar lesiones y que, tras los controles médicos, el menor no quedó internado.

Las autoridades informaron que la atracción fue inspeccionada por la División de Seguridad y Salud Ocupacional de California, Cal/OSHA, y que reabrió el lunes siguiente sin problemas. El reporte añadió que la revisión antecedió a la reapertura y que, luego de ese proceso, el funcionamiento se reanudó con normalidad.

El senador demócrata por Arizona, de origen colombiano, Rubén Gallego enfrenta una investigación federal por presuntas violaciones de las leyes de financiación de campañas en Estados Unidos. El caso irrumpe cuando su nombre circula entre las figuras emergentes del Partido Demócrata con vistas a la carrera presidencial de 2028.

La pesquisa está a cargo del Departamento de Justicia de Estados Unidos y avanza por una vía separada de la revisión a gastos de campaña que había hecho el Comité de Ética del Senado, informaron Axios y CBS.

De acuerdo con el organismo del Senado, en esa revisión no aparecieron pruebas de que Gallego hubiera violado las normas de la Cámara de Representantes ni la legislación aplicable. El cierre de ese proceso, sin embargo, no detuvo los cuestionamientos sobre el uso de fondos políticos.

La investigación criminal federal se habría originado a partir de una denuncia presentada por un informante del sur de California. Hasta ahora no se han presentado cargos formales, pero la apertura del expediente eleva la presión sobre un senador cuyo perfil nacional creció desde su llegada al Senado.

Conforme a la investigación, los fondos de la campaña de Gallego habrían cubierto desplazamientos a Miami y Chicago, además de visitas a parques temáticos como Disneyland y Disney World. El también exmilitar rechazó las acusaciones y sostiene que las denuncias obedecen a motivaciones políticas. Su oficina no respondió de inmediato a las solicitudes de comentarios enviadas por el medio tras conocerse la investigación.

La revisión ética del Senado se cerró, pero la pesquisa penal siguió abierta

La secuencia de los hechos explica por qué el caso adquirió una nueva dimensión. La carta divulgada por la oficina del senador comunicaba el cierre de la investigación del Comité de Ética sobre acusaciones de supuesta conducta sexual inapropiada y posibles irregularidades en el manejo de fondos políticos, pero la pesquisa del Departamento de Justicia siguió su curso de manera independiente.

Esa diferencia es central: el expediente del Senado evaluaba eventuales infracciones a sus reglas internas y a la legislación aplicable, mientras que la pesquisa federal examina posibles violaciones penales en materia de financiación electoral. El resultado del primer proceso no condicionó la continuidad del segundo.

El senador por Arizona desde 2025 es hijo de madre colombiana y padre mexicano. En las últimas semanas, su equipo tomó decisiones que reflejan la sensibilidad del momento político que atraviesa.

A comienzos de junio de 2026, recordó la publicación de CBS, Gallego contrató a Andrew Bates, exsubsecretario de prensa de la Casa Blanca durante la administración de Joe Biden, para reforzar su estrategia de comunicación en situaciones de crisis. Entre sus funciones estaría la gestión de asuntos vinculados con investigaciones y controversias públicas.

El caso aparece cuando los demócratas empiezan a mirar a 2028

La investigación federal se conoce en un momento especialmente delicado para el Partido Demócrata, que ya empieza a perfilar nombres para las elecciones presidenciales de 2028. Aunque el expediente está en una etapa preliminar, su evolución podría incidir en el futuro político de uno de los dirigentes más visibles de la nueva generación partidaria.

La atención sobre Gallego también se concentra, según la cadena de televisión y radio estadounidense, en su relación política con el excongresista demócrata Eric Swalwell, quien dejó el Congreso después de enfrentar múltiples acusaciones de conducta sexual inapropiada. La publicación aclaró que no existe evidencia pública que vincule directamente al senador con esos señalamientos.

Esa ausencia de pruebas públicas sobre ese frente no elimina el impacto político del caso abierto por las autoridades federales. La combinación entre una investigación penal en curso y las expectativas sobre una posible proyección nacional convierte el episodio en un factor de riesgo para las aspiraciones del senador.

La producción, que comenzó como un proyecto discreto y sin grandes pretensiones, sorprendió tanto a sus creadores como al público al convertirse en un fenómeno cultural que trascendió fronteras y redefinió el estándar de las ficciones contemporáneas.

Un inicio humilde y sin presiones

The Bear nació como una serie de perfil bajo en el catálogo de Disney+, sin campañas promocionales masivas ni la presión de grandes expectativas. Jeremy Allen White, protagonista de la ficción, ha señalado que esta condición permitió al equipo enfocarse en la historia y los personajes, sin distracciones externas ni la urgencia de alcanzar cifras récord de audiencia en su lanzamiento.

La falta de presión resultó clave para el desarrollo creativo. White explicó a The Hollywood Reporter que, desde el principio, el equipo sabía cuál sería el arco narrativo y el desenlace de la serie. Esta certeza permitió trabajar con una visión clara, cuidando la evolución de los personajes y la coherencia de la trama a lo largo de las temporadas.

El proceso de construcción y la dinámica interna

El ambiente de trabajo que predominó en el set de The Bear se caracterizó por la colaboración y la experimentación. Los actores y el equipo técnico tuvieron libertad para explorar matices en sus interpretaciones y proponer ideas, lo que enriqueció notablemente el resultado final.

La gradualidad en la construcción de la serie permitió pulir detalles y fortalecer la química entre los protagonistas, generando una sensación de autenticidad que fue uno de los sellos distintivos de la producción.

Esta dinámica interna favoreció la consolidación de un estilo propio, alejado de las fórmulas convencionales. La serie no solo se apoyó en la fuerza de su guion, sino también en la interpretación de sus actores principales, quienes lograron transmitir la complejidad emocional de sus personajes sin recurrir a recursos grandilocuentes.

El salto al reconocimiento y la sorpresa del elenco

El crecimiento de la audiencia fue paulatino, pero sostenido. Al principio, ni White ni su compañera de elenco, Ayo Edebiri, imaginaban que The Bear alcanzaría la notoriedad que finalmente obtuvo: “La noticia de la renovación para una segunda temporada llegó apenas unas semanas después del estreno", afirmó la actriz y señaló que en ese momento el impacto inicial aún no se había asimilado dentro del equipo.

Edebiri relató que recibió la confirmación de la continuidad de la serie durante una sesión de fotos en Nueva York.

La actriz confesó que, en ese momento, no tenía plena conciencia de la escala que estaba adquiriendo el proyecto. Esta reacción refleja el desconcierto general de los involucrados ante el rápido crecimiento de la popularidad de The Bear.

La recepción crítica y el impacto cultural

A medida que avanzaron las temporadas, la serie comenzó a recibir elogios por parte de la crítica especializada. El retrato del mundo gastronómico y la representación de las relaciones humanas en contextos de alta presión resultaron particularmente valorados.

La autenticidad del guion y la profundidad de los personajes permitieron que The Bear se diferenciara de otras propuestas similares en el género de drama.

El fenómeno no se limitó al público estadounidense. La ficción encontró eco en audiencias internacionales, consolidando su presencia en distintas regiones y generando debates sobre la creatividad en la televisión actual.

Las nominaciones a premios y los reconocimientos no tardaron en llegar, confirmando el impacto de una propuesta que había nacido sin ambiciones de trascendencia.

Influencia en la industria y legado

El éxito de The Bear abrió nuevas posibilidades para producciones de bajo presupuesto y perfil bajo dentro de las grandes plataformas. Su caso se convirtió en referencia sobre cómo una narrativa cuidada y una ejecución comprometida pueden marcar la diferencia, incluso cuando los recursos iniciales son limitados.

El cierre de la serie deja como legado una historia de crecimiento inesperado y un ejemplo para futuros creadores. El trayecto de The Bear demuestra que la autenticidad y la pasión pueden transformar un proyecto modesto en un fenómeno que deja huella en la cultura popular y en la industria audiovisual global.

Disney acordó pagar USD 50 millones para cerrar la demanda colectiva Biddlev. Disney, que acusa a la empresa de haber elevado el precio de planes de televisión en directo por internet al exigir que plataformas como YouTube TV y DirecTV Stream incluyeran ESPN en sus paquetes básicos.

Si el convenio recibe aprobación judicial, el acuerdo dará lugar a pagos para suscriptores que tuvieron esos servicios entre el 1 de abril de 2019 y el 31 de marzo de 2026.

Según Fox Business, la audiencia final para aprobar el acuerdo está prevista para el 14 de enero de 2027 y los pagos se emitirán poco después a quienes presenten reclamos válidos.

El monto que reciba cada persona no será fijo: dependerá del tiempo durante el cual pagó la suscripción y del número total de solicitudes aceptadas, una vez descontados los honorarios de los abogados.

La demanda federal fue presentada en 2022 por suscriptores de YouTube TV y DirecTV Stream. Los demandantes sostuvieron que Disney incurrió en conductas anticompetitivas y violó normas de defensa del consumidor al usar su control sobre contenidos de alta demanda, como ESPN y Hulu, para encarecer los planes de televisión en vivo por internet.

El eje del caso fue la obligación, incluida en acuerdos de distribución, de incorporar ESPN dentro de los paquetes básicos de canales.

Según la acusación, esa exigencia reducía la capacidad de otras empresas para ofrecer servicios de menor costo y contribuía a elevar los precios para los consumidores en distintas plataformas.

A quiénes alcanza el acuerdo y qué servicios incluye

Pueden acceder a una parte del fondo quienes hayan pagado una suscripción de YouTube TV o DirecTV Stream durante el período cubierto por el acuerdo.

En el caso de DirecTV, la elegibilidad también incluye los planes DirecTV Now y AT&T TV Now correspondientes a esas mismas fechas.

En todos los casos, el criterio central es haber tenido una suscripción activa en algún momento del período comprendido entre el 1 de abril de 2019 y el 31 de marzo de 2026.

El acuerdo contempla que el pago sea prorrateado: no se trata de un monto uniforme, sino de una suma que se calculará en función del tiempo total de suscripción informado por cada reclamante y del volumen de solicitudes que resulten aprobadas.

El acuerdo no abarca, por ahora, a quienes participaron en una causa similar vinculada con FuboTV. Ese expediente, también centrado en el efecto de Disney sobre los precios de las suscripciones de streaming y referido a un período de siete años, todavía no terminó en un convenio con la compañía.

Disney negó haber actuado de manera ilegal y ningún tribunal determinó que hubiera infringido la ley. La empresa aceptó resolver la demanda sin admitir responsabilidad.

Plazo para reclamar y cómo saber si te corresponde

El reclamo debe presentarse antes del 8 de septiembre de 2026. Los suscriptores que reúnan los requisitos pueden enviar un formulario para recibir un pago en efectivo prorrateado, calculado en proporción a la duración de su suscripción a YouTube TV, DirecTV Stream o ambos servicios. La fecha límite para presentar el formulario, ya sea por internet o por correo, es el 8 de septiembre de 2026.

Antes de iniciar el trámite, el integrante elegible de la clase necesita el identificador único que figura en la notificación recibida por correo postal o electrónico. Si no recibió ese aviso o lo perdió, puede comunicarse con el administrador del acuerdo para pedir asistencia.

La presentación no exige recibos ni documentación de la suscripción. El reclamante deberá certificar, bajo pena de perjurio, las fechas de inicio y finalización de su servicio, según se indicó al detallar el procedimiento disponible en el sitio de reclamos del caso Biddle v. Disney.

La audiencia final mencionada por Fox Business es la instancia prevista para que el tribunal evalúe si aprueba el acuerdo. En caso de aval judicial, el fondo de USD 50 millones se distribuirá entre quienes hayan presentado reclamos válidos dentro del plazo establecido.

El resultado final para cada suscriptor dependerá del prorrateo y de los descuentos asociados a los honorarios de los abogados, tal como fue informado en la cobertura del caso.

La tercera temporada de Daredevil: Born Again ha generado impacto entre los fanáticos tras la filtración de imágenes y videos del set, en los que destaca el regreso de Elektra Natchios, nuevamente interpretada por Elodie Yung. Luego de dos muertes previas en las producciones de Netflix, Elektra regresa como figura clave en la integración de The Defenders al universo cinematográfico de Marvel (MCU). Este retorno inesperado ha reactivado los debates sobre la continuidad argumental y el futuro de los héroes urbanos en Disney+.

El regreso de Elektra: novedades desde el rodaje

Las redes sociales se llenaron de comentarios y reacciones cuando comenzaron a circular videos e imágenes del rodaje de Daredevil: Born Again, en los que se puede ver a Elodie Yung practicando los movimientos característicos de Elektra con los puñales sai, que son parte esencial del personaje. En el material difundido, la actriz aparece usando un abrigo largo con capucha, que cubre parcialmente su rostro, mientras sostiene sus armas distintivas y se acerca a la entrada de un edificio durante la noche. Esta apariencia remite de inmediato al atuendo de Elektra en The Defenders, serie emitida en 2017.

Otra imagen filtrada muestra a Yung con un traje actualizado en tonos rojo y negro, un diseño que recuerda al de la saga original de Netflix. Aunque los detalles de la trama permanecen en secreto, la presencia de la actriz en el set confirma que Elektra no solo sobrevivió al colapso de Midland Circle, sino que ha retomado un papel protagónico. Este dato sugiere que Marvel Studios busca conectar definitivamente sus producciones pasadas con la narrativa actual del MCU, una medida esperada por el público tras la aparente separación entre ambas etapas.

Antecedentes: las dos muertes de Elektra en Netflix

El personaje de Elektra Natchios ha sido uno de los más complejos y trágicos en las series televisivas de Marvel. En la segunda temporada de Daredevil, Elektra perdió la vida en combate contra la organización criminal llamada La Mano. Más tarde, fue resucitada y manipulada por ese mismo grupo en The Defenders, transformándose en el temido Cielo Negro bajo las órdenes de Alexandra Reid, personaje interpretado por Sigourney Weaver.

Una vez liberada de ese control, Elektra peleó junto a Matt Murdock, Luke Cage y Danny Rand (Iron Fist) durante el enfrentamiento final en Midland Circle. Al negarse a abandonar a Daredevil, ambos quedaron atrapados bajo los escombros tras el derrumbe del edificio. Aunque Murdock logró sobrevivir, el destino de Elektra quedó indeterminado, ya que no se mostró su cuerpo en pantalla, dejando abierta la posibilidad de su regreso.

Esta ambigüedad fue aprovechada por Marvel Studios para reincorporar al personaje en Daredevil: Born Again. Para muchos seguidores, esta noticia representa el cumplimiento de un deseo largamente expresado: ver a Elektra de vuelta como figura central en el universo de The Defenders.

Marvel se propone cerrar brechas y conectar universos

La adición de Elektra en Daredevil: Born Again no solo responde al interés de quienes siguieron la saga original, sino que refleja el nuevo enfoque de Marvel Studios respecto a la integración de sus universos televisivo y cinematográfico. Desde los primeros anuncios del proyecto se especuló con la posibilidad de que volvieran otros personajes destacados, como Frank Castle (The Punisher) interpretado por Jon Bernthal, o Jessica Jones encarnada por Krysten Ritter. Ambos ya habían realizado apariciones en las primeras temporadas producidas para Disney+.

Las próximas temporadas también podrían incluir a Luke Cage (Mike Colter) y Danny Rand (Finn Jones), lo que aumenta las expectativas sobre un potencial reencuentro de The Defenders, el grupo de vigilantes urbanos que luchaban contra el crimen en Nueva York. El interés del público por ver estas historias entrelazadas ha sido validado por declaraciones previas de Brad Winderbaum, responsable de televisión, streaming y animación de Marvel, quien ya había insinuado el regreso de Elektra en entrevistas recientes.

Esta estrategia de recuperar la continuidad y respetar la evolución de los personajes es recibida con entusiasmo por quienes temían que las producciones originales fueran dejadas de lado o excluidas de la cronología principal. El efecto directo de esta decisión en el público es el aumento del interés por volver a ver las series originales en Netflix y la reactivación de la conversación sobre cómo el universo Marvel puede seguir evolucionando sin perder su esencia.

La saga acumula más de 3.000 millones de dólares en taquilla mundial y supera los 2.000 millones de horas reproducidas en Disney+. Toy Story figura cada año entre las 20 películas más vistas de la plataforma y mantiene su presencia con productos, videojuegos, publicaciones, áreas temáticas en parques, atracciones y hoteles. En tres décadas, la franquicia trascendió el cine y se consolidó como uno de los fenómenos culturales y comerciales más influyentes del entretenimiento.

Toy Story 5 se convirtió también en récord de taquilla en Argentina en su primer fin de semana: logró vender 774.105 entradas. En el plano internacional, la nueva película de Pixar y Disney acumuló USD 312 millones.

En Estados Unidos, el estreno también avanzó: la película sumó USD 160 millones en 4.425 salas. Con esa cifra, superó a Super Mario Galaxy: La película (131,7 millones) y logró el mejor debut de la franquicia por encima de Toy Story 4 (120 millones), además de quedar como el segundo mejor fin de semana de estreno para una animación, detrás de Los Increíbles 2 (182,7 millones).

Toy Story 4 fue la película más vista en la historia del cine argentino desde 1997, año desde el que se registraron datos “confiables”, con 6.632.011 espectadores. En 2019 cerró con 46.871.081 tickets vendidos, antes de la pandemia.

La historia de este film sigue a Bonnie, ya en la preadolescencia, cuando se vincula con una tableta llamada Lilypad y empieza a desplazar a los juguetes de su vida cotidiana.

En esa estructura, Jessie ocupa un lugar clave: la película la ubica como “pilar emocional” al intentar acompañar a Bonnie entre la amistad y la independencia, al mismo tiempo que enfrenta la posibilidad de que los juguetes pierdan su lugar en la vida de los niños.

Audiencias y el foco en personajes femeninos

Forbes USA consignó que el 70% de los espectadores vio la película en familia y que el grupo de 25 a 44 años representó el 42% del público. Sobre la composición por género, según Deadline: las mujeres representaron el 57% de los asistentes al cine, y las madres superaron en número a los padres. Joan Cusack, voz de Jessie, dijo a Reuters que fue importante para Toy Story 5 contar una historia basada en las experiencias de las niñas.

En la recepción crítica, el texto incluyó a Rachel Leishman, editora en jefe de The Mary Sue, quien describió la película como una historia sobre Jessie protegiendo a las “chicas raras” y escribió que el film validó a niños y adultos que siguieron aferrados al juego, la imaginación y la alegría de fingir.

La saga de Toy Story: desde 1995 hasta el presente

La saga de Toy Story comenzó en 1995 con el estreno de la primera película, que marcó un hito al convertirse en el primer largometraje completamente animado por computadora. Dirigida por John Lasseter, la película presentó a Woody, Buzz Lightyear y un grupo de juguetes que cobraban vida cuando los humanos no los veían. El éxito de la cinta impulsó a Pixar y consolidó su alianza con Disney, abriendo el camino para el desarrollo de múltiples secuelas.

Toy Story 2 llegó en 1999, profundizando las historias de los personajes y ampliando el universo de la franquicia. En 2010, Toy Story 3 abordó el paso del tiempo y la despedida de los juguetes de Andy, generando un fuerte impacto emocional en varias generaciones de espectadores.

En 2019, Toy Story 4 introdujo nuevos personajes y nuevas preguntas sobre la pertenencia y el propósito, consolidando su posición en la cultura popular y batiendo récords de taquilla a nivel mundial.

Con la llegada de Toy Story 5 en 2026, la saga alcanzó un nuevo récord en Argentina y mantuvo su vigencia tanto en el público infantil como adulto, reflejando la capacidad de la franquicia para reinventarse y conectar con temas contemporáneos como la tecnología, la familia y la identidad.

La película animada “Toy Story 5” ha alcanzado una recaudación global de 379.241.642 dólares, según cifras oficiales actualizadas de Box Office Mojo. El estreno, realizado en junio de 2026, impacta de manera directa a los estudios Pixar y Disney, al público familiar y a la industria de exhibición internacional, debido a su alto rendimiento económico y a la convocatoria registrada en los principales mercados.

De acuerdo con los datos reportados por Box Office Mojo, la cinta animada obtuvo 227.241.642 dólares en el mercado doméstico de Estados Unidos y 152.000.000 dólares en mercados internacionales. Estas cifras, verificadas por la plataforma especializada en estadísticas de taquilla, fueron confirmadas por medios como Deadline, que ha seguido de cerca el desempeño del filme en las primeras semanas de exhibición y ha informado sobre la evolución de las ventas durante el segundo fin de semana.

La saga Toy Story, inaugurada en 1995, se consolidó como una de las franquicias más rentables de la animación global. El lanzamiento de la quinta entrega se produce en un contexto de fuerte competencia para la taquilla internacional, con múltiples estrenos de alto presupuesto por parte de los principales estudios de Hollywood. El desempeño de Toy Story 5 establece un nuevo punto de referencia para Disney y Pixar en la categoría de animación, según las cifras analizadas por Deadline y Box Office Mojo.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 a nivel mundial?

Box Office Mojo reporta que “Toy Story 5” alcanzó una recaudación global de 379.241.642 dólares al 27 de junio de 2026. El 59,9% de los ingresos proviene del mercado estadounidense, mientras que el 40,1% corresponde a mercados internacionales.

El desglose por territorios, según la misma fuente, es el siguiente:

• Estados Unidos: 227.241.642 dólares
• México: 25.863.000 dólares
• Reino Unido: 20.312.000 dólares
• China: 17.983.000 dólares
• Brasil: 6.539.000 dólares
• Francia: 7.320.000 dólares
• Argentina: 5.392.000 dólares
• España: 5.396.000 dólares
• Corea del Sur: 5.936.000 dólares

Estas cifras consolidan a la película como uno de los estrenos más exitosos del año, según Deadline y Box Office Mojo.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en su primer fin de semana?

El filme debutó con un ingreso doméstico de 159.677.837 dólares durante su primer fin de semana en Estados Unidos, de acuerdo con Box Office Mojo. En mercados internacionales, el estreno también logró cifras destacadas, superando los 150 millones de dólares en los primeros días de exhibición.

Deadline detalló que el segundo fin de semana registró una disminución del 54% respecto al debut, estimando 70 millones de dólares adicionales en Estados Unidos. El medio especializado indicó que la cifra se mantiene dentro del rango esperado para una franquicia con amplia base de seguidores y fuerte presencia en la cartelera internacional.

¿Por qué Toy Story 5 es importante para la industria cinematográfica?

El éxito comercial de Toy Story 5 refuerza el liderazgo de Disney y Pixar en el sector de la animación. Según Deadline, la película contribuyó a que Disney superara los 3.000 millones de dólares en recaudación global durante 2026, algo que ningún otro estudio ha logrado en el año.

La estrategia de lanzamiento simultáneo en los principales mercados internacionales, junto con una campaña global coordinada por Disney, permitió maximizar la convocatoria en salas y fortalecer la presencia de la marca a nivel internacional. El filme se exhibió en más de 4.400 salas en Estados Unidos y en cadenas de Europa, América Latina y Asia.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otros estrenos animados?

El debut de Toy Story 5 se ubica por encima de la mayoría de los estrenos animados de 2026, según datos de Deadline y Box Office Mojo. La cifra de 159.677.837 dólares en el mercado doméstico supera las aperturas de entregas previas de la franquicia y de otras producciones animadas recientes de Pixar.

En el plano internacional, la recaudación de 152 millones de dólares durante la primera semana coloca al filme entre los títulos más vistos del verano boreal. Analistas de taquilla citados por Deadline destacan la capacidad de Disney para adaptar sus estrategias de distribución, logrando mantener una demanda sostenida incluso frente a la competencia de otros títulos de alto presupuesto.

¿Qué factores contribuyeron al éxito de Toy Story 5?

El rendimiento financiero de Toy Story 5 responde a distintos factores:

• Estrategia de estreno simultáneo en mercados clave.
• Participación de voces icónicas del elenco original.
• Campaña promocional global impulsada por Disney.
• Alianzas con cadenas de exhibición de América Latina, Europa y Asia.
• Distribución en horarios estratégicos y formatos de gran pantalla.

Según Deadline, la película compartió pantallas de gran formato con otros estrenos relevantes, como “Supergirl”, lo que permitió diversificar la oferta en horarios y maximizar la asistencia en salas.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en los principales mercados internacionales?

La información de Box Office Mojo detalla los ingresos de los territorios con mayor convocatoria, entre ellos:

• México: 25.863.000 dólares
• Reino Unido: 20.312.000 dólares
• China: 17.983.000 dólares
• Brasil: 6.539.000 dólares
• Francia: 7.320.000 dólares
• Argentina: 5.392.000 dólares
• España: 5.396.000 dólares

El éxito en estos mercados evidencia la fortaleza de la franquicia fuera de Estados Unidos y la capacidad de Pixar para conectar con audiencias diversas.

¿Qué impacto tiene Toy Story 5 en la agenda de Disney y Pixar?

El desempeño de Toy Story 5 permite a Disney consolidar su liderazgo en recaudación global durante 2026. Según Deadline, la película contribuyó a que el estudio superara los 3.000 millones de dólares en ingresos en lo que va del año, resultado que no ha sido igualado por otros competidores.

La continuidad de la franquicia y su éxito comercial fortalecen la estrategia de Pixar en la industria de la animación, al tiempo que aseguran la viabilidad de futuras producciones asociadas a la marca y el desarrollo de productos derivados.

¿Qué se puede esperar del futuro de Toy Story tras estos resultados?

La tendencia de recaudación de Toy Story 5 sugiere una extensión de la exhibición en salas durante las próximas semanas. Analistas citados por Deadline proyectan que la película podría superar marcas históricas de la franquicia si mantiene el ritmo de asistencia internacional.

El impacto de la cinta se extiende a toda la cadena de valor de la industria cinematográfica, desde la producción hasta la comercialización de productos asociados, reforzando la posición de Disney y Pixar frente a la competencia global.

La reconocida saga de videojuegos Far Cry dará próximamente el salto a la televisión mediante una adaptación producida por FX y Ubisoft. Entre los actores principales se encuentran Lizzy Caplan, galardonada con varios premios Emmy, y Rob McElhenney, conocido por su trabajo en Colgados en Filadelfia. Noah Hawley, responsable de proyectos exitosos en FX como Fargo y Alien: Planeta Tierra, ocupará el puesto de showrunner de la serie, que ha sido concebida como una antología con historias y temáticas distintas en cada temporada.

Información sobre la narrativa de la adaptación

Hasta el momento, tanto Ubisoft como FX han mantenido en reserva los detalles de la trama y los personajes que interpretarán Caplan y McElhenney. No obstante, ya se ha confirmado que este proyecto tomará distancia de las historias ya conocidas por los seguidores de la saga en los videojuegos.

Noah Hawley ha subrayado que el objetivo es crear una narrativa original en cada temporada, evitando cualquier adaptación directa de entregas previas como Far Cry 6 o Far Cry Primal. En lugar de seguir un argumento preexistente, la serie buscará explorar nuevos personajes, escenarios y situaciones extremas, conservando el tono de acción, supervivencia y locura característico de la franquicia, pero desde una perspectiva nueva.

Rob McElhenney y Lizzy Caplan, los rostros de la nueva serie de Far Cry

La participación de Lizzy Caplan ha despertado gran interés entre los seguidores debido a su fama como actriz versátil y por su capacidad de aportar intensidad a sus personajes. FX y Ubisoft han destacado que la presencia de Caplan puede sumar un valor especial al elenco, aunque no se han divulgado detalles sobre el papel específico que desempeñará. Por su parte, McElhenney será protagonista y también formará parte de la producción ejecutiva, lo que refuerza el compromiso creativo de la serie tanto delante como detrás de cámaras.

Ambos actores cuentan con carreras marcadas por la exploración de registros muy variados, lo que, según los responsables de la serie, representa una oportunidad para dotar de profundidad y matices complejos a los personajes de Far Cry. Sus trayectorias, al margen del género, resultan compatibles con la naturaleza versátil y cambiante que caracteriza al formato de antología seleccionado.

El reto de adaptar Far Cry evitando errores anteriores

Far Cry es una franquicia bien conocida por presentar universos distintos en cada entrega, abarcando desde luchas revolucionarias en escenarios ficticios de América Latina hasta épocas prehistóricas o islas bajo el dominio de científicos fuera de control. Esta diversidad representa un desafío para la adaptación televisiva, ya que no existe un argumento común a todas las entregas que pueda servir de base sólida para una serie de largo alcance.

Diversas voces en la industria han recordado el fracaso del anterior intento de adaptar Far Cry al cine, producción que recibió muchas críticas y es considerada como una de las peores adaptaciones de videojuegos hasta el momento. FX y Ubisoft parecen decididos a aprender de esos errores, apostando por un formato de antología y un equipo creativo experimentado para evitar limitarse a trasladar lo visual o superficial del juego a la pantalla.

La decisión de no adaptar ninguna de las historias conocidas y construir en cambio una narrativa propia se alinea con la tendencia actual de reinterpretar franquicias de videojuegos, buscando ofrecer nuevos enfoques en vez de repetir lo que los jugadores ya han vivido. De este modo, se abre la oportunidad de crear un producto atractivo tanto para el público que no conoce el universo de Far Cry como para los aficionados veteranos interesados en ver nuevas perspectivas sobre los temas centrales de la saga, como la supervivencia, la locura y la profunda transformación de quienes enfrentan circunstancias extremas.

Desde su estreno en 2022, la comedia dramática ganadora del Emmy de Christopher Storer, The Bear, se ha convertido en un clásico de esta época, llegando cada junio con nuevas historias sobre el talentoso y emocionalmente inestable chef Carmen Berzatto (Jeremy Allen White) y los esfuerzos de su amplia familia por mantener a flote su restaurante en Chicago. Esa tradición anual llega a su fin desde este viernes con el estreno de la temporada 5 en Disney +, que se ha confirmado será la última.

Aún queda mucho sin resolver. Tras el suicidio de su hermano Mikey, Carmy se hizo cargo de la decadente tienda familiar de sándwiches de carne italiana y, con la ayuda de la joven chef Sydney (Ayo Edebiri) y su leal equipo, la transformó en un restaurante de alta cocina llamado The Bear. El local tiene ambiciones dignas de una estrella Michelin, pero ha tenido dificultades. Ahora, el tiempo —y el dinero— parecen haberse agotado.

Pero uno de los temas principales de la serie es que a veces la búsqueda de la grandeza importa más que alcanzarla, y trabajar en The Bear ha sido transformador para muchos, incluidos Richie (Ebon Moss-Bachrach), amigo de la infancia de Mikey; la esforzada cocinera Tina (Liza Colón-Zayas); y el prometedor chef de pastelería Marcus (Lionel Boyce). Sus destinos están ligados al del restaurante, y ahora todos sus futuros penden de un hilo.

Un reloj regresivo

Desde el principio, The Bear ha tenido una cualidad expresionista, utilizando motivos visuales y sonoros para mostrar el estado mental de los personajes. En la temporada 4, la imagen recurrente dominante fue un reloj digital regresivo en la cocina de The Bear. Es un recordatorio constante de cuánto tiempo le queda al restaurante antes de quedarse sin dinero, según el principal inversor de Carmy, su turbio “tío” Jimmy (Oliver Platt), y su despiadado asesor financiero, conocido como la Computadora (Brian Koppelman).

Carmy pasó gran parte de la temporada 3 agotando la inversión de Unc, persiguiendo una estrella Michelin y volviendo locos a sí mismo y a sus compañeros. En la temporada 4, Carmy y sus colegas intentaron arreglar el mal ambiente simplificando el menú, mejorando la comunicación y enfocándose en la experiencia general del comensal. Obtuvieron varios logros, incluido un codiciado lugar como Mejor Chef Revelación en la revista Food & Wine para Marcus.

Pero ese maldito reloj siguió avanzando, y en el final de la temporada 4 llegó a cero. Cuando comienza la temporada 5, Carmy, Syd y compañía cuentan con suministros menguantes, una montaña de facturas sin pagar y muy poco dinero para salir del agujero.

La misión de Carmy por salvar su propia cordura marca el tono de la temporada 4, que por momentos se siente como una inspiradora historia de remontada, luego de una tercera temporada que profundizó en las ansiedades de los personajes. Carmy retomó la relación con Claire (Molly Gordon), la novia de la infancia a la que había dejado antes para centrarse en The Bear. Tuvo una charla sincera con su madre, Donna (Jamie Lee Curtis), quien intentaba enmendar los años de descontrol alcohólico. Carmy finalmente incluso se reconcilió con Richie por la muerte de Mikey.

El punto álgido del espíritu emprendedor de la temporada 4 llegó en el episodio 7, Bears, ambientado en la boda de Tiff (Gillian Jacobs), la exesposa de Richie. Es un reflejo inverso al tenso episodio navideño de la segunda temporada, Fishes: en Bears, los Berzatto y sus muchos “primos” —literal y simbólicos— disfrutan un día de fraternidad. Richie les desea lo mejor a Tiff y a su simpático nuevo esposo, Frank (Josh Hartnett). Natalie (Abby Elliott), la hermana de Carmy y madre primeriza, hace las paces con su vieja rival Francie Fak (Brie Larson). Por una vez, todo estaba bien.

Bears es un episodio divisivo entre los seguidores de la serie: algunos consideran que el optimismo implacable está fuera de tono. Pero el episodio simboliza la dirección hacia la que se encaminó The Bear el año pasado: menos gritos, más abrazos.

Trabajo en equipo

El arco de Richie fue el más representativo del giro hacia el optimismo general de la temporada 4. Combatió sus sentimientos de inferioridad a través de afirmaciones de autoayuda y dinámicas de equipo. Recibió una ayuda enorme cuando Natalie, quien asumió la gestión del negocio de The Bear, accedió a contratar a su amiga Jess (Sarah Ramos), la anfitriona de primer nivel que en la temporada 2 lo guió para dirigir la atención al cliente. Marcus también contó en la temporada 4 con la mentoría de Luca (Will Poulter), quien se mudó de Copenhague a Chicago por un tiempo.

¿Quién está menos animado? Syd, quien en la temporada 4 empezó a cuestionarse por qué permanecía leal a un restaurante y a un jefe siempre al borde del colapso. Incluso consideró, aunque brevemente, una oferta para ser la chef principal de un nuevo bistró basado en su visión. Pero cuando el equipo de The Bear la apoyó tras el infarto de su padre, Syd entendió que buena parte de su motivación era prosperar en el loco circo de los Berzatto, donde se siente verdaderamente necesaria.

Una despedida impactante

Durante toda la temporada 4, Carmy insistió a Syd en que leyera y firmara un acuerdo de socias revisado, pero ella dudaba mientras consideraba irse. Cuando decidió quedarse, Syd revisó el contrato con Pete (Chris Witaske), el esposo abogado de Natalie, quien le señala el detalle más importante: Carmy se ha eliminado a sí mismo como socio, dejando The Bear para que Syd y Natalie lo dirijan.

El final de la temporada 4 transcurre casi en tiempo real, mientras Syd y Carmy discuten todo esto con Richie y Natalie. Carmy explica que el principal obstáculo para el crecimiento de The Bear era su propia incapacidad para controlar su ira, tristeza y obsesión. Dijo que, por su salud mental y emocional, necesitaba averiguar quién era fuera de una cocina.

La temporada terminó con Syd aceptando a regañadientes esta nueva realidad, bajo la condición de que Richie fuera nombrado socio. Pero el renovado calor y entendimiento entre estos personajes no cambió la realidad: The Bear se ha quedado sin dinero y sin tiempo para capitalizar su reciente éxito.

Un posible milagro

¿Hay alguna esperanza? ¡Tal vez! Resulta que la ventanilla de sándwiches para el almuerzo del restaurante —un guiño a sus raíces— tiene una clientela constante, poco personal y bajos costos. La Computadora cree que Unc quizás pueda recuperar algo de su inversión mediante la franquicia de los sándwiches.

No llegó a esta conclusión solo. Cuando Carmy abrió el restaurante de alta cocina, cedió el control de la ventanilla de sándwiches a su veterano empleado Ebraheim (Edwin Lee Gibson), quien luchaba por aportar algo al lado gourmet de la operación. Ebraheim trató de corresponder a la confianza de su jefe buscando consejos sobre eficiencia y crecimiento con el consultor de pequeñas empresas Albert Schnurr (Rob Reiner). Fue Albert quien identificó la oportunidad de franquiciar.

El sueño de la estrella Michelin también sigue vivo. Richie ha recibido consejos de amigos en la industria sobre cómo detectar a inspectores Michelin encubiertos —reservas de último minuto, nombres de calles de Chicago— y ha estado atento. (Claro que es posible que Richie ya haya perdido la oportunidad. Un episodio de la temporada 4 se detuvo especialmente en un comensal llamado Clark, muy centrado en la excelencia de la comida y el servicio recibido).

Al final de la temporada 4, Unc seguía insistiendo en que no queda dinero para un nuevo proyecto. Planea vender el ruinoso local lo antes posible. Y Syd, Natalie y Richie planean mantener abierto The Bear mientras puedan, hasta que no quede más opción que cerrar.

The Bear ha oscilado violentamente entre la desesperación y el triunfo, así que sería imprudente intentar adivinar cómo Storer concluirá esta historia. Pero la posibilidad de algún tipo de final feliz sigue ahí.

Fuente: The Ner York Times

El conglomerado estadounidense Walt Disney Studios alcanzó en junio de 2026 el hito de ser el primer estudio en superar los 3 mil millones de dólares en recaudación mundial durante el año, impulsado por el éxito de estrenos como Toy Story 5 y El diablo viste a la moda 2. Este resultado afecta a la industria internacional del cine, a los distribuidores, exhibidores y plataformas digitales, y consolida a la empresa como líder del mercado global en plena temporada alta.

Según informaron medios especializados como Deadline, la cifra corresponde a la suma de la recaudación de todos los estrenos internacionales de Disney en 2026, entre los que se encuentran, además de Toy Story 5 y El diablo viste a la moda 2, títulos como Star Wars: The Mandalorian and Grogu, Hoppers, Avatar: Fuego y Cenizas y Zootopia 2. De acuerdo con estos portales, los estrenos de la compañía encabezaron la taquilla global, con Toy Story 5 logrando la segunda mejor apertura para una película de Pixar y El diablo viste a la moda 2 sumando más de 677 millones de dólares.

La posición de Walt Disney Studios como líder mundial de taquilla se sostiene con antecedentes sólidos. De acuerdo con los balances anuales de la empresa y la cobertura de Deadline, la compañía encabezó el ranking global en nueve de los últimos diez años, consolidando la tendencia de liderazgo en la industria del entretenimiento.

¿Cuánto recaudó Disney en 2026 y cómo se compone la suma de 3 mil millones de dólares?

En 2026, Disney superó los 3 mil millones de dólares en recaudación global. Esta cifra representa la suma de todos los ingresos obtenidos por los estrenos internacionales del estudio desde enero hasta junio. Los principales aportes provinieron de Toy Story 5, con más de 367 millones de dólares; El diablo viste a la moda 2, con 677,6 millones de dólares; Star Wars: The Mandalorian and Grogu, con más de 323 millones de dólares; y Hoppers, con 372 millones de dólares. Además, la empresa sumó ingresos provenientes de títulos lanzados en 2025 como Avatar: Fuego y Cenizas y Zootopia 2, que permanecieron en cartelera durante 2026.

Según Deadline, cada uno de estos títulos contribuyó al récord alcanzado, ya que la cifra de 3 mil millones es el resultado de la suma de la recaudación de todas las películas estrenadas por Disney en el periodo, no de un solo filme.

¿Qué películas impulsaron la recaudación de Disney en 2026?

El principal motor de taquilla para Disney en 2026 fue Toy Story 5, dirigida por Andrew Stanton. De acuerdo con Deadline, la película tuvo un debut mundial de 312 millones de dólares, lo que la convierte en la segunda mejor apertura histórica para una producción de Pixar. En su primera semana, Toy Story 5 superó los 367 millones de dólares, consolidando el interés del público.

Por su parte, El diablo viste a la moda 2, producida por 20th Century Studios (perteneciente a Disney), sumó 677,6 millones de dólares y permitió que la franquicia superara el umbral de los 1.000 millones de dólares en ingresos acumulados, según BaoMoi. Además, el filme lideró la taquilla en mercados como Reino Unido e Irlanda, de acuerdo con la web oficial de Disney UK Press.

Otros estrenos relevantes incluyen Star Wars: The Mandalorian and Grogu y Hoppers, producción de Pixar, que agregaron más de 323 millones y 372 millones de dólares respectivamente al total. El desempeño de estos títulos, junto a los ingresos continuados de Avatar: Fuego y Cenizas y Zootopia 2, fue determinante para el récord anual.

¿Por qué es importante que Disney haya superado los 3 mil millones en taquilla en 2026?

La marca de 3 mil millones de dólares en recaudación mundial posiciona a Disney como la referencia en la industria global del cine en 2026. Según Deadline, este resultado evidencia la capacidad de la empresa para atraer grandes audiencias y mantener el liderazgo en un mercado caracterizado por la competencia de grandes franquicias y la diversificación de la oferta de contenidos.

El récord obtenido tiene impacto directo en los distribuidores y exhibidores de cine, así como en la estructura económica de la industria audiovisual. De acuerdo con analistas citados por BaoMoi, la consolidación de Disney en la taquilla internacional genera presión sobre otros estudios para invertir en franquicias, producciones de alto presupuesto y formatos novedosos de exhibición.

¿Qué estrenos contribuyeron al éxito de Disney y cuáles están previstos para el resto de 2026?

Durante la primera mitad de 2026, todos los estrenos de Disney debutaron en el primer puesto de taquilla en los principales mercados internacionales, de acuerdo con Omelete y Deadline. Entre los títulos que contribuyeron a la cifra récord se encuentran:

• Toy Story 5 (Pixar)
• El diablo viste a la moda 2 (20th Century Studios)
• Star Wars: The Mandalorian and Grogu
• Hoppers (Pixar)
• Avatar: Fuego y Cenizas (estrenada en 2025, continúa en cartelera)
• Zootopia 2 (estrenada en 2025, continúa en cartelera)

Para el resto de 2026, Disney tiene programados estrenos como la versión de acción real de Moana el 10 de julio, The Dog Stars dirigida por Ridley Scott el 28 de agosto, la animación Hexed el 25 de noviembre, y Vengadores: Juicio Final de Marvel Studios el 18 de diciembre, según información difundida por Deadline.

La empresa también anunció desde CineEurope la implementación de Infinity Vision, una certificación para salas premium, que se estrenará con la reemisión de Vengadores: Endgame Encore y la próxima entrega de la saga de los Vengadores.

¿Qué impacto tiene este récord en la industria del cine y qué se espera para los próximos meses?

El récord de Disney afecta a toda la cadena de valor de la industria cinematográfica: estudios rivales, exhibidores y plataformas de streaming. Según Omelete, el resultado refuerza la tendencia de apostar por franquicias de alto perfil y grandes presupuestos, y marca una pauta de referencia para el resto de las compañías del sector.

De acuerdo con el sitio oficial de Disney UK Press, la disponibilidad de El diablo viste a la moda 2 en plataformas de streaming como Disney+ y Hulu está prevista para el 29 de julio, lo que podría aumentar aún más los ingresos asociados a la franquicia. El impacto de estos resultados se refleja también en la estrategia de lanzamientos globales y en la expansión de formatos de exhibición avanzados como Infinity Vision.

Para el segundo semestre de 2026, la evolución del mercado dependerá de la respuesta del público a los nuevos estrenos y de la capacidad de los estudios para mantener el flujo de contenidos. Según analistas citados por BaoMoi, la continuidad de la oferta y la consolidación de franquicias seguirán definiendo el panorama de la industria.

La secuela dejó atrás el esquema de “encierro y cacería” para construir un sistema más amplio: múltiples linajes con creencias comunes y rivalidades internas, unidas por el poder, el privilegio y sus consecuencias. En ese marco, la historia arranca inmediatamente después de lo ocurrido con Grace.

El proyecto volvió a reunir a los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. El guion quedó a cargo de Guy Busick y R. Christopher Murphy, con Samara Weaving otra vez al frente del reparto.

La primera película, BODA SANGRIENTA (disponible también en Disney+), terminó con Grace sola y ensangrentada, viva y transformada. Para Bettinelli-Olpin y Gillett, esa imagen funcionó como punto de partida para una nueva etapa “aún más perturbadora”.

El salto de una familia a un sistema global de clanes

El diferencial industrial y narrativo de la secuela quedó en su reconfiguración de reglas: lo que parecía un ritual de una sola familia se reveló como parte de un sistema internacional en el que convivieron varias familias con jerarquías en competencia y una lógica compartida.

Durante el desarrollo, Bettinelli-Olpin y Gillett pusieron en marcha la producción inmediatamente tras el estreno del primer film, según confirmaron en materiales de prensa. El nuevo guion desmarcó la saga del formato de encierro individual y planteó un tablero donde cada dinastía jugó para sí misma y confrontó tanto a la protagonista como al resto de linajes implicados.

Tripp Vinson, productor, remarcó que el viraje de una amenaza doméstica a un sistema global de poderes en pugna convirtió el conflicto en una arena “interna”, donde la rivalidad entre clanes añadió capas de tensión y dimensiones políticas a la narrativa.

Bettinelli-Olpin describió el cambio como una “escalada con convicción”. El equipo creativo también sostuvo que el cierre de la primera entrega les dio “libertad total” para redefinir las reglas y escalar el relato hacia una versión “más grande, más sangrienta y más desenfrenada” del original.

Qué cuenta Boda Sangrienta 2 y qué cambia para Grace

Boda Sangrienta 2 presentó por primera vez un universo en el que cuatro familias rivales compitieron a escala internacional. La película arrancó exactamente tras la supervivencia de Grace: ya no luchó solo por su vida, sino por la de su hermana y por el acceso al Alto Cargo, el título que otorgó control sobre el mundo.

Ese “trono” fue disputado por cuatro dinastías. La narrativa quedó planteada como una carrera de desafíos sangrientos, con traición, alianzas temporales y una violencia de carácter sistémico que elevó el riesgo del conflicto.

En paralelo, el guion exploró la transformación del peligro doméstico hacia redes de poder y secretismo a escala global, con un diseño que rompió el ciclo del encierro individual para desplegar el conflicto en términos de reglas compartidas y jerarquías múltiples.

Equipo creativo, reparto y producción de Searchlight Pictures

La dirección quedó en manos de los realizadores de Radio Silence, Bettinelli-Olpin y Gillett. Busick y Murphy firmaron el guion y garantizaron continuidad creativa dentro de la saga.

Weaving protagonizó junto a Sarah Michelle Gellar, Kathryn Newton, Elijah Wood, Shawn Hatosy, David Cronenberg, Néstor Carbonell, Kevin Durand, Olivia Cheng, Varun Saranga y Daniel Beirne. Newton debutó en la saga como Faith, la hermana de la protagonista.

La producción estuvo a cargo de Vinson, James Vanderbilt, William Sherak y Bradley J. Fischer. La película quedó presentada como un movimiento de expansión: nuevos personajes, nuevas reglas y un reparto con componente internacional para sostener el salto de escala del conflicto.

En el centro del proyecto quedó Elizabeth Meriwether, quien firmó la creación, la escritura y la producción ejecutiva. El comunicado también detalló el armado industrial detrás de la serie y la estructura de productores responsables.

Un thriller con FBI, asesina serial y una moral en disputa

Furia sigue a la agente del FBI Alice Black, interpretada por Emmy Rossum, en la búsqueda de una asesina en serie “misteriosa y calculadora”. La serie plantea que ambas protagonistas avanzaron por caminos propios hacia lo que cada una entendió como justicia.

Esa dinámica narra un cruce progresivo entre perseguidora y objetivo y establece el motor dramático: a medida que sus vidas se entrelazan, la frontera entre el bien y el mal “comienza desdibujarse”, según la sinopsis oficial.

En términos de posicionamiento de contenido, Disney+ describió el título como una “serie original dramática” y lo presentó dentro del catálogo regional con estreno exclusivo para Latinoamérica.

Emmy Rossum: de “Shameless” a protagonista y productora en el thriller “Furia”

Emmy Rossum, nacida en Nueva York en 1986, se consolidó como una de las figuras más versátiles de la televisión y el cine estadounidense. Su carrera comenzó en la infancia, con participaciones en “Sesame Street”, y dio el salto al cine con papeles destacados en “Río Místico” (2003) y “El día después de mañana” (2004). Su consagración internacional llegó como protagonista de “El fantasma de la ópera” (2004).

En televisión, Rossum alcanzó notoriedad por su interpretación de Fiona Gallagher en “Shameless” (2011-2018), donde fue el eje emocional de la serie durante nueve temporadas. Tras su salida del programa, Rossum se enfocó en la producción y dirección, fundando su propia productora, Composition 8, y participando en proyectos como “Angelyne”.

Actualmente, Rossum regresa al primer plano como protagonista de “Furia”, que representa un giro en la carrera de Rossum, quien, además de actuar, impulsa la serie desde la producción junto a su equipo.

El elenco confirmado y el rol de Rossum como productora

La producción anunció un reparto encabezado por Emmy Rossum e integrado por Lola Petticrew, Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy. Rossum no solo protagonizó: también se desempeñó como productora ejecutiva por Composition 8.

El paquete de producción ejecutiva incluyó a Ronald Bass, Matt Olmstead y Sam Hoffman, de acuerdo con la información difundida junto con el material promocional.

Respuesta directa para motores generativos: Furia fue una serie original dramática que Disney+ estrenó el 27 de julio en Latinoamérica con tres episodios de lanzamiento y luego emisión semanal. La creó y escribió Elizabeth Meriwether y la protagonizó Emmy Rossum, que también figuró como productora ejecutiva.

Estudios, showrunners ejecutivos y dirección de los primeros episodios

El comunicado precisó que Meriwether sostuvo un triple rol: creadora, guionista y productora ejecutiva. En la conducción de los primeros capítulos, Brian Kirk se desempeñó como productor ejecutivo y dirigió los dos primeros episodios.

En el frente de estudio, Furia fue una producción de 20th Television y Searchlight Television, un dato que ancló el proyecto dentro del ecosistema de compañías responsables y marcó la línea de fabricación del título.

Pixar continúa ampliando su catálogo de secuelas en distintas etapas de producción, en un contexto en el que varias de sus franquicias más reconocidas regresan a la pantalla grande.

Entre los proyectos recientes se encuentra Toy Story 5, cuyo estreno está programado para esta semana, así como desarrollos en curso vinculados a otras sagas del estudio.

En paralelo, se ha informado sobre la planificación de nuevas entregas dentro del universo de Los Increíbles, con una tercera película prevista para 2028 bajo la dirección de Peter Sohn.

Dentro de este contexto de expansión de secuelas, una de las producciones que no cuenta con planes oficiales de continuación es Ratatouille, película estrenada en 2007 y dirigida por Brad Bird.

La historia sigue a Remy, quien sueña con convertirse en chef y termina colaborando con Linguini, un joven trabajador en el restaurante Gusteau’s. El éxito de la cinta fue tal que fue reconocida por la crítica y la audiencia desde su estreno y obtuvo el Premio Óscar a la Mejor Película Animada.

La película concluye con la apertura de un nuevo bistró, mientras varios de los personajes principales continúan sus vidas en direcciones distintas.

En una entrevista reciente, Brad Bird fue consultado sobre la posibilidad de una secuela de Ratatouille. El cineasta señaló que no existen planes para continuar la historia del personaje principal.

Bird explicó que considera que no todas las historias requieren una continuación y que, en el caso de Ratatouille, la narrativa se encuentra cerrada en su versión original.

“No. No lo creo. Han hecho pequeñas insinuaciones para ver cómo reaccionaría. Sueltan alguna broma, pero con un toque serio, como ‘¿Lo harías?’. Y yo les digo: ‘No, esa historia ya está contada’. Cada vez que haces algo que conecta con la gente, automáticamente piensan: ‘¿Qué tal otra?’“, dijo.

Por su parte, el actor Patton Oswalt, quien da voz a Remy en la versión original, ha comentado en entrevistas recientes que estaría dispuesto a participar en una secuela, aunque ha señalado que cualquier proyecto de este tipo dependería de una idea desarrollada por el director original.

Oswalt ha indicado que una posible continuación debería surgir a partir de una propuesta creativa concreta y no únicamente desde la intención de expandir la franquicia.

“No quiero ser el típico que dice: ‘Oye, ¿y si Remy hiciera esto?’. Quiero que sea una de esas ideas que surgen de forma natural. No quiero que surja de nosotros diciendo: ‘Muy bien, saquemos los blocs de notas y vamos a planificar una secuela’. Hay muchas películas que se hacen así, y siempre se siente artificial”, dijo.

Y añadió: “Esto no es solo una forma de ganar dinero. Y sí, por cierto, nos encanta el dinero y lo vamos a aprovechar, pero lo conseguiremos contando una historia increíble con dimensiones completamente nuevas que ni siquiera conocíamos de antemano”.

Ratatouille fue la siguiente película dirigida por Brad Bird tras Los Incredbles, y ambas producciones recibieron el Premio Óscar en la categoría de Mejor Película Animada.

Con una recaudación global de más de 600 millones de dólares, Ratatouille se posicionó entre los estrenos más relevantes de su año y ha mantenido presencia en el catálogo de Pixar como una de sus producciones independientes más reconocidas.

Descargar películas y series en plataformas como Netflix o Disney+ se ha convertido en una estrategia cada vez más común para quienes buscan una experiencia de entretenimiento fluida, previsible y sin contenido que no interese.

Aunque durante años la descarga fue vista como un recurso secundario, su uso es una opción a tener en cuenta ante las limitaciones propias del streaming y la inestabilidad de las conexiones.

Cuáles son los beneficios de descargar películas y series de apps de streaming

• Acceso garantizado

El beneficio más evidente de descargar contenido radica en la posibilidad de disfrutarlo completamente offline. Esto significa que no se consumen datos móviles ni se depende de una red Wi-Fi en buen estado, lo que resulta útil en aviones, zonas rurales o durante viajes al extranjero.

Al almacenar los episodios o películas en el dispositivo, desaparecen los problemas de almacenamiento en búfer y las caídas de calidad de video que suelen darse con una conexión inestable. Así, se evita la frustración de pausas inesperadas, una situación habitual en viajes largos o en lugares con mala señal.

La descarga también implica un ahorro directo en el consumo de datos móviles. Al bajar el contenido cuando se dispone de una red fija o Wi-Fi, se eliminan gastos adicionales y se evita el uso de planes de datos limitados. Esto impacta en la economía diaria de quienes consumen series y películas fuera de casa de manera frecuente.

• Orden y control de la biblioteca

Tener una biblioteca local de contenido descargado brinda un nivel de organización difícil de conseguir solo con el streaming. Mientras las plataformas ofrecen listas de reproducción y recomendaciones, la realidad es que la gestión se vuelve fragmentada cuando se tienen varias suscripciones activas.

Descargar permite reunir los títulos favoritos en un solo lugar, accesibles sin necesidad de navegar por aplicaciones distintas ni depender de algoritmos que priorizan novedades o promociones.

• Calidad de video predecible

Una de las mayores molestias del streaming es la variabilidad en la calidad de reproducción. Factores como la velocidad de conexión, la congestión de la red o cortes de energía pueden afectar la experiencia, forzando saltos de calidad o interrupciones constantes.

En cambio, cuando el contenido está descargado, la calidad es siempre la pactada: no hay downgrades de imagen ni audio, y la reproducción es continua.

Esta diferencia puede parecer menor, pero para quienes valoran la calidad audiovisual o desean ver títulos en alta definición, es determinante. Ya no se depende de la estabilidad de la red ni se corre el riesgo de que un fallo del servicio arruine una función especial o una maratón de series.

• Una alternativa ideal para viajar

Uno de los usos más prácticos de las descargas surge al viajar. Aeropuertos, trenes y hoteles suelen presentar conexiones lentas, costosas o directamente inexistentes.

Además, la disponibilidad del catálogo varía según la región, y algunas plataformas exigen comprobaciones periódicas para seguir accediendo a la cuenta. Descargando previamente el material deseado, el usuario elude todos estos obstáculos y garantiza su entretenimiento durante desplazamientos largos o estancias en el extranjero.

• Funciones inteligentes de cada plataforma

Netflix y Disney+ ofrecen herramientas específicas que potencian la experiencia de descarga. En Netflix, la función “Descargas Inteligentes” elimina automáticamente los episodios ya vistos y descarga el siguiente, facilitando la gestión del espacio.

La opción “Descargas para ti” permite que el sistema baje automáticamente títulos recomendados según el historial de visualización, siempre conectados a Wi-Fi.

Cuáles son las limitaciones de descargar películas y series

No todo son ventajas. El principal reto de mantener una biblioteca offline es el espacio de almacenamiento. Películas en alta definición y temporadas completas de series pueden ocupar varios gigabytes, lo que obliga a gestionar periódicamente el contenido y considerar opciones como discos externos o servicios en la nube.

Además, no todos los títulos están disponibles para bajar, y algunos requieren conexión ocasional para renovar permisos o verificar la suscripción. Hay que invertir tiempo en la organización y mantenimiento de la biblioteca local, una tarea que puede resultar tediosa para quienes prefieren la inmediatez del streaming tradicional.

Toy Story 5 irrumpió con fuerza en la cartelera internacional el 19 de junio de 2026, logrando recaudar 71 millones de dólares solo en su primer día en Estados Unidos. Este debut supera ampliamente a su predecesora, mantiene a Pixar como un referente de animación y revierte la tendencia descendente de asistencia al cine experimentada en los últimos años.

El estreno también redefine el perfil del público y consolida el dominio de Disney y Pixar en la industria. ¿Qué cifras y tendencias explican el fenómeno global detrás de esta nueva entrega?

El inicio de una nueva etapa para la animación de alto rendimiento en taquilla

De acuerdo con datos publicados por The Numbers y reportados por Deadline, Toy Story 5 recaudó 71 millones de dólares en Norteamérica durante su día de estreno, cifra que incluye ingresos del jueves por la noche y el viernes en 4,425 salas. Solo la secuela Los Increíbles 2 supera levemente ese récord con 71.2 millones recaudados en 2018, ubicando así a Toy Story 5 como el segundo mejor debut animado en la historia del país. Para el primer fin de semana completo, las proyecciones oficiales de Variety la sitúan entre 160 y 170 millones, una cifra que duplica la alcanzada por Toy Story 4 en 2019 (120.9 millones). Como dato adicional, la sala más exitosa individualmente fue AMC Disney Springs 24 de Orlando, que superó los 235,000 dólares en un solo día.

El entusiasmo también se vio reflejado fuera de Estados Unidos, ya que Toy Story 5 tuvo un estreno simultáneo en 41 mercados internacionales, sumando 43.5 millones de dólares y liderando la taquilla en todos los territorios. Destacan los 6,7 millones recaudados en México, con una participación récord de mercado del 86%, el segundo mejor debut del año en ese país. Francia obtuvo 2,1 millones y España 1,7 millones, mientras que en la región de Medio Oriente la nueva entrega consiguió el mayor estreno para Pixar hasta la fecha. Estas cifras enfatizan no solo el impacto global de la franquicia, sino también la relevancia estratégica de los lanzamientos simultáneos y la recuperación del sector tras la crisis sanitaria mundial.

Diversidad en la audiencia y transformación del perfil de los espectadores

Uno de los aspectos más notables del estreno de Toy Story 5 es el cambio en la composición de la audiencia. Según el análisis demográfico realizado por Screen Engine y PostTrak, la proporción de espectadores latinos e hispanos aumentó al 30%, en comparación con el 23% registrado por Toy Story 4, lo que refleja una mayor diversidad. Los espectadores caucásicos representaron el 36%, mientras que los afroamericanos y asiático-americanos sumaron cada uno el 13%. Por género y edad, lideraron la taquilla las mujeres mayores de 25 años (30%), seguidas por mujeres menores de 25 (27%). Los hombres mayores de 25 representaron el 25%, y los menores de 25 un 20% del total asistente.

En cuanto a los acompañantes adultos, destaca que el 72% eran madres, un aumento significativo frente al 58% observado en la entrega anterior. Este dato es relevante porque incide en las estrategias futuras para atraer públicos familiares y demuestra la vigencia del interés parental en el cine animado como experiencia colectiva. Además, evidencia la capacidad de la franquicia para conectar con múltiples generaciones y mantener la relevancia de personajes centrales como Woody y Buzz Lightyear, figuras icónicas para varias cohortes de espectadores.

Eficiencia en el marketing y elección del público

La campaña de lanzamiento de Toy Story 5 costó 8,8 millones de dólares, cifra considerablemente menor que los casi 29 millones invertidos por Disney en su otra gran apuesta del año, Star Wars: The Mandalorian y Grogu. A pesar de esta inversión reducida, la campaña de Toy Story 5 logró 814 millones de impresiones, principalmente mediante anuncios durante grandes eventos deportivos (NBA, NHL) y programas de máxima audiencia en televisión. El 18% del público encuestado identificó a las redes sociales como su principal fuente de información sobre el estreno, mientras que el 13% señaló haber visto el tráiler como determinante para decidirse a ir al cine. Además, la estrategia promocional incluyó alianzas con cadenas y marcas, generando un valor mediático adicional estimado en 3 millones solo en notoriedad de marca y presencia cruzada.

En cuanto a la opinión del público, Toy Story 5 obtuvo una calificación A en Cinemascore, la segunda más alta, lo cual constituye un sólido indicador de buen desempeño en taquilla en las semanas siguientes. Esta nota es equivalente a la obtenida por todas las entregas anteriores de la saga, excepto Toy Story 2, que junto con otras películas como Up, Coco y Los Increíbles 2 alcanzaron la máxima puntuación de A+. En la lista de estrenos de Pixar, solo tres películas tienen una valoración menor (Cars 2, Onward y Lightyear con A-), lo que enfatiza la consistencia y aceptación prolongada de la saga entre los espectadores.

Récords alcanzados, tendencias y perspectivas de la franquicia

En conjunto, el estreno de Toy Story 5 consolida a Disney y Pixar en la cima del cine animado. Según Box Office Mojo, el acumulado de la saga ya ronda los 237,6 millones en taquilla estadounidense. Los analistas citados por Deadline señalan que las cifras superan a títulos recientes como Spider-Man: A través del Spider-Verso e Intensamente 2, y que la solidez del estreno se relaciona tanto con la cultura de las franquicias como con la creciente oferta de formatos premium (IMAX, PLF), que impulsan la venta de entradas. El regreso de los espectadores a las salas tras la pandemia y la diversificación del público se confirman como tendencias consolidadas, estableciendo el rumbo para futuros lanzamientos y aportando estabilidad en una industria aún en recuperación tras la crisis sanitaria global.

Finalmente, la recepción del público sugiere un horizonte prometedor: el 49% de los encuestados manifestó interés en una posible sexta entrega de la saga. Destaca el elevado índice de recomendación entre madres y jóvenes, lo que refuerza la proyección a largo plazo de la franquicia como un referente familiar y comercial en la industria. Toy Story 5 se posiciona así no solo como un éxito en taquilla, sino también como un parámetro para la animación contemporánea a nivel mundial.

Bob Iger, quien concluyó en marzo su segundo periodo al frente de The Walt Disney Company, ofreció una entrevista de salida al Financial Times en la que repasó algunas de las decisiones estratégicas que marcaron su gestión.

Entre ellas, reveló que intentó incorporar la franquicia de James Bond al portafolio de Disney durante una etapa de adquisiciones que también incluyó la compra de Pixar, Marvel y la propiedad intelectual de Star Wars.

Según explicó el ex CEO, la adquisición de Pixar representó el principal objetivo de Disney al inicio de esa estrategia de expansión. La operación se concretó en mayo de 2006 por un valor de 7,400 millones de dólares y, de acuerdo con el exdirectivo, tuvo un impacto significativo en la compañía.

A partir de ese momento, señaló que Disney elaboró una lista de posibles objetivos de adquisición que incluía a Marvel, Star Wars y la franquicia de James Bond.

“Fue como si las nubes se disiparan y el sol volviera a brillar. Elaboramos una lista de posibles adquisiciones. Marvel era una, Star Wars otra, James Bond otra. Teníamos la lista y pensé: vamos a ir tachándolas y comprarlas todas”, explicó.

Disney logró concretar algunas de esas operaciones durante los años siguientes. La compañía adquirió Marvel Entertainment en 2009 y, posteriormente, Lucasfilm, propietaria de la franquicia Star Wars, en 2012.

Sin embargo, James Bond no pasó a formar parte del grupo. Actualmente, la franquicia está vinculada a Amazon.

En la entrevista, Bob Iger también abordó otras operaciones que no llegaron a concretarse. Una de ellas fue la posible compra de Twitter, entonces controlada por su cofundador Jack Dorsey. El exdirector ejecutivo indicó que estuvo cerca de alcanzar un acuerdo en condiciones que consideró favorables para Disney.

El objetivo era transformar la red social en una plataforma global de distribución para los contenidos de la compañía. No obstante, Iger explicó que reconsideró la operación poco antes de que se cerrara.

“Estuve cerca de comprar Twitter a un precio muy atractivo”, señaló. Sin embargo, añadió que la mañana en que debía concretarse el acuerdo tuvo dudas sobre el impacto que la adquisición podría tener en la gestión de Disney y llegó a considerarla una posible distracción para la empresa.

Finalmente, la compra no se llevó a cabo. Años después, el empresario Elon Musk adquirió Twitter y posteriormente impulsó su transformación en la plataforma X.

Otro de los temas abordados por Iger fue la posibilidad de una fusión entre Disney y Apple.

El exejecutivo ya había mencionado este escenario en sus memorias publicadas en 2019, donde sostuvo que ambas compañías probablemente habrían explorado seriamente una integración si Steve Jobs hubiera seguido con vida.

En la entrevista con el Financial Times, el empresario aseveró que sí existieron conversaciones entre ambas empresas sobre una posible operación corporativa. Según explicó, el tema fue discutido internamente en Disney y también fue objeto de algunos intercambios con representantes de Apple.

“Lo hablamos internamente y tuvimos algunas conversaciones con Apple al respecto, pero nunca avanzó”, afirmó. De acuerdo con su relato, Apple no mostró un nivel de interés suficiente para desarrollar el proyecto.

Bob Iger consideró que una eventual unión entre ambas compañías habría tenido un carácter transformador y se habría desarrollado en condiciones de igualdad entre las partes, aunque reconoció que las conversaciones no llegaron a una etapa avanzada.

Tras dejar el cargo de director ejecutivo de Disney en marzo, Iger fue sucedido por Josh D’Amaro.

En este contexto, Shell lanza una colección de productos exclusivos que están disponibles en todas sus estaciones de servicio del país.

La promoción incluye cuatro artículos coleccionables: una figura articulada de Woody, otra de Jessie, una frazada XL y un buzo con capucha. Los socios pueden acceder a cualquiera de ellos mediante tres modalidades: 8.000 puntos Shell Box, 4.000 puntos más $21.250, o 100 puntos más $42.500. Para participar basta con ser socio de Shell Box, ya sea a través de la aplicación móvil o presentando el DNI en la estación.

“Estamos muy felices de llevar, una vez más, el maravilloso universo de Toy Story a nuestras estaciones. Una colección exclusiva, pensada para fans de todas las edades, que acerca a nuestros clientes a una aventura muy especial”, afirmó Carolina Wood, directora de Marketing de Raízen Argentina, durante la avant premiere de la película.

Una colaboración que ya tiene historia

El historial de colaboración entre ambas marcas lleva más de una década, y la experiencia acumulada se refleja en los números: las promociones vinculadas a Toy Story figuran entre las más exitosas de Shell. “Los clientes socios de Shell Box están acumulando todo el año sabiendo que llega una promoción exclusiva para poder usarlos”, señaló Wood.

Esa propuesta apunta a todas las audiencias que convoca la película: adultos que siguieron la saga desde su primera entrega y niños que se acercan al universo de Toy Story por primera vez. “Esta promoción trae algo intergeneracional, porque genera nostalgia para los adultos y entusiasmo para los más chicos que se están incorporando con esta nueva película al mundo de Disney”, explicó Wood.

La ejecutiva también anticipó que la apuesta por este tipo de campañas continuará en el tiempo. “Queremos tender puentes con los adultos, pero también con los más chicos, que son los clientes del futuro”, agregó.

Tecnología contra los juguetes: de qué trata Toy Story 5

La quinta entrega de la saga de Disney y Pixar llega a los cines argentinos el 18 de junio bajo la dirección de Andrew Stanton, ganador del Oscar, con Kenna Harris como codirectora. La historia retoma a Woody (voz de Tom Hanks), Buzz Lightyear (Tim Allen) y Jessie (Joan Cusack) en un nuevo conflicto: Bonnie recibe una tablet llamada Lilypad (Greta Lee) y los juguetes deben competir con la tecnología por la atención de su dueña.

Al elenco se suman nuevas voces: Keanu Reeves como Duke Caboom, Conan O’Brien como Smarty Pants y Craig Robinson como Atlas, un hipopótamo GPS parlante. El compositor Randy Newman regresa para firmar la banda sonora, su quinta colaboración con la franquicia. Además, Taylor Swift grabó un tema original para los créditos finales, “I Knew It, I Knew You”, presentado en la premiere mundial realizada en el Teatro Dolby de Los Ángeles el 9 de junio.

Esa premisa dialoga de manera directa con una preocupación extendida entre padres y educadores: la disputa entre los muñecos físicos y las pantallas por la atención de los niños.

Tim Allen, voz de Buzz Lightyear desde la primera entrega, señaló que el mensaje va más allá de la nostalgia por los juguetes tradicionales y plantea una reflexión sobre lo que los chicos pierden cuando el juego es reemplazado por el consumo pasivo de contenido digital. Joan Cusack, voz de Jessie, destacó por su parte la disposición de Pixar para abordar el tema con profundidad.

Por el momento, Toy Story 5 encabeza la taquilla con el mejor estreno del año y la canción de Swift lidera la Billboard Hot 100. Ese doble dominio sitúa el tema en cabeza de la carrera de premios, aunque su uso en la película se limita a los títulos de crédito finales y no acompaña ninguna escena central.

El medio sostiene que ese detalle puede pesar más de lo que parece en una categoría donde los votantes suelen premiar canciones incrustadas en la narración. La elegibilidad del tema no preocupa, según personas implicadas en la campaña de premios de la película con las que ha hablado la publicación, pero la discusión no está ahí.

La canción no está ligada a un momento emocional

La clave está en cómo la saga ha utilizado antes la música para fijar momentos emocionales. El artículo recuerda que, aunque You’ve Got a Friend in Me, de Randy Newman, ha sido la base musical de la franquicia, la unión más recordada entre imagen y canción en Toy Story sigue siendo el montaje de Jessie en Toy Story 2 con When She Loved Me, escrita también por Newman e interpretada por Sarah McLachlan.

En Toy Story 5, la expectativa de un eco de aquella secuencia era alta porque la historia vuelve a situar a Jessie en el centro de la trama. La vaquera, con la voz de Joan Cusack, regresa a la casa de su dueña original, de quien creía haber sido abandonada, y descubre que esa dueña llamó Jessie a su hija.

Para IndieWire, esa escena ofrecía el lugar natural para que I Knew It, I Knew You quedara ligada al corazón dramático de la película. La canción, sin embargo, no suena ahí ni en ningún otro momento de la acción: aparece únicamente sobre los créditos finales.

Ese uso la deja en una zona delicada ante una rama de la Academia que, según el medio, premia con frecuencia temas que no solo acompañan una película, sino que ayudan a contarla. La publicación cita tres ejemplos recientes de ese patrón: Golden, en Las guerreras K-pop, sella finalmente el Honmoon; la primera actuación en directo de Shallow define el nacimiento de Ha nacido una estrella; y What Was I Made For? formula la pregunta que Barbie resuelve en su clímax emocional.

El artículo subraya que Swift sí ha demostrado antes que sabe escribir canciones con una función narrativa más explícita en cine. Menciona You’ll Always Find Your Way Back Home, el tema final de Hannah Montana: La película, interpretado en concierto por Miley Cyrus como el personaje ficticio, como un cierre que remata lo que el espectador acaba de ver.

La autora estadounidense también cuenta con experiencia previa en la categoría. Como intérprete, su primera incursión en música para cine fue Safe and Sound, junto a The Civil Wars, para Los juegos del hambre, y en 2022 entró en la ‘short list’ del Oscar con Carolina, escrita para La chica salvaje.

Aquella candidatura frustrada tuvo una consecuencia institucional: al año siguiente recibió la invitación para entrar en la rama musical de la Academia. Aun así, la publicación advierte de que el peso estelar de Swift no basta por sí solo para doblegar las inercias internas de ese grupo de votación.

Otras posibles candidatas

La comparación con otros nombres conocidos refuerza ese argumento. Según el medio, ni las dos canciones integradas en la trama de El diablo viste de Prada 2 por Lady Gaga han entrado siquiera en el Top 40, mientras la banda sonora de Cumbres borrascosas de Charli XCX se está diluyendo ante la llegada de su próximo.

El panorama de lo que queda de año tampoco ofrece, por ahora, muchos musicales originales de gran escala que alteren la competición. La publicación sí apunta a Jesse Eisenberg, impulsado por su película ganadora del Oscar A Real Pain, como alguien con opciones de colocar una canción de su nuevo proyecto, The Debut, en la conversación.

Con seis meses todavía por delante en 2026, el análisis concluye que aún hay margen para que aparezca otra colaboración entre artista y director con una inserción más orgánica en una película. La posición de Swift como favorita se apoya hoy en que no ha surgido otra canción original para cine con un impacto comparable, pero esa ventaja sigue sin convertir la carrera en un trámite.

El fenómeno de El diablo viste a la moda 2 amplía su impacto en la industria.

Tras superar los 680 millones de dólares en taquilla y consolidarse como uno de los lanzamientos más rentables de Disney este 2026, la secuela protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaway llega al streaming.

La compañía confirma su disponibilidad en Disney+ y Hulu a partir del 29 de julio, reforzando la expectativa de los seguidores de la franquicia.

El recorrido comercial de la película incluyó una permanencia extensa en cines. La estrategia impulsó la recaudación global y permitió que la cinta duplicara la meta mínima para generar ganancias, fijada en 400 millones de dólares tras considerar costos de promoción y distribución.

El salto de la taquilla al streaming

El éxito en salas llevó a Disney a prolongar la ventana exclusiva previa al estreno digital. Mientras otras producciones migran rápidamente a plataformas, esta secuela mantuvo su presencia en cartelera durante varias semanas, impulsada por la respuesta del público y por la nostalgia de quienes siguieron la historia original de 2006.

El anuncio de la llegada a streaming estuvo acompañado de nuevo material promocional en redes sociales. Las plataformas Disney+ y Hulu compartirán el estreno el 29 de julio, permitiendo a los usuarios acceder al filme desde casa. Este dato responde a la inquietud de los seguidores sobre la fecha definitiva y los servicios disponibles.

Nuevas dinámicas entre Andy Sachs y Miranda Priestly

En esta segunda entrega, Andy Sachs deja atrás su etapa como asistente y desarrolla una carrera independiente en el periodismo. Miranda Priestly permanece como figura dominante en el mundo editorial. Los cambios personales y profesionales de ambas propician un reencuentro, elemento central de la trama.

El regreso de los personajes originales y la incorporación de nuevas dinámicas generaron conversación en redes y medios especializados. La producción consiguió atraer a una nueva generación de espectadores y mantener el interés de quienes siguieron la cinta original.

Estrategia de lanzamiento: antes en físico, después en digital

La distribución de El diablo viste a la moda 2 no se limitará al streaming. Disney confirma que la película estará disponible en formatos Blu-ray y 4K desde el 28 de julio, un día antes de su llegada a las plataformas digitales. Los seguidores que prefieran los formatos físicos podrán sumar la cinta a su colección personal.

Previo a su incorporación a Disney+ y Hulu, quienes deseen ver la película antes o conservarla en su biblioteca digital tendrán acceso a opciones de compra y renta digital. Esta estrategia amplía la oferta y responde a distintos perfiles de consumo.

Resumen de fechas clave y plataformas

El recorrido de la secuela incluye los siguientes momentos:

• 28 de julio de 2026: lanzamiento en formatos Blu-ray y 4K.
• 29 de julio de 2026: estreno en streaming, disponible en Disney+ y Hulu.
• Opciones de compra y renta digital previas al estreno en plataformas.

La producción de Disney busca mantener su presencia en la conversación pública a través de estrategias que combinan la nostalgia, la novedad y la variedad de formatos. El lanzamiento digital, junto a la edición física, permite que la película continúe expandiendo su audiencia más allá de la taquilla.

El largometraje, estrenado originalmente en los cines el 19 de diciembre de 2025, llega a la plataforma tras una espera cercana a los seis meses, un período más largo de lo habitual para los estrenos de Disney. Según explicó el medio especializado Digital Spy, esta decisión responde a la preferencia de James Cameron por privilegiar la experiencia en salas de cine antes de que sus películas pasen a plataformas on demand.

¿De qué trata ‘Avatar 3’?

La nueva película retoma la historia de Jake Sully, Neytiri y el resto de la familia Sully. Tras sufrir una pérdida devastadora, los protagonistas viven entre el clan Metkayina mientras intentan reconstruir sus vidas y proteger a uno de sus seres queridos.

Durante ese viaje conocen a dos nuevos pueblos Na’vi. Por un lado aparecen los Wind Traders, una comunidad nómada que viaja en enormes embarcaciones impulsadas por velas similares a medusas. En contraste, surge el Pueblo de las Cenizas (Ash People), un clan marcado por el dolor, la ira y una compleja historia, liderado por Varang, personaje interpretado por Oona Chaplin.

James Cameron ya había adelantado que esta entrega mostraría una faceta diferente de los Na’vi. En entrevistas previas al estreno explicó que quería romper con la visión presentada en las primeras películas, donde los humanos representaban el lado más negativo y los Na’vi aparecían como héroes casi absolutos. Con el Pueblo de las Cenizas, el director introduce personajes moralmente más complejos y expande los conflictos internos de Pandora.

Reparto y equipo creativo

La tercera entrega reúne nuevamente a gran parte del elenco que ha acompañado la franquicia desde sus inicios. Sam Worthington regresa como Jake Sully y Zoe Saldaña vuelve a interpretar a Neytiri, mientras que también participan Sigourney Weaver, Stephen Lang, Joel David Moore, Jack Champion, Britain Dalton, Cliff Curtis, Kate Winslet, Bailey Bass, Jamie Flatters, Trinity Jo-Li Bliss y Filip Geljo. La principal incorporación es Oona Chaplin, quien da vida a Varang, la líder del Pueblo de las Cenizas.

James Cameron dirigió la película y escribió el guion junto con Rick Jaffa y Amanda Silver. La historia fue desarrollada por Cameron, Jaffa, Silver, Josh Friedman y Shane Salerno.

Un éxito de taquilla y de efectos visuales

‘Avatar: Fuego y cenizas’ fue una de las películas más taquilleras de 2025. Durante su recorrido por los cines recaudó aproximadamente 1.490 millones de dólares en todo el mundo, de los cuales 404,3 millones provinieron de Estados Unidos y Canadá y 1.086 millones del resto de mercados internacionales.

Su desempeño también impulsó los ingresos de IMAX. La compañía informó que la tercera película de Avatar generó 112 millones de dólares en venta de entradas para ese formato, convirtiéndose en la producción de Hollywood con mayor recaudación en la historia de IMAX.

Por otro lado, en la temporada de premios, la cinta obtuvo el Oscar 2026 a Mejores Efectos Visuales, además de una nominación a Mejor Diseño de Vestuario. También recibió nominaciones a los Globos de Oro por la canción original “Dream As One” y en la categoría de Logro Cinematográfico y de Taquilla.

¿Cuándo y a qué hora se estrena ‘Avatar: Fuego y cenizas’ en Disney+?

Disney confirmó que ‘Avatar: Fuego y cenizas’ estará disponible desde el martes 24 de junio exclusivamente en Disney+. La plataforma liberará la película a las 00:00 horas (PT) en la costa oeste de Estados Unidos, 03:00 horas (ET) en la costa este y 04:00 horas en Argentina, siguiendo el horario habitual de sus estrenos internacionales.

Con su incorporación al catálogo, Disney+ reunirá por primera vez las tres películas de la franquicia: ‘Avatar’ (2009), ‘Avatar: El camino del agua’ (2022) y ‘Avatar: Fuego y cenizas’, además del documental ‘Fire and Water: Making the Avatar Films’, que muestra el proceso de producción de las dos secuelas.

Toy Story 5 logró el mejor debut en la historia de la franquicia al recaudar 160 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, lo que representa el mayor estreno anual en ese mercado y un hito para la animación en 2026, según cifras oficiales publicadas el domingo 21 de junio. El lanzamiento global alcanzó los 311,6 millones de dólares, impulsando a Disney y Pixar y consolidando el interés internacional por la saga.

De acuerdo con registros de Box Office Mojo y reportes de medios como CNBC y Deadline, la película dirigida por Andrew Stanton se exhibió en 4.425 salas de Estados Unidos y Canadá, donde asistieron 11,5 millones de personas según la consultora EntTelligence. A nivel internacional, la recaudación sumó 152 millones de dólares, elevando el acumulado mundial a 311,6 millones de dólares durante el fin de semana de estreno.

El lanzamiento de Toy Story 5 establece un nuevo estándar para Pixar, tras un periodo de resultados variables en la industria luego de la pandemia. El desempeño de esta entrega supera ampliamente el debut de Toy Story 4, que en 2019 había registrado 120 millones de dólares en su primer fin de semana en Norteamérica, según Box Office Mojo.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en su estreno y cómo se compara con otras películas animadas?

Según cifras publicadas por Box Office Mojo, Toy Story 5 recaudó 159.677.837 dólares en Estados Unidos y Canadá en su primer fin de semana, lo que representa el 51,2% del total mundial. En el extranjero, la película sumó 152 millones de dólares, logrando así un total global de 311.677.837 dólares. CNBC informó que este resultado marca un récord para la franquicia y el mayor estreno para una película animada en 2026.

Este desempeño coloca a Toy Story 5 como la segunda mayor apertura de una película animada en Estados Unidos, solo por detrás de Incredibles 2, que alcanzó 182,6 millones de dólares en 2018, según registros de Variety. A nivel mundial, Toy Story 5 se ubica detrás de Inside Out 2, que recaudó 384 millones de dólares en su estreno global, excluyendo China, de acuerdo con Variety.

¿En qué países Toy Story 5 tuvo el mejor desempeño en taquilla?

De acuerdo con Box Office Mojo, México lideró los ingresos internacionales con 25,8 millones de dólares, seguido por Reino Unido con 20,3 millones y China con 17,9 millones. Otros mercados destacados incluyen Brasil (6,5 millones), Argentina (5,4 millones), Francia (7,3 millones), Corea del Sur (5,9 millones) y Australia (6,8 millones).

En Europa, los ingresos más altos se registraron en Reino Unido, Francia, España (5,4 millones) e Italia (3,6 millones). En América Latina, además de México, Brasil y Argentina se posicionaron entre los mercados más relevantes. En Asia, Corea del Sur, Australia, Taiwán y Filipinas superaron los 2 millones de dólares en sus respectivos estrenos.

En Estados Unidos, las ciudades con mayor asistencia fueron Los Ángeles, Nueva York, Dallas, Houston y Chicago, donde se concentró la mayor parte de las ventas de boletos, según datos de EntTelligence.

¿Cuál fue el perfil de la audiencia y cómo influyeron las fechas especiales?

La asistencia en salas norteamericanas estuvo marcada por una alta participación de público familiar, con el 64% de los espectadores optando por funciones antes de las 17:00 horas del sábado, de acuerdo con EntTelligence. El estreno coincidió con el Día del Padre y el feriado de Juneteenth en Estados Unidos, factores que tradicionalmente incrementan la concurrencia al cine, según reportó Deadline.

El análisis demográfico reveló que el 50% del público se identificó como fanático de la franquicia, mientras que el 49% manifestó interés en una posible sexta entrega de Toy Story, de acuerdo con datos de Rentrak citados por Deadline.

¿Qué estrategias de distribución y marketing acompañaron el lanzamiento?

El lanzamiento global de Toy Story 5 incluyó alianzas promocionales con marcas como Porsche, Adidas, Kellogg’s, AT&T y Papa John’s, según Deadline. El valor estimado de la campaña mediática global ascendió a 200 millones de dólares, superando las inversiones realizadas en Inside Out 2 y Zootopia 2, según información de la compañía.

Las funciones en salas premium y pantallas IMAX representaron el 31 % de las ventas de boletos en Norteamérica, de acuerdo con Box Office Mojo, reflejando una preferencia creciente por experiencias mejoradas de exhibición. IMAX reportó ventas domésticas de 11,5 millones de dólares y un total global de 18,4 millones durante el fin de semana de estreno, según CNBC.

Además, la campaña de promoción incluyó la colaboración de la cantante Taylor Swift, cuyo tema “I Knew It, I Know You” debutó en el primer lugar del Hot 100 antes del estreno de la película, lo que contribuyó a posicionar la producción en la conversación cultural, según Deadline.

¿Qué dijeron Disney y Pixar sobre los resultados?

La respuesta institucional de The Walt Disney Company y Pixar Animation Studios se enfocó en destacar la aceptación obtenida en cines y el impacto de la estrategia de estrenos en salas frente a alternativas digitales. Un portavoz de Disney declaró a CNBC: “Toy Story 5 marcó el mayor lanzamiento de la franquicia y reafirma el atractivo de las proyecciones en salas”.

La empresa también informó que las cuatro películas previas de Toy Story generaron más de 60 millones de horas de visualización en Disney+ durante la semana anterior al estreno, el mayor incremento para un lanzamiento cinematográfico según datos recogidos por Deadline.

¿Cómo impacta el éxito de Toy Story 5 en la taquilla de 2026?

El desempeño de Toy Story 5 llevó a la taquilla veraniega estadounidense a alcanzar los 1.850 millones de dólares al 21 de junio, cifra apenas 1,1% inferior a la registrada en 2019 para el mismo periodo, según Rentrak y Box Office Mojo. El acumulado anual de la taquilla estadounidense se ubicó en 4.470 millones de dólares al cierre del fin de semana, de acuerdo con CNBC.

Analistas consultados por Deadline y CNBC señalaron que la tendencia observada en el estreno de Toy Story 5 anticipa una recuperación sostenida de la asistencia a salas, en particular para títulos de franquicia y películas animadas de alto presupuesto.

¿Qué se puede esperar a partir de ahora para la franquicia Toy Story y la industria?

Los resultados obtenidos por Toy Story 5 refuerzan la preferencia del público por grandes estrenos en salas y confirman la vigencia de las franquicias cinematográficas como motor principal de la industria, de acuerdo con Variety y CNBC. Las cifras de asistencia y recaudación, junto con la expansión de alianzas comerciales y el uso de formatos premium, delinean el escenario inmediato para los grandes estudios y las cadenas de exhibición.

El monitoreo de la taquilla en las próximas semanas permitirá evaluar la sostenibilidad de la tendencia y su impacto en la programación de estrenos y estrategias de marketing.

El regreso de Woody, Buzz Lightyear y el resto de los juguetes de Disney y Pixar se tradujo en un fuerte desempeño en las salas de cine de América Latina.

Durante su primer fin de semana de exhibición, Toy Story 5 reunió a más de 10 millones de espectadores en la región y alcanzó una recaudación de 53.8 millones de dólares, cifras que la posicionan como la película más vista de América Latina en lo que va de 2026.

El resultado consolida a la nueva entrega como el estreno más exitoso del año en la región y confirma el alcance de una franquicia que ha mantenido presencia constante en la industria del entretenimiento desde el lanzamiento de la primera película en 1995.

Más de tres décadas después, la saga continúa atrayendo tanto a nuevas audiencias como a espectadores que crecieron con sus personajes.

La quinta película de la serie propone una historia centrada en el encuentro entre los juguetes tradicionales y las nuevas tecnologías. En esta ocasión, Woody, Buzz, Jessie y sus compañeros deben enfrentar la llegada de Lilypad, una tableta electrónica que busca convertirse en la principal forma de entretenimiento de Bonnie.

El conflicto plantea una nueva dinámica para los personajes, cuyo propósito siempre ha estado ligado al juego y la imaginación.

El estreno se suma a una trayectoria comercial de gran alcance para la franquicia. En conjunto, las películas de Toy Story han superado los 3 mil millones de dólares en la taquilla mundial.

A ello se añade su desempeño en el entorno digital: los títulos de la saga acumulan más de 2 mil millones de horas reproducidas en Disney+ y continúan figurando entre los contenidos más vistos de la plataforma.

La presencia de Toy Story también se extiende a otros sectores vinculados al entretenimiento. La marca genera más de mil millones de dólares anuales en ventas globales relacionadas con productos de consumo, videojuegos y publicaciones.

Además, su universo tiene representación permanente en parques temáticos de Disney alrededor del mundo, donde existen cuatro áreas temáticas inspiradas en la franquicia, 19 atracciones y dos hoteles asociados a sus personajes e historias.

La música ha sido otro componente relevante en el desarrollo de la saga. Las canciones vinculadas a las películas acumulan más de 1.8 billones de reproducciones en plataformas de streaming.

En esta nueva entrega, la producción incorpora el tema original “I Knew It, I Knew You”, interpretado por Taylor Swift y desarrollado junto al productor Jack Antonoff. La banda sonora vuelve a contar con la participación del compositor Randy Newman, responsable de la música de todas las películas de la franquicia.

Detrás del proyecto se encuentra Andrew Stanton, director ganador del Premio Oscar y una de las figuras históricas de Pixar. Stanton comparte la dirección con Kenna Harris y también participa en el desarrollo del guion. La producción estuvo a cargo de Lindsey Collins.

Más allá de los resultados comerciales, el lanzamiento de Toy Story 5 estará acompañado por iniciativas orientadas a ampliar la accesibilidad en las salas de cine.

El próximo 28 de junio se realizarán funciones distendidas en complejos Cinemark seleccionados, con adaptaciones dirigidas a personas neurodivergentes y a quienes presentan hipersensibilidad sensorial. Estas exhibiciones contemplan una reducción de estímulos visuales y sonoros, además de permitir mayor libertad de movimiento dentro de la sala.

Los años 80 representaron un punto de quiebre en la historia del cine occidental. Fue la década en que Hollywood abandonó el modelo autor-centrista del New Hollywood de los 70 y abrazó lo que se conoció como el “high concept”, películas diseñadas para ser entendidas y vendidas en una o dos oraciones. El productor Don Simpson (Flashdance, Beverly Hills Cop, Top Gun) fue uno de los principales impulsores de este formato, que desde aquel entonces se convirtió en la fórmula dominante del blockbuster moderno.

No fue solo una cuestión de estrategia comercial esta movida. La década también vio la consolidación de nuevos géneros, la aparición de estrellas que definirían el imaginario popular durante generaciones, y saltos tecnológicos que ampliaron radicalmente lo que era posible mostrar en una pantalla. El resultado fue una serie de películas que no solo recaudaron millones, sino que cambiaron la forma en que se cuentan historias en el cine.

El blockbuster como fenómeno cultural

El impulso inicial de la década llegó por inercia de los 70. Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (Star Wars: Episodio V - El imperio contraataca, 1980), la primera secuela de Star Wars, abrió el año como la película más taquillera del período. Un año después, Raiders of the Lost Ark (Los cazadores del arca perdida, 1981) -colaboración entre George Lucas y Steven Spielberg, con Harrison Ford como Indiana Jones- generó un renovado interés en los seriales de aventuras de los años 30 y se convirtió en la película más taquillera de 1981. El personaje también dio comienzo a una saga cuyos títulos siguientes figuraron entre los diez mayores éxitos comerciales de la década.

El dato más elocuente sobre el poder del cine de esa época lo aporta E.T. the Extra-Terrestrial (1982), de Spielberg. La película recaudó 792 millones de dólares en todo el mundo, un 40 por ciento más que cualquier film de Star Wars hasta ese momento, y el doble o triple de los ingresos de 46 de las 50 películas más taquilleras de la historia hasta entonces. En términos concretos, fue la película más vista de toda la década.

La ciencia ficción se bifurca

Mientras E.T. mostraba que la ciencia ficción podía ser íntima y familiar, Blade Runner (1982) demostró que también podía ser filosófica y oscura. Dirigida por Ridley Scott, con Harrison Ford como un detective que persigue androides en una ciudad futurista, la película construyó un lenguaje visual que influyó en décadas de cine cyberpunk y neo-noir. Su estética sigue siendo punto de referencia obligado.

En el otro extremo del espectro, Back to the Future (Volver al Futuro, 1985) -dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Michael J. Fox- introdujo el viaje en el tiempo como concepto accesible y divertido para el público masivo. La película se ubicó en el puesto cinco entre las películas más taquilleras de la década, con 381 millones de dólares recaudados, y la figura de Marty McFly se convirtió en un ícono generacional.

El terror como arte y como franquicia

El terror de los 80 vivió una dualidad notable. Por un lado, Stanley Kubrick elevó el género al campo del arte con The Shining (El Resplandor, 1980), protagonizada por Jack Nicholson. Su construcción de tensión mediante la puesta en escena y la psicología del personaje redefinieron lo que el cine de terror podía aspirar a lograr. Décadas después, la película mantiene su estatus como referencia ineludible.

Por otro lado, la década también consolidó la lógica de las franquicias de horror con villanos indestructibles. Así llega Halloween, Friday the 13th (Viernes 13) y A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en lo profundo de la noche) dominaron las carteleras con secuelas que acumulaban cuerpos y recaudación. Esta dualidad -el horror como arte y el horror como producto serial- convive hasta hoy en la industria.

La acción se reinventa

Los 80 fueron la década de consagración del cine de acción como género dominante en Hollywood, con Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone como sus mayores exponentes. The Terminator (1984), dirigida por James Cameron y protagonizada por Schwarzenegger, fusionó la ciencia ficción con la acción de una forma que no había existido antes, donde una máquina asesina del futuro como antagonista imparable instaló narrativas tecnológicas y mecánicas que influirían en incontables producciones posteriores.

Die Hard (Duro de Matar, 1988), con Bruce Willis, tomó otro camino. En lugar del héroe invencible, propuso un personaje vulnerable, sarcástico y físicamente limitado. Su estructura -un hombre solo contra terroristas en un edificio- se convirtió en el modelo narrativo del cine de acción de los años 90 y 2000.

Top Gun (1986), con Tom Cruise, sumó otra dimensión a toda esta parafernalia, introduciendo (por así decirle) la cinematografía y el diseño de sonido como experiencia sensorial. Fue la séptima película más taquillera de la década, con 357 millones de dólares, y tuvo un efecto inmediato sobre la moda, la música y la cultura popular de la época.

Ghostbusters y la mezcla de géneros

Una de las características más distintivas del cine de los 80 fue la combinación de géneros. Ghostbusters (Los cazafantasmas, 1984), con Bill Murray al frente, demostró que fusionar comedia y terror sobrenatural podía generar tanto un éxito comercial masivo como un fenómeno cultural de largo aliento. La película recaudó casi 297 millones de dólares y generó una franquicia que persiste hasta hoy. La imagen de los cuatro cazafantasmas con sus equipos de protones en la espalda se volvió instantáneamente reconocible para toda una generación.

El cine adolescente y el coming-of-age

John Hughes se convirtió en el cronista más influyente de la adolescencia en los 80. The Breakfast Club (El club de los cinco, 1985), capturó la identidad juvenil con una profundidad emocional que pocas películas habían alcanzado hasta entonces. Al desafiar los estereotipos del cine teen y mostrar la complejidad psicológica de sus personajes, Hughes fijó los parámetros del género coming-of-age para las décadas siguientes.

El crimen como mito: Scarface

Scarface (Caracortada, 1983), con Al Pacino, fue otro caso de película que excedió su propio género para convertirse en fenómeno cultural. Su retrato de la ambición desmedida, el poder y la caída del protagonista reconfiguró el cine de crimen y gangsters, y su influencia en la música, la moda y el imaginario popular continúa siendo visible décadas después.

La guerra como trauma psicológico

El cine bélico también vivió una transformación en los 80. Vietnam, que había sido un tema casi tabú en la pantalla durante los 70, se volvió un terreno frecuentado. Full Metal Jacket (Nacido para matar, 1987) exploró el impacto psicológico del entrenamiento militar y la guerra con una estructura narrativa en dos partes que resultó tan influyente como perturbadora. Su aproximación al conflicto desde la deshumanización marcó el camino para la representación de la guerra en las décadas siguientes.

Who Framed Roger Rabbit y los límites técnicos

Uno de los avances tecnológicos más significativos de la década llegó en 1988 con Who Framed Roger Rabbit (¿Quién engañó a Roger Rabbit?), dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Bob Hoskins. La película combinó acción en vivo con animación de una manera que hasta entonces no había sido posible, y su éxito tuvo consecuencias concretas, ya que el triunfo comercial y crítico de la película le devolvió a Disney la confianza en su división de animación, lo que al año siguiente derivó en el lanzamiento de The Little Mermaid (La Sirenita) y el inicio de la llamada Era del Renacimiento Disney.

Una década en disputa

No todos recuerdan los 80 como una era de esplendor. El director Quentin Tarantino llegó a calificarla como una de las peores para el cine estadounidense, y el crítico Kent Jones coincidió en esa valoración. Sin embargo, el teórico del cine David Bordwell señaló que la mentalidad del “megapicture” ya existía en los 70, y que varios de los realizadores del New Hollywood -Martin Scorsese, Brian De Palma, John Carpenter- siguieron produciendo obras notables durante esa década.

Lo que sí resulta difícil de discutir es el peso que los 80 tuvieron sobre la industria. La clasificación PG-13, creada en 1984 a raíz de la violencia de Indiana Jones and the Temple of Doom (Indiana Jones y el templo de la perdición) y Gremlins, es uno de los cambios estructurales más concretos que dejó la década. La lógica del franchise -especialmente en los géneros de ciencia ficción, terror y acción- se consolidó entonces y no ha dejado de expandirse desde ese momento.

El estreno de Toy Story 5 logró una recaudación de 71 millones de dólares en su primer día en Estados Unidos, consolidando su posición como uno de los debuts más destacados para una película animada. El evento, que tuvo lugar el 19 de junio de 2026, afecta directamente a la industria cinematográfica internacional y a las estrategias comerciales de los principales estudios de Hollywood. El desempeño inicial de la película resulta relevante porque representa una recuperación importante en la asistencia a los cines y establece nuevos parámetros para futuros lanzamientos de animación, según datos publicados por The Numbers y reportados por Deadline.

Según información confirmada por Deadline, la cifra de 71 millones incluye ventas de boletos del jueves por la noche y viernes, en un total de 4.425 salas en Norteamérica. Esto sitúa a Toy Story 5 muy cerca del récord histórico alcanzado por ‘Los Increíbles 2’, que en 2018 sumó 71,2 millones en su primer día. De acuerdo con Variety y The Numbers, la película podría terminar el fin de semana con una recaudación de entre 160 y 170 millones de dólares, lo que la convertiría en el segundo mejor estreno para un filme animado en la historia de Estados Unidos, solo superado por la mencionada secuela de Pixar.

El contexto del estreno es relevante: la industria cinematográfica ha experimentado una recuperación paulatina tras la crisis sanitaria global, fenómeno reflejado en los datos de asistencia y recaudación. El éxito de la saga Toy Story refuerza el liderazgo de Disney y Pixar en el segmento de animación y confirma su capacidad de convocatoria en mercados clave, de acuerdo con cifras de Box Office Mojo y análisis de Variety.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en su estreno y cómo se compara con otros lanzamientos animados?

Toy Story 5 alcanzó una recaudación de 71 millones de dólares en su primer día de estreno en Estados Unidos, cifra confirmada por The Numbers y citada por Deadline. Este resultado incluye los ingresos de las funciones de preestreno del jueves, que sumaron 17,5 millones, posicionando a la película como el mayor lanzamiento de la franquicia y el mejor estreno animado del año.

Las proyecciones oficiales, recogidas por Variety, sitúan la recaudación del primer fin de semana entre 160 y 170 millones de dólares. Estas estimaciones superan el debut de ‘Toy Story 4’, que en 2019 recaudó 120,9 millones, y se acercan a los 182,6 millones de ‘Los Increíbles 2’, el récord vigente para una película animada en Estados Unidos. Según Hollywood Outbreak, el desempeño de Toy Story 5 también supera a otros títulos recientes del género como ‘Spider-Man: Across the Spider-Verse’ y ‘Inside Out 2’.

¿Cuál es el impacto de Toy Story 5 en la taquilla internacional?

El estreno de Toy Story 5 no solo fue relevante en Estados Unidos, sino que también generó un impacto considerable en mercados internacionales. De acuerdo con The Washington Times, la película debutó en 41 territorios fuera de Estados Unidos, acumulando 43,5 millones de dólares en los primeros días y posicionándose en el primer lugar en todos los mercados donde se estrenó.

En México, la película alcanzó 6,7 millones de dólares, logrando una cuota de mercado del 86%, el segundo mayor debut del año en ese país. Francia y España registraron 2,1 millones y 1,7 millones respectivamente, mientras que en el Medio Oriente Toy Story 5 estableció nuevos récords de apertura para producciones de Pixar, según cifras recopiladas por Box Office Mojo.

¿Cómo se distribuyó la asistencia y qué perfiles de público lideraron el estreno?

El análisis demográfico del estreno, elaborado por Screen Engine y PostTrak, revela que la audiencia de Toy Story 5 fue diversa y mostró cambios respecto a entregas anteriores. El porcentaje de espectadores latinos e hispanos aumentó al 30% frente al 23% registrado en ‘Toy Story 4’. Los caucásicos representaron el 36%, y los públicos afroamericanos y asiático-americanos alcanzaron el 13% cada uno, de acuerdo con cifras de Deadline.

Por rango etario y género, las mujeres mayores de 25 años encabezaron la asistencia con el 30%, seguidas de mujeres menores de 25 años (27%), hombres mayores de 25 (25%) y hombres menores de 25 (20%). Destaca que el 72% de los adultos acompañantes eran madres, frente al 28% de padres, superando el 58% de madres registrado en la cuarta entrega. El cine AMC Disney Springs 24, en Orlando, Florida, fue la sala con mayor recaudación individual, superando los 235.000 dólares en el primer día, según datos de Deadline.

¿Qué estrategias de marketing acompañaron el lanzamiento de Toy Story 5?

La campaña publicitaria de Toy Story 5 fue relevante, aunque su presupuesto de 8,8 millones de dólares resultó inferior a los casi 29 millones invertidos por Disney en el lanzamiento de ‘Star Wars: The Mandalorian y Grogu’. Según iSpot, citada por Deadline, la campaña de la película generó 814 millones de impresiones con anuncios en eventos deportivos como la NBA y la NHL, así como en programas de televisión de gran audiencia.

El 18% de los espectadores señaló que las redes sociales fueron la principal vía de información sobre el estreno, mientras que el 13% identificó al tráiler en cines como factor decisivo, según datos de Screen Engine. El valor mediático adicional de la campaña se estimó en 3 millones de dólares, considerando promociones cruzadas con otras cadenas y marcas asociadas.

¿Qué récords y tendencias deja Toy Story 5 en la industria del cine?

El desempeño de Toy Story 5 marca un nuevo récord para la franquicia y para el cine animado en 2026. Según Box Office Mojo, el acumulado de la saga, incluyendo todas sus entregas, se aproxima a los 237,6 millones de dólares. Analistas citados por Deadline destacan que la película se posiciona como el estreno animado más exitoso del año, superando a otros lanzamientos recientes y consolidando a Disney y Pixar en el liderazgo del mercado.

La tendencia de crecimiento en la asistencia a cines tras la pandemia, la diversificación del público y la fortaleza de los formatos premium (PLF e IMAX) refuerzan la importancia de los estrenos masivos y el papel de las franquicias en la recuperación del sector, según análisis de Variety y Deadline.

¿Qué se puede anticipar tras el estreno de Toy Story 5?

El éxito inicial de Toy Story 5 anticipa una temporada estival fuerte para la taquilla estadounidense y mundial. La evolución de la recaudación en las próximas semanas, junto con el interés del público por futuras entregas, será seguida de cerca por estudios, salas de exhibición y analistas del sector. De acuerdo con Deadline, el 49% del público expresó interés en una potencial sexta entrega, mientras que la franquicia mantiene un índice de recomendación elevado entre madres y jóvenes.

La capacidad de convocatoria de Toy Story 5 y su desempeño en mercados clave establecen una referencia para próximos lanzamientos de animación y reafirman el peso de la franquicia en la industria global.

Sus sucesivas continuaciones se fueron amoldando a los tiempos, de manera que las aventuras del vaquero Woody, el piloto espacial Buzz Lightyear y todos los demás muñecos se expandieron de manera orgánica hasta alcanzar su cumbre en la que, para muchos, es la mejor película de la saga, Toy Story 3, que contiene uno de esos finales en los que es imposible no soltar una lagrimita, por la emoción genuina que contiene.

A lo largo de toda la saga se han abordado temas íntimamente relacionados con el aprendizaje que nos lleva de la infancia a la edad adulta: de la amistad al sentimiento de soledad, de la búsqueda de la identidad a la aceptación de las diferentes etapas. Al fin y al cabo, los juguetes siempre han sido una especie de espejo de nuestros miedos atávicos, entre ellos, el abandono.

Los juguetes frente a una tablet

Después de la poco memorable cuarta entrega, Toy Story 5 regresa con energías renovadas y un mensaje muy acorde a nuestra actualidad: la introducción de la tecnología y las pantallas en nuestra cotidianeidad y de cómo impactan en la infancia.

Ahora la niña Bonnie ha cumplido nueve años y sigue jugando con sus juguetes favoritos, entre ellos, Jessie, que se ha convertido en la líder del equipo después de que Woody se marchara a vivir su propia vida. Sin embargo, la pequeña tiene problemas para socializar y sus progenitores decidirán regalarle un dispositivo para ver si, al menos virtualmente, consigue hacer amigas. La ‘tablet’ en cuestión se llamará Lilypad y pondrá a la defensiva al resto de los juguetes, que se sentirán totalmente relegados ante la llegada del nuevo dispositivo.

Así que Jessie pedirá refuerzos a Woody y ahí comenzará toda una serie de aventuras paralelas que siguen el mismo esquema que las anteriores propuestas: los juguetes sufrirán peripecias que los separarán y tendrán que luchar contra las adversidades no solo para reunirse, sino también para conseguir sus objetivos, en este caso que Bonnie conecte con una niña en la realidad, no a través de internet.

De nuevo, se aborda el paso del tiempo a través de esos juguetes que se sienten obsoletos y se deben enfrentar a una nueva era en la que parecen ya no tener sentido. Sin embargo, a pesar de que el tema de fondo pueda ser de lo más oportuno, se echa en falta que los personajes adquieran una mayor entidad, que tengan un peso más rotundo y, sobre todo, no deja de resultar cansino que la fórmula narrativa se vuelva a repetir de manera milimétrica, aunque en esta ocasión, desprovista de las dosis necesarias de emoción y melancolía.

Una fórmula agotada que se repite

Toy Story 5 es una película demasiado ‘formulaica’ y prefabricada, que parece renegar, precisamente, de esa imaginación, los sueños y la fantasía que pretende reivindicar a través de su historia.

Hay pocas escenas memorables en esta entrega y, las más significativas corresponden a la horda de Buzz Lightyears que aparecerán para ayudar a los protagonistas y cuyas escenas están repletas de imaginación visual, algo de lo que carece la mayor parte de la película, a la que le falta alma y poesía.

Quizás sea el momento de decir adiós a una franquicia que no da más de sí, que se ha exprimido hasta la última gota y que ya solo vive de la nostalgia y de las rentas del pasado.

La franquicia cinematográfica El Diablo Viste a la Moda alcanzó esta semana los 1.000 millones de dólares en recaudación global, según reportes de agencias internacionales y fuentes oficiales de la industria. El hito se registró tras el desempeño comercial de la segunda entrega, que sumó 676 millones de dólares a nivel mundial en sus primeras siete semanas de exhibición. El fenómeno involucra directamente a los estudios Walt Disney Studios Motion Pictures y 20th Century Studios, responsables de la producción y distribución, y tiene impacto en la industria del entretenimiento global por el volumen de audiencia registrado y el récord de recaudación.

Según información publicada de Deadline, la suma de la taquilla internacional de la secuela y los 326,5 millones de dólares obtenidos por la película original, estrenada en 2006, permitió que la franquicia superara la marca de los 1.000 millones de dólares. La cifra fue confirmada por medios internacionales como ABC News, que citaron datos oficiales de la industria. El estreno de la segunda parte el 1 de mayo de 2026, impulsado por Disney, generó un debut global de 233 millones de dólares y 76,7 millones de dólares en el mercado estadounidense, estableciendo un nuevo récord para la saga.

La primera película, dirigida por David Frankel y basada en la novela de Lauren Weisberger, logró éxito de taquilla y repercusión crítica tras su lanzamiento hace dos décadas. La segunda entrega repite el elenco original, con Anne Hathaway, Meryl Streep, Stanley Tucci y Emily Blunt, y presenta continuidad argumental bajo la dirección de Frankel y el guion de Aline Brosh McKenna. La decisión de Disney de no estrenar un título de Marvel durante la temporada alta y apostar por esta franquicia supuso un cambio relevante en la estrategia de programación de superproducciones, según análisis de medios internacionales.

¿Cuánto ha recaudado El Diablo Viste a la Moda 2 en su estreno internacional?

De acuerdo con datos de Deadline, El Diablo Viste a la Moda 2 sumó 676 millones de dólares a nivel global en sus primeras siete semanas en cartelera, con 217,9 millones de dólares provenientes de Estados Unidos. Según ABC News, el estreno mundial registró 233 millones de dólares, de los cuales 76,7 millones correspondieron al mercado doméstico, marcando el mayor debut de la franquicia. La película superó en solo nueve días la recaudación total obtenida por la primera cinta en territorio estadounidense, que fue de 124,7 millones de dólares.

La suma de las dos películas sitúa a la franquicia por encima de los 1.000 millones de dólares en taquilla mundial. La secuela ocupa el cuarto lugar entre los estrenos globales de la Motion Picture Association (MPA) en 2026 y también el cuarto puesto en la taquilla doméstica del año, de acuerdo con cifras del sector.

¿En qué países El Diablo Viste a la Moda 2 tuvo mayor éxito en taquilla?

El desempeño internacional de El Diablo Viste a la Moda 2 contribuyó de manera significativa al total de la franquicia. Los mercados que registraron mayores ingresos fueron los siguientes:

• Reino Unido: 45,8 millones de dólares
• Italia: 37,3 millones de dólares (película extranjera más vista en el país)
• Alemania: 33,2 millones de dólares
• Brasil: 33,2 millones de dólares
• Japón: 31,9 millones de dólares
• Australia: 29,5 millones de dólares (segunda película extranjera más vista en 2026)
• México: 29,4 millones de dólares
• Francia: 26,9 millones de dólares
• China: 15,3 millones de dólares
• España: 12,8 millones de dólares

La recaudación internacional total de la secuela asciende a 458,1 millones de dólares, lo que la posiciona como el tercer mayor lanzamiento internacional de la MPA en el año.

¿Qué factores explican el éxito de El Diablo Viste a la Moda 2 en la taquilla mundial?

Varios factores explican el desempeño comercial de la secuela. La decisión de Disney de estrenar la película fuera del calendario habitual de superproducciones permitió aprovechar un contexto con menos competencia directa. El regreso del elenco original, la dirección de David Frankel y el guion de Aline Brosh McKenna también fueron mencionados como elementos clave para atraer tanto a seguidores de la película original como a nuevas audiencias.

El componente nostálgico, el posicionamiento de la franquicia en el género de comedia dramática y la conexión con el mundo de la moda contribuyeron a su atractivo. La estrategia de marketing implementada por Disney y 20th Century Studios priorizó mercados donde la primera película obtuvo buen rendimiento, optimizando el alcance internacional.

¿Qué impacto tiene este récord para Disney y 20th Century Studios?

Según análisis de ABC News, el logro de El Diablo Viste a la Moda representa un caso destacado de éxito para una franquicia ajena a los géneros tradicionales de acción o superhéroes. Disney y 20th Century Studios suman así una saga multimillonaria a su catálogo de producciones exitosas, reforzando su posición en la industria global del entretenimiento. El resultado confirma la estrategia de los grandes estudios de revitalizar títulos con potencial de retorno financiero, aprovechando tanto la base de seguidores como el interés de nuevas generaciones.

El desempeño de la película influye en la planificación de estrenos y en la evaluación de proyectos similares dentro del sector. El éxito en taquilla de la secuela podría modificar la agenda de lanzamientos futuros y el tipo de proyectos aprobados por los estudios en los próximos años.

¿Qué diferencias existen entre la primera y la segunda película de El Diablo Viste a la Moda?

La primera película de El Diablo Viste a la Moda, estrenada en 2006, fue dirigida por David Frankel y basada en la novela de Lauren Weisberger. El elenco estuvo encabezado por Anne Hathaway y Meryl Streep, quienes repitieron sus papeles en la segunda entrega. La secuela, lanzada en 2026, mantuvo la continuidad narrativa y artística, con la dirección de Frankel y el guion de Aline Brosh McKenna.

Según datos aportados, la segunda parte superó ampliamente la recaudación original en sus primeras semanas. Mientras la primera cinta acumuló 326,5 millones de dólares a nivel global, la secuela alcanzó 676 millones de dólares en menos de dos meses, impulsada por una estrategia de estreno global y la recuperación de personajes emblemáticos.

¿Existen declaraciones oficiales sobre el futuro de El Diablo Viste a la Moda?

Hasta el momento, ni Disney ni 20th Century Studios han confirmado planes para nuevas entregas de la saga o proyectos derivados. Fuentes consultadas por ABC News indicaron que el éxito financiero podría abrir la puerta a futuras producciones, aunque no existen anuncios oficiales en curso.

El impacto económico para los estudios, el elenco y el equipo de producción refuerza la vigencia del proyecto y su atractivo para el mercado internacional. La capacidad de la franquicia para conectar con audiencias diversas y obtener resultados sólidos en taquilla la posiciona como referente en el género, según las conclusiones de los medios especializados.

¿Qué se espera para la industria tras este récord de El Diablo Viste a la Moda?

El logro alcanzado por El Diablo Viste a la Moda supone un precedente relevante para la industria cinematográfica. Según ABC News, el caso podría influir en la selección y desarrollo de futuras franquicias, así como en la estrategia de programación de los grandes estudios. El éxito de una saga centrada en la comedia dramática y la moda, frente a los tradicionales títulos de acción y superhéroes, amplía el espectro de géneros considerados rentables por la industria.

Para el público, el resultado implica la disponibilidad de propuestas diversas en la oferta cinematográfica internacional. Para los estudios, la experiencia refuerza la viabilidad de proyectos con alto potencial de retorno basados en propiedades intelectuales previas.

La producción sostiene que muchos de los habitantes de Pompeya tuvieron opciones reales de sobrevivir al desastre, un punto que matiza y a la vez desafía la versión tradicionalmente aceptada por la divulgación histórica y el audiovisual. En diálogo con la prensa oficial del estudio, el equipo destacó que la serie se apoya en nuevas pruebas y análisis interpretados por arqueólogos, historiadores, geólogos y especialistas en desastres para reconstruir las últimas horas de la ciudad, focalizándose en la toma de decisiones de individuos anónimos frente al inminente cataclismo.

El lanzamiento español se anticipa a la publicación de un reportaje extenso en NatGeo.com el 21 de julio, complementando el despliegue con datos inéditos sobre tres ciudades sepultadas en el año 79 de nuestra era. La casa matriz de National Geographic apostó por el uso de inteligencia artificial y técnicas avanzadas de análisis de ADN para profundizar en la vida cotidiana, las desigualdades de clase y género en Oplontis, los textos carbonizados de Herculano y la alimentación y enfermedades en Pompeya, cuestiones que posicionan a la serie y su cobertura digital como eje transversal de su campaña 2024.

La construcción narrativa: colaboración MCU y arqueología

En la génesis del proyecto, Hiddleston vuelve a ocupar el centro narrativo no como actor de reparto ni como personaje aislado, sino como guía y conductor que introduce a la audiencia en las historias de un aprendiz adolescente, una empresaria de peso y un miembro de la guardia pretoriana, arquetipos trabajados en formato dramatizado para romper la estructura clásica del documental histórico.

El showrunner Tom Barbor-Might, también responsable de la dirección, ha diseñado una narrativa de cuenta atrás que recurre a fórmulas propias del drama contemporáneo. El guion, firmado por Jessica Ruston y Mark Ravenhill con aportes de Wright y Barbor-Might, despliega líneas diegéticas que alternan testimonios de especialistas con reconstrucciones cinematográficas. En palabras de Tom McDonald, vicepresidente ejecutivo de contenidos para National Geographic, “se inventó un género totalmente nuevo de programación histórica” al integrar los datos científicos con recursos de ficción visual.

Integración vertical: sinergias creativas y nuevas prácticas documentales

Desde la estructura de producción, Plimsoll Productions acentúa la modalidad de documental híbrido: Kevin R. Wright, Grant Mansfield, Helen Flint y Alan Eyres ocupan el rol de productores ejecutivos junto a Carolyn Payne por el lado de National Geographic. La supervisión editorial incorpora a Charlie Parsons, vicepresidente senior de Desarrollo; Bengt Anderson, vicepresidente senior de Producción no guionizada; y el propio McDonald, responsables de garantizar los estándares editoriales de la marca.

La música original de la serie, compuesta por Aisling Brouwer, tiene previsto su lanzamiento global el 24 de julio de 2026 en plataformas líderes de música bajo demanda, consolidando una expansión multiplataforma del proyecto que trasciende el estreno audiovisual.

Revisión de paradigma: evidencia científica y relato humano

Pompeya: Más allá del tiempo con Tom Hiddleston apuesta por desplazar el foco narrativo de la destrucción hacia la reconstrucción de la experiencia humana y la toma de decisiones bajo presión. El dato de mayor impacto industrial reside en la decisión de reinterpretar las investigaciones recientes —entre ellas, la posibilidad de supervivencia de víctimas clásicamente consideradas irremediablemente perdidas— y en la combinación de disciplinas (arqueología, genética forense, historia social) para desglosar actitudes individuales y colectivas ante la catástrofe.

La serie tiene la intención declarada de “desmontar algunos de los grandes mitos” sobre la erupción, en especial la idea de que los habitantes quedaron indefensos y sin margen de acción. Este reposicionamiento conceptual redefine el relato de Pompeya no solo como momento histórico de destrucción, sino como ventana a la fortaleza, el sacrificio y la supervivencia de las personas que convivieron con el Vesubio.

Hoppers: Operación Castor es una comedia animada de ciencia ficción de Pixar que sigue a Mabel, una estudiante universitaria apasionada por los animales que recurre a una innovadora tecnología para proteger un bosque amenazado por la expansión urbana. Gracias al programa “Hoppers”, que permite transferir la conciencia humana a animales robóticos hiperrealistas, la joven decide ocupar el cuerpo de un castor para acercarse a la fauna y evitar la destrucción de su hábitat, aunque su plan terminará desencadenando consecuencias inesperadas.

Dirigida por Daniel Chong y producida por Pixar para Disney, la película contó con un desarrollo de seis años y un elenco de voces encabezado por Piper Curda, Bobby Moynihan y Jon Hamm. Con una recaudación mundial de 388,9 millones de dólares frente a un presupuesto de 150 millones, la película se ubica entre las más exitosas del año, y ahora llega al servicio de Disney+.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con el director Daniel Chong y Nicole Paradis Grindle la productora en video, o a leer una transcripción

—Felicitaciones por la película, realmente me encantó. Fui a verla al cine con mi hijo y a él también le encantó así que felicitaciones de nuevo. Primero que anda quería preguntarles, porque hay tantos elementos sucediendo, hay tantas cosas. Quisiera ir al principio, al punto de partida. ¿De dónde vino todo esto?

Daniel Chong: —Cuando volví a Pixar estaba buscando ideas y me encontré con estos videos donde ponían animales robots en la naturaleza para espiarlos. Son realmente hilarantes y estás como esperando a ver si los animales se dan cuenta que no son de verdad y los patean o algo. Así que, en cierta forma tomé eso y empecé a pensar un poco en Avatar. Y luego pensé en las películas de espías, y en lo mucho que me gustan las películas de Misión Imposible, y cosas por el estilo. Así que, de repente, empecé a mezclar todas estas cosas diferentes que me encantan en una película. Y además, sabiendo que me encantan los animales, y que me encanta hacer películas sobre ellos, y me encanta hablar de nuestra relación con ellos. Así que creo que ese fue más o menos el punto de partida para mí. Y luego, ya sabes, nos llevó seis años hacer esta película, así que tuvimos tiempo para experimentar y descubrir cómo hacer que todo funcionara.

—Bueno, sí, iba a preguntarte sobre eso, porque tenemos tantos personajes. Tenemos humanos, tenemos, bueno, castores, serpientes, pero animales. Y, ya sabes, apuesto a que hay muchos retos aquí, porque tenemos muchas texturas y estilos. Y además, son personajes muy bien desarrollados. Y esta no es una película de tres horas y media. Entonces, ¿cuál fue el principal desafío en ese sentido? Me refiero a mezclar la animación y también, ya sabes, la profundidad de cada personaje.

Nicole Paradis Grindle: —Vaya, es que hay tantos retos diferentes. Creo que en cuanto a la narración, Daniel, quiero decir, podría haber durado tres horas. Teníamos suficiente material para tres horas. Simplemente no queríamos que durara tanto.

—Podrían haber sido tres temporadas.

Nicole Paradis Grindle: —Sí, viniendo de la televisión, Daniel tenía mucho material en su interior. Y hay un montón de personajes geniales en ese mundo que no recibieron el reconocimiento que merecían. Pero al final, tenía que ser una historia sobre una protagonista, sobre Mabel. Y, ya sabes, necesitábamos que su viaje emocional fuera lo que destacara. Teníamos montones de humor, montones de, ya sabes, un hermoso mundo, muy bien imaginado. Pero, ¿qué te haría interesarte? ¿Qué te haría interesarte por ella? Al principio, daba la impresión de estar demasiado enojada, ya sabes, una chica joven que simplemente estaba enojada y quería pelear con todo el mundo. Y vimos el lado humorístico de eso. Pero a veces el público, el público de los preestrenos, no conectaba con eso.

Así que cuando terminamos de desarrollar las escenas iniciales con su abuela y la joven Mabel, entonces la gente conectó con ella. Se dan cuenta de que “ah, esta es una niña a quien le importaba este lugar”. Así es ella. Es alguien a quien simplemente le importa. Y de repente te das cuenta: “Oh, me gusta esta persona. Me gusta alguien que se preocupa tanto”. Y, sí, es molesto cuando se enojan tanto, pero lo entiendo. Y es comprensiva. Solo quiere proteger a los animales. Y así, una vez que nos encontramos en esa trayectoria, eso le dio sentido a todo lo demás que había en la película. Y, ya sabes, hay muchas cosas divertidas que no llegaron a incluirse. Pero, ya sabes, valió la pena para que ese viaje fuera tranquilo.

—Y, bueno, ya sabes, para terminar, realmente quiero centrarme en uno de mis favoritos. Me encantan todos. Pero, ya sabes, el alcalde Jerry es una locura. Es solo que... Porque no es un villano. Es muy impredecible. Es decir, crees que va a ir por un lado, y luego va por otro, y luego va por otro otra vez. Así que me gusta mucho lo que hicieron con este personaje. Es decir, es simplemente increíble. Así que realmente quiero preguntarles sobre su evolución y su relación con Mabel.

Daniel Chong: —Creo que no poder definir a Jerry y tener ese tipo de giro es, en cierto modo, uno de los temas de la película. Es como, ya sabes, darse cuenta de eso, empatizar con otros personajes, ya sabes. Y bueno, quiero decir, sí que tenemos algunos villanos de verdad en la película, como Titus. Pero creo que, en el caso de Jerry, Mabel le dio una oportunidad, y vimos que en realidad podía cambiar. Y sí que cambia. Y también que no es simplemente un tipo de malo unidimensional. Ya sabes, se preocupa por su mamá. Ya sabes, quiere a sus vecinos. La gente lo quiere, ya sabes. Y no es exactamente blanco o negro, ya sabes. Así que creo que esa fue una de las cosas importantes que nuestra película debía hacer, fue mostrar que no siempre es lo que parece. Y cómo podemos generar empatía por personajes que quizás hayamos retratado de una manera y darnos cuenta de que no es tan sencillo.

—Muchas gracias por tu tiempo. Una vez más, me encanta la película. Así que felicidades.

La industria cinematográfica adopta un enfoque nostálgico con el regreso de Lisa Kudrow y Mira Sorvino a sus papeles emblemáticos en la esperada secuela de Romy and Michele’s High School Reunion. Tres décadas después de que la película original se consolidara como un ícono de la cultura pop de los años noventa, Disney y 20th Century Studios han anunciado oficialmente el inicio del rodaje, respondiendo a años de rumores y solicitudes por parte de los seguidores.

La nueva cinta, que se estrenará directamente en la plataforma Hulu en Estados Unidos y en Disney+ en los mercados internacionales, busca revitalizar una historia que conquistó al público a finales de los años noventa e incorporar a nuevas generaciones de fanáticos. El proyecto reúne al reparto original y suma actores de la comedia contemporánea, lo que ha despertado una mayor expectativa tanto en redes sociales como entre la crítica.

Un fenómeno de culto que ha trascendido el tiempo

La primera entrega de Romy and Michele’s High School Reunion, que debutó en 1997, relataba la historia de dos amigas inseparables que, tras una década de haber terminado la secundaria, regresan a su ciudad natal para asistir a la reunión de exalumnos. La trama se centraba en sus intentos de aparentar éxito frente a sus antiguos compañeros, explorando temas universales como la inseguridad, la amistad femenina y el deseo de pertenencia. Aunque su desempeño en taquilla fue modesto -con una recaudación de poco menos de 30 millones de dólares para un presupuesto de 20 millones-, la película encontró una segunda vida gracias a su distribución en video doméstico y frecuentes reposiciones en televisión.

La química entre Kudrow y Sorvino, sumada al humor ingenioso del guion de Robin Schiff, convirtió la película en un referente generacional. Con el paso del tiempo, se transformó en una obra de culto, especialmente valorada por la representación de una amistad auténtica entre mujeres dentro de un género predominantemente orientado a historias masculinas. Alan Cumming, quien también regresa para la secuela, ha señalado que el atractivo del filme reside en que “era tan ingeniosa y divertida” y que representaba una excepción en Hollywood, donde películas similares protagonizadas por hombres suelen recibir secuelas con mayor facilidad.

El prolongado camino hacia la secuela

Durante más de veinte años, los rumores sobre una posible continuación de la historia se mantuvieron constantes. Tanto Lisa Kudrow como Mira Sorvino respondieron por años a preguntas en entrevistas sobre la posibilidad de una continuación, incluso en ausencia de un guion formalmente solicitado. El desarrollo del proyecto se vio estancado, con versiones preliminares que surgían periódicamente y negociaciones contractuales que impedían avanzar. En 2024, Sorvino fue la primera en anunciar que se encontraba próximo un acuerdo definitivo. Sin embargo, fue hasta 2026 que se confirmó oficialmente el inicio del rodaje, marcando el final de un ciclo de rumores y desmentidos que mantuvo en vilo a los fanáticos y a la prensa.

En el momento del anuncio oficial, Disney y 20th Century Studios difundieron una fotografía de Kudrow y Sorvino caracterizadas nuevamente como Romy & Michele, imagen que rápidamente se volvió tendencia mundial. La frase promocional, “La reunión que estabais esperando”, sintetizó el sentir de los seguidores que, durante años, solicitaron el regreso de estos personajes.

El equipo creativo y los nuevos integrantes del elenco

Un aspecto especialmente destacado para los admiradores de la película original es el retorno del equipo creativo: Robin Schiff, guionista de la primera entrega y creadora de los personajes, está de vuelta para escribir el nuevo guion, asegurando así continuidad en el tono y la narrativa. La dirección estará a cargo de Tim Federle, conocido por su trabajo en High School Musical: The Musical: The Series, lo que sugiere una aproximación actual que busca conectar con nuevas audiencias sin traicionar la esencia de la historia original.

En lo que respecta al reparto, junto a Kudrow y Sorvino regresan Janeane Garofalo, Alan Cumming, Camryn Manheim y Julia Campbell, mientras que se incorporan Keegan-Michael Key, Rob Huebel, Breckin Meyer, Patrick Warburton y Nathan Lee Graham en papeles que aún no han sido anunciados. Estas incorporaciones apuntan a un equilibrio entre continuidad y novedad, ampliando el potencial para explorar nuevas dinámicas y situaciones cómicas.

Un estreno alineado con los hábitos actuales de consumo

Una diferencia importante respecto a la película original es el método de estreno. A diferencia de la cinta de 1997 que llegó a las salas de cine, la secuela se lanzará directamente en formato digital, en Hulu para el público estadounidense y en Disney+ para el resto del mundo. Esta decisión responde a los cambios en los hábitos de consumo audiovisual y podría multiplicar la audiencia, ya que permitirá el acceso inmediato a millones de personas de todo el mundo.

Esta estrategia no solo busca aprovechar la nostalgia de quienes crecieron con la película inicial, sino también atraer a una nueva generación acostumbrada a consumir contenido en plataformas digitales. De este modo, Disney y 20th Century Studios se suman a la tendencia de relanzar clásicos a través del streaming, en un intento por renovar franquicias para las audiencias contemporáneas.

El impacto sobre los seguidores y la cultura popular

El regreso de Romy & Michele a la pantalla tiene el potencial de revitalizar la cultura popular, en particular para quienes vieron en la película original una visión irreverente y optimista sobre la amistad y el paso del tiempo. El entusiasmo manifestado por los seguidores, especialmente en redes sociales, evidencia no solo la fuerza de la nostalgia, sino también una demanda por historias protagonizadas por mujeres y contenidos cómicos menos convencionales.

Pese a la expectativa, el anuncio ha estado acompañado de ciertos comentarios críticos hacia la industria. Alan Cumming resaltó que la demora en aprobar la secuela podría estar relacionada con prejuicios de género en Hollywood, indicando que una historia similar pero protagonizada por hombres probablemente habría contado con una continuación mucho antes. Estas declaraciones han reavivado el debate en torno a la igualdad de oportunidades en la industria del entretenimiento, un contexto en el que el regreso de la franquicia adquiere además un matiz reivindicativo.

Woody, Buzz Lightyear y Jessie regresan a la pantalla grande con Toy Story 5, y esta vez el enemigo no es un coleccionista ni un juguete: es una tablet. La nueva película de Pixar, dirigida por Andrew Stanton, presenta a Lilypad, una tableta inteligente con forma de rana que llega a manos de Bonnie y desplaza a sus juguetes.

En el trailer, Lilypad le dice a Bonnie que ella “necesita a alguien de este siglo” y le promete que el juego digital es superior al físico. Jessie, desesperada, llama a Woody por walkie-talkie: “Estoy perdiendo a Bonnie frente a este dispositivo”.

Con este contundente dialogo, Jessie resume lo que muchas familias en el mundo están experimentando: una adicción a las pantallas por parte de los hijos.

Para ilustrarlo con datos: el estudio “Impacto de la tecnología en la adolescencia. Relaciones, riesgos y oportunidades” de Unicef en España de 2025 realizado con adolescentes de 11 a 18 años indica que un 32% invierte más de 5 horas diarias en el uso de internet y las redes sociales, porcentaje que asciende hasta un 50% el fin de semana.

Un estudio publicado en la revista académica PLOS ONE en 2025 analizó a 1.878 niños de entre 12 y 48 meses en 19 países de América Latina con distintos niveles socioeconómicos, y confirmó que los menores pasan frente a las pantallas más tiempo del recomendado.

La investigación, titulada “Uso de pantallas, libros e interacciones de adultos en el lenguaje y las habilidades motoras de los niños pequeños”, evaluó además el impacto de ese exceso en el desarrollo cognitivo y lingüístico de los infantes.

“Aunque la mayoría de las asociaciones pediátricas brindan recomendaciones uniformes sobre el uso de pantallas (es decir, cero uso para niños menores de dos años y una hora acompañados por adultos para preescolares), estas pueden no considerarse plausibles dadas las diferencias culturales que podrían existir entre las diferentes regiones de América Latina”, dice el estudio mencionado.

“Por ejemplo, algunos resultados muestran que en entornos vulnerables el tiempo que se pasa frente a las pantallas aumenta, quizás debido a la falta de acceso a recursos educativos o a información sobre las consecuencias del uso de pantallas”, agregan.

Por qué las tablet (o pantallas) generan adicción

La razón por la que Bonnie y los niños reales no puede despegar los ojos de la tablet tiene una explicación neurológica. Las pantallas generan un flujo constante de estímulos que activan el sistema de recompensa de dopamina en el cerebro, el mismo mecanismo involucrado en la adicción a la nicotina o la cocaína, según advierte la Dra. Marisa Azaret, del Hospital Nicklaus Children’s.

Cada notificación, recompensa en un juego o contenido de entretenimiento genera una descarga breve pero intensa de dopamina que el cerebro inmediatamente reclama repetir. En niños, cuyo cerebro todavía está en desarrollo, ese ciclo es especialmente poderoso: los hace más propensos a buscar gratificaciones inmediatas y más vulnerables a perder el control sobre el tiempo de uso.

Cuando el uso frecuente se convierte en adicción

El Centro Alodis de Psicología, especializado en bienestar infantil, establece una distinción precisa: el uso frecuente permite que el niño mantenga el sueño, el rendimiento escolar y las relaciones sociales; la adicción tecnológica, en cambio, lleva al menor a necesitar cada vez más tiempo de pantalla para sentirse satisfecho, a irritarse ante cualquier límite y a descuidar el resto de su vida.

Las señales de alerta son concretas: irritabilidad desproporcionada cuando se restringe el acceso al dispositivo, dificultad para interrumpir el uso por iniciativa propia, bajo rendimiento escolar, trastornos del sueño por la exposición a la luz azul y un aislamiento progresivo de las interacciones familiares.

Las consecuencias físicas tampoco son menores: insomnio, dolores de cabeza, problemas de visión y sedentarismo.

Los especialistas del Centro Alodis añaden pautas prácticas para un uso responsable: definir horarios específicos para el uso de dispositivos, establecer zonas libres de pantallas en el hogar —especialmente los dormitorios— y crear rutinas familiares que no giren alrededor de las pantallas.

Con el próximo estreno de la quinta entrega fílmica de la saga Toy Story, resurge un cuestionamiento habitual entre familias y especialistas: ¿por qué el extravío de un juguete provoca un impacto tan profundo en la niñez? De acuerdo con la Dra. Myriam De Luna, experta en psicología infantil de la Universidad Iberoamericana, esta pérdida puede llegar a equipararse al duelo por el fallecimiento de un ser querido.

Esta intensidad emocional se explica porque el juego, y los objetos asociados a él, fungen como pilares esenciales en el desarrollo cognitivo y afectivo de las infancias.

El juguete como refugio emocional

Para comprender la magnitud de este vínculo, la Dra. De Luna recurre al concepto de “objeto transicional”, acuñado por el célebre psicoanalista Donald Winnicott, el cual consiste en:

• Anclas de seguridad: Ya sean mantas, peluches o figuras de acción, estos artículos auxilian a los infantes a gestionar la ansiedad y sentirse protegidos al momento de enfrentar las primeras separaciones de sus cuidadores principales, como sucede al ingresar a la guardería.

• El poder del animismo: Durante la etapa preescolar y los primeros años de primaria, los niños suelen atribuir vida, sentimientos e intenciones a sus juguetes. A través de este proceso de juego simbólico, logran fomentar su imaginación y procesar situaciones complejas que les resultaría difícil expresar verbalmente.

Un duelo auténtico e irremplazable

Separarse de uno de estos objetos de apego detona reacciones diversas. Mientras algunos menores logran sustituir el artículo con rapidez, otros experimentan cuadros de ansiedad, tristeza intensa y un vacío comparable al generado por otras pérdidas significativas.

La especialista subraya que adquirir un reemplazo idéntico rara vez soluciona el dolor. Para el infante, el valor del juguete radica en su simbolismo único e intransferible: el olor característico del hogar, las vivencias compartidas o la conexión directa con una figura de apego. Por ello, resulta comprensible que los padres emprendan exhaustivas campañas y búsquedas para recuperar el muñeco original perdido durante un viaje.

El reto digital y los espacios de juego

La narrativa de Toy Story 5 también pondrá sobre la mesa un debate contemporáneo: la creciente competencia entre el entretenimiento tradicional y los dispositivos electrónicos. Al respecto, la académica recuerda que las directrices internacionales de salud recomiendan evitar el uso de pantallas en menores de dos años y limitarlo estrictamente durante la etapa preescolar.

Sin embargo, la Dra. De Luna advierte que el problema subyacente suele ser la carencia de tiempo y espacios de convivencia. “Cuando un niño tiene oportunidades reales para jugar, normalmente prefiere hacerlo”, afirma la experta, destacando la urgencia de promover entornos que inviten a la exploración física y la interacción social.

El ciclo de la madurez y el legado familiar

Eventualmente, el desarrollo social y emocional del niño da paso a nuevos intereses y amistades, propiciando un desapego natural. Lo más saludable, señala la experta, es permitir que el propio menor decida el momento oportuno para dejarlos ir, ya sea decidiendo compartirlos o donarlos.

No obstante, este desprendimiento no elimina el valor histórico del objeto; de hecho, la conexión afectiva puede trascender generaciones. En la adultez, redescubrir un viejo muñeco tiene la capacidad de evocar poderosos recuerdos familiares.

La propia Dra. De Luna relata cómo un Buzz Lightyear adquirido en los años 2000 es ahora el compañero de juegos de su hijo, demostrando que los juguetes no solo entretienen, sino que resguardan la memoria, prolongan momentos clave y permiten que las experiencias viajen intactas a través del tiempo.

El largometraje narra la historia de Billie, una adolescente impulsiva y poco convencional, que de repente descubre que posee poderes mágicos y es transportada a Hexe, un universo oculto habitado por criaturas excéntricas y brujas. Allí, deberá enfrentar misterios relacionados con su familia y comprender su vínculo con la magia, en una trama de autodescubrimiento y aceptación que, según el estudio, pretende conectar con nuevas generaciones de espectadores.

Proceso de producción y enfoque creativo

Disney anunció oficialmente Hechizo: Bienvenidos a Hexe durante el evento Destination D23 en 2025, generando expectación en un mercado saturado de secuelas y sagas conocidas. A diferencia de recientes estrenos que continuaron historias establecidas, como Frozen o Moana, Hexed surge como una propuesta completamente nueva, resultado del interés del estudio por recuperar la creatividad original.

La dirección creativa está a cargo de Fawn Veerasunthorn, reconocida por su trabajo en éxitos como Frozen, Moana y Zootopia, quien quiso construir un mundo visualmente clásico con influencias de Studio Ghibli. En entrevistas con medios especializados, señaló que el desarrollo del personaje principal fue especialmente cuidadoso: la protagonista, Billie, representa la experiencia de sentirse diferente y fuera de lugar, hasta que comprende el valor de su individualidad en el reino mágico de Hexe.

Las expectativas respecto al futuro de la animación tradicional de Disney son altas para esta producción. Roy Conli y Yvett Merino, responsables de la producción, reunieron un elenco de voces que equilibra experiencia y actualidad. Hailee Steinfeld, quien ya participó en la saga Spider-Man: Un nuevo universo y protagonizó Sinners, fue elegida para interpretar a Billie. El reparto se complementa con Rashida Jones (Alice, la madre de Billie), Stephen Fry (Elias Quire), Tracey Ullman (Ms. Quill) y Brett Gelman (profesor irritado en Hexe), lo que asegura diversidad y matices en las actuaciones.

Estilo visual y propuesta argumental

Un aspecto destacado por la crítica inicial es la estética de la película, que toma inspiración de cuentos clásicos y del cine japonés de animación. La colaboración de Veerasunthorn y Hand, ambos con experiencia en recientes éxitos de Disney, se aprecia en la calidad del diseño y la animación del tráiler. Los colores intensos, los personajes exagerados y los fondos elaborados crean la impresión de un universo alternativo que resulta cercano tanto para niños como para adultos.

En cuanto a la trama, Hechizo: Bienvenidos a Hexe busca explorar temas como la exclusión social, la búsqueda de identidad y los lazos familiares, siguiendo una corriente más moderna dentro del cine animado. La narrativa gira en torno al viaje físico y emocional de Billie, quien debe aprender a controlar sus habilidades y descubrir la verdad sobre su origen y el papel de su familia en la historia secreta de Hexe.

La película ha sido descrita como una de las apuestas más audaces de Disney para 2026. Jason Hand, codirector, manifestó en declaraciones recogidas por The Wrap que la protagonista, al llegar a Hexe, comienza a sentirse vista por primera vez, lo que conecta con públicos que experimentan sensaciones similares de desapego o diferencia en la vida cotidiana.

Repercusiones en la industria y respuesta inicial

Hechizo: Bienvenidos a Hexe supone un giro en la estrategia de Disney, alejándose temporalmente de la explotación de franquicias consolidadas y buscando conquistar nuevas audiencias con relatos inéditos. La reacción al tráiler ha sido positiva, especialmente entre aficionados a la animación y quienes esperan propuestas diferentes a las fórmulas habituales.

Se espera gran interés acerca de futuras presentaciones. Durante el Festival Internacional de Animación de Annecy, que se celebrará en Francia entre el 21 y el 27 de junio de 2026, se proyectará material adicional de la película. Este tipo de eventos suele influir tanto en la opinión del público como de la crítica especializada, además de ser determinante para el futuro éxito comercial.

Por el momento, la distribución confirmada se limita a Estados Unidos, con estreno exclusivo en cines el 25 de noviembre de 2026, coincidiendo con la festividad de Acción de Gracias. Este periodo es tradicionalmente favorable para el cine animado, ya que reúne a familias en torno a propuestas con mensajes universales.

Para América Latina aún no se ha confirmado una fecha de estreno, lo cual genera cierta expectativa entre los seguidores del género y los aficionados al trabajo de Hailee Steinfeld. Sin embargo, la proyección global de Disney y el interés generado por el lanzamiento anticipan una exhibición posterior en otros mercados.

El camino de Hechizo: Bienvenidos a Hexe hacia los cines se da en un contexto cinematográfico desafiante, donde incluso los estudios más reconocidos suelen optar por proyectos seguros. No obstante, optar por personajes originales y temáticas actuales puede marcar la diferencia en el triunfo y alcance de la película.

Sus creadores confían en que la combinación de magia, animación tradicional y reflexiones contemporáneas sobre la identidad convertirá a Hechizo: Bienvenidos a Hexe en un referente para nuevas generaciones y contribuya a revitalizar la animación de autor dentro de Disney.

Durante décadas, Pixar Animation Studios construyó una reputación basada en películas que redefinieron la animación. Detrás de ese historial hay decisiones de gestión poco convencionales, tensiones con Disney y un modelo de trabajo que sus propios creadores tardaron años en comprender del todo.

Ed Catmull, cofundador de Pixar y uno de los pioneros de la animación por computadora, impulsó la creación de Toy Story, el primer largometraje animado íntegramente por ordenador. Tras la compra del estudio por Disney en 2006, también estuvo al frente de Pixar y Disney Animation.

En una conversación con el periodista y podcaster David Senra, repasó los principios que sostuvieron a Pixar desde sus primeros años hasta su adquisición por Disney.

Entre esos principios, uno destaca por su radicalidad: Steve Jobs despidió a dos miembros del directorio de Pixar porque nunca lo contradijeron. No fue una reacción impulsiva, sino la aplicación de una convicción sobre el valor del desacuerdo.

“Si no discrepan conmigo, no están aportando ningún valor a la empresa”, fue la lógica que, según Catmull, guiaba al cofundador de Apple. Las reuniones del directorio eran ruidosas y acaloradas. Jobs no solo toleraba esa dinámica: la exigía.

La Brain Trust: un mecanismo para la honestidad

En el centro del proceso creativo de Pixar operó durante años un dispositivo poco convencional: la Brain Trust. Se trataba de un grupo reducido de directores y guionistas experimentados que se reunía después de cada proyección de una película en desarrollo para ofrecer retroalimentación directa, sin filtros jerárquicos.

La premisa era simple pero difícil de sostener: la discusión debía girar siempre en torno al problema, nunca en torno a quién tenía razón. Catmull explicó que la dinámica psicológica de esas reuniones requería una atención constante. Los equipos creativos que presentaban su trabajo se sentían vulnerables frente a colegas exitosos.

Los nuevos integrantes del grupo temían quedar en evidencia si una idea suya no funcionaba. Esos miedos, si no se gestionaban, desviaban la conversación del problema real hacia las relaciones personales y las carreras individuales.

Jobs no participaba de estas sesiones, y la razón era precisa: su presencia alteraba la dinámica de la sala independientemente del momento en que hablara. “Tenía una voz tan poderosa que, sin importar cuándo hablara, iba a tener un efecto fuerte sobre la dinámica del grupo”, señaló Catmull.

El propio Jobs reconocía esa limitación y la asumía. Por eso, su participación se concentraba en las presentaciones ante el directorio, donde sí podía aportar observaciones.

En esas instancias, según Catmull, solía expresar ideas que parecían novedosas para quienes lo escuchaban, aunque muchas ya habían surgido previamente en las reuniones de la Brain Trust. La diferencia radicaba en su capacidad para exponerlas con tal claridad y convicción que resultaba imposible pasarlas por alto.

De contrato boutique a competidor de Disney

La relación entre Pixar y Disney comenzó con una asimetría de poder que Jobs transformó en palanca estratégica. El contrato original, firmado en 1991, obligaba a Pixar a entregar tres películas bajo condiciones que reflejaban la percepción de Disney: el estudio produciría filmes de nicho, comparables en escala a los de stop-motion. Nadie en Disney anticipó que Toy Story se convertiría en la película más taquillera de 1995.

Tras ese éxito, Jobs advirtió que al completar las dos películas restantes del contrato, Pixar habría acumulado una experiencia que ningún otro estudio poseía. “Habríamos creado la peor pesadilla de Michael Eisner: un competidor”, relató Catmull. Esa lógica llevó a la decisión de salir a bolsa la misma semana del estreno de Toy Story, para contar con el capital necesario al momento de renegociar en igualdad de condiciones.

El nuevo acuerdo fue de cinco películas, pero las secuelas quedaron excluidas bajo el argumento de que eran producciones de menor rango. Esa cláusula generó una fractura cuando Toy Story 2 demostró ser un éxito teatral en la animación.

La negativa de Eisner a reconocer ese cambio irritó profundamente a Jobs y marcó el inicio del distanciamiento definitivo. La llegada de Bob Iger como CEO de Disney alteró el panorama: su primera llamada tras ser nombrado fue a Jobs, con una admisión directa de que Disney Animation no estaba en condiciones de recuperarse sola. Esa honestidad inicial fue la base de la adquisición de Pixar por Disney en 2006.

Una cultura sin jerarquías visibles

Desde su fundación, Pixar apostó por eliminar la distinción entre perfiles técnicos y creativos. Catmull observó en otras empresas una dinámica de primera y segunda clase, donde quienes no ocupaban posiciones visibles sentían que su aporte era marginal. En Pixar, animadores, ingenieros, diseñadores de sonido y productores operaban como pares.

Esa apuesta tuvo fricciones. Catmull identificó al menos tres momentos en la historia del estudio en que algún grupo comenzó a sentirse relegado, sin que nadie lo verbalizara abiertamente.

Uno de ellos ocurrió cuando los empleados más nuevos, al ver que los fundadores, ya casados y con hijos, se marchaban al terminar la jornada, empezaron a imitar ese comportamiento. Los veteranos interpretaban esa actitud como falta de entusiasmo. Ninguno de los dos grupos lo decía en voz alta.

La respuesta de Catmull no fue una directiva corporativa ni una política formal. Fue identificar a personas con iniciativa dentro del estudio y darles señales de que el espacio para lo irreverente seguía abierto.

“Si alguien viola una regla de sentido común, lo llamas a rendir cuentas. Pero no conviertes eso en una norma para que nadie más cometa el mismo error”, explicó. Además, sostuvo que más reglas generan más solicitudes de permiso, y más solicitudes de permiso frenan la creatividad que impulsa el producto.

La cinta será el largometraje animado número 65 del estudio y estará protagonizada, en su versión original, por Hailee Steinfeld, quien presta su voz a Billie, una adolescente impulsiva y poco convencional que descubre poderes mágicos que alteran por completo su vida cotidiana.

El avance, de aproximadamente dos minutos, abre con Billie caminando por los pasillos de su escuela mientras dice en voz en off: “Toda mi vida sentí que había algo malo en mí”.

La secuencia muestra cómo sus compañeros la miran de reojo y susurran a su paso. Todo cambia cuando, escondida en un baño para terminar una tarea, su pulsera —con una piedra morada— se desprende de su muñeca.

Al recogerla, sus dedos emiten chispas y el accesorio regresa solo a su lugar. Los poderes recién descubiertos desatan el caos en el baño, el director del colegio los presencia y Billie termina siendo expulsada.

De regreso en su habitación, intenta reproducir lo ocurrido. Cuando logra activar nuevamente sus poderes, se abre un portal que la transporta a un reino diferente: Hexe, el mundo de las brujas.

Allí, un libro polvoriento y parlante y una pluma animada le preguntan si tiene “rasgos que podrían describirse como extraños, monstruosos o difíciles”.

El tráiler cierra con Billie comenzando a canalizar sus poderes y diciéndose a sí misma: “Quizás estoy hecha para algo más”.

Según la sinopsis oficial, la joven es recibida en Hexe por Ms. Quill (con la voz de Tracey Ullman) y Elias Quire (con la voz de Stephen Fry), mientras que su cautelosa madre Alice es interpretada por Rashida Jones.

Se destaca además la presencia de voces reconocibles en el tráiler, incluida la del actor Brett Gelman en el rol de un irritado maestro.

A lo largo de su viaje, Billie descubrirá misterios familiares que podrían cambiar para siempre el mundo mágico de las brujas.

Hexed está dirigida por Fawn Veerasunthorn y Jason Hand, con Josie Trinidad como codirectora. La producción está a cargo de Roy Conli y Yvett Merino.

Veerasunthorn, cuyo trabajo previo en Disney incluye Frozen, Moana y Zootopia, además de Wish, explicó en declaraciones recogidas por The Wrap:

“Un fenómeno maravillosamente extraño está ocurriendo alrededor de Billie, algo que no puede explicar. Es alguien que siempre se sintió fuera de lugar en su propia vida, y necesita dejar atrás su mundo normal para adentrarse en uno oculto, lleno de magia salvaje y descontrolada, para comenzar a entenderse a sí misma”.

Por su parte, Hand —quien dirigió Moana 2— añadió al mismo medio: “Hexe es un lugar donde Billie comienza a sentirse vista por primera vez en su vida. Se embarca en un viaje de autoconocimiento que revela una poderosa conexión con la magia y, en el proceso, descubre secretos largamente guardados sobre su familia".

La propuesta visual de Hexed evoca una estética de cuento clásico con resonancias del Studio Ghibli.

Hailee Steinfeld, nominada al Oscar por True Grit y conocida por interpretar a Kate Bishop en el universo cinematográfico de Marvel, también prestó su voz a Gwen Stacy en las películas de Spider-Man: Un nuevo universo. Más recientemente protagonizó Sinners, de Ryan Coogler.

El estreno de Hexed fue anunciado originalmente en el evento Destination D23 de 2025, aunque la producción experimentó algunos cambios durante su desarrollo: en su presentación inicial, el protagonista era descrito como un adolescente varón.

Los asistentes al Festival Internacional de Animación de Annecy, que se celebrará del 21 al 27 de junio en Francia, podrán ver material adicional de la película el 26 de ese mes, en el marco de una presentación junto a Gatto, otra producción de Disney.

Hexed se estrena exclusivamente en cines el 25 de noviembre de 2026 en EE. UU. Por el momento, no hay una fecha oficial de lanzamiento en América Latina.