Donghae, integrante del grupo Super Junior, anunció el lanzamiento de su álbum como solista titulado “ALIVE”, siendo esta su primera producción musical de forma independiente.

Después de 20 años dentro de la industria del K-pop y del entretenimiento, el artista surcoreano se adentrará a una nueva etapa como músico, donde explorará otros tipos de géneros y sonidos distintos a los acostumbrados.

Las fanáticas del interprete de “California Love” tomaron la noticia con mucho entusiasmo, después de años de espera para un primer disco, a pesar de que el compositor ha estrenado diversas canciones bajo su autoría a lo largo de su trayectoria musical.

¿A qué hora se estrena el álbum “ALIVE” de Donghae?

De acuerdo con la información proporcionada en las redes sociales del artista, el disco completo saldrá a la luz el próximo lunes 20 de abril a las 04:00 am hora México, en todas las plataformas digitales de música.

Simultáneamente, se estrenará el video musical “ALIVE” en el sitio web Youtube, dando inicio a esta nueva etapa para el integrante de la banda de K-pop, Super Junior.

Previamente, como un regalo para sus seguidoras por todo el apoyo hacia este proyecto, lanzó el pasado 7 de abril la producción audiovisual “Good Day”, una canción que forma parte del material discográfico.

Lista de canciones del disco

Esta álbum reúne una selección de canciones que exploran distintas facetas musicales y emocionales de Donghae, después de dos décadas en la industria.

La producción de las melodías cuentan con la colaboración de varios compositores y arreglistas, reflejando un trabajo en equipo que se evidencia en la diversidad de estilos y letras.

1. ALIVE (SKIT) (compuesta y arreglada por 17, jelly)
2. EAST COAST (letra de Donghae, 1L, 김준태; compuesta por Donghae, 1L, 17, jelly, 김준태; arreglada por 17, jelly)
3. Good Day (feat. 박재범, 1L) (letra de Donghae, 박재범, 1L; compuesta por Donghae, 박재범, 1L, 17, jelly, Son Gilhyeon, 김준태; arreglada por 17, jelly)
4. 해 떴네 (letra de Donghae, 1L; compuesta por Donghae, 1L; arreglada por 1L)
5. RACE (letra de Donghae, 1L; compuesta por Donghae, 1L; arreglada por 1L)
6. HELP (letra de Donghae, 1L; compuesta por Donghae, 1L, 17, jelly; arreglada por 17, jelly)
7. ROCKET (letra de Donghae, 1L; compuesta por Donghae, 1L, 17, jelly; arreglada por 17, jelly)
8. Goodbye (feat. TABLO) (letra de Donghae, TABLO, 1L; compuesta por Donghae, TABLO, 1L, 17, jelly; arreglada por 17, jelly)
9. TOO LATE (letra de Donghae, 1L; compuesta por Donghae, 1L, 17, jelly; arreglada por 17, jelly)
10. FLOWER (letra de Donghae, 1L, 김준태; compuesta por Donghae, 1L, 17, jelly, 김준태; arreglada por 17, jelly)
11. TO YOU (SKIT) (compuesta y arreglada por 17, jelly)
12. HBD (letra de Donghae, 1L; compuesta por Donghae, 1L, 17, jelly, Ryan Shin; arreglada por 17, jelly)
13. BEAUTIFUL (letra de Donghae, 1L; compuesta por Donghae, 1L, 17, jelly; arreglada por 17, jelly)

Las ciudades de Vigo, Sevilla y Málaga acogerán en 2024 una serie de conciertos exclusivos en los que Pasión Vega presentará su nuevo álbum dedicado a la filmografía de Pedro Almodóvar. El espectáculo, bajo la dirección escénica de Joan Antón Rechi y con arreglos de Moisés P. Sánchez, recorrerá varias localidades a partir del mes de marzo, según informó el medio Europa Press. En este contexto, la cantante andaluza ha dado a conocer el sencillo “En el último trago”, tema que sirve de adelanto a un trabajo discográfico en el que interpreta temas reconocidos ligados a las películas del director manchego.

Según detalló Europa Press, el disco, titulado “Pasión Almodóvar”, saldrá a la venta en marzo y se compone de versiones de canciones seleccionadas por su relevancia en la obra cinematográfica de Almodóvar. La primera muestra del repertorio ofrecida por Vega es su versión de “En el último trago”, originalmente escrita por José Alfredo Jiménez, tema que formó parte de la banda sonora de “La flor de mi secreto”, una de las películas que componen la filmografía del cineasta español.

La elección de “En el último trago” como primer sencillo constituye una incursión de la artista en el repertorio de uno de los autores más representativos de la ranchera mexicana. Europa Press publicó que esta aproximación musical se enmarca en la tendencia de Pasión Vega de rendir homenaje a figuras culturales relevantes, como ya lo hiciera anteriormente, en el caso de Federico García Lorca, con su disco “Lorca Sonoro”.

El homenaje de Vega a Almodóvar busca poner en valor la música que ha acompañado momentos significativos en las películas del cineasta. Para este proyecto, la artista ha optado por reversionar piezas incluidas en diferentes momentos del cine almodovariano. Además, el enfoque de la producción pone el acento en la interpretación vocal y los nuevos arreglos orquestales de Moisés P. Sánchez, lo que supone una reinterpretación de las canciones adaptada al estilo personal de la intérprete andaluza, indicó Europa Press.

El espectáculo en directo “Pasión Almodóvar” contará con puestas en escena dirigidas por Joan Antón Rechi. La gira arrancará en Vigo el 6 de marzo, seguirá en Sevilla el 15 de marzo y continuará en Málaga los días 25 y 26 de junio de 2024. El itinerario incluirá además otros destinos por confirmar, ampliando así la posibilidad de que seguidores de diferentes regiones asistan al recital, según consignó Europa Press.

Europa Press también recordó que la trayectoria de Pasión Vega se ha caracterizado por propuestas en las que entrelaza el teatro, la literatura y la música. El disco “Pasión Almodóvar” continúa con esta orientación, buscando crear una experiencia que trascienda el formato de concierto tradicional e integre diferentes disciplinas artísticas. La producción reúne temas que, en palabras de la artista, están “ligados de manera esencial a la emoción y la memoria colectiva que caracteriza el universo almodovariano”.

La presencia de “En el último trago” en la banda sonora de “La flor de mi secreto”, estrenada en 1995, representa uno de los momentos musicales recordados del cine de Pedro Almodóvar. Adicionalmente, el legado de José Alfredo Jiménez y su influencia en la música latinoamericana servirán como base para la reinterpretación que presentó Pasión Vega, reportó Europa Press.

En el repertorio de “Pasión Almodóvar”, los asistentes a los conciertos previstos podrán escuchar otras piezas emblemáticas provenientes de filmes del director manchego, aunque el listado completo de canciones se anunciará próximamente. Por su parte, la colaboración creativa con Joan Antón Rechi y el trabajo en los arreglos musicales con Moisés P. Sánchez refuerzan la apuesta de Vega por proyectos en los que la música dialoga con otras formas de expresión artística.

La publicación de “En el último trago” como sencillo anticipa el lanzamiento del álbum y genera expectación entre seguidores de la cantante y del propio Almodóvar, ya que propone un viaje musical a través de las canciones que han formado parte de su trayectoria en el cine español. Esta propuesta artística se suma a otros homenajes realizados por la andaluza en anteriores producciones, marcando una línea de continuidad en su carrera.

En el contexto del inicio de su serie de conciertos, Nebulossa comenzará a presentar su nuevo disco el 22 de marzo en el Teatro Eslava de Madrid. Este evento acompañará la reciente salida de su álbum 'Virtuzorrismo', que se dio a conocer el viernes 20 de febrero y representa el segundo trabajo de estudio del dúo. Según consignó el medio que reportó el lanzamiento, el grupo ha apostado por una diversidad de estilos dentro del pop electrónico para esta entrega, donde se funden géneros como el synthwave, el house y sonidos influenciados por la música disco de los años ochenta.

'Virtuzorrismo' está compuesto por un total de 15 canciones, dentro de las que destacan títulos como 'Zorra', 'Venenosa', 'Cotilleo', 'Cicatrices', 'Fantástica', '2 Locas' y 'Vogue'. De acuerdo con lo publicado, el álbum recorre distintas vertientes sonoras, mostrando una inclinación por la experimentación en la producción y en la elección de ritmos. El proyecto busca ofrecer tanto temas bailables como otros con una atmósfera más introspectiva, manteniendo una línea estilística asociada a la nostalgia por la década de los ochenta.

El medio que anunció el lanzamiento también detalló que el inicio de la gira coincide con la llegada de este nuevo material discográfico, lo que posiciona al concierto en Madrid como el primer encuentro entre el público y el repertorio completo del álbum. Esta presentación en la capital española dará paso a futuras fechas en otras ciudades, donde Nebulossa tiene previsto seguir interpretando los sencillos incluidos en 'Virtuzorrismo'.

Dentro del conjunto de canciones, 'Zorra' se perfila como uno de los sencillos más representativos del álbum, acompañado de otros como 'Vogue', que remiten tanto en su nombre como en su sonoridad a iconos y corrientes artísticas de décadas pasadas. El álbum despliega así una variedad estilística que engloba tanto guiños a la música de pista de baile como exploraciones de texturas electrónicas más contemporáneas.

Según destacó la plataforma que difundió la información, el trabajo de producción refleja una búsqueda consciente de actualizar el legado de la música electrónica ochentera, sin dejar de integrar elementos actuales del género. A esto se suma la apuesta de Nebulossa por letras y temáticas que buscan resonar entre las nuevas generaciones de oyentes, integrando a su vez referencias culturales asociadas al dance y al pop internacional.

La gira que acompaña el lanzamiento del disco representa un paso clave en la trayectoria del dúo, ya que posibilitará el encuentro directo con su audiencia y la adaptación de las nuevas canciones al formato en vivo. El debut en Madrid se convierte así en un hito para Nebulossa, que se dispone a compartir en directo la propuesta de 'Virtuzorrismo' en escenarios relevantes de la escena musical española.

Temas como 'Venenosa', 'Cotilleo', 'Cicatrices', 'Fantástica' y '2 Locas' forman parte de una narrativa musical articulada por sonidos y letras que revisitan elementos del pasado, mientras se insertan en las dinámicas de la música pop electrónica actual. El medio que cubrió el estreno subrayó que la selección de los temas refleja una apuesta por combinar la estética retro con influencias contemporáneas, lo que confiere al disco una identidad definida.

El inicio de la gira el 22 de marzo abre la oportunidad para que Nebulossa consolide una presencia más sólida entre los seguidores del pop electrónico nacional, ampliando así su alcance tras la publicación de ‘Virtuzorrismo’.

Víctor García inicia una nueva etapa artística con un próximo proyecto discográfico que mira al pasado como fuente de inspiración. El cantante y actor apuesta por reinterpretar canciones de antaño, aquellas que dejaron huella en varias generaciones y que hoy busca resignificar desde la emoción y la memoria colectiva.

Este regreso musical no es casual. Para García, la música tiene un valor emocional que conecta historias familiares, recuerdos de infancia y momentos compartidos. Esa visión se refleja en la selección de temas que integran su nuevo material.

El proyecto también marcará un momento clave en su carrera, ya que este año tendrá su presentación en el Auditorio Nacional, programada para el próximo 27 de agosto como parte de Mi regreso Tour.

Un disco que conectará generaciones

En declaraciones al programa Sale el Sol, Víctor García explicó que este disco nace de su deseo por cantar temas que permanecen en la mente y el corazón del público. “Es una época maravillosa, es música de antaño. Quiero cantar buenas canciones”, expresó.

El intérprete subrayó que su objetivo es reunir a la familia a través de la música. Desde niños hasta adultos mayores, el cantante busca que cada show se convierta en un punto de encuentro donde distintas generaciones compartan la misma emoción.

Para García, este material también funcionará como un homenaje a las personas que crecieron escuchando esas canciones, al mismo tiempo que permite que los más jóvenes las descubran y valoren.

Recuerdos de infancia y gratitud sobre el escenario

El cantante recordó que desde muy pequeño estuvo rodeado de esa música y cuando tenía apenas tres años ya escuchaba esos temas en reuniones familiares, observando incluso la forma de vestir y celebrar de sus tíos.

Esa cercanía temprana con la música marcó su sensibilidad artística. Hoy, asegura que su energía en el escenario surge desde el agradecimiento y el amor por lo que hace, tanto en conciertos como en grabaciones.

“Lo hago con mucho corazón y con mucha entrega”, afirmó, destacando que la honestidad es la base de su relación con el público que lo ha acompañado a lo largo de su carrera.

El reto del Auditorio Nacional

Víctor García se prepara para un momento histórico: su primera presentación en el Auditorio Nacional. El cantante adelantó que ofrecerá un espectáculo a la altura del recinto y del esfuerzo que hace el público por asistir.

Señaló que su intención es entregar un show completo, cuidado y emocionalmente significativo. La preparación, dijo, forma parte de un año que arrancó con actividad, entusiasmo y compromiso artístico.

Con este concierto y su nuevo disco, Víctor García reafirma su identidad como cantante y actor, recordado también por su paso por La Academia, y consolida un regreso que apuesta por la memoria, la emoción y la música que trasciende el tiempo.

El regreso de Harry Styles a la música en 2026 ya causa sensación entre sus seguidores mexicanos, quienes buscan conocer cuánto costará su nuevo disco Kiss All The Time. Disco, Occasionally y qué artículos oficiales pueden conseguir desde México.

La tienda oficial de Harry Styles habilitó la preventa internacional de varios productos exclusivos.

Los precios aparecen en dólares canadienses (CAD), y a continuación se muestra el equivalente estimado en pesos mexicanos.

¿Cuánto cuesta el disco y la merch oficial de Harry Styles en México?

Estos son los productos principales ofrecidos en la tienda oficial y sus precios:

• Limited Edition Smoke Machine Vinyl: $50 CAD (aprox. $650 MXN)
• Limited Edition Casebook CD: $41 CAD (aprox. $533 MXN)
• Photo Tee + CD Box Set: $57 CAD (aprox. $741 MXN)
• Limited Edition Silver Glitter Cassette: $29 CAD (aprox. $377 MXN)
• Black Vinyl: $48 CAD (aprox. $624 MXN)
• CD estándar: $22 CAD (aprox. $286 MXN)
• Limited Edition Kiss Vinyl: $50 CAD (aprox. $650 MXN)
• Limited Edition Camera + CD Box Set: $127 CAD (aprox. $1,651 MXN) Este kit se encuentra agotado hasta el cierre de la nota.

Los precios en pesos mexicanos son aproximados y pueden variar según el tipo de cambio y los cargos de importación o envío.

¿Qué merch oficial está disponible del nuevo disco de Harry Styles?

La tienda oficial de Harry Styles ofrece estos artículos de colección:

• Vinilos de edición limitada con arte exclusivo.
• Casetes en edición especial con acabado glitter.
• Box set con camiseta y CD.
• Ediciones especiales de CD con presentación tipo casebook.
• Playeras con fotografías oficiales del álbum.
• El kit especial de cámara y CD, actualmente agotado por alta demanda.

La tienda permite hacer preventas y recibir notificaciones sobre futuras reposiciones para los productos agotados.

¿Cómo comprar el disco y la merch en México?

Las compras de preventa pueden realizarse directamente desde la web oficial del cantante.

El sitio acepta tarjetas bancarias y métodos de pago digitales, y realiza envíos internacionales, incluidos a México. El costo final dependerá del peso del paquete y los aranceles de importación aplicables.

Christian Nodal sorprendió a sus seguidores al compartir este 15 de enero, desde su canal de Instagram, un adelanto exclusivo de las canciones que compondrán su esperado álbum de 2026.

Entre los títulos revelados, uno llamó especialmente la atención: ‘Amor’, lo que ha desatado especulaciones sobre si el tema está dedicado a su esposa, Ángela Aguilar, o si es una referencia al controversial meme.

El anuncio de Nodal en redes sociales

Durante la mañana, Nodal publicó un video en su cuenta de Instagram donde aparece revisando la lista de tracks de su próximo material discográfico.

El cantante, fiel a su estilo cercano y espontáneo con sus fans, mostró por primera vez los nombres de las nuevas canciones, generando gran expectativa en la industria musical y entre sus seguidores.

“¿Querían música? Fierrofly", colocó.

El adelanto, que se viralizó en cuestión de minutos, fue interpretado por muchos como una muestra de la confianza que Nodal tiene en su nuevo proyecto.

Sin embargo, fue el nombre de una de las canciones, ‘Amor’, el que encendió las redes sociales, alimentando rumores sobre si se trata de una dedicatoria especial a Ángela Aguilar, con quien mantiene una de las relaciones más mediáticas del espectáculo.

La lista completa de canciones del nuevo disco de Nodal

La lista de canciones que Nodal compartió para su álbum previsto para 2026 incluye los siguientes títulos:

• Fin de mes
• Un vals
• Si yo tuviera
• Se cancela
• Ojos llorosos
• Modo frágil
• Miel con licor
• Lo de andar dolido
• Buena suerte
• Amor
• Bandera blanca
• Para qué
• Aquí donde te extraño
• Intacto

Asimismo, el intérprete de Ya no somos ni seremos detalló que también habrán duetos.

La variedad en los nombres sugiere que el próximo álbum explorará diferentes etapas emocionales y estilos dentro del repertorio de Nodal, quien ha sabido conquistar al público tanto con baladas como con temas de desamor.

¿Cuándo lanzará el álbum?

En su canal de Instagram, el yerno de Pepe Aguilar lanzó una encuesta para que sus fans decidieran cuándo debería salr el disco, sin embargo, detalló que era ‘el primero del año’, por lo que fans se cuestionaron en redes si el famoso estrenará otro después.

Las fechas que puso a votación fueron:

• Febrero
• Marzo
• Mayo
• Abril

Hasta el término de esta nota, la votación se inclina hacia febrero.

Martigny (Suiza), 9 ene.- La ceremonia de homenaje nacional a las víctimas del incendio de un bar donde murieron 40 jóvenes que celebraban la llegada del nuevo año en una localidad alpina se inició este viernes, una semana después del drama que ha enlutado a Suiza.

El presidente francés Emmanuel Macron, el presidente de Italia, Sergio Mattarella, y representantes políticos de 32 países y de la Unión Europea asisten a este acto ecuménico y marcado por varios momentos de piano y poesía.

Tres jóvenes que se encontraban en el lugar de la tragedia tomarán la palabra durante la ceremonia.

El incendio ocurrido en la madrugada del 1 de enero en Crans Montana, una apreciada estación de esquí que recibe a numerosos turistas durante las vacaciones de fin de año, causó también 116 heridos, entre los cuales 83 siguen hospitalizados con heridas graves.

En Crans Montana, cientos de personas siguen en directo la ceremonia a través de pantallas colocadas donde se ha instalado un memorial de las víctimas.

Poco después de iniciarse la ceremonia, las campanas de todas las iglesias de Suiza repicaron durante cinco minutos y se observó un minuto de silencio, e incluso los trenes -conocidos por su gran puntualidad- pararon un minuto.

Por la mañana, la pareja de copropietarios del bar Le Constellation fueron interrogados en el marco de la investigación penal en su contra por los posibles delitos de homicidio por negligencia, incendio por negligencia y lesiones corporales por negligencia.

El avance de las mujeres en el ámbito de los negocios toma protagonismo año a año en la Argentina. En este contexto, la novena edición de Mujeres Transformadoras marcó un nuevo hito. La iniciativa gratuita de Disco promueve la capacitación y el desarrollo de proyectos liderados por emprendedoras de Buenos Aires, Córdoba y Venado Tuerto.

Este programa, realizado anualmente desde 2017, ya acompañó a más de 1.500 mujeres y en la edición 2025 sumó a otras 240 protagonistas decididas a fortalecer sus emprendimientos. Su objetivo central apunta a derribar las barreras cotidianas que suelen enfrentar las mujeres al momento de emprender.

Cada ciclo ofrece formación gratuita y práctica sobre liderazgo, planificación estratégica, marketing digital, gestión y una visión de marca personal. Las más de 20 horas de capacitación de este año se diseñaron para aportar herramientas concretas a las participantes y así facilitar la sostenibilidad de sus proyectos a largo plazo.

Formación, visibilidad y una red de apoyo real

Durante esta nueva edición de Mujeres Transformadoras, el foco estuvo puesto en brindar conocimientos teóricos, experiencias compartidas e instancias de acompañamiento. Las sesiones incluyeron talleres grupales, mentorías y espacios de networking, que permitieron generar vínculos y redes de contacto entre las participantes. Este proceso colectivo fomenta una comunidad, inclusiva y colaborativa, donde se valoran las diferencias y se potencia el empoderamiento de cada mujer.

Las emprendedoras pasaron por diversas etapas formativas, que fueron desde la construcción de modelos de negocio rentables hasta la puesta en valor de sus marcas y la definición de estrategias para crecer en el ámbito digital. Además, el programa estimula la visibilidad de los emprendimientos y habilita un espacio privilegiado para que cada participante exponga sus historias, aprendizajes y desafíos.

Un cierre con proyectos destacados y reconocimiento

La última fase del programa reunió a todas las participantes en dos jornadas intensas de presentación de proyectos ante un jurado de referentes empresariales y sociales. Este espacio sirvió para poner en práctica los conocimientos adquiridos y sumar visibilidad, además de recibir asesoramiento clave de especialistas que integraron el tribunal.

En Córdoba, las finalistas fueron Luciana Peisino, fundadora de Yoglu Yogur, y Cintia Bustos, responsable de Main Mates. Finalmente, el jurado reconoció como ganadora a Laura Garavaglia por su emprendimiento Recibite Con Lau. En el caso de Buenos Aires, las finalistas resultaron Leila Aisen (Amar Viajar) y Jazmín Brugnoli (Sellos Cable a Tierra), ambas con propuestas originales y de fuerte arraigo local. El premio mayor correspondió a Andrea Martin, creadora de Oveja Reina.

Las ganadoras recibieron un estímulo de 4.000.000 de pesos para invertir en sus propios negocios y un proceso de mentoreo personalizado por parte de Voces Vitales Cono Sur, organización aliada del programa.

El impulso continuo de una comunidad emprendedora

Desde Disco remarcan que la misión de Mujeres Transformadoras permanece intacta: visibilizar el talento femenino, derribar obstáculos y contribuir al desarrollo integral de las emprendedoras, entendiendo que su rol es central en la economía local y en la transformación social. Año tras año, el entusiasmo y la dedicación de quienes participan demuestran que el programa se convierte en una fuente de inspiración para otras mujeres que evalúan iniciar su camino como emprendedoras.

Para la próxima edición, que será la número 10 y tendrá un carácter especial, la convocatoria volverá a abrirse para emprendedoras de Buenos Aires, Córdoba y Venado Tuerto.

Para obtener más información y detalles, hacer clic aquí.

El guiño, que rápidamente se viralizó, se convirtió en uno de los temas más comentados tras el lanzamiento del disco el viernes 7 de noviembre. La referencia a Buenos Aires aparece en el tramo final de “Reliquia”, donde Rosalía recorre ciudades y experiencias personales a través de la letra. En este tema, la artista enumera lugares que han marcado su vida y su carrera, desde Jerez y Roma hasta París, Los Ángeles y Berlín, para finalmente destacar a Buenos Aires como el lugar donde, según sus palabras, “nació el cielo”.

La frase, acompañada de la bandera celeste y blanca en publicaciones oficiales de Spotify, fue celebrada por los fans argentinos, quienes inundaron X, antes Twitter, con comentarios, memes y mensajes de agradecimiento.

La repercusión no se limitó a las redes sociales. El adelanto de la canción en Spotify, publicado por la discográfica de la artista durante unos minutos antes del estreno oficial, incrementó la expectativa y la viralidad en torno al disco. La breve disponibilidad del tema permitió que algunos seguidores capturaran fragmentos y compartieran impresiones, lo que alimentó el entusiasmo previo al lanzamiento. La frase sobre el cielo de Buenos Aires se transformó en un símbolo de conexión entre la artista y su público argentino, consolidando el homenaje como uno de los momentos más destacados del álbum.

En una entrevista con Zane Lowe para MTV, Rosalía profundizó en el significado personal de la frase. “El cielo nació en Buenos Aires. Es el cielo más hermoso que he visto en mi vida. Está tan cerca, como si pudieras alcanzarlo, como si casi pudieras comértelo. Podrías tomar las nubes y guardártelas contigo”, expresó la cantante, a pura poesía, al recordar su paso por la ciudad. Estas palabras, cargadas de admiración y poesía, explican la elección de Buenos Aires como referencia central en “Reliquia” y revelan la huella que la capital argentina dejó en la artista.

LUX: el proyecto más ambicioso de Rosalía

LUX representa el proyecto más ambicioso de Rosalía hasta la fecha. El álbum, compuesto por 18 canciones en 14 idiomas, fue grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Daníel Bjarnason y cuenta con colaboraciones de figuras internacionales como Björk, Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, la Escolanía de Montserrat, el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, Yahritza e Yves Tumor. La portada del disco, en la que Rosalía aparece con una túnica blanca y un tocado que evocan una figura religiosa, refuerza el concepto de LUX como una obra que fusiona lo sagrado y lo terrenal, lo clásico y lo moderno.

En cuanto a la dirección artística, la propia Rosalía definió LUX como un giro hacia el “maximalismo”, en contraste con el minimalismo de su anterior trabajo, “Motomami”. “La forma de decir que no íbamos a volver a hacer ‘Motomami’ fue lanzar primero ‘Berghain’. Tiene todos los elementos para demostrarlo”, explicó la artista sobre el primer adelanto del disco. Como productora ejecutiva, Rosalía explora en este álbum una fusión de lo íntimo y lo operístico, abordando temas como la mística femenina, la transformación y la espiritualidad, y celebrando la conexión entre el sonido, el lenguaje y la cultura desde una perspectiva profundamente personal.

El homenaje a Buenos Aires en LUX no solo refuerza el vínculo de Rosalía con el público argentino, sino que también proyecta la imagen de la ciudad en el escenario global de la música contemporánea. La elección de la capital argentina como símbolo de belleza y trascendencia en la obra de una artista de alcance internacional subraya el impacto cultural de este gesto y consolida a LUX como un disco destinado a dejar huella.

Así, mientras el nuevo álbum de Rosalía recorre idiomas, estilos y colaboraciones de todo el mundo, la evocación del cielo de Buenos Aires se convierte en un emblema de su capacidad para transformar vivencias personales en arte universal.

Desde el estudio de grabación, Chano comunicó que ya concluyó la etapa creativa y entregó las canciones que integrarán el nuevo material discográfico. En un video publicado en Instagram, donde rápidamente sumó más 56 mil likes, el músico expresó: “Me siento un compositor mucho mejor que antes, porque me preparé mucho”.

Esta afirmación fue acompañada por una reflexión sobre el esfuerzo invertido: “Trabajé muchísimo, leí muchísimo, exploré y pude crear diferentes mundos y universos fantásticos a los que nunca había podido entrar y en este disco lo logré”. La noticia generó una inmediata reacción en redes sociales, donde el nombre del artista se posicionó entre las tendencias gracias a los comentarios de sus seguidores.

El nuevo álbum de Tan Biónica se caracteriza también por el trabajo conjunto entre Chano y su hermano Gonzalo Charpentier, conocido como Bambi, quien además de ser corista, bajista y tecladista, asumió el rol de productor en esta ocasión. El propio Chano destacó la importancia de esta colaboración: “Muchas de estas aventuras fueron compartidas con Bambi, que es el productor del disco. Compartimos muchísimas canciones que hicimos juntos, fue hermoso”.

La dinámica fraternal se consolidó como un pilar fundamental en la creación del disco. La emoción del músico se reflejó en la manera en que describió el resultado final, al que calificó como “las mejores canciones” que ha compuesto en su carrera. Además, manifestó su deseo de que el público reciba la música con la misma intensidad con la que él la vivió durante el proceso de producción.

El entusiasmo por el lanzamiento fue compartido por Bambi, quien comentó en la publicación: “La rompiste. Discazo en la cocina. De los que más disfrutamos haciéndolo. Para nosotros, para aquellos que nos acompañan y nos esperaron. Ojalá podamos acompañar sus vidas con esta música. De corazón, de mil amores”. A este reconocimiento se sumó Diego Lichtenstein, baterista de la banda, quien celebró la dinámica del grupo. “Cuando hay química, la magia sucede sola. Se alinearon cuatro planetas”, en alusión al equipo que también integra Agustín Chapel Zubillaga.

La obtención de dos Premios Gardel por parte de Tan Biónica marcó un hito en la trayectoria reciente de la banda, que celebró este reconocimiento a la distancia debido a compromisos profesionales que le impidieron asistir a la ceremonia. El galardón por La Última Noche Mágica En Vivo – Estadio River Plate como mejor álbum en vivo y el premio a la mejor canción pop rock por “Arruinarse”, en colaboración con Airbag, consolidaron el regreso del grupo al centro de la escena musical argentina.

El contexto en el que Tan Biónica recibió estos premios estuvo marcado por un año de intensa actividad. El grupo protagonizó un regreso consagratorio con presentaciones en todo el país, participaciones en festivales como Lollapalooza y una gira internacional que incluyó shows en Europa. Esta serie de eventos permitió a la banda reconectar con una audiencia que, según lo expresado en redes, no solo los extrañaba sino que también los necesitaba, especialmente a Chano, cuya lírica y vulnerabilidad han sido elementos centrales en la identidad del grupo.

El reconocimiento de los Premios Gardel coincidió con un momento significativo en la vida personal de Chano. En septiembre, durante su cumpleaños, compartió un mensaje en el que relató su proceso de recuperación: “Gracias a todos por los saludos. Por fin, después de tanto sufrimiento y dolor, me siento más vivo y feliz que nunca”.

Según Smithsonian Magazine, este trabajo no solo consolidó la carrera del músico, sino que redefinió el sonido y la narrativa del rock, manteniéndose actual y magnético a cinco décadas de su lanzamiento.

El impacto de Born to Run trascendió generaciones y fronteras. Desde su publicación en agosto de 1975, el álbum vendió cerca de siete millones de copias solo en Estados Unidos y fue incorporado al Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso por su relevancia cultural. La portada, una imagen de Springsteen junto al saxofonista Clarence Clemons tomada por Eric Meola, se convirtió en símbolo del rock.

Peter Ames Carlin, biógrafo del músico y autor de Tonight in Jungleland: The Making of Born to Run, sostiene que el disco mantiene intacta su personalidad: “Puedo escucharla ahora, 50 años después, y pensar que cada nota y palabra están en el lugar exacto”, afirmó Carlin. Ningún otro álbum, ni siquiera los posteriores del propio Springsteen, logra provocar la misma sensación; el artista buscó crear una pieza irrepetible.

Contexto histórico y profesional

El nacimiento de Born to Run se produjo en un momento especialmente convulso. A mediados de los setenta, Estados Unidos atravesaba una recesión, enfrentando las secuelas del escándalo Watergate y la guerra de Vietnam. Springsteen, originario de Nueva Jersey, soñaba con convertirse en una estrella del rock, aunque su panorama profesional era incierto.

Sus dos primeros discos, Greetings from Asbury Park, N.J. y The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, recibieron buenas críticas, pero las ventas fueron escasas: el primero apenas superó las 20.000 copias. Columbia Records incluso llegó a considerar dejar de apostar por el músico en 1974 debido a la falta de éxito comercial.

Springsteen seguía siendo un artista de culto, con conciertos que no llenaban salas y un público pequeño pero entregado. “No era una superestrella, ni siquiera una gran estrella. Era conocido y admirado, pero mucha gente no tenía idea de quién era”, explicó Carlin para Smithsonian Magazine.

El proceso creativo y la grabación

La creación de Born to Run estuvo marcada por la presión y el perfeccionismo. Mike Appel, productor y representante, comenzó la promoción enviando el sencillo homónimo a emisoras de radio de todo el país, lo que permitió que la canción sonara antes del lanzamiento oficial.

Mientras tanto, la E Street Band experimentó cambios: la salida de David Sancious y Ernest Carter fue seguida por la llegada de Roy Bittan y Max Weinberg, integrando la formación clásica del grupo. Las sesiones empezaron en enero de 1975 en los 914 Sound Studios, en Blauvelt, Nueva York.

La llegada del crítico musical Jon Landau resultó determinante. Después de asistir a un concierto en el Harvard Square Theater y publicar una reseña en la que anunció haber visto “el futuro del rock and roll”, Landau se sumó como coproductor y propuso trasladar las grabaciones al Record Plant de Manhattan.

“Eres un artista de primera clase. Necesitas trabajar en un estudio de primera clase”, señaló Landau a Springsteen. El trabajo en estudio se prolongó durante largas jornadas nocturnas, con el músico concentrado en un solo objetivo: “Me preocupaba una sola cosa: hacer un disco de rock absolutamente grandioso. Quiero hacer el último álbum de rock and roll que necesites escuchar”, confesó Springsteen a Carlin.

Durante esos meses, letras y arreglos evolucionaron bajo la influencia de figuras como Chuck Berry, Fats Domino, Bo Diddley, Sam Cooke, Elvis Presley y Wilson Pickett, así como del productor Phil Spector y el cine negro.

Springsteen exigía el máximo esfuerzo a sus músicos, como ocurrió con Clemons, quien repitió su solo de saxo en “She’s the One” durante horas. El propio artista reconoció: “Me sentía desesperado. Desesperado por ser reconocido, escuchado, visto. Solo quería trascender lo que sentía como unos comienzos terribles en mi vida. Y mi vehículo para eso era la música que escribía y los conciertos que daba”.

El plazo para entregar el álbum vencía el 20 de julio de 1975. El equipo trabajó intensamente hasta el último momento, con mezclas, ensayos y la grabación del solo de “Jungleland” desarrollándose al mismo tiempo en diferentes salas del estudio. Cuando Springsteen se unió finalmente a la banda con su guitarra, el disco quedó concluido.

Canciones, recepción y legado

Born to Run está compuesto por ocho canciones que, en 39 minutos, construyen una suerte de tragedia en ocho actos. Cada pista aborda un tema distinto: “Thunder Road” evoca el inicio del viaje hacia el éxito; “Tenth Avenue Freeze-Out” narra el origen de la banda; “Night” ilustra los sueños de un trabajador; “Backstreets” expone la pérdida de una amistad; “Born to Run” simboliza la búsqueda del sueño americano; “She’s the One” refleja la desilusión amorosa; “Meeting Across the River” describe el riesgo de buscar dinero rápido; y “Jungleland” cierra el álbum con una atmósfera de cine negro, convirtiéndose en emblema de lucha y derrota. Springsteen definió el disco como “una serie de viñetas que transcurren durante un largo día y noche de verano”.

El lanzamiento, el 25 de agosto de 1975, fue un éxito inmediato. En octubre, el álbum ya había alcanzado la categoría de disco de oro, con 500.000 copias vendidas. Ese mismo mes, Springsteen logró un hecho inédito: apareció simultáneamente en las portadas de Time y Newsweek. La ilustración de Kim Whitesides para Time, que integra la colección de la National Portrait Gallery del Smithsonian, capturó la imagen carismática y espontánea del artista.

Mindy Farmer, historiadora del museo, destaca cómo la portada refleja la esencia que los editores de la revista describieron: “Lo describen como primitivo. Se puede ver eso en el retrato. No sabemos si lleva ropa o no. Solo sabemos que lleva su guitarra”.

La cobertura mediática fue variada. Mientras Time lo presentó como la nueva sensación del rock, Newsweek optó por un enfoque más escéptico, centrado en el trabajo detrás de su ascenso. Carlin comenta que Springsteen vivió aquel momento con ambivalencia, oscilando entre la certeza de estar destinado a la grandeza y el temor de ser interpretado como un fraude. “Sentía que podía ser ese personaje icónico, pero también le aterraba que la gente pensara que era solo una invención”, apuntó el biógrafo en Smithsonian Magazine.

Springsteen publicó más de 20 álbumes de estudio y recibió 20 premios Grammy, un Óscar, dos Globos de Oro, un Tony y la Medalla Presidencial de la Libertad. En junio de 2025 lanzó Tracks II: The Lost Albums, una colección de grabaciones inéditas, y en octubre llegará a los cines la biopic Springsteen: Deliver Me From Nowhere, protagonizada por Jeremy Allen White.

En cada aniversario, el músico repite un ritual personal: recorre en automóvil las calles de Nueva Jersey donde compuso las canciones y, al escuchar los primeros acordes de “Jungleland”, se detiene ante la pequeña casa de Long Branch donde nacieron los temas. Cuando la última nota termina, Springsteen sigue su camino, liberándose por un instante del peso de su propia leyenda.

El 12 de agosto no es un día cualquiera para los amantes de la música. Esta fecha conmemora el nacimiento del Disco de Vinilo, soporte que revolucionó la forma de escuchar canciones desde mediados del siglo XX.

Su capacidad para ofrecer un sonido cálido y profundo lo convirtió en un símbolo de calidad y coleccionismo. Aunque en los años noventa su presencia disminuyó frente a la era digital, el vinilo ha regresado con fuerza, atrayendo tanto a nostálgicos como a jóvenes curiosos. La celebración recuerda su aporte cultural, su legado artístico y su vigencia en la industria musical contemporánea.

Un homenaje que cruza décadas

El Día Internacional del Disco de Vinilo se instauró para destacar la relevancia de este formato en la historia de la música grabada. Su elección no es casual: el 12 de agosto coincide con la fecha en que se lanzaron al mercado los primeros discos de este material, marcando el inicio de una nueva era sonora.

En sus inicios, el vinilo reemplazó al frágil y limitado disco de goma laca, ofreciendo mayor durabilidad, más capacidad de almacenamiento y mejor calidad de sonido. Estas ventajas lo convirtieron en el formato preferido de artistas, productores y oyentes durante décadas. Desde los años cincuenta, los tocadiscos comenzaron a invadir salas, radios y estudios de grabación, convirtiéndose en un elemento imprescindible en cualquier hogar amante de la música.

La jornada del 12 de agosto es, por tanto, un recordatorio del impacto cultural y tecnológico que supuso su aparición, así como una excusa para volver a colocarlo en la tornamesa y dejarse envolver por su particular calidez.

El vinilo y su expansión en el mundo

Desde su lanzamiento comercial, el disco de vinilo se convirtió en el soporte estrella de la industria musical global. Su formato más popular, el LP de 33 1/3 revoluciones por minuto, permitió incluir álbumes completos con calidad superior a los soportes anteriores.

En países de todos los continentes, el vinilo marcó el ritmo de una época en la que las portadas eran casi tan importantes como la música que contenían. Artistas y diseñadores competían por crear carátulas icónicas, mientras los oyentes disfrutaban del ritual de abrir el disco, colocarlo en el plato y escuchar sin interrupciones cada cara del álbum.

En mercados como el latinoamericano, el vinilo también jugó un papel esencial. No solo sirvió para difundir la música local, sino que ayudó a conectar al público con tendencias internacionales que llegaban en barcos o aviones, en maletas de melómanos y músicos viajeros.

El retroceso frente a lo digital y su inesperado retorno

A finales de los años ochenta y principios de los noventa, la llegada del CD y más tarde de la música digital redujo drásticamente la producción y venta de vinilos. Muchos fabricantes cerraron sus plantas y las colecciones quedaron relegadas a estanterías polvorientas o tiendas de segunda mano.

Sin embargo, el siglo XXI trajo una sorpresa: un renacer del vinilo impulsado por coleccionistas, DJs y una nueva generación que buscaba un sonido distinto al de las plataformas de streaming. Las ventas comenzaron a crecer de forma sostenida, y hoy es común encontrar reediciones de clásicos junto a lanzamientos contemporáneos en este formato.

Este resurgimiento no es solo una moda. Para muchos, el vinilo representa una experiencia sensorial completa: el peso del disco en las manos, el arte de su portada, el olor del cartón, el sonido con sus leves imperfecciones y la pausa necesaria para cambiar de cara. Todo forma parte de un ritual que la inmediatez digital no puede replicar.

Curiosidades y detalles que lo mantienen vigente

El disco de vinilo posee características que lo hacen único. Uno de sus atractivos es su durabilidad: con el cuidado adecuado, puede reproducirse durante décadas sin perder calidad significativa. Además, su rango dinámico y la forma en que reproduce frecuencias graves y agudas generan una sensación más “orgánica” que otros formatos.

Existen piezas de colección extremadamente valiosas, como ediciones limitadas, discos con portadas alternativas o prensados defectuosos que se volvieron rarezas. Algunos ejemplares han alcanzado cifras astronómicas en subastas internacionales.

Otra curiosidad es la diversidad de colores y formatos: más allá del clásico negro, hay vinilos en tonos translúcidos, con efectos marmoleados o incluso con formas poco convencionales, lo que aumenta su valor estético y de colección.

En los últimos años, festivales, ferias y tiendas especializadas han aprovechado el Día Internacional del Disco de Vinilo para organizar eventos, intercambios y exhibiciones. Estas actividades no solo atraen a coleccionistas veteranos, sino también a jóvenes que ven en el vinilo una alternativa artística y auténtica frente al consumo digital masivo.

Transcurrida la primera hora de negociación, el Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, acumulaba un ascenso del 1,6 % o 651 puntos, y se movía en 41.710,15 enteros.

El Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, subía a un más moderado 1,23 % o 36,74 puntos, y se situaba en 3.024,66 unidades.

El parqué tokiota abrió fuertemente al alza, animado por las empresas del sector de los semiconductores, que siguieron a su vez las ganancias de sus homólogas estadounidenses.

En dicho sector, Tokyo Electron, Disco y Advantest acumulaban subidas del 2 %, 1,70 % y 2,32 %, respectivamente.

El fabricante de vehículos Toyota se apreciaba un 1,77 %, y el gigante de los videojuegos Nintendo sumaba un importante 5,49 %. EFECOM

El 6 de agosto de 1965, Los Beatles lanzaban su quinto álbum de estudio, Help! (Socorro!), una obra que marcó un punto de inflexión en su carrera. Más allá de sus melodías inolvidables, el disco vino acompañado de una tapa que, lejos de ser decorativa, escondía una historia tan curiosa como reveladora.

Con el lanzamiento de Help!, el grupo británico integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, no solo consolidaba su dominio cultural, sino que comenzaba a mostrar señales de transformación artística.

Antes de que Help! llegara a las bateas, (porque antes los discos se vendían en disquerías que tenían bateas) Los Beatles habían editado cuatro álbumes que mostraban su inconfundible estilo. En 1963 salió Please Please Me: disco en el que se destacaron las canciones “I Saw Her Standing There” y “Love Me Do”. Ese mismo año salió With The Beatles: donde había temas como “All My Loving” y “Please Mister Postman”. La tapa en blanco y negro fue un hallazgo del diseño.

En 1964 lanzaron A Hard Day’s Night. Por primera vez, todas las canciones del álbum fueron escritas por Lennon y McCartney. Los temas formaban parte de la película que se llamó igual que el disco. Allí había canciones como : “A Hard Day’s Night”, “I Should Have Known Better” y “And I Love Her”. Habían pasado tan solo 21 semanas desde el disco anterior cuando, en diciembre de 1964 apareció Beatles for Sale. Aquel disco tuvo ocho canciones originales y seis covers. Algunas de ellas fueron “Eight Days a Week” y “Words of Love”.

Cada uno de estos discos no solo vendía millones de copias, sino que marcaba un camino en la música. Pero sería Help! el que mostraría una evolución más profunda en Los Beatles.

El álbum surgió como la banda sonora de la segunda película protagonizada por el grupo, también titulada Help!, dirigida (como la primera, A Hard Day´s Night) por Richard Lester. Estrenada el 29 de julio de 1965, la película propone una trama delirante en la que una secta busca sacrificar a Ringo Starr debido a un anillo que lleva en un dedo. Los Beatles se ven obligados a escapar por diferentes partes del mundo, mientras son perseguidos por personajes entre raros y peculiares.

La película fue filmada en Londres, los Alpes Austríacos y las Bahamas, y se convirtió en un desfile de escenarios exóticos, humor surrealista y situaciones absurdas. En entrevistas posteriores, Lennon expresó que no entendían del todo lo que estaba ocurriendo durante el rodaje de la película Help! y que la experiencia fue un tanto confusa.

Uno de los aspectos más innovadores fue el uso del color. Help! fue la primera película de Los Beatles en ser filmada en color, lo que amplificó el tono psicodélico de algunas escenas y anticipó el universo visual que se desarrollaría en la etapa más experimental de la banda.

La tapa del disco Help! es una de las más reconocibles en la historia del grupo: George, John, Paul y Ringo aparecen en fila, vestidos con abrigos oscuros y sobre un fondo blanco, cada uno con los brazos en distintas posiciones.

La imagen fue tomada por el fotógrafo Robert Freeman, quien tenía una idea clara: representar la palabra “HELP” utilizando el alfabeto semáforo, un sistema de señales usado en la navegación. Ese lenguaje combina la posición de las manos con la utilización de banderas.

Sin embargo, la ejecución no fue tan literal. Al realizar las tomas en los estudios Twickenham, Freeman descubrió que las posiciones reales que formaban la palabra “HELP” no resultaban estéticamente agradables. Por lo tanto, decidió improvisar con una disposición de brazos diferente para la imagen final.

Así lo explicó el fotógrafo: “Tuve la idea de representar a través del alfabeto semáforo la palabra HELP. Pero a la hora de tomar la foto, el arreglo de la posición de los brazos con esas letras no terminaba de quedar bien. Así que decidimos improvisar y nos decidimos por la mejor posición gráfica que se nos ocurrió”.

El resultado fue inolvidable, pero engañoso. En realidad, las posiciones que adoptan los Beatles no corresponden a “HELP”, sino a una secuencia críptica: NUJV. El efecto se volvió aún más confuso cuando Freeman invirtió las imágenes de algunos miembros, lo cual puede notarse observando los botones de sus chaquetas, ubicados en el lado contrario al habitual.

La edición estadounidense del disco, publicada por Capitol, también alteró las posiciones de los cuatro y quedaron ordenados así: George, Ringo, George y Paul. De tal manera que formaban la sucesión de letras: NVUJ. Algunas teorías surgieron entre los fanáticos, quienes afirmaban que al colocar la imagen frente a un espejo se leía “LPUS”, una supuesta interpretación de “Help Us”. Pero al analizar detenidamente las posiciones y el código semáforo, aquella hipótesis no es más que una ocurrencia.

La idea de usar los brazos como elementos gráficos surgió durante el rodaje de la escena de “Ticket to Ride” en los Alpes. Allí, los cuatro músicos posaron con abrigos oscuros, rodeados de nieve, alzando los brazos de manera desordenada. Freeman capturó ese instante y lo transformó en la tapa que identificaría al disco.

El álbum fue grabado entre febrero y junio de 1965 en los estudios EMI de Abbey Road. Bajo la producción de George Martin, Los Beatles mostraron un cambio en sus composiciones y arreglos. En el disco presentado hace 60 años, había temas como “You’ve Got to Hide Your Love Away” y “Yesterday” “The Night Before” y “Ticket to Ride”. Allí también estaba “Yesterday”, uno de los temas musicales con más versiones en el mundo. La canción “Help!”, que le dio nombre al disco, fue grabada en apenas cuatro tomas, con Lennon ajustando la letra sobre la marcha.

Con Help!, Los Beatles consiguieron otro éxito comercial: se posicionó inmediatamente después de aparecer en el primer lugar del ranking británico. Permaneció durante 37 semanas entre los 20 primeros y ocupó el lugar de supremacía en nueve ocasiones.

La tapa del disco, la película, las canciones y la evolución sonora hacen de Help! una obra admirada. Y todo comenzó aquel 6 de agosto de 1965, con un grito que cambió el rumbo de la música para siempre.

Un éxito imparable, un hombre profundamente enojado con ese éxito arrasador y un empresario en busca de maximizar sus ingresos. Esa fue la ecuación detrás de una presunta apuesta comercial y artística (¿y también política?) que se descontroló y provocó un desmán. El 12 de julio de 1979, hace exactamente 45 años, se llevó a cabo la Disco Demolition Night, un evento que, con el tiempo, se consideraría como un episodio de profundas raíces racistas y homofóbicas.

Fue en Chicago, en Comiskey Park, el estadio en el que el equipo de baseball White Sox de esa ciudad se desempañaba como local. La idea fue de Michael Veeck, el jefe de marketing del equipo, que tenía como objetivo central de su trabajo lograr que aumentara la asistencia en el estadio.

Creyó que, dados los malos resultados que estaban obteniendo los White Sox durante esa temporada, tenían que llamar la atención del público por alguna vía extra deportiva. Entonces Veeck pensó en Steve Dahl, un DJ de radio que cada vez que podía, desde su micrófono alentaba la resistencia del rock ante el avance de la música disco y que lo hacía con un histrionismo que al especialista en marketing le había llamado la atención como oyente.

En ese verano de 1979, la música disco arrasaba en los rankings. La película Fiebre de sábado por la noche, estrenada dos años antes, había terminado por consolidar el género. Por eso en el primer semestre de 1979 sólo tres de las 16 canciones que encabezaban los rankings de las radios no eran de artistas dedicados al disco. En 1978, el género había liderado las ventas en 37 de las 52 semanas del año.

El sonido disco prácticamente monopolizaba a los oyentes. Era casi imposible escuchar una radio sin que se escuchara esa música. Pero los rockeros, o al menos algunos rockeros, se oponían a su hegemonía porque sentían que perdían el terreno que habían conquistado algún tiempo atrás.

Steve Dahl era una de las voces que encarnaba ese recelo rockero ante el avance a paso firme del disco. En 1979 tenía 24 años y se autoproclamaba como un “discofóbico”. Y aunque esa postura le valió un despido de una emisora radial en 1978, tuvo otra oportunidad en WLUP Radio de Chicago, donde suponían que ese tono combativo les traería audiencia. Dahl no tenía problema en referirse a la música disco como una “temible enfermedad” e incluso parodió el éxito de “Do Ya think I’m sexy?”, de Rod Stewart, y la bautizó “Do Ya think I’m disco?”. El DJ radial no dudó en convocar a sus oyentes al “Ejército Anti Disco”.

La tarea de ese “ejército” era acompañar a Dahl en su cruzada e incluso asistir a los eventos que el DJ radial organizaba para oponerse públicamente al género musical que cada día conquistaba más audiencia. Algunos de esos eventos fueron exitosos en términos de convocatoria, aunque no estuvieron exentos de violencia. Esa convocatoria sedujo a Veeck: creyó que podía lograr que un público que nunca había pisado el estadio de los White Sox se acercara. Con suerte, los convertiría en asistentes fieles y la asistencia mejoraría.

Lo que Veeck no previó fue el caos al que se estaba exponiendo. E incluso el daño que sufriría el estadio que quería dar a conocer. Con Dahl como gran anfitrión, se organizó la Disco Demolition Night el 12 de julio de 1979. Según las estimaciones de Veeck, llegarían unos 5.000 asistentes extra a la asistencia habitual del estadio, que rondaba las 15.000 personas. Ese 12 de julio los White Sox debían enfrentar a los Detroit Tigers y la convocatoria de Dahl, que se difundió especialmente a través de la emisora en la que él conducía su programa, era para los integrantes de su “ejército”: podrían entrar a ver el partido sólo por 98 centavos de dólar si llevaban un álbum de disco que estuvieran dispuestos a destruir.

Steve Dahl sería el encargado de destruir todos los discos recolectados, nada menos que con una detonación de explosivos en medio del estadio. Previendo un mayor flujo de público, Veeck contrató seguridad extra, aunque iba a quedarse corto. Estimaban 5.000 personas más de las habituales, pero en realidad entraron al estadio 40.000 personas más que las 15.000 que cada vez que había partido se acercaban a Comiskey Park. El desborde estaba a punto de ocurrir.

Además de esos 40.000 asistentes extra que coparon el estadio, varios miles más quedaron afuera e intentaron meterse saltando molinetes o trepando vallados. La Policía de Chicago tuvo que cerrar varios accesos automovilísticos de la zona para evitar que llegara todavía más gente. En términos de público, la convocatoria a la Demolition Disco Night era un éxito.

Pero el descontrol se evidenció enseguida. Muchos asistentes prefirieron quedarse con el disco que habían llevado para destruir en vez de depositarlo en la caja que “recaudaba” el material que Dahl iba a destruir ante los ojos de todo el estadio. Decidían quedarse con los discos para usarlos casi como proyectiles y tirarlos al campo de juego agresivamente.

“Los discos cortaban el aire”, llegó a decir Rusty Staub, uno de los jugadores de los de Detroit, respecto de aquella noche. Fue él quien recomendó a sus compañeros que se protegieran con los cascos que solían usarse sólo para batear por si alguno de esos discos les impactaba en la cabeza. “Nunca vi algo tan peligroso”, declaró a la prensa.

Al campo de juego no sólo caían discos (de disco), sino también botellas, encendedores y petardos. Hubo que frenar el partido más de una vez. A la hora señalada, en una pausa del encuentro, Steve Dahl entró al campo de juego conduciendo un jeep y vestido con indumentaria militar. “¡Esta es oficialmente la convocatoria anti-disco más grande del mundo!”, gritó el DJ: su público rugió enardecido.

Mostró todos los álbumes reunidos en enormes cajas y encendió los explosivos: los discos quedaron inmediatamente destruidos y el campo de juego se volvió un cráter. La detonación terminó de descontrolar al “ejército” que Dahl había enfurecido en cada una de sus emisiones radiales y esa misma noche. Entre 5.000 y 7.000 personas invadieron el campo de juego, burlando cualquier intento de los empleados de seguridad por recuperar el orden.

Prendieron hogueras, arrancaron asientos, se agarraron a trompadas, destruyeron la jaula de bateo y robaron las bases de los White Sox y bates de los dos equipos. El propietario del equipo rogaba por megáfono para que todo volviera a ordenarse, pero no había forma de detener el caos. Sólo con la llegada de la Brigada Antidisturbios de la Policía de Chicago pudo empezar a contenerse el desborde. Hubo al menos nueve heridos y, según las crónicas periodísticas, “fue un milagro que nadie muriera en medio de esa locura”.

Como todo se había salido de eje, los White Sox no pudieron jugar el segundo partido agendado para esa noche, también contra los Tigers. El campo de juego estaba inutilizable, así que perdieron los puntos, lo que los perjudicó todavía más en una temporada que ya era mala para el equipo de Chicago.

Las lecturas sobre ese caos y esa violencia inédita en nombre de una presunta disputa entre géneros musicales no tardaron en llegar. Más allá de lo estrictamente artístico, hubo críticos musicales de la época y, sobre todo artistas, que no dudaron en asegurar que lo ocurrido en la Disco Demolition Night llevaba detrás profundas raíces racistas y homofóbicas.

Es que muchos de los artistas que más habían aportado a la revolución disco eran afroamericanos, y la música de esa población le había servido de gran influencia al género que en ese momento crecía cada vez más en cuanto a su popularidad. A la vez, se trataba de un género especialmente denostado por la juventud que más defendía la supremacía blanca en Estados Unidos.

Al mismo tiempo, quienes criticaban el género no dudaban en remarcar que se trataba de una manifestación artística enormemente popular entre la comunidad LGBT+, más allá de la popularidad generalizada de la que gozaba. Incluso desde los medios de comunicación se destacaba el vínculo entre la llamada “cultura gay” y la música disco: se referían no sólo a las canciones, sino también a la vestimenta de algunos artistas -Village People, por ejemplo- y a sus formas de bailar y de moverse sobre el escenario.

Había, entonces, un trasfondo mucho más complejo y agresivo en esa destrucción del disco: el que quería arrasar con esa manifestación artística también quería arrasar con las raíces afroamericanas de la música que no paraba de crecer, o con la comunidad LGBT+, o con las dos cosas a la vez. El rock se volvió, para algunos que estaban cargados de odio, un “refugio del predominio blanco” en Estados Unidos. Había quienes veían en el rock una defensa de “lo rudo”, “lo áspero”, “lo masculino”, y en la música disco, algo más “femenino”: eso enojaba a los que estaban en contra de los derechos de la comunidad gay y también a los que estaban en contra de los avances más recientes del feminismo.

Muchos de ellos fueron al estadio de los White Sox con su disco y su enojo. Alentaron esa quema que era una manifestación de la agresividad de la que eran capaces. Dave Marsh, crítico de la revista Rolling Stone, definió la Disco Demolition Night como “una expresión de intolerancia, racismo y sexismo”, mientras que Nile Rodgers, fundador de la banda Chic y reconocidísimo productor musical, comparó lo ocurrido en el estadio de los White Sox con la quema de libros que impulsaba el nazismo. Gloria Gaynor no dudó en asegurar que había motivos económicos detrás de aquel evento, y apuntó a los que, por las ganancias del género disco, perdían por dedicarse a otro tipo de música.

Steve Dahl negó todo tipo de rasgo racista u homofóbico en la Disco Demolition Night. Lo hizo en entrevistas y también en el libro que publicó en 2016, Disco Demolition: la noche que el disco murió. En una declaración pública, el DJ radial aseguró: “Estoy cansado de defenderme como un homófobo racista. El evento no fue antirracista ni anti-gay. Estaba defendiendo el estilo de vida rock’n’roll de Chicago de una invasión musical no deseada”. Dahl sostuvo incansablemente que se trató de una acción para dar cuenta de que, entre otras cosas, no irían a discotecas en las que se impusiera el género que repudiaban.

En 2014, antes de publicar su libro, Dahl definió el evento como “una juerga sin gran significado cultural”. Vince Lawrence, que en 1979 era un adolescente afroamericano que trabajaba acomodador en Comiskey Park, declaró que esa noche vio que los asistentes a la convocatoria no sólo llegaban con álbumes de disco, sino con “cualquier cosa hecha por un artista negro”. “No había álbumes de género disco que provinieran de artistas blancos (...) Mientras se desataba el caos en el estadio, alguien me gritó en la cara: ‘¡Hey, tú, el disco apesta!”. En ese momento, Lawrence tuvo claro lo que ocurría: “Me están atacando sólo porque soy negro”, pensó.

En un primer momento, la Disco Demolition Night fue una desgracia para Veeck y un éxito para Dahl. Veeck, el jefe de marketing de los White Sox, perdió puntos en la liga por no poder jugar el partido siguiente al evento, vio cómo se arruinaba el campo de juego y se convirtió en el ideólogo de un desmán. En una entrevista posterior a aquella noche, aseguró: “Apenas vi a la primera persona que invadía el campo de juego, supe que iba a ser un desastre”.

Dahl, en cambio, vio cómo la popularidad del género que violentaba públicamente decayó en los meses posteriores al evento. “El disco probablemente ya estaba en declive, pero la Disco Demolition Night aceleró su desaparición”, dijo, años después.

El impacto de los hechos en el estadio fue tal que muchas compañías discográficas empezaron a etiquetar como “música dance” sus nuevos álbumes, para evitar categorizarlos como “disco”, e ignoraron a algunos de los artistas de esa corriente, incluso a los que les habían generado grandes ganancias. Incluso los Grammy cancelaron la categoría “Mejor álbum Disco” por un año.

Esa violencia que se había visto en el estadio de Chicago amedrentaba a quienes antes habían apostado al género disco. Sin embargo, esa especie de desaparición del mainstream se volvió un incentivo para los artistas que seguían creyendo en ese género como la mejor manera de expresarse. El disco se replegó a los escenarios underground y a sus oyentes “de siempre”, y eso lo volvió más creativo, más dispuesto a correr riesgos. Ya no quedaba mucho por perder.

Apenas unos años después, en 1984, Vince Lawrence, aquel adolescente afroamericano que había sido agredido en el estadio de los White Sox, empezó a dedicarse a la música disco y house: algunas de sus composiciones fueron un éxito. Los artistas más exitosos de la segunda mitad de los ochenta volvieron a adoptar algunos de los mejores recursos de la música disco, más allá de si la categorizaban o no como tal. Madonna y Michael Jackson fueron dos de los más importantes.

Steve Dahl no perdió su capacidad para canalizar su odio en eventos públicos: organizó encuentros para destruir merchandising de Justin Bieber y de Miley Cyrus, y siguió su carrera en radio y en el mundo de los podcasts. Pero, a pesar de que tuvo sus primeros meses de éxito en 1979, no logró (por suerte) lo que se proponía: destruir un género musical. O a sus seguidores, o a sus artistas, o a las raíces y costumbres de sus protagonistas. La música disco tiene su lugar en la historia y su influencia llega hasta hoy. Los violentos de aquella noche la eclipsaron apenas por un rato.

Metallica lanzó Load, su sexto álbum de estudio en 1996 bajo una propuesta sonora estilo hard rock. Contiene los sencillos “Until it Sleeps”, “King Nothing”, “Hero of the Day” y “Mama Said”. Con ello rompieron el género metal que los caracterizaba, lo cual causó controversia, pero marcó el inicio de una nueva era en la historia de la banda.

Ahora, 29 años después, la banda estadounidense anunció que relanzará Load el viernes 13 de junio, bajo su propio sello, Blackened Records. El álbum viene recargado con 301 pistas, en un box set deluxe que incluye 245 canciones inéditas.

El material inédito es una recopilación de pistas sin lanzar, material en vivo raro, demos y más curiosidades. El box set deluxe contiene Load en doble LP y CD, tres LP en vivo, 15 CD y cuatro DVD con material inédito, además una tarjeta de descargas MP3 con todo el audio.

Además del box set, estarán a la venta otros formatos de Load para satisfacer a todos los fans, se podrá comprar el vinyl remasterizado de 2LP.

También estará disponible en formato CD en versión simple o extendida de 3 CD. También para los más nostálgicos se lanzará el casete y para las nuevas generaciones podrán conseguir el formato digital, mediante descarga directa en la página de la disquera.

Cabe mencionar que todo el trabajo de remasterización fue realizado en los estudios Lurssen Mastering, por Ruben Cohen, reconocido por trabajos de masterización y en la creación de bandas sonoras como Oppenheimer y Game of Thrones.

El trabajo de remasterización fue supervisado por Greg Fidelman, quien se encarga del sonido de Metallica desde hace años, incluyendo su nuevo álbum 72 Seasons.

Metallica de gira

La banda no deja de trabajar, ya que anunciaron que extenderán durante 2025 y 2026 su gira “M72 World Tour”, con fechas en Asia, Europa, Norteamérica y Oceanía, 98 presentaciones en total.

La gira inició en en 2023 para promocionar 72 Seasons el duodécimo disco de estudio de Metallica, lanzado el 14 de abril del 2023.

El M72 es la gira más ambiciosa de Metallica, hasta el momento la primer etapa de la gira ha recaudado 340 millones de dólares y han reunido a más de 3 millones de asistentes.

En la segunda etapa Metallica invitó a bandas como Pantera, Suicidal Tendencies y Limp Bizkit, entre otras sorpresas.

72 Seasons

Metallica regresó a su sonido clásico trash metal con 72 Seasons y aunque tuvo un buen recibimiento en general, algunas revistas especializadas criticaron el material, como Pitchfork, quienes dijeron que su duración era excesiva, calificando al disco de ser un “maratón de 77 minutos”.

Y con justa razón ya que contiene 12 grabaciones con duración entre 3 y 11 minutos, que incluyen los sencillos “LuxAEterna”, “Screaming Suicide”, “If Darkness Had a Son” y “72 Seasons”.

James Hetfield dijo en una entrevista para la estación de radio Alt 101.5, que 72 Seasons estaba inspirado en un libro que estuvo leyendo y en toda la oscuridad de su vida cotidiana y su carrera.

Transcurridos los primeros 45 minutos de negociación, el Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, acumulaba un descenso del 1,30 % o 493,95 puntos, y se movía en 37.471,15 enteros.

El Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, bajaba a un más moderado 0,94 % o 26,36 puntos, y se situaba en 2.773,53 unidades.

El parqué tokiota abrió a la baja, arrastrado por las bajas en Wall Street durante el final de la semana pasada, sobre todo en el sector tecnológico y de semiconductores, aunque cerró la semana mixto atento a los avances en la guerra comercial.

El yen, por su parte, se movía hoy en el rango de 143,53 a 144,11 unidades por dólar durante el inicio de las negociaciones en Tokio.

En el sector de los semiconductores, Disco, Advantest, Tokyo Electron y Lasertec retrocedían un 2,16 %, un 3,23 %, un 1,52 % y un 2,19 %, respectivamente, en los primeros 45 minutos.

El fabricante de vehículos Toyota se depreciaba un 2,53 %, y el gigante de los videojuegos Nintendo caía un 1,77 %. EFE

"Mi próximo álbum será extremadamente experimental, así que diviértanse", dijo sobre su noveno álbum de estudio, tras lo cual interpretó varios temas que compuso para este proyecto y éxitos pasados como "The Climb", de acuerdo con la revista 'Variety'.

Un centenar de personas, que obtuvieron una invitación a través de las redes sociales, asistieron al evento celebrado en el Chateau Marmont de Los Ángeles para escuchar el nuevo álbum cuando la artista apareció por sorpresa y se puso a actuar.

Miley comenzó con la balada "More to Lose", el primer sencillo que promociona del álbum, a la que siguió "Easy Lover" y su conocido "Flowers" que le valió un Grammy y se colocó número uno en las listas de EE.UU., del que dijo "es una de las canciones más emocionantes que he podido lanzar al universo".

La sorpresiva presentación terminó con "End of the World".

"He estado experimentando con este álbum durante el último año, organizando estas noches en el Chateau, que eran solo por invitación, súper exclusivas, solo mis amigos más cercanos y mi familia", indicó a sus seguidores, entre los que estaba la actriz Anya Taylor-Joy.

La cantante indicó además que el álbum es un reflejo de su vida y "de todo lo que estoy experimentando", algo que llevó a "Something Beautiful", compuesto por 13 canciones, y que sale al mercado tras su anterior "Endless Summer Vacation". EFE

Miley Cyrus dijo en The Zane Lowe Show que sufrió una emergencia médica “extremadamente insoportable”, pero decidió ocultarlo porque estaba grabando un especial de Año Nuevo y el “show debe continuar”

La estrella del pop y ganadora del Grammy asistió al programa de Zane Lowe que se transmite por Apple Music 1, donde dijo que en 2022 durante un show de televisión para celebrar la llegada del 2023 sufrió una dolorosa urgencia médica.

El incidente ocurrió en el especial Miley’s New Year’s Eve Party mientras compartía escenario con su madrina Dolly Parton. La famosa contó que le estalló un quiste ovárico y afirmó que fue un momento “bastante traumático”.

“No sabía exactamente que estaba pasando así que seguí”, dijo Cyrus quien agregó que ella ocultó a sus fans lo que estaba ocurriendo.

La cantante de 32 años dijo que se mantuvo firme a su convicción de que “el espectáculo debe continuar”. La interprete de éxitos como “Flowers” y “Wrhecking Ball” comentó que el dolor era “extremadamente insoportable”, pero aún así hizo el espectáculo. Además agregó que subir en ese estado al escenario fue muy difícil.

La Mayo Clinic define los quistes ováricos como bolsas llenas de fluido, que crecen dentro de alguno de los dos ovarios, o sobre ellos.

La mayoría de los quistes ováricos son comunes durante los años de fertilidad. Pueden ser inofensivos y desaparecer, pero algunos pueden causar molestias, dolor pélvico, o complicaciones si crecen, afectan el ciclo menstrual o se rompen como en el caso de Miley.

La ruptura de un quiste ovárico ocurre cuando se abre y libera su contenido, líquido, sangre u otro tejido, en la cavidad pélvica, lo que puede causar dolor y sangrado, lo que requiere atención médica.

Nuevo material “Something Beautiful”

Actualmente Miley Cyrus está promocionando el lanzamiento de su nuevo álbum Something Beautiful, que estará disponible el 30 de mayo.

Aunque Miley no tiene planes de volver a los escenarios, debido a que prefiere cuidar su salud, el nuevo álbum promete ser de gran calidad pero en los propios términos de la cantante.

“No estoy dispuesta a perder mi esencia por intentar estar en todas partes”, expresó.

La sobriedad de Miley Cyrus

En la entrevista con Zane Lowe, la artista también habló sobre estar sobria, y el cambio radical para bien, que le produjo en su vida. Miley dejó la mariguana y el alcohol hace más de 10 años.

“Necesito estar sobria, vivo por eso. Cambió mi vida por completo. Aprendí después de todos estos años que la sobriedad para mi es como ‘Dios”, también comentó que aprendió mucho sobre ella en estos años.

Dejó de beber a partir de una operación en las cuerdas vocales, después de ese tiempo descubrió que se sentía mucho mejor con ese estilo de vida.

“Pensé durante un tiempo en mi madre, en mi padre. Heredé un sentimiento de abandono, y el deseo de demostrar que valgo para ser querida. Los padres de mi padre se divorciaron cuando él tenía tres años, así que se crio solo. Pensé mucho en mi historia familiar, tenemos muchos problemas de adicción y salud mental. Me pregunté: ‘¿Por qué soy como soy?’ Al entender el pasado entendemos todo de una manera más clara" dijo en una entrevista para Variety.

Madrid, 20 may (EFE).- A sus 27 años, la edad de la decadencia vital de muchas estrellas de la música en su apogeo de talento, Guitarricadelafuente vive un momento de florecimiento con un segundo disco sin tabúes "ni la losa del folk" y su debut como actor protagonista en la próxima película de los Javis.

"Yo pensaba que me iban a proponer hacer una canción", confiesa a EFE solo un día después del gran anuncio en el Festival de Cannes por parte de Javer Ambrossi y Javier Calvo del reparto de su siguiente proyecto, 'La bola negra', en la que también participarán Penélope Cruz y Miguel Bernardeau.

Álvaro Lafuente (Beniccasim, 1997 ), su nombre real, cuenta que todo comenzó a raíz de su participación en la última edición de Primavera Sound, donde se encontró a la famosa pareja de realizadores, con los que llevaba tiempo hablando por redes, y que estos le comentaron: "Queremos proponerte algo".

"Fuimos a cenar a su casa en Madrid y allí me dijeron: 'Tenemos este nuevo proyecto y hemos partido de este papel que hemos hecho a medida para ti", rememora el artista, que en su momento llegó a plantearse estudiar Dirección de Cinematografía. 

Incrédulo aún, en solo dos semanas empezarán los ensayos, donde volverá a coincidir con quien era una de sus estrellas favoritas, Penélope Cruz: "Ella es increíble. Fuimos a cenar todos y ahí sentí su apoyo en plan: 'No te preocupes, que todo va a salir bien'".

El anuncio ha llegado solo unos días después de la publicación de su esperado segundo disco, 'Spanish Leather' (Sony Music), que toma el relevo al previo y ya aplaudido 'La cantera' (2022), pero desde una posición menos "inocente" y de autodescubrimiento personal.

"Mi momento vital está completamente plasmado en las canciones y en la energía, en cómo me lo he pasado estos últimos años y cómo me siento conmigo mismo, más seguro en general", confirma, tras quitarse respecto de aquel debut discográfico "la presión" que se puso a sí mismo de presentar "un trabajo de peso".

Con buena parte del trabajo de desarrollo del álbum realizado en EE.UU. y una colaboración que sorprendió en 2024 junto al australiano Troye Sivan, en 'Spanish Leather' se percibe para empezar menos impronta latinoamericana (en los sonidos, porque sigue en las letras) y una reflexión sobre "cómo se ve España en el extranjero".

De ahí el título, que remite al 'Boots of Spanish Leather' de Bob Dylan y a esa "romantización del pasado de una España más oscura y folclórica". Frente a ello, en uno de los nuevos cortes, 'Port Pelegrí', proclama: "Tu culo en la Barceloneta es folclore".

"Cuando haces algo vinculado al folclore, como mi primer disco, parece que se vuelve intocable. Aquí hay un desapego y una inconsciencia a la hora de buscar y dejar todo esto atrás, de no cargar con esta losa y ver el folclore como una forma de retratar la situación actual", cuenta tras haber experimentado junto a diferentes productores como Pablo Drexler.

Sorprenden en ese sentido el homenaje a Mecano en 'Puerta del Sol' ("Siento nostalgia por esa época y esa forma de ver la vida con esa liberación", argumenta), pero también a la música melódica italiana de Mina o Lucio Battisti que hace en 'Tramuntana'.

Quien en su primer álbum hiciera una indagación en sus raíces en Aragón en busca de "un sentimiento de pertenencia", aplica aquí una mirada "irónica" al pasado y a sus símbolos.

"En este disco se trata más bien de dejar tu casa y encontrar ese sentimiento de pertenencia en algo colectivo, en algo generacional", explica Lafuente, que por ejemplo explora su propio deseo en temas como el primer sencillo, 'Full Time Papi', sobre la falta de compromiso en las relaciones afectivas actuales.

Con un videoclip controvertido por su estética homoerótica, afirma que entiende el "revuelo", pero no la idea que se vende en cuanto a que "cuando enseñas cosas más explícitas, sean cuerpos o la sexualidad, se diga que se hace para enmascarar o justificar una falta de talento". EFE

En sus redes sociales, Melody ha publicado un adelanto de 12 segundos de su nueva canción tras ‘Esa diva’, con la que quedó antepenúltima en Eurovisión, y después de editar ‘Bandido’, otro single, en 2024.

Su último disco con varias canciones salió al mercado el 9 de junio de 2014, con el título de ‘Mucho camino por andar’, al tiempo que ha realizado varias colaboraciones en bandas sonoras de películas como ‘’Hércules’, ‘Mujeres apasionadas’ o ‘Ahora o nunca’.

Con diez años fue la primera artista española en lograr, con esa edad, ser número uno en más de 15 países y vender mas de un millón de copias.

Mientras Melody ha decidido abandonar su agenda pública y marcharse a su localidad natal, Dos Hermanas, en este municipio se ha creado un grupo de WhatsApp con la única finalidad de mostrar su apoyo a su paisana tras el festival. EFE

fcs/vg/mcm

El Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, perdió 55,13 puntos, hasta los 38,128,13 enteros.

El selectivo más amplio Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, descendió un 0,32 % o 8,85 puntos, hasta situarse en 2.763,29 unidades.

El parqué tokiota abrió mixto porque las compras de valores tecnológicos, que siguieron a sus homólogos estadounidenses, se vieron limitadas por las ventas para afianzar las ganancias.

El mercado nipón perdió impulso durante la jornada debido a que las empresas automovilísticas orientadas a la exportación se vendieron por al fortalecimiento del yen, que reduce los beneficios de los exportadores al repatriarlos.

Al cierre, la divisa local se intercambiaba en la franja inferior de las 147 unidades por billete verde, puesto que los datos de inflación de Estados Unidos, por debajo de lo esperado, alimentaron las expectativas de una pronta rebaja de los tipos de interés por parte la Reserva Federal.

Entre los valores más negociados de la jornada estuvieron importantes firmas del sector de los semiconductores como Disco, Advantest y Tokyo Electrion, que subieron un 11,13 %, un 4,86 % y un 0,93 %, respectivamente.

El fabricante automovilístico Toyota, valor de mayor capitalización local, perdió un 3,52 %.

Por su parte, la multinacional tecnológica y de entretenimiento Sony ganó un 3,66 %, después de conocerse que creció un 17,6 % en 2024 hasta alcanzar un volumen récord, según su último informe financiero publicado este miércoles.

En la sección principal, 570 valores avanzaron, 1.033 retrocedieron y 30 permanecieron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 5,44 billones de yenes (unos 33.093 millones de euros). EFECOM

El Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, ganó 140,93 puntos, hasta los 37.644,26 enteros.

El selectivo más amplio Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, ganó un 0,31 % ó 8,59 puntos, hasta situarse en 2.742,08 unidades.

El parqué tokiota inició la jornada con tendencia alcista pero llegó plano al descanso, porque las ventas de activos tras los grandes avances del viernes contrarrestaron las compras motivadas por el acercamiento comercial logrado entre Estados Unidos y China.

El diálogo arancelario entre Washington y Pekín durante el fin de semana, en Ginebra, impulsó las acciones de la plaza nipona después de que ambas partes calificaran las conversaciones como "profundas" y aseguraran haber logrado progresos "sustanciales", lo que generó esperanzas sobre la eventual consecución de un acuerdo.

Los valores dedicados a la automoción y la maquinaria, orientados a la exportación, también fueron comprados por la debilidad del yen, que aumenta los beneficios de los exportadores al repatriarlos.

Al cierre de la sesión, la divisa japonesa se intercambiaba en el rango medio de las 146 unidades por dólar estadounidense y en torno a las 164 unidades por euro.

Entre los valores más negociados de la jornada estuvieron importantes firmas del sector de los semiconductores como Disco, Advantest, Lasertec y Tokyo Electrion, que subieron un 6,57 %, un 8,97 %, un 4,93 % y un 3,26 %, respectivamente.

El fabricante automovilístico Toyota, valor de mayor capitalización local, ganó por su parte un 1,34 %.

En la sección principal, 1.117 valores avanzaron, 476 retrocedieron y 41 permanecieron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 4,01 billones de yenes (unos 24.450 millones de euros). EFECOM

Aitana ha anunciado su nuevo disco, titulado 'Cuarto azul', que saldrá a la luz el próximo 30 de mayo, según ha informado su discográfica 'Universal Music Spain' en un comunicado.

Se trata del cuarto disco de la artista, definido como "su trabajo más internacional y, a la vez, personal hasta la fecha". En este sentido, representa una "ventana" a "la intimidad" de Aitana "donde la oscuridad y la luminosidad juegan a entrelazarse", creando así "diferentes Aitanas que forjan su identidad como artista y mujer".

Tal y como ha detallado su discográfica, 'Cuarto azul' es el proyecto "más completo" de Aitana, conformado por un total de 19 tracks, donde se incluyen sus ya conocidas canciones '6 de febrero', 'Segundo intento' o 'Sentimiento natural' junto al cantante puertorriqueño Myke Towers.

A nivel sonoro, Aitana "ha buscado fusionar los sonidos de las últimas décadas que le han inspirado en el proceso" pero "siempre dentro de un común denominador: el pop".

La cantante catalana, que ha publicado por sorpresa un vídeo en sus redes sociales para desvelar la noticia, ofrecerá su próximo proyecto en formato físico y digital. El preorder físico comenzará este viernes a las 19.00 horas de manera privada para los fans.

Séptimo disco ya de la banda canadiense, integrado por 10 temas de "punk místico cinematográfico", según lo describe su discográfica, y que alude en su título a ese fenómeno paradójico por el que los esfuerzos por evitar un pensamiento hacen que sea inevitable tenerlo presente.

Tres años después del disco 'Corazón y flecha' y de ser coronado como el artista que más público congregó en España con su correspondiente gira de promoción, el onubense vuelve con ánimos renovados y "un concepto que celebra nuestras raíces, nuestra naturaleza más pura y salvaje".

Presentado como "un paso al frente" por parte de la banda jienense a partir de su peculiar combinación de cumbia, psicodelia, soul y rock garajero, incluye temas más mordaces como 'Mejor que tú' y otros que hablan de resistencia vital y la épica de los perdedores, como 'Tiene que ser'.

La vulnerabilidad y el romanticismo son los ejes de este disco que, en palabras de la siempre vanguardista artista estadounidense con ascendencia colombiana, "trata sobre abrazar una vida de disfrute a pesar del mundo o de tus circunstancias".

Debut de esta joven y prometedora colombiana, no en vano fue la ganadora del Grammy Latino a "mejor nuevo artista" el pasado año. En torno a las cuestiones que nos desvelan, van hilándose canciones en las que aparecen nombres como los de Joe Jonas o el productor Max Martin.

La rapera britániconigeriana se inspira en los lotos, "las únicas plantas que crecen en aguas turbias", para titular su sexto trabajo, producido por Miles Clinton James, con el que en el pasado colaboró en su aplaudido disco 'Sometimes I Might Be Introvert' (2021).

La pandemia no solo tuvo consecuencias negativas. Fue, por ejemplo, cuando el vocalista de Radiohead y uno de los adalides de la electrónica comenzaron a explorar diferentes sonidos que han cuajado en este primer álbum conjunto, que llega acompañado de un cortometraje.

Se trata del primero de larga duración en once años de la mítica banda estadounidense y llega tras el EP de ocho canciones 'Butter Miracle: Suite One' (2021), que funcionó como prólogo y que recogía ya algunos de los temas aquí incluidos, como 'Angel of 14th Street'.

De acuerdo con el líder de esta ya veterana banda británica, su séptimo disco de estudio ha sido uno de los más rápidos y espontáneos gracias a un flujo libre de ideas que dio cabida por primera vez dentro de su estilo de rock alternativo a sonidos de corte "soul", por ejemplo.

El que es uno de los gigantes de la música "country" en el mundo incluye en este nuevo álbum, el decimotercero de su carrera, una colaboración junto a su mujer, Gwen Stefani, así como un tema, 'Let Him In Anyway', del que ha dicho que es "uno de los más poderosos" que haya grabado nunca. EFE

El Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, ganó 148,97 puntos, hasta los 36.928,63 enteros.

El selectivo más amplio Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, ganó un 0,09 % o 2,56 puntos, hasta situarse en 2.698,72 unidades.

El parqué tokiota abrió a la baja y llegó mixto al descanso porque algunos inversores optaron por cosechar sus ganancias.

Mientras, otros prefirieron adoptar una postura de espera ante la publicación del informe de resultados de Toyota Motor en el segundo tramo de la sesión y las negociaciones arancelarias entre Estados Unidos y China previstas para este fin de semana.

Sin embargo, el Nikkei se vio impulsado y cambió su rumbo gracias a las compañías dedicadas a los semiconductores, que siguieron el cierre en verde de Wall Street después de conocerse que la administración del presidente estadounidense, Donald Trump, está considerando suavizar las restricciones a los chips que se utilizan para inteligencia artificial.

Entre los valores más negociados de la jornada estuvieron algunas importantes firmas del sector de los semiconductores, como Disco, Advantest, Lasertec y Tokyo Electrion, que subieron un 5,68 %, un 3,73 %, un 4,02 % y un 2,08 %, respectivamente.

Toyota, la principal empresa automovilística de la plaza nipona y valor de mayor capitalización local, perdió un 1,27 %, tras conocerse que su beneficio cayó un 3,6 % interanual, según su último informe financiero.

La desarrolladora y distribuidora de videojuegos Nintendo perdió un 2,67 %, antes de publicarse su informe de resultados que desvela que su beneficio cayó un 43,2 % durante el último ejercicio fiscal.

En la sección principal fueron 876 los valores que avanzaron, 688 los que retrocedieron y 71 los que permanecieron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 4,47 billones de yenes (unos 27.490 millones de euros). EFECOM

Tokio, 30 ene (EFECOM).- El principal indicador de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, subió un 0,25 % este jueves, animado por los buenos resultados entre firmas de semiconductores y tras las pérdidas del sector en días previos a raíz de la irrupción de la plataforma de inteligencia artificial china DeepSeek.

El selectivo referencial, que agrupa los 225 títulos más representativos del mercado, terminó la jornada con una subida de 99,19 puntos que lo situó en los 39.513,97 enteros, por debajo de la barrera psicológica de los 40.000 puntos.

Mientras, el Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, es decir, las de mayor capitalización, también cerró en terreno positivo con un crecimiento del 0,23 % o 6,34 puntos hasta colocarse en los 2781,93.

El parqué tokiota abrió plano este jueves tras el cierre a la baja de Wall Street por la incertidumbre sobre las políticas económicas del presidente de Estados Unidos, Donald Trump, que se vio compensado por las compras de valores relacionados con los semiconductores.

El mercado tokiota estuvo respaldado por una subida del 3,45 % del valor más negociado de la jornada, Advantest, dedicada al sector de los semiconductores y uno de los pesos pesados del Nikkei, después de que informase en la víspera del incremento de sus ganancias para el período abril-diciembre.

También se encuentran entre los valores más negociados de este jueves Disco, Tokyo Electron y Lasertec, del mismo sector, que registraron una subida del 1,19 %, 1,88 % y 0,03 %, respectivamente.

En cuanto a los dos valores de referencia en Tokio, el conglomerado tecnológico nipón, Softbank Group, bajó un 1,06 % y la líder automotriz de origen japonés, Toyota, subió un 0,64 %.

En la sección principal 1.094 valores avanzaron, frente a 492 que retrocedieron, y 53 cerraron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 3,37 billones de yenes (20.953 millones de euros). EFECOM

El 11 Vida Festival, que se celebrará del 3 al 5 de julio en Vilanova i la Geltrú (Barcelona), ha incorporado a su cartel a los argentinos Ca7riel & Paco Amoroso, ha informado este martes en un comunicado.

El dueto de música urbana actuará el viernes 4 de julio para presentar su disco de debut 'Baño maría' y ofrecerá su fusión de rap, trap, funk y rock.

Este concierto se suma a los ya anunciados de Supergrass, Benjamin Clementine, Ezra Collective, Lemon Twigs, Yerai Cortés, Mushkaa, The Lemon Twigs, Future Islands, Rusowsky, Joe Godard y Richard Hawley, entre otros.

Frente a un escenario climático cada vez más exigente, las iniciativas enfocadas en sostenibilidad ganan fuerza dentro de la agenda pública y empresarial.

En ese proceso, el rubro del retail se convierte en un protagonista clave. La alianza entre los supermercados de Cencosud y la app Cheaf, implementada en tiendas Jumbo, Disco y Vea, representa uno de los ejemplos más contundentes en la Argentina en materia de reducción del descarte y acceso a productos a menor costo.

Desde febrero de 2025, más de 6,4 toneladas de alimentos fueron rescatadas en estas cadenas. Esto se logró a través de la entrega de 3.214 bolsas sorpresa con artículos de vencimiento cercano. Este formato permite al cliente adquirir productos en condiciones óptimas a mitad de precio.

Alimentos de calidad con precios accesibles

La iniciativa incluye categorías como panadería, quesos, fiambres, lácteos, frutas y verduras, y se encuentra ya disponible en 35 locales adheridos. El proceso de compra se realiza por medio de la aplicación móvil Cheaf.

Para adquirir estos productos, el cliente debe seleccionar en la app la bolsa que desea, pagar de forma virtual y luego retirar el pedido directamente en la tienda. Esta modalidad permite una experiencia ágil y conveniente.

Cada una de estas operaciones contribuye a un objetivo superior: reducir la cantidad de productos descartados por motivos logísticos o comerciales. Con esta estrategia, Jumbo, Disco y Vea optimizan su oferta y responden a los desafíos sociales actuales.

Cabe destacar que esta iniciativa trajo consigo una cifra destacada: 1.964 personas realizaron su primera compra en alguna tienda de la empresa gracias a Cheaf. Es decir, la propuesta funciona también como una puerta de entrada para nuevos públicos.

Una estrategia integral con impacto regional

Esta acción forma parte de un compromiso más amplio. A lo largo de 2024, la compañía entregó cerca de 800 toneladas de mercadería a través de su programa Rescate de Alimentos, en alianza con la red de Bancos de Alimentos Argentina.

Esta iniciativa, vigente desde 2011, permite que productos aptos para el consumo lleguen a organizaciones que acompañan a comunidades en situación de vulnerabilidad. El objetivo del programa es contribuir a mejorar la situación nutricional de miles de personas, a través de la entrega de alimentos y artículos de primera necesidad.

Tecnología al servicio del consumo con propósito

La participación de Cheaf aporta una dimensión tecnológica al proyecto. Esta aplicación, desarrollada en Ciudad de México en 2020, permite que comercios de diferentes rubros ofrezcan artículos de vencimiento cercano a precios reducidos. De esa manera, se evita el descarte innecesario y se amplía el acceso a productos esenciales.

El modelo ya funciona en más de 20 ciudades del país norteamericano, además de Chile y la Argentina, donde se despliega con velocidad. A través de una interfaz simple, los usuarios acceden a oportunidades concretas de ahorro, mientras los comercios encuentran un canal para ofrecer productos con fechas próximas sin recurrir a su descarte.

Un plan de expansión con metas claras

Con el objetivo de cubrir sus más de 300 puntos de venta en la Argentina, Cencosud proyecta ampliar esta propuesta a lo largo del año. El compromiso es claro: integrar a más personas, ciudades y tiendas a esta lógica de consumo consciente.

Este cambio cultural obliga a revisar los procesos, buscar aliados estratégicos y adoptar herramientas digitales con soluciones innovadoras. La experiencia de la compañía confirma que es posible ofrecer estas soluciones sostenibles dentro de un esquema tradicional sin perder eficiencia ni competitividad.

Con iniciativas como Cheaf, que se suma al programa de Rescate de Alimentos que la compañía impulsa desde hace años, se potencia una transformación concreta: convertir el desafío de la pérdida y el desperdicio de alimentos en una oportunidad para generar impacto positivo, fortaleciendo a la vez un consumo más responsable.

Madrid, 23 ene (EFE).- Aitana volverá a calentar este viernes el próximo lanzamiento de su nuevo disco con un sencillo titulado 'Segundo intento', en una jornada en la que verán la luz álbumes nacionales a cargo de Alba Reche o Joe Crepúsculo y esperados discos internacionales como los de la banda Mogwai o de FKA Twigs.

El duelo por una ruptura sentimental, el despecho, la vergüenza incluso por no haberlo visto venir, pero sobre todo la reconstrucción personal con el valor como lema constituyen el tránsito emocional que la ilicitana recorre en este nuevo disco, el más honesto y vulnerable de su carrera.

Un disco de electrónica más oscura que sus predecesores pero igualmente destinado a la celebración, la de todas aquellas cosas malas que nos han permitido avanzar, con el baile como catarsis y medio para que el veneno no acabe con nosotros, así es este undécimo trabajo del catalán, con canciones tan potentes como 'Fiesta de disfraces'.

'La guitarra de Yerai Cortés', debut como director de C. Tangana, depositó parte de su foco e hizo brillar a esta artista que debuta con un álbum en el que reivindica la copla contemporánea y en el que narra una historia de amor de principio a fin combinando seducción y franqueza.

Esperado debut de este cuarteto que se ha hecho hueco poco a poco gracias a su amor por lo que otros desecharían (de ahí su nombre) y, sobre todo, por su conjunción de rock incendiario, pop urbano y toques electrónicos en melodías contundentes, lo que llamó la atención de artistas como Zahara, que participa en un tema.

Segundo disco de los asturianos, con diez temas en los que insisten en su fórmula de rock clásico con arreglos más personales y actuales, para hablar de cuestiones como las relaciones tóxicas o el amor adolescente en 'Bailén'.

El artista granadino lo ha hecho casi todo en este álbum introspectivo, también la producción y grabación en un estudio móvil con el que ha recorrido varias ciudades de España, dando forma a canciones que obligan a confrontar al oyente consigo mismo, por ejemplo con sus deseos y la imagen que proyecta hacia fuera.

Disco compuesto por diez canciones que tienden un puente entre el folclore tradicional, el indie folk y la canción de autor, con la emotividad como bandera e influencias de la música tradicional ruandesa y el flamenco.  

Transcurridos tres años desde el lanzamiento de su última mixtape, Tahliah Barnett regresa tras haber desechado por completo un disco de acercamiento al techno por la filtración de sus demos y tras la construcción de cero de este trabajo que gira finalmente más en torno al trance y la capacidad de la euforia para hacerte trascender más allá de los límites corporales.

La prestigiosa formación escocesa de post-rock sigue sumando discos, el undécimo en este caso y el primero desde 2021 si se obvia su aportación a la BSO de 'Black Bird' que lanzaron hace ya tres años, lo que hace de este un trabajo muy deseado y, según su oficina, con algunas de "las canciones más bellas y explosivas" que han hecho nunca.

Fantasía, autorreflexión e internet. La inesperada conjunción de folclore y tuits se dan cita en el nuevo álbum de esta compositora asentada en County Donegal (Irlanda), quien hizo crecer su fama tras acompañar en sus giras a artistas como St. Vincent o Father John Misty.

Cerca de ocho años después de su anterior disco, este intérprete, guitarrista y compositor estadounidense de blues y rock aborda los límites de la forma y la narración, con guiños al hip-hop experimental, al pop ensoñador y al rock alternativo mientras en sus letras explora cuestiones en torno al ser, incluido el género. EFE

Tokio, 21 ene (EFECOM).- El principal índice de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, subió un 0,32 % este martes en una sesión volátil tras el regreso a la Casa Blanca de Donald Trump, que inauguró su segundo mandato revocando políticas de su predecesor, pero optó por dejar para más adelante su prometido endurecimiento arancelario.

El Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, subió 125,48 puntos, hasta 39.027,98 enteros.

El selectivo más amplio Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, avanzó un 0,08 % o 2,23 puntos, hasta situarse en 2.713,50 unidades.

El parqué tokiota abrió al alza, sustentado por las compras en el sector automovilístico y entre valores orientados a la exportación, después de que el nuevo presidente estadounidense se abstuviera de revisar aranceles en su primer día en el cargo, en el que se centró en firmar órdenes ejecutivas orientadas a la política nacional.

La plaza nipona no tardó en tornarse volátil, después de que el mandatario sugiriera que podría imponer aranceles del 25 % a México y Canadá a partir de febrero, generando preocupación por el consiguiente impacto en los exportadores japoneses.

Los comentarios de Trump causaron, además, un movimiento brusco en el yen, que se fortaleció frente al dólar, una tendencia perjudicial para el músculo exportador nipón, que ve mermada la competitividad de sus productos y los retornos de sus remesas.

El billete verde se intercambiaba en la franja media de los 155 yenes al cierre de las negociaciones en Tokio, tras llegar a tocar la banda baja de los 155 y haberse movido en los 156 al cierre de la sesión previa.

Los inversores en Tokio se abstuvieron de realizar operaciones arriesgadas ante la incertidumbre por el esperado viraje hacia el proteccionismo económico del nuevo presidente estadounidense y la falta de otros estímulos tras el cierre de Wall Street el lunes.

En el sector de los semiconductores, el fabricante de herramientas de precisión orientado a la producción de chips Disco, valor más negociado del día, subió un 5,86 %; el fabricante de equipos para manufactura de chips Advantest avanzó un 0,74 % y el fabricante de chips Tokyo Electron sumó 1,44 %.

En el sector automovilístico, el líder mundial por volumen de ventas, Toyota, y su competidor Nissan escalaron un 0,19 % y 1,23 %, respectivamente, mientras que Honda bajó un 0,26 %.

En la sección principal, 940 empresas subieron frente a 615 que bajaron, mientras que 87 cerraron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 3,5 billones de yenes (unos 21.730 millones de euros). EFECOM

(foto)(vídeo)

Ángela Aguilar, reconocida por su trayectoria en la música regional mexicana y sus muchas polémicas personales, ha anunciado una apuesta novedosa y ambiciosa: su próximo álbum Nadie Se Va Como Llego, con nuevos ritmos y géneros.

Este nuevo material discográfico promete romper con las expectativas al incorporar influencias de géneros como el tumbado, la cumbia y el pop, sin dejar de lado la fuerte presencia del mariachi que ha definido su carrera. La cantante busca dar un paso firme hacia una evolución artística personal y profesional.

“Mis raíces son profundas, y siempre serán el alma de mi sonido. Pero crecer también significa dejar que la tradición baile con la evolución”, explicó.

En ese sentido, su intención es mantenerse fiel a la música tradicional mexicana al tiempo que se adentra en nuevos estilos que resuenan con audiencias más amplias y modernas.

El sencillo principal, también titulado “Nadie Se Va Como Llegó”, es la carta de presentación para esta nueva etapa. La canción, que aborda temas de transformación personal y emocional, está acompañada de un videoclip dirigido por Manuel Gayosso.

“No podría haber elegido una mejor canción para abrir este capítulo de mi vida”, explica Aguilar.

Un proyecto con fuerza femenina

Un elemento único de este álbum es el fuerte componente femenino detrás de su creación. Ángela asumió el rol de productora ejecutiva por primera vez y trabajó de cerca con un equipo de compositoras y creativas mexicanas.

Su enfoque destaca el compromiso de Aguilar no solo con su desarrollo musical, sino también con el empoderamiento de la nueva generación de mujeres en la industria.

“Esta nueva música no es un mensaje para nadie. No es una reacción. No es un titular. Es un reflejo de quién soy. Es para mí. Y para cada persona que alguna vez ha sentido algo real a través de una canción”, dijo Ángela.

Además de experimentar con géneros poco comunes en su repertorio, Ángela Aguilar continúa utilizando su plataforma para destacar temas sociales importantes. Durante el evento Billboard’s Women in Music, la cantante ofreció un discurso en apoyo a los inmigrantes en Estados Unidos, señalando la necesidad de dar voz a comunidades marginadas. Este activismo se suma a esta propuesta artística.

A sus 21 años, Ángela ha acumulado más de tres mil millones de reproducciones globales y mantiene su posición como una de las artistas femeninas más relevantes de la música latina. La próxima etapa de su carrera será marcada también por su participación en una presentación especial en el Hollywood Bowl los días 15 y 16 de agosto, junto al reconocido director de orquesta Gustavo Dudamel y su familia, Pepe y Leonardo Aguilar.

Nadie Se Va Como Llegó estará disponible el próximo 22 de mayo en todas las plataformas de música streaming. Este álbum no solo representa un momento significativo en la carrera de Ángela Aguilar, sino que también abre la puerta a nuevas interpretaciones de la música regional mexicana.

Después de muchos años, el grupo Bacilos decidió volver a lo básico. Y no sólo en lo musical. También en la forma de grabar.

Su nuevo disco Pequeños romances se grabó sin programación, a la antigua, con los músicos tocando juntos en el estudio. “Volvimos al estilo con el que empezamos”, cuenta Jorge Villamizar, voz y compositor del grupo. “Somos eso. Siempre lo fuimos.”

¿Cuándo tendrán concierto Bacilos en la CDMX?

El grupo llega a la Ciudad de México el 16 de mayo para presentarse en el Auditorio BB. En esta visita no solo repasarán sus canciones más conocidas, también darán vida en vivo a los 11 temas de este nuevo álbum, donde decidieron dejar de buscar nuevas formas para simplemente sonar como ellos mismos.

“Alguien en el estudio dijo: ‘hagámoslo tipo Bacilos’, y entendimos que ya tenemos un estilo propio”, dice Jorge.

Más de tres décadas de trayectoria

Con más de 30 años de carrera, el grupo quiso probar algo diferente: volver a ser ellos. Pequeños romances es su sexto disco, pero tiene el impulso de un primer álbum. No hay efectos digitales ni producciones cargadas. Es un disco hecho con instrumentos reales y con la intención de sonar cercano.

Antes de llegar a México, Bacilos ha recorrido varios países. En Chile formaron parte del Festival de Viña del Mar como artistas y jurado, tocaron en Colombia ante miles de personas y pasaron por Perú. La gira no se detiene y el grupo sigue sumando kilómetros y canciones.

México es especial para Bacilos

Andrés, integrante del grupo, asegura que cada concierto es diferente, y que México siempre les genera una emoción especial. “Nunca perdemos los nervios. Volvemos con un disco terminado y con una nueva generación que canta nuestras canciones como si fueran actuales”, dice.

El público no solo canta los éxitos como Caraluna o Mi primer millón. También se ha conectado con las canciones nuevas, que ya forman parte del concierto y se mezclan con los temas clásicos. Eso le da al show una energía especial: personas que los escuchan desde hace años junto a jóvenes que apenas los descubren.

Para Bacilos, tocar en vivo es parte de su forma de vivir. “Siempre estamos tocando, girando, en movimiento”, dice Jorge. Esa conexión directa con el público se mantiene firme. Y este 16 de mayo, en el Auditorio BB, volverán a compartir esa cercanía.

No se trata de un regreso ni de una despedida. Es simplemente otro encuentro entre Bacilos y su gente. Un concierto con canciones nuevas y conocidas, donde lo importante no es la producción, sino lo que sucede entre el escenario y el público. Ahí es donde todo cobra sentido.

Tokio, 16 ene (EFECOM).- El principal índice de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, subió un 0,33 % este jueves, siguiendo las ganancias en Wall Street a raíz de la publicación de unos datos alentadores sobre la inflación en Estados Unidos.

El Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, avanzó 128,02 puntos, hasta 38.572,60 enteros.

En cambio, el selectivo más amplio Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, bajó un 0,09 % o 2,50 puntos, hasta situarse en 2.688,31 unidades.

El parqué tokiota abrió al alza, haciéndose eco del avance en la plaza neoyorquina, después de que los datos sobre la inflación en el país norteamericano, menor de lo esperado, despejaran el temor a un repunte del indicador, alimentando las expectativas a un recorte de tipos de interés en la mayor economía del mundo.

Las ganancias fueron, no obstante, limitadas, debido a las ventas de valores ligados a la exportación, después de que el yen cayera brevemente hasta el rango inferior de las 155 unidades por dólar en medio de las especulaciones de una posible alza de tipos del banco central japonés en su reunión de la próxima semana.

Las ganancias fueron generalizadas entre las empresas del sector de los semiconductores, con avances del 0,43, 1,15 y 3,87 % de los fabricantes Disco, Advantest y Tokyo Electron.

Entre las firmas que cosecharon pérdidas estuvieron el líder automotor Toyota, valor de mayor capitalización local, que perdió un 2,2 %, y el fabricante de componentes electrónicos y robótica Murata, que retrocedió un 4,49 %.

En la sección principal, 610 empresas subieron frente a 968 que bajaron, mientras que 65 cerraron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 4,13 billones de yenes (unos 25.735 millones de euros). EFECOM

De acuerdo con Billboard, esta producción provocó un gran entusiasmo entre sus fanáticos, quienes esperaron pacientemente por una nueva obra de la artista. Este trabajo promete revitalizar la escena musical con el toque único que caracteriza a Badu.

La influencia transformadora de Badu

Desde sus comienzos en Dallas, se distinguió por su capacidad para fusionar sonidos clásicos con innovaciones modernas, un talento que quedó demostrado con su álbum debut Baduizm.

El medio destaca que, este disco no solo debutó en el número 2 del Billboard 200, sino que además definió el género conocido como neo-soul. La canción “On & On” es un claro ejemplo de esta cualidad innovadora, al presentar un sonido original en un contexto familiar para el público.

El impacto de Baduizm en la música fue significativo, y, como relatan figuras como Questlove en conversaciones retomadas por Billboard, Badu siempre fue reconocida por su habilidad para generar ideas frescas y coros pegadizos. Esta innovación se refleja no solo en su música, también lo hace en su enfoque hacia la producción y la actuación.

La evolución de una artista completa

A lo largo de su carrera, mantuvo un enfoque distinto hacia la música y la vida escénica. Según describe en la entrevista, su pasión se centra en el acto de presentarse en vivo, una experiencia que considera un intercambio transformador con su audiencia.

Durante los últimos 25 años, dedicó la mayor parte de su tiempo a recorrer el mundo como artista de performance, un aspecto que ella misma define como una terapia tanto para ella como para sus seguidores.

Sin embargo, su enfoque no solo se limita a la música. En 2005, Badu estableció su sello discográfico, Control Freq, con la intención de ofrecer contratos justos que devolvieran a los artistas la propiedad de su trabajo tras un determinado tiempo. Este proyecto, como explica la cantante, fue una expresión de su deseo de apoyar a otros músicos en sus propios términos.

Vida personal y legado

Badu mantiene un vínculo estrecho con Dallas, su ciudad natal, donde reside actualmente. Esta conexión, describe Billboard, se debe a sus raíces familiares y a su deseo de construir un legado en su hogar.

Al haberse criado en un entorno lleno de música, donde cada miembro de su familia tenía su propio espacio para explorar sus gustos musicales, desarrolló un espectro amplio de influencias que moldearon su estilo artístico.

Su vida personal está igualmente inmersa en otras pasiones, como la colección de autos clásicos, una afición que comparte desde joven y que aseguró, le brinda una satisfacción única. Además, continúa explorando diversas actividades fuera de la música, como su colaboración con la marca Cookies en una línea de cannabis.

Perspectivas Futuras

La anticipación en torno al nuevo álbum de Badu, asegura Billboard, es un reflejo de la promesa de un regreso triunfal que podría redefinir aspectos del R&B contemporáneo. La producción de The Alchemist, un reconocido productor en el ámbito del hip-hop, añade una dimensión adicional de interés a este proyecto.

El medio destaca que, con cada proyecto nuevo, reafirma su lugar en el corazón de muchos, demostrando que la espera de sus fanáticos está justificada y que el retorno a la escena musical es solo el comienzo de una nueva etapa emocionante en su carrera.

Según Billboard, este lanzamiento es un hito que celebra tanto su legado como su enfoque visionario del arte musical.

Tokio, 8 ene (EFECOM).- El principal indicador de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, bajó un 0,26 este miércoles, tras las amplias ganancias obtenidas en la víspera, arrastrado por el cierre en rojo de Wall Street.

El selectivo referencial, que agrupa los 225 títulos más representativos del mercado, terminó la jornada con una bajada de 102,24 puntos que lo situó en los 39.981,06 enteros, por debajo de la barrera psicológica de los 40.000 puntos.

Mientras, el Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, es decir, las de mayor capitalización, también cerró en terreno negativo con una bajada del 0,59 % o 16,57 puntos hasta colocarse en los 2.770.

El parqué tokiota se mantuvo en terreno negativo, tras las ganancias obtenidas en la jornada previa, debido a los descensos registrados en las acciones estadounidenses y con los inversores optando por la recogida de beneficios.

Sin embargo, los pérdidas se vieron compensadas por la compra de acciones tecnológicas de empresas dedicadas a los semiconductores ante las posibilidades de crecimiento del sector de los semiconductores.

De modo que los cuatro valores más negociados de las sesión fueron Disco, Advantest, Tokyo Electron y Lasertec, todas pertenecientes a este sector, y que registraron una subida del 4,43 %, 3,27 %, 1,49 % y 3,21 %, respectivamente.

En cuanto a los dos valores de referencia en Tokio, el conglomerado multinacional nipón, Softbank Group, subió un 0,37 % y la líder automotriz de origen japonés, Toyota, lo hizo un 0,81 %.

En la sección principal 1.217 valores retrocedieron, frente a 389 que avanzaron, y 38 cerraron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 3,50 billones de yenes (21.413 millones de euros). EFECOM

Tokio, 7 ene (EFE).- El principal índice de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, subía cerca de un 2,5 % en el descanso de la media sesión de este martes, animada por los buenos resultados de las empresas tecnológicas y la debilidad del yen.

Transcurrida la primera parte de la sesión de negociaciones en Tokio, el Nikkei, índice de referencia de la plaza nipona que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, subía un 2,44 % o 957,45 puntos, hasta las 40.264,50 unidades.

Mientras, el Topix, selectivo más amplio que reúne a los valores de la sección principal, los de mayor capitalización, avanzaba un más moderado 1,31 % o 36,11 puntos, hasta los 2.792,49 enteros.

El parqué tokiota abrió este martes al alza y llegó a sobrepasar la barrera psicológica de los 40.000 puntos, animado sobre todo por las acciones del sector tecnológico, que cogieron fuelle tras la publicación de buenos resultados de la taiwanesa Foxconn (Hon Hai Precision Industry), confirmando la fuerte demanda de semiconductores para el sector de la Inteligencia Artificial (IA).

Las empresas japonesas también respondieron así a la renovada debilidad de la divisa local, el yen, que se intercambiaba hoy durante el inicio de las negociaciones en Tokio en la franja de 157,57 a 158,41 unidades por billete verde, su nivel más bajo en cerca de seis meses.

Esta tendencia a la baja beneficia a las grandes exportadoras japonesas al repatriar sus beneficios en el exterior.

Las empresas del sector Tokyo Electron, Advantest, Lasertec y Disco se encontraban entre la más negociadas hoy en Tokio y subían un 10,52 %, 7,05 %, 7,33 % y 7,98 %, respectivamente.

El gigante tecnológico Softbank avanzaba un 4,27 % y, por su parte, la líder automotriz global Toyota Motor lo hacía un 0,80 %. EFE

El telescopio espacial James Webb ha captado la primera instantánea de los hielos del Sistema Solar formados hace 5.000 millones de años. Este hallazgo se enmarca dentro del proyecto DiSCo, enfocado en el estudio de la distribución del hielo y el polvo en el Sistema Solar, que lidera la investigadora del Instituto de Ciencias y Tecnologías Espaciales de Asturias (ICTEA) de la Universidad de Oviedo, Noemí Pinilla-Alonso.

Los resultados de los estudios realizados por esta investigadora acaban de ser publicados en 'Nature Astronomy', una revista de máximo impacto en su área del conocimiento.

Pinilla-Alonso destaca en nota de prensa que, gracias al telescopio espacial, los estudios más recientes de los objetos transneptunianos (TNOs) --entes del sistema solar cuya órbita se ubica parcial o totalmente más allá de la órbita del planeta Neptuno-- han revelado cómo la diversidad actual de sus colores y reflectancia superficial se remonta a sus lugares de formación en los primeros momentos del Sistema Solar y cómo estos objetos cambian hoy en día cuando son procesados por el calor solar al acercarse a las regiones más cálidas.

"La importancia de este descubrimiento radica en que ahora podemos afirmar que el factor más determinante en la composición superficial actual de estos cuerpos es el material disponible en el disco presolar en el momento de la formación de los planetesimales, objetos sólidos con un diámetro mayor a un kilómetro. De esta manera, el estado actual de estos objetos transneptunianos está estrechamente ligado al inventario de hielos en el nacimiento del Sistema Solar, como si fuera una instantánea congelada de esa época", ha explicado la investigadora.

Por primera vez, los investigadores han identificado las moléculas específicas responsables de la notable diversidad de espectros, colores y albedo observada en estos objetos. "Hemos descubierto que los objetos transneptunianos pueden clasificarse en tres grupos composicionales distintos, definidos por las líneas de retención de hielos como el agua, el dióxido de carbono, el metanol y los materiales orgánicos procesados que existían cuando el Sistema Solar se formó hace miles de millones de años", indica Pinilla-Alonso.

Estos resultados representan la primera conexión clara entre la formación de los planetesimales en el disco protoplanetario y su posterior evolución. Además, estos grupos composicionales no están distribuidos de forma homogénea entre objetos con órbitas similares "El estudio arroja luz sobre la relación entre las distribuciones espectrales y dinámicas observadas actualmente, y cómo estas se originaron en un sistema planetario moldeado por una compleja evolución dinámica", ha asegurado Pinilla-Alonso.

ESTUDIO SOBRE LOS CENTAUROS

En un estudio complementario sobre los Centauros, raros objetos celestes por pecularies, publicado en la misma edición de Nature Astronomy, los investigadores han encontrado una mayor diversidad composicional de la esperada, marcada por la presencia de una capa de polvo en sus superficies.

El trabajo muestra que los Centauros, que son TNOs cuya órbita se ha desplazado hacia la región de los planetas gigantes tras un encuentro gravitacional cercano con Neptuno, evidencian una modificación notable en sus superficies en forma de manto de polvo, lo que revela cómo estos objetos helados cambian al calentarse al acercarse al Sol. Este fenómeno sugiere una evolución térmica debida a su tránsito hacia las regiones más cálidas del Sistema Solar. Además, los investigadores han identificado una nueva clase de superficie en los Centauros, que no se encuentra entre los objetos transneptunianos, y que muestra muchas similitudes con las superficies de cometas y asteroides activos del Sistema Solar interior.

"Nuestro hallazgo sugiere que los Centauros no son un grupo homogéneo, sino objetos dinámicos y transicionales, cuyas diferencias composicionales reflejan diferentes etapas evolutivas", explica la investigadora del ICTEA, beneficiaria del programa ATRAE en la Universidad de Oviedo.

HIELO Y GAS EN EL CENTAURO (2060) CHIRON

La profesora Pinilla-Alonso es autora también de un estudio que acaba de ver la luz en la revista 'Astronomy & Astrophysics' y que presenta observaciones sin precedentes del centauro (2060) Chiron realizadas con el telescopio espacial James Webb. Este trabajo revela una compleja mezcla de moléculas en su superficie y coma. Las detecciones incluyen gases como metano (CH4) y dióxido de carbono (CO2), así como varios hielos volátiles, y ofrecen nuevos indicios sobre los mecanismos de activación en condiciones de bajas temperaturas.

Los resultados sugieren que la liberación de CH4 podría estar impulsada por una transición de fase en el hielo amorfo de agua, en lugar de la cristalización tradicionalmente propuesta. Además, se observa que el CO está presente solo como hielo, lo que plantea interrogantes sobre su sublimación y almacenamiento. Estos hallazgos amplían el conocimiento de los centauros y destacan el papel de Chiron como un laboratorio natural para estudiar la evolución de los objetos del Sistema Solar exterior.

Pinilla-Alonso ha desarrollado los últimos nueve años de su carrera investigadora en el Florida Space Institute de la Universidad Central de Florida y es además experta colaboradora de la NASA, lidera en la Universidad de Oviedo un ambicioso proyecto enfocado en el estudio de la distribución del hielo y el polvo en las superficies de los cuerpos menores del Sistema Solar utilizando precisamente el telescopio espacial James Webb.

Las observaciones de este telescopio permitirán explorar las poblaciones de hielo más allá de Neptuno, desvelando información composicional que ha permanecido oculta durante décadas.

Tokio, 16 dic (EFECOM).- El índice Nikkei, principal indicador de la Bolsa de Tokio, cerró este lunes plano, con un ligero descenso del 0,03 %, porque las compras fueron contrarrestados por las ventas para afianzar ganancias antes de las reuniones clave de política monetaria en Japón y Estados Unidos, esta semana.

El selectivo referencial que agrupa los 225 títulos más representativos del mercado terminó la jornada con una pérdida de 12,95 puntos, hasta los 39.457,49 enteros.

Mientras, el Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, cayó un 0,30 % u 8,23 puntos hasta situarse en los 2.738,33.

El parqué tokiota se movió de manera incierta en este jornada. Asimismo, las tecnológicas siguieron a sus homólogas estadounidenses que cerraron la pasada semana a la alza.

Sin embargo, el avance del selectivo se vio limitado porque algunos inversores decidieron afianzar sus ganancias ante las reuniones de política monetaria que celebrarán, esta semana, el Banco de Japón y la Reserva Federal de Estados Unidos (Fed).

El valor más negociado de la jornada fue Disco, dedicada al sector de los semiconductores, que terminó con una subida del 1,67 %.

Por su parte, Advantest y Lasertec, del mismo sector, acabaron la jornada con un avance del 1,89 % y una caída del 0,26 %, respectivamente.

En cuanto a los dos valores de referencia en Tokio, Sofbank Group avanzó un 0,98 % y Toyota Motor retrocedió un 0,20 %.

En la sección principal, 976 valores retrocedieron, frente a los 612 que avanzaron, mientras que 56 finalizaron la jornada sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 2,88 billones de yenes (17.823 millones de euros). EFECOM

El bolero, ese género que evoca nostalgia y pasión en cada acorde, ha sabido adaptarse a las nuevas generaciones sin perder su esencia. Carlos Cuevas, una de las máximas figuras del género en México, lo confirma.

A lo largo de cada concierto, jóvenes que inicialmente sólo acompañaban a sus abuelos o padres terminan envueltos en la magia de sus letras y melodías.

En entrevista con INFOBAE MÉXICO expresó que el bolero persiste gracias a la transmisión intergeneracional, donde los jóvenes, aunque inicialmente no sean los más interesados, terminan conectando con el género a través de la influencia familiar y la exposición en diversos entornos.

¿Por qué el bolero nunca morirá?

“He tenido la oportunidad de estar viajando por toda la República Mexicana durante mucho tiempo y cada vez hay más jóvenes. Y fíjate que a lo mejor ellos no quieren ir al concierto, pero como llevan a su a su familia, su mamá, su abuelita, la tía, ellos le manejan, pues se quedan a ver el concierto”.

Expresó que la sorpresa le ha llegado cuando en oportunidades jóvenes se le han acercado después de sus shows y le han confesado que se saben las canciones.

“Dicen, ‘Bueno, es cada canción que canto me la sé, maestro, porque yo lo escuchaba en el carro, en la sala de la casa, en la recámara, en la radio, con con mi abuela, con mi mamá’.

“Y entonces, pues ahí está. El bolero, está vigente, gracias a Dios, gracias a los papás y a los abuelitos que que lo vivieron y que lo pusieron en su radio y el tocadiscos”.

Cuando el amor duele, el bolero se vuelve un refugio inevitable, de acuerdo con Cuevas, quien expresó que mientras exista alguien que ame y alguien que sufra por amor, el bolero nunca morirá.

¿Cómo se mantiene viva la esencia del bolero en la era digital?

Carlos Cuevas, quien promociona su material discográfico “Romance en Piano Vol II”, comparte varias estrategias y observaciones sobre cómo se mantiene viva la esencia del bolero en la era digital. Algunas ideas claves sobre esto son las siguientes:

• Transmisión intergeneracional: El bolero se mantiene vigente gracias a que padres y abuelos lo transmiten a las nuevas generaciones, quienes lo escuchan en diversos contextos familiares.
• Autenticidad y verdad en la interpretación: Cuevas enfatiza la importancia de ser auténtico y decir la verdad al interpretar boleros, evitando ser un artista elaborado.
• • “Decimos la verdad, somos verdaderos, somos auténticos, somos artistas que no somos fabricados”, expresó.
• Experiencia y dedicación: Con más de 40 años cantando boleros, Cuevas destaca la importancia de la experiencia y el arduo trabajo, incluyendo la educación continua de la voz a través de clases de canto y el cuidado personal.
• • “Hemos recorrido la lengua en todos sentidos, hemos pasado por las buenas, por las no tan buenas, pero siempre trabajando, siempre trabajando y educándonos la voz. Por ejemplo, en mi caso, yo cada semana tomo clase de canto, hago ejercicio, trato de no mandarme (excederme) en otras cosas, ni en comida, ni en bebida, no fumo. Cuando tienes la disciplina te tiene que ir bien”.

• Conexión emocional: El bolero sigue siendo relevante porque es un ritmo y una letra que facilitan el enamoramiento. Cuevas señala que cuando uno se enamora o se desenamora, recurre al bolero.
• • “El bolero sigue ahí porque si tú te metes en cualquier cantina, en cualquier restaurante, en la misma fonda, en la calle, hay un trovador cantando boleros con su guitarra, con su piano, con acordeón, la marimba. Entonces, hasta las mismas agrupaciones regionales tocan y cantan bolero”.
  • “Cuando te enamoras, caes en el bolero sin lugar a dudas, con cualquier canción. Ya la oigas con Luis Miguel, con Alejandro Fernández, con Pepe Aguilar, con Carlos Cuevas, pero cuando te desenamoras caes más. Entonces ahí estoy esperando esas chavas que que le rompan el corazón para que vengan a escuchar la música”.
  • “El bolero está vigente. ¿Por qué? Porque yo creo que es el ritmo y la letra más cadenciosa para poder enamorar a tu pareja”.
• Adaptación a nuevos formatos y plataformas: Cuevas utiliza plataformas digitales como YouTube para su programa “A Ritmo de Bohemia”, mostrando que el género se adapta a los nuevos medios. También invita a escuchar y descargar su disco “Romance en Piano Vol II”.
• Colaboración y reinvención: Cuevas participa en giras con otros artistas y celebra que jóvenes intérpretes sigan apostando por el bolero. Menciona a artistas como Ángel Aguilar y Carlos Macías como ejemplos de esta nueva generación.

El impacto de Luis Miguel en el bolero

Cuevas reconoce que Luis Miguel acercó el bolero a una generación más joven que ahora constituye su público.

“Hace 20 años tuvimos la suerte de que Luis Miguel acercara el bolero a esa juventud que ahora es mi público”.

Tokio, 12 dic (EFECOM).- El índice Nikkei, principal indicador de la Bolsa de Tokio, cerró este jueves con una subida del 1,21 % en una jornada marcada por el ascenso de las tecnológicas, que siguieron a sus homólogas estadounidenses.

El selectivo referencial que agrupa los 225 títulos más representativos del mercado terminó la jornada con un aumento de 476,91 puntos, hasta los 39.849,14 enteros.

Mientras, el Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, avanzó un más moderado 0,86 % o 23,72 puntos hasta situarse en los 2.773,03.

El parqué tokiota, que abrió fuertemente al alza y se moderó durante el resto del día, superó a su apertura los 40.000 puntos por primera vez en dos meses animado por las empresas del sector tecnológico, que siguieron a sus homólogas estadounidenses y tras varios días en los que el selectivo se mantuvo casi plano o con ligeras subidas.

Wall Street cerró el miércoles en verde después de que se publicara el informe con los datos de inflación de noviembre, en el que la tasa subió por segundo mes consecutivo hasta el 2,7 % y a la espera de la reunión mensual de la Reserva Federal estadounidense (Fed) la próxima semana.

La empresa Mitsubishi Heavy Industries fue la más negociada este jueves y cerró con una subida de 1,78 %.

En el sector de los semiconductores, Disco y Advantest crecieron un 1,50 % y un importante 5,09 %, respectivamente, mientras que Lasertec retrocedió un 0,22 %.

Los dos valores de referencia en Tokio cerraron al alza. Sofbank Group creció un 1,93 % y Toyota Motor un 1,34 %.

En la sección principal 1.053 valores avanzaron, frente a los 529 que retrocedieron, mientras que 62 finalizaron la jornada sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 4,40 billones de yenes (27.452 millones de euros). EFECOM

La espera ha sido larga, pero Rihanna asegura que valdrá la pena. En una entrevista reciente con Harper’s Bazaar, la cantante y empresaria reveló detalles sobre su próximo álbum, el primero desde el lanzamiento de Anti en 2016. Según explicó, este nuevo trabajo no será lo que sus seguidores esperan, ya que ha decidido alejarse de las fórmulas comerciales y explorar un enfoque más artístico y personal. “Sé que no será nada de lo que se espera. No va a ser comercial. Estará donde mi arte merece estar ahora mismo. ¡Siento que finalmente lo he logrado!”, afirmó la artista.

De acuerdo con lo publicado por Harper’s Bazaar, Rihanna ha dedicado los últimos ocho años a trabajar en este proyecto, aunque el proceso no ha sido lineal. La cantante confesó que pasó por diferentes etapas creativas, explorando estilos y géneros, pero que ninguno parecía encajar con su evolución personal y artística. “Estuve en el estudio todos estos ocho años. Pero no me golpeó. Lo estaba buscando. Pasé por fases de lo que quería hacer. ‘Este tipo de álbum, no aquel álbum’”, explicó. Finalmente, decidió que su música debía reflejar su crecimiento y no limitarse a las expectativas externas.

Un álbum sin género definido y lejos del reggae

En 2018, surgieron rumores de que el nuevo disco de Rihanna estaría fuertemente influenciado por el reggae, un género que ha sido parte de su identidad musical en el pasado. Sin embargo, la cantante desmintió esta información en la entrevista con Harper’s Bazaar, asegurando que su próximo trabajo no se encasillará en ningún género específico. “¡Muy lejos! Ya no hay género. Por eso esperé”, declaró. Rihanna explicó que durante el proceso creativo se enfrentó a momentos en los que sentía que las canciones no representaban su evolución personal. “Cada vez pensaba: ‘No, no soy yo’. No está bien. No coincide con mi crecimiento. No coincide con mi evolución. No puedo hacer esto. No puedo soportar esto. No puedo interpretar esto durante un año de gira’”, añadió.

La artista también reflexionó sobre el tiempo que ha pasado desde su último lanzamiento y la presión que esto genera. Según consignó Harper’s Bazaar, Rihanna siente que este largo período de espera debe reflejarse en la calidad y el impacto de su nuevo álbum. “Después de un tiempo, lo miré y pensé: tanto tiempo alejado de la música debe contar para lo siguiente que todos escuchen. Tiene que contar. Tiene que importar. Tengo que mostrarles el valor de la espera. No puedo poner nada mediocre. Después de esperar ocho años, es mejor esperar un poco más”, afirmó en la entrevista.

Un regreso marcado por grandes eventos y nuevos proyectos

Aunque su próximo álbum aún no tiene fecha de lanzamiento, Rihanna ha mantenido su presencia en la industria musical y en el entretenimiento. En 2022, lanzó “Lift Me Up”, el tema principal de la banda sonora de Black Panther: Wakanda Forever, que fue su primera canción en seis años. La balada también tuvo una destacada interpretación en los premios Oscar de 2023. Además, la cantante protagonizó el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl 2023, marcando su regreso a los escenarios tras siete años de ausencia.

En junio de 2022, durante un evento de su marca Fenty Hair, Rihanna mencionó que estaba “comenzando de nuevo” con una “nueva perspectiva” y sugirió que “Dios tenía otros planes para mí”. Recientemente, surgieron rumores sobre una posible serie de conciertos en el Estadio de Londres en julio, lo que ha llevado a especulaciones sobre una posible participación en el festival de Glastonbury en 2025. Sin embargo, hasta el momento, no se ha confirmado ninguna de estas informaciones.

Rihanna sigue marcando tendencia en la moda y la belleza

Mientras los fanáticos esperan su nuevo álbum, Rihanna continúa expandiendo su imperio en el mundo de la moda y la belleza. Según informó Harper’s Bazaar, la cantante presentó recientemente el Gloss Bomb Shimmer Stix, un innovador producto de su marca Fenty Beauty. Este lápiz labial combina el brillo característico de la marca con una fórmula nutritiva que promete realzar los labios con un acabado deslumbrante. En las imágenes promocionales, Rihanna lució un impactante look que incluyó un tapado de piel sin nada debajo, acompañado de joyas de strass en el cuello y los dedos, reafirmando su estatus como ícono de estilo.

Desde el lanzamiento de Fenty Beauty, Rihanna ha revolucionado la industria del maquillaje con productos inclusivos y de alta calidad. Su enfoque innovador y su capacidad para marcar tendencias han consolidado su posición como una de las figuras más influyentes en el mundo de la moda y la belleza.

Ocho años de espera y altas expectativas

El próximo álbum de Rihanna no solo representa su regreso a la música, sino también una declaración de su evolución como artista. Según detalló Harper’s Bazaar, la cantante ha dedicado este tiempo a perfeccionar su visión y a asegurarse de que su nuevo trabajo esté a la altura de las expectativas. Aunque los detalles sobre el lanzamiento siguen siendo escasos, Rihanna ha dejado claro que su prioridad es ofrecer un proyecto auténtico y significativo. Para sus seguidores, la espera continúa, pero la promesa de un álbum único y sorprendente mantiene viva la anticipación.

Tokio, 19 nov (EFECOM).- El índice Nikkei, principal indicador de la Bolsa de Tokio, cerró este martes con una subida del 0,51 % en una jornada en la que los inversores buscaron oportunidades de mercado, al tiempo que las tecnológicas siguieron a la alza como sus homólogas estadounidenses.

El selectivo referencial que agrupa los 225 títulos más representativos del mercado terminó la jornada con una ganancia de 193,58 puntos, hasta los 38.414,43 enteros.

Mientras tanto, el Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, es decir, las de mayor capitalización, avanzó un 0,68 % o 18,27 puntos hasta situarse en los 2.710,03.

El crecimiento del índice Nasdaq en Estados Unidos la pasada jornada se ha visto reflejado en el parqué tokiota, así como la búsqueda de gangas por las caídas sufridas los días anteriores debido a las preocupaciones derivadas de las posibles políticas de Donald Trump como el aumento de aranceles.

Asimismo, los inversores continúan en espera por la publicación del informe de ganancias del gigante estadounidense de chips Nvidia Corp. esta semana para ver cómo afectará a la demanda de semiconductores y a la inteligencia artificial.

El valor más negociado de la jornada ha sido la empresa de semiconductores Disco que ha crecido un 0,30 %. Advantest, también del mismo sector, ha sido la segunda más negociada y el precio de sus acciones se ha incrementado en un 3,70 %.

El gigante japonés del motor Toyota creció un 2,03 % al final de la jornada mientras que el conglomerado Softbank Group descendió un 0,58 %.

En la sección principal son 1.080 los valores que avanzaron frente a los 503 que retrocedieron. Han sido 62 los que finalizaron la jornada sin cambios.

El volumen de negociación terminó en los 2,99 billones de yenes (18,274 millones de euros). EFECOM

En una reciente entrevista para Whoo’s House en Shade 45 de SiriusXM’s, Eminem expresó su disposición de trabajar en música nueva, pero en colaboración con 50 Cent. El rapero de 52 años destacó que sería un proyecto emocionante de llevar a cabo. Sin embargo, el artista destacó que ambos deben dejar de perder el tiempo y enfocarse en realizar este disco: “Nunca diría que no es posible. Eso sería genial. Tenemos que dejar de decir tonterías y hacerlo”, expresó.

Cabe destacar que Eminem y 50 Cent, quien actualmente tiene 49 años, comparten una larga historia de éxitos en común, la cual los puesto en los primeros lugares de las listas de música más importantes y por supuesto han cosechado una gran amistad.

Su primera colaboración,“Patiently Waiting”, formó parte del álbum debut de 50 Cent, Get Rich or Die Tryin’, el cual se estrenó en 2003 e incluyó icónicos temas como “In Da Club” y “21 Questions”. Aunque no fue lanzada como sencillo, la canción rápidamente se colocó en el gusto del público y se convirtió en un clásico del hip-hop.

En una entrevista de 2014 con Complex, los dos artistas recordaron el proceso creativo detrás del tema. Eminem explicó que el beat inicial solo tendría acompañamiento de un chelo y la batería. Por su parte, 50 Cent aseveró que el ritmo fue lo que le permitió escribir la letra de manera fluida.

“‘Patiently Waiting’ fue uno de los primeros temas que le envié a Fif”, dijo Eminem al medio. Mientras que 50 Cent recordó que: “Me bastó con conocer el ritmo y la sensación que transmitía. Y esas palabras salieron”.

Por si fuera poco, en 2002, Eminem contrató al interprete de “Candy Shop” para su sello discográfico Shady Records. Más allá de su pasado, ambos raperos han mantenido su conexión artística. En 2024, unieron fuerzas nuevamente junto a Dr. Dre en “Gunz N Smoke”, la cual es parte del álbum Missionary de Snoop Dogg.

Asimismo, en una entrevista con la revista PEOPLE en octubre, 50 Cent elogió la dedicación que Eminem tiene para su carrera musical y cómo ha logrado mantenerse vigente a lo largo de los años, por lo que afirmó que el rapero todavía tiene mucho más que dar.

“Él todavía está en ese bolsillo. Sigue haciendo lo mismo, sigue haciendo lo mismo, sigue siendo el número uno, sigue siendo el más vendido. Todavía puede hacerlo. Todavía puede mantenerlo. Eso es porque nunca se detuvo. Se quedó ahí. Cuando empecé a pensar en cine y televisión y en otras áreas para hacer un cambio, él se quedó en un estudio de grabación grabando”, comentó.

Además, en una entrevista con el medio The Hollywood Reporter que se realizó en julio de este año, Curtis Jackson (nombre real de 50 Cent) habló sobre su fuerte amistad con Eminem y recordó cuando el interprete de “Without me” amenazó con no actuar en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl 2022 sin él.

“No me querían allí. Eminem no lo haría sin mí. Así fue como terminé en el programa porque él no vendría si yo no lo hacía. Cuando eso sucede, piensas: ‘Maldita sea, ¿así que perdiste a Eminem porque no trajiste a 50? Maldita sea. Está bien. Trae a 50 entonces’. Pero si fuera por ellos, no me habrían invitado. No estoy en el cartel en absoluto. Pero no pudieron conseguir que Em lo hiciera sin mí”, contó.

En una entrevista posterior, Marshall Mathers (nombre real de Eminem) compartió que el rapero es “como b hermano” para el y admira su forma de siempre conseguir lo que desea: “50Cent ha demostrado una y otra vez que realmente no hay nada que no pueda hacer y que nadie se interpone en su camino para lograrlo”, dijo.

Madrid, 12 nov (EFE).- La cantante estadounidense Madonna publica "Like a Virgin", su segundo disco de estudio, el de su consagración como cantante.

La promoción de la mujer en el ámbito laboral y del emprendedurismo es clave para alcanzar una sociedad más equitativa y productiva. En los últimos años, diversas iniciativas están buscando reducir las brechas de género, ofreciendo herramientas que fortalecen el liderazgo femenino, mientras fomentan el desarrollo y fortalecimiento de emprendimientos.

Este enfoque no solo impulsa el crecimiento económico, sino que también contribuye a la inclusión de perspectivas diversas en los negocios, favoreciendo la innovación y la competitividad. Las emprendedoras, con su creatividad y determinación, se han convertido en agentes de cambio que transforman comunidades y generan nuevas oportunidades.

En esa línea, Disco concluyó la octava edición de Mujeres Transformadoras, el programa gratuito que organiza desde 2017 para apoyar el desarrollo de las emprendedoras y sus negocios. Este año contó con la participación de más de 300 mujeres provenientes de Buenos Aires, Córdoba y Venado Tuerto, ciudades donde opera la marca, de forma de contribuir al impacto local.

A través de capacitaciones y mentorías, Mujeres Transformadoras busca ofrecer herramientas prácticas para fortalecer los proyectos liderados por mujeres. Desde su creación, más de 1.200 emprendedoras participaron del programa.

Esto posiciona a Disco como una de las empresas pioneras en promover el emprendedurismo femenino en la Argentina. El programa, realizado en colaboración con Voces Vitales Cono Sur, se consolidó como un espacio clave para impulsar el crecimiento y desarrollo de negocios liderados por mujeres.

Formación práctica y reconocimiento económico

Cada año, las participantes acceden a talleres enfocados en liderazgo, gestión de negocios, e-commerce y construcción de marca personal. En 2024, el programa inició en junio y culminó recientemente con una jornada de cierre con la presentación de los pitch ante un jurado que premió a los proyectos destacados en cada una de las sedes en las que se divide el programa.

Carolina Pirrotta, creadora de “Caro está?”, y Andrea Acquesta, fundadora de “Woof y Meow”, resultaron ganadoras. Cada una recibió un premio de $3.000.000 como capital incentivo, destinados a potenciar sus emprendimientos.

Además, otras cuatro emprendedoras resultaron reconocidas. Por Córdoba fueron seleccionadas Yanina Guibas, de Craquelin Pastelería y Chocolatería, y Marina Rigopoulus, fundadora de Masamano Pastelería.

Por Buenos Aires fueron destacadas María Mihanovich, creadora de SixFrida, y Nadia Malaspina, fundadora de Aurelia Bohemia.

Las seis emprendedoras reconocidas de las 40 que dieron su pitch, accederán a mentorías personalizadas de Voces Vitales Cono Sur. Este acompañamiento busca fortalecer habilidades empresariales y apoyar el desarrollo estratégico de sus negocios.

Impacto y objetivos del programa

Desde sus inicios, Mujeres Transformadoras ha impactado de manera significativa en el ecosistema emprendedor femenino del país. Su objetivo principal es visibilizar el talento de las mujeres y fomentar su crecimiento profesional, brindándoles herramientas específicas.

El programa también promueve el intercambio de experiencias y el aprendizaje colaborativo. Esto contribuye a crear una red de apoyo para las participantes, quienes comparten desafíos y logros en sus respectivos sectores.

“Cada nueva edición de Mujeres Transformadoras la vivimos con gran entusiasmo y emoción. Las historias detrás de cada emprendimiento son profundamente inspiradoras. Emprender requiere valentía y mucho esfuerzo”, expresaron desde Disco Argentina.

“Nos llena de satisfacción ver el proceso de transformación que cada una de ellas experimenta a lo largo del programa y cómo nuestro programa aporta al crecimiento de sus proyectos. Quienes no pudieron sumarse este año, podrán hacerlo en 2025 que tendremos la 9° edición”, agregaron.

Disco se caracteriza por su compromiso con la sostenibilidad y su impacto social y ambiental. Además de Mujeres Transformadoras, desarrolla otras iniciativas que buscan impactar positivamente en las comunidades donde opera. Estas acciones refuerzan su compromiso con el desarrollo social y económico del país.

Fundada en 1961, es una de las cadenas de supermercados más reconocidas en la Argentina. Cuenta con más de 72 sucursales y forma parte de Cencosud S.A., uno de los principales grupos de retail en América Latina.

La convocatoria para la próxima edición estará abierta a emprendedoras de diferentes provincias, quienes podrán acceder a formación gratuita y mentorías especializadas. Para más información se puede ingresar aquí.

Tokio, 5 nov (EFECOM).- El principal índice de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, subió un 1,11 % este martes, animado por los avances de las tecnológicas atribuidos a la caza de gangas tras los descensos a finales de la semana anterior, y a la espera de las elecciones que se celebran en Estados Unidos.

El índice referencial, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, avanzó 421,23 puntos y se colocó en los 38.474,90 enteros.

El Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, creció un 0,76 % o 20 puntos, y se situaba en 2.664,26 unidades.

El parqué tokiota cerró con un balance positivo gracias a las compras de inversores extranjeros que buscaban ganancias a corto plazo sobre todo en el sector tecnológico, como reacción a la fuerte caída de finales de la semana anterior, y en contraste con la actitud de espera de otros inversores ante las elecciones presidenciales de este martes en EE.UU.

La Bolsa de Tokio, asimismo, amplió este martes su horario de negociación habitual en 30 minutos, hasta las 15:30 (6:30 GMT), en el primer cambio de horario en 70 años y como parte de sus esfuerzos para que el parqué gane más atractivo entre los inversores extranjeros.

El valor más negociado de la jornada fue la empresa del sector de los semiconductores Disco, que creció un 4,04 %, mientras que las compañías también del sector Lasertec y Advantest avanzaron un 1,96 % y un 1,76 % respectivamente.

Toyota Motor, el valor de mayor capitalización local y líder mundial en el sector automotriz, creció un 0,89 %, mientras que el gigante tecnológico Softbank cedió un 0,20 %.

En la sección principal, 984 valores avanzaron frente a 621 que retrocedieron y 38 cerraron sin cambios.

El valor total de la negociación ascendió a 4,04 billones de yenes, que equivalen a unos 24.425 millones de euros. EFECOM

Tokio, 1 nov (EFE).- El principal índice de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, bajaba cerca de un 2 % en la apertura de la sesión de este viernes, lastrado por las pérdidas en Wall Street, especialmente en el sector tecnológico.

Transcurrida la primera hora de negociación, el Nikkei, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, acumulaba un descenso del 1,98 % o 773,29 puntos, y se movía en 38.307,96enteros.

El Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, bajaba a un más moderado 1,27 % o 34,10 puntos, y se situaba en 2.661,41 unidades.

El parqué tokiota abrió fuertemente a la baja, arrastrado por las pérdidas en Wall Street durante la noche, sobre todo en el sector tecnológico.

Wall Street concluyó con sus principales indicadores en negativo un mes de octubre marcado por los resultados de las grandes tecnológicas y con todas las miradas puestas ahora en las elecciones de EE.UU. y en la próxima reunión de la Reserva Federal (Fed), previstas para la semana que viene.

El Dow Jones de Industriales perdió un 1,3 % en octubre, hasta las 41.763 unidades; el selectivo S&P 500 cedió en torno a un 1 %, hasta los 5.705 enteros; y el tecnológico Nasdaq cayó un 0,5 %, hasta los 18.095 puntos.

El yen, por su parte, se movía en el rango de 152,99 a 151,95 unidades por dólar durante el inicio de las negociaciones en Tokio.

Las empresas del sector de los semicodnuctores Lasertec, Disco y Advantest eran las tres más negociadas durante la primera hora y bajaban un 16,86 %, 2,83 % y un 2,79 %, respectivamente.

El fabricante de vehículos Toyota se depreciaba un 1,70 %, y el gigante de los videojuegos Nintendo caía un 1,15 %. EFE

Tokio, 30 oct (EFECOM).- El principal índice de la Bolsa de Tokio, el Nikkei, subió un 0,96 % este miércoles, animado por la debilidad del yen, una tendencia que beneficia a las exportadoras, y por la compra de valores relacionados con los semiconductores.

El índice referencial, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, avanzó 373,71 puntos y se colocó en los 39.277,39 enteros.

El Topix, que incluye a las firmas de la sección principal, las de mayor capitalización, creció un 0,81 % o 21,70 puntos, y se situaba en 2.703,72 unidades.

El parque tokiota cerró al alza gracias a la compra de acciones especialmente por parte de inversores extranjeros, y la continuada debilidad del yen, que beneficia a las grandes exportadoras japonesas al repatriar sus beneficios en el exterior.

La divisa local se intercambiaba hoy en Tokio en el rango de 153,06 a 153,46 unidades por billete verde.

La subida de los valores estadounidenses tecnológicos en la víspera también provocó la compra de acciones relacionadas con los semiconductores durante toda la jornada.

El valor más negociado de la jornada fue la empresa del sector de los semiconductores Disco, que creció un 11,21 %, mientras que las compañías también del sector Lasertec y Advantest avanzaron un 4,38 % y un 3,42 % respectivamente.

Toyota Motor, el valor de mayor capitalización local y líder mundial en el sector automotriz, creció un 0,44 %, mientras que Mitsubishi UFJ, uno de los principales bancos nipones, cerró con un incremento del 1,24 %.

En la sección principal, 908 valores avanzaron frente a 677 que retrocedieron y 57 cerraron sin cambios.

El valor total de la negociación ascendió a 7,96 billones de yenes, que equivalen a unos 48.032 millones de euros. EFECOM

Tokio, 25 oct (EFECOM).- La Bolsa de Tokio cerró este viernes con una bajada del 0,60 % en su principal indicador, el Nikkei, con los inversores pendientes de las elecciones generales que tendrán lugar en Japón este domingo.

El índice referencial, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, restó 229,37 puntos y se colocó en los 37.913,92 enteros.

Mientras, el Topix, selectivo más amplio que reúne a los valores de la sección principal, los de mayor capitalización, perdió un 0,65 % o 17,25 unidades, hasta las 2.618,32.

El parqué tokiota cerró a la baja, en un ambiente cautela antes de las elecciones presidenciales de este domingo en el país asiático y ante las preocupaciones sobre las consecuencias que las mismas puedan tener en la Bolsa.

Tras la elección del actual primer ministro, Shigeru Ishiba, se produjo una importante caída en el parqué de más del 5 %, en un fenómeno definido como 'Ishiba shock' (la conmoción de Ishiba).

Los inversores japoneses reaccionaron así ante los comentarios del mandatario sobre su intención de subir impuestos sobre ganancias de capital y dividendos, además de sus declaraciones sobre la necesidad de normalizar la política monetaria del país ante su lenta recuperación.

El valor más negociado de la jornada fue la empresa del sector de los semiconductores Disco, que avanzó un 0,27 %, mientras que las compañías también del sector Lasertec y Advantest retrocedieron un 1,03 % y un 2,89 % respectivamente.

Los dos títulos con más capitalización en Tokio, el líder mundial del automotriz Toyota Motor y el gigante tecnológico Softbank, cerraron con una bajada del 0,10 % y un descenso del 0,47 % respectivamente.

El yen se intercambiaba hoy en Tokio en la franja de 151,45 a 152,10 unidades por dólar.

En la sección principal, 216 valores subieron frente a 1.399 que retrocedieron y 28 cerraron sin cambios.

El valor total de la negociación ascendió a 3,15 billones de yenes, que equivalen a unos 19.219 millones de euros. EFECOM

Tokio, 24 oct (EFECOM).- La Bolsa de Tokio cerró este jueves con una subida del 0,10 % en su principal indicador, el Nikkei, con los inversores a la caza de gangas tras tres días en negativo, una subida que se vio frenada, sin embargo, por el contagio de las pérdidas en Wall Street en la víspera.

El índice referencial, que agrupa a los 225 títulos más representativos del mercado, sumó 38,43 puntos y se colocó en los 38.143,29 enteros.

Mientras, el Topix, selectivo más amplio que reúne a los valores de la sección principal, los de mayor capitalización, perdió un 0,053 % o 1,39 unidades, hasta las 2.635,57.

El parqué tokiota cerró con una ligera subida, después de que el contagio de las pérdidas en Wall Street se viera compensado por la caza de gangas.

Los inversores japoneses también habrían decidido mantener la cautela antes de las elecciones presidenciales de este domingo en el país asiático y ante las preocupaciones sobre las consecuencias que las mismas puedan tener en el parqué.

El valor más negociado de la jornada fue la empresa del sector de los semiconductores Disco, que retrocedió un 0,21 %, mientras que las compañías también del sector Lasertec y Advantest avanzaron un 2,06 % y un 2,31 % respectivamente.

Los dos títulos con más capitalización en Tokio, el líder mundial del automotriz Toyota Motor y el gigante tecnológico Softbank, cerraron con una bajada del 0,69 % y un descenso del 1,97 % respectivamente.

El yen se intercambiaba hoy en Tokio en la franja de 152,08 a 152,82 unidades por dólar.

En la sección principal, 980 valores retrocedieron frente a 596 que avanzaron y 66 cerraron sin cambios.

El valor total de la negociación ascendió a 3,70 billones de yenes, que equivalen a unos 22.600 millones de euros. EFECOM

Javier Herrero

Madrid, 9 oct (EFE).- Reconocen los integrantes de Varry Brava que les ha costado tradicionalmente encontrar pareja de baile, ni de adolescentes ("Éramos unos mantas", dicen) ni como músicos profesionales ("Se nos ha juzgado mucho por ser 'demasiado edulcorados'", recuerdan), al menos hasta 'Sharipop', su nuevo disco ya en la calle.

Javiera Mena, Bely Basarte o la icono de los años 90 Ku Minerva están entre las invitadas que han aceptado la propuesta del trío de Orihuela (Alicante) de participar en su sexto álbum de estudio, un tributo al concepto de baile "en cuanto lugar donde todo el mundo se encuentra".

"El baile es algo que a nosotros siempre se nos ha adjudicado, pero a lo que nunca habíamos hecho explícitamente un homenaje", señalan en una entrevista con EFE ante el concepto que articula ese trabajo, "a través de distintas épocas y distintos géneros".

'Sharipop', que reproduce el nombre de una de la canciones y hace referencia a la palabra inventada sobre la que tararear una melodía, llega cuatro años después de su anterior trabajo, 'Hortera', un plazo en el que "han pasado muchas cosas, incluidas una pandemia y la televisión".

Cuando citan a la pequeña pantalla, se refieren en concreto a su participación en 2021 en la primera edición de Benidorm Fest como posibles representantes de España en Eurovisión con la canción 'Raffaella', toda una revolución en el recorrido de la banda.

"Más allá de las cifras, lo importante es que fuimos capaces de hacer una canción que nos representa, con un estribillo sencillo, directo y pop, con música disco y en torno a una figura icónica y con mucho peso como Raffaella Carrá", celebran, tras conceder que también los conectó con una audiencia más joven.

Con la resaca de ese triunfo personal e intentando resituar dónde se encontraban en lo musical, en 2023 volvieron a ponerse en contacto con el productor Tato Latorre, uno de los responsables de la factura de su segundo disco, 'Arriva' (2014).

"Tato logró hacernos creer en quiénes somos y qué comunicamos", subraya el grupo, que se decantó por hacer este homenaje al baile, una realidad capaz de hacerse presente en un parking o en casa de un amigo a altas horas de la mañana y de unir en ese espacio a perfiles muy diferentes de personas.

No fue premeditado, afirman, pero en medio del proceso de composición se hizo evidente que, en coherencia con el mensaje, aquellas canciones pedían invitados, como cuando se aliaron en el pasado con Miss Caffeina.

"No hemos hecho muchas colaboraciones y nos apetecía abrirnos, escuchar nuestra música en voces de otros. Tampoco fue buscado que al final fuesen todas femeninas, pero es significativo, porque ellas estuvieron supercolaborativas, cuando nosotros siempre hemos sido una banda a la que no se ha tomado en serio o que se nos ha juzgado mucho por ser 'demasiado edulcorados'", destacan.

Después de acercarse en el pasado hasta al reguetón, en este álbum se han atrevido a acercarse por primera vez a la rumba, "algo muy natural" para quienes se confiesan amantes de esa música española de los años 70.

Y si en el pasado inmortalizaron en una canción a Sonia y Selena, ahora convierten en un símbolo a otra pareja, la del futbolista Cristiano Ronaldo y la modelo Georgina Rodríguez, protagonista de su propio "docureality".

"Recuerdo el ambiente de las discotecas para adolescentes, cuando nosotros éramos críos, y ese punto de estar esperándose en la moto, esas primeras relaciones de las que nosotros no participábamos porque éramos muy mantas, pero lo veíamos en las chicas de nuestra clase. Y eso es un poco lo que representa 'Georgina con Cristiano', que son un referente para muchos jóvenes", explican.

Para presentar sus nuevas canciones han preparado una fiesta en toda regla, con su actuación como principal espectáculo de la noche, además de incluir DJ y pulseras de color neón. Estarán este sábado en Benalmádena (Málaga) como parte de Benalfest. Después recorrerán otras ciudades como Getxo (Vizcaya) el 18 de octubre, Santander el 19 y Valencia el 3 de noviembre. EFE

Tokio, 9 oct (EFECOM).- La bolsa de Tokio cerró este miércoles con un avance del 0,87 % de su principal indicador, el Nikkei, animado por las ganancias entre empresas de semiconductores en línea con las registradas en la víspera por Nvidia y por la propietaria de la cadena minorista nipona 7-Eleven.

El selectivo referencial terminó con un incremento de 340,42 puntos, hasta los 39.277,96 enteros, mientras que el índice más amplio Topix, que agrupa a los valores con mayor capitalización, avanzó 8,09 puntos o un 0,30 %, hasta las 2.707,24 unidades.

El parqué tokiota abrió al alza tras el cierre en positivo de la víspera en Wall Street, gracias al descenso de los precios del crudo y las ganancias de más del 4 % del gigante estadounidense de los semiconductores Nvidia, ante las expectativas de una demanda robusta de sus chips para inteligencia artificial.

Este optimismo se trasladó también a las firmas niponas del sector de los semiconductores, con subidas como las de Lasertec (4,63 %), Disco (2,93 %), Advantest (3,98 %) o Tokyo Electron (1,51 %).

El gigante tecnológico Softbank, segunda firma con mayor capitalización en Tokio, cerró por su parte con un incremento del 1,32 %.

Destaca también la escalada del 5,24 % de Seven & Holdings, dueña de la famosa cadena de tiendas 24 horas 7-Eleven, tras conocerse que la firma canadiense del mismo sector Alimentation Couche-Tard habría incrementado su oferta de compra presentada a la firma nipona tras ver rechazada una propuesta anterior a principios de septiembre.

La nueva oferta ascendería a 47.000 millones de dólares (42.854 millones de euros), lo que supone un 20 % más que la primera propuesta y de concretarse supondría la mayor adquisición foránea de una empresa japonesa, según detalles de la operación publicados este miércoles por el periódico nipón Nikkei.

En la sección principal, 887 valores avanzaron frente a los 720 que retrocedieron y a los 38 que terminaron sin cambios.

El volumen de negociación ascendió a 3,64 billones de yenes (22.331 millones de euros). EFECOM

Madrid, 1 oct (EFE).- Madonna se ha vuelto a meter en un estudio de grabación, en Londres y con el productor británico Stuart Price, que fue el director musical de su última gira, el Celebration Tour de 2023-2024.

La cantante ha publicado en sus redes sociales imágenes en el estudio tanto sola como con Price, con el que ya trabajó en 2001 en su gira Drowned World Tour y que también produjo su disco 'Confessions on a Dance Floor' (2005).

El celebration Tour supuso el reencuentro de los dos artistas y el buen resultado ha llevado a Madonna a volver a entrar en un estudio de grabación, pero no ha precisado si es para grabar un nuevo disco, que sería su decimoquinto álbum de estudio tras 'Madame X' (2019).

'London Calling……………Back in the Stu with Stuart Price' ('Llamando a Londres......De regreso en el estudio con Stuart Price'), es el breve mensaje que acompaña a las imágenes.

Además de las fotos de su trabajo con Price, Madonna también ha colgado otras imágenes junto a su novio, el futbolista jamaicano Akeem Morris, en un partido del Chelsea. EFE

“Si suena bien está en La Tangente”, dicen por ahí. Lo cierto es que La Tangente es uno de los bares más convocantes del barrio porteño de Palermo y por su escenario han pasado bandas pop, rockeras, electrónicas, nacionales, internacionales, incipientes, de trayectoria… un sitio repleto de música que el domingo 22 de septiembre alojará las canciones de Kris Alaniz, rapera, productora, marrona y artivista.

“Con mi arte acompaño diferentes luchas sociales, por eso me gusta definirme como artivista. Y con este show, encima, rompemos con lo que se suele esperar de las personas racializadas, porque normalmente la gente para encontrarse con actividades artísticas marronas tiene que ir a los barrios. Nosotros rompemos con eso y nos metemos en pleno Palermo”.

Kris Alaniz va a presentar “Escándalo”, un disco que creó despacito, pensando cada pieza, cada tema, durante cinco años, animándose a fusionar hip hop y ritmos latinos con amorosos aportes de Lula Bertoldi, Femigangsta, An Espil, La Bruja Salguero y Lianna, otras cantantes que admira y con las que hace yunta frente a una industria que insiste en segmentar.

“El ambiente del rap es una de las comunidades más machistas dentro de la música. Por ejemplo, a las raperas suelen encasillarnos como ‘rap femenino’ y así nos dividen. Sucede que hay festivales enormes, con muy buena disponibilidad económica pero no tocan mujeres o toca una sola mujer. En el freestyle pasa lo mismo, las mujeres nunca llegan a la final o ponen a dos a competir entre ellas para que llegue solo una. Yo soy rapera, no soy ‘rapera femenina’ igual que ellos no son ‘raperos masculinos’. Somos raperos, raperas y listo. No existe el rap femenino ni el rap masculino, como tampoco existe el rock, el pop o los boleros de mujeres. La segmentación solo le sirve a la industria para ubicarnos en un rincón. Y yo no quiero estar en ninguna esquinita”.

Se ofusca, pero enseguida sonríe y cuenta que precisamente en “Escándalo” quiso componer canciones que no la muestren enojada. Un álbum en el que se dio permiso para contar historias de amor.

“En general, las personas racializadas hablamos de política y de los derechos que nos roban todo el tiempo. En cambio, los artistas blancos mainstream no tienen esa preocupación, no tienen esa agenda. Entonces escriben sobre el amor, sobre cómo sale el sol… Y a mí me encantaría que esas también sean mis temáticas, pero me pasan otras cosas y necesito decirlas. Lo que tiene este disco es que digo cosas y a la vez hablo de amor. Porque el racismo atraviesa al amor y no estamos acostumbrados a escuchar a una persona racializada hablar de amor. A eso me refiero con que el amor es súper político. Y tampoco se trata de cualquier amor. Yo escribo sobre una piba marrona enamorándose de una piba blanca, o sobre dos marronas andando de la mano por el barrio. En ‘Escándalo’ me permití ser más libre con las temáticas y no estar tan enojada. Me reconcilié con la Kris romántica sin dejar de tener compromiso político”.

En las semanas previas, un equipo trabaja para hacer del show en La Tangente una experiencia de celebración, de fiesta. Se prueban una y otra vez las luces, los efectos, se practican los pasos, las miradas al público. David Gudiño, dirige; Yosy Machado, marca las coreografías; Gime Rodríguez y Lula Giachero, se mueven al compás.

“Es un show donde los marrones seremos protagonistas. Normalmente ocupamos el lugar de la persona que limpia en los recitales, o somos los que atienden la barra, o el cobani de la puerta. Si tuviste una mejor educación quizás lográs ser corista o alguno de los músicos. Para la presentación oficial de ‘Escándalo’, en cambio, convoqué a personas racializadas para todas las tareas. Director, coreógrafa, bailarines, músicos. Un show con personas marronas protagonistas por primera vez me parece que es súper interesante, súper lindo. Especialmente para que, más allá de las letras, la gente pueda conectar con la perfo, con el cuerpo, con las miradas… que se sientan reflejados”.

David Gudiño ꟷactor, dramaturgo, recientemente nominado a los premios María Guerrero por la obra El David Marrónꟷ deja de ajustar tornillos en el techo y se suma a la charla. Dice sentirse honrado con la convocatoria a dirigir. Remarca que no son invitaciones que abunden.

“Para mí es un sueño dirigir un proceso coreográfico musical y sé que nadie más me hubiese dado esta oportunidad. Kris abrió el espacio, llamó a otros pares y eso es de un valor increíble que tiene que ver con comenzar a reconocer la importancia de apoyarnos entre nosotros. No queremos ser la excepcionalidad. Somos muchos, somos muchas, creando con conciencia de identidad y de manera súper autogestiva y a pulmón. Por otro lado, en estos tiempos de tanto odio nuestra respuesta antiracista es todavía más acción. Nos sentimos hostigados pero seguimos haciendo lo que amamos. Endeudándonos, trabajando más, dando más clases. La respuesta al hostigamiento es más acción antiracista”.

Raíces

Kris Alaniz confiesa que en este nuevo trabajo hizo las pases con su costado romántico y a la vez recuperó su corazón cumbiero, ese que de pequeña necesitó apartar para que no la persiguieran las violencias.

“Canto desde chica y era muy adicta a la cumbia. Los sábados me encerraba en mi habitación a ver el programa ‘Pasión de sábado’ y en el colegio me encantaba actuar de Gilda. Me recuerda a mi mamá, además, que se la pasaba escuchando a Las Minifaldas, una banda de mujeres tucumanas que tocaban cumbia y yo flasheaba. Siempre tuve una conexión muy linda con la cumbia. Pero el racismo me puso un freno en ese plano también. En la primaria había una compañera que se llamaba Cristina, era rubia y de ojos celestes. Durante esos años yo fui la Cristina fea marrona, de pelo y ojos oscuros. Decían ‘la Cristina linda’ y ‘la Cristina fea”. Ahora me río pero en ese momento la pasé mal. En 2001 apareció Damas Gratis, con Pablo Lescano y a mí me encantaba, pero pensé que si me dedicaba a cantar cumbia me iban a seguir diciendo ‘la negra fea’, como en el colegio. Me alejé de la cumbia y busqué un espacio donde no me sintiera discriminada. Así descubrí las letras del rap y me identifiqué, porque hablaban de discriminación. Después arranqué a rapear y me di cuenta de que podía escribir mucho más que en una canción convencional. El rap cambió mi vida. Me dio una comunidad, me permitió pertenecer a un ambiente”.

— De adulta ¿te reconciliaste con la cumbia?

— Muchísimo. La deconstrucción ayudó a sacar esos bloqueos mentales y a apropiarme de algo que es muy mío. Y hasta potenciarlo. Cuando pude hacerme cargo de mi identidad, reconecté con la cumbia. Hoy creo que mi música es un viaje, que fusiona rap con géneros latinos, y que cuando escuchás el disco podés sentirte en La Habana, en Colombia, en Brasil o en algún pueblito del norte de la Argentina y entregarte a una aventura escandalosa.

Está radiante. Como siempre. Sigue hermosa y ha logrado que las cirugías y los tratamientos de belleza no la afeen (casi una proeza) ni le roban brillo ni humanidad. Suele utilizar las redes sociales para mostrar distintos aspectos de su vida personal y profesional. Muy pocos días atrás editó un nuevo tema: Pink Slip Lollipop. Hace varias décadas que incursiona en el mundo de la música. La nueva canción es un amable tema pop que parece un outake, recién encontrado, de un tema fresco de fines de la década del setenta, una mezcla entre las Go-Gos y B-52.

A diferencia de otros con pasado glorioso, pero no tenidos en cuenta en la actualidad, ella no hace del resentimiento su bandera. “Tuve una buena vida. No me quejo. Conocí el amor, tuve dos hijos de los que estoy orgullosa, pude hacer lo que me gustaba. Tengo varios logros en mi carrera pero sin duda el gran hito fue La Mujer Maravilla. Y amo que así lo sea. Sólo espero que no me olviden. Ese es mi único temor”, dijo hace un tiempo.

Ella sigue adelante. Mira para atrás con alegría y gratitud, casi sin nostalgia. Como el personaje que la consagró, ella es una mujer sagaz, determinada y hermosa. Lynda Carter sabe que siempre será la Mujer Maravilla.

El casting

Lynda Carter había hecho el casting junto a otras dos mil chicas que aspiraban a ser la primera superheroína de la televisión. Hasta ese momento, los súper poderes eran sólo cosa de hombres. La elegida sería la Mujer Maravilla, el personaje femenino más importante de DC Comics. Eran tantas las aspirantes que, pese a su acostumbrado optimismo, nunca creyó que sería la elegida. Estaba convencida, también, de que al no tener casi experiencia como actriz sería casi imposible que un productor optara por ella. Decidió seguir con su vida a la espera de una nueva oportunidad. Tuvo razón. Antes que Lynda fueron seleccionadas otras dos actrices. Pero, por diferentes circunstancias, fue ella la que se terminó quedando con el rol.

Cuando el representante la llamó, ella creyó que le había conseguido una nueva publicidad. Estaba otra vez con su pequeño grupo musical de gira por el centro de Estados Unidos. En esos tiempos no era tan fácil ubicar a alguien. El hombre le dejó un mensaje en la recepción del hotel de mala muerte en el que paraba, ella sacó un papelito que tenía en el bolsillo con el número del agente, marcó, esperó que la secretaria le pasara y del otro lado escuchó la voz urgida: ¡Volvé ya mismo! ¡Te dieron el papel! Ella con sus 24 años no podía saber todavía que ese rol sería el más importante que le tocaría en su vida profesional, el que la definiría.

Su madre era de origen mexicano y su padre provenía de una familia que mezclaba raíces inglesas e irlandesas. Se crió en Phoenix junto a dos hermanos. Desde muy chica participó en publicidades y concursos de talentos. Su sueño era cantar, dedicarse a la música. A los 17 años desechó la posibilidad de ir a la universidad y con una banda de country compuesta por hombres más grandes que ella salió a recorrer Estados Unidos. Muchos años después, su marido Robert Altman le preguntó a la madre de Lynda Carter cómo había permitido que su hija se fuera a tratar de vivir de la música, con hombres adultos: “Me extraña que me preguntes eso. ¿No conocés a Lynda? Es imposible detenerla cuando se le mete algo en la cabeza”, respondió la señora.

Como lo que ganaba con la música no alcanzaba y el gran contrato discográfico no aparecía, Lynda aceptaba cualquier trabajo que estuviera relacionado con el mundo del espectáculo. En 1972, alguien le avisó que había un concurso de belleza. Se anotó el día de cierre de la inscripción. Fue superando etapas, ganó el zonal y luego fue elegida como la representante norteamericana para la edición de ese año de Miss Mundo. También, como tantas otras, hizo papeles muy menores (casi no llegaban a categoría de bolos) en algunas series.

En 1974, un productor tuvo una idea que creyó revolucionaria. Hacer una serie televisiva con el personaje de la Mujer Maravilla. Los ejecutivos de ABC le dieron vía libre para filmar un piloto. La actriz elegida fue Cathy Lee Crosby, una rubia, muy bella y ex tenista. Los guionistas se alejaron del cómic. Ella viste una especie de vestido y era más como una James Bond colorida (sin la parafernalia: el presupuesto era acotado) que superheroína. El piloto se emitió como telefilm y el proyecto se dio de baja. Pero, al poco tiempo, en la ABC insistieron y decidieron adaptar el cómic sin alejarse demasiado de él. Pero también agregarle otros ingredientes y mezclarlo con el espíritu camp del Batman de Adam West. Tenían que buscar una nueva Mujer Maravilla. Sabían que en el casting, en su acierto, se cifraba el éxito de la serie.

Ese fue el casting al que Lynda Carter concurrió sin demasiada esperanza y el que le cambiaría la vida cuando sólo le quedaban 25 dólares en su cuenta bancaria. Se presentaron actrices que luego alcanzarían la fama como Cheryl Ladd, Farrah Fawcett (luego ambas Ángeles de Charlie) y Angela Bowie. Pero la elegida resultó Joanna Cassidy. Al conocer el resultado, Lynda volvió a la ruta. Pero Cassidy a último momento no acordó su participación y los productores eligieron a Lynda. En ese momento le llegó el llamado urgente de su representante.

El éxito

La serie tuvo tres temporadas. Sesenta capítulos en total que fueron un gran éxito y consagrarían a Lynda Carter como una estrella global. Inocencia, una música pegadiza, humor, aventuras simples pero con cierto encanto, un mensaje positivo, y una mujer inteligente, bondadosa y fuerte.

Lynda contó que ella hizo un aporte fundamental al personaje. Los guionistas no sabían cómo resolver la transición entre Diana Prince y la Mujer Maravilla, cómo llevar a la pantalla esa transformación. Por lo general, eso sucedía fuera de campo pero ellos tenían la necesidad de mostrarlo. Cuando escuchó la discusión y la tormenta de ideas en el set, Lynda se acercó y les dijo que ella sabía hacer piruetas gimnásticas y giros de ballet. Y les mostró. A partir de ese momento sólo fue cuestión de diseñar el efecto especial (por lo general una explosión o un destello que dominaba la pantalla) para que empezara a girar Diana Prince y terminara de hacerlo la Mujer Maravilla.

Al día siguiente del estreno del primer capítulo, Lynda Carter fue a un restaurante. Se vistió con sus mejores ropas, se maquilló ostentosamente y se peinó. Con tacos altos caminaba segura y altiva. Iba a buscar sus primeras dosis de fama. Soñaba con que la pararan, le pidieran autógrafos, le preguntaran cómo había grabado determinada escena. Pero nadie lo hizo, nadie la reconoció. Su desilusión fue enorme. Eso cambiaría muy velozmente. A las pocas semanas ya era una celebridad.

La serie triunfó pese a que muchos sostenían que el mundo de los superhéroes era masculino, que a los espectadores no les interesaría una mujer en ese rol. Sin embargo, el éxito no les aseguró la continuidad en la pantalla de ABC tras el primer año. Era un proyecto demasiado costoso. Eso se debía a que, al igual que el cómic, estaba ambientada en la Segunda Guerra Mundial y la reconstrucción de época era muy cara. La solución que encontró el equipo creativo fue trasladarla de época y llevarla a la década del setenta. También se mudaron a otra cadena. Como la Mujer Maravilla era una amazona atemporal nada importaba el corrimiento de treinta años.

Lynda Carter quería interpretar las escenas de riesgo. Los efectos todavía no eran lo suficientemente sofisticados como para que el público no se diera cuenta, por ejemplo, de que esa mujer que colgaba del patín de un helicóptero no era ella. Manejaba con pequeños controles escondidos en las palmas de sus manos los destellos y chispas que salían de sus muñequeras-brazaletes.

Relación complicada

Su compañero era Lyle Waggoner que ya había tenido un contacto cercano con los superhéroes: fue el último descartado para encarnar al Batman televisivo que hizo Adam West. Pero su carrera se encauzó de inmediato y tuvo varios éxitos en la pantalla chica. Laa relaciones entre Carter y Waggoner no eran las mejores. Según él, Lynda no quería compartir el protagonismo y atentaba contra su mayor participación en la historia. Según ella, lo que al actor le molestaba era que ella cobrara el mejor salario del programa, algo bastante poco habitual en la televisión de ese momento. Waggoner continuó en la serie a pesar del cambio de época. Pero como él no era una amazona había que justificar de alguna manera que el paso del tiempo, esos más de treinta años, no habían afectado su aspecto, que no había envejecido ni un solo día. Por lo tanto en las restantes temporadas, el actor interpretó al hijo del personaje (Steve Trevor) que empezó haciendo. Los guionistas no se molestaron en explicar -era inexplicable- por qué el hijo era idéntico al padre. Sólo eliminaron la tensión amorosa entre los protagonistas porque ya hubiera sido algo bastante extremo para esos tiempos que la superheroína tuviera escarceos amorosos con padre e hijo sucesivamente.

En 1979 los ratings bajaron y los costos siguieron aumentando. Eso llevó al canal a dar de baja la serie. A diferencia de otros actores y actrices que muestran un resentimiento hacia el personaje que, al mismo tiempo, los consagró y los encasilló a tal punto de cercenarles la carrera posterior, Lynda siempre se mostró agradecida hacia la Mujer Maravilla y reivindicó su participación. Tanto es así que Lynda apoyó con fervor a Patty Jenkins, la directora de las películas de la Mujer Maravilla, alabó a Gal Gadot, celebró el estreno de la primera de la saga e hizo un cameo estelar (sin spoilers para los que no la vieron) en la segunda película.

Patty Jenkins afirmó que ella aceptó el proyecto porque la Mujer Maravilla fue de las primeras que le mostró que las mujeres podían hacerlo, que no había límites, que podía conseguir lo que se propusiera y que no tenía que avergonzarse por ello.

Es diferente al resto de los superhéroes. No hay oscuridad en ella. Prima la inteligencia, un mensaje optimista y la necesidad de esparcir el amor, de buscar la concordia. Y naturalmente, está la cuestión del empoderamiento femenino que para la década del setenta es casi revolucionario. Contra los analistas y los focus groups, una mujer con súper poderes, una tiara y un lazo podía ser un éxito.

Tras la Mujer Maravilla, Lynda protagonizó varios especiales anuales en los que cantaba y hacía entrevistas (en algunos avances se la ve cantando con Ray Charles). Hizo también participaciones como invitada en diversas series y protagonizó películas televisivas.

Francis Ford Coppola la contrató para la película Apocalypse Now. Sería la principal conejita de Playboy en el show que dan a los soldados en Vietnam. Pero muy poco antes del rodaje de esa escena, un huracán destruyó, entre otras cosas, ese decorado. Cuando tres meses después se filmó la escena, Lynda no pudo abandonar su compromiso televisivo con la serie. En Apocalypse Redux, la versión ampliada que Coppola presentó varias décadas después, se la puede ver muy brevemente desnuda en el poster central de la revista, porque la sesión de fotos sí había llegado a realizarse.

Amores

Después de salir un tiempo con Michel Polnareff, un músico francés, Lynda se casó en 1978 con el productor Ron Samuels. El matrimonio duró poco. A los cuatro años llegó el divorcio. No fue una buena experiencia. Él era bastante mayor que ella e intentaba controlar sus movimientos. Se casó con la Mujer Maravilla pero quería que perdiera todos sus poderes y se convirtiera en una ama de casa. Hace unos años cuando le pidieron un consejo para los jóvenes, Lynda dijo de inmediato: “No se casen tan jóvenes. No le digan que sí al primero que les propone casamiento. Fui una estúpida”.

El mismo año de su separación conoció a Robert Altman, un abogado exitoso que luego fue también el CEO de Zenimax Media, una empresa de videojuegos. “Todos piensan que un abogado es alguien muy aburrido. No es así. Robert cambió mi vida. La clave tal vez estuvo en que éramos muy distintos y nos complementábamos”. La pareja se casó en 1984 y estuvieron juntos hasta febrero de 2021, cuando Altman falleció a los 73 años. Lynda publicó sentidos posteos en sus redes sociales en los que expresaba el profundo amor que sentía por él. Tuvieron dos hijos, Jennifer y James, que siguieron los pasos del padre y se convirtieron en abogados. Una de las últimas apariciones públicas de los cuatro fue en la premiere de la película de la Mujer Maravilla protagonizada por Gal Gadot.

Lynda Carter además de continuar su carrera musical (en las plataformas se pueden escuchar sus discos de standards y country), apoyó a lo largo de estas décadas diferentes causas sociales.

Abusada

Unos años atrás fue de las primeras en respaldar el #MeToo y a las denunciantes iniciales. Contó que ella fue violada por un hombre muy poderoso de Hollywood al que ya la justicia estaba juzgando. Dijo que no iba a dar el nombre del victimario porque no quería que se tratara de ella, de su historia sino de algo colectivo, hacer visible un modus operandi que estaba instalado en Hollywood. Y que no deseaba revivir la historia. Contó también que alguien del equipo técnico la espiaba mientras se cambiaba en el set para verla desnuda y que fue expulsado de la filmación. Explicó que las actrices durante décadas vivieron con temor permanente porque las situaciones incómodas, los abusos, la violencia y las violaciones podían irrumpir en cualquier momento. Pero que las actrices no denunciaban los abusos porque no eran escuchadas y, principalmente, porque eso significaba el fin de sus carreras, de inmediato pasaban a integrar una lista negra.

Lynda Carter, también, reveló que desde fines de los setenta hasta bien entrados los ochenta padeció una adicción al alcohol que se intensificó durante el divorcio con el primer marido. Contó que su nueva pareja, Altman, fue su sostén y que finalmente debió entrar a rehabilitación para poder superar su problema. Hace más de 25 años que está sobria. Lynda contó sus problemas con la bebida porque quería que su voz, su historia sirviera a otros que pasan por lo mismo, para que supieran que la salida es posible.

Madrid, 16 may (EFE).- El músico estadounidense Lenny Kravitz, ganador de cuatro premios Grammy al mejor solista de rock masculino entre 1999 y 2002, encabezará el espectáculo de la final de la Liga de Campeones entre el Borussia Dortmund y el Real Madrid, el 1 de junio en el Estadio de Wembley de Londres.

"Me siento verdaderamente lleno de energía. Va a ser un evento tan emocionante antes de una final que significa mucho para todos. Es una excusa perfecta para reunirnos y disfrutar de un poco de música", declaró el cantante cuya carrera abarca tres décadas en los que ha lanzado 11 álbumes y ha vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo.

"La final de la Liga de Campeones estará encabezada por una leyenda de la industria de la música que añade dinamismo y energía al espectáculo", señaló Guy-Laurent Epstein, director de marketing de la UEFA.

Después de haber actuado por todo el mundo, el estadounidense fue galardonado recientemente con el "premio icono de la música" en el 2024 por los "premios del público" y fue honrado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood a principios de este año.