Integrantes de la Guardia Nacional expresaron su agradecimiento a las niñas, niños y al pueblo de México por la confianza y el cariño manifestados hacia la institución. Este reconocimiento impulsa al personal a continuar cumpliendo con su misión bajo los principios de honor, compromiso y lealtad.

En un mensaje difundido este 25 de febrero de 2026 desde la cuenta oficial en la red social X, los elementos de seguridad compartieron ilustraciones realizadas por menores, donde se observa la interacción de los agentes de la corporación con niñas y niños. Las imágenes muestran a integrantes de la Guardia Nacional recibiendo muestras de aprecio por parte de la infancia mexicana, reflejo del vínculo entre la ciudadanía y la institución.

El mensaje recalca: “Las y los integrantes de la #GuardiaNacional agradecemos a las niñas, niños y al pueblo de México por su confianza y cariño, su reconocimiento nos impulsa a seguir cumpliendo nuestra misión con honor, compromiso y lealtad”, acompañado del hashtag #GraciasHéroesMexicanos.

Las ilustraciones compartidas incluyen escenas donde las fuerzas de seguridad mexicana aparecen junto a los infantes, en situaciones que proyectan protección y cercanía. Destacan dibujos en los que los agentes portan el uniforme oficial y son representados como figuras de confianza para la niñez mexicana.

La publicación enfatiza la importancia de la relación entre la Guardia Nacional y la sociedad civil, especialmente con los sectores más jóvenes. El agradecimiento expresado por la corporación subraya el compromiso de los elementos con la misión encomendada, centrada en salvaguardar la seguridad y bienestar en México.

Este gesto de la institución de seguridad busca fortalecer la percepción positiva sobre el papel de la institución en la vida cotidiana de las familias mexicanas, resaltando la relevancia del apoyo ciudadano en las labores de seguridad pública.

La reciente adquisición de un boceto al desnudo por apenas USD 12 en una subasta de Pensilvania ha reavivado el interés por una faceta poco explorada de Pierre-Auguste Renoir. La compradora, intrigada por la familiaridad de la figura retratada, consultó a un tasador y recibió una respuesta inesperada: “Felicidades”, le comunicaron, pues había adquirido un dibujo original de Renoir, cuyo valor podría alcanzar las seis cifras.

Este hallazgo fortuito no solo ilustra la frecuencia con la que obras de grandes artistas resurgen de manera inadvertida, sino que también pone de manifiesto el escaso reconocimiento que han recibido los trabajos sobre papel del pintor francés, un aspecto que tanto coleccionistas como curadores han relegado durante décadas. La noticia cobra especial relevancia en el contexto de la exposición Renoir Drawings, que inaugurará el Morgan Museum and Library de Nueva York.

La muestra, la primera dedicada exclusivamente a los dibujos de Renoir desde 1921, reunirá más de 100 obras entre dibujos, pasteles, acuarelas y grabados, abarcando la producción gráfica del artista a lo largo de los siglos XIX y XX. La escasa atención que han recibido estos trabajos se explica, en parte, por la abrumadora cantidad de pinturas que Renoir produjo a lo largo de su vida.

Estimaciones conservadoras sitúan su producción pictórica en torno a 4.000 cuadros, que recorren desde sus incursiones impresionistas junto a Monet hasta etapas posteriores en las que exploró el clasicismo, la influencia de Rubens y Tiziano, el arte francés del siglo XVIII y experimentos personales de modernidad.

Esta vastedad ha eclipsado la relevancia de sus obras sobre papel, aunque la exposición del Morgan parte de la premisa de que los dibujos permiten comprender mejor las distintas fases creativas del artista, salvo quizá la célebre década en la que Renoir pintó barcos y bañistas al aire libre sin realizar bocetos previos.

Colin Bailey, director del Morgan y comisario de la exposición, subraya que, a diferencia de Degas o Cézanne, el uso del dibujo en Renoir fue episódico y solo recientemente se ha catalogado su corpus de obras sobre papel. Bailey estima que podrían existir hasta 1.000 dibujos, algunos aún sin localizar.

Aunque Renoir innovó al volcar intuición y sentido directamente sobre el lienzo en sus primeros años, nunca dejó de considerar el dibujo como una base esencial, una convicción forjada durante su formación en la École des Beaux-Arts en la década de 1860. Esta valoración se refleja especialmente en su retorno al dibujo en los años finales de la década de 1870 y durante los 80.

La organización de la exposición ha requerido préstamos de instituciones como el Museum of Fine Arts de Boston, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Nelson-Atkins Museum of Art de Kansas City, el Albertina Museum de Viena y, de manera destacada, el Musée d’Orsay de París, que colabora activamente en el proyecto y acogerá la muestra entre marzo y julio de 2026. El recorrido temático abarca desde estudios académicos y bocetos de la vida moderna hasta retratos formales e informales.

Uno de los ejes de la exposición consiste en reunir obras acabadas con sus dibujos preparatorios, como ocurre con dos piezas clave cedidas por el Musée d’Orsay: Baile en el campo (1883) y El juicio de Paris (1914). En la primera, Renoir se distancia del impresionismo hacia una mayor claridad formal, acompañado de estudios en los que explora detalles de fondo y la expresión de la bailarina. La segunda se vincula a los trabajos escultóricos que realizó junto a Richard Guino en el siglo XX, y los dibujos a la tiza muestran el proceso de composición de la escena clásica.

Entre los puntos destacados figura la presentación de Las grandes bañistas (1884–87), procedente del Philadelphia Museum of Art, junto a siete dibujos preparatorios. Esta obra, que supuso un arduo esfuerzo para Renoir, representa su intento de integrar elementos escultóricos, la pintura francesa del siglo XVIII y un tratamiento moderno del agua y la vegetación.

La crítica la recibió de forma negativa en su estreno y el artista nunca volvió a dedicar tanto tiempo a un solo cuadro. La llegada a Nueva York de esta pintura coincide con la adquisición, en 2018, de un gran dibujo preparatorio a la tiza roja y blanca, hecho que impulsó la organización de la exposición.

Bailey ilustra la falta de reconocimiento de los dibujos de Renoir con una anécdota histórica: “En 1886, Berthe Morisot asistió a una visita privada de los dibujos de Renoir. Quedó profundamente impresionada y anotó en su diario que sería muy deseable que el público, que creía que los impresionistas trabajaban con la mayor despreocupación, pudiera ver tales dibujos”, recuerda Bailey en The Economist. El comisario considera que la exposición responde, en cierto modo, a esa observación de Morisot.

El nombramiento de Dan Nadel como curador de dibujos y grabados en el Museo Whitney de Arte Estadounidense marca un giro estratégico en la gestión de una de las colecciones más extensas y diversas de arte sobre papel en Estados Unidos. Con más de 22 mil obras que abarcan desde el siglo XIX hasta la actualidad, la colección del Whitney representa un archivo fundamental para comprender la evolución del arte estadounidense. La designación de Nadel responde a la necesidad de fortalecer la investigación, la conservación y la exhibición de este acervo, en un contexto donde el arte sobre papel adquiere una relevancia renovada.

La noticia, confirmada por el propio museo, sitúa a Nadel en una posición clave para definir la política curatorial de una institución que ha sido históricamente pionera en la promoción de artistas estadounidenses. El director del Whitney, Scott Rothkopf, subrayó la importancia de este nombramiento al afirmar que Nadel “aporta una perspectiva única y una profunda comprensión del arte contemporáneo y sus raíces históricas”.

Nadel obtuvo reciente reconocimiento por su biografía A Cartoonist’s Life sobre Robert Crumb, un artista underground extraordinario, trascendente en el arte estadounidense del siglo XX por abordar en sus cómics la cultura estadounidense con humor ácido y una clara predilección por lo extraño, lo “raro”.

La trayectoria de Nadel, caracterizada por su trabajo en la intersección entre el arte contemporáneo, la cultura visual y la edición, lo posiciona como un especialista capaz de tender puentes entre distintas generaciones y corrientes artísticas. Antes de su llegada al Whitney, Nadel se desempeñó como curador independiente y editor, con proyectos que han explorado tanto la obra de artistas consagrados como la de creadores emergentes.

El Whitney, fundado en 1930, ha consolidado su reputación como un espacio de referencia para el arte de Estados Unidos, con una colección que incluye piezas de figuras como Edward Hopper, Georgia O’Keeffe y Jasper Johns. La sección de dibujos y grabados, en particular, ha experimentado un crecimiento sostenido en las últimas décadas, tanto en volumen como en diversidad de autores y técnicas.

La llegada de Nadel coincide con un momento de transformación en la política de adquisiciones y exposiciones del Whitney. En los últimos años, la institución ha intensificado sus esfuerzos por incorporar obras de artistas subrepresentados y por revisar críticamente su propio archivo. En este sentido, la experiencia de Nadel en la investigación de prácticas artísticas alternativas y en la promoción de voces marginadas resulta especialmente relevante.

El propio curador ha manifestado su interés en “explorar las conexiones entre el dibujo, el grabado y otras formas de expresión visual”, así como en “ampliar la noción de lo que constituye el arte sobre papel en el contexto estadounidense”.

El nombre de Vincent van Gogh será eternamente recordado por el enorme e influyente legado de sus más 2.000 piezas, de las que alrededor de 900 eran pinturas: su talento más conocido. Y es que, todos tenemos en mente aquel bodegón de girasoles o La noche estrellada, que marcaron un hito en el arte occidental a pesar de haber pasado desapercibido toda su vida. Aun así, el difícil e inestable carácter que penetraban en todas sus obras han sido fundamentales para el desarrollo del postimpresionismo y del arte moderno.

Años después de la muerte del célebre pintor a los 37 años (29 de julio de 1890), en 1945 cuando Europa se encontraba en las últimas semanas de la Segunda Guerra Mundial, el sobrino del célebre pintor neerlandés, Vincent Willem van Gogh, protagonizó un episodio insólito. En plena escasez alimentaria, intercambió dos dibujos originales de su tío por 35 paquetes de mantequilla y un poco de carne, incluyendo tocino.

El destinatario fue Pieter Visser, propietario de un negocio de quesos situado en Heiloo, al norte de Ámsterdam, según ha podido comprobar The Art Newspaper. El intercambio se produjo el 30 de marzo de ese año, en un contexto marcado por el llamado “Invierno del Hambre”, cuando los ocupantes alemanes bloquearon el suministro de alimentos a los Países Bajos. En este contexto, se estima, además, que unas 20.000 personas murieron de inanición durante ese periodo. Algo que no pudo esquivar la familia de V.W. van Gogh, residente en la localidad de Laren, pues enfrentaron una situación bastante crítica.

Un fusilamiento como motivo del intercambio

La situación económica familiar empeoró drásticamente tras la detención de Theodor, el hijo mayor de V.W. van Gogh, el 1 de marzo de 1945. El motivo: fue acusado de colaborar con la resistencia y, una semana más tarde, un pelotón alemán le ejecutó. Su muerte no fue la única esa semana, pues el país fue testigo de una masacre en la que se fusilaron a 263 prisioneros holandeses en represalia por un atentado fallido contra el jefe de las SS, Hanns Rauter.

De esta manera, ante el deterioro de la economía familiar, Visser se vio obligado a concretar tres semanas después el traspaso de las obras. Según los archivos encontrados, la pintora Charley Toorop, admiradora de Van Gogh, fue la intermediaria en el acuerdo, que coincidió casualmente con el que habría sido el 92 cumpleaños de Van Gogh.

Sendos dibujos fueron realizados por Van Gogh entre diciembre de 1884 y mayo de 1885 en Nuenen, al sur de Holanda. En ese entonces, el artista vivía con sus padres y trabajaba en representaciones del mundo rural. Los dos dibujos muestran el perfil de una campesina, posiblemente Gordina de Groot, aunque la identidad no ha sido confirmada.

Aunque el camino de estos pergaminos fue largo, uno de ellos, en concreto Cabeza de campesina, perfil izquierdo, fue subastado el pasado 3 de julio por Sotheby’s. Según su página web, la vendieron por 483.473,76 euros, lo que sugiere que el conjunto de los dos dibujos podría llegar a tener un valor de un millón.

El rastro de las obras tras el intercambio

Tras el fallecimiento de Pieter Visser en 1957, los dibujos pasaron a manos de su viuda, Ida Maria Visser-Omes, quien los vendió un año más tarde al marchante E.J. Van Wisselingh, en Ámsterdam. Posteriormente, las obras fueron adquiridas por el coleccionista estadounidense Lawrence S. Pollock, con base en Dallas. A lo largo de las décadas, las piezas fueron separadas. Cabeza de campesina, perfil derecho, pertenece actualmente a otra colección privada. En cuanto a Cabeza de campesina, perfil izquierdo, fue subastada en Sotheby’s en 2001 y en Christie’s en 2012, alcanzando en esa última ocasión los 722.500 dólares.

De acuerdo con la cesta alimentaria entregada a los Van Gogh, hoy equivaldría a unas 100 libras, mientras que los dibujos tendrían un valor mil veces mayor. Algo que se sabe a día de hoy, gracias a la colaboración de la compañía Visser Kaas, que sigue operativa en la actualidad como productor destacado de queso holandés, especialmente Gouda. Fundada en 1916, la firma mantiene sede en los Países Bajos y ha reconocido públicamente el episodio. Ese gesto ha permitido reconstruir no solo una historia familiar ligada a uno de los artistas más influyentes del mundo, sino también una postal de las privaciones sufridas durante la guerra, donde incluso los trazos de Van Gogh podían convertirse en alimento.

Madrid, 5 nov (EFE).- El Museo del Prado ha inaugurado este martes la exposición "Juramentos de papel. El pacto ciudadano en los dibujos de José de Madrazo", que muestra la evolución ideológica y la maestría en el dibujo de quien fuera el primer pintor que dirigió el museo, en 1838.

La exposición reúne 12 obras que abarcan desde estudios anatómicos hasta composiciones preparatorias para grandes lienzos y que son parte de la extraordinaria Colección Daza-Madrazo, adquirida por el museo en 2006.

Las obras elegidas para esta muestra revelan la profunda influencia de Jacques Louis David, maestro de Madrazo, y su singular interpretación de la iconografía del juramento, así como la huella que dejó en su obra el estudio de la estatuaria clásica en París y en Roma.

"Juramentos de papel”, que podrá visitarse hasta marzo de 2025, permite comprender el proceso creativo del artista y también su versatilidad ideológica, capaz de amoldarse a mensajes aparentemente contradictorios.

A través de escenas como ‘La muerte de Lucrecia’, ‘La muerte de Viriato’ y ‘La destrucción de Numancia’, Madrazo aborda temas como el heroísmo, la virtud y la resistencia, enmarcados en la historia clásica pero que reflejan la convulsa realidad política de la España de su tiempo.

Más allá de su valor estético, los dibujos poseen un profundo significado político que ilustra los cambios ideológicos de Madrazo, quien empleó su arte para plasmar las tensiones y debates de una nación en plena transformación.

Estas obras sobre papel constituyen una vía privilegiada para documentar y reexaminar las claves del Neoclasicismo español y, en particular, para revisar la influencia de Jacques-Louis David –de quien se conmemora en 2025 el bicentenario de su fallecimiento– en la renovación de la pintura española durante el primer tercio del siglo XIX.

Fundador de una estirpe de artistas que protagonizaron todo el siglo XIX español, el pintor montañés José de Madrazo y Agudo es uno de los grandes nombres del Neoclasicismo en España.

Su obra artística, indisolublemente unida al preeminente protagonismo que adquirió su personalidad en la sociedad española, así como a su gran influencia en la formación de muchas generaciones de pintores en la Academia de San Fernando, le convierten en una referencia ineludible de este periodo. EFE

Madrid, 22 nov (EFE).- El Matisse más desconocido se puede contemplar ya en la Fundación Canal de Madrid donde se exhiben 33 esculturas de la figura humana, más de un tercio de las que esculpió en su vida este artista, uno de los más influyentes del siglo XX.

Bajo el titulo 'Matisse Metamorfosis. Esculturas y dibujos', la exposición, que ha sido presentada este martes y está organizada por la fundación en colaboración con el Museo Matisse de Niza y el Kunsthaus Zürich, con el apoyo de Manifesto Expo, muestra 33 de las 84 esculturas creadas por el artista, al que le gustaba modelar tanto como pintar, según el mismo reconocía en 1913.

Henri Matisse (Francia, 1869-1954) estaba en un constante estudio del cuerpo humano, del desnudo y la naturaleza, como ha subrayado Eva Tormo, directora gerente de la Fundación Canal.

Las siluetas y los perfiles angulosos de sus esculturas componen esta muestra en la que dominan figuras agachadas, acurrucadas y encogidas de mujeres de pequeño formato, que le sirven para estudiar el cuerpo humano y experimentar con sus formas para luego aplicarlo a su pintura, como ha señalado la comisaria asociada de la muestra, Popy Venzal.

Figuras también tumbadas, de mujeres relajadas, en las que el autor de 'La habitación roja', explora, según la experta, la sensualidad y la intimidad, temas a los que recurre el artista que también plasma el cuerpo de mujeres con los brazos levantados, como en tensión, mostrando así la energía del cuerpo.

"Admitiendo que existe cierta riqueza en algunos de mis lienzos -argumentaba Matisse hace casi un siglo- no dudaría en abandonar la pintura si mi expresión tuviera que manifestarse por otra vía. Así que, para expresar la forma a veces recurro a la escultura, que me permite en lugar de situarme frente a una superficie plana, girar alrededor del objeto y conocerlo mejor".

Es una de las frases del artista que encabezan la muestra en la que, en otra sala, se puede ver al Matisse más afectivo, con retratos de familiares y tres de las cinco esculturas de cabezas femeninas de la serie Jeannette, en las que parece estudiar su fisonomía y explorar distintas técnicas de creación.

'Motivos y variaciones' es otra sección de este conjunto 'excepcional', como ha remarcado la comisaria del Kunsthaus Zürich, en la que se ven ya dibujos del artista, realizados con veinticinco años de diferencia.

Y es que Matisse fue un entusiasta del dibujo, de los grabados, que le ayudaban a visualizar el proceso creativo y las distintas etapas de su trabajo.

Además de la treintena de esculturas, se exhiben 23 dibujos y litografías, y un lienzo, junto a fotografías y documentos de la época y dos esculturas de Aristide Maillol. Son 66 piezas que dan una visión nueva del artista, y muy diferente a la del color suave a la que tiene acostumbrados a los admiradores de su arte. EFE

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Roma, 28 may (EFE).- Unos dibujos que representaban gladiadores o cazadores, pintados por niños pequeños con carboncillo en las paredes de un patio en una de las casas de Pompeya, la ciudad destruida por la erupción del Vesubio en el 79 d.C, son el nuevo hallazgo del área arqueológica del sur de Italia.

Los dibujos fueron descubiertos en la casa del Cenáculo, en la ínsula de los 'Castos amantes', y ayudan a comprender mejor la infancia en la época romana y la exposición a formas extremas de violencia, incluidos los niños pequeños (estimados entre 5 y 7 años), explican los investigadores de la zona arqueológica.

En el artículo en el que se describe el hallazgo se explica que "en la antigüedad la sangre derramada en la arena era real" pero "que pocos lo veían como un problema (que lo vieran niños)".

En la ínsula de los 'Castos amantes', donde se produjo el descubrimiento en el marco de un proyecto de restauración, también ha comenzado un proyecto de accesibilidad y ahora se podrá visitar "desde arriba" gracias a un sistema de pasarelas suspendidas.

Además de los dibujos de los niños, para cuyo estudio el parque arqueológico ha iniciado una colaboración con el departamento de neuropsiquiatría infantil de la Universidad Federico II de Nápoles, "se conservan los restos de dos víctimas, una mujer y un hombre, que murieron durante la erupción".

"El recorrido desde las alturas permitirá una visión innovadora y global de toda la ínsula así como de la arquitectura de las casas romanas con la alternancia de diversos ambientes destinados a diferentes usos, desde el productivo al comercial pasando por el residencial, así como la actividad de obra en progreso, con miras a un uso renovado y mejor por parte del público", explicaron en un comunicado.