El fallecimiento de Natasha Richardson en 2009 dejó una marca profunda tanto en su familia como en el mundo del cine. La actriz, quien perdió la vida a los 45 años debido a un accidente de esquí, sigue siendo recordada con afecto y respeto por sus colegas y seguidores.

Dennis Quaid, quien compartió escenas con ella en la recordada película “Juego de gemelas”, ha confesado que la ausencia de Richardson es una herida persistente. En una conversación emotiva con Hello! Magazine, el actor afirmó: “Cada vez que pienso en Natasha, mi corazón se parte”.

El impacto de la pérdida en el elenco y la familia

La muerte de Natasha Richardson conmocionó tanto al elenco de la película como a su círculo íntimo. Para Dennis Quaid, el accidente resultó especialmente doloroso por lo inesperado y por el vacío que dejó en quienes la conocieron de cerca.

El actor expresó que la forma en que falleció la actriz fue particularmente trágica: “Solo un pequeño accidente en la pista de esquí”, relató. Este hecho afectó no solo a sus compañeros de rodaje, sino también a su familia, quienes la recuerdan por su calidez y encanto personal.

La familia de Richardson, formada junto al actor Liam Neeson y sus hijos Micheál y Daniel, mantiene vivo el recuerdo de la actriz. El cariño y la admiración hacia ella se reflejan tanto en quienes compartieron su vida personal como profesional.

Legado de Natasha Richardson en el cine

Natasha Richardson dejó una huella perdurable en la industria del cine, especialmente por su papel en “Juego de gemelas”. Su interpretación aportó un carisma y una autenticidad que, según sus colegas, es difícil de igualar.

Durante una reunión del elenco en 2020, tanto Dennis Quaid como Lindsay Lohan recordaron el impacto de Richardson en el rodaje. Lohan mencionó: “Natasha tenía tal elegancia y gracia, y fue tan maternal conmigo”, subrayando la conexión especial que lograba con quienes la rodeaban.

Quaid también destacó que trabajar junto a Richardson fue una experiencia única. La describió como “una gran persona, además de ser una actriz impresionante con quien trabajar”, reconociendo su capacidad para generar un ambiente cálido y colaborativo en el set.

Recuerdos del rodaje de “Juego de gemelas”

La presencia de Natasha Richardson durante el rodaje dejó una impresión imborrable en Dennis Quaid. El actor recordó que la actriz aportaba una energía especial al equipo, transformando el ambiente de trabajo en algo distinto a cualquier otra experiencia profesional.

Quaid comentó que, si pudiera elegir a alguien con quien volver a colaborar, sin duda sería con Richardson. Destacó su talento y calidez, así como la alegría que transmitía a todo el elenco, lo que contribuyó significativamente al éxito de la película.

Según Quaid, Richardson enriquecía su interpretación inspirándose en la relación cercana que mantenía con sus hijos. Esto le permitía transmitir un carisma particular y una autenticidad que elevaban la calidad de la película.

El fenómeno de “Juego de gemelas”, una película que trasciende generaciones

Para Dennis Quaid, “Juego de gemelas” no solo marcó un hito en su carrera, sino que se ha convertido en la película más vista de su trayectoria. El filme ha logrado unir a distintas generaciones, consolidándose como un clásico que muchas familias continúan disfrutando.

Cualquier escena que incluya a Richardson adquiere un significado especial para Quaid. El actor reconoce que algunas personas dejan una huella imborrable por la manera en que conectan con los demás y la autenticidad que transmiten. Para él, la actriz representa ese tipo de presencia única en la memoria colectiva y personal.

Qué ocurrió con Natasha Richardson y cómo se vive su ausencia

Natasha Richardson falleció en 2009 tras sufrir un accidente de esquí a los 45 años. Su partida dejó un vacío en su entorno familiar, en el elenco de “Juego de gemelas” y entre quienes admiraban su trabajo.

Dennis Quaid y Lindsay Lohan la recuerdan como alguien generosa y auténtica, cuyo legado sigue vigente en cada proyección de la película y en el recuerdo de quienes la conocieron.

El paso del tiempo no ha disminuido el impacto de su pérdida. Tanto su familia como sus colegas continúan honrando su memoria y celebrando la influencia positiva que tuvo en sus vidas y en la industria cinematográfica.

El legado de Natasha Richardson, forjado a través de su talento y de relaciones personales marcadas por la calidez, permanece vivo en el recuerdo de quienes compartieron con ella momentos únicos, tanto delante como detrás de cámara.

A sus 71 años, Dennis Quaid asguró haber encontrado, finalmente, la paz. Tras décadas marcadas por romances de alto perfil, celos profesionales, divorcios complicados y una rehabilitación, el actor nominado al Emmy afirmó que su vida ha dado un giro radical gracias a Laura Savoie, su cuarta esposa y actual socia en su productora Bonniedale Films.

“Cada día es un paraíso con ella. De verdad que lo es. Me he casado tres veces y esta es la última, lo sé. Siento que tengo una verdadera pareja en la vida”, declaró esta semana a Fox News Digital.

La pareja, que se conoció en 2019 durante un evento empresarial, contrajo matrimonio un año después. Laura, nacida en St. Louis y 39 años menor que Quaid, cuenta con dos maestrías —una de la Texas McCombs School of Business y otra de la Universidad de Notre Dame— y fue nombrada en 2021 socia fundadora de la compañía de producción del actor.

Su vínculo, según contó él, es mucho más profundo de lo que cualquier crítica sobre la diferencia de edad pueda sugerir.

“Es la relación más cercana que he tenido con alguien. No sé por qué Dios esperó tanto tiempo para traerla, pero estoy muy agradecido de que lo hiciera”, afirmó.

No es la primera vez que Dennis Quaid responde a los comentarios en torno a su relación. En 2019, dijo en una entrevista con The Guardian que no buscaba una pareja más joven, sin embargo, el destino lo unió con Laura Savoie.

“No tienes control sobre de quién te enamoras. Yo no me enamoro fácilmente. Pero no puedo dejar que lo que piensen unos pocos lo controle todo”, señaló.

El matrimonio con Savoie llegó después de tres intentos fallidos. Su primer matrimonio, con la actriz PJ Soles, concluyó en 1983 tras cuatro años. El segundo, con Meg Ryan —una de las grandes estrellas de las comedias románticas de los 90— terminó en 2000, en medio de rumores de infidelidad.

El tercero, con la agente inmobiliaria Kimberly Buffington, duró 11 años y finalizó en 2018. Precisamente este 2025, el famoso celebra el fin de una etapa legal asociada a ese último vínculo.

En noviembre, sus hijos gemelos Zoe y Thomas cumplen 18 años, lo que marcará el final de los pagos mensuales de manutención infantil por 13,750 dólares que Dennis Quaid venía realizando desde su divorcio con Buffington.

De hecho, la estrella de Hollywood también se ha abierto sobre las dificultades que enfrentó durante su matrimonio con Meg Ryan, con quien compartió nueve años y tuvo a su hijo Jack, hoy de 33 años.

En una entrevista con Who’s Talking to Chris Wallace, admitió haber sentido celos del ascenso meteórico de Ryan.

“Intenté ser una persona madura y decirme que no me importaba, pero las personas son humanas. Ella estaba progresando mientras yo entraba en rehabilitación”, confesó.

Pese a eso, el artista aseveró que no guarda resentimientos, ya que considera que “Meg es una persona maravillosa, dulce y muy talentosa, y se merecía todo su éxito”.

“No me arrepiento de nada. De nuestra unión nació Jack, quien probablemente nos eclipsará a ambos”, dijo.

Actualmente, Dennis Quaid combina su vida familiar con nuevos proyectos profesionales. Tiene en agenda varios títulos: I Can Only Imagine 2, la película animada Saurus City, el thriller The Florist y la cinta de ciencia ficción de Netflix War Machine.

Dennis Quaid, reconocido actor estadounidense, compartió cómo la preocupación y el miedo dominaron una noche inolvidable para su familia cuando las inundaciones azotaron Texas.

Mientras esperaba noticias sobre la seguridad de su hija Zoe, de 17 años, quien trabajaba como consejera en un campamento cercano al epicentro del desastre, Quaid experimentó horas de total incertidumbre.

Una noche marcada por la incertidumbre

La noche en que ocurrieron las inundaciones en el Campamento Mystic, Quaid no logró dormir y estuvo sin poder contactar a Zoe ni recibir noticias sobre su situación. El temor se apoderó de él hasta la mañana siguiente, momento en el que finalmente pudo saber que su hija estaba bien.

En declaraciones publicadas por Vanity Fair, el actor relató: “Me enteré cuando me iba a dormir. Intenté llamarla porque sabía que ella estaba allá. Aunque era consciente de que no estaba en la zona de las inundaciones, no pude hablar con ella hasta el día siguiente. Esa noche apenas dormí”. Las palabras de Quaid reflejan el estado de alerta y ansiedad por el que pasó su familia, a pesar de que Zoe se encontraba fuera de la zona con mayor riesgo.

El impacto de la cercanía y la falta de comunicación

La preocupación de Dennis Quaid se intensificó al conocer la cercanía entre el campamento de su hija y el Campamento Mystic, epicentro de las inundaciones que afectaron gravemente la región. Zoe trabajaba como monitora en un campamento infantil ubicado a pocos kilómetros al norte del lugar de la tragedia.

“Mi hija estaba a pocos kilómetros del Campamento Mystic, más al norte. Por suerte, su campamento estaba bien”, explicó el actor. Aunque tenía cierta tranquilidad al saber que Zoe no estaba en el corazón del desastre, la incapacidad de mantener comunicación durante toda la noche acrecentó su angustia.

Los campamentos de Texas y su significado

El condado de Hill, escenario de la tragedia, representa un lugar especial para Dennis Quaid. El actor lo describió como “un lugar mágico, especialmente para los niños que van de campamento”, y destacó que asistir a un campamento en esa región ofrece recuerdos memorables durante toda la vida.

“Es un recuerdo muy bonito que llevas contigo toda la vida”, afirmó Quaid, resaltando la importancia de estos espacios para el desarrollo y la cultura infantil en la comunidad.

Solidaridad con las familias afectadas

Quaid expresó su alivio al saber que Zoe estaba a salvo, pero también extendió un mensaje de solidaridad a las familias de quienes sí resultaron perjudicados por las inundaciones. El actor se mostró empático y reconoció el dolor de quienes enfrentan pérdidas y consecuencias directas del desastre, en especial la comunidad del Campamento Mystic, golpeada por los efectos devastadores del fenómeno natural.

“Mi alivio va acompañado de un compromiso muy profundo por apoyar a las familias y comunidades que no tuvieron la misma suerte”, expresó.

La relación de Dennis Quaid con su familia

La vida familiar de Dennis Quaid fue foco de atención pública en reiteradas ocasiones. Su relación cercana con Zoe, visible en distintas apariciones públicas y eventos familiares, se complementa con el vínculo con su hijo Jack Quaid, fruto de su relación con la actriz Meg Ryan. Jack se destacó en el mundo del espectáculo a través de su papel en la serie The Boys.

Sobre su infancia, Jack explicó a la revista People que le parecía normal crecer en un ambiente de actores, hasta que comprendió lo excepcional de tener a ambos padres pertenecientes a la industria del cine. “No te das cuenta de lo poco normal que era todo hasta más tarde”, compartió Jack Quaid.

Vulnerabilidad ante desastres naturales

El testimonio de Dennis Quaid evidenció la vulnerabilidad de cualquier familia, incluso las más reconocidas, frente a los desastres naturales. El temor, la incertidumbre y la dificultad para comunicarse con seres queridos en momentos críticos son situaciones compartidas por padres cuyos hijos asisten a campamentos en zonas propensas a fenómenos climáticos extremos.

La experiencia de Quaid y su hija ilustra el fuerte impacto emocional y la importancia de los sistemas de alerta y seguridad en este tipo de situaciones.

El papel de los campamentos y el llamado a la unidad

El Campamento Mystic y otros centros de veraneo del condado de Hill forman parte de una tradición significativa en Texas. Sin embargo, los recientes eventos subrayaron la relevancia de reforzar la seguridad y la comunicación en situaciones de emergencia, así como el valor de la contención emocional tras incidentes de esta magnitud.

Dennis Quaid cerró sus mensajes reconociendo el alivio por la seguridad de Zoe, pero exhortando a mantener la solidaridad con quienes aún sufren las secuelas. Su testimonio se suma a las voces que abogan por la fortaleza y el apoyo comunitario en tiempos de adversidad.

Una de las escenas más inquietantes de La sustancia (2024), película nominada al Oscar en múltiples categorías, fue protagonizada por el actor estadounidense Dennis Quaid junto con Demi Moore.

En dicha escena, aparece Quaid interpretando a Harvey, jefe de una cadena de televisión en la que trabaja Elisabeth Sparkle, el personaje de Demi Moore. Al comienzo de la película, Elisabeth se sienta a comer con Harvey el día de su cumpleaños número 50 mientras el ejecutivo la desprecia, devorando camarones y haciendo comentarios negativos sobre su edad.

Al respecto de la manera grotesca en que Harvey consume los camarones en la secuencia, Quaid declaró este miércoles 30 de abril, durante la transmisión del programa Today, que probablemente comió entre 1 y 2 kilos de mariscos.

“Bueno, sabía que era una leyenda incluso mientras lo estaba haciendo”, respondió Quaid cuando Melvin, el conductor del programa, le preguntó si sabía que la escena de los camarones había sido uno de los momentos más memorables de La sustancia.

“No lo sé con seguridad, pero los comí todos, excepto los que tenía en la cara. Me divertí mucho haciéndolo. Una gran directora, fue muy divertido trabajar con ella”, agregó en la entrevista refiriéndose a la cineasta Coralie Fargeat.

Después, el periodista le preguntó a Quaid si se había “desconectado” de los camarones después de rodar la inquietante secuencia. “No, fue como ir a Capt. Benny’s, ¿sabes a lo que me refiero?“, dijo el actor en alusión a un famoso restaurante de mariscos de Estados Unidos.

“Solo dame un balde [con camarones]”, agregó Quaid en tono divertido.

Demi Moore advirtió sobre la brutalidad de la secuencia

Los fans de la cinta no son los únicos que han señalado a la escena de los camarones como una de las más grotescas. De hecho, la propia Demi Moore declaró tiempo antes de que la película llegara a los cines en septiembre de 2024 que esa secuencia es una de las más inquietantes de la historia.

“Voy a advertir a todo el mundo que la escena en la que Dennis se come los camarones, que aún no han visto, es con diferencia la más violenta de toda la película”, reveló Moore durante una aparición en el programa Late Night con Seth Meyers.

“Se comió, creo, dos kilos de camarones, arrancando sus cabezas con efectos de sonido”, detalló la nominada al Oscar.

Quaid atraviesa un buen momento como actor de Hollywood

Por su parte, Dennis Quaid dio sus declaraciones sobre la escena en cuestión mientras promocionaba Broke (2025), su nueva película próxima a estrenarse en la que comparte protagonismo con el actor Wyatt Russell.

También, el nominado al Emmy le expresó a Melvin que desde hace años está viviendo una especie de renacimiento de su carrera, destacando en distintas películas y series de televisión actuales.

En 2024, Quaid interpretó a Ronald Reagan en Reagan: De Hollywood A La Casa Blanca, la película biográfica del expresidente de Estados Unidos.

También protagonizó Happy Face: Asesino en serie (2025), el programa de Paramount+ inspirada en la estremecedora historia real de Melissa G. Moore, quien a los 15 años descubrió que su padre era un asesino en serie conocido como el “Asesino de la Cara Feliz”.

Pero Broke no es la única película de este año en que destacará Dennis Quaid, ya que también protagonizará Sovereign (2025), un drama basado en hechos reales que se estrenará el 20 de junio de 2025.

La trama sigue a Melissa, interpretada por Annaleigh Ashford, mientras enfrenta un complejo dilema personal y moral. Después de décadas sin contacto, su padre encarcelado, interpretado por Dennis Quaid, encuentra la manera de reinsertarse en su vida. En este contexto, Melissa se ve obligada a investigar si un hombre inocente está a punto de ser condenado a muerte por un crimen que en realidad cometió su padre. Al mismo tiempo, debe confrontar el impacto que los actos de su progenitor tuvieron en las familias de las víctimas y reflexionar sobre cómo estos eventos han moldeado su propia identidad.

Una historia real que conmocionó a Estados Unidos

Melissa G. Moore vivió una infancia aparentemente normal hasta que, a los 15 años, descubrió que su padre era el responsable de al menos ocho asesinatos cometidos en Estados Unidos durante la década de 1990. Su apodo, el “Asesino de la Cara Feliz”, proviene de los dibujos de caras sonrientes que incluía en las cartas que enviaba a los medios de comunicación y a las autoridades. Actualmente, cumple cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional en un centro penitenciario de Oregón.

Tras conocer la verdad, Melissa decidió cambiar su nombre y mantener en secreto su conexión con los crímenes de su padre. Sin embargo, su historia ha sido objeto de atención pública a través de su autobiografía y el podcast que co-creó, los cuales sirvieron como base para esta nueva producción.

Un elenco de alto nivel para un thriller psicológico

La serie cuenta con un elenco destacado liderado por Annaleigh Ashford, actriz nominada a los premios Emmy y Tony, y Dennis Quaid, dos veces nominado a los Emmy y a los Globos de Oro. También participan James Wolk, conocido por su trabajo en “Mad Men”, Tamera Tomakili, Khiyla Aynne y Benjamin Mackey. Según detalló el medio original, la dirección está a cargo de Darren Grant, reconocido por su trabajo en “Your Honor”, y Michael Showalter, director de “La idea de tenerte”.

El enfoque de la serie no solo explora la relación entre Melissa y su padre, sino que también profundiza en las consecuencias emocionales y psicológicas que los crímenes tuvieron en las familias de las víctimas. Este aspecto añade una dimensión humana y reflexiva al género de true crime, que ha ganado popularidad en los últimos años.

Un fenómeno cultural en expansión

El estreno de Happy Face: Asesino en serie se suma a la creciente popularidad de las producciones basadas en crímenes reales. El podcast en el que se inspira la serie fue aclamado por la crítica y logró captar la atención de una amplia audiencia, lo que subraya el interés del público por este tipo de historias.

Con un enfoque que combina elementos de suspenso, drama y reflexión personal, la serie promete ser una de las producciones más impactantes del año. Su estreno en Paramount+ marca un nuevo capítulo en la forma en que las historias reales de crímenes son adaptadas para la pantalla, ofreciendo una perspectiva única sobre los efectos duraderos de estos eventos en las vidas de quienes los experimentan de cerca.

En esta ocasión, el actor de 70 años interpreta a Hunter Jesperson, un manipulador asesino serial conocido como el Asesino de Cara Feliz. Esta ficción, que también cuenta con el protagónico de Annaleigh Ashford, pretende mostrarnos el viaje de una mujer para intentar resolver un crimen cometido por su despiadado padre.

El tráiler revelado por Paramount+ presenta a Melissa (Ashford), una maquilladora en un programa de entrevistas, quien recibe la noticia de que un hombre ha llamado asegurando ser el Asesino de la Cara Feliz y que solo hablará con ella sobre el paradero de una víctima cuya muerte nunca confesó a la policía. Es entonces cuando Melissa revela que ese famoso criminal es, en realidad, su padre.

Happy Face se basa en un caso real que salió a la luz a través de la autobiografía de Melissa Moore y que luego fue llevado al formato de pódcast. Moore también participa en la producción de la serie. El proyecto fue desarrollado por Robert y Michelle King (Evil), junto a Jennifer Cacicio (Your Honor), quien se encargó del guion.

Los dos primeros episodios de Happy Face se estrenarán en Paramount+ el 20 de marzo de 2025. La temporada contará con un total de ocho capítulos, con estrenos semanales hasta su conclusión el 1 de mayo de 2025.

En un mundo como Hollywood, donde los apellidos célebres pueden abrir muchas puertas, Jack Quaid ha sido claro desde el principio. “Hay una necesidad de demostrarme a mí mismo”, comentó en una entrevista con The New York Times.

Hijo de los icónicos Dennis Quaid y Meg Ryan, el actor de 32 años sabe que su carrera no solo depende del peso de su linaje, sino del esfuerzo personal y la autenticidad que pone en cada uno de sus papeles.

Con una filmografía que crece a paso firme, Quaid ha logrado hacerse un nombre por derecho propio, y con una reciente proyección en la pantalla grande y chica, su lugar en la industria ya está consolidado.

Un inicio marcado por el privilegio y la reflexión

Crecido en Santa Mónica, California, Jack Quaid tenía acceso directo a los sets de filmación, pero también una profunda conciencia de lo que eso implicaba. Sobre su infancia señaló con ironía:

“Lo sé, crecí con privilegios. Y sé lo que esos privilegios, si no se reconocen, pueden hacerle a una persona”.

De niño, acostumbrado a estar rodeado de actores y actrices, se dio cuenta de que no todo en la industria del cine era glamour. A pesar de su relación directa con el cine, Quaid fue consciente del impacto del “privilegio no examinado” y el estigma que podía generar su origen familiar.

“Me encuentro en situaciones donde siento que tengo que pedir perdón solo por existir”, confesó.

Sin embargo, a pesar de esa carga de ser hijo de dos figuras públicas de renombre, Quaid logró hacer un viaje personal hacia la interpretación que lo definió.

“No estoy celoso de mis padres”, admitió, “pero hay algo en mí que quiere probarme y decir, ‘¿Tengo algún valor fuera de ellos?’“.

Este impulso de encontrar su propia voz artística lo llevó a estudiar en la Experimental Theater Wing de la Universidad de Nueva York, donde comenzó a experimentar con técnicas de improvisación, teatro experimental y comedia.

De los papeles pequeños a la gran oportunidad en “The Boys”

A lo largo de su carrera, Quaid no ha huido de los desafíos, y su primer gran papel en 2012 en The Hunger Games le permitió entrar a un universo cinematográfico lleno de adrenalina, pero también de profundos dilemas existenciales.

Aunque su participación en la película fue breve, desempeñó un papel antagonista que abrió muchas puertas para él.

En sus propias palabras, describe esos inicios como un momento crucial en el que entendió que podía canalizar esa arrogancia, tan presente en su personaje, para alimentar su propio camino profesional. “Puedo ponerme arrogante cuando tengo que hacerlo, pero no soy eso”, reflexionó Quaid.

No fue hasta 2018, cuando se unió al elenco de The Boys, que Quaid consolidó su presencia en la industria. En la exitosa serie de Amazon Prime Video, interpreta a Hughie, un hombre común que se ve atrapado en el mundo caótico de los superhéroes corruptos.

“Queríamos a alguien que pudiera ser creíble como interés romántico, pero también un poco nerd, algo incómodo consigo mismo”, explicó Eric Kripke, el creador de la serie, quien quedó cautivado por la audición de Quaid.

“Fue un hallazgo raro encontrar a alguien que encajara tan bien con el personaje”. Quaid, por su parte, comentó: “Me dijeron que querían alguien que fuera el chico común. Y eso es lo que trato de ser: alguien normal, pero que también tiene algo de especial”.

Su actuación fue aplaudida, pues logró mezclar vulnerabilidad y valentía, dando vida a un personaje que no es un superhéroe, pero que tiene una fuerza emocional inmensa.

Diversidad de roles: comedia, acción y drama

A lo largo de su carrera, Quaid ha mostrado una notable versatilidad, explorando diferentes géneros con una naturalidad que lo hace destacar.

En 2024, dos de sus proyectos más esperados están a punto de estrenarse. En Companion, una mezcla de thriller romántico y ciencia ficción, Quaid interpreta a Josh, un novio manipulador que encierra una gran complejidad emocional.

En Novocaine, se mete en la piel de Nate, un asistente bancario que padece una extraña incapacidad para sentir dolor físico. “Mi umbral de dolor en la vida real no es alto”, admitió entre risas.

Para este papel, Quaid se entrenó intensamente en artes marciales y coreografías de acción, un desafío físico que le permitió mezclar la comedia con momentos de tensión pura.

Lo que más destaca de sus personajes es su capacidad para infundirles una humanidad palpable. En sus propias palabras, Quaid subraya:

“La clave es no hacer que el personaje se sienta como un dibujo animado. Tiene que venir de un lugar honesto, porque lo que importa es la verdad emocional”.

El método Quaid: reflexión y disciplina

Más allá de su carisma natural, Quaid es conocido por su meticuloso enfoque hacia la actuación. El actor ha explicado que la preparación para sus papeles no se limita a aprender sus líneas o ensayar escenas; para él, se trata de “entrar en la cabeza del personaje”.

“Cuando tengo que interpretar a alguien, me invento una historia de fondo. Esto no es solo un papel, es una vida”, comentó. Su enfoque va más allá de la técnica.

Además de trabajar con varios maestros de actuación a lo largo de los años, Quaid utiliza herramientas como listas de reproducción para conectarse emocionalmente con sus personajes. “Es como crear una especie de guía de viaje, un mapa sonoro para ir de un estado mental a otro”, detalló.

Mirando al futuro: más comedia, más rarezas

A pesar de su éxito en la pantalla, Jack Quaid no se siente conformado. “Quiero hacer más comedia. Y quiero ser un actor de carácter. Quiero ser raro”, afirmó con una sonrisa.

Aunque su camino como protagonista está marcado, Quaid no es ajeno a la idea de asumir roles excéntricos, personajes fuera de lo común que lo desafíen como actor.

Su deseo de explorar más géneros y quizá escribir sus propios guiones demuestra un espíritu inquieto, siempre en busca de nuevos desafíos. “No quiero limitarme a ser el chico del vecindario. Quiero ir más allá, quiero interpretar a los raros”, agregó.

Con una serie de proyectos en desarrollo y la última temporada de The Boys a punto de lanzarse, Jack Quaid continúa su ascenso en Hollywood, demostrando que, con esfuerzo y autenticidad, ha logrado alejarse del legado familiar para dejar su propia huella en la industria.

La Sustancia, una producción de Working Title Films, cuenta con un elenco de renombre encabezado por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid. La película, escrita, dirigida, co-producida y co-editada por Fargeat, se adentra en los oscuros rincones de la obsesión por la juventud y la perfección física. En el centro de la trama se encuentra Elisabeth Sparkle, interpretada por Moore, una estrella de fitness cuya carrera se encuentra en declive tras ser despedida abruptamente por Harvey, el jefe del estudio, encarnado por Quaid.

Una droga que promete juventud, pero a un alto costo

El giro en la vida de Elisabeth llega con la aparición de una misteriosa droga conocida como La Sustancia, que le permite transformarse temporalmente en una versión más joven de sí misma, Sue, interpretada por Qualley. Sin embargo, esta transformación tiene un precio: el tiempo debe dividirse equitativamente entre ambos cuerpos, una semana en cada uno, sin excepciones. Lo que comienza como una solución aparentemente perfecta pronto se convierte en una pesadilla, exponiendo los peligros de perseguir ideales inalcanzables.

La película no solo explora los límites del cuerpo humano a través de un enfoque visceral y sangriento, sino que también plantea preguntas profundas sobre la obsesión de la sociedad con la juventud, la belleza y el control sobre los cuerpos femeninos.

Una crítica feroz a la cultura de la belleza

En su declaración como directora, Coralie Fargeat explicó que La Sustancia es una fábula moderna que busca confrontar la cultura de la belleza tóxica y los estándares imposibles que se imponen a las mujeres. “Es una película sobre los cuerpos de las mujeres. Sobre cómo son escrutados, fantaseados, criticados en el espacio público”, afirmó Fargeat. La cineasta destacó que estos ideales de perfección, promovidos por la publicidad, el cine y las redes sociales, han creado una “cárcel” que controla y domina a las mujeres, llevándolas a odiar sus cuerpos y a sentirse insuficientes.

Fargeat compartió que su propia experiencia personal, marcada por la presión de cumplir con estos estándares, fue el motor detrás de la creación de esta película. “Cuando estaba por cumplir 40 años, me sentí deprimida porque pensé que mi vida había terminado, que ya no sería valorada ni amada”, confesó. Este sentimiento, según la directora, es el resultado de siglos de control sobre los cuerpos femeninos, una narrativa que La Sustancia busca destruir.

Un enfoque satírico y sangriento

La película utiliza el género del terror corporal para llevar su mensaje a un nivel extremo, mostrando cómo los cuerpos de las mujeres son tiranizados, ridiculizados y destruidos, de la misma manera en que la sociedad lo hace con sus reglas silenciosas. “Es hora de explotar todo esto”, declaró Fargeat, quien también destacó el uso de la sátira como una herramienta poderosa para exponer la absurda lógica detrás de estas normas.

La Sustancia no solo promete ser una experiencia visualmente impactante, sino también una reflexión oportuna sobre los desafíos que enfrentan las mujeres en un mundo que constantemente las juzga y las moldea según ideales inalcanzables.

Un elenco de alto calibre

El filme cuenta con actuaciones destacadas de su elenco principal. Demi Moore, en el papel de Elisabeth Sparkle, entrega una de las interpretaciones más aclamadas de su carrera, según reportó MUBI. Por su parte, Margaret Qualley y Dennis Quaid aportan profundidad y complejidad a sus personajes, contribuyendo al impacto emocional y narrativo de la película.

Moore viene de ganar el GLobo de Oro por este papel y ahora aspira a repetir el premio en la próxima entrega de los premios Oscar, el 2 de marzo.

Un llamado a la reflexión

Con La Sustancia, Coralie Fargeat no solo busca entretener, sino también iniciar una conversación sobre los estándares de belleza y el impacto que tienen en la vida de las mujeres. “No conozco a una sola mujer que no tenga una relación conflictiva con su cuerpo”, afirmó la directora, subrayando la urgencia de cuestionar y desmantelar estas normas.

La sustancia (The Substance, 2024) no solo se ha convertido en una de las grandes sorpresas en materia cinematográfica del año pasado, sino que meses después de su lanzamiento continúa cosechando logros en la actual temporada de premios. Con un enfoque audaz y grotesco sobre temas como el envejecimiento y la misoginia en la industria del entretenimiento, la película dirigida por Coralie Fargeat ganó el premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes de 2024 y permitió que Demi Moore se llevase a casa su primer Globo de Oro.

Además de tratarse de una idea original y contar con interpretaciones destacadas, otro de los aspectos más impresionantes de La sustancia fue su innovador uso de efectos prácticos, que aportan una visceralidad impactante a las transformaciones físicas que experimentan los personajes. Fargeat trabajó estrechamente con un equipo de expertos en maquillaje y animatrónicos para lograr escenas de terror corporal que se sienten inquietantemente reales.

Desde la degradación física de Elisabeth hasta los perturbadores cambios en su joven contraparte interpretada por Margaret Qualley, cada detalle fue meticulosamente diseñado para maximizar el impacto visual y emocional. Esto también fue un gran desafío para sus intérpretes, quienes enfrentaron secuelas a largo plazo por la utilización de múltiples prótesis durante el rodaje de la película.

En una entrevista reciente en el podcast Happy Sad Confused, Qualley afirmó que tardó casi un año en recuperarse de la irritación causada por las prótesis faciales utilizadas en La sustancia. Según la intérprete, el daño fue tan grave que la directora tuvo que modificar varios encuadres de su rostro para ocultarlos. “Al final, cuando están filmando mi falda en los créditos iniciales, y se ven las palmeras alrededor y tienen todos esos objetivos largos desde abajo, es porque mi cara estaba muy dañada. No podían rodar más mi cara”, explicó Qualley.

La actriz añadió que el acné producido por las prótesis le duró mucho después de terminar la cinta y que persistió cuando empezó a rodar su siguiente película, Tipos de gentileza (Kinds of Kindness), en la que interpretaba a cuatro personajes diferentes: Vivian, Martha, Rebecca y Ruth. Por suerte, el acné jugó a su favor en el drama de Yorgos Lanthimos.

“Conoces al personaje que tiene todo ese acné? Era el acné de las prótesis. Me dije: ‘Esto es perfecto. Estoy interpretando a todos estos personajes diferentes. Para uno de ellos, usaremos todo mi acné protésico’. Tardé probablemente un año en recuperarme físicamente de todo eso”, concluyó Qualley.

La sustancia siguió a Elisabeth Sparkle, interpretada por Demi Moore, una exestrella de Hollywood que, al enfrentar el declive de su carrera debido a su edad, recurre a una droga experimental del mercado negro. Esta crea una versión más joven de sí misma, interpretada por Margaret Qualley, lo que desencadena consecuencias inesperadas y perturbadoras.

La película de Fargeat está disponible en la plataforma de streaming MUBI.

Supo ser conocida como la reina de la comedia romántica. Su popularidad fue tal que hasta nombraron un asteroide en su honor: el 8353 Megryan. Aunque en algún momento dejó los gags (y la ropa interior) para protagonizar el thriller erótico En carne viva (2003). Además de otras cuestiones que la corrieron de la estelaridad, como la ruptura de su matrimonio con Dennis Quaid, su romance con Russell Crowe y el cuestionamiento popular de si se puso colágeno en los labios.

Aunque hizo papeles poco convencionales, incluido el de una stripper adicta a la coca en Caos mental (1998), Ryan sigue siendo en el imaginario colectivo la reina indiscutible de la comedia romántica. Se destacó interpretando a mujeres algo naive en busca del amor verdadero. “Me he ganado la vida como neurótica”, reconoció. Al pensar en Meg Ryan, la mente viaja a Cuando Harry conoció a Sally (1989) y Sintonía de amor (1993).

Su momento decisivo fue el orgasmo simulado en Cuando Harry conoció a Sally, cuando representa un clímax en un restaurante lleno. Su coprotagonista en esa película, Billy Crystal, indirectamente apuntó al atractivo asexuado de Ryan cuando la describió como “todas las personas con las que quisiste salir en la escuela secundaria y que te dijeron que no”. Su cara de muñeca, sus pómulos sonrientes y ojos soñadores, muestran pocos signos de los 63 años que Meg Ryan está cumpliendo hoy.

La novia de América

Nació bajo el nombre de Margaret Mary Emily Anne Hyra el 19 de noviembre de 1961 en Fairfield, Connecticut. Hija de Susan Duggan, profesora de inglés y ex actriz, y Harry Hyra, profesor de matemáticas. De ascendencia rutena, polaca, irlandesa y alemana, Hyra es un apellido ruteno y Ryan es el apellido de soltera de su abuela materna. Meg se graduó de la escuela secundaria Bethel en junio de 1979, y se mudó a Nueva York para asistir a la Universidad de Nueva York, donde se especializó en periodismo. Para ganar algún dinero mientras estudiaba, la rubia se dedicó a actuar usando su nuevo nombre Meg Ryan. En 1981, debutó en la pantalla grande con una breve aparición como la hija de Candice Bergen en la última película de George Cukor, Ricas y famosas (1981).

Probó y fue elegida como Betsy en la telenovela As the World Turns (1956), en la cual formó parte del elenco de 1982 a 1984. Meg también participó en la serie One of the Boys (1982), programa que fue cancelado. En 1984, se mudó a Tinseltown y consiguió un trabajo en la serie Wildside (1985). Luego, un pequeño papel en la exitosa Top Gun (1986) la llevó a ser elegida para Viaje Insólito (1987), que coprotagonizó con Dennis Quaid, con quien volvió a trabajar en la nueva versión de Muerto al llegar (1988), y se casaron el día de San Valentín de 1991.

Era la actriz del momento y las mejores propuestas le fueron ofrecidas, como el papel de Shelby Eatenton-Latcherie en Magnolias de acero (1989), pero ella lo rechazó, igual que el de Vivian Ward en Mujer bonita (1990); ambos fueron para la inolvidable Julia Roberts, quien recibió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su actuación. Luego le ofrecieron interpretar a Molly Jensen en Ghost (1990), que también se negó y fue para Demi Moore. Tampoco aceptó hacer de Jade Butterfield en Amor eterno (1981), papel que hizo Brooke Shields, ni el de Mia Wallace en Pulp Fiction (1994), representado magníficamente por Uma Thurman, quien recibió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto. Pero Meg Ryan se podía dar el lujo de elegir lo que quería… estaba en la cima.

Anatomía de un escándalo

La experiencia de vida que definió sus últimas décadas fue el abrupto final de su matrimonio de nueve años con Dennis Quaid, en 2000, y su romance simultáneo con Russell Crowe, su coprotagonista en Prueba de vida (2000). Los personajes de Meg no eran del tipo que deja a su marido y a su hijo para viajar alrededor del mundo con un mujeriego australiano, por lo que su aventura en la vida real la dejó fuera de la ficción. “Existe un arquetipo que me han asignado, nada que yo haya construido. Pero si traicionas el arquetipo, sufrís las consecuencias. Realmente no me importa. La gente puede escribir lo que quiera, decir lo que quiera y a mí no me importa”, reconoció Ryan.

Puede que a ella no le importara, lo cual resulta una actitud sensata en una celebridad, pero no es cierto que no haya jugado ningún papel en la construcción de su estereotipo. Hay bibliotecas enteras de revistas en las que aparecía celebrando las virtudes de su matrimonio y la familia perfecta. En septiembre de 1999, dijo a Vanity Fair: “Toda la situación con Dennis es tan escandalosa y divertida”. Unos meses más tarde, le dijo al mundo que su matrimonio no solo había terminado sino que en realidad había estado muerto durante mucho tiempo.

Pero hay más en la historia. En 2008, Ryan se dio el tiempo de explicar lo ocurrido: “Lo que no aparecía en la historia era la realidad de mi matrimonio. Dennis no me fue fiel por mucho tiempo, y eso fue muy doloroso”. Ryan y Quaid se divorciaron, y la atención de los medios que la rodeó, aunque perjudicial para su carrera, fue personalmente liberadora, según dijo: “No tenía que preocuparme por lo que pensara la gente. Podría pasar totalmente desapercibida y vivir mi vida”. De repente, había dejado de ser “la novia de América” para ser simplemente Meg.

Fracasos de taquilla

Fue una de las mejores estrellas del cine, pero participó en varios géneros antes de encontrar el tipo de película que definiría su carrera y la haría popular: la comedia romántica. Demostrando que no sólo podía hacer comedias pochocleras, Ryan siguió haciendo películas dramáticas, pero con los años su presencia en Hollywood se volvió inexistente. Desde los fracasos de taquilla hasta su notable aversión a la fama.

Aunque se la recuerda con más cariño por las comedias románticas de los años 80 y 90 que definieron el género, en la década del 2000 las películas de Ryan ya no se consideraban las obras maestras que alguna vez fueron, ni lograban grandes éxitos. Primero fue No nos dejen colgadas (2000), que obtuvo unos 36 millones de dólares en taquilla. El drama del secuestro Prueba de vida (2000) llegó más tarde ese año y abandonó rápidamente los cines. Kate y Leopold (2001) fue un mega éxito, con 47 millones de dólares, en comparación con las escasas ganancias de En carne viva (2003), Contra las cuerdas (2004) y Entre mujeres (2007). Para empeorar las cosas, las películas de Ryan sobre el efecto 2000 no sólo fueron un fracaso de público, sino que los críticos de cine se mostraron ambivalentes. Las puntuaciones en Rotten Tomatoes del oscuro período cinematográfico de Ryan oscilan entre el 12 y el 50 por ciento.

Ryan sufrió una serie de fracasos, pero al menos se estrenaron en los cines. Poco después del lanzamiento de Todo sobre las mujeres (2008), Ryan protagonizó dos películas consecutivas que ni siquiera llegaron al cine local: El nuevo novio de mi mamá (2008) y El acuerdo (2008), que fueron directo a parar al DVD.

Recreo y vuelta al ruedo

Parte del trabajo de ser actor consiste en promocionar su trabajo. Esto puede ser desmoralizador o desagradable y algunos lo odian, como Ryan que admitió: “Soy una celebridad terrible. Si empezara mi carrera hoy, no tendría ninguna oportunidad. Las redes sociales cambiaron las cosas. Es tan vasto y grande. No podría soportar la atención constante y los juicios”.

Ryan lleva casi 40 años trabajando en el mundo del espectáculo. Quizá solo necesitaba un descanso. Por desgracia, tomarse un respiro es peligroso en Hollywood. Pero Ryan lo decidió por una buena razón: quería tiempo para criar a sus hijos en Nueva York. A menudo se la vio en Manhattan con su hija Daisy, y según trascendidos la actriz es una madre muy dedicada. Y mientras que Ryan no ha actuado por años, su hijo sí. Jack Quaid tuvo su primer papel como Marvel en Los juegos del hambre, y luego participó en la serie de Amazon, The Boys. Su madre además lo ayudó en su currículum al dirigir Ithaca (2015), película en la que Jack apareció, la cual también incluyó un cameo de su amigo Tom Hanks.

Sin embargo, resulta que su carrera aún no termina. Meg Ryan hizo su regreso triunfal a la alfombra roja en la gala del Museo de la Academia de Artes el 25 de septiembre de 2021. La actriz de Un ángel enamorado (1998) lució un vestido floral negro de la diseñadora Ulyana Sergeenko. Llevó su largo pelo rubio suelto, y su maquillaje incluía brillo de labios y delineador. Pero si hay de algo que Ryan no tiene interés de hablar es sobre su aspecto físico, luego de evitar ser el centro de atención, como dijo: “Hay conversaciones más importantes que el aspecto de las mujeres y su envejecimiento”.

Ryan nunca reconoció haberse hecho ninguna cirugía, pero su apariencia se menciona seguido en los medios sensacionalistas. En 2020, se rumoreó que había cancelado su boda con su novio, John Mellencamp, por estar descontenta con una operación de nariz. A pesar de lo que digan los demás sobre su físico, Meg se siente cómoda consigo misma: “Me encanta la persona en la que me convertí, en la que evolucioné. Fui muy peleona, pero ahora me siento cómoda con todo. Creo que eso viene con la edad”.

Madrid, 23 oct (EFE).- De sus raíces pueblerinas, su paso sin pena ni gloria por Hollywood, a su exitosa carrera política hasta llegar a la Casa Blanca: Dennis Quaid se mete en la piel del Ronald Reagan en la primera película dedicada al presidente de los Estados Unidos.

'Reagan', que llega este viernes a las salas de cine en España, narra en clave épica el viaje de superación del 40 presidente estadounidense. El filme está firmado por el director Sean McNamara y escrito por Howard Klausner.

El elenco lo completan Penelope Ann Miller -Nancy Reagan- Jon Voight -Vicktor Petrovich-, David Henrie -Reagan de joven- y Mena Suvari -Jane Wyman, primera mujer del actor-.

Dennis Quaid, que ha declarado abiertamente su apoyo a Donald Trump y es republicano, ha asegurado que sintió miedo cuando le ofrecieron el papel. "No dije que no y tampoco dije sí porque, en realidad, (lo que sentía) era miedo", señaló el actor en una entrevista con Fox News Digital.

"Reagan era mi presidente favorito personalmente -añadió-, y también era una figura muy reconocible en todo el mundo, algo así como Muhammad Ali".

Antes de tomar la decisión de aceptar el papel, Quaid fue invitado a visitar el rancho Ronald Reagan en Santa Bárbara, que se conserva exactamente igual que cuando fue propiedad del presidente. Fue en aquella visita cuando el actor decidió aceptar el papel, animado por su madre, de 91 años.

"Una punzada de miedo me subió por la espalda", recuerda Quaid.

El filme, que fue estrenado el pasado 30 de agosto en Estados Unidos, está narrado por Vicktor Petrovich, un antiguo agente de la KGB, encargado de seguir al expresidente.

La película retrata el carisma como mandatario, su encarnación del sueño americano y su lucha contra el comunismo, que comenzó como presidente del sindicato de actores (SAG) y continuó cuando fue elegido Gobernador de California y en la Casa Blanca, donde acuñaría el termino 'el imperio del mal', para referirse a la Unión Soviética.

El filme aborda cuestiones menos conocidas para el gran público, como el papel fundamental que jugó su mujer, la también actriz Nancy Reagan en su carrera política. EFE

Lo cierto es que puede que La sustancia sea una de las apuestas de body horror más arriesgadas en lo que va del año. El film va in crescendo en sus dosis de sangre y violencia y está claro que no es apto para impresionables.

Enmarcada dentro de un tono de fábula y con una estética que busca resaltar el lado B de la fama en Hollywood, La sustancia pone el foco en mostrarnos la obsesión de la industria por perpetuar estándares inalcanzables de belleza. Desesperada por recuperar su trabajo como conductora de un programa de fitness, Elizabeth Sparkle (interpretada por una brillante Demi Moore) decide adquirir un producto de dudosa procedencia que le propone “una versión mejorada de sí misma”. Al consumirlo, la protagonista expulsará de su cuerpo (literalmente) a una bellísima, ambiciosa y joven Sue, interpretada por Margaret Qualley (Once Upon a Time in... Hollywood, Poor Things, Kinds of Kindness).

Como ya podrán imaginar, las cosas no van a salir de acuerdo a lo esperado y esta suerte de otro yo se convertirá en su peor pesadilla. En una entrevista bastante reciente, la actriz Naomi Watts contó que sus colegas y representantes le habían aconsejado que trabajara mucho en la etapa de sus veinte a sus treinta años ya que a partir de los cuarenta su carrera terminaría para siempre.

La sustancia desarrolla esta problemática pero decide hacerlo a través de los horrores del cuerpo, y un mensaje que refuerza la idea de que no importa lo que hagas o cuánto dinero tengas: envejecer es inevitable y nunca podremos engañar a las leyes de la naturaleza.

No hay dudas de que Coralie tiene una visión clarísima de lo que quiere mostrarnos y hace un excelente trabajo al retratar al personaje de Qually, la joven que encarna la anhelada perfección en contraste con el de una mujer deprimida y agotada por la presión de no sentirse suficiente. La estética a través del juego de colores fríos y saturados, junto a un diseño de sonido y planos detalle que refuerzan lo desagradable del hombre a cargo de la cadena de televisión (un descontrolado Dennis Quaid) son acertadísimas.

El único error -aunque no menor- que comete el film es el de una excesiva duración: la historia se agota luego de su planteo inicial y ver a los personajes de Margaret y Demi despertar en un piso frío e intercambiar sus cuerpos una y otra y otra vez puede sentirse un tanto reiterativo luego haber comprendido las intenciones iniciales de su directora.

De todos modos y a pesar de no ser una película apta para todo público, si hay algo que define a La sustancia es que se trata de una producción arriesgada e innovadora en un mundo plagado de precuelas, reboots y secuelas de franquicias.

Con imágenes que seguramente van a quedar grabadas en nuestra mente por un buen tiempo y actuaciones merecedoras de una nominación a los próximos premios de la academia, la producción que marca el regreso de Demi Moore a la pantalla grande es un combo macabro de cine gore con una fuerte y merecida crítica a la industria de Hollywood.

El pasado 19 de septiembre, llegó a los cines de Argentina La Sustancia (The Substance), la nueva película de la directora Coralie Fargeat, conocida por su aclamada obra Venganza siniestra (Revenge - 2017). La trama sigue a Elisabeth Sparkle, una celebridad en decadencia que, tras ser despedida de su programa de televisión sobre fitness por ser considerada “demasiado vieja”, decide recurrir a una droga experimental que le permite transformarse temporalmente en una versión más joven. Sin embargo, esta transformación viene acompañada de una condición: debe alternar entre su nueva apariencia y su antiguo cuerpo en ciclos de una semana. La Sustancia explora la cultura de la belleza tóxica y la presión social de la edad, presentando una fábula inquietante que advierte sobre los peligros de anhelar una perfección inalcanzable.

Con un elenco que incluye a Demi Moore (Ghost: la sombra del amor, G.I. Jane), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood) y Dennis Quaid (El día después de mañana), La Sustancia se suma al fascinante género del body horror, donde los cuerpos se convierten en el escenario de cambios perturbadores y reveladores. Este tipo de cine explora la vulnerabilidad humana y la transformación, a menudo a través de la grotesca manifestación de deseos, temores y presiones sociales. En este contexto, la película no solo ofrece un entretenimiento, sino que también invita a la reflexión sobre las normas de belleza y la obsesión por la juventud en nuestra sociedad actual.

Aprovechando el reciente estreno de La Sustancia, es un momento perfecto para repasar algunas películas de body horror que no te podés perder en las plataformas de streaming.

Possessor (Dir. Brandon Cronenberg)

En primer lugar, tenemos Possessor (2020), un perturbador thriller de terror psicológico escrito y dirigido por Brandon Cronenberg, hijo de la leyenda del cine, David Cronenberg (Videodrome). La película se adentra en un mundo futurista y distópico, donde las tecnologías invasivas permiten a los asesinos profesionales infiltrarse en la mente de otras personas para llevar a cabo crímenes sin ser detectados. Tasya Vos, interpretada magistralmente por Andrea Riseborough (Oblivion, Mandy), es una asesina a sueldo que utiliza este método, pero su control sobre la mente de su última víctima, Colin Tate, comienza a desmoronarse, lo que la lleva a perder la noción de su propia identidad.

La dirección de Cronenberg combina de manera brillante el horror físico con el psicológico, explorando temas como la alienación, la deshumanización y el control mental. El uso de efectos prácticos crudos y viscerales, junto con un estilo visual frío y desorientador, crea una atmósfera profundamente inquietante. Las interpretaciones de Riseborough y Christopher Abbott (Viene de noche) son claves para transmitir el deterioro mental y físico que ambos personajes experimentan a lo largo de la película, mientras que actores como Sean Bean (Game of Thrones) y Jennifer Jason Leigh (Atypical, Los 8 más odiados) complementan el reparto con actuaciones sólidas y perturbadoras.

Possessor, actualmente en la plataforma de Max, es una película de terror que impacta no solo por su brutalidad visual, sino por su exploración sobre lo que significa ser humano en un mundo donde la tecnología puede invadir los límites más íntimos de la mente y el cuerpo.

La mosca - The Fly (Dir. David Cronenberg)

Seguimos con otra película de Cronenberg, pero esta vez del prestigioso David Cronenberg con La mosca (The Fly), lanzada en 1986 y disponible en Disney+. Este icónico film de terror y ciencia ficción marcó un antes y un después en el subgénero del body horror, consolidando la carrera de Cronenberg como maestro en explorar las mutaciones del cuerpo humano de manera visceral. La historia sigue a Seth Brundle, un brillante científico interpretado por Jeff Goldblum (Jurassic Park), quien, tras un experimento fallido con una máquina de teletransportación, comienza a fusionarse lentamente con una mosca, lo que lo lleva a una transformación física y mental aterradora.

El largometraje está protagonizado también por Geena Davis (Thelma y Louise), quien interpreta a Veronica, una periodista que se convierte en la única confidente y testigo del deterioro de Brundle. La mosca combina de manera magistral efectos prácticos impactantes con un relato profundo sobre la pérdida de la humanidad y el miedo a la degeneración del cuerpo. El deterioro de Brundle no solo es grotesco desde un punto de vista físico, sino que refleja una tragedia emocional, ya que su mente también se va desmoronando. La película sigue siendo un referente en el cine de horror corporal y un estudio conmovedor de la vulnerabilidad humana frente a las fuerzas incontrolables de la ciencia.

En un lugar de Canadá - Tusk (Dir. Kevin Smith)

En último lugar, tenemos Tusk, el audiovisual lanzado en 2014 y dirigido por Kevin Smith (Dependientes). Esta película de terror absurdo cuenta la historia de Wallace Bryton, un podcaster arrogante interpretado por Justin Long (Bárbaro), quien viaja a Canadá en busca de historias extrañas para su programa. Su curiosidad lo lleva a la casa de Howard Howe (interpretado por Michael Parks), un hombre mayor que tiene una fascinación obsesiva con las morsas. Lo que comienza como una entrevista aparentemente inofensiva se convierte rápidamente en una pesadilla, ya que Howe captura a Wallace con la intención de transformarlo quirúrgicamente en una morsa viviente.

El elenco de Tusk está compuesto por actores que aportan un tono peculiar y siniestro a la película. Además de Long y Parks, encontramos a Haley Joel Osment (El sexto sentido) como el mejor amigo de Wallace, y a Genesis Rodriguez (The Umbrella Academy) en el papel de Ally, la novia del protagonista, quienes intentan encontrarlo cuando desaparece. Tusk, actualmente disponible en Max, destaca por su mezcla de humor negro y body horror, llevando al extremo el concepto de la transformación extrema del cuerpo en una historia absurda y perturbadora.

Hoy, 19 de septiembre, los cines reciben La sustancia (The Substance), una de las películas más comentadas del año. Estrenada con gran expectativa tras su paso por el Festival de Cannes, donde ganó el premio al Mejor Guión, la película ha generado mucha anticipación entre los espectadores.

Bajo la dirección de Coralie Fargeat, conocida por Venganza del más allá (Revenge - 2017), La sustancia combina sátira y body horror en una crítica mordaz a la cultura de la belleza tóxica. La trama sigue a Elisabeth Sparkle, una exestrella de fitness que, tras ser despedida, se vuelve adicta a una droga misteriosa que le ofrece la posibilidad de rejuvenecer temporalmente. El reparto, que incluye a Margaret Qualley (Pobres criaturas, Había una vez en Hollywood) y Dennis Quaid (El camino de Hill, El día después de mañana), está encabezado por Demi Moore, una de las figuras más prominentes del cine. Aprovechando el estreno, es el momento ideal para repasar las películas más memorables en la carrera de Moore.

Demi Moore en Ghost, la sombra del amor (Ghost)

En primer lugar, tenemos a Demi Moore en uno de los papeles más emblemáticos de su carrera: Ghost: La sombra del amor (Ghost), una película de 1990 dirigida por Jerry Zucker, conocido por su trabajo en Super secreto (Top Secret! - 1984). Este largometraje destaca por su combinación única de drama, fantasía y romance, ofreciendo una narrativa que explora temas profundos de amor y pérdida.

La sinopsis sigue a Sam Wheat, interpretado por Patrick Swayze (Dirty Dancing, El duro), quien tras ser asesinado, se convierte en un fantasma que busca proteger a su amada, Molly Jensen, interpretada por Demi Moore. A través de un mediador espiritual, Oda Mae Brown, encarnada por Whoopi Goldberg (Cambio de Hábito), Sam intenta comunicarse con Molly para evitar que ella esté en peligro y resolver el misterio de su asesinato. La actuación de Moore es fundamental para el desarrollo emocional de la trama, mostrando una profundidad y vulnerabilidad que refuerzan el impacto romántico del filme.

La película fue aclamada por la crítica y logró ganar dos premios Óscar: Mejor Actriz de Reparto para Goldberg y Mejor Guión Original. Además, fue nominada a otros tres premios: Mejor Película, Mejor Música Original y Mejor Montaje. Ghost no sólo consolidó la carrera de la actriz como una actriz de primera línea, sino que también se convirtió en un clásico del cine romántico, destacándose por su capacidad para emocionar y cautivar a audiencias de todo el mundo.

Demi Moore en La séptima profecía (The Seventh Sign)

Seguimos con el protagónico de Demi Moore en La séptima profecía (The Seventh Sign), un thriller sobrenatural lanzado en 1988 bajo la dirección de Carl Schultz (Goodbye Paradise). En esta película, Moore interpreta a Abby Quinn, una joven embarazada que se encuentra en el centro de una serie de eventos apocalípticos. La trama gira en torno a una antigua profecía que predice el fin del mundo, y Abby debe enfrentar una serie de fenómenos inquietantes que parecen confirmar la llegada del apocalipsis.

La historia sigue a la protagonista mientras experimenta sucesos cada vez más perturbadores, revelando que su hijo está vinculado a una profecía bíblica que podría desatar el fin de los tiempos. A medida que la tensión aumenta, Abby se ve envuelta en una lucha moral y espiritual para proteger a su familia y evitar el cumplimiento de la profecía. El elenco que acompaña a Moore incluye a Michael Biehn (Terminator), quien interpreta a su esposo, y Jürgen Prochnow (El Submarino), en el papel del enigmático David Bannon, un personaje cuyo pasado está intrínsecamente ligado a los oscuros eventos que están sucediendo.

Demi Moore en Propuesta indecente (Indecent Proposal - 1993)

Otra de sus producciones más importantes es Propuesta indecente (Indecent Proposal) de 1993, una película que generó gran controversia en su estreno. En este drama, Demi Moore interpreta a una esposa que enfrenta un dilema moral profundo cuando un millonario le ofrece una suma millonaria a cambio de pasar una noche con ella. La trama explora temas complejos como la moralidad, la tentación, así como los límites del amor y el compromiso, desafiando las nociones tradicionales sobre el valor personal y las relaciones.

La película, dirigida por Adrian Lyne, conocido por Atracción fatal (Fatal Attraction - 1987) y Nueve semanas y media (9 ½ Weeks - 1986), cuenta con un elenco estelar que incluye a Woody Harrelson (True Detective, Tierra de zombies), Robert Redford (The Way We Were, Butch Cassidy), Seymour Cassel (Así habla el amor, Faces), Oliver Platt (El Oso), Billy Bob Thornton (Fargo, Armageddon) y Rip Taylor (El mundo según Wayne 2).

Demi Moore en G.I. Jane

Por último, tenemos a Demi Moore en G.I. Jane (1997), una película que marcó un hito en su carrera por su audaz y desafiante papel. En esta producción, Moore interpreta a la teniente Jordan O’Neil, una mujer que se convierte en la primera mujer en ingresar en un riguroso programa de entrenamiento de los Navy SEALs. La trama sigue su lucha por superar los desafíos físicos y mentales del entrenamiento militar, enfrentándose tanto a sus compañeros de equipo como a los prejuicios que cuestionan su capacidad para servir en una unidad de élite.

Dirigida por Ridley Scott, conocido por clásicos como Blade Runner, Alien y Gladiador, G.I. Jane presenta un elenco que incluye a Viggo Mortensen (El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo, Capitán Fantástico), Anne Bancroft (Ana de los milagros), Scott Wilson (The Walking Dead) y Jason Beghe (Atracción diabólica). La actuación de Moore es destacable por su fuerza y determinación, reflejando la intensidad y la resistencia necesarias para el papel.

La sustancia es una película que mezcla la sátira y el body horror de una forma muy particular e inteligente. Está dirigida por Coralie Fargeat y explora la obsesión moderna por la belleza y la juventud. Protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid, la trama sigue a Elisabeth Sparkle (Moore), una ex estrella de fitness que, tras ser despedida de su programa, se ve tentada por los efectos de una droga misteriosa que promete rejuvenecerla. La historia gira en torno a las consecuencias de este experimento, donde Sparkle alterna entre su yo envejecido y una versión más joven de sí misma, encarnada por Sue (Qualley), lo que genera un juego oscuro sobre el deseo de perfección física.

Presentada en el Festival de Cine de Cannes, la película fue elogiada por su crítica mordaz a la cultura tóxica de la belleza. Con actuaciones destacadas, especialmente la de Moore, y una narrativa explosiva y provocadora, La sustancia mezcla comedia negra con temas profundos, convirtiéndose en una advertencia sobre los peligros de perseguir ideales superficiales. Con una estructura intrigante que equilibra la tensión y el humor, esta película demuestra la capacidad de su directora para crear cine con mensaje social, pero con un tono retorcido y entretenido. Antes de su inminente estreno en la Argentina de la mano de, justamente, BF Argentina, pudimos conversar con Demi Moore y Margaret Qualley, que nos contaron su experiencia en un tropo tan polémico como el body horror.

Te invitamos a ver nuestra entrevista en video, o a leer debajo una transcripción.

—Bien. Primero que nada, gracias chicas por tomarse el tiempo para hablar con nosotros.

Margaret Qualley: —Gracias.

Demi Moore: —Un Placer.

—Bueno, me encantó la película y yo creo que ambos roles son realmente desafiantes. Ambas se están exponiendo a sí mismas por fuera de su zona de confort. Ahora, sabemos que la película ha tenido una gran recepción. Pero, lo que realmente me pregunto es ¿qué sintieron cuando leyeron el guión o cuando escucharon por primera vez sobre este proyecto?

Margaret Qualley: —Bueno, aquí voy. Um, creo que cuando leí el guión por primera vez, me quedé totalmente impresionada por el mundo que ella creó. Es un guión muy detallado y se lee de la manera que me lo hubiese imaginado. Nunca he leído el guión de una película como Cenicienta o, ya sabes, La Bella y la Bestia o algo así. Pero es como que crea un mundo como yo imagino que sería un guión de ese estilo, sólo que totalmente invertido y totalmente jodido. Y, ya sabes, la versión de pesadilla de estos cuentos de hadas, pero también usando ese mismo tipo de iconografía con la que estamos familiarizadas para motivarnos.

—¿Y tú, Demi?

Demi Moore: —Bueno, todo lo que puedo decir es, ya sabes, cuando me lo enviaron por primera vez, mi agente dijo: “No quiero decirte nada. Simplemente creo que necesitas leerlo”. Y una vez que lo leí, yo dije que lo entendía perfectamente porque realmente no hay una versión corta para poder explicar las complejidades. Y pensé que era realmente inteligente e intrigante y tenía una forma única de profundizar en este tema. Y, sabes, simplemente me intrigó y... estoy súper emocionada de poder intervenir y comprometerme a hacerlo, sin dudas.

—Por supuesto. Y, sabes, pensé que era realmente... interesante que la desnudez aquí no esté sexualizada y, ya sabes, también esta desnudez es algo esencial para la historia. Entonces, ¿cómo abordan estas cosas en particular? ¿Cómo logran sentirse cómodas mutuamente?

Demi Moore: —Bueno, primero creo que realmente pasamos mucho tiempo previo a grabar para realmente negociar lo que iba a pasar, cómo se iba a llevar a cabo y creo que nosotras dos realmente, ya sabes, también pudimos estar en la misma página y realmente cuidarnos la una a la otra y eso creó una especie de seguridad para los momentos que eran realmente vulnerables. Y en algunos casos, súper incómodo. Estábamos acostadas sobre pisos de baldosas frías durante horas en las que, ya sabes, teníamos que estar en estasis. Así que no fue así, y creo que el hecho... que no estuviera sexualizado lo hacía menos incómodo, pero aún así, estás frente a un equipo de filmación. Y, ya sabes, pero una vez que te comprometes, yo... Creo que simplemente lo haces, simplemente sigues adelante. Simplemente lo haces y listo.

-Sí, completamente. Y hablando del aspecto del horror corporal de eso, el antes y el después, porque yo estaba completamente fascinada con los efectos prácticos. Sé que utilizan efectos prácticos y eso. Entonces, ¿cuál fue su experiencia? Bueno, sobre todo tú, Demi, trabajando con estos efectos prácticos y luego ver la película. ¿Cuál fue tu experiencia en ese sentido? Para ambas.

Demi Moore: —Adelante.

Margaret Qualley: —Ella dijo principalmente tú, Demi. Mayormente tú.

Demi Moore: —Bueno. Ya sabes, los efectos prácticos obviamente requieren más tiempo y detalles durante el día. Me gustó mucho que ese fuera un estilo y una elección visual que Coralie estaba tomando y un poco en consonancia con, ya sabes, si has visto su película anterior, ya es algo así como parte de su estilo. Ya sabes, hacer las prótesis, esa parte es... Definitivamente requiere mucha paciencia y es realmente desafiante. Definitivamente, sí, definitivamente es un desafío.

—¡Gracias por su tiempo!

Demi Moore: —Gracias.

Margaret Qualley: —Fue lindo hablar contigo.

• Beetlejuice Beetlejuice
• Kill: Masacre en el tren
• No hables con extraños
• Transformers Uno
• La sustancia
• El aroma del pasto recién cortado
• Hellboy: The Crooked Man

Arranca un nuevo mes, y con ello, una oleada de películas esperadas desembarcan en la gran pantalla para deleitar a cinéfilos de todas las edades. Entre los estrenos más destacados se encuentra una nueva entrega de la franquicia de Transformers, ampliando el universo ya conocido de estos icónicos robots. Pero no solo los amantes de la animación tendrán motivos para acudir al cine: el inquietante body horror que fascinó al público en el Festival de Cannes también hará su debut. Con Demi Moore y Margaret Qualley encabezando el reparto, esta cinta titulada La sustancia (The Substance) promete llevar a los espectadores a un viaje perturbador lleno de tensión y emociones intensas. A continuación, repasaremos algunos de los estrenos más esperados que, sin duda, renovarán la cartelera y capturarán la atención del público.

Beetlejuice Beetlejuice (Dir. Tim Burton - Estreno 05 de Septiembre)

En primer lugar, comenzamos con uno de los títulos más esperados del mes: Beetlejuice Beetlejuice, la secuela que nos sumerge de nuevo en el inquietante y peculiar universo de Beetlejuice bajo la dirección de Tim Burton. Desde su estreno original en 1988, este clásico ha dejado una marca innegable en la cultura pop con su combinación única de humor oscuro y elementos sobrenaturales. En esta nueva entrega, el cineasta nos promete una mezcla de nostalgia y frescura, al retomar el relato de los excéntricos personajes que tanto fascinaron a la audiencia décadas atrás.

En esta segunda entrega, la historia sigue a Lydia, la joven que en la primera película estaba cautivada por el mundo paranormal. Ahora, Lydia sigue siendo perturbada por Beetlejuice, cuyo impacto continúa resonando en su vida. La trama se intensifica cuando su hija adolescente, Astrid, descubre en el ático la famosa maqueta de la ciudad, desencadenando una serie de eventos que renovarán la influencia del fantasma en su familia.

Esta secuela contará con el esperado regreso de Michael Keaton (Batman, Birdman), Winona Ryder (Stranger Things, El joven manos de tijera, Inocencia interrumpida) y Catherine O’Hara (Schitt’s Creek, Mi pobre angelito). Además, se suman al reparto nuevos talentos como Jenna Ortega (Merlina, Scream 6), Justin Theroux (The Leftovers), Willem Dafoe (El hombre araña, Pobres criaturas, El faro) y Monica Bellucci (El apartamento), prometiendo una combinación de rostros familiares y nuevos que revitalizarán la franquicia.

Kill: Masacre en el tren - Kill (Dir. Nikhil Nagesh Bhat - Estreno 05 de Septiembre)

En segundo lugar, encontramos una película que promete acción desbordante: Kill: Masacre en el tren. Este thriller de origen indio sigue a un pasajero que, durante su viaje en un tren con destino a Nueva Delhi, se ve inmerso en un sangriento conflicto. La situación se descontrola rápidamente cuando comandos altamente entrenados deben enfrentarse a un grupo de bandidos armados que invaden el tren, convirtiendo el vagón en un escenario de combate implacable y mortal.

Bajo la dirección de Nikhil Nagesh Bhat, reconocido por su trabajo en Brij Mohan, el inmortal, Kill: Masacre en el tren promete mantener a los espectadores al filo de sus asientos. Con un guión que combina acción frenética, peleas intensamente coreografiadas y una atmósfera de peligro constante, la película es un deleite para los fanáticos del cine de acción. La tensión y el suspenso se sienten en cada escena, a medida que el protagonista lucha por sobrevivir en un espacio cerrado y hostil, donde cada rincón puede esconder una amenaza.

No hables con extraños - Speak no evil (Dir. James Watkins - Estreno 12 de Septiembre)

A continuación, tenemos un thriller de terror con No hables con extraños (Speak no evil). Esta cinta es el remake estadounidense de la aclamada película danesa dirigida por Christian Tafdrup (A Horrible Woman). En esta nueva versión, James Watkins, director de La dama de negro (Woman in Black), toma las riendas para traer a la vida esta inquietante historia, garantizando una atmósfera de tensión y misterio que mantendrá a la audiencia en vilo desde el primer momento.

La trama sigue a una familia que acepta la invitación de unos conocidos para pasar un fin de semana en una casa de campo aislada. Lo que comienza como una prometedora escapada para relajarse se convierte rápidamente en una pesadilla psicológica. A medida que la familia intenta mantenerse cortés frente a situaciones cada vez más perturbadoras, comienza a quedar en claro que la cortesía podría costarles muy caro. Esta producción cuenta con un elenco de primer nivel, encabezado por James McAvoy (Fragmentado), Mackenzie Davis (Terminator: destino oculto), Aisling Franciosi (Stopmotion), y Scoot McNairy (Mátalos suavemente, Narcos: México).

Transformers Uno - Transformers One (Dir. Josh Cooley - Estreno 19 de Septiembre)

Después de repasar los estrenos del mes que abarcan comedias, thrillers y películas de terror, es momento de enfocarnos en un largometraje animado de acción que busca darle un nuevo aire a la icónica saga de Transformers. Este título, una colaboración entre Paramount Animation y Hasbro, explorará los orígenes de la legendaria rivalidad entre Optimus Prime y Megatron. Este filme se centra en los primeros días de estos personajes, cuando aún eran amigos, y cómo las circunstancias y decisiones los llevaron a convertirse en enemigos en lados opuestos del conflicto.

Dirigida por Josh Cooley, conocido por su trabajo en Toy Story 4 e Intensamente, la película cuenta con un gran elenco de voces que incluye a Chris Hemsworth (Misión de rescate, Thor: Amor y trueno, Furiosa: de la saga Mad Max), Brian Tyree Henry (Tren bala, Atlanta), Scarlett Johansson (Black Widow, Del otro lado de la luna), Steve Buscemi (Fargo, Perros de la calle), Laurence Fishburne (Apocalypse Now, Matrix) y Jon Hamm (Mad Men, Baby: el aprendiz del crimen).

La sustancia - The Substance (Dir. Coralie Fargeat - Estreno 19 de Septiembre)

La Sustancia (The Substance) ha captado la atención del público y la crítica tras su exitoso paso por el Festival de Cannes. La película, adquirida por MUBI y BF Paris para su estreno en cines, se destaca como una sátira de body horror. La trama sigue a Elisabeth Sparkle, una antigua estrella de fitness que enfrenta un abrupto despido de su programa. Desesperada por recuperar su juventud, se siente atraída por una misteriosa droga que le ofrece la posibilidad de rejuvenecer temporalmente.

La película, dirigida por Coralie Fargeat (conocida por Venganza del más allá), ofrece una crítica mordaz a la cultura de la belleza tóxica a través de una fábula que advierte sobre los peligros de desear demasiado. El elenco incluye a Demi Moore (Ghost: la sombra del amor, Una propuesta indecente), Margaret Qualley (Pobres criaturas, Había una vez en Hollywood) y Dennis Quaid (El novato, El día después de mañana), quienes aportan profundidad y carisma a esta intrigante historia.

El aroma del pasto recién cortado (Dir. Celina Murga - Estreno 19 de Septiembre)

El aroma del pasto recién cortado, conocida internacionalmente como The Freshly Cut Grass, es una coproducción ambiciosa que reúne talentos de Argentina, Estados Unidos, México, Uruguay y Alemania. Este largometraje hizo su debut en el Festival de Tribeca en junio de 2024, y presenta una narrativa que explora las complejidades de las relaciones amorosas fuera del matrimonio. La historia sigue a Pablo, un profesor universitario en Nueva York que inicia un romance con una alumna, mientras que Natalia, también profesora universitaria, se encuentra en una situación similar con uno de sus estudiantes. La película examina las tensiones y desigualdades que surgen en el entorno académico debido a estas dinámicas.

Dirigida por la talentosa cineasta argentina Celina Murga, conocida por Una semana solos y La tercera orilla, y producida por el renombrado Martin Scorsese (El lobo de Wall Street, Taxi Driver), el filme cuenta con un elenco destacado que incluye a Joaquín Furriel (El jardín de bronce), Marina de Tavira (Roma), Alfonso Tort (Un pájaro azul), Emanuel Parga (La sociedad de la nieve) y Verónica Gerez (Cómo funcionan casi todas las cosas).

Hellboy: The Crooked Man (Dir. Brian Taylor)

Hellboy: The Crooked Man ofrece una nueva y escalofriante aventura del icónico personaje creado por Mike Mignola. Bajo la dirección de Brian Taylor, conocido por Ghost Rider (2011), la película sitúa a Hellboy en una atmósfera cargada de misterio y terror en los años 50 en los Apalaches.

Tras un accidente que lo lleva a esta remota región, Hellboy y un joven agente se encuentran en medio de una comunidad rural que sufre bajo la opresión de cultos oscuros. En su investigación, descubren que el líder de estas fuerzas es el temido Crooked Man, un demonio que guarda un vínculo perturbador con los orígenes de Hellboy.

Aunque Maika Monroe, la actriz de 31 años, es ampliamente reconocida por su destacado papel en It Follows, una aclamada película de terror que narra la inquietante historia de una entidad sobrenatural que persigue a su protagonista, su carrera va más allá del género del horror. La película, que recibió elogios por su atmósfera tensa y original, ha sido una piedra angular en la construcción de su reputación en el cine. Sin embargo, Monroe ha demostrado su versatilidad al participar en una variedad de producciones que abarcan diferentes géneros, desde thrillers intensos hasta comedias románticas.

En su trayectoria, la actriz ha explorado una gama diversa de roles que evidencian su habilidad para adaptarse a distintos estilos y narrativas cinematográficas. Por eso, en esta ocasión, vamos a repasar algunos de esos títulos.

Maika Monroe en La quinta ola - The 5th Wave (Dir. J. Blakeson - Disponible en Netflix)

En primer lugar, destacamos la participación de Maika Monroe en La quinta ola (The 5th Wave), una película de ciencia ficción lanzada en 2016 que adapta la exitosa novela homónima escrita por Rick Yancey en 2013. La historia se desarrolla en un futuro cercano, donde la humanidad enfrenta una serie de devastadoras olas de invasiones extraterrestres que amenazan con exterminar a la raza humana. Monroe, en el papel de Ringer, se une a una trama llena de acción y tensión, aportando su talento a una narrativa que combina elementos de ciencia ficción con un fuerte enfoque en la supervivencia y el drama personal.

La película, dirigida por J. Blakeson (Descuida, yo te cuido, La desaparición de Alice Creed), cuenta con un elenco estelar que complementa a Monroe en esta adaptación cinematográfica. El reparto incluye a Chloë Grace Moretz (Carrie, Kick-Ass, Si decido quedarme) como la protagonista principal, Nick Robinson (Damsel, Yo soy Simón), Alex Roe (Hot Summer Nights), Liev Schreiber (Ray Donovan, X-Men Orígenes: Wolverine) y Maria Bello (Son como niños). Juntos, crean una dinámica intensa que mantiene a los espectadores intrigados mientras siguen el desenlace de quiénes lograrán sobrevivir en este mundo asediado por invasiones extraterrestres.

Maika Monroe en Longlegs: coleccionista de almas - Longlegs (Dir. Oz Perkins - Estreno 29 de agosto)

En segundo lugar, Maika Monroe se adentra nuevamente en el género del terror con Longlegs: coleccionista de almas (Longlegs), un proyecto dirigido por Oz Perkins (La enviada del mal) que se estrena en los cines de Argentina el próximo 29 de agosto. En esta película, Monroe interpreta a Lee Harker, una agente novata del FBI que se enfrenta a un complejo caso de asesinatos en serie. A medida que Harker avanza en la investigación, las pistas que encuentra parecen desvanecerse en el misterio, revelando un inquietante vínculo personal con el asesino.

El largometraje, que ha captado la atención tanto de la taquilla estadounidense como de la crítica, cuenta con un elenco destacado que complementa la actuación de la actriz. Entre ellos, se encuentran Nicolas Cage (Arcadian, El hombre de los sueños), Blair Underwood (Causa justa) y Alicia Witt (Urban Legend, Duna).

Maika Monroe en After Everything (Dir. Hannah Marks, Joey Power)

Seguimos explorando la versatilidad de Maika Monroe con su participación en el género romántico en After Everything (también conocida como Eternal Love). En este proyecto, Monroe interpreta a un personaje que se enfrenta a un diagnóstico de enfermedad en su pareja, Elliott. La historia sigue el impacto emocional y físico que este diagnóstico tiene en la relación, ofreciendo una mirada profunda y conmovedora sobre el amor y el compromiso en tiempos de crisis.

After Everything no solo se centra en la historia romántica de los protagonistas, sino que también examina los desafíos y la resiliencia de los personajes frente a la adversidad. La narrativa se entrelaza con momentos de introspección y crecimiento, mostrando cómo el amor puede ser una fuente de apoyo y esperanza en medio de las dificultades.

Junto a Monroe, el reparto de After Everything incluye a Jeremy Allen White, conocido por su aclamada interpretación del chef Carmy en El oso (The Bear), la serie ganadora del Emmy. El elenco se completa con actores como DeRon Horton (American Horror Story: 1984), Sasha Lane (Tornados), Dean Winters (Brooklyn Nine-Nine), Gina Gershon (Borderlands) y Marisa Tomei (Spider-Man: sin camino a casa).

Maika Monroe en A cualquier precio - At Any Price (Dir. Ramin Bahrani - Disponible en Prime Video)

En último lugar, Maika Monroe aparece en el drama A cualquier precio (At Any Price), una película de 2012 dirigida por Ramin Bahrani (Fahrenheit 451). En esta historia, seguimos a Henry Whipple, un granjero que está desesperado por que su hijo Dean se haga cargo del negocio familiar. Sin embargo, Dean tiene sueños propios y aspira a convertirse en piloto de carreras, lo que crea un conflicto profundo entre padre e hijo. La película explora las tensiones que surgen cuando los deseos individuales chocan con las expectativas familiares y las presiones del entorno, ofreciendo una mirada profunda a la lucha por el éxito personal y la lealtad familiar.

Con respecto al elenco de A cualquier precio (At Any Price), tenemos a Dennis Quaid (El día después de mañana, Juego de gemelas), Zac Efron (Garra de hierro, El gran showman), Heather Graham (Desde el infierno, Boogie Nights) y Kim Dickens (Fear the Walking Dead, Perdida).

De qué se trata el film

La trama gira en torno a la promesa de un producto revolucionario que permite generar una nueva versión de uno mismo, más joven y más perfecta. Sin embargo, la única condición es compartir el tiempo en períodos alternos de siete días con esta nueva versión. Según Fargeat, la película busca ser una “fábula de ‘cuidado con lo que deseas’”, alertando sobre las implicaciones éticas y emocionales de la auto-mejora extrema.

Coralie Fargeat, quien también produjo la película, se dio a conocer en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2017 con su aclamada ópera prima Revenge. Para este nuevo proyecto, Fargeat se ha reunido con colaboradores clave como el director de fotografía Benjamin Kracun, reconocido por su trabajo en Promising Young Woman, y el compositor Raffertie, conocido por su banda sonora en la serie I May Destroy You.

La película cuenta con un elenco estelar encabezado por Demi Moore, junto a Margaret Qualley, notable por su participación en Once Upon a Time in Hollywood y Maid, y Dennis Quaid, (El día después de mañana). La dirección de arte estuvo a cargo de Stanislas Reydellet y el diseño de vestuario por Emmanuelle Youchnovski.

Triunfo en Cannes

La sustancia fue presentada mundialmente en el 77º Festival de Cine de Cannes, donde recibió una ovación y ganó el premio al Mejor Guion. Alexandra Loewy de Working Title y Nicolas Royer de A Good Story fueron los productores ejecutivos, contribuyendo a la realización de este ambicioso proyecto.

En una entrevista, Fargeat comentó sobre su inspiración para la película: “Quise explorar hasta dónde llegan las personas en su búsqueda de la perfección y las consecuencias que traen esos deseos”. Este comentario refleja la premisa inquietante de la película y su visión crítica sobre la obsesión moderna por la belleza y la juventud.

En términos técnicos, la película se destaca por su impecable cinematografía y un diseño de producción que complementa la naturaleza distópica de la trama. Jerome Eltabet y Valentin Féron se encargaron de la coedición, asegurando una narrativa fluida y envolvente.

Demi Moore, al hablar de su participación en la película, mencionó que “la historia es extremadamente relevante en la sociedad actual, donde estamos constantemente bombardeados con estándares de belleza inalcanzables”. Moore considera que el proyecto es un llamado a la reflexión sobre los límites y consecuencias de la auto-mejora excesiva.

Por otro lado, Margaret Qualley declaró sentirse “fascinada por la complejidad de su personaje y por la oportunidad de trabajar con un equipo tan talentoso”. Qualley elogió la visión de Fargeat y su habilidad para crear un mundo cinematográfico que desafía las expectativas del público.

La música de Raffertie, que complementa la atmósfera tensa y provocadora de la película, ha sido destacada por su capacidad para intensificar las emociones del espectador. “La banda sonora juega un papel crucial en la narrativa, subrayando los momentos más críticos de la historia”, afirmó Fargeat.

Dennis Quaid describió su experiencia en el proyecto como “un reto emocionante”, destacando la originalidad del guion y la dirección de Fargeat. Quaid espera que La sustancia provoque un debate sobre los costos de la belleza y la perfección en la sociedad contemporánea.

Finalmente, con un equipo de producción compuesto por Eric Fellner y Tim Bevan de Working Title, La sustancia promete ser uno de los estrenos más impactantes del siguiente año. La película seguirá abordando de manera crítica y reflexiva la obsesión por la estética, invitando al público a cuestionar hasta dónde estarían dispuestos a llegar por una versión “perfecta” de sí mismos.

Luego de acaparar las miradas en el circuito de festivales con Revenge (2017), su primer largometraje, la directora Coralie Fargeat marca su regreso a la gran pantalla con The Substance. Descrita como una cinta satírica de body horror, esta película (que ganó el premio al mejor guion en el último Festival de Cannes) fue adquirida por MUBI y BF Paris para su lanzamiento en cines y ya ha revelado sus primeras imágenes.

Escrita y dirigida por Fargeat, The Substance está protagonizada por talentos como Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid. Su historia sigue a una celebridad en decadencia que decide consumir una droga experimental del mercado negro que crea temporalmente una versión más joven y mejor de uno mismo.

“Demi Moore ofrece la mejor interpretación de su carrera en el papel de Elisabeth Sparkle, una antigua estrella que ya ha pasado su mejor momento y a la que su jefe (Dennis Quaid), despide repentinamente de su programa de fitness”, adelanta la sinopsis oficial. “Entonces se ve atraída por la oportunidad que le brinda una misteriosa droga conocida como ‘la sustancia’. Sólo necesita una inyección para renacer temporalmente como Sue (Margaret Qualley). ¿La única regla? El tiempo debe dividirse: exactamente una semana en un cuerpo y otra en el otro. Sin excepciones. Un equilibrio perfecto. ¿Qué podría salir mal?”, completa el anuncio.

Coralie Fargeat ha demostrado un estilo visual y narrativo distintivo. En Revenge, la cineasta combinó un uso vibrante de los colores y una fotografía meticulosa para contar una historia de venganza empapada de tensión y brutalidad. Se espera que su capacidad para mezclar elementos visuales impactantes con una narrativa intensa y visceral se potencie en este segundo largometraje que toma como punto de partida los estándares imposibles de belleza.

The Substance tiene previsto llegar a las salas de Estados Unidos el 20 de septiembre de 2024. En Argentina se estrena un día antes, el 19 de septiembre.

Cada vez falta menos para que The Boys, la exitosa serie creada por Eric Kripke, regrese a la pantalla de Prime Video. Con dos años de suspenso desde su última temporada y una serie derivada (Gen V) que sentó las bases de una inminente lucha entre bandos, la cuarta entrega promete ser verdaderamente explosiva, redoblando la apuesta en materia de violencia, humor ácido y personajes irreverentes.

En una reciente entrevista, Jack Quaid (el hijo de Dennis Quaid y Meg Ryan que interpreta a Hughie en la serie) reveló que esta temporada ha sido su favorita desde su debut en 2019. A su vez, reconoció que el equipo creativo se ha superado con creces y que los aficionados pueden esperar una verdadera locura para el final de temporada. “Ha sido realmente genial. Esta es mi temporada favorita. Los guionistas se han superado a sí mismos”, reconoció Quaid.

“Hay ciertas cosas en esta temporada cuando las leí me quedé atónito. La verdad es que no me esperaba muchas cosas, y eso es muy difícil para alguien que lleva cuatro temporadas en la serie. Los guionistas se han superado a sí mismos. El final es increíble. El final es una locura. Es una locura. Estoy hablando de The Boys, así que puedo jurarlo”, añadió el intérprete de Hughie.

El testimonio de Jack Quaid también está en sintonía con los dichos de Kripke quien adelantó que la nueva tanda de episodios contienen “las cosas más locas” que hayan hecho nunca. “No puedo creer que nos hayamos salido con la nuestra”, afirmó el showrunner de la serie de Prime Video en una pasada publicación en redes sociales.

A lo largo de tres temporadas, The Boys se ha caracterizado por abordar temas como la fama, el poder, los medios de comunicación y la doble moral de la sociedad con un humor ácido y violencia explícita pocas veces vistos en televisión. La serie inspirada en los cómics homónimos de Garth Ennis y Darick Robertson sigue los pasos de un grupo de individuos que se unen para luchar contra superhéroes corruptos que abusan de sus poderes y status.

El escenario de la cuarta entrega arranca con el equipo titular dividido, mientras Victoria Neuman crece como líder política y Homelander consolida su poder más allá de Vough. A Billy Butcher le quedan pocos meses de vida y ha perdido al hijo de su exmujer Becca, su mejor arma contra su enemigo personal.

The Boys tiene planeado lanzar su cuarta temporada por Prime Video el 13 de junio. Ese día estarán disponibles sus tres primeros episodios, mientras que los restantes tendrán una modalidad de estreno semanal hasta su final de temporada el 18 de julio.