Toy Story 5 sitúa a Jessie, Bonnie, la tecnología y las pantallas en el centro de una aventura sobre el impacto de los dispositivos digitales en la infancia, de forma que consigue adaptar la fórmula a los nuevos tiempos.

Así, la quinta entrega sitúa a Bonnie, de nueve años, ante la llegada de Lilypad, una tableta que sus padres le regalan por sus dificultades para relacionarse con otros niños. Jessie y los demás juguetes consideran que el dispositivo les relega y buscan que la niña haga amigas fuera de internet.

Han pasado más de 30 años desde el estreno de la primera Toy Story, una película que revolucionó la animación mediante técnicas digitales que hasta entonces no se habían utilizado y que entró casi de inmediato en el imaginario popular. Sus continuaciones expandieron las aventuras del vaquero Woody, el piloto espacial Buzz Lightyear y los demás muñecos; para muchos espectadores, Toy Story 3 fue la cima de la franquicia por un final de emoción genuina, pero está claro que el universo no para de expandirse y renovarse.

Qué plantea ‘Toy Story 5′ sobre niños y pantallas

La saga ha abordado el tránsito de la infancia a la edad adulta a través de la amistad, la soledad, la búsqueda de identidad y la aceptación de las distintas etapas vitales. Los juguetes funcionan como un reflejo de miedos ligados al abandono.

Después de una cuarta entrega poco memorable, la nueva película devuelve el liderazgo del grupo a Jessie, tras la marcha de Woody para vivir su propia vida. La vaquera pide ayuda a su antiguo compañero y ambos afrontan peripecias que separan a los juguetes, les obligan a reunirse y les enfrentan a obstáculos para cumplir su objetivo.

El conflicto de fondo resulta oportuno porque muestra a unos juguetes que se sienten obsoletos ante una era en la que parecen haber perdido su sentido, lo que genera buenas dosis de nostalgia y de incertidumbre frente al futuro.

Escenas míticas y una franquicia para el recuerdo

Entre las secuencias más míticas de esta nueva propuesta, encontramos a una horda de Buzz Lightyear que acude en ayuda de los protagonistas a través de varias secuencias memorables. Esos pasajes aportan la imaginación visual que siempre ha caracterizado a la franquicia.

Toy Story 5 llega a Disney Plus el 23 de septiembre y se incorpora al catálogo de todas las películas de la saga que se han convertido en un clásico contemporáneo y ya forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones que abarcan desde adultos que vivieron en su momento el fenómeno hasta los niños del momento que descubren por primera vez a estos personajes que llegan rápidamente al corazón y se quedan para siempre con nosotros.

Disney+ ha actualizado sus condiciones de servicio para especificar que todos sus planes de pago, sin excepción, podrán mostrar publicidad en forma de contenido promocional, patrocinios y anuncios antes o después de la reproducción.

La plataforma mantiene la posibilidad de pagar para evitar los cortes publicitarios dentro de las películas y series con sus planes Estándar y Premium, aunque la novedad radica en que ninguna suscripción queda completamente libre de publicidad.

La medida no implica que todos los usuarios verán el mismo tipo de anuncios. La diferencia sigue estando en el formato y el momento en que aparece esa publicidad, según el plan contratado.

Qué cambia en las condiciones de Disney+ sobre publicidad

Según explica la compañía en su página oficial, independientemente de la suscripción elegida, todos los planes mostrarán algún tipo de publicidad. Lo que varía es la modalidad en la que se presenta.

El comunicado de Disney+ señala textualmente: “Disney+ también ofrece planes para ver películas y series sin interrupciones publicitarias: Disney+ Estándar y Disney+ Prémium. No obstante, pueden incluir contenido promocional limitado, anuncios o promociones antes o después de la reproducción de contenidos, clips y tráileres de contenidos, productos y servicios de Disney, además de contenido patrocinado o de otras marcas”.

La misma nota añade que los eventos en directo o especiales, incluidas las reposiciones, pueden incorporar pausas publicitarias o mensajes comerciales, más allá del plan que tenga contratado el usuario.

Diferencias entre plan Estándar con anuncios y planes sin interrupciones

En el plan Estándar con anuncios, la publicidad se integra directamente dentro de la reproducción de películas y series, con cortes durante el propio contenido.

En cambio, los planes Estándar y Premium sin anuncios contemplan publicidad antes o después del contenido, junto con tráilers, clips, patrocinios y mensajes de marcas. También pueden incluir publicidad en canales, contenidos en directo o en diferido y eventos especiales.

Esto significa que pagar la suscripción más cara no garantiza una experiencia completamente libre de publicidad, aunque sí mantiene la promesa de que las películas y series no tendrán cortes publicitarios dentro de su reproducción. La página de Disney+ conserva esa indicación para ambos planes premium.

Planes infantiles y restricciones sobre el bloqueo de anuncios

Los planes infantiles o Júnior son la excepción dentro de este nuevo esquema: no incluyen publicidad de ningún tipo, según las condiciones actualizadas de la plataforma.

Por otro lado, Disney+ ha incorporado una restricción adicional en sus términos de servicio: queda prohibido bloquear o eliminar la publicidad del servicio mediante cualquier herramienta o método externo.

La compañía se reserva además la posibilidad de restringir o suspender el acceso a la cuenta de aquellos usuarios que incumplan estas condiciones, lo que convierte el uso de bloqueadores de anuncios en un motivo válido de sanción dentro de la plataforma.

Disney+ introduce una herramienta para que elijas qué ver sin perder tiempo

Disney+ ha lanzado globalmente Playlists, una funcionalidad diseñada para ofrecer una experiencia de reproducción continua mediante la agrupación de películas y episodios bajo temáticas específicas. La herramienta ya se encuentra habilitada para todos los suscriptores y se puede acceder a ella tanto desde la pantalla principal como desde diversas secciones de la interfaz.

El propósito principal de esta función es erradicar la sobrecarga de elección, permitiendo a los usuarios reducir el tiempo de búsqueda y agilizar la selección de contenidos. En lugar de elegir títulos de forma individual, la plataforma ofrece listas organizadas por género, franquicia, personaje o estado de ánimo.

Una vez finalizada una pieza audiovisual, el sistema reproduce automáticamente la siguiente; incluso, algunas listas incorporan una opción de reproducción aleatoria que varía la dinámica habitual de consumo.

El catálogo de recopilaciones abarca una oferta diversa. Incluye selecciones por géneros —como acción, aventura o comedias románticas— y por estudios o productoras, entre los que destacan Pixar y Dreamworks. Asimismo, se integran listas dedicadas a personajes y franquicias populares como Mickey y sus amigos, Bluey, Modern Family, Family Guy, además de categorías de terror y comedia en vivo.

A pesar de añadir este flujo continuo de contenido, la actualización no restringe el control del usuario sobre la plataforma. Las funciones tradicionales de navegación se mantienen intactas, por lo que es posible pausar, retroceder, avanzar o saltar títulos en cualquier momento.

El dato no es reciente. Disney lo anunció en 1989, el mismo año del lanzamiento del filme, pero durante casi tres décadas quedó sepultado bajo el uso cotidiano del apodo. Ni siquiera los créditos de la película reforzaron el detalle: el actor Samuel E. Wright, quien prestó su voz al personaje, aparecía acreditado simplemente como la voz de “Sebastian”, sin apellido ni mayor elaboración, según consta en los registros de IMDb.

Una compañía que reveló un dato y luego lo dejó en el olvido

La situación describe una paradoja propia de la industria del entretenimiento: una compañía que anunció públicamente el nombre completo de uno de sus personajes más queridos y, al mismo tiempo, lo omitió en los materiales oficiales de esa misma producción. El resultado fue que el público asimiló el apodo como si fuera el nombre propio del personaje, y así se mantuvo durante generaciones.

Recién en 2016, con motivo de la convención D23, Disney decidió recuperar ese nombre en toda su extensión, al publicar una lista de personajes con datos oficiales poco conocidos por el público general.

La compañía acompañó el recordatorio con una nota irónica: “El mordaz compañero de La Sirenita de 1989 debe odiar rellenar cualquier tipo de papeleo oficial; ¡no es de extrañar que sea tan quisquilloso!”, según el material difundido por la propia empresa y recogido después por sitios especializados en cine.

La serie de 1992 construyó el pasado caribeño del personaje

Más allá del nombre, la identidad del cangrejo se enriqueció gracias a la serie animada de televisión de La Sirenita, estrenada en 1992 como precuela de la película original. En esa producción se estableció que el personaje provenía de una familia jamaicana numerosa y que había completado su formación en una academia de música en Trinidad antes de integrarse a la corte del rey Tritón como director musical y consejero.

Ese trasfondo llegó, sin embargo, después de que la forma de hablar del personaje ya hubiera quedado definida en la película original. Según documentó Wikipedia a partir de material de producción, Wright no lograba reproducir un acento jamaicano durante las audiciones y terminó interpretándolo con una cadencia trinitense, que el letrista Howard Ashman decidió conservar por su sonoridad. La serie de 1992 no explicó esa elección: construyó, tres años más tarde, una historia de origen compatible con ella.

Sebastián tuvo un cameo silencioso en Aladdin ese mismo año

La fama del personaje trascendió el universo de La Sirenita incluso antes de que se difundiera su nombre completo. En 1992, el mismo año del estreno de la serie animada, Sebastián realizó una aparición especial en Aladdin.

En la escena en la que el Genio busca en su libro de “Recetas Reales” una fórmula para convertir a Aladdin en príncipe, se detiene en una entrada de cangrejo real de Alaska, de la que emerge Sebastián, sujeto a su dedo, mientras suena un breve fragmento de “Under the Sea”. El cameo es visual y no incluye diálogo ni mención de su nombre.

En la nueva versión de imagen real, el nombre completo sigue sin usarse

Aunque Disney rescató oficialmente el nombre largo del personaje en 2016, ninguna producción posterior lo mantuvo de forma recurrente. En La Sirenita de 2023, la adaptación de imagen real dirigida por Rob Marshall, el cangrejo fue interpretado por el actor Daveed Diggs, quien le puso voz en la versión animada por computadora del personaje.

Pese a la actualización visual y técnica, los realizadores optaron por mantener la representación clásica del personaje bajo el nombre de Sebastián, sin incorporar referencias a su identidad oficial completa ni presentar variaciones respecto de cómo el público lo conoció desde 1989.

La actriz y cantante Dove Cameron —cuyo nombre de nacimiento es Chloe Celeste Hosterman— protagonizó junto a su prometido, el músico Damiano David, la portada de la revista Vogue para la edición internacional de octubre de 2026.

En la entrevista, la artista compartió detalles inéditos sobre la preparación de su esperado álbum debut, explicó la decisión de dejar de componer pensando en agradar al público e hizo un balance de su vida personal, preservando la intimidad de su vínculo afectivo lejos de la sobreexposición mediática.

El giro que marcó la carrera de Cameron no fue un contrato ni un premio: fue una pregunta que se hizo a sí misma. “Hubo un momento en que me asusté mucho por lo que decían los demás. Empecé a pensar menos en ‘¿qué quiero decir?’ y más en ‘¿le gustará a la gente?’”, reconoció ante Vogue.

La respuesta llegó cuando sustituyó esa pregunta por otra: “¿Qué escribiría si nadie fuera a escuchar esta canción nunca?”. El resultado es su nuevo álbum, que presentará este otoño y describe como “la música más personal que hice”, un trabajo “instintivo y emocionalmente sincero”.

El proceso de escritura fue, en parte, una recuperación de sus propias referencias. La colección de canciones, que la propia artista equipara a páginas de un diario, bebe de la música con la que creció. Su sencillo “When in Rome”, lanzado el 9 de septiembre, anticipó el álbum.

De “Liv and Maddie” a la música propia

La trayectoria de Cameron parte de la pantalla chica y los grandes estudios de animación. Se hizo conocida con la serie Liv y Maddie y la saga Descendientes de Disney, antes de emprender un camino musical que la alejó progresivamente de ese molde.

El sencillo “Boyfriend” superó los 1.000 millones de reproducciones en plataformas de streaming y obtuvo la certificación de platino. Con más de 64 millones de seguidores en distintas plataformas, también firmó en 2022 “Breakfast”, su primera canción abiertamente política, en respuesta a la anulación del fallo Roe v. Wade en Estados Unidos.

Nuevos proyectos y una historia familiar marcada por distintos mundos

El cine tampoco quedó al margen de esta etapa. Cameron acaba de completar el rodaje de Hot Year, una película independiente dirigida por Roxy Sorkin a la que decidió sumarse, según contó, “porque no podía dejar de pensar en el guion”. Durante ese mismo período, también fue elegida como imagen de una nueva fragancia femenina bajo la dirección creativa de Glenn Martens.

La historia de Cameron tiene raíces en una niñez atravesada por distintas culturas: pasó largas temporadas en India debido al trabajo de sus padres. Su madre es escritora y poeta, mientras que su padre, Philip Hosterman, ya fallecido, fue diseñador de joyas y pianista de formación clásica.

Un cine de barrio como refugio

Esa movilidad temprana la marcó. “Siempre me sentí cómoda sumergiéndome en una cultura diferente. Lo considero uno de los privilegios más emocionantes e interesantes que podría tener: entrar en mundos que no me son familiares y sentirme bienvenida”, declaró a Vogue.

Y agregó, con una lógica que aplica también a su carrera: “Si algo me asusta, suele ser la primera señal de que probablemente debería hacerlo”.

Lejos del perfil que podría esperarse de alguien con su visibilidad, el espacio donde Cameron dice encontrar alivio es un cine de barrio en Burbank, cerca del colegio secundario al que asistió cuando se mudó a Los Ángeles a los 14 años. “Cada vez que me siento abrumada, quiero desaparecer ahí adentro. Agarro una cantidad absurda de pochoclo y caramelos y me escondo en otro mundo por unas horas. El cine es una terapia para mí”, contó en la entrevista.

Esa misma capacidad de encontrar refugio en lo cotidiano define también la relación que construyó junto a David. La pareja confirmó su vínculo en 2024 y anunció el compromiso a comienzos de 2026. La propuesta no ocurrió en ningún escenario espectacular: fue en casa, con Cameron en camiseta oversize y el cabello húmedo.

Antes de pedirle matrimonio, David le explicó que sus vidas ya estaban llenas de momentos extraordinarios, y que el amor había tomado para ellos otro significado: hacer mandados juntos, cocinar, envejecer.

“En internet la gente solo ve los momentos importantes. Acabo de estar en Malta recibiendo un premio y, claro, esas fotos siguen circulando. Pero entre medio hubo dos meses en los que nos dedicamos a hacer las compras, cocinar y entender cómo funcionaba nuestro nuevo extractor”, dijo Cameron a Vogue.

La vida entre Roma y Los Ángeles

Pese a compartir una vida entre Roma y Los Ángeles, cada uno preserva su propio territorio artístico. No trabajan juntos en el estudio, aunque el intercambio entre ellos es constante. “No colaboramos de verdad. Solo queremos crear el uno al lado del otro”, explicó Cameron. David coincidió y lo sintetizó: “Somos amigos, profundamente”.

Matalas fue consultado durante una visita al rodaje realizada por ScreenRant en Pinewood Studios, Reino Unido, en mayo de 2025. Ante la pregunta sobre el uso de inteligencia artificial generativa, respondió: “No, en absoluto. No ha habido necesidad”. El responsable de la serie explicó que los diseños del proyecto toman referencias de la forma en que las herramientas de IA procesan información. Según indicó, esa decisión permitió que la ficción comentara el debate actual sobre estas tecnologías. Will Hughes-Jones, diseñador de producción de VisionQuest, reiteró que la inteligencia artificial no intervino en la realización de la serie. El equipo recurrió al trabajo manual para representar una versión visual de los resultados defectuosos que ofrecían algunos programas de IA en 2025.

Una de las principales locaciones de la producción es el llamado Mundo Mental, una casa dentro de la mente de Vision. Allí, los elementos del mobiliario presentan errores deliberados: barandillas que no alcanzan el final de las escaleras, sillas incrustadas a medias en las paredes y adornos repetidos en distintas habitaciones. Hughes-Jones explicó que esos recursos reflejan una idea expuesta en la serie: la inteligencia artificial reutiliza palabras e imágenes creadas por personas. Por esa razón, el set repite girasoles, naranjas y limones en cuadros, muebles y otros objetos de la casa.

La producción construyó dos grandes sets para la serie. El primero recrea dos calles de Madripoor, la ciudad ficticia del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) asociada con el crimen y los mercados clandestinos. Según el reporte de ScreenRant, las calles de Madripoor fueron llenadas con puestos, carros, escaparates y objetos de utilería. Uno de los edificios se llama Princess Bar, una referencia a una locación de los cómics de Marvel. El segundo escenario, el Mundo Mental, concentra una parte de la historia de Vision. La vivienda cambia de apariencia según el estado emocional del personaje interpretado por Paul Bettany. Una pared de licra permite que integrantes del equipo introduzcan sus manos desde atrás para simular que intentan atrapar a Vision cuando siente estrés. La cocina, a su vez, tiene un horno con opciones de cara feliz y cara triste.

Así será ‘VisionQuest’

También hay marcos de puertas que se deforman, rejas que cubren los accesos y un ascensor con luces intermitentes. Fuera de las ventanas, el equipo construyó un fondo parecido a la pantalla de espera de Windows XP, cuyos colores varían de acuerdo con el ánimo de Vision. La casa incluye referencias al personaje y a la tecnología. Hay motivos de la Gema de la Mente en cojines, pinturas y paredes. El refrigerador de Vision contiene envases de leche con símbolos de wifi y niveles de batería, mientras que los armarios guardan productos ficticios como Visto gravy, Ram y salsa picante Firewall.

La trama de VisionQuest continuará el recorrido de Vision tras WandaVision. Matalas señaló que el personaje perdió a Wanda Maximoff y quedó separado de los hijos que ella creó durante la historia previa. La serie lo sitúa en una búsqueda de identidad y de vínculos familiares. La llegada de Tommy Shepherd, personaje interpretado por Rauridh Mollica y asociado con Tommy Maximoff, será parte de ese conflicto. Dentro del Mundo Mental, Vision convivirá con versiones humanas de las inteligencias artificiales creadas o utilizadas por Tony Stark. Matalas describió a estos personajes como presencias que ayudan al protagonista a comprender distintas facetas de la humanidad.

VisionQuest será la tercera producción de una trilogía iniciada con WandaVision y continuada con Agatha All Along. Christopher Byrne, director del primer episodio, definió la nueva serie como “la segunda rama” de la historia iniciada por WandaVision. Matalas dijo que la ficción retoma la búsqueda personal de Vision después de los hechos de aquella serie. El personaje también conoce el destino de Wanda Maximoff, cuya muerte fue planteada en Doctor Strange en el multiverso de la locura, estrenada en 2022. Agatha All Along mostró que el alma de Billy Maximoff ocupó el cuerpo de William Kaplan. En VisionQuest, la historia abordará el recorrido de Tommy, el otro hijo de Wanda y Vision. Mollica evitó confirmar si Tommy desarrollará la velocidad que el personaje posee en los cómics. “Es un misterio que no me siento cómodo respondiendo”, declaró el actor. La serie tendrá ocho episodios y comenzará a estrenarse en Disney+ en octubre de 2026.

Durante una entrevista en Mythical Kitchen’s Last Meals, Debby Ryan, conocida por sus trabajos en Disney Channel, contó que sufrió una lesión cerebral que calificó como un episodio que modificó su vida.

“Hace unos años sufrí una lesión cerebral bastante grave que me cambió la vida, y estuve incapacitada durante unos seis meses. Fui a rehabilitación neurológica durante otros seis meses”, reveló.

La actriz explicó que el episodio ocurrió después de varios años de convivir con migrañas intensas. Según su relato, la lesión cerebral incluyó un período de temblores sostenidos durante más de un minuto y marcó un cambio significativo en su vida cotidiana.

La artista describió su experiencia haciendo una distinción entre lo que denominó la “Debby anterior al incidente” y la “Debby posterior al incidente”.

Tras la lesión, la celebridad permaneció fuera de actividad durante cerca de medio año y realizó un proceso de rehabilitación neurológica durante aproximadamente el mismo período.

De acuerdo con sus declaraciones, algunos de los síntomas continuaron empeorando hasta que probó un “tratamiento de ciencia alternativa” para ayudarla a “recuperarse, pero hay algunas cosas que simplemente no volvieron”.

También explicó que su experiencia con las migrañas se remontaba a años antes de la lesión y que los síntomas se habían convertido en una parte importante de su vida.

Debby Ryan se definió como una “guerrera de la migraña” y describió algunas de las dificultades que enfrenta. Entre ellas mencionó una mayor sensibilidad a la luz y al sonido, así como problemas relacionados con la cantidad de información visual que recibe.

Según explicó, en determinados momentos puede ver y pensar con mayor facilidad cuando mantiene los ojos cerrados, debido a que los estímulos visuales pueden resultar difíciles de procesar.

“Muchas veces el mundo es muy ruidoso y demasiado brillante. Pasan muchas cosas a la vez. Después de la quinta conmoción cerebral, la lesión cerebral empeoró considerablemente las cosas”, dijo.

En su relato, señaló que las migrañas se intensificaron después de ese episodio y que la exposición simultánea a distintos estímulos podía resultar especialmente complicada.

“La información visual que recibo puede ser muy molesta y estridente. Eso empeoró significativamente mis migrañas. Si hay algo que puede hacer que las cosas sean realmente únicas, me gusta”, contó.

Asimismo, Debby Ryan explicó que contó con el acompañamiento de un grupo de personas cercano que la ayudó a mantener una conexión con su identidad previa al episodio y que, al mismo tiempo, estuvo presente mientras afrontaba los cambios que podían convertirse en permanentes.

Cabe recordar que la actriz alcanzó notoriedad durante su etapa en Disney Channel. En 2008 comenzó a interpretar a Bailey Pickett en Zack y Cody: Gemelos a bordo, serie protagonizada por Dylan y Cole Sprouse. El programa amplió su reconocimiento entre el público juvenil de la cadena.

Tres años después, Ryan pasó a encabezar su propia producción, Jessie, en la que interpretó a una joven que se trasladaba a Nueva York para trabajar como niñera de una familia.

La serie contó también con Peyton List y Cameron Boyce y permaneció al aire durante cuatro temporadas, entre 2011 y 2015, con un total de 98 episodios.

La trayectoria de Debby Ryan continuó posteriormente con trabajos en cine y televisión, mientras que en los últimos años también participó en proyectos vinculados con la música y otros ámbitos del entretenimiento.

Wanda Nara atraviesa una etapa marcada por nuevos proyectos y desafíos laborales. Mientras se prepara para volver a la pantalla de Telefe como conductora de MasterChef Celebrity, la empresaria también avanza con propuestas vinculadas con su marca y con una producción internacional que seguirá distintos aspectos de su vida. En medio de esa agenda, decidió detenerse por un momento y compartir con sus seguidores una faceta que hasta ahora no había desarrollado profesionalmente.

La conductora publicó una foto en sus historias de Instagram y acompañó la imagen con una breve frase. “Mi profesión frustrada”, escribió junto a un emoji de avión. En la postal, Wanda apareció con un conjunto de azafata y el cabello completamente alisado hacia atrás, en una caracterización que rápidamente llamó la atención de sus seguidores.

Cabe mencionar que la imagen formaba parte de una pieza audiovisual que había realizado junto al jurado del reality culinario para anunciar la fecha de estreno de la nueva temporada. El sketch se tituló MasterChef: El Despegue y presentó a Wanda y a los integrantes del jurado como parte de la tripulación de un vuelo. A lo largo del video, los famosos que participarán de la competencia fueron apareciendo como pasajeros que se preparaban para iniciar el viaje. La puesta incluyó uniformes, referencias a la tripulación y distintos elementos vinculados con un vuelo comercial, en una presentación que permitió anticipar parte de la nueva edición del programa.

“Bienvenidos, Telefe anuncia el despegue del vuelo MasterChef 2026”, expresó Wanda Nara al comienzo del corto, mientras lucía el conjunto de azafata. Los integrantes del jurado también formaron parte de la escena y aparecieron caracterizados como pasajeros de ese vuelo. El video avanzó con la presentación de los concursantes que buscarán imponerse en el certamen culinario y cerró con una frase que funcionó como invitación para el público: “Ajustate el delantal, que los participantes ya están llegando”.

La pieza confirmó que MasterChef Celebrity comenzará el lunes 28 de septiembre a las 22:15 por Telefe. La nueva temporada contará con Damián Betular, Germán Martitegui y Maru Botana como responsables de evaluar los platos de las figuras que participarán de la competencia. En esta oportunidad, Botana ocupará el lugar que dejó Donato de Santis, quien había comunicado al final de la temporada anterior que no continuaría en el programa.

La edición anterior terminó con la consagración de Ian Lucas, quien se impuso en la definición y se convirtió en el ganador del certamen. Con la llegada de una nueva temporada y una nueva composición del jurado, Wanda compartió además una fotografía junto a Betular, Martitegui y Botana. “La tripulación de mis sueños”, escribió sobre la imagen, en continuidad con la temática elegida para anunciar el regreso del ciclo.

Sin embargo, MasterChef Celebrity no es el único proyecto que mantiene ocupada a Nara. El martes pasado se conoció que la conductora tendrá su propio docu-reality en Disney+, una producción de seis episodios que recorrerá diferentes aspectos de su vida personal y profesional. El proyecto tendrá grabaciones en la Argentina, Italia y Uruguay, aunque la plataforma todavía no informó la fecha de estreno ni el nombre definitivo de la serie.

Disney+ presentó la propuesta mediante un adelanto protagonizado por Wanda. En el video, la empresaria aparece frente a un contrato y se dispone a firmarlo con una lapicera. Cuando comprueba que el elemento no funciona, abre su cartera, busca otra opción y finalmente saca un labial rojo. Con ese producto, deja su nombre junto a un corazón sobre el documento. La escena finaliza con una placa que anuncia: “Lo querías. Lo tenés. Muy pronto, el reality de Wanda”.

El mensaje de la plataforma funcionó como un guiño directo a una de las frases de “Bad bitch”, una de las canciones de Wanda, en la que canta: “Lo veo y lo quiero, lo quiero y lo tengo”. De esa manera, el adelanto combinó una situación vinculada con la firma del contrato, un elemento asociado con la imagen pública de la empresaria y una referencia a su faceta musical.

Según la presentación oficial, la serie repasará la trayectoria pública de Wanda desde sus primeros pasos hasta la actualidad. El programa seguirá sus movimientos profesionales y algunos momentos de su vida cotidiana, con una mirada que combinará su exposición en los medios, sus proyectos empresariales y su recorrido familiar. Por ahora, la plataforma no confirmó cuándo comenzará la emisión ni cuál será el título definitivo de la producción.

Entre la conducción de MasterChef Celebrity, el lanzamiento de una nueva temporada del reality y el próximo rodaje de su docu-reality, Nara continúa sumando proyectos a su agenda. Mientras se prepara para ponerse al frente del “vuelo MasterChef 2026”, también dejó en claro que hubo una profesión que quedó pendiente: la de azafata. La empresaria aprovechó la caracterización del sketch para compartir esa confesión con sus seguidores y convertir una presentación televisiva en una referencia a uno de sus deseos laborales que no llegó a concretarse.

Las declaraciones, extraídas del pódcast ‘Vida y Milagros’, se volvieron a difundir en distintas plataformas este 2026 y generaron reacciones encontradas entre los usuarios, que oscilaron entre las críticas por considerar el comentario desconectado de la realidad económica del país y las defensas hacia la actriz por hablar desde su propia experiencia.

El comentario sobre Disney que detonó la ola de comentarios

Marisol Aguirre, actriz, expareja de Christian Meier y mamá de sus tres hijos: Stefano, Taira y Gia Meier, relató en la entrevista original que su infancia transcurrió sin lujos materiales, pese a la estabilidad económica de su hogar. “Yo provengo de una familia súper sencilla, de clase media, nunca hemos tenido lujos más allá de lo que se necesitara para estar bien”, señaló la actriz durante la conversación con Leiva.

El pasaje que generó mayor repercusión fue aquel en el que la actriz comparó su experiencia con la de su círculo social cercano al describir la edad en la que conoció el parque temático de Disney. “Yo viajé a Disney la primera vez a los 19 años, todos mis amigos se iban desde los 5 años. Mi vida siempre ha sido normal, como la de cualquier otra persona”, afirmó Aguirre en el mismo pódcast.

La comparación entre su propia experiencia y la de su entorno inmediato fue el detonante de las críticas en redes sociales, donde numerosos usuarios cuestionaron que un viaje a Disney a los 19 años se presentara como un ejemplo de carencias económicas.

Las reacciones en redes y la burla de un programa de streaming

El video generó cientos de comentarios en plataformas como TikTok, donde usuarios ironizaron sobre la definición de “lujo” empleada por la actriz. “¿Cuál es el problema? Habla desde su experiencia por el círculo de amistades que frecuentaba”, escribió un usuario en defensa de Aguirre.

En contraste, otros comentarios apuntaron directamente a la distancia entre el relato de la actriz y la realidad de buena parte de la población. “Yo compré mi primer batimix a los 25 años”, ironizó otro usuario, mientras que otros señalaron frases como “yo ni voy a Disney” o “hasta ahora no conozco”.

El extracto también fue comentado en el programa de streaming ‘Habla Good’, donde los conductores reaccionaron con sorpresa ante la definición de “vida normal” utilizada por la actriz. El conductor ‘El Pelao’ consultó de inmediato a su compañero: “¡Curwen! Pregunta: ¿a qué edad fuiste tú a Disney, Curwen?”, consulta que el aludido respondió entre risas: “¡Oye, yo no he ido a Disney, huevón!”. Otro de los presentadores, Furrey, se sumó al comentario con una respuesta similar: “¡Escúchame, ni siquiera yo he ido a Disney!”.

La actriz también habló sobre su llegada a la fama

En la misma entrevista, Marisol Aguirre se refirió al proceso que la llevó a convertirse en una figura reconocida de la televisión peruana y remarcó que su objetivo nunca fue alcanzar notoriedad pública, sino desarrollarse profesionalmente como actriz. “Como yo me propuse ser actriz, estudié y no porque yo quería ser famosa. La fama llegó de la noche a la mañana, pero me preparé. Las cosas y los éxitos llegaron más rápido de lo que pensé, pero trabajé para eso”, sostuvo la actriz.

Las declaraciones sobre su infancia y su llegada a la actuación forman parte de una conversación más amplia sostenida en el pódcast ‘Vida y Milagros’, en la que Marisol Aguirre también abordó otros aspectos de su vida personal y profesional, entre ellos su etapa sentimental. El fragmento sobre su experiencia económica en la niñez, sin embargo, fue el que concentró la mayor atención tras su reciente viralización, cuatro años después de haber sido emitido originalmente.

El video difundido por la plataforma de streaming comienza con la conductora y empresaria frente a un contrato. Wanda intenta firmarlo con una lapicera, pero al comprobar que no funciona, abre su cartera, saca un labial rojo y deja su nombre junto a un corazón. La promo concluye con una placa que anuncia: “Lo querías. Lo tenés. Muy pronto, el reality de Wanda”, un guiño directo a su hit “Bad bitch” donde canta “lo veo y lo quiero, lo quiero y lo tengo”.

El nuevo docu-reality será producido por Komodo Studio y recorrerá los distintos ámbitos de la vida de la animadora. La propuesta se centrará en su rol como madre, personalidad mediática y mujer de negocios, además de sus vínculos y sus actividades laborales. El rodaje tendrá lugar durante los próximos meses en Argentina, Italia y Uruguay. Según la presentación oficial, la serie incluirá escenas de su entorno más cercano y repasará su trayectoria pública desde sus primeros pasos hasta la actualidad.

La conductora había mencionado previamente que existía interés de diversas plataformas por registrar su rutina frente a cámara. Con este anuncio, ese proyecto quedó formalmente confirmado y, como todo lo que rodea a la influencer, dará que hablar.

El proyecto de Wanda remite a un modelo consolidado por Kim Kardashian y la familia Kardashian-Jenner, que convirtió su intimidad, sus emprendimientos y sus vínculos en materia de reality televisivo. Aunque no hay confirmación de una inspiración directa, la nueva producción comparte con The Kardashians la exposición de una figura pública que combina vida familiar, negocios y presencia mediática. A diferencia de la franquicia estadounidense, el ciclo argentino estará centrado en una sola protagonista y tendrá, por ahora, seis episodios confirmados.

El antecedente más visible es Keeping Up With the Kardashians, que se estrenó en 2007 por E! y acompañó durante 20 temporadas a la influencer estadounidense, sus hermanas y el resto de la familia Kardashian-Jenner. El programa convirtió asuntos familiares, relaciones, maternidades y proyectos comerciales en tramas recurrentes, hasta su final en 2021. La familia retomó ese modelo en 2022 con The Kardashians, una producción de Hulu que se distribuye en distintos mercados a través de la misma plataforma que el de Wanda. La nueva etapa conserva el acceso a la vida cotidiana del clan, pero suma el crecimiento de sus compañías y el impacto de su fama global, con Kim Kardashian, Kourtney, Khloé, Kendall, Kylie y Kris Jenner como protagonistas.

En paralelo, Wanda Nara volverá a estar al frente de MasterChef Celebrity, el reality show de cocina de Telefe que prepara una nueva edición. El canal ya confirmó a las figuras que competirán y anticipó la llegada del programa con la frase “muy pronto”, pero aún no comunicó oficialmente el día de estreno.

El jurado conservará a Damián Betular y Germán Martitegui, mientras que Maru Botana se incorporará en reemplazo de Donato de Santis. Entre los nombres anunciados aparecen figuras que generan grandes expectativas como Elizabeth “La Negra” Vernaci, Alejandro Lerner, Morena Beltrán, Grego Rosello, Karina Mazzocco, Edith Hermida, Luck Ra, Pachu Peña, Juli Poggio, Campi, Sebastián Presta, Rocío Robles, Paula Trápani, Luciana Geuna, Diego Ramos, Lizy Tagliani, Marta Fort, La China Ansa, Julieta Nair Calvo, Hernán Coronel de Mala Fama, Pablo Migliore, Pablo Giralt y en el lugar que dejó vacante L-Gante, el último en ingresar es Mike Amigorena.

Una comedia sobre cinco amigos que comparten casa en Queens prepara su llegada a Disney+ en España tras lograr un 40% más de audiencia en streaming con su segunda temporada. Los nuevos episodios estarán disponibles desde el 30 de septiembre y se estrenarán completos. La serie es Adults, una producción de FX creada por Ben Kronengold y Rebecca Shaw. La ficción se centra en Billie, Anton, Issa, Paul Baker y Samir, un grupo de amigos que convive en Nueva York mientras afronta conflictos personales y las exigencias de la vida adulta.

Algunos medios han comparado la premisa con la de Friends y Cómo conocí a vuestra madre: varias amistades, una ciudad como escenario y la convivencia como punto de partida para las historias. La producción de FX no se presenta como continuación ni adaptación de esas series. La segunda temporada llegará en exclusiva a Disney+ en España con sus ocho capítulos disponibles el día de su lanzamiento. La primera entrega y el episodio precuela “Marathon Day” ya forman parte del catálogo de la plataforma.

La nueva tanda de episodios se estrenó el 27 de agosto. En los 12 días posteriores a su lanzamiento en plataformas, el visionado en streaming subió 40% frente al mismo período de disponibilidad de la primera temporada, según datos internos de Disney citados por The Hollywood Reporter. La comparación toma como referencia los primeros 12 días de la primera entrega, que se emitió entre mayo y junio de 2025. Disney no difundió las cifras absolutas de audiencia de ninguna de las dos temporadas.

Reescribiendo los orígenes

El aumento se concentró en parte fuera de Estados Unidos. En los mercados internacionales donde la serie se distribuye a través de Disney+, el público duplicó el registrado por la primera temporada, de acuerdo con los datos de la compañía. En Estados Unidos, las dos temporadas llegaron completas a Hulu. La primera también se emitió en FX con dos episodios semanales, mientras que la segunda tuvo su difusión lineal en FXX. La evolución de la audiencia adquiere peso porque la primera temporada partió de una base reducida. FX y los creadores de la comedia reconocieron que el debut no había reunido a un público amplio.

Antes del estreno de la segunda temporada, FX lanzó “Marathon Day”, un capítulo precuela publicado el 31 de julio. El episodio elevó el consumo de la primera temporada durante las cuatro semanas previas a la llegada de los nuevos capítulos. La historia ofrece antecedentes sobre el vínculo entre los protagonistas. La primera temporada había presentado al grupo cuando la amistad ya estaba consolidada y todos compartían la vivienda de Queens. Kronengold contó a The Hollywood Reporter que FX les consultó cómo recibir de nuevo al público y les pidió una idea fuera de lo habitual. Los creadores respondieron con un relato sobre el origen de los personajes.

“Puesto que empezamos la serie dejando a la gente en medio de este grupo de amigos, pensamos que debíamos hacer una historia de origen”, afirmó Kronengold. El creador añadió que el episodio podía atraer a quienes no vieron la serie cuando se estrenó en 2025. El reparto está formado por Malik Elassal, Lucy Freyer, Jack Innanen, Amita Rao y Owen Thiele. Freyer interpreta a Billie; Thiele encarna a Anton; Rao da vida a Issa; Innanen interpreta a Paul Baker, y Elassal asume el papel de Samir. Adults procede de FX Productions. Kronengold y Shaw son los responsables de la serie y figuran como productores ejecutivos. El equipo de producción ejecutiva también incluye a Nick Kroll, Sarah Naftalis, Jonathan Krisel, Alicia Van Couvering y Rob Rosell. La segunda temporada se distribuye en Disney+ fuera de Estados Unidos. En España, sus ocho episodios estarán disponibles a partir del 30 de septiembre.

El punto de partida de la historia se vincula de manera directa con los acontecimientos que transformaron al personaje al final de la aclamada miniserie WandaVision. En aquel desenlace, la agencia gubernamental conocida como S.W.O.R.D. logró rearmar el cuerpo físico del androide, dando origen a una versión albina desprovista de emociones, recuerdos afectivos y calidez humana.

Aquella entidad, diseñada inicialmente como un arma de combate, logró recuperar el acceso a sus archivos de memoria antes de desaparecer con rumbo desconocido. Al iniciarse el nuevo relato, este individuo intenta llevar una existencia sobria e inadvertida en medio de la sociedad humana, pero la aparente tranquilidad se desmorona por completo cuando una alta recompensa económica puesta sobre su cabeza lo transforma en un objetivo internacional y lo obliga a salir de las sombras.

“Todo eso se va al infierno cuando ponen precio a su cabeza”, reconoció el actor en una entrevista con Entertainment Weekly al describir el quiebre inicial que desencadena la persecución.

La concepción narrativa del proyecto surgió de un extenso intercambio creativo entre el intérprete británico y el nuevo productor ejecutivo de la serie, Terry Matalas, reconocido en la industria por su trabajo al frente de la última temporada de Star Trek: Picard.

En declaraciones brindadas a la revista estadounidense Entertainment Weekly, Bettany explicó que en esa etapa de planificación definieron la columna vertebral de la trama a partir de lo que sintetizó como “un trauma digital intergeneracional”, una premisa que indaga en el peso psicológico de cargar con los recuerdos de toda una estirpe de seres artificiales, desde sus orígenes hasta su descendencia.

Dentro de esa particular estructura familiar, el regreso de James Spader para interpretar nuevamente a Ultrón marca uno de los hitos dramáticos más relevantes de la producción. Ausente de las pantallas desde la segunda entrega de los Vengadores en 2015, el temible villano robótico ya no reaparece como una amenaza física externa, sino como un programa de inteligencia artificial enquistado en los rincones más oscuros de la mente del protagonista.

“En el momento en que me dijo: ‘¿Qué te parece traer de vuelta a James Spader?’, respondí: ‘¡Dios, qué gran idea!’”, recordó el actor sobre las primeras reuniones con Matalas. La presencia de este personaje funciona como un catalizador destructivo y fascinante: “Es como este psicópata al que mantiene encerrado arriba, en el ático”, detalló Bettany a Entertainment Weekly, comparando el rol de su antiguo verdugo con el de un “psicoterapeuta psicótico”.

Esta dinámica ambivalente completa una genealogía robótica donde Ultrón representa la figura del abuelo, Visión la del padre y el joven Tommy Maximoff, interpretado por Ruaridh Mollica, la del hijo que busca su propio lugar en el mundo.

Para plasmar de manera visual esta introspección tecnológica, el equipo concibió una representación simbólica del fuero interno del personaje. La mente de Visión toma la forma de una mansión inmensa cuyos espacios y ambientes pueden ser modificados y reconfigurados según la voluntad del androide.

En los pasillos y salas de este recinto virtual habitan diversos programas informáticos del pasado, encarnados por actores como James D’Arcy y Orla Brady, que lo asisten en la tarea de “analizar los datos de estar vivo”, según explicó el protagonista al citado medio.

Más que reiterar la clásica fórmula del pinocho sintético que anhela convertirse en un ser humano de carne y hueso, la narrativa se adentra en dilemas de mayor calado existencial. La serie toma como referencia la tradición literaria de Mary Shelley en Frankenstein para formular preguntas universales sobre la responsabilidad del creador, la naturaleza de la conciencia y la libertad de elección frente a un destino programado.

En su entrevista con la publicación especializada, el actor subrayó que el eje de la trama no busca replicar el arco del héroe que descubre sus emociones, sino responder a interrogantes mucho más urgentes: “¿Quién soy? ¿Quién me hizo? ¿Para qué existo? ¿Cuál es mi propósito?”.

La etapa de preproducción también estuvo marcada por cambios significativos en la conducción del equipo. El proyecto estuvo diseñado originalmente bajo la visión de Jac Schaeffer, creadora de WandaVision y de Agatha en todas partes, quien había concebido estos tres títulos como una trilogía temática interconectada. Si bien su salida por motivos personales tomó por sorpresa al elenco principal, la rápida incorporación de Matalas permitió mantener la coherencia narrativa y reorientar el relato.

“Sentí que me quitaban el suelo de debajo de los pies”, admitió Bettany ante Entertainment Weekly al recordar el momento del relevo directivo, aunque destacó que la llegada del nuevo responsable derivó en una colaboración sumamente estimulante.

El trayecto de VisionQuest dejará al androide en una posición radicalmente distinta a la que ocupaba en sus orígenes dentro de la franquicia. Según anticipó el actor al medio estadounidense, la historia “crea un trampolín hacia donde Visión podría ir” y se percibe como el inicio formal para “un nuevo tipo de Visión”. Esta entrega no solo busca cerrar las heridas abiertas tras la pérdida de su familia en el pequeño pueblo de Westview, sino que establece un punto de partida inédito para la evolución de un personaje que intenta adueñarse de su propia historia.

La noticia se conoció a través de las redes sociales de la influencer, donde compartió fotografías del momento junto a un mensaje cargado de emoción y humor. “Sí, quiero”, escribió Mar junto a las imágenes que publicó en sus redes sociales. Con su habitual sentido del humor, aclaró además: “Y les juro, chicas, que yo no lo obligué”.

La influencer contó que la propuesta la tomó completamente por sorpresa. “Yo pensé que estas cosas nunca me iban a pasar en la vida”, expresó, sin poder ocultar su felicidad por el compromiso que decidió poner a la vista de todos.

Como es habitual en el mágico mundo de Disney, uno de los miembros de la pareja elige algún ícono reconocible para realizar la ofrenda matrimonial. En este caso, el sitio elegido fue el castillo de Cenicienta, uno de los más reconocibles del Magic Kingdom.

Tarrés también dejó en claro la emoción que le provocó la sorpresa: “¡Estoy que shoroooo!”, escribió, en referencia al llanto de felicidad que le generó el momento. “Encima en el lugar más feliz del mundo con la persona que más feliz me hace”, escribió Tarrés junto a varios emojis de corazones y besos, en referencia al eslogan histórico del parque.

Las fotografías que documentan el instante muestran a la pareja bajo la lluvia, con ponchos plásticos de colores (ella con uno bicolor en celeste y magenta), de pie frente a la estatua de Walt Disney tomado de la mano de Mickey Mouse, con las torres azules y doradas del castillo como telón de fondo.

En una de las imágenes, Pablo aparece arrodillado, sosteniendo la cajita con el anillo mientras Mar lo toma de la mano con una sonrisa. En otra toma, ya con el anillo puesto, ambos se funden en un beso frente al mismo castillo, esta vez con el cielo despejado y las luces del atardecer.

La influencer le dedicó unas palabras a su pareja al cierre de su publicación: “¡Te amo, gordito hermoso, sos el papá perruno más bueno del mundo!”.

La escena de la propuesta, registrada en fotografías que luego la influencer decidió compartir con sus seguidores, muestra a Pablo con una remera oscura y pulseras de colores en la muñeca, arrodillado ante Mar en medio de la lluvia del parque.

Una de las imágenes posteriores a la propuesta capta a la pareja dentro de una tienda temática, sonrientes; ella con una diadema de orejas verdes con detalles de flores y él con una gorra naranja con el diseño del personaje Pluto, ambos bajo dos estatuas doradas de Mickey y Minnie Mouse vestidos con estampado floral, en referencia al recorrido posterior que la pareja realizó por el parque tras el pedido de mano.

Mar confirmó de esta manera su compromiso y compartió con sus seguidores uno de los momentos más importantes de su vida en pareja. La publicación de Tarrés fue celebrada por sus seguidores con una catarata de mensajes de felicitación. La influencer, conocida por su activismo en torno a la diversidad corporal y su presencia constante en redes, convierte así su vida personal en un nuevo capítulo que sus más de dos millones de seguidores siguieron en tiempo real.

Frontier Developments anunció un acuerdo con Disney para desarrollar y publicar un videojuego basado en su propiedad intelectual. El proyecto será una simulación creativa de gestión, estará financiado íntegramente por el estudio británico y todavía no tiene título, fecha de lanzamiento ni plataformas confirmadas.

Un proyecto dentro del género principal de Frontier

Frontier clasifica el nuevo juego dentro de la categoría Creative Management Simulation, o CMS por sus siglas en inglés. Se trata de simuladores que permiten diseñar y administrar espacios, mientras el jugador controla aspectos como la distribución de instalaciones, los recursos disponibles y las necesidades de los visitantes.

Es el género central del catálogo reciente del estudio. Planet Coaster está dedicado a la construcción de parques de atracciones; Planet Zoo traslada la fórmula a la gestión de zoológicos; y Jurassic World Evolution permite crear recintos para dinosaurios bajo la licencia cinematográfica. La experiencia acumulada con esos títulos explica por qué el acuerdo despertó especulaciones sobre un posible parque temático de Disney.

El proyecto será desarrollado y publicado por Frontier, que también asumirá toda la financiación. Disney aportará su propiedad intelectual mediante el acuerdo de licencia, aunque los términos económicos y la duración de la colaboración no fueron informados.

Jo Cooke, director ejecutivo de Frontier, señaló que el acuerdo sigue la estrategia del estudio de desarrollar y mantener franquicias globales de simulación creativa. “Estamos encantados de anunciar esta colaboración con Disney”, afirmó en el comunicado. Cooke agregó que el objetivo será “conectar una comunidad de jugadores creativos y apasionados con una de las marcas más icónicas y amadas”.

Las licencias disponibles y la posibilidad de crear un Disneyland

El catálogo de Disney abarca películas animadas y de acción real, además de marcas como Pixar, Marvel y Star Wars. El anuncio permite pensar que algunas de esas propiedades podrían aparecer en atracciones, escenarios o personajes, pero Frontier todavía no confirmó cuáles formarán parte del juego ni si varias licencias compartirán el mismo título.

La hipótesis más extendida es que el proyecto permitirá diseñar y administrar un parque Disneyland, con una estructura cercana a la de Planet Coaster. Ese juego funciona como sucesor espiritual de RollerCoaster Tycoon y entrega herramientas para construir montañas rusas, distribuir servicios y atender el funcionamiento económico de un parque. Sin embargo, Frontier y Disney no presentaron características jugables que permitan asegurar que el nuevo desarrollo seguirá exactamente ese modelo.

La colaboración tampoco parte desde cero. Frontier trabajó anteriormente con Disney en Disneyland Adventures, publicado originalmente para Xbox 360. Ese título recreaba el parque de Anaheim, en California, e incluía personajes, minijuegos y actividades inspiradas en sus atracciones. Su propuesta no estaba centrada en la gestión: el jugador recorría una versión digital del parque en lugar de construirlo y administrarlo.

Qué está confirmado y qué falta conocer

La categoría CMS indica que la creatividad y la administración tendrán un papel central. A partir de los antecedentes de Frontier, es posible imaginar sistemas relacionados con la construcción de atracciones, el equilibrio entre ingresos y gastos, la satisfacción de los visitantes y la ubicación de restaurantes o tiendas. Esas funciones pertenecen, por ahora, al terreno de la especulación y no fueron incluidas en el anuncio oficial.

Tampoco se sabe si el proyecto recreará parques reales, si ofrecerá escenarios originales o si permitirá combinar atracciones inspiradas en distintas películas y franquicias de Disney. El acuerdo confirma el acceso a una propiedad intelectual de la marca, pero no detalla el alcance exacto de la licencia dentro del videojuego.

Frontier no informó las plataformas previstas, una ventana de estreno, el precio ni el modelo de distribución. El estudio tampoco reveló imágenes propias del proyecto, su nombre definitivo o el momento en que mostrará la primera demostración jugable.

Carla Jeffery, actriz estadounidense conocida por interpretar a la porrista Bree en la saga Zombies de Disney Channel, murió el 1 de septiembre a los 33 años.

El deceso fue confirmado por su agencia de representación, Alexanders Talent Management, a través de un comunicado publicado en Instagram.

No se dio a conocer la causa de la muerte.

La agente Carla Alexander describió a la actriz como “una mujer hermosa, vibrante e increíblemente talentosa cuya sonrisa radiante podía iluminar cualquier habitación”.

Jeffery se había unido a la agencia a los 12 años.

“Como Bree en la exitosa franquicia Zombies de Disney, Carla compartió su alegría, humor y espíritu brillante con audiencias de todo el mundo. Carla era más que una clienta; era familia”, indicó el comunicado.

“Descansa hermosa, Carla. Tu luz nunca será olvidada”, agregó el texto.

Alexanders Talent Management también publicó un mensaje propio en el que remarcó que la recordarán por “su sonrisa contagiosa, su risa, su talento y la hermosa luz que llevaba a todos lados”.

La agencia pidió respeto por la privacidad de la familia de la actriz “durante este momento tan difícil”.

Carla Jeffery nació en Houston, Texas, el 10 de julio de 1993.

Su debut en pantalla ocurrió en la comedia Phat Girlz, de 2006, donde interpretó a la versión de diez años del personaje de Mo’Nique.

A lo largo de su carrera participó en series como iCarly, Good Luck Charlie, Shake It Up!, Scream Queens, Crazy Ex-Girlfriend, Suburgatory y American Vandal, de Netflix.

Uno de sus primeros papeles relevantes fue en Curb Your Enthusiasm, de Larry David, donde encarnó a Keysha Black, una joven cuya familia se muda a la casa del protagonista tras el paso del huracán Katrina.

Apareció en diez episodios de las temporadas seis y siete de esa serie, entre 2006 y 2008.

El personaje que la consagró fue Bree, la mejor amiga de Addison, interpretada por Meg Donnelly, en la franquicia musical y fantástica de Disney Channel ambientada en el pueblo ficticio de Seabrook.

Jeffery apareció en la película original de 2018 y en las secuelas Zombies 2, de 2020, y Zombies 3, de 2022, antes de prestar su voz al mismo personaje en la serie animada Zombies: The Re-Animated Series, en 2024.

Su último crédito interpretativo fue en el drama sonoro Asanté, en un episodio estrenado en febrero de 2025, donde dio vida al personaje de Tiara.

En una entrevista con LRM Online durante el estreno de Zombies 3, Jeffery había explicado el éxito de la franquicia: “Creo que se trata de mantener la pasión en lo que haces, porque en serio, todos pusieron todo de sí en cada película, lo cual deja espacio para más”.

Milo Manheim, quien interpretó a Zed en la trilogía, escribió: “Carla. La persona más dulce que he conocido. Te amo”.

Chandler Kinney, que se sumó a la franquicia como Willa en Zombies 2, la recordó como “la luz más brillante en cualquier habitación en la que entraba” y “la persona más amable que se pueda conocer”.

Trevor Tordjman, quien dio vida a Bucky, escribió: “No encuentro las palabras en este momento. Nunca olvidaré tu energía y espíritu, Carla”.

Por su parte, Disney Entertainment Television emitió un comunicado en el que destacó “el talento extraordinario, la calidez y el espíritu” de la actriz, que “dejaron una marca indeleble en todos los que tuvieron el privilegio de trabajar con ella”.

El hermano gemelo de la actriz, Carlon Jeffery, también actor conocido por interpretar a Cameron Parks en la serie A.N.T. Farm, compartió el comunicado de la agencia junto con un video de su hermana en una playa y la captura de un mensaje de texto sin fecha en el que le expresaba su orgullo por ella.

Carla Jeffery, actriz estadounidense conocida por su papel de Bree en la franquicia musical de Disney “Zombies”, murió el 1 de septiembre a los 33 años. La noticia se comunicó a través de su perfil de Instagram y fue confirmada por su representante, Carla Alexander, de Alexanders Talent Management.

La causa del fallecimiento no fue difundida hasta el moento.

Alexanders Talent Management pidió respeto por la privacidad de la familia de Carla Jeffery

El comunicado que Alexander publicó en Instagram describió la pérdida como devastadora. “Con profunda tristeza comunicamos el fallecimiento de nuestra querida Carla Jeffery, quien murió el 1 de septiembre de 2026, a la temprana edad de 33 años”, reza el texto.

La agencia destacó que Jeffery se había incorporado a su cartera de clientes a los 12 años y que durante más de dos décadas tuvieron el privilegio de verla crecer. “Era más que una clienta; era de la familia”, sostuvo Alexanders Talent Management.

El comunicado también incluyó un pedido explícito: que se respete la privacidad de los familiares y seres queridos de la actriz durante el proceso de duelo.

Ninguna fuente oficial aportó datos adicionales al respecto.

Quién era la actriz que interpretó a Bree, la animadora amiga de Addison en Zombies

Jeffery alcanzó su mayor reconocimiento entre el público juvenil gracias a su personaje en la franquicia “Zombies” de Disney Channel: Bree, la mejor amiga de Addison, la protagonista animadora. La saga, que mezcla el género musical con elementos del terror y la comedia, está ambientada en una escuela secundaria donde conviven porristas, zombis y otras criaturas sobrenaturales.

La premisa, aparentemente desopilante, sirvió como vehículo para abordar temas como la inclusión, la identidad y la amistad, lo que le valió una base de seguidores fiel entre niños y adolescentes.

La primera película se estrenó en 2018 y fue seguida por dos secuelas. Las tres entregas acumularon cerca de 250 millones de horas de reproducción en Disney+, según datos recogidos por The New York Times. Jeffery repitió su papel de Bree en ambas continuaciones y también prestó su voz al personaje en varios cortos animados de la serie derivada “Zombies: The Re-Animated Series”.

La trayectoria de Carla Jeffery comenzó en 2006 con una comedia junto a Mo’Nique

Nacida el 10 de julio de 1993 en Houston, Texas, Jeffery llegó a la actuación por influencia de su hermano mellizo, Carlon, quien ya trabajaba en el medio cuando la familia se mudó a California. Fue justamente la agente de su hermano, Carla Alexander, quien también la convocó a ella.

“Él fue quien realmente nos inició en esto. Yo era muy tímida, pero cuando empecé a ir a clases de actuación con él, actuar en serio me hizo sentir como una persona completamente diferente”, dijo Jeffery en una entrevista con AfterBuzz TV Red Carpets & Interviews, según publicó The New York Times.

Su primer crédito cinematográfico fue en Phat Girlz (2006), comedia protagonizada por Mo’Nique, cuando Jeffery tenía apenas 12 años. Poco después consiguió un papel recurrente en la sexta temporada de Curb Your Enthusiasm, la serie de Larry David: interpretó a Keysha Black, una niña cuya familia es desplazada por un huracán.

En 2025, en una entrevista en el pódcast The Tokens, la actriz recordó lo desafiante que resultaba el formato de improvisación del programa. “Seguía siendo una niña. Entonces pensaba: ¿dejo hablar a los adultos o qué hago?”, dijo, según The New York Times. También describió a David como “más que gracioso”.

En los años siguientes, Jeffery sumó apariciones en producciones de Disney Channel y Nickelodeon: integró el elenco de Good Luck Charlie en 2011 y de Shake It Up en 2012. También tuvo un papel en iCarly en 2008. Antes de incorporarse a la franquicia de Zombies, también participó en Southland, Scream Queens, Crazy Ex-Girlfriend, Uncle Buck y American Vandal.

Jeffery habló sobre la responsabilidad de su labor en pantalla

Más allá del personaje en sí, el papel de Bree adquirió para Jeffery una dimensión que excedía lo profesional. En declaraciones recogidas por The New York Times, la actriz describió la presión y la responsabilidad que sentía al encarnar a una mujer negra de talla grande en una producción de alcance masivo.

La confirmación de ese impacto llegó de una forma concreta: cuando Disney lanzó disfraces basados en la franquicia, Jeffery vio a niñas pequeñas vestirse como Bree.

“Tenés chicas negras jóvenes que te admiran”, afirmó. “Nunca pensé que iba a ser la inspiración de alguien”, agregó en la misma entrevista, citada por el diario. “Eso es lo que quiero seguir haciendo”, concluyó.

El director Joe Russo ha explicado que el equipo concibe el libreto como “un organismo vivo” y que su método de trabajo se apoya en la improvisación y en los ensayos, hasta el punto de incorporar aportaciones de los intérpretes cuando algunos se suman al proyecto solo unos días o semanas antes de filmar sus escenas.

El regreso de los hermanos Russo a Marvel supone su primera gran superproducción del Universo Cinematográfico de Marvel desde Vengadores: Endgame. La vuelta no formaba parte del plan inicial para la siguiente película coral de los Vengadores, que iba a titularse The Kang Dynasty y a situar a Jonathan Majors como nuevo gran antagonista de la saga.

Ese plan se rehizo después de la salida de Majors de Marvel por sus problemas legales tras ser acusado por agresión a su expareja. Fue entonces cuando los Russo se incorporaron al proyecto junto a Robert Downey Jr., que regresa al universo de la franquicia tras el final de Iron Man para debutar ahora como el villano Doctor Doom.

La filosofía de los hermanos Russo

Joe Russo ha resumido esa filosofía con una idea central: “Siempre vemos el guion como algo que puede ir cambiando”. El codirector ha añadido que él y su hermano son directores “basados en la improvisación” y “basados en los ensayos”, y que les interesa comprobar qué aportan los actores a sus personajes.

En esa misma línea, han señalado que a veces no cuentan con algunos intérpretes hasta pocos días o pocas semanas antes del rodaje y que, en muchas ocasiones, es ahí donde “sucede la magia”. La publicación sitúa esas declaraciones en contraste con una práctica que Marvel arrastra desde hace años: iniciar producciones sin un libreto completamente terminado.

Anthony Russo también ha explicado a la Associated Press cómo entienden su encaje en la maquinaria del estudio. “Lo que Joe y yo siempre hemos apreciado de nuestra colaboración con Marvel es esto: nuestro trabajo no consiste en responder por la totalidad del Universo Cinematográfico de Marvel”, ha afirmado. “Nos cruzamos con él de una manera muy específica. Y es en esa intersección donde las cosas tienen sentido para nosotros”.

Una visión contrapuesta a la de James Gunn

Frente a esa visión, el precedente más citado en Hollywood lo encarna James Gunn, ahora al frente de DC Studios. El director de la trilogía de Guardianes de la Galaxia prometió al asumir su nuevo cargo que no entraría en producción con películas de DC sin guiones finalizados.

El año pasado en Rolling Stone, Gunn llegó a afirmar: “Sí creo que la razón por la que la industria del cine se está muriendo no es porque la gente no quiera ver películas. No es porque las pantallas de casa sean cada vez mejores. La razón número uno es que se están haciendo películas sin un guion terminado”.

El responsable de DC Studios añadió entonces que la compañía había cancelado un proyecto porque el texto no conseguía alcanzar el nivel necesario. “Todo el mundo quería hacer la película. Había recibido luz verde, estaba lista para arrancar. El guion no estaba listo. Y yo no podía hacer una película si el guion no era bueno”, sostuvo.

Qué promete ‘Vengadores: Doomsday’

Hace unas semanas se lanzó un avance de dos minutos de nuevo material que refuerza la dimensión coral de la cinta y anticipa un choque directo entre Doctor Doom y varias de las principales formaciones del estudio.

El vídeo fue presentado por Robert Downey Jr., Chris Evans y Hayley Atwell. En sus imágenes, Sue Storm, a quien interpreta Vanessa Kirby, advierte a un grupo de héroes sobre la amenaza del villano de Latveria mientras el montaje insiste en el aspecto de Doom.

“Sabía que estaba perdido”, dice Storm en el avance. “Pero no me di cuenta de que estaba roto”. Después, Reed Richards, encarnado por Pedro Pascal, se enfrenta a Doom entre escombros, antes de que Thor le espete: “Estarás suplicando por el infierno mucho antes de que yo te lo conceda”.

La secuencia da un paso más cuando Thor intenta atacar con Rompetormentas y Doom bloquea el golpe antes de lanzarle un haz de energía verde. A continuación, el villano levanta un ejército de Centinelas, enemigos clásicos de los X-Men, y responde: “El infierno me responde a mí, porque yo soy Doom”.

La pieza repite en gran medida un avance proyectado el mes pasado en el panel Hall H de Marvel Studios en la Comic-Con de San Diego. El eje del filme es la alianza entre los Vengadores, los Cuatro Fantásticos, los Thunderbolts y otros héroes para derrotar al personaje de Downey Jr.

¿El reparto más grande de todos los tiempos?

El reparto reúne a una larga lista de nombres del universo Marvel. Vuelven Chris Evans como Steve Rogers o Capitán América, Chris Hemsworth como Thor, Paul Rudd como Ant-Man, Letitia Wright como Black Panther, Sebastian Stan como el Soldado de Invierno, Tom Hiddleston como Loki y Simu Liu como Shang-Chi.

También regresan los protagonistas de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos: Pedro Pascal como Mister Fantastic, Vanessa Kirby como Mujer Invisible, Joseph Quinn como Antorcha Humana y Ebon Moss-Bachrach como La Cosa.

A ellos se suman integrantes de Thunderbolts, entre ellos Florence Pugh como Yelena Belova, David Harbour como Guardián Rojo, Lewis Pullman como El Vigía, Wyatt Russell como U.S. Agent y Hannah John-Kamen como Fantasma.

Uno de los datos más destacados del reparto es el desembarco oficial en el Universo Cinematográfico de Marvel de varios actores de los antiguos X-Men de Fox tras la compra del estudio por Disney. Están Patrick Stewart como Charles Xavier, Ian McKellen como Magneto, James Marsden como Cíclope, Kelsey Grammer como Bestia, Rebecca Romijn como Mística, Alan Cumming como Rondador Nocturno y Channing Tatum como Gambito.

Dylan Sprouse, de 34 años, calificó su carrera como actor infantil de “trabajo infantil” durante una aparición en el podcast Wildmen, emitido el martes.

El ex protagonista de la serie de Disney Channel Zack y Cody: Gemelos en acción estableció una comparación directa con las condiciones laborales de la Revolución Industrial para describir su experiencia frente a las cámaras.

“Algunos niños trabajaban en minas de carbón y vigilaban la puerta de los vagones de la mina cuando tenían 15 años, nosotros solo cantábamos y bailábamos. Sigue siendo trabajo infantil”, declaró Sprouse en el programa.

El intérprete extendió la comparación al describir la rutina de grabación como un empleo de tiempo completo, similar al de una oficina tradicional.

“Cuando trabajas en televisión, es un trabajo diario. Entras, marcas tarjeta, sales, tienes un cubículo, trabajas, obviamente estás en un escenario, y es distinto, pero son las mismas horas. Lo trabajas de esa manera”, agregó el actor durante la conversación.

Sprouse señaló que la finalización de cada producción televisiva le producía un vacío emocional difícil de manejar.

La estrella explicó que ya había reflexionado antes sobre este punto en otras ocasiones y vinculó esa sensación a que su autoestima quedó asociada de forma estrecha con su capacidad de continuar trabajando y de mantenerse activo en un set de grabación.

El también hermano gemelo de Cole Sprouse reconoció ante el copresentador Brendan Columbus que todavía enfrenta algunos de los obstáculos mentales derivados de aquella etapa de su vida.

Según describió, se trata de una carga que persiste incluso años después de haber dejado atrás el trabajo constante frente a cámara durante la niñez.

La declaración se produjo en el marco de una conversación sobre el invitado del episodio, el actor Mark Indelicato, quien ingresó a la industria del entretenimiento a los 12 años con la serie de ABC Ugly Betty.

Antes de que Indelicato se sumara al diálogo, Sprouse anticipó su intención de abordar el tema con él.

“Definitivamente quiero profundizar y hablar con él un poco sobre cómo lidió con haber crecido en la industria porque, en esencia, estamos dando vueltas, pero es trabajo infantil”, afirmó.

Una vez incorporado a la charla, Indelicato coincidió con buena parte de los planteos de su colega, en particular respecto de la relación entre autoestima y trabajo durante la infancia.

Consideró que se trata de una vivencia que pocas personas pueden comprender por completo, incluso dentro del propio entorno cercano de un actor.

“Tenemos que lidiar con la realidad de nuestra experiencia vivida, como todos, pero creo que lo que la hace un poco distinta es que la mayoría de la gente no tiene nuestra experiencia vivida”, expresó Indelicato.

Y añadió: “Por eso tenemos que mantenernos cerca unos de otros como una forma de poder desahogarnos con personas que entienden”.

Dylan Sprouse admitió que contar con su hermano gemelo durante los años de trabajo en Disney Channel constituyó una ventaja frente a los altibajos propios de la profesión.

El actor manifestó gratitud por poder apoyarse, ya en la adultez, en otros exactores infantiles como Indelicato, con quienes comparte una experiencia que consideran difícil de trasladar a quienes no la vivieron.

Antes de sus papeles en Disney Channel, Dylan y Cole Sprouse compartieron el mismo personaje en distintas producciones, entre ellas Un papá genial y Grace Under Fire, una práctica habitual en la industria para cumplir con las restricciones de horario laboral impuestas a los menores.

Dylan protagonizó posteriormente Zack y Cody: Gemelos en acción junto a su hermano entre 2005 y 2008. El programa generó ese mismo año una secuela titulada Zack y Cody: Gemelos a bordo, cuya emisión se extendió hasta 2011.

Ambos hermanos continúan activos en la actuación en la actualidad. Cole Sprouse mantiene su carrera con un papel destacado en la serie de The CW Riverdale, mientras que Dylan Sprouse combina su trabajo frente a cámara con su vida personal.

El recordado intérprete está casado con la modelo Barbara Palvin desde 2023 y actualmente espera su primer hijo con ella.

Pese a las críticas planteadas sobre su propia experiencia, Sprouse había manifestado con anterioridad, en el podcast Tea Time, que no impediría que sus propios hijos se dedicaran a la actuación si ese fuera su deseo en el futuro.

La renovación fue comunicada por la compañía, mientras la primera temporada continúa disponible con sus ocho episodios. El dato refuerza el lugar que la producción ganó dentro del catálogo reciente del servicio, en un momento en el que el thriller logró ampliar su alcance semana tras semana.

Disney+ renovó la serie antes del final de la primera temporada

La confirmación de una nueva tanda de episodios se apoyó también en el comportamiento de visualización. Según la información difundida por la empresa, las visualizaciones del episodio 7 crecieron un 40% respecto del estreno, si se toma como referencia el rendimiento del primer día. Ese avance acompañó una trayectoria sostenida desde el lanzamiento.

En paralelo, Furia recibió la certificación “Certified Fresh” de Rotten Tomatoes con 100% de aprobación en su debut, una marca que luego se acomodó, aunque continuó en un nivel alto, con 98%. Ese respaldo crítico se sumó al crecimiento de público en una etapa decisiva para la serie.

El enfrentamiento entre Alice Black y Catherine ordena el conflicto central

La historia sigue a Alice Black, agente del FBI interpretada por Emmy Rossum, durante la investigación de una asesina serial metódica y difícil de rastrear. Del otro lado aparece Catherine, personaje a cargo de Lola Petticrew, cuya lógica de justicia modifica el eje del relato y desplaza la intriga policial hacia un terreno más moral.

A medida que ambas trayectorias se cruzan, la serie plantea una tensión que excede la persecución clásica entre investigadora y sospechosa. La frontera entre ley, venganza y reparación personal se vuelve cada vez menos nítida, y ese desdibujamiento sostiene buena parte del conflicto dramático a lo largo de los episodios.

La serie se aparta de la fórmula policial clásica y pone el foco en los dilemas éticos

Aunque parte de una cacería criminal, el desarrollo no se limita a la búsqueda de pistas ni a la identificación de una culpable. El recorrido incorpora el peso de las experiencias previas de las protagonistas, atravesadas por la violencia, el abuso de poder y la necesidad de obtener respuestas frente a daños que no encontraron una reparación institucional suficiente.

En ese marco, Furia organiza su propuesta alrededor de preguntas sobre los límites del sistema judicial y sobre las formas en que las víctimas procesan el trauma. La investigación deja de ser lineal y se abre a intereses ocultos, tensiones internas y decisiones que afectan tanto a quienes persiguen como a quienes escapan.

Elizabeth Meriwether y Emmy Rossum concentran dos roles clave en la producción

La serie fue creada, escrita y producida ejecutivamente por Elizabeth Meriwether, mientras que Emmy Rossum también asumió funciones como productora ejecutiva a través de Composition 8. El equipo se completa con Ronald Bass, Matt Olmstead y Sam Hoffman en la producción ejecutiva.

Además, Brian Kirk participó como productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios. La ficción es una producción de 20th Television y Searchlight Television, dos sellos que respaldan el proyecto en su desarrollo industrial y creativo.

El elenco amplía una trama que suma violencia institucional y zonas grises

Junto con Rossum y Petticrew, la primera temporada está integrada por Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy. Entre esos personajes aparece Nora, supervisora de la unidad de delitos sexuales, que introduce una mirada ligada a la impunidad, la revictimización y las fallas del sistema.

Ese entramado lleva a la serie a un registro donde el caso criminal funciona como punto de partida de un conflicto más amplio. Disney+ apostó así por una producción que combina investigación, tensión psicológica y conflicto personal, con una segunda temporada ya confirmada incluso antes de la emisión del último episodio de la primera el pasado 31 de agosto.

Disney+ archivó el desarrollo de la serie live-action de Gargoyles, el clásico animado emitido originalmente entre 1994 y 1997. Greg Weisman, guionista, productor ejecutivo y figura ligada durante décadas a la franquicia, confirmó que Atomic Monster tenía la licencia para preparar el proyecto, pero que esa versión está muerta y ya no existen planes activos para llevarla a la plataforma.

Un proyecto que nunca llegó a despegar

La adaptación había sido planteada como una serie de acción real destinada a Disney+, con Atomic Monster a cargo de su desarrollo. Sin embargo, el proyecto no avanzó hasta una fase que permitiera convertirlo en una producción concreta, según explicó Weisman durante una entrevista.

“Bueno, sé que en cuanto a la versión de acción real, Atomic Monster tenía la licencia para desarrollar una serie de acción real de Gargoyles para Disney+, y eso está muerto”, señaló el productor. También aclaró que no conoce el estado de posibles iniciativas animadas y remarcó que actualmente no hay planes para otra adaptación con actores.

La declaración cierra, al menos bajo estas condiciones, uno de los intentos más recientes por recuperar para televisión la historia de las criaturas de piedra que protegen Nueva York durante la noche. Las fuentes no detallan hasta qué instancia llegó el trabajo de Atomic Monster ni informan sobre elenco, directores, guionistas adicionales o una posible fecha de rodaje.

Tampoco se comunicó si el proyecto podría trasladarse a otro estudio o servicio. La información disponible indica que el acuerdo de desarrollo quedó sin efecto y que Disney+ ya no mantiene activa esta versión.

Otra producción descartada por Disney+

La baja del live-action ocurre después de otros cambios dentro de la programación en desarrollo de Disney+. Entre los proyectos mencionados recientemente aparece el reinicio de Power Rangers, que estaba vinculado con los responsables de Percy Jackson and the Olympians. También fue descartada una segunda temporada de Wonder Man, producción de Marvel Studios.

En el caso de Gargoyles, la diferencia es que la serie no había presentado reparto, imágenes promocionales ni una ventana de estreno. Su cancelación afecta a una adaptación todavía en desarrollo, antes de que pudiera entrar formalmente en producción o recibir una presentación pública completa.

El dato resulta importante para quienes esperaban un regreso televisivo de la propiedad: la confirmación no describe una pausa temporal ni una demora por calendario. Weisman usó directamente la palabra “muerto” para definir el estado del proyecto de Atomic Monster y descartó que exista actualmente otra versión live-action en marcha.

El futuro de Gargoyles queda en los cómics

La serie animada original presentó a un grupo de gárgolas que despierta en la Nueva York contemporánea después de permanecer petrificado durante siglos. Su emisión se extendió entre 1994 y 1997, y con el tiempo mantuvo una audiencia de culto que impulsó distintos intentos de regreso.

El cierre de la adaptación con actores no implica que la franquicia quede completamente detenida. Weisman continuará trabajando con los personajes en formato de cómic y aseguró que no tiene dificultades para encontrar nuevas ideas para sus historias.

La situación de una eventual producción animada es menos clara. Weisman dijo que desconoce qué ocurre en ese frente, mientras que las fuentes señalan que esa posibilidad no fue descartada formalmente. Aun así, no existe un anuncio, equipo creativo, plataforma de lanzamiento ni calendario asociado con un regreso animado.

Por el momento, los cómics serán el único formato confirmado con nuevas historias de Gargoyles, mientras la adaptación live-action de Atomic Monster para Disney+ queda definitivamente fuera de desarrollo.

Una serie mítica de los años 90, reconocida por su atmósfera oscura y su narrativa poco convencional para el universo infantil, acaba de ver frustrado su esperado regreso. Disney ha decidido cancelar el desarrollo de su remake en acción real, una noticia que impacta a quienes crecieron con las aventuras nocturnas y los dilemas morales de un grupo de héroes petrificados por el día.

La serie en cuestión es Gárgolas, una producción animada que se emitió entre 1994 y 1997, y que desde entonces ha mantenido un fuerte culto de seguidores. La noticia de la cancelación fue confirmada a Variety por una fuente cercana al proyecto, tras la difusión de rumores originados por una entrevista con Greg Weisman, co-creador de la animación original. “Eso está muerto”, declaró Weisman al ser consultado sobre el estado actual de la serie para la plataforma Disney+. Añadió que no hay planes para una versión en acción real y que desconoce cualquier movimiento en cuanto a una nueva animación. Weisman no formaba parte activa del reboot, pero su comentario fue clave para esclarecer el destino del proyecto.

La adaptación en acción real de Gárgolas había sido anunciada en 2023 con gran expectación. El encargo estaba en manos del guionista Gary Dauberman, conocido por su trabajo en It, y de James Wan, productor de Atomic Monster. Ambos figuraban como productores ejecutivos. Disney Branded Television se encargaba de la producción, lo que reforzaba la idea de que la plataforma apostaba fuerte por el regreso de la franquicia. El argumento propuesto para la nueva versión retomaba el eje central de la Gárgolas original: Goliath, el último de una raza de guerreros mitológicos, debía adaptarse a la vida en el Nueva York contemporáneo tras liberarse de una maldición de siglos. La sinopsis oficial describía a Goliath como un personaje marcado por el misterio de su pasado, acompañado de la detective de policía Elisa Maza, en una lucha constante por proteger la ciudad de nuevas amenazas.

Un proyecto que nunca llegó a desarrollarse del todo

El proyecto, sin embargo, nunca superó la fase de desarrollo temprano. La cancelación de la serie pone fin a meses de especulaciones entre los aficionados y la prensa especializada, quienes veían en el regreso de Gárgolas una oportunidad para presentar a nuevas generaciones una historia que marcó a muchos espectadores por su tono adulto y su profundidad temática. La confirmación del cierre definitivo llegó después de que los rumores se multiplicaran en foros y redes sociales, sobre todo tras la entrevista de Weisman.

La serie original, producida por Walt Disney Television Animation, se alejaba del tono habitual de la compañía. Gárgolas presentaba un grupo de seres fantásticos que, durante el día, permanecían convertidos en piedra bajo el hechizo de una traición ocurrida en la Escocia del siglo X. Solo podían despertar mil años después, en pleno Manhattan, gracias a la intervención de un industrial llamado David Xanatos. Una vez libres, los protagonistas se comprometían a proteger la ciudad, enfrentando tanto amenazas sobrenaturales como dilemas éticos y sociales. El elenco de voces que dio vida a los personajes en la animación original incluía a Keith David, Salli Richardson, Jonathan Frakes, Marina Sirtis, Ed Asner, Thom Adcox-Hernandez, Jeff Bennett y Bill Fagerbakke. La serie se emitió durante tres temporadas, siendo la última conocida como “Gargoyles: The Goliath Chronicles”.

Desde su cancelación en los años 90, Gárgolas ha acumulado una base de seguidores fieles y nostálgicos. A lo largo de los años, se han sucedido rumores y propuestas para revivir la franquicia, pero ninguna llegó a concretarse. La reciente iniciativa de Disney+ era vista por muchos como la oportunidad más tangible hasta la fecha. El cese definitivo del proyecto deja claro que, al menos por ahora, Gárgolas permanecerá como un referente de la animación de los años 90 y como uno de los títulos más recordados por quienes vivieron su impacto original. La decisión de Disney corta de raíz las esperanzas de ver una reinterpretación en acción real que, durante meses, mantuvo en vilo a una comunidad de fanáticos que sigue considerando la serie como una de las propuestas más singulares del catálogo de la compañía.

Disney llevará este fin de semana a la Ciudad de México una experiencia gratuita inspirada en sus princesas más queridas, con talleres, manualidades y escenarios temáticos diseñados para toda la familia.

La activación “Disney Princesa: Crea Tu Mundo” llega al Parque La Mexicana como parte del Mes de las Princesas, la campaña con la que la compañía celebra el legado de una de sus franquicias más longevas. El acceso no tiene costo y no requiere registro previo en línea.

Fechas, horarios y cómo registrarse

El evento se realizará el sábado 29 y domingo 30 de agosto en la Plaza Mirador, dentro del parque ubicado en la alcaldía Cuajimalpa de Morelos. Las puertas abren a las 10:00 y cierran a las 18:00 horas; el último acceso es a las 17:00.

El registro es presencial y gratuito: se realiza directamente en la zona de cada actividad al momento de llegar. El cupo es limitado, por lo que se recomienda asistir con anticipación.

Qué ofrece la experiencia

El espacio está inspirado en Rapunzel, Moana, Cenicienta y Ariel, y propone dinámicas creativas para los asistentes: manualidades, diseño de accesorios, personalización de recuerdos y fotografías en escenarios temáticos.

El recinto contará con zona de descanso y es accesible para personas con movilidad reducida. Tanto el evento como el Parque La Mexicana admiten mascotas, con la condición de que los animales lleven collar y sus dueños recojan sus desechos.

También está permitido asistir con niñas y niños caracterizados como sus princesas favoritas.

Estaciones temáticas y medidas de accesibilidad

Cada princesa tendrá su propio espacio dentro del recorrido. En la estación de Rapunzel, los visitantes podrán fabricar una linterna flotante inspirada en Enredados. La de Moana invita a diseñar accesorios con brillos y stencils, mientras que la de Cenicienta permite decorar un paliacate y una gargantilla en compañía de las mascotas.

Disney también anunció una actividad sorpresa que no ha revelado en qué consistirá. Dentro del recinto se colocarán señalizaciones y tótems para guiar a los asistentes desde la entrada del parque hasta el Jardín Plaza Mirador.

El evento contempla medidas de inclusión: habrá fila prioritaria para personas con discapacidad, personas neurodivergentes, adultos mayores y mujeres embarazadas. Además, se pondrán a disposición tarjetas con pictogramas para facilitar la comprensión de las actividades.

La campaña detrás del evento

La activación en la Ciudad de México forma parte del “Mes de las Princesas” de The Walt Disney Company, una campaña global bajo el concepto Crea Tu Mundo.

“La fortaleza y vigencia de Disney Princesa radica en su capacidad de evolucionar junto a las nuevas generaciones”, afirmó Joanna Balikian, Senior Vice President de Brand Management de la compañía, al presentar la iniciativa.

La campaña incluye el cortometraje “Siempre Princesa”, dirigido por la cineasta Alex Prager y disponible en Disney+, YouTube y los canales lineales de Disney Channel y Disney Junior. La producción narra la amistad de dos niñas unidas por su amor a los personajes y fue filmada con técnicas artesanales: maquetas a gran escala, marionetas diseñadas a mano y una banda sonora interpretada por una orquesta de 56 músicos en vivo.

Contenidos y productos de la temporada

Disney+ suma a la celebración nuevos episodios de Princesita Sofía: Magia Real y el especial animado LEGO Disney Princesa: Caos Mágico, disponible desde el 21 de agosto, donde Ariel, Jasmín, Mulán, Moana, Rapunzel, Blanca Nieves y Tiana enfrentan una tormenta que desata el caos en un castillo.

A fines de agosto se estrenan en Latinoamérica dos videos en los canales de YouTube @DisneyJRLA y @DisneyKidsLA: uno recorre los mundos de origen de cada princesa y otro muestra las pasiones que las unen como personajes.

La línea de productos de la temporada abarca juguetes, moda, accesorios y decoración para el hogar, con presencia en puntos de venta de México.

Cómo llegar al Parque La Mexicana

El parque se encuentra en Av. Luis Barragán 505, colonia Contadero, alcaldía Cuajimalpa de Morelos, código postal 05348.

Quienes vayan en transporte público pueden tomar el Metro hasta las estaciones Tacubaya (Línea 9) u Observatorio (Línea 1) y abordar un camión con dirección a Contadero. La bajada es en Parque La Mexicana; desde ahí, hay que ubicar la Plaza Mirador dentro del recinto.

Emilia Gou se esguinció el pie en clases de baile, pero eso no le impidió aparecer junto a su padre Alex Gou en la alfombra roja de Papá por siempre.

El productor aprovechó el encuentro con la prensa para revelar que su hija, quien protagoniza Matilda, el musical. se pagó sola un crucero de Disney con su sueldo de la obra, y para anunciar que viene una nueva temporada de Mentiras con Ernesto D’Alessio en el elenco.

Emilia Gou se pagó su propio crucero con lo que gana en Matilda

En medio de la alfombra roja, Gou presumió con orgullo el salario que le paga a su hija.

“Se fue a un crucero de Disney, la señorita, y se lo pagó con su sueldo, ¿eh? Porque le pago muy bien”, dijo el productor entre risas, mirando a Emilia.

La niña, que llegó al evento confirmó que el regreso de Matilda será el 30 de octubre en el Centro Cultural Teatro 1 de la Ciudad de México.

Gou explicó que el crucero fue un viaje en solitario de su hija. Cuando un periodista le preguntó si ella lo invitó, el productor respondió que no, que él tenía demasiado trabajo. “Hoy que me di cuenta todo lo que estamos trabajando”, dijo.

Ernesto D’Alessio llega a Mentiras

El productor también confirmó que Ernesto D’Alessio se integrará al elenco de Mentiras. Contó que todo comenzó en una comida con amigos en común, donde D’Alessio se puso a cantar.

“Tiene una voz Ernesto D’Alessio cantando las canciones de su mamá, que me quedé impresionado”, dijo Gou, y agregó que él mismo lo invitó a sumarse al musical.

Gou reconoció que antes pensaba que D’Alessio tenía exclusividad con otra compañía, pero que al comprobarlo descartó esa idea. “En el teatro yo nunca veto a nadie, en el teatro no hay exclusividades”, señaló. El estreno de D’Alessio en ese proyecto está programado para el próximo jueves.

Durante el encuentro, un periodista también le preguntó por Alexander, hijo de Emmanuel y Lupita Jones, como posible candidato para alguna producción. Gou respondió con entusiasmo: “Me encantaría. Imagínate, Emmanuel, hijo de Emmanuel y Lupita”. Aseguró que lo llamará.

La polémica por meter a su hija en Matilda

La participación de Emilia Gou en Matilda, el musical generó una ola de críticas desde que se anunció su casting. En redes sociales, usuarios señalaron favoritismo y nepotismo, sobre todo después de que se supo que Michaela Bisogno, hija del fallecido Daniel Bisogno, no participaría en la producción.

Gou defendió en su momento que la elección de Emilia no respondió a lazos familiares, sino al criterio del director londinense Matthew Warchus.

“Yo jamás la exhibiría, imagínate mi responsabilidad y, si hubiera sido así, lo diría, es mi obra y es mi dinero, pero lo va a demostrar arriba del escenario”, declaró el productor a la prensa en enero de 2026.

El papel de Matilda se alterna entre tres niñas: Raffaella, Elena y Emilia Gou, quienes fueron seleccionadas de entre 80 aspirantes, de los cuales solo 10 llegaron a la final.

Gou respondió a las críticas en redes con una frase indirecta: “La gente envidiosa es como los sapos: tienen grandes ojos para criticar a los demás y larga lengua para hablar de todos, pero no se dan cuenta que viven en el fango”.

Michaela Bisogno, por su parte, declinó participar por el duelo que atraviesa tras la muerte de su padre. Según relató Gou, la joven le dijo: “Tío, no lo quiero hacer, me recuerda a mi papá”. El productor aseguró que la familia de Bisogno siempre tendrá su apoyo.

La música de Disney vuelve a cobrar vida en el Auditorio Nacional con un espectáculo pensado para todos: Disney En Concierto: Un Recorrido Musical.

El próximo 27 de septiembre de 2026, familias, parejas y grupos de amigos podrán disfrutar de una función única donde los temas más emblemáticos de la marca serán interpretados en vivo por la Orquesta Sincrophonia y un elenco de voces reconocidas.

El evento busca reunir a distintas generaciones en torno a las canciones que han marcado infancias y que hoy siguen presentes en la memoria colectiva.

Además, el espectáculo destaca por su propuesta accesible e inclusiva, integrando kits sensoriales para personas con hipersensibilidad, como parte del compromiso de la productora por crear espacios abiertos a todos los públicos.

Una experiencia musical para todas las edades

Disney En Concierto: Un Recorrido Musical está diseñado para algo más que la nostalgia.

La propuesta invita a redescubrir los clásicos de siempre y a conectar a públicos de todas las edades en un mismo escenario, gracias a la combinación de música sinfónica y las voces de Carmen Sarahí, Romina Marroquín, Irma Flores, Luigi Vidal y Jair Campos.

La dirección artística está a cargo de Rodrigo Cadet, quien coordina todos los detalles musicales y escénicos para asegurar que cada interpretación mantenga la calidad y la esencia de las canciones originales.

La selección de temas incluye piezas de películas como La Sirenita, El Rey León, Aladdín, Hércules, Frozen: Una aventura congelada, La Bella y la Bestia y Enredados, entre otras.

Así, cada asistente podrá revivir melodías que han trascendido generaciones y compartirlas en un ambiente festivo y familiar.

Fecha, horario y detalles logísticos del concierto

La función está programada para el 27 de septiembre de 2026, iniciando a las 19:00 horas en el Auditorio Nacional.

Este espacio icónico en la Ciudad de México será el escenario para que la Orquesta Sincrophonia y los solistas interpreten arreglos sinfónicos de los temas más representativos del universo Disney.

Esta será una oportunidad para disfrutar de la música en vivo y de una producción diseñada específicamente para el recinto, reconocida por su acústica y capacidad para grandes eventos.

Precios de boletos y dónde adquirirlos

Las entradas para Disney En Concierto: Un Recorrido Musical están disponibles en Ticketmaster México.

Los boletos están disponibles desde 558 pesos mexicanos con cargos incluidos, lo que permite a diferentes públicos disfrutar de este espectáculo sinfónico.

El sistema de venta en línea facilita la compra anticipada y garantiza la seguridad en la adquisición de boletos.

La invitación está abierta a quienes buscan una noche diferente, donde la música y la emoción se mezclan en un entorno pensado para grandes y chicos.

Los organizadores aconsejan adquirir los boletos con antelación, dadas las expectativas generadas alrededor del evento.

Inclusión y accesibilidad en el espectáculo

El compromiso de Disney con la inclusión se refleja en la entrega de kits sensoriales para personas con hipersensibilidad.

Estos kits incluyen audífonos reductores de sonido, lentes con filtro verde UVI, juguetes sensoriales y tarjetas de emociones con pictogramas, asegurando que todos los asistentes tengan la oportunidad de disfrutar plenamente del concierto.

La medida responde a la intención de hacer de este espectáculo un espacio verdaderamente abierto, donde cada persona pueda vivir la experiencia a su manera y sin barreras.

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Una invitación para toda la familia

Con la fecha cada vez más cerca, la emoción crece entre quienes desean reencontrarse con las melodías que han acompañado a millones.

El acceso a los boletos permanece disponible y la invitación sigue abierta a quienes quieran sumarse a esta celebración musical, donde el talento, la diversidad y la magia de la música de Disney serán los protagonistas de una noche inolvidable.

Avengers Endgame: Bonus llega a México el 24 de septiembre de 2026 con una versión extendida que suma material inédito conectado directamente con Avengers: Doomsday, el próximo estreno de la saga programado para diciembre.

La preventa arrancó este martes en las cadenas Cinépolis y Cinemex, con disponibilidad limitada a complejos seleccionados que cuentan con la infraestructura técnica para los nuevos estándares de proyección.

La película original de 2019, dirigida por Joe y Anthony Russo, regresa con una duración de 191 minutos, según información obtenida de las cadenas de cine, tres horas y once minutos, frente a los 181 minutos de la versión estrenada hace siete años.

Eso representa diez minutos de contenido nuevo para preparar el terreno de cara al próximo evento cinematográfico de Marvel Studios.

¿Qué incluye la nueva versión de Avengers: Endgame?

El material adicional no es un simple prólogo, la edición incorpora una introducción grabada por los hermanos Russo, escenas integradas al desarrollo de la película y una nueva secuencia poscréditos filmada directamente en el set de producción de Avengers: Doomsday.

El objetivo narrativo es preparar el terreno para la llegada del Doctor Doom, personaje que Robert Downey Jr interpretará en la nueva entrega.

Los rumores apuntan a que el nuevo material retoma los viajes en el tiempo y la integración de los X-Men al universo cinematográfico de Marvel.

La información sugiere que Disney+ retirará la versión original de Avengers: Endgame de su catálogo.

La plataforma la sustituirá por la edición extendida antes del estreno de Avengers: Doomsday, previsto para el 18 de diciembre de 2026.

El tráiler oficial de Endgame: Bonus se publicó este 25 de agosto, mismo día en que arrancó la preventa en México.

Infinity Vision, el nuevo formato premium de Disney

El reestreno es también el lanzamiento oficial de Infinity Vision, una nueva certificación visual premium desarrollada por Disney para maximizar la resolución y la inmersión en sala, se trata del primer filme de la compañía en estrenarse bajo este estándar.

Las funciones en Infinity Vision estarán disponibles únicamente en pantallas de gran formato y salas IMAX en complejos seleccionados y no todos los cines del país tendrán acceso a esta modalidad.

Preventa activa en Cinépolis y Cinemex

Ambas cadenas habilitaron la compra de boletos este martes 25 de agosto a través de sus plataformas digitales y aplicaciones móviles.

La disponibilidad está condicionada a la infraestructura técnica de cada complejo.

En la Ciudad de México, los complejos confirmados por Cinemex incluyen:

• Antara
• Antara Platino
• Parque Delta
• Patriotismo
• Reforma 222
• San Antonio
• Santa Fe
• Universidad
• Iztapalapa
• Plaza Oriente
• Tezontle
• Encuentro Oceanía
• Cortijo

En el Estado de México, la oferta cubre sucursales en:

• Coacalco
• Lomas Verdes
• Mundo E
• Ixtapaluca
• Paseo Chalco
• Puerta Texcoco
• Town Square Metepec

Cinépolis también participa en el reestreno con complejos seleccionados que cuentan con pantallas de formato premium e Infinity Vision, aunque la cadena no ha publicado aún la lista completa de sedes.

El reestreno alcanza decenas de ciudades en el interior de la República

La disponibilidad se extiende a múltiples estados del país, en Morelos, el complejo participante es Fórum Cuernavaca, en Guanajuato, Plaza Mayor y Plaza Stadium, entre otras sucursales, en Yucatán, Galerías Mérida.

También hay funciones confirmadas en:

• Nuevo León
• Chihuahua
• Quintana Roo
• Puebla
• Tlaxcala
• Michoacán
• Baja California
• Chiapas
• Sinaloa
• Nayarit
• Coahuila
• Tamaulipas
• Durango
• Zacatecas
• Sonora

Con presencia en más de 15 estados y dos de las cadenas de exhibición más grandes del país, el reestreno de Avengers Endgame: Bonus se perfila como uno de los eventos de taquilla más grandes del segundo semestre de 2026 en México.

La combinación de material inédito, nuevos formatos de proyección y la cercanía con el estreno de Avengers: Doomsday convierte al reestreno en una antesala obligada para los seguidores de la saga antes del cierre del año.

El reestreno incluirá material adicional respecto a la versión original de la película y estará disponible en salas IMAX® y en aquellas que cuenten con la certificación Infinity Vision, una nueva categoría para formatos Premium Large Format (PLF).

Infinity Vision es presentada por Marvel Studios como una nueva certificación para salas Premium Large Format. El sistema establece determinados estándares de exhibición relacionados con el tamaño de las pantallas, la calidad de imagen y las características del sonido.

De esta manera, las funciones de Endgame: Bonus podrán ofrecerse en formatos de gran pantalla y con sistemas de sonido envolvente.

La nueva presentación de la película contempla aproximadamente cinco minutos de contenido adicional y un montaje diferente en su tramo final. El metraje original tiene una duración de 181 minutos (3 horas y 1 minuto), mientras que esta nueva versión pretende durar 186 minutos.

También incorporará material relacionado con Avengers: Doomsday, la próxima producción de Marvel Studios, cuyo estreno en cines está previsto para el 17 de diciembre. Además, existe la posibilidad de que la edición incluya una escena adicional después de los créditos.

El estudio acompañó el anuncio con un nuevo tráiler y un póster promocional de Avengers Endgame: Bonus. El reestreno también servirá como enlace con la siguiente etapa del universo cinematográfico de Marvel.

La historia de Avengers: Endgame, estrenada originalmente en 2019, se desarrolla después de los acontecimientos provocados por Thanos, quien consiguió eliminar a la mitad de la población del universo mediante las Gemas del Infinito.

Los Vengadores que sobrevivieron deben afrontar las consecuencias de la derrota y encontrar una forma de revertirla. Con el grupo dividido y sus integrantes enfrentando distintas circunstancias, los héroes restantes vuelven a unir fuerzas para intentar recuperar a quienes perdieron y restaurar el equilibrio del universo.

La misión los lleva a enfrentarse nuevamente con las consecuencias de las decisiones de Thanos y a asumir los riesgos necesarios para cambiar el resultado de los acontecimientos.

Tony Stark, Steve Rogers, Thor, Natasha Romanoff, Bruce Banner, Clint Barton y otros aliados participan en el último esfuerzo de los Vengadores por recuperar a las víctimas del chasquido y resolver el conflicto que comenzó años atrás.

Dirigida por Anthony y Joe Russo y producida por Kevin Feige, Avengers: Endgame funciona como la conclusión de la Saga del Infinito y reúne elementos narrativos de las 22 películas que Marvel Studios había desarrollado hasta ese momento.

Cabe recordar que Endgame recaudó aproximadamente 1,195 millones de dólares en su primer fin de semana en la taquilla internacional, logrando así posicionarse como la película con mayor recaudación mundial en un fin de semana de estreno.

Asimismo, en 2019 ostentaba el título de la película más taquillera de la historia al terminar su recorrido inicial con alrededor de 2,798 millones de dólares

La película fue producida por Kevin Feige y dirigida por Anthony y Joe Russo. El regreso de Avengers: Endgame a los cines también coincide con su salida prevista del catálogo de Disney+ a mediados de septiembre, antes del nuevo periodo de exhibición cinematográfica.

Emile Maxim St. Patrick Higgins, el empresario conocido como Max Higgins que iba a construir un “Disney argentino”, fue encontrado muerto en las últimas horas en el partido bonaerense de Merlo.

Al hombre, de 55 años y nacionalidad jamaiquina, lo halló en la localidad de Libertad un empleado de la Empresa 216, quien alertó a las autoridades luego de encontrar su cuerpo tendido en la vía pública y en posición fetal.

El denunciante relató que, aproximadamente veinte días antes, había observado en la zona a un hombre jamaiquino que estaba en situación de calle. En este sentido, indicó que el individuo no era conocido por los vecinos y que desde hacía semanas se alojaba en el mismo lugar donde ahora lo encontraron muerto.

Tras arribar a la zona, personal del Comando de Patrullas Merlo preservó el lugar para permitir el trabajo de los equipos científicos. Las primeras pericias arrojaron que no había indicios de violencia ni signos de intervención de terceros. Minutos después, una ambulancia que llegó minutos después confirmó el fallecimiento por causas naturales.

No obstante, la Unidad Funcional de Instrucción N° 3 de Morón dispuso la apertura de una causa bajo la carátula de “averiguación de causales de muerte” y ordenó la realización de la autopsia para determinar las circunstancias exactas del deceso.

Quién era Max Higgins

Max Higgins llegó a la Argentina en 2007 con la promesa de revolucionar el espectáculo. Se autoproclamó el “Rey del Entretenimiento”, contrató a Diego Maradona para un reality de fútbol y aseguró que construiría un “Disney argentino” en San Pedro con una inversión de mil millones de dólares. Su figura extravagante, siempre rodeada de lujos y personajes del deporte y la farándula, lo convirtió en un personaje mediático. Pero su reinado terminó abruptamente y su historia mutó en una de las caídas más reconocibles del espectáculo local.

En sus días de esplendor, Higgins se movía en autos de lujo, alquilaba limusinas, helicópteros y oficinas en Puerto Madero, organizando eventos y realities como el “World Football Idol”, que tuvo tres ediciones y figuras como Diego Maradona, Sergio Goycochea y Gabriel Batistuta. Prometía premios millonarios y ostentaba una Lamborghini Diablo, que luego se supo era prestada. Se presentaba en los estadios con capa y corona, abrazado a Maradona, y ofrecía sueños de fama y fortuna que nunca se concretaron.

Pero la realidad detrás del personaje se fue desmoronando. Su esposa, la argentina Sandra Zapata, reveló que la fortuna de Higgins era una farsa y denunció episodios de violencia y antecedentes penales por estafas con cheques sin fondo en Estados Unidos e Inglaterra. El supuesto empresario, que decía manejar dos billones de dólares embargados, terminó acusado de estafador profesional y perdió su círculo de confianza.

Con el tiempo, Max Higgins quedó solo, desplazado de los flashes y abandonado por quienes en algún momento lo acompañaron. Su vida dio un giro radical: pasó de los hoteles cinco estrellas a dormir en la calle, en una esquina de Retiro, utilizando un maletín como almohada y pidiendo limosna para comer. Testigos lo vieron hablar solo, pedir ayuda para recuperar su dinero y prometer soluciones para la economía argentina. Mezclaba inglés y castellano rudimentario, alternando relatos de conspiraciones y sueños de volver a ser millonario.

Distintas personas lo reconocieron en la calle, algunos lo ayudaron con comida o dinero, otros compartieron anécdotas de sus años dorados. “Era un tipo copado pero raro, muy volado”, recordó un ex custodio de un boliche vip. Su historia terminó sumida en el anonimato, sin familia ni amigos a su lado, y su fallecimiento confirmó el desenlace de una vida marcada por la grandilocuencia, el escándalo y la soledad.

Raquel Lee Boileau, conocida por su participación en la docuserie Quiet on Set: The Dark Side of Kids TV, presentó el pasado 21 de agosto una demanda civil contra The Walt Disney Company ante el Tribunal Superior de Los Ángeles.

La actriz acusa a la compañía de negligencia por no haber impedido los presuntos abusos sexuales que sufrió durante el rodaje de The Poof Point, una película original del Disney Channel producida en 2001.

Lee tenía 14 años cuando un empleado adulto de mediana edad, identificado en la demanda únicamente como “John Doe”, la habría sometido a violaciones y agresiones sexuales reiteradas durante la producción, filmada en Salt Lake City, Utah.

Los presuntos ataques habrían ocurrido en varias ocasiones en la habitación del hotel donde se alojaba el elenco y el equipo de producción, y también durante un vuelo de regreso a Los Ángeles.

El documento judicial sostiene que el comportamiento del agresor fue visible para el resto del equipo. El hombre “susurraba comentarios sexualmente explícitos” al oído de la actriz en pleno set, ante la presencia de adultos y técnicos de sonido que manejaban los micrófonos, y “nadie en Disney intervino”.

La denuncia también afirma que Raquel Lee Boileau fue separada de su tutor legal durante la mayor parte de la jornada de rodaje, sin supervisión adecuada.

Tras los presuntos abusos, su rendimiento en el set se deterioró de forma visible. Lejos de investigar lo ocurrido, ejecutivos de Disney la acusaron de estar “fuera de control”, de “necesitar a Jesús” y de “tener un demonio dentro”.

La compañía habría cancelado además su participación en una producción que tenía prevista con el estudio.

La artista está representada por Doug Wigdor y Jane Kim, del despacho neoyorquino Wigdor LLP.

Wigdor es un abogado con experiencia en casos de conducta sexual indebida: previamente representó a Cassie Ventura en su demanda contra Sean “Diddy” Combs, a Nafissatou Diallo —la empleada de hotel que acusó al entonces director del Fondo Monetario Internacional (FMI), Dominique Strauss-Kahn, de agresión sexual— y a varias mujeres que denunciaron a Harvey Weinstein.

“Durante la última década, innumerables actores infantiles han compartido sus experiencias de abuso por parte de adultos en el mundo del entretenimiento. Esta conducta es inexcusable, y quienes estuvieron involucrados —directa o indirectamente— deben rendir cuentas”, declararon Wigdor y Kim en un comunicado.

El escrito judicial encuadra los hechos en un patrón más amplio, con la afirmación de que “esta no es la primera vez que Disney ha permitido que un depredador sexual ataque y abuse de víctimas vulnerables”.

El documento también señala que la compañía “facilitó y ocultó el grave abuso sexual” del que fue objeto Raquel Lee Boileau.

Existe un antecedente relevante: en 2015, Lee llegó a un acuerdo confidencial de carácter económico con un hombre que trabajó en The Poof Point, con la representación de la abogada Gloria Allred, conocida por su trabajo con supervivientes de agresiones sexuales.

Los detalles de ese acuerdo permanecen bajo reserva, lo que explicaría el uso del nombre ficticio en la nueva demanda civil.

La acción legal fue posible gracias a una reforma legislativa de California de 2020 que amplió el plazo para que supervivientes de abuso sexual infantil presenten demandas civiles hasta los 40 años de edad. Una enmienda de 2023 eliminó el plazo de prescripción para casos ocurridos a partir del 1 de enero de 2024.

La ley también contempla el pago de daños triplicados si se prueba que una empresa ocultó los abusos de forma deliberada, que es precisamente lo que la demanda atribuye a Disney.

La actriz continuó trabajando con Disney después de The Poof Point. Prestó su voz en la serie animada The Proud Family, entre 2001 y 2005, y volvió a participar en su secuela de Disney+, The Proud Family: Louder and Prouder, emitida entre 2022 y 2025.

En 2024 apareció en la docuserie Quiet on Set, donde habló sobre su experiencia en el programa de Nickelodeon The Amanda Show, sin mencionar entonces sus acusaciones contra Disney.

Los mutantes están de vuelta, si es que en algún momento se llegaron a ir del todo. Parece que después de años de tener que vivir apartados tanto en la ficción como fuera de ella -debido a los derechos que recaían sobre Fox e impedían su integración en el UCM-, parece que Disney ya prepara un nuevo reboot para reintroducir a este grupo de superhéroes que tantas alegrías ha dado en los cómics... y también en el cine. Porque no hay que olvidar que, a pesar de hacer próximamente su entrada en Marvel, ellos fueron de los primeros en popularizar el género con una serie de películas estrenadas a principios de siglo.

De momento, este reboot, que correrá a cargo de Jake Schreier (Thunderbolts), ya cuenta con su Profesor X (Christopher Abbott) y mutantes como Pícara (Inde Navarrette), Cíclope (Kit Connor), Tormenta (Maya Simone Boyd), Emma Frost (Samara Weaving) o incluso el malvado Mr. Siniestro (Adam Driver), entre otros. No obstante, primero habrá que ver el final de los originales en Vengadores: Doomsday, y qué mejor manera de prepararse tanto para eso como para el reboot que repasando la cronología de películas de los X-Men. Aunque pueden seguirse por fecha de estreno, a continuación proponemos una forma cronológica de verlas en base a cuándo y cómo transcurren sus acontecimientos, líneas temporales alteradas incluidas. Todas ellas disponibles en la misma plataforma, Disney+.

‘X-Men: Primera clase’

No fue ni mucho menos la primera película de los mutantes, pero sí la primera en mostrar sus orígenes y en establecer una nueva cronología de la que derivarían las posteriores. Ambientada en los años 60 en medio de la crisis de los misiles de Cuba, en X-Men: Primera clase conocemos a unos jóvenes Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr/Magneto (Michael Fassbender), quienes, junto a la ayuda de Raven/Mística (Jennifer Lawrence) intentan evitar el colapso del mundo y reclutar una nueva hornada de mutantes a los que enseñar a defender el planeta Tierra, entre ellos Banshee, Angel, Havoc o un joven Bestia al que ahora daría vida Nicholas Hoult.

Men Orígenes: Lobezno

Si bien hizo un pequeño cameo en Primera Clase, la historia de Lobezno como tal no comenzaría hasta unos años más tarde, ya en los 70. Aquí empezaríamos a conocer la auténtica vida de Lobezno desde niño, luego como Logan, un hombre con una vida apacible en el bosque junto a su amada Kayla Silverfox, y posteriormente como sujeto de pruebas de la llamada Arma X para William Stryker. Junto a él, otros mutantes de lo más peligrosos como Gambito, Espectro (interpretado nada menos que por Will i.am.), Dientes de sable o La Mole.

‘X-Men’

Ahora sí, este fue el inicio por fecha de estreno de los X-Men, presentando al elenco original que llega hasta nuestros días, aunque ya ambientada en el año 2000. La película presenta la gran rivalidad entre los dos grandes mutantes y viejos amigos, Magneto (Ian McKellen) y Charles Xavier (Patrick Stewart), defensores cada uno de una forma opuesta de vivir como mutantes y hacer frente a la sociedad, mientras en el Congreso se busca aprobar una Ley de Registro de Mutantes.

‘X-Men 2′

Secuela directa de la anterior, X-Men 2 pone en el foco a un nuevo villano que, según esta cronología, ya conocerían muchos: William Stryker. El general que convirtió a Lobezno en un arma mortal tiene ahora nuevos planes para el resto de mutantes y es por ello que los equipos de Magneto y el Profesor X deciden unir fuerzas para salvarse los unos a los otros de una amenaza mayor. Brian Cox daría vida al villano en una película que introduciría personajes importantes como Nightcrawler (Alan Cumming) o Coloso (Daniel Cudmore).

‘X-Men 3: La decisión final’

La sociedad busca destruir a los mutantes de una vez por todas, y unos laboratorios han desarrollado una supuesta “cura” para el gen X. El equipo de Magneto busca detener esto mientras que el resto aún llora la pérdida de Jean Grey, la cual vuelve a la vida en una versión mucho más oscura y peligrosa. Con tantos frentes abiertos, Lobezno, Charles Xavier y el resto de mutantes tendrán que unir fuerzas para salvar el mundo y a su propia especie a la vez.

‘Lobezno inmortal’

Logan se ha mudado a Japón para intentar olvidar todo lo que ocurrió, pero el fantasma de Jean Grey todavía le persigue. Incapaz de recordar qué fue lo que hizo y qué es verdad y qué no, se ve envuelto en un gran embrollo de la yakuza japonesa. Convocado para transferir su poder curativo a un multimillonario que se está muriendo de cáncer, Logan se ve de la noche a la mañana huyendo de la mafia nipona y protegiendo a una joven que le recuerda por qué ha de seguir luchando.

‘X-Men: días del futuro pasado’

En un futuro no muy lejano, los mutantes están al borde de la extinción. Un ejército de robots letales para los mutantes conocidos como los centinelas los tiene acorralados, y la única manera de salvarse es enviar a Logan al pasado, unos años después de los eventos de X-Men: Primera Clase. En una nueva crisis internacional, Logan tendrá que reunir a Magneto, Charles y Mística para evitar que el futuro se torne tan oscuro para la raza mutante.

‘X-Men: Apocalypse’

Los eventos de X-Men: Días del futuro pasado alteraron todo, y en esta continuación ambientada en los 80 un antiguo poder resurge de sus cenizas. Se trata nada menos que de Apocalipsis (Oscar Isaac), el primer mutante y quien convoca a una nueva legión de jinetes del apocalipsis para acabar con toda la humanidad. Unos jóvenes Cíclope (Tye Sheridan), Jean Grey (Sophie Turner) o Nightcrawler (Kodi Smit-McPhee) tendrán que encontrar el modo de acabar con esta amenaza y rescatar al resto.

‘X-Men: Fénix Oscura’

Tras acabar con Apocalipsis, queda claro que los jóvenes están preparados para liderar a los X-Men, pero también que Jean Grey contiene un poder tan inmenso como peligroso. Todo se precipita cuando, durante una misión de rescate en el espacio, Jean recibe una llamarada solar que desata una serie de poderes que es incapaz de controlar. Aturdida y confundida, una malvada alienígena comienza a manipular a la mutante para ponerla en contra del resto, que tendrán que encontrar la manera de contener su explosión de ira pero sin acabar con la vida de la que sigue siendo su amiga.

‘Los nuevos mutantes’

Aventura independiente del resto de películas —fruto también de los derechos de Fox al margen de Disney—, esta película sirvió para dar un respiro a la saga e introducir una historia alejada de lo visto hasta ahora, incluso más cercana al terror. En una prisión de máxima seguridad, cinco jóvenes con poderes especiales empiezan a comprender su verdadera naturaleza mientras son sometidos a toda clase de experimentos que los llevan a unir fuerzas para escapar de una vez por todas de su cárcel. Maisie Williams, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Blu Hunt y Henry Zaga darían vida a estos nuevos personajes de los que nunca se volvió a saber.

‘Logan’

Ambientada en un futuro alternativo en 2029, en el que los mutantes han dejado de nacer desde hace años, el viejo Logan se dedica a ejercer como chófer sin saber que se va a cruzar en el camino de Laura (Dafne Keen), una joven mutante con poderes muy similares a los suyos y que busca huir hasta un refugio de mutantes conocido como Eden. Aunque al principio se niega, finalmente se lleva a Laura y a un viejo Charles Xavier que padece una grave enfermedad en un viaje hasta el supuesto refugio, mientras son perseguidos por la compañía que desarrolló a Laura y que ahora pretende utilizarla como arma.

‘Deadpool’ y ‘Deadpool vs Lobezno’

Las películas de Deadpool comenzaron por su propia cuenta, con algún que otro guiño y cameo incluido de los X-Men, pero fue con Deadpool y Lobezno que por fin ambos universos se mezclaron, y dieron lugar a otros tantos dentro del ya llamado multiverso de Marvel. Es una película importante no solo para el futuro inmediato de la saga, sino también porque fue la que abrió la puerta a los mutantes en el MCU, hasta entonces exclusivos de las películas de Fox.

Kathryn Hahn nunca imaginó que estaría “cantando y bailando” en un musical cinematográfico de Disney. La actriz, que asumirá el papel de Madre Gothel en la próxima versión de live action de Enredados, confesó en exclusiva a PEOPLE: “Nunca pensé que, en este momento de mi carrera, estaría haciendo algo así”.

A sus 52 años, Hahn se enfrenta a un desafío inesperado y lo resume con una frase: “Me siento como si estuviera en Fama”.

Esta producción es el primer gran proyecto musical de su carrera, un cambio importante tras su trabajo en Marvel. Hahn contó que atraviesa una etapa muy distinta en lo profesional, marcada por ensayos, canto y baile.

La oportunidad de interpretar a Madre Gothel le ha permitido mostrar habilidades que, hasta ahora, no había tenido ocasión de desplegar ante las cámaras. “Este es un gran paso adelante para mí”, afirmó Hahn sobre su participación en la película.

La actriz describió la experiencia como algo estimulante y sorpresivo, remarcando que nunca antes se había visto en una situación semejante: “Son cosas que nunca pensé que podría decir que hice en mi vida”.

La actriz habló de su preparación para interpretar a Madre Gothel en la nueva versión live action de Enredados, un proyecto que la tiene ensayando en España, cantando y bailando para Disney.

Experiencia previa de Hahn como cantante profesional y su relación con el karaoke

A pesar de que el público pudo apreciar su talento vocal en Marvel, Hahn fue clara sobre sus antecedentes: “Nunca había cantado profesionalmente en nada antes de Agatha, que fue una maravilla. Así que este es un gran paso adelante para mí”.

En WandaVision, interpretó la pegadiza “Agatha All Along”, revelando una faceta musical inesperada. Marvel luego incorporó aún más la música a Agatha All Along, con Hahn liderando al aquelarre en interpretaciones de “The Ballad of the Witches’ Road”.

Cuando la revista PEOPLE señaló que tal vez los fans no se habían dado cuenta de lo buena cantante que era antes de Agatha All Along, Hahn respondió: “No sé si diría eso, pero definitivamente soy muy buena en el karaoke”.

Al hablar de su canción preferida para las sesiones de karaoke, fue directa: “Pat Benatar. ‘Any Kind Of’”. Este acercamiento lúdico al canto marcó la diferencia entre sus experiencias anteriores y el reto de asumir un musical profesional.

Ensayos y sensaciones de Hahn durante la preparación en España

La preparación para el rodaje ha llevado a Hahn a ensayar en España, algo que ella misma describió como una experiencia completamente nueva dentro de su carrera. “Les digo a todos que me siento como en la película Fama. Estoy ensayando en España. Están filmando y yo he estado ensayando”, contó.

“He estado cantando y bailando. Es divertidísimo”, agregó. La actriz enfatizó el asombro y la diversión que le genera este reto artístico.

Sobre el proceso de ensayos, Hahn subrayó el ambiente vibrante y el trabajo físico exigente que requiere la película. En la D23 de 2024, sorprendió a los fans con una interpretación en directo de “The Ballad of the Witches’ Road”, lo que le dio una nueva oportunidad de demostrar sus dotes vocales ante un público multitudinario.

La dinámica de trabajo en España, combinada con la expectativa de los seguidores, ha hecho de este proyecto una etapa inédita para la actriz.

Desafíos físicos y personales al interpretar a Madre Gothel

El canto representa un reto para Hahn, pero el baile y la exigencia corporal han sido aún más desafiantes. “La flexibilidad es fundamental para mí. La gracia, la gracia natural y la agilidad no son fáciles de conseguir. Así que ha sido muy divertido descubrirlas”, reconoció.

El proceso de preparación la ha obligado a trabajar habilidades físicas que no eran habituales en su carrera, enfrentándose a situaciones inesperadas y a la necesidad de adaptarse rápidamente.

La actriz detalló cómo dar vida a Madre Gothel la ha llevado a buscar dentro de sí misma esas capacidades de movimiento y expresión. La cría en una torre aislada, la manipulación y el carácter teatral del personaje requieren una interpretación que combine malicia y destreza física.

Hahn expresó su entusiasmo por interpretar a Madre Gothel: “El personaje de Madre Gothel es fabuloso. Son cosas que nunca pensé que podría decir que hice en mi vida”. La complejidad de la villana, que secuestra a la pequeña Rapunzel y la cría en una torre fingiendo ser su madre, representa un desafío actoral y vocal.

En la versión animada original, Gothel tiene dos momentos musicales centrales: “Mother Knows Best” y “Mother Knows Best (Reprise)”, ambos con un giro teatral y oscuro.

Hahn también se refirió al respaldo de los fans y aseguró que fue “halagador” y “alucinante” ver que muchos la imaginaban en el papel de Madre Gothel en Enredados.

La versión live action de Disney llegará a los cines el 31 de marzo de 2028, lo que ha elevado las expectativas tanto de los fans como de la propia intérprete por mostrar una nueva faceta en la gran pantalla.

Una jueza de Estados Unidos rechazó el pedido urgente de Disney para frenar la revisión anticipada de las licencias de ocho estaciones de ABC por parte de la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC).

El caso, según Reuters, se convirtió en una prueba sobre los límites entre la potestad regulatoria del gobierno y la libertad de expresión de las emisoras, en medio de los reclamos del presidente Donald Trump para que esa cadena pierda sus licencias.

La magistrada Loren AliKhan, del tribunal federal de distrito en Washington, fijó el 24 de septiembre como fecha límite para la presentación de escritos legales y programó una audiencia para comienzos de octubre.

También dejó establecido que, si la FCC emite una orden para enviar esas licencias a una audiencia administrativa, las partes deberán comparecer ante el tribunal al día siguiente.

La decisión se conoció después de que Disney pidiera una audiencia antes del martes por su solicitud de una orden de restricción temporal.

El gobierno respondió que esa instancia anticipada no era necesaria, y la FCC aceptó dar un preaviso de al menos 48 horas antes de cualquier orden que remita las licencias de ABC a una audiencia.

La demanda apunta a la revisión anticipada de ocho licencias

La disputa judicial se centra en la revisión anticipada de las licencias de las ocho estaciones de ABC que son propiedad del grupo de entretenimiento.

En su demanda, Disney busca bloquear ese proceso y sostiene que la agencia federal intenta coaccionar y tomar represalias contra “una cadena que se niega a someterse a las exigencias de la administración”.

En esa misma presentación, la compañía describió las acciones de la comisión como “un ataque extraordinario a la libertad de expresión”. La argumentación, siempre según el planteo de la empresa, ubica el conflicto en un terreno que excede el trámite administrativo y lo conecta con decisiones editoriales y de programación de la cadena.

El gobierno, por su parte, cuestionó la necesidad de que el tribunal interviniera de manera inmediata, en particular con una orden de restricción temporal. Ese desacuerdo sobre el ritmo del proceso quedó reflejado en el intercambio previo a la resolución de la jueza y en el calendario que el tribunal terminó estableciendo.

La respuesta de la FCC y el alcance de la decisión judicial

El presidente de la FCC, Brendan Carr, respondió que la demanda de Disney carece de fundamento. También afirmó que todavía no decidió si remitirá las licencias de Disney a una audiencia, un punto que resulta central en el planteo procesal porque, de ocurrir, abriría un escenario distinto para las partes.

En ese marco, la jueza AliKhan definió un cronograma con un corte claro: el 24 de septiembre como fecha límite para los escritos legales y una audiencia para comienzos de octubre. Además, dejó asentado que, si la FCC emitiera una orden para enviar las licencias a una audiencia administrativa, el tribunal exigiría que las partes comparecieran al día siguiente.

La resolución llegó después de que Disney solicitara una audiencia antes del martes sobre su pedido de una orden de restricción temporal. Frente a esa pretensión, el gobierno respondió que no era necesaria una instancia anticipada y la FCC, en paralelo, aceptó otorgar un preaviso mínimo de 48 horas antes de cualquier orden que remita las licencias de ABC a una audiencia.

Un portavoz del organismo celebró la decisión judicial en declaraciones citadas por Reuters: “Nos complace que el juez haya rechazado el intento infundado de Disney de acudir precipitadamente a los tribunales. El tribunal también falló a favor de la FCC en lugar de Disney en lo que respecta al calendario previsto y denegó la solicitud de Disney de una orden judicial inmediata”.

Disney no hizo comentarios inmediatos sobre la resolución.

Un conflicto que se inscribe en choques con los medios

De acuerdo con Reuters, el caso se inscribe en una confrontación más amplia entre Donald Trump y los medios de comunicación. En ese contexto, la agencia señaló que el presidente lanzó una serie de ataques contra la prensa, y que el episodio se suma a una disputa de dos años entre Trump y Disney.

Ese telón de fondo aparece en el propio encuadre del litigio: para Disney, la actuación de la comisión federal se vincula con una presión del gobierno sobre un medio por decisiones editoriales y de programación. Para la FCC, en cambio, la acción judicial presentada por la empresa no justifica una intervención inmediata del tribunal, y el debate debe seguir el cauce procesal sin medidas urgentes.

El mes pasado, Trump volvió a reclamar que las emisoras de ABC perdieran sus licencias. Lo hizo después de que la cadena se negara a transmitir en horario central un discurso sobre las elecciones.

Ese antecedente es uno de los elementos que, según el reporte, le dio peso político al conflicto actual y reforzó la interpretación de Disney sobre el impacto de las presiones públicas.

A partir de ese escenario, la discusión quedó planteada en dos planos: el administrativo, ligado a las licencias y a la facultad de la FCC para revisar y eventualmente remitir el asunto a una audiencia, y el político, atravesado por los cuestionamientos del presidente a la cadena.

La resolución judicial, tal como se conoció, no cerró el fondo de la disputa, pero sí ordenó el ritmo del expediente y fijó condiciones para el caso de que la comisión avanzara con una orden.

Con el cronograma definido, las próximas instancias del proceso quedarán atadas a la presentación de escritos hasta el 24 de septiembre y a la audiencia prevista para comienzos de octubre, además del eventual escenario en el que la FCC disponga remitir las licencias a una audiencia administrativa, lo que activaría una comparecencia inmediata ante el tribunal al día siguiente.

Mia Talerico, conocida por interpretar a Charlie Duncan en la serie de Disney Channel Buena suerte Charlie, comenzó esta semana su último año de secundaria.

La actriz, de 17 años, compartió el miércoles 19 de agosto una serie de fotografías en su cuenta de Instagram con motivo de su primer día de clases.

En las imágenes, la famosa aparece con un top rosa de hombros descubiertos y sostiene una pizarra en la que se lee “1st Day Senior Year”, acompañada de la fecha.

En el texto de la publicación, la actriz escribió: “¡Último primer día! Ahora empiezo a sentirme vieja”.

Cabe recordar que Mia Talerico interpretó a Charlie Duncan en Buena suerte Charlie desde el estreno de la serie, en abril de 2010, hasta su conclusión, en febrero de 2014.

La producción seguía a los Duncan, una familia que vivía en Denver. Como parte de la trama, Teddy Duncan, interpretada por Bridgit Mendler, grababa videos destinados a su hermana menor Charlie, en los que compartía consejos para distintas etapas de su vida.

Después del final de la serie, Mia continuó vinculada a la actuación. Participó en varios cortometrajes y posteriormente interpretó a Paige en la serie Mani, producida por Brat TV, desde 2018 hasta 2022 y está previsto que aparezca en la próxima comedia American Summer, que se estrenará el 4 de septiembre de 2026.

En 2020, Talerico volvió a reunirse con varios de sus antiguos compañeros de Buena suerte Charlie durante una sesión especial por Zoom organizada con motivo del décimo aniversario de la serie.

En el encuentro participaron Mendler, Bradley Steven Perry, Jason Dolley, Leigh-Allyn Baker y Eric Allan Kramer.

Durante aquella conversación, Mia Talerico recordó algunos aspectos de su experiencia en el programa. La actriz explicó entonces que, debido a su corta edad, en algunas escenas recibía indicaciones sobre sus líneas o actuaba de acuerdo con lo que ocurría durante la grabación.

“Probablemente tuve un papel muy fácil porque me dijeron la mayoría de mis diálogos o simplemente no tenía ninguno”, dijo la artista, quien tenía 11 años en el momento de la entrevista.

Y añadió: “Creo que fue muy fácil porque, la mayoría de las veces, simplemente sucedía. Nos adaptamos, por ejemplo, en la escena en la que me arrastro, simplemente me puse de pie y seguimos adelante”.

Por si fuera poco, en enero de 2025 durante una entrevista en el programa Pucker Up With Joely Live, Mia Talerico dijo que estaba concentrada en sus estudios académicos pero deseaba tener más papeles.

“Me he estado concentrando en mis estudios y le he dicho a mi representante: ‘Oye, ¿podemos tomarnos un respiro? Dame algo de tiempo’. Pero le dije que quiero empezar a hacer más. Así que espero que pronto haya más oportunidades”, recordó.

En agosto de 2023, cuando tenía 14 años, Mia Talerico compartió fotografías correspondientes a su primer día de noveno grado. En aquella ocasión apareció junto a una pizarra colorida con el mensaje “First Day 9th Grade” y la fecha, además de utilizar el hashtag #classof2027.

La publicación de 2023 recibió, entre otros comentarios, uno de Leigh-Allyn Baker, quien interpretó a Amy Duncan, la madre de Charlie en la serie. Baker acompañó su mensaje con varios emojis y escribió que Talerico había crecido y que se veía hermosa. La actriz respondió llamándola “Mamá Leigh”.

La actriz ha mantenido durante estos años una presencia activa en redes sociales, donde comparte momentos relacionados con su vida personal y profesional.

Hulu incorporó a Sam Trammell, Sean Bridgers, Chris Coy, Kerry Bishé, Robin Weigert y Jean Louisa Kelly al reparto recurrente del reboot de Prison Break. La nueva versión contará una historia con protagonistas diferentes a los de la serie original y tendrá personajes dentro y fuera de una peligrosa prisión de Estados Unidos. El servicio todavía no comunicó cuándo se estrenará.

Los seis personajes que llegan a Prison Break

Trammell, conocido por su participación en True Blood, interpretará a Jarrod Boggs, un hombre poderoso con raíces profundas en Virginia Occidental. Los detalles disponibles no revelan sus intenciones, pero su influencia lo vinculará con los conflictos externos a la cárcel y con las redes de poder que rodean a los protagonistas.

Bridgers será Hollis, un padre de familia que intenta reconstruir su vida. Kelly asumirá el papel de Margaret, la nueva matriarca de una familia influyente con conexiones políticas. Estos personajes permitirán que la trama salga del centro penitenciario y explore una conspiración relacionada con sectores privilegiados de la sociedad estadounidense.

Dentro de la prisión estarán algunos de los perfiles más peligrosos del nuevo reparto. Bishé dará vida a Mary Smith, una reclusa misteriosa y amenazante, mientras que Coy interpretará a Mule, un preso descrito como impredecible. Ambos podrían convertirse en obstáculos directos para quienes intenten sobrevivir o escapar del penal.

Weigert será la capellana Bannon, responsable de prestar apoyo a los internos que lo necesiten. Su función la ubica en un lugar distinto al de Mary Smith y Mule: será una figura cercana al bienestar de los presos dentro de un entorno marcado por la violencia y la desconfianza.

Una historia separada de Michael Scofield y Lincoln Burrows

El reboot no continuará directamente la historia de Michael Scofield y Lincoln Burrows, los personajes centrales de la producción original. En cambio, seguirá a una ex soldado que comienza a trabajar como funcionaria de prisiones en uno de los centros penitenciarios más peligrosos del país. Su objetivo será demostrar hasta dónde está dispuesta a llegar por una persona a la que quiere.

La palabra reboot se refiere aquí a una nueva versión que conserva la premisa y el tono de la franquicia, pero cambia la historia y sus protagonistas. Las fugas, la supervivencia entre rejas y las conspiraciones seguirán presentes, aunque el conflicto partirá de una funcionaria con experiencia militar en lugar de los hermanos de la serie anterior.

Los seis fichajes recurrentes se suman a un elenco anunciado previamente. Esa lista incluye a Emily Browning, Drake Rodger, Lukas Gage, Clayton Cardenas, J.R. Bourne, Georgie Flores, Kelli Berglund y Myles Bullock. Hulu no detalló en esta información qué personajes interpretará cada integrante de ese primer grupo.

La combinación del reparto permite anticipar dos líneas conectadas. Una estará enfocada en los presos, el personal y las relaciones dentro de la cárcel; la otra abarcará familias políticas, figuras influyentes y personas que intentan rehacer su vida fuera del penal. Esa estructura mantiene la tensión entre una posible fuga y los intereses externos capaces de intervenir en ella.

El equipo creativo detrás del reboot

El proyecto está liderado por Elgin James, responsable de trabajos como Mayans M.C. y The Outlaws. James ejercerá como showrunner (la persona que dirige el desarrollo creativo cotidiano de una serie), productor ejecutivo y director del episodio piloto.

La producción también conservará vínculos con la serie original. Dawn Olmstead, productora ejecutiva de la primera etapa de Prison Break, regresará para participar en el reboot. El equipo de productores ejecutivos incluye además a Paul Scheuring, Marty Adelstein y Neal Moritz.

20th Television figura como el estudio responsable de la nueva serie. La presencia de parte del equipo creativo anterior convivirá con una historia independiente, un elenco distinto y una protagonista que llegará a la prisión como empleada en vez de ingresar inicialmente como reclusa.

Hulu aún no anunció la fecha de estreno ni confirmó cuándo comenzará la emisión de esta nueva etapa de Prison Break.

En 1979, Jerry Buss compró los Lakers y convirtió el baloncesto profesional en una producción de Hollywood: celebridades en las primeras filas, un estilo de juego rápido y listo para las cámaras, y un estadio diseñado para sentirse como un escenario. Lo llamó “Showtime”, y funcionó tan bien que se convirtió en el modelo que todas las ligas del mundo terminaron copiando.

Unos 47 años después, el equipo que Buss construyó como entretenimiento está siendo comprado por el hombre que pasó su carrera dirigiendo la mayor compañía de entretenimiento del mundo. Bob Iger, quien construyó Disney sobre la base de poseer historias que el mundo ya amaba, ahora está comprando la historia que Buss inventó.

El acuerdo, reportado el miércoles pasado por ESPN, valora a los Lakers en aproximadamente USD 12.500 millones, el precio más alto jamás pagado por una franquicia deportiva en Estados Unidos.

Iger y Josh Kushner, el capitalista de riesgo que fundó Thrive Capital, están en proceso de compra del equipo a Mark Walter, quien adquirió una participación mayoritaria de la familia Buss hace apenas 14 meses con una valoración de USD 10.000 millones, lo que supone un retorno de alrededor del 21% para Walter.

“Como fanáticos de la NBA de toda la vida, nos sentimos profundamente honrados por la oportunidad de ser los nuevos administradores de los Los Angeles Lakers, una de las franquicias deportivas más icónicas del mundo”, dijeron Kushner e Iger en una declaración conjunta. Y agregaron: “Tenemos un inmenso respeto por el liderazgo y la visión de Jerry y Jeanie Buss”.

Iger renunció como director ejecutivo de Disney en marzo, fue reemplazado por Josh D’Amaro, y asumió un rol de asesor en Thrive Capital, la firma de Kushner. Anteriormente, fue socio de riesgo en Thrive antes de que Disney lo llamara de regreso en 2022 para reemplazar a Bob Chapek como CEO. Antes de cerrarse este acuerdo, Kushner ya era jefe de Iger.

Una empresa de entretenimiento deportivo

Kushner, de 41 años, construyó Thrive Capital como una de las firmas de capital de riesgo más influyentes en tecnología, con inversiones tempranas en Instagram, Spotify, Stripe y OpenAI.

A principios de este año lanzó un segundo vehículo, Thrive Eternal, estructurado como un capital permanente destinado a comprar y mantener participaciones minoritarias en equipos deportivos y lo que la firma llama “otras marcas icónicas”. Su primer acuerdo fue una participación minoritaria en los San Francisco Giants.

En julio, el presidente de la FIFA, Gianni Infantino, presentó un plan para vender una participación en los derechos comerciales de la organización, incluidos los ingresos por transmisión y patrocinio de la Copa del Mundo, a través de una nueva subsidiaria llamada FIFA Forward Enterprise.

La subsidiaria tenía una valoración propuesta de USD 20.000 millones, con hasta 4.200 millones disponibles para inversores externos. Thrive Eternal de Kushner fue nombrado inversor principal. Tras una intensa reacción negativa y amenazas de boicot, la FIFA archivó el plan en una semana.

Tres semanas después, el mismo inversor cerró el mayor acuerdo de propiedad deportiva en la historia de Estados Unidos.

Kushner es el hermano menor de Jared Kushner, yerno y exasesor principal del presidente Donald Trump. Josh Kushner tiene su propia huella política: asistió a la manifestación March for Our Lives en 2018 junto a su ahora esposa, Karlie Kloss, en protesta contra la política de armas. Su donación política más reciente registrada fue para la Fundación Obama.

Los Lakers de los años 80, bajo Jerry Buss, fueron construidos deliberadamente tanto como entretenimiento como baloncesto. Mientras que Disney bajo el mando de Iger funcionaba con un principio similar, comprando Pixar, Marvel, Lucasfilm y 21st Century Fox por las historias que llevaban consigo, construyendo una franquicia en sí misma.

Walter, quien vende el equipo después de poco más de un año de propiedad, dijo en un comunicado que ser dueño de los Lakers había sido “uno de los grandes honores de mi vida”.

Cuando Walter compró el equipo el año pasado, el histórico ex basquetbolista Magic Johnson dijo a Los Angeles Times que Jeanie Buss había tomado la decisión correcta: “Una cosa que Jeanie iba a hacer era poner la franquicia en las manos correctas. Si iba a vender, tenía que ser la persona adecuada, y Mark Walter es la persona adecuada para tomar el control y guiarnos durante los próximos 30, 40 años. Así que, esta es la mejor noticia que podría haber pasado para todos los fanáticos de los Lakers en todo el mundo. Mark le ha puesto el ojo a los Lakers durante mucho tiempo”.

En X, Johnson agregó: “Los fanáticos de los Lakers deberían estar extasiados. Algunas cosas que puedo decir sobre Mark: lo impulsa ganar, la excelencia y hacer todo de la manera correcta”.

Unos 14 meses después, con Walter ya vendiendo, Johnson publicó su reacción a Iger y Kushner en X: “Fanáticos de los Lakers, no podrían tener dos mejores propietarios. Conozco a Bob personalmente desde hace más de 40 años: siempre ha amado a los Lakers y al baloncesto y traerá campeonatos de regreso a Los Ángeles”.

Johnson sabe cuál es el estándar. Ganó cinco campeonatos bajo Buss y desde entonces defendió el estándar de “Showtime” frente a cada propietario que lo sucedió, incluida una ruptura pública con Jim Buss.

(c) 2026, Fortune

El Universo Cinematográfico de Marvel se prepara para el estreno de Avengers: Doomsday, uno de los eventos más esperados en la pantalla grande. Con la fecha de lanzamiento fijada para el 18 de diciembre, la compañía ha publicado un listado oficial de películas y series que los fans deberían ver para llegar al cine con todos los detalles narrativos frescos.

Pero, además de la curiosidad por el orden sugerido, surge una pregunta esencial para los seguidores de la saga: dónde pueden verse, de manera legal, estos títulos en Latinoamérica, Estados Unidos y España.

Cuáles son las películas que se deberían ver antes de Avengers: Doomsday

Marvel Studios, junto a Disney+, lanzó una lista de 14 títulos considerados obligatorios para comprender el entramado que desemboca en ‘Avengers: Doomsday’. La selección abarca desde clásicos del estudio hasta producciones recientes, incluyendo largometrajes y series. Estos son los títulos que la compañía señala como indispensables:

• X-Men
• X2
• Capitán América: El primer vengador
• Avengers (Los Vengadores)
• Avengers: Infinity War
• Avengers: Endgame
• Loki (Temporadas 1 y 2)
• Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos
• Black Panther: Wakanda Forever
• Doctor Strange en el multiverso de la locura
• Deadpool y Lobezno
• Capitán América: Brave New World
• Thunderbolts
• Los 4 Fantásticos: Primeros pasos

Esta lista incluye tanto películas como series. El caso de ‘Loki’ es especial, ya que se recomienda ver las dos temporadas completas para entender las ramificaciones multiversales y su impacto en la saga.

Dónde ver todas las películas y series en Latinoamérica

Para quienes residen en Latinoamérica, la respuesta es Disney+, como la única plataforma que ofrece la totalidad del catálogo. Todos los títulos señalados por Marvel pueden verse en Disney+ mediante una suscripción.

No existe la opción legal de alquilar o comprar digitalmente estos títulos de manera individual en la región, ya que Disney desactivó el alquiler digital para Latinoamérica.

Opciones para verlas en Estados Unidos y España

En Estados Unidos, la situación es similar, aunque existen más alternativas para quienes no desean suscribirse a Disney+. El catálogo completo se encuentra disponible en Disney+, pero las películas pueden alquilarse o comprarse digitalmente en otros servicios como Apple TV, Amazon Prime Video, Google TV y Fandango at Home.

Sin embargo, es importante destacar que la serie ‘Loki’ solo está disponible en Disney+. No puede alquilarse ni comprarse digitalmente en ninguna plataforma. Por tanto, quienes quieran el recorrido completo sugerido por Marvel, incluyendo series, deberán recurrir, necesariamente, a Disney+.

En España, Disney+ también es la plataforma que reúne la totalidad del listado recomendado por Marvel, tanto películas como series. Para quienes prefieren no suscribirse, las películas pueden alquilarse o comprarse en servicios como Apple TV, Prime Video Store, Google TV, Rakuten TV y Movistar Plus+.

Al igual que en otras regiones, ‘Loki’ es un contenido exclusivo de Disney+. No está disponible para alquiler ni compra digital en ninguna otra plataforma dentro de España, por lo que para completar el recorrido es imprescindible una suscripción.

Disney+ se transforma en “super app”

Disney anunció un ambicioso plan para convertir Disney+ en una “super app” que integrará streaming, videojuegos, comercio digital y funciones potenciadas por inteligencia artificial.

La propuesta busca ofrecer a los usuarios un entorno único donde películas, series, experiencias interactivas y compras convivan bajo una misma plataforma, con personalización avanzada y beneficios exclusivos para suscriptores.

El CEO Josh D’Amaro explicó que la inteligencia artificial será clave para mejorar procesos y fomentar la creatividad de narradores y creadores, siempre manteniendo el control artístico humano. Además, la app permitirá acceder a videojuegos vinculados a las franquicias más populares y facilitará la compra de productos oficiales, fusionando entretenimiento y comercio de manera fluida.

Disney también anunció una alianza con TikTok para incorporar contenido generado por usuarios seleccionados dentro de Disney+, ampliando la interacción y el alcance de sus marcas. El despliegue de las nuevas funciones comenzará en la primavera de 2027, anticipando una nueva era para el entretenimiento digital.

“Disney” no significa diversión cuando se trata del Cártel de Sinaloa: en sus comunicaciones, era el nombre clave para una de las ciudades donde distribuían fentanilo en Estados Unidos. Así lo revelan las transcripciones de llamadas intervenidas que forman parte de un expediente judicial al que la periodista Laura Sánchez Ley, de Milenio, tuvo acceso, y que documentan cómo una célula de esa organización operó una red que abarcó 13 estados del país vecino mientras planeaba expandirse a Israel, Jordania y Nueva Zelanda.

La droga nunca circuló con su nombre real en esas conversaciones. Los operadores la llamaban “azul”, “morado”, “blanco” o “verde”, y encubrían otras ciudades de distribución bajo apodos como “Las Torres” o simplemente “Los Ángeles”, un sistema de claves que los investigadores tardaron meses en descifrar.

La Fiscalía General de la República (FGR) detectó la operación mediante la intervención de más de una decena de líneas telefónicas, autorizadas entre el 26 de septiembre de 2023 y el 21 de febrero de 2024. La investigación arrancó después de que una denuncia anónima alertara sobre el cruce de droga en la frontera Mexicali-Calexico.

El código del Cártel: claves, apodos y ciudades disfrazadas

El expediente del juicio —o toca penal— 21/2025, resuelto el 23 de abril de 2026 por el Primer Tribunal Colegiado de Apelación del Segundo Circuito, con sede en Toluca, Estado de México, recoge las transcripciones de esas llamadas. Detrás de los eufemismos, los investigadores identificaron una red de distribución que llegó a Los Ángeles, Chicago, Nueva York, Atlanta, Nueva Jersey, Connecticut, Massachusetts, las dos Carolinas, Jacksonville, Bakersfield, Arizona y Ohio.

La logística, según reconstruyó la FGR a partir de las escuchas, partía de laboratorios clandestinos en los municipios de Pericos y Culiacán, Sinaloa. De ahí, el producto se embalaba y trasladaba hasta Mexicali, Baja California, donde un operador coordinaba el cruce hacia Calexico.

Para evadir los escáneres de rayos X de la aduana estadounidense, la organización desarrolló una técnica precisa. Uno de los operadores la explicó en una llamada intervenida: “Cuando pasa el rayo no sale en forma de cuadro porque este va comprimido”, en referencia al fentanilo escondido dentro de tanques de gasolina en bolsas selladas al vacío.

El grupo utilizó vehículos particulares, personas conocidas como “mulas” y camiones de carga a los que llamaban “trocas” o “fletes”. La denuncia que detonó toda la investigación partió de una madre de Mexicali cuya hija fue detenida el 10 de mayo de 2023 por la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza (CBP) al cruzar la frontera con metanfetamina.

La “Casa Azul” de Culiacán y los nueve cateos del 8 de marzo de 2024

Las autoridades catearon nueve domicilios vinculados a la organización el 8 de marzo de 2024. En uno de ellos, conocido internamente como la “Casa Azul” y ubicado en Culiacán, encontraron 499 ampolletas de cristal con líquido amarillo, ocho bolsas con sustancia cristalina y documentos con referencias a embarques de químicos desde China hacia la Ciudad de México.

Un oficio del Centro Federal de Inteligencia Criminal, fechado en diciembre de 2023, precisó que los precursores para fabricar el fentanilo ingresaban a México por los puertos marítimos de Mazatlán y Topolobampo. Los insumos —sosa cáustica, benceno y metileno— se adquirían en China, y la organización los procesaba en Sinaloa para convertirlos en producto terminado.

La escala del negocio quedó expuesta en una llamada citada en el expediente. Uno de los operadores detalló la ecuación a otro: “El producto que compra en China le sale en 2 mil 500 dólares y ya traerlo en 5 mil dólares [...] de un kilo, saca otro kilo”, lo que sugiere que cada kilo de precursor importado se convertía en dos kilos de droga lista para el mercado.

Los propios integrantes de la red describieron su operación con términos empresariales. En otra llamada recogida en el expediente, uno de ellos declaró: “Nosotros somos como una empresa, una empresa con negocios; en días pasados, no estaba redituable, porque los precios bajan y no estábamos sacando mucho al margen”.

El plan hacia Israel y la conexión con Hernán Domingo Ojeda López

En octubre de 2023, en plena expansión de la red en territorio estadounidense, uno de los cabecillas de la célula le ordenó a otro integrante: “Vaya viendo la posibilidad de abrir mercado en países como Jordania, Israel y Nueva Zelanda”. El interlocutor tardó semanas en retomar el tema, pero confirmó que el plan se llevaría a cabo.

Laura Sánchez Ley reportó en Milenio que la mención de esos tres países aparece en al menos dos ocasiones dentro de las comunicaciones intervenidas, lo que indica que la idea se retomó y discutió en distintos momentos a lo largo de varias semanas. La expansión no era logísticamente descabellada: Jordania, Israel y Nueva Zelanda quedan geográficamente más cerca de China —proveedor de los precursores— que el propio mercado estadounidense.

El expediente vincula esta red con Hernán Domingo Ojeda López, alias “El Mero Mero”, tío de Ovidio Guzmán López. Las autoridades lo señalan como uno de los principales operadores del tráfico de fentanilo desde Culiacán hacia Estados Unidos para la facción del Cártel de Sinaloa conocida como La Mayiza.

Ojeda López fue detenido el 16 de diciembre de 2024 en Badiraguato, Sinaloa, y vinculado a proceso diez días después. El método de operación documentado en el expediente —producción en Culiacán y cruce por Mexicali-Calexico— coincide con el que las autoridades mexicanas y estadounidenses le atribuyen directamente.

La vinculación a proceso de los integrantes de la red fue confirmada por tribunales federales en al menos tres resoluciones distintas. La primera, relacionada con un individuo que coordinó la producción junto con su hijo, fue ratificada el 23 de abril de 2026 por el Primer Tribunal Colegiado de Apelación del Segundo Circuito.

La segunda resolución involucra al señalado como líder de la operación, responsable de adquirir los precursores en China y coordinar su distribución en Estados Unidos. Fue vinculado a proceso el 28 de noviembre de 2025 y, para entonces, ya había sido entregado a las autoridades estadounidenses.

La tercera apelación de ese mismo caso fue confirmada el 30 de junio de 2026. El expediente completo suma más de cuarenta evidencias: informes de inteligencia, dictámenes de química forense, actas de cateo y oficios de agencias estadounidenses.

El rastreo telefónico que permitió documentar todo comenzó cuatro días después de la denuncia anónima, el 25 de septiembre de 2023, cuando un policía federal ministerial identificó a uno de los grupos criminales que operan en Baja California. Ese mismo día, un oficio de la Oficina de Seguridad Nacional de Estados Unidos confirmó que el nombre mencionado en la denuncia correspondía a alguien investigado desde agosto de 2015 como cabecilla de una organización dedicada al tráfico de metanfetamina, cocaína y heroína.

Los registros de esa investigación revelaron que ese mismo sujeto se había declarado culpable en marzo de 1996, en una corte de California, por conspiración para distribuir metanfetamina y heroína. Cumplió 135 meses de prisión en Estados Unidos y fue deportado a México en noviembre de 2007.

La investigación de la FGR cerró el ciclo de escuchas el 21 de febrero de 2024, después de casi cinco meses de intervenciones telefónicas. En ese tiempo, los investigadores escucharon cómo la organización coordinaba envíos, discutía precios, resolvía problemas de producción y trazaba su expansión hacia mercados fuera del continente americano.

Kathryn Hahn será Mother Gothel en la versión de acción real de Enredados, una elección que circuló durante años entre los seguidores de Disney y que ahora quedó confirmada en la antesala del estreno previsto para 2028. La actriz habló sobre esa expectativa en una entrevista con People durante el evento D23: The Ultimate Disney Fan Event 2026, que tuvo lugar hace pocos días en Estados Unidos.

Kathryn Hahn, de 53 años, se refirió a la campaña de los seguidores que impulsó su elección como Mother Gothel, la antagonista de Enredados, en la próxima adaptación de acción real de Disney. Sobre el hecho de que esa movilización terminara convertida en una decisión oficial de casting, la actriz declaró a People: “Tengo conocimiento de eso. Sé que la gente lo ha querido. Así que es muy humillante y halagador; también resulta realmente extraño que finalmente suceda”.

La confirmación pública llegó horas más tarde durante una presentación de la compañía, donde el estudio mostró un mensaje de Milo Manheim y Teagan Croft, quienes aparecerán como Flynn Rider y Rapunzel. En ese marco, Hahn se dirigió al público con una frase que recogió People: “Ustedes manifestaron que yo interpretara a Mother Gothel en la versión de acción real de Enredados, así que gracias”.

Una elección alentada por los fans

La posibilidad de que Hahn encarnara a la villana circuló durante mucho tiempo en redes sociales y foros de seguidores de Disney. De acuerdo con People, la actriz conocía ese respaldo previo y sostuvo que la concreción del proyecto le produjo una sensación poco habitual incluso dentro de una carrera extensa en cine y televisión.

Durante su intervención en el evento, Hahn describió al personaje con una combinación de ironía y entusiasmo. “Tenían razón. Yo soy Mother Gothel”, dijo ante los asistentes, antes de enumerar rasgos del personaje en tono humorístico. También señaló que le atrae ese tipo de antagonista que se percibe a sí misma como la figura correcta de la historia. “Es la mejor clase de villana. Es la que cree de verdad que es la heroína”, afirmó en declaraciones recogidas por People.

Esa definición ofrece una pista sobre el enfoque que podría tener la nueva versión de Disney, que vuelve sobre uno de los títulos animados más reconocidos del estudio. En la película original, Gothel ejerce un vínculo de control sobre Rapunzel y construye una relación marcada por la manipulación, la dependencia y el encierro.

El atractivo de un personaje teatral

Hahn también se refirió a las exigencias expresivas del papel. En diálogo con People, bromeó con que durante un tiempo su página en IMDb incluía entre sus habilidades especiales la capacidad de “hacer caras”. A partir de esa referencia, sostuvo que se siente cómoda con registros amplios y exagerados, rasgo que encaja con la lógica visual y corporal de una adaptación de animación a imagen real.

La nueva versión le permitirá cantar y bailar, dos facetas que la actriz no exploró con frecuencia en su trabajo profesional. Esa dimensión escénica forma parte de la identidad del personaje, asociado en la historia a una presencia dominante y a una estética marcada por el artificio teatral.

“Es un papel fabuloso”, señaló Hahn, según detalló People. Luego agregó que el proyecto le da acceso a experiencias que no imaginó incluir en su carrera, entre ellas cantar, bailar e incluso interactuar con uno de los elementos más recordados del relato: el larguísimo cabello dorado de Rapunzel.

Distancia entre la ficción y la vida personal

Aunque en la película interpretará a una figura materna, Hahn estableció una separación tajante entre el personaje y su experiencia como madre. Consultada sobre si su relación con sus hijos influye en la construcción de Gothel, respondió que no encuentra puntos de contacto significativos.

“No, en absoluto”, respondió la actriz cuando surgió esa comparación, de acuerdo con People. Incluso añadió, con tono de broma, que tendría que preguntárselo a su propia hija, aunque consideró que existe “muy, muy, muy poca superposición” entre ambas realidades.

La observación refuerza la distancia entre la figura pública de Hahn y una antagonista que, en el universo de Enredados, queda definida por el control y la manipulación emocional. En ese sentido, el personaje se mantiene como uno de los ejes dramáticos centrales del relato y como una pieza clave para el tono de la adaptación.

El entrenamiento pendiente de Ahsoka

Uno de los ejes de los nuevos episodios será la relación entre Ahsoka y Anakin. Según la información presentada junto con el avance, el fantasma de la Fuerza de su antiguo maestro la acompañará en el presente y la impulsará a completar el entrenamiento que quedó inconcluso.

Un fantasma de la Fuerza es la manifestación espiritual de un Jedi después de su muerte, capaz de comunicarse con personas vivas. Este recurso permitirá que Hayden Christensen vuelva a compartir escenas con Dawson y que la serie retome el vínculo entre ambos personajes desde dos momentos diferentes.

La temporada incluirá recuerdos inéditos de las lecciones tradicionales entre maestro y padawan durante el período previo a la caída de la República. Esas secuencias ampliarán una etapa que las producciones de Star Wars ya abordaron desde distintas perspectivas: Ahsoka fue aprendiz de Anakin antes de abandonar la Orden Jedi, una decisión que dejó su formación formal sin terminar.

En el presente de la historia, Anakin buscará que su antigua aprendiz complete ese recorrido y se convierta finalmente en Caballero Jedi. El conflicto plantea una tensión concreta para el personaje: aceptar la orientación de su maestro después de conocer su caída y su transformación en Darth Vader.

Thrawn avanza contra la Nueva República

Mientras Ahsoka busca regresar a la galaxia principal, Thrawn continuará con su plan de restauración imperial. El personaje interpretado por Lars Mikkelsen intentará catalogar a la Nueva República como una facción rebelde, invirtiendo así el orden político establecido después de la derrota del Imperio.

El tráiler anticipa amenazas nuevas y antiguas, además de reencuentros con aliados de la protagonista. La información difundida no detalla cómo Ahsoka conseguirá volver ni qué obstáculos encontrará durante ese trayecto, pero vincula su misión directamente con los movimientos del almirante.

La primera temporada dejó a varios personajes separados de la galaxia principal y estableció el regreso de Thrawn como una amenaza para el gobierno surgido tras la caída imperial. Los nuevos capítulos retomarán ese punto, con el antagonista intentando recuperar influencia y modificar la percepción pública de la Nueva República.

El reparto anunciado incluye también a Rory McCann, Eman Esfandi y Steve Blum. Esfandi regresará como Ezra Bridger, mientras que las fuentes no ofrecen detalles sobre el alcance de los demás personajes ni sobre la cantidad de episodios de esta segunda entrega.

Dos fechas informadas para el estreno

Disney+ confirmó que la serie llegará en enero de 2027, aunque existe una diferencia entre las fechas publicadas. Una de las fuentes ubica el estreno el miércoles 20 de enero; la otra señala el miércoles 27. Ninguna de las dos explica el motivo de la discrepancia, por lo que el día definitivo requiere una actualización directa en el calendario de la plataforma.

El estreno quedará situado pocos meses antes del lanzamiento cinematográfico de Star Wars: Starfighter, previsto para mayo de 2027. Si se mantiene el calendario informado, Ahsoka podría ser el último gran proyecto televisivo de Star Wars antes de la llegada de esa película a los cines.

Disney+ todavía no informó la cantidad de capítulos ni si toda la temporada estará disponible desde el primer día o seguirá un modelo de publicación semanal. Por ahora, la ventana confirmada es el 20 de enero de 2027.

El material mostrado, aún en fase de storyboard y con música provisional, arrancó una ovación del público asistente.

La secuencia arranca con Homero Simpson y sus vecinos en un partido de los Springfield Isotopes. Una pelota de béisbol sale disparada de las gradas y desata una persecución que arrastra a prácticamente todos los habitantes de la ciudad.

La carrera pasa por la taberna de Moe, donde los huevos encurtidos del local son confundidos con la pelota; luego continúa por una sala de urgencias, calle abajo y hasta el interior de la Cervecería Duff.

Allí, Homero cae en un tanque de cerveza y termina expulsado por una chimenea de la fábrica, para aterrizar de vuelta en el estadio.

Bart recoge la pelota con total indiferencia, provocando el célebre grito de “¡D’oh!” —no solo de Homer, sino de todos los que lo acompañaron en la persecución.

El material proyectado estuvo compuesto en su mayor parte por storyboards en color con música temporal, entre la que los presentes identificaron un pasaje del compositor Jan De Bont para la película Speed.

Aunque la animación no era definitiva, la secuencia circuló en redes sociales minutos después de su presentación: a diferencia de la Comic-Con de San Diego, la seguridad de D23 permitió a los asistentes grabar con sus dispositivos.

El tono de la escena remite al episodio de la temporada 3 de Los Simpson titulado “Homero at the Bat”, con una cadena de gags que recuerdan a las grandes secuencias de los Looney Tunes, repletas de cameos de personajes secundarios.

Entre ellos aparece Jacques Brunswick, un personaje de los primeros tiempos de la serie, al que se le ve arrojado contra el urinario de un baño.

Fue la presidenta de Disney Entertainment, Dana Walden, quien introdujo el material ante el público de D23 tras un intercambio en pantalla con Bart Simpson.

“Este filme no sale hasta el próximo septiembre, así que lo que van a ver es muy preliminar. Normalmente no mostraríamos algo tan temprano, pero Bart insistió. Y cuando vimos este material, acordamos que ustedes son el público perfecto para verlo primero”, dijo Walden.

¿De qué tratará la nueva película de “Los Simpson”?

Los detalles argumentales de The New Simpsons Movie son escasos.

El creador de la serie, Matt Groening, ya había ofrecido una pista —o quizás un guiño— en la Comic-Con de San Diego en 2025.

“No debería decir esto, pero quería hacer una película de Los Simpson que fuera el musical de El planeta de los simios. Solo necesitamos los derechos de El planeta de los simios”, declaró Groening con ironía.

El propio creador tiene una relación conocida con esa franquicia: en el episodio de la temporada 7 “A Fish Called Selma”, de 1996, la serie ya incluyó un número musical titulado Stop the Planet of the Apes, I Want to Get Off!, interpretado por el personaje Troy McClure.

El showrunner Matt Selman fue algo más críptico al referirse a las posibilidades de la nueva entrega. “Hay muchas tecnologías nuevas que serían divertidas de explorar. Eso es lo que diré”, señaló.

Lo que sí queda claro a partir del material presentado es que la persecución de una pelota de home run en el estadio de los Isotopes forma parte de la trama, aunque hasta qué punto será el eje central del filme es algo que el estudio no ha confirmado.

El anuncio de la secuela se realizó en septiembre de 2025 con el eslogan “Homer’s coming back for seconds”. La primera película, estrenada el 21 de julio de 2007, recaudó 536,7 millones de dólares en todo el mundo.

Aquella cinta obtuvo nominaciones al mejor largometraje de animación en los BAFTA, los Globos de Oro, los Critics Choice y los Annie Awards, aunque no logró entrar en la terna de los Óscar de ese año, dominada por Ratatouille, de Brad Bird para Pixar.

The New Simpsons Movie llegará a las salas de cine el 3 de septiembre de 2027. Para cuando se estrene, Los Simpson estará a punto de lanzar su temporada 39.

La huida junto a Thomas Shepard

La sinopsis presenta a Visión reiniciado y escondido después de escapar de quienes intentaban convertirlo en un arma. Sin un propósito claro, el personaje consulta a las distintas personalidades de inteligencia artificial integradas en su programación mientras trata de comprender su identidad y procesar lo ocurrido en Westview.

Su vida oculta termina cuando aparece una recompensa por su cabeza. La persecución lo obliga a huir junto a Thomas Shepard, un joven misterioso que podría ser la reencarnación de su hijo. Ese vínculo retoma un rumor que circuló durante años alrededor del proyecto y lo transforma en el eje de la serie.

El avance todavía mantiene en secreto la verdadera identidad de Thomas y las circunstancias de su encuentro con Visión. La descripción oficial indica que el protagonista deberá evitar su captura, resistir una influencia interna y resolver el enigma de su acompañante para sobrevivir. La posibilidad de que el joven sea realmente su hijo queda planteada como una pregunta, no como una respuesta definitiva.

El tráiler también incluye detalles visuales asociados con La Visión, la serie de cómics escrita por Tom King y dibujada por Gabriel Hernández Walta. Esa obra exploraba los intentos del personaje por construir una vida propia y entender las emociones humanas, temas que vuelven a aparecer en el material presentado para Disney+.

Ultrón y las voces dentro de Visión

Entre las personalidades alojadas en la programación de Visión se encuentra Ultrón, interpretado otra vez por James Spader. El antagonista es considerado su padre debido a su participación en la creación del personaje y ahora convivirá con él dentro de su mente. La relación será uno de los principales conflictos: Visión necesitará recurrir a esas voces para encontrar respuestas, pero tendrá que impedir que Ultrón controle sus decisiones.

La serie incorporará otras inteligencias artificiales conocidas de Marvel: F.R.I.D.A.Y., E.D.I.T.H. y J.A.R.V.I.S.. Una IA, sigla de inteligencia artificial, es un programa diseñado para procesar información y responder de manera autónoma; dentro de esta historia, cada sistema tendrá una personalidad diferenciada y podrá intervenir en los pensamientos del protagonista.

Esa disputa mental acompañará una amenaza física. Mientras intenta entender los programas que forman parte de él, Visión será perseguido por quienes quieren capturarlo y deberá proteger a Thomas. El tráiler alterna así la búsqueda personal del personaje con una huida en la que todavía se desconoce quién ofreció la recompensa.

El reparto incluye a James D’Arcy, Diane Morgan y Ruaridh Mollica, además de Bettany y Spader. También regresará Faran Tahir como Raza, el personaje que interpretó en Iron Man. Su aparición se producirá 18 años después de aquella película, aunque las fuentes todavía no detallan cómo se relacionará con Visión, Thomas o sus perseguidores.

El cierre de la trilogía televisiva

VisionQuest continuará las consecuencias de WandaVision y Agatha en todas partes, dos producciones conectadas por Westview, la magia de Wanda Maximoff y las identidades de sus hijos. La historia también llega después de Doctor Strange en el multiverso de la locura, película que retomó parte del conflicto de Wanda tras los acontecimientos de la primera serie.

Marvel Studios presenta el nuevo proyecto como la entrega definitiva de esa trilogía. La estructura le permitirá centrarse en preguntas que quedaron abiertas desde WandaVision: qué ocurrió con Visión después de recuperar sus recuerdos, cuál es su identidad tras ser reiniciado y qué pasó con los hijos creados durante la anomalía de Westview.

El estreno se producirá antes de Avengers: Doomsday, otro de los proyectos destacados durante las novedades de D23. En paralelo, circuló un reporte sin confirmación oficial que señala que Marvel Studios reduciría la cantidad de series de acción real para dar más espacio a la animación, después de la recepción de X-Men 97 y Tu amigo y vecino Spider-Man.

Por ahora, Marvel Studios confirmó el tráiler, el reparto principal y el 14 de octubre como fecha de llegada de VisionQuest a Disney+.

Spider-Man: Un nuevo día, protagonizada por Tom Holland, superó los 2.000 millones de dólares en la taquilla mundial durante su tercera semana en cines. La película de Marvel Studios y Disney acumula 2.021.832.000 dólares, se mantiene en el primer puesto global y ya es la entrega de Spider-Man con mayor recaudación de la historia.

Un récord alcanzado en tres semanas

Según los datos publicados por Box Office Mojo, la nueva película del Hombre Araña se convirtió en la octava producción cinematográfica que logra superar los 2.000 millones de dólares. El grupo es mucho más reducido que el de los títulos que cruzaron los 1.000 millones: apenas 65 películas alcanzaron esa primera barrera en la historia del cine.

El ritmo de recaudación también distingue a la película. Spider-Man: Un nuevo día necesitó tres semanas para ingresar al club de los 2.000 millones, el segundo mejor registro conocido. La única producción que llegó más rápido fue Avengers: Endgame, que alcanzó la cifra en 11 días.

El desempeño le permitió superar a Spider-Man: Sin camino a casa y convertirse en la película más taquillera de la franquicia. También pasó a ser el largometraje protagonizado por un superhéroe individual con mayores ingresos en salas. Su permanencia en el primer lugar durante la tercera semana indica que todavía conserva margen para sumar varios millones antes de terminar su recorrido comercial.

Las cifras adquieren otra dimensión por el tiempo transcurrido desde el último estreno estadounidense que atravesó esa barrera. Habían pasado tres años y medio desde que Avatar: El sentido del agua superó los 2.000 millones. Spider-Man: Un nuevo día terminó con ese período y lo hizo cuando todavía queda buena parte de agosto, un tramo del calendario sin grandes competidores señalados por las fuentes.

La carrera por subir en la lista histórica

Con 2.021 millones de dólares, Spider-Man: Un nuevo día ocupa actualmente el octavo puesto entre las películas más taquilleras de todos los tiempos. Sus próximos objetivos están cerca: Avengers: Infinity War registra 2.052 millones, mientras que Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza suma 2.071 millones.

La diferencia es de alrededor de 31 millones respecto de Avengers: Infinity War y de 50 millones frente al episodio de Star Wars. Si mantiene ingresos diarios de decenas de millones, la producción podría superar ambas películas y alcanzar el sexto lugar histórico.

El salto siguiente es bastante mayor. Titanic, ubicada en el quinto puesto, tiene una recaudación aproximada de 2.264 millones de dólares. Para alcanzarla, Spider-Man: Un nuevo día tendría que sumar más de 240 millones a su total actual. Esa distancia explica por qué su ascenso inmediato parece posible, mientras que entrar en los primeros cinco lugares dependerá de cuánto tiempo conserve público en las salas.

También surgieron proyecciones sobre una eventual llegada a los 3.000 millones de dólares, una cifra que ninguna película ha alcanzado. Por ahora, los datos disponibles no permiten sostener ese escenario: todavía faltan casi 1.000 millones y el desempeño de las próximas semanas será decisivo. Otro objetivo mencionado es superar los 1.000 millones únicamente en Estados Unidos, algo que tampoco tiene precedentes en la taquilla cinematográfica.

En la categoría de películas basadas en cómics, Spider-Man: Un nuevo día aún tiene por delante a Avengers: Infinity War y Avengers: Endgame. La primera está al alcance de su recaudación actual, pero Endgame conserva una ventaja mucho más amplia.

El impacto para Tom Holland y los próximos estrenos

El resultado llega mientras continúa la incertidumbre sobre cuánto tiempo seguirá Tom Holland interpretando a Peter Parker. Aunque no existe una confirmación sobre su permanencia después de esta película, una recaudación superior a los 2.000 millones aumenta el incentivo comercial de Marvel Studios y Disney para mantenerlo en el papel.

El éxito también antecede al próximo gran estreno compartido de Marvel, Avengers: Doomsday. Las fuentes señalan que la película registra una preventa fuerte, aunque todavía no se difundieron cifras concretas que permitan compararla con Spider-Man: Un nuevo día o con anteriores entregas de los Avengers.

La cartelera de julio de 2026 produjo otro resultado relevante. La Odisea, la película épica dirigida por Christopher Nolan, acumula 1.290 millones de dólares. Esa recaudación la ubica en el puesto 29 de la clasificación histórica mundial.

Sin duda este ha sido el año de Anne Hathaway gracias al estreno de El diablo viste de Prada 2, Mother Mary, La Odisea, El final de Oak Street y, todavía tiene pendiente Verity. La sombra de un engaño, basado en una novela de Colleen Hoover. También se encuentra en fase de ‘posproducción’ Alone in the Dark, un drama ambientado en la Guerra de Afganistán dirigido por Ron Howard.

Pero, además, sigue preparando proyectos, entre los que se encontraría la tercera entrega de la saga Princesa por sorpresa. Hace unas semanas, la veterana actriz Julie Andrews declaró que no participaría en esta ocasión ya que había decidido retirarse del cine por su avanzada edad (tiene 90 años).

Sin embargo, Hathaway, ha contado que presionó “muy fuerte” para que Andrews regresara como la reina Clarisse Renaldi en Princesa por sorpresa 3, pese a la negativa de la intérprete de míticas películas como Sonrisas y lágrimas.

Anne Hathaway sobre la vuelta de Julie Andrews

Tras recibir su reconocimiento como Disney Legends en la D23 Expo, Hathaway reaccionó en una entrevista con Entertainment Tonight al rechazo de Andrews: “Antes que nada, solo quiero decir que si cambia de opinión, estamos dentro. Cualquier cosa, de verdad. Pero también queremos ser respetuosos. Por el amor de Dios, si alguien ha contribuido al mundo del entretenimiento y a nuestra alegría colectiva, es ella. Lo que ella quiera, lo entendemos completamente”.

La actriz agregó: “Presionamos muy fuerte para ver si le gustaría hacerlo”. Andrews, por su parte, explicó al medio que siente que esa etapa ya quedó atrás: “Creo que la verdad absoluta es que creo que ya superé todo eso. No estoy completamente retirada, pero es un tipo de trabajo diferente el que hago estos días: escribir libros, y hago muchas grabaciones de podcasts y locuciones. Pero, de verdad, no creo que deba ser parte de eso”.

Los detalles sobre Princesa por sorpresa 3 se mantienen bajo reserva, pero la película continuará la historia centrada en Mia Thermopolis, interpretada por Hathaway, que, en la primera parte, descubría que era la heredera al trono de Genovia. En el cierre de Princesa por sorpresa 2, Mia era coronada reina tras la eliminación de la norma que exigía que una monarca estuviera casada.

Las claves de ‘Princesa por sorpresa 3′

Hathaway dijo a Entertainment Tonight que esperaba que la tercera entrega “fuera divertida” para quienes siguían la saga desde el estreno de 2001. “Quiero que las mujeres que tenían seis años cuando salió la primera película —muchas de las cuales ya son madres, y tal vez tengan hijos de esa misma edad— sientan que llevan a sus hijos a ver algo que fue importante para ellas, un recuerdo fundamental, algo que formó parte de su corazón y de sus vidas”, dijo. “Y eso significa hacerle justicia. Significa dedicar el tiempo necesario para construirlo realmente bien. Es mucha presión, pero creo que tenemos un equipo magnífico”.

La dirección estará a cargo de Adele Lim y el guion lo escribe Flora Greeson; Aadrita Mukerji había redactado una versión anterior antes de que el equipo de producción cambiara de rumbo.

La maldición del titán lleva la historia hacia un conflicto mayor

La temporada comenzará cuando Grover descubre a dos jóvenes semidioses en una academia militar. La misión para encontrarlos se complica después de un enfrentamiento que termina con la desaparición de Annabeth Chase y el secuestro de la diosa Artemisa.

Ante las dos ausencias, Percy Jackson deberá colaborar con las Cazadoras de Artemisa, un grupo directamente ligado a la deidad. La expedición también incluirá a Grover y Thalia Grace, quienes recorrerán Estados Unidos para intentar resolver la crisis antes del solsticio de invierno.

La búsqueda enfrentará al grupo con Atlas y con las fuerzas vinculadas al ejército de Cronos. El plazo tiene una razón concreta: durante el solsticio se reunirá el Consejo de los Dioses, encargado de tomar decisiones que afectarán el futuro del Olimpo. La historia también avanzará sobre la Gran Profecía, uno de los ejes centrales del conflicto planteado en los libros.

El cambio de tono responde al material elegido. La tercera novela introduce amenazas más directas, separa temporalmente a varios de los protagonistas y amplía el peso de los titanes dentro de la trama. Tras adaptar dos libros en sus temporadas anteriores, la serie seguirá el orden de publicación de la obra de Riordan.

El tráiler anticipa nuevos escenarios y ocho episodios

Las primeras imágenes presentan personajes y locaciones que todavía no habían aparecido en la adaptación. Disney+ difundió el avance después de revelar la fecha durante un panel dedicado a la serie en la San Diego Comic-Con. El material más amplio fue reservado para la D23, el evento en el que Disney muestra novedades de sus principales producciones.

La tercera temporada conservará la estructura de ocho episodios utilizada por la serie. La renovación anticipada permitió que la filmación comenzara en agosto de 2025, más de un año antes del estreno previsto. Esa decisión buscó reducir el intervalo entre entregas y avanzar con una historia que requiere más personajes y escenarios que las anteriores.

El tráiler también muestra el tono más oscuro asociado con La maldición del titán. La amenaza deja de concentrarse únicamente en las misiones de Percy y alcanza a Artemisa, al Consejo de los Dioses y a los grupos que participan en la guerra contra Cronos. Esa escala será clave para conectar la temporada con los acontecimientos posteriores de la saga literaria.

Walker Scobell encabeza un reparto con nuevas incorporaciones

Walker Scobell volverá como Percy, acompañado por Leah Sava Jeffries en el papel de Annabeth y Aryan Simhadri como Grover. Los tres actores seguirán al frente del elenco después de protagonizar las dos primeras adaptaciones de los libros.

Tamara Smart asumirá un papel central como Thalia Grace. El personaje tendrá participación directa en la expedición para localizar a Annabeth y rescatar a Artemisa, después de haber ganado importancia dentro de la historia de los semidioses.

Entre las principales incorporaciones aparecen Levi Chrisopulos y Olive Abercrombie, quienes interpretarán a Nico di Angelo y Bianca di Angelo, respectivamente. Los hermanos son hijos de Hades y tendrán consecuencias importantes para los siguientes capítulos de la historia, tanto por su origen como por su relación con la profecía.

El reparto también incluye a Charlie Bushnell, Dior Goodjohn y Daniel Diemer. Con el rodaje iniciado desde agosto de 2025 y la fecha ya anunciada, los ocho episodios de Percy Jackson y los dioses del Olimpo llegarán a Disney+ el 20 de noviembre de 2026.

Un cruce entre temporadas

El póster oficial y el primer adelanto presentan una entrega construida alrededor de los vínculos entre las doce temporadas anteriores. En lugar de partir de una historia completamente separada, la nueva trama recuperará personajes, antagonistas e imágenes reconocibles de varias etapas de la antología creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk.

Entre los regresos confirmados se encuentran Constance Langdon, Cordelia Goode, Madison Montgomery, Marie Laveau, Rubber Man, Twisty The Clown y Kai Anderson. La combinación conecta casas embrujadas, aquelarres, circos y otros escenarios que la serie exploró desde su estreno en 2011.

Murphy explicó que la temporada fue diseñada como una carta de amor a los seguidores de las entregas más populares. El productor identificó a Murder House, Asylum, Coven, Freak Show y Cult como algunas de las favoritas del público. También adelantó que ciertos integrantes del reparto interpretarán a dos personajes procedentes de temporadas diferentes dentro de una misma escena.

Ese recurso convierte la entrega en un crossover interno. Es decir, personajes que originalmente pertenecían a relatos independientes compartirán una misma historia. El avance todavía no explica qué acontecimiento los reunirá ni cuál será la relación entre sus respectivas líneas temporales.

El reparto que vuelve

Además de Lange, Paulson y Peters, el elenco principal incluye a Angela Bassett, Kathy Bates, Emma Roberts, Billie Lourd, Gabourey Sidibe, Leslie Grossman y Joey Pollari. Bassett volverá a estar vinculada con Marie Laveau, mientras que Roberts retomará a Madison Montgomery.

La lista difundida para la temporada también incorpora a Avantika, Jamie Brewer, Elle Chapman, Berto Colon, Alex Consani, Frances Conroy, Mat Fraser, Seth Gabel, Orlando Jones, Paul Anthony Kelly, John Carroll Lynch, Tig Notaro, Madelaine Petsch, Fedor Steer, Mena Suvari, Zach Villa y John Waters.

El tamaño del reparto responde a la estructura planteada para la temporada: reunir intérpretes asociados con distintas épocas de la serie y permitir que algunos recuperen más de un papel. El adelanto se concentra en esas apariciones y evita revelar detalles concretos de la historia, por lo que todavía no se informó quién funcionará como protagonista central o antagonista principal.

El regreso de Lange es uno de los elementos centrales de la promoción. La actriz participó en las primeras cuatro temporadas y reapareció posteriormente en la franquicia. Paulson y Peters también interpretaron numerosos personajes desde los primeros años de la producción, una dinámica propia del formato de antología, donde el reparto puede regresar cada temporada con papeles diferentes.

Calendario, producción y cifras

La temporada tendrá 13 episodios de aproximadamente 30 minutos. Disney+ estrenará tres capítulos el 24 de septiembre y anunció que las siguientes entregas llegarán los viernes, con un cierre previsto para el 30 de octubre.

Los datos comunicados dejan una duda sobre la distribución completa. Si después del estreno inicial llegara un solo episodio cada viernes, el período hasta el 30 de octubre no alcanzaría para publicar los diez capítulos restantes. Los materiales promocionales no detallan si algunos viernes habrá estrenos múltiples o si parte del calendario será diferente.

Todas las temporadas anteriores ya pueden verse en Disney+, lo que permite revisar las historias de los personajes confirmados antes del nuevo cruce. Según las cifras difundidas con el anuncio, American Horror Story acumula más de 100 nominaciones a los premios Emmy y superó las 700 millones de horas reproducidas alrededor del mundo.

Murphy y Falchuk trabajan como productores ejecutivos junto con Ned Martel, Charlie Carver, Eric Kovtun, Nissa Diederich, Scott Robertson, Tanase Popa, Crystle Roberson Dorsey, Jennifer Salt y Tim Minear. La producción está a cargo de 20th Television. El último de los 13 episodios tiene previsto llegar a Disney+ el 30 de octubre.

La tragedia de Victor von Doom

El tráiler incorpora datos sobre el origen del antagonista. La voz de Vanessa Kirby relata que Doom fue una vez un hombre amable y un buen amigo, antes de atravesar una tragedia que cambió su vida. Según el material presentado, perdió a su esposa y a su hijo, cayó en una depresión y terminó convertido en una amenaza capaz de provocar la destrucción del multiverso.

Sus objetivos concretos todavía permanecen ocultos. El avance presenta el dolor familiar como el punto de partida de su transformación, pero no explica qué pretende conseguir ni cómo llegó a reunir el poder que exhibe en las imágenes. La historia conecta al personaje con la misma realidad de Los 4 Fantásticos, un dato que marcará el encuentro entre distintos grupos de héroes.

El tráiler termina de remarcar su identidad con la frase “Yo soy Muerte”, una variación directa de “Yo soy Iron Man”, la línea asociada durante años con Tony Stark.

Esa conexión tiene un peso especial por la elección de Robert Downey Jr., quien interpretó a Iron Man durante las tres primeras fases de las películas de Marvel. En los cómics, Victor von Doom y Tony Stark son personajes diferentes y no comparten identidad. Marvel todavía no explicó si el parecido físico será parte de la trama, si se tratará de una variante o si Downey Jr. aparecerá permanentemente detrás de la máscara.

X-Men, Centinelas y cruces

Aunque Doctor Muerte ocupa el centro del avance, las imágenes ofrecen una mirada más amplia a los X-Men. Los mutantes se cruzarán con los Avengers y Los 4 Fantásticos dentro del conflicto, mientras Doom obtiene el control de un ejército de Centinelas, las máquinas creadas para perseguir y combatir mutantes.

El tráiler también enfrenta al villano con Thor. El poder del dios asgardiano parece insuficiente para detener al rey de Latveria, quien termina elevado a un nivel de poder superior mientras controla a los Centinelas. La escena combina dos rasgos clásicos de Doom: su capacidad científica y su dominio de las artes oscuras.

En las historietas, Victor von Doom es científico, ingeniero, hechicero y gobernante de una nación sometida a su autoridad. Las adaptaciones anteriores modificaron varios de esos elementos, mientras que Avengers: Doomsday parece conservar su combinación de tecnología y magia. Su vínculo con Los 4 Fantásticos también fue anticipado en la escena posterior a los créditos de Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, aunque allí su rostro quedó oculto.

La presentación incluyó otro indicio sobre posibles incorporaciones al reparto. Antes del tráiler se proyectó un video en el que Hugh Jackman, con la intervención de Ryan Reynolds, intentaba convencer a Kevin Feige de incluir a Deadpool y Wolverine en la película. El segmento continuó una broma iniciada en la Comic-Con, pero Marvel todavía no confirmó oficialmente la participación de ambos personajes.

El camino hacia Avengers: Secret Wars

Marvel no ofreció durante el panel nueva información sobre Avengers: Secret Wars, prevista para 2027. Sin embargo, las fuentes señalan que la historia de Avengers: Doomsday continuará en esa película, con Doctor Doom como pieza central del conflicto.

La referencia a los Centinelas, la reunión de distintas formaciones de héroes y la posible destrucción del multiverso preparan una escala cercana a la de Secret Wars en los cómics. En esas historias, Doom alcanza poderes divinos y crea un mundo bajo sus propias reglas, donde confluyen personajes procedentes de realidades diferentes.

El nuevo avance sugiere un recorrido similar al mostrar al villano por encima de Thor y al mando de tecnología vinculada con los X-Men. Marvel todavía debe aclarar cuánto tomará de los cómics, qué papel tendrá cada equipo y cómo enlazará ambas películas.

Avengers: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, cuatro meses después de la presentación del tráiler en D23. Avengers: Secret Wars continuará la historia en 2027, aunque su fecha exacta y los detalles de su argumento no fueron anunciados durante el panel.

Kristen Bell e Idina Menzel subieron juntas al escenario para presentar las imágenes y anunciaron que sus personajes, Anna y Elsa, “se embarcarán en su mayor aventura hasta el momento”. Bell confirmó que Anna contraerá matrimonio con Kristoff —interpretado por Jonathan Groff— y que “esta boda real se ha hecho esperar mucho”. Las actrices también interpretaron la canción “Frozen Heart”, con algunos problemas técnicos de por medio.

Las imágenes proyectadas en la sala muestran la noche de bodas de Anna y Kristoff, cuando ambos descubren a Elsa en un muelle examinando una piedra cristalina que parece abrir un portal hacia otra dimensión. Menzel describió ese destino como “una tierra salvaje y peligrosa, más que cualquier cosa que Elsa haya creado”. Al cruzar lo que aparenta ser un portal, el grupo se topa con la nueva antagonista: una mujer de cabello corto y negro, con una capa oscura, cuyo rostro no llega a verse en el adelanto. Su primera línea de diálogo es dirigida directamente a las hermanas: “Las hermanas de Arendelle, por fin nos encontramos”. Según informó Deadline, la figura parece poseer poderes sobre el hielo similares a los de Elsa, aunque Disney no reveló su nombre ni sus orígenes.

Josh Gad se unió a Bell y Menzel en el escenario para interpretar una canción sobre el amor del muñeco de nieve Olaf por una tal Samantha, en referencia a un chiste de la segunda película. La presencia del amor romántico, según adelantaron las estrellas, alcanza a todos los personajes de la historia.

La película arranca, según las imágenes mostradas en D23, con el cristal cayendo a los pies de Elsa durante la celebración nupcial. Al examinar la piedra junto a Anna y Kristoff, el grupo divisa una aurora en el cielo que los conduce a ese reino helado donde aguarda la nueva antagonista.

El adelanto del viernes llega dos años después de que Disney mostrara en la edición anterior de D23 arte conceptual de la película: Elsa y Anna montadas en caballos distintos, con Olaf a la espalda del de Anna, avanzando hacia un palacio blanco en un horizonte veraniego. Elsa aparecía sobre el espíritu del agua Nokk, y una figura con cuernos proyectaba su sombra desde el río. La directora y productora ejecutiva Jennifer Lee había declarado entonces: “Había muchas preguntas sin respuesta tras Frozen 2... Harán falta dos películas para responderlas”, según recogió Deadline.

La franquicia llega a esta tercera entrega con una trayectoria de más de 2.760 millones de dólares en taquilla global y dos premios de la Academia. La primera película, de 2013, recaudó 1.280 millones de dólares; Frozen 2, de 2019, superó esa cifra con 1.450 millones. El estreno de Frozen 3 estaba previsto inicialmente para 2026, pero se pospuso. Gad explicó en 2025 el motivo: “Hay una razón por la que la película se estrena en 2027, y es que nadie quiere apresurarla. Queremos que esté a la altura de la historia que nos propusimos contar en 2013”.

El exdirector ejecutivo de Disney, Bob Iger, había confirmado en noviembre de 2023 que una cuarta entrega también estaba en desarrollo, aunque sin fecha de estreno anunciada. Frozen 3 llegará a los cines el 24 de noviembre de 2027.

La disputa por el control de los Los Angeles Lakers sumó un nuevo episodio después de que se conociera la decisión de una parte de la familia Buss de vender su participación restante en la franquicia.

Los Angeles Times informó que la familia conserva un 17,8% de la organización y que ese paquete quedó en el centro de una negociación con Bob Iger, ex CEO de The Walt Disney Company, y Joshua Kushner, fundador de la firma de inversión Thrive Capital.

La maniobra abrió una interna entre los herederos de Jerry Buss y puso en duda la continuidad de Jeanie Buss como principal autoridad del equipo.

La reacción de Jeanie Buss llegó de inmediato. Tal y como publicó Los Angeles Times, la ejecutiva envió una carta a través de su abogado para rechazar la validez de una votación familiar que habilitaría la venta de esas acciones.

Su planteo sostiene que la operación no puede completarse sin el aval de todos los fideicomisarios, entre ellos ella misma y sus hermanos menores Janie Buss y Joey Buss.

Ese punto no es menor. La estructura legal del fideicomiso familiar fija condiciones concretas para el manejo de las acciones, y Jeanie Buss entiende que cualquier maniobra que altere ese esquema viola acuerdos previos y resoluciones judiciales.

De acuerdo con el diario angelino, la empresaria advirtió que una decisión en otro sentido implicaría un incumplimiento de los deberes legales de quienes administran el fideicomiso e incluso un desacato judicial.

El porcentaje que define el futuro de Jeanie Buss

El aspecto más sensible del caso pasa por el requisito que impone la NBA para ocupar la gobernación de una franquicia. Los Angeles Times detalló que el reglamento exige una tenencia mínima del 15% para conservar ese lugar dentro de la junta de gobernadores. Si la familia Buss vende la totalidad de su participación, Jeanie dejaría de cumplir con esa condición y perdería la posibilidad de seguir en ese cargo.

El argumento legal de Buss se apoya en una resolución judicial de 2017. De acuerdo con Los Angeles Times, ese cambio en el fideicomiso ordenó a los cotitulares tomar todas las medidas razonables para garantizar que Jeanie fuera elegida cada año como controladora de la franquicia durante toda su vida.

En la interpretación de su defensa, una venta que deje a la familia por debajo de ese piso contradice de forma directa ese mandato.

La respuesta atribuida a la familia Buss mostró otra mirada. En la declaración citada por ESPN y reproducida por Los Angeles Times, los herederos señalaron: “Hemos decidido como familia vender las acciones restantes del Fideicomiso Familiar Buss al grupo de Bob Iger como parte de la operación en curso”.

En ese mismo mensaje agregaron: “Amamos a los Lakers, a los fanáticos y seguiremos apoyando a Los Ángeles, pero es momento de aprovechar esta oportunidad para seguir adelante y salir con elegancia mientras todavía podemos”.

Una venta récord y el fin de una era histórica

La discusión familiar ocurre dentro de una operación de escala extraordinaria. Los Angeles Times afirmó que Mark Walter había acordado vender su participación controlante de los Lakers a Iger y Kushner con una valuación de USD 12.500 millones, una cifra récord para una franquicia deportiva de Estados Unidos.

Ese número no solo redefinió el precio del equipo. También aceleró el cierre de una etapa histórica para una de las marcas más reconocidas del deporte mundial.

La familia Buss era propietaria de los Lakers desde 1979, cuando Jerry Buss compró la franquicia, el Forum y Los Angeles Kings por USD 67,5 millones.

Bajo esa conducción, los Lakers construyeron buena parte de su identidad moderna. El equipo sumó 10 campeonatos durante la era Buss y consolidó una imagen asociada al espectáculo, a las figuras globales y al peso cultural de Los Ángeles dentro de la NBA.

Nombres como Magic Johnson, Kareem Abdul-Jabbar, Shaquille O’Neal y Kobe Bryant quedaron ligados a ese ciclo.

Los nuevos dueños y una transición bajo tensión

La llegada de Iger y Kushner también marca un cambio de perfil en la cúpula del club. La conducción quedará asociada a figuras del mundo empresarial y financiero, sin vínculo histórico con la estructura que moldeó a la franquicia durante décadas.

Los Angeles Times remarcó que todavía no está claro cómo financiarán la compra total del equipo.

La nota también recordó que la pelea entre los hermanos Buss no es nueva. En 2017, Jeanie enfrentó a sus hermanos Johnny y Jim en otra batalla por el control interno, y ese conflicto terminó con la salida de ambos de las operaciones del equipo.

Meses atrás, además, los nuevos dueños desplazaron a Joey y a Jesse de sus cargos dentro de la organización.

La venta aún debe recibir la aprobación de la junta de gobernadores de la NBA. Ese trámite será el próximo paso formal de una operación que también definirá si Jeanie Buss puede sostener su lugar dentro de la estructura de poder de los Lakers.

Marvel Studios confirmó el elenco principal de X-Men durante el evento D23, celebrado el 15 de agosto de 2026 en Anaheim, California. Kevin Feige y el director Jake Schreier encabezaron la presentación, en la que Sadie Sink apareció como la nueva Jean Grey y se anunció que Adam Driver interpretará al antagonista Nathaniel Milbury, conocido como Míster Siniestro. La película será la primera producción del equipo mutante desarrollada directamente bajo el sello del MCU, la continuidad compartida que conecta las películas y series de Marvel.

Los mutantes elegidos por Marvel

El reparto incluye a Kit Connor, conocido por Heartstopper, como Scott Summers/Cíclope. Christopher Abbott asumirá el papel de Charles Xavier/Profesor X, mientras que Samara Weaving interpretará a Emma Frost. La formación anunciada se completa con Inde Navarrette como Rogue y Maya Boyd como Storm/Tormenta.

Sink ya habría debutado como Jean Grey en Spider-Man: Un nuevo día, aunque su identidad había permanecido rodeada de especulaciones. Durante el panel, la actriz dijo que era maravilloso poder hablar finalmente del personaje después de varios meses sin confirmar públicamente su participación.

Los actores tomarán papeles asociados con varias etapas de las películas anteriores. Sink sucede a Famke Janssen y Sophie Turner; Abbott sigue el camino de Patrick Stewart y James McAvoy como Profesor X. Connor será el nuevo Cíclope después de James Marsden y Tye Sheridan, mientras Navarrette recoge el papel interpretado antes por Anna Paquin. Boyd tendrá un personaje que ya pasó por las manos de Halle Berry y Alexandra Shipp.

Según la información publicada tras el panel, los acuerdos con varios integrantes se cerraron poco antes de D23. Eso permitió que Marvel Studios presentara en conjunto a buena parte del equipo. Feige aclaró que todavía quedan incorporaciones por anunciar, por lo que esta alineación no representa necesariamente al grupo completo que aparecerá en pantalla.

Míster Siniestro y el equipo creativo

Driver participó mediante un video grabado desde Pinewood Studios. El actor explicó que llevaba años conversando con Feige sobre una posible incorporación al MCU y que ambos encontraron en X-Men el proyecto adecuado. Su elección introduce a un enemigo que las películas anteriores de los mutantes no habían utilizado como antagonista principal.

En los cómics, Nathaniel Milbury es un científico obsesionado con el gen mutante y con la posibilidad de modificarlo. No nació como mutante, pero sus experimentos y su relación con Apocalipsis terminaron dándole habilidades sobrehumanas e inmortalidad. Esa historia lo conecta directamente con la manipulación genética y con algunos de los linajes más importantes de los X-Men, aunque Marvel Studios todavía no reveló qué elementos adaptará la película.

El guion quedó en manos de Lee Sung Jin y Joanna Calo, quienes ya colaboraron con Schreier en proyectos como Thunderbolts y la serie Beef, distribuida por Netflix. Tampoco se difundió una sinopsis oficial, por lo que se desconoce cómo se formará el equipo, qué relación tendrá con Míster Siniestro o cuáles serán los demás personajes involucrados.

La producción será posible dentro de Marvel Studios tras la adquisición de 20th Century Fox por Disney en 2019. Los personajes, creados por Stan Lee y Jack Kirby en 1963, protagonizaron desde 2000 una saga cinematográfica iniciada bajo la dirección de Bryan Singer. La nueva película cambiará al reparto principal y colocará sus historias dentro de la misma continuidad que el resto de los héroes de Marvel.

El camino hacia el estreno de X-Men

Feige adelantó que Spider-Man: Brand New Day y Avengers: Doomsday funcionarán como puentes hacia esta etapa. Según el productor, los acontecimientos de Doomsday conducirán a Avengers: Secret Wars, película que abrirá paso a una nueva era centrada en los mutantes y los X-Men.

Avengers: Doomsday tiene previsto llegar a los cines el 18 de diciembre de 2026. La producción recuperará a varios actores de las películas de Fox: Stewart volverá como Profesor X, Ian McKellen como Magneto, Marsden como Cíclope, Rebecca Romijn como Mystique y Alan Cumming como Nightcrawler. Channing Tatum también retomará a Gambito, personaje que interpretó en Deadpool & Wolverine.

Ese regreso temporal del elenco anterior convivirá con la presentación de nuevos intérpretes para la película de X-Men. Marvel Studios todavía no explicó si ambas generaciones llegarán a encontrarse o si los sucesos de Avengers: Secret Wars justificarán el cambio de actores dentro de la historia.

Las fuentes coinciden en que X-Men se estrenará durante 2028, pero entregan fechas diferentes. Una ubica su lanzamiento el 5 de mayo, mientras otra informa que llegará el 8 de agosto. Marvel Studios aún debe aclarar cuál de esos días integra su calendario definitivo y Feige anticipó que los próximos meses traerán nuevos anuncios sobre el reparto.

La actriz de voz original de todo un clásico de Disney como Hércules (1997), Susan Egan, sorprendió en el evento D23 al proponer públicamente a Zendaya y Tom Holland como protagonistas de la versión live-action que Disney prepara del clásico animado. Egan, quien interpretó a Meg en la cinta original, expresó con firmeza que “el mundo lo necesita”, refiriéndose al potencial de la dupla para encarnar a los icónicos personajes.

Durante la alfombra roja de D23, Egan compartió su entusiasmo al ser consultada sobre el futuro reparto de la adaptación. La actriz no dudó en mencionar a Zendaya como su favorita para el papel de Meg. “He estado insinuándolo sutilmente, pero ahora lo voy a decir. Zendaya. Y probablemente, Tom y Zendaya, a quienes nunca he conocido, estén pensando en pedir una orden de alejamiento ahora mismo. Pero honestamente, no me importa. Siento que el mundo lo necesita”, declaró Egan ante Deadline. La intérprete profundizó en su elección, argumentando que su propuesta trasciende la popularidad de la pareja. “No es porque sean la pareja del momento, ni siquiera es eso. He visto su hermosa carrera desde que era adolescente, y es alguien con los pies en la tierra. Es una mujer fuerte, obviamente, imponente y asombrosa, con una voz increíble y un poco de actitud, ¿no crees?”, explicó Egan sobre Zendaya.

El respaldo de Susan Egan llega en un contexto donde Zendaya y Tom Holland consolidan su lugar como una de las duplas más exitosas de la industria. Ambos actores han compartido pantalla en cuatro entregas de la saga Spider-Man: Homecoming (2017), Far From Home (2019), No Way Home (2021) y recientemente en Brand New Day (2026). Según lo señalado en la entrevista, estas películas han recaudado cerca de 6.000 millones de dólares para Disney. La relación profesional entre Zendaya y Holland no se limita al universo de superhéroes. Este verano, ambos estrenaron La Odisea (2026), una producción que ya superó los 1.290 millones de dólares en taquilla. El éxito comercial y la química entre ambos actores los convierten en candidatos recurrentes para nuevos proyectos de alto perfil. La propuesta de Egan toma relevancia en medio del auge de adaptaciones live-action de clásicos animados. Para la actriz, la combinación de talento, presencia escénica y trayectoria de Zendaya y Holland encajaría con la visión que los seguidores esperan para los personajes de Hércules y Megara.

El futuro de Hércules en versión live-action

El remake live-action de Hércules fue anunciado por Disney en 2020, uniéndose así a la tendencia de revitalizar sus grandes éxitos animados con actores reales. En 2022, la compañía confirmó a Guy Ritchie como director del nuevo proyecto, conocido por su trabajo en la adaptación de Aladdín (2019). Hasta ahora, Disney no ha revelado detalles oficiales sobre el reparto ni la fecha de inicio de rodaje. La sugerencia de Susan Egan aporta un nuevo elemento a la conversación pública sobre el futuro de Hércules. El interés de la actriz original por ver a Zendaya como Meg y a Holland como el héroe griego suma presión a la productora, en medio de expectativas crecientes por parte de los seguidores. Por el momento, la versión live-action de Hércules continúa en etapa de desarrollo, sin anuncios oficiales sobre su elenco. La propuesta de Egan se suma a las especulaciones en torno a la producción, especialmente tras el respaldo mediático obtenido durante el D23.

Desde el anuncio del remake, la expectativa ha ido en aumento. Los fans del clásico animado de 1997 han manifestado en redes sociales sus preferencias para los papeles principales. La intervención de Susan Egan en el D23 reavivó el debate respecto a quiénes deberían interpretar a Hércules y Meg en la versión que prepara Disney. El papel de Megara, caracterizado por un tono sarcástico y una voz única, ha sido considerado por seguidores y críticos como uno de los más complejos dentro del universo Disney. La elección del reparto será determinante para la recepción de la nueva adaptación.

Hasta que se confirmen decisiones oficiales, el nombre de Zendaya aparece ahora respaldado por la voz que dio vida original al personaje. Tom Holland, por su parte, suma méritos tras convertirse en uno de los actores más rentables y reconocidos del estudio. La industria y el público permanecen atentos a los próximos anuncios de Disney sobre el futuro de Hércules, mientras la propuesta de Susan Egan marca un precedente en las discusiones sobre el casting y la dirección artística del proyecto.

El actor Steve Way se ha convertido en una de las figuras más representativas de la serie Furious, disponible en Disney+ y, a través de su papel ha conseguido alzar la voz contra las barreras que siguen cerrando el paso a los intérpretes con discapacidad en Hollywood. Y es que, a sus 35 años, el actor asegura que trabaja sin agente ni mánager en una industria que, a su juicio, excluye a perfiles como el suyo.

Según Variety, Way sostiene que su falta de representación no responde a un vacío de trayectoria, sino a su discapacidad. El actor, diagnosticado de distrofia muscular a los cuatro años, dice que no tiene equipo pese a haber encadenado una participación recurrente en Ramy y un papel secundario destacado en la nueva serie de Hulu.

El intérprete ha resumido esa frustración con una frase tan cruda como explícita: quiere “una agencia que me prostituya”. Su objetivo, ha dicho al medio, es que esa representación le ayude a ganar dinero y a “cambiar el mundo”, en una entrevista marcada por su tono sin filtros y por sus críticas a las grandes estructuras de poder de la industria.

Way explica que ya tuvo agente, pero aquella etapa no le reportó trabajo. Después firmó con otro representante, que más tarde se marchó a otra agencia sin llevarle consigo.

Hollywood falla a los actores con discapacidad

La oportunidad que ha cambiado su situación reciente llegó con Elizabeth Meriwether, creadora de New Girl y The Dropout. Ambos se conocieron en 2025 en un panel del sindicato de guionistas sobre los cuidados en pantalla y, según ha contado la publicación, dos meses después recibió un correo del equipo de la guionista: había escrito un papel expresamente para él.

En Furious, Way interpreta a Alden, el interés amoroso de una asesina en serie encarnada por Lola Petticrew. Para el resto de personajes, Catherine es una sociópata; para él, es una asistente sanitaria domiciliaria amable que quizá oculta secretos.

El arco del personaje combina deterioro físico, humor y dependencia. Tras saber por los médicos que su estado de salud ha empeorado de forma grave, Alden decide aprovechar el tiempo que le queda, le pide matrimonio a Catherine con el anillo de compromiso de su madre fallecida y acaba colaborando en sus crímenes.

Way ha elogiado que Meriwether escribiera un personaje con discapacidad cuya identidad no queda reducida a la mortalidad o a la enfermedad. Cuando leyó su primera frase en el guion, “¡Pequeña zorra!”, supo, según sus palabras, que la creadora haría justicia al personaje porque también le había dado sentido del humor.

Ese planteamiento conecta con la idea central que el actor defiende sobre el amor y los cuidados. En la serie, Alden rechaza la visión de un policía que interpreta su relación como una forma de manipulación, y Way sostiene que esa lógica parte de una comprensión errónea del afecto y de la dependencia mutua.

Para el actor, “todo es transaccional”, y asumirlo puede ser emancipador para una persona con discapacidad. Su argumento es que el cuidado funciona en dos direcciones y que la sociedad ha asentado una falsedad cuando presenta a las personas con discapacidad como una carga.

La representación y los límites físicos en rodaje

Way extiende esa lectura a la vida cotidiana de cualquiera. Ha explicado que coger el metro, pedir comida a domicilio o recibir cualquier servicio implica una forma de cuidado, y que reconocerlo permite entender mejor la intimidad específica de las relaciones atravesadas por la dependencia.

En ese contexto, recupera una frase de su amigo Danny Kurtzman, también actor y productor con distrofia muscular: “El amor discapacitado es el mejor amor”. La razón, según la desarrolla, está en el grado de proximidad, negociación y establecimiento de límites que exige.

El rodaje de Furious respondió, a su juicio, a ese mismo principio de cuidado organizado. El medio recoge que la producción contó con una coordinadora de accesibilidad en el set, encargada de comprobar que estaba bien y de defender sus necesidades cuando él estaba concentrado en la escena.

Way asegura que nunca se sintió inseguro ni desatendido durante el trabajo en la serie. Ese respaldo le permitió centrarse en construir rutinas concretas del personaje, desde cómo se sientan dos personas una frente a otra hasta cómo se resolverían acciones tan delicadas como bañarle o compartir una cama.

Aun así, hubo secuencias físicamente exigentes. Permanecer tumbado durante periodos prolongados le resultó incómodo, aunque sostiene que asumió ese malestar porque lo único que importaba en ese momento era el trabajo artístico y porque esa convicción, dice, es algo que nadie puede quitarle.

Antes de este proyecto, Way no tenía claro que sus tres temporadas en Ramy bastaran para convencer a la industria de que su talento no era una excepción. Su conclusión tras Furious es más tajante: una primera oportunidad puede considerarse casualidad, pero una segunda confirma que “soy bastante bueno en esto”.

La siguiente pelea está en sacar adelante proyectos propios. Ha trabajado dos veces con estudios para desarrollar una serie creada y protagonizada por él sobre el funcionamiento interno de un centro para personas con discapacidad, con un reparto íntegramente discapacitado, escasez de cuidadores y una administración incapaz de gestionar el edificio, pero tanto Apple TV como NBCUniversal rechazaron el proyecto.

También quiere llevar su monólogo al siguiente nivel. Aspira a encabezar su propia gira, aunque reconoce que encontrar salas accesibles es difícil; ya tiene escrito y grabado un espectáculo completo, pero todavía no ha encontrado una plataforma dispuesta a convertirlo en un especial.

Way dice que se ha insensibilizado ante las negativas porque nunca han dejado de llegar. Ni siquiera cuando le hablan de posibles reuniones para su serie espera que el interés se traduzca en un acuerdo, y con Furious no creyó del todo que volvería a la televisión hasta su primer día de rodaje.

La perspectiva vital también pesa en esa cautela. Ha recordado a Variety que de joven le dijeron que no viviría mucho tiempo, que estuvo a punto de morir a los 14 años y que no se suponía que fuera a pasar de los 18; después, a los 25, los médicos le dijeron que estaba bien y se encontró ante una pregunta inesperada sobre qué hacer con esa vida que no esperaba tener.

Desde entonces, sigue contando chistes. Ahora, por primera vez, también tiene una publicista, una ayuda que define como “maravillosa” porque le permite responder correos en lugar de enviar cada día mensajes para perseguir las pocas oportunidades disponibles para actores con discapacidad. “Es agotador”, admite. El café expreso ayuda. El vodka también. Pero dice que no puede vivir de eso para siempre.

Disneyland confirmó que Tomorrowland será rediseñado con nuevas atracciones y espacios más abiertos. La reforma, de gran escala, llegó después de años de reclamos de los seguidores del parque y formará parte de la transformación prevista para el complejo en la próxima década.

Según Los Angeles Times, el calendario de esa expansión ubicó la renovación del área original de Disneyland después de que concluyan las experiencias de Avengers y Coco en Disney California Adventure, pero antes de la incorporación de Avatar a ese parque.

Thomas Mazloum, presidente de Disney Experiences, anunció el plan durante el Disney Experiences Showcase de D23, que comenzó el pasado viernes en Anaheim.

“Pronto comenzaremos a reimaginar Tomorrowland con el optimismo que todos ustedes han estado esperando”, dijo en el escenario.

Agregó: “Estamos entrando en el próximo gran capítulo de Disneyland, donde nuevas generaciones seguirán reviviendo recuerdos entrañables del pasado y saboreando el desafío y las promesas del futuro, y todo comienza con Tomorrowland”.

El rediseño de Tomorrowland respetará la visión original de Walt Disney

La reforma todavía está en una etapa inicial y dejó abiertas varias definiciones. Aun así, Walt Disney Imagineering adelantó que el nuevo Tomorrowland no romperá con su historia y que la revisión del concepto partirá de la tesis original de Walt Disney para esa zona del parque.

La imagineer Emily “Emo” O’Brien explicó, según el diario, que el equipo estudió la visión inicial del fundador.

“Nos inspiró su visión de Tomorrowland como una vista hacia mundos maravillosos, y realmente captamos el sentido de optimismo que estaba en el centro de todo lo que él imaginaba”.

O’Brien confirmó un cambio concreto en la propuesta: “Sin duda” habrá atracciones nuevas, además de áreas “más abiertas” y con más aire para los visitantes.

Añadió: “Queremos mantener en el centro la herencia y la responsabilidad de honrar ese legado, pero tenemos que hacerlo evolucionar para nuestras nuevas generaciones”.

Tomorrowland arrastró durante décadas un problema de diseño: representar el futuro en estructuras pensadas para durar muchos años. El propio Disney lo resumió así: “El mañana es una cosa muy difícil de seguir”.

Actualmente, el sector albergó atracciones populares como Space Mountain, Star Tours y Autopia, pero también edificios con poco uso y la vía inactiva del PeopleMover.

Ese recorrido cerró poco después de la renovación de 1998, cuando operó como Rocket Rods, una de las atracciones más efímeras en la historia de Disneyland.

D23 también fijó fechas y detalles para otras expansiones de Disney

El anuncio sobre Tomorrowland llegó junto con una serie de novedades para parques de Disney en América del Norte.

Una de las pocas fechas precisas fue para Disney California Adventure: Avengers Infinity Defense y Stark Flight Lab abrirán en 2028 y, según el imagineer Brent Strong, prácticamente duplicarán el tamaño de Avengers Campus.

Infinity Defense será la atracción central de esa expansión y contará con actores de Marvel como Robert Downey Jr., Jeremy Renner, Anthony Mackie y Chris Hemsworth.

El recorrido, según la presentación, combinará efectos tridimensionales, pantallas de alta definición y grandes escenarios físicos en una batalla por el multiverso contra King Thanos, con los visitantes en el papel de quienes reúnen a los Avengers.

Stark Flight Lab tendrá un formato más cercano al de una atracción mecánica de adrenalina. Los visitantes se sentarán en cápsulas para dos personas, que luego se acoplarán a un brazo mecánico capaz de elevarlas e intentar reproducir sensaciones de vuelo.

La próxima atracción acuática inspirada en Coco no recibió una fecha de estreno, pero Imagineering sí aclaró que será una experiencia familiar sin requisito de altura.

Ese dato cobró peso porque el parque cerrará el próximo año su atracción basada en Monsters, Inc. para dar paso a Avatar.

La atracción estará ambientada aproximadamente un año después de los acontecimientos de la película original. Los visitantes ingresarán a un museo dedicado a Héctor Rivera y, luego, recorrerán la Tierra de los Muertos reviviendo los recuerdos de Miguel.

Según la presentación, la experiencia incorporará recursos como figuras audioanimatrónicas y dioramas interpretativos, en homenaje a clásicos como Pirates of the Caribbean y Haunted Mansion.

Magic Kingdom tendrá Villains Land y Piston Peak

En Walt Disney World, Disney mostró por primera vez Villains Land, que será el nombre oficial de la nueva zona en Magic Kingdom.

La ambientación apostará por un entorno oscuro, misterioso y maldito, con inspiración en los bosques de Snow White and the Seven Dwarfs, explicó la imagineer Caroline May.

La historia de fondo incluyó un pozo de los deseos corrompido por los deseos malvados de un desconocido, que desataron una magia envenenada sobre el bosque.

El área tendrá dos atracciones: una montaña rusa con un encuentro con Maléfica en lo alto de su fortaleza y un dark ride por las catacumbas del palacio de la Reina Malvada, donde el Espejo Mágico invocará visiones de varios villanos de Disney.

May describió además una dimensión estética del proyecto. “Los villanos tienen estándares altos”, dijo. “Tienen un gusto impecable”.

La otra gran novedad para Magic Kingdom es Piston Peak, la versión de Orlando del universo de Cars.

El área ocupará el espacio de Rivers of America y Tom Sawyer Island y, según la presentación citada por Los Angeles Times, tomará como referencia principal el Parque Nacional de las Montañas Rocosas, los paisajes de pintores al aire libre y los murales de Thomas Hart Benton.

El territorio contará con bosques frondosos, formaciones rocosas rojas y montañas nevadas, e incluirá una atracción principal de recorrido veloz en vehículos todoterreno por puentes, túneles y géiseres de colores, además de una opción familiar con autos danzantes y giratorios en un entorno de derby de demolición.

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Episodios 7, 8 y 9: Lo rápido no deja huellas

No hay dudas de que los mutantes son hoy la pieza más importante que tiene Marvel en su haber. Después de un cansancio generalizado por sus producciones, y años de batallas legales para poder empezar a usar los derechos que recuperaron gracias a la adquisición de Fox, es en estos personajes que Marvel puede encontrar una cartera de historias e interacciones que le den frescura a su universo de cara a la renovación que pueden tener otros grandes títulos como los Vengadores, Capitán América o Iron Man. Es en ese contexto que X-Men ‘97 tiene un rol central dentro del ecosistema de la casa de las ideas.

La nueva temporada de X-Men ‘97 ha llegado a su fin, uniendo cabos con las incógnitas que habían quedado desde la primera y cerrando algunas puertas recientes. Sin embargo, el gran fallo de esta temporada es querer abordar mucho sin darle demasiada importancia a cada tema en particular, haciendo que todo se sienta un poco vago narrativamente.

En estos últimos tres episodios, que podrían ser una continuación directa de la primera temporada, vemos cómo el plan de Apocalipsis de usar a Gambito para sus planes llega a concretarse y qué consecuencias tiene esto no sólo para el personaje, sino para el imaginario que tenemos de Apocalipsis como villano y de lo que esto significa para cada uno de los X-Men.

A su vez, finalmente todos los X-Men se reúnen para poder entregarnos unos episodios finales en grupo, ya que toda la temporada se habían encontrado separados en distintas facciones. Ahora el grupo es mucho más grande que cuando empezó la primera temporada, y la academia X-Men está restaurada, así que podemos esperar que en las próximas temporadas cada vez incluyan a más de estos queridos personajes.

El principal problema de estos episodios, que se arrastra de la temporada en general, es que no hay un hilo claro que englobe todo lo que sucede. Los primeros tres episodios se centran en apocalipsis, para dar paso a una serie de episodios individuales, cuyas consecuencias tienen poco que ver con lo que hemos visto. El tratamiento de Wolverine es paupérrimo, la secuencia de Polaris está super desarrollada para no tener mucho más. Y al final, tenemos tres episodios que son más una secuela de la primera temporada que del desarrollo de la actual.

Por supuesto, siempre se puede sembrar semillas para cosechar después y la tercera temporada puede aprovechar mucho de lo que se ha hecho acá. Pero a fines narrativos, esta temporada deja un gusto a poco respecto a lo que podría haber sido. Todos los planteamientos son buenos: el dilema de Wolverine, la construcción de la familia por Cyclops y Jean, el duelo del Profesor X, la nostalgia de Rogue. Sin embargo, ninguno de estos temas tienen un tiempo en pantalla o una resolución que justifique su planteamiento.

Sí es cierto que específicamente el último episodio de esta temporada pega fuerte y nos da acción y emoción en partes iguales, siendo posiblemente el punto más alto de la temporada. Sin embargo, creo que la consistencia en general fue mucho mejor en el regreso que en esta profundización. Las bases que sienta esta segunda temporada son mucho más firmes para que la tercera tenga una libertad mucho más amplia, al contrario de este arco vs Apocalipsis que significa, literalmente, una secuela.

Me quedo con la primera temporada de X-Men ‘97 porque se siente como una idea fresca alrededor de una historia que ya había ocurrido hace 30 años. Fue un “all in” directo a la nostalgia de uno de los mejores grupos de superhéroes que hemos tenido audiovisualmente, y la libertad creativa total con la que se manejó fue lo que hizo que pegara tanto otra vez.

Sin embargo, esta temporada pareciera que no quisieron darle tiempo de desarrollo a ninguno de esos temas. No hay grandes arcos de personajes individuales y los que intenta haber, como la relación entre Cable y sus padres o las consecuencias de lo que le pasa a Gambito para Rogue, terminan siendo tratados en minutos y sin mucho detalle. Comparado con la temporada anterior, que cada capítulo significa una aventura en solitario dentro de un recorrido más grande, se siente todo muy simple. Esperemos que la tercera temporada se asemeje más a la primera.

Ewan McGregor volvió a pedirle públicamente a Disney que le permita interpretar a Obi-Wan Kenobi en una nueva producción de Star Wars. Durante la promoción de El final de Oak Street, el actor explicó en una entrevista que está disponible para regresar, ya sea en una serie o una película, aunque el estudio todavía no anunció ningún proyecto centrado en el maestro Jedi.

Un regreso que depende de Disney

“Estoy listo cuando ellos lo estén. Parece que ellos aún no están preparados, pero yo estoy dispuesto”, declaró McGregor. Sus palabras dejan la decisión en manos de Disney cuatro años después de la emisión de Obi-Wan Kenobi, la miniserie que marcó su regreso al papel que había interpretado en las precuelas.

La producción generó opiniones divididas entre el público y la crítica, especialmente por su estructura y su desarrollo narrativo. Su rendimiento comercial, en cambio, fue favorable: estuvo entre las producciones más vistas de Disney+ durante el año de su estreno. La actuación de McGregor fue uno de los elementos mejor recibidos.

Pese a esos resultados, Disney no confirmó una segunda temporada ni una película que continúe la historia. Tampoco anunció una aparición del personaje en otro proyecto de Star Wars. El actor ya había expresado anteriormente su interés por regresar, pero esta vez detalló qué etapa quiere explorar y cuánto tiempo considera que tiene disponible para hacerlo.

La historia que Ewan McGregor quiere continuar

La serie terminó con Obi-Wan alejándose hacia el desierto después de comprender que debía dejar de vigilar constantemente a Luke Skywalker. El joven permanecería bajo el cuidado de su tío Owen Lars y su tía Beru Lars, mientras el Jedi iniciaba una nueva etapa acompañado por la aparición de Qui-Gon Jinn.

McGregor considera que ese final ofrece un punto de partida directo para otra historia. “Y me alejo... y Qui-Gon regresa. Y nos vamos... pero, ¿a dónde vamos?”, planteó durante la entrevista. La pregunta permitiría retomar al personaje sin alterar el destino conocido de Luke ni repetir el conflicto central de la primera temporada.

El período que interesa al actor termina cuando Obi-Wan reaparece, ya interpretado por Alec Guinness, en la película original de Star Wars. Entre ambas versiones existe un tramo de varios años que todavía podría ser abordado en televisión o cine.

“Lo que sucede entre esos dos momentos es lo que quiero contar; quiero dedicar el resto de mi carrera a estas historias”, afirmó McGregor. El actor calcula que le quedan diez años antes de alcanzar la edad que tenía Guinness cuando encarnó al personaje. “Tenemos tiempo de sobra; me quedan 10 años antes de llegar a la edad que tenía Alec Guinness. ¡Así que vamos, Disney!”, agregó.

Sin una segunda temporada confirmada

Las declaraciones llegan después de un período sin novedades concretas sobre Obi-Wan Kenobi. Aunque el desempeño de la miniserie habría permitido considerar una continuación, Disney redujo el ritmo de lanzamientos televisivos de Star Wars tras varios años con numerosas producciones para Disney+.

Una eventual continuación podría adoptar distintos formatos. McGregor dejó claro que aceptaría trabajar tanto en una serie como en una película, por lo que su propuesta no depende de una segunda temporada convencional. Tampoco especificó qué personajes podrían acompañarlo, más allá de señalar la presencia de Qui-Gon al final de la primera entrega.

Entre los próximos proyectos televisivos conocidos de Star Wars figura la segunda temporada de Ahsoka, mientras se esperan nuevos anuncios durante D23. Ninguna de esas novedades incluye hasta ahora una producción protagonizada por Obi-Wan.

La disponibilidad del actor está confirmada y su idea se concentra en conectar el cierre de la miniserie con la versión interpretada por Guinness. Por ahora, Disney no anunció una segunda temporada, una película ni una fecha para el regreso del personaje.

La actriz de 79 años lució peluca en blanco y negro, abrigo de piel en rojo y negro, y un sombrero pillbox a juego, en una réplica del atuendo de la villana de 101 Dálmatas.

La aparición no fue solo un guiño nostálgico. Close aprovechó el momento para confirmar, en el papel, que el esperado “Villains Land” de Walt Disney World, en Orlando, Florida, contará con una atracción inspirada en Cruella de Vil.

“Bueno, escuché que ese bolso morado relleno iba a tener su propio paseo”, dijo la nominada al Oscar ante el público del evento, en alusión a la montaña rusa temática de Maléfica que está en desarrollo en el parque.

Y añadió en su presentación: “Me dije a mí misma: ‘Seguramente eso no puede ser. Quiero decir, ¿piel de dragón? ¡Cielos, no! El cuero está tan pasado de moda’”.

“No hay mujer en todo este horrible mundo que no preferiría la piel, querida”, continuó Glenn Close completamente en personaje.

Antes de retirarse del escenario, la actriz lanzó otra línea en carácter: “Vamos a trabajar en mi paseo. Sí, y todos los coches estarán llenos de perros pequeños”.

Close protagonizó 101 Dálmatas en 1996 y repitió el papel en la secuela 102 Dálmatas, estrenada en 2000.

Ambas películas se basaron en el clásico animado de Disney, en el que Cruella de Vil es una villana dispuesta a todo con tal de satisfacer su pasión por la moda.

La artista de Hollywood explicó en distintas ocasiones que su interpretación del personaje se apoyó directamente en la versión animada de 1961.

“Ese personaje en el 101 Dálmatas original es el más aterrador; dice las cosas más terribles. ‘¡Ahóguenlos!’ Quiero decir, es terrible”, declaró en 2025 en The Drew Barrymore Show.

En esa misma línea, abordó cómo se preparó para interpretarla: “De hecho, pusimos algunas de sus líneas de vuelta en la película porque no creía que Cruella fuera lo suficientemente mala… Aprendí bastante rápido que cuanto más mala era, más gracioso resultaba”.

En una entrevista con Refinery29 en 2021, Close recordó su vínculo con el papel: “Cuanto más malvada era, mejor era. Amé ese personaje”.

Los trajes de Cruella que conservó Glenn Close

Detrás de esa devoción por el personaje hay también una historia contractual. Glenn Close negoció en su momento una cláusula que le permitía quedarse con todos los vestuarios que usó en 101 Dálmatas y en su secuela, una condición que los productores no recibieron con agrado una vez que conocieron el valor de las prendas.

“Logré que en mi contrato se estipulara que me quedaba con todos los trajes que usé en la película”, reveló la actriz en una entrevista con el comediante Pete Davidson para Variety. “Cuando descubrieron cuánto costaban, no estaban contentos de que estuviera en mi contrato. Querían hacer otra copia, otro juego, para mí. Dije que no”, relató.

Close también adelantó, en declaraciones a Variety en 2021, que tiene ideas para una tercera entrega con su propia versión del personaje.

“Tengo una gran historia para hacer otra Cruella con mi Cruella”, dijo, aunque se negó a dar detalles. Solo ofreció un apunte: “Cruella llega a Nueva York y desaparece por las alcantarillas”.

Décadas después de sus dos películas, Emma Stone asumió el papel en la precuela Cruella, estrenada en 2021.

La estrella ya había dado su bendición a su sucesora en 2019: “Ella tiene dos películas para ver. No tiene que hablar conmigo. No puedo esperar para ver lo que hizo. Mi Cruella era esa, y veremos algo nuevo”.

La adaptación live action de Enredados se ha convertido en una de las producciones más esperadas de Disney desde que el estudio confirmó su desarrollo meses atrás.

Una de las historias más conmovedoras y populares de la compañía de animación vuelve a generar expectativa entre los fanáticos de Rapunzel y Flynn Rider, quienes tras un largo periodo de espera finalmente conocieron la fecha de estreno de la cinta.

¿Cuándo se estrena el live action de Enredados?

Durante una conferencia celebrada en el evento D23, realizadores de la película dieron a conocer que el filme llegará a la pantalla grande el próximo 31 de marzo de 2028.

Esta nueva versión tendrá la participación de Teagan Croft como Rapunzel, Milo Manheim como Flynn Rider y Kathryn Hahn como Madre Gothel, además de la participación del actor mexicano Diego Luna en un papel especial que permanece en secreto.

Diego Luna suma misterio a la nueva película de Rapunzel

Disney confirmó la participación de Diego Luna como parte del elenco de la nueva version de Enredados, donde interpretará un personaje creado específicamente para esta adaptación, por lo que su rol no aparece en la película animada original de 2010.

Detalles sobre su papel permanecen en privado debido a la política de confidencialidad del estudio, pero se espera que durante el desarrollo de la filmación se revele más información sobre su participación en la producción dirigida por el australiano Michael Gracey.

La trayectoria del actor mexicano con Disney viene de años atrás, especialmente por su protagónico en la serie Andor del universo Star Wars, lo que le ha valido reconocimiento crítico y nominaciones en premios internacionales. Además de su carrera como artista tanto en Hollywood como en el cine latinoamericano, Luna continúa como director y productor, habiendo estrenado recientemente su proyecto “Ashes” en el Festival de Cannes 2026.

Detrás del rodaje de Enredados

El rodaje de la cinta comenzó este verano en España, donde la Catedral de Girona ha sido transformada en el castillo del reino de Corona. La producción involucra a 500 personas y ha requerido modificaciones en espacios emblemáticos de la ciudad, generando ajustes en la vida turística y comercial de la zona.

El equipo también ha grabado en otras locaciones como los estudios Ciudad de la Luz en Alicante y el monasterio de Santes Creus, con planes de continuar en escenarios adicionales. Se han reclutado hasta 600 extras locales, lo que refleja la magnitud del proyecto. Las primeras imágenes del set han generado opiniones encontradas entre los seguidores, especialmente por los cambios en la decoración respecto a la versión animada. La expectativa crece a medida que avanza el rodaje, con la promesa de una adaptación que aportará novedades al clásico de Disney.

El primer vistazo al nuevo corte de cabello de Miguel en Coco 2 provocó una oleada de memes y bromas en redes sociales, donde usuarios mexicanos respondieron con humor al radical cambio del protagonista.

La secuela de Pixar se estrenará en noviembre de 2029 y desde el anuncio, el debate sobre el “fade” que ahora luce el personaje desplazó incluso la conversación sobre la trama.

La primera película rompió récord de audiencia en México y superó los 21.6 millones de asistentes en sus primeras cinco semanas.

La secuela regresa con Miguel convertido en adolescente y acompañado por Dante, su xoloitzcuintle, en lo que será su segundo viaje al mundo de los muertos, de acuerdo con la información presentada en la convención D23.

¿Cómo luce Miguel ahora?

En el arte conceptual revelado por el estudio, Miguel aparece con guitarra y un corte de cabello que detonó la creatividad de los internautas. La imagen, difundida por Pixar, muestra al protagonista con un estilo fresco, cercano a lo que se ve en barrios populares de la Ciudad de México.

La reacción fue inmediata y viral. Usuarios en X (antes Twitter) aprovecharon la revelación para lanzar bromas que mezclan la cultura popular con el folclor mexicano: “Ese corte de pelo no va a volver al mundo de los vivos porque yo y ese barbero estamos muertos del todo”, escribió uno de los comentarios destacados.

Los comentarios más virales sobre el nuevo look de Miguel

La comparación con modas urbanas y géneros musicales no tardó en aparecer. Un usuario señaló: “Miguel fue a la Tierra de los Muertos, regresó y de inmediato se hizo un fade fresco como transformación, como influencer”. Otros bromearon sobre la semejanza con familiares: “Se parece exactamente a mi primo jaja eso es horrible”.

El nuevo corte también generó referencias a la escena musical actual. “Ya parece de corridos sierreños”, escribió un internauta, mientras otro aseguró: “Por lo que se ve, va a cantar corridos tumbados”. En la misma línea, la frase “Todo un chacalón de Tepito” fue de las más compartidas, aludiendo a la estética urbana de la capital.

Comparan a Coco con Eugenio Derbez y El Piojo Alvarado

No faltaron los comentarios sobre la omnipresencia de celebridades mexicanas:

“Por qué Eugenio Derbez sale en todas las películas del país”, se lee entre las respuestas. Y el humor absurdo también tuvo espacio: “Para esas fechas creo que yo también andaré con GomiCoco”.

También se resaltó el parecido del personaje con el futbolista Roberto El Piojo Alvarado.

Algunos usuarios dudaron de la autenticidad del diseño: “No manches wey pensé que era IA”, se lee en otra reacción viral.

La tradición detrás del fenómeno

El Día de Muertos inspiró la saga, que en su primera entrega rompió paradigmas sobre la representación de la cultura mexicana en Hollywood. La película original recaudó 792 millones de pesos en México y se mantuvo como la animación más exitosa en la historia del país.

El trabajo de investigación de Pixar incluyó viajes a pueblos y mercados mexicanos para documentar de primera mano las tradiciones. El consenso de la crítica fue inmediato y la película obtuvo un 97% de aprobación en Rotten Tomatoes, además de dos premios Óscar, incluido el de mejor película animada.

El actor Benjamin Bratt confirmó que Ernesto de la Cruz vuelve en busca de venganza y que Miguel deberá unir fuerzas con él, según reveló en el panel de D23. El equipo creativo original, encabezado por Lee Unkrich y Adrian Molina, retoma el proyecto tras el éxito de la primera entrega.

La reacción en redes adelanta que el corte de cabello será un tema recurrente cuando la película llegue a los cines. Por ahora, los memes y comentarios en X mantienen vivo el debate sobre si Miguel está listo para cantar corridos tumbados o si de plano “ya parece de Tepito”.

Disney y Pixar presentaron en el D23 el primer vistazo de Coco 2, donde se confirmó que Miguel regresará a la Tierra de los Muertos en una nueva aventura animada que tiene previsto su estreno en cines en 2029. El evento en Anaheim, California, incluyó la proyección de arte conceptual y la presencia de figuras clave del equipo creativo y del elenco de voces.

En las imágenes reveladas por Disney y Pixar, Miguel aparece como un adolescente, acompañado de su inseparable perro Dante y con una imagen renovada, incluyendo un nuevo corte de cabello y la guitarra que lo caracteriza. Según detalló ScreenRant, la trama de la secuela se sitúa varios años después de la primera entrega y vuelve a explorar el universo del Día de los Muertos.

La narrativa lleva a Miguel a enfrentarse nuevamente a Ernesto de la Cruz, el antagonista de la película original, quien regresa en busca de venganza. El actor Benjamin Bratt confirmó durante el evento su regreso al personaje y adelantó parte del argumento: “Para algunos, Miguel es un pequeño alborotador que arruinó una carrera y destruyó un legado. Ernesto de la Cruz está de vuelta por venganza, enviando a Miguel a una aventura de regreso a la Tierra de los Muertos. Como el destino es gracioso, Miguel debe unir fuerzas con una atractiva superestrella: yo”, declaró Bratt entre risas.

Otro lienzo del arte conceptual retrató uno de los reencuentros más emotivos considerando el final del primer filme: Miguel volvería a abrazar a su abuela Coco en el más allá.

Producción y voces confirmadas

Lee Unkrich, director de la primera entrega y de Toy Story 3, retorna a la dirección junto a Adrian Molina, quien también tuvo ese rol en la original. Por otro lado, Mark Nielsen, productor de Toy Story 4 e Intensamente 2, lidera el equipo de producción.

Por el momento, la única participación confirmada en el reparto es la de Benjamin Bratt. No se ha informado si Anthony Gonzalez volverá a interpretar a Miguel o si el papel se asignará a otro actor de voz, cuestión que mantiene la expectativa entre los fanáticos.

¿Cuándo se estrenará ‘Coco 2′?

Coco 2 llegará a los cines en noviembre de 2029, casi 12 años después del estreno del primer filme, que debutó el 22 de noviembre de 2017. Aunque Pixar no informó la fecha exacta, el lanzamiento podría ser bastante próximo al Día de los Muertos.

La primera Coco recaudó más de 800 millones de dólares en taquilla mundial y ganó los premios Oscar a mejor largometraje animado y mejor canción original por “Recuérdame”. Con un 97% de aprobación en Rotten Tomatoes, el filme animado destacó como uno de los mayores éxitos de la década para Pixar.

El estudio animado parece optar por espaciar el tiempo entre sus secuelas, como ocurrió con Buscando a Dory y Los Increíbles 2.

Pixar también presentó actualizaciones de Los Increíbles 3, filme que originalmente se anunció en 2024. Según Peter Docter, jefe creativo del estudio, esa historia se enfocará más en los hijos del clan. La premisa indica que “Bob y su familia tendrán que luchar en un mundo lleno de superhéroes más jóvenes, junto a una amenaza más poderosa que todos los Increíbles juntos”. Su estreno está programado para el verano de 2028.

Julie Andrews confirmó que no formará parte de “El diario de la princesa 3”, la tercera entrega de la franquicia que Disney mantiene en desarrollo con Anne Hathaway como protagonista.

La actriz, de 90 años, explicó a The Hollywood Reporter que considera que ya superó esa etapa de su carrera, una declaración que cierra el interrogante sobre su posible regreso al reino ficticio de Genovia.

“Creo que la verdad absoluta es que siento que ya pasé todo eso”, afirmó Andrews en la entrevista con The Hollywood Reporter, realizada junto a su hija Emma Walton Hamilton con motivo del lanzamiento de un nuevo libro infantil. “No estoy completamente retirada, pero el tipo de trabajo que hago hoy es diferente: libros, grabaciones de podcasts y voces en off. Pero sinceramente, no creo que deba ser parte de esto”, señaló.

La postura de Andrews representa un cambio respecto a sus declaraciones de 2024, cuando afirmó que estaría “muy feliz” si se concretaba una nueva película, aunque aclaró en ese momento que no lo esperaba.

En la entrevista con The Hollywood Reporter, la actriz dejó en claro que su distancia del proyecto no responde a falta de entusiasmo, sino a una decisión personal sobre el tipo de trabajo que elige en esta etapa: prefiere no aparecer en cámara. “No es que no tenga entusiasmo. Simplemente no siento que deba ser parte de esto ahora”, explicó.

Pese a su ausencia confirmada, Andrews expresó interés en el rumbo que tomará la historia. Señaló que la película debería avanzar desde el punto donde terminó la segunda entrega y reconoció que Hathaway también es mayor ahora. “Estoy interesada en ver qué proponen Meg, Annie y todos”, dijo a The Hollywood Reporter.

Mientras tanto, la situación del proyecto en su conjunto atraviesa una etapa de reescritura. En una aparición reciente en SiriusXM’s Radio Andy, Hathaway confirmó que la producción tuvo que reiniciar el guion tras un avance en la dirección creativa. La actriz, de 43 años, señaló que el embarazo de su tercer hijo postergó la definición de fechas concretas para el rodaje: “Estoy ocupada esperando al bebé número tres, y eso ha ocupado el lugar de saber exactamente cuándo podré hacer El diario de la princesa 3”, afirmó. Aun así, subrayó que el equipo confía en la nueva orientación del proyecto: “Creemos que este será el indicado”, agregó.

La autora de la saga literaria, Meg Cabot, también aportó novedades a The Hollywood Reporter y reveló que el guion más reciente —escrito por Flora Greeson— es su favorito entre todas las versiones que leyó: “Leí un guion y fue increíble. Les dije que no me enviaran más, porque me encanta demasiado”, declaró. La escritora precisó que el texto incorpora elementos tomados directamente de sus novelas y que el plan es estrenar la película en cines, descartando así los rumores sobre una posible precuela.

Cabot también reveló a The Hollywood Reporter que las conversaciones sobre una tercera entrega llevan años en marcha, con múltiples versiones del guion en el proceso. “Ha habido muchos guiones, y creo que el que leí más recientemente es mi favorito. Ojalá sea el que usen, porque es una idea muy divertida, y estoy 100 por ciento detrás”, afirmó. La autora participa además como productora ejecutiva del filme.

El equipo de producción incluye a Adele Lim en la dirección —conocida por Crazy Rich Asians y Joy Ride—, a Debra Martin Chase como productora, y a Naia Cucukov y Melissa Stack como productoras ejecutivas. Chase señaló en junio a People que el equipo esperaba estar rodando durante este año y reafirmó la intención de llevar adelante la película: “Estamos convencidos de que saldrá adelante, y la reacción del público nos impulsa cada vez que hay novedades”, expresó.

Fuera de Hathaway, el reparto de la tercera parte no tiene confirmaciones oficiales. La segunda película, estrenada en 2004, contó con Héctor Elizondo como Joe y Heather Matarazzo como Lilly, además de Andrews como la reina Clarisse. Ambas entregas fueron dirigidas por Garry Marshall, fallecido en 2016. La primera película, lanzada en 2001, marcó el debut estelar de Hathaway en Hollywood y este año celebró su 25° aniversario, un hecho que Andrews recordó con afecto en la entrevista, al evocar el trabajo de Marshall como director.

El desenlace de la segunda entrega dejó a Mia Thermopolis convertida en reina de Genovia tras convencer al parlamento de que podía asumir el trono sin casarse, y con una relación incipiente con Nicholas Devereaux, el personaje interpretado por Chris Pine. Uno de los interrogantes más frecuentes entre los seguidores de la saga es si Mia terminará junto a Michael o a Nicholas. La respuesta de Cabot fue escueta: “Lo siento, tendrán que esperar para ver”.

Una mujer identificada en redes sociales como Toni, conocida en TikTok como la “Peter Pan girl”, se convirtió en tema de conversación en la plataforma debido a los videos que publica sobre sus encuentros con los actores que interpretan a Peter Pan en Disneyland.

El contenido ha generado críticas entre usuarios, mientras también circulan publicaciones con información que no ha sido confirmada y material manipulado.

Toni, cuyo usuario en TikTok es @babytoni99, cuenta con cerca de 70 mil seguidores en esa plataforma y alrededor de 7 mil en Instagram.

Sus publicaciones están centradas principalmente en Disney y abarcan personajes de Marvel, princesas y diferentes actividades realizadas en los parques. Asimismo, una parte importante de su contenido está dedicada a Peter Pan, personaje de la película animada de Disney.

De acuerdo con sus publicaciones, Toni visita Disneyland con frecuencia, al menos una vez por semana, y conoció al personaje por primera vez hace más de una década. A lo largo de los años ha registrado numerosos encuentros con distintos actores que han interpretado a Peter Pan en el parque.

Los videos que han generado mayor atención muestran interacciones prolongadas entre Toni y los intérpretes.

En algunas grabaciones, la creadora de contenido aparece entregando regalos hechos a mano al personaje y hablando con él durante varios minutos. También ha contado que en alguna ocasión intentó besarlo mientras le entregaba uno de esos obsequios.

Parte de las críticas se concentra en la frecuencia de estos encuentros y en la manera en que Toni presenta su relación con el personaje en sus publicaciones.

Algunos usuarios han señalado que determinadas escenas muestran al actor intentando mantener la interacción dentro del papel que desempeña en el parque, mientras que otros han cuestionado si las conductas mostradas en los videos deberían ser consideradas apropiadas.

Uno de los clips que circuló ampliamente muestra a Toni siguiendo a Peter Pan por el parque mientras corre y salta detrás del personaje, lo que provocó comentarios relacionados con los límites de las interacciones entre visitantes y empleados que interpretan personajes.

El caso también abrió una conversación en redes sociales sobre las relaciones parasociales, término utilizado para describir vínculos unilaterales que las personas pueden desarrollar con personajes ficticios, celebridades o figuras públicas.

En este caso, algunos usuarios han centrado la discusión en la diferencia entre el personaje de Peter Pan y el actor adulto que lo interpreta en Disneyland.

Hasta el momento, no se ha informado públicamente de alguna intervención de Disneyland relacionada con los videos ni de un incidente de seguridad derivado de las interacciones mostradas.

Paralelamente, algunas publicaciones relacionadas con el caso han incorporado información falsa o contenido manipulado. Entre las afirmaciones difundidas en redes sociales se encuentra que Toni habría sido expulsada de Disneyland y que tendría una prohibición para ingresar al parque.

Algunas versiones aseguran que se trataría de una prohibición permanente, mientras otras mencionan un periodo de dos semanas. No existe información que confirme ninguna de esas versiones.

Esa representación también es falsa y corresponde a una edición realizada mediante herramientas de inteligencia artificial.

La circulación de estos contenidos ha ampliado la discusión original y ha incorporado elementos que no forman parte de los videos publicados por Toni.

Walt Disney Studios alcanzó los USD 4.000 millones en recaudación global durante 2026, convirtiéndose en el segundo estudio en lograr ese hito tras Universal, según informaron medios especializados el 11 de agosto. El logro impacta a los principales actores de la industria cinematográfica, incluidos exhibidores, cadenas de cine y estudios rivales, y marca un punto de referencia para la competencia entre los grandes conglomerados de entretenimiento.

De acuerdo con información publicada por Deadline, la cifra se confirmó tras el éxito comercial de estrenos como Toy Story 5 y The Devil Wears Prada 2, ambos lanzados bajo el sello de Disney y sus filiales. El portal reportó que Universal fue el primer estudio en cruzar la barrera de los USD 4.000 millones este año.

La competencia por el liderazgo en la taquilla mundial se ha intensificado entre los grandes estudios estadounidenses en la última década. En años previos, Disney ostentó el primer lugar en recaudación global en nueve de los últimos diez ejercicios, según fuentes de la industria. La cifra de este año se inscribe en un contexto de recuperación y expansión del mercado tras la pandemia, con una lista de estrenos programados que refuerza la apuesta de los estudios por las franquicias y secuelas.

¿Cuándo y por qué Disney superó los USD 4.000 millones en taquilla mundial?

El 11 de agosto de 2026, Walt Disney Studios superó oficialmente los USD 4.000 millones de recaudación global acumulada en el año, de acuerdo con un reporte de Deadline. Este monto convierte a Disney en el segundo estudio en lograr esa cifra durante el año, solo precedido por Universal, que alcanzó el mismo umbral el 2 de agosto. El registro se considera relevante por el contexto de competencia directa entre los principales estudios estadounidenses y la recuperación de los mercados tras la pandemia.

Según la información publicada por The Film News Blitz, la mayor parte de la recaudación de Disney provino de títulos como Toy Story 5 y The Devil Wears Prada 2, que lideraron la taquilla en distintos mercados. La marca de los USD 4.000 millones establece un nuevo estándar anual para los grandes estudios y redefine las expectativas del sector para el cierre de 2026.

¿Qué películas impulsaron los ingresos de Disney en 2026?

El principal motor de la recaudación de Disney fue Toy Story 5, película que acumuló más de USD 1.095 millones en ingresos a nivel mundial, según Deadline. De ese monto, USD 624,2 millones provinieron de mercados internacionales, mientras que USD 471,3 millones correspondieron a la taquilla doméstica. Esta entrega de la franquicia animada se consolidó como la más exitosa del año para el estudio.

El segundo aporte relevante provino de The Devil Wears Prada 2, producida bajo el sello de 20th Century Studios, que generó cerca de USD 692 millones y permitió que la franquicia superara la marca de los USD 1.000 millones en su acumulado global. La oferta de Disney se completó con títulos como Hoppers de Pixar, que alcanzó casi USD 390 millones en el conteo internacional.

¿Cómo se compara el desempeño de Disney con Universal en el mercado global?

La competencia entre Disney y Universal en 2026 estuvo marcada por la rapidez con la que ambos estudios superaron la barrera de los USD 4.000 millones en recaudación mundial. Universal fue el primer estudio en lograr ese hito, impulsado por el rendimiento de películas como The Odyssey, The Super Mario Galaxy Movie y Michael. Universal alcanzó la cifra el 2 de agosto de 2026.

Por su parte, Disney igualó el resultado nueve días después, consolidando su posición como uno de los líderes del sector. Ambos estudios se distanciaron del resto en términos de ingresos y volumen de estrenos, marcando un año atípico por la concentración de éxitos en pocas compañías.

¿Cuáles son las estrategias de Disney para mantener el liderazgo en la taquilla?

Disney ha focalizado su estrategia en el desarrollo de franquicias consolidadas y secuelas de alto impacto, según datos publicados en Deadline. La programación de estrenos para la segunda mitad de 2026 incluye títulos como The Dog Stars de 20th Century Studios, Wild Horse Nine de Searchlight Pictures, Hexed de Walt Disney Animation Studios y Avengers: Doomsday de Marvel Studios, cuyo lanzamiento está previsto para el 18 de diciembre.

La agenda de estrenos busca mantener la inercia en la recaudación y fortalecer la posición del estudio en la temporada alta. Además, Disney planea presentar su catálogo para 2027 y años siguientes durante la convención D23 en Anaheim, según anunció la compañía. La apuesta por franquicias, secuelas y contenidos originales forma parte de la respuesta del grupo a la evolución del mercado y las nuevas demandas del público global.

¿Qué impacto tiene el récord de Disney para la industria cinematográfica?

El cruce de la barrera de los USD 4.000 millones por parte de Disney representa un punto de referencia para la industria del cine. Según Deadline, el desempeño de la compañía refuerza la tendencia hacia la consolidación de franquicias y la explotación intensiva de propiedades intelectuales de alto rendimiento. Este resultado condiciona las estrategias de los estudios competidores y la planificación de nuevos lanzamientos.

El efecto sobre los exhibidores y socios comerciales es inmediato, ya que la distribución de ingresos se ve influida por la concentración de éxitos en pocos títulos y el calendario de estrenos. De acuerdo con Mitrade, Disney reportó en su balance trimestral ingresos totales de USD 25.200 millones, con un crecimiento del 7% respecto al año anterior, impulsado principalmente por los segmentos de experiencias y entretenimiento.

¿Cómo se distribuyen los ingresos de Disney por regiones y formatos?

La recaudación de Disney en 2026 mostró una distribución significativa entre el mercado doméstico y el internacional. Según cifras publicadas por Deadline, Toy Story 5 generó USD 471,3 millones en Estados Unidos y USD 624,2 millones en el resto del mundo. La participación internacional en los resultados globales de la compañía ha ido en aumento, respondiendo al crecimiento de la asistencia a salas en Asia, Europa y América Latina.

Además, el estudio diversificó su portafolio con estrenos en diferentes formatos, combinando animación, acción real y producciones originales. Títulos como Hoppers y Hexed ampliaron la oferta de contenidos más allá de las franquicias tradicionales, aunque las secuelas y sagas continúan siendo el principal soporte financiero del grupo.

¿Qué desafíos enfrentó Disney en la taquilla de 2026?

No todas las producciones de Disney lograron resultados sobresalientes en 2026. De acuerdo con Deadline, la película Star Wars: The Mandalorian and Grogu de Lucasfilm recaudó USD 345 millones globales, cifra inferior a los USD 392,9 millones obtenidos por Solo: A Star Wars Story. La versión en acción real de Moana sumó USD 281,5 millones, resultado que se atribuye a la proximidad con el estreno de Moana 2, que había superado los USD 1.000 millones.

Estos datos reflejan la volatilidad de la taquilla y la dificultad para mantener altos niveles de recaudación en todos los lanzamientos, incluso dentro de franquicias consolidadas. El desempeño de cada título depende de factores como la competencia en cartelera, la recepción del público y la estrategia de distribución.

¿Qué se espera para el cierre de año y el futuro de Disney en la taquilla mundial?

Con varios estrenos programados para la segunda mitad del año, Disney busca mantener la tendencia de crecimiento en ingresos y asegurar una posición privilegiada en la industria. El lanzamiento de Avengers: Doomsday y otros títulos de alto perfil podría incrementar la recaudación global del estudio antes del cierre de 2026.

La presentación de la programación para 2027 y los anuncios en la convención D23 marcarán la hoja de ruta para los próximos años. El desempeño financiero del grupo y la reacción de los mercados estarán condicionados por la evolución del consumo en salas, el comportamiento de las plataformas digitales y la respuesta del público a las nuevas propuestas.

Julie Andrews confirmó que no participará en El diario de la princesa 3, la tercera película de la franquicia protagonizada por Anne Hathaway.

La actriz, de 90 años, interpretó a la reina Clarisse Renaldi en las dos primeras entregas y señaló que la nueva historia estará centrada en Mia Thermopolis, personaje interpretado por Hathaway.

“No voy a estar en ella. Creo que la historia es un poco diferente, y no estoy segura de cómo lo están manejando. Pero ya es demasiado tarde para que yo lo haga. Creo que la historia debe continuar con la Princesa Mia. Es su historia. No es realmente la mía”, dijo.

La primera película, El diario de la princesa, se estrenó en 2001 y estuvo basada en la serie de libros escrita por Meg Cabot.

Dirigida por Garry Marshall, la cinta presentó a Anne Hathaway como Mia Thermopolis, una adolescente de San Francisco que descubre que es la heredera de Genovia, un pequeño reino europeo ficticio.

Julie Andrews interpretó a Clarisse, la abuela de Mia y reina regente de Genovia. La película recaudó alrededor de 165 millones de dólares en taquilla y convirtió la relación entre ambos personajes en uno de los ejes centrales de la historia.

Marshall volvió a reunir a Hathaway y Andrews para El diario de la princesa 2: Compromiso real, estrenada en 2004.

En esa segunda entrega, Mia se prepara para asumir el trono y encontrar un esposo, mientras Clarisse continúa desempeñando un papel dentro de la monarquía de Genovia. Al final de la película, Clarisse deja el cargo y Mia se convierte en reina.

El desarrollo de una tercera entrega comenzó años después. Hathaway confirmó su regreso a la franquicia en 2024 y desde entonces ha ofrecido actualizaciones sobre el estado del proyecto.

A comienzos de este año, la actriz señaló que el equipo continúa trabajando en la película y que las expectativas alrededor de una nueva entrega son elevadas.

“Estamos trabajando constantemente en ella”, afirmó en declaraciones a Entertainment Weekly. La actriz también indicó que el proyecto requiere una atención especial debido a las expectativas relacionadas con las dos primeras películas.

La dirección de El diario de la princesa 3 estará a cargo de Adele Lim, guionista de Crazy Rich Asians. El proyecto también cuenta con la participación de Meg Cabot, autora de los libros originales.

Cabot ha seguido de cerca el desarrollo de los guiones y recientemente reveló que ha leído distintas versiones a lo largo de los años. La escritora explicó que acaba de leer una de sus versiones preferidas y que espera que ese guion sea el utilizado finalmente para la producción.

Cabe destacar que Andrews no aparece en una película de acción real desde The Tooth Fairy, estrenada en 2010. En los últimos años ha participado principalmente en proyectos de voz y televisión.

La actriz, ganadora del Óscar por Mary Poppins, será además el centro de un documental que Disney+ tiene previsto estrenar el próximo año.

Por ahora, Anne Hathaway es la integrante del reparto original cuya participación en El diario de la princesa 3 está confirmada.

La película continuará la historia de Mia Thermopolis más de dos décadas después del estreno de la primera cinta y tendrá como punto de partida la evolución del personaje desde su llegada a la monarquía de Genovia.

Excesos, adolescencia, suspense, asesinatos, paranoia... son muchos los ingredientes que podrían explicar el éxito de The Shards, la nueva serie de Disney+ que, menos de una semana después de su estreno en la plataforma, ya era la más vista en más de 70 países, incluida España. La producción, basada en la novela homónima de Bret Easton Ellis y dirigida por Ryan Murphy, se ha convertido en una de las sensaciones del verano.

La trama sigue al propio Bret, un joven aspirante a escritor, y al círculo de amigos de un instituto privado de Los Ángeles cuya vida se tambalea tras la llegada de Robert Mallory, interpretado por Homer Gere. Esta incorporación coincide con el creciente terror provocado por The Trawler, un asesino en serie que tiene como objetivo a adolescentes en toda la ciudad. La serie presenta un universo donde el privilegio y la violencia se entrelazan, al fusionarse sus vivencias en el instituto con las obsesiones y temores de cada uno.

Uno de los elementos más llamativos de The Shards es el reparto, encabezado por jóvenes estrellas como Igby Rigney (El club de la medianoche), Kaia Gerber (El club de las luchadoras), la debutante Hayes Warner y Homer Gere (Euphoria). De estos, hay que destacar también que Gerber y Gere son hijos de la famosa supermodelo y actriz Cindy Crawford y el actor Richard Gere, respectivamente. Dos grandes iconos que estuvieron casados durante cuatro años. Por eso, durante parte de la promoción, los jóvenes han sido preguntados no solo por la serie, sino también por sus progenitores, lo que ha dado lugar a respuestas muy llamativas.

La pregunta de Homer Gere a su padre

En una reciente entrevista, Homer Gere fue preguntado por el apartado visual de la serie. Uno de los rasgos más llamativos de The Shards es su esfuerzo por recrear con detalle el vestuario y los escenarios de los primeros años de los 80. Frente a esto, el joven actor reconoció no dar crédito a algunos de los elementos de la estética retro que le rodeaba. “Le pregunté a mi padre si de verdad eran estos peinados lo que se llevaba en su época”, confesaba.

La serie también busca adaptar con gran fidelidad el universo literario de Bret Easton Ellis, considerado uno de los escritores más importantes de la Generación X. “Es como si ya vieras una película en tu mente”, destacaba Homer Gere, refiriéndose a la capacidad del autor para crear imágenes potentes en el lector, algo que la producción de Ryan Murphy, a quien se le conoce por éxitos como American Horror Story o Monster, busca trasladar a la pantalla. “Permite improvisar, hacer preguntas y explorar distintas posibilidades para cada personaje”, señalaba por su parte Hayes Warner.

Con ocho episodios de 50 minutos en su primera temporada, The Shards apunta a ser uno de los grandes éxitos del año en Disney+. “A veces, sus expansivas tramas dan la sensación de ir a la deriva como un tren fuera de control, pero a medida que la serie avanza, resulta imposible apartar la vista de su locura”, destacan en la web de crítica especializada rogerebert.com. Y es que la colaboración entre el showrunner y el aclamado novelista da todo lo que promete: un encuentro entre dos de los mayores cronistas del exceso, la superficialidad y el morbo de la sociedad estadounidense.

Demi Lovato retomó el papel de Mitchie Torres en Camp Rock 3, la tercera entrega de la franquicia que la catapultó al estrellato, en lo que representa su regreso a la pantalla de Disney Channel por primera vez en 16 años.

La película tiene previsto su estreno el 13 de agosto de 2026 a las 8 p.m. (hora del Este en Estados Unidos) por Disney Channel, y llegará a Disney+ a nivel global al día siguiente.

La participación de Lovato no estaba inicialmente prevista de forma actoral.

La cantante había sido anunciada únicamente como productora ejecutiva del filme, por lo que su aparición frente a cámara tomó por sorpresa tanto al público como a la industria.

La noticia se confirmó horas antes de la premiere mundial, celebrada el 10 de agosto en los estudios de The Walt Disney Company en Burbank, California, donde Lovato se reunió en la alfombra roja con los Jonas Brothers y el elenco de la nueva generación.

La trama de Camp Rock 3 gira en torno a la banda Connect 3, que pierde a su telonero antes de una gran gira de reunión y regresa al campamento en busca de un nuevo talento.

Mientras los participantes compiten por la oportunidad de abrir para su grupo favorito, los roces entre ellos dan paso a alianzas y romances inesperados.

Liamani Segura —conocida por Descendants: Wicked Wonderland— y Malachi Barton —de Zombies 4: Dawn of the Vampires— encabezan el reparto de la nueva generación, acompañados por Lumi Pollack, Sherry Cola, Hudson Stone, Casey Trotter, Brooklynn Pitts y Ava Jean.

Junto a Demi Lovato, retornan también los Jonas Brothers: Joe Jonas como Shane Gray, Nick Jonas como Nate Gray y Kevin Jonas como Jason Gray. Maria Canals-Barrera vuelve asimismo al papel de Connie, la madre de Mitchie.

La directora Veronica Rodriguez explicó el proceso detrás de la decisión de reincorporar a Lovato sin que su presencia opacara a los nuevos protagonistas.

“Queríamos encontrar el equilibrio correcto sobre cuánto debía aparecer en la película y cómo se vería la participación de Mitchie”, dijo a The Hollywood Reporter.

La cineasta añadió que el propio guion aborda esa transición de forma explícita: “Su personaje le dice literalmente a su madre: ‘Esto no se trata de mí, se trata de ellos. Es su momento de brillar. Esta es la nueva generación de campistas’”.

La película fue escrita por Eydie Faye y producida por Disney Kids & Family. La coreografía estuvo a cargo de Jamal Sims, mientras que Tim Federle figura entre los productores ejecutivos junto a los Jonas Brothers, Lovato, Betsy Sullenger, Spencer Berman y Gary Marsh.

El filme incluye además un agradecimiento especial a Alan Sacks por su contribución a la franquicia.

El récord histórico de “Camp Rock”

Camp Rock, estrenada en 2008, se convirtió en la segunda película original de Disney Channel más vista de todos los tiempos y ocupa actualmente el tercer lugar, detrás de High School Musical 2 y Los Hechiceros de Waverly Place La película, según datos que aporta la prensa especializada en Estados Unidos.

Su secuela, Camp Rock 2: The Final Jam (2010), fue la película más vista del canal ese año. En conjunto, ambas entregas acumulan más de 535 millones de horas de reproducción hasta la fecha, y las dos primeras películas de la franquicia figuran entre el top 10 de las películas originales de Disney Channel más vistas de la historia.

Spider-Man: Un nuevo día, de Marvel Studios, alcanzó una recaudación mundial de 1.665 millones de dólares tras su segundo fin de semana en los cines. La película sumó alrededor de 500 millones entre el viernes y el domingo y ya ocupa el puesto 12 entre los mayores éxitos de taquilla de la historia, según los datos publicados por Box Office Mojo.

Un segundo fin de semana de 500 millones

El resultado llega menos de dos semanas después de un estreno mundial cercano a los 920 millones de dólares, el segundo mejor debut cinematográfico registrado, únicamente por detrás de Avengers: Endgame. A esa apertura se agregaron los ingresos obtenidos durante los días laborables y otros 500 millones recaudados en el segundo fin de semana.

En Estados Unidos, la película agregó 145 millones de dólares durante ese período. La cifra estuvo acompañada por una caída del 59,7% respecto del fin de semana de estreno, un descenso habitual para las producciones de Marvel después de aperturas especialmente altas.

La diferencia entre ambos porcentajes responde al comportamiento de los mercados: mientras la recaudación estadounidense sufrió una reducción pronunciada, el total internacional permitió que el segundo fin de semana global equivaliera aproximadamente a la mitad de los 920 millones obtenidos durante el debut.

El desempeño sobresale en un período en el que varias películas de Marvel Studios quedaron por debajo de los resultados previos a la pandemia de COVID-19 y al cierre de la Saga del Infinito. Antes de completar sus primeras dos semanas, Un nuevo día ya ingresó entre las 15 películas más taquilleras y quedó cerca de avanzar varios lugares.

Los récords que Spider-Man todavía puede superar

El objetivo inmediato es entrar en el top 10 histórico. El décimo puesto pertenece actualmente a Intensamente 2, con 1.698 millones de dólares. Un nuevo día necesita alrededor de 33 millones adicionales para superar esa cifra, una distancia pequeña frente a los 500 millones reunidos durante su segundo fin de semana.

El siguiente récord está dentro de la propia franquicia. Spider-Man: Sin camino a casa terminó su recorrido comercial con 1.921 millones de dólares y continúa como la película del personaje con mayor recaudación. Para desplazarla, la nueva entrega necesita sumar unos 256 millones.

Después aparece la barrera de los 2.000 millones de dólares. Un nuevo día está a 335 millones de alcanzar esa marca y podría transformarse en la octava película de la historia que lo consigue. El rendimiento de las próximas semanas determinará si conserva suficiente impulso para ingresar en ese grupo.

Si continúa avanzando, otro punto de referencia será Avengers: Infinity War, que obtuvo 2.052 millones de dólares. Superar esa cifra convertiría a Un nuevo día en la segunda película de Marvel con mayor recaudación, detrás de Avengers: Endgame y sus 2.799 millones. Esa última cantidad permanece a más de 1.100 millones del total actual del arácnido.

Una proyección más ambiciosa la acercaría a Avatar: El camino del agua, que acumuló 2.334 millones de dólares. Para llegar hasta allí todavía necesitaría cerca de 669 millones, por lo que esa posibilidad depende de cuánto tiempo pueda sostener sus ingresos en los principales mercados.

Estados Unidos y España mantienen el impulso

El estreno encabezó un fin de semana especialmente fuerte para las salas estadounidenses. A pesar de la caída del 59,7%, sus 145 millones adicionales mantuvieron a Spider-Man por encima del resto de los títulos y le permitieron ampliar rápidamente su recaudación mundial.

Spider-Man: Un nuevo día necesita 33 millones de dólares para entrar en el top 10 histórico, 256 millones para convertirse en la película más taquillera de Spider-Man y 335 millones para alcanzar la barrera de los 2.000 millones.

Episodios anteriores

• REVIEW | X-Men ‘97 - Temporada 2 - Episodios 1 a 4: Un gran remedio para un gran mal

Episodios 5 y 6: Diferentes puntos de vista

X-Men ‘97 empieza a buscar innovación en la soledad de ciertos personajes que hasta ahora no habían tenido una fuerte participación en la serie. En ese sentido, creo que esta temporada nos está dando muy rápido muchas tramas diferentes que tienen cierta coherencia pero no un desarrollo acorde, haciendo que sea un tanto difícil seguir la trama global.

Mientras que creo que fue un acierto mantener a Wolverine un poco en el margen hasta el momento, priorizando el grupo y algunos personajes que no han tenido tanto bagaje en los últimos años de adaptaciones (como Rogue, Júbilo o Gambito), en este caso su episodio individual no le hace justicia a semejante personaje. Por otro lado, Polaris encuentra la forma de introducir al grupo en un episodio que nos demuestra que los X-Men pueden cambiar en cualquier momento. Dos formas distintas de dedicarle tiempo a historias individuales.

El episodio cinco de esta segunda temporada de X-Men ‘97 nos entrega el primer episodio centrado en la historia de Wolverine desde que volvieron estos personajes. Podría considerarse un episodio encapsulado, porque lo que sucede tiene poco y nada que ver con la trama general del conflicto sino más bien con la necesidad de un Logan salvaje de volver a tener el adamantium en su cuerpo para volver a ser quién era.

El problema de este episodio es que el “conflicto” de Wolverine está muy poco desarrollado. A finales de la temporada anterior se hizo muchísimo hincapié en el momento en que Magneto le saca este metal del cuerpo a Logan y lo que podría pasar después, pero casi no hemos visto al personaje desde ese entonces y nos enteramos de su conflicto interno diez segundos antes de que se resuelva. Valoro el ritmo único de esta serie de adaptar decenas de cómics por episodio, pero hay que tener cuidado al hacerlo porque una de las consecuencias puede ser un episodio como este.

Por otro lado, el siguiente episodio de X-Men ‘97 también se anima a hacer algo nuevo: centrarlo en un personaje que hasta ahora no había parecido. Si en la primera temporada era prioritaria la sensación de “grupo chico” y personajes muy famosos, en esta segunda temporada se está ampliando muchísimo el abanico de personajes disponibles y un montón de ellos no son aquellos con los que la audiencia está más familiarizada.

En el caso de Polaris, no sólo es un excelente agregado con un montón de narrativa detrás, sino que también es una vieja conocida de la serie animada de los ‘90. Su extremado poder y el uso de la fuerza en lo que ella considera moralmente correcto es un mensaje bastante opuesto al que plantea el episodio anterior con Logan, haciendo un paralelismo de tramas y dándonos, por segunda vez, un nuevo episodio embotellado.

Más allá de estas cuestiones específicas de estos episodios, creo que en esta temporada el grupo mutante se está repitiendo un poco. Usar a Morph para traer cameos de otros personajes del universo Marvel era una idea fascinante al principio, pero usandola todos los episodios cansa y aburre. Lo mismo los cameos reales: cuando son pocos y justificados, suman. Cuando solo son para que aparezcan, restan.

X-Men ‘97 no negocia su calidad, pero sí creo que esta temporada es mucho menos concreta que la anterior. Creo que la necesidad de abrir el juego hacia una serie mucho más longeva le jugó un poco en contra y dejó parte de lo que había cocinado en el camino. Espero que la tercera (y próximas temporadas si es que las confirman) sea la temporada en la que vuelvan a plantear una gran historia cuyas misiones secundarias no afecten a la idea general.

Los últimos dos episodios de esta temporada de X-Men ‘97 forman un arco único, que promete ir retomando la trama de Apocalipsis y cerrar un poco todos los arcos que viene creando esta serie. Más allá de esto, creo que se bifurcó tanto la narrativa entre grupos y personajes y se intentó abarcar tanto que se terminó desdibujando un poco la trama general. Ojalá en los últimos episodios puedan encauzar ese barco.

Disney+ confirmó el estreno de Amores inesperados y reactivó su lista de series argentinas pendientes. La plataforma presentó su programación de producciones locales para lo que resta de 2026 y el inicio de 2027, con fechas para varios títulos que habían quedado sin lanzamiento definido, entre ellos la nueva ficción encabezada por Martín Bossi.

Dentro de ese paquete, Disney+ fijó para el 16 de septiembre el debut de Amores inesperados, una comedia dramática producida por LaFlia Contenidos y Non Stop Studios, con dirección de Marcos Carnevale. La serie adopta un formato de episodios unitarios y tendrá a Bossi en un rol distinto en cada entrega, siempre atravesado por una historia romántica inesperada.

La ficción sumará a Jorgelina Aruzzi, Eleonora Wexler, Patricia Palmer, Lula Rosenthal, Julieta Cardinali y Karina Hernández, mientras que Osvaldo Santoro y Betiana Blum participarán de forma especial. La serie fue rodada en 2022 y formaba parte del grupo de producciones argentinas que aún no tenían fecha de estreno.

El nuevo anuncio de Disney+ también incluyó la segunda temporada de Coppola, el representante, que llegará en octubre. La producción, a cargo de Pampa Films y otra vez protagonizada por Juan Minujín, retomará la historia de Guillermo Coppola en una etapa centrada en su vínculo con Diego Maradona desde 1984 y en su reconstrucción personal tras la pérdida del exfutbolista.

En esa nueva entrega continuarán Mariano Cohn y Gastón Duprat como creadores, Ariel Winograd como director y showrunner y Emanuel Diez como guionista. También regresarán al elenco Mónica Antonópulos, Macarena Achaga, Jorgelina Aruzzi, Anna Favella, Joaquín Ferreira, Agustín Sullivan, Mónica Raiola, María Marull, Marina Bellati, Alan Sabbagh, Nicolás Mateo y Rodrigo Noya.

Otro de los títulos confirmados por Disney+ es Mejores enemigas, una telenovela juvenil producida por Pegsa que se estrenará en diciembre. La ficción seguirá a Río y Olivia, tía y sobrina, en una trama atravesada por un secreto familiar y la prohibición del baile en su colegio. El proyecto tendrá como eje el street dance y estará protagonizado por Mili Esquivel y Camila Rojas.

La dirección de esa producción quedó en manos de Martín Saban y Diego Peskins, con guiones de María Clara Torres, Romina Ballester, Esteban Del Campo y Ana María Parra. El anuncio se produjo mientras termina de definirse el nuevo equipo de contenido original de la plataforma en América Latina, encabezado por Daniel Burman, con incorporaciones recientes como Mônica Albuquerque para Brasil y Juan Ponce para México.

La grilla actualizada incluyó además otros estrenos locales. Gutiérrez is mai neim se estrenará el 26 de agosto, como parte de la oferta de comedia negra de la plataforma, con producción de Pampa Films y actuaciones de Darío Barassi y Yayo. En el mismo mes también debutará ‘Popstars’, talent show producido por Telefe junto a RGB Entertainment y distribuido por Banijay Rights, con emisión simultánea en televisión abierta y streaming.

Para noviembre quedó programada ‘Somos así’, la primera serie de ficción nacida del universo de ‘Nadie dice nada’ de Luzu TV, también con producción de Pampa Films. Más adelante, en enero de 2027, llegará ‘Las reglas del boxeador’, adaptación de la novela de Jazmín Riera que había sido presentada en su origen para Star+.

Ese último proyecto estará protagonizado por Agustín Bernasconi y Abril Schapo, con dirección de Sebastián Pivotto y guiones de Pablo Junovich, Micaela Libson y Catalina Gelós. El nuevo slate de Disney+ ordena así un calendario de estrenos argentinos que se extenderá desde agosto de 2026 hasta enero de 2027.

A principios de la década de 1930, los dibujos animados era un arte incipiente que en los cines jugaban como “aperitivo” antes de la proyección de las películas protagonizadas por actores de carne y hueso. Eran de corta duración, con argumentos más bien simples y repetitivos, y había dos estudios que competían en su producción. Uno de ellos, que hoy es un gigante del cine, era Disney; el otro, hoy olvidado, se llamaba Fleischer Studios. Tenían una rivalidad que marchaba por caminos diferentes: mientras desde California, Disney incursionaba en los cuentos de hadas que pronto se convertirían en la marca registrada de su obra, en su sede de Nueva York, Fleischer creaba un mundo urbano sórdido y a menudo peligroso para sus personajes. En esa puja de estudios, en 1930 Max Fleischer se anotó la primera – y quizás la única – victoria sobre Walt Disney: lograr que un personaje de dibujos animados se convirtiera en una estrella de tal magnitud que el público iba al cine exclusivamente para verla: Betty Boop.

La imagen que hoy perdura de Betty Boop es la de una flapper, una chica a la moda de la era del jazz, con un escueto vestido sin breteles, una liga asomando por encima de la rodilla y grandes aros, pero no nació así. En su primer dibujo animado, Dizzy dishes, estrenado el 9 de agosto de 1930, apareció como un caniche francés antropomórfico de actitud sensual, con el que Fleischer buscaba parodiar a las actrices de la época. Era apenas un personaje secundario de la séptima entrega de la serie Talkartoon, la novia de su protagonista, el perro antropomorfo Bimbo. En aquel momento se dijo que para crear a Betty, los artistas de Fleischer se habían inspirado en la actriz Clara Bow, famosa por su trabajo en películas mudas durante la década de los ’20, pero en realidad es una caricatura de la cantante y actriz Helen Kane, que se había hecho popular en la cultura flapper por el uso de la frase “boop-oop-a-doop” en estilo scat - un tipo de improvisación vocal, generalmente con palabras y sílabas sin sentido – en su interpretación de la canción That’s My Weakness Now. El personaje tenía largas orejas caídas de perro y una voz chillona al cantar, muy parecida a la de Kane.

Betty Boop conservó esa imagen antropomorfa en diez cortos animados hasta que su éxito animó a Max Fleischer a convertirla en estrella, ya con forma humana. Sus orejas de perro se transformaron en aros circulares y la nariz oscura, en una pequeña y delicada. A diferencia de su contemporánea Minnie Mouse, Betty ya no era una simple acompañante, sino la protagonista de su propio espectáculo. “Betty tiene dos protagonistas masculinos en cada película. Cuando eso le sucede a la mayoría de las estrellas femeninas, se sienten halagadas. Pero Betty Boop da por sentado que Bimbo y Koko servirán de telón de fondo para su talento en cada producción. Betty tiene, además otro motivo de fama. Es la única estrella de cine que usa menos ropa que Jean Harlow”, se puede leer en una crítica del personaje publicada por The New Herald en 1932.

Inocente y sensual

En los guiones de las diferentes entregas, Betty aparecía como un personaje consciente de su atractivo sexual, que solía utilizar a su favor sin perder del todo su inocencia. “El señor Fleischer le dio un rostro de muñeca con esos ojos de niña, pero también una figura madura con curvas sensuales y una languidez de tocador en su andar”, la describe un artículo de Film Daily, también en 1932.

Eso se convertía a veces en una desventaja para ella, porque los hombres la acosaban constantemente y buscaban tener encuentros sexuales que ella no deseaba. En Boop-Oop-a-Doop, un corto de 1932 cuyo nombre hace referencia a la frase característica de Betty, encarna a una artista de circo que vuelve a su camarín después de su actuación y se topa con su jefe que la está esperando para abusar de ella. Finalmente escapa con la ayuda de Koko El Payaso y canta: “No pudo quitarme mi boop-oop-a-doop”, refiriéndose de manera inequívoca a su virginidad. En el dibujo animado She Wronged Him Right, de 1934, se la muestra los ojos llorosos diciéndole a su casero que no puede pagar la hipoteca. “Pagame o casate conmigo”, le exige el hombre y luego, en un aparte dirigido exclusivamente al público, agrega: “Ahora la tengo en mi poder”. En Chess-nuts, un rey la llevaba a una habitación con intenciones directas, pero Betty lograba nuevamente salir airosa de la situación.

Aunque Betty solía escapar, este tipo de tramas dependían del entretenimiento derivado de la persecución de una mujer por un hombre. “La idea es que en esa época resultaba intrínsecamente gracioso que las mujeres de dibujos animados fueran agredidas o perseguidas. En ese sentido, Betty es un personaje más desarrollado que otros personajes femeninos de la época, pero su desarrollo no es necesariamente positivo. Es estupendo que sea un personaje real, pero es un personaje problemático”, la describe la historiadora de los medios del MIT Heather Hendershot.

Dos años antes que Disney, que estrenó su largometraje animado Blancanieves en 1937, Fleischer utilizó a Betty como personaje del cuento en un corto de siete minutos que incluye imágenes surrealistas como el rostro de la reina malvada transformándose en huevos fritos en una sartén; un tocón de árbol peleando con los coprotagonistas de Betty, el perro Bimbo y su amigo Koko el Payaso, y a Betty dentro un ataúd de hielo, cargado montaña abajo por los siete enanos en esquís. A mitad del corto, la leyenda del jazz Cab Calloway, un musicalizador habitual en los dibujos animados de Betty Boop) interpreta un tema espeluznante, encarnado primero por Koko y luego por un fantasma.

Para 1934, Betty Boop ya era una estrella que brillaba más fuerte que las demás en el universo de la animación, pero también una fuente de problemas para Fleischer Studios. Ese año Helen Kane demandó a los estudios por plagiar su apariencia, su voz y su estilo. Hubo una batalla legal de la cual Fleischer pudo salir airoso porque presentó evidencias que demostraba que ese estilo ya había sido utilizado por otras cantantes antes que Kane.

Acosada por la censura

Otro problema para Betty fue la entrada en vigor del Código Hays para las películas animadas en 1935, que describía y ponía límites a cómo abordar temas como el sexo, el baile, las drogas, la vulgaridad y el crimen. “No se permiten besos excesivos ni lujuriosos, ni abrazos lascivos, ni posturas ni gestos sugerentes”, estipulaba, mientras que en cuanto al vestuario prohibía la “exposición indecente o inapropiada”.

Para evitar la censura, hubo que cambiar las características del personaje y la trama de sus películas. Betty Boop se convirtió en una mujer de más edad – el personaje inicial era una adolescente de inaceptables 16 años -, más alta y prudente, con vestidos que iban más debajo de las rodillas para hacer desaparecer la liga que hasta entonces era su marca registrada. “Los estudios Fleischer habían renovado a su estrella. Ha perdido la mayor parte de sus rizos, las joyas y las curvas. Se viste de forma más recatada; ya sabes, por la censura”, se puede leer en un artículo del Central New Jersey Home News.

Así, las historias de Betty dejaron de ser emocionantes, extravagantes y peligrosas para convertirse en domésticas y recatadas. Koko el Payaso fue reemplazado por el excéntrico inventor Grampy, Bimbo fue sustituido por Pudgy, un cachorro. En lugar de eludir pretendientes no deseados, Betty se dedicaba ahora a bañar a un Pudgy poco cooperativo, o trabajar en un hotel donde no daba abasto para atender a los clientes.

Fue el principio del fin para Betty Boop. Ese personaje correcto y decoroso dejó de atrapar al público, a lo que se sumó la aparición de otra estrella de Fleischer Studios, menos problemática y muy exitosa: Popeye, el marino. En 1939, el estudio fue vendido a Paramount y cesó la producción de Betty Boop. Pareció haber llegado el final de la carrera breve e intensa del primer personaje de animación reconocido como ícono femenino. Pasarían años para que se produjera su resurrección.

La tele, el cine y el musical

Betty Boop fue redescubierta por una nueva generación de espectadores en 1955, cuando Paramount vendió la mayoría de sus cortos anteriores a la década de 1950 a una distribuidora de televisión y sus cortos llegaron a la pantalla chica estadounidense en las señales de U.M.&M. T.V. Corp. y más tarde de National Telefilm Associates (NTA). Poco después los cortos llegaron a la Argentina, donde se convirtieron también en un éxito entre el público infantil.

Los tiempos habían cambiado, el Código Hays ya no existía y en esa vuelta Betty recuperó sus orígenes para convertirse en un ícono del incipiente movimiento contracultural de la década de los ’60. Ivy Films unió varios cortos en una película de 1974 llamada The Betty Boop Scandals en 1974 y, más tarde, la NTA lanzó otra película recopilatoria, Hurray for Betty Boop. Por esos años, Betty reapareció también a través de productos de merchandising, cuyas vestimentas fueron cambiando con el correr de tiempo conservando la sensualidad del personaje original. En 1985 fue la protagonista de un especial de televisión de la cadena CBS titulado The Romance of Betty Boop. Tres años después volvió a la pantalla grande con una breve pero impactante aparición en la película ganadora del Oscar ¿Quién engañó a Roger Rabbit?

En 2025, el personaje creado por Max Fleischer volvió a los primeros planos en un género en el que hasta entonces nunca había incursionado, el teatro, y nada menos de en el Broadhurst Theatre de Broadway, con ¡Boop! El Musical, con música de David Foster, letras de Susan Birkenhead y libreto de Bob Martin. Fue nominado a 11 premios Drama Desk, la mayor cantidad de cualquier producción de 2025, de los cuales ganó tres, y a tres premios Tony. El musical incluye referencias y guiños para los fanáticos de la animación reconocerán, a la vez que introduce sutilmente detalles de la historia de Betty a los nuevos seguidores.

Más humana que nunca, al principio del musical, Betty se niega a hablar de sus orígenes como una caniche francesa antropomórfica con las orejas caídas en aquel corto de siete minutos estrenado el 9 de agosto de 1930. Cuando le sacan el tema, simplemente responde: “Fue hace mucho tiempo. No me gusta hablar de eso”.

Dwayne Johnson no esperaba que Moana recibiera una reacción tan negativa. El actor recuerda que las primeras reseñas de la nueva película de Disney parecían anunciar un panorama favorable, pero la situación fue totalmente distitna. Ahora, mientras la cinta enfrenta un desempeño comercial por debajo de las expectativas, Johnson decidió responder a quienes cuestionaron el remake.

“Nuestras dos primeras reseñas salieron. Nunca lo olvidaré… Fueron increíbles. Yo estaba como: ‘Guau’”, contó Johnson a PEOPLE. “Luego tomó otro rumbo, como a veces sucede”, reconoció entre risas.

La situación también tuvo un impacto comercial. La versión de acción real de Moana, dirigida por Thomas Kail y protagonizada por Catherine Lagaʻaia, llegó a los cines el 10 de julio con un presupuesto de producción de 250 millones de dólares. Hasta el momento, ha recaudado más de 263 millones de dólares a nivel mundial, una cifra que quedó por debajo de lo esperado para una superproducción de Disney.

Las cifras tampoco favorecieron al remake en el terreno de la crítica. Moana consiguió apenas un 31% de aprobación de los críticos en Rotten Tomatoes, aunque la valoración del público fue considerablemente más alta, con un 88%. En Metacritic obtuvo 42 puntos.

El resultado contrasta con el de la película animada estrenada en 2016, que alcanzó un 95% de aprobación de los críticos en Rotten Tomatoes. Parte de los comentarios de reproche hacia la nueva versión apuntan precisamente a que el remake reproduce gran parte de la historia original sin introducir cambios suficientes para justificar una nueva adaptación.

Un análisis publicado por ScreenRant también señaló problemas con el aspecto de algunos personajes creados mediante CGI, la pérdida del encanto de determinadas criaturas y la dificultad de la producción para reproducir la calidez de la cinta animada. Incluso el regreso de Johnson como Maui fue cuestionado por algunos críticos, quienes consideraron que su interpretación no funcionaba igual que en la versión animada.

Pese a todo, Johnson no parece dispuesto a reducir el valor de la película a sus puntuaciones. “Eso es simplemente lo que ocurre porque estamos en este negocio”, explicó el actor a PEOPLE.

El exluchador profesional contó que él y su esposa, Lauren Hashian, conversaron en casa sobre las críticas, especialmente durante las noches, cuando sus hijos ya estaban dormidos.

“El desafío era: ‘Está bien, recordemos qué habrá después de este fin de semana de estreno. Recordemos qué está pasando ahora y el ruido que está ocurriendo ahora’”, relató.

Su respuesta hacia quienes no disfrutaron de la película también fue clara: “Si te encanta, genial. Si no, no hay problema”.

Por qué Dwayne Johnson sigue defendiendo “Moana”

Para Johnson, el valor de la película no depende únicamente de las reseñas o de cuánto dinero consiga en los cines. Su enfoque estaba en la representación de la cultura polinesia.

“Lo que realmente importaba” era que “la cultura realmente se levantó”, afirmó. Johnson, cuya madre, Ata, es de ascendencia samoana, explicó que uno de los motivos por los que considera importante la película es la posibilidad de que las nuevas generaciones puedan verse representadas en una producción de gran escala.

“Porque mis hijos y yo ahora podemos mirar la pantalla grande y decir: ‘Esa somos nosotros por primera vez en una pantalla grande. Ahí estamos. ¿Qué tan genial es eso?’”, sostuvo.

Uno de los grupos más famosos de Marvel volvió con su clásica serie animada que tanto reconocimiento le dio a una generación de chicos en los ‘90. Ahora, con una segunda temporada mucho más abarcativa y enfocada en profundizar las bases realizadas de la primera, dando pie a una serie mucho más moderna que lo que habíamos visto previamente.

En la temporada anterior, el estilo visual parecía una evolución directa de la serie animada de los ‘90, casi una remasterización con estilo y narrativamente continuaba exactamente en el punto en el que quedó aquella quinta temporada. Había muchos objetivos por resolver porque tenían que volver a presentar estos personajes a una nueva audiencia mientras se remitían a una serie que había salido hace casi 30 años, y a su vez, continuar una historia que había quedado trunca en esas últimas temporadas donde el estudio de animación había cambiado.

Tras el final de la temporada anterior, nuestros héroes se encuentran diezmados y divididos en varias líneas temporales. Algunos en el pasado, otros en el presente y la última tanda en el futuro. Y todos ellos tienen algo en común: fueron transportados a momentos trascendentales de la vida de Apocalipsis, uno de los más grandes villanos que tiene este supergrupo.

Después de la buena y fuerte introducción de Siniestro para la primera temporada, el paso hacia Apocalipsis parecía lógico. Este villano se hizo sumamente popular por esta serie, pero tuvo la particularidad, por el tono de la época, de no haber sido desarrollado narrativamente y de terminar siendo el clásico villano sin mucho más que la intención de destruir el mundo.

En este caso, la acción de los episodios se centra justamente en todos los matices que genera Apocalipsis. Como mutante, como esclavo, como dominador, como amenaza de los X-Men. En cada momento de la línea del tiempo hay una versión diferente a la que enfrentar y todas intentan abarcar la misma pregunta: ¿el mal existe indiferentemente de los sucesos, o un cambio podría solucionar el futuro?

Es interesante cómo estos episodios plantean el conflicto moral porque no sólo lo hacen alrededor de Apocalipsis, sino que plantean la construcción narrativa alrededor de ciertas estructuras para jugar con la dualidad de los personajes. La relación entre Cable y sus padres (Jean Gray y Cíclope), el duelo de Rogue por la muerte de Gambito o la eterna disputa entre los dos puntos de vista sobre los humanos: el de Magneto y el del Profesor X.

A su vez, a un elenco que ya de por sí es numeroso, se le suman en este caso varios personajes que no habían formado parte de la primera temporada y que prometen tener minutos en pantalla. Algunos de ellos no tan conocidos, y otros, como Psylocke, de los que más se extrañaba en la temporada anterior.

A su vez, a nivel audiovisual esta temporada también trae algo fresco ya que apunta a un estilo mucho más tridimensional que la entrega anterior. En mi caso, creo que está bien aplicado y no se aleja tanto de la animación clásica que ofrecía esta producción pero entiendo que a muchas personas le pueda parecer chocante ya que hay momentos que apelan mucho a este recurso.

Algo que me gustó de esta primera mitad de temporada es que se animan rápidamente a jugar con un recurso que fue el clímax de la temporada anterior. Es decir, el techo que tuvimos es ahora el piso donde se cimientan los acontecimientos. Y eso genera, en este caso, la posibilidad de que cualquier cosa suceda en cualquier momento. Le da una libertad creativa muy grande a una serie que lo necesita para poder renovarse continuamente.

X-Men ‘97 sigue demostrando por qué es una de las producciones de mayor calidad de Marvel en los últimos años y también anticipa un futuro donde veremos a estos personajes ser explotados en películas y series a mansalva. La sobrepoblación de superhéroes genera que haya que retomar impulso desde otro lado y los mutantes parecen la oportunidad perfecta.

Aún falta la segunda mitad de la temporada y, si bien hay rumores de que continuará, por el momento tenemos confirmado que X-Men ‘97 seguirá hasta su tercer año, posiblemente en 2027. El camino de los mutantes en Disney+ tiene un largo tramo por delante mientras intentan descubrir cómo enfrentarse al apocalipsis.

Nota anterior:

- Retrocultura Activa | Men in Black: The Series - Alienígenas, rayos neuralizadores y hasta un perro que habla

Gárgolas: héroes góticos entre las sombras de Nueva York

Bienvenidos, queridos lectores de Malditos Nerds, a una nueva entrega de Retrocultura Activa, la columna donde desempolvamos esas joyas de la cultura pop que marcaron la infancia y adolescencia de muchos. Hoy trepamos hasta lo más alto de los rascacielos neoyorquinos para recordar una serie que, aunque hecha de piedra, dejó una huella imborrable en nuestros corazones: Gárgolas: Héroes Góticos.

Un despertar en la televisión

Corría el año 1994 y Disney, en un arranque de osadía poco habitual, decidió salirse del molde con una propuesta que rompía con sus tradicionales historias coloridas y felices. Así nació Gargoyles, una serie animada que nos presentó a un grupo de criaturas de piedra que, lejos de ser simples adornos arquitectónicos, cobraban vida al caer la noche para proteger a los inocentes. La serie se emitió desde el 24 de octubre de 1994 hasta el 15 de febrero de 1997, acumulando un total de 78 episodios repartidos en tres temporadas.

A primera vista, Gárgolas parecía una respuesta oscura a los dibujos animados de superhéroes que dominaban la televisión de la época, pero en realidad, iba mucho más allá. Tenía una narrativa compleja, con personajes bien desarrollados y conflictos que abordaban desde la tragedia hasta el honor y la redención.

La trama gira en torno a Goliath y su clan, gárgolas que, tras ser traicionadas en la Escocia medieval, son petrificadas por un hechizo hasta que, mil años después, despiertan en un moderno Nueva York. Ahí, deben adaptarse a una sociedad que los teme y los rechaza, mientras luchan contra amenazas tanto humanas como sobrenaturales. Goliath, el líder del clan, es un personaje digno de tragedia griega: fuerte, noble y atormentado por la traición de quienes alguna vez protegió. Su relación con Elisa Maza, una detective neoyorquina que se convierte en su aliada y confidente, está cargada de tensión emocional y es uno de los pilares de la serie. Elisa, a su vez, no es la típica “damisela en apuros”, sino una mujer fuerte e independiente que actúa como el puente entre las gárgolas y el mundo humano.

Pero si hay un personaje que roba escenas es David Xanatos, un villano que redefinió el concepto de antagonista en los dibujos animados. Xanatos no era un malvado tradicional de “risa maléfica y planes fallidos”, sino un estratega frío, calculador y siempre un paso adelante. Su “Gambito Xanatos”, un plan en el que todas las posibilidades lo benefician, se convirtió en un recurso narrativo tan efectivo que incluso hoy es estudiado en teoría de la ficción.

Otro de los aspectos más destacados de la serie es su elenco de voces en la versión original, compuesto en gran medida por actores de Star Trek. Jonathan Frakes (William Riker) dio vida a David Xanatos, Marina Sirtis (Deanna Troi) interpretó a Demona y Brent Spiner (Data) prestó su voz al Puck. Esta curiosa coincidencia añadió una capa adicional de disfrute para los fans de ambas franquicias.

Hablando de Demona, ella es, sin duda, una de las villanas más trágicas y complejas de la televisión animada. Alguna vez pareja de Goliath, su odio hacia los humanos y su lucha interna entre el amor y la venganza la convierten en un personaje fascinante. No es una simple “villana malvada” ya que su dolor es real, su rabia es entendible y su tragedia, desgarradora.

Este nivel de profundidad en los personajes es lo que hizo que Gárgolas destacara entre otras series animadas de la época. No eran simplemente héroes o villanos unidimensionales, sino figuras con pasados complejos, motivaciones bien desarrolladas y conflictos internos que los volvían más humanos que muchos personajes de carne y hueso. La serie no se conformaba con enfrentamientos de “buenos contra malos”, ya que exploraba el peso de las decisiones, las heridas del pasado y la dificultad de encontrar un propósito en un mundo hostil. Gárgolas nos recordaba que la tragedia y la esperanza pueden coexistir, y que incluso aquellos hechos de piedra podían tener un corazón vulnerable.

Una serie con referencias literarias

Uno de los puntos más interesantes de Gárgolas es cómo integraba referencias a la literatura y la historia. Se inspiraba en mitos artúricos, literatura clásica y hasta en Shakespeare, con personajes como Macbeth y el propio Puck, extraídos directamente de sus obras. El enfrentamiento entre Macbeth y Demona, por ejemplo, no era solo una lucha física, sino un verdadero drama shakespeareano en su máxima expresión. Además, la serie trataba temas profundos como la identidad, el destino y la naturaleza del bien y el mal. Gárgolas no subestimaba a su público y confiaba en que los niños podían seguir una historia compleja sin necesidad de explicaciones simplistas.

A pesar de su calidad, la serie enfrentó dificultades que llevaron a su cancelación. Greg Weisman ha señalado que eventos externos, como el mediático juicio de O.J. Simpson, desviaron la atención del público y afectaron la audiencia de la serie. Además, la competencia con otras producciones, como los Mighty Morphin Power Rangers, complicó aún más su permanencia en pantalla.

Sin embargo, Gárgolas no fue olvidada. Ha mantenido una base de fans apasionados que han clamado por su regreso. En 2022, Dynamite Entertainment anunció una nueva serie de cómics basada en la serie original, con Greg Weisman retomando las riendas de la historia. Este nuevo cómic no es el primero en continuar la historia, ya que en 2006 la editorial SLG publicó una serie escrita por Weisman que sirvió como la “tercera temporada oficial” de la serie animada. Sin embargo, su publicación se vio afectada por problemas editoriales y finalizó tras solo 12 números. La nueva serie de Dynamite representa una nueva oportunidad para expandir el universo de Gárgolas con una narrativa fresca pero fiel a la esencia original.

Gárgolas: Héroes Góticos no fue una simple serie animada; fue una propuesta audaz que desafío las convenciones de las producciones infantiles de los años noventa. Con una narrativa compleja, personajes bien desarrollados y una atmósfera única, se ganó un lugar especial en el corazón de quienes tuvimos el placer de verla. Hoy, casi tres décadas después, su legado perdura, recordándonos que, aunque hechas de piedra, estas gárgolas tienen un alma que sigue viva en nuestra nostalgia.

Así que, queridos lectores, si alguna vez sienten la necesidad de revivir aquellos tiempos en los que la televisión nos ofrecía historias profundas y personajes memorables, no duden en buscar Gárgolas.

Josh D’Amaro, director ejecutivo de Disney, reconoció durante la presentación más reciente de resultados financieros que The Mandalorian and Grogu y la versión de acción real de Moana rindieron por debajo de las expectativas en los cines durante 2026. El ejecutivo rechazó tratarlas como fracasos absolutos: aseguró que ambas producciones impulsaron el merchandising, los parques temáticos, los videojuegos y el streaming.

Dos resultados por debajo de lo esperado

Las cifras explican la admisión de D’Amaro. The Mandalorian and Grogu recaudó alrededor de 345 millones de dólares en taquilla. Aunque se trata de una suma considerable, quedó lejos del rendimiento de anteriores películas de Star Wars y fue señalada como el largometraje de acción real menos taquillero de la franquicia.

La película trasladó al cine la historia iniciada en la serie de Disney+, con el mandaloriano Din Djarin y Grogu como protagonistas. Su vínculo directo con una producción televisiva exitosa no fue suficiente para alcanzar las previsiones que Disney había establecido para su estreno en salas.

El caso de Moana presenta una diferencia más estrecha entre recaudación y costo de producción. El remake obtuvo unos 262 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto cercano a los 250 millones. Esa comparación no incluye la inversión en publicidad y distribución, por lo que igualar el presupuesto con la venta de entradas no implica recuperar todos los costos.

Las estimaciones citadas ubican las pérdidas netas de Moana entre 100 y 125 millones de dólares. La cifra convierte al remake en uno de los tropiezos más costosos del año para Disney, especialmente frente al buen desempeño atribuido a otros estrenos como Toy Story 5 y Spider-Man: Un nuevo día.

D’Amaro resumió la situación con una admisión directa recogida por Variety: “Incluso cuando nuestras películas de franquicia no cumplen con nuestras expectativas de taquilla, como ocurrió con The Mandalorian and Grogu y la versión de acción real de Moana, nuestras inversiones en estas propiedades clave impulsan otras áreas de Disney”.

Star Wars encontró ingresos fuera de las salas

Disney sostiene que el desempeño comercial de una producción no termina cuando deja la cartelera. En el caso de The Mandalorian and Grogu, D’Amaro afirmó que el estreno produjo un crecimiento sólido en las ventas minoristas vinculadas con Star Wars. Grogu, el personaje conocido popularmente como Baby Yoda, continúa siendo una pieza importante del catálogo de productos derivados.

El ejecutivo también relacionó la película con una mayor asistencia a la atracción renovada del Halcón Milenario, disponible en Disneyland y Walt Disney World. Disney utiliza sus estrenos para dirigir público hacia sus parques, donde una franquicia puede generar ingresos mediante entradas, hoteles, alimentos y productos. D’Amaro no informó cuánto dinero produjo ese movimiento ni si fue suficiente para compensar el resultado cinematográfico.

La película también habría generado una participación relevante en videojuegos relacionados con Star Wars. El reporte no identifica títulos concretos ni ofrece cifras de jugadores o ventas, pero incluye esa actividad entre los beneficios derivados del estreno.

Este argumento permite a Disney separar dos mediciones. La primera corresponde al balance específico de la película en cines, donde The Mandalorian and Grogu quedó bajo lo esperado. La segunda reúne los ingresos y la actividad producidos en divisiones conectadas con la misma propiedad, desde artículos de consumo hasta visitas a parques y participación en juegos.

Vaiana tendrá una segunda prueba en Disney+

Disney espera que Moana encuentre una audiencia mayor cuando llegue a Disney+. La previsión se apoya en el rendimiento de la película animada original, descrita por D’Amaro como uno de los títulos más vistos de la historia del streaming.

El paso a Disney+ puede aumentar las reproducciones y ayudar a retener suscriptores, aunque Disney no comunicó una fecha de estreno en la plataforma ni una estimación económica. Tampoco indicó cuántas visualizaciones necesitaría el remake para compensar las pérdidas asociadas con su recorrido en salas.

“Estas inversiones en franquicias contribuyeron a la creación de valor más allá de sus estrenos en cines”, explicó D’Amaro ante los inversores. La declaración reconoce la brecha entre las expectativas y la recaudación, pero desplaza parte de la evaluación hacia áreas cuyos resultados no fueron detallados públicamente.

Ese criterio no modifica las cifras de taquilla: Moana quedó expuesta a una pérdida estimada de hasta 125 millones de dólares y The Mandalorian and Grogu terminó por debajo de anteriores películas de Star Wars. La previsión comunicada por Disney es que Moana se convierta en un título fuerte de Disney+ después de su paso por los cines.

Disney ha presentado su plan para transformar Disney+ en una “super app” que reunirá streaming, videojuegos, compras y funciones potenciadas por inteligencia artificial (IA), en un movimiento estratégico que busca fortalecer la relación con los fans y diversificar su ecosistema digital.

El anuncio, realizado por el CEO Josh D’Amaro tras un trimestre de sólidos resultados financieros, marca un giro en la estrategia tecnológica de la compañía y anticipa una evolución significativa en la forma en que los usuarios interactúan con sus contenidos y servicios.

La propuesta de una aplicación integral importa hoy porque redefine la experiencia del usuario en el sector del entretenimiento digital. En un mercado saturado de plataformas y opciones, Disney busca diferenciarse conectando películas, series, juegos, productos y experiencias exclusivas en un único entorno digital, con personalización avanzada y beneficios ampliados para suscriptores.

Una nueva era para Disney+: la visión de la “super app”

La próxima versión de Disney+ irá mucho más allá de las películas y series. Según el plan anunciado, la plataforma integrará videojuegos, acceso a productos y servicios exclusivos, y características de compra directa, todo bajo un mismo techo digital.

El objetivo es profundizar el compromiso del público, reducir la tasa de cancelación de suscripciones y aumentar el valor vitalicio de cada fan. Se espera que los primeros elementos de este ecosistema ampliado comiencen a implementarse en la primavera de 2027.

IA y creatividad: la apuesta tecnológica de Disney

La inteligencia artificial jugará un papel central en la nueva estrategia. D’Amaro subraya que la IA no solo se utilizará para optimizar procesos, sino para potenciar la creatividad y proporcionar herramientas innovadoras a los narradores y creadores de contenido de la compañía.

El enfoque apuesta por mantener el proceso creativo “centrado en las personas, dirigido por artistas y guiado por creadores”, aprovechando la IA como un complemento, no un reemplazo.

Integración con videojuegos y comercio digital

La integración de videojuegos en la plataforma permitirá a los usuarios acceder a experiencias interactivas conectadas con las franquicias más populares de Disney. Además, la app facilitará la compra de productos oficiales y acceso a beneficios exclusivos, creando un entorno donde el entretenimiento y el comercio se fusionan de manera fluida.

En línea con esta evolución, Disney ha firmado un acuerdo con TikTok para que contenido generado por usuarios seleccionados se integre en Disney+, ampliando la variedad de experiencias y la interacción entre la comunidad y las marcas del grupo. Esta alianza refuerza el posicionamiento de Disney como referente en la convergencia de entretenimiento, redes sociales y nuevas tecnologías.

Resultados financieros y contexto de mercado

El anuncio se produce tras un crecimiento del 7% en ingresos y un incremento del 28% en las ganancias ajustadas por acción diluida durante el trimestre de junio. El segmento de streaming duplicó su ingreso operativo, alcanzando los 712 millones de dólares, mientras las áreas de experiencias y parques reportaron un alza del 20%.

Estos datos, junto con la expansión de la integración entre Disney+ y Hulu, demuestran la solidez del modelo “One Disney”, que busca captar todo el valor del portafolio para fans y accionistas.

La estrategia de “super app” se apoya en la coordinación entre franquicias, datos y tecnología para construir una experiencia conectada que trascienda formatos y geografías. El modelo prioriza la interacción directa con los fans y la personalización, aprovechando la profundidad de las historias y marcas para impulsar la lealtad y el crecimiento.

La apuesta de Disney por la convergencia de creatividad y tecnología no solo busca liderar el mercado del entretenimiento digital, sino definir los estándares de la próxima generación de experiencias para el usuario. El compromiso con la IA, los videojuegos y el comercio electrónico anticipa un futuro en el que la narrativa, la interacción y la personalización se integran en una sola plataforma.

Disney y TikTok anunciaron un acuerdo para que creadores de contenido puedan acceder a escenas y momentos de títulos de Pixar, Marvel, Star Wars, FX, entre otros y usarlos para producir videos cortos.

Esos clips se publicarán en dicha red social y también estarán disponibles en Verts, la sección de videos verticales dentro de la aplicación de Disney+.

Los creadores, por ejemplo, podrán hacer un video con un fragmento de la película Star Wars: El ataque de los clones o Intensamente y sumarle algún comentario, reacción, explicación o edición.

Según el anuncio, los videos serán de creadores que opten por participar en el programa piloto que se desplegará en Estados Unidos en los próximos meses. Disney señaló que su intención es extender este programa a otros mercados más adelante.

“A través del Programa de Embajadores Creadores de Disney, gestionado conjuntamente, Disney y TikTok permitirán a los creadores más destacados acceder a recompensas especiales, mayor visibilidad, acceso a eventos exclusivos y oportunidades de desarrollo profesional”, explicó la compañía de entretenimiento.

Disney no ha especificado el proceso mediante el cual los creadores pueden acceder a este contenido licenciado.

Según un estudio citado por Disney, casi la mitad de los espectadores afirmaron haber visto una película o serie en un servicio de streaming o en televisión después de descubrir contenido de entretenimiento en la red social mencionada.

Además, los fans compartieron un promedio de 6,5 millones de publicaciones relacionadas con el cine y la televisión cada día el año pasado.

“Esta colaboración crea un nuevo vínculo entre las historias que contamos y la creatividad que inspiran, brindando a los creadores un mayor espacio para compartir sus obras y al público más contenido por descubrir en Disney+ cada día”, firmó Asad Ayaz, director de marketing y marca de The Walt Disney Company.

Dónde se verán los videos

El contenido de formato vertical estará disponible en TikTok y, en paralelo, en Verts dentro de Disney+, como una colección curada de videos centrados en el universo Disney.

La idea es que ese espacio se actualice de manera regular para acompañar conversaciones de fans y fomentar el descubrimiento de historias dentro de la plataforma.

Cómo funciona Verts de Disney+

Verts es una función de Disney+ pensada para el consumo en celular: un feed de video vertical que permite descubrir escenas y momentos de películas y series disponibles en la plataforma.

Para entrar, el usuario toca el ícono de Verts en la barra de navegación de la app móvil y accede a una secuencia de clips que se recorren con el gesto de deslizar.

La mecánica busca que el descubrimiento sea rápido y directo. Mientras mira un clip, el suscriptor puede sumar ese título a su Watchlist o saltar de inmediato a la reproducción completa dentro de Disney+.

Disney plantea a Verts como una primera etapa para incorporar video vertical a la experiencia de streaming y como una herramienta para ayudar a elegir “qué ver” desde el inicio de la navegación.

Por ahora, el lanzamiento mencionado es para suscriptores en Estados Unidos y dentro de la aplicación móvil.

HBO Max agrega videos verticales

HBO Max también había anunciado recientemente que sumaría a su app móvil una sección de videos verticales pensada para facilitar la elección de un título. El ingreso se hace desde un ícono llamado “Shorts”, ubicado en el menú de navegación inferior.

En ese espacio, los suscriptores pueden desplazarse por tráilers, fragmentos y contenidos extra. Si algo les llama la atención, tienen la opción de empezar a verlo en el momento o agregarlo a “My List” sin abandonar el feed.

Además, la selección de videos se adapta a cada perfil en función de sus preferencias y su historial de reproducción.

Para cualquiera con un par de oídos, hace un par de veranos fue el llamado brat summer de Charli XCX, quien intenta ahora repetir el fenómeno con el lanzamiento de su último disco, Music, Fashion, Film. Para aquellos con un par de ojos y muchas ganas de leer, el verano anterior a aquel fue sin duda el Bret summer, pues aterrizó en librerías una novela de lo más adictiva a cargo de Bret Easton Ellis, autor de American Psycho o Menos que cero. Un viaje trepidante y obsesivo por la Los Ángeles de los años 80 que aún deja huellas a cualquiera que se zambulló en sus más de 600 páginas, y que ahora llega de nuevo con su primera adaptación a la pantalla, The Shards.

La serie llega este jueves a Disney+ después de encontrar en Ryan Murphy al máximo responsable de convertir esa interminable pero adictiva historia en una miniserie de ocho episodios. En un primer momento, la serie recayó sobre otros nombres como Luca Guadagnino, director de Call me by your name o Challengers, y más tarde surgió el de Kristoffer Borgli, quien finalmente se embarcó en El drama junto a Zendaya y Robert Pattinson. No obstante, Murphy ha trabajado con el propio Bret Easton Ellis para mantenerse lo más fiel posible al material original, con una factura visual que no difiere mucho de otras producciones de Murphy como las antologías de Monstruo o American Horror Story.

En la novela original, titulada en nuestro país Los destrozos -la serie ha decidido conservar el título original- se nos narra la historia de Bret (Igby Rigney), un joven de clase alta en la Los Ángeles de los años 80 que sueña con ser escritor y al que le rodean una serie de conflictos. El primero de ellos, el estar saliendo con una de las chicas más guapas del instituto, Debbie Schaffer (Hayes Warner), a pesar de que algo en su interior le dice que tiene otros gustos. El segundo, la llegada de un nuevo alumno, Robert Mallory (Homer Gere), con el que Bret empieza a obsesionarse fruto de esos deseos reprimidos. Y el tercero, una oleada de asesinatos a sangre fría que se producen por el barrio y que parecen seguir un común, lo que hace que a este sospechoso se le bautice como “El Arrastrero”. Mientras Bret busca desarrollar sus dotes como escritor, empezará a investigar poco a poco las escenas del crimen del Arrastrero al tiempo que conoce a Robert, del que sospecha podría estar detrás de todo.

Guapos, ricos y demasiado divertidos

Como en toda novela de Bret Easton Ellis -y casi que también en las series de Ryan Murphy-, los personajes de The Shards son extremadamente guapos y ricos, pero también tienen un punto de superficiales y cínicos, especialmente el propio Bret, quien no deja de ser una suerte de alter ego del propio autor. A pesar de que se había especulado mucho con la posibilidad de que grandes estrellas ocupasen los papeles del elenco protagonista, como Jacob Elordi en el papel de Robert Mallory, finalmente la serie de FX distribuida por Disney ha optado por un reparto semidesconocido en el que apenas destacan los secundarios, siendo los padres de Debbie (Evan Rachel Wood y Wes Bentley) los rostros más reconocibles.

“La Generación Z quiere nuevas estrellas, quiere caras nuevas”, contaba en una entrevista el productor de la serie Brad Simpson, y parece que se lo han tomado al pie de la letra, encontrando a sus protagonistas en los desconocidos Igby Rigney, Homer Gere -hijo de Richard Gere-, Graham Campbell o Hayes Warner, esta última además con faceta como cantante incluida. Quizá Kaia Gerber, en su condición de nepobaby como hija de Cindy Crawford sea la única asentada, después de aparecer en otra producción adolescente como era Bottoms de Emma Seligman junto a Rachel Sennott y Ayo Edebiri. Quién sabe si de aquí saldrán los próximos Jacob Elordi que tanto pedían.

La novela a la que (re)engancharse este verano

El estreno de The Shards, además en pleno verano para una historia que transcurre en buena medida durante esta estación, es una oportunidad única también para aprovechar y leer o redescubrir la novela de Easton Ellis, así como otras de su universo compartido como Glamourama o Las leyes de la atracción, que también tuvo una gran adaptación en su momento. Pero aviso a navegantes; una vez que empieces la novela, no podrás parar de leerla. No solo por el intrínseco misterio que arrastra a Bret y al propio espectador, sino por el estilo trepidante y adictivo que imprime Easton Ellis, siendo capaz de manejar a la perfección el thriller psicológico con el drama adolescente.

Una historia inmersiva y cargada de detalles que te sumergirán por completo en esa Los Ángeles de los 80, desde el primer capítulo con el estreno de El resplandor de Stanley Kubrick hasta una banda sonora de ensueño que transita entre U2, Duran Duran, Donna Summer, Dire Straits o Blondie. Solo queda ver si Ryan Murphy ha respetado, además de todo esto, el lujoso y elegante vestuario que llevan los jóvenes; entonces sí podremos hablar de que, con Charli XCX o con The Shards, este ha sido el verano de la música, la moda y el cine.

El reciente balance de Walt Disney World y los parques de Disney en Estados Unidos mostró una tendencia al alza en el tráfico de visitantes, con un crecimiento que desafió la desaceleración turística en Florida Central y la caída de público en Universal Orlando. En contraste, la empresa de Comcast enfrentó una merma en la asistencia.

En el tercer trimestre fiscal de 2026, Disney informó un aumento del 3% en la asistencia a sus parques domésticos, acompañado de un crecimiento del 4% en el gasto por visitante.

El avance se reflejó especialmente en Walt Disney World, que atrajo tanto a turistas nacionales como a titulares de pases anuales y mostró un repunte a partir de promociones focalizadas y la renovación de atracciones.

La empresa atribuyó estos resultados a inversiones constantes, campañas de marketing dirigidas y una experiencia diferencial para el público.

Pese a la incertidumbre macroeconómica y la baja del turismo internacional hacia Estados Unidos, la división de experiencias de Disney marcó un récord con ingresos de casi USD 10.000 millones en el trimestre.

Además, los ingresos operativos superaron los USD 3.000 millones, un alza del 20% frente al año anterior. Según el Consejo Mundial de Viajes y Turismo, el país fue el único gran destino global con caída de visitantes extranjeros.

Universal Orlando y SeaWorld mostraron caídas en la asistencia

Mientras Disney consolidó su liderazgo, Universal Orlando informó una disminución en la asistencia en junio. Comcast, la empresa matriz, atribuyó el descenso al aumento del precio del combustible y a una menor confianza del consumidor.

Michael Cavanagh, codirector ejecutivo, aseguró que la caída sería transitoria y expresó confianza en recuperar el flujo de visitantes cuando mejoren las condiciones económicas.

El contraste se acentuó frente a otros operadores del sector. United Parks & Resorts, matriz de SeaWorld Orlando, reportó una baja del 2,9% en la asistencia trimestral y una leve disminución de los ingresos.

Además, la recaudación de impuestos turísticos en el condado de Orange cayó en junio, con lo que se cortó una racha de 14 meses de crecimiento continuo.

En el caso de Universal, la apertura de Epic Universe, su nuevo parque de varios miles de millones de dólares, logró una respuesta positiva del público, aunque el resto de la división experimentó una caída del 5% en la ganancia trimestral.

Estrategias de Disney: promociones, nuevas atracciones y expansión de cruceros

El crecimiento de Disney se apoyó en acciones específicas. Durante el verano, la empresa desplegó promociones como Cool Kids Summer, con descuentos en entradas y hoteles, fiestas temáticas y beneficios adicionales para huéspedes de sus hoteles, como acceso gratuito a parques acuáticos.

La compañía subrayó que estas ofertas no debían interpretarse como una señal de debilidad, sino como tácticas regulares para estimular segmentos concretos del mercado y generar valor incremental.

El regreso de atracciones como Buzz Lightyear’s Space Ranger Spin, Big Thunder Mountain Railroad y la reapertura de la montaña rusa Rock ‘n’ Roller Coaster con temática de los Muppets fortaleció el atractivo de los parques.

Según Gavin Doyle, fundador de MickeyVisit.com, Disney activó a su base de seguidores y creó urgencia para visitar los parques con una combinación de marketing y novedades.

La expansión se extendió también al negocio de cruceros. Con la incorporación de los barcos Disney Destiny y Disney Adventure, la capacidad de camarotes aumentó un 50%, lo que impulsó un crecimiento del 17% en los ingresos por resorts y vacaciones, que alcanzaron USD 2.770 millones en el período.

Nuevas inversiones y perspectivas para los próximos meses

Disney anunció nuevas áreas temáticas para sus parques en Florida. En Magic Kingdom, se construirán zonas dedicadas a villanos y al universo de Cars.

En Disney’s Hollywood Studios, avanza una ampliación sobre Monsters, Inc., mientras que en Animal Kingdom, la transformación de DinoLand USA dará paso a Tropical Americas, con atracciones inspiradas en Encanto e Indiana Jones.

El director ejecutivo de Disney Parks, Experiences and Products, Josh D’Amaro, afirmó ante inversores que la empresa estaba rindiendo “significativamente mejor que nuestra competencia” y destacó que estos logros se obtuvieron en un contexto de fuerte incertidumbre económica.

Hugh Johnston, director financiero, subrayó que el crecimiento fue impulsado casi exclusivamente por “acciones orgánicas, inversiones y ejecución de marketing”.

La película que Fox consideró demasiado aterradora

Carter concibió la segunda película de Los expedientes secretos X como una historia de terror más gráfica, con elementos inspirados en La cosa, el clásico dirigido por John Carpenter en 1982. Fox consideró que ese tratamiento podía impedir la clasificación PG-13, por lo que pidió reducir las escenas sangrientas y suavizar el montaje destinado a los cines.

El creador explicó que los directivos le hicieron saber que la película era “demasiado aterradora”. Según Carter, el objetivo de esta edición no es publicar un corte alternativo por rutina, sino llevar a la pantalla material y decisiones que estaban presentes en el guion original.

El subtítulo Vrach Frankenshteyn significa Doctor Frankenstein en ruso y remite a la idea que guio la producción. Carter describió el proyecto como una película sobre un Frankenstein de la vida real y reconoció que esa intención quedó incompleta en el estreno de 2008. La nueva edición le permitió, en sus palabras, “volver a aplicar los electrodos” al material.

Las fuentes presentan el lanzamiento como una versión extendida y sin censura, aunque todavía no detallan su duración, la cantidad exacta de escenas restauradas ni todas las diferencias con el corte estrenado en salas. El tráiler difundido para esta edición sí anticipa un tono más cercano al horror corporal y a la propuesta original de Carter.

El regreso de Mulder y Scully después de la serie

La película original llegó seis años después del cierre inicial de Los expedientes secretos X y reunió nuevamente a Fox Mulder y Dana Scully. En ese momento de la historia, Scully trabaja como médica, mientras Mulder vive oculto y continúa perseguido por el gobierno.

El caso comienza con la desaparición de varias mujeres en una zona rural de Virginia Occidental. Un sacerdote expulsado de la Iglesia, que asegura experimentar visiones sobrenaturales, conduce a la policía hasta unas fosas con restos humanos congelados. Las autoridades sospechan que los hallazgos pueden estar relacionados con un experimento secreto y con las mujeres desaparecidas.

El gobierno ofrece retirar la persecución contra Mulder si Scully consigue que colabore con la investigación. Los dos aceptan y vuelven a trabajar juntos, esta vez frente a un caso que mezcla secuestros, procedimientos médicos y fenómenos difíciles de explicar.

Los expedientes secretos X: Quiero creer estuvo lejos de alcanzar el éxito comercial y crítico esperado tras su estreno. También llegó en una etapa particular de la franquicia: la serie había terminado su recorrido original, Mulder había tenido una presencia limitada durante las últimas temporadas y el regreso televisivo de 2016 todavía no existía. Años después, la producción volvió con dos temporadas protagonizadas por Duchovny y Anderson.

El reinicio de Ryan Coogler sigue en desarrollo

El lanzamiento de Vrach Frankenshteyn coincide con el trabajo en una nueva serie de Los expedientes secretos X encabezada por Ryan Coogler, director de Los pecadores y Black Panther. El proyecto tendrá nuevos personajes y misterios, aunque Coogler aseguró que su intención es respetar la esencia de la producción creada por Carter.

Los reportes disponibles difieren sobre el estado exacto del reinicio. Uno señala que Hulu encargó el desarrollo de un episodio piloto antes de decidir si aprueba una temporada completa. Otro afirma que el piloto ya está terminado, dura cerca de dos horas y podría proyectarse en cines o presentarse directamente como una película.

Danielle Deadwyler y Himesh Patel aparecen vinculados a los papeles principales de esta nueva versión. Por ahora no se informó una fecha de estreno ni se confirmó una temporada completa. Mientras ese proyecto avanza, The X-Files: I Want to Believe - Vrach Frankenshteyn llegará a Hulu el 14 de agosto de 2026.

Disney+ estrenó el 5 de agosto los ocho episodios de Star Wars: Visions presenta - La Jedi número 9, la primera serie derivada de la antología animada de Lucasfilm. La historia continúa el recorrido de Lah Kara, quien entrena bajo la tutela del Margrave Juro y emprende una misión para rescatar a su padre, capturado por cazadores de Jedi.

La historia de Lah Kara continúa

La nueva producción retoma los acontecimientos de dos cortometrajes incluidos en los volúmenes primero y tercero de Star Wars: Visions. En lugar de presentar otro relato independiente, desarrolla aquella trama en una temporada completa y recupera a sus personajes principales poco después de su última aparición.

Kara continúa su formación en los caminos de los Jedi bajo la guía del Margrave Juro. Al mismo tiempo, ella y la pequeña comunidad de aprendices reunida por su maestro deben atravesar una galaxia caótica para encontrar a su padre. La búsqueda obliga al grupo a determinar quiénes son sus aliados y quiénes trabajan para los cazadores responsables del secuestro.

La serie está ambientada siglos en el futuro y queda fuera de la cronología oficial de Star Wars. Esa separación del canon permite modificar conceptos conocidos de la franquicia sin tener que ajustarse a las películas y series de acción real. Visions nació precisamente como un espacio para que estudios de animación japoneses reinterpretaran elementos como la Fuerza, los Jedi y los sables de luz con personajes, diseños y períodos propios.

La Jedi número 9 representa un cambio dentro de ese formato. Hasta ahora, la antología estaba compuesta por cortometrajes autoconclusivos creados por diferentes equipos. Esta vez, una de esas historias recibe ocho capítulos para desarrollar el entrenamiento de Kara, la comunidad de Juro y el conflicto que amenaza su supervivencia.

Production I.G. vuelve a la galaxia

Production I.G., estudio responsable de los dos cortometrajes anteriores, regresa para producir la animación en colaboración con Lucasfilm. El equipo japonés es conocido por trabajos como Ghost in the Shell y Haikyuu!!, y mantiene aquí la continuidad visual de la historia original.

La dirección está a cargo de Kenji Kamiyama y Shunsuke Tada. Kamiyama dirigió El señor de los anillos: La guerra de los Rohirrim, mientras que Tada trabajó como responsable de Kuroko no Basket. Ambos conducen una temporada que combina secuencias de combate, momentos de entrenamiento y pasajes centrados en las motivaciones de los protagonistas.

La producción incorpora vehículos, naves, escenarios y especies creados para este relato. Aunque conserva símbolos reconocibles de Star Wars, evita depender visualmente de localizaciones o diseños ya utilizados en las películas. Algunas criaturas y ambientes se acercan a una fantasía más tradicional, un recurso permitido por la autonomía narrativa de Visions.

La banda sonora tampoco reutiliza de forma directa las composiciones de John Williams. En cambio, trabaja con motivos musicales que remiten al estilo de la saga y los adapta a la identidad de esta historia. La animación detallada, el uso del color y el diseño de personajes son algunos de los elementos que mantienen una línea clara con los cortometrajes previos de Production I.G.

Una trama conocida que cambia con el avance

El comienzo recupera varios conflictos habituales de Star Wars: una joven que busca convertirse en Jedi, un maestro veterano, una orden prácticamente erradicada, una fuerza imperialista, rebeldes y un antagonista con armadura negra y sable de luz. También aparece un arma con capacidad para destruir planetas, otro elemento recurrente en la franquicia.

Esa familiaridad marca el primer tercio, aunque la temporada empieza después a profundizar en personajes como Nawaam y Zhima, además de Kara. Sus decisiones amplían el conflicto más allá de una oposición directa entre Jedi y Sith, y abren espacio para combatientes que emplean recursos asociados tanto con el Lado Luminoso como con el Lado Oscuro de la Fuerza.

Estos guerreros, identificados habitualmente como Jedi grises, actúan fuera de la división moral estricta de las órdenes tradicionales. El concepto describe a usuarios de la Fuerza que buscan justicia o equilibrio sin seguir por completo las reglas de los Jedi ni someterse a los Sith. La serie utiliza esa idea para explicar las motivaciones y contradicciones del grupo durante la misión de rescate.

El lanzamiento simultáneo permite ver la temporada completa sin esperar capítulos semanales. Los ocho episodios de Star Wars: Visions presenta - La Jedi número 9 ya están disponibles en Disney+.

En el cierre del plazo para la recepción de ofertas por los derechos de transmisión del fútbol profesional colombiano, el escenario de negociación se transformó ante la llegada de propuestas inesperadas y el anuncio formal de la Dimayor sobre la pluralidad de interesados.

La expectativa de los clubes, marcada por la cifra de cien millones de dólares anuales, encontró respuestas concretas tanto en el campo de las plataformas internacionales como en la irrupción de un actor local con oferta equiparable.

El contrato vigente con Win Sports termina el 31 de diciembre. Hasta la fecha límite, la Dimayor solo había recibido confirmación de dos propuestas, como fue destacado por los panelistas de La Titular. El comunicado oficial hace referencia a una “pluralidad” de ofertas, aunque la información verificada apunta a dos principales, sumando una tercera de último momento.

La Dimayor explicó que la pluralidad no solo implica el número de propuestas, sino también la diversidad de modelos de transmisión, diferenciando entre broadcasting tradicional y opciones de streaming. El comunicado enfatizó la recepción de distintos sistemas, abriendo la puerta a nuevos esquemas de distribución de contenidos del fútbol nacional.

Uno de los movimientos más destacados fue la aparición de una propuesta conjunta por parte de Paramount y Disney. Ambas plataformas plantearon transmitir los partidos de los equipos más grandes a través de streaming, focalizando su interés en los clubes con mayor convocatoria y audiencia. Sin embargo, por ahora no cubre los 100 millones de dólares pretendios por la Dimayor

Esta propuesta está diseñada principalmente para el mercado internacional, aunque los analistas de La Titular señalaron que su impacto inevitablemente alcanzaría el consumo local, dado el escaso interés del público extranjero en el fútbol colombiano. No obstante, la oferta de streaming no compite de forma directa con la de Win Sports, ya que se dirige a un segmento específico y no abarca la totalidad del campeonato.

Paramount y Disney presentaron su propuesta en el límite del plazo, generando expectativa sobre el alcance y la posible fragmentación de los derechos audiovisuales. Los equipos grandes, agrupados en el denominado G8, ven en este modelo una vía para incrementar sus ingresos, aunque la propuesta internacional no cubre la totalidad de la cifra pretendida por la Dimayor.

Sin embargo, los panelistas señalaron que estas dos nuevas opciones estarían disponibles para las personas que están fuera de Colombia. Una nueva opción que busca diversificar la fuente de ingresos del fútbol profesional colombiano.

La sorpresa mayor llegó con la entrada de Mauricio Correa, ex MediaPro, quien se presentó al cierre del plazo con una nueva empresa y una propuesta que iguala la aspiración máxima de los clubes: cien millones de dólares anuales por los derechos de transmisión.

Correa, desvinculado ya de MediaPro, regresó al mercado con una firma distinta y una apuesta que busca seducir tanto a la Dimayor como a los clubes del G8. Su propuesta se diferencia por el monto ofertado, cubriendo la demanda histórica de los equipos grandes y planteando un sistema propio de transmisión.

Los panelistas explicaron que el regreso de Correa representa la reactivación de la idea de un sistema autónomo, fuera del esquema tradicional de Win Sports. La cifra puesta sobre la mesa por su empresa coloca presión sobre los demás oferentes y obliga a la Dimayor a considerar un cambio en la gobernanza y la estructura de los derechos televisivos.

La disputa por los derechos de televisión tiene como trasfondo la urgencia de los equipos más poderosos por aumentar sus ingresos. El bloque conocido como G8 necesita un contrato que les garantice recursos superiores a los recibidos en ciclos anteriores.

Hasta ahora, ningún actor —con la excepción de la propuesta de Correa— se había mostrado dispuesto a cubrir los 100 millones de dólares anuales solicitados. Win Sports, el socio tradicional, solo aceptó ofertar un porcentaje por debajo de esta suma, mientras que las plataformas internacionales circunscribieron su interés a los equipos de mayor arrastre.

Spider-Man: Un nuevo día, la nueva película en solitario del héroe interpretado por Tom Holland, recaudó US$355 millones en Estados Unidos y Canadá durante su primer fin de semana de 2026. El resultado deja al estreno de Sony Pictures y Marvel Studios a apenas US$2 millones del récord norteamericano de Avengers: Endgame, mientras los datos mundiales más recientes citados por The Numbers elevan su total a US$927 millones.

Un estreno cerca de los mayores récords

Los $355 millones obtenidos en Estados Unidos y Canadá representan el segundo mejor debut de la historia en ese mercado, sin ajustar las cifras por inflación. Avengers: Endgame conserva el primer puesto con $357 millones desde 2019, aunque el recuento definitivo de Spider-Man: Un nuevo día todavía podría modificar la distancia entre ambas películas.

La diferencia frente a otros grandes lanzamientos de Marvel es amplia. Spider-Man: Un nuevo día abrió con $260 millones en Norteamérica, mientras Avengers: Infinity War consiguió $257 millones. De esta manera, las cuatro mejores aperturas registradas en la región corresponden a producciones vinculadas con Marvel Studios.

Los primeros cálculos internacionales situaban la recaudación fuera de Norteamérica cerca de $550 millones. Esa estimación llevaba el estreno mundial a unos $875 millones, el segundo mayor debut global detrás de los $1.200 millones obtenidos por Avengers: Endgame en su primer fin de semana.

Un reporte posterior, basado en datos de The Numbers, ubica la recaudación mundial en $927 millones. La diferencia entre ambas cifras responde al carácter preliminar de las estimaciones iniciales y a la actualización de los mercados internacionales. Con el dato más reciente, la película quedó a $73 millones de ingresar al grupo de producciones que superaron los $1.000 millones.

Sony Pictures destinó alrededor de $225 millones a la producción, sin incluir los costos de publicidad y distribución. La película también alcanzó un 90% de aprobación en Rotten Tomatoes y recibió una calificación A entre los espectadores encuestados por CinemaScore.

El nuevo comienzo de Peter Parker

La película está dirigida por Destin Daniel Cretton, responsable de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, y presenta una nueva etapa para Peter Parker después del desenlace de Spider-Man: Sin regreso a casa. En aquella historia, el personaje decidió borrar su identidad de la memoria de todas las personas para evitar una catástrofe, lo que provocó que MJ y Ned olvidaran su relación con él.

Spider-Man: Un nuevo día reduce la escala de ese conflicto y devuelve al protagonista a una aventura centrada en amenazas callejeras. La historia se aleja de los cruces entre realidades que dominaron la entrega anterior y enfrenta a Parker con un peligro invisible y más cercano a su vida cotidiana.

Tom Holland comparte pantalla con Jon Bernthal, quien vuelve como Punisher, y Mark Ruffalo, nuevamente en el papel de Hulk. La presencia de ambos personajes mantiene los vínculos con otras producciones de Marvel, aunque el argumento coloca el foco en la reconstrucción personal de Peter después de quedar aislado de sus antiguos amigos.

La progresión comercial de las películas protagonizadas por Holland ayuda a dimensionar el nuevo resultado. Spider-Man: Homecoming comenzó con $117 millones en Estados Unidos y terminó por encima de $880 millones en todo el mundo. Spider-Man: Lejos de casa abrió con $92 millones en Norteamérica y alcanzó $1.130 millones globales.

Spider-Man: Sin regreso a casa fue mucho más lejos: superó los $1.900 millones durante su recorrido por salas. Su desempeño estuvo impulsado por el regreso de Tobey Maguire y Andrew Garfield, quienes retomaron sus respectivas versiones de Spider-Man junto a Holland.

Marvel vuelve a superar una etapa irregular

El estreno llega después de varios años de resultados desiguales para Marvel Studios. Tras Avengers: Endgame, títulos como Ant-Man y la Avispa: Quantumanía, The Marvels, Capitán América: Brave New World, Thunderbolts y Los cuatro Fantásticos: Primeros pasos quedaron lejos del rendimiento que habían alcanzado las entregas más populares de la franquicia.

Deadpool y Wolverine fue una de las principales excepciones: la película estrenada en 2024 cruzó los $1.000 millones mundiales. Spider-Man: Un nuevo día amplía esa recuperación comercial con cifras que muy pocas producciones alcanzan incluso después de varias semanas en cartelera.

El lanzamiento coincidió con el fuerte desempeño de La Odisea, dirigida por Christopher Nolan. Esa película ya acumulaba más de $911 millones, repartidos entre $395,5 millones en Norteamérica y otros $515 millones procedentes de los mercados internacionales. La actividad conjunta de ambos títulos impulsó un fin de semana récord, con más de $425 millones recaudados entre todas las películas exhibidas.

Marvel Studios continuará su calendario con Avengers: Doomsday, una producción que reunirá a numerosos personajes y traerá de regreso a Robert Downey Jr. El actor no interpretará a Iron Man esta vez, sino al villano Doctor Doom.

El mayor punto ciego de Hollywood nunca fue la narración de historias, sino encontrar la manera de expandir la propiedad intelectual valiosa a nuevos formatos y tecnologías, afirmó el ex CEO de The Walt Disney Company, Michael Eisner. Citó como prueba los repetidos tropiezos de su propia industria en los videojuegos.

“Todos fracasamos”, dijo Eisner. Mientras que agregó: “Terminamos licenciando. Así fue como tuvimos éxito”.

Durante su participación en el panel “Sports in the Gaming Era” del Paley Center for Media, Eisner utilizó el caso de los videojuegos como su ejemplo central de un patrón que, según él, se repite desde hace décadas: las empresas de medios poseen propiedad intelectual muy valiosa, pero suelen juzgar mal cómo —o si— expandirla a formatos desconocidos.

El ejecutivo rastreó este patrón hasta los primeros intentos de la industria en los videojuegos. “Warner Brothers empezó todo con Atari, 1983. Fracasaron”, señaló, agregando que hicieron falta dos años más para que el juego de Mario Brothers de Nintendo reviviera el formato. En efecto, Warner vendió Atari en 1984 con pérdidas, y Super Mario Bros se lanzó en 1985.

Según Eisner, el problema no era de creatividad, sino de analfabetismo tecnológico: los videojuegos “eran un terreno muy tecnológico al principio, y esa no era la fortaleza de ninguno de nosotros”.

Eisner añadió que la industria cambió, pasando de los límites tecnológicos del pasado a aprovechar la propiedad intelectual como un activo. “Ahora todo está impulsado por la historia, por la propiedad intelectual”, explicó.

Según su visión, el mismo fracaso para adaptarse influyó en cómo los estudios piensan sobre licenciar o construir propiedad intelectual original, una tensión que ve como central en el modelo de negocio de Hollywood, no exclusiva de ningún medio.

“Todos tomamos la propiedad intelectual que creamos y la colocamos donde puedas disfrutarla”, dijo sobre el enfoque de Disney en parques, productos y medios. Además aseguró: “En cierto punto, tienes que convertir esa propiedad intelectual en una nueva propiedad intelectual”.

El panel, moderado por Moritz Baier-Lentz, asesor principal de OpenAI, también incluyó al fundador y CEO de Delphi Interactive, Casper Daugaard, cuya startup consiguió rápidamente licencias para juegos de James Bond y FIFA.

La discusión giró en torno a cómo aprovechar una propiedad intelectual reconocible para convertirla en el activo más valioso de la industria de los videojuegos.

La toma de Hollywood por Disney bajo el mando de Eisner

Para Eisner, la estrategia refleja lecciones aprendidas durante décadas en Hollywood. El fundador de The Tornante Company recordó que al principio de su carrera se resistió a las secuelas y las franquicias.

Mientras trabajó en ABC y luego en Paramount Pictures, prefería desarrollar proyectos originales en lugar de trabajar con historias existentes. “Nunca creí en las secuelas”, afirmó Eisner, describiendo su filosofía en la programación como “todo será original”. Pero con el tiempo, las marcas reconocibles demostraron ser un modo eficaz de atraer público.

Esta filosofía marcó buena parte de la gestión de Eisner al frente de Disney, donde el exagente de CAA devolvió a la compañía a la cima de Hollywood, aproximadamente dos décadas después de la muerte de su legendario fundador.

En los años 80 y 90, presidió el llamado “Renacimiento de Disney”, lanzando una serie de películas animadas originales de éxito comercial, como La Sirenita, La Bella y la Bestia, Aladdín y El Rey León.

Al mismo tiempo, Eisner también reconoció el poder de la propiedad intelectual licenciada. Señaló que la adquisición de Star Wars fue una de las mejores decisiones que Disney haya tomado.

“En los últimos 20 años no teníamos nada, así que compramos Star Wars a George Lucas y eso funcionó”, dijo, con cierta exageración —Disney adquirió Pixar por 7.400 millones de dólares en 2006, Marvel por 4.000 millones en 2009 y Lucasfilm por 4.000 millones en 2012—.

Refiriéndose a los fanáticos, agregó: “Están tan comprometidos con la propiedad intelectual que entendí que hay ciertas cosas que vale la pena hacer”.

El protagonismo de la propiedad intelectual en los videojuegos

Ese mismo enfoque empieza a cobrar cada vez más importancia en los videojuegos. Casper Daugaard explicó que Delphi Interactive buscó deliberadamente una franquicia reconocible como James Bond junto a IO Interactive antes de considerar el lanzamiento de propiedades originales, incluyendo una asociación con FIFA tras el fin del acuerdo de licencia de tres décadas con Electronic Arts.

En lugar de diseñar juegos principalmente para los jugadores más experimentados, Daugaard dijo que Delphi busca crear experiencias interactivas para los fanáticos más acérrimos de esas franquicias.

“No hacemos este juego de James Bond para los gamers”, indicó. Y aclaró: “Queremos hacer este juego para los fans de James Bond”. La estrategia refleja cambios más amplios en la industria de los videojuegos, donde los costos de desarrollo subieron y la competencia por la atención del consumidor se intensificó.

Baier-Lentz, ex jugador profesional convertido en inversor, señaló que los juegos compiten cada vez más no solo contra otros juegos, sino también contra redes sociales, servicios de streaming, películas y creadores de contenido.

“Al final del día, solo hay 24 horas y dos ojos en la cabeza”, indicó. “Eso nunca cambiará”. Ante esas limitaciones de tiempo y atención, añadió: “Las propiedades intelectuales son increíblemente poderosas”.

Eisner coincidió en que las marcas existentes siguen siendo la vía más práctica para ingresar en la industria de los videojuegos, pero sostuvo que debe ser solo un medio para un fin. “La clave es que, después de tener cinco o seis propiedades intelectuales, hagas un gran juego que nadie haya escuchado antes”, expresó. “Será un juego gigante. Pero llevará tiempo”.

Eisner describió la licencia de franquicias como “una gran forma de entrar”, aunque advirtió que las compañías que dependen exclusivamente de marcas consolidadas corren el riesgo de agotar al público con secuelas interminables.

Apuntó a la gestión actual de Disney sobre Star Wars como un caso de haber “sobrepasado los límites” con tantas secuelas. Durante la última década, los estudios apostaron cada vez más por grandes propiedades intelectuales como principal atractivo para el público.

Sin embargo, tras años de éxitos millonarios, varias entregas recientes de Marvel y Star Wars no lograron ese nivel, con una audiencia que muestra cada vez menos interés, lo que lleva a los analistas a preguntarse si buscan otros géneros o, como sugiere Eisner, algún tipo de propiedad intelectual novedosa.

En los videojuegos se observa una consolidación similar en torno a las grandes franquicias. La mayoría de los jugadores dedica casi todo su tiempo a solo un puñado de títulos cada año, lo que dificulta aún más el éxito de nuevas propuestas.

Daugaard sostuvo que los propietarios de propiedad intelectual mejoraron su sofisticación ante este desafío. En lugar de firmar acuerdos de licencia a distancia para recibir regalías, marcas como FIFA ahora quieren ser “cofundadores de la empresa”, con incentivos alineados a largo plazo.

Considera que este cambio estructural se acelerará a medida que la IA y el contenido de formato corto dificulten que una propiedad intelectual nueva logre destacarse.

“Está TikTok, hay contenido de formato corto, la IA está en todas partes”, dijo. Y concluyó: “La gente tenderá a buscar aquello que ya conoce”.

(c) 2026, Fortune

Marvel Studios habría elegido a Samara Weaving para interpretar a Emma Frost en la nueva película de X-Men, dirigida por Jake Schreier. Los reportes atribuidos a Deadline y Variety presentan a la actriz como el primer nombre destacado del reinicio, aunque el estudio y sus representantes todavía no realizaron un anuncio oficial ni comunicaron cuándo llegará la producción a los cines.

Un casting avanzado, pero sin confirmación oficial

Según la información publicada, Marvel Studios evaluó a distintas actrices durante varias semanas antes de inclinarse por Weaving. Emma Frost habría sido uno de los papeles que demandó más pruebas dentro del proceso de selección, con una ronda final realizada poco después del 4 de julio.

La audición de Weaving habría convencido tanto a Schreier como a Kevin Feige, presidente de Marvel Studios. El proyecto lleva meses avanzando entre bastidores, pese a que el estudio evitó presentar detalles durante la Comic-Con de San Diego y mantiene bajo reserva la historia, el reparto completo y el calendario de producción.

La falta de confirmación obliga a tratar la incorporación como un fichaje reportado, no como un anuncio cerrado. Ninguno de los representantes involucrados ofreció comentarios públicos. Aun así, las fuentes coinciden en que Weaving sería la primera pieza importante de la nueva generación de mutantes preparada para el MCU.

La actriz australiana cuenta con experiencia en terror, acción y comedia negra. Su filmografía reciente incluye Noche de bodas 2, Over Your Dead Body, The Babysitter, Scream VI y Bill & Ted Face the Music. Durante 2026 también retomó el papel de Grace MacCaullay en Ready or Not 2: Here I Come, que se ubicó entre los contenidos más vistos de Hulu y Disney+, según la información citada.

Después participó junto a Jason Segel en Over Your Dead Body, una producción de IFC premiada por el público en SXSW, y protagonizó el thriller romántico Carolina Caroline. El papel de Emma Frost representaría su entrada a una de las franquicias centrales de Marvel.

Quién es Emma Frost y cuándo apareció en el cine

Emma Frost debutó en las historietas de Marvel Comics durante la década de 1980 como integrante del Club Fuego Infernal. El personaje comenzó como antagonista, pero con el paso de los años se convirtió en aliada y miembro relevante de los X-Men.

Entre sus capacidades se encuentran la telepatía y la transformación de su cuerpo en diamante orgánico. Esta segunda mutación le permite adquirir una resistencia física extraordinaria, aunque suele limitar el uso simultáneo de sus poderes mentales. Su recorrido también está relacionado con figuras como Charles Xavier y Cíclope, además de distintas etapas de liderazgo dentro del grupo.

Esa trayectoria permite que la película la presente como rival, aliada o una figura situada entre ambos extremos. Los reportes no detallan qué versión utilizará el guion ni cuánto peso tendrá dentro de la historia, pero su presunta elección durante una etapa temprana del casting indica que formaría parte de la alineación principal.

La última aparición cinematográfica de Emma Frost fue en X-Men: Primera generación, estrenada en 2011. Allí fue interpretada por January Jones y trabajaba junto a Sebastian Shaw, el antagonista encarnado por Kevin Bacon. Si el fichaje de Weaving se confirma, el personaje regresará a la pantalla grande después de quince años y con una nueva continuidad.

El reinicio de X-Men bajo la dirección de Jake Schreier

El regreso del equipo comenzó a tomar forma después de que Disney adquiriera 20th Century Fox en 2019 y recuperara los derechos cinematográficos de los mutantes. Hasta entonces, las películas de X-Men habían sido desarrolladas fuera del MCU, con distintas líneas temporales y una serie de producciones centradas en Wolverine.

Marvel Studios eligió a Schreier para dirigir el reinicio después de su trabajo en Thunderbolts. El equipo creativo también incluye a Lee Sung Jin, creador de Beef, y Joanna Calo, cocreadora de The Bear, como responsables vinculados al guion.

La película todavía no tiene una trama revelada. Tampoco se conocen los intérpretes elegidos para personajes centrales como Charles Xavier, Magneto, Cíclope, Jean Grey o Tormenta. El posible fichaje de Weaving ofrece así la primera referencia concreta sobre la clase de alineación que Marvel Studios prepara.

El proyecto convivirá con el regreso de actores de las películas anteriores. Ian McKellen, Patrick Stewart y James Marsden están anunciados para Avengers: Doomsday donde retomarán personajes asociados a la etapa previa de X-Men. Esa participación será independiente del nuevo reparto que Schreier está reuniendo para el reinicio.

Por ahora, Marvel Studios no informó una fecha de estreno para X-Men ni confirmó cuándo comenzará el rodaje. La presentación formal de Samara Weaving y del resto del elenco continúa pendiente.

Disney+ canceló Wonder Man cuatro meses después de que la serie de Marvel fuera renovada para una segunda temporada. La producción, protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II, terminará así con una sola tanda de episodios, aunque sus personajes todavía podrían regresar en futuras películas o series del UCM.

Una renovación que nunca llegó al guion

La segunda temporada había sido aprobada en marzo, pero su desarrollo no avanzó. Según los reportes de Variety y Deadline, Marvel nunca abrió una sala de guionistas, el espacio de trabajo en el que un equipo define la historia y escribe los episodios de una serie antes del rodaje.

Los escritores vinculados al proyecto fueron liberados de sus compromisos y recibieron permiso para buscar otros trabajos. Ese dato indica que la continuidad quedó frenada antes de entrar en una etapa activa de producción: no había guiones terminados ni un equipo trabajando en los nuevos capítulos.

La decisión resulta llamativa por el corto período transcurrido desde la renovación. Durante cuatro meses, Wonder Man figuró como una serie con continuidad confirmada, hasta que Disney+ revirtió la aprobación. Las fuentes no mencionan que se hayan filmado escenas ni que existiera una fecha tentativa para el estreno de la segunda temporada.

La serie fue creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest. Cretton también quedó ligado a Marvel como director de Spider-Man: Un nuevo día, una de las próximas películas centradas en el héroe arácnido. La cancelación de Wonder Man no modifica, según la información disponible, su participación en ese proyecto cinematográfico.

Buenas críticas, una nominación y pocos datos de audiencia

La cancelación llega pese a las valoraciones positivas que recibió la producción y a la nominación de Abdul-Mateen II al Emmy como mejor actor de comedia. El reconocimiento individual no fue suficiente para asegurar la continuidad de la serie, cuya repercusión dentro de Disney+ resulta difícil de medir por la falta de cifras oficiales.

Marvel nunca publicó números concretos de audiencia. El único dato citado sobre su desempeño es que Wonder Man apareció en el octavo puesto de una clasificación de los diez programas más vistos entre todas las plataformas de streaming durante su primera semana. Después de ese debut, no se difundieron registros que permitieran seguir su rendimiento o comparar su permanencia con la de otras producciones de Marvel.

La historia seguía a Simon Williams, un actor de Hollywood que intentaba relanzar su carrera al competir por el papel principal en la remake de una película ficticia de superhéroes. Ese enfoque colocaba el foco en la industria del entretenimiento y en el trabajo actoral, con una estructura de comedia diferente a la de otras series de acción del estudio.

Simon compartía la historia con Trevor Slattery, interpretado por Ben Kingsley. El personaje había aparecido previamente en Iron Man 3, donde se hacía pasar por el Mandarín, y luego regresó en otras producciones de Marvel. Su presencia conectaba la serie con acontecimientos anteriores del UCM sin desplazar la trama sobre la carrera de Simon.

Abdul-Mateen II reaccionó a la noticia desde su cuenta oficial de Instagram. El actor escribió “así es la vida”, agradeció a los espectadores que acompañaron la serie y señaló que el éxito del proyecto estuvo en la conexión conseguida con el público.

Qué ocurrirá con los personajes de Wonder Man

La cancelación de la segunda temporada no implica que Simon Williams y Trevor Slattery hayan sido descartados de futuras historias. Fuentes internas citadas por los reportes sostienen que ambos podrían aparecer en otras películas o series, aunque no existe por ahora un proyecto confirmado para su regreso.

Wonder Man queda en una situación parecida a la de She-Hulk: Defensora de Héroes, Caballero Luna e Ironheart. Esas producciones no tienen nuevas temporadas anunciadas, pero sus protagonistas siguen disponibles para incorporarse a otras historias de Marvel. El modelo permite conservar a los personajes sin mantener en producción sus series individuales.

Tras esta decisión, Daredevil: Born Again es la única serie de superhéroes de acción real de Marvel en Disney+ que cuenta con una renovación confirmada. Esto no impide que el servicio anuncie nuevas producciones más adelante, pero reduce la lista actual de continuaciones aprobadas.

Los ocho episodios de Wonder Man permanecen disponibles en Disney+. Hasta el momento, Marvel no comunicó una fecha ni un proyecto específico para el posible regreso de Simon Williams o Trevor Slattery.

Furious es la nueva serie de drama criminal de Disney+ creada por Elizabeth Meriwether e inspirada en la película Black Widow (1987). Protagonizada por Emmy Rossum, la ficción sigue a la agente del FBI Alice Black, una exdetective de homicidios de la policía de Nueva York que investiga a una escurridiza asesina serial. Del otro lado está Catherine, interpretada por Lola Petticrew, una sobreviviente de una red de trata que asesina a hombres adinerados como parte de su propia búsqueda de justicia, mientras ambas protagonistas avanzan por caminos que terminan cruzándose y desdibujando los límites entre el bien y el mal.

En sus primeros episodios, la serie desarrolla el enfrentamiento entre Alice y Catherine mientras revela el pasado de ambas. La investigación conecta una serie de asesinatos con una red de explotación sexual, al tiempo que la protagonista enfrenta las secuelas de una relación abusiva y las tensiones dentro del FBI. Con un elenco que también incluye a Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy, Furious combina thriller policial, drama psicológico y una historia marcada por la venganza y los dilemas morales.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Emmy Rossum en video, o a leer una transcripción.

—Hola, Amy. ¿Cómo estás?

Emmy Rossum: —Muy bien, gracias.

—Bien, genial. Me encanta el show hasta ahora, y quería preguntarte, porque creo que es muy interesante cómo estos dos personajes, que son tan diferentes, están conectados por experiencias similares, ¿verdad? ¿Qué puedes decirme sobre este personaje muy complejo y su evolución, y por qué no es una clásica persecución de perros y gatos?

Emmy Rossum: —Voy a empezar con los personajes. Yo… Es una historia muy fascinante que sigue a dos mujeres. Mi personaje, Alice, es una agente femenina del FBI que fue anteriormente una detective de NYPD… Que es un trabajo que es bastante difícil de lograr, y luego dejó todo eso por violencia en su vida personal con otro oficial. Y empezó de nuevo básicamente desde el fondo, en el FBI. Así que cuando la conocemos, ella… Encuentra un caso que le recuerda algo que ha trabajado en la NYPD. Y empieza a pensar que tal vez ella se ha encontrado un criminal serial. Que es muy, muy particular y realmente casi nunca, de género femenino. Así que ella es muy subestimada cuando tiene esta idea inicial, y… Eso solo la hace más hambrienta. Y estas dos mujeres están en trayectorias paralelas. Ambas son víctimas de violencia… Y buscan justicia en diferentes maneras. Y descubriremos que aunque una empieza a verse como “el buen tipo” y la otra como “el mal tipo”, en realidad son más similares que diferentes.

—Completamente. Y me fascinó también tu diseño de vestuario, porque Alice cuenta dos historias diferentes en la forma en que se viste. Como agente del FBI, la vemos a ella más compuesta y más restringida, pero en su vida privada, todo se siente más libre. Es como contar dos historias diferentes. Entonces quería preguntarte sobre cómo este contraste te ayuda a entender quién es ella. Y por cierto, me encanta tu cabello. Simplemente me encanta. Así que quería preguntarte sobre el contraste. Es muy importante en la historia.

Emmy Rossum: —Sí, hablamos mucho sobre la diferencia entre… Cómo alguien se presenta en la oficina como un agente de la ley… Ella es bastante andrógina. Ciertamente sublima su feminidad y su sexualidad. Y luego, su cabello siempre está retirado y todo está bastante tirante. Y ella está muy contenida. Y ella está muy enfocada al éxito, sin disculparse. Y eso a veces da a la gente la imagen equivocada. Y también sabemos que ella tiene un problema al bañarse. Que había violencia cuando estaba en la ducha, y paró de bañarse. Sabemos que otros personajes dicen que ella huele, que es una elección particularmente valiente, creo yo, de Liz Meriwether, la escritora. Porque creo que la gente que huele, para la sociedad, es algo que conlleva una verdadera vergüenza. Y creo que el personaje siempre siente una gran cantidad de vergüenza. Y realmente está en una encrucijada. Porque realmente no puede obligarse a bañarse debido al trauma. Y en la casa, tienes razón. Ella deja su cabello suelto. Vemos que ella invita a la intensidad y al peligro a su vida. Y muestra comportamientos más arriesgados y sueltos.

—Sí, y también quiero hablar de detectives y obsesiones. Porque son dos cosas que siempre van juntas. Vimos eso en “El silencio de los inocentes”. Vimos eso en “Zodiac”, en “Seven”, etc. Y en este caso… También sucede con Alice. ¿Por qué piensas que los detectives siempre tienen estas obsesiones? Pasa en personajes, películas, shows y en la vida real… Tienden a tener esta personalidad obsesiva como la gente a la que están buscando.

Emmy Rossum: —Sí, creo que resolver crímenes es difícil. Y creo que para hacer algo muy bien, tienes que estar un poco obsesionada. Así que creo que vemos a ambas mujeres muy obsesionadas con obtener justicia para sí mismas y también a una escala más amplia. Así que Alice se ha alejado de obtener justicia para sí misma y está enfocada en obtener justicia para otros. Pero en el caso de Catherine, está enfocada en sí misma y en la imagen más amplia.

—Sí, y realmente amo… Siempre nos apetecen, de nuevo, los dramas criminales y las historias criminales. Todo eso nos llama la atención. ¿Por qué crees que es así? ¿Por qué crees que amamos eso y lo encontramos tan atractivo?

Emmy Rossum: —Me pregunto si es una especie de… Intento de aprender lo máximo que podemos sobre cómo mantenernos a salvo, sobre lo que podría ser peligroso, acerca de lo que hay que cuidarse. No es diferente a los cuentos de hadas que contamos a los niños sobre cosas peligrosas o sobre brujas que te ponen en hornos… ¿Sabes? Creo que hay cuentos de hadas históricos que… Nos cuentan sobre el mundo y sobre cuán desafiante y cuán atemorizante puede ser. Pero creo que hay héroes en el mundo también, por lo que es importante que tengamos eso en nuestras historias. Y a veces, ya sabes… Los héroes y los villlanos son más similares que diferentes.

—No podría estar más de acuerdo. No podría estar más de acuerdo, y… Finalmente, tu personaje realmente explora qué es ser una mujer en un territorio que es principalmente masculino. Así que… ¿Alguna vez te sentiste así en otros territorios?

Emmy Rossum: —¡Claro! Por supuesto. Creo que eso es algo que resuena para muchas mujeres. Pero específicamente me interesaba a las mujeres en la defensa de la ley, que es un campo muy dominado por los hombres. Y un campo que se siente muy masculino. Y cómo las mujeres sobreviven y trascienden en esos entornos. Ese fue un estudio muy profundo para mí.

—Perfecto. Emmy, muchas gracias por tu tiempo. De nuevo, felicitaciones por un gran show. Y espero ver más.

Emmy Rossum: —Gracias, lo aprecio.

Disney anunció que la segunda temporada de Chad Powers, la comedia deportiva protagonizada por Glen Powell, se estrenará completa el 3 de septiembre de 2026. Los nuevos episodios estarán disponibles en Disney+, menos de un año después del debut de la primera entrega, y llegarán acompañados por un cambio de tono que acercará algunos momentos de la historia al thriller.

Fecha, plataforma y primeras imágenes

La nueva temporada se publicará de golpe, en lugar de adoptar un lanzamiento semanal. El estreno fue programado para el comienzo de la actividad fuerte del fútbol americano: llegará poco después del inicio de la temporada universitaria en Estados Unidos y cerca del arranque de la NFL.

La información de distribución presenta una diferencia según el mercado. El anuncio general ubica los episodios en Disney+ a través de Hulu. La primera temporada se había estrenado allí el 30 de septiembre de 2025, por lo que la espera entre ambas entregas será inferior a doce meses.

Junto con la fecha, fueron publicadas las primeras imágenes oficiales. El material vuelve a mostrar a Powell bajo las prótesis, la peluca y los dientes falsos que transforman al jugador Russ Holliday en Chad Powers. También ofrece adelantos de los personajes que regresarán y del entorno deportivo en el que continuará la historia.

La caracterización es una pieza central del engaño. Powell interpreta a un jugador que adopta una identidad irreconocible para ingresar a otro equipo universitario, una situación que sostiene la comedia, pero que ahora tendrá consecuencias más difíciles de controlar.

El engaño de Russ entra en zona de riesgo

En los nuevos episodios, Russ Holliday habrá conseguido que su alter ego se convierta en una estrella dentro del campo. El problema aparecerá fuera de los partidos: el comportamiento extraño de Chad empezará a generar sospechas entre las personas que lo rodean, especialmente el entrenador Hudson y Gerry.

La temporada girará alrededor de la creciente dificultad para mantener la mentira frente al equipo y al público. Russ y Danny intentarán proteger el secreto mientras buscan llevar a los South Georgia Catfish hasta los playoffs universitarios, las rondas eliminatorias que determinan qué equipos compiten por el campeonato.

Para sostener el plan durante toda la campaña deportiva, ambos tendrán que pedir ayuda a Ricky, precisamente la última persona que estaría dispuesta a colaborar con ellos. Esa necesidad agrega otro punto de presión a una identidad falsa que ya se encuentra bajo observación.

Powell adelantó que la serie examinará las consecuencias concretas de mantener una mentira de esa escala frente a todo el país. La comedia seguirá presente, aunque los guionistas incrementarán la tensión a medida que crezcan las sospechas. El actor llegó a describir algunos tramos de la segunda temporada como un thriller.

Reparto, origen y cambio de tono

El elenco contará nuevamente con Perry Mattfeld, Quentin Plair, Wynn Everett, Frankie Rodriguez y Steve Zahn, además de Powell. Michael Waldron continuará al frente del proyecto como cocreador junto con el protagonista.

La premisa nació de un sketch realizado por Eli Manning, exmariscal de campo de la NFL, para su programa en ESPN+. Manning se sometió a una transformación física para probarse de incógnito como jugador universitario bajo el nombre de Chad Powers. La serie convirtió esa idea breve en la historia de Russ y su intento por reconstruir su carrera escondido detrás de prótesis y una personalidad inventada.

La primera temporada recibió críticas tibias por parte de la prensa especializada, pero tuvo una respuesta más favorable entre el público. La segunda entrega retoma directamente el elemento que dejó preparado esa historia: cuanto mejor funciona Chad como jugador, más difícil resulta explicar su conducta y evitar que alguien descubra quién está detrás de la máscara.

Los nuevos episodios mantendrán el conflicto deportivo de los South Georgia Catfish y trasladarán el mayor peso dramático hacia el secreto de Russ. La temporada completa estará disponible desde el 3 de septiembre de 2026.

Realizada por Pampa Films y dirigida por Jesús Braceras, la ficción se aleja de los tradicionales relatos detectivescos para construir una dupla de protagonistas tan carismática como desastrosa. En lugar de detectives brillantes y metódicos, la serie apuesta por dos policías que sobreviven gracias a la improvisación, el instinto y una obstinación que suele generar más problemas que soluciones.

La historia comienza cuando el embajador ruso en Argentina aparece asesinado de un disparo en la frente. Debido a la jurisdicción del caso, la investigación queda en manos del subcomisario Roberto Gutiérrez (Barassi), un oficial comprometido con su trabajo pero claramente sobrepasado por la magnitud del crimen.

La situación cambia cuando la CIA decide intervenir para tomar el control de la investigación. Lejos de aceptar la autoridad de los agentes estadounidenses, Gutiérrez convierte el caso en una cuestión de orgullo personal. Convencido de que nadie conoce mejor su territorio que él, decide competir contra el organismo de inteligencia junto a su inseparable compañero, el teniente Rubén Torcoletti (Yayo).

El choque entre ambos mundos funciona como uno de los principales motores narrativos de la serie. Mientras la CIA representa el profesionalismo, la planificación y los protocolos, los policías argentinos recurren a métodos improvisados, contactos informales y decisiones que bordean permanentemente la ilegalidad. Esa tensión entre dos maneras opuestas de entender la investigación criminal alimenta buena parte del humor de la ficción.

Durante la búsqueda del asesino, la dupla recorrerá un universo profundamente argentino en el que cada episodio suma nuevos personajes y situaciones delirantes. Dealers, desarmaderos clandestinos, caranchos, cabarets, geriátricos, bingos, tomas de rehenes, manifestaciones, cortes de ruta, rusos disidentes e incluso hombres araña aparecen en una sucesión de escenarios que convierten al conurbano en un protagonista más de la historia.

La serie también construye un sólido elenco coral. Completan el reparto principal Juli Savioli, Abian Vainstein y Lucas Molina, junto a Víctor López, Robi Surra y Andrew Vezey, quienes interpretan a los integrantes de una brigada policial tan leal como ineficaz. Entre ellos sobresalen el comisario Capote, la sargento Ventura, los Chakales y el Pibito, personajes que aportan nuevas dosis de absurdo a una investigación donde casi nada sale según lo previsto.

Para Darío Barassi, la producción representa una nueva oportunidad de expandir su carrera actoral luego de consolidarse como una de las figuras más populares de la televisión argentina. Su registro humorístico encuentra aquí un terreno fértil para desarrollar un personaje que combina torpeza, exceso de confianza y una inquebrantable convicción de estar haciendo lo correcto.

Yayo, por su parte, vuelve a un papel de ficción donde explota el humor físico y la improvisación que marcaron buena parte de su carrera. La química entre ambos intérpretes aparece como uno de los principales atractivos de una serie que apuesta a sostener el equilibrio entre el policial clásico y la comedia absurda.

Con ocho episodios cargados de humor negro, referencias a la cultura popular y una mirada satírica sobre las fuerzas de seguridad y los organismos internacionales de inteligencia, la serie busca diferenciarse dentro de la creciente oferta de ficciones argentinas para streaming. Su combinación de crimen, caos y comedia promete convertir a Barassi y Yayo en una de las duplas más inesperadas de la temporada.

Wonder Man formaba parte del selecto grupo de series enmarcadas en el Universo Cinematográfico Marvel que se estrenaron en Disney+ como contenido original. La mayoría de estas producciones, como WandaVision, The Falcon and The Winter Soldier, Hawkeye y Moon Knight, fueron planteadas como historias autoconclusivas de una sola temporada. Solo Loki logró obtener una continuidad con una segunda temporada emitida, mientras que WandaVision generó dos derivados: Vision Quest y Agatha All Along. La renovación inicial de Wonder Man destacaba precisamente por ser una excepción a la norma de Marvel Studios en la plataforma. El anuncio llegó apenas dos meses después del estreno, lo que sugería confianza en el potencial del producto y su integración en la narrativa del MCU. Finalmente, esa continuidad no se materializó, y la serie se une a la lista de producciones Marvel que no extienden su historia más allá de la primera tanda de episodios.

Wonder Man fue creada por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest, con Cretton encargado de la dirección de los dos primeros episodios, y Guest como showrunner. El elenco estuvo encabezado por Yahya Abdul Mateen II en el papel de Simon Williams, acompañado por Ben Kingsley, quien interpretó a Trevor Slattery. La serie también contó con la participación de X Mayo, Demetrius Grosse, Zlatko Burić, Arian Moayed y Olivia Thirlby. La sinopsis oficial describe a Simon Williams como un aspirante a actor de Hollywood que lucha por consolidar su carrera. Tras un encuentro casual con Trevor Slattery, un actor con sus mejores papeles ya en el pasado, ambos se involucran en la filmación de una nueva versión del filme de superhéroes Wonder Man, dirigida por el legendario Von Kovak. A través de estos personajes, la trama explora la lucha por un papel transformador y ofrece una mirada al funcionamiento interno de la industria del entretenimiento.

Un posible futuro por delante

El estreno de Wonder Man fue recibido con una respuesta positiva por parte de la crítica especializada. El primer y único ciclo consiguió un 91 % de aprobación en Rotten Tomatoes. En su reseña para Variety, Alison Herman destacó la química entre Abdul-Mateen y Kingsley, subrayando el tono entre lo absurdo y lo romántico de sus personajes. Además, Abdul-Mateen logró una nominación al Emmy como mejor actor principal en comedia, convirtiéndose en el único intérprete en recibir una candidatura por proyectos tanto de Marvel como de DC. Disney no publicó datos oficiales de audiencia para Wonder Man. Sin embargo, la serie logró alcanzar la octava posición en el ranking Nielsen de streaming durante la semana de su debut, correspondiente al 26 de enero al 1 de febrero. Posteriormente, salió del top ten en la semana siguiente, sin retornar a las listas de los títulos más vistos.

Según personas con conocimiento de la situación, aunque Wonder Man no continuará como serie, los personajes podrían regresar en futuras producciones del Universo Cinematográfico Marvel. Esta posibilidad mantiene abierta la puerta a nuevas apariciones de Simon Williams, Trevor Slattery y el resto del elenco en próximas historias desarrolladas por el estudio. La cancelación de Wonder Man se suma a la tendencia de Marvel Studios de limitar sus series originales a un solo ciclo, con apenas contadas excepciones. El caso refuerza la estrategia de la empresa de reservar la continuidad para producciones que logran un impacto sobresaliente o que están concebidas desde el inicio como franquicias de largo recorrido.

El mes de agosto arranca y con él llega una nueva oleada de series, tanto el regreso de viejas conocidas como la llegada de nuevas historias y personajes. Ya sea para hacer más llevadero el calor o para aderezar la estancia en la playa o la piscina, estas son las mejores series que llegan este mes a plataformas y que no te puedes perder.

El regreso de dos ya míticas como Ted Lasso o Cien años de soledad, la despedida de algunas como Outer Banks o la llegada de nuevos superhéroes como la esperada Linternas que se podrá ver en HBO. Agosto estará llena de grandes aventuras con las que disfrutar los últimos días del verano.

Cien años de soledad (Netflix, 5 de agosto)

Su primera temporada fue toda una sorpresa, así que en la segunda se espera que Netflix redoble la apuesta. La ambiciosa producción que adapta la colosal novela de Gabriel García Márquez regresa para seguir desarrollando las historias de la emblemática familia Buendia, con una Macondo en el que poco a poco las cosas han cambiado, y la llegada del tren pondrá patas arriba todo.

Ted Lasso (Apple TV y Movistar+, 5 de agosto)

El entrenador favorito de tu entrenador favorito está de vuelta. Y no hablamos de José Mourinho, quien ya se encuentra en el Real Madrid con todo dispuesto para empezar la temporada en el Real Madrid. Hablamos de Ted Lasso, el entrenador más carismático de la ficción y quien vuelve después de unos años alejado del terreno de juego. Lo hará con su club ya mítico, el Richmond, pero con un nuevo y apasionante reto: encargarse de motivar al equipo femenino del club londinense, el cual espera contar con la misma suerte y diversión con la que funcionó durante años el masculino.

Los destrozos (Disney+, 6 de agosto)

Fue una de las grandes novelas de hace un par de años, y era solo cuestión de tiempo que encontrase una adaptación, ya fuese en cine o en serie. Al final, y dado el gran volumen de páginas, ha sido en una miniserie de Disney+ a cargo de Ryan Murphy, el hombre con un sello inconfundible gracias a series como American Horror Story. Murphy, quien recogió el proyecto después de pasar por manos de Luca Guadagnino o Kristofer Borgli, reciente director de El drama, colabora ahora estrechamente con el autor de la novela original, Bret Easton Ellis, en esta historia sobre un joven abriéndose camino en la Los Angeles de los años 80 mientras un asesino en serie anda suelto.

Mi brillante carrera (Netflix, 13 de agosto)

La fiebre de Los Bridgerton llega hasta las costas de Australia, donde se desarrolla una nueva historia de amor entre la alta sociedad. Sybylla es una obstinada campesina que sueña con escribir, pero todo cambia cuando la sociedad espera de ella otra cosa. Tras reencontrarse con Harry, un antiguo conocido y ahora rico pretendiente, en quien al principio verá un obstáculo y después un vehículo para su gran oportunidad de mantenerse independiente y creativa.

Linternas

El universo de DC necesita un nuevo héroe, y en etapa de cambios, nada mejor que darle la oportunidad al que históricamente ha sido de los más poderosos. Linterna Verde, que contó con una fallida adaptación a la gran pantalla de la mano de Ryan Reynolds, vuelve ahora en forma de miniserie para contar sus orígenes y poder integrarlo de una forma mucho más profunda y orgánica en el universo que ya diseña James Gunn junto al Superman de David Corenswet o la Supergirl de Milly Alcock.

Outer Banks (Netflix, 25 de agosto)

Una de las series sobre amistad y aventuras dice adiós después de cinco temporadas. De ella han salido algunos de los actores más cotizados en la actualidad, como Drew Starkey o Madelyn Cline, y por el camino grandes aventuras de estos cazatesoros de la costa de Oakland. En esta última temporada buscarán resolver el mayor misterio hasta la fecha mientras lidian con como la vida los lleva a separar sus caminos.

Materia Oscura (Apple TV y Movistar+, 28 de agosto)

Fue una de las grandes sorpresas de ciencia ficción en 2024, y dos años después regresa con una nueva temporada para seguir indagando en los misterios de los viajes en el tiempo. Jennifer Connelly y Joel Edgerton continúan dando vida a esta pareja embarcada en un peligroso viaje a través de distintos universos.

El regreso de Macaulay Culkin como Kevin McCallister podría estar más cerca de convertirse en realidad. Disney habría iniciado conversaciones con el actor para desarrollar una nueva película de Mi pobre angelito (Home Alone), una posibilidad que llega después de años de distancia entre Culkin y el personaje que lo convirtió en una estrella mundial.

La información fue revelada por el periodista Matt Belloni en su podcast The Town. Según explicó, Culkin fue visto recientemente en los estudios de Disney, una señal que habría despertado entusiasmo dentro de la compañía por la posibilidad de recuperar la franquicia con su protagonista original.

“Disney está salivando” ante la idea de una nueva película con Culkin, aseguró Belloni, quien afirmó que el estudio estaría “cortejándolo como nunca antes”. De acuerdo con el periodista, Disney incluso estaría dispuesto a ofrecerle otro proyecto personal si acepta regresar a interpretar a Kevin McCallister.

“Tienen una buena idea. He hablado con personas que han escuchado la idea y es una muy buena idea para un reboot de Mi pobre angelito con Macaulay Culkin”, comentó Belloni.

El enorme interés del estudio estaría relacionado con la vigencia de la franquicia. Las primeras dos películas, estrenadas en 1990 y 1992, siguen siendo clásicos navideños y mantienen una fuerte presencia cada temporada en las listas de contenidos más vistos en streaming.

La secuela que imaginó Macaulay Culkin

La posibilidad de una nueva entrega también parte de una idea que el propio Culkin compartió anteriormente. Durante los eventos por el aniversario número 35 de Mi pobre angelito, el actor reveló cómo imagina una continuación de la historia de Kevin McCallister, esta vez con el personaje convertido en adulto.

La propuesta cambiaría la dinámica de las películas originales: Kevin ya no sería el niño que protege su casa de los ladrones, sino un padre que enfrenta problemas familiares y termina viviendo una situación similar a la que experimentó en su infancia.

“Soy viudo o divorciado. Estoy criando a un hijo y todo eso. Estoy trabajando muy duro y realmente no le estoy prestando suficiente atención, y el niño empieza a molestarse conmigo, y entonces me quedo fuera [de la casa]”, explicó Culkin.

“Mi hijo no me deja entrar… y él es quien está poniendo las trampas para mí”, agregó el actor. Para Culkin, la casa funcionaría como una metáfora de la relación entre padre e hijo y de la necesidad de Kevin de recuperar el vínculo con su familia.

Durante décadas, Culkin evitó regresar al papel que marcó su infancia. Después del éxito de Mi pobre angelito y Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York, el actor se alejó de la actuación durante un periodo y no participó en las siguientes entregas de la franquicia.

Sin embargo, en los últimos años su relación con Kevin McCallister cambió. Culkin volvió a interpretar al personaje en campañas publicitarias y participó en actividades relacionadas con el aniversario de la primera película. Se le notó más optimista sobre la posibilidad de regresar. En una presentación por los 35 años del estreno, el actor reconoció que deja la puerta abierta a esa opción con la condición de que le ofrezcan una buena historia.

Esta fecha representa una reducción en los tiempos de espera entre temporadas en comparación con el largo intervalo entre las dos primeras entregas, un aspecto al que Disney ha prestado especial atención tras las críticas y la gran expectación de los seguidores.

Enfrentamiento con la Gran Profecía

La adaptación del tercer libro de la saga pone a Percy Jackson, interpretado por Walker Scobell, frente a uno de los desafíos más significativos de la historia: la inminente y enigmática Gran Profecía. Esta profecía, revelada por el Oráculo de Delfos, establece que uno de los hijos semidioses de los llamados Tres Grandes (Zeus, Poseidón y Hades) tendrá la capacidad de conducir al Olimpo hacia una nueva era de esplendor o, por el contrario, hacia su destrucción. La amenaza de la profecía no recae únicamente sobre Percy, sino que afecta a todo el ámbito mitológico, que se encuentra ante una crisis cuyo desenlace podría impactar de manera directa a dioses y mortales.

El tráiler presentado en la Comic-Con muestra a Percy soportando literalmente el destino del Olimpo, en una escena donde carga el peso del cielo sobre sus hombros, lo cual simboliza la gran responsabilidad que le corresponde. También destaca la inesperada desaparición de Annabeth Chase, interpretada por Leah Sava Jeffries, lo que añade tensión y misterio a la trama.

Incorporación de nuevos personajes y dioses en la serie

El elenco principal regresa en esta temporada, incluyendo a Aryan Simhadri como Grover Underwood, Charlie Bushnell como Luke Castellan y Tamara Smart como Thalia Grace. A ellos se suman nuevos integrantes: Levi Chrisopulos interpretando a Nico Di Angelo y Olive Abercrombie como Bianca Di Angelo, ambos hijos de Hades. La participación de estos personajes introduce una nueva dinámica en la historia y aporta profundidad al conflicto entre los descendientes de los Tres Grandes.

Entre las nuevas incorporaciones destacan actores reconocidos en los papeles de importantes figuras de la mitología griega: Dafne Keen como Artemisa, Holt McCallany como Atlas, Ming-Na Wen en el papel de Hera, Kate McKinnon como Afrodita, Jennifer Beals como Démeter y Hubert Jerzyk Smielecki como Apolo. Con este elenco, la serie amplía su universo y la representación de diversas deidades y mitos.

Al mismo tiempo, Disney+ busca distinguir esta adaptación de las películas anteriores de la saga, estrenadas en la década de 2010, que únicamente llegaron a adaptar los dos primeros libros. Los seguidores han valorado positivamente el desarrollo más fiel a la historia original y la incorporación de personajes fundamentales en el universo de Rick Riordan.

Repercusión para el público y el fenómeno Percy Jackson

La confirmación de la fecha de estreno y la agilidad en la producción respecto a la espera previa han generado satisfacción entre los seguidores, quienes criticaron el largo periodo entre las primeras temporadas. Con dos partes ya disponibles en la plataforma, la tercera temporada se posiciona como una de las series juveniles más esperadas de la primavera.

El éxito de Percy Jackson y los dioses del Olimpo también responde al creciente interés por las adaptaciones televisivas basadas en sagas literarias, fenómeno que ha sido marcado recientemente por títulos como Harry Potter o The Witcher. Las plataformas buscan así asegurar la fidelidad del público joven y de la comunidad lectora original, ofreciendo representaciones visuales más profundas de las historias que ya conocen y aprecian, en comparación con versiones cinematográficas anteriores.

En esta temporada, la adaptación de La maldición del Titán pone énfasis no solo en los efectos especiales y la acción, sino especialmente en el desarrollo emocional de Percy y la presión que implica la responsabilidad y la pérdida. La desaparición de Annabeth, una de las figuras más importantes en la vida del protagonista, introduce un nivel de incertidumbre adicional al constante peligro que rodea a los jóvenes semidioses del Campamento Mestizo. Además del atractivo de la fantasía, la historia pretende conectar con preocupaciones comunes en la juventud, como el deber, la lealtad, la incertidumbre sobre el futuro y la búsqueda de identidad.

Producción, rumores y expectativas ante la nueva temporada

Disney+ ha decidido acelerar los procesos de rodaje y postproducción para evitar la pérdida de interés entre temporadas que ha afectado la conexión de la audiencia con la serie. Desde enero se publicó un primer avance, lo que generó rumores en torno a posibles cambios y giros en la trama, que ahora se confirman con el tráiler y la sinopsis oficial presentados en la Comic-Con.

Las primeras imágenes difundidas muestran a Percy afrontando situaciones extremas y a nuevos personajes enfrentándose por primera vez a los desafíos propios del mundo semidiós, combinando acción y drama en un intento por diferenciar la serie de otras franquicias juveniles. La decisión de ampliar el reparto ha sido interpretada por algunos medios especializados como una estrategia destinada a diversificar y enriquecer las historias, además de incrementar las posibilidades de identificación que diferentes tipos de espectadores pueden sentir hacia los personajes, especialmente después de las críticas recibidas por la representación en las adaptaciones cinematográficas previas.

El estreno de esta temporada en noviembre no solo buscará atraer la atención de la audiencia global en la campaña navideña, sino también posicionar a Percy Jackson y los dioses del Olimpo como un referente principal de la cultura popular juvenil actual, reforzando la presencia transmedia de la obra de Rick Riordan.

La industria cinematográfica registró el hito de Toy Story 5 al superar los 1.022 millones de dólares en recaudación global, consolidándose como el mayor éxito de taquilla de 2026 hasta el cierre de julio. El desempeño afecta a estudios, distribuidores y mercados internacionales, al situar nuevamente a Disney y Pixar en el primer plano de la animación comercial, según datos confirmados por Box Office Mojo y Deadline.

De acuerdo con Deadline, la quinta entrega de la franquicia animada de Pixar recaudó 573,5 millones de dólares en mercados internacionales y 448,5 millones en Estados Unidos, cifra que la posiciona como la película más taquillera del año. Box Office Mojo reporta que el filme cruzó la marca de los mil millones durante su sexto fin de semana en cartelera, tras sumar 24,7 millones en la taquilla internacional y 10 millones en la estadounidense en el fin de semana del 26 al 28 de julio.

El récord se produce en un contexto de intensa competencia entre los principales estudios de Hollywood por el liderazgo mundial de la taquilla. En el mismo periodo, “La Odisea” de Christopher Nolan sumó cerca de 640 millones de dólares tras su segundo fin de semana, según cifras de Deadline, mientras otros títulos de alto perfil como “Michael” y “Super Mario Galaxy Movie” también superaron los mil millones en el año.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en taquilla mundial según Box Office Mojo y Deadline?

La cifra oficial reportada por Box Office Mojo es de 1.022 millones de dólares a nivel global para Toy Story 5, con 573,5 millones provenientes del mercado internacional y 448,5 millones de la taquilla doméstica en Estados Unidos. Deadline y Cartoon Brew corroboran que el filme alcanzó este monto después de seis semanas en exhibición, tras sumar 34,7 millones globales en su sexto fin de semana.

El desempeño internacional se apoya en más de 52 mercados, con un descenso de solo 17,7% respecto al fin de semana anterior, impulsado por el estreno en Alemania, de acuerdo con Koimoi y datos agregados de Box Office Mojo.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en Estados Unidos?

En Estados Unidos, Toy Story 5 logró una recaudación acumulada de 448,5 millones de dólares, según Box Office Mojo y Deadline. La cifra representa alrededor del 44% de su recaudación total y convierte a la película en la más taquillera de la franquicia en el país, superando a las entregas previas.

El estreno doméstico alcanzó 159,6 millones de dólares y la película mantuvo presencia en el top 3 de la taquilla estadounidense durante seis semanas consecutivas. Según datos de Cartoon Brew, el sexto fin de semana sumó 10 millones en ese mercado, cifra que permitió mantener la posición entre los títulos más vistos, detrás de “La Odisea” y la versión live-action de Moana de Disney.

¿Qué récords rompió Toy Story 5 para Disney y Pixar?

Box Office Mojo informa que Toy Story 5 es la sexta película de Pixar en superar el umbral de los mil millones de dólares, junto con “IntensaMente 2”, “Los Increíbles 2”, “Toy Story 3”, “Toy Story 4” y “Buscando a Dory”. La película también es el lanzamiento más exitoso del año, desplazando a “Michael” (1.015 millones) y “Super Mario Galaxy Movie” (1.011 millones), como confirma Deadline.

Cartoon Brew destaca que la quinta entrega de la saga es la tercera película de la franquicia en cruzar la barrera de los diez dígitos a nivel global y se ubica como la decimocuarta película animada más taquillera de todos los tiempos, según datos de la Motion Picture Association.

¿Cuáles son los mercados internacionales más importantes para Toy Story 5?

El éxito de Toy Story 5 depende en gran medida de su desempeño en mercados clave fuera de Estados Unidos, según Box Office Mojo y Deadline. Alemania, México, Reino Unido, Japón y China figuran entre los territorios con mayores ingresos, aunque el desglose exacto por país no fue publicado detalladamente por las fuentes principales.

El comportamiento de la taquilla internacional refleja la estrategia de distribución global de Walt Disney Studios y el peso de las audiencias de América Latina, Asia y Europa en la consolidación de las franquicias animadas, según Deadline. En mercados como Alemania, el estreno impulsó la recaudación del sexto fin de semana, permitiendo una caída menor al promedio global de las grandes producciones.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otras películas taquilleras de 2026?

Deadline reporta que, junto con Toy Story 5, otras producciones superaron cifras destacadas en 2026. “La Odisea” de Christopher Nolan alcanzó 640 millones de dólares a nivel mundial tras su segundo fin de semana. “Michael” y “Super Mario Galaxy Movie” también superaron los mil millones, aunque ya han sido superadas por la nueva entrega de Toy Story.

El ranking de recaudación global de 2026 ubica a Toy Story 5 en el primer puesto, según Deadline, con “La Odisea” y “Moana” entre los títulos que completan el podio durante el mismo fin de semana.

¿Por qué Toy Story 5 es relevante para la industria del cine en 2026?

El récord de Toy Story 5 representa un indicador de la recuperación plena de la industria cinematográfica global tras la crisis sanitaria y la reconfiguración de los estrenos internacionales. Según Deadline, la marca de los mil millones alcanzada por la película refuerza la confianza de los estudios en el mercado de la animación y garantiza la continuidad de producciones de alto presupuesto.

La respuesta del público ante franquicias consolidadas como Toy Story y la asistencia sostenida a los cines permiten a Disney y Pixar mantener la franquicia como una de las más rentables del calendario internacional, según Box Office Mojo y la Motion Picture Association.

¿Qué impacto tiene el éxito de Toy Story 5 en los próximos estrenos y en el público?

La taquilla de Toy Story 5 anticipa un aumento de las inversiones en animación y en la producción de secuelas dentro de las grandes franquicias. Deadline señala que el liderazgo de Disney y Pixar impulsa la programación de nuevos proyectos y la consolidación de alianzas internacionales para la distribución de contenidos familiares.

Para los espectadores, el éxito de la saga garantiza la continuidad de la franquicia y refuerza la presencia de títulos familiares en la cartelera internacional. La permanencia en los primeros puestos de la taquilla confirma la vigencia del cine animado y su atractivo para distintas generaciones.

Las protagonistas más recientes enfrentan otro tipo de conflictos. Ya no necesitan derrotar únicamente a una villana ni encontrar al príncipe indicado: deben comprender quiénes son, responder a las expectativas familiares, aceptar aquello que las hace diferentes y decidir qué quieren hacer con su futuro.

El cambio no solo transformó los argumentos de las películas. También modificó los modelos de identidad, valentía y autonomía que el cine animado presenta a niños, adolescentes y adultos. Las nuevas heroínas actúan, se equivocan, cuestionan los mandatos que reciben y avanzan sin tener todas las respuestas.

De la damisela en apuros a la protagonista que decide

Esta evolución es el punto de partida de De princesas a heroínas. Nuevas protagonistas en el cine de animación, una investigación de Álvaro Iparraguirre publicada por el Fondo Editorial de la Universidad de Lima. El libro sigue la transformación de los personajes femeninos de Disney a través de Mirabel, de Encanto; Mei, de Red; y Asha, de Wish.

Para Iparraguirre, la animación cuenta con herramientas particulares para imaginar otras formas de heroísmo. “La animación tiene la capacidad de mostrar lo imposible como si fuera natural. Su libertad para transformar cuerpos, espacios y formas le permite imaginar nuevas maneras de narrar el heroísmo”, señala el investigador.

La transformación, sostiene, va más allá de reemplazar vestidos, escenarios o fórmulas románticas. En estas historias aparecen con mayor fuerza asuntos como la pertenencia, los vínculos familiares, la construcción de la identidad y la búsqueda de un propósito propio. El conflicto principal ya no siempre está fuera de la protagonista: muchas veces ocurre dentro de ella o en su entorno más cercano.

Mirabel, Mei y Asha: tres maneras de romper el molde

Mirabel, protagonista de Encanto, vive en una familia donde cada integrante posee una habilidad extraordinaria. Ella es la única que aparentemente no recibió un don, una diferencia que la obliga a preguntarse cuál es su lugar dentro de una familia construida alrededor de las capacidades excepcionales.

Su fortaleza, sin embargo, no está en levantar montañas ni controlar el clima. Está en observar aquello que los demás prefieren callar, escuchar y conectar con quienes la rodean. Su historia pone sobre la mesa una pregunta reconocible fuera de la pantalla: ¿el valor de una persona depende de lo que puede demostrar?

En Red, Mei atraviesa una transformación física que funciona también como metáfora de la adolescencia. La película aborda los cambios corporales, las emociones intensas y la tensión entre cumplir las expectativas familiares o desarrollar una identidad propia.

Su recorrido no consiste en eliminar aquello que la vuelve diferente, sino en aprender a convivir con esa parte de sí misma. El desafío deja de ser recuperar una supuesta normalidad y pasa a ser la aceptación, incluso cuando esta genera desacuerdos con las personas más cercanas.

Asha, en Wish, lleva el conflicto hacia la libertad de decidir. Vive en un lugar donde los deseos de los habitantes son entregados a una autoridad que controla si podrán cumplirse. Cuando descubre lo que implica ese sistema, deja de aceptar el orden establecido y reclama el derecho de cada persona a intervenir en su propio futuro.

Las tres protagonistas parten de realidades distintas, pero comparten una característica: ninguna espera que alguien llegue a resolver su historia. Son ellas quienes identifican el conflicto, toman posición y asumen las consecuencias de sus decisiones.

Heroínas que dudan, fallan y no necesitan ser perfectas

Las nuevas protagonistas tampoco responden al modelo de una heroína invulnerable. Mirabel se siente insuficiente; Mei intenta complacer a todos; y Asha debe actuar sin saber si alcanzará el resultado que busca. Sus dudas no aparecen como una debilidad que deba esconderse, sino como parte de su recorrido.

Esa complejidad emocional permite que públicos de distintas edades reconozcan experiencias propias en historias aparentemente fantásticas: la presión por destacar, el temor a decepcionar a la familia, la dificultad de aceptar los cambios o la necesidad de defender una decisión personal.

El heroísmo, entonces, deja de medirse únicamente por la capacidad de vencer a un enemigo. También puede encontrarse en hablar sobre un problema familiar, aceptar una característica que antes provocaba vergüenza o cuestionar un destino elegido por otros.

El libro en la FIL Lima 2026

De princesas a heroínas. Nuevas protagonistas en el cine de animación se encuentra disponible en el stand 57 de la Universidad de Lima durante la Feria Internacional del Libro de Lima 2026, que se desarrolla en el Centro de Exposiciones Jockey, en Santiago de Surco, hasta el 6 de agosto.

Quienes visiten la feria este martes 28 de julio también podrán participar en la “Noche de los Libros”, una jornada especial que se realizará de 7:30 p. m. a 9:30 p. m. Durante esas dos horas, librerías, editoriales y fondos universitarios ofrecerán descuentos, promociones por volumen, paquetes, sorteos, regalos por compra y otras dinámicas definidas por cada expositor.

La Universidad de Lima forma parte de los fondos editoriales que participarán en la iniciativa, junto con universidades públicas y privadas, librerías, grupos editoriales y sellos independientes. Los beneficios específicos de cada stand serán difundidos mediante las redes sociales de los participantes.

El esperado anuncio de Marvel Studios durante la Comic-Con de San Diego ha confirmado el estreno de Black Panther 3 para el 15 de diciembre de 2028. El sucesor de Chadwick Boseman será David Jonsson, quien interpretará a Toussaint, el hijo adulto de T’Challa, consolidando el relevo generacional en una de las franquicias de mayor trascendencia social del Universo Cinematográfico de Marvel.

Ryan Coogler, director de todas las entregas de la saga, subió al escenario acompañado por el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, y varios miembros del reparto original, como Letitia Wright y Winston Duke. Ante una multitud, Coogler presentó a Jonsson, actor británico de reconocida trayectoria reciente, como el próximo portador del manto de Black Panther.

La presentación ante miles de fanáticos en San Diego tuvo lugar en el famoso Hall H del Centro de Convenciones, el escenario habitual de los anuncios más relevantes de la industria del entretenimiento. Entre ovaciones y el coro de Wakanda Forever, Coogler resaltó el talento y la historia de Jonsson, quien recibió el aplauso del público. Jonsson, al asumir públicamente este papel representativo para la cultura popular, declaró: “Gracias a esta familia que tengo el honor y la bendición de integrar. No quiero decir demasiado, porque quiero dejar que la pantalla hable”.

Durante el panel, se detalló que Black Panther 3 se centrará en el personaje Toussaint, conocido también como T’Challa II, cuya existencia ya había sido insinuada en la escena poscréditos de Black Panther: Wakanda Forever de 2022, donde Nakia, interpretada por Lupita Nyong’o, revelaba la existencia del hijo de T’Challa. La historia avanzará en el tiempo y se enfocará en el joven Toussaint, que aspirará a tomar el trono de Wakanda y proteger el legado de su padre.

Apuesta tecnológica y legado de la saga

Uno de los aspectos destacados por Coogler durante el anuncio fue la elección de un formato técnico novedoso para la franquicia: toda la película se filmará en celuloide de formato grande de 70mm. Este tipo de película ofrece una resolución y escala visual superiores, característica tradicionalmente vinculada a superproducciones y grandes espectáculos cinematográficos, lo que sitúa a Black Panther 3 en dicha categoría.

La franquicia de Black Panther continúa como una de las más exitosas y de mayor repercusión social dentro del cine de superhéroes. La primera película, estrenada en 2018 y protagonizada por Chadwick Boseman, recaudó más de 1.300 millones de dólares en todo el mundo, fue la primera del género en obtener una nominación al Oscar a Mejor Película y se llevó tres premios de la Academia. El reparto incorporó a figuras como Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Letitia Wright, Winston Duke y Angela Bassett. El fallecimiento de Boseman en agosto de 2020, tras una lucha privada contra el cáncer de colon, dejó un impacto significativo en sus compañeros y en el director, así como un vacío importante en la serie.

La respuesta de Marvel y proyecciones para el MCU

La continuidad de la historia se llevó a cabo en Black Panther: Wakanda Forever, estrenada en 2022, donde la ausencia de T’Challa fue tratada en la trama y el manto de Black Panther pasó temporalmente a Shuri, la hermana del protagonista interpretada por Letitia Wright.

Esta segunda película también recibió elogios, recaudó más de 850 millones de dólares y obtuvo el segundo Oscar consecutivo al mejor vestuario para Ruth E. Carter, quien se convirtió en la primera mujer negra en recibir dos premios de la Academia. Angela Bassett, por su parte, fue nominada como mejor actriz, siendo la primera vez que un intérprete de una película de Marvel recibe este reconocimiento.

David Jonsson, nuevo protagonista y su trayectoria

David Jonsson, de 32 años, fue seleccionado como protagonista de la tercera entrega debido a su trayectoria reciente. Jonsson ha ganado reconocimiento internacional luego de participar en la serie Industry de HBO y en las películas Rye Lane de 2023, Alien: Romulus de 2024 y The Long Walk, una adaptación de una novela de Stephen King que fue mencionada por Coogler durante el panel. El objetivo de Marvel es dar continuidad al legado de Boseman y, al mismo tiempo, refrescar la saga con nuevos actores y argumentos que aborden temas contemporáneos sobre identidad, herencia y liderazgo.

La incorporación de Jonsson no significa un corte definitivo con el pasado. Letitia Wright continuará vinculada al papel en al menos una entrega futura fuera de la trilogía, y el traspaso del manto será desarrollado en la narrativa, según confirmó Marvel, dejando abierta la posibilidad de cameos que mantengan la conexión entre los protagonistas originales y el nuevo capítulo de Wakanda.

Elenco ampliado y el contexto social de la saga

Al elenco habitual de la franquicia, se suma la presencia confirmada de Denzel Washington en un papel aún no revelado, afianzando a Black Panther 3 como una de las producciones más esperadas del próximo calendario de Marvel Studios. Más allá de los récords de taquilla y el reconocimiento recibido, la saga se ha convertido en un fenómeno cultural de gran impacto, relevante tanto en la representación mediática como en el debate sobre diversidad y liderazgo afrodescendiente en el cine global.

Los seguidores de Marvel y la audiencia internacional esperan nuevos detalles sobre la historia y la evolución del reparto, especialmente en torno a cómo afectará el relevo generacional al universo ficticio de Wakanda y a los millones de fanáticos que se identificaron con la etapa encabezada por Chadwick Boseman. El reto para la saga es mantener la coherencia y profundidad emocional mientras se reinventa ante las expectativas de un público global exigente.

En medio de protestas sindicales y debates públicos, los principales estudios de Hollywood profundizan su dependencia de la inteligencia artificial.

Mientras la industria cinematográfica debate los riesgos y el impacto de esta tecnología, un relevamiento reciente de vacantes laborales revela cómo los grandes jugadores del sector refuerzan equipos para integrar herramientas de IA en todas las áreas clave de la producción audiovisual.

La doble estrategia de los estudios: rechazo público y avance interno

El escenario en Estados Unidos muestra una dinámica de doble filo. Por un lado, sindicatos y parte del público expresan sus diferencias sobre la automatización y la posible sustitución de empleos creativos. Por otro, empresas como Disney, Netflix, Amazon MGM Studios y otras aceleran la contratación de perfiles especializados en IA para transformar sus procesos internos.

Una investigación publicada por el Los Angeles Times identificó, a fines de junio, alrededor de 30 posiciones laborales vinculadas a inteligencia artificial entre unas 250 vacantes abiertas en los principales estudios.

La proporción supera el 10% del total de búsquedas, una cifra significativa para una industria tradicionalmente celosa de sus métodos de trabajo.

Estas posiciones reflejan la diversificación de la IA dentro de la industria. Mientras Disney, Netflix y Amazon buscan integrar la inteligencia artificial directamente en el desarrollo creativo —como efectos visuales, animación, sonido y doblaje—, otras compañías como Universal, Paramount, Warner Bros. y Sony priorizan aplicaciones en mercadotecnia, distribución y análisis de audiencias.

Puestos clave y funciones detectadas en los avisos laborales

• Amazon MGM Studios publicó búsquedas para un ejecutivo principal de IA, encargado de impulsar la adopción de herramientas inteligentes en toda la cadena de producción.
• Walt Disney Studios ofreció un puesto de tecnólogo en innovación de producción, orientado a tender puentes entre la investigación y la aplicación práctica en cine de animación y efectos especiales.
• Netflix abrió la vacante de “manager, generative workflows”, un puesto enfocado en introducir tecnologías de IA en las películas que la plataforma estrena en Estados Unidos y Canadá.
• Disney también buscó perfiles con doctorado para investigar gráficos por computadora e inteligencia artificial, con aplicaciones directas en Pixar y producciones propias.
• Skywalker Sound, firma de posproducción de audio perteneciente a Disney, lanzó convocatorias para desarrollar modelos propios de IA orientados a bandas sonoras, separación y transferencia de voz.

Ninguno de los anuncios relevados estuvo dirigido a reemplazar guionistas o actores mediante herramientas automatizadas. La mayoría de los puestos refuerzan áreas técnicas y de soporte creativo, pero no sustituyen tareas de interpretación ni escritura de guiones.

Figuras influyentes y movimientos empresariales: entre el entusiasmo y la cautela

El debate público sobre el uso de IA en Hollywood no se limita a los estudios. Varias de las voces más conocidas del sector manifestaron posturas abiertas a la adopción de estas tecnologías.

• George Lucas, creador de Star Wars, sostuvo en diálogo con una revista especializada: “La inteligencia artificial significa que es mucho más fácil para nosotros hacer películas. No hay nada que puedas hacer al respecto. Eso es progreso. Es el futuro”.
• Martin Scorsese —director premiado y referente del cine estadounidense— respaldó a empresas tecnológicas del sector y se mostró receptivo a la colaboración entre cineastas y desarrolladores.
• Ben Affleck fundó la empresa InterPositive, dedicada a tecnología fílmica basada en IA. La firma fue adquirida por Netflix en marzo por USD 587 millones en efectivo, según un reporte citado por el Los Angeles Times.
• El propio Affleck describió el objetivo de la compañía como una forma de mantener “humana la narración”. Las herramientas desarrolladas allí permitían corregir iluminación, generar planos adicionales y asistir a los equipos creativos sin desplazar las decisiones artísticas.

Netflix, además, exhibió aplicaciones concretas de IA en la producción: Girish Balakrishnan, director sénior de innovación creativa, expuso en el festival Runway AI cómo la tecnología fue utilizada para generar hinchas en el documental Brazil ’70 y para crear tomas de combate en Glory.

Amazon, pionera en la incorporación de IA en el sector audiovisual, sumó tres series animadas generadas por IA a través de su GenAI Creator Fund, y financió la compañía Innovative Dream, con sede en Manhattan Beach, para servicios de producción.

Resistencia sindical, protecciones legales y límites actuales

El avance de la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento convive con límites regulatorios y sindicales. En junio, el sindicato SAG-AFTRA ratificó un nuevo contrato de cuatro años que incorpora protecciones específicas contra los intérpretes sintéticos y apoya una ley nacional orientada a resguardar los derechos de las personas frente a réplicas digitales no autorizadas.

Desde 2023, los estudios mantienen reuniones semestrales con el sindicato para entregar informes confidenciales sobre sus actividades con IA.

Según una fuente con conocimiento de esas conversaciones, las empresas insisten en que aún no utilizan IA para reemplazar completamente a trabajadores humanos.

El gremio sostiene que no existen pruebas documentadas de que la inteligencia artificial generativa haya sido usada para crear interpretaciones actorales.

Las compañías están obligadas a notificar a la organización si comienzan a emplear estas herramientas con ese fin.

Bryn Mooser, director ejecutivo del estudio Asteria, describió el escenario como “difícil de adoptar social, ética y legalmente”, aunque reconoció que la tendencia de uso es la más alta que se haya visto hasta ahora.

Los Angeles Times destaca que la expansión de la inteligencia artificial dentro de la industria cinematográfica expone una paradoja: mientras los estudios avanzan en la integración de herramientas avanzadas y destinan recursos crecientes para fortalecer sus equipos técnicos, la vigilancia sindical y las regulaciones legales continúan marcando límites claros.

Actores, guionistas y técnicos mantienen abiertas las discusiones sobre el alcance de la automatización y las condiciones bajo las cuales se acepta la presencia de algoritmos en los procesos creativos.

Entre desarrollos tecnológicos, contratos blindados y debates sobre el futuro del trabajo en el sector, Hollywood se mantiene en un delicado equilibrio.

El sector explora nuevas fronteras de la producción audiovisual, aunque bajo la mirada atenta de quienes defienden la preservación del talento humano. La evolución de la IA en el corazón del cine estadounidense avanza, empujada por la competencia y la innovación, pero vigilada por quienes buscan garantizar que la creatividad siga siendo, ante todo, un rasgo humano.

Toy Story 5 superó los mil millones de dólares en la taquilla mundial y se convirtió en la película con mayor recaudación del año.

Con 448 millones de dólares en el mercado doméstico de Estados Unidos y 573 millones en el exterior, el filme de Disney y Pixar acumula un total global de 1.022 millones de dólares.

Se trata del tercer largometraje en 2026 en cruzar esa barrera, tras Super Mario Galaxy: la película y Michael, ambas con 1.001 millones de dólares.

A ellas se suma La Odisea, que con 639,6 millones tras apenas dos fines de semana de exhibición apunta a convertirse en la cuarta producción del año en alcanzar esa cifra, antes del estreno de Spider-Man: Brand New Day el 30 de julio.

De acuerdo con Variety, este año se perfila como el de mayor cantidad de películas con recaudación superior a los mil millones de dólares desde que la pandemia alteró la industria cinematográfica en 2020.

En 2019, nueve títulos superaron ese umbral; en 2020, ninguno lo logró. Desde entonces, la cifra fue de uno en 2021, tres en 2022, dos en 2023 y tres en 2024 y 2025.

En los próximos días, Toy Story 5 también superará a Toy Story 4 (2019) como la entrega más taquillera de la franquicia, que recaudó 1.070 millones en su momento. Es la tercera secuela de la saga en cruzar los mil millones, después de Toy Story 3 (2010), con 1.060 millones.

El filme está dirigido por Andrew Stanton, veterano de Pixar, y retoma la historia de Woody (con la voz de Tom Hanks), Buzz Lightyear (Tim Allen) y Jessie (Joan Cusack).

La trama gira en torno a la llegada de Lilypad, una tableta infantil que desplaza a los juguetes como objeto de entretenimiento de su dueña, Bonnie.

La película abrió en junio con 160 millones de dólares, el debut más alto del año y el mejor arranque en la historia de la saga, y sostuvo su atractivo para el público familiar durante toda la temporada de verano.

La música volvió a estar en manos de Randy Newman, compositor de todas las entregas anteriores, con la incorporación del tema de Taylor Swift, producido junto a Jack Antonoff.

Un factor adicional fue la participación de Swift, cuya boda con Travis Kelce fue una de las noticias más comentadas del verano.

La cantante compuso el tema “I Knew It, I Knew You” para la banda sonora del largometraje, un detalle que Variety señaló como un elemento que no pasó inadvertido entre el público.

Al éxito comercial se sumó una semana difícil para el estudio: Pixar Animation Studios fue alcanzado por una ronda de despidos de Disney.

La revista además apuntó que, mientras las secuelas de animación han recuperado terreno en la taquilla, las propuestas originales siguen enfrentando dificultades.

Hoppers, la otra apuesta de Pixar para 2026, no logró sostener su impulso inicial tras un buen fin de semana de apertura.

El récord de “Toy Story 5″ en América Latina

En su primer fin de semana de exhibición en América Latina, Toy Story 5 convocó a más de 10 millones de espectadores en la región y recaudó 53,8 millones de dólares.

Esas cifras la posicionaron como la película más vista de la región en lo que va de 2026 y como el estreno más exitoso del año en el mercado latinoamericano.

El resultado ratifica la vigencia de una franquicia que arrancó en 1995 y que, más de tres décadas después, mantiene convocatoria tanto entre quienes crecieron con sus personajes como entre nuevas generaciones de espectadores.

En cuanto al ecosistema de la franquicia, los títulos de Toy Story acumulan más de 2.000 millones de horas reproducidas en Disney+ y producen más de 1.000 millones de dólares anuales en ventas vinculadas a productos de consumo, videojuegos y publicaciones.

La marca tiene presencia en parques temáticos de Disney en todo el mundo, con cuatro áreas temáticas, 19 atracciones y dos hoteles asociados a sus personajes.

La Guardia Civil de Pontevedra ha abierto una investigación para esclarecer la denuncia presentada por una trabajadora del crucero Disney Dream, que asegura haber sido intoxicada presuntamente por otra compañera de la tripulación durante la escala que el buque realizó el pasado viernes en el puerto de Vigo. La mujer, de nacionalidad argentina, comenzó a encontrarse mal mientras el barco permanecía atracado en la ciudad gallega y tuvo que ser trasladada a un centro hospitalario, donde relató a los sanitarios que creía que alguien había vertido una sustancia en una botella de agua que había consumido.

Según la información facilitada por fuentes de la investigación a El Faro de Vigo, la trabajadora fue atendida inicialmente por los servicios médicos del propio crucero. Sin embargo, su estado hizo necesario su traslado al Hospital Fátima de Vigo una vez el barco había atracado en el Muelle de Trasatlánticos.

Fue en el centro sanitario donde la mujer manifestó que sospechaba haber sido víctima de un envenenamiento y señaló directamente a otra integrante de la tripulación como presunta responsable de los hechos. Tanto la denunciante como la trabajadora a la que atribuye la supuesta intoxicación son de nacionalidad argentina y desempeñan labores como fotógrafas a bordo del crucero de Disney Cruise Line.

Tras recibir el alta médica, la mujer formalizó la denuncia ante las autoridades, lo que dio lugar a la apertura de una investigación para tratar de determinar qué ocurrió realmente y si existió una intoxicación deliberada.

Se analiza la sustancia que habría ingerido

Los investigadores trabajan ahora para esclarecer las circunstancias del caso y verificar el contenido de la denuncia. Entre las diligencias abiertas figura el análisis de la sustancia que habría ingerido la trabajadora, con el objetivo de determinar su composición y comprobar si efectivamente contenía algún producto ajeno al agua.

Fuentes conocedoras del caso apuntan a El Faro de Vigo que la sustancia sospechosa podría ser cloro, aunque este extremo todavía no ha sido confirmado oficialmente y forma parte de las comprobaciones que están realizando los investigadores. La Policía Científica también llevará a cabo análisis sobre el líquido contenido en la botella de agua para identificar con precisión su composición.

Por el momento, la Guardia Civil ha confirmado únicamente que mantiene abierta una investigación y que se están practicando las diligencias necesarias para esclarecer lo sucedido.

Las mismas fuentes han precisado que, hasta ahora, no se ha producido ninguna detención relacionada con estos hechos. Tampoco está completamente definido qué cuerpo policial asumirá finalmente la investigación, ya que, aunque la Guardia Civil intervino inicialmente tras conocerse lo ocurrido a bordo del buque, la denuncia también fue presentada de forma presencial por la supuesta víctima ante la Policía Nacional.

Las pesquisas deberán determinar no solo si existió realmente una intoxicación, sino también el origen de la sustancia que habría ingerido la trabajadora y las circunstancias en las que pudo producirse.

Un crucero con más de 3.800 pasajeros

El Disney Dream llegó a Vigo dentro de un viaje de posicionamiento de siete noches entre Barcelona y Southampton, con escalas previstas en Cartagena, Málaga, Vigo y A Coruña antes de finalizar el itinerario en el Reino Unido.

Durante su estancia en el puerto vigués transportaba a 3.826 pasajeros, en su mayoría de nacionalidad estadounidense y británica, además de 1.439 tripulantes. El barco, consignado por Incargo Galicia, tenía prevista su salida del puerto a las 18.00 horas del viernes para continuar su ruta hacia A Coruña, siguiente escala del viaje, circunstancia que podría facilitar la continuidad de las actuaciones policiales si fuera necesario.

El crucero es uno de los buques más conocidos de Disney Cruise Line y pertenece a la denominada clase Dream. Tiene capacidad para alrededor de 4.000 pasajeros y dispone de aproximadamente 1.500 camarotes. Su característica silueta, con dos chimeneas decoradas con la figura de Mickey Mouse, lo convierte en uno de los barcos más reconocibles de la compañía.

El viaje en el que se encontraba realizando escala en Galicia corresponde a un itinerario cuyos precios partían de 2.636 euros por persona, según la información comercial del crucero.

El precedente más reciente de un incidente se produjo el pasado 8 de agosto, cuando una pasajera de 79 años que viajaba a bordo del Disney Fantasy tuvo que ser evacuada en helicóptero mientras el buque navegaba frente a la costa gallega, a la altura de Porta do Sol. La mujer fue trasladada al Complejo Hospitalario Universitario de A Coruña, ciudad en la que el crucero tenía previsto atracar horas después.

Enredados, una de las películas más populares del mundo de Disney, le da la bienvenida a Diego Luna para su adaptación en live action con un personaje que promete sorprender a los fanáticos de la cinta.

Hace unos meses con la confirmación del elenco, se dio a conocer que el actor mexicano formaría parte de la producción que ha comenzado con sus grabaciones este verano en España.

¿Qué papel protagonizará Diego Luna en Enredados?

De acuerdo con la revista estadounidense The Hollywood Reporter, el personaje que interpretará la estrella mexicana fue creado exclusivamente para la nueva versión, por lo que su rol no aparece en el filme original animado estrenado en 2010.

Todos los detalles sobre su papel sigue siendo un misterio, debido a la política de confidencialidad que caracteriza a la empresa de entretenimiento.

Se espera que durante las grabaciones se revele un poco más sobre su participación en la película dirigida por el cineasta australiano Michael Gracey, famoso por su trabajo en el exitoso musical El gran showman (The Greatest Showman).

La participación de Diego Luna es producto de su fuerte vínculo con Disney, estudio con el que ha trabajado por años al ser el personaje principal de la serie Andor del universo Star Wars. Esta producción, lo llevó a obtener el reconocimiento crítico de la industria, incluyendo las nominaciones a los Emmy, Globos de Oro y Critics Choice.

El actor posee una filmografía amplia tanto en el cine latinoamericano como en Hollywood, con títulos como Y tu mamá también y La Máquina. Paralelamente, sigue desarrollando una carrera como director y productor. Su próximo proyecto, Ashes (Ceniza en la boca), que coescribió y dirigió, se estrenó durante el Festival de Cannes en mayo de 2026.

Esta historia basada en el cuento de Rapunzel, será protagonizada por Teagan Croft como la princesa del renio Corona y Milo Manheim como Flynn Rider, el carismático ladrón que la acompaña en su aventura. Ambos actores fueron seleccionados tras un proceso de casting internacional que duro algunos meses.

Comienzan las grabaciones de la película en España

La compañía estadounidenses ha iniciado la transformación de la Catedral de Girona en el castillo del reino de Corona para una producción que moviliza a 500 personas, con trabajos que se extenderán hasta el 3 de agosto. El rodaje también se lleva a cabo en varios puntos emblemáticos del casco antiguo, lo que ha generado cierres temporales de negocios y ajustes en las visitas turísticas de la zona.

El interior del lugar ha sido especialmente acondicionado: los bancos han sido retirados, se han colgado grandes cortinas sobre los arcos y se han instalado elementos de utilería como tronos y esculturas de leones. Las primeras imágenes muestran decoraciones en azul y dorado, un cambio que ha despertado críticas entre fanáticos por alejarse de los colores tradicionales de la animación original.

La filmación no se limita a Girona. El equipo tiene su sede en los estudios Ciudad de la Luz en Alicante y ha grabado en espacios como el monasterio de Santes Creus y próximamente en Besalú y San Martín de Valparaíso, donde se construyó el castillo exterior. En Girona, participarán hasta 600 extras seleccionados en un casting masivo, reflejando la magnitud y el alcance de esta película live action.

Para los seguidores peruanos de la franquicia, el lanzamiento llega además en un momento particular: faltan menos de cuatro meses para que el espectáculo en vivo toque Lima. La nueva entrega retoma la historia de Luna Valente, interpretada nuevamente por Karol Sevilla, en una etapa de su vida distinta a la que dejó la tercera temporada.

La protagonista ya no es la joven que descubrió el patinaje en el Jam & Roller de Buenos Aires, sino una patinadora profesional que enfrenta un quiebre inesperado en su carrera. Ese punto de partida es el motor de toda la temporada.

Un accidente que la devuelve al inicio: de qué trata la cuarta temporada

En ‘Soy Luna: Volver a Rodar’, Luna Valente avanza como patinadora profesional hasta que un accidente durante una competencia altera por completo su rumbo. La lesión la obliga a alejarse de las pistas y a regresar al Jam & Roller, el espacio donde vivió los momentos que definieron su historia.

En ese escenario de reencuentros, deberá recuperar la confianza en sí misma mientras enfrenta conflictos inesperados y una nueva amenaza que busca interferir en su camino. Disney describió la temporada como una producción que “da continuidad a la historia de Luna” y que presenta “reversiones de las canciones que el público ya ama, temas inéditos, la incorporación de nuevos personajes y aventuras”.

Entre los temas del álbum figura “De ti me enamoré”, una canción que retoma el triángulo sentimental entre Luna, Matteo y Simón, uno de los ejes emocionales más recordados de la serie original. La dirección está a cargo de Martín Sabán, quien ya dirigió ‘Violetta’, la otra gran producción juvenil de Disney en América Latina.

Los guiones son de Marina Efron, responsable también de ‘Violetta’, ‘Siempre fui yo’ y ‘La partitura secreta’. La producción fue realizada por Metrovisión con rodaje en distintas locaciones de Argentina y México.

El elenco que regresa y quiénes no están en esta temporada

Karol Sevilla encabeza nuevamente el reparto como Luna Valente. La acompañan Ruggero Pasquarelli en el papel de Matteo Balsano y Michael Ronda como Simón Álvarez, los dos personajes masculinos centrales del triángulo amoroso que marcó las temporadas originales. Completan el elenco principal Malena Ratner como Delfina, Gastón Vietto como Pedro Arias y Carolina Kopelioff como Nina. La temporada cuenta además con la participación especial de Agustín Bernasconi en el papel de Gastón.

La nueva temporada también incorpora personajes inéditos: Lucila Gandolfo regresa como Sharon Benson y Roberto Carnaghi vuelve como Alfredo Benson. Entre los nuevos integrantes del elenco aparecen Mercedes Funes como Penélope Roma, el artista Kevsh como Lenny y Magalí Altamirano como Azul Schultz.

Valentina Zenere, quien interpretó a Ámbar —la gran rival de Luna durante las tres temporadas originales—, no forma parte de esta nueva entrega. Tampoco regresan Katja Martínez, Ana Jara, Chiara Parravicini ni Jorge López, ausencias que marcan una etapa de cambios en el universo de la franquicia.

Dónde ver ‘Soy Luna: Volver a Rodar’ en Perú y qué hay disponible en Disney+

Los 12 episodios de ‘Soy Luna: Volver a Rodar’ están disponibles de forma exclusiva en Disney+. La plataforma habilitó todos los capítulos al mismo tiempo desde la madrugada del 24 de julio, siguiendo su estrategia habitual para los estrenos internacionales. En Perú, el lanzamiento se activó a las 2:00 a.m.

Dentro del mismo servicio de streaming también se pueden ver las tres temporadas originales de la serie, estrenadas entre 2016 y 2018, lo que permite seguir la historia desde el principio antes de ver la nueva entrega. La franquicia tiene un historial de alcance considerable. ‘Soy Luna’ se emitió entre 2016 y 2018 en casi 150 países, fue doblada en 15 idiomas y alcanzó a más de 59 millones de espectadores en América Latina durante esos tres años.

La serie generó cerca de 10.000 productos de consumo en más de 10 categorías y seis discos de estudio con certificaciones internacionales, incluyendo multiplatino.

Lima tendrá dos noches de ‘Soy Luna Tour, El Último Show’ en noviembre

El regreso de la serie a la pantalla anticipa también su llegada a los escenarios peruanos. ‘Soy Luna Tour, El Último Show’ confirmó dos fechas consecutivas en Lima: el 19 y 20 de noviembre de 2026 en el Arena 1 Park, el recinto ubicado en la Costa Verde de San Miguel. La segunda fecha —19 de noviembre— se añadió como respuesta directa a la alta demanda de entradas para la función ya anunciada del 20.

El espectáculo reunirá en escena a Karol Sevilla, Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Malena Ratner y Gastón Vietto, acompañados por un cuerpo de bailarines, en un repertorio que combinará los éxitos de las primeras temporadas con los temas de ‘Soy Luna: Volver a Rodar’. La producción está a cargo de Golden Peak Live Entertainment, responsable también de producciones como Mundo Pixar y Disney’s Violetta Live.

Las entradas para ambas fechas están disponibles a través de Ticketmaster y en puntos de venta físicos: Wong Ucello (San Borja), Wong Plaza San Miguel, Wong Benavides (Miraflores) y Metro Plaza Norte (Independencia). La gira recorre Lima como parte de un circuito latinoamericano que incluye paradas en Argentina, México, Colombia, Costa Rica, República Dominicana, Bolivia, Ecuador, Uruguay y Chile.

La llegada de El diablo viste de Prada 2 a Disney+ está programada para el 29 de julio. Esta secuela, esperada por quienes disfrutaron la original y por nuevas generaciones de espectadores, se suma así al catálogo de la plataforma tras su paso por cines. El acceso anticipado en Apple TV, mediante compra digital, ha permitido a algunos fans adelantarse al streaming global, pero será a partir de la fecha indicada cuando la película esté disponible para todos los suscriptores de Disney+. Esta ventana de lanzamiento busca aprovechar el interés renovado por la franquicia y la alta demanda que generó en taquilla, donde la película rompió récords y reafirmó el atractivo de sus protagonistas. El regreso de Anne Hathaway y Meryl Streep al universo de la moda, el periodismo y los dilemas personales ha sido recibido con entusiasmo tanto por la crítica como por el público.

En El diablo viste de Prada 2, el guion recupera la dinámica entre Andy Sachs y Miranda Priestly, ahora en un contexto marcado por la transformación de los medios y la industria de la moda. Andy regresa a la revista Runway tras una crisis mediática que amenaza la supervivencia de la publicación, mientras Miranda mantiene el control de su imperio en un entorno complicado para el sector. El reencuentro de ambas reactiva una de las relaciones más reconocibles del cine reciente. La película explora temas actuales como los desafíos de los medios tradicionales, el impacto de la inteligencia artificial y el papel de las mujeres en posiciones de liderazgo. El relato se apoya en el reparto original y en la evolución de los personajes, adaptando el conflicto a un panorama social y tecnológico renovado.

Viejas y nuevas caras

La secuela no solo recupera a Emily Blunt como Emily y Stanley Tucci como Nigel, sino que suma apariciones especiales de figuras del mundo de la moda y la música. Entre los nombres destacados se encuentran Lady Gaga, Donatella Versace, Law Roach y Naomi Campbell. Lady Gaga, además de compartir una escena con Meryl Streep, es responsable de la banda sonora, a la que acompaña un videoclip junto a la rapera Doechii. La presencia de Donatella Versace adquiere especial relevancia, ya que en la primera entrega la industria de la moda evitó participar por temor a represalias. Ahora, la diseñadora aparece en una secuencia con Emily Blunt, considerada significativa para la narrativa y para el reconocimiento del filme en el ámbito de la moda.

La película también ha sido noticia por los cameos que no llegaron a la versión final. Una escena rodada con la actriz Sydney Sweeney fue eliminada poco antes del estreno por razones no aclaradas públicamente. Además, se filmó un encuentro entre Miranda Priestly y Anna Wintour, la editora de Vogue, que finalmente no se incluyó en la película, aunque sí se utilizó como material promocional para el lanzamiento. Estos detalles han generado conversación entre los seguidores de la saga, que han seguido de cerca tanto el proceso de producción como la llegada de la secuela a las plataformas digitales. El diablo viste de Prada 2 se consolida así como un evento cinematográfico y cultural del año, disponible para ver en Disney+ este verano.

El lanzamiento coincide con el décimo aniversario de la ficción estrenada en 2016. Esta nueva entrega consta de 12 episodios y vuelve a contar con Karol Sevilla como Luna Valente, junto a Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Carolina Kopelioff, Malena Ratner y Gastón Vietto. Además, la temporada tiene la participación especial de Agustín Bernasconi.

Según explicó Disney en su nota de prensa, la nueva producción “da continuidad a la historia de Luna” y presenta “reversiones de las canciones que el público ya ama, temas inéditos, la incorporación de nuevos personajes y aventuras”.

El camino de Luna antes de su regreso

La historia de Soy Luna comenzó en 2016 con Luna Valente, una joven mexicana apasionada por el patinaje que vivía en Cancún junto a sus padres adoptivos. Su vida cambió cuando Sharon Benson, una empresaria argentina, compró la mansión donde trabajaban sus padres y llegó al lugar junto a su ahijada Ámbar y Matteo, el novio de esta última.

Tras mudarse a Buenos Aires, Luna ingresó al Blake South College y encontró en el Jam & Roller un espacio para desarrollar su talento sobre ruedas y su pasión por la música. En ese lugar conoció nuevos amigos, participó en competencias y quedó en medio de un conflicto con Ámbar, quien se convirtió en una de sus principales rivales.

La primera etapa de la serie también insertó un triángulo amoroso entre Luna, Simón y Matteo. Mientras Simón era su mejor amigo desde la infancia, Matteo mantenía una relación con Ámbar.

Uno de los momentos más importantes llegó en la segunda temporada, cuando Luna descubrió que su verdadera identidad era Sol Benson, la sobrina de Sharon y heredera de la fortuna familiar. La protagonista reconstruyó los recuerdos de su pasado y reveló la verdad sobre su origen, mientras Sharon intentaba ocultar la identidad de Luna para quedarse con la herencia.

En la tercera temporada, Luna aceptó su nueva realidad como Sol Benson y regresó a la mansión familiar. Además, logró una reconciliación con Ámbar, quien cambió su actitud después de años de enfrentamientos. Al final de la historia original, Luna heredó la fortuna de los Benson, decidió compartirla con Ámbar y confirmó que el patinaje era el camino que quería seguir.

¿De qué trata la cuarta temporada de ‘Soy Luna’?

En Soy Luna: Volver a Rodar, la protagonista enfrenta una nueva etapa de su vida como patinadora profesional. Sin embargo, un accidente en la pista cambia sus planes y la obliga a regresar al Jam & Roller, el lugar donde vivió algunos de los momentos más importantes de su historia.

La nueva temporada muestra a Luna frente a nuevos desafíos personales y profesionales mientras intenta recuperar la confianza después de la lesión. En su regreso al antiguo escenario, volverá a encontrarse con sus amigos, enfrentará conflictos inesperados y descubrirá que una nueva amenaza busca interferir en su camino.

La producción vuelve a contar con el equipo creativo de las temporadas anteriores. Martín Sabán (Violetta) está a cargo de la dirección y Marina Efron (Violetta, Siempre fui yo, La partitura secreta) firma los guiones. La serie fue realizada por Metrovisión y tuvo rodaje en distintas locaciones de Argentina y México.

La música también será parte central del regreso. El álbum oficial incluye nuevas versiones de canciones conocidas por los seguidores y temas inéditos, entre ellos “De ti me enamoré”, una canción que recupera la historia romántica entre Luna, Matteo y Simón.

El regreso de la serie también llegará a los escenarios con Soy Luna Tour, El Último Show, una gira internacional que comenzará en octubre de 2026. Karol Sevilla, Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Malena Ratner y Gastón Vietto participarán del espectáculo, que reunirá canciones clásicas de la serie y nuevos temas de la temporada. El recorrido incluye presentaciones en Argentina, México, Colombia, Costa Rica, República Dominicana, Bolivia, Ecuador, Uruguay, Perú y Chile.

La película animada Toy Story 5 ha alcanzado más de 960 millones de dólares en recaudación mundial al 24 de julio de 2026, convirtiéndose en el mayor estreno de Pixar y Disney en el año. Este desempeño financiero incide directamente en la industria del entretenimiento, estudios de animación y cadenas de exhibición a nivel internacional, pues refleja la capacidad de convocatoria y el impacto económico de la franquicia, según portales especializados y medios de seguimiento financiero.

De acuerdo con datos publicados por Koimoi y confirmados por Box Office Mojo, el largometraje sumó 962,3 millones de dólares en todo el mundo, con 434,6 millones provenientes de Estados Unidos y 527,6 millones de los mercados internacionales. Estas cifras fueron actualizadas el 23 y 24 de julio de 2026 y coinciden con el seguimiento realizado por medios internacionales y sitios de estadísticas de taquilla.

La saga Toy Story es uno de los activos más relevantes de Pixar y Disney desde el estreno de la primera película en 1995. El lanzamiento de Toy Story 5 se produjo durante el verano boreal de 2026 y fue precedido por una campaña internacional de distribución y promoción, en un contexto de recuperación para la industria cinematográfica tras la consolidación de nuevas dinámicas de consumo audiovisual y exhibición, según reportes de Box Office Mojo y The Numbers.

¿Cuánto ha recaudado Toy Story 5 a nivel mundial hasta el 24 de julio de 2026?

De acuerdo con la última actualización publicada por Koimoi, Toy Story 5 ha alcanzado una recaudación global de 962,3 millones de dólares. El desglose detallado por regiones indica que 434,6 millones corresponden a la taquilla doméstica en Estados Unidos, mientras que 527,6 millones provienen de mercados internacionales. Box Office Mojo presenta cifras similares, apenas por debajo de los 963 millones, mientras que The Numbers mantiene su reporte en 764 millones, lo que sugiere diferencias de actualización entre plataformas.

El portal japonés Livedoor News, citando datos de Box Office Mojo, informó que la película superó los 957 millones a nivel mundial el 21 de julio de 2026, lo que confirma la tendencia de crecimiento sostenido en las cifras de taquilla internacional.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en Estados Unidos?

En el mercado estadounidense, Toy Story 5 registró 434,6 millones de dólares en recaudación, de acuerdo con Koimoi y Box Office Mojo. Este resultado posiciona a la película como el estreno animado más exitoso del año en Estados Unidos y uno de los lanzamientos con mayor permanencia en cartelera. El sitio ZoomBangla informó que la cinta tuvo un estreno doméstico de 160 millones de dólares, el inicio más alto para una producción animada en 2026.

Durante las primeras cinco semanas, Toy Story 5 mantuvo su presencia en los primeros puestos de la taquilla, superando los registros de otras entregas de la saga y de títulos recientes del estudio. Según The Numbers, la película se mantuvo en más de 3.500 salas a lo largo del país, lo que permitió sostener el ritmo de ingresos y consolidar la asistencia familiar durante la temporada de vacaciones escolares.

El éxito en Estados Unidos se atribuye a la estrategia de estreno en fechas clave, la distribución en grandes cadenas de exhibición y la expectativa generada en torno al regreso de los personajes clásicos de la franquicia. La recaudación doméstica contribuyó de forma significativa al total global y reforzó la posición de Pixar y Disney en el mercado estadounidense.

¿Por qué hay diferencias entre las cifras de recaudación de Toy Story 5 según las fuentes?

Las plataformas de seguimiento financiero como Box Office Mojo, Koimoi y The Numbers obtienen sus cifras a partir de reportes diarios de los exhibidores y distribuidoras de cine. Las diferencias pueden deberse a varios factores, entre ellos el momento del corte diario, la inclusión o exclusión de mercados secundarios y la conversión de divisas. Por ejemplo, Koimoi y Box Office Mojo muestran datos actualizados al 23 y 24 de julio de 2026, mientras que The Numbers reporta cifras hasta el 22 de julio.

Los portales especializados actualizan sus cifras varias veces por semana, lo que puede generar pequeñas variaciones en los montos reportados. No obstante, todas las fuentes coinciden en que Toy Story 5 es el estreno animado con mayor recaudación en 2026 y uno de los títulos más exitosos en la historia de Pixar.

¿Qué posición ocupa Toy Story 5 entre las películas más taquilleras de Pixar y Disney?

Con la recaudación actual, Toy Story 5 supera ampliamente a otros estrenos de Pixar en 2026 y se posiciona como el mayor éxito del estudio en el año. Según Koimoi y Box Office Mojo, la recaudación global ya ha superado la marca de Toy Story 4, que había alcanzado 1.073 millones de dólares en 2019, si se mantiene la tendencia de ventas y la permanencia en cartelera.

El filme también lidera el ranking de estrenos animados más exitosos en Estados Unidos y figura entre los títulos que más rápido han alcanzado cifras superiores a los 950 millones de dólares en la historia reciente del cine animado, de acuerdo con el análisis de The Numbers y el seguimiento de Box Office Mojo.

¿Qué factores explican el éxito de Toy Story 5 en taquilla?

El desempeño de Toy Story 5 se explica por una combinación de factores estratégicos y contextuales. La consolidación de la marca Toy Story, la estrategia global de distribución de Disney, el lanzamiento en temporada alta de verano y el interés de audiencias familiares en mercados clave como Estados Unidos, Europa y Asia han impulsado la venta de boletos.

El sitio ZoomBangla informó que la película registró un estreno doméstico de 160 millones de dólares, el mayor para una producción animada en 2026. En el mercado internacional, la recaudación inicial fue de 152 millones, lo que refleja la capacidad de convocatoria de la franquicia. La estrategia de Disney priorizó el lanzamiento simultáneo en múltiples territorios y una fuerte presencia en plataformas publicitarias y medios digitales, según lo reportado por Box Office Mojo.

¿Qué cifras específicas aportan las fuentes internacionales sobre Toy Story 5?

• Koimoi: 434,6 millones de dólares en Estados Unidos, 527,6 millones fuera de ese país, total global de 962,3 millones (23 de julio de 2026).
• Box Office Mojo: cifra global estimada en 963 millones, con actualización al 24 de julio de 2026.
• The Numbers: mantiene un reporte de 764 millones, actualizado al 22 de julio de 2026.
• Livedoor News: informa que se superaron los 957 millones globalmente al 21 de julio de 2026, citando datos de Box Office Mojo.

Estas cifras pueden variar levemente según el corte y la metodología de cada plataforma, pero todas reflejan el alto impacto financiero de la película en la industria.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otros estrenos recientes del cine animado?

Toy Story 5 lidera la taquilla de 2026 en el segmento animado y se posiciona como uno de los títulos con mayor recaudación en los últimos cinco años, de acuerdo con Koimoi y Box Office Mojo. La película supera a otros éxitos recientes como Super Mario Galaxy Movie y Michael, que también figuran entre los estrenos más vistos del año según el ranking de Box Office Mojo.

El desempeño de Toy Story 5 se suma a la tendencia de reactivación de la industria tras los desafíos derivados de la pandemia y la transformación de los hábitos de consumo audiovisual. El estreno simultáneo en salas y la apuesta por franquicias reconocidas han favorecido el regreso masivo del público a los cines.

¿Qué impacto tiene este resultado para la industria cinematográfica?

El éxito de Toy Story 5 representa un impulso clave para la industria cinematográfica internacional en 2026, según lo reportado por Box Office Mojo y Koimoi. El volumen de espectadores movilizados y los ingresos generados benefician a los estudios de animación, cadenas de exhibición y filiales de distribución global, en un contexto de recuperación de la actividad tras años de incertidumbre por la pandemia y el avance del streaming.

La película refuerza la estrategia de estrenos globales simultáneos y confirma el rol de las franquicias como motor principal de la reactivación financiera para los estudios. Según The Numbers, la permanencia de Toy Story 5 en los primeros puestos de taquilla influye en la competitividad del mercado animado y en la planificación de futuros lanzamientos de grandes estudios.

¿Qué se espera para la recaudación de Toy Story 5 en las próximas semanas?

Toy Story 5 continúa disponible en las principales cadenas de exhibición de Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina. Los portales de box office proyectan que la película podría consolidar su posición entre los títulos animados más taquilleros de la historia reciente, especialmente durante la temporada de vacaciones escolares que incrementa la afluencia a las salas.

La evolución de la taquilla será monitoreada por fuentes especializadas como Box Office Mojo, Koimoi y The Numbers, que actualizarán sus cifras en función de los reportes diarios de exhibidores y estudios. La performance comercial de Toy Story 5 servirá de referencia para el diseño de estrategias de distribución y promoción en futuros estrenos animados.

¿Qué dicen las fuentes y portales especializados sobre Toy Story 5?

Según Koimoi, “Toy Story 5 ya ha superado los 962 millones de dólares en recaudación mundial, liderando la taquilla animada en 2026”. Por su parte, Box Office Mojo destaca el ritmo sostenido de crecimiento y la expectativa de que la película alcance nuevos hitos en las próximas semanas. The Numbers subraya que la presencia de la saga Toy Story en cartelera refuerza el valor de las franquicias para el sector.

Livedoor News indica que el comportamiento de Toy Story 5 en el mercado japonés y asiático ha sido clave para superar los 950 millones de dólares en tiempo récord, según datos de Box Office Mojo. ZoomBangla resalta que la película tuvo el mayor estreno doméstico de 2026, lo que contribuyó a la aceleración de la recaudación global.

¿Cómo afecta el éxito de Toy Story 5 a los estudios y al público?

La recaudación de Toy Story 5 impacta positivamente en los ingresos de los estudios de animación, las cadenas de exhibición y los mercados asociados de productos derivados. El resultado financiero podría influir en las decisiones sobre futuras secuelas o spin-offs de la franquicia, así como en la estrategia de lanzamientos globales simultáneos. Para el público, la permanencia de la película en cartelera amplía la oferta de entretenimiento familiar durante el verano y marca una tendencia de regreso a las salas de cine, de acuerdo con el seguimiento de Box Office Mojo y Koimoi.

Tom Holland regresa en el papel de un Peter Parker más aislado, mientras que Zendaya, Jacob Batalon y Mark Ruffalo también retoman sus personajes, aportando nuevas dimensiones a la historia. En esta ocasión, Spider-Man se enfrenta a un Hulk completamente fuera de control y a una amenaza inédita encarnada por Sadie Sink.

Un Peter Parker solitario y en transformación

Brand New Day da continuidad a la historia aproximadamente nueve meses después de Sin camino a casa, aunque la mayor parte de la narración se desarrolla cuatro años después del último evento multiversal. Durante este tiempo, Peter ha decidido mantenerse en las sombras, distanciado de MJ y Ned, quienes, debido al hechizo de Doctor Strange, ya no recuerdan su verdadera identidad, medida tomada para salvaguardarlos de posibles peligros. Este aislamiento refuerza su sentido de responsabilidad como héroe, pero también lo sumerge en una vida solitaria y austera, dedicada por completo a su labor como Spider-Man mientras enfrenta las dificultades cotidianas para sobrevivir.

No obstante, este periodo de soledad está marcado por una transformación física inesperada. El tráiler final muestra que Peter empieza a desarrollar nuevas habilidades, como la aparición de telarañas orgánicas, lo que implica posibles consecuencias en su identidad y habilidades. Estas novedades generan incertidumbre incluso para alguien acostumbrado a lo extraordinario. La película propone al espectador un acercamiento tanto a la vulnerabilidad emocional de Peter como a los desafíos biológicos que lo afectan, aportando una dimensión humana a la narrativa característica de Marvel.

Hulk fuera de control: caos en la ciudad

La irrupción de un Hulk descontrolado presenta una amenaza sin antecedentes en el universo de Spider-Man. El tráiler más reciente dedica varios de sus momentos más intensos al enfrentamiento entre Peter Parker y Bruce Banner en su forma monstruosa. A diferencia de interacciones previas en el MCU, esta vez Hulk actúa como una fuerza únicamente destructiva, arrasando edificios y arrojando a Spider-Man contra el suelo con brutalidad.

El caos ocasionado por Hulk no obedece a su habitual deseo de proteger a los inocentes o salvar la ciudad. Más bien, las imágenes sugieren que Banner ha perdido totalmente el control de sí mismo, posiblemente a causa de alguna manipulación mental, aunque no se han confirmado oficialmente los detalles. Esto plantea serias dudas acerca de la estabilidad de los Avengers y la seguridad de los civiles si los propios héroes pueden convertirse en amenazas. Para los ciudadanos de Nueva York, la visión de Hulk destruyendo su entorno incrementa el temor y la desconfianza hacia quienes deberían protegerlos.

A la par, el deterioro físico que sufre Peter se combina con la responsabilidad de detener a uno de sus aliados más poderosos, llevando la historia a una confrontación de consecuencias imprevisibles tanto para él como para la ciudad. Esta mezcla de elementos garantiza que la película no solo descanse en los efectos visuales, sino que profundice en los dilemas morales presentes en el MCU.

La amenaza de La Mano y el personaje de Sadie Sink

Mientras Spider-Man trata de gestionar su crisis personal y la amenaza de Hulk, la organización criminal conocida como La Mano surge como otro adversario formidable. El tráiler muestra escenas de combates intensos entre Peter Parker y miembros de esta organización, tradicionalmente asociada con historias de ninjas y crimen organizado en Marvel. La presencia de La Mano añade un nivel adicional de conspiración y peligro, obligando a Peter a repartir su atención y recursos entre varias amenazas.

Uno de los aspectos más discutidos del avance es la aparición de un nuevo antagonista, cuyo nombre aún no ha sido revelado, interpretado por Sadie Sink. La presentación de este personaje ha despertado el interés de los seguidores del MCU, que especulan acerca de sus motivaciones y relevancia. El tráiler sugiere que este personaje tendrá un papel importante en la trama, pero no revela detalles específicos, aumentando el interés previo al estreno.

La combinación de amenazas externas y conflictos personales sitúa a Peter Parker en el centro de una situación insostenible, obligándolo a buscar nuevas alianzas o a hacer sacrificios mayores para proteger a una ciudad al borde del colapso.