Wood define el cine de terror como un espacio seguro para enfrentar miedos y vivir experiencias intensas. En Boda Sangrienta 2, describe su papel como un reto en una producción que fusiona acción, comedia y horror, diseñada tanto para seguidores de la primera entrega como para nuevos espectadores. Su vínculo con las películas de terror se remonta a la infancia, marcado por la influencia de su hermano y la transgresión compartida de ver cintas prohibidas.

La relación con el género comenzó cuando tenía seis años y su hermano mayor, de 13 o 14, alquilaba películas de terror cada semana para verlas con amigos. Le permitía unirse si prometía guardar el secreto ante sus padres.

“Que fuera algo prohibido lo hacía mucho más excitante”, recordó el actor. Aún conserva clara la memoria de su primer encuentro con Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño. Ese momento se volvió parte de su historia personal y familiar con el terror.

No solo ha destacado como actor en títulos como The Faculty o Maniac, sino también como productor al frente de la productora independiente SpectreVision, participando en filmes relevantes del género. “Me atrapó”, afirmó Wood, subrayando que nunca se sintió apartado por las propuestas extremas del terror.

Detalles de Boda Sangrienta 2 y el nuevo rol de Elijah Wood

La secuela continúa la trama original, llevando a Samara Weaving (Grace) y Kathryn Newton (Faith) a un escenario aún más riesgoso, en el que deben sobrevivir a un nuevo juego letal. Elijah Wood interpreta al abogado líder del grupo de familias que persigue a las protagonistas.

El propio Wood afirma: “Para mí es una película de acción con elementos cómicos… aunque hay, literalmente, cuerpos que explotan, así que el horror y el gore siguen estando muy presentes”.

Relató que aceptó el papel motivado por la trayectoria de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, directores de la entrega original y de otras producciones del género. “Me encanta su trabajo, llevo años siguiéndolos”, destacó.

El elenco suma a figuras como Sarah Michelle Gellar, Kevin Durand y Nestor Carbonell, incorporaciones que, según Wood, “palidecen ante la incorporación de uno de los faros del género: el canadiense David Cronenberg, que tiene un pequeño rol en el film”.

La visión de Elijah Wood sobre el cine de terror

Wood atribuye al horror una función social persistente: “El terror nunca desaparece porque, como sociedad, siempre tenemos algo a lo que temer”. Considera que el cine de terror ofrece un entorno controlado para experimentar miedos que surgen de la realidad. “El cine es el lugar seguro para experimentar esta clase de miedo, porque sabes que no va a pasarte nada. Es catártico”, expresó a Fotogramas.

El actor y productor detalla cómo el género le permite explorar emociones colectivas e individuales, ampliando su vocación tanto delante como detrás de cámaras. Al regresar a una saga reconocida y colaborar con artistas y directores que admira, reafirma su compromiso personal con el cine de género.

Subrayó la experiencia de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett como factor clave en su decisión de integrarse al proyecto y destacó la confianza en el equipo creativo responsable de la película.

El encuentro entre Elijah Wood y David Cronenberg en el set

La filmación de Boda Sangrienta 2 permitió a Elijah Wood compartir rodaje con una de sus influyentes referencias, David Cronenberg. El cineasta canadiense, autor de clásicos como Videodrome y La mosca, aparece en la secuela con un breve cameo.

“Solo estuvo un día en el set, pero no dejamos de hablar ni un momento”, contó Wood a Fotogramas. El primer encuentro entre ambos ocurrió casi veinte años atrás en Londres, durante la grabación de Promesas del Este. Wood recordó: “Me armé de valor para decirle hola una de las veces que nos cruzamos”.

Para Wood, Cronenberg representa una figura central no solo en el género de terror, sino también en el cine independiente internacional; la posibilidad de escuchar sus relatos y opiniones de primera mano fue particularmente valiosa.

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◦ Retrocultura Activa | Warkus, el pixel que se negó a olvidar: una arqueología sentimental del freeware extraño

Cintas malditas: cuando rebobinar te consume

Bienvenidos, nostálgicos de la estática magnética, a este rincón de Retrocultura Activa, donde el moho del VHS convive con teorías conspirativas grabadas encima de telenovelas noventosas. Hoy vamos a abrir una caja que muchos guardan bien al fondo del armario. Esa, la de las cintas malditas, esas películas que, dicen, corrompen la mente, te marcan para siempre o te arrastran a una pesadilla que se reproduce en bucle hasta que la máquina se traga la cinta y algo te observa desde la pantalla azul.

Porque sí, claro, en la era digital podemos borrar archivos con un click, pero en la era analógica había algo vivo en cada cinta. Rayones, glitches, zumbidos. Cada copia parecía sudar un rumor, que susurraba: “¿Seguro querés ver esto?“.

Así que ajustá la pestaña de tracking, limpiá el cabezal del reproductor y preparate para volver a una época donde rebobinar era un acto de fe. Empezamos.

El mito magnético

Antes del streaming, el VHS era un tótem doméstico. Una caja negra que viajaba de videoclub en videoclub, de feria en feria, de mano en mano. Bastaba un rumor para encender la chispa: “Dicen que hay una cinta que muestra algo que nadie debería ver”. Y de ahí nacieron mitos urbanos, como la película snuff perdida, la copia pirata que trae imágenes subliminales, el cassette maldito que te condena si no lo copiás para otro incauto.

En la penumbra de los cuartos de alquiler, con la estática del televisor como único sonido, esas cintas cobraban vida propia. Cada grabación casera podía ocultar algo detrás de una boda, un cumpleaños, un noticiero viejo. Había algo magnético -literal y figurado- en rebobinar a escondidas. El VHS era más que sólo entretenimiento. Era llave, herencia y trampa.

Para algunos era contrabando doméstico, una puerta a horrores que nunca llegarían al cine oficial. Otros juraban que ciertas películas solo existían si alguien las copiaba a medianoche. El rumor de que “alguien conoce a alguien” que tiene esa cinta secreta convertía a cualquier living en una sala de proyección clandestina. Entre polvo, humedad y cabezales gastados, ver un VHS maldito era un ritual que mezclaba coraje adolescente y morbo de feria barrial. La pregunta siempre era la misma: “¿qué pasaba si mirabas hasta el final?“.

Videodrome: larga vida a la nueva carne

David Cronenberg fue uno de los primeros en sintonizar este miedo magnético. Videodrome (1983) es una pesadilla biotecnológica donde la televisión y las cintas piratas transmiten más que imágenes, también transmiten mutaciones. Max Renn, un productor de canales de cable alternativos, descubre una señal underground que muestra torturas y asesinatos tan reales como hipnóticos. Cuanto más mira, más se deforma la frontera entre carne y mensaje.

El VHS es arma, droga y religión. El cuerpo se convierte en receptor y emisor de un virus audiovisual que transforma la mente en carne viva. Lo que arranca como explotación softcore termina en manifiesto cibernético: “Long live the new flesh.” Si alguna vez viste una cinta rayada que parecía masticar tu cerebro, sabés de qué hablamos.

El Aro: copiar o morir

Quince años después, desde Japón llegó una reinvención más silenciosa y mortal. El Aro (Ringu, 1998, Hideo Nakata) convirtió el VHS en leyenda urbana global, creando una historia donde una periodista investiga una serie de muertes inexplicables que conectan con una cinta misteriosa. Quien la ve recibe una llamada telefónica que anuncia su muerte en siete días. La única forma de romper la maldición es copiar la cinta y pasársela a otro. Terror viral antes de que Internet fuera mainstream.

La clave es que la maldición no es Sadako, la chica del pozo. La maldición es el acto de reproducir, copiar, compartir. Un VHS como parásito que vive de la paranoia y la curiosidad. Mientras Occidente se llenaba de remakes, El Aro recordaba que la verdadera pesadilla no está en el espectro sino en la repetición infinita.

Las cintas de Poughkeepsie: no rebobinar

Mientras El Aro expandía la leyenda de las cintas malditas, Las cintas de Poughkeepsie (The Poughkeepsie Tapes, 2007, John Erick Dowdle) llevó el subgénero del metraje encontrado a su expresión más cruda y perturbadora. La trama sigue a la policía local, que descubre cientos de cintas VHS grabadas por un asesino serial, cada una documentando secuestros, torturas y manipulaciones psicológicas de sus víctimas. El film combina el formato de documental falso con el recurso de las “grabaciones encontradas” para involucrar al espectador en un juego inquietante, donde le permite ser testigo y cómplice involuntario de horrores reales.

Acá no hay fantasmas ni mutaciones sobrenaturales, sino que solo encontramos la certeza aterradora de que hay cosas que jamás deberían ser vistas. La cinta analógica, con su imagen gastada y pixelada, suma una capa extra de realismo inquietante, como si cada ruido o distorsión en la pantalla tuviera secretos ocultos. Ver Las cintas de Poughkeepsie se vuelve un acto casi prohibido, comparable a abrir un baúl lleno de recuerdos podridos que es mejor dejar cerrados.

La película fue polémica por su violencia explícita y su formato que simula evidencias reales, lo que generó debates sobre los límites del terror y el morbo en el cine. A diferencia de otros films de terror, en este caso el horror es tangible y se aferra a la idea de que la tecnología analógica puede conservar y propagar el mal de forma indeleble.

Cigarette Burns: celuloide prohibido

John Carpenter, maestro del cine de terror y siempre dispuesto a explorar los rincones más oscuros del miedo, aportó su toque personal con Cigarette Burns (2005), un episodio de la antología televisiva Masters of Horror. En esta historia, no se trata de un VHS maldito, sino de un rollo de celuloide perdido llamado La Fin Absolue du Monde, una película tan perturbadora que, según la leyenda dentro de la trama, desató masacres en su única proyección pública.

La historia sigue a un coleccionista obsesionado que contrata a un proyeccionista caído en desgracia (interpretado por Norman Reedus, conocido luego por The Walking Dead) para encontrar esta película legendaria. La búsqueda pronto se convierte en una cacería malsana, rodeada de fanáticos extremos, coleccionistas excéntricos y fragmentos de un film que no debería existir.

Lo más inquietante no es solo el contenido de la cinta, sino la forma en que corrompe a quienes la persiguen. El deseo de ver La Fin Absolue du Monde es mucho más peligroso que lo que la película en sí muestra. Carpenter juega con la idea de que el verdadero horror no está en la imagen proyectada, sino en la obsesión y la locura de quienes la buscan.

Este episodio destaca por su atmósfera opresiva, su homenaje al cine de culto y su reflexión sobre el poder del cine como fuerza maldita, capaz de cambiar -o destruir- a quien se atreve a adentrarse en sus secretos. Cigarette Burns es un clásico instantáneo para quienes ven en el celuloide un objeto casi sagrado y peligroso, un relicario que alberga terrores que trascienden la pantalla.

8MM: snuff real, paranoia real

Para bajar a tierra este carnaval magnético, entra 8MM (1999, Joel Schumacher). Nicolas Cage interpreta a un detective privado contratado para investigar la autenticidad de una supuesta película snuff filmada en Super 8. La misión lo arrastra a un mundo oscuro y clandestino de pornografía extrema, coleccionistas de rarezas y productores de pesadillas.

La película se sostiene en la intensidad de la actuación de Cage, cuya obsesión lo lleva cada vez más profundo en un submundo que lo corrompe y lo desafía moralmente. Junto a él, destaca Joaquin Phoenix en uno de sus primeros papeles importantes, interpretando a un joven que funciona como una suerte de guía sombrío dentro de ese entorno depravado.

A diferencia de Videodrome o El Aro, aquí no hay espectros ni mutaciones sobrenaturales, sino que los verdaderos monstruos son humanos. Lo prohibido no es un fantasma, sino la maldad cruda de alguien que filma lo que nunca debería ser filmado. El VHS, el celuloide o el Super 8 son solo vehículos, pero lo que importa es la sensación inquietante de que, en algún lugar, esa cinta circula y que podría caer en las manos equivocadas si alguien se atreve a buscarla demasiado.

8MM juega con la paranoia del voyeurismo extremo y la línea borrosa entre la realidad y la ficción, recordándonos que a veces el horror más tangible está justo frente a nuestros ojos, escondido en las sombras del mundo real.

De la cinta a la nube: el mito sigue

Hoy que todo es digital y on demand, uno podría creer que la maldición se diluyó. Pero Internet encontró formas nuevas, con creepypastas como Suicide Mouse, leyendas urbanas de YouTube, o foros donde se jura que existe un “video perdido” de alguna caricatura infantil que muestra algo traumático.

Incluso el found footage moderno (recurso de la cinta encontrada) recicla el miedo. V/H/S (2012) -título obvio- homenajea el mito con una colección de cortos filmados en cintas encontradas por asaltantes que no entienden que lo peor no está en la caja fuerte, sino en el televisor polvoriento que sigue encendido.

Al final, la idea es la misma, con un soporte físico o virtual que porta un virus narrativo. Verlo es contagiarse. Compartirlo es expandir la infección. Las cintas malditas existen mientras exista alguien dispuesto a buscarlas. Cada generación cambia el soporte. No importa si es un rollo fílmico, VHS, CD quemado, enlace torrent, o un video perdido de un servidor ruso. La clave es que la semilla es la misma, la fantasía de que hay algo ahí afuera que no deberías ver… y que por eso mismo no podés dejar de buscar.

Así que, querido lector de Retrocultura Activa, si alguna vez encontrás una cinta polvorienta en una feria de usados, revisá bien la carátula. Si no tiene etiqueta o huele raro, tal vez convenga dejarla donde está. Y si decidís verla, no digas que no te avisamos.

Nos vemos en la próxima sesión de magnetismo y paranoia. Prometo traer más películas, más teorías de pasillo y más historias de esas que se adhieren a la cabeza… como un fragmento de cinta enredado en el cabezal. Hasta la próxima rebobinada.

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● Retrocultura Activa | Vampiros después de clase: adolescentes sedientos de sangre en los 80s y 90s

Bioterror pulp y mutantes de medianoche: cuerpo, cosmos y conspiración

Bienvenidos a Retrocultura Activa, ese rincón donde lo bizarro se viste de ciencia y lo orgánico se retuerce en el lienzo del celuloide. Hoy nos metemos en el territorio del bioterror pulp, ese subgénero donde la carne, la mutación y la ciencia fuera de control se combinan para provocar pesadillas inolvidables y reflexiones incómodas sobre qué somos en realidad.

La historia del cine nos regaló obras que exploran el cuerpo humano no como un templo, sino como un campo de batalla donde las obsesiones científicas, las conspiraciones secretas y los experimentos fallidos mutan lo que creemos inmutable. Desde sustancias que se rebelan hasta cuerpos que se deforman, hoy repasamos esas películas que mezclan terror, ciencia y pulp con una estética que oscila entre lo grotesco y lo fascinante.

David Cronenberg: el padre del horror corporal

Nadie puede hablar de bioterror sin mencionar a David Cronenberg. Este canadiense llevó el horror corporal a otro nivel, explorando la intersección entre tecnología, enfermedad y deseo con una mirada siempre provocativa y perturbadora. Obras como Videodrome (1983) ya nos mostraban la carne como receptáculo y víctima de una señal invasora, donde la mente y el cuerpo se convierten en un campo de batalla que cuestiona la realidad misma.

Pero fue con The Fly (1986) donde Cronenberg alcanzó un punto cumbre. La historia del científico Seth Brundle, interpretado magistralmente por Jeff Goldblum, que accidentalmente fusiona su ADN con el de una mosca y su transformación progresiva en un híbrido grotesco es a la vez trágica y aterradora. Los efectos prácticos, obra de Chris Walas, crean una metamorfosis visceral e inolvidable, mientras que Goldblum y Geena Davis sostienen una historia que, más allá de la mutación, es un drama romántico marcado por la pérdida de humanidad.

Además, Crash (1996) adaptó la polémica novela de J.G. Ballard, llevando al cine una obsesión extrema: personas que encuentran placer erótico en los accidentes de auto y las cicatrices de la colisión. James Spader y Holly Hunter protagonizan este viaje incómodo por la atracción entre metal retorcido y carne herida, un manifiesto enfermizo sobre cómo la tecnología penetra —literalmente— en la intimidad.

Y eXistenZ (1999) cierra este tríptico de mutaciones y órganos expuestos, en una distopía gamer donde los videojuegos se enchufan al cuerpo como prótesis orgánicas. Jennifer Jason Leigh y Jude Law nos arrastran por túneles de realidad virtual húmeda y pulsante, donde la biotecnología es casi un parásito que se confunde con el deseo y la identidad. Para Cronenberg, la frontera final no está en el espacio, sino debajo de la piel.

Tetsuo: el hombre de hierro y la fusión hombre-máquina

Desde Japón llega Tetsuo: The Iron Man (1989), un torbellino audiovisual dirigido por Shinya Tsukamoto que es una oda salvaje al cyberpunk corporal. Aquí la mutación es metal y carne retorciéndose sin control. Un hombre común, el Salaryman típico de la sociedad japonesa de posguerra, se infecta —literalmente— de chatarra y tornillos hasta volverse una criatura biomecánica que desafía toda lógica. La película es rápida, sucia, cruda y obsesiva, con un montaje frenético en blanco y negro granulado que transmite la angustia de una transformación que devora cuerpo y mente.

The Iron Man se convirtió en un clásico underground y marcó a toda una generación de cineastas que entendieron que el cuerpo podía ser territorio de pesadillas industriales. Tsukamoto, influenciado por el manga de terror y la estética punk de finales de los 80, construye una pesadilla urbana que recuerda a la paranoia tecnológica de Akira (1988, Katsuhiro Otomo), donde la carne y el metal también se funden en un Tokio caótico.

No está basada en ninguna novela específicamente, pero comparte espíritu con la obra de autores de ciencia ficción obsesionados con la fusión entre cuerpo y máquina como J.G. Ballard o incluso con el manga BLAME! de Tsutomu Nihei, donde la arquitectura, las máquinas y los cuerpos son parte del mismo monstruo. Tsukamoto volvería al tema con secuelas como Tetsuo II: Body Hammer (1992), expandiendo la idea de la mutación mecánica como metáfora de la alienación urbana.

Aún hoy, Tetsuo es punto de referencia obligado para cualquier amante del cine experimental y de culto, con una experiencia breve —apenas 67 minutos— pero tan intensa que uno sale de verla sintiendo que el metal le late bajo la piel.

Re-Animator: locura científica y risas macabras

En otro extremo del horror corporal, tenemos Re-Animator (1985), dirigida por Stuart Gordon, que adapta libremente el relato Herbert West - Reanimator (1922) de H.P. Lovecraft, donde el autor se burlaba de la obsesión científica por vencer a la muerte, parodiando el mito de Frankenstein. En la película, Herbert West —interpretado por un inolvidable Jeffrey Combs— es un estudiante de medicina obsesionado con devolver la vida a los muertos mediante un suero fluorescente. Lo que arranca como experimento clandestino termina en un carnaval de cadáveres resucitados, caos, miembros descabezados y humor negro a litros.

Re-Animator también respira la misma idea de “vida suspendida” que Lovecraft tanteó en Aire frío, otro cuento donde un científico desafía la muerte con métodos antinaturales. La diferencia es que acá la irreverencia pulp convierte cada escena en una fiesta gore, mezclando ciencia loca, cuerpos putrefactos y carcajadas incómodas. Es un clásico de culto que muestra cómo el terror corporal puede ser tan absurdo como espeluznante, recordándonos que la carne, a veces, no quiere volver… pero vuelve igual.

Society y The Stuff: la paranoia en la carne

Brian Yuzna, productor de Re-Animator y colaborador frecuente de Stuart Gordon, también se consolidó como un maestro del horror corporal con sello satírico. Society (1989) es su ópera prima como director y funciona como una fábula delirante sobre la alta sociedad de Beverly Hills: un adolescente (interpretado por Billy Warlock) empieza a sospechar que su familia y sus vecinos de clase alta ocultan un secreto grotesco. La verdad se revela en una orgía mutante y viscosa, donde la élite literalmente se funde y devora a los cuerpos “inferiores”, en una secuencia final que se volvió legendaria gracias a los efectos prácticos del mago Screaming Mad George. Society nunca tuvo secuelas directas, pero dejó una marca imborrable en el subgénero del body horror por su mezcla de sátira, conspiranoia y repulsión pura.

En paralelo, The Stuff (1985), dirigida por Larry Cohen lleva la crítica social hacia el consumo masivo y la paranoia corporativa. Aquí no hay aristócratas mutantes, sino un postre cremoso —“The Stuff”— que arrasa en supermercados de todo Estados Unidos, convirtiendo a quienes lo prueban en zombis sonrientes dominados por una sustancia extraterrestre. La película se burla de la publicidad, la codicia empresarial y la obsesión norteamericana por consumir sin mirar qué hay dentro del envase.

The Stuff mezcla terror y humor negro con un héroe improbable: Michael Moriarty interpreta a un investigador privado sarcástico que intenta detener la invasión de este “yogur viviente” mientras la paranoia crece como un hongo dentro de la sociedad de consumo. Aunque la idea parezca absurda, comparte ADN con otras fábulas de “comida viva” y conspiraciones alimenticias, anticipando obsesiones modernas por la comida ultraprocesada.

Ambas películas confirman que lo verdaderamente terrorífico no viene de fuera, sino de lo que consumimos —ya sea un snack pegajoso o una mentira social que devora desde dentro—. Son delirios pulp que demostraron que la carne, el plástico y la sátira pueden mezclarse para dejar al espectador igual de incómodo que fascinado.

From Beyond (1986): el cuerpo y lo invisible

Otro título clave dentro del horror corporal es From Beyond (1986), dirigido por Stuart Gordon y también basado en un relato de Lovecraft. La historia sigue a un científico que crea un aparato capaz de estimular una glándula cerebral para percibir dimensiones paralelas invisibles al ojo humano. Sin embargo, al activar esta percepción, abre la puerta a criaturas y energías que empiezan a afectar el cuerpo y la mente de quienes lo experimentan.

La película explora cómo la realidad puede desmoronarse al entrar en contacto con lo desconocido, y cómo el cuerpo se convierte en un campo de batalla donde fuerzas invisibles alteran la percepción y la integridad física. Con efectos prácticos muy elaborados para su época y una atmósfera opresiva, From Beyond combina ciencia, horror y locura, reflejando la constante idea lovecraftiana de que lo invisible puede ser también lo más peligroso.

Las actuaciones de Jeffery Combs y Barbara Crampton, colaboradores frecuentes de Gordon, aportan intensidad a este relato de paranoia y transformación. Además, la película no solo muestra mutaciones grotescas, sino que también juega con la idea de que fuerzas invisibles, científicas y sobrenaturales, pueden alterar nuestra realidad y transformar la carne en algo extraño y amenazante.

Entre la fascinación y el horror

Estas películas forman un mosaico fascinante donde el cuerpo humano es un territorio en disputa, ya sea por la ciencia, la tecnología o fuerzas incomprensibles. La mutación y la transformación no son solo trampas para el terror, sino también metáforas poderosas sobre el miedo a lo desconocido y la pérdida de control sobre nosotros mismos. El bioterror pulp, con su mezcla de efectos prácticos, narrativa exagerada y temáticas profundas, sigue siendo un laboratorio para explorar lo que significa ser humano en un mundo donde la carne y la máquina cada vez están más entrelazadas.

Y esto ha sido todo, nos volveremos a ver en la próxima dosis de Retrocultura Activa, donde seguiremos buceando en las profundidades del cine que nos desafía y nos fascina. Hasta entonces, cuidemos nuestro cuerpo… mientras siga siendo “nuestro”.

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● Retrocultura Activa | Policenauts: la otra joya olvidada de Hideo Kojima

La extraña ciudad de Wicked City: sexo, horror y neón en la frontera del anime

Hablar de Wicked City es como abrir una puerta a un Tokio que nunca dormía, un lugar donde cada neón parpadeante esconde un demonio y cada sombra puede devorar tu cordura. Estrenada en 1987, esta película dirigida por Yoshiaki Kawajiri fue, para muchos, la primera prueba de fuego que demostraba que la animación japonesa no era —ni de lejos— un terreno exclusivo para historias dulces o fantasías de robots. Aquí no hay mechas ni escolares entrañables: hay sexo, horror y una atmósfera cargada de sudor y fluidos oscuros.

Adaptación de una novela de Hideyuki Kikuchi —el mismo autor detrás de Vampire Hunter D—, Wicked City se convirtió en un referente del anime adulto, tan transgresor como elegante. Es una puerta giratoria entre el cine negro, la fantasía sobrenatural y el erotismo más perturbador. Una frontera por la que se filtra lo monstruoso hacia lo humano y viceversa, haciendo imposible saber de qué lado estamos realmente.

Si Ninja Scroll era una katana que cortaba mitos de samuráis, Wicked City es un callejón húmedo iluminado por neones, donde demonios y humanos negocian la supervivencia y la lujuria con la misma moneda. Y, como toda obra de Kawajiri, lo que parece un simple pacto de paz se convierte en un festival de cuerpos retorcidos, metamorfosis horrendas y escenas que aún hoy incomodan a quienes creen que la animación es solo para niños.

Bienvenidos una vez más a este rincón de Retrocultura Activa, donde celebramos esos mitos animados que tus padres jamás habrían aprobado… pero que igual encontraste. Cerrá la puerta, corré las cortinas mentales y preparate: hoy volvemos a ese Tokio infernal donde humanos y demonios se cruzan en la noche para recordarte que, a veces, lo verdaderamente prohibido no se esconde en los sueños, sino justo frente a tus ojos.

Entre noir y horror corporal

Wicked City no es una simple historia de buenos contra malos. Es un noir existencial empapado de sudor y fluidos, donde la frontera entre deseo y peligro se borra cada vez que Makie transforma su cuerpo en trampa o cuando un demonio surge de un ascensor, fundiéndose con paredes y víctimas. Kawajiri convierte cada escena erótica en una emboscada de pesadilla, donde el sexo y la muerte bailan pegados y los cuerpos no obedecen reglas humanas.

Para entender por qué esta película impactó tanto hay que volver a esos años ochenta, cuando la animación japonesa empezaba a mostrar su filo más adulto. Mientras en Occidente la mayoría veía al anime como “dibujos animados para chicos”, en Japón ya se gestaban obras que tomaban el erotismo y la violencia como materia prima. Kawajiri no inventó la fórmula, pero la llevó a una crudeza visual que pocos se atrevieron a replicar.

En Wicked City, el erotismo no es solo un recurso narrativo, sino que resulta ser una grieta en la carne, un recordatorio de que el cuerpo humano es débil, maleable e incluso corruptible. Makie encarna esa idea: protectora y a la vez predadora, aliada y enemiga de Taki, mitad amante y mitad avispa letal. El guion juega todo el tiempo con esa tensión. ¿Se puede confiar en alguien que en cualquier momento puede transformarse en tu peor pesadilla? ¿Se puede amar a un monstruo? Kawajiri responde dejando que lo tácito sea siempre incómoda.

Un festín de sombras, neón y mutaciones

Visualmente, la película es un banquete de sombras, luces de neón y pasillos que respiran. Cada transformación demoníaca es casi artesanal, con cuerpos que se abren, lenguas que serpentean como cables eléctricos, insectos que anidan donde no deberían. Esta imaginería conecta con lo que David Cronenberg exploraba en sus filmes de horror corporal, exponiendo a la carne como terreno de exploración y repulsión.

Pero Yoshiaki Kawajiri le suma algo típicamente japonés, como la fusión con el folklore y la mitología, filtrada a través de una ciudad moderna. No hay castillos góticos ni cementerios, sino oficinas, hoteles, autopistas. El mal se esconde en el ascensor de tu edificio o en un bar decadente, camuflado bajo un vestido ajustado y una sonrisa húmeda.

Cyberpunk sin implantes, pero con suciedad

Muchos relacionan Wicked City con el auge del cyberpunk japonés. Aunque no hay implantes mecánicos ni redes virtuales, la atmósfera es hermana de Akira, Bubblegum Crisis o Cyber City Oedo 808, esta última también dirigida por Kawajiri. Hay una ciudad indiferente que traga cuerpos y los escupe retorcidos. Hay detectives que no duermen, neón que ilumina charcos de sangre y un sexo siempre latente como energía sucia, imposible de apagar.

El guion de Kikuchi, adaptado por Kawajiri, funciona como un thriller de conspiraciones: agentes dobles, traiciones, facciones en guerra. Pero donde otra historia hubiera optado por explicar en detalle la política entre mundos, Wicked City elige sumergirnos en una atmósfera que dice más que cualquier parlamento. La tensión se construye entre jadeos, disparos y tentáculos que se deslizan por habitaciones de hotel.

El jazz sucio que acompaña el horror

El apartado musical potencia esa oscuridad. La banda sonora, con sintetizadores ásperos y saxos que gimen como gatos callejeros, convierte la ciudad en una trampa húmeda de asfalto y pecado. Es una película que pide ser vista a medianoche, cuando uno duda de qué se esconde tras la puerta del pasillo.

Hoy es fácil rastrear la influencia de Wicked City. No solo en la obra posterior de Yoshiaki Kawajiri —que repetiría cuerpos mutantes y erotismo incómodo en Demon City Shinjuku, Ninja Scroll y su segmento Program de The Animatrix— sino también en toda una generación de fanáticos del horror y la ciencia ficción. Su ADN se ve en videojuegos que exploran la coexistencia entre lo humano y lo monstruoso, como Parasite Eve, Silent Hill, Resident Evil… todos comparten esa herencia de la carne traicionera.

Un VHS clandestino que nunca muere

En Occidente, Wicked City fue una especie de VHS de culto. Muchos la vieron editada, recortada o con subtítulos hechos en fotocopias casi ilegibles. Pero eso no detuvo su expansión. Al contrario, había un rumor de que existía una versión “más explícita” que multiplicaba el poder de la leyenda. En convenciones de anime de los noventa, siempre había alguien vendiendo copias clandestinas, prometiendo escenas que tu imaginación rellenaba con más horror del que realmente mostraba.

Una parte fascinante de Wicked City es que nunca fue pensada para todos. No es una historia amable ni se preocupa por la corrección política. Hay escenas que hoy serían polémicas incluso dentro del fandom del anime adulto. Y sin embargo, ahí radica parte de su atractivo, al mostrar lo que “no se debe” mostrar, en jugar con la incomodidad como elemento narrativo, en recordarnos que la animación puede molestar, perturbar y dejar preguntas abiertas cuando se apagan los créditos.

El legado: Kawajiri y su frontera peligrosa

A nivel técnico, la película es un testamento de la era dorada del celuloide pintado a mano. Cada mutación, cada plano de la ciudad iluminada por tubos fluorescentes, cada gota de sudor dibujada con precisión, habla de un oficio que se hacía sin atajos digitales. Hoy, cuando la animación depende de retoques y filtros, Wicked City resalta como pieza casi artesanal.

En Japón, Wicked City forma parte de una trilogía espiritual con Demon City Shinjuku y Cyber City Oedo 808. No porque compartan personajes, sino porque exploran la misma pulsión, esa urbe como pesadilla viva, el héroe solitario que se hunde en un mundo de criaturas que lo superan, y una atmósfera que mezcla lo sobrenatural con el crimen organizado y la corrupción moral.

Casi cuatro décadas después, este exponente del anime adulto sigue ahí, esperando a ser descubierto por quien se atreva. No hay remake, ni live action ni versión suavizada que haya conseguido domesticarla. Es un pacto secreto que se renueva cada vez que alguien vuelve a darle play en la madrugada, buscando un tipo de placer incómodo, una pesadilla elegante que se mete bajo la piel.

Para quienes crecieron viendo esta película en copias pirateadas, Wicked City sigue siendo la prueba de que la animación puede mostrar lo que la carne real no se atreve a filmar. Y ahí, entre sombras y neón, Makie y Taki siguen custodiando esa frontera. Un umbral que se abre solo para quienes aceptan mirar la ciudad torcida detrás de la ciudad normal. Una ciudad que nunca duerme. Una ciudad que nunca se limpia.

El filme tuvo su primer contacto con el público y la crítica mundial durante su estreno en la Sección Oficial del Festival de Cannes, donde compitió por la Palma de Oro. Posteriormente, el largometraje se proyectó el 2 de agosto en el Atlàntida Mallorca Film Fest, el principal certamen de cine independiente del Mediterráneo. Este paso por festivales ha sido complementado por la selección de Los sudarios como la segunda mejor película de género del año, según publicó Variety, afianzando aún más la expectación en torno a la obra.

Los sudarios introduce al espectador en la vida de Karsh (interpretado por Vincent Cassel), un importante empresario tecnológico de 50 años que, tras perder a su esposa (Diane Kruger), se sumerge en una etapa de duelo insoportable. En su búsqueda por procesar el dolor y superar la ausencia, inventa GraveTech, un sistema capaz de mostrar a los vivos la descomposición de los cadáveres de sus seres queridos, encerrados todavía en sus mortajas bajo tierra. La ficción cobra un giro inesperado cuando varias tumbas —incluida la de su esposa— sufren actos de vandalismo. Karsh se obsesiona con descubrir quién y por qué ataca el lugar de descanso de sus muertos, iniciando una investigación marcada por la paranoia y el sufrimiento.

Cronenberg y la pérdida

El trasfondo emocional de la película se sustenta en la propia experiencia de David Cronenberg. En 2017, el cineasta perdió a su esposa Carolyn, un hecho que lo sumió en una etapa de duelo que encontró su cauce en el guion de Los sudarios. El director explicó que la necesidad irracional de no perder el contacto físico con la persona fallecida lo llevó a imaginar la tecnología ficticia que vertebra la historia del film. “Después de que mi esposa muriera, la gente me preguntaba cómo me sentía, y me di cuenta de que me respondía a mí mismo con esa misma pregunta: ‘¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar en la oscuridad?’”, declaró Cronenberg, en declaraciones recogidas por Variety.

La película, comenta el realizador, funciona como una ventana a las obsesiones tanto emocionales como conceptuales que han definido su obra. En palabras del director durante la presentación en Cannes y reflejadas por Variety, la tecnología presentada en la película, “aunque pueda parecer mórbida o grotesca desde fuera, para alguien en duelo resulta casi saludable, una forma de sobrevivir a la desesperación”. El núcleo de la idea permanece intacto a lo largo del metraje: “el cuerpo es la realidad”, opina Cronenberg, y eso incluye la carcasa vacía que deja la muerte.

El estreno de Los sudarios refuerza el estatus de David Cronenberg como figura fundamental en el cine contemporáneo. Desde sus obras de los años setenta —como Rabia—, pasando por la revolución visual y conceptual de “Videodrome” o hitos como La mosca y Crash, Cronenberg se ha especializado en hacer del cuerpo humano el campo de batalla de cuestiones sociales y existenciales. Ahora, esta corriente temática encuentra quizá su máxima expresión personal en Los sudarios, donde la imaginería del horror corporal se funde de modo inédito con la vulnerabilidad y la sinceridad.

La película genera elevada anticipación a días de su estreno, tanto entre el público como entre la crítica especializada, dadas sus credenciales en festivales y el testimonio personal que la impulsa. El lanzamiento nacional tendrá lugar en una plataforma cuyo público ha mostrado interés continuado por el cine de autor y las propuestas arriesgadas, asegurando así una recepción expectante y atenta.

Kristen Stewart comenzó a construir su carrera en el cine desde muy joven, destacándose en producciones que le permitieron exhibir su versatilidad desde el inicio. En La habitación del pánico compartió escena con Jodie Foster, interpretando a una hija atrapada en un violento robo domiciliario. Poco después, siguió sumando proyectos como Speak, donde encarnó a una adolescente lidiando con las secuelas de un trauma, y Zathura: Una aventura espacial, una proyecto de ciencia ficción orientada al público juvenil.

A pesar de estos primeros trabajos, probablemente fue con la saga Crepúsculo donde encontró su puerta de entrada al reconocimiento global. Su interpretación de Bella Swan la ubicó en el centro de uno de los fenómenos cinematográficos más influyentes de la cultura pop de principios de siglo. El personaje, convertido en un símbolo de las adaptaciones juveniles, le generó tanto admiración como críticas, pero también la consolidó como una figura clave de su generación.

En los últimos años, con una carrera marcada por aciertos y algunos tropiezos, Stewart ha seguido ampliando su portafolio actoral con propuestas muy distintas entre sí. Ha participado en superproducciones como Amenaza en lo profundo y Ángeles de Charlie, pero también se ha volcado al cine independiente con títulos como Campamento Rayos X y Vigilando a Jean Seberg, donde asumió personajes complejos y desafiantes. Además, recientemente dio un paso importante en su carrera al presentar en el Festival de Cannes The Chronology of Water, su debut como directora de largometrajes, confirmando su interés por expandir sus límites dentro de la industria cinematográfica. A continuación, haremos un breve repaso por los proyectos imperdibles de la actriz.

Siempre Alice (Still Alice)

En 2014, Kristen Stewart fue parte de Siempre Alice, el drama dirigido por Richard Glatzer (el responsable del largometraje Heartstopper) y Wash Westmoreland (Colette: liberación y deseo). La película sigue a Alice Howland, una profesora de lingüística que, justo cuando atraviesa un gran momento profesional, recibe el diagnóstico de Alzheimer de inicio temprano. A partir de ahí, el film muestra cómo la enfermedad impacta tanto en su vida cotidiana como en la de su familia, que debe aprender a acompañarla en un proceso difícil y lleno de cambios.

En la historia, Stewart interpreta a Lydia, la hija menor de Alice. Al principio, la relación entre madre e hija es distante y marcada por las diferencias, pero a medida que avanza la enfermedad, se produce un acercamiento emocional que da lugar a algunos de los momentos más íntimos del audiovisual. Junto a Julianne Moore —quien fue ampliamente reconocida por este trabajo y obtuvo el Oscar a mejor actriz—, Stewart aporta una interpretación sobria y sensible, aportando otra capa de profundidad a esta historia sobre el vínculo familiar frente a la adversidad.

Spencer

En pleno auge de los biopics, Spencer se convirtió en uno de los papeles más significativos en la carrera de Kristen Stewart. La historia narra un fragmento de la vida de Diana Spencer, enfocándose en un fin de semana crucial durante las fiestas navideñas que la princesa pasa junto a la familia real en la finca de Sandringham. A través de un relato íntimo, el largometraje se adentra en los conflictos internos, las presiones mediáticas y el aislamiento que marcaron la vida de Lady Di en sus últimos años dentro de la monarquía británica.

El largometraje fue dirigido por Pablo Larraín, quien también se encargó de la producción, y cuyo trabajo en el género ya había sido reconocido anteriormente en títulos como Jackie, centrado en Jacqueline Kennedy con Natalie Portman como protagonista, y más recientemente en Maria, sobre la vida de la soprano Maria Callas con Angelina Jolie. Con Spencer, Larraín volvió a proponer una mirada personal y profunda sobre figuras femeninas que enfrentaron la exposición pública y las exigencias de su entorno.

La interpretación de Stewart recibió una fuerte atención de la crítica, destacándose por su transformación física y emocional en el papel de Diana. Su actuación le valió múltiples nominaciones, entre ellas al Oscar y al Globo de Oro, consolidando su prestigio como actriz capaz de asumir personajes complejos y alejados de sus trabajos anteriores. El largometraje, además, fue valorado por su propuesta visual, su enfoque psicológico y su capacidad para humanizar a una de las figuras más observadas del siglo XX.

Crimes of the Future

Crimes of the Future marcó el regreso de David Cronenberg al género que ayudó a definir: el body horror. En esta ocasión, el director reunió a un elenco encabezado por Viggo Mortensen, Léa Seydoux y Kristen Stewart para desarrollar una historia inquietante y provocadora. Cronenberg ya había explorado estas temáticas en varias de sus producciones anteriores, como Videodrome o The Fly, donde el cuerpo humano y sus mutaciones son el centro del conflicto y la reflexión.

El largometraje nos traslada a un futuro donde la evolución biológica ha comenzado a alterar de forma radical a los seres humanos, permitiéndoles desarrollar nuevos órganos y experimentar el dolor de maneras completamente distintas. En este contexto, el personaje de Stewart, una funcionaria del Registro Nacional de Órganos, se ve inmersa en un mundo donde el arte, la cirugía y la transformación física se entrelazan de forma perturbadora. La película, fiel al estilo del director, ofrece una mirada incómoda pero fascinante sobre la relación entre el cuerpo, la tecnología y el deseo de trascender los propios límites biológicos.

Amor, Mentiras y Sangre (Love Lies Bleeding)

En Love, Lies, Bleeding, Stewart vuelve a apostar por un proyecto diferente, esta vez bajo la dirección de Rose Glass (responsable de Saint Maud). La historia se sitúa en el mundo del fisicoculturismo y el crimen, donde la actriz interpreta a Lou, una mujer que administra un gimnasio en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Todo cambia cuando conoce a Jackie, una joven fisicoculturista con grandes ambiciones, y entre ambas surge una intensa relación que pronto se ve atravesada por secretos, violencia y dilemas familiares.

El largometraje combina elementos de thriller, drama y romance, construyendo un relato cargado de tensión y pasión. La actuación de Stewart fue nuevamente destacada por la crítica, especialmente por su capacidad para transmitir la complejidad emocional de un personaje atrapado entre el deseo y el peligro. Con esta producción, la actriz sigue consolidando su interés por proyectos arriesgados y personajes que escapan de los moldes convencionales.

Café Society

Si bien podríamos seguir explorando sus trabajos en títulos como el romance Love Me o la comedia Happiest Season, para cerrar este pequeño recorrido mencionamos Café Society, una de las colaboraciones más comentadas de Kristen Stewart con el director Woody Allen. Ambientada en el Hollywood de los años 30, la historia sigue a Bobby, un joven neoyorquino que se traslada a Los Ángeles con la esperanza de abrirse camino en la industria del cine. Allí conoce a Vonnie, interpretada por Stewart, una secretaria con la que inicia un vínculo tan encantador como complicado.

El largometraje se apoya en una estética cuidada y en una narración melancólica sobre el amor, las decisiones y los caminos que no se toman. La interpretación de Stewart se destaca por su naturalidad y por cómo logra capturar la fragilidad emocional de su personaje, en una etapa de su carrera en la que empezaba a distanciarse del estigma post-Crepúsculo.

Sin dudas, ahora con su faceta como directora de largometrajes, será interesante ver hacia dónde continúa la carrera de Kristen Stewart. Después de haber transitado distintos géneros, formatos y personajes a lo largo de los años, su presente muestra a una artista que no teme salir de su zona de confort y que sigue apostando por proyectos que desafían tanto al público como a ella misma.

La película, estrenada en 2011, está ambientada en 1902 y explora la relación entre dos figuras fundamentales de la psicología: Carl Gustav Jung, interpretado por Fassbender, y Sigmund Freud, encarnado por Mortensen. Knightley asumió el papel de Sabina Spielrein, una paciente de Jung que más tarde se convirtió en una pionera del psicoanálisis. El personaje de Spielrein, complejo y cargado de matices, presentaba desafíos significativos, ya que incluía aspectos de su vida íntima y psicológica, como su excitación sexual al ser azotada, un tema central en la narrativa del filme.

Una audición fuera de lo común

De acuerdo con lo relatado por Knightley en una entrevista en The Graham Norton Show, la audición para el papel de Sabina Spielrein fue particularmente incómoda debido a las exigencias del director. La actriz explicó que tuvo que conectarse con Cronenberg a través de Skype para mostrarle las expresiones faciales que había preparado para las escenas más íntimas del personaje. “Fue terrible en todos los sentidos porque no lo conocía. Fue como: ‘Hola, encantada de conocerte’. Y, de repente, me pidió: ‘Oye, ¿cuáles son tus caras de sexo?‘”, recordó Knightley.

La situación se tornó aún más extraña cuando, en medio de la videollamada, la conexión de Skype se congeló mientras la actriz realizaba una de las expresiones solicitadas. Knightley describió el momento como surrealista, ya que previamente había ensayado esas mismas expresiones frente a un espejo, lo que añadió un nivel adicional de incomodidad a la experiencia.

El desafío de interpretar a Sabina Spielrein

El papel de Sabina Spielrein representó un reto significativo para Knightley, por las exigencias emocionales del personaje y por la naturaleza de las escenas que debía interpretar. Spielrein, una figura histórica real, fue una paciente de Jung que, tras superar sus propios conflictos psicológicos, se convirtió en una de las primeras mujeres en practicar el psicoanálisis. Su relación con Jung y Freud, así como su contribución al desarrollo de la psicología, son elementos clave en la trama de “Un método peligroso”.

La película, dirigida por Cronenberg, recibió elogios de la crítica por su enfoque en los aspectos psicológicos y emocionales de sus personajes. Según reportó Sensacine, la producción obtuvo una puntuación de 76 en Metacritic, lo que refleja una recepción mayoritariamente positiva. Aunque no logró una nominación al Oscar, la película aumentó la reputación de Knightley como una actriz capaz de asumir papeles complejos y desafiantes.

Una carrera marcada por el reconocimiento

Antes de su participación en “Un método peligroso”, Keira Knightley ya había sido reconocida por su talento actoral con una nominación al Oscar en 2006 por su interpretación de Elizabeth Bennet en “Orgullo y prejuicio” (2005). Posteriormente, en 2015, recibió su segunda nominación por su papel de Joan Clarke en “The Imitation Game” (2014), donde interpretó una clave matemática en el equipo que descifró el código Enigma durante la Segunda Guerra Mundial.

La trayectoria de Knightley incluye una amplia gama de personajes en géneros diversos, desde películas de época hasta producciones contemporáneas. Su capacidad para abordar roles complejos y emocionalmente exigentes ha sido una constante en su carrera, y su experiencia en “Un método peligroso” es un ejemplo más de su compromiso con la interpretación.

La visión de Cronenberg y el impacto del filme

David Cronenberg, conocido por su estilo único y su interés en temas psicológicos y corporales, aportó su visión característica a “Un método peligroso”. La película no solo explora las relaciones personales entre Jung, Freud y Spielrein, sino que también profundiza en los orígenes del psicoanálisis y en las tensiones intelectuales entre sus fundadores. La dirección de Cronenberg, combinada con las actuaciones de Knightley, Fassbender y Mortensen, resultó en una obra que sigue siendo grabada por su profundidad y su tratamiento de temas complejos.

A pesar de las dificultades iniciales que enfrentó Knightley durante la audición, su desempeño en la película fue ampliamente reconocido, consolidando su posición como una de las actrices más destacadas de su generación. La experiencia, aunque incómoda, se convirtió en una anécdota que la actriz ha compartido en diversas ocasiones, destacando tanto los desafíos como las recompensas de su trabajo en la industria cinematográfica.

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La magia de los efectos prácticos: artesanos y fantasía ochentosa antes del CGI

La década de los ochenta fue una época dorada para los efectos prácticos en el cine. Antes de que el CGI (Computer Generated Imagery) revolucionara la industria, el arte del maquillaje, las miniaturas y la animatrónica permitieron a los cineastas dar vida a sus mundos de terror, fantasía y ciencia ficción de manera tangible y memorable. Cada monstruo, criatura o transformación reflejaba la habilidad artesanal de los equipos detrás de cámaras, creando una conexión real entre los personajes y los espectadores.

En este artículo, exploraremos cómo el ingenio y el talento de los artistas de efectos prácticos definieron esta década, centrándonos en las películas, técnicas y creadores que dejaron una huella imborrable.

El impacto de lo tangible: los efectos prácticos como arte

Lo que hacía únicos a los efectos prácticos era su textura, peso y realismo. Los monstruos no solo se veían reales, sino que también parecían ocupar el mismo espacio que los actores, interactuando directamente con ellos. Esta tangibilidad no solo intensificaba la experiencia del público, sino que también exigía una destreza única por parte de los creadores, quienes trabajaban con materiales como látex, silicona y sistemas hidráulicos.

Frente al reto de crear criaturas y escenarios convincentes, los especialistas como Stan Winston, Rick Baker y Rob Bottin dedicaron horas interminables a perfeccionar cada detalle, logrando que sus obras fueran más que simples trucos visuales: eran auténticas obras de arte.

Íconos del terror: monstruos inolvidables de los ochenta

En los años ochenta, el cine de terror vivió una época dorada gracias a la creación de monstruos que trascendieron la pantalla, dejando una huella imborrable en la cultura popular. En The Thing (1982), dirigida por John Carpenter, el diseño de la criatura alienígena fue un logro revolucionario de Rob Bottin, quien llevó los efectos prácticos al límite. Con el uso de látex, silicona y animatrónica, Bottin logró mutaciones grotescas y perturbadoras que no solo mostraban el horror físico, sino que también capturaban la esencia de la paranoia y la desconfianza entre los personajes, elementos clave de la narrativa. Cada transformación, cuidadosamente construida, sumergió al público en un espectáculo visceral que convirtió a The Thing en un pilar del género.

Por otro lado, An American Werewolf in London (1981) destacó por su enfoque único en la metamorfosis del protagonista, una de las más impactantes de la historia del cine. Rick Baker, pionero en efectos de maquillaje, diseñó un proceso de transformación que mostraba con doloroso detalle el cambio de hombre a lobo, utilizando prótesis y animatrónica de manera innovadora. La escena, filmada sin cortes digitales, ofreció un realismo aterrador que le valió a Baker el primer Óscar a Mejor Maquillaje, inaugurando así una categoría que reconocería el arte detrás del horror.

Finalmente, The Fly (1986), dirigida por David Cronenberg, exploró el horror corporal en su máxima expresión con la trágica transformación de Seth Brundle, interpretado magistralmente por Jeff Goldblum. A medida que el científico se convierte en un híbrido humano-mosca, los efectos prácticos de Chris Walas mostraron cada etapa de su degradación física y emocional, desde pequeñas mutaciones hasta su aterradora forma final. El maquillaje y las prótesis no solo capturaron lo grotesco, sino que también transmitieron el profundo dolor del personaje, logrando que su monstruosa metamorfosis resultara tanto perturbadora como conmovedora.

Estas tres películas no solo redefinieron los estándares del terror, sino que también demostraron cómo los efectos prácticos podían convertirse en una poderosa herramienta narrativa, consolidando a sus criaturas como íconos inmortales de una década legendaria.

Fantasía y aventuras: la magia de los efectos prácticos

Durante esta década, la industria del cine experimentó una revolución en la creación de mundos fantásticos, gracias a la maestría de creadores como Jim Henson, quien no solo transformó la manera en que entendemos las marionetas, sino que introdujo un nivel de realismo y complejidad nunca antes visto. Con Labyrinth (1986), Henson logró crear un universo único y mágico, donde marionetas y criaturas animatrónicas cobraban vida con una fluidez impresionante. Personajes como el amable Ludo y el astuto Hoggle no solo eran creados con una atención al detalle excepcional, sino que sus movimientos y personalidades estaban tan cuidadosamente desarrollados que parecían poseer una existencia propia, lo que otorgó a la película un encanto atemporal.

Este enfoque, en el que la animatrónica y la marioneta se fusionaban de manera orgánica, se convirtió en un sello distintivo del cine de Henson, que no solo apuntaba a entretener, sino también a sumergir al espectador en un mundo donde lo fantástico y lo tangible se entrelazaban perfectamente. A la par, The NeverEnding Story (1984), basada en la novela de Michael Ende, ofreció un viaje igualmente impresionante hacia el reino de Fantasía, un lugar donde criaturas como el dragón Fújur y el temible lobo Gmork cobraban vida gracias a una combinación de animatrónica avanzada y maquetas detalladas. Estas criaturas interactuaban de manera tan realista con los actores que no solo daban forma a la narrativa, sino que permitían que el público creyera realmente en ese universo fantástico.

Al igual que Labyrinth, esta película también dependió de los efectos prácticos para construir un mundo visualmente impresionante, donde la magia no solo se encontraba en la historia, sino en la propia materialidad de los seres que la habitaban. En un tono similar, The Dark Crystal (1982), otra obra maestra de Henson junto a Frank Oz, mostró hasta dónde podían llegar los efectos prácticos para crear un universo completamente ajeno al nuestro, habitado por criaturas como los Skeksis y los Mystics, todas ellas marionetas meticulosamente diseñadas y articuladas. En esta película, la ausencia de actores humanos y la total dependencia de la marioneta para transmitir emociones y narrar la historia mostró un avance tecnológico y artístico asombroso, logrando una atmósfera tan única que la hace perdurar en la memoria de quienes la ven.

Estas tres películas no solo marcaron un hito en el cine de fantasía, sino que también demostraron el poder de los efectos prácticos, desde la marioneta hasta la animatrónica, para construir mundos que siguen siendo tan fascinantes hoy como lo fueron en su estreno.

Ciencia ficción: entre la maravilla, el espacio y el temor

Los efectos prácticos en el cine alcanzaron una madurez y sofisticación que marcaron la diferencia entre lo meramente espectacular y lo profundamente inolvidable. En este periodo, figuras como Stan Winston, Carlo Rambaldi y los equipos de diseño de películas como Aliens (1986), E.T. the Extra-Terrestrial (1982) y RoboCop (1987) crearon algunas de las criaturas más icónicas de la historia del cine, cada una aportando una carga emocional única que trascendió la simple visualidad para convertirse en parte fundamental de la narrativa.

En Aliens, dirigida por James Cameron, la Reina Alien se presentó como una de las creaciones más impresionantes de la época. Diseñada por Stan Winston, la criatura no solo fue una maravilla técnica por su mezcla de animatrónica y sistemas hidráulicos, sino que representó una auténtica amenaza palpable en pantalla. Su tamaño colosal y sus movimientos fluidos creaban una sensación de desmesura que aterrorizaba tanto a los personajes como al público. Lo impresionante no solo era el diseño visual de la Reina, sino su interacción directa con los actores, lo que permitía una tensión palpable en cada escena. Esta criatura, que parecía respirar, moverse y pensar por sí misma, se convirtió en una de las representaciones más aterradoras y realistas del cine de ciencia ficción y horror, consolidando a Winston como uno de los más grandes diseñadores de criaturas en la historia del cine.

En una dirección completamente distinta, pero igualmente memorable, E.T. the Extra-Terrestrial de Steven Spielberg presentó a un extraterrestre cuya ternura y humanidad se lograron gracias al trabajo del maestro Carlo Rambaldi. E.T., diseñado como una marioneta con una sorprendente capacidad para expresar emociones a través de gestos faciales y movimientos delicados, logró conectar con el público de una manera que pocos personajes ficticios habían logrado hasta ese momento. La complejidad de su diseño, que permitía que E.T. mostrara tristeza, alegría y desesperación con una mirada, convirtió al personaje en un ícono universal. Aunque su apariencia era completamente ajena a cualquier forma humana, su capacidad para comunicar sentimientos profundos hizo que fuera imposible no identificarse con él, dejando una marca indeleble en la historia del cine.

Por otro lado, RoboCop, dirigida por Paul Verhoeven, nos ofreció una visión distópica del futuro a través del trágico personaje de Alex Murphy, un policía convertido en cyborg. El diseño de RoboCop, supervisado por Ed Neumeier y Phil Tippett, fusionó prótesis y maquillaje para crear una figura de apariencia humana atrapada dentro de una máquina de guerra. La brutalidad de este proceso de transformación, sumado a la deshumanización que sufría Murphy, se reflejaba no solo en su imponente aspecto metálico, sino también en sus gestos y movimientos.

RoboCop no solo era una figura intimidante, sino también un símbolo del conflicto entre la humanidad y la tecnología, un tema que resonó profundamente en el cine de los ochenta y que sigue siendo relevante hoy. La mezcla de maquillaje, prótesis y efectos especiales proporcionó una sensación de lo grotesco y lo trágico en igual medida, mostrando cómo una creación visual puede expresar conceptos tan complejos como la pérdida de la identidad y la lucha interna.

Estas tres películas no solo marcaron tendencias en el uso de efectos prácticos, sino que también contribuyeron a moldear la narrativa cinematográfica de la época, mostrando cómo los monstruos, las criaturas y los personajes artificiales pueden ir más allá de la mera estética y convertirse en portadores de emociones universales. Cada uno de estos trabajos no solo son un testamento a la destreza técnica de sus creadores, sino también a la capacidad de las criaturas y los efectos para enriquecer y profundizar la experiencia cinematográfica.

Un legado que desafía el tiempo

Aunque el CGI domina el cine moderno, los efectos prácticos de los ochenta mantienen su lugar especial en la historia del séptimo arte. La combinación de técnicas prácticas y digitales en películas recientes como Mad Max: Fury Road y Star Wars: The Force Awakens demuestra que lo tangible sigue siendo vital para transmitir realismo y emoción.

El trabajo artesanal de artistas como Winston, Baker y Bottin no solo asombró a una generación, sino que también inspiró a nuevos cineastas a preservar la magia de lo real. Hoy, los monstruos y criaturas de los ochenta permanecen como testigos de una era en la que el cine era una verdadera alquimia de creatividad y dedicación.

Rabat, 7 dic (EFE).- La XXI edición del Festival Internacional de Cine de Marrakech concluyó con la coronación de la película palestina 'Happy Holidays' de Scandar Copti, que ganó la Estrella de Oro y un premio doble a la mejor interpretación femenina.

El presidente del jurado, el director italiano Luca Guadagnino, anunció los ganadores durante esta edición, que se destacó por una asistencia récord de 40.000 espectadores, incluidos 7.500 niños y adolescentes.

Dirigida por Scandar Copti, 'Happy Holidays' es un drama contemporáneo ambientado en Haifa (Israel), que narra cómo un incidente simple conecta los destinos de cuatro personajes, destacando las complejas relaciones entre hombres y mujeres, generaciones y culturas.

El Premio del Jurado fue compartido entre 'La Quinta', de Silvina Schnicer (Argentina), y 'El Pueblo Vecino del Paraíso', de Mo Harawi (Somalia).

El premio a la mejor dirección fue para Damian Koker por su película 'Bajo el Volcán' (Polonia).

Manar Shehab y Wafaa Aoun recibieron el premio doble a la mejor interpretación femenina por sus roles en 'Happy Holidays'.

Roman Lutskyi ganó el premio al mejor actor por su actuación en 'Bajo el Volcán'.

El festival también rindió homenaje a figuras destacadas del cine marroquí e internacional. La fallecida Naima El Mcherqui fue honrada en una emotiva ceremonia.

Otro momento destacado fue el homenaje al gigante del cine mundial Sean Penn, quien recibió la Estrella de Oro de manos de la actriz italiana Valeria Golino.

David Cronenberg también fue homenajeado por su excepcional contribución al cine. En su discurso, Cronenberg destacó el honor de intentar dar sentido al mundo a través del arte cinematográfico.

La XXI edición del Festival de Marrakech proyectó 71 películas de 32 países en sus seis secciones programáticas. Doce películas del programa oficial recibieron apoyo de los 'Talleres del Atlas', un programa de la industria cinematográfica lanzado en 2018 para apoyar a los talentos emergentes. EFE

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Guy Pearce es uno de los actores más versátiles y subestimados de su generación. Su trayectoria, marcada por una gran diversidad de personajes, abarca desde thrillers psicológicos hasta dramas históricos y películas de ciencia ficción.

Su reciente papel en The Brutalist lo llevó a una nominación al Oscar, consolidando su reputación como un intérprete capaz de dar vida a villanos convincentes y multidimensionales.

A lo largo de su carrera, Pearce ha trabajado con directores de la talla de Christopher Nolan, Ridley Scott y David Cronenberg, en películas que han dejado huella en el cine contemporáneo.

En este recorrido, repasamos algunas de sus actuaciones más memorables según GQ, desde su enigmático papel en Memento hasta su más reciente éxito como antagonista en The Brutalist.

El brutalista (The Brutalist, 2024)

En The Brutalist, dirigida por Brady Corbet, Pearce interpreta a un empresario rico y temperamental que se cruza en la vida de un arquitecto sobreviviente del Holocausto.

La película sigue la odisea de este arquitecto en su intento de reconstruir su carrera en Estados Unidos, mientras enfrenta obstáculos y dilemas morales impuestos por el personaje de Pearce.

Su interpretación de un hombre de poder con motivaciones ambiguas y una personalidad implacable le ha valido una nominación al Oscar, destacando su capacidad para encarnar figuras complejas y perturbadoras.

Memento (2000)

Uno de los papeles más icónicos de Pearce llegó con Memento, el thriller psicológico de Christopher Nolan que revolucionó la narrativa cinematográfica.

En la película, el actor interpreta a Leonard Shelby, un hombre que sufre de amnesia anterógrada y busca venganza por la muerte de su esposa.

La historia, contada de manera no lineal, se convierte en un rompecabezas en el que Pearce ofrece una actuación cautivadora, equilibrando la vulnerabilidad de su personaje con una creciente obsesión por descubrir la verdad.

The Shrouds (2024)

Bajo la dirección de David Cronenberg, Pearce forma parte del elenco de The Shrouds, junto a Vincent Cassel y Diane Kruger.

La película sigue la historia de Karsh, un innovador empresario en duelo por la muerte de su esposa, quien crea un dispositivo revolucionario que le permite comunicarse con los muertos.

Si bien la premisa se mantiene en el terreno de la ciencia ficción y el horror psicológico, la presencia de Pearce añade un matiz intrigante a la historia, reforzando su capacidad para moverse entre géneros y personajes con facilidad.

Prometeo (Prometheus, 2012)

Pearce también dejó su huella en el universo de Alien al interpretar a Peter Weyland, el visionario pero despiadado fundador de la corporación Weyland-Yutani.

En Prometheus, dirigida por Ridley Scott, su personaje es el artífice de la misión para descubrir los orígenes de la humanidad, lo que lo lleva a enfrentarse a fuerzas más allá de su control.

El Conde de Monte Cristo (The Count of Monte Cristo, 2002)

En esta adaptación de la novela de Alejandro Dumas, Pearce interpreta a Fernand Mondego, el traicionero aristócrata que condena a Edmond Dantès a prisión para quedarse con su prometida y su fortuna.

Con una actuación que oscila entre la arrogancia y la desesperación, Pearce ofrece un antagonista inolvidable que encarna la corrupción y la envidia en esta historia de venganza y redención.

El cazador (The Rover, 2014)

En este thriller postapocalíptico dirigido por David Michôd, Pearce comparte pantalla con Robert Pattinson en una historia ambientada en un mundo devastado por el colapso económico.

Su personaje, un hombre solitario que emprende una violenta misión para recuperar su coche robado, demuestra su capacidad para interpretar figuras taciturnas y llenas de rabia contenida.

Con una actuación minimalista pero poderosa, Pearce logra transmitir una intensidad cruda y realista en esta distopía brutal.

Mare of Easttown (2021, serie de TV)

Más allá del cine, Pearce también ha destacado en la televisión, como en Mare of Easttown, la aclamada serie de HBO protagonizada por Kate Winslet.

En ella, interpreta a Richard Ryan, un escritor y profesor con un pasado turbulento que se convierte en interés romántico de la protagonista.

Su interpretación aporta profundidad y carisma a la serie, demostrando su talento para roles más matizados y emocionales.

A lo largo de los años, Guy Pearce ha demostrado ser un actor de gran versatilidad, capaz de encarnar tanto héroes atormentados como villanos carismáticos.

Con una carrera que abarca desde el cine independiente hasta los grandes éxitos de taquilla, Pearce sigue consolidándose como una figura imprescindible en la industria cinematográfica, siempre dispuesto a desafiarse a sí mismo y al público con cada nuevo papel.

David Cronenberg, el cineasta reconocido por su habilidad para explorar el lado más perturbador de la humanidad, ha dejado su huella en el cine con obras como Zona muerta (The Dead Zone - 1983), La mosca (The Fly - 1986), Una historia violenta (A History of Violence - 2005) y Promesas peligrosas (Eastern Promises - 2007). Su estilo distintivo, marcado por el body horror y el uso de efectos prácticos, lo convirtió en un referente del cine de género. Sin embargo, recientemente reveló que en su carrera rechazó dirigir una de las películas más icónicas de los años 80, decisión de la que asegura no haberse arrepentido.

Aunque pueda parecer curioso, Cronenberg confesó durante el Festival de Cine de Marrakech que, en 1983, le ofrecieron dirigir Flashdance, la icónica película que marcó a toda una generación con su visión del baile y la perseverancia. Aprovechando el evento para reflexionar sobre su carrera, el cineasta expresó un orgullo particular por haber rechazado este proyecto, destacando que fue una decisión tomada con absoluta determinación. Según sus palabras:“Quizás les sorprenda que los productores Don Simpson [Dos policías rebeldes, Top Gun] y Jerry Bruckheimer [Armageddon, Piratas del Caribe, Pearl Harbor] estuvieran totalmente convencidos de que yo era el indicado para dirigir”.

Sin embargo, el realizador admitió que no entendía por qué lo habían considerado para el proyecto. “Realmente no sé por qué pensaron que debía hacerlo, y finalmente tuve que decir que no. Les dije: ‘¡Destruiré su película si la dirijo!’”, comentó. Esta anécdota no solo refleja su autenticidad como creador, sino también su compromiso con mantener una visión fiel a su estilo, alejándose de propuestas que no encajarán con su identidad artística.

Si bien la carrera de David Cronenberg continuó de manera prolífica y coherente con su estilo único, Flashdance tomó un rumbo completamente diferente bajo la dirección de Adrian Lyne (Infidelidad, Aguas profundas, Alucinaciones del pasado). El largometraje se convirtió en un ícono cultural al narrar la historia de Alex Owens, interpretada por Jennifer Beals (Cuatro habitaciones, El libro de los secretos), una joven trabajadora con un gran talento para la danza que lucha por cumplir su sueño de ser admitida en una prestigiosa escuela de ballet. Acompañando a Beals, el reparto incluyó a Michael Nouri (Yellowstone) como Nick Hurley, su jefe y eventual interés romántico. Con una banda sonora memorable, liderada por éxitos como What a Feeling de Irene Cara, la película marcó una generación y se posicionó como uno de los títulos más recordados de los años 80, fusionando drama, música y baile en una narrativa que inspiró millones.

Inspirada en el cortometraje homónimo de 2010, Deus Irae sigue al Padre Javier, un sacerdote que transita la delgada línea entre el mundo humano y el reino de las tinieblas. Como miembro de una orden de clérigos excomulgados, lleva a cabo exorcismos de forma poco convencional, utilizando no solo oraciones, sino también armas como fuego y escopetas. La película plantea una inquietante pregunta: si la única forma de derrotar al Mal es transformarte en algo peor que él, ¿cuánta humanidad o cordura estás dispuesto a sacrificar en el proceso?

Deus Irae, financiada de manera independiente, marca el debut de Pedro Cristiani como director de largometrajes. Cristiani, también guionista del corto original y de la película de ciencia ficción Moebius (1996), describe el proyecto como una obra que busca “superar los límites visuales y narrativos” a través de efectos especiales que evocan el body horror característico de David Cronenberg. Según el propio realizador, los seis años que llevó completar la película la convirtieron en “una obra volátil, altamente estilizada y sin miedo”.

Tras su debut en la edición pasada del Festival de Mar del Plata, Deus Irae se prepara para su lanzamiento internacional. En Estados Unidos, la película estará disponible en formato Digital HD y llegará al catálogo de la plataforma de streaming SCREAMBOX el próximo 10 de diciembre.

Rabat, 30 oct (EFE).- La XXI edición del Festival Internacional de Cine de Marrakech, la cita cinematográfica más importante del país, que se celebrará entre el 29 de noviembre y el 7 de diciembre, rendirá homenaje al actor estadounidense Sean Penn y al director canadiense, David Cronenberg.

Según una nota de la organización del festival publicada este miércoles, se rendirá también homenaje póstumo a la actriz marroquí Naima Elmcherqui, importante figura del cine marroquí, que falleció el pasado 5 de octubre a los 81 años.

"El Festival eligió rendir homenaje a tres inmensos artistas, cuya contribución e influencia han marcado fuertemente, durante varias décadas, el panorama cinematográfico", se lee en la nota.

"Llevo años escuchando que el Festival de Cine de Marrakech es maravilloso, y ahora las estrellas finalmente se han alineado y voy. Lo que es aún más maravilloso es que no sólo tendré la oportunidad de descubrir el festival, sino también de recibir este magnífico y prestigioso premio por mi medio siglo de trabajo", dijo Cronenberg en declaración recogida por la nota.

El jurado de la actual edición del festival será presidido por el director danés Thomas Vinterberg.

En la anterior edición, presidida por la actriz estadounidense Jessica Chastain, la película "The mother of all lies" (La madre de todas las mentiras) de la marroquí Asmae El Moudir ganó la Estrella de Oro, siendo entonces la primera película marroquí en la historia del festival que ganaba este premio. EFE

No es ninguna novedad que 20th Century Studios está reviviendo algunas de sus propiedades más exitosas dentro del género terror. El reciente éxito de Alien: Romulus ha impulsado el desarrollo de una secuela y en el horizonte también se avecinan varios proyectos relacionados con el universo de Depredador. Pero eso no es todo, un nuevo informe revela que también se está trabajando en una nueva película ambientada en el universo de La mosca (The Fly, 1986), el exitoso largometraje dirigido por David Cronenberg.

Aunque el argumento del nuevo proyecto se mantiene en secreto, se indica que no se tratará de una secuela o de un reinicio del clásico de terror corporal, sino de una historia capaz de coexistir en el mismo mundo. La propuesta está siendo desarrollada por la cineasta Nikyatu Jusu, un talento emergente dentro del género de terror, quien también tiene en su agenda una secuela de La noche de los muertos vivientes (The Night of the Living Dead ,1968) y otro proyecto todavía sin título para Universal y Monkeypaw, la compañía productora de Jordan Peele.

Jusu es conocida principalmente por la cinta de terror psicológico Nanny, protagonizada por Anna Diop y Michelle Monaghan, que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival Sundance de 2022. Además de escribir el nuevo proyecto del universo de La Mosca, se espera que también lo dirija.

Basada en el relato corto de George Langelaan (que ya había sido adaptado en otra película protagonizada por Vincent Price en 1958), La Mosca de David Cronenberg se ha consolidado como un clásico del cine de terror y ciencia ficción. Protagonizada por Jeff Goldblum y Geena Davis, la película seguía los pasos de Seth Brundle, un científico brillante que experimenta con la teletransportación. Sin embargo, un error en su experimento fusiona su ADN con el de una mosca, iniciando una espeluznante transformación.

La obra de Cronenberg es conocida principalmente por sus impactantes efectos especiales prácticos y por su narrativa profunda que explora tanto temas de identidad como de degradación humana. Con un presupuesto relativamente modesto, la película recaudó más de 60 millones de dólares en todo el mundo, algo que también sirvió para consolidar la reputación de su director.

La noticia de un nuevo capítulo dentro de este universo llega en un momento en el que el terror corporal vuelve a ser objeto de interés de las audiencias impulsado, probablemente, por el reciente éxito de La sustancia (The Substance, 2024) de Coralie Fargeat. Esta película protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley no solo alzó un premio al mejor guion en Cannes, sino que demostró su potencial en su paso por las salas de cine recaudado más de 43 millones de dólares globalmente.

Por el momento, la película en desarrollo por Jusu no tiene una fecha de estreno ni un elenco vinculado.

El pasado 19 de septiembre, llegó a los cines de Argentina La Sustancia (The Substance), la nueva película de la directora Coralie Fargeat, conocida por su aclamada obra Venganza siniestra (Revenge - 2017). La trama sigue a Elisabeth Sparkle, una celebridad en decadencia que, tras ser despedida de su programa de televisión sobre fitness por ser considerada “demasiado vieja”, decide recurrir a una droga experimental que le permite transformarse temporalmente en una versión más joven. Sin embargo, esta transformación viene acompañada de una condición: debe alternar entre su nueva apariencia y su antiguo cuerpo en ciclos de una semana. La Sustancia explora la cultura de la belleza tóxica y la presión social de la edad, presentando una fábula inquietante que advierte sobre los peligros de anhelar una perfección inalcanzable.

Con un elenco que incluye a Demi Moore (Ghost: la sombra del amor, G.I. Jane), Margaret Qualley (Había una vez en Hollywood) y Dennis Quaid (El día después de mañana), La Sustancia se suma al fascinante género del body horror, donde los cuerpos se convierten en el escenario de cambios perturbadores y reveladores. Este tipo de cine explora la vulnerabilidad humana y la transformación, a menudo a través de la grotesca manifestación de deseos, temores y presiones sociales. En este contexto, la película no solo ofrece un entretenimiento, sino que también invita a la reflexión sobre las normas de belleza y la obsesión por la juventud en nuestra sociedad actual.

Aprovechando el reciente estreno de La Sustancia, es un momento perfecto para repasar algunas películas de body horror que no te podés perder en las plataformas de streaming.

Possessor (Dir. Brandon Cronenberg)

En primer lugar, tenemos Possessor (2020), un perturbador thriller de terror psicológico escrito y dirigido por Brandon Cronenberg, hijo de la leyenda del cine, David Cronenberg (Videodrome). La película se adentra en un mundo futurista y distópico, donde las tecnologías invasivas permiten a los asesinos profesionales infiltrarse en la mente de otras personas para llevar a cabo crímenes sin ser detectados. Tasya Vos, interpretada magistralmente por Andrea Riseborough (Oblivion, Mandy), es una asesina a sueldo que utiliza este método, pero su control sobre la mente de su última víctima, Colin Tate, comienza a desmoronarse, lo que la lleva a perder la noción de su propia identidad.

La dirección de Cronenberg combina de manera brillante el horror físico con el psicológico, explorando temas como la alienación, la deshumanización y el control mental. El uso de efectos prácticos crudos y viscerales, junto con un estilo visual frío y desorientador, crea una atmósfera profundamente inquietante. Las interpretaciones de Riseborough y Christopher Abbott (Viene de noche) son claves para transmitir el deterioro mental y físico que ambos personajes experimentan a lo largo de la película, mientras que actores como Sean Bean (Game of Thrones) y Jennifer Jason Leigh (Atypical, Los 8 más odiados) complementan el reparto con actuaciones sólidas y perturbadoras.

Possessor, actualmente en la plataforma de Max, es una película de terror que impacta no solo por su brutalidad visual, sino por su exploración sobre lo que significa ser humano en un mundo donde la tecnología puede invadir los límites más íntimos de la mente y el cuerpo.

La mosca - The Fly (Dir. David Cronenberg)

Seguimos con otra película de Cronenberg, pero esta vez del prestigioso David Cronenberg con La mosca (The Fly), lanzada en 1986 y disponible en Disney+. Este icónico film de terror y ciencia ficción marcó un antes y un después en el subgénero del body horror, consolidando la carrera de Cronenberg como maestro en explorar las mutaciones del cuerpo humano de manera visceral. La historia sigue a Seth Brundle, un brillante científico interpretado por Jeff Goldblum (Jurassic Park), quien, tras un experimento fallido con una máquina de teletransportación, comienza a fusionarse lentamente con una mosca, lo que lo lleva a una transformación física y mental aterradora.

El largometraje está protagonizado también por Geena Davis (Thelma y Louise), quien interpreta a Veronica, una periodista que se convierte en la única confidente y testigo del deterioro de Brundle. La mosca combina de manera magistral efectos prácticos impactantes con un relato profundo sobre la pérdida de la humanidad y el miedo a la degeneración del cuerpo. El deterioro de Brundle no solo es grotesco desde un punto de vista físico, sino que refleja una tragedia emocional, ya que su mente también se va desmoronando. La película sigue siendo un referente en el cine de horror corporal y un estudio conmovedor de la vulnerabilidad humana frente a las fuerzas incontrolables de la ciencia.

En un lugar de Canadá - Tusk (Dir. Kevin Smith)

En último lugar, tenemos Tusk, el audiovisual lanzado en 2014 y dirigido por Kevin Smith (Dependientes). Esta película de terror absurdo cuenta la historia de Wallace Bryton, un podcaster arrogante interpretado por Justin Long (Bárbaro), quien viaja a Canadá en busca de historias extrañas para su programa. Su curiosidad lo lleva a la casa de Howard Howe (interpretado por Michael Parks), un hombre mayor que tiene una fascinación obsesiva con las morsas. Lo que comienza como una entrevista aparentemente inofensiva se convierte rápidamente en una pesadilla, ya que Howe captura a Wallace con la intención de transformarlo quirúrgicamente en una morsa viviente.

El elenco de Tusk está compuesto por actores que aportan un tono peculiar y siniestro a la película. Además de Long y Parks, encontramos a Haley Joel Osment (El sexto sentido) como el mejor amigo de Wallace, y a Genesis Rodriguez (The Umbrella Academy) en el papel de Ally, la novia del protagonista, quienes intentan encontrarlo cuando desaparece. Tusk, actualmente disponible en Max, destaca por su mezcla de humor negro y body horror, llevando al extremo el concepto de la transformación extrema del cuerpo en una historia absurda y perturbadora.

Aunque propuestas no faltan, muchas veces descubrir una película que realmente asuste y deje una impresión duradera puede ser todo un reto para el fan del terror. Curiosamente, hay muchas opciones originales y estremecedoras que suelen pasan inadvertidas entre los lanzamientos más comerciales. Pero para quiénes se animan a ir más allá, la plataforma de streaming Max alberga una colección de largometrajes que, aunque no hayan recibido tanta atención, ofrecen experiencias únicas y espeluznantes.

Desde el terror psicológico de Los Huéspedes de M. Night Shyamalan hasta el perturbador universo de Possessor de Brandon Cronenberg, a continuación, exploramos algunas joyas ocultas que todo amante del terror debería descubrir en Max.

Possessor (2020) - Dir. Brandon Cronenberg

Possessor, el segundo largometraje de Brandon Cronenberg (director que, a su vez, es hijo del legendario David Cronenberg), se presenta como un thriller psicológico que mezcla el terror con la ciencia ficción. La historia sigue a Tasya Vos, una asesina a sueldo que utiliza una tecnología avanzada para controlar los cuerpos de otras personas y ejecutar sus misiones. Sin embargo, cada incursión en la mente ajena deja cicatrices en su propia psique.

Lo que hace a Possessor especialmente aterradora es su enfoque en la deshumanización y la pérdida de la propia identidad. Las intensas actuaciones de Andrea Riseborough y Christopher Abbott, junto con la dirección estilizada de Cronenberg, crean una experiencia visual y emocionalmente impactante. Es una película que no solo busca asustar, sino también hacer reflexionar sobre la naturaleza de la mente y el alma.

Pearl (2022) - Dir. Ti West

Luego de dar en la tecla con el exitoso slasher X, el director Ti West presentó Pearl, una precuela que nos transporta a los oscuros orígenes de su perturbada protagonista. Con guiños a la época dorada de Hollywood, esta película sigue los pasos de una joven que sueña con escapar de su vida opresiva en una granja para convertirse en una estrella. Sin embargo, sus aspiraciones chocan con una realidad brutal y sangrienta.

Con una actuación estelar de Mia Goth, Pearl logra ser tanto una historia de terror como un estudio de personaje profundamente perturbador, combinando elementos de thriller psicológico y gore.

Los Huéspedes (The Visit, 2015) - M. Night Shyamalan

La filmografía de M. Night Shyamalan ha estado llena de altibajos. Su carrera despegó con Sexto sentido (1999), una película que le valió nominaciones al Oscar y lo estableció como un maestro del suspense, seguido de Señales (2002). Sin embargo, Shyamalan también ha tenido su cuota de fracasos críticos con películas como El fin de los tiempos (2008) o Viejos (2021). En un punto medio también está Los Huéspedes (2015), una joya perdida disponible en el catálogo de Max.

Con un formato de metraje encontrado, esta película de terror psicológico sigue a dos hermanos que viajan a una remota granja para conocer a sus abuelos. Lo que comienza como unas vacaciones familiares aparentemente normales se convierte rápidamente en una pesadilla cuando los niños empiezan a notar comportamientos extraños en los adultos a cargo.

Shyamalan vuelve a sus raíces con esta película modesta, creando una atmósfera claustrofóbica y tensa, que funciona como recordatorio de que el verdadero terror a menudo se encuentra en lo más cotidiano.

La Morgue (The Autopsy of Jane Doe, 2016) - André Øvredal

La Morgue es una película dirigida por André Øvredal disponible en el catálogo de Max que se presenta como una propuesta ideal para los aficionados al subgénero de posesiones. Su historia sigue a un forense y a su hijo mientras realizan una autopsia en el cuerpo de una misteriosa mujer, conocida solo como Jane Doe. A medida que descubren extrañas anomalías, se enfrentan a fuerzas sobrenaturales que ponen en peligro sus vidas.

La Morgue es una experiencia intensa, claustrofóbica y aterradora que además se vale de actuaciones destacadas de Emile Hirsch y Brian Cox de Succession.

La reciente fusión entre Star+ y Disney+ en Latinoamérica ha ampliado significativamente el catálogo de títulos disponibles, ofreciendo una experiencia más completa para los suscriptores. Además de contenidos que abarcan desde series icónicas a eventos deportivos, la plataforma de streaming de Disney ahora también es el nuevo hogar de películas de terror impactantes. Desde clásicos del género hasta producciones más recientes, a continuación, te presentamos cinco recomendaciones imperdibles para los amantes de los buenos sustos.

Alien (1979) – Dir. Ridley Scott

Con más de cuatro décadas de historia, Alien se ha convertido un clásico indiscutible del cine de ciencia ficción y terror. Su historia sigue a la tripulación de la nave espacial Nostromo, quienes se enfrentan a una amenaza mortal tras responder a una señal de socorro en un planeta desconocido. Lo que descubren es una forma de vida alienígena que se convierte en una pesadilla para la tripulación.

La película de Ridley Scott que redobló la apuesta del cine de monstruos y llevó el concepto de Tiburón al espacio, no solo revolucionó al género con efectos especiales de vanguardia, sino que fundó una longeva franquicia que perdura hasta la actualidad.

La atmósfera claustrofóbica y la tensión constante son dos de los elementos que han hecho de Alien una película emblemática. El diseño del xenomorfo, creado por H.R. Giger, y la actuación de Sigourney Weaver como la valiente Ellen Ripley, son componentes esenciales que elevan esta obra maestra del terror que ahora también está disponible en Disney+.

La Mosca (1986) - Dir. David Cronenberg

En 1986, David Cronenberg se puso al frente del remake de La Mosca (The Fly), una película basada tanto en el relato corto de George Langelaan como en una adaptación cinematográfica previa del año 1958 que combinaba elementos de terror, ciencia ficción y drama. Su historia sigue a Seth Brundle, un científico brillante que experimenta con la teletransportación. Sin embargo, un error en su experimento fusiona su ADN con el de una mosca, iniciando una espeluznante transformación.

La Mosca es conocida por sus impactantes efectos especiales prácticos y su narrativa profunda que explora temas de identidad y degradación humana. Jeff Goldblum ofrece una actuación memorable como Brundle, capturando tanto la genialidad como la desesperación del personaje. Esta película es un viaje visceral que mantiene a los espectadores al borde del sillón mientras observan la espeluznante metamorfosis del protagonista.

Diabólica Tentación (2009) - Dir. Karyn Kusama

Aunque Diabólica Tentación (Jennifer’s Body) tuvo un desempeño deslucido en taquilla y críticas mixtas durante su estreno, con los años la película de Karyn Kusama ha ganado un culto de seguidores por su enfoque único y subversivo del género de terror. La historia se centra en Jennifer, una estudiante popular que, tras un encuentro con una banda de rock satánica, se convierte en una entidad demoníaca que se alimenta de sus compañeros de clase.

Megan Fox y Amanda Seyfried ofrecen actuaciones destacadas en esta película que mezcla terror adolescente con comentarios sociales y toques de humor negro. El largometraje de Kusama no solo explora temas como la amistad, traición y empoderamiento femenino, sino que los adorna de un envoltorio tan sangriento como perturbador.

Boda Sangrienta (2019) – Dir. Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin

En un momento en el que el subgénero slasher necesitaba una vuelta de tuerca, Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin (la dupla de directores también conocida como Radio Silence) aportaron su granito de arena con Boda Sangrienta (Ready or Not). Esta película que fusiona terror y comedia negra, ofrece una visión original y retorcida inspirándose en juegos tradicionales. La trama sigue a Grace, una novia que se ve obligada a participar en una competencia con la familia de su esposo en la noche de bodas. Lo que inicialmente parece una tradición lúdica e inofensiva, termina desatando un verdadero baño de sangre.

Boda Sangrienta equilibra una dosis justa elementos de terror, la comedia y el gore, brindando una experiencia cinematográfica entretenida y escalofriante. Samara Weaving se destaca como la protagonista, ofreciendo a una chica final electrizante.

Night House (2020) - Dir. David Bruckner

Night House de David Bruckner, es una adición reciente al género de terror psicológico. La película sigue a Beth, una mujer que, tras la inesperada muerte de su esposo, comienza a descubrir oscuros secretos sobre su hogar y su vida matrimonial. A medida que investiga, se enfrenta a fenómenos inquietantes y revelaciones aterradoras.

Mucho más introspectiva que las propuestas anteriores, Night House se destaca por su atmósfera opresiva y su narrativa intrigante. Rebecca Hall ofrece una actuación poderosa y emotiva como Beth, llevando a los espectadores a través de su dolor y su lucha por la verdad. La película es un viaje escalofriante que explora el duelo, la soledad y los horrores que pueden esconderse en la mente y el corazón.

En los últimos tiempos hemos asistido a un auténtico aluvión de ‘biopics’ centrados en creadores de la moda, ya sea a modo de series, películas o documentales. La temporada se abrió con Cristobal Balenciaga, la serie protagonizada por Alberto San Juan y ahora se ha estrenado Becoming Karl Lagerfeld (ambas en Disney Plus+), que sigue la trayectoria del modisto alemán en el mundo de la moda y la alta costura parisina.

Además, en Filmin ya se puede ver Auge y caída de John Galliano, un documental que analiza la figura controvertida del que fuera director creativo de la Casa Dior durante varias décadas hasta que cayó en desgracia por culpa de unos comentarios antisemitas.

Los tres proyectos tienen en común algo poco usual. Han sido creados por directores que, en principio, no tenían mucho que ver con lo mundo de la moda y que tienen a sus espaldas carreras muy consolidadas.

Todavía habría una cuarta biografía más, la serie The New Look (Apple TV), centrada en Christian Dior, pero en este caso, ha pasado bastante desapercibida y ha recibido malas valoraciones por parte de la crítica especializada.

‘Biopics’ confeccionados por directores de prestigio

En el caso de Cristóbal Balenciaga, está detrás el ‘colectivo Moriarti’, formado por Jon Garaño, Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi, responsables de películas como Loreak, Handia o La trinchera infinita. Becoming Karl Lagerfeld es una producción francesa que ha dirigido Jérôme Salle, que ya se encargó del ‘biopic’ de Jacques Cousteau. Para terminar, Auge y caída de John Galliano ha sido orquestada por el británico Kevin McDonald, que hasta el momento estaba más especializado en documentales musicales de figuras como Mike Jagger, Bob Marley o Whitney Houston.

¿Por qué han coincidido en el tiempo tres trabajos sobre diseñadores de moda? No es la primera vez que ocurre. En 2014, se hicieron dos películas en torno a Yves Saint Laurent. La que quedó en el imaginario fue la dirigida por el también actor Jalil Lespert e interpretada por Pierre Niney pero, sin embargo, resultaba mucho más audaz la apuesta de Bertrand Bonello, que además contó con una gran y arriesgada interpretación del fallecido Gaspard Ulliel.

Por el momento, solo se ha abordado a los grandes maestros clásicos que fundaron sus propias maisons, como Coco Chanel o sus herederos, como ocurre en La casa Gucci. O, lo que es lo mismo, no ha habido aproximaciones a figuras más contemporáneas que seguramente serán objeto de algún tipo de ficción en el futuro, ya sea Alessandro Michele, Stella McCartney o, en nuestro país, Alejandro Gómez Palomo.

Diseñadores convertidos en directores y productores

Lo que sí ha ocurrido es un fenómeno a la inversa, que diseñadores de moda se hayan pasado al sector audiovisual, como es el caso de Tom Ford que, además llevar las riendas de su marca, ha dirigido dos películas, Un hombre soltero y Animales nocturnos, con la que ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Venecia.

Además, en los últimos tiempos, el actual director creativo de Yves Saint Laurent, Anthony Vaccarello se ha convertido en productor de cine apadrinando los proyectos de grandes directores como Pedro Almodóvar en Extraña forma de vida.

Este año, ha estado presente detrás de tres películas que han competido en el Festival de Cannes: Parthenope, de Paolo Sorrentino, The Shrouds, de David Cronenberg y la galardonada Emilia Pérez, de Jacques Audiard, por la que la española Karla Sofía Gascón, ganó junto a sus compañeras de reparto, la Palma de Oro a la mejor actriz.

David Cronenberg ha regresado a la gran pantalla con The Shrouds, un proyecto sobre el dolor y la pérdida que ha sido presentado recientemente en el Festival de Cannes. Esta nueva película del director de Scanners (1981) y La Mosca (1986) contiene elementos que podrían revolver varios estómagos y se apoya en un reparto estelar entre los que se incluyen Vincent Cassel (El Cisne Negro), Diane Kruger (Bastardos sin gloria) y Guy Pearce.

Durante su lanzamiento en el renombrado festival de cine, Cronenberg reveló que este largometraje inicialmente fue pensado como una serie de televisión para Netflix. El servicio de streaming incluso llegó a pagarle por la escritura del piloto, pero finalmente optó por dejarlo ir. “Dijeron -y esto es algo muy de Hollywood-: ‘No es lo que nos enamoró en la sala’. Más tarde, sentí que lo que les había enamorado en la sala era yo, lo cual era muy halagador, pero no el guion”, expresó el director. “Sentí que no podía dejar que esto muriera, veamos si podemos convertirlo en una película... Podría ser una serie, pero no tiene por qué serlo”, añadió.

Para quiénes no estén en tema, la trama de The Shrouds sigue a un hombre de negocios afligido (Cassel) que inventa un dispositivo que permite a la gente conectar con sus seres queridos fallecidos. Esta creación, instalada en su polémico cementerio de última generación, le permite a él y a sus clientes ver cómo se descomponen los cuerpos en tiempo real. Pero cuando el revolucionario negocio está a punto despegar, varias tumbas de su cementerio, incluída la de su esposa, son vandalizadas. En el intento por descubrir un motivo claro para el ataque, este comenzará a reevaluar su negocio, su matrimonio y su fidelidad a la memoria de su difunta pareja.

The Shrouds, es probablemente, uno de los trabajos más personales de David Cronenberg y una forma de terapia como respuesta a la pérdida de su propia esposa. En el filme, el cineasta no solo estuvo involucrado en la dirección sino también en el proceso de escritura y producción. “Es una película que trata de la pérdida y el dolor, de estar en pareja durante tanto tiempo y de lo que es el amor verdadero. Yo interpreto a la esposa, su hermana y a un avatar que creó en su memoria”, expresó la actriz Diane Kruger.

Lo nuevo de David Cronenberg todavía no tiene fecha de distribución en países de Latinoamérica.

El fallecimiento de su mujer hace siete años llevó a David Cronenberg a creer que no volvería a hacer cine pero no fue así y ahora con The Shrouds, presentada este martes en la competición de Cannes, ha hecho una especie de ejercicio para liberarse del dolor que esa pérdida le provocó.

Una película que ha perturbado en el festival, con su idea de introducir cámaras en los féretros de los seres queridos para ver cómo se descomponen. “Algunos planos son desasosegantes”, reconoció en rueda de prensa uno de los protagonistas, Vincent Cassel. “El filme es como un sueño o una pesadilla”, agregó el actor francés, para quien “cada persona tiene su propia manera de afrontar el dolor y la pérdida del ser amado, parece loco llegar a esos límites, pero son las cosas que hacemos cuando no podemos lidiar con la realidad”.

The Shrouds cuenta cómo Karsh (Cassel) no puede superar la muerte de su mujer, Becca (Diane Kruger). Y es el dueño del cementerio en el que está enterrada, un lugar de alta tecnología, que en cada féretro instala una cámara que transmite en directo la descomposición de los cuerpos, ya sea al móvil o a una pantalla instalada en la lápida. Su obsesión le lleva a empezar a construir teorías conspiranoicas sobre el trato que sufrió su mujer en el hospital y en ello implica a la hermana gemela de la fallecida.

En realidad, apuntó Cassel, “es una poética historia de amor y creo que hay esperanza al final”.

Una película que ha sido mal recibida entre la crítica, algo que sentó muy mal al director canadiense, conocido por su estilo complejo y provocador y responsable de títulos como La mosca (‘The Fly’, 1986) o Crash (1996). “He leído algunas criticas ignorantes y estúpidas que se centraban en la paranoia. No han entendido para nada el filme, la idea del dolor. La paranoia es una estrategia para lidiar con el dolor de la muerte de alguien que amas”, explicó, visiblemente molesto.

“Si eres un ateo, como yo, no crees en la vida después de la muerte (...), es muy difícil para la gente vivir sin un sentido” y por eso crean esas absurdas conspiraciones, para tener una sensación de conocimiento y poder sobre los demás. Y calificó de “estúpidos” a los periodistas que no lo han entendido. “Puedes pensar que funciona o no, pero no darse cuenta de ello, es un problema”, agregó el realizador antes de decirles a los representantes de los medios presentes: “imagino que no es su caso”.

Respecto a la idea principal del filme, de las cámaras entre los cadáveres, Cronenberg opinó que en cada época se ha usado la tecnología disponible en cuestión de enterramientos. Desde las pirámides de Egipto a la actualidad, mucha gente se prepara para entrar en otra vida y eso es lo que plantea la película, que se ha servido de la tecnología de hoy en día para idear una práctica que está convencido de que mucha gente estaría dispuesta a utilizar.

“Creo que cualquier filme que haces te lleva a lugares en los que no estás tan cómodo, en este caso, ser invitada a algo tan íntimo, sobre la muerte y el dolor, me hizo pensar sobre mi propia mortalidad”, señaló por su parte Kruger.

Cronenberg agregó que los actores del filme sabían que era una historia que se basaba en su realidad, pero también que había tomando la suficiente distancia.

Fuente: EFE