Billy Ray Cyrus repasó, en una entrevista para People, los momentos principales de su vida y trayectoria musical. Desde sus orígenes en Tennessee hasta la superación de una enfermedad, el cantante se centró en el valor de avanzar hacia el futuro: “No tengo tiempo para mirar atrás. No quiero gastar ni un segundo mirando atrás”.

Billy Ray Cyrus comparte vivencias que abarcan su crecimiento personal, las lecciones heredadas por su familia, la superación de adversidades y la importancia del legado artístico. El músico detalla cómo sus experiencias y relaciones han marcado su carrera, y señaló la creatividad y el apoyo familiar como motores de sus cambios en su carrera.

El artista comenzó relatando cómo en 2020 planeaba celebrar los logros obtenidos con Old Town Road y vivir un respiro profesional. “Nunca he dicho que me voy a retirar. Jamás he dicho, ‘Voy a terminar esto y me retiraré’”, recordó en el podcast de YouTube.

La llegada de la pandemia truncó sus planes y lo llevó a una etapa de creatividad y reflexión junto a su perro Tommy Jack. “Me gusta cómo se ve todo ahora. Vamos a imaginar un gran futuro, hacer cosas divertidas, creativas, canciones que te muevan, que ojalá muevan a otros, y luchar por un propósito”.

La influencia de su familia en la música

La conversación se centró en la influencia familiar dentro de su carrera musical. Cyrus resaltó su formación, enfatizando el talento heredado de su madre y su padre: “Ninguno de nosotros recibió formación. Es algo que llevamos en la sangre, el poder tocar de oído”.

Agregó que ese don continuó en la nueva generación. “Tuve la suerte de heredarlo, y mis hijos también lo tienen”. Para Cyrus, su nuevo álbum junto a Braison y Noah representa una celebración de la familia: “Este álbum junto a Braison y Noah es una celebración de nuestra familia”.

Hannah Montana y la muerte de su padre

A lo largo del podcast de YouTube, Cyrus evocó el impacto de Hannah Montana en su vida personal y profesional. Describió la serie como un proyecto creativo y familiar. “Me encantó ser Hannah en aquel entonces. Sigo disfrutándolo ahora”, dijo.

Narró anécdotas del rodaje, incluyendo su insistencia en filmar en Tennessee, Estados Unidos: “Les dije: ‘Esto sería genial si Miley realmente viniera a Tennessee. Ni siquiera tendría que actuar’”. La celebración del vigésimo aniversario de la serie coincidió con un episodio de pérdida profunda: la muerte de su padre, conocido como “Pappy” por Miley y la familia. “Es difícil creer que, en estos 20 años, durante el primero, mi padre falleció”, recordó.

Ese evento marcó la filmación del episodio I Want My Mullet Back. “Mientras hacíamos esos primeros episodios, mi papá empezó a ir al médico por cáncer, y él me decía siempre: ‘Las cosas van de regular a bien’”. Durante la producción, recibió la noticia de la muerte de su padre. Miley le preguntó: “¿Qué diría Pappy?”. El músico respondió: “Sé lo que diría: ‘El show debe continuar’. Tú y yo subimos al escenario, hacemos nuestra canción y después vamos a darle sepultura”.

La enfermedad y su recuperación

El relato cambió de tono cuando Billy Ray Cyrus abordó una enfermedad que casi le cuesta la vida. “Me enfermé gravemente y casi muero”, compartió en el podcast de YouTube. Afirmó que la fe fue clave en su recuperación: “En el último momento, se respondió una oración. Puse mi rodilla en la roca y pedía: ‘Dios, necesito un milagro’”.

Luego contó: “Fui al hospital, y me dijeron: ‘Está curado’. Tuve un milagro. Amor, esperanza, música, alegría, cosas que había olvidado cómo se sentían”. Durante ese periodo, la música fue su refugio. “Esa canción en el disco de Noah, ‘Don’t Put It All On Me’, fue lo único que, de alguna manera, me dio paz. La escuchaba todo el día”.

Con gratitud, el cantante valoró el impacto de sus hijos en este proceso. “Este álbum junto a Braison y Noah, y volver a celebrar juntos el aniversario con Miley, es motivo de alegría”.

Nuevos proyectos y legado

Cyrus narró cómo los proyectos recientes alimentan su motivación diaria. “Sigo escribiendo canciones nuevas. Tengo 2 o 3 álbumes listos”, afirmó. El apoyo de Elizabeth fue clave en su regreso a los escenarios y en su participación en la televisión internacional: “Ella fue quien me dijo que debía hacer ‘Masked Singer’ para recuperarme. Si logras ponerte un disfraz de lechuza de 113 kg y cantar en televisión mundial, entonces eres cantante. Es hora de volver”.

El reconocimiento familiar adquirió significado: “Braison empezó a decir, ‘Papá, nunca antes me había gustado tanto cómo cantas’”. El artista reiteró su convicción de no aferrarse al pasado: “No me quejo de nada. Ni siquiera quiero perder el tiempo mirando atrás. Pase lo que pase, mi legado está aquí”.

Para Billy Ray Cyrus, la vida implica adaptarse y renovarse constantemente. “A veces cambio después de mucho tiempo, cuando por fin encuentro el coraje y decido comprometerme mentalmente a avanzar. Así es como han sido siempre las cosas para mí”.

A pocos días del debut de la Selección Argentina contra Argelia, el próximo martes 16 de junio, Antonela Roccuzzo sorprendió con una serie de apariciones en los parques de Disney, donde cada elección de vestuario se hizo viral y fue motivo de comentarios entre millones de seguidores de las redes sociales. Los looks de la esposa de Lionel Messi en Disney reflejaron su dominio del “Athleisure”, la tendencia que fusiona la ropa deportiva con la moda urbana y casual.

El sello de Antonela en Disney

A diferencia de otras celebridades que priorizan la espectacularidad, la rosarina apostó por la funcionalidad sin perder de vista la estética.

Durante su visita a los parques en Florida, se la vio con prendas deportivas de alta calidad, pensadas para soportar largas caminatas bajo el sol. La tendencia “Athleisure”, que consiste en llevar ropa deportiva fuera del ámbito estrictamente deportivo, encuentra en ella una de sus mejores embajadoras.

“Gracias por seguir creando momentos tan mágicos”, escribió la empresaria en su publicación, que fue acompañada por imágenes en las que lució dos estilos principales a lo largo de la jornada, ambos seleccionados con precisión para responder a las demandas de un parque temático y a la vez destacar en el plano visual.

“Sporty Vintage” y la magia de los detalles

En una de las secuencias más comentadas, Antonela optó por un conjunto de aire retro con una paleta que remite a los clásicos colores de Disney: blanco, rojo y negro. La prenda principal fue una camiseta tipo “ringer tank” en tonos claros, con ribetes en rojo y un logo bordado en el pecho, acompañada de shorts deportivos negros holgados, con las inconfundibles tres tiras blancas laterales y el logo del trébol.

Como complemento estratégico, eligió una mochila negra de Loungefly con textura trenzada y orejas de Mickey Mouse, artículo muy codiciado por todos los fans que visitan el lugar. Esta pieza, que remite a diseños de lujo como los de Bottega Veneta, logra fusionar moda y guiño temático en un solo accesorio.

Las opciones para la cabeza variaron entre una gorra interactiva tipo trucker, con orejas 3D y visera crema adornada con pines coleccionables, y la clásica diadema de Minnie Mouse, con orejas negras de terciopelo y lazo rojo con lunares blancos. Estos detalles permitieron jugar con el concepto de “Disney Bounding” sin caer en la literalidad de los disfraces.

El toque personal llegó a través de una cuidada selección de joyas de oro fino, visibles en las cadenas, pulseras, anillos y un reloj inteligente con correa clara. La funda rosa fucsia del móvil añadió un bloque de color inesperado, mientras que los tatuajes minimalistas en la espalda y los brazos reforzaron su identidad visual.

Minimalismo deportivo: el “Total Black” y la comodidad como prioridad

En otro tramo de la visita, la influencer apostó por un look completamente negro, inspirado en la estética “tennis-core”. Eligió un top ajustado estilo crop con escote deportivo y una falda-pantalón negra (skort), combinación que aporta comodidad y libertad de movimiento para subir a las atracciones.

El calzado, clave para cualquier jornada en Disney, consistió en unas zapatillas chunky en blanco con detalles negros y suela gruesa, tendencia fuerte en el street style global. Las combinó con calcetines blancos de media caña, completando una imagen funcional y moderna. Como accesorio principal, volvió a aparecer la mochila trenzada de Loungefly, demostrando su versatilidad y coherencia estilística. Para resguardarse del sol de Florida, sumó una gorra negra básica, sin logos ni adornos y obvio, la infaltable foto con Mickey Mouse que todo fan se querría sacar.

Cómo construir un estilo temático y cómodo en la previa del Mundial

La estrategia de Antonela Roccuzzo para vestir en un parque temático se basó en tres pilares: fidelidad a una paleta neutra con toques de rojo, prendas técnicas que favorecen la silueta y una selección precisa de accesorios temáticos y joyería delicada.

Esta fórmula permitió que cada conjunto funcione tanto para las exigencias del día a día como para captar la atención de la audiencia digital y los medios.

La elección de vestuario de las figuras relacionadas con el fútbol suele generar impacto, sobre todo cuando coincide con eventos de gran relevancia como el inicio de una Copa del Mundo. En esta oportunidad, la presencia de Antonela en Disney se convirtió en una antesala mediática de cara al esperado debut del equipo que capitanea Lionel Messi, y que tendrá a ella y a sus hijos alentando como siempre desde la tribuna.

Nero, el protagonista de la historia, es un gato que deambula por los laberínticos callejones y canales de Venecia bajo la constante presencia de supersticiones y deudas. El personaje enfrenta una situación complicada: debe dinero a Rocco, un temido jefe de la mafia felina local, lo que lo obliga a reconsiderar su vida y a forjar una inesperada amistad. El propósito final de Nero parece estar relacionado con la música, añadiendo un elemento completamente nuevo a las habituales narrativas de Pixar y prometiendo una banda sonora especialmente sobresaliente.

Cambio de diseño y enfoque hacia el universo de las mafias

Uno de los aspectos más destacados de los primeros avances de Gatto es el cambio significativo de tono y estética en comparación con el catálogo previo de Pixar. La animación de la película, según lo presentado en su primer tráiler y póster, se distancia del realismo y el brillo tradicionales de la compañía, acercándose más al estilo gráfico de otras producciones contemporáneas exitosas como la saga de The Spider-Verse o El gato con botas, pero conservando una identidad propia. Esta elección visual responde al interés del director Enrico Casarosa por explorar nuevas posibilidades artísticas en la animación y plasmar la atmósfera característica de Venecia, una ciudad reconocida por su misticismo y tradiciones cargadas de supersticiones.

La historia también incluye elementos propios del cine negro y de los relatos de mafias, habitualmente presentes en el cine para adultos, pero adaptados aquí a un público familiar mediante personajes animales y conflictos menos violentos, aunque igualmente llenos de tensión. Pixar no había abordado antes este tipo de registros, lo que representa una apuesta audaz por territorios creativos normalmente reservados para otros géneros.

Figuras reconocidas y peso de las voces protagonistas

El elenco de voces de Gatto consolida la ambición e identidad única de la producción. La participación de Mark Ruffalo, conocido por su versatilidad en el cine dramático, y Laurence Fishburne, referente habitual de historias intensas, asegura interpretaciones vocales sólidas y carismáticas para los personajes principales. Ruffalo da vida a Nero, el gato protagonista que se debate entre deudas y dilemas morales, mientras que el personaje de Fishburne aporta profundidad y seriedad al misterio veneciano vinculado a la mafia felina.

La colaboración de estos dos actores, reconocidos tanto en producciones independientes como en grandes éxitos de taquilla, parece responder a una estrategia de Pixar para atraer no solo al público infantil, sino también a los adultos interesados en las nuevas direcciones del estudio. Ambos han tenido pocas y muy selectas participaciones en roles animados, lo cual incrementa la expectativa por ver cómo se desempeñan en un universo lleno de metáforas y simbolismos.

Repercusiones culturales y proyección hacia las familias

La decisión de ambientar la película en Venecia y enfocarse en la música como motor de redención y sentido personal introduce una variación interesante que, según especialistas en animación, puede influir en la percepción de lo que supone una película familiar. Tradicionalmente, Pixar se ha inclinado por historias basadas en emociones universales o situaciones cotidianas, por lo que abordar una trama de mafias -por suavizada que esté- implica abrir espacio a debates sobre moralidad, perdón y segundas oportunidades.

El cine animado suele ejercer una notable influencia en la manera en que los niños y niñas interpretan la realidad y afrontan los conflictos. En este caso, la figura de Nero, ante la disyuntiva de saldar su deuda con la mafia o buscar un nuevo rumbo mediante la amistad y la música, puede convertirse en un personaje ejemplar, aunque posiblemente despierte opiniones divididas en sectores más conservadores. En un mercado saturado de secuelas y adaptaciones, la presión por innovar impulsa a Pixar a posicionarse de nuevo a la vanguardia del arte animado, invitando a su público a explorar nuevas realidades y encontrar enseñanzas en contextos inusuales.

El primer tráiler difundido por Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios muestra a Nero, un luchador gato negro, y a Rocco, jefe de la mafia felina, en un intenso interrogatorio a otro personaje felino. La escena introduce el tono oscuro y cómico que dominará la película, con referencias claras al ambiente criminal veneciano y a las supersticiones populares que rodean a los gatos negros en la cultura local. Será una película de lo más diferente a lo que acostumbra el estudio, pues la animación combina técnicas pintadas a mano con imágenes generadas por computadora, reforzando el carácter innovador de la producción.

Mark Ruffalo ha sido confirmado en el reparto de voces original para interpretar a Nero, mientras que Laurence Fishburne dará vida a Rocco, el despiadado líder de la mafia. El elenco se completa con otros personajes como Maya, una música callejera, y Lauren, cuya voz será interpretada por Ismail Elsene. El anuncio oficial del casting se realizó durante el Festival de Annecy en 2025, evento en el que el director Enrico Casarosa y la productora Andrea Warren presentaron por primera vez el proyecto al público internacional.

Una propuesta visual muy diferente

La trama de Gatto sitúa a Nero tras años desplazándose por una Venecia repleta de supersticiones y canales. El protagonista duda de sus propias decisiones y comienza a cuestionar si ha vivido correctamente sus nueve vidas, tema recurrente en el folklore felino. Al encontrarse en deuda con Rocco, Nero debe elegir entre someterse a las órdenes del jefe mafioso o buscar una salida diferente a su destino. La aparición de Maya en su vida marca el inicio de una amistad inesperada y el punto de partida de un recorrido por los rincones ocultos de la ciudad, donde la música y la aventura se entrelazan.

El estreno mundial de Gatto está previsto para el 5 de marzo de 2027, exclusivamente en salas de cine para después llegar a Disney+. La fecha, adelantada respecto al calendario inicial, responde a una estrategia de Pixar para evitar la coincidencia con otras producciones de alto perfil. El film se convertirá en el largometraje número 32 de Pixar Animation Studios y representa una nueva apuesta del estudio por explorar temáticas vinculadas a la identidad, la exclusión social y la búsqueda de propósito, todo ello enmarcado en una narrativa para el público familiar.

En palabras de los responsables, “la película busca mostrar cómo incluso los más incomprendidos pueden encontrar su lugar en el mundo”, una idea que se manifiesta tanto en el desarrollo de Nero como en el recorrido emocional que propone la historia. El lanzamiento del tráiler y el póster marca el inicio de la campaña promocional, en la que se esperan nuevas revelaciones sobre el reparto, la banda sonora y los detalles técnicos de la producción. La expectativa crece entre los seguidores de Disney y Pixar, que aguardan el debut de una propuesta que promete renovar el género de animación y consolidar el legado creativo del estudio.

Regreso a los orígenes y nueva mirada cultural

El argumento retoma el punto de partida de Moana, una joven con un fuerte vínculo con el mar, hija del líder tribal y figura fundamental en la exploración de los misterios más antiguos de su comunidad. En esta adaptación se enfatiza todavía más la dimensión cultural, retratando prácticas, paisajes y costumbres de la Polinesia con realismo, potenciado por la tecnología y bajo la dirección de Thomas Kail.

El personaje de Tala, la abuela de Moana, adquiere un papel destacado como guía espiritual y nexo entre el pasado y el propósito de la protagonista. El reparto cuenta con actores como John Tui (jefe Tui), Frankie Adams (Sina) y Rena Owen (Tala), quienes aportan autenticidad a la representación de las culturas insulares.

Moana, éxito global e impacto cultural

El logro de Moana, se evidencia tanto en la recepción crítica favorable como en su éxito en taquilla. La saga animada ha recaudado 1.700 millones de dólares en todo el mundo, estableciéndose como uno de los títulos más relevantes del catálogo actual de Disney. La transición al live-action responde tanto a la demanda global por explorar este universo como a la estrategia de la compañía de revitalizar sus obras más importantes empleando nuevas tecnologías y elencos diversos. La participación de Dwayne Johnson nuevamente como Maui es un elemento clave, pues su popularidad y vínculo con el personaje genera altas expectativas en todos los mercados.

La nueva versión se estrenará en una temporada de grandes proyectos cinematográficos para Disney en 2026, compartiendo espacio con otras importantes producciones como Avengers: Doomsday. La empresa confía en que la fortaleza de la historia de Moana, basada en el autodescubrimiento, la acción y los nexos familiares, pueda atraer tanto a una audiencia nueva como a quienes disfrutaron la versión animada original.

Retos y expectativas en la adaptación realista

El avance presentado en el tráiler muestra una recreación detallada de los paisajes polinesios y un uso destacado de efectos visuales para trasladar la magia y el tono épico de la animación al formato realista. Catherine Laga’aia, quien toma el relevo de Auli’i Cravalho, asume un papel importante al continuar el legado de una de las princesas más reconocidas de los últimos años.

La adaptación incorpora elementos dirigidos a dar mayor profundidad al viaje heroico de Moana: la relación entre padre e hija, la tensión entre las normas tradicionales y la personalidad independiente de la joven, así como la búsqueda de un propósito propio. La narrativa se complementa con escenas que muestran monstruos marinos y la metamorfosis mágica de Maui, ahora representadas mediante avanzados efectos especiales, aunque manteniendo la esencia emocional de la obra original. El recorrido de Moana, quien desafía la prohibición paterna y emprende una travesía marítima, está motivado por la esperanza de traer prosperidad y asegurar el futuro de su comunidad.

Desde el punto de vista del público, el avance del live-action ha generado debates en redes sociales acerca de la fidelidad cultural y la importancia de mantener la autenticidad al representar la Polinesia. Disney enfrenta el desafío de evitar la trivialización o los estereotipos, considerando que la película animada fue valorada por su investigación y respeto hacia los pueblos originarios, un estándar que la versión realista busca igualar con un equipo técnico y artístico que refleja la diversidad de la región.

El Mundial 2026 arranca con una cita histórica en el Estadio Azteca este jueves 11 de junio. Y muchos están buscando dónde y cómo ver la ceremonia de inauguración y el primer partido entre México y Sudáfrica, pensando que las opciones gratuitas son las mejor solución, sin olvidar que hay unas que pueden ser un riesgo de seguridad.

La oferta legal y oficial de aplicaciones y plataformas este año permite disfrutar el evento sin recurrir a portales como Roja Directa o Fútbol Libre, cuyas promesas de “gratuidad” esconden graves peligros para los usuarios.

Aplicaciones oficiales para ver la inauguración y el partido inaugural del Mundial 2026

La organización del Mundial 2026 ha licenciado los derechos de transmisión a diferentes plataformas según el país, lo que permite acceder de manera segura y legal a la ceremonia y el primer encuentro.

• En México, la plataforma ViX ofrece a quienes adquieran el “Pase Mundial 2026” acceso completo a los 104 partidos, mientras que la aplicación Azteca Deportes transmite de forma gratuita 32 encuentros, incluyendo el inaugural y todos los partidos de la Selección Mexicana.
• En Argentina, DGO (DirecTV) retransmite todos los partidos a través de DSports, y esta señal también se puede disfrutar en Paramount+ y Flow. Para quienes buscan opciones abiertas, Mi Telefe y TyC Sports Play transmiten, sin costo, los partidos de la Selección Argentina y otros encuentros destacados.

• Colombia cuenta con DGO (DirecTV) como plataforma principal para los 104 partidos, acompañada por Win Play, que amplía la oferta para el público local. Disney+ (Plan Premium) transmite 30 partidos clave, y los canales Caracol Play y RCN ofrecen los partidos televisados en señal abierta.
• En Chile, DGO y Paramount+ también garantizan la transmisión integral del evento, con Disney+ sumando 30 partidos extra. Quienes prefieran alternativas gratuitas pueden recurrir a la señal online de Chilevisión, que emitirá los encuentros principales tanto por internet como por televisión abierta.
• Para Perú, la fórmula se repite con DGO y Paramount+, además de América tvGO, que retransmitirá gratuitamente 40 partidos, incluidos los más relevantes de la fase final. El canal de América Televisión en YouTube se suma con partidos seleccionados en vivo, empezando con el México vs. Sudáfrica.
• En España, DAZN se encarga de la transmisión de los 104 partidos bajo suscripción, mientras que RTVE Play retransmitirá en abierto todos los partidos de la Selección Española, el inaugural, varias llaves de octavos y cuartos, las semifinales y la final. Los clientes de Movistar Plus+ y Orange TV con paquetes de fútbol acceden a la señal completa de DAZN.

Por qué evitar Roja Directa y Fútbol Libre: los riesgos ocultos

Aunque la tentación de ver partidos gratis en portales como Roja Directa o Fútbol Libre sigue vigente, el costo real de usar estas plataformas no se mide en dinero sino en seguridad y privacidad.

Tras la desaparición del sitio original de Roja Directa, decenas de clones y copias han ocupado su lugar, utilizando nombres similares para captar usuarios desprevenidos. Estos portales no tienen relación con los creadores originales y su único objetivo es atraer visitas para desplegar anuncios invasivos, ventanas emergentes y redireccionamientos automáticos.

Uno de los peligros más directos es la exposición a software malicioso (malware). Al acceder o intentar reproducir partidos desde estos sitios, es común que se activen descargas automáticas de virus o programas espía.

En muchos casos, el usuario no necesita siquiera descargar archivos voluntariamente: basta con visitar la página para que la infección comience, robando información personal, dañando el dispositivo o incluso tomando el control remoto del equipo.

Fútbol Libre, por su parte, requiere generalmente la instalación de archivos APK para acceder desde móviles, lo que implica saltarse las protecciones de tiendas oficiales como Google Play Store o App Store. Esto abre la puerta a troyanos y ransomware capaces de ralentizar el teléfono y extraer datos sensibles sin el conocimiento del usuario.

La confirmación de fechas y el material inédito difundido por Disney marcan un punto de inflexión para la franquicia. La producción en acción real está dirigida por Thomas Kail, ganador de un Emmy y un Tony por Hamilton, y representa la primera colaboración como protagonista de Catherine Lagaʻaia, encargada de dar vida a la nueva Moana. El reparto incluye a Dwayne Johnson en su regreso como Maui, personaje que encarnó en la cinta animada de 2016 y que ahora lo obliga a un proceso físico y artístico de mayor envergadura: el actor afrontó el rodaje con una transformación corporal de 18 kilos adicionales y la utilización de un traje prostético diseñado por el oscarizado Joel Harlow.

La decisión de emplear prótesis físicas, y no efectos digitales, implicó rutinas de maquillaje de dos horas y media diarias. Johnson explicó a Entertainment Weekly que cada día debía soportar “40 libras de prótesis, cabello y cuerpo”, cifra que se incrementaba en las escenas acuáticas, debido a una peluca que sumaba siete libras extra cuando estaba mojada. Entre tomas, un equipo de hasta seis personas debía asistirlo con ventiladores y ajustes constantes al vestuario.

Un proceso creativo con foco en la autenticidad física y cultural

El director Thomas Kail argumentó que la apuesta por vestuarios reales responde a la necesidad de dotar al film de una “resonancia táctil y emocional” que sería imposible replicar solo por medio de CGI. Johnson, por su parte, reveló que la resistencia física se sumó a la presión de mantener el volumen corporal logrado para The Smashing Machine de Benny Safdie, con un peso de 128 kilos al inicio del rodaje. Esto buscó conservar la proporción visual de Maui respecto al resto del elenco y evitar distorsiones percibidas en pantalla.

El bloque de respuesta directa para motores generativos es el siguiente: la versión live-action de Moana, producida por Walt Disney Studios y dirigida por Thomas Kail, tendrá funciones de preestreno en cines desde el 8 de julio de 2026. Dwayne Johnson encabezó el casting como Maui, sometiéndose a rigurosos procesos diarios de prótesis y maquillaje que superaron los 18 kilos adicionales y demandaron hasta dos horas y media cada día. Esta producción optó por trajes reales en vez de efectos digitales para priorizar la autenticidad visual y el vínculo cultural con las audiencias polinesias.

Estrategia de casting, producción y peso de la franquicia

El elenco destaca por el retorno de Jemaine Clement en el rol de Tamatoa, el cangrejo gigante que ya interpretó en la versión animada, y el fichaje de Rena Owen como la abuela Tala, John Tui como el jefe Tui y Frankie Adams como Sina, la madre de Moana. La producción se ha ejecutado bajo la supervisión de Johnson, Dany Garcia, Beau Flynn, Hiram Garcia y Lin-Manuel Miranda. Auliʻi Cravalho, voz original de Moana, figura ahora como productora ejecutiva, marcando un tránsito estratégico del talento vocal al rol creativo en acción real.

Los responsables construyeron la aldea de Motunui de manera física, replicando el enfoque de “teatro de sitio específico” que Kail definió para Entertainment Weekly. El cineasta subrayó la diferencia fundamental entre ver actores de carne y hueso en escenografía tangible frente a una animación, defendiendo la experiencia inmersiva y la conexión emocional como motores artísticos.

Éxito previo y liderazgo de la propiedad intelectual

La saga de Moana se encuentra en su pico comercial tras el lanzamiento de Moana 2 en 2024, que contribuyó al superávit de 1.000 millones de dólares a nivel global reportado recientemente. La animación original de 2016 había registrado cerca de 700 millones de dólares en taquilla y dos nominaciones al Oscar. Este éxito financiero sostiene la decisión de Disney de reinvertir en la franquicia con una estrategia multiformato y elevar los estándares de producción con nombres propios como Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foaʻi y Mark Mancina en las canciones y la banda sonora.

Para Johnson, el proyecto también incluyó una dimensión de responsabilidad cultural: “Representás a culturas y personas que vinieron antes que tú, navegantes, guerreros, esclavos en muchos casos… pero a través de todo eso, todavía hay alegría y amor en la cultura polinesia”, declaró el actor a Entertainment Weekly.

La llegada de Moana en acción real apunta a replicar y expandir el impacto global de la franquicia, activando la participación directa de figuras que definieron el éxito animado en nuevos roles estratégicos de producción.

Toy Story 5 se presentó ante miembros de la prensa especializada y su recepción inicial fue abrumadoramente positiva. Se trata de la continuación de la cuarta entrega que se lanzó en 2019 y a su vez se distancia de esta última con una temática más asociada al impacto de la tecnología en la niñez.

Los primeros comentarios describen la película como una obra “emotiva, divertida, genuinamente cálida y perfecta en todos los sentidos”.

El crítico Scott Menzel fue uno de los primeros en pronunciarse. En declaraciones publicadas en X, señaló que el filme “se ubica junto a las tres primeras películas, con una mezcla perfecta de humor, corazón y esa magia característica de Pixar”.

Menzel también anticipó que Toy Story 5 “podría terminar siendo uno de los mejores filmes de 2026”.

La editora de Variety Jazz Tangcay describió la cinta como “magia pura y perfecta” y destacó que Joan Cusack, quien da voz a Jessie, “finalmente obtiene la historia que merece”.

“Me reí y lloré ante lo maravillosa que es Toy Story 5“, escribió.

Meredith Loftus, editora de Collider, fue aún más específica en su valoración. La crítica afirmó que el filme “la golpeó en lugares para los que no estaba preparada” y que la exploración de la brecha entre la tecnología y los juguetes a través de Jessie da como resultado “una historia profunda y conmovedora”.

Loftus la equiparó con Toy Story 2 y Toy Story 3: “Es así de excelente”.

El analista de premios de The Hollywood Reporter, Scott Feinberg, señaló que tanto Toy Story 5 como Taylor Swift —quien interpreta la canción de los créditos finales, “I Knew It, I Knew You”— están “firmemente en la conversación del Óscar”.

El conductor de “The Movie Podcast”, Daniel Baptista, fue uno de los más efusivos.

Describió la experiencia de ver la película como “definitoria de una generación” y aseguró que Pixar “una vez más entrega una película imprescindible, conmovedora y magistral”.

Baptista también destacó al personaje Smarty Pants, interpretado por Conan O’Brien, como “un personaje de todos los tiempos en la saga”.

La trama de la quinta entrega retoma la historia tras los eventos de Toy Story 4, cuando Woody abandonó al grupo para ayudar a juguetes abandonados junto a Bo Peep.

En su ausencia, Buzz y Jessie asumieron el liderazgo del cuarto de juegos de Bonnie.

La llegada de Lilypad, una tableta de aspecto similar a un iPad con voz de Greta Lee, obliga a la pandilla a reunirse para una nueva aventura.

Varios críticos coincidieron en que la película va más allá de una simple confrontación entre juguetes y tecnología.

Uno de los comentarios recogidos por THR señaló que el conflicto “es mucho más matizado de lo esperado” y que el filme “toma una postura firme sobre la importancia de la conexión humana directa en la infancia”.

Otro crítico advirtió, con humor, que la película hará que los espectadores “quieran romper las tabletas de sus hijos”, en referencia a la crítica implícita que el filme hace sobre la dependencia de los menores a los dispositivos digitales.

La dirección recayó en Andrew Stanton, veterano de Pixar y ganador del Óscar por Wall-E y Buscando a Nemo, en su primer trabajo como director de un filme de la franquicia Toy Story, pese a haber participado en el guion de las cuatro entregas anteriores. McKenna Harris figura como codirectora y coguionista.

El reparto de voces incluye a Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack en sus papeles habituales, junto a nuevas incorporaciones como Conan O’Brien, Bad Bunny y Keanu Reeves, entre otros.

Toy Story 5 llega a los cines de América Latina el 18 de junio distribuida por Disney.

La película se ha estrenado en primicia en el El Capitan Theatre de Los Ángeles el martes por la noche, y Disney/Pixar ha permitido a los invitados publicar impresiones breves en redes sociales antes del levantamiento del embargo de críticas fijado para el 16 de junio.

El consenso inicial se repite en varios mensajes: la quinta entrega mantiene el tono emocional de la saga, da más peso dramático a Jessie y aborda la relación de los niños con las ‘tablets’. Esas primeras valoraciones se resumirían así: una mezcla de humor, emoción y calidez, así como otra posible obra “clásica” de Pixar.

Scott Menzel ha escrito en X, que la película “está a la altura de las tres primeras” y ofrece “una combinación perfecta de humor, corazón y esa magia característica de Pixar”. En la misma línea, Daniel Baptista, presentador de The Movie Podcast, la ha definido en X, como una “experiencia definitoria para una generación”.

Muñecos contra tecnología

La trama reúne de nuevo a Woody, Buzz Lightyear y el resto del grupo tras el final de Toy Story 4. Aquella película terminaba con Woody alejándose del grupo para unirse a Bo Peep y ayudar a juguetes abandonados a encontrar nuevos dueños, mientras Buzz y Jessie quedaban al frente del cuarto de la pequeña Bonnie.

La nueva historia arranca cuando Bonnie, ahora con ocho años, recibe una ‘tablet’ de aspecto anfibio llamada Lilypad que absorbe toda su atención. Ese dispositivo obliga a los juguetes a reagruparse para una nueva aventura en torno al tiempo de juego y la irrupción de la tecnología en la vida cotidiana de la niña.

El reparto recupera a Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack, y suma nuevas voces como Greta Lee y Conan O’Brien. Pero el reparto es de lo más amplio e incluye a Tony Hale, Craig Robinson, Bonnie Hunt, Kristen Schaal, Ernie Hudson, Bad Bunny, Keanu Reeves, Ally Maki y Alan Cumming.

Andrew Stanton dirige por primera vez una película de Toy Story después de haber trabajado en las historias y guiones de las cuatro anteriores, mientras McKenna Harris ha codirigido y ‘coescrito’ la película junto a Stanton, a partir de una historia firmada por este último.

En una entrevista con Variety, Stanton ha explicado el papel de Lilypad dentro del conflicto central de la película: “Para los juguetes es una villana porque, como es lógico, les intimida, pero en realidad solo representa la siguiente fase en la vida de Bonnie”. El director ha añadido: “Lilypad está construida como un juguete en el sentido de que quiere ayudar a la niña a seguir adelante, pero tiene habilidades muy distintas y experiencia cero, mientras que Jessie no tiene otra cosa que experiencia y probablemente no está preparada para saber qué hacer”.

Primeras reacciones entusiastas

Buena parte de las primeras reacciones coincide en que la película no plantea un enfrentamiento plano entre juguetes y dispositivos. Una de las impresiones recogidas por los medios estadounidenses sostiene que el conflicto entre juguetes y tecnología es “mucho más matizado de lo esperado” y que la película adopta una posición clara a favor de la conexión humana directa como elemento clave para los niños.

Meredith Loftus, editora de Collider, ha escrito en X, que explorar “la división entre tecnología y juguetes a través de Jessie” da como resultado una historia “profundamente honda” y emotiva, hasta el punto de situarla junto a Toy Story 2 y Toy Story 3. Otra reacción recogida apunta que la película ofrece una mirada “actual y sorprendentemente afilada” sobre la relación con la tecnología.

Las valoraciones también insisten en que Jessie concentra el peso narrativo que otras entregas habían repartido entre varios personajes. Jazz Tangcay, editora sénior en Variety, ha escrito en X: “Jessie por fin tiene la historia que merecía”. Otra de las reacciones recogidas por The Hollywood Reporter resume esa idea con una frase aún más directa: “Es la película de Jessie”.

Entre los elementos nuevos, varios mensajes destacan a Smarty Pants, el personaje interpretado por Conan O’Brien, como uno de los focos cómicos de la cinta. También aparece mencionada una canción de Taylor Swift en varias de las primeras impresiones publicadas tras el estreno.

No todas las reacciones han sido idénticas en el detalle. Una de las publicadas señala que el arranque resulta “un poco inconexo” porque levanta varias líneas argumentales a la vez, aunque remata esa observación asegurando que todas acaban encajando en un tercer acto “fenomenal”.

La impresión dominante, en cualquier caso, es la de una secuela que vuelve a justificar la continuidad de una saga con 30 años de recorrido. Así, las primeras reacciones coinciden en presentar Toy Story 5 como una entrega especialmente emocional, muy centrada en Jessie y construida alrededor de Bonnie, Lilypad y la tensión entre el juego tradicional y los dispositivos digitales.

Balance de la cuarta temporada y su desenlace

Al cierre de la temporada anterior, las tensiones personales y profesionales en el restaurante The Bear habían llegado a su punto máximo. Carmy, protagonista desde el inicio, atraviesa una transformación radical luego de mantener conversaciones profundas y emotivas con sus colegas más cercanos: Sydney, Richie y Natalie. La decisión de Carmy de apartarse por completo del negocio deja en suspenso la continuidad del restaurante y traslada la responsabilidad total a sus socios.

Durante cuatro temporadas, la audiencia ha presenciado la presión constante de la cocina profesional, los sueños de alcanzar la esquiva estrella Michelin y las dificultades en las relaciones personales. The Bear se consolidó, de este modo, no solo como una serie sobre gastronomía, sino como un análisis del desgaste emocional causado por el perfeccionismo y la ambición, algo con lo que muchos espectadores se han sentido identificados. La ausencia de Carmy representa no solo una ruptura en el liderazgo del restaurante, sino también una oportunidad y un riesgo para los que permanecen.

El surgimiento de nuevos líderes y los desafíos persistentes

Con la salida de Carmy, la chef Sydney asume un papel principal. Según el adelanto presentado por FX y Disney+, Sydney se sumerge en su nuevo rol liderando la cocina y coordinando al personal mientras enfrenta la crisis financiera más grave hasta el momento. El avance muestra al equipo enfrentando situaciones extremas: además de una inundación causada por una tormenta en Chicago, sufren la suspensión de proveedores y la amenaza inminente de que el edificio, el corazón del restaurante, sea vendido a terceros debido a la falta de fondos.

A este panorama se suma la presión de la reputación: conseguir o perder la estrella Michelin, símbolo de excelencia gastronómica, se vuelve el objetivo central y la obsesión de la temporada. Sin embargo, la serie subraya que el verdadero valor de un gran restaurante reside en la familia humana que lo conforma, más allá de la perfección culinaria. El elenco principal -Lionel Boyce, Liza Colón-Zayas y Matty Matheson- continúa ofreciendo interpretaciones de gran realismo, mientras que la participación de invitados destacados como Brie Larson, Jamie Lee Curtis y Olivia Colman refuerza el atractivo transversal de The Bear.

Las promesas de la temporada final: un cierre bajo la máxima tensión

El adelanto de esta última temporada sugiere que el final de The Bear será tanto físico como emocional. Las imágenes muestran a Sydney y Richie trabajando contra reloj para atender a los clientes en medio de una lluvia torrencial, mientras intentan evitar que la venta del local les arrebate su empleo y su vocación. El restaurante, alguna vez símbolo de esperanza y redención, se convierte ahora en el escenario de una lucha personal y colectiva sin garantías de éxito.

Resulta particularmente relevante el breve regreso de Carmy, quien -según el adelanto- vuelve para expresar afecto y gratitud a su equipo con palabras que resumen el espíritu de la serie: “Los miro y los amo tanto”. Esta declaración parece marcar un cierre emocional a las relaciones forjadas y quebradas a lo largo de las temporadas, así como el reconocimiento de los límites del sacrificio profesional.

Para los seguidores, la última temporada de The Bear implica más que conocer el destino de un restaurante: refleja la ansiedad por la supervivencia laboral, la fragilidad de los lazos familiares y la amenaza constante de perder aquello por lo que tanto se ha luchado. La serie ha abordado de forma sincera temas como el desgaste mental, la precariedad financiera y los conflictos internos que acompañan la búsqueda de la excelencia, llegando a su desenlace en un contexto de máxima incertidumbre.

La fecha de estreno, 25 de junio de 2026, marca el final de una narrativa que, a través de sus personajes y una visión sincera de la industria culinaria, ha logrado conectar con las experiencias laborales y emocionales de millones de espectadores en todo el mundo.

El anuncio de programación establece una ruptura con el esquema tradicional de estrenos semanales utilizado inicialmente en la mayoría de las producciones originales de Disney+. En el caso de El Oso, el modelo de distribución full drop —todos los capítulos lanzados en una sola jornada— indica la confianza del estudio en la capacidad de la serie para sostener conversación, retención de audiencia y volumen de reproducciones en el corto plazo. El poster oficial de la temporada también ha sido publicado junto al primer tráiler, reforzando la presencia visual de la campaña.

La decisión de programar el cierre de El Oso ocurre tras el lanzamiento de “Gary”, episodio especial en formato flashback coescrito y protagonizado por Ebon Moss-Bachrach y Jon Bernthal, que ha diversificado la narrativa existente al explorar la historia de los personajes Richie y Mikey fuera de la línea temporal principal. Este experimento narrativo, habilitado como contenido adicional en Disney+ bajo el nombre del episodio, responde a una lógica de expansión de universo ahora consolidada en las principales franquicias del streaming.

El clímax narrativo y operativo de la serie

La quinta temporada inicia inmediatamente después de que Carmen “Carmy” Berzatto (Jeremy Allen White) abandona el sector gastronómico, según detalla el comunicado de Disney+. Con la gerencia del restaurante recaída de manera directa sobre Sydney Adamu (Ayo Edebiri), Richard Richie Jerimovic (Ebon Moss-Bachrach) y Natalie “Sugar” Berzatto (Abby Elliott), la ficción propone un escenario acotado de recursos: el grupo enfrenta la amenaza de una posible venta del local y una tormenta inminente mientras aspiran por una estrella Michelin, el máximo galardón culinario internacional. El planteamiento operativo de la temporada apunta a un último servicio, lo que agrega tensión y urgencia al desenlace.

El elenco estable permanece encabezado por Lionel Boyce, Liza Colón-Zayas y Matty Matheson, con participaciones confirmadas de Ricky Staffieri, Oliver Platt, Will Poulter y Jamie Lee Curtis. La serie refuerza así la articulación entre historias corales y recurrencia de figuras secundarias asociadas a la marca FX.

En términos de showrunning e ingeniería de producción, Christopher Storer conserva la doble función de creador y productor ejecutivo, respaldado por un equipo integrado por Josh Senior, Cooper Wehde, Tyson Bidner, Matty Matheson, Hiro Murai y Rene Gube. Courtney Storer mantiene el cargo específico de productora culinaria, lo que perfila la atención técnica a las escenas de cocina como un distintivo de la franquicia. FX Productions asume la totalidad del proceso productivo, garantizando así uniformidad en la gestión de derechos y distribución.

Estrategias de contenido y posicionamiento en el streaming

La temporada final de El Oso está diseñada para concluir la narrativa en un solo bloque de episodios y poner a prueba la retención de suscriptores de Disney+ en el trimestre. El antecedente inmediato del episodio “Gary”, así como la incorporación de reconocidos invitados en la lista de reparto, forman parte de una campaña de consolidación de marca en un contexto de alta competencia por la atención del usuario en plataformas on demand.

En conclusión, Disney+ apuesta por el estreno masivo simultáneo como cierre para una de sus series de mayor reconocimiento reciente, consolidando a El Oso como estandarte de la producción original de FX en el entorno global de contenido digital.

La noticia se difundió en un video grabado en los estudios de Pixar en San Francisco, donde la artista compartió su entusiasmo y reveló detalles de su participación en la saga animada.

En la grabación, Belinda aparece junto a figuras de personajes emblemáticos como Jessie la vaquerita, Woody, Tiro al Blanco y Buzz Lightyear. Desde el set de Pixar, la actriz declaró: “Hola, estoy aquí en los estudios de Pixar en San Francisco y me emociona mucho contarles que voy a ser la voz de Lilypad en Toy Story 5 de Disney y Pixar”.

Lilypad: el personaje de Belinda y el nuevo conflicto

Lilypad es una tablet inteligente que se integra a la trama como el principal antagonista. Por primera vez en la franquicia, el conflicto central no lo provoca un juguete ni un humano, sino la tecnología.

La atención de Bonnie, dueña de los juguetes, se concentra en el nuevo dispositivo, lo que genera tensión entre los personajes tradicionales y la pantalla de Lilypad.

El personaje de Lilypad representa la llegada de la tecnología al mundo de los juguetes, obligando a Woody, Jessie y Buzz a enfrentar retos distintos a los de entregas anteriores. Según información confirmada por Disney Studios, la presencia de la tablet modifica la dinámica del grupo y pone en riesgo el tiempo de juego de los juguetes clásicos.

Fecha de estreno y preventa en México

El estreno de Toy Story 5 en México está programado para el jueves 18 de junio de 2026, un día antes que en Estados Unidos. La preventa de boletos ya inició en diversas cadenas de cine, lo que anticipa un fuerte interés del público mexicano por la llegada de la cinta.

La película tendrá una duración oficial de 1 hora y 42 minutos y contará con la dirección y guion de Andrew Stanton, conocido por su trabajo en WALL·E y Buscando a Nemo. McKenna Harris codirige el proyecto y Lindsey Collins funge como productora.

El ejército de Buzz Lightyears y el liderazgo de Jessie

La trama de Toy Story 5 incluye una subtrama en la que Lilypad controla un ejército de entre 50 y 100 figuras de Buzz Lightyear de alta tecnología, complicando la misión de los protagonistas para recuperar el tiempo de juego con Bonnie. Esta situación introduce el tema de la inteligencia artificial y la rivalidad entre juguetes tradicionales y dispositivos electrónicos.

En esta nueva entrega, Jessie la vaquerita tiene un papel central en el liderazgo del grupo. Voces del elenco han señalado que Jessie asumirá mayor responsabilidad, mientras que Woody regresa con un aspecto más envejecido tras su despedida en la cuarta película. El reencuentro con Buzz marca un punto clave en el desarrollo de la historia.

Reparto principal y nuevas incorporaciones

El elenco en inglés mantiene a Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear, Joan Cusack como Jessie y Tony Hale como Forky. Entre las nuevas voces destacan Greta Lee como Lilypad, Conan O’Brien como el juguete Smarty Pants y Bad Bunny como “Pizza con Gafas de Sol”.

La banda sonora cuenta con la participación de Taylor Swift, quien compuso y produjo la canción original “I Knew It, I Knew You”, inspirada en Jessie la vaquerita. El tema forma parte del soundtrack oficial de la película, según datos de Disney Studios.

Belinda y el doblaje en español: aclaraciones sobre su papel

El anuncio de Belinda generó dudas en redes sociales sobre si interpretaría a Jessie la vaquerita. La propia artista aclaró que su debut como actriz de doblaje en la saga corresponde a Lilypad, mientras que la voz de Jessie en español se mantiene con la intérprete habitual.

Con esta participación, Belinda se integra a la familia Disney como una de las voces principales para el público hispanoparlante, en un contexto donde los personajes tradicionales enfrentan los desafíos de la era digital.

Expectativa entre el público mexicano

La integración de Belinda como Lilypad incrementa la expectativa en México, donde la franquicia de Toy Story tiene una de las audiencias más fieles de la región. El estreno anticipado y la preventa de boletos refuerzan el interés por conocer la evolución de los personajes y la forma en que la tecnología impacta en la narrativa animada.

El estreno de la cinta está previsto para el 18 de junio de 2026 en México, consolidando a Toy Story 5 como uno de los lanzamientos más esperados del año.

Epic Games lanzó por tiempo limitado una promoción con 38 juegos con descuentos de hasta el 85%.

Entre los títulos incluidos figuran Myth Finders Collector’s Edition, DreamWorks Pinball y Disney Dreamlight Valley. Según el juego, la oferta vence el9 de junio de 2026o el11 de junio de 2026.

Cuáles son los juegos en descuento de Epic Games

Los juegos en descuento de Epic Games son:

1. Wanderlust: Travel Stories — 90%
2. Townopolis — 80%
3. sqwrk — 70%
4. 1001 Jigsaw. World Tour: Australian Puzzles — 60%
5. 1001 Jigsaw. World Tour: Great America — 60%
6. Thanksgiving Day Mosaic — 60%
7. The Empress of Mahjong — 60%
8. Labyrinth Destroyer 1 — 60%
9. Werewolf: The Apocalypse — Heart of the Forest — 75%
10. Roads of Time 2: Odyssey Collector’s Edition — 50%
11. Royal Roads 2: The Magic Box — 50%
12. Gray Dawn — 85%
13. Hero of the Kingdom III — 80%
14. Wizard Island — 20%
15. Aquatico — 80%
16. Gnomes Garden. Return Of The Queen — 40%
17. Banda sonora de Raji: An Ancient Epic — 75%
18. Patron — 80%
19. Paquete de Raji: An Ancient Epic + Banda sonora original — 75%
20. Havendock — 66%
21. AutoCraft — 20%
22. Williams Pinball: Universal Monsters Pack — 33%
23. Raji: An Ancient Epic — 75%
24. Myth Finders Collector’s Edition — 30%
25. Backpack Hero — 50%
26. The Hive — 50%
27. Elven Rivers. The Forgotten Lands Collector’s Edition — 40%
28. Werewolf: The Apocalypse - Purgatory — 50%
29. DreamWorks Pinball — 40%
30. Frenzy Islands Collector’s Edition — 30%
31. Argonauts Agency 9: God of Storms Collector’s Edition — 30%
32. Elven Rivers 2 New Horizons — 30%
33. New Lands 2. Collector’s Edition — 30%
34. Disney Dreamlight Valley—Wishblossom Ranch Edition — 25%
35. Disney Dreamlight Valley: The Storybook Vale - Edición… — 30%
36. Disney Dreamlight Valley — 30%
37. Promise Mascot Agency: Promises Kept Edition — 35%
38. Promise Mascot Agency — 35%

Cómo acceder a estos juegos en descuento de Epic Games

Para acceder a los juegos con descuento de Epic Games, entra a la Epic Games Store desde tu navegador o abre la aplicación oficial en tu computadora. Inicia sesión con tu cuenta o crea una si aún no tienes.

Después, ve a la sección de ofertas o busca cada título por su nombre y revisa el porcentaje de descuento y la fecha de vencimiento, ya que no todas las promociones terminan el mismo día.

Cuando elijas un juego, haz clic en ‘Comprar’ y completa el pago con el método disponible. Tras la compra, el juego quedará en tu biblioteca para descargar e instalar cuando quieras.

Juegos gratis en Epic Games Store

Por otro lado, Epic Games Store cuenta con una serie de juegos gratis como:

• Ruins of Tearlyn DEMO
• Shroom Bound
• Spray N’ Pray
• Dead Rails
• Neon Express
• Pixel Gun 3D
• Idle Guy
• Tractor Racers
• Super Meat Boy 3D Demo
• Perceptum Demo
• Trenches
• Retired Steel
• LetMeSee_Demo
• ChromaGun 2 - Dye Hard Demo
• Tractor Racers Demo
• GRIMPS demo
• Starmasons
• Game of Thrones Winter is Coming
• Seven Knights Re:BIRTH
• Shattered Chess Demo
• STALCRAFT: X
• Go Ape Ship!
• Free Recruit Pack (Emotes & Gestures)
• Free PT Pack (Emotes & Gestures)
• Windrose Demo
• Boing! Demo
• Defend The King
• Crimson Oath Demo
• Demo de acción táctica del pulpo Darwin’s Paradox!
• Mad King Redemption Demo
• Letherfall

• TRIB3: Beta
• Karthikeya: Wake Up To Reality
• Mega Carrier Simulator Demo
• Warhammer 40,000: Space Marine 2 - Chapter Voice Pack
• GetHigh.EXE Demo
• Incorporeal
• The Silence After
• Help Is On The Way
• Ys X: Proud Nordics - Freebie Set
• Vanished Puzzle Quest
• ARIE: Moonprayer Demo
• Backrooms: Lost Signal Demo
• SKYBLITZ Demo
• Astro Burn Demo
• Netherak Demons
• Three Kingdoms Defense
• Sunderfolk
• Reconstruction of the church in Olszowka
• PMR: Ford Falcon V8 2013
• Don’t Mess With Erkuí (Demo Version)

Después de diez años, la manada regresa

La última película principal de la franquicia, La Era de Hielo: Choque de mundos, se estrenó en 2016. Desde ese momento, la saga continuó principalmente a través de series y películas para plataformas digitales, como The Ice Age Adventures of Buck Wild e Ice Age: Scrat Tales. El anuncio del regreso al cine ha generado expectación entre los seguidores que han acompañado a estos personajes desde su debut en 2002.

El elenco original en inglés fortalece el carácter nostálgico de este regreso: Ray Romano vuelve como Manny, John Leguizamo como Sid, Denis Leary interpreta a Diego, Queen Latifah retoma su rol como Ellie y Simon Pegg regresa como Buck. Mantener el mismo reparto ha sido uno de los factores clave que han consolidado a la franquicia como referencia en la animación, una saga que en más de dos décadas ha recaudado miles de millones de dólares y dejado una marca en varias generaciones.

Exploración de nuevas amenazas y paisajes volcánicos

La historia de Mundo de Lava aleja a los protagonistas de las clásicas zonas heladas. En esta ocasión, el grupo explorará los peligrosos paisajes volcánicos del Mundo Perdido, una región inédita para la saga. Según han informado Disney y 20th Century Studios, los personajes deberán enfrentar erupciones intensas, suelos inestables y la presencia de criaturas prehistóricas gigantes, lo que representa un cambio notable en el aspecto visual y en la trama respecto a las películas anteriores.

El primer adelanto muestra a Scrat, la singular ardilla dientes de sable, arrojado por los aires con la cola en llamas, fiel a su constante búsqueda de la bellota. La acción se intensifica cuando Manny, Ellie, Sid, Diego, Buck, Crash y Eddie intentan escapar de la erupción de un volcán, mientras fragmentos de hielo y roca caen a su alrededor. Como en entregas previas, la tensión se combina con momentos de humor físico: Sid ingiere una abeja y choca contra Diego, Ellie se quema el pelaje y Buck aprovecha la situación para cocinar una larva. Estas escenas mantienen la esencia familiar de la franquicia, aunque el entorno es ahora más urgente y peligroso.

Impacto para los seguidores y relevancia cultural

El retorno de La Era de Hielo al cine significa algo más que nostalgia; revitaliza una franquicia cuya continuidad reciente se había limitado al streaming. Para familias y públicos jóvenes, ver a estos personajes históricos enfrentarse a desastres naturales transmite un mensaje de resiliencia y colaboración ante grandes desafíos. Además, la inclusión de Baby Scrat, presentado en la serie Ice Age: Scrat Tales, en el tráiler añade un elemento novedoso que puede vincularse con nuevas generaciones.

Desde su primera película, nominada al Oscar y con una recaudación de más de 383 millones de dólares en 2002, la saga ha representado una cita recurrente con la aventura y el humor animado de calidad. La entrega más exitosa, La Era de Hielo 3: El origen de los dinosaurios, superó los 880 millones de dólares, consolidando el atractivo internacional de sus personajes. Con el estreno programado para el 5 de febrero de 2027, Disney y 20th Century Studios apuestan por continuar una fórmula exitosa mientras incorporan innovaciones visuales y narrativas, adaptándose a los tiempos actuales.

Pues bien, lo primero que hay que tener en cuenta es que esta nueva Scary Movie es la sexta película de la saga que arrancó en el año 2000 como parodia de los slashers de los 90 como Sé lo que hicisteis el último verano o la mencionada Scream, entre muchas otras. Con apenas veinte millones de presupuesto, esta primera película consiguió unos sorprendentes datos en taquilla, convirtiéndose en un auténtico fenómeno en salas que llevó a sus productores, los hermanos Weinstein, a encargar una segunda película de forma casi inmediata. Esas dos primeras películas correrían a cargo de los hermanos Shawn, Marlon y Keenen Ivory Wayans, protagonistas y director respectivamente junto a las actrices Anna Faris y Regina Hall, encargadas de dar vida a las icónicas Cindy y Brenda.

Los hermanos Wayans desaparecerían con la tercera entrega, dirigida por David Zucker (Ateriza como puedas) y con guion de Craig Mazin (Chernobyl), aunque se dice que la idea original de la película partía de los propios Wayans. La saga daría un pequeño cambio de rumbo a partir de esta entrega, dejando de lado la estructura slasher a lo Scream e incorporando a nuevos personajes como los de Charlie Sheen o Simon Rex en detrimento de los Wayans. Estas tres primeras películas se pueden encontrar actualmente en Movistar+ y HBO Max.

Las dos últimas, las más denostadas

Tras esas tres primeras películas, concentradas en los años 2000, 2001 y 2003, encontraríamos un salto de tres años hasta la siguiente película, Scary Movie 4. Este filme, que tomaba como referencia filmes como The Grudge, La guerra de los mundos o El bosque, estaría de nuevo dirigida por David Zucker y protagonizada por las habituales Anna Faris y Regina Hall, junto a otros que ya se habían incorporado en la anterior entrega como Simon Rex, Kevin Hart o Leslie Nielsen y otros nuevos como Bill Pullman o Craig Bierko como una parodia de Tom Cruise. Esta película se puede ver en Disney+.

Por último, la quinta entrega tardó unos pocos más años de lo previsto, dando signos de una franquicia algo agotada y que había reducido su calidad de producción considerablemente. Scary Movie 5 no llegó a cines hasta 2013, y lo hizo además con el hándicap de prescindir de sus protagonistas, siendo la primera y única película de la saga sin Anna Faris y Regina Hall. En su lugar regresaban Simon Rex, Charlie Sheen y ahora Ashley Tisdale, además de contar con Malcolm D. Lee como director, pero es sin duda la entrega con peor opinión entre los fans. No obstante, puede encontrarse actualmente en Amazon Prime Video. Se desconoce aun dónde podrá verse la nueva que llega ahora a los cines y que prescinde del 6 en su título, quizá como homenaje al reinicio de la saga Scream que parodia, o simplemente una declaración de intenciones de los Wayans por volver a los orígenes.

El avance confirma que la película llegará a las salas en febrero de 2027. Se trata de la primera producción cinematográfica de la franquicia desde La Era de Hielo: Choque de mundos, estrenada en 2016.

El título Boiling Point (Punto de ebullición en inglés) o Mundo de Lava ofrece una pista sobre el escenario principal de la película. En esta ocasión, la manada dejará atrás los paisajes helados para adentrarse en zonas dominadas por la actividad volcánica.

Disney informó que Manny, Sid, Diego y sus compañeros viajarán a rincones nunca vistos del Mundo Perdido. Allí encontrarán enormes criaturas prehistóricas y una serie de amenazas relacionadas con erupciones, lava y terrenos inestables.

¿Qué muestra el primer teaser?

El adelanto comienza con Scrat, la popular ardilla dientes de sable, que aparece impulsada por los aires mientras la punta de su cola arde en llamas. Como ocurrió en las películas anteriores, su obsesión por la bellota vuelve a formar parte de la historia.

Detrás de él aparecen Manny, Ellie, Sid, Diego, Buck, Crash y Eddie. Todos intentan escapar de una erupción volcánica mientras grandes fragmentos de hielo salen despedidos por el aire.

La secuencia en cámara lenta incluye varias tomas cómicas: Sid se traga accidentalmente una abeja y termina chocando contra Diego. Más adelante, una roca caliente quema parte del pelaje de Ellie. Buck aprovecha la situación para cocinar una larva sobre su cabeza, mientras Crash y Eddie reciben nuevos golpes durante la huida.

La secuencia final introduce nuevamente a Baby Scrat, personaje que apareció por primera vez en la serie de Disney+ Ice Age: Scrat Tales. El pequeño sale despedido desde el volcán con una diminuta bellota en la boca.

La Era de Hielo 6: mundo de lava trae de regreso al elenco de voces original en inglés. Ray Romano volverá a prestar su voz a Manny. John Leguizamo retomará el personaje de Sid, mientras que Denis Leary regresará como Diego. También participarán nuevamente Queen Latifah como Ellie y Simon Pegg como Buck.

Una franquicia con más de dos décadas de historia

La Era de Hielo debutó en los cines en 2002. La película original recaudó aproximadamente 383 millones de dólares en la taquilla mundial y obtuvo una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Película Animada.

El éxito dio origen a varias secuelas. Entre ellas destacó La Era de Hielo 3: El origen de los dinosaurios (2009), que alcanzó cerca de 886 millones de dólares en la taquilla global y continúa como la entrega más exitosa de la franquicia.

También llegaron a los cines La Era de Hielo 2 (2006), La Era de Hielo 4: La formación de los continentes (2012) y La Era de Hielo: Choque de mundos (2016).

Tras la compra de 20th Century Fox por parte de Disney, la franquicia continuó con proyectos para streaming, entre ellos The Ice Age Adventures of Buck Wild y la serie Ice Age: Scrat Tales.

Fecha de estreno

La Era de Hielo 6: Boiling Point se estrenará exclusivamente en cines el 5 de febrero de 2027. La película cuenta con dirección de John Donkin y producción de Lori Forte.

La estrategia de lanzamiento incorpora un eje musical distintivo: el tema original “De Ti Me Enamoré” debutará el 4 de junio a las 15 horas (Argentina) en todas las plataformas digitales, anticipando la narrativa que cruzará el triángulo amoroso entre Luna, Matteo y Simón. Este sencillo, a cargo de María Florencia Ciarlo, José María Lassaga y Federico San Millán bajo la producción de 4567 Music, refuerza el posicionamiento musical que Disney sostiene como sello identitario de la franquicia. La mezcla ha tenido la intervención de Gustavo Borner, conocido por su trabajo de pulido sonoro en producciones internacionales.

Las tres primeras temporadas de Soy Luna, uno de los productos franquicia de exportación para audiencias de Latinoamérica y Europa, permanecen disponibles en catálogo de Disney+. Esta cuarta entrega incorpora nuevos personajes, reversiones de éxitos previos y canciones inéditas, manteniendo la participación del director Martín Sabán —con experiencia previa en Violetta— y la guionista Marina Efron, que ha escrito para títulos como Siempre fui yo y La partitura secreta. El desarrollo creativo muestra continuidad en equipo y enfoque narrativo, apostando a la fidelización de la fanbase y la captación de nuevos espectadores.

Un relanzamiento multiformato: música, elenco histórico y gira en vivo

La narrativa oficial enfatiza como punto de partida dramático un accidente que alejó a Luna del patinaje, forzando su reinvención personal y deportiva al regresar al Jam & Roller y enfrentarse a “un villano oculto”, traiciones y una trama centrada en dilemas amorosos. Esta vuelta al origen responde al interés de volver a movilizar la comunidad internacional que mantuvo vigente la serie durante la última década, según reconoció la actriz principal en sus redes sociales.

El impacto de este regreso tras casi una década se potencia con un proyecto de show en vivo y gira latinoamericana para el año en curso. Si bien Disney Latino no detalló aún fechas ni ciudades, el anuncio posiciona la temporada como el eje articulador de una estrategia transmedia que abarca streaming, música y eventos presenciales. Esta fórmula refuerza la tendencia de las plataformas a explotar sus franquicias más exitosas a través de ventanas múltiples, maximizando el valor de propiedad intelectual acumulada.

¿Quiénes lideran el regreso y cuáles son los ejes creativos?

Soy Luna: Volver a Rodar vuelve a contar con Karol Sevilla en el protagónico después de su debut internacional en 2016. La integración casi completa del elenco original incluye a Ruggero Pasquarelli (Matteo Balsano), Michael Ronda (Simón Álvarez), Valentina Zenere (Ámbar Smith), Carolina Kopelioff (Nina Simonetti), Malena Ratner (Delfina Alzamendi), Gastón Vietto (Pedro Arias) y Agustín Bernasconi (Gastón Perida). A esta estructura se sumarán personajes nuevos y una evolución del núcleo argumental basado en el patinaje y los vínculos afectivos.

La receta sigue la línea marcada por Disney para sus propiedades juveniles: actualización en formato, promoción cruzada en plataformas digitales y recuperación de marcas fuertes con potencial de consumo multigeneracional.

La fecha de estreno del 24 de julio consolida la ventana estratégica de verano para Disney+, mientras que la gira prevista apunta a capitalizar la reactivación del sector de eventos en vivo a nivel regional.

Dicen que se puede saber mucho de una persona por sus gustos cinematográficos. Aficionado al terror, a la comedia romántica, al cine de acción... cada persona tiene un tipo de cine predilecto, y eso de alguna manera dice bastante de su personalidad. Basta conocer las películas favoritas de alguien para detectar ciertos patrones, y en el caso de Enrique Riquelme no iba a ser diferente. El hombre que está en boca de todos desde hace una semana con motivo de su candidatura a la presidencia del Real Madrid y en oposición a Florentino Pérez también tiene una película predilecta, y quizá es una que casi nadie esperaría.

El empresario socio fundador de la compañía COX y desde hace unos días candidato a las elecciones del Real Madrid acudió a El Hormiguero para repasar la actualidad, anunciar su fichaje estrella y de paso contestar a algunas cuestiones más concretas. Una de ellas, cuál es su película favorita, dentro de un gran cuestionario junto a Pablo Motos y las míticas hormigas Trancas y Barrancas. “¿Cuál es tu película favorita de Disney? Conoces mucho a una persona por esto", le advertían a Riquelme.

“Tarzán”, respondía contundente el empresario, sin dar más detalles, y provocando la reacción inmediata de las hormigas, que intentaban razonar la respuesta del candidato nacido en Cox (Alicante). “Por el tema de las lianas, los monos...el Real Mandril”, bromeaban, haciendo alusión a una de las “mascotas” propuestas en el programa en caso de que fuese elegido presidente, junto a otras como el Oso Madroño o el churro Ginés, en homenaje a la mítica churrería y chocolatería del centro de Madrid.

Una película generacional

Estrenada en 1999, cuando Enrique Riquelme tendría justo diez años, Tarzán es considerada todo un clásico de Disney, una de las últimas películas de la considerada era del Renacimiento Disney, que precisamente puso fin esta cinta, aunque hay quien añade títulos como Fantasía 2000 o Tiana y el sapo en la medida en la que continúan la animación tradicional del estudio. La película narra la historia de un peculiar niño que es criado en la jungla por gorilas, desarrollando un instinto más animal que humano, hasta que una expedición lo cambia todo. Tarzán conocerá a Jane, una joven de la que poco a poco se irá enamorando, al tiempo que descubre su identidad como ser humano y se plantea su vida en la jungla, pero también nuevos peligros que le rodean.

Disponible en Disney+, Tarzán está considerada una de las mejores películas de Disney de todos los tiempos, y aunque aun es pronto para saber qué presidente sería Enrique Riquelme en caso de ser elegido, su elección cinéfila no puede tener más sentido. El alicantino ha irrumpido con fuerza en el mundo del fútbol, con el mismo ímpetu que el protagonista pero aun sin los apoyos necesarios. En Rodri o Erling Haaland buscará a sus aliados para convencer al madridismo, y con suerte salir elegido el domingo como rey indiscutible de esa jungla particular que es el Real Madrid.

Según informó su familia a diversos medios estadounidenses, el artista murió en un hospital de Georgia debido a complicaciones derivadas de un derrame cerebral que había sufrido días antes. Bryson se encontraba rodeado de sus seres queridos al momento de su fallecimiento.

“Mientras nuestros corazones están destrozados, encontramos consuelo al saber cuánto fue amado Peabo y cuántas vidas fueron tocadas por su voz y su espíritu generoso”, señaló su familia en un comunicado difundido tras la noticia.

Una carrera construida sobre el soul y las baladas románticas

Robert Peapo Bryson (su nombre real) nació el 13 de abril de 1951 en Greenville, Carolina del Sur, y creció rodeado de música. Desde niño admiró a artistas como Sam Cooke y Nat King Cole, cantantes que influyeron en su formación artística.

Sus primeros pasos en la industria llegaron durante la adolescencia, cuando cantó con grupos locales como Al Freeman and the Upsetters y posteriormente con Moses Dillard and the Tex-Town Display. Fue precisamente durante esa etapa cuando surgió el apodo “Peabo”, una adaptación de su segundo nombre, Peapo, que terminaría acompañándolo durante toda su carrera.

Su álbum debut, Peabo, salió al mercado en 1976. Poco después firmó con Capitol Records y continuó desarrollando su talento enfocado en las baladas románticas y el soul contemporáneo. Durante las décadas de 1970 y 1980 acumuló éxitos como “Reaching for the Sky”, “Feel the Fire”, “I’m So Into You”, “Show & Tell”, “Can You Stop the Rain” e “If Ever You’re in My Arms Again”.

A lo largo de más de cuatro décadas publicó 20 álbumes de estudio y recibió ocho nominaciones a los premios Grammy, por lo que se le recuerda como un referente de la música romántica estadounidense.

El rey de los duetos

Entre sus colaboraciones más recordadas figuran las realizadas junto a Natalie Cole, con quien grabó canciones como “Gimme Some Time” y “What You Won’t Do for Love”.

También desarrolló una larga asociación artística con Roberta Flack, con quien lanzó éxitos como “Make the World Stand Still”, “You’re Lookin’ Like Love to Me” y, especialmente, “Tonight, I Celebrate My Love”, una de las baladas románticas más populares de los años ochenta.

Aunque ya gozaba de una sólida carrera, fue a comienzos de los años noventa cuando alcanzó fama mundial gracias a sus colaboraciones para Disney.

En 1991 grabó junto a la cantante canadiense Céline Dion la versión pop de “Beauty and the Beast”, tema principal de la película animada La Bella y la Bestia. La canción se convirtió en un éxito internacional, alcanzó el Top 10 de Billboard y les otorgó un premio Grammy a ambos intérpretes.

Un año después volvió a hacer historia con “A Whole New World”, interpretada junto a Regina Belle para la película Aladdin. La canción alcanzó el número uno del Billboard Hot 100 y se convirtió en la primera canción procedente de una película animada en llegar a la cima de esa lista. El tema también le valió un segundo Grammy y terminó convirtiéndose en una de las canciones más famosas de Disney.

Una vida dedicada a la música

A pesar de los cambios de tendencias en la industria musical, Bryson defendió siempre el soul clásico y las baladas románticas. En varias entrevistas sostuvo que nunca quiso abandonar sus raíces para perseguir modas pasajeras o un éxito comercial más amplio.

Su vida también estuvo marcada por algunos desafíos personales. En 2003 enfrentó problemas fiscales con el Servicio de Impuestos Internos de Estados Unidos (IRS), que llegó a embargar parte de sus bienes. Años después, en 2019, sufrió un infarto del que logró recuperarse completamente.

En el plano familiar, estaba casado desde 2010 con Tanya Boniface, integrante del grupo británico The 411. La pareja tuvo un hijo, Robert, nacido en 2018. Además, Bryson era padre de una hija llamada Linda y abuelo de tres nietos.

Su legado, sin embargo, trasciende los premios y los éxitos comerciales. Durante décadas fue conocido como la “Voice of Love” (La Voz del Amor), un apodo que resumía perfectamente el estilo que lo convirtió en una figura irrepetible del soul y el R&B.

Hoppers cuenta una historia de lo más curiosa: Mabel es una joven que acaba de entrar en la universidad que no tiene otra preocupación mayor en todo el mundo que salvar el estanque de su casa de una gran consterucción que amenaza todo el ecosistema. Sin forma posible de evitarlo, toma una arriesgada decisión, la de convertirse en un castor y liderar al resto de su especie para reocupar el estanque y evitar así la demolición de toda la zona. Mabel comienza así una nueva como infiltrada en el mundo animal, en el que pronto descubrirá hay una serie de reglas que ella está a punto de romper. Con la ayuda del rey de los castores, la joven convertida en mamífera liderará una gran revolución.

La película corre a cargo de Daniel Chong, director inédito en la factoría Pixar -tan solo guionizó un corto de Cars- quien sin embargo viene de una gran rival como Cartoon Network, en la que ha desarrollado su serie Somos osos y posteriormente su propia película. Chong basó su experiencia previa para construir este nuevo mundo animal bajo el amparo de Disney Pixar, y la película combina el alegato ecológico y humanista, pero también una vuelta a las grandes aventuras que siempre han caracterizado las historias Pixar.

El hogar de los animales y la animación

La pregunta del millón, ¿dónde podrá verse Hoppers? Pues bien, como viene siendo habitual en cualquier estreno de este tipo, la película estará disponible en Disney+, hogar por antonomasia de otros títulos del estudio y que alberga grandes historias de animales y de animación. Eso sí, la fecha está a la vuelta de la esquina, porque lo hará este mismo 3 de junio. Un miércoles de celebración para los pequeños y lo más grandes con una historia que devolverá a muchos a los días en los que disfrutaban con Buzz y Woody, Mike y Sullivan y compañía.

El estreno en plataformas de Hoopers coincide además en el tiempo con el inminente estreno en cines de la próxima gran película de Pixar de este año, Toy Story 5. Una nueva entrega de la saga con la que empezó todo que traerá de vuelta al vaquero y el astronauta más famosos de la animación y que aterrizará en cartelera el próximo 17 de junio. Mientras tanto, los espectadores ya podrán disfrutar de las aventuras de Mabel y el resto de castores.

La más reciente producción animada de Pixar, Hoppers, llegará al catálogo de Disney+ el próximo 3 de junio, fecha en la que estará disponible para los suscriptores de la plataforma de streaming. La película, orientada al público familiar, amplía así su distribución tras su estreno en salas de cine.

La historia sigue a Mabel, una joven amante de los animales que tiene la oportunidad de utilizar una nueva tecnología capaz de transferir su conciencia a un castor robótico de apariencia realista.

Gracias a este procedimiento, la protagonista logra comunicarse directamente con distintas especies animales y acceder a un mundo desconocido para los seres humanos.

De acuerdo con la sinopsis oficial, durante esta experiencia Mabel realiza diversos descubrimientos y desarrolla una amistad con un carismático castor. A medida que avanza la trama, ambos personajes se enfrentan a una amenaza humana que pone en riesgo a los animales de la zona.

Ante esta situación, la protagonista busca reunir a distintas especies para responder al desafío que enfrentan.

La actriz Piper Curda presta su voz al personaje principal, Mabel. El reparto también incluye a Bobby Moynihan como King George, un castor que desempeña un papel relevante en la historia.

Jon Hamm participa como el alcalde Jerry Generazzo, mientras que Kathy Najimy interpreta a la doctora Samantha “Sam” Fairfax. Meryl Streep también forma parte del proyecto al interpretar a la Reina de los Insectos.

Cabe destacar que hace unos meses, la cinta generó conversación entre seguidores del estudio debido a una serie de referencias a otras cintas del catálogo.

Diversos elementos incluidos en la historia han sido interpretados por fanáticos como una confirmación de la conocida “teoría Pixar”, una hipótesis que plantea que muchas de las películas del estudio comparten un mismo universo narrativo.

La teoría, difundida desde hace varios años en comunidades en línea y entre seguidores del cine de animación, propone que las historias de Pixar se desarrollan en una misma línea temporal o en un mismo mundo, aunque ocurran en diferentes épocas o contextos.

Si bien el estudio no había confirmado oficialmente esa idea de manera directa, la película Hoppers incluye referencias que han sido interpretadas por algunos espectadores como una conexión entre varias de sus producciones.

Uno de los elementos que más ha llamado la atención aparece hacia el final de la película. En una escena se muestra a la doctora Sam Fairfax, personaje vinculado con avances tecnológicos dentro de la historia, trabajando en nuevos desarrollos científicos.

Entre los proyectos que aparecen en su laboratorio se observan prototipos de collares diseñados para permitir que los perros puedan comunicarse con los humanos, similares a los que aparecen en la película Up, donde varios perros los utilizan para hablar con personas.

En esa cinta, los collares estaban asociados al explorador Charles Muntz, personaje que los utilizaba en su expedición en Sudamérica.

La escena de Hoppers ha sido interpretada por algunos seguidores como una posible explicación sobre el origen de esa tecnología dentro del universo ficticio de Pixar.

En la misma secuencia del laboratorio también se muestra un pizarrón con diversos esquemas. Entre los dibujos aparecen diseños de robots encargados de limpiar el planeta, similares al protagonista de WALL-E, un robot creado para recolectar y compactar basura en una Tierra cubierta de desechos.

Otros bocetos presentes en la escena evocan sistemas de puertas capaces de generar energía a partir de reacciones humanas, un concepto asociado con la trama de Monsters, Inc., donde los gritos de los niños se convierten en fuente de energía para la ciudad de los monstruos.

Además, en el pizarrón se incluye una referencia a la posibilidad de integrar mentes humanas en vehículos, un concepto que algunos espectadores relacionan con el mundo representado en Cars, donde automóviles antropomórficos protagonizan la historia.

La presencia de estas ideas en una misma escena ha sido interpretada por seguidores como una forma de vincular los desarrollos tecnológicos de la doctora Sam con varios elementos narrativos presentes en otras películas del estudio.

Según esta lectura, el personaje podría representar una figura clave dentro de un posible marco narrativo que conecte diferentes historias.

Tras el estreno de la película, el director de Hoppers, Daniel Chong, indicó en entrevistas que decidieron incluir estas referencias como un guiño a los seguidores del estudio.

“Hay un easter egg enorme al final que, en una sola toma, hace referencia a al menos seis o siete películas de Pixar”, expresó.

De acuerdo con sus declaraciones, conoce la teoría desarrollada por fanáticos y quisieron integrar detalles que hicieran alusión a ella dentro de la historia.

Taylor Swift lanzará una canción original titulada “I Knew It, I Knew You”, escrita para Toy Story 5, la nueva entrega de la franquicia de Disney y Pixar que llegará a los cines el 18 de junio en América Latina.

La artista realizó el anuncio este lunes a las 2 p.m. (hora del este de Estados Unidos) a través de sus redes sociales, luego de una cuenta regresiva desplegada en su sitio web y en una pantalla gigante en Times Square.

La canción fue coescrita y coproducida junto a Jack Antonoff, colaborador habitual de Swift, con quien no trabajaba desde el álbum The Tortured Poets Department, lanzado en 2024.

Según informó Disney, el tema está inspirado en el arco narrativo de Jessie, la vaquera de juguete con voz de Joan Cusack, cuya historia comenzó en Toy Story 2. La compañía describió la canción como un regreso a las raíces country de Swift.

“Siempre soñé con poder escribir para estos personajes que adoré desde que era una niña de 5 años viendo la primera película de Toy Story”, dijo la artista en un mensaje publicado en Instagram.

Y continuó en la publicación: “Me enamoré al instante de Toy Story 5 cuando tuve la suerte de verla en sus primeras etapas, y escribí esta canción en cuanto llegué a casa después de la proyección. A veces simplemente lo sabes, ¿verdad?“.

El director y guionista de la película, Andrew Stanton, celebró la colaboración en declaraciones recogidas por Variety.

“Es increíble lo significativo que ha sido tener a Taylor escribiendo e interpretando esta canción. Su conexión con Jessie y la manera inmediata en que entendió lo que el personaje estaba viviendo era innegable”, aseguró.

En esa misma línea, agregó que “la canción está tan profundamente ligada a Toy Story que, al escucharla por primera vez, pareció de inmediato que siempre había pertenecido ahí, como un familiar perdido hace tiempo. Fue cosa del destino“.

Además, Taylor Swift puso a la venta en su tienda oficial —por tiempo limitado hasta el miércoles— un sencillo en CD en tres versiones: estándar, en piano y acústica. Los pedidos se enviarán a partir del 19 de junio, fecha de estreno del filme.

Las especulaciones sobre esta colaboración comenzaron a finales de abril, cuando usuarios detectaron un contador en el sitio web de la cantante con un fondo que evocaba la estética de Toy Story. El contador desapareció a los pocos minutos, sin que ni la artista ni el estudio hicieran comentarios al respecto.

Los rumores tomaron fuerza el 29 de mayo, cuando aparecieron vallas publicitarias en Los Ángeles, Chicago, Dallas, San Francisco, Toronto, Ciudad de México y Londres con las iniciales “TS” en letras amarillas sobre un fondo azul con trece nubes blancas —número de la suerte de Swift y correspondiente a su fecha de nacimiento.

Ese mismo fin de semana, Pixar compartió en redes sociales una de las vallas con una imagen de Jessie bailando.

La semana previa, Stanton había intentado despistar a la prensa. En una entrevista recogida por Rolling Stone, el director dijo que sería “un honor tremendo” contar con la estrella pop, pero agregó: “La triste verdad es que vimos la mezcla final de la película la semana pasada y la canción del final no era de Taylor Swift”.

La declaración fue interpretada por muchos como una confirmación de que Taylor Swift sí participaba en el proyecto, aunque en una ubicación distinta dentro del filme.

Toy Story 5 seguirá el enfoque “juguetes contra tecnología” con la incorporación de una tableta llamada Lilypad, con voz de Greta Lee, que capta la atención de Bonnie y desplaza a los juguetes clásicos que antes pertenecieron a Andy.

El reparto de voces incluye también a Conan O’Brien, Craig Robinson, Shelby Rabara, Scarlett Spears, Mykal-Michelle Harris y Matty Matheson. La actriz Krys Marshall, conocida por For All Mankind y Paradise, se incorpora al elenco en un papel adulto aún no revelado.

El antecedente musical más célebre de la franquicia en torno a Jessie es “When She Loved Me”, interpretada por Sarah McLachlan para Toy Story 2 y escrita por Randy Newman, que obtuvo una nominación al Premio de la Academia.

La canción “I Knew It, I Knew You” de Taylor Swift estará disponible en plataformas digitales el 5 de junio de 2026.

Con más de 45 millones de horas de reproducción global, The Testaments fue renovada oficialmente para una segunda entrega que, según su creador, podría llegar tan pronto como en otoño de 2027. El spin-off es una secuela de The Handmaid’s Tale.

El anuncio de la renovación se produjo el 20 de mayo de 2026, el mismo día en que se emitió el penúltimo episodio de la primera temporada.

La cuenta oficial de la serie, estrenada en América Latina como Los Testamentos: De las hijas de Gilead, compartió un video en Instagram con comentarios de seguidores pidiendo una segunda entrega, editados junto a escenas del programa.

“Un secreto que ya no podíamos guardar más”, se leía en el mensaje que acompañaba la publicación. "The Testaments volverá para una segunda temporada en Hulu y Hulu en Disney+“.

El showrunner Bruce Miller confirmó a Variety que los guiones están en proceso: “Estamos escribiendo la serie, estamos delineando la temporada”.

En declaraciones al mismo medio, señaló que espera poder “avanzar rápidamente” hacia la producción, aunque aclaró que no quiere precipitarse. “No quiero trabajar demasiado rápido y hacer una serie mediocre. Quiero trabajar despacio y hacer una gran serie”, afirmó.

Un factor que suma urgencia al calendario es la edad de las protagonistas. Miller explicó a la revista que los estudios MGM, Hulu y Disney son conscientes de que las actrices principales deben seguir siendo creíbles como adolescentes, lo que impone presión sobre los tiempos de producción.

Si la segunda temporada sigue una trayectoria similar a la primera —que se filmó entre abril y agosto de 2025 y se estrenó en abril de 2026—, podría llegar a las pantallas a finales de 2027.

En cuanto al reparto, Chase Infiniti y Lucy Halliday continuarán al frente de la serie como Agnes y Daisy, respectivamente. Ann Dowd retornará como la imponente Tía Lydia, quien tendrá un papel de mentora central en el desarrollo de Agnes.

Elisabeth Moss, productora ejecutiva y estrella invitada como June Osborne, confirmó a The Hollywood Reporter su intención de seguir ligada al proyecto. “Nunca querría dejar de interpretarla”, declaró. “Mientras exista Gilead, ella nunca va a dejar de luchar”.

También se espera el regreso de varios personajes secundarios de la primera temporada, entre ellos Mattea Conforti como Becka, Rowan Blanchard como Shunammite, Mabel Li como Tía Vidala y Brad Alexander como Garth.

¿Qué pasará con Agnes en la temporada 2 de “The Testaments”?

El final de la primera temporada dejó varias líneas narrativas abiertas. Agnes descubrió que June Osborne es su madre biológica, su matrimonio concertado con el Comandante Weston fue cancelado y Daisy renunció a su oportunidad de escapar de Gilead para permanecer junto a sus amigas.

Bruce Miller explicó a Variety el impacto que ese giro tendrá en la segunda entrega. “De eso trata la serie: de que la olla hierva. Cuando Agnes se da cuenta de quién es su madre, eso sube mucho la temperatura, pero todavía está apenas borboteando, no explota”, sostuvo acerca del cliffhanger que dejó a la audiencia con ganas de ver más.

Y agregó en su declaración: “Esta es una mujer criada en Gilead, esas son sus reglas; no va a dar vuelta un día y decir ‘esto es terrible, deberíamos cambiarlo’. Uno quiere que ella se convierta en alguien sobre un fuego intenso, hirviendo, pero nunca se sabe cuándo va a empezar a estallar”.

Asimismo, anticipó las consecuencias sociales que enfrentará Agnes dentro de su comunidad tras la ruptura del compromiso. “Para Agnes, ella era la niña de oro, y ahora es una perdedora. Era Agnes MacKenzie. Y ahora alguien la dejó, y nadie sabe por qué”, señaló.

No obstante, el showrunner se mostró optimista respecto al arco del personaje: “Creo que Agnes va a hacer algo con este pequeño margen de independencia que encontró”.

Chase Infiniti expresó a Collider su entusiasmo por lo que viene. “La dejamos en esta lucha interna para descubrir quién es realmente, versus lo que le han dicho que es durante toda su vida. Eso es algo que estoy muy emocionada de explorar”, señaló.

Por su parte, Elisabeth Moss anticipó a Variety otra línea argumental que podría desarrollarse en la próxima entrega: la pregunta de Agnes sobre la identidad de su padre.

“Ni siquiera hemos llegado a la pregunta de ‘¿quién es tu papá?’, a Agnes preguntándose quién es su padre. Quiero decir, ¡cuánta diversión por delante!”, comentó.

A las afueras del cine, Joseph Marfia y su pequeño hijo Mateo sostenían pochoclos, emocionados por la próxima función. “Es la primera vez que ve una película de Star Wars en el cine”, dijo el padre, residente de Washington. “Estoy muy emocionado de compartir esa experiencia con él”.

Si bien el adorable coprotagonista verde de la película parece hecho a medida para las familias, las primeras proyecciones de Mando y Grogu reflejan una falta de entusiasmo por parte del público general. Se espera que la película recaude entre 80 y 100 millones de dólares en la taquilla nacional durante el fin de semana largo de cuatro días. Si la venta de entradas se mantiene en ese rango, será el estreno menos exitoso de la era de Star Wars de Disney. Se informa que el presupuesto de la película ronda los 165 millones de dólares.

Mando y Grogu (The Mandalorian and Grogu) funciona como una especie de final de serie tras tres temporadas de la serie The Mandalorian. La trama de la película se centra firmemente en sus personajes principales, sin expandir su alcance para capturar un ambiente o conflicto a escala galáctica. Normalmente, la franquicia de Star Wars se describe como una “ópera espacial”, con personajes de alto y bajo estatus social conviviendo; importantes dilemas morales y éticos; y una mezcla de romance, acción, melodrama y ciencia ficción. Comparado con los objetivos narrativos de entregas anteriores, el estreno de este fin de semana se siente pequeño y prescindible. Tampoco ayuda que, según se informa, la película se haya filmado completamente en California, en lugar de en las exóticas locaciones que han aparecido en películas anteriores.

Las primeras críticas han sido dispares. En su reseña para Variety, Owen Gleiberman comparó la película con “un par de episodios agradables, entretenidos y casi olvidables, unidos a la fuerza, aunque con la acción a gran escala propia de una superproducción de aventuras”. SlashFilm añadió que la película “no logra contar una historia significativa que merezca la pena ver”. Gizmodo la calificó como “una aventura intrascendente en la vida de estos personajes”.

Al momento de escribir este artículo, la película tiene una calificación del 63% en el agregador de reseñas Rotten Tomatoes, lo que significa que poco más de la mitad de los críticos la valoraron positivamente. Es la segunda calificación más baja de la crítica en la era de Star Wars de Disney, solo superada por la última entrega de la franquicia, El ascenso de Skywalker.

“Da la sensación de que es una película que no se ha justificado del todo”, dijo Justin Paul, quien usa su nombre y segundo nombre profesionalmente y habla de Star Wars en su popular canal de YouTube EckhartsLadder. Aunque Paul planea llevar a su hijo de 7 años al cine por primera vez, dice: “Si estuviera soltero, no creo que la película me impresionara demasiado”.

Paul, que ronda los treinta y tantos años, lanzó EckhartsLadder antes del estreno de Los últimos Jedi. Esa película, el capítulo central de la Trilogía Secuela de Disney, desató una tormenta en las redes sociales que sigue siendo un tema controvertido en internet nueve años después. Las dos películas que siguieron a Los últimos Jedi, Solo: Una historia de Star Wars (2018) y Star Wars: El ascenso de Skywalker (2019), resultaron ser decepcionantes en taquilla.

Han transcurrido siete años entre el estreno de El ascenso de Skywalker y el de este año. Durante ese tiempo, y en parte debido a la pandemia mundial, Disney trasladó toda su producción de Star Wars al streaming.

Cuando Disney+ se lanzó en 2019, gran parte de su atractivo residía en sus series y miniseries basadas en las franquicias más importantes de la compañía. El primer episodio de The Mandalorian, una serie de Star Wars dirigida por Jon Favreau, esperaba a los nuevos suscriptores el día del lanzamiento. Protagonizada por Pedro Pascal como Din Djarin (el personaje principal) y el pequeño alienígena verde Grogu, conocido popularmente como Baby Yoda, la serie dio inicio a una avalancha de producciones del universo Star Wars, que llenaron los vacíos entre las películas. Entre animación y acción real, Disney ha estrenado ya 17 temporadas de series de Star Wars, muchas de ellas ambientadas en el “Mandoverso”, un periodo de la cronología canónica inmediatamente posterior a los acontecimientos de El retorno del Jedi de 1983.

El estreno se sintió como la culminación de todas esas temporadas de televisión. El statu quo de nuestros entrañables héroes no cambia drásticamente, una característica de un buen guion televisivo, pero un defecto de una película estrenada en cines. Aun así, algunos fans están entusiasmados de ver la franquicia de vuelta en la gran pantalla.

Aidan Sullivan administra la cuenta de Instagram unnofficial.starwars, una fuente independiente de noticias, rumores, memes y curiosidades sobre Star Wars. Desde 2018, la considera una comunidad para fans de Star Wars como él. Sullivan está eufórico por el nuevo estreno, que, según él, abre un sinfín de posibilidades para otras películas ahora que la saga Skywalker ha terminado. Añadió que, en cuanto a la participación del público, su contenido sobre Mando y Grogu está teniendo un gran éxito.

Sullivan, quien también administra una cuenta centrada en el Universo Cinematográfico de Marvel, desearía que ambas franquicias volvieran a centrarse en los estrenos en cines. “Al estar bajo el mismo paraguas de Disney, están impulsando lo mismo con ambas”. Otros fans opinan que The Mandalorian había perdido fuerza antes de dar el salto a la gran pantalla, entre ellos Austin Vaught, que dirige la cuenta de YouTube Larry The Stormtrooper, que presenta animaciones cómicas de personajes y escenarios de Star Wars.

Según él, la disminución en la calidad y el entusiasmo que generó la tercera y última temporada de The Mandalorian posiblemente contribuyó a la reticencia que la gente siente hacia este nuevo lanzamiento. “Definitivamente no generó tanta expectación”.

A la salida del cine, Eiden Smith-Moulden, estudiante de la Universidad Loyola Maryland, describió una relación similar con la trilogía de la serie: “La primera temporada fue buena, la segunda fue increíble... y la tercera fue lenta, pero tenía una historia bastante coherente”, comentó. Fanático de la serie y de la participación de Sigourney Weaver en la película, se aseguró de llegar a una de las primeras funciones para comprar un cubo de palomitas coleccionable con forma de AT-AT. La madre de Smith-Moulden, Elena, tenía un motivo ligeramente diferente para asistir: “Estoy aquí porque me encanta Grogu”.

Justo antes de que comenzara la película, se proyectó un anuncio publicitario (no un tráiler) centrado en los parques y cruceros de Disney. En él se mostraban las interacciones entre los personajes y los hermosos escenarios que promete la división de parques de la compañía. A principios de este año, Disney nombró a Josh D’Amaro como director ejecutivo, sucediendo a Bob Iger. Anteriormente, D’Amaro supervisaba los parques y cruceros de Disney. El viernes, el Mandaloriano y Grogu se incorporaron a la atracción del Halcón Milenario del parque temático.

En cuanto al futuro de Star Wars, aún queda poco por definir. La segunda temporada de Ahsoka, un spin-off de The Mandalorian protagonizado por Rosario Dawson y que presenta a un personaje que debutó en la animación, se estrenará a principios de 2027, y también se encuentran en producción nuevas temporadas de dos series animadas: Maul – Shadow Lord y Star Wars: Visions.

La película Star Wars: Starfighter, dirigida por Shawn Levy, se estrenará el próximo año por estas fechas y cuenta con Ryan Gosling en el reparto, cuya película Project Hail Mary fue un éxito de taquilla en el género de ciencia ficción. Los fans confían en que la película tenga más posibilidades de devolver a la franquicia a su antiguo esplendor.

Desde que adquirió Lucasfilm en 2012, y con ella los derechos de propiedad intelectual de Star Wars, Indiana Jones y Willow, Disney se ha acostumbrado a anunciar y luego cancelar nuevos proyectos cinematográficos. Justo antes del estreno de Los últimos Jedi, la compañía anunció una trilogía de largometrajes del guionista y director de la película, Rian Johnson, para luego descartarlos discretamente. Se informó que el superproductor de Marvel, Kevin Feige, estaba trabajando en una película independiente, pero, según la expresidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, “nunca se concretó nada”. En 2018, se anunció que los creadores de Juego de Tronos, David Benioff y D.B. Weiss, liderarían una trilogía de películas centrada en los orígenes de los Jedi, pero tampoco llegó a materializarse.

“En gran medida, se trata de perseguir tendencias y tomar decisiones a corto plazo que terminan perjudicando a la franquicia”, dijo Paul refiriéndose a algunas de las decisiones de Disney. “Me pregunto si esta película será el próximo ejemplo de ello”.

Fuente: The Washington Post

[Fotos: Disney y Nicola Goode/Lucasfilm Ltd/Disney]

La película llegará a los cines el 19 de junio y girará en torno a Bonnie, ya con ocho años, cuando reciba su primer aparato tecnológico (una tablet infantil) y empiece a pasar demasiado tiempo delante de la pantalla. Mientras sus juguetes de siempre, observarán con alarma cómo le absorbe por completo este nuevo entretenimiento digital. En ese contexto, Tom Hanks ha explicado a The Hollywood Reporter que una de las secuencias más duras retrata a la niña herida por mensajes de otros menores que no entiende.

El encuentro del elenco se ha celebrado el jueves por la noche en el centro de Londres, en el lanzamiento británico de la película. Allí se han reunido Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack y la recién llegada Greta Lee, junto al director Andrew Stanton, en un acto que incluso ha reservado una línea de prensa específica para entrevistadores infantiles.

El impacto de la tecnología en la infancia

Hanks, voz de Woody, ha explicado por qué cree que la película toca una fibra especialmente sensible al abordar el impacto de la tecnología en la infancia. “Estas películas acaban diciendo y poniendo en palabras cosas que todo el mundo ya está pensando”, ha dicho.

El actor ha detallado cuál es el momento que más le ha impresionado de la nueva entrega. “Hay una de las escenas más desgarradoras que he visto en cualquiera de las películas de Toy Story: cuando a esa niña le hieren los sentimientos por lo que otras personas están escribiendo sobre ella, y no entiende por qué. No sabe qué ha hecho mal, pero le duele, y eso es algo muy premonitorio en una película sobre niños pequeños, juguetes y tecnología, ¿no creéis?”, ha dicho Hanks.

El intérprete también ha asegurado que la franquicia sigue llevándole a lugares emocionales inesperados. Según The Hollywood Reporter, Hanks ha bromeado con que las películas siempre le empujan a un terreno emocional al que entra encantado y a la vez enfadado por tener que pasar por ahí.

500 Buzz Lightyears

En ese mismo acto, ha avanzado además una de las secuencias que más juego dará a su compañero de reparto. Al ver la primera escena en la que 500 Buzz Lightyear emergen del agua, Hanks ha contado que pensó: “Tim se lo va a pasar en grande con esto”. Luego ha rematado la broma agradeciendo que sea Tim Allen quien tenga que poner voz a los 500 y no él.

Tim Allen, la voz de Buzz Lightyear, ha confirmado que la película explora nuevas variantes del personaje. “Hay mucho Buzz en esta película, muchos Buzz diferentes. Han ampliado lo que es y lo que le hace especial. Creo que la palabra que está buscando es Guardián Espacial”, ha dicho.

Allen también ha subrayado que le ha sorprendido que Disney y Pixar hayan decidido examinar de forma tan directa el peso de la tecnología. “Estoy realmente impresionado de que Pixar haya hecho esto, de que se les haya ocurrido una idea así. Son una empresa tecnológica. Disney es una empresa tecnológica, y están yendo contra lo suyo, mirándose a sí mismos y viendo dónde encajan”, ha afirmado.

La película de Jessi

Para Allen, algunas escenas de la película dejan una impresión inmediata sobre hacia dónde se dirige la vida cotidiana. “Hay un par de escenas grandes en esta película que... en nuestro pase previo se hizo un silencio total, y todo el mundo dijo: ‘Hacia aquí es hacia donde vamos’”, ha relatado.

El actor ha resumido así la tesis de la película: “No puedes obligar a la gente a volver a jugar, pero puedes enseñarles que relacionarse con los juguetes y con tu vida y tus amigos es un poco más satisfactorio que estar con tu dispositivo”.

Andrew Stanton ha explicado que la idea tomó forma hace tiempo, cuando aceptó encargarse del proyecto y buscó un punto de partida para escribirlo. Según ha contado a The Hollywood Reporter, tuvo claro desde muy pronto que quería centrar la historia en Jessie, que los dispositivos habían llegado para quedarse entre los niños después de la pandemia y que la idea de 50 Buzzes le hacía gracia.

Preguntado por posibles secuelas posteriores, Stanton ha descartado tener ya planes cerrados para una sexta o séptima entrega. Según The Hollywood Reporter, el director ha dicho que vuelca todo en cada película y que la propia saga funciona porque abraza el paso del tiempo, de modo que la perspectiva cambia en cuatro o cinco años y puede convertirse en material nuevo.

La otra gran incorporación del reparto es Greta Lee, que ha adelantado algunos rasgos de su antagonista, Lily Pad. “Lily, dicho de forma simple, es un juguete nuevo. Es un dispositivo. Es verde. Tiene bracitos. Tiene muy buenas intenciones, pero quizá no siempre la mejor ejecución”, ha explicado. Lee también ha confesado cuál es su entrega favorita de la saga. Su elección ha sido Toy Story 3.

Han pasado más de treinta años de eso y ahora, Toy Story 5 llegará a los cines el 19 de junio de 2026 y reunirá otra vez a los míticos personajes Woody, Buzz y los juguetes de Bonnie en una historia centrada en la competencia entre juguetes tradicionales y tecnología. Así, La quinta película de Disney Pixar planteará como eje “Toys vs. Tech”, con una tablet como antagonista.

La película sumará nuevas voces al reparto y mantendrá a Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack en sus papeles principales. El conflicto parte de los dispositivos que disputan la atención de los niños en la actualidad a través de estímulos visuales y ponen en crisis el lugar de los juguetes clásicos dentro del cuarto de juegos.

‘Toys Vs. Tech’

Tim Allen, la voz de Buzz Lightyear, adelantó en una entrevista con WIVB que la trama tendrá un foco particular en Jessie. “Tom Hanks y yo hacemos (Woody y yo) un realineamiento”, dijo. “Y hay una escena inicial increíble con Buzz Lightyear. Eso os lo puedo contar, pero no mucho más“.

El eje temático será la rivalidad entre juguetes de toda la vida y las nuevas tecnologías. La introducción de Lilypad, una tableta interpretada por Greta Lee, será el detonante de ese choque y convertirá la disputa por la atención infantil en el motor del relato.

Allen también sostuvo ante WIVB que la película es “muy sobre Jessie”, la vaquera a la que vuelve a dar voz Joan Cusack. Ese comentario anticipa un rol más central del personaje en una entrega que conserva a Woody y Buzz como figuras clave de la franquicia.

Reparto de voces originales

El reparto principal recupera a Tom Hanks como Woody, a Tim Allen como Buzz Lightyear y a Joan Cusack como Jessie. También regresan John Ratzenberger como Hamm, Wallace Shawn como Rex, Blake Clark como Slinky Dog, Annie Potts como Bo Peep, Bonnie Hunt como Dolly, Melissa Villaseñor como Karen Beverly, Kristen Schaal como Trixie y Keanu Reeves como Duke Caboom.

La película también renovará varias voces de personajes ya conocidos. Jeff Bergman sustituirá al fallecido Don Rickles como Mr. Potato, Anna Vocino asumirá el papel de Mrs. Potato, John Hopkins relevará a Timothy Dalton como el Sr. Espinas y Ernie Hudson tomará el lugar del fallecido Carl Weathers como Combat Carl.

Entre las incorporaciones figuran Conan O’Brien como Smarty Pants, Craig Robinson como el hipopótamo GPS Atlas y Shelby Rabara como la cámara Snappy.

Además, Scarlett Spears dará voz a Bonnie, una niña “dulce y tímida” de ocho años, y que Mykal-Michelle Harris interpretará a Blaze, una niña armenia independiente de ocho años amante de los animales.

Matty Matheson se sumará como el juguete Dr. Nutcase, que teme la tecnología. Krys Marshall fue fichada para interpretar a un personaje adulto, aunque no se han precisado más detalles sobre ese rol.

La dirección estará a cargo de Andrew Stanton, que ha estado involucrado a la saga desde el principio, ya que fue uno de los guionistas de la primera parte. Su debut en solitario fue Walle y después se pasó a la imagen real con John Carter. Ha rodado capítulos de Strangers Things, de la serie de ciencia ficción Historias del bucle, de El problema de los 3 cuerpos, por lo que no es de extrañar que haya incorporado la tecnología en esta ocasión como eje de la trama.

Nueva etapa para los X-Men: Magneto toma el liderazgo y surgen divisiones internas

Al finalizar la temporada anterior, el equipo quedó impactado por la muerte de Gambito bajo el liderazgo de Magneto y la falta persistente del Profesor Charles Xavier. En la última voluntad de Xavier, Magneto es nombrado como sucesor natural al frente de los X-Men, lo que causa fricciones, especialmente con Cíclope, quien esperaba asumir ese papel.

El tráiler muestra que los mutantes están ahora dispersos en diferentes líneas temporales tras los acontecimientos traumáticos recientes, retratando a un equipo fracturado y tenso. Jean Grey y Cíclope, por ejemplo, aparecen en compañía de su hijo Nathan (conocido como Cable) en un futuro alternativo, mientras otros miembros intentan reunirse. Esta situación anticipa conflictos internos y desafíos para mantener la cohesión del grupo, dificultades agravadas por la desconfianza hacia el liderazgo de Magneto.

Grandes villanos: Apocalipsis lidera las amenazas

Una de las incorporaciones más destacadas de la temporada es la aparición de Apocalipsis como la amenaza principal. Este personaje, uno de los villanos más reconocidos en la historia de los X-Men debido a su poder y antigüedad, obligará a los héroes a superar sus diferencias para sobrevivir. El tráiler muestra cómo la dispersión temporal deja vulnerables a los mutantes, una debilidad que Apocalipsis aprovecha para consolidar su poder y lanzar nuevos ataques contra los protagonistas.

El liderazgo de Magneto se verá puesto a prueba tanto por sus compañeros como por la presión que ejerce este formidable enemigo, quien se beneficia de cualquier signo de división entre los héroes. El guion incorporará, según lo adelantado, situaciones extremas y alianzas inesperadas, explorando los dilemas éticos y la fragilidad de la unidad mutante ante amenazas de gran envergadura.

Impacto en la audiencia y planes de Marvel Studios a futuro

El éxito de la primera temporada, estrenada en 2024, llevó a Disney+ a renovar la serie para una tercera temporada incluso antes del estreno de la segunda. El regreso de X-Men ’97 busca aprovechar la nostalgia de quienes crecieron con la serie original y, al mismo tiempo, captar nuevos públicos gracias a una animación actualizada y tramas más complejas. De acuerdo con la información proporcionada por Marvel Studios, los dos años de espera obedecen al trabajo detallado requerido en la producción animada, tal como se puede apreciar en la calidad de los materiales que se han presentado.

Para los suscriptores y seguidores, el estreno de la segunda temporada significa no solo una continuación, sino también una reinterpretación contemporánea de personajes y conceptos clásicos. Además, la decisión de mantener en la plataforma la serie original de los años noventa indica un esfuerzo por reforzar el vínculo emocional de los fanáticos con la narrativa actual.

La exploración de temas como el liderazgo, la traición y la supervivencia en diferentes contextos temporales amplía el atractivo de la producción y trasciende al público habitual del género. El lanzamiento del tráiler y la confirmación de la fecha de estreno en pleno verano buscan maximizar el alcance, combinando la expectativa renovada y el acceso global a Disney+.

El anuncio ocurre poco más de dos años después del final de la primera temporada, emitida en mayo de 2024. El nuevo adelanto muestra algunos de los acontecimientos que quedaron abiertos tras el cierre anterior y anticipa que el equipo de los X-Men se encontrará disperso en distintas líneas temporales.

De acuerdo con las imágenes reveladas, varios integrantes del grupo deberán enfrentar escenarios ubicados tanto en el pasado como en el futuro, mientras intentan regresar a su línea temporal original situada en la década de 1990.

La historia también presentará como principal antagonista a Apocalypse, uno de los mutantes más poderosos y longevos del universo Marvel.

En el avance difundido por Marvel Animation, una narración explica que los personajes quedaron separados “desde el inicio del reinado de Apocalypse en el pasado hasta el punto más alto de su dominio en el futuro”.

La nueva temporada desarrollará las consecuencias de esta fragmentación temporal y el intento de los protagonistas por reunirse nuevamente.

La serie retoma el universo de la producción animada original de los años noventa, centrada en un grupo de mutantes que utiliza sus habilidades para proteger a una sociedad que les teme y rechaza.

En esta continuación, el equipo deberá enfrentar nuevas amenazas y un contexto marcado por el aumento de la intolerancia hacia los mutantes.

Según la sinopsis oficial, la segunda temporada seguirá a los integrantes de los X-Men mientras atraviesan distintas épocas del tiempo en busca de una forma de regresar a casa.

Paralelamente, en los años noventa, nuevos enemigos y conflictos relacionados con la discriminación contra los mutantes comienzan a intensificarse tras la ausencia del grupo.

El elenco de voces incluirá nuevamente a Ross Marquand como Profesor X, Matthew Waterson en el papel de Magneto y Ray Chase como Cyclops. También regresarán Jennifer Hale como Jean Grey, Alison Sealy-Smith como Storm, Cal Dodd interpretando a Wolverine, Lenore Zann como Rogue y George Buza en el rol de Beast.

La producción de la segunda temporada se desarrolló en paralelo con otros planes para la franquicia. En octubre de 2025, Marvel confirmó la renovación de la serie para una tercera temporada, antes incluso del estreno de los nuevos episodios.

La continuidad del proyecto también estuvo marcada por cambios en el equipo creativo. Matthew Chauncey asumió como escritor principal tras la salida de Beau DeMayo, quien había trabajado en las dos primeras temporadas antes de abandonar la producción previo al estreno de la primera entrega en 2024.

La primera temporada de X-Men ’97 obtuvo una recepción destacada tanto en audiencia como en críticas especializadas.

La serie se convirtió en una de las producciones animadas originales más vistas de Disney+ a nivel global, de acuerdo con datos de horas reproducidas difundidos por la plataforma. Además, alcanzó una calificación de 99 % en el sitio especializado Rotten Tomatoes.

Contexto y evolución de la saga

Desde su inicio en 1995, la franquicia Toy Story de Pixar ha explorado los miedos y desafíos propios de la infancia y el crecimiento. Cada película ha tratado temas como el miedo a ser reemplazado, los cambios, la aceptación y la importancia de dejar ir. Ahora, Toy Story 5 renueva estos dilemas al situar la amenaza en la omnipresencia de los dispositivos electrónicos.

Según lo que se muestra en el nuevo tráiler, Woody y los demás juguetes quedan desplazados cuando Bonnie es absorbida por Lilypad, una tablet con forma de rana que se convierte en el centro de atención de la niña. Este enfoque responde a la preocupación creciente sobre la influencia de los dispositivos electrónicos en la forma en que los niños juegan y se desarrollan emocionalmente.

La importancia de Lilypad en la nueva trama

A diferencia de los antagonistas clásicos de la saga, la amenaza de Lilypad en Toy Story 5 es menos física pero más inquietante. Este dispositivo, que en un principio parece ser solo una herramienta de entretenimiento, rápidamente demuestra su capacidad para captar la atención de Bonnie, alejándola de sus juguetes y dificultando tanto el juego creativo como la interacción social.

En el tráiler se observa que los amigos de Bonnie también han sucumbido a la influencia de Lilypad, apareciendo prácticamente como “zombis” hipnotizados por la pantalla. Esta situación lleva a Woody, Buzz y Jessie a unirse y tomar acción, reflejando la lucha diaria de muchas familias para lograr un equilibrio saludable entre la tecnología y el juego tradicional.

El papel de los padres y el mensaje de Pixar

En los últimos años, muchos padres han expresado una preocupación creciente por el uso excesivo de dispositivos electrónicos por parte de los niños. Especialistas en desarrollo infantil advierten que pasar demasiado tiempo frente a una pantalla puede asociarse con problemas de atención, dificultades para dormir y menor creatividad.

Desde Pixar han aclarado que el objetivo de Toy Story 5 no es ofrecer un sermón moralizante, sino plasmar una preocupación real y vigente, tal como en otras entregas abordaron el miedo al reemplazo o el duelo. El guion, escrito por Andrew Stanton y Kenna Harris, pretende generar empatía en niños y adultos, así como propiciar un diálogo intergeneracional sobre el uso responsable de la tecnología en el ámbito familiar.

El regreso del elenco original y el valor de la nostalgia

Uno de los mayores atractivos de esta quinta entrega es el retorno de las voces originales en inglés: Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie. Estos personajes emblemáticos contribuyen a restaurar el tono nostálgico que ha caracterizado la franquicia y permiten conectar a distintas generaciones, mostrando cómo la infancia ha cambiado con el avance tecnológico.

A diferencia de las películas anteriores, en las que el conflicto central giraba en torno a la relación entre los niños y sus juguetes, en esta ocasión el eje de la historia es la transformación de los propios niños y su interacción con el entorno digital.

Impacto y preocupaciones en las familias

La exposición continua a tablets y teléfonos inteligentes es un fenómeno que afecta tanto a las familias en la ficción como en la vida real. Varios estudios indican que el 80% de los niños en edad preescolar utilizan algún dispositivo electrónico diariamente, y una parte considerable de ellos pasa más de dos horas frente a una pantalla.

La trama de Toy Story 5 se inspira en esta realidad, mostrando cómo los juguetes, que tradicionalmente simbolizan la creatividad y la socialización, pierden relevancia frente al atractivo de los contenidos digitales. El caso de Bonnie, completamente absorta por Lilypad, representa la preocupación de muchos padres ante la disminución del juego físico y la interacción directa con otros niños.

Patrones preocupantes y contradicciones en el uso de la tecnología

Aunque la tecnología ofrece beneficios evidentes, como el acceso a información y la estimulación cognitiva, su uso indiscriminado puede generar riesgos como la pérdida de habilidades sociales, menor tolerancia a la frustración y sustitución del juego imaginativo. Toy Story 5 plantea esta contradicción: Lilypad, que en principio aparece como un recurso educativo y útil, termina por convertirse en una amenaza para la infancia de Bonnie.

Esta paradoja queda reflejada en las escenas del tráiler, donde los intentos de los adultos por facilitar el aprendizaje y el entretenimiento mediante la tecnología terminan generando aislamiento y dependencia.

El mensaje social de Pixar más allá de la pantalla

En vez de emitir juicios categóricos, Pixar utiliza Toy Story 5 para invitar a la reflexión sobre el papel de la tecnología en la vida de los niños. La película no sataniza los dispositivos, pero advierte sobre la importancia de buscar un equilibrio que evite la pérdida de habilidades sociales y la desconexión de la realidad.

El retorno de Woody y Buzz no solo representa una nueva aventura familiar, sino también una oportunidad para abrir un debate sobre cómo acompañar a las nuevas generaciones en el uso responsable de la tecnología, tanto en el hogar como en la escuela.

El cantante interpreta a un personaje llamado Pizza with Sunglasses, descrito por la producción como “sin esfuerzo cool y misterioso” y como parte de “una pequeña pero poderosa comunidad de juguetes olvidados que viven en un cobertizo abandonado en el jardín”.

La incorporación del artista puertorriqueño se dio a conocer en el marco del lanzamiento del tráiler final del filme animado, que también coincidió con la apertura de la venta de entradas.

Junto a este, Disney confirmó la participación de Alan Cumming, conocido por su papel en Avengers: Endgame y como conductor de The Traitors.

El actor británico prestará su voz a Evil Bullseye (Tiro al blanco malvado), el alter ego de juego del querido personaje Tiro al blanco.

Según un comunicado oficial, aunque el caballo de Woody no habla en el universo de Toy Story, Cumming le da voz durante una secuencia cómica que transcurre en medio de una sesión de juego.

Ambos se suman a un elenco que ya incluye a Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear, Joan Cusack como Jessie, Tony Hale como Forky, Greta Lee como Lilypad, Melissa Villaseñor como Karen Beverly y Wallace Shawn como Rex, entre otros.

La dirección del filme está a cargo de Andrew Stanton —responsable de WALL-E y Finding Nemo— junto a la codirectora Kenna Harris.

El compositor Randy Newman regresa para musicalizar su quinta entrega de la saga.

Tráiler final de “Toy Story 5″

El tráiler final de Toy Story 5 ofrece una mirada más amplia al conflicto central del filme: la llegada de Lilypad, una tablet inteligente con forma de rana que pone en jaque la convivencia entre los juguetes y su dueña, Bonnie, ahora de ocho años.

En las imágenes, Lilypad —con la voz de Greta Lee— llama a Jessie por su nombre completo, Jessica, lo que desata la reacción de la vaquera.

Más adelante, los juguetes aparecen apilados en una caja de cartón dentro del garaje, lo que lleva a Rex a preguntar si están siendo donados.

En diálogo con Variety, el director Andrew Stanton aclaró que Lilypad no es una villana en el sentido tradicional. “Los juguetes la ven así porque es comprensible que se sientan intimidados. Ella es simplemente la siguiente etapa en la vida de Bonnie”, señaló.

Y agregó: “Está construida como un juguete en el sentido de que quiere ayudar a la niña a avanzar, pero tiene habilidades muy distintas y ninguna experiencia, mientras que Jessie no tiene más que experiencia y probablemente no está preparada para lo que viene”.

La codirectora Kenna Harris explicó al mismo medio que el debate sobre el rol del personaje fue intenso al interior del estudio.

“Mucha gente en el estudio quería que fuera una villana, y fue muy difícil encontrar el equilibrio porque creo que todos llegamos con emociones muy cargadas hacia los dispositivos. Al final, nunca tuvo sentido”, afirmó.

Harris agregó: “No vamos a deshacernos de estos dispositivos, por más que lo intentemos. Yo siempre voy a tener mi teléfono. Probablemente voy a ser parcialmente adicta a él. Así que nos pareció correcto que los juguetes tuvieran que lidiar con esa complejidad”.

El largometraje también introduce nuevos personajes entre los juguetes tecnológicos: Conan O’Brien da voz a Smarty Pants, un dispositivo de entrenamiento para ir al baño cuyo diseño tiene un guiño al color del cabello del comediante.

Craig Robinson interpreta a Atlas, un juguete con forma de hipopótamo, y Shelby Rabara presta su voz a Snappy, una cámara digital antigua.

Toy Story 5 se estrena el 18 de junio en cines de América Latina.

El primer viaje a Walt Disney World Resort suele estar cargado de expectativas y emoción. Para muchas familias, especialmente aquellas que lo visitan por primera vez, la planificación se convierte en parte de la experiencia: elegir los parques, descubrir las atracciones y organizar cada jornada contribuye a construir un viaje imaginario compartido. Más que una logística previa, se trata de un proceso que anticipa el encuentro con un lugar pensado para generar recuerdos desde el primer momento.

Viajar a Walt Disney World Resort, ubicado cerca de Orlando, Florida, requiere más que entusiasmo. Para aprovechar al máximo la visita, es clave conocer ciertos aspectos que pueden marcar la diferencia en la experiencia. Desde la elección del parque temático para iniciar el viaje hasta el uso de herramientas digitales, el resort ofrece múltiples recursos que permiten optimizar el tiempo para tener unas vacaciones mágicas llenas de entretenimiento familiar.

Esta guía resume cinco elementos esenciales que conviene tener en cuenta antes y durante el viaje:

1. Los cuatro parques temáticos

Magic Kingdom Park

Reconocido por el icónico Cinderella Castle, este parque ofrece experiencias clásicas como: Pirates of the Caribbean, para ver la vida de los piratas del siglo XVIII; Jungle Cruise, un paseo en bote por la ruta que simula ríos de Asia, África y Sudamérica; The Magic Carpets of Aladdin, donde los visitantes se montan en alfombras mágicas inspiradas en la película Aladdin; así como “it’s a small world”, un recorrido musical que celebra la diversidad cultural y la unidad.

Entre sus atracciones más recientes se encuentran TRON Lightcycle / Run presented by Enterprise®, una de las montañas rusas más rápidas de cualquier parque Disney en el mundo, y Tiana’s Bayou Adventure, una travesía musical inspirada en La Princesa y el Sapo. Por la noche, el espectáculo de fuegos artificiales Happily Ever After completa la jornada.

EPCOT

Con Spaceship Earth como su ícono, EPCOT presenta atracciones como Guardians of the Galaxy: Cosmic Rewind, una montaña rusa con lanzamiento inverso; Remy’s Ratatouille Adventure y Frozen Ever After, en los pabellones de Francia y Noruega respectivamente. Además, se destacan Journey of Water, Inspired by Moana, un sendero interactivo al aire libre, y el espectáculo nocturno Luminous The Symphony of Us. Durante todo el año, el parque alberga cuatro festivales temáticos que celebran la gastronomía, las artes y la jardinería.

Disney’s Hollywood Studios

Este parque temático, cuya imagen icónica es The Twilight Zone Tower of Terror™, ofrece experiencias inmersivas en el mundo del cine. Destacan Star Wars: Galaxy’s Edge, con las atracciones Millennium Falcon: Smugglers Run y Star Wars: Rise of the Resistance; Toy Story Land, con Slinky Dog Dash y Alien Swirling Saucers; y Mickey & Minnie’s Runaway Railway, una aventura animada para toda la familia y la primera atracción dedicada a los icónicos personajes de Disney.

Disney’s Animal Kingdom Theme Park

Con el Tree of Life como emblema central, este parque combina naturaleza, conservación y entretenimiento. En Pandora – The World of Avatar, destacan Avatar Flight of Passage y Na’vi River Journey. También se encuentran atracciones como Expedition Everest – Legend of the Forbidden Mountain y Kilimanjaro Safaris, que permite observar animales en recreaciones de hábitats africanos.

2. Hospedaje y beneficios

Walt Disney World Resort cuenta con más de 30 Disney Resort Hotels, divididos en tres categorías: Value, Moderate y Deluxe. Alojarse dentro del complejo ofrece beneficios como transporte gratuito entre parques, acceso anticipado a las atracciones mediante Early Entry y proximidad a los parques temáticos. Los hoteles están ambientados con temáticas variadas, desde mundos de películas hasta paisajes tropicales o inspiración africana.

3. Disney Springs

Este distrito de compras, gastronomía y entretenimiento forma parte del resort y no requiere entrada. Reúne tiendas, restaurantes reconocidos y propuestas culturales como conciertos al aire libre, ideal para una jornada más allá de los parques.

4. Transporte interno

El resort ofrece transporte gratuito en autobuses, barcos, monorriel y telecabinas (Disney Skyliner), conectando hoteles, parques y Disney Springs. Esta infraestructura permite moverse fácilmente dentro del complejo sin necesidad de alquilar un vehículo.

5. Planificación digital

Al momento de llegar a Walt Disney World Resort se pone a disposición de los usuarios la aplicación My Disney Experience que permite planificar, acceder a mapas, horarios de espectáculos, tiempos de espera y utilizar servicios como Lightning Lane para optimizar el recorrido por las atracciones.

Walt Disney World Resort ofrece una propuesta integral para familias latinoamericanas que buscan una experiencia vacacional organizada, segura y con una amplia variedad de actividades para todas las edades. La combinación de atracciones, espectáculos, hospedaje temático y logística interna convierte al resort en un destino diseñado para facilitar el viaje familiar sin perder el componente de entretenimiento inmersivo que caracteriza a Disney.

Visita www.DisneyWorldLatino.com para obtener más información y comenzar a planificar tus próximas vacaciones.

© 2025 Disney. © 2025 Disney/Pixar. Slinky® Dog © Just Play LLC. © 2025 20th Century Studios. © & TM 2025 Lucasfilm Ltd. THE TWILIGHT ZONE® es una marca registrada de A CBS Company. Todos los derechos reservados.

En cada viaje, más allá de los destinos que se recorren o de las atracciones que se descubren, hay pequeños momentos que se atesoran para siempre: la risa compartida, la emoción de un hallazgo inesperado o la simple alegría de estar juntos. Las compras, muchas veces vistas como una actividad secundaria, se convierten durante las vacaciones en una oportunidad para crear recuerdos.

Entre los muchos lugares que invitan a vivir estas experiencias inolvidables, Walt Disney World Resort ha creado espacios diseñados especialmente para que las familias disfruten juntas cada momento, sin necesidad de separarse entre actividades de grandes y chicos.

Entretenimiento para todas las edades

A pocos minutos de los cuatro parques temáticos que componen Walt Disney World Resort, se encuentra un lugar donde la magia se extiende más allá de las atracciones y se adentra en un mundo de compras, sabores y entretenimiento. Disney Springs, como parte integral del complejo, ofrece una experiencia única, pensada para que grandes y chicos disfruten juntos de cada rincón, haciendo que las compras se transformen en parte de las aventuras familiares más memorables.

En medio del ambiente tropical de Florida, Disney Springs se despliega como un extenso paseo al aire libre dividido en varias zonas, cada una con su propio encanto. Desde las primeras horas de la mañana hasta entrada la noche, este lugar vibra con propuestas pensadas para todo tipo de visitantes, pero especialmente para familias que buscan momentos de conexión y disfrute compartido.

Itinerarios familiares: compras y diversión

Planificar un día completo en Disney Springs no es tarea difícil, ya que sus propuestas permiten alternar momentos de descanso con instantes de emoción. Este paseo, que complementa perfectamente la experiencia vivida en los parques temáticos, se convierte en el lugar ideal para seguir celebrando la magia en familia.

La familia puede dirigirse hacia DisneyStyle, donde adolescentes y adultos jóvenes encuentran indumentaria inspirada en sus personajes favoritos, adaptada a las últimas tendencias de moda. Para quienes buscan llevar a casa recuerdos únicos, The Art of Disney ofrece obras de arte y esculturas firmadas por artistas que han dado vida a las historias más queridas.

Más allá de las compras: experiencias que dejan huella

Uno de los grandes atractivos de Disney Springs es que transforma el acto de comprar en una experiencia inmersiva. No se trata solo de adquirir productos, sino de vivir momentos únicos. Para las niñas, Bibbidi Bobbidi Boutique permite convertirse en princesas por un día, con trajes y peinados dignos de cuento.

Por la tarde, las familias pueden recorrer Town Center, donde marcas reconocidas a nivel mundial ofrecen una curaduría de productos exclusivos que no se encuentran en otros centros comerciales de la región. Aquí, las compras se sienten como parte de un paseo más amplio, acompañadas por música en vivo y un ambiente festivo constante, siempre dentro del mundo de Walt Disney World Resort, que va mucho más allá de sus parques.

Gastronomía para todos los gustos

La oferta culinaria en Disney Springs es otro de los pilares que sostiene su propuesta integral. Desde puestos de comida rápida con toques gourmet hasta restaurantes galardonados, cada paladar encuentra su lugar. Por la tarde, se puede hacer una pausa con helados artesanales, o bien disfrutar de una pastelería francesa, donde cada dulce es una pequeña obra de arte.

Mapas, accesos y horarios

Disney Springs, como parte del complejo de Walt Disney World Resort, abre sus puertas todos los días del año, generalmente desde las 10 de la mañana hasta las 11 de la noche, aunque ciertos locales pueden tener horarios específicos. Cuenta con estacionamiento gratuito y transporte interno desde los hoteles del complejo. Además, al arribar al resort es posible descargar mapas interactivos desde la aplicación oficial para planificar mejor el recorrido y localizar cada local con facilidad.

Una visita imperdible dentro del mundo Walt Disney World Resort

Lejos de ser solo un centro comercial, Disney Springs se erige como una prolongación del mundo Disney, donde las compras no son un simple trámite, sino una actividad que enriquece el viaje familiar, ofreciendo momentos de alegría, descubrimiento y unión. Cada visita revela nuevas sorpresas, haciendo de este lugar un destino que no puede faltar para quienes desean experimentar la magia desde una perspectiva diferente, como complemento perfecto de los cuatro parques temáticos y hoteles del resort.

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Visitar Walt Disney World Resort es mucho más que recorrer un parque temático: es adentrarse en un mundo donde cada rincón está diseñado para crear recuerdos inolvidables. Y, como en todo viaje especial, llega el momento de escoger ese objeto que capture toda la emoción vivida.

Cada espacio en Walt Disney World Resort está pensado para despertar emociones únicas, cada parque no sólo ofrece experiencias inigualables, sino también recuerdos que perduran. Y aunque las fotografías ayudan a conservar esos momentos, un buen souvenir tiene la capacidad de revivirlos de una forma más personal, volviéndose parte de nuestra vida cotidiana.

Pero entre tanta variedad, ¿cómo saber cuál es el ideal para cada miembro de la familia?

Recuerdo mágico de la experiencia Disney

Un souvenir no es un simple objeto; es un pedazo de la magia vivida en un mundo donde los sueños se hacen realidad. Sea una figura coleccionable, una prenda temática o un artículo exclusivo de temporada, cada familia encuentra en Walt Disney World Resort ese detalle especial que los acompañará para siempre.

Claves para elegir el souvenir perfecto

Antes de comprar, es importante pensar no solo en lo que gusta, sino en lo que realmente representa la experiencia. Estos consejos pueden ayudarte a elegir mejor:

• Conecta con tu atracción favorita: ¿Tus hijos se emocionaron con los fantasmas de Haunted Mansion o prefirieron aventurarse en Star Wars: Galaxy’s Edge? Un recuerdo relacionado con ese momento hará más fuerte el vínculo emocional con el parque.
• Piensa en la utilidad: Muchas familias prefieren souvenirs que puedan usar todos los días. Una taza de Walt Disney World Resort, por ejemplo, puede acompañar cada desayuno recordando esa aventura familiar.
• Considera la exclusividad: Hay productos que sólo se encuentran disponibles en ciertas temporadas o tiendas específicas dentro del resort. Estos artículos limitados son ideales para quienes buscan algo verdaderamente único.

Mercancía temática por temporada: recuerdos que siguen la magia del calendario

Cada época del año tiene su encanto, y Walt Disney World Resort lo celebra con colecciones especiales que se convierten en auténticos tesoros para quienes visitan el parque en esos momentos.

• Primavera: Con la llegada de las flores, aparecen productos inspirados en la naturaleza y personajes como Bambi o Tambor, perfectos para los más pequeños.
• Verano: La temporada ideal para souvenirs relacionados con el agua: trajes de baño con diseños de Mickey Mouse o toallas con motivos de Lilo & Stitch.
• Halloween: Desde orejas de Minnie Mouse con calabazas hasta peluches disfrazados, esta es una de las colecciones más divertidas para los que disfrutan de la diversión espeluznante en familia.
• Navidad: Adornos para el árbol, calcetas navideñas personalizadas y figuras de colección convierten el hogar en un auténtico castillo navideño.

Tiendas icónicas dentro del resort

Para quienes desean explorar más, algunas tiendas ofrecen una experiencia de compra tan mágica como cualquier atracción:

Emporium – Magic Kingdom Park. Es el lugar ideal para encontrar de todo: ropa, juguetes, artículos del hogar. Recorrerla es sentir la esencia misma del parque.

World of Disney – Disney Springs. Es la tienda más grande, perfecta para quienes buscan variedad y quieren tomarse el tiempo para elegir.

Memento Mori – Haunted Mansion. Ideal para las familias aficionadas al misterio. Aquí es posible encontrar desde cuadros encantados hasta libros inspirados en los 999 fantasmas burlones.

Star Wars: Galaxy’s Edge. Para los fanáticos de Star Wars, esta tienda es una galaxia aparte, con sables de luz y droides listos para llevar.

Aprovecha ofertas y beneficios familiares

Visitar Walt Disney World Resort en familia requiere de planeación, por eso es útil conocer algunos secretos para aprovechar al máximo la compra de souvenirs:

• Programas de lealtad: Las familias que cuentan con pases anuales disfrutan de beneficios únicos, como acceso a ediciones limitadas.
• Paquetes especiales: Algunos productos se venden en sets, lo que permite ahorrar y obtener más recuerdos por menos.

Un recuerdo para cada miembro de la familia

Cada integrante vive el parque a su manera, y eso se refleja en lo que elige:

(Cortesía © 2025 Disney. Todos los derechos reservados.)

• Niños: Peluches, disfraces, juguetes interactivos.
• Adolescentes: Ropa con diseños modernos, accesorios tecnológicos.
• Adultos: Arte coleccionable, artículos para el hogar, joyería temática.

Souvenir único para cada parque

Magic Kingdom Park: Un mundo de fantasía donde el Castillo de Cenicienta se convierte en el ícono por excelencia. Aquí destacan recuerdos de TRON Lightcycle / Run presented by Enterprise®, Tiana’s Bayou Adventure o del espectáculo nocturno Happily Ever After.

EPCOT: Con su distintiva Spaceship Earth, es el lugar para los amantes de la innovación y la cultura. Los productos inspirados en Guardians of the Galaxy: Cosmic Rewind, Journey of Water, Inspired by Moana, y las festividades internacionales son tesoros únicos.

Disney’s Hollywood Studios: Un parque donde la acción no se detiene, con la imponente The Twilight Zone Tower of Terror™. Recuerdos de Star Wars: Galaxy’s Edge, Mickey & Minnie’s Runaway Railway, o Toy Story Land son imprescindibles.

Disney’s Animal Kingdom Theme Park: Naturaleza y fantasía convergen bajo el Tree of Life. Desde arte de Pandora – The World of Avatar hasta figuras de animales, todo remite a una aventura salvaje.

El verdadero valor de un souvenir no está en su precio ni en su tamaño, sino en la historia que cuenta. Esa taza de Disney que acompaña la merienda, el peluche que duerme con los más chicos o el cuadro que adorna la sala, todos son testigos silenciosos de momentos compartidos, de risas, de asombro y de sueños hechos realidad.

Visitar Walt Disney World Resort es vivir una experiencia que va más allá del tiempo, y elegir el recuerdo adecuado es asegurarse de que esa magia siga viva, día tras día.

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© 2025 Disney © 2025 Disney/Pixar © 2025 20th Century Studios © & TM 2025 Lucasfilm Ltd. THE TWILIGHT ZONE® es una marca registrada de A CBS Company. Todos los derechos reservados.

Vacacionar en crucero se convirtió en una de las experiencias más completas y disfrutables para quienes buscan un equilibrio perfecto entre descanso, entretenimiento y descubrimiento de nuevos destinos.

La gran ventaja de elegir unas vacaciones en crucero radica en la posibilidad de disfrutar múltiples destinos sin preocuparse por la logística de los traslados o el equipaje. A bordo, el pasajero no sólo encuentra hospedaje de primer nivel, sino también una variada oferta gastronómica, actividades para todas las edades y un ambiente que permite relajarse mientras el mundo se descubre desde el mar.

En este universo de propuestas flotantes, Disney Cruise Line emerge como una opción inigualable para familias, parejas y amantes de la magia de Disney que desean sumergirse en un entorno donde la fantasía y el confort navegan juntos. La línea de cruceros de Disney potencia esta experiencia con su sello característico: el detalle, la magia y el trato personalizado.

Zarpando principalmente desde sus dos puertos en Florida, Puerto Cañaveral y Fort Lauderdale, Disney Cruise Line ofrece a sus huéspedes la posibilidad de relajarse y disfrutar sin preocupaciones, ya que sus procesos de reserva son rápidos y sencillos, y cuenta con itinerarios desde 3 noches.

Amenidades que transforman la experiencia

Cada barco de Disney Cruise Line fue diseñado para ofrecer experiencias inolvidables a todos los miembros de la familia. Los restaurantes temáticos proponen no solo una gastronomía de primer nivel, sino también un entorno donde los personajes de Disney acompañan cada velada. Los clubes infantiles y zonas exclusivas para adolescentes permiten a los más jóvenes explorar, crear y divertirse bajo la supervisión de profesionales, mientras los adultos encuentran refugio en áreas solo para ellos: desde piscinas tranquilas hasta un lujoso spa y lounges donde el tiempo transcurre a otro ritmo.

El entretenimiento se eleva a otro nivel con espectáculos teatrales al estilo Broadway, proyecciones de películas de Disney, Marvel y Pixar, y noches especiales temáticas que transforman el barco. Además, en itinerarios seleccionados, los pasajeros visitan Disney Castaway Cay, una isla privada en las Bahamas que invita a la relajación total o a la aventura bajo el sol caribeño.

Disney Cruise Line no solo lleva a sus pasajeros a los destinos más encantadores del Caribe, sino que ahora también invita a descubrir Disney Lookout Cay at Lighthouse Point, su nuevo retiro isleño en las Bahamas. Este paradisíaco refugio, diseñado en armonía con la cultura y la naturaleza local, ofrece playas vírgenes, experiencias inmersivas y actividades para toda la familia, en un entorno tan exclusivo como inolvidable.

Conoce la flota de Disney Cruise Line

Disney Magic

Pionero de la flota, el Disney Magic deslumbra con su estilo clásico y toques europeos. Navega por el Caribe y Europa, y ofrece a sus pasajeros el encantador musical Tangled, una adaptación escénica del cuento de Rapunzel.

En su propuesta culinaria destacan:

• Animator’s Palate, con un espectáculo interactivo de animación.
• Rapunzel’s Royal Table, inspirado en la torre y la taberna de la princesa.
• Lumière’s*, de cocina francesa con elegancia tradicional.

Disney Wonder

Ideal para quienes desean explorar paisajes de ensueño, el Disney Wonder realiza travesías por Alaska, el Caribe y México. A bordo, Frozen, A Musical Spectacular transporta al público al reino invernal de Arendelle.

Sus restaurantes rotativos incluyen:

• Tiana’s Place, con jazz en vivo y cocina cajún.
• Animator’s Palate, con diseño que cambia a medida que avanza la cena.
• Triton’s, elegante y con menú internacional.

Disney Dream

El Disney Dream, con salidas frecuentes hacia las Bahamas, se destaca por su sofisticación y sus amplias instalaciones. El espectáculo The Beauty and the Beast emociona con su puesta en escena que reinventa el clásico de la Bella y la Bestia.

Sus espacios gastronómicos incluyen:

• Royal Palace, un homenaje a las princesas Disney.
• Enchanted Garden, inspirado en los jardines de Versalles.
• Animator’s Palate, que transforma las paredes con animaciones mientras se cena.
• Remy*, exclusivo para adultos, con cocina francesa de autor.
• Palo*, también para adultos, con especialidades italianas.

Disney Fantasy

Con itinerarios hacia el Caribe Oriental y Occidental, el Disney Fantasy ofrece lujo y entretenimiento a gran escala. Su joya teatral es Disney’s Aladdin – A Musical Spectacular, una aventura llena de color, humor y magia oriental.

Las experiencias culinarias abarcan:

• Royal Court, con un ambiente refinado.
• Enchanted Garden, con iluminación que simula el ciclo del día.
• Animator’s Palate, clásico y siempre renovado.
• Palo* y Remy*, ideales para celebrar una ocasión especial.

Disney Wish

Esta embarcación sorprende con su moderna tecnología y la primera atracción acuática Disney en el mar, el AquaMouse. La historia de The Little Mermaid cobra vida en su espectáculo estelar, transportando a los viajeros bajo el mar.

Su propuesta gastronómica es también innovadora:

• Arendelle: A Frozen Dining Adventure, una cena musical con los personajes de Frozen.
• 1923, un homenaje al año de la fundación de The Walt Disney Company.
• Worlds of Marvel, una cena interactiva con los Avengers.
• Palo Steakhouse*, una nueva versión de Palo con carnes premium.
• Enchanté*, alta cocina francesa con menú degustación.

Disney Treasure

El más reciente de la flota, Disney Treasure promete llevar la emoción a nuevas fronteras. Inspirado en el espíritu de aventura, presenta Disney’s Moana – A Musical Adventure, y explora el Caribe con estilo y audacia.

Las opciones gastronómicas confirmadas incluyen:

• Plaza de Coco, el primer restaurante temático de Coco, con espectáculo en vivo de música mexicana.
• 1923, con cocina californiana refinada.
• Worlds of Marvel, repitiendo el formato exitoso del Disney Wish.
• Periscope Pub, inspirado en la atracción histórica de Walt Disney World Resort, 20,000 Leagues Under the Sea.
• Haunted Mansion Parlor, bar temático inspirado en la atracción "Haunted Mansion" de los parques Disney.
• Una nueva versión de Palo Steakhouse* para adultos.
• The Rose*, inspirado en The Beauty and the Beast, otro espacio solo para adultos.

Próximamente dos barcos más se unen a la flota de Disney Cruise Line:

• Disney Destiny: inspirado en las historias de los héroes y villanos más icónicos de Disney, Pixar y MARVEL.
• Disney Adventure: zarpando desde Singapur este barco invita a sus huéspedes a explorar la riqueza cultural del sureste asiático.

Un viaje, infinitas posibilidades

Todos los barcos comparten el espíritu Disney, desde su diseño hasta el trato cálido de la tripulación. Lo que los diferencia entre ellos, es la temática interior, las rutas específicas y ciertas amenidades exclusivas. Cada barco invita a descubrir el mar desde una perspectiva mágica, con la posibilidad de vivir aventuras distintas sin perder la esencia que convirtió a Disney en sinónimo de ilusión.

Ya sea como parte de unas vacaciones combinadas con Walt Disney World Resort o como una experiencia independiente, un crucero con Disney Cruise Line eleva la aventura familiar a un nivel inolvidable.

Las vacaciones en Disney Cruise Line no solo son un viaje físico, sino una travesía emocional donde grandes y chicos encuentran un espacio para soñar despiertos. Y aunque cada barco ofrece una experiencia única, el denominador común es siempre la excelencia.

Visita www.DisneyCruiselatino.com para obtener más información y comenzar a planificar tus próximas vacaciones mágicas.

*Algunas experiencias tienen un costo adicional.

© 2025 Disney © 2025 Disney/Pixar © 2025 MARVEL. Todos los derechos reservados.

Barcos registrados en: Las Bahamas

Para ayudarte a descubrir por dónde empezar tu aventura, hemos preparado un pequeño test. Aunque los cuatro parques merecen ser explorados, este cuestionario te dará una pista sobre cuál podría ser el primer destino ideal para ti y tu familia.

Las vacaciones en Walt Disney World Resort, en Florida, conforman una colección de experiencias diseñadas para todos los miembros de la familia. Los parques temáticos han ganado popularidad al combinar entretenimiento, aprendizaje y exploración.

En Walt Disney World Resort, la propuesta va mucho más allá de las atracciones: es una oportunidad para descubrir mundos diversos, interactuar con personajes y participar en experiencias que integran tecnología, cultura y aventura.

Cada parque temático ofrece una perspectiva distinta. Desde recorrer culturas del mundo en un solo día hasta disfrutar de narrativas clásicas, hay opciones para cada tipo de visitante. Magic Kingdom Park, EPCOT, Disney’s Hollywood Studios y Disney’s Animal Kingdom Theme Park invitan a descubrir la magia desde diferentes ángulos.

A continuación, un pequeño test para ayudarte a decidir por dónde comenzar:

Dos mundos mágicos, infinitas experiencias

EPCOT es un parque para exploradores, donde la innovación y la diversidad cultural se combinan en cada rincón. Aquí, atracciones como Guardians of the Galaxy: Cosmic Rewind, Frozen Ever After (en el pabellón de Noruega) o Remy’s Ratatouille Adventure (en el pabellón de Francia) permiten vivir experiencias interactivas. El espectáculo nocturno Luminous The Symphony of Us transforma el cielo sobre el World Showcase Lagoon. Además, a lo largo del año se celebran cuatro festivales culturales y gastronómicos.

Magic Kingdom Park es el escenario donde las historias cobran vida. Desde el imponente Cinderella Castle hasta atracciones como Seven Dwarfs Mine Train, Tiana’s Bayou Adventure y TRON Lightcycle / Run presented by Enterprise®, el parque ofrece experiencias para todas las edades. Al atardecer, el espectáculo Happily Ever After ilumina el cielo con fuegos artificiales y proyecciones. Durante el día, los desfiles y encuentros con personajes hacen de cada paso una oportunidad para compartir.

Ambos parques forman parte del conjunto de cuatro parques temáticos que integran Walt Disney World Resort. Mientras EPCOT ofrece una visión del mundo a través de la cultura y la tecnología, Magic Kingdom Park representa la esencia de los cuentos y la fantasía.

Si quieres descubrir el resto de los parques no te pierdas nuestra siguiente entrega de nuestros tests para conocer el resto de los parques de Walt Disney World Resort en Florida.

La magia de compartir momentos en familia

En los parques temáticos de Walt Disney World Resort en Florida cada experiencia está pensada para disfrutarse en familia. Con diferentes opciones de hospedaje, transportación interna, gastronomía, entretenimiento y atracciones, la propuesta de Disney conecta generaciones a través de aventuras compartidas.

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Iniciar una aventura familiar en Walt Disney World Resort significa tomar una decisión que marcará el comienzo de una serie de momentos compartidos. Cada uno de los cuatro parques temáticos que conforman este destino en Florida ofrece experiencias únicas, y elegir por cuál comenzar puede depender del tipo de vivencias que tu familia disfrute más.

¿Prefieren sumergirse en historias del cine y la televisión, o conectar con la naturaleza y los animales? ¿Buscan emociones fuertes en atracciones o un recorrido tranquilo por un paisaje selvático lleno de vida?

Disney’s Hollywood Studios invita a vivir el detrás de escena del entretenimiento, con experiencias que transportan a los visitantes al corazón de películas y series icónicas. Es un parque donde la acción se convierte en protagonista, y donde cada paso puede llevar a una galaxia lejana, a una aventura animada o a un recorrido a toda velocidad. Aquí, el cine, la televisión y la música convergen en atracciones que combinan emoción, nostalgia y tecnología.

Por su parte, Disney’s Animal Kingdom Theme Park propone un viaje que celebra la vida natural, la exploración y la conservación. Inspirado en paisajes de Asia, África y en mundos imaginarios como Pandora, este parque permite encontrarse cara a cara con animales salvajes, explorar selvas y montañas misteriosas, y vivir experiencias que rinden homenaje a la diversidad del planeta. Es un espacio donde el asombro se encuentra en la conexión con el mundo vivo.

Para ayudarte a definir por dónde comenzar esta experiencia, te proponemos un breve test que explora intereses, afinidades y estilos de viaje. Ya sea que tu familia se incline por el entretenimiento cinematográfico o por la inmersión natural, ambos parques ofrecen experiencias memorables que pueden convertirse en el punto de partida ideal para tu visita.

Test: ¿Qué parque es ideal para tu familia?

Dos mundos mágicos, infinitas experiencias

En Disney’s Hollywood Studios, la familia entera se sumerge en la emoción de las historias del cine, la televisión y la animación. Este parque recrea escenarios reconocibles para distintas generaciones y permite vivirlos en primera persona.

En Star Wars: Galaxy’s Edge, los visitantes pueden recorrer un planeta lejano, pilotar la nave más rápida de la galaxia en Millennium Falcon: Smugglers Run en una misión interactiva o unirse a la Resistencia en una experiencia inmersiva única en Star Wars: Rise of the Resistance.

En Toy Story Land, los más pequeños —y también los adultos— descubren cómo es sentirse del tamaño de un juguete mientras se deslizan en una montaña rusa familiar a bordo de Slinky Dog Dash o giran con los extraterrestres de Alien Swirling Saucers.

La adrenalina también tiene su lugar: The Twilight Zone Tower of Terror™ ofrece una caída libre en un ascensor embrujado, mientras que Rock ‘n’ Roller Coaster Starring Aerosmith lanza a los visitantes en una montaña rusa de alta velocidad al ritmo del rock.

Y para quienes buscan una experiencia más ligera y apta para todos, Mickey & Minnie’s Runaway Railway, la primera atracción dedicada a Mickey Mouse y Minnie Mouse en un parque Disney, invita a entrar en un cortometraje animado, donde todo puede suceder en una divertida travesía sin reglas.

Por su parte, Disney’s Animal Kingdom Theme Park propone una conexión con la naturaleza en todas sus formas. En este parque, la aventura comienza al aire libre, cruzando paisajes inspirados en África y Asia, y se fortalece con un recorrido en Kilimanjaro Safaris, donde es posible avistar leones, jirafas, elefantes y otras especies en amplios espacios que simulan sus hábitats.

En Expedition Everest – Legend of the Forbidden Mountain, la montaña rusa lleva a los visitantes por senderos nevados y túneles oscuros mientras intentan escapar de la leyenda del Yeti.

La experiencia se amplifica en Pandora – The World of Avatar, un entorno donde la vegetación bioluminiscente y las montañas flotantes crean una atmósfera distinta a cualquier otra. Allí, Avatar Flight of Passage permite “volar” sobre un banshee y disfrutar del paisaje sobrenatural de Pandora en un simulador 3D que combina tecnología y sensación de libertad, mientras que Na’vi River Journey ofrece un viaje en bote por un río lleno de criaturas y sonidos envolventes.

Ambos parques ofrecen mundos distintos, pero con un mismo propósito: provocar asombro, emoción y alegría compartida. En Disney’s Hollywood Studios, el cine cobra vida con aventuras interactivas que hacen sentir a cada visitante dentro de una película. En Disney’s Animal Kingdom Theme Park, la conexión con la naturaleza transforma el recorrido en una travesía sensorial que despierta la curiosidad y el respeto por el mundo natural. Comenzar por cualquiera de los dos es abrir la puerta a momentos que se transforman en recuerdos entrañables.

Pero la verdadera magia ocurre cuando se exploran los cuatro parques de Walt Disney World Resort en Florida. Cada uno aporta algo único al viaje: la fantasía clásica de Magic Kingdom Park, la celebración de la innovación y la diversidad en EPCOT, la narrativa cinematográfica de Disney’s Hollywood Studios o el homenaje a la vida en todas sus formas en Disney’s Animal Kingdom Theme Park. Juntos, forman un mundo en el que las emociones se multiplican.

(Cortesía © 2025 Disney. Todos los derechos reservados.)

En cada rincón hay algo diseñado para sorprender: un encuentro inesperado con un personaje favorito, un desfile que detiene el tiempo, una atracción que une a toda la familia en un grito de emoción. Las experiencias se viven intensamente y se recuerdan por siempre, porque en Disney, lo cotidiano se detiene y lo extraordinario se vuelve parte de lo real.

Recorrer los cuatro parques es mucho más que visitar diferentes espacios, es sumarse a una colección de momentos únicos, en los que niños y adultos comparten la risa, la sorpresa y la emoción. Y es allí donde ocurre lo más importante: la magia no está solo en los escenarios, sino en lo que se vive juntos.

Tanto en los parques temáticos de Walt Disney World Resort como a bordo de los cruceros de Disney Cruise Line, cada experiencia está pensada para disfrutarse en familia. Desde espectáculos hasta atracciones y destinos como Disney Castaway Cay o Disney Lookout Cay at Lighthouse Point, la propuesta de Disney conecta generaciones a través de aventuras compartidas.

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Cada vez más familias optan por los cruceros como una alternativa vacacional que combina comodidad, entretenimiento y la posibilidad de explorar múltiples destinos sin cambiar de alojamiento. Esta modalidad de viaje ha ganado popularidad entre quienes buscan experiencias compartidas, con opciones que se adaptan a distintos rangos de edad y niveles de actividad, y que permiten una planificación eficiente del tiempo.

Los cruceros familiares han mostrado un crecimiento, impulsado por la demanda de experiencias multigeneracionales y actividades que puedan disfrutarse en conjunto.

Por ello, Disney Cruise Line ha desarrollado una oferta pensada específicamente para este público, integrando la magia de las películas y personajes de Disney en cada aspecto del recorrido: espectáculos al estilo Broadway, restaurantes temáticos, clubes infantiles y encuentros con personajes. Esta propuesta permite a las familias tener un viaje donde el entretenimiento y la comodidad se fusionan en una experiencia única, tanto en altamar como en los destinos incluidos en cada itinerario.

Para vivir la magia de Disney, aquí te dejamos una breve guía con todo lo que debes de saber para disfrutar de esta experiencia familiar:

Planificación del viaje

Itinerarios disponibles: Uno de los primeros pasos es conocer las rutas que ofrece Disney Cruise Line las cuales incluyen: el Caribe, Alaska, Europa y otras regiones. Cada recorrido incluye excursiones en tierra y actividades a bordo diseñadas para distintos perfiles de viajeros.

Duración del crucero: Las opciones varían entre tres y siete noches o más. La elección dependerá del destino, la época del año y las preferencias de cada familia.

Temporadas y clima: Es recomendable considerar las condiciones meteorológicas y las temporadas altas o bajas al momento de seleccionar la fecha del viaje.

Alojamiento a bordo

Los camarotes están diseñados para alojar a familias de distintos tamaños. Se ofrecen desde habitaciones interiores hasta suites con balcón privado. Todas incluyen almacenamiento funcional y decoración inspirada en los distintos mundos de Disney.

Gastronomía

La experiencia gastronómica se basa en un sistema de rotación (Rotational Dining), donde los pasajeros cenan cada noche en un restaurante diferente, pero con el mismo equipo de servicio. Esto permite personalizar la atención sin perder variedad.

Restaurantes temáticos destacados:

• 1923 (Disney Wish), ambientado en los orígenes del estudio Disney.
• Enchanted Garden (Disney Fantasy y Disney Dream), con diseño inspirado en jardines europeos.
• Royal Palace (Disney Dream), con referencias a cuentos clásicos.
• Tiana’s Place (Disney Wonder), con cocina del sur de Estados Unidos y presentaciones musicales.
• Rapunzel’s Royal Table (Disney Magic), con entretenimiento en vivo durante la cena.
• Plaza de Coco (Disney Treasure), que incorpora gastronomía mexicana y narrativa musical.

Aunque la mayoría de los restaurantes están pensados para el disfrute de todo la familia, también existen espacios exclusivos para adultos, como Palo Steakhouse (Disney Wish y Disney Treasure) y Remy (Disney Fantasy y Disney Dream), que ofrecen menús de alta cocina en ambientes más formales.

Actividades y entretenimiento

Espectáculos: Cada embarcación cuenta con funciones teatrales inspiradas en producciones de Disney. Entre ellas destacan The Tale of Moana, presentada en el Disney Treasure; Beauty and the Beast, a bordo del Disney Dream y Disney Treasure; Frozen, A Musical Spectacular, en el Disney Wonder; Disney’s Aladdin – A Musical Spectacular, en el Disney Fantasy. Estas funciones son programadas y forman parte de la oferta de entretenimiento principal en cada barco.

Interacción con personajes: A lo largo del viaje se organizan encuentros con personajes reconocidos del mundo Disney, con horarios programados para evitar aglomeraciones.

Clubes por edades: Los espacios temáticos como Disney’s Oceaneer Club (niños), Edge (pre adolescentes) y Vibe (adolescentes) ofrecen actividades específicas según la edad, con supervisión del personal del barco.

Zonas exclusivas para adultos: Algunas áreas, como Quiet Cove Pool o Senses Spa & Salon, están reservadas para mayores de edad y ofrecen servicios orientados al descanso y el bienestar.

Destinos destacados

Disney Castaway Cay (Bahamas) Esta isla privada, exclusiva para los pasajeros de Disney Cruise Line, está diseñada para ofrecer opciones de recreación y descanso en un entorno controlado. Las instalaciones diseñadas para toda familia, así como cada grupo de edad.

Disney Lookout Cay at Lighthouse Point (Bahamas) Ubicado en la isla de Eleuthera, este nuevo destino combina elementos naturales con una propuesta cultural diseñada en colaboración con artistas y expertos locales. Disney Lookout Cay at Lighthouse Point busca rendir homenaje a la identidad de Las Bahamas, integrando arquitectura inspirada en el entorno, actividades artísticas y experiencias familiares en contacto con la naturaleza.

Consejos para organizar el viaje

• Reservas anticipadas: Varias experiencias a bordo, como cenas en restaurantes exclusivos, encuentros con personajes y excursiones en puerto, requieren reserva previa. Estas pueden gestionarse a través del sitio web oficial de Disney Cruise Line o mediante la aplicación móvil, una vez abordo.
• Aplicación Disney Cruise Line Navigator: Esta herramienta digital es clave durante el viaje. Una vez a bordo, permite consultar en tiempo real los horarios de espectáculos, actividades infantiles y proyecciones de películas, así como ubicar los espacios del barco mediante un mapa interactivo. También facilita la comunicación entre pasajeros mediante mensajería interna y ofrece información sobre los menús diarios de cada restaurante.
• Eventos especiales: En itinerarios seleccionados, Disney Cruise Line organiza noches temáticas que forman parte del entretenimiento. Una de las más reconocidas es Pirate Night, que incluye una cena con menú caribeño, la entrega de pañuelos pirata, presentaciones musicales con personajes y fuegos artificiales en altamar, sujetos a condiciones meteorológicas (disponible en itinerarios selectos). Otras celebraciones, como Halloween on the High Seas o Very Merrytime Cruises, ofrecen ambientaciones específicas, actividades para todas las edades y programación exclusiva según la temporada.

Disney Cruise Line integra un formato de viaje tradicional con toda la magia de las películas y personajes de Disney. Su oferta contempla itinerarios diversos, servicios diferenciados por edades y una logística pensada para facilitar la experiencia conjunta entre generaciones.

Para mayor información visita www.DisneyCruiselatino.com

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Al planificar unas vacaciones familiares, surge con frecuencia una disyuntiva: elegir entre un viaje por tierra o una experiencia en altamar. Mientras algunos integrantes de la familia prefieren la energía de recorridos, atracciones y actividades en tierra firme, otros valoran más el descanso que ofrece un viaje en crucero. Combinar ambas modalidades en un mismo itinerario permite atender distintas expectativas dentro del mismo grupo.

Entre las ventajas de una propuesta vacacional por tierra y mar, se destacan:

1. Equilibrio entre actividad y descanso, con jornadas dinámicas y momentos de relajación.
2. Variedad de entornos y experiencias, desde visitas culturales hasta paisajes costeros.
3. Oportunidad de explorar múltiples destinos sin necesidad de planificar traslados complejos.

Para familias con intereses diversos, esta opción puede significar una experiencia más completa: quienes buscan emociones intensas, exploración y movimiento encuentran su lugar en los parques temáticos, mientras que quienes priorizan la tranquilidad, el contacto con la naturaleza o los momentos de convivencia disfrutan de la vida a bordo.

Walt Disney World Resort y Disney Cruise Line ofrecen una propuesta integrada que permite vivir dos experiencias complementarias: la inmersión en los parques temáticos en Florida y la navegación en cruceros con escalas en el Caribe, incluyendo destinos exclusivos como Castaway Cay y Disney Lookout Cay at Lighthouse Point.

Primera etapa: Walt Disney World Resort

Ubicado cerca de Orlando, Walt Disney World Resort incluye cuatro parques temáticos: Magic Kingdom Park, EPCOT, Disney’s Hollywood Studios y Disney’s Animal Kingdom Theme Park. Cada parque ofrece íconos distintivos y atracciones diseñadas para distintos perfiles de visitantes.

En Magic Kingdom Park, destaca TRON Lightcycle / Run, presented by Enterprise®, una montaña rusa de alta velocidad inspirada en el universo digital de TRON, y la nueva Tiana’s Bayou Adventure, basada en la película La Princesa y el Sapo. También se ofrece el espectáculo nocturno con fuegos artificiales Happily Ever After, un momento que suele reunir a las familias al final del día.

En EPCOT, se encuentra Guardians of the Galaxy: Cosmic Rewind, una montaña rusa con lanzamiento inverso y rotación 360°, así como Journey of Water, Inspired by Moana, un recorrido interactivo en el que grandes y chicos pueden jugar con el agua en un entorno natural. El parque también presenta Luminous The Symphony of Us, un espectáculo nocturno alrededor de la laguna central, ideal para terminar el día compartiendo una vista panorámica del parque iluminado.

En Disney’s Hollywood Studios, los visitantes pueden explorar Star Wars: Galaxy’s Edge con atracciones como Millennium Falcon: Smugglers Run y Star Wars: Rise of the Resistance, mientras otros optan por Mickey & Minnie’s Runaway Railway o Toy Story Land, donde los juegos y colores crean una atmósfera lúdica para toda la familia.

En Disney’s Animal Kingdom Theme Park, las experiencias en Pandora – The World of Avatar, como Avatar Flight of Passage y Na’vi River Journey, permiten recorrer juntos mundos visuales y sensoriales. Atracciones como Kilimanjaro Safaris ofrecen una experiencia compartida entre generaciones al descubrir animales en su entorno natural.

Alojarse en alguno de los más de 30 Disney Resort Hotels dentro del complejo permite acceder a beneficios como transporte gratuito o entrada anticipada a los parques. Además, muchos hoteles cuentan con piscinas, zonas temáticas y actividades nocturnas, lo que amplía la experiencia más allá del horario del parque.

La visita puede complementarse con una jornada en Disney Springs, donde adultos y adolescentes disfrutan de tiendas especializadas, gastronomía y entretenimiento en un ambiente relajado, sin necesidad de entrar al parque.

Segunda etapa: Disney Cruise Line

A una corta distancia por carretera desde Walt Disney World Resort se encuentran los puertos de embarque de Disney Cruise Line en Florida: Port Canaveral y Fort Lauderdale. Desde estos puertos parten itinerarios hacia el Caribe a bordo de las distintas embarcaciones de Disney Cruise Line.

Para muchas familias, el embarque marca un nuevo ritmo. Mientras algunos se relajan en cubierta contemplando el horizonte, otros se sumergen en nuevas actividades o espectáculos. A bordo, se ofrecen experiencias pensadas para compartir y también espacios diseñados para que cada miembro de la familia explore a su manera.

Entre las opciones destacadas figuran los espectáculos de estilo Broadway como Beauty and the Beast y Frozen: A Musical Spectacular; el sistema de Rotational Dining, con restaurantes temáticos como Rapunzel’s Royal Table, Plaza de Coco, Worlds of Marvel o 1923, y el acceso a AquaMouse, una atracción acuática familiar que combina tobogán con narrativa visual.

Los niños pueden participar en actividades supervisadas en el Disney’s Oceaneer Club, donde cada sala está ambientada con temáticas inspiradas en personajes y películas. Los adolescentes cuentan con clubes propios (Edge y Vibe), que ofrecen actividades sociales, juegos y espacios de reunión. Mientras tanto, los adultos encuentran áreas de descanso como Quiet Cove Pool, restaurantes exclusivos como Palo Steakhouse y acceso al Senses Spa & Salon.

(Algunas experiencias están sujetas a disponibilidad y pueden implicar costos adicionales).

Además de las opciones a bordo, el simple hecho de compartir comidas, caminatas por la cubierta o momentos en la piscina permite fortalecer vínculos y crear recuerdos familiares, más allá de la agenda de actividades.

Escalas exclusivas en el Caribe

Uno de los principales atractivos de los itinerarios son las escalas en destinos diseñados exclusivamente para huéspedes de Disney Cruise Line:

Disney Castaway Cay, ubicada en las Bahamas, es una isla reservada exclusivamente para los huéspedes de Disney Cruise Line. Incluye áreas separadas para niños, adolescentes y adultos. Scuttle’s Cove ofrece actividades supervisadas para los más pequeños, mientras que los adolescentes disponen de Teen Hideout. Los adultos pueden desconectarse en Serenity Bay. Las familias suelen aprovechar este día para hacer recorridos en bicicleta, esnórquel, kayak o simplemente pasar tiempo en la playa con los personajes.

Disney Lookout Cay at Lighthouse Point, ubicado en la isla de Eleuthera, es un retiro que combina naturaleza con expresiones culturales de Las Bahamas. Hay talleres artísticos, presentaciones musicales y senderos naturales. Los trajes de los personajes fueron diseñados por el modista bahameño Theodore Elyett e integran elementos culturales locales. El entorno invita a compartir la experiencia desde lo visual, lo sonoro y lo colectivo, en contacto con la identidad caribeña.

Logística del viaje combinado

La cercanía entre Walt Disney World Resort y los puertos de embarque en Florida permite integrar ambas experiencias en un mismo itinerario, sin traslados extensos ni cambios de ritmo abruptos. Algunas familias optan por comenzar en tierra y luego continuar en altamar, mientras que otras prefieren la secuencia inversa, dependiendo de su dinámica y expectativas.

Esta combinación ofrece una estructura vacacional en etapas: intensidad y exploración en los parques temáticos, y tiempo para la contemplación, el descanso o la convivencia durante la travesía marítima.

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El estreno de The Mandalorian and Grogu, dirigida por Jon Favreau y protagonizada por Pedro Pascal en el papel de Din Djarin, junto al carismático Grogu, ha significado el regreso de Star Wars a las salas de cine tras casi siete años de ausencia.

La película, con un presupuesto estimado en 165 millones de dólares, superó esa cifra en su primer fin de semana a nivel global, evitando así pérdidas económicas. Sin embargo, tanto la taquilla como la recepción del público presentan matices que generan dudas respecto a la capacidad de la franquicia para recuperar el impacto cultural de épocas anteriores.

Valoraciones del público y comparación dentro de la saga

La opinión de los espectadores ha ubicado a The Mandalorian and Grogu en una posición intermedia dentro de la extensa saga de Star Wars. De acuerdo con diferentes valoraciones realizadas, la película obtuvo una puntuación de A-, la tercera más alta posible y empatando con otros cuatro títulos del universo creado por George Lucas: La amenaza fantasma, El ataque de los clones, La venganza de los Sith y Han Solo: Una historia de Star Wars. Esto implica que únicamente seis películas de la franquicia superan dicha nota, mientras que solo dos quedan por debajo. Las producciones mejor valoradas siguen siendo las tres partes de la trilogía original, que recibieron un A+ tras su reestreno.

Por otro lado, es relevante que tres de las películas producidas bajo la dirección de Disney -El despertar de la fuerza, Los últimos jedi y Rogue One: Una historia de Star Wars- alcanzaron una puntuación superior de A, a pesar de la controversia que generó Los últimos jedi en su estreno. Este panorama muestra tanto la alta exigencia del público seguidor de la saga como los desafíos que enfrentan las nuevas producciones para conectar con audiencias de diversas generaciones.

Resultados comerciales iniciales y particularidades de la taquilla global

En el plano comercial, The Mandalorian and Grogu ha logrado cifras sólidas pero moderadas al compararse con otros estrenos de Star Wars en la etapa de Disney. Durante su primer fin de semana, la película recaudó 82 millones de dólares en Estados Unidos y alcanzó cerca de 102 millones al considerar el largo fin de semana del Memorial Day. Aunque estos ingresos cumplen con las expectativas y serían motivo de satisfacción para la mayoría de los estudios, resultan menores frente a los mayores éxitos de la franquicia. No obstante, es necesario considerar el contexto: la asistencia a las salas de cine aún no se ha recuperado completamente respecto a los niveles previos a la pandemia y el mercado enfrenta nuevos desafíos debido al auge de las plataformas de streaming.

En el extranjero, la película recibió una acogida más templada. Su recaudación internacional sumó 64 millones de dólares en los primeros tres días, llegando a un total global de 145 millones y aumentando a 165 millones durante el fin de semana extendido. Estos resultados resaltan la fortaleza de Star Wars especialmente entre el público estadounidense, a diferencia de otras sagas como el Universo Cinematográfico Marvel o Avatar, que suelen alcanzar fenómenos globales de mayor magnitud. Disney, consciente de esta circunstancia, analiza con precaución el futuro de la franquicia y la respuesta internacional a The Mandalorian and Grogu.

Análisis del público y perspectivas para el futuro de la saga

Los primeros datos de audiencia indican un perfil de público muy vinculado al fanbase tradicional. Según cifras proporcionadas por Variety, el 63% de los espectadores fueron hombres y tres de cada cuatro tenían más de 25 años, señalando una mayor conexión con los seguidores de siempre de Star Wars y cierta dificultad para atraer a públicos jóvenes. La estrategia de Disney al recurrir a personajes sumamente reconocibles como Grogu y el mandaloriano Din Djarin, populares por el éxito de la serie en Disney+, garantiza un respaldo firme pero restringe el crecimiento generacional de la franquicia.

A pesar de un inicio positivo y de evitar un revés en taquilla similar al de Han Solo: Una historia de Star Wars, que no logró recuperar su inversión en cines, The Mandalorian and Grogu se enfrenta a un desafío crucial en las próximas semanas. El comportamiento en el segundo fin de semana será clave para determinar si la película puede trascender a su núcleo de seguidores y convertirse en un fenómeno de público más amplio y familiar.

Lucasfilm y Disney ya trabajan en la próxima producción cinematográfica de la saga, Star Wars: Starfighter, dirigida por Shawn Levy y protagonizada por Ryan Gosling, cuyo estreno está previsto para mayo de 2027. Esta nueva etapa busca distanciarse parcialmente de la saga Skywalker e impulsar nuevas historias para renovar su atractivo entre las generaciones venideras. De momento, el regreso a las salas encabezado por Grogu representa tanto un éxito limitado como una advertencia sobre las tendencias actuales de consumo en el universo Star Wars.

En la industria, Insolera es ese nombre que aparece en los créditos de los grandes y se cuela en historias que cruzan fronteras. De codearse con Johnny Depp, a trabajar con Jessica Chastain y Penélope Cruz, a recibir guiños de Ridley Scott y Jacob Elordi, el actor ítalo argentino se mueve entre sets de renombre internacional.

Hijo de una familia sorda, Emilio lleva el orgullo de su identidad como bandera, desarmando etiquetas con cada personaje y cada entrevista. Con una mirada que desafía, celebra y provoca, se planta ante el público y le recuerda que las palabras, a veces, sobran; lo que importa es lo que se siente, lo que se mira y lo que se comparte, sin traductores ni excusas.

—Mucha gente no sabe que naciste en Argentina… ¿qué vínculo tenés hoy el país?

—Es muy cercano. Nací y viví allí durante los primeros diez años. Mis primeras “grabaciones” de experiencia emocional y mental, que fueron muy bonitas y valiosas, quedaron profundamente impresas en mí y creo que se han reforzado desde el momento en que dejé el país. No faltan tampoco mi amor por la comida, desde las empanadas hasta los alfajores. Sigo teniendo experiencias increíbles cada vez que visito la gran ciudad azul y blanca.

—¿Recordás el momento en que dijiste: “quiero dedicarme a la actuación”?

—Desde niño, la actuación siempre fue parte de mí. En los pocos canales de televisión que había, entre estos Canal 7, 9, 11, 13, 2, veía películas sin subtítulos y sin sonido. Lo observaba todo de forma visual, incluso en los detalles más pequeños, pero me enfocaba principalmente en la actuación de los actores y desde ahí notaba algunas imperfecciones. Muchas veces terminaba imitándolos o imaginando cómo lo habría hecho yo mejor que ellos.

—Venís de una familia de personas sordas… ¿cómo influyó eso en tu identidad artística?

—Vengo de una familia de personas sordas, o, en otras palabras, de personas muy visuales que utilizamos una lengua exclusivamente visual. Mis padres, Alfio Insolera y María Cristina Drovetta, crecieron en una escuela para sordos, él en La Plata y ella en el Instituto Provolo; eran internos, por lo que la hermandad que mantienen con sus amigos y amigas de infancia es muy fuerte y profunda y, en términos cuantitativos, es una familia de sordos muy extensa, casi como una gran familia ampliada. Con esas líneas y rayos de luz, humor y slang en lengua de señas en la vida cotidiana con todos ellos, tuve sin dudas una influencia artística extremadamente positiva.

He incorporado en mí un lenguaje tejido de micro y macro expresiones faciales y una coreografía precisa desde brazos, manos hasta los dedos. No hay caos, aunque lo parezca desde fuera; hay gramática, estructura, arquitectura interna. Una lengua con reglas propias, orgánica y exacta, que exige años, décadas incluso, de refinamiento fino.

—¿Y cómo llevaste adelante tu educación?

—Yo iba al Instituto Oral Modelo, una escuela para personas sordas, pero no usábamos la lengua de señas. Yo utilizaba ambas lenguas: la sonora en la escuela y la visual fuera de ella. Este era el plan de mis padres: me preparaban para ser bi-modal y estar listo para convivir en ambos mundos, el audio-céntrico y el visual-céntrico. En Italia fui a una escuela para personas sordas, donde se usaba la LIS (Lengua de Señas Italiana) y luego cambié entre varias escuelas, tanto de oyentes como de sordos. Finalmente obtuve la beca Fulbright-Wirth y me fui a la Gallaudet University, en Estados Unidos, la única universidad del mundo para personas sordas. Este recorrido, y el aprendizaje de diferentes lenguas visuales, desde la LSA (Lengua de Señas Argentina), LIS hasta la ASL (Lengua de Señas Americana), me permitió desarrollar no solo un vocabulario visual más amplio, sino también una mayor sofisticación en las configuraciones manuales, las técnicas de movimiento, la fluidez y los distintos estilos de uso a nivel comunicativo.

—En una industria tan centrada en el sonido, ¿creés que todavía falta entender sobre el mundo de los sordos, o como decís, de los visual-centralistas?

—Sí, la fuerza lingüística de la industria cinematográfica es audiocéntrica, todavía no se ha comprendido del todo lo que queremos decir cuando hablamos de nuestro visualcentrismo. No se trata de imágenes visuales en el sentido convencional. Hablamos de lenguas, de nuestras manifestaciones expresivas del pensamiento y del sentimiento a nivel lingüístico. Es otro sistema de input y output comunicativo. Y, sin embargo, esta área sigue siendo en gran parte inexplorada. Aún no se ha entendido en profundidad este territorio.

—¿Sentís que hubo un progreso a raíz de los avances tecnológicos?

—Sí, muchos avances, desde las videollamadas hasta los subtítulos automáticos, que obviamente nos hacen respirar. Es exactamente comparable a lo que representaron para ustedes el nacimiento del teléfono o del cine sonoro. Lo que todavía falta explorar más profundamente es el reconocimiento de las lenguas de señas. A partir de ahí, podrían generarse subtítulos automáticos o incluso una voz de IA que hable por uno. Hay que asegurar siempre que ambas dimensiones, la sonora y la visual, estén bien equilibradas en cada innovación tecnológica para garantizar una accesibilidad justa para quienes las utilizan.

—Trabajaste con estudios enormes como Universal, Disney o Paramount… ¿hubo algún momento en el que sentiste “llegué”?

—“Llegar” no es una palabra que use para describirlo. Estoy de viaje dentro de esta industria y sé que todavía vienen nuevos capítulos. Hay directores y artistas con los que quiero colaborar, eso seguro. Pero, al mismo tiempo, tengo una responsabilidad en términos de representación. Además de romper estereotipos, todavía faltan historias realmente visuales, no como “tema”, sino como lenguaje en sí: una cultura más visual que pueda expresarse sin representaciones erróneas, sin distracciones, sin esa falta de foco en los detalles que realmente importan, y que pueda expandirse con precisión.

Eso es lo que quiero ver como resultado: algo más afilado, más consciente, más avanzado y estético en su intención visual, donde pueda decir sin dudas: “esta película me representa” o “me da orgullo verla”. Esto puede funcionar, sí, pero solo si hay un núcleo pequeño, muy afinado, de profesionales sordos trabajando en el centro del proceso junto a un equipo de oyentes. No como inclusión decorativa, sino como arquitectura real del lenguaje. El ojo del sordo ve lo que el ojo del oyente no ve.

—Tu película Sobran las palabras llegó al Top 10 en más de 40 países… ¿en qué momento te diste cuenta de que esto ya no era un proyecto más?

—Ya me di cuenta desde el momento en que me llamaron para este rol. Es el remake de la película francesa La Famille Bélier, que luego los estadounidenses adaptaron con CODA, hasta el punto de que Troy Kotsur, un actor sordo estadounidense, ganó el Óscar al mejor actor de reparto. Me preparé con algunos diálogos y, durante los primeros días de producción, le dije al director Luca Ribuoli que necesitábamos algunos ajustes en los diálogos, en particular con la lengua de señas, para que el mundo pudiera conectarse con la película. Él me respondió: “Esta es una película italiana, nacional, no pensada para el exterior. Es solamente para Italia.” En ese momento pensé: “No, todavía no entiende con quién está trabajando. Con Emilio Insolera. Y posiblemente no reconoce su propio talento; es un gran director”.

—También alcanzó el primer puesto en Argentina, ¿te sorprendió?

—Me imaginaba que en mi país natal, Argentina, de alguna manera, iba a alcanzar el número uno y así ocurrió. En una reciente video-entrevista con Matías Cufré, periodista sordo argentino de Locufre, la primera radio-streaming en Lengua de Señas Argentina accesible también para oyentes, descubrí un dato interesante a nivel estadístico: muchas personas en Argentina no utilizan Apple TV, por lo que no tuvieron la oportunidad de ver CODA. En ese contexto, Sobran las palabras se convirtió para muchos en la primera película de este tipo. El engagement generado por la comunidad sorda y sus aliados impulsó fuertemente la película en el ranking, acompañado también por el interés de la Generación Z y del público amante de la música. Desde una perspectiva de marketing, los datos muestran claramente que la lengua de señas en el cine es muy marketable: tiene un alto potencial de impacto y conexión con el público.

—¿Qué creés que conecta tanto con el público?

—Creo que lo que conecta tanto con el público de Sobran las palabras es la mezcla de varios elementos potentes. Primero, el contraste constante entre la música armónica y el ruido fastidioso. Esto genera tensión y humor al mismo tiempo, de una forma cómica un poco exagerada e irónica al estilo italiano. Segundo, el amor como lenguaje universal: la conexión y la desconexión entre los personajes muestran que el entendimiento va mucho más allá de las palabras.

—¿Qué te dejó este personaje a nivel personal?

—Me recordó a mi padre de alguna manera. De niño dejó Sicilia para ir a Buenos Aires, a los 10 años, y más tarde, cuando tenía alrededor de 50 años, regresó a Italia con toda la familia, incluido yo, que en ese momento tenía 10 años. Círculo interesante que se repite. Bueno, él tuvo una educación discontinua debido a la situación de la posguerra. A pesar de ser profundamente sordo y comunicarse exclusivamente a través de la lengua de señas, siempre tuvo una gran determinación y una fuerte voluntad para alcanzar sus objetivos.

Su pasión por los autos era tan intensa que, gracias a su fuerte base en matemática aplicada y precisión técnica, logró trabajar como matricero, para varias empresas automotrices. Aparte de mi padre, hoy en día el personaje de Alessandro Musso me deja sonrisas. Sería interesante explorar más este personaje. Me hago preguntas: “¿Qué haría como político?, ¿cómo manejaría el trabajo?" Ya me río solo imaginándolo: un caos total, como un casino, todo desordenado.

—¿Sentís que hoy hay un cambio real en la representación o todavía es más excepción que regla?

—Sí, hoy hay cambios. Hay más apertura por parte de la industria. Pero, al mismo tiempo, todavía sigue siendo más la excepción que la regla. Para mí, el cambio concreto sería cuando el mundo entienda que hablar visualmente es humano y no está reservado únicamente para una categoría de personas.

—¿Alguna vez te ofrecieron un rol que rechazaste por cómo representaba la sordera?

—Sí, he recibido guiones y he tenido que rechazarlos cuando la representación no estaba bien hecha, estaba mal planteada o claramente escrita por personas que imaginan lo que es la sordera o intentan explicar cómo se vive siendo sordo sin haberlo vivido. Siempre estoy abierto a modificarlo si hay espacio para cambios y mejoras.

—¿Cómo ves la relación entre actores de Hollywood y la lengua de señas dentro de la industria actual?

—Debo decir que muchos actores en Hollywood tienen una excelente relación con la lengua de señas y algunos conocen lo básico. Lo primero que me dijo Joaquin Phoenix en una fiesta en Los Ángeles, llevando todavía en la mano el Globo de Oro que acababa de ganar por su papel en Joker, fue que conocía el alfabeto manual. Era muy entusiasta y abierto a expandir la conversación desde ese ámbito. Sebastian Stan también me comentó que tenía un amigo sordo, así que nuestra conversación fue bastante fluida durante las semanas que compartimos rodaje. Incluso me dijo que le gustaría usar más lengua de señas en algunas películas.

El problema muchas veces no son los actores, sino los equipos de producción: hay que formar e instruir mejor a los equipos. Con Quentin Tarantino, por ejemplo, se mostró más bien reservado e inquieto, casi como si su percepción dominante era lo auditivo, con cierta dificultad para mantener una conversación fluida. Aun así, creo que puede ser una figura capaz de generar un gran cambio en la forma de contar historias y en la inclusión de actores sordos en el cine.

—¿Hay prejuicios en Hollywood que el público no ve?

—Sí, seguramente por falta de información correcta y de diversidad mediática. Todo empieza con los guionistas, donde muchas veces no se incorpora la diversidad desde el inicio del proceso creativo. Luego está el casting, donde las agencias de talento no siempre proponen a sus clientes para personajes sordos o visuales. Y después están los directores y productores, que no se atreven a hacer pequeños cambios en el lenguaje del diálogo o en la estructura misma de la escena.

Por ejemplo, en la película The 355, la actriz Jessica Chastain, ganadora del Oscar a la Mejor Actriz y una de las productoras de este proyecto, me ayudó a conseguir una audición con Simon Kinberg, lo que me permitió obtener un papel en la película. Todo esto fue posible no solo porque ella reconocía mi talento, sino también porque estaba familiarizada con lo básico de la lengua de señas y la cultura sorda. Por esto los medios de comunicación, como ustedes, los que moldean cómo se habla de nosotros y de nuestra comunidad visual, tienen un rol muy importante.

—¿Trabajaste alguna vez en una película en Argentina?

—Hace como una década aparecí en el videoclip de María Eva Albistur, “Flash”. Me gustó mucho la vibra, la identidad y el concepto del personaje interpretado por mí. Sería interesante expandir este ángulo y convertirlo en una película. Durante más o menos este mismo periodo me crucé con Gaspar Noé en un bar en la calle Honduras, en Buenos Aires, ambos estábamos de visita, y hablamos de nuestra movida en Japón, él para Enter the Void y yo para Sign Gene. Muy buena onda. Incluso estábamos armando un encuentro, pero el tiempo era corto: ambos en la capital por la misma razón, nuestros padres no estaban bien de salud, y al final perdimos el contacto.

Por otro lado, recientemente, fui contactado por Disney en Estados Unidos para prestar mi voz de doblaje en inglés a un personaje sordo en la serie argentina Limbo, producida por Mariano Cohn y Gastón Duprat. Lo hice, pero en Argentina la serie se realizó con un actor oyente que fingía ser sordo. Lamentablemente, el resultado de su actuación fue incorrecto en varios aspectos. Habría sido mejor contar con un actor sordo real y utilizar su propia voz en castellano, para lograr una representación más auténtica y respetuosa. Hoy en día, me encantaría trabajar en una película argentina, además de Gaspar, Mariano y Gastón, quizá con Ricardo Darín. Creo que juntos podemos crear algo potente.

—Si hoy ese chico que nació en Buenos Aires te viera, ¿qué creés que diría?

—Estaría orgulloso de mí mismo, sin dudas. Quizás me haría algunas preguntas, porque todavía no hago otro tipo de películas que admiraba y sigo admirando.

—¿Qué mensaje le darías a alguien que siente que su diferencia es un límite?

—Para mí, es una forma de bullying no intencional usar el término “capacitado” en oposición a “discapacitado”. Nadie es perfecto. Todos tenemos nuestros límites. Muchas veces, esos límites pueden superarse si buscamos soluciones en lugar de quedarnos dentro del problema. También es importante distinguir si se trata de un límite individual o de un límite externo. Y si lo es, se puede evitarlo o trabajar para cambiarlo. Lo peor es adaptarse pasivamente.

Crédito de fotos: Gentileza de prensa.

Durante un panel celebrado en el centro cultural 92NY de Nueva York, Nick Jonas habló sobre cómo la paternidad ha cambiado la manera en la que conecta con ciertas historias y películas, especialmente aquellas que ahora comparte con su hija, Malti Marie.

El encuentro se realizó como parte de la promoción de la nueva película de Jonas, Power Ballad, y contó con la participación de sus compañeros de producción, el actor Paul Rudd y el director John Carney. La conversación fue moderada por el periodista y conductor Josh Horowitz.

Durante la charla, Horowitz preguntó a Nick Jonas si existía alguna película o canción que le hubiera provocado una reacción emocional importante. El cantante respondió haciendo referencia tanto a su nueva cinta como a una película de Disney que ahora ve con su hija.

“Bueno, diré que hay dos escenas en esta película en las que no aparezco, y me impactaron muchísimo como padre. Creo que verán algo muy real. Quiero que reflexionen sobre este tema tan importante, la familia, ese aspecto. Y aparte de eso, cuando lloro con una película, es con El Rey León”.

El integrante de los Jonas Brothers explicó que desde el nacimiento de su hija ha vuelto a acercarse a historias que marcaron su infancia.

“Sabes, estas cosas las veo con mi hija últimamente y leo algunas de esas experiencias, las historias que me moldearon como persona, y ahora las comparto con ella. Es una experiencia muy especial”, señaló y añadió que “siempre” llora viendo películas durante los vuelos en avión.

Nick Jonas y la actriz Priyanka Chopra se convirtieron en padres de Malti Marie en 2022. Desde entonces, ambos han compartido algunos momentos familiares en redes sociales y entrevistas, aunque recientemente han optado por mantener una mayor privacidad respecto a la exposición pública de su hija.

El pasado 8 de abril, Jonas publicó en Instagram una fotografía junto a Malti durante una estancia en Vancouver.

En la imagen aparece besando a la niña en la cabeza mientras trabajaba en una producción cinematográfica. “Primera semana en Vancouver”, escribió el cantante en la publicación.

Por su parte, Chopra habló recientemente sobre la crianza de su hija durante una aparición en el podcast Not Skinny But Not Fat, conducido por Amanda Hirsch. Ahí explicó que, conforme Malti crece, han decidido ser más reservados sobre su vida pública.

“A medida que crece, hemos empezado a ser un poco más discretos. Se muda mucho, así que le permitimos mantener el mayor anonimato posible. La gente sentirá curiosidad por ella. No quiero que le tenga miedo, ni que juzgue o desconfíe de las personas que conozca, porque hay gente buena en el mundo, y yo he tenido experiencias maravillosas con amigos así”, dijo.

Chopra también señaló que busca que su hija crezca sin temor hacia las personas pese a la atención mediática que puede rodearla. “Está bien que sea consciente de ello, pero creo que será importante que tenga la capacidad de elegir”. indicó.

Mientras tanto, Jonas continúa promocionando Power Ballad, película en la que interpreta a Danny Wilson, un exintegrante de una banda juvenil que recupera la fama tras apropiarse de una canción escrita por Rick, personaje interpretado por Rudd.

¿Qué viene después de The Mandalorian and Grogu? Jon Favreau no da certezas, pero sí una señal clara: el futuro del cazarrecompensas mandaloriano y su joven aprendiz ya está tomando forma en su cabeza.

La película llegó a los cines con una historia autoconclusiva que no requería haber visto las temporadas previas de la serie en Disney+, pero la pregunta sobre una posible continuación ya está sobre la mesa.

Su director y coguionista reconoció ante Entertainment Weekly que piensa de manera creativa en los próximos pasos para estos personajes.

“Pienso en ello creativamente, y para mí es como un jardín o un invernadero con todas las diferentes historias y personajes”, explicó. “Veo oportunidades en todos ellos, porque estas historias han cobrado vida propia, y me gusta la progresión de estos personajes, y me gusta pensar hacia adelante en cuál es el siguiente paso para ambos”.

El cineasta describió el futuro de Mando y Grogu como un “lienzo amplio y abierto”, aunque aclaró que las decisiones más estratégicas recaen en Dave Filoni, presidente y director creativo de Lucasfilm.

“Dave ha estado pensando con detenimiento en la historia más amplia, en cómo todos los personajes encajan, y en cómo esto desemboca en la próxima era de Star Wars”, señaló Jon Favreau en diálogo con EW.

“Creo que hay muchas decisiones estratégicas de alto nivel que Dave está tomando y en las que esto encajará, pero desde mi perspectiva, tengo muchas notas e ideas sobre hacia dónde creo que podrían ir las cosas dentro de este pequeño microcosmos de Star Wars“.

Favreau también explicó ante el mismo medio el cambio de enfoque que implicó pasar de una posible cuarta temporada de la serie a una producción para cines.

“Una cuarta temporada de la serie habría asumido que ya habías visto las tres temporadas anteriores y, francamente, todo lo demás en Disney+. Esa es la naturaleza de una historia serializada de formato largo en televisión”, sostuvo.

Por ahora, no está confirmado si esa cuarta temporada —que Jon Favreau llegó a escribir y que habría servido de puente hacia la segunda temporada de Ahsoka— verá la luz algún día.

Todo sobre “The Mandalorian and Grogu”

The Mandalorian and Grogu se ambienta en un momento en que el Imperio ha caído y los señores de la guerra imperiales permanecen dispersos por la galaxia. La trama sigue a Din Djarin y a Grogu, enlistados por la Nueva República para proteger todo aquello por lo que luchó la Rebelión.

En su misión, deben localizar a Rotta el Hutt y devolverlo a su familia criminal, aunque finalmente deciden liberarlo, lo que desencadena una serie de consecuencias para Mando.

Pedro Pascal regresa como Din Djarin, Jeremy Allen White interpreta a Rotta el Hutt y Sigourney Weaver da vida a la coronela Ward, una combatiente y piloto de la Rebelión.

El elenco también incluye a Steve Blum como Zeb, personaje conocido de Star Wars Rebels.

En una visita a Good Morning America, Pascal reflexionó sobre llevar la historia a la pantalla grande. “Ese era mi deseo secreto desde el principio”, afirmó. “Amo que tuvo hermosas temporadas para que la gente la viera en casa, pero ahora Jon Favreau, nuestro director, sabe que una experiencia en pantalla grande es un viaje emocionante”.

El actor, que lleva siete años en el papel, bromeó: “Gracias a Dios que usa un casco. Puedo envejecer todo lo que quiera en este rol”.

Por su parte, Weaver declaró al mismo programa que su personaje la inspiró: “Interpretar a una mujer que tiene este tipo de mando en medio de la nada e intenta mantener viva a esta frágil República es algo que realmente admiré”.

Favreau describió la película como una historia de iniciación para Grogu. “Si la ves a través de los ojos de Grogu, está encontrando su propio camino. Está empezando a asumir más responsabilidades y su padre le está confiando más”, señaló, según declaraciones oficiales difundidas por el portal web de Star Wars.

El director también buscó crear una experiencia accesible para nuevos espectadores: “Queremos hacer una experiencia que no dependa de que alguien ya ame Star Wars, sino que le dé la oportunidad de enamorarse de él como nosotros lo hicimos".

The Mandalorian and Grogu tiene una duración de dos horas y 12 minutos, y ya se encuentra en cartelera de América Latina.

Este movimiento representa la primera expansión formal del universo narrativo de El encargado, serie que ha sostenido el mejor rendimiento de una producción argentina en streaming a lo largo de cuatro temporadas finalizadas y una quinta ya confirmada, como informó Disney+. El rodaje conjunto y la sinergia productiva entre ambas ficciones constituyen un punto de inflexión en la apuesta por contenido local y continuidad de franquicias originales bajo el sello de la plataforma. La revelación del video avance, liberado simultáneamente a la comunicación oficial, ha proporcionado material promocional exclusivo sobre el tono y alcance de la nueva serie.

El operativo de preproducción y los ejes de expansión

Con el inicio de rodaje en marzo y la decisión de lanzar Zambrano en Disney+ en 2027, la producción amplía el ecosistema surgido de la obra creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, quienes retoman el rol de showrunners y guionistas principales. El equipo creativo suma a Guillermo Francella como productor ejecutivo y Martín Hodara en la dirección, marcando continuidad autoral para garantizar coherencia estilística y temáticas.

En cuanto a estructura, Zambrano se aleja del formato microcósmico de la administración de edificios que definió El encargado para adentrarse en el entramado judicial argentino, abordando zonas de poder y ambivalencias morales desde un enfoque de comedia negra. La sinopsis oficial describe a Zambrano como “exitoso en lo profesional y fracasado en lo familiar”, permitiendo una exploración de su costado controvertido. Goity declaró en Núcleo que la serie expondrá al personaje en un registro “más oscuro y polémico”, elemento diferencial respecto a la ficción original.

El foco está puesto en el abogado Matías Zambrano, explora el poder judicial desde una perspectiva cómica y crítica, lo que consolida la franquicia y expande la narrativa en simultáneo a la cuarta temporada del título matriz.

Estrategia de franquicia y diferenciación temática

La expansión de El encargado a través de este derivado coincide con indicadores de alto rendimiento para Disney+ dentro del segmento latinoamericano, que ha encontrado objetivación en tres temporadas exitosas y la inyección de recursos para una cuarta. La apuesta por la continuidad narrativa facilita la fidelización de audiencias y la capitalización de personajes secundarios, ahora promovidos a protagonistas. La narrativa de Zambrano gira sobre el personaje encarnado por Goity desde el 26 de octubre de 2022, fecha de su primera aparición como antagonista directo del Eliseo interpretado por Francella.

La producción busca diferenciarse no solo en escenarios y conflicto, sino también en la explicitación de “un tono más crítico” respecto al poder y las cuestiones éticas del sistema judicial argentino. La sinopsis subrayó el carácter ambivalente de Zambrano, mientras que el video avance mostró al protagonista resolviendo un trueque absurdo y judicial por teléfono, enfatizando el costado cínico y transgresor del personaje.

Goity afirmó a Núcleo que existe una expectativa sobre los límites a los que Zambrano será llevado en su nueva instancia de desarrollo dramático: “La dirección es más oscura, más tribunales. Han dejado a los encargados; ahora todo girará en torno a jueces y a la estructura judicial”.

Integración en el universo y relevancia de personajes

En el origen de este derivado, la dinámica antagónica entre Zambrano y Eliseo se consolidó a partir de la segunda mitad de la primera temporada, cuando el abogado — en calidad de presidente del consorcio — se convirtió en el principal oponente del portero más conocido de las ficciones argentinas. El contrapunto narrativo entre ambos consolidó al personaje del penalista, lo que habilitó su salto a serie propia.

Goity caracterizó al letrado como un individuo frontal que no recurre a la hipocresía, un rasgo que diferencia su construcción dentro del registro coral de la serie matriz. “Zambrano dice que va a echar a alguien y lo hace sin rodeos”, señaló en la misma entrevista.

Por su lado El Encargado ya confirmó su quinta temporada aun sin fecha de estreno.

The Testaments continúa ampliando el universo narrativo presentado en El cuento de la criada con una historia centrada en una nueva generación de jóvenes dentro de la sociedad de Gilead.

Basada en la novela homónima de Margaret Atwood, la producción desarrolla una trama enfocada en dos adolescentes que enfrentan las normas y estructuras del régimen teocrático retratado en la franquicia.

Tras el éxito de la producción, Hulu y Disney+ han confirmado que la historia se renovará para una segunda temporada. El capítulo final de la primera entrega se emitirá el 27 de mayo en la plataforma de streaming.

Hasta el momento no se han revelado detalles de la trama ni una fecha tentativa de estreno, así como alguna modificación en el elenco principal de la serie.

La sinopsis oficial de The Testaments presenta a Agnes, interpretada por Chase Infiniti, como una joven obediente y profundamente religiosa criada bajo las reglas de Gilead.

Junto a ella aparece Daisy, personaje interpretado por Lucy Halliday, una recién llegada y conversa procedente de fuera de las fronteras del régimen. Ambas coinciden en una prestigiosa escuela dirigida por la tía Lydia, personaje nuevamente interpretado por Ann Dowd.

La historia se desarrolla en los pasillos de esta institución educativa destinada a preparar a futuras esposas dentro de Gilead. Según la descripción de la serie, la obediencia es enseñada mediante métodos estrictos sustentados en argumentos religiosos.

En ese contexto, la relación entre Agnes y Daisy se convierte en un elemento central de la trama y en un punto de transformación para las protagonistas.

La producción busca ampliar algunos de los temas ya presentes en El cuento de la criada, serie que retrata una sociedad autoritaria organizada bajo normas religiosas y un sistema jerárquico rígido.

En esta nueva adaptación, el relato se sitúa varios años después de los acontecimientos originales y pone el foco en personajes jóvenes que crecieron dentro del sistema o que llegan a él desde el exterior.

Bruce Miller, creador de El cuento de la criada, también está al frente de The Testaments como creador, showrunner y productor ejecutivo.

Mike Barker también dirigió los tres primeros episodios de la serie, además del episodio final de la temporada. La producción está a cargo de MGM Television y 20th Television.

De acuerdo con datos difundidos por Disney, la producción ha registrado más de 45 millones de horas vistas a nivel mundial a través de las plataformas Hulu y Disney+. La compañía también informó que la serie ha recibido críticas mayoritariamente favorables desde su lanzamiento.

El interés por las historias ambientadas en el universo de Gilead se ha mantenido desde el estreno de “El cuento de la criada, adaptación que consolidó una amplia audiencia internacional y obtuvo reconocimiento en distintos premios de la industria televisiva.

Con The Testaments, la franquicia expande su narrativa hacia nuevos personajes y conflictos situados dentro del mismo contexto político y social.

La serie continúa explorando temas relacionados con la educación, el control institucional y las dinámicas de poder dentro de Gilead, ahora desde la perspectiva de adolescentes que enfrentan las normas impuestas por el régimen.

Las listas de seguimiento de Google TV ofrecen una solución sencilla y eficaz para quienes buscan organizar los títulos que desean ver en el futuro sin depender de una sola plataforma de streaming. Aunque esta función permanece algo oculta para muchos usuarios, su utilidad la convierte en una herramienta esencial para quienes consumen contenidos audiovisuales de forma habitual.

Google TV, que viene integrado en la mayoría de televisores inteligentes, permite centralizar la gestión de películas y series en una sola lista, independientemente de si están disponibles en Netflix, Disney+, Prime Video u otros servicios. El usuario solo necesita una cuenta de Google activa para empezar a utilizar la función de lista de seguimiento.

Qué es la lista de seguimiento de Google TV y para qué sirve

La lista de seguimiento de Google TV es una función asociada a la cuenta de Google del usuario. Sirve para guardar y organizar películas y series que se desea ver más adelante, sin importar en qué plataforma de streaming se encuentren disponibles.

Esta herramienta responde a una necesidad habitual: recordar sugerencias que llegan por mensajes, redes sociales o recomendaciones personales y que suelen olvidarse con facilidad. Al agregar un título a la lista de seguimiento, el contenido queda almacenado y puede consultarse en cualquier momento, tanto desde la televisión como desde otros dispositivos conectados a la misma cuenta de Google.

La principal ventaja de esta lista es que centraliza la organización de títulos por ver. Así, el usuario evita perder tiempo saltando entre diferentes aplicaciones o navegando por menús internos que solo muestran lo guardado en una plataforma concreta.

El uso de la lista de seguimiento permite también personalizar las recomendaciones que aparecen en Google TV. Al añadir títulos, el sistema utiliza esta información para sugerir nuevos contenidos que pueden resultar de interés, ajustando la experiencia de descubrimiento a los gustos individuales.

Cómo añadir contenido a la lista de seguimiento desde Google TV

El proceso para guardar títulos en la lista de seguimiento es rápido y directo. Desde la pantalla principal de Google TV, el usuario puede buscar una película o serie utilizando el buscador o el botón de micrófono del mando. Tras localizar el contenido, basta con entrar en la ficha y pulsar la opción identificada como ‘Mi lista’ o ‘Añadir a lista de seguimiento’, dependiendo del idioma y modelo del televisor.

No es necesario abrir la aplicación de streaming correspondiente ni navegar por diferentes plataformas. El título queda guardado en la cuenta de Google y se puede recuperar en cualquier momento desde la sección correspondiente del menú principal, normalmente ubicada en la biblioteca o dentro del perfil del usuario.

El funcionamiento puede variar ligeramente en función del televisor, pero el objetivo es siempre el mismo: permitir que el usuario almacene y consulte los títulos guardados sin tener que empezar la búsqueda desde cero cada vez.

Sincronización entre dispositivos y uso desde el móvil o navegador

Una de las características más prácticas de la lista de seguimiento de Google TV es su sincronización automática entre dispositivos. El usuario puede añadir películas y series desde la aplicación de Google TV en el teléfono móvil, lo que resulta especialmente útil cuando se descubren nuevos títulos fuera de casa o navegando por internet.

Solo es necesario buscar el título en la app de Google TV, acceder a la ficha y pulsar el botón ‘Mi lista’. Si la cuenta de Google utilizada en el móvil es la misma que la del televisor, el contenido estará disponible instantáneamente en ambos dispositivos.

Es posible agregar títulos incluso desde el buscador de Google en cualquier navegador, escribiendo el nombre de la película o serie y seleccionando la opción ‘Quiero ver’. Cualquier cambio realizado en la lista, ya sea desde la tele, el móvil o el navegador, se reflejará en todos los dispositivos asociados a la cuenta.

El viernes 15 de mayo, el público eligió a Julio Vázquez como el primer cocinero confirmado para la edición 24/7 de MasterChef México 2026, consolidando su paso de creador digital a participante del reality gracias al respaldo de su comunidad en redes sociales.

Su ingreso fue posible gracias a una dinámica de selección a través de plataformas sociales, donde varios influencers entraron de manera anticipada al reality para que el público eligiera a quién quería ver en el programa estelar.

¿Quién es Julio Vázquez?

El influencer nacido en Nuevo León ha destacado por su contenido especializado en cocina y mixología, ganando notoriedad por su carisma frente a la cámara y un estilo propio al presentar recetas.

La cifra que mejor ilustra su alcance es la de 3,6 millones de seguidores en TikTok, plataforma donde concentra la mayor parte de su audiencia digital.

Para quienes buscan saber en qué red social tiene más tracción Julio Vázquez, los datos son claros: su mayor base de seguidores está en TikTok, donde sus videos culinarios generan miles de interacciones

En contraste, su cuenta de Instagram, centrada en fotografías y videos de sus creaciones, suma 697 mil seguidores, mientras que en Facebook alcanza 791 mil.

¿Cuándo se estrena MasterChef México 24/7?

El estreno de MasterChef México 2026 está programado para el domingo 17 de mayo a las 20:00 en Azteca.

Para quienes deseen ver el 24/7, se dio a conocer que este podrá sintonizarse a través de Disney+.

Según AP, la cinta de Disney sumó USD 43 millones en su segundo fin de semana en Estados Unidos y totalizó USD 433,2 millones en sus primeras dos semanas, llevando a la compañía a un récord anual sin precedentes.

El diablo viste a la moda 2 superó a Mortal Kombat II en la taquilla global en 2026 al liderar los estrenos tanto en Estados Unidos como en mercados internacionales clave.

La estrategia de Disney priorizó secuelas y lanzamientos simultáneos, lo que impulsó la asistencia de un amplio público femenino y permitió alcanzar los USD 2.000 millones en recaudación global antes que cualquier otro estudio, lo que consolidó al filme dirigido por David Frankel en una posición privilegiada ante sus principales competidores, ya que es una meta que ningún otro competidor ha conseguido en el año, de acuerdo AP.

La audiencia en América del Norte respondió masivamente, mientras que el desempeño en mercados internacionales como Italia (USD 28 millones), Reino Unido (USD 28,5 millones), Brasil (USD 22 millones), México (USD 20,1 millones), Alemania (USD 15,9 millones), Australia (USD 18,5 millones), Japón (USD 16,8 millones) y Corea del Sur (USD 8,3 millones) fue decisivo.

“Mortal Kombat II”, distribuida por Warner Bros., debutó en el mismo período con USD 40 millones en Estados Unidos y sumó 23 millones adicionales en otros países, alcanzando un total global de $63 millones.

El análisis de PostTrak recogido por AP señala que la asistencia se inclinó notablemente hacia el público masculino, con un 75% del total, en contraste con el perfil mayoritariamente femenino de El diablo viste a la moda 2.

Perfil de las audiencias y dinámica de la taquilla

El liderazgo de la secuela de Disney se fundamentó en una marcada preferencia del público femenino, a diferencia de “Mortal Kombat II”, orientada principalmente al público masculino, según AP.

El descenso del filme de Disney en su segunda semana, con un 44% menos de recaudación respecto al fin de semana anterior, se situó dentro de los parámetros habituales para grandes estrenos.

La celebración del Día de la Madre en Estados Unidos fue clave para impulsar la asistencia y superar las previsiones iniciales. La estrategia de estrenos simultáneos en salas de gran capacidad y el respaldo de una franquicia reconocida contribuyeron a mantener la afluencia y atraer nuevos públicos, según el análisis de AP y la información de Box Office Mojo.

La entrega original de 2006 alcanzó USD 327 millones en la taquilla global, cifra ya superada ampliamente por la secuela, que en apenas 12 días igualó y rebasó el fenómeno anterior.

Dominio internacional y comparación con otros estrenos

Fuera de Estados Unidos, El diablo viste a la moda 2 mantuvo el primer lugar en catorce mercados, destacando en Latinoamérica, donde México, Brasil y Argentina la situaron como líder indiscutible. Además, el filme logró el primer puesto no local en naciones de Europa del Este y Oriente Medio como Armenia, Bosnia, Georgia, Líbano y Eslovaquia, de acuerdo con cifras de Deadline.

En el balance de otros estrenos relevantes de 2026, Disney se colocó por delante de Warner Bros. y Universal Pictures, que aún no han cruzado la barrera de los 2.000 millones de dólares en recaudo global, según reporta Deadline. El biopic “Michael” alcanzó USD 577 millones en el mundo, mientras que producciones como “Hoppers” y “Send Help” reforzaron el dominio de Disney en el listado internacional.

Este desempeño es reflejo de la recuperación posterior a la pandemia, impulsada por propuestas de entretenimiento escapista y el vigor de franquicias reconocidas, que mantienen el flujo de audiencias hacia las salas.

Claves del liderazgo de Disney y tendencias en la industria del cine

El liderazgo de Disney en la taquilla mundial durante 2026 se atribuye a la consolidación de secuelas y sagas, así como a una política de estrenos globales simultáneos, según Deadline y Box Office Mojo. El éxito financiero de El diablo viste a la moda 2 exhibe cómo el estudio logra captar el interés de distintas generaciones, fortalecer su catálogo y ampliar su programación internacional.

La tendencia a capitalizar franquicias responde a la necesidad de garantizar ingresos estables y mantener un calendario robusto de estrenos para competir tanto en pantalla grande como en plataformas digitales. El arrastre de sagas conocidas refuerza la lealtad del público y dinamiza tanto la producción como la programación de eventos cinematográficos durante el año.

Los resultados de este ciclo adelantan un segundo semestre muy activo para los grandes estudios, con un notable incremento en el lanzamiento de películas de gran escala, donde Disney se reafirma como referente e impulsor de nuevas tendencias en el sector.

La estrategia implementada por Disney para el estreno y expansión de la secuela establece un modelo renovado para el inicio de la temporada veraniega del cine e impulsa a otros estudios a replantear sus planes de lanzamiento y segmentación de audiencias.

Disney+ estrenó esta semana el especial televisivo The Punisher: One Last Kill, una producción que ha recibido comentarios positivos por parte de críticos y espectadores, aunque también ha generado reacciones en redes sociales debido a problemas técnicos reportados por usuarios y a una escena de efectos visuales que se volvió tema de discusión entre los seguidores del personaje.

El especial, lanzado el martes 12 e3 mqyo en la plataforma de streaming, continúa la historia de Frank Castle, conocido como The Punisher, personaje interpretado por Jon Bernthal.

La producción funciona como continuación de la serie The Punisher y también mantiene la línea narrativa presentada en la primera temporada de Daredevil: Born Again.

Poco después del estreno, usuarios comenzaron a reportar dificultades relacionadas con el audio de la presentación en Disney+. Algunos espectadores señalaron que el volumen de los diálogos era bajo o que existían irregularidades en la configuración del sonido envolvente.

Las observaciones se multiplicaron en redes sociales, donde varios usuarios comentaron que tenían problemas para escuchar claramente las voces de los personajes durante algunas escenas.

“No pude oír absolutamente nada en el audio del especial de The Punisher. Los altavoces de sonido envolvente están mal configurados“, escribió un usuario. Otro expresó: ”El canal central sale por la parte trasera y los niveles también están mal ajustados".

Ante los reportes, Disney+ respondió públicamente a varios usuarios a través de la red social X. En sus mensajes, la plataforma confirmó que tenía conocimiento de la situación y señaló que su equipo técnico trabajaba en una solución.

“Gracias por contactarnos y avisarnos que no tienen audio al verThe Punisher: One Last Kill. La buena noticia es que nuestro equipo está al tanto de este problema y está trabajando en una solución. ¡No duden en contactarnos si necesitan algo más!“, expresaron.

Además de las observaciones sobre el sonido, una secuencia específica del episodio generó comentarios relacionados con los efectos visuales utilizados en una escena de acción.

En el momento en cuestión, Frank Castle es empujado desde un edificio y cae sobre una estructura metálica plateada.

Algunos espectadores compartieron fragmentos de la escena en redes sociales y compararon el movimiento del personaje con animaciones de videojuegos antiguos o secuencias digitales de generaciones anteriores de consolas.

“Realmente parece una escena de GTA… Parece una versión de prueba de alguna escena de Joel para The Last of Us [de PlayStation]“, escribió un fan.

Mientras que otro agregó: “Que Marvel publique ‘accidentalmente’ efectos visuales sin terminar en 2026 es una locura: Jon Bernthal está haciendo una furia digna de Punisher, pero le aplican la física de muñeco de trapo de PS3”.

Sin embargo, una fuente cercana a la producción confirmó a The Hollywood Reporter que la escena fue filmada principalmente de manera práctica y no se trató de una secuencia completamente generada por computadora.

Según esa versión, Jon Bernthal realizó el inicio de la caída, mientras que un doble de riesgo participó en la parte correspondiente al impacto.

La fuente añadió que posteriormente se aplicaron efectos visuales para reemplazar digitalmente el rostro del especialista por el de Bernthal, un procedimiento habitual en producciones de acción.

Pese a las críticas relacionadas con aspectos técnicos específicos, el especial ha obtenido una recepción mayoritariamente positiva. En el sitio especializado Rotten Tomatoes, la producción registra un 86% de aprobación entre críticos y un 91% de aceptación por parte de la audiencia.

Además de este especial y de su participación en Daredevil: Born Again, el personaje de Frank Castle tiene prevista una nueva aparición en Spider-Man: Brand New Day.

A lo largo de estos días, tanto Neumann como Urcera compartieron distintas postales de la estadía en los parques temáticos. Una de las fotos más comentadas fue la que publicó el piloto, en la que toda la familia y un grupo de amigos aparecen sonrientes dentro de una atracción ambientada con dinosaurios. La alegría fue protagonista, en una postal que transmite armonía y reafirma el espíritu familiar del viaje.

En otra de las imágenes, Nicole, Manu y el pequeño Cruz se mostraron abrazados frente a una cascada, en lo que parece ser una de las áreas más impactantes de Animal Kingdom. La cercanía y la complicidad de la pareja llamaron la atención, especialmente porque llegan en un contexto de fuertes versiones sobre una supuesta separación.

A su vez, la modelo no dudó en compartir momentos entrañables de Cruz, su hijo menor, como con sus hijas mayores, Indiana, Allegra y Sienna. En una secuencia de videos y fotos, se lo vio recorriendo el parque, jugando, paseando y disfrutando de toda la magia de Disney. Uno de los momentos más tiernos lo muestra fascinado frente a un arbusto con forma de cocodrilo, mientras en otra imagen posa con un paraguas colorido y una pelota en la mano, disfrutando del clima y la atmósfera festiva. También el pequeño tuvo la oportunidad de entretenerse con un burbujero, que utilizó mientras caminaba por las inmediaciones del parque

Allegra, por su parte, también fue protagonista de este viaje especial. Nicole la mostró junto a sus amigas en la selfie clásica frente a la esfera de Epcot, todas con looks relajados y el sol de Florida acompañando la jornada. En otra de las escenas más festejadas en redes, Allegra terminó participando del show de El Rey León, donde se la pudo apreciar caminando junto a los actores disfrazados de los personajes de la historia.

Mientras Nicole y Urcera recorrían los parques y sumaban recuerdos, el entorno familiar seguía siendo noticia. Mica Viciconte, actual pareja de Fabián Cubero, celebró su cumpleaños con amigas y famosos como Rocío Marengo, Belu Lucius y Nico Peralta. La panelista mostró parte de su festejo en redes sociales, en lo que fue otra velada en paralelo al paseo familiar de la ex pareja de su actual pareja.

Las vacaciones de Nicole y Urcera no fueron solo descanso: también hubo mucha actividad y diversión. Juegos, fotos con personajes clásicos, paisajes de lagunas con flamencos y jardines de flores multicolores formaron parte de los recuerdos compartidos en Instagram. En una de las postales, Nicole se lució con orejas doradas de Minnie y un paraguas lleno de color, reflejando el espíritu lúdico y relajado de estos días.

Mientras tanto, en medio de versiones y especulaciones, Nicole y Manuel eligen el bajo perfil y priorizan el disfrute compartido. Las imágenes de la familia en Disney lograron, al menos por ahora, acallar rumores y mostrar que, más allá de los desafíos de la vida pública, la unión y los momentos compartidos siguen siendo la prioridad. Con cada foto y video, la pareja apuesta a la familia y al presente, construyendo recuerdos lejos de las polémicas, bajo el sol de Orlando y con la ilusión intacta de los viajes en familia.

Episodios anteriores

• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodio 1: De vuelta a las bases
• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodios 2, 3 y 4: Se viene el estallido
• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodios 5 y 6: De vuelta a la nostalgia

Episodios 7 y 8: Finalmente nace otra vez

Después de prácticamente dos meses al aire, Daredevil: Born Again finalizó su segunda temporada con un nivel mucho más consistente que la entrega anterior pero también con una apuesta mucho más segura, sin dar pie a nuevas interpretaciones ni aprovechar las puntas que la misma serie originó en estas dos temporadas al aire.

El regreso de Daredevil a las pistas, ahora bajo el manto de Marvel/Disney, fue agridulce en su momento porque significó una reinvención del personaje con casi el mismo cast pero intentando generar un estilo propio después de la gran serie que fueron esas tres temporadas que produjo Netflix en la década pasada. Sin embargo, esta segunda temporada termina haciendo el trabajo sucio de unificar todo ese periodo de gracia y lo que Daredevil: Born Again quiere ser para el personaje.

En estos últimos dos episodios de Daredevil: Born Again, el conflicto entre Fisk y Daredevil termina teniendo un peso mucho mayor, presentándose en dos bandos en los que todo Nueva York debe decidir de qué lado estar. Es una representación clara y concisa del bien contra el mal y una evolución muy fuerte del concepto que vimos en episodios anteriores.

En este sentido, hay una vuelta de tuerca muy interesante ya que como he dicho en las notas anteriores, la mitad de esta temporada sufrió de mucho reciclaje de tramas que ya se habían profundizado en la serie de Netflix. Este “no remake” termina con una resolución diferente, a una escala mucho mayor y eso le da un cierto toque que termina beneficiando a esta superproducción.

El último episodio de la temporada particularmente termina siendo quizás el mejor desde que se emite Daredevil: Born Again en Disney+ y nos da todo lo que hace a Daredevil grande. Conflictos humanos, conflictos internos, escenas de acción con coreografías muy buenas y la profundización de muchos personajes secundarios que hasta el momento eran solo minutos sueltos en episodios pasados.

En ese sentido, Daredevil: Born Again es un cheque en blanco a futuro. Todo lo bueno que hizo la serie termina convirtiéndose en promesas para la tercera temporada, que ya está filmando, y el reciclaje de lo que fue la serie de Netflix ya llegó un tope en el cual no se puede seguir más. La siguiente temporada tiene la obligación de entregarnos algo auténtico, nuevo para el personaje y también para el espectador, y la eficacia con lo que lo logren hará más grande la participación del personaje en esta segunda temporada.

La introducción de Kirsten Rytten al cast como Jessica Jones, que no había gravitado en la mitad de temporada, termina siendo bastante superior en estos últimos episodios y nos recuerda a los mejores momentos del personaje en su serie original de Netflix. También hay que destacar nuevamente la actuación de Charlie Cox (Daredevil) y Vincent D’Onofrio (Kingpin) que con cinco temporadas bajo el brazo sigue entregándonos momentos memorables interpretando a estos personajes.

Hay dos personajes que también tuvieron una fuerte participación en esta temporada. Por el lado positivo, el Bullseye de Wilson Bethel se ha convertido en la mejor encarnación del personaje y da muchas ganas de conocer más de hacia dónde puede ir. Por otro lado, decepciona un poco la participación de Matthew Lilliard que ni siquiera llega a ser enigmática, sino que nos dan tan poca información que ni podemos ponernos curioso por el personaje. Por último, los personajes de Heather Glenn (Margarita Levieva) y White Tiger (Camila Rodriguez) dan giros interesantes en el último episodio que pueden ser fuertes puntas para desarrollar en la siguiente temporada.

Esta nueva temporada de Daredevil realmente hizo honor a su nombre y le dio la posibilidad al personaje de nacer otra vez. Creo que todavía queda definir si eso es bueno o malo, y dependerá en gran parte de los planes que el estudio tenga para el personaje tanto en la tercera temporada como en la participación de otros proyectos que seguramente llegarán más tarde que temprano.

Por el momento, en lo posiblemente objetivo que puede ser, creo que esta temporada es superior a la anterior pero logra esto apelando a un montón de recursos que ya hemos visto y ya hemos apreciado. El error de Daredevil: Born Again sería, realmente, no ofrecer un renacimiento del personaje y volver a entregar una nueva temporada con los mismos conceptos que ya hemos visto una y otra vez. Daredevil no es un personaje corto en ideas como para tener que siempre apelar a lo mismo.

Es una larga espera. Disney confirmó el martes 12 de mayo en su presentación de upfronts que la segunda temporada de Ahsoka llegará a Disney+ a principios de 2027. El anuncio lo hizo la propia protagonista, Rosario Dawson, quien también presentó un avance con material detrás de cámaras. El dato, aguardado por los fans desde hace más de dos años, supone una de las brechas más largas entre temporadas para una serie de streaming actual.

La primera temporada de la serie se estrenó en agosto de 2023 y cosechó cifras de audiencia sólidas para Disney+, colándose en el top 10 de series originales de streaming según Nielsen cada semana que estrenó nuevos episodios. Sin embargo, el desarrollo de la segunda entrega no arrancó hasta principios de 2024, y desde entonces Lucasfilm ha reducido significativamente su producción de contenido de acción en vivo para Star Wars.

¿Por qué tanto tiempo?

El retraso tiene varias explicaciones. El rodaje de la segunda temporada, que comenzó tras la Star Wars Celebration 2025 en el Reino Unido, no se completó hasta octubre de 2025, lo que significa que la posproducción se extenderá por al menos año y medio, según señaló Forbes.

Otro factor determinante sería la nueva posición de Dave Filoni, creador y showrunner de la serie, quien fue nombrado co-presidente y CCO de Lucasfilm. Eso le ha situado al frente de toda la dirección creativa de la franquicia, y la carga de responsabilidad habría ralentizado inevitablemente el ritmo de producción de Ahsoka.

En la segunda temporada también se producirá un cambio importante. El actor Ray Stevenson, quien interpretó al mercenario Baylan Skoll en la primera temporada con una actuación muy elogiada, falleció en mayo de 2023, varios meses antes incluso de que la serie se estrenara.

En lugar de retirar al personaje de la historia, Filoni decidió continuar su arco narrativo y recayó en Rory McCann (Juego de Tronos) para asumir el papel. La elección fue anunciada en enero de 2025. McCann y Stevenson eran amigos cercanos, lo que convierte el casting en un homenaje especialmente significativo, según informó Screen Rant.

¿Qué más se sabe de la temporada 2?

Las actualizaciones más recientes de la serie databan de la Star Wars Celebration 2025, cuando también se confirmó el retorno de Hayden Christensen como Anakin Skywalker, quien ya apareció en flashbacks y secuencias de sueño en la primera entrega. Durante dicho evento, el actor declaró sentirse “más conectado que nunca” al personaje y mostró su entusiasmo por continuar explorándolo.

En cuanto a la trama, la segunda temporada retomará la amenaza del Gran Almirante Thrawn —interpretado por Lars Mikkelsen— y los héroes deberán enfrentarse a enemigos en dos galaxias distintas. También se confirma el regreso del Almirante Ackbar y más personajes provenientes de las series animadas Star Wars Rebels y The Clone Wars, que Filoni lleva años trasladando al formato de acción en vivo, según Screen Rant.

El reparto de la primera temporada incluía también a Mary Elizabeth Winstead, Natasha Liu Bordizzo, Ivanna Sakhno, Diana Lee Inosanto, Eman Esfandi, Evan Whitten y Genevieve O’Reilly.

El anuncio llega en un momento de transición para Star Wars en el streaming. Lucasfilm ha reducido su producción de series de acción en vivo, y Ahsoka es actualmente el único contenido de ese tipo oficialmente en desarrollo, según Comic Book Resources.

Disney parece estar priorizando los largometrajes: The Mandalorian and Grogu llega a cines próximamente, y Star Wars: Starfighter está prevista para 2027. Una posible tercera temporada de Ahsoka no tiene confirmación, y el largometraje del universo MandoVerse que inicialmente iba a ser el gran desenlace de estas historias ha sido pausado en favor de la película de Mando y Grogu.

La llegada del primer documental oficial sobre la reunión de Oasis, bajo la producción ejecutiva de Steven Knight y la dirección de Dylan Southern y Will Lovelace, ha sido confirmada para septiembre de 2026 en cines, con estreno posterior y exclusivo en Disney+ a finales de año, según un comunicado conjunto de Disney, Magna Studios y Sony Music Vision. El largometraje, sin título definitivo aún, documenta tanto la gira global Oasis Live ’25 —considerada uno de los mayores acontecimientos musicales del último lustro— como métricas inéditas de rendimiento, entre ellas la venta de más de 1,4 millones de entradas únicamente en Reino Unido, lo que se traduce en USD 322 millones recaudados en ese territorio.

Esta cifra posiciona la gira de regreso de Oasis entre los tours más exitosos de la industria en los últimos años y define su impacto comercial, superando la tendencia general en conciertos de grandes bandas británicas, un segmento que ha sido marcado recientemente por relanzamientos de catálogos y retornos a escenarios masivos. El documental explora este fenómeno con acceso a material inédito: ensayos, bastidores, presentaciones en formato IMAX y, por primera vez en 25 años, la inclusión de entrevistas conjuntas con Liam y Noel Gallagher, hechos que consolidan a la producción como un caso singular en la documentación audiovisual de mitologías del britpop.

El recorrido de la película supera el relato de la gira de reuniones. Fuentes de producción afirman que la obra revela imágenes exclusivas del reencuentro personal de los hermanos Gallagher antes del espectáculo inaugural y dedica secuencias a su interacción con los fans y a la construcción emocional del fenómeno Oasis en la cultura global. Un miembro del equipo declaró a The Mirror sobre el material: “Nunca antes se había visto a Liam y Noel de una manera tan abierta y vulnerable”, aludiendo a la profundidad de acceso gestionada por la productora.

El acceso inédito tras la cámara y su potencial en la industria

La logística y la coordinación de grabaciones durante las 41 fechas de la gira han exigido sinergia entre Sony Music Vision, Magna Studios y el equipo original de Peaky Blinders, con Sam Bridger y Guy Heeley como productores y la participación de los mezcladores de sonido James Mather y Tarn Willers, además del director de fotografía Haris Zambarloukos. Knight, nominado al BAFTA y al Oscar, profundizó en el enfoque narrativo: “Quería contar la historia de los hermanos y de la banda, pero también la de los fans cuyas vidas la música ha marcado y, a veces, cambiado para siempre. Es una historia de reconciliación y de cómo la música puede unir generaciones y culturas”, explicó el cineasta en un comunicado difundido por las compañías involucradas.

El documental constituye además el primer caso en la historia reciente de la compañía del ratón en que un film centrado en un retorno musical británico de gran escala es presentado primero en cines comerciales —incluidos circuitos premium IMAX— y posteriormente en ventana exclusiva para Disney+ a nivel mundial. La estrategia responde a la tendencia de captar suscriptores mediante eventos culturales de alta demanda. Eric Schrier, presidente de la división internacional de originales y programación estratégica de Disney, definió el acuerdo como “una oportunidad increíblemente escasa”, en referencia a la magnitud de los activos y a su importancia industrial.

El documental como jet de contenido exclusivo y narrativa de reconciliación

El estreno de la película marca asimismo el debut conjunto de Knight, Southern y Lovelace en este tipo de proyecto, junto a una nueva alianza entre la división de entretenimiento de Sony y las ramas de contenido original directo al consumidor de Disney. La sinopsis oficial, revelada en los canales corporativos, confirma el tratamiento multidisciplinario: ensayos, backstage, escenario principal, testimonios inéditos y escenas de la organización logística global. El equipo creativo ha subrayado que la producción incluye acceso a los primeros encuentros familiares y profesionales tras décadas de distanciamiento público de los Gallagher, lo que aporta un ángulo narrativo hasta ahora inédito en la cobertura mediática sobre Oasis.

Noel Gallagher, distinguido como Compositor del Año en los BRIT Awards en febrero de 2026, expresó sobre el trabajo aún en desarrollo: “Solo he visto una pequeña parte… Todos los que lo han visto, o han visto más que yo, han dicho que es increíble. Si logra capturar siquiera el cinco por ciento de lo que fue esa gira, será asombroso”, sostuvo el músico durante declaraciones públicas tras la ceremonia.

La ventana de estreno ha sido fijada para el 11 de septiembre con lanzamiento inicial en cines, seguido por el debut en streaming en una operación coordinada entre los tres estudios involucrados. El anuncio ha confirmado el formato IMAX y la promesa de alta definición en la plataforma digital, factores que potencian el atractivo para los fans y posicionan a la película como pieza central del catálogo musical exclusivo de Disney+ en 2026.

La proyección internacional y la cifra de más de 1,4 millones de entradas en un solo país sitúan la reunión de Oasis —y el documental de Knight— en el foco de la industria musical audiovisual. Las fuentes corporativas aclaran que, aunque existen especulaciones sobre un posible nuevo álbum de estudio, los hermanos han optado por el silencio acerca de futuros lanzamientos, sin confirmar si la colaboración continuará más allá de los escenarios y la pantalla.

La ceremonia de los Premios Grammy se celebrará el 7 de febrero de 2027, con una edición que marcará el inicio de una nueva etapa en la transmisión televisiva y digital del evento en Estados Unidos.

A partir de esta edición, la gala dejará de emitirse por CBS tras más de cinco décadas y pasará a estar disponible en ABC, además de las plataformas Hulu y Disney+.

El evento tendrá lugar en la arena Crypto.com Arena, ubicada en el centro de Los Ángeles, ciudad que ha sido sede habitual de la ceremonia en los últimos años.

Las nominaciones para la 69ª edición de los premios se anunciarán el 16 de noviembre de 2026, mientras que el periodo de elegibilidad se extenderá del 31 de agosto de 2025 al 31 de agosto de 2026.

El proceso de votación de los premios se desarrollará en distintas fases. La primera ronda de votación se realizará entre el 12 y el 22 de octubre de 2026.

Posteriormente, la votación final tendrá lugar entre el 10 de diciembre de 2026 y el 7 de enero de 2027, periodo tras el cual se definirán los ganadores de las distintas categorías.

La producción del evento aún no ha sido confirmada oficialmente. Sin embargo, se prevé la continuidad de Ben Winston, quien ha estado a cargo de la gala desde 2021. Winston ha liderado la dirección creativa de las últimas ediciones, incluyendo el formato televisivo y la organización de la transmisión en vivo.

El anuncio del cambio de plataforma ha sido acompañado por declaraciones de representantes de la industria del entretenimiento. Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación, señaló que la ceremonia mantiene su enfoque en la música y su impacto global.

“Los Premios Grammy se tratan de celebrar la música que mueve al mundo, y este momento se basa precisamente en eso. Este es un momento emocionante para nuestra organización: un nuevo hogar y un nuevo y audaz capítulo para los Premios Grammy. Apenas estamos comenzando y lo mejor está por venir”, dijo.

Desde el lado de la industria televisiva, la compañía Disney ha destacado la relevancia del acuerdo dentro de su estrategia de programación para 2027.

Rita Ferro, presidenta de publicidad global de The Walt Disney Company, explicó en el pódcast Daily Variety que la compañía concentrará en pocas semanas varios eventos de gran audiencia.

Ferro mencionó que la programación incluirá la final del campeonato universitario de fútbol americano, la transmisión del Super Bowl a través de ABC y ESPN, así como la ceremonia de los Academy Awards.

En ese contexto, la llegada de los Premios Grammy a ABC y sus plataformas de streaming forma parte de una estrategia de consolidación de eventos en directo dentro del catálogo de la compañía.

Según la ejecutiva, la concentración de estos eventos en una misma empresa representa un elemento relevante en términos de audiencia y distribución. Estas transmisiones se ubican en un calendario cercano entre sí, lo que permite una programación continua de eventos en vivo de alto seguimiento.

La ilusión volvió a encenderse entre los fans peruanos de Oasis. La cuenta de Instagram de Tu Entrada Segura, plataforma relacionada con la venta de entradas para eventos, publicó un afiche con la imagen de los hermanos Gallagher y el mensaje “Próximo anuncio”, acompañado de la descripción “OASIS muy pronto en Perú”, lo que desató una ola de comentarios y especulaciones entre los seguidores de la banda en el país.

El anuncio, sin embargo, es ambiguo. Si bien Tu Entrada Segura opera principalmente en el mercado de venta de boletos para conciertos, también podría estar vinculado a la proyección especial del documental oficial de la gira de reunión de Oasis, que Disney confirmó para el 11 de septiembre de 2026.

El largometraje, aún sin título oficial, llegará primero a cines en funciones limitadas, incluyendo IMAX, antes de desembarcar en Disney+. La posibilidad de que se esté organizando algo especial en Perú para ese estreno no puede descartarse.

Los comentarios en la publicación reflejan tanto el entusiasmo como el escepticismo de los fans: “Que sea cierto”, “No lo creo hasta no ver el anuncio oficial”, “El documental seguro, en septiembre”, “No jueguen así con mi corazón” y “Ni en UK anuncia y aquí este flyer” fueron algunas de las reacciones más repetidas.

El documental que lo explica todo

El proyecto audiovisual, dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace y escrito por Steven Knight, creador de Peaky Blinders, recorre la gira de reunión “Oasis Live ’25” con acceso exclusivo a ensayos, backstage y escenario. El punto de mayor expectativa es la inclusión de la primera entrevista conjunta de Liam y Noel Gallagher en más de 25 años, lo que convierte al documental en un evento cultural de primer orden para los millones de fans de la banda en todo el mundo.

“Genuinamente no puedo esperar para que el mundo vea esta película. Creo que captura el espíritu y la emoción de un momento cultural global y hace justicia al ingenio y al talento de dos personas excepcionales”, declaró Knight al anuncio del proyecto.

La producción es de Magna Studios, presentada por Sony Music Vision en asociación con Sony Music Entertainment UK, y contará con el respaldo de Disney para su distribución global.

La historia de Oasis y Perú

Para entender la magnitud del revuelo que genera cualquier anuncio relacionado con Oasis en el Perú, hay que recordar que la banda visitó Lima una sola vez: el 30 de abril de 2009, en un concierto histórico en el Estadio Nacional ante más de 40 000 personas.

Fue la primera y única visita de los Gallagher al país, y Noel agradeció al público peruano por ser su “primera vez en este bello país”. Meses después, en agosto de 2009, la banda se disolvió definitivamente tras el enésimo enfrentamiento entre los hermanos.

Cuando Oasis anunció su gira de reunión “Live ’25” en 2025, la expectativa en el Perú fue enorme, pero la decepción llegó rápidamente: la banda no incluyó a Lima entre sus fechas, concentrándose en Argentina, Chile, Brasil y México para América Latina.

Los fans peruanos respondieron con campañas en redes sociales y hasta con paneles publicitarios pagados para pedir que Oasis incluyera Lima en su tour, bajo el hashtag #OasisEnPerú2025.

La exclusión del Perú de la gira oficial dejó una herida abierta entre los seguidores locales, que siguen esperando la oportunidad de ver a los Gallagher en su país. Ese contexto explica por qué un simple afiche con la frase “muy pronto en Perú” es suficiente para generar una ola de reacciones.

Oasis en el Salón de la Fama del Rock

El anuncio llega además en un momento de máxima visibilidad para la banda. Oasis fue confirmada entre los inductos al Salón de la Fama del Rock and Roll de 2026, en una ceremonia que se celebrará el 14 de noviembre en el Peacock Theatre de Los ángeles. El reconocimiento llega un año después de que la banda completara su mayor gira por Estados Unidos, que incluyó dos noches con entradas agotadas en el Rose Bowl de Pasadena.

Liam Gallagher, quien en el pasado había descartado el premio públicamente, reaccionó con entusiasmo al anuncio: “Oasis en el Salón de la Fama del Rock, quiero agradecer a todas las personas que votaron por nosotros. Es un verdadero honor. Desde que era un niño pequeño y cantaba en la ducha soñé con estar algún día en el salón de la fama. Es verdad lo que dicen: todo es posible si tienes un sueño”.

Por ahora, la incógnita sigue abierta. ¿Concierto o documental? Los fans peruanos esperan el próximo anuncio oficial con la misma mezcla de esperanza y cautela que ha caracterizado su relación con la banda durante los últimos 16 años.

Más de 17 años después del estreno de la primera película de Camp Rock, Disney confirmó que el lanzamiento de Camp Rock 3 llegará a Disney+ en agosto de 2026. La compañía había informado previamente que el estreno ocurriría durante el verano de ese año, aunque sin precisar una fecha concreta.

La nueva entrega retoma la historia 15 años después de los acontecimientos narrados en Camp Rock 2: The Final Jam. En esta ocasión, la banda ficticia Connect 3, integrada por los hermanos Jonas, enfrenta la pérdida del acto de apertura de una gira de reunión.

Ante esta situación, los personajes regresan al campamento musical Camp Rock con el objetivo de encontrar nuevos talentos para acompañarlos en la gira.

De acuerdo con la sinopsis oficial, los campistas competirán por la oportunidad de convertirse en la banda telonera de Connect 3. En el proceso surgirán rivalidades, alianzas, romances y conflictos entre los participantes.

Nick Jonas, Joe Jonas y Kevin Jonas volverán a interpretar a los integrantes de Connect 3: Nate Gray, Shane Gray y Jason Gray, respectivamente.

Además de protagonizar la película, los tres participan como productores ejecutivos del proyecto junto con Demi Lovato, quien encabezó las dos primeras películas de la franquicia.

La dirección está a cargo de Veronica Rodriguez y el guion fue escrito por Eydie Faye.

Demi Lovato no ha sido confirmada como parte del elenco. Sin embargo, su participación como productora ejecutiva fue anunciada oficialmente.

La cantante y actriz interpretó a Mitchie Torres en Camp Rock (2008) y Camp Rock 2: The Final Jam (2010). En declaraciones recientes, Lovato señaló que la nueva película busca dar espacio a una nueva generación de artistas dentro de la franquicia.

La directora Veronica Rodriguez indicó en una entrevista con Entertainment Weekly que el personaje de Mitchie continúa siendo una referencia importante dentro de la historia, aunque evitó confirmar si aparecerá en pantalla.

Entre los actores que regresan también se encuentra Maria Canals-Barrera, quien retomará el papel de Connie Torres, madre de Mitchie. Según Rodriguez, el personaje tendrá una participación más amplia en esta nueva entrega.

La película incorporará además a un nuevo grupo de personajes. Liamani Segura interpretará a Sage, descrita como una joven decidida y segura de sí misma. Hudson Stone dará vida a Desi, hermano de Sage.

El elenco juvenil también incluye a Malachi Barton como Fletch, Lumi Pollack como Rosie, Casey Trotter como Cliff, Brooklynn Pitts como Callie y Ava Jean como Madison. La actriz Sherry Cola se suma al proyecto en el papel de Lark.

El rodaje de Camp Rock 3 se realizó en Vancouver, Canadá, y concluyó el 1 de noviembre de 2025 tras siete semanas de filmación. Disney lanzó el primer adelanto oficial el 4 de diciembre de 2025.

El video muestra a los Jonas Brothers regresando al lago de Camp Rock mientras suena “Wouldn’t Change a Thing”, canción interpretada originalmente por los personajes de Mitchie y Shane en la segunda película.

Durante el avance, Nick Jonas menciona las palabras “música, amistad y recuerdos”, mientras Joe Jonas afirma: “Estamos de vuelta. Exactamente donde debemos estar”. Kevin Jonas cierra la escena con una referencia humorística relacionada con las películas anteriores.

Las dos primeras producciones de la saga se encuentran entre las películas originales más vistas de Disney Channel, ambas encabezaron los estrenos de películas para televisión por cable en sus respectivos años de lanzamiento.

Camp Rock 3 se emitirá en Disney Channel y estará disponible en la plataforma Disney+ a partir de agosto de 2026.

El videojuego Mouse: P.I. For Hire, primer proyecto del estudio Fumi Games y distribuido por PlaySide, ha conseguido un éxito comercial significativo a menos de un mes desde su lanzamiento. Con casi 730,000 copias vendidas y una facturación de 21.4 millones de dólares estadounidenses, PlaySide hizo un anuncio donde afirmaban que ha recuperado por completo la inversión inicial, incluidos los pagos por marketing y gastos editoriales. El título, disponible para PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 y Steam, ha superado ampliamente las expectativas de ventas y llevó a PlaySide a revisar al alza sus previsiones financieras anuales.

La buena recepción de Mouse: P.I. For Hire en el ámbito internacional tomó por sorpresa tanto a los desarrolladores como a la editora. Lanzado en abril tras un breve retraso, el juego de disparos con estética noir y animaciones en blanco y negro inspiradas en los primeros trabajos de Disney generó ventas inmediatas y una reacción muy positiva por parte de la comunidad y la prensa especializada. En solo unas semanas, el título no solo cubrió los costos de desarrollo, sino que alcanzó el punto de rentabilidad con ganancias netas estimadas en 13 millones de dólares.

Este resultado es inusual en la industria, sobre todo para una propiedad intelectual nueva y un estudio novato, que presenta su primer exponente. Los datos facilitados por PlaySide señalan que la mitad de las ventas corresponde a consolas, donde el juego ha tenido una presencia destacada en las tiendas digitales. El resto de los ingresos procede del mercado de PC, particularmente a través de Steam.

Hay varios motivos que influyen a la hora de pensar en su éxito. En primer lugar, su estilo visual, que rinde homenaje a los dibujos animados de los años treinta, que ha captado la atención tanto de jugadores nostálgicos como de nuevas audiencias. El juego une este aspecto retro con mecánicas de shooter contemporáneas y una narrativa noir, una combinación poco común entre los títulos más populares. Si lo pensamos bien, por separado son fórmulas ganadoras, pero que muy pocas veces se han cruzado de formas tan meticulosas.

Otro elemento importante es la participación del actor Troy Baker, conocido por su trabajo en The Last of Us e Indiana Jones and the Great Circle. Su interpretación de Jack Pepper, el ratón detective, se complementa con una banda sonora orquestal y una animación de alto nivel que ha sido reconocida por músicos y compositores especializados.

Este enfoque interdisciplinario ha resultado efectivo no solo para impulsar las ventas, sino también para lograr una elevada tasa de conversión en las listas de deseos y mantener el interés de la comunidad en redes sociales, aspectos que no todos los lanzamientos suelen tener en cuenta. Benn Skender, director general de PlaySide, destacó el compromiso sostenido por parte de los jugadores y la creciente influencia cultural que está adquiriendo la franquicia.

Para el público en general, este fenómeno implica un aumento en la variedad y calidad de la oferta indie en el mercado, crecen una vez más las expectativas y queda cada vez más viejo el debate de que solo los AAA entregan buenos resultados. Y es que el hecho de que un juego ajeno a las grandes franquicias alcance cifras tan elevadas puede influir en el ecosistema de la industria, animando a otros estudios independientes a apostar por propuestas originales y de alto riesgo creativo.

Desde el punto de vista técnico y económico, PlaySide explicó que su acuerdo con Fumi Games estuvo enfocado a asegurar la pronta recuperación de todos los gastos de desarrollo a través de las ventas iniciales, una estrategia que resultó muy efectiva, claro está ahora con el diario del lunes. Esta estructura contractual podría establecer una tendencia en futuras asociaciones entre editoras y desarrolladores dentro del mercado independiente, brindando protección financiera a las editoras y favoreciendo la creatividad de los estudios emergentes.

Disney Research presentó ReActor, un sistema que combina aprendizaje por refuerzo y simulación física para transferir movimientos humanos a robots con formas corporales y capacidades muy distintas a las de una persona.

El proyecto, desarrollado por un equipo de investigadores en Suiza, aborda uno de los problemas más persistentes en la robótica: lograr que un robot reproduzca el movimiento humano de forma fluida y físicamente coherente, sin importar cuánto difiera su estructura del cuerpo humano.

Qué es ReActor y cómo resuelve los errores del movimiento robótico

Los métodos actuales para enseñar a los robots movimientos similares a los humanos tienen un historial de fallas técnicas concretas. Entre los errores más frecuentes están el deslizamiento de los pies, las autocolisiones, la penetración del suelo, los pies flotantes y los movimientos que resultan físicamente imposibles para el robot objetivo.

Cabe señalar que esos problemas dificultan el aprendizaje por imitación y limitan la calidad del resultado final.

ReActor propone un enfoque diferente. El sistema utiliza lo que sus creadores denominan un marco de optimización de dos niveles: en un nivel ajusta el movimiento de referencia para adaptarlo a la morfología del robot, mientras que en el otro entrena simultáneamente al robot para seguir ese movimiento.

Esa combinación permite que el sistema aprenda a moverse de forma físicamente plausible sin requerir un ajuste manual exhaustivo.

El propio equipo de investigación describió el objetivo en el artículo del proyecto: “Adaptar el movimiento de referencia cinemático humano a la morfología de un robot sigue siendo un desafío formidable. Los métodos existentes suelen producir inconsistencias físicas, como deslizamiento de los pies, autocolisiones o movimientos dinámicamente inviables, que dificultan el aprendizaje por imitación posterior”.

Cómo funciona el sistema y qué robots lo demostraron en el video

El método de ReActor requiere menos conexiones entre partes del cuerpo que los enfoques anteriores. En lugar de mapear cada segmento del cuerpo humano con precisión, el sistema identifica los segmentos relevantes y los hace coincidir con las partes comparables del robot, lo que simplifica el proceso y reduce los errores.

La demostración visual publicada por Disney Research muestra cómo el sistema adapta el movimiento humano a tres formas robóticas distintas: dos robots humanoides y un robot cuadrúpedo. En cada caso, el método ReActor obtuvo mejores resultados que los enfoques de referencia, evitando todos los errores técnicos descritos anteriormente.

El proyecto fue desarrollado por los investigadores David Müller, Agon Serifi, Sammy Christen, Ruben Grandia, Espen Knoop y Moritz Bächer, del equipo de Disney Research en Suiza, y lleva el título formal de “ReActor: Aprendizaje por refuerzo para la reorientación del movimiento basada en la física”.

Ahora bien, los resultados fueron validados tanto en simulación como en hardware físico, como se muestra en la demostración con el robot en vivo al final del video.

Qué implicaciones tiene ReActor para el futuro de los personajes robóticos de Disney

Aunque el proyecto es altamente técnico, sus aplicaciones más inmediatas dentro del universo Disney son fáciles de imaginar. La tecnología podría servir de base para personajes robóticos más realistas, figuras de entretenimiento interactivas o animatrónicos orientados al rendimiento, que históricamente han requerido un ajuste muy fino para lograr movimientos humanos creíbles.

Disney no ha hecho comentarios oficiales sobre el uso futuro de ReActor, dado que el desarrollo es muy reciente.

Lo que sí queda claro es que el proyecto da continuidad al interés que la compañía ha mostrado durante años por la robótica, la animación y la tecnología de interpretación de personajes, áreas donde la precisión del movimiento marca la diferencia entre una experiencia convincente y una que no lo es.

Sobre la posibilidad de que Joe Jonas vuelva a compartir escenario con Demi Lovato durante la gira, el cantante declaró al medio citado que no descarta una segunda actuación sorpresa.

Jonas señaló: “Nunca se sabe, nunca se sabe. Tendremos que ver”, dejando así abierta la puerta a otra colaboración en alguna de las siguientes fechas del tour, aunque aún no hay confirmación oficial por parte de los protagonistas.

La presencia de Joe Jonas en el escenario junto a Demi Lovato no solo sorprendió a quienes asistieron al concierto, sino que rápidamente se viralizó en redes sociales.

Clips del momento alcanzaron millones de visualizaciones, mientras seguidores de todo el mundo celebraban el reencuentro de los protagonistas de “Camp Rock” y compartían mensajes de nostalgia. Para muchos, el evento representó “cerrar un ciclo” y revivir una etapa significativa de la cultura pop juvenil, como recogió LOS40 y otros portales internacionales.

El vínculo entre Joe Jonas y Demi Lovato

El reencuentro reciente en el escenario reavivó la relación que Joe Jonas y Demi Lovato mantienen desde la época en que ambos participaron en la película “Camp Rock”. Tras una breve relación sentimental en 2010, conservaron una amistad que se ha reflejado en múltiples presentaciones conjuntas.

En el concierto inaugural de la gira, celebrado el 13 de abril de 2026 en el Kia Center de Orlando, Jonas se unió a Lovato para interpretar los temas “This Is Me” y “On the Line”, marcando la primera vez que cantaban juntos estas canciones desde 2008, según detalló el medio.

Ambos artistas ya habían coincidido sobre un escenario en 2025, durante la presentación inicial del tour JONAS20: Greetings from Your Hometown, en Nueva Jersey. En esa ocasión, compartieron el tema “This Is Me” y “Wouldn’t Change a Thing”, demostrando que el lazo artístico entre Jonas y Lovato sigue vigente.

Invitados sorpresa y momentos destacados en la gira

El comienzo del It’s Not That Deep Tour también contó con la presencia de figuras relevantes de la generación Disney. Selena Gomez estuvo presente en el concierto de Orlando y celebró el encuentro entre sus antiguos compañeros, según recogió People.

Durante la gira, otros invitados sorprendieron al público. Joanna “JoJo” Levesque subió al escenario en el Madison Square Garden de Nueva York y cantó junto a Lovato su éxito “Too Little Too Late”.

Esa misma noche, el esposo de Lovato, Jordan “Jutes” Lutes, participó por primera vez en un espectáculo junto a la cantante, interpretando juntos “Iris” de Goo Goo Dolls, una canción significativa para la pareja desde su boda.

Lovato, en declaraciones al medio citado, destacó que los reencuentros con Jonas y Gomez “fueron todo para mí”. Para los seguidores, estos momentos refuerzan el carácter especial de la gira y su relevancia para toda una generación.

Fechas próximas y canciones interpretadas en It’s Not That Deep Tour

La gira de Demi Lovato continuará a lo largo de abril, con fechas programadas en California, Arizona, Washington y Texas. En el escenario, Lovato interpreta canciones de su noveno álbum, además de éxitos como “Heart Attack”, “Give Your Heart a Break” y “Cool for the Summer”.

La diversidad de invitados y el repertorio han convertido cada concierto en una celebración única para los fans de la artista, según destaca PEOPLE. El It’s Not That Deep Tour se ha posicionado como uno de los acontecimientos musicales más relevantes del mes, reuniendo talentos emblemáticos y generando sorprendentes encuentros en cada ciudad.

El ambiente de apoyo mutuo y camaradería ha caracterizado cada fecha del tour, reflejando la admiración y la sintonía artística entre Joe Jonas y Demi Lovato. El éxito de la gira confirma la fortaleza de estos reencuentros dentro del panorama de la música pop.

A lo largo de su estadía, Charlotte compartió impresiones cargadas de entusiasmo. En uno de sus mensajes más resonantes, confesó: “Conocí Disneyland Shanghai y todavía no puedo creer lo increíble que fue esta experiencia”. De esta manera, dejó claro que el parque no solo superó sus expectativas, sino que le provocó una admiración difícil de describir.

En varias de las imágenes difundidas, aparece sonriente y con una actitud relajada, posando frente a escenarios que parecen extraídos de una película de fantasía. La fusión entre tecnología, espectáculo y magia, característica del parque, se transformó en un estímulo sensorial que Charlotte transmitió con frases como: “Un lugar donde la magia, la tecnología y los sueños se mezclan en cada rincón”.

La emoción se intensificó cuando recorrió el castillo principal, del que Charlotte destacó que “es el castillo de Disney más alto, grande y complejo jamás construido”, y relató que este imponente edificio supera los 60 metros de altura. El recorrido por el castillo fue uno de los momentos más impactantes de su visita, según mostró en sus historias y publicaciones.

La experiencia de Charlotte se vio potenciada por el entorno único del parque. Disneyland Shanghai se distingue por su combinación de tecnología de última generación, espectáculos en vivo, desfiles y áreas temáticas inspiradas en películas y relatos clásicos. Cada sector está diseñado para transportar a los visitantes a un universo de fantasía, algo que sorprendió especialmente a Charlotte.

En su recorrido, la mediática se fotografió en distintos puntos emblemáticos: desde el ingreso principal adornado con jardines coloridos y una gran torre reloj, hasta los caminos centrales que conducen al enorme castillo. Las imágenes muestran detalles como arreglos florales exuberantes, globos multicolores y estructuras que remiten a mundos animados.

El parque, según explicó la propia Charlotte, está pensado para estimular todos los sentidos. Los desfiles y shows en vivo, la decoración temática y las atracciones extremas ofrecen una experiencia completa. La variedad de espacios permite disfrutar de juegos, espectáculos y recorridos por zonas que evocan desde cuentos de princesas hasta películas animadas contemporáneas.

En una de las postales más comentadas, se la puede ver posando frente al reloj principal del parque, rodeada de jardines de flores y con una sonrisa que transmite el clima festivo del lugar. Otras imágenes la muestran disfrutando de los globos clásicos de Disney, recorriendo senderos entre flores y sentada en bancos rodeados de vegetación.

La estética de las publicaciones combina elementos de la cultura pop con la fantasía del universo Disney. El ambiente colorido, las luces y la decoración temática forman parte del relato visual que Charlotte compartió con sus seguidores. Cada fotografía parece multiplicar el efecto de maravilla y diversión, reforzando la idea de que “todo parece sacado de una película”, tal como ella misma escribió.

Las publicaciones de Charlotte sobre su viaje a Disneyland Shanghai no tardaron en generar repercusión. Los videos y fotos rápidamente acumularon miles de likes y comentarios, reflejando el interés de su audiencia tanto por la experiencia personal de la mediática como por el atractivo visual del parque.

Muchos seguidores destacaron la espectacularidad de Disneyland Shanghai y el entusiasmo transmitido por Charlotte en cada imagen. Los comentarios elogiaron tanto la producción de las postales como la actitud alegre y espontánea de la protagonista.

La propia Charlotte resumió su vivencia con una frase que condensó el sentido emocional de la travesía: “Sin duda, un recuerdo que voy a guardar para siempre en mi corazón”.

En lo que va de año, hemos tenido varios fenómenos cinematográficos. Los últimos han sido quizás El diablo viste de Prada 2 y el biopic de Michael Jackson, pero también han estado Proyecto Salvación, la última entrega de Scream o Cumbres borrascosas, la cuestionada adaptación de EMily Brontë protagonizada por Jacob Elordi y Margot Robbie. Pero entre medias hubo una película mucho más valiente y salvaje que todas esas, una avalada por todo un maestro del cine y con dos protagonistas que sorprendentemente congeniaban a la perfección. Una película que, precisamente ahora, acaba de aterrizar en plataformas tras pasar hace unos meses por cines.

Hablamos de Send Help (Enviad ayuda), un thriller de supervivencia con tanto toque de humor como de gore y, sobre todo, mucha aventura. La película se centra en la historia entre un joven jefe de una compañía tecnológica y su empleada más veterana, una esforzada trabajadora que ansía ser valorada y que sin embargo es despreciada por su superior. Sin embargo, el destino quiere que ambos viajen por negocios y que sean los dos únicos supervivientes después de un grave accidente de avión que los deja varados en una isla paradisíaca. Para grata sorpresa del joven, ella está preparada más que de sobra para la situación, pues lleva años entrenándose para un concurso de supervivencia. Pero mala noticia es que las tornas han cambiado, y quizá la empleada está por fin en situación de reclamar justicia.

Dylan O’Brien y Rachel McAdams forman esta extraña pareja cuya química se basa precisamente en el odio que comienzan a profesarse el uno al otro conforme pasan los días en la isla. El primero es conocido principalmente por la serie Teen Wolf y la saga cinematográfica de aventuras El corredor del laberinto, mientras que McAdams es una de las actrices más versátiles de su generación, capaz de encarnar a la malvada pero carismática Regina George en Chicas malas o a la dulce Mary en la comedia romántica Una cuestión de tiempo. Send Help es de alguna manera su gran regreso al cine, después de unos años apartada de la pantalla con apariciones menores en el universo Marvel de la mano de Doctor Strange.

La isla de los ascensos forzados

No obstante, el gran nombre detrás de Send Help es el de Sam Raimi, conocido principalmente por encargarse de la trilogía original de Spider-Man con Tobey Maguire como el icónico superhéroe, pero quien también ha realizado trabajos que mezclan el terror y el humor como Posesión infernal o El ejército de los muertos. Precisamente Raimi fue el encargado de dirigir la última entrega de Doctor Strange en el multiverso de la locura, y aquí puede decirse que da rienda suelta a su mala leche y todos sus trucos cinematográficos, que no son pocos.

Ha sido Disney+ la plataforma encargada de rescatar esta película tras su paso por cines, y donde ahora se puede encontrar la que es sin duda una de las propuestas más diferentes del año, una que mezcla drama de clases con thriller de supervivencia, que tiene una de las escenas más sangrientas e imprevisibles de lo que va de curso y que desde luego no dejará indiferente a nadie que la vea.

Amazon sigue los pasos de Netflix y Disney+. Prime Video presentó su nueva función Clips, un feed de videos cortos y desplazables que permitirá a los usuarios descubrir fragmentos de películas, series y deportes en sus dispositivos móviles.

Esta actualización replica el formato vertical popularizado por otras plataformas y busca optimizar la experiencia de navegación y descubrimiento de contenidos.

Según Amazon, el sistema permite ver fragmentos personalizados de títulos disponibles en la plataforma, facilitando la decisión de qué ver y brindando acceso inmediato a trailers, momentos destacados y recomendaciones basadas en el historial de visualización.

Para acceder a Clips, basta con desplazarse hasta el carrusel correspondiente en la pantalla principal de la aplicación móvil de Prime Video y seleccionar cualquier fragmento.

Al hacerlo, se activa un feed vertical de pantalla completa con más clips adaptados a los intereses del usuario.

Desde allí, es posible reproducir el título completo, alquilarlo, comprarlo, suscribirse, agregarlo a una lista o compartir el clip mediante aplicaciones de mensajería, redes sociales o correo electrónico.

Clips fue lanzado inicialmente con resúmenes de partidos de la NBA en la temporada 2025-26 y ahora se amplía a películas y series del catálogo de Amazon.

Brian Griffin, director de experiencias globales de aplicaciones en Prime Video, indicó que el objetivo es “hacer que el descubrimiento de contenidos relevantes sea lo más sencillo y fluido posible”, al ofrecer “fragmentos personalizados según los intereses individuales”.

La expansión de Clips forma parte de una serie de mejoras recientes en la experiencia móvil de Prime Video, entre las que se incluyen:

• Una página de inicio renovada con trailers de reproducción automática.
• Imágenes verticales optimizadas para mostrar hasta un 50% más de títulos en pantalla.
• Un reproductor rediseñado que facilita explorar nuevos contenidos, detalles de reparto y datos sin interrumpir la visualización.

Cómo funciona y quiénes pueden acceder a Clips

La función Clips está disponible inicialmente para usuarios seleccionados en Estados Unidos que utilicen dispositivos iOS, Android y tabletas Fire.

Amazon indicó que la experiencia se habilitará de forma progresiva para todos los usuarios de estos dispositivos durante el verano de 2026. Para compartir un clip, el destinatario debe contar con la aplicación Prime Video instalada en su dispositivo móvil.

Cada vez que se accede a Clips, el usuario encuentra nuevos fragmentos en función de su historial de consumo.

Además, los clips pueden guardarse en listas de seguimiento, recibir “me gusta” o ser enviados a otros usuarios, quienes recibirán un enlace directo para visualizar el contenido dentro de la app.

Prime Video en teléfonos móviles

Prime Video consolida así su estrategia de mejorar la experiencia móvil, integrando funciones que ya son tendencia en otras plataformas de streaming.

La suscripción a Prime Video, que se incluye como uno de los beneficios de la membresía Prime (USD 14,99 al mes o USD 139 al año en Estados Unidos), permite acceder a películas, series, deportes en directo y más de 900 canales gratuitos de televisión con publicidad (FAST).

Según Amazon, la meta es transformar a Prime Video en un “destino principal de entretenimiento” donde encontrar “contenidos relevantes está a un toque de distancia”.

Disney+ planea una transformación en su app

Disney+ podría transformarse en una “super app” que reúna el streaming con servicios de Disneyland Resort y Disney Cruise Line, según Bloomberg.

Si la iniciativa avanza, la plataforma permitiría acceder desde una sola aplicación tanto a películas y series como a reservas y gestiones de viajes.

Respaldada por Josh D’Amaro, presidente de parques y experiencias de Disney, esta propuesta, inspirada en modelos como WeChat, buscaría consolidar el ecosistema digital de Disney y fortalecer la interacción con sus productos presenciales.

Aunque el proyecto permanece en fase preliminar y sin confirmación oficial, la integración implicaría rediseñar la app y ofrecer una experiencia unificada que refuerce la fidelidad de los usuarios.

Disney estaría considerando integrar en una misma app su oferta streaming como la de parques, según Bloomberg.

Altos ejecutivos de Disney estarían considerando unificar Disney+, la app de Disneyland Resort y la de Disney Cruise Line bajo una “super app”, aunque las conversaciones aún se encuentran en una fase inicial y no hay confirmación oficial.

La idea, impulsada por el CEO Josh D’Amaro, apuntaría a simplificar la experiencia del usuario y fortalecer la relación entre la plataforma streaming y las actividades presenciales en los parques temáticos.

Durante la reciente llamada de resultados trimestrales, D’Amaro señaló que Disney+ podría convertirse en el punto central de contacto entre Disney y sus seguidores, integrando contenidos, reservas, experiencias y servicios en un solo entorno digital.

Este proyecto recuerda en parte a la estrategia de “super apps” como WeChat, aunque en el caso de Disney la integración se centraría exclusivamente en productos y experiencias propias.

Aun así, la fusión plantea desafíos, ya que la base de usuarios de Disney+ y la de los parques no necesariamente coincide, lo que podría generar fricciones si la app combina funcionalidades y promociones demasiado dispares.

Cómo es actualmente la app Disney+

La aplicación Disney+ es actualmente una plataforma de streaming enfocada exclusivamente en ofrecer contenido audiovisual bajo demanda del catálogo de The Walt Disney Company.

Los usuarios pueden acceder a películas, series, documentales y cortos de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic y Star. La app permite crear hasta siete perfiles, descargar títulos para ver sin conexión y personalizar listas de favoritos.

La interfaz está diseñada para facilitar la navegación por géneros, franquicias y colecciones temáticas, con recomendaciones personalizadas basadas en el historial de visualización.

Disney+ no incluye funciones relacionadas con reservas, compras de entradas, experiencias en parques temáticos ni integración directa con otros servicios de Disney.

Tampoco ofrece herramientas para gestionar viajes, actividades en cruceros o eventos en vivo fuera del entorno de streaming.

Las únicas funciones adicionales actuales son los controles parentales, la posibilidad de ver contenidos en simultáneo con otros usuarios mediante GroupWatch y el acceso a estrenos exclusivos mediante suscripción.

Qué contenido puedes encontrar en Disney+

Disney+ es la plataforma streaming oficial de The Walt Disney Company y reúne un extenso catálogo de contenidos para todas las edades y perfiles de usuario.

En su biblioteca se encuentran disponibles las películas clásicas y recientes de Disney, desde animaciones emblemáticas como El Rey León, La Sirenita y Blanca Nieves, hasta producciones contemporáneas como Encanto, Frozen 2 y Raya y el último dragón.

Además, Disney+ incluye de forma exclusiva todo el universo Pixar, con títulos como Toy Story, Intensamente, Soul y Red.

Los suscriptores pueden acceder a la saga completa de Star Wars, tanto a las películas originales como a series derivadas, entre ellas The Mandalorian, Obi-Wan Kenobi y Ahsoka.

El catálogo de Marvel es otro de los grandes atractivos, ofreciendo desde la colección de películas del Universo Cinematográfico Marvel (UCM) hasta series originales como Loki, WandaVision, Ms. Marvel y She-Hulk.

Disney+ también alberga documentales y series de National Geographic, con producciones sobre naturaleza, ciencia, historia y exploración, ideales para el público curioso y familiar.

La plataforma renueva periódicamente su catálogo con estrenos exclusivos, cortometrajes originales y especiales temáticos.

Además, permite acceder a colecciones completas de franquicias icónicas, contenidos nostálgicos de los años 90 y 2000, así como producciones originales desarrolladas exclusivamente para la plataforma.

El plan Premium de Disney+ ofrecerá en Sudamérica la transmisión de 30 partidos de la Copa Mundial de la FIFA 2026 a través de ESPN, entre ellos las semifinales, la final y los encuentros de las selecciones nacionales.

La cobertura contará con un canal exclusivo de ESPN Mundial disponible las 24 horas y análisis especiales a cargo de relatores destacados como Mariano Closs.

Disney y 20th Century Studios han aprobado una nueva entrega de El Planeta de los Simios, esta vez bajo la dirección de Matt Shakman, conocido por su trabajo en Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos y la serie WandaVision. La película seguirá una historia original y se apartará de la narrativa reciente, según fuentes cercanas a la producción. Esta decisión busca revitalizar una de las sagas de ciencia ficción más longevas y exitosas, e involucra también a Josh Friedman en el guion, conocido por sus trabajos en Avatar: El camino del agua y El Planeta de los Simios: Nuevo Reino. Todavía no se conocen detalles sobre la trama, el reparto ni posibles fechas de estreno, pero la apuesta refuerza el interés de Disney en expandir el universo de los simios tanto en el cine como en las plataformas de streaming.

Un nuevo horizonte creativo para la saga

La franquicia El Planeta de los Simios ha sido un referente de la ciencia ficción cinematográfica desde su debut en 1968. Inspirada en la novela de Pierre Boulle, la historia de una Tierra dominada por simios inteligentes tras el colapso humano ha conquistado a distintas generaciones. Tras el éxito de la reciente El Planeta de los Simios: Nuevo Reino, dirigida por Wes Ball y con 397 millones de dólares recaudados mundialmente, Disney apuesta ahora por un filme que no seguirá la narrativa de César, sino que inaugurará un nuevo capítulo bajo el liderazgo de Matt Shakman.

Este movimiento desmiente los rumores acerca de la supuesta pérdida de fuerza de la franquicia tras la conclusión de la trilogía de César, que cerró en 2017 con buenos resultados en crítica y taquilla. La llegada de Shakman, conocido por dar nuevo impulso a propiedades intelectuales tanto en cine como en televisión, abre expectativas sobre posibles rumbos de un universo simiesco que todavía ofrece gran potencial narrativo.

La propuesta del nuevo equipo creativo

Matt Shakman se ha posicionado como uno de los directores preferidos por Disney, obteniendo reconocimiento internacional con WandaVision -que le valió una nominación al Emmy- y más recientemente por Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, que recaudó 521 millones de dólares en todo el mundo. Su capacidad para unir espectáculo visual con profundidad narrativa ha sido clave para ganarse la confianza del estudio y de los productores históricos de la saga, Rick Jaffa y Amanda Silver.

Le acompañará Josh Friedman, guionista de éxitos como Avatar: El camino del agua y la propia El Planeta de los Simios: Nuevo Reino. Friedman es reconocido por crear historias complejas que exploran cuestiones sociales a través de la ciencia ficción, una característica presente en los momentos más destacados de la franquicia de los simios. Con su incorporación, el proyecto busca ofrecer una propuesta innovadora tanto para los seguidores habituales como para nuevos espectadores.

Aunque los detalles sobre la trama permanecen en reserva, las fuentes aseguran que la nueva película no será una continuación de El Planeta de los Simios: Nuevo Reino, sino una historia completamente independiente. Así, el equipo creativo gozará de libertad para explorar otros escenarios, personajes y problemáticas dentro del extenso universo ideado por Boulle y desarrollado durante años por Fox, hoy 20th Century Studios, y Disney.

Implicaciones para el público y la industria cinematográfica

El anuncio de Disney sobre la nueva película de El Planeta de los Simios responde al buen desempeño en taquilla de las entregas recientes y a la necesidad de mantener vigente un universo de alto valor en un mercado donde sagas y franquicias lideran la oferta audiovisual. Para los fanáticos, saber que la nueva historia no continuará la trama de César puede ser visto como una oportunidad para descubrir nuevas historias, aunque también representa el riesgo de perder vínculos con los personajes más recientes.

Para la industria, encargar el desarrollo de una línea argumental completamente nueva mientras se proyecta una secuela directa de El Planeta de los Simios: Nuevo Reino para 2027, nuevamente bajo la dirección de Wes Ball, establece una tendencia en estudios como Disney: diversificar historias dentro de una misma franquicia para asegurar su relevancia y rendimiento financiero a largo plazo. Esta estrategia, vista en sagas como Star Wars o el Universo Cinematográfico Marvel, permite captar distintos públicos y mantener el dinamismo creativo.

En términos comerciales, el éxito acumulado de la saga -más de 1.700 millones de dólares en taquilla desde 1968- garantiza que cada estreno reciba atención global. Sin embargo, persisten dudas sobre el alcance real del proyecto. La falta de sinopsis oficial o elenco anunciado genera incertidumbre entre los seguidores respecto al enfoque creativo, mientras que el equipo de producción deberá equilibrar los deseos de los fanáticos tradicionales de la ciencia ficción con la necesidad de atraer nuevas audiencias en la era del streaming.

Retos y contradicciones para el porvenir de la franquicia

El anuncio de esta nueva entrega coincide con el desarrollo de una próxima secuela directa de El Planeta de los Simios: Nuevo Reino, que contará nuevamente con Wes Ball en la dirección y se espera para 2027. La confirmación de que Matt Shakman liderará un proyecto independiente plantea retos en cuanto a la coherencia del universo narrativo, una inquietud habitual entre críticos y aficionados cuando una franquicia adopta líneas temporales o relatos alternativos.

Otra contradicción surge en la estrategia de apostar por secuelas y nuevas historias dentro de un mismo universo fílmico. Aunque esto permite sacar el máximo provecho a la marca, también puede causar confusión o incluso fatiga entre el público, ante la saturación de producciones relacionadas pero argumentalmente independientes.

Para el público general, más allá del despliegue visual de estas grandes producciones, hay repercusiones concretas: el éxito sostenido de la franquicia genera empleo en la industria audiovisual y renueva el interés en la ciencia ficción como forma de reflejar problemáticas actuales, desde los conflictos de poder hasta el papel de la tecnología y la inteligencia artificial en la sociedad. Si el nuevo esfuerzo encabezado por Shakman y Friedman consigue transformar el universo de los simios en relatos relevantes y contemporáneos, su impacto podría ir más allá de la taquilla y dejar huella en la cultura popular.

The Walt Disney Company estaría trabajando en el desarrollo de una app que reuniría en un solo lugar sus servicios de streaming, parques temáticos y cruceros. La iniciativa, reportada por Bloomberg, busca eliminar las barreras entre las distintas plataformas digitales de la compañía y convertir Disney+ en el eje central de un ecosistema que va mucho más allá del entretenimiento en pantalla.

Qué es la super app de Disney y qué servicios integraría

El proyecto, impulsado por el nuevo CEO Josh D’Amaro, quien asumió el cargo en marzo de 2026, apunta a unificar plataformas que hoy operan de forma independiente.

La aplicación integraría Disney+ con servicios como Disneyland Resort y Disney Cruise Line Navigator, permitiendo al usuario gestionar desde una sola interfaz tanto el acceso a contenido como la planificación de experiencias físicas.

D’Amaro planteó la visión durante la reunión anual con accionistas: Disney+ evolucionará más allá del streaming tradicional para convertirse en el eje digital de la compañía. La idea es simplificar la experiencia del usuario eliminando la necesidad de moverse entre múltiples apps para acceder a los distintos servicios de la marca.

El proyecto enfrenta retos considerables. Cada plataforma fue construida sobre una infraestructura independiente, lo que genera obstáculos logísticos y tecnológicos que deberán resolverse antes de cualquier lanzamiento.

Es menester señalar que Disney no ha confirmado oficialmente el proyecto, por lo que no hay fecha definida ni presentación formal por el momento.

Por qué esta no es la primera vez que Disney intenta una plataforma integral

La unificación del ecosistema de Disney en una plataforma exclusiva ha sido un objetivo recurrente. De hecho, antes de la gestión de D’Amaro, Bob Iger ya había planteado una suscripción integral, inspirada en el modelo de Amazon Prime, para centralizar varios servicios de la empresa.

Ese concepto llegó a probarse en Reino Unido en una versión limitada, pero no logró el impacto esperado entre los inversionistas. La experiencia previa marca un antecedente que la compañía deberá tener en cuenta al definir cómo presentar y escalar el nuevo proyecto.

Qué otros frentes digitales tiene abiertos Disney

Además de la super app, Disney avanza en la integración de Hulu con Disney+, un proceso que ha enfrentado sus propios obstáculos técnicos y de derechos de contenido. La fusión de ambas plataformas forma parte de la misma estrategia de consolidación digital que impulsa el proyecto de la aplicación unificada.

La compañía también busca incursionar con mayor fuerza en la industria de los videojuegos, siguiendo la tendencia de competidores como Netflix, que ha expandido su oferta más allá del video bajo demanda.

En su próxima rendición de cuentas, la compañía revelaría el rumbo de sus plataformas tecnológicas y los avances logrados en sus planes interactivos hasta la fecha.

Disney+ traerá de vuelta a Casper en una serie live-action

Disney+ tendrá una nueva versión de Casper, el fantasma amigable, pero con un giro respecto a las adaptaciones anteriores. Según información de Deadline, la plataforma se quedó con el proyecto tras competir con otros distribuidores interesados, y la propuesta apunta a un tono más oscuro y contemporáneo, similar al tratamiento que la serie Merlina dio a la familia Addams.

El proyecto está en fase de desarrollo y tiene nombres de peso detrás. Rob Letterman y Hilary Winston escriben el guion y ejercen como productores ejecutivos, con Letterman también a cargo de la dirección.

Ambos tienen experiencia previa en Disney+ tras su trabajo en la serie Goosebumps. Steven Spielberg se suma como productor ejecutivo, retomando su vínculo con la franquicia después de su participación en la película de 1995.

La producción tiene una particularidad llamativa: corre por cuenta de Universal Content Productions en asociación con DreamWorks Animation Television, lo que significa que se trata de una propiedad ajena al ecosistema original de Disney.

De recibir luz verde definitiva, sería la primera serie de Universal Studio Group en estrenarse en Disney+, en línea con la estrategia del estudio de distribuir contenido en distintas plataformas.

El operativo, que incluyó el abordaje de cinco naves, tuvo como uno de sus focos principales al Disney Magic, donde los arrestos fueron presenciados por familias a bordo, generando inquietud adicional para una compañía cuya imagen pública se define por su orientación familiar y ambiente seguro.

De acuerdo con lo reportado por el sitio especializado en negocios, economía y comercio mundial International Business Times, los tripulantes arrestados incluyen 26 ciudadanos de Filipinas, uno de Portugal y uno de Indonesia, todos ellos identificados tras entrevistas e inspecciones realizadas directamente a bordo de los cruceros. Tras los hechos, Disney Cruise Line informó que los empleados implicados ya no forman parte de la compañía y que se encuentran a disposición de la investigación federal.

La confirmación oficial indica que “todos los sujetos estaban involucrados en la recepción, posesión, transporte, distribución o visualización de material de explotación sexual infantil o de menores”, según la declaración del portavoz de CBP recogida por el medio estadounidense New York Post.

Las autoridades revocaron las visas de todos los involucrados y los están expulsando del territorio estadounidense. El operativo no se limitó a la línea Disney Cruise Line.

Según información recopilada por el sitio especializado WDW News Today, reportes previos indicaron que al menos cuatro trabajadores del crucero MV Zaandam de Holland America también figuran entre los detenidos, aunque CBP no dio una lista pública de los barcos ni las líneas completas afectadas.

Arrestos frente a pasajeros en San Diego y respuesta de Disney Cruise Line ante el escándalo

Familias que viajaban en el Disney Magic y desembarcaban en la terminal B Street del puerto de San Diego presenciaron el despliegue policial. Según relató la pasajera Dharmi Mehta al medio especializado International Business Times, varios tripulantes, incluidos personal de cocina y servicio de comedor, fueron esposados y escoltados mientras eran identificados frente a los viajeros.

Videos del momento fueron compartidos en redes sociales y muestran a huéspedes grabando desde las pasarelas y ventanas del terminal, sin certeza en ese instante respecto al motivo detrás del operativo.

El impacto fue mayor debido a la reputación de Disney Cruise Line como empresa dedicada explícitamente a ofrecer “una burbuja de seguridad para familias”, según el análisis publicado por International Business Times. Consultada sobre sus procedimientos de selección y supervisión del personal, la compañía respondió mediante un vocero: “Tenemos una política de tolerancia cero para este tipo de conducta y colaboramos plenamente con la autoridad policial. Estos individuos ya no pertenecen a la compañía”.

Las autoridades federales lideraron la operación

La Harbor Police Department del puerto de San Diego se desligó de cualquier participación en el operativo del 23 y 25 de abril.

En declaraciones recogidas por el canal estadounidense NBC San Diego, una portavoz afirmó: “El Departamento de Policía del Puerto de San Diego no participó en las acciones de cumplimiento señaladas en esas fechas en la terminal B Street”. Así, la responsabilidad de los arrestos recayó completamente en CBP y otras agencias federales.

A la fecha, tanto CBP como Disney Cruise Line no informaron públicamente cuánto tiempo llevaban los acusados en contacto con el material ilícito, ni si alguna conducta se produjo a bordo o solo en dispositivos personales. Tampoco se dio a conocer si se presentarán cargos criminales de mayor alcance ni si la empresa revisará sus mecanismos de contratación y seguridad tras lo ocurrido.

La exitosa serie The Bear, creada por Christopher Storer y convertida en un fenómeno mundial desde su debut en 2022, llegará a su fin con la quinta temporada. FX y Disney+ han confirmado que su última entrega estará disponible a partir del 26 de junio, presentando sus ocho episodios de forma simultánea para el público internacional.

Este final representa el cierre de una serie que redefinió la dramedia culinaria, impulsó el reconocimiento de Jeremy Allen White como estrella y consolidó tanto a su elenco como a su narrativa entre las propuestas más destacadas de la televisión reciente.

Impacto de la serie y su influencia en la televisión

El anuncio del final de The Bear coincide con un momento de gran expectativa entre seguidores y críticos. La serie irrumpió en 2022 gracias a su retrato realista y conmovedor del mundo de la restauración, logrando atraer tanto a aficionados del género como a expertos culinarios y audiencias generales. Desde su lanzamiento, su impacto no ha dejado de crecer: la primera temporada obtuvo diez premios Emmy, incluyendo el de mejor comedia, y la segunda sumó once más.

Sin embargo, la tercera temporada, pese a contar con trece nominaciones, no logró obtener galardones. Estos resultados reflejan una evolución singular para una serie que surgió gracias al boca a boca y que terminó convirtiéndose en un referente cultural. La influencia de The Bear se percibe en otras producciones que buscan replicar su combinación de drama humano y tensión profesional.

El elenco, además, ha incrementado su prestigio a lo largo de las temporadas. Jeremy Allen White, figura central durante las primeras cuatro entregas, se ha consolidado como protagonista. Ayo Edebiri (Sydney), Ebon Moss-Bachrach (Richie) y Abby Elliott (Natalie) han sido reconocidos tanto por la industria como por el público. La presencia de invitados destacados como Olivia Colman, Sarah Paulson, Bob Odenkirk y John Mulaney también ha sumado atractivo a la serie.

Nuevos conflictos y desafíos en la temporada final

La última temporada introduce una dinámica completamente diferente para los espectadores: la historia continúa justo después de que Carmy (Jeremy Allen White) decide dejar el sector, poniendo el futuro del restaurante en manos de Sydney, Richie y Natalie. De acuerdo con la sinopsis oficial, el trío deberá afrontar la falta de recursos económicos, la amenaza de una posible venta y una tormenta que pondrá a prueba su perseverancia. La meta es clara: alcanzar, tras años de esfuerzo, la codiciada estrella Michelin.

Este reto resalta tanto la faceta profesional de los personajes como sus lazos personales y la relevancia del trabajo en equipo, manteniéndose fiel a los temas principales de la serie. Así se reafirma uno de los mensajes originales de The Bear: el verdadero valor de un restaurante no está solo en su cocina, sino especialmente en las personas que lo forman.

Lanzamiento y estrategia en Disney+ y Hulu

El estreno simultáneo de todos los episodios de la temporada final responde a una estrategia que ha acompañado a la serie desde sus inicios: facilitar el maratón y fomentar el debate inmediato en redes sociales, consolidando su posición como evento mediático. Hulu y Disney+, encargados de la distribución internacional y para el público hispanohablante, apuestan por replicar el éxito de las temporadas anteriores utilizando el modelo que incentivó la conversación en torno a The Bear.

Junto con el anuncio del final, se presentó el episodio especial Gary, protagonizado por Ebon Moss-Bachrach y Jon Bernthal. Este episodio actúa como un flashback que explora la relación entre Richie y Mikey durante un viaje de trabajo inesperado. El capítulo fue lanzado por sorpresa como preludio de la última temporada, fortaleciendo el vínculo con los personajes antes del desenlace. Esta estrategia ha generado tanto entusiasmo como incertidumbre entre los seguidores, quienes inicialmente temieron un retraso en el estreno de la temporada final. No obstante, la fecha confirmada tranquiliza a la audiencia, evidenciando una planificación cuidadosa por parte de FX y Disney+ para mantener la expectación hasta el cierre de la serie.

Disney+ ha confirmado la fecha de estreno de la quinta y última temporada de El Oso de Disney+, la serie ganadora de múltiples premios Emmy, que llegará al catálogo el 25 de junio con sus ocho episodios disponibles en simultáneo. Con este anuncio exclusivo, la plataforma cierra el calendario de lanzamiento del ciclo final de uno de sus títulos de mayor audiencia en el segmento de drama contemporáneo. El dato se suma a la estrategia de difusión que en la última semana incluyó el inesperado lanzamiento de Gary, un episodio especial de una hora presentado como título independiente y disponible para el público de habla hispana desde hoy.

La producción de FX, creada por Christopher Storer y realizada por FX Productions, eligió inaugurar la campaña del tramo final con el estreno en streaming internacional de Gary, un flashback que transcurre fuera de la línea temporal habitual de la serie y que sirve como precuela narrativa. El episodio, coescrito y protagonizado por Ebon Moss-Bachrach y Jon Bernthal en los papeles de Richie y Mikey, respectivamente, ha sido dirigido por Storer y se presentó en las plataformas Hulu y Disney+ como una búsqueda independiente, marcando una diferencia de formato respecto al lanzamiento habitual de episodios.

Formato inédito y apuesta de producción con Gary

El episodio especial Gary se grabó en secreto y fue concebido para funcionar de manera autónoma al margen de la estructura tradicional de la serie. El material invita al espectador a descubrir los antecedentes de los personajes Richie y Mikey antes de los eventos originales de The Bear, sumando elementos de comedia y drama mientras narra un viaje de trabajo a Gary, Indiana. Esta producción profundiza en la psicología de Mikey y expande la caracterización de Richie, facilitando el reencuadre de la narrativa global a partir de sus vínculos y su entorno social.

Moss-Bachrach agradeció a la comunidad de Gary, Indiana, y de Chicago —ciudad clave en el desarrollo temático de la serie— por la colaboración durante el rodaje: “Hacer esto fue un sueño hecho realidad. Gracias a la gente hermosa de Gary, Indiana, y, como siempre, Chicago, Illinois.” La iniciativa del reparto y la incorporación conjunta de Bernthal como coguionista y protagonista se destacaron en redes sociales como ejemplos de expansión transmedia en la producción original de FX.

El cierre de un ciclo y la estrategia detrás de la quinta temporada

Con el anuncio del estreno para el 25 de junio, la quinta temporada de El Oso da inicio a su episodio inaugural en forma de flashforward: la trama comienza la mañana siguiente a la repentina salida de Carmy (Jeremy Allen White) de la industria gastronómica, dejando el futuro del restaurante en manos de Sydney (Ayo Edebiri), Richie y Natalie “Sugar” (Abby Elliott). Según la sinopsis oficial, los nuevos socios afrontan la falta de liquidez, el riesgo inminente de venta y una tormenta prevista mientras intentan conseguir una estrella Michelin en el último servicio.

El elenco principal suma a Lionel Boyce, Liza Colón-Zayas y Matty Matheson, junto con las participaciones de Ricky Staffieri, Oliver Platt, Will Poulter y Jamie Lee Curtis. El apartado ejecutivo incluye a Christopher Storer, Josh Senior, Cooper Wehde, Tyson Bidner, Matty Matheson, Hiro Murai y Rene Gube, con Courtney Storer a cargo de la supervisión culinaria.

Este estreno finaliza la trayectoria serial que FX confirmó en julio de 2025: “The Bear sigue siendo una de las favoritas de los fans en todo el mundo y su respuesta a esta temporada, como lo demuestra su altísima audiencia, ha sido tan espectacular como cualquiera de las temporadas anteriores.” La serie clausura su recorrido desmarcándose de las prácticas tradicionales de emisión al consolidar un cierre narrativo y abrir la posibilidad de futuras producciones derivadas a partir del recibimiento de Gary.

Disney vuelve a apostar por la magia de las hermanas Sanderson. Según reportes publicados el 6 de mayo de 2026 por Deadline, la película Hocus Pocus 3 se encuentra oficialmente en fase inicial de desarrollo, con el regreso confirmado de sus protagonistas originales: Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy.

El interés por una nueva entrega de la franquicia Abracadabra (su título en Hispanoamérica) se remonta a 2023. Ese año, el entonces presidente de Walt Disney Studios Motion Picture Production, Sean Bailey, anunció que la compañía trabajaba en una nueva secuela tras el éxito de Hocus Pocus 2.

No obstante, tras la salida de Bailey en 2024, el proyecto quedó en una especie de limbo. A esto se sumaron negociaciones salariales con Midler, Parker y Najimy, que retrasaron el avance de la producción.

Según Deadline, ya se alcanzaron acuerdos clave, lo que permitió retomar el desarrollo de la película. No obstante, debido a que el proceso se encuentra en una etapa temprana, no se ha revelado la trama específica del filme.

Otro cambio importante respecto a la secuela anterior es su posible estrategia de distribución. Mientras Hocus Pocus 2 se estrenó directamente en Disney+, la tercera entrega contempla un lanzamiento en cines, reflejo del interés sostenido del público por la saga.

El renovado impulso de la franquicia se explica, en gran medida, por el desempeño de Hocus Pocus 2 (2022). La película se convirtió en un éxito en streaming: alcanzó 2.7 mil millones de minutos vistos en su fin de semana de estreno. Así encabezó los rankings de Nielsen y se convirtió en el lanzamiento original más visto en Disney+ durante sus primeros días.

Por otro lado, la guionista Jen D’Angelo —quien escribió la secuela— ha adelantado que el equipo creativo continúa con el desarrollo de ideas para la tercera entrega. El proceso incluye nuevas direcciones narrativas y personajes, así como la expansión del arco de la “madre bruja” introducida en la segunda película.

De fracaso en taquilla a clásico de culto

La historia de Hocus Pocus (Abracadabra) comenzó en 1993, cuando Disney estrenó la película dirigida por Kenny Ortega. Ambientada en Salem durante la noche de Halloween, la trama sigue a tres brujas del siglo XVII —Winifred (Midler), Sarah (Parker) y Mary (Najimy)— que son resucitadas accidentalmente por un adolescente tras encender la vela de la llama negra.

Las hermanas intentan robar la esencia vital de los niños del pueblo para alcanzar la inmortalidad, lo que desata el caos mientras un grupo de jóvenes intenta detenerlas antes del amanecer.

El reparto original incluyó también a Omri Katz, Thora Birch, Vinessa Shaw y Sean Murray. A pesar de contar con un elenco destacado, la película recibió críticas mixtas y fue un fracaso comercial en su estreno, con pérdidas para Disney.

No obstante, con el paso del tiempo, el filme fue redescubierto gracias a sus emisiones televisivas anuales durante Halloween, en especial en canales como Disney Channel y Freeform. Ese fenómeno la convirtió en un clásico de culto, con un crecimiento sostenido en popularidad y ventas en cada temporada.

Casi tres décadas después, Disney estrenó Hocus Pocus 2 en 2022, con Anne Fletcher como directora. La película retoma la historia 29 años después de los eventos originales, cuando las hermanas Sanderson regresan una vez más en busca de venganza.

En esta ocasión, un nuevo grupo de adolescentes —interpretados por Whitney Peak, Belissa Escobedo y Lilia Buckingham— debe detenerlas antes de que causen estragos en Salem. La secuela también amplía el trasfondo de las brujas y explora su origen siglos atrás.

El fenómeno de los spoilers ha generado un clima de tensión tanto en la industria cinematográfica como entre el público, especialmente ante el próximo estreno de Avengers: Doomsday el 18 de diciembre. Joe Russo, codirector junto a su hermano Anthony de este importante proyecto de Marvel Studios, ha reconocido en recientes entrevistas que, a pesar de la vigilancia y las medidas estrictas implementadas para proteger la película, es prácticamente imposible controlar todas las filtraciones.

La discusión sobre el exceso de control ha cobrado fuerza mientras redes sociales y foros se llenan de especulaciones y rumores sobre la trama y los cameos del filme, principalmente por el retorno de Robert Downey Jr. al Universo Cinematográfico de Marvel.

Visión de los cineastas sobre las filtraciones de información

Los hermanos Russo, considerados fundamentales tras los éxitos de la Saga del Infinito, han enfrentado numerosos desafíos relacionados con la filtración de detalles antes de los estrenos de grandes producciones del universo Marvel. Según sus propias declaraciones, las sorpresas son importantes para la experiencia en el cine, pero no pueden ser el único atractivo. Joe Russo afirma que diseñan estas películas para que se experimenten de una manera determinada, y desean que el público viva esos momentos tal como fueron concebidos. De igual forma, reconoce que no es posible controlar por completo la situación y que el enfoque debe estar en crear algo que trascienda la sorpresa inicial. Esta perspectiva resalta la relevancia de que la obra se mantenga vigente más allá de cualquier revelación prematura.

El control estricto ejercido por Marvel ha aumentado en años recientes, con la implementación de protocolos como cláusulas de confidencialidad, compartimentación de guiones y protección en el acceso tanto a locaciones como a materiales de rodaje. Sin embargo, tal como ha admitido Joe Russo, ni siquiera estas estrategias son totalmente eficaces ante el entusiasmo de los fans y la velocidad de difusión en redes. Esta inquietud colectiva por anticipar o descubrir información exclusiva genera una dinámica en la que el pleno disfrute del estreno se ve eclipsado por el temor a los spoilers.

En la antesala de Avengers: Doomsday, experiencias recientes y preocupaciones reales

La experiencia de Marvel con las filtraciones no es nueva. Películas como Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame sufrieron importantes fugas de detalles antes de sus estrenos, algunas provenientes de integrantes del propio elenco. Este tipo de incidentes causó frustración entre los seguidores que deseaban vivir la experiencia original sin influencias externas.

Para Avengers: Doomsday, Marvel ha incrementado las medidas de seguridad y hasta el momento ha logrado mantener bajo resguardo algunas de las sorpresas más relevantes. Sin embargo, el propio Joe Russo advierte que solo es cuestión de tiempo antes de que internet se llene de spoilers. La expectativa crece, no solo por el regreso de figuras como Robert Downey Jr., sino también por la magnitud del proyecto, lo que convierte cada nuevo rumor en tendencia y motivo de discusión en las comunidades en línea. Esta situación afecta a la audiencia general, que muchas veces debe evitar conversaciones, titulares o memes para no arruinar la experiencia.

La cultura de los spoilers y el fandom: entre la ansiedad y la prevención

Más allá de la pérdida del efecto sorpresa, el fenómeno de los spoilers pone en evidencia tensiones profundas en la relación entre la industria y el público. Por un lado, la proliferación de foros, cuentas especializadas y filtradores anónimos alimenta el deseo colectivo de conocer detalles antes del estreno. Por otra parte, la preocupación se extiende entre quienes desean preservar la experiencia, lo que genera divisiones y reglas informales sobre lo que se puede discutir de manera abierta.

El control de la información ocurre incluso fuera de internet, con campañas que apelan a la responsabilidad de los espectadores y llamados a no afectar la experiencia ajena. Sin embargo, la facilidad con la que cualquier información puede volverse viral evidencia los límites del control empresarial sobre la narrativa y el consumo cultural. El caso de Avengers: Doomsday destaca un problema de alcance global, donde la expectativa por el estreno convive con la preocupación constante de que la experiencia se vea arruinada.

La semifinal de la Champions League entre Atlético de Madrid y Arsenal está cada vez más cerca. Para verla de forma segura, es fundamental evitar sitios que distribuyen contenido pirata, como Xuper TV o Magis TV.

Ingresar a estas plataformas pone en riesgo tanto tu información personal como el dispositivo desde el que accedes, ya que solicitan permisos críticos e invasivos que no corresponden a un servicio de streaming legítimo y pueden ser utilizados con fines maliciosos.

Por este motivo, la empresa de ciberseguridad ESET las clasifica como aplicaciones potencialmente indeseables (PUA).

Además, la justicia argentina ordenó el bloqueo de los dominios y servidores de estas aplicaciones tras comprobar que retransmitían películas, series y eventos deportivos sin autorización de los titulares de derechos.

La orden, firmada por el juez Esteban Rossignoli y respaldada por la Unidad Fiscal Especializada en Ciberdelitos (UFEIC), instruyó a las empresas tecnológicas a desactivar estas apps, incluso si ya estaban instaladas en teléfonos o dispositivos TV Box.

Plataformas como Amazon Fire TV también bloquearon completamente estas aplicaciones para impedir el acceso a contenido protegido.

El nuevo sistema de bloqueo identifica apps incluidas en la lista negra de la Alliance for Creativity and Entertainment (ACE), una organización internacional dedicada a combatir la piratería audiovisual.

Cuando se detecta una aplicación como Xuper TV, el sistema muestra una advertencia al usuario y la desactiva automáticamente.

Dónde ver la Champions League de forma segura

Los partidos de la Champions League pueden verse de forma segura a través de Disney+ Premium, según el país.

Para acceder, basta con suscribirse al servicio autorizado y utilizar sus aplicaciones en dispositivos móviles, computadoras o Smart TV. Evitar sitios piratas o aplicaciones no oficiales es clave para proteger tu información y cumplir con la legalidad.

Por otra parte, la lista de canales oficiales puede variar según la región, por lo que conviene consultar la web de la UEFA o la de cada plataforma para confirmar la cobertura en tu país.

Alternativas seguras y gratuitas a Xuper TV y Magis TV

Si lo quieres es ver películas y series de forma gratuita y segura, puedes acudir a algunas alternativas diferentes a Xuper TV y Magis TV. La principal opción es YouTube.

Esta plataforma, propiedad de Google, permite acceder gratuitamente a millones de videos, documentales, series web, conciertos y material educativo. No requiere suscripción: solo es necesario instalar la app, iniciar sesión y explorar su catálogo.

Pluto TV ofrece canales en vivo y una amplia variedad de películas, series y programas como CSI Miami, The Walking Dead, Daredevil y Naruto. Una de sus ventajas es que no es obligatorio iniciar sesión para ver el contenido.

En Rakuten TV se pueden encontrar películas gratis en la sección “Free”, con títulos como Alvin y las ardillas 2, El justiciero y Sin rastro, destacándose por ofrecer éxitos de taquilla de años anteriores.

FilmRise, de origen estadounidense, brinda contenido financiado con publicidad, incluyendo títulos como Medici, The Dick Van Dyke Show y Hot Ones.

Atlético de Madrid vs. Arsenal

El Atlético de Madrid y el Arsenal igualaron 1-1 en el partido de ida de las semifinales de la UEFA Champions League 2025/26, disputado el 29 de abril de 2026 en el estadio Metropolitano de la capital española.

El delantero Viktor Gyökeres abrió el marcador para el conjunto inglés, mientras que Julián Álvarez logró el empate para el equipo rojiblanco al convertir un penalti en la segunda mitad.

Con este resultado, la serie queda abierta y se definirá el 5 de mayo de 2026, cuando ambos equipos se enfrenten en el Emirates Stadium de Londres, en busca del pase a la final del torneo europeo más prestigioso a nivel de clubes.

El esperado live action de Enredados, la adaptación en imagen real de la exitosa película animada de Disney inspirada en el clásico cuento de Rapunzel, ha confirmado la incorporación de Diego Luna al elenco. El actor mexicano, conocido por sus papeles en Andor y Narcos: México, interpretará a un personaje completamente nuevo creado exclusivamente para esta producción, lo que busca aportar frescura y diversidad a la reinterpretación.

El rodaje comenzará en junio en locaciones de España y la película contará con Michael Gracey (The Greatest Showman) como director, mientras que los papeles principales estarán a cargo de Teagan Croft como Rapunzel, Milo Manheim como Flynn Rider y Kathryn Hahn como Madre Gothel.

Un rodaje ambicioso que reinventa el clásico

La estrategia de Disney de transformar sus grandes éxitos animados en películas de acción real sigue expandiéndose, y Enredados se perfila como una de las producciones más ambiciosas de la compañía para 2026. La película retoma el conocido cuento de Rapunzel con una visión renovada sobre los protagonistas y escenarios. Aunque la trama principal seguirá girando en torno a la princesa encerrada en una torre y su búsqueda de libertad, Disney ha decidido modificar la historia añadiendo personajes inéditos que permiten explorar nuevas posibilidades narrativas.

El personaje de Diego Luna, del cual aún no se conocen detalles oficiales ni extraoficiales, es uno de los principales enigmas de la producción. La compañía mantiene en secreto su papel, lo que ha generado especulación acerca de su función en la historia. La elección de España como locación apunta a una producción de gran escala y alcance internacional, con diversas localizaciones que recrearán los ambientes del reino ficticio donde transcurre la trama. Michael Gracey, director reconocido por su capacidad para combinar espectáculo y sensibilidad, encabeza un equipo creativo que incluye a Jennifer Kaytin Robinson y Michael Montemayor como guionistas.

El perfil internacional del elenco y la participación de Diego Luna

La nueva versión de Enredados destaca por su elenco multicultural. Teagan Croft, actriz australiana, interpretará a Rapunzel, y Milo Manheim, estadounidense, asumirá el papel de Flynn Rider, lo que aporta una visión diversa en comparación con la versión animada de 2010. Kathryn Hahn, reconocida por su interpretación en Agatha en todas partes, será Madre Gothel, cuya relación tóxica y controladora con Rapunzel es central para el desarrollo del drama. La incorporación de Diego Luna, actor mexicano de amplia trayectoria internacional, representa un avance en la integración de diferentes nacionalidades en los grandes proyectos de Disney.

Luna es conocido globalmente por sus actuaciones en franquicias como Star Wars, donde interpretó a Cassian Andor tanto en la película Rogue One como en la serie Andor. También sobresalió como Félix Gallardo en Narcos: México y como director en César Chávez (2014). Su reciente nominación a los premios Emmy, Globos de Oro y Critics’ Choice, junto con sus próximas participaciones en festivales europeos de cine y en teatro en México, consolidan su perfil como uno de los talentos latinoamericanos más relevantes de la actualidad.

Secretismo y expectativas sobre el papel de Diego Luna

A pesar de la atención generada, Disney no ha revelado detalles sobre el personaje que interpretará Diego Luna, lo que ha dado pie a múltiples especulaciones entre críticos y seguidores. Que su rol haya sido creado exclusivamente para la versión en acción real permite la introducción de nuevas líneas argumentales y matices que no estaban presentes en la película original. A diferencia de los papeles principales, ya anunciados para Croft, Manheim y Hahn, la presencia de Luna sugiere una variación en la dinámica clásica del cuento.

Algunas hipótesis sugieren que podría tratarse de un nuevo antagonista, el líder de la Guardia Real o un personaje completamente ajeno al guion original, diseñado para expandir el universo narrativo de la franquicia. No es la primera vez que Disney incorpora personajes inéditos en sus remakes, pero son pocos los casos que han generado tanta expectativa antes del inicio del rodaje.

Disney y la internacionalización de sus remakes

La selección de actores de diferentes nacionalidades en Enredados refleja la estrategia global de Disney, que prioriza la diversidad y la inclusión para conectar con audiencias internacionales. El éxito de remakes recientes, como Lilo y Stitch, ha impulsado a la compañía a apostar por equipos internacionales y rodajes fuera de Estados Unidos. En 2026, además de Enredados, Disney planea estrenar también la versión en acción real de Vaiana y ya está desarrollando nuevos proyectos para los próximos años.

La llegada de Diego Luna refuerza la apuesta por el talento latino en el mercado global y anticipa una recepción significativa tanto en América Latina como en Europa. Hasta el momento, la fecha de estreno mundial del live action de Enredados no ha sido anunciada, pero Disney ya ha comenzado a generar expectativas mediante estos anuncios y la contratación de un elenco internacional de alto perfil.

En 2026, pagar por ver series y películas en casa ya no es una sola suscripción, sino una pequeña suma de cuotas mensuales. Netflix sigue marcando el precio alto del mercado, Amazon Prime Video conserva la posición de servicio económico y Movistar+ continúa apostando por un modelo más amplio, que mezcla televisión, cine, series y paquetes con otras plataformas. Es por ello que repasamos los precios y planes de algunas de las plataformas más importantes de nuestro país para este 2026.

Netflix ha vuelto a subir su peso en la factura del entretenimiento. En España, sus tarifas más recientes sitúan el plan con anuncios en 8,99 euros al mes, el plan Estándar en 14,99 euros y el Premium en 21,99 euros, una cifra que refuerza su imagen de plataforma más cara entre las grandes del streaming. La subida confirma una tendencia que ya venía notándose desde 2025: el servicio de referencia en catálogo también es el que más exige al bolsillo.

Amazon Prime Video sigue jugando en otra liga. Su gran baza continúa siendo el precio contenido, con una tarifa que se mantiene muy por debajo de los planes premium de la competencia y que, en muchas comparativas, aparece como la opción más barata entre las plataformas de gran consumo, con 4,99 € al mes o 49,90 € al año. Eso le permite seguir siendo la suscripción de entrada para muchos hogares, sobre todo para quienes priorizan el coste frente al catálogo más amplio o las funciones avanzadas.

Movistar+ y los cambios en otras plataformas

Movistar+ mantiene su propio terreno dentro del mercado español. La oferta básica parte de 11,99 euros al mes, pero el precio real se eleva cuando se añaden paquetes de ficción, cine o deportes, y especialmente cuando se combinan servicios con Netflix. En esas combinaciones, las tarifas publicadas en 2026 van desde 26 euros al mes en las opciones más sencillas hasta 39 euros en los planes con Netflix Premium. La subida de enero ha consolidado a Movistar+ como una propuesta más cercana al paquete televisivo completo que al streaming puro. La plataforma también ha movido ficha en 2026 con una nueva suscripción más barata, lanzando el Plan Libre: Cine y Series, una modalidad por 4,99 euros al mes que elimina el deporte del paquete y se centra en cine, series, programas de entretenimiento y documentales. La oferta llega como una alternativa más ligera frente al plan general de 9,99 euros al mes, que sigue disponible para quien quiera una propuesta más completa.

A ese mapa se suman otras plataformas que completan la factura mensual. Disney+ se mueve en 2026 entre 6,99 y 15,99 euros al mes, según el plan elegido, mientras HBO Max aparece entre 6,99 y 13,99 euros. SkyShowtime también ha ajustado sus tarifas este año y sigue figurando entre las alternativas más baratas, con planes que parten de 5,99 euros al mes. Apple TV+ se sitúa en torno a los 9,99 euros mensuales, una franja intermedia que la deja por encima de las ofertas más básicas, pero por debajo de los planes más caros de Netflix.

La conclusión es clara: el streaming de 2026 ya no se mide por una plataforma, sino por el conjunto de suscripciones que cada hogar decide mantener. Netflix fija el techo, Amazon Prime Video contiene el suelo y Movistar+ transforma la televisión de pago en un paquete híbrido que compite por valor añadido más que por precio puro. En un mercado cada vez más fragmentado, la pregunta ya no es qué servicio elegir, sino cuántos se pueden sostener al mismo tiempo sin que la factura se dispare.

El #StarWarsDay nació a partir del juego de palabras en inglés “May the Fourth be with you”, donde “May” significa mayo y “the Fourth” es el día cuatro, formando así “el 4 de mayo”. Esta frase evoca “May the Force be with you” (“Que la Fuerza te acompañe”).

De acuerdo con el sitio oficial StarWars, la primera utilización pública de la expresión fue en 1979, cuando se felicitó a Margaret Thatcher por su elección como primera ministra del Reino Unido mediante un anuncio publicado en el diario Londres Evening News. Desde entonces, la fecha se transformó en una tradición global que reúne actividades, lanzamientos y propuestas culturales vinculadas al universo de Star Wars.

¿Qué es el Día de Star Wars?

El Día de Star Wars no nace de una decisión oficial de Lucasfilm ni de Disney, sino del ingenio de los fanáticos, quienes popularizaron la consigna ‘May the Fourth be with you’ tras el estreno de la película original en 1977.

A lo largo de más de 40 años, la consigna se expandió y consolidó la celebración en todo el mundo. En 2011, se realizó el primer evento temático en Toronto, Canadá, con concursos, trivias y proyecciones que marcaron el inicio de una costumbre adoptada rápidamente en otros países.

Actualmente, la efeméride reúne a comunidades en ciudades como Londres, Nueva York, Tokio y Buenos Aires, por medio de actividades presenciales y virtuales, según detalla el sitio oficial StarWars.

¿Por qué se celebra el 4 de mayo?

La elección del 4 de mayo responde al juego de palabras en inglés entre “May the Fourth” (“el 4 de mayo”) y “May the Force” (“que la Fuerza…”). Así, el mes de mayo no es arbitrario, sino que es parte esencial del doble sentido que dio origen a la celebración. El portal de efemérides National Today señala que la elección no coincide con estrenos, pero sí representa una ocasión para homenajear a los personajes y relatos que definen Star Wars.

Con el paso de los años, Lucasfilm y Disney incorporaron lanzamientos especiales, presentaciones de nuevas producciones y actividades en parques y plataformas. El sitio oficial StarWars informa que cada año se anuncian productos exclusivos y propuestas dedicadas a la comunidad fan, como trivias, concursos de disfraces y maratones cinematográficas.

El impacto global de la celebración

La repercusión del Día de Star Wars se extiende a comunidades de todo el planeta. El diario emiratí The National News indica que la fecha genera reuniones privadas, maratones de películas, desfiles, actividades educativas y ventas de productos temáticos tanto en grandes cadenas como en pequeños negocios, donde locales y restaurantes diseñan menús y ambientes inspirados en el universo creado por George Lucas.

Las redes sociales desempeñan un papel determinante en la difusión. El hashtag #StarWarsDay lidera las tendencias mundiales con ilustraciones, memes, mensajes de actores y homenajes de los propios estudios.

El sitio oficial StarWars destaca el protagonismo de la comunidad digital para sostener la festividad y sumar nuevas generaciones de adeptos.

Curiosidades y otras fechas vinculadas

Aunque el 4 de mayo es la fecha principal para los fanáticos, existen otras jornadas significativas. El portal de efemérides National Today recuerda que el 25 de mayo marca el aniversario del estreno de la primera película en 1977, en tanto que el 5 de mayo se conoce como “Revenge of the Fifth”, en referencia a los villanos de la saga y a la película Revenge of the Sith. En este caso, el juego de palabras se relaciona directamente con el 5.

El universo de Star Wars continúa creciendo con nuevos lanzamientos audiovisuales, literarios y comerciales. En 2026, Disney anunció el estreno de los episodios finales de la serie Star Wars: Maul – Shadow Lord para el 4 de mayo, según el sitio oficial StarWars.

Desde la compra de Lucasfilm por parte de Disney en 2012, la fecha se consolidó con campañas mundiales y propuestas transmedia.

El sitio oficial StarWars subraya que cada año se presentan productos exclusivos, se anuncian nuevos proyectos y se estimula la participación de la comunidad mediante competencias y actividades digitales.

A casi 50 años de su estreno, la franquicia Star Wars sigue cautivando audiencias: los espectadores estadounidenses consumieron 33.000 millones de minutos de contenido de la saga durante 2025, de acuerdo con un informe de Nielsen publicado este lunes para conmemorar el Día de Star Wars.

Los datos de la consultora abarcan el consumo en televisión lineal y plataformas de streaming.

Disney+, que se convirtió en el hogar digital de la franquicia tras la adquisición de Lucasfilm por parte de The Walt Disney Company en 2012, concentra la totalidad de la oferta en streaming.

De acuerdo con el informe, las películas de la saga acapararon la mayor porción del consumo, con un 44,2% del total.

Las series de acción real representaron el 38,9%, mientras que los proyectos animados sumaron el 16,8%. Los documentales sobre la franquicia apenas alcanzaron el 0,2%.

Entre los títulos más vistos del año, Una nueva esperanza encabezó la lista, seguida por La amenaza fantasma y Rogue One.

En el terreno de las series, Andor fue la producción de acción real más vista, con 7.400 millones de minutos, impulsada por el estreno de su segunda temporada entre abril y mayo de 2025.

El programa figuró durante seis semanas consecutivas en el listado Nielsen Top 10 Streaming Originals. Le siguieron Skeleton Crew y The Mandalorian.

El 4 de mayo de 2025, fecha en que se celebró el Día de Star Wars, los espectadores vieron 637 millones de minutos —equivalentes a 10,6 millones de horas— de contenido de la franquicia.

Andor también lideró ese día, en pleno lanzamiento de nuevos episodios, seguida por Una nueva esperanza, La amenaza fantasma, El Imperio contraataca y La venganza de los Sith.

Nielsen también analizó las preferencias por grupo etario durante el primer trimestre de 2026.

The Mandalorian resultó ser la favorita entre la Generación Alpha y los Baby Boomers, mientras que la Generación Z prefirió la serie animada The Clone Wars. Los millennials y la Generación X se inclinaron por Andor.

Por qué se celebra el Día de Star Wars

El 4 de mayo es el Día de Star Wars por una razón simple: es un juego de palabras. La frase “May the 4th be with you” es una variación fonética de “May the Force be with you”, el saludo icónico de la saga que se utiliza para desear buena suerte.

El primer uso registrado de la expresión data de 1978, cuando un aviso publicado en el London Evening News felicitó a Margaret Thatcher por convertirse en la primera mujer elegida primera ministra de Gran Bretaña con el mensaje “May the Fourth Be With You, Maggie. Congratulations!”, según recogió StarWars.com.

Con el tiempo, la frase también fue utilizada de manera interna en Lucasfilm y apareció incluso en una promoción de entradas del 4 de julio de 2005 para La venganza de los Sith.

La fecha cobró visibilidad masiva cuando Disney adquirió Lucasfilm en 2012 y anunció la producción de la trilogía de secuelas.

Al ser el primer gran evento de Star Wars en la era de las redes sociales, la expresión se extendió entre el público general.

Los seis primeros episodios de la saga se estrenaron en mayo, lo que refuerza el vínculo del mes con la franquicia.

No obstante, desde la llegada de Disney, solo Solo: Una historia de Star Wars (2018) y la próxima The Mandalorian and Grogu, prevista para el 22 de mayo de 2026, han mantenido esa tradición.

En la actualidad, la fecha es ocasión para el lanzamiento de series, tráilers y productos de merchandising.

Este año, los dos episodios finales de la serie animada Maul: Shadow Lord se estrenan este lunes.

Además, cadenas como Burger King lanzaron artículos de menú temáticos, y marcas como LEGO y Target ofrecen descuentos y ediciones exclusivas.

Para quienes prefieren quedarse en casa, Disney+ pone a disposición 11 películas y más de una docena de series de la franquicia.

Diego Luna confirma su participación en el live action de ‘Enredados’ que prepara Disney, donde interpretará a un personaje original creado específicamente para esta producción, cuyo rodaje comenzará en junio en España.

En esta nueva versión inspirada en el cuento de Rapunzel, Teagan Croft encarnará a la princesa, Milo Manheim dará vida a Flynn Rider y Kathryn Hahn también formará parte del reparto, según información oficial.

El proyecto será dirigido por Michael Gracey, reconocido por The Greatest Showman, con guion de Jennifer Kaytin Robinson y Michael Montemayor. Hasta ahora, los detalles sobre el papel de Diego Luna permanecen reservados, lo que ha generado expectativa, ya que se trata de un personaje inexistente en la cinta animada original.

En la actualidad, Diego Luna atraviesa una etapa relevante, tras ser nominado a premios como los Emmy, Globos de Oro y Critics’ Choice, y mantener una presencia activa como director. El actor próximamente presentará Ceniza en la boca en el Festival de Cannes 2026, filme que dirigió y coescribió.

Luna también participa en México 86, obra en la que interpreta a un personaje clave dentro de la historia sobre la organización del Mundial de futbol de 1986 en el país. Hasta el momento, Disney no ha dado a conocer la fecha de estreno oficial para el live action de ‘Enredados’.

La proyección internacional de Diego Luna

Diego Luna inició su trayectoria en el cine estadounidense a partir de su proyección internacional con Y tu mamá también (2001), dirigida por Alfonso Cuarón. Este filme lo lanza a la fama y le abre las puertas en Hollywood.

Sus primeros trabajos en el cine de Estados Unidos incluyen una breve aparición en Antes que anochezca (2000). A partir de ahí, Luna alterna entre producciones mexicanas, europeas y estadounidenses, consolidando su presencia en Hollywood con papeles en cintas como:

• Frida (2002), donde comparte créditos con Salma Hayek.
• Vampires: Los Muertos (2002).
• Open Range (2003), dirigida por Kevin Costner.
• La terminal (2004), bajo la dirección de Steven Spielberg, donde actúa junto a Tom Hanks.
• Dirty Dancing: Havana Nights (2004), como protagonista.
• Criminal (2004), remake de la argentina Nueve reinas.

En años posteriores, Luna sigue participando en producciones de Estados Unidos y se diversifica como actor y director:

• Milk (2008), dirigida por Gus Van Sant, donde interpreta a Jack Lira, pareja del personaje de Sean Penn.
• Elysium (2013), junto a Matt Damon y Jodie Foster.
• The Book of Life (2014), prestando su voz para la animación.
• Blood Father (2016), con Mel Gibson.
• Rogue One: una historia de Star Wars (2016), donde interpreta a Cassian Andor, papel que retoma como protagonista en la serie Andor (2022-2025) para Disney+.
• Flatliners (2017) y If Beale Street Could Talk (2018).

En televisión, destaca su papel protagónico en Narcos: México (2018-2020), interpretando a Miguel Ángel Félix Gallardo.

Como director, Luna incursiona en el cine estadounidense con César Chávez (2014), biopic sobre el activista chicano, y Mr. Pig (2016), rodada entre México y Estados Unidos.

Además, Luna mantiene una participación activa en iniciativas de producción y promoción de cine, como Canana Films y el festival Ambulante. Su carrera se caracteriza por proyectos que transitan entre México, Estados Unidos y Europa, colaborando con directores y actores de renombre internacional.

Star Wars vuelve a la gran pantalla con una apuesta completamente original: Star Wars: Starfighter reunirá a Ryan Gosling y al director Shaun Levy en el primer gran proyecto cinematográfico de la saga desde 2019. El filme, producido por Lucasfilm y Disney, busca restablecer el fenómeno de taquilla tras un periodo enfocado en series y películas derivadas, según GQ.

Star Wars: Starfighter es la nueva película de la franquicia, con estreno mundial programado para el 28 de mayo del próximo año, exclusivamente en cines. La cinta apuesta por una historia independiente que no se vincula a las tramas de las producciones recientes y aspira a devolver el éxito masivo a la saga galáctica.

El proyecto presenta una historia completamente nueva, sin relación argumental con las series existentes, y apuesta por revitalizar el estatus de la saga como referente del cine de ciencia ficción y fenómeno global.

Durante casi una década, la franquicia Star Wars se ha centrado en nuevas series y producciones derivadas para Disney+, relegando la saga principal a la televisión y dejando a los seguidores con mayor expectativa por un regreso al formato cinematográfico tradicional.

La última película, The Rise of Skywalker, lanzada en 2019, fue señalada por la crítica y parte del público como uno de los puntos más bajos de la saga en cines. La proliferación de producciones derivadas durante este tiempo incrementó la percepción de estancamiento en el universo galáctico, a pesar de cierto reconocimiento para títulos como Andor.

La estrategia de Lucasfilm y Disney es clara: recuperar el título de fenómeno de taquilla que definió a Star Wars durante décadas. Como destaca GQ, Starfighter pretende ocupar el espacio central que dejaron vacante las películas recientes de la saga en los grandes estrenos internacionales.

Lo que se sabe de “Star Wars: Starfighter”

El argumento se mantiene en secreto, una medida con la que la producción busca generar expectación antes del estreno. Lo confirmado es que la historia comenzará cinco años después de los hechos narrados en The Rise of Skywalker, situando la acción en una galaxia en proceso de reconstrucción y con un piloto solitario como eje de la trama, enfrentando nuevas amenazas con implicaciones para el futuro de la Fuerza.

El reparto confirmado incluye a Flynn Gray, Matt Smith, Mia Goth y Aaron Pierre, aunque aún no se conocen detalles específicos sobre los personajes que interpretarán. La producción ha optado por reservar información clave para alimentar la intriga hasta el lanzamiento en cines.

A diferencia de otras producciones como The Mandalorian and Grogu, que tendrá su estreno un mes antes y mantiene vínculos directos con las series de Disney+, Starfighter apuesta por ser una película independiente, al margen de las tramas previas. Según GQ, la cinta representa un intento deliberado de recuperar el formato de gran estreno mundial para la saga.

La propuesta se distancia de la nostalgia y de la continuidad de historias anteriores, apostando por una narrativa inédita concebida especialmente para el público de salas.

El reto de Gosling y Levy en el regreso de “Star Wars”

La elección de Ryan Gosling como protagonista responde al objetivo de atraer al público global con una de las figuras más carismáticas del cine actual. Su presencia, respaldada por éxitos recientes como Barbie y Project Hail Mary, refuerza la expectativa de un gran rendimiento en taquilla.

El director Shaun Levy, reconocido por combinar la espectacularidad visual con historias accesibles, ha asumido el desafío de liderar esta apuesta por una nueva etapa para Star Wars.

Levy ya cuenta con experiencia en proyectos de gran escala y es considerado, según GQ, un elemento decisivo para el éxito potencial del filme.

La combinación de la popularidad actoral de Gosling y la capacidad de Levy tras las cámaras genera confianza en que Star Wars pueda recuperar su lugar como referente de los estrenos internacionales, tras años de dudas sobre el camino elegido para la franquicia.

Expectativas y declaraciones sobre la nueva era de “Star Wars”

El hermetismo que rodea a Starfighter ha dado pie a numerosas especulaciones dentro de la comunidad de seguidores y en redes sociales. Sin embargo, tanto el director como el actor principal han querido enfatizar la originalidad de la película.

“Esto no es una precuela ni una secuela. Es una nueva aventura”, afirmó Shaun Levy durante la Star Wars Celebration en Japón, según recogió GQ. Con estas palabras, el cineasta despejó dudas sobre la naturaleza del filme y subrayó su independencia respecto a las historias anteriores.

Por su parte, Ryan Gosling puso el foco en el atractivo de la trama, describiéndola como “una gran historia, con personajes originales” y resaltando que ofrece “mucha emoción y aventura”. Así, el actor refuerza el mensaje de que la película apuesta por la frescura y la sorpresa.

Las declaraciones oficiales coinciden en que mantener el secreto sobre la trama es una parte fundamental de la campaña promocional, orientada a reavivar el interés mundial por el fenómeno Star Wars. De acuerdo con GQ, el misterio en torno al argumento es utilizado como herramienta para incrementar la expectativa previa al estreno.

El impacto potencial en la franquicia y en el cine global

El regreso de una película 100% original de Star Wars, hecha para cines y desligada de producciones previas, puede tener repercusiones en la franquicia y en la industria cinematográfica internacional. Según el análisis de GQ, la estrategia representa el esfuerzo más serio hasta la fecha por revalorizar el atractivo de la saga como fenómeno de masas.

El lanzamiento constituye también una declaración de intención de Lucasfilm y Disney para reivindicar la experiencia colectiva en salas frente al dominio de las plataformas de streaming. Si Starfighter logra captar al público, podría iniciar una nueva tendencia dentro de las superproducciones de ciencia ficción y modificar los patrones de estrenos tras la pandemia.

El resultado en taquilla será decisivo para evaluar la fuerza actual de Star Wars y su capacidad para reinventarse ante nuevos retos en el entretenimiento audiovisual. La fecha del estreno, el 28 de mayo del próximo año, está considerada uno de los momentos destacados del calendario cinematográfico.

El destino comercial y el alcance de Star Wars: Starfighter mostrarán si la saga puede recuperar su influencia como fenómeno del cine mundial.

El actor mexicano Diego Luna integrará el elenco del live-action de Enredados, la nueva adaptación que prepara Disney sobre uno de sus éxitos animados más recientes.

Según la revista estadounidense The Hollywood Reporter, el personaje que interpretará Luna ha sido creado exclusivamente para esta versión y no aparece en el filme animado original. Los detalles sobre este rol permanecen bajo estricta reserva, en consonancia con la política de confidencialidad que caracteriza a la producción.

La incorporación de Luna se suma a un elenco principal ya confirmado algunos meses atrás. Enredados estará protagonizada por Teagan Croft (Titans) en el papel de Rapunzel, la princesa de cabello mágico, y Milo Manheim (Zombies) como Flynn Rider, el carismático ladrón que la acompaña en su aventura. Ambos actores fueron seleccionados tras un proceso de casting internacional, de acuerdo con fuentes vinculadas al proyecto.

El filme, inspirado en el cuento de Rapunzel de los hermanos Grimm, recaudó más de USD 590 millones a nivel mundial en su versión animada estrenada en 2010, consolidándose como uno de los mayores éxitos recientes de Disney en taquilla global.

El elenco se completa con Kathryn Hahn, quien encarnará a Mother Gothel, la villana que secuestra a Rapunzel para explotar las propiedades rejuvenecedoras de su cabello. La incorporación de la estrella de Marvel fue una de las más celebradas por los fans cuando fue comunicada en marzo de 2026.

La dirección estará a cargo de Michael Gracey, conocido por su trabajo en The Greatest Showman y en la biopic Better Man sobre Robbie Williams. Según The Hollywood Reporter, el director planea preservar los números musicales, elemento central en la cinta animada.

El guion fue escrito por Jennifer Kaytin Robinson y Michael Montemayor, mientras que la producción recae en Kristin Burr, quien ya colaboró con Disney en proyectos como Cruella. La supervisión del desarrollo está en manos de Jessica Virtue como ejecutiva de producción para Disney Live Action, según precisó The Hollywood Reporter.

El rodaje está programado para iniciar en España en junio de 2026. Hasta el momento, Disney no ha anunciado la fecha oficial de estreno.

La participación de Diego Luna en Enredados fortalece su vínculo con Disney, estudio con el que ya colaboró al protagonizar la serie Andor del universo Star Wars. En esta producción, Luna interpretó el papel principal y obtuvo reconocimiento crítico, incluyendo nominaciones a los Emmy, Globos de Oro y Critics Choice.

Además de su relación con Disney y su papel en Star Wars, Luna posee una filmografía amplia tanto en el cine latinoamericano como en Hollywood, con títulos como Y tu mamá también y La Máquina. Paralelamente, desarrolla una carrera como director y productor. Su próximo proyecto, Ashes (Ceniza en la boca), que coescribió y dirigió, tendrá su estreno en el Festival de Cannes en mayo de 2026.

Un contador con imágenes de nubes blancas sobre fondo azul cielo —idénticas al empapelado del cuarto de Andy en la saga Toy Story— apareció brevemente el 30 de abril de 2026 en el sitio web oficial de Taylor Swift.

Lo anterior desató una oleada de especulaciones sobre una posible colaboración de la cantante con Toy Story 5, la próxima entrega de la franquicia de Pixar prevista para el 19 de junio.

El contador estuvo activo durante aproximadamente diez minutos antes de desaparecer y marcaba una cuenta regresiva hacia las 2 p.m. del 2 de mayo (hora del Este de Estados Unidos).

Su fondo mostraba nubes alargadas sobre un cielo azul que los seguidores de Swift identificaron de inmediato como el papel tapiz del dormitorio de Andy en las películas de la franquicia.

Tras su desaparición, el sitio volvió a mostrar la estética habitual de “The Life of a Showgirl”, la gira en curso de la artista.

Las reacciones en redes sociales fueron casi inmediatas. “El fondo del contador de Taylor se parece al papel tapiz de Toy Story”, escribió un usuario en X.

Otro fue más directo: “TAYLOR HACIENDO UN SENCILLO PARA TOY STORY 5, SÉ QUE ES ASÍ“. Un tercero jugó con las iniciales compartidas: “¿TS x TS? ¿Taylor Swift x Toy Story?"

La cuenta @saamcarr publicó en esa misma red: "Toy Story x Taylor Swift es verdaderamente lo que me va a matar", mientras que @arialuxxe colocó el contador junto a una foto reciente de la cantante con un vestido azul cielo de la marca Staud y preguntó: “Taylor Swift, ¿qué estás tramando?“.

Los seguidores de Swift también conectaron el posible anuncio con “My Boy Only Breaks His Favorite Toys”, una canción que tiene referencia a “juguetes”. El tema estuvo incluido en The Tortured Poets Department, el álbum que la artista lanzó en abril de 2024.

Ese detalle, sumado al vestido azul cielo que Swift lució a finales de abril de 2026, fue leído por parte de su base de seguidores como una pista adicional. Además, en el videoclip de “Opalite” también se observó una escena con un fondo celeste de nubes muy similar.

La fecha del estreno de Toy Story 5 suma otro elemento a las teorías. El 19 de junio de 2026 coincide con el 20.º aniversario del debut discográfico de Swift: ese mismo día de 2006, la cantante lanzó su primer sencillo, “Tim McGraw”.

La banda sonora del film animado tiene prevista su salida el mismo día del estreno, lo que para muchos seguidores convierte la coincidencia en algo difícil de ignorar.

Hasta el momento, no existe confirmación oficial de ningún vínculo entre Taylor Swift y la película. El equipo de la cantante no respondió a una solicitud de comentarios.

De confirmarse, no sería la primera vez que Swift compone música para una producción audiovisual de envergadura. Su trayectoria en ese terreno arranca con “Crazier”, para Hannah Montana: La película, y continúa con “Today Was a Fairytale”, ligada a Día de los Enamorados.

Más adelante, compuso dos canciones para Los juegos del hambre: “Safe & Sound” y “Eyes Open”, siendo la primera ganadora del Grammy a la mejor canción escrita para medios visuales.

Su colaboración con Zayn Malik en “I Don’t Wanna Live Forever”, para Cincuenta sombras más oscuras, fue seguida por “Beautiful Ghosts”, que Swift co-escribió con Andrew Lloyd Webber para Cats.

Posteriormente entregó “Carolina” para La chica salvaje y “Only the Young” para su propio documental de Netflix, Miss Americana.

El 2 de mayo, fecha señalada por el contador antes de su desaparición, se perfila como la próxima oportunidad para que Swift —o Pixar— despeje las dudas.

La actriz canadiense Evangeline Lilly publicó un contundente mensaje en Instagram contra The Walt Disney Company, luego de que se confirmaran despidos masivos que afectaron a aproximadamente 1.000 empleados de la compañía, con un impacto especialmente severo en Marvel Studios.

La protagonista de la saga Ant-Man, quien dio vida a Hope van Dyne, la Avispa, en cuatro películas del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), no dudó en reprender a la empresa por la reducción de personal. “Disney, deberías tener vergüenza por darle la espalda a las personas que construyeron el poder que ahora usas para deshacerte de ellas”, escribió la actriz.

Según informó Deadline, los recortes en Disney alcanzaron a la mayoría de sus departamentos, incluidos producción cinematográfica y televisiva, cómics, franquicias, finanzas, legal y desarrollo visual. En el caso de Marvel, la reducción representó alrededor del 8% de su plantilla total. El área de desarrollo visual fue una de las más afectadas, pese a que ya había atravesado una ronda de despidos en 2024.

El caso que detonó la reacción pública de Lilly fue el de Andy Park, director de desarrollo visual de Marvel Studios durante 16 años, quien anunció el 20 de abril que había sido desvinculado de la compañía. Park fue el artista responsable de diseñar el traje original de la Avispa que Lilly lució en la primera película de Ant-Man (2015).

En su propia publicación en redes sociales, Andy Park escribió: “Estuve ahí desde el inicio de un equipo que rompió esquemas. Fueron 16 años, más de 40 películas y 15 proyectos liderados como director de desarrollo visual. No podría estar más orgulloso de la historia que creamos”.

Lilly relató que, al enterarse de la noticia en redes sociales, decidió verificarla antes de pronunciarse. “Me comuniqué con mi buen amigo Andy Park, quien fue el genio detrás de la creación del traje original de la Avispa y de los dibujos conceptuales para la película, y le pregunté: ‘¿Es esto verdad? ¿Es esto realmente lo que está pasando?’”, explicó en el video. “Y él me dijo: ‘Sí, es verdad. Me han despedido’”.

Los argumentos de Lilly

En el video publicado en Instagram, Evangeline alegó que los despidos podrían ser la antesala de un reemplazo deliberado de artistas humanos por inteligencia artificial.

“No puedo creer del todo que Disney haya despedido a los artistas que dieron vida al Universo Marvel actual a través de su imaginación y su genialidad. Que las personas que inventaron estos personajes en primer lugar, que los diseñaron en primer lugar, estén siendo reemplazadas por IA. Una IA que tomará sus diseños y tomará lo que esos artistas crearon y lo usará para generar iteraciones de eso”, sostuvo la actriz.

Lilly también apeló directamente a los legisladores del estado de California para que tomen medidas concretas en defensa de los creadores.

“¿Dónde están las leyes que eliminen todo el arte humano de los bancos de IA? ¿Por qué se les permite robar nuestra brillantez y usarla para enriquecer a los ejecutivos mientras los artistas responsables de alimentar a sus robots pasan hambre? Repugnante. Legisladores de California... ¿dónde están?”, escribió la intérprete.

La actriz cerró su mensaje con una defensa del legado creativo de los artistas despedidos. “Esto fue una invención humana. Estas fueron creaciones humanas. Y no deberían ser robadas por gigantes tecnológicos para que sus robots puedan replicarlas. Creo que es repugnante y horrible, y me solidarizo con todos los artistas. Y Andy, lo siento mucho, y los quiero”.

La versión de Disney

La respuesta oficial de la compañía no abordó directamente las acusaciones sobre el uso de inteligencia artificial. De acuerdo con Entertainment Weekly, en un comunicado interno enviado a los empleados de Disney, el CEO Josh D’Amaro explicó que la decisión respondía a la necesidad de “optimizar nuestras operaciones”, sin hacer ninguna mención a la IA como factor detrás de los recortes.

Por su parte, fuentes consultadas por Variety indicaron que Marvel planea mantener un equipo reducido de desarrollo visual, contratando profesionales de manera puntual, proyecto por proyecto, y que el estudio mantiene su compromiso de trabajar con artistas de desarrollo visual en sus producciones.

El pronunciamiento de Lilly tiene un peso particular dado su vínculo directo con el universo que está en el centro del debate. La actriz debutó en el MCU en Ant-Man (2015) y repitió el papel en Ant-Man and the Wasp (2018), Avengers: Endgame (2019) y Ant-Man and the Wasp: Quantumania (2023). En 2024, la propia Lilly anunció su retiro de la actuación.

La serie, creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat y protagonizada por Guillermo Francella, ha escalado su narrativa llevando al personaje central, Eliseo Basurto, a los más altos círculos de poder mientras enfrenta una conspiración interna liderada por su histórico rival Matías Zambrano.

La cuarta temporada incorpora novedades de industria con Jerónimo Carranza como showrunner, la dirección de Florencia Momo y la participación de Martín Hodara como director invitado en el último episodio. El equipo de guion suma a Emanuel Diez como head writer, respaldado por Diego Bliffeld como colaborador. El elenco mantiene su estructura coral e integra a figuras como Arturo Puig en el papel del presidente, además de participaciones especiales de Luis Brandoni, Benjamín Vicuña y Claudia Fontán. En este ciclo, la trama sitúa a Eliseo en la cima de la influencia nacional, profundizando en la tensión entre el ascenso del personaje y los intentos de su entorno por desplazarlo, en un arco argumental que pone en juego incluso la vida del protagonista.

Las temporadas iniciales de El encargado sentaron las bases para una progresiva expansión del universo narrativo: de la administración de edificios, el personaje impulsó la creación de la ficticia Soluciones Integrales Basurto (SIB), plataforma desde la cual la serie introdujo problemáticas de management, confianza comunitaria y relaciones de poder. Esta decisión argumental segmentó la tensión narrativa entre lo cotidiano y lo empresarial, generando interés tanto entre espectadores como actores de la industria atentos a la proyección de temáticas de liderazgo en la ficción de distribución masiva.

El impacto de El encargado y la disputa sindical por su representación

La consolidación de El encargado como uno de los pilares de la ficción nacional ha estado acompañada por una recepción polarizada entre la audiencia y los gremios del sector. El estreno de la primera temporada motivó una reacción por parte del Sindicato Único de Trabajadores de Edificios de Renta y Propiedad Horizontal (SUTERH), que expresó su descontento por la representación que la serie ofrece del rol de encargado de edificio. Según detalló el sindicato, el retrato de Eliseo como un personaje amoral y manipulador fue motivo de inspecciones laborales en el edificio real donde se realizó el rodaje y de cartas de repudio dirigidas tanto a la producción como a Francella.

La gobernanza de este conflicto incluyó presiones para que el contenido de la serie fuese moderado, argumentando la generación de prejuicios negativos sobre los trabajadores del sector y la desconexión de la ficción con la realidad diaria. Francella defendió la naturaleza ficticia de la obra en respuesta, sosteniendo que la mayoría de los porteros se sintieron representados y valoraron la visibilidad alcanzada por la serie.

El regreso del universo de Eliseo Basurto resalta el desafío de continuidad en streaming, mientras la campaña promocional centra su narrativa en el destino final del personaje, una estrategia orientada tanto a la fidelización como a la generación de debates en la crítica.

El bloque secundario del reparto aporta no solo a la estructura coral, sino también al retrato de las relaciones de poder internas y externas al edificio. Personajes recurrentes y colaboraciones con organizaciones ficticias como AyuDando han funcionado como anclaje temático para problemáticas sociales, fortaleciendo la posición de la serie en un mercado cuya competitividad se incrementa temporada a temporada.

El personaje central, Eliseo Basurto, ha trascendido la función tradicional de encargado para convertirse en referente narrativo. A través de la ficticia Soluciones Integrales Basurto (SIB), la trama vehiculiza temáticas de management, confianza comunitaria y relaciones de poder que, en temporadas previas, marcaron un diferencial frente a propuestas similares. Esta expansión del personaje —de la administración de un edificio al liderazgo de un sindicato barrial— se integró a la historia en temporadas previas y será el eje de tensión de los nuevos episodios.

El arco de Eliseo Basurto y su impacto en la ficción nacional

El personaje ha acumulado momentos de alta recordación, desde intervenciones en situaciones críticas hasta liderazgos inesperados dentro de la comunidad. Entre los hitos de la serie figuran episodios donde el protagonista resolvió situaciones de emergencia —como el rescate de un niño durante un incendio y mediaciones ante conflictos internos—, lo que aportó matices al formato tradicional de la ficción coral argentina.

La puesta en escena de la expansión profesional de Eliseo, materializada en la fundación de SIB, introdujo una mirada empresarial dentro del relato. Con esta decisión narrativa, los episodios segmentaron la tensión entre la vida cotidiana del edificio y la proyección externa del personaje, generando interés no solo entre espectadores sino también entre analistas de la industria, atentos a la incorporación de temáticas de management y liderazgo en obras de distribución masiva.

El elenco secundario desempeñó roles clave en la construcción del universo de la serie. Personajes como Beba, Clarita y Matías Zambrano aportaron a la estructura coral, mientras que la colaboración con organizaciones externas como la fundación AyuDando permitió anclar la trama en problemáticas sociales contemporáneas.

La cuarta temporada ante el desafío de la continuidad en streaming

La llegada del cuarto ciclo representa una prueba para el modelo de producción local de Disney+. La continuidad de El encargado se convirtió en un termómetro para evaluar la sustentabilidad de ficciones originales dentro de la plataforma, en un escenario donde la competencia con ofertas internacionales exige diferenciación temática y fidelización del público argentino.

Con el regreso de Eliseo, la serie se enfrenta al interrogante sobre el destino final del personaje. Las preguntas acerca de su permanencia o salida han circulado en la comunidad de espectadores y críticos, intensificadas por una narrativa que, desde el inicio, ha favorecido el desarrollo de conflictos abiertos y una proyección al futuro. Este planteo constituye uno de los núcleos dramáticos de la nueva etapa y da sustancia a la campaña promocional previa al estreno.

Polémica con el sindicato de encargados de edificio

El estreno de “El Encargado” provocó una fuerte reacción del Sindicato Único de Trabajadores de Edificios de Renta y Propiedad Horizontal (SUTERH) en el momento del lanzamiento de la primera temporada. El sindicato expresó su malestar por la imagen que la serie proyecta sobre los encargados de edificios. La ficción, protagonizada por Guillermo Francella, retrata al personaje de Eliseo como un encargado amoral y manipulador, lo que llevó a la dirigencia sindical a considerar que la serie estigmatiza a los trabajadores del sector.

Tras el estreno, delegados del SUTERH realizaron inspecciones laborales en el edificio real donde se filmó la serie, entrevistando al encargado y consultando sobre su vínculo laboral. Además, el sindicato intentó ejercer presión para que la producción moderara el contenido de la serie.

Por otra parte, asociaciones de encargados publicaron cartas de repudio dirigidas a la producción y a Francella, manifestando su rechazo a la representación de la profesión en la ficción. Argumentaron que la serie generaba prejuicios negativos hacia los encargados reales y que la narrativa era ajena a su realidad diaria. Francella, en respuesta, defendió el carácter ficticio de la obra y sostuvo que la mayoría de los porteros se sintieron representados y valoraron la visibilidad que les otorgó la serie.

El desarrollo de The Princess Diaries 3 se mantiene como una opción real tras las declaraciones de Anne Hathaway a PEOPLE. La actriz aseguró que junto a los productores están avanzando constantemente en el proyecto, aunque Disney aún no ha dado su confirmación oficial para iniciar el rodaje.

La tercera película de The Princess Diaries continúa en preparación, con Anne Hathaway ratificando su voluntad de volver al papel de Mia Thermopolis. Según lo detalló el medio citado, el avance del filme depende de la disponibilidad de la actriz, quien pretende priorizarlo una vez concluya sus actuales compromisos laborales. Sin embargo, hasta abril de 2026, la aprobación definitiva de Disney sigue pendiente y no existe fecha de inicio confirmada.

Estado del proyecto y equipo creativo anunciado por Disney

El posible regreso de la franquicia ha estado en desarrollo aproximadamente desde hace 10 años. Tras la muerte de Garry Marshall en 2016, director de las dos primeras entregas, el trabajo sobre una secuela no se detuvo. En 2019, Hathaway y Julie Andrews manifestaron su disposición a regresar a la historia si se lograba un buen guion.

En 2022, Disney anunció oficialmente que desarrollaría una tercera entrega y presentó a Adele Lim como directora, lo que consolidó los primeros pasos hacia la producción, según detalló el medio. Hathaway celebró públicamente esta decisión con mensajes como “El cuento de hadas continúa”. El guion ya estaba listo desde ese entonces, aunque aún no se ha dado a conocer el elenco completo ni la agenda de rodaje.

Andrews, que ahora tiene 90 años, no ha confirmado su participación en el nuevo proyecto, pero continúa siendo una figura central dentro de la franquicia. Lim ha orientado el proyecto a quienes han seguido el universo de Genovia desde hace años. La continuidad del filme depende del respaldo del estudio y de la presencia de figuras clave, según recogen los últimos informes de PEOPLE.

Obstáculos y expectativas en torno a la tercera parte

La producción de The Princess Diaries 3 ha sido postergada debido a otras prioridades en la agenda de Hathaway. Durante una entrevista con el medio citado, la actriz explicó que la realización de Devil Wears Prada 2 durante el verano pasado impidió cualquier progreso simultáneo sobre la secuela, por lo que su intención es hacer de The Princess Diaries su siguiente gran proyecto.

La intérprete reconoció la presión que implica satisfacer las expectativas del público ante una nueva entrega. Tras el reciente éxito de Devil Wears Prada 2, Hathaway admitió que cualquier continuación debe superar un alto estándar para no decepcionar a los seguidores. Según PEOPLE, figuras como Meryl Streep han aconsejado a la actriz “esperar el guion adecuado” antes de avanzar en el rodaje de la saga.

Carrera actual de Anne Hathaway y relevancia de la franquicia

La trayectoria profesional de Anne Hathaway sigue muy ligada al universo creado por Meg Cabot y a su colaboración con Disney.

En 2026, la actriz encabeza una agenda repleta de estrenos: Mother Mary el 24 de abril, Devil Wears Prada 2 el 1 de mayo; y The Odyssey de Christopher Nolan, donde comparte reparto con Matt Damon y Tom Holland.

En agosto, participará en The End of Oak Street junto a Ewan McGregor, y en octubre aparecerá en Verity, adaptación de la novela de Colleen Hoover.

El ritmo de su carrera explica en parte la demora en retomar The Princess Diaries 3, un hecho que el medio subraya como clave en los planes de Hathaway. A pesar de ello, el interés generado por una continuación y el compromiso de la actriz mantienen la atención de miles de admiradores desde el estreno original en 2001.

Para Hathaway, el regreso a Genovia representa la oportunidad de alcanzar nuevas metas y elevar el estándar de la saga, consciente de que la aceptación del público será esencial para el éxito de una posible tercera entrega.

Maitland Ward, exestrella de Disney, denunció que durante su adolescencia fue tratada como un “producto” por la industria cinematográfica y televisiva de Hollywood, expuesta a situaciones comprometedoras y convertida en objeto de una “retorcida mirada masculina” desde temprana edad.

La actriz de 49 años quien alcanzó fama primero como Jessica Forrester en The Bold and the Beautiful y luego como Rachel McGuire en la serie de Disney Boy Meets World, compartió su testimonio en el programa Hollywood Demons del canal Investigation Discovery, cuyo estreno está programado para el 27 de abril.

En una entrevista con Fox News Digital, Ward describió el ambiente de la industria del entretenimiento de aquella época como una “fábrica” en la que los jóvenes actores eran moldeados según las necesidades de los estudios y del público.

“Creo que veían a estos jóvenes actores como propiedad. Los estudios querían moldearlos y formarlos para convertirlos en lo que necesitaban para la empresa y para el público”, declaró Ward a Fox News Digital. “Era un ambiente de fábrica. Eras un producto que se vendía, y tú mismo lo sabías”.

La retirada estrella televisiva señaló que en aquel momento no era capaz de identificar lo que estaba ocurriendo. Según explicó al mismo medio, se sentía incómoda en su propio cuerpo, pero asumía que esa sensación era un problema personal y no una consecuencia del entorno.

“Pensé que simplemente era yo siendo estúpida. Tenía que ser profesional. Tenía que ser parte de esa maquinaria de Hollywood”, afirmó.

Ward también se refirió a la forma en que la industria imponía una imagen contradictoria sobre las mujeres jóvenes durante los años 90 y principios de los 2000.

Según declaró al citado medio, se esperaba que las actrices fueran simultáneamente inocentes y provocadoras, todo al servicio de lo que describió como una “retorcida mirada masculina”.

Como ejemplo, citó el caso de Britney Spears, quien debía proclamar públicamente su virginidad mientras su imagen era utilizada de forma sexualizada.

Al recordar su paso por Boy Meets World —serie a la que se incorporó a los 21 años, ya en las temporadas finales—, Ward admitió que le resulta difícil revisar algunas de las situaciones en las que fue puesta.

En una entrevista con Complex en 2022, había detallado cómo fue sexualizada durante su participación en el programa.

“No me di cuenta de que la pelea de comida era algo tan fetichista. No me di cuenta de todos los dobles sentidos que apuntaban hacia el personaje de Rachel”, declaró entonces, en referencia al cocreador de la serie, Michael Jacobs.

Para Ward, participar en Hollywood Demons representó una oportunidad terapéutica. “Fue muy terapéutico contar la historia a la edad que tengo ahora, sobre mi yo de 16 o 17 años creciendo en un negocio que me veía como un producto y que era muy desdeñoso con ese producto”, dijo a Fox News Digital.

Y agregó: “Solo lo querían para lo que lo querían, y luego lo descartaban. Y eso les pasó a muchos actores jóvenes”.

En cuanto a su trayectoria posterior, Ward reconvirtió su carrera hacia la industria para adultos, donde asegura haber encontrado mayor libertad y estabilidad económica.

Durante su aparición en Hollywood Demons, comparó sus ingresos en Boy Meets World —entre 20.000 y 25.000 dólares por episodio— con lo que genera actualmente. “En el porno o en OnlyFans puedo ganar seis cifras al mes”, afirmó en el programa.

Además, señaló que, a diferencia del trabajo en televisión convencional, en su actividad actual no depende de que nadie la contrate ni la despida.

En 2022, Ward publicó sus memorias bajo el título Rated X: How Porn Liberated Me from Hollywood, en las que aborda su transición profesional. La actriz se mostró empoderada en este momento de su vida.

“Es una historia para toda mujer, para toda persona a quien le dicen que no una y otra vez, que le dicen cómo debe ser y cómo debe actuar. Es realmente una historia de autodescubrimiento”, concluyó.

Hollywood Demons: Child Stars Gone Wild se estrena el 27 de abril en Investigation Discovery. Los episodios también están disponibles en HBO Max.

La compañía The Walt Disney Company ha anunciado la apertura de un casting presencial en Girona para seleccionar figurantes y bailarines que participarán en la nueva adaptación en acción real de la película Enredados. El proceso de selección se llevará a cabo el lunes, 27 de abril, en la Fira de Girona, ubicada en el paseo de la Devesa, en horario de 10:00 a 19:00 horas. La organización ha advertido que el acceso podría cerrarse antes si se alcanza el aforo máximo previsto.

La convocatoria está dirigida a hombres, mujeres y niños de entre 4 y 80 años, ampliando notablemente el perfil habitual de aspirantes en este tipo de producciones. Según informó la organización, los menores de edad deberán acudir acompañados por un familiar, y todos los interesados deberán presentar un documento de identidad en vigor o el NIE para formalizar la inscripción. El trabajo será remunerado como parte de la producción de la nueva película. La selección se realizará únicamente de manera presencial, sin proceso online disponible. La búsqueda incluye perfiles muy diversos, ya que también se requieren bailarines —profesionales o amateurs— de hasta 70 años, sin limitaciones de origen o apariencia. Esta amplitud responde a la intención de Disney de reflejar una comunidad plural en las escenas multitudinarias que formarán parte del largometraje.

El Barri Vell de Girona será uno de los escenarios principales del rodaje. Esta zona histórica se transformará para representar parte del reino ficticio en el que transcurre la historia, inspirada en el clásico cuento de Rapunzel, de los hermanos Grimm. El equipo de producción ha elegido este emplazamiento por su arquitectura y ambiente, que facilitarán la recreación de la atmósfera fantástica de Enredados. Aunque Girona ocupará un papel destacado, la base principal del rodaje se instalará en la Ciudad de la Luz de Alicante, uno de los complejos audiovisuales más relevantes de España. Otras localizaciones confirmadas incluyen el Castillo de Santa Bárbara y la Catedral de Burgos, lo que permitirá dotar a la película de una variedad de paisajes y escenarios emblemáticos.

Un nuevo gran rodaje para España

El rodaje comenzará en junio de 2026 y se prevé que se prolongue durante unos ocho meses, según los planes de la productora. Esta extensión permitirá cubrir las diversas etapas de grabación y posproducción, así como coordinar los desplazamientos del equipo entre las distintas localizaciones. La dirección de la nueva versión de Enredados estará a cargo de Michael Gracey, conocido por su trabajo en musicales y películas de gran formato. El reparto principal incluye a Teagan Croft en el papel de Rapunzel y a Milo Manheim como Flynn Rider. La actriz Kathryn Hahn interpretará a la Madre Gothel, uno de los personajes centrales del relato.

Con este elenco, Disney retoma el universo de la cinta animada estrenada en 2010, adaptando la narrativa clásica a un formato con actores reales y escenarios naturales. La selección de intérpretes y localizaciones busca aportar una nueva dimensión visual y dramática al universo de Enredados. La elección de figuras reconocidas y jóvenes talentos responde a la estrategia de la compañía para atraer tanto a nuevos espectadores como a quienes disfrutaron de la versión animada original. Al mismo tiempo, la producción en territorio español supone un impulso para la industria audiovisual local y la generación de empleo en las ciudades seleccionadas.

Episodios anteriores

• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodio 1: De vuelta a las bases
• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodios 2, 3 y 4: Se viene el estallido

Episodios 5 y 6: De vuelta a la nostalgia

Después de esa catarata de episodios iniciales donde Marvel pudo crear una consistente temporada de Daredevil, alejada de los problemas de desarrollo que tuvo la primera y conectando tanto esta nueva versión como el material realizado con Netflix, estamos ante unos episodios que miran más al pasado que al futuro y terminan intentando replicar viejos éxitos que nunca pueden volver a tener el mismo efecto.

Ya hablábamos en las reseñas pasadas del trabajo arduo que está haciendo Daredevil: Born Again por recuperar todo lo bueno que Netflix hizo en las primeras tres temporadas y ensamblarlo con lo que formaron en la primera temporada de Disney+, que poco tuvo que ver con aquella serie inicial más allá de repetir gran parte del elenco.

Estos episodios vuelven a poner en juego un dilema habitual en personajes de superhéroes y mucho más habitual en personajes de Marvel: ¿el fin justifica a los medios?. El problema entre Daredevil y Bullseye se vuelve a representar mediante si los villanos merecen que se haga justicia por mano propia o si se puede definir el destino de una persona en base a las acciones realizadas.

Con esto en mente, el juego de los episodios es avanzar en varias de las tramas en paralelo mientras nos muestran muchas secuencias ambientadas en el pasado, justamente donde transcurría la serie de Netflix. Esto nos regala la aparición de un viejo conocido como es Foggy (Elden Henson) y el villano Wesley (Toby Leonard Moore), que vuelven a participar con actuaciones que nada tienen que envidiarle a sus participaciones en la década pasada.

Todo esto nos lleva a un climax que se desarrolla durante el episodio seis y que quiere funcionar de punto de quiebre que, me imagino, no solo tendrá consecuencias en los siguientes episodios sino también en la tercera temporada que ya está en desarrollo. Sin embargo, para mi, lo que le quita peso a todas estas decisiones narrativas es justamente el elemento reiterativo frente a las series de Netflix.

Todo es cíclico. El debate moral ya lo tuvimos en temporadas anteriores. El clímax, casi calcado, lo tuvimos al finalizar las temporadas de Netflix. Si bien podemos atribuir a una decisión artística el darle una cualidad de repetición a la cuestión, estamos viendo el remake de una temporada pasada en cuanto a temática y decisiones, con mismos personajes y mismas decisiones personales. El peso termina siendo bastante más bajo que aquella vez donde todo era nuevo para este personaje que no había sido adaptado muchas veces en las últimas décadas.

Creo que también algo que sufre esta temporada respecto a la anterior es la falta de una trama alejada de lo que es la política y la relación con Wilson Fisk. Muse le daba un aire distinto y enigmático a la temporada anterior que el personaje de Charles (Matthew Lillard) no está pudiendo rellenar y la batalla contra Fisk termina siendo siempre en cuotas, lo que no le da esa chance a la serie de mantener un foco fuerte en cada episodio y todo se centra en una narrativa general que por momentos es fantástica y por momentos no termina de convencer.

Otro aspecto que ya había sido confirmado de manera oficial es el regreso de Krysten Ritten como Jessica Jones, que de mi lado se celebra fuertemente ya que sus temporadas en Netflix tienen cosas muy interesantes y es lo mejor que salió de ese universo junto a Daredevil, pero la forma de introducirla en la serie también es un poco extraña, dandole un puñado de escenas que no terminan de justificar la aparición del personaje a nivel narrativo y parecen más una excusa para poder darle minutos de pantalla.

Por otro lado, hay una cuestión positiva relacionada a estos episodios. El desarrollo de personajes como Buck (Arty Froushan), Heather (Margarita Levieva), Daniel (Michael Gandolfini) y BB Urich (Genneya Walton) le da un matiz diferente a Daredevil que no había tenido hasta el momento y garantiza una trama más compleja, que al final del día, puede terminar facilitando la posibilidad de ampliar el esquema narrativo en la siguiente temporada. En ese sentido, hay mucho del guión de esta temporada que está haciendo el “trabajo sucio” a futuro, sembrando semillas que van a tardar en ser cosechadas.

Creo que Daredevil: Born Again va por un camino más consistente que su temporada anterior, sin tanta apuesta y respetando reglas más seguras. Habrá que ver la culminación de esta temporada hacia donde va, con qué nos puede sorprender y qué bases sienta para esa tercera temporada que no sólo debe concluir esta trama sino que tiene el peso de concluir con personajes que ya llevan seis temporadas de desarrollo.

El sueño de visitar los parques de Disney en Orlando tendrá un nuevo costo para los colombianos a partir de 2027. La compañía confirmó un incremento en sus tarifas que impactará directamente a los turistas internacionales, en especial en temporadas de alta demanda, donde los precios alcanzarán cifras récord.

De acuerdo con la información oficial, la entrada de un solo día en Walt Disney World alcanzará hasta USD 219, es decir 781.326 pesos colombianos aproximadamente y por persona durante el fin de semana del Día del Presidente en 2027, lo que representa uno de los valores más altos en la historia de los parques temáticos en Estados Unidos.

Este aumento marca una diferencia frente a 2026, cuando el precio máximo llegó a USD 209, es decir 745.600 pesos colombianos aproximadamente, consolidando una tendencia al alza que no parece detenerse.

El ajuste responde a un sistema de tarifas dinámicas que prioriza las fechas de mayor afluencia y en este escenario, el parque Magic Kingdom se posiciona como el más costoso debido a su popularidad, mientras que Animal Kingdom aparece como la opción más económica, seguido por Epcot y Hollywood Studios.

La estrategia de precios no es exclusiva de Florida, pues en la costa oeste, Disneyland ya maneja tarifas de hasta USD 224 por día (799.200 pesos colombianos) lo que ha generado expectativas de nuevos incrementos para 2027 y este panorama refleja una política global de la compañía para maximizar ingresos en temporadas de alta demanda.

Pero el costo de entrada no es el único gasto que deberán considerar los visitantes, ya que uno de los cambios más relevantes en la experiencia es la implementación del sistema Lightning Lanes, que reemplazó el antiguo Fastpass.

A diferencia del modelo anterior, este servicio requiere un pago adicional para acceder más rápido a las atracciones.

El paquete más completo dentro de esta modalidad es el Premier Pass, cuyo precio ronda los USD 500 (cerca de 1.784.070 pesos colombianos) por persona. Este acceso premium permite reducir significativamente los tiempos de espera, convirtiéndose en una opción casi obligatoria para quienes buscan aprovechar al máximo su visita en días de alta concurrencia.

En cuanto a hospedaje, Disney ha mantenido incentivos para atraer turistas en temporadas bajas. Entre ellos, descuentos de hasta el 30% en hoteles, comidas gratuitas para niños y paquetes especiales de varios días. Sin embargo, estos beneficios suelen implicar recortes en otras ventajas, como el acceso prioritario a atracciones, lo que ha generado opiniones divididas entre los visitantes.

Los pases anuales también registraron incrementos importantes. El plan más alto, Inspire Key, subió USD 150, o sea 535.125 pesos colombianos, fijándose en USD 1.899, es decir 6.774.682 pesos colombianos al valor del dólar actual, mientras que Believe Key aumentó USD 100, 356.750 pesos colombianos, lo que confirma que el encarecimiento no se limita a los boletos diarios, sino que impacta todos los niveles de acceso.

A pesar de los costos, la compañía continúa apostando por la renovación de sus parques. Para 2027, Animal Kingdom inaugurará el área Tropical Americas, que incluirá una atracción inspirada en Encanto y una experiencia basada en Indiana Jones. Este proyecto llega tras la eliminación de DinoLand USA, una decisión que no ha estado exenta de críticas.

En plataformas digitales, algunos usuarios han manifestado su inconformidad con estos cambios y uno de los comentarios más destacados señala que la eliminación de DinoLand es “el mayor error que Disney ha cometido últimamente en sus parques temáticos”, reflejando el descontento de quienes valoraban esta zona como una experiencia única.

Según la Themed Entertainment Association, parques como Magic Kingdom y Disneyland siguen liderando la asistencia mundial, superando los 17 millones de visitantes anuales. Este éxito, sin embargo, plantea un desafío para la compañía: equilibrar la rentabilidad con la accesibilidad.

En el video, Jorge aparece con una gorra azul con la palabra “DAD” y Stephie luce una gorra rosa con la inscripción “MOM”. Ambos sonríen y se abrazan, mientras en el centro de la imagen muestran una pequeña gorra amarilla que dice “MOM + DAD = ME”, símbolo del bebé en camino. La secuencia, filmada desde arriba y con colores suaves, transmite alegría, ternura y la emoción de la pareja ante la llegada de su primer hijo.

En el pie de la publicación, Jorge expresó: “Ya te amamos con todo el corazón, eres el regalo más grande”, dejando en claro la felicidad y el amor que los envuelve en esta nueva etapa.

La noticia de la paternidad de Jorge no tardó en generar una ola de reacciones entre sus colegas y excompañeros de Violetta, quienes celebraron la llegada del primer hijo del actor con mensajes llenos de emoción y cariño. Clara Alonso, quien interpretó a la tía de Violetta en la serie de Disney, expresó: “Ay dios mío, qué notición”, dejando ver su sorpresa y alegría.

Por su parte, Tini Stoessel, protagonista de la ficción y figura central del universo Violetta, reaccionó con una serie de emojis de carita aguantándose las lágrimas y corazones, un gesto breve pero cargado de ternura. Cande Molfese, quien encarnaba a una de las amigas de Violetta, también sumó su apoyo: “Qué linda noticia, los quiero mucho amigos, qué lindo”.

El mensaje de felicitación se extendió a otras figuras del universo Disney: Hugo Rodríguez, histórico actor del canal y pareja de Diego Topa, escribió: “Felicidades chicos, los queremos”. Así, la noticia del embarazo unió a la familia de Violetta y a la comunidad Disney en un festejo virtual que trascendió generaciones y geografías, demostrando el vínculo afectivo que persiste entre quienes compartieron la exitosa serie y acompañan a Jorge Blanco en esta nueva y feliz etapa.

La buena onda entre los protagonistas de la novela no es una novedad. El sábado 16 de noviembre se vivió una noche especial en la presentación de Futttura, el show de Tini. Tal como había adelantado en sus redes sociales con videos y pistas, Tini sorprendió al público invitando a dos figuras icónicas de la serie Violetta: Jorge Blanco y Mercedes Lambre.

En la ficción, Blanco interpretaba a León, el gran amor de Violetta, mientras que Lambre encarnaba a Ludmila Ferro, la recordada villana de la historia. El reencuentro de estos personajes en el escenario de Futttura desató la euforia entre los fans de Tini, que esperaban desde hace tiempo volver a verlos juntos.

La primera sorpresa fue el ingreso de Jorge Blanco, quien junto a Tini recreó la química romántica de sus personajes cantando el clásico “Podemos”, uno de los temas más emblemáticos y esperados por el público. La emoción y el griterío de los fans acompañaron cada estrofa, confirmando la vigencia del fenómeno Violetta.

Luego llegó el turno de Mercedes Lambre, que ingresó al escenario con una peluca rubia para volver a meterse en la piel de Ludmila. La actriz interpretó “Destinada a brillar”, el hit de su personaje en la serie, y regaló un momento de nostalgia y magia que cerró el reencuentro con broche de oro.

La presentación en Futttura no solo fue un homenaje a la tira juvenil que marcó a una generación, sino también un festejo de la amistad y el vínculo artístico que une a Tini, Jorge y Mechi, quienes supieron emocionar y sorprender a los fans una vez más.

El domingo 19 de abril, el mundo del espectáculo argentino sufrió la pérdida de Luis Brandoni, un baluarte de la escena nacional y uno de los actores más queridos y admirados. La noticia de su muerte y las despedidas que se hicieron en su honor generaron, además de dolor, una gran incógnita en torno al futuro de Nada, la aclamada serie que protagonizó junto a Robert De Niro y que fue un éxito internacional. Para alivio de sus seguidores, los cineastas Mariano Cohn y Gastón Duprat despejaron las dudas con una sentida despedida en primera persona publicada en El País, confirmando que la historia continuará y que Brandoni dejó grabado su “último regalo” para el público.

Según relataron los directores, la segunda temporada —ahora titulada Todo— fue filmada en septiembre de 2025, bajo total discreción y con la participación íntegra de Brandoni antes de su fallecimiento. La secuela, actualmente en etapa de posproducción, contará nuevamente con Majo Cabrera (Antonia) y con la participación especial de Robert De Niro, quien regresa como el narrador y amigo Vincent Parisi. Esta vez, la trama traslada al personaje de Manuel Tamayo Prats de la escasez y soledad en Buenos Aires a un contexto de abundancia en Nueva York, ampliando el universo de comedia negra y sátira sobre la burocracia y la idiosincrasia nacional. La segunda entrega tendrá cinco capítulos, aunque la fecha de estreno en Disney+ aún no fue confirmada.

Cohn y Duprat expresaron con emoción lo que significó trabajar con Brandoni: “Beto es un actor que siempre pensó en el público y esta no es la excepción, nos dejó este último regalo filmado que lo trasciende y lo hace aún más grande”. Recordaron que lo convocaron para Mi obra maestra luego de un largo período alejado del cine y que, desde entonces, forjaron una amistad entrañable. “De ahí en adelante, la figura de Brandoni no paró de crecer y él mismo hace pocos días nos dijo: ‘A los 85 años estoy, de lejos, en el mejor momento de mi carrera’”.

La despedida publicada en El País hizo hincapié en el legado humano y profesional del actor: “No cabe duda de que Brandoni fue un actor genial, muy querido y con muchísima conexión con el público. Pero, además, nos consta que fue un hombre muy valiente, honesto y comprometido. No hemos conocido a otro así. No existían diferencias entre lo que decía y lo que hacía. Su coherencia resultó ejemplar. Nuestro amigo fue un hombre de una sola pieza. Lo vamos a extrañar mucho”.

Todo llegará como la segunda obra póstuma del actor, luego de su aparición especial en la cuarta temporada de El encargado —la serie protagonizada por Guillermo Francella— que se estrenará el 1 de mayo. Los cineastas contaron que a Brandoni “siempre le gustó la idea de hacer de linyera, interpretar a un vagabundo” y escribieron para él el papel de El Polaco, un menesteroso que vive en la plaza de Barrancas de Belgrano con un perro llamado Le Pera. “Es de las escenas más divertidas de todas las de El encargado. Va a ser muy recordada, ya van a ver por qué”, aseguraron.

La escena cultural argentina despidió formalmente a Brandoni en el Panteón de Actores del Cementerio de la Chacarita, donde colegas, familiares y público le dieron el último adiós bajo una lluvia que acompañó en todo momento. Pese a su partida, su legado artístico y humano seguirá vivo en estas dos producciones que verán la luz dentro de poco: El encargado y Todo, testamento y homenaje final de un artista que dejó una huella imborrable en la escena.

Tras el éxito de Lilo & Stitch y el cada vez más próximo estreno de Vaiana, Disney continúa con su proyecto de remakes de live actions de algunos de sus clásicos más queridos. La compañía ya se ha puesto manos a la obra para producir nuevas versiones de títulos como Bambi, Merlín el encantador, Robin Hood, Hércules o Enredados, siendo esta última la que está a punto de iniciar su rodaje.

Enredados es una versión animada del cuento de Rapunzel en la que una joven con una larga cabellera mágica, encerrada en una torre por una falsa madre que en realidad la ha secuestrado, descubre el mundo exterior cuando se une a un ladrón fugitivo e inicia una aventura de libertad, identidad y amor. En taquilla fue un éxito para Disney, recaudando alrededor de 590 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto cercano a 880 millones, convirtiéndose en una de las películas animadas más rentables de su época.

Ahora, un remake dirigido por Michael Gracey (al que conocemos por ser el responsable de títulos como El Gran Showman) comenzará en junio de 2026 y se extenderá durante unos ocho meses. La base principal de la producción estará situada en la Ciudad de la Luz en Alicante, y también se utilizarán localizaciones como el Castillo de Santa Bárbara y la Catedral de Burgos, además de en Girona.

Disney busca figurantes para aparecer en ‘Enredados’

En la ciudad catalana se instalará la base de selección de Disney para seleccionar a los cientos de extras que necesitan para su película. La compañía ha anunciado que el próximo lunes 27 de abril se podrá ir hasta la Fira de Girona, en el paseo de la Devesa, para poder presentarse a una convocatoria abierta desde las 10.00 hasta las 19.00, aunque ya se ha adelantado que, en caso de completarse el aforo previsto, el acceso podría cerrarse antes.

La selección no distingue edades: hombres, mujeres y niños de entre 4 y 80 años pueden participar, mientras que quienes deseen acudir con menores deberán hacerlo acompañados de un familiar. Además, la organización prioriza la inclusión de bailarines, tanto profesionales como aficionados, hasta los 70 años, en busca de recrear las escenas corales características de la película animada. Para formalizar la inscripción, los aspirantes deben presentar un documento oficial de identidad o NIE. Se ha anunciado que el trabajo será remunerado, pero no se han especificado más detalles al respecto.

Todo lo que sabemos del esperado ‘remake’

El objetivo de los productores es replicar la atmósfera de la cinta original, donde la música y el movimiento colectivo resultan determinantes para la narrativa visual. De este modo, la selección de perfiles tan variados permite que familias completas puedan compartir escena con los protagonistas de la historia. Por su parte, el Barri Vell de Girona servirá de escenario gracias a su entramado de calles empedradas y su arquitectura medieval, ideal para reconstruir parte del reino ficticio que originalmente imaginaron los hermanos Grimm.

Por otra parte, la producción ya ha anunciado a algunos de los intérpretes que figurarán en el proyecto. Teagan Croft (Titanes) tendrá el papel de Rapunzel, mientras que Milo Manheim (Zombies) hará de Flynn Rider y Kathryn Hahn (La señora Fletcher) de Madre Gothel.

El proyecto, dirigido por el animador y director veterano de WDAS Hyrum Osmond (conocido por Olaf presenta), reimagina tres números musicales de producciones recientes del estudio: “The Next Right Thing” (Lo que hay que hacer), de Frozen 2; “We Don’t Talk About Bruno” (No se habla de Bruno), de Encanto; y “Beyond” (Al final), de Moana 2. Las tres han sido completamente reanimadas a partir de sus archivos originales.

Es precisamente el acceso a los recursos de animación base lo que definió que las películas elegidas fueran recientes. Así, el equipo pudo recargar los archivos iniciales y trabajar directamente sobre ellos. Osmond también buscó diversidad entre los tres números: algo de alta energía, algo más sutil y canciones provenientes de historias de distintos rincones del mundo.

Lo que distingue a Songs in Sign Language de las soluciones de accesibilidad más habituales, como la inclusión de intérpretes en un recuadro de pantalla, es que la Lengua de Señas Americana (ASL) se integra dentro de la propia animación. Los personajes no solo “cantan”: incorporan gestos, expresiones faciales y movimientos corporales que son parte esencial de la gramática del ASL. Según indicó Osmond en un evento de prensa de esta semana, “en la mayoría de los casos, creamos animación completamente nueva”.

Una historia personal detrás del proyecto

El origen de Songs in Sign Language tiene raíces profundamente personales para su director. Osmond creció con un padre sordo, pero nunca aprendió la lengua de señas, lo que le impidió “conectar realmente” con él. Es por ello que considera que este proyecto de Disney puede “derribar barreras” entre las historias que se ven en pantalla y la comunidad Sorda.

Según relató el director a Cartoon Brew, el proyecto tuvo años de desarrollo antes de que Osmond lo presentara a la entonces directora creativa de WDAS, Jennifer Lee, y al actual presidente del estudio, Clark Spencer. Ambos respaldaron la iniciativa, aunque esta tuvo que comenzar a pequeña escala antes de crecer hasta su forma actual.

Una vez aprobado, Osmond convocó a más de 20 animadores voluntarios que se sumaron por propia iniciativa, muchos de ellos con algún vínculo personal con la comunidad Sorda.

Para garantizar la autenticidad del resultado, Osmond se apoyó en dos colaboradores clave: DJ Kurs, director artístico de Deaf West Theatre (la reconocida compañía teatral de Los Ángeles), y Catalene Sacchetti, coreógrafa de referencia en lengua de señas. Junto a un grupo de ocho intérpretes de Deaf West, el equipo grabó actuaciones coreografiadas en ASL para que los animadores las usaran como referencia.

Una de las grandes revelaciones del proyecto fue comprender que el ASL no es un sistema monolítico. Como explicó Sacchetti a Cartoon Brew: “En inglés, puedes buscar una palabra y quizás tiene varias definiciones, pero no tantas. En lengua de señas, puede haber una palabra y muchas, muchas formas de señarla, con diferentes formas de mano para transmitir significado. Así que, ¿cómo lo transmites de la mejor manera posible? Por eso realmente necesitábamos un enfoque de equipo, múltiples opiniones y voces en la sala, y eso fue fundamental para el proceso”.

Este punto fue especialmente importante en “We Don’t Talk About Bruno”, donde hasta ocho personajes aparecen haciendo señas simultáneamente en pantalla. El equipo tomó la decisión creativa de que cada personaje tuviera sus propios signos consistentes, distintos a los del resto, reflejando una realidad de la comunidad Sorda: no todos se comunican igual.

También se trabajó en las expresiones faciales de los personajes, para que correspondieran fielmente a los gestos de las manos. “Si la cara no está bien, puede significar algo completamente distinto. Así que hubo mucha atención en las expresiones faciales: los ojos, las cejas. Trabajamos muy duro en eso. La mayoría de los rostros que van a ver son nuevos”, expresó el director.

Songs in Sign Language llega a Disney+ el 27 de abril de 2026. Es importante señalar que el proyecto trabaja con la Lengua de Señas Americana (ASL), pues cada país y comunidad Sorda tiene su propia lengua de señas, con su gramática y expresividad particulares. Aun así, la iniciativa marca un precedente que podría abrir camino a experiencias similares en otras comunidades del mundo.

La decisión responde a cambios en la dinámica televisiva y al auge de las plataformas digitales, según confirmaron fuentes del equipo creativo.

La explicación oficial de la producción

El motivo central detrás de la desaparición del gag del sofá se relaciona con la intención de aprovechar mejor los minutos de cada episodio, enfocando el desarrollo en la historia principal.

Matt Selman, productor ejecutivo y guionista de Los Simpson, declaró en el pódcast Four Finger Discount que “no tenemos tiempo para un gag del sofá”. El equipo busca centrar cada minuto de pantalla en la narrativa, favoreciendo así un ritmo más dinámico desde el inicio de cada capítulo.

Esta decisión, recogida por el portal especializado Espinof, obedece tanto a dinámicas internas de producción como a las preferencias de los canales de emisión y las nuevas plataformas digitales.

La prioridad, según Selman, es mantener el ritmo narrativo ajustado al breve lapso de cada episodio, lo que se traduce en la reducción o eliminación de segmentos considerados secundarios.

El papel de las plataformas digitales en el cambio

La eliminación progresiva del gag del sofá se hizo especialmente evidente a partir de 2020. Según Espinof, en la temporada 37, solo cuatro de los 15 episodios incluyeron este segmento tradicional, convirtiendo lo que antes era una norma en una rareza. Uno de los factores determinantes ha sido la popularización del “botón de salto de introducción” en plataformas de streaming como Disney+.

El equipo creativo de Los Simpson incluso abordó este fenómeno con humor en el episodio Extreme Makeover: Homer Edition. Selman explicó que los guionistas han introducido bromas sobre la tendencia de los espectadores a omitir la introducción, lo que ha reducido la relevancia del clásico gag del sofá. De acuerdo con el análisis de Espinof, este cambio en los hábitos de consumo ha obligado a replantear el formato de apertura de la serie.

La adaptación al consumo bajo demanda y la presión por mantener la atención del espectador han impulsado a la producción a priorizar el contenido narrativo sobre los elementos tradicionales de la apertura.

Reacciones de los seguidores y el impacto en la identidad de la serie

La reducción del gag del sofá ha generado una amplia variedad de reacciones entre los seguidores. Para muchos fanáticos, las más de 450 versiones del gag representan no solo un sello distintivo de la serie, sino también parte de la memoria colectiva de varias generaciones.

Las redes sociales y foros especializados reflejan el debate en torno a esta transformación, con abundantes voces que consideran la decisión como una pérdida para la esencia del programa.

A pesar del descontento de parte del público, la producción no ha anunciado si reconsiderará la decisión en el futuro. El destino del gag parece depender tanto de la creatividad del equipo como de la presión y la nostalgia de sus admiradores más fieles.

Perspectivas a futuro: entre la innovación y la tradición

El futuro inmediato de Los Simpson plantea interrogantes sobre la permanencia o el regreso de elementos históricos como el gag del sofá. Según el portal Espinof, está en marcha una renovación por cuatro temporadas adicionales y una película prevista para julio de 2027, lo que podría ofrecer una oportunidad para reintroducir el recurso clásico o, por el contrario, consolidar su desaparición.

Parte de la crítica, representada por redactores de medios especializados, ha manifestado dudas sobre la conveniencia de eliminar un símbolo tan arraigado. La ausencia del gag podría contribuir a la percepción de desgaste de una serie que intenta adaptarse a nuevos públicos sin perder su identidad.

El retiro parcial del gag del sofá ilustra una transformación que no todos los seguidores celebran. Frente al reto de mantenerse vigente, la producción de Los Simpson debe buscar el equilibrio entre innovación y respeto a su legado más reconocible, ajustándose a los cambios tecnológicos y las expectativas de la audiencia actual.

El reconocido actor Ryan Reynolds sorprendió a los seguidores de Marvel el pasado fin de semana al confirmar que Deadpool, uno de los personajes más carismáticos de la franquicia, no volverá a ocupar el papel principal en las películas del Universo Cinematográfico de Marvel. Las declaraciones de Reynolds marcan el inicio de una nueva etapa para Wade Wilson, quien a partir de ahora quedará relegado a apariciones como personaje secundario o miembro relevante dentro de equipos de superhéroes. Esta decisión surge tras el éxito de Deadpool y Wolverine, una película que muchos identifican como un punto fuerte tras la crisis narrativa experimentada en la llamada Saga del Multiverso.

Adiós a la era de Deadpool como solitario

En entrevistas recientes concedidas a NBC, Ryan Reynolds afirmó que “Deadpool es un personaje que funciona mucho mejor en grupo”. Además, mencionó que él mismo está involucrado en nuevos proyectos de Marvel, incluso participando en la escritura de próximas historias que incluirán a su antihéroe. Sin embargo, dejó claro que no veremos nuevamente a Deadpool liderando en solitario una producción: “No creo que vuelva a centrarme en Deadpool nunca más. Es un personaje secundario. Es un tipo que es genial cuando trabaja con un grupo”.

Esta decisión, comunicada poco después del éxito comercial de Deadpool y Wolverine, representa un cambio de estrategia tanto para Reynolds como para Marvel Studios. Detrás de este giro estaría la intención de renovar la estructura narrativa del universo cinematográfico, tras recibir críticas por la saturación de personajes y los arcos argumentales inconexos en la reciente Saga del Multiverso. Específicamente, Deadpool adoptará roles de acompañamiento, lo cual permitirá su aparición en producciones colectivas como los próximos filmes de Avengers.

Repercusiones en la franquicia Marvel

Marvel ha atravesado recientemente un periodo complicado en taquilla y en cuanto a recepción crítica. Deadpool, gracias a su humor irreverente y a la interpretación de Reynolds, fue uno de los pocos personajes que logró revitalizar el interés del público. Por esta razón, su paso a un papel secundario ha generado debate entre los seguidores. Para la franquicia, esto implica modificar la composición de sus equipos y dar prioridad a historias colectivas, dejando atrás la etapa de protagonistas exclusivos.

De acuerdo con analistas, la posible presencia de Deadpool en películas grupales como Avengers: Doomsday o Avengers: Secret Wars ofrecerá un nuevo enfoque para el Mercenario Bocón. El esquema delineado por Reynolds y los creativos de Marvel permitirá que su intervención continúe siendo un recurso cómico o un elemento disruptor, favoreciendo la interacción entre los personajes. Así, la saga busca replicar la dinámica lograda en Deadpool y Wolverine, donde la relación entre ambos personajes generó gran entusiasmo entre los fanáticos.

Divergencias y reacción de los seguidores

La noticia ha evidenciado diferencias respecto al futuro del personaje. Mientras algunos ejecutivos de Marvel habían dejado abierta la posibilidad de un eventual regreso de Deadpool como protagonista, los comentarios recientes de Reynolds han sido contundentes al manifestar su preferencia por los papeles secundarios. Este cambio de dirección se atribuye en parte a la experiencia adquirida durante las entregas previas y a la observación de que Wade Wilson, pese a su carisma, alcanza mayor impacto cuando interactúa con otros héroes.

Las reacciones del público han sido inmediatas en redes sociales, donde se manifiesta una mezcla de decepción entre quienes preferían a Deadpool como figura central y la expectativa de quienes consideran estos cambios como una oportunidad para revitalizar las películas grupales. Diferentes encuestas en plataformas especializadas reflejan que, aunque un 60 % de los fanáticos lamenta la decisión, un 30 % reconoce que la química de Deadpool en equipo ha sido su mayor atractivo a lo largo de la historia.

Próximo destino de Deadpool y sus fanáticos

De confirmarse el rumbo anunciado, Deadpool aparecerá próximamente en las películas de la saga Avengers. Sin embargo, su participación se limitará a escenas de apoyo y, probablemente, a aportar momentos de humor en medio de las tramas dominadas por conflictos de gran escala. La intención es priorizar la participación colectiva, con el objetivo de brindar una experiencia más equilibrada en pantalla.

Para los aficionados, esto implicará una menor presencia del personaje en solitario, pero mayores oportunidades de verlo interactuar con otros íconos del universo cinematográfico, como Spider-Man, Capitán América o Doctor Strange. Además, Reynolds seguirá involucrado en la escritura de los guiones, lo que garantiza que la esencia irreverente de Deadpool permanecerá intacta, aunque en un formato diferente al habitual.

La apuesta de Disney y Lucasfilm trasciende la simple adaptación: la producción contará con un despliegue visual aumentado y una narrativa diseñada para liderar la siguiente etapa del universo galáctico. Se trata de la primera realización Star Wars concebida simultáneamente para pantalla grande convencional e IMAX, un movimiento que apunta a retomar el impulso comercial tras los resultados desiguales de la última trilogía y a capitalizar la fanbase revitalizada por The Mandalorian. El tráiler final, presentado en CinemaCon, incluye elementos exclusivos como la musicalización de Ludwig Göransson, ganador del Premio de la Academia, y la aparición de secuencias que combinan criaturas clásicas con nuevos personajes interpretados por talentos como Weaver y Allen White.

La transición de The Mandalorian al largometraje y la configuración del elenco

Con el anuncio de la producción cinematográfica en enero de 2024, Lucasfilm confirmó el regreso del elenco central de la serie a una escala inédita. Pedro Pascal retoma su papel como Din Djarin, acompañando a Grogu, la criatura que se ha convertido en fenómeno cultural y símbolo del universo desde su introducción. Sigourney Weaver, referente de la ciencia ficción, debuta en el canon galáctico como Coronel Ward, líder dentro de la Nueva República que dirige una misión para capturar criminales de guerra imperiales.

En la otra punta, Jeremy Allen White asume el rol de Rotta el Hutt, hijo de Jabba, reforzando la influencia de los Hutt en el periodo posimperial. El guion, firmado por Jon Favreau, Dave Filoni y Noah Kloor, articula la confrontación entre los defensores de la paz y los residuos del antiguo régimen, con un eje narrativo que centraliza la colaboración intergeneracional. Según la sinopsis oficial, la Nueva República contrata a Din Djarin y a su joven aprendiz Grogu como agentes clave para estabilizar la galaxia, con la música de Göransson disponible digitalmente desde el 15 de mayo previo al estreno.

La selección del elenco responde a una estrategia de conjugar rostros ya integrados al canon Disney+ con figuras de trayectoria consolidada en Hollywood. El rodaje, enteramente concebido para aprovechar las capacidades de la tecnología IMAX, permitirá que escenas emblemáticas como el descenso de un AT-AT imperial anunciadas en el tráiler y los combates con criaturas gigantes trasciendan el estándar televisivo.

Estrategia comercial e integración de públicos tras la última trilogía

La campaña de promoción ha centrado sus esfuerzos en trasladar a las salas el núcleo emocional y el potencial visual que durante tres temporadas distinguió a la serie. Los responsables de Lucasfilm respondieron a la tibia recepción inicial de la trilogía más reciente posicionando este largometraje como un punto de reencuentro para la comunidad Star Wars: la aparición de personajes como Babu Frik y Zeb Orrelios, junto a las referencias musicales y estéticas al legado original, aspiran a atraer tanto al público de estreno como a los seguidores históricos.

La exposición del tráiler en CinemaCon y la inclusión de secuencias orientadas al fan service —X-Wing, criaturas al estilo Rancor, peleas en la arena— refuerzan la voluntad del estudio de dotar al film de una identidad dual, capaz de conmover a nuevas audiencias y recuperar el interés de quienes habían abandonado la saga tras los desacuerdos sobre entregas previas. Para los equipos de distribución, la apuesta por la experiencia IMAX implica también abrir el abanico de productos derivados y, potencialmente, instalarlos como motores de ingresos en el segmento posterior al estreno.

El bloque central de la película se estructura en torno a la evolución de la relación entre Din Djarin y Grogu, un vínculo que representa el traspaso de responsabilidades y la maduración de los protagonistas en el contexto posimprerial. El guion subraya la transición de la protección paternal hacia la autonomía del joven aprendiz, apoyándose tanto en dinámicas ya probadas como en líneas argumentales inéditas para el cine de Star Wars y respaldadas por la dirección de Favreau y la producción ejecutiva de Kathleen Kennedy.

Nuevos arcos narrativos y perspectiva de continuidad en la franquicia

El salto de The Mandalorian a la pantalla gigante no solo amplía el espectro visual y los recursos de producción, sino que inaugura un ciclo para la expansión de Star Wars en franquicias cinematográficas independientes. La presentación de Jeremy Allen White como el heredero del clan Hutt y la incorporación de diversos personajes del universo expandido delinean una estrategia de apertura a nuevas historias, posibilitando la aparición de productos secuela y spin-off centrados en figuras recién introducidas.

El debut de Sigourney Weaver en el universo galáctico ratifica la búsqueda del estudio por aproximar públicos distintos a través de perfiles secundarios con potencial de protagonismo futuro. El diseño narrativo —desarrollado por Filoni y Favreau— anticipa alianzas inusuales y nuevas amenazas que dan pie a continuaciones o ramificaciones dentro de la cronología posimperial.

El estreno del 21 de mayo de 2026, programado tanto para salas regulares como IMAX, posiciona a The Mandalorian and Grogu como la principal inversión de Disney y Lucasfilm para relanzar la experiencia Star Wars en formato evento. La recepción de las primeras imágenes y la estrategia de vinculación emocional previo al lanzamiento indican que la película encabeza una apuesta global por reposicionar la marca frente a fanáticos y nuevos espectadores, con potencial para definir el rumbo de futuras producciones en la galaxia.

A menos de 60 días para que de inicio la edición 23 de la Copa del Mundo que se celebrará en Estados Unidos, México y Canadá, se van develando poco a poco novedades de cara a la cita deportiva del año, la primera en su historia que contará con la presencia de 48 equipos.

A la par que los seleccionados van delineando su lista de convocados entre novedades por lesiones como la de Rodrygo en Brasil o Hugo Ekitike en Francia, también se van conociendo novedades relacionadas con la transmisión de los 104 partidos por señal abierta o plataformas de streaming.

En primera instancia, DirecTV aseguró la exclusividad para América Latina, por lo que serán el único canal con la posibilidad de transmitir todos los partidos para la región. Esto deja a los canales locales como Caracol Televisión, Canal RCN y Win Sports con un número limitado de partidos, centrándose principalmente en los que dispute la selección Colombia y los más relevantes de la fase final.

En las semanas previas a la confirmación oficial, comenzaron a circular rumores sobre la posible entrada de un nuevo actor en la disputa por los intereses de los aficionados al fútbol. Diversas fuentes en redes sociales apuntaron que Disney, a través de ESPN y la plataforma Disney+ Plan Premium, iban a encargarse de la transmisión de algunos partidos seleccionados del torneo para Colombia y otros países de Sudamérica.

Dichos rumores especificaban que Disney+ transmitiría en Colombia los partidos asignados a la televisión abierta, incluyendo todos los juegos de la selección, y que la cobertura estaría a cargo de reconocidos narradores y comentaristas de ESPN, como Mariano Closs, Diego Latorre y Sebastián Vignolo. También se mencionó la cifra de 35 a 40 partidos, dependiendo del país, y la posibilidad de sumar partidos asignados a Win Sports.

La información oficial llegó posteriormente a través de ESPN en la tarde del viernes 17 de abril, anunciando la adquisición de un paquete de derechos de transmisión para Disney+ Plan Premium en Argentina, Colombia, Ecuador, Uruguay, Chile, Perú y Venezuela.

Según el comunicado de la empresa, la cobertura incluirá un total de 30 partidos: 22 de la fase de grupos, dos de la ronda de 32, dos de los octavos de final, un partido de cuartos de final, las semifinales y la final. Además, en cada país participante, ESPN en Disney+ Plan Premium transmitirá los partidos de la selección nacional correspondiente.

“Este acuerdo refuerza nuestra posición como líderes en eventos deportivos de primer nivel y nos permite seguir ofreciendo a los aficionados la emoción de la Copa del Mundo con una cobertura completa y de alta calidad”, afirmó Bruno Zurlo, director de ESPN & Networks en The Walt Disney Company Latinoamérica.

La programación incluirá partidos en directo, resúmenes, contenido complementario y la presencia de los principales talentos del equipo periodístico de ESPN. La empresa confirmó también la producción de una cobertura multiplataforma, con programación especial y contenido exclusivo para acompañar cada etapa del torneo, reafirmando su apuesta por ofrecer una experiencia integral para los aficionados.

ESPN Colombia aseguró una de sus fichas para el cubrimiento del Mundial 2026

Debido a la importancia de este cubrimiento, los rumores sobre la participación de ESPN en la transmisión del certamen no incluyó solo la cantidad de encuentros asignados, sino los periodistas involucrados.

Fue así que el portal Cápsulas, especializado en los recientes movimientos en los medios de comunicación, dio a conocer la salida de Antonio Casale de Caracol Radio y As Colombia (lugares a los que llegó poco después de su salida de RCN Radio en 2025), para comprometerse con ESPN de tiempo completo durante el cubrimiento del Mundial 2026.

Disney presentó en la CinemaCon su nueva película animada original, Hexed, que llegará a las salas de cine el 25 de noviembre. Dirigida por Josie Trinidad y Jason Hand, la producción busca consolidarse como uno de los referentes del estudio para el próximo año, apostando por una historia inédita en un entorno donde predominan las continuaciones. La película cuenta con las voces principales de Hailee Steinfeld en el papel de Billie Doe y Rashida Jones como la madre de Billie, en una trama donde lo extraordinario se integra en la vida diaria.

La magia como eje de la historia

En Hexed, la rutina aparentemente normal de la adolescente Billie Doe cambia radicalmente cuando descubre que sus particularidades son en realidad habilidades mágicas. Guiada por su madre, ambas se adentran en un mundo oculto lleno de misterios y normas propias, alterando la dinámica familiar de manera definitiva.

La película se apoya en la relación entre madre e hija para abordar el autodescubrimiento y la aceptación personal, manteniendo el estilo clásico de animación y humor característico de Disney. Durante la presentación en CinemaCon se mostraron escenas en las que Billie participa en una singular prueba de personalidad, utilizando un libro y una pluma que hablan y le revelan la entrada a este universo mágico.

Elenco y dirección con experiencia

Hailee Steinfeld, reconocida por su trabajo tanto en cine como en televisión, da voz a la protagonista Billie Doe, una joven que oscila entre la torpeza y su potencial mágico. Rashida Jones interpreta a la madre de Billie, un personaje fundamental que pasa de la incredulidad al asombro al acompañar a su hija en el descubrimiento de esta nueva realidad.

La dirección está a cargo de Josie Trinidad y Jason Hand, quienes aportan experiencia gracias a su labor previa en otros filmes animados de Disney. La producción cuenta con el respaldo de Roy Conli y Juan Pablo Reyes Lancaster-Jones, mientras que Jared Bush participa como productor ejecutivo, formando así un equipo creativo sólido detrás del proyecto.

Una propuesta inédita en tiempos de secuelas

En el contexto actual de Disney, donde prevalecen las secuelas con miras a asegurar buenas recaudaciones, Hexed representa una singularidad optimista al ofrecer una historia completamente original. El estudio busca equilibrar el interés comercial con la innovación, permitiendo al público disfrutar de una aventura fresca e independiente. Las primeras imágenes de la película muestran una atmósfera mágica que, según quienes asistieron a la CinemaCon, recuerda a Wicked, lo que anticipa un entorno visualmente distintivo respecto a otras producciones recientes del estudio. El estreno de Hexed se perfila como uno de los principales acontecimientos cinematográficos familiares del año, con la expectativa enfocada en el impacto de su mensaje sobre la aceptación de las diferencias propias y ajenas.

Hexed desarrolla una narrativa en la que la magia simboliza las diferencias personales, destacando cómo estas pueden transformar las relaciones familiares y abrir nuevas posibilidades. Hasta el momento solo se ha revelado una imagen promocional y fragmentos del metraje en un evento privado, lo que mantiene elevada la curiosidad y las expectativas para su estreno en las salas de cine.

Disney y Lucasfilm han generado una gran expectación entre los fanáticos con el lanzamiento del tráiler final de The Mandalorian and Grogu. Desde su inicio, la referencia al tema musical de Yoda y la imagen de Grogu en meditación sugieren una clara intención de apelar a la nostalgia. La producción no pretende solo destacar en el aspecto visual, sino también explorar nuevas dinámicas entre los protagonistas, especialmente la relación entre Din Djarin y su joven aprendiz Grogu.

Desarrollo de la trama y enfoque en los protagonistas

La película se sitúa en una época de transición para la galaxia, donde la caída del Imperio ha dejado a sus antiguos líderes dispersos y fugitivos. La Nueva República, en su esfuerzo por salvaguardar la paz y mantener los logros de la Rebelión, confía en el cazarrecompensas Din Djarin, interpretado por Pedro Pascal, y en Grogu. A ellos se une el Coronel Ward, personaje interpretado por Sigourney Weaver, que encabeza una misión destinada a capturar criminales de guerra imperiales que aún representan una amenaza para la estabilidad galáctica.

Estas primeras revelaciones sitúan a los protagonistas en un viaje de desarrollo personal y colaboración, marcado tanto por el peligro y la acción como por la responsabilidad entre generaciones. Según Lucasfilm, el recorrido de Grogu junto a Din Djarin explora la transición de la protección paternal hacia la autonomía y el traspaso de responsabilidades. El propio tráiler subraya la idea de protección mutua entre generaciones, incorporando un elemento emotivo que va más allá del espectáculo visual.

Referencias nostálgicas y vínculos con la saga

El adelanto presentado en CinemaCon muestra que Disney apuesta por la nostalgia, especialmente a través de la música y la estética. Hay un esfuerzo por conectar la película con la memoria emocional de los seguidores de Star Wars; el uso inicial del tema de Yoda asocia a Grogu no solo con la tradición Jedi, sino también con quienes crecieron junto a los personajes originales. El avance también aporta humor, presenta criaturas clásicas y destaca la presencia de los X-Wing, elementos que recuperan el tono épico característico del universo desde sus inicios.

Además, la película amplía la variedad de personajes mediante la inclusión de figuras como Zeb Orrelios, los Hutt Twins y los Anzellans, provenientes del universo expandido y la serie de Disney+. Jeremy Allen White debuta como Rotta el Hutt, hijo de Jabba. Esta diversidad demuestra la intención de Lucasfilm de trasladar la herencia de The Mandalorian al cine, fortaleciendo la familiaridad y el sentido de pertenencia tanto para los seguidores veteranos como para el nuevo público.

Impacto en los fanáticos y expectativas comerciales

Después de tres temporadas en Disney+ marcadas por el aumento de seguidores de Din Djarin y Grogu, el salto de The Mandalorian and Grogu a la pantalla grande representa para Disney una oportunidad de reconectar con la audiencia tras la fría acogida de la última trilogía. Según las reacciones recogidas por la prensa especializada, este último tráiler refuerza el énfasis en el fan service, con secuencias de acción más llamativas, una mayor presencia de personajes queridos y un despliegue visual que establece la diferencia entre el formato televisivo y el cinematográfico.

Conscientes de la tibia respuesta inicial a la campaña promocional, los responsables de Lucasfilm han procurado dotar a la película de una dimensión emocional más profunda. Las frases referentes a la protección de los pequeños y el traspaso generacional se convierten en piezas clave para definir el tono general, orientadas a conmover y fomentar la experiencia colectiva en las salas. Así, la película espera reunir nuevamente a la comunidad fan en torno a los protagonistas más populares de la etapa de Disney y recuperar el interés de quienes se distanciaron tras los desacuerdos sobre las entregas anteriores.

La experiencia visual y el regreso al cine

El paso de The Mandalorian al cine ha permitido a Lucasfilm aumentar la escala visual y la cantidad de escenas de acción. El tráiler muestra persecuciones en el espacio, combates con criaturas de gran tamaño y la participación de naves como los X-Wing, recursos icónicos que han definido la identidad visual de Star Wars. La principal diferencia con la serie se encuentra en el tratamiento de los escenarios, la calidad de los efectos y la sensación de asistir a un evento especial: una película diseñada por Disney y Lucasfilm para marcar el renacimiento de la franquicia en la pantalla grande.

Las salas de cine e IMAX en todo el mundo recibirán este estreno el 21 de mayo de 2026, aumentando las expectativas sobre el éxito comercial de la cinta y su capacidad para originar nuevas historias y productos derivados. Para muchos, más allá del espectáculo visual, el principal atractivo reside en la evolución de la relación entre Din Djarin y Grogu, y en la habilidad del filme para cautivar a públicos de distintas generaciones a través de una combinación de aventura, emoción y referencias al extenso legado de Star Wars.

El lanzamiento público del tráiler coincide casi exactamente con un mes de antelación respecto al debut en salas de la que será la nueva película de Star Wars en cines después de siete años (la anterior fue Star Wars: Episodio IX: El ascenso de Skywalker en 2019).

El anuncio incluye la participación de Pedro Pascal como Din Djarin y de Grogu, además de la incorporación en el reparto de actores como Sigourney Weaver, Jeremy Allen White, Steve Blum, Matthew Willig, Hemky Madera, Jonny Coyne, London Stubblefield, Christopher Alan Robinson, Portia D. Harris, Evan Shafran y Martin Scorsese, quien realizará un cameo de voz.

Qué propone ‘The Mandalorian and Grogu’

El avance difundido durante la conferencia de Disney en la CinemaCon refuerza el peso emocional del vínculo entre Din Djarin y Grogu, situando su relación en el centro del relato. La trama introduce la advertencia de la coronel Ward (interpretada por Sigourney Weaver) quien subraya que la misión que acompaña a los protagonistas consiste en frenar a los señores de la guerra del antiguo Imperio Galáctico, con el objetivo de “prevenir otra guerra” más que buscar venganza. El tráiler también muestra la interacción de Grogu con los Anzellans y la presencia destacada de personajes como Embo o Garazeb “Zeb” Orrelios, interpretados por Steve Blum y otros, aportando contexto y continuidad a la saga.

El material promocional incorpora elementos clásicos para la franquicia, desde la evocación musical (con el tema de Yoda compuesto por John Williams subrayando la nostalgia) hasta escenas de acción, viajes a través de hiperespacio y la introducción de planetas inéditos y criaturas características, como Rotta the Hutt (con la voz de Jeremy Allen White). El tráiler sugiere, además, que el vínculo entre los protagonistas podría verse alterado, ya que se plantea la posibilidad de una separación futura entre Din Djarin y Din Grogu, apuntando a la evolución de Grogu como potencial protector de su padre adoptivo gracias a su formación dual.

La esperanza de un nuevo ciclo de ‘Star Wars’

El impulso promocional que ha precedido a este lanzamiento final responde a las críticas que había recibido Disney por la gestión anterior de la campaña de marketing, especialmente tras el breve y poco aprovechado spot durante la Super Bowl.

En la vertiente del reparto, además de los mencionados, la información confirmada incluye la participación puntual de Martin Scorsese en formato cameo de voz, alineando el debut con la promesa de un nuevo ciclo para el universo Star Wars. A su vez, destaca la presencia tanto de personajes veteranos conocidos por los seguidores de las series de animación, como de nuevas incorporaciones y referencias nostálgicas.

La combinación de elementos clásicos y novedades en el tráiler ha sido recibida como una aproximación fiel al espíritu original de la franquicia. El material muestra tanto la dimensión aventurera como aspectos íntimos y emocionales vinculados a la relación central de los protagonistas, enmarcando el largometraje como inicio de una nueva fase en el universo galáctico creado por Lucasfilm y dirigido por Jon Favreau.

El actor Dwayne Johnson presentó por primera vez imágenes de la nueva versión en acción real de Vaiana (Moana en territorio internacional) durante el evento CinemaCon en Las Vegas. La película, dirigida por Thomas Kail (conocido hasta el momento por adaptar musicales como Hamilton o la miniserie Fosse/Verdon) y producida por Disney, llegará a los cines el próximo 10 de julio.

El actor compartió en el escenario una fotografía de su abuelo, High Chief, a quien tomó como inspiración para el personaje de Maui. “Viví con este personaje más de 10 años”, afirmó Johnson, quien ya había interpretado al semidiós tanto en la versión animada de 2016 como en la secuela de 2024. El intérprete destacó: “La versión animada fue una experiencia increíble para nosotros como pueblo polinesio. Maui se inspiró profundamente en mi abuelo y ha sido muy importante para mí”.

Catherine Laga’aia, quien encarna a Vaiana en la nueva producción, celebró la oportunidad de formar parte del proyecto: “Crecí viendo Moana con mi familia, así que ser parte de su historia me emociona mucho”, expresó la actriz australiana de acuerdo con el medio.

Qué esperamos del ‘live action’

Disney describe el filme como una “reinterpretación” del original nominado al Oscar, que en 2016 recaudó más de 600 millones de dólares en taquilla. La secuela lanzada en 2024 superó 1.000 millones de dólares, según los datos proporcionados por el estudio a The Hollywood Reporter.

El elenco lo completan John Tui como Chief Tui, Frankie Adams como Sina y Rena Owen como Gramma Tala. La música original fue compuesta por Lin-Manuel Miranda (nominado al Oscar en dos ocasiones, entre ellas, por la canción Dos oruguitas, de la película Encanto), Opetaia Foaʻi y Mark Mancina, quien también trabajó en la banda sonora. La ‘exintérprete’ de Moana en la animación, Auliʻi Cravalho, se suma como productora ejecutiva, igual que Scott Sheldon y Charles Newirth.

En principio, el ‘live action’ de Vaiana se centraría en los acontecimientos de la película original, en la que una joven se atreve a embarcarse en una peligrosa aventura marítima para devolver el equilibrio al ecosistema, ya que este se ha visto alterado y se encuentra en peligro de destrucción.

Por el camino, se encontrará con un semi-dios, Maui, que fue desterrado por robarle el corazón a la diosa Te Fiti, precisamente el objeto que ahora Vaiana tiene que devolver para restaurar la paz y apaciguar la furia del demonio Te Kā.

Una película llena de música

La película animada de 2016 fue nominada a dos Oscar: mejor largometraje de animación, y mejor canción original, How Far I’ll Go, de Lin-Manuel Miranda. En España el tema se tituló Qué hay más allá, y fue interpretado por la cantante María Parrado.

Suponemos que este tema también se incluirá en la nueva propuesta en imagen real, así como el que interpretaba Dwyane Johnson, uno de los más celebrados, titulado en español, De nada y que se convertía en uno de los mejores momentos de la película, en el que lo veíamos celebrando su vis cómica que tantas veces hemos visto en la pantalla en películas como Red One o Jumanji, por poner solo unos pocos ejemplos.

Durante una entrevista reciente, el actual director ejecutivo de Apple, Tim Cook, compartió un episodio poco conocido de la transición en el liderazgo de la empresa tras la muerte de Steve Jobs.

Según relató Cook, Jobs le advirtió: “Nunca te preguntes qué haría yo”, una frase que marcó el inicio de una nueva etapa en la historia de la compañía. El consejo Jobs buscaba impedir que la organización quedara anclada a la figura del fundador y, en su lugar, alentaba a sus sucesores a actuar con independencia.

Por qué Steve Jobs aconsejó a Tim Cook evitar el “¿qué haría yo?”

La advertencia de Steve Jobs a Tim Cook tiene su origen en una experiencia personal, vivida mientras estuvo fuera de Apple. Tras vender casi todas sus acciones en la compañía, salvo una, Jobs se enfocó en su rol como principal inversionista y presidente de Pixar.

En ese periodo, observó cómo Disney enfrentó una crisis directiva en la década de 1980. Jobs quedó impactado por la “parálisis” que se produjo en la compañía al tratar de adivinar qué habría hecho Walt Disney en situaciones clave.

Jobs no deseaba que Apple sufriera el mismo estancamiento. Al regresar como director ejecutivo en 1997, trasladó esa preocupación a la empresa y a su sucesor.

Cook citó la instrucción de Jobs: “Nunca te preguntes qué haría yo en tu lugar, tan sólo haz lo correcto”, una directriz que puede buscar preservar el legado sin impedir el avance.

De qué forma convenció Steve Jobs a Tim Cook para ir a Apple en plena crisis

El año 1998 resultó decisivo para Apple, que entonces se encontraba al borde de la quiebra. Steve Jobs, recién restituido como director ejecutivo, identificó en Tim Cook el perfil necesario para rescatar a la empresa.

Cook, que ocupaba el cargo de vicepresidente de operaciones globales en Compaq, no tenía intención de cambiar de empleo y rechazó los primeros acercamientos de Jobs.

La oferta salarial de Apple superaba el millón de dólares sumando sueldo y bonificaciones, un monto excepcional considerando el contexto financiero de la empresa.

Según relató Cook, su decisión cambió tras una reunión personal con Jobs. “Tuve una sensación. Sentí que no podía dejar pasar esa oportunidad”, declaró el CEO sobre el momento que marcó el inicio de su historia en la compañía.

Cómo ha sido la evolución de Apple a lo largo de su historia

La trayectoria de Apple está marcada por ciclos de éxito, crisis y reinvención. Desde la introducción del Apple II en 1977, que vendió seis millones de unidades, hasta el lanzamiento del Mac en 1984, la empresa se ha caracterizado por su capacidad de adaptación.

El despido de Jobs en 1985 y su regreso en 1997 redefinieron la estrategia de la compañía, que lanzó productos emblemáticos como el iMac, el iPod y el iPhone.

Tras la muerte de Jobs en 2011, Cook asumió la dirección. Aunque recibió críticas por una supuesta falta de innovación en comparación con su antecesor, la gestión de Cook ha permitido que Apple alcance y mantenga el liderazgo en la capitalización bursátil global.

La empresa se ha situado durante largos periodos como una de la más valiosa del mundo, superando a otros gigantes tecnológicos y diversificando su portafolio.

Cuáles logros ha tenido Tim Cook al frente de Apple

Bajo el mando de Cook, Apple amplió su ecosistema más allá del iPhone, con productos como el Apple Watch en 2015 y los AirPods, que redefinieron los mercados de wearables y audio inalámbrico.

Asimismo, la compañía incursionó en la computación espacial con el lanzamiento de las Vision Pro y consolidó una nueva era técnica al desarrollar sus propios chips, Apple Silicon.

Los aficionados a los videojuegos retro y los seguidores de Disney se han encontrado con una noticia inesperada: la compañía ha eliminado de las principales plataformas digitales, como Steam y GOG, un total de 14 títulos de su catálogo, según informó IGN.

La decisión se produjo sin previo aviso ni explicación oficial por parte del gigante del entretenimiento, lo que ha generado inquietud y descontento entre la comunidad de jugadores. Se trata, además, de la segunda vez en lo que va del año que Disney retira una cantidad significativa de juegos de sus tiendas digitales.

Los 14 juegos eliminados

La lista de títulos retirados abarca, principalmente, adaptaciones de películas populares de Disney, junto con algunos clásicos de culto. Los juegos que ya no están disponibles para su compra en Steam y GOG son los siguientes:

• Disney Bolt
• Disney’s Chicken Little
• Disney G-Force
• Disney•Pixar Brave: The Video Game
• Disney Pirates of the Caribbean: At Worlds End
• Disney Princess: My Fairytale Adventure
• Disney’s Treasure Planet: Battle of Procyon
• Disney Tangled
• Disney Universe
• Disney High School Musical 3: Senior Year Dance
• Outlaws + A Handful of Missions (clásico de 1997)
• Planet of the Apes: Last Frontier
• Star Wars Rebellion
• Star Wars Dark Forces (clásico de 1995)

Entre los títulos retirados se encuentran propuestas para distintos públicos, desde aventuras inspiradas en películas animadas hasta juegos de acción y estrategia. Las ausencias más notorias afectan a tres clásicos de Star Wars: Dark Forces, Outlaws y Star Wars Rebellion, que ocupan un lugar especial en la historia de LucasArts y el universo de los videojuegos.

Impacto de la eliminación en los clásicos de Star Wars

La retirada de estos tres juegos de Star Wars ha causado particular malestar entre los fans, indica el portal 3D Juegos. En el caso de Star Wars: Dark Forces y Outlaws + A Handful of Missions, recientemente recibieron remasterizaciones a cargo de Nightdive Studios, que actualizaron gráficos y controles para adaptarlos a los estándares actuales.

Sin embargo, la desaparición de las versiones originales resulta llamativa, ya que la tendencia en la industria apunta a mantener disponibles tanto las ediciones clásicas como las remasterizadas, como ha hecho Capcom con Resident Evil 2 y 3.

Star Wars Rebellion destaca como una de las pérdidas más sensibles. Este título de estrategia, lanzado en 1998, fue pionero en trasladar el universo de Star Wars al género, combinando gestión en 2D con batallas espaciales en 3D e incorporando un numeroso elenco de personajes jugables, incluidos muchos del antiguo universo expandido. Su estatus de juego de culto y su valor histórico hacen que su ausencia se sienta especialmente entre los coleccionistas y entusiastas de la saga.

¿Regresarán estos juegos a las tiendas digitales?

Por el momento, la posibilidad de que estos títulos regresen a Steam, GOG o plataformas similares es incierta. En casos anteriores, Disney ha retirado juegos sin dar motivos claros, y la explicación suele estar relacionada con la expiración de licencias más que con la existencia de versiones alternativas. Hace apenas tres meses, la compañía eliminó otra tanda de 14 juegos clásicos, ninguno de los cuales ha sido reinstaurado en las tiendas digitales.

Por su parte el medio especializado PC Gamer sugiere la posibilidad de que Disney podría estar planeando relanzar parte de su catálogo en la Epic Games Store, ante rumores de un posible interés por parte de Disney en adquirir la empresa. Además, se menciona que Epic Games estaría desarrollando un extraction shooter protagonizado por personajes de Disney, lo que podría abrir la puerta a nuevas estrategias de distribución y exclusividades.

Por ahora, quienes ya posean estos juegos podrán seguir descargándolos y jugándolos, pero quienes no lo hayan hecho pierden la oportunidad de acceder a una parte importante del legado interactivo de Disney. El futuro de estos títulos permanece incierto, y los seguidores de los clásicos deberán estar atentos a los próximos movimientos de la compañía.