La escritora Maggie O’Farrell sostuvo que la ficción nace de lo que una persona no sabe y vinculó esa idea con Land, su nueva novela, que se publica el 2 de junio, después de una investigación personal sobre su tatarabuelo irlandés y su trabajo en la cartografía de Irlanda tras la Gran Hambruna. Assí lo explicó en una columna publicada en The Guardian.

Entre 1846 y 1852, más de un millón de personas murieron de hambre o por enfermedades asociadas a la hambruna y otro millón se vio forzado a emigrar, muchos de ellos con muerte en el mar, escribió O’Farrell, y añadió que algunos historiadores consideran conservadoras esas cifras.

Desde niña había escuchado en su familia una historia repetida durante años: uno de sus antepasados había participado en la elaboración de algunos de los primeros mapas de Irlanda. Esa figura, relató, ocupó su imaginación durante la infancia y la adolescencia, mientras recorría lugares como Donegal o Galway y se preguntaba cómo una sola persona podía contribuir a cartografiar un país entero.

La pesquisa tomó forma mucho después, cuando un familiar murió y sus padres recibieron objetos vinculados a la familia. Entre ellos había un mapa dibujado a mano de un lugar imaginario y una fotografía antigua en la que aparecía un hombre sentado en una puerta de piedra con un niño sobre las rodillas.

La escritora identificó en esa imagen a su tatarabuelo junto con su bisabuelo niño. Al volver a examinar el mapa con una lupa, descubrió en la esquina superior izquierda una escena minúscula: un soldado con chaqueta roja observaba un teodolito montado sobre un trípode y, detrás de él, un hombre con una cadena de medición sostenía la posición con una rigidez que O’Farrell reconoció de inmediato.

Ese segundo hombre tenía la misma chaqueta gastada, el sombrero de ala baja y la barba que veía en la fotografía. La autora explicó que aquella escena, casi invisible a simple vista y cargada de implicancias políticas, la dejó fija en la imagen: el soldado británico aparecía con una postura de dominio, mientras su antepasado se situaba detrás con una tensión que ella consideró palpable.

La búsqueda en registros escritos resultó difícil porque, en ese período, el personal irlandés de la Ordnance Survey no tenía permitido firmar su propio trabajo. Todas las notas de relevamiento y los borradores de mapas debían ser certificados y firmados por un oficial del ejército británico.

En los archivos de la Ordnance Survey en Dublín, la escritora encontró documentos administrativos de todo tipo, desde directrices tipográficas hasta una carta de una casera de Cavan que se quejaba de que zapadores del ejército habían dañado una cama. También halló una orden que imponía que todos los “obreros” fueran identificados solo por la traducción anglicanizada de sus nombres.

La prueba que buscaba apareció en un memorando que indicaba que “todos los obreros” podían disponer de una semana de licencia, y debajo figuraba la firma de su tatarabuelo. La autora describió ese momento como la confirmación, en blanco y negro, de que la historia familiar que había oído de niña contenía una verdad comprobable.

La fecha del documento, junio de 1853, cambió el sentido del hallazgo. Eso significaba que su antepasado acompañaba a divisiones cartográficas de la Ordnance Survey como obrero y traductor durante las revisiones efectuadas después de la catástrofe demográfica y social de la Gran Hambruna.

La autora afirmó en The Guardian que su tatarabuelo habría recorrido un país devastado, con casi el 30% de la población perdida, aldeas enteras desaparecidas, fosas comunes al costado de los caminos, campos y propiedades reconfigurados y una conmoción sociopolítica sin precedentes. Su tarea, añadió, consistía en asegurarse de que esos cambios quedaran asentados en las nuevas versiones poshambruna de los mapas de Irlanda.

A partir de esa pregunta sobre qué significaba cartografiar un territorio después de semejante destrucción, O’Farrell situó el origen de Land. La novela trata sobre un hombre llamado Tomás y su familia mientras intentan salir de la larga sombra de la Gran Hambruna, y a la vez cuenta la historia de Irlanda a través de una pequeña porción de tierra y de quienes vivieron en ella.

O’Farrell rechazó la consigna frecuente en talleres de escritura de que un autor debe escribir sobre lo que conoce. “Para mí, la ficción nace de lo que desconoces”, afirmó, y explicó que en este caso nació de las preguntas que le despertaban la historia de Irlanda en el siglo XIX y, sobre todo, cómo una catástrofe de esa magnitud pudo ocurrir tan cerca del centro de uno de los imperios más ricos del mundo.

La escritora señaló que Land surgió de esa mezcla de perplejidad e indignación, impulsada por los pocos datos que conocía sobre su tatarabuelo, por un mapa dibujado a mano, por una fotografía y por un mito familiar que, al final, contenía mucha más verdad de la que su familia había imaginado.

El artista argentino Leandro Erlich, célebre por disolver las fronteras entre la realidad y la ilusión óptica, mostrará sus inmersivas obras en una retrospectiva que le dedica el Grand Palais de París entre el 2 de junio y el 9 de septiembre.

Con su idea de “patear el tablero” de la percepción convencional, el creador de las famosas The Swimming Pool y Bâtiment convertirá el histórico recinto francés en el escenario de sus monumentales instalaciones interactivas, desafiando las leyes de la física y transformando al público en el verdadero protagonista de una experiencia sin precedentes.

“Este conjunto de obras es tan espontáneo como el encuentro de dos músicos”, resumió Erlich (1973, Buenos Aires).

Después de tres semanas de montaje que requirieron la intervención de 30 colaboradores, la retrospectiva del artista —que vive entre su Buenos Aires natal, Montevideo y París— sorprende por la monumentalidad de algunas de sus creaciones, en las que están muy presentes ascensores, escaleras y cabinas de avión.

Entre ellas destacan Port of Reflections, una estructura metálica con barcos que simulan navegar; Changing Rooms, un juego de espejos misterioso y desconcertante en el que se invita al espectador a adentrarse; y Window and Ladder, compuesta de una gran escalera metálica que desemboca en una ventana suspendida.

Pero también hay espacio para la sutileza, como la maqueta de un proyecto que nunca salió a la luz y que, como lo define el autor, quedó en “una utopía”. Erlich participó a los 21 años en una licitación para construir una réplica del obelisco de la Avenida 9 de Julio de Buenos Aires, pero en el barrio proletario de Boca.

“¿Te imaginas que en París hubiera un proyecto para construir una Torre Eiffel en la periferia ‘roja’ parisina? Así es de transgresor Erlich“, dijo el curador de la muestra, Fabrice Bousteau.

Una transgresión que contiene un mensaje implícito. En el caso del obelisco, es un mensaje social: por qué los grandes monumentos solo pueden estar en las zonas urbanas más privilegiadas.

Un compromiso político y moral que se encuentra en varias de sus obras. Algunas de ellas no están montadas en la retrospectiva por su complejidad, pero hay maquetas y fotografías de las mismas.

Maison fond (La casa que se funde) fue una obra efímera levantada a finales de 2015 frente a la estación de tren con más pasajeros de Europa, la Gare du Nord.

En ella se representa una residencia de unos seis metros de altura cuyos cimientos se van derritiendo. La culpa: el cambio climático.

“Cuando emerge en mi obra algo que tiene que ver con lo social, con lo político o con lo ecológico, no viene de la militancia y sí de una necesidad personal de expresar algo, y de que eventualmente esto tenga la posibilidad de ser compartido”, detalló Erlich.

Para Bousteau, el del argentino es un arte “muy democrático porque le llega a todo el mundo”.

“Tengan la edad que tengan, tanto a un niño como a una persona de muy avanzada edad. Y también da igual la cultura. Me llama mucho la atención ver que la reacción ante las obras de Leandro es la misma en Japón, en Argentina o en París“, indicó el curador.

Un cariz universal y popular que trasluce de la manera más inesperada. El hueco de las escaleras que comunica el primer piso con el segundo de la exposición del Grand Palais es en sí una obra.

En ella, Erlich busca sumergir al visitante en un paseo por un bloque de viviendas a través del sonido: música, narraciones de partidos de fútbol, conversaciones.

Una espontaneidad que pretende romper moldes, como, en un símil musical, han hecho artistas como Manu Chao, concedió el argentino. “Es también un tipo de creación muy libre, donde uno se despoja y busca patear el tablero respecto a su propia disciplina”.

Fuente: EFE

La Sala Leopoldo Lugones exhibirá Taxi Driver desde el domingo 7 de junio en cuatro funciones especiales organizadas por el Complejo Teatral de Buenos Aires junto con Fundación Cinemateca Argentina, una reposición que devuelve a pantalla grande una película estrenada en 1976, ganadora de la Palma de Oro en Cannes y convertida con los años en una pieza central de la obra de Martin Scorsese.

El ciclo tendrá cuatro proyecciones en el Teatro San Martín, en Avenida Corrientes 1530, con este calendario: domingo 7 y sábado 13 a las 21:00, domingo 14 a las 17:00 y viernes 19 a las 21:00. La película dura 113 minutos, fue producida en Estados Unidos, se verá en inglés y en copia DCP 2K.

La historia sigue a Travis Bickle, interpretado por Robert De Niro, un excombatiente de Vietnam que padece insomnio crónico desde su regreso y trabaja como taxista nocturno en Nueva York. Aislado, con escaso contacto con otros, habituado a pasar los días en el cine y obsesionado con Betsy, una voluntaria de una campaña política encarnada por Cybill Shepherd, Travis avanza hacia una decisión violenta después de comprobar, a su juicio, que la sordidez, la violencia y la desolación dominan la ciudad.

Además de De Niro y Shepherd, el elenco incluye a Jodie Foster, Albert Brooks, Harvey Keitel, Leonard Harris y Peter Boyle. La dirección es de Martin Scorsese y el guion de Paul Schrader. La producción estuvo a cargo de Michael Phillips y Julia Phillips. La fotografía es de Michael Chapman, el montaje de Marcia Lucas, Tom Rolf y Melvin Shapiro, la música de Bernard Herrmann, la dirección de arte de Charles Rosen y los efectos especiales de Dick Smith.

En declaraciones de Martin Scorsese publicadas en The Rolling Stone Interview en noviembre de 1990, el director afirmó que “Taxi Driver es realmente de Paul Schrader”. Según Scorsese, Schrader le entregó el guion después de ver Calles peligrosas de 1973, porque le había gustado Robert De Niro en esa película y también su trabajo como director.

Scorsese dijo que él, De Niro y Schrader compartían una misma percepción sobre Travis Bickle y sobre los temas de religión, vida, muerte, culpa y sexo. También señaló: “Hay que entender que la idea original vino de Schrader. Y creo que cuando dicen: Taxi Driver, de Martin Scorsese, eso puede ser muy doloroso para Paul”. Sobre el protagonista, Scorsese explicó que Travis “empieza a actuar según sus fantasías” y que, mientras una persona puede sentir en algún momento el impulso de matar a alguien en una gran ciudad sin hacerlo, el personaje “cruza al otro lado”.

El director también recordó que la célebre escena frente al espejo no estaba cerrada en el guion y surgió durante el rodaje: “Con De Niro improvisamos la escena del espejo. Es cierto. Improvisé la parte en la que él habla frente al espejo: ‘¿Me estás hablando a mí?’”. Según el realizador, en el texto solo figuraba que Travis manipulaba las pistolas y se miraba, y él le pidió a De Niro que dijera algo mientras hablaba consigo mismo. De esa búsqueda nació una de las líneas más recordadas de la película, que ahora volverá a verse en la Ciudad de Buenos Aires a 50 años de su estreno, en una sala dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad.

Durante unas vacaciones en Neuquén, en una noche tan ventosa que hacía silbar la casa, me senté en la cocina, abrí mi computadora y tipeé:

Papá frenó el auto y dijo:

—Llegamos.

A nuestra izquierda, el paredón blanco del cementerio; un grafiti: Jesús, nuestro salvador. Dos pintores con mamelucos azules cargaban baldes y rodillos.

Así arrancó esta novela sobre un hombre que, a partir de la muerte de su madre, transiciona en ella. El primer borrador lo escribí en dos meses, algo poco común. Me junté una noche con mi amigo y maestro Luis Mey, le conté en lo que estaba trabajando y dijo que me ayudaría a corregir el texto. Nos llevó casi un año de discusión, debate y trabajo. Ese borrador se pulió hasta llegar a una novela a la altura de ser presentada en una editorial. Azul Francia lo transformó en un libro y ahora circula y dejó de ser mío para que se lo apropien los lectores.

Hace unos días, en una cena con una amiga, después de contarme que tuvo pesadillas cuando leyó el capítulo 12 de El caníbal de la fiesta, me preguntó: ¿cómo hiciste para escribir esto?

Mi escritura está muy alejada de mis emociones, lo que voy construyendo no me angustia ni me conmueve, es una ficción. Por supuesto que hay capítulos más fáciles que otros, pero la dificultad no radica en lo emocional, si no en la construcción de un relato. Me acuerdo de mis clases con Luis, de las cantidades brutales de páginas que me borraba sin pudor y decía: escribilo de nuevo, escribilo mejor. O sus mostrame lo que está pasando, no quiero saber lo que piensan tus personajes. Y yo volvía a casa a seguir trabajando.

Antes de la escritura de esta novela, escribí varias y una infinidad de cuentos. Empecé a mis ocho años, cuando la maestra de tercer grado nos enseñó cuál era la estructura de un cuento y cómo componer personajes. Fueron clases inolvidables. Me acuerdo del cuento que escribí y de los personajes que armé como si hubiera sido hace un rato. Traigo esto a colación porque quiero resaltar que escribir una novela es muy, muy difícil. No es sólo contar una historia, es cómo. Creo que no hay dimensión de la cantidad de horas y trabajo que lleva el proceso.

En mi caso, tengo un cuaderno en el que voy tomando notas, mucho antes de empezar a escribir un texto —el que sea: un cuento, una novela, una nota—, y en ese espacio tengo mucha libertad: corrijo, tacho, vuelvo a escribir. A veces hago bosquejos de los capítulos, construyo el esqueleto de una historia. Otras, sólo escribo títulos para algún relato. También describo imágenes que tengo. Es como poner los ingredientes en la mesa, acomodarlos, observarlos: sabés más o menos qué vas a escribir, pero tenés que juntar los elementos y elegir cómo disponer de ellos.

Yo sabía que quería escribir una novela sobre un varón que transiciona desde que terminé mi tesis de Psicología en 2016, ¿pero cómo, quién? Y me llevó tiempo construir al personaje de Julián, su posición fantasmática, su modalidad de goce, pero sí me orientó, mientras escribía las escenas, tener en cuenta que él ocupa una posición de objeto ante el otro, y eso me servía para tener en claro cómo reaccionaría ante ciertas situaciones. También contaba con dos o tres imágenes de su transformación —podía verlo delante del espejo haciendo sus monerías—, pero no voy a spoilear cuáles.

¿Y el fundamento? Había quedado obsesionado con La chica danesa, particularmente con la escena en que Einar Wegene se viste con medias de mujer para que su esposa lo pinte. Quería que la transición en El caníbal de la fiesta dialogue con esa escena. Tuve que construir de quién serían esas prendas, y elegí a una madre muerta. Pero a medida que avancé con la escritura de la novela, que Julián se transformara en su madre implicaba, por lógica y necesidad, que las maneras de relacionarse con su familia se modifiquen también, como un efecto dominó. ¿Qué iba a pasarle a su padre al ver a su esposa muerta en su hijo?

Otro punto de dificultad es el armado cohesivo de las partes de una novela, sin revelar demasiado. Esto es importante para que un lector no abandone el texto y se mantenga atento, curioso por lo que vendrá. Lo peor que puede pasarle a tu novela es que se vuelva predecible. En El caníbal de la fiesta hay dos enigmas que se revelan si uno vuelve sobre las mismas páginas leyéndolas en esa clave. Uno puedo adelantarlo: ¿quién es el caníbal? El otro, no. Y mientras escribía, si bien yo sabía cuáles eran las respuestas a esos interrogantes, tuve que vencer la tentación de no volcarlas en el texto. Elegí, en cambio, dejarle el lugar a cada lector para que respondiera por su cuenta.

Esta novela trata sobre la transexualidad, pero también sobre los modos de vincularse de las personas. El padre de esta novela es un hombre desbordado que no puede habitar la paternidad. Joni, el amigo del protagonista, es un escort en estado de supervivencia que engaña para mantenerse en vida. Esos son los personajes principales de El caníbal de la fiesta, son mis Frankestein de personas que conocí, de anécdotas que escuché, de textos que leí, películas que miré. Desde Lo siniestro de Freud, El camino del tabaco de Caldwell, las novelas de Harwicz. Una variedad de contenido que me fue formando como psicoanalista, escritor y lector, me dio las herramientas y las posibilidades para construir esta novela de horror.

Ahora es el momento del disfrute, de ver cómo la novela circula, impacta y atraviesa a los lectores, de escuchar qué hizo cada uno con esta historia. Espero que quienes lean este texto puedan acercarse a El caníbal de la fiesta y, ojalá, no les sea indiferente.

Un museo en el este de Francia informó el domingo a la policía sobre el robo de una banana que forma parte central de una obra de arte valorada en varios millones de dólares, creada por el artista visual italiano Maurizio Cattelan.

La fruta desaparecida —que estaba pegada a una pared para formar la provocadora obra de Cattelan llamada Comediante— fue notada como ausente por un guardia el sábado.

El Museo Pompidou-Metz, que es una sucursal del famoso Centro Pompidou en París, dijo en un comunicado que había presentado una denuncia penal por robo contra personas desconocidas.

También indicó que había reemplazado la banana.

No es la primera vez que la obra conceptual sufre daños, cuya pieza central perecedera, la banana, es reemplazada cada tres días para mantenerla contemporánea.

En julio del año pasado, un visitante del museo se comió la fruta. Pero los guardias intervinieron rápidamente y colocaron una banana de reemplazo.

Cattelan dijo en ese momento que estaba decepcionado de que el visitante hambriento sólo hubiera consumido la banana y no la cinta adhesiva también. El museo no emprendió acciones legales en esa ocasión.

Sin embargo, esta vez decidió presentar una denuncia penal porque el autor no fue identificado, por lo tanto, “no hay posibilidad de diálogo”.

También señaló que “esta es la segunda vez que esto sucede” y consideró que era una cuestión de respeto hacia la obra de arte.

La creación comestible de Cattelan, que busca cuestionar la noción de arte y su valor, ha generado controversia desde su debut en la feria Art Basel 2019 en Miami Beach, con un precio de venta de 120.000 dólares estadounidenses.

El artista de performance David Datuna se comió Comediante en esa exposición de 2019, diciendo que tenía “hambre”.

Pero el valor de la obra no ha hecho más que aumentar.

El fundador de criptomonedas nacido en China, Justin Sun, en 2024 pagó 5,2 millones de dólares estadounidenses por una versión de la obra y, días después, se la comió ante las cámaras en Hong Kong.

Además de Comediante, Cattelan también es conocido por producir un inodoro de oro macizo de 18 quilates totalmente funcional, llamado America, que fue ofrecido a Donald Trump durante su primer mandato en la Casa Blanca.

Un tribunal británico en marzo declaró culpables a dos hombres de robarlo durante una exposición en 2020 en el Reino Unido, de una mansión del siglo XVIII que fue el lugar de nacimiento del primer ministro de tiempos de guerra Winston Churchill.

El inodoro fue dividido en partes y nunca se recuperó el oro.

Fuente: AFP

El Jardín Japonés realizará Origami Matsuri el sábado 6 de junio y el domingo 7 de junio, de 10 a 18. El festival incluirá exposición, talleres participativos con cupos limitados por orden de llegada, Origami Express, demostraciones de Suminagashi y shows de tambores japoneses.

La propuesta se completa con una exposición de origami del 6 de junio al 28 de junio, de 10:00 a 18:30, en el Salón Tokyo (primer piso), según el programa difundido por la Fundación Cultural Argentino Japonesa, organizadora del evento con participación de origamistas de Argentina.

El sábado 6 habrá talleres participativos en SUM Kyoto con Maria Laura Stella (11:00), Anna Violini (14:00), Nelly Higa (15:00) y Maximiliano Ortiz (16:45), y en el Salón Tokyo con Patricia Fernández Lopez (11:00), Circe Candia (14:00), Cristina Lualdi (15:00) y Maria Soledad Juan (16:45). Ese día también se presentará el show de tambores japoneses a cargo de Mukaito a las 16:00.

El domingo 7, los talleres en SUM Kyoto estarán a cargo de María Eugenia Sandín (11:00), Noemi Nohara (14:00), Nadia Kalayan (15:00) y Florencia Bonelli (16:45), mientras que en el Salón Tokyo participarán Angeline Cuvertino (11:00), Lúcia Da Costa (14:00), Vanesa Salas (15:00) y Adriana Kaneshiro (16:45). A las 16:00 se realizará el show de tambores japoneses de Buenos Aires Taiko.

En ambos días habrá Origami Express en el Patio Magnolia: el sábado 6 de 12 a 14 con Silvia Lunetti, Vanesa Sisro, Angeline Cuvertino, Valeria Nieva y Paloma Heredia; de 14 a 16 con Gabriela Gruschky, Fabian Berini y Florencia Scavuzzo; y de 16 a 17:30 con Nelly Higa, Mirta Sister, Elide Iurlina, Gabriela Gruschky, Florencia Tesone y Mercedes Suarez.

El domingo 7, de 12 a 14 participarán Vanesa Sisro y Cecilia Erschen; de 14 a 16, Graciela Palmerini, Graciela Tatsuzumi, Silvina Viera, Angeline Cuvertino y Valeria Nieva; y de 16 a 17:30, Graciela Palmerini, Silvina Viera, Vanesa Salas, Lúcia Da Costa y Edith Luna.

También durante el fin de semana se ofrecerá Suminagashi, una técnica japonesa de marmoleado, en un taller interactivo a cargo de Victoria Campos de 14:00 a 17:30 en el Patio Magnolia.

En el inmenso océano de internet y las redes sociales, las citas apócrifas navegan con total impunidad. Hay un aforismo que se repite en perfiles de autoayuda, cuentas de filosofía estoica y memes corporativos: “Ninguna fidelidad es segura cuando se compra con dinero”. Casi de manera unánime, el ecosistema digital le estampa el sello del filósofo Séneca. Sin embargo, la verdad histórica nos lleva hacia otro escritorio, uno mucho más sombrío, analítico y pragmático: el político e historiador Tácito.

La frase original no nació como una lección de moral individual para vivir en paz, sino como la disección quirúrgica de una traición geopolítica. Para entender su peso, es necesario sumergirse en las páginas de una obra cumbre de la historiografía latina y en el año más caótico del Imperio Romano. La sentencia se encuentra en el “Libro IV” de las Historias, una de las obras fundamentales de Tácito. En este texto, el autor se propone narrar Roma desde la caída de Nerón hasta la muerte de Domiciano.

El contexto en el que se acuña la idea es el sangriento año 69 d.C., conocido por los historiadores como el “Año de los cuatro emperadores”. Tras el suicidio de Nerón —se quitó la vida clavándose una daga en la garganta—, el imperio se sumió en una guerra civil descarnada donde cuatro generales (Galba, Otón, Vitelio y Vespasiano) se disputaron el trono a base de talonario y espadas. En ese pasaje, Tácito está narrando las revueltas en Germania y la inestabilidad de las legiones y los pueblos aliados.

El latín original reza: “Nullam fidem esse in iis qui ad ea quae non habeant emantur”. La traducción literal describe que no se puede esperar lealtad de aquellos que se venden para conseguir lo que no poseen. Con el tiempo, los compendios de citas pulieron la traducción hasta dejarla en su versión más célebre y directa. Tácito no teorizaba en el aire; estaba mirando a los soldados mercenarios que cambiaban de bando a mitad de la batalla si el general enemigo les ofrecía un puñado más de monedas.

Las Historias (junto a los Anales, el otro gran texto del autor) transformaron la manera de registrar el pasado. Hasta la llegada de Tácito, gran parte de la historia romana se escribía para adular al emperador de turno o para exaltar un patriotismo mitológico. Tácito rompe con esa tradición. Su prosa es densa, elíptica, cargada de una ironía mordaz y un realismo psicológico inédito. Con Historias desmitifica el poder. No busca héroes; busca entender las debilidades humanas que mueven los hilos de la política.

Toda la obra de Tácito está atravesada por una profunda sospecha hacia la naturaleza del poder y los motivos humanos. Para él, las instituciones republicanas estaban muertas y el nuevo orden imperial se sostenía sobre la adulación, el miedo y el interés material. La fidelidad comprada con dinero es, en el universo tacitiano, la norma y no la excepción de la política de su tiempo. Como los valores tradicionales colapsaron, el dinero se convierte en el único motor de las voluntades.

Además de historiador, Tácito fue un gran dirigente político que recorrió el cursus honorum romano bajo diferentes regímenes. Fue cuestor, ejerció como pretor, y alcanzó la máxima magistratura al ser nombrado cónsul suffectus, para luego coronarse como gobernador proconsular de la rica provincia de Asia entre 112 y 113 d.C. Su capacidad de supervivencia política que le permitió progresar intacto durante la tiránica época de Domiciano. Fue uno de los oradores y abogados más respetados del Senado.

¿Quién es Tácito?

Tácito (c. 56 – c. 120 d.C.), cuyo nombre completo fue probablemente Cornelio Tácito, fue uno de los más brillantes historiadores, senadores y oradores del Imperio Romano. Nacido en el seno de una familia patricia de origen provincial (posiblemente de la Galia Narbonense), recibió una educación de élite en retórica y derecho. Su brillante carrera política prosperó bajo la dinastía Flavia y el emperador Trajano, llegando a ocupar cargos de altísima relevancia como los de cónsul y procónsul de la provincia de Asia.

Se casó con la hija del general Julio Agrícola, un vínculo clave que marcó su vida y le permitió conocer de cerca los entresijos militares y gubernamentales de una Roma que se debatía entre la herencia republicana y el autoritarismo imperial. Su muerte ocurrió alrededor del año 120 d.C., en absoluta madurez y habiendo consolidado su prestigio intelectual. Su legado historiográfico es monumental y transformó la narrativa histórica occidental a través de un estilo denso, irónico y de un agudo realismo psicológico.

Entre sus escritos menores destacan Agrícola, una biografía homenaje a su suegro, y Germania, un valioso estudio etnográfico sobre los pueblos germánicos. Sin embargo, sus dos obras cumbre son las Historias y los Anales; en ellas documentó con crudeza y rigurosidad los reinados de las dinastías Julio-Claudia y Flavia, desde la muerte de Augusto hasta la caída de Domiciano. Tácito pasó a la posteridad no solo por registrar los hechos de su tiempo, sino por desnudar los mecanismos ocultos del poder.

Hoy asociamos la palabra blockbuster al estreno de una película de superhéroes que revienta las taquillas o a la preventa caótica de entradas para ver a una estrella de rock. Sin embargo, este fenómeno de masas no nació en las salas de cine ni en los estadios, sino en los solemnes salones de arte del siglo XIX. Si viajamos en el tiempo a la era victoriana y el auge de las grandes academias europeas, veremos que las exposiciones anuales eran el equivalente cultural de los mundiales de fútbol actuales.

En una época sin televisión ni redes, las clases sociales se mezclaban en los museos impulsadas por el mismo deseo: ser testigos del cuadro del que todos hablaban. El arte no se contemplaba en un silencio místico, no. Era tal la histeria colectiva que las instituciones debieron improvisar, por primera vez, vallas físicas de protección y contratar guardias para contener las mareas humanas. A continuación, la historia de cinco obras maestras que se convirtieron en auténticos fenómenos de masas.

“Los pensionistas de Chelsea leyendo el informe de Waterloo”, de Sir David Wilkie

El fenómeno de la primera barandilla protectora en la historia del arte ocurrió en la Exposición de Verano de la Royal Academy de 1822, del escocés Sir David Wilkie, apodado el “pintor del pueblo” por su capacidad de retratar la vida cotidiana con la minuciosidad de los maestros holandeses. El cuadro, un encargo del Duque de Wellington, capturaba el momento en que un grupo de soldados veteranos y ciudadanos celebraban en la calle la noticia de la victoria definitiva sobre Napoleón Bonaparte.

La carga emocional para el público británico era total: casi todas las familias de Londres habían perdido a alguien en esa guerra. Cuando las puertas de la Royal Academy se abrieron, la locura fue inmediata. El público se agolpaba de tal manera sobre el lienzo para buscar los rostros de los personajes, leer las cartas pintadas al detalle y llorar a sus muertos, que los ujieres temieron que la pintura fuera destruida por el roce de los cuerpos y la respiración de la masa.

La junta de la academia tuvo que tomar una decisión sin precedentes en la historia de los museos occidentales: mandar a construir de urgencia una barandilla de madera para mantener a la audiencia a un metro de distancia. Wilkie se convirtió oficialmente en el creador del primer blockbuster pictórico.

“La balsa de la Medusa”, de Théodore Géricault

Mientras que en el Salón de París de 1819 el monumental óleo de Théodore Géricault generó un escándalo político y divisiones ideológicas, su verdadero éxito de taquilla comercial ocurrió un año después al cruzar el Canal de la Mancha. En 1820, el astuto empresario William Bullock alquiló la obra y la exhibió como una atracción principal en el famoso Egyptian Hall de Piccadilly, en Londres. El morbo y la fascinación por la tragedia real del naufragio de la fragata Méduse hicieron que el público masivo enloqueciera.

Más de 40.000 personas pagaron la entrada de un chelín para ingresar a una sala especialmente acondicionada con iluminación dramática. El realismo anatómico de los cuerpos putrefactos y la inmensidad del cuadro (de casi cinco por siete metros) provocaban desmayos y gritos de horror. Para evitar que la gente, en medio del shock o de la fascinación morbosa, tocara la superficie del lienzo, se tuvieron que instalar pesadas barandas de hierro y cordones que canalizaban el flujo de personas.

“El día del Derby”, de William Powell Frith

Tuvieron que pasar 36 años desde el incidente de Wilkie para que la Royal Academy se viera obligada a reinstalar una valla protectora. El culpable esta vez fue William Powell Frith con su obra El día del Derby, una radiografía panorámica e hiperdetallista de la sociedad victoriana reunida en las carreras de caballos de Epsom. En el cuadro convivían desde aristócratas y burgueses hasta apostadores, mendigos, carteristas y prostitutas. El público se obsesionó porque funcionaba como un espejo social.

Frente a la obra, cada asistente buscaba identificarse o criticar al vecino. Las crónicas de la época describen que los empujones frente al cuadro eran tan violentos que la ropa de las damas se rompía en los tumultos. El propio Frith anotó con orgullo en su diario que la mismísima reina Victoria tuvo que solicitar asistencia de la guardia para poder admirar el óleo. La galería instaló una barandilla de hierro fija y asignó a un policía de forma permanente al lado del cuadro para agilizar la fila de espectadores.

“Pasando lista”, de Elizabeth Thompson (Lady Butler)

En el siglo XIX, las mujeres eran sistemáticamente invisibilizadas por las instituciones, pero en 1874, una joven de 27 años llamada Elizabeth Thompson (luego conocida como Lady Butler) rompió todos los techos de cristal con Pasando lista. La pintura mostraba las dolorosas secuelas de la Guerra de Crimea: una fila de soldados heridos, exhaustos y cubiertos de nieve siendo evaluados por su oficial, distanciándose de la glorificación patriótica habitual para mostrar el sufrimiento humano real.

El impacto emocional en la sociedad fue devastador. La marea de visitantes en la Exposición de Verano colapsó las salas. La gente lloraba frente al lienzo y estiraba las manos para tocar los uniformes pintados. La Royal Academy revivió sus peores pesadillas logísticas: colocaron una barandilla reforzada a contrarreloj y apostaron a un guardia permanente. El furor llegó a tal punto que la reina Victoria exigió que se lo llevaran temporalmente al Palacio de Buckingham para contemplarlo en paz.

“La Mona Lisa”, de Leonardo da Vinci

El concepto del blockbuster pictórico entró a la modernidad y sentó las bases de la museografía actual gracias a la gira que la obra de Da Vinci hizo por Estados Unidos en 1963, gestionada directamente por la primera dama Jackie Kennedy. La Mona Lisa dejó el Louvre para exhibirse en la National Gallery de Washington y en el Metropolitan Museum de Nueva York (Met). Por primera vez un cuadro recibió el tratamiento logístico y de seguridad de un jefe de Estado o de una banda como The Beatles.

Más de un millón de personas hicieron filas de varias cuadras en temperaturas bajo cero solo para ver el retrato durante unos segundos. Para gestionar semejante masa humana, el Met diseñó un circuito estricto: la pintura se colocó detrás de un vidrio antibalas flanqueado por marines armados con bayonetas. A metros de distancia, se instalaron pasamanos de acero y barreras de cuerda pesada que impedían que nadie se detuviera. Los guardias apuraban el paso al grito de “Keep moving!” (“¡Sigan caminando!”).

A pesar de una enorme trayectoria como muralista y de haber trabajado a la par de grandes figuras como Diego Rivera y José Clemente Orozco, no muchos reconocen el nombre de Aurora Reyes, mujer que es reconocida como la primera muralista mexicana.

Aurora Reyes Flores (1908-1985), originaria de Hidalgo del Parral, Chihuahua, fue pintora, poeta, maestra y una de las voces más destacadas del arte social en México.

Su obra marcó un precedente al dar visibilidad a las mujeres dentro del muralismo, un movimiento dominado por hombres como Diego Rivera y José Clemente Orozco.

Cómo Aurora Reyes cambió la historia cultural de México

La importancia de Aurora Reyes para la cultura mexicana radica en su capacidad para plasmar temas sociales, educativos y de género en sus murales, dibujos y poemas.

Sus obras reflejan la vida cotidiana, la lucha por la educación, la defensa de los derechos laborales y la participación activa de la mujer en la historia y la cultura nacional.

Como feminista, Reyes fue pionera en incorporar la perspectiva de género en el arte monumental mexicano.

Militó en el Partido Comunista Mexicano, fundó la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y defendió el derecho de las mujeres a votar y ocupar cargos públicos.

En su mural “Atentado a las maestras rurales” (1936) denunció la violencia contra las docentes y posicionó a la mujer como protagonista de los procesos históricos.

Además, impulsó la creación de guarderías para las trabajadoras del magisterio y exigió mejores condiciones laborales para las mujeres.

Aurora Reyes abrió camino a las mujeres en el muralismo y el activismo, y su legado sigue vigente como referente cultural y símbolo de la lucha feminista en México.

Lista de las obras más famosas de Aurora Reyes y donde se encuentran

Aquí tienes una lista de las obras más famosas de Aurora Reyes y su ubicación:

1. Atentado a las maestras rurales (1936)

• Ubicación: Centro Escolar Revolución, Ciudad de México

2. Trayectoria de la cultura en México (1962)

• Ubicación: Auditorio 15 de mayo del Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación (SNTE), Belisario Domínguez 32, Centro Histórico, Ciudad de México

3. Presencia del maestro en los movimientos históricos de la patria (1963-1972)

• Ubicación: Auditorio 15 de mayo del SNTE, Belisario Domínguez 32, Centro Histórico, Ciudad de México

4. Espacio, objetivo futuro (1972)

• Ubicación: Auditorio 15 de mayo del SNTE, Belisario Domínguez 32, Centro Histórico, Ciudad de México

5. Constructores de la cultura nacional (1972)

• Ubicación: Auditorio 15 de mayo del SNTE, Belisario Domínguez 32, Centro Histórico, Ciudad de México

6. El primer encuentro (1978)

• Ubicación: Centro Médico Nacional Siglo XXI, Ciudad de México

Estas obras reflejan la visión social, educativa y feminista de Aurora Reyes, y la mayoría se encuentran en espacios públicos y sindicales de la Ciudad de México.

Después de seis años sin recibir visitantes, el Museo Dolores Olmedo reabrió sus puertas en su histórica sede de La Noria, Xochimilco, devolviendo al público uno de los recintos culturales más importantes de la Ciudad de México y hogar de la mayor colección de obras de Frida Kahlo y Diego Rivera.

La reapertura se concretó el sábado 30 de mayo de 2026, luego de un largo periodo de cierre iniciado durante la pandemia de COVID-19 y de diversos trabajos de conservación y renovación del inmueble. El regreso del Museo Dolores Olmedo también pone fin a años de incertidumbre derivados de la propuesta para trasladar parte de su acervo a otro espacio de la capital, iniciativa que finalmente fue descartada.

¿Qué se puede ver en el Museo Dolores Olmedo?

El recinto conserva la colección reunida por la empresaria, coleccionista y mecenas mexicana Dolores Olmedo, considerada una de las más importantes del país.

Entre sus principales atractivos destacan las obras de Diego Rivera y Frida Kahlo, además de piezas de arte prehispánico, arte popular mexicano y objetos históricos que forman parte del legado cultural impulsado por la coleccionista.

La nueva etapa del museo incorpora espacios dedicados a la vida y obra de Dolores Olmedo, incluyendo documentos, objetos personales, correspondencia y reconstrucciones de algunos ambientes que muestran su papel como promotora del arte mexicano.

La colección de Frida Kahlo y Diego Rivera permanece en Xochimilco

Uno de los aspectos más celebrados de la reapertura es que las obras de Frida Kahlo y Diego Rivera continúan en la sede original del museo, ubicada en Xochimilco.

La decisión responde tanto a la voluntad expresada por Dolores Olmedo en vida como a las demandas de vecinos, especialistas y colectivos culturales que defendieron la permanencia del acervo en este espacio histórico.

De acuerdo con el museo, los visitantes podrán recorrer nuevamente las salas permanentes dedicadas a ambos artistas, así como disfrutar de exposiciones temporales, actividades culturales y recorridos que buscarán atraer a nuevos públicos nacionales e internacionales.

Horarios y ubicación del Museo

El recinto se localiza en la histórica Hacienda La Noria, en la alcaldía Xochimilco, al sur de la Ciudad de México.

• Dirección: Avenida México 5843, colonia La Noria, alcaldía Xochimilco, Ciudad de México.
• Horario: De martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas.
• Colección principal: Obras de Frida Kahlo y Diego Rivera, además de arte popular mexicano y piezas de arte prehispánico.
• Atractivos adicionales: Amplios jardines históricos, así como los emblemáticos xoloitzcuintles y pavorreales que habitan el recinto.
• Reapertura: El museo reabrió al público el 30 de mayo de 2026, tras permanecer cerrado durante seis años.

Además de recorrer las galerías de arte, los visitantes pueden disfrutar de los jardines y espacios históricos que forman parte de uno de los recintos culturales más importantes de Xochimilco, una de las zonas con mayor riqueza cultural y patrimonial de la CDMX.

Un regreso esperado para la cultura en la Ciudad de México

La reapertura del Museo Dolores Olmedo representa uno de los acontecimientos culturales más relevantes de 2026 en la capital del país. Autoridades y especialistas consideran que el regreso del recinto fortalecerá la oferta cultural de Xochimilco y permitirá que nuevas generaciones conozcan de cerca algunas de las obras más representativas del arte mexicano del siglo XX.

Con el regreso de este emblemático espacio, la Ciudad de México recupera un recinto fundamental para entender el legado artístico de Frida Kahlo, Diego Rivera y la propia Dolores Olmedo, cuya visión convirtió a la antigua Hacienda La Noria en uno de los museos más importantes de México.

Para quienes buscan qué hacer en CDMX, visitar el Museo Dolores Olmedo se perfila nuevamente como una de las mejores opciones para conocer la historia, el arte y la cultura de México en un solo lugar.

En México, la salsa va más allá de ser un simple acompañamiento: es un ritual que define la convivencia y la identidad nacional. Para muchos ponerle chile a casi cualquier platillo es una costumbre arraigada que acompaña desde el desayuno hasta la cena.

Integrarse a estas tradiciones implica animarse a probar distintos tipos de salsa, pero si eres extranjero es recomendable ir con cautela, ya que el picante puede sorprender incluso a los más aventureros.

Al visitar territorio nacional, conviene prestar atención a las frases coloquiales, ya que muchas palabras adquieren distintos significados según el contexto. Para quienes llegan del extranjero, conocer estas expresiones facilita la convivencia y ayuda a entender mejor el idioma que se habla en el país.

Diccionario rápido de frases mexicanas para moverte como un local

El uso de frases coloquiales refleja el humor, la calidez y la picardía propias del español que se habla en el país. Entender el lenguaje popular no solo ayuda a integrarse en la vida cotidiana, sino que también permite establecer vínculos más cercanos, resolver malentendidos y disfrutar plenamente de cada experiencia.

Aquí, te presentamos algunas frases coloquiales mexicanas:

• “¿Qué onda?” – Saludo informal equivalente a “¿cómo estás?” o “¿qué pasa?”
• “Ahorita” – Puede significar “ahora”, “en un momento” o incluso “más tarde”, según el tono y el contexto.
• “¡No manches!” – Expresión de sorpresa, incredulidad o asombro.
• “Esta cañón” – Algo complicado o difícil.
• “Me late” – Significa que algo gusta o parece buena idea.
• “Chido” – Algo bueno, agradable o de calidad.
• “Lana” – Dinero.
• “Echar relajo” – Divertirse o hacer ruido.
• “¡Qué padre!” – Algo emocionante o divertido.
• “Tirar paro” – Ayudar a alguien.
• “A toda madre” – Algo muy bueno o agradable.
• “Güey” – Persona, amigo o conocido (puede ser cariñoso o en tono de burla, según el contexto).
• “Chamba” – Trabajo o empleo.
• “Mole” – También se usa para referirse a un lío o problema.

Incluso, hay palabras que tienen diversos significados como el “pedo”:

• “¿Qué pedo?” – Saludo informal, similar a “¿qué pasa?”
• “Andar pedo” – Estar borracho.
• “No hay pedo” – No hay problema, todo bien.
• “Traer un pedo” – Tener un problema o preocupación.
• “Hacerla de pedo” – Reclamar o causar conflicto.

Al conocer estas expresiones, podrás comunicarte de mejor manera con los mexicanos y tu experiencia dentro del país será mucho más amena.

El termómetro del picante: consejos para sobrevivir a las salsas de las taquerías

El picante de las salsas en los restaurantes puede ser impredecible y depende tanto de la receta como de la tolerancia de cada quien. Para quienes no están habituados, lo ideal es acercarse con precaución: pedir orientación a quien atienda tu mesa y probar una gota antes de decidir cuánto poner en el taco es una práctica común y bien vista.

Distinguir la intensidad también es posible a través de señales visuales. Las salsas de color rojo oscuro o verde brillante suelen tener un sabor más fuerte, mientras que las de textura cremosa o con ingredientes como aguacate resultan más suaves y amigables para el paladar menos experimentado.

Tener a la mano alguna bebida refrescante puede hacer la diferencia si el picante es más intenso de lo esperado. Ir incrementando la cantidad poco a poco y no forzarse más allá del propio límite permite disfrutar la experiencia sin sobresaltos y apreciar los sabores únicos de cada lugar.

El operativo de Houston para la Copa del Mundo de la FIFA este verano se apoya en una combinación inédita de cultura local, innovación tecnológica y hospitalidad extendida a escala de barrio.

La ciudad texana, que oficiará de sede para siete partidos en el NRG Stadium, incluido un cruce de octavos de final el 4 de julio, busca atraer y retener a los aficionados más allá del calendario deportivo.

El corazón de la propuesta será un festival gratuito en East Downtown, donde se transmitirán los 34 partidos del torneo, de acuerdo con lo publicado por NBC News. El evento, diseñado por el comité organizador local, apunta a transformar la experiencia mundialista en una celebración colectiva que involucre tanto a visitantes como a la comunidad local.

Festival gratuito y red de hospitalidad en East Downtown

El festival de aficionados tendrá capacidad para 7.500 personas y combinará transmisiones en vivo con propuestas culturales y gastronómicas. Quienes asistan podrán recorrer dos exhibiciones climatizadas y disfrutar de una programación artística diaria, mientras que la red de bares y restaurantes de la zona, integrada a la llamada “Football Fiesta”, permitirá expandir la capacidad de recepción mucho más allá del predio principal.

Según explicó Patty Smith, integrante del comité organizador, en declaraciones recogidas por NBC News, la circulación de público entre el festival y los comercios del barrio duplicará holgadamente la cantidad de personas que podrán vivir la experiencia mundialista en Houston.

La ciudad es una de las 11 sedes estadounidenses del torneo, y según detalló Smith, el desafío logístico es comparable a organizar siete Super Bowls en menos de tres semanas. La dirigente subrayó ante NBC News que el impacto económico será considerable y que la oportunidad de recibir visitantes de todo el mundo coloca a Houston en el centro de la atención global.

La experiencia espacial, el diferencial tecnológico del festival

El festival incorporará una instalación interactiva desarrollada por Space Center Houston como uno de sus principales atractivos. De acuerdo con lo informado por NBC News, la estructura exterior simulará una pelota gigante Adidas Trionda y en el interior ofrecerá una experiencia inmersiva de 360 grados.

Smith indicó que el contenido original creado por Space Center Houston combinará espacio, ciudad, fútbol y rendimiento humano en un espectáculo de cuatro minutos en formato 4D. Según la vocera, la propuesta busca emular el impacto de atracciones como la Sphere de Las Vegas o Spaceship Earth de Epcot en Disney.

Junto a la experiencia espacial funcionará el Houston Hall, un pabellón dedicado a la cultura local, donde los visitantes podrán acercarse a distintas expresiones artísticas y tradiciones de la ciudad. Ambas instalaciones estarán equipadas con aire acondicionado para ofrecer alivio ante las altas temperaturas del verano texano.

Diversidad artística y gastronomía para todos los públicos

La programación incluirá 34 artistas locales, uno por cada jornada del festival, seleccionados mediante una convocatoria abierta que el comité lanzó en febrero.

Smith relató a NBC News que entre los elegidos figuran bailarines indios, tragafuegos, grupos de danza china, bandas tejanas y cantantes de música country, reflejando la diversidad cultural de Houston.

La propuesta gastronómica también fue pensada para un público global: en los partidos y el festival habrá opciones para quienes siguen dietas kosher o halal, según informó Smith en diálogo con NBC News. La inclusión de menús diversos responde a la expectativa de recibir hinchas de distintos países y religiones.

Smith afirmó a NBC News que la planificación de cada aspecto busca garantizar que la ciudad se muestre como una anfitriona inclusiva y preparada para un evento de escala mundial.

“Estamos haciendo todo lo posible para que esta oportunidad única muestre nuestra mejor versión y logremos el mejor resultado posible”, sostuvo la dirigente local.

El festival gratuito, las exhibiciones tecnológicas y la red de comercios y artistas locales resumen la apuesta de Houston para convertir la Copa del Mundo en una celebración urbana de alcance global.

El grupo mexicano Panteón Rococó celebró su 30 aniversario con un concierto histórico en el Deportivo Ciudad Jardín, ubicado en el municipio de Nezahualcóyotl, Estado de México, donde logró reunir a más de 120 mil asistentes provenientes de distintas regiones del país.

La presentación formó parte del Circuito Nacional de los Festivales por la Paz, impulsado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, y se integró a la gira conmemorativa “XXX Aniversario Generación 95”, con la que la agrupación recorre diversos escenarios para festejar tres décadas de trayectoria musical.

Desde tempranas horas, miles de fanáticos comenzaron a arribar al recinto provenientes de la Ciudad de México y municipios vecinos como Texcoco, Chimalhuacán, Chicoloapan e Ixtapaluca, además de visitantes de otras entidades del país que no quisieron perderse el festejo de una de las bandas más representativas del ska nacional.

Los grandes éxitos hicieron vibrar a los asistentes

Durante una hora y media, la agrupación encabezada por Luis Román Ibarra, mejor conocido como “Dr. Shenka”, ofreció un recorrido por algunos de los temas más emblemáticos de su carrera, generando una conexión especial con el público que coreó cada canción.

Entre los éxitos que resonaron en el Deportivo Ciudad Jardín destacaron “Toloache pa’ mi negra”, “Vendedora de caricias”, “La carencia” y “Arréglame el alma”, piezas que se han convertido en himnos para varias generaciones de seguidores del ska y el rock mexicano.

La energía del espectáculo se mantuvo en todo momento gracias a la participación entusiasta de los asistentes, quienes respondieron con cánticos, aplausos y ovaciones a cada interpretación de la banda.

Dr. Shenka reflexiona sobre la historia del grupo y la realidad social

Uno de los momentos más emotivos de la noche ocurrió cuando Dr. Shenka compartió con el público algunas reflexiones sobre los inicios de Panteón Rococó y el crecimiento que ha experimentado la agrupación desde su formación en 1995.

“Hay que hacerla de pedo por todo lo que no nos gusta”, expresó el vocalista ante una multitud que respondió con una fuerte ovación. Su mensaje fue recibido como una invitación a la participación social y a la reflexión crítica sobre los desafíos que enfrenta la sociedad mexicana.

Asimismo, recordó las dificultades que enfrentaron durante sus primeros años, el desarrollo del movimiento ska en México y la manera en que la banda fue consolidándose hasta convertirse en uno de los referentes más importantes del rock nacional.

“Todos somos hijos de la crisis”, afirmó Shenka, aludiendo a las circunstancias sociales y económicas que marcaron a toda una generación y que han influido en la identidad musical y discursiva de Panteón Rococó.

Con este multitudinario concierto en Nezahualcóyotl, la agrupación reafirmó su vigencia y el fuerte vínculo que mantiene con su público, demostrando que, después de 30 años de carrera, continúa siendo una de las bandas más influyentes y queridas de la escena musical mexicana.

Edgar Morin, el intelectual más querido de Francia, miembro de la Resistencia durante la Segunda Guerra Mundial que dedicó su vida a promover el pensamiento crítico y a combatir la intolerancia, murió a los 104 años, según informó su esposa este sábado.

“Es el abuelo de todos los franceses y la memoria del siglo pasado”, escribió el periódico Libération en un perfil de 2021 sobre el elegante filósofo que sentía predilección por los sombreros y las corbatas de seda.

Hijo de inmigrantes judíos laicos, se formó como sociólogo, pero prefería considerarse a sí mismo un “humanólogo” que fusionaba elementos de filosofía, psicología, etnografía y biología para intentar comprender la naturaleza de la humanidad.

Fuera de Francia, fue conocido principalmente como el inventor del “cinema vérité” por su documental de 1961, realizado junto al cineasta Jean Rouch, “Chronique d’un été” (“Crónica de un verano”), sobre la vida de jóvenes parisinos corrientes.

Las conversaciones espontáneas sobre clase social, raza, colonialismo y otros temas importantes, suscitadas por la simple pregunta “¿Eres feliz?”, revolucionaron la realización de documentales.

“Es uno de los documentales más grandes, más audaces y más originales jamás realizados”, declaró entusiasmada la revista New Yorker en 2013.

Para los franceses, Morin fue ante todo un guía intelectual, que desarrolló un enfoque holístico y transdisciplinario de las grandes cuestiones de nuestro tiempo.

“¿Qué significa ser humano? ¿Qué es la globalización? ¿Qué es la vida? Estas preguntas nos obligan a conectar conocimientos que actualmente se encuentran dispersos en distintos campos de investigación", declaró al canal TV5 Monde en 2020, explicando su enfoque.

Mucho después de cumplir cien años, continuó opinando sobre la actualidad, deleitando a sus 220.000 seguidores en X con sus reflexiones sobre temas que iban desde las olas de calor de 2022, cuando publicó “París, 18:00, 40 grados Celsius: ¡Que llegue la tormenta tan anhelada!”, hasta la guerra en Ucrania, cuando escribió “la guerra es una lección de odio”.

“Hasta sus últimos días, Edgar Morin se mantuvo atento al mundo, a los demás y a las grandes cuestiones humanas que nutrieron su pensamiento”, dijo su esposa, Sabah Abouessalam Morin, en un comunicado enviado a la AFP el sábado.

“Hoy, el vacío que deja es inmenso. Pero su valentía, su lealtad a las personas y a las ideas, su rigor moral y su esperanza continúan acompañándonos.”

Rechazado por los comunistas

Edgar Nahoum Morin nació el 8 de julio de 1921 en París, hijo de padres judíos que habían emigrado de Grecia. Siempre se resistió a ser definido por su judaísmo, haciendo hincapié en que también era “francés, mediterráneo y ciudadano del mundo”.

Cuando tenía 10 años, su madre, a quien adoraba, falleció; un suceso que su familia intentó ocultarle a su único hijo durante semanas y que él describió décadas después como su “Hiroshima personal”.

Se refugió en sus estudios y, posteriormente, en el activismo de izquierdas, uniéndose al Partido Comunista.

Tras haber defendido inicialmente la resistencia pacifista contra los nazis —uno de los dos grandes errores de juicio que más tarde reconoció, junto con su apoyo inicial al líder soviético Joseph Stalin después de la guerra—, se unió a la Resistencia bajo el seudónimo de Edgar Morin.

Licenciado en historia, geografía y derecho, dirigió los esfuerzos de propaganda del gobierno militar francés en la Alemania de posguerra y posteriormente trabajó como periodista antes de incorporarse al Instituto Nacional de Investigación Científica (CNRS) de Francia.

Siempre con su espíritu libre, se enemistó con sus camaradas comunistas por escribir en un periódico considerado proestadounidense.

Morin fue expulsado del partido, un suceso que le inculcó una profunda desconfianza hacia el adoctrinamiento, la cual plasmó en un libro, “Autocrítica”, en el que enfatiza la necesidad de que las personas cuestionen constantemente sus puntos de vista.

Pero siguió siendo una voz muy influyente en la izquierda.

Sus reflexiones sobre temas que abarcan desde el antisemitismo que alimentó los rumores descabellados sobre el secuestro de clientes judíos de tiendas de ropa en Orleans en la década de 1960 —Morin escribió un libro sobre esta histeria— hasta la globalización, llegaron a un público amplio.

Oráculo francés

A partir de la década de 1970, comenzó a advertir sobre los peligros ambientales del crecimiento económico desenfrenado, uno de los varios temas en los que demostró una notable capacidad de premonición.

También criticó duramente el trato que Israel da a los palestinos, declarando en un artículo de 2002 que “Los judíos de Israel, descendientes de un apartheid llamado gueto, guetizan a los palestinos” y que “los judíos que fueron humillados, despreciados y perseguidos humillan, desprecian y persiguen a los palestinos”.

Fue condenado por antisemitismo a raíz del artículo, pero fue absuelto por el tribunal de apelación más alto de Francia en un caso en el que extremistas judíos lo acusaron de ser un “judío que se odia a sí mismo”, pero que le granjeó una amplia simpatía entre sus colegas académicos.

Como muestra del respeto universal que se le profesaba, cuando cumplió 100 años en 2021, Morin fue invitado a cenar por el presidente Emmanuel Macron.

Escritor prolífico —autor de docenas de libros, el último publicado en 2025—, sus advertencias sobre la emergencia climática, el capitalismo desenfrenado y el creciente nacionalismo se volvieron más urgentes en sus últimos años.

En una entrevista con la radio francesa en 2021, lamentó la “falta de conciencia de que marchamos hacia el abismo”, pero afirmó que “no era fatalista”.

(AFP)

Christina Beinhoff pasó buena parte de su carrera en los pasillos donde se decide la seguridad de Alemania: la Cancillería Federal, el Ministerio de Defensa, la Embajada en Estocolmo durante el ingreso de Suecia a la OTAN. Desde el verano pasado, sin embargo, conduce un territorio distinto, el de la cultura, la educación y la ciencia que Berlín proyecta hacia el mundo. La transición no le resulta una rareza, sino una continuidad: en su lectura, el llamado poder blando no es un complemento amable de la diplomacia, sino una de sus piezas estratégicas. “El poder blando es parte integral de la política exterior alemana”, resume, en una entrevista con Infobae mantenida en la Embajada de Alemania en Buenos Aires, durante una visita oficial a la Argentina.

La diplomática, directora general de Cultura y Sociedad del Ministerio de Relaciones Exteriores, llega a la región en un momento que ella misma describe como de cambio de orden: competencia entre grandes potencias, un eje desplazado entre Washington y Beijing, y una Europa obligada a redefinir su lugar. En ese tablero, Alemania mira a la Argentina como un socio antiguo y previsible —“compartimos los mismos valores”, dice—, sostenido por décadas de vínculos: una red de colegios alemanes, más de 300 colaboraciones universitarias, institutos como el IBioBA, único instituto partner de la Sociedad Max Planck en América Latina. Su agenda en el país incluye una reunión con los agregados culturales alemanes, un encuentro con estudiantes sobre el acuerdo UE-Mercosur y la inauguración de un instituto cultural franco-alemán en Córdoba.

—Usted viene de la política exterior y de seguridad, y ahora dirige el poder blando alemán. ¿Qué papel juegan la cultura y la ciencia como espacios de diálogo en un mundo de tensiones crecientes?

—En el sistema alemán, la diplomacia científica y cultural es parte integral de la política exterior; por eso depende del Ministerio de Exteriores. No financiamos a las instituciones culturales para que hagan lo que quieran: esos instrumentos responden a las prioridades de la política exterior, que bajo este gobierno son tres: seguridad, libertad y prosperidad. Un proyecto de teatro o de danza puede mostrar la libertad del arte y la libertad de expresión. Promover el idioma alemán puede abrirles a jóvenes calificados la puerta a formarse y trabajar en Alemania. Mi trasfondo era la política de seguridad y ahora tengo otra herramienta, el poder blando. Se trata de desarrollar proyectos, conocer actores, mantener una relación de largo plazo por fuera del contacto de gobierno a gobierno. Eso permite conservar interlocutores confiables también en tiempos de crisis: si las relaciones entre gobiernos no son buenas, uno todavía tiene con quién hablar y recibir una devolución de lo que está pasando.

—Llega a América Latina en plena competencia entre China y Estados Unidos. ¿Qué busca hoy Alemania en su relación con la Argentina y con la región? ¿Estamos ante una transición?

—El orden mundial está cambiando. No es el que amábamos y cuidábamos. Hay nuevos centros de gravedad, múltiples potencias, competencia entre grandes potencias, y Europa necesita encontrar su posición. Alemania tomó decisiones de fondo: invertir masivamente en defensa para ser un pilar europeo más fuerte dentro de la OTAN. No se trata de autonomía estratégica, sino de robustecer ese pilar. La otra cara es que Alemania siempre fue un país exportador, y su prosperidad depende de un orden previsible, con reglas. Por eso necesitamos diversificar relaciones y no mirar solo a Estados Unidos. La Argentina siempre estuvo muy cerca de nosotros; compartimos valores y miramos las cosas de manera parecida. Por eso queremos fortalecer esos lazos.

—¿Qué puede hacer el poder blando occidental, y el alemán en particular, para contrabalancear las narrativas de Rusia y China y el avance de la desinformación?

—Lo primero es la capacidad de detectar la desinformación y luego reaccionar; la respuesta cambia según el caso. En el pasado descubrimos, junto con otros socios europeos, una campaña de desinformación rusa contra Alemania, y la hicimos pública. Pero nuestros medios son limitados. Es clave aumentar la alfabetización mediática en otros países, mantenerse alerta y usar nuestros canales para difundir los hechos, para no cederles el terreno a quienes quieren dividirnos. Porque lo que Rusia y China quieren es dividir a Europa, sembrando rumores.

—Y disponen de enormes recursos para esas campañas.

—Sin duda. Por eso buscamos cooperar con socios afines, dentro y fuera de Europa. Y aquí entran la ciencia y la educación: cuando uno coopera con otro país y conoce a su juventud, comprende que los problemas son más complejos y no se pueden reducir a respuestas fáciles. Ampliar la mirada a través de la educación o de proyectos culturales, ponerse en los zapatos del otro, prepara a las personas para ser críticas, para preguntar antes de opinar. Esa es una buena manera de no caer víctima de la desinformación.

—Hablará con estudiantes sobre el acuerdo entre el Mercosur y la Unión Europea, que se aplica de forma provisional desde el 1 de mayo pero todavía despierta resistencias en Europa, como en Francia. ¿Qué espera de este momento?

—Alemania apoyó con fuerza cerrar esto después de veinticinco años. Sé que lo vemos quizá de un modo distinto que Francia, pero nos alegró mucho llegar a esta conclusión. También en la Argentina hubo quienes se preguntaban si el acuerdo sería equitativo, si el país se beneficiaría. Lo esencial es que funcione para ambas partes y que lo implementemos como socios. Puedo asegurar que Alemania estará muy atenta a que sea un buen acuerdo también para la Argentina.

—La cooperación científica entre ambos países se construyó durante décadas. Hoy hay un debate intenso en la Argentina sobre el financiamiento del sistema científico. ¿Cómo ve Alemania la sostenibilidad de esos vínculos?

—Llegué hoy y no conozco los detalles, pero para nosotros la cooperación científica es muy importante. El presupuesto alemán también necesita ajustarse, y yo misma debo justificar recortes en el ámbito cultural. Hay que diferenciar. Nadie recibe siempre más dinero; también hay que repriorizar, enfocar y generar sinergias para que las instituciones que reciben fondos estén mejor coordinadas. Creo que hay margen para un sistema más ágil, con quizá menos recursos, sin perder calidad. Lo que es seguro es que la cooperación científica es una inversión en el futuro. No se trata de gastar dinero inútil, sino de invertir en el futuro de nuestro país y de los científicos. No lo veo en blanco y negro.

—¿La ciencia debería estar regida por el Estado? El gobierno argentino suele promover que el Estado se retire de ciertas áreas.

—En Alemania lo hacemos distinto. El Estado también financia investigación y desarrollo. Aunque la mayor parte del monto proviene del sector privado, el Estado complementa e invierte mucho.

—El Centro Universitario Argentino-Alemán solo se compara en importancia con el que Alemania mantiene con Francia. ¿Por qué la Argentina ocupa ese lugar?

—Sigo aprendiendo. Pero, por lo que entiendo, se debe a esa importante migración alemana que se remonta a muchos años atrás: hay un conocimiento profundo y un gran interés por lo que ocurre en Alemania, tanto en el arte como en la ciencia. Percibo aquí una suerte de placer en trabajar con Alemania, porque tenemos buena reputación, somos confiables, innovadores. La Argentina conserva lazos tradicionalmente estrechos y un buen sistema educativo, y ese es un terreno perfecto para la cooperación.

La exhibición de objetos y documentos inéditos de Jimi Hendrix abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street, en Londres, y pondrá en primer plano una faceta poco visible de su vida: la rutina doméstica del único lugar que, según la curadora Claire Davies al medio The Guardian, el músico llegó a considerar verdaderamente su hogar. Entre las piezas que se mostrarán por primera vez figuran recibos de comida, cartas, permisos de trabajo, tickets de tintorería y facturas telefónicas por decenas de miles de libras. El conjunto incluye también documentos corporativos de Anim Records, la empresa que administraba a The Jimi Hendrix Experience y a otros artistas.

Uno de los recibos corresponde a pedidos realizados durante un par de meses al restaurante Mr Love, ubicado en la planta baja del edificio donde Hendrix vivía en el barrio de Mayfair. Hendrix solía pedir filetes y hamburguesas desde su departamento, mientras en el restaurante se reunían celebridades en mesas con forma de corazón atendidas por camareras con pantalones cortos. El músico prefería el menú estadounidense de Mr Love y llegó a decir que el problema de la comida inglesa era que “te sirven puré de papas con casi todo, y no voy a decir nada bueno sobre eso”.

La muestra se realizará en la Handel Hendrix House, el museo instalado en las casas reales de dos músicos que vivieron en Brook Street: George Frideric Handel en el número 25 entre 1723 y 1759, y Hendrix en el número 23 entre 1968 y 1969. El espacio que ocupaba Mr Love es hoy una tienda de moda, de acuerdo con el diario británico. La institución adquirió muchas de las piezas de la exposición con apoyo del National Lottery Heritage Fund. El departamento que Hendrix compartió con su novia Kathy Etchingham fue reconstruido y allí, según el mismo medio, el guitarrista recibió y colaboró con figuras centrales del rock británico de los años 60.

Davies, curadora de la muestra y directora adjunta de la Handel Hendrix House, dijo a The Guardian que los recibos y otros papeles “cuentan una historia muy importante sobre este pequeño momento doméstico en la vida de Hendrix”. Añadió que, por su infancia difícil y por una carrera de cuatro años basada en Londres en la que solía alojarse en hoteles o en casas ajenas, el piso de Brook Street fue “el único lugar al que llamó hogar y el único lugar donde su nombre figuraba en las facturas del alquiler”.

La curadora sostuvo que ese archivo ofrece una imagen de cómo era su vida detrás de la figura de estrella de rock y también de cómo podría haber sido si hubiera vivido más tiempo y se hubiera asentado. Hendrix murió en 1970 a los 27 años tras una aparente sobredosis, recordó el diario británico.

Una parte central del material procede de los archivos de Anim Records y de la labor de Patricia “Trixie” Sullivan, asistente personal del mánager Mike Jeffery. Entre 1966 y 1973, Sullivan reservó estudios de grabación, organizó itinerarios, negoció contratos y acompañó a los músicos en giras por todo el mundo, de acuerdo con el medio. Tras la muerte de Jeffery en 1973, Sullivan recogió materiales que los agentes judiciales habían dejado en su oficina de Londres porque prestaron más atención al mobiliario. Guardó todo en cuatro baúles de plástico debajo de su cama en España y, cuando regresó al Reino Unido porque su salud empeoraba, su nieto Jonathan Garcia Sullivan los almacenó en un cobertizo en Dorset, según el mismo medio.

Ese archivo conserva contratos, calendarios, detalles de vuelos, registros de actuaciones históricas y facturas de equipos musicales vinculados al sonido de Hendrix. También incluye los diarios de Sullivan con anotaciones de la gira alemana de enero de 1969. Sobre el concierto de Münster, Sullivan escribió: “Un solo show: gran público, casi hubo disturbios, rompieron muchas sillas, daños por $250. Me empujaron cuando entré al coche”. El material, dijo Davies al mismo medio, revela que Sullivan era “el epicentro absoluto de todo lo que Hendrix y The Experience estaban haciendo”.

“Ella claramente dirigía todo. No estoy segura de que hubieran podido hacerlo sin ella”, añadió Davies. Jonathan Garcia Sullivan contó al mismo medio que su abuela le decía que Hendrix “era bastante introvertido” y que “dudaba mucho de sí mismo”, además de tocar siempre la guitarra cuando ella visitaba su departamento. Garcia Sullivan afirmó que su abuela se describía como la niñera del músico y que intentaba poner orden en su vida pagando ese tipo de gastos. La exposición abrirá el 19 de junio en 23 Brook Street.

Poco a poco se va formando un nuevo Filba. La edición número 18 se celebrará del 1 al 4 de octubre con la visita de Emmanuel Carrère y Claire Keegan, dos autores centrales de la literatura contemporánea, según informó el Festival Filba.

Carrère hace literatura con hechos de la realidad, toma personajes complicados y, a veces, se mete en problemas, como cuando habló de la frialdad sexual de una exnovia o de su abuelo colaboracionista de los nazis, para enorme disgusto de su madre. Escritor, guionista y director de cine, recibió el Premio Renaudot en 2011 por su biografía Limónov y fue distinguido con el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances en 2017 y el Premio Princesa de Asturias de las Letras en 2021. Su libro más reciente, Koljos (Anagrama), ganó el Premio Médicis y el Premio Grand Continent en 2025.

Nació en París en 1957 dentro de una influyente familia burguesa e intelectual; es hijo de la célebre historiadora Hélène Carrère d’Encausse y posee raíces familiares rusas y georgianas. Tras diplomarse en el Instituto de Estudios Políticos de París (Sciences Po), cumplió su servicio nacional en Indonesia enseñando francés, para luego iniciar su carrera profesional como crítico de cine en revistas como Positif y Télérama.

Esta temprana vinculación con el medio audiovisual lo llevó a consolidarse como guionista y director cinematográfico, una faceta que se complementa con su labor como reportero de crónicas y que le valió el Premio Princesa de Asturias de las Letras.

Keegan es una de las autoras irlandesas más leídas en Argentina, reconocida por su narrativa breve. Su obra incluye Antártida y las novelas cortas Tres luces, adaptada al cine como The Quiet Girl, y Cosas pequeñas como estas, donde aparecen algunos horrores ocurridos en los internados católicos de su país.

Nació en 1968 y pasó su infancia en una granja católica y rural del condado de Wicklow, Irlanda, siendo la menor de seis hermanos. A los 17 años se trasladó a los Estados Unidos para estudiar Ciencias Políticas e Inglés en la Universidad Loyola de Nueva Orleans, formación que completó más tarde al regresar a Europa con una maestría en Escritura Creativa en Gales y un máster en Filosofía en el Trinity College de Dublín.

En la actualidad, combina su reservada vida en el entorno rural irlandés con una activa labor docente en talleres internacionales.

El encuentro se realizará en colaboración con Anagrama, el Institut Français d’Argentine, Eterna Cadencia Editora, la Universidad Diego Portales y Banco Galicia, de acuerdo con la organización.

La literatura de Gabriel García Márquez suele recordarse por su desbordante color amarillo, el olor a guayaba, las mariposas que perseguían a Mauricio Babilonia y el realismo mágico que transformó el devenir de un continente. Sin embargo, detrás del carnaval caribeño y las pasiones desmesuradas, late un pulso subterráneo, constante y helado: el aislamiento del ser humano. Leamos esta línea de Cien años de soledad: “El secreto de una buena vejez no es otra cosa que un pacto honrado con la soledad”.

Para hallar estas palabras exactas debemos ingresar al taller de platería de Macondo. Allí habita el coronel Aureliano Buendía en el último tramo de su existencia. Después de promover treinta y dos levantamientos armados y perderlos todos, tras haber sobrevivido a catorce atentados, setenta y tres emboscadas y un pelotón de fusilamiento, el guerrillero mítico descubre que la gloria pública es una trampa.

El coronel se encierra a fabricar pescaditos de oro que luego cambia por monedas de oro que vuelve a fundir para hacer, otra vez, los pescaditos. Ese bucle infinito no es un castigo; es su redención. El “pacto honrado” del que habla el autor colombiano consiste en despojarse de las expectativas ajenas, del ruido de la historia y del ego, para aceptar el destino individual con dignidad. La vejez exitosa, para García Márquez, no es la que se rodea de aplausos falsos, sino la que pacta una tregua honesta con el silencio.

Esta idea no nació de la nada. García Márquez escribió Cien años de soledad entre 1965 y 1966 en la Ciudad de México, encerrado en su estudio (bautizado como “La cueva de la mafia”). Mientras su esposa, Mercedes Barcha, lidiaba con los caseros y empeñaba el televisor o el secador de pelo para poder comprar comida, el escritor experimentó en carne propia un aislamiento absoluto.

Para dar a luz a las generaciones de los Buendía, el autor tuvo que romper amarras con el mundo exterior. Cuando finalizó el manuscrito, la pareja no tenía dinero ni para enviar el texto completo por correo a la Editorial Sudamericana en Buenos Aires; tuvieron que mandar primero la mitad y, tras otra mudanza económica, el resto. El libro se publicó finalmente en junio de 1967, convirtiéndose de inmediato en un fenómeno global que cambiaría la historia de las letras.

El impacto de la novela fue cultural, político y lingüístico. El escritor chileno Pablo Neruda la definió rápidamente como “la mayor revelación en lengua castellana desde el Don Quijote de la Mancha“. La historia de Macondo demostró que la periferia de América Latina podía engendrar una mitología universal tan potente como la de la Grecia clásica.

Cien años de soledad no solo fue central en el otorgamiento a su creador el Premio Nobel de Literatura en 1982, sino que tuvo peso en el fenómeno del Boom latinoamericano que abrió las puertas de los mercados internacionales a autores como Julio Cortázar, Carlos Fuentes o Mario Vargas Llosa. El libro demostró que el aislamiento de un pueblo olvidado podía ser el espejo de toda la humanidad.

La máxima sobre la vejez resume a la perfección el pensamiento central del novelista. En su célebre discurso de aceptación del Premio Nobel, titulado La soledad de América Latina, el autor extendió este concepto íntimo a escala continental: denunció cómo las potencias globales condenaban a los pueblos latinoamericanos al desamparo y a la falta de comprensión.

Toda la bibliografía de García Márquez es un catálogo de seres que intentan, con suerte diversa, sellar ese pacto con su propia exclusión. Lo vemos en el viejo militar de El coronel no tiene quien le escriba, esperando una pensión que jamás llegará; en la implacable abuela de La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada; y, de forma monumental, en el tirano decrépito de El otoño del patriarca, quien descubre que el poder absoluto solo engendra la forma más radical y miserable del aislamiento.

Hacer un “pacto honrado” implica abandonar el victimismo. Para Gabriel García Márquez, la soledad es la condición humana inevitable. El secreto de la sabiduría —esa buena vejez— consiste simplemente en sentarse a la mesa con ella, mirarla a los ojos y firmar una paz que nos permita fabricar, en paz, nuestros propios pescaditos de oro.

¿Quién es Gabriel García Márquez?

Gabriel García Márquez nació el 6 de marzo de 1927 en Aracataca, Colombia, un pueblo caribeño que inspiró la creación del mítico Macondo. Criado por sus abuelos maternos, nutrió su imaginación con las historias de guerras civiles de su abuelo coronel y las supersticiones de su abuela. Trabajó como periodista en medios como El Espectador, oficio que forjó su estilo narrativo directo y riguroso. Su carrera literaria despegó con novelas cortas como El coronel no tiene quien le escriba y alcanzó la inmortalidad en 1967 con Cien años de soledad.

Su aporte a las letras universales, que fusionó la cruda realidad de América Latina con elementos fantásticos, le valió el Premio Nobel de Literatura en 1982, consolidándolo como una figura central del Boom latinoamericano. A lo largo de su madurez, el escritor colombiano continuó expandiendo su universo con títulos fundamentales de la literatura hispanoamericana como Crónica de una muerte anunciada, El amor en los tiempos del cólera y sus memorias tituladas Vivir para contarla.

Además de su labor de ficción, creó la Fundación Gabo para promover el periodismo independiente y mantuvo una activa y, a veces, polémica influencia política global debido a su amistad con el líder cubano Fidel Castro. “Gabo”, como lo llamaba afectuosamente su público, pasó sus últimas décadas residiendo en la Ciudad de México, donde falleció el 17 de abril de 2014 a los 87 años debido a un cáncer linfático. Su muerte conmocionó al mundo entero, pero dejó un legado literario eterno que sigue definiendo la identidad de todo un continente.

Originado como una inquietante historia compartida por usuarios comunes de internet, el universo de Backrooms irrumpe en los cines estadounidenses el viernes, con una película dirigida por el famoso youtuber Kane Parsons.

La obra retrata a un grupo de personajes que se encuentran atrapados en un laberinto de habitaciones extrañamente dispuestas que se asemejan a oficinas vacías, iluminadas por una tenue luz amarilla.

Distribuida por la productora estadounidense A24 —detrás de múltiples éxitos de terror, incluido Midsommar de 2019— Backrooms explora la incomodidad generada entre los usuarios del tablón de imágenes 4chan por una extraña foto que alguien publicó en 2019.

“En ese momento yo tendría 13 años. No recuerdo exactamente la primera vez que la vi, porque era muy frecuente como meme”, dijo Parsons.

Él observó cómo la imaginación de los usuarios desarrollaba la imagen hasta convertirla en un concepto de ciencia ficción “vagamente nostálgico y vagamente onírico, pero también muy tangible”.

La imagen original iba acompañada de un breve texto anónimo, que advertía a los lectores sobre la posibilidad de tropezar con su perturbador mundo paralelo.

Rápidamente se convirtió en una llamada “creepypasta”: una historia corta de terror que se vuelve a publicar y modificar por la web, a la cual otros usuarios añadieron detalles como monstruos y dimensiones inexploradas.

“Este proyecto es obviamente más grande que yo”, reconoció Parsons, alimentándose de los aportes de innumerables usuarios en línea.

Fenómeno viral

Recién en 2024, investigadores en línea rastrearon la foto original hasta una renovación de una tienda de muebles en Wisconsin en 2002.Antes de eso, en 2022, Parsons compartió en su canal de YouTube un cortometraje que había realizado con el software 3D Blender.

Relataba a un niño perdido vagando por los terroríficos pasillos de Backrooms.

En dos semanas, el video acumuló 20 millones de visualizaciones.

“Empecé a recibir correos electrónicos de un montón de empresas diferentes”, recuerda Parsons.

“Tenía 16 años... todo era muy nuevo y era muy escéptico sobre lo que podía significar tratar de adaptar esto o relacionarme con ‘trajes’ de Hollywood“, añadió, especialmente en “algo que para mí era tan personal”.

Finalmente, Parsons llegó a un acuerdo con dos productoras y A24, y el rodaje tuvo lugar en el verano de 2025.

El actor británico Chiwetel Ejiofor interpreta al protagonista en lo que se convirtió en el primer largometraje dirigido por Parsons.

“No existía ninguna versión de esto que yo estuviera dispuesto a aceptar donde no fuera yo mismo quien dirigiera”, dijo. “Siempre he sido muy tacaño respecto a eso”.

En su canal de YouTube, Kane Pixels, Parsons cuenta hoy con más de tres millones de suscriptores, y más de 215 millones de visualizaciones solo en los veinte videos relacionados con “Backrooms”.

Universo extendido

La película “está en directa continuidad con la serie de YouTube“, afirmó Parsons. Alterna entre segmentos de “metraje encontrado”, filmados en primera persona y que recuerdan a su programa web, y tomas cinematográficas más clásicas.

“Va a ser raro ver cuánto (‘Backrooms’) ha entrado en la cultura popular... Antes esto era algo más o menos de nicho", reflexionó.

La obra de Parsons no es el único universo surgido de internet que llega a los cines este año.

El youtuber Mark Fischbach, cuyo canal Markiplier cuenta con 38 millones de suscriptores, estrenó la película de terror “Iron Lung” en enero.

El filme fue adaptado a partir de un videojuego que ayudó a popularizar con videos en línea.

Y en 2018, otra “creepypasta” sobre el monstruo larguirucho y vestido de traje “Slender Man” se convirtió en una película que recaudó 50 millones de dólares en todo el mundo.

En cuanto a Parsons, "‘Backrooms’ no ha terminado", afirmó.

“No descartaría hacer otra película. Ni tampoco incluso una serie de televisión. Esa sería mi esperanza personal”.

Mientras tanto, ha lanzado otra serie en YouTube, “The Oldest View”, que sigue la exploración de un centro comercial subterráneo abandonado.

Fuente: AFP

Leonardo Padura está trabajando en una novela policíaca sobre una historia a caballo entre Cuba y España en la que aparece su personaje del detective Mario Conde, pero en la que podría no aparecer ningún muerto, según cuenta el escritor, que dice todavía no tener todos los cabos atados.

“En unas primeras páginas ya sé cuál es la historia que quiero contar, pero lo que no sé ahora es cómo la voy a contar”, indica Padura durante su paso por París este jueves, donde está promocionando la versión en francés de Ir a La Habana, que se acaba de publicar.

Preguntado sobre el tema, responde que va de “una persona que hay que encontrar porque es una mujer que nació en Cuba de un padre español, ese padre español ha dejado una herencia y para cobrar la herencia hay que encontrar a esa hija cubana y nadie sabe dónde está. Y ahí está entonces Mario Conde, que va a empezar a buscar a esa hermana cubana".

“A lo mejor ni siguiera hay un muerto”, añade antes de hacer notar que el género de intriga en el que ha escrito muchas de sus novelas le da margen: “Creo que los recursos de la novela policíaca te lo permiten. Es un género muy abierto, que tuvo un momento de una ortodoxia en que había incluso decálogos para escribir novelas. Pero creo que la generosidad de esa tipología literaria te permite escribir lo que tú quieras”.

“Hasta ahora -insiste- no tengo muertos en la historia. Y sin embargo, va a ser una novela policial” situada en el tiempo en 2025 y que se prolonga en 2026 aunque no sabe qué va a pasar entonces.

Padura precisa que está “todavía muy en el principio” de su escritura y que conforme avanza va “creando la historia”.

El literato cubano, Premio Príncipe de Asturias de las Letras de 2015, explica que en paralelo continúa con su trabajo periodístico y puntualiza que eso es distinto de la literatura.

“El periodismo se mueve sobre la inmediatez. La literatura intenta reflejar realidades y esas realidades deben tener un cierto sustento, una cierta densidad. Y una determinada distancia con respecto a los acontecimientos te ayuda a tener esa posibilidad de reflexión”.

En definitiva, está “reflexionando desde el presente, pero desde la perspectiva periodística más conceptual y no desde la perspectiva estética que requiere otras condiciones para poder desarrollarse”.

Fuente: EFE

“Ningún ser humano tiene el derecho de obedecer”. La frase resuena con la fuerza de un disparo al centro de la complacencia contemporánea. Suele verse replicada en redes sociales, grafitis urbanos y pancartas de protesta. Cuando la filósofa alemana de origen judío Hannah Arendt pronunció estas palabras en una entrevista televisiva en noviembre de 1964 ante el periodista Joachim Fest, no estaba haciendo un llamado al desorden, sino una radiografía quirúrgica de la peor catástrofe moral de la modernidad.

En el ámbito del derecho y la política, la obediencia no es un escudo protector; es una decisión de complicidad. Por eso, para entender el “por qué” y el “en referencia a qué” de esta afirmación, hay que retroceder un año en la biografía de la pensadora. En 1963, Hannah Arendt había publicado uno de los libros más polémicos y transformadores del debate intelectual de posguerra: Eichmann en Jerusalén: Un estudio sobre la banalidad del mal. La autora había asistido como enviada de la revista The New Yorker al juicio contra Adolf Eichmann, el teniente coronel de las SS de Adolf Hitler.

Eichmann había sido responsable de la logística del transporte de millones de personas hacia los campos de exterminio. Pero Arendt, en lugar de encontrarse con un monstruo sediento de sangre, se topó con un burócrata gris, un hombre preocupado por hacer bien su trabajo, un técnico de la eficiencia. La defensa de Eichmann se estructuró sobre una premisa jurídica y moral: él solo cumplía órdenes; era un engranaje subordinado a la ley del Estado totalitario.

Peor aún, el acusado llegó a declarar que había vivido toda su vida bajo los preceptos de la ética de Immanuel Kant, distorsionando el concepto del deber kantiano para justificar su sumisión ciega a la voluntad de Adolf Hitler.

La indignación de Arendt ante esta perversión filosófica estalló en la entrevista de 1964. Al decir “según Kant, ningún ser humano tiene el derecho de obedecer”, la filósofa le arrebató a la burocracia criminal su última coartada. En la moral kantiana, el sujeto es soberano; no puede delegar su conciencia en un superior. Para Arendt, la palabra “obediencia” pertenece al universo de los niños; cuando un adulto la utiliza en el plano político, lo que está haciendo en realidad es dar su apoyo explícito al régimen que ejecuta las órdenes.

Esta idea no fue un destello aislado; funciona como el tejido conectivo de toda su producción bibliográfica. Representa el puente exacto entre lo que acababa de publicar y lo que comenzaría a escribir inmediatamente después. Años antes, en 1951, Arendt había desenterrado las raíces del horror en Los orígenes del totalitarismo. Allí ya advertía cómo el nazismo y el estalinismo necesitaban despojar al hombre de su condición jurídica y moral para convertirlo en una pieza intercambiable. El totalitarismo busca anular la capacidad de iniciar algo nuevo, destruyendo la acción política real.

El éxito de la maquinaria criminal dependía de que los ciudadanos renunciaran a pensar por sí mismos. Por eso, tras el terremoto conceptual que significó Eichmann en Jerusalén, la pensadora dedicó los últimos años de su vida a explorar las facultades de la mente humana. En el momento de su muerte, se encontraba escribiendo su obra póstuma e inacabada, La vida de la mente (dividida en tres volúmenes proyectados: El pensamiento, La voluntad y El juicio).

¿Cuál es la conexión? En esta última etapa, Arendt se obsesionó con una pregunta fundamental: ¿la facultad de pensar, la costumbre de examinar lo que ocurra, puede estar entre las condiciones que evitan que los hombres hagan el mal? La respuesta implícita es que el colapso moral de la sociedad no se debió a la falta de cultura o de conocimientos, sino a la renuncia deliberada a la actividad del pensamiento crítico.

Si hubiera que elegir una sola sentencia que resuma el legado de Hannah Arendt, “nadie tiene el derecho de obedecer” califica sin esfuerzo. Sintetiza su rechazo absoluto al determinismo histórico y su defensa inquebrantable de la libertad humana. Hoy, la vigencia de su advertencia es alarmante. En un siglo XXI marcado por la polarización, los algoritmos que piensan por nosotros y la tentación constante de delegar las decisiones éticas en líderes mesiánicos o estructuras corporativas, la frase de Arendt no es una reliquia de la Guerra Fría. Es un imperativo vigente: el pensamiento crítico no es un lujo intelectual, sino nuestra primera y última línea de defensa contra la barbarie.

¿Quién es Hannah Arendt?

Hannah Arendt (1906–1975) fue una de las filósofas y teóricas políticas más influyentes del siglo XX. Nacida en una familia judía en Hannover, Alemania, se formó bajo la tutela de grandes pensadores como Martin Heidegger y Karl Jaspers. Con el ascenso del nazismo al poder en 1933, fue detenida brevemente por la Gestapo, lo que la obligó a exiliarse primero a Francia y luego, de forma definitiva en 1941, a los Estados Unidos. En Nueva York desarrolló una prolífica carrera académica y periodística, marcada por su aguda observación de los colapsos morales de su tiempo.

Su pensamiento se plasmó en textos fundamentales de la teoría política occidental, entre los que destacan Los orígenes del totalitarismo (1951), La condición humana (1958) y la polémica crónica Eichmann en Jerusalén: Un estudio sobre la banalidad del mal (1963). A lo largo de su vida, Arendt rechazó la etiqueta tradicional de “filósofa”, prefiriendo definir su labor como teoría política, ya que su interés no residía en el hombre abstracto, sino en los seres humanos actuando e interactuando en el mundo social.

Tras décadas de docencia en prestigiosas instituciones como la Universidad de Chicago y la New School for Social Research, falleció a causa de un infarto el 4 de diciembre de 1975 en su departamento de Nueva York, a los 69 años. Al momento de su muerte, se encontraba trabajando en la máquina de escribir sobre el manuscrito de La vida de la mente, su última gran obra filosófica que quedó inconclusa. Su legado intelectual perdura como un faro indispensable para la defensa de la democracia, el pensamiento crítico y la resistencia frente a los autoritarismos modernos.

El protocolo se rompió desde la convocatoria: la familia de Totó hizo una invitación abierta a músicos, artistas y público en general a los que pidió dejar las prendas de color negro de luto y vestir de blanco o con colores para celebrar el legado de la artista caribeña.

Sonia Bazanta Vides, nombre de pila de la cantante nacida el 15 de agosto de 1940 en Talaigua, en la región de la Depresión Momposina (departamento de Bolívar), de cuya cultura tomó el nombre artístico, falleció a los 85 años de edad en México, desde donde su cuerpo fue trasladado a Colombia para rendirle honores de Estado en el Congreso con el féretro cubierto por la bandera nacional.

"La música ancestral es la que llega al cielo", dijo Totó en 2018 en una entrevista con EFE en Mompox, a menos de una hora de Talaigua, y cuyo mensaje fue recordado hoy por su familia al despedir a la artista que dedicó su vida a expandir los sonidos afroindígenas y campesinos de Colombia.

Mientras se realizaba la ceremonia oficial en el Capitolio, un grupo de mujeres con vestidos blancos típicos del Caribe colombiano llenó de música y baile la plaza Bolívar hasta donde llegaron desde diferentes partes del país para despedir a la maestra.

La gaita, la cumbia, el bullarengue, el porro y mapalé se apoderaron del espacio en el que el rostro de Totó fue protagonista.

La ceremonia de homenaje estuvo encabezada por la vicepresidenta colombiana, Francia Márquez; la senadora Aída Avella y el representante a la Cámara Juan Carlos Lozada, quienes resaltaron el aporte invaluable de la cantante.

"Gracias maestra por darle voz a estos territorios olvidados. Gracias maestra por traer el legado de nuestros ancestros indígenas y campesinos y llevar con orgullo el nombre de Colombia", declaró Márquez.

"Fue la mejor embajadora de nuestra cultura en todo el planeta. Su voz, su carisma, su baile, su forma de llegar a la gente no lo olvidaremos nunca", aseguró Avella por su parte.

El Congreso aprobó una resolución para rendir todos los honores de Estado a Totó, como izar la bandera a media asta y poner su imagen en una de sus salas, "por su trayectoria artística admirable".

Por su parte, el Ministerio de las Culturas aseguró que se va una "maestra fundamental" que "entendió que la memoria de un país se guarda en una canción" y destacó que su presencia en la escena mundial sirvió para abrir espacios a otros artistas.

El hijo mayor de Totó, Marco Vinicio Oyaga Bazanta, quien la acompañó a lo largo de 40 años llevando su música a todo el mundo, recordó los orígenes de su madre y la importancia del legado de sus ancestros.

"Ella nos recordaba quiénes somos, hacia dónde vamos y de dónde venimos", aseguró Oyaga y dijo que en su casa "entraban todos", sin distinguir origen.

"Ella ya no se llamaba Sonia Bazanta, mi abuelo la nombró Totó y desde entonces todos la llamaban así", recordó Oyaga, quien se refería a su madre como 'Totico'.

La ceremonia concluyó al ritmo de la agrupación Los tambores de Totó que interpretó algunos de sus éxitos, como 'La Candela Viva', 'El pescador' y 'Aguacero de mayo'.

Las exequias de la artista se celebrarán este jueves en la Catedral Primada y el viernes habrá una ceremonia conmemorativa y un ritual privado de despedida en Mompox, a orillas del río Magdalena.

Apoyada del bastón o la barra en su estudio de ballet en Santiago, Evelyn Cordero arquea un brazo y corrige la postura a sus alumnas, varias octogenarias. A sus 100 años, le brillan los ojos cuando dice: “Incluso en mis sueños, bailo”.

En un Chile donde la depresión golpea especialmente a la vejez, la anciana bailarina dirige desde 1994 una escuela de ballet que acoge a estudiantes de entre cuatro y 80 años.

Tiene una descendencia de cinco hijos, 14 nietos y 19 bisnietos y fue hace poco incluida entre las 100 Líderes Mayores en Chile, de la Fundación Conecta Mayor, destacada por su labor en la danza por más de cuatro generaciones.

En un salón rodeado de espejos y cortinas moradas, cada martes por la mañana, durante hora y media, esta mujer de cabello blanco y ojos vivaces da clases a un grupo de diez personas de entre 50 y 80 años.

Pese a su avanzada edad, que la ha hecho más lenta, y sus problemas de audición, cuando la música suena muestra una energía poco común, incluso pese a que debió cambiar sus zapatillas de ballet por unas deportivas, más estables y cómodas.

“Estírense cuando bailen y muevan la cabeza”, grita para mejorar cada postura. De cuando en cuando, tararea una melodía de música clásica y marca los tiempos con su bastón.

Con polainas negras o rosas y zapatillas oscuras, las bailarinas encadenan los movimientos frente a un gran espejo.

Algunas se apoyan brevemente en la barra antes de retomar los “demi-pliés”, una de las posturas básicas del ballet, con las instrucciones de su profesora.

“Qué tortura”, suspira una septuagenaria riendo ante las exigencias de la maestra.

Pese al esfuerzo, el baile es una terapia para estas mujeres en un país donde la tasa de depresión es de 6,7 por cada 100.000 habitantes. Una cifra superior al promedio mundial de 5,7, según el psiquiatra Roberto Sunkel.

“A mi edad, nunca me aburro. Puedo pasar toda una mañana sentada pensando en una nueva coreografía”, confiesa Cordero, quien baila desde los cuatro años.

Terapia contra la depresión

La centenaria, quien da sus clases acompañada por dos de sus hijas, también bailarinas profesionales, conoce muy bien a sus alumnas.

“Muchas veces las he visto pasar por momentos difíciles en sus vidas y me gusta tener un contacto más afectuoso con ellas”, afirma.

Chile está envejeciendo más rápido que la mayoría de los países de la región.

Según el Instituto Nacional de Estadísticas, se prevé que el país registre más muertes que nacimientos a partir de 2028, antes de que su población comience a disminuir a partir de 2036.

El aislamiento, la disminución de los ingresos y la muerte de seres queridos, entre otros factores, hace más difícil la vejez en Chile.

Pero el ballet es una segunda oportunidad para estas mujeres. El entusiasmo por sus clases refleja un vínculo casi familiar.

“Llevo 48 años viniendo aquí y no me pierdo ni una sola clase”, confiesa Alejandra Cusacovich, de 74 años, vestida con una túnica negra.

“Es un respiro para mí, como una terapia (...) pasé por una depresión muy grave y fue gracias a mi profesora y a mis compañeras que logré salir adelante”, agrega.

Para la más joven del grupo, Pilar Valenzuela, de 55 años, la clase es crucial para su salud mental: “Nos olvidamos de todos nuestros problemas”, dice.

Cordero ha pensado en dejar de enseñar, pero rápidamente desecha la idea. El baile la “llena por completo”, dice.

Fuente: AFP

Durante décadas, las lecturas escolares y las reseñas literarias tradicionales nos vendieron una versión cómoda de Fahrenheit 451. Nos dijeron que la obra cumbre de Ray Bradbury, publicada en 1953, era una denuncia directa contra el macartismo, la persecución ideológica y los regímenes dictatoriales que, como el nazismo, purificaban su intolerancia en plazas públicas repletas de hogueras y papel quemado. Sin embargo, el propio autor estadounidense se encargó de desmentir esa interpretación.

Lo hizo en sus últimos años de vida. El gran temor que tenía no eran los comisarios políticos armados con lanzallamas, sino algo mucho más sutil: el control mental aceptado con una sonrisa. La frase que hoy nos convoca sintetiza esa preocupación tardía que Ray Bradbury expresó con vehemencia en conferencias y entrevistas hacia el final del siglo XX. El escritor comprendió que la destrucción de la cultura no requiere de un decreto autoritario ni de militares persiguiendo disidentes.

El verdadero apocalipsis cultural ocurre cuando los libros se vuelven objetos inútiles porque la población, anestesiada por el entretenimiento masivo y la velocidad de los estímulos visuales, pierde de manera voluntaria el hábito y la capacidad de la lectura profunda. “No hace falta quemar libros para destruir una cultura. Solo basta con lograr que la gente deje de leerlos”, dijo en una entrevista radial en 1956, pero volvió a repetirla en varias oportunidades, sobre todo ante periodistas y lectores.

El análisis de la frase nos sumerge en una de las paradojas más alarmantes de la sociedad contemporánea. Mientras que en el pasado la censura operaba por la escasez y la prohibición, el diagnóstico de Ray Bradbury anticipó la censura por saturación. En el universo que concibió para Fahrenheit 451, los ciudadanos no dejaron de leer porque el gobierno se los prohibió; el gobierno prohibió los libros porque la gente, previamente, se había volcado en masa hacia las pantallas gigantes y la gratificación inmediata.

Para el autor, la desaparición del lector es la muerte de la individualidad. Leer exige silencio, tiempo, introspección y un esfuerzo cognitivo que nos permite desarrollar un criterio propio. Cuando la sociedad reemplaza esa gimnasia mental por el consumo pasivo de contenidos masticados y estímulos visuales incesantes, el pensamiento crítico se extingue por atrofia. No hace falta que quemen el Don Quijote de la Mancha si las nuevas generaciones no tienen concentración para atravesar sus páginas.

Ray Bradbury no era un tecnófobo ciego, pero miraba con profunda desconfianza la velocidad con la que la televisión —y más tarde internet— devoraba el espacio de la discusión pública. En sus ensayos reunidos en Zen en el arte de escribir, el autor insistía en que el lenguaje es el único mapa disponible para entender quiénes somos. Si reducimos nuestro vocabulario a fuerza de no leer, reducimos también el tamaño de nuestro mundo y nuestra capacidad para rebelarnos contra la injusticia.

Ahora la advertencia de Ray Bradbury se lee con actualidad. En un ecosistema digital gobernado por algoritmos, donde la literatura compite contra el scroll infinito de videos breves y la IA sintetiza textos para ahorrarnos el “esfuerzo” de pensar, el vaciamiento cultural se produce sin violencia. El ciudadano moderno, atrapado en una sobredosis de entretenimiento y desinformación, cumple voluntariamente el sueño de cualquier dictador: abdicar de su libertad intelectual sin haber visto jamás una sola hoguera.

¿Quién es Ray Bradbury?

Ray Bradbury (Waukegan, 1920 – Los Ángeles, 2012) fue uno de los escritores estadounidenses más brillantes e influyentes del siglo XX, célebre por trascender los límites de la ciencia ficción y dotar al género de una profunda sensibilidad poética y filosófica. Nacido en el seno de una familia de clase trabajadora, su infancia estuvo marcada por la Gran Depresión y el deslumbramiento ante el cine, los cómics y la magia. Debido a las limitaciones económicas de su hogar, al terminar la escuela secundaria no pudo asistir a la universidad, por lo que se formó de manera autodidacta.

Su vida temprana se la pasó vendiendo periódicos en las esquinas y leyendo horas y horas en las bibliotecas públicas. Comenzó a publicar sus relatos en revistas pulp a principios de 1940, hasta que su estilo lírico y su capacidad para explorar los miedos y nostalgias humanas lo consagraron definitivamente en el panorama literario internacional. Su producción abarca más de cuatrocientos relatos, novelas, ensayos y guiones para cine y televisión. Se consagró en 1950 con Crónicas marcianas.

Su obra cumbre llegó en 1953: Fahrenheit 451, una de las distopías fundamentales de la literatura universal. A estas se suman obras maestras de la nostalgia y el misterio como El vino del estío y Algo desagradable va a venir. A lo largo de su vida recibió distinciones de la talla de la Medalla Nacional de las Artes y una mención especial del Premio Pulitzer en 2007. Falleció en su residencia de Los Ángeles a los 91 años de edad. Sus restos descansan en el cementerio Westwood Village Memorial Park.

“Leo Dan era apenas un recuerdo de cuando yo era chico”, dice Pablo Alabarces sobre su nuevo objeto de estudio, el cuarto hombre del “FabFour” de la música romántica argentina de finales de los años sesenta junto a Palito Ortega, Sandro y Leonardo Favio. “No le seguí la carrera y no estoy para nada entusiasmado con seguírsela. Pero lo que disparó toda esa reflexión fue que Leo Dan se murió y nadie le dio bola”, dice el escritor, sociólogo y profesor argentino desde algún hotel en el centro de París. Acaba de publicar Te he prometido una tesis sobre Leo Dan en Infobae Ediciones.

Ahora Alabarces está en Francia pero debería ser Estados Unidos. Viajó a París a participar de un congreso de LASA (Latin American Studies Association), la organización más grande del mundo en reunir personas e instituciones dedicadas a estudiar América Latina y el Caribe. Historia mínima del rock en América Latina, que escribió con Abel Gilbert, fue elegido mejor libro iberoamericano. Debería estar en Estados Unidos —a la organización la crearon académicos estadounidenses—, pero “hay problemas con las visas de los latinoamericanos”, cuenta.

Leo Dan murió el primer día de 2025. Un infarto agudo de miocardio mientras dormía en su casa de Miami. Tenía ya 82 años. Había nacido en un paraje de Santiago del Estero, Villa Atamisqui, con veinte años se mudó a Buenos Aires y el éxito lo encontró enseguida. “La historia cuenta que se cansó de la competencia con Palito Ortega y se mandó a mudar. En el 68 o 69 se va primero a España y después a México. Terminó siendo el artista argentino que más discos ha vendido en la historia de la música popular argentina, duplicando a Palito incluso", le dice Alabarces a Infobae Cultura.

“Cuando Sandro se murió lo velaron en el Congreso. A Juan Gabriel, el otro gran cantante melódico mexicano, lo velaron en el Palacio de las Bellas Artes. Me preguntaba cómo puede ser que el artista argentino que más discos vendió en la historia no haya merecido, no digo un libro, pero un artículo por parte de la academia, los intelectuales, etcétera, etcétera? Eso no es solo una falencia argentina. En 2019 ganó el Oscar Roma, la película de Cuarón, que se inicia con una canción de Leo Dan: ’Te he prometido’. En ese momento yo les preguntaba a los mexicanos... y tampoco”, agrega.

Te he prometido una tesis sobre Leo Dan es un libro breve, de apartados cortos y lectura ágil. Avanza siguiendo aquel método de Beatriz Sarlo, “sin suficiencia elitista ni condescendencia populista”, tras la pregunta de “qué está ocurriendo en ese encuentro entre un producto de la cultura de masas y una subjetividad popular”. “¿Y si la plebeyización cultural —ese proceso por el cual las clases medias y altas se apropian de los bienes populares— no fuera democratización sino su exacto contrario: la forma más eficaz de neutralizar lo que el pueblo siente y desea?”, se lee en el libro.

Hay algo que distingue a este tipo de artistas. Alabarces lo llama “permanencia en la memoria popular”, “el juicio que distingue a la cantante argentina de cumbia Gilda, transformada en santa popular luego de su muerte en 1996, de Karol G y los ciento un millones de reproducciones del tema ‘+57′“. La pregunta por los efectos es clave, dado que “la plebeyización no supondría una degradación de lo culto, sino una captura y clausura de lo popular”, escribe el investigador. Cuando lo plebeyo “deja de designar diferencia” es cuando “oculta la desigualdad”, pero “sin solucionarla”.

Entrados los 2000, en un muy popular programa de la tele, La peluquería de los Mateos, Rolo Puente entraba cantando: “Como yo no estoy ni comprometido, ni casado, ni nada, y usted no está ni comprometido, ni casado, ni nada, ¿por qué no charlamos un ratito?“ “¡Eso era un hit de Leo Dan de 1967!“, dice Alabarces. ”Y los tipos lo usaban muchísimos años después, porque esa canción había quedado en la memoria. Entonces, la pregunta es: ¿qué significan este tipo de fenómenos que quedan marcados en la memoria de tal manera que veinte, treinta, cuarenta, cincuenta años después, siguen vigentes?”

Ahora, abocado al diálogo telefónico con un océano, el Atlántico, en el medio, sostiene que “la cultura de masas es el gran organizador de la cultura contemporánea, y ya no la vieja cultura culta, en términos de repercusiones, efectos y de ordenamiento de agenda”. “Es mucho más importante el Movistar Arena que el Teatro Colón”, resume. “Las culturas plebeyas son mucho más adoptadas y consumidas por las clases medias-altas. En el momento político es más claro: tenemos en el poder a una banda de plebeyos. A Milei le gusta la ópera pero sale a la calle y se pone a cantar La Renga”.

Si bien “cambió la valoración de la cultura de masas”, hay “ciertas zonas” donde “sigue el menosprecio”. Y ejemplifica así: “Lali Espósito recibe una valoración que no recibe L-gante, alguien que es, entre muchas comillas, exasperantemente groncho. Bueno, Leo Dan es eso: groncho, mersa". Y lo compara con Palito Ortega, un ídolo popular al que también le dedicó un libro, Un muchacho como aquel, también junto a Abel Gilbert: “Ellos no hablaban ni en tucumano ni en santiagueño, hablaban en porteño. Borran la marca lingüística, pero no pueden borrar el cuerpo: son morochos provincianos”.

“¿De dónde venís? Yo vengo de una familia humilde. Eso lo que garantiza es mi contrato con el público. Mi contrato con el público está garantizado por el hecho de donde nací. Eso ya es un argumento fuerte para los públicos populares. Para los públicos de las clases medias era un argumento negativo, pero dejó de serlo", dice el investigador y subraya el proceso de asimilación: “Creo que fue Fernández Díaz el que dijo: ‘Sandro era mersa, era groncho, pero con el tiempo pasó a ser aceptado’. Bueno, eso es lo que pasó también con Palito, eso es lo que pasó también con Leo Dan".

Se da entonces un proceso que vuelve a ese producto cultural, no solo aceptado, sino amigable. “No molesta, es conservador, y en algunos casos, como el de Palito, es francamente reaccionario. Pero lo que ocurre es que no molesta y sin embargo es más democrático porque te obliga a aceptar que tu sociedad es mucho más plural que simplemente las clases dominantes. El lenguaje dominante es esa lengua que se supone de grado cero, que es en realidad el habla porteña de clase media, blanca, con el secundario completo. Pero la Argentina es algo mucho más plural”, explica.

Si bien la música de Leo Dan “no cuestiona el poder de ninguna manera”, la ruptura está en que “cuestiona esa homogeneidad estereotípica” de que ”los argentinos somos todos blancos, porteños, de clase media, con secundario completo”: “En ese sentido, sí, molesta”. Y eso se filtra en una cultura de masas que opera, sobre todo la música popular, en la “educación sentimental” de las mayorías: “Que las clases populares se eduquen en la cultura de masas significa que vos aprendés a enamorarte escuchando canciones románticas”. Ahí, en aquella época, Leo Dan estaba en el centro.

De pronto, en la conversación aparecen nombres como Ricardo Montaner, Libertad Lamarque, Fito Páez, Vicentico, Milo J, El Chaqueño Palavecino, Café Tacvba, Roberto Carlos, Los Redondos... El acento está en las formas en que las clases altas incorporan los productos culturales de las clases populares a sus repertorios sociales. Siempre hay tensiones y resistencias. L-Gante, por ejemplo, “es el negro inaceptable”. “Esto no significa defender su música”, aclara. “A mí no me gusta, pero una cosa es que no te guste y otra cosa es despreciarlo. Ese es un paso que jamás voy a dar”, concluye.

En el contexto global actual, donde los cambios ocurren a una velocidad vertiginosa y la complejidad en el mercado aumenta, las marcas enfrentan un desafío monumental: mantener el valor percibido y asegurar su relevancia frente a consumidores cada vez más exigentes.

En un entorno donde la saturación de nuevas marcas, categorías y opciones de consumo se intensifica, mientras que la capacidad de captar la atención del público disminuye. La evolución cultural es uno de los factores determinantes para que las marcas puedan superar estos desafíos y seguir siendo relevantes, así lo aseguró Susana Oliva, durante la presentación del libro “Cómo Construir el Valor de tu Marca”.

El libro, que cuenta con el prólogo del influyente economista Philip Kotler, considerado el padre del marketing moderno, se posiciona como una herramienta estratégica para que las marcas comprendan y anticipen los cambios culturales, en una época dominada por la Generación Z, conocida por su carácter disruptivo y su enfoque en los valores.

El desafío de mantener la relevancia en un mercado saturado

La saturación del mercado ha llevado a que muchas marcas enfrenten la amenaza de volverse invisibles y, en el peor de los casos, sin valor, al estar dominadas por la competencia en precio y con presupuestos de publicidad cada vez más limitados. En este escenario, Oliva, quien es máxima experta en inteligencia cultural en México, propone una solución innovadora: utilizar la cultura como una herramienta estratégica para fortalecer el valor de las marcas.

Según la autora, las marcas deben adaptarse a las tendencias culturales actuales y, al mismo tiempo, ser capaces de anticipar las próximas olas de cambio para no quedar rezagadas en un mercado en constante evolución.

El libro ofrece un método claro y estructurado para que las marcas puedan trabajar con la cultura masiva, logrando así ser relevantes en un entorno que valora la sostenibilidad social y la autenticidad. En un contexto donde las diferencias generacionales crean una mayor fragmentación en los gustos y las expectativas de los consumidores, las marcas que logren entender y liderar la transformación cultural estarán mejor posicionadas para enfrentar los retos del futuro.

La inteligencia cultural como clave del éxito

Uno de los ejes principales del libro es el concepto de inteligencia cultural, una habilidad que permite a las marcas no solo adaptarse a los cambios actuales, sino también anticiparse a las tendencias futuras.

Philip Kotler, en su prólogo, destacó que el éxito de una marca no depende únicamente de su capacidad para generar ingresos, sino también de su potencial para mejorar la vida de sus consumidores. “Este libro aporta una nueva forma de pensar sobre la marca y su potencial para mejorar el rendimiento de la empresa y mejorar la vida de los clientes”, comentó Kotler.

El mensaje es claro: las marcas que logran entender el impacto de la cultura en las percepciones de sus consumidores son las que pueden liderar la transformación y mantener su relevancia a lo largo del tiempo. En un mundo en perpetuo cambio, la capacidad de una marca para proporcionar identidades enriquecedoras y en constante evolución a sus consumidores es clave para asegurar su supervivencia.

Mexicanidades 2024-2025

Otro de los aportes clave de Susana Oliva es el estudio Mexicanidades 2024-2025, un análisis profundo de las tendencias culturales en México que ofrece una guía clara para las marcas que buscan mantenerse relevantes en este mercado. El estudio, basado en paneles con representantes de la Generación Z, Y y X, así como en una encuesta nacional con más de 1,200 participantes, revela 12 tendencias e identidades mexicanas que serán esenciales para las marcas que desean conectarse de manera auténtica y significativa con los consumidores.

“México tiene algo que lo hace distinto y más fuerte a nivel global: tenemos las características identitarias que el mundo y los consumidores necesitan y están buscando”, afirmó Oliva al presentar los resultados del estudio. Este análisis es particularmente relevante en un contexto donde las marcas deben adaptarse rápidamente a los cambios culturales si desean mantener su relevancia y valor frente a un público cada vez más exigente y fragmentado.

El estudio también resalta cómo México, con su rica herencia cultural y su capacidad para reinventarse constantemente, ofrece una ventaja competitiva única para las marcas locales e internacionales. Aquellas marcas que logren captar y transmitir el valor cultural de México tendrán una posición privilegiada para destacar en un mercado global cada vez más saturado.

En este sentido, Oliva ofrece una hoja de ruta clara para que las marcas utilicen la cultura como una herramienta estratégica que les permita destacar en un entorno caracterizado por la volatilidad y la incertidumbre. Las marcas que adopten la inteligencia cultural como parte de su estrategia estarán mejor preparadas para enfrentar los desafíos del futuro y mantener su relevancia en un mercado en constante cambio.

En resumen, el libro “Cómo Construir el Valor de tu Marca” de Susana Oliva es una herramienta indispensable para cualquier profesional del marketing, empresario o publicista que busque fortalecer el valor de su marca en un entorno marcado por la complejidad y la rapidez del cambio. Con el respaldo de figuras clave como Philip Kotler y el estudio Mexicanidades 2024-2025, esta obra ofrece un enfoque integral para el desarrollo de marcas fuertes y culturalmente relevantes.

Las marcas que logren comprender y anticipar los cambios culturales no solo sobrevivirán, sino que prosperarán en el mercado global. Al liderar la transformación cultural y ofrecer a sus consumidores identidades en constante evolución, las marcas podrán mantenerse valiosas y relevantes en un mundo cada vez más competitivo.

El Museo Sívori inaugurará Retour de Jorge Macchi el jueves 28 de mayo a las 18 horas en su sede de Av. Infanta Isabel 555, en el Parque 3 de Febrero, una muestra concebida como gran instalación que retoma procedimientos de “Buenos Aires Tour”, la obra que el artista realizó en 2004, y que además será su primera exhibición individual en esa institución.

Retour reúne videos, esculturas, objetos encontrados, textos y piezas gráficas. De acuerdo con el material de prensa, la propuesta se construye a partir de materiales cotidianos y fragmentos recolectados al azar para producir una experiencia inmersiva atravesada por la memoria, el azar y las pequeñas historias anónimas de la vida urbana.

La muestra plantea escenas en las que rastros de la vida diaria se convierten en situaciones marcadas por el absurdo, la melancolía y la ironía, rasgos asociados en el texto de presentación a la obra de Macchi. Esa combinación invita al público a pensar el futuro o el pasado de su propio recorrido, así como los hábitos cotidianos, los alimentos, las instrucciones, las lecturas y aquello que se pierde o queda sin resolver.

Retour resignifica algunos procedimientos presentes en Buenos Aires Tour, realizada por el artista en 2004. Esa continuidad aparece en una práctica que trabaja con hallazgos, hipótesis abiertas y fragmentos urbanos.

Jorge Macchi nació en Buenos Aires en 1963 y se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, según el material de prensa. En 2000 recibió el Premio Banco de la Nación Argentina y en 2001 obtuvo la beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship.

El artista participó en residencias en varios países: Estados Unidos, en Artpace, en 2005; Italia, en Civitella Ranieri, en 2002; Alemania, en Schloss Pluschow, en 1998; Inglaterra, en Delfina Studios Trust, en 1997; Holanda, en Duende Artists Initiative, en 1996; y Francia, en Cité des Arts, entre 1993 y 1994, con una beca del Gobierno Francés.

En 2005 representó a la Argentina en la Bienal de Venecia, según el material de prensa. También formó parte de las bienales de Liverpool y Sydney en 2012; Lyon y Estambul en 2011; Auckland en 2010; New Orleans y Yokohama en 2008; Porto Alegre en 2007; San Pablo en 2006; Praga y Venecia en 2005; San Pablo en 2004; Estambul y Porto Alegre en 2003; Fortaleza en 2002; y La Habana en 2000.

Macchi realizó cuatro muestras monográficas: Perspectiva, en el Malba, en 2016; CA2M, en Madrid; Espectrum, en CRAC de Montbeliard, Francia, en 2015; Music Stands Still, en el Museo de Arte Contemporáneo SMAK de Gante, Bélgica, en 2011; y Anatomía de la melancolía, presentada en Santander Cultural de Porto Alegre, en el Museo Blanton de Austin, en 2007, y en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, en 2008.

Otras muestras individuales del artista son La Cathédrale engloutie, en el Musée Cantonal de Beaux Arts de Lausanne, en 2020; Lampo, en NC Arte de Bogotá, en 2015; Prestidigitador, en MUAC de Ciudad de México, en 2014; Container, en el Museo Moderno de Buenos Aires y en Kunstmuseum Luzern, ambas en 2013; y Last minute, realizada junto a Edgardo Rudnitzky en la Pinacoteca del Estado de San Pablo, en 2009.

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori está ubicado frente al puente del Rosedal, en Av. Infanta Isabel 555, en el Parque 3 de Febrero. Los miércoles la entrada es sin cargo, y también ingresan gratis todos los días jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios con acreditación, personas con discapacidad con un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos.

El ideario político de Domingo Faustino Sarmiento suele reducirse, por pereza escolar o simplificación histórica, a la dicotomía de su obra cumbre, Facundo o civilización y barbarie en las pampas argentinas. Sin embargo, la verdadera arquitectura de su pensamiento institucional se revela con mayor lucidez en la intimidad de su correspondencia y en la gestión diaria del poder. Cuando asumió la presidencia de la Nación en 1868, el sanjuanino pronunció una frase lapidaria.

“Fui nombrado presidente de la República, y no de mis amigos”, escribió. Solía añadir un remate quirúrgico: “No está prohibido que un hermano del presidente fuese ministro, pero la decencia lo impide”. Esta declaración no pertenece a una pieza de oratoria parlamentaria ni a un ensayo literario de circulación masiva. El origen está en su frondosa correspondencia, puntualmente en las cartas privadas y respuestas epistolares que debió enviar a sus allegados, copartidarios y al propio Bartolomé Mitre.

En el siglo XIX, la carta no era un mero trámite; era el laboratorio donde se cocinaba la literatura y la política nacional. Durante la transición y consolidación de su mandato envió muchísimas. El contexto en el que emerge esta definición es de una fragilidad absoluta. Sarmiento llegó a la Casa Rosada casi de milagro. Estaba en Estados Unidos trabajando como embajador cuando una coalición de militares y políticos del interior impulsó su candidatura en su ausencia. ¿Qué tan solo estaba Sarmiento?

No tenía un partido político propio detrás, no arrastraba una estructura clientelar, ni debía favores a los grandes terratenientes de Buenos Aires. Esa debilidad de origen fue, paradójicamente, su mayor fortaleza ética: al no deberle nada a nadie, pudo gobernar con una independencia inédita. Cuando sus viejos amigos del exilio chileno y sus compañeros de armas en las guerras civiles hicieron fila para reclamar ministerios, aduanas y gobernaciones, el nuevo mandatario los frenó en seco.

La importancia histórica de la Correspondencia sarmientina radica en que funciona como el reverso exacto de sus grandes libros de combate. Si en Viajes por Europa, África y América analizó los sistemas institucionales del mundo, en sus cartas de gobierno aplicó esa teoría a la ruda realidad rioplatense. La recopilación de estos escritos, editada décadas más tarde por instituciones como el Museo Mitre, constituye un documento fundamental para entender que su visión moral del Estado.

La frase resume el núcleo del pensamiento de su autor: la convicción absoluta de que la ley debe imperar sobre los lazos de sangre y las simpatías personales. Para Sarmiento, la “barbarie” no era solo el caudillismo de Juan Facundo Quiroga o la tiranía de Juan Manuel de Rosas; barbarie era también el manejo patrimonialista del Estado, la idea colonial de que el gobernante puede repartir el tesoro público como si fuera su herencia privada. Quería una república donde las instituciones sobrevivieran a los hombres.

¿Quién es Domingo Faustino Sarmiento?

Domingo Faustino Sarmiento nació el 15 de febrero de 1811 en la provincia de San Juan, en el seno de una familia humilde liderada por su madre, Paula Albarracín. Por sus tempranas oposiciones al régimen de Juan Manuel de Rosas, debió exiliarse en Chile, donde ejerció como docente, militar y periodista combativo. De regreso en el país, ocupó diversos cargos públicos como gobernador de su provincia natal, diplomático en los Estados Unidos y, finalmente, Presidente de la Nación entre 1868 y 1874.

Su gestión presidencial estuvo marcada por un fuerte impulso a las comunicaciones, el transporte ferroviario, las ciencias y, por sobre todo, la educación pública. Como escritor, legó obras fundamentales para entender las contradicciones de la identidad argentina. Ya retirado de la primera línea política pero sin abandonar jamás la polémica pública ni la pluma, falleció por problemas cardíacos el 11 de septiembre de 1888 en Asunción, Paraguay, a los 77 años. En su honor celebramos el Día del Maestro.

Antes de convertirse en uno de los artistas más influyentes del mundo, de que sus cuadros alcanzaran decenas de millones de dólares en subastas y de que su figura se transformara en icono cultural, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) era simplemente “Jean”, un joven que pintaba, hacía grafitis, escribía y deambulaba por el Nueva York transgresor de finales de los setenta.

Ese es el Basquiat antes de Basquiat que recupera Our Friend, Jean, muestra que se inaugura este sábado en The Bishop Gallery, en Brooklyn, el barrio donde nació, y que reúne dibujos, collages y fotografías fechadas entre 1979 y 1980, antes de convertirse en una estrella.

La exposición gira alrededor de la colección que conserva Alexis Adler, fotógrafa y científica que compartió apartamento con Basquiat en el East Village de Manhattan cuando el joven sobrevivía vendiendo postales -envió algunas de ellas a Andy Warhol, que después se convertiría en su mentor- y chaquetas diseñadas por él mismo.

Muchas de las piezas expuestas fueron creadas en ese apartamento de la calle 12 que terminó funcionando, casi de manera accidental, como su primer estudio.

“Ahí fue donde empezó todo”, explica a EFE Erwin John, cofundador y director asociado de The Bishop Gallery. Según cuenta, fue también en ese espacio donde el entonces galerista Diego Cortez vio por primera vez sus trabajos, encuentro que acabaría impulsando su carrera.

Las obras de esta etapa muestran a un Basquiat todavía lejos de los grandes lienzos por los que acabaría siendo mundialmente conocido, pero sí aparecen ya referencias al racismo, la desigualdad y la identidad negra.

“Se puede ver que tenía algo que decir desde el principio”, afirma John, y destaca que, aunque muchos pensaban entonces que era “impulsivo y desordenado”, Basquiat era “extremadamente inteligente y muy consciente de cómo quería transmitir sus mensajes”.

La exposición también revela su faceta más cotidiana a través de las fotografías que Adler tomó durante esos años: en el apartamento, improvisando performances, posando con objetos encontrados en la calle o trabajando sobre papeles pegados a las paredes.

Entonces, agrega John, Basquiat ya mostraba la ambición y el carisma que acabarían convirtiéndolo en un creador “rebelde y fascinante” y que también era “plenamente consciente de que quería triunfar”.

Estrella de las subastas

Hijo de padre haitiano y madre puertorriqueña, Basquiat murió de una sobredosis en 1988, a los 27 años. Su figura, asegura John, está “creciendo” entre nuevas generaciones que encuentran en él “una mezcla única de crítica social, cultura urbana y libertad”.

La muestra llega además en un momento en que el mercado del arte sigue poniendo de relieve el magnetismo de Basquiat casi cuatro décadas después de su muerte: esta misma semana, la obra Museum Security (Broadway Meltdown), de 1983, se vendió por 52,7 millones de dólares en una subasta de Sotheby’s en Nueva York.

Su cuadro Untitled, de 1982, alcanzó 110,5 millones en 2017, una de las cifras más altas pagadas nunca por una obra contemporánea. También logró 41,7 millones por Warrior (1982), vendido en Hong Kong, y 37,2 millones por otro Untitled (1985), adjudicado en esa misma urbe en 2021.

Sin embargo, la muestra de Brooklyn trata de apartarse de la lectura puramente comercial de su obra para centrarse en “la dimensión humana de quien todavía no sabía que acabaría convertido en leyenda”.

Según John, es una exposición “sobre sus amigos, sobre las historias y sobre el ser humano detrás del mito”.

“Algunos recuerdan el lado más humano, a veces era encantador y carismático, y otras veces podía ser un imbécil, ¿no? Y no creo que eso sea una crítica hacia él en absoluto”, explica.

Todos -concluye- coinciden en que “tenía una energía especial”.

La exposición coincide con otras actividades centradas en los años previos a la fama del artista, como la proyección el próximo jueves 21 del documental Boom for Real: The Late Teenage Years of Jean-Michel Basquiat en el Museo de Arte Moderno (MoMA).

Fuente: EFE

El legado de Juan Gabriel llegará este 2026 al Museo Universitario del Chopo con una exposición que promete revisar el impacto cultural, artístico y social de una de las figuras más influyentes de la música mexicana.

Bajo el título “Un lugar de ambiente. Legado y disidencia”, la muestra formará parte del 39 Festival Internacional por la Diversidad Sexual (FIDS) y abrirá sus puertas el próximo 28 de mayo a las 18:00 horas en el recinto ubicado en la colonia Santa María la Ribera, en la Ciudad de México.

La propuesta surge a casi una década de la muerte del intérprete de "Querida" y "Hasta que te conocí", fallecido el 28 de agosto de 2016. Sin embargo, los organizadores precisaron que no se trata de una exposición biográfica convencional, sino de una revisión sobre cómo el cantante desafió prejuicios, estereotipos de masculinidad y estructuras familiares tradicionales desde los escenarios.

¿Qué habrá en la exposición de Juan Gabriel?

El proyecto curatorial está encabezado por Carlos Segoviano, junto a Abril Castro Prieto y el consejo del festival. La exhibición reunirá obras, fotografías, documentos y piezas artísticas que dialogan con la figura de Juan Gabriel desde distintas generaciones y disciplinas.

Entre los artistas participantes aparecen nombres como Fabián Chairez, Santiago Arau, Adolfo Patiño, Ana Segovia, Armando Cristeto, Bárbara Sánchez-Kane, Roberto Montenegro y Terry Holiday.

La intención del recorrido es mostrar cómo la imagen y el discurso del cantante siguen vigentes en un contexto donde persisten debates sobre censura, identidad y diversidad sexual.

Fechas, horarios y costo de entrada

La inauguración oficial será el 28 de mayo a las 18:00 horas. Aunque el museo aún no confirma todos los detalles de permanencia de la muestra, el acceso general al Museo Universitario del Chopo suele manejar costos accesibles, entre 20 y 50 pesos.

• Ubicación: Dr. Enrique González Martínez No. 10, Santa María la Ribera, CDMX.
• Horario habitual: miércoles a domingo.
• Costo aproximado: entrada general entre 40 y 50 pesos; descuentos para estudiantes y adultos mayores.

Las mejores rutas para llegar al Museo del Chopo

Metro

Las estaciones más cercanas son:

• Revolución y San Cosme de la Línea 2.
• Buenavista de la Línea B.

Desde cualquiera de ellas, el trayecto puede hacerse caminando en pocos minutos.

Metrobús

La opción más práctica es la estación El Chopo, de la Línea 1 del Metrobús. El museo se encuentra a menos de dos cuadras.

Tren suburbano

Quienes viajen desde el Estado de México pueden llegar a la terminal Buenavista y caminar hacia Santa María la Ribera.

Auto y apps de transporte

Las principales vías de acceso son Insurgentes Norte, Eje 1 Norte y Avenida México-Tenochtitlan. El recinto no cuenta con estacionamiento propio, por lo que se recomienda utilizar estacionamientos públicos cercanos o transporte público.

Ecobici

La zona cuenta con cicloestaciones cercanas y el museo dispone de espacio para bicicletas.

La baja asistencia en los museos en México, no debe interpretarse como un desinterés cultural por parte de los ciudadanos, sino que responde a causas mucho más profundas y estructurales, de acuerdo con la Dra. Sara Baz Sánchez, académica de la Universidad Iberoamericana en Ciudad de México.

La especialista manifestó que la falta de inversión del Gobierno Federal y la Secretaría de Cultura, así como los incentivos fiscales y la fragilidad de los mecanismos de financiamiento privado han impactado directamente a estos espacios.

Durante décadas, estos espacios han operaron gracias a una combinación de fondos públicos, patronatos sólidos y estímulos tributarios que propiciaban la participación de capital privado. Sin embargo, ese esquema ha venido debilitándose de manera progresiva, afectando desde el mantenimiento básico hasta la renovación de colecciones y la difusión de nuevas propuestas.

La académica recordó la renovación integral del Museo Nacional de Arte a finales de los noventa, cuando fue posible cerrar el recinto para modernizarlo a fondo, algo que considera hoy prácticamente inviable en términos de presupuesto.

Repensar el rol de los museos

Las consecuencias de este escenario no solo se perciben en una menor cantidad de exposiciones o proyectos innovadores, sino también en servicios restringidos por falta de personal, salas cerradas y horarios reducidos.

Baz Sánchez advirtió que la discusión sobre la baja asistencia no puede limitarse a analizar el interés del público, el fenómeno responde también a cuestiones operativas y presupuestales.

Uno de los grandes retos, es transformar al museo en un lugar más habitable y menos formal. Destacó la importancia de impulsar actividades que vayan más allá de la contemplación pasiva, como talleres, conversatorios, intervenciones artísticas y proyectos participativos. Estas dinámicas pueden atraer a públicos diversos y fortalecer el sentido de pertenencia comunitaria.

En la era de las redes sociales y el consumo digital, son necesarias propuestas relacionadas con las plataformas tecnológicas, donde tengan un papel relevante mediante contenidos breves, visitas híbridas o el uso de herramientas de inteligencia artificial.

No obstante, la especialista recalcó que para materializar estas iniciativas es necesaria una inversión sostenida en digitalización e infraestructura tecnológica.

Por último, se invitó a repensar cómo se mide el éxito de los recintos culturales. Es fundamental incorporar evaluaciones cualitativas que exploren la experiencia emocional y el impacto social en los visitantes, en lugar de centrarse exclusivamente en estadísticas de asistencia.

Para la Dra. Baz, lograr que los museos sean espacios cotidianos y accesibles permitirá que recuperen su relevancia y cumplan una función social genuina.

Los museos más emblemáticos que mantienen viva la riqueza cultural de la CDMX

La Ciudad de México es una de las capitales con más museos en el mundo y un referente internacional del turismo cultural.

• El Museo Nacional de Antropología resguarda la colección prehispánica más importante de Mesoamérica, incluyendo la Piedra del Sol y piezas mexicas y mayas.
• El Museo del Templo Mayor conserva vestigios y objetos hallados en la antigua Tenochtitlan, entre ellos los monolitos de Coyolxauhqui y Tlaltecuhtli.
• El Museo Nacional de Historia, ubicado en el Castillo de Chapultepec, narra momentos clave del país desde la Conquista hasta la Revolución Mexicana.
• El Museo del Palacio de Bellas Artes destaca por su arquitectura y por albergar murales de Diego Rivera, Siqueiros, Orozco y Rufino Tamayo.
• El Museo Nacional de Arte (MUNAL) exhibe obras que recorren la evolución del arte mexicano desde la época virreinal hasta el siglo XX.
• El Museo Frida Kahlo, conocido como “La Casa Azul”, ofrece una mirada íntima a la vida y obra de la pintora mexicana en Coyoacán.
• El Museo Soumaya resguarda una de las colecciones privadas más importantes de América Latina, con obras de Rodin, Dalí y arte europeo.
• La Cineteca Nacional complementa la oferta cultural con cine de autor, exposiciones y actividades vinculadas al séptimo arte.

La Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA) se prepara para celebrar a lo grande su 70 aniversario con una serie de impresionantes conciertos completamente gratis en la Ciudad de México.

Es una oportunidad única para los amantes de la música de cámara y el arte, pues la agrupación despide su primera temporada del año con una programación que atraviesa distintas épocas y estilos.

Desde su fundación en 1956, la OCBA ocupa un lugar especial en la vida cultural de México. Nació bajo el nombre de Yolopatli —palabra náhuatl que significa “alivio del corazón”— y surgió con alumnos destacados del Conservatorio Nacional de Música, bajo la tutela de los maestros Imre Hartmann y Joseph Smilovitz.

El 18 de octubre de aquel año, la agrupación ofreció su primer concierto en el Palacio de Bellas Artes, donde interpretó la Suite Don Quijote de Georg Philipp Telemann, marcando el inicio de una historia llena de exploración y evolución.

En los años 60, el maestro Luis Sandi le dio su nombre actual. Desde entonces, la orquesta se ha consolidado como la agrupación de cuerdas más relevante del país, preservando una tradición musical que dialoga con el presente y con nuevas generaciones.

OCBA rumbo al 70 aniversario

La agrupación del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), de la Secretaría de Cultura federal, celebrará en octubre un concierto especial para honrar su legado histórico.

La conmemoración reconoce siete décadas de trabajo ininterrumpido y reafirma a la orquesta como una fuerza viva en el panorama cultural del país.

La Primera Temporada 2026 inició en febrero en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

Bajo la dirección artística de Luis Manuel Sánchez, la programación rindió homenaje a la música para cuerdas del siglo XX, conectando el barroco con el repertorio moderno.

Próximos conciertos: fechas, sedes y repertorio

La OCBA despide su primera temporada con conciertos abiertos al público y acceso libre. Las presentaciones abarcan desde música barroca hasta repertorio sudamericano y mexicano.

La entrada es libre los domingos, mientras que los jueves tiene un módico costo de 75 pesos con descuentos para estudiantes, maestros y personas de la tercera edad.

Programa 10 – “Tesoros de la Serenísima”

Dónde: Conservatorio Nacional de Música (Av. Presidente Masaryk 582, Polanco)

Cuándo: domingo 24 de mayo, 12:00

Dirección: Gianfranco Bortolato, oboe solista y director huésped

Repertorio: Diogenio Bigaglia, Alessandro Marcello, Antonio Vivaldi, Giovanni Benedetto Platti, Tomaso Albinoni

Programa 11 – “Joyas del Barroco”

Dónde: Conservatorio Nacional de Música

Cuándo: domingo 31 de mayo, 12:00

Dirección: Luis Manuel Sánchez y solistas ensamble del INBAL

Repertorio: Arcangelo Corelli, Giovanni Battista Pergolesi, Antonio Vivaldi

Programa 12 – “Cuerdas Sudamericanas”

Dónde: Conservatorio Nacional de Música

Cuándo: domingo 7 de junio, 12:00

Dirección: Martín Fraile, director huésped

Repertorio: Manuel Juárez, Arturo Luzatti, Elsa Calcagno, Mauricio Charbonnier, Heitor Villa-Lobos, Diego Sánchez Haase, Astor Piazzolla

Programa 13 – “México vibra con la OCBA”

Dónde: Pabellón del Jardín Escénico (Reforma 111, Bosque de Chapultepec)

Cuándo: domingo 14 de junio, 20:00

Dirección: Luis Manuel Sánchez y Filomeno Ortiz, saxofón

Repertorio: Jesús Echevarría, Eduardo Gamboa, Arturo Márquez, Eduardo Angulo

Programa 14 – “Música de salón”

Dónde: Casona de Xicoténcatl (Xicoténcatl 9, Centro) y Conservatorio Nacional de Música

Cuándo: jueves 18 de junio, 20:00 y domingo 21 de junio, 12:00

Dirección: Raúl Aquiles Delgado y Atlas Zaldívar, salterio

Repertorio: Carlos Curti, Eduardo Angulo

Programa 15 – “Música entubada”

Dónde: Pabellón del Jardín Escénico

Cuándo: domingo 28 de junio, 12:00

Dirección: Luis Manuel Sánchez y Patricio Cosentino, tuba

Repertorio: Aldemaro Romero, Jan Koetzier, Adriana Figueroa Mañas, Astor Piazzolla, Ignacio Freijo, Oystein Baadsvik

Julieta Venegas presentó Norteña, su libro de memorias, una obra nacida del mismo impulso que su nuevo disco homónimo: un regreso lento y deliberado a los sonidos, vínculos y tensiones que marcaron su infancia en Tijuana. La cantante dijo en una conferencia de prensa que ambos proyectos se escribieron en paralelo durante varios años porque necesitaban “cocción lenta” y porque la escritura le exigió destrabar un pudor que la canción le permitía esquivar.

El libro acaba de llegar a las librerías con un lanzamiento coordinado entre sellos independientes de Argentina, España, Colombia, Chile y México. Venegas explicó que la memoria no surgió como un apéndice de su carrera musical, sino como una pregunta sobre el origen. “Me intrigaba más la pregunta de por qué llegué a la música o qué fue lo que me construyó que el hecho de ‘saqué mi disco y luego pasó esto’”, dijo la artista durante el encuentro virtual.

La consecuencia de esa decisión formal es también narrativa: el libro se detiene cuando publica su primer disco, a los 26 años. La autora aclaró que no pensó esa frontera temporal como anticipo de una segunda parte, sino como el cierre natural de una búsqueda centrada en el comienzo.

Llevaba entre cinco y seis años yendo y viniendo con la idea de escribir, aunque sin lograr fijar una forma definitiva. El movimiento cambió cuando empezó a trabajar en su nuevo álbum, también titulado Norteña, y reconoció allí una memoria musical ligada a los sonidos familiares de su infancia y adolescencia. En ese proceso, la escritura dejó de ser una intención abstracta y pasó a ocupar un lugar concreto. “Escribí el disco y lo grabé mientras también escribía la memoria”.

La cantante describió esa simultaneidad como una experiencia distinta a la lógica de apuro que impone el presente. Frente a “la rapidez” y “la agitación” de la época, afirmó que hoy prefiere darles tiempo a sus proyectos, dejar que tomen forma antes de resolverlos y aprovechar una posibilidad que, según dijo, le dieron los años de trabajo: no tener que correr detrás de la siguiente cosa.

Esa elección también alcanzó a la edición. Venegas explicó que prefirió publicar con sellos independientes porque admira su modo de acercarse a lo que editan y porque quería apartarse del camino que ya conocía de su experiencia con multinacionales en la música. El libro se publicó en Argentina por Blatt & Ríos, en España por Las Afueras, Almadía en México, en Colombia por Laguna y en Chile por La Pollera.

Venegas dijo que siempre escribió diarios y que la escritura la acompañó toda la vida, pero que durante años se escondió detrás de la ambigüedad que le ofrecían las canciones. Según explicó, la música le permitía ser autobiográfica sin quedar fijada del todo, mientras que el texto la enfrentó con una forma de mostrarse “mucho más” directa. “Sentí que era algo que yo tenía que trabajar porque lo sentía atorado”, dijo. En esa misma respuesta definió el libro como un ejercicio para perder el pudor, aceptar quién es y poder contar sin sentirse aterrada. Entre sus referencias para ese registro mencionó a Vivian Gornick, James Baldwin, Virginia Woolf y memorias de músicos que suele leer durante las giras.

Uno de los núcleos del libro es la experiencia de haber crecido en la frontera. La cantante sostuvo que la literatura suele representar ese espacio de muchas maneras, aunque para ella el rasgo decisivo fue haberlo vivido como una cotidianeidad donde convivían fricciones familiares, culturales y lingüísticas. “Crecer en una frontera es esa cotidianidad en donde se mezclan todos estos elementos”, dijo. Al desarrollar esa idea, recordó que en su infancia la presencia de Estados Unidos se imponía en la música, el cine y la televisión, hasta el punto de que en su casa casi no tenían acceso a canales mexicanos y crecieron más cerca del inglés que del español en términos de consumo cultural.

Esa convivencia no aparecía, según contó, como una síntesis armoniosa sino como una tensión. La autora señaló que dentro de su familia el otro lado de la frontera cargaba con prejuicios, en especial sobre las mujeres y sobre quienes cruzaban a Tijuana desde Estados Unidos, lo que convertía ese entorno en una experiencia de contrastes permanentes. La artista agregó que todavía hoy vuelve a Tijuana como a un álbum de fotos. Allí, dijo, siguen las escenas de su adolescencia, los recorridos con su hermana, el Centro Cultural Tijuana y una trama familiar que la devuelve a una parte de sí misma. También destacó un crecimiento de la vida cultural local, con ferias del libro, nuevas librerías, bandas y una autonomía mayor respecto de la Ciudad de México.

Consultada por la presencia de su padre en el libro, Venegas dijo que repasar esa relación fue una parte importante del proceso. Definió al padre como una figura “muy imponente” en la cultura latinoamericana y sostuvo que escribir memorias permite revisar ese vínculo mientras todavía puede transformarse. En su caso, afirmó que la relación con su padre cambió mucho entre la infancia y la adultez y que esa modificación también fue posible porque él mismo se transformó. Según contó, esa capacidad de revisarse fue una enseñanza para sus hijas.

La madre ocupa otro lugar en esa genealogía. Venegas sostuvo que el vínculo con la música viene en gran medida de ella y de su familia, más que de una formación profesional o académica, y reveló que su madre era la única persona que ya tenía el disco completo desde hacía meses y que incluso ya conocía sus canciones. Esa dimensión familiar también apareció cuando recordó la resistencia de sus padres a que se mudara a la Ciudad de México. La autora dijo que ellos imaginaban para su hija un destino asociado al peligro y que esa oposición fue dolorosa porque había internalizado sus voces, aunque en retrospectiva valora haber seguido el impulso que la empujaba sin saber todavía adónde la llevaba.

Venegas reconoció que la palabra soledad ocupa un lugar insistente en el libro y la definió como un tema central de su vida. Dijo que durante mucho tiempo se le enseñó que querer estar sola era algo indeseable, cuando en realidad para ella el espacio propio siempre resultó necesario. “Nadie debería de querer estar solo, pero en realidad hay gente que sí queremos estar solos”, dijo la cantante. Añadió que antes ese tema le resultaba más conflictivo y que con el tiempo dejó de verlo como una falla para entenderlo como una forma posible de habitar la vida.

Esa revisión se enlaza, según planteó, con otros mandatos asociados a ser mujer: estar en pareja, formar una familia o encarnar un tipo de feminidad esperado por el entorno. Venegas sostuvo que le llevó muchos años quitarse de encima esas capas de inseguridad y aceptar que no era “la mujer que se esperaba” de ella. En varios pasajes de la conferencia, Venegas volvió sobre la intuición como una fuerza de orientación. Al mirar hacia su adolescencia, dijo que le sorprendió descubrir que una impulsividad que entonces parecía caótica en realidad apuntaba hacia algo, incluso cuando ella todavía no podía nombrarlo.

Ese registro se mantiene en el presente, también en su vida como madre. Con una hija de 15 años, la artista explicó que muchas situaciones ligadas a la adolescencia en Internet le resultan ajenas por experiencia, pero que igual necesita interpretar y acompañar desde una intuición que vuelve a las bases emocionales de esa etapa. La autora vinculó esa herramienta con decisiones anteriores de su vida, desde dejar Tijuana hasta construir una carrera en solitario. En esa lectura retrospectiva, el libro no ordena una biografía de éxitos sino una secuencia de impulsos, dudas y desplazamientos con los que intentó entender cómo se formó una vocación.

El rock and roll nació como una promesa de absoluta libertad, pero con el tiempo demostró ser una maquinaria de repetición y desgaste. Pocas mentes comprendieron este proceso con tanta lucidez y sarcasmo como Mick Jagger. A lo largo de las décadas, el cantante de los Rolling Stones vio caer a contemporáneos, sepultados por los excesos de su mitología Sin embargo, lejos de adoptar un tono moralista o redactar un tratado solemne, el músico eligió la ironía para resumir la gran paradoja.

“Empezás tocando rock and roll para poder tener sexo y tomar drogas, y terminás tomando drogas para poder tocar rock and roll y tener sexo”. A diferencia de lo que dictan algunos mitos de internet, la frase no pertenece a un libro de memorias desgarradoras ni a una biografía autorizada de pretensiones literarias. Sucedió la noche del 11 de diciembre de 2012, cuando Mick Jagger subió al escenario del Ed Sullivan Theater de Nueva York para participar del programa Late Show with David Letterman.

El motivo era la celebración del 50 aniversario de la banda. El conductor David Letterman invitó al cantante a presentar su clásica sección humorística del “Top Ten”. El segmento llevó por título “Las 10 cosas que yo, Mick Jagger, he aprendido tras 50 años en el rock and roll”. Entre chistes sobre no aceptar consejos amorosos de Phil Spector y la nula ganancia que le dejaba la canción Moves Like Jagger de Maroon 5, el vocalista coronó la noche revelando el puesto número uno con aquella sentencia.

Aunque se originó en un sketch de comedia, la frase caló hondo en la cultura popular porque describía una verdad incómoda con una precisión matemática. Si bien la cita proviene de la televisión, existe un vínculo ineludible entre el pensamiento de Mick Jagger y el mundo editorial que ayuda a entender el trasfondo de sus palabras. Durante la década de 1980, el músico escribió una esperada autobiografía tras recibir un millonario adelanto financiero. Sin embargo, aquel manuscrito jamás se publicó.

La leyenda urbana afirmaba que el cantante había desistido porque sus recuerdos estaban borrados por los excesos químicos. Décadas más tarde, el editor John Blake tuvo acceso al texto original y desmitificó la historia: el libro era técnicamente impecable, pero carecía del morbo que el mercado editorial le exigía a una estrella de su calibre. Ese manuscrito nunca editado radica demostró que Mick Jagger siempre prefirió resguardar su intimidad antes que vender un estereotipo decadente.

La frase analiza las dos etapas de la vida del artista masivo. Al principio, la música es la llave maestra para acceder a un paraíso hedonista de placeres inmediatos. El rocanrol funciona como la banda sonora del deseo juvenil. El giro trágico y brillante ocurre en la segunda mitad de la premisa. Con el paso del tiempo, el orden de los factores se invierte de manera perversa. Las sustancias ya no son el premio, sino el combustible. Lo que comenzó como rebelión termina como un empleo de alta exigencia física.

Esta idea sintetiza a la perfección la mentalidad que mantuvo a Mick Jagger activo. A diferencia de Keith Richards, cuyo misticismo romántico lo vuelve el alma indomable del grupo, el cantante siempre operó bajo una lógica pragmática. El líder de los Stones entendió que el descontrol absoluto era incompatible con la permanencia en el tiempo. Detrás del performer andrógino de labios gigantes habita un exestudiante de la London School of Economics que transformó a su banda en una corporación multinacional.

Para Mick Jagger, la frase no es una queja de arrepentimiento, sino la constatación de un engranaje biológico y comercial. Es el testimonio de un hombre que decidió bajarse a tiempo de la espiral autodestructiva para convertirse en un atleta de estadios (la forma en que baila, a sus tantos años, lo vuelven un atleta). Con esa ironía tan británica, el músico le recordó al mundo que la rebeldía juvenil tiene fecha de vencimiento, y que en el negocio del rock, el verdadero triunfo no es morir joven, sino sobrevivir al mito.

¿Quién es Mick Jagger?

Nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford, Inglaterra, Mick Jagger (bautizado como Michael Philip Jagger) se crio en el seno de una familia de clase media. Su destino cambió para siempre tras un encuentro fortuito en una estación de tren con su amigo de la infancia, Keith Richards, con quien descubrió una pasión compartida por el blues. Aunque llegó a estudiar en la prestigiosa London School of Economics, abandonó las aulas universitarias para fundar la legendaria banda británica en 1962.

Comenzó junto a Richards, Brian Jones, Charlie Watts y Bill Wyman. A lo largo de una carrera de más de seis décadas, se transformó en el arquetipo definitivo de la estrella de rock, célebre por su inconfundible voz, su magnética e hiperactiva presencia escénica y un estilo andrógino que desafió las normas culturales de su tiempo. Como compositor principal de la banda junto a Richards, dio vida a himnos generacionales incluidos en álbumes como Beggars Banquet, Sticky Fingers y Exile on Main St..

Más allá de los estadios, expandió su faceta artística como solista, productor y actor. A pesar de los mitos que rodean la longevidad en una industria plagada de excesos y tragedias personales, se mantiene plenamente activo y con una vitalidad asombrosa. En la actualidad, Jagger sigue desafiando el paso del tiempo sobre los escenarios de todo el mundo, desmintiendo de forma definitiva cualquier rumor sobre su muerte y reescribiendo las reglas de lo que significa envejecer en el universo del rock.

La Guelaguetza es una de las celebraciones culturales más emblemáticas de México y un símbolo de identidad para el estado de Oaxaca. Cada mes de julio, el Cerro del Fortín se convierte en el epicentro de expresiones artísticas, música, danza y tradiciones que reúnen a miles de visitantes nacionales e internacionales.

Esta festividad, reconocida por su riqueza cultural y su capacidad para proyectar la diversidad étnica de Oaxaca, se ha consolidado como uno de los eventos de mayor relevancia en el calendario turístico y cultural del país.

“La Guelaguetza es muestra que la cultura no se desvanece con el tiempo, sino que persiste, permanece y florece", expresó el día de hoy el gobernador Salomón Jara, durante la presentación de las actividades en la Ciudad de México.

De acuerdo con la Secretaría de Turismo (Sectur Oaxaca) para la edición 2026 se proyecta una derrama económica de 668 millones de pesos durante el mes de la Guelaguetza, con una afluencia estimada en 149 mil turistas y una ocupación hotelera del 83%. Estos datos subrayan la magnitud del evento y su impacto directo en el desarrollo económico y social de la región, al tiempo que refuerzan la importancia de preservar y difundir el patrimonio cultural oaxaqueño.

Cuándo se llevará a cabo la Guelaguetza

Las presentaciones principales de las fiestas de Guelaguetza, conocidas como los Lunes del Cerro y su Octava, se celebrarán los días 20 y 27 de julio de 2026, con dos funciones cada día, a las 10:00 y 17:00 horas.

A estas actividades se suman los tradicionales convites el 1, 10 y 11 de julio a las 18:00 horas, partiendo de la Cruz de Piedra; y las Calendas de las Culturas, programadas para el 18 y 25 de julio a las 18:00 horas desde la Fuente de las Ocho Regiones, en las que participarán las delegaciones que se presentarán en el Auditorio Guelaguetza.

La programación se complementa con ocho Expoferias artesanales y gastronómicas, que tendrán lugar en San Martín Tilcajete, San Antonio Cuajimoloyas, Santiago Matatlán, San Antonio de la Cal, San Vicente Coatlán, Santa Martha Latuvi, así como en la capital oaxaqueña, con la presencia de San Andrés Huayápam en la Plaza de la Danza y el Festival de los Moles en el Centro Gastronómico de Oaxaca.

Venta general de boletos: fechas, precios y todo lo que debes saber

La venta general de boletos para la Guelaguetza 2026 comenzará el 1 de junio de 2026, y estará disponible hasta agotar existencias. Los accesos podrán adquirirse en línea a través de la plataforma digital www.superboletos.com.

Para esta edición, la compra estará habilitada para titulares de tarjetas de crédito y débito de cualquier banco, facilitando el acceso para público nacional e internacional. Cada cuenta podrá adquirir un máximo de dos boletos.

Los precios oficiales para las diferentes secciones del Auditorio Guelaguetza son los siguientes:

• Palco A: 1.632 pesos más cargos por servicio
• Palco B: 1.321 pesos más cargos por servicio

Los Palcos C y D serán de entrada libre y gratuita, permitiendo así que más personas puedan disfrutar de la máxima fiesta oaxaqueña.

Las autoridades de Oaxaca han implementado candados para evitar la reventa y garantizar la equidad en el acceso a los boletos. Se recomienda a los interesados realizar su compra únicamente en la plataforma oficial y atender las indicaciones para evitar contratiempos.

La Guelaguetza 2026 se presenta no solo como una oportunidad de vivir de cerca el folclore y la tradición, sino también como un espacio de encuentro para las culturas que conforman el mosaico oaxaqueño, con actividades para toda la familia y una oferta amplia de experiencias artesanales y gastronómicas.

La silla L de la Real Academia Española (RAE) ya tiene quien la ocupe. El pleno de la institución cultural ha elegido este jueves 21 de mayo al escritor y académico nicaragüense Sergio Ramírez, nacionalizado español desde 2018. Ganador del Premio Cervantes en 2017, relevará en el cargo a Mario Vargas Llosa —escritor peruano también nacionalizado español—, fallecido el 13 de abril de 2025.

Su candidatura fue presentada a principios de mes por los académicos Santiago Muñoz Machado, director de la Real Academia Española; Víctor García de la Concha, exdirector de la RAE y del Instituto Cervantes, y Luis Mateo Díez, Premio Cervantes 2023. El escritor, autor de Margarita, está linda la mar, reside en Madrid desde hace cinco años. Abandonó Nicaragua en 2021 ante la persecución por parte del Gobierno dictatorial de Daniel Ortega.

Sin embargo, la elección no ha sido recibida con entusiasmo por todos los sectores. El pasado 7 de mayo, cuando la RAE proclamó a Ramírez como único candidato a la silla L, se abrió en Change.org una petición titulada Que la silla L de la RAE no borre la memoria de las víctimas del sandinismo, en la que se solicitaba a la institución que “reconsidere” su nombramiento. “Reconocemos la obra literaria del señor Ramírez. La cuestión es otra”, reconocen, para mencionar su participación en el primer régimen sandinista —basado en las ideas de Augusto Cesar Sandino, quien encabezó un movimiento guerrillero contra el gobierno de la época— junto a Ortega entre 1979 y 1990. Ramírez fue vicepresidente del país entre 1985 y el comienzo de la década.

Las víctimas del sandinismo piden justicia

La plataforma considera que la designación del escritor “sería un agravio a las víctimas y una pérdida moral para la propia Academia” y reprocha al autor nicaragüense no haber realizado una “autocrítica pública suficiente” sobre su etapa como dirigente revolucionario. “El 4 de mayo de 2026, al recibir el Premio Ortega y Gasset de Periodismo, Ramírez denunció con valentía la censura del régimen actual, sin mencionar una sola vez lo ocurrido durante los ocho años en que ejerció cargos de máxima responsabilidad en el Estado”, señala el texto.

La petición recuerda además que Sergio Ramírez fue miembro de la Junta de Gobierno de Reconstrucción Nacional de Nicaragua entre 1979 y 1985, vicepresidente del país entre 1985 y 1990 y candidato a la reelección por el Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN) en febrero de 1990.

Nacido en Nicaragua en 1942, Sergio Ramírez es autor de más de setenta libros entre novelas, relatos, crónicas y ensayos, además de miembro de número de la Academia Nicaragüense de la Lengua. Participó en la revolución que derrocó la dictadura de Anastasio Somoza en 1979 y actualmente vive exiliado en Madrid, tras perder su su nacionalidad por el régimen de Ortega.

A lo largo de su trayectoria literaria ha recibido algunos de los principales reconocimientos de las letras en español. Su novela Castigo divino (1988) obtuvo el Premio Dashiell Hammett en España, mientras que Un baile de máscaras fue galardonada en Francia con el Premio Laure Bataillon a la mejor novela extranjera traducida en 1998. Ese mismo año, Margarita, está linda la mar ganó el Premio Alfaguara de Novela y el Premio Latinoamericano José María Arguedas, concedido por Casa de las Américas en Cuba.

Entre sus obras más recientes destacan La fugitiva (2011), reconocida con el premio Bleu Metropole de Montreal en 2013, y El caballo dorado (2024), distinguida con el Premio de la Bienal de Novela Mario Vargas Llosa en 2025.

Ramírez también ha cultivado la novela negra con una trilogía protagonizada por el inspector Dolores Morales, formada por El cielo llora por mí (2008), Ya nadie llora por mí (2017) y Tongolele no sabía bailar (2021). Además, publicó sus memorias sobre la revolución sandinista en Adiós muchachos (1999). Su último libro de cuentos es Ese día cayó en domingo (2022).

Su obra ha sido traducida a más de veinte idiomas y reconocida con premios como el Iberoamericano de Letras José Donoso (2011), el Internacional Carlos Fuentes a la Creación Literaria en Idioma Español (2014), el Premio Cervantes (2017), la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid (2021) y el Premio Ortega y Gasset de Periodismo (2026).

Además, ha sido profesor visitante de literatura en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), Harvard y Princeton, y es fundador del festival literario Centroamérica Cuenta.

La exhibición ocupará durante tres meses la sala Cronopios, de 800 metros cuadrados, y permanecerá abierta hasta fines de agosto, de martes a domingo. Tomas, director del Recoleta y crítico literario, sostuvo que se trata de una de las muestras “más completas” dedicadas al escritor y remarcó que incluye recursos que antes no estaban disponibles.

Entre esas novedades, señaló dos como centrales: un holograma construido con inteligencia artificial a partir de la voz original de Borges y la reconstrucción de su habitación de la calle Maipú al 900 con objetos prestados por la Fundación Internacional Jorge Luis Borges. “Por primera vez desde la muerte de Borges vamos a poder ver una serie de objetos. Y una serie de mobiliario. Que no se vio nunca antes”, dijo Tomas.

Borges murió el 14 de junio de 1986, en pleno Mundial de México. Tomas recordó que aquel contexto desplazó su fallecimiento del centro de la agenda pública: “Durante esos días, por el fervor mundialista, la muerte de Borges no ocupó todas las primeras planas. Estaba el Diego”. La decisión más delicada de la exposición fue tecnológica y, a la vez, documental. El equipo evitó recrear digitalmente la voz del escritor y optó por trabajar con registros auténticos. “Lo que hicimos fue tomar la voz verdadera de Borges y acomodar la silueta de un cuerpo a distintas situaciones”, dijo Tomas.

La recreación lo muestra en escenarios asociados a su biografía y a su imaginario: el Zoológico de Buenos Aires, la Biblioteca Nacional y calles del sur porteño, entre ellas San Telmo. Para Tomás, ese dispositivo será una de las grandes atracciones de la propuesta.

El otro núcleo de la muestra es la vida material de Borges, un aspecto que discute con la imagen repetida sobre el escritor. La exhibición reproduce su dormitorio con la cama, la mesa de luz, la biblioteca y los libros que tenía en su departamento. “Borges vivió siempre una vida casi monacal”, dijo Tomas. La frase resume una lectura que atraviesa la muestra: desmontar la idea de un Borges aristocrático o millonario y recordar, en cambio, a un autor que trabajó para mantenerse y sostener a su familia.

El préstamo de esos objetos surgió de un acuerdo con la fundación que administró María Kodama y que hoy conducen sus cinco sobrinos. Según explicó Tomas, esos materiales salen por primera vez de la institución para integrar una exposición pública. La reconstrucción dialoga con una anécdota que el director recuperó para ilustrar el contraste entre la celebridad internacional de Borges y su vida doméstica. Recordó una entrevista de 1981 de Mario Vargas Llosa, sorprendido por las goteras y la austeridad del departamento; y la réplica irónica del autor argentino fue que decía que lo había visitado “un peruano” que parecía tener “una inmobiliaria” porque quería mudarlo.

Tomas describió al Recoleta como un espacio distinto de un museo tradicional, con público masivo y heterogéneo. Sobre esa base, planteó que la exposición debía responder a dos públicos al mismo tiempo: lectores formados y visitantes que apenas tendrán un primer contacto con el autor. “Debe haber muchos chicos menores de veinte o de quince años que no saben quién es Borges. No es que no lo han leído. No saben quién es”. Esa observación ordenó el criterio de trabajo curatorial: evitar el didactismo simplificador y la hiperespecialización pensada solo para coleccionistas.

La exposición fue organizada por una tríada de curadores integrada por Tomas, Rodrigo Alonso y Daniel Fischer. A ese esquema se sumó un grupo de 10 especialistas convocados para desarrollar núcleos temáticos sobre Borges y la poesía, Buenos Aires, el amor, las mujeres, la amistad, su faceta de orador y su influencia en el cine, el cómic y la cultura digital. Ese último cruce aparece condensado en una pared dedicada a Memes Borgianos, una cuenta de Instagram que la muestra incorpora como parte de la persistencia pop del escritor. Para Tomas, esa convivencia entre piezas únicas y apropiaciones contemporáneas permite una mirada “integral”.

Entre las piezas documentales, Tomas destacó un original de 1940 de “Las ruinas circulares”, al que definió como probablemente el manuscrito de Borges más importante que hoy se conserva en la Argentina. El material permite ver su caligrafía y también un aspecto menos difundido de su trabajo. “Tienen dos ilustraciones de Borges que creo que no se vieron nunca”. Añadió que el escritor “dibujaba muy bien” y recordó la relación familiar con las artes visuales a través de su hermana Norah Borges.

La inclusión de ese documento refuerza la apuesta doble de la muestra: ofrecer piezas de alto valor para quienes ya conocen la obra y, al mismo tiempo, construir una entrada sensible y visual para nuevos públicos. Tomás también subrayó un rasgo de Borges que la exposición busca recuperar: su disponibilidad para hablar con cualquiera. “No negaba nunca una entrevista. Jamás”: atendía periodistas, estudiantes secundarios y especialistas extranjeros en su departamento de Plaza San Martín.

Winston Churchill, primer ministro británico durante gran parte de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), verá reconocida su faceta como pintor con una exposición de sus cuadros en Londres, en la Wallace Collection, que se abrirá al público el 23 de mayo.

La exposición, que concluirá el 29 de noviembre, será la mayor retrospectiva dedicada a su obra en más de 60 años, con más de medio centenar de cuadros.

Winston Churchill, dos veces primer ministro británico (1940-1945 y 1951-1955), es conocido sobre todo porque fue el líder de Reino Unido durante gran parte de la Segunda Guerra Mundial y su papel clave en la resistencia contra la Alemania nazi.

Churchill comenzó a pintar en 1915, cuando se vio obligado a dimitir de su cargo de ministro de la Marina británica, tras el fracaso de la batalla de los Dardanelos, en la Primera Guerra Mundial.

Tras aquella dimisión afrontó un periodo “muy difícil” para él, explica a la AFP Lucy Davis, una de las comisarias de la exposición.

“De repente se encontró con mucho tiempo libre” y “descubrió la pintura como una forma de aliviar el estrés y la angustia que le provocó aquella situación”, añade Lucy Davis.

A través de un recorrido cronológico, la exposición muestra primero las obras iniciales de Churchill, guiado por el retratista John Lavery, y después cuadros realizados en su residencia de Chartwell, en el sureste de Inglaterra, durante los años veinte.

Autodidacta pero rodeado de pintores reconocidos, Churchill se interesó muy pronto por los paisajes y se inspiró en sus estancias en el sur de Francia para crear lienzos de colores vivos, dominados por tonos azules y ocres.

“Veía la pintura como un pretexto para viajar. Le gustaban la luz, el calor y la atmósfera, que captaba con mucho talento”, según Lucy Davis.

Una sala está dedicada a las obras inspiradas en sus estancias en Marruecos, entre ellas “The Tower of the Koutoubia Mosque”, el único cuadro que pintó durante la Segunda Guerra Mundial, donde se aprecia una vista de Marrakech.

Aquel cuadro, que fue un regalo al presidente estadounidense Franklin D. Roosevelt, perteneció durante un tiempo a la actriz Angelina Jolie.

La exposición concluye con el periodo posterior a 1945, cuando Churchill, derrotado en las elecciones legislativas, retomó los pinceles, que ya no abandonaría hasta su muerte en 1965.

De un político como Churchill se podría esperar una obra influida por los acontecimientos de su época, pero la exposición muestra lo contrario.

“Era un líder de guerra, pero en sus cuadros se percibe realmente su alegría de vivir, su espíritu y su lado travieso”, destaca Lucy Davis.

Esa tendencia a dejar de lado temas militares o políticos tiene una excepción con el cuadro “The Beach at Walmer”, pintado en 1938, cuando advertía sobre la inminencia de la Segunda Guerra Mundial.

En una playa del sur de Inglaterra, unos bañistas se divierten, pero en primer plano, un cañón negro apuntando al mar sugiere una amenaza inquietante.

Fuente: AFP

La escritora Olga Tokarczuk, Premio Nobel de Literatura en 2018, dijo en el foro Impact de Poznań que está usando inteligencia artificial para escribir y que su próxima novela, prevista para este otoño, será probablemente la última, según Le Grand Continent.

La declaración abrió una polémica porque une dos hechos poco habituales en una autora de su perfil: la incorporación explícita de herramientas digitales a la práctica literaria y la posibilidad de abandonar la novela como forma.

La referencia a la IA fue breve y pasó casi inadvertida durante una conversación de más de media hora sobre literatura y sobre el libro en preparación. La controversia creció después, cuando esa admisión confirmó rumores y quedó asociada a una despedida pública de la novela por parte de una de las narradoras más reconocidas de Europa.

El foro Impact de Poznań, en Polonia, reúne de forma habitual a líderes e intelectuales para debatir sobre actualidad internacional y mundo digital. En la edición de este año participaron el Nobel de Economía Daron Acemoğlu, que buscó nuevas voces para la prosperidad y la confianza en la democracia; Timothy Snyder, que criticó en polaco el nuevo salón de baile que Donald Trump está construyendo en la Casa Blanca; y Amal Clooney, que defendió el periodismo independiente.

Antes de que la discusión girara hacia la IA, Tokarczuk presentó el punto de partida de su próxima novela. La historia comienza en junio de 1946 en los llamados “Territorios recuperados”, la franja del oeste de Polonia que durante mucho tiempo fue alemana y que pasó a manos polacas tras la guerra como compensación por las tierras perdidas en el este.

Esos territorios orientales habían quedado bajo control de la URSS desde la invasión del Ejército Rojo en 1939 y hoy están repartidos entre Lituania, Bielorrusia y Ucrania. Ese marco histórico encaja con una obra que el medio describe a partir de las novelas eruditas de Tokarczuk, centradas a menudo en recorridos por la historia, la geografía y los sentimientos de individuos atormentados por su entorno.

La conversación empezó como una suerte de lamento sobre el estado de la literatura, según la crónica de Olivier Lenoir en Le Grand Continent. En ese clima apareció la admisión de que recurre a la inteligencia artificial en su práctica literaria, una frase corta que el medio presenta como el momento más perturbador de toda la intervención.

La novedad de fondo no fue solo el uso de la IA. El punto más disruptivo fue la decisión de anunciar en público que el próximo libro podría ser el último de una autora que construyó su prestigio con novelas de gran densidad intelectual y con afinidades visibles con la tradición literaria europea.

El texto sitúa esa ruptura en el caso de una escritora vinculada a una genealogía en la que Thomas Mann aparece como una referencia entre otros grandes nombres europeos. La pregunta que deja abierta la intervención de Tokarczuk es si ese gesto debe leerse como una afrenta a la literatura o como un intento de dar nuevas formas al arte.

La autora recibió el Premio Nobel de Literatura en 2018, y su próxima novela está anunciada para este otoño. La combinación entre esa posición en el canon contemporáneo, el recurso declarado a la IA y la posibilidad de cerrar su ciclo novelístico convirtió una mención breve en uno de los episodios más discutidos del encuentro de Poznań.

En un mundo dominado por el destello inmediato de las pantallas, la velocidad del algoritmo y la promesa de que la satisfacción personal se encuentra a solo un clic de distancia, el malestar se ha vuelto una sombra constante. En 2006, en Madrid, en el marco de sus conferencias e intervenciones en la Fundación del Campo Freudiano, la pensadora francesa Judith Miller arrojó una definición incómoda: “La sociedad de consumo no produce más felicidad en el individuo, lo hace sufrir”.

Lejos de ser un eslogan moralista o un lamento nostálgico, la frase constituye un riguroso diagnóstico clínico y político. La autora, cuya vida estuvo marcada por la custodia y difusión de la obra de su padre, el célebre psicoanalista Jacques Lacan, entendía que el capitalismo tardío no opera simplemente como un sistema económico, sino como una sofisticada maquinaria de producción de subjetividad. Un sistema que, para subsistir, necesita inocular una insatisfacción crónica en cada ciudadano.

Miller observaba con preocupación cómo la autoayuda, la farmacologización del sufrimiento y la publicidad empezaban a colonizar los espacios más íntimos del ser humano. El mandato de la época ya no era el deber reprimido del siglo XIX, sino el mandato de gozar, de exhibir éxito y de alcanzar una supuesta plenitud material. Aunque no concentró sus tesis en un único volumen cerrado, estas ideas cobraron un peso fundamental en los cuadernos y compilaciones de la Colección del Campo Freudiano, textos que funcionaron como bitácoras de debate global.

De esta forma sentó la bases para denunciar lo que el psicoanálisis de orientación lacaniana define como la gran estafa del mercado. Pero, ¿por qué el consumo produce sufrimiento en lugar de bienestar? La respuesta que se desprende del pensamiento de Judith Miller es estructural. El mercado ofrece mercancías bajo la promesa de que van a colmar la falta constitutiva del ser humano, ese vacío existencial que nos habita a todos. Sin embargo, el objeto de consumo está diseñado para decepcionar: es efímero.

El sufrimiento aparece en el reverso de este circuito. El sistema requiere que el individuo se sienta frustrado rápidamente para que vuelva a consumir de inmediato. Pero, además, la sociedad contemporánea culpabiliza al sujeto: si tenés acceso a los bienes y aun así te sentís vacío, deprimido o ansioso, el problema es tuyo. Es esta dinámica la que Judith Miller denunciaba con insistencia, especialmente al analizar las nuevas infancias, expuestas desde la cuna al bombardeo del marketing.

La autora tendió un puente entre la alta teoría analítica y la vida cotidiana. Para ella, el consultorio no era un refugio para aislarse del mundo, sino el único espacio donde el sujeto podía detener la velocidad frenética del consumo para interrogar su propio dolor. Frente al empuje del mercado que intenta tapar la angustia con objetos, el psicoanálisis propone escuchar el síntoma. Porque el sufrimiento, en definitiva, es la última frontera de lo humano que la sociedad de consumo no ha logrado estandarizar.

¿Quién es Judith Miller?

Judith Miller nació en París en 1941, plena ocupación nazi, en el seno de una de las familias más influyentes del pensamiento francés contemporáneo: hija del psicoanalista Jacques Lacan y de la actriz Sylvia Maklés. Fue inscripta inicialmente con el apellido del escritor Georges Bataille. Su madre seguía casada legalmente con él, aunque ya era pareja de Lacan. Su juventud estuvo marcada por una intensa militancia maoísta en el mayo del 68 y por la obtención de su doctorado en Filosofía en La Sorbona.

En 1966 se casó con el filósofo Jacques-Alain Miller, el discípulo dilecto de su padre. Tras la muerte de Jacques Lacan en 1981, asumió el rol político e institucional más crucial de su vida: el resguardo, la edición y la difusión internacional del legado paterno. Su producción intelectual no se plasmó en libros teóricos individuales, sino en una vasta obra colectiva y de agitación cultural a través de la dirección de revistas de vanguardia como L’Âne (El Asno) y las publicaciones de la Colección del Campo Freudiano.

Como presidenta de la Fundación del Campo Freudiano, fundó escuelas y una federación internacional de bibliotecas en Europa y América Latina, tendiendo puentes con ciudades como Buenos Aires. Judith Miller falleció en París en diciembre de 2017 a los 76 años, dejando como herencia una estructura global que mantiene vivo el debate del psicoanálisis frente a los malestares de la civilización moderna. Hoy, en este artículo, rescatamos algunas de sus ideas, tan útiles para esta época.

El cuadro Arlequín (Busto) del pintor español Pablo Picasso, de estilo cubista, se vendió este martes por 42,6 millones de dólares, en una subasta de arte moderno en Sotheby’s en Nueva York en la que era la obra más destacada.

La obra, que protagonizó una subasta fallida hace casi veinte años, estaba estimada en unos cuarenta millones de dólares y cumplió las expectativas al alcanzar ese precio de martillo, al que después se le sumaron comisiones e impuestos, tras una breve batalla de pujas.

Realizada dos años después de que el artista malagueño completara Les Demoiselles d’Avignon, en 1909; la pintura retrata a un arlequín con la barbilla apoyada en una mano, dibujado con formas geométricas de colores grises, ámbares y verdes.

Este Picasso era la pieza estrella de la colección del pintor estadounidense de origen italiano Enrico Donati, conocido como “el último surrealista”, y su esposa Adele, por encima de otras obras de codiciados artistas como Van Gogh y Matisse.

Pese a la expectación por Arlequín, el listón para un nuevo récord de Picasso estaba muy alto y no fue superado, ya que varios de sus cuadros se vendieron por más cien millones de dólares en subasta.

El más caro fue Les femmes d’Alger (Version O), que recaudó 179,4 millones de dólares en Christie’s en 2015.

En 2008, un año después de la muerte de su dueño, el pintor Donati, Arlequín iba a subastarse por unos treinta millones de dólares en Sotheby’s pero fue retirado sin explicaciones, posiblemente por temor a una venta fallida en plena crisis financiera.

Según medios especializados, Donati lo compró por unos 12.000 dólares en la década de 1940, tras verlo expuesto en el Museo Nacional de Arte Moderno de París.

La obra pertenece a una época en la que Picasso se hallaba “en una especie de encrucijada crítica; un momento en el que está definiendo su nueva aventura en el cubismo”, explicó la experta de Sotheby’s Allegra Bettini, durante su presentación.

Fuente: EFE

Hay frases que no se leen; se padecen. Actúan como esquirlas que se clavan en la retina y permanecen allí, encendidas, mucho tiempo después de haber cerrado el libro. En la literatura argentina, pocas líneas poseen la fuerza centrífuga de aquel postulado que dictó Alejandra Pizarnik: “La rebelión consiste en mirar una rosa hasta pulverizarse los ojos”. Ese fogonazo poético pertenece a Árbol de Diana, un poemario bisagra publicado en 1962 que redefinió los límites de la vanguardia lírica en español.

Para entender el germen de esta frase es necesario viajar al París de principios de la década de 1960. Alejandra Pizarnik vivía en la capital francesa en un estado de ebullición intelectual y precariedad económica. Trabajaba para la revista Cuadernos, hacía traducciones y devoraba las obras de los surrealistas franceses como André Breton y Antonin Artaud. Allí se sumergió en una cofradía de expatriados latinoamericanos, como su compatriota Julio Cortázar y el mexicano Octavio Paz.

Paz actuó como partero intelectual de Árbol de Diana, escribiendo un prólogo célebre donde definió la poesía de Pizarnik como una cristalización de la noche. El contexto de escritura está marcado por esa tensión: la libertad absoluta que ofrecía París y, en contrapartida, el desgarro de la extranjería, el insomnio crónico y una fijación cada vez más severa con la muerte y la infancia perdida. Se publicó por la mítica Editorial Sur de Victoria Ocampo. Son 38 fragmentos breves e independientes; su cuarto poemario.

La importancia de este volumen en la literatura hispánica es fundacional. Pizarnik venía de una poesía más discursiva en La última inocencia y Las aventuras perdidas, pero en Árbol de Diana opera una poda radical del lenguaje. El poema se vuelve aforismo, herida limpia, silencio condensado. La autora extirpa el adorno y deja el hueso. Es una estética de la miniatura donde cada palabra pesa toneladas. El libro inauguró una forma de misticismo profano que influyó a generaciones de poetas en toda América Latina.

Los versos en cuestión forma parte del poema 23 del libro, que en su totalidad reza, siempre en minúscula: “una mirada desde la alcantarilla / puede ser una visión del mundo / la rebelión consiste en mirar una rosa / hasta pulverizarse los ojos”. Es un contraste violento de opuestos donde la “alcantarilla” (lo subterráneo, lo sucio, el desecho) se convierte en el búnker para comprender la totalidad del universo. No se necesita un altar para ver la verdad; el margen es el mejor mirador.

La segunda parte introduce el concepto de la “rebelión”. Para la autora, la insurrección es un acto de resistencia estético e individual. La “rosa” representa el arquetipo clásico de la belleza y la pureza en la tradición poética (desde Rainer Maria Rilke hasta Jorge Luis Borges). Mirarla hasta “pulverizarse los ojos” implica llevar la experiencia de la contemplación hasta sus últimas consecuencias físicas y psicológicas. Una mirada kamikaze. El precio que se paga por acceder a la belleza absoluta.

Esta idea sintetiza el pensamiento y el destino de Alejandra Pizarnik. Toda su biografía —que terminó trágicamente en 1972 tras una sobredosis de seconal a los 36 años— fue una puesta en práctica de estos versos. Para ella, la literatura era una ontología: se vivía para escribir y se moría en el intento. Creía que el lenguaje corriente estaba muerto y que la única forma de revivirlo era forzarlo hasta el límite de la locura o el silencio. Estos versos son su manifiesto definitivo: la belleza, si es verdadera, siempre duele.

¿Quién es Alejandra Pizarnik?

Alejandra Pizarnik nació en Avellaneda, Argentina, en 1936, en el seno de una familia de inmigrantes judíos ucranianos. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Buenos Aires y también incursionó en las artes plásticas bajo la tutela del pintor Juan Batlle Planas. Su juventud estuvo marcada por crisis de ansiedad, asma, tartamudez y una compleja relación con su cuerpo, problemáticas que volcó con maestría en una literatura de carácter marcadamente autobiográfico. Entre 1960 y 1964 vivió en París.

Esa etapa en la capital francesa fue fundamental para su carrera: consolidó su madurez poética, trabajó para la revista Cuadernos y forjó vínculos intelectuales y afectivos con figuras icónicas de la literatura. Con Julio Cortázar fue algo mayor: entabló una amistad entrañable al punto de dedicarle poemas y cartas desesperadas. Publicó poemarios inolvidables: La última inocencia, Las aventuras perdidas, Los trabajos y las noches, Extracción de la piedra de locura, y la prosa La condesa sangrienta.

Al regresar a Buenos Aires, su salud mental se deterioró de forma progresiva, atravesando internaciones psiquiátricas y graves cuadros depresivos. El desenlace fatal llegó en la madrugada del 25 de septiembre de 1972. Aprovechando un permiso de fin de semana para salir del hospital psiquiátrico Pirovano, tomó cincuenta pastillas de seconal. Sobre el pizarrón de su cuarto quedaron escritas sus últimas y desgarradoras líneas: “no quiero ir / nada más / que hasta el fondo”. Tenía apenas 36 años.

Más allá del disfrute que generan, las experiencias artísticas podrían tener un impacto directo en nuestra longevidad. Un nuevo estudio realizado en el Reino Unido indica que la participación frecuente en actividades artísticas y culturales como visitar museos se asocia con un envejecimiento biológico más lento, según mediciones basadas en el ADN.

El trabajo examinó a más de 3.500 adultos, quienes reportaron la frecuencia con que realizaban actividades como pintura, fotografía, baile, canto, visitas a museos y asistencia a eventos culturales o sitios históricos.

La mayor participación y variedad en estas actividades se relacionó con menores puntuaciones de envejecimiento biológico. Según expertos de la University College London (UCL), estos beneficios parecen similares a los asociados con la actividad física, uno de los comportamientos más estudiados en el envejecimiento saludable. Al respecto, la autora principal Daisy Fancourt afirmó: “Estos resultados demuestran el impacto de las artes en la salud a nivel biológico”.

El equipo investigador analizó los datos aplicando relojes epigenéticos, una herramienta que mide modificaciones químicas en el ADN vinculadas al paso del tiempo.

Aunque se ajustaron variables como tabaquismo, ingresos y peso corporal, la relación positiva entre vida cultural activa y menor envejecimiento biológico se mantuvo firme en el estudio. La investigación, difundida por Fox News Digital, enfatiza que se trata de datos observacionales y no permite establecer una relación causal entre estos hábitos y el envejecimiento.

Este efecto, medido a través de relojes epigenéticos, fue especialmente notable en mayores de 40 años y se mantuvo incluso al considerar factores como el tabaquismo, los ingresos o el peso corporal.

Un análisis detallado de los datos mostró que quienes practicaban alguna actividad artística al menos una vez por semana presentaban un ritmo de envejecimiento biológico hasta un 4% más lento, en comparación con quienes rara vez realizaban este tipo de actividades.

Según los investigadores, este efecto es similar al que se observa en personas que hacen ejercicio físico con frecuencia. Además, la diversidad de prácticas culturales parece potenciar aún más este beneficio, ya que combinar diferentes experiencias artísticas se asoció con una edad biológica más joven, según los resultados obtenidos con relojes epigenéticos utilizados en el estudio.

Beneficios de las actividades culturales en el envejecimiento biológico

El estudio examinó a más de 3.500 adultos, quienes reportaron la frecuencia con que realizaban actividades como pintura, fotografía, baile, canto, visitas a museos y asistencia a eventos culturales o sitios históricos.

La mayor participación y variedad en estas actividades se relacionó con menores puntuaciones de envejecimiento biológico. Según Fox News Digital, estos beneficios parecen similares a los asociados con la actividad física, uno de los comportamientos más estudiados en el envejecimiento saludable.

El equipo investigador analizó los datos aplicando relojes epigenéticos, una herramienta que mide modificaciones químicas en el ADN vinculadas al paso del tiempo. Aunque se ajustaron variables como tabaquismo, ingresos y peso corporal, la relación positiva entre vida cultural activa y menor envejecimiento biológico se mantuvo firme en el estudio.

Lo que opinan los expertos y las precauciones

Jessica Mack, experta en bienestar consultada por el medio citado, consideró que los resultados ayudan a entender la salud más allá del ejercicio y la dieta.

Mack sostuvo que “la participación en actividades artísticas y culturales podría asociarse con un envejecimiento epigenético más lento” y que prácticas como visitar museos, escuchar música o crear arte pueden contribuir a reducir el estrés y mejorar la conexión social.

La especialista subrayó que estas actividades “no son elementos adicionales en la vida diaria”, sino aspectos fundamentales para la gestión de inflamación, las hormonas del estrés, el estado de ánimo y la capacidad de resiliencia. Además, señaló que quienes enfrentan estrés, aislamiento o el retiro laboral pueden beneficiarse especialmente del contacto con el arte y la cultura.

Sin embargo, el profesor Steve Horvath, investigador en longevidad y referente en el estudio de relojes epigenéticos, advirtió a Fox News Digital sobre los límites de la evidencia.

Horvath recalcó que es un estudio observacional: “No podemos asegurar si las visitas a museos ralentizan el envejecimiento, o si las personas con menor edad biológica son quienes pueden seguir frecuentando estos espacios”.

El científico añadió que existen diversas explicaciones posibles y que, aunque la investigación es “metodológicamente cuidadosa”, aún se requieren más estudios. Para Horvath, lo relevante es que, independientemente de la causalidad, permanecer activo social y mentalmente suele estar vinculado con un envejecimiento más saludable.

Al final, integrar la cultura y el arte a la vida cotidiana puede ser una de las formas más accesibles y recomendables para impulsar la vitalidad a largo plazo.

“Le mandamos saludos, cariños a Elenita, cumple 94 años, estuvo aquí hace poquito”. Y la calificó como “una mujer extraordinaria”.

La autora de libros como “La noche de Tlatelolco” es considerada la escritora favorita de la presidenta de México; así lo reveló el pasado 9 de abril, durante una visita que realizó Poniatowska junto con Jesusa Rodríguez, activista y directora de teatro, a Palacio Nacional.

“Estoy con Elena Poniatowska, mi escritora favorita y a quien admiro muchísimo, que me vino a visitar. No solamente una gran escritora mexicana, sino una mujer siempre comprometida con las causas nobles y justas del pueblo de México y con las mujeres”, dijo la jefa del Ejecutivo.

En aquel encuentro, la escritora expresó emoción por el hecho de que Sheinbaum se encuentre dirigiendo el país: “Para mí, el que Claudia esté en el poder es un logro; yo creo que también de todos nosotros”.

La presidenta Claudia Sheinbaum afirmó el 14 de abril que es fundamental resguardar el acervo de Elena Poniatowska. Sheinbaum sostuvo en su conferencia en Palacio Nacional que la autora que se ha dedicado a crónicar hechos históricos como el terremoto que sacudió a la capital, la mandataria señaló que se encuentra completamente lúcida, de acuerdo con lo que compartió luego de recibir recientemente a la escritora y a la actriz Jesusa Rodríguez.

Jesusa Rodríguez, presente en el encuentro, calificó a Sheinbaum y Poniatowska como su guía y ejemplo, y recordó los eventos que ambas condujeron junto con el expresidente Andrés Manuel López Obrador. Sheinbaum resaltó la importancia de proteger la obra de Poniatowska y señaló que corresponde a la escritora informar sobre sus proyectos actuales.

Elena Poniatowska, figura central de la literatura mexicana, dedica su obra a narrar las vidas de personas que suelen quedar fuera de la historia oficial. Su trabajo se enfoca en los testimonios de mujeres, niños, pueblos indígenas y sectores marginados. A través de entrevistas y crónicas, recoge voces que muestran la diversidad social y política de México.

Poniatowska ha utilizado el periodismo como herramienta para explorar historias de vida. Sus textos mezclan la investigación documental con la narración literaria. Entre sus libros más destacados se encuentra “La noche de Tlatelolco”, que reúne relatos de testigos y familiares de víctimas del movimiento estudiantil de 1968.

La autora sostiene que la escritura es un acto colectivo y que la memoria se construye a partir de muchas voces. Considera que la literatura puede abrir espacios para la justicia y el reconocimiento de quienes han sido ignorados. Su trayectoria incluye la defensa de los derechos humanos y la participación activa en movimientos sociales.

A lo largo de su carrera, Poniatowska resalta la importancia de las mujeres en la vida pública y cultural del país. Su obra permanece como testimonio de las luchas sociales y de la resistencia frente a la desigualdad.

Una “Danaide” del artista Constantin Brancusi, vendida el lunes por 107,6 millones de dólares, se ha convertido en la segunda escultura más cara de la historia de las subastas, sacudiendo una lista dominada por obras de Alberto Giacometti.

Antes de esta venta, las tres esculturas más caras de la historia eran todas obras del suizo Giacometti.

A partir de ahora, apenas “El hombre que señala” (“L’homme au doigt”), vendida por 141,3 millones de dólares en Christie’s, en Nueva York en 2015, supera a la “Danaide” de Brancusi, subastada el lunes por la misma casa.

Otra obra de Giacometti, “El hombre que camina I” (“L’homme qui marche I”) ocupa el tercer lugar, con 104,3 millones de dólares.

Margit Pogany, una joven artista húngara a la que Brancusi conoció en 1910 en París, donde el escultor franco-rumano (1876-1957) tenía su taller, prestó su rostro a la “Danaide”.

Se trata de un rostro estilizado y recubierto con pan de oro, y cuyos ojos están formados por amplios arcos de círculo.

“El oro reservado al rostro y la pátina negra del cabello confieren a la fisonomía una elegancia meditativa y un refinamiento cercanos al arte budista de Extremo Oriente, admirado por Brancusi“, analiza Marielle Tabart, experta en la obra del escultor, citada en la página web del Centro Pompidou.

Según el museo parisino, que posee en sus colecciones una hermana gemela de la escultura vendida el lunes, Brancusi multiplicó los vaciados en bronce de su “Danaide” entre 1913 y 1918.

Otros ejemplares se exponen en instituciones como el Tate de Londres, el Kunst Museum de Winterthur, cerca de Zúrich, y en el Philadelphia Museum of Art.

Según Christie’s, el vaciado vendido el lunes era el único ejemplar dorado que seguía en manos privadas.

Fundido en 1913, había sido comprado por el banquero Eugene Meyer y su esposa Agnes, mecenas y amigos de Brancusi, durante la primera exposición individual del artista en Nueva York, en 1914.

La obra había permanecido en su familia hasta 2002, cuando fue adquirida por el magnate de los medios S. I. Newhouse Jr.

Adquirida 18,2 millones de dólares, la escultura se convirtió en ese momento en la escultura más cara jamás vendida en subasta. El lunes, la obra fue adquirida por un comprador anónimo que presentó sus ofertas por teléfono.

Fuente: AFP

En el vasto archipiélago de la literatura del siglo XX, pocos autores consiguieron cartografiar la alienación contemporánea con la precisión quirúrgica de Fernando Pessoa. Entre la marea de fragmentos que componen su obra cumbre, Libro del desasosiego, late una advertencia que funciona como el núcleo ético y estético de su pensamiento: “Sentir hoy lo mismo que ayer no es sentir —es recordar hoy lo que ayer se sintió, ser hoy el cadáver vivo de lo que ayer fue vida perdida”.

Lejos de ser un mero aforismo melancólico, esta frase condensa la violenta lucidez de un escritor que se negó a habitar una identidad fija. Para Pessoa, el verdadero peligro de la existencia no reside en el sufrimiento o en la vacuidad, sino en la automatización del alma. Replicar una emoción pasada por pura inercia es montar un museo de nostalgias, transformarse en el propio sepulturero de la experiencia. Para entender dónde nace esta premisa, es necesario viajar a la Lisboa de las primeras décadas del siglo pasado.

Fernando Pessoa llevó una doble vida impecable: de día, un gris empleado de comercio que redactaba cartas comerciales en inglés y francés; de noche, un demiurgo que alteraba el rumbo de la literatura universal desde la soledad de su habitación alquilada. Tras su muerte en 1935, se halló un baúl de madera con más de 25.000 fragmentos inéditos. De ese caos manuscrito brotó, de manera póstuma en 1982, el Libro del desasosiego, un híbrido de prosa poética, divagaciones metafísicas y crónicas urbanas.

La obra fue firmada por Bernardo Soares, un ayudante de tenedor de libros en la Baixa lisboeta, a quien Pessoa definió no como un heterónimo pleno —como el neopagano Alberto Caeiro, el clasicista Ricardo Reis o el vanguardista Álvaro de Campos—, sino como un “semiheterónimo”: una mutilación de su propia personalidad. Soares escribe desde el tedio absoluto, pero es un tedio hiperlúcido. En ese entorno asfixiante de oficinas oscuras y calles lluviosas, el rechazo a la repetición emocional es su resistencia.

La frase en cuestión abre una ventana directa hacia el concepto fundamental del autor: la multiplicidad del yo. Si “vivir es ser otro”, como afirma el mismo fragmento, la fijeza emocional es sinónimo de muerte espiritual. Pessoa propone una suerte de “revirginidad perpetua de la emoción”. Cada amanecer exige borrar el cuadro afectivo del día anterior para entregarse a la impresión pura del presente, libre de la contaminación del recuerdo. Esta idea dialoga con las vanguardias de su tiempo y anticipa el existencialismo.

Décadas antes de que Jean-Paul Sartre publicara su célebre novela La náusea, el Bernardo Soares de Pessoa ya describía esa misma repulsión metafísica ante lo previsible. Hoy en día, el Libro del desasosiego comparte el olimpo de las obras fundamentales de la modernidad junto a En busca del tiempo perdido de Marcel Proust o el Ulises de James Joyce. Sin embargo, a diferencia de estos últimos, el texto de Pessoa carece de arquitectura final; es un universo abierto e infinitamente maleable.

Su importancia radica en haberle dado voz al hombre fragmentado, aquel que se observa a sí mismo vivir en lugar de simplemente vivir. La vigencia de su advertencia sobre la memoria afectiva resuena con fuerza en una contemporaneidad obsesionada con el archivo constante y la repetición de estímulos. Pessoa, a través de su humilde oficinista, nos sigue exigiendo el coraje de la renovación: abandonar el cómodo fantasma de lo que fuimos ayer para salvaguardar la violenta y legítima chispa del presente.

¿Quién es Fernando Pessoa?

Fernando Pessoa (1888–1935) fue una de las figuras más enigmáticas y geniales de la literatura universal. Nacido en Lisboa, pasó gran parte de su infancia en Sudáfrica debido al nuevo matrimonio de su madre con un cónsul, lo que le permitió dominar el inglés a la perfección y asimilar la tradición literaria anglosajona. Al regresar a Portugal en 1905, adoptó una existencia exteriormente anodina y rutinaria en su ciudad natal: traductor de correspondencia comercial, aunque partícipe en las vanguardias locales.

Aunque en vida solo llegó a publicar un libro en portugués, el poema épico-lírico Mensaje en 1934, además de algunos folletos de poesía en inglés, su producción subterránea fue monumental y abarcó miles de textos manuscritos que guardaba celosamente. Víctima de una cirrosis hepática, falleció en Lisboa a los 47 años en la más absoluta discreción. Tras su muerte, el descubrimiento de su famoso baúl de madera reveló un universo literario sin precedentes que transformó la literatura del siglo XX.

Su mayor genialidad radicó en la creación de los heterónimos: identidades poéticas completas —como Alberto Caeiro, Álvaro de Campos o Ricardo Reis— que poseían biografías, estilos literarios y filosofías propias, diferenciándose de los simples seudónimos. La publicación póstuma de sus escritos dio vida a obras fundamentales de la modernidad como el Libro del desasosiego, sus Ficciones del interludio y sus extensas Poesías completo, consolidándolo como el gran poeta de la multiplicidad.

Sospecho que la mayoría de los lectores disfrutarán de “Take Me to Your Leader”, el último libro de Neil deGrasse Tyson, en la misma medida en que les divierte la presencia del autor en las redes sociales.

Durante más de una década, nuestro astrofísico más famoso ha entretenido —o irritado, según se mire— a una vasta audiencia en línea con reflexiones tan variopintas como esta: «Si Bruce Banner conserva su masa original al transformarse en Hulk, entonces su cuerpo debe volverse menos denso. De ser así, en su estado de Hulk, tendría la densidad de un corcho de champán».

Su nuevo libro está repleto de anécdotas como esta, y confieso que una observación —basada en un viejo tuit— me hizo reír: «Si la reina Elsa de Disney, de la saga Frozen, tiene una cabeza del tamaño de una persona, entonces su cerebro es solo diez veces más grande que sus ojos».

Tyson es un hombre muy ocupado, con un podcast y frecuentes apariciones públicas que compiten con su trabajo como director del Planetario Hayden . Quizás no sorprenda, entonces, que “Take Me to Your Leader” sea una obra menor, aparentemente destinada a la mesa de regalos de Paper Source.

El libro, subtitulado «Perspectivas sobre tu primer encuentro con extraterrestres», supuestamente está inspirado en su sueño de toda la vida de «ser abducido por extraterrestres», pero consiste principalmente en breves datos científicos combinados con referencias a seres extraterrestres ficticios. Como dijo Tyson en una entrevista reciente: «Me he dado cuenta de que cuando presentas la ciencia de esa manera, la gente quiere más. La cultura popular la hace relevante, el humor les arranca una sonrisa y la ciencia les ilumina».

En la práctica, esto se traduce en un catálogo interminable de docenas de títulos, desde “Arrival” hasta “Space Jam”, la mayoría de los cuales solo reciben una o dos líneas de descripción insulsas.

Tyson señala que las películas y los programas de televisión suelen presentar extraterrestres con “una cabeza, dos ojos, una boca, hombros, dos brazos, dos manos y 10 dedos”, presumiblemente debido a las limitaciones físicas de los “actores humanos pagados para ponerse disfraces de extraterrestres”, y reprende sutilmente a sus creadores por ser poco imaginativos.

Curiosamente, ignora casi por completo una forma de arte que no está limitada por consideraciones prácticas: el deslumbrante y creativo mundo de las novelas y relatos de ciencia ficción. Si bien menciona algunas obras literarias —Matadero Cinco, La amenaza de Andrómeda, Contacto—, si Tyson realmente quería explorar ideas científicas a través de representaciones de extraterrestres, ¿por qué no dedicar un párrafo a, por ejemplo, Misión de gravedad, la novela de Hal Clement de 1953 ambientada en un planeta que gira rápidamente y está poblado por ciempiés inteligentes?

Esta falta de interés es reveladora. Tyson no parece muy interesado en la ciencia ficción; francamente, no está claro si le gusta o si siente la necesidad de abordarla en sus propios términos. En su análisis de Encuentros cercanos del tercer tipo, por ejemplo, señala que no tiene sentido que los extraterrestres transmitan la longitud y latitud de su lugar de aterrizaje, lo cual requiere tanto conocimiento cultural específico que habría sido igual de fácil usar el inglés: «Oigan, todos vamos a Devils Tower mañana a las 7:30 p. m. ¡No se lo pierdan!».

Pero entonces no veríamos al discreto intérprete de Bob Balaban anunciando que ha descifrado el mensaje; a los investigadores de ovnis robando un globo terráqueo de una oficina cercana; ni los primeros planos de dos dedos recorriendo las líneas de la cuadrícula hasta que se cruzan. No se trata de lógica, sino de asombro: la esencia de la vida cotidiana transformada repentinamente por lo desconocido.

En ningún momento la pericia científica de Tyson enriquece nuestra comprensión de estas obras; al contrario, la empobrece. Esto podría ser excusable si la ciencia no fuera tan superficial, pero Tyson pasa por alto los conceptos que introduce con demasiada rapidez, como si se resistiera a desafiar al lector ni por un instante.

En charlas y entrevistas, Tyson suele ser ingenioso, apasionado e informativo, pero estas cualidades no se aprecian aquí. Explica el título de su libro sugiriendo que si un extraterrestre simplemente dijera: «Llévenme con su líder», podríamos saltarnos a los políticos y presentarle a nuestro visitante a «personas con gran experiencia científica y tecnológica». Si eso llegara a suceder, Tyson no sería una mala elección. Pero, a juzgar por estas páginas, jamás lo dirías.

A menudo se compara a Tyson con Carl Sagan, cuya trayectoria profesional fue la mejor publicidad imaginable de cómo la formación científica puede enriquecer e intensificar nuestras interacciones con el resto del mundo. Cuando Sagan hablaba de extraterrestres —como cuando supervisó la selección de música, sonidos e imágenes para el Disco de Oro de la Voyager— , lo hacía principalmente para reflexionar sobre nuestros propios valores.

En estos momentos, la ciencia en este país está siendo objeto de un ataque sin precedentes. Tyson, que sin duda lo sabe, no tenía ninguna obligación de abordar este tema aquí. Pero si Sagan viviera hoy, jamás habría considerado que un libro como este fuera una buena manera de emplear su tiempo, ni en mil millones de años.

Fuente: The New York Times

“El neurocientista español Santiago Ramón y Cajal decía que las neuronas son las mariposas del alma. Hace un tiempo sentí que tenía que escribir lo que las mariposas de mi alma me estaban dictando”. Así, Marta Oyhanarte -cofundadora de Poder Ciudadano- comienza hablando de su libro, La silla de mimbre, editado por Galerna, en diálogo con Infobae Cultura. En esta obra, catalogada como un mosaico poético y autobiográfico, la autora propone una travesía conmovedora por su memoria, amalgamando alegrías y tristezas.

El libro viaja desde sus raíces familiares en Rojas, provincia de Buenos Aires, pasa por el desgarro de la tragedia que marcó su juventud y llega hasta su madurez en las altas esferas de la gestión pública global. La mítica silla de mimbre funciona como el hilo conductor de una resiliencia inquebrantable: el símbolo de los sueños rotos pero, sobre todo, de la terca esperanza de una mujer que se propuso cambiar las reglas del juego democrático en Argentina. “Historia de nuestro país e historia personal, datos biográficos, también poesía, ficción y algo de humor”, dice sobre el libro.

“Y un mandato interior —continúa— reflejado en el pensamiento del checo Vaclav Havel -uno de los intelectuales y políticos más importante del siglo XX- que dice así: Además, se va acercando inexorablemente el momento en que quienes me rodean, el mundo y —lo que es peor— mi propia conciencia ya no me preguntarán cuáles han sido mis ideales y objetivos, ni qué es lo que conseguiré, ni cómo quiero cambiar el mundo, sino que empezarán a preguntarme qué es lo que efectivamente he logrado, cuáles de mis propósitos he hecho realidad y con qué resultados, cuál me gustaría que fuera mi legado y qué tipo de mundo me gustaría dejar´'“.

Su vida explotó en mil pedazos la mañana del 29 de julio de 1985. Ese día, su esposo, el empresario Osvaldo Sivak, fue secuestrado en el barrio porteño de Palermo. Lo que siguió fue una pesadilla de dos años signada por la extorsión de bandas paramilitares y policiales, que culminó con el hallazgo de su cuerpo en 1987. Tenía 39 años y cuatro hijas en edad escolar. Desde ese abismo, Oyhanarte no eligió el silencio ni el resentimiento; eligió la reconstrucción democrática del país.

Nacida en 1945 y graduada con Diploma de Honor en la Universidad de Buenos Aires, su nombre se convirtió en un pilar fundamental de la sociedad civil argentina. En 1989, buscando canalizar la demanda social de transparencia tras los resabios de la última dictadura, cofundó la organización no gubernamental Poder Ciudadano, entidad que presidió hasta 1995 y que marcó un antes y un después en el control institucional en Argentina.

Su vocación comunitaria la llevó a la gestión pública. Se desempeñó como Directora del Centro para la Participación y el Control Ciudadano, y luego ocupó una banca como Legisladora de la Ciudad de Buenos Aires entre 1997 y 2003. Más tarde, asumió la conducción de la Subsecretaría para la Reforma Institucional y Fortalecimiento de la Democracia de la Nación, donde lideró el innovador programa federal de “Auditoría Ciudadana” en decenas de municipios.

Fiel a sus principios, a finales de 2009 presentó su renuncia indeclinable tras denunciar que las estructuras políticas obstaculizaban los avances en materia de transparencia y acceso a la información pública. Su prestigio internacional la llevó también a integrar el Comité de Expertos en Administración Pública de las Naciones Unidas (CEPA). La silla de mimbre no es su primer libro; ha publicado textos de formación cívica como Cómo ejercer su poder ciudadano y el relato testimonial Tu ausencia, tu presencia.

¿Cómo fue el proceso de escritura, mirar hacia atrás, recorrer su vida y poder contarlo? “No me fue fácil unir cerebro y corazón en un proceso de análisis, reflexión y pensamiento. Soy meticulosa y guardo mucha documentación por eso, hurgo en carpetas, archivos, cuadernos y fotos que producen momentos dolorosos, por momentos divertido. Muchas veces me frenaba, dejaba pasar unos días, luego retomaba impulso, corregía y continuaba”, responde.

“Pensaba que este libro iba a despertar interés mayormente en personas de mi generación pero estoy recibiendo muy buenos comentarios de jóvenes”.

Hace unos días, una chica de no más de veinte años le escribió: “Estoy disfrutando mucho la lectura de tu libro. Me lleva a lugares guardados en mi memoria, descubro autores y completa historias con las que crecí”. Oyhanarte analiza: “Está de moda la literatura del yo, mi libro podría leerse así pero prefiero pensar que es una ‘literatura del nosotros’ que ojalá nos ayude a soñar y hacer un país mejor”, concluye.

América Latina se hace notar en Cannes aunque esté ausente en la carrera por la Palma de Oro: este año dos directoras de Chile y Costa Rica irrumpen con fuerza en la sección donde el festival suele descubrir nuevas voces.

La costarricense Valentina Maurel (San José, 1988) y la chilena Manuela Martelli (Santiago, 1983) compiten en Una Cierta Mirada, la sección paralela más prestigiosa del certamen de cine francés, que entregará sus premios a finales de esta semana.

A lo largo de más de cuatro décadas, este apartado se consolidó como una plataforma clave para descubrir nuevas voces del cine mundial.

“Es un orgullo gigante. Me siento muy feliz”, dijo Martelli, celebrando que su segundo largometraje haya sido seleccionado en Cannes, un festival al que ve como una “vitrina que le da un impulso a las películas”.

Nueva generación

No es casual que la presencia latinoamericana este año lleve la firma de Maurel y Martelli. Según especialistas consultados, en la última década emergió una nueva generación de directoras latinoamericanas que está renovando el cine de autor de la región desde miradas más íntimas, personales y arriesgadas.

Junto a Maurel y Martelli, cineastas como la costarricense Antonella Sudasassi, la chilena Dominga Sotomayor o la salvadoreña-mexicana Tatiana Huezo han ganado visibilidad internacional en festivales como Berlín, San Sebastián o Sundance.

“Es curioso porque el cine, en la gran mayoría del mundo, sigue siendo mayoritariamente dirigido por hombres”, apunta el curador especializado en cine y periodista cultural costarricense Fernando Chaves Espinach.

Para Chaves, lo que une a muchas de estas cineastas es una manera de explorar tensiones sociales y políticas a través de relatos más íntimos.

“Pueden tomar un punto de vista profundamente personal y llevarlo hacia cuestionamientos morales, políticos o incluso religiosos”, resume.

Historias íntimas, heridas colectivas

Martelli, actriz y directora chilena que se dio a conocer internacionalmente por Machuca, presentó en la Croisette El deshielo, un thriller psicológico ambientado en el Chile de 1992, en plena transición democrática tras la dictadura de Augusto Pinochet.

Su largometraje forma parte de una trilogía sobre la historia reciente de Chile narrada desde la periferia y la experiencia de mujeres y niños anónimos, lejos de las versiones oficiales de la memoria política.

Maurel, que ya había pasado por Cannes con el cortometraje Lucía en el limbo, regresó al festival con Siempre soy tu animal materno, una película sobre tres mujeres de una misma familia atravesadas por tensiones emocionales y creencias esotéricas.

“Estamos intentando imaginar un cine más inclusivo”, dijo Maurel. “A veces, cuando se es cineasta latinoamericano, y aún más cuando se es mujer, se espera una cierta mirada o ciertas temáticas”.

Para la realizadora costarricense, parte de esta nueva generación busca alejarse de los estereotipos históricamente asociados al cine latinoamericano.

“Queremos salir de una visión que se concentra solo en la violencia, el miserabilismo o los espectáculos sensacionalistas”, afirmó.

Más allá de la Palma de Oro

La aparición de estas nuevas voces femeninas coincide, sin embargo, con un año marcado por la ausencia total de películas de la región en la competición principal.

Esta ausencia pesa aún más si se considera que, en la edición pasada, Brasil marcó el pulso latinoamericano del festival con El agente secreto, de Kleber Mendonça Filho, que ganó los premios a mejor dirección y mejor actor dentro del apartado principal.

Pero, para algunos observadores, limitar la lectura a la competición oficial sería reducir demasiado el mapa del festival.

Según Eva Morsch Kihn, coordinadora de programación del festival francés Cinélatino, Cannes sigue mostrando interés por el cine de la región.

“Es importante ampliar la mirada al conjunto de las secciones, porque eso permite ver un panorama mucho más amplio”, explica la especialista.

“Por supuesto que lamentamos que América Latina no esté en la competencia principal, pero ese no es el único lugar donde se puede descubrir el cine de la región", sostiene.

Fuente: AFP

Corría 1928 cuando Virginia Woolf caminaba por los senderos de una institución académica ficticia llamada Oxbridge, amalgama perfecta entre Oxford y Cambridge. De pronto, un custodio le bloqueó el paso: las mujeres no tenían permitido pisar el pasto; debían confinarse a los senderos de grava. Poco después, al intentar ingresar a la biblioteca, otra negativa: el acceso estaba vedado para ellas, a menos que contaran con una carta de recomendación o la compañía de un hombre de la casa.

Lejos de amedrentarse, Woolf convirtió la humillación en combustible filosófico. De ese portazo en la cara nació una respuesta que atravesó las décadas: “Cierren sus bibliotecas con llave si quieren; pero no hay barrera, cerradura, ni cerrojo que puedas imponer a la libertad de mi mente”. Esta declaración de soberanía intelectual define el corazón de Un cuarto propio, ensayo publicado en 1929 donde está la cita, y funciona como la síntesis perfecta de una de las mentes más brillantes y complejas del siglo XX.

Para entender el peso de la frase, es imperativo habitar el contexto de su autora. Virginia Woolf, nacida como Adeline Virginia Stephen en el Londres de 1882, creció en un hogar de la alta burguesía victoriana. Mientras sus hermanos varones eran enviados a Cambridge para recibir una educación formal, ella y sus hermanas debían conformarse con la biblioteca familiar y profesores particulares. Esta brecha educativa marcó a fuego su percepción de la desigualdad.

Ya instalada en el barrio londinense de Bloomsbury tras la muerte de su padre, Woolf se convirtió en el faro del célebre Círculo de Bloomsbury. Cuando el comité del Newnham College y el Girton College —dos universidades de mujeres— la invitó a dar una serie de conferencias sobre “las mujeres y la ficción” en octubre de 1928, la escritora decidió no limitarse a un análisis técnico de la literatura. Decidió hablar de dinero y de espacio. Expandió esas charlas y, un año después, entregó al mundo Un cuarto propio.

Un cuarto propio no es un tratado académico rígido; está estructurado con las herramientas de la ficción. Woolf inventa una narradora a la que llama Mary Beton, Mary Seton o Mary Carmichael —“cualquier nombre que les guste”, escribe— para demostrar que su experiencia no es individual, sino colectiva. La tesis central del libro es tan material como revolucionaria: una mujer debe tener dinero y un cuarto propio si quiere escribir ficción. Woolf desmitifica la creación artística.

El genio literario no brota del aire; necesita condiciones materiales. Necesita ocio, alimentación, salud y, fundamentalmente, privacidad. Para ilustrarlo, crea el célebre personaje de Judith Shakespeare, la hermana imaginaria de William Shakespeare, poseedora de idéntico talento pero cuyo destino fatal —el embarazo no deseado, la condena social y el suicidio— demuestra cómo la historia sepultó el potencial de las mujeres por falta de oportunidades económicas y espaciales.

En este mapa de restricciones, la frase sobre la “libertad de la mente” adquiere su verdadera dimensión. Woolf reconoce las cadenas físicas y financieras que la sociedad impone, pero traza una línea roja en la conciencia. El cuerpo puede ser confinado al sendero de grava o expulsado de la biblioteca, pero el pensamiento es un territorio inexpugnable. Esta idea de la mente como un espacio libre e infinito resume de manera perfecta el corpus literario y existencial de la autora.

Para Woolf, la realidad no se encontraba en los hechos externos, sino en el flujo de la conciencia y en los pensamientos que chocan. Toda su vanguardia narrativa —desde la magistral caminata urbana en La señora Dalloway hasta la disolución del tiempo en Al faro o la fluidez de género en Orlando— fue un intento desesperado por capturar esa “libertad de la mente”. Sus personajes habitan monólogos interiores donde las convenciones sociales caen y la psiquis vuela sin ataduras de género ni de época.

A casi un siglo de su publicación, Un cuarto propio sigue siendo una obra de una vigencia escalofriante. Ha influido en generaciones de pensadoras, desde Simone de Beauvoir hasta las teóricas del feminismo contemporáneo. La potencia de la cita elegida radica en que no es un grito de resignación, sino un acto de resistencia. Virginia Woolf sabía que los candados de las bibliotecas terminarían rompiéndose si las mentes que intentaban entrar permanecían indomables.

¿Quién es Virginia Woolf?

Virginia Woolf, nacida como Adeline Virginia Stephen en Londres en 1882, creció en un ambiente intelectual de la alta burguesía victoriana, rodeada por la inmensa biblioteca de su padre, el crítico Leslie Stephen. Tras la muerte de sus progenitores, se trasladó con sus hermanos al barrio londinense de Bloomsbury, donde se convirtió en la figura central y fundadora del célebre Círculo de Bloomsbury, un grupo de intelectuales, artistas y filósofos que desafió las rígidas normas de la época.

En 1912 se casó con el escritor y político Leonard Woolf, con quien fundó la prestigiosa editorial Hogarth Press, sello que publicó no solo sus propios textos, sino también obras fundamentales de autores contemporáneos como T. S. Eliot y Sigmund Freud. Reconocida como una de las máximas figuras del modernismo literario anglosajón, revolucionó la novela del siglo XX mediante el uso magistral del monólogo interior y el flujo de la conciencia.

Entre sus obras cumbres destacan La señora Dalloway (1925), Al faro (1927), Orlando (1928) y Las olas (1931), además de sus revolucionarios ensayos feministas. A lo largo de toda su vida, batalló de manera privada contra un severo trastorno bipolar; tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, el bombardeo de su hogar en Londres y el temor a una nueva recaída en su salud mental, se quitó vida en 1941, sumergiéndose en el río Ouse con los bolsillos de su abrigo llenos de piedras.

Tras años de contracción en el mercado del arte, el sector se prepara para lo que podría ser una temporada de subastas de primavera espectacular, que comienza este jueves y finaliza una semana después. Las señales son claras: la bolsa ha estado al alza, las familias de multimillonarios fallecidos están vendiendo sus obras de arte y muchos multimillonarios vivos desean adquirir un pedazo de historia. Sí, hay guerras en Oriente Medio y Ucrania; la inflación sigue en aumento. Pero el ambiente en el sector del arte de lujo vuelve a ser optimista, por primera vez en años.

Christie’s, Sotheby’s y Phillips pretenden vender más de 2.600 millones de dólares en arte durante la próxima semana. Esta cifra sigue estando muy por debajo de los 3.200 millones de dólares que vendieron en subastas similares en noviembre de 2022, el máximo reciente del mercado, pero es más de un 60% superior a la estimación máxima de 1.600 millones de dólares de las ventas de mayo pasado.

Las expectativas se ven impulsadas por una colección de obras de arte excepcionales, más amplia y valiosa que la que las casas de subastas han tenido en mucho tiempo. Se espera que once lotes se vendan por 50 millones de dólares o más este mes, en comparación con solo dos en mayo de 2025.

Las obras más caras de esta temporada fueron creadas por artistas de renombre como Jackson Pollock y Mark Rothko, lo que representa un refugio seguro en un mercado que ha capeado casi cuatro años de turbulencias. Las obras también provienen de las colecciones de algunos de los mecenas más destacados del arte moderno y contemporáneo, como el magnate editorial S.I. Newhouse, la filántropa Agnes Gund y los galeristas Marian Goodman y Robert Mnuchin.

“Este es un momento en el que el mercado del arte y la historia del arte convergen”, dijo Betsy Bickar, directora de asesoría artística de Citi Wealth. “No se podría imaginar una mejor procedencia para algunas de estas piezas”.

Por el contrario, las últimas subastas importantes de Nueva York se basaron en parte en piezas estrella imperfectas —como un busto de Alberto Giacometti que aspiraba a alcanzar los 70 millones de dólares pero que fracasó sin comprador— y lotes que generaron tanto memes como ventas. Entre estos últimos se encontraban un plátano de 6,2 millones de dólares, un esqueleto de Triceratops juvenil y un inodoro dorado funcional titulado América.

“En los últimos cinco años se ha vuelto un poco barroco”, dijo Robert Manley, presidente y director mundial de arte moderno y contemporáneo de Phillips (que vendió el Triceratops). “Cuando uno tiene una sobreabundancia de obras magníficas en su campo, simplemente ve menos de eso”.

Además de las ventas récord de obras de Gustav Klimt, Frida Kahlo y otros artistas el pasado noviembre, los expertos señalan que el cauto optimismo del mercado también se debe a un ajuste de las expectativas. Los vendedores están más dispuestos a desprenderse de tesoros por menos de lo que habrían pagado en el punto álgido del mercado.

Las obras canónicas de hombres blancos fallecidos son las protagonistas de esta temporada, alterando una tendencia reciente en la que artistas mujeres, artistas vivos y artistas de color alcanzaron nuevos hitos. El número de obras de artistas ultracontemporáneos —nacidos en 1975 o después— ha disminuido en casi tres cuartas partes en comparación con hace cuatro años, y su valor conjunto estimado en mayo de este año es casi una décima parte de lo que era entonces.

Algunos veteranos del sector afirman que este cambio indica una disminución de las pujas especulativas, más que un cambio radical en los gustos.

¿Podría la incertidumbre económica generalizada atenuar el entusiasmo? En el contexto de “un mundo que se percibe muy frágil, por razones obvias —ya sean conflictos, política, precios de los insumos o el impacto de la IA— el arte se presenta como una excelente reserva de valor”, afirmó Charles Stewart, director ejecutivo de Sotheby’s.

Con la apertura de la subasta el jueves, aquí hay cinco obras clave que ayudarán a determinar si los compradores están de acuerdo.

Jackson Pollock

“Número 7A, 1948” (1948), aproximadamente 100 millones de dólares, Obras maestras de Christie’s: La colección privada de SI Newhouse, lunes 18 de mayo.

Las dos obras más caras que se ofrecen este mes —con un precio estimado de nueve cifras cada una— provienen del legado de Newhouse. Sin embargo, el entusiasmo por el busto mitológico de bronce y pan de oro de Constantin Brancusi, Danaïde, palidece en comparación con Número 7A, 1948 de Pollock, la que probablemente sea la pieza estrella del conjunto. En total, se estima que la cuarta tanda de obras de la colección de Newhouse que se subasta desde su fallecimiento en 2017 alcanzará un valor superior a los 450 millones de dólares.

Según Christie’s, Número 7A, 1948 es la primera pintura de gran formato realizada por Pollock mediante la técnica del goteo que se subasta desde 1961, y un raro ejemplo temprano de su característica innovación: verter óleo y esmalte sobre un lienzo en el suelo.

Alex Rotter, presidente mundial de Christie’s, calificó 1948 como “el año en que Pollock añadió otra capa a la historia del arte, donde la abstracción se convierte en ritmo y danza”.

La última obra importante de Pollock vendida en subasta fue un esmalte de 1951 perteneciente a la colección de la pareja en proceso de divorcio Harry y Linda Macklowe, en noviembre de 2021. Esa pieza, que Sotheby’s vendió por 61,2 millones de dólares, medía aproximadamente cinco pies por cinco pies, un tamaño modesto en comparación con el trofeo de Newhouse, que mide casi 11 pies de largo.

Según los expertos, otras dos pinturas de goteo de Pollock de 1948 se han vendido en el mercado privado por precios superiores a los 100 millones de dólares: Número 5, por 140 millones de dólares en 2006; y Número 17A, por unos 200 millones de dólares en 2015. (Según se informa, ambas fueron vendidas por el ejecutivo discográfico David Geffen). El lienzo sin tratar, la paleta de colores limitada y la composición más austera hacen que la obra de Newhouse tenga mayor relevancia histórica.

«Nadie con quien he hablado piensa que la estimación más baja sea cara», dijo David Schrader, expresidente y director global de ventas privadas de Sotheby’s, y fundador de Pace Di Donna Schrader Galleries, una galería del mercado secundario. «Podría alcanzar cualquier precio si las dos o tres personas adecuadas lo desean».

Donald Judd

“Sin título” (1969), entre 10 y 15 millones de dólares, Christie’s Defined Space: La colección de Henry S. McNeil, Jr., miércoles 20 de mayo

Hace aproximadamente una década, las esculturas vanguardistas y de líneas definidas de artistas minimalistas como Donald Judd y Dan Flavin estaban de moda, y ventas como la subasta de 2023 de una obra mural de madera, hierro y aluminio de Judd alcanzaron la cifra récord de 14,2 millones de dólares. “Ahora siento que no tengo a nadie interesado en este tipo de obras”, dijo Saara Pritchard, asesora de arte y socia de Fair Warning, una plataforma de subastas.

¿Podrá la colección del difunto heredero de Tylenol, Henry S. McNeil Jr., darle al mercado minimalista el impulso que necesita? Christie’s apuesta por ello. McNeil reunió lo que los expertos consideran el tesoro minimalista más importante que se ha subastado en 20 años.

Christie’s pagará a los hijos de McNeil —quienes crecieron con dibujos de Sol LeWitt en las paredes de sus habitaciones— una suma garantizada (pero no revelada) independientemente del resultado de la subasta. La subasta, que podría generar hasta 30 millones de dólares, está encabezada por la escultura de cobre y plexiglás rojo de Judd, de 1969, que se extiende desde el suelo hasta el techo y emite un brillo rosado; y la primera escultura de tubos fluorescentes de Flavin, de 1963 (con un precio estimado de entre 1,5 y 2 millones de dólares).

Los expertos ofrecen diversas explicaciones para la pérdida de atractivo del minimalismo. En un mercado dominado por pinturas visualmente atractivas, el minimalismo resulta poco inspirador en Instagram, y sus materiales industriales pueden parecer carentes de emoción. «En los últimos años, casi se ha menospreciado: “Ah, esta obra es intelectual”», comentó el galerista David Zwirner, representante del legado de Flavin. «Creo que la situación cambiará».

Mark Rothko

“Brown and Blacks in Reds” (1957), entre 70 y 100 millones de dólares, subasta nocturna Robert Mnuchin: Collector at Heart de Sotheby’s, jueves 14 de mayo

Esta temporada pondrá a prueba la capacidad del mercado para absorber obras del expresionista abstracto Mark Rothko: las subastas vespertinas incluyen cinco ejemplos de este artista letón-estadounidense, cuyo récord en subasta se estableció en 2012 con una onírica pintura naranja de 1961. La cifra a superar es de 87 millones de dólares, o 125 millones en dólares actuales. Y hay dos pinturas que podrían alcanzar ese récord.

Según los expertos, el atractivo de una obra de Rothko reside en cómo los colores resuenan en cada persona. Es “uno de los pocos artistas cuyas obras son prácticamente imposibles de comparar”, afirmó Pritchard.

Sotheby’s será la primera casa de subastas el 14 de mayo con este lienzo procedente del legado de Robert Mnuchin, fundador de la prestigiosa Galería Mnuchin. La pintura, que presenta tres bloques de color oscuro sobre un fondo rojo sangre, cuenta con una garantía de preventa que asegura su venta, aunque no necesariamente un precio récord.

Cuatro días después, Christie’s subastará “N.º 15 (Dos verdes y raya roja)”, de 1964, una de las tres obras del legado de Gund, fallecido el pasado septiembre. Se estima que esta envolvente pintura abstracta en verde bosque, índigo, negro y rojo cereza —una paleta atípica para Rothko— alcanzará un precio mínimo de 80 millones de dólares.

Christie’s tardó más que Sotheby’s en obtener una garantía de terceros —el compromiso del comprador de un precio mínimo por adelantado—, lo que sugiere que el mercado de Rothko podría estar enrareciéndose. En los últimos cinco años, seis obras de Rothko se han vendido por más de 40 millones de dólares en subasta. “¿Cuántos compradores nuevos están dispuestos a pagar 80 millones de dólares?”, preguntó Pritchard.

Gerhard Richter

“Kerze (Vela)” (1982), entre 35 y 50 millones de dólares, subasta nocturna Marian’s Richters & 21st Century de Christie’s, miércoles 20 de mayo

Si bien Mnuchin era una presencia constante en la sala de subastas, Marian Goodman mantenía el mercado secundario al margen. “La lealtad de Marian era hacia el artista", afirmó la asesora de arte Wendy Cromwell.

Goodman era conocida por acercar al público estadounidense obras sofisticadas, a veces transgresoras, de artistas europeos. Christie’s subasta un conjunto de obras de su descubrimiento más famoso: el artista alemán Gerhard Richter. ¿Merece la pena pagar un precio elevado por el prestigio de esta importante galería?

La pieza estrella es esta evocadora pintura de una vela de 1982. Richter, que alternaba entre la abstracción y la figuración, la creó pintando su propia fotografía de una vela y difuminando ligeramente la imagen con un pincel seco. Cuando la serie se presentó a principios de los años 80, ninguna se vendió, pero Goodman reconoció su importancia y adquirió esta obra poco después de comenzar a representar a Richter. Ahora, estas obras se encuentran entre las más codiciadas del artista.

La venta sirve también como prueba para el mercado de subastas de Richter, que ha caído un 80 % desde su máximo de 2014, según la plataforma de información sobre arte y objetos de colección ARTDAI. Una de las razones de este descenso ha sido la escasez de obras de alto valor en las subastas, según los datos.

Según Christie’s, solo existen 28 cuadros de esta serie. “Si quisieras un cuadro de velas de Richter, probablemente tendrías que esperar cerca de 15 años", dijo Bickar, de Citi Wealth.

Willem de Kooning

“Milkmaid” (1984), entre 10 y 15 millones de dólares, Lévy Gorvy Dayan, sábado 16 de mayo

Una forma alternativa de comprar y vender arte es participar en la temporada alta de subastas: las subastas privadas. En estos eventos, solo por invitación, a menudo se ofrece un único lote, convirtiéndolo (y a su vendedor) en el centro de atención.

La galería Lévy Gorvy Dayan organiza una subasta privada de este cuadro de De Kooning, que perteneció al Museo de Arte Moderno de San Francisco. La subasta se realizará mediante transmisión en directo, accesible únicamente a clientes seleccionados, quienes pujarán de forma confidencial por teléfono.

«Tanto el comprador como el vendedor desean adoptar este modelo», declaró Brett Gorvy, fundador de la galería y expresidente y director internacional de arte de posguerra y contemporáneo de Christie’s, al ser consultado sobre la motivación de la nueva iniciativa (denominada LGD Hammer). Entre sus ventajas, añadió, destacan una mayor flexibilidad en la programación, una menor exposición pública y comisiones más bajas. Gorvy explicó que el comprador pagará una comisión del 16 %, en comparación con el 20 % que se cobra en una casa de subastas importante.

Este enfoque fue popularizado por Fair Warning, la plataforma de subastas basada en una aplicación, fundada en 2020 por Loïc Gouzer, quien sucedió a Gorvy en Christie’s antes de marcharse para fundar la empresa. Fair Warning celebrará su propia subasta privada el 20 de mayo, de la pintura de Banksy de 2012 titulada “Niña y globo en un paisaje encontrado”. La subasta tendrá lugar en la tienda insignia de Tiffany & Company en Madison Avenue, y la obra, con una estimación de entre 13 y 18 millones de dólares, es la más alta jamás otorgada a una pieza de Banksy en una subasta.

“Creo que el modelo de las grandes casas de subastas tiene fallos y las comisiones son demasiado altas cuando hay personas con la misma experiencia que ofrecen estas alternativas”, dijo Meredith Darrow, asesora de arte, refiriéndose a Fair Warning y LGD Hammer.

Durante las próximas dos semanas, los espectadores podrán comprobar la solidez del mercado de subastas tradicional.

La administración Trump enfrenta una nueva controversia judicial tras iniciar una demanda federal para expropiar 5,6 hectáreas de terreno pertenecientes a la Diócesis Católica de Las Cruces, con el objetivo de instalar un tramo adicional de barrera fronteriza en un área de fuerte valor religioso y cultural.

La propiedad, situada en las faldas del Monte Cristo Rey —una montaña de 219 metros coronada por una estatua de Jesús de 8,8 metros de altura— es centro de peregrinaciones anuales que reúnen hasta 40.000 personas y constituye un sitio protegido por la libertad religiosa en uso tanto cultural como litúrgico, según alega la diócesis.

La argumentación central del gobierno sostiene que la expropiación es necesaria para fortalecer la seguridad en la frontera entre Estados Unidos y México, mientras que la diócesis denuncia una violación a la Primera Enmienda, según documenta The Texas Tribune y amplía The New York Times.

La cifra de USD 183.000 y el antecedente en Big Bend: el litigio escala en el suroeste

De acuerdo con documentos judiciales citados por The Texas Tribune, la administración de Donald Trump ofreció a la diócesis una compensación de USD 183.000 por el terreno, ubicado en el único tramo sin valla en la zona de El Paso, lo que permitiría instalar barreras y tecnología de vigilancia avanzada.

Esta suma se da en el marco de una serie de acciones similares en el suroeste estadounidense: en 2025, los planes de instalar barreras físicas en el Big Bend National Park fueron finalmente descartados tras la oposición pública de sectores tanto demócratas como republicanos, así como de grupos ambientalistas y residentes locales, de acuerdo con The New York Times.

La Diócesis de Las Cruces resiste la iniciativa y alega en la demanda que la construcción afectaría de modo irreversible el carácter sagrado y el uso tradicional del sitio, además de obstaculizar rutas de peregrinación y transformar un espacio de encuentro religioso en un símbolo de división.

El documento enfatiza: “Cualquier acción federal para confiscar este terreno, levantar barreras físicas o impedir el acceso al Monte Cristo Rey constituiría una infracción significativa a la libertad religiosa y los derechos de culto”, según cita The Texas Tribune.

Antecedentes históricos en el Monte Cristo Rey

El sitio en disputa tiene antecedentes históricos que refuerzan su significado cultural. Según The New York Times, en la década de 1930, la diócesis encargó al escultor español Urbici Soler diseñar la estatua que hoy se erige en la cima.

Desde entonces, cada otoño se realiza una ceremonia religiosa para celebrar la festividad de Cristo Rey, celebrada actualmente en noviembre y que reúne fieles de ambas diócesis —Las Cruces y El Paso—; algunos participan descalzos y otros recorren los 5 kilómetros de ascenso de rodillas.

Desafío medioambiental en el Monte Cristo Rey

El área es además un corredor natural y parte de una zona bi-nacional de alta biodiversidad. Ray Aguilar, biólogo y conservacionista de Ciudad Juárez, advirtió a The Texas Tribune que la instalación de más barreras podría agravar el riesgo de extinción de flora y fauna locales.

Esto se debe a que el Monte Cristo Rey conecta la Sierra de Juárez en México y las montañas Franklin en Texas: “Las plantas y los animales no reconocen fronteras”. Impactos de esta magnitud sólo ponen en riesgo una biodiversidad ya amenazada, sostuvo.

Seguridad fronteriza y debate político ante la presencia de migrantes

El gobierno federal fundamentó la demanda en la necesidad de sellar un corredor que, según la Patrulla Fronteriza, es utilizado por traficantes de personas, aunque los cruces migratorios se han reducido drásticamente desde 2025, de acuerdo con datos reportados por The New York Times.

La zona registró un récord de fallecimientos de migrantes desde que se incrementó la presencia militar y la vigilancia tecnológica.

Mientras tanto, existen posturas distintas al interior de la comunidad local. Ruben Escandon, Jr., portavoz del Mount Cristo Rey Restoration Committee, una organización no vinculada a la iglesia que supervisa el lugar, manifestó su apoyo a nuevas barreras y alega que la seguridad no impedirá el acceso de los fieles y ayudará a preservar el aspecto artístico y religioso del sitio.

En contraste, la congresista Veronica Escobar, demócrata por El Paso, criticó en The Texas Tribune la estrategia de la administración Trump: “Existen otras formas de garantizar la seguridad fronteriza. En vez de eso, la administración Trump prefiere destruir este sitio sagrado”.

Procesos en curso y otros daños a patrimonio histórico

La decisión final sobre la expropiación se decidirá en una corte federal, y si la diócesis gana la demanda, el caso podría escalar a una instancia superior, según informó The New York Times.

Esta es la última de una serie de iniciativas similares: en Arizona, la construcción de barreras en 2025 dañó un sitio arqueológico indígena de más de 1.000 años de antigüedad, un hecho que provocó condenas de organizaciones patrimoniales.

En 2026, la empresa SLSCO obtuvo un contrato de USD 95 millones para erigir barreras de acero reforzadas con concreto de 9 metros de altura cerca del Monte Cristo Rey, donde se iniciaron los trabajos, según reportó The Texas Tribune.

Ecatepec le da la bienvenida al Mundial 2026, con una propuesta cultural y deportiva enfocada en que los ciudadanos del lugar y los visitantes de otras partes de México y el mundo puedan sentir la euforia de este evento deportivo.

La presidenta municipal, Azucena Cisneros dio a conocer por medio de una conferencia de prensa, el proyecto “Ecatepec Pal Mundo”, una iniciativa del gobierno estatal que abarcará todas las zonas del municipio más poblado del Estado de México.

“Ecatepec, señoras y señores, va a ser el corazón popular de esta fiesta en el Estado de México. Miles de turistas nacionales y extranjeros pasarán por nuestro municipio. Vamos a arrancar con algo que nos va a llenar de identidad y de orgullo visual que se llama el paseo cultural Ecatepec pal mundo”, declaró la funcionaria.

¿Qué es Ecatepec Pal Mundo?

Esta iniciativa se trata de un recorrido cultural e histórico, donde a través de nueve esculturas mundialistas monumentalistas los interesados podrán disfrutar de figuras alusivas al legado de la localidad.

Estas piezas estarán disponibles en diversos puntos del municipio, con el objetivo de que todas las personas puedan tener la oportunidad de pasar un buen momento y formar parte de las celebraciones por la Copa del Mundo en

“Para que todos y todas puedan ir a tomarse la foto, sentirse parte de la fiesta y decir con orgullo: Esto es Ecatepec”, expresó la líder municipal.

¿Dónde ver el Mundial 2026 en el municipio?

Otro de los proyectos anunciados es el “Panbol Fest Ecatepec 2026″, un evento que busca reunir a fanáticos de este deporte en zonas al aire libre diseñadas para vivir la fiesta mundialista, con la transmisión en vivo de los partidos más importantes del Mundial 2026.

Adicional a esto, se organizará el torneo de fútbol “Que ruede el balón por la paz”, el cual se integra de varias jornadas futbolísticas. La primera etapa dará inicio a finales de mayo, la segunda en junio y habrá una última programada para el mes de julio.

“Vamos a estar llevando a cabo lo que es la Copa Barrio, la Paraolímpica, la Edad de Oro, porque tenemos todavía gente de la Edad de Oro que practica el fútbol de manera excelente y espectacular, trabajadores y la Copa Escolar”, manifestó Cisneros.

Para participar en alguno de estos eventos deportivos, los registros se estarán realizando directamente en las oficinas de INCUFIDEM, así como en las páginas y en los espacios recuperados con Cambia de cancha.

Está listo el Festival del Pulque Tradicional y se convoca a los mexiquenses para que puedan disfrutar de un evento que tendrá degustaciones y eventos musicales.

El evento, organizado por el Gobierno del Estado de México y la Secretaría de Cultura y Turismo a través del Centro Regional de Cultura de Atizapán, busca fortalecer la identidad local y promover el consumo responsable de pulque.

El festival integra actividades como danza, música en vivo, talleres, ilustración y exhibiciones relacionadas con la historia y elaboración del pulque.

De acuerdo con la convocatoria difundida por las autoridades estatales, la programación incluye presentaciones de grupos locales y charlas enfocadas en la preservación de tradiciones vinculadas a esta bebida fermentada de origen prehispánico.

Festival impulsa la economía local y preserva tradiciones

El Festival del Pulque Tradicional representa una oportunidad para comerciantes, productores y artistas de la región. Los asistentes podrán degustar variedades de pulque natural y curado, preparados con frutas y sabores populares, así como adquirir productos derivados del maguey y artesanías temáticas.

Además, se espera la participación de cocineros y promotores culturales enfocados en rescatar recetas tradicionales y difundir el valor histórico del pulque.

Este evento busca la presencia de centenares de personas, favoreciendo la venta directa de alimentos, bebidas y piezas de arte popular.

Las actividades contempladas incluyen talleres para niños y adultos sobre la elaboración del pulque y el uso integral del maguey, así como espacios culturales.

La cita es este 31 de mayo en el Mausoleo Adolfo López Mateos, ubicado en Calzada San Mateo Manzana 028, punto emblemático de la zona centro de Atizapán de Zaragoza.

Desde las 11:00 horas, el recinto abrirá sus puertas para ofrecer una muestra de la diversidad cultural y gastronómica de la región, donde el pulque será el protagonista junto a platillos típicos y expresiones artísticas.

La oferta musical del evento estará a cargo de grupos locales que interpretarán géneros tradicionales y modernos, generando un ambiente festivo en todo momento. El programa contempla la presencia de danzantes y músicos que acompañarán las actividades principales, permitiendo la interacción directa entre público y artistas.

El acceso al festival será gratuito, bajo el objetivo de garantizar la participación de la mayor cantidad de personas y promover la convivencia familiar.

Pulque, historia y futuro en el Estado de México

El pulque, bebida fermentada obtenida del aguamiel del maguey, forma parte del patrimonio cultural del centro del país. En Atizapán de Zaragoza y municipios vecinos, la producción y consumo de pulque persisten como símbolo de identidad y resistencia comunitaria.

Festivales como este permiten visibilizar el trabajo de productores locales y fortalecer la cadena de valor del maguey, desde el campo hasta la mesa.

El gobierno del Estado de México y la Secretaría de Cultura y Turismo reiteran la invitación a participar en esta jornada de celebración, aprendizaje y disfrute, resaltando que la entrada es libre y el evento está dirigido a todo público.

“Sí, soy muy metódico”, dice Santiago Posteguillo y se acomoda los lentes. Tenía 41 años cuando publicó su primera novela, Africanus: el hijo del cónsul, la primera de la trilogía sobre Escipión el Africano. Tres años después, en 2009, cuando salió la tercera parte, La traición de Roma, después de Las legiones malditas, ya era un autor bestseller. El mecanismo le funcionó, no solo al público, sino a él. Y lo repitió: siguió con una trilogía sobre Marco Ulpio Trajano y otra sobre la historia de la literatura.

Cuando terminó de escribir Yo, Julia, sobre la emperatriz romana Julia Domna, decidió inscribirla en el Premio Planeta. Y lo ganó. Dos años después continuó la saga con Y Julia retó a los dioses. Pero todos estos libros, todas esas horas de escritura e investigación, todas estas novelas acumuladas una tras otra, apenas fueron una preparación para lo que finalmente llegó: abordar la vida de Julio César. “Es un proyecto que ha estado conmigo desde siempre, pero me daba vértigo”, confiesa.

“Es un proyecto de doce años de trabajo y seis novelas”, dice. En 2022 publicó Roma soy yo, en 2023 Maldita Roma y el año pasado Los tres mundos. A presentar esta última vino a Buenos Aires, para participar de la Feria del Libro. “Acabo de finalizar la trilogía del ascenso político y militar de César, pronto vendrá la trilogía del poder absoluto de César”, cuenta y se vuelve a acomodar los lentes. Está en el Hotel Alvear, en su habitación, desde donde mira la ciudad eterna. Le habla al teléfono, en alta voz.

Santiago Posteguillo es un académico clásico. Lentes de lectura, camisa lisa, zapatos lustrados, mentón afeitado. Es filólogo y lingüista por la Universidad de Valencia —su ciudad de origen, donde hoy reside—, estudió literatura creativa en la Universidad de Denison en Estados Unidos, y Lingüística y Traducción en Gran Bretaña. Su fascinación por la Antigua Roma nació un día de calor, cuando era un nene, caminando entre los monumentos de la capital italiana, señalando a cada uno y preguntando por todos.

“Cuando aún no había publicado nada, empezar por Julio César implicaba meterse en el universo de muchos personajes, porque César va acompañado de Marco Antonio, Craso, Augusto, Cleopatra, Cicerón, Bruto, Pompeyo: todos merecedores de sagas por sí mismos. Eso me abrumaba. Necesité escribir ocho novelas históricas antes de la antigua Roma para sentirme con la suficiente capacidad narrativa de abordar este proyecto. Un día dije: “Bueno, ahora sí me atrevo”. Pero con todo planificado", recuerda.

“Esa fascinación es parte del reflejo de la fascinación global que nuestra civilización occidental tiene del mundo romano y en particular de César. Los tres mundos, que habla de la conquista de las Galias por Julio César, del 58 al 53, es el origen de la civilización occidental. Hay una parte que bebe de la Antigua Grecia, con la democracia, etcétera, pero cuando César une a una Hispania romanizada y a un poder central de Italia, lo que está haciendo es forjar Occidente. Es lógico que César fascine, ¿no?“, dice.

“César fascina porque forja Occidente, porque crea Occidente”, continúa Posteguillo. “Somos hijos de César. Luego podemos tener los debates que queramos sobre si Occidente ha sido bueno o malo, positivo o perverso para el mundo, pero es incuestionable que Occidente lo crea César en esos cinco años. Por eso es normal que tengamos fascinación por Julio César en torno a quien pivota toda la civilización romana de la cual somos herederos. Por eso creo que tenemos esa fascinación”.

Esa fascinación se fue politizando con el tiempo. Quizás el punto más alto, al menos en el último siglo, fue con el fascismo. Una fascinación imperial. “Mussolini hizo una manipulación pura y dura”, dice Posteguillo. “Hizo la Vía de los Foros Imperiales para poder hacer sus desfiles militares e impresionar a Hitler con ese pasado legendario, el de una antigua Roma todopoderosa. Mussolini se apoyaba en ese origen de Occidente para justificar acciones absolutamente injustificables“, agrega.

“Pero más allá de que a la civilización romana se la hayan intentado apropiar a lo largo de la historia, es nuestro origen, porque ahora estamos hablando un idioma, que es una derivación directa del latín. Nuestra organización política con senados y congresos, es un reflejo de la organización que tenía la Antigua Roma. Nuestro derecho es una evolución del derecho romano. Hasta en lo trivial: poner en el calendario los días festivos en rojo o la siesta, la hora sexta, que era la del descanso del mediodía”, continúa.

Una fascinación política, decíamos, y una fascinación estética: un deslumbramiento. “Es como cuando te enamoras de alguien: lo idealizas, no puedes ver que esa persona tiene muchas virtudes, pero también algunos defectos. Lo ignoras por tu fascinación. Y cuando se nos pasa el enamoramiento, aparece la vida real. Para que esa relación sea sostenible tienes que combinar tu idealización con la realidad. Estas cosas pueden pasar también con nuestro enamoramiento por sociedades pasadas”, reflexiona.

“La sociedad de la antigua Roma tiene algunas cuestiones de las que podemos aprender mucho. Sus políticos podían tener un nivel cultural muy importante. En Los tres mundos aparece un Cicerón que está editando un libro del filósofo Lucrecio y se lo envía a sus oponentes políticos como Pompeyo y César porque les interesa su opinión. ¿Tú te imaginas a un presidente de una democracia occidental, no solo editando un libro de filosofía, sino enviándoselo a sus opositores? Yo tampoco", dice.

También están “las sombras de esa civilización”. “En mis novelas intento mostrar los grandes logros de Roma, pero también sus pecados y errores: la corrupción, la traición, la inmoralidad”, y concluye: “Yo intento que mi pasión por esa civilización de la que somos hijos no me ciegue. De César podemos aprender porque tuvo más aciertos que errores, pero no te voy a omitir los errores. Intento un equilibrio entre la fascinación y lo real, para que pueda surgir, junto con el entretenimiento, una reflexión.

“Como decía antes: te pueden gustar tus padres, pero no puedes cuestionar que son tus padres. Pues eso nos pasa con Roma”, dice Posteguillo horas antes de ir a la Feria del Libro de Buenos Aires a presentar Los tres mundos. Toda esa gente que finalmente fue a verlo a La Rural —muchísima, propia de un bestseller— “te hace ver que todas esas horas que pasas solo, porque el trabajo de un escritor es muy solitario, en verdad no estás tan solo, sino que hay mucha gente que está ahí, esperando”.

Este año, Perú fue el Invitado de Honor de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Por primera vez no se trató de una ciudad, sino de una país entero. Desde su stand se construyó un puente cultural que unió la tradición milenaria con las urgencias del presente. En esta literatura conviven figuras tutelares de la talla de Blanca Varela y su descarnado Canto villano con clásicos indiscutibles como José María Arguedas, quien en Los ríos profundos trazó la cartografía del mestizaje y la identidad andina.

Más allá de los nombres consagrados, la delegación ofreció una ventana hacia la diversidad geográfica y social del país, destacando especialmente la voz de la Amazonía. A continuación, los diez libros esenciales para descubrir por qué la narrativa peruana sigue siendo una de las más vigorosas del continente.

Canto villano. Poesía reunida, 1949 - 1994 - Blanca Varela - Fondo de Cultura Económica del Perú

Es una obra profundamente concreta que desnuda el malestar existencial y la inquietud ante la vida material y cotidiana. A través de un lenguaje visceral y directo, la poeta explora temas como el sufrimiento, la soledad y la resistencia del cuerpo en el mundo. La edición ampliada por el FCE (2023) reúne sus poemas desde 1949 hasta 1994, ofreciendo una visión integral de su evolución lírica.

Su voz, audaz y despojada de artificios, convierte el dolor en arte, posicionándose como una figura clave de la poesía latinoamericana del siglo XX.

Los ríos profundos - José María Arguedas - Editorial Horizonte

Un clásico de la literatura peruana, Los ríos profundos es una novela que retrata la vida de Ernesto, un niño mestizo que vive en el ande con su padre. A través de su mirada, la obra explora las tensiones sociales, culturales y raciales del Perú rural. El relato profundiza en la identidad mestiza, el desplazamiento y la búsqueda de pertenencia. El personaje del ‘viejo’ simboliza la figura del anciano como soporte emocional y cultural, aunque también refleja el aislamiento. La narrativa combina realismo mágico con un lenguaje auténtico en quechua y español, destacando la voz indígena en la literatura peruana. Es una obra clave del realismo crítico y la denuncia social.

Trilce - César Vallejo - Fondo editorial Universidad César Vallejo

Trilce se ha convertido en una de las cimas poéticas más importantes en castellano. Poblado de símbolos, ruptura, caos, estremecimientos y reflexiones sobre la madre, el dolor y el estrujamiento de la condición humana, parece que en este texto confluye todo e implosiona. Vallejo usa el lenguaje para destruirlo y fundar uno nuevo.

Un mundo para Julius - Alfredo Bryce Echenique - Grupo Editorial Peisa

Un mundo para Julius es una de las novelas más divertidas y sutiles de la literatura latinoamericana. A través de la mirada y la sensibilidad de un niño, Alfredo Bryce Echenique describe el mundo indiferente y refinado de la oligarquía. Si bien la crítica es profunda, al mismo tiempo está matizada por un humor delicioso, una ternura discreta y una dulce nostalgia.

El espía del Inca - Rafael Dummet - Penguin Random House

El Inca Atahualpa, Señor del Principio, ha sido capturado por unos extraños barbudos que han llegado hasta Cajamarca montados en llamas gigantes y premunidos de mortales cilindros en los que habita Illapa, el dios del Trueno y el Relámpago. El Mundo de las Cuatro Direcciones se encuentra en peligro mortal.

La misión de rescatar al Inca recae en Salango, un espía chanca del servicio secreto del incario, Contador-de-un-Vistazo, tejedor de quipus y protagonista de esta monumental novela. Pero sus casi mil páginas no se sostienen solo en esta única tarea, sino también en la minuciosa reconstrucción de una civilización portentosa y singular, la incaica, en que colisionan las lealtades y bullen la codicia, la traición y la ambición de poder.

Poco tiempo después de su primera publicación, El espía del Inca se convirtió, según la crítica especializada, en la mejor novela de lo que va del nuevo siglo. Por un lado, recrea, con sólida documentación histórica pero con las licencias de la ficción novelística, el infructuoso rescate del Inca. Por otro, da nueva vida a los personajes que poblaron nuestros territorios en los instantes primeros de nuestra nación, de nuestras naciones.

Niños del pájaro azul - Karina Pacheco Medrano - Penguin Random House

Ambientados en parajes rurales, acantilados y selvas exuberantes donde aún perviven las huellas indígenas, estos cuentos reflejan cómo el abuso de poder, venga de la corrupción, el narcotráfico, la violencia de género, estatal o insurgente, condiciona la vida de sus protagonistas: niños expuestos a todo tipo de opresiones y asedios.

A través de relatos donde la naturaleza emerge con voz propia, los ecos de la infancia se convierten en memoria reparadora y, a la vez, en motores desencadenantes de las tramas: un arco de historias que nos confronta con la inapelable búsqueda de justicia y con las vueltas de tuerca que el azar teje frente al olvido.

Ave de la noche - Pilar Dughi - Cocodrilo Ediciones

Los relatos de este libro exploran, desde la cotidianeidad, la lucidez, la fragilidad y las tensiones. La autora construye personajes de psicología compleja y realista: avanzan entre dudas, empujados por un destino que algunos intentan evadir o alterar, mientras otros terminan siendo arrastrados por este.

Estas historias recorren escenarios y preocupaciones de la sociedad peruana de los noventa: arraigados prejuicios, machismo, crímenes silenciados, pederastia, las secuelas del conflicto armado interno. Esta reedición permite volver a una obra cuya precisión narrativa y sensibilidad estética continúan marcando un hito en la literatura peruana.

Estancias de Emilia Tangoa - Ana Varela Tafur - Pakarina Ediciones

Los poemas que conforman este libro, como un amplio mosaico, arman trazo a trazo el paisaje de un ámbito natural donde los pueblos indígenas han existido desde los días prístinos de la historia, en el que han convivido con el tiempo, desarrollando una cultura y un saber esenciales para hacerles posible no solo su supervivencia y evolución, sino el sostenimiento del mundo.

Sin embargo, no se ha podido evitar la invasión de ciertas improntas civilizatorias que ponen en riesgo, ya no la supervivencia de esos sujetos que han convivido con la naturaleza, sino la propia subsistencia de ésta. Con un lenguaje sencillo, como quien nombra lo que hay a su alrededor para afirmarlo y preservarlo en la memoria, la poeta nos ofrece una mirada de conjunto del prolífico mundo amazónico.

El vuelo de tu mirada - Compilado de Melissa Mendieta - Yara Ediciones (Iquitos)

Este libro de poesía femenina amazónica reúne a 38 poetas de las cuencas amazónicas de Perú, Ecuador, Brasil, Venezuela, Colombia y Bolivia. Se trata de una gran contribución a los estudios de la literatura amazónica en tanto es una de las primeras recopilaciones que entrega una muestra completa de las voces femeninas que escriben poesía en la Amazonía.

Así, estas voces poéticas que no comparten la misma profesión, ni la misma nacionalidad ni la misma ciudad, despliegan un conjunto complejo de temas a través de sus estilos diversos.

Lejos de mí decirles (Poesía reunida 1978-2018) - Mario Montalbetti - Personaje Secundario

Este libro ofrece desde su indagación insistente en la dimensión esquiva o ciega de la lengua, en principio, una dificultad: la de ponernos una y otra vez ante la negativa a colmar nuestra ansiedad por explicaciones. Pero la experiencia de convivir con esa dificultad tiene ventajas: permite advertir que, después de Montalbetti, disponemos de una lengua menos presuntuosa, más ligera, más especulativa, más apta para tramitar sus fallas o aporías y hasta para incorporarlas como condición de cualquier decir.

Sugiero no distraer cada ocasión en que se escribe ‘afuera’. Sin embargo, pregunto: ¿por qué esta intervención decisiva proviene de un poeta peruano? El recuerdo de cualquier verso de Trilce no parece tan determinante como la referencia al ‘complicado bilingüismo andino de palabras y cosas’. Tal vez se trate de los efectos de una ciudad (o de una palabra, ‘Lima’), indistinguible de un ‘óvalo’ que, con sus curvas, circunferencias y elipsis, efectúa ya una reducción formal del territorio.

Otra respuesta podría estar en las derivas de siglos —o, mejor, de espacios— de la lengua, pertinentes para que de pronto desde un verso se niegue la unidad del castellano y en su dispersión exponencial se detecte una oportunidad: la de ejercitar otras ideas de poema. Porque nunca se trata de uno; ni siquiera en el lugar de la enunciación: no, lenguaje privado no hay”.

En la conversación Alarcón sostuvo que el “periodismo con cuerpo”, característico de los años noventa, ha sido reemplazado por la virtualidad y la comodidad de la pantalla, afectando la capacidad de compromiso total para narrar historias relevantes. El periodista ejemplificó este cambio al recordar que en sus inicios, cubrir la realidad implicaba vivir jornadas completas en terreno, con presencia física sostenida, como cuando escribió Cuando me muera quiero que toquen cumbia: “Me levantaba a las siete, me iba a la villa, salía a las tres en San Fernando, tomaba un tren y llegaba a la redacción de Página y trabajaba hasta la noche”, contó.

Hoy, la crisis económica impone a los periodistas y ciudadanos un desafío adicional. Según Alarcón, el aumento de la deuda bancaria para adquirir alimentos y bienes esenciales marca un cambio decisivo en el tejido social argentino: “Cuando eso ocurra, en dos años, la mitad o más de los argentinos van a tener una deuda impagable. No la van a poder pagar. O sea, las deudas nos van a comer”, afirmó. Ante esta realidad, subrayó que la gestión de la escasez por medio del crédito es ya el único mecanismo posible para vastos sectores.

También reflexionó sobre la tensión entre la narrativa de futuro y la vivencia del presente para quienes ya están atrapados por la precariedad y el endeudamiento. “Setenta por ciento de los argentinos están de algún modo condenados al presente”, enfatizó. Rechazó la idea de que la población endeudada sea solo una víctima pasiva: “Hay un aprendizaje cotidiano sobre qué hacer”, añadió, señalando que en contextos de indigencia la comunidad y el intercambio solidario se vuelven formas cotidianas de resistencia.

Alarcón abordó la necesidad de reinventar las formas de contar historias. Definió el “periodismo performático” como un cruce entre investigación rigurosa y performance teatral, una modalidad que Argentina ha aportado tomando como base su tradición en teatro documental y biodrama. “El periodismo performático implica una investigación desde cero que se hace con el rigor de un Rodolfo Walsh de Operación Masacre, pero para producir no un texto periodístico narrativo, sino un texto dramatúrgico y una performance teatral”, explicó.

A diferencia de formatos internacionales, como el “live journalism” de TED Talks, esta modalidad local se sostiene en el largo aliento de la investigación y la colaboración multidisciplinar, y se realiza en espacios escénicos donde incluso es posible cobrar entrada, logrando cierta sustentabilidad. “Argentina es tan maravillosa que uno se puede alimentar de tradiciones que no existen en ningún otro lugar del mundo para inventar otra cosa”, afirmó el escritor.

Hasta el 15 de mayo se realiza el festival Futuro Imperfecto Vol. 3, con entrada libre y gratuita en el Teatro Picadero. Cada edición convoca a periodistas y artistas para experimentar en nuevos lenguajes. En la última convocatoria, lanzada en octubre con apenas veinte días de plazo, recibieron noventa proyectos. El impulso colectivo, la vitalidad que emerge del encuentro físico, es central también para la lectura: “Hay gente que lee. De hecho, ya casi solo leemos en el celular. Pero nosotros nacimos así, haciendo que los académicos y los científicos laburen con periodistas narrativos y creando textos que tuviesen profundidad y, al mismo tiempo, el vértigo de una novela o cuento”.

El fundador de la revista digital Anfibia resaltó en este diálogo que su plataforma nació desafiando el clickbait y apostando por la crónica extensa, la reflexión y la denuncia social. Explicó que el empeoramiento de las condiciones para ejercer el periodismo exige hoy “disposición a la acción” y transformaciones creativas, defendiendo el compromiso colectivo y el rescate de la comunidad como herramientas para narrar y resistir en la Argentina actual. También reivindicó la función del lazo social argentino, aún ante la descomposición de las instituciones y ayudas formales.

Londres ha sido reconocida como la mejor ciudad del mundo para la cultura después de encabezar el ranking global de Time Out, que evaluó la calidad, variedad y accesibilidad de su escena cultural. El reconocimiento refuerza el rol central de la cultura en la vida de la capital británica y su capacidad de atraer visitantes internacionales, según informó la BBC.

Londres recibió este galardón en junio de 2026 por decisión de Time Out, que basó su elección en los resultados de una encuesta realizada a más de 24.000 habitantes de distintas ciudades y en el análisis de un panel de expertos.

La capital británica destacó por la amplitud, diversidad y proximidad de su oferta cultural, con particular énfasis en el acceso gratuito a museos y en la presencia de eventos que incluyen arte, teatro, festivales y música en vivo.

La diversidad y el acceso cultural en Londres

Según el medio citado, uno de los principales atractivos de Londres es la variedad de experiencias culturales disponibles para el público. Es posible acceder tanto a grandes salas de conciertos y museos de prestigio internacional como a espacios independientes y escenarios que apoyan a nuevos talentos.

La vicealcaldesa de cultura y sectores creativos, Justine Simons, subrayó que en la ciudad se puede “ver de todo”, desde arte urbano en barrios populares hasta exposiciones en la Tate Modern o presentaciones en pequeños locales. El dinamismo de disciplinas creativas y artísticas caracteriza a la metrópoli.

Lewis Corner, director de contenidos de Time Out UK, recalcó el “increíble acceso gratuito a algunas de las mejores instituciones del mundo”.

De acuerdo con la investigación, el 90 % de los londinenses valoraron la accesibilidad y el coste asequible del arte en la ciudad. Corner atribuyó este resultado a las políticas que favorecen el acceso universal, consolidando a la capital como un entorno abierto y equitativo en materia cultural.

Opiniones y experiencias sobre el impacto cultural

El medio recogió testimonios de protagonistas del panorama local. Simons afirmó que “la cultura es nuestro ADN en Londres” y mencionó su “aporte de 64.000 millones de libras esterlinas a la economía londinense”. Destacó, además, que la oferta cultural es la principal razón por la que llegan turistas a la ciudad.

La artista drag Ginger Johnson consideró justificada la distinción y describió a Londres como un lugar donde “nunca estás a más de una calle” de un espectáculo excepcional, como la Ópera Nacional, o de espacios alternativos, como bares de drag. Señaló que el contraste y la convivencia de estas propuestas hacen que la cultura londinense sea rica y emocionante.

La música callejera Sherika Sherard expresó que Londres es un entorno ideal “para encontrarse a uno mismo y vivir nuevas experiencias”. Compartió que actuar en la calle le permitió relacionarse mejor con los demás y experimentar de primera mano la diversidad de la ciudad.

Turismo cultural y comparativa global

La designación de Londres como la mejor ciudad para la cultura coincide con el creciente peso del turismo cultural. Tanto Time Out como el medio resaltan que la cultura es el motivo principal que atrae a los turistas a la capital del Reino Unido.

A nivel internacional, París obtuvo el segundo puesto y Nueva York el tercero en el ranking de Time Out, consolidando a estas ciudades como referentes mundiales.

Además, la llegada de turistas procedentes de Francia a Londres aumentó en un 60% respecto al año anterior, lo que subraya el impacto de sus atractivos culturales y el reconocimiento internacional de su escena artística.

El acceso gratuito a museos y galerías no solo distingue a la capital británica, sino que sigue siendo fundamental para garantizar que toda la población pueda participar y beneficiarse de una oferta cultural diversa y dinámica.

El escritor francés Emmanuel Carrère —bestseller, celebrado, leído y criticado— ha construido una obras más fascinantes y perturbadoras de la literatura contemporánea desmantelando, pieza por pieza, el mito de la objetividad. Mientras el periodismo clásico y la historia tradicional exigen un narrador invisible —esa mirada aséptica y distante que pretende relatar los hechos desde una neutralidad imposible—, el ganador del Premio Princesa de Asturias de las Letras propone exactamente lo contrario.

Para él, la honestidad intelectual radica en mostrar las cartas. No hay mirada desde la nada; siempre se escribe desde un cuerpo, una historia y una neurosis. A eso se refería en una entrevista con BBC Mundo de 2021: “Me parece más honesto contar una historia de la que formo parte, o con cuyos personajes he tenido interacciones, que contarla como si fuera dios o pudiera ver las cosas desde el planeta Marte. Cuando hago no ficción, las interacciones que puedo tener con los personajes forman parte de la obra”.

El contexto de aquel reportaje fue la traducción al español de su obra más divisiva hasta la fecha: Yoga. El contexto no era menor: el mundo aún procesaba los efectos del confinamiento y Emmanuel Carrère reaparecía para defender un artefacto literario que había dinamitado su propia vida privada. Al ser cuestionado por su constante obsesión de incluirse en el centro de crónicas que inicialmente parecen ajenas, el autor de El adversario recurrió a esa metáfora espacial y teológica para delimitar su territorio.

La literatura, entonces, no es el lugar para jugar a ser Dios. El novelista no es una deidad omnisciente que todo lo sabe, ni un astronauta flotando en Marte que observa el sufrimiento humano con un telescopio. El escritor está en el barro, interactúa con los personajes, modifica la realidad al investigarla y es modificado por ella. Esta idea resume a la perfección el espíritu de Yoga, concebido originalmente como un ensayo liviano y optimista sobre los beneficios de la meditación.

Pero el proyecto se descarriló por completo cuando la vida del autor voló en pedazos. Lo que iba a ser un manual de autoayuda intelectual se transformó en la crónica de un descenso a los infiernos: un diagnóstico de trastorno bipolar, una internación psiquiátrica de cuatro meses, sesiones de electroshock y la ruptura devastadora de su matrimonio con la periodista Hélène Devynck. En ese sentido, la importancia de Yoga en la literatura reciente radica en su naturaleza truncada.

Ese libro es, en realidad, una obra censurada por un contrato de divorcio. Su exesposa le exigió legalmente que la borrara de la narrativa, obligando a Emmanuel Carrère a reescribir secciones enteras y a introducir elementos de ficción para llenar los vacíos. Paradójicamente, en su libro más “ficticio” por obligación, la frase adquiere un peso específico colosal. Contar la historia desde dentro, asumiendo el dolor, la humillación y el propio quiebre mental, era la única forma en que el libro podía existir.

Toda la trayectoria de Emmanuel Carrère puede leerse a través del prisma de esta frase. Tras abandonar la ficción pura de sus primeros años —como la perturbadora novela El bigote o la biografía Limonov—, el francés entendió que su verdadero talento consistía en ser el testigo incómodo de la realidad. Eso fue lo que hizo con El Reino, su monumental investigación sobre los orígenes del cristianismo, y con V13, su crónica sobre los juicios de los atentados de París. Él está presente en la obra.

Para Emmanuel Carrère, la primera persona no es un ejercicio de egocentrismo o vanidad. Es, por el contrario, un acto de profunda humildad. Implica decirle al lector: “Esta es la verdad de lo que vi, pero está contaminada por quién soy”. Al bajarse del pedestal de Dios y renunciar a la distancia telescópica de Marte, el escritor se sitúa al mismo nivel que sus lectores, convirtiendo la literatura de no ficción en un espacio de vulnerabilidad compartida. Es su forma de “más honesta de contar una historia”.

¿Quién es Emmanuel Carrère?

Emmanuel Carrère nació en París el 9 de diciembre de 1957 en el seno de una familia de la alta intelectualidad francesa. Es hijo de Louis Carrère d’Encausse y de la célebre historiadora y académica Hélène Carrère d’Encausse. Se diplomó en el Instituto de Estudios Políticos de París (Sciences Po) y trabajó como profesor en Indonesia antes de volcarse de lleno al periodismo, el guion cinematográfico y la literatura. Actualmente vive en París y continúa desarrollando su prolífica carrera literaria.

Tras iniciarse en la ficción pura con novelas como Bravura y El bigote, su consagración absoluta llegó al cambiar de rumbo con El adversario, obra con la que inauguró su estilo de investigación personal. A este éxito le siguieron títulos fundamentales de las letras contemporáneas como Una novela rusa, De vidas ajenas, Limonov, El Reino y Yoga. En su faceta audiovisual, ha dirigido películas como la adaptación de su propia novela La bigote (El bigote) o el drama En un muelle de Ouistreham (En un muelle de Caen).

El museo Jacquemart-André acogerá a partir del próximo 11 de septiembre, por primera vez en Francia, una exposición panorámica consagrada a la obra del pintor italiano Jacopo Comin (1518-1594), más conocido como Tintoretto, para “poner de manifiesto toda la modernidad de su arte”.

En un comunicado, el museo afirmó este martes que la exposición, titulada Éternel Tintoret -’Eterno Tintoretto’-, quiere “demostrar cómo su legado artístico trasciende los siglos y las fronteras, hasta convertirlo en un artista de referencia para la pintura francesa del siglo XIX”.

“Artista complejo e inclasificable, Tintoretto desarrolla una obra tan admirada como controvertida, caracterizada por composiciones audaces, perspectivas vertiginosas, efectos de luz espectaculares y la vivacidad de su pincelada", agregó la institución.

Tintoretto es hoy considerado precursor del barroco y maestro del ‘manierismo’, una corriente surgida alrededor de prodigios del renacimiento italiano, como Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), cuyo virtuosismo definió toda una manera -o, en italiano, ‘maniera’- de pintar, replicada por artistas como Tintoretto.

Las aptitudes del veneciano alcanzarían tal grado de calidad que el cronista de referencia Giorgio Vasari llegó a considerarlo ‘el espíritu más formidable que la pintura haya conocido jamás’ en 1568.

En total, la muestra abarcará unas cuarenta pinturas y dibujos que permiten comprender las diferentes temáticas tratadas por el manierista a lo largo de su obra, con escenas bíblicas y mitológicas, retratos y bocetos.

Los cuadros proceden de museos de toda Europa, como Viena, en el caso de Suzanne y los viejos (c.1550); Florencia, en el caso de Leda y el cisne (c.1550); Lyon, para Dánae (1570), o Dresde, para su retrato Dama de luto (1550-1555).

En lo que respecta a la influencia posterior del pintor, el museo consideró que el “carácter sombrío y apasionado” de Tintoretto, así como “su audacia narrativa y su inmensa creatividad” le convierten “en una figura decididamente moderna que influyó en los artistas del siglo XIX”.

Dicho legado cuenta con un espacio dedicado en la exposición, con una reflexión sobre la herencia del artista en la pintura francesa del siglo XIX, como en los pinceles de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) o Eugène Delacroix (1798-1863), autor de La libertad guiando al pueblo (1830).

Entre estos nombres también destaca el del impresionista francés Édouard Manet (1832-1883), autor de Desayuno en la hierba (1862), que copió el autorretrato de Tintoretto y cuyo resultado se expondrá junto al original para la exposición.

Eterno Tintoretto forma parte de un circuito de exposiciones en el museo Jacquemart-André consagradas a pintores italianos, como Caravaggio (2018-2019), Botticelli (2021-2022) o Artemisa Gentileschi (2025), cada uno heredero de una escuela pictórica particular.

La exhibición se podrá visitar hasta el 24 de enero de 2027.

Fuente: EFE

Durante décadas, la familia de Abraham Adelsberger, un fabricante de juguetes judío que huyó de Alemania para escapar de la persecución nazi, ha buscado recuperar un cuadro de paisaje de su propiedad que algunos atribuían a Peter Paul Rubens.

Pero los herederos han enfrentado dos reveses recientes en ese esfuerzo.

Primero, la colección privada cuya familia posee la obra desde 1937 impugnó la demanda. Y ahora, un experto ha determinado que el paisaje no es en realidad de Rubens, sino una copia de taller del original, que se encuentra en un museo de Múnich.

La pista reveladora, según el experto: el original del museo tiene 11 vacas, incluida una que está orinando. La copia de taller solo tiene 10, porque la vaca orinando fue cubierta con pintura, posiblemente, según concluye el experto, para mejorar la comerciabilidad de la obra.

“Imágenes de este tipo se consideraban inapropiadas para habitaciones a las que también accedían mujeres o niños”, escribió el experto, Nils Büttner, en un informe de marzo. “De acuerdo con las convenciones sociales de la época, había que proteger sus miradas inocentes de un exceso de naturalidad”.

En el siglo XVII, los pintores europeos no se oponían a representar animales haciendo sus necesidades, señala Angela Vanhaelen, profesora de historia del arte en la Universidad McGill en Montreal. Señala un grabado de Rembrandt de 1633 en el Museo Metropolitano de Arte, “El buen samaritano”, que muestra un perro defecando.

“Era un motivo bastante común”, dijo Vanhaelen.

No obstante, como señala Büttner, algunos coleccionistas no eran aficionados de esas representaciones. Eric Jan Sluijter, profesor de historia del arte en los Países Bajos, cita una anécdota recogida por Arnold Houbraken, pintor y escritor neerlandés del siglo XVII. Este relata cómo la princesa Amalia van Solms rechazó un cuadro de 1650 llamado “La vaca meando” de Paulus Potter, realizado para su palacio en La Haya. Según Houbraken, un confidente de la princesa informó que “era un tema demasiado sucio para que su alteza lo viera a diario”.

Büttner, profesor en la Academia de Arte de Stuttgart y ampliamente considerado una autoridad en Rubens, dijo que el artista solo pintó cada composición una vez y que está convencido de que el original se encuentra en la Alte Pinakothek de Múnich. Pero otros artistas en el amplio y productivo taller de Rubens a menudo hacían copias para vender. Büttner estimó, en una entrevista, que ha examinado cerca de 10.000 pinturas que “alguien en algún momento pensó que eran de Rubens”.

Examinó la obra que es objeto de la disputa por restitución en febrero, impulsado por su propio interés en el paisaje. Dijo que imágenes infrarrojas mostraron la vaca desaparecida bajo la capa de pintura. Su análisis, indicó, mostró que la decisión de pintar y luego tapar la vaca, dejando en su lugar un prado de color claro, se tomó cuando la imagen estaba siendo reproducida.

Razonó que la obra de Múnich, que muestra la undécima vaca, no podía ser copia porque el artista no habría podido replicar la imagen de una vaca que ya había sido cubierta con pintura.

Como pintura realizada en el taller de Rubens, el paisaje tiene un valor estimado de hasta 250.000 dólares. El original de Múnich podría superar los 50 millones de dólares si alguna vez saliera al mercado, según Büttner.

Para los descendientes de Adelsberger, la obra sigue siendo parte del legado familiar y vale la pena luchar por ella. Aunque la familia busca recuperar cientos de pinturas que alguna vez estuvieron en la colección Adelsberger, Alfred Fass, bisnieto de Adelsberger, recuerda el llamado Rubens como la obra que su abuela, Sophie Isay-Adelsberger, estaba especialmente interesada en encontrar. “Es el Rubens de la familia que llevamos buscando 80 años”, dijo.

Adelsberger compró la pintura hacia 1925 y escribió en una carta de 1934 que había sido autenticada por un experto como “no solo genuina, sino uno de los paisajes más bellos de Rubens”.

Había conformado una gran colección que se alojaba en una galería de arte de su villa en Núremberg en la década de 1920.

Pero su empresa pasó por dificultades financieras y trató de vender gran parte de su colección artística en 1930. También utilizó varios cientos de obras de arte como garantía de préstamos obtenidos de diversos acreedores, según una investigación sobre la historia de la colección realizada por la Freie Universität de Berlín.

La pintura del paisaje con vacas fue garantía para un préstamo que pasó a estar en manos del Dresdner Bank en 1932, cuando el Reich Alemán se convirtió en su propietario mayoritario. Según los términos de esos préstamos, la propiedad de las obras de arte era transferida al banco hasta que los préstamos fueran reembolsados.

Tras la llegada de los nazis al poder en 1933, las políticas antisemitas del estado fueron implementadas en la sucursal local del banco en Núremberg, donde los empleados judíos fueron sustituidos.

“Adelsberger enfrentó un hostigamiento creciente que dificultó el pago de sus deudas”, indicó el informe de la Freie Universität.

El Dresdner Bank empezó a vender algunas de las obras de Adelsberger para saldar la deuda. Pero según la investigación de la universidad, el banco nunca contabilizó correctamente los ingresos recibidos por la venta de arte y los pagos por el alquiler de las propiedades de Adelsberger. El banco apenas redujo la deuda y dejó de enviarle extractos de sus cuentas, según el informe.

El banco vendió la copia de Rubens en algún momento entre 1935 y 1937 a Gustav Schickedanz, miembro del partido nazi y fundador de Quelle, que luego se convertiría en la empresa de venta por correo más grande de Europa. La pintura está actualmente en poder del nieto de Schickedanz, Matthias Bühler.

“Mi cliente está dispuesto a buscar una solución justa y razonable con los herederos”, afirmó Louis Roensberg, abogado de Bühler. “Este es un caso complicado y no vemos razones para una restitución total, porque Adelsberger perdió la propiedad de la pintura en 1932. Tenía graves problemas financieros desde la década de 1920”.

Roensberg señaló que los herederos de Adelsberger no han logrado acordar una posición común en las conversaciones. “Estamos dispuestos a negociar”, dijo, “pero necesitamos que los herederos trabajen juntos”.

Siete de las otras pinturas de Adelsberger vendidas por el banco para cubrir su deuda están siendo devueltas. Formaban parte de un conjunto de 20 pinturas que Prusia adquirió en la década de 1930 y que siguen en las colecciones de la Fundación del Patrimonio Cultural Prusiano, que supervisa los museos estatales de Berlín. Los herederos siguen buscando las 13 restantes, una de las cuales, al igual que el paisaje de vacas, está en poder de Bühler.

La fundación ha comunicado a los herederos que está dispuesta a devolver las siete pinturas, todas del siglo XVIII y XIX, tras concluir que Adelsberger las perdió como consecuencia de la persecución nazi.

Birgit Jöbstl, portavoz de la fundación, dijo que están “en correspondencia productiva con los herederos con vistas a lograr una solución justa y razonable”.

Fuente: The New York Times

Mientras el Hombre de 2.000 años se prepara para cumplir 100, recurre a la historia.

Mel Brooks —quien alcanzará el siglo de vida en junio y cuya titánica carrera incluye interpretar a un hombre antiguo con un marcado acento judío que responde preguntas sobre temas como la invención del fuego (el mérito es de un tipo llamado Murray)— está donando sus archivos personales al National Comedy Center en Jamestown, Nueva York.

Documentando uno de los pilares de la comedia moderna, este archivo abarca cerca de 15.000 documentos y 5.000 fotos que arrojan luz sobre una vida dedicada al humor. Incluye el desarrollo de los guiones que ayudó a crear para la serie pionera de sketches “Your Show of Shows”, uno de los primeros éxitos de la comedia televisiva, y los guiones tempranos de “Spaceballs” (cuando aún se llamaba “Planet Moron”).

El archivo también presenta guiones gráficos y otros materiales de cada película que ha dirigido, incluidas sus exitosas parodias de Broadway (“The Producers”), del oeste (“Blazing Saddles”) y del terror (“Young Frankenstein”). Entre las muchas fotos personales hay una de Brooks con Gene Wilder, quien protagonizó las tres películas.

“¡Obviamente es Gene Wilder! No sé por qué tuvo que añadir la W”, escribió Brooks en un correo electrónico.

“Es un honor que mis contribuciones se preserven para las futuras generaciones en el National Comedy Center, especialmente porque es un lugar significativo para mi mejor amigo, Carl Reiner, quien creía en la importancia de preservar la historia de la comedia”, dijo Brooks en un comunicado. Reiner, quien fue socio de Brooks en los cinco álbumes del Hombre de 2.000 años, murió en 2020 y sus archivos fueron donados al National Comedy Center al año siguiente. “Sé que él estaría feliz de que nuestro trabajo perdure durante los próximos 2.000 años, o quizá aún más”, añadió Brooks.

Las conversaciones sobre la donación comenzaron hace cinco años, y aunque muchos comediantes destacados, entre ellos Joan Rivers y George Carlin, han donado sus archivos a la organización, las aportaciones de Brooks son especialmente importantes, según Journey Gunderson, la directora ejecutiva del centro. “Es lo más grande que existe”, afirmó, “especialmente considerando la duración de la carrera de Mel y la forma en que satiriza sin miedo los momentos más oscuros de la humanidad en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial”.

Nadie en la comedia se burló de los nazis con tanta frecuencia como Brooks. Martin Short, interpretando al torpe entrevistador de celebridades Jiminy Glick, una vez le preguntó: “¿Cuál es tu gran problema con los nazis?” Brooks respondió con ironía: “Creo que eran groseros”.

Mucho antes de vestirse como Hitler y patinar sobre hielo en “History of the World, Part I”, Brooks luchó contra Alemania como miembro del ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Parte del material más antiguo del archivo proviene de esta época, incluyendo su cuaderno de notas cómicas y una foto suya en uniforme que, según cree, estaba enviando a su madre.

Para los estudiantes de comedia, uno de los documentos más valiosos de la colección es un borrador manuscrito de la letra de “Springtime for Hitler”, la canción del intencionadamente terrible musical que es el eje de la trama de la emblemática comedia “The Producers”, realizada primero como película en 1968, y luego adaptada a musical de Broadway en 2001.

Los chistes de esta canción son ahora algunos de los más conocidos de la comedia (“No seas tonto / Sé listo / Ven únete al Partido Nazi”). Pero este borrador revela una línea que no es familiar: “Quizás otros hombres tengan vigor y coraje / Pero otros hombres no tienen ese bigote”.

En un correo electrónico, Brooks explicó: “Estoy muy orgulloso de la línea del bigote, pero al final, no quedó”.

Fuente: The New York Times

Décadas después de la última película de El Padrino y más de 10 años después de la última novela de El Padrino, la historia de la familia criminal Corleone tiene un nuevo capítulo, presentado por primera vez desde el punto de vista de una mujer.

Random House informó que había adquirido una novela de El Padrino autorizada por los herederos de Mario Puzo y escrita por la exitosa autora Adriana Trigiani. Connie se estrenará en otoño de 2027 y se centrará en el personaje de la familia Corleone interpretado por Talia Shire, hermana del director Francis Ford Coppola, en las tres películas de El Padrino.

Connie es el tercer libro de El Padrino aprobado por los herederos y el primero escrito por una mujer.

«Connie es una novela sobre cómo una mujer lucha por abrirse camino en un mundo que ya ha decidido quién es, qué representa y cómo debe ser tratada», declaró Trigiani el miércoles. «Quienes subestimaron a Don Vito Corleone y a Michael Corleone lo hicieron bajo su propio riesgo. Lo mismo ocurrirá con Connie Corleone».

Paramount Pictures, productora de las películas de El Padrino, posee los derechos cinematográficos. No se dispuso de más detalles de inmediato.

Puzo, cuya exitosa novela de 1969, El Padrino, sirvió de base y título para la primera película, falleció en 1999. Desde entonces, sus herederos han estado en disputa con Paramount por los derechos de los personajes de los Corleone. En 2012, el estudio cinematográfico demandó para impedir la publicación de La familia Corleone, de Ed Falco. Tras la contrademanda de los herederos, ambas partes llegaron a un acuerdo que les permitió continuar con sus proyectos literarios y otorgó los derechos cinematográficos a Paramount.

La última entrega de la trilogía original de El Padrino, El Padrino III, se estrenó en 1990. Todas las películas estuvieron protagonizadas por Al Pacino como Michael Corleone, el hermano de Connie, y otros actores que aparecieron en al menos una entrega, como Marlon Brando, Robert De Niro, Robert Duvall y Diane Keaton. La saga de El Padrino ha recaudado más de 400 millones de dólares en todo el mundo y ha ganado nueve premios Óscar, dos de ellos para Puzo en la década de 1970 por mejor guion adaptado.

Trigiani, autora de bestsellers que plasmó sus raíces italianas en la novela La mujer del zapatero, también es conocida por obras tan populares como Lucia, Lucia y La reina de la fama. Según Random House, los herederos de Puzo contactaron con Trigiani después de que publicara un ensayo en Substack lamentando lo poco que se sabía sobre las mujeres Corleone.

“Buscábamos a alguien que reinterpretara la historia desde una perspectiva nueva”, declaró Anthony Puzo, hijo y albacea de la autora. “Adriana quedó impresionada cuando le conté que el personaje de Vito Corleone (interpretado en las películas por Brando y De Niro) estaba basado en mi abuela. Hablamos de cómo las mujeres dirigían nuestras familias, pero entre bastidores. La visión de Adriana sobre la vida de Connie nos dejó a todos boquiabiertos. Estoy muy contento y emocionado de contar con ella en el proyecto”.

Fuente: AP

El Louvre relegó las cuestiones de seguridad “a un segundo plano” en los últimos años, denunció este miércoles el ponente de una comisión de investigación parlamentaria lanzada en Francia tras el espectacular robo de joyas en uno de los museos más visitados del mundo.

El robo en octubre de una serie joyas de la Corona del siglo XIX, valoradas en más de 100 millones de dólares, conmocionó a Francia e impulsó el lanzamiento en diciembre de una comisión parlamentaria sobre las fallas de seguridad en los museos.

El informe del ponente Alexis Corbière, que la AFP pudo consultar, señala que las “deficiencias en materia de seguridad” en El Louvre ya eran “conocidas”, gracias a una serie de informes, entre ellos una auditoría de 2017 y otra de 2019.

Sin embargo, estos temas, en un establecimiento que acoge a unos 9 millones de visitantes anuales, quedaron “relegados a un segundo plano, por detrás de los objetivos de proyección e influencia, erigidos en prioridades”, escribe el diputado izquierdista.

El Tribunal de Cuentas francés llegó a la misma conclusión a inicios de noviembre, cuando aseguró que El Louvre “privilegió las operaciones visibles y atractivas en detrimento del mantenimiento y la renovación de los edificios”, “especialmente de la seguridad”.

Corbière critica también la “falta de control” del ministerio de Cultura sobre las decisiones de la dirección del museo, de la que responsabiliza al sistema de elección de sus dirigentes, nombrados por el presidente francés.

Para abandonar la lógica del “capricho” presidencial, recomienda que los dirigentes de El Louvre sean elegidos de manera transparente por el consejo de administración.

Entre las otras recomendaciones, figura el aumento de los recursos del fondo de seguridad creado por el ministerio de Cultura tras el robo para adaptar la seguridad de los museos. Actualmente cuenta con 30 millones de euros (35 millones de dólares).

Aumentar el número de agentes de seguridad titulares y su salario son otras de las pistas apuntadas en el informe, elaborado tras interrogar a más de 100 personas.

En este contexto, el diputado cuestiona la pertinencia del plan Louvre-Nuevo Renacimiento anunciado en 2025 por el presidente francés, Emmanuel Macron, que prevé renovar el edificio existente con el objetivo de acoger hasta 15 millones de visitantes en el futuro.

El historiador del arte Christophe Leribault, de 62 años, asumió en febrero la dirección de El Louvre para liderar esta nueva etapa, tras la dimisión de su predecesora Laurence des Cars cuatro meses después del robo.

Fuente: AFP

El mundo del béisbol hispanohablante despide a René Cárdenas, quien falleció producto de una enfermedad a los 96 años en Houston, Texas.

Considerado el primer cronista en español en la historia de las Grandes Ligas (Major League Baseball, MLB), Cárdenas dejó una huella profunda tras seis décadas de trabajo para franquicias como los Los Angeles Dodgers, Houston Astros y Texas Rangers. Según informó ABC News, su muerte se produjo en su residencia de Houston, donde vivió sus últimos años.

Trayectoria y legado en las Grandes Ligas

René Cárdenas inició su vínculo con el béisbol profesional estadounidense en 1958, cuando se unió a los Dodgers tras la mudanza del equipo desde Brooklyn a Los Ángeles.

De acuerdo con ABC News, fue parte de la primera transmisión en español de una Serie Mundial en 1959, marcando un hito que amplió el acceso al béisbol para la comunidad latina en Estados Unidos. Su presencia en cabina se extendió rápidamente a otros equipos y territorios.

La llegada de los Houston Colt .45s a la liga en 1962 permitió que Cárdenas se consolidara como voz emblemática del equipo texano durante 14 temporadas.

El club, rebautizado como Houston Astros en 1965, reconoció la contribución del narrador en la construcción de una audiencia fiel entre los aficionados hispanos. En un comunicado reproducido por ABC News, la organización describió a Cárdenas como “un verdadero pionero en la radiodifusión”.

El impacto de Cárdenas trascendió lo deportivo. Según Our Esquina, la comunidad hispana de Houston y colegas de la industria destacaron su influencia en la expansión de las transmisiones deportivas en español y en la formación de nuevas generaciones de cronistas latinos.

Su trabajo permitió que el béisbol profesional se volviera parte esencial de la cultura hispana en ciudades clave de Estados Unidos.

Nuevos reconocimientos y homenajes

En 1981, Cárdenas asumió el rol de primer narrador en español de los Texas Rangers, según confirmó John Blake, exdirector de relaciones públicas del equipo, en declaraciones recogidas por ABC News. Su regreso a los Dodgers se produjo al año siguiente y se extendió por casi dos décadas, fortaleciendo su posición como una figura referencial en la radiodifusión deportiva.

A lo largo de su carrera, Cárdenas fue protagonista de momentos clave fuera del béisbol, como la cobertura de la pelea entre Muhammad Ali y Jimmy Ellis disputada en el Astrodome en 1971, según información de CBS Sports.

Ya en 2008, se convirtió en el primer relator de partidos en español para la televisión de los Houston Astros, ampliando su legado en la era audiovisual del deporte.

Los homenajes a su trayectoria fueron numerosos. Ingresó en el Salón de la Fama del Béisbol Nicaragüense en 2000 y fue distinguido por el Museo del Patrimonio Hispano del Béisbol en 2002. En 2013, la franquicia de los Astros lo incluyó en su Muro de Honor de Medios. Según Our Esquina, el reconocimiento más reciente llegó en 2024, con su incorporación al Salón de la Fama de los Astros.

Un referente para la comunidad latina

La noticia de la muerte de René Cárdenas generó reacciones en toda la comunidad latina y en medios estadounidenses como ABC News.

Diversos comunicadores y excompañeros subrayaron la relevancia de su voz y su trabajo como impulsores de la presencia hispanohablante en el béisbol profesional.

Distintos testimonios recogidos por ABC News y Our Esquina remarcan que el legado de Cárdenas perdura en los relatos de radio y televisión, así como en el crecimiento de las audiencias latinas en la MLB.

Tras su retiro, Cárdenas continuó vinculado al periodismo deportivo, colaborando como columnista en el sitio web en español de los Houston Astros y en el diario nicaragüense La Prensa.

CBS Sports añade que su fallecimiento se debió a un cáncer, y que su figura sigue siendo un referente para quienes ven en la radiodifusión deportiva una vía para conectar culturas e historias a través del deporte.

René Cárdenas es recordado por su capacidad para acercar el béisbol a millones de oyentes y televidentes de habla hispana, abriendo caminos para futuras generaciones de narradores y periodistas deportivos.

Hay una frase que funciona como el testamento invisible de toda la obra de Michel Houellebecq: “La cultura me parece una compensación necesaria ligada a la infelicidad de nuestras vidas”. La sentencia no es un aforismo al azar; aparece en las páginas de su novela más divisiva, Plataforma, publicada en 2001, justo antes de que el mundo cambiara para siempre con el atentado a las Torres Gemelas.

En Plataforma, el protagonista, un burócrata del Ministerio de Cultura llamado Michel, viaja a Tailandia tras la muerte de su padre. Allí, entre el turismo sexual y el tedio de los resorts, se gesta una crítica feroz a la sociedad de consumo. Para Houellebecq, la cultura no es ese faro de luz que nos hace mejores personas, sino unna muleta que usamos para no colapsar ante la grisura del trabajo alienante y la ausencia de amor real.

Para entender la frase, hay que entender al autor. Michel Houellebecq ha construido una carrera basada en ser el “enfant terrible” de las letras francesas. Desde su debut con Ampliación del campo de batalla hasta la controvertida Sumisión, su mirada siempre se posa sobre lo mismo: el hombre occidental está solo, agotado y solo encuentra alivio en pequeños consumos.

En el contexto de Plataforma, la idea de la “compensación” es clave. El libro fue un terremoto editorial por su defensa del turismo sexual como última frontera del mercado, pero lo que realmente subyace es un diagnóstico clínico. Si la vida fuera plena, si el deseo y la realidad estuvieran en armonía, ¿para qué necesitaríamos perdernos en una película de Godard o en los versos de Baudelaire?

Esta idea resume a la perfección el pensamiento de Houellebecq: el arte es un síntoma de que algo anda mal. Mientras que otros autores ven en la cultura una elevación del espíritu, para el autor de La posibilidad de una isla, es un calmante. Es el entretenimiento que nos distrae del hecho de que somos seres biológicos destinados al declive. Y Plataforma lo grafica con singular énfasis.

En esta novela lo que hace Houellebecq es desnudar la hipocresía del progresismo europeo y predijo el choque de civilizaciones con una crudeza que todavía hoy, más de veinte años después, incomoda. Y además sostiene el que busca la cultura con desesperación es, en el fondo, alguien que ha perdido la batalla por la felicidad simple. Y en ese espejo, nos guste o no, nos estamos mirando todos.

¿Quién es Michel Houellebecq?

Nacido bajo el nombre de Michel Thomas en la isla de La Reunión en 1956 —aunque él solía afirmar que nació en 1958—, el autor adoptó el apellido de soltera de su abuela, Houellebecq, como una declaración de principios y un homenaje a quien realmente lo crió tras el abandono de sus padres. De formación ingeniero agrónomo, su entrada al mundo de las letras no fue inmediata y demoró unos cuantos años,.

Empezó trabajando como informático en la Asamblea Nacional Francesa mientras incubaba una sensibilidad literaria marcada por el desencanto. Su salto a la fama llegó con Ampliación del campo de batalla y se consolidó con el fenómeno global de Las partículas elementales, obras donde comenzó a diseccionar la miseria afectiva y sexual del hombre contemporáneo con una frialdad clínica.

A lo largo de su carrera, Michel Houellebecq ha sabido mantenerse en el epicentro de la controversia, enfrentando juicios por sus declaraciones sobre el Islam tras la publicación de Plataforma y ganando el prestigioso Premio Goncourt por El mapa y el territorio. A pesar de los recurrentes rumores sobre su retiro o incluso noticias satíricas sobre su deceso, el autor continúa vivo y activo.

En los últimos años publicó novelas de alto impacto político y social, como Sumisión, Serotonina y la ambiciosa Aniquilación. Su figura, a menudo comparada con la de Louis-Ferdinand Céline por su estilo cáustico, sigue siendo la de un observador incómodo que, desde su refugio en Francia o sus temporadas en el extranjero, narra el lento declive de la civilización occidental.

Las sagas Star Wars, Indiana Jones y Top Gun tuvieron su gran momento en el Festival de Cannes, en esta última década. Pero en 2026 estas colosales producciones de Hollywood brillan por su ausencia, lo que hace pensar que los grandes estudios evitan el certamen.

El mayor festival de cine del mundo, que arrancó este martes, siempre contó con los estrenos de Hollywood, películas de entretenimiento con muchas estrellas, como Tom Cruise o Harrison Ford, para contrarrestar las cintas más de autor que dominan en la muestra.

Cuando el delegado general del festival, Thierry Frémaux, asumió el cargo hace 25 años, hizo de estas grandes producciones estadounidenses una prioridad para mejorar la proyección internacional del evento. Pero al anunciar el pasado mes de abril las películas de la selección, tuvo que dar explicaciones sobre su flagrante ausencia. “Al margen del cine de los estudios, sigue existiendo un cine independiente, un cine fuera de Los Ángeles“, aseguró.

“¿Dónde ha visto que los estudios ya no vienen a Cannes? Para analizarlo correctamente, hay que mirar un periodo de cinco años. Verá entonces que todos son fieles, desde Sony Columbia hasta Warner, desde Paramount hasta Universal y Disney. Cannes sigue prosperando junto al cine estadounidense. El intercambio con los estudios es fructífero. No dependemos de nada más que de las propias películas, y el mundo del cine es vasto. La prueba es que las películas no estadounidenses de Cannes están cada vez más presentes en el mercado estadounidense… ¡y en los Oscar!“, le dijo a la revista Variety en marzo de 2026.

Dos películas independientes estadounidenses compiten por la Palma de Oro: Paper tiger, de James Gray, con Adam Driver y Scarlett Johansson, y The man I Love, de Ira Sachs, con Rami Malek. Sin embargo, gigantes de Hollywood como Universal, Disney, Warner, Sony o Paramount no presentan ninguna película nueva en la Croisette. Una situación parecida ocurrió en la Berlinale en febrero, donde la directora Tricia Tuttle tuvo que lidiar con una programación sin ninguna gran producción de Hollywood.

Sobre la ausencia de los grandes estudios este año, Frémaux matizó en la misma entrevista, la distinción entre cine de Hollywood y cine estadounidense. Anora no fue una producción de estudio, ganó la Palma de Oro y se llevó el Oscar, y Sean Baker hizo “una hermosa declaración de amor a las salas de cine”. El ejemplo ilustró su argumento central: el festival no depende de las majors para justificar su relevancia.

La pregunta sobre si la ausencia de Sinners y Una batalla tras otra —ambas ganadoras del Oscar— dejó al festival en una posición débil recibió una respuesta directa: “No nos hace sentir vulnerables”. Las dos películas tuvieron “un recorrido tremendo en salas de cine de todo el mundo”, aunque Frémaux sostuvo que su paso por la Croisette les habría abierto una audiencia todavía mayor. Puso como referencia las trayectorias de Ryan Coogler, descubierto en Sundance y luego en la sección Un Certain Regard, y de Paul Thomas Anderson, que llegó al festival primero en esa misma sección y después a competición con Embriagado de amor. “¡Volverán, estoy seguro!”, dice.

La consolidación y los despidos que atraviesa la industria estadounidense pesan, aunque Frémaux señaló que cuando los estudios de Hollywood consideraron que Cannes les beneficia, acuden. El problema es estructural: los grandes estudios producen menos superproduciones y menos películas de autor que antes.

Precisamente esas películas no llegarán a tiempo. Digger, del director mexicano con Tom Cruise como protagonista, y The Odyssey de Christopher Nolan “no están listas”. El posible regreso de Steven Spielberg con Disclosure Day tampoco estará. Ante eso, Frémaux lanzó un mensaje a los estudios: no hace falta gastar de más para generar impacto en el festival. “También se puede viajar ligero… Un director y dos actores son suficientes para presentar una película.”

Nerviosismo en Hollywood

Tricia Tuttle comentó entonces que se trataba más bien del temor a arriesgarse por parte de los grandes estudios, y habló también de las presiones comerciales. “Hay nerviosismo en un mercado muy difícil: un nerviosismo ligado a la publicación de críticas mucho antes del estreno y al control que se busca ejercer sobre el lanzamiento de filmes de esta envergadura”, afirmó en enero al Hollywood Reporter.

La responsable recordó la desastrosa acogida crítica que recibió Joker: folie à deux, presentada en la Mostra de Venecia en 2024, antes de su fracaso en taquilla. “Desde entonces constatamos mucha más reticencia”, añadió.

En otra época, cuando Hollywood producía más películas, un fracaso comercial podía absorberse con mayor facilidad. Hoy en día, un tropiezo así puede desembocar en dificultades graves para las empresas.

Para algunos analistas, los estudios de Hollywood producen menos películas compatibles con Cannes. “Llevan allí a los artistas, intentan construir un relato mediático dos, tres, a veces cuatro meses antes del estreno y luego exponen la película a las críticas más exigentes del mundo”, explica J. Sperling Reich, crítico de cine afincado Los Ángeles. “Si la película no funciona en Cannes, es muy difícil recuperarse", afirma.

Los grandes estrenos recientes, como el biopic sobre Michael Jackson Michael y El diablo viste de Prada 2, organizaron sus propios eventos promocionales, muy controlados y potenciados por los “influencers” y las redes sociales.

Cannes, una vidriera formidable

Otros expertos, en cambio, dudan de que 2026 marque una ruptura entre Hollywood y los festivales europeos, puesto que para los estudios suponen una muy buena base de proyección internacional. El Festival de Cannes “es una vidriera formidable, porque es uno de los eventos más vistos, pero tienen un ritmo de promoción muy eficaz. Si las fechas de Cannes coinciden con su lanzamiento, se produce una convergencia de ambos”, explica Éric Marti, director de Comscore Francia, la empresa encargada de procesar los datos de las recaudaciones en el cine.

Hollywood, además, no está “totalmente ausente” de Cannes este año, señala. El festival tiene prevista una proyección especial de Fast and Furious para celebrar los 25 años de la saga, propiedad de Universal, con la presencia de las estrellas originales Vin Diesel, Michelle Rodriguez y Jordana Brewster.

Fuente: AFP

La cultura del Hip Hop y el break dance tomarán los espacios del Centro Nacional de las Artes (Cenart) este fin de semana con el encuentro “A 10 años, Danza Urbana Generación Hip Hop 2026”, una iniciativa que reunirá a b-boys, b-girls, crews, bailarines, investigadores y público en general en una celebración llena de música, competencias y reflexión sobre las danzas urbanas.

El evento es organizado por el Cenart, en colaboración con el Centro Nacional de Investigación, Difusión e Información de la Danza “José Limón” del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

¿Qué actividades habrá este fin de semana?

Durante dos días, las y los asistentes podrán disfrutar de actividades gratuitas enfocadas en el universo de la danza urbana y el breaking, disciplina que incluso ya forma parte de competencias internacionales.

El programa incluye:

• Batallas de breaking para niñas y niños de hasta 13 años
• Competencias de crew breaking
• Retas de open style
• Cypher battle para todo público
• Clases de:
• • Hip Hop
  • Breaking
  • House
  • Popping
• Conversatorios sobre:
• • La profesionalización de la danza urbana
  • Los retos y el futuro de la danza urbana en México
• Jams
• Tianguis hip hopero

De acuerdo con el investigador Enrique Jiménez López, la cultura Hip Hop se ha convertido en una identidad global que conecta a millones de jóvenes alrededor del mundo, por lo que resulta fundamental abrir espacios de convivencia y expresión cultural.

¿Cuándo será el evento del Cenart?

Las actividades de “A 10 años, Danza Urbana Generación Hip Hop 2026” se realizarán:

• Fechas: sábado 16 y domingo 17 de mayo de 2026
• Horario: de 11:00 a 19:00 horas
• Sede: Centro Nacional de las Artes (Cenart), en la Ciudad de México
• Entrada: libre

Las presentaciones y actividades estarán distribuidas en distintos espacios del recinto, entre ellos:

• Plaza de las Artes
• Plaza de la Danza
• Plaza Legorreta
• Aula Magna José Vasconcelos
• Teatro Raúl Flores Canelo

El Hip Hop vuelve al Cenart tras 10 años

El encuentro “Danza Urbana Generación Hip Hop” nació como un proyecto impulsado por el Cenidid y tuvo emisiones internacionales en 2015 y 2016, organizadas por Enrique Jiménez López y Miguel “Funky” Maya Rojas.

Ahora, una década después de su última edición, el evento regresa para abrir nuevamente el diálogo sobre el impacto cultural y artístico del Hip Hop, considerado hoy una de las expresiones juveniles más influyentes a nivel global.

Además de promover el breaking y otras disciplinas urbanas, la iniciativa busca visibilizar a los movimientos juveniles como formas de organización social y artística en constante transformación.

La distribución internacional de ediciones premium de las memorias de Liza Minnelli generó controversia luego de que varios compradores denunciaran que las supuestas firmas originales incluidas en los ejemplares presentaban un patrón idéntico, lo que refuerza las sospechas de uso de autopen (un dispositivo mecánico con un brazo robótico que sostiene un bolígrafo real para reproducir físicamente la firma de una persona de manera automática) y ha motivado pedidos de reembolso.

La obra, titulada Kids, Wait Till You Hear This! y promovida como “coleccionable firmado a mano”, se ofreció hasta por USD 250. El sector de los autógrafos, valorado en más de USD 25.000 millones a nivel global, ha visto casos similares que afectan a compañías y coleccionistas, según el medio The Guardian.

Las sospechas de falsificación se intensificaron cuando aficionados y expertos observaron que todas las firmas en los ejemplares exhibidos eran “antinaturalmente idénticas”. Esta observación, surgida de comparaciones superpuestas por fanáticos, fue compartida en foros digitales y redes sociales, y llevó a la intervención de autoridades en autenticación de autógrafos.

El autógrafo collector Gareth Brown relató a The Guardian que decidió gastar 25 libras en una copia firmada de la autobiografía en lugar de esperar a la edición económica, motivado exclusivamente por el supuesto valor de la rúbrica. Brown afirmó: “Al ver imágenes recientes de Liza Minnelli en su propio documental, resulta evidente que está demasiado frágil para firmar incluso medio centenar de libros con tanta precisión, y mucho menos centenares”.

Tras revisar múltiples ejemplos en línea, Brown detectó que “todas las firmas son idénticas”, conclusión a la que también llegaron otros seguidores, quienes emplearon papel de calco para comparar las dedicatorias. Ante la falta de respuesta editorial, Brown expresó su decepción y subrayó: “Me siento engañado; lo que valoro de un autógrafo es que capta un instante —un segundo o dos— de alguien a quien admiro. Aquí, siento que me han robado”.

El debate fue reforzado por la postura experta de Justin Steffman, director ejecutivo de la empresa de autentificación AutographCOA, quien aseguró al medio británico que “ninguno de los ejemplares examinados parece haber sido firmado por una mano humana”. Steffman consideró que la práctica se ha vuelto común y que “descubrir que las memorias de Minnelli presentan autógrafos realizados por autopen no sorprende”. Agregó: “Cientos de artistas y celebridades han utilizado máquinas autopen (y asistentes) para firmar mercancía en el pasado, y lamentablemente seguirán haciéndolo”.

Los acontecimientos recientes en torno a las memorias de Liza Minnelli se enmarcan en un contexto más amplio de fraudes dentro del mercado de autógrafos. En 2022, Bob Dylan tuvo que disculparse públicamente cuando se reveló que ejemplares de su libro, promocionados como “firmados a mano” a un precio de USD 599, en realidad se habían rubricado con autopen.

En 2021, Sinéad O’Connor admitió que 10.000 ejemplares de su autobiografía Rememberings se habían vendido con su firma realizada mediante un sello. Estos antecedentes ilustran la magnitud del desafío actual en la industria, en la que los expertos alertan a los coleccionistas para que extremen precauciones ante la proliferación de falsificaciones y autógrafos generados por dispositivos automáticos.

La figura de Liza Minnelli sigue vigente no solo por este episodio, sino por su reciente regreso a la música: en 2026, a sus ochenta años, la artista lanzó su primera canción nueva en trece años, un tema de música dance creado con inteligencia artificial. Su legado artístico, heredado de su madre, la estrella de Hollywood Judy Garland, ha sido una referencia constante en la cultura popular, pero el actual conflicto pone en entredicho la autenticidad de las piezas con su nombre.

En 1955, el panorama intelectual francés estaba dominado por el existencialismo de Jean-Paul Sartre, que ponía al ser humano, su libertad y su conciencia en el centro absoluto del universo. Sin embargo, ese mismo año, un antropólogo que había pasado años observando comunidades indígenas en el Mato Grosso y la Amazonia publicó un libro que funcionó como una granada de fragmentación contra el narcisismo de la modernidad. Ese hombre era Claude Lévi-Strauss y el libro, Tristes trópicos.

La frase que corona el final de la obra —“El mundo comenzó sin el hombre y acabará sin él”— es el manifiesto del estructuralismo y una bofetada al humanismo tradicional. Aunque se formó en la filosofía, Claude Lévi-Strauss no era un etnógrafo convencional: fue en Brasil, durante su labor docente en la Universidad de São Paulo, donde encontró su vocación. Al observar a los caduveo, los bororo y los nambikwara, no vio “salvajes” ni sociedades primitivas, sino sistemas lógicos de una sofisticación asombrosa.

En Tristes trópicos, mezcla el diario de viaje, la memoria personal y el rigor científico. El libro es famoso por su primera línea (“Odio los viajes y a los exploradores”), una ironía dirigida a quienes buscaban exotismo superficial en lugar de comprensión profunda. Pero también por la frase mencionada. Para el estructuralismo de Lévi-Strauss, el ser humano no es el “dueño” de la historia. Nosotros somos, en realidad, estructuras atravesadas por leyes biológicas, lingüísticas y sociales que nos trascienden.

Al afirmar que el mundo terminará sin nosotros, el autor nos sitúa como un accidente biológico. Para él, la cultura —esa gran construcción humana que incluye desde la Novena Sinfonía de Beethoven hasta los mitos analizados en su tetralogía Mitológicas— es apenas un breve parpadeo en la inmensidad del tiempo geológico. Tristes trópicos cambió la forma de entender la alteridad. Allí argumentó que el progreso no es una línea recta que lleva hacia Occidente, sino que cada cultura es una respuesta a la existencia.

Hoy, en plena era del Antropoceno y frente a la crisis climática, su advertencia cobra un tinte profético. El mundo no nos pertenece; nosotros somos una circunstancia del mundo. La entropía, ese concepto que tanto obsesionaba al autor, terminará por disolver nuestras ciudades, nuestros libros y nuestra memoria, devolviendo al cosmos su silencio original.

¿Quién es Claude Lévi-Strauss?

Claude Lévi-Strauss (1908-2009) fue un antropólogo y filósofo francés nacido en Bruselas, considerado el “padre de la antropología moderna” y la figura central del estructuralismo. Tras estudiar Derecho y Filosofía en la Sorbona, su vida dio un vuelco en 1935 cuando se trasladó a Brasil para ejercer como profesor en la Universidad de São Paulo, expedición que le permitió realizar los trabajos de campo en el Mato Grosso y la Amazonia que inspirarían su obra cumbre.

Durante la Segunda Guerra Mundial, debido a su origen judío, se exilió en Nueva York, donde trabó amistad con el lingüista Roman Jakobson, cuya influencia fue decisiva para que Lévi-Strauss aplicara el análisis estructural de la lengua al estudio de los sistemas de parentesco y los mitos. A lo largo de su extensa carrera, ocupó la cátedra de Antropología Social en el Collège de France y fue miembro de la Academia Francesa.

Su producción intelectual es vasta y revolucionaria, destacándose títulos como Las estructuras elementales del parentesco, Antropología estructural y la monumental serie de cuatro volúmenes titulada Mitológicas (que incluye Lo crudo y lo cocido, De la miel a las cenizas, El origen de las maneras de mesa y El hombre desnudo). Falleció en París a los 100 años, dejando un legado que transformó nuestra comprensión de la cultura, el intelecto humano y la relación del hombre con la naturaleza.

Como un vendaval, la Feria del Libro de Buenos Aires pasó por el jardín de la cultura argentina. Todos lo estaban esperando: escritores, editores, lectores. La cantidad de actividades que florecieron en este megaevento es exorbitante. Y más en esta edición, la número cincuenta, que fue anunciada con bombos y platillos. Pero ya es historia. Ahora todos volvemos a la programación habitual, a los libros a destiempo, a las cosas de la vida cotidiana como los programas de streaming o no olvidarse de pagar el gas.

¿Qué dejó ese vendaval? ¿Cuál es el saldo? ¿Cuál, su verdadera potencia? ¿Qué fuerzas motoriza? Mientras un grupo nutrido de trabajadores barre bolsas y papeles, aspira las alfombras y desmonta de a poco, stand a stand, banner a banner, libro a libro, la gran estructura anual, Hernán Vanoli, Leticia Martin, Gonzalo Unamuno, Laura Ramos, Esteban Castroman y Enzo Maqueira conversan con Infobae Cultura sobre la singularidad de esta edición y la pregunta sobre el rol de la Feria en la cultura de hoy.

Un país a microescala

“La Feria del Libro es hermosa”, comienza Hernán Vanoli, novelista, sociólogo, crítico cultural. “Va muchísima gente a reafirmar algo que se está perdiendo: la buena voluntad cultural, la idea de que los libros importan, de que la lectura es una experiencia que enriquece nuestra humanidad, y que vale la pena despegarse de las redes sociales o del entretenimiento barato digital y disfrutar de un buen libro”, sostiene el autor de libros como Arte Folk Americano y El amor por la literatura en tiempos de algoritmos.

“También funciona como una maqueta del país: está organizada como un loteo urbano con ubicaciones que se venden al mejor postor, sin ningún tipo de criterio cultural o literario, al punto que el país invitado de honor está en un lugar barato y marginal (todo lo contrario ocurre en la Feria de Guadalajara por ejemplo). A esto sumale que tiene una serie de actividades culturales de baja intensidad, sin grandes debates, que son consideradas tan poco importantes que ni siquiera se transmiten por YouTube”, agrega.

Todas esas actividades, dice Vanoli, conforman una agenda “lo suficientemente flexible como para que todos puedan ir a hacer su gracia”, lo que pinta “ese plebeyismo tan entrañable que nos caracteriza”. “Después, cualquiera con un mínimo nivel de rosca corporativa puede entrar gratis, pero se cobra entrada a los giles; los libros están carísimos aunque se venda poco; los empleados que trabajan cobran chirolas... Bueno, es un país a microescala”, concluye.

Una instancia política

Para Laura Ramos, “la Feria del Libro, este año, se convirtió en una instancia política”. “La participación en la Feria del Libro como disertante, como público, como institución, tiene la fuerza y la magia que podría tener una caminata con antorchas sobre las aguas bíblicas del Río de la Plata. La lectura en este momento, así sea la lectura de Heidi, de Borges o de un libro de autoayuda, es por sí misma un acto político", asegura la escritora argentina, autora de la celebrada biografía novelada Mi niñera de la KGB.

El contrataque cultural

“Con récord de visitantes y ventas no tan buenas, la Feria del Libro demuestra una vez más que ya no solo es un foco de resistencia cultural, sino que además es un espacio de acción cultural y político para enfrentar las medidas económicas, sociales y esta batalla cultural ridícula y, y decimonónica que pretende instaurar el Gobierno”. El que habla, del otro lado del teléfono, es Enzo Maqueira, novelista, docente universitario y fundador de la Unión de Escritoras y Escritores (UEE), sindicato de autores argentinos.

“No es solo resistir, es pasar a la acción y, si se quiere, si me apuran, contraatacar”, agrega en su caracterización del evento que todos los años se hace en La Rural y que este año alcanzó un nuevo récord histórico: 1.340.000 visitantes. “Creo que en ese contexto la gente respondió. Las actividades, en su mayoría, se llenaron. Hubo interés por participar, por conocer, por informarse, por debatir, por dialogar. Pero las ventas no estuvieron a la altura: una radiografía de lo que está pasando en el país”.

“Una sociedad ávida de conocimiento, de educación y de cultura que no tiene un peso en el bolsillo y que intenta no empobrecer su pensamiento a pesar de los esfuerzos que están haciendo desde el poder para que nos convirtamos en una república bananera que nunca fuimos y nunca seremos”, concluye el diagnóstico de Maqueira, quien participó de varias actividades este año:, como el reencuentro de “los escritores del reviente” diez años después y una mesa del ciclo “Diálogo de Escritoras y Escritores de Argentina”.

Desconexión con lo real

Leticia Martin es escritora —poeta, narradora, ganadora del Premio Lumen— y editora —dirige Qeja Ediciones—, y en ese doble juego es que mira la Feria del Libro. Por eso dice que “siempre es linda”, por “la oportunidad de encontrarnos con colegas y conocidos que nos recuerdan una trayectoria que el día a día nos hace olvidar”. Sin embargo, continúa, “este año noté que muchas editoriales enviaban links para descargar entradas gratuitas para la participación en los eventos. Supongo que fue una buena estrategia”.

“A juzgar por los pocos pedidos de reposición de libros recibidos —como hemos tenido otros años— imagino un saldo magro de ventas cuando sea el momentos del balance (me estoy adelantando). Esperaba un evento más convocante para esta celebración de los 50 años de la Feria", dice sobre la singularidad de esta edición, y luego agrega sin vueltas: “Me surge pensar que la Feria expone cierta desconexión con lo real. Como pasa entre el gobierno y la realidad de la mayoría de los argentinos”.

“Hay un clima de aparente festejo que descuida el gran impacto de las políticas de apertura de importaciones de libros que vienen principalmente de España y el resto de Latinoamérica (sobre todo Brasil) y que implica el deterioro del mercado local. No hay ningún reparo en la labor de las editoriales independientes, ni líneas de apoyo económico o de fomento. El estado de la cultura es preocupante y ‘nadie lee nada’ ni acusa recibo de la situación. Hemos sido arrojados a nuestro propio devenir individual”, asegura.

Contra el scroll infinito

Esteban Castroman tiene a cargo Zona Futuro, un espacio dentro de la feria que funciona como radar de nuevas tendencias. “Como todos los años desde 2012, en Zona Futuro encendimos el festival de cultura alternativa dentro de la Feria, con más de 80 actividades alucinadas, para encontrarnos y compartir el amor por los libros y trascender el scroll infinito de esta pesadilla grotesca que infecta nuestro presente”, asegura este escritor, editor y gestor cultural en diálogo con Infobae Cultura.

El gran capricho argentino

Gonzalo Unamuno participó en varias mesas de la feria, como el reencuentro de los “escritores del reviente”. También presentó su nuevo libro: Las máscaras de la bestia. “Independientemente de todas las desavenencias económicas que podamos estar sufriendo como país, los argentinos nos negamos a dejar de ser una de las potencias culturales más importantes de la lengua castellana, sino la más. En la feria confluyen todas las ideologías, todos los quilombos ideológicos que podamos tener”, comenta.

“Es una feria que amalgama todo lo que los argentinos podemos tener de contradictorios. Somos un país que todavía tiene la capacidad de convocar a las mejores plumas del idioma. Somos un país que todavía tiene una producción extraordinaria en materia de pensamiento, de cultura en general, no únicamente de literatura”, dice y destaca que “estuvo rebalsada de gente”: “Ahí hay un foco de resistencia a no abandonar ese lugar que representamos en la cultura del idioma castellano”.

“La feria junta a quienes piensan distinto, a quienes están en las antípodas. El libro atenúa toda esa violencia generalizada que vivimos a diario”, dice Unamuno y sentencia que representa “el capricho argentino a negarse a dejar de ocupar el lugar que hemos ocupado históricamente”. “En tiempos donde la palabra está tan amenazada en pos de la imagen, de la inteligencia artificial, del scrolleo feroz, que haya una pausa para convidarse semejante fiesta alrededor del libro es espectacular”, cierra su reflexión.

Está en la pantalla, en el escenario, de gira, en internet y cantando. Hamlet, la obra maestra de William Shakespeare sobre un príncipe danés melancólico, parece estar viviendo un momento de auge.

Una producción del National Theatre ha llegado a la Academia de Música de Brooklyn protagonizada por Hiran Abeysekera. Hay una versión cinematográfica ambientada en la comunidad del sur de Asia de Londres protagonizada por Riz Ahmed. Anthony Hopkins, a sus 88 años, está deleitando a sus fans en TikTok con algunos de los soliloquios del príncipe Hamlet, «Ser o no ser». La película Hamnet —la historia ficticia de la pérdida que inspiró la creación de Hamlet— le valió un Oscar a Jessie Buckley. The Fate of Ophelia de Taylor Swift —la ex de Hamlet— llegó al número 1 en la lista de sencillos de Billboard. Eddie Izzard está llevando su producción unipersonal de la obra de gira mundial.

Cuatrocientos años después, Hamlet, cuyo antihéroe, aparentemente muy moderno, reflexiona sin cesar sobre qué hacer después de que su tío asesinara a su padre y se casara con su madre, sigue siendo una obra inspiradora.

¿Quieres aún más? Incluso hay una obra de teatro de Hamnet, adaptada de la novela original de Maggie O’Farrell, y la Royal Shakespeare Company la está llevando de gira por el Reino Unido. Shakespeare & Company presentará Hamlet este agosto en los Berkshires. Hay una producción canadiense de Hamlet, Sweet Prince, con una perspectiva queer y contemporánea. The Acting Company de Nueva York presentará una versión en verso moderno dirigida por una mujer, y la compañía de teatro peruana Teatro La Plaza presentó recientemente una versión fuera de Broadway protagonizada por ocho actores hispanohablantes con síndrome de Down.

Jeffrey R. Wilson, un estudioso de Shakespeare de Harvard, dice que Hamlet es perfecto para nuestra época, cuando la avalancha de malas noticias ha provocado constantes controles existenciales, como: “Oye, ¿cómo está todo el mundo?”.

“La gente está agotada por la avalancha de cosas terribles que hay en el mundo”, dice, “y ‘Hamlet’ les da al público permiso para ‘adentrarse en ese mundo’ y explorar esas emociones, además de un conjunto de ideas que nos ayudan a procesar la angustia”.

Un Hamlet neurodiverso

La gran cantidad de obras son notablemente vibrantes y frescas, desde el Hamlet de Brooklyn que lleva un gorro hasta el que disfruta de bailes al estilo de Bollywood en Londres.

“Las grandes obras de teatro sobreviven no porque permanezcan intactas, sino porque pueden seguir transformándose”, afirma la directora y dramaturga Chela De Ferrari, del Teatro La Plaza, cuyo Hamlet neurodiverso es un llamado visceral y urgente de aquellos que a menudo quedan excluidos de las narrativas culturales.

“Trabajar con actores con síndrome de Down y discapacidades cognitivas me hizo recordar algo esencial de ‘Hamlet’: que debajo de su brillantez filosófica hay un ser humano expuesto que se pregunta, de una forma u otra, cómo existir en un mundo que no deja de malinterpretarlo”, dijo.

En uno de los momentos más impactantes del espectáculo, un actor intenta imitar la interpretación de Laurence Olivier del soliloquio de Hamlet «Ser o no ser» con una imagen del famoso actor proyectada en una pantalla. Adquiere una nueva urgencia al ser pronunciado por alguien cuyo derecho a estar en espacios públicos o artísticos suele ser cuestionado.

“Me gusta imaginar una especie de continuidad entre nuestros actores y todos los grandes actores que han interpretado la obra anteriormente. Creo que Shakespeare vive en todos ellos”, dice De Ferrari.

Shakespeare en un BMW

En las excursiones escolares para ver obras de Shakespeare, el cineasta Aneil Karia siempre tenía la sensación de que estaban a un paso de distancia.

“Sentía que principalmente estaba presenciando el desarrollo de una experiencia intelectual y que tenía que usar mi cerebro para seguir el hilo de la trama, el lenguaje y todo lo demás”, dice.

Se asoció con Ahmed y el guionista Michael Lesslie para una reinterpretación minimalista y moderna de Hamlet que se centra en la inquietud del personaje principal por ser cómplice de un sistema empresarial corrupto.

“Eso resulta muy pertinente para el momento político que estamos viviendo y para todo lo demás. Parece ser la pregunta que mucha gente se está haciendo”, dice Karia. “Siento que estas historias son, en realidad, una conversación a través del tiempo mismo”.

Aquí vemos a Hamlet de fiesta en una discoteca bañada en luces de neón, recitando su soliloquio mientras recorre a toda velocidad las calles mojadas de Londres en un BMW, soltando el volante cuando un camión se le acerca de frente. Ser o no ser, en efecto.

“El mejor escenario posible es que esto acerque a Shakespeare a un público que no creía que fuera para ellos, o que tenía dificultades para comprenderlo anteriormente”, dice Karia, cuya película se estrena el martes. “Es una afirmación audaz, pero creo que Shakespeare lo aprobaría. Siento que su filosofía era: ‘Tomen esto y hagan lo suyo’”.

Un príncipe más bufonesco

La producción de Hamlet en Brooklyn se apoya en el humor de la obra por una buena razón: el actor que interpreta a Hamlet es gracioso por naturaleza.

Abeysekera se muestra frenético y travieso al explotar el humor físico de la obra, dirigiéndose directamente al público en sus soliloquios, a veces sentándose al borde del escenario y estableciendo contacto visual.

“Es una obra muy consciente de sí misma. Es como si supiera que es una obra de teatro, si es que eso tiene algún sentido”, dice el director Robert Hastie. “Hamlet sabe que está en una obra llamada ‘Hamlet’, igual que Deadpool sabe que está en una película llamada Deadpool”.

Abeysekera aborda su discurso “Ser o no ser” como un pensamiento fugaz, una idea fugaz, en lugar del enfoque tradicional, teatral y de gran trascendencia.

“En lugar de pensar: ‘Oh, se acerca el gran discurso y eso me está poniendo nervioso’, empecé a pensar: ‘Es un pensamiento que la mayoría de nosotros tenemos’”, dice. “A veces, frente al espejo, nos vemos y decimos: ‘Uf. Hoy es un día difícil’”.

Hastie cree que Hamlet es una de esas obras que revela algo nuevo constantemente. Basada en la condición humana, transmite mensajes novedosos a cada espectador y nos permite descubrir aspectos que siempre han estado presentes.

“Creo que una de las razones por las que seguimos hablando de Shakespeare, y de esta obra en particular, es que cuando esas palabras se fusionan con un nuevo actor o un nuevo grupo de actores, se convierte en una obra diferente”, afirma. “Quizás esa sea una buena definición práctica de un clásico”.

Un bardo extremadamente online

Caitlin Cardile está haciendo todo lo posible por mantener viva la obra del dramaturgo de 400 años en la era de TikTok. Ella y su compañía de teatro de tres personas, Mad Spirits Theatre Company, están presentes en prácticamente todas las plataformas de redes sociales para difundir su mensaje.

“Queríamos acercar a Shakespeare al público moderno y hacerlo comprensible”, dice Cardile. “Queremos que la gente se sienta más cómoda con Shakespeare y que no piense que es inglés antiguo y algo tan difícil de entender”.

Publican lecturas en directo y comentarios de las obras en YouTube, pero es en Instagram y TikTok donde empieza lo realmente interesante. Buscan fragmentos de audio virales —desde diálogos de The Office hasta una canción de Lady Gaga— y asignan a un personaje de Shakespeare la tarea de recitarlos.

Así, la famosa frase de Kitty Forman, «Puede que hoy haya estado un poco irracional», de That ’70s Show, es interpretada en playback por una actriz que da vida a Ofelia. Un fragmento del diálogo entre Scar y Simba de El Rey León es pronunciado por actores que interpretan a Claudio y Hamlet.

“Pensamos: ‘Oye, ¿no sería gracioso si tomáramos estos sonidos ridículos que todo el mundo está usando y se los asignáramos a personajes de Shakespeare?’”, dice Cardile. “Al final, ha resultado ser divertidísimo”.

Fuente: AP

El nuevo alcalde de París, el socialista Emmanuel Grégoire, anunció este lunes una serie de medidas como una mejor limpieza de las calles para garantizar un “derecho a lo bello” en la capital del primer destino turístico mundial.

Más allá de las imágenes de postal de la Torre Eiffel o Montmartre, París es objeto de críticas recurrentes en las redes sociales por la basura en sus calles, la presencia de ratas o de mobiliario urbano en mal estado.

Detrás de la etiqueta #SaccageParis, las críticas se centraron en los últimos años en la predecesora de Grégoire, la socialista Anne Hidalgo, acusada de descuidar la ciudad y centrarse sólo en adaptarla al cambio climático.

“Conozco el descontento de muchas parisinas y muchos parisinos respecto a la calidad del espacio público y, a veces, lo comparto”, confesó al diario Le Figaro su sucesor, que busca garantizar “un ‘derecho a lo bello’ en todos los barrios”.

El alcalde prometió “proseguir las transformaciones emprendidas” por la antigua edil, pero “mejorando el marco de vida general” y con una “exigencia de limpieza y de bienestar”.

Su plan prevé centrarse en la limpieza de las calles, en la conservación de fachadas y la protección del patrimonio de París, incluido el mobiliario histórico, entre otros.

El nuevo regidor, que asumió en marzo, prevé abordar también “1.000 puntos negros” donde el espacio público se degrada, como zonas de “ultrafrecuentación turística” como el Campo de Marte o los alrededores de las estaciones de trenes.

Casi 50 millones de personas visitaron París o su región en 2025, según cifras del organismo de promoción turística regional Visit Paris Region.

Fuente: AFP

Si existiera una máquina del tiempo para viajar al París de mediados del siglo XIX, las coordenadas exactas no estarían en un mapa, sino en los lienzos de Alfred Stevens. El pintor belga, nacido en Bruselas pero adoptado por la sofisticación francesa, logró algo que pocos contemporáneos alcanzaron: convertir la moda en un lenguaje psicológico.

Se lo llamaba “el pintor de las sedas”, pero reducirlo a un simple ilustrador de vestidos sería un error histórico. Detrás de cada pliegue de satén y cada encaje meticuloso, había una comprensión profunda de la intimidad femenina, una visión que lo llevó a ser el artista más cotizado de su tiempo y un aliado inesperado para las mujeres en el arte.

El giro hacia la modernidad

En sus inicios, Alfred Stevens intentó seguir el camino del realismo social. Obras como Lo que llaman vagancia denotaban una preocupación por la pobreza de la época. Sin embargo, tras la Exposición Universal de 1855, su pincel dio un giro radical. Se dio cuenta de que la verdadera vanguardia no estaba solo en la denuncia, sino en el presente inmediato de los salones burgueses.

Para críticos de la época y amigos cercanos como el poeta Charles Baudelaire, Stevens se convirtió en el gran intérprete de la “Parisina”. En cuadros como La dama de rosa, el artista no solo retrata a una mujer elegante; retrata una actitud, una forma de habitar el espacio y una relación con los objetos exóticos —como biombos japoneses y porcelanas— que empezaban a inundar Europa.

Un taller para ellas

La relación de Stevens con las mujeres no terminaba cuando el lienzo se secaba. En un París donde las mujeres tenían prohibido el acceso a la Escuela de Bellas Artes, él abrió las puertas de su propio taller exclusivo para ellas. No buscaba simples copistas; buscaba profesionales.

Entre sus alumnas figuraron nombres que luego harían historia, como la gran Berthe Morisot, figura clave del impresionismo, y la legendaria actriz Sarah Bernhardt, quien no solo posó para él, sino que estudió pintura bajo su tutela. Stevens veía en ellas una capacidad intelectual que el mercado masculino solía ignorar.

La técnica del silencio y la introspección

Lo que hace que una obra de Stevens sea reconocible no es solo la belleza de la modelo, sino la atmósfera. En La carta de ruptura, el espectador se convierte en un voyeur de una tragedia privada. No hay grandes gestos dramáticos; solo el contraste de la luz sobre un vestido negro y la tensión en las manos de la protagonista.

Esta maestría técnica la heredó de su admiración por los maestros holandeses del siglo XVII, especialmente de Johannes Vermeer. Como él, Stevens entendió que la luz que entra por una ventana y rebota en una pared puede contar una historia tan poderosa como una batalla épica.

Hay varias obras que sobresalen por su belleza y profundidad: El Baño (existían dos versiones pintadas entre 1873 y 1874, una está en el Museo de Orsay y el otro fue destruido en uno de los incendios de Viena), Recuerdos y arrepentimientos (1874, en el Instituto de Arte Clark), La parisina japonesa (1872, Stevens fue uno de los primeros coleccionistas de arte japonés en París), En el estudio (1888, una modelo y dos artistas) y Una duquesa (1866, también conocida como El vestido azul), por nombrar algunas.

El pensamiento detrás del pincel

A pesar de su éxito comercial, Stevens era un teórico reflexivo. En su libro Impresiones sobre la pintura, publicado en 1886, dejó claro su credo: “El arte debe ser la copia fiel de la naturaleza y del tiempo presente”. Para él, el presente era femenino.

Su vida privada estuvo marcada por este mismo respeto. Su esposa, Marie Blanc, no solo fue su modelo recurrente en obras cargadas de ternura como Todas las felicidades, sino también la gestora del círculo social que permitió al pintor codearse con la élite política y artística, desde la Princesa Matilde Bonaparte hasta Édouard Manet.

Hoy, redescubrir a Alfred Stevens es entender que la elegancia no es superficialidad. En sus cuadros, la seda es una armadura y el salón es un escenario donde la mujer moderna de finales del siglo XIX empezó a reclamar su propio espacio, su propia soledad y, sobre todo, su propio lugar en la historia del arte.

El FIFA Fan Festival de Miami se prepara para recibir hasta 30.000 visitantes diarios en Bayfront Park entre el 13 de junio y el 5 de julio, convirtiéndose en el epicentro abierto y gratuito del Mundial 2026 para quienes no tienen entradas a los estadios.

Así lo confirmó Miami Herald, mientras el evento, respaldado por USD 14,2 millones del condado, promete una experiencia integral para locales y turistas.

Qué ofrece el Fan Festival de Miami

• Acceso libre y gratuito para residentes y visitantes internacionales, sin registro previo.
• Pantallas gigantes para la transmisión en vivo de más de 80 partidos del Mundial.
• Escenario principal tipo anfiteatro con capacidad para 10.000 personas, donde se alternarán conciertos, presentaciones culturales y espectáculos.
• Experiencias interactivas como “Soccer on the Bay”, con deportistas en motos acuáticas y mochilas propulsoras.
• Instalación colectiva “Faces of Fan Festival” para dejar imágenes y mensajes de los asistentes.
• Actividades infantiles, clínicas deportivas y concursos durante cada jornada.
• Áreas sombreadas, puntos de hidratación y zonas de descanso, con medidas de accesibilidad y sostenibilidad.
• Fiestas de visionado gratuitas en otros puntos clave de Miami-Dade, como Palmetto Golf Course, Little Haiti Park, North Beach Sand Bowl, Tropical Park y Amelia Earhart Park durante partidos destacados.

De acuerdo con el portal oficial Miami FWC26, el festival cubrirá 436.000 pies cuadrados (más de 40.500 m²) en el corazón del centro urbano, facilitando la llegada del público y alineando a la ciudad con una experiencia accesible y masiva.

Fan Festivals confirmados en otras ciudades sede del Mundial 2026

• Atlanta: Centennial Olympic Park, abierto durante toda la fase de partidos.
• Boston: City Hall Plaza, del 12 al 27 de junio.
• Dallas: Fair Park, durante los 34 días de partidos.
• Houston: East Downtown (EaDo), con transmisión de todos los partidos y programación multicultural.
• Kansas City: National WWI Museum and Memorial, registro digital obligatorio y aforo limitado.
• Los Ángeles: LA Memorial Coliseum, del 11 al 14 de junio.
• Miami: Bayfront Park, del 13 de junio al 5 de julio, acceso libre.
• Nueva York/Nueva Jersey: Fan Zone Queens (USTA Billie Jean King National Tennis Center, 17 al 28 de junio) y Fan Village en Rockefeller Center (4 al 19 de julio).
• Filadelfia: Lemon Hill, Fairmount Park, festival de 39 días, con registro online.
• San Francisco Bay Area: Fan zones distribuidas en varios puntos urbanos y suburbanos.
• Seattle: Nueve fan zones en distintas ciudades del estado de Washington.
• Toronto: Fort York National Historic Site y The Bentway, 11 de junio al 19 de julio.
• Vancouver: Hastings Park, con anfiteatro para 10.000 personas.
• Ciudad de México: Zócalo, transmisión de partidos y programación cultural.
• Guadalajara: Sede y fechas por confirmar.
• Monterrey: Parque Fundidora, detalles finales pendientes.

The World Cup Guide y portales oficiales de las sedes indican que la mayoría de los Fan Festivals en Estados Unidos, Canadá y México serán de acceso gratuito, aunque algunas ciudades aplican registro digital previo y control de aforo.

Logística, expectativas y contexto hotelero en Miami

Según Miami Herald, la organización del Fan Festival de Miami está respaldada por una inversión pública de USD 14,2 millones y espera la asignación de USD 70 millones más del Departamento de Seguridad Nacional para seguridad y logística.

El evento se desarrolla en un contexto de demanda hotelera moderada: la ocupación promedio se ubica en 24% en días de partido y llega a 31% en noches clave como Brasil vs Escocia, cifras que, aunque superiores al año anterior, no alcanzan las previsiones iniciales.

Chantal Wu, directora de hospitalidad de la firma CoStar, explicó que Miami lidera las reservas hoteleras entre las sedes estadounidenses durante el torneo, aunque la demanda internacional muestra una caída frente a ediciones previas debido al costo de entradas, precios de alojamiento y políticas migratorias.

Axios Miami destacó que el comité organizador local confía en un repunte de la demanda a medida que se acerque la fecha inaugural.

Durante 23 días, Bayfront Park se transformará en el punto de encuentro global para aficionados y turistas, con una programación diaria pensada para quienes no cuenten con entradas a los estadios y una oferta de actividades que busca consolidar la experiencia futbolística y cultural en el espacio público.

“Bayfront Park será un punto de encuentro global donde residentes y visitantes celebrarán el fútbol mientras experimentan la cultura, la diversidad y la hospitalidad que definen a Miami”, señaló Rodney Barreto, copresidente del comité organizador, citado por Jamaica Observer.

Recta final de la Feria del Libro, la número cincuenta, la del medio siglo. Entre ajustes y austeridades, el gran shopping literario vuelve a ser un salvavidas flotando en el océano editorial. Este es el último fin de semana, donde los stands parecen agrandar sus mesas y los libros volverse más brillantes. ¿Se está vendiendo? ¿Más que el año pasado; menos? ¿Se ve mucha gente? ¿Se llevan uno, dos, tres libros? ¿Preguntan y se van, piden descuentos? Infobae Cultura habló con distintos editores. Así viene la mano.

“Viene tranqui”, resume Juan Manuel Pampín, presidente de la Cámara Argentina del Libro. “Pero la feria no es una isla”, agrega. “Hay mucha gente. Pero el que antes se llevaba tres o cuatro libros, hoy se lleva dos, y el que antes se llevaba dos, hoy intenta llevarse uno. También están los que se van sin ninguno. La feria es también un acercamiento a los libros. Desde ese lado nosotros estamos contentos”. ¿Números? “Estimamos que por debajo al año pasado; hay que ver cómo termina”.

Azul Francia es un sello que nació hace ocho años y que ya cuenta con un catálogo robusto. En esta edición forma parte del stand colectivo de la CAL, el número 722 del Pabellón Azul. Francisca Mauas, su editora, asegura que “las ventas vienen flojas, definitivamente más flojas que el año pasado”. “Es muy difícil que la gente compre libros. No se gasta a mansalva. Me da la sensación de escasez, de falta, de dolor. Mucho de ‘¿cuánto sale?, ¿me hacés descuento?’, y por ahí sale 20 lucas un libro".

“Ponemos accesibles a los libros, incluso debiendo plata, para que la gente pueda comprarlos y nuestros proyectos no se vayan al demonio. Muchos años fueron así”, recuerda Mauas e inmediatamente aclara que “la alegría de hacer libros es infinita”: “Hay que resistir, seguir intentando: toda crisis pasa. Romantizamos mucho los libros y no voy a dejar de hacerlo por ninguna crisis”. “Siempre la feria es hermosa: está lleno de gente y, aunque no compren, es bueno que vengan y se sientan parte”, concluye.

El caso de Planeta parece ser una anomalía: viene un 15% arriba, en comparación a la feria del año pasado y a esta altura del evento. “Falta el último fin de semana que viene la Conabip y esto se refleja mucho en ventas”, dice Santiago Satz, Gerente de Comunicación de Grupo Planeta Argentina. ¿A qué se debe? Por un lado, las figuras: autores de renombre, bestsellers, influencers. Por ejemplo, Alice Kellen presentó su libro ante mil personas y estuvo firmando ejemplares durante cinco horas.

Este año, por primera vez, pusieron tres stands. Ya habían tenido dos pero desde hace cinco que ponían uno solo. Para esta edición desplegaron un stand principal —de los más grandes de La Rural—, otro con literatura juvenil y un tercero dedicado a El Eternauta. “Ojalá podamos repetir: nos funcionó muy bien”, dice Satz y agrega: “Entiendo que la Feria es un punto de encuentro de lectores y no lectores. Por eso trabajamos mucho en acciones de marketing y comunicación para mejorar la experiencia de compra”.

El sello Tinta Limón forma parte de un stand colectivo, el número 1916, junto a Traficante de sueños de España, Bajo Tierra de México, Lom de Chile, y Nocturna, Hijas de Kore y El Zócalo de Argentina. Diego Skliar, su editor, cuenta que “todo viene más o menos igual que el año pasado”. “Todavía no tenemos números finos, pero sí notamos más afluencia de público, más interés, gente contenta, pero que no siempre repercute en las ventas”, agrega en su primera percepción antes del cierre.

Luego arroja una reflexión, un diagnóstico: “El propio detone de la economía y el propio garrón implosivo que estamos viviendo como sociedad llegaron a un límite por el cual se tiene que salir por otro lado. Están volviendo ciertos rasgos de deseo y de solidaridad. El mambo no viene por el lado del odio, del encierro y del individualismo. Murió la ilusión emprendedurista y está volviendo a ganar la sociedad argentina y su poder popular. Esa es mi intuición, y creo algo de eso en la Feria del Libro se está expresando”.

Ediciones Las Guachas es una editorial patagónica radicada en San Martín de los Andes, con sede también en Bariloche. Está por cumplir siete años y este es el tercero que participa de la Feria. En el stand Lente Cultural Patagonia, en el Pabellón Ocre, donde se pueden conseguir los treinta títulos de su catálogo, “la afluencia de público es muchísima”, dice Tamara Padrón Abreu, directora del sello. “Estuvimos muy activas con presentaciones y participando del Festival Palabra Indígena”, cuenta.

“Las ventas en general han bajado: podría decir que cerca de un veinticinco por ciento menos respecto al año pasado. Esto es algo que venimos hablando con otros libreros, con otras editoriales. La venta es menor. Sin embargo, cuando hay eventos, cuando se presenta un autor o autora, cuando hay una actividad, presentación, charla o debate, se produce una mediación con el público e inmediatamente compran los libros. Pospresentación se vende un montón. Ahí súper bien la venta”, agrega.

Sin embargo, hay un detalle, “y esto es un juicio personal”, aclara: “Hay mucho menos poder adquisitivo. Entonces, la comunidad lectora o la gente que pasea por la feria, al disponer de menos dinero, elige muy bien en qué gastarlo. A veces, ofertas: en nuestro catálogo tiene muy buenos precios, y eso es una política editorial. Pero lo que determina o define muchas veces es cómo llegó ese libro a su conocimiento: una nota crítica, algo que ve en el diario, muchísimo las redes o in situ lo que pasa en la feria".

Ramiro Villalba de AZ Editora, sello con una enorme producción de literatura infantil y juvenil, así como también de libros escolares, dice con optimismo que “una vez más volvemos a comprobar que la Feria del Libro está más viva que nunca, frente a las circunstancias o a la coyuntura que se vive. Lo cierto es que la gente la sigue eligiendo como uno de los paseos culturales más destacados del año. Y eso es lo que estamos viendo en la afluencia de gente, que se siente un poco más que los años anteriores".

Ubicada en el stand 1011 del Pabellón Verde, AZ está de festejo: este año cumple cincuenta. “Fundada en 1976 como una editorial dedicada a la educación y libros universitarios, fue progresivamente incursionando en la literatura infantil, en la literatura juvenil, y material de interés general para adultos”, cuenta y agrega: “La feria está, actualmente, en las mismas cantidades de ventas, en unidades me refiero, que el año anterior. Y en este contexto, lo que nos parece un resultado muy positivo”.

Este año han “apalancado” con muchas novedades editoriales, cuenta Villalba: “Una estrategia nuestra es tratar de ofrecer grandes libros a los mejores precios del mercado y en eso hemos hecho un gran esfuerzo. En líneas generales, yo creo que incluso va a terminar mejor”. Falta ver cómo impacta el programa Libro% de la Conabip, donde las bibliotecas populares son las protagonistas, y las ventas en el último finde de la feria. Si bien nota más gente, subraya erte detalle: “Hay muchas consultas por el precio”.

Los editores de Ediciones IPS (Instituto del Pensamiento Socialista Karl Marx), el sello que está en el stand 216 del Pabellón Azul, se muestran optimistas. “Aun ante la baja del poder adquisitivo y la mala situación económica, estamos vendiendo muchos libros en la Feria”, dice Nicolás Bendersky. “De hecho, a esta altura venimos vendiendo más libros en comparación con la de 2025. Desde siempre nuestra editorial tiene la política de precios accesibles a trabajadores y estudiantes”, explica el editor.

“Con el fenómeno que hay en relación con la izquierda, y con Myriam Bregman en especial, que tiene una alta imagen positiva, es lógico que se refleje en los libros y en nuestro stand. Notamos un interés muy grande por conocer las ideas de la izquierda", dice y señala Zurda, el libro de la dirigente del Frente de Izquierda Unidad que el año pasado, cuando lo presentó en la Feria, fue en la actividad más convocante de aquella edición: “Es furor, la gente lo compra entusiasmada y se saca fotos con el banner”.

“Vemos mucha avidez por conocer libros introductorios como El estado y la revolución de Lenin, el Manifiesto Comunista de Marx y Engels o el folleto ¿De que hablamos cuando decimos socialismo?”, dice Bendersky. “Estamos aprovechando la feria para difundir nuestras publicaciones, al calor del fenómeno Bregman. Es algo que se expresa en el interés por las ideas marxistas y de izquierda, especialmente entre los jóvenes, que están lejos de haberse vuelto de derecha, como se decía”, concluye.

No se nota pero Federico Andahazi está impaciente. Nunca se nota. Esta tarde, a las 17:30, en la Sala Carlos Gorostiza del Pabellón Amarillo, presenta su nuevo libro, El prisionero del yerbatal, inmediatamente después, en el stand de Penguin Random House, firmará ejemplares. Es el encuentro con sus lectores, con sus fans, que son muchos. Ahora, mientras acaricia un extremo de su bigote encanecido, mientras oculta con algo de solemnidad esa impaciencia, dice: “Mientras escribimos el lector es una conjetura, una hipótesis. Y de repente, encontrarte en los pasillos con la materialización de esa entelequia... a mí siempre me resultó muy, muy conmovedor”.

Este año, al igual que al anterior, llega a la Feria con un libro. Si en Mares de furia rescató la figura de Hipólito Bouchard, en El prisionero del yerbatal indaga en la vida de Aimé Bompland, naturalista y médico francés capturado en las antiguas misiones de la colonia Santa Ana y se vuelve durante una década un rehén en el Paraguay por conspiración y espionaje. Pero “aquellas acusaciones, e incluso esa última puesta en escena, no eran más que pretextos y recursos grotescos”, se lee en la novela. “En realidad, buscaban arrancarle el secreto de su cultivo: cómo obtenía esa yerba que superaba incluso a la que explotaba el dictador en Ybycuí”.

Los días de Andahazi como comentarista político y polemista parecen haber terminado. Atrás quedaron los años del versus kirchnerismo-macrismo y él aparecía aportando a la narrativa del ya extinto frente Juntos por el Cambio. Hoy se lo ve más como un escritor puro. Incluso en esos tiempos, dice, nunca vivió “situaciones tensas”: “Probablemente porque mi producción literaria es anterior a la grieta”. Hace una pausa reflexiva y agrega: “Cambió la grieta, es otra. Hoy son otras las cosas que se discuten. La geografía política cambió mucho y eso se nota: lectores que podían estar más identificados con un lugar diferente del que uno sostenía se han vuelto a acercar”.

Esa pureza que guarda la literatura, que saboreó desde el inicio, con su celebrado primer libro, El anatomista, en el año 1997, ″es una de las cosas por las cuales uno se aferra tanto”. “Un libro que te dejó una huella no te lo olvidás nunca. La coyuntura política tiene la duración de los diarios. Son cosas que se olvidan rápidamente. Argentina es un país que tiene una tradición muy grande de escritores que han participado de la política. Salvo las grandes excepciones, hay una suerte de amnistía: la gente tiende a querer olvidarse de esas disputas y quedarse con la literatura que, efectivamente, yo creo que sí, que está por encima del barro de la coyuntura”, asegura del otro lado del teléfono.

El afecto del público. “Este carácter emotivo de los lectores no deja de conmoverme”, dice y recuerda no una vez, sino varias, después de la presentación de algún libro, sacarse una foto con alguien, girar luego a verlo, y que esté “como moqueando”. “Hay una emoción tan grande y tan inexplicable en ese vínculo que une al lector con los autores. A mí me pasa como lector”, dice y recuerda una noche en París, un encuentro organizado por la Unesco, mucha gente, muchas caras, muchos nombres, y de pronto alguien le presenta a Gabriel García Márquez: “Yo no podía pronunciar palabra”.

El prisionero del yerbatal tiene el mismo método de investigación histórica que las anteriores novelas: “Estás buscando datos para una novela y te tropezás con otros personajes por el camino. Bonpland y Humboldt son dos calles paralelas que en general la gente no tiene idea quiénes fueron. Estaba escribiendo Mares de furia, investigando sobre Bouchard, y me encuentro con Bonpland, que un poco se cruzan en esos viajes. Y digo: ‘qué personaje fantástico y qué poco se sabe, y qué poco se sabe del mate’. Fue toda una épica, fue toda una epopeya. Fue muy difícil de conseguir que el mate pudiera plantarse a escala. Pero la historia de Bonpland en sí misma es increíble".

“Bonpland se vio obsesionado con la yerba mate”, continúa Andahazi, todavía envuelto en la fascinación de su descubrimiento. “Él conoce de manera casual, fortuita, la yerba mate. Un comerciante de té se la da a probar en París y el tipo se obsesiona porque piensa dos cosas: que se podía hacer un buen negocio, pero que además podía desbancar a Inglaterra del dominio de las infusiones con el té. Vos pensá que el primer paso hacia la independencia de Estados Unidos fue el Tea Party, la rebelión del té en Boston, donde tiraron toneladas de té al agua. Entonces Bonpland dijo: ‘Esto puede ser el vehículo de la independencia de los pueblos de América del Sur’”.

“Yo creo mucho en la ficción como método de reconstrucción histórica”, dice ahora. Estamos hablando de cómo la historia novelada navega por el pasado. “Yo tiendo a creerle más a los escritores de ficción que a los historiadores porque los historiadores en general tienen un sesgo dado que la historia es un sistema de construcción de relatos. El lector sabe que el novelista le va a mentir porque un poco es la esencia de la ficción. Pero muchas veces el lector de historia cree en el historiador, que le habla en nombre de la verdad, y en nombre de esa verdad, muchas veces los historiadores nos han engañado. Yo, por el contrario, creo fuertemente en las hipótesis literarias”.

“Los guaraníes no tenían escritura, con lo cual todo lo que sabemos de los guaraníes es por tradición oral o por lo que escribieron en su momento los jesuitas. Cada capítulo se inicia con una receta de mate. Son recetas que estaban perdidas, me costó muchísimo trabajo recuperarlas”, dice y cuenta que viajó a la Triple Frontera para acercarse a ese paisaje narrado, a esos personajes, a esa atmósfera: “Las condiciones en las que viven hoy las comunidades guaraníes... te parte el alma. Le preguntás por infusiones de mate, pero el mate es su comida: almuerzan y cenan mate, porque no tienen otra cosa.

A contramano de lo que mucha gente piensa, Andahazi asegura que en “estos últimos años hay una revalorización del escritor en la misma medida en que va abriéndose paso la inteligencia artificial. Lo mismo pasa con los músicos. A mí me espanta ver libros enteros, artículos, notas, contenidos en redes sociales están hechos con inteligencia artificial. Muchos posts de gente que habla de literatura y vos te das cuenta que esos tipos están leyendo lo que está escrito con inteligencia artificial. Es muy fácil detectarlo y te sentís estafado. También se revaloriza la Feria del Libro. Creo que vamos a volver a una revalorización de lo analógico, así como se volvieron a editar vinilos”.

“Hay que decirlo: la gente está perdiendo la habilidad de escribir. Me tocó ser jurado de un par de concursos. Te das cuenta lo que está escrito con inteligencia artificial, porque está bien construido gramaticalmente, semánticamente. Y la gente está escribiendo muy mal. O sea que lo único bien escrito estaba hecho con inteligencia artificial. Y lo que estaba hecho con inteligencia artificial tiene todos los vicios de la inteligencia artificial: la doble o triple negación (no es tal cosa, no es tal otra, es tal cosa), el abuso de los gerundios, el abuso de los adverbios de modo. Con el advenimiento de la inteligencia artificial, la gente va a valorar la figura del escritor”, concluye Andahazi.

En el panteón de las frases que definen el siglo XX, hay una que resuena con una fuerza casi violenta en nuestra era de algoritmos y burbujas de confirmación: “La libertad es el derecho a decirle a la gente lo que no quiere oír”. Su autor, Eric Arthur Blair —conocido universalmente como George Orwell—, no la escribió como un eslogan publicitario, sino como una advertencia desesperada frente a la marea del totalitarismo y, sobre todo, frente a la cobardía intelectual. ¿Por qué hoy suena tan actual, tan ineludible?

Lo más fascinante de esta cita es su origen. No pertenece a la trama de una novela, sino a un texto que estuvo oculto durante décadas. Se trata de “La libertad de prensa”, el prefacio que Orwell escribió para Rebelión en la granja (1945). Curiosamente, el prefacio fue omitido en la primera edición. No por censura estatal, sino por una forma más sutil y peligrosa de silencio: la autocensura de los editores británicos que no querían ofender a la Unión Soviética, que en ese entonces era aliada de Inglaterra.

Rebelión en la granja es, quizás, la sátira política más importante de la historia. A través de la rebelión de los animales contra el granjero Jones, Orwell desnudó la traición de la Revolución Rusa por parte de Iósif Stalin. Cuando escribe “Todos los animales son iguales, pero algunos son más iguales que otros”, sintetiza cómo el lenguaje puede ser secuestrado para justificar la opresión. Ese libro, que nació para denunciar el estalinismo, hoy se lee como un manual contra cualquier forma de autoritarismo.

Orwell, un hombre de izquierda que nunca tuvo miedo de criticar a la propia izquierda, entendió que el mayor peligro para la democracia no es solo el dictador de turno, sino la disposición de las masas a aceptar una mentira confortable. En ese sentido, la frase que nos ocupa resume la médula espinal de su pensamiento. Para Orwell, la libertad no era un concepto abstracto o decorativo; era una práctica incómoda. Si la libertad de expresión solo sirve para repetir lo que todos aceptan, entonces no sirve para nada.

Este compromiso con la verdad lo llevó a las trincheras de la Guerra Civil Española, experiencia que volcó en Homenaje a Cataluña, y a imaginar el futuro asfixiante de su última gran obra, 1984. En aquel mundo dominado por el Gran Hermano, la verdad era un crimen y el pensamiento independiente, una sentencia de muerte. Hoy, cuando las redes sociales y la cultura de la cancelación parecen exigir una conformidad absoluta, las palabras de George Orwell recobran una urgencia eléctrica.

¿Quién es George Orwell?

George Orwell, seudónimo de Eric Arthur Blair, nació en 1903 en Motihari, India, bajo el dominio del Imperio Británico. Educado en el exclusivo colegio de Eton, su vida estuvo marcada por una constante búsqueda de justicia social y una experiencia vital extrema: trabajó para la Policía Imperial en Birmania, vivió en la indigencia en París y Londres para entender la pobreza, y combatió en la Guerra Civil Española dentro de las milicias del POUM, donde recibió un tiro en el cuello y tuvo que dejar el combate.

Estas vivencias transformaron su visión del mundo, convirtiéndolo en un socialista democrático con una fobia visceral a cualquier totalitarismo, ya fuera de derecha o de izquierda. Su legado literario es uno de los más influyentes del pensamiento occidental. Entre sus obras fundamentales destacan la crónica testimonial Homenaje a Cataluña, la sátira política Rebelión en la granja y la distopía definitiva sobre el control estatal, 1984, donde acuñó conceptos como el Gran Hermano o la Policía del Pensamiento.

Su muerte no tuvo el heroísmo de las trincheras, sino la quietud amarga de los hospitales. En enero de 1950, tras una lucha agónica contra una tuberculosis que le arrebataba el aliento mientras terminaba de escribir los últimos folios de 1984, George Orwell falleció en Londres a los 46 años. Se fue solo, con una caña de pescar a los pies de su cama. Su partida dejó un vacío, pero nació entonces el mito orwelliano: mientras alguien se atreva a escribir la verdad, el Gran Hermano no habrá ganado la batalla final.

El desarrollo de un juego de cartas coleccionable que fusiona la mecánica de Pokémon con la riqueza cultural de las civilizaciones Chimú y Mochica ha captado la atención en la ciudad de Trujillo, al norte de Perú. La propuesta, bautizada como Crónicas Ancestrales, aspira a convertirse en una herramienta que permita a niños, jóvenes y familias explorar el legado prehispánico de la región a través de ilustraciones y narrativas inspiradas en artefactos y personajes históricos. De acuerdo con información de RPP, el juego busca fortalecer la identidad cultural local mediante el entretenimiento y la creatividad.

Según explicó Luis Carranza, integrante de la plataforma Metasuyo y uno de los creadores de la iniciativa, la dinámica de Crónicas Ancestrales se inspira en los populares juegos de cartas coleccionables, pero reemplaza las criaturas de fantasía por elementos representativos de las culturas originarias del norte peruano. Carranza detalló que el objetivo fue “crear un juego didáctico que incentive la imaginación y la creación de historias propias a partir de cartas que presentan artefactos, lugares y personajes vinculados a las culturas Chimú y Mochica”.

Las cartas incluyen ilustraciones como el guardián de la muralla de Chan Chan, representaciones de Huanchaco en el periodo Chimú, las Islas Macabí y máscaras fúnebres características de la época. Estas imágenes buscan sustituir los tradicionales personajes de Pokémon, promoviendo relatos vinculados al pasado ancestral del país. “Lo que buscamos es que estas cartas sirvan de inspiración para que los participantes puedan hacer sus propias historias”, afirmó Carranza para el citado medio.

Talleres y participación familiar

El proyecto ha sido presentado en talleres dirigidos a escolares y familias, tanto en instituciones educativas como en el Museo de Sitio Chan Chan. Según información de RPP, la respuesta de los niños y adolescentes ha sido positiva, ya que cada participante interpreta las cartas y crea relatos según los temas que más le interesan. Carranza señaló que observar cómo los niños toman una carta y elaboran una historia propia ha sido una de las experiencias más gratificantes del proceso.

A la dinámica se han sumado también padres y abuelos, quienes acompañan a los menores en la creación de relatos y en la interacción con los elementos visuales del juego. El creador destacó que este enfoque intergeneracional ha fortalecido los lazos familiares y el interés por la historia local.

Las actividades impulsadas por Metasuyo han logrado que el juego trascienda el ámbito escolar y se convierta en una herramienta didáctica para toda la comunidad. Las cartas funcionan como punto de partida para la exploración colectiva del patrimonio cultural, involucrando a integrantes de diferentes generaciones.

Próximo lanzamiento y expansión

Actualmente, Metasuyo se encuentra ultimando detalles para el lanzamiento oficial del primer set coleccionable de Crónicas Ancestrales. De acuerdo a lo anunciado, la presentación se realizará el primer domingo de junio en el Museo de Sitio Chan Chan, uno de los principales referentes del legado Chimú en Perú. Las cartas estarán disponibles tanto en formato físico como digital, a través de la página web de Metasuyo y en sus redes sociales, como Facebook, Instagram y TikTok.

Con este proyecto, se abre una alternativa para que el aprendizaje sobre las civilizaciones originarias del norte peruano se integre al ocio y la recreación, favoreciendo la apropiación cultural desde edades tempranas.

Durante más de un siglo, solo los conservadores y expertos pudieron observar de cerca las primeras obras del artista austriaco Gustav Klimt en Viena, pero los fanáticos de Klimt ahora tienen esa oportunidad en visitas guiadas diarias que se realizan en lo alto de andamios.

Los 10 óleos, que se encuentran en los techos de 18 metros de altura (60 pies) del renombrado Burgtheater en la capital de Austria, están siendo restaurados debido a los daños causados por el agua.

“Lo especial de Klimt, al menos para mí, es que solo conocemos sus obras posteriores”, dijo Hannes Höllinger, de 60 años, quien participó en una de las recientes visitas guiadas a la obra de Klimt y comentó que “fue muy interesante ver que ya a los 24 años realizó estas pinturas tan bellas que yo mismo no había visto antes”.

Klimt, famoso por sus audaces y atrevidas pinturas modernistas, fue una figura clave del modernismo artístico a principios del siglo XX. Su obra ha alcanzado algunos de los precios más altos jamás pagados por un artista. Entre sus pinturas más famosas se encuentra El beso, de 1907-1908, que representa a una pareja en un apasionado abrazo adornado con elaborados motivos y detalles dorados. La pintura se exhibe en el Museo Belvedere de Viena.

«Nos permitieron invertir varios cientos de miles de euros para que Gustav Klimt volviera a brillar con todo su esplendor original», declaró Robert Beutler, director comercial del Burgtheater. «Todo se limpia a mano con hisopos de algodón muy finos y agua condensada».

El cuadro más grande de Klimt mide unos 35 metros cuadrados (375 pies cuadrados), “así que pueden imaginar el tiempo que lleva quitar el polvo y la suciedad pieza por pieza y capa por capa”, dijo Beutler.

Klimt pintó los cuadros del teatro entre 1886 y 1888, junto con su hermano Ernst y el pintor austriaco Franz Matsch. A los 24 años, fue el primer gran encargo de Klimt.

El restaurador Thomas Mahr, responsable de la restauración del estuco que rodea las primeras obras de Klimt, dijo que la propuesta de los artistas en aquel entonces era: “‘Somos jóvenes, somos rápidos y ofrecemos un gran trabajo a bajo costo’, y así fue como comenzaron su negocio”.

Las pinturas representan distintas escenas de la historia del teatro. Una de las obras más grandes muestra una escena del Londres del siglo XVI, en la que la reina Isabel I asiste a una representación de Romeo y Julieta en el Teatro Globe. Justo detrás de la reina, Klimt y sus dos compañeros artistas observan la escena. Se trata del único autorretrato conocido de Klimt.

Cada día, cientos de amantes del arte suben a los andamios como parte de visitas guiadas para contemplar de cerca la obra de Klimt. Susanne Höllinger, quien realizó la visita con su esposo Hannes, comentó que las primeras pinturas ya permiten hacerse una idea de cómo serían las obras posteriores más famosas de Klimt.

Le gustaba especialmente observar los numerosos detalles de los cuadros que no son visibles desde el suelo del teatro, como las pequeñas figuras finamente pintadas o el cigarrillo en los dedos del hermano fumador empedernido de Klimt, Ernst.

“Estar tan cerca de estas pinturas recién restauradas es una experiencia única”, exclamó Höllinger.

Las visitas guiadas especiales sobre el arte del techo de Klimt continuarán hasta agosto, después de lo cual se retirarán los andamios. Las entradas generales están disponibles en el sitio web del teatro por 25 euros (29 dólares).

Fuente: AP

Hay frases que no buscan el consenso, sino la herida. Cuando la intelectual neoyorquina Susan Sontag sentenció que la guerra es uno de los pocos escenarios donde el ser humano experimenta una vitalidad total, no estaba haciendo una apología del combate. Estaba lanzando una advertencia sobre la condición humana y nuestra relación parasitaria con la tragedia ajena. Esa idea, que sobrevuela gran parte de su obra tardía y sus diarios, encuentra su anclaje definitivo en Ante el dolor de los demás, de 2003.

Para entender esta frase, hay que situarse en la Nueva York de principios del siglo XXI. Sontag, que ya había analizado la estética del poder y la imagen en su consagrado libro Sobre la fotografía (1973), regresó al tema tras los atentados a las Torres Gemelas y el inicio de la invasión a Irak. En un mundo saturado de pantallas, la autora se preguntaba: ¿qué nos sucede cuando miramos una fotografía de una masacre? ¿Nos vuelve más éticos o simplemente nos vuelve mirones?

La frase sobre la vitalidad de la guerra aborda el fenómeno de la “adrenalina del espanto”. Para Sontag, la guerra rompe la monotonía de la sociedad de consumo, ofreciendo una “verdad” brutal que, paradójicamente, hace que quienes la viven (y quienes la consumen desde lejos) se sientan sacudidos de su letargo existencial. En ese sentido, Ante el dolor de los demás, su último gran ensayo publicado en vida, es una pieza fundamental de la crítica cultural contemporánea.

En él, Sontag revisita sus propias teorías de los años 70. Mientras que en Sobre la fotografía las imágenes de horror nos insensibilizaban, en Ante el dolor de los demás son una invitación a la reflexión, pero también un recordatorio de que no podemos comprender el sufrimiento real si solo lo vemos a través de una lente. Este libro desmitifica la compasión. Sontag sostiene que la guerra es una actividad que otorga sentido, jerarquía y una urgencia que la paz, en su comodidad burguesa, suele diluir.

Siempre buscó la intensidad. Ya sea en sus críticas sobre la obra de Jean-Luc Godard, en su puesta en escena de la obra de teatro Esperando a Godot en una Sarajevo bajo fuego, o en sus diarios personales reunidos en Renacida, siempre rechazó lo tibio. Para ella, la guerra representaba el límite de la experiencia humana. La frase captura su obsesión con la ética de la mirada: el hombre se siente “vivo” ante el peligro porque allí no hay espacio para la ironía, solo para la supervivencia o la destrucción.

¿Quién es Susan Sontag?

Nacida en Nueva York como Susan Rosenblatt, la autora adoptó el apellido de su padrastro, Nathan Sontag, tras la muerte de su padre biológico en China. Estudiante brillante y voraz, terminó la secundaria a los 15 años y se formó en instituciones de élite como la Universidad de Chicago, Harvard, Oxford y la Sorbona. A los 17 años se casó con el sociólogo Philip Rieff, con quien tuvo a su único hijo, David Rieff, antes de divorciarse y mudarse a París, ciudad que marcó su formación estética.

A lo largo de su carrera, Sontag se consolidó como una de las intelectuales más influyentes del siglo XX, alternando la escritura de novelas como El amante del volcán y En América —por la cual recibió el Premio Nacional del Libro— con ensayos como Contra la interpretación y Sobre la fotografía. Fue también una activista comprometida que dirigió teatro en una Sarajevo sitiada y presidió el PEN American Center. Falleció a los 71 años en 2004 a causa de una leucemia mieloide aguda.

El Monasterio de Santa María la Real de Valdeiglesias es un lugar especial. Bien de Interés Cultural (BIC), es el monasterio más antiguo de la Comunidad de Madrid. Situado en el municipio de Pelayos de la Presa (3.200 habitantes), muchas empresas y particulares lo eligen para celebrar todo tipo de eventos, como bodas, conciertos, rodajes, presentaciones... El pasado mes de septiembre, en concreto los días 12 y 13, una empresa privada organizó un festival de música, bautizado como ‘Monasterio Festival’. La instalación fue donada hace muchos años al Ayuntamiento de Pelayos por su propietario, el arquitecto Mariano García Benito. Una fundación lo gestiona desde entonces, una fundación que decide qué tipo de actividades se pueden llevar a cabo en este escenario del siglo XII.

La fundación está compuesta por el alcalde de Pelayos (del PP), varios de sus concejales de Gobierno, un solo edil de la oposición y varios familiares y amigos del arquitecto García Benítez. Entre los patronos está la concejala Ana Rivero, que tiene las responsabilidades de Cultura, Mayores y Medio Ambiente. Rivero es, además, psicóloga y tiene un despacho para sus actividades privadas. Da la casualidad que uno de los organizadores del festival es el hijo de Rivero, Óscar Trujillo, que también forma parte de una de las bandas que actuó en el festival. ¿Cuánto pagaron los organizadores del festival a la fundación por ‘alquilar’ el monasterio esos días de septiembre?

No hay datos públicos. Infobae se ha puesto en contacto con los organizadores, incluido Óscar Trujillo, para intentar conocer estos datos. No ha recibido respuesta. La fundación tampoco revela en su página web las tarifas de alquiler del monasterio. “Esta vinculación resulta especialmente relevante a efectos de valorar posibles conflictos de interés, máxime cuando el evento se desarrolló en un bien gestionado por una fundación pública y con participación directa del Ayuntamiento”, señala Mara Traseira, que preside un colectivo vecinal llamado ‘Asociación Futuro de Pelayos’ y que está intentando que la Comunidad de Madrid fiscalice con más control el uso que se hace del monasterio, que al ser BIC es un bien protegido.

Así que Traseira y otros miembros de la asociación pagaron 88 euros para poder ir al festival y comprobar in situ si la arquitectura de tan valioso monasterio era respetada. “Hay que tener que no solo fueron los dos días del festival, hay que sumar el montaje y el desmontaje. Los cálculos que hemos hecho, porque aquí no hay transparencia, en que los organizadores tuvieron que pagar más de 15.000 euros en tasas. Con las entradas que vendieron, 500, no sé si les salió rentable”, explica. La asociación asegura que Trujillo, el hijo de la concejala, enseguida les identificó. “Nosotros no fuimos por la música, sino para controlar de que todo se hacía correctamente. Y si para eso había que pagar una entrada, la pagamos”.

Fotos y pruebas

“Trujillo nos dijo que se lo habíamos puesto muy difícil para organizar el festival, tras presentarse como el hijo de Ana, de la concejala. Nos dijeron que el día anterior casi les suspenden el evento. Allí pudimos comprobar que había generadores, cables, mangueras, regletas… nos pusieron una especie de vigilancia. Pero hicimos fotos de todo, de las colillas y las bebidas tiradas al suelo. Nos vino la pareja de Trujillo medio llorando por las fotos que estábamos haciendo. Hay cosas que no se hicieron bien, por ejemplo, espectadores subiéndose a los muros para hacerse fotos", narra Traseira.

Su sorpresa llegó cuando quisieron tomar algo. Porque la entrada de 88 euros no incluía la bebida. “Había dos barras para comprar las bebidas y un par de ‘foodtrack’. Podías pagar una especie de ticket de bebidas por 20 euros. Mucha gente pagaba en metálico, pero yo quise hacerlo con tarjeta, me trajeron un datáfono y pedí el ticket. En él se puede ver claramente que el propietario del datáfono es ‘Ana Rivero Psicología’. Es llamativo y grave. No había un sistema de cobro claramente vinculado a la entidad organizadora debidamente identificada. Este hecho plantea dudas serias sobre la trazabilidad de los ingresos, su correcta imputación y su eventual reflejo contable, así como sobre el destino final de los mismos. “¿Un miembro del patronato de la fundación se lucra con actividades que un familiar suyo hace en el monasterio que gestiona esa fundación?, se pregunta Traseira.

Ante la gravedad de esta circunstancia, la Asociación Futuro por Pelayos registró formalmente el 22 de octubre un escrito en el Ayuntamiento solicitando explicaciones (con el ticket adjunto) al alcalde Antonio Sin, para que les informase sobre cómo se garantizaba la separación de funciones y el conflicto de intereses entre la concejala patrona de la fundación que gestiona el monasterio, el festival que organizó su hijo, y estos sospechosos cobros en el datáfono del gabinete de psicología de la edil. “Nunca nos respondieron. Falta de transparencia”.

Rubén Hernández es el único edil de la oposición que está en el patronato de la fundación. Su partido es la AVP. Asegura que se enteró que el hijo de la concejala del PP organizó el festival después de que se celebrase. “En la fundación hay una total transparencia. Todos los años hay dos reuniones y se informa de actividades, ingresos y gastos. Yo no gestiono las contrataciones de los eventos. Creo que lo del festival se hizo correctamente”, explica diplomáticamente. Paco Galisteo, concejal del PSOE, asegura que a su grupo nunca les han dado una plaza en el patronato, como han exigido muchas veces. “Así que no podemos saber nada. No tenemos información porque cuando pregunto en el Ayuntamiento me dicen que me dirija al patronato, y este nunca contesta, cuando el Ayuntamiento forma parte del patronato. Todo lo que tiene que ver con el monasterio es opaco”.

Este diario se ha puesto en contacto con Ana Rivero para obtener una explicación de por qué los tickets de bebida se pasaban por el datáfono de su negocio particular, si se trata de un error o de casos puntuales, o si ella obtuvo algún tipo de lucro personal con ese festival. En una primera comunicación aseguró que desconocía estos hechos y que preguntaría a su hijo y examinaría sus movimientos bancarios, pidiendo tiempo para obtener la información. “Yo soy psicóloga y no puedo hacer transacciones de este tipo. Lo miraré. Si ha ocurrido, es un error”, explicó en un primero momento. No ha habido más comunicaciones con Rivero, a pesar de la insistencia de Infobae.

Mara Traseira señala que su asociación vecinal también comunicó formalmente a la Dirección General de Patrimonio Cultural, dependiente de la Comunidad de Madrid, la celebración del citado festival varias semanas antes de su realización, “constatándose que dicho organismo desconocía por completo la convocatoria del evento. A raíz de esa comunicación, Patrimonio remitió varios requerimientos y estableció condiciones expresas relativas a la protección, uso y conservación del monasterio. Sin embargo, la asociación pudo constatar que dichas condiciones y exigencias no fueron cumplidas, especialmente en lo relativo a las medidas de conservación y salvaguarda del bien durante el desarrollo del festival, lo que reviste una especial gravedad dadas las obligaciones legales que conlleva la protección de un BIC por parte de la fundación”, asegura.

Segunda edición del festival

Alicia Torija, diputada de Más Madrid, explica que los organizadores del festival se han puesto en contacto con su grupo porque quieren celebrar una segunda edición. “Yo no me reuno con nadie hasta que pueda conocer el nuevo protocolo que la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Pelayos han hecho para regular los usos del monasterio. Soy una simple diputada de la oposición que solo vela porque se proteja el patrimonio histórico y cultural de la región. Quieren repetir el festival y han contactado conmigo para que piense de otra manera, pero no me van a convencer. Hay mucho chanchulleo con el monasterio. No puedo concebir que se esté anunciando un concierto sin que se conozca el protocolo, que debería ser público. Es una ocultación deliberada. El Ayuntamiento de Pelayos ha visto en esto un negocio y luego no invierte un euro en el mantenimiento de este bien”.

“Todo lo anterior configura un escenario confuso y preocupante, en el que se mezclan intereses personales, relaciones familiares, responsabilidades institucionales y una falta de claridad sobre quién organiza, quién cobra y quién responde por un evento desarrollado en un bien de alto valor patrimonial y público. Por ello, se considera imprescindible que el Protectorado de Fundaciones analice estos hechos, y determine si la actuación descrita es compatible con los fines fundacionales, las obligaciones de transparencia y el régimen de incompatibilidades y buen gobierno exigible”, concluye la Asociación Futuro de Pelayos.

Los responsables del Premio Pulitzer otorgaron el galardón de ficción a un autor con un historial de experimentación con los géneros y con el lenguaje propio: Daniel Kraus, citado por Angel Down, un relato de la Primera Guerra Mundial con un giro celestial que se desarrolla a lo largo de unas 300 páginas en una sola frase. Por su parte, Liberation, la mirada retrospectiva de Bess Wohl a los grupos feministas de concienciación de la década de 1970, recibió el premio de drama.

Los ganadores anunciados incluyeron dos libros arraigados en la fundación del país. We the People: A History of the US Constitution, de Jill Lepore, ganó en la categoría de historia, y Pride and Pleasure: The Schuyler Sisters in an Age of Revolution, de Amanda Vaill, fue el ganador de biografía. Things in Nature Merely Grow, de Yiyun Li, su relato directo sobre los suicidios de sus dos hijos, fue citado en memorias-autobiografía. No hay lugar para nosotros: trabajadores y personas sin hogar en Estados Unidos, de Brian Goldstone, ganó en no ficción general.

El premio de poesía fue para Ars Poeticas, de Juliana Spahr, y el galardón de música se concedió a Gabriela Lena Frank por Picaflor: A Future Myth, una obra sinfónica inspirada en una leyenda andina y en los incendios forestales de California.

Kraus, de 50 años, ha tenido una carrera diversa y prolífica, muy distinta a la del ganador promedio del Pulitzer de ficción. Ha escrito terror, ciencia ficción, novelas gráficas y libros infantiles. Ha colaborado con los cineastas George Romero y Guillermo del Toro, cuya película ganadora del Oscar La forma del agua fue concebida con la ayuda de Kraus. A lo largo de los años ha recibido numerosos premios, incluido el Premio Bram Stoker de terror, pero nunca imaginó que ganaría un Pulitzer. Cuando el lunes empezó a recibir mensajes de texto, que incluían notas como “¡Guau!”, temió que de algún modo se hubiera metido en problemas.

Los responsables del Pulitzer elogiaron Angel Down como “un tour de force estilístico que mezcla géneros como la alegoría, el realismo mágico y la ciencia ficción en un todo cohesivo, narrado en una sola frase”. Kraus explica que al principio utilizó una narración convencional, pero descubrió que abandonar la puntuación tradicional se ajustaba mejor a una historia de guerra que, al parecer, no tenía fin.

“Es como si tuvieras la sensación de estar encerrado en el libro para siempre”, dijo durante una entrevista telefónica.

La obra de recuerdos de Wohl reúne a feministas de la segunda ola de todos los ámbitos mientras abordan la misoginia, la homofobia interiorizada, el abuso doméstico y los roles de género. La obra transita entre pasado y presente, y seis de los actores se desnudan para la escena inicial del acto 2. El triunfo llega un día antes de las nominaciones a los premios Tony, cuando se espera que Liberation sea nombrada en la categoría de mejor obra nueva.

Lepore es redactora de plantilla de The New Yorker y profesora de la Universidad de Harvard, y su Pulitzer ayuda a confirmarla como una de las historiadoras más destacadas del país; entre sus reconocimientos previos figuran el Premio Bancroft por The Name of War y el Anisfield-Wolf Book Award por New York Burning. En 2023, presentó una introducción al libro de Paul McCartney con fotos de The Beatles, 1964: Eyes of the Storm.

Fuente: AP

El cine argentino tendrá este año una participación distinta en el Festival de Cannes 2026, pues la única presencia nacional será el estreno de una copia restaurada en 4K de La casa del ángel (1957) de Leopoldo Torre Nilsson. Esta participación se da en la sección Cannes Classics, creada hace veinte años para rescatar grandes películas históricas y que en esta edición no contará con películas argentinas en las competencias oficiales ni en las secciones paralelas. Esta será la primera vez que el público podrá ver la versión restaurada, un hito para el país y para el legado del director.

En total, el programa de Cannes Classics 2026 presentará 24 largometrajes restaurados, entre los que figuran obras como El laberinto del fauno de Guillermo del Toro, El hombre de hierro de Andrzej Wajda, Dos mujeres de Vittorio de Sica, Sierra de Teruel de André Malraux, y El extraño de Orson Welles.

El proceso de restauración de La casa del ángel implicó varias gestiones internacionales y técnicas. Luis Alberto Scalella, presidente de Argentina Sono Film y supervisor del trabajo, relató la complejidad de recuperar el negativo original, que debió regresar a Argentina tras un intento fallido de restauración en el laboratorio L’Immagine Ritrovata de Bolonia. La versión final que se verá en Cannes resultó de la intervención de la Sociedad por la Restauración Audiovisual, Latam Classics y el laboratorio Cubic, con el apoyo del programa de Mecenazgo del Ministerio de Cultura porteño. Se utilizaron tanto el negativo original en 35mm, un internegativo de primera generación también en 35mm, ambos guardados en el archivo de Argentina Sono Film, y una copia en celuloide en 35mm del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa).

El Festival de Cannes 2026 se realizará entre el 12 y el 26 de mayo. La proyección de la película será presentada por Scalella y Fernando Madedo, presidente de la Sociedad por la Restauración Audiovisual y coordinador general del proyecto, en un evento cuya fecha y horario serán anunciados este jueves junto al resto de la programación.

El rescate de La casa del ángel ocurre exactamente dos años después de que Scalella y Madedo presentaran en la misma sección de Cannes Rosaura a las diez (1958) de Mario Soffici, también como una restauración de un clásico argentino. Sin embargo, en el caso actual, la conexión histórica es aún más significativa: La casa del ángel fue parte de la sección oficial de Cannes en 1957, con estreno mundial el 17 de mayo de ese año, lo que consolidó a Torre Nilsson como el cineasta argentino de mayor proyección internacional de aquella época.

Esta película marcó el inicio de la colaboración del director con la escritora Beatriz Guido, autora de la novela homónima publicada en 1954. Guido, quien más tarde sería su pareja, adaptó el libro al cine junto con Torre Nilsson y Martín Rodríguez Mentasti. Entre su elenco se encuentran Elsa Daniel y Lautaro Murúa, acompañados por Bárbara Mujica, Guillermo Battaglia, Berta Ortegosa, Yordana Fain y Alejandro Rey.

Ambientada en la Argentina de la década de 1920, la película desarrolla temas como la pérdida de la inocencia, la memoria deformada por el tiempo, la estricta educación de los jóvenes bajo un régimen de tabúes y represiones, y los prejuicios hacia las mujeres. Se trata de un filme contado desde una perspectiva cercana al expresionismo.

La restauración reciente que será proyectada en Cannes representa, en palabras de Scalella a La Nación: “La casa del ángel es un título fundacional en todo sentido. Estamos muy felices de volver a Cannes Classics, en parte porque nos costó mucho recuperar el negativo original”.

Entre los títulos restaurados internacionales que compartirán programación con el clásico argentino, el ciclo de Cannes Classics 2026 incluirá películas como Los demonios de Ken Russell y El inocente de Luchino Visconti, reforzando el carácter global de esta vitrina patrimonial para la historia del cine mundial.

Un nuevo capítulo en la historia del transporte público de Los Ángeles inicia este viernes con la apertura al público de la primera fase de la extensión de la D Line, una obra que transforma la conectividad del oeste de la ciudad y marca el desenlace de un proceso de décadas.

La inauguración de las tres nuevas estaciones subterráneas —Wilshire/La Brea, Wilshire/Fairfax y Wilshire/La Cienega— representa una expansión clave del sistema.

El trayecto, que costó más de USD 3.500 millones según el medio digital local LAist, incorpora aproximadamente 6,4 kilómetros (unas cuatro millas) y conecta de manera directa el centro de Los Ángeles con Beverly Hills.

La consecuencia inmediata es un viaje expreso de poco más de 20 minutos desde el corazón de la ciudad hasta uno de los centros urbanos y culturales más visitados, abriendo a los angelinos y turistas el acceso a enclaves como The Grove, Museum Row y Beverly Center.

El financiamiento de este tramo se consiguió mediante un impuesto sobre las ventas aprobado por los votantes del condado, lo que permitió destrabar décadas de parálisis administrativa y presupuestaria.

Beneficios concretos de la extensión

• Reduce el tiempo de viaje entre el centro de Los Ángeles y la zona oeste, especialmente para quienes se desplazan a barrios como Miracle Mile, Hancock Park, Carthay Circle y el Fairfax District.
• Acceso directo a puntos de interés como Museum Row, el Original Farmers Market, Marciano Art Foundation, Ebell Theater, Restaurant Row y comercios locales.
• Estaciones totalmente accesibles para personas con discapacidad, con ascensores, escaleras mecánicas y señalización clara.
• Integración de obras de arte público en las nuevas estaciones, con propuestas específicas para cada espacio.
• Cobertura de seguridad 24/7, equipos de vigilancia y tecnología anti-evasión en torniquetes.
• Conexión fluida con el resto del sistema Metro en 7th St/Metro Center y Union Station.
• No hay cambios en la tarifa: el viaje se abona con la tarifa estándar del sistema Metro.

Impacto urbano y social

La mejora para el tránsito diario es significativa, con una nueva importancia regional. En opinión de Auguste Miller, usuaria frecuente y voluntaria del grupo Streets for All, este desarrollo constituye “una pieza crítica de la infraestructura de transporte en Los Ángeles y un cambio radical para quienes habitan en un desierto de transporte público”.

La presidenta ejecutiva de Metro, Stephanie Wiggins, destacó en conversación con LAist: “Angelinos y visitantes apreciarán el servicio extendido desde el centro hasta Beverly Hills, proporcionando un mejor acceso a las comunidades, instituciones y destinos que definen la historia a lo largo de Wilshire”.

La presencia de la nueva extensión ya se percibe en el tejido comercial y cultural inmediato. Bobby Downs, gerente general del bar cervecero All Season Brewing, situado próximo a la parada de La Brea Avenue, anunció que los clientes que presenten la tarjeta TAP durante el fin de semana inaugural recibirán descuentos, acompañados de una cerveza artesanal especial denominada “la D”, creada en honor al acontecimiento.

Downs indicó a LAist que la llegada del Metro debería aliviar las habituales preocupaciones sobre el estacionamiento en la zona, facilitando la llegada de clientes y residentes.

El lanzamiento de la extensión coincide con la inauguración de las galerías de David Geffen del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), que ahora es de acceso directo desde la estación Fairfax Avenue.

El director del museo, Michael Govan, expresó: “La conexión, entre el pasado y el presente y entre diferentes culturas, es el eje central de nuestro nuevo edificio. La extensión del Metro en Miracle Mile será un recurso extraordinario que favorecerá la inclusión y el vínculo entre diversos sectores de nuestra región”.

El propio sector cultural prevé implicaciones positivas. Jerry Blackburn, director de eventos públicos del Fine Arts Theatre, explicó a LAist que espera que la mayor proximidad a la nueva estación de La Cienega impulse la asistencia a sus proyecciones y eventos especiales, como la doble cartelera de Tim Burton programada para el fin de semana del Día

Cronología y fases futuras del proyecto

• Sección 1: Inaugura el 8 de mayo de 2026, cubre Wilshire/La Brea, Wilshire/Fairfax y Wilshire/La Cienega.
• Sección 2: Continúa hacia el oeste por Beverly Hills y Century City; la restauración de calles en Constellation Blvd está prevista para la primavera de 2026.
• Sección 3: Avanza hacia Westwood, mejorando el acceso a UCLA y el Veterans Hospital; incluye trabajos estructurales y restauración de calles en el futuro.

El total de la extensión, al completarse las tres fases, sumará casi 14,5 kilómetros a lo largo de Wilshire Blvd, fortaleciendo la red de transporte en una de las zonas más densamente pobladas y transitadas de la región.

Las Secciones 1 y 2 estarán operativas antes y durante el Mundial 2026, facilitando el acceso a sedes y puntos estratégicos para residentes y visitantes.

El objetivo es que la línea esté totalmente operativa hasta Westwood antes de los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de 2028.

Programas de apoyo y experiencia del usuario

• Metro implementó el Business Interruption Fund (BIF), que otorgó 465 subsidios a 122 pequeños comercios del área por un total superior a USD 14 millones.
• El programa Eat Shop Play promovió a 52 negocios locales durante la construcción.
• Las estaciones presentan mejoras en seguridad con vigilancia permanente y equipos especializados.
• Las nuevas estaciones están diseñadas para ofrecer una experiencia accesible y moderna, con obras de arte y señalización intuitiva.
• Durante las próximas semanas, Metro organiza actividades abiertas en las estaciones, como talleres de tejido y clases de salsa, para involucrar a la comunidad en la nueva etapa del transporte público.

La exhibición de fotografías de Ken Karagozian en la galería 1301PE —a solo tres minutos a pie de la estación de Wilshire y Fairfax— rinde homenaje a los trabajadores que materializaron la obra. Curada por India Mandelkern y abierta al público hasta el 14 de mayo, la muestra recorre tanto los túneles como la vida de quienes participaron en la construcción.

Una imagen muestra a 13 obreros frente a la máquina tuneladora, otra retrata a Jenna Dorrough, carpintera sindical, quien dijo a LAist: “Cuando estás totalmente inmersa en tu labor, no siempre eres consciente del alcance del proyecto ni de la dimensión de lo que integras”.

Estas imágenes y testimonios acompañan las celebraciones del lanzamiento de la D Line, que marcan el inicio de una nueva etapa para la movilidad urbana en Los Ángeles.

La frase suena a sentencia, a declaración de principios: “No me importa vivir en un mundo de hombres, siempre que pueda ser una mujer en él”. Pronunciada a principios de la década del cincuenta, durante el ascenso meteórico que siguió al estreno de Niágara, la cita ha sido repetida en tazas, pósteres y flyers, a menudo despojada de su carga política. Sin embargo, detrás de la aparente docilidad de esas palabras se escondía la táctica de guerra con que Marilyn Monroe conquistó Hollywood.

Para entender la frase hay que situarse en la oficina de algún ejecutivo de la 20th Century Fox, como Darryl F. Zanuck. En aquel entonces, era tratada como propiedad del estudio, una “rubia tonta” moldeada para el deseo ajeno. El biógrafo Donald Spoto, en su rigurosa obra Marilyn Monroe: The Biography, es quien rescata esta declaración, la escribe como quien se la escuchó mil veces. Es cierto: dicen que ella solía repetirla. Era su filosofía de vida, la construcción consciente de su personaje público.

Al decir que no le importaba el dominio masculino siempre que se le permitiera “ser una mujer”, Monroe lanzaba un desafío: aceptaba las reglas de un juego diseñado por hombres, pero solo porque confiaba en que su identidad femenina era lo suficientemente poderosa como para, no solo no caer en las garras del sistema, sino subvertirlo desde adentro. Así fue que entendió, antes que nadie, que en el Hollywood de posguerra la feminidad no era una debilidad, sino la única armadura disponible.

La filosofía que transmite la frase no se quedó en palabras. Mientras el mundo la veía cantar sobre cómo Los caballeros las prefieren rubias, ella estudiaba los balances de la industria. En 1955, en un acto de rebeldía sin precedentes, rompió su contrato con la Fox y se mudó a Nueva York para irse al Actors Studio de Lee Strasberg. Allí, fundó su propia compañía, Marilyn Monroe Productions. Fue la segunda mujer en la historia de Estados Unidos (después de Mary Pickford) en tener una productora propia.

Fue su manera de decir que, en ese “mundo de hombres”, ella también podía firmar los cheques. El resultado de esa independencia fue El príncipe y la corista, donde no solo actuó, sino que ejerció un control creativo que los estudios le habían negado sistemáticamente. Pero si bien la frase pertenece a la Marilyn que seducía a la prensa, sus textos más íntimos, recopilados años después en el libro Fragments, muestran la otra cara de la moneda: poemas de una soledad desgarradora.

Esa dualidad es lo que hace que su filosofía sea tan moderna. No negaba la estructura patriarcal de su época; la habitaba con una inteligencia táctica. Sabía que para ser escuchada en un set donde directores como Billy Wilder la sometían a jornadas extenuantes durante el rodaje de Con faldas y a lo loco, debía jugar la carta de la feminidad absoluta. En última instancia, la frase que hoy analizamos resume su supervivencia, al de ser mujer en aquel Hollywood tan sanguinario.

¿Quién es Marilyn Monroe?

Marilyn Monroe (1926-1962), nacida como Norma Jeane Mortenson, fue una de las actrices más icónicas de la historia del cine y un símbolo cultural del siglo XX. Tras una infancia difícil marcada por orfanatos y hogares de acogida, saltó a la fama en los años cincuenta con éxitos como Niágara, Los caballeros las prefieren rubias y La tentación vive arriba. A pesar de su imagen pública de rubia ingenua, fue una mujer de gran instinto profesional que fundó su propia productora y buscó el respeto artístico.

Sus actuaciones en Con faldas y a lo loco, que le valió un Globo de Oro, y en su última película terminada, Vidas rebeldes, demostraron su profundidad dramática. Pero las luces también se pusieron sobre su vida personal, que estuvo definida por la búsqueda constante de afecto y por sus matrimonios de alto perfil con la estrella del béisbol Joe DiMaggio y el dramaturgo Arthur Miller. Sin embargo, detrás del glamour, luchaba con problemas de salud mental, adicciones y la presión asfixiante de la industria.

Su muerte, ocurrida el 4 de agosto de 1962 a los 36 años por una sobredosis de barbitúricos, conmocionó al mundo y dio lugar a numerosas teorías conspirativas. El final de su historia no tuvo el guion perfecto de Hollywood. No hubo últimas palabras ante una audiencia, sino un silencio profundo en una habitación de Brentwood. Sin embargo, semanas antes, le había confesado a la revista Life una verdad que hoy resuena como su verdadero epitafio: “La fama pasará, y adiós a la fama, te he tenido“.

Corría el año 1784 cuando un profesor prusiano, que rara vez salía de su ciudad natal de Königsberg, decidió responder a una pregunta que circulaba con fuerza en los círculos intelectuales de la época: “¿Qué es la Ilustración?”. La respuesta de Immanuel Kant, plasmada en su ensayo Respuesta a la pregunta: ¿Qué es la Ilustración?, no fue solo una definición académica, sino un manifiesto existencial que sacudió los cimientos del pensamiento occidental.

En el corazón de ese texto reside una sentencia lapidaria: “Pereza y cobardía son las causas por las que tantos hombres continúan siendo con gusto menores de edad durante toda su vida”. Para Kant, la “minoría de edad” no es un déficit biológico ni una falta de inteligencia, sino una renuncia voluntaria a la autonomía. Es la decisión de dejar que otros —el político, el sacerdote, el libro de moda— decidan por nosotros.

El siglo XVIII, conocido como el Siglo de las Luces, buscaba iluminar las sombras del dogmatismo y el absolutismo mediante la razón. En este escenario, el ensayo de Kant se convirtió en una pieza fundacional. Si bien el filósofo es mundialmente reconocido por obras monumentales y complejas como Crítica de la razón pura o Crítica de la razón práctica, este breve artículo periodístico logró sintetizar su ética en un llamado a la acción: Sapere aude! (¡Atrévete a saber!).

La importancia de este escrito radica en que marca la mayoría de edad del pensamiento moderno. Kant sostiene que el tutor (la autoridad externa) solo prospera porque el individuo prefiere la comodidad de la obediencia antes que el esfuerzo de la reflexión. Es más fácil que nos digan qué creer a tener que fundamentar nuestras propias certezas.

Su filosofía es, en esencia, una búsqueda de los límites y las capacidades humanas para actuar con libertad. La idea de “salir de la minoría de edad” es el motor que impulsa su imperativo categórico. Para el autor, ser una persona ética implica ser una persona autónoma; alguien que no sigue leyes por miedo al castigo o por inercia social, sino porque su propia razón le dicta qué es lo correcto.

En un mundo contemporáneo donde las burbujas de filtro de las redes sociales y la inteligencia artificial parecen actuar como nuevos “tutores” que deciden qué debemos consumir o pensar, la advertencia de Kant cobra una fuerza renovada. La pereza de no verificar un dato o la cobardía de no disentir con el grupo nos devuelven, según el filósofo, a ese estado de infancia intelectual del que él intentó rescatarnos.

La vigencia de su obra no reside en los anaqueles de las bibliotecas, sino en la tensión diaria entre la comodidad de ser guiados y la valiente aventura de pensar por nosotros mismos.

¿Quién es Immanuel Kant?

Immanuel Kant nació en 1724 en Königsberg, Prusia Oriental (actual Kaliningrado, Rusia), en el seno de una familia humilde y profundamente religiosa. A pesar de ser uno de los pensadores más influyentes de la historia, su vida transcurrió de manera metódica y sedentaria; se dice que los habitantes de su ciudad sincronizaban sus relojes con sus caminatas diarias.

Tras años de estudio y docencia, su fama estalló con la publicación de Crítica de la razón pura, una obra que revolucionó la filosofía al proponer que el conocimiento es una construcción entre la experiencia y las estructuras de la mente humana. A lo largo de su carrera, Kant expandió su sistema filosófico con títulos fundamentales como Crítica de la razón práctica, donde abordó la ética, y Crítica del juicio, centrada en la estética.

Su legado estableció las bases del idealismo alemán y de los derechos humanos modernos, defendiendo siempre la dignidad del individuo frente a cualquier tipo de tiranía intelectual. El filósofo falleció en su ciudad natal en 1804, dejando como última voluntad una lápida grabada con una cita de su propia obra: “El cielo estrellado sobre mí y la ley moral en mí”.

Vestidos de manera impecable con trajes victorianos, devotos de Sherlock Holmes se reunieron en las cataratas de Reichenbach en Suiza para recrear el fatídico duelo del intrépido detective con su némesis, el profesor Moriarty, 135 años después.

Cautivados por el evocador mundo de villanos, sabuesos, niebla, faroles de gas y tweed del escritor británico Arthur Conan Doyle, alrededor de 60 miembros de la Sociedad Sherlock Holmes de Londres peregrinaron hasta este lugar sagrado.

La espectacular escena es donde Holmes y Moriarty se enfrentaron en un saliente alto y precario, aparentemente cayendo a la muerte el 4 de mayo de 1891.

El recorrido de tres días del grupo por lugares relacionados con Holmes en Suiza concluyó en Meiringen, en la región de Oberland bernés, para un viaje en funicular el domingo hasta las atronadoras cataratas de Reichenbach, que caen 120 metros (400 pies) en una poza más abajo.

Sombreros de todo tipo, bigotes retorcidos, vestidos lujosos y bastones abundaban, ya que cada uno acudió disfrazado como un personaje distinto de las historias, incluidos el jugador de rugby desaparecido, el rey de Bohemia y la señora Hudson, casera de Holmes en el 221B de Baker Street, Londres.

“Realmente te transforma, solo con ponerte la ropa y encorvarte un poco”, dijo el abogado británico Peter Horrocks, con sombrero de copa y vestido de negro como el siniestro genio criminal Moriarty.

“Esto tiene muchísima atmósfera”, dijo entre el rugido y la bruma, insistiendo en que “absolutamente” acerca a los sherlockianos a la historia.

Doyle mató a su querido detective en este lugar en su cuento corto de 1893 El problema final.

Pero tal fue la protesta del público que Doyle se vio obligado a resucitarlo —y el cariño por Holmes perdura hasta hoy.

Lágrimas en los ojos

Con una lupa en una mano y una pipa en la otra, el escritor de automovilismo Philip Porter interpretó a Holmes.Elogió el “atractivo único” de los relatos de Doyle, “llenos de atmósfera victoriana, el triunfo del bien sobre el mal, y algunos personajes maravillosos” que atraen a los devotos.

“En la vida real tenemos muy poco en común, pero nos une el canon de Sherlock Holmes“, dijo.

Recreando el duelo, Holmes y Moriarty forcejearon, finalmente adoptando la postura representada en la ilustración de Sidney Paget de 1893 mientras la pareja aparentemente se precipitaba al vacío.

El doctor Watson pasó entonces por allí, con sus gritos de “¡Holmes!" resonando entre las rocas, antes de descubrir la carta que el detective le dejó para que la encontrara —y darse cuenta de que su querido amigo había caído hacia su destino fatal.

“Cuando Watson encontró la nota, sinceramente tenía lágrimas en los ojos. Me pareció muy emotivo", dijo Helene Vrot, de las cercanías de París, que asistió vestida con la “moda de mangas enormes, muy efímera, de 1895”.

“Es una oportunidad para crear recuerdos con personas que tienen el mismo tipo de mentalidad”, dijo sobre el viaje.

Para JeanMarie Zubia, del estado estadounidense de Washington, “es una inmersión total” en la era victoriana.

Su personaje fue Laura Lyons de El sabueso de los Baskerville, y disfrutó del trabajo colectivo en torno al detective.

“Es increíble estar rodeada de todos los demás sherlockianos aquí, porque pueden hablar sin parar sobre aquello que me apasiona tanto... los detalles minuciosos que hay en cada historia”, afirmó.

Mi lugar soñado

Un corredor de montaña empapado de sudor hizo una doble toma al correr directamente hacia la multitud disfrazada, mientras que la visitante china Kitty —quien realizaba su propia peregrinación de aniversario en solitario por primera vez— no podía creer lo que veía.Llevando un gorro de cazador como Holmes, la fanática de Sherlock de 24 años se topó de repente con sus queridos personajes hechos realidad.

“¡Vaya! ¡Qué suerte la mía poder encontrarme con el señor Sherlock Holmes, el doctor Watson, el profesor Moriarty y el coronel Moran!“, dijo entusiasmada la estudiante de robótica de la Universidad de Manchester.

“Este es mi lugar soñado. Es hermoso, exactamente como Watson escribió en su diario."

La visita organizada celebraba el 75º aniversario de la sociedad londinense, que cuenta con más de 1.000 miembros.

El coordinador del viaje, Markus Geisser, dijo que casi la mitad de los visitantes estaban en su primer viaje holmesiano, lo que demuestra que “viajar a Suiza con un disfraz victoriano sigue siendo algo que, de hecho, a la gente le gusta hacer".

Vestido como el temerario espía alemán Von Bork, aseguró que la sociedad multinacional y sus eventos eran oportunidades para conocer personas afines, y añadió: “en mi caso, conocí a mi esposa”.

Fuente: AFP

Schmigadoon! y The Lost Boys, dos musicales de Broadway que se estrenaron hace apenas unas semanas, recibieron más nominaciones que cualquier otro espectáculo cuando se anunciaron las nominaciones a los premios Tony de este año el martes por la mañana.

Los espectáculos —Schmigadoon!, adaptado de una serie cómica de Apple TV que comenzó en 2021, y The Lost Boys, adaptado de la película de vampiros de 1987— competirán con Titaníque, una parodia cariñosa de la película Titanic con toques de Celine Dion, y Two Strangers (Carry a Cake Across New York), una comedia romántica original, en la importante carrera por el premio al mejor musical nuevo. En un momento en que la economía de los nuevos musicales se ha vuelto cada vez más difícil, los cuatro espectáculos podrían beneficiarse del impulso que las nominaciones, y en particular un premio, podrían brindar.

Mientras los musicales de Broadway atraviesan dificultades, las obras de teatro con estrellas de renombre están teniendo mejor suerte, y la lista de nominaciones refleja una avalancha de celebridades que se lanzan a los escenarios: entre los nominados se encuentran las estrellas de cine John Lithgow, Daniel Radcliffe, Lesley Manville y Rose Byrne.

Las nominaciones sugieren un notable regreso para el productor Scott Rudin, quien volvió a Broadway esta temporada tras una pausa de cuatro años motivada por reportajes periodísticos sobre su propensión al acoso. Produjo dos obras esta temporada: una reposición de Muerte de un viajante y una nueva obra titulada Little Bear Ridge Road, y ambas fueron nominadas como las mejores en sus respectivas categorías.

Durante las nominaciones se batieron algunos récords.

Danny Burstein, un querido actor de Broadway, fue nominado en la categoría de mejor actor de reparto por su actuación en la obra Marjorie Prime. Esta es su novena nominación al premio Tony (ganó por Moulin Rouge!), y ahora es el intérprete masculino con más nominaciones en la historia, superando el empate con Jason Robards Jr. June Squibb, coprotagonista de Burstein en Marjorie Prime, también fue nominada a un premio Tony; a sus 96 años, es la nominada de mayor edad en su categoría, mejor actriz de reparto en una obra de teatro.

The Lost Boys y Schmigadoon! obtuvieron 12 nominaciones cada una. Muy cerca, con 11 nominaciones, se encuentra la aclamada reposición del musical Ragtime, una producción del Lincoln Center Theater, una organización sin fines de lucro.

Media docena de espectáculos no recibieron ninguna nominación, incluidos los nuevos musicales La Reina de Versalles, que cerró tras una breve temporada el otoño pasado, y Beaches, que está teniendo dificultades en taquilla tras su estreno con malas críticas el mes pasado. Una reposición estelar de Proof también se fue con las manos vacías.

Entre los demás nominados a mejor actor o actriz principal se encuentran dos figuras consagradas de Broadway: Nathan Lane y Kelli O’Hara. Esta es la novena nominación de O’Hara a los premios Tony (ya ha ganado uno).

En la categoría de mejor obra nueva, figuran entre los nominados Liberation de Bess Wohl, que el lunes ganó el Premio Pulitzer de teatro, así como The Balusters, de David Lindsay-Abaire; Giant, de Mark Rosenblatt; y Little Bear Ridge Road, de Samuel D. Hunter.

Lane (Muerte de un viajante), Lithgow (Gigante) y Radcliffe (Cada cosa brillante) fueron nominados a mejor actor en una obra de teatro, junto con Will Harrison (Punch) y Mark Strong (Edipo). Byrne y O’Hara, coprotagonistas de una reposición de Ángeles caídos, competirán con Carrie Coon (Bug), Susannah Flood (Liberation) y Manville (Edipo) por el premio a mejor actriz principal en una obra de teatro.

Las nominadas a mejor actriz principal en un musical son todas nominadas por primera vez: Sara Chase (Schmigadoon!), Stephanie Hsu (The Rocky Horror Show), Caissie Levy (Ragtime), Marla Mindelle (Titaníque) y Christiani Pitts (Two Strangers). La carrera por el premio a mejor actor principal en un musical, dominada durante toda la temporada por Joshua Henry de Ragtime, también incluye a Nicholas Christopher (Chess), Luke Evans (The Rocky Horror Show), Sam Tutty (Two Strangers) y Brandon Uranowitz (Ragtime).

Los actores Uzo Aduba y Darren Criss anunciaron las nominaciones en Nueva York, dando inicio a un periodo de entrega de premios que durará un mes. Los 857 votantes de los premios Tony —en su mayoría personas que trabajan en el teatro o que financian espectáculos de Broadway— deben terminar de ver las últimas producciones, mientras que las compañías de teatro, limitadas por las nuevas y restrictivas normas que restringen las campañas y la promoción, buscan maneras de recordar a los votantes las virtudes de sus nominados.

La ceremonia de entrega de premios tendrá lugar el 7 de junio en el Radio City Music Hall, presentada por la artista Pink y retransmitida por CBS.

La temporada ha sido irregular para Broadway. La asistencia y la recaudación total han aumentado con respecto a la temporada anterior, pero la rentabilidad es baja debido al vertiginoso aumento de los costos de producción y a la creciente preocupación del público por el precio de las entradas. Solo se estrenaron seis musicales nuevos esta temporada, frente a los catorce de la temporada pasada.

Los premios Tony, que galardonan las obras de teatro y los musicales representados en los 41 teatros de Manhattan que conforman Broadway, son otorgados por la Broadway League y la American Theater Wing. Este año, 19 obras de teatro y 11 musicales son elegibles para los premios, ya que se estrenaron en Broadway entre el 28 de abril de 2025 y el 26 de abril de 2026.

Los nominados fueron elegidos por un comité de 55 personas con experiencia o conocimientos en teatro, pero que no trabajan en los espectáculos de la temporada ni tienen ningún interés financiero en ellos.

Ya se han anunciado algunos premios no competitivos.

Los premios a la trayectoria profesional se otorgarán a André Bishop, quien el año pasado se retiró tras dirigir el Lincoln Center Theater durante 33 años; Jules Fisher, diseñador de iluminación; y James Lapine, dramaturgo y director. Mary-Mitchell Campbell, directora musical, recibirá el Premio Isabelle Stevenson, que reconoce la labor voluntaria.

Los premios Tony Honors de este año a la excelencia en el teatro se otorgarán al Proyecto 1/52, que apoya a diseñadores emergentes, así como a Jake Bell, director de producción; Kenn Lubin, diseñador de señalización; y Loren Plotkin, abogado especializado en entretenimiento.

Fuente: The New York Times

¿Quién es realmente J. M. Coetzee? Para algunos, es el profesor metódico que analiza la estructura de la lengua; para otros, el primer autor en ganar dos veces el Premio Booker; y para la Academia Sueca, que le otorgó el Premio Nobel de Literatura en 2003, es quien retrató con “lucidez descarnada” las miserias de la condición humana. Acaba de llegar a Buenos Aires para participar de la Feria del Libro, en La Rural.

Entre las actividades que lo tienen como protagonista está la presentación de Don de lenguas junto a la escritora y traductora Mariana Dimópulos, hoy, a las 17 horas, en la Sala Victoria Ocampo. Mañana miércoles a las 19 en el mismo lugar inaugurará el ciclo “La Palabra Indígena” presentando otro libro, Un mal salvaje, coescrito con Fabián Martínez Siccardi (al final habrá firma de ejemplares). Además, el jueves 7 de mayo a las 19 estará en el Malba, en entrevista pública con Soledad Costantini.

Nacido en Ciudad del Cabo en 1940 como John Maxwell Coetzee, su vida ha sido un constante ejercicio de extranjería. Creció en una Sudáfrica fracturada por el apartheid, se formó como matemático y lingüista en Estados Unidos y terminó nacionalizándose australiano. Pero hay un vínculo que lo trae seguido a nuestras pampas: en Argentina ha publicado libros antes que en inglés a través de la editorial El Hilo de Ariadna y dirige la cátedra Literaturas del Sur en la Universidad Nacional de San Martín.

Por dónde empezar

La pregunta que hacen muchos es esta: ¿Por dónde empezar? Proponemos tres puertas de entrada. Adentrarse en su literatura puede intimidar, pero su estilo —que rechaza la “música fácil” del idioma para buscar una verdad prelingüística y desnuda— es, paradójicamente, muy accesible si se sabe por dónde comenzar:

Desgracia es, quizás, su obra maestra. Trata sobre David Lurie, un profesor universitario que, tras un escándalo sexual, se refugia en la granja de su hija en una Sudáfrica post-apartheid. Es un libro sobre el poder, la caída y la redención, ideal para entender su mirada filosófica sobre la fragilidad del ser.

Esperando a los bárbaros es una alegoría política fascinante ambientada en un imperio sin nombre. El protagonista, un magistrado benevolente, ve cómo la llegada de un coronel despiadado destruye la paz. Es un texto fundamental sobre cómo el miedo al “otro” justifica la crueldad.

Una tercera opción es Infancia. A los que prefieren algo más íntimo, esta primera parte de sus memorias noveladas (seguida por Juventud y Verano) les ofrecerá una mirada cruda y sin autocompasión sobre sus primeros años. Coetzee se escribe a sí mismo en tercera persona, manteniendo esa distancia analítica que lo caracteriza.

Leer a Coetzee es importante hoy porque su obra funciona como un espejo ético. No solo se ocupa de las injusticias políticas, sino que extiende su compasión a los animales —como se ve en Elizabeth Costello— y cuestiona la superioridad moral de occidente. Su literatura no ofrece consuelo, sino claridad: nos obliga a preguntarnos qué haríamos nosotros en situaciones de opresión.

Su estilo, influenciado por Samuel Beckett y Franz Kafka, huye del adorno innecesario. Escribe con la precisión de un cirujano. Para Coetzee, el lenguaje es una herramienta que a menudo nos traiciona, y su misión es encontrar lo que queda cuando todas las mentiras sociales se derrumban.

La entrada, los horarios, los días

Entrada: La entrada a la Feria del Libro de Buenos Aires cuesta 8.000 pesos de lunes a jueves y 12.000 los viernes, sábados y domingos.

Con esa entrada, el visitante recibirá un “chequelibro” con el que podrá conseguir descuentos en librerías cuando termine la Feria.

Gratis: de lunes a jueves desde las 20 h,

Fecha: La Feria sigue hasta el 11 de mayo.

Horarios: de lunes a viernes de 14 a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 13 a 22 h.

Dónde: En La Rural, Av. Sarmiento 2704, Av. Cerviño 4476 y Av. Santa Fe (Plaza Italia).

Kiran Desai llegó a Buenos Aires este otoño con La soledad de Sonia y Sunny, su primera novela desde 2006, cuando ganó el Premio Booker por La herencia de la pérdida y se convirtió, a los treinta y cinco años, en la mujer más joven en recibir ese honor. En los casi veinte años transcurridos entre ambos libros, ha vivido en Estados Unidos, se ha trasladado entre México y la India y ha reflexionado profundamente sobre la naturaleza de la diáspora y el desplazamiento, así como sobre la tarea imposible de dar testimonio de un país del que, en cierto modo esencial, uno siempre está partiendo. La llegada de una escritora india a Buenos Aires está, en sí misma, cargada de ironía y resonancia. Tanto la India como Argentina saben algo sobre la pérdida heredada, sobre el peso de la historia colonial y las persistentes secuelas del imperio. Ambos países han generado tradiciones literarias obsesionadas con la brecha entre el mundo tal y como se narra y el mundo tal y como se vive.

Nos reunimos en Buenos Aires en vísperas de su presentación pública en la Feria del Libro. Lo que sigue es una conversación sobre el lenguaje y la diáspora, sobre la política de la representación, sobre lo que significa ser una escritora suspendida entre lugares -una conversación que comenzó mucho antes de esta semana, en los márgenes de sus novelas anteriores, en los silencios entre libros, en las cuidadosas observaciones de una mujer que se marchó de la India a los dieciséis años y ha pasado las décadas siguientes tratando de comprender lo que significó esa partida.

—Permíteme empezar con algo práctico. Estás aquí presentando el nuevo libro por primera vez en público en la Feria. ¿Qué se siente al llegar a Buenos Aires con una novela que te llevó diecinueve años escribir?

—La verdad es que se siente surrealista. No creo que, cuando empecé a escribir este libro, comprendiera cuánto tiempo me llevaría. Creció y creció. Y llegar aquí, a una ciudad que entiende algo sobre el desplazamiento, sobre la historia que se inscribe en la textura de la vida cotidiana, eso me parece significativo. Buenos Aires tiene ese mismo peso. La gente aquí entiende lo que significa estar atormentado por el pasado, por cuestiones de nacionalismo y pertenencia. Así que, de alguna manera, me parece acertado tener esta conversación aquí.

—Has hablado antes de haber crecido hablando y leyendo casi exclusivamente en inglés. ¿Podrías contarnos cómo te marcó eso como escritora y cómo sigue marcando tu obra?

—Hace un tiempo me pidieron que hablara en una conferencia sobre traducción acerca de lo que significaba para mí la traducción como escritora, y tuve ese momento en el que me di cuenta de que, si no fuera por los traductores, en realidad no conocería mi propio país. Crecí hablando y leyendo casi exclusivamente en inglés. Leer y escribir, sin duda, muy en inglés. Hablaba hindi, pero no especialmente bien. Cuando pienso en mis padres, mi madre es mitad alemana, mitad bengalí. Su padre era de Bengala Oriental, lo que ahora es Bangladés, y su madre era alemana. Su lengua materna era, de hecho, el alemán. Pero el idioma común al final era el inglés. Nació en 1937, así que tenía diez años cuando la India se independizó. Mi padre era de Gujarat, en la costa occidental. Lo enviaron a un internado de estilo británico cuando era joven. Así que era muy británico. Comía su roti con cuchillo y tenedor. Lo cual, como puedes imaginar, es extremadamente ridículo. Ni siquiera teníamos un idioma en común con mi abuela paterna, que se quedó en la India y a la que casaron a los trece años con mi abuelo, que entonces tenía dieciséis. Así que había toda una serie de fracturas lingüísticas y culturales que atravesaban a mi familia. Más adelante, mi padre trabajó para empresas británicas y luego para empresas indias. Al final, si mantenía una conversación normal en casa, era una mezcla total: inglés e hindi. Dos palabras en inglés, dos palabras en hindi, tres palabras en inglés. Era una mezcla fluida. Y a mí me enviaron a un colegio de monjas irlandesas. Llevábamos faldas escocesas en invierno, aprendíamos danzas de las Highlands escocesas, la danza del arce. Así que toda mi educación fue profundamente anglicana, pero también profundamente fragmentaria. Era un pastiche de culturas europeas impuesto al subcontinente.

—Y aquí hay una paradoja, ¿no? Escribir sobre la India, pero en inglés, la lengua del colonizador. ¿Cómo te enfrentas a eso?

—Esto es algo sobre lo que los escritores indios en lenguas indias llevan discutiendo mucho tiempo. En cuanto escribes en inglés, surge la acusación de que no puedes captar la India, de que has perdido la India a manos del inglés. Y la forma de la novela en sí es algo que trajeron los británicos a la India. Así que estas conversaciones están siempre ahí. Pero es muy curioso porque, cuando observas lo que ocurre realmente, me parece que un escritor estadounidense blanco no tiene ni idea de lo que estás escribiendo sobre Delhi: lo malinterpreta todo. Pero luego un escritor indio que vive en Estados Unidos también lo malinterpreta todo. Y un escritor que escribe en hindi, tamil o malayalam dirá que el escritor indio que escribe en inglés malinterpreta por completo la India. Pero, ¿qué es la India auténtica? Porque en el momento en que alguien de una comunidad rural escribe, se le considera una traición a su comunidad. Hay escritores tribales a los que sus propias comunidades han acusado de venderse, de traicionar sus raíces por escribir críticamente sobre ellas. Así que todo el mundo está trazando la línea más allá de sí mismo. No hay forma de escapar a la acusación. La única respuesta es aceptar la imposibilidad y escribir de todos modos: desde el centro, desde el lugar fracturado en el que te encuentras. Porque todos nosotros, en diferentes formas, idiomas e historias, estamos contando una especie de conversación que no tiene lugar.

—Creciste en un hogar laico en la India. Los amigos más cercanos de tus padres eran musulmanes, sijs y cristianos. ¿Puedes hablar de en qué se ha convertido la India y cómo eso ha afectado a tu escritura?

—Me siento fatal al respecto. Realmente fatal. Porque crecí en una familia que creía firmemente en un país laico. Y a pesar de todas las líneas de fractura -la violencia religiosa, los disturbios comunales- no crecí pensando en términos de minorías. Era simplemente relaciones normales con personas de diferentes credos. Ahora hay un auge del nacionalismo hindú, este gobierno autoritario que está remodelando violentamente la India según la visión de una nación hindú. La destrucción de la mezquita de Babri y la construcción del templo de Ram sobre sus ruinas. El deseo político de elevar el hindi a lengua nacional. No son acontecimientos históricos lejanos. Son experiencias vividas, fuentes de angustia diaria para escritores como yo, que crecimos en un momento diferente, en una India diferente. Y lo que ha cambiado es que estas cosas que antes eran marginales ahora son la corriente dominante. Se está imponiendo tanta violencia a las minorías. Es terrible. Realmente terrible. Y es una aberración en las relaciones normales, en las amistades normales. Este es el contexto en el que escribí La soledad de Sonia y Sunny. La novela está ambientada entre 1996 y 2002, una época anterior, pero está marcada por la sensación de que la India se está fragmentando, de que la promesa secular de la independencia se está desintegrando en algo mucho más siniestro. A medida que trabajaba en el libro, este se fue haciendo cada vez más grande. Sentía que, con todo lo que escribía, tenía que parar y preguntarme: ¿Es esto cierto? ¿Estoy simplificando demasiado? La India es tan compleja. Los prejuicios que la gente tiene sobre la India son muy difíciles de expresar en una novela. Pero creo que todos nosotros —el escritor indio que escribe en inglés, el escritor de la diáspora, cualquiera que intente contar una historia sobre la India— estamos trazando esa línea más allá de nosotros mismos.

—Te fuiste de la India a los dieciséis años. Esa es una edad crucial. Cómo fue ese momento y lo que las décadas transcurridas desde entonces te han enseñado sobre la diáspora.

—Me fui cuando tenía dieciséis años. Pero no fue una emigración planeada. Mi madre no estaba segura de si se quedaría. Creo que tenía pensado volver a la India, pero en ese momento estaba intentando separarse de mi padre, o al menos considerándolo. Se le presentó la oportunidad y la aprovechó. Durante mucho tiempo, vivimos en ese espacio intermedio, sin tener ni idea de cuál era el plan ni de dónde acabaríamos. No hubo una gran decisión de abandonar la India por completo y vivir en el territorio de los Estados Unidos. Yo iba y venía. Empecé a escribir mi primer libro cuando era joven. Tenía veinticinco años cuando se publicó. Era un libro escrito por alguien que no quiere perder la versión infantil de la India, que es una imagen muy tierna y hermosa de la India.

—Pero de lo que me he dado cuenta es de que la diáspora no es solo una condición geográfica. Es un lugar emocional. Aunque vivas en un solo lugar, como escritora puedes seguir habitando ese espacio intermedio.

—Exactamente. Me di cuenta de que la diáspora se ha convertido, en mi experiencia, en un lugar muy emocional, si no geográfico. Y puedes trabajar desde ahí. Puedes crear desde ahí. Llevo muchos años viviendo en Nueva York. Quizás conozco Nueva York en su totalidad. Pero mi experiencia de la India siempre es fragmentada. Voy y vuelvo, voy y vuelvo. No he pasado un año entero en la India desde que era adolescente. Mis experiencias son siempre un mosaico. Están ligadas a los recuerdos de mis abuelos y mis padres. Pero ese espacio emocional intermedio, ese se ha convertido en la ubicación real de mi obra. En La soledad de Sonia y Sunny, todo el libro se desarrolla entre lugares. En realidad, es el no-espacio y el espacio intermedio lo que constituye el escenario de la novela. Escribo constantemente sobre el océano y el agua y su sombra: la tierra de las sombras. Es el no-espacio el tejido conectivo del libro.

—Tu abuelo era un juez que estudió en Cambridge, que se asimiló a las costumbres británicas, que comía roti con cuchillo y tenedor. Aparece en tu primera novela. ¿Vuelve a aparecer en este nuevo libro?

—Sí. El personaje principal está en cierto modo basado en mi abuelo, aunque muy ficcionalizado. De hecho, me sorprendió lo intensos que eran los recuerdos. No lo conocía muy bien. Lo conocía muy poco. Era uno de esos personajes del teatro provincial. Cuando era niño, tomábamos el tren nocturno para ir a visitarlos, y parecían figuras antiguas, personas que habían vivido vidas que yo no podía imaginar. Creció en un pueblo muy pequeño y poco próspero de la India. Le concedieron una beca para estudiar en Cambridge. Aprobó el examen para entrar en la función pública británica, que era una de las únicas formas en la India de superar la clase y la casta: desligarse de todo y ascender a lo más alto. Renunció a la religión. Llevaba peluca, como exigía el sistema judicial británico. Todas estas señales de asimilación y distanciamiento de su yo original. Y a mi abuela la casaron a los trece años. Venía de un mundo completamente diferente. Recorrían el campo siguiendo el circuito británico: mi abuelo como juez itinerante, con mi abuela y los sirvientes a cuestas. Montaban tiendas de campaña en los pueblos y establecían el tribunal, porque en aquellos tiempos el tribunal iba al encuentro de la gente. Pero entonces te das cuenta de que estás conectada con estas personas a través del tiempo. Mi muñeca tiene exactamente el mismo tamaño que la de mi abuela. Me di cuenta de eso una vez cuando fuimos a la caja de seguridad del banco a ver las joyas de la familia. Es algo tan pequeño, pero te conecta.

—¿De dónde viene la ficción, si apenas los conocías?

—Viene de la invención, sí, pero se basa en gran medida en ellos. La imaginación llena los vacíos. Haces conjeturas fundamentadas sobre la vida interior de personas que nunca conociste. Pero la invención no es arbitraria. Está ligada a la experiencia real, a los recuerdos fragmentarios e impresionistas que constituyen el parentesco. Está ligada a la sangre, en cierto modo.

—Has sido crítica con la etiqueta “realismo mágico”.

—Cuando escribí mi primera novela, Hullabaloo in the Guava Orchard, fue inmediatamente etiquetada como realismo mágico porque había un elemento mágico: un ermitaño que vivía en un árbol. Pero ese no era en absoluto el objetivo del libro. Y descubrí que el término proviene de un crítico alemán de la década de 1920, Franz Roh, quien lo utilizó primero para la pintura y luego para la literatura. No era realismo mágico, sino algo así como lo real maravilloso: lo realmente maravilloso. Y entonces piensas: ¿qué es la religión sino algo mágico? Los acontecimientos mágicos y extraordinarios que ocurren en toda la vida. Tanto Salman Rushdie como Gabriel García Márquez han rechazado esta etiqueta. Rushdie con vehemencia. Y estoy de acuerdo. Porque es una forma en que el canon, Occidente, nos ve. Y no lo van a dejar pasar. Nos clasifican a todos bajo este paraguas. Pero hay algo más profundo en juego. La India es un país donde lo extraordinario ocurre con regularidad. Se dice que los dioses beben leche. Un hombre que es mitad mono aterroriza Delhi. Insurgencias políticas, dramas familiares, historias de amor imposibles: todo ello choca en las calles. Nada de esto es mágico. Es simplemente real. Es real en el sentido de que vivir en la India significa aceptar una cierta permeabilidad entre lo racional y lo irracional, lo sagrado y lo profano. Son cosas que suceden. Y no son mágicamente reales. Son reales. Son reales en el sentido, al menos en la forma en que vemos el mundo. Esta novela es un enfrentamiento con esa herencia: la herencia de la pérdida, sí, pero también la herencia del anhelo, de la memoria, de familias fracturadas que intentan encontrar su camino a través de océanos, continentes y siglos. Es mi obra más ambiciosa, no porque sea más larga o más compleja desde el punto de vista formal, sino porque se niega a resolver las contradicciones que la caracterizan. Nos pide que aceptemos la incomodidad de no saber, de no pertenecer. Y sugiere que esta incomodidad podría ser, después de todo, la única forma honesta de decir la verdad.

La entrada, los horarios, los días

Entrada: La entrada a la Feria del Libro de Buenos Aires cuesta 8.000 pesos de lunes a jueves y 12.000 los viernes, sábados y domingos.

Con esa entrada, el visitante recibe un “chequelibro” con el que podrá conseguir descuentos en librerías cuando termine la Feria.

Gratis: de lunes a jueves desde las 20 h,

Fecha: La Feria sigue hasta el 11 de mayo.

Horarios: de lunes a viernes de 14 a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 13 a 22 h.

Dónde: En La Rural, Av. Sarmiento 2704, Av. Cerviño 4476 y Av. Santa Fe (Plaza Italia).

Los Premios Konex 2026 han distinguido a 100 personalidades de las Humanidades Argentinas, reconociendo a figuras de 21 disciplinas con el Diploma al Mérito por su labor entre 2016 y 2025. Esta edición incluye por primera vez un premio a la categoría de “Estudios de Género” y conmemora el 40 aniversario del Juicio a las Juntas. La ceremonia oficial, donde se entregarán los diplomas, tendrá lugar el próximo martes 8 de septiembre en el Salón de Actos de la Facultad de Derecho de la UBA.

La nómina de 100 premiados fue determinada por un Gran Jurado compuesto por 20 especialistas. La presidencia estuvo a cargo de Aída Kemelmajer de Carlucci, Konex de Brillante en 2016 y doble Konex de Platino (1998 y 1996), mientras que el economista Pablo Gerchunoff (Konex de Platino 2016) ejerció como secretario general y el historiador José Emilio Burucúa (Konex de Brillante 2016) figuró como invitado especial. Entre los miembros del jurado resalta la presencia de Horacio Rosatti, presidente de la Suprema Corte de Justicia de la Nación y Konex de Platino 2016.

El proceso de premiación se articula en dos instancias centrales. Primero, los 100 seleccionados recibirán el Diploma al Mérito en septiembre. Posteriormente, el 10 de noviembre, se anunciarán los Konex de Platino: uno por cada disciplina, elegidos entre los cinco ganadores de cada categoría. Finalmente, de ese universo saldrá una única figura distinguida con el Konex de Brillante, el mayor honor del ciclo. La organización recordó que, en años precedentes, este galardón fue entregado a figuras como Gregorio Weinberg (1986), Gregorio Klimovsky (1996), Julio Olivera (2006), además de Aída Kemelmajer de Carlucci y José Emilio Burucúa (2016).

A la par de los Diplomas, el jurado conferirá distinciones especiales, entre ellas Menciones Especiales para trayectorias sobresalientes, premios a instituciones, y reconocimientos denominados “Inolvidables” para diez personalidades fallecidas que en vida fueron galardonadas por el Konex, como Mario Bunge, José Nun y Eva Giberti. Se otorgará también el Konex de Honor, reservado a una figura principal fallecida durante la década, distinción que a lo largo de los años han recibido nombres como Raúl Prebisch (1986), Manuel Sadosky (2006) y Beatriz Sarlo en esta edición. El Premio Konex Mercosur se lo quedó el uruguayo Gerardo Caetano.

El anuncio detalla quintetos de ganadores por cada disciplina. Entre ellas, Filosofía reconoce a Mónica Cragnolini, Claudia D’Amico, Claudia Hilb, Silvia Manzo y María Isabel Santa Cruz; en Ciencias Antropológicas a Claudia Briones, María Constanza Ceruti, Rafael Goñi, Carlos Somigliana y Guillermo Wilde; en Psicología a Gabriela Dueñas, Marisa Punta Rodulfo, Alicia Stolkiner, Fernando Uribarri y Hugo Vezzetti. El quinteto inaugural de Estudios de Género lo integran Paola Bergallo, Eleonor Faur, María Luisa Femenías, Mariana Marchionni y Graciela Morgade. Además, la lista de reconocimientos especiales consigna que Guillermo Calvo, Ricardo Gil Lavedra y Juan Carlos Torre reciben Menciones Especiales, mientras que la Asociación Argentina de Derecho Constitucional, el CEDES y la SADAF son distinguidas como instituciones.

El jurado se compone casi en su totalidad por premiados de anteriores ediciones. Aída Kemelmajer de Carlucci, presidencia del jurado, ha recibido el máximo reconocimiento de la entidad, y Pablo Gerchunoff es referente en desarrollo económico. Figuras como Diana Cohen Agrest, Roberto Gargarella, Maristella Svampa y Fernando Navajas, todos con historia de galardones Konex, suman legitimidad y continuidad institucional al proceso de selección.

Los 100 Premiados

1. Filosofía

• Mónica Cragnolini
• Claudia D’Amico
• Claudia Hilb
• Silvia Manzo
• María Isabel Santa Cruz

2. Lógica y Filosofía de la Ciencia

• Eduardo Barrio
• Christián Carman
• Sebastián Fortin
• Federico Pailos
• Alberto Guillermo Ranea

3. Ética y Bioética

• Santiago Kovadloff
• Florencia Luna
• Julio Montero
• Arleen Salles
• Fishel Szlajen

4. Estética

• Roberto Amigo
• Néstor García Canclini
• Ricardo Ibarlucía
• Graciela Silvestri
• Gabriela Siracusano

5. Ciencias Antropológicas

• Claudia Briones
• María Constanza Ceruti
• Rafael Goñi
• Carlos Somigliana
• Guillermo Wilde

6. Educación

• Agustín Adúriz-Bravo
• Sandra Carli
• Myriam Feldfeber
• Carolina Gandulfo
• Carina Kaplan

7. Psicología

• Gabriela Dueñas
• Marisa Punta Rodulfo
• Alicia Stolkiner
• Fernando Uribarri
• Hugo Vezzetti

8. Psicoanálisis

• Leticia Glocer Fiorini
• Jorge Luis Maldonado
• Julio Marotta
• Juan David Nasio
• Juan Eduardo Tesone

9. Historia Política, Cultural e Intelectual

• José Omar Acha
• Lila Caimari
• Adrián Gorelik
• Elías Palti
• Marcela Ternavasio

10. Historia Económica y Social

• María Inés Barbero
• Gerardo della Paolera
• Roy Hora
• Eduardo José Míguez
• Ricardo Salvatore

11. Sociología

• Fernanda Beigel
• Claudia Jacinto
• Gabriel Kessler
• Juan Ignacio Piovani
• Gabriel Vommaro

12. Ciencias Políticas

• Pilar Calveiro
• Carlos Gervasoni
• Mariana Llanos
• María Victoria Murillo
• Catalina Smulovitz

13. Filosofía del Derecho

• Martín Diego Farrell
• Paula Gaido
• Ezequiel Monti
• Eduardo Rivera López
• Rodolfo Luis Vigo

14. Derecho Privado

• Miguel Federico De Lorenzo
• Marisa Herrera
• María Susana Najurieta
• Juan Carlos Palmero
• Ramón Daniel Pizarro

15. Derecho Constitucional e Internacional Público

• María Gabriela Ábalos
• Víctor Abramovich
• Alejandro Chehtman
• Laura Clérico
• María Angélica Gelli

16. Derecho Administrativo, Tributario y Laboral

• Mario Ackerman
• Alejandro Pérez Hualde
• Jorge A. Sáenz
• Domingo Sesin
• Alberto Tarsitano

17. Derecho Penal y Procesal

• Mary Beloff
• Alberto Binder
• Edgardo Alberto Donna
• Daniel Pastor
• Marcelo Sancinetti

18. Macroeconomía

• Fernando Álvarez
• Daniel Heymann
• Eduardo Levy Yeyati
• Juan Pablo Nicolini
• Martín Rapetti

19. Microeconomía

• Irene Brambilla
• Germán Coloma
• Guillermo Cruces
• Juan Carlos Hallak
• Martín Rossi

20. Econometría y Métodos Cuantitativos

• Hildegart Ahumada
• Martín González Rozada
• Gabriel Montes Rojas
• Andrea Rotnitzky
• Martín Sola

21. Estudios de Género

• Paola Bergallo
• Eleonor Faur
• María Luisa Femenías
• Mariana Marchionni
• Graciela Morgade

Los Inolvidables

• Mario Bunge
• Emilio de Ípola
• Jorge Dotti
• Horacio Etchegoyen
• Ernesto Garzón Valdés
• Eva Giberti
• Horacio González
• Juan José Llach
• José Nun
• Juan José Sebrelli

Konex de Honor

• Beatriz Sarlo

Menciones Especiales

• Guillermo Calvo
• Ricardo Gil Lavedra
• Juan Carlos Torre
• Carlos Nino (homenaje)
• Asociación Argentina de Derecho Constitucional
• CEDES - Centro de Estudios de Estado y Sociedad
• SADAF - Sociedad Argentina de Análisis Filosófico

Konex Mercosur

• Gerardo Caetano (Uruguay)

“Perón fue el hombre más relevante de la historia argentina del siglo XX”, dice el investigador Ignacio M. Cloppet en diálogo con Infobae. Su último libro, Perón íntimo. Historias desconocidas (Sb editorial), se presentará mañana, martes 5 de mayo, a las 20:30 horas en la Feria del Libro de Buenos Aires: sala Alfonsina Storni, Pabellón Blanco. La obra aborda la figura de Juan Domingo Perón lejos de mitos y falsedades, sustentada en documentación inédita que incluye correspondencia privada y testimonios nunca antes publicados, abriendo un debate sobre la figura del expresidente.

“Perón fundó un movimiento inspirado en valores eternos, sustentado en el Sermón de la Montaña, la justicia social, la soberanía política y la independencia económica”, agregó para luego lamentarse ante el peso de la mitificación en torno a su figura: “Lamentablemente resulta necesario, después de más de 50 años de su muerte, discutir los múltiples mitos y mentiras que se siguen repitiendo en torno a su persona”.

Entre los documentos revelados, Cloppet destaca catorce cartas inéditas que Perón escribió a su cuñada María Tizón y a sus sobrinas, piezas que aportan información sobre su experiencia europea entre abril de 1939 y mayo de 1941. A ese acervo se suman archivos personales aportados por miembros de la familia Tizón, el hijo del notario que casó a Perón y Eva Duarte, y memorias italianas aún sin publicar, conformando una base empírica hasta ahora desconocida en los estudios peronistas.

La investigación se nutre de fuentes como relatos de aquellos cercanos al líder, entre ellos su primera esposa, conocida como “Potota” Tizón, cuya influencia en la formación militar de Perón queda documentada en la obra. También incorpora el testimonio del fraile franciscano Pedro Errecart, actor central en la vida religiosa del expresidente y figura clave en el casamiento con Eva Duarte. Cloppet pone en relieve la participación de Hernán Ordiales, oficial público de la boda civil y dirigente de la segunda línea peronista.

Cloppet señaló que la génesis de la obra están en los aportes espontáneos recibidos tras una entrevista televisiva: “A los pocos días, se comunicaron conmigo varias personas para ofrecerme generosamente sus archivos particulares, correspondencia y anécdotas sobre la vida privada de Perón, entre ellos miembros de la familia Tizón y allegados del ámbito personal y religioso”. Relata que estos materiales muestran “aspectos absolutamente desconocidos de Perón, como la enorme influencia que ejerció ‘Potota’ Tizón durante su formación militar”, y aportan nueva luz sobre los vacíos históricos en la biografía del expresidente.

Cloppet detalló las corrientes de distorsión histórica y doctrinaria respecto de lo que fue, pensó e hizo Perón: “Toda clase de falacias se han tejido, desde la puesta en duda de su lugar de nacimiento, la falsedad de su sangre indígena, los aparentes vínculos con el nazismo, hasta acusaciones infamantes como su responsabilidad en el denominado ‘exterminio’ en Pilagá en 1947, la quema de Iglesias, su filiación a la masonería, la absurda acusación de pederasta, sus supuestas cuentas en Suiza, entre otras”. El propósito de su libro, dice, es “volver a su verdad”, rescatando las fuentes directas para desarticular las invenciones nacidas en parte de los medios y del campo académico.

Cloppet explica que la manipulación doctrinaria posterior a la caída del último gobierno justicialista, en 1976, convertido “en un partido político más del arco liberal para ganar elecciones”, destruyó los pilares de independencia económica y justicia social e hizo “caer en el olvido el país industrial, con pleno empleo, educación inspirada en valores trascendentes y un sistema de salud que fue ejemplo en el mundo”.

Ignacio M. Cloppet, especialista con varias publicaciones sobre el líder peronista, contó que su nueva obra “presenta correspondencia y testimonios inéditos sobre la vida privada y política de Juan Perón, incluyendo materiales familiares y memorias nunca publicadas”. El hallazgo de estas fuentes permite revisar no solo los detalles de la vida íntima del expresidente sino su influencia doctrinal y la construcción del peronismo desde sus orígenes, abriendo así un nuevo campo de debate sobre su legado.

La acumulación de documentación inédita permite abordar aspectos desconocidos del liderazgo de Perón, desde su entorno más cercano hasta su paso decisivo por Europa y, en particular, el peso de su primera esposa en su desarrollo personal. A partir de las cartas y archivos familiares, se develan nuevas perspectivas sobre el surgimiento del protoperonismo tres años antes de asumir la presidencia, incluyendo el rol de protagonistas secundarios poco mencionados en los relatos tradicionales.

Entre 1939 y 1941, Juan Perón mantuvo correspondencia enviada desde Italia a miembros de la familia Tizón, hecho que, según la investigación de Cloppet, “cubre lagunas enunciadas por los historiadores Page y Luna, respecto de que nada se sabía a ciencia cierta de qué vio y qué pensó Perón durante su estadía en Europa entre abril de 1939 y mayo de 1941”. El trabajo también aporta información sobre el “casamiento civil con Eva Duarte” en Junín, una ceremonia oficiada por Ordiales, a quien Cloppet considera “hombre muy importante de la segunda línea del peronismo”. El capítulo dedicado a Pedro Errecart describe la dimensión religiosa de la relación entre Perón y Eva, incluyendo el hecho documentado de que ambos fueron “nombrados hermanos de la Primera Orden Franciscana”.

Perón íntimo introduce una evidencia empírica que obliga a revisar la narrativa construida sobre la vida de Juan Perón. Como afirma Cloppet: “Volver a su verdad resulta un compromiso inclaudicable”, señalando el agotamiento del relato sostenido por versiones no documentadas y la urgencia de restituir la complejidad de su figura a partir de fuentes originales y verificables. Mañana, martes 5 de mayo, a las 20:30 horas, se presentará en la Feria del Libro de Buenos Aires: sala Alfonsina Storni, Pabellón Blanco

La entrada, los horarios, los días

Entrada: La entrada a la Feria del Libro de Buenos Aires costará 8.000 pesos de lunes a jueves y 12.000 los viernes, sábados y domingos.

Con esa entrada, el visitante recibirá un “chequelibro” con el que podrá conseguir descuentos en librerías cuando termine la Feria.

Gratis: de lunes a jueves desde las 20 h,

Fecha: La Feria sigue hasta el 11 de mayo.

Horarios: de lunes a viernes de 14 a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 13 a 22 h.

Dónde: En La Rural, Av. Sarmiento 2704, Av. Cerviño 4476 y Av. Santa Fe (Plaza Italia).

En tiempos de algoritmos, deepfakes y una marea inabarcable de información, solemos creer que el problema de distinguir la verdad de la mentira es un drama moderno. Sin embargo, hace más de 800 años, desde los patios de El Cairo, un hombre ya nos advertía sobre el peligro de aceptar ciegamente lo que vemos “publicado”: “No consideres una prueba solo porque esté escrita en libros, pues el mentiroso que engaña con su lengua no dudará en hacerlo también con su pluma”.

Ese hombre era Moshe ben Maimon, conocido en el mundo hispanohablante como Maimónides, y su advertencia resuena hoy con una fuerza asombrosa. Fue la mente más brillante de su tiempo. Nacido en Córdoba, en una España donde las culturas judía, cristiana e islámica aún intercambiaban saberes, tuvo que huir debido a la intolerancia religiosa. Se asentó en Egipto, donde se convirtió en el médico personal del sultán Saladino y en el líder espiritual de la comunidad judía de ese lugar.

Su obra es un puente. En libros monumentales como Guía de los perplejos, intentó lo imposible: reconciliar la fe con la filosofía de Aristóteles. Para él, Dios no pedía que el hombre apagara su cerebro para creer; al contrario, la razón era la herramienta divina para entender la creación. Pero la frase que nos ocupa no proviene de un tratado médico, sino de una respuesta urgente conocida como Epístola sobre la Astrología (o Carta a los Sabios de Montpellier). Data del año 1194.

Fueron los rabinos del sur de Francia quienes le escribieron con una duda: ¿Qué dicen los astros sobre nuestro destino? ¿Es la astrología una ciencia real? La respuesta de Maimónides fue un “no” rotundo y valiente. Mientras gran parte del mundo medieval —incluso reyes y papas— tomaba decisiones basadas en horóscopos, él denunció que la astrología no era más que una “tontería” sin base científica. Fue en este contexto donde soltó su famosa sentencia. Su argumento era demoledor.

¿Por qué es tan importante este fragmento hoy? ¿Por qué trascendió su tiempo? Porque resume el corazón del pensamiento maimonidiano: el escepticismo racional. En la Epístola sobre la Astrología, Maimónides divide el conocimiento en tres categorías: lo que puede ser demostrado por la razón (matemáticas, lógica), lo que puede ser percibido por los sentidos (observación científica) y lo que debe ser aceptado por tradición (revelación religiosa). La astrología no encajaba en ninguna.

Al decir que “el mentiroso también usa la pluma”, el filósofo estaba desmantelando el argumento de autoridad. En su época, si un libro era antiguo o famoso, se consideraba sagrado. Él rompe esa lógica: un error escrito sigue siendo un error. Es una invitación a ser lectores activos, a no ser “perplejos” —como el título de su obra más famosa— que se dejan llevar por cualquier viento de doctrina. En ese sentido, la Epístola sobre la Astrología es un manifiesto a favor de la libertad intelectual.

Maimónides no solo fue un gigante de la ley judía (como demostró en su código Mishné Torá); fue un pedagogo que quiso enseñar a la humanidad a pensar por sí misma. Hoy, cuando la “pluma” ha sido reemplazada por el teclado y el “libro” por las redes sociales, su consejo es una brújula necesaria. La próxima vez que un titular estridente o un video viral intente capturar nuestra creencia sin pruebas, valdría la pena recordar al sabio de Córdoba: la verdad no se encuentra en el soporte, sino en la evidencia que lo sostiene.

¿Quién es Maimónides?

Maimónides, cuyo nombre real era Moshe ben Maimon (y en árabe, Abu Imran Musa ibn Maimun), nació en Córdoba en 1135, en pleno esplendor de Al-Ándalus. Tras la invasión de los almohades, su familia debió exiliarse, recorriendo el norte de África hasta establecerse definitivamente en Fustat, el antiguo El Cairo, en Egipto. Allí, tras la trágica muerte de su hermano en un naufragio que hundió la fortuna familiar, Maimónides se dedicó a la medicina para no lucrar con sus conocimientos religiosos.

Alcanzó tal prestigio que llegó a ser el médico personal del sultán Saladino. Su vida fue un ejercicio de equilibrio constante entre sus responsabilidades como líder de la comunidad judía, su labor clínica y su incesante producción intelectual. Falleció en El Cairo en 1204 y, según la tradición, sus restos fueron trasladados a Tiberíades, en la actual Israel, donde su tumba sigue siendo un lugar de peregrinación. Dejó varios textos, pero su Guía de los perplejos representa la cumbre de la filosofía medieval.

El poeta Xavier Villaurrutia marcó un giro en la poesía mexicana del siglo XX con su exploración de la muerte, el sueño y lo onírico. Su trabajo, fundamental para el grupo Contemporáneos, desafió el nacionalismo y abrió un diálogo entre México y la tradición literaria internacional.

Villaurrutia nació en Ciudad de México en 1903 y murió en 1950. Abandonó la carrera de Derecho para dedicarse a la literatura, fundó las revistas Ulises y Contemporáneos y se vinculó con figuras como Salvador Novo y Jaime Torres Bodet.

El poeta realizó estudios de teatro en Yale becado por la Fundación Rockefeller y fundó el Teatro Ulises, referente en la renovación teatral mexicana.

Villaurrutia escribió la muerte y el sueño

La poesía de Xavier Villaurrutia se caracterizó por una constante presencia de la noche, la desolación, el abandono y la muerte.

En Nostalgia de la muerte y Nocturnos, predominaron imágenes oscuras y un sentido de soledad que se intensificó por la influencia del surrealismo y la técnica de asociación inconsciente de ideas. Es así que Villaurrutia recurrió a juegos de palabras y repeticiones, generando una atmósfera onírica donde la vida y la muerte se confundían.

Alí Chumacero distinguió tres etapas en la poesía de Villaurrutia: un primer periodo marcado por el juego intelectual, un segundo donde la emoción se sometió a la razón y un tercero donde la emoción predominó.

Algunas de sus obras más relevantes fueron Reflejos (1926), Nocturnos (1931), Nostalgia de la muerte (1938), Décima muerte (1941) y Cantos a la primavera y otros poemas (1948), según Wikipedia y Biografías y Vidas.

Su teatro también abordó la muerte desde lo psicológico y lo mítico, como en Autos profanos o Invitación a la muerte.

Un referente para la poesía latinoamericana

La influencia de Xavier Villaurrutia se extendió más allá de México.

Su propuesta de una literatura independiente y abierta al mundo, su rechazo al nacionalismo y su defensa de la autonomía artística marcaron a la generación de Octavio Paz, quien fue su alumno, y a poetas posteriores en Latinoamérica, según Ecured.

Además de poeta, Villaurrutia fue crítico literario y dramaturgo. Sus textos circularon en revistas como México Moderno, Policromías, Letras de México, Examen y El Hijo Pródigo.

La crítica destacó su capacidad para renovar la expresión poética, incorporar el psicoanálisis y el surrealismo y situar la angustia existencial como eje temático. Su legado se mantuvo vigente a través de reediciones y estudios, y su obra dramática es considerada fundadora del teatro moderno mexicano junto con Rodolfo Usigli.

El Fondo de Cultura Económica publica su obra completa y la traducción al inglés de Nostalgia de la muerte por Eliot Weinberger.

De acuerdo con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, el archivo personal de Villaurrutia se resguarda en el Centro Cultural que lleva su nombre.

La muerte de Villaurrutia, a los 47 años, dejó una obra breve pero influyente en la lírica y el teatro de México y entre algunas de las frases más citadas del poeta, destacan las siguientes:

“La muerte no es fin de la vida. Para vivir la muerte, ¡he muerto a todas horas!"

“Soñar, soñar la noche, la calle, la escalera y el grito de la estatua desdoblando la esquina.”

“En medio de un silencio desierto como la calle antes del crimen.”

“El sueño y la muerte nada tienen ya que decirse.”

Taylor Swift presentó solicitudes ante la Oficina de Patentes y Marcas Registradas de Estados Unidos (USPTO, en inglés) para registrar su voz como una marca comercial.

Esta iniciativa es similar a la tomada por el actor Matthew McConaughey a comienzos de año, ante el surgimiento de contenido generado con inteligencia artificial (IA).

La cantante envió dos muestras de su voz a la USPTO. Cada uno comienza con “Hola, soy Taylor” y anuncia el lanzamiento de su más reciente álbum, The life of a showgirl, que se publicó a comienzos de octubre.

Contactada, la jefa de prensa de Taylor Swift no respondió de inmediato.

En septiembre de 2024, la estrella condenó la publicación en la página web de la campaña de Donald Trump de una imagen falsa de ella en la que supuestamente pedía a las personas respaldar la candidatura del multimillonario republicano.

“Esto acrecentó mis miedos sobre la AI, y los peligros de divulgar desinformación”, escribió en ese momento Taylor Swift en su cuenta en Instagram.

En enero pasado, el actor estadounidense Matthew McConaughey fue el primer artista en pedir a la USPTO protección contra el uso indebido de su voz por parte de modelos de IA.

Numerosos artistas han manifestado su preocupación por el uso de su imagen y voz en creaciones de inteligencia artificial.

Varios estados estadounidense han aprobado leyes para prohibir esta práctica, pero muchos se enfocan sobre todo en usos maliciosos o con propósitos comerciales.

Solo algunas, como la aprobada en 2024 en Tennessee, ofrecen una protección mayor.

Pocos actores han iniciado acciones legales para proteger sus derechos.

El ejemplo más notable es el de Scarlett Johansson, quien en 2023 demandó a la app Lisa AI por crear, sin su consentimiento, un avatar similar a ella con fines publicitarios.

Fuente: AFP

La secuela de El diablo viste a la moda no solo recupera una historia de hace veinte años para mostrarnos en qué momento vital se encuentran ahora los personajes. También permite que todos ellos utilicen un vestuario compuesto por prendas de diseñadores de renombre que apuntalan su caracterización.

No es nada nuevo. Desde sus inicios, el cine utiliza el vestuario para situar la historia en un contexto histórico-social. Pero a partir de la década de 1960, la indumentaria trasciende su función ilustrativa para convertirse en una herramienta narrativa y simbólica.

El vestido negro de Audrey Hepburn en Desayuno en Tiffany’s (1961), diseñado por Hubert de Givenchy, es un ejemplo emblemático del momento en que una prenda adquiere una dimensión totalmente nueva en la gran pantalla. Con el tiempo, se convertiría en uno de los trajes más caros de la historia del cine. El único ejemplar vendido se adjudicó por 608 000 euros en una subasta en 2006.

Y eso sucedió porque esa pieza tubo de satén, con cortes minimalistas en la espalda, encarna la elegancia atemporal y consagra la unión entre la alta costura y el séptimo arte. La escena inmortalizada frente a los escaparates de Tiffany’s eleva a la categoría de icono al “vestidito negro” popularizado por Coco Chanel en la década de 1920, y lo convierte en un símbolo de elegancia sin igual.

La edad de oro de las colaboraciones

Los años 80 marcan un punto de inflexión decisivo con la llegada de Giorgio Armani, cuyas siluetas minimalistas y desestructuradas redefinen la elegancia masculina y femenina.

Armani se da a conocer al público estadounidense al crear el vestuario de Richard Gere en American Gigolo. Sus trajes, depurados y sofisticados, se convierten en su sello visual y lanzan una moda que sigue siendo influyente hasta hoy. El modisto milanés multiplica a continuación las colaboraciones destacadas: viste a Kevin Costner, Sean Connery y Robert De Niro en Los intocables de Eliot Ness, a Lauren Bacall en Una estrella por dos y, de nuevo, a Kevin Costner en El guardaespaldas. Estas apariciones contribuyen a forjar la imagen de un estilo Armani que es sinónimo del poder discreto y la elegancia atemporal.

Esta relación privilegiada entre Armani y Hollywood continúa con George Clooney y Brad Pitt en Ocean’s Thirteen, para la que diseñará el vestuario, al igual que el de Tom Cruise en Misión imposible: Protocolo fantasma, y el de Leonardo DiCaprio en El lobo de Wall Street, donde el personaje de Jordan Belfort luce trajes de tres piezas que simbolizan su ascenso y desmesura. Estas colaboraciones ilustran cómo la moda puede servir a la narración, reforzar la credibilidad de los personajes y situar al espectador en una época o un entorno social concretos.

La moda como catalizador de la metamorfosis

En el cine, la ropa es un vector de transformación, como analizó recientemente un grupo de investigadores utilizando el ejemplo de Pretty Woman.

La película retoma de forma moderna el arquetipo de la transformación presente en tres cuentos clásicos: La Cenicienta, Pigmalión y La Bella y la Bestia. Vivian Ward, interpretada por Julia Roberts, es una prostituta ingenua pero encantadora. Gracias a su vestuario, pasa de una imagen marginal a una elegancia sofisticada que le permite conquistar la atención de Edward Lewis, un rico hombre de negocios interpretado por Richard Gere.

Los investigadores destacan que Pretty Woman refleja una sociedad en transformación, en la que la identidad personal está cada vez más determinada por la imagen y el estilo. Los vestidos de lunares, el vestido blanco y el sombrero negro que luce en Rodeo Drive e incluso el vestido de noche rojo en la ópera se convierten en símbolos de esta metamorfosis, popularizando tendencias que marcarán la moda estadounidense de los años 1990.

Cuando la moda moldea la ambición y la identidad profesional

En El diablo viste a la moda, adaptación de la novela de Lauren Weisberger, la moda no es solo un accesorio, sino un instrumento de poder y transformación. Andrea Sachs, una joven periodista recién licenciada interpretada por Anne Hathaway, se convierte en la asistente de Miranda Priestly, la tiránica redactora jefe de la revista Runway (encarnada por Meryl Streep).

Al principio, Andrea es objeto de burlas por su falta de estilo, pero sufre una metamorfosis en su forma de vestir que refuerza su confianza en sí misma. Un abrigo blanco, una chaqueta verde, una falda plisada e incluso unas botas negras de Chanel hasta el muslo se convierten en los marcadores visuales de su evolución. Todos ellos ilustran cómo la adopción de los códigos de la moda puede abrir las puertas a un mundo profesional despiadado.

Veinte años después, el estreno de la segunda entrega plantea una pregunta central: ¿sabrá Andrea imponerse ante Miranda y las demás mujeres ambiciosas del sector, adoptando prendas tomadas del vestuario masculino? ¿Qué nuevas siluetas surgirán como símbolos de esta rivalidad y de esta búsqueda de emancipación?

De la colocación de productos a la creación de tendencias

El cine y las series, al mostrar marcas de lujo, se han convertido en importantes palancas de marketing. La década de los 2000, con el impacto de la serie Sexo en Nueva York, sistematizó esta práctica y transformó las pantallas en escaparates para Manolo Blahnik, Dolce & Gabbana, Prada o Gucci. Después de todo, la colocación de productos en películas es una excelente estrategia para aumentar la notoriedad de una marca y llegar fácilmente a un segmento de la clientela.

En un mercado del lujo estimado en más de 1,5 billones de euros en 2024, con cerca del 25 % de clientes estadounidenses, no es de extrañar que las producciones al otro lado del Atlántico sean tan apreciadas por las marcas.

Sin embargo, el equilibrio sigue siendo frágil: entre la coherencia narrativa y la saturación publicitaria, las marcas deben evitar caer en la caricatura, como en Emily in Paris, donde la repetida exposición de productos de lujo roza a veces la parodia. A pesar de ello, algunas apariciones más discretas, como la de bolsos fabricados por una firma de Isère en la quinta temporada de la serie, han generado una avalancha de pedidos, lo que demuestra el impacto directo de estas colocaciones.

Cuando la moda se convierte en protagonista

La serie Love Story (2024), que narra la relación entre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr. desde los años 90 hasta su trágica desaparición en 1999, ofrece un ejemplo llamativo de la influencia de la moda en la pantalla.

Aunque la ficción explora sobre todo la dimensión psicológica de la pareja, los atuendos de Carolyn Bessette ocupan un lugar central. Su estilo minimalista, depurado y elegante se convierte en un personaje en sí mismo, celebrado bajo el nombre de “Carolyn Bessette Style”. Las redes sociales se han hecho eco del fenómeno, con una explosión de búsquedas de prendas de los años 90 y del hashtag #CBK. Las plataformas de venta de segunda mano ven cómo se disparan sus ventas de ropa vintage, mientras que Calvin Klein, marca emblemática de esa época, disfruta de un resurgimiento sin precedentes.

Este éxito demuestra que la moda, cuando se integra con sutileza y pertinencia, puede trascender su papel accesorio para convertirse en un verdadero vector de identificación y aspiración. La colocación de marcas de lujo solo tiene un efecto persuasivo cuando se inscribe en un contexto narrativo coherente. Love Story es la prueba de ello.

La moda en la pantalla, entre espejo social y palanca de influencia

El vestuario cinematográfico se ha impuesto como un lenguaje universal, reflejando y anticipando los cambios sociales. Ahora trasciende su función narrativa para convertirse en una herramienta de transformación identitaria y una palanca de marketing imprescindible.

En la era digital, donde las fronteras entre ficción y realidad se difuminan, las marcas de lujo y el séptimo arte mantienen una relación simbiótica: una ofrece un escenario, la otra relato. Esta alianza, entre creación artística y estrategia comercial, sigue cautivando el imaginario colectivo, al tiempo que cuestiona los límites de una exposición cada vez más intensa. ¿Siguen viendo los espectadores en estas historias una promesa de metamorfosis personal?

Fuente: The Conversation

El festival “Hidalgo en Los Pinos” llevará una muestra representativa de la cultura hidalguense al Complejo Cultural Los Pinos, en la Ciudad de México.

Quienes asistan podrán disfrutar de desfiles, danzas rituales, comparsas, bandas de viento, huapango y puestas en escena que reflejan la diversidad cultural de más de 50 municipios de la entidad.

El evento, organizado por la Secretaría de Cultura y el Gobierno del Estado de Hidalgo, reunirá a más de 900 artistas, artesanos, cocineras tradicionales, talleristas y productores locales en una programación que abarca desde presentaciones artísticas hasta actividades familiares.

El festival incluye también una amplia oferta gastronómica y artesanal, con cocinas tradicionales, textiles, alfarería y productos del maguey y xoconostle.

Fechas, horarios, sede y organización

El festival se realizará los 9 y 10 de mayo en el Complejo Cultural Los Pinos, ubicado en avenida Molino del Rey 252, 1.ª Sección del Bosque de Chapultepec, cerca de la estación Constituyentes del metro y junto a la del cablebús Los Pinos/Constituyentes.

La cita se desarrollará de 10 a 17 h y contará con entrada libre.

La organización corre a cargo de la Secretaría de Cultura federal y la Secretaría de Cultura de Hidalgo, quienes han convocado los participantes provenientes de diferentes municipios.

Actividades familiares, talleres y exposiciones

El festival ofrecerá actividades familiares, talleres y exhibiciones que buscan fortalecer el vínculo entre comunidades y visitantes.

Entre las propuestas destaca la instalación de un tapete artesanal efímero de carácter comunitario, realizado con arenas teñidas y motivos hñähñu.

Además, se presenta la exposición fotográfica “Capturando Hidalgo: carnavales”, que documenta mediante imágenes el simbolismo y la vigencia de las fiestas tradicionales y expresiones comunitarias de la entidad.

Desfile inaugural

El acto inaugural incluye un desfile con 384 participantes de siete comparsas y nueve danzas representativas de distintas regiones como Huasteca, Sierra Alta, Sierra Baja, Sierra Oriental y Valle del Mezquital.

Se presentarán expresiones como “Xilocochitl”, “Moctezuma”, “Cuapaxtle”, “Cuernudos”, “Mitotiani”, “Metzca” y “Viejos del carnaval”.

Durante los dos días habrá danzas tradicionales, bandas de viento, encuentros de huapangueros infantiles y juveniles, así como presentaciones de grupos como el trío Aurora Hidalguense y la Orquesta Filarmónica de Pachuca, que ofrecerá un concierto sinfónico de ópera y canción mexicana junto a la banda de viento Revolución 20-20.

El domingo se suman propuestas escénico-musicales como Voces del Ixtle, la Flor del Semillero Creativo de Tlahuelilpan, el Coro Monumental Infantil de Tulancingo de Bravo y la obra “Bajo la tierra, la vida del minero de Zimapán”.

Muestra gastronómica y cocinas tradicionales

La oferta gastronómica incluye platillos como tacos de frijol y haba, quesadillas de hongo y huitlacoche, tamales de mole, sopa de haba, tlacoyos, aguas de chayote y maracuyá y café de olla, además de especialidades como conejo en salsa morita y gorditas de Chapantongo.

También participarán cocineras tradicionales de Santiago de Anaya, Actopan, Huejutla, Singuilucan, Chilcuautla y San Felipe Orizatlán, con opciones que van desde barbacoa y zacahuil hasta enchiladas huastecas y tapataxtle.

Artesanías, productos locales y talleres

En la muestra artesanal se podrán encontrar trabajos de alfarería de Huejutla, textiles Tenango de Doria, fibras de San Salvador y Tlaxcoapan, palma de Alfajayucan y Pacula, cestería de Jaltocan, piezas de carrizo y obsidiana de Tecozautla, cantera de Huichapan y textiles de Ixmiquilpan y Yahualica.

Los productos locales incluyen miel, derivados de xoconostle, café, chocolate, dulces típicos, piloncillo, curados, pan, salsas, quesos y vino de granada, entre otros.

Declaraciones de autoridades y sentido cultural

La titular de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, Claudia Curiel de Icaza, indicó que la colaboración institucional amplifica la voz de las comunidades y promueve el patrimonio vivo.

“A través de este encuentro se visibiliza la riqueza cultural del estado al propiciar el intercambio, el reconocimiento y el diálogo con nuevos públicos”, afirmó Curiel de Icaza.

Por su parte, la secretaria de Cultura estatal, Neyda Naranjo Baltazar, señaló que el festival llevará la esencia de Hidalgo a Los Pinos y permitirá compartir la riqueza viva de la música, danza, artesanías y gastronomía, celebrando las raíces y honrando la memoria y tradiciones de los pueblos originarios.

Hoy María Victoria Gentile Gamond (Mgtr. en Comunicación Institucional, Lic. en Comunicación Social, coach y directora de La Consultora) presenta su nuevo libro: Vínculos humanos y la gente de mierda. Ella es cordobesa aunque vive en Buenos Aires hace 28 años. Será a las 18 horas en el Stand 700, perteneciente al Grupo Libero, del Pabellón Azul, en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, La Rural.

La autora plantea que “se vive en esta sociedad de consumo, en donde se le da más importancia a la calidad de lo material, los bienes y servicios que se compran, que a las relaciones que se establecen y a las personas con las que se generan vínculos, entonces, es momento de repensar los valores”.

“La conclusión más importante de esta larga investigación es que lo único que hace verdaderamente felices a las personas y las mantiene saludables son los vínculos y la calidad o profundidad en las relaciones con los otros; no así la fama, ni el dinero, ni el éxito laboral o trabajar incansablemente”, agrega. A continuación, compartimos el prólogo y la introducción del libro de Gentile Gamond.

Prólogo

¡Hola! Antes que nada, muchas gracias por ser lectores de esta obra y animarse a escarbar adentro para comprender los vínculos y entender cómo nos relacionamos.

Empecé a escribir este libro el 27 de enero del 2021, luego de pasar encerrada, sola, un período largo de cuarentena obligatoria, de aislamiento social forzado y cumpliendo un año desde la aparición de la pandemia mundial del COVID-19.

Pero, en realidad, comencé a bocetar este proyecto mucho antes; lo estuve pensando, comentando e ideando entre colegas, amigos y alumnos desde hace muchos años. En todas las conversaciones, siempre decía, y aún lo afirmo: “Las relaciones humanas son complejas y difíciles en muchas ocasiones, pero los vínculos son la base de la vida” y por eso me pareció propicio investigarlos.

Entre los disparadores de esta composición —y esto lo recordé y descubrí ya finalizando el libro—, puedo señalar: abandono prematuro de mi hogar familiar por situaciones disfuncionales; casarme y divorciarme de muy joven; el libro de mi exesposo y su mejor amigo: ¿Matrimonio? ¡Ni en pedo!, escrito con humor sarcástico y que ambos redactaron como catarsis después de sus divorcios; duelos varios y en pocos años: pérdidas de seres queridos (mi madre y mis hijos); separaciones de parejas; ruptura en relaciones de confianza primarias; desilusiones de proyectos con socios, compañeros de trabajo y amigos/as, junto a despidos y renuncias laborales.

Perdoné a los que me dañaron y les doy gracias a quienes me dieron amor, abrazos, caricias y compañía. Las cuentas están saldadas conmigo misma y con todas las personas. Y todo eso que sucedió me trajo hasta acá.

A veces, los dolores y tropiezos son muy útiles para crecer y dan oportunidad para crear cosas nuevas. Las dificultades, y hasta el sufrimiento, son la gasolina que impulsa a muchos emprendedores a innovar. Con perseverancia, disciplina, esfuerzo constante y construyendo resiliencia, la vida evoluciona positivamente y se cumplen las metas, transformando obstáculos en desafíos. No como un camino fácil, pero sí posible.

Así, las decisiones de mi vida (y de la pandemia) me guiaron a tener coraje como investigadora y redactora para tolerar largos períodos de soledad, imperiosos para indagar contenido, observar las relaciones humanas, evolucionar el pensamiento y poder componer este ejemplar. Y aquí estoy intentando ser una escritora.

Les cuento que escribir este texto fue un proceso interno largo (de 5 años), en donde procrastiné, me angustié, lloré, luché con el ego durante cada tema que escribía o bibliografía que investigaba, posponía algunas temáticas que resonaban en mi propia alma, pero continué el recorrido, incluso con miedo y sintiendo el síndrome del impostor.

En este viaje introspectivo, también descubrí experiencias de mi vida en las que me había atascado. Tuve ideas obsesivas y estereotipadas que no aportaban ninguna solución creativa y muchas veces me dejaron paralizada. Igualmente, utilicé todas las herramientas de automotivación y seguí adelante.

El 5 de octubre del 2021, me embarqué en conducir y producir un programa con el mismo nombre e idea de este libro en la radio por streaming Zonica, la primera del país y ganadora del Martín Fierro como la más importante de Latinoamérica. El proyecto radial fue madurando y continuó durante el 2022 y, en el 2023 hasta el 2025 inclusive, mutó a una columna radial en el programa más importante del Grupo Zonica. En todas las experiencias y entrevistas realizadas, fue oportuno debatir y reflexionar cada vez más sobre las relaciones entre las personas.

Remontándome a mi actividad profesional, me doy cuenta de que, con el paso de los almanaques, pasé de ser una comunicadora social a una antropóloga avezada, porque no puedo dejar de observar el comportamiento humano. Con agudeza de sentidos, estudio la forma de relacionarse de las personas: los cambios socioculturales, las prácticas lingüísticas, las connotaciones simbólicas, los escenarios cambiantes, el uso de la tecnología y el empleo de los gestos y tonos que ahora se traducen en emoticones, stickers, memes, reels y gifs con el uso de internet, las redes sociales y los smartphones.

Siempre me gustó escribir la vida en los márgenes de la hoja de mi historia, pero con el tiempo aprendí que es importante mantener la línea de los renglones para poder elegir cómo y con quién perder el tiempo de esta existencia limitada. Entiendo los vínculos como un aprendizaje que nos ayuda a pensar y a comprender la experiencia de otros, sin tener que vivirla en primera persona, para así trabajar la empatía y la resiliencia de nosotros mismos y de los demás.

Por este medio, busco crear una técnica de “alerta” para que empecemos a prestar más atención al entorno de las personas que nos rodean, plantearnos por qué las elegimos, trabajar en detalle esas relaciones sin creer que van a existir per se sin un esfuerzo para construir una verdadera ligazón, incluso en los vínculos paternales o fraternales.

Y también es bueno poder aprender a despegarnos de los vínculos tóxicos: evaluar si algunos intereses que compartíamos con otras personas se desvanecieron o cambiaron los valores de ambos con el tiempo, saber manejarnos con personalidades oscuras o lograr la libertad de alejarnos (emocional o físicamente) de las personas de mierda que no suman, que nos desvalorizan o que de alguna manera nos generan sufrimiento.

Para lograr esto, deberíamos dejar de ser holgazanes de las relaciones y conectar más allá de un mensaje de texto por WhatsApp, enterarnos de cómo están nuestras amistades o parientes por lo que ellos publican en las redes sociales (que siempre será un recorte sesgado de una situación producida, que muestra una vida pseudoperfecta).

En resumidas cuentas, es importante conectar con gente que te puede dar una visión diferente sobre las cosas, abrir la cabeza, ensayar nuevas relaciones constantemente y generar una nueva realidad con decisiones genuinas de con quién compartir el tiempo y con quién no.

Recuerden siempre usar estas frases: “¿Cómo estás?”, “Gracias”, “Por favor”, “Perdón”, “Felicitaciones”, “Permiso”, “Estoy orgulloso de vos”, “¿Llegaste bien?” y “Buena suerte”. Si estás verdaderamente interesado en ese vínculo, esperarás atento la respuesta del otro.

ADVERTENCIA: Este libro no es para personas que prefieren vivir en la superficie, que no se preguntan nada sobre ellos mismos, que no les interesa profundizar en su interior y en los vínculos o que eligen la comodidad en las relaciones.

Por último: ¡construyan vínculos con amor o no construyan nada!

Introducción

“La buena vida se construye con buenas relaciones”

Robert Waldinger

Mucha gente piensa que tener una gran fortuna, hacerse famoso, ser reconocido por su trabajo o profesión, verse exitoso en los medios de comunicación o en las redes sociales, viajar por el mundo o tener un buen aspecto físico los haría completamente felices, pero resulta que no, no es tan así. Sentir demasiado apego a lo superficial y al consumismo crea una falsa felicidad y una satisfacción efímera. (Es momento de que el lector se pregunte: “¿Qué da sentido a mi vida?”).

Este libro será de ayuda para repensar qué tipo de ligaduras y a quiénes elegir para que sean importantes en la vida y a quiénes no. Su contenido argumentativo se basa en la teoría de que los vínculos humanos son lo único que hace realmente dichosas a las personas y que las relaciones generadas en el entorno cercano mostrarán la satisfacción que cada uno tiene con su propia subsistencia.

Esta teoría se puso a prueba en el estudio más largo sobre la felicidad de personas adultas desarrollado por la Universidad de Harvard que actualmente lo dirige el psiquiatra y psicoanalista Robert Waldinger.

La conclusión más importante de esta larga investigación es que lo único que hace verdaderamente felices a las personas y las mantiene saludables son los vínculos y la calidad o profundidad en las relaciones con los otros; no así la fama, ni el dinero, ni el éxito laboral o trabajar incansablemente.

De manera similar, en los últimos años fueron apareciendo muchas afirmaciones relacionadas con la misma teoría, por parte de médicos, analistas, sociólogos, historiadores, filósofos, influencers, astrólogos, coaches, periodistas, psicólogos, que terminaron de meter en la cabeza de la autora la elaboración de este libro.

Entonces, el propósito de este texto es explorar el valor de los vínculos humanos y la profundidad de los enlaces que se van construyendo en la propia biografía para comprender que una valiosa supervivencia se edifica con buenos vínculos. Las conexiones con los demás hacen bien y mantienen la salud; los seres humanos son seres sociales y necesitan de los otros para construirse a ellos mismos.

Ya lo decía el filósofo Aristóteles: “El ser humano es un ser social por naturaleza, y el insocial por naturaleza y no por azar, o es mal humano o más que humano…”. Esto significa que la gente nace con las características de ser social porque necesita a los otros para sobrevivir y coexistir en comunidad. El proceso de socialización se desarrolla a lo largo de la vida, se aprehenden herramientas para mejorar la capacidad de comunicación y aprender lo que el ser humano necesita para relacionarse con libertad, autorrealización y regulación dentro de una sociedad.

También, otra de las motivaciones que inspiró a pensar en la realización de esta obra, fue el libro Amor Líquido de Zygmunt Bauman, uno de los sociólogos, filósofos y pensadores más influyentes de este tiempo que ya en el 2005 explicaba acerca de la fragilidad de los vínculos humanos en una vida volátil y urgente de un mundo globalizado.

El mencionado libro revela las angustias de la modernidad líquida y cómo afectan a la condición humana en el miedo a establecer relaciones duraderas en lugar de meras conexiones o en los lazos de solidaridad hacia los demás que parecen depender de los beneficios que generan; tal como lo demuestran en la actualidad las aplicaciones de encuentros o citas —tales como Tinder, Happn, Badoo, Grindr, Inner Circle, Bumble, OkCupid, Ashley Madison, Raya, entre algunas de las más conocidas— en donde, con diseño de digital catalog como si se tratara de un catálogo de Avon, las personas pasan a ser una mercancía de intercambio, un objeto más de consumo del capitalismo, con rápida posibilidad de desechabilidad.

La aparición del Coronavirus, el aislamiento y luego la nueva normalidad terminaron de confirmar lo imprescindible de las relaciones en el compendio de la psicología humana. La pandemia convirtió en popular el tema, ya que muchos distraídos se empezaron a interesar en los vínculos y las consecuencias emocionales de la insociabilización. Las personas comenzaron a apreciar a sus compañeros de trabajo, jefes, maestros, colegas y amigos de otra manera y las videollamadas se volvieron una condición cotidiana.

En consecuencia, algunos se volvieron más empáticos, sensibles y solidarios, y otros mostraron lo peor de ellos mismos con sus pares, pero todos entendieron la importancia de relacionarse o dejar de hacerlo.

La verdad es que no se sabe con exactitud cuánto afectó psicológicamente el aislamiento pospandemia (seguramente la gente ya se olvidó), ni tampoco cómo seguirán cambiando las relaciones humanas, ya que los cambios tecnológicos continúan avanzando con gran rapidez y en la actualidad ya existen relaciones con chatbots y robots con inteligencia artificial. Lo que sí es certero es que se generaron nuevas formas de vinculación, conocidas por más cantidad de ciudadanos globales y con nuevas maneras de conectarse, que llegaron para quedarse.

Cabe aclarar que este libro se titula Vínculos Humanos y no Relaciones Humanas porque el vínculo implica un compromiso mayor entre las personas y precisa que se trabaje en la conexión para que se genere y se mantenga en el tiempo.

En un posteo en carrousel de Sofía Stamateas, magíster en comunicación y coach, ella concuerda con esta definición y manifiesta:

“Existen muchas personas que se relacionan con otras…, pero no todas llegan a vincularse. Vincularse implica mostrarse vulnerable frente al otro. Y eso es algo que no todos pueden/quieren hacerlo… Podés compartir años con un compañero de trabajo (relación) y aun así no tener un vínculo. Ni hablar de las relaciones sexoafectivas, donde NUNCA hubo un vínculo. Tal vez por eso muchas relaciones se mantienen en un plano más superficial. Ya nadie se atreve a exponerse, a mostrarse vulnerable. Sin embargo, no expresar lo que necesitás por miedo a ser herido o a molestar es condenarte a no saber quién está a tu lado. Vincularse implica hacer ruido, porque de eso se trata. Quien te quiere cerca pero en silencio no construye un vínculo, rellena un espacio a tu costa."

También porque el término “vínculo” se relaciona con la tecnología: específicamente con el hipervínculo, un enlace que une dos elementos de documentos digitales y permite al usuario saltar directamente a otra ubicación o contenido haciendo un clic o movimiento con el mouse. Es el ícono de la tapa de este libro.

Pero, por cuestiones prácticas, se usarán como sinónimos en el recorrido del texto y se profundizarán estos temas de manera específica en cada uno de los capítulos subsiguientes.

Para concluir con esta introducción: se vive en esta sociedad de consumo, en donde se le da más importancia a la calidad de lo material, los bienes y servicios que se compran, que a las relaciones que se establecen y a las personas con las que se generan vínculos, entonces, es momento de repensar los valores.

La doctora en publicidad y relaciones públicas, Belén López Vázquez, explica que la publicidad emocional se utiliza para motivar la compra y la define como: “la persuasión dirigida a los sentimientos profundos del público, de manera real o simbólica” ¿Acaso no se debería utilizar esa persuasión y esas emociones para crear mejores relaciones con los demás?

Las emociones están presentes en todo el accionar y comunicación humana, por consiguiente, usarlas para apelar a los sentimientos y crear puentes con buenos mensajes al cerebro y al corazón de los demás generaría mejores relaciones. Tal como lo hace la publicidad.

La entrada, los horarios, los días

Entrada: La entrada a la Feria del Libro de Buenos Aires costará 8.000 pesos de lunes a jueves y 12.000 los viernes, sábados y domingos.

Con esa entrada, el visitante recibirá un “chequelibro” con el que podrá conseguir descuentos en librerías cuando termine la Feria.

Gratis: de lunes a jueves desde las 20 h,

Fecha: La Feria sigue hasta el 11 de mayo.

Horarios: de lunes a viernes de 14 a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 13 a 22 h.

La Feria del Libro de Buenos Aires sigue acumulando actividades, escritores, editoriales, gestores culturales, pero sobre todo: lectores. El evento, que comenzó la semana pasada, es el punto de encuentro de la literatura y del mundo del libro. Este fin de semana largo —hoy, primero de mayo, es el Día del Trabajador— tiene muchas propuestas. A continuación, una selección:

Viernes 1 de mayo

El feriado inicia con la presentación de Bernardo Stamateas y su libro Narcisitas. La agenda del día también incluye el conversatorio Fanfiction en papel: una iniciativa queer en Argentina, con Lila Negra, Alo Jezabel, Román Brutti, Joaquín Gallardo y Yanina Zorza, sobre la presencia del fanfiction en el mercado editorial local.

En paralelo, Karina Forcinito, Corina Rodriguez Enriquez y Flora Partenio debaten el proyecto económico de la dictadura en Volver al futuro. Más tarde, Matías Nahon y Nehuén Fariña presentan Inteligencia Artificial: el poder invisible, una charla sobre la influencia de la inteligencia artificial en la vida cotidiana.

Felipe Pigna presenta su libro 76 acompañado por Flavia Pitella. En tanto, Renata Prati, Laura Fernández Cordero y Alexandra Kohan abren la caja negra de la depresión en una mesa dedicada a las emociones y la salud mental.

La jornada sigue con la mesa Ilustrar la realidad: cómo pensar el mundo a través de la imagen, con Issa Watanabe y Yael Frankel, coordinadas por Daniel Roldán. Más adelante, Juan Mattio, Roberto Chuit Roganovich y Milagros Porta exploran la ciencia ficción argentina en ¡Invasión! Estrategias de superviviencia en la literatura argentina.

Por la tarde, Esther Cross, Betina González, Luciano Lamberti y Luis Sagasti participan en Bestiarios argentinos: monstruos de ayer y de hoy. En simultáneo, Leonardo Padura presenta la novela Morir en la Arena, mientras que Diego Sztulwark, Claudia Cesaroni, Hérnan Brienza y Alejandro Horowicz debaten a 50 años del golpe de Estado.

El libro Efecto Mariposa se presenta con Juan Gabriel Tokatlian, Pilar del Rio de Saramago y Carlos Pagni. La noche trae una nueva edición de la charla sobre periodismo musical de ESTO ES NOTA y el cierre musical de Antonella Restucci.

El día culmina con la mesa Escrituras en tránsito: lengua, exilio y pertenencia, con Fernanda García Lao, Clara Obligado y Santiago Loza; la presentación de David Toscana con El ejército ciego, ganadora del Premio Alfaguara 2026; y la conferencia magistral de Guillermo Schavelzon sobre el oficio de crear y vender libros.

Sábado 2 de mayo

La programación del sábado se abre con la presentación de Ludovica Squirru Dari y su Horóscopo chino 2026, seguida por el debate Vargas Llosa: literatura y política con Álvaro Fernández Bravo, Luis Ángel Del Castillo, Elena Loayza y Mauro Marino.

Maximiliano Molocznik expone su libro Las dos caras de Julio Argentino Roca; Cristina Pérez presenta Mujer Samurai; y Martín Kohan dialoga con Juan José Becerra sobre sus últimas publicaciones.

Arturo Perez-Reverte llega con Misión en París, y en la mesa Mujeres, comercio sexual, juicio y derechos humanos, Alexia Sofia Alonso y Cecilia González abordan la problemática del comercio sexual y el juicio por jurados en Argentina.

El género fantástico se pone en discusión en De Tolkien a Sarah J. Maas: La travesía de leer y escribir fantasy, con Agus Cámara, Flor Núñez Graiño, Ann Rodd, Luciana Zavattargo y Nora Z. Wilson.

A las 17.30, la Fundación El Libro realiza la entrega del Premio de la Crítica. Más tarde, Eduardo Sacheri presenta Qué quedará de nosotros.

Por la noche, la mesa Menopausia: ahora sí se habla reúne a Laura Wittner, Inés Garland, Mariana Carbajal e Ingrid Beck. A la misma hora, José Norte y Eduardo Callaey presentan El fin de la privacidad ¿para siempre?.

Viviana Rivero llega con El alma de las flores, y Gabriela Margall junto a Martina Antognini presentan Bajo el encanto de Jane Austen. María O’Donnell expone Montoneros, mientras que María Luisa Peralta y Diego Trerotrola revisan la historia queer en Brujas, putxs y travas: de la Edad Media a la actualidad.

El cierre reúne la mesa La infancia: familia, memoria y los fantasmas de lo vivido, con Alejandra Kamiya, Federico Jeanmaire, Juan Solá, Manuela Martínez y Loyds; el diálogo Centroamérica: relatos en plural con Horacio Castellanos Moya y Luis Chaves; y la presentación de Camila Sosa Villada con El viaje inútil.

Domingo 3 de mayo

El domingo, Claudia Piñeiro y Silvia Hopenhayn abren la jornada con la charla Han Kang y Jorge Luis Borges: memoria, cuerpo y laberintos literarios. Fernando Aramburu presenta Maite, mientras que Georgina Orellano expone Vidas putas.

A las 17.00, Walter Sosa Escudero y Nicolás Martorell desmitifican la inteligencia artificial en un panel sobre su impacto y alcances.

La tarde sigue con Horacio Castellanos Moya y su novela Cornamenta, Pedro Mairal con Los nuevos, y Jorge Fernández Díaz con Crónica de una gran pasión.

A las 19.00, Guillermo Martínez presenta Un crimen dialéctico; Daniel Saldaña París y Valeria Tentoni conversan sobre Los nombres de mi padre; y Oriana Sabatini expone Podría quedarme acá.

El ciclo Diálogo de Escritoras y Escritores de Argentina explora el vínculo entre inteligencia artificial y escritura, con Santiago Siri, Horacio Convertini, María Sonia Cristoff y Luz Pearson. Al mismo tiempo, la mesa Modulaciones del terror y del horror en la narrativa latinoamericana contemporánea reúne a María Fernanda Ampuero, Dolores Reyes, Elaine Vilar Madruga y Zezé Atabales.

Una de las actividades más importantes y más convocantes del cierre de la feria del domingo es la presentación de El balcón ilustrado de Tomi Müller, con la participación de Victor Hugo Morales, Dolores Solá y Tute.

La entrada, los horarios, los días

Entrada: La entrada a la Feria del Libro de Buenos Aires costará 8.000 pesos de lunes a jueves y 12.000 los viernes, sábados y domingos.

Con esa entrada, el visitante recibirá un “chequelibro” con el que podrá conseguir descuentos en librerías cuando termine la Feria.

Gratis: de lunes a jueves desde las 20 h,

Fecha: La Feria sigue hasta el 11 de mayo.

Horarios: de lunes a viernes de 14 a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 13 a 22 h.

Dónde: En La Rural, Av. Sarmiento 2704, Av. Cerviño 4476 y Av. Santa Fe 4201 (Plaza Italia).