Hilary Duff reconoció que estaba “harta” de interpretar a Lizzie McGuire cuando concluyó la película de 2003 que puso fin a la popular serie de Disney Channel, y que durante años se negó a cantar el tema más conocido de aquella etapa.

En una entrevista publicada por Paper Magazine, la actriz y cantante habló sobre el cansancio que le provocó el rodaje acumulado de la serie y el largometraje.

“Estaba bastante harta de Lizzie en ese momento. Filmé 30 episodios un año y 35 el siguiente. Me convertí en una gran estrella. Todos me llamaban Lizzie”, declaró Duff. “Y luego fui a Italia a filmar esa película, y creo que solo pensé: ‘Estoy jodidamente harta de ti’. Quiero que la gente me vea a mí. Esto ya no es divertido”.

Lizzie McGuire se estrenó en enero de 2001 y se convirtió en uno de los programas más vistos del canal, con un promedio de 2,3 millones de espectadores por episodio.

La serie contó con Lalaine, Adam Lamberg, Jake Thomas, Hallie Todd y Robert Carradine en su elenco, y cerró en 2004 con un total de 65 episodios, además del filme.

La película, que funcionó como cierre de la historia, situaba a la protagonista en un viaje de graduación a Roma, donde era confundida con una estrella del pop italiana.

Para Duff, aquel rodaje fue el momento de quiebre. “En ese momento estaba bastante agotada. Estaba intentando crear a Hilary Duff por separado de Lizzie”, señaló en la misma entrevista.

Ese distanciamiento se extendió también a la música. Durante años, la actriz rechazó interpretar en vivo What Dreams Are Made Of, la canción central de The Lizzie McGuire Movie.

“Estaba en el punto en el que pensé: ‘Nunca voy a cantar esa canción’. Y ni siquiera la tenía. No era mi canción para cantar. Pero ahora siento que sí lo es”, afirmó en declaraciones a Paper Magazine.

Hilary Duff volvió a cantar ‘What Dreams Are Made Of’ por primera vez en vivo durante su gira de 2026

Duff reincorporó el tema a su carrera en 2026, al regrabarlo para su EP (Mine), una colección de siete versiones nuevas de sus mayores éxitos. Fue también la primera vez que lo interpretó ante el público, durante su gira Small Rooms, Big Nerves Tour.

“Ahora cuando lo canto, se siente mucho mejor, y puedo unirme a la celebración de lo que significó para la gente y lo que significa para mí ahora”, expresó.

Al mirar en retrospectiva ese período, la artista admitió que le habría gustado vivirlo de otra manera.

“Cuando miro atrás, pienso: ojalá pudiera volver a hacerlo. Todo fue tan enloquecedor. Me alegra mucho que haya resonado en la gente tantos años después, y que lo hayan amado. Pero cuando lo interpreto ahora, pienso: ‘Ah, estoy metida en esto’. En aquel entonces siento que aún no estaba del todo en mi cuerpo”, dijo en la misma entrevista.

La posibilidad de retomar el personaje sigue abierta. En 2019, Disney+ anunció un reboot que situaba a Lizzie a los 30 años viviendo en Nueva York, pero el proyecto fue cancelado en 2020 por diferencias creativas.

En una entrevista de 2022 con The Cut, Duff dejó ver que aún consideraba posible ese regreso. “Creo que siempre existe esa posibilidad. E incluso si tiene 40 años, no creo que a la gente le importe. Siempre va a ser algo interesante ver en qué terminó”, declaró entonces.

Hilary Duff llevó a sus cuatro hijos y a su esposo en la gira mundial

La vuelta de Duff a los escenarios implicó una reorganización de su vida familiar. Antes de lanzar su regreso musical —con el álbum Luck… or Something, publicado en febrero y que debutó en el número 3 del Billboard 200—, la artista mantuvo lo que describió como “una conversación muy seria” con su esposo, Matthew Koma, sobre cómo encajar una gira mundial en su dinámica con cuatro hijos.

“Lloré mucho solo de pensar en dejar a mis hijos por un período prolongado”, reconoció en su portada de Billboard publicada el 5 de noviembre.

Al mismo tiempo, señaló que realizar la gira era “algo que forma parte de mi alma y lo único que realmente he conocido desde que era una niña”.

La solución fue llevar a toda la familia en la ruta. Su hijo Luca, fruto de su relación con el exjugador de hockey Mike Comrie, y sus tres hijas Banks, Mae y Townes, que tiene junto a Koma, acompañaron a la artista durante los meses de gira.

El recorrido incluyó Norteamérica, Europa, Nueva Zelanda y Australia, arrancó en junio y concluyó a finales de octubre.

La experiencia resultó agotadora. “Fue un verano muy divertido y nunca quiero volver a hacerlo”, declaró la artista con ironía en su portada de Billboard. Duff reconoció que, incluso con el apoyo de niñeras que viajaron con ellos, compaginar la maternidad con las exigencias de la gira resultó abrumador. “Al final del día, los chicos quieren a su mamá”, sintetizó.

La artista tiene un descanso antes de retomar los conciertos en enero de 2027, con fechas programadas hasta finales del próximo otoño. Su regreso musical también incluyó el lanzamiento del EP navideño Holiday Things, su primera entrega desde Mine.

Adam Driver cerró definitivamente la puerta a su regreso como Kylo Ren en la saga Star Wars, al confirmar que el proyecto The Hunt for Ben Solo —que él mismo desarrolló junto al director Steven Soderbergh— quedó archivado luego de que los ejecutivos de Disney lo rechazaran.

“Ya terminó… No más Star Wars”, dijo Driver en una reciente aparición en The Rich Eisen Show.

El actor explicó que él y Soderbergh intentaron llevar adelante una película autónoma centrada en el personaje de Kylo Ren, pero chocaron contra la negativa de los máximos responsables del estudio.

“Siempre estuve interesado en hacer otra Star Wars”, afirmó. “Presentamos el guion a Lucasfilm. Les encantó la idea. Entendieron completamente nuestro enfoque y por qué lo hacíamos. Se lo llevamos a Bob Iger y Alan Bergman, y dijeron que no. No veían cómo Ben Solo podía estar vivo. Y así quedó.”

Bob Iger y Alan Bergman, ejecutivos de Disney, fueron los encargados de dar el rechazo definitivo.

Driver detalló que el trabajo de desarrollo fue extenso y serio: “Trabajamos en esto durante algunos años, de verdad y con compromiso. Logramos un guion muy bueno junto a Scott Burns, Rebecca Blunt, Soderbergh y yo. Todos trabajamos en ello… Era increíble. Era muy bueno. Pero uno no decide estas cosas”, afirmó en The Rich Eisen Show.

Cuando el conductor Rich Eisen le preguntó si regresaría al proyecto en caso de que alguien lo “resucitara”, Driver fue escueto: “Si ellos quisieran, bien. Pero no depende de nosotros. Creo que el barco ya zarpó”, sostuvo.

El actor reconoció la reacción de los fans ante la cancelación, que calificó de “bastante increíble”. “No esperaba que fueran a haber vallas publicitarias y gente sobrevolando Disney con aviones y cosas así. Eso estuvo bastante bien”, comentó.

Un grupo de seguidores de Star Wars financió un avión que sobrevoló los estudios de Walt Disney en Burbank, California, con una pancarta que rezaba “Save The Hunt for Ben Solo”.

En abril, Soderbergh había expresado una postura similar, al señalar que la película “habría ocurrido”, “si iba a ocurrir”.

Adam Driver es Mr. Sinister en el reinicio de X-Men

Mientras cierra su etapa en la galaxia de Star Wars, Driver abre un nuevo capítulo en el universo cinematográfico de Marvel (UCM).

El productor Kevin Feige anunció en la convención D23 que el actor interpretará al villano Mr. Sinister —cuyo nombre completo en los cómics es Nathaniel Milbury— en el reinicio de X-Men, dirigido por Jake Schreier y previsto para el 5 de mayo de 2028.

“Kevin y yo llevamos años hablando de mi incorporación al UCM”, dijo Driver durante D23. “Ahora siento que encontramos la película perfecta, en el momento perfecto, con personajes que me importan profundamente”, añadió.

El elenco revelado en D23 incluye a Sadie Sink como Jean Grey, Kit Connor como Cyclops, Christopher Abbott como el Profesor X, Samara Weaving como Emma Frost, Inde Navarrette como Rogue y Maya Boyd como Tormenta.

Feige adelantó que la historia girará en torno a Jean Grey, personaje que ya hizo su debut en Spider-Man: Brand New Day.

La película fue pensada para llegar a los cines tras el final de la Saga del Multiverso, Avengers: Secret Wars. El guion estará a cargo de Lee Sung Jin —creador de Beef—, Joanna Calo y Michael Lesslie.

Schreier ya había trabajado en el UCM con Thunderbolts*, conocida posteriormente como The New Avengers, estrenada en 2025.

La incorporación de Driver al UCM se produce luego de años en los que su nombre circuló como candidato para distintos papeles dentro del universo, entre ellos el de Míster Fantástico, rol que finalmente quedó en manos de Pedro Pascal.

La música, los paisajes y la historia de la familia Madrigal volverán a la pantalla grande en Colombia con una función que tendrá un propósito adicional: apoyar a quienes resultaron afectados por el terremoto del pasado 10 de agosto.

‘Encanto’, la película de Disney inspirada en la cultura colombiana, tendrá un nuevo estreno en salas nacionales desde el próximo 12 de noviembre.

La iniciativa fue anunciada por The Walt Disney Company en Latinoamérica y Cinecolor Colombia. Ambas compañías informaron que entregarán a la Cruz Roja Colombiana las regalías que les correspondan por la exhibición de la cinta. El dinero recaudado se destinará a contribuir con la atención y recuperación de las comunidades damnificadas por el movimiento telúrico.

De esta manera, quienes compren una entrada podrán sumarse a la campaña. Disney dio a conocer el regreso de la producción a través de sus redes sociales con el mensaje: “La magia de Casita vuelve para hacer algo extraordinario”. Por ahora, no se han informado los cinemas en los que estará disponible la película.

Ayuda para las regiones afectadas

La campaña está dirigida a poblaciones de Chocó, Valle del Cauca, Quindío, Risaralda y Caldas, departamentos afectados por el sismo de magnitud 7,4 registrado el 10 de agosto. El epicentro se ubicó en San José del Palmar, Chocó, y el evento dejó consecuencias en distintas zonas del occidente y suroccidente del país.

Según el balance oficial consolidado en octubre, la emergencia dejó 335 personas fallecidas, 103 desaparecidas y 4.516 heridas. A esas cifras se suman los daños materiales registrados en los territorios afectados, que ahora hacen parte del objetivo de apoyo de esta iniciativa.

Las empresas anunciaron que los recursos correspondientes a sus regalías serán entregados a la Cruz Roja Colombiana para respaldar las labores dirigidas a las comunidades. La campaña vincula así la exhibición de una producción ampliamente reconocida con una alternativa para que el público contribuya a la respuesta y recuperación tras la emergencia.

La fecha prevista para el reestreno en Colombia es el 12 de noviembre. La información sobre las salas participantes todavía está pendiente, por lo que los espectadores deberán esperar nuevos anuncios para conocer dónde podrán adquirir sus entradas.

El sello colombiano de ‘Encanto’

Estrenada originalmente en 2021, ‘Encanto’ sigue a los Madrigal, una familia colombiana que vive en una casa mágica, en medio de las montañas y de un pueblo lleno de vida. Sus integrantes reciben dones extraordinarios que los ayudan en su cotidianidad, pero Mirabel es la única que no tiene un poder especial. Cuando descubre que la magia que protege a su hogar está en peligro, decide buscar la manera de salvar a su familia.

La casa funciona como el centro de la vida de los Madrigal. Entre los dones familiares hay habilidades como la superfuerza y el poder de sanar, mientras Mirabel intenta encontrar su lugar sin contar con una capacidad sobrenatural propia. La película fue dirigida por Jared Bush y Byron Howard, y llevó a audiencias internacionales referencias a la geografía, la biodiversidad, la música y las tradiciones de Colombia. Su historia combina elementos fantásticos con las relaciones familiares y las dificultades que enfrentan sus personajes.

En 2022, la producción obtuvo el Óscar a mejor película de animación. También alcanzó gran reconocimiento por su música, especialmente por canciones como ‘No se habla de Bruno’ y ‘Dos oruguitas’, interpretada por el colombiano Sebastián Yatra.

El regreso a los cines permitirá volver a ver la historia en pantalla grande y, al mismo tiempo, participar en una iniciativa solidaria. La entrega de las regalías a la Cruz Roja Colombiana busca que la exhibición tenga un beneficio para las comunidades que aún enfrentan las consecuencias del terremoto.

Una misión para encontrar a Annabeth y Artemisa

La historia comenzará después de una misión de rescate en una academia militar que sale mal. Annabeth Chase, interpretada por Leah Sava Jeffries, queda en manos de las fuerzas de Cronos, mientras Artemisa, diosa de la caza, también desaparece tras ser capturada y encadenada.

Percy Jackson se niega a esperar en el campamento e inicia una búsqueda junto con Grover Underwood. El recorrido los obligará a cruzar Estados Unidos, colaborar con las Cazadoras de Artemisa y sumar aliados con los que mantienen una relación tensa. Entre ellos estará Thalia Grace, cuya aparición al final de la etapa anterior cambia el equilibrio entre los descendientes de los dioses más poderosos.

La misión tendrá un límite concreto: el grupo deberá liberar a Artemisa antes del solsticio de invierno. En esa fecha, el Consejo de los Dioses se reunirá para tomar decisiones que pueden definir el futuro del Olimpo y su respuesta frente al ejército de Cronos.

El tráiler también introduce una profecía que advierte sobre consecuencias graves para quienes participen del rescate. Esa predicción se conecta con la Gran Profecía del Oráculo de Delfos, según la cual un descendiente de Zeus, Poseidón o Hades tendrá la capacidad de salvar el Olimpo o provocar su destrucción. Percy queda en el centro del conflicto por ser hijo de Poseidón, aunque todavía desconoce el alcance completo de su papel.

La separación de Percy y Annabeth aporta un motivo personal a la expedición. Después de superar juntos las dos primeras misiones, Percy deberá actuar sin una de sus principales aliadas y enfrentarse a enemigos vinculados directamente con el conflicto entre dioses y titanes.

Nuevos dioses y semidioses en el reparto

Dafne Keen, conocida por interpretar a Laura en Logan y Deadpool y Lobezno, encarnará a Artemisa. El personaje tendrá una participación central debido al secuestro que pone en marcha la historia y a la presencia de sus cazadoras, un grupo de guerreras inmortales que renuncian a los vínculos románticos para seguir a la diosa.

La temporada incorporará a Kate McKinnon como Afrodita, diosa del amor; Ming-Na Wen como Hera, reina de los dioses; y Andra Day como Atenea. La llegada de Atenea también afecta directamente a Annabeth, quien es una de sus hijas semidiosas.

Otros dos personajes clave serán Nico di Angelo y Bianca di Angelo, interpretados por Levi Chrisopulos y Olive Abercrombie, respectivamente. Los hermanos ingresan en la historia durante los acontecimientos de La maldición del titán y tendrán importancia en las siguientes entregas de la saga literaria.

Entre los integrantes que regresan están Walker Scobell como Percy, Aryan Simhadri como Grover, Charlie Bushnell como Luke Castellan, Dior Goodjohn y Tamara Smart como Thalia. Daniel Diemer, anunciado anteriormente como parte del elenco, también integra la nueva etapa.

La serie fue creada para televisión por Rick Riordan y Jonathan E. Steinberg. Riordan continúa involucrado en la adaptación, que hasta ahora siguió el orden de las novelas: la primera temporada trasladó El ladrón del rayo, la segunda tomó como base El mar de los monstruos y la tercera avanzará con La maldición del titán.

Fecha de estreno y calendario de episodios

La tercera temporada tendrá ocho capítulos. Disney+ publicará los dos primeros el 20 de noviembre de 2026 y luego estrenará otros dos por semana. Con ese calendario, los episodios finales estarán disponibles el 11 de diciembre.

El lanzamiento en bloques dobles hará que la temporada completa se desarrolle durante cuatro semanas, en lugar de liberar todos los capítulos el mismo día. Las dos entregas anteriores permanecerán disponibles en Disney+ para quienes quieran recuperar la historia antes del estreno.

La maldición del titán marca el momento en que los enfrentamientos aislados con monstruos comienzan a formar parte de una guerra mayor. La novela desarrolla la amenaza de Cronos, amplía la Gran Profecía e introduce personajes que seguirán vinculados con Percy durante el resto de la saga. Los dos primeros episodios de esta adaptación llegarán a Disney+ el 20 de noviembre de 2026.

Michelle St. Jacques asumirá como primera directora de marketing de Beast Industries, la compañía del youtuber MrBeast, en un movimiento que confirma la expansión del gigante digital más allá de su canal de YouTube.

La ejecutiva, que desde febrero se desempeñaba como presidenta de bienes de consumo y supervisaba Feastables, la marca de golosinas de la empresa, sumará ahora la conducción total del área de marketing sin dejar sus funciones previas. Trabajará desde Chicago, según informó Business Insider.

Por qué Beast Industries creó el cargo de CMO

La búsqueda de un director de marketing comenzó este año y refleja las ambiciones crecientes de la compañía, que busca convertirse en un conglomerado de entretenimiento al estilo Disney. El canal de Jimmy Donaldson, nombre real de MrBeast, supera los 524 millones de suscriptores, pero la empresa ya no depende solo de ese negocio.

El director ejecutivo, Jeff Housenbold, explicó en un memo interno dirigido al personal que evaluó candidatos externos antes de decidirse por St. Jacques. “En su tiempo en Beast, MSJ ha demostrado que puede fijar una estrategia clara y ejecutar con solidez para nuestros productos y socios”, escribió.

Housenbold destacó que la ejecutiva ya ocupó cargos de directora de marketing y de directora comercial en otras compañías, donde construyó marcas de consumo masivo como Dove, Heinz, Miller Lite y Coors Light. También la calificó como una líder capaz de armar equipos de alto rendimiento.

St. Jacques se incorporó a Beast Industries en un momento de desaceleración en el crecimiento de Feastables, la marca de snacks y confites que había quedado bajo su responsabilidad dentro de la división de bienes de consumo.

Qué funciones tendrá la nueva directora de marketing

El nombramiento de un director de marketing responde a la necesidad de unificar bajo una sola estrategia todas las líneas de negocio que Beast Industries fue sumando en los últimos meses. Housenbold detalló que St. Jacques tendrá tres grandes responsabilidades.

La primera es definir la marca MrBeast y garantizar que cada actividad de la empresa refuerce ese mismo posicionamiento. La segunda es liderar el marketing tanto para MrBeast como para las marcas asociadas. La tercera es supervisar el equipo de marketing viral de la compañía.

El director ejecutivo señaló además una oportunidad concreta para profundizar el uso del comercio electrónico y el marketing de rendimiento, con el objetivo de mejorar la captación y retención de clientes. St. Jacques mantendrá en paralelo la supervisión de los bienes de consumo, incluida Feastables.

La estrategia detrás de la diversificación de negocios

La promoción se produce mientras Beast Industries construye un negocio que trasciende el contenido de video de su fundador. La compañía busca reducir la dependencia de la figura de Donaldson y sostener marcas que funcionen de manera independiente del canal original.

Esa estrategia de diversificación ya incluye al propio Donaldson como actor de voz en “Angry Birds Movie 3”, cuyo estreno está previsto para diciembre. El rol de St. Jacques abarcará desde convocar público a estrenos de cine hasta vender snacks y juguetes en comercios, o promover entre los seguidores planes de telefonía y productos financieros.

Beast Industries incorporó una serie de ejecutivos para reforzar su cúpula directiva en paralelo a esta expansión. Además de Feastables, la empresa ingresó en el sector de servicios financieros con la adquisición de la aplicación Step y proyecta el lanzamiento de un servicio de telefonía móvil.

Nuevos frentes de negocio para marcas y creadores

La compañía también prepara su entrada en servicios de publicidad y marketing para otras marcas, un área que le permitiría ofrecer a terceros la misma capacidad de alcance que construyó para sus propios productos. En paralelo, planea sumar servicios adicionales para creadores de contenido independientes, similares a Donaldson.

Beast Industries ya adelantó, además, que trabaja en el desarrollo de un programa de membresías. El conjunto de estas iniciativas amplía el abanico de categorías bajo la órbita de St. Jacques, que pasará a coordinar marketing para productos de consumo, entretenimiento, servicios financieros, telefonía y alianzas comerciales con otras marcas.

A poco más de 100 años de la fundación de Disney Brothers Studio, la música mantiene un lugar central en la identidad de la compañía. Desde los cortos animados de fines de la década de 1920 hasta las producciones contemporáneas de cine y televisión, sus canciones acompañaron a generaciones y trascendieron las historias para las que fueron creadas.

La lista por parte de Billboard reúne piezas de películas, series y atracciones de los parques, con títulos que van de los años 40 a la década de 2010. Estas son las diez canciones que encabezaron el ranking.

10. “Breaking Free” convirtió a High School Musical en un fenómeno juvenil

El dueto de Zac Efron y Vanessa Hudgens ocupa el décimo puesto. En High School Musical (2006), Troy y Gabriella desafían los mandatos de popularidad de su escuela con una balada sobre elegir el propio camino.

La canción pasó del puesto 86 al número 4 del Billboard Hot 100, un salto que confirmó la dimensión del fenómeno televisivo. Aunque la voz cantada de Efron fue interpretada en gran parte por Drew Seeley, el número quedó ligado a la pareja protagonista.

9. “A Spoonful of Sugar” propone una fórmula para las tareas

Julie Andrews interpretó esta canción como Mary Poppins en la película de 1964. El número transforma la limpieza de la habitación de los niños Banks en una secuencia coreografiada, con objetos que parecen ordenar el cuarto por sí solos.

Su idea central (encontrar diversión en una obligación) explica que siga siendo una de las melodías más reconocibles del musical.

8. “The Climb” llevó la despedida de Hannah Montana más allá de la pantalla

En el octavo lugar aparece la balada que Miley Cyrus cantó para Hannah Montana: The Movie (2009). La secuencia acompaña el momento en que el personaje revela su identidad ante la comunidad de su pueblo natal.

“The Climb” se consolidó como una canción sobre perseverancia, incluso fuera del universo de la serie, y Cyrus volvió a interpretarla años después durante un especial de Disney+.

7. “The Mickey Mouse March” construyó una comunidad frente al televisor

La canción de apertura de The Mickey Mouse Club nació en 1955, cuando la televisión todavía no estaba presente en todos los hogares de Estados Unidos. Su estructura de marcha y el deletreo de M-I-C-K-E-Y-M-O-U-S-E permitieron que los espectadores participaran desde sus casas. Escrita por el presentador Jimmie Dodd, sobrevivió a las sucesivas versiones del programa.

6. “A Whole New World” convirtió un paseo en alfombra en una declaración romántica

El tema de Aladdin (1992) reúne las voces de Lea Salonga y Brad Kane para mostrar el primer acercamiento entre Jasmine y Aladdín. La composición de Alan Menken y Tim Rice sostiene una de las escenas más recordadas de la animación de Disney: el viaje nocturno sobre paisajes y monumentos del mundo. En español, la canción se popularizó como “Un mundo ideal”.

5. “When You Wish Upon a Star” se convirtió en la firma musical de Disney

“Cuando pides una estrella”, conocida en varias versiones hispanas como “La estrella azul”, ocupa el quinto lugar. La interpreta Pepe Grillo al comienzo de Pinocho (1940) y reaparece como motivo a lo largo de la película. En 1941 obtuvo el primer Oscar de Disney a mejor canción original. Con el tiempo, su melodía pasó a funcionar como una presentación sonora de la compañía.

4. “Be Our Guest” llevó el espectáculo de Broadway a un castillo encantado

En La Bella y la Bestia (1991), Lumière organiza una cena para Bella junto a los objetos animados del castillo. La voz de Jerry Orbach, la letra de Howard Ashman y la música de Menken conforman un número que combina teatro musical, comedia y animación. “Nuestro huésped”, como se conoció en español, convirtió una recepción inesperada en una exhibición colectiva de hospitalidad.

3. “It’s a Small World” nació para una atracción y se volvió universal

Los hermanos Sherman compusieron esta canción para una atracción presentada en la Feria Mundial de Nueva York de 1964. El recorrido, luego instalado en los parques de Disney, propone una mirada sobre la convivencia entre niños de distintos países.

La repetición de su estribillo la volvió ineludible para quienes visitaron la atracción, mientras su letra sostiene un mensaje de cercanía y comprensión entre culturas.

2. “Let It Go” redefinió la balada de una princesa Disney

La canción de Frozen (2013) llegó al segundo puesto tras convertirse en uno de los mayores éxitos musicales de la compañía en el siglo XXI. Idina Menzel la interpreta cuando Elsa abandona su reino y decide aceptar sus poderes.

Escrita por Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez, Let It Go ganó el Oscar a mejor canción original y multiplicó su alcance con “Libre soy”, su versión en español.

1. “Part of Your World” expresa el deseo de Ariel de decidir su destino

La primera posición fue para la canción que Ariel interpreta en La Sirenita (1989), antes de conocer al príncipe Eric. La joven sirena observa los objetos que reunió del mundo humano y expresa su deseo de vivir fuera del reino de su padre.

La composición de Alan Menken y Howard Ashman plantea una búsqueda de autonomía que sostiene el recorrido del personaje. Para Billboard, esa combinación de aspiración, aventura y libertad explica por qué “Part of Your World” conserva su vigencia décadas después de su estreno.

Una operación encubierta de siete días en el condado de Polk, en Florida, terminó con 281 arrestos y 488 nuevos cargos penales por casos vinculados con presuntos delitos sexuales contra menores y redes de trata de personas.

Según informó la Oficina del Sheriff local, el operativo, denominado Operación Polk Around & Find Out II, reunió a varias agencias y combinó dos investigaciones paralelas. Una de ellas se centró en adultos que supuestamente pretendían reunirse con menores con fines sexuales, con 32 detenidos. La segunda investigación apuntó a posibles redes de trata de personas y derivó en 249 arrestos. Entre esas personas, 117 enfrentan acusaciones por comprar servicios sexuales y otras 122, por prostitución.

Según las autoridades, el conjunto de los imputados acumulaba 798 antecedentes penales, entre ellos 358 delitos graves. Nueve sospechosos estaban bajo libertad condicional por causas como robo a bancos y maltrato infantil, mientras que otros nueve ya habían sido arrestados en operativos encubiertos anteriores de la Oficina del Sheriff del Condado de Polk.

Los detectives incautaron 24 armas de fuego y acusaron a 32 sospechosos de posesión de drogas. Las sustancias mencionadas en las actuaciones incluyen metanfetamina, cocaína y fentanilo.

Los registros de la investigación también señalan que 22 detenidos perciben, en conjunto, USD 8.373 mensuales en asistencia pública, una suma anual de USD 100.476. Solo 40 de los 281 arrestados residen en el condado de Polk. El resto llegó desde otras zonas de Florida, 20 estados y 18 países, de acuerdo con los investigadores. Entre los detenidos figuran 17 trabajadores de parques temáticos de Walt Disney World y Universal Studios. Siete de ellos enfrentan acusaciones vinculadas con abuso sexual infantil.

Las autoridades confirmaron, además, que 32 arrestados son inmigrantes indocumentados de nueve países, entre ellos Cuba, Venezuela, México y Haití. Funcionarios migratorios mantienen bajo custodia a 16 personas.

La Fiscalía anunció que pedirá las penas máximas previstas por la ley para los acusados. En Florida, viajar para reunirse con un menor con propósitos sexuales ilícitos constituye un delito grave de segundo grado, castigado con hasta 15 años de prisión estatal.

La Fiscalía General de Florida indicó que las fuerzas de seguridad arrestaron a más de 2.300 presuntos pedófilos en todo el estado desde febrero de 2025.

El sheriff del condado de Polk, Grady Judd, informó que Disney y Universal despidieron a empleados arrestados durante una operación encubierta contra sospechosos de delitos sexuales, abuso de menores y trata de personas en Florida.

Judd señaló que entre los detenidos figura Eric Raymond, agente de seguridad escolar del condado de Orange. Según indicó, Raymond acudió al lugar de la operación para negociar favores sexuales a cambio de dinero.

“Me dijo: ‘Sheriff, ¿de verdad va a poner mi foto ahí? Ahí está su señal’. Le dije: ‘Claro que sí, vamos a exponerlo porque es un agente de la ley y la gente espera más de usted’”, relató Judd.

El fiscal general de Florida, James Uthmeier, afirmó que la investigación apuntó contra personas que buscaban mantener contacto sexual con menores o acceder a servicios sexuales vinculados con posibles víctimas de trata.

“Los depredadores que atacan a los niños de Florida serán perseguidos y procesados ​​con todo el peso de la ley”, declaró Uthmeier. “Quienes llegaron al condado de Polk con la intención de abusar sexualmente de un menor, en cambio, fueron arrestados. Gracias a nuestros socios de las fuerzas del orden y a los fiscales que dedicaron tiempo a esta operación y lograron que estos depredadores estuvieran tras las rejas, donde deben estar”.

Judd sostuvo que los sospechosos utilizan internet para contactar a menores. “Estos depredadores andan sueltos, en internet, intentando manipular y abusar de nuestros hijos”, declaró.

“La semana pasada encontramos y acusamos a 31 depredadores sexuales de menores. Lo que estos depredadores les dicen a los niños es vil, repugnante y solo apto para detectives capacitados. Incluso los detectives más experimentados y capacitados sienten repulsión. Estos depredadores deben ser encarcelados y permanecer encerrados, lejos de los niños. Les pido a los padres que se involucren con sus hijos y supervisen su actividad en línea. No podemos evitar que los depredadores contacten a nuestros hijos, pero podemos educarlos y ser proactivos para atraparlos antes de que puedan manipularlos o abusar de ellos”, agregó el fiscal general de Florida.

Uthmeier se refirió también a las más de 280 personas detenidas durante el operativo. “Estos más de 280 depravados pensaron que iban a encontrar una víctima. Pensaron que iban a encontrar una prostituta, una víctima de trata. Pensaron que iban a encontrar niños y niñas pequeños y, gracias a Dios, en este caso, encontraron esposas, encontraron a un detective al otro lado, encontraron el rincón oscuro, frío y desolado de una celda”, subrayó.

“Cuando alguien busca los servicios de una prostituta en internet o intenta atacar a nuestros hijos, estaremos ahí para actuar”, declaró Judd.

(Con información de EFE)

El sheriff Grady Judd identificó al sospechoso como Colin Klaco —de 24 años— y lo calificó durante la conferencia de prensa como “quizá la persona más enferma y repugnante que hayamos arrestado jamás”. Según la autoridad policial, el sospechoso pretendía utilizar pañales él mismo y colocárselos al menor, tras manifestarle en mensajes digitales:

“Soy un poco kinky y un poco travieso, y podemos ser kinky y traviesos juntos”. Judd remarcó que el investigado ya no formaba parte del personal de Disney al momento del procedimiento y señaló que, aunque alardeaba sobre su antiguo papel, ahora afrontará cargos que lo perfilan como un futuro interno de una prisión estatal.

Quién es el exintérprete de Mickey Mouse arrestado en el condado de Polk

De acuerdo con las declaraciones oficiales recogidas por WFLA, Klaco entabló contacto por internet con un detective encubierto que fingía la tutela legal de un menor de 13 años. Las diligencias policiales indican que el sospechoso coordinó la cita con fines ilícitos y se trasladó hacia el punto acordado, donde los agentes incautaron dos mochilas con pañales y toallitas higiénicas.

La fiscalía deberá probar las imputaciones formales que pesan en su contra: viaje para pactar un encuentro con un menor, utilización de una computadora para solicitar la intermediación de un tutor, empleo de dispositivos de comunicación para consumar un delito grave y tentativa de agresión sexual contra un menor. Mientras avanza el proceso penal en los tribunales de Florida, para Klaco rige de manera plena el principio de presunción de inocencia.

Operativo en Florida: 281 arrestos por prostitución, trata y explotación

El caso del exempleado formó parte del despliegue encubierto denominado “Polk Around and Find Out II”. Durante los siete días de labor en el condado de Polk, los agentes arrestaron a 117 personas bajo sospecha de solicitar servicios sexuales —entre ellos un oficial del condado de Orange— y a otras 122 por ejercer o facilitar la prostitución, según la Oficina del Sheriff del Condado de Polk.

Dentro del contingente intervenido, los equipos especializados identificaron a 11 presuntas víctimas de trata de personas, a quienes las autoridades derivaron a programas estatales y organizaciones civiles de asistencia integral. Asimismo, el balance oficial precisó que 32 de los detenidos residían en Estados Unidos sin autorización migratoria, procedentes de nueve países distintos.

De manera independiente a la condición migratoria, la policía consignó que 22 de los detenidos percibían asistencia pública por un monto conjunto de USD 8.373 mensuales (USD 100.476 anuales de forma colectiva entre todos ellos), cifra que corresponde al total acumulado por el grupo y no a ingresos individuales.

En cuanto a los antecedentes, el sheriff Judd detalló en declaraciones reseñadas por el diario New York Post que nueve personas cumplían libertad condicional, 31 contaban con cargos previos específicos por prostitución y 36 declararon estar casadas. El conjunto total de detenidos acumulaba un prontuario histórico previo de 358 delitos graves y 440 faltas menores.

Empleados de Disney y Universal, un entrenador de fútbol y un marino militar

Klaco no fue el único vinculado a parques de atracciones. El sheriff Judd detalló la aprehensión de trabajadores vinculados a Disney World y a Universal Studios. Entre ellos figuró Adam Snyder, empleado del restaurante Roundup Rodeo de Toy Story Land; a diferencia de los trascendidos iniciales que afirmaban que llevaba el uniforme puesto durante el encuentro ilícito, el informe policial aclaró que parte de su indumentaria y su credencial corporativa estaban guardadas dentro de su automóvil.

En el mismo operativo, los agentes detuvieron al entrenador de fútbol americano infantil Rashion Crayton (nombrado como Rashiod en reportes de prensa), de 31 años, a cargo del equipo infantil Davenport Titans. Según la policía, Crayton propuso mantener relaciones íntimas en su vehículo con una supuesta menor de 14 años y acudió al lugar con lubricante y artefactos para adultos.

Las autoridades también arrestaron a Dang Thai, de 24 años, maquinista activo de la Marina de Estados Unidos, quien mintió sobre su edad e invocó una credencial de seguridad militar tras su detención.

Situación procesal de los detenidos y asistencia a las víctimas identificadas

Los 281 detenidos permanecen a disposición de los tribunales de Florida, a la espera de las audiencias preliminares donde la fiscalía formalizará las acusaciones bajo estricta observancia de la presunción de inocencia.

En forma paralela, la Oficina del Sheriff del Condado de Polk mantiene abiertas las líneas de investigación sobre las redes detectadas y articula con agencias públicas el acompañamiento legal y psicológico para las 11 personas rescatadas de situaciones de servidumbre forzada.

Una historia posterior a la reconexión de Norteamérica

La trama comenzará después de los acontecimientos de Death Stranding. Para ese momento, Sam Bridges ya habrá completado su misión de reconectar Norteamérica, un territorio devastado cuando el contacto entre vivos y muertos provocó explosiones masivas y destruyó gran parte de la civilización.

La reconstrucción de los vínculos permitió que la nación comenzara a recuperarse, pero generó consecuencias imprevistas. Según la descripción presentada junto con el adelanto, los supervivientes quedaron sumidos en nuevas formas de aislamiento pese a contar otra vez con una red capaz de conectarlos.

El anime no repetirá la travesía de Sam ni trasladará directamente la campaña del videojuego a la pantalla. Su relato estará encabezado por personajes creados para la producción y explorará otros lugares y perspectivas dentro del escenario ideado por Kojima.

Entre las figuras adelantadas aparecen un anciano que busca redención, una guerrera que desea el conflicto, un muchacho marcado por el rencor y una joven que acepta la soledad. Las fuentes también señalan que uno de estos nuevos personajes tendrá un papel central, aunque todavía no se revelaron su nombre, su historia completa ni el reparto de voces.

La ubicación temporal permitirá mostrar qué ocurrió en otras zonas luego de la misión del protagonista interpretado por Norman Reedus en los videojuegos. La conexión entre comunidades seguirá siendo un elemento importante, pero la serie abordará las tensiones surgidas después de reconstruir esa red.

El equipo responsable de la animación 2D

La dirección estará a cargo de Takayuki Sano, quien tendrá su primera experiencia como director principal después de participar en la animación clave de varias producciones conocidas. La animación clave comprende los dibujos y poses esenciales que definen los movimientos de una escena antes de completar los cuadros intermedios.

Sano trabajó en episodios de Attack on Titan, Jujutsu Kaisen y Hunter x Hunter. Su experiencia previa está vinculada con secuencias de acción, criaturas y movimientos de personajes, elementos que también forman parte de la identidad visual de Death Stranding.

E&H Productions fue fundada en 2021 por Sunghoo Park, antiguo integrante de MAPPA. Park dirigió la primera temporada de Jujutsu Kaisen y su película precuela antes de iniciar el estudio junto con otros profesionales que habían trabajado en MAPPA.

Uno de los primeros proyectos importantes de E&H Productions fue Monsters, adaptación del one-shot de Eiichiro Oda, creador de One Piece. Esa producción sigue a Ryuma, un samurái errante que también forma parte de la historia creada por Oda.

Para Death Stranding Isolations, el estudio utilizará animación tradicional en 2D. El primer material promocional muestra el entorno arrasado de Norteamérica y anticipa la presencia de amenazas asociadas con la frontera entre los vivos y los muertos, aunque todavía no detalla el conflicto que reunirá a los nuevos protagonistas.

Los otros proyectos de Death Stranding

El anime se suma a las producciones derivadas de la serie de videojuegos de Kojima Productions. La franquicia ya cuenta con una segunda entrega, mientras continúa en desarrollo una adaptación cinematográfica vinculada con A24.

La película y Death Stranding Isolations son proyectos separados. Las fuentes disponibles no indican conexiones narrativas entre ambos ni confirman que compartan personajes, reparto o equipos creativos. Tampoco se informó una fecha de estreno para la producción de A24.

En el caso del anime, sí están definidos la plataforma, la ventana de lanzamiento y su lugar dentro de la cronología. Disney+ lo ofrecerá en exclusiva en 2027, aunque todavía no comunicó el número de episodios, el día exacto de estreno ni los territorios donde estará disponible desde su lanzamiento.

La historia tendrá lugar después del primer juego, con Norteamérica nuevamente conectada y una población que enfrenta los efectos inesperados de ese proceso. Los nombres de los protagonistas y el reparto de voces permanecen sin anunciar.

La conductora había encabezado la ronda de preguntas del encuentro de Disney+ y Hulu, que se retrasó por una tormenta y dejó molestia entre medios, invitados e influencers que esperaron durante varias horas.

La inconformidad comenzó antes del momento de la fotografía. La lluvia modificó la logística del evento, previsto inicialmente en el área de la alberca de Soho House, y obligó a trasladar a los asistentes a otro espacio del inmueble.

La presentación había reunido a Kardashian, Sarah Paulson, Naomi Watts y Niecy Nash-Betts, protagonistas de la segunda temporada de Todo Vale, producción creada por Ryan Murphy. La plataforma había programado el estreno de los nuevos episodios para el 4 de noviembre de 2026.

Martha Debayle se incorporó a la foto final con Kim Kardashian y provocó críticas

Debayle apareció como moderadora de la noche y condujo una dinámica de preguntas para las actrices. Al iniciar su participación, explicó que la conversación sería breve por respeto a los asistentes y debido al retraso que ya había acumulado el programa.

Esa decisión habría provocado inconformidad entre parte de los presentes, quienes habían permanecido bajo la lluvia o en áreas improvisadas mientras el equipo de producción ajustó el montaje, el acceso de invitados y las zonas destinadas para entrevistas.

El momento de mayor tensión ocurrió al cierre. Kardashian, Paulson, Watts y Nash-Betts se dirigieron al fondo blanco instalado con el nombre de la serie para la última toma de prensa. Debayle se acercó al grupo y apareció de manera momentánea frente a las cámaras.

Desde el área de medios y entre algunos invitados se escucharon abucheos y llamados para que la conductora se hiciera a un lado. Los reclamos señalaron que la fotografía correspondía únicamente a las integrantes del elenco que acudieron a promover la producción de Disney+.

La conductora se retiró poco después y las actrices continuaron con la sesión. Las cuatro posaron juntas, intercambiaron risas, abrazos y besos dirigidos a los fotógrafos mientras la lluvia continuó afuera del recinto.

La lluvia retrasó el evento de Disney+ y Hulu en CDMX

La tormenta comenzó alrededor de las 18:00 horas y alteró el desarrollo de la presentación. El agua se acumuló en distintos puntos del inmueble y los organizadores cambiaron el espacio destinado para el encuentro privado con prensa e invitados.

Un trueno interrumpió por unos segundos la llegada de Kardashian, Paulson, Watts y Nash-Betts. Las actrices reaccionaron con un grito de sorpresa y después bromearon entre ellas mientras miraban hacia el cielo, de acuerdo a vidoes publciados en redes sociales.

Naomi Watts apareció con un conjunto blanco de textura brillante y una falda extendida sobre el piso. Kardashian llevó un vestido blanco con escote profundo, silueta ajustada y líneas geométricas negras que terminaban en flecos.

Paulson usó un vestido negro de manga larga con brillos y un escote pronunciado. Niecy Nash-Betts eligió un vestido tipo saco negro, con hombros estructurados, solapas y puños rojos.

Sarah Paulson, Naomi Watts y Kim Kardashian hablaron sobre el poder femenino

Durante la charla, las actrices abordaron el tema del poder femenino, uno de los ejes de la serie sobre un grupo de abogadas dedicadas a divorcios de alto perfil en Los Ángeles.

Watts sostuvo que una mujer encontraba mayor fortaleza al contar con un círculo de apoyo. La actriz también señaló que la edad le había dado experiencia para recuperarse de momentos difíciles y enfrentar nuevas etapas con mayor confianza.

Paulson expresó que la fuerza también había consistido en establecer límites y en no permanecer en espacios o relaciones que ya no aportaban bienestar. Sus palabras formaron parte de la conversación que Debayle moderó antes de la fotografía final.

Kardashian habló de su objetivo profesional de convertirse en abogada. La empresaria y actriz afirmó que no abandonaría esa meta y que mantendría sus esfuerzos para concretarla.

En Todo Vale, Kardashian interpretó a Allura Grant, una abogada que encabezó el despacho Grant, Ronson & Greene junto con Liberty Ronson, personaje de Watts, y Emerald Greene, interpretada por Nash-Betts.

Paulson dio vida a Carrington Lane, mientras Glenn Close interpretó a Dina Standish. La segunda temporada había quedado integrada por ocho episodios y Disney+ había previsto publicar tres capítulos en su lanzamiento, antes de estrenar uno nuevo cada miércoles hasta el 2 de diciembre de 2026.

La empresaria y actriz estuvo acompañada por Sarah Paulson, quien también forma parte del elenco de la producción.

La visita a México representa una de las paradas de la gira internacional que incluye actividades en Los Ángeles, Roma y Nueva York, previo al lanzamiento de los nuevos episodios.

Durante su llegada a la capital mexicana, Kardashian fue captada al descender de una camioneta con un vestido blanco y acompañada por su equipo de seguridad. Su presencia busca impulsar una serie que combina disputas millonarias, escándalos personales y rivalidades profesionales.

¿De qué trata Todo Vale, la serie de Kim Kardashian?

Todo Vale sigue a un grupo de abogadas especializadas en divorcios que abandona un bufete dominado por hombres para fundar su propia firma en Los Ángeles: Grant, Ronson & Greene.

Kim Kardashian interpreta a Allura Grant, una abogada ambiciosa que encabeza el despacho junto con Liberty Ronson, personaje de Naomi Watts, y Emerald Greene, interpretada por Niecy Nash-Betts.

La historia combina litigios de alto perfil con separaciones escandalosas, disputas patrimoniales y conflictos que amenazan con trasladarse de los tribunales a la vida personal de sus protagonistas.

Las protagonistas deben proteger sus intereses mientras enfrentan alianzas frágiles y una competencia que pone en riesgo el futuro de su negocio.

Sarah Paulson interpreta a Carrington Lane, una figura clave en los enfrentamientos que sacuden al despacho. El reparto también incluye a Glenn Close, quien da vida a Dina Standish, una abogada cuya historia quedó marcada por un giro decisivo al final de la primera temporada.

La producción reúne a Ryan Murphy, Jon Robin Baitz y Joe Baken en el desarrollo creativo. Para Kardashian, el proyecto también conecta con su interés por el ámbito jurídico y su trabajo en iniciativas relacionadas con la justicia penal en Estados Unidos.

¿Cuándo se estrena la segunda temporada de Todo Vale?

La segunda temporada de Todo Vale llegará el miércoles 4 de noviembre de 2026 a Disney+ en México y otros mercados internacionales.

La plataforma estrenará tres episodios el primer día y después publicará un capítulo nuevo cada miércoles. La entrega estará integrada por ocho episodios, con el final previsto para el 2 de diciembre.

La nueva historia retomará los conflictos del despacho Grant, Ronson & Greene, cuya estabilidad se verá amenazada por revelaciones internas, lealtades fracturadas y una rivalidad cada vez más peligrosa.

¿Quiénes forman el elenco de Todo Vale?

Además de Kim Kardashian como Allura Grant, la serie cuenta con Naomi Watts como Liberty Ronson, Niecy Nash-Betts como Emerald Greene, Sarah Paulson como Carrington Lane y Glenn Close como Dina Standish.

La segunda temporada también incorpora al actor brasileño Cauã Reymond al elenco regular, una novedad que amplía las posibilidades de conflicto en esta nueva etapa.

Con su mezcla de intrigas judiciales, fortunas millonarias, moda y enfrentamientos personales, Todo Vale prepara su regreso a Disney+ mientras Kim Kardashian lleva la promoción hasta la Ciudad de México. El 4 de noviembre comenzará una nueva batalla por el control del despacho, con secretos capaces de poner en jaque tanto los negocios como las relaciones de sus protagonistas.

Brad Bird, director de Los Increíbles, reveló el significado oculto detrás de los poderes de la familia Parr. Durante su participación en el evento That Hollywood Show, el cineasta explicó que cada habilidad extraordinaria de los superhéroes responde a una etapa de vida o a un rol familiar específico. La saga, que le dio a Pixar y Disney varios cientos de millones de dólares en recaudación, construye sus escenas de acción sobre una base doméstica. Antes de enfrentar villanos, los Parr deben resolver conflictos cotidianos como cuidar a un bebé o atender responsabilidades del hogar.

Según explicó Bird, los poderes de Bob, Helen, Violeta, Dash y Jack-Jack no son arbitrarios: cada uno representa una tensión personal propia de su edad o su función en la familia, y por eso la acción de la película siempre está conectada con un conflicto emocional reconocible para el público. Para Bob Parr, el padre de familia, Bird partió de una exigencia social tradicional. “Se espera que los padres sean fuertes, así que lo hice superfuerte”, explicó el director.

Con Helen Parr, la madre, el razonamiento apuntó a la sobrecarga de tareas que suele recaer sobre esa figura. “A las madres las jalan en diez direcciones a la vez, así que ella se estira”, señaló Bird. En el caso de Violeta, la hija adolescente, el cineasta recurrió a las inseguridades propias de esa etapa. “Los adolescentes son inseguros y están a la defensiva, por eso ella puede volverse invisible y tiene campos de fuerza”, detalló. Dash, el hijo menor, representa el polo opuesto: la energía incontenible de la infancia. “Los niños de diez años son bolas de energía que siguen hasta caer rendidos”, explicó Bird. Finalmente, Jack-Jack, el bebé de la familia, condensa la incertidumbre sobre el futuro de cualquier persona recién nacida. “Los bebés son una incógnita; podrían ser el próximo líder del mundo libre o podrían ser un vagabundo, no lo sabes”, afirmó el director de Los increíbles y su secuela.

De ‘Los Increíbles 3′ a ‘Ray Gunn’

La familia Parr tendrá una tercera entrega confirmada. Disney la programó para el 16 de junio de 2028, con Peter Sohn, director de Elementos y Un gran dinosaurio, al frente de la dirección. Bird permanecerá en la producción junto con Dana Murray y también participará como guionista. La nueva película continuará la historia iniciada en 2004 y retomada en 2018, cuyas dos primeras entregas Bird escribió y dirigió. Durante el panel de D23 de 2026 se adelantó que Violeta y Dash tendrán mayor protagonismo en la trama. Los hermanos realizarán actividades superheroicas a escondidas mientras deben cuidar a Jack-Jack, quien seguirá desarrollando nuevos poderes. También se informó que el personaje Winston Deavor impulsará una liga de superhéroes con intereses comerciales y productos asociados.

El interés de Bird por la animación comenzó a los once años, cuando emprendió un cortometraje que tardó casi tres años en completar. Ese trabajo llamó la atención de Disney y propició que Milt Kahl, uno de los animadores históricos del estudio, lo orientara cuando tenía catorce años. Más tarde trabajó como animador en Disney y en otros estudios. En televisión, Bird realizó tareas de consultoría en Los Simpson y King of the Hill, además de crear el segmento Family Dog para Amazing Stories. En 1999 debutó como director de largometrajes con El gigante de hierro, con guion de Tim McCanlies y una historia que él mismo desarrolló a partir del libro de Ted Hughes. Los Increíbles y Ratatouille le dieron dos premios Óscar a mejor película animada, entregados en 2005 y 2008, respectivamente.

Su próximo proyecto, Ray Gunn, llegará a Netflix el 18 de diciembre. Se trata de un detective noir de ciencia ficción ambientado en Metropia, una ciudad futurista inspirada en finales de la década de 1930, donde humanos y extraterrestres conviven. La trama sigue a Raymond Gunn, con la voz de Sam Rockwell, un detective privado que investiga una serie de asesinatos vinculados a una superestrella pop llamada Venus Nova, interpretada por Scarlett Johansson. Bird llevó este proyecto consigo durante más de treinta años antes de conseguir financiamiento. “Fue muy difícil conseguir financiación”, reconoció el director, quien describió la idea original como una mezcla entre El halcón maltés y Buck Rogers. La cinta se estrenará en cines el 4 de diciembre, antes de su llegada a la plataforma de streaming.

Las celebraciones de Halloween abren paso a una oferta que reúne relatos sobrenaturales, asesinos enmascarados, posesiones, vampiros, zombis y comedias que parodian al género. Las plataformas de streaming en Perú prepararon catálogos con películas y series de terror, misterio y humor para acompañar la noche del 31 de octubre, con alternativas disponibles a través de HBO Max, Prime Video, Disney+, Universal+, Paramount+ y DGO.

Entre los títulos anunciados figuran Carrie, una nueva adaptación del universo creado por Stephen King; la temporada 13 de American Horror Story; El Conjuro 4: Últimos Ritos; la serie From; una nueva entrega de Scary Movie prevista para 2026, y Prefiero la muerte. Las propuestas incluyen desde historias de adolescentes y pueblos atrapados por fuerzas desconocidas hasta casos paranormales y sátiras de las convenciones más conocidas del cine de horror.

La programación coincide con el llamado Mes del Horror, que HBO Max presenta durante octubre con una selección que combina producciones recientes, clásicos y títulos de distintas vertientes del género. La plataforma agrupa películas y series sobre presencias sobrenaturales, maldiciones, psicópatas, vampiros y amenazas que irrumpen en espacios cotidianos.

Carrie y American Horror Story: 13 encabezan las novedades

Una de las producciones anunciadas para la temporada es Carrie, nueva versión de la historia de Stephen King sobre una adolescente marginada por sus compañeros de escuela que descubre que posee poderes telequinéticos. El conflicto se desarrolla a partir de la violencia que enfrenta en su entorno y de la venganza que emprende luego de conocer el alcance de sus habilidades.

La serie estará disponible en Prime Video para los clientes de DGO que cuenten con el Plan Streaming. Esta propuesta también incorpora otros servicios y señales de televisión en vivo, además de contenidos deportivos de DSPORTS, según informó la compañía.

Otra alternativa es American Horror Story: 13, la decimotercera temporada de la serie antológica creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk. La nueva entrega recuperará historias y personajes de ciclos anteriores y contará con Sarah Paulson, Evan Peters, Angela Bassett y Emma Roberts dentro de su elenco.

La producción se podrá ver en Disney+ para quienes tengan acceso al Plan Streaming de DGO. Cada temporada de la franquicia ha desarrollado un relato independiente, aunque algunas tramas y personajes han mantenido conexiones entre sí a lo largo de sus emisiones.

El Conjuro 4 llevará el caso Smurl a la pantalla

Los seguidores de las historias inspiradas en investigaciones paranormales tendrán entre las opciones El Conjuro 4: Últimos Ritos, anunciada como el capítulo final de la saga centrada en Ed y Lorraine Warren. La película se basa en el caso de la familia Smurl y presenta a los investigadores frente a una presencia demoníaca que amenaza a los integrantes de un hogar.

El filme estará disponible para clientes de DGO que tengan acceso a HBO Max. La franquicia de El Conjuro construyó un universo compartido con producciones derivadas, entre ellas las películas de Annabelle y La monja, enfocadas en entidades y objetos que aparecen en las investigaciones de los Warren.

HBO Max también ofrece una colección especial bajo el nombre El terror está en casa. Allí conviven títulos vinculados con referentes históricos del género, como El resplandor, de Stanley Kubrick; Psicosis, de Alfred Hitchcock, y Carrie, basada en la novela de King. La selección incluye además la serie original de HBO IT: Bienvenidos a Derry.

From propone un pueblo del que nadie consigue escapar

Para quienes prefieren los relatos de misterio sostenido, From plantea la historia de los habitantes de un pueblo del que nadie logra salir. Sus residentes buscan una forma de escapar mientras enfrentan amenazas que aparecen cuando cae la noche. La serie combina el enigma sobre el origen del lugar con elementos de terror sobrenatural.

La producción estará disponible mediante Universal+ para los usuarios de DGO con acceso a ese servicio. Su premisa se centra en la incertidumbre de los personajes, que deben convivir bajo reglas desconocidas mientras intentan comprender por qué quedaron atrapados.

El catálogo de HBO Max suma otras propuestas asociadas con el terror contemporáneo y con figuras que ganaron presencia en la cultura popular. Entre ellas aparecen Terrifier 3, con el Payaso Art; Pearl; Inmaculada, protagonizada por Sydney Sweeney; Beetlejuice Beetlejuice, con Jenna Ortega; Juega o muere, con Asa Butterfield y Natalia Dyer, y Compañera perfecta.

Scary Movie y Prefiero la muerte ofrecen terror con humor

Halloween también tendrá opciones para quienes busquen una aproximación menos solemne al miedo. Scary Movie (2026) retomará el formato de parodia que caracterizó a la franquicia, con personajes que se enfrentan a lugares comunes, escenas y fórmulas del cine de terror. La película estará disponible en Paramount+ para clientes de DGO con acceso a la plataforma.

En Prime Video se podrá ver Prefiero la muerte, una historia de invasión zombi protagonizada por un grupo de adolescentes. La trama comienza cuando Archie, considerado el perdedor de su escuela, recibe la mordida de uno de los atacantes. A partir de ese hecho, él y sus compañeros deberán encontrar una forma de detener la amenaza que se extiende por la ciudad.

La selección de HBO Max también contempla relatos de asesinos y persecuciones, como Halloween, Sé lo que hicieron el verano pasado, Feliz día de tu muerte, Ed Kemper: la mente de un monstruo y 12 horas para sobrevivir: el inicio. En la categoría de vampiros figuran Inframundo, Drácula: la historia jamás contada, Diarios de vampiros y Pecadores.

Para las historias que convierten el hogar en el centro de la amenaza, la plataforma incluye Los extraños, Criatura voraz, Llanto maldito, Venganza de la casa del lago y Turno maldito. La oferta permite elegir entre terror sobrenatural, misterio, gore, sátira y relatos de supervivencia durante las celebraciones de Halloween en Perú.

Disney Enterprises Inc. consiguió que Indecopi sancione a un negocio del Barrio Chino de Lima por comercializar productos que reproducían las imágenes de Mickey Mouse y Minnie Mouse sin autorización. La Comisión de Derecho de Autor declaró fundada en parte la denuncia contra una ciudadana con las siglas M.L.T.R., conductora de la tienda Shunto Mayorista, e impuso una multa de dos unidades impositivas tributarias (UIT).

La decisión está contenida en la Resolución N.º 192-2026/CDA-INDECOPI, la cual fue accedida en primicia por Infobae Perú. El pronunciamiento también ordena el cese definitivo de la distribución de productos con las imágenes protegidas sin el permiso correspondiente. El expediente se remonta a diciembre de 2022, cuando Disney presentó la denuncia, y pasó por una primera decisión que fue anulada tras una apelación.

Disney reunió pruebas sobre la venta de productos en el Barrio Chino

La empresa denunciante sostuvo que era titular de los derechos de autor de las obras artísticas de Mickey Mouse y Minnie Mouse. Para respaldar su reclamo, presentó fotografías del establecimiento, imágenes de los artículos ofrecidos y una boleta de venta vinculada con Shunto Mayorista, ubicado en el jirón Ucayali 768, tienda 214, de la galería Ton Pho, en el Barrio Chino de Lima.

Disney también aportó información para relacionar el negocio con la persona denunciada, incluido el número telefónico utilizado para atender pedidos por WhatsApp. Según la documentación presentada, ese canal permitía consultar un catálogo y acceder a opciones de pago. La compañía solicitó que se inspeccionara el local y que se adoptaran medidas para detener la comercialización de los productos cuestionados.

La denuncia fue admitida a trámite en febrero de 2023. Ese mismo mes, personal de fiscalización de Indecopi realizó una diligencia de inspección e incautación en el establecimiento. El acta del 28 de febrero dejó constancia de la presencia de artículos que reproducían las imágenes de ambos personajes y permitió identificar a M.L.T.R. como conductora del negocio.

¿Qué productos fueron incautados y qué encontró Indecopi?

Durante la intervención se incautaron 94 productos que incorporaban las obras artísticas de Mickey Mouse y Minnie Mouse. Entre ellos figuraban 53 monederos de nylon, además de canguros y otros artículos. La resolución evaluó las características de los productos y las pruebas presentadas para determinar si su distribución vulneraba los derechos patrimoniales de Disney.

La compañía también presentó material relacionado con transmisiones en vivo y publicaciones de Shunto Mayorista en redes sociales, donde presuntamente se ofrecían productos con las imágenes protegidas. Sin embargo, la Comisión debía distinguir entre los hechos comprendidos en la denuncia original y las imputaciones que Disney incorporó posteriormente.

Los escritos presentados en marzo y mayo de 2023 incluyeron alegaciones sobre ventas mediante Facebook y TikTok. La Comisión determinó que no correspondía ampliar de esa manera el procedimiento que ya había sido admitido y notificado. No obstante, señaló que Disney podía presentar una nueva denuncia por esos hechos adicionales. Las pruebas incorporadas fueron evaluadas dentro de los límites de la controversia original.

La primera sanción fue anulada tras una apelación

En marzo de 2024, la Comisión de Derecho de Autor había declarado fundada la denuncia por la distribución de los productos en el establecimiento e impuesto una multa de dos UIT. También había ordenado el comiso de los artículos, su entrega a Disney, el pago de las costas y costos del procedimiento y el cese definitivo de la actividad infractora.

La denunciada apeló esa decisión en abril de 2024. Entre sus argumentos, cuestionó las notificaciones y la actuación de los representantes de Disney durante la inspección. Asimismo, consideró excesiva la multa y sostuvo que el valor comercial de la mercadería era reducido: afirmó que 53 monederos tenían un costo de compra de S/ 1 por unidad y un precio de venta de S/ 2, y que el total de sus ventas no superaría los S/ 1.000.

En junio de 2025, la Sala Especializada en Propiedad Intelectual declaró la nulidad de la primera resolución. El motivo fue que la Comisión había emitido su decisión sin haber notificado previamente a la denunciada los escritos de Disney del 27 de marzo y del 23 de mayo de 2023, que contenían argumentos y pruebas adicionales. Por ello, el expediente regresó a la Comisión para que efectuara una nueva evaluación respetando el derecho de defensa.

Indecopi mantiene la multa y ordena detener la distribución

En la nueva resolución, la Comisión volvió a analizar la titularidad de las obras, la vinculación de la denunciada con Shunto Mayorista y los artículos encontrados durante la inspección. Disney presentó certificados de registro de la Oficina de Derechos de Autor de Estados Unidos que respaldaban su titularidad sobre las obras artísticas materia de la denuncia.

La autoridad concluyó que la distribución de los productos incautados sin autorización vulneró el derecho patrimonial de Disney. En consecuencia, declaró fundada en parte la denuncia e impuso nuevamente una multa de 2 UIT. Además, dispuso el comiso definitivo de los productos, incluida la cantidad de muestras remitidas a la Comisión, y su entrega a Disney como titular afectada. También ordenó que la denunciada pague las costas y los costos del procedimiento.

La resolución establece, asimismo, que M.L.T.R. debe abstenerse de distribuir artículos que reproduzcan las imágenes de Mickey Mouse y Minnie Mouse sin contar con la autorización correspondiente. Indecopi precisó que una futura comercialización de mercadería infractora podría constituir reincidencia y dar lugar a una multa equivalente al doble de la sanción, además de otras medidas previstas en la legislación.

Otros casos de victorias legales de Disney en Perú

Otro caso relevante ha sido el de Importaciones Mariely S.A.C., denunciada por Disney Enterprises Inc. por ingresar al país mercancía que reproducía personajes como Mickey Mouse, Elsa, Anna, Olaf y Blancanieves, entre otros. Mediante la Resolución N.° 337-2025/CDA-INDECOPI, emitida el 15 de mayo de 2025, la Comisión de Derecho de Autor declaró fundada la denuncia e impuso una multa de 28,97 UIT, equivalente a aproximadamente S/ 155.000. También dispuso la incautación de los productos y el cese de su comercialización. Durante las diligencias se habían incautado 25.200 artículos.

Otro antecedente es el de Importaciones Banchi S.A.C., relacionado con juguetes que reproducían personajes de la película Cars, como Rayo McQueen, Tow Mater, Francesco Bernoulli y Mack. En marzo de 2025, la Sala Especializada en Propiedad Intelectual del Indecopi emitió la Resolución N.° 373-2025/TPI-INDECOPI, que revisó el procedimiento iniciado por Disney y declaró fundada la denuncia respecto de las obras protegidas involucradas. El caso es relevante porque la empresa estadounidense obtuvo un pronunciamiento favorable en segunda instancia administrativa, luego de que la primera decisión no reconociera la infracción respecto de uno de los personajes.

En 2026, Disney también obtuvo una decisión favorable contra Asia Company S.A.C., empresa que importó 720 sets de muñecas y accesorios con imágenes de Anna y Elsa, protagonistas de Frozen, sin contar con autorización. El 7 de agosto de ese año, Indecopi informó que había confirmado en última instancia administrativa una multa de 7,40 UIT para la compañía, además de las medidas complementarias correspondientes. Este pronunciamiento formó parte de una serie de cinco casos en los que la entidad confirmó sanciones por un total de 75,34 UIT, equivalentes a S/ 414.370, por el uso no autorizado de personajes protegidos.

Erik von Detten dio voz a Sid en Toy Story, protagonizó Brink! y apareció en The Princess Diaries. Era un rostro familiar de Disney para toda una generación.

Hoy, a los 44 años, enfrenta una demanda por abuso financiero de ancianos, fraude, incumplimiento del deber fiduciario, fraude constructivo y apropiación indebida tras su paso como representante de ventas en Rosland Capital, una firma de metales preciosos con sede en Los Ángeles.

La acción legal fue presentada el 11 de mayo ante el Tribunal Superior del Condado de Los Ángeles por Sheila Greenberg, de 85 años, y su esposo Norman Greenberg, de 97, un matrimonio residente en La Jolla, California.

El caso permanece pendiente ante el juez Bradley S. Phillips, con una conferencia de gestión programada para el 9 de noviembre, según precisó USA Today.

Cómo la pareja llegó a Rosland Capital y a Von Detten

Todo comenzó con un anuncio en televisión. Los Greenberg contactaron a Rosland Capital alrededor del verano de 2020 después de ver varios comerciales que, tal como consta en la denuncia, estaban “diseñados en gran parte para atraer a personas mayores”.

La publicidad advertía sobre “consecuencias terribles para los jubilados en Estados Unidos” y combinaba preocupaciones como la deuda descontrolada, la inflación, la agitación política y la constante devaluación del dólar, de acuerdo con los documentos judiciales.

Cuando la pareja llamó a la firma, solicitó hablar con el asesor de mayor rango. Fueron conectados con Von Detten.

El matrimonio le explicó al antiguo intérprete que jamás había invertido en oro ni en ningún otro metal precioso, y le comunicó su edad avanzada, un dato que consideraba relevante para quien fuera a asesorarlos.

Tras esa conversación inicial, los Greenberg quedaron lo suficientemente impresionados como para revelarle que los saldos combinados de sus cuentas IRA superaban los USD 2.000.000.

El escrito judicial asegura que Von Detten les pidió que “dejaran las decisiones en sus manos” y les garantizó que era “muy conocedor en metales preciosos y en cuentas IRA de metales preciosos”. Les prometió “recomendaciones muy específicas que se ajustaran a sus necesidades”.

Las tres compras que vaciaron sus cuentas de jubilación

Entre octubre de 2020 y agosto de 2021, los Greenberg realizaron tres compras de monedas de oro por un total de USD 2.146.958, según el expediente obtenido por el Los Angeles Times. El valor real de esas piezas era de aproximadamente USD 1.360.925.

La denuncia sostiene que los demandantes abonaron el equivalente a USD 3.009 por onza, cuando la cotización del oro rondaba los USD 1.903 por onza, un recargo cercano al 60 %, de acuerdo con documentos revisados por Fox News Digital.

La primera operación se concretó el 19 de octubre de 2020 y superó los USD 999.000 en monedas Lady Liberty. Sheila adquirió 797 piezas por USD 599.654 y Norman compró 531 por USD 399.519, detalla el expediente citado por el medio. La pérdida inmediata de esa transacción habría superado los USD 367.000.

El 5 de noviembre de ese mismo año, ambos realizaron una segunda compra por más de USD 1,14 millones: Sheila desembolsó USD 677.644 por 885 monedas adicionales y Norman pagó USD 470.139 por otras 614. Esa operación les habría representado más de USD 418.000 en detrimento patrimonial instantáneo, afirma el reclamo.

Lo que pasó con las monedas después de cada transacción

Las monedas de oro no llegaron a manos de la pareja. Todo el material fue enviado a Delaware Depository, una instalación de almacenamiento de terceros, mientras los Greenberg continuaron con el pago de tarifas recurrentes por custodia y mantenimiento de sus cuentas respaldadas en oro, tal como consignó People.

Una vez vaciadas las cuentas de jubilación, Von Detten convenció al matrimonio de invertir fondos adicionales a través de un fideicomiso familiar.

En agosto de 2021, compraron 109 monedas PAMP British Museum Lewis Chessmen por USD 135.487 —valuadas en aproximadamente USD 48.832— y 50 monedas PAMP F1 Abu Dhabi por USD 64.300, cuyo valor real rondaba los USD 22.420, según detalló Fox News Digital.

El momento en que los Greenberg se dieron cuenta

Los demandantes aseguran que no advirtieron la diferencia entre lo pagado y el valor real de sus activos hasta 2025, cuando comenzaron a revisar sus tenencias, informó Fox News Digital.

Sheila recurrió a una herramienta de inteligencia artificial para investigar las prácticas comerciales de la firma, una búsqueda que la llevó a descubrir lo que describió como una conducta contraria a la ética.

“En lugar de ayudarlos a proteger su patrimonio ganado con esfuerzo, los demandados se quedaron con él”, señala el documento legal citado por People.

El silencio del acusado y el futuro del caso

Von Detten fue una figura reconocida del entretenimiento juvenil durante los años 90 y principios de los 2000.

Además de sus papeles en Brink! y The Princess Diaries, participó en la serie So Weird y en la adaptación cinematográfica de Leave It to Beaver de 1997. Su carrera en Hollywood se fue diluyendo durante las últimas dos décadas.

Su trabajo más reciente en la industria, según IMDb, fue el thriller de 2024 My Acting Coach Nightmare. Se incorporó a Rosland Capital en 2018.

El actor no se pronunció públicamente sobre la denuncia, consignan los medios que cubrieron el caso. La firma se acogió al Capítulo 11 de la Ley de Quiebras el 2 de julio de 2026.

Los abogados de la compañía declararon a E! News que no pueden comentar directamente sobre el litigio, pero que trabajan con un comité de acreedores para crear un fideicomiso de liquidación que investigue la historia financiera de la empresa y atienda los reclamos de los Greenberg y otros inversores.

El matrimonio solicitó un juicio por jurados y reclama al menos USD 900.000 en daños compensatorios, el doble en daños adicionales, indemnización punitiva, intereses previos al fallo y costas legales.

En una entrevista exclusiva con People durante la New York Comic Con celebrada el 8 de octubre en el Javits Center de Nueva York, Cox reveló que el pequeño quedó “devastado” al enterarse de que Daredevil: Born Again no tendrá una cuarta temporada y que la tercera entrega, prevista para 2027 en Disney+, será la última.

“El color se le fue de la cara cuando se lo conté. No se me ocurrió que le fuera a afectar tanto, así que fue muy dulce”, relató el intérprete de 43 años al medio estadounidense. El niño, cuyo nombre no se ha dado a conocer públicamente, apenas había comenzado a disfrutar la idea de que su padre fuese un superhéroe. “Tiene seis años. Recién está entrando en la onda de ‘mi papá es un superhéroe’”, explicó Cox.

La cancelación tampoco es sencilla para Cox. “No creo estar preparado para eso. Han sido 12 años de mi vida”, admitió. “Creo que es muy probable que, al final de mi carrera, este personaje sea el más importante para mí. No sé si uno puede prepararse para eso. Estoy intentando preparar a mi hijo más de lo que me preparé a mí mismo. Él está devastado”, agregó ante People.

El actor inglés, nacido el 15 de diciembre de 1982, se puso el traje de Matt Murdock por primera vez en 2015, cuando Netflix estrenó la serie original Daredevil. A lo largo de tres temporadas —emitidas entre 2015 y 2018—, su interpretación del abogado ciego convertido en justiciero le valió el reconocimiento de la American Foundation for the Blind, que le otorgó el premio Helen Keller Achievement Award.

Tras la cancelación del universo Marvel en la plataforma de streaming, Cox pasó años en la incertidumbre hasta que Marvel Studios lo reincorporó al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) con un cameo en Spider-Man: No Way Home (2021) y apariciones en She-Hulk: Attorney at Law y Echo.

La serie nació con la idea de completar un ciclo de tres temporadas, según el jefe de Marvel Television

El regreso pleno llegó con Daredevil: Born Again, estrenada en 2025 en Disney+, aunque el camino estuvo plagado de obstáculos. Los guionistas originales, Matt Corman y Chris Ord, fueron reemplazados por Dario Scardapane —quien había trabajado en The Punisher de Netflix— después de que las huelgas de guionistas y actores de 2023 paralizaran la producción y la compañía decidiera reorientar creativamente el proyecto.

Brad Winderbaum, jefe de Marvel Television, explicó en una entrevista en The Brandon Davis Show que la serie siempre fue concebida como una trilogía. “La serie original de Netflix son tres temporadas, y Born Again son tres temporadas. Son como colecciones en tres volúmenes, y luego tomaremos un respiro y pensaremos qué sigue para el personaje”, señaló el ejecutivo, según recogió Gizmodo.

Sin embargo, esa narrativa contrasta con declaraciones anteriores del propio Winderbaum, quien en 2025 había hablado de hacer de Born Again una serie anual y dijo esperar “la temporada tres y la temporada infinito”.

Cox acumula unas 70 horas interpretando a Daredevil entre ambas series y múltiples apariciones en el UCM

“Creo que he interpretado a Daredevil durante unas 70 horas o algo así de increíble. Ha sido un regalo enorme y el gran honor de mi carrera”, reflexionó Cox. En total, el actor ha dado vida al personaje en 39 episodios de la serie de Netflix, ocho de The Defenders (2017), 17 de Born Again, además de apariciones en películas y series del UCM.

La serie también transformó su vida personal. Cox conoció a Samantha Thomas, entonces vicepresidenta de Programación Original de la desaparecida Marvel Television, el primer día de rodaje de Daredevil. Se casaron en septiembre de 2018 y tienen una hija, Elsie, y un hijo.

“Mi vida es irreconocible en estos 12 años. Conocí a mi esposa el primer día de Daredevil y ahora tengo una familia. Esas cosas cambian enormemente tus perspectivas”, afirmó.

La temporada final reunirá a los Defenders y mostrará a un Matt Murdock encarcelado y al borde del abismo

La tercera temporada retomará la historia tras el impactante final de la segunda entrega, en la que Matt Murdock expuso públicamente su identidad y fue arrestado. “¿Qué le hacen ocho o nueve meses de ser vilificado, encarcelado y temer por su vida? ¿Qué le hace a su psique?”, se preguntó Cox. “Desde su perspectiva, él intentaba ayudar. Todo este tiempo intentó ayudar a la gente, a la ciudad, y terminó en el fondo del pozo”.

En el panel de la New York Comic Con, Marvel confirmó oficialmente lo que fotografías filtradas del set habían adelantado: Finn Jones regresará como Danny Rand/Iron Fist en la temporada final, completando así la reunión de los Defenders. Krysten Ritter (Jessica Jones) y Mike Colter (Luke Cage), quienes ya aparecieron en la segunda temporada, también estarán presentes.

Colter no pudo asistir al evento, pero Cox celebró el reencuentro: “La primera vez que estuvimos todos juntos de nuevo, fue como volver a 2016”, dijo el actor, según informó el sitio oficial de Marvel.

La producción de la tercera entrega ya concluyó y se encuentra en posproducción, aunque Scardapane se desvinculó del proyecto al no renovársele el contrato. Aún no se ha anunciado quién completará la fase final ni una fecha exacta de estreno, más allá de 2027.

Winderbaum sugiere que Daredevil podría continuar fuera de la serie, pero nada está confirmado

Pese a la despedida televisiva, la puerta no parece cerrarse del todo para el personaje. Winderbaum indicó que Marvel tiene la intención de “pensar qué sigue” para Matt Murdock una vez concluida la serie, sin confirmar una nueva producción ni una película en solitario. Consultado en la Comic Con sobre si el público había visto a Daredevil por última vez, Cox fue cautelosamente optimista: “Creo que habrá algo”, declaró, según reportó FandomWire.

Las dos primeras temporadas de Daredevil: Born Again, creada por Scardapane y protagonizada también por Vincent D’Onofrio, Margarita Levieva y Deborah Ann Woll, se encuentra disponible en Disney+.

Dylan Sprouse, conocido junto a su hermano gemelo Cole por protagonizar la serie de Disney Channel Zack y Cody: Gemelos en Acción, habló sobre un descubrimiento relacionado con sus antepasados durante una reciente participación en el pódcast Wildmen.

El actor explicó que, al investigar su historia familiar mediante una plataforma de genealogía, encontró conexiones entre las ramas materna y paterna de su familia que lo llevaron a cuestionar sus vínculos de parentesco.

Durante la conversación, Dylan relató que utilizó el servicio Ancestry, que permite explorar árboles genealógicos y rastrear posibles vínculos familiares mediante herramientas de investigación y pruebas de ADN.

“Cuando lo usé por primera vez, mi reconstrucción de la historia familiar era muy diferente a la de ahora. He encontrado a muchos familiares, curiosamente, a quienes nunca conocí, porque la familia de mi padre está bastante fragmentada. Empecé a hablar con ellos, a comparar y contrastar”, recordó.

El artista explicó que una de las primeras pistas surgió al investigar los desplazamientos de sus antepasados durante la fiebre del oro en California, en el siglo XIX.

Es así que algunos familiares se trasladaron desde Carolina del Norte hasta el oeste de Estados Unidos después de que uno de sus parientes encontrara oro en la región.

Con el tiempo, integrantes de las ramas materna y paterna de la familia coincidieron en California. El actor afirmó que ambas líneas familiares se unieron mediante un matrimonio a finales del siglo XIX, aunque posteriormente volvieron a separarse.

La investigación tomó un nuevo rumbo cuando Dylan Sprouse descubrió que sus padres también pertenecían a ramas familiares que compartían antepasados.

Según contó, la conexión se produjo nuevamente en la generación de sus progenitores, quienes contrajeron matrimonio sin conocer, de acuerdo con su relato, el vínculo genealógico que existía entre sus familias.

El actor explicó que decidió compartir el hallazgo con Cole Sprouse, con quien mantiene una relación cercana.

“Llamé a Cole, le mostré una foto y le dije: ‘Hombre, acabo de descubrir una mierda jodidamente loca’”, dijo, y agregó que “empezó a sospechar” porque “descubrió que los tíos [de nuestro padre] eran gemelos idénticos”.

Otro elemento que llamó su atención fue la presencia de varios pares de gemelos en distintas generaciones.

“Siempre pensé que los gemelos idénticos, o los gemelos en general, solo provenían del lado materno de la familia. Tuvimos siete pares de gemelos en cuatro generaciones”, dijo Dylan, antes de revelar que había encontrado una razón para la recurrencia: “¡Porque es la misma familia!”.

Dylan Sprouse bromeó diciendo que no tiene “dedos palmeados”, pero cree que los genes de su familia se cruzaron en algún momento. “Son mi padre y mi madre. No tenían ni idea. Entonces, me encuentro con esto y pienso: ‘¿Qué demonios?’”, dijo.

Durante la conversación, el famoso también mencionó la historia de una tía que, según explicó, había sido uno de dos gemelos durante la gestación.

“Muchas cosas empezaron a tener sentido, porque una de mis tías era gemela, pero fue una de las gemelas que se comió a su gemela en el útero, y cuando le abrieron un quiste en el hombro, tenía dientes y pelo. En resumen, Cole y yo somos hijos de incesto”, indicó.

Fuera de este descubrimiento, Dylan también atraviesa una nueva etapa personal junto a Barbara Palvin, con quien contrajo matrimonio en 2023. La pareja dio la bienvenida a su primera hija, Sylvie.

Disney acordó pagar USD 20 millones a Character.AI por una licencia de su tecnología de chatbots, en un trato estructurado a través de la quiebra de la empresa que, según documentos judiciales, le permite contratar a su personal sin heredar las demandas por daños a menores que enfrenta la plataforma.

Character Technologies, la empresa detrás de Character.AI, se declaró en quiebra bajo el Capítulo 11 el 12 de octubre en un tribunal de Delaware. El expediente judicial muestra que ese paso fue parte de un plan acordado de antemano con Disney, no una consecuencia inesperada de sus problemas financieros.

La licencia que busca Disney es perpetua, mundial y no exclusiva, y cubre el código, la documentación y las patentes de Character.AI, incluidos sus sistemas de moderación y de verificación de edad. No incluye los datos de los usuarios ni el sitio web de la plataforma, que seguirán en manos de la empresa en quiebra.

El pago de USD 20 millones se divide en tres partes: USD 5,5 millones no reembolsables que Disney ya giró el 18 de septiembre, un depósito reembolsable de USD 2 millones pagado ese mismo día, y USD 12,5 millones que debe abonar al cierre de la operación. Disney actúa como “postor inicial” y otros interesados pueden superar su oferta.

Además del pago, Disney contrató a la mayoría del personal de Character.AI, entre ellos a su entonces director ejecutivo, Karandeep Anand, por una cifra estimada en USD 60 millones, según reportó Bloomberg. La empresa no asume ninguna de las deudas ni de los litigios de la plataforma que compró.

Una maniobra que esquiva las demandas

El mecanismo se conoce como “reverse acquihire”: un comprador contrata al personal clave y obtiene una licencia amplia sobre la tecnología de una empresa, sin absorberla formalmente ni asumir sus obligaciones legales. Ese formato evita, además, la obligación de notificar la operación a los reguladores antimonopolio.

John Newman, profesor de derecho de la Universidad de Memphis y ex subdirector de la Oficina de Competencia de la Comisión Federal de Comercio de Estados Unidos, dijo que “existen décadas de derecho corporativo” pensadas para que un comprador no se quede solo con los activos y descarte los pasivos, pero que el acuerdo entre Disney y Character.AI está diseñado “de una forma para la que esas protecciones legales no fueron pensadas”.

Disney también redactó un borrador de orden judicial, llamada “orden libre de cargas”, que aclararía que la operación no debe considerarse una fusión y que Character.AI seguirá siendo responsable de “cualquier obligación”, incluidas las demandas en curso.

Las demandas que Character.AI se queda sola

Según una presentación hecha por la Asociación Nacional de Procuradores Generales en nombre de 40 estados, las investigaciones encontraron capturas de pantalla de chatbots de Character.AI que alentaban a menores a ocultar autolesiones y, en algunos casos, a matar a sus padres. Al momento de la quiebra, 46 estados y territorios investigaban a la empresa.

Un vocero de Character.AI dijo que esa presentación “no es un reflejo preciso de la seguridad de nuestra plataforma”. Pensilvania había demandado por separado a la empresa en mayo, al acusar a sus chatbots de hacerse pasar por médicos con licencia.

Character.AI ya había enfrentado una demanda por el suicidio de un adolescente de 14 años en Florida, cuya familia alegó que un chatbot de la plataforma “cultivó una relación emocionalmente dependiente y sexualmente explotadora” con él. Ese caso también involucró a Google, que había pagado USD 2.700 millones en 2024 por una licencia de la tecnología de Character.AI y contrató a sus fundadores.

Google argumentó entonces que seguía siendo una empresa separada y que no era responsable del hecho, ocurrido antes de firmar ese acuerdo. El juez no aceptó el argumento y determinó que había elementos suficientes para considerar a Google responsable por complicidad. Las partes llegaron a un acuerdo extrajudicial, aprobado por un tribunal de California en julio.

Según el cronograma del expediente, otros postores tienen hasta el 20 de noviembre para presentar ofertas que superen la de Disney. La subasta está prevista para el 23 de noviembre y la audiencia judicial de aprobación de la venta, para el 24 de noviembre. Disney tiene como plazo límite el 17 de diciembre para cerrar la operación.

Según la primera declaración jurada de su director ejecutivo ante el tribunal, Character.AI generaba unos USD 2,5 millones mensuales en publicidad frente a un gasto de caja de USD 8,2 millones al mes, con cerca de 163 millones de usuarios actuales y pasados. Si ningún otro comprador supera la oferta de Disney, la empresa advirtió que la plataforma podría cerrar.

Taika Waititi confirmó durante la promoción de Klara and the Sun que su película de Star Wars está completamente detenida. En una entrevista reciente, el cineasta explicó que el proyecto de Lucasfilm quedó suspendido por tiempo indefinido mientras concentra sus esfuerzos en otros cuatro largometrajes.

Una película atravesada por reescrituras

El proyecto fue anunciado hace seis años, después del trabajo de Waititi como director en The Mandalorian. La propuesta buscaba contar una historia separada de la familia Skywalker, una decisión que la diferenciaba de las películas que habían dominado la franquicia hasta ese momento.

El desarrollo, sin embargo, acumuló borradores reescritos, demoras y cambios en el calendario. Aunque durante años continuó dentro de los planes conocidos de Lucasfilm, nunca avanzó hasta una etapa de producción con fechas firmes comunicadas al público.

Waititi describió ahora su situación de manera directa: “Está totalmente parada. Tengo otras cuatro películas más que estoy intentando hacer.”

El director también indicó que el largometraje está “en el hielo”. Sus palabras dejan abierta la posibilidad de retomarlo en el futuro, pero confirman que actualmente no es una prioridad. Tampoco ofreció un plazo para reactivar el desarrollo o comenzar el rodaje.

La actualización resulta relevante porque el proyecto había sido presentado como una oportunidad para llevar Star Wars hacia personajes y conflictos alejados de la historia central de las películas anteriores. Después de seis años de trabajo y revisiones, esa dirección permanece suspendida.

Los cuatro proyectos que Taika Waititi prioriza

La declaración llegó durante la gira de prensa de Klara and the Sun, la nueva película de ciencia ficción de Waititi. Al explicar el freno de Star Wars, el realizador señaló que su agenda ya está ocupada por otros cuatro proyectos que intenta llevar a la pantalla.

Entre ellos aparece una secuela de Lo que hacemos en las sombras, una de sus primeras películas. Waititi también trabaja en The Incal y Barn 8, aunque las fuentes no detallan sus fechas de rodaje o estreno. Klara and the Sun completa el período de actividad inmediata mencionado alrededor de la entrevista.

La pausa ocurre después de su paso por Marvel, donde dirigió las dos entregas más recientes de Thor. Su participación en grandes franquicias generó respuestas divididas entre los espectadores, especialmente por el uso del humor en esas adaptaciones. El nuevo comentario evita entrar en esa discusión y atribuye la demora a la cantidad de películas que tiene en preparación.

Por ahora, el cineasta no anunció que su Star Wars haya sido cancelada de forma definitiva. La diferencia es importante: una producción suspendida puede volver a desarrollarse, pero no cuenta con un calendario activo ni ocupa un lugar inmediato entre los próximos trabajos de su responsable.

Disney cambia el foco de Star Wars

La actualización de Waititi coincide con otro movimiento de Disney. Días antes de sus declaraciones, el estudio confirmó que desarrolla una nueva película de Star Wars junto con Jon Watts, responsable de las películas recientes de Spider-Man protagonizadas por Tom Holland.

Según la información disponible, el proyecto de Watts funcionará como continuación directa de la trilogía más reciente y retomará la historia vinculada con los Skywalker. Esa orientación contrasta con la idea original de Waititi, que buscaba separarse por completo de esa línea narrativa.

Disney y Lucasfilm no comunicaron una nueva fecha para la película de Waititi. Mientras ese proyecto permanece detenido, el largometraje encabezado por Jon Watts es el que continuará la historia de la trilogía más reciente.

Marvel Television anunció Zodiac, una nueva serie de espionaje y suspenso destinada a Disney+, durante la Comic-Con de Nueva York 2026. El rodaje comenzará en Londres durante el proximo otoño, su anuncio y el estreno está proyectado para 2028, aunque todavía no existe una fecha concreta ni se conocen los integrantes del reparto.

Un anuncio construido alrededor del secreto

Marvel presentó el proyecto con un logo y una descripción breve: será un thriller centrado en algunos de los secretos más profundos de sus historias. La producción se encuentra en una etapa temprana y el proceso de casting comenzará pocas semanas después de la presentación.

El productor ejecutivo Brad Winderbaum explicó que revelar los nombres del elenco implicaría adelantar información clave de la trama. Según el responsable de Marvel Television, la identidad de los actores funcionaría como un spoiler, lo que indica que Zodiac podría recuperar personajes conocidos. Winderbaum también admitió que será difícil conservar el secreto cuando comience la filmación y aparezcan las primeras imágenes desde el set.

Las pistas disponibles están en el logo. Allí aparecen dos símbolos relacionados con etapas anteriores del UCM: un elemento que recuerda al reactor de Iron Man y el halcón utilizado por SHIELD. Marvel no explicó qué significan ni confirmó que esas referencias anticipen la presencia de personajes vinculados con Tony Stark o con la agencia de inteligencia.

Otro movimiento despertó especulaciones entre los seguidores. Clark Gregg compartió el anuncio de la serie en sus redes sociales. El actor interpretó a Phil Coulson en películas como Thor, Iron Man y Los Avengers, antes de protagonizar Agentes de SHIELD. Su reacción no equivale a una confirmación y Marvel tampoco anunció negociaciones para su regreso.

Qué puede significar Zodiac

El nombre Zodiac tiene antecedentes en los cómics, pero ninguna de sus versiones permite identificar con claridad la historia elegida para la serie. En 2009 apareció un villano con ese nombre que se enfrentó a los Thunderbolts y al Caballero Luna. También existieron diferentes grupos de supervillanos llamados Zodiac, relacionados con varias formaciones de los Avengers.

Esos personajes tuvieron pocas apariciones importantes frente a otros antagonistas de Marvel. Por esa razón, Zodiac podría utilizar elementos poco conocidos de las historietas, modificar considerablemente ese material o presentar una trama creada para televisión. Marvel aún no indicó si el título alude a un villano, una organización o una operación secreta.

Una de las teorías relaciona el proyecto con Armor Wars, la serie cancelada que iba a protagonizar Don Cheadle. Esa producción estaba pensada para abordar el legado tecnológico de Tony Stark después de Avengers: Endgame. El símbolo asociado con Iron Man alimenta esa lectura, pero no existe información oficial que conecte ambos proyectos.

La otra posibilidad gira alrededor de SHIELD. Agentes de SHIELD tuvo siete temporadas en ABC y siguió durante siete años las misiones de Coulson y su equipo. El emblema incluido en el logo podría anticipar el regreso de la organización, una nueva versión de sus agentes o una historia independiente que utilice sus recursos. La publicación de Gregg sumó otro indicio, aunque por ahora todo se limita a interpretaciones del material promocional.

El calendario televisivo de Marvel

El anuncio llega mientras Marvel reduce y reorganiza parte de su producción para televisión, después de cancelar proyectos que llevaban tiempo en desarrollo. Zodiac confirma que el estudio mantendrá series de acción real dentro de su programación para Disney+, aunque con un estreno previsto a largo plazo.

Antes de 2028, la plataforma tiene otros proyectos anunciados. Entre ellos figuran la tercera y última temporada de Daredevil y VisionQuest, serie planteada como cierre de la línea narrativa iniciada por WandaVision y continuada en Agatha en todas partes. Zodiac llegará después de esas producciones si mantiene su calendario actual.

Marvel todavía debe comunicar quién escribirá y dirigirá la serie, cuántos episodios tendrá y qué personajes encabezarán la historia. Las primeras respuestas podrían surgir con la formación del reparto o cuando la filmación comience en Londres durante la próxima primavera.

El ecosistema del entretenimiento juvenil en América Latina ha tenido contados fenómenos capaces de trascender la pantalla para convertirse en movimientos culturales masivos. Soy Luna, la superproducción original creada por Disney Channel Latin America en colaboración con Pol-ka Producciones, se posiciona en la cima de esa lista y le regalará a sus fanáticos una transmisión especial.

Ahora, tras años de pausa y con los miembros de su reparto consolidados en carreras solistas en la música, la actuación y las redes sociales, la franquicia confirma una reunión histórica.

El anuncio de un concierto en vivo llega para las audiencias nostálgicas de la Generación Z y millennials jóvenes. Con una producción técnica de estándar internacional, el show no solo revivirá los éxitos musicales que dominaron las listas de ventas de la década de 2010, sino que además funcionará como un puente generacional que reunirá a los fanáticos originales con nuevas audiencias que han descubierto la serie a través de las plataformas digitales.

¿De qué trata Soy Luna y cuál es su importancia para Latinoamérica?

Para comprender la magnitud del fenómeno de Soy Luna, es necesario analizar la fórmula narrativa y conceptual que revolucionó la televisión infantojuvenil de la región tras su estreno en marzo de 2016.

La trama sigue la historia de Luna Valente (interpretada por la actriz y cantante mexicana Karol Sevilla), una adolescente amante del patinaje sobre ruedas que vive una vida tranquila en Cancún, México. Su realidad da un giro drástico cuando sus padres reciben una propuesta de trabajo irrenunciable en Buenos Aires, Argentina, lo que la obliga a mudarse a un nuevo país, adaptarse a un colegio de élite (el Blake South College) y redefinir su identidad.

En medio del choque cultural y el desafío de hacer nuevos amigos, Luna descubre el Jam & Roller, una pista de patinaje donde encuentra el espacio perfecto para expresarse, enamorarse y descubrir los misterios del pasado de su verdadera familia.

La trascendencia de Soy Luna en América Latina radica en varios pilares fundamentales:

• Integración cultural panregional: la serie reunió a un elenco multicultural que incluyó talentos de México, Argentina, Italia, España y Chile (destacando figuras como Ruggero Pasquarelli, Valentina Zenere, Michael Ronda y Carolina Kopelioff). Esto permitió que jóvenes de todo el continente se sintieran identificados con los modismos, acentos y experiencias representados en la pantalla.
• Revival del patinaje como deporte y estilo de vida: la producción detonó un aumento global en las ventas de patines de cuatro ruedas (quads), transformando la disciplina deportiva en una tendencia masiva en parques y plazas de ciudades desde Ciudad de México hasta Santiago de Chile y Buenos Aires.
• Fenómeno discográfico y de giras masivas: a lo largo de sus tres temporadas y 220 episodios, la producción lanzó múltiples álbumes de estudio que obtuvieron certificaciones de Disco de Oro y Platino. Sus giras internacionales (Soy Luna en Concierto y Soy Luna Live) abarcaron decenas de conciertos con boletos agotados en recintos emblemáticos como el Auditorio Nacional de México, el Luna Park de Argentina y el Movistar Arena de Chile, convocando a más de tres millones de espectadores.
• Empoderamiento e identidad: a través de la resiliencia de su protagonista, la historia promovió mensajes de autenticidad, superación personal, diversidad y la persecución de los sueños a pesar de las adversidades.

Soy Luna y el legado de Karol Sevilla en México

El concierto especial en vivo representa una de las apuestas más ambiciosas en el segmento de eventos musicales para la plataforma Disney+. La transmisión contará con un despliegue de cámaras de alta definición, mezcla de audio envolvente y un diseño de iluminación concebido exclusivamente para realzar las coreografías sobre ruedas y las interpretaciones vocales en directo.

El repertorio de la velada repasará los temas más icónicos que marcaron a la franquicia, incluyendo piezas entrañables como “Alas”, “Valiente”, “Sobre Ruedas”, “Eres”, “Mírame a mí” y “Siempre Juntos”. Además de las actuaciones musicales, la transmisión incluirá segmentos exclusivos entre bastidores, interacciones en tiempo real con la audiencia digital y testimonios donde el reparto recordará cómo esta producción transformó sus vidas profesionales y personales.

El evento se posiciona como una cita ineludible para la comunidad de seguidores que ha mantenido viva la conversación sobre la serie en redes sociales a lo largo de los años, demostrando el valor duradero de la propiedad intelectual de Disney en la región.

¿Cuándo, a qué hora y dónde ver el concierto de Soy Luna en vivo desde México?

Para la audiencia en México y el resto de Latinoamérica que planea reunirse a disfrutar de este espectáculo de reunión, compartimos las coordenadas oficiales de emisión:

• Evento: Concert Special en Vivo / Reencuentro de Soy Luna
• Plataforma exclusiva de transmisión: Disney+ (se requiere suscripción activa al servicio)
• Fecha de emisión: Sábado 17 de octubre de 2026
• Horario oficial para México (Tiempo del Centro, CST): 20:00 horas (06:00 PM)

La invitación está hecha para volver a calzarse los patines desde casa y revivir los momentos más emotivos de una historia que dejó una huella imborrable en la cultura pop latinoamericana.

El recorrido de Bleach dentro de la historia del manga y el anime es uno de los fenómenos más singulares de la cultura pop global. Forma parte de la venerada era de los “Tres Grandes” (Big Three) de la revista Weekly Shōnen Jump —junto con Naruto y One Piece— y marcó a toda una generación a comienzos de los años 2000 con su estética urbana, su banda sonora vanguardista y un diseño de personajes inolvidable.

Sin embargo, cuando la serie de televisión original concluyó abruptamente en 2012 sin adaptar el desenlace del manga escrito e ilustrado por Tite Kubo, millones de seguidores alrededor del globo albergaron durante más de una década la esperanza de atestiguar la conclusión animada de la historia.

Esa prolongada espera culminó con el ambicioso proyecto Bleach: Thousand-Year Blood War (La Guerra Sangrienta de los Mil Años), concebido bajo el sello de Pierrot Films para adaptar minuciosamente los volúmenes finales de la historieta (del 55 al 74).

A lo largo de sus distintas partes o bloques de emisión (cour), la producción ha deslumbrado al público general y a los fanáticos más exigentes gracias a una animación de estándar cinematográfico, secuencias de combate hiperdetalladas y la supervisión directa del propio Kubo, quien incorporó escenas inéditas y material explicativo para profundizar en la mitología de los Shinigamis, los Quincy y los Espada.

Ahora, la travesía alcanza su punto de no retorno. La confirmación del cierre de la serie representa un hito en la industria del entretenimiento japonés: dos capítulos decisivos pondrán el punto final a una saga épica que ha abordado temas como el deber, la pérdida, el destino y la coexistencia entre la vida y la muerte.

La batalla por el equilibrio: el destino de Ichigo Kurosaki y la existencia misma

El desenlace de Bleach no es una simple resolución de combate; es una colisión ideológica y cósmica que abarca las tres esferas de la existencia dentro de su universo: el Mundo Real (donde viven los humanos), la Sociedad de Almas (el reino de los espíritus) y Hueco Mundo (el territorio baldío habitado por los Hollows).

En el centro del conflicto se sitúa el temible Yhwach, el padre y rey de los Quincy. Tras absorber al Rey Espiritual —la deidad que actúa como el pivote central que evita que la realidad se desmorone—, Yhwach busca colapsar los tres mundos en una sola dimensión primordial donde la vida y la muerte se fusionen, eliminando el miedo al deceso pero destruyendo el equilibrio dinámico del cosmos.

Para frenar esta amenaza definitiva, el protagonista Ichigo Kurosaki ha tenido que enfrentarse no solo a un ejército devastador, sino también a la verdad sobre su propio origen. En esta fase final, la naturaleza híbrida de Ichigo (quien combina poderes de Shinigami, Quincy, Hollow y humano) alcanza su máxima expresión. Su Bankai renovado y su aceptación total de sus identidades internas representan la culminación de un viaje de crecimiento personal que comenzó como un simple estudiante de secundaria capaz de ver fantasmas.

Acompañado por aliados históricos como Uryū Ishida, Renji Abarai, Rukia Kuchiki y los Capitanes del Gotei 13, Ichigo se adentra en el palacio real para librar la contienda definitiva. Los dos episodios finales han sido objeto de un meticuloso proceso de edición y postproducción, pues los realizadores decidieron posponer su emisión original por unas semanas con el objetivo de dotar a la animación, la iluminación y el diseño sonoro de un nivel de excelencia técnica a la altura del desenlace de una de las sagas más influyentes del siglo XXI.

Las expectativas en torno a estos episodios son altísimas, no solo por la resolución de los enfrentamientos pendientes, sino también por el anuncio de posibles atisbos sobre el futuro de la franquicia y el desarrollo del aclamado “Arco del Infierno”, lo que posiciona a esta entrega como una cita obligatoria para la comunidad seguidora del anime en todo el mundo.

¿Cuándo, a qué hora y dónde ver los episodios finales en México?

Para la audiencia mexicana y del resto de Latinoamérica, el desenlace de Bleach: Thousand-Year Blood War estará disponible a través de plataformas oficiales con simulcast, lo que permite disfrutar de la transmisión casi simultánea con su emisión en las cadenas de televisión japonesas.

A continuación se detallan las coordenadas exactas para presenciar el final histórico en territorio mexicano:

• Plataforma de transmisión: Disney+ (a través de su catálogo de animación y contenido exclusivo).
• Fecha de estreno: Lunes 19 de octubre de 2026.
• Horario oficial de liberación (Tiempo del Centro de México): 09:30 AM.

Con esta cita agendada, los fanáticos de la República Mexicana podrán conectarse desde las primeras horas de la mañana para presenciar el desenlace de la Guerra Sangrienta de los Mil Años y descubrir cómo concluye la leyenda de Ichigo Kurosaki.

Un niño desconocido irrumpió en una cita del codirector de La Sirenita y, sin saberlo, plantó la semilla de una de las secuencias musicales más recordadas de Disney.

Ron Clements relata el episodio en sus memorias recién publicadas y revela, en exclusiva para People, escenas eliminadas y decisiones de guion que los seguidores del clásico de 1989 desconocían hasta ahora.

En Making Disney Magic… from a Mermaid to Moana, publicado por Random House Worlds y disponible en librerías desde el 13 de octubre, Clements recuerda una velada en la cafetería Ships Coffee Shop de Los Ángeles. Había salido a tomar un postre con una mujer cuando un niño se acercó a su mesa sin previo aviso.

“Mientras comíamos, un niño pequeño, rechoncho y bastante peculiar, se acercó a nuestra mesa y nos miró fijamente durante un rato incómodo”, cuenta el director, de 73 años, en el libro. “Luego se inclinó hacia adelante, nos miró con una sonrisa lasciva y dijo en voz baja y ronca: ‘¡Bésala!’“, agregó.

El pequeño insistió: “Vamos… bésala… bésala… ¿Por qué no la besas?”. Después regresó con su familia al otro lado del restaurante. Clements describe el momento como “un incidente curioso y tal vez no digno de mención, excepto porque sirvió de inspiración para la secuencia de ‘Kiss the Girl’”.

Quien haya visto la película reconocerá de inmediato el paralelo: Sebastián, el cangrejo, adopta exactamente ese rol de celestino cuando susurra a Eric que bese a Ariel durante un paseo en barca. La canción, compuesta por Alan Menken con letra de Howard Ashman, obtuvo una nominación al Óscar a mejor canción original en 1990, aunque perdió ante “Under the Sea”, otro tema del mismo filme.

La cita continuó, pero el romance no sobrevivió

El codirector admite que tuvo “algunas citas más” con la mujer a pesar del “comienzo incómodo”, pero la relación terminó. Clements conoció a su esposa, Tami, en 1984, y se casaron cinco años después, el mismo año en que La Sirenita llegó a las salas de cine.

“De vez en cuando, hay un momento en que algo de tu vida real se conecta con otra cosa”, explicó el cineasta a People sobre cómo aquel episodio alimentó el éxito de Disney de 1989, una película que recaudó 184 millones de dólares en todo el mundo y marcó el inicio de lo que la industria bautizó como el Renacimiento de Disney.

Úrsula intentó envenenar a Tritón, según una escena eliminada

Las memorias de Clements no se limitan a la anécdota de la cafetería. El libro detalla escenas que quedaron fuera del montaje final, entre ellas un diálogo que habría explicado el conflicto entre Úrsula y el rey Tritón.

En esa secuencia descartada, la bruja del mar, envuelta en su caparazón, acaricia el cabello de Ariel con un tentáculo mientras se queja de su destierro: “¿Así es como se peinan en el palacio hoy en día? Claro que no lo sé… ¡Tu querido padre me ha desterrado para siempre! ¿Y por qué? ¿Por qué era ambiciosa? ¿Por qué hice unos cuantos intentos patéticos de mejorar mi posición social?”. Ariel responde con firmeza: “Intentaste envenenar a mi padre”.

En versiones previas del guion, Úrsula era incluso la hermana de Tritón, un detalle que finalmente se redujo a “breves alusiones a un pasado conflictivo” entre ambos. La escena del envenenamiento cayó por la presión de acortar la duración del filme.

“Siempre hay presión con la duración. Hubo un momento en que escuchábamos: ‘Tenemos que cortar tres minutos’, y no cortamos tres minutos, pero cortamos quizás un minuto y medio”, contó Clements a People.

El director lamenta esa decisión en particular: “Si pudiera volver atrás, lo habría dejado o lo habría vuelto a incluir, porque creo que era información que la gente podría querer saber”. También elogió el trabajo de la actriz Pat Carroll, fallecida en 2022, quien dio voz a Úrsula: “Hizo un trabajo excelente con los diálogos”.

Ariel sí escribió una carta a Eric en el borrador original

Otra revelación del libro aborda un debate recurrente entre los seguidores del filme: si Ariel sabe escribir —firma con su nombre el contrato de Úrsula—, ¿por qué no le escribe una nota a Eric para explicarle su situación?

Clements confirmó a People que, en el tratamiento inicial de dos páginas que presentó a los entonces directivos de Disney, Jeffrey Katzenberg y Michael Eisner, esa escena existía. “En ese guion, ella intenta escribirle una carta a Eric, pero la bruja le impide verla”, explicó el cineasta, que conserva aquel documento enmarcado en su casa.

La línea argumental desapareció a medida que la historia evolucionó. Para la versión final, Clements ofrece una lectura alternativa: aunque el público ve a Ariel escribir su nombre en lo que parece inglés, “quizás escribió algo en escritura de sirena” y los creadores simplemente lo representaron de forma comprensible para los espectadores.

“Siempre se puede encontrar una explicación si uno se lo piensa lo suficiente”, añadió.

Un libro con 45 años de secretos de Disney

Making Disney Magic… from a Mermaid to Moana abarca las cuatro décadas y media de Clements en Walt Disney Animation Studios, desde su participación como animador en Los rescatadores (1977) hasta la dirección de Moana (2016). El volumen, de 496 páginas, incluye más de 1.000 piezas de arte de archivo y fotografías a todo color.

Junto a su habitual compañero creativo John Musker, Clements forjó una de las duplas más prolíficas de la animación: además de La Sirenita, ambos codirigieron Aladdin (1992) —la primera película animada en superar los 200 millones de dólares en taquilla doméstica—, Hércules (1997), El planeta del tesoro (2002), Tiana y el sapo (2009) y Moana (2016).

Su trabajo en La Sirenita le valió al filme tres nominaciones al Óscar, incluidos dos premios de la Academia para Menken y Ashman por mejor banda sonora original y mejor canción.

El libro, presentado por Clements en un panel del evento D23 en Anaheim en agosto de 2026, ya se encuentra disponible en todas las librerías.

El estreno marca el pasaje del programa en vivo a una historia de ficción propia, construida alrededor de un grupo de amigos que atraviesa los desajustes de la adultez. Trabajos inestables, vínculos que cambian, citas fallidas y secretos que irrumpen en la rutina forman parte del punto de partida de la comedia.

La plataforma presentó este miércoles el tráiler de la producción, que estará disponible exclusivamente en Hulu en Disney+ Latinoamérica. El adelanto muestra el tono coral de la serie y anticipa situaciones atravesadas por el humor, las tensiones de convivencia y las incertidumbres de sus personajes.

Ocho episodios sobre amistades que atraviesan cambios

La historia sigue a cinco amigos en un momento en el que varias áreas de sus vidas comienzan a desordenarse a la vez. A lo largo de ocho episodios de 20 minutos, los protagonistas deberán revisar decisiones personales, relaciones afectivas y proyectos que parecían definidos.

La sinopsis oficial plantea una pregunta central: qué aspectos de sus vidas están dispuestos a sostener cuando crecer deja de ser una idea lejana. La serie propone una mirada sobre la amistad y la nueva adultez, sin certezas definitivas ni respuestas inmediatas para sus personajes.

Nico Occhiato interpreta a Matías; Flor Jazmín Peña, a Chía; Momi Giardina, a Guillermina; Santi Talledo, a Lucas; y Martín Garabal, a Leo. Los cinco conforman el elenco principal de una ficción que busca trasladar la dinámica grupal del streaming a un relato con personajes y conflictos propios.

El elenco suma a Oscar Martínez y Graciela Stefani

La producción contará con participaciones especiales de Oscar Martínez y Graciela Stefani, quienes encarnarán a los padres del personaje de Occhiato. También formarán parte del reparto Maite Lanata, Sofi Morandi, Olivia Nuss, Andrés Gil, Juli Poggio, Diego Castro, Evitta Luna, Marcos Giles, Marixa Balli, Lucas Spadafora y Marina Bellati.

El elenco se completa con Pedro Colleta, Cecilia Maresca, Tomás Limansky y Paula Carruega. La presencia de intérpretes de distintos recorridos amplía el universo de la historia y acompaña a los conductores de Nadie dice nada en su primera serie de ficción conjunta.

La realización está a cargo de Pampa Films, con dirección de Nick Silbert y Lalo Mark. La idea original pertenece a Talledo y Diego Vago, quienes además trabajan como guionistas y showrunners.

Una producción nacida del universo de LUZU TV

El equipo autoral incluye a Andrés Pascaner, Ramiro Tevez, Sofía González Gil y Lucía Miranda. La serie parte del fenómeno construido por Nadie dice nada, el programa de LUZU TV que consolidó a sus conductores en el panorama del streaming argentino.

El proyecto representa un nuevo movimiento para los formatos digitales locales que buscan expandirse hacia la ficción de plataformas. En este caso, la producción conserva a las figuras centrales del ciclo, pero las ubica en una trama independiente, sin trasladar de manera literal el formato de transmisión en vivo.

Con una duración breve por capítulo, la apuesta se adapta a hábitos de consumo actuales y tendrá distribución regional desde su lanzamiento. Somos así estará disponible el 18 de noviembre en Hulu en Disney+ para los suscriptores de América Latina.

En medio de la expectativa por la tercera temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo, Walker Scobell reveló uno de los privilegios más singulares que le ha dado interpretar al célebre semidiós: acceder a los borradores iniciales de los libros de Rick Riordan antes de que lleguen al público.

El actor de 17 años hizo la confesión durante su primera aparición en la Comic Con de Nueva York, el sábado 10 de octubre, donde también compartió un adelanto exclusivo de la nueva entrega que adaptará La maldición del titán.

“Creo que lo más importante que saqué de pasar tanto tiempo con Rick es que, a veces, recibo los primeros borradores de los libros”, dijo Scobell ante una audiencia repleta en el escenario principal del Hall 1D. “Así que obviamente ese es uno de los grandes beneficios de poder interpretar a Percy”.

Scobell desmintió el dicho de “nunca conozcas a tus ídolos”

El joven actor aprovechó el panel —moderado por Damian Holbrook, de TV Insider— para reflexionar sobre el vínculo que ha forjado con Riordan, el creador de la saga que dio vida al personaje que interpreta desde 2023. Lejos de la cautela que suele acompañar las relaciones entre artistas y sus referentes, Scobell ofreció un testimonio sin reservas.

“Creo que si Rick Riordan es tu héroe, definitivamente deberías conocerlo, porque es la persona más amable que jamás hayas conocido”, afirmó, antes de calificarlo como “un tipo realmente genial y agradable”. El autor, de 62 años, publicó la primera novela de la serie, El ladrón del rayo, en 2005, y en 2024 lanzó la séptima entrega, La ira de la triple diosa.

Scobell también comentó que conocer al escritor y a su esposa, Rebecca Riordan —quien además es productora ejecutiva de la serie—, le permitió descubrir las raíces reales de los personajes de ficción. “Fue muy interesante conocerlo a él y a Becky, porque se nota enseguida de dónde sacó a Percy y a Annabeth, ¿sabes?”, explicó. “Casi quería ver a todos los demás que juegan un papel importante en su vida, para ver, por ejemplo, ¿dónde están Grover y Tyson?”.

La tercera temporada adapta por primera vez La maldición del titán

La serie de Disney+, que se estrenó en diciembre de 2023 con una primera temporada basada en El ladrón del rayo y continuó en 2025 con la adaptación de El mar de los monstruos, regresa el 20 de noviembre con ocho episodios que se emitirán en pares durante cuatro semanas. La nueva entrega se basará en La maldición del titán, el tercer libro de Riordan, que nunca antes había sido llevado a la pantalla —las películas protagonizadas por Logan Lerman solo cubrieron las dos primeras novelas—.

Según la sinopsis oficial, las apuestas son más altas que nunca cuando Percy enfrenta la repentina desaparición de Annabeth y la inminente Gran Profecía del Oráculo de Delfos, que dictará el destino del Olimpo. Con Grover a su lado, el semidiós deberá unirse a compañeros inesperados para confrontar una profecía con consecuencias funestas.

Nuevos rostros se suman al elenco con personajes muy esperados por los fans

Junto a Scobell, Leah Sava Jeffries y Aryan Simhadri regresan como Annabeth Chase y Grover Underwood. Se suman Charlie Bushnell como Luke Castellan y Tamara Smart como Thalia Grace, además de Daniel Diemer como Tyson y Dior Goodjohn como Clarisse La Rue.

Entre las incorporaciones más destacadas figuran Levi Chrisopulos y Olive Abercrombie como los hermanos Nico y Bianca di Angelo, dos de los personajes más queridos de la saga literaria. La actriz Dafne Keen interpretará a Artemisa, diosa de la caza; Saara Chaudry dará vida a Zoë Nightshade, líder de las Cazadoras de Artemisa; Ming-Na Wen encarnará a Hera, y Holt McCallany a Atlas. También se incorporan Kate McKinnon como Afrodita, Jesse L. Martin como Frederick Chase —padre de Annabeth— y David Costabile como el Doctor Thorn.

Riordan expresó su entusiasmo por el resultado en una entrevista exclusiva con Woman’s World: “Honestamente, creo que es la mejor hasta ahora. Los nuevos actores que interpretan a Nico, Bianca, Zoë Nightshade y Artemisa son increíbles”, afirmó el escritor.

Scobell describió la temporada como “la más aterradora” de la serie

Durante el panel, el actor también calificó esta temporada como la más desafiante, en parte porque el material nunca fue adaptado previamente. “Es la más aterradora porque nunca se hizo antes”, comentó. Sobre los personajes que los fans esperaban ver, como Zoë Nightshade y los hermanos di Angelo, aseguró que “todos cumplen con las expectativas”.

Scobell, debutó en el cine en 2022 junto a Ryan Reynolds en The Adam Project y ganó un Kids’ Choice Award en 2024 como mejor actor de televisión infantil. Entre sus próximos proyectos se encuentra también la película animada The Angry Birds Movie 3, con estreno previsto para diciembre de 2026.

La tercera temporada de Percy Jackson y los dioses del Olimpo se estrena el 20 de noviembre en Disney+ y Hulu, con dos episodios iniciales seguidos de dos nuevos capítulos cada semana hasta el 11 de diciembre.

El animador infantil fue invitado al ciclo conducido por Gaspi Díaz, donde revivió la historia con la voz entrecortada. Todo empezó cuando relató, sin rodeos, el peso de lo que había vivido: “Me pasan cosas muy fuertes, posta, fuertes de verdad. Acompañar a una nena a que la desconecten”.

Díaz le preguntó cómo había llegado hasta ahí. Topa explicó que en aquel entonces no existían las redes sociales tal como se las conoce hoy, y que él estaba trabajando en Disney. La familia de la pequeña —llamada Milagros— le había prometido llevarla a conocerlo si superaba una operación. La nena no salió bien. “Le habían dicho: ‘Bueno, si salís de la operación bien y todo esto, te vamos a llevar a ver a Topa’. Y tenía preparado todo el trajecito, todo, todo, todo. Y de la operación no salió”, relató.

Ante eso, los padres tomaron una decisión: “Los papás sintieron esa cosa de: ‘Le habíamos prometido esto y por más que no creo, queremos cumplirle’. Y me buscaron medio como milagro también”. La búsqueda fue febril. “Me buscaron por todos lados, por taxi, radio. ‘A ver, yo viajé con él, pará, yo me acuerdo dónde’. Y llamaban a Disney, a todos lados. Y me empezó a llegar por red, por red humana, que me busquen por todos lados”, describió Topa. El mensaje lo alcanzó cuando terminaba de grabar Junior Express, en Munro, y desde ahí fue directo a la clínica.

“¿Directo?”, le preguntó Díaz. “Y fue muy fuerte. Te digo que fue una de las cosas más fuertes que viví. Fuertes, ¿eh?”, respondió el animador. Al llegar, la escena lo golpeó de lleno: “Me encontré con ella en estado vegetal, con la mirada perdida. Pero yo sentí que en algún lugar estaba, su almita o algo. Los papás ahí con su amor. Casi pidiéndome un milagro”.

Los padres le pidieron que le cantara una canción. Fue entonces cuando Topa se quebró frente al micrófono. “Me costó muchísimo”, dijo entre lágrimas. “Fue la vez que más me costó cantar”. Y continuó: “La energía de los papás era como: ‘Hacé que se despierte’. Y bueno, nada. Le canté y en algún lugarcito sus papás cumplieron con lo que creían”. Luego cerró con una reflexión que también emocionó al público: “Hoy como papá eso entiendo. Los papás hacen todo”.

“Ver a Topa llorar me hace llorar más que ver a Messi llorar”; “Topa sos lo más”; “¿Como no amar a Topa? ¡Es un tipazo!; “Si llora Topa, lloramos todos”; “Te amo Topa sos lo más grande que hay”; “Uf, Topa hermano te voy a querer de acá hasta el día de mi muerte, vieja”; “De ahora en más, sos mi mejor amigo”; “Cómo lo quiero a Topa”; “Fuaaaaa Topa, tenés todo mi respeto ganado”; “Es realmente fuertísimo lo que cuenta Topa. Qué tipazo por favor”; “Qué ser humano maravilloso es Topa”; fueron algunas de las reacciones que los internautas dejaron para expresar lo que sintieron al escuchar el relato del animador infantil. En esos mensajes, los usuarios decidieron no dejar pasar la ocasión para demostrar la emoción que les generó el conmovedor relato.

Uno de los bolsos tenía cables expuestos y canicas en su interior; el otro estaba sellado con cinta adhesiva y presentaba objetos con bordes punzantes que sobresalían. Ambos fueron descartados como amenaza antes de la medianoche, según difundió Los Angeles Times.

Los bolsos estaban ubicados en la rotonda de autobuses de la zona este del complejo, sobre Harbor Boulevard, donde los servicios de transporte dejan a los visitantes antes de ingresar al parque.

El Departamento de Policía de Anaheim (DPA) recibió el primer aviso a las 21:30, según confirmó el sargento Eric Anderson. Uno de los bolsos —de estilo morral— estaba colocado sobre un carrito con ruedas y tenía cables que sobresalían de su interior. El otro, una bolsa de nylon, estaba cerrado con cinta adhesiva y contenía objetos con puntas visibles desde afuera.

El escuadrón de explosivos determinó que los bolsos no representaban ningún peligro

El DPA solicitó la asistencia del escuadrón de explosivos del Departamento del Sheriff del Condado de Orange, que se presentó junto a perros entrenados para la detección de materiales peligrosos.

A las 23:45, los especialistas concluyeron que los objetos no representaban ninguna amenaza. En el interior del morral había canicas; la bolsa de nylon contenía coronas de marcas de Disney y otros artículos con bordes puntiagudos, según informó Anderson a KTLA 5.

La investigación reveló que los bolsos habían sido dejados en el lugar de forma deliberada para aparentar ser sospechosos, de acuerdo con Anderson. Las autoridades identificaron a un hombre como presunto responsable a partir de imágenes de cámaras de vigilancia y testimonios de testigos presenciales, aunque hasta el momento no se publicó la identidad ni fotografías del sospechoso.

Los visitantes fueron dirigidos hacia una salida alternativa durante el operativo

Durante el operativo, el personal de seguridad del parque evacuó la zona del Esplanade y redirigió a los visitantes hacia una salida lateral. El acceso a la puerta este del complejo y a los servicios de transporte de los autobuses temáticos permaneció cerrado mientras el escuadrón trabajaba en el lugar.

Un portavoz de Disneyland confirmó a Newsweek que el área fue despejada como medida de precaución y que posteriormente fue reabierta, aunque las actividades del parque se retomaron con total normalidad el martes 13 de octubre.

Matt Desmond, creador de contenido sobre Disney que publica bajo el usuario @DisneyScoopGuy en X, documentó el incidente en tiempo real. “Los visitantes de Disneyland no pueden salir por las puertas principales y están siendo llevados por una salida lateral”, escribió durante la noche del lunes.

En una publicación posterior, precisó: “La puerta este del complejo de Disneyland, así como el acceso a los autobuses temáticos de Toy Story, permanece cerrada”. Desmond también salió al cruce de especulaciones en redes sociales que sugerían la posibilidad de un tirador activo, y señaló que no había “ninguna evidencia” que respaldara esa versión.

La política del parque contempla el retiro de objetos no acompañados

Disneyland cuenta con directrices específicas sobre el manejo de objetos abandonados dentro y en los accesos al complejo. Según la política publicada en su sitio web, el parque se reserva el derecho de no permitir el ingreso de cualquier bolso, paquete u objeto, y de proceder con los artículos sin dueño de la manera que considere apropiada.

La normativa también prohíbe de forma explícita obstruir aceras, entradas, accesos vehiculares y otros espacios de circulación.

El actor Jeremy Renner ha lanzado una advertencia sobre el destino de los Vengadores en la próxima entrega del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). El actor confirmó que no formará parte de Vengadores: Doomsday en el papel de Ojo de Halcón y aseguró que, sin él, el grupo de superhéroes corre un riesgo serio en la pantalla grande. Consultado en una entrevista reciente sobre si regresaría para la nueva película, Renner fue tajante. “No, no, no, no. En esa no”, respondió. La frase marcó el tono de una declaración que combinó el anuncio de su ausencia con un pronóstico poco alentador para sus excompañeros de elenco.

Jeremy Renner afirmó que no participará en Vengadores: Doomsday y vinculó directamente esa ausencia con el posible resultado de la trama: según el actor, los Vengadores “probablemente pierdan” en la nueva película porque nadie lo convocó para retomar a Ojo de Halcón, un personaje que encarnó en varias entregas del MCU desde 2012. “‘Doomsday’ no estoy, así que los Vengadores probablemente van a perder, que lo sepan... no me llamaron, así que es culpa de ellos si pierden”, declaró Renner. El comentario, formulado en tono de humor, no incluyó detalles sobre la trama de la película ni sobre los motivos por los que su personaje no fue convocado para esta entrega.

Aunque no integra el elenco de Doomsday, Renner expresó entusiasmo por la reposición en cines de Vengadores: Endgame, el filme de 2019 que llegó nuevamente a las salas como antesala del estreno de la nueva película. Vengadores: Doomsday tiene previsto su estreno para el 18 de diciembre. La vuelta de Endgame a la cartelera se dio como parte de la expectativa generada antes del lanzamiento del nuevo filme de la saga.

Pensando en continuar con el personaje

El actor interpretó a Ojo de Halcón en Los Vengadores, Vengadores: La era de Ultrón y Vengadores: Endgame. También tuvo apariciones breves con el personaje en Thor y en Captain America: Civil War. Renner protagonizó además la serie Hawkeye, centrada en su personaje dentro del catálogo de producciones del MCU. En 2025, Renner había señalado que estaba abierto a volver al universo Marvel, ya fuera para una segunda temporada de Hawkeye o para otro proyecto dentro de la franquicia.

“Siempre estoy feliz de estar en ese mundo, hombre. Amo a todos esos personajes, amo al personaje”, dijo Renner a la revista Empire en esa oportunidad. “Seguro terminaremos haciendo la temporada 2 de Ojo de Halcón, y otras cosas. Y estoy feliz de hacerlo. Mi cuerpo se está preparando para algo así. No sé si alguien quiere verme en mallas, pero mi cuerpo se va a ver bien en las mallas.” Esas declaraciones, previas al estreno de Doomsday, mostraban una disposición distinta a la que expresó en la entrevista más reciente, donde confirmó directamente que no formará parte de la nueva película.

En la misma entrevista de 2025 con Empire, Renner había indicado que se había recuperado “más del 150%” del accidente que sufrió en 2023, lo que según sus palabras lo dejaba en condiciones de realizar sus propias escenas de riesgo para futuras películas de Marvel. El actor había sido hospitalizado después de que un Sno-Cat, una máquina quitanieves de gran porte que pesa al menos 6.500 kilos (14.330 libras), lo atropellara. El accidente le provocó la fractura de ocho costillas en 14 lugares distintos, además de fracturas en la rodilla derecha, el tobillo derecho, la tibia de la pierna izquierda, el tobillo izquierdo, la clavícula derecha y el hombro derecho.

Disney confirmó durante la New York Comic Con 2026 una nueva adaptación de Artemis Fowl: será una serie animada destinada a Disney+ y Disney Channel. El anuncio llegó durante el panel por los 25 años de la saga creada por Eoin Colfer, quien participará como productor ejecutivo. El proyecto ya recibió luz verde, aunque todavía no tiene fecha de estreno.

Un protagonista criminal vuelve a sus orígenes

La serie partirá de la historia presentada en la primera novela. Artemis Fowl es un niño de 13 años, heredero de una dinastía criminal, que destaca por su inteligencia, su capacidad para manipular a otros y una moral alejada de la del héroe juvenil tradicional.

Cuando descubre la existencia de una civilización subterránea de hadas armadas y tecnológicamente avanzadas, Artemis prepara un plan para capturar a una de ellas y robar su oro. Su objetivo es conseguir los recursos necesarios para ayudar a su madre enferma, recuperar la fortuna familiar y proteger a los Fowl de sus enemigos.

Ese punto de partida combina fantasía, ciencia ficción, espionaje, humor y drama familiar. También permite que el protagonista comience como el antagonista de su propia historia y cambie a lo largo de los libros, en lugar de ocupar desde el inicio el lugar de un héroe convencional.

Colfer publicó la primera novela en 2001 y escribió ocho entregas principales. La serie animada tendrá así una historia completa como base y más espacio que una película para desarrollar a las criaturas, las jerarquías y la tecnología de la sociedad subterránea. El formato episódico también puede dedicar más tiempo al contraste entre Artemis, convencido de que puede controlar cualquier situación, y unas hadas capaces de responder con recursos muy superiores a los humanos.

El fracaso de la película de 2020

Disney ya había intentado llevar Artemis Fowl a la pantalla con una película de acción real dirigida por Kenneth Branagh. El largometraje estaba planeado inicialmente para los cines, pero la pandemia cambió su lanzamiento y terminó estrenándose directamente en Disney+ durante 2020.

El reparto estuvo encabezado por Ferdia Shaw como Artemis, acompañado por Lara McDonnell, Josh Gad, Judi Dench, Colin Farrell y Nonso Anozie. Pese a esos nombres, la adaptación recibió fuertes críticas y generó rechazo entre numerosos lectores por los cambios introducidos respecto de las novelas.

Una de las modificaciones principales estuvo en la personalidad de Artemis. La película redujo su faceta de cerebro criminal y lo acercó a un protagonista juvenil heroico. También cambió la historia de su padre, mezcló elementos de las dos primeras novelas e incorporó un objeto mágico llamado Aculos, inexistente en el material original.

Esas decisiones alteraron el conflicto central de los libros: el choque entre un niño arrogante, calculador y peligroso y una sociedad de hadas que se niega a convertirse en víctima de sus planes. La nueva adaptación buscará recuperar esa identidad y empezar otra vez sin continuar la historia ni el enfoque del largometraje.

Eoin Colfer trabajará con veteranos de Disney

Colfer tendrá una participación directa como productor ejecutivo. El escritor dijo estar orgulloso y encantado de integrarse al equipo, y expresó su confianza en los responsables de trasladar a la animación el mundo de las hadas. Su presencia no determina cuánto se modificará el material, pero lo coloca dentro del proceso creativo desde el inicio.

El equipo incluye a Ben Juwono, vinculado con Moon Girl y Devil Dinosaur y Big Hero 6: La serie, y a Colleen Evanson, quien trabajó en la nueva Patoaventuras y en Monstruos a la obra. Ambos cuentan con experiencia en producciones animadas de Disney dirigidas al público infantil y familiar.

Ayo Davis, presidenta de Disney Kids & Family, explicó que la intención es presentar la saga a una nueva generación sin dejar de lado a quienes crecieron con los libros. Ese objetivo plantea una tensión concreta: hacer accesible la historia para espectadores jóvenes sin eliminar la faceta incómoda y criminal que distingue al protagonista.

La animación permitirá representar la magia, las criaturas mitológicas, los escenarios subterráneos y la tecnología de las hadas sin las mismas restricciones visuales de una producción de acción real. Disney ya difundió el primer póster de la serie, pero aún no informó cuántos episodios tendrá, qué parte de los libros adaptará, quiénes formarán el elenco de voces ni cuándo llegará a Disney+ y Disney Channel.

Epic Games apostaría por crear videojuegos con inteligencia artificial, con un shooter de Disney como posible primer proyecto de gran escala bajo este modelo. La compañía, conocida por Fortnite, Unreal Engine y su tienda digital, buscaría situar la IA generativa en el centro de su proceso de desarrollo, aunque conservaría la supervisión de equipos humanos.

La información cobra relevancia porque plantea un cambio en la producción de juegos comerciales de alto presupuesto. Epic ya ha incorporado herramientas de inteligencia artificial en Unreal Engine y en personajes de Fortnite, pero el supuesto título de Disney llevaría esa estrategia a un producto basado en franquicias como Marvel y Star Wars.

Epic Games prepararía un cambio en la producción de videojuegos

Según la información atribuida a fuentes internas, Epic Games avanzaría hacia un flujo de trabajo centrado en inteligencia artificial. El objetivo sería utilizar sistemas generativos para acelerar tareas de programación, creación artística y diseño de recursos dentro de los videojuegos.

El cambio no significaría que los desarrolladores desaparezcan del proceso. Los equipos humanos mantendrían la responsabilidad de revisar el contenido generado, corregir errores y decidir qué elementos cumplen con los estándares técnicos y creativos necesarios para llegar a una versión final.

La compañía ya había mostrado interés por estas herramientas. Unreal Engine, su motor gráfico, incorpora cada vez más funciones relacionadas con IA generativa, mientras que Fortnite ha experimentado con personajes capaces de responder a los jugadores mediante sistemas de inteligencia artificial.

La nueva estrategia buscaría reducir el código escrito manualmente y aumentar el uso de recursos generados con IA, una transformación que puede afectar a la organización tradicional de los equipos de desarrollo.

Un shooter de Disney reuniría personajes de Marvel y Star Wars

El primer gran proyecto bajo esta fórmula sería un videojuego de disparos de Disney que todavía no cuenta con anuncio oficial. El título combinaría personajes de Marvel y Star Wars, dos de las propiedades más conocidas del grupo de entretenimiento.

La información disponible señala que la herramienta Claude participaría en la generación de personajes y otros componentes del juego. No hay detalles confirmados sobre su argumento, sus plataformas, sus modos de juego o el sistema de progresión que tendría.

El lanzamiento parecía previsto inicialmente para marzo del próximo año, aunque el proyecto habría sufrido un retraso. La ausencia de una presentación pública impide conocer si Epic mantendrá ese calendario o si modificará por completo sus planes antes de revelar el videojuego.

La participación de franquicias de Disney elevaría el alcance del proyecto, ya que Marvel y Star Wars cuentan con comunidades globales y una larga presencia en videojuegos, películas, series y productos de consumo.

La transición genera dudas entre los desarrolladores

La apuesta por la IA no tendría consenso completo dentro de Epic Games. Algunos desarrolladores habrían cuestionado el cambio frente al modelo tradicional, donde artistas, programadores, guionistas y diseñadores elaboran cada elemento de manera directa.

El debate se repite en buena parte de la industria. Las herramientas generativas pueden agilizar prototipos, automatizar tareas repetitivas y facilitar pruebas técnicas. Sin embargo, también abren interrogantes sobre la calidad de los resultados, los derechos de autor, la originalidad y el impacto en puestos de trabajo especializados.

Epic Games Store regala Out of Sight hasta el 15 de octubre

Mientras prepara este posible salto hacia la IA, Epic Games Store permite descargar gratis Out of Sight, un juego de terror desarrollado por The Gang Studio. La promoción estará activa hasta el jueves 15 de octubre y permite conservar el título de forma permanente en la biblioteca digital.

El juego suele costar USD 6 y cuenta con cerca de un 90% de valoraciones favorables en Steam. La historia sigue a Sophie, una niña ciega cautiva en una mansión, que debe escapar de sus perseguidores con ayuda de un osito de peluche.

La mecánica permite observar el entorno a través de los ojos del muñeco. Esa perspectiva ayuda a localizar rutas, detectar obstáculos y resolver acertijos, mientras la protagonista intenta avanzar sin enfrentamientos directos.

Cómo reclamar Out of Sight en Epic Games Store

• Ingresar a store.epicgames.com
• Crear una cuenta o iniciar sesión
• Abrir la sección “Tienda”
• Buscar Out of Sight entre los juegos gratuitos
• Verificar que el precio sea 0
• Pulsar “Obtener” y confirmar la operación
• Revisar que el título aparezca en la biblioteca

Una vez reclamado, Out of Sight quedará asociado a la cuenta y podrá instalarse más adelante, incluso después de que termine la promoción.

Character Technologies, la empresa detrás de la aplicación de chatbots Character.AI, se declaró en quiebra, bajo el Capítulo 11 de la ley estadounidense ante un tribunal de Delaware, en medio de una ola de demandas por supuestos daños a menores de edad.

La compañía acordó que Disney Worldwide Services, una afiliada de Walt Disney Company, actúe como “postor inicial” en una subasta judicial por sus activos. Disney ofreció USD 20 millones por una licencia perpetua y no exclusiva de parte de la propiedad intelectual de Character.AI y de ciertos reclamos legales de la empresa, no por la aplicación en sí.

Según el comunicado oficial de la compañía, el expediente judicial estima que tanto los activos como los pasivos de Character.AI están entre 50 y 100 millones de dólares. El caso quedó registrado con el número 26-11603 en el tribunal de quiebras del distrito de Delaware.

La oferta de Disney funciona como piso de una subasta regida por la sección 363 del Código de Quiebras de Estados Unidos, lo que permite a otros postores presentar propuestas más altas. Character.AI espera que el proceso de venta concluya a fines de noviembre o comienzos de diciembre de 2026.

Una empresa bajo presión legal por casos de adolescentres

El colapso financiero de Character.AI llega después de más de un año de demandas de familias que responsabilizan a la plataforma por la muerte o el intento de suicidio de sus hijos adolescentes. Una de las causas más conocidas fue iniciada por Megan Garcia, madre de Sewell Setzer III, un joven de 14 años de Florida que se quitó la vida en 2024 tras desarrollar un vínculo emocional con un chatbot de la aplicación.

En octubre de 2025, bajo esa presión judicial y regulatoria, Character.AI anunció que eliminaría por completo las conversaciones abiertas con sus personajes para usuarios menores de 18 años a partir del 25 de noviembre de ese año, y sumó herramientas de verificación de edad con la empresa Persona.

Karandeep Anand, entonces director ejecutivo de Character.AI, lideró esos cambios. Semanas más tarde, Anand dejó la compañía para sumarse a Disney como director de tecnología, junto con varios empleados técnicos de Character.AI.

Qué pasa con la aplicación Character.AI

“Durante el último año, Character.ai dio pasos significativos para sostener y mejorar su negocio frente a vientos en contra legales, regulatorios y operativos”, afirmó Colin Adams, actual director ejecutivo de la empresa, en el comunicado oficial.

Adams agregó que, tras revisar las alternativas disponibles, el directorio determinó que el proceso de venta supervisado por un tribunal ofrece “la mejor oportunidad para maximizar el valor para todos los interesados”.

Character.AI aclaró que la plataforma seguirá funcionando mientras avanza la subasta, que las suscripciones pagas continúan activas y que solicitó autorización judicial para seguir pagando sueldos y a sus proveedores durante el proceso.

El desenlace, sin embargo, depende de que aparezca un comprador dispuesto a quedarse con el negocio completo. La propia empresa lo advirtió sin rodeos: si la subasta no produce una compra que garantice la continuidad de la aplicación, la plataforma será cerrada.

El resultado de ese proceso, que Character.AI prevé cerrar entre fines de noviembre y comienzos de diciembre de 2026, determinará si la aplicación de chatbots sigue en pie bajo un nuevo dueño o si se apaga para siempre.

Aviso de ayuda en caso de intentos de atentar contra tu vida

En Estados Unidos, existe la Red Nacional de Prevención del Suicidio para pedir ayuda, puedes llamar al 1-888-628-9454 o al 1-800-273-8255, la línea del Servicio Nacional de Prevención del Suicidio, para hablar con alguien que te brindará apoyo gratuito y confidencial las 24 horas del día, los siete días de la semana. Los CDC también recomienda sus propias políticas, programas y prácticas de prevención.

Línea de prevención del suicidio en Argentina: el Centro de Asistencia al Suicida ofrece orientación y apoyo. Tienen una línea de prevención del suicidio disponible al teléfono 135 (línea gratuita) o al (011)5275-1135 y 0800 345 1435 para llamadas desde todo el país.

En México, para aquellos que buscan ayuda o asistencia en relación al suicidio, existe la Línea de la Vida: 800-911-2000, este servicio es gratuito y está disponible las 24 horas del día, los 7 días de la semana.

En Colombia, la Línea de la Vida brinda apoyo emocional a individuos que enfrentan crisis de suicidio o angustia. Este servicio está disponible en varias ciudades del país. En Bogotá, se puede contactar a través de la línea 106 o vía WhatsApp al 3007548933. Barranquilla cuenta con la línea 339 99 99, mientras que en Medellín se dispone de la Línea Amiga al 444 44 48. En Cali, al igual que en Bogotá, la línea de atención es el 106. Estas líneas ofrecen una respuesta inmediata a quienes necesitan ayuda en momentos críticos.

En Perú, el Ministerio de Salud (Minsa) ofrece apoyo emocional a través de la Línea 113 Salud, accesible nacionalmente por teléfono, WhatsApp o Telegram en los números 955557000 y 952842623.

En España, el Ministerio de Sanidad ha establecido la Línea 024 para la atención a la conducta suicida.

Disney elevó USD 120 el precio de su pase anual más caro en Estados Unidos, el Incredi-Pass de Walt Disney World, que pasó de USD 1.629 a USD 1.749.

La actualización entró en vigor el 6 de octubre y también modificó las tarifas de determinadas entradas y servicios de los complejos de Florida y California.

El aumento más alto se aplicó al único pase anual disponible para visitantes de cualquier lugar y sin fechas de bloqueo.

En paralelo, las entradas de un día con mayor precio para Magic Kingdom alcanzarán los USD 229 el 25 y el 31 de diciembre de 2027, según el calendario de ventas de Disney citado por USA Today.

Incredi-Pass subió USD 120 y los otros tres pases tuvieron alzas menores

La revisión de precios alcanzó las cuatro categorías de pases anuales de Disney World. El Incredi-Pass registró el incremento más pronunciado, de USD 120, y quedó en USD 1.749.

El Pixie Dust Pass aumentó USD 10, mientras que el Pirate Pass y el Sorcerer Pass subieron USD 40 cada uno.

Estas tres opciones tienen restricciones de elegibilidad y fechas de uso: los dos primeros se destinan a residentes de Florida, y el Sorcerer Pass también está disponible para miembros de Disney Vacation Club.

La diferencia de acceso explica parte de la estructura tarifaria. A diferencia de esos productos, el Incredi-Pass puede ser adquirido por visitantes de cualquier estado y no establece días de bloqueo para ingresar a los parques.

Entradas de Magic Kingdom llegarán a USD 229 en Navidad y Año Nuevo de 2027

Disney también actualizó el valor máximo de sus entradas de un día para un parque. La tarifa para Magic Kingdom será de USD 229, antes de impuestos, el día de Navidad y en la víspera de Año Nuevo de 2027.

El mismo acceso costaba USD 209 en esas fechas de 2026 y, para algunas jornadas de 2027 previamente publicadas, se había fijado en USD 219.

En contraste, la entrada inicial de un día para un parque en Disney’s Animal Kingdom se mantiene en USD 119.

El valor de los boletos de Disney World depende del parque seleccionado y de la fecha, con precios más altos en las jornadas de mayor demanda.

USA Today informó que la empresa incorporó una herramienta de inteligencia artificial para un grupo limitado de usuarios de su sitio web.

El sistema responde consultas abiertas, incluso sobre períodos con precios más bajos. Disney conserva además páginas de promociones, cuyas condiciones varían según el destino, las fechas y el tipo de boleto.

Disneyland mantuvo sin cambios sus tarifas máxima y mínima

En Disneyland, ubicado en Anaheim, la entrada más económica siguió en USD 104 y la tarifa máxima de un día tampoco cambió. Los pases anuales Magic Key, los boletos de varios días y el estacionamiento conservaron sus valores.

Sí hubo aumentos en categorías intermedias y complementos. La opción Park Hopper, que permite visitar ambos parques del complejo en una misma jornada, subió entre USD 5 y USD 15, de acuerdo con la fecha.

La mayoría de las entradas intermedias aumentó cerca de USD 5, equivalente a alrededor del 3 %, y el servicio Lightning Lane Multi Pass registró una suba de USD 1 o del 3 %, según CNN.

Gavin Doyle, fundador del sitio especializado MickeyVisit.com, sostuvo ante USA Today que Disney busca mantener el precio accesible para las familias al mantener sin cambios el boleto de USD 104. El analista señaló que ese precio puede incentivar el regreso de nuevos visitantes al complejo californiano.

Subas concentradas en servicios de fila rápida en Disney World

La política de precios también alcanza servicios para reducir los tiempos de espera. La versión de mayor precio de Lightning Lane en Disney World, que permite acceder a las filas rápidas disponibles sin reserva previa, puede acercarse a USD 500 en los días de demanda más alta y podría subir hasta USD 50 según la fecha, informó CNN.

En cambio, el Lightning Lane Multi Pass de menor costo, que requiere reservas, y el estacionamiento no modificaron sus tarifas en Disney World. También hubo ajustes moderados en boletos de categorías intermedias y en entradas de varios días.

Pnina Feldman, profesora asociada de Tecnología y Gestión de Operaciones de la Universidad de Virginia, explicó a CNN que los residentes de California evalúan el precio al decidir cuántas veces visitarán Disneyland durante el año.

Para quienes viajan a Florida desde otros estados, añadió, los gastos ya asumidos en vuelos y alojamiento pueden reducir la disposición a cancelar el viaje por una suba acotada en la entrada.

Thomas Mazloum, presidente de Disney Experiences, afirmó a CNN que la compañía busca responder a las necesidades de los visitantes.

La empresa vincula su combinación de productos premium, descuentos y nuevas atracciones con la distribución de la demanda entre distintas fechas de visita.

F1 TV, Disney+, DAZN y Apple TV son algunas de las aplicaciones desde las que se puede seguir la Fórmula 1 en el celular. La disponibilidad de cada servicio depende del país o la región.

La plataforma oficial F1 TV ofrece transmisiones de las sesiones, cámaras a bordo y telemetría en tiempo real.

En América Latina, Disney+ incluye prácticas, clasificaciones y carreras en vivo en sus planes con contenido de ESPN, mientras que en España la cobertura en directo está disponible a través de DAZN F1.

En México, las transmisiones de todas las sesiones están disponibles en Sky Sports y mediante F1 TV Pro. Apple TV también permite ver la Fórmula 1 en vivo a través de su canal dedicado, con cobertura de los fines de semana de carrera.

Cómo acceder a las aplicaciones y qué suscripciones se necesitan

Para ver la Fórmula 1 desde el celular, es necesario descargar la aplicación del servicio disponible en cada país e iniciar sesión con una suscripción activa.

F1 TV cuenta con una oferta oficial que varía según el mercado: en algunos territorios, F1 TV Pro permite seguir las carreras en directo, además de acceder a cámaras a bordo, radios de equipo y datos de telemetría.

Disney+ concentra buena parte de la oferta de ESPN en Sudamérica y Centroamérica. Los usuarios deben contar con un plan que incluya los canales y transmisiones deportivas de ESPN para acceder a las prácticas, la clasificación y las carreras desde la aplicación.

En España, DAZN F1 transmite las competencias en directo, mientras que F1 TV ofrece telemetría y repeticiones, sin carreras en vivo. Apple TV ofrece un canal dedicado a la categoría con transmisiones en vivo y una prueba gratuita de siete días. Tras ese período, la suscripción tiene un costo mensual de 14,99 dólares.

Cómo funciona F1 Replay Timing

F1 Replay Timing es una herramienta gratuita y no oficial que permite analizar carreras grabadas con datos técnicos y visualizaciones interactivas. No reemplaza una transmisión en vivo: está pensada para revisar una competencia y controlar qué información aparece en pantalla.

La aplicación se alimenta de datos del proyecto FastF1 y organiza su interfaz alrededor de un mapa del circuito que muestra la posición de cada monoplaza. Incluye una torre de tiempos con neumáticos, paradas en boxes, intervalos e historial de gomas de los pilotos.

Entre sus funciones, permite reproducir una carrera hasta 20 veces más rápido, consultar telemetría individual y estimar la posición en la que un piloto volvería a pista después de una parada en boxes.

Según XDA Developers, el sistema trata cada competencia como una fuente de datos que el usuario puede explorar a su ritmo.

F1 Replay Timing funciona como un sistema autoinstalable y autoalojado: cada usuario debe ejecutarlo en su propio equipo mediante Docker. Además, puede sincronizarse con una señal de televisión a partir de una fotografía de la torre de tiempos que aparece en pantalla.

El fallo informático de la FIA que detuvo la Fórmula 1 en Malasia

Un fallo informático en el software de la Federación Internacional del Automóvil (FIA) paralizó el inicio del Gran Premio de Malasia 2026 en Sepang después de que varios monoplazas perdieran capacidad de aceleración durante la vuelta de formación bajo una intensa lluvia.

El problema afectó a unidades de potencia de distintos fabricantes, obligó a mostrar la bandera roja y retrasó la salida más de una hora y media. Según explicó la FIA, la combinación de baja velocidad, escaso agarre y pista mojada activó un error en el sistema que administra la energía eléctrica.

En esas condiciones, el software limita la potencia eléctrica a 250 kW, frente a los 350 kW disponibles en otras situaciones. El fallo impidió que esa potencia volviera a ingresar en varios autos, que no pudieron recuperar la aceleración de manera normal.

La FIA envió una actualización urgente para todos los equipos, que debieron instalarla antes de reiniciar el procedimiento.

Nikolas Tombazis, responsable técnico de monoplazas del organismo, indicó que la instalación demandó unos 20 minutos, aunque la demora total también obedeció al aguacero y a la reorganización de la parrilla.

El episodio expuso las limitaciones de la nueva generación híbrida de motores, cuya potencia eléctrica ronda el 47%.

Un convenio entre Disney y la Universidad de Buenos Aires dará forma al primer acuerdo local de Impulso Creativo Disney, una iniciativa regional de la compañía orientada a fortalecer el ecosistema audiovisual de Argentina, Brasil y México mediante alianzas con universidades, escuelas, casas productoras y festivales de Iberoamérica. El acuerdo contempla un esquema de becas y capacitaciones destinado a estudiantes de cine.

El convenio se articula con el Festival Internacional de Cine de la Universidad de Buenos Aires (FIC.UBA), organizado por la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido. El acuerdo contempla dos instrumentos: la Beca FIC.UBA - DISNEY 2026 y la Beca FIC.UBA LAB - DISNEY.

La primera línea financia diez proyectos finales de carrera —cortometrajes, largometrajes, documentales y animaciones— de estudiantes del último año de Diseño de Imagen y Sonido de FADU-UBA. Además del aporte económico para la producción, los seleccionados accederán a talleres de posproducción y distribución, y sus obras serán presentadas en un evento especial de exhibición. La segunda línea apoya el desarrollo de guiones de largometraje en el marco del Concurso de Ideas del FIC.UBA. Se distinguirán diez proyectos, de los cuales dos recibirán una mayor financiación. A lo largo del proceso, los realizadores elegidos participarán de tutorías con especialistas, clínicas de guion y masterclasses con profesionales de Disney en áreas como dirección, producción y escritura.

Dos proyectos obtuvieron el máximo financiamiento de la Beca FIC.UBA LAB

Durante la ceremonia de cierre del FIC.UBA se anunciaron los proyectos ganadores. La Beca FIC.UBA - DISNEY 2026 recayó en: “Alerce” (Alerce), “Con los ojos bien cerrados” (Tres Deseos), “El fin de algo” (Panda 421), “Gol en contra” (Off Side), “Moriré por ti” (Rojo Carmesí), “Plum” (Bytepass), “Que entren los caballos” (Artífice Audiovisual), “Séptimo” (Queso y Dulce), “Treinta y ocho semanas” (Catarsis Films) y “Volver a casa” (Simple Cine).

En la Beca FIC.UBA LAB - DISNEY, los proyectos “Doble comando”, de Matías Galvez, y “Los truchos”, de Iván Cardozo, obtuvieron el máximo financiamiento disponible. Los otros ocho seleccionados fueron: “Action Gay: la película” (Lenny Forster), “Campeones del silencio” (Guillermina Margo), “El ruido del mar” (Andrea Odreman), “La ciudad que no muere” (Daiana Vásquez), “La niña del prado” (Manuel Ramos), “Niños del mar” (Catalina Farias), “Operación Azalea” (Estefanía Maisterra) y “Primavera del 97” (Paula Burna).

Ricardo Alfonsín (h.), director del FIC.UBA, señaló que cada año alrededor de 500 estudiantes de Diseño de Imagen y Sonido completan su Proyecto Audiovisual 4 (PAV 4), el trabajo final que funciona como carta de presentación profesional ante la industria. “Gracias a Disney, los proyectos seleccionados tienen una oportunidad concreta de crecer”, afirmó. Daniel Burman, líder de Contenido Original para Disney+ Latinoamérica, destacó que la compañía acumula más de 30 años de presencia en la región apoyando el talento local. “Entendemos que dar vida a las historias que sueñan requiere de un gran esfuerzo, y queremos ayudarlos a desplegar su inmenso talento y convertir sus proyectos en realidad”, expresó en declaraciones difundidas por la compañía.

Impulso Creativo Disney se extenderá próximamente a Brasil y México con nuevos acuerdos que la compañía prevé anunciar en los próximos meses.

Disney+ difundió las primeras imágenes de The Land: Más allá del juego, la nueva serie dramática de Dan Fogelman que llegará el 15 de febrero a Hulu en Disney+. La ficción tendrá un estreno de dos episodios y luego sumará una entrega cada lunes, con una historia ambientada en el entorno de los Cleveland Browns y atravesada por conflictos familiares, deportivos y empresariales.

La producción marca el regreso de Fogelman a un relato coral de vínculos familiares, tras su trabajo como creador de This Is Us y Paradise. En esta oportunidad, el eje estará puesto en una franquicia de la NFL que busca recuperarse después de una seguidilla de campañas sin resultados.

El entrenador Danny Roarke, interpretado por Christopher Meloni, llega a un punto límite en su carrera. Después de varias temporadas decepcionantes, deberá intentar cambiar el destino de los Browns con una decisión que también impactará de lleno en su vida privada: el nuevo mariscal de campo elegido en el draft proviene de Ohio State y es su propio hijo.

Un padre y un hijo bajo presión en Cleveland

La relación entre Roarke y el joven jugador será uno de los núcleos de The Land: Más allá del juego. El entrenador deposita en ese debutante la posibilidad de sostener su puesto y volver a poner al equipo en carrera, aunque la expectativa deportiva se mezclará con los conflictos de una relación familiar marcada por la exigencia.

La serie también seguirá a Hal Durkin, el propietario de la institución, quien deberá resolver quién de sus dos hijas tiene las condiciones para asumir el liderazgo de la franquicia. Esa disputa por la sucesión trasladará buena parte de la tensión a las oficinas del club, lejos de los vestuarios y el campo de juego.

El relato plantea así dos familias vinculadas por el poder y el fútbol americano. La urgencia por conseguir una temporada ganadora atraviesa a entrenadores, jugadores y directivos, mientras una afición fiel reclama resultados inmediatos y anticipa cambios si el equipo no logra revertir su situación.

La presión por ganar alcanza tanto al cuerpo técnico como a la conducción de la franquicia, según la sinopsis oficial difundida por Disney+. El planteo busca mostrar las consecuencias de las decisiones deportivas en las relaciones personales de quienes integran la organización.

Un elenco con figuras de la televisión estadounidense

Además de Meloni, el reparto reúne a la protagonista de This is Us, Mandy Moore, Chace Crawford, Sam Corlett, Tanner Zagarino, Chloe Bennet, Bridget Moynahan, William H. Macy y Omar Epps. Moore, reconocida por su papel en This Is Us, volverá a trabajar con Fogelman en una historia que combina conflicto familiar y deporte profesional.

La presencia de Macy, Meloni y Moore concentra parte de la atención sobre un elenco integrado por intérpretes con experiencia en dramas televisivos, comedias y producciones de acción. Disney+ todavía no detalló los personajes que encarnarán todos los protagonistas ni precisó la cantidad total de episodios de la primera temporada.

El estreno está previsto para el lunes 15 de febrero, horas después del Super Bowl. Los dos primeros capítulos quedarán disponibles de forma exclusiva en Hulu en Disney+, y la plataforma publicará el resto de los episodios semanalmente.

Fogelman vuelve a trabajar con una historia coral

Dan Fogelman será creador, guionista, productor ejecutivo y showrunner de la serie. El proyecto estará acompañado en la producción ejecutiva por Jess Rosenthal, Kevin Falls y Justin Adler. Por parte de Skydance Sports participarán David Ellison, Jesse Sisgold y Jason T. Reed.

La producción corresponde a 20th Television y Skydance Sports. El involucramiento de esta última compañía busca aportar una mirada ligada a la dinámica del deporte profesional estadounidense, en una ficción que sitúa su conflicto dentro de una organización de la NFL.

Fogelman ya había abordado el universo deportivo en Pitch, la serie centrada en una beisbolista que llegaba a las Grandes Ligas. En aquella producción trabajó con acceso a estadios y en coordinación con organizaciones del béisbol profesional. Ahora, con The Land: Más allá del juego, trasladará ese interés al fútbol americano y a una franquicia de Cleveland que enfrenta una temporada decisiva.

La serie debutará con dos capítulos el 15 de febrero y continuará con estrenos semanales cada lunes en Hulu en Disney+.

Oasis: Don’t Look Back in Anger es el resultado de intentar reconstruir las piezas rotas de la separación del grupo -acontecida en 2009 en París, donde arranca la película- y juntarlas con el Live 25′, la gira que los ingleses comenzaron en Cardiff el 4 de julio de 2025 y concluyeron en Sao Paulo el 23 de noviembre, después de haber recorrido también América del Norte y Asia. Una gira por la que no todo el mundo daba un duro -llegaron a salir varias casas de apuestas pronosticando una nueva separación- y no solo se mantuvo en pie durante un año sino que pudo llegar a buen puerto sin aparentes fricciones, o al menos eso demuestra ahora este documental.

“La pregunta que quería responder con esta película era: ¿por qué, tras 16 años sin promoción ni marketing, esta música tiene más éxito que nunca? En la primera reunión que tuve con Noel, me dijo que no tenía ni idea de que la gira iba a tener esta acogida. Pensaba que serían pabellones, no estadios", cuenta Steven Knight, creador de Peaky Blinders, guionista de la próxima película de James Bond y encargado de dar forma a este documental fotografiado por Dylan Southern y Will Lovelace. “De repente, se desata una auténtica oleada. Resulta evidente que no pueden ser solo los fans que estuvieron allí la primera vez; tiene que ser la siguiente generación, e incluso la siguiente. ¿Por qué estaba ocurriendo esto? Por eso elegimos a determinados fans de esa generación para hablar con ellos”.

Una familia de nuevo

El documental arranca precisamente con aquel desgraciado encuentro en 2009 e inmediatamente se traslada a Cardiff, dando lugar a una sucesión de imágenes que se centran tanto en los fans como en los momentos más íntimos de los Gallagher, siendo a la vez un pequeño diario de ese acercamiento mutuo. “Hay muchos momentos clave. Mis favoritos son cuando el primer día le estaba explicando a Liam cómo cantar: “Take me there, take me there…” (en Slide Away). Él lo hace, lo canta, Liam se burla un poco de él, se miran y se echan a reír. Y uno piensa: “Vale, eso eran dos hermanos hablando entre ellos”, relata Knight en una entrevista para NME. “El segundo momento fue cuando Liam cogió la mano de Noel en el concierto inaugural de Cardiff, y Noel no tenía ni idea de que iba a hacerlo. A partir de ahí, el segundo paso decisivo fue cuando se presentaron a sus hijos y estos se hicieron mejores amigos. De repente, vuelven a ser una familia. Que eso ocurra sin que nadie lo narre ni lo señale, así es la vida”.

Una familia que no se queda solo en la de sangre, sino también en la que ha unido su música. A lo largo de Oasis: Don’t Look Back in Anger podemos recorrer las historias de gente que ha superado la depresión o que ha encontrado el amor gracias a ello, haciendo un relato colectivo de lo que han supuesto canciones como Wonderwall o Champagne Supernova mientras estas suenan de fondo. Hay anécdotas, hay declaraciones políticas -un Noel cabreado por ser tildado de derechas. Eso sí, poca o ninguna mención hay a asuntos más escabrosos, como el precio de las entradas, que ha vuelto a estar en la diana a cuenta de la nueva gira.

Una fiebre que continúa

Porque quizá la gran noticia de que este documental que pasó primero por cines y ahora aterriza en Disney+ es que viene sucedido por una nueva gira, la que anunciaron hace algunas semanas los Gallagher y que, esta vez, sí incluirá parada en España. Barcelona formará parte de un nuevo tour que ha vuelto a ser cuestionado tanto por los altos precios como por cómo se ha gestionado la alta demanda de estos. La fiebre por Oasis continúa y quizá muchos de esos espectadores hayan encontrado en el documental la razón definitiva para querer participar de esta gran fiesta.

Con todo ello en mente, desde este 9 de octubre muchos de los que vivieron la ya histórica gira tendrán la oportunidad de revivirla, los que lo harán el verano que viene de prepararse y los que estén entre medias de disfrutar mucho más que de unos conciertos grabados. Porque Don`t look back in anger es mucho más que eso, es una crónica de un complejo pero sentido encuentro, no solo de los hermanos Gallagher sino también de estos con su público, con su música y con una fe que creían perdida y han recuperado. Quizá la próxima gira de para otro documental, porque este regreso ya ha desmentido ese tópico de que segundas partes nunca fueron buenas.

El cine de El Salvador suma presencia en el mercado internacional con la llegada de “La Confesión” al catálogo de Hulu, la plataforma de streaming vinculada al ecosistema de Disney. La película, dirigida por el salvadoreño Ronald Algarín, tendrá acceso a un público más amplio fuera de las fronteras nacionales.

El estreno en la plataforma marca un paso para la carrera del director Ronald Algarín y para el alcance del cine producido en El Salvador. La presencia de “La Confesión” en un servicio asociado a Disney abre una ventana de distribución para un contenido concebido y realizado con talento local.

El comunicado difundido por Algarín Film sostiene que la llegada a Hulu sitúa a la producción audiovisual salvadoreña en una de las ventanas de distribución del entretenimiento internacional. También plantea que el caso puede servir como referencia para realizadores que buscan proyectar sus obras hacia mercados externos.

La circulación digital cambia las posibilidades de exhibición para películas que no cuentan con grandes lanzamientos en salas de cine. En ese contexto, la disponibilidad de “La Confesión” en Hulu amplía el alcance del cine salvadoreño y le permite acceder a espectadores que no necesariamente conocen la producción audiovisual del país centroamericano.

La obra se suma a los esfuerzos de cineastas salvadoreños por construir espacios de exhibición fuera del circuito local. Para sus responsables, el ingreso a Hulu constituye una oportunidad para que una historia situada en Monte Bello llegue a espectadores de otros territorios a través de una plataforma internacional.

La producción no informó en el comunicado la fecha exacta de disponibilidad ni los países en los que podrá verse la película dentro de Hulu.

La producción se ambienta en Monte Bello, una localidad de El Salvador, y desarrolla una trama de drama y suspenso dentro de una iglesia católica. La historia sigue a un sacerdote de aparente prestigio dentro de la comunidad, que guarda un secreto que altera la percepción de ese entorno y abre paso a una investigación sobre hechos ocurridos entre los muros del templo.

De acuerdo con la sinopsis difundida por la producción, el eje del relato es el hallazgo de un quirófano clandestino donde personas secuestradas son sometidas a operaciones relacionadas con el tráfico de órganos. El argumento contrapone el carácter religioso del escenario con una red criminal que convierte el lugar en un espacio atravesado por la violencia y la muerte.

La película pone el foco en un tema que ha aparecido en producciones de suspenso y denuncia social: el tráfico de órganos. En este caso, el relato se sitúa en una comunidad salvadoreña y utiliza como escenario principal una iglesia católica local.

El elenco está integrado por René Mena, Hansel Ramírez y Mafalda Pinto. La dirección quedó a cargo de Algarín, quien impulsa el proyecto desde la industria audiovisual salvadoreña.

La incorporación de la película a Hulu representa una nueva instancia de circulación para una obra realizada en El Salvador. Las plataformas internacionales permiten que producciones de mercados audiovisuales con menor presencia global puedan ser vistas por públicos de distintos países.

Cine salvadoreño con proyección internacional

Esta noticia se suma al reciente anuncio del largometraje Vértices; cinta que aborda la amistad, el paso del tiempo, el duelo y la muerte a partir del reencuentro de un grupo de amigos y que fue seleccionada por el Comité Nacional de Selección Cinematográfica de El Salvador (Cinesal) para ser considerada a participar en la categoría de mejor película internacional en los premios de la Academia de 2027.

Las aguas de Puerto Plata recibieron esta semana una escala inédita para el turismo marítimo del país. El Disney Dream se convirtió en el primer crucero de Disney Cruise Line que llega a República Dominicana, con más de tres mil pasajeros a bordo atraídos por un destino que combina playas, riqueza natural y una oferta turística en expansión.

La embarcación llegó el 6 de octubre a la terminal Taíno Bay, procedente de Port Everglades, en Estados Unidos. Transportaba 3,194 pasajeros y 1,467 tripulantes. La visita incorporó a Puerto Plata como el primer destino dominicano en los itinerarios de la compañía.

El arribo marca un hito para la actividad de cruceros en República Dominicana. La entrada de Disney Cruise Line amplía la presencia de navieras internacionales en los puertos del país y suma una oferta dirigida, en buena medida, al turismo familiar.

También abre oportunidades para operadores de excursiones, empresas de transporte, restaurantes, comercios y otros servicios vinculados con las escalas marítimas.

La llegada del Disney Dream coincidió con una jornada de alta actividad en las terminales de Puerto Plata. El Norwegian Prima atracó en Taíno Bay con 3,475 pasajeros y 1,456 tripulantes, mientras que el Carnival Mardi Gras llegó a Amber Cove con 6,151 pasajeros y 1,748 miembros de la tripulación. Entre los tres barcos, la provincia recibió 12,820 pasajeros y 4,671 tripulantes.

Las autoridades portuarias indicaron que la incorporación de Disney Cruise Line fue resultado de gestiones iniciadas en 2021 entre el Ministerio de Turismo, la Autoridad Portuaria Dominicana y representantes del sector privado. La primera llegada de la naviera estaba prevista inicialmente para noviembre o diciembre, pero la programación se adelantó a octubre.

La escala ocurre mientras el turismo dominicano mantiene una tendencia ascendente. El país acumuló 9.2 millones de visitantes entre enero y septiembre, con llegadas por vía aérea y marítima, según los datos difundidos recientemente por el Ministerio de Turismo.

En septiembre llegaron 684,831 visitantes a República Dominicana, una cifra que representó un aumento del 16.4% frente al mismo mes de 2025. Los aeropuertos recibieron 533,735 turistas, un alza interanual de 8.8%, mientras que los puertos registraron 151,096 pasajeros de cruceros.

El movimiento marítimo tuvo el mayor crecimiento mensual. La llegada de cruceristas aumentó 54.7% en comparación con septiembre de 2025, un dato que reforzó el peso de los puertos turísticos en el resultado general. Los pasajeros de cruceros representaron cerca de una quinta parte de las llegadas del mes, aunque el transporte aéreo se mantuvo como la principal vía de entrada de visitantes internacionales.

Estados Unidos encabezó los mercados emisores en septiembre, con el 39% de las llegadas. Canadá ocupó el segundo puesto, con el 11%, seguido por Colombia, con el 9%, y Argentina, con el 7%.

La presencia de Disney Cruise Line continuará este mes. El Disney Destiny tiene prevista una escala en Puerto Plata el 22 de octubre, que será la segunda visita de la compañía a territorio dominicano. Para octubre, las autoridades proyectan 43 escalas de cruceros en el país, de las cuales 38 se concentrarán en Puerto Plata.

Disney compró por USD 115,29 millones la sede estadounidense de Yamaha Motor en Cypress, California, una operación que suma un predio industrial de 10 hectáreas a la capacidad operativa vinculada con el Disneyland Resort, situado en la vecina ciudad de Anaheim.

La compraventa se cerró el 23 de septiembre de 2026. Walt Disney Parks and Resorts U.S. Inc. adquirió el complejo de 6555 Katella Avenue por USD 115,29 millones, de acuerdo con los registros de propiedad revisados por el Orange County Business Journal.

El precio que surge del impuesto de transferencia equivale a unos USD 4,6 millones por acre, según el cálculo publicado por ese medio.

Disney incorporó un campus industrial a unos 11 kilómetros de Disneyland Resort

El terreno ocupa una manzana completa de Cypress, en el condado de Orange, y tiene una superficie de 10,2 hectáreas (25,1 acres).

El campus reúne cerca de 25.900 metros cuadrados (279.000 pies cuadrados) de depósitos, oficinas y espacios industriales flexibles.

Su ubicación queda a unos 11 kilómetros (7 millas) del estacionamiento Simba de Disneyland Resort.

La distancia y las dimensiones del predio explican el interés de Disney por una propiedad cercana a Anaheim que puede alojar servicios que requieren superficie industrial y administrativa.

Un portavoz de Disney confirmó al Orange County Register que el resort compró el inmueble para respaldar sus operaciones internas sin atención directa a visitantes. La compañía no detalló qué áreas se trasladarán al complejo ni informó un calendario para su ocupación definitiva.

La transacción no supone, por ahora, la salida inmediata de Yamaha Motor Corporation U.S.A. del lugar.

La empresa japonesa seguirá usando el predio mediante un acuerdo de venta con arrendamiento posterior, una modalidad por la cual el vendedor transfiere la propiedad y luego la alquila durante un período pactado.

Yamaha conservará el uso del predio hasta el 31 de diciembre de 2028

Yamaha mantendrá el arrendamiento del campus hasta el 31 de diciembre de 2028, informó L.A. Business First.

Ese plazo busca sostener la continuidad de las actividades mientras avanza la transferencia gradual de sus funciones corporativas y financieras hacia Kennesaw, Georgia.

La empresa anunció el 26 de febrero que el traslado comenzará a finales de 2026 y concluirá hacia fines de 2028.

En ese comunicado, Yamaha indicó que pondría a la venta todos sus activos fijos en Cypress, incluidos el terreno, las oficinas y los depósitos, y que usaría un esquema de venta con arrendamiento para facilitar la transición.

La medida forma parte de una reestructuración para mejorar la eficiencia de los activos y la rentabilidad de las operaciones estadounidenses.

Yamaha la vinculó con los mayores costos derivados de los aranceles de Estados Unidos y con cambios en las condiciones del mercado.

El complejo de Katella Avenue funcionó como base de la compañía en el sur de California desde 1979.

Su casa matriz había comprado el terreno en 1978, por lo que el traslado pone fin a casi cinco décadas de presencia corporativa de la firma en Cypress.

Kennesaw, destino del traslado de la sede estadounidense de Yamaha

El destino elegido no es nuevo para Yamaha. Su división marina se trasladó a Kennesaw en 1999 y el negocio de deportes motorizados llegó en 2019.

En 2023, la compañía amplió las instalaciones de la división marina con un Centro de Innovación Marina de casi 7.000 metros cuadrados (75.000 pies cuadrados), según la oficina del gobernador de Georgia.

Yamaha emplea a más de 2.300 personas en Georgia. Cerca de 2.000 trabajan en la planta de Yamaha Motor Manufacturing Corporation of America en Newnan, una fábrica de aproximadamente 120.800 metros cuadrados (1,3 millones de pies cuadrados) que abrió en 1986.

Al anunciar el traslado, el gobernador de Georgia, Brian Kemp, afirmó que el estado se sentía “honrado y orgulloso” de recibir la sede estadounidense de Yamaha.

La empresa prevé completar esa mudanza al vencimiento del arrendamiento del campus que ahora pertenece a Disney.

Avengers: Endgame recuperó el trono de la taquilla mundial al superar a Avatar por segunda vez

Con una recaudación acumulada de USD 2.925 millones, el filme de los hermanos Russo vuelve a encabezar el listado histórico de mayor recaudación global, impulsado por el reestreno que anticipa Avengers: Doomsday, prevista para el 18 de diciembre.

La cinta de Marvel Studios Avengers: Endgame volvió a convertirse en la película más taquillera de la historia, al superar los USD 2.923 millones acumulados por Avatar y alcanzar los USD 2.925 millones en recaudación global.

El récord se consumó durante el segundo fin de semana del reestreno Avengers: Endgame Encore, lanzado por Disney para calentar el camino hacia Avengers: Doomsday, que llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026.

En su segunda semana de reestreno, el filme recaudó USD 4,4 millones en el mercado doméstico y USD 14,4 millones en el exterior.

La suma total del reestreno alcanzó los USD 126 millones globales: USD 36,2 millones en Estados Unidos y USD 89,8 millones en el exterior.

El duelo con ‘Avatar’ lleva más de una década

La disputa entre ambas producciones se remonta a 2009, cuando Avatar, dirigida por James Cameron y distribuida por Twentieth Century Fox, se instaló en lo más alto del ranking mundial durante una década.

En 2019, Endgame la desplazó por primera vez, pero Avatar recuperó el primer puesto en 2021 con su propio reestreno, previo al estreno de Avatar: The Way of Water en 2022.

Ahora, el reestreno de Endgame Encore completó el regreso. La película, dirigida por Anthony Russo y Joe Russo, y protagonizada por Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson y Jeremy Renner, tiene una recaudación histórica doméstica de USD 894,6 millones.

Es la tercera cifra más alta de todos los tiempos en Estados Unidos, detrás de Spider-Man: Brand New Day (USD 954,4 millones) y Star Wars: Force Awakens (USD 936,6 millones).

En su primer fin de semana, Endgame Encore recaudó USD 86 millones a nivel global, lo que la posicionó como el segundo mayor reestreno de la historia mundial, solo por detrás del reestreno en 3D de Titanic en 2012.

El filme lideró la taquilla internacional en China (USD 21,3 millones) e Indonesia, además de Vietnam, Ecuador y Bolivia.

El reestreno se convirtió también en el más exitoso de la historia en América Latina, con registros destacados en México (USD 6,1 millones), Brasil (USD 3,1 millones), Colombia, Perú, Paraguay, Malasia e India (USD 3,8 millones).

Todo sobre ‘Avengers: Doomsday’

El éxito del reestreno llega como señal de aliento para Avengers: Doomsday, la quinta entrega oficial de la franquicia de los Vengadores. Anthony Russo y Joe Russo, responsables de Avengers: Infinity War y Avengers: Endgame, vuelven a dirigir.

La trama reunirá a los Vengadores, los Cuatro Fantásticos, los X-Men y los wakandanos ante una amenaza existencial sin precedentes en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU).

El gran regreso es el de Robert Downey Jr., que esta vez no interpreta a Tony Stark sino a Victor von Doom, el monarca de Latveria y antagonista de la historia.

El elenco confirmado incluye a Chris Hemsworth como Thor, Chris Evans como Steve Rogers, Anthony Mackie como Capitán América, Paul Rudd como Ant-Man y Simu Liu como Shang-Chi.

Los Cuatro Fantásticos están representados por Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como Johnny Storm y Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm.

La saga X-Men aporta el regreso de Ian McKellen como Magneto y Patrick Stewart como el Profesor Charles Xavier, junto a James Marsden, Rebecca Romijn, Alan Cumming, Kelsey Grammer y Channing Tatum.

Por Wakanda, Letitia Wright retoma el papel de Shuri y Winston Duke el de M’Baku, mientras que Tenoch Huerta Mejía y Mabel Cadena representan a Talokan.

El grupo de los Thunderbolts también estará presente con Florence Pugh, Wyatt Russell, Sebastian Stan, David Harbour, Hannah John-Kamen y Lewis Pullman. Se suman Hayley Atwell, Tom Hiddleston, Danny Ramirez y Kathryn Newton.

Avengers: Doomsday competirá en taquilla el 18 de diciembre con Dune: Part Three, de Paramount, Warner Bros. y Legendary, en lo que se anticipa como uno de los fines de semana más disputados de la temporada.

Las entradas para Doomsday ya están disponibles. La película llegará posteriormente a Disney+, aunque aún no se ha confirmado la fecha.

Popgold es un comunicador, entrevistador y conductor argentino que desarrolló su carrera en redes sociales y plataformas digitales luego de dejar un trabajo corporativo. Es creador del formato de entrevistas Vivir Siendo, donde aborda historias personales y temas complejos, y forma parte de Luzu TV, donde conduce Patria y Familia. También publicó el libro Cosas que odio del mundo (y me dan ansiedad).

Durante la charla, defendió su decisión de entrevistar a personas cuestionadas, incluso cuando recibe críticas por darles espacio, y contó cuáles son las historias que más lo movilizan. Además, explicó por qué elige preservar de la exposición pública sus vínculos más íntimos y habló sobre su concepción de la infidelidad y la traición.

— ¿Qué harías con un millón de dólares?

— Me compraría primero un departamento. Usaría USD 500.000 para eso. Me compraría uno muy bello. Es re aburrido decir que el resto lo invertiría, pero creo que también haría un buen viaje con mis sobrinos.

— ¿Cuántos sobrinos tenés?

— Dos: Bauti y Benja.

— ¿Sos muy apegado a ellos?

— Sí. Con toda mi familia, en realidad, pero mis sobrinos son un poco mi debilidad. Y después el resto sería para inversión. Re aburrida la respuesta, ¿no?

— Acá hubo respuestas de todo tipo. Me encanta porque es un test psicológico que le hago a todos los que vienen.

— Me imagino.

— ¿A dónde te irías con tu sobrinos?

— Los llevaría a conocer Disney, siento que les gustaría mucho. Yo lo conocí de grande, cuando me lo pude pagar, y me encantó. Ellos tienen 10 y tres años.

— ¿Y te copa tirarte de la montaña rusa y todas esas actividades?

— Tengo muchos gustos de mi infancia que los conservo hasta el día de hoy, como Harry Potter. Yo puedo ver las películas como si tuviese 10 años. Yo empecé a trabajar a los 18, 19 años y cuando pude ahorrar un poquito mi primer viaje al exterior fue a Edimburgo a conocer todos los lugares de Harry Potter. Es una gran ciudad. Muy hermosa. Así que sí, conservo eso de niño.

Por cuánta plata

— Este juego tenés que darme una cifra por la que harías o no harías determinadas cosas que yo te voy a plantear.

— Dale.

— La primera dice: ¿por cuánta plata revelas tu verdadero apellido?

— Lo he dicho al aire un par de veces. Pero voy a hacerme un poco el caro. Por USD 10.000 lo revelo. Igual, lo estoy diciendo para que quede una referencia para lo que venga después (risas).

— La segunda dice: ¿por cuánta plata te chapás a Cami Mayan?

— Gratis. Ya lo he hecho y lo volveré a hacer. Le tengo que pagar yo (risas). Con Cami nos hemos besado varias veces.

— ¿Siempre en cámara o en la vida también? Porque son muy amigos ustedes, ¿no?

— Somos muy amigos y siempre en contexto show. Lo hicimos en vivo en teatro o en cámara.

— Pero tienen ese nivel de confianza. Hace poco la defendiste públicamente.

— ¡Yo la defiendo a muerte!

— ¿Sos ese amigo que va como cuchillero por las amistades?

— Sí, pero cuando estamos solos y en persona si veo que la estás pifiando en algo, te lo digo. Eso a veces te lleva a tener conversaciones medio incómodas.

— Igual a vos no te molestan mucho las conversaciones incómodas.

— No me incomodo tan fácil, quizás. Para el afuera hay que cuidar a los tuyos y para adentro tenés que decir las cosas como son y se tienen que bancar la respuesta.

— En tus entrevistas abordás temas que no suelen estar tan expuestos públicamente y que incluso pueden generar cierta incomodidad. De hecho, has recibido algunas críticas por eso.

— No sé si es la peor crítica, pero lo que no me gusta que me digan con las entrevistas, y estoy seguro que te debe haber pasado, es cuando te dicen: “¿Por qué le das voz a esta persona? ¿Por qué le das espacio?”. No me gusta ese comentario porque para mí todos tienen la potestad de poder contar su propia historia. Después está en manos del entrevistador por dónde lleva la nota o qué pregunta hace, o si le hacés una oda al entrevistado o cuestionás lo que te está contando. A mí me tocó, por ejemplo, entrevistar a una persona que se definía a sí mismo como sicario, es decir, una persona a que le pagaban por asesinar. Obviamente, esto fue después de que cumpliera una condena, pero me han criticado mucho por hacer esa entrevista. “¿Cómo le vas a dar espacio a esta persona?”, me decían. Pero, ¿por qué no? Yo no estoy felicitándola ni aplaudiendo su pasado, le estoy haciendo una entrevista que es periodística. Y mi laburo es periodístico.

— ¿Ese fue el personaje que más te movilizó entrevistar o hay otros que sentís que atravesaron con su historia?

— Los que más me atravesaron son los que están vinculadas a cosas de la niñez. Se me viene a la mente un chico que fue víctima de una red de pedofilia, de trata. Esos casos me pegan un poquito más. Todo lo vinculado a la niñez. Porque es una persona más desamparada, más indefensa. Después, en las que el entrevistado no es víctima sino victimario, me pega por otro lado a mí. Pero también siento que han sido las entrevistas más desafiantes para hacer, porque es muy difícil. Cuando vos tenés una persona enfrente que respetás, querés o admirás es más fácil y no tenés tanta posibilidad de error. Pero cuando de enfrente tenés una persona que no te cae bien, que no te gusta o que no estás en nada de acuerdo con lo que te está contando, ahí tenés que sacar las garras como un buen entrevistador y hacer una buena nota.

— ¿Alguna vez te pasó que, después de una entrevista, el entrevistado no quedara conforme con lo que se habló y percibieras cierta incomodidad o tensión entre ustedes?

— Me ha pasado de que me pidan que no suba una entrevista, pocas veces igual, y yo ahí pegué un llamado y dije: “Veamos qué parte, qué parte se puede sacar y qué parte no”, pero tampoco me gusta que me dirijan la entrevista. Si no, no hubieses aceptado venir. Yo te respeto y si vos te mandás una cagada o dijiste algo que de pronto te puede comprometer, que es muy grave, te puedo cuidar un poco. Pero viste que hay gente que viene y quiere manejarte todo. Eso no me va.

Yo nunca, nunca

— ¿Has jugado varias veces este juego en tu adolescencia?

— Sí, lo he jugado. Obvio.

— ¿Eras del que tomaba o el que no tomaba? ¿Con qué me voy a encontrar?

— En mi adolescencia no había hecho tantas cosas, así que no tomaba. Ahora siento que me la voy a pasar tomando (risas).

— La primera dice: Yo nunca, nunca hice una trieja.

— Bueno, sí (risas).

— ¿Cómo fue?

— Fue raro, terminó fatal. Pero fue lindo mientras duró.

— ¿Quién propuso la trieja?

— Se fue dando. Conocí una pareja una noche. Fue una noche medio de descontrol...

— ¿Una pareja de dos hombres?

— Sí, que ya estaba hace bastante tiempo juntos. Y una cosa empezó a llevar a otra cosa y nos empezamos a ver en repetidas ocasiones. Antes de darme cuenta, estábamos un viaje, en una cena, en el cine. Era raro.

— ¿Y los tres, además de esas experiencias, compartían intimidad?

— Sí.

— ¿Era el cuento completo de una pareja, pero de a tres?

— Yo a veces lo exagero un poco. Era más sexual que otra cosa. Era sexual con detallecitos extra. Lo que pasa es que ya era una pareja establecida. Yo era como un juguete que entraba y salía constantemente.

— ¿Pero fue durante un periodo largo de tiempo?

— Fueron cinco meses, aproximadamente. Pero como titular está bueno. Yo lo cuento así (risas).

— ¿Y no salió de ahí, de ustedes tres? ¿O hubo presentaciones sociales por parte de su mundo o tu mundo?

— Hubo alguna presentación, pero no familiar. Hubo algo.

— ¿Te queman mucho la cabeza con estas cosas? ¿Te hacen mucho este tipo de preguntas?

— No, porque yo cuento bastante estas cosas. No expongo tanto mi vida personal, pero este tipo de situaciones, que son más lúdicas y me parecen una intimidad graciosa, me importa cero contarlas. Las cuento siempre en Luzu, en Patria y Familia. No tengo demasiado problema con eso. Lo que no cuento tanto son las cosas que me importan de verdad.

— Las cosas que importan del corazón, de la fibra más íntima.

— Claro. Los vínculos reales no me gusta exponer. Mismo mis sobrinos, que los mencionaba antes, no suelo subir fotos con ellos. Además, tengo un entorno muy real en el sentido de gente que no he conocido por el medio. No digo que lo del medio no sea real, porque lo es. Pero toda mi vida está muy fuera del medio y esa parte no la expongo tanto. No lo cuento.

— A tu pareja tampoco la exponés, ¿no?

— No. No me gusta. Porque no es una persona del medio.

— ¿Le incomoda que cuentes estas anécdotas sexuales que has tenido en otro momento de tu vida?

— No, le ch*pa un huevo.

— ¿Tienen una pareja abierta?

— Sí. Pero las cosas reales de verdad no las suelo exponer. Tengo una vida privada que me gusta que sea privada. Siento que sería más rentable exponer la vida privada, pero es difícil la exposición.

— ¿No hay manera de que aparezca en Patria y Familia tu novio, por ejemplo?

— No, no lo expondría. No me gusta. Para mí, lo que yo hago, por ejemplo, en Patria y Familia es 100 por ciento mi laburo. Y yo he laburado mucho tiempo en una oficina antes y no llevaba ni a mi pareja, ni a mis padres, ni a mi sobrinos. La verdad que es una parte que yo no quiero vender aunque sé que es una parte muy rentable. De hecho, hay carreras que se han realizado en base a parejas. Y sé que probablemente si vos presentás pareja, vas a empezar a construir ahí toda una narrativa pública y a nivel comercial te va bien. Porque hay marcas que apuestan al amor y a todo eso. Yo elijo hacer negocios con otra cosa. No me gusta, no critico a quien lo hace, porque es lo más natural del mundo. Pero en lo personal, tengo la potestad de elegir y elijo no exponer. Quizás el día de mañana cambie.

— ¿Hace cuántos años que estás en pareja?

— Nos conocemos hace cinco años, aproximadamente.

— ¿Y en pareja?

— Con idas y vueltas, los últimos tres años.

— ¿Y fueron pareja abierta desde el principio?

— Sí.

— ¿Y cómo lo manejan? ¿Es algo que natural para ustedes? ¿Tuvieron que negociar? ¿Tienen reglas?

— Sí. La pareja abierta es más difícil que la pareja cerrada, porque en la pareja cerrada vos tenés las normas de antemano escritas. Todos sabemos qué podés hacer y qué no. En las parejas abiertas vos tenés que sentarte a negociar y a decir: “Che, esto sí y esto no. ¿Puedo tener una cita o no? ¿Puedo repetir o no? ¿Tengo que blanquear que estoy en pareja o no?”. Entonces implica mucha más comunicación, más verdad, poner los huevos arriba de la mesa, plantear también lo que querés y bancarte lo del otro lado. No es para todo el mundo. Yo no pondero una cosa como mejor que la otra, ¿eh? No es que digo: “Che, este es el modelo de relación que a todo el mundo le va a venir bien”.

— Es súper complejo. Me parece que hay personas que fracasarían absolutamente al primer paso.

— Por eso, depende de cada uno, de la experiencia de vida, lo que quiera cada uno y también depende de lo que le funcione a cada uno.

— ¿Y cómo son las reglas entre ustedes?

— Te digo las normas generales. Una norma muy charlada es que hay que blanquear que uno está en pareja cuando te vinculás con un tercero o tercera o lo que sea. Le tenés que decir: “Che, yo tengo una pareja”. Es casi que una responsabilidad. Después, citas no. Pero la verdad es que yo no tengo.

— Es cuando se da el vínculo espontáneo...

— Son como cositas que te pueden pasar. Un día saliste a bailar y te mandaste un chascarrillo, ¿entendés? No es como juntarte a tener una cita. Tampoco tengo ganas yo de tener una cita. Me gusta así.

— Y tampoco construir un vínculo con alguien más y verlo más veces.

— No me nace. Toda la parte emocional la tengo muy bien construida con esta relación, así que no. Cero.

— ¿Te pasó de ir a un lugar a bailar, se dejaron los teléfonos y cada vez que vas a ese lugar llamás y ves a esa persona?

— No.

— ¿Qué te pasaría si te sucede y te lo blanquean un año después?

— No sé. Es que yo tengo tanta confianza que siento que no pasaría. Capaz soy un bolud*.

— Pero tal vez no lo hizo de hijo de p*ta sino que no supo manejarlo.

— Se charla. Para mí el sexo no es algo tan... Decir que no es tan importante es raro, pero no me parece que una traición en una pareja se base solamente en tener relaciones sexuales con alguien más. Ni siquiera me parece la peor traición que te pueden hacer. Para mí hay traiciones mucho peores que que te coj*s a alguien más. Muchísimas peores.

— ¿Cómo cuál?

— La traición va más allá del sexo. Que me faltes el respeto me parece más traición a que te coj*s a alguien más. Te c*gés a alguien más y encima se entera todo el mundo y lo dejaste ver y no me cuidaste. Ahí te digo: “Che, esto sí fue grave”. No fue por el sexo, fue porque no me cuidaste a mí. Fue una falta de respeto. Pero después, si una noche te pintó irte con alguien y la pasaste bien, ya está.

— Y al ser una persona pública, te puede haber pasado de estar chichoneando con alguien en un lugar público y que se haga público.

— Sí, me ha pasado. Pero no pasa nada. Yo también comparto mucho grupo de amigos, entonces salimos siempre juntos, ¿viste? No hay cosas que oculte.

— Y cuando salís con tu pareja y estás en un lugar público, ¿nunca les pasó de estar mirando a otro y que haya una interacción o deseo de estar con otra persona?

— Sí, pasa.

— ¿Y está todo bien con que esa noche se vaya cada uno por su lado?

— No. Que se vaya, no. Nosotros nos volvemos juntos. Tanto libertinaje no (risas). Nos volvemos juntos y dormimos juntos.

— Voy a hacer la última: yo nunca, nunca rechacé promocionar un sex shop. Si lo hiciste, tenés que tomar.

— (Toma).

—¿Por qué rechazaste promocionar un sex shop?

— No lo rechacé. Blanqueé que no sabía cómo hacerlo y me dijeron: “Está todo bien, no lo hagas, quedate con las cosas”.

— ¿Te habían mandado todo?

— Me habían mandado productos. Era un canje, no era una acción paga. Yo pensé que me iban a mandar, no sé, preservativos y lubricante, pero me mandaron todos...

— Juguetitos.

— Pen*s de goma gigantes y dije: “¿Cómo promociono esto en redes sociales?” (risas). Ahí lo blanqueé y les dije: “Che, te lo devuelvo, no lo voy a hacer”. Me dijeron: “No, quedátelo”. ¿Sabés qué? Se los regalé a la chica que me hizo la mudanza. Los encontró y me dijo: “Encontré tus juguetes”. Y yo le digo: “¿Qué juguetes?”. Me dice: “Tus juguetes sexuales”. Le digo: “No tengo juguetes sexuales”. Lo había eliminado completamente de mi cabeza. Y me dice: “Sí, te los dejé ahí”. Y cuando abrir la bolsa, le digo: “No, quedátelos todos”. Divertite (risas).

— Bueno, con todas las respuestas que me diste, te ganaste el millón. Acá tenés todo lo que querés hacer: tu departamento, tu viaje a Disney y las inversiones.

— ¡Mirá todo lo que tuve que inventar para ganarlo! (risas).

En los últimos años han surgido varios intentos de alumbrar una Friends para la nueva generación. Solo en 2025 se estrenaron tres series con varios elementos en común y que hasta compartían algún actor, como Impostura (Overcompensating) en Amazon Prime o I love L.A. en HBO Max. La tercera fue precisamente Adults, original de Hulu y la cual se diferenciaba de estas por una apuesta firme por el formato sitcom y por ambientar su historia en Nueva York al estilo de sus referentes.

Adults narra la historia de cinco jóvenes compartiendo piso a las afueras de Nueva York, lo cual ya da una idea de cómo han cambiado las cosas en tan poco tiempo. Si en Friends cada personaje vivía en su propio domicilio y en Cómo conocí a vuestra madre solo Ted y Marshall compartían apartamento, en Adults los protagonistas ni siquiera tienen dinero suficiente para permitirse compartir piso. En su lugar, todos conviven en la casa familiar de Samir mientras sus padres están fuera, en una clara huida hacia adelante que se transmite en sus propias vidas.

Woke o broke

A diferencia de sus series coetáneas, Adults respeta al máximo el formato sitcom en cuanto que reparte el peso en sus cinco personajes, cada uno una versión diferente del veinteañero moderno. Billy (Lucy Freyer), una joven ambiciosa a la que no le sonríe el amor ni el trabajo; Anton (Owen Thiele), el más amable y simpático de todos, pero incapaz de afrontar los problemas o dar un buen consejo; Samir, un chico ingenuo ,pero de buen corazón; e Issa (Amita Rao), la más graciosa y dicharachera del grupo, pero también un imán para las causas perdidas que acoge a Paul Baker (Jack Inannen), el extraño del grupo, pero también el que se gana la confianza de todos.

Basta echar un vistazo rápido a los personajes de Adults para entender cómo ha cambiado todo. Samir no es Ted ni Ross, del mismo modo que Billy no es un interés romántico tan evidente como pudiera serlo Rachel o Robin. Lo mismo con los alivios cómicos, que en esta serie no se focalizan en ningún personaje en concreto, sino que varían según el episodio. Cada uno es especial a su manera, por supuesto, pero el humor de Adults funciona más por lo surrealista de sus situaciones que por algún personaje en concreto, lo que hace que sea más fácil transitar por cada una de sus tramas a lo largo de los episodios de apenas 25 minutos de duración.

Entre sus historias se encuentran temas como el complejo acceso al mundo laboral, la proliferación de psicópatas con las redes sociales y apps de citas o el reparto de tareas en la casa. Tramas que pueden derivar en momentos surrealistas o exagerados, pero que no dejan de reflejar algunas de las experiencias comunes a la globalización que ha universalizado problemas que antes podían representar a unos pocos. Hablando de representación, Adults es otra serie a alabar en su retrato de distintos espectros sexuales sin ningún tipo de imposición forzada o condescendencia, presentando a personajes más allá de su orientación sexual pero sin negarse a comentar las problemáticas ligadas a ellos. En definitiva, su problema nunca es ser woke sino hacer humor del hecho de que no tengan dinero.

De nicho a fenómeno

En su primera temporada, Adults ejerció a la perfección su planteamiento inicial, pero en esta segunda temporada busca ahondar en sus personajes y seguir haciendo humor con cosas de la vida cotidiana, como es la huella digital, el lenguaje moderno en el ambiente de trabajo o incluso una noche de fiesta en la que las drogas pueden jugar una mala pasada. Una serie de situaciones que le han valido ganar poco a poco fama en el boca-oreja y que muchas de sus escenas se viralicen en redes sociales, la forma actual de obtener popularidad al fin y al cabo.

Adults ha pasado de ser una serie en construcción a un pequeño gran fenómeno en Estados Unidos, con cameos de estrellas como Julia Fox, Gaten Matarazzo o la mítica Raven-Symoné, la mítica actriz de la serie Raven en Disney Channel. Hay quien ya especula con un posible cameo para la tercera temporada del mismísimo alcalde de Nueva York, Zohran Mamdani, al que se ha visto en un acto junto al cómico y actor Malik Elassal, encargado de dar vida a Samir en una serie que va camino de convertirse en esa digna heredera de Friends y Cómo conocí a vuestra madre.

Una exposición gratuita de objetos oficiales de Avengers está disponible en el Centro Comercial Antara, en la Ciudad de México, únicamente durante este fin de semana, sin registro previo y en un horario de 11:00 a 22:00 horas. La muestra funciona como antesala al estreno de la cinta, programado para el 17 de diciembre de este 2026.

Entre las piezas que integran la colección destaca el escudo utilizado en la producción, exhibido junto a un reloj oficial con la cuenta regresiva para el estreno en cines. El recinto se ubica en avenida Ejército Nacional 843-B, colonia Granada, alcaldía Miguel Hidalgo.

Los fans pueden tomarse fotos en distintos puntos con temática de Los Vengadores

La exhibición incluye varios espacios diseñados para que los visitantes se tomen fotografías con temática de Los Vengadores. El montaje forma parte de la estrategia promocional de Marvel Studios previa al lanzamiento de la película en salas mexicanas.

La entrada libre y la ausencia de registro previo facilitan el acceso al público general, sin necesidad de comprar boletos ni reservar un horario específico dentro del rango disponible. La muestra estará abierta solo este sábado y domingo.

Cinemex y Cinépolis abrieron la preventa de boletos este 28 de septiembre

Un día antes de que arrancara la exposición, las cadenas Cinemex y Cinépolis confirmaron el inicio de la preventa de boletos para Avengers: Doomsday en México. La primera etapa de venta quedó limitada exclusivamente a funciones en el formato premium Infinity Vision.

Cinemex retomó, para este estreno, la tradición de las funciones de medianoche, una práctica que la cadena no implementaba desde hace siete años. Las funciones nocturnas buscan dar acceso anticipado a los seguidores más entusiastas de la franquicia.

La preventa está disponible a través de sitios web, aplicaciones móviles y taquillas físicas. Cinemex contempla, en etapas posteriores, la incorporación de otros formatos de exhibición además de Infinity Vision.

La cinta llega a México el 17 de diciembre, un día antes que en Estados Unidos

Avengers: Doomsday se estrena en salas mexicanas el jueves 17 de diciembre de 2026, con funciones programadas desde las 00:00 horas para que los espectadores puedan ingresar desde el primer minuto del día. En Estados Unidos, el lanzamiento comercial está fijado para el 18 de diciembre.

La producción está dirigida por Anthony y Joe Russo, responsables de Avengers: Infinity War y Avengers: Endgame. El guion corre a cargo de Stephen McFeely, y la cinta forma parte del camino hacia Avengers: Secret Wars, prevista para diciembre de 2027.

Robert Downey Jr. regresa al UCM, pero como Doctor Doom y no como Iron Man

Uno de los elementos que más atención genera es el regreso de Robert Downey Jr. al Universo Cinematográfico de Marvel, esta vez en el papel de Victor von Doom, conocido como Doctor Doom. El personaje ocupa el lugar de la amenaza central de la historia, basada en el cómic Dinastía Kang.

La trama retoma a Nathaniel Richards, también conocido como Kang el Conquistador, quien ya había aparecido en la primera temporada de la serie Loki. En esta entrega, distintos grupos de héroes deben unir fuerzas para enfrentar el plan de conquista de Doom.

El reparto reúne a personajes de los Avengers, los X-Men y Los 4 Fantásticos

Entre los regresos confirmados están Chris Hemsworth como Thor, Chris Evans nuevamente como Steve Rogers, Anthony Mackie como Sam Wilson y Paul Rudd como Scott Lang. También aparecen Letitia Wright, Winston Duke, Simu Liu, Danny Ramirez y el actor mexicano Tenoch Huerta Mejía como Namor.

El elenco incorpora a Los 4 Fantásticos, con Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como Johnny Storm y Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm. El equipo se integra a la batalla contra Doom apenas semanas después de su debut cinematográfico independiente.

La cinta suma además a los X-Men, con Patrick Stewart como Profesor X, Ian McKellen como Magneto, James Marsden como Cíclope y Mística, y Channing Tatum como Gambito. Los Thunderbolts, equipo antihéroe presentado en su propia película, también se unen a los Vengadores originales, junto con Sebastian Stan, Florence Pugh, David Harbour y Lewis Pullman.

La producción se perfila como el reparto más numeroso en la historia de Marvel Studios

La combinación de personajes provenientes de distintas etapas del Universo Cinematográfico de Marvel, junto con los X-Men y Los 4 Fantásticos, sitúa a Avengers: Doomsday como uno de los crossovers de mayor escala en la historia del estudio. Parte de la acción transcurre en Wakanda, según se observa en el tráiler oficial de la cinta.

The Walt Disney Company despedirá a cientos de empleados de recursos humanos y tecnología, en una nueva ronda de recortes que profundiza el ajuste de costos impulsado por su nuevo director ejecutivo, Josh D’Amaro, quien asumió en marzo.

Las reducciones afectarán a empleados de funciones corporativas y de distintas divisiones de la empresa, según personas al tanto de la decisión consultadas por Variety. El estudio cinematográfico y la división de televisión no figurarían entre las áreas afectadas en esta ocasión, informó Deadline.

La compañía contaba con cerca de 231.000 empleados de tiempo completo y parcial al cierre de su ejercicio fiscal de 2025. De ese total, unos 172.000 trabajaban en Estados Unidos y 59.000 en otros países.

Los nuevos despidos son menores que los recortes previos

La cantidad de puestos afectados es menor que la de las rondas de recortes anteriores de este año.

En abril, la compañía eliminó cerca de 1.000 puestos al reorganizar sus actividades de mercadotecnia en una estructura unificada bajo el liderazgo de Asad Ayaz, director de Marketing y Marca.

En julio, hubo otra ronda de despidos que afectó a varios cientos de empleados en funciones corporativas y en unidades como Pixar, ESPN, Disney Entertainment Television, los estudios cinematográficos y National Geographic, precisó Variety.

Posteriormente, en agosto, Disney ofreció paquetes de retiro anticipado voluntario a ejecutivos de al menos 50 años, con una antigüedad mínima de diez años y rango de director o superior, indicó Deadline.

Asimismo, estos recortes son menores que los realizados durante la gestión del predecesor de D’Amaro, Bob Iger, entre 2023 y 2025, cuando la empresa desvinculó a unos 8.000 trabajadores y logró ahorros por USD 7.500 millones.

El área legal advirtió que será una organización más pequeña

Los rumores de despidos comenzaron a circular el 18 de septiembre, cuando el director jurídico y de asuntos globales de Disney, Horacio Gutierrez, envió un correo electrónico a los empleados de su división en el que advirtió sobre “decisiones difíciles” relacionadas con “inversiones en personal” y la transformación de la división en “una organización mucho más pequeña”.

Además, describió un “proceso de transformación” que contempla la automatización de determinados flujos de trabajo mediante nuevas tecnologías, según una copia del mensaje obtenida por Deadline.

Los recortes no especificados en esa área, que reúne a menos de 1.000 integrantes en todo el mundo, no estarían vinculados con la nueva tanda divulgada por medios estadounidenses.

La dirección había anticipado que continuaría el ajuste de gastos

El ajuste ocurre mientras la empresa adapta sus operaciones a la expansión de la inteligencia artificial, la caída de la recaudación en taquilla y una competencia más intensa entre las plataformas de streaming, indicó Reuters.

En una carta a los accionistas del 5 de agosto, D’Amaro y el director financiero, Hugh Johnston, señalaron que la empresa buscaba reducir sus costos para liberar recursos destinados al crecimiento.

“Seguimos muy concentrados en reducir costos en toda la empresa para crear capacidad adicional de inversión para el crecimiento”, escribieron en el documento.

La carta añadió que el grupo evaluaba medidas como la reducción de personal y de los gastos de venta, generales y administrativos.

“Estamos en pleno proceso de este trabajo y proporcionaremos futuras actualizaciones sobre nuestro progreso”, concluyeron los ejecutivos.

La compañía calcula sus audiencias a partir de una fórmula que divide el tiempo total de reproducción por la duración de cada película. Según The Walt Disney Company, la medición de Toy Story 5 equivale a 20 millones de reproducciones completas durante sus cinco primeros días, aunque el grupo no difundió datos desagregados por países, usuarios, dispositivos o franjas de edad.

El estreno digital se produjo tras la exhibición en salas de la quinta entrega de la saga, que superó los USD 1.100 millones en la taquilla mundial, según una actualización corporativa publicada por Disney en septiembre. La cifra situó al largometraje entre los títulos de mayor recaudación de la compañía en 2026 y elevó los ingresos acumulados de la franquicia por encima de los USD 4.000 millones desde el lanzamiento de la primera película en 1995.

¿Cuántas visualizaciones tuvo Toy Story 5 en Disney+?

Toy Story 5 sumó 20 millones de visualizaciones en sus primeros cinco días en Disney+, de acuerdo con The Walt Disney Company. Disney afirmó que ese resultado convirtió a la película en la producción más vista del servicio durante la semana de su llegada, una formulación más precisa que la utilizada inicialmente por algunos medios, que planteaban que podía alcanzar el primer puesto.

La empresa señaló que la película quedó entre los 10 mejores estrenos mundiales de filmes de cine en Disney+. Sin embargo, no informó qué posición ocupa dentro de ese grupo ni publicó una clasificación actualizada de los títulos con mayor consumo en la plataforma. Tampoco reveló si la medición incluye los mercados donde Disney+ opera con una oferta integrada junto a otros servicios del grupo.

Según The Walt Disney Company, una visualización se obtiene al dividir el tiempo total de reproducción por la duración del largometraje. Ese método permite estimar el número equivalente de reproducciones completas, pero no representa de forma directa la cantidad de cuentas ni de personas que accedieron a la película. Disney utilizó el mismo criterio en anuncios anteriores sobre otros lanzamientos de Pixar y Walt Disney Animation Studios.

La compañía también indicó que el lanzamiento de la quinta película impulsó el consumo de las entregas anteriores de la serie. Desde la difusión del primer adelanto, Toy Story 5 generó un incremento de 168 millones de horas de reproducción para el conjunto de la franquicia, según The Walt Disney Company. El comunicado no especificó cuántas de esas horas corresponden a cada película ni detalló el período exacto usado para calcular el aumento.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con Zootopia 2 e Intensamente 2 en Disney+?

La comparación con otros estrenos recientes muestra diferencias en los plazos de medición. Según The Walt Disney Company, Zootopia 2 registró 32 millones de visualizaciones globales durante sus primeros siete días en Disney+, mientras que Toy Story 5 informó 20 millones en cinco días. Como las ventanas no son iguales, las cifras no permiten establecer una equivalencia directa sobre el consumo diario de ambas producciones.

Disney comunicó que Zootopia 2 fue la película más vista de Disney+ en su primera semana y que el conjunto formado por la película original, la serie Zootopia+ y la secuela acumulaba más de 885 millones de horas vistas a nivel mundial. El estudio tampoco publicó datos comparativos sobre las cuentas activas, el número de hogares o el tiempo promedio de reproducción por suscriptor.

En septiembre de 2024, Intensamente 2 había registrado 30,5 millones de visualizaciones mundiales en sus primeros cinco días de disponibilidad, de acuerdo con un comunicado de Disney. Esa película fue presentada entonces como el mayor estreno de una producción cinematográfica en Disney+ durante ese año y como el principal debut de un largometraje de cine desde Encanto, lanzada en 2021.

Las cifras de Intensamente 2, Zootopia 2 y Toy Story 5 proceden de comunicados corporativos y no de una auditoría externa divulgada por las empresas. En los tres casos, Disney definió las visualizaciones como el tiempo total de transmisión dividido por la duración de cada obra. La plataforma no publicó una metodología adicional que permita comparar las audiencias con los sistemas de medición de otros servicios de streaming.

¿Cómo le fue a Toy Story 5 en Estados Unidos?

Disney informó que Toy Story 5 obtuvo USD 160 millones en el mercado doméstico durante su primer fin de semana en salas, dentro de una apertura mundial de USD 312 millones. La empresa no publicó en ese comunicado un desglose separado para Estados Unidos ni datos acumulados posteriores para ese país, por lo que el último dato oficial disponible se refiere al mercado doméstico en conjunto.

De acuerdo con The Walt Disney Company, el debut fue el mayor de la franquicia en los mercados doméstico, internacional y global. La empresa también señaló que se trató del segundo mejor arranque doméstico de una película animada, por detrás de Incredibles 2, estrenada en 2018. Esas comparaciones se basan en cifras de taquilla comunicadas por el propio estudio.

La recaudación internacional inicial fue de USD 152 millones, según Disney. Con el avance de su recorrido comercial, la película superó los USD 1.100 millones en la taquilla mundial, de acuerdo con otra actualización corporativa de septiembre. La compañía no informó una fecha de cierre definitivo de la exhibición en salas ni una cifra final para el mercado de Estados Unidos.

Andrew Stanton, director de la película y vicepresidente creativo de Pixar Animation Studios, vinculó la continuidad de la serie con el paso del tiempo entre una entrega y otra. “Los juguetes no envejecen, pero los niños sí”, afirmó Stanton en declaraciones publicadas por The Walt Disney Company. La quinta película reúne nuevamente a Woody, Buzz Lightyear y Jessie, e incorpora al personaje de Lilypad.

¿Cuánto dinero ha generado la franquicia Toy Story?

Las cinco películas de Toy Story superaron los USD 4.000 millones en la taquilla mundial desde 1995, según The Walt Disney Company. Antes del estreno de la quinta producción, los cuatro títulos previos ya habían acumulado más de USD 3.000 millones y dos de ellos habían superado la barrera de los USD 1.000 millones de recaudación global.

Disney también informó que la franquicia es la más vista entre las sagas cinematográficas de su servicio, con más de 2.000 millones de horas reproducidas en Disney+. Antes de la llegada de Toy Story 5 a las salas, las primeras cuatro películas habían generado más de 60 millones de horas adicionales de consumo en la plataforma, según datos corporativos.

En sus resultados trimestrales, The Walt Disney Company señaló que la franquicia genera más de USD 1.000 millones anuales en ventas minoristas globales, incluida la comercialización realizada por terceros. La empresa indicó además que los personajes tienen presencia en cuatro áreas temáticas, 23 atracciones y dos hoteles de sus parques y complejos turísticos.

Un estudio de Steward Redqueen, citado por The Walt Disney Company, estimó que Toy Story generó más de USD 50.000 millones de impacto económico mundial durante tres décadas. El cálculo incluye actividades vinculadas con comercio, transporte, turismo, manufactura, servicios públicos y productos de consumo, por lo que no equivale únicamente a ingresos directos de Disney.

Para los suscriptores, la quinta película ya está disponible junto con los cuatro títulos anteriores de la colección en Disney+. La compañía no anunció una próxima actualización sobre las visualizaciones de Toy Story 5, por lo que los 20 millones contabilizados entre el 23 y el 28 de septiembre son el último dato oficial difundido sobre su desempeño inicial en streaming, según The Walt Disney Company.

Avengers: Endgame Encore, el reestreno ampliado de la película de Marvel Studios de 2019, recaudó al menos 86 millones de dólares en todo el mundo durante su primer fin de semana, según los datos difundidos el 28 de septiembre. El resultado llevó el acumulado de Avengers: Endgame hasta los 2.885,4 millones y redujo su distancia frente a Avatar, que conserva el récord histórico con 2.923,7 millones.

La distancia con Avatar

El relanzamiento encabezó la taquilla mundial del fin de semana. De los 86 millones obtenidos, 26 millones procedieron de Estados Unidos y Canadá, mientras que los 60 millones restantes llegaron de otros mercados. La recaudación seguirá creciendo porque la película continúa proyectándose en salas.

La diferencia entre ambas producciones es ahora de 38,3 millones de dólares. Alcanzar a Avatar todavía exige una permanencia fuerte en cartelera, pero el primer fin de semana dejó a la película de los hermanos Russo nuevamente cerca del primer lugar.

La competencia tiene una particularidad: los reestrenos forman parte del total acumulado de cada película. En sus exhibiciones originales, Avengers: Endgame había superado a Avatar, pero la producción dirigida por James Cameron recuperó el liderazgo después de regresar varias veces a los cines.

Endgame se mantiene así en el segundo puesto del listado histórico. Según los datos de las fuentes, detrás aparece Spider-Man: Un nuevo día, con una recaudación cercana a los 2.500 millones de dólares.

Cuatro escenas conectadas con Vengadores: Doomsday

El relanzamiento incorpora cuatro escenas nuevas vinculadas con Avengers: Doomsday, cuyo estreno está previsto para el 18 de diciembre. Esos fragmentos funcionan como material adicional y preparan elementos de la próxima película de Marvel Studios.

La inclusión de contenido inédito fue uno de los principales argumentos para volver a convocar a los espectadores, pese a que Avengers: Endgame lleva años disponible en streaming. La estrategia combina el regreso de una de las películas más taquilleras de la historia con la promoción del próximo estreno del estudio.

David A. Gross, analista, explicó que los relanzamientos suelen obtener cifras mucho menores. “Los reestrenos rara vez recaudan más de 10 millones de dólares”, señaló. Frente a ese promedio, los 86 millones globales de Endgame Encore representan una diferencia considerable.

Gross también indicó que este tipo de lanzamiento puede generar conversación anticipada alrededor de una película posterior. En este caso, Marvel Studios utiliza las escenas añadidas para conectar Endgame con Doomsday y acompañar la preventa de entradas para el estreno de diciembre.

Un reestreno entre los mayores de Norteamérica

Los 26 millones recaudados en Estados Unidos y Canadá ubicaron a Endgame Encore como el tercer mejor reestreno de la historia en ese mercado. Quedó detrás de El rey león, que consiguió 30,1 millones en 2011, y de la primera Star Wars, que alcanzó 35,9 millones durante su regreso a los cines en 1997.

Con 2.885,4 millones de dólares recaudados, Endgame Encore necesita otros 38,3 millones para igualar los 2.923,7 millones de Avatar.

Qué muestra el nuevo teaser

La principal novedad del video es la aparición de Jocasta, un personaje ligado directamente a Ultrón desde su origen en los cómics. La imagen difundida permite distinguir sus rasgos robóticos y una intensa iluminación roja en los ojos, pero Marvel mantiene en secreto sus objetivos y su relación concreta con los protagonistas.

El adelanto también recupera a Visión Blanco, la versión reconstruida del personaje que desapareció después de su encuentro con la Visión creada dentro de Westview en WandaVision. La nueva serie seguirá su intento por recuperar una identidad propia, mientras se mantiene alejado de las personas que buscaron convertirlo en un arma.

El material incluye además una apariencia humana vinculada con Ultrón. Su regreso tendrá peso en una historia centrada en identidades artificiales, recuerdos implantados y programas capaces de desarrollar una conciencia independiente.

Miller describió su papel como “impresionante” durante una reciente entrevista. El creador de la serie, Terry Matalas, también adelantó que Jocasta tendrá una presencia importante, aunque evitó precisar si funcionará como enemiga, aliada o una figura que cambiará de bando durante los ocho episodios.

El origen de Jocasta y su conexión con Ultrón

En los cómics de Marvel, Jocasta fue creada por Ultrón para convertirse en su compañera. El villano utilizó los patrones cerebrales de Janet van Dyne, conocida como la Avispa, como base para construir su personalidad. Esa conexión le dio al androide características humanas y terminó provocando un resultado contrario al esperado por su creador.

Jocasta acabó rebelándose contra Ultrón y colaboró con héroes como los Avengers. Ese recorrido deja abierta una tensión para VisionQuest: su vínculo original la acerca al antagonista, pero su historia impresa demuestra que no está obligada a obedecerlo. El teaser, con sus ojos rojos y su presentación amenazante, todavía no permite determinar qué parte de esa trayectoria adaptará la serie.

El regreso de Ultrón estará acompañado por James Spader, quien volverá a interpretar al personaje después de haberle dado voz en Avengers: Age of Ultron. Paul Bettany retomará el papel de Visión, ahora bajo la identidad blanca presentada en WandaVision.

La búsqueda de Visión Blanco estará conectada con otras inteligencias artificiales integradas en su código. Entre ellas aparecen F.R.I.D.A.Y., E.D.I.T.H. y Jarvis, además del propio Ultrón. En términos simples, estos sistemas funcionan como programas con voces, recuerdos y funciones diferentes que podrían ayudar al protagonista a reconstruir quién era o disputar el control de su identidad.

Estreno, episodios y reparto de VisionQuest

VisionQuest será la tercera y última parte de la trilogía televisiva iniciada con WandaVision y continuada por Agatha All Along. La historia retomará de forma directa el destino de Visión Blanco, uno de los cabos abiertos que dejó la primera serie después de su encuentro con la versión del personaje creada por Wanda Maximoff.

El reparto también incluye a Ruairi O’Connor, Todd Stashwick, Orla Brady, Emily Hampshire y James D’Arcy. Las fuentes disponibles todavía no detallan todos sus personajes ni cómo se relacionarán con Jocasta, Ultrón y las demás inteligencias artificiales presentes en la trama.

La temporada contará con ocho episodios. Disney+ estrenará VisionQuest el 14 de octubre de 2026 y publicará sus dos primeros capítulos durante esa misma jornada.

Después de un año marcado por viajes, momentos compartidos y la consolidación de su relación, Ivana Figueiras y Darío Cvitanich decidieron disfrutar de una nueva escapada juntos. Esta vez, el destino fue el estado de Florida, donde combinaron días frente al mar con recorridos por los parques temáticos de Disney y estuvieron acompañados por algunas de sus hijas: Lupe y Carmela, las niñas del exfutbolista con Chechu Bonelli, y Suri, la hija de Figueiras y Tomás Guarracino. Durante la estadía, la pareja publicó distintas postales del viaje y dejó registrada la dinámica familiar que compartieron entre paseos, juegos y fotografías frente a los principales escenarios del lugar.

“¡Fin de un viaje hermoso, LAS AMO! Gracias por estos días @figueirasivana. Qué lindo compartir todo esto con vos, sos increíble”, escribió Cvitanich en una publicación en la que reunió varias imágenes de su paso por Florida. El exfutbolista eligió una serie de fotografías para mostrar parte del recorrido y acompañó el mensaje con una dedicatoria dirigida a Ivana y a las niñas.

Durante el viaje, Darío apareció en una de las fotografías recostado sobre la arena, con una remera blanca y los ojos entrecerrados por la luz del sol. En otra postal, Ivana posó en primer plano junto al exfutbolista, mientras detrás de ellos se observaban el mar, la arena clara y parte del paisaje del lugar elegido para descansar.

Figueiras también compartió una selfie junto a Cvitanich desde la playa. En esa fotografía, la modelo llevó una prenda negra y quedó ubicada frente a la cámara, mientras el exfutbolista apareció a su lado. El encuadre incluyó el horizonte, el agua y la arena, y formó parte de las imágenes con las que la pareja mostró algunos momentos de la escapada.

El recorrido familiar incluyó una visita a Magic Kingdom. Allí, las hijas de Cvitanich posaron frente al castillo de Cenicienta y llevaron vinchas de Minnie Mouse, con orejas negras y lazos rojos con lunares blancos. Darío también posó junto a una de sus hijas en otro sector del parque. La niña llevaba una remera blanca con dibujos y una vincha con orejas de Minnie, mientras el exfutbolista se ubicaba a su lado para el registro. En otra imagen, Ivana apareció junto a Cvitanich frente al castillo de Cenicienta.

La familia también recorrió Animal Kingdom. Una de las fotografías mostró el ingreso al parque, con un cartel en el que se podía apreciar la entrada al sector, una escultura de elefante y vegetación en los alrededores. Dentro de los parques, también participaron de diferentes atracciones. Una de las imágenes mostró a una de las hijas de Cvitanich, Carmela, con un sombrero azul inspirado en Mickey Mouse y el corto “El aprendiz del brujo”. Otra fotografía registró al grupo durante un juego de Mario Bros., donde padre e hijas utilizaron gorras rojas con la letra “M”.

Si bien con estas postales el exfutbolista buscó mostrar la paz y buena convivencia de la pareja junto a sus respectivas hijas, lo cierto es que antes la modelo había recibido críticas sobre el viaje. En días previos, Figueiras había publicado una de las imágenes tomadas junto a Cvitanich frente al castillo de Disney. La fotografía recibió distintos comentarios y uno de ellos llamó la atención por el tono utilizado. “El papá del año”, escribió una usuaria, en una frase que muchos interpretaron como una ironía dirigida al exfutbolista por el viaje que había realizado junto a Ivana y Suri.

En ese momento, todavía no se había difundido que dos de las hijas de Cvitanich también formaban parte de la escapada. El comentario generó una lectura vinculada con la organización familiar y con el lugar que ocupaban las niñas en el viaje. Figueiras, lejos de dejar pasar el mensaje, respondió de inmediato y se refirió a cómo estaban viviendo la experiencia junto a su padre. “¡La verdad que sí! ¡Si vieras cómo la están pasando las chicas! Besitooo”, contestó la empresaria. Con esa frase, defendió al exdelantero y señaló que Lupe y Carmela estaban disfrutando de los días compartidos en Estados Unidos.

La reacción de Figueiras se relacionó con una situación que había tenido exposición pública desde la separación de Cvitanich y Bonelli. El exjugador y la conductora son padres de tres hijas y, desde que comunicaron el final de su relación, habían circulado versiones e intercambios públicos vinculados con la organización familiar, la crianza y las obligaciones económicas.

Así, entre recorridas al aire libre, tiempo en familia y diversión dentro de los parques temáticos, Darío buscó alejarse de las polémicas. A un año de blanquear su romance con la modelo, volvió a mostrar la fortaleza de su relación y, además, dejó en claro el fuerte lazo que mantiene con sus hijas pese a las obstáculos de los últimos meses.

Disney+ volvió a aumentar el precio de sus suscripciones en Estados Unidos. La nueva actualización eleva principalmente el costo de los planes sin publicidad y modifica el valor de algunas opciones combinadas con Hulu, en una estrategia con la que Disney busca impulsar los paquetes y aumentar los ingresos por usuario.

El plan premium de Disney+, que permite acceder al catálogo sin anuncios, pasa a costar 21,49 dólares por mes, después de un incremento de 2,50 dólares. La suba representa aproximadamente un 13% respecto de la tarifa anterior, según informó Bloomberg.

La nueva estructura también afecta a Hulu, el servicio de streaming que forma parte del negocio de entretenimiento de Disney en Estados Unidos. Mientras los planes individuales registran aumentos, las opciones combinadas mantienen precios relativamente cercanos a las alternativas individuales, una diferencia que puede incentivar a los usuarios a contratar más de un servicio.

Con esta actualización, queda cada vez más lejos el precio de lanzamiento de Disney+ en Estados Unidos. Cuando la plataforma debutó en 2019, la suscripción costaba 6,99 dólares mensuales.

Cuánto cuestan los planes de Disney+ en Estados Unidos

Los nuevos precios establecen una diferencia clara entre las opciones individuales y los paquetes que combinan Disney+ con Hulu.

El plan premium de Disney+, sin publicidad, queda en 21,49 dólares mensuales. Por su parte, la versión individual con anuncios aumenta a 12,49 dólares por mes.

En el caso de los paquetes, el combo premium de Disney+ y Hulu tendrá un precio de 21,99 dólares mensuales. Es decir, cuesta apenas 50 centavos más que el plan premium individual de Disney+.

El paquete de Disney+ y Hulu con publicidad queda en 12,99 dólares mensuales. La diferencia con la suscripción individual con anuncios de Disney+ es de apenas 50 centavos.

Nuevos precios en Estados Unidos

- Disney+ con anuncios 12,49 dólares

- Disney+ Premium sin anuncios 21,49 dólares

- Disney+ y Hulu con anuncios 12,99 dólares

- Disney+ y Hulu Premium 21,99 dólares

Los precios corresponden a las nuevas tarifas anunciadas para el mercado estadounidense.

Disney busca que los usuarios contraten paquetes

La estructura de precios muestra una estrategia que va más allá de aumentar las tarifas. Disney también busca que sus clientes opten por paquetes que combinan sus servicios.

La diferencia de apenas 50 centavos entre Disney+ con anuncios y el paquete de Disney+ y Hulu con anuncios puede funcionar como un incentivo para sumar Hulu a la suscripción. Lo mismo ocurre con las opciones premium, donde el paquete cuesta 21,99 dólares frente a los 21,49 dólares del plan individual de Disney+.

Este modelo permite a Disney ampliar la cantidad de servicios contratados por cada usuario y, al mismo tiempo, mantener dentro de su ecosistema a quienes podrían considerar cancelar una de sus suscripciones.

La estrategia es especialmente relevante en un mercado de streaming en el que los consumidores acumulan varias plataformas y deben decidir cuáles mantener cada mes.

Disney+ se aleja de su precio de lanzamiento

El nuevo aumento también refleja cuánto cambió el precio de Disney+ desde su lanzamiento en Estados Unidos.

En noviembre de 2019, cuando comenzó a funcionar el servicio, la suscripción tenía un precio de 6,99 mensuales dólares. Desde entonces, Disney fue modificando sus tarifas a medida que amplió el catálogo, incorporó publicidad y desarrolló nuevas modalidades de suscripción.

El plan premium actual cuesta ahora más de tres veces aquella tarifa inicial.

El aumento llega además en un momento en el que Disney busca mejorar la rentabilidad de su negocio de entretenimiento. Durante el último trimestre, los ingresos operativos de esta división crecieron un 64%, según los resultados financieros citados en el reporte.

El streaming busca nuevas formas de generar ingresos

Disney no se limita a subir el precio de sus suscripciones. La compañía también trabaja en ampliar el ecosistema alrededor de Disney+, con planes que incluyen videojuegos y experiencias interactivas.

El objetivo es que la plataforma tenga más funciones y formas de consumo, además del acceso tradicional a películas y series.

Mientras tanto, el aumento de las tarifas representa una nueva etapa para Disney+ en Estados Unidos. Los usuarios que quieran mantener el acceso sin publicidad deberán pagar 21,49 dólares al mes, mientras que quienes busquen combinar Disney+ y Hulu podrán hacerlo por 21,99 dólares en el plan premium.

Jim Henson nació el 24 de septiembre de 1936 en el Hospital King’s Daughters de Greenville, Misisipi, en el seno de una familia sencilla del sur profundo de Estados Unidos. Era el segundo hijo de Paul y Betty Henson, y pasó sus primeros años en Leland, un pueblo pequeño donde su padre trabajaba para el Departamento de Agricultura del gobierno federal.

La semilla del artista la plantó su abuela materna. Era pintora, tejedora y bordadora, y Jim la visitaba seguido. Ella lo alentaba a usar la imaginación y a encontrar belleza en lo cotidiano. Esa influencia temprana nunca lo abandonó.

Cuando Jim estaba en quinto grado, la familia se mudó al condado de Prince George’s, en Maryland, cerca de la frontera con Washington D.C. Fue ahí donde descubrió la televisión, un medio que en los años 50 era todavía una novedad deslumbrante.

En 1954, mientras cursaba la secundaria, se enteró de que la emisora local WTOP-TV —afiliada a la cadena CBS— buscaba titiriteros para un programa matutino infantil. Henson fue a la biblioteca, aprendió a hacer títeres desde cero, se presentó a la audición con un amigo y consiguió el trabajo. Tenía 17 años y ya sabía exactamente dónde quería estar.

“Era su oportunidad de trabajar en televisión”, explicó Karen Falk, directora de archivos de The Jim Henson Company, al Smithsonian Magazine. “Jim estaba realmente interesado en todos los aspectos de hacer televisión”.

Ese primer programa duró poco, pero un director de otra emisora, WRC-TV, canal afiliado a la cadena NBC en Washington, quedó impresionado y lo contrató. Así nació Sam and Friends, en 1955, el show que lo cambiaría todo.

Sam and Friends era un programa de cinco minutos que se emitía dos veces por día en WRC-TV, justo antes del Huntley-Brinkley Report y del Tonight Show. En ese formato brevísimo, Henson —ya estudiante de primer año en la Universidad de Maryland— desarrolló una galería de personajes estrafalarios: Mushmellon, Icky Gunk, el Profesor Madcliffe, Yorick y, el más memorable de todos, Kermit que por entonces no era una rana.

No estaba solo. En la universidad conoció a Jane Nebel, estudiante de educación artística con quien compartía una visión singular de la titiritería. Jim la invitó a sumarse al programa como co-conductora, diseñadora y constructora de títeres. Juntos inventaron una forma completamente nueva de hacer puppetry para televisión.

“Antes de que él apareciera en televisión con los Muppets, los títeres eran básicamente teatrales”, señaló Falk. “Tenían un escenario de títeres, y así los presentaban en TV”.

Henson eliminó ese escenario. Usó la pantalla del televisor como si fuera el proscenio, hizo a sus personajes más expresivos y los pensó siempre desde el ojo de la cámara, no desde la platea. Esa decisión técnica y conceptual transformó la titiritería en televisión.

Sam and Friends ganó un Emmy en 1958. Y el primer Kermit que apareció en ese programa —confeccionado con el abrigo verde de la madre de Henson y un par de jeans suyos, con los ojos hechos de dos mitades de una pelota de ping-pong— hoy forma parte de la colección del Museo Nacional de Historia Americana del Smithsonian, donado por la familia Henson en 2010.

En mayo de 1959, Jim y Jane se casaron en la casa de los padres de ella en Salisbury, Maryland. Para entonces ya eran socios en todo: en la creatividad, en los negocios y en la vida.

Jane se graduó en 1955 pero siguió trabajando junto a Jim en WRC-TV como intérprete, diseñadora de títeres y socia comercial. Fue una pieza fundamental en los primeros años de lo que después se convertiría en The Jim Henson Company. Entre 1960 y 1970 tuvieron cinco hijos: Lisa, Cheryl, Brian, John y Heather.

El éxito de Sam and Friends abrió las puertas de la televisión nacional. Los Muppets comenzaron a aparecer como invitados en programas como The Steve Allen Show, The Jack Paar Show y Today. Al mismo tiempo, Henson empezó a producir cientos de comerciales humorísticos para marcas de todo el país, entre ellas Wilkins Coffee y LaChoy Foods, con el mismo humor anárquico y desprejuiciado que caracterizaba a sus personajes.

Esos comerciales llamaron la atención de Joan Ganz Cooney, productora ejecutiva de la televisión pública estadounidense, que estaba desarrollando un programa educativo para niños con una ambición descomunal.

En 1966, Cooney comenzó a trabajar en Sesame Street —conocida en Argentina como Plaza Sésamo—, que se estrenaría en 1969. Basándose en la reputación creativa de Henson, le pidió que diseñara una familia de personajes para poblar ese mundo.

Lo que Henson entregó fue extraordinario: Epi y Blas, Oscar el Gruñón, Grover, el Monstruo de las Galletas y, por supuesto, Big Bird, el pájaro amarillo de 2,5 m de altura. Cada personaje tenía una función pedagógica precisa. Big Bird modelaba la curiosidad y la valentía de hacer preguntas. Oscar enseñaba a manejar el conflicto y la tolerancia. Epi y Blas, esa pareja de compañeros de cuarto tan distintos entre sí, demostraban que la amistad no necesita uniformidad.

Fue también en Plaza Sésamo donde Kermit completó su evolución. Hasta el especial televisivo Hey, Cinderella!, estrenado en 1969, el personaje no era oficialmente una rana. Esa transformación lo convirtió en el anfibio más famoso del planeta.

En 1961, a medida que Muppets, Inc. crecía, Jim y Jane incorporaron al equipo al titiritero y escritor Jerry Juhl, que se convertiría en uno de los grandes colaboradores de Henson. Las exigencias de la televisión nacional llevaron a la familia a mudarse a Nueva York en 1963, donde Jim también reclutó al constructor de títeres Don Sahlin y al joven titiritero Frank Oz. Juntos desarrollaron a Rowlf el Perro, el primer personaje de los Muppets con reconocimiento nacional, que apareció regularmente en The Jimmy Dean Show entre 1963 y 1966.

Plaza Sésamo demostró que los Muppets podían cautivar a los chicos. Pero Henson estaba convencido de que sus personajes podían entretener a toda la familia. El problema era que ninguna cadena estadounidense le compraba la idea.

Fue Lord Lew Grade, productor televisivo británico y propietario de la cadena ATV, quien finalmente le dio el respaldo que necesitaba. En 1975 comenzó la producción en los estudios ATV de Londres, y en 1976 se estrenó The Muppet Show. El resultado fue una explosión: tuvieron una audiencia de 235 millones de espectadores en más de 100 países. El programa ganó tres premios Emmy en sus cinco temporadas.

El show presentó una nueva camada de personajes que se volverían tan queridos como Kermit: Miss Piggy y Fozzie Bear, interpretados por Frank Oz; el Gran Gonzo, por Dave Goelz; y Animal, también por Oz. Cada semana, estrellas internacionales —desde Gene Kelly y Rudolf Nureyev hasta Steve Martin y John Cleese— compartían escenario con los Muppets.

El éxito televisivo derivó naturalmente en el cine. The Muppet Movie (1979) fue la primera de seis películas protagonizadas por los Muppets. La historia seguía a Kermit desde los pantanos del sur de Estados Unidos hasta Hollywood, persiguiendo su sueño de trabajar en el espectáculo, juntando amigos en el camino. Era, en buena medida, un espejo de la propia vida de Henson.

Durante los años 80, Henson expandió su universo creativo en direcciones inesperadas. Produjo The Dark Crystal (1982) y Labyrinth (1986), dos películas de fantasía que lo llevaron a explorar técnicas de animatrónica y construcción de personajes tridimensionales de una complejidad nunca vista.

The Dark Crystal fue el resultado de cinco años de desarrollo e involucró a decenas de diseñadores, constructores, técnicos e intérpretes de todo el mundo. Labyrinth, producida por George Lucas y protagonizada por el recordado David Bowie y una joven Jennifer Connelly —futura ganadora del Oscar—, llevó esas técnicas un paso más lejos.

Ambas producciones dieron origen a lo que hoy se conoce como Jim Henson’s Creature Shop, fundada en 1979, con oficinas en Londres y Los Ángeles, que continúa siendo una referencia mundial en animatrónica.

En televisión, la década también fue prolífica. Fraggle Rock —una de las primeras coproducciones internacionales de la historia de la TV— celebraba la amistad y la convivencia entre sus personajes: los Fraggle, los Gorgs y los Doozers. Jim Henson’s Muppet Babies ganó cuatro Emmy consecutivos como mejor programa animado. Y The Storyteller, con guiones del director ganador del Oscar Anthony Minghella, combinó tradición oral y efectos visuales de vanguardia para llevar mitos y cuentos populares a la pantalla.

En 2024, Disney+ estrenó Jim Henson: Idea Man, un documental dirigido por Ron Howard que recorre la vida de Henson con material de archivo, entrevistas con colaboradores y filmaciones caseras de la familia.

Frank Oz, la voz de Miss Piggy y Ernie, estuvo entre los entrevistados. Su definición de la relación con Henson fue tan honesta como afectuosa: “Era, a la vez, una alegría y un fastidio”. Los hijos de Henson también hablaron ante la cámara. Uno de ellos dijo: “Había honestidad e integridad en lo que creaba. Lo creaba porque necesitaba crearlo”.

El documental también revela datos que sorprenden: que Kermit no era originalmente una rana, que todas las cadenas estadounidenses rechazaron The Muppet Show antes de que se produjera en Inglaterra, y que Henson se dejó la barba para cubrir cicatrices de acné.

Justin Wilkes, presidente de Imagine Entertainment y productor del film, señaló: “Creo que una de las razones por las que es tan perdurable es que creó personajes capaces de procesar emociones muy adultas, ya sea la pérdida, el amor o la amistad”.

El 16 de mayo de 1990, tras una breve enfermedad, Jim Henson murió en Nueva York. Tenía 53 años. Su último proyecto terminado fue MuppetVision 3D, un cortometraje interactivo que él mismo dirigió y que todavía se proyecta en los parques temáticos de Disney en Florida y California.

Jane Nebel Henson, legalmente separada de Jim desde 1986 aunque unida a él por la visión compartida de los Muppets hasta el final, murió en 2013, a los 78 años. Según Arthur Novell, fideicomisario del Jim Henson Legacy, Jane solía decir en público que “Jim quería dejar el mundo convertido en un lugar mejor”. Y Novell agregaba que la mayoría coincidía en que ambos lo habían logrado.

Disney nombró a su primer director de tecnología corporativo en más de cien años de historia: Karandeep Anand, hasta ahora CEO de Character.AI, asumirá como Senior Executive Vice President y Chief Technology Officer el 2 de octubre de 2026. Liderará toda la infraestructura tecnológica de la empresa.

La paradoja del anuncio no tardó en circular en la industria: hace menos de un año, Disney había enviado a Character.AI una carta de cese y desista por el uso no autorizado de sus personajes icónicos en la plataforma.

El ejecutivo que construyó tres plataformas líderes en tecnología

Anand acumula un perfil técnico y de producto poco común. Pasó quince años en Microsoft, donde participó en la construcción de Azure, la plataforma de computación en la nube que hoy compite junto a AWS y Google Cloud como una de las tres nubes dominantes del mundo.

Luego, se incorporó a Meta donde fue vicepresidente de Ads & Business Products en Facebook, y más tarde, asumió como presidente y Chief Product Officer de Brex, la fintech orientada a empresas tecnológicas. Es ingeniero en computación egresado del International Institute of Information Technology de Hyderabad, India.

Su entrada al mundo de la IA generativa llegó en junio de 2025, cuando tomó la conducción de Character.AI (plataforma creada por los ex investigadores de Google Noam Shazeer y Daniel De Freitas) tras haberse desempeñado previamente como asesor de su directorio. Bajo su gestión, la compañía intensificó las medidas de seguridad para menores de 18 años de edad, restringiendo las conversaciones abiertas con personajes de IA en respuesta a una creciente presión regulatoria y periodística sobre los riesgos de los chatbots para adolescentes.

La carta que terminó en un nombramiento en Disney

La historia entre Disney y Anand tiene un giro que pocos en la industria esperaban. En septiembre de 2025, The Walt Disney Company envió a Character.AI una carta de cese y desista en la que acusaba a la startup de infringir sus derechos de autor al permitir que los usuarios interactuaran con versiones no autorizadas de personajes Disney en la plataforma. Character.AI retiró esos personajes sin escalar la disputa a una batalla legal. Un año después, la misma empresa que emitió esa carta le ofreció a Anand las llaves de toda su infraestructura tecnológica.

El cargo fue creado especialmente para esta incorporación: Disney nunca había tenido un director de tecnología con alcance en toda la organización. Su ejecutivo tecnológico de mayor rango era Adam Smith (ascendido a presidente de direct-to-consumer para Disney Entertainment), pero ese rol no tenía jurisdicción corporativa transversal.

La creación del puesto refleja la voluntad del CEO Josh D’Amaro —quien asumió en marzo de 2026 reemplazando a Bob Iger— de operar la tecnología como un motor de crecimiento unificado en lugar de una colección de equipos segmentados por división.

Las voces detrás del nombramientoen Disney luego de 100 años de historia

En un comunicado oficial, D’Amaro describió a Anand como alguien que aporta ‘una combinación excepcional de experiencia en infraestructura, tecnología de consumo e IA’, y lo calificó de ‘constructor experto y estratega, con agudas instancias sobre lo que los fans realmente quieren’.

El CEO enmarcó el nombramiento dentro de tres prioridades que ha definido para Disney: el storytelling como norte, la tecnología al servicio de la creatividad, y la operación como una empresa unificada. Junto con Anand, un número no especificado de ingenieros del equipo técnico de Character.AI se incorporarán también a la compañía.

Anand, por su parte, afirmó en el mismo comunicado haber admirado a Disney ‘toda mi vida’ por la forma en que combina narrativas con tecnología, y declaró que espera construir sobre las capacidades existentes para conectar a los fans de todo el mundo con los personajes y las historias de la compañía ‘de maneras nuevas e innovadoras’. Esa frase —interactuar con el contenido en lugar de solo consumirlo— es precisamente la especialidad que cultivó en Character.AI y la apuesta que Disney parece querer importar.

Lo que cambia para los suscriptores de América Latina

La llegada de Anand tiene implicancias concretas para una región donde Disney+ compite de forma activa. América Latina es uno de los mercados de crecimiento más relevantes para la plataforma, que opera en Argentina, Brasil, México, Colombia y el resto de la región con planes de precios adaptados. La agenda de D’Amaro —construir relaciones directas con los fans y convertir Disney+ en el centro de la experiencia digital— requiere exactamente el tipo de capacidades que Anand trae: IA conversacional, moderación de contenido a escala y diseño de productos para audiencias de distintas edades.

El perfil de Anand también encaja con una tendencia más amplia en la industria del entretenimiento: el paso del consumo pasivo a experiencias participativas, donde las audiencias no solo miran una serie sino que también interactúan con sus personajes. Es el modelo que Character.AI desarrolló desde su fundación, y es la dirección hacia la que apunta la estrategia de D’Amaro: relaciones directas con los fans a través de experiencias digitales inmersivas, con Disney+ como plataforma central.

Lo que resta por ver es si la agenda de Anand impulsará el desarrollo de plataformas de IA propias dentro del ecosistema Disney o si la compañía continuará apoyándose en proveedores externos. La primera señal llegará con las decisiones tecnológicas que anuncie en sus primeros meses en el cargo, en un mercado donde Netflix, Amazon y Spotify compiten ferozmente por retener suscriptores con herramientas generativas. Disney llega a esa carrera con su activo más valioso intacto: décadas de personajes amados por miles de millones de personas en todo el mundo.

Disney+ aprobó una nueva serie animada de Darkwing Duck, anunciada el 22 de septiembre de 2026 y ambientada 35 años después de la producción original. Mark Hamill interpretará a Drake Mallard, mientras que Seth Rogen prestará su voz a Launchpad McQuack y participará como productor ejecutivo. El proyecto todavía no tiene una fecha de estreno confirmada.

Una pesadilla hecha a medida de Drake Mallard

La historia comenzará con Darkwing atrapado en un mundo alternativo donde nadie recuerda sus antiguas hazañas como superhéroe. La situación afecta especialmente a Drake Mallard, un personaje acostumbrado a buscar reconocimiento mientras combate el crimen bajo su identidad enmascarada.

Su vida cambiará cuando conozca a Duckie, una adolescente rebelde que sí sabe quién fue Darkwing. Ella intentará convencerlo de volver a la acción y lo acompañará en una nueva aventura que combinará personajes conocidos con incorporaciones creadas para esta serie.

Entre las amenazas confirmadas aparecen Negaduck y Megavolt, dos de los enemigos recurrentes más reconocibles de la producción de los años noventa. Darkwing también volverá a encontrarse con Gosalyn Mallard y Morgana, además de reunirse con Launchpad.

La premisa utiliza el paso de tres décadas como parte central del conflicto. En lugar de retomar las aventuras inmediatamente después del programa clásico, el protagonista deberá recuperar su lugar en un escenario que ha olvidado su trayectoria. Duckie funcionará como el vínculo entre ese pasado y la nueva etapa.

Mark Hamill toma el lugar de Jim Cummings

El cambio principal estará en la voz del protagonista. Jim Cummings interpretó a Darkwing en la serie original, que alcanzó 91 episodios, pero no regresará para esta producción. Hamill asumirá los papeles de Drake Mallard y su identidad heroica.

Rogen interpretará a Launchpad, el piloto y compañero habitual de Darkwing. Su participación también se extenderá a la producción ejecutiva mediante Point Grey Pictures, el estudio que comparte con otros productores del proyecto.

El reparto incluye a Lizzy Caplan como Gosalyn Mallard y a Lilimar como Duckie. Dan Stevens será Glade McTowers, Tiffany Shepis interpretará a Rosa y Kathryn Newton dará voz a Firecracker.

También participarán Teo Briones como Timb, Tyler Dean Flores como Pondsy, Katie Rich como Officer Shanks y Nat Faxon como Officer Webb. La información disponible todavía no detalla cómo se relacionarán estos nuevos personajes con el protagonista ni qué papel tendrán dentro del conflicto principal.

La sustitución de Cummings marca una diferencia directa frente a la serie de 1991. La presencia de Hamill y Rogen plantea nuevas interpretaciones para dos figuras muy asociadas con sus voces originales, mientras el argumento conserva nombres centrales de la etapa clásica.

Tad Stones acompaña al nuevo equipo creativo

Tad Stones, creador de la serie original, trabajó como consultor creativo durante el desarrollo. Stones indicó que el nuevo equipo incrementó la acción y la comedia sin abandonar el componente emocional de la producción de Disney. También comparó la reinterpretación del personaje con figuras como Robin Hood, Zorro y Sherlock Holmes, cuyas historias han sido adaptadas a distintas épocas y formatos.

Sean Tretta, vinculado con Star Trek: Picard, y Borja Peña Gorostegui, de Lost & Crowned, ejercerán como productores ejecutivos. Rogen, Evan Goldberg, James Weaver, Alex McAtee y Gabby Grantham producirán la serie para Point Grey Pictures.

La versión original de Darkwing Duck comenzó a emitirse en 1991. Su recorrido en ABC terminó en 1993, mientras que la distribución sindicada continuó hasta 1995 y tuvo un breve regreso entre 1996 y 1997. En total, la serie llegó a 91 episodios.

El personaje también protagonizó videojuegos para Nintendo Entertainment System en 1992 y Game Boy en 1993. En noviembre de 1994 apareció en el cómic Disney Afternoon Fun-Filled 1st Issue!, y años después regresó a la televisión como parte de la versión más reciente de DuckTales.

La serie original puede verse actualmente en Disney+. La nueva producción aún no cuenta con fecha ni ventana de estreno anunciada.

La producción fue creada por Tim Federle, responsable de High School Musical: El Musical: La Serie, y propone episodios breves, según informó la plataforma. El formato busca concentrar el desarrollo de la trama en capítulos de ritmo rápido, con un relato que combina misterio, conflictos afectivos y rivalidades dentro de un aquelarre en formación.

La protagonista es Briar, interpretada por Malina Pauli Weissman, una joven neoyorquina que descubre que pertenece al mundo de la magia. Su llegada al colegio cambia su relación con quienes ya conocen las reglas de ese universo, donde las habilidades personales determinan jerarquías y los vínculos pueden convertirse en un riesgo.

Un internado donde el poder define las relaciones

La historia transcurre en el entorno sobrenatural de Nueva Orleans, ciudad que funciona como escenario de una tensión que excede a los estudiantes. Briar, sus compañeras y otros jóvenes con capacidades especiales deberán resolver qué lugar ocupan en un conflicto que se remonta a enfrentamientos anteriores entre fuerzas sobrenaturales.

El centro de la trama es un aquelarre compuesto por tres brujas adolescentes, que se ve obligado a tomar decisiones para proteger a la ciudad y preservar su propia seguridad. En ese contexto, la serie presenta al poder como un elemento de disputa y a los secretos como una amenaza que puede modificar las lealtades dentro de la academia.

La temporada estará disponible completa desde el día de su lanzamiento, el viernes 2 de octubre, en Disney+. La plataforma difundió además el adelanto oficial, que anticipa tensiones vinculadas al pasado de Briar y a los intereses de Jake, uno de los alumnos del colegio.

El avance está musicalizado con “Brutal”, de Olivia Rodrigo, y muestra una atmósfera marcada por rituales, símbolos de brujería, disputas entre estudiantes y escenas de romance. La canción acompaña la presentación de personajes que deberán definir sus alianzas mientras enfrentan amenazas que superan la vida cotidiana del internado.

El elenco reúne figuras jóvenes y actores del género fantástico

Además de Weissman, el elenco incluye a Malachi Barton como Jake, un brujo cuya presencia despierta sospechas dentro del grupo. Jordan Leftwich interpreta a Sasha, un estudiante con la capacidad de leer mentes, mientras que Ora Duplass encarna a Tegan, una bruja que puede alterar el tiempo.

El grupo principal se completa con Louis Thresher en el papel de Ollie, un vampiro que acaba de atravesar su transformación. La convivencia entre brujos, brujas y vampiros amplía el universo fantástico de la serie y suma nuevas tensiones al conflicto central.

Entre los personajes adultos aparece Tiffani Thiessen como la señorita Graves, directora de la academia. El personaje dirige el colegio y tendrá un papel relevante en la organización de ese espacio, donde las reglas no siempre ofrecen protección a los alumnos.

Devon Sawa participará como invitado especial en el rol del señor Cole, un profesor brujo descrito como brillante y carismático. También integran el reparto recurrente Swayam Bhatia, Brendon Tremblay, Keegan Connor Tracy, BJ Harrison y Nathaniel Logan McIntyre.

Federle comparte la producción ejecutiva con Darren Swimmer, Todd Slavkin, Amanda Row y Bronwyn North-Reist. La serie fue producida por Chorus Boy Productions, la compañía de Federle, junto a Disney Kids & Family. A pocas semanas de su llegada al catálogo, el adelanto plantea que el pasado de Briar y las ambiciones de Jake serán dos de las claves del primer ciclo.

Marvel Studios terminará Daredevil: Born Again con su tercera temporada en Disney+, según información publicada por The Hollywood Reporter. La decisión se tomó dos meses después de finalizar el rodaje de los nuevos episodios y coincide con la salida de Dario Scardapane, responsable creativo de la serie desde su reformulación. La plataforma todavía no comunicó una fecha exacta para el estreno del cierre.

El cierre y la salida creativa

La tercera temporada marcará la conclusión formal de la serie protagonizada por Charlie Cox como Matt Murdock, el abogado de Hell’s Kitchen que combate el crimen bajo la identidad de Daredevil. Esto termina el recorrido específico de Born Again, aunque no implica que el personaje vaya a desaparecer de las futuras producciones de Marvel.

El cierre llega acompañado por un cambio importante detrás de cámaras. El contrato de Scardapane expiró y Marvel Studios decidió no renovarlo. Su salida se produjo sin un anuncio público previo, y el reporte no identifica a la persona que asumirá sus tareas durante la etapa restante del proyecto.

El showrunner es el principal responsable creativo y operativo de una serie: supervisa los guiones, coordina al equipo de producción y mantiene una dirección narrativa común. La ausencia de Scardapane resulta relevante porque fue convocado para reorganizar Born Again después de que Marvel descartara buena parte de su planteamiento inicial.

El rodaje de los nuevos episodios ya había terminado dos meses antes de conocerse la decisión. Las fuentes no precisan qué trabajos de posproducción siguen pendientes ni cuánto participó Scardapane en esa fase. Tampoco se informó si la tercera temporada fue escrita desde el comienzo como un final definitivo o si los planes se ajustaron después.

Un proyecto reformulado tras las huelgas

Born Again atravesó varios cambios desde que Disney+ recuperó la versión de Daredevil presentada previamente en Netflix. El proyecto original contemplaba una temporada de 18 episodios desarrollada por Matt Corman y Chris Ord, con un tono más ligero que el de la serie anterior.

Las huelgas de guionistas y actores de 2023 interrumpieron la producción y le dieron a Marvel la oportunidad de revisar el material grabado. El estudio modificó entonces la dirección creativa, incorporó a Scardapane y sumó a los directores Justin Benson y Aaron Moorhead.

Después de esa reestructuración, el encargo quedó dividido en dos tandas que sumaban 17 capítulos entre la primera y la segunda temporada. La tercera recibió luz verde tras la recepción favorable de la primera entrega, aunque las fuentes consultadas no incluyen cifras de audiencia ni detalles sobre la cantidad de episodios del tramo final.

Ese recorrido explica la tensión alrededor del anuncio. Born Again había conseguido una temporada adicional después de comenzar como un proyecto pensado para dos entregas, pero ahora deberá completar la historia sin el showrunner que encabezó su reformulación. Marvel Studios tampoco detalló si habrá otro cambio de tono o una nueva reorganización del equipo creativo.

El futuro de Daredevil después de la serie

El final de Born Again afecta a la serie de Disney+, pero no determina el destino de Daredevil dentro del UCM, la continuidad compartida de películas y producciones televisivas de Marvel. Charlie Cox ya regresó al papel después de la cancelación de la etapa de Netflix, por lo que el personaje podría aparecer en otros proyectos sin necesidad de encabezar inmediatamente otra temporada.

Una de las posibilidades mencionadas es que Marvel evalúe una nueva serie después de Secret Wars, aunque esa opción no fue confirmada por el estudio. Por ahora, tampoco hay anuncios sobre una continuación con otro título, una película individual o una participación concreta de Matt Murdock en producciones posteriores.

La prioridad será completar la tercera temporada y cerrar la historia iniciada en Born Again. Marvel Studios aún no informó la cantidad de capítulos, el reemplazo de Scardapane ni la fecha exacta de estreno en Disney+.

Toy Story 5 sitúa a Jessie, Bonnie, la tecnología y las pantallas en el centro de una aventura sobre el impacto de los dispositivos digitales en la infancia, de forma que consigue adaptar la fórmula a los nuevos tiempos.

Así, la quinta entrega sitúa a Bonnie, de nueve años, ante la llegada de Lilypad, una tableta que sus padres le regalan por sus dificultades para relacionarse con otros niños. Jessie y los demás juguetes consideran que el dispositivo les relega y buscan que la niña haga amigas fuera de internet.

Han pasado más de 30 años desde el estreno de la primera Toy Story, una película que revolucionó la animación mediante técnicas digitales que hasta entonces no se habían utilizado y que entró casi de inmediato en el imaginario popular. Sus continuaciones expandieron las aventuras del vaquero Woody, el piloto espacial Buzz Lightyear y los demás muñecos; para muchos espectadores, Toy Story 3 fue la cima de la franquicia por un final de emoción genuina, pero está claro que el universo no para de expandirse y renovarse.

Qué plantea ‘Toy Story 5′ sobre niños y pantallas

La saga ha abordado el tránsito de la infancia a la edad adulta a través de la amistad, la soledad, la búsqueda de identidad y la aceptación de las distintas etapas vitales. Los juguetes funcionan como un reflejo de miedos ligados al abandono.

Después de una cuarta entrega poco memorable, la nueva película devuelve el liderazgo del grupo a Jessie, tras la marcha de Woody para vivir su propia vida. La vaquera pide ayuda a su antiguo compañero y ambos afrontan peripecias que separan a los juguetes, les obligan a reunirse y les enfrentan a obstáculos para cumplir su objetivo.

El conflicto de fondo resulta oportuno porque muestra a unos juguetes que se sienten obsoletos ante una era en la que parecen haber perdido su sentido, lo que genera buenas dosis de nostalgia y de incertidumbre frente al futuro.

Escenas míticas y una franquicia para el recuerdo

Entre las secuencias más míticas de esta nueva propuesta, encontramos a una horda de Buzz Lightyear que acude en ayuda de los protagonistas a través de varias secuencias memorables. Esos pasajes aportan la imaginación visual que siempre ha caracterizado a la franquicia.

Toy Story 5 llega a Disney Plus el 23 de septiembre y se incorpora al catálogo de todas las películas de la saga que se han convertido en un clásico contemporáneo y ya forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones que abarcan desde adultos que vivieron en su momento el fenómeno hasta los niños del momento que descubren por primera vez a estos personajes que llegan rápidamente al corazón y se quedan para siempre con nosotros.

Disney+ ha actualizado sus condiciones de servicio para especificar que todos sus planes de pago, sin excepción, podrán mostrar publicidad en forma de contenido promocional, patrocinios y anuncios antes o después de la reproducción.

La plataforma mantiene la posibilidad de pagar para evitar los cortes publicitarios dentro de las películas y series con sus planes Estándar y Premium, aunque la novedad radica en que ninguna suscripción queda completamente libre de publicidad.

La medida no implica que todos los usuarios verán el mismo tipo de anuncios. La diferencia sigue estando en el formato y el momento en que aparece esa publicidad, según el plan contratado.

Qué cambia en las condiciones de Disney+ sobre publicidad

Según explica la compañía en su página oficial, independientemente de la suscripción elegida, todos los planes mostrarán algún tipo de publicidad. Lo que varía es la modalidad en la que se presenta.

El comunicado de Disney+ señala textualmente: “Disney+ también ofrece planes para ver películas y series sin interrupciones publicitarias: Disney+ Estándar y Disney+ Prémium. No obstante, pueden incluir contenido promocional limitado, anuncios o promociones antes o después de la reproducción de contenidos, clips y tráileres de contenidos, productos y servicios de Disney, además de contenido patrocinado o de otras marcas”.

La misma nota añade que los eventos en directo o especiales, incluidas las reposiciones, pueden incorporar pausas publicitarias o mensajes comerciales, más allá del plan que tenga contratado el usuario.

Diferencias entre plan Estándar con anuncios y planes sin interrupciones

En el plan Estándar con anuncios, la publicidad se integra directamente dentro de la reproducción de películas y series, con cortes durante el propio contenido.

En cambio, los planes Estándar y Premium sin anuncios contemplan publicidad antes o después del contenido, junto con tráilers, clips, patrocinios y mensajes de marcas. También pueden incluir publicidad en canales, contenidos en directo o en diferido y eventos especiales.

Esto significa que pagar la suscripción más cara no garantiza una experiencia completamente libre de publicidad, aunque sí mantiene la promesa de que las películas y series no tendrán cortes publicitarios dentro de su reproducción. La página de Disney+ conserva esa indicación para ambos planes premium.

Planes infantiles y restricciones sobre el bloqueo de anuncios

Los planes infantiles o Júnior son la excepción dentro de este nuevo esquema: no incluyen publicidad de ningún tipo, según las condiciones actualizadas de la plataforma.

Por otro lado, Disney+ ha incorporado una restricción adicional en sus términos de servicio: queda prohibido bloquear o eliminar la publicidad del servicio mediante cualquier herramienta o método externo.

La compañía se reserva además la posibilidad de restringir o suspender el acceso a la cuenta de aquellos usuarios que incumplan estas condiciones, lo que convierte el uso de bloqueadores de anuncios en un motivo válido de sanción dentro de la plataforma.

Disney+ introduce una herramienta para que elijas qué ver sin perder tiempo

Disney+ ha lanzado globalmente Playlists, una funcionalidad diseñada para ofrecer una experiencia de reproducción continua mediante la agrupación de películas y episodios bajo temáticas específicas. La herramienta ya se encuentra habilitada para todos los suscriptores y se puede acceder a ella tanto desde la pantalla principal como desde diversas secciones de la interfaz.

El propósito principal de esta función es erradicar la sobrecarga de elección, permitiendo a los usuarios reducir el tiempo de búsqueda y agilizar la selección de contenidos. En lugar de elegir títulos de forma individual, la plataforma ofrece listas organizadas por género, franquicia, personaje o estado de ánimo.

Una vez finalizada una pieza audiovisual, el sistema reproduce automáticamente la siguiente; incluso, algunas listas incorporan una opción de reproducción aleatoria que varía la dinámica habitual de consumo.

El catálogo de recopilaciones abarca una oferta diversa. Incluye selecciones por géneros —como acción, aventura o comedias románticas— y por estudios o productoras, entre los que destacan Pixar y Dreamworks. Asimismo, se integran listas dedicadas a personajes y franquicias populares como Mickey y sus amigos, Bluey, Modern Family, Family Guy, además de categorías de terror y comedia en vivo.

A pesar de añadir este flujo continuo de contenido, la actualización no restringe el control del usuario sobre la plataforma. Las funciones tradicionales de navegación se mantienen intactas, por lo que es posible pausar, retroceder, avanzar o saltar títulos en cualquier momento.

El dato no es reciente. Disney lo anunció en 1989, el mismo año del lanzamiento del filme, pero durante casi tres décadas quedó sepultado bajo el uso cotidiano del apodo. Ni siquiera los créditos de la película reforzaron el detalle: el actor Samuel E. Wright, quien prestó su voz al personaje, aparecía acreditado simplemente como la voz de “Sebastian”, sin apellido ni mayor elaboración, según consta en los registros de IMDb.

Una compañía que reveló un dato y luego lo dejó en el olvido

La situación describe una paradoja propia de la industria del entretenimiento: una compañía que anunció públicamente el nombre completo de uno de sus personajes más queridos y, al mismo tiempo, lo omitió en los materiales oficiales de esa misma producción. El resultado fue que el público asimiló el apodo como si fuera el nombre propio del personaje, y así se mantuvo durante generaciones.

Recién en 2016, con motivo de la convención D23, Disney decidió recuperar ese nombre en toda su extensión, al publicar una lista de personajes con datos oficiales poco conocidos por el público general.

La compañía acompañó el recordatorio con una nota irónica: “El mordaz compañero de La Sirenita de 1989 debe odiar rellenar cualquier tipo de papeleo oficial; ¡no es de extrañar que sea tan quisquilloso!”, según el material difundido por la propia empresa y recogido después por sitios especializados en cine.

La serie de 1992 construyó el pasado caribeño del personaje

Más allá del nombre, la identidad del cangrejo se enriqueció gracias a la serie animada de televisión de La Sirenita, estrenada en 1992 como precuela de la película original. En esa producción se estableció que el personaje provenía de una familia jamaicana numerosa y que había completado su formación en una academia de música en Trinidad antes de integrarse a la corte del rey Tritón como director musical y consejero.

Ese trasfondo llegó, sin embargo, después de que la forma de hablar del personaje ya hubiera quedado definida en la película original. Según documentó Wikipedia a partir de material de producción, Wright no lograba reproducir un acento jamaicano durante las audiciones y terminó interpretándolo con una cadencia trinitense, que el letrista Howard Ashman decidió conservar por su sonoridad. La serie de 1992 no explicó esa elección: construyó, tres años más tarde, una historia de origen compatible con ella.

Sebastián tuvo un cameo silencioso en Aladdin ese mismo año

La fama del personaje trascendió el universo de La Sirenita incluso antes de que se difundiera su nombre completo. En 1992, el mismo año del estreno de la serie animada, Sebastián realizó una aparición especial en Aladdin.

En la escena en la que el Genio busca en su libro de “Recetas Reales” una fórmula para convertir a Aladdin en príncipe, se detiene en una entrada de cangrejo real de Alaska, de la que emerge Sebastián, sujeto a su dedo, mientras suena un breve fragmento de “Under the Sea”. El cameo es visual y no incluye diálogo ni mención de su nombre.

En la nueva versión de imagen real, el nombre completo sigue sin usarse

Aunque Disney rescató oficialmente el nombre largo del personaje en 2016, ninguna producción posterior lo mantuvo de forma recurrente. En La Sirenita de 2023, la adaptación de imagen real dirigida por Rob Marshall, el cangrejo fue interpretado por el actor Daveed Diggs, quien le puso voz en la versión animada por computadora del personaje.

Pese a la actualización visual y técnica, los realizadores optaron por mantener la representación clásica del personaje bajo el nombre de Sebastián, sin incorporar referencias a su identidad oficial completa ni presentar variaciones respecto de cómo el público lo conoció desde 1989.

La actriz y cantante Dove Cameron —cuyo nombre de nacimiento es Chloe Celeste Hosterman— protagonizó junto a su prometido, el músico Damiano David, la portada de la revista Vogue para la edición internacional de octubre de 2026.

En la entrevista, la artista compartió detalles inéditos sobre la preparación de su esperado álbum debut, explicó la decisión de dejar de componer pensando en agradar al público e hizo un balance de su vida personal, preservando la intimidad de su vínculo afectivo lejos de la sobreexposición mediática.

El giro que marcó la carrera de Cameron no fue un contrato ni un premio: fue una pregunta que se hizo a sí misma. “Hubo un momento en que me asusté mucho por lo que decían los demás. Empecé a pensar menos en ‘¿qué quiero decir?’ y más en ‘¿le gustará a la gente?’”, reconoció ante Vogue.

La respuesta llegó cuando sustituyó esa pregunta por otra: “¿Qué escribiría si nadie fuera a escuchar esta canción nunca?”. El resultado es su nuevo álbum, que presentará este otoño y describe como “la música más personal que hice”, un trabajo “instintivo y emocionalmente sincero”.

El proceso de escritura fue, en parte, una recuperación de sus propias referencias. La colección de canciones, que la propia artista equipara a páginas de un diario, bebe de la música con la que creció. Su sencillo “When in Rome”, lanzado el 9 de septiembre, anticipó el álbum.

De “Liv and Maddie” a la música propia

La trayectoria de Cameron parte de la pantalla chica y los grandes estudios de animación. Se hizo conocida con la serie Liv y Maddie y la saga Descendientes de Disney, antes de emprender un camino musical que la alejó progresivamente de ese molde.

El sencillo “Boyfriend” superó los 1.000 millones de reproducciones en plataformas de streaming y obtuvo la certificación de platino. Con más de 64 millones de seguidores en distintas plataformas, también firmó en 2022 “Breakfast”, su primera canción abiertamente política, en respuesta a la anulación del fallo Roe v. Wade en Estados Unidos.

Nuevos proyectos y una historia familiar marcada por distintos mundos

El cine tampoco quedó al margen de esta etapa. Cameron acaba de completar el rodaje de Hot Year, una película independiente dirigida por Roxy Sorkin a la que decidió sumarse, según contó, “porque no podía dejar de pensar en el guion”. Durante ese mismo período, también fue elegida como imagen de una nueva fragancia femenina bajo la dirección creativa de Glenn Martens.

La historia de Cameron tiene raíces en una niñez atravesada por distintas culturas: pasó largas temporadas en India debido al trabajo de sus padres. Su madre es escritora y poeta, mientras que su padre, Philip Hosterman, ya fallecido, fue diseñador de joyas y pianista de formación clásica.

Un cine de barrio como refugio

Esa movilidad temprana la marcó. “Siempre me sentí cómoda sumergiéndome en una cultura diferente. Lo considero uno de los privilegios más emocionantes e interesantes que podría tener: entrar en mundos que no me son familiares y sentirme bienvenida”, declaró a Vogue.

Y agregó, con una lógica que aplica también a su carrera: “Si algo me asusta, suele ser la primera señal de que probablemente debería hacerlo”.

Lejos del perfil que podría esperarse de alguien con su visibilidad, el espacio donde Cameron dice encontrar alivio es un cine de barrio en Burbank, cerca del colegio secundario al que asistió cuando se mudó a Los Ángeles a los 14 años. “Cada vez que me siento abrumada, quiero desaparecer ahí adentro. Agarro una cantidad absurda de pochoclo y caramelos y me escondo en otro mundo por unas horas. El cine es una terapia para mí”, contó en la entrevista.

Esa misma capacidad de encontrar refugio en lo cotidiano define también la relación que construyó junto a David. La pareja confirmó su vínculo en 2024 y anunció el compromiso a comienzos de 2026. La propuesta no ocurrió en ningún escenario espectacular: fue en casa, con Cameron en camiseta oversize y el cabello húmedo.

Antes de pedirle matrimonio, David le explicó que sus vidas ya estaban llenas de momentos extraordinarios, y que el amor había tomado para ellos otro significado: hacer mandados juntos, cocinar, envejecer.

“En internet la gente solo ve los momentos importantes. Acabo de estar en Malta recibiendo un premio y, claro, esas fotos siguen circulando. Pero entre medio hubo dos meses en los que nos dedicamos a hacer las compras, cocinar y entender cómo funcionaba nuestro nuevo extractor”, dijo Cameron a Vogue.

La vida entre Roma y Los Ángeles

Pese a compartir una vida entre Roma y Los Ángeles, cada uno preserva su propio territorio artístico. No trabajan juntos en el estudio, aunque el intercambio entre ellos es constante. “No colaboramos de verdad. Solo queremos crear el uno al lado del otro”, explicó Cameron. David coincidió y lo sintetizó: “Somos amigos, profundamente”.

Matalas fue consultado durante una visita al rodaje realizada por ScreenRant en Pinewood Studios, Reino Unido, en mayo de 2025. Ante la pregunta sobre el uso de inteligencia artificial generativa, respondió: “No, en absoluto. No ha habido necesidad”. El responsable de la serie explicó que los diseños del proyecto toman referencias de la forma en que las herramientas de IA procesan información. Según indicó, esa decisión permitió que la ficción comentara el debate actual sobre estas tecnologías. Will Hughes-Jones, diseñador de producción de VisionQuest, reiteró que la inteligencia artificial no intervino en la realización de la serie. El equipo recurrió al trabajo manual para representar una versión visual de los resultados defectuosos que ofrecían algunos programas de IA en 2025.

Una de las principales locaciones de la producción es el llamado Mundo Mental, una casa dentro de la mente de Vision. Allí, los elementos del mobiliario presentan errores deliberados: barandillas que no alcanzan el final de las escaleras, sillas incrustadas a medias en las paredes y adornos repetidos en distintas habitaciones. Hughes-Jones explicó que esos recursos reflejan una idea expuesta en la serie: la inteligencia artificial reutiliza palabras e imágenes creadas por personas. Por esa razón, el set repite girasoles, naranjas y limones en cuadros, muebles y otros objetos de la casa.

La producción construyó dos grandes sets para la serie. El primero recrea dos calles de Madripoor, la ciudad ficticia del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) asociada con el crimen y los mercados clandestinos. Según el reporte de ScreenRant, las calles de Madripoor fueron llenadas con puestos, carros, escaparates y objetos de utilería. Uno de los edificios se llama Princess Bar, una referencia a una locación de los cómics de Marvel. El segundo escenario, el Mundo Mental, concentra una parte de la historia de Vision. La vivienda cambia de apariencia según el estado emocional del personaje interpretado por Paul Bettany. Una pared de licra permite que integrantes del equipo introduzcan sus manos desde atrás para simular que intentan atrapar a Vision cuando siente estrés. La cocina, a su vez, tiene un horno con opciones de cara feliz y cara triste.

Así será ‘VisionQuest’

También hay marcos de puertas que se deforman, rejas que cubren los accesos y un ascensor con luces intermitentes. Fuera de las ventanas, el equipo construyó un fondo parecido a la pantalla de espera de Windows XP, cuyos colores varían de acuerdo con el ánimo de Vision. La casa incluye referencias al personaje y a la tecnología. Hay motivos de la Gema de la Mente en cojines, pinturas y paredes. El refrigerador de Vision contiene envases de leche con símbolos de wifi y niveles de batería, mientras que los armarios guardan productos ficticios como Visto gravy, Ram y salsa picante Firewall.

La trama de VisionQuest continuará el recorrido de Vision tras WandaVision. Matalas señaló que el personaje perdió a Wanda Maximoff y quedó separado de los hijos que ella creó durante la historia previa. La serie lo sitúa en una búsqueda de identidad y de vínculos familiares. La llegada de Tommy Shepherd, personaje interpretado por Rauridh Mollica y asociado con Tommy Maximoff, será parte de ese conflicto. Dentro del Mundo Mental, Vision convivirá con versiones humanas de las inteligencias artificiales creadas o utilizadas por Tony Stark. Matalas describió a estos personajes como presencias que ayudan al protagonista a comprender distintas facetas de la humanidad.

VisionQuest será la tercera producción de una trilogía iniciada con WandaVision y continuada con Agatha All Along. Christopher Byrne, director del primer episodio, definió la nueva serie como “la segunda rama” de la historia iniciada por WandaVision. Matalas dijo que la ficción retoma la búsqueda personal de Vision después de los hechos de aquella serie. El personaje también conoce el destino de Wanda Maximoff, cuya muerte fue planteada en Doctor Strange en el multiverso de la locura, estrenada en 2022. Agatha All Along mostró que el alma de Billy Maximoff ocupó el cuerpo de William Kaplan. En VisionQuest, la historia abordará el recorrido de Tommy, el otro hijo de Wanda y Vision. Mollica evitó confirmar si Tommy desarrollará la velocidad que el personaje posee en los cómics. “Es un misterio que no me siento cómodo respondiendo”, declaró el actor. La serie tendrá ocho episodios y comenzará a estrenarse en Disney+ en octubre de 2026.

Durante una entrevista en Mythical Kitchen’s Last Meals, Debby Ryan, conocida por sus trabajos en Disney Channel, contó que sufrió una lesión cerebral que calificó como un episodio que modificó su vida.

“Hace unos años sufrí una lesión cerebral bastante grave que me cambió la vida, y estuve incapacitada durante unos seis meses. Fui a rehabilitación neurológica durante otros seis meses”, reveló.

La actriz explicó que el episodio ocurrió después de varios años de convivir con migrañas intensas. Según su relato, la lesión cerebral incluyó un período de temblores sostenidos durante más de un minuto y marcó un cambio significativo en su vida cotidiana.

La artista describió su experiencia haciendo una distinción entre lo que denominó la “Debby anterior al incidente” y la “Debby posterior al incidente”.

Tras la lesión, la celebridad permaneció fuera de actividad durante cerca de medio año y realizó un proceso de rehabilitación neurológica durante aproximadamente el mismo período.

De acuerdo con sus declaraciones, algunos de los síntomas continuaron empeorando hasta que probó un “tratamiento de ciencia alternativa” para ayudarla a “recuperarse, pero hay algunas cosas que simplemente no volvieron”.

También explicó que su experiencia con las migrañas se remontaba a años antes de la lesión y que los síntomas se habían convertido en una parte importante de su vida.

Debby Ryan se definió como una “guerrera de la migraña” y describió algunas de las dificultades que enfrenta. Entre ellas mencionó una mayor sensibilidad a la luz y al sonido, así como problemas relacionados con la cantidad de información visual que recibe.

Según explicó, en determinados momentos puede ver y pensar con mayor facilidad cuando mantiene los ojos cerrados, debido a que los estímulos visuales pueden resultar difíciles de procesar.

“Muchas veces el mundo es muy ruidoso y demasiado brillante. Pasan muchas cosas a la vez. Después de la quinta conmoción cerebral, la lesión cerebral empeoró considerablemente las cosas”, dijo.

En su relato, señaló que las migrañas se intensificaron después de ese episodio y que la exposición simultánea a distintos estímulos podía resultar especialmente complicada.

“La información visual que recibo puede ser muy molesta y estridente. Eso empeoró significativamente mis migrañas. Si hay algo que puede hacer que las cosas sean realmente únicas, me gusta”, contó.

Asimismo, Debby Ryan explicó que contó con el acompañamiento de un grupo de personas cercano que la ayudó a mantener una conexión con su identidad previa al episodio y que, al mismo tiempo, estuvo presente mientras afrontaba los cambios que podían convertirse en permanentes.

Cabe recordar que la actriz alcanzó notoriedad durante su etapa en Disney Channel. En 2008 comenzó a interpretar a Bailey Pickett en Zack y Cody: Gemelos a bordo, serie protagonizada por Dylan y Cole Sprouse. El programa amplió su reconocimiento entre el público juvenil de la cadena.

Tres años después, Ryan pasó a encabezar su propia producción, Jessie, en la que interpretó a una joven que se trasladaba a Nueva York para trabajar como niñera de una familia.

La serie contó también con Peyton List y Cameron Boyce y permaneció al aire durante cuatro temporadas, entre 2011 y 2015, con un total de 98 episodios.

La trayectoria de Debby Ryan continuó posteriormente con trabajos en cine y televisión, mientras que en los últimos años también participó en proyectos vinculados con la música y otros ámbitos del entretenimiento.

Wanda Nara atraviesa una etapa marcada por nuevos proyectos y desafíos laborales. Mientras se prepara para volver a la pantalla de Telefe como conductora de MasterChef Celebrity, la empresaria también avanza con propuestas vinculadas con su marca y con una producción internacional que seguirá distintos aspectos de su vida. En medio de esa agenda, decidió detenerse por un momento y compartir con sus seguidores una faceta que hasta ahora no había desarrollado profesionalmente.

La conductora publicó una foto en sus historias de Instagram y acompañó la imagen con una breve frase. “Mi profesión frustrada”, escribió junto a un emoji de avión. En la postal, Wanda apareció con un conjunto de azafata y el cabello completamente alisado hacia atrás, en una caracterización que rápidamente llamó la atención de sus seguidores.

Cabe mencionar que la imagen formaba parte de una pieza audiovisual que había realizado junto al jurado del reality culinario para anunciar la fecha de estreno de la nueva temporada. El sketch se tituló MasterChef: El Despegue y presentó a Wanda y a los integrantes del jurado como parte de la tripulación de un vuelo. A lo largo del video, los famosos que participarán de la competencia fueron apareciendo como pasajeros que se preparaban para iniciar el viaje. La puesta incluyó uniformes, referencias a la tripulación y distintos elementos vinculados con un vuelo comercial, en una presentación que permitió anticipar parte de la nueva edición del programa.

“Bienvenidos, Telefe anuncia el despegue del vuelo MasterChef 2026”, expresó Wanda Nara al comienzo del corto, mientras lucía el conjunto de azafata. Los integrantes del jurado también formaron parte de la escena y aparecieron caracterizados como pasajeros de ese vuelo. El video avanzó con la presentación de los concursantes que buscarán imponerse en el certamen culinario y cerró con una frase que funcionó como invitación para el público: “Ajustate el delantal, que los participantes ya están llegando”.

La pieza confirmó que MasterChef Celebrity comenzará el lunes 28 de septiembre a las 22:15 por Telefe. La nueva temporada contará con Damián Betular, Germán Martitegui y Maru Botana como responsables de evaluar los platos de las figuras que participarán de la competencia. En esta oportunidad, Botana ocupará el lugar que dejó Donato de Santis, quien había comunicado al final de la temporada anterior que no continuaría en el programa.

La edición anterior terminó con la consagración de Ian Lucas, quien se impuso en la definición y se convirtió en el ganador del certamen. Con la llegada de una nueva temporada y una nueva composición del jurado, Wanda compartió además una fotografía junto a Betular, Martitegui y Botana. “La tripulación de mis sueños”, escribió sobre la imagen, en continuidad con la temática elegida para anunciar el regreso del ciclo.

Sin embargo, MasterChef Celebrity no es el único proyecto que mantiene ocupada a Nara. El martes pasado se conoció que la conductora tendrá su propio docu-reality en Disney+, una producción de seis episodios que recorrerá diferentes aspectos de su vida personal y profesional. El proyecto tendrá grabaciones en la Argentina, Italia y Uruguay, aunque la plataforma todavía no informó la fecha de estreno ni el nombre definitivo de la serie.

Disney+ presentó la propuesta mediante un adelanto protagonizado por Wanda. En el video, la empresaria aparece frente a un contrato y se dispone a firmarlo con una lapicera. Cuando comprueba que el elemento no funciona, abre su cartera, busca otra opción y finalmente saca un labial rojo. Con ese producto, deja su nombre junto a un corazón sobre el documento. La escena finaliza con una placa que anuncia: “Lo querías. Lo tenés. Muy pronto, el reality de Wanda”.

El mensaje de la plataforma funcionó como un guiño directo a una de las frases de “Bad bitch”, una de las canciones de Wanda, en la que canta: “Lo veo y lo quiero, lo quiero y lo tengo”. De esa manera, el adelanto combinó una situación vinculada con la firma del contrato, un elemento asociado con la imagen pública de la empresaria y una referencia a su faceta musical.

Según la presentación oficial, la serie repasará la trayectoria pública de Wanda desde sus primeros pasos hasta la actualidad. El programa seguirá sus movimientos profesionales y algunos momentos de su vida cotidiana, con una mirada que combinará su exposición en los medios, sus proyectos empresariales y su recorrido familiar. Por ahora, la plataforma no confirmó cuándo comenzará la emisión ni cuál será el título definitivo de la producción.

Entre la conducción de MasterChef Celebrity, el lanzamiento de una nueva temporada del reality y el próximo rodaje de su docu-reality, Nara continúa sumando proyectos a su agenda. Mientras se prepara para ponerse al frente del “vuelo MasterChef 2026”, también dejó en claro que hubo una profesión que quedó pendiente: la de azafata. La empresaria aprovechó la caracterización del sketch para compartir esa confesión con sus seguidores y convertir una presentación televisiva en una referencia a uno de sus deseos laborales que no llegó a concretarse.

Las declaraciones, extraídas del pódcast ‘Vida y Milagros’, se volvieron a difundir en distintas plataformas este 2026 y generaron reacciones encontradas entre los usuarios, que oscilaron entre las críticas por considerar el comentario desconectado de la realidad económica del país y las defensas hacia la actriz por hablar desde su propia experiencia.

El comentario sobre Disney que detonó la ola de comentarios

Marisol Aguirre, actriz, expareja de Christian Meier y mamá de sus tres hijos: Stefano, Taira y Gia Meier, relató en la entrevista original que su infancia transcurrió sin lujos materiales, pese a la estabilidad económica de su hogar. “Yo provengo de una familia súper sencilla, de clase media, nunca hemos tenido lujos más allá de lo que se necesitara para estar bien”, señaló la actriz durante la conversación con Leiva.

El pasaje que generó mayor repercusión fue aquel en el que la actriz comparó su experiencia con la de su círculo social cercano al describir la edad en la que conoció el parque temático de Disney. “Yo viajé a Disney la primera vez a los 19 años, todos mis amigos se iban desde los 5 años. Mi vida siempre ha sido normal, como la de cualquier otra persona”, afirmó Aguirre en el mismo pódcast.

La comparación entre su propia experiencia y la de su entorno inmediato fue el detonante de las críticas en redes sociales, donde numerosos usuarios cuestionaron que un viaje a Disney a los 19 años se presentara como un ejemplo de carencias económicas.

Las reacciones en redes y la burla de un programa de streaming

El video generó cientos de comentarios en plataformas como TikTok, donde usuarios ironizaron sobre la definición de “lujo” empleada por la actriz. “¿Cuál es el problema? Habla desde su experiencia por el círculo de amistades que frecuentaba”, escribió un usuario en defensa de Aguirre.

En contraste, otros comentarios apuntaron directamente a la distancia entre el relato de la actriz y la realidad de buena parte de la población. “Yo compré mi primer batimix a los 25 años”, ironizó otro usuario, mientras que otros señalaron frases como “yo ni voy a Disney” o “hasta ahora no conozco”.

El extracto también fue comentado en el programa de streaming ‘Habla Good’, donde los conductores reaccionaron con sorpresa ante la definición de “vida normal” utilizada por la actriz. El conductor ‘El Pelao’ consultó de inmediato a su compañero: “¡Curwen! Pregunta: ¿a qué edad fuiste tú a Disney, Curwen?”, consulta que el aludido respondió entre risas: “¡Oye, yo no he ido a Disney, huevón!”. Otro de los presentadores, Furrey, se sumó al comentario con una respuesta similar: “¡Escúchame, ni siquiera yo he ido a Disney!”.

La actriz también habló sobre su llegada a la fama

En la misma entrevista, Marisol Aguirre se refirió al proceso que la llevó a convertirse en una figura reconocida de la televisión peruana y remarcó que su objetivo nunca fue alcanzar notoriedad pública, sino desarrollarse profesionalmente como actriz. “Como yo me propuse ser actriz, estudié y no porque yo quería ser famosa. La fama llegó de la noche a la mañana, pero me preparé. Las cosas y los éxitos llegaron más rápido de lo que pensé, pero trabajé para eso”, sostuvo la actriz.

Las declaraciones sobre su infancia y su llegada a la actuación forman parte de una conversación más amplia sostenida en el pódcast ‘Vida y Milagros’, en la que Marisol Aguirre también abordó otros aspectos de su vida personal y profesional, entre ellos su etapa sentimental. El fragmento sobre su experiencia económica en la niñez, sin embargo, fue el que concentró la mayor atención tras su reciente viralización, cuatro años después de haber sido emitido originalmente.

El video difundido por la plataforma de streaming comienza con la conductora y empresaria frente a un contrato. Wanda intenta firmarlo con una lapicera, pero al comprobar que no funciona, abre su cartera, saca un labial rojo y deja su nombre junto a un corazón. La promo concluye con una placa que anuncia: “Lo querías. Lo tenés. Muy pronto, el reality de Wanda”, un guiño directo a su hit “Bad bitch” donde canta “lo veo y lo quiero, lo quiero y lo tengo”.

El nuevo docu-reality será producido por Komodo Studio y recorrerá los distintos ámbitos de la vida de la animadora. La propuesta se centrará en su rol como madre, personalidad mediática y mujer de negocios, además de sus vínculos y sus actividades laborales. El rodaje tendrá lugar durante los próximos meses en Argentina, Italia y Uruguay. Según la presentación oficial, la serie incluirá escenas de su entorno más cercano y repasará su trayectoria pública desde sus primeros pasos hasta la actualidad.

La conductora había mencionado previamente que existía interés de diversas plataformas por registrar su rutina frente a cámara. Con este anuncio, ese proyecto quedó formalmente confirmado y, como todo lo que rodea a la influencer, dará que hablar.

El proyecto de Wanda remite a un modelo consolidado por Kim Kardashian y la familia Kardashian-Jenner, que convirtió su intimidad, sus emprendimientos y sus vínculos en materia de reality televisivo. Aunque no hay confirmación de una inspiración directa, la nueva producción comparte con The Kardashians la exposición de una figura pública que combina vida familiar, negocios y presencia mediática. A diferencia de la franquicia estadounidense, el ciclo argentino estará centrado en una sola protagonista y tendrá, por ahora, seis episodios confirmados.

El antecedente más visible es Keeping Up With the Kardashians, que se estrenó en 2007 por E! y acompañó durante 20 temporadas a la influencer estadounidense, sus hermanas y el resto de la familia Kardashian-Jenner. El programa convirtió asuntos familiares, relaciones, maternidades y proyectos comerciales en tramas recurrentes, hasta su final en 2021. La familia retomó ese modelo en 2022 con The Kardashians, una producción de Hulu que se distribuye en distintos mercados a través de la misma plataforma que el de Wanda. La nueva etapa conserva el acceso a la vida cotidiana del clan, pero suma el crecimiento de sus compañías y el impacto de su fama global, con Kim Kardashian, Kourtney, Khloé, Kendall, Kylie y Kris Jenner como protagonistas.

En paralelo, Wanda Nara volverá a estar al frente de MasterChef Celebrity, el reality show de cocina de Telefe que prepara una nueva edición. El canal ya confirmó a las figuras que competirán y anticipó la llegada del programa con la frase “muy pronto”, pero aún no comunicó oficialmente el día de estreno.

El jurado conservará a Damián Betular y Germán Martitegui, mientras que Maru Botana se incorporará en reemplazo de Donato de Santis. Entre los nombres anunciados aparecen figuras que generan grandes expectativas como Elizabeth “La Negra” Vernaci, Alejandro Lerner, Morena Beltrán, Grego Rosello, Karina Mazzocco, Edith Hermida, Luck Ra, Pachu Peña, Juli Poggio, Campi, Sebastián Presta, Rocío Robles, Paula Trápani, Luciana Geuna, Diego Ramos, Lizy Tagliani, Marta Fort, La China Ansa, Julieta Nair Calvo, Hernán Coronel de Mala Fama, Pablo Migliore, Pablo Giralt y en el lugar que dejó vacante L-Gante, el último en ingresar es Mike Amigorena.

Una comedia sobre cinco amigos que comparten casa en Queens prepara su llegada a Disney+ en España tras lograr un 40% más de audiencia en streaming con su segunda temporada. Los nuevos episodios estarán disponibles desde el 30 de septiembre y se estrenarán completos. La serie es Adults, una producción de FX creada por Ben Kronengold y Rebecca Shaw. La ficción se centra en Billie, Anton, Issa, Paul Baker y Samir, un grupo de amigos que convive en Nueva York mientras afronta conflictos personales y las exigencias de la vida adulta.

Algunos medios han comparado la premisa con la de Friends y Cómo conocí a vuestra madre: varias amistades, una ciudad como escenario y la convivencia como punto de partida para las historias. La producción de FX no se presenta como continuación ni adaptación de esas series. La segunda temporada llegará en exclusiva a Disney+ en España con sus ocho capítulos disponibles el día de su lanzamiento. La primera entrega y el episodio precuela “Marathon Day” ya forman parte del catálogo de la plataforma.

La nueva tanda de episodios se estrenó el 27 de agosto. En los 12 días posteriores a su lanzamiento en plataformas, el visionado en streaming subió 40% frente al mismo período de disponibilidad de la primera temporada, según datos internos de Disney citados por The Hollywood Reporter. La comparación toma como referencia los primeros 12 días de la primera entrega, que se emitió entre mayo y junio de 2025. Disney no difundió las cifras absolutas de audiencia de ninguna de las dos temporadas.

Reescribiendo los orígenes

El aumento se concentró en parte fuera de Estados Unidos. En los mercados internacionales donde la serie se distribuye a través de Disney+, el público duplicó el registrado por la primera temporada, de acuerdo con los datos de la compañía. En Estados Unidos, las dos temporadas llegaron completas a Hulu. La primera también se emitió en FX con dos episodios semanales, mientras que la segunda tuvo su difusión lineal en FXX. La evolución de la audiencia adquiere peso porque la primera temporada partió de una base reducida. FX y los creadores de la comedia reconocieron que el debut no había reunido a un público amplio.

Antes del estreno de la segunda temporada, FX lanzó “Marathon Day”, un capítulo precuela publicado el 31 de julio. El episodio elevó el consumo de la primera temporada durante las cuatro semanas previas a la llegada de los nuevos capítulos. La historia ofrece antecedentes sobre el vínculo entre los protagonistas. La primera temporada había presentado al grupo cuando la amistad ya estaba consolidada y todos compartían la vivienda de Queens. Kronengold contó a The Hollywood Reporter que FX les consultó cómo recibir de nuevo al público y les pidió una idea fuera de lo habitual. Los creadores respondieron con un relato sobre el origen de los personajes.

“Puesto que empezamos la serie dejando a la gente en medio de este grupo de amigos, pensamos que debíamos hacer una historia de origen”, afirmó Kronengold. El creador añadió que el episodio podía atraer a quienes no vieron la serie cuando se estrenó en 2025. El reparto está formado por Malik Elassal, Lucy Freyer, Jack Innanen, Amita Rao y Owen Thiele. Freyer interpreta a Billie; Thiele encarna a Anton; Rao da vida a Issa; Innanen interpreta a Paul Baker, y Elassal asume el papel de Samir. Adults procede de FX Productions. Kronengold y Shaw son los responsables de la serie y figuran como productores ejecutivos. El equipo de producción ejecutiva también incluye a Nick Kroll, Sarah Naftalis, Jonathan Krisel, Alicia Van Couvering y Rob Rosell. La segunda temporada se distribuye en Disney+ fuera de Estados Unidos. En España, sus ocho episodios estarán disponibles a partir del 30 de septiembre.

El punto de partida de la historia se vincula de manera directa con los acontecimientos que transformaron al personaje al final de la aclamada miniserie WandaVision. En aquel desenlace, la agencia gubernamental conocida como S.W.O.R.D. logró rearmar el cuerpo físico del androide, dando origen a una versión albina desprovista de emociones, recuerdos afectivos y calidez humana.

Aquella entidad, diseñada inicialmente como un arma de combate, logró recuperar el acceso a sus archivos de memoria antes de desaparecer con rumbo desconocido. Al iniciarse el nuevo relato, este individuo intenta llevar una existencia sobria e inadvertida en medio de la sociedad humana, pero la aparente tranquilidad se desmorona por completo cuando una alta recompensa económica puesta sobre su cabeza lo transforma en un objetivo internacional y lo obliga a salir de las sombras.

“Todo eso se va al infierno cuando ponen precio a su cabeza”, reconoció el actor en una entrevista con Entertainment Weekly al describir el quiebre inicial que desencadena la persecución.

La concepción narrativa del proyecto surgió de un extenso intercambio creativo entre el intérprete británico y el nuevo productor ejecutivo de la serie, Terry Matalas, reconocido en la industria por su trabajo al frente de la última temporada de Star Trek: Picard.

En declaraciones brindadas a la revista estadounidense Entertainment Weekly, Bettany explicó que en esa etapa de planificación definieron la columna vertebral de la trama a partir de lo que sintetizó como “un trauma digital intergeneracional”, una premisa que indaga en el peso psicológico de cargar con los recuerdos de toda una estirpe de seres artificiales, desde sus orígenes hasta su descendencia.

Dentro de esa particular estructura familiar, el regreso de James Spader para interpretar nuevamente a Ultrón marca uno de los hitos dramáticos más relevantes de la producción. Ausente de las pantallas desde la segunda entrega de los Vengadores en 2015, el temible villano robótico ya no reaparece como una amenaza física externa, sino como un programa de inteligencia artificial enquistado en los rincones más oscuros de la mente del protagonista.

“En el momento en que me dijo: ‘¿Qué te parece traer de vuelta a James Spader?’, respondí: ‘¡Dios, qué gran idea!’”, recordó el actor sobre las primeras reuniones con Matalas. La presencia de este personaje funciona como un catalizador destructivo y fascinante: “Es como este psicópata al que mantiene encerrado arriba, en el ático”, detalló Bettany a Entertainment Weekly, comparando el rol de su antiguo verdugo con el de un “psicoterapeuta psicótico”.

Esta dinámica ambivalente completa una genealogía robótica donde Ultrón representa la figura del abuelo, Visión la del padre y el joven Tommy Maximoff, interpretado por Ruaridh Mollica, la del hijo que busca su propio lugar en el mundo.

Para plasmar de manera visual esta introspección tecnológica, el equipo concibió una representación simbólica del fuero interno del personaje. La mente de Visión toma la forma de una mansión inmensa cuyos espacios y ambientes pueden ser modificados y reconfigurados según la voluntad del androide.

En los pasillos y salas de este recinto virtual habitan diversos programas informáticos del pasado, encarnados por actores como James D’Arcy y Orla Brady, que lo asisten en la tarea de “analizar los datos de estar vivo”, según explicó el protagonista al citado medio.

Más que reiterar la clásica fórmula del pinocho sintético que anhela convertirse en un ser humano de carne y hueso, la narrativa se adentra en dilemas de mayor calado existencial. La serie toma como referencia la tradición literaria de Mary Shelley en Frankenstein para formular preguntas universales sobre la responsabilidad del creador, la naturaleza de la conciencia y la libertad de elección frente a un destino programado.

En su entrevista con la publicación especializada, el actor subrayó que el eje de la trama no busca replicar el arco del héroe que descubre sus emociones, sino responder a interrogantes mucho más urgentes: “¿Quién soy? ¿Quién me hizo? ¿Para qué existo? ¿Cuál es mi propósito?”.

La etapa de preproducción también estuvo marcada por cambios significativos en la conducción del equipo. El proyecto estuvo diseñado originalmente bajo la visión de Jac Schaeffer, creadora de WandaVision y de Agatha en todas partes, quien había concebido estos tres títulos como una trilogía temática interconectada. Si bien su salida por motivos personales tomó por sorpresa al elenco principal, la rápida incorporación de Matalas permitió mantener la coherencia narrativa y reorientar el relato.

“Sentí que me quitaban el suelo de debajo de los pies”, admitió Bettany ante Entertainment Weekly al recordar el momento del relevo directivo, aunque destacó que la llegada del nuevo responsable derivó en una colaboración sumamente estimulante.

El trayecto de VisionQuest dejará al androide en una posición radicalmente distinta a la que ocupaba en sus orígenes dentro de la franquicia. Según anticipó el actor al medio estadounidense, la historia “crea un trampolín hacia donde Visión podría ir” y se percibe como el inicio formal para “un nuevo tipo de Visión”. Esta entrega no solo busca cerrar las heridas abiertas tras la pérdida de su familia en el pequeño pueblo de Westview, sino que establece un punto de partida inédito para la evolución de un personaje que intenta adueñarse de su propia historia.

La noticia se conoció a través de las redes sociales de la influencer, donde compartió fotografías del momento junto a un mensaje cargado de emoción y humor. “Sí, quiero”, escribió Mar junto a las imágenes que publicó en sus redes sociales. Con su habitual sentido del humor, aclaró además: “Y les juro, chicas, que yo no lo obligué”.

La influencer contó que la propuesta la tomó completamente por sorpresa. “Yo pensé que estas cosas nunca me iban a pasar en la vida”, expresó, sin poder ocultar su felicidad por el compromiso que decidió poner a la vista de todos.

Como es habitual en el mágico mundo de Disney, uno de los miembros de la pareja elige algún ícono reconocible para realizar la ofrenda matrimonial. En este caso, el sitio elegido fue el castillo de Cenicienta, uno de los más reconocibles del Magic Kingdom.

Tarrés también dejó en claro la emoción que le provocó la sorpresa: “¡Estoy que shoroooo!”, escribió, en referencia al llanto de felicidad que le generó el momento. “Encima en el lugar más feliz del mundo con la persona que más feliz me hace”, escribió Tarrés junto a varios emojis de corazones y besos, en referencia al eslogan histórico del parque.

Las fotografías que documentan el instante muestran a la pareja bajo la lluvia, con ponchos plásticos de colores (ella con uno bicolor en celeste y magenta), de pie frente a la estatua de Walt Disney tomado de la mano de Mickey Mouse, con las torres azules y doradas del castillo como telón de fondo.

En una de las imágenes, Pablo aparece arrodillado, sosteniendo la cajita con el anillo mientras Mar lo toma de la mano con una sonrisa. En otra toma, ya con el anillo puesto, ambos se funden en un beso frente al mismo castillo, esta vez con el cielo despejado y las luces del atardecer.

La influencer le dedicó unas palabras a su pareja al cierre de su publicación: “¡Te amo, gordito hermoso, sos el papá perruno más bueno del mundo!”.

La escena de la propuesta, registrada en fotografías que luego la influencer decidió compartir con sus seguidores, muestra a Pablo con una remera oscura y pulseras de colores en la muñeca, arrodillado ante Mar en medio de la lluvia del parque.

Una de las imágenes posteriores a la propuesta capta a la pareja dentro de una tienda temática, sonrientes; ella con una diadema de orejas verdes con detalles de flores y él con una gorra naranja con el diseño del personaje Pluto, ambos bajo dos estatuas doradas de Mickey y Minnie Mouse vestidos con estampado floral, en referencia al recorrido posterior que la pareja realizó por el parque tras el pedido de mano.

Mar confirmó de esta manera su compromiso y compartió con sus seguidores uno de los momentos más importantes de su vida en pareja. La publicación de Tarrés fue celebrada por sus seguidores con una catarata de mensajes de felicitación. La influencer, conocida por su activismo en torno a la diversidad corporal y su presencia constante en redes, convierte así su vida personal en un nuevo capítulo que sus más de dos millones de seguidores siguieron en tiempo real.

Frontier Developments anunció un acuerdo con Disney para desarrollar y publicar un videojuego basado en su propiedad intelectual. El proyecto será una simulación creativa de gestión, estará financiado íntegramente por el estudio británico y todavía no tiene título, fecha de lanzamiento ni plataformas confirmadas.

Un proyecto dentro del género principal de Frontier

Frontier clasifica el nuevo juego dentro de la categoría Creative Management Simulation, o CMS por sus siglas en inglés. Se trata de simuladores que permiten diseñar y administrar espacios, mientras el jugador controla aspectos como la distribución de instalaciones, los recursos disponibles y las necesidades de los visitantes.

Es el género central del catálogo reciente del estudio. Planet Coaster está dedicado a la construcción de parques de atracciones; Planet Zoo traslada la fórmula a la gestión de zoológicos; y Jurassic World Evolution permite crear recintos para dinosaurios bajo la licencia cinematográfica. La experiencia acumulada con esos títulos explica por qué el acuerdo despertó especulaciones sobre un posible parque temático de Disney.

El proyecto será desarrollado y publicado por Frontier, que también asumirá toda la financiación. Disney aportará su propiedad intelectual mediante el acuerdo de licencia, aunque los términos económicos y la duración de la colaboración no fueron informados.

Jo Cooke, director ejecutivo de Frontier, señaló que el acuerdo sigue la estrategia del estudio de desarrollar y mantener franquicias globales de simulación creativa. “Estamos encantados de anunciar esta colaboración con Disney”, afirmó en el comunicado. Cooke agregó que el objetivo será “conectar una comunidad de jugadores creativos y apasionados con una de las marcas más icónicas y amadas”.

Las licencias disponibles y la posibilidad de crear un Disneyland

El catálogo de Disney abarca películas animadas y de acción real, además de marcas como Pixar, Marvel y Star Wars. El anuncio permite pensar que algunas de esas propiedades podrían aparecer en atracciones, escenarios o personajes, pero Frontier todavía no confirmó cuáles formarán parte del juego ni si varias licencias compartirán el mismo título.

La hipótesis más extendida es que el proyecto permitirá diseñar y administrar un parque Disneyland, con una estructura cercana a la de Planet Coaster. Ese juego funciona como sucesor espiritual de RollerCoaster Tycoon y entrega herramientas para construir montañas rusas, distribuir servicios y atender el funcionamiento económico de un parque. Sin embargo, Frontier y Disney no presentaron características jugables que permitan asegurar que el nuevo desarrollo seguirá exactamente ese modelo.

La colaboración tampoco parte desde cero. Frontier trabajó anteriormente con Disney en Disneyland Adventures, publicado originalmente para Xbox 360. Ese título recreaba el parque de Anaheim, en California, e incluía personajes, minijuegos y actividades inspiradas en sus atracciones. Su propuesta no estaba centrada en la gestión: el jugador recorría una versión digital del parque en lugar de construirlo y administrarlo.

Qué está confirmado y qué falta conocer

La categoría CMS indica que la creatividad y la administración tendrán un papel central. A partir de los antecedentes de Frontier, es posible imaginar sistemas relacionados con la construcción de atracciones, el equilibrio entre ingresos y gastos, la satisfacción de los visitantes y la ubicación de restaurantes o tiendas. Esas funciones pertenecen, por ahora, al terreno de la especulación y no fueron incluidas en el anuncio oficial.

Tampoco se sabe si el proyecto recreará parques reales, si ofrecerá escenarios originales o si permitirá combinar atracciones inspiradas en distintas películas y franquicias de Disney. El acuerdo confirma el acceso a una propiedad intelectual de la marca, pero no detalla el alcance exacto de la licencia dentro del videojuego.

Frontier no informó las plataformas previstas, una ventana de estreno, el precio ni el modelo de distribución. El estudio tampoco reveló imágenes propias del proyecto, su nombre definitivo o el momento en que mostrará la primera demostración jugable.

Carla Jeffery, actriz estadounidense conocida por interpretar a la porrista Bree en la saga Zombies de Disney Channel, murió el 1 de septiembre a los 33 años.

El deceso fue confirmado por su agencia de representación, Alexanders Talent Management, a través de un comunicado publicado en Instagram.

No se dio a conocer la causa de la muerte.

La agente Carla Alexander describió a la actriz como “una mujer hermosa, vibrante e increíblemente talentosa cuya sonrisa radiante podía iluminar cualquier habitación”.

Jeffery se había unido a la agencia a los 12 años.

“Como Bree en la exitosa franquicia Zombies de Disney, Carla compartió su alegría, humor y espíritu brillante con audiencias de todo el mundo. Carla era más que una clienta; era familia”, indicó el comunicado.

“Descansa hermosa, Carla. Tu luz nunca será olvidada”, agregó el texto.

Alexanders Talent Management también publicó un mensaje propio en el que remarcó que la recordarán por “su sonrisa contagiosa, su risa, su talento y la hermosa luz que llevaba a todos lados”.

La agencia pidió respeto por la privacidad de la familia de la actriz “durante este momento tan difícil”.

Carla Jeffery nació en Houston, Texas, el 10 de julio de 1993.

Su debut en pantalla ocurrió en la comedia Phat Girlz, de 2006, donde interpretó a la versión de diez años del personaje de Mo’Nique.

A lo largo de su carrera participó en series como iCarly, Good Luck Charlie, Shake It Up!, Scream Queens, Crazy Ex-Girlfriend, Suburgatory y American Vandal, de Netflix.

Uno de sus primeros papeles relevantes fue en Curb Your Enthusiasm, de Larry David, donde encarnó a Keysha Black, una joven cuya familia se muda a la casa del protagonista tras el paso del huracán Katrina.

Apareció en diez episodios de las temporadas seis y siete de esa serie, entre 2006 y 2008.

El personaje que la consagró fue Bree, la mejor amiga de Addison, interpretada por Meg Donnelly, en la franquicia musical y fantástica de Disney Channel ambientada en el pueblo ficticio de Seabrook.

Jeffery apareció en la película original de 2018 y en las secuelas Zombies 2, de 2020, y Zombies 3, de 2022, antes de prestar su voz al mismo personaje en la serie animada Zombies: The Re-Animated Series, en 2024.

Su último crédito interpretativo fue en el drama sonoro Asanté, en un episodio estrenado en febrero de 2025, donde dio vida al personaje de Tiara.

En una entrevista con LRM Online durante el estreno de Zombies 3, Jeffery había explicado el éxito de la franquicia: “Creo que se trata de mantener la pasión en lo que haces, porque en serio, todos pusieron todo de sí en cada película, lo cual deja espacio para más”.

Milo Manheim, quien interpretó a Zed en la trilogía, escribió: “Carla. La persona más dulce que he conocido. Te amo”.

Chandler Kinney, que se sumó a la franquicia como Willa en Zombies 2, la recordó como “la luz más brillante en cualquier habitación en la que entraba” y “la persona más amable que se pueda conocer”.

Trevor Tordjman, quien dio vida a Bucky, escribió: “No encuentro las palabras en este momento. Nunca olvidaré tu energía y espíritu, Carla”.

Por su parte, Disney Entertainment Television emitió un comunicado en el que destacó “el talento extraordinario, la calidez y el espíritu” de la actriz, que “dejaron una marca indeleble en todos los que tuvieron el privilegio de trabajar con ella”.

El hermano gemelo de la actriz, Carlon Jeffery, también actor conocido por interpretar a Cameron Parks en la serie A.N.T. Farm, compartió el comunicado de la agencia junto con un video de su hermana en una playa y la captura de un mensaje de texto sin fecha en el que le expresaba su orgullo por ella.

Carla Jeffery, actriz estadounidense conocida por su papel de Bree en la franquicia musical de Disney “Zombies”, murió el 1 de septiembre a los 33 años. La noticia se comunicó a través de su perfil de Instagram y fue confirmada por su representante, Carla Alexander, de Alexanders Talent Management.

La causa del fallecimiento no fue difundida hasta el moento.

Alexanders Talent Management pidió respeto por la privacidad de la familia de Carla Jeffery

El comunicado que Alexander publicó en Instagram describió la pérdida como devastadora. “Con profunda tristeza comunicamos el fallecimiento de nuestra querida Carla Jeffery, quien murió el 1 de septiembre de 2026, a la temprana edad de 33 años”, reza el texto.

La agencia destacó que Jeffery se había incorporado a su cartera de clientes a los 12 años y que durante más de dos décadas tuvieron el privilegio de verla crecer. “Era más que una clienta; era de la familia”, sostuvo Alexanders Talent Management.

El comunicado también incluyó un pedido explícito: que se respete la privacidad de los familiares y seres queridos de la actriz durante el proceso de duelo.

Ninguna fuente oficial aportó datos adicionales al respecto.

Quién era la actriz que interpretó a Bree, la animadora amiga de Addison en Zombies

Jeffery alcanzó su mayor reconocimiento entre el público juvenil gracias a su personaje en la franquicia “Zombies” de Disney Channel: Bree, la mejor amiga de Addison, la protagonista animadora. La saga, que mezcla el género musical con elementos del terror y la comedia, está ambientada en una escuela secundaria donde conviven porristas, zombis y otras criaturas sobrenaturales.

La premisa, aparentemente desopilante, sirvió como vehículo para abordar temas como la inclusión, la identidad y la amistad, lo que le valió una base de seguidores fiel entre niños y adolescentes.

La primera película se estrenó en 2018 y fue seguida por dos secuelas. Las tres entregas acumularon cerca de 250 millones de horas de reproducción en Disney+, según datos recogidos por The New York Times. Jeffery repitió su papel de Bree en ambas continuaciones y también prestó su voz al personaje en varios cortos animados de la serie derivada “Zombies: The Re-Animated Series”.

La trayectoria de Carla Jeffery comenzó en 2006 con una comedia junto a Mo’Nique

Nacida el 10 de julio de 1993 en Houston, Texas, Jeffery llegó a la actuación por influencia de su hermano mellizo, Carlon, quien ya trabajaba en el medio cuando la familia se mudó a California. Fue justamente la agente de su hermano, Carla Alexander, quien también la convocó a ella.

“Él fue quien realmente nos inició en esto. Yo era muy tímida, pero cuando empecé a ir a clases de actuación con él, actuar en serio me hizo sentir como una persona completamente diferente”, dijo Jeffery en una entrevista con AfterBuzz TV Red Carpets & Interviews, según publicó The New York Times.

Su primer crédito cinematográfico fue en Phat Girlz (2006), comedia protagonizada por Mo’Nique, cuando Jeffery tenía apenas 12 años. Poco después consiguió un papel recurrente en la sexta temporada de Curb Your Enthusiasm, la serie de Larry David: interpretó a Keysha Black, una niña cuya familia es desplazada por un huracán.

En 2025, en una entrevista en el pódcast The Tokens, la actriz recordó lo desafiante que resultaba el formato de improvisación del programa. “Seguía siendo una niña. Entonces pensaba: ¿dejo hablar a los adultos o qué hago?”, dijo, según The New York Times. También describió a David como “más que gracioso”.

En los años siguientes, Jeffery sumó apariciones en producciones de Disney Channel y Nickelodeon: integró el elenco de Good Luck Charlie en 2011 y de Shake It Up en 2012. También tuvo un papel en iCarly en 2008. Antes de incorporarse a la franquicia de Zombies, también participó en Southland, Scream Queens, Crazy Ex-Girlfriend, Uncle Buck y American Vandal.

Jeffery habló sobre la responsabilidad de su labor en pantalla

Más allá del personaje en sí, el papel de Bree adquirió para Jeffery una dimensión que excedía lo profesional. En declaraciones recogidas por The New York Times, la actriz describió la presión y la responsabilidad que sentía al encarnar a una mujer negra de talla grande en una producción de alcance masivo.

La confirmación de ese impacto llegó de una forma concreta: cuando Disney lanzó disfraces basados en la franquicia, Jeffery vio a niñas pequeñas vestirse como Bree.

“Tenés chicas negras jóvenes que te admiran”, afirmó. “Nunca pensé que iba a ser la inspiración de alguien”, agregó en la misma entrevista, citada por el diario. “Eso es lo que quiero seguir haciendo”, concluyó.

El director Joe Russo ha explicado que el equipo concibe el libreto como “un organismo vivo” y que su método de trabajo se apoya en la improvisación y en los ensayos, hasta el punto de incorporar aportaciones de los intérpretes cuando algunos se suman al proyecto solo unos días o semanas antes de filmar sus escenas.

El regreso de los hermanos Russo a Marvel supone su primera gran superproducción del Universo Cinematográfico de Marvel desde Vengadores: Endgame. La vuelta no formaba parte del plan inicial para la siguiente película coral de los Vengadores, que iba a titularse The Kang Dynasty y a situar a Jonathan Majors como nuevo gran antagonista de la saga.

Ese plan se rehizo después de la salida de Majors de Marvel por sus problemas legales tras ser acusado por agresión a su expareja. Fue entonces cuando los Russo se incorporaron al proyecto junto a Robert Downey Jr., que regresa al universo de la franquicia tras el final de Iron Man para debutar ahora como el villano Doctor Doom.

La filosofía de los hermanos Russo

Joe Russo ha resumido esa filosofía con una idea central: “Siempre vemos el guion como algo que puede ir cambiando”. El codirector ha añadido que él y su hermano son directores “basados en la improvisación” y “basados en los ensayos”, y que les interesa comprobar qué aportan los actores a sus personajes.

En esa misma línea, han señalado que a veces no cuentan con algunos intérpretes hasta pocos días o pocas semanas antes del rodaje y que, en muchas ocasiones, es ahí donde “sucede la magia”. La publicación sitúa esas declaraciones en contraste con una práctica que Marvel arrastra desde hace años: iniciar producciones sin un libreto completamente terminado.

Anthony Russo también ha explicado a la Associated Press cómo entienden su encaje en la maquinaria del estudio. “Lo que Joe y yo siempre hemos apreciado de nuestra colaboración con Marvel es esto: nuestro trabajo no consiste en responder por la totalidad del Universo Cinematográfico de Marvel”, ha afirmado. “Nos cruzamos con él de una manera muy específica. Y es en esa intersección donde las cosas tienen sentido para nosotros”.

Una visión contrapuesta a la de James Gunn

Frente a esa visión, el precedente más citado en Hollywood lo encarna James Gunn, ahora al frente de DC Studios. El director de la trilogía de Guardianes de la Galaxia prometió al asumir su nuevo cargo que no entraría en producción con películas de DC sin guiones finalizados.

El año pasado en Rolling Stone, Gunn llegó a afirmar: “Sí creo que la razón por la que la industria del cine se está muriendo no es porque la gente no quiera ver películas. No es porque las pantallas de casa sean cada vez mejores. La razón número uno es que se están haciendo películas sin un guion terminado”.

El responsable de DC Studios añadió entonces que la compañía había cancelado un proyecto porque el texto no conseguía alcanzar el nivel necesario. “Todo el mundo quería hacer la película. Había recibido luz verde, estaba lista para arrancar. El guion no estaba listo. Y yo no podía hacer una película si el guion no era bueno”, sostuvo.

Qué promete ‘Vengadores: Doomsday’

Hace unas semanas se lanzó un avance de dos minutos de nuevo material que refuerza la dimensión coral de la cinta y anticipa un choque directo entre Doctor Doom y varias de las principales formaciones del estudio.

El vídeo fue presentado por Robert Downey Jr., Chris Evans y Hayley Atwell. En sus imágenes, Sue Storm, a quien interpreta Vanessa Kirby, advierte a un grupo de héroes sobre la amenaza del villano de Latveria mientras el montaje insiste en el aspecto de Doom.

“Sabía que estaba perdido”, dice Storm en el avance. “Pero no me di cuenta de que estaba roto”. Después, Reed Richards, encarnado por Pedro Pascal, se enfrenta a Doom entre escombros, antes de que Thor le espete: “Estarás suplicando por el infierno mucho antes de que yo te lo conceda”.

La secuencia da un paso más cuando Thor intenta atacar con Rompetormentas y Doom bloquea el golpe antes de lanzarle un haz de energía verde. A continuación, el villano levanta un ejército de Centinelas, enemigos clásicos de los X-Men, y responde: “El infierno me responde a mí, porque yo soy Doom”.

La pieza repite en gran medida un avance proyectado el mes pasado en el panel Hall H de Marvel Studios en la Comic-Con de San Diego. El eje del filme es la alianza entre los Vengadores, los Cuatro Fantásticos, los Thunderbolts y otros héroes para derrotar al personaje de Downey Jr.

¿El reparto más grande de todos los tiempos?

El reparto reúne a una larga lista de nombres del universo Marvel. Vuelven Chris Evans como Steve Rogers o Capitán América, Chris Hemsworth como Thor, Paul Rudd como Ant-Man, Letitia Wright como Black Panther, Sebastian Stan como el Soldado de Invierno, Tom Hiddleston como Loki y Simu Liu como Shang-Chi.

También regresan los protagonistas de Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos: Pedro Pascal como Mister Fantastic, Vanessa Kirby como Mujer Invisible, Joseph Quinn como Antorcha Humana y Ebon Moss-Bachrach como La Cosa.

A ellos se suman integrantes de Thunderbolts, entre ellos Florence Pugh como Yelena Belova, David Harbour como Guardián Rojo, Lewis Pullman como El Vigía, Wyatt Russell como U.S. Agent y Hannah John-Kamen como Fantasma.

Uno de los datos más destacados del reparto es el desembarco oficial en el Universo Cinematográfico de Marvel de varios actores de los antiguos X-Men de Fox tras la compra del estudio por Disney. Están Patrick Stewart como Charles Xavier, Ian McKellen como Magneto, James Marsden como Cíclope, Kelsey Grammer como Bestia, Rebecca Romijn como Mística, Alan Cumming como Rondador Nocturno y Channing Tatum como Gambito.

Dylan Sprouse, de 34 años, calificó su carrera como actor infantil de “trabajo infantil” durante una aparición en el podcast Wildmen, emitido el martes.

El ex protagonista de la serie de Disney Channel Zack y Cody: Gemelos en acción estableció una comparación directa con las condiciones laborales de la Revolución Industrial para describir su experiencia frente a las cámaras.

“Algunos niños trabajaban en minas de carbón y vigilaban la puerta de los vagones de la mina cuando tenían 15 años, nosotros solo cantábamos y bailábamos. Sigue siendo trabajo infantil”, declaró Sprouse en el programa.

El intérprete extendió la comparación al describir la rutina de grabación como un empleo de tiempo completo, similar al de una oficina tradicional.

“Cuando trabajas en televisión, es un trabajo diario. Entras, marcas tarjeta, sales, tienes un cubículo, trabajas, obviamente estás en un escenario, y es distinto, pero son las mismas horas. Lo trabajas de esa manera”, agregó el actor durante la conversación.

Sprouse señaló que la finalización de cada producción televisiva le producía un vacío emocional difícil de manejar.

La estrella explicó que ya había reflexionado antes sobre este punto en otras ocasiones y vinculó esa sensación a que su autoestima quedó asociada de forma estrecha con su capacidad de continuar trabajando y de mantenerse activo en un set de grabación.

El también hermano gemelo de Cole Sprouse reconoció ante el copresentador Brendan Columbus que todavía enfrenta algunos de los obstáculos mentales derivados de aquella etapa de su vida.

Según describió, se trata de una carga que persiste incluso años después de haber dejado atrás el trabajo constante frente a cámara durante la niñez.

La declaración se produjo en el marco de una conversación sobre el invitado del episodio, el actor Mark Indelicato, quien ingresó a la industria del entretenimiento a los 12 años con la serie de ABC Ugly Betty.

Antes de que Indelicato se sumara al diálogo, Sprouse anticipó su intención de abordar el tema con él.

“Definitivamente quiero profundizar y hablar con él un poco sobre cómo lidió con haber crecido en la industria porque, en esencia, estamos dando vueltas, pero es trabajo infantil”, afirmó.

Una vez incorporado a la charla, Indelicato coincidió con buena parte de los planteos de su colega, en particular respecto de la relación entre autoestima y trabajo durante la infancia.

Consideró que se trata de una vivencia que pocas personas pueden comprender por completo, incluso dentro del propio entorno cercano de un actor.

“Tenemos que lidiar con la realidad de nuestra experiencia vivida, como todos, pero creo que lo que la hace un poco distinta es que la mayoría de la gente no tiene nuestra experiencia vivida”, expresó Indelicato.

Y añadió: “Por eso tenemos que mantenernos cerca unos de otros como una forma de poder desahogarnos con personas que entienden”.

Dylan Sprouse admitió que contar con su hermano gemelo durante los años de trabajo en Disney Channel constituyó una ventaja frente a los altibajos propios de la profesión.

El actor manifestó gratitud por poder apoyarse, ya en la adultez, en otros exactores infantiles como Indelicato, con quienes comparte una experiencia que consideran difícil de trasladar a quienes no la vivieron.

Antes de sus papeles en Disney Channel, Dylan y Cole Sprouse compartieron el mismo personaje en distintas producciones, entre ellas Un papá genial y Grace Under Fire, una práctica habitual en la industria para cumplir con las restricciones de horario laboral impuestas a los menores.

Dylan protagonizó posteriormente Zack y Cody: Gemelos en acción junto a su hermano entre 2005 y 2008. El programa generó ese mismo año una secuela titulada Zack y Cody: Gemelos a bordo, cuya emisión se extendió hasta 2011.

Ambos hermanos continúan activos en la actuación en la actualidad. Cole Sprouse mantiene su carrera con un papel destacado en la serie de The CW Riverdale, mientras que Dylan Sprouse combina su trabajo frente a cámara con su vida personal.

El recordado intérprete está casado con la modelo Barbara Palvin desde 2023 y actualmente espera su primer hijo con ella.

Pese a las críticas planteadas sobre su propia experiencia, Sprouse había manifestado con anterioridad, en el podcast Tea Time, que no impediría que sus propios hijos se dedicaran a la actuación si ese fuera su deseo en el futuro.

La renovación fue comunicada por la compañía, mientras la primera temporada continúa disponible con sus ocho episodios. El dato refuerza el lugar que la producción ganó dentro del catálogo reciente del servicio, en un momento en el que el thriller logró ampliar su alcance semana tras semana.

Disney+ renovó la serie antes del final de la primera temporada

La confirmación de una nueva tanda de episodios se apoyó también en el comportamiento de visualización. Según la información difundida por la empresa, las visualizaciones del episodio 7 crecieron un 40% respecto del estreno, si se toma como referencia el rendimiento del primer día. Ese avance acompañó una trayectoria sostenida desde el lanzamiento.

En paralelo, Furia recibió la certificación “Certified Fresh” de Rotten Tomatoes con 100% de aprobación en su debut, una marca que luego se acomodó, aunque continuó en un nivel alto, con 98%. Ese respaldo crítico se sumó al crecimiento de público en una etapa decisiva para la serie.

El enfrentamiento entre Alice Black y Catherine ordena el conflicto central

La historia sigue a Alice Black, agente del FBI interpretada por Emmy Rossum, durante la investigación de una asesina serial metódica y difícil de rastrear. Del otro lado aparece Catherine, personaje a cargo de Lola Petticrew, cuya lógica de justicia modifica el eje del relato y desplaza la intriga policial hacia un terreno más moral.

A medida que ambas trayectorias se cruzan, la serie plantea una tensión que excede la persecución clásica entre investigadora y sospechosa. La frontera entre ley, venganza y reparación personal se vuelve cada vez menos nítida, y ese desdibujamiento sostiene buena parte del conflicto dramático a lo largo de los episodios.

La serie se aparta de la fórmula policial clásica y pone el foco en los dilemas éticos

Aunque parte de una cacería criminal, el desarrollo no se limita a la búsqueda de pistas ni a la identificación de una culpable. El recorrido incorpora el peso de las experiencias previas de las protagonistas, atravesadas por la violencia, el abuso de poder y la necesidad de obtener respuestas frente a daños que no encontraron una reparación institucional suficiente.

En ese marco, Furia organiza su propuesta alrededor de preguntas sobre los límites del sistema judicial y sobre las formas en que las víctimas procesan el trauma. La investigación deja de ser lineal y se abre a intereses ocultos, tensiones internas y decisiones que afectan tanto a quienes persiguen como a quienes escapan.

Elizabeth Meriwether y Emmy Rossum concentran dos roles clave en la producción

La serie fue creada, escrita y producida ejecutivamente por Elizabeth Meriwether, mientras que Emmy Rossum también asumió funciones como productora ejecutiva a través de Composition 8. El equipo se completa con Ronald Bass, Matt Olmstead y Sam Hoffman en la producción ejecutiva.

Además, Brian Kirk participó como productor ejecutivo y director de los dos primeros episodios. La ficción es una producción de 20th Television y Searchlight Television, dos sellos que respaldan el proyecto en su desarrollo industrial y creativo.

El elenco amplía una trama que suma violencia institucional y zonas grises

Junto con Rossum y Petticrew, la primera temporada está integrada por Scoot McNairy, Quincy Tyler Bernstine y Jake Lacy. Entre esos personajes aparece Nora, supervisora de la unidad de delitos sexuales, que introduce una mirada ligada a la impunidad, la revictimización y las fallas del sistema.

Ese entramado lleva a la serie a un registro donde el caso criminal funciona como punto de partida de un conflicto más amplio. Disney+ apostó así por una producción que combina investigación, tensión psicológica y conflicto personal, con una segunda temporada ya confirmada incluso antes de la emisión del último episodio de la primera el pasado 31 de agosto.

Disney+ archivó el desarrollo de la serie live-action de Gargoyles, el clásico animado emitido originalmente entre 1994 y 1997. Greg Weisman, guionista, productor ejecutivo y figura ligada durante décadas a la franquicia, confirmó que Atomic Monster tenía la licencia para preparar el proyecto, pero que esa versión está muerta y ya no existen planes activos para llevarla a la plataforma.

Un proyecto que nunca llegó a despegar

La adaptación había sido planteada como una serie de acción real destinada a Disney+, con Atomic Monster a cargo de su desarrollo. Sin embargo, el proyecto no avanzó hasta una fase que permitiera convertirlo en una producción concreta, según explicó Weisman durante una entrevista.

“Bueno, sé que en cuanto a la versión de acción real, Atomic Monster tenía la licencia para desarrollar una serie de acción real de Gargoyles para Disney+, y eso está muerto”, señaló el productor. También aclaró que no conoce el estado de posibles iniciativas animadas y remarcó que actualmente no hay planes para otra adaptación con actores.

La declaración cierra, al menos bajo estas condiciones, uno de los intentos más recientes por recuperar para televisión la historia de las criaturas de piedra que protegen Nueva York durante la noche. Las fuentes no detallan hasta qué instancia llegó el trabajo de Atomic Monster ni informan sobre elenco, directores, guionistas adicionales o una posible fecha de rodaje.

Tampoco se comunicó si el proyecto podría trasladarse a otro estudio o servicio. La información disponible indica que el acuerdo de desarrollo quedó sin efecto y que Disney+ ya no mantiene activa esta versión.

Otra producción descartada por Disney+

La baja del live-action ocurre después de otros cambios dentro de la programación en desarrollo de Disney+. Entre los proyectos mencionados recientemente aparece el reinicio de Power Rangers, que estaba vinculado con los responsables de Percy Jackson and the Olympians. También fue descartada una segunda temporada de Wonder Man, producción de Marvel Studios.

En el caso de Gargoyles, la diferencia es que la serie no había presentado reparto, imágenes promocionales ni una ventana de estreno. Su cancelación afecta a una adaptación todavía en desarrollo, antes de que pudiera entrar formalmente en producción o recibir una presentación pública completa.

El dato resulta importante para quienes esperaban un regreso televisivo de la propiedad: la confirmación no describe una pausa temporal ni una demora por calendario. Weisman usó directamente la palabra “muerto” para definir el estado del proyecto de Atomic Monster y descartó que exista actualmente otra versión live-action en marcha.

El futuro de Gargoyles queda en los cómics

La serie animada original presentó a un grupo de gárgolas que despierta en la Nueva York contemporánea después de permanecer petrificado durante siglos. Su emisión se extendió entre 1994 y 1997, y con el tiempo mantuvo una audiencia de culto que impulsó distintos intentos de regreso.

El cierre de la adaptación con actores no implica que la franquicia quede completamente detenida. Weisman continuará trabajando con los personajes en formato de cómic y aseguró que no tiene dificultades para encontrar nuevas ideas para sus historias.

La situación de una eventual producción animada es menos clara. Weisman dijo que desconoce qué ocurre en ese frente, mientras que las fuentes señalan que esa posibilidad no fue descartada formalmente. Aun así, no existe un anuncio, equipo creativo, plataforma de lanzamiento ni calendario asociado con un regreso animado.

Por el momento, los cómics serán el único formato confirmado con nuevas historias de Gargoyles, mientras la adaptación live-action de Atomic Monster para Disney+ queda definitivamente fuera de desarrollo.

Una serie mítica de los años 90, reconocida por su atmósfera oscura y su narrativa poco convencional para el universo infantil, acaba de ver frustrado su esperado regreso. Disney ha decidido cancelar el desarrollo de su remake en acción real, una noticia que impacta a quienes crecieron con las aventuras nocturnas y los dilemas morales de un grupo de héroes petrificados por el día.

La serie en cuestión es Gárgolas, una producción animada que se emitió entre 1994 y 1997, y que desde entonces ha mantenido un fuerte culto de seguidores. La noticia de la cancelación fue confirmada a Variety por una fuente cercana al proyecto, tras la difusión de rumores originados por una entrevista con Greg Weisman, co-creador de la animación original. “Eso está muerto”, declaró Weisman al ser consultado sobre el estado actual de la serie para la plataforma Disney+. Añadió que no hay planes para una versión en acción real y que desconoce cualquier movimiento en cuanto a una nueva animación. Weisman no formaba parte activa del reboot, pero su comentario fue clave para esclarecer el destino del proyecto.

La adaptación en acción real de Gárgolas había sido anunciada en 2023 con gran expectación. El encargo estaba en manos del guionista Gary Dauberman, conocido por su trabajo en It, y de James Wan, productor de Atomic Monster. Ambos figuraban como productores ejecutivos. Disney Branded Television se encargaba de la producción, lo que reforzaba la idea de que la plataforma apostaba fuerte por el regreso de la franquicia. El argumento propuesto para la nueva versión retomaba el eje central de la Gárgolas original: Goliath, el último de una raza de guerreros mitológicos, debía adaptarse a la vida en el Nueva York contemporáneo tras liberarse de una maldición de siglos. La sinopsis oficial describía a Goliath como un personaje marcado por el misterio de su pasado, acompañado de la detective de policía Elisa Maza, en una lucha constante por proteger la ciudad de nuevas amenazas.

Un proyecto que nunca llegó a desarrollarse del todo

El proyecto, sin embargo, nunca superó la fase de desarrollo temprano. La cancelación de la serie pone fin a meses de especulaciones entre los aficionados y la prensa especializada, quienes veían en el regreso de Gárgolas una oportunidad para presentar a nuevas generaciones una historia que marcó a muchos espectadores por su tono adulto y su profundidad temática. La confirmación del cierre definitivo llegó después de que los rumores se multiplicaran en foros y redes sociales, sobre todo tras la entrevista de Weisman.

La serie original, producida por Walt Disney Television Animation, se alejaba del tono habitual de la compañía. Gárgolas presentaba un grupo de seres fantásticos que, durante el día, permanecían convertidos en piedra bajo el hechizo de una traición ocurrida en la Escocia del siglo X. Solo podían despertar mil años después, en pleno Manhattan, gracias a la intervención de un industrial llamado David Xanatos. Una vez libres, los protagonistas se comprometían a proteger la ciudad, enfrentando tanto amenazas sobrenaturales como dilemas éticos y sociales. El elenco de voces que dio vida a los personajes en la animación original incluía a Keith David, Salli Richardson, Jonathan Frakes, Marina Sirtis, Ed Asner, Thom Adcox-Hernandez, Jeff Bennett y Bill Fagerbakke. La serie se emitió durante tres temporadas, siendo la última conocida como “Gargoyles: The Goliath Chronicles”.

Desde su cancelación en los años 90, Gárgolas ha acumulado una base de seguidores fieles y nostálgicos. A lo largo de los años, se han sucedido rumores y propuestas para revivir la franquicia, pero ninguna llegó a concretarse. La reciente iniciativa de Disney+ era vista por muchos como la oportunidad más tangible hasta la fecha. El cese definitivo del proyecto deja claro que, al menos por ahora, Gárgolas permanecerá como un referente de la animación de los años 90 y como uno de los títulos más recordados por quienes vivieron su impacto original. La decisión de Disney corta de raíz las esperanzas de ver una reinterpretación en acción real que, durante meses, mantuvo en vilo a una comunidad de fanáticos que sigue considerando la serie como una de las propuestas más singulares del catálogo de la compañía.

Disney llevará este fin de semana a la Ciudad de México una experiencia gratuita inspirada en sus princesas más queridas, con talleres, manualidades y escenarios temáticos diseñados para toda la familia.

La activación “Disney Princesa: Crea Tu Mundo” llega al Parque La Mexicana como parte del Mes de las Princesas, la campaña con la que la compañía celebra el legado de una de sus franquicias más longevas. El acceso no tiene costo y no requiere registro previo en línea.

Fechas, horarios y cómo registrarse

El evento se realizará el sábado 29 y domingo 30 de agosto en la Plaza Mirador, dentro del parque ubicado en la alcaldía Cuajimalpa de Morelos. Las puertas abren a las 10:00 y cierran a las 18:00 horas; el último acceso es a las 17:00.

El registro es presencial y gratuito: se realiza directamente en la zona de cada actividad al momento de llegar. El cupo es limitado, por lo que se recomienda asistir con anticipación.

Qué ofrece la experiencia

El espacio está inspirado en Rapunzel, Moana, Cenicienta y Ariel, y propone dinámicas creativas para los asistentes: manualidades, diseño de accesorios, personalización de recuerdos y fotografías en escenarios temáticos.

El recinto contará con zona de descanso y es accesible para personas con movilidad reducida. Tanto el evento como el Parque La Mexicana admiten mascotas, con la condición de que los animales lleven collar y sus dueños recojan sus desechos.

También está permitido asistir con niñas y niños caracterizados como sus princesas favoritas.

Estaciones temáticas y medidas de accesibilidad

Cada princesa tendrá su propio espacio dentro del recorrido. En la estación de Rapunzel, los visitantes podrán fabricar una linterna flotante inspirada en Enredados. La de Moana invita a diseñar accesorios con brillos y stencils, mientras que la de Cenicienta permite decorar un paliacate y una gargantilla en compañía de las mascotas.

Disney también anunció una actividad sorpresa que no ha revelado en qué consistirá. Dentro del recinto se colocarán señalizaciones y tótems para guiar a los asistentes desde la entrada del parque hasta el Jardín Plaza Mirador.

El evento contempla medidas de inclusión: habrá fila prioritaria para personas con discapacidad, personas neurodivergentes, adultos mayores y mujeres embarazadas. Además, se pondrán a disposición tarjetas con pictogramas para facilitar la comprensión de las actividades.

La campaña detrás del evento

La activación en la Ciudad de México forma parte del “Mes de las Princesas” de The Walt Disney Company, una campaña global bajo el concepto Crea Tu Mundo.

“La fortaleza y vigencia de Disney Princesa radica en su capacidad de evolucionar junto a las nuevas generaciones”, afirmó Joanna Balikian, Senior Vice President de Brand Management de la compañía, al presentar la iniciativa.

La campaña incluye el cortometraje “Siempre Princesa”, dirigido por la cineasta Alex Prager y disponible en Disney+, YouTube y los canales lineales de Disney Channel y Disney Junior. La producción narra la amistad de dos niñas unidas por su amor a los personajes y fue filmada con técnicas artesanales: maquetas a gran escala, marionetas diseñadas a mano y una banda sonora interpretada por una orquesta de 56 músicos en vivo.

Contenidos y productos de la temporada

Disney+ suma a la celebración nuevos episodios de Princesita Sofía: Magia Real y el especial animado LEGO Disney Princesa: Caos Mágico, disponible desde el 21 de agosto, donde Ariel, Jasmín, Mulán, Moana, Rapunzel, Blanca Nieves y Tiana enfrentan una tormenta que desata el caos en un castillo.

A fines de agosto se estrenan en Latinoamérica dos videos en los canales de YouTube @DisneyJRLA y @DisneyKidsLA: uno recorre los mundos de origen de cada princesa y otro muestra las pasiones que las unen como personajes.

La línea de productos de la temporada abarca juguetes, moda, accesorios y decoración para el hogar, con presencia en puntos de venta de México.

Cómo llegar al Parque La Mexicana

El parque se encuentra en Av. Luis Barragán 505, colonia Contadero, alcaldía Cuajimalpa de Morelos, código postal 05348.

Quienes vayan en transporte público pueden tomar el Metro hasta las estaciones Tacubaya (Línea 9) u Observatorio (Línea 1) y abordar un camión con dirección a Contadero. La bajada es en Parque La Mexicana; desde ahí, hay que ubicar la Plaza Mirador dentro del recinto.

Emilia Gou se esguinció el pie en clases de baile, pero eso no le impidió aparecer junto a su padre Alex Gou en la alfombra roja de Papá por siempre.

El productor aprovechó el encuentro con la prensa para revelar que su hija, quien protagoniza Matilda, el musical. se pagó sola un crucero de Disney con su sueldo de la obra, y para anunciar que viene una nueva temporada de Mentiras con Ernesto D’Alessio en el elenco.

Emilia Gou se pagó su propio crucero con lo que gana en Matilda

En medio de la alfombra roja, Gou presumió con orgullo el salario que le paga a su hija.

“Se fue a un crucero de Disney, la señorita, y se lo pagó con su sueldo, ¿eh? Porque le pago muy bien”, dijo el productor entre risas, mirando a Emilia.

La niña, que llegó al evento confirmó que el regreso de Matilda será el 30 de octubre en el Centro Cultural Teatro 1 de la Ciudad de México.

Gou explicó que el crucero fue un viaje en solitario de su hija. Cuando un periodista le preguntó si ella lo invitó, el productor respondió que no, que él tenía demasiado trabajo. “Hoy que me di cuenta todo lo que estamos trabajando”, dijo.

Ernesto D’Alessio llega a Mentiras

El productor también confirmó que Ernesto D’Alessio se integrará al elenco de Mentiras. Contó que todo comenzó en una comida con amigos en común, donde D’Alessio se puso a cantar.

“Tiene una voz Ernesto D’Alessio cantando las canciones de su mamá, que me quedé impresionado”, dijo Gou, y agregó que él mismo lo invitó a sumarse al musical.

Gou reconoció que antes pensaba que D’Alessio tenía exclusividad con otra compañía, pero que al comprobarlo descartó esa idea. “En el teatro yo nunca veto a nadie, en el teatro no hay exclusividades”, señaló. El estreno de D’Alessio en ese proyecto está programado para el próximo jueves.

Durante el encuentro, un periodista también le preguntó por Alexander, hijo de Emmanuel y Lupita Jones, como posible candidato para alguna producción. Gou respondió con entusiasmo: “Me encantaría. Imagínate, Emmanuel, hijo de Emmanuel y Lupita”. Aseguró que lo llamará.

La polémica por meter a su hija en Matilda

La participación de Emilia Gou en Matilda, el musical generó una ola de críticas desde que se anunció su casting. En redes sociales, usuarios señalaron favoritismo y nepotismo, sobre todo después de que se supo que Michaela Bisogno, hija del fallecido Daniel Bisogno, no participaría en la producción.

Gou defendió en su momento que la elección de Emilia no respondió a lazos familiares, sino al criterio del director londinense Matthew Warchus.

“Yo jamás la exhibiría, imagínate mi responsabilidad y, si hubiera sido así, lo diría, es mi obra y es mi dinero, pero lo va a demostrar arriba del escenario”, declaró el productor a la prensa en enero de 2026.

El papel de Matilda se alterna entre tres niñas: Raffaella, Elena y Emilia Gou, quienes fueron seleccionadas de entre 80 aspirantes, de los cuales solo 10 llegaron a la final.

Gou respondió a las críticas en redes con una frase indirecta: “La gente envidiosa es como los sapos: tienen grandes ojos para criticar a los demás y larga lengua para hablar de todos, pero no se dan cuenta que viven en el fango”.

Michaela Bisogno, por su parte, declinó participar por el duelo que atraviesa tras la muerte de su padre. Según relató Gou, la joven le dijo: “Tío, no lo quiero hacer, me recuerda a mi papá”. El productor aseguró que la familia de Bisogno siempre tendrá su apoyo.

La música de Disney vuelve a cobrar vida en el Auditorio Nacional con un espectáculo pensado para todos: Disney En Concierto: Un Recorrido Musical.

El próximo 27 de septiembre de 2026, familias, parejas y grupos de amigos podrán disfrutar de una función única donde los temas más emblemáticos de la marca serán interpretados en vivo por la Orquesta Sincrophonia y un elenco de voces reconocidas.

El evento busca reunir a distintas generaciones en torno a las canciones que han marcado infancias y que hoy siguen presentes en la memoria colectiva.

Además, el espectáculo destaca por su propuesta accesible e inclusiva, integrando kits sensoriales para personas con hipersensibilidad, como parte del compromiso de la productora por crear espacios abiertos a todos los públicos.

Una experiencia musical para todas las edades

Disney En Concierto: Un Recorrido Musical está diseñado para algo más que la nostalgia.

La propuesta invita a redescubrir los clásicos de siempre y a conectar a públicos de todas las edades en un mismo escenario, gracias a la combinación de música sinfónica y las voces de Carmen Sarahí, Romina Marroquín, Irma Flores, Luigi Vidal y Jair Campos.

La dirección artística está a cargo de Rodrigo Cadet, quien coordina todos los detalles musicales y escénicos para asegurar que cada interpretación mantenga la calidad y la esencia de las canciones originales.

La selección de temas incluye piezas de películas como La Sirenita, El Rey León, Aladdín, Hércules, Frozen: Una aventura congelada, La Bella y la Bestia y Enredados, entre otras.

Así, cada asistente podrá revivir melodías que han trascendido generaciones y compartirlas en un ambiente festivo y familiar.

Fecha, horario y detalles logísticos del concierto

La función está programada para el 27 de septiembre de 2026, iniciando a las 19:00 horas en el Auditorio Nacional.

Este espacio icónico en la Ciudad de México será el escenario para que la Orquesta Sincrophonia y los solistas interpreten arreglos sinfónicos de los temas más representativos del universo Disney.

Esta será una oportunidad para disfrutar de la música en vivo y de una producción diseñada específicamente para el recinto, reconocida por su acústica y capacidad para grandes eventos.

Precios de boletos y dónde adquirirlos

Las entradas para Disney En Concierto: Un Recorrido Musical están disponibles en Ticketmaster México.

Los boletos están disponibles desde 558 pesos mexicanos con cargos incluidos, lo que permite a diferentes públicos disfrutar de este espectáculo sinfónico.

El sistema de venta en línea facilita la compra anticipada y garantiza la seguridad en la adquisición de boletos.

La invitación está abierta a quienes buscan una noche diferente, donde la música y la emoción se mezclan en un entorno pensado para grandes y chicos.

Los organizadores aconsejan adquirir los boletos con antelación, dadas las expectativas generadas alrededor del evento.

Inclusión y accesibilidad en el espectáculo

El compromiso de Disney con la inclusión se refleja en la entrega de kits sensoriales para personas con hipersensibilidad.

Estos kits incluyen audífonos reductores de sonido, lentes con filtro verde UVI, juguetes sensoriales y tarjetas de emociones con pictogramas, asegurando que todos los asistentes tengan la oportunidad de disfrutar plenamente del concierto.

La medida responde a la intención de hacer de este espectáculo un espacio verdaderamente abierto, donde cada persona pueda vivir la experiencia a su manera y sin barreras.

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Una invitación para toda la familia

Con la fecha cada vez más cerca, la emoción crece entre quienes desean reencontrarse con las melodías que han acompañado a millones.

El acceso a los boletos permanece disponible y la invitación sigue abierta a quienes quieran sumarse a esta celebración musical, donde el talento, la diversidad y la magia de la música de Disney serán los protagonistas de una noche inolvidable.

Avengers Endgame: Bonus llega a México el 24 de septiembre de 2026 con una versión extendida que suma material inédito conectado directamente con Avengers: Doomsday, el próximo estreno de la saga programado para diciembre.

La preventa arrancó este martes en las cadenas Cinépolis y Cinemex, con disponibilidad limitada a complejos seleccionados que cuentan con la infraestructura técnica para los nuevos estándares de proyección.

La película original de 2019, dirigida por Joe y Anthony Russo, regresa con una duración de 191 minutos, según información obtenida de las cadenas de cine, tres horas y once minutos, frente a los 181 minutos de la versión estrenada hace siete años.

Eso representa diez minutos de contenido nuevo para preparar el terreno de cara al próximo evento cinematográfico de Marvel Studios.

¿Qué incluye la nueva versión de Avengers: Endgame?

El material adicional no es un simple prólogo, la edición incorpora una introducción grabada por los hermanos Russo, escenas integradas al desarrollo de la película y una nueva secuencia poscréditos filmada directamente en el set de producción de Avengers: Doomsday.

El objetivo narrativo es preparar el terreno para la llegada del Doctor Doom, personaje que Robert Downey Jr interpretará en la nueva entrega.

Los rumores apuntan a que el nuevo material retoma los viajes en el tiempo y la integración de los X-Men al universo cinematográfico de Marvel.

La información sugiere que Disney+ retirará la versión original de Avengers: Endgame de su catálogo.

La plataforma la sustituirá por la edición extendida antes del estreno de Avengers: Doomsday, previsto para el 18 de diciembre de 2026.

El tráiler oficial de Endgame: Bonus se publicó este 25 de agosto, mismo día en que arrancó la preventa en México.

Infinity Vision, el nuevo formato premium de Disney

El reestreno es también el lanzamiento oficial de Infinity Vision, una nueva certificación visual premium desarrollada por Disney para maximizar la resolución y la inmersión en sala, se trata del primer filme de la compañía en estrenarse bajo este estándar.

Las funciones en Infinity Vision estarán disponibles únicamente en pantallas de gran formato y salas IMAX en complejos seleccionados y no todos los cines del país tendrán acceso a esta modalidad.

Preventa activa en Cinépolis y Cinemex

Ambas cadenas habilitaron la compra de boletos este martes 25 de agosto a través de sus plataformas digitales y aplicaciones móviles.

La disponibilidad está condicionada a la infraestructura técnica de cada complejo.

En la Ciudad de México, los complejos confirmados por Cinemex incluyen:

• Antara
• Antara Platino
• Parque Delta
• Patriotismo
• Reforma 222
• San Antonio
• Santa Fe
• Universidad
• Iztapalapa
• Plaza Oriente
• Tezontle
• Encuentro Oceanía
• Cortijo

En el Estado de México, la oferta cubre sucursales en:

• Coacalco
• Lomas Verdes
• Mundo E
• Ixtapaluca
• Paseo Chalco
• Puerta Texcoco
• Town Square Metepec

Cinépolis también participa en el reestreno con complejos seleccionados que cuentan con pantallas de formato premium e Infinity Vision, aunque la cadena no ha publicado aún la lista completa de sedes.

El reestreno alcanza decenas de ciudades en el interior de la República

La disponibilidad se extiende a múltiples estados del país, en Morelos, el complejo participante es Fórum Cuernavaca, en Guanajuato, Plaza Mayor y Plaza Stadium, entre otras sucursales, en Yucatán, Galerías Mérida.

También hay funciones confirmadas en:

• Nuevo León
• Chihuahua
• Quintana Roo
• Puebla
• Tlaxcala
• Michoacán
• Baja California
• Chiapas
• Sinaloa
• Nayarit
• Coahuila
• Tamaulipas
• Durango
• Zacatecas
• Sonora

Con presencia en más de 15 estados y dos de las cadenas de exhibición más grandes del país, el reestreno de Avengers Endgame: Bonus se perfila como uno de los eventos de taquilla más grandes del segundo semestre de 2026 en México.

La combinación de material inédito, nuevos formatos de proyección y la cercanía con el estreno de Avengers: Doomsday convierte al reestreno en una antesala obligada para los seguidores de la saga antes del cierre del año.

El reestreno incluirá material adicional respecto a la versión original de la película y estará disponible en salas IMAX® y en aquellas que cuenten con la certificación Infinity Vision, una nueva categoría para formatos Premium Large Format (PLF).

Infinity Vision es presentada por Marvel Studios como una nueva certificación para salas Premium Large Format. El sistema establece determinados estándares de exhibición relacionados con el tamaño de las pantallas, la calidad de imagen y las características del sonido.

De esta manera, las funciones de Endgame: Bonus podrán ofrecerse en formatos de gran pantalla y con sistemas de sonido envolvente.

La nueva presentación de la película contempla aproximadamente cinco minutos de contenido adicional y un montaje diferente en su tramo final. El metraje original tiene una duración de 181 minutos (3 horas y 1 minuto), mientras que esta nueva versión pretende durar 186 minutos.

También incorporará material relacionado con Avengers: Doomsday, la próxima producción de Marvel Studios, cuyo estreno en cines está previsto para el 17 de diciembre. Además, existe la posibilidad de que la edición incluya una escena adicional después de los créditos.

El estudio acompañó el anuncio con un nuevo tráiler y un póster promocional de Avengers Endgame: Bonus. El reestreno también servirá como enlace con la siguiente etapa del universo cinematográfico de Marvel.

La historia de Avengers: Endgame, estrenada originalmente en 2019, se desarrolla después de los acontecimientos provocados por Thanos, quien consiguió eliminar a la mitad de la población del universo mediante las Gemas del Infinito.

Los Vengadores que sobrevivieron deben afrontar las consecuencias de la derrota y encontrar una forma de revertirla. Con el grupo dividido y sus integrantes enfrentando distintas circunstancias, los héroes restantes vuelven a unir fuerzas para intentar recuperar a quienes perdieron y restaurar el equilibrio del universo.

La misión los lleva a enfrentarse nuevamente con las consecuencias de las decisiones de Thanos y a asumir los riesgos necesarios para cambiar el resultado de los acontecimientos.

Tony Stark, Steve Rogers, Thor, Natasha Romanoff, Bruce Banner, Clint Barton y otros aliados participan en el último esfuerzo de los Vengadores por recuperar a las víctimas del chasquido y resolver el conflicto que comenzó años atrás.

Dirigida por Anthony y Joe Russo y producida por Kevin Feige, Avengers: Endgame funciona como la conclusión de la Saga del Infinito y reúne elementos narrativos de las 22 películas que Marvel Studios había desarrollado hasta ese momento.

Cabe recordar que Endgame recaudó aproximadamente 1,195 millones de dólares en su primer fin de semana en la taquilla internacional, logrando así posicionarse como la película con mayor recaudación mundial en un fin de semana de estreno.

Asimismo, en 2019 ostentaba el título de la película más taquillera de la historia al terminar su recorrido inicial con alrededor de 2,798 millones de dólares

La película fue producida por Kevin Feige y dirigida por Anthony y Joe Russo. El regreso de Avengers: Endgame a los cines también coincide con su salida prevista del catálogo de Disney+ a mediados de septiembre, antes del nuevo periodo de exhibición cinematográfica.

Emile Maxim St. Patrick Higgins, el empresario conocido como Max Higgins que iba a construir un “Disney argentino”, fue encontrado muerto en las últimas horas en el partido bonaerense de Merlo.

Al hombre, de 55 años y nacionalidad jamaiquina, lo halló en la localidad de Libertad un empleado de la Empresa 216, quien alertó a las autoridades luego de encontrar su cuerpo tendido en la vía pública y en posición fetal.

El denunciante relató que, aproximadamente veinte días antes, había observado en la zona a un hombre jamaiquino que estaba en situación de calle. En este sentido, indicó que el individuo no era conocido por los vecinos y que desde hacía semanas se alojaba en el mismo lugar donde ahora lo encontraron muerto.

Tras arribar a la zona, personal del Comando de Patrullas Merlo preservó el lugar para permitir el trabajo de los equipos científicos. Las primeras pericias arrojaron que no había indicios de violencia ni signos de intervención de terceros. Minutos después, una ambulancia que llegó minutos después confirmó el fallecimiento por causas naturales.

No obstante, la Unidad Funcional de Instrucción N° 3 de Morón dispuso la apertura de una causa bajo la carátula de “averiguación de causales de muerte” y ordenó la realización de la autopsia para determinar las circunstancias exactas del deceso.

Quién era Max Higgins

Max Higgins llegó a la Argentina en 2007 con la promesa de revolucionar el espectáculo. Se autoproclamó el “Rey del Entretenimiento”, contrató a Diego Maradona para un reality de fútbol y aseguró que construiría un “Disney argentino” en San Pedro con una inversión de mil millones de dólares. Su figura extravagante, siempre rodeada de lujos y personajes del deporte y la farándula, lo convirtió en un personaje mediático. Pero su reinado terminó abruptamente y su historia mutó en una de las caídas más reconocibles del espectáculo local.

En sus días de esplendor, Higgins se movía en autos de lujo, alquilaba limusinas, helicópteros y oficinas en Puerto Madero, organizando eventos y realities como el “World Football Idol”, que tuvo tres ediciones y figuras como Diego Maradona, Sergio Goycochea y Gabriel Batistuta. Prometía premios millonarios y ostentaba una Lamborghini Diablo, que luego se supo era prestada. Se presentaba en los estadios con capa y corona, abrazado a Maradona, y ofrecía sueños de fama y fortuna que nunca se concretaron.

Pero la realidad detrás del personaje se fue desmoronando. Su esposa, la argentina Sandra Zapata, reveló que la fortuna de Higgins era una farsa y denunció episodios de violencia y antecedentes penales por estafas con cheques sin fondo en Estados Unidos e Inglaterra. El supuesto empresario, que decía manejar dos billones de dólares embargados, terminó acusado de estafador profesional y perdió su círculo de confianza.

Con el tiempo, Max Higgins quedó solo, desplazado de los flashes y abandonado por quienes en algún momento lo acompañaron. Su vida dio un giro radical: pasó de los hoteles cinco estrellas a dormir en la calle, en una esquina de Retiro, utilizando un maletín como almohada y pidiendo limosna para comer. Testigos lo vieron hablar solo, pedir ayuda para recuperar su dinero y prometer soluciones para la economía argentina. Mezclaba inglés y castellano rudimentario, alternando relatos de conspiraciones y sueños de volver a ser millonario.

Distintas personas lo reconocieron en la calle, algunos lo ayudaron con comida o dinero, otros compartieron anécdotas de sus años dorados. “Era un tipo copado pero raro, muy volado”, recordó un ex custodio de un boliche vip. Su historia terminó sumida en el anonimato, sin familia ni amigos a su lado, y su fallecimiento confirmó el desenlace de una vida marcada por la grandilocuencia, el escándalo y la soledad.

Raquel Lee Boileau, conocida por su participación en la docuserie Quiet on Set: The Dark Side of Kids TV, presentó el pasado 21 de agosto una demanda civil contra The Walt Disney Company ante el Tribunal Superior de Los Ángeles.

La actriz acusa a la compañía de negligencia por no haber impedido los presuntos abusos sexuales que sufrió durante el rodaje de The Poof Point, una película original del Disney Channel producida en 2001.

Lee tenía 14 años cuando un empleado adulto de mediana edad, identificado en la demanda únicamente como “John Doe”, la habría sometido a violaciones y agresiones sexuales reiteradas durante la producción, filmada en Salt Lake City, Utah.

Los presuntos ataques habrían ocurrido en varias ocasiones en la habitación del hotel donde se alojaba el elenco y el equipo de producción, y también durante un vuelo de regreso a Los Ángeles.

El documento judicial sostiene que el comportamiento del agresor fue visible para el resto del equipo. El hombre “susurraba comentarios sexualmente explícitos” al oído de la actriz en pleno set, ante la presencia de adultos y técnicos de sonido que manejaban los micrófonos, y “nadie en Disney intervino”.

La denuncia también afirma que Raquel Lee Boileau fue separada de su tutor legal durante la mayor parte de la jornada de rodaje, sin supervisión adecuada.

Tras los presuntos abusos, su rendimiento en el set se deterioró de forma visible. Lejos de investigar lo ocurrido, ejecutivos de Disney la acusaron de estar “fuera de control”, de “necesitar a Jesús” y de “tener un demonio dentro”.

La compañía habría cancelado además su participación en una producción que tenía prevista con el estudio.

La artista está representada por Doug Wigdor y Jane Kim, del despacho neoyorquino Wigdor LLP.

Wigdor es un abogado con experiencia en casos de conducta sexual indebida: previamente representó a Cassie Ventura en su demanda contra Sean “Diddy” Combs, a Nafissatou Diallo —la empleada de hotel que acusó al entonces director del Fondo Monetario Internacional (FMI), Dominique Strauss-Kahn, de agresión sexual— y a varias mujeres que denunciaron a Harvey Weinstein.

“Durante la última década, innumerables actores infantiles han compartido sus experiencias de abuso por parte de adultos en el mundo del entretenimiento. Esta conducta es inexcusable, y quienes estuvieron involucrados —directa o indirectamente— deben rendir cuentas”, declararon Wigdor y Kim en un comunicado.

El escrito judicial encuadra los hechos en un patrón más amplio, con la afirmación de que “esta no es la primera vez que Disney ha permitido que un depredador sexual ataque y abuse de víctimas vulnerables”.

El documento también señala que la compañía “facilitó y ocultó el grave abuso sexual” del que fue objeto Raquel Lee Boileau.

Existe un antecedente relevante: en 2015, Lee llegó a un acuerdo confidencial de carácter económico con un hombre que trabajó en The Poof Point, con la representación de la abogada Gloria Allred, conocida por su trabajo con supervivientes de agresiones sexuales.

Los detalles de ese acuerdo permanecen bajo reserva, lo que explicaría el uso del nombre ficticio en la nueva demanda civil.

La acción legal fue posible gracias a una reforma legislativa de California de 2020 que amplió el plazo para que supervivientes de abuso sexual infantil presenten demandas civiles hasta los 40 años de edad. Una enmienda de 2023 eliminó el plazo de prescripción para casos ocurridos a partir del 1 de enero de 2024.

La ley también contempla el pago de daños triplicados si se prueba que una empresa ocultó los abusos de forma deliberada, que es precisamente lo que la demanda atribuye a Disney.

La actriz continuó trabajando con Disney después de The Poof Point. Prestó su voz en la serie animada The Proud Family, entre 2001 y 2005, y volvió a participar en su secuela de Disney+, The Proud Family: Louder and Prouder, emitida entre 2022 y 2025.

En 2024 apareció en la docuserie Quiet on Set, donde habló sobre su experiencia en el programa de Nickelodeon The Amanda Show, sin mencionar entonces sus acusaciones contra Disney.

Los mutantes están de vuelta, si es que en algún momento se llegaron a ir del todo. Parece que después de años de tener que vivir apartados tanto en la ficción como fuera de ella -debido a los derechos que recaían sobre Fox e impedían su integración en el UCM-, parece que Disney ya prepara un nuevo reboot para reintroducir a este grupo de superhéroes que tantas alegrías ha dado en los cómics... y también en el cine. Porque no hay que olvidar que, a pesar de hacer próximamente su entrada en Marvel, ellos fueron de los primeros en popularizar el género con una serie de películas estrenadas a principios de siglo.

De momento, este reboot, que correrá a cargo de Jake Schreier (Thunderbolts), ya cuenta con su Profesor X (Christopher Abbott) y mutantes como Pícara (Inde Navarrette), Cíclope (Kit Connor), Tormenta (Maya Simone Boyd), Emma Frost (Samara Weaving) o incluso el malvado Mr. Siniestro (Adam Driver), entre otros. No obstante, primero habrá que ver el final de los originales en Vengadores: Doomsday, y qué mejor manera de prepararse tanto para eso como para el reboot que repasando la cronología de películas de los X-Men. Aunque pueden seguirse por fecha de estreno, a continuación proponemos una forma cronológica de verlas en base a cuándo y cómo transcurren sus acontecimientos, líneas temporales alteradas incluidas. Todas ellas disponibles en la misma plataforma, Disney+.

‘X-Men: Primera clase’

No fue ni mucho menos la primera película de los mutantes, pero sí la primera en mostrar sus orígenes y en establecer una nueva cronología de la que derivarían las posteriores. Ambientada en los años 60 en medio de la crisis de los misiles de Cuba, en X-Men: Primera clase conocemos a unos jóvenes Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr/Magneto (Michael Fassbender), quienes, junto a la ayuda de Raven/Mística (Jennifer Lawrence) intentan evitar el colapso del mundo y reclutar una nueva hornada de mutantes a los que enseñar a defender el planeta Tierra, entre ellos Banshee, Angel, Havoc o un joven Bestia al que ahora daría vida Nicholas Hoult.

Men Orígenes: Lobezno

Si bien hizo un pequeño cameo en Primera Clase, la historia de Lobezno como tal no comenzaría hasta unos años más tarde, ya en los 70. Aquí empezaríamos a conocer la auténtica vida de Lobezno desde niño, luego como Logan, un hombre con una vida apacible en el bosque junto a su amada Kayla Silverfox, y posteriormente como sujeto de pruebas de la llamada Arma X para William Stryker. Junto a él, otros mutantes de lo más peligrosos como Gambito, Espectro (interpretado nada menos que por Will i.am.), Dientes de sable o La Mole.

‘X-Men’

Ahora sí, este fue el inicio por fecha de estreno de los X-Men, presentando al elenco original que llega hasta nuestros días, aunque ya ambientada en el año 2000. La película presenta la gran rivalidad entre los dos grandes mutantes y viejos amigos, Magneto (Ian McKellen) y Charles Xavier (Patrick Stewart), defensores cada uno de una forma opuesta de vivir como mutantes y hacer frente a la sociedad, mientras en el Congreso se busca aprobar una Ley de Registro de Mutantes.

‘X-Men 2′

Secuela directa de la anterior, X-Men 2 pone en el foco a un nuevo villano que, según esta cronología, ya conocerían muchos: William Stryker. El general que convirtió a Lobezno en un arma mortal tiene ahora nuevos planes para el resto de mutantes y es por ello que los equipos de Magneto y el Profesor X deciden unir fuerzas para salvarse los unos a los otros de una amenaza mayor. Brian Cox daría vida al villano en una película que introduciría personajes importantes como Nightcrawler (Alan Cumming) o Coloso (Daniel Cudmore).

‘X-Men 3: La decisión final’

La sociedad busca destruir a los mutantes de una vez por todas, y unos laboratorios han desarrollado una supuesta “cura” para el gen X. El equipo de Magneto busca detener esto mientras que el resto aún llora la pérdida de Jean Grey, la cual vuelve a la vida en una versión mucho más oscura y peligrosa. Con tantos frentes abiertos, Lobezno, Charles Xavier y el resto de mutantes tendrán que unir fuerzas para salvar el mundo y a su propia especie a la vez.

‘Lobezno inmortal’

Logan se ha mudado a Japón para intentar olvidar todo lo que ocurrió, pero el fantasma de Jean Grey todavía le persigue. Incapaz de recordar qué fue lo que hizo y qué es verdad y qué no, se ve envuelto en un gran embrollo de la yakuza japonesa. Convocado para transferir su poder curativo a un multimillonario que se está muriendo de cáncer, Logan se ve de la noche a la mañana huyendo de la mafia nipona y protegiendo a una joven que le recuerda por qué ha de seguir luchando.

‘X-Men: días del futuro pasado’

En un futuro no muy lejano, los mutantes están al borde de la extinción. Un ejército de robots letales para los mutantes conocidos como los centinelas los tiene acorralados, y la única manera de salvarse es enviar a Logan al pasado, unos años después de los eventos de X-Men: Primera Clase. En una nueva crisis internacional, Logan tendrá que reunir a Magneto, Charles y Mística para evitar que el futuro se torne tan oscuro para la raza mutante.

‘X-Men: Apocalypse’

Los eventos de X-Men: Días del futuro pasado alteraron todo, y en esta continuación ambientada en los 80 un antiguo poder resurge de sus cenizas. Se trata nada menos que de Apocalipsis (Oscar Isaac), el primer mutante y quien convoca a una nueva legión de jinetes del apocalipsis para acabar con toda la humanidad. Unos jóvenes Cíclope (Tye Sheridan), Jean Grey (Sophie Turner) o Nightcrawler (Kodi Smit-McPhee) tendrán que encontrar el modo de acabar con esta amenaza y rescatar al resto.

‘X-Men: Fénix Oscura’

Tras acabar con Apocalipsis, queda claro que los jóvenes están preparados para liderar a los X-Men, pero también que Jean Grey contiene un poder tan inmenso como peligroso. Todo se precipita cuando, durante una misión de rescate en el espacio, Jean recibe una llamarada solar que desata una serie de poderes que es incapaz de controlar. Aturdida y confundida, una malvada alienígena comienza a manipular a la mutante para ponerla en contra del resto, que tendrán que encontrar la manera de contener su explosión de ira pero sin acabar con la vida de la que sigue siendo su amiga.

‘Los nuevos mutantes’

Aventura independiente del resto de películas —fruto también de los derechos de Fox al margen de Disney—, esta película sirvió para dar un respiro a la saga e introducir una historia alejada de lo visto hasta ahora, incluso más cercana al terror. En una prisión de máxima seguridad, cinco jóvenes con poderes especiales empiezan a comprender su verdadera naturaleza mientras son sometidos a toda clase de experimentos que los llevan a unir fuerzas para escapar de una vez por todas de su cárcel. Maisie Williams, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Blu Hunt y Henry Zaga darían vida a estos nuevos personajes de los que nunca se volvió a saber.

‘Logan’

Ambientada en un futuro alternativo en 2029, en el que los mutantes han dejado de nacer desde hace años, el viejo Logan se dedica a ejercer como chófer sin saber que se va a cruzar en el camino de Laura (Dafne Keen), una joven mutante con poderes muy similares a los suyos y que busca huir hasta un refugio de mutantes conocido como Eden. Aunque al principio se niega, finalmente se lleva a Laura y a un viejo Charles Xavier que padece una grave enfermedad en un viaje hasta el supuesto refugio, mientras son perseguidos por la compañía que desarrolló a Laura y que ahora pretende utilizarla como arma.

‘Deadpool’ y ‘Deadpool vs Lobezno’

Las películas de Deadpool comenzaron por su propia cuenta, con algún que otro guiño y cameo incluido de los X-Men, pero fue con Deadpool y Lobezno que por fin ambos universos se mezclaron, y dieron lugar a otros tantos dentro del ya llamado multiverso de Marvel. Es una película importante no solo para el futuro inmediato de la saga, sino también porque fue la que abrió la puerta a los mutantes en el MCU, hasta entonces exclusivos de las películas de Fox.

Kathryn Hahn nunca imaginó que estaría “cantando y bailando” en un musical cinematográfico de Disney. La actriz, que asumirá el papel de Madre Gothel en la próxima versión de live action de Enredados, confesó en exclusiva a PEOPLE: “Nunca pensé que, en este momento de mi carrera, estaría haciendo algo así”.

A sus 52 años, Hahn se enfrenta a un desafío inesperado y lo resume con una frase: “Me siento como si estuviera en Fama”.

Esta producción es el primer gran proyecto musical de su carrera, un cambio importante tras su trabajo en Marvel. Hahn contó que atraviesa una etapa muy distinta en lo profesional, marcada por ensayos, canto y baile.

La oportunidad de interpretar a Madre Gothel le ha permitido mostrar habilidades que, hasta ahora, no había tenido ocasión de desplegar ante las cámaras. “Este es un gran paso adelante para mí”, afirmó Hahn sobre su participación en la película.

La actriz describió la experiencia como algo estimulante y sorpresivo, remarcando que nunca antes se había visto en una situación semejante: “Son cosas que nunca pensé que podría decir que hice en mi vida”.

La actriz habló de su preparación para interpretar a Madre Gothel en la nueva versión live action de Enredados, un proyecto que la tiene ensayando en España, cantando y bailando para Disney.

Experiencia previa de Hahn como cantante profesional y su relación con el karaoke

A pesar de que el público pudo apreciar su talento vocal en Marvel, Hahn fue clara sobre sus antecedentes: “Nunca había cantado profesionalmente en nada antes de Agatha, que fue una maravilla. Así que este es un gran paso adelante para mí”.

En WandaVision, interpretó la pegadiza “Agatha All Along”, revelando una faceta musical inesperada. Marvel luego incorporó aún más la música a Agatha All Along, con Hahn liderando al aquelarre en interpretaciones de “The Ballad of the Witches’ Road”.

Cuando la revista PEOPLE señaló que tal vez los fans no se habían dado cuenta de lo buena cantante que era antes de Agatha All Along, Hahn respondió: “No sé si diría eso, pero definitivamente soy muy buena en el karaoke”.

Al hablar de su canción preferida para las sesiones de karaoke, fue directa: “Pat Benatar. ‘Any Kind Of’”. Este acercamiento lúdico al canto marcó la diferencia entre sus experiencias anteriores y el reto de asumir un musical profesional.

Ensayos y sensaciones de Hahn durante la preparación en España

La preparación para el rodaje ha llevado a Hahn a ensayar en España, algo que ella misma describió como una experiencia completamente nueva dentro de su carrera. “Les digo a todos que me siento como en la película Fama. Estoy ensayando en España. Están filmando y yo he estado ensayando”, contó.

“He estado cantando y bailando. Es divertidísimo”, agregó. La actriz enfatizó el asombro y la diversión que le genera este reto artístico.

Sobre el proceso de ensayos, Hahn subrayó el ambiente vibrante y el trabajo físico exigente que requiere la película. En la D23 de 2024, sorprendió a los fans con una interpretación en directo de “The Ballad of the Witches’ Road”, lo que le dio una nueva oportunidad de demostrar sus dotes vocales ante un público multitudinario.

La dinámica de trabajo en España, combinada con la expectativa de los seguidores, ha hecho de este proyecto una etapa inédita para la actriz.

Desafíos físicos y personales al interpretar a Madre Gothel

El canto representa un reto para Hahn, pero el baile y la exigencia corporal han sido aún más desafiantes. “La flexibilidad es fundamental para mí. La gracia, la gracia natural y la agilidad no son fáciles de conseguir. Así que ha sido muy divertido descubrirlas”, reconoció.

El proceso de preparación la ha obligado a trabajar habilidades físicas que no eran habituales en su carrera, enfrentándose a situaciones inesperadas y a la necesidad de adaptarse rápidamente.

La actriz detalló cómo dar vida a Madre Gothel la ha llevado a buscar dentro de sí misma esas capacidades de movimiento y expresión. La cría en una torre aislada, la manipulación y el carácter teatral del personaje requieren una interpretación que combine malicia y destreza física.

Hahn expresó su entusiasmo por interpretar a Madre Gothel: “El personaje de Madre Gothel es fabuloso. Son cosas que nunca pensé que podría decir que hice en mi vida”. La complejidad de la villana, que secuestra a la pequeña Rapunzel y la cría en una torre fingiendo ser su madre, representa un desafío actoral y vocal.

En la versión animada original, Gothel tiene dos momentos musicales centrales: “Mother Knows Best” y “Mother Knows Best (Reprise)”, ambos con un giro teatral y oscuro.

Hahn también se refirió al respaldo de los fans y aseguró que fue “halagador” y “alucinante” ver que muchos la imaginaban en el papel de Madre Gothel en Enredados.

La versión live action de Disney llegará a los cines el 31 de marzo de 2028, lo que ha elevado las expectativas tanto de los fans como de la propia intérprete por mostrar una nueva faceta en la gran pantalla.

Una jueza de Estados Unidos rechazó el pedido urgente de Disney para frenar la revisión anticipada de las licencias de ocho estaciones de ABC por parte de la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC).

El caso, según Reuters, se convirtió en una prueba sobre los límites entre la potestad regulatoria del gobierno y la libertad de expresión de las emisoras, en medio de los reclamos del presidente Donald Trump para que esa cadena pierda sus licencias.

La magistrada Loren AliKhan, del tribunal federal de distrito en Washington, fijó el 24 de septiembre como fecha límite para la presentación de escritos legales y programó una audiencia para comienzos de octubre.

También dejó establecido que, si la FCC emite una orden para enviar esas licencias a una audiencia administrativa, las partes deberán comparecer ante el tribunal al día siguiente.

La decisión se conoció después de que Disney pidiera una audiencia antes del martes por su solicitud de una orden de restricción temporal.

El gobierno respondió que esa instancia anticipada no era necesaria, y la FCC aceptó dar un preaviso de al menos 48 horas antes de cualquier orden que remita las licencias de ABC a una audiencia.

La demanda apunta a la revisión anticipada de ocho licencias

La disputa judicial se centra en la revisión anticipada de las licencias de las ocho estaciones de ABC que son propiedad del grupo de entretenimiento.

En su demanda, Disney busca bloquear ese proceso y sostiene que la agencia federal intenta coaccionar y tomar represalias contra “una cadena que se niega a someterse a las exigencias de la administración”.

En esa misma presentación, la compañía describió las acciones de la comisión como “un ataque extraordinario a la libertad de expresión”. La argumentación, siempre según el planteo de la empresa, ubica el conflicto en un terreno que excede el trámite administrativo y lo conecta con decisiones editoriales y de programación de la cadena.

El gobierno, por su parte, cuestionó la necesidad de que el tribunal interviniera de manera inmediata, en particular con una orden de restricción temporal. Ese desacuerdo sobre el ritmo del proceso quedó reflejado en el intercambio previo a la resolución de la jueza y en el calendario que el tribunal terminó estableciendo.

La respuesta de la FCC y el alcance de la decisión judicial

El presidente de la FCC, Brendan Carr, respondió que la demanda de Disney carece de fundamento. También afirmó que todavía no decidió si remitirá las licencias de Disney a una audiencia, un punto que resulta central en el planteo procesal porque, de ocurrir, abriría un escenario distinto para las partes.

En ese marco, la jueza AliKhan definió un cronograma con un corte claro: el 24 de septiembre como fecha límite para los escritos legales y una audiencia para comienzos de octubre. Además, dejó asentado que, si la FCC emitiera una orden para enviar las licencias a una audiencia administrativa, el tribunal exigiría que las partes comparecieran al día siguiente.

La resolución llegó después de que Disney solicitara una audiencia antes del martes sobre su pedido de una orden de restricción temporal. Frente a esa pretensión, el gobierno respondió que no era necesaria una instancia anticipada y la FCC, en paralelo, aceptó otorgar un preaviso mínimo de 48 horas antes de cualquier orden que remita las licencias de ABC a una audiencia.

Un portavoz del organismo celebró la decisión judicial en declaraciones citadas por Reuters: “Nos complace que el juez haya rechazado el intento infundado de Disney de acudir precipitadamente a los tribunales. El tribunal también falló a favor de la FCC en lugar de Disney en lo que respecta al calendario previsto y denegó la solicitud de Disney de una orden judicial inmediata”.

Disney no hizo comentarios inmediatos sobre la resolución.

Un conflicto que se inscribe en choques con los medios

De acuerdo con Reuters, el caso se inscribe en una confrontación más amplia entre Donald Trump y los medios de comunicación. En ese contexto, la agencia señaló que el presidente lanzó una serie de ataques contra la prensa, y que el episodio se suma a una disputa de dos años entre Trump y Disney.

Ese telón de fondo aparece en el propio encuadre del litigio: para Disney, la actuación de la comisión federal se vincula con una presión del gobierno sobre un medio por decisiones editoriales y de programación. Para la FCC, en cambio, la acción judicial presentada por la empresa no justifica una intervención inmediata del tribunal, y el debate debe seguir el cauce procesal sin medidas urgentes.

El mes pasado, Trump volvió a reclamar que las emisoras de ABC perdieran sus licencias. Lo hizo después de que la cadena se negara a transmitir en horario central un discurso sobre las elecciones.

Ese antecedente es uno de los elementos que, según el reporte, le dio peso político al conflicto actual y reforzó la interpretación de Disney sobre el impacto de las presiones públicas.

A partir de ese escenario, la discusión quedó planteada en dos planos: el administrativo, ligado a las licencias y a la facultad de la FCC para revisar y eventualmente remitir el asunto a una audiencia, y el político, atravesado por los cuestionamientos del presidente a la cadena.

La resolución judicial, tal como se conoció, no cerró el fondo de la disputa, pero sí ordenó el ritmo del expediente y fijó condiciones para el caso de que la comisión avanzara con una orden.

Con el cronograma definido, las próximas instancias del proceso quedarán atadas a la presentación de escritos hasta el 24 de septiembre y a la audiencia prevista para comienzos de octubre, además del eventual escenario en el que la FCC disponga remitir las licencias a una audiencia administrativa, lo que activaría una comparecencia inmediata ante el tribunal al día siguiente.

Mia Talerico, conocida por interpretar a Charlie Duncan en la serie de Disney Channel Buena suerte Charlie, comenzó esta semana su último año de secundaria.

La actriz, de 17 años, compartió el miércoles 19 de agosto una serie de fotografías en su cuenta de Instagram con motivo de su primer día de clases.

En las imágenes, la famosa aparece con un top rosa de hombros descubiertos y sostiene una pizarra en la que se lee “1st Day Senior Year”, acompañada de la fecha.

En el texto de la publicación, la actriz escribió: “¡Último primer día! Ahora empiezo a sentirme vieja”.

Cabe recordar que Mia Talerico interpretó a Charlie Duncan en Buena suerte Charlie desde el estreno de la serie, en abril de 2010, hasta su conclusión, en febrero de 2014.

La producción seguía a los Duncan, una familia que vivía en Denver. Como parte de la trama, Teddy Duncan, interpretada por Bridgit Mendler, grababa videos destinados a su hermana menor Charlie, en los que compartía consejos para distintas etapas de su vida.

Después del final de la serie, Mia continuó vinculada a la actuación. Participó en varios cortometrajes y posteriormente interpretó a Paige en la serie Mani, producida por Brat TV, desde 2018 hasta 2022 y está previsto que aparezca en la próxima comedia American Summer, que se estrenará el 4 de septiembre de 2026.

En 2020, Talerico volvió a reunirse con varios de sus antiguos compañeros de Buena suerte Charlie durante una sesión especial por Zoom organizada con motivo del décimo aniversario de la serie.

En el encuentro participaron Mendler, Bradley Steven Perry, Jason Dolley, Leigh-Allyn Baker y Eric Allan Kramer.

Durante aquella conversación, Mia Talerico recordó algunos aspectos de su experiencia en el programa. La actriz explicó entonces que, debido a su corta edad, en algunas escenas recibía indicaciones sobre sus líneas o actuaba de acuerdo con lo que ocurría durante la grabación.

“Probablemente tuve un papel muy fácil porque me dijeron la mayoría de mis diálogos o simplemente no tenía ninguno”, dijo la artista, quien tenía 11 años en el momento de la entrevista.

Y añadió: “Creo que fue muy fácil porque, la mayoría de las veces, simplemente sucedía. Nos adaptamos, por ejemplo, en la escena en la que me arrastro, simplemente me puse de pie y seguimos adelante”.

Por si fuera poco, en enero de 2025 durante una entrevista en el programa Pucker Up With Joely Live, Mia Talerico dijo que estaba concentrada en sus estudios académicos pero deseaba tener más papeles.

“Me he estado concentrando en mis estudios y le he dicho a mi representante: ‘Oye, ¿podemos tomarnos un respiro? Dame algo de tiempo’. Pero le dije que quiero empezar a hacer más. Así que espero que pronto haya más oportunidades”, recordó.

En agosto de 2023, cuando tenía 14 años, Mia Talerico compartió fotografías correspondientes a su primer día de noveno grado. En aquella ocasión apareció junto a una pizarra colorida con el mensaje “First Day 9th Grade” y la fecha, además de utilizar el hashtag #classof2027.

La publicación de 2023 recibió, entre otros comentarios, uno de Leigh-Allyn Baker, quien interpretó a Amy Duncan, la madre de Charlie en la serie. Baker acompañó su mensaje con varios emojis y escribió que Talerico había crecido y que se veía hermosa. La actriz respondió llamándola “Mamá Leigh”.

La actriz ha mantenido durante estos años una presencia activa en redes sociales, donde comparte momentos relacionados con su vida personal y profesional.

Hulu incorporó a Sam Trammell, Sean Bridgers, Chris Coy, Kerry Bishé, Robin Weigert y Jean Louisa Kelly al reparto recurrente del reboot de Prison Break. La nueva versión contará una historia con protagonistas diferentes a los de la serie original y tendrá personajes dentro y fuera de una peligrosa prisión de Estados Unidos. El servicio todavía no comunicó cuándo se estrenará.

Los seis personajes que llegan a Prison Break

Trammell, conocido por su participación en True Blood, interpretará a Jarrod Boggs, un hombre poderoso con raíces profundas en Virginia Occidental. Los detalles disponibles no revelan sus intenciones, pero su influencia lo vinculará con los conflictos externos a la cárcel y con las redes de poder que rodean a los protagonistas.

Bridgers será Hollis, un padre de familia que intenta reconstruir su vida. Kelly asumirá el papel de Margaret, la nueva matriarca de una familia influyente con conexiones políticas. Estos personajes permitirán que la trama salga del centro penitenciario y explore una conspiración relacionada con sectores privilegiados de la sociedad estadounidense.

Dentro de la prisión estarán algunos de los perfiles más peligrosos del nuevo reparto. Bishé dará vida a Mary Smith, una reclusa misteriosa y amenazante, mientras que Coy interpretará a Mule, un preso descrito como impredecible. Ambos podrían convertirse en obstáculos directos para quienes intenten sobrevivir o escapar del penal.

Weigert será la capellana Bannon, responsable de prestar apoyo a los internos que lo necesiten. Su función la ubica en un lugar distinto al de Mary Smith y Mule: será una figura cercana al bienestar de los presos dentro de un entorno marcado por la violencia y la desconfianza.

Una historia separada de Michael Scofield y Lincoln Burrows

El reboot no continuará directamente la historia de Michael Scofield y Lincoln Burrows, los personajes centrales de la producción original. En cambio, seguirá a una ex soldado que comienza a trabajar como funcionaria de prisiones en uno de los centros penitenciarios más peligrosos del país. Su objetivo será demostrar hasta dónde está dispuesta a llegar por una persona a la que quiere.

La palabra reboot se refiere aquí a una nueva versión que conserva la premisa y el tono de la franquicia, pero cambia la historia y sus protagonistas. Las fugas, la supervivencia entre rejas y las conspiraciones seguirán presentes, aunque el conflicto partirá de una funcionaria con experiencia militar en lugar de los hermanos de la serie anterior.

Los seis fichajes recurrentes se suman a un elenco anunciado previamente. Esa lista incluye a Emily Browning, Drake Rodger, Lukas Gage, Clayton Cardenas, J.R. Bourne, Georgie Flores, Kelli Berglund y Myles Bullock. Hulu no detalló en esta información qué personajes interpretará cada integrante de ese primer grupo.

La combinación del reparto permite anticipar dos líneas conectadas. Una estará enfocada en los presos, el personal y las relaciones dentro de la cárcel; la otra abarcará familias políticas, figuras influyentes y personas que intentan rehacer su vida fuera del penal. Esa estructura mantiene la tensión entre una posible fuga y los intereses externos capaces de intervenir en ella.

El equipo creativo detrás del reboot

El proyecto está liderado por Elgin James, responsable de trabajos como Mayans M.C. y The Outlaws. James ejercerá como showrunner (la persona que dirige el desarrollo creativo cotidiano de una serie), productor ejecutivo y director del episodio piloto.

La producción también conservará vínculos con la serie original. Dawn Olmstead, productora ejecutiva de la primera etapa de Prison Break, regresará para participar en el reboot. El equipo de productores ejecutivos incluye además a Paul Scheuring, Marty Adelstein y Neal Moritz.

20th Television figura como el estudio responsable de la nueva serie. La presencia de parte del equipo creativo anterior convivirá con una historia independiente, un elenco distinto y una protagonista que llegará a la prisión como empleada en vez de ingresar inicialmente como reclusa.

Hulu aún no anunció la fecha de estreno ni confirmó cuándo comenzará la emisión de esta nueva etapa de Prison Break.

En 1979, Jerry Buss compró los Lakers y convirtió el baloncesto profesional en una producción de Hollywood: celebridades en las primeras filas, un estilo de juego rápido y listo para las cámaras, y un estadio diseñado para sentirse como un escenario. Lo llamó “Showtime”, y funcionó tan bien que se convirtió en el modelo que todas las ligas del mundo terminaron copiando.

Unos 47 años después, el equipo que Buss construyó como entretenimiento está siendo comprado por el hombre que pasó su carrera dirigiendo la mayor compañía de entretenimiento del mundo. Bob Iger, quien construyó Disney sobre la base de poseer historias que el mundo ya amaba, ahora está comprando la historia que Buss inventó.

El acuerdo, reportado el miércoles pasado por ESPN, valora a los Lakers en aproximadamente USD 12.500 millones, el precio más alto jamás pagado por una franquicia deportiva en Estados Unidos.

Iger y Josh Kushner, el capitalista de riesgo que fundó Thrive Capital, están en proceso de compra del equipo a Mark Walter, quien adquirió una participación mayoritaria de la familia Buss hace apenas 14 meses con una valoración de USD 10.000 millones, lo que supone un retorno de alrededor del 21% para Walter.

“Como fanáticos de la NBA de toda la vida, nos sentimos profundamente honrados por la oportunidad de ser los nuevos administradores de los Los Angeles Lakers, una de las franquicias deportivas más icónicas del mundo”, dijeron Kushner e Iger en una declaración conjunta. Y agregaron: “Tenemos un inmenso respeto por el liderazgo y la visión de Jerry y Jeanie Buss”.

Iger renunció como director ejecutivo de Disney en marzo, fue reemplazado por Josh D’Amaro, y asumió un rol de asesor en Thrive Capital, la firma de Kushner. Anteriormente, fue socio de riesgo en Thrive antes de que Disney lo llamara de regreso en 2022 para reemplazar a Bob Chapek como CEO. Antes de cerrarse este acuerdo, Kushner ya era jefe de Iger.

Una empresa de entretenimiento deportivo

Kushner, de 41 años, construyó Thrive Capital como una de las firmas de capital de riesgo más influyentes en tecnología, con inversiones tempranas en Instagram, Spotify, Stripe y OpenAI.

A principios de este año lanzó un segundo vehículo, Thrive Eternal, estructurado como un capital permanente destinado a comprar y mantener participaciones minoritarias en equipos deportivos y lo que la firma llama “otras marcas icónicas”. Su primer acuerdo fue una participación minoritaria en los San Francisco Giants.

En julio, el presidente de la FIFA, Gianni Infantino, presentó un plan para vender una participación en los derechos comerciales de la organización, incluidos los ingresos por transmisión y patrocinio de la Copa del Mundo, a través de una nueva subsidiaria llamada FIFA Forward Enterprise.

La subsidiaria tenía una valoración propuesta de USD 20.000 millones, con hasta 4.200 millones disponibles para inversores externos. Thrive Eternal de Kushner fue nombrado inversor principal. Tras una intensa reacción negativa y amenazas de boicot, la FIFA archivó el plan en una semana.

Tres semanas después, el mismo inversor cerró el mayor acuerdo de propiedad deportiva en la historia de Estados Unidos.

Kushner es el hermano menor de Jared Kushner, yerno y exasesor principal del presidente Donald Trump. Josh Kushner tiene su propia huella política: asistió a la manifestación March for Our Lives en 2018 junto a su ahora esposa, Karlie Kloss, en protesta contra la política de armas. Su donación política más reciente registrada fue para la Fundación Obama.

Los Lakers de los años 80, bajo Jerry Buss, fueron construidos deliberadamente tanto como entretenimiento como baloncesto. Mientras que Disney bajo el mando de Iger funcionaba con un principio similar, comprando Pixar, Marvel, Lucasfilm y 21st Century Fox por las historias que llevaban consigo, construyendo una franquicia en sí misma.

Walter, quien vende el equipo después de poco más de un año de propiedad, dijo en un comunicado que ser dueño de los Lakers había sido “uno de los grandes honores de mi vida”.

Cuando Walter compró el equipo el año pasado, el histórico ex basquetbolista Magic Johnson dijo a Los Angeles Times que Jeanie Buss había tomado la decisión correcta: “Una cosa que Jeanie iba a hacer era poner la franquicia en las manos correctas. Si iba a vender, tenía que ser la persona adecuada, y Mark Walter es la persona adecuada para tomar el control y guiarnos durante los próximos 30, 40 años. Así que, esta es la mejor noticia que podría haber pasado para todos los fanáticos de los Lakers en todo el mundo. Mark le ha puesto el ojo a los Lakers durante mucho tiempo”.

En X, Johnson agregó: “Los fanáticos de los Lakers deberían estar extasiados. Algunas cosas que puedo decir sobre Mark: lo impulsa ganar, la excelencia y hacer todo de la manera correcta”.

Unos 14 meses después, con Walter ya vendiendo, Johnson publicó su reacción a Iger y Kushner en X: “Fanáticos de los Lakers, no podrían tener dos mejores propietarios. Conozco a Bob personalmente desde hace más de 40 años: siempre ha amado a los Lakers y al baloncesto y traerá campeonatos de regreso a Los Ángeles”.

Johnson sabe cuál es el estándar. Ganó cinco campeonatos bajo Buss y desde entonces defendió el estándar de “Showtime” frente a cada propietario que lo sucedió, incluida una ruptura pública con Jim Buss.

(c) 2026, Fortune

El Universo Cinematográfico de Marvel se prepara para el estreno de Avengers: Doomsday, uno de los eventos más esperados en la pantalla grande. Con la fecha de lanzamiento fijada para el 18 de diciembre, la compañía ha publicado un listado oficial de películas y series que los fans deberían ver para llegar al cine con todos los detalles narrativos frescos.

Pero, además de la curiosidad por el orden sugerido, surge una pregunta esencial para los seguidores de la saga: dónde pueden verse, de manera legal, estos títulos en Latinoamérica, Estados Unidos y España.

Cuáles son las películas que se deberían ver antes de Avengers: Doomsday

Marvel Studios, junto a Disney+, lanzó una lista de 14 títulos considerados obligatorios para comprender el entramado que desemboca en ‘Avengers: Doomsday’. La selección abarca desde clásicos del estudio hasta producciones recientes, incluyendo largometrajes y series. Estos son los títulos que la compañía señala como indispensables:

• X-Men
• X2
• Capitán América: El primer vengador
• Avengers (Los Vengadores)
• Avengers: Infinity War
• Avengers: Endgame
• Loki (Temporadas 1 y 2)
• Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos
• Black Panther: Wakanda Forever
• Doctor Strange en el multiverso de la locura
• Deadpool y Lobezno
• Capitán América: Brave New World
• Thunderbolts
• Los 4 Fantásticos: Primeros pasos

Esta lista incluye tanto películas como series. El caso de ‘Loki’ es especial, ya que se recomienda ver las dos temporadas completas para entender las ramificaciones multiversales y su impacto en la saga.

Dónde ver todas las películas y series en Latinoamérica

Para quienes residen en Latinoamérica, la respuesta es Disney+, como la única plataforma que ofrece la totalidad del catálogo. Todos los títulos señalados por Marvel pueden verse en Disney+ mediante una suscripción.

No existe la opción legal de alquilar o comprar digitalmente estos títulos de manera individual en la región, ya que Disney desactivó el alquiler digital para Latinoamérica.

Opciones para verlas en Estados Unidos y España

En Estados Unidos, la situación es similar, aunque existen más alternativas para quienes no desean suscribirse a Disney+. El catálogo completo se encuentra disponible en Disney+, pero las películas pueden alquilarse o comprarse digitalmente en otros servicios como Apple TV, Amazon Prime Video, Google TV y Fandango at Home.

Sin embargo, es importante destacar que la serie ‘Loki’ solo está disponible en Disney+. No puede alquilarse ni comprarse digitalmente en ninguna plataforma. Por tanto, quienes quieran el recorrido completo sugerido por Marvel, incluyendo series, deberán recurrir, necesariamente, a Disney+.

En España, Disney+ también es la plataforma que reúne la totalidad del listado recomendado por Marvel, tanto películas como series. Para quienes prefieren no suscribirse, las películas pueden alquilarse o comprarse en servicios como Apple TV, Prime Video Store, Google TV, Rakuten TV y Movistar Plus+.

Al igual que en otras regiones, ‘Loki’ es un contenido exclusivo de Disney+. No está disponible para alquiler ni compra digital en ninguna otra plataforma dentro de España, por lo que para completar el recorrido es imprescindible una suscripción.

Disney+ se transforma en “super app”

Disney anunció un ambicioso plan para convertir Disney+ en una “super app” que integrará streaming, videojuegos, comercio digital y funciones potenciadas por inteligencia artificial.

La propuesta busca ofrecer a los usuarios un entorno único donde películas, series, experiencias interactivas y compras convivan bajo una misma plataforma, con personalización avanzada y beneficios exclusivos para suscriptores.

El CEO Josh D’Amaro explicó que la inteligencia artificial será clave para mejorar procesos y fomentar la creatividad de narradores y creadores, siempre manteniendo el control artístico humano. Además, la app permitirá acceder a videojuegos vinculados a las franquicias más populares y facilitará la compra de productos oficiales, fusionando entretenimiento y comercio de manera fluida.

Disney también anunció una alianza con TikTok para incorporar contenido generado por usuarios seleccionados dentro de Disney+, ampliando la interacción y el alcance de sus marcas. El despliegue de las nuevas funciones comenzará en la primavera de 2027, anticipando una nueva era para el entretenimiento digital.

“Disney” no significa diversión cuando se trata del Cártel de Sinaloa: en sus comunicaciones, era el nombre clave para una de las ciudades donde distribuían fentanilo en Estados Unidos. Así lo revelan las transcripciones de llamadas intervenidas que forman parte de un expediente judicial al que la periodista Laura Sánchez Ley, de Milenio, tuvo acceso, y que documentan cómo una célula de esa organización operó una red que abarcó 13 estados del país vecino mientras planeaba expandirse a Israel, Jordania y Nueva Zelanda.

La droga nunca circuló con su nombre real en esas conversaciones. Los operadores la llamaban “azul”, “morado”, “blanco” o “verde”, y encubrían otras ciudades de distribución bajo apodos como “Las Torres” o simplemente “Los Ángeles”, un sistema de claves que los investigadores tardaron meses en descifrar.

La Fiscalía General de la República (FGR) detectó la operación mediante la intervención de más de una decena de líneas telefónicas, autorizadas entre el 26 de septiembre de 2023 y el 21 de febrero de 2024. La investigación arrancó después de que una denuncia anónima alertara sobre el cruce de droga en la frontera Mexicali-Calexico.

El código del Cártel: claves, apodos y ciudades disfrazadas

El expediente del juicio —o toca penal— 21/2025, resuelto el 23 de abril de 2026 por el Primer Tribunal Colegiado de Apelación del Segundo Circuito, con sede en Toluca, Estado de México, recoge las transcripciones de esas llamadas. Detrás de los eufemismos, los investigadores identificaron una red de distribución que llegó a Los Ángeles, Chicago, Nueva York, Atlanta, Nueva Jersey, Connecticut, Massachusetts, las dos Carolinas, Jacksonville, Bakersfield, Arizona y Ohio.

La logística, según reconstruyó la FGR a partir de las escuchas, partía de laboratorios clandestinos en los municipios de Pericos y Culiacán, Sinaloa. De ahí, el producto se embalaba y trasladaba hasta Mexicali, Baja California, donde un operador coordinaba el cruce hacia Calexico.

Para evadir los escáneres de rayos X de la aduana estadounidense, la organización desarrolló una técnica precisa. Uno de los operadores la explicó en una llamada intervenida: “Cuando pasa el rayo no sale en forma de cuadro porque este va comprimido”, en referencia al fentanilo escondido dentro de tanques de gasolina en bolsas selladas al vacío.

El grupo utilizó vehículos particulares, personas conocidas como “mulas” y camiones de carga a los que llamaban “trocas” o “fletes”. La denuncia que detonó toda la investigación partió de una madre de Mexicali cuya hija fue detenida el 10 de mayo de 2023 por la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza (CBP) al cruzar la frontera con metanfetamina.

La “Casa Azul” de Culiacán y los nueve cateos del 8 de marzo de 2024

Las autoridades catearon nueve domicilios vinculados a la organización el 8 de marzo de 2024. En uno de ellos, conocido internamente como la “Casa Azul” y ubicado en Culiacán, encontraron 499 ampolletas de cristal con líquido amarillo, ocho bolsas con sustancia cristalina y documentos con referencias a embarques de químicos desde China hacia la Ciudad de México.

Un oficio del Centro Federal de Inteligencia Criminal, fechado en diciembre de 2023, precisó que los precursores para fabricar el fentanilo ingresaban a México por los puertos marítimos de Mazatlán y Topolobampo. Los insumos —sosa cáustica, benceno y metileno— se adquirían en China, y la organización los procesaba en Sinaloa para convertirlos en producto terminado.

La escala del negocio quedó expuesta en una llamada citada en el expediente. Uno de los operadores detalló la ecuación a otro: “El producto que compra en China le sale en 2 mil 500 dólares y ya traerlo en 5 mil dólares [...] de un kilo, saca otro kilo”, lo que sugiere que cada kilo de precursor importado se convertía en dos kilos de droga lista para el mercado.

Los propios integrantes de la red describieron su operación con términos empresariales. En otra llamada recogida en el expediente, uno de ellos declaró: “Nosotros somos como una empresa, una empresa con negocios; en días pasados, no estaba redituable, porque los precios bajan y no estábamos sacando mucho al margen”.

El plan hacia Israel y la conexión con Hernán Domingo Ojeda López

En octubre de 2023, en plena expansión de la red en territorio estadounidense, uno de los cabecillas de la célula le ordenó a otro integrante: “Vaya viendo la posibilidad de abrir mercado en países como Jordania, Israel y Nueva Zelanda”. El interlocutor tardó semanas en retomar el tema, pero confirmó que el plan se llevaría a cabo.

Laura Sánchez Ley reportó en Milenio que la mención de esos tres países aparece en al menos dos ocasiones dentro de las comunicaciones intervenidas, lo que indica que la idea se retomó y discutió en distintos momentos a lo largo de varias semanas. La expansión no era logísticamente descabellada: Jordania, Israel y Nueva Zelanda quedan geográficamente más cerca de China —proveedor de los precursores— que el propio mercado estadounidense.

El expediente vincula esta red con Hernán Domingo Ojeda López, alias “El Mero Mero”, tío de Ovidio Guzmán López. Las autoridades lo señalan como uno de los principales operadores del tráfico de fentanilo desde Culiacán hacia Estados Unidos para la facción del Cártel de Sinaloa conocida como La Mayiza.

Ojeda López fue detenido el 16 de diciembre de 2024 en Badiraguato, Sinaloa, y vinculado a proceso diez días después. El método de operación documentado en el expediente —producción en Culiacán y cruce por Mexicali-Calexico— coincide con el que las autoridades mexicanas y estadounidenses le atribuyen directamente.

La vinculación a proceso de los integrantes de la red fue confirmada por tribunales federales en al menos tres resoluciones distintas. La primera, relacionada con un individuo que coordinó la producción junto con su hijo, fue ratificada el 23 de abril de 2026 por el Primer Tribunal Colegiado de Apelación del Segundo Circuito.

La segunda resolución involucra al señalado como líder de la operación, responsable de adquirir los precursores en China y coordinar su distribución en Estados Unidos. Fue vinculado a proceso el 28 de noviembre de 2025 y, para entonces, ya había sido entregado a las autoridades estadounidenses.

La tercera apelación de ese mismo caso fue confirmada el 30 de junio de 2026. El expediente completo suma más de cuarenta evidencias: informes de inteligencia, dictámenes de química forense, actas de cateo y oficios de agencias estadounidenses.

El rastreo telefónico que permitió documentar todo comenzó cuatro días después de la denuncia anónima, el 25 de septiembre de 2023, cuando un policía federal ministerial identificó a uno de los grupos criminales que operan en Baja California. Ese mismo día, un oficio de la Oficina de Seguridad Nacional de Estados Unidos confirmó que el nombre mencionado en la denuncia correspondía a alguien investigado desde agosto de 2015 como cabecilla de una organización dedicada al tráfico de metanfetamina, cocaína y heroína.

Los registros de esa investigación revelaron que ese mismo sujeto se había declarado culpable en marzo de 1996, en una corte de California, por conspiración para distribuir metanfetamina y heroína. Cumplió 135 meses de prisión en Estados Unidos y fue deportado a México en noviembre de 2007.

La investigación de la FGR cerró el ciclo de escuchas el 21 de febrero de 2024, después de casi cinco meses de intervenciones telefónicas. En ese tiempo, los investigadores escucharon cómo la organización coordinaba envíos, discutía precios, resolvía problemas de producción y trazaba su expansión hacia mercados fuera del continente americano.

Kathryn Hahn será Mother Gothel en la versión de acción real de Enredados, una elección que circuló durante años entre los seguidores de Disney y que ahora quedó confirmada en la antesala del estreno previsto para 2028. La actriz habló sobre esa expectativa en una entrevista con People durante el evento D23: The Ultimate Disney Fan Event 2026, que tuvo lugar hace pocos días en Estados Unidos.

Kathryn Hahn, de 53 años, se refirió a la campaña de los seguidores que impulsó su elección como Mother Gothel, la antagonista de Enredados, en la próxima adaptación de acción real de Disney. Sobre el hecho de que esa movilización terminara convertida en una decisión oficial de casting, la actriz declaró a People: “Tengo conocimiento de eso. Sé que la gente lo ha querido. Así que es muy humillante y halagador; también resulta realmente extraño que finalmente suceda”.

La confirmación pública llegó horas más tarde durante una presentación de la compañía, donde el estudio mostró un mensaje de Milo Manheim y Teagan Croft, quienes aparecerán como Flynn Rider y Rapunzel. En ese marco, Hahn se dirigió al público con una frase que recogió People: “Ustedes manifestaron que yo interpretara a Mother Gothel en la versión de acción real de Enredados, así que gracias”.

Una elección alentada por los fans

La posibilidad de que Hahn encarnara a la villana circuló durante mucho tiempo en redes sociales y foros de seguidores de Disney. De acuerdo con People, la actriz conocía ese respaldo previo y sostuvo que la concreción del proyecto le produjo una sensación poco habitual incluso dentro de una carrera extensa en cine y televisión.

Durante su intervención en el evento, Hahn describió al personaje con una combinación de ironía y entusiasmo. “Tenían razón. Yo soy Mother Gothel”, dijo ante los asistentes, antes de enumerar rasgos del personaje en tono humorístico. También señaló que le atrae ese tipo de antagonista que se percibe a sí misma como la figura correcta de la historia. “Es la mejor clase de villana. Es la que cree de verdad que es la heroína”, afirmó en declaraciones recogidas por People.

Esa definición ofrece una pista sobre el enfoque que podría tener la nueva versión de Disney, que vuelve sobre uno de los títulos animados más reconocidos del estudio. En la película original, Gothel ejerce un vínculo de control sobre Rapunzel y construye una relación marcada por la manipulación, la dependencia y el encierro.

El atractivo de un personaje teatral

Hahn también se refirió a las exigencias expresivas del papel. En diálogo con People, bromeó con que durante un tiempo su página en IMDb incluía entre sus habilidades especiales la capacidad de “hacer caras”. A partir de esa referencia, sostuvo que se siente cómoda con registros amplios y exagerados, rasgo que encaja con la lógica visual y corporal de una adaptación de animación a imagen real.

La nueva versión le permitirá cantar y bailar, dos facetas que la actriz no exploró con frecuencia en su trabajo profesional. Esa dimensión escénica forma parte de la identidad del personaje, asociado en la historia a una presencia dominante y a una estética marcada por el artificio teatral.

“Es un papel fabuloso”, señaló Hahn, según detalló People. Luego agregó que el proyecto le da acceso a experiencias que no imaginó incluir en su carrera, entre ellas cantar, bailar e incluso interactuar con uno de los elementos más recordados del relato: el larguísimo cabello dorado de Rapunzel.

Distancia entre la ficción y la vida personal

Aunque en la película interpretará a una figura materna, Hahn estableció una separación tajante entre el personaje y su experiencia como madre. Consultada sobre si su relación con sus hijos influye en la construcción de Gothel, respondió que no encuentra puntos de contacto significativos.

“No, en absoluto”, respondió la actriz cuando surgió esa comparación, de acuerdo con People. Incluso añadió, con tono de broma, que tendría que preguntárselo a su propia hija, aunque consideró que existe “muy, muy, muy poca superposición” entre ambas realidades.

La observación refuerza la distancia entre la figura pública de Hahn y una antagonista que, en el universo de Enredados, queda definida por el control y la manipulación emocional. En ese sentido, el personaje se mantiene como uno de los ejes dramáticos centrales del relato y como una pieza clave para el tono de la adaptación.

El entrenamiento pendiente de Ahsoka

Uno de los ejes de los nuevos episodios será la relación entre Ahsoka y Anakin. Según la información presentada junto con el avance, el fantasma de la Fuerza de su antiguo maestro la acompañará en el presente y la impulsará a completar el entrenamiento que quedó inconcluso.

Un fantasma de la Fuerza es la manifestación espiritual de un Jedi después de su muerte, capaz de comunicarse con personas vivas. Este recurso permitirá que Hayden Christensen vuelva a compartir escenas con Dawson y que la serie retome el vínculo entre ambos personajes desde dos momentos diferentes.

La temporada incluirá recuerdos inéditos de las lecciones tradicionales entre maestro y padawan durante el período previo a la caída de la República. Esas secuencias ampliarán una etapa que las producciones de Star Wars ya abordaron desde distintas perspectivas: Ahsoka fue aprendiz de Anakin antes de abandonar la Orden Jedi, una decisión que dejó su formación formal sin terminar.

En el presente de la historia, Anakin buscará que su antigua aprendiz complete ese recorrido y se convierta finalmente en Caballero Jedi. El conflicto plantea una tensión concreta para el personaje: aceptar la orientación de su maestro después de conocer su caída y su transformación en Darth Vader.

Thrawn avanza contra la Nueva República

Mientras Ahsoka busca regresar a la galaxia principal, Thrawn continuará con su plan de restauración imperial. El personaje interpretado por Lars Mikkelsen intentará catalogar a la Nueva República como una facción rebelde, invirtiendo así el orden político establecido después de la derrota del Imperio.

El tráiler anticipa amenazas nuevas y antiguas, además de reencuentros con aliados de la protagonista. La información difundida no detalla cómo Ahsoka conseguirá volver ni qué obstáculos encontrará durante ese trayecto, pero vincula su misión directamente con los movimientos del almirante.

La primera temporada dejó a varios personajes separados de la galaxia principal y estableció el regreso de Thrawn como una amenaza para el gobierno surgido tras la caída imperial. Los nuevos capítulos retomarán ese punto, con el antagonista intentando recuperar influencia y modificar la percepción pública de la Nueva República.

El reparto anunciado incluye también a Rory McCann, Eman Esfandi y Steve Blum. Esfandi regresará como Ezra Bridger, mientras que las fuentes no ofrecen detalles sobre el alcance de los demás personajes ni sobre la cantidad de episodios de esta segunda entrega.

Dos fechas informadas para el estreno

Disney+ confirmó que la serie llegará en enero de 2027, aunque existe una diferencia entre las fechas publicadas. Una de las fuentes ubica el estreno el miércoles 20 de enero; la otra señala el miércoles 27. Ninguna de las dos explica el motivo de la discrepancia, por lo que el día definitivo requiere una actualización directa en el calendario de la plataforma.

El estreno quedará situado pocos meses antes del lanzamiento cinematográfico de Star Wars: Starfighter, previsto para mayo de 2027. Si se mantiene el calendario informado, Ahsoka podría ser el último gran proyecto televisivo de Star Wars antes de la llegada de esa película a los cines.

Disney+ todavía no informó la cantidad de capítulos ni si toda la temporada estará disponible desde el primer día o seguirá un modelo de publicación semanal. Por ahora, la ventana confirmada es el 20 de enero de 2027.

El material mostrado, aún en fase de storyboard y con música provisional, arrancó una ovación del público asistente.

La secuencia arranca con Homero Simpson y sus vecinos en un partido de los Springfield Isotopes. Una pelota de béisbol sale disparada de las gradas y desata una persecución que arrastra a prácticamente todos los habitantes de la ciudad.

La carrera pasa por la taberna de Moe, donde los huevos encurtidos del local son confundidos con la pelota; luego continúa por una sala de urgencias, calle abajo y hasta el interior de la Cervecería Duff.

Allí, Homero cae en un tanque de cerveza y termina expulsado por una chimenea de la fábrica, para aterrizar de vuelta en el estadio.

Bart recoge la pelota con total indiferencia, provocando el célebre grito de “¡D’oh!” —no solo de Homer, sino de todos los que lo acompañaron en la persecución.

El material proyectado estuvo compuesto en su mayor parte por storyboards en color con música temporal, entre la que los presentes identificaron un pasaje del compositor Jan De Bont para la película Speed.

Aunque la animación no era definitiva, la secuencia circuló en redes sociales minutos después de su presentación: a diferencia de la Comic-Con de San Diego, la seguridad de D23 permitió a los asistentes grabar con sus dispositivos.

El tono de la escena remite al episodio de la temporada 3 de Los Simpson titulado “Homero at the Bat”, con una cadena de gags que recuerdan a las grandes secuencias de los Looney Tunes, repletas de cameos de personajes secundarios.

Entre ellos aparece Jacques Brunswick, un personaje de los primeros tiempos de la serie, al que se le ve arrojado contra el urinario de un baño.

Fue la presidenta de Disney Entertainment, Dana Walden, quien introdujo el material ante el público de D23 tras un intercambio en pantalla con Bart Simpson.

“Este filme no sale hasta el próximo septiembre, así que lo que van a ver es muy preliminar. Normalmente no mostraríamos algo tan temprano, pero Bart insistió. Y cuando vimos este material, acordamos que ustedes son el público perfecto para verlo primero”, dijo Walden.

¿De qué tratará la nueva película de “Los Simpson”?

Los detalles argumentales de The New Simpsons Movie son escasos.

El creador de la serie, Matt Groening, ya había ofrecido una pista —o quizás un guiño— en la Comic-Con de San Diego en 2025.

“No debería decir esto, pero quería hacer una película de Los Simpson que fuera el musical de El planeta de los simios. Solo necesitamos los derechos de El planeta de los simios”, declaró Groening con ironía.

El propio creador tiene una relación conocida con esa franquicia: en el episodio de la temporada 7 “A Fish Called Selma”, de 1996, la serie ya incluyó un número musical titulado Stop the Planet of the Apes, I Want to Get Off!, interpretado por el personaje Troy McClure.

El showrunner Matt Selman fue algo más críptico al referirse a las posibilidades de la nueva entrega. “Hay muchas tecnologías nuevas que serían divertidas de explorar. Eso es lo que diré”, señaló.

Lo que sí queda claro a partir del material presentado es que la persecución de una pelota de home run en el estadio de los Isotopes forma parte de la trama, aunque hasta qué punto será el eje central del filme es algo que el estudio no ha confirmado.

El anuncio de la secuela se realizó en septiembre de 2025 con el eslogan “Homer’s coming back for seconds”. La primera película, estrenada el 21 de julio de 2007, recaudó 536,7 millones de dólares en todo el mundo.

Aquella cinta obtuvo nominaciones al mejor largometraje de animación en los BAFTA, los Globos de Oro, los Critics Choice y los Annie Awards, aunque no logró entrar en la terna de los Óscar de ese año, dominada por Ratatouille, de Brad Bird para Pixar.

The New Simpsons Movie llegará a las salas de cine el 3 de septiembre de 2027. Para cuando se estrene, Los Simpson estará a punto de lanzar su temporada 39.

La huida junto a Thomas Shepard

La sinopsis presenta a Visión reiniciado y escondido después de escapar de quienes intentaban convertirlo en un arma. Sin un propósito claro, el personaje consulta a las distintas personalidades de inteligencia artificial integradas en su programación mientras trata de comprender su identidad y procesar lo ocurrido en Westview.

Su vida oculta termina cuando aparece una recompensa por su cabeza. La persecución lo obliga a huir junto a Thomas Shepard, un joven misterioso que podría ser la reencarnación de su hijo. Ese vínculo retoma un rumor que circuló durante años alrededor del proyecto y lo transforma en el eje de la serie.

El avance todavía mantiene en secreto la verdadera identidad de Thomas y las circunstancias de su encuentro con Visión. La descripción oficial indica que el protagonista deberá evitar su captura, resistir una influencia interna y resolver el enigma de su acompañante para sobrevivir. La posibilidad de que el joven sea realmente su hijo queda planteada como una pregunta, no como una respuesta definitiva.

El tráiler también incluye detalles visuales asociados con La Visión, la serie de cómics escrita por Tom King y dibujada por Gabriel Hernández Walta. Esa obra exploraba los intentos del personaje por construir una vida propia y entender las emociones humanas, temas que vuelven a aparecer en el material presentado para Disney+.

Ultrón y las voces dentro de Visión

Entre las personalidades alojadas en la programación de Visión se encuentra Ultrón, interpretado otra vez por James Spader. El antagonista es considerado su padre debido a su participación en la creación del personaje y ahora convivirá con él dentro de su mente. La relación será uno de los principales conflictos: Visión necesitará recurrir a esas voces para encontrar respuestas, pero tendrá que impedir que Ultrón controle sus decisiones.

La serie incorporará otras inteligencias artificiales conocidas de Marvel: F.R.I.D.A.Y., E.D.I.T.H. y J.A.R.V.I.S.. Una IA, sigla de inteligencia artificial, es un programa diseñado para procesar información y responder de manera autónoma; dentro de esta historia, cada sistema tendrá una personalidad diferenciada y podrá intervenir en los pensamientos del protagonista.

Esa disputa mental acompañará una amenaza física. Mientras intenta entender los programas que forman parte de él, Visión será perseguido por quienes quieren capturarlo y deberá proteger a Thomas. El tráiler alterna así la búsqueda personal del personaje con una huida en la que todavía se desconoce quién ofreció la recompensa.

El reparto incluye a James D’Arcy, Diane Morgan y Ruaridh Mollica, además de Bettany y Spader. También regresará Faran Tahir como Raza, el personaje que interpretó en Iron Man. Su aparición se producirá 18 años después de aquella película, aunque las fuentes todavía no detallan cómo se relacionará con Visión, Thomas o sus perseguidores.

El cierre de la trilogía televisiva

VisionQuest continuará las consecuencias de WandaVision y Agatha en todas partes, dos producciones conectadas por Westview, la magia de Wanda Maximoff y las identidades de sus hijos. La historia también llega después de Doctor Strange en el multiverso de la locura, película que retomó parte del conflicto de Wanda tras los acontecimientos de la primera serie.

Marvel Studios presenta el nuevo proyecto como la entrega definitiva de esa trilogía. La estructura le permitirá centrarse en preguntas que quedaron abiertas desde WandaVision: qué ocurrió con Visión después de recuperar sus recuerdos, cuál es su identidad tras ser reiniciado y qué pasó con los hijos creados durante la anomalía de Westview.

El estreno se producirá antes de Avengers: Doomsday, otro de los proyectos destacados durante las novedades de D23. En paralelo, circuló un reporte sin confirmación oficial que señala que Marvel Studios reduciría la cantidad de series de acción real para dar más espacio a la animación, después de la recepción de X-Men 97 y Tu amigo y vecino Spider-Man.

Por ahora, Marvel Studios confirmó el tráiler, el reparto principal y el 14 de octubre como fecha de llegada de VisionQuest a Disney+.

Spider-Man: Un nuevo día, protagonizada por Tom Holland, superó los 2.000 millones de dólares en la taquilla mundial durante su tercera semana en cines. La película de Marvel Studios y Disney acumula 2.021.832.000 dólares, se mantiene en el primer puesto global y ya es la entrega de Spider-Man con mayor recaudación de la historia.

Un récord alcanzado en tres semanas

Según los datos publicados por Box Office Mojo, la nueva película del Hombre Araña se convirtió en la octava producción cinematográfica que logra superar los 2.000 millones de dólares. El grupo es mucho más reducido que el de los títulos que cruzaron los 1.000 millones: apenas 65 películas alcanzaron esa primera barrera en la historia del cine.

El ritmo de recaudación también distingue a la película. Spider-Man: Un nuevo día necesitó tres semanas para ingresar al club de los 2.000 millones, el segundo mejor registro conocido. La única producción que llegó más rápido fue Avengers: Endgame, que alcanzó la cifra en 11 días.

El desempeño le permitió superar a Spider-Man: Sin camino a casa y convertirse en la película más taquillera de la franquicia. También pasó a ser el largometraje protagonizado por un superhéroe individual con mayores ingresos en salas. Su permanencia en el primer lugar durante la tercera semana indica que todavía conserva margen para sumar varios millones antes de terminar su recorrido comercial.

Las cifras adquieren otra dimensión por el tiempo transcurrido desde el último estreno estadounidense que atravesó esa barrera. Habían pasado tres años y medio desde que Avatar: El sentido del agua superó los 2.000 millones. Spider-Man: Un nuevo día terminó con ese período y lo hizo cuando todavía queda buena parte de agosto, un tramo del calendario sin grandes competidores señalados por las fuentes.

La carrera por subir en la lista histórica

Con 2.021 millones de dólares, Spider-Man: Un nuevo día ocupa actualmente el octavo puesto entre las películas más taquilleras de todos los tiempos. Sus próximos objetivos están cerca: Avengers: Infinity War registra 2.052 millones, mientras que Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza suma 2.071 millones.

La diferencia es de alrededor de 31 millones respecto de Avengers: Infinity War y de 50 millones frente al episodio de Star Wars. Si mantiene ingresos diarios de decenas de millones, la producción podría superar ambas películas y alcanzar el sexto lugar histórico.

El salto siguiente es bastante mayor. Titanic, ubicada en el quinto puesto, tiene una recaudación aproximada de 2.264 millones de dólares. Para alcanzarla, Spider-Man: Un nuevo día tendría que sumar más de 240 millones a su total actual. Esa distancia explica por qué su ascenso inmediato parece posible, mientras que entrar en los primeros cinco lugares dependerá de cuánto tiempo conserve público en las salas.

También surgieron proyecciones sobre una eventual llegada a los 3.000 millones de dólares, una cifra que ninguna película ha alcanzado. Por ahora, los datos disponibles no permiten sostener ese escenario: todavía faltan casi 1.000 millones y el desempeño de las próximas semanas será decisivo. Otro objetivo mencionado es superar los 1.000 millones únicamente en Estados Unidos, algo que tampoco tiene precedentes en la taquilla cinematográfica.

En la categoría de películas basadas en cómics, Spider-Man: Un nuevo día aún tiene por delante a Avengers: Infinity War y Avengers: Endgame. La primera está al alcance de su recaudación actual, pero Endgame conserva una ventaja mucho más amplia.

El impacto para Tom Holland y los próximos estrenos

El resultado llega mientras continúa la incertidumbre sobre cuánto tiempo seguirá Tom Holland interpretando a Peter Parker. Aunque no existe una confirmación sobre su permanencia después de esta película, una recaudación superior a los 2.000 millones aumenta el incentivo comercial de Marvel Studios y Disney para mantenerlo en el papel.

El éxito también antecede al próximo gran estreno compartido de Marvel, Avengers: Doomsday. Las fuentes señalan que la película registra una preventa fuerte, aunque todavía no se difundieron cifras concretas que permitan compararla con Spider-Man: Un nuevo día o con anteriores entregas de los Avengers.

La cartelera de julio de 2026 produjo otro resultado relevante. La Odisea, la película épica dirigida por Christopher Nolan, acumula 1.290 millones de dólares. Esa recaudación la ubica en el puesto 29 de la clasificación histórica mundial.

Sin duda este ha sido el año de Anne Hathaway gracias al estreno de El diablo viste de Prada 2, Mother Mary, La Odisea, El final de Oak Street y, todavía tiene pendiente Verity. La sombra de un engaño, basado en una novela de Colleen Hoover. También se encuentra en fase de ‘posproducción’ Alone in the Dark, un drama ambientado en la Guerra de Afganistán dirigido por Ron Howard.

Pero, además, sigue preparando proyectos, entre los que se encontraría la tercera entrega de la saga Princesa por sorpresa. Hace unas semanas, la veterana actriz Julie Andrews declaró que no participaría en esta ocasión ya que había decidido retirarse del cine por su avanzada edad (tiene 90 años).

Sin embargo, Hathaway, ha contado que presionó “muy fuerte” para que Andrews regresara como la reina Clarisse Renaldi en Princesa por sorpresa 3, pese a la negativa de la intérprete de míticas películas como Sonrisas y lágrimas.

Anne Hathaway sobre la vuelta de Julie Andrews

Tras recibir su reconocimiento como Disney Legends en la D23 Expo, Hathaway reaccionó en una entrevista con Entertainment Tonight al rechazo de Andrews: “Antes que nada, solo quiero decir que si cambia de opinión, estamos dentro. Cualquier cosa, de verdad. Pero también queremos ser respetuosos. Por el amor de Dios, si alguien ha contribuido al mundo del entretenimiento y a nuestra alegría colectiva, es ella. Lo que ella quiera, lo entendemos completamente”.

La actriz agregó: “Presionamos muy fuerte para ver si le gustaría hacerlo”. Andrews, por su parte, explicó al medio que siente que esa etapa ya quedó atrás: “Creo que la verdad absoluta es que creo que ya superé todo eso. No estoy completamente retirada, pero es un tipo de trabajo diferente el que hago estos días: escribir libros, y hago muchas grabaciones de podcasts y locuciones. Pero, de verdad, no creo que deba ser parte de eso”.

Los detalles sobre Princesa por sorpresa 3 se mantienen bajo reserva, pero la película continuará la historia centrada en Mia Thermopolis, interpretada por Hathaway, que, en la primera parte, descubría que era la heredera al trono de Genovia. En el cierre de Princesa por sorpresa 2, Mia era coronada reina tras la eliminación de la norma que exigía que una monarca estuviera casada.

Las claves de ‘Princesa por sorpresa 3′

Hathaway dijo a Entertainment Tonight que esperaba que la tercera entrega “fuera divertida” para quienes siguían la saga desde el estreno de 2001. “Quiero que las mujeres que tenían seis años cuando salió la primera película —muchas de las cuales ya son madres, y tal vez tengan hijos de esa misma edad— sientan que llevan a sus hijos a ver algo que fue importante para ellas, un recuerdo fundamental, algo que formó parte de su corazón y de sus vidas”, dijo. “Y eso significa hacerle justicia. Significa dedicar el tiempo necesario para construirlo realmente bien. Es mucha presión, pero creo que tenemos un equipo magnífico”.

La dirección estará a cargo de Adele Lim y el guion lo escribe Flora Greeson; Aadrita Mukerji había redactado una versión anterior antes de que el equipo de producción cambiara de rumbo.

La maldición del titán lleva la historia hacia un conflicto mayor

La temporada comenzará cuando Grover descubre a dos jóvenes semidioses en una academia militar. La misión para encontrarlos se complica después de un enfrentamiento que termina con la desaparición de Annabeth Chase y el secuestro de la diosa Artemisa.

Ante las dos ausencias, Percy Jackson deberá colaborar con las Cazadoras de Artemisa, un grupo directamente ligado a la deidad. La expedición también incluirá a Grover y Thalia Grace, quienes recorrerán Estados Unidos para intentar resolver la crisis antes del solsticio de invierno.

La búsqueda enfrentará al grupo con Atlas y con las fuerzas vinculadas al ejército de Cronos. El plazo tiene una razón concreta: durante el solsticio se reunirá el Consejo de los Dioses, encargado de tomar decisiones que afectarán el futuro del Olimpo. La historia también avanzará sobre la Gran Profecía, uno de los ejes centrales del conflicto planteado en los libros.

El cambio de tono responde al material elegido. La tercera novela introduce amenazas más directas, separa temporalmente a varios de los protagonistas y amplía el peso de los titanes dentro de la trama. Tras adaptar dos libros en sus temporadas anteriores, la serie seguirá el orden de publicación de la obra de Riordan.

El tráiler anticipa nuevos escenarios y ocho episodios

Las primeras imágenes presentan personajes y locaciones que todavía no habían aparecido en la adaptación. Disney+ difundió el avance después de revelar la fecha durante un panel dedicado a la serie en la San Diego Comic-Con. El material más amplio fue reservado para la D23, el evento en el que Disney muestra novedades de sus principales producciones.

La tercera temporada conservará la estructura de ocho episodios utilizada por la serie. La renovación anticipada permitió que la filmación comenzara en agosto de 2025, más de un año antes del estreno previsto. Esa decisión buscó reducir el intervalo entre entregas y avanzar con una historia que requiere más personajes y escenarios que las anteriores.

El tráiler también muestra el tono más oscuro asociado con La maldición del titán. La amenaza deja de concentrarse únicamente en las misiones de Percy y alcanza a Artemisa, al Consejo de los Dioses y a los grupos que participan en la guerra contra Cronos. Esa escala será clave para conectar la temporada con los acontecimientos posteriores de la saga literaria.

Walker Scobell encabeza un reparto con nuevas incorporaciones

Walker Scobell volverá como Percy, acompañado por Leah Sava Jeffries en el papel de Annabeth y Aryan Simhadri como Grover. Los tres actores seguirán al frente del elenco después de protagonizar las dos primeras adaptaciones de los libros.

Tamara Smart asumirá un papel central como Thalia Grace. El personaje tendrá participación directa en la expedición para localizar a Annabeth y rescatar a Artemisa, después de haber ganado importancia dentro de la historia de los semidioses.

Entre las principales incorporaciones aparecen Levi Chrisopulos y Olive Abercrombie, quienes interpretarán a Nico di Angelo y Bianca di Angelo, respectivamente. Los hermanos son hijos de Hades y tendrán consecuencias importantes para los siguientes capítulos de la historia, tanto por su origen como por su relación con la profecía.

El reparto también incluye a Charlie Bushnell, Dior Goodjohn y Daniel Diemer. Con el rodaje iniciado desde agosto de 2025 y la fecha ya anunciada, los ocho episodios de Percy Jackson y los dioses del Olimpo llegarán a Disney+ el 20 de noviembre de 2026.

Un cruce entre temporadas

El póster oficial y el primer adelanto presentan una entrega construida alrededor de los vínculos entre las doce temporadas anteriores. En lugar de partir de una historia completamente separada, la nueva trama recuperará personajes, antagonistas e imágenes reconocibles de varias etapas de la antología creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk.

Entre los regresos confirmados se encuentran Constance Langdon, Cordelia Goode, Madison Montgomery, Marie Laveau, Rubber Man, Twisty The Clown y Kai Anderson. La combinación conecta casas embrujadas, aquelarres, circos y otros escenarios que la serie exploró desde su estreno en 2011.

Murphy explicó que la temporada fue diseñada como una carta de amor a los seguidores de las entregas más populares. El productor identificó a Murder House, Asylum, Coven, Freak Show y Cult como algunas de las favoritas del público. También adelantó que ciertos integrantes del reparto interpretarán a dos personajes procedentes de temporadas diferentes dentro de una misma escena.

Ese recurso convierte la entrega en un crossover interno. Es decir, personajes que originalmente pertenecían a relatos independientes compartirán una misma historia. El avance todavía no explica qué acontecimiento los reunirá ni cuál será la relación entre sus respectivas líneas temporales.

El reparto que vuelve

Además de Lange, Paulson y Peters, el elenco principal incluye a Angela Bassett, Kathy Bates, Emma Roberts, Billie Lourd, Gabourey Sidibe, Leslie Grossman y Joey Pollari. Bassett volverá a estar vinculada con Marie Laveau, mientras que Roberts retomará a Madison Montgomery.

La lista difundida para la temporada también incorpora a Avantika, Jamie Brewer, Elle Chapman, Berto Colon, Alex Consani, Frances Conroy, Mat Fraser, Seth Gabel, Orlando Jones, Paul Anthony Kelly, John Carroll Lynch, Tig Notaro, Madelaine Petsch, Fedor Steer, Mena Suvari, Zach Villa y John Waters.

El tamaño del reparto responde a la estructura planteada para la temporada: reunir intérpretes asociados con distintas épocas de la serie y permitir que algunos recuperen más de un papel. El adelanto se concentra en esas apariciones y evita revelar detalles concretos de la historia, por lo que todavía no se informó quién funcionará como protagonista central o antagonista principal.

El regreso de Lange es uno de los elementos centrales de la promoción. La actriz participó en las primeras cuatro temporadas y reapareció posteriormente en la franquicia. Paulson y Peters también interpretaron numerosos personajes desde los primeros años de la producción, una dinámica propia del formato de antología, donde el reparto puede regresar cada temporada con papeles diferentes.

Calendario, producción y cifras

La temporada tendrá 13 episodios de aproximadamente 30 minutos. Disney+ estrenará tres capítulos el 24 de septiembre y anunció que las siguientes entregas llegarán los viernes, con un cierre previsto para el 30 de octubre.

Los datos comunicados dejan una duda sobre la distribución completa. Si después del estreno inicial llegara un solo episodio cada viernes, el período hasta el 30 de octubre no alcanzaría para publicar los diez capítulos restantes. Los materiales promocionales no detallan si algunos viernes habrá estrenos múltiples o si parte del calendario será diferente.

Todas las temporadas anteriores ya pueden verse en Disney+, lo que permite revisar las historias de los personajes confirmados antes del nuevo cruce. Según las cifras difundidas con el anuncio, American Horror Story acumula más de 100 nominaciones a los premios Emmy y superó las 700 millones de horas reproducidas alrededor del mundo.

Murphy y Falchuk trabajan como productores ejecutivos junto con Ned Martel, Charlie Carver, Eric Kovtun, Nissa Diederich, Scott Robertson, Tanase Popa, Crystle Roberson Dorsey, Jennifer Salt y Tim Minear. La producción está a cargo de 20th Television. El último de los 13 episodios tiene previsto llegar a Disney+ el 30 de octubre.

La tragedia de Victor von Doom

El tráiler incorpora datos sobre el origen del antagonista. La voz de Vanessa Kirby relata que Doom fue una vez un hombre amable y un buen amigo, antes de atravesar una tragedia que cambió su vida. Según el material presentado, perdió a su esposa y a su hijo, cayó en una depresión y terminó convertido en una amenaza capaz de provocar la destrucción del multiverso.

Sus objetivos concretos todavía permanecen ocultos. El avance presenta el dolor familiar como el punto de partida de su transformación, pero no explica qué pretende conseguir ni cómo llegó a reunir el poder que exhibe en las imágenes. La historia conecta al personaje con la misma realidad de Los 4 Fantásticos, un dato que marcará el encuentro entre distintos grupos de héroes.

El tráiler termina de remarcar su identidad con la frase “Yo soy Muerte”, una variación directa de “Yo soy Iron Man”, la línea asociada durante años con Tony Stark.

Esa conexión tiene un peso especial por la elección de Robert Downey Jr., quien interpretó a Iron Man durante las tres primeras fases de las películas de Marvel. En los cómics, Victor von Doom y Tony Stark son personajes diferentes y no comparten identidad. Marvel todavía no explicó si el parecido físico será parte de la trama, si se tratará de una variante o si Downey Jr. aparecerá permanentemente detrás de la máscara.

X-Men, Centinelas y cruces

Aunque Doctor Muerte ocupa el centro del avance, las imágenes ofrecen una mirada más amplia a los X-Men. Los mutantes se cruzarán con los Avengers y Los 4 Fantásticos dentro del conflicto, mientras Doom obtiene el control de un ejército de Centinelas, las máquinas creadas para perseguir y combatir mutantes.

El tráiler también enfrenta al villano con Thor. El poder del dios asgardiano parece insuficiente para detener al rey de Latveria, quien termina elevado a un nivel de poder superior mientras controla a los Centinelas. La escena combina dos rasgos clásicos de Doom: su capacidad científica y su dominio de las artes oscuras.

En las historietas, Victor von Doom es científico, ingeniero, hechicero y gobernante de una nación sometida a su autoridad. Las adaptaciones anteriores modificaron varios de esos elementos, mientras que Avengers: Doomsday parece conservar su combinación de tecnología y magia. Su vínculo con Los 4 Fantásticos también fue anticipado en la escena posterior a los créditos de Los 4 Fantásticos: Primeros pasos, aunque allí su rostro quedó oculto.

La presentación incluyó otro indicio sobre posibles incorporaciones al reparto. Antes del tráiler se proyectó un video en el que Hugh Jackman, con la intervención de Ryan Reynolds, intentaba convencer a Kevin Feige de incluir a Deadpool y Wolverine en la película. El segmento continuó una broma iniciada en la Comic-Con, pero Marvel todavía no confirmó oficialmente la participación de ambos personajes.

El camino hacia Avengers: Secret Wars

Marvel no ofreció durante el panel nueva información sobre Avengers: Secret Wars, prevista para 2027. Sin embargo, las fuentes señalan que la historia de Avengers: Doomsday continuará en esa película, con Doctor Doom como pieza central del conflicto.

La referencia a los Centinelas, la reunión de distintas formaciones de héroes y la posible destrucción del multiverso preparan una escala cercana a la de Secret Wars en los cómics. En esas historias, Doom alcanza poderes divinos y crea un mundo bajo sus propias reglas, donde confluyen personajes procedentes de realidades diferentes.

El nuevo avance sugiere un recorrido similar al mostrar al villano por encima de Thor y al mando de tecnología vinculada con los X-Men. Marvel todavía debe aclarar cuánto tomará de los cómics, qué papel tendrá cada equipo y cómo enlazará ambas películas.

Avengers: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, cuatro meses después de la presentación del tráiler en D23. Avengers: Secret Wars continuará la historia en 2027, aunque su fecha exacta y los detalles de su argumento no fueron anunciados durante el panel.

Kristen Bell e Idina Menzel subieron juntas al escenario para presentar las imágenes y anunciaron que sus personajes, Anna y Elsa, “se embarcarán en su mayor aventura hasta el momento”. Bell confirmó que Anna contraerá matrimonio con Kristoff —interpretado por Jonathan Groff— y que “esta boda real se ha hecho esperar mucho”. Las actrices también interpretaron la canción “Frozen Heart”, con algunos problemas técnicos de por medio.

Las imágenes proyectadas en la sala muestran la noche de bodas de Anna y Kristoff, cuando ambos descubren a Elsa en un muelle examinando una piedra cristalina que parece abrir un portal hacia otra dimensión. Menzel describió ese destino como “una tierra salvaje y peligrosa, más que cualquier cosa que Elsa haya creado”. Al cruzar lo que aparenta ser un portal, el grupo se topa con la nueva antagonista: una mujer de cabello corto y negro, con una capa oscura, cuyo rostro no llega a verse en el adelanto. Su primera línea de diálogo es dirigida directamente a las hermanas: “Las hermanas de Arendelle, por fin nos encontramos”. Según informó Deadline, la figura parece poseer poderes sobre el hielo similares a los de Elsa, aunque Disney no reveló su nombre ni sus orígenes.

Josh Gad se unió a Bell y Menzel en el escenario para interpretar una canción sobre el amor del muñeco de nieve Olaf por una tal Samantha, en referencia a un chiste de la segunda película. La presencia del amor romántico, según adelantaron las estrellas, alcanza a todos los personajes de la historia.

La película arranca, según las imágenes mostradas en D23, con el cristal cayendo a los pies de Elsa durante la celebración nupcial. Al examinar la piedra junto a Anna y Kristoff, el grupo divisa una aurora en el cielo que los conduce a ese reino helado donde aguarda la nueva antagonista.

El adelanto del viernes llega dos años después de que Disney mostrara en la edición anterior de D23 arte conceptual de la película: Elsa y Anna montadas en caballos distintos, con Olaf a la espalda del de Anna, avanzando hacia un palacio blanco en un horizonte veraniego. Elsa aparecía sobre el espíritu del agua Nokk, y una figura con cuernos proyectaba su sombra desde el río. La directora y productora ejecutiva Jennifer Lee había declarado entonces: “Había muchas preguntas sin respuesta tras Frozen 2... Harán falta dos películas para responderlas”, según recogió Deadline.

La franquicia llega a esta tercera entrega con una trayectoria de más de 2.760 millones de dólares en taquilla global y dos premios de la Academia. La primera película, de 2013, recaudó 1.280 millones de dólares; Frozen 2, de 2019, superó esa cifra con 1.450 millones. El estreno de Frozen 3 estaba previsto inicialmente para 2026, pero se pospuso. Gad explicó en 2025 el motivo: “Hay una razón por la que la película se estrena en 2027, y es que nadie quiere apresurarla. Queremos que esté a la altura de la historia que nos propusimos contar en 2013”.

El exdirector ejecutivo de Disney, Bob Iger, había confirmado en noviembre de 2023 que una cuarta entrega también estaba en desarrollo, aunque sin fecha de estreno anunciada. Frozen 3 llegará a los cines el 24 de noviembre de 2027.

La disputa por el control de los Los Angeles Lakers sumó un nuevo episodio después de que se conociera la decisión de una parte de la familia Buss de vender su participación restante en la franquicia.

Los Angeles Times informó que la familia conserva un 17,8% de la organización y que ese paquete quedó en el centro de una negociación con Bob Iger, ex CEO de The Walt Disney Company, y Joshua Kushner, fundador de la firma de inversión Thrive Capital.

La maniobra abrió una interna entre los herederos de Jerry Buss y puso en duda la continuidad de Jeanie Buss como principal autoridad del equipo.

La reacción de Jeanie Buss llegó de inmediato. Tal y como publicó Los Angeles Times, la ejecutiva envió una carta a través de su abogado para rechazar la validez de una votación familiar que habilitaría la venta de esas acciones.

Su planteo sostiene que la operación no puede completarse sin el aval de todos los fideicomisarios, entre ellos ella misma y sus hermanos menores Janie Buss y Joey Buss.

Ese punto no es menor. La estructura legal del fideicomiso familiar fija condiciones concretas para el manejo de las acciones, y Jeanie Buss entiende que cualquier maniobra que altere ese esquema viola acuerdos previos y resoluciones judiciales.

De acuerdo con el diario angelino, la empresaria advirtió que una decisión en otro sentido implicaría un incumplimiento de los deberes legales de quienes administran el fideicomiso e incluso un desacato judicial.

El porcentaje que define el futuro de Jeanie Buss

El aspecto más sensible del caso pasa por el requisito que impone la NBA para ocupar la gobernación de una franquicia. Los Angeles Times detalló que el reglamento exige una tenencia mínima del 15% para conservar ese lugar dentro de la junta de gobernadores. Si la familia Buss vende la totalidad de su participación, Jeanie dejaría de cumplir con esa condición y perdería la posibilidad de seguir en ese cargo.

El argumento legal de Buss se apoya en una resolución judicial de 2017. De acuerdo con Los Angeles Times, ese cambio en el fideicomiso ordenó a los cotitulares tomar todas las medidas razonables para garantizar que Jeanie fuera elegida cada año como controladora de la franquicia durante toda su vida.

En la interpretación de su defensa, una venta que deje a la familia por debajo de ese piso contradice de forma directa ese mandato.

La respuesta atribuida a la familia Buss mostró otra mirada. En la declaración citada por ESPN y reproducida por Los Angeles Times, los herederos señalaron: “Hemos decidido como familia vender las acciones restantes del Fideicomiso Familiar Buss al grupo de Bob Iger como parte de la operación en curso”.

En ese mismo mensaje agregaron: “Amamos a los Lakers, a los fanáticos y seguiremos apoyando a Los Ángeles, pero es momento de aprovechar esta oportunidad para seguir adelante y salir con elegancia mientras todavía podemos”.

Una venta récord y el fin de una era histórica

La discusión familiar ocurre dentro de una operación de escala extraordinaria. Los Angeles Times afirmó que Mark Walter había acordado vender su participación controlante de los Lakers a Iger y Kushner con una valuación de USD 12.500 millones, una cifra récord para una franquicia deportiva de Estados Unidos.

Ese número no solo redefinió el precio del equipo. También aceleró el cierre de una etapa histórica para una de las marcas más reconocidas del deporte mundial.

La familia Buss era propietaria de los Lakers desde 1979, cuando Jerry Buss compró la franquicia, el Forum y Los Angeles Kings por USD 67,5 millones.

Bajo esa conducción, los Lakers construyeron buena parte de su identidad moderna. El equipo sumó 10 campeonatos durante la era Buss y consolidó una imagen asociada al espectáculo, a las figuras globales y al peso cultural de Los Ángeles dentro de la NBA.

Nombres como Magic Johnson, Kareem Abdul-Jabbar, Shaquille O’Neal y Kobe Bryant quedaron ligados a ese ciclo.

Los nuevos dueños y una transición bajo tensión

La llegada de Iger y Kushner también marca un cambio de perfil en la cúpula del club. La conducción quedará asociada a figuras del mundo empresarial y financiero, sin vínculo histórico con la estructura que moldeó a la franquicia durante décadas.

Los Angeles Times remarcó que todavía no está claro cómo financiarán la compra total del equipo.

La nota también recordó que la pelea entre los hermanos Buss no es nueva. En 2017, Jeanie enfrentó a sus hermanos Johnny y Jim en otra batalla por el control interno, y ese conflicto terminó con la salida de ambos de las operaciones del equipo.

Meses atrás, además, los nuevos dueños desplazaron a Joey y a Jesse de sus cargos dentro de la organización.

La venta aún debe recibir la aprobación de la junta de gobernadores de la NBA. Ese trámite será el próximo paso formal de una operación que también definirá si Jeanie Buss puede sostener su lugar dentro de la estructura de poder de los Lakers.