La rutina lo persigue: la ex, los amigos, el trabajo, los hijos, el tiempo. Todo junto, todo ahora. A veces, Ariel se confiesa: quisiera dejar de ser humano para convertirse, aunque sea por un rato, en una sencilla larva.

En esta serie, el humor funciona como salvavidas y los giros inesperados prometen que, aunque el reloj nunca se detiene, tal vez la agenda diaria sí puede desprogramarse. O al menos, intentarlo. La serie y su abordaje de la vida adulta y la paternidad son obra de la dirección de Daniel Burman y Daniel Hendler, estrenada en Flow.

—Pudimos ver parte de algunos capítulos y es divertidamente agotadora la rutina de tu personaje...

—Es una serie que yo creo que aspira a ser profundamente empática, que genere ese grado de identificación, porque es la vida, no es nada más ni nada menos que el peso de la vida, de las responsabilidades, de los hijos, los años. Y está esa metáfora de la hernia inguinal, que tiene que ver con que no puede soportar ya un gramo más para poder sobrevivir.

—¿Te inspiraste en tu propia vida para interpretar el personaje?

—Sí, efectivamente, metiéndole mucho de mi mundo, de mi biografía, de mi vida, de la vida de Daniel (Burman), que los que lo conocemos sabemos que hay mucho de eso, y de ese vínculo con sus hijos, con su mujer, exmujer, y el resto...

—¿La serie busca interpelar tanto a hombres como a mujeres?

—Efectivamente interpelar a una generación, a muchas personas, y no solo a hombres, porque si bien hemos visto grandes referentes, grandes personajes, como fue el personaje de Vicky en Envidiosa, que no solo interpeló a mujeres, los mandatos sociales, lo que significa también reconocer y asumir algo como la envidia, que es un motor también de la humanidad. Esta serie, desde otro lugar, también reconoce eso en los hombres, el miedo a los años, el miedo de perder también la identidad, de saber dónde está parado uno. Miedo también a perder a su mujer, que es más joven, a que prácticamente es un fantasma dentro de su propia casa, porque todo el mundo lo trata mal. Lo trata mal el hijo adolescente que no le da bola, el machista. O no lo tratan, que es lo peor.

—¿Investigaste sobre la andropausia para la serie?

—Trabajé con Daniel Burman sobre ese tema tan complejo, que es un hecho, es real. Que tiene que ver con los cincuenta años de los hombres.

—¿Por qué crees que se habla poco de la andropausia entre los hombres?

—He conversado entre amigos míos, pero en cambio, la menopausia ya es un lugar común. La gente habla, habita, incluso es parte de cierto folclore o es parte de los chistes que uno le puede hacer o no, o que sufrieron las mujeres a propósito de cierta edad. ¿Los hombres no lo tienen? Sí, lo tienen.

—¿Cómo impactan estos cambios en la vida cotidiana del personaje?

—El personaje está muy atento y está desesperado. Intenta revertir y toma una cantidad de medicamentos. Va a la doctora. Está tomando desde melena de león, testosterona, todo tipo de fármacos naturales y no tanto para tratar de levantar un poquito y recuperar las ganas de vivir y de seguir criando, porque está... que tira la toalla.

—¿Cómo fue el proceso creativo y el trabajo conjunto para darle humanidad al guion?

—Le fuimos encontrando también la humanidad, el tono, de la mano tanto de Burman como de Daniel Hendler, que dirigió algunos capítulos de la serie.

—¿La experiencia con el elenco?

—Rita Cortese, mi madre, que es maravillosa, impregna de humanidad a todos los personajes. Jorge, mi padre, Violeta Uki Perea, Daniel Hendler, el personaje del amigo, y todos los hijos, que están fantásticos. Ahí se hizo un supertrabajo de casting para lograr ese realismo, esa veracidad y esa dinámica, que la trabajamos muchísimo. Hay muchos planos secuencia, también...que la hace aún más rica visualmente.

En la primera imagen, Julieta Díaz se fotografió frente a la sede de la Asociación Argentina de Actores, enmarcada por pancartas con siluetas y nombres de artistas desaparecidos. En otra postal, se la vio junto a Jorgelina Aruzzi y Gloria Carrá, colegas y amigas con las que compartió la marcha, todas con rostros serenos y el hashtag #24M como consigna. Díaz también compartió selfies con Lali Espósito, con el fondo de la movilización y pancartas con imágenes de desaparecidos, así como con Paula Carruega, Celina Font y Michel Noher, en un retrato grupal que reflejó la unión generacional del colectivo artístico.

El registro sumó la presencia de Flor de la V en la Plaza de Mayo con la arquitectura porteña de fondo, y de referentes históricos como Pablo Echarri y Nancy Dupláa, quienes marcharon juntos rodeados de banderas y consignas. Marcelo Subiotto apareció junto a una pancarta con el rostro y la historia del cineasta desaparecido Raymundo Gleyzer, símbolo del compromiso del mundo cultural con la memoria. Díaz y Daniel Hendler también posaron juntos, entre sonrisas y pancartas, en una marea humana que avanzó por las calles centrales.

A la movilización se sumó también Julieta Nair Calvo, quien concurrió con su pareja y sus dos hijos. La actriz compartió una imagen en la que se ve su hijo mayor subido sobre los hombros de su papá, observando el paisaje urbano y la multitud, en una postal familiar y generacional que resume el verdadero sentido del 24 de marzo: memoria, transmisión y compromiso con el futuro.

Las fotos y mensajes que circularon en redes reflejaron la diversidad y el encuentro de distintas generaciones, la fuerza de la memoria y el protagonismo de la cultura argentina en la defensa del “Nunca Más”. La presencia activa de artistas y personalidades reafirmó el papel de la cultura en la construcción colectiva y en la vigencia del reclamo por memoria, verdad y justicia, a medio siglo del inicio de la dictadura.

Los que no pudieron estar presentes en la movilización a Plaza de Mayo si lo estuvieron en las redes sociales. Natalia Oreiro compartió una serie de fotos y videos que retratan la labor y el simbolismo de Madres de Plaza de Mayo,Abuelas de Plaza de Mayoy la Agrupación HIJOS. En una de las imágenes, se destaca la ilustración de un grupo de mujeres abrazadas, con la leyenda “Madres de la Plaza, el pueblo las abraza”. Otra ilustración lleva el mensaje “No olvidamos, no perdonamos. Memoria, verdad y justicia”, junto al tradicional pañuelo hecho de flores violetas.

La conmemoración también sumó la voz de Georgina Barbarossa, quien publicó una imagen con el tradicional pañuelo blanco, intervenido con flores y aves sobre un fondo azul, junto a la inscripción “Nunca Más”. En su mensaje, Barbarossa escribió: “NUNCA MÁS - 50 años del 24 Marzo 1976. MEMORIA - VERDAD - JUSTICIA”. Esta publicación fue replicada por Eleonora Wexler, ampliando el alcance del mensaje y reafirmando el consenso social en torno a la consigna de memoria colectiva.

,Florencia Peña, estuvo en la vigilia que se realizó la noche del 23, subrayó la dimensión afectiva de la fecha:“Nos salva el amor, porque esta plaza es amor, esta lucha es amor, es amor por los que no están, por lo que todavía estamos buscando y por nuestros jóvenes, que tenemos que explicarles qué pasó en la Argentina, aunque pensemos que eso ya estaba entendido”.

En Paraná hay olor a FICER. Es como una pequeña electricidad que se siente en las veredas, es una sensación de que algo está por suceder. Ese rumor se volverá público este martes 25 de noviembre cuando arranque la 7ª edición del Festival Internacional de Cine de Entre Ríos (FICER). Serán seis días -hasta el domingo 30- de películas, encuentros y actividades con entrada libre y gratuita en una ciudad que se propone recolectar miradas.

Organizado por el Gobierno de Entre Ríos a través del Instituto Autárquico Audiovisual (IAAER), el 7º FICER trae consigo una programación que combina películas internacionales, cine regional y un nuevo énfasis en la industria local: la inauguración del FICER Forum, destinado a proyectos de primeras y segundas películas en desarrollo.

La película de apertura será El mensaje, dirigida por Iván Fund (ganadora del Oso de Plata del Jurado en el Festival de Berlín 2025), que cuenta con las actuaciones de Mara Bestelli, Marcelo Subiotto, Anika Bootz y Betania Cappato. Una obra filmada en la provincia de Entre Ríos que recorre la ciudad de Crespo y alrededores.

Para la clausura está programada Un cabo suelto, película del actor y director uruguayo Daniel Hendler, que con Sergio Prina, Pilar Gamboa y Alberto Wolf tuvo su estreno mundial en el Festival de Venecia y en su recorrido fílmico también muestra paisajes entrerrianos.

El FICER mantiene dos secciones competitivas: Largometrajes Nacionales y Cortometrajes Entrerrianos. A esas competencias se suman panoramas regionales, una sección internacional, actividades especiales, mesas debate, presentaciones de libros, talleres destinados a la infancia, la juventud y el público adulto, además de música en vivo e invitados destacados. Entre las secciones señaladas en la programación aparecen el Premio Ojo Pez, Sección Internacional, Sección Oficial, Fronteras Abiertas y el Foco Agüero, dedicado este año al documentalista chileno Ignacio Agüero.

Los espacios donde se verán las películas y se desarrollarán las actividades en Paraná serán varios y simbólicos: el Centro Provincial de Convenciones (CPC); el Centro Cultural La Vieja Usina; la Sala Noble del Instituto Autárquico Audiovisual de Entre Ríos (IAAER); el Cine Círculo y Cine Las Tipas.

Un festival que se expande

Lo que comenzó como una apuesta provincial hoy muestra una musculatura que se fortalece año a año. Esta diversificación, lejos de ser un capricho, obedece a un objetivo claro: llegar a más gente.

Eduardo Crespo, director artístico del festival, lo resume con sencillez: “El público del FICER responde llenando las salas, y eso nos sorprende año a año, entonces dijimos ‘bueno, apostemos a abrir el festival un poco más a la ciudad, a una sala histórica como el Cine Círculo, para llegar a otros públicos’“.

El movimiento responde a la intuición de que el verano tiene sus propios ritmos y que incluso un gesto mínimo -como programar funciones a las tres de la tarde en una ciudad donde la siesta es tradición- puede abrir nuevas puertas. “Es un lindo horario para el verano, para meterse en una sala acondicionada y ver una película a las tres de la tarde. Es un horario atípico en festivales, pero va a haber películas desde las tres y después por la tarde y noche”, explica Crespo.

Camino al FICER: una estrategia de largo aliento

A decir verdad, el FICER no empezará con la ceremonia de apertura prevista a las 19 horas del martes en el Centro Provincial de Convenciones (CPC). El Festival empezó mucho antes, porque este año existió un programa previo, Camino al FICER, pensado para que el público se familiarice con los espacios y la propuesta.

“Durante el FICER es muy poco el tiempo y la gente por ahí no llega a enterarse. Pensamos que un Camino al FICER reforzaría que el público entienda qué tipo de películas se pasan y que va a haber un festival de cine, cuenta el director artístico. Esa iniciativa se complementó con Temporada de Rescate, un proyecto que recorrió localidades entrerrianas preservando archivos y proyectando materiales rescatados por la Cinemateca. Fue una manera de expandir la identidad del festival durante todo el año, de sacar el cine de las salas y llevarlo a los caminos.

El año pasado, el FICER incorporó Correntada del Cine Argentino, una sección pensada para obras nacionales que hoy tienen dificultades de exhibición. El propósito es tan simple como contundente: que películas valiosas lleguen al público. “Nos interesaba mostrar la calidad y la diversidad del cine argentino en el presente y dar un espacio a películas que no encuentran dónde exhibirse”, dice Eduardo Crespo.

Esa cercanía entre público y realizadores -una marca registrada del festival- es también parte del espíritu de la sección. Que las películas provoquen conversación, que los encuentros dejen huella.

FICER Forum: un nuevo horizonte para la industria

Uno de los anuncios más importantes de esta edición es la creación del FICER Forum, un espacio para proyectos de primeras y segundas películas en desarrollo. Está dirigido a realizadoras/es de Entre Ríos, Santa Fe, Corrientes, Misiones, Chaco, Formosa y Córdoba, y busca fomentar la producción audiovisual regional. Más de 75 proyectos se presentaron en la convocatoria; 12 fueron seleccionados y participarán de mesas de conversación, rondas de negocios, conferencias y una sesión de pitching. Además, otros 14 proyectos invitados recibirán servicios profesionales.

Las actividades del Forum se desarrollarán durante las primeras tres jornadas del festival y forman parte de una política más amplia del IAAER, conducido por el director Maximiliano Schonfeld. Allí aparece el nuevo pulso de la gestión: “Nos interesaba construir lo que hubiéramos necesitado cuando empezamos a filmar: una gestión con escucha, un instituto de puertas abiertas”, afirma. “No me interesa una estructura que solo se mueva en lo administrativo: para los cineastas debe ser un lugar de encuentro, de comunidad, de preguntas”.

Schonfeld también destaca que este año la provincia alcanzó un hito largamente esperado: “Lanzamos por primera vez un programa de fomento con distintas líneas; para Entre Ríos eso es un antes y un después”. Y vincula ese impulso con lo que sucede en el festival: “El FICER profundiza su encuentro con otras artes, ofrece un cine que no se ve en las salas comerciales y permite que el público acceda de manera gratuita a nuevas narrativas”.

En ese marco, el rol de la Cinemateca también cobra relieve: “La inauguración del espacio físico -inaugurado el pasado jueves- abre un trabajo enorme por delante”, señala el realizador.

En un contexto complejo para el cine nacional, con un INCAA cada vez más debilitado y ausente, Schonfeld remarca la necesidad de defender las políticas culturales provinciales: “es vital sostener espacios de exhibición y circulación de cultura. Generan comunidad, sensibilidad y humanidad. Son lugares donde se dan los debates y tensiones que una sociedad necesita”.

La mirada es clara: sin políticas públicas activas, los festivales pierden su capacidad de encuentro, y las comunidades, su acceso a la diversidad cultural.

Invitados de lujo y estrenos internacionales

Una de las presencias más destacadas de esta 7.ª edición del FICER es la del documentalista chileno Ignacio Agüero. Para Crespo, su llegada es un hito. “La visita de Ignacio Agüero es uno de los puntos fuertes de la séptima edición. Es un honor tener a uno de los directores más interesantes e influyentes del cine contemporáneo.”

El festival contará también con estrenos internacionales: Con Hassan en Gaza, del palestino Kamal al-Jafari; y Criaturas de la mente, del brasileño Marcelo Gómez. Además, tendrá un estreno mundial en competencia: Museo de la Subversión, de Francisco de Eufemia.

Estos gestos, que serían excepcionales en cualquier otro contexto, revelan el crecimiento del FICER. Crespo lo define con una mezcla de orgullo y despedida, ya que esta será su última edición como director artístico: “Este tipo de eventos nos hace dar cuenta del crecimiento que ha tenido el festival y cómo se ha consolidado. Para mí, haber dirigido el festival es un sueño cumplido.”

Paraná se prepara para entrar en modo FICER. El cine llega, como siempre, buscando compañía. El festival, en definitiva, se plantea como una operación de tejido: abrir pantallas, tender puentes y celebrar el cine como forma de encuentro entre historias, territorios y generaciones.

Toda la programación disponible en ficer.com.ar.

Fuente y fotos: prensa FICER.

Natalia Kohen y su marido habían creado una empresa farmacéutica con la cual hicieron una gran fortuna, que le permitió a ella dedicarse a su pasión por el arte. Fue mecenas y promotora cultural, y respaldó a muchos artistas, además de incursionar ella misma en las artes plásticas.

En el año 2005, las dos hijas de Natalia Kohen, temiendo que su madre, ya viuda, fuera embaucada por algún vividor, quisieron declararla incapaz. Como la terapeuta que la trataba se negó a firmar un diagnóstico de demencia, las dos mujeres apelaron al neurólogo Facundo Manes que certificó la demencia frontotemporal de Natalia, con lo cual la internaron y además iniciaron una causa civil para declararla incapaz.

La mujer logró sortear la vigilancia a la que estaba sometida durante su internación y se comunicó con sus amigos artistas que organizaron una protesta en la puerta de la institución y así lograron que la justicia la externara luego de 27 días.

Esta historia fue convertida en libro por la escritora y psicóloga Natalia Zito y en esa obra se basa la película dirigida y coprotagonizada por Daniel Hendler junto a Marilú Marini.

La película es de muy buena factura y Marini encarna muy bien a una mujer de mucha vida social, de muchos amigos, en su mayoría artistas, algo extravagante, a la que le gusta divertirse y gozar de la vida.

Además del conflicto en torno a su estado mental, aparecen en la película algunos prejuicios frecuentes respecto a la gente de edad avanzada, como cuando Mairlú Marini le dice a la enfermera que la atiende durante su internación: “Tengo 83 años, ¿por qué me hablás como si fuera una nenita?”, apuntando a un hábito muy frecuente entre quienes se ocupan de ancianos.

El mismo concepto aparece en el diálogo entre el juez y el perito que debe evaluar a la mujer. El magistrado lo apura para que dè su informe y le dice “¡Tiene 83 años….!”, frase acompañada de un gesto que se podría traducir por “ya vivió bastante, que se deje de j…”

Marcelo Jalil, Defensor de Menores e Incapaces en juzgados de la Ciudad de Buenos Aires, confirmó a Infobae que son frecuentes estos casos. “Generalmente son los hijos que frente a un padre o a una madre de edad avanzada argumentan que están dilapidando los bienes y piden que se les apliquen restricciones a la capacidad de decidir”, explicó.

De todos modos aclara que, “en el derecho argentino, la capacidad siempre se presume, es decir que hay que demostrar que la persona ha dejado de serlo y en qué grado”.

Para ello, agregó, “se hace una evaluación diagnóstica, se entrevista al médico tratante, intervienen peritos del juzgado, con el fin de establecer si es real o no el deterioro cognitivo alegado”.

Como en la historia que cuenta “27 noches”, El doctor Jalil señaló que en estos casos suele haber una pésima comunicación entre los hijos y la madre o padre, algo que puede agravarse por determinadas circunstancias, como una nueva pareja e incluso el deseo del progenitor anciano de volver a casarse.

Sin embargo, aclaró que es cierto que muchas veces hay un aprovechamiento por parte de alguien del entorno respecto de una persona que se encuentra sola y es dependiente para determinadas actividades. “Un clásico es el caso del encargado que llega hasta a quedarse con los bienes de una persona mayor a su fallecimiento”, ejemplificó.

Agregó que estos casos suelen darse cuando hay dinero de por medio. En efecto, esa fue la motivación de las hijas de Natalia Kohen. Aseguraban que su madre estaba regalando obras de arte y joyas a sus amigos artistas, a los que veían como marginales y vividores.

“Si no hubiera sido adinerada, no habrìa sido necesario internarla”, dice alguien en la pelìcula.

El ex juez de familia Mauricio Mizrahi también considera que es muy difícil lograr la declaración de la demencia o la incapacidad o inhabilidad, “porque la regla es la capacidad”. “La ley, artículo 31, presume siempre la capacidad. Y además dice claramente que las limitaciones son de carácter excepcional. O sea que debe determinarse con toda claridad y sin ninguna duda, la incapacidad, la demencia, para que el juez se pronuncie positivamente al pedido que hagan los familiares”, explica.

La ley también establece, señala Mizrahi, que el juez no puede expedirse si no interviene un equipo interdisciplinario, psicólogos, psiquiatras, etcétera, que son nombrados por el juez. “Con esto digo que la intervención de un perito de parte o, como se llama en civil, de un consultor técnico, como habría sido (Facundo) Manes en este caso, tiene un valor relativo, salvo que su dictamen coincida con lo que diga el equipo interdisciplinario”

“Yo integré la Sala B de la Cámara de Apelaciones, y recuerdo un caso de incapacidad por lo que se llama prodigalidad -dice Mauricio Mizrahi-. ¿Qué significa ser pródigo? Es aquel que despilfarra, de manera bastante irracional. La persona se va quedando sin dinero. Regala un millón acá, va a la ruleta y gasta otro millón. Los herederos o los familiares, como marca la ley, artículo 33, pueden decir: ‘Esta persona es pródiga. Por favor, señor Juez, declare cierta incapacidad para que no despilfarre su fortuna’. Bueno, en un caso que me tocó a mí era una madre que quería evitar que la hija gastara la fortuna que había heredado del padre, limitando su capacidad para disponer del dinero. En ese caso fue rechazada la demanda porque aunque a la hija le gustaba gastar mucho, la idea en estos casos es proteger a la persona demandada, pero en este caso era la pretensión de la madre de manejar ella el dinero".

Algo similar al caso Kohen, pero al revés: eran las hijas las que querían limitar a la madre.

“La herencia futura no genera derechos”, dice el abogado Ezequiel Pereyra Zorraquin, en relación al caso en que se basa la película y en respuesta a la pregunta de si la justicia les reconoce el derecho a los futuros herederos a accionar contra sus progenitores para que no “malgasten” su fortuna. En el caso de Natalia Kohen una de las cosas que alarma a las hijas es que ella está pensando invertir en un emprendimiento cultural.

“Por eso recurren a la demencia. ¡Se están gastando mi plata, piensa la heredera y en realidad la plata sigue siendo de la madre”, dice Pereyra Zorraquin.

“Para ellas, ‘locura’ es que la madre gaste la plata que consideran es de ellas. Es una locura que ella pueda, tenga la posibilidad o el derecho, de gastar la plata que ya sienten como propia”, agrega.

Pereyra Zorraquin considera que uno de los momentos más importantes de la película es cuando las hijas están internando a la madre contra su voluntad y dicen una frase que repetirán luego: “Es por tu bien”. “Todo lo que hacen es por el bien de la madre. Pero en otro momento dicen que la madre está arriesgando la fortuna familiar. Es decir, que ya consideran que la plata no es de la madre, sino que es de ellas. Lo ‘insano’ es que la madre esté gastando la plata de ellas, la fortuna familiar, no su plata propia. La frase ‘es por tu bien’ refleja en realidad egoísmo. No es por el bien de la madre, es por el bien de ellas, para que quede la mayor cantidad de dinero posible y que la madre no se patine toda la plata que pueda patinarse”, dice.

“Hay una diferencia entre la prodigalidad y la excentricidad”, agrega. Es exactamente así como define a Natalia Kohen la psiquiatra que la trataba. En la película, esta profesional dice: “Excentricidad no es demencia”. Fue por la negativa de la psiquiatra a declararla demente que las hijas buscaron a otro profesional, que resultó ser Manes.

Sergio Dubove es abogado de familia y ante la consulta de Infobae explica que, “antes de la reforma del código se consideraba incapaz a la persona hasta los 18 años y luego capaz, sin graduaciones, mientras que el nuevo Código habla de autonomía progresiva de la persona para tomar decisiones”.

“Tampoco existe la determinación de demencia sino de grados de capacidad o de restricciones a la capacidad según el daño que una persona, por ejemplo, con trastornos mentales o con deterioro cognitivo puede hacerse a sí misma, a terceros o a su patrimonio”, agrega. “El deterioro cognitivo puede ir desde una pérdida ocasional de la memoria hasta la pérdida total de la conciencia, y las medidas de protección se dictan de acuerdo al riesgo -sigue diciendo-. Por ejemplo inhibición de bienes -no puede hacer nada sin la supervisión de un curador- Hay una escala de restricción siendo la más severa la internación, domiciliaria o en una institución. La internación domiciliaria en general la decide la familia sin intervención judicial.”

Dubove dice que cuando estos casos salen en los diarios es porque hay un conflicto de intereses y el afectado no perdió la conciencia al punto de dejarse manipular. Pero tambièn asegura que “cuando no hay un patrimonio importante o éste ya fue repartido, no hay conflicto”.

En cuanto a la manipulación de la voluntad de una persona anciana, también él señala que es frecuente el caso de los encargados que llegan a lograr que la persona teste en su favor.

“La herencia es un error de cálculo, suele decirse -ironiza Sergio Dubove-: el error de trabajar y no gastarse toda la plata, para ahorrarse dolores de cabeza. Esto se evita con la planificación patrimonial, dejar todo ordenado. De lo contrario, cuando los hijos ven que aparece un ‘vividor’ o simplemente que el padre o madre se quiere volver a casar, suenan las alarmas”.

Entonces se dan estos casos, como el de “27 noches” en que se usan dispositivos legales con fines ilegales. “Es como cuando se usa el sistema de protección contra la violencia doméstica para resolver disputas por los hijos. Pero en los casos en que se busca incapacitar a ancianos, a diferencia de la violencia de género, las falsas denuncias no prosperan, porque se hace toda una tarea interdisciplinaria para determinar si la incapacidad es real, se hace un examen muy profundo, porque implica quitarle el poder de decisión a una persona”, sostiene Dubove.

Y agrega: “Además, en virtud de la Ley de Salud Mental, es muy difícil obtener internaciones involuntarias incluso cuando son necesarias”.

En un documental que se filmó en 2009, la propia Natalia Kohen dice: “Me pusieron un curador (un administrador de sus bienes) sencillamente porque soy una persona muy mayor”.

Ese mediometraje, titulado “Yo, Natalia”, basta para ver que la artista plástica estaba en perfecto uso de sus facultades. Conversadora, coqueta, curiosa, charla muy desenvuelta con los jóvenes que la están entrevistando, y deambula por su casa con toda seguridad. “Espero que algún día se den cuenta de lo terrible que fue ese plan que yo les frustré”, dice. Y en referencia a los profesionales que respaldaron la demanda de sus hijas, agrega: “Por la plata baila el mono”.

Aunque el relato se nutre de un caso concreto, sus implicancias y su lógica resultan reconocibles para muchas otras personas, a partir de un interrogante sobre el tipo de vida a llevar en un momento particular: la vejez, tercera edad, cuando se llega a una edad para ser llamados “adultos mayores”, o como sea que quiera llamárselo.

La película inicia con la señora Hoffman (Marini) siendo conducida a una internación en un establecimiento psiquiátrico. Motivadas por el temor al posible deterioro mental y la preocupación por el destino de sus bienes, sus hijas buscan que sea declarada legalmente insana. La señora es una figura del mundo artístico y mecenas, dueña de una considerable fortuna. Quién recibirá ese dinero frente a un posible inminente desenlace, es el eje del conflicto que dispara la acción, con el ingreso de un atribulado perito (Hendler) que deberá dictaminar si la mujer está en uso pleno de sus facultades mentales. El vínculo central de la película se establece en los encuentros y el contrapunto de personalidades de estos dos personajes.

En diálogo con Infobae Cultura, el director Daniel Hendler y la protagonista, Marilú Marini -artista de la generación del Di Tella, una leyenda del teatro argentino aunque viva en París hace más de 40 años- reflexionaron sobre el sentido de la película (“una historia potente”, según Hendler), el cable a tierra que representa el humor frente a una situación dramática, los años de vanguardia de la actriz y el aprendizaje de Hendler a su lado. “Me impactó cómo ella se quita ese ropaje de leyenda. Es un ser humano extraordinario y con mucha curiosidad”, define el actor y director uruguayo.

—Marilú, ¿Qué fue lo que te atrajo de esta historia?

Marilú Marini: Me gustó Marta Hoffman porque es un personaje que está lleno de contradicciones, pero a la vez tiene una columna vertebral que la guía, que es este deseo y hambre de vida. Quiero decir: es alguien que no transita por lugares ya arados; ella va creando de alguna forma su propio surco. Yo que tengo ochenta y cinco años, quiero decir que la vejez no es inmovilidad. Inmovilidad es la muerte. La vejez es vida y, por lo tanto, movimiento, fluidez. Eso se ve en el personaje de Marta.

—Daniel, ¿Cabe la definición de “comedia agridulce” para esta película? Hay una situación dramática y en cierto modo tensa, pero siempre aparece la distensión del humor y la ironía.

Daniel Hendler: Me caben todos los términos porque siempre me cuesta encontrarle el género a las cosas en las que me involucro. Me parece que siempre está entre géneros, lo que supone una dificultad para encontrar el tono. Cuando nos metemos entre géneros, bueno, hay que irlo descubriendo. Y luego ese tono que aparece es el que nos empieza a gobernar. A mí me parece que es una historia que no podía resultar tentadora para solemnizar, la temática de la vejez y de los lazos familiares.

En el caso del personaje de Marilú podemos ver claramente que ella no tiene miedo. Está dispuesta a encontrar su propia forma de vivir. Y eso ya de por sí nos mete en que tenía que tener humor. El humor está siempre, tiene que ver con el corrimiento de la mirada y cuando uno corre la mirada, las cosas toman otra perspectiva y a veces quedan fuera de lugar. Simplemente es permitir que eso suceda. Salirnos de la primera mirada que se nos impone, y ahí el humor aparece naturalmente. También para que los personajes aparezcan ahí con sus grietas y contradicciones.

—Marilú, me interesa trazar un paralelo entre lo que ha sido tu vida personal y profesional y la del personaje, porque de alguna forma hay un punto de contacto.

Marilú Marini: Sí, con la trayectoria de Marta Hoffman hay una hermandad y es esta situación de libertad frente a lo que la sociedad piensa que tiene que ser un adulto mayor. Personalmente tuve la suerte de participar a ese momento de la contracultura, con uno de los focos en el Instituto Di Tella, donde vivíamos en un estado de peligro frente al autoritarismo de la sociedad de aquel entonces. Pero había algo que no se podía parar en nosotros. Una realidad de creatividad y de estar en contacto corporalmente con lo que deseábamos, que fue muy nutriente. Frente a esos momentos densos, nuestra actitud era la actitud de la vitalidad. No me quiero hacer la culta, pero hay una cosa divina que dice Gilles Deleuze. Dice: “El poder nos quiere tristes, porque nos puede dominar mejor”. Frente al poder, la alegría es siempre muy subversiva. Nosotros en la Argentina somos un semillero de humor, porque frente a las catástrofes, los abismos, los cambios brutales que tenemos, siempre hay un chiste, una posibilidad de reír.

Estoy con las anécdotas... Dicen que Buster Keaton estaba muriéndose, junto a un médico y un amigo. Y el amigo le dice: “Ay, me parece que ya murió”. Y el médico le responde: “Mire, tóquele los pies, es lo primero que se enfría”. Parece que Buster Keaton abrió un ojo y dijo: “No en el caso de Juana de Arco”. Estaba muriéndose y conservaba esa posibilidad de juego. Pienso que eso es lo que se plantea en la película de Daniel. Uno siempre tiene esa posibilidad de alejarse, contemplar y desdramatizar.

—Daniel, ¿Cómo fue actuar y dirigir a la vez?

—Hay un tema de mecánica que tiene su complejidad. Y esto lo hablé con otros directores y actores también. Me parece que uno, en realidad, dirige, y cuando te toca pasar a actuar, lo que hace es como ponerse a sí mismo en esa puesta. El actor está supeditado a una idea de puesta previa, eso que el director quiere ver. Entonces, el gran desafío es ser permeable como actor y trabajar con el compañero o la compañera en el momento en que uno está ahí, que también está pensando en el plano y la toma. Hay que encontrar esa mecánica y después empieza a suceder naturalmente.

Disfruté mucho más los días que me tocaba solamente dirigir a Marilú, que fueron las primeras dos semanas. La verdad que eso fue goce total. Después cuando tenía que vestirme del Casares, perdía autoridad con ese pelito (ríe). Dirigir así era un poco humillante (vuelve a reír).

[Fotos: prensa Netflix]

En el centro de la trama, Martha Hoffman es internada en una clínica psiquiátrica a instancias de sus hijas, quienes sostienen que padece demencia. El perito judicial Casares asume la tarea de determinar si Martha realmente sufre una enfermedad mental o si, por el contrario, ha optado por vivir sus últimos años con plena autonomía. Esta investigación judicial se convierte en el motor narrativo de la película, que alterna entre el encierro de Martha durante 27 noches y la evaluación a cargo de Casares, en medio de una disputa familiar marcada por la sospecha y el deseo de control sobre la fortuna de la protagonista.

Daniel Hendler explicó a Netflix que la historia de 27 noches se inspira en el caso real de una mujer adinerada diagnosticada con enfermedad frontotemporal, quien fue recluida en un neuropsiquiátrico y permaneció incomunicada durante casi un mes. Según Hendler, la película se apropia de estos hechos para transformarlos en una fábula sobre la pugna entre una madre y sus hijas, donde la locura se presenta como un límite difícil de definir: “Las hijas consideran que Martha está loca y ella misma, su entorno y el perito dudan al respecto. Esa línea divisoria entre la locura y la cordura es imprecisa, y la película pone la mirada ahí”, afirmó el director en diálogo con Netflix.

El guion, desarrollado inicialmente por Mariano Llinás y luego adaptado por Martín Mauregui y Agustina Liendo, estructura la narración en dos tiempos y profundiza en la relación entre Martha y el perito Casares. Hendler destacó que, aunque la comedia surge de manera natural, la película también incorpora elementos de policial y comedia romántica, especialmente en la complicidad inesperada que se establece entre los protagonistas. “Ambos parecen tener algo roto, acarrean con sus fisuras afectivas y ese encuentro los conecta en sus zonas humanas y contradictorias”, señaló Hendler a Netflix.

La representación de la salud mental fue abordada con especial cuidado, recurriendo a la asesoría de especialistas y de la propia Natalia Zito, autora de la novela original. Hendler subrayó el interés del equipo en explorar cómo se define el límite entre la salud y la insanía, y de qué manera ese umbral, a menudo difuso, puede determinar la inclusión o exclusión de una persona en la sociedad.

La interpretación de Marilú Marini en el papel de Martha ha sido uno de los aspectos más destacados del rodaje. Hendler describió la experiencia de trabajar con la actriz como conmovedora y resaltó su disposición a asumir riesgos en escenas que exigían rozar el ridículo o la grosería: “Marilú tiene todas las edades y, más allá de ser una mujer culta y sofisticada, nunca perdió su espíritu rockero”, expresó el director a Netflix.

Por su parte, Marilú Marini compartió que el personaje de Martha está inspirado en Natalia Kohen, una mujer real a la que tuvo oportunidad de conocer. Marini explicó a Netflix que, aunque tomó de Kohen su energía y amor por lo bello, evitó reproducir recuerdos puntuales para centrarse en la creación de un personaje propio: “Lo que hice fue tomar ese amor por lo bello, lo estético, lo inusitado, tomar esa libertad que ella tenía y esa capacidad de empatía con la gente, esa generosidad de una persona que tiene dinero y que lo comparte con los otros a través de obras, hechos y situaciones. Me inspiré en esa fuerza que la habitaba”, relató la actriz.

La película también aborda el concepto de familia, tanto la biológica como la elegida. Marini reflexionó sobre la complejidad de los vínculos familiares y la tendencia de las personas a formar lazos afectivos fuera del círculo de origen: “La familia biológica es algo con quienes uno suele tener bastante conflictos, en parte por la proximidad, y también por la situación de la historia tejida, que nace en el inconsciente, en relaciones que no están dichas o simbolizadas por el lenguaje sino que están establecidas por algo muy anterior. Es algo muy misterioso. Y creo que este movimiento misterioso hace que elijamos una familia de elección”, explicó Marini a Netflix.

El rodaje de 27 noches reunió a un equipo encabezado por Agustina Llambi Campbell y Santiago Mitre en la producción, con la participación de La Unión de los Ríos. El elenco incluye, además de Marini y Hendler, a Humberto Tortonese, Julieta Zylberberg, Paula Grinszpan y Carla Peterson. La fotografía estuvo a cargo de Julián Apezteguía, la música de Pedro Osuna, la edición de Nicolás Goldbart, el diseño de vestuario de Roberta Pesci, el sonido de Santiago Fumagalli y el arte de Sebastián Orgambide. La película tiene una duración de 1 hora y 47 minutos y fue producida en 2025.

La experiencia de filmar en Argentina resultó especialmente significativa para Marini, quien destacó la energía positiva y la comunicación fluida entre todas las áreas del equipo. Sobre su trabajo con Hendler, la actriz manifestó: “Lo admiro mucho a Daniel. Está muy presente en ambos roles. Tenía una gran disponibilidad para el contacto con la gente que trabaja con él en todos los rubros. Su actitud creó un espacio donde uno se sentía libre y confortable para trabajar”, declaró Marini a Netflix.

Tanto Hendler como Marini coinciden en que 27 noches invita al público a cuestionar los prejuicios sobre la vejez, la salud mental y la libertad personal. “Que se conmueva con los vínculos, más allá de la necesidad inicial de juzgar quiénes son los buenos y quiénes los malos, los locos y los sanos; una dicotomía lógica que espero se vea superada por la humanidad de los personajes”, expresó Hendler a Netflix. Marini, por su parte, espera que la película ofrezca una experiencia entretenida y que permita a los espectadores sentir que “cada ser humano tiene la posibilidad de ser libre y no estar atado a normas sociales”, según sus palabras a Netflix.

El film tuvo su primera exhibición pública el 19 de septiembre, cuando inauguró la 73ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián como parte de la Competencia Oficial. Tras su paso por el certamen, la película se proyectará en salas selectas de Argentina a partir del 9 de octubre, antes de su estreno mundial en la plataforma de streaming.

La trama de 27 noches se centra en el conflicto que surge cuando las hijas de Martha Hoffman deciden internarla en una clínica psiquiátrica, alegando que su madre padece demencia. El personaje de Casares, un perito judicial interpretado por Daniel Hendler, asume la responsabilidad de determinar si la internación responde a una preocupación genuina por la salud mental de Martha o si, en realidad, se trata de una maniobra para controlar su considerable fortuna. La sinopsis oficial resume el dilema central: “Martha Hoffman, una excéntrica y adinerada mecenas de 83 años, es internada en una clínica psiquiátrica a pedido de sus hijas, quienes aseguran que sufre de demencia. El perito judicial Casares investiga si Martha realmente está enferma o si simplemente ha elegido vivir sus últimos años con absoluta libertad, mientras se cuestiona si la internación es un acto de protección o un intento de controlar su fortuna”.

El elenco principal está encabezado por Marilú Marini en el papel de Martha Hoffman, acompañada por Humberto Tortonese, Julieta Zylberberg, Paula Grinszpan y Carla Peterson. El equipo técnico incluye a Julián Apezteguía en la dirección de fotografía, Pedro Osuna en la música, Nicolás Goldbart en la edición y Roberta Pesci en el diseño de vestuario. El guion fue desarrollado por Daniel Hendler, Martín Mauregui y Agustina Liendo, sobre una adaptación de Mariano Llinás. Completan el equipo Santiago Fumagalli en sonido y Sebastián Orgambide en arte.

La película, con una duración de 1 hora y 47 minutos, corresponde al año de producción 2025. La participación de Daniel Hendler en el festival de San Sebastián no es nueva: en 2010 obtuvo el Premio Cine en Construcción por Norberto apenas tarde y este año también compite en la sección Horizontes Latinos con el filme Un cabo suelto.

La llegada de 27 noches a Netflix representa una oportunidad para que la audiencia internacional acceda a una obra que, a partir de un caso inspirado en hechos reales, indaga en la complejidad de las relaciones familiares, la disputa por la herencia y la salud mental. La producción, basada en la novela de Natalia Zito, se apoya en un elenco y un equipo técnico de primer nivel, consolidando la presencia del cine argentino en el circuito internacional.

Ya sea por la proximidad de la festividad de Halloween, porque se celebra el Festival de Sitges o porque comienza el recogimiento por el frescor otoñal, lo cierto es que el mes de octubre siempre se ha caracterizado por la enorme variedad de películas que se estrenan inscritas dentro del cine de terror.

Tanto en cines como en plataformas encontramos una enorme variedad de propuestas que nos llevan del cine independiente a las grandes superproducciones que incluso podrían optar a los próximos premios Oscar.

‘Frankenstein’

Sin duda una de las grandes películas dentro del género que se estrenarán en lo que queda de año, la nueva obra de Guillermo del Toro y que supone una personal aproximación a la novela de Mary Shelley que el director mexicano siempre había querido adaptar.

La película se presenta como un drama familiar que se aleja de las grandes metáforas sobre Prometeo o la rivalidad con los dioses, para centrarse en la experiencia humana de aprender a ser padre. La narración alterna entre el hombre que se transforma en criatura y la propia criatura, marcada por la herida de una inmortalidad que la separa de la humanidad y la condena a la soledad.

El eje central de la historia es el reconocimiento de la monstruosidad compartida, una idea que Del Toro resume en forma de moraleja y que en el fondo constituye la base de su cine: “Todos somos monstruos”.

Una obra arrolladora protagonizada por Oscar Isaacs, Jacob Elordi (como la criatura) y Mia Goth. Se estrenará en cines el 24 de octubre y poco después se podrá ver en Netflix.

‘Vieja loca’

El prestigioso guionista argentino Martín Mauregui, debuta detrás de la cámara con esta película de terror protagonizada por Carmen Maura y producida por J.A. Bayona.

La historia comienza cuando Pedro (interpretado por Daniel Hendler) recibe una llamada urgente de Laura (Agustina Liendo), su exnovia, quien le pide cuidar a Alicia (Maura), su madre anciana con demencia senil.

Lo que aparenta ser un simple favor pronto se transformará en una experiencia inquietante cuando Alicia proponga a Pedro participar en un sádico juego, exhibiendo comportamientos cada vez más perturbadores. En cines a partir del 10 de octubre.

‘La hermanastra fea’

Ha sido una de las películas que más expectación ha generado en el circuito de los festivales de género de terror después de pasar por Sundance.

Se trata de una produccion noruega, dirigida por Emilie Blichfeldt que aborda los cánones de belleza desde un punto de vista visceral y dándole la vuelta al mito de Cenicienta y basándose en el relato original de los hermanos Grimm, completamente alejado al ‘edulcoramiento’ de Disney, para adaptarlo a un tiempo indeterminado en el que se hacen cirugías plásticas sangrientas y se ingieren tenias para adelgazar.

Una película tan virtuosa como extrema que mezcla el gore con el ‘body horror’ para hablar de la dictadura de mito de la perfección estética en las mujeres.

‘Good Boy’

Se ha convertido en uno de los éxitos virales del año después de que se lanzara su tráiler el pasado agosto. Se trata de la ópera prima de Ben Leonberg y tiene la particularidad de que cuenta una historia de espíritus malvados desde la perspectiva de un perro que intenta proteger a su amo de esas presencias que solo él puede percibir.

72 minutos de auténtica angustia que podrán gozarse (o sufrirse) a partir del 17 de octubre.

‘Exit 8′

Después de ganar el premio a la mejor dirección en el Festival de San Sebastián de 2022 con el drama Cien flores, el japonés Genki Kawamura adapta un videojuego en el que una persona está atrapada en un pasadizo subterráneo y dentro de un bucle temporal. Si quiere salir de ese escenario de pesadilla, tendrá que observar atentamente su entorno hasta llegar a la Salida 8. Si algo se le pasa por alto, tendrá que volver al principio.

Una angustiosa pesadilla que se ha convertido en película de culto de forma inmediata.

‘Black Phone 2′

Después del gran éxito de Black Phone, Scott Derrikson se hace también cargo de su continuación, de nuevo protagonizada por Ethan Hawke, en el papel del demoniaco captor y Mason Thames.

En esta ocasión, el protagonista tendrá que proteger a su hermana del mismo monstruo perturbado solo que, en esta ocasión, todavía será más poderoso, porque después de haber muerto seguirá torturándolo y buscando venganza. ¿Cómo vencer a un fantasma psicópata? En cines a partir del 24 de octubre.

‘Together’

La pareja formada por Alison Brie y Dave Franco, protagonizan esta película de ‘body horror’ (al más puro estilo de La sustancia) que supone el debut del australiano Michael Shanks.

Una obra sorprendente que se distingue por su audaz combinación entre humor negro y efectos visuales impactantes, en la que una pareja que se enfrenta a una crisis se muda al campo y, después de hacer una excursión y descubrir una extraña cueva, comenzarán a sentir efectos secundarios imprevisibles, tan mentales como físicos que los irán fusionando poco a poco.

Una película de lo más inesperada en la que se combinan elementos de delirio y psicodelia con una narrativa que desafía las convenciones.

La plataforma de ‘streaming’ demuestra su músculo ofreciendo una enorme variedad de propuestas cinematográficas, originales de Netflix, que se podrán ver en este próximo mes en su programación, algunas de ellas, incluso pueden aspiran a premios tanto nacionales como internacionales después de pasar brevemente por las salas de cine y de haberse presentado en festivales internacionales, como los de Venecia o San Sebastián.

Estos son los estrenos del mes de octubre que se podrán ver en las próximas semanas.

‘Una casa llena de dinamita’

La ganadora del Oscar por En tierra hostil, Kathryn Bigleow, regresa al thriller político de alta tensión con esta película a contrarreloj en la que un misil de procedencia no identificada se dispone a impactar contra la Estados Unidos.

Se presentó en la Sección Oficial del Festival de Venecia y está protagonizada por Idris Elba y Rebecca Ferguson. Se estrena en cines el 10 de octubre y el 24 de octubre en Netflix.

‘Maldita suerte’

La nueva propuesta del director de Sin novedad en el frente y Cónclave se aleja de cualquier atisbo histórico para introducirse en un relato contemporáneo protagonizado por un ludópata (interpretado por Colin Farrell) que malgasta su vida en los casinos de Macao. Se trata de la adaptación de la novela de Lawrence Osborne en torno a la adicción al juego.

Disponible en la plataforma a partir del 29 de octubre de 2005.

‘Steve’

Película que se basa en una de las novelas de uno de los autores irlandeses de moda, Max Porter, del que también se encuentra pendiente de estreno Esa cosa con alas, con Benedict Cumberbatch.

El autor alcanzó el estrellato literario con su obra Shy, precisamente de la que se hace aquí una versión protagonizada por Cillian Murphy, que encarna a Steve, el director de un reformatorio para chicos problemáticos en el que se encuentra el personaje de Shy, un estudiante con tendencias violentas lastrado por su pasado y su fragilidad.

Se trata del mismo director, Tim Mielants, que acaba de estrenar en cines Small Thing Like These, basada en otra novela, en este caso de Claire Keegan (The Quiet Girl) y en la que el propio Cillian Murphy, después del boom de Oppenheimer, también es protagonista, regresando a sus raíces irlandesas. Disponible a partir del 3 de octubre.

‘La mujer del camarote 10′

El 10 de octubre se estrena esta película de terror protagonizada por Keira Knightley, que vuelve a la actualidad después de la serie Palomas negras.

Se trata de un thriller basado en la novela de la autora de bestsellers de misterio Ruth Ware, en la que una periodista será testigo de un asesinato en alta mar y nadie la creerá... hasta que tenga que arriesgar su vida para descubrir la verdad.

‘Limpia’

Después de inaugurar la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián, la directora chilena Dominga Sotomayor, responsable de películas como De jueves a domingo o Tarde para morir joven, narra la historia de la relación entre una trabajadora doméstica y una niña de seis años a la que cuida todos los días. A medida que su vínculo se hace más estrecho, su relación se será cada vez más intensa. Basada en una novela de Alia Trabucco se estrenará en la plataforma el 10 de octubre.

‘Un fantasma en la batalla’.

La gran apuesta de Netflix España para este otoño es la nueva pelicula de Agustín Díaz Yanes, con la produccion de Belén Atienza, Sandra Hermida y J.A. Bayona (los responsables de La sociedad de la nieve).

En ella, una joven agente de la Guardia Civil decide infiltrarse en el seno de la banda terrorista ETA coincidiendo con sus años de plomo, con su etapa más sanguinaria, lo que contribuye a desarticular a la organización desde sus cimientos. Una historia que recuerda a La infiltrada, de Arantxa Echevarría pero que va más allá gracias a la pericia cinematográfica del veterano director que compone un relato en el que la ficción se entremezcla con imágenes documentales que aportan una dosis de realismo estremecedor.

‘27 noches’

La película encargada de inaugurar el Festival de San Sebatián, dirigida por Daniel Hendler en la que se habla de la vejez a través de un caso real, el de una anciana que intentó ser inhabilitada por sus hijas por demencia y que tuvo que demostrar que estaba en sus cabales para que no se hicieran cargo de su herencia sin contar con ella.

Una historia tan tierna como reivindicativa a la hora de otorgar dignidad a los mayores que cuenta con una fantástica interpretación de Marilú Marini.

El inicio de la producción de El Resto Bien marca el regreso de Daniel Burman a la comedia dramática, con una propuesta que explora la crisis de la mediana edad desde una perspectiva irónica y emotiva. La serie, original de Flow y realizada en coproducción con Cimarrón y Oficina Burman (compañías de The Mediapro Studio), cuenta con un elenco encabezado por Benjamín Vicuña, Rita Cortese, Violeta Urtizberea y Jorge Bolani, y se filma en diversas locaciones de Uruguay, Paraguay y Argentina.

La trama de El Resto Bien se centra en Ariel, interpretado por Vicuña, un historietista de éxito que, al borde de los cincuenta años, se enfrenta a una vida que lo sobrepasa: las demandas de cinco hijos, la atención constante a sus padres y una vida social que lo agobia. Un diagnóstico médico que le impide cargar más de tres kilogramos debido a una hernia se convierte en el detonante de un recorrido personal cargado de humor y autodescubrimiento, planteando la pregunta sobre “qué es lo que realmente nos pesa en la vida”.

La serie, compuesta por ocho episodios de 30 minutos, fue creada y escrita por Burman junto a un equipo de colaboradores habituales, entre los que se encuentran Ariel Gurevich, Andrés Gelós, Pablo Gelós y Eloy Burman. La dirección está a cargo del propio Daniel Burman y de Daniel Hendler, actor y realizador uruguayo que recientemente presentó su película 27 noches como apertura del Festival de San Sebastián y estrenó Un cabo suelto en la Biennale de Venecia.

El reparto se amplía con las intervenciones especiales de Andrea Frigerio, Alejandro Awada y Marina Bellati. La serie busca conectar con distintas generaciones a través de una mirada ácida y humana sobre la mediana edad y sus desafíos.

En palabras de Daniel Burman, recogidas en el comunicado oficial, “La noche antes de cumplir cincuenta tuve una sensación nueva: la de un hombre preparado para enfrentar su pelotón de fusilamiento. Sin embargo, al día siguiente, la vida continuó, y con ella, el peso de múltiples hijos, los padres que viven en un deterioro eterno y donde este momento, supuestamente único y mágico, se extingue y es devorado por las generaciones de arriba y de abajo. Me pregunto: ¿cuándo me toca a mí?”. El creador añade: “La mediana edad no trae certezas, sino más peso: padres seniles que ahora dependen de nosotros; los hijos, que nunca se van de la casa, esperan que les guiemos, y nosotros estamos completamente perdidos.

En este contexto nace ‘El Resto Bien’, la historia de Ariel, un recién inaugurado cincuentón que atraviesa esta etapa con humor ácido y mirada humana. Una historia que desea conectar no solo con las audiencias que viven lo mismo que él, sino con las generaciones mayores, para que puedan mirar con un poco de piedad a sus hijos, y con las venideras, que aún no saben lo que les espera”.

El estreno de El Resto Bien está previsto en Flow para Argentina, Uruguay y Paraguay, mientras que The Mediapro Studio Distribution gestionará los derechos de venta internacional de la serie.

La 73° edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián abrió este viernes con la película argentina 27 noches, una investigación detectivesca con tono de comedia dirigida por Daniel Hendler con la que el certamen da un espaldarazo a una industria muy debilitada por los recortes presupuestarios. “Que una película argentina abra este festival es una señal que nos regocija y muestra cuan importante es el cine argentino para el mundo”, ha señalado en la rueda de prensa posterior al estreno el productor de la película, Santiago Mitre, que ha sido recibido con aplausos junto al resto del equipo en su comparecencia.

De las películas argentinas que este año están representadas en el festival (tres de ellas en sección oficial), el 90 % son anteriores a los recortes en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA) o bien tienen el respaldo de una plataforma, en este caso de Netflix, ha añadido la otra productora, Agustina Llambí Campbell. Cree que el próximo año se va a notar mucho la caída, ya que este año no se ha hecho ni una película en Argentina con financiación pública.

El filme de Hendler cuenta la historia de Martha Hoffman (Marilú Marini, ‘Furia’), una excéntrica y adinerada mecenas que es internada en una clínica psiquiátrica por sus hijas. El perito Casares (el actor uruguayo Daniel Hendler, premio a mejor actor en el Festival de Berlín por El abrazo partido) investiga si es un plan para controlar la fortuna materna o si realmente Martha sufre algún tipo de demencia.

El papel de la protagonista, una mujer de más de 80 años, es el de “una roquera que no está dispuesta a bajar los brazos y quiere hasta el final bailar con sus amigos y su verdadera familia”, ha explicado Hendler, también detrás del guión basado en la novela de Natalia Zito. Además del conflicto familiar de clase, el tema de la salud mental resulta central en la película: “el desafío era hablar de ese borde desde el que se excluye a algunas personas de la sociedad”, ha remarcado el director.

Para encontrar el equilibrio y la reflexión necesarios, todos los personajes tienen zonas ambiguas, algo que se observa en el caso del excéntrico personaje que interpreta Marilú Marini -que no ha podido asistir porque está haciendo una obra de teatro en Francia- pero también en sus hijas, interpretadas por Julieta Zylberberg y Paula Grinszpan. Esta última hace de la hermana mayor, la más proclive al internamiento de la madre antes de que dilapide la fortuna familiar heredada de su difunto marido. “Para mí era fundamental entender el pasado entre ellas, y lo que pusimos en primer plano es que el amor no fue la prioridad”, ha explicado la actriz.

Su relación es más “una cadena de malos entendidos” en la que las hijas tuvieron una libertad y una responsabilidad excesivas desde su infancia, ha añadido. 27 noches, que compite con otras 16 en la sección oficial por el premio mayor, la Concha de Oro, se proyecta este viernes también en la gala de inauguración del Festival, en la que además se entregará el Premio Donostia a Esther García, la histórica productora de Pedro Almodóvar.

El sábado 28 se sabrá si ha obtenido alguno de los premios concedidos por un jurado presidido por el director español J.A. Bayona, durante un festival por el que pasarán estrellas como Jennifer Lawrence (quien recibirá el otro Premio Donostia), Angelina Jolie y Colin Farrell entre otros.

Fuente: EFE

[Fotos: prensa SSIFF; prensa Netflix]

El Festival de San Sebastián ha inaugurado su 73 edición con una película argentina. Toda una declaración de intenciones después de que Javier Milei desmantelara el INCAA y, por tanto, todo el engranaje de la cinematografía del país.

La película en cuestión es una produccion original de Netflix, se llama 27 noches y está dirigida (e interpretada) por Daniel Hendler, responsable de títulos como El abrazo partido y que también presentará otra película en el marco del festival después de pasar por Venecia, Un cabo suelto (que distribuirá A Contracorriente Films).

27 noches se basa en el libro homónimo de Natalia Zito quien, a su vez, se inspiró en un caso real que conmocionó a la opinión pública argentina en 2005, la de una escritora, profesora de letras, artista plástica y mecenas llamada Natalia Kohen (aquí, Marta Hoffman), que falleció a los 103 años.

En 2005, Kohen pasó 27 noches internada en una clínica psiquiátrica tras una denuncia presentada por sus hijas, Nora y Claudia, quienes la acusaron de malgastar una herencia proveniente de su esposo, vinculado a la industria farmacéutica.

El caso se apoyó en un diagnóstico de demencia firmado por el neurólogo y actual diputado nacional Facundo Manes. Este episodio, que generó un escándalo mediático, inspiró primero la novela Veintisiete noches (donde la protagonista adoptaba el nombre de Sarah Katz) y ahora esta película.

De qué va ‘27 noches’

En 27 noches, una superlativa Marilú Marini encarna a Martha Hoffman, una mecenas de 83 años, impulsiva y adinerada, que utiliza su fortuna para apoyar a artistas y financiar un centro cultural de arte experimental.

Esta actitud provoca el temor de sus hijas, Miriam (interpretada por Carla Peterson) y Olga (Paula Grinszpan), quienes recurren a la justicia para evitar que el patrimonio familiar continúe disminuyendo.

Entre los bienes en disputa figura incluso una escultura atribuida a Salvador Dalí. El juez encargado del caso busca una resolución expedita, pero debe solicitar la intervención de un perito, Leandro Casares (interpretado por el propio Hendler), un hombre solitario y meticuloso que vive con su padre y se toma su labor con extrema seriedad.

La relación entre Casares y Hoffman constituirá el eje central de la película, que se desarrolla a través de una serie de entrevistas entre dos personajes diametralmente opuestos.

La dignidad de la Tercera Edad

El film adopta un tono de comedia negra, oscilando entre el humanismo y la crueldad, y se enriquece con subtramas como un incipiente romance entre Casares y Alejandra Conde (Julieta Zylberberg), empleada del tribunal, así como las extravagantes fiestas y experiencias en el centro cultural, donde destaca la presencia de Bernardo, interpretado por Humberto Tortonese.

A pesar de que en ciertos momentos la película refleja el ambiente paranoico y manipulador del caso real, Hendler evita caer en la denuncia explícita y opta por una comedia con corazón.

El personaje de Casares se transformará en una suerte de investigador privado, cada vez más obsesionado con los detalles del caso y con la enigmática y octogenaria.

La película se convierte en un alegato a favor de la dignidad en la senectud, así como una advertencia en torno a la manipulación familiar en cuestiones económicas cuando la salud mental entra en juego.

El actor y director uruguayo residente en Argentina Daniel Hendler presentó este miércoles en la Mostra de Venecia Un cabo suelto, una comedia que sigue la huida de un policía de la provincia de Tucumán, encarnado por Sergio Prina, que se busca una nueva vida en Uruguay.

El estreno sucede en la semana en que se supo que la última película de Hendler, 27 noches, inaugurará en septiembre el Festival de Cine de San Sebastián. En el mismo encuentro, a su vez, competirá con Un cabo suelo en la sección Horizontes Latinos. “Me siento muy suertudo”, dice Hendler, aludiendo a un “privilegio enorme y un orgullo” que sus dos películas, “una más argentina, la otra más uruguaya”, fueran seleccionadas.

Sobre el cine argentino y su presencia en San Sebastián, a pesar de la particular situación que atraviesa la industria audiovisual, Hendler sostiene que en su país adoptivo “hay una especie de ataque extraño, un encono hacia la cultura, como si fuera un reducto donde nos escondemos todos los zurditos”. “Y justamente”, continúa, “no solamente es un sector muy variado... También da trabajo para muchas personas, industria, rentabilidades directas e indirectas”, agrega.

Lamentando “los apoyos limitados” y que “se ataque justo al cine que más debe fomentarse, que es la cantera donde se discute el lenguaje cinematográfico”, Hendler lanza un llamado a “resistir”. “No puede durar mucho, porque el sector mismo empuja”, sostiene.

“Un héroe cobarde”

En Un cabo suelto, presentada en la sección Spotlight de Venecia, Sergio Prina encarna a Santiago Pallares, un cabo de la policía argentina y amante del queso, que huye a Uruguay para escapar de unos compañeros del cuerpo que lo andan buscando. Para ese papel, Hendler necesitaba a alguien que tuviera “algo de esa parte dura”, pero “cuya sensibilidad permitiera romper esa imagen de policía y permitirnos empatizar con él”, informa el director.

Pero ¿de qué huye Santiago Pallares? ¿por qué escapa? “Huye porque peligra su vida”, responde Prina, de 44 años. “Y en el medio de esa huida, empieza a encontrar la posibilidad de una nueva forma de vivir, de ser otra persona”.

“La posibilidad y la imposibilidad”, matiza Hendler, recordando que “es imposible borrar las huellas que nos definen”. En cierto modo, la fuga de Santiago, “un héroe con cobardía”, según el cineasta, acaba perfilando una película transfronteriza, llena de guiños a las diferencias a una y otra ribera del río de la Plata.

“Es algo que supongo que pasa en muchas regiones”, apunta Hendler, aludiendo a unas “diferencias sutiles” que “terminan desenmascarando” el lugar al que uno pertenece. Algo que a Pallares le sucede constantemente, dando lugar a unas cómicas escenas que dan ritmo a la trama.

Fuente: AFP

[Fotos: prensa Festival de Venecia]

El próximo 19 de septiembre, la 73ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián abrirá sus puertas con el estreno mundial de 27 noches, una producción argentina que competirá en la Sección Oficial y que, tras su paso por el certamen, estará disponible globalmente en Netflix a partir del 17 de octubre.

La película, dirigida y protagonizada por Daniel Hendler junto a Marilú Marini, se inspira en el libro homónimo de Natalia Zito y en hechos reales, y cuenta con la producción de Santiago Mitre y Agustina Llambi Campbell para La Unión de los Ríos.

La trama de 27 noches se centra en Martha Hoffman, interpretada por Marilú Marini, una mecenas de 83 años con una personalidad excéntrica y una considerable fortuna. Sus hijas deciden internarla en una clínica psiquiátrica, alegando que padece demencia. El perito judicial Casares, encarnado por Daniel Hendler, asume la tarea de determinar si la internación responde a una preocupación genuina por la salud mental de Martha o si, en realidad, se trata de una maniobra para controlar su patrimonio.

La sinopsis oficial plantea el dilema central: “Martha Hoffman, una excéntrica y adinerada mecenas de 83 años, es internada en una clínica psiquiátrica a pedido de sus hijas, quienes aseguran que sufre de demencia. El perito judicial Casares investiga si Martha realmente está enferma o si simplemente ha elegido vivir sus últimos años con absoluta libertad, mientras se cuestiona si la internación es un acto de protección o un intento de controlar su fortuna”.

El elenco se completa con Humberto Tortonese, Julieta Zylberberg, Paula Grinszpan y Carla Peterson. La dirección de fotografía está a cargo de Julián Apezteguía, la música es de Pedro Osuna, la edición de Nicolás Goldbart y el diseño de vestuario de Roberta Pesci. El guion fue desarrollado por Daniel Hendler, Martín Mauregui y Agustina Liendo, sobre una adaptación de Mariano Llinás. El equipo técnico se completa con Santiago Fumagalli en sonido y Sebastián Orgambide en arte. La película tiene una duración de 1 hora y 47 minutos y corresponde al año de producción 2025.

La gala inaugural del festival, que será presentada por Silvia Abril, Toni Acosta e Itziar Ituño, incluirá la entrega del primer Premio Donostia de esta edición a Esther García, figura clave de la productora El Deseo, responsable de las películas de Pedro Almodóvar. Además, se presentará el jurado oficial antes de la proyección de 27 noches, que competirá por la Concha de Oro.

Daniel Hendler, además de dirigir y protagonizar la película, cuenta con antecedentes destacados en el festival, donde obtuvo el Premio Cine en Construcción en 2010 por Norberto apenas tarde. Este año, también participa en la sección Horizontes Latinos con el filme Un cabo suelto.

La llegada de 27 noches a la plataforma de Netflix el 17 de octubre permitirá que la audiencia internacional acceda a una obra que explora los límites entre la autonomía personal y la tutela familiar, en el contexto de una disputa por la herencia y la salud mental. La producción, basada en la novela de Natalia Zito, se apoya en un elenco y un equipo técnico de primer nivel, consolidando la presencia del cine argentino en el circuito internacional.

La película 27 noches, del cineasta uruguayo Daniel Hendler, inaugurará el 19 de septiembre la 73 edición del festival español de cine de San Sebastián, dentro de una gala que presentarán las actrices Silvia Abril, Toni Acosta e Itziar Ituño.

El certamen informó este lunes de los detalles de las galas de apertura y clausura y la que servirá para entregar el Premio Donostia a la actriz estadounidense Jennifer Lawrence el 26 de septiembre.

En la ceremonia inaugural, se entregará el primer Premio Donostia de esta edición, que corresponde a Esther García, uno de los pilares de la productora El Deseo, firma que ha realizado las películas del español Pedro Almodóvar.

También será presentado en esta gala el jurado oficial del festival, tras lo que se proyectará el filme inaugural (27 noches), que opta a la Concha de Oro.

El propio director, Daniel Hendler, protagoniza la película, que relata la historia de una millonaria octogenaria ingresada a la fuerza en una clínica psiquiátrica.

Hendler ganó con Norberto apenas tarde (2010) el Premio Cine en Construcción en este mismo festival español; y este año, además de la película inaugural, participa con otra en la sección Horizontes Latinos, Un cabo suelto.

La clausura, el 27 de septiembre, será presentada por la actriz Itsaso Arana, incluirá la entrega de premios y la proyección de Winter of the Crow, dirigida por la polaca Kasia Adamik, que se presenta fuera de concurso.

La cinta se basa en una narración breve de la escritora Olga Tokarczuk, Premio Nobel de Literatura de 2018.

Fuente: EFE

Con Daniel Hendler en la piel de Roque, un periodista especializado en fenómenos paranormales, y Diego Cremonesi interpretando a Vicente, considerado el “mufa” más temido del país, la trama inicia cuando ambos se embarcan en una peculiar investigación. El objetivo: esclarecer los orígenes y consecuencias de ese singular fenómeno argentino, donde ciertas personas, según la creencia popular, afectan negativamente el entorno generando infortunios y catástrofes inexplicables a su alrededor. La serie alterna el humor ácido con el retrato de un submundo que coquetea con las supersticiones más arraigadas.

Al poco tiempo de iniciar la investigación, Roque y Vicente chocan con la resistencia del jefe multimillonario de Roque, quien busca impedir a toda costa la publicación del informe sobre los “mufas”. La oferta de este personaje desata el principal conflicto de la serie: propone a Roque, a cambio de una considerable suma de dinero, que rescate a su hija de una llamada “secta mufa” liderada por un parapsicólogo despiadado y manipulador. Así, la línea entre el periodismo de investigación, la deuda personal y la supervivencia profesional se desdibuja, mientras los protagonistas deben sortear situaciones tan absurdas como peligrosas.

En este universo dominado por la mala suerte, Carla Quevedo acompaña en el rol de Emma, completando el trío protagónico. La acción se ve enriquecida con las participaciones especiales de Osmar Núñez como Valerga y Pilar Gamboa en el papel de Rosario, además de Nacho Gadano, Sofía Brito, Emiliano Kaczka, Damián Dreizik y Blanca Olivetti en el elenco. Cada actor compone personajes que, desde diferentes grados de escepticismo o fanatismo, aportan matices a la exploración de la cultura de la “mala leche”.

La serie nace de una idea de Sebastián Borensztein y es producida por Kapow, reafirmando el auge de las producciones originales argentinas en plataformas internacionales. El proyecto cuenta con la dirección de Gabriel Medina, quien también comparte créditos de guion junto a Javier Rao. La concreción estética y narrativa ratifica la intención de ofrecer una experiencia que oscila entre el humor negro, el misterio y el absurdo, sin caer en la trivialización de los mitos populares.

Según detalló el equipo creativo al darse a conocer hoy el póster y tráiler oficiales, “Los Mufas: suerte para la desgracia” cuenta con ocho episodios de 30 minutos de duración cada uno. Así, la estructura breve de sus capítulos permite un ritmo ágil y secuencias donde la catástrofe y el desconcierto nunca esperan demasiado.

Enmarcada en la cultura argentina y sus supersticiones, la serie desembarca con una apuesta por el humor ácido y la parodia, invitando al público a descubrir cómo la supuesta “mufa” puede convertirse en el motor de acciones delirantes, heroicas o simplemente irremediables.

En este contexto, el propio Korovsky se tomó un momento para recordar, con nostalgia y gratitud, el origen de la idea que terminó por convertirse en una de las apuestas más originales del audiovisual argentino reciente.

A través de sus redes sociales, Santiago compartió un posteo especial en el que evocó el inicio de la serie. “Hace ocho años ganamos un concurso de series web del INCAA para hacer un video de dos minutos y nos juntamos con un grupo de amigos a hacer el tráiler de una serie de la que no sabíamos nada”, comenzó explicando, junto a un video que rápidamente reunió miles de reproducciones y reacciones de sus seguidores. El relato no solo reveló la génesis del proyecto, sino también la forma artesanal y colaborativa con la que se gestó desde el primer momento.

Korovsky continuó su relato destacando el espíritu de equipo que fue el sello fundamental del proceso creativo: “Años después cuando pudimos hacerla, usamos todas esas ideas para la primera temporada. Un grupo de gente con ganas de hacer cosas junta, sin tener claro a dónde va pero confiando en sí misma, es un buen resumen de lo que fue para mí División Palermo”.

El posteo fue acompañado por un clip comparativo entre aquel primer tráiler, realizado con recursos limitados y pura pasión, y algunas escenas emblemáticas de la versión final que llegó al público, donde ya se pueden ver en acción a figuras como Pilar Gamboa, Daniel Hendler y Martín Garabal. Uno de los datos que más llamó la atención en las redes fue el cambio de vestuario: en el piloto original, los miembros de la guardia urbana vestían chombas violetas, algo que luego se transformó en las ya icónicas camisas azules del reparto.

El recuerdo no pasó desapercibido: Celeste Cid, pareja de Korovsky, así como fanáticos, celebraron la publicación con mensajes afectuosos llenos de orgullo y admiración. “Me encanta cómo los detalles marcan la diferencia”; “Qué gran trabajo hiciste para que vea la luz”; “Las dos versiones se ven igual de buenas”; “No paro de reírme con esto”, fueron solo algunos de los comentarios que resaltaron entre la avalancha de respuestas.

El recorrido de la serie no solo se limitó a las anécdotas del rodaje. En el último tiempo, Korovsky brindó distintas entrevistas, como la realizada en 2023 para Infobae, donde detalló la profundidad y la investigación detrás de la historia. “Si bien yo estudio, investigo estas cuestiones, las fuerzas de seguridad, las experiencias de guardias urbanas o acá o en el exterior, el narcotráfico, que hablamos con periodistas que investigan estas cuestiones, con gente que ha ido a fiestas electrónicas muy asiduamente. Desde los detalles a las cosas más grandes y obviamente el tema de una persona en silla de ruedas, bueno vamos a escribir un personaje sobre eso. Yo no sé escribir al respecto, no sé qué experiencias atraviesan, me pongo a investigar cómo es el mundo”, relató sobre la construcción del guion y el abordaje respetuoso de cada realidad retratada.

Uno de los sellos de la serie es el modo en que utiliza el humor para disparar una crítica social aguda tanto sobre los sectores que históricamente segregan, como sobre quienes buscan apropiarse del discurso de la inclusión sin asumir verdaderos cambios de fondo. Según expresó su creador, “por suerte, nos ocupamos de esta cuestión del humor que hacíamos en relación a las minorías, a las personas con discapacidad esté de lado de ellos, donde la burla somos nosotros. La torpeza tiene que ver con no saber cómo pararse frente a la diferencia con las campañas de marketing que hacen las instituciones, los políticos, para apropiarse de la palabra ‘inclusión’ y hacer solo cambios de forma y no de fondo”.

Con sus guiones afilados, personajes queribles y una mirada muy argentina sobre la inclusión y la diferencia, División Palermo sigue escribiendo su propia historia de éxito. El fenómeno no solo se refleja en los rankings de la plataforma, sino en la capacidad de generar conversación profunda, empatía y también carcajadas en el público.

Doce largometrajes producidos total o parcialmente en América Latina, entre ellos los estrenos mundiales de Limpia, de la chilena Dominga Sotomayor, y Dolores, de los brasileños María Clara Escobar y Marcelo Gomes, integrarán la sección Horizontes Latinos de la 73° edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Los realizadores argentinos Iván Fund y Lucrecia Martel, además del actor y director uruguayo Daniel Hendler integran la lista de responsables de los doce títulos que competirán en esta sección, en la que el ganador obtiene un premio de 35.000 euros destinados al productor mayoritario y al distribuidor español de la película elegida.

Iván Fund concursa con El mensaje, largometraje con el que ganó el Oso de Plata Premio del Jurado en el pasado Festival de Berlín y que fue seleccionado en el foro de Coproducción Europa-América Latina en 2023 y en WIP Latam en 2024. Después de que sea exhibida fuera de concurso en la sección oficial de Venecia, Lucrecia Martel presentará su último trabajo, Nuestra tierra, un filme sobre el asesinato del líder indígena tucumano Javier Chocobar. Y Un cabo suelto, el tercer largometraje del uruguayo Daniel Hendler participará -como Martel- luego de estrenar la película en la sección Spotlight del Festival de Venecia.

También estará presente la documentalista argentina Cecilia Kang, que presentará su debut en la ficción, Hijo mayor, un drama sobre una familia coreana que se instala en Argentina y que logró el premio a la mejor directora emergente en la sección Concorso Cineasti del Festival de Locarno.

Entre las demás obras seleccionadas destacan dos estrenos mundiales. El primero de ellos es Limpia, de la chilena Dominga Sotomayor, directora de películas como De jueves a domingo, Tarde para morir joven y Correspondencia. En su última película, que inaugurará la sección, Sotomayor ha adaptado la novela homónima de la escritora chilena Alia Trabucco, que narra la relación entre una trabajadora doméstica y la niña de seis años a quien cuida.

El otro estreno mundial es el de Dolores, codirigida por los brasileños María Clara Escobar y Marcelo Gomes, que relatan en este filme la historia de una mujer de 66 años que decide vender su casa para comprar un exitoso casino.

La clausura de la sección corresponderá a la película La misteriosa mirada del flamenco, el primer largometraje del chileno Diego Céspedes, reconocido con el premio Un Certain Regard del Festival de Cannes.

La ecuatoriana Cristina Barragán, antigua alumna de la Elías Quejereta Zine Eskola (EQZE) de San Sebastián, presentará Hiedra tras exhibirla en la sección Orizzonti del Festival de Venecia. Desde México llegará Olmo, de Fernando Eimbcke, director de Club Sándwich, con la que se alzó con la Concha de Plata a la mejor dirección en 2013. En su nueva película, estrenada en la sección Panorama de Berlín, cuenta la historia de una familia a través de la mirada de una adolescente de 14 años a finales de los años 70. Colombia aporta la segunda película de Simón Mesa Soto, Un poeta, reconocida con el premio del Jurado de Un Certain Regard en Cannes, mientras que el mexicano Nicolás Pereda participará con‘ Cobre. Cuerpo celeste, de la chilena Nayra Ilic García, completa la sección latina tras recibir menciones especiales en los festivales de Tribeca y Guadalajara.

Fuente: EFE

El impacto de División Palermo se refleja tanto en la crítica como en la audiencia. La primera temporada fue galardonada con el premio a la Mejor Comedia en la 52° edición de los Premios Emmy Internacionales, un hito para la ficción argentina. Además, obtuvo siete galardones en los Premios Cóndor de Plata, incluyendo Mejor Serie de Comedia, Mejor Dirección, Mejor Actor Protagonista en Comedia y Mejor Guion original. A estos reconocimientos se suman un Premio Sur a la Mejor Serie de Ficción y un Premio Platino a Mejor Actor de Serie. La serie también ingresó en el Top 10 de series en Argentina durante 5 semanas, consolidando su popularidad y proyección internacional gracias a la distribución global de Netflix.

La trama de la segunda temporada sitúa a la Guardia Urbana en plena campaña electoral, en un barrio más peligroso que nunca. Los Servicios de Inteligencia reclutan a Felipe Rozenfeld para investigar a una banda criminal que opera desde el café de especialidad Cuero Café, sospechando que Milton (interpretado por Juan Minujín) está involucrado en el tráfico de estupefacientes. La ciudad, desbordada por el descontrol, parece no estar preparada para enfrentar la nueva ola de violencia, y la División Palermo se encuentra aún menos equipada para lidiar con la situación.

El elenco principal regresa con Daniel Hendler, Pilar Gamboa, Martín Garabal, Charo López, Hernán Cuevas y Facundo Bogarín retomando sus papeles. A ellos se suman figuras reconocidas como Juan Minujín, Alejandra Flechner, Esteban Bigliardi, Inés Efron, Guillermo Arengo y Martín Piroyansky, quienes aportan nuevas dinámicas y matices a la historia. La combinación de actores experimentados y talentos emergentes ha sido una de las claves del éxito de la serie, que logra equilibrar el humor absurdo con una mirada aguda sobre la realidad social argentina.

La diversidad de personajes es uno de los sellos de División Palermo. La Guardia Urbana la integran Felipe Rozenfeld, el protagonista que ingresa por error y duda si su condición de judío lo incluye como discapacitado; Sofía, su enamorada en silla de ruedas (Pilar Gamboa); Edgardo, ciego (Facundo Bogarín); Johnny, de baja estatura (Hernán Cuevas); Mario, inmigrante boliviano (Renato Condori Sangalli); un homb20re con sobrepeso (Jonathan Jairo Nugnes); y la hija trans del jefe de policía (Valeria Licciardi). Todos están bajo la dirección de Miguel, un psicólogo al que le falta un brazo (Daniel Hendler). En esta temporada se suman un joven con Síndrome de Down y una joven del espectro autista, ampliando la representación y complejidad del grupo. Los policías “de verdad”, Esteban (Martín Garabal) y Palo (Charo López), continúan acompañando a la Guardia Urbana.

La segunda temporada introduce nuevas líneas argumentales y personajes episódicos, como los interpretados por Martín Piroyansky, Germán de Silva, Inés Efron y Esteban Bigliardi, este último encarnando a un aspirante a Jefe de Gobierno que compite con la ministra de Seguridad. La multiplicidad de tramas y la brevedad de los episodios, de poco más de veinte minutos cada uno, intensifican el ritmo y la variedad de situaciones.

El proceso creativo ha estado liderado por Santiago Korovsky, quien además de protagonizar, dirige junto a Rafael López Saubidet. El guion, elaborado por Martina López Robol, Andrés Pascaner, Martín Garabal e Ignacio Sánchez Mestre, aporta una mirada coral y diversa, enriqueciendo los diálogos y las situaciones con matices propios de la idiosincrasia argentina. La producción ejecutiva está a cargo de Nicolás Goldar Parodi, Analía Castro y Diego Copello, mientras que la producción general recae en Hugo Sigman, Matías Mosteirín y Leticia Cristi.

La ambientación en una Buenos Aires caótica y desbordada refuerza el tono de la serie, que utiliza escenarios urbanos reconocibles y situaciones cotidianas para construir su universo ficcional. La presencia de mafias, la intensificación de la violencia y la irrupción de nuevas amenazas reflejan problemáticas reales, pero tratadas con un enfoque humorístico. La serie utiliza la parodia y el absurdo para evidenciar las contradicciones y falencias de las instituciones, al tiempo que construye personajes con los que el público puede identificarse. La Guardia Urbana, lejos de ser un cuerpo de élite, se presenta como un grupo de personas comunes, con sus propias inseguridades y limitaciones, que deben enfrentar situaciones que los superan.

La segunda y última temporada de División Palermo promete cerrar la historia de la Guardia Urbana, permitiendo a los seguidores descubrir cómo el grupo enfrenta el desafío final en una ciudad que nunca deja de sorprender.

La serie, producida por K&S Films y creada, dirigida y protagonizada por Santiago Korovsky, se ha consolidado como una de las ficciones más destacadas de la televisión argentina reciente. En esta nueva temporada, la trama se adentra en una Buenos Aires desbordada por el descontrol, donde las mafias se reorganizan, la violencia escala y una amenaza inédita se cierne sobre la población. La Guardia Urbana, ese grupo de personajes entrañables y disfuncionales, se enfrenta a desafíos que superan con creces su preparación y recursos.

El elenco principal, que ya se ganó el cariño del público, regresa con Daniel Hendler, Pilar Gamboa, Martín Garabal, Charo López, Hernán Cuevas y Facundo Bogarín retomando sus papeles. A ellos se suman figuras reconocidas como Juan Minujín, Alejandra Flechner, Esteban Bigliardi, Inés Efron, Guillermo Arengo y Martín Piroyansky, quienes aportan nuevas dinámicas y matices a la historia. La combinación de actores experimentados y talentos emergentes ha sido una de las claves del éxito de la serie, que logra equilibrar el humor absurdo con una mirada aguda sobre la realidad social argentina.

La primera temporada de División Palermo no solo se convirtió en un fenómeno de audiencia, sino que también recibió el reconocimiento de la industria. La serie fue galardonada con el premio a la Mejor Comedia en la 52° edición de los Premios Emmy Internacionales, un hito para la ficción argentina. Además, obtuvo siete galardones en los Premios Cóndor de Plata, incluyendo Mejor Serie de Comedia, Mejor Dirección, Mejor Actor Protagonista en Comedia y Mejor Guion original. A estos logros se suman un Premio Sur a la Mejor Serie de Ficción y un Premio Platino a Mejor Actor de Serie, consolidando su posición como una de las producciones más premiadas del país en los últimos años.

El impacto de la serie se reflejó también en su popularidad entre los espectadores. La primera temporada ingresó en el Top 10 de series en Argentina durante 5 semanas, demostrando su capacidad para conectar con el público local y trascender fronteras gracias a su distribución global en Netflix. El humor irreverente, la sátira política y la construcción de personajes complejos han sido elementos centrales en la propuesta de División Palermo, que aborda temas de actualidad con una mirada original y provocadora.

La sinopsis oficial de la segunda temporada anticipa un escenario aún más desafiante para la Guardia Urbana. En plena campaña electoral, el barrio donde transcurre la acción se vuelve más peligroso que nunca. Los Servicios de Inteligencia deciden reclutar a Felipe Rozenfeld para investigar a una banda criminal que opera desde el café de especialidad Cuero Café. La ciudad, sumida en el caos, parece no estar preparada para enfrentar la nueva ola de violencia, y la División Palermo se encuentra aún menos equipada para lidiar con la situación. Esta premisa refuerza el tono de comedia negra y crítica social que caracteriza a la serie, donde el absurdo y la realidad se entrelazan de manera constante.

El proceso creativo detrás de División Palermo ha sido liderado por Santiago Korovsky, quien no solo encarna al protagonista, sino que también se desempeña como creador y director, junto a Rafael López Saubidet. El guion, elaborado por un equipo integrado por Martina López Robol, Andrés Pascaner, Martín Garabal e Ignacio Sánchez Mestre, aporta una mirada coral y diversa a la narrativa, enriqueciendo los diálogos y las situaciones con matices propios de la idiosincrasia argentina.

La producción ejecutiva recae en Nicolás Goldar Parodi, Analía Castro y Diego Copello, mientras que la producción general está a cargo de Hugo Sigman, Matías Mosteirín y Leticia Cristi. El respaldo de K&S Films, una de las productoras más reconocidas de Argentina, ha permitido que la serie alcance altos estándares de calidad en términos de realización, dirección de arte y puesta en escena.

El elenco de la segunda temporada se amplía con la participación de Marcelo D’andrea, Renato Condori Sangalli, Valeria Licciardi, Jonatan Nugnes, Lucas Poggi y Santiago Demarco, quienes aportan nuevos perfiles y subtramas a la historia. La diversidad de personajes y situaciones permite que la serie explore distintos aspectos de la vida urbana, desde la burocracia policial hasta las tensiones sociales y políticas que atraviesan la ciudad.

Uno de los elementos distintivos de División Palermo es su capacidad para combinar el humor con la crítica social. La serie utiliza la parodia y el absurdo para poner en evidencia las contradicciones y falencias de las instituciones, al tiempo que construye personajes con los que el público puede identificarse. La Guardia Urbana, lejos de ser un cuerpo de élite, se presenta como un grupo de personas comunes, con sus propias inseguridades y limitaciones, que deben enfrentar situaciones que los superan. Esta perspectiva humaniza a los protagonistas y permite abordar temas complejos desde una óptica accesible y entretenida.

La ambientación en una Buenos Aires caótica y desbordada refuerza el tono de la serie, que utiliza escenarios urbanos reconocibles y situaciones cotidianas para construir su universo ficcional. La presencia de mafias, la intensificación de la violencia y la irrupción de nuevas amenazas reflejan problemáticas reales, pero tratadas con un enfoque humorístico que invita a la reflexión sin perder el ritmo narrativo.

El estreno global de la segunda temporada en Netflix el 17 de julio representa una oportunidad para que la serie alcance a nuevas audiencias y consolide su proyección internacional. La plataforma ha sido clave en la difusión de producciones argentinas, permitiendo que historias locales lleguen a espectadores de todo el mundo.

Con una combinación de humor, acción y crítica social, la segunda y última temporada de División Palermo promete cerrar la historia de la Guardia Urbana. Los seguidores de la serie podrán descubrir cómo la División Palermo enfrenta el desafío final en una ciudad que nunca deja de sorprender.

• El Eternauta
• Envidiosa
• División Palermo

Netflix ofrece una amplia selección de producciones argentinas que abarcan desde comedias hasta thrillers y dramas carcelarios, como El Marginal, Casi Feliz y El Reino. Estas series han logrado cautivar tanto a las audiencias locales como internacionales con sus tramas impactantes y personajes inolvidables, consolidando el contenido argentino como una parte esencial del entretenimiento en streaming. Además de las series mencionadas, la plataforma cuenta con largometrajes notables como No puedo vivir sin ti, Las hermanas fantásticas y Goyo, que refuerzan la presencia del cine argentino en el escenario global.

En esta ocasión, nos enfocamos en algunas de las nuevas series que han llegado recientemente a la plataforma, pero también en los grandes títulos que se estrenarán en un futuro próximo.

El Eternauta (estreno programado para el 2025)

El Eternauta, cuyo estreno está previsto para 2025, es una de las producciones más esperadas de Netflix. Basada en la icónica novela gráfica de Héctor Germán Oesterheld, esta serie apocalíptica ha generado grandes expectativas desde que el gigante del streaming adquirió los derechos en 2020. La historia narra una invasión alienígena que comienza con una tormenta de nieve tóxica capaz de aniquilar a gran parte de la población, creando un ambiente de desesperación y lucha por la supervivencia.

La trama sigue a Juan Salvo, un hombre común que se convierte en el líder de una resistencia en la ciudad de Buenos Aires. Junto a su grupo, lucha por la libertad y la supervivencia en un mundo devastado por la amenaza alienígena. El Eternauta promete capturar la esencia del cómic original, con una atmósfera cargada de tensión y momentos épicos que harán vibrar a los espectadores.

Bruno Stagnaro, conocido por su trabajo en Un gallo para Esculapio y Pizza, birra, faso, está a cargo de la dirección y el guión de la serie. El elenco incluye a reconocidos actores como Ricardo Darin (Relatos salvajes, Argentina, 1985, El secreto de sus ojos), Carla Peterson (100 días para enamorarse, No me rompan), César Troncoso (Infancia clandestina), Andrea Pietra (El amor menos pensado), Ariel Staltari (Casi muerta), Marcelo Subiotto (Puan), Claudio Martínez Bel (Rojo), Orianna Cárdenas y Mora Fisz.

División Palermo (segunda temporada en camino)

Seguimos con División Palermo, la comedia lanzada en el año 2023 que rápidamente se convirtió en una de las favoritas del público en Argentina. Creada y protagonizada por Santiago Korovsky (El Reino), esta serie de Netflix ofrece una sátira inteligente sobre una patrulla inclusiva que se enfrenta a la delincuencia en Buenos Aires. A través de personajes extravagantes y situaciones absurdas, la serie combina humor con temas sociales relevantes, explorando la diversidad, el prejuicio y las contradicciones de la sociedad contemporánea. Cada capítulo sorprende con diálogos ágiles y una crítica social mordaz envuelta en situaciones cómicas.

Con un elenco que incluye a Pilar Gamboa (30 noches con mi ex), Martín Garabal (Famoso, Culpa cero), Marcelo Subiotto (El jardín de bronce) y Daniel Hendler, la serie logra momentos de risa genuina mientras invita a reflexionar sobre el rol de los medios, la autoridad y el sentido de comunidad en la sociedad actual.

Si bien la serie se estrenó en el año 2023, División Palermo ya se prepara para el lanzamiento de su segunda temporada. Con el rodaje recién concluido, se reveló recientemente que el proyecto ha sido nominado a los Premios Emmy Internacional, lo que refuerza su impacto y éxito en el panorama televisivo global.

Envidiosa

En último lugar, tenemos Envidiosa, una serie argentina que recientemente llegó a las plataformas de streaming, cautivando al público con su historia divertida. La trama sigue a Vicky, quien se enfrenta a una nueva etapa en su vida tras quedar soltera cuando su pareja de toda la vida decide terminar la relación debido a su fobia al compromiso. A partir de este quiebre, Vicky se adentra en un viaje de autodescubrimiento, marcado por la envidia que empieza a sentir hacia quienes parecen tener una vida perfecta, lo que la llevará a decisiones inesperadas.

El elenco de Envidiosa está compuesto por Griselda Siciliani (Farsantes, Educando a Nina), Esteban Lamothe (Campanas en la noche, Abzurdah), Pilar Gamboa, Violeta Urtizberea (Voley, Las estrellas), Marina Bellati (Las insoladas), Bárbara Lombardo (Badur Hogar), Martín Garabal y Benjamín Vicuña (El hilo rojo, La voz ausente).

Un éxito abrumador desde el comienzo

Desde su estreno, División Palermo no ha hecho más que acaparar la atención. La primera temporada alcanzó rápidamente el primer puesto en el top 10 de series en Netflix Argentina. Este éxito inicial vino acompañado de reconocimientos importantes, entre ellos, varias nominaciones a premios destacados. La serie obtuvo cuatro nominaciones para los prestigiosos Premios Platino y se alzó con el Premio del Público a la mejor interpretación masculina. Este comienzo prometedor cimentó la popularidad de la comedia y elevó las expectativas para la segunda temporada.

Nuevos desafíos y más diversión

La trama de la segunda temporada promete expandir los horizontes de la División Palermo. La sinopsis oficial señala que la guardia urbana se extenderá a diferentes barrios de la ciudad, enfrentándose a retos inéditos. Sin embargo, lo que realmente captura el interés es el giro inesperado hacia un extraño mundo criminal. Esta nueva etapa en la vida de los personajes plantea situaciones repletas de acción y, como es de esperar, muchas risas.

Según Netflix, “cada vez falta menos para que Felipe y los diversos personajes de la División Palermo estén de vuelta con una nueva historia llena de acción y diversión”. Esta declaración oficial mantiene en vilo a los seguidores de la serie que ansían ver cómo se desenvolvieran sus personajes favoritos en esta nueva trama. El resto del elenco lo componen Daniel Hendler, Pilar Gamboa, Martín Garabal, Charo López, Valeria Lois, Marcelo D´Andrea, Fabián Arenillas, Gabriela Izcovich, Hernán Cuevas, Renato Condori Sangalli, Facundo Bogarin, Valeria Licciardi, Nilda Sindaco, y gran elenco.

Un gran equipo detrás de cámaras

La colaboración entre varios talentos es fundamental para el éxito de la serie. K&S Films, productor de la serie, ha hecho un trabajo formidable junto a Santiago Korovsky y Rafael López Saubidet, quienes co-dirigen. Entre los productores figuran Hugo Sigman, Matías Mosteirín y Leticia Cristi, mientras que los productores ejecutivos incluyen a Nicolás Goldar Parodi, Analía Castro y Diego Copello.

El escritor Santiago Korovsky ha trabajado también a la par con Andrés Pascaner, Martina López Robol, Ignacio Sánchez Mestre y Martín Garabal para crear una narración que mantiene fresca la esencia cómica de la serie.

Un elenco que sabe hacer reír

El reparto es otro pilar clave que sostiene a División Palermo. Santiago Korovsky regresa en su doble función como autor y protagonista, acompañado por nombres destacados como Daniel Hendler, Pilar Gamboa, Martín Garabal, Charo López, Valeria Lois, Marcelo D’Andrea, Fabián Arenillas, Gabriela Izcovich, Hernán Cuevas, Renato Condori Sangalli, Facundo Bogarin, Valeria Licciardi y Nilda Sindaco. Este elenco es conocido por su capacidad para dar vida a personajes tan entrañables como divertidos.

Expectativas en aumento

La serie ha trascendido la pantalla para convertirse en un fenómeno cultural. En el avance, los personajes muestran indicios de los desafíos que enfrentarán próximamente, dando a los fans una pequeña probadita de lo que está por venir. “Mientras la División Palermo enfrenta nuevos desafíos y se sumerge, sin quererlo, en un extraño mundo criminal”, adelanta Netflix en su sinopsis oficial. Este tipo de contenido mantiene a la audiencia comprometida y anticipando con entusiasmo cada nuevo desarrollo.

El regreso de División Palermo con su segunda temporada es, sin duda, una esperada noticia para su creciente base de seguidores. Con un equipo talentoso frente y detrás de cámaras, y una trama que promete mantener el equilibrio perfecto entre acción y comedia, la serie está bien posicionada para repetir y superar el éxito de su debut. Los aficionados a la serie ya cuentan los días para ver a Felipe y su equipo nuevamente en acción, tratando de salvar la ciudad con humor y determinación.