El uso cada vez más extendido de celulares y dispositivos digitales entre niños está desplazando una práctica clave para la memoria: el dibujo como herramienta para procesar y recordar información.

Especialistas en psicología del aprendizaje, como Sabrina Panesi de UniGe, advierten que esta actividad, muchas veces relegada por las pantallas, cumple un rol fundamental en el desarrollo cognitivo y en la forma en que los menores comprenden el mundo.

Lejos de ser solo una actividad creativa o recreativa, dibujar activa múltiples procesos mentales al mismo tiempo. Cuando un niño transforma una idea en una imagen, pone en marcha habilidades visuales, motoras y de razonamiento, lo que genera una codificación más profunda de la información. Esto explica por qué, en muchos casos, los menores recuerdan mejor lo que dibujan que aquello que solo leen o escuchan.

Más que un dibujo: una forma de aprender

El valor del dibujo no está en el resultado estético, sino en el proceso. Para representar una idea, el niño debe seleccionar información relevante, organizarla y decidir cómo plasmarla en el papel. Ese recorrido exige un nivel de comprensión que no siempre se activa al copiar o repetir contenido.

De acuerdo a un artículo publicado en ScienceDirect, se ha demostrado que dibujar lo que se aprende mejora significativamente la memoria. La razón es que el cerebro genera una representación más rica y completa al combinar diferentes vías de procesamiento, lo que facilita la recuperación posterior de la información.

Por ejemplo, si un niño dibuja el ciclo del agua o una escena de un cuento, no puede hacerlo de forma automática. Debe pensar qué elementos incluir, cómo se relacionan entre sí y qué significado tienen dentro del conjunto. Ese esfuerzo adicional fortalece la memoria y la comprensión.

El impacto en el desarrollo cognitivo

La relación entre dibujo y aprendizaje va más allá de la memoria. Investigaciones con niños en edad preescolar han encontrado que existe una conexión directa entre la capacidad de dibujar y el desarrollo del lenguaje, así como con funciones ejecutivas como la memoria de trabajo y la organización de ideas.

Esto significa que el dibujo no es una actividad aislada, sino que forma parte de un conjunto de habilidades clave para el aprendizaje. Al dibujar, los niños entrenan su capacidad para mantener información en mente, seguir secuencias y expresar conceptos, competencias esenciales en la lectura y la escritura.

En ese sentido, la reducción del tiempo dedicado a actividades manuales, frente al aumento del uso de pantallas, podría tener efectos en estas capacidades. El consumo pasivo de contenido digital no siempre exige el mismo nivel de procesamiento que actividades como dibujar, lo que limita ciertas formas de aprendizaje activo.

El error de enfocarse solo en lo visual

Uno de los problemas más comunes en el uso del dibujo como herramienta educativa es centrar la atención en el resultado estético. Cuando la prioridad es que el dibujo “quede bien”, se pierde gran parte de su valor cognitivo.

Los especialistas señalan que no cualquier dibujo produce los mismos beneficios. Copiar imágenes sin relación con el contenido o realizar garabatos sin sentido no genera el mismo impacto que dibujar para explicar o entender una idea.

El beneficio aparece cuando el dibujo se convierte en una herramienta para pensar. Es decir, cuando el niño lo utiliza para reconstruir información, ordenar conceptos o representar lo que ha comprendido. En ese contexto, incluso un dibujo simple o imperfecto puede ser más útil que uno elaborado pero mecánico.

Cómo integrar el dibujo en la era digital

Frente a este escenario, los expertos sugieren no eliminar el uso de tecnología, sino equilibrarlo con actividades que fomenten el aprendizaje activo. El dibujo puede integrarse como complemento en distintos contextos educativos.

Algunas estrategias incluyen pedir a los niños que representen visualmente lo más importante de un tema, que dibujen los pasos de un proceso o que expliquen una idea mediante imágenes. Estas consignas convierten el dibujo en una herramienta funcional, no en una tarea decorativa.

También implica cambiar la mirada sobre esta actividad. En lugar de considerarla un “descanso” o una pérdida de tiempo, puede entenderse como un recurso que ayuda a consolidar conocimientos.

La situación tuvo lugar durante una actividad escolar del niño, quien asiste a una institución con enseñanza adaptada. Ventura reconstruyó el inicio del episodio: “Él va a una escuelita, y hubo una semana donde le habían pedido que fuera con un camisolín porque iban a hacer un trabajo con témpera con las manos”, recordó, dando contexto a la obra que luego cobraría un sentido especial.

Al relatar cómo el dibujo pasó de ser una simple tarea a un objeto cargado de significado, el periodista no pudo evitar quebrarse. “Ay, me voy a emocionar”, advirtió, anticipando la carga personal de su testimonio.

Contó que, entre las manchas de témpera, emergió algo que lo marcó: “Eran manchas y en medio del dibujo salió un brazo con la seña que siempre hacía mi viejo… una mano con el pulgar para arriba”. Esa señal, que Ventura asocia directamente con su padre, transformó la pintura en un recordatorio tangible de su vínculo familiar.

En el mismo relato, Ventura agregó un detalle aún más sorprendente: “Cuando vos buscás en la mancha podés divisar la cara del viejo”. Según él, la imagen permite ver el rostro de su padre, fallecido en 2012, lo cual acentuó la emoción del periodista en pleno aire.

El dibujo, hoy ubicado en un sitio central de su casa, genera curiosidad entre quienes lo visitan. Ventura explicó que “cada vez que vienen, hay mucha gente que ha leído esas notas y quieren ver el cuadro”, reflejando el interés que despertó tanto la anécdota como el supuesto fenómeno.

La reciente declaración de Ventura en televisión reavivó el recuerdo de Antonio Ventura, fallecido a los 85 años tras varios meses de complicaciones de salud. En su momento, Luis lo había definido así: “Mi viejo fue un pionero del periodismo”, frase con la que selló la admiración por su figura paterna y profesional.

Lo que ocurrió con el dibujo de Antonito, según relató Luis Ventura, fue interpretado por él como una señal de la continuidad del lazo con su papá. El periodista atribuyó a esa imagen un mensaje emocional y una presencia reconfortante, lo que generó impacto tanto en su entorno como en el público televisivo.

La historia de Ventura, lejos de limitarse a una experiencia personal, abrió la puerta a la reflexión sobre cómo los recuerdos y los afectos pueden manifestarse de formas sorprendentes.

Fabiana, Luis y Antonito

Ventura rememoró el difícil inicio de vida de Antonio: “Nació prematuro, con solo seis meses y medio, pesó 700 gramos y debió pasar por incubadora”. El desarrollo de Antonio estuvo marcado por múltiples desafíos neurológicos. Los médicos le comunicaron a Ventura y asu mamá, que su hijo “tuvo infartos en uno de los hemisferios del cerebro y le dejaron heridas que cicatrizan y, en ese proceso, recupera las funciones como el habla”.

El periodista expuso en varias oportunidades, su frustración con las etiquetas: “Es confuso porque son palabras nada más”. Prefirió hablar de “procederes”, ya que, según los especialistas, el cuadro de Antonio podría encuadrarse en una rama de autismo. Luis destacó la importancia de interpretar el lenguaje no verbal de su hijo. Es todo un aprendisaje, un día a día.

La dependencia que genera Antonio es absoluta. Ventura lo explicó con claridad: “La persona que está con él tiene que estar las 24 horas pendiente de lo que hace”. En este punto, resaltó el rol de Fabiana Liuzzi, a quien definió como “una madraza que está las 24 horas” junto a su hijo.

Ya de chico Tute dibujaba sin parar. Tenía con qué. Su padre, Caloi, era historietista; su madre, María Cristina Marcón, artista plástica. Pero también de chico hablaba sin parar. Él y sus dos hermanos. Decían cosas que para sus padres eran absurdas, delirantes, geniales. Un día su madre llegó con un regalo. Un libro forrado en papel escocés y hecho enteramente a mano, con letra de ella pero también de Caloi. Cinco, en realidad: uno para cada integrante de la familia. En la tapa dice Niños.

“Ella fue escribiendo todas las cosas divertidas que decíamos mis hermanos y yo desde que empezamos a hablar hasta la preadolescencia. Lo hicieron mi vieja y mi viejo, pero sobre todo mi vieja: fue la ideóloga. Está separado en tres capítulos: cada capítulo un hermano. Y además de todas las cosas que decíamos están nuestros dibujos y los dibujos que mi viejo nos hacía a nosotros, muchos con Clemente, para los cumpleaños”, recuerda el dibujante del otro lado del teléfono, en entrevista con Infobae Cultura.

“Un material extraordinario donde uno tiene la posibilidad de visitarse con dos años, tres, cinco, siete años. Ver lo que decían mis hermanos, las similitudes, las grandes diferencias... Un libro extraordinario con un original y mi vieja después hizo fotocopias para quintuplicar el libro”, agrega quien acaba de publicar un nuevo título, La Niñez, editado por Siglo Veintiuno. En la tapa, un hombre tatuado mira a su hijo que decidió no dibujar en la hoja, sino en su propio cuerpo, para parecerse a su padre.

“La niñez fue una invitación que me hizo Javi Rollo a participar en una serie para Siglo Veintiuno de distintos temas. Les di dos opciones: uno era la infancia, el otro el amor. Ellos escogieron la niñez. Me pareció bien porque no tenía ningún libro temático sobre la infancia. El trabajo más fino fue de Javi, del editor, porque yo mandé todo el material que tenía sobre la infancia. Eran muchísimos dibujos, cerca de quinientos. Ellos hicieron una selección que es lo que hoy está en el librito", cuenta.

Tute camina entre dos vías. Él le llama paisajes. “Uno es el paisaje del mundo que me rodea: los hijos de uno, pero también los hijos de los amigos, los piberíos desconocidos, lo que uno puede observar. Y después, el paisaje interno, que es donde están las preguntas que uno se hacía cuando era pibe. Un mundo más íntimo, más de la filosofía personal, de las angustias y los entusiasmos más personales. Muchas veces surgen a partir de memorias, de recuerdos, de sensaciones, de pensamientos”.

Es la hora de la siesta pero Tute no piensa dormir. Su casa está en obra. Mientras conversamos, se escuchan, a lo lejos, algunos ruidos: el timbre cada tanto, muebles que se mueven, hombres que hablan de albañilería, de carpintería, de para cuándo pueden terminar tal parte de tal trabajo. El artista se despoja del costumbrismo y viaja al pasado: “De muy chico ya decía que iba a ser dibujante, que iba a ser humorista gráfico. Hacía dibujos y decía: ‘solo falta que me paguen’”, recuerda.

Nació en cuna de artistas, en Buenos Aires, año 1974, y se crio en José Mármol. Estudió diseño gráfico, también cine, y antes de que el portón del nuevo siglo se abra publicó sus dibujos en La Nación. Desde entonces puso un pie, además del que tenía en los medios, en la industria editorial. Tute de bolsillo, El amor es un perro verde, Batu, Mabel & Rubén, Diario de un hijo, Superyó, Yodo es político! y Ensayo para mi muerte, son algunos de sus tantos libros publicados.

“Mi primera lectura fue Mafalda”, confiesa ahora. Muchísimo tiempo después, en el año 2014, cuando publicó su primera novela gráfica, Dios, el hombre, el amor y dos o tres cosas más, Quino le escribió el prólogo. “Yo aprendí a leer con Mafalda y, por supuesto había tiras que no comprendía, pero muchas otras que sí. Y en una segunda lectura comprendí una parte que antes no comprendía. Así suelen ser las obras complejas: tienen muchas capas de lectura y permiten relecturas a lo largo de la vida".

“Nunca pienso en chiquitos leyendo mis dibujos, después aparecen”, asegura. “Me gusta que sea así. Nunca forcé un dibujo o una idea pensando en que lo tiene que leer alguien que tiene menos información o que hay que ser más explícito. Me gusta la idea de que un pibito se vuelque a leer algo que no fue pensado para él, pero que perfectamente puede ser leído por él. Como a mí me pasó con Mafalda, que no era una tira producida para ser leída por niños, y sin embargo tuvo infinidad de lectores niños y jóvenes".

“Nunca hice ningún libro ni ningún dibujo pensando en un público infantil”, subraya. En muchas ferias de libros, Tute suele poner sentarse a recibir a sus lectores y una larga cola de gente se forma para que le firme un ejemplar. Esa firma es un dibujo. Y ahí ve muchísimos chicos. “Me encanta eso porque siento que hacen lo que yo hacía cuando era chico, que era leer a Fontanarrosa, leer a Quino, gente que hacía humor para adultos, no para niños. No leía libros infantiles", explica.

“Me parece medio raro lo del libro infantil. Entiendo que uno pueda hacer un libro pensando en niños que recién empiezan a leer, pero a mí me gusta más la idea de un adulto que simplemente hace libros y un pibe que puede leerlos. Tan sencillo como eso”, dice y agrega: “Un pibe no entiende del todo el dibujo va a hacer su propia interpretación provisoria. Después hará una relectura y lo entenderá de otra forma. Todo eso es más enriquecedor que un adulto que dibuja pensando en un pibe que no entiende nada”.

Tute señala que existe un problema serio en subestimar al público infantil: “Ahí hay que ser absolutamente obvio, muy claro, con una subestimación total de los pibes cuando no hace falta. Al revés es más atractivo: que el pibe sienta la exigencia de tener que entender algo, de hacer su propia interpretación y eventualmente de no entenderlo por un tiempo. Después volverá al material y lo entenderá de otra forma. Todo eso me parece mucho más enriquecedor que la subestimación del público infantil”.

“La infancia sigue siendo una etapa muy poderosa, a pesar de las pantallas en demasía y cierta cuestión del no permitirse el aburrimiento”, asegura. “Ese tipo de cosas atentan contra esa potencia creadora, pero yo estoy seguro de que eso está. Es una etapa absolutamente fundamental en la vida. Diría que la primera infancia es la que te forma para el resto de tu vida en muchos sentidos, sobre todo por lo que se inscribe en el inconsciente. Como en las casas, es la base sobre la que se apoya la edificación”.

Tute vuelve al recuerdo al libro que le hicieron sus padres: “Ahí está la potencia de la imaginación”. “La infancia es una etapa naturalmente muy poderosa donde se alojan muchos temores, donde se empiezan a formar las identidades apoyadas sobre las identificaciones. Aparecen las marcas: lo que dice un padre, con lo que dice una madre. La infancia es una etapa de mucha absorción. Todos los pibes son esponjas. Lo estás viendo con tus hijos. Una etapa muy potente y muy delicada a la vez: eso es la niñez”.

La primera exposición del ciclo anual conmemorativo permitirá explorar no solo la escultura y el dibujo del siglo XX, sino también los procesos creativos de los artistas mediante la exhibición conjunta de ambas disciplinas. Según informó el Museo ICO, la programación especial por su 30º aniversario comenzará el 10 de febrero con la muestra “Transitar el siglo XX. Dibujo y escultura en las Colecciones ICO”, que saca a la luz una parte representativa de la colección fundacional del recinto.

Tal como publicó el Museo ICO, esta propuesta expositiva, comisariada por María Toral, ofrece un recorrido por la evolución del arte en el siglo pasado, destacando la interacción entre el trazo y el volumen en el contexto de los cambios sociales, políticos y estéticos que definieron esa época. Las piezas seleccionadas abarcan desde los inicios de las vanguardias, como el cubismo, hasta expresiones artísticas más actuales, permitiendo al visitante analizar los diálogos entre diversas tendencias y sus creadores.

Entre los treinta y cuatro artistas presentes se encuentran figuras esenciales del arte español y europeo, como Pablo Picasso, Julio González, Juan Gris, Eduardo Chillida, Carmen Laffón, Jorge Oteiza, Miquel Barceló y Susana Solano. El medio detalló que la exposición presenta obras que datan desde la primera década del siglo XX hasta los años ochenta, reflejando distintas etapas de la evolución artística y la experimentación material, desde la fragilidad del soporte en papel hasta la solidez de la escultura.

La relevancia de la exposición reside también en su capacidad para conectar el pasado y el presente del arte, estableciendo vínculos entre el dibujo y la escultura como formas de expresión complementarias. Según comunicó el Museo ICO, el diálogo entre estas disciplinas permite adentrarse en los métodos de trabajo de los artistas y ofrece una visión global de su pensamiento y proceso creativo.

El recorrido museográfico abarca no solo obras de los citados creadores vinculados al cubismo y a las primeras vanguardias, sino que también integra ejemplos del arte contemporáneo español, evidenciando la continuidad de la investigación plástica y conceptual. A través de la combinación de esculturas y dibujos, la exposición enfatiza la riqueza de lenguajes y materiales utilizados por los protagonistas del arte de los últimos cien años.

Tras la clausura de la exposición el 10 de mayo, el Museo ICO continuará su actividad anual vinculándose al festival PhotoEspaña, uno de los eventos más destacados de la fotografía contemporánea en España. En junio, la institución presentará la exposición “Jorge Yeregui: Territorio, arquitectura y cultura”, dedicando su espacio al trabajo del arquitecto y fotógrafo español Jorge Yeregui. Según consignó el Museo ICO en su programación, la muestra abordará la transformación del entorno físico y social a través de dimensiones culturales y políticas, eje central en los proyectos de investigación y producción de Yeregui.

En la segunda mitad del año, el programa se enfocará en la arquitectura internacional. A partir de octubre, el espacio albergará la primera retrospectiva de gran formato dedicada en España a la arquitecta india Anupama Kundoo. Según informó el Museo ICO, Kundoo ya había formado parte de la institución con su participación en la colectiva “The architect is present” de 2014, y es reconocida internacionalmente por su trabajo enfocado en modelos de construcción sostenibles, respetuosos con el medioambiente y ajustados a diferentes contextos socioeconómicos.

El medio explicó que, con esta exposición, el Museo ICO reafirma su compromiso con la difusión de prácticas arquitectónicas innovadoras desarrolladas en espacios diversos, especialmente fuera del ámbito europeo, consolidando así su línea curatorial orientada a una perspectiva internacional y crítica de la arquitectura. La figura de Kundoo se conecta con la misión del museo de hacer visible la arquitectura experimental y socialmente responsable, reforzando el posicionamiento del recinto como referente en este ámbito dentro del panorama español.

El ciclo de actividades planteado para el trigésimo aniversario culminará con este repaso a figuras representativas de la creación artística, la fotografía y la arquitectura, retomando el relato histórico de la institución y aportando nuevas perspectivas sobre el arte y el urbanismo contemporáneos. Según destacó el Museo ICO, la programación busca no solo rendir homenaje a su propia trayectoria, sino también abrir nuevas líneas de reflexión sobre el papel de las instituciones culturales y el alcance social del arte y la arquitectura en la actualidad.

En una publicación reciente, Facundo mostró el resultado final de su trabajo: un elefante de colmillos grandes, retratado con detalle y respeto sobre la hoja de un cuaderno anillado. “Acá está terminado el elefante. Claro que no es Tantor, es Craig, el icónico elegante africano”, escribió, acompañando la imagen de la obra. Luego profundizó sobre la historia detrás de la ilustración: “Un ‘super tuskers’ conocido por sus colmillos gigantes, nació en 1972 y falleció por causas naturales a los 54 años ahora, en enero de 2026 en Kenia, convirtiéndose en un símbolo de la conservación, y su muerte reciente subraya la lucha contra la caza furtiva y la protección de estos majestuosos animales. Craig fue uno de los últimos elefantes africanos de colmillos gigantes. Hasta luego, Sir Craig”.

La elección no fue casual. En un posteo anterior, donde compartió los avances del dibujo, Arana se había sincerado sobre el vínculo entre el arte y su vida personal. “El dibujo me salvó la vida… Toda la vida. Y los elefantes me encantan desde siempre. No sé por qué nunca había dibujado uno. Pensé en hacer una Ganesha… y me decidí por Tantor”, relató, en referencia a otro célebre elefante del cine. “Nunca sabe uno para dónde va a tener ganas de ir el arte. Tomás aire, tomás tu lápiz, y arrancás”, sumó, mostrando el costado más espontáneo y terapéutico de su proceso creativo.

La reflexión de Arana fue más allá del acto de dibujar, y citó a uno de los grandes maestros de la pintura universal: “Pablo Picasso dijo un día que pintar como Rafael le había llevado cuatro años… y pintar como un niño, toda la vida. Y bueno… yo jamás voy a dejar de ser ese niño a quien el dibujo le salvó la vida”. Con esa frase, el artista dejó en claro que para él el arte es refugio, juego y posibilidad, sin importar el tiempo ni la técnica.

La publicación no tardó en cosechar reacciones positivas. “El arte salva”; “Espectacular, Facundo”; “Una belleza, por favor”; “Qué hermoso trabajo. Te quedó perfecto”; “Me impresiona lo bello que quedó tu dibujo”; “Naciste para vivir haciendo arte”, fueron solo algunos de los mensajes que se destacaron entre los cientos de comentarios. El entusiasmo de los seguidores de Arana se repite cada vez que el actor comparte alguna faceta artística, ya sea en la música, la actuación o el dibujo.

Pero el costado artístico no es solo patrimonio personal: en la familia Arana-Susini el arte se respira en cada rincón. A comienzos de 2022, su pareja y madre de sus hijos, María Susini, apostó también a la creación y la pintura. Facundo preparó especialmente una habitación en la casa para que la modelo pudiera dedicarse a pintar y realizar otras actividades artísticas. El espacio, revestido en madera y con una espectacular vista a la laguna, está pensado para jugar y crear: allí, María se sumerge en sus cuadros, los chicos dibujan y modelan, y las paredes se decoran con guirnaldas de papel. Incluso un pequeño tren recorre las vías sobre el techo, sumando un toque lúdico al ambiente.

En videos y fotos que la pareja publica en sus redes, se pudo ver a Susini concentrada en sus obras y a los hijos de ambos participando de la dinámica creativa familiar. Facundo, por su parte, también utiliza ese espacio para escribir, mostrando que el arte, en cualquiera de sus formas, es parte fundamental del día a día.

El inicio del 2026 encuentra a Arana entregado a la creación y a la familia, compartiendo con su público no solo su talento, sino también sus emociones, sus causas y la certeza de que la belleza se cultiva en los gestos cotidianos y en las pasiones que nunca se abandonan

Keira Knightley atraviesa una fase de reflexión profunda, según reveló en una reciente entrevista con The Guardian.

La actriz británica, reconocida por su trayectoria en el cine internacional, compartió su proceso de aprendizaje para no desvanecerse frente a las expectativas ajenas, a la vez que celebra el lanzamiento de su primer libro infantil, una obra que escribió e ilustrado ella misma.

“Estoy aprendiendo a no desaparecer para complacer a otros”, afirmó Knightley, subrayando la presión de la industria cinematográfica y la importancia de proteger su identidad personal.

El peso de la industria y la búsqueda de equilibrio

La presión profesional y la búsqueda de identidad marcaron la carrera de Knightley. Durante el diálogo con The Guardian, la actriz reflexionó sobre la huella que dejan los personajes en su vida cotidiana.

“No soy una actriz de método... Anna Karenina fue la que más me afectó”, confesó. Recordó que al finalizar ese rodaje, su entonces pareja y actual esposo le comentó: “No quiero vivir más con Anna Karenina”.

Reconoció que la intensidad de ciertos papeles puede dejar marca, pero enfatizó su esfuerzo por evitar que esas emociones trasciendan al plano personal.

El arte íntimo como refugio y herramienta de autoconocimiento

El dibujo fue un recurso esencial para el bienestar y autoconocimiento de Knightley. Consultada sobre su “salvavidas de cordura”, la actriz respondió: “Cien por cien el dibujo, mientras escucho cosas”.

Explicó que, debido a su dislexia, adoptó el hábito de dibujar rostros de hombres mayores con líneas muy detalladas mientras memorizaba sus guiones.

“Por alguna razón –creo que es porque soy disléxica– tengo que sacar las palabras de la página lo más rápido posible. Grabo todo el guion y luego lo escucho mientras hago estos dibujos bastante detallados para que las líneas se me queden en la cabeza”, relató Knightley.

Este método le permite ingresar en un estado de concentración que aprecia especialmente: “Me meto en un estado realmente meditativo, que me encanta”, detalló, mencionando también que ahora su esposo y amigos recopilan imágenes de rostros de hombres mayores para inspirar sus dibujos.

Mirada hacia el futuro: entre la actuación y la tranquilidad

En relación con su carrera y las expectativas de futuro, Knightley se mostró abierta a nuevas posibilidades. Al ser consultada sobre la posibilidad de continuar actuando durante décadas, como Helen Mirren o Meryl Streep, respondió: “Tal vez. Obviamente, Helen y Meryl son increíbles. Pero me gusta la idea de retirarme: sentarme en el jardín y estar en silencio”.

Esta perspectiva refleja su aspiración de lograr un equilibrio entre la vida profesional y la serenidad personal, una posibilidad que contempla para los próximos años.

Familia, anécdotas y la importancia del bienestar

Las anécdotas familiares y la cotidianidad ocupan un lugar destacado en el proceso de autodescubrimiento de Knightley.

Compartió con The Guardian recuerdos junto a su esposo e hijos, como la vez que sorprendió a un grupo de niños al acertar el blanco en un set de tiro con arco en el jardín: “Fui muy genial durante unos cinco segundos para un grupo de niños de 10 años”, recordó con humor.

También relató cómo su hija mayor, después de ver “Quiero ser como Beckham”, le preguntó: “¿Qué te pasó?”, en referencia a su pasado futbolístico. Estas experiencias muestran el modo en que la actriz integra su faceta profesional y personal, procurando preservar su identidad y bienestar.

El arte como refugio para la reconstrucción personal

El dibujo continúa siendo un refugio para Knightley, quien hizo de esta práctica un elemento fundamental de su rutina.

Inspirada por el apoyo de su entorno cercano, halla en los retratos de rostros ajados una fuente de calma y concentración: un espacio propio donde reconstruir su identidad lejos de los focos y de las expectativas externas, como relató en el cierre de su entrevista con The Guardian.

Muchos estudiantes, en diferentes niveles académicos, se preguntan constantemente cuál es la mejor manera de aprender. Este cuestionamiento surge del deseo de optimizar el tiempo de estudio y obtener mejores resultados sin caer en el agotamiento. A menudo buscan métodos que les permitan comprender los temas con mayor facilidad y retener la información por más tiempo. En este proceso, se enfrentan a la necesidad de descubrir no solo qué técnicas son más efectivas, sino también cuáles se adaptan mejor a su propio estilo de aprendizaje.

Algunos recurren a la lectura intensiva, otros prefieren resumir o realizar mapas conceptuales, mientras que ciertos grupos optan por el aprendizaje colaborativo o el uso de herramientas digitales. Sin embargo, no siempre los métodos más populares garantizan los mejores resultados. La clave está en encontrar un equilibrio. Aprender no se trata únicamente de memorizar, sino de establecer conexiones reales entre los conceptos.

Un experto en ciencias del comportamiento explica por TikTok (@cienciascomportamiento), que una de las formas más insospechadas de retener las ideas está relacionada con los movimientos instintivos que forman parte de la expresividad cotidiana de las personas. Según él, hacer garabatos con tu mano no dominante propicia que tengas mayor concentración y memoria mientras estudias. Explica que, este comportamiento, está fuertemente sustentado por una base científica.

Los beneficios de garabatear

Cuando comienzas a escribir o dibujar con la mano contraria a la que normalmente utilizas, estás haciendo mucho más que un simple cambio de hábito: estás activando el hemisferio opuesto de tu cerebro. Este pequeño desafío obliga a que ambos hemisferios trabajen juntos de manera coordinada, lo que fomenta la creación de nuevas conexiones neuronales. Estas conexiones no solo fortalecen la comunicación interna del cerebro, sino que también aumentan tu capacidad de atención y concentración. Al forzar a tu mente a adaptarse a una actividad poco familiar, el cerebro “se despierta” y se vuelve más receptivo a la información que estás aprendiendo, consolidándola de manera más eficiente.

Además, esta idea no es solo teórica. La psicóloga J. Andrade, en su estudio What Does Doodling Do?, demostró que las personas que escuchaban o leían información mientras garabateaban recordaban mucho más que quienes no lo hacían. Esto sucede porque los garabatos permiten que la mente mantenga un nivel adecuado de alerta sin saturarse de información. Mientras tus manos se mueven dibujando o escribiendo, tu cerebro encuentra un equilibrio entre recibir información y procesarla, evitando que la atención se disperse o que la memoria se debilite. En otras palabras, garabatear ayuda a tu cerebro a enfocarse mejor y a retener lo aprendido de manera más duradera.

Por esta razón, indica el experto, practicar con la “mano torpe” puede traer beneficios sorprendentes. Más allá de mejorar la memoria y la concentración, también estimula la creatividad y la flexibilidad mental. Incluso puede ser una manera divertida de romper la rutina de estudio y hacer que aprender sea menos monótono. Integrar este tipo de ejercicios en tus hábitos diarios no requiere mucho tiempo, pero sus efectos pueden ser notables.

Un equipo internacional de astrónomos logró captar, por primera vez, la luz directa de un planeta gigante en proceso de formación que estaría modelando el gas y el polvo a su alrededor en el disco que rodea a una estrella joven.

La detección se realizó gracias al potente instrumento ERIS, instalado en el Very Large Telescope (VLT) del Observatorio Europeo Austral (ESO), y permite observar un fenómeno cósmico largamente teorizado pero nunca visto con esta claridad: la interacción directa entre un planeta recién nacido y la estructura espiral de su entorno protoplanetario.

“Nunca seremos testigos de la formación de la Tierra, pero aquí, alrededor de una estrella joven a 440 años luz de distancia, podríamos estar viendo la existencia de un planeta en tiempo real”, afirma Francesco Maio, investigador doctoral de la Universidad de Florencia y autor principal del estudio, publicado el 21 de julio en la revista Astronomy & Astrophysics.

Este hallazgo ofrece una nueva mirada sobre cómo nacen los planetas gigantes. La estrella protagonista, HD 135344B, se encuentra en la constelación de Lupus, una zona del cielo rica en estrellas jóvenes. A su alrededor gira un disco de gas y polvo —conocido como disco protoplanetario— donde los astrónomos descubrieron un objeto brillante incrustado justo en la base de uno de los brazos espirales, tal como anticipaban los modelos teóricos.

El candidato a planeta tendría aproximadamente el doble del tamaño de Júpiter y orbita a una distancia comparable a la que hay entre Neptuno y el Sol. Su ubicación no es un dato menor: se encuentra exactamente donde los científicos habían predicho que un planeta podría estar esculpiendo la forma del disco. Hasta el momento, si bien se conocían estructuras complejas como anillos, huecos y espirales en discos protoplanetarios, nunca se había detectado un planeta joven inmerso en la formación de tales patrones.

HD 135344B no es una desconocida para la astronomía. Años atrás, un grupo de investigadores había identificado brazos espirales giratorios alrededor de esta estrella, utilizando el instrumento SPHERE (una herramienta avanzada para observar exoplanetas con alto contraste también instalada en el VLT). Sin embargo, todas las observaciones previas habían sido insuficientes para confirmar la existencia de un planeta formando tales estructuras. El rastro de su creador permanecía invisible.

Eso cambió con la llegada del instrumento ERIS, acrónimo de Enhanced Resolution Imager and Spectrograph, un dispositivo de última generación que ofrece imágenes mucho más nítidas que sus predecesores. Al utilizarlo, los astrónomos lograron detectar directamente la luz del protoplaneta, una evidencia crucial que aumenta la certeza sobre su existencia.

“Lo que convierte esta detección en un punto de inflexión potencial es que, a diferencia de muchas observaciones previas, podemos detectar directamente la señal del protoplaneta, que aún se encuentra profundamente incrustado en el disco”, asegura Maio, quien también forma parte del Observatorio Astrofísico de Arcetri, del Instituto Nacional de Astrofísica de Italia (INAF).

“Esto nos da un nivel de confianza mucho mayor en la existencia del planeta, ya que observamos su propia luz”, explica el científico. Captar luz directa de un protoplaneta dentro de un disco denso de gas y polvo no es tarea sencilla. Requiere alta resolución, sensibilidad extrema y condiciones de observación excepcionales, todas características que ERIS supo reunir.

Los expertos destacan que este planeta recién nacido no solo fue detectado, sino que muestra indicios de estar modelando activamente su entorno, lo que refuerza la teoría de que los brazos espirales en los discos protoplanetarios son producto de cuerpos en formación. En otras palabras, por primera vez se observó al escultor trabajando sobre su lienzo cósmico.

La observación también brinda pistas sobre cómo evolucionan los sistemas planetarios. Al comprender mejor cómo los planetas interactúan con el material circundante durante su formación, se podrán afinar los modelos de evolución estelar y planetaria, lo cual tiene implicancias directas sobre la comprensión del propio sistema solar y su historia temprana.

Un segundo objeto en formación alrededor de otra estrella joven

La investigación sobre HD 135344B no fue el único avance logrado gracias al instrumento ERIS. Otro equipo de científicos lo utilizó para observar una estrella aún más joven, llamada V960 Mon, ubicada en la constelación de Monoceros. También aquí los astrónomos encontraron un objeto misterioso: una fuente compacta y luminosa incrustada cerca de un brazo espiral, que podría representar un nuevo ejemplo de formación planetaria o incluso de una enana marrón.

“Con ERIS, nos propusimos encontrar fragmentos compactos y luminosos que indicaran la presencia de un compañero en el disco, y lo logramos”, afirma Anuroop Dasgupta, investigador de doctorado en ESO y en la Universidad Diego Portales de Chile, quien lideró el nuevo estudio publicado en The Astrophysical Journal Letters.

V960 Mon había sido observada previamente por instrumentos como SPHERE y el conjunto de radiotelescopios ALMA, que revelaron una serie de intrincados brazos espirales en su disco. Aquellas observaciones también mostraron un fenómeno conocido como “inestabilidad gravitacional”, por el cual el material en el disco puede fragmentarse, colapsar y dar origen a objetos como planetas gigantes o incluso cuerpos más masivos.

Lo que permanecía sin respuesta era si alguno de esos fragmentos había alcanzado suficiente masa y densidad como para convertirse en un objeto compacto y brillante. La respuesta llegó con ERIS, al identificar una fuente luminosa que podría ser un planeta naciente o una enana marrón, es decir, un objeto mayor que un planeta pero que no llegó a acumular la masa suficiente para convertirse en una estrella.

Si se confirma, este hallazgo marcaría la primera detección clara de un cuerpo en formación a través del mecanismo de inestabilidad gravitacional, lo que abriría un nuevo camino en la investigación sobre cómo se originan los planetas gigantes, especialmente en entornos masivos y caóticos.

La principal diferencia entre los dos hallazgos recientes es el mecanismo probable de formación. Mientras que el candidato a planeta de HD 135344B parece crecer de manera progresiva, esculpiendo su entorno, el objeto detectado en V960 Mon podría haberse formado a partir del colapso directo de una región inestable del disco. Ambas rutas representan procesos distintos dentro del catálogo de formación planetaria.

Además de su valor científico, estas observaciones también significan un paso adelante en la capacidad de la astronomía para observar directamente procesos que hasta hace poco eran solo teóricos o indirectamente inferidos. La combinación de instrumentos avanzados como ERIS, SPHERE y ALMA permite abordar misterios que antes quedaban más allá del alcance de los telescopios.

Frente a estos resultados, los astrónomos se muestran entusiasmados pero también cautelosos. Las próximas campañas de observación buscarán confirmar la naturaleza de ambos objetos y refinar las estimaciones sobre su masa, temperatura y evolución.

Si se ratifican como planetas en formación, los dos estudios marcarían hitos en la comprensión del origen de los sistemas planetarios y consolidarían a ERIS como una herramienta clave en la exploración del universo temprano.

Una mujer de Georgia quedó encantada cuando su sobrino de seis años le regaló por primera vez un dibujo de su familia en el que aparecía ella. Lo que no esperaba era que, al mirar más de cerca el dibujo, algo empezara a incomodarla. La historia, relatada por la propia mujer en TikTok y publicada por medios como Newsweek, ha generado multitud de reacciones en redes sociales.

Kasandra Palffy, de Atlanta, compartió la imagen a través de su cuenta de TikTok @kbpalffy. El dibujo fue hecho por su sobrino Christain cuando tenía 6 años, durante el confinamiento por Covid-19. Actualmente, el niño tiene 10. Según publicó este medio Newsweek, a lo largo de los años Christain ha hecho varios dibujos familiares, pero ese en particular le llamó la atención por una razón concreta.

“Cuando lo leí por primera vez, pensé, ¿por qué soy el único redondo?”, contó Palffy al medio estadounidense. A diferencia del resto de los miembros de la familia, ella había sido dibujada con una figura redondeada, algo que la dejó bastante sorprendida.

Una explicación muy inesperada

Aunque en un primer momento se sintió incómoda, la tía encontró alivio en la explicación que le dio su sobrino. “Él dijo, ‘Porque era mi cumpleaños y tenía puesto ese vestido grande y bonito’”, recordó entre risas. Palffy no creyó que la elección del niño tuviera un significado negativo, aunque admitió que el gesto no pasó desapercibido para ella y que de primeras le había generado incomodidad.

La imagen sigue teniendo un valor sentimental en la familia. “Todavía me río de eso”, dijo Palffy, y añadió que su cuñada “lo tiene en un marco”. La historia resonó rápidamente en TikTok, donde su video alcanzó más de 1,5 millones de visualizaciones y una gran cantidad de reacciones y comentarios.

Otros padres comparten historias similares

En la sección de comentarios, muchos usuarios comenzaron a compartir experiencias de anécdotas parecidas respecto a otros dibujos. Uno de ellos expuso, “juro que mi hijo hizo esta foto exacta, yo era el único con un círculo para mi estómago”. Otro caso relata cómo una niña dibujó una casa con su padre y ella, pero sin su hermano. Al preguntarle por él, la niña simplemente respondió, “oh, él está dentro de la casa”.

En comentarios también contaron la historia de un niño que dibujó a toda su familia en una casa, pero más tarde, al portarse mal y ser regañado por su padre, el niño lo borró del dibujo. Todas estas anécdotas fueron publicadas por Newsweek y mostraron cómo los niños pueden expresar sus emociones de manera directa y, muchas veces, inesperada respecto a cómo conciben su entorno, incluso el más cercano en relación con sus familiares.

Palffy en su publicación de TikTok explicó por qué creía que estas experiencias tenían tanta expectación, para ello, la protagonista se basa en una sencilla razón que explica con claridad, refiriéndose a que “los niños hacen las cosas más dulces y divertidas”.

Quien haya intentado calcar un dibujo sin tener papel vegetal en casa sabrá que no es tarea fácil. Pero, gracias a un sencillo truco casero, es posible fabricar papel traslúcido con materiales que todos tenemos a mano. Una hoja blanca y un poco de aceite bastan para conseguir un resultado sorprendente, útil tanto para tareas escolares de última hora como para proyectos creativos.

Así lo demuestra el divulgador aficionado a la ciencia Faber David Burgos (@faberburgos) en un vídeo compartido en TikTok. En él, explica paso a paso cómo transformar una hoja común en papel vegetal y, además, detalla el principio físico que hace posible este curioso efecto.

UN TRUCO SENCILLO CON MATERIALES BÁSICOS

El proceso es tan simple como efectivo. Primero, se necesita un folio en blanco, aceite de cocina y un pequeño trozo de algodón. Burgos recomienda colocar la hoja sobre una mesa y empapar ligeramente el algodón en el aceite. A continuación, se debe frotar el aceite sobre una sola cara del papel y retirar el exceso con una servilleta.

Tras dejarlo secar durante unos minutos, la hoja se vuelve completamente traslúcida. "Literal, se volvió traslúcida la hoja", afirma en el vídeo mientras muestra cómo calca un dibujo desde un libro. Según cuenta, con apenas una pequeña cantidad de aceite fue capaz de transformar hasta 12 hojas.

El resultado es un papel que permite ver con claridad lo que hay debajo, ideal para copiar dibujos, rotular cuadernos, hacer tareas escolares o crear decoraciones. "Esto es genial para aquellos que, como yo, no sabemos dibujar", dice el creador de contenido, que anima a "dejar volar la imaginación" una vez se domina esta técnica.

¿POR QUÉ FUNCIONA ESTE TRUCO?

La clave del experimento está en cómo se comporta la luz al atravesar el papel. En condiciones normales, una hoja blanca refleja y dispersa buena parte de la luz que recibe, lo que impide ver a través de ella. Sin embargo, al aplicar aceite, el papel cambia su comportamiento óptico.

"El aceite impide que la luz se refleje o se disperse, y lo que hace es que gran parte de esa luz atraviese la hoja", explica Burgos. Gracias a esta alteración, el papel adquiere una transparencia parcial, suficiente como para calcar cualquier imagen colocada debajo.

Washington, 18 mar (EFE).- Un grupo de 21 senadores demócratas condenó este miércoles la reanudación de las políticas de detención de familias con niños por parte de la Administración del presidente Donald Trump e instaron al mandatario a echar para atrás su plan y rechazar esta práctica.

A principios de mes el Gobierno Trump reactivó la política de detención de familias inmigrantes suspendida por la Administración de Joe Biden (2021-2025).

En una carta enviada hoy a la Casa Blanca, los demócratas encabezados por el senador por California Alex Padilla, miembro de mayor rango del Subcomité de Inmigración del Comité Judicial del Senado, manifestaron su oposición al plan del gobierno republicano, que ya ha puesto tras las rejas a varias familias migrantes con niños en el sur de Texas.

Los legisladores expresaron su firme oposición al restablecimiento de esta política citando múltiples estudios publicados sobre el “alto riesgo de daño” que la detención familiar causa a los menores y análisis que concluyen que la detención familiar es costosa e ineficaz.

En la misiva los demócratas también advierten que esta práctica "no disuade la migración. Simplemente causa sufrimiento y drena los fondos de los contribuyentes a un costo exorbitante", por lo que le instaron al presidente que abandone el plan y busque “alternativas humanas”.

Biden suspendió el encarcelamiento de familias migrantes poco después de asumir el cargo y finalmente cerró el centro de detención de Dilley, en el sur de Texas, que había sido usado por Trump en su primera administración para albergar a estos grupos de indocumentados.

A inicios de marzo, el administrador privado de prisiones CoreCivic anunció que había llegado un acuerdo con el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) para reanudar las operaciones en el centro de Dilley.

También se reportó que varias familias con niños fueron detenidas en el centro de Karnes, también ubicado en Texas.

La reactivación de la detención familiar hace parte de las medidas más recientes de la Administración Trump para ampliar la capacidad de ICE.

Los niños pequeños pueden tener algunas dificultades para expresar con palabras todo lo que piensan y sienten. A veces es porque faltan las palabras, pero también porque quizá es la primera vez que albergan un tipo concreto de emociones. Por ello, los padres pueden y deben servirse de otros caminos para averiguar qué es lo que pasa por sus cabezas. Y, en este sentido, una de las mejores herramientas son los dibujos.

A través de los colores en el papel, los niños pueden proyectar su mundo interior, abriendo las puertas a sus sentimientos y dando algunos indicios de cómo es su personalidad. Esto no quiere decir que haya que interpretarlos de manera literal, pero sí considerarlos como una pista de qué es lo que les ocurre por dentro. Por ello, muchos psicólogos y especialistas realizan incluso actividades en las que, a través del dibujo, intentan que el pequeño o pequeña encuentre una un canal de comunicación.

“Dice que soy yo”

Ahora bien, ¿qué ocurre cuando el dibujo resulta realmente inquietante? Esto es lo que le ha ocurrido a un padre cuando, un día cualquiera, su hija de tres años regresó de la guardería con un dibujo que había hecho de él. El resultado no pudo ser más inquietante, puesto que en el interior de una figura humana, la niña había añadido unos adhesivos de dientes afilados en el rostro, nubes en la zona del estómago y varias manchas y rayones de color rojo por todo el cuerpo.

Lo único normal en el dibujo de su hija eran los adhesivos de los ojos, y es por eso que finalmente el padre decidió compartir el dibujo a través de la red social Reddit, diciendo: “Mi hijo de 3 años ha hecho esto en la guardería y dice que soy yo. ¿Debería preocuparme?”. Un mensaje que, en apenas tres días, ya roza los 50.000 votos positivos. Y es que muchos de los usuarios de la red social vieron el dibujo como una oportunidad para bromear al respecto.

“Me preocupa que puedas tener el estómago lleno o la boca torcida”, comenta uno de los usuarios, “por favor, hazte una revisión médica”. Por supuesto, el padre respondió en el mismo tono, y ante preguntas como si ese era su verdadero aspecto físico, contestaba que no, porque en realidad está “más gordo”. No había respuesta, así que mejor tomárselo con humor.

Otro dibujo inquietante de una niña

Otros usuarios, en cambio, han entendido esta publicación como una oportunidad para explicar experiencias similares. “Mi hija hizo esa misma tarea”, cuenta otra persona. “No le pusieron nota, pero cuando fui a la jornada de puertas abiertas, la suya estaba en la parte de atrás de la clase”.

En el dibujo de esta niña, la cara estaba llena de ojos, y los brazos y piernas llenos de garabatos y líneas. “En el pecho tenía un corazón gigante”. Al preguntarle a la niña, esta comentó que el dibujo era de cuando se había asustado en clase de natación por haberse olvidado el bañador. “Me pareció el mejor dibujo de todos”, interpreta finalmente el usuario.

Quito, 23 oct (EFE).- Quito, la capital de Ecuador, intentará el próximo viernes batir el récord Guinness del mayor número de personas que dibujan de manera simultánea, para lo que espera contar con unos 10.000 participantes, según anticiparon los organizadores de la actividad.

"Actualmente, el récord le pertenece a la provincia china de Jiangxi, vigente desde octubre de 2019, con 4.173 personas dibujando de forma simultánea", indicaron los organizadores en un comunicado, entre los que figura el Municipio de Quito.

La participación para intentar romper este récord será abierta, y entre los dibujantes ya confirmados habrá estudiantes de instituciones educativas y adultos mayores, que se reunirán desde las 8:00 hora local (15:00 GMT) en el Parque Bicentenario, situado en el norte de la ciudad.

Cada participante deberá dibujar en una cartulina a Quito dentro de un corazón, donde en la parte superior deberá haber nubes y un sol que simbolice el cielo de la ciudad.

En el resto del dibujo podrán escenificar lo que mejor represente para ellos a la capital de Ecuador, sin incluir letras ni número.

Los dibujos deberán estar finalizados en cinco minutos, por lo que los organizadores recomendaron a los participantes ensayar antes en casa.

Asimismo, los organizadores indicaron que esta actividad contribuirá a construir la 'marca ciudad', "clave para proyectar una imagen sólida de Quito a nivel nacional e internacional, pues refuerza el sentido de identidad entre los quiteños y posiciona a la capital como un destino atractivo para el turismo, la inversión y la cultura". EFE

Moscú, 15 oct (EFE).- Un ruso que fue condenado por un dibujo contra la guerra pintado por su hija salió hoy en libertad tras cumplir un año y nueve meses de cárcel, según informan organizaciones de derechos humanos.

Alexéi Moskaliov, que cumplió su condena en la región de Tula, denunció que en la celda de castigo en la que estuvo dos meses "las condiciones eran parecidas a una cámara de torturas".

"La celda era de dos metros por uno (...), los pisos putrefactos, de todos lados, del techo, del vertedero, salían ratas enormes", dijo en una entrevista en vídeo divulgada por OVD-Info, organización que vela por los derechos de presos y detenidos.

Añadió que "hacía un frío de perros (...) teníamos que estar 16 horas de pie, porque los camastros se pegaban a la pared para que no pudiéramos acostarnos. Era imposible estar sentados porque el banco era pequeño, metálico, y estaba tan helado que era imposible sentarse".

La Justicia rusa decidió perseguir judicialmente al hombre después de que su hija, Masha, de 13 años, pintara en abril de 2022 en una clase de arte un dibujo con la bandera ucraniana y una mujer que protege a su hijo de misiles.

La niña también escribió "Gloria a Ucrania" y "No a la guerra" en el dibujo.

Al día siguiente la policía se llevó a Moskaliov y a su hija a la comisaría, donde el padre se enteró de que se había abierto un caso en su contra por "desacreditar" a las Fuerzas Armadas.

Entonces, Moskaliov fue multado con 32.000 rublos (415 dólares) por haber escrito en la red social Odnoklassniki sobre el Ejército ruso que "los perpetradores están junto a nosotros".

La Justicia puso al hombre bajo arresto domiciliario, envió a la niña a un centro de rehabilitación de menores y las autoridades amenazaron con privarle de la patria potestad.

Finalmente, Moskaliov fue condenado en marzo de 2023 a dos años de cárcel por criticar al ejército ruso en Ucrania, tras lo que huyó a Bielorrusia, donde fue detenido por la policía y, según su testimonio, fue golpeado salvajemente y extraditado a Rusia para el cumplimiento de su pena.EFE

Jane Hynous estaba aburrida viendo National Treasure en su clase de estudios sociales, así que sacó algunos marcadores y dibujó la primera imagen peculiar que le vino a la mente: un hombre lobo.

Esa mañana de junio, la niña de 12 años se enteró de que su estado de Michigan estaba organizando una competencia para los mejores adhesivos personalizados de votación. Jane dibujó al hombre lobo rasgándose la camisa azul mientras aullaba, con las palabras “YO VOTÉ” en el fondo sobre una bandera estadounidense.

Cuando la estudiante de secundaria regresó a su casa esa tarde en Grosse Pointe Farms tomó una foto de su dibujo y lo envió en línea, sin esperar mucho de ello.

Pero en la última semana, el dibujo de Jane se ha vuelto viral en las redes sociales y ha aparecido en programas de televisión nacionales desde que el Departamento de Estado de Michigan anunció que era uno de los nueve ganadores. La imagen podría reflejar la ansiedad de los votantes a unos dos meses de las elecciones, pero Jane dijo que su dibujo tenía poco que ver con la política.

“Solo quería hacer algo que fuera, supongo, divertido y no tan serio,” dijo Jane, una estudiante de séptimo grado, al Washington Post. “Porque, ya sabes, votar es un tema muy serio, y quieres tener algo divertido que lo aliviane”, añadió.

Jane comenzó a garabatear en el iPad de sus padres cuando tenía 4 años y desde entonces ha hecho brazaletes de cuentas, arte de origami y dioramas en cajas de zapatos.

Aun así, cuando la maestra de Jane distribuyó plantillas e instrucciones para el concurso de adhesivos en junio, Jane no estaba segura de si participaría. Dijo que no pensaba que algo que creara se destacaría. Pero no quería ver National Treasure, así que dibujó con los marcadores y bolígrafos de su estuche.

Jane pensó que otros concursantes dibujarían diseños relacionados con Michigan - faros, truchas y ciervos de cola blanca - pero ella quería crear algo único. Dijo que dibujó su hombre lobo en menos de una hora.

Los residentes de Michigan enviaron más de 480 diseños entre mayo y junio, según el Departamento de Estado de Michigan.

Concursos en otros estados inspiraron el concurso de Michigan, dijo The Washington Post Zena Aljilehawi, la presidenta de un grupo de trabajo dirigido por estudiantes universitarios que ayudó a organizar la competencia. Un estudiante de tercer grado en Kentucky este año dibujó un lagarto humanoide, y en Nueva York en 2022, un joven de 14 años dibujó una cabeza humana descompuesta y multicolor sobre seis patas turquesa.

Aljilehawi, de 23 años, esperaba que el concurso estatal recibiera diseños igualmente extravagantes. La plantilla de la competencia enumeraba algunas reglas y consejos: el diseño debía decir “YO VOTÉ”, ser no partidista, evitar inteligencia artificial, y los participantes debían “ser creativos y DIVERTIRSE”.

Sin saberlo Jane, Aljilehawi dijo que ella y los otros 33 miembros de su grupo de trabajo tenían la sensación de que el adhesivo ganaría cuando lo vieron por primera vez.

“Nuestro chat de grupo se volvió loco,” dijo Aljilehawi, una estudiante de tercer año que estudia biología, salud y sociedad en la Universidad de Michigan.

Las personas interpretaron el dibujo de diferentes maneras. Aljilehawi dijo que algunos miembros del grupo de trabajo pensaron que el hombre lobo estaba basado en el Michigan Dogman, un perro humanoide que, según la leyenda, fue visto en el norte de Michigan en la década de 1880. Aljilehawi dijo que el adhesivo emitía “libertad” y “energía rock and roll”.

“Si le pidieras a una IA que generara la pegatina del espíritu americano,” dijo, “no creo que pudiera haber hecho algo mejor que lo que obtuvimos.”

Angela Benander, portavoz del Departamento de Estado de Michigan, dijo que el diseño era “deliciosamente desquiciado.”

“Es una especie de giro divertido sobre lo que parece ser una temporada loca para mucha gente,” dijo.

Unas semanas después de enviar su dibujo, Jane se enteró de que el grupo de trabajo, que trabaja con el Departamento de Estado de Michigan para alentar a los jóvenes a votar, seleccionó su adhesivo como semifinalista. El público podía votar por los ganadores en el sitio web del departamento.

Jane dijo que había terminado de nadar en el lago Hurón un día de agosto cuando su maestra de estudios sociales llamó a su madre, Amy, para darle una actualización: Jane había ganado el concurso.

“Fue realmente sorprendente,” dijo Jane. “Estoy ahí en traje de baño como, ‘¿Qué?’”

El diseño de Jane recibió 20.000 votos del público -unos 2.000 más que cualquier otro adhesivo,- dijo Samantha May, portavoz del Departamento de Estado de Michigan, en un correo electrónico.

El departamento anunció a los ganadores el 4 de septiembre. Algunos de los otros ganadores presentaban un gato sosteniendo un cartel que decía “YO VOTÉ”, un ciervo con gafas de sol y un faro proyectando “YO VOTÉ” Un adhesivo decía, “Yo Voté yay” -con la “e” al revés,- y otro usaba jerga del Medio Oeste: “OPE, YO VOTÉ.”

Unos días después del anuncio, Jane dijo que sus compañeros de clase le dijeron que su dibujo estaba en sus feeds de redes sociales.

La Secretaria de Estado de Michigan, Jocelyn Benson, publicó el dibujo de Jane en X con el pie de foto: “Entrando en la temporada de elecciones generales como.”

Derek Dobies, jefe de personal de la AFL-CIO de Michigan, escribió en X: “Si alguna vez hay un año para tener un hombre lobo desquiciado rasgándose la camisa como el adhesivo de ‘Yo Voté’... es 2024.”

John Oliver bromeó en su programa Last Week Tonight el domingo diciendo que cometería fraude electoral para obtener múltiples copias del adhesivo.

Los secretarios de Michigan ordenarán y distribuirán rollos de los adhesivos ganadores a los votantes en noviembre, y Benander dijo que espera que los diseños de hombres lobo se agoten rápidamente. Independientemente de la interpretación de los votantes sobre su dibujo, Jane dijo que espera que les brinde alegría.

“Van a llevar esto en el pecho el día que voten,” dijo ella, “y quiero que estén orgullosos de ello.”

(*) The Washington Post

“Pirata Morgan” es un perrito de Chetumal, Quintana Roo, en México que desafortunadamente se perdió. Angustiada por su salida su dueña pidió ayuda en redes sociales para poderlo encontrar y recuperar a su amada mascota. Sin embargo, lo que robó el corazón de los internautas fue la tierna manera en la que la familia empezó a buscar a “Pirata”.

La pérdida de una mascota une por valor sentimental a propios y extraños, en este sentido, la abuela junto a su círculo cercano especialmente su nieta comenzaron la minuciosa descripción del animal de compañía. Por lo que la infante decidió hacer un dibujo especial para que así la gente pudiera localizar a “Pirata Morgan”.

Horas después, por fortuna y gracias al apoyo de la población en Chetumal, a través de la página de Facebook UrbanoZ Noticias, se dio a conocer que la perrita había aparecido y estaba sano y salvo con su dueña, informaron diversos medios de comunicación.

“Cómo saben hace algunas horas publicamos el dibujito que una niña chetumaleña realizó para encontrar a su perrito llamado Pirata Morgan”.

De acuerdo con lo detallado por la página de Facebook y con una tierna fotografía, se pudo confirmar que el perrito había sido localizado gracias a todo el apoyo de la población.

En redes sociales, es habitual encontrarse con reportes de rescate o pérdidas de animales por parte de la Brigada de Vigilancia Animal (BVA), pero ¿Cómo podemos pedir su apoyo en caso de esta emergencia?.

La BVA de la Secretaría de Seguridad Ciudadana (SSC) se encarga de salvaguardar el bienestar y prevenir el maltrato animal mediante la atención de denuncias en las 16 alcaldías de Ciudad de México.

¿Cómo pedir apoyo a la Brigada de Vigilancia Animal?

Vía telefónica, en la Unidad de Contacto del Secretario de Seguridad Ciudadana (SSC) al número 55 5208 9898. Allí una persona tomará la denuncia y datos del solicitante y se le informará si la BVA puede atender la situación o se canaliza a otra dependencia.

• Vía Twitter, realizando la denuncia a la cuenta @UCS_GCDMX.
• Vía correo electrónico, exponiendo el caso y enviándolo al correo ucontacto@ssc.cdmx.gob.mx
• La atención se brinda las 24 horas del día.

La BVA puede rescatar animales silvestres o mascotas en barrancas, ductos, árboles de gran altura, canales o lugares de difícil acceso. Además, está facultada para rescatar animales a través de órdenes de cateo a domicilios.