Claudia Curiel, secretaria de Cultura, aseguró que la Ley Federal de Cine y Audiovisual, aprobada esta semana en el Congreso de la Unión, permitirá que el cine mexicano sea utilizado como una “herramienta” para la soberanía nacional en materia cinematográfica.

Durante la conferencia ‘La Mañanera del Pueblo’, la funcionaria federal explicó que la nueva legislación tiene como objetivo impulsar narrativas propias en México y evitar que el público consuma únicamente producciones internacionales, que “no apelan ni hablan” del contexto cultural mexicano.

Explicó que esta ley garantiza el fomento al cine como un derecho cultural y establece que el Estado mantendrá un apoyo progresivo a la industria audiovisual, condicionado a la disponibilidad presupuestal.

Sin embargo, destacó que la presidenta Claudia Sheinbaum ya autorizó este incremento para subrayar la relevancia de la industria y su vínculo con las distintas comunidades.

“La presidenta autorizó que el fomento al cine, además de que se garantiza por el Estado como un derecho cultural, va a tener un incremento progresivo, dependiendo evidentemente de la disponibilidad, pero que está marcando el interés y la relevancia de una industria, de las distintas comunidades y de la importancia del cine como una herramienta también de soberanía nacional.

“Significa que nosotros tengamos narrativas propias, que hablen de nuestros contextos culturales y que no necesitemos o que tengamos la disponibilidad de más narrativas y de no consumir únicamente las producciones internacionales, donde quizá hay muchas muy interesantes, pero que no necesariamente apelan ni hablan de nuestro contexto cultural”, dijo en Palacio Nacional.

Curiel Icaza enfatizó que la ley incorpora medidas para fortalecer la presencia del cine mexicano en las salas de exhibición, además de que se mantiene la cuota mínima del 10 % de proyección nacional y se amplía el periodo mínimo en cartelera de siete a 14 días.

Indicó que la supervisión de este cumplimiento será semestral, con el objetivo de brindar mayor competitividad al cine nacional frente a grandes industrias.

Asimismo, afirmó que este nuevo marco legal responde a una demanda histórica de la comunidad cinematográfica y se diseñó en coordinación con cadenas de exhibición y el ecosistema audiovisual, quienes apuestan por el fortalecimiento de la producción mexicana.

¿Qué establece la Ley Federal de Cine y Audiovosual?

El 15 de abril pasado, el Senado aprobó La Ley Federal de Cine y Audiovisual, con la cual se renueva el marco legal para la industria fílmica en México tras más de 30 sin cambios, con nuevas reglas para producción, distribución, exhibición y preservación de cine y contenidos audiovisuales.

El objetivo principal es fortalecer la identidad nacional, promover la pluralidad de voces y garantizar al público una mayor diversidad de obras mexicanas.

La ley establece que todas las salas de cine, tanto comerciales como independientes, deben dedicar al menos el 15% de su cartelera semanal a películas mexicanas.

Esta cuota se calcula por sala, no por complejo, y busca evitar que producciones nacionales sean desplazadas por estrenos extranjeros. El incumplimiento puede ser sancionado.

Además, la ley fomenta la exhibición constante de documentales y cortometrajes nacionales.

Se crea la Cinemateca Nacional, un órgano autónomo responsable de preservar, restaurar y difundir el patrimonio audiovisual mexicano.

Esta institución promoverá la digitalización de acervos y la formación de públicos, con énfasis en niñas, niños y adolescentes, así como la capacitación e investigación en temas cinematográficos.

La ley protege derechos laborales y de autor, promueve la equidad de género y la representación de grupos históricamente discriminados. Contempla estímulos fiscales para proyectos que impulsen la diversidad cultural y lingüística, incluyendo incentivos para producciones en lenguas originarias.

El nuevo marco legal permite al público acceder a más cine nacional, protege el patrimonio cultural y busca consolidar una industria fílmica plural e inclusiva.

La verdad de Sócrates está en el silencio. Es un filósofo que no habla, pero que es hablado. No escribió nada, prácticamente no dejó registro de su paso por el mundo. Sin embargo sus discípulos contaron lo que él decía. También lo que luchó, lo que padeció, lo que sufrió, lo que le costó el revolucionario acto de pensar. Por eso Hannah Arendt dijo que fue Sócrates quien demostró que “el pensamiento en sí es peligroso”. Para José Ortega y Gasset, fue quien “descubrió la razón”: “el primer intelectual”.

Ese “ser hablado” se construyó a partir de sus alumnos, como Platón, Jenofonte y Aristófanes, pero también como Aristóteles, que en realidad fue alumno de Platón. Quizás el mejor Sócrates es el que recrea Platón en sus Diálogos. Uno de esos textos se titula Gorgias. Ahí dice: “Es mejor sufrir una injusticia que cometerla”. Esta frase define muy bien la estatura ética de este pensador. Representa un giro radical en la historia del pensamiento, pues rompe con la moral de “ojo por ojo” de su época.

Platón escribió este diálogo en su etapa de madurez y usa a Sócrates para atacar la sofística, que es el arte de la persuasión por encima de la verdad. En ese sentido, el Gorgias es un debate sobre la retórica. Platón lo escribe para demostrar que el poder de la palabra es peligroso si no va acompañado de justicia. En este texto, Sócrates se enfrenta a tres interlocutores, siendo el más agresivo un joven llamado Calicles, quien desprecia la moral y cree que “la fuerza hace el derecho”.

Para Sócrates, el peor mal que le puede ocurrir a un ser humano no es la muerte ni el dolor físico, sino la corrupción del alma. Cuando alguien sufre una injusticia (cuando le roban o lo calumnian), sufren su cuerpo y sus bienes pero la integridad moral queda intacta. En cambio, quien comete la injusticia está manchando voluntariamente su propio ser. Estás “enfermando” su alma. Por lo tanto, la elección es lógica: es preferible padecer un daño externo que convertirse en una persona malvada internamente.

La frase surge durante una discusión con Polo (otro sofista). Polo sostiene que un tirano que mata y roba es “feliz” porque hace lo que quiere. Sócrates lo contradice con dos argumentos demoledores para la época. Por un lado, la infelicidad del tirano (el que comete injusticia es infeliz porque vive en desarmonía consigo mismo). Por otro lado, la función de la pena: Sócrates llega a decir que, si cometes un crimen, es mejor que te castiguen, porque el castigo es la “medicina” que purifica el alma.

Quién fue Sócrates

Sócrates vivió entre los años 470 y 399 a. C., fue un filósofo griego nacido en Atenas, considerado el padre de la filosofía occidental y el fundador de la filosofía moral. A diferencia de otros pensadores, no dejó ninguna obra escrita; conocemos su pensamiento gracias a los relatos de sus discípulos, como Platón y Jenofonte. Su figura marcó un “giro antropológico”: dejó de investigar el origen del cosmos para centrarse en el ser humano, la ética y la búsqueda de la verdad interior.

Nos legó varias cosas. El método socrático: utilizaba el diálogo y la ironía para exponer las contradicciones de sus interlocutores. La humildad intelectual: su famosa frase “Solo sé que no sé nada” refleja su convicción de que el primer paso hacia la sabiduría es reconocer la propia ignorancia. Y la identificación del Alma: fue uno de los primeros en proponer que la esencia del ser humano reside en su alma (psique), vinculando la virtud con el conocimiento. Su muerte también habla por él.

La frase sobre la injusticia que hoy nos convoca no fue solo teoría. Sócrates la puso en práctica en su propia vida. Cuando fue condenado a muerte tenía 70 años. Lo acusaron de corromper a la juventud por no creer en los dioses de la ciudad. Sus amigos le ofrecieron un plan para escapar de la prisión sobornando a los guardias. Sócrates se negó, argumentando que escapar sería cometer una injusticia: prefería sufrir la injusticia de la sentencia de muerte antes que traicionar sus principios.

México se prepara para celebrar este 30 de abril con una programación nacional para las infancias con motivo del Día del Niño y la Niña, con decenas de actividades gratuitas en todo el país que buscan fortalecer el acceso a los derechos culturales y la presencia de las lenguas originarias.

La agenda contempla más de 50 piezas de arte infantil en la exposición “Este es mi México”, 16 funciones de cortometrajes en lenguas originarias, ocho entidades con talleres de juegos tradicionales, y decenas de actividades escénicas y musicales abiertas al público entre el 26 de abril y el 3 de mayo.

Varias actividades tendrán lugar en Yucatán, Campeche, Morelos, Edomex y la CDMX.

Oferta incluye conciertos, danza y exposiciones gratis en la capital

Gran parte de las actividades a realizar en CDMX se concentra en el Complejo Cultural Los Pinos, donde el Festival de los Monstruos del Bosque. Un festejo feroz, recibe a bebés, niñas y niños con narraciones orales, conciertos, talleres de teatro y danza, libros y exposiciones lúdicas sin costo.

Destaca el Concierto del Día del Niño y la Niña, programado para el sábado 26 de abril a las 14:00 h en la Cancha de Tenis. En este escenario, el Ensamble comunitario de percusiones Tlapatzilotzin de Tlaxcala y el Ensamble folclórico comunitario Zango - Zango de Iztapalapa interpretan temas de Francisco Gabilondo Soler “Cri-Cri”, Salomón Callejas, Nataniel González y Dámaso Pérez Prado. Ambos grupos integran a niños y niñas de los Semilleros Creativos.

Ese mismo fin de semana, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) organiza un Ludiconcierto con el cantautor Axelófono en el Palacio de Bellas Artes el domingo 26 de abril a las 12:00 h, donde invita a cantar y bailar en el área de murales.

La Orquesta Sinfónica Nacional participará con un ensayo abierto el jueves 30 de abril y dos funciones el domingo 3 de mayo. Todas las sesiones serán en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, con acceso libre, y buscan que las infancias exploren el funcionamiento de una orquesta profesional.

El repertorio incluye piezas como Pedro y el lobo op. 67 de Sergei Prokofiev y la Polka del trueno y el relámpago de Johann Strauss II.

Museos, talleres, danza y cultura en todo el país

Todos los eventos son gratuitos y en el listado hay museos, recitales, talleres, juegos y más:

• Museo Mural Diego Rivera: concierto “Un viaje musical para las infancias”. El evento es gratuito, el domingo 26 de abril a las 12:00 h.
• Museo Nacional de la Estampa: Noche de Museos y concierto de jazz, el miércoles 29 de abril a las 18:30 h.

La agenda incluye recorridos y talleres especiales para infancias en:

• Laboratorio de Arte Alameda
• Museo Nacional de Arte
• Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos en Puebla
• Museo Tamayo
• Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
• Centro de Cultura Digital
• Biblioteca de México.

Una actividad relevante es “Bienvenidos a la luna”, espacio lúdico inspirado en Remedios Varo que el Museo de Arte Moderno abre el domingo 26 de abril desde las 10:00 h

El Museo Nacional de Culturas Populares inaugura el jueves 30 de abril la exposición de la 29 edición del concurso de dibujo infantil “Este es mi México”, con 50 obras de niñas y niños que retratan la diversidad y cosmogonía de pueblos originarios. La exposición se mantendrá abierta hasta el 30 de mayo de 2026.

Para alcanzar a los más pequeños al teatro y la danza, puestas en escena tendrán lugar desde el domingo 26 de abril

• Jardín Escénico del Bosque de Chapultepec presentará las obras: “Te veo”, “Esmeraldas bajo la luna” y “Sueño de una noche de verano con la reina Titania”.
• Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque ofrecerá la obra Pinocho, a cargo de la Compañía Nacional de Danza con dos funciones el mismo día a las 13:00 y 17:00 h.
• Centro Cultural Helénico suma la función “En busca del snark” el jueves 30 de abril a las 16:00 h en el Teatro Helénico.

Un dintel maya extraído ilegalmente de Yaxchilán, en Chiapas, y de valor incalculable, fue presentado este jueves en Nueva York tras su recuperación por el cónsul de México.

La pieza, tallada en piedra caliza y con un peso cercano a una tonelada, será trasladada a México para exhibirse en el Museo Nacional de Antropología. Aún no se tiene una fecha de regreso contemplada.

Esta acción marca no solo la devolución de un patrimonio robado, sino también la consolidación de la política de recuperación de bienes culturales impulsada por los gobiernos de Andrés Manuel López Obrador y Claudia Sheinbaum.

Más de 14 mil piezas arqueológicas recuperadas

El cónsul Marcos Bucio informó que la recuperación de este dintel maya representa una de las cerca de 14 mil piezas arqueológicas que las autoridades mexicanas han logrado repatriar en los últimos cinco años.

Bucio señaló que más de 2.300 piezas recuperadas en ese periodo estaban en la ciudad de Nueva York, donde se contó con el apoyo de la Fiscalía de Manhattan para su devolución.

El funcionario detalló que este nuevo rescate corresponde al periodo Clásico mesoamericano —entre los años 600 y 900 d.C.— y que junto a él estuvieron presentes Diego Sandoval, director jurídico del consulado, y la escritora Carmen Boullosa.

Boullosa calificó la entrega como “un acto de justicia” y recordó que de los cerca de 70 dinteles mayas originales, la mayoría fueron sacados de forma ilegal de México.

El cónsul Bucio informó que un avión de la Fuerza Aérea de México realizará el traslado del dintel de regreso al país. El canciller Roberto Velasco recibirá la obra en México antes de que sea enviada al Museo Nacional de Antropología. Bucio resaltó que este tipo de recuperaciones reflejan el compromiso del Estado mexicano con la defensa de su historia, su identidad y su soberanía cultural.

Dintel maya paseó por Europa

De acuerdo con Bucio, el actual propietario, un empresario de Nueva York que pidió mantener el anonimato, se puso en contacto con el Consulado en junio de 2025 cuando el cónsul asumió el cargo en la ciudad. El empresario informó que tenía la pieza y que deseaba devolverla a México.

Según el relato del donante, el dintel estuvo previamente en Austria, aunque se desconoce por cuánto tiempo y por qué vía llegó allí. Permanece varias generaciones en su familia antes de ser entregado. Tras diversas reuniones entre las partes y sus respectivos abogados, la pieza fue entregada formalmente al Consulado mexicano.

El dintel representa al noveno señor de Yaxchilán, Cheleew Chan K’inich (conocido como Jaguar Acorazado IV), quien gobernó entre los años 769 y 800 d.C.. En la esquina superior izquierda se observa a este gobernante recibiendo tributo de otro gobernante subordinado, situado en la esquina derecha.

La escena se apoya en dos figuras atlantes que sostienen el monstruo cósmico del cielo sobre los hombros. Al centro figura Itzam, deidad vinculada a las montañas y encargada, según la tradición maya, de sostener el universo. Según Diego Sandoval, la indumentaria de la figura central demuestra que pertenece al rango más alto dentro de la jerarquía maya.

En el centro del dintel se aprecia también la firma del artesano que la talló, identificado como “Mayú”. Las cinco figuras representadas forman un quincunce, símbolo que para la cultura maya implicó centralidad, renovación cíclica del tiempo y orden cósmico.

Las palabras de Rosario Alicia Castellanos Figueroa, forman parte de la cultura mexicana, pues en su obra literaria destacó a las mujeres y a los indígenas mexicanos.

La escritora es una de las figuras más importantes en la literatura mexicana, durante años ha sido reconocida en el ámbito académico, social y político a nivel nacional e internacional. En esta ocasión, a casi un mes de su natalicia, próximo a celebrarse el 25 de mayo, la Cámara de Diputados marcó un hito.

Pues ha avalado que la Bandera Nacional se ice a toda asta cada 25 de mayo para conmemorar el nacimiento de Rosario Castellanos Figueroa, en un acto que pretende consolidar la igualdad sustantiva y reconocer a las mujeres como protagonistas de la historia de México.

El dictamen incorpora la fecha en la Ley sobre el Escudo, la Bandera y el Himno Nacionales y busca, de acuerdo con la diputada Karina Alejandra Trujillo Trujillo del Partido Verde Ecologista (PVEM), rendir homenaje a una de las escritoras más influyentes en la literatura mexicana, así como visibilizar las desigualdades que enfrentan las mujeres y los pueblos indígenas.

La reforma recibió la aprobación unánime de 435 votos en el pleno, sin abstenciones ni votos en contra. De , el dictamen adiciona un numeral 24 a la fracción I del artículo 18 de la ley citada, y fue turnado al Senado de la República para su trámite constitucional.

La figura de Rosario Castellanos como referente literario y cultural

El dictamen argumenta que Rosario Castellanos (1925-1974) compone una de las voces mexicanas más reconocidas, con una obra que abarca novela, cuento, poesía y teatro. Entre sus títulos centrales están “Balún Canán”, “Oficio de tinieblas”, “Álbum de familia” y “Poesía no eres tú”, identificadas como parte medular de la narrativa nacional.

La Cámara enfatiza que, aunque a Castellanos se le vincula con el feminismo y el indigenismo, la autora se mantuvo alejada de etiquetas y formuló una crítica social sin didactismo. Su presencia trascendió la literatura, pues incursionó en la promoción cultural, el periodismo y la diplomacia.

Desde muy joven, Castellanos llegó a la Ciudad de México para continuar su formación académica y entabló una amistad significativa con la poeta Dolores Castro. Inicialmente, inició estudios en la Facultad de Derecho de la UNAM, pero cambió su vocación hacia la Filosofía. Además, fue integrante del Grupo de los Ocho Poetas Mexicanos, junto a nombres como Javier Peñalosa y Alejandro Avilés, y formó parte de la llamada Generación del 50, que incluye a autores como Jaime Sabines y Carlos Fuentes.

Un nuevo reconocimiento en el calendario cívico

Con esta reforma, el calendario oficial mexicano suma una nueva fecha para el izamiento del lábaro patrio en homenajes. La diputada Trujillo Trujillo señala ante el pleno que la iniciativa convierte la conmemoración del natalicio de Castellanos en un acto simbólico que “hará visible el reconocimiento de los mexicanos y las mexicanas por su legado”.

En tribuna, la legisladora destaca que Castellanos alzó la voz contra las injusticias y desigualdades que afectan a mujeres y comunidades indígenas. Su palabra, afirma Trujillo, fue “lúcida, crítica y firme”, y su pensamiento representa una herramienta para que las niñas y jóvenes mexicanas comprendan que la desigualdad no debe considerarse normal ni aceptable.

El dictamen resalta que Castellanos rompió esquemas de su época y denunció estructuras patriarcales, racistas y clasistas. Además de su labor literaria, fue docente, periodista y diplomática, con una obra orientada a visibilizar la exclusión y la violencia social.

La décima edición de La Noche de las Ideas reunirá a más de una veintena de expertos de Francia y Argentina en Buenos Aires, los días 22 y 23 de mayo, con acceso gratuito en el Teatro Colón. El evento, impulsado por el Institut français d’Argentine y el Ministerio para Europa y de Asuntos Exteriores de Francia, pondrá en primer plano el debate sobre innovación, derechos humanos y la lucha contra la desinformación, bajo el lema de la edición 2026: "Abrir caminos".

La programación en Buenos Aires abarcará 14 actividades que incluirán charlas, exposiciones y performances artísticas. El evento contará con la participación de Asma Mhalla, investigadora francesa especializada en la alianza entre movimientos neofascistas y el sector tecnológico, y de Camille Froidevaux-Metterie, filósofa referente del pensamiento feminista contemporáneo en Francia y autora de seguimientos sobre procesos judiciales notables como el caso Pélicot. El filósofo Michaël Foessel, conocido por sus estudios sobre los riesgos de la democracia, también participará en las jornadas.

La Noche de las Ideas, surgida en Francia en 2016, se ha consolidado como una plataforma global para la reflexión colectiva entre intelectuales, artistas, estudiantes e investigadores, proponiendo el intercambio entre disciplinas y generaciones. Este año la consigna “Abrir caminos” busca articular saberes críticos, ciencias, prácticas artísticas y derechos humanos para abordar los desafíos de emancipación en un contexto definido por tensiones políticas, sociales, ambientales e informativas.

Un eje destacado será la lucha contra la desinformación y la apuesta por la innovación y nuevos formatos de participación, con énfasis en la articulación de propuestas artísticas y debates de ideas. Además, la edición extenderá su alcance a ciudades como Córdoba, Mendoza, Santa Fe, Rosario, La Plata, Pinamar, Tandil, Mar del Plata y Jujuy, con apoyo de las Alianzas Francesas, universidades y gobiernos locales.

El programa en Buenos Aires sumará la participación de figuras internacionales como Maud Quessard, directora del área “Influencias y guerra informativa” en el Instituto de Investigación Estratégica de la Escuela Militar de Francia; Christophe Ventura, especialista en América Latina del Instituto de Relaciones Internacionales y Estratégicas de París; y Antoine Lilti, historiador y profesor en el College de France. Se suman la filósofa Emma Carenini, especialista en filosofía de las ciencias y del sol; la escritora Phoebe Hadjimarkos Clarke; y la arquitecta Frédérique Jonnard, reconocida por integrar sostenibilidad y técnicas constructivas tradicionales en la arquitectura contemporánea.

Desde Argentina, participarán el biólogo e investigador del CONICET Diego Golombek, el filósofo y docente de la Universidad Nacional de Córdoba Martín Adrian De Mauro Rucovsky, la socióloga Melina Vázquez, especialista en juventudes y políticas públicas, el politólogo y periodista de Le Monde diplomatique en España José Natanson, y la investigadora Melisa Argento, enfocada en conflictos socioambientales vinculados al extractivismo del litio en América Latina.

En las jornadas, que serán coorganizadas en Buenos Aires por el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC), también habrá lugar para performances artísticas y experiencias interdisciplinarias dedicadas a la circulación de ideas. El evento cuenta además con el auspicio principal de Medifé y el acompañamiento de SIPED Búzios, CFA UBA y Novotel. La Noche de las Ideas fue concebida como respuesta a la necesidad de nuevas plataformas de encuentro intelectual frente a los desafíos del mundo actual. En su décima edición el compromiso con la “participación activa de las juventudes” y la consolidación de un espacio donde converjan innovaciones artísticas y debates críticos sobre derechos humanos y futuros posibles.

Los Premios Platino han dado a conocer este jueves los ganadores de 21 categorías, principalmente técnicas, de su XIII edición, galardones que se entregarán el 7 de mayo en México.

Los Premios Platino del cine iberoamericano son unos galardones creados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda) en colaboración con la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (Fipca), la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (Fiacine), Latin Artist y el apoyo de los institutos de cine, para reconocer a los profesionales de la industria cinematográfica iberoamericana.

Categorías de cine

Mejor actor de reparto: Álvaro Cervantes (Sorda).

Mejor actriz de reparto: Camila Pláate (Belén).

Mejor dirección de Fotografía: Mauro Herce (Sirat).

Mejores efectos especiales: Pep Claret (Sirat).

Mejor dirección de Sonido: Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas (Sirat).

Mejor música original: Tomaz Alves Souza y Mateus Alves (El agente secreto).

Mejor dirección de Arte: Thales Junqueira (El agente secreto).

Mejor montaje: Eduardo Serrano y Matheus Farias (El agente secreto).

Premio al Cine y Educación en Valores: Belén.

Mejor diseño de vestuario: Helena Sanchís (La cena).

Mejor maquillaje y peluquería: Nacho Díaz y Ana y Belén López-Puigcerver (El cautivo).

Categorías de televisión

Mejor actriz de reparto: Andrea Pietra (El eternauta).

Mejor actor de reparto: César Troncoso (El eternauta).

Mejor música original: Federico Jusid (El eternauta).

Mejor montaje: Alejandro Brodersohn y Alejandro Parysow (El eternauta).

Mejores efectos especiales: Ezequiel Rossi, Pablo Accame e Ignacio Pol (El eternauta).

Mejor dirección de Arte: Pepe Domínguez del Olmo (Anatomía de un instante).

Mejor dirección de Sonido: Daniel de Zayas (Anatomía de un instante).

Mejor dirección de Fotografía: Álex Catalán (Anatomía de un instante).

Mejor diseño de Vestuario: Fernando García (Anatomía de un instante).

Mejor maquillaje y peluquería: Marcos Cáceres y Dolores Giménez (Menem).

Fuente: EFE

Cada día más cerca. En una semana se inaugura la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Celebrará su quincuagésima edición del 23 de abril al 11 de mayo. Es el evento cultural más grande de Argentina y uno de los principales de la región. La apertura marcará un hito por su dimensión internacional, con la presencia de dos laureados con el Premio Nobel de Literatura —el sudafricano J.M. Coetzee y el chino Mo Yan— y la llegada de una nutrida delegación peruana como país invitado de honor.

Esta edición, además, propone una estructura renovada que expande la participación del público y coloca a la industria editorial argentina en el centro del debate acerca de la bibliodiversidad y la circulación de libros, según confirmó Ezequiel Martínez, director de la feria, en su paso reciente por el streaming de Infobae.

Aquel primer día, el jueves 23 de abril a las 18 horas, será la inauguración. En estas “Bodas de Oro”, la organización ha decidido romper con la tradición del discurso individual de apertura para reemplazarlo por un diálogo literario entre tres destacadas escritoras argentinas: Gabriela Cabezón Cámara, Selva Almada y Leila Guerriero. Este diálogo será coordinado por la periodista María O’Donnell. Además de las oradoras principales, se espera la presencia de autoridades oficiales como el Jefe de Gobierno porteño, Jorge Macri, y el Secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli.

El costo de la entrada será de $8.000 de lunes a jueves y $12.000 los fines de semana y feriados, pero hay días y horarios gratuitos.

Quiénes y cuándo se entra gratis a la Feria del Libro

• Todos los días:
• • Menores de 12 años acompañados por un mayor.
  • Personas con discapacidad junto a un acompañante, presentando certificado.
  • Docentes: De todos los niveles de educación formal, presentando recibo de sueldo o comprobante.
  • Pase Cultural: Con la presentación de la tarjeta Pase Cultural del Gobierno de la Ciudad.
• Días hábiles (Lunes a viernes, excepto feriados 1 y 2 de mayo):
• • Estudiantes, jubilados y pensionados: Presentando libreta estudiantil, certificado de alumno regular o comprobante de jubilación.
  • Visitas escolares: Previa reserva.
• Horarios especiales y promociones
• • Día Banco Provincia: Ingreso gratuito el 6 de mayo presentando App Cuenta DNI o tarjeta del banco. Habrá un show de Iván Noble.

Este año se espera una asistencia superior al millón de personas, como sucedió en su edición récord de 2022, que alcanzó los 1.400.000 visitantes. La feria funcionará en el predio de La Rural con horario extendido: de 14 a 22 horas los días hábiles y de 13 a 22 horas durante fines de semana y feriados. Esta vez, la pista central podrá albergar a hasta 4.500 asistentes simultáneamente para espectáculos y presentaciones.

Por primera vez, la Feria del Libro de Buenos Aires sustituyó la figura tradicional de “Ciudad Invitada de Honor” por la de “País Invitado”, y Perú inaugurará esta modalidad. El embajador peruano, Carlos Chocano Burga, confirmó a Infobae que la delegación contará con 60 autores, editores e intelectuales, y un pabellón de 500 metros cuadrados que será uno de los más extensos del evento. Se exhibirán 650 títulos y 4.000 ejemplares de obras peruanas; el lema será “Caminos que nos unen”, inspirado en el antiguo camino inca, símbolo de los vínculos culturales entre Argentina y Perú.

Dentro del pabellón se rendirán homenajes a referentes literarios peruanos, incluyendo una instalación digital dedicada al Premio Nobel Mario Vargas Llosa, fallecido en 2025. El programa sobre pensamiento regional incluirá la muestra “Vanguardias del Sur”, dedicada a Puno, Arequipa y Cusco y a la influencia intelectual de esas regiones en la Argentina. Entre las actividades destacan el Festival de Poesía, encuentros de narración oral y eventos musicales, como el espectáculo sinfónico “Perú para el mundo”. El Ballet Folclórico Nacional abrirá oficialmente la participación peruana en la inauguración.

Ezequiel Martínez, al frente del evento, puntualizó en la mencionada entrevista que la programación de 2026 tiene “una escala inédita”. Destacó la visita de los Premios Nobel, así como la participación de escritores como Arturo Pérez Reverte, Leonardo Padura, la ecuatoriana María Fernanda Ampuero, la chilena Nona Fernández, el coreano Kim Ho Yeon y la brasileña Adriana Calcanhotto, entre otros.

En términos de infraestructura, la feria incluirá un pabellón especial para 1.500 visitantes en homenaje a sus 50 años, con exposiciones fotográficas y audiovisuales sobre escritores y momentos históricos. Se montarán muestras como la realizada por la fotógrafa Morgana Vargas Llosa y otra sobre los dibujos de Roberto Fontanarrosa. En paralelo, el pabellón Ocre albergará un laberinto interactivo dedicado a Jorge Luis Borges, en coincidencia con el 40° aniversario de su muerte, y una exposición de revistas que mostrará la faceta popular del autor.

La feria hará hincapié en recordar la represión cultural de la dictadura militar iniciada en 1976, fecha que coincide con el año fundacional del evento. El pabellón central y la tradicional maratón de lectura estarán dedicados a autores y libros censurados y prohibidos durante ese período, una reivindicación de la libertad de expresión y la persistencia de la memoria cultural.

La industria editorial argentina, protagonista de la feria, atraviesa un contexto crítico. Martínez advirtió sobre la caída en la producción de libros y el cierre de librerías: “Eso significa que los libros no llegan a todo el país, no llegan a cubrir la cantidad de librerías de todo el territorio nacional. Y eso afecta a la bibliodiversidad”. Según la Cámara Argentina del Libro, las tiradas se han reducido notablemente en el último año.

La feria lanzará su primer fellowship internacional, que permitirá a seis editores de Estados Unidos, Italia y Francia explorar catálogos argentinos y negociar derechos editoriales durante tres jornadas de encuentros programados. Christian Rainone, presidente de la Fundación El Libro, subrayó el éxito en la venta de stands, con unas 30 unidades más que la edición anterior, y anunció espacios como el “hincha” —en alusión al próximo Mundial de fútbol— que unirán literatura y fútbol.

La feria entregará a los asistentes un “chequelibro”, canjeable por descuentos en librerías tras el cierre del evento. La edición de 2026 aspira a combinar tradición e innovación, abriendo el espacio a todas las edades, disciplinas y nacionalidades, y reafirmando al libro como eje de diversidad, intercambio y memoria en el escenario cultural argentino y latinoamericano.

El sector de la edición en Francia se vio sacudido este jueves por el anuncio de 115 escritores de negarse a volver a publicar en la conocida editorial Grasset para denunciar el “despido” de su director, del que acusan al multimillonario conservador Vincent Bolloré.

Esta decisión inédita, que incluye a grandes nombres de las letras francesas como Virginie Despentes o Frédéric Beigbeder, tiene lugar tras el anuncio a principios de semana de la salida de Olivier Nora de la dirección de Grasset, editorial de la que estaba al frente desde hacía 26 años y que pertenece al grupo Hachette, controlado por el multimillonario Bolloré desde 2023.

En una carta abierta publicada el miércoles por la noche, los 115 escritores denuncian “un atentado inaceptable contra la independencia editorial” de Grasset tras el anuncio de Nora, de 66 años y muy respetado en el sector.

Las razones de esta marcha inesperada del dirigente no trascendieron por el momento pero, según el colectivo, se trata de un “despido”.

“Somos autores de Grasset, hemos publicado en Grasset o tenemos un libro que va a salir en Grasset, pero no firmaremos nuestro próximo libro en Grasset“, dicen los 115 firmantes de la carta, entre los que figuran pesos pesados como Virginie Despentes, Sorj Chalandon, Bernard-Henri Lévy o Frédéric Beigbeder.

En el texto, los autores rinden homenaje a Nora, descrito como la clave que permite unir una editorial que hasta ahora albergaba a escritores de opiniones muy diversas.

“Las ediciones Grasset eran nuestra casa, especial, porque en ellas convivían pacíficamente autoras y autores que no estaban de acuerdo en gran cosa. Olivier Nora fue su baluarte y su cemento gracias a su elegancia moral, su disponibilidad y su compromiso", señala la misiva.

“Editoriales de extrema derecha”

“Hoy tenemos algo en común: nos negamos a ser rehenes de una guerra ideológica que busca imponer el autoritarismo en toda la cultura y los medios”, afirman.

La salida de Nora marca una nueva etapa en la recomposición de las editoriales controladas por Hachette Livre, el número uno de la edición francesa y tercer grupo editorial mundial, impulsada en los últimos años por Bolloré.

Bolloré, que hizo fortuna en el sector logístico en África, se ha impuesto desde hace dos décadas como una figura ineludible de los medios de comunicación en Francia, donde es conocido por sus posiciones ultraconservadoras. CNews, uno de los canales que dirige, es acusado a menudo de hacer comentarios racistas.

“Era imposible no hacer nada. La marcha de Olivier Nora fue una chispa. Hemos visto lo que Bolloré hizo en iTélé, en Europe 1, en el JDD, en Fayard. No podemos dejar que todas las editoriales del grupo Hachette se conviertan en editoriales de extrema derecha“, contó el jueves la novelista Colombe Schneck.

"Vincent Bolloré es Atila, llega, destruye a su antojo, corrompe porque hay gente que se queda y que no tiene elección", declaró uno de estos autores, el periodista Claude Askolovitch, a la radio France Inter.

El grupo Hachette no reaccionó de inmediato a la publicación de la carta.

El grupo anunció esta semana que Jean-Christophe Thiery, director general de Louis Hachette Group y hombre de confianza de Bolloré, asumirá la dirección de Grasset.

Los autores firmantes contemplan ahora iniciar un procedimiento para recuperar sus derechos sobre los libros que han publicado en Grasset, algo que también desean hacer varias decenas de escritores de Fayard, otra editorial del ámbito de Hachette.

Fuente: AFP

Un festival dedicado a la naturaleza y el arte reunirá el sábado 18 de abril, de 10 a 21, a científicos, escritores, artistas y familias en la Chacra Las Delicias de Exaltación de la Cruz. Bajo la consigna de reflexionar sobre las urgencias ambientales actuales y promover el diálogo interdisciplinario, la jornada promete una inmersión en la vida al aire libre a través de talleres, charlas, propuestas artísticas y plantaciones colectivas de árboles. El encuentro, cuyo acceso es libre y gratuito, es impulsado por Fundación Filba y la propia chacra, con el propósito de “leer la naturaleza como texto” y fomentar la creación colectiva.

Una de las particularidades del Festival Raizal es la oferta de más de 25 actividades programadas, entre las que destacan una entrevista abierta a la escritora Gabriela Cabezón Cámara, a cargo de Damián Huergo, y la conversación “El llamado urgente de la naturaleza” con la participación de Patricio Lo Greco, Guillermo Folguera y Natalia Mazzei. Las actividades, diseñadas para todas las edades, requieren inscripción previa en los talleres, pero el resto de la agenda está abierta a todo público.

El festival propone una jornada integral para “caminar entre árboles, escuchar a las aves y mirar el paisaje con nuevos ojos”. La programación incluye un taller de haikus y una lectura de tankas coordinados por Alejandra Kamiya, así como una experiencia de meditación y escritura en vivo realizada por Iosi Havilio con acompañamiento musical de Josefina Tai. Además, está prevista una cata de libros bajo la coordinación de Francisco González Táboas y el cierre musical estará a cargo de la cantautora Loli Molina.

Quienes asistan podrán participar en tres instancias de plantación colectiva de árboles nativos, guiadas por el equipo del Vivero Yvyrá. En paralelo, se desarrollarán una caminata de observación de aves liderada por Arno Tomys del Club de Observadores de Aves Pecho Colorado de Luján; un taller de herbarios coordinado por Jimena Bartolomé; un espacio sobre plantas medicinales dictado por Martín Rodríguez Morcelle y Laura Gabucci; y un taller de ilustración botánica impartido por Marcelo Moreno.

El festival también brinda la oportunidad de asistir a un taller de escucha y performance sonora con Federico Durand, además de una sesión de observación del cielo guiada por un equipo de físicos de la Universidad Nacional de Luján. El énfasis en la exploración científica y sensorial busca promover una relación activa y consciente con el entorno.

Pensando en la integración familiar, el Festival Raizal dispone de espacios permanentes dedicados a la infancia y las familias: una Biblioteca de la naturaleza y un área de lectura y creación coordinada por Jimena Rodríguez. Entre las propuestas para niñas y niños se destacan una búsqueda del tesoro inspirada en el paisaje, encabezada por Victoria Robles; un taller de objetos y refugios para aves con Paco Gómez; y un taller de cianotipia enfocado en la experimentación con luz y formas botánicas.

La curaduría de Sol Echevarría acompaña diversas intervenciones e instalaciones artísticas. Francisco Vázquez Murillo presentará “El sol es un ojo”, una instalación escultórica de once piezas de hierro que dialoga con el horizonte de la chacra. Ignacio Iasparra llevará adelante “La mosca no entiende el vidrio”, una intervención fotográfica que combina imágenes y proyección de video. Desirée De Ridder realizará “Formar un ánfora era entender la vida”, modelando en vivo una tinaja de arcilla de gran formato como proceso artesanal y performance.

La jornada se inscribe en el interés creciente por crear espacios públicos de contacto directo con la naturaleza. Todas las actividades son gratuitas, lo que permite el acceso a una propuesta multidisciplinaria para públicos diversos, según destacaron desde Fundación Filba, entidad organizadora del evento junto con Chacra Las Delicias. El consejo asesor del festival está integrado, entre otros, por Martín Rodríguez Morcelle.

La edad de Cristo. Albert Camus tenía 33 años cuando publicó La peste. En junio de 1947 la novela apareció en las grandes librerías de Francia y se volvió un éxito. Comenzó a escribirla en el año cuarenta, durante la ocupación alemana. Por eso la peste que narra en el libro funciona como una alegoría del nazismo y de los regímenes totalitarios. Las ratas que traen la enfermedad simbolizan el avance del fascismo, mientras que los personajes que luchan contra ella representan a la Resistencia Francesa.

Durante la guerra, quedó separado de su esposa: ella en Argelia, él en la Francia continental, atrapado, tras la ocupación total en 1942. Este sentimiento de aislamiento y exilio impregna la atmósfera de confinamiento de la ciudad de Orán en la novela. Por entonces padecía de tuberculosis, lo que lo obligó a abandonar su anhelo de ser futbolista profesional. Esta experiencia directa con la enfermedad y la cercanía de la muerte alimentó su reflexión sobre la fragilidad humana y el absurdo.

La peste tiene frases inquietantes. Como esta: “La estupidez insiste siempre”. Aparece en la primera parte, cuando la ciudad de Orán ve las primeras señales de la enfermedad (ratas muertas por todas partes), pero los ciudadanos y las autoridades se niegan a aceptar lo que está pasando. “La plaga no está hecha a la medida del hombre, por lo tanto decimos que la plaga es irreal”, comienza el párrafo. Y concluye: “La estupidez insiste siempre, uno se daría cuenta de ello si no pensara siempre en sí mismo”.

Para Camus, la “estupidez” no es la falta de inteligencia académica, sino la falta de lucidez y la arrogancia. Hay que leer esta novela como una transición filosófica de su autor. La peste marca un cambio en su pensamiento, pasando del individualismo del “absurdo” (lo que prima en El extranjero, su primera novela, publicada cinco años antes) hacia una filosofía de la solidaridad y la rebelión colectiva frente al sufrimiento injustificado. En este sentido, La peste es un libro más político y social.

De este modo, Camus plantea que la estupidez es la tendencia humana a creer que el mundo es racional y que estamos a salvo de la tragedia solo porque somos “civilizados”. también alude al egoísmo: como dice el final de la cita, no vemos la estupidez porque “pensamos siempre en nosotros mismos”. Estamos tan atrapados en nuestras pequeñas rutinas que ignoramos las señales de peligro en el horizonte. Así es que Camus nos está dando un baño de realidad para que demos por sentada la paz, la salud ni la libertad.

Quién fue Albert Camus

Albert Camus (1913-1960) fue un novelista, ensayista, dramaturgo y filósofo francés, nacido en Argelia. Es uno de los autores más influyentes del siglo XX y recibió el Premio Nobel de Literatura en 1957 a la temprana edad de 44 años. Se lo conoce como el “filósofo del absurdo”. Esto se debe a que su idea central es que el ser humano busca desesperadamente un significado o propósito en la vida, pero el universo es frío, mudo y no ofrece ninguna respuesta. Ese choque contra el silencio del mundo le llama absurdo.

Nació en una familia muy pobre de colonos franceses en Argelia (conocidos como “pies negros”). Su padre murió en la Primera Guerra Mundial cuando él era un bebé y su madre era analfabeta y casi sorda. Esta infancia de carencias, pero rodeada del sol y el mar del Mediterráneo, marcó profundamente su obra: hay siempre una tensión entre la belleza del mundo y el sufrimiento humano. Durante la Segunda Guerra Mundial, se unió a la Resistencia Francesa y peleó contra la ocupación nazi.

Fue editor del periódico clandestino Combat. Aunque se le asoció con el Existencialismo y fue muy amigo de Jean-Paul Sartre, terminaron peleados a muerte porque Camus rechazaba el autoritarismo y la violencia de las ideologías de izquierda radicales (como el estalinismo). Murió en un accidente automovilístico en 1960, cuando estaba en la cima de su carrera. A diferencia de los nihilistas, Camus no proponía una rendición ante el sinsentido del mundo sino aceptar el absurdo y rebelarnos viviendo con honestidad.

Ricardo Monreal Ávila, presidente de la Junta de Coordinación Política y diputado de Morena, impulsa una iniciativa legislativa que busca garantizar la digitalización y acceso público al patrimonio cultural mexicano ubicado en el extranjero, como vía para la preservación y difusión de la memoria colectiva.

La propuesta de Monreal establece que el INAH, en coordinación con la SRE y otras instituciones competentes, identifique, documente y digitalice el patrimonio arqueológico e histórico que se encuentra fuera del país, a través de convenios y acuerdos jurídicos formales.

La iniciativa fija lineamientos para que estos repositorios sean de acceso gratuito, abierto y permanente, y estén alineados con estándares internacionales.

La Mediateca del INAH: antecedente para la digitalización

En el último tercio de la propuesta se destaca que México ya cuenta con la Mediateca del INAH, un repositorio digital de acceso abierto que preserva y difunde la representación digital del patrimonio histórico y cultural bajo resguardo del instituto.

La plataforma permite crear nuevas formas de acercamiento, fomenta la transferencia de conocimiento y favorece la colaboración entre profesionales y sociedad en general.

La Mediateca integra herramientas innovadoras para resguardar el patrimonio digital con estándares que permiten su conservación, distribución y reutilización. Además, el INAH participa en iniciativas internacionales de acceso abierto y preservación digital, consolidando así la vinculación del país con procesos globales de socialización del conocimiento científico.

Derecho cultural, soberanía digital y acceso público

La reforma propone que el INAH establezca criterios técnicos uniformes para registrar y preservar de forma digital el acervo localizado fuera del territorio nacional.

Lo anterior con el objetivo de que estos recursos digitales —modelos tridimensionales, reproducciones, archivos audiovisuales y demás medios tecnológicos— sean accesibles a través de exposiciones y recursos virtuales para la población mexicana, garantizando el acceso gratuito conforme marca la ley.

Monreal argumenta que el acceso al patrimonio cultural digitalizado respalda el ejercicio de los derechos culturales y debe ser promovido por los tres órdenes de gobierno: la Federación, entidades, municipios y alcaldías. Sostiene que la digitalización no sustituye la restitución material ni reemplaza la tutela física del bien, sino que amplía sus posibilidades de preservación y refuerza la legitimidad internacional del patrimonio.

Enfatiza que la iniciativa sigue la tendencia mundial de reconocer la digitalización como un instrumento de soberanía cultural y herramienta diplomática.

A su vez, Ricardo Monreal considera que esta medida puede transformar la dispersión global del legado arqueológico e histórico en una oportunidad de acceso universal, transparencia institucional y fortalecimiento del derecho de los mexicanos a conocer, valorar y apropiarse de su historia.

Desde la Coordinación Nacional de Difusión del INAH, encargada actualmente de la Mediateca, se plantea la posibilidad de asumir la digitalización del patrimonio mexicano en el extranjero. La coordinación, responsable de crear e implementar repositorios digitales institucionales, podría liderar este proceso de innovación para ampliar el alcance y la socialización del patrimonio nacional más allá de las fronteras.

Una forma de acercarse al corazón del pensamiento de Epicteto es preguntarse por la libertad. Para este filósofo griego de la escuela estoica que vivió aproximadamente entre los años 55 y 135 d.C. la libertad es un estado mental, no una condición física. En el libro Disertaciones (también conocido como Discursos), específicamente en el Libro IV, Capítulo 1, titulado “Sobre la libertad”, escribió: “¿Quieres dejar de ser un esclavo? Rompe tus cadenas y desecha todo temor y todo deseo”

Epicteto no escribió nada. Aquellas páginas fueron escritas por su alumno Arriano alrededor del año 108 d.C., tomadas de las lecciones que daba en su escuela en Nicópolis (Grecia) tras ser expulsado de Roma. El contexto es fascinante porque Epicteto mismo fue un esclavo en la corte de Nerón. Cuando él habla de esclavitud, no habla de una metáfora abstracta; conoce las cadenas reales. Su amo era cruel pero le permitió estudiar. Cuando murió Nerón obtuvo su libertad.

En este capítulo, dialoga con hombres libres y poderosos (senadores, oficiales) y les demuestra que, a pesar de su estatus, son más esclavos que cualquier sirviente. Les dice que si dependen del favor del Emperador, de sus riquezas o de no morir, viven aterrorizados. Las “cadenas” no son de hierro, sino de apego. El deseo por cosas incontrolables (fama, amor, poder) hace que el control de la felicidad lo tenga otro. Lo mismo ocurre al temor por algo externo como la pobreza, la crítica, la muerte.

Esta idea revolucionó la filosofía porque democratizó la excelencia. Dice que un esclavo en galeras puede ser más libre que el César, siempre que el esclavo no desee lo que no tiene y el César viva temiendo perder su trono. Es la base de la “resiliencia” moderna: la libertad no es que el mundo haga lo que tú quieres, sino que tú seas el dueño de tu mente sin importar lo que el mundo haga. Otra de sus frases famosas, escritas también en ese texto, es la siguiente: “Ningún hombre es libre si no es dueño de sí mismo”.

¿Quién fue Epicteto?

Epiteto fue un filósofo griego de la escuela estoica que vivió aproximadamente entre los años 55 y 135 d.C.. Es uno de los pensadores más admirados de la Antigüedad porque su vida fue un testimonio directo de su filosofía: pasó de ser un esclavo maltratado a ser el maestro de los hombres más poderosos de Roma. Nació en Hierápolis (actual Turquía) como esclavo. Su nombre, Epíktētos, significa literalmente “adquirido” o “comprado”.

Vivió gran parte de su vida en Roma como propiedad de Epafrodito, un secretario del emperador Nerón. Se dice que Epafrodito era cruel y que, en un arrebato, le rompió una pierna, dejándolo cojo de por vida. Epicteto soportó el dolor con una calma tan legendaria que se convirtió en el ejemplo máximo de resistencia estoica. Su amo le permitió estudiar con el filósofo Musonio Rufo. Tras la muerte de Nerón, obtuvo su libertad y comenzó a enseñar en Roma, hasta que el emperador Domiciano expulsó a todos los filósofos de la ciudad en el año 93 d.C..

Se exilió en Nicópolis (Grecia), donde fundó su propia escuela. Su prestigio fue tal que atrajo a aristócratas romanos y se convirtió en amigo del emperador Adriano. Al igual que Sócrates, Epícteto nunca escribió un libro. Todo lo que sabemos de él es gracias a su discípulo Flavio Arriano, quien tomó notas detalladas de sus lecciones y las organizó en dos obras fundamentales: Las Disertaciones (o Discursos), que recogen sus charlas informales y debates con alumnos, y El Enquiridión, un manual de vida.

“Los escritores no tienen tiempo para leer”, dice Juan Pablo Correa. Por eso lee desde siempre y escribe desde nunca. “Es mucho más placentero leer que escribir. Puede que mi narcisismo esté subdesarrollado o quizá sea sólo holgazanería pero no me dan ganas de ponerme a escribir. Ahora empecé a jugar con la idea de hacer traducciones pero quién sabe. Y abrí un Substack, ahí voy a poner cosas que me diviertan y también haré recomendaciones. Además leo mucho y me encanta”, agrega este gestor cultural y librero desde Zapiola, partido de Lobos, extremo oeste de la tercera sección electoral, en la Librería Mastronardi, bajo un cielo limpio como un anhelo.

En el año de la pandemia encarnizó la metáfora: se escapó de Buenos Aires y se fue a vivir al campo. El campo es otra metáfora, claro. Zapiola se llama el pueblo. Pampa bonaerense. Desde allá sigue con sus proyectos culturales y cada tanto viaja a la ciudad del Obelisco. En la librería Mastronardi montó una gran curaduría: literatura latinoamericana, cosas de cine, arte, mucha novela, surrealismo, literatura de vanguardia, una sección de lesbianas, policiales involuntarios, diarios, plagios (“a favor”, aclara), naturaleza, viajeros. También algunas rarezas (“ahora estoy con Raúl Rosetti”, dice), pero sobre todo sus escritores favoritos: Laiseca, Feiling, Puig, Aira.

Mail viene, mail va, intercambiamos lecturas, nos detenemos en La madre de Beckett tenía un burro de Matías Battistón, una suerte de diario de traducción. Battistón tradujo a Levé, Barthes, Pessoa, y en ese trabajo técnico y sobrecalificado se filtra algo del orden lúdico, casi infantil: la fascinación por los datos insólitos e inútiles. Este libro lo escribió mientras traducía varios libros de Beckett. “Me hizo pensar que está cambiando el modo en que se escribe”, comenta Correa. Luego tipea una risa y agrega: “Es obvio que está cambiando pero en los flujos y reflujos del tema de la traducción creí ver una innovación, o mejor dicho la cristalización de algo que se viene haciendo”.

Hace más de treinta años que se encarga de mover libros. Escritores, editoriales, artistas, obras, comunicación. La literatura lo trasciende: estuvo antes que él y estará después. En su árbol genealógico aparece el nombre del legendario poeta Carlos Ortíz, asesinado en el Club Social de Chivilcoy en 1910. Ana Correa, autora de Belén, es su hermana; Julieta Correa, autora de ¿Por qué son tan lindos los caballos?, es su hija. Nació en Chivilcoy, desciende de Valentín Fernández Coria, fundador de la ciudad. “Hace muchísimo que no voy pero me siento muy ligado al pueblo”, confiesa. Ahora, desde Zapiola, habla de sus aficiones y tempestades, recomienda cosas, conversa.

—A Zapiola vengo desde hace más de treinta años invitado por una amiga que tiene una chacra. Hace veinte compramos un quintón al que veníamos los fines de semana. Y en marzo del 2020 nos instalamos huyendo del encierro. Después de unos meses de vivir acá nos dimos cuenta de que no íbamos a volver más a la ciudad. Por eso abrimos la librería y el vivero, para sobrevivir y para agitar. El pueblo es un paraje de 300 habitantes aunque en los últimos años muchos de capital se están viniendo. La mayoría para los fines de semana. Tienen sus actividades y no es puro idilio la vida en la naturaleza. En broma hablamos del gótico rural. Y es muy frecuente que a la tardecita, la hora más linda, los que vienen de la ciudad empiecen a romper las pelotas con el “qué hacemos”. No tiene nada que ver con la vida country, los vecinos están lejos y no hay un club house... bah sí, el boliche en el pueblo. No hay nada más hermoso que vivir en el campo, ver cómo va cambiando la luz, la vida de las plantas, los animales. Pero no me gusta cuando vienen y empiezan a decir “¡Qué paz!”, inmediatamente saco el tema de la reforma agraria.

¿Buenos Aires? “Fascinante”, dice. Subraya un elemento, su elemento: las librerías. La mayor cantidad en relación al número de habitantes. Gemini, la IA de Google, dice que son 25 librerías cada 100 mil habitantes. Está por encima de Hong Kong (22) y Madrid (16), pero por debajo de Melbourne (33,9) y Lisboa (41,6). Bueno, eso es lo que dice una IA. Volvamos. Lo mejor de Buenos Aires, insiste Correa, es que “todos los días pasan cosas”. Aunque relativiza: “También está sucia, ruidosa, violenta. Los primeros años me volvía volando, muchas veces fui por 24 horas. Ahora me divierto más, la disfruto más, pero nunca más de una semana, en general bastante menos”.

¿Cuánto influye el territorio en la mirada literaria del mundo? ¿Cambia la forma de pensar y leer desde un lugar como Zapiola? “Si, me parece que cambió mi manera de leer, leo más intensamente y más. Desde pibe leo mucho pero algo debe influir leer en un ambiente electrificado e histérico. Es cierto que la lectura te aísla pero seguro que el ambiente te influye”, responde. “Como me estoy viniendo viejo trato de estar al tanto de lo que se escribe, y con la librería debo hacerlo para no quedar anacrónico. No están mal las librerías anacrónicas, y la literatura es infinita, si hubiera una que sólo vende siglo XIX habrían muchísimas cosas para descubrir”, agrega.

—Soy autodidacta, mis lecturas están llenas de lagunas, no es que me haya puesto sistemáticamente a leer determinados períodos o autores pero voy armando sistemas, siempre tratando de esquivar las altas cumbres. El Diccionario de Aira es una guía fascinante para la literatura latinoamericana, la literatura inglesa de la primera mitad del XX, ¡Estela Canto! ¡Ernesto Schoo! Ahora estoy con la Rosa Chacel. Pero como leo mucho más me puedo permitir (jaja) leer a los novísimos, y mi hija Julieta me habla sobre sus lecturas y me trae los libros que le gustaron. Y además veo mucho cine, a los 20 fui cineclubista y siempre gocé del cine pero ahora que se encuentra todo en la web armo unos ciclos muy placenteros. Cuando nos instalamos en el 20 veíamos sobre todo cine mudo y de los 30 y los 40. Estábamos chochos pero nos estábamos quedando sin tema con nuestros hijos. Y yo pensaba que el cine se había terminado en los 70 pero resulta que no: se siguen haciendo films geniales.

A veces, ese pequeño paraíso puede convertirse en el foco del realismo. Acaba de descubrir dos cosas, dice. La primera: “Que a la mayoría de los consumidores de libros no les gustan los libros viejos, prefieren una edición gallega que cuesta diez veces más y está mal traducida a un viejo y manoseado ejemplar de los 50 o los 60 publicado en la Argentina, tal vez traducido por Wilcock”. La segunda: “Que a la mayoría de las personas no les gusta buscar libros en las bibliotecas. Los estuve observando y enseguida se cansan. Saco el tema porque voy a experimentar con formas de exhibición, quién te dice por ahí algún día se me ocurre poner una mesa con los recomendados”.

La cuenta de Instagram de la librería es una ventana entreabierta a este rincón silvestre de páginas y pájaros. Muchas actividades que van y que vienen, como la presentación del libro Polar Noise de Alan Courtis, la participación de la librería en la Feria Migra o el ciclo Arriba, corazones que mezcló plantas, semillas y cultura. “Es apasionante tener una librería y necesariamente va cambiando, a veces pienso que se transformará en una biblioteca, es decir en un lugar a donde la gente venga a leer y a conversar sobre libros”, concluye Juan Pablo Correa, en este intercambio de mails, desde Zapiola, Lobos. Ni torre de cristal ni caverna platónica. Un lugar, uno más, en el laberinto del mundo.

El Festival Internacional del Arte, Queso y Vino de Tequisquiapan celebrará su 50 aniversario del 7 al 24 de mayo, con actividades gratuitas en distintas sedes del municipio de Tequisquiapan, Querétaro.

El evento, que permite el registro previo en la página oficial para recibir una pulsera de acceso con cuatro degustaciones gratuitas, reunirá 31 vinícolas de Querétaro, Guanajuato, Aguascalientes, así como participantes de España y Portugal.

El festival se llevará a cabo de las 12 a las 22h en espacios como la Plaza Miguel Hidalgo, Parque La Pila, Callejón del Piojo, Jardín del Arte y Plaza Santa Cecilia.

Tequisquiapan, ubicado en el corazón de la Ruta del Queso y el Vino, es considerado uno de los principales destinos turísticos en el estado y espera una alta afluencia de visitantes durante la realización del festival.

El Festival del Queso y el Vino reúne cada año en Tequisquiapan a productores nacionales y expositores internacionales durante tres fines de semana, en uno de los encuentros gastronómicos y culturales principales de Querétaro.

Este evento de entrada libre ofrece la oportunidad de degustar vinos mexicanos y quesos artesanales, además de participar en actividades familiares, conciertos y presentaciones culturales que resaltan la oferta local.

La presencia de un país invitado y la exposición de productos regionales distingue esta celebración entre las festividades de la Ruta del Queso y el Vino. Visitantes de distintas regiones acuden para probar especialidades, recorrer el tianguis gastronómico y disfrutar el ambiente festivo en uno de los Pueblos Mágicos más concurridos en el estado, consolidando a Tequisquiapan como un referente en el turismo enológico y artesanal.

Oferta musical y artística única

La Orquesta Sinfónica de la Secretaría de la Defensa Nacional inaugurará el festival el 7 de mayo. El espectáculo de la alta escuela ecuestre Domecq tendrá lugar el 9 y 10 de mayo, con acceso gratuito para los asistentes.

Entre los artistas destacados, Kabah se presentará el 8 de mayo, El Gran Silencio el 15 de mayo y Bronco cerrará el evento el 24 de mayo.

¿Cuándo y dónde?

• Lugar: Plaza Principal, Parque La Pila + Jardín del Arte + Teatro del Pueblo (para conciertos principales) + Plaza Principal Barrio de la Magdalena
• Fecha: Del 7 al 24 de Mayo 2026 (Fines de semana)
• Hora: 12:00 a 22:00 h
• Entrada libre con registro
• Para registrarte entra a: https://tequis.travel/festival

Phil Collins, Iron Maiden, Billy Idol, Queen Latifah, Oasis, Sade y Joy Division/New Order serán incorporados al Salón de la Fama del Rock & Roll, junto con los nominados por primera vez Wu-Tang Clan y el fallecido Luther Vandross.

La lista se dio a conocer durante la emisión del lunes por la noche de American Idol. Los artistas deben haber publicado su primera grabación comercial al menos 25 años antes para ser elegibles para la incorporación. Los nominados fueron votados por más de 1.200 artistas, historiadores y profesionales de la industria musical.

Collins, un rockero de estilo suave que ya está en el salón como integrante de Genesis, ha tenido éxitos como solista como In the Air Tonight y One More Night, y ha ganado ocho premios Grammy, incluido el de álbum del año en 1985 por No Jacket Required. Collins entró la primera vez que apareció en la boleta.

La vocalista de soul-jazz Sade, también nominada en 2024, tuvo éxitos de rock suave como Smooth Operator y The Sweetest Taboo. Wu-Tang Clan ha sido aclamado como innovador del rap desde su álbum debut de 1993 que cambió las reglas del juego, Enter the Wu-Tang.

Iron Maiden, nominada dos veces antes, ayudó a impulsar la nueva ola del heavy metal británico con álbumes icónicos como The Number of the Beast. Vandross, que vendió más de 25 millones de álbumes y tuvo éxitos como Here and Now y Any Love, murió en 2005 e inspiró Luther, de Kendrick Lamar y SZA.

Este año, el salón abrirá sus brazos a los sonidos de Manchester, Inglaterra, al incorporar a los pioneros del post-punk Joy Division y New Order —que compartían a la mayoría de los mismos integrantes—, así como a Oasis, el grupo de britpop que se reunió recientemente y está integrado por Noel Gallagher y Liam Gallagher. Idol, también inglés, ha aportado un desdén punk al pop con canciones como White Wedding y Rebel Yell.

La ceremonia de incorporación se llevará a cabo el 14 de noviembre en el Peacock Theatre de Los Ángeles. Una presentación televisiva se emitirá en diciembre por ABC y Disney+. El próximo año, la ceremonia regresará a la sede del salón en Cleveland.

Entre los nominados este año que no lograron entrar en la clase de 2026 figuran Mariah Carey, Lauryn Hill, INXS, Melissa Etheridge, Jeff Buckley, Pink, New Edition y Shakira.

Además de la categoría de intérpretes, quienes ingresan al salón pueden hacerlo bajo tres categorías de comités especiales: influencia temprana, excelencia musical y el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes.

El premio de influencia temprana de este año honrará a Queen Latifah, la cantante cubana Celia Cruz, el músico nigeriano Fela Kuti, la rapera MC Lyte y el country rockero Gram Parsons. La excelencia musical reconocerá a la compositora Linda Creed y a los productores Arif Mardin, Jimmy Miller y Rick Rubin.

Más de 50 años después de su muerte, Ed Sullivan, el legendario presentador de su programa de televisión homónimo que era una cita obligada, ingresará al salón con el Premio Ahmet Ertegun para No Intérpretes. Es un reconocimiento a lo importante que se volvió su escenario de los domingos por la noche como plataforma de lanzamiento para casi todos los íconos musicales de las décadas de 1950 y 1960, ya cómo su programa ayudó a derribar barreras raciales en el entretenimiento de Estados Unidos.

El año pasado, Cyndi Lauper, Outkast, Bad Company, Chubby Checker, Soundgarden, Joe Cocker, Salt-N-Pepa, The White Stripes, Carol Kaye, Nicky Hopkins, Lenny Waronker, Thom Bell y Warren Zevon fueron incorporados.

Fuente: AP

“Toda satisfacción, o lo que normalmente se llama felicidad, es siempre, propia y esencialmente, negativa y nunca positiva. No se trata de una dicha que nos sobrevenga originariamente y por sí misma, sino que ha de ser siempre la satisfacción de un deseo”. La idea de esas líneas le corresponde a Arthur Schopenhauer. Lo escribió en El mundo como voluntad y representación (1819). Su idea es que antes de la felicidad está el deseo, es decir, la carencia, la falta. Con ese movimiento dio vuelta toda la filosofía.

“La vida oscila, como un péndulo, de atrás hacia adelante, entre el dolor y el aburrimiento”, escribió en el “Libro Cuarto”, “Sección 57″. Para Schopenhauer, el deseo insatisfecho produce dolor, y cuando lo satisfacemos, caemos en el aburrimiento. Para entender el péndulo, hay que entender qué es la “Voluntad”: una fuerza ciega e irracional que nos empuja a querer cosas. El dolor surge de la carencia: deseamos algo que no tenemos, y esa falta se siente como un sufrimiento físico o mental.

Y el aburrimiento es el “invitado de piedra”. Una vez que conseguimos lo que queríamos, la satisfacción dura un suspiro. Al no tener ya un objeto por el cual luchar, caemos en un vacío existencial angustiante. Pero de lo que se trata es del pesimismo como realidad. Schopenhauer no escribió esto para ser “deprimente” por gusto, sino porque creía que la felicidad era una ilusión negativa. Según él, la felicidad no es algo real en sí mismo, sino simplemente la “eliminación momentánea” de un dolor.

Lo que este filósofo alemán buscaba demostrar era que la vida no tiene un propósito final de “felicidad plena”. El péndulo es la representación de nuestra insatisfacción crónica: la vida es una cacería donde, al atrapar a la presa, nos damos cuenta de que no sabemos qué hacer con ella. El mundo como voluntad y representación se compone de cuatro libros que abordan, en orden, la teoría del conocimiento, la ontología, la estética y la ética. Y un apéndice titulado “Crítica de la filosofía kantiana”.

Quién fue Schopenhauer

Arthur Schopenhauer (1788–1860) fue el gran filósofo del pesimismo, un pensador alemán que rompió con el optimismo de su época para mirar de frente al sufrimiento humano. Se le define como el “filósofo de la voluntad”. A diferencia de Hegel, su gran rival, que planteaba un mundo racional, él hablaba de la irracionalidad, y que somos esclavos de un impulso que nos empuja a desear sin fin. Solitario, culto y sarcástico, fue el primer gran pensador occidental en integrar la sabiduría oriental en su sistema.

Tiene muchos aportes. Nombremos algunos. La Voluntad vs. la Representación: el mundo que vemos es solo una “representación” (una imagen en nuestra mente), pero la esencia real de todo es la “voluntad”: un deseo de vivir feroz e insaciable que está en humanos, animales y plantas. Hablaba de la ética de la compasión: dado que todos sufrimos por culpa de la misma “voluntad”, Schopenhauer propuso que la base de la moral es la piedad: reconocer mi propio dolor en el otro.

Además, decía que la estética era un refugio: fue de los primeros en decir que el arte (especialmente la música) no es solo entretenimiento, sino una forma de “pausar” el péndulo del dolor. Al contemplar belleza, olvidamos por un momento nuestros deseos. Hoy se lo recuerda como el “educador” de genios (influyó en Nietzsche, Wittgenstein, Richard Wagner, Jorge Luis Borges, Albert Einstein y Sigmund Freud, el precursor del psicoanálisis y un referente del realismo.

“Veo un apetito de zafar del agotamiento de las redes”, dice Silvia Hopenhayn, escritora, docente y divulgadora literaria en su paso por el streaming de Infobae. El celular, explica, “te agota mental y físicamente, y hasta los ojos se cansan, porque el ser humano habla con la mirada, y si la mirada se cansa ya no hay nada que decir”.

Silvia Hopenhayn es argentina pero nació en Chile, hizo el colegio secundario en Suiza y estudió economía y Ciencias de la Comunicación en la UBA. Es reconocida por su labor en la difusión de la literatura a través de diversos medios y formatos educativos. Dirige el popular taller “Clásicos no tan clásicos”, donde invita a redescubrir obras fundamentales de la literatura universal.

“Con la pandemia hubo un salto cuántico de talleres literarios. Hay un crecimiento de lectores y de escritores. La proliferación de editoriales independientes es casi una nueva identidad de la juventud. Hay trescientas editoriales independientes. Y eso no significa que haya un negocio. Hay un mundo que está editando las ideas a largo plazo. Porque la literatura es el sedimento”, dice.

“Algunas cosas quedarán, muchísimas no: el gran rastrillo es el tiempo. Y tiene que pasar. Porque somos seres humanos y la realidad no existe, la inventamos. ¿Qué es la realidad: la naturaleza, la tabla periódica? La realidad es lo que nosotros día a día forjamos como ficción”, sostiene.

¿Una alternativa? “Hay que engañar al algoritmo. Hay que tirarles cosas que no tengan nada que ver con uno. Ahí lo hackeás. Porque si no es una especie de autosatisfacción. ¿Dónde está sorpresa?, se pregunta esta autora. Entre sus principales libros se encuentran las novelas Elecciones primarias, Ginebra y Vengo a buscar las herramientas y los ensayos ¿Lo leíste? y Ficciones en democracia.

Hopenhayn es muy conocida por sus talleres. Siempre aclara que son “sin tarea para el hogar”, que no hay que “ir leído” sino que la idea es leer allí y capturar y compartir el “el efecto inmediato” de la lectura.

Un libro que suele trabajar mucho es el Don Quijote de Cervantes. “Es un señor de cincuenta años, que hoy serían ochenta años, que todos le dicen que se quede en la casa, no jodas más con los libros de caballería. Él dice: yo no me voy a quedar porque me dicen que se me terminó la vida. Entonces se las toma, ya no es más Alonso Quijano, sino un tal Don Quijote. Y vos te olvidás que abajo de todo ese personaje hay otro, supuestamente real, que no quiso morir y que se sirvió de la literatura para inventarse la vida. Y yo creo que de eso se trata la lectura: te da herramientas para inventarte la vida”.

“No es evasiva la literatura. Los personajes no padecen en carne y hueso, pero te permite entender ese sufrimiento sin que nadie lo haya padecido. Leyendo a Kafka, a Stephen King, a Samanta Schweblin podés darte cuenta de lo que es el padecimiento de la vida, como también la belleza del vivir, y volvés sin que nadie lo haya padecido teniendo mucha más consistencia para estar en este mundo”, asegura.

“El panorama es sombrío, por una cuestión algorítmica, pero no desesperanzador. Ahora se viene la Feria del Libro; empieza la semana que viene”, sostiene. ¿Por dónde puede empezar a leer literatura argentina alguien que no está ligado al mundo de la ficción? “Por un cuento de Cortázar”, contesta la autora sin dudar. ¿Cuál? “Axolotl”, dice primero. “O ‘Continuidad de los parques’, que tiene una página. O ‘El cautivo’ de Borges: un cuento increíble”, concluye.

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Un estudio reciente de la Confederación de Libreros de España revela un dato que inquieta profundamente al sector: la mitad de los títulos impresos disponibles en las librerías españolas no registró ventas a lo largo de un año. Esta tendencia, que concentra la atención de entidades como Cegal y fue presentada en el último Congreso de Librerías, plantea dudas sobre la sostenibilidad del mercado editorial y el futuro de la bibliodiversidad, debido tanto al auge de novedades como a la concentración de ventas en pocos grupos. Según el análisis difundido por El País, solo el 4,5% de los títulos logra despachar más de cien ejemplares al año, lo que sitúa a la mayoría de las obras en el completo anonimato comercial.

En el año 2025, aproximadamente 76 millones de libros impresos se vendieron en España, un crecimiento del 4% respecto al ciclo anterior de acuerdo con la consultora GfK. Sin embargo, este auge no se traduce en una mayor variedad leída, sino en una oferta desmesurada: el número total de lanzamientos supera los 90.000 libros al año si se considera toda la producción editorial, o hasta 30.000 si se filtran solo las obras comerciales. Esto se traduce, como mínimo, en la llegada de 27 novedades diarias exclusivamente en el segmento literario. Este escenario plantea el interrogante que comparte la escritora y editora Pilar Asuero: “¿Hay lector para tanto libro?”.

El impacto de la sobresaturación editorial es tangible: el 49,4% de los títulos impresos ni siquiera logra una venta anual en librerías independientes o grandes cadenas, excluyendo manuales de texto y la plataforma Amazon, de acuerdo con el informe de Cegal. Más aún, la distribución de ventas se ha polarizado: más del 40% de los ejemplares vendidos corresponde solo a dos grandes grupos, Penguin Random House y Planeta, mientras que los establecimientos independientes duplican a las cadenas en cantidad de títulos disponibles —525.000 frente a 229.633—, pero ahora las cadenas superan a las independientes en ventas, con un 52% del total.

Esta situación extrema los desafíos de un sector donde muchas editoriales reciben centenares de manuscritos anuales —el editor Enrique Redel, de Impedimenta, contabiliza entre 600 y 1.000, de los cuales apenas publica el 25%— y donde la decisión de qué títulos mantener en exposición se parece a una dinámica de selección inmediata. Javier Cámara, responsable de una librería en Bilbao, relata a El País que, cada semana, hojea hasta 300 títulos para seleccionar apenas 120, en un proceso comparable al mecanismo de aplicaciones de citas: “sí o no, en pocos segundos”.

La sobreoferta, alimentada en parte por la autoedición y por las estrategias de los grandes sellos que buscan ocupar espacio físico en las estanterías, ha generado un efecto paradójico: lejos de multiplicar la bibliodiversidad, la reduce, ya que solo unas pocas obras logran visibilidad y supervivencia en el canal comercial. Según detalla Asuero, esta saturación provoca que en las mesas de novedades y suplementos culturales aparezcan recurrentemente los mismos títulos, ahogando posibilidades para obras menos promocionadas.

El estudio sectorial destaca que la novela contemporánea, en especial la histórica y la de ficción criminal, encabezan las preferencias de los lectores, como recoge el anuario estadístico del Ministerio de Cultura. El tema tratado en la obra representa la principal razón de compra, superando factores como el prestigio del autor o las recomendaciones personales. No obstante, solo el 64,9% de la población afirma leer al menos una vez al año —cifra inferior al 65,8% de 2018/2019— y apenas un tercio lo hace semanalmente. Un 10% asegura que no le gusta leer, y el mismo porcentaje de hogares posee menos de diez libros.

El mercado literario español, al igual que el sector cinematográfico, experimenta patrones de saturación parecidos: en 2025, el 60% del cine español estrenado vendió menos de quinientas entradas, pero la cantidad de estrenos continúa en ascenso, con semanas que suman hasta 16 lanzamientos en cartelera. En contraste, en el libro, la vida comercial se juega en apenas semanas o algunos meses y luego muchos títulos desaparecen tanto de las mesas de novedades como de los catálogos.

El modelo actual exige a los autores aceptar condiciones poco ventajosas. Como describe Pilar Asuero, los adelantos para autores son cada vez menores o incluso inexistentes, la tirada media disminuye por debajo de los 4.000 ejemplares, y el porcentaje de ingresos sobre las ventas rara vez supera el 10%. La dinámica obliga a los creadores a confiar en el entusiasmo más que en el rédito económico: “Me entusiasma escribir, pero también poder pagar el alquiler”.

Ante la concentración del mercado y la abundancia de títulos autoeditados —fenómeno que, según Cegal, contribuye al aumento de libros sin ventas—, se mantienen los retos para editoriales independientes y librerías que buscan preservar su autonomía. El editor Redel señala que Impedimenta limita su producción a 25 títulos anuales para priorizar la calidad y la promoción individual de cada libro. Cámara, por su parte, enfatiza la necesidad de ejercer una “tarea de independencia” en la selección de obras.

La estructura del sector editorial se asemeja así a una carrera perpetua: se publican más y más títulos para que eventuales éxitos compensen los muchos fracasos comerciales. Como resume Asuero: “Quien se mete en esta industria sabe que muchas veces lo que va a moverle es el entusiasmo antes que el dinero. Pero no debería sacrificarse una cosa por la otra”. El reto que enfrenta hoy la industria del libro en España es cómo reinventarse para equilibrar la diversidad de la oferta, asegurar el valor económico de la creación y devolver el protagonismo a los lectores en la cadena de decisiones culturales.

Rojo, azul, amarillo... Su estilo está marcado por una paleta de tonalidades intensas. El director español Pedro Almodóvar afirma que en los rodajes se siente como “un pintor” y que los colores son “un elemento esencial” en sus películas.

El autor de filmes tan emblemáticos como Todo sobre mi madre o Volver desgranó este sábado algunos aspectos de su filmografía, en una charla con estudiantes ante una sala abarrotada de un cine de París.

Pocos días después de que se anunciara que su última película, Amarga Navidad, competirá por la Palma de Oro en el próximo Festival de Cannes, el cineasta manchego celebró que, desde el inicio de su carrera, el cine para él es “una gran fiesta”.

“Cuando estoy rodando, me siento como un pintor, como un artista plástico”, dijo el director, de 76 años, en esta charla, en el marco de una retrospectiva integral que le dedica el Centro Pompidou hasta el 26 de mayo.

“De algún modo estoy pintando con elementos de tres dimensiones”, añadió. “Los colores para mí son un elemento esencial a la hora de narrar una película”.

Almodóvar atribuye este entusiasmo por los colores brillantes a las primeras películas que vio, en tecnicolor.

Según él, también podría ser una reacción al hecho de que su madre tuvo que ir de luto durante su infancia y hasta que tuvo más de 20 años, incluso estando embarazada de él.

“La explosión de los colores en mis películas es la respuesta que mi madre engendró a una tradición tan brutal como condenar a la gente a que vista de negro casi de por vida”, dijo, en alusión a la costumbre ya extinta en su región natal de llevar prendas oscuras debido al duelo.

El resultado son esas tonalidades intensas que le ayudan a plasmar esos “personajes barrocos y excesivos” que habitan sus historias, como Leo Macías (Marisa Paredes) en La flor de mi secreto o Raimunda (Penélope Cruz) en Volver.

“Acompañar”

Almodóvar, que ha rodado cerca de una treintena de películas, habló de la “fascinación” que siente por los intérpretes.

“Entre todas las opciones narrativas que se te ofrece en una película a través de la imagen, yo siempre elijo al actor”, afirmó quien ha trabajado con Carmen Maura, Antonio Banderas, Victoria Abril, Javier Bardem o más recientemente con Tilda Swinton y Julianne Moore.

“El actor es el que porta el mensaje. Son los ojos de los actores los que ves, el rostro de los actores, los cuerpos de los actores”, insistió.

Almodóvar también habló sobre las historias dolorosas y traumáticas que abundan en su filmografía.

“En mis películas hay muchos seres, muchos personajes que acompañan a los otros en un momento de dolor. Hay ocasiones en que acompañar es lo máximo que puedes hacer por una persona”, dijo, recordando por ejemplo La habitación de al lado, en la que dos amigas, una de ellas muy enferma, conviven de nuevo juntas.

“Me parece que no sabría contar nunca una historia sobre seres absolutamente felices”, remata.

Fuente: AFP

La Ética demostrada según el orden geométrico de Baruch Spinoza es un largo texto escrito en latín entre 1661 y 1675 y publicado póstumamente en 1677 en la Opera posthuma. Ahí podemos encontrar la frase: “El odio se aumenta con un odio recíproco y, por el contrario, puede ser destruido por el amor”. Corresponde a la “Proposición XLIII” de la “Parte III” titulada “Del origen y naturaleza de los afectos”.

En esta sección de la Ética, Spinoza analiza científicamente cómo funcionan las emociones humanas y habla de la reciprocidad de los sentimientos. Explica que si imaginamos que alguien nos odia, tendemos a odiarlo también (odio nuevo que se suma al anterior), pero plantea que el odio es una “pasión triste” que disminuye nuestra potencia de actuar, mientras que el amor es una “pasión alegre” que la aumenta.

Spinoza busca demostrar que el odio es irracional y destructivo para quien lo siente, que produce un efecto multiplicador (el odio genera más odio), que el amor funciona como antídoto (tiene el poder de neutralizar el odio porque es una emoción más fuerte y positiva) y que la razón debe ser la guía (el hombre libre no busca venganza porque comprende que el odio nace de la ignorancia o la incomprensión).

En la Ética, Spinoza desarrolla una teoría del amor que va mucho más allá del afecto romántico, tratándolo como un fenómeno físico y mental sujeto a leyes naturales. Define el amor de forma matemática: amor = alegría + la idea de una causa exterior. También sostiene que el amor hacia cosas perecederas (como el dinero, la fama o una persona que no podemos controlar) y se refiere al “amor intelectual a Dios”.

Quién fue Spinoza

Baruch Spinoza (Ámsterdam, 1632–1677) fue uno de los filósofos más audaces y originales del siglo XVII. Su vida es la historia de un hombre que prefirió la libertad de pensamiento por encima de la seguridad de pertenecer a una comunidad. Nació en una familia judía sefardí que había huido de la Inquisición en la Península Ibérica. Se interesó por las matemáticas, el latín y la filosofía racionalista de René Descartes.

La gran ruptura ocurrió en 1656. A los 23 años, sus ideas sobre Dios y la Biblia lo llevaron a ser excomulgado por la comunidad judía de Ámsterdam. Por “herejías monstruosas” se le prohibió el contacto con su familia y amigos. Para no depender de nadie y mantener su integridad intelectual, rechazó prestigiosas cátedras universitarias y se ganó la vida humildemente como pulidor de lentes para telescopios y microscopios.

Pasó gran parte de su vida en retiro y escribiendo. Su única obra publicada en vida con su nombre fueron los Principios de la filosofía de Descartes. Su obra maestra es la Ética..., que se publicó póstumamente para evitar la persecución. Murió a los 44 años en La Haya, probablemente a causa de la inhalación constante de polvo de vidrio de su trabajo como óptico, que agravó una tuberculosis crónica.

Los garífunas de Honduras conmemoraron este domingo 229 años desde la llegada de sus antepasados al país. En los actos celebrados en el centro histórico de Tegucigalpa, la comunidad garífuna reiteró sus demandas al Estado: que cumpla los fallos dictados por la Corte Interamericana de Derechos Humanos (CorteIDH), tribunal supranacional del sistema interamericano, en materia de restitución y protección de sus tierras ancestrales en los departamentos de Colón, Atlántida e Islas de la Bahía, una deuda que consideran de larga data y que condiciona su futuro.

Los representantes subrayaron la persistencia de la “usurpación, invasión y comercialización” de los territorios que, por derecho, pertenecen a la etnia desde generaciones. Las demandas principales de la comunidad incluyen la atención inmediata al conflicto agrario, la documentación registral y el desarrollo con identidad propia, según detallaron los organizadores a la agencia de noticias española EFE.

Los garífunas denunciaron el incumplimiento de sentencias específicas de la CorteIDH en favor de las comunidades de Punta Piedra, municipio de Iriona (Colón); Tela y Triunfo de la Cruz, municipio de Tela (Atlántida); y Cayos Cochinos (Islas de la Bahía), tal como informaron en su comunicado difundido por EFE. La etnia sostiene que la falta de ejecución efectiva de estos fallos ha intensificado el conflicto por tierras y la violencia asociada en sus territorios.

La comunidad advirtió: “la discriminación, marginalidad y opresión del pueblo garífuna y originarios en general es brutalmente escalofriante”, añadiendo que ningún miembro de su etnia integra el cuerpo diplomático hondureño, ni siquiera como cónsul en Belice o en los Estados Unidos de América. En la estructura actual del poder ejecutivo, remarcaron la ausencia absoluta de garífunas en posiciones de decisión y afirmaron que “el apartheid queda pequeño con esta triste y vergonzosa realidad”, según recogió EFE.

El acto central contó con la presencia de funcionarios estatales y del director del Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA), agencia de la ONU para temas demográficos, Iván Castellanos, entre otros invitados. Castellanos contextualizó la efeméride recordando que los primeros garífunas desembarcaron en Punta Gorda, isla de Roatán, el 12 de abril de 1797: “Es muy importante entender ese hecho histórico porque las presentes generaciones son herederas de esa fuerza, de esa perseverancia por la que la población hizo un trayecto”, manifestó Castellanos a EFE.

La literatura es hermosa. Sí, hermosa. Un adjetivo que usan los enamorados, los fascinados, los enceguecidos. Un eslogan para empezar a convencer a futuros lectores, para atraer al mundo de los libros a esos ciudadanos confundidos cuyas sensibilidades aún no han sido deglutidas por la maquinaria digital. Entonces se dicen cosas como que la literatura es hermosa, que invita a pensar, que permite vivir mil vidas, etcétera. Lo cual no quita que sea cierto. Eso, hacia afuera. ¿Y hacia adentro?

En el capitalismo tardío la literatura perdió la fuerza que alguna vez tuvo. Porque ya no produce miles y miles de ejemplares, porque los intelectuales no pinchan ni cortan, porque el capital simbólico de leer es nulo, porque las ideas que en ella nacen no transforman nada. Es inútil, siempre lo fue, pero en esta era de atención fugaz y oda a la ignorancia un libro es un objeto raro, petulante, enigmático, de culto. Porfiados y necios, los que habitamos ese castillo en ruinas adoptamos el papel de la resistencia.

De pronto, la literatura se convirtió en una convención de derrotados que se abrazan, se dan fuerza, ánimos, buenas vibras. Los editores, los escritores, los traductores, incluso los lectores, todos resisten los embates de un mundo que no quiere saber nada ni con pensar ni con imaginar. En esa resistencia idílica donde todos somos aliados, escribir un libro parece ser suficiente, por eso proliferan las lecturas alegres, los halagos, los aplausos, la pereza, el tedio. Pero cada tanto, el panorama literario tiene interferencias.

En estos días aparecieron dos. La primera, por abajo, por adentro, por la negativa: la crítica de Thomas Rifé al nuevo libro de Roberto Chuit Roganovich. La segunda, por arriba, por afuera, por la positiva: el Premio AENA a Samanta Schweblin. En principio, uno podría decir que son dos elementos bien sistémicos, cosas que pasan todos los días, que reproducen la lógica estable, monótona y sosegada de la literatura. Pero en realidad no. ¿Por qué no? Porque la crítica fue “mala leche” y el premio, “millonario”.

Interferencias por abajo

En la revista digital Dolar Barato, Thomas Rife publicó un texto titulado “Dependencia cognitiva” donde critica con dureza El archipiélago de Roberto Chuit Roganovich, un libro de ensayo que editó El Gato y la Caja cuyo subtítulo es “Nuestra retirada del mundo y notas para un regreso”. Se puede leer gratis en la web de la editorial. No es un manifiesto, escribe el autor, aunque busca repensar un “nosotros”. Se trata de “una revisión molecular de nuestros deseos contemporáneos (...) para reconvertirlos”.

Roberto Chuit Roganovich, que nació en Córdoba en 1992, que es Doctor en Letras y becario del Conicet, irrumpió en la literatura con fuerza: con sus dos únicas novelas ganó dos premios: con Quiebra el álamo el Futuröck 2022, con Si sintieras bajo los pies las estructuras mayores, el Clarín 2024. En la ex Twitter, hoy X, se lo puede leer más íntimo y coyuntural. Con este libro de ensayos participó en programas de radio y streaming buscando intervenir en el debate público sobre cómo “imaginar el futuro”.

A Rifé, que también es Licenciado en Letras, que nació en 1993 en Buenos Aires, que publicó los ensayos Navidad en Japón y la novela Los sonámbulos, y que escribía en Revista Paco, no le gustó el libro. “Para leer hay que tener estómago”, empieza el artículo y luego, en el recorrido que hace capítulo a capítulo, dice que el autor “evade” ejemplos argentinos, que ese “nosotros” no existe y que confunde ocio con “trinchera política”. Pero el ensañamiento, más que con el libro, es con el autor. Ya volveremos.

Interferencias por arriba

Guita. En la cultura no se habla de guita. Nadie sabe cuánto gana tal, si factura, si cobra en negro, si tiene un kiosquito, si explota, si tranza, si pierde. Pero de pronto aparece un premio millonario. España lanza un galardón que otorga al ganador un millón de euros. Hice la cuenta: con mi sueldo, tardaría 138 años en juntar ese monto. No importa. La cuestión es que el Premio AENA de Narrativa Hispanoamericana pertenece a la empresa aeroportuaria homónima, que es pública. Y lo ganó Samanta Schweblin.

Antes de saber que el galardón se lo llevó la autora argentina, la cifra ya venía haciendo ruido entre los españoles. “Los premios privados tienen como objetivo promocionar un libro y una editorial y recuperar lo invertido. De lo que estoy en contra es del uso de dinero público de forma tan… obscena“, escribió Carmen Domingo en una columna en el diario El País. Claro, es cierto, ya hay premios millonarios de empresas privadas. Basta con nombrar el Planeta de Novela que se otorga en España: un millón de euros.

El premio mejor pago está en Emiratos Árabes Unidos: se llama 1 Million’s Poet, es un concurso de poesía televisado y da aproximadamente 1.3 millones de dólares. Como el Planeta, el Nobel de Literatura da un millón de euros. Le siguen el Premio Memorial Astrid Lindgren enfocado en literatura infantil y juvenil (435.000 euros), el Premio Internacional Ibsen para dramaturgos (215.000 euros) y el Cervantes (125.000 euros). La literatura es hermosa, dijimos, pero también hay cifras.

En el mismo medio, el español Sergio del Molino sostuvo que “en el moralista mundo cultural molesta que un agente externo rompa el ambiente de pobretería en el que hemos de vivir los escritores si aspiramos a la pureza literaria”. Por su parte, Martin Caparrós dijo en X que “muchos escritores consideramos vulgar hablar de dinero. En una época me daba risita; ahora, en este mundo donde todo es plata, me da orgullo”. Un cono de luz se posa sobre el tema monetario y la literatura sufre un cimbronazo.

Contra la modorra intelectual

Retomemos la otra interferencia. El archipiélago: “Volver a la pregunta por lo humano no puede ser entendido como un horizonte meramente metafísico o gnoseológico (...) La pregunta por lo humano se trata, entonces, de una disposición vital de rebeldía. El avance sin parangón ya no del capital, sino de su propia lógica estructurante, licúa toda especificidad identitaria en nombre de un rasero violento que no ve en los cuerpos y las cosas del mundo nada más que objetos dispuestos a ser explotados”.

Chuit Roganovich navega en la incertidumbre que envuelve el mundo. Cita, cruza, reflexiona, intenta pensar un futuro, salir de la modorra intelectual, activar. Pero Rifé le cuestiona lo que le adjudica representar: la materialización de la relación del progresismo con el Estado: “Robi odia a la democracia porque detesta al individuo y desconfía de su capacidad de tomar decisiones libremente, pensar distinto y, en todo caso, gobernarse a sí mismo sin la tutoría de un Estado que lo cuide y lo oprima”.

El autor es consciente de la impotencia de ese “estatismo del pensamiento y de la acción”. El archipiélago nace de ese nudo. Pero Rifé insiste con que el problema “no fue imaginar el futuro, sino administrar el presente”. “No es que el progresismo neoliberal se ‘equivocó’ en sus formas pero no en el contenido a la hora de cancelar, perseguir y purgar ideológicamente como si fuera un gris mecanismo policial, el progresismo es y solo es cancelación, persecución y corrección como red opresiva de modales e ideas”.

El premio de Samantha Schweblin

“No sé contar cuánto es un millón, es un número tan grande que me pierdo. No sé cuántos ceros tiene. Es algo muy raro. No sé qué hacer con eso”, dijo Samanta Schweblin cuando ganó el Premio AENA. “En mi imaginario, siempre, desde que dejé la casa de mis padres, lo que toda la vida quise tener es un sueldo todos los meses. Este número lo asocio un poco con esa idea fantasiosa del sueldo para siempre”. ¿También será para siempre la asociación de El buen mal como “el libro del millón de euros”?

No hay dudas: su literatura se destaca a fuerza de atmósferas e inventiva. Pero acá la interferencia vino de afuera: una inyección de dinero para, según sus autoridades, “reforzar el hábito lector, escritor y estimular para que en España y América Latina se publiquen buenos libros”. Pero lo que se premia son títulos ya publicados, que ya tienen un recorrido, una recepción, un nombre. Repasemos los sellos de los finalistas: Seix Barral, Anagrama, Alfaguara, Random House. Ni una editorial independiente.

Escribe Carmen Domingo que “por más que desde el jurado se insista en que la intención es crear un premio de prestigio, una vez conocida la lista de los finalistas, una no tiene más remedio que preguntarse si lo que se pretende es fomentar aún más a los grandes grupos editoriales o mantener a los autores consagrados en su consagración”. Lo más importante es la literatura, sin dudas, pero convengamos que asomarse a ver el brillo metálico de las estructuras debajo de la celebración tiene su encanto.

El electrocardiograma de un corazón muerto

Aquella pequeña crítica despertó una marea dormida. De pronto, la ex Twitter debatía sobre literatura y progresismo, sobre crítica y política. Todos, desde el más progre al más facho, tenían algo para decir. Un debate que “convocaba”. El autor, el criticado, escribió: “La crítica literaria ya no existe porque la critica sin aparato teórico es un grito desesperado a una nube. Ya quisiera yo que crezca verdaderamente una ‘guerra de estéticas’ seria y no una cascada inconexa de adjetivos. Para esa guerra estoy”.

Muchos le criticaron el tono a Rife, su ensañamiento. Curiosa observación pacata. Una digresión: pienso en esos periodistas indignados con que un manifestante le lance una piedra a la policía. Como si la violencia de un Estado que no solo te empobrece, sino que además te reprime, pero sobre todo te anula como sujeto político, debiera responderse con pacifismo. No es una analogía. Cada uno escribe desde su lugar. La bronca que nos quema las entrañas día a día ya nos constituye. A no esquivar el bulto.

Lo mismo pasó hace unos meses cuando Rodrigo Cañete escribió en LoveArtNotPeople sobre El contrabando ejemplar de Pablo Maurette, ganador del Premio Herralde. “Su Argentina es un producto curado para el mercado internacional: exótica, melancólica, irónica, perfectamente exportable”, decía la crítica. No solo saltaron elucubraciones sobre el uso de inteligencia artificial sino que se le cuestionaba el tono “mala leche”, el encono, el resentimiento. El problema de exigir debate sin debatir.

En la superficie está lo que Juan Tavella, en una nota en Seúl, ve en el fondo: una “polémica cultural picantísima sobre dos penes”. Eso existe, sin dudas. Pero quitándole las coloridas cáscaras de cinismo al asunto, lo que hay es una necesidad no del todo asumida: que la literatura es hermosa, pero el tono monocorde del panorama literario a veces se parece al electrocardiograma de un corazón muerto. Necesitamos interferencias, necesitamos latidos. En esa suciedad radica su vitalidad.

La alcaldía Xochimilco organizará un desfile de globos gigantes el próximo domingo 26 de abril de 2026 para conmemorar el Día del Niño y la Niña al sur de la Ciudad de México.

La actividad es gratuita y está dirigida a familias, niñas y niños que busquen actividades recreativas durante esta celebración anual.

Hasta el momento, las figuras que formarán parte del desfile no han sido anunciadas, lo que genera expectativa entre los asistentes.

La alcaldía sugiere llevar calzado cómodo, gorra y bloqueador solar, debido a la duración del recorrido y la posible exposición al sol.

Se recomienda a quienes asistan estar preparados para tomar fotografías y disfrutar de un ambiente festivo en la zona sur de la CDMX.

¿Cuándo y dónde?

El evento inicia en la gasolinera de Nativitas y el recorrido culmina en el Deportivo Xochimilco.

• Día: Domingo 26 de abril
• Hora: En punto de las 9:00 horas
• Sin costo

Este evento se suma a las actividades tradicionales de la alcaldía Xochimilco y promete ofrecer una experiencia visual distinta por la magnitud y el colorido de los globos, en una fecha relevante para la infancia en México.

Cabe recordar que el festejo oficial del Día del Niño y la Niña es el 30 de abril, fecha que será jueves este año. No obstante, los preparativos para el desfile se harán en domingo para mayor comodidad de las familias.

Alcaldía de Xochimilco celebra el mes del niño y la niña con mucha cultura

Otra de las actividades que se enmarcan dentro de la celebración del Día del Niño y la Niña es la exposición para recordar los juguetes icónicos de los mexicanos, “Mi juguete, tu juguete”, en el Museo Cielito Lindo, ubicado en Plaza Quirino Mendoza s/n, colonia Calyecac, Santiago Tulyehualco.

La exposición es totalmente gratuita y se puede visitar desde el 8 de abril al 30 de abril a partir de las 16 horas.

La invitación por parte de la alcaldía Xochimilco planea conectar a la comunidad con las raíces y tradiciones nacionales en este mes de la niñez.

La entrega de obras literarias escritas en Ombeayiüts y Chatino se convierte en una acción central para la preservación y fortalecimiento de las lenguas indígenas en Oaxaca, al buscar que niñas y niños hagan suyo el idioma en su vida cotidiana y el aprendizaje escolar.

Así, la Secretaría de Cultura a través del Instituto Nacional de Lenguas Indígenas (INALI), reunió a autoridades y comunidades en San Mateo del Mar y Santa Cruz Zenzontepec para presentar estos materiales, con la meta de que vuelvan a los pueblos que les dan origen y consoliden el derecho de los pueblos originarios a sostener su identidad lingüística.

La biblioteca pública municipal de Santa Cruz Zenzontepec recibió la obra monolingüe en chatino Ji’i kuichi’o ni’lyáa ‘El león y el tlacuache’, de Tranquilino Cavero Ramírez y Esteban Ruiz Hernández, que se suma a los esfuerzos de revitalización realizados durante más de una década, respaldados por el INALI.

El libro, producto de talleres entre 2015 y 2018, busca ser un material atractivo y funcional para que la niñez y la comunidad sigan aprendiendo en su idioma original.

Nicandro González Peña, titular de la Unidad de Desarrollo Lingüístico Comunitario del Instituto, sostuvo que “esta obra es el resultado de más de 10 años de trabajo” y destacó la importancia de que los portadores del Tsá’ Jnyá (chatino de Zenzontepec) fueran los protagonistas de este proceso editorial.

En la explanada municipal de San Mateo del Mar, las autoridades realizaron la entrega comunitaria de la obra bilingüe Ngineay apak omeaats nej nop miüs, Tikambaja? ¿Cómo es feliz un gato, en San Mateo del Mar?, realizada en Ombeayiüts y español por Hugo Alberto Hidalgo Buenavista y los ilustradores Aldo Hinojosa y María Fernanda Ramírez Acevedo.

Hidalgo Buenavista explicó que su libro pretende “promover la sensibilización lingüística y el uso del alfabeto práctico de la lengua Ombeayiüts”, la misma que se mantiene viva entre los habitantes de este pueblo del litoral oaxaqueño. El ilustrador Aldo Hinojosa comentó que el proceso fue complejo, por tratarse la ilustración de un lenguaje distinto, pero que el resultado es una invitación a conocer la cultura Ombeayiüts.

Libros en lenguas originarias transforman la vida escolar y familiar

La presentación de ambas obras reafirma un principio fundamental: los materiales en lenguas indígenas deben volver a las comunidades que les dan origen, para ser leídos en voz alta, compartidos en familia y amigos, además de utilizados en las escuelas y apropiados por la población infantil como parte de su vida cotidiana.

Cada página de los libros representa una oportunidad para que las lenguas indígenas sobrevivan y se repliquen entre las nuevas generaciones: “Cuando la población infantil aprende, juega y sueña en su lengua, la lengua florece”, expresó la encargada de Despacho de la Dirección General del INALI, Alma Rosa Espíndola Galicia.

Fomentar la diversidad lingüística de México desde las infancias

La agenda del INALI apunta al reconocimiento y valoración de la diversidad lingüística de México. En ese sentido, los libros entregados se piensan como herramientas concretas para que las niñas y los niños usen las lenguas indígenas tanto en la vida doméstica como en la escuela.

Tranquilino Cavero Ramírez, profesor y coautor de la obra en Tsá’ Jnyá, subrayó que su libro permitirá que la niñez aprenda y conserve la lengua chatina de Zenzontepec. La publicación de Ji’i kuichi’o ni’lyáa se suma a los materiales derivados del proyecto Gramáticas Pedagógicas de lenguas Otomangues, iniciado hace más de diez años.

Una nueva serie radiofónica del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) pone en primer plano la pregunta sobre qué define la identidad mexicana al explorar temáticas cotidianas y símbolos culturales. La propuesta —titulada “Historias e identidades. Cotidianeidad mexicana bajo el ojo de un especialista”— comienza transmisiones el próximo 17 de abril en frecuencias nacionales y plataformas digitales.

El formato parte de preguntas sobre qué rasgos nos distinguen en México, si esos elementos son naturales o culturales y hasta qué punto permanecen en la vida diaria.

La serie plantea una deliberación sobre costumbres y figuras representativas a través de diez emisiones semanales de media hora, programadas los viernes a las 11:00 horas.

Entre los temas destacados están:

• Semana Santa
• Los tacos como símbolo nacional
• La devoción a San Judas Tadeo y la Virgen de Guadalupe
• Las fiestas patrias
• El futbol mexicano
• Las momias
• El papel de las cantinas
• Productos del agave
• Música tradicional —desde el teponaxtle hasta los corridos tumbados—
• El patrimonio gastronómico
• Los albures

Cada episodio busca abrir una conversación sobre qué asumimos como identidad mexicana a partir de objetos, celebraciones y prácticas habituales.

Debatirán sobre lo empírico con sustento

Bajo la conducción del arqueólogo Luis Alberto López Wario, participan voces con trayectorias comprobadas en historia, antropología, música y gastronomía.

El programa reúne a Javier Bañuelos Rentería, Salvador Rueda Smithers y Ricardo Román Flores Martínez, acompañados del antropólogo físico Jorge Arturo Talavera González, el etnólogo Benjamín Muratalla, el músico Gonzalo Ceja, el comunicólogo Evanibaldo Morales Celis, el presbítero Gustavo Llaguno, la señora Reyna Rayón, los licenciados Alejandro Escalante y Carlos Silva, la chef Natalia Talavera y el antropólogo Jermán Argueta.

La dinámica consiste en charlas informales sustentadas en experiencias y conocimientos disciplinares.

Antecedentes y conceptos sobre la identidad en México

La serie recupera debates previos sobre el origen y la construcción de la identidad en México, aludiendo a especialistas de reconocida trayectoria.

Entre las referencias están los trabajos de Samuel Ramos, con su análisis pionero, así como las aportaciones de contemplados en psicología, literatura y filosofía como José Vasconcelos, Antonio Caso, Octavio Paz, Leopoldo Zea, Miguel León-Portilla, Emilio Uranga, Luis Villoro, Carlos Monsiváis, Roger Bartra, Guillermo Hurtado Pérez y Jorge Portilla.

El programa integrará conceptos sobre cómo la identidad se crea y recrea mediante mitos, leyendas, hechos y sincretismos, tanto en la memoria como en la vida diaria de las comunidades mexicanas.

Se discutirán preguntas como si la identidad mexicana es innata o se construye, y cómo cada persona puede verse parte de ese mosaico cultural en constante transformación.

Las transmisiones estarán disponibles también en Spotify y YouTube. Con este esfuerzo, el INAH y la Secretaría de Cultura buscan que la conversación sobre lo mexicano se nutra de argumentos, experiencias y referentes accesibles para todo público.

Euphoria regresa a HBO el domingo con su tercera temporada, un episodio nuevo en más de cuatro años. Han pasado muchas cosas en ese tiempo.

El retraso se debió en parte a las huelgas de guionistas y actores de 2023 y en parte a que las jóvenes estrellas de la serie han estado ocupadas conquistando Hollywood. Zendaya, quien ganó Emmys por cada una de las dos primeras temporadas, tiene cuatro películas que se estrenarán este año. Jacob Elordi está nominado al Oscar por Frankenstein y viene de una destacada actuación en Cumbres Borrascosas. Sydney Sweeney se ha convertido en una de las celebridades más comentadas del mundo, y ayudó a convertir la comedia romántica Anyone But You en un éxito y The Housemaid en una franquicia prometedora. Maude Apatow dirigió una película.

El programa también perdió a dos miembros del reparto: Angus Cloud, quien falleció en 2023 por una sobredosis accidental de drogas, y Eric Dane, quien murió en febrero por complicaciones derivadas de la ELA. El creador del programa, Sam Levinson, convirtió a The Idol en 2023 en una de las series más criticadas de los últimos tiempos.

Así que es comprensible que a estas alturas no tengas muy claros los detalles de Euphoria. La nueva temporada transcurre cinco años después de la anterior, llevando a los personajes fuera del instituto y al mundo real, donde seguramente les espera aún más caos. Aquí tienes lo que necesitas saber antes de empezar.

¿De qué trata “Euphoria”?

En resumen: Las desventuras de un grupo de estudiantes de secundaria de los suburbios que tienen mucho sexo, consumen muchas drogas y usan mucho maquillaje de ojos elaborado.

Basada en una serie israelí, Euphoria se centra en Rue (Zendaya), una chica drogadicta que narra la historia. En la primera temporada, Rue se enamoró de Jules (Hunter Schafer), una chica transgénero recién llegada al instituto. Jules también tuvo una aventura con Cal Jacobs (Dane), el padre del abusivo Nate (Elordi). Al principio de la serie, Nate era el novio aterrador de Maddy (Alexa Demie) y también engañó a Jules por mensaje de texto.

Este grupo de amigas tóxicas incluía a las hermanas Cassie (Sweeney) y Lexi (Apatow), así como a Kat (Barbie Ferreira), quien trabajó como modelo de webcam por un breve periodo. En la segunda temporada, Cassie empezó a salir con Nate, lo que provocó muchas lágrimas.

¿En qué situación se quedó el programa la última vez?

La segunda temporada concluyó con una producción de dos episodios de una obra escrita por Lexi que dramatizaba las amistades fracturadas en su círculo. (La pregunta llena de palabrotas de Maddy sobre si esta “obra trata sobre nosotras” se convirtió instantáneamente en un meme, y HBO ahora vende camisetas con la frase).

Las consecuencias de la sincera declaración de Lexi fueron graves. Nate rompió con Cassie y luego llevó a la policía hasta su padre, quien había grabado en secreto sus encuentros con Jules y otras menores de edad. Mientras Nate confrontaba a su padre, una Cassie desesperada irrumpió en el escenario y se peleó con Maddy. Al final del último episodio, se las vio recuperándose juntas en una tensa tregua.

La velada teatral tuvo un efecto terapéutico en Rue, permitiéndole comprender mejor sus acciones pasadas. También propició su reconciliación con Jules, con quien había roto después de que Jules le confesara a la madre de Rue, Leslie (Nika King), que había vuelto a consumir drogas. Durante esa intervención, Leslie tiró por el inodoro 10 000 dólares en narcóticos que Rue había conseguido de la traficante Laurie (Martha Kelly), con la intención de venderlos. Esto tendrá repercusión en la tercera temporada.

Mientras todo el drama se desarrollaba en la escuela secundaria, un equipo SWAT allanó el apartamento del simpático narcotraficante Fezco (Cloud), quien mantenía una dulce relación sentimental con Lexi. Fezco resultó herido cuando su joven cómplice, Ashtray (Javon Walton), disparó contra la policía. Fezco sobrevivió, pero Ashtray aparentemente murió.

¿Dónde está todo el mundo ahora?

Al comienzo de la nueva temporada, Nate y Cassie han vuelto a estar juntos y se van a casar. (Los periodistas recibieron los tres primeros episodios por adelantado). Pero se avecina un conflicto: Cassie quiere crear contenido sexy para internet y busca la ayuda de Maddy, ahora asistente de un representante de talentos. Lexi parece estar prosperando con un trabajo de producción en Hollywood. Jules fue a la escuela de arte, pero aparentemente trabaja como sugar baby, una novia pagada para hombres mayores y adinerados. Cal está presente, en una de las últimas apariciones de Dane en pantalla.

Rue tiene una gran deuda con Laurie por las drogas que tiró por el inodoro; según Levinson, está “intentando encontrar formas muy ingeniosas de pagarla”. Todavía se junta con Faye (Chloe Cherry), una de las viejas amigas de Fezco.

¿Quién se une al reparto?

Euphoria ha sumado algunos nombres de renombre a su elenco, incluyendo a la estrella del pop española Rosalía, que interpreta a una estríper con collarín, y a Sharon Stone como la jefa de Lexi, una productora de programas de televisión.

Otras incorporaciones destacadas son Natasha Lyonne, Danielle Deadwyler, el ex corredor de la NFL Marshawn Lynch, la influencer Trisha Paytas y el director Eli Roth, que apareció en The Idol.

El actor británico Adewale Akinnuoye-Agbaje (conocido por su papel de Mr. Eko en Lost) interpreta un papel importante como el empresario de un club de striptease que usa sombrero de vaquero y que se convierte en socio de Rue. El actor británico-australiano Toby Wallace (Babyteeth) tiene un papel destacado como uno de los secuaces de Laurie.

¿Quién no regresa?

Ferreira no volverá a interpretar a Kat. Durante la segunda temporada, Ferreira fue objeto de un reportaje en Daily Beast que afirmaba que había tenido desacuerdos con Levinson. Ferreira refutó algunos detalles del artículo en un podcast y declaró que su salida “fue una decisión mutua”, añadiendo: “No fue solo cosa mía”.

También faltan Austin Abrams, que interpretaba al exnovio de Kat, y Storm Reid, que interpretaba a la hermana de Rue.

¿Cómo abordará la serie la muerte de Cloud?

Está por verse. El lacónico pero entrañable Fezco se había convertido en uno de los personajes más queridos de la serie, gracias en gran parte a su improbable vínculo con la estudiosa Lexi. Estaba vivo al final de la segunda temporada, pero presumiblemente iba a prisión.

La muerte de Cloud fue accidental, pero su familia declaró que había sufrido mucho tras el fallecimiento de su padre. En un comunicado, Levinson, quien ha hablado abiertamente sobre sus propias dificultades con la drogadicción, escribió que la muerte de Cloud lo afectó profundamente de una manera inesperada.

“Cuando se trata de adicción, uno debe estar preparado para la pérdida de alguien que lucha contra ella”, continuó. “Pero su muerte despertó mi ira, no solo por él, sino por las muchas vidas jóvenes en Estados Unidos truncadas por el fentanilo”. Añadió: “Esta temporada se convirtió en mi manera de honrar a Angus y a todos los jóvenes a quienes no se les ofreció una segunda oportunidad. Quería contar una historia donde la esperanza y la luz aún pudieran sentirse en la oscuridad”.

¿Hay alguna otra controversia que deba conocer?

Es Euphoria, así que por supuesto que las hay. The Idol, que Levinson creó con la estrella del pop The Weeknd (Abel Tesfaye), sufrió un cambio creativo durante la producción que generó mucha conversación antes del estreno de la serie, que recibió críticas casi universalmente negativas. The Hollywood Reporter informó que The Idol fue en parte responsable de una ruptura entre Zendaya y Levinson. Zendaya fue productora ejecutiva de la segunda temporada de Euphoria, pero no retomó ese rol para la tercera. En la alfombra roja del estreno de su película The Drama, le dijo a Variety que estaba “emocionada” por la nueva temporada. “Espero que salga maravillosamente”, dijo.

El verano pasado, el compositor ganador del Óscar, Hans Zimmer, anunció que se había unido al equipo para la tercera temporada, trabajando junto a Labrinth, compositor de las temporadas 1 y 2. En ese momento, Labrinth declaró: “Es genial unirme a Hans, uno de mis ídolos en la música para cine, y aportar algo de magia a esta nueva temporada”. Luego, en marzo, Labrinth usó una palabrota para describir Euphoria en una publicación de Instagram que posteriormente eliminó, escribiendo: “Me voy”.

Fuente The New York Times

Afrika Bambaataa, considerado uno de los principales pioneros del hip-hop, falleció el jueves en Pensilvania a causa de un cáncer de próstata, según informó su abogado. Tenía 68 años.

La repentina muerte de Bambaataa provocó una oleada de condolencias de amigos, familiares y fans de todo el mundo, quienes rindieron homenaje a su profundo e inconfundible impacto en uno de los géneros musicales más populares y políticamente influyentes del planeta. Sin embargo, otros han señalado que su influencia se vio empañada en los últimos años tras las acusaciones de abuso sexual presentadas por numerosos hombres que lo conocieron en su infancia.

El rapero y productor es conocido sobre todo por temas que lo catapultaron a la fama, como Planet Rock de 1982, y por fundar el colectivo artístico Universal Zulu Nation.

“El hip hop nunca volverá a ser lo mismo sin él, pero todo lo que es hoy en día se lo debemos a él. Su espíritu vive en cada ritmo, en cada improvisación y en cada rincón de este planeta que tocó”, escribió su agencia de representación, Naf Management Entertainment, en un comunicado enviado por correo electrónico el martes.

El lugar de nacimiento del hip hop

Bambaataa era Lance Taylor, nacido en 1957 en el sur del Bronx, y creció en una época en que el barrio neoyorquino se deterioraba rápidamente tras una creciente segregación y años de abandono económico. En las décadas de 1970 y 1980, los propietarios incendiaban edificios de apartamentos para cobrar las indemnizaciones de los seguros en lugar de invertir en reparaciones, dejando a familias de bajos ingresos, en su mayoría puertorriqueñas y negras, sin oportunidades socioeconómicas.

Bambaataa tenía ascendencia jamaicana y barbadense, y fue criado por su madre en un complejo de viviendas públicas de bajos ingresos, según una entrevista que concedió a Frank Broughton en 1998. Desde muy pequeño, tuvo contacto con la música gracias a la colección de discos de vinilo de su madre.

La habilidad para reutilizar y mezclar viejos éxitos se convirtió en uno de sus sellos distintivos en las fiestas que empezó a organizar en centros comunitarios del barrio a principios de la década de 1970, según declaró Bambaataa en la entrevista. Se inspiró profundamente en la obra de Kool Herc, a quien a menudo se considera el padre del hip-hop.

Las fiestas donde pinchaba música ganaron gran popularidad a lo largo de la década y hasta bien entrados los años 80, cuando lanzó una serie de temas electrónicos que contribuyeron a dar forma a los florecientes movimientos de hip-hop y electro-funk. También fue uno de los primeros DJs en utilizar breaks de ritmo, incorporando la icónica caja de ritmos Roland TR-808.

“Poníamos de todo, todo lo que era funky”, dijo. Luego añadió que lo que diferenciaba sus fiestas era que “otros DJs ponían sus mejores discos durante quince o veinte minutos. Nosotros los cambiábamos cada minuto o dos. No podía dejar que ningún breakbeat durara más de un minuto o dos”.

En aquel entonces, Bambaataa declaró en entrevistas anteriores que aprovechó su afiliación con la pandilla callejera local Black Spades para formar un grupo al que llamó Zulu Nation, en referencia a un grupo étnico sudafricano que le sirvió de inspiración. Su lema acabó siendo conocido como “paz, amor, unidad y diversión”, y afirmó que buscaba utilizar la creciente popularidad del hip-hop para resolver los conflictos entre pandillas locales.

Más tarde, Bambaataa cambió el nombre a Nación Zulú Universal para indicar la inclusión de “todas las personas del planeta Tierra”.

“En esencia, nuestra música hacía que la gente se sintiera parte de un movimiento, no solo de un momento. Nuestra música le ofrecía a Hope algo positivo en lo que creer, les daba identidad, unidad y una salida”, escribió Ellis Williams, un productor conocido como Mr. Biggs, en un correo electrónico a la AP. Mr. Biggs fue miembro del grupo Afrika Bambaataa y de Soulsonic Force, del que también formaba parte Bambaataa.

Acusado de abuso sexual

En los últimos años, numerosas personas han acusado a Bambaataa de abuso sexual.

En 2016, Ronald Savage, activista político del Bronx y ex ejecutivo de la industria musical, acusó a Bambaataa de haber abusado de él en 1980, cuando Savage era un adolescente.

“Tenía miedo, pero al mismo tiempo pensaba: ‘Este es Afrika Bambaataa’”, declaró Savage a la AP en 2016. En aquel entonces, recordó con detalle ese encuentro y otros cuatro que, según él, le siguieron.

Bambaataa ha negado rotundamente esas acusaciones.

Después de que Savage hiciera públicas sus denuncias, muchos otros hombres se presentaron para compartir experiencias similares sobre Bambaataa. En junio de 2016, la Nación Zulú Universal publicó una carta pública disculpándose con “los sobrevivientes de aparente abuso sexual por parte de Bambaataa” y afirmando que algunos miembros del grupo sabían del abuso pero “eligieron no revelarlo”.

“Pedimos disculpas más profundas y sinceras a las muchas personas que han resultado heridas”, escribió la organización.

Fuente: AP

El tigre en la casa. Una historia universal del gato, una obra publicada originalmente en 1920 por Carl Van Vechten, acaba de ser reeditada por el sello argentino Sigilo. Se trata de una exploración exhaustiva sobre la presencia del gato en la cultura occidental y oriental, un recorrido que abarca desde la veneración por los egipcios antiguos hasta su papel como “el tigre que come de la mano”, expresión utilizada en Japón para referirse al felino doméstico. Este ensayo, traducido por primera vez al español en 2018 por Andrea Palet y editado también por Sigilo, regresa con vigencia renovada al catálogo.

El libro ofrece un recorrido por la representación del gato en la literatura, la pintura, la música, la religión y la historia, estructurando un relato que va mucho más allá de la mera observación de sus costumbres o anécdotas domésticas. Esta amplitud temática transformó a El tigre en la casa, y lo distingue de otros textos dedicados a este animal ha acompañado en silencio a artistas, poetas, magos y también ha sido figura central en prácticas de la brujería.

Carl Van Vechten nació el 17 de junio de 1880 en Cedar Rapids, Iowa, perfilándose como un intelectual polifacético: escritor, fotógrafo y figura clave en el Renacimiento de Harlem, movimiento cultural afroamericano central en la Nueva York de la década de 1920. A lo largo de su carrera publicó más de media docena de novelas y, hacia el final de su vida, se dedicó a la fotografía, especializándose en retratar a algunos de los protagonistas más notables del panorama cultural neoyorquino. En su residencia de la calle 55 de Nueva York, organizó reuniones frecuentes en las que confluyeron artistas, escritores y celebridades del momento.

Definido como dandi y protagonista de los círculos culturales de su tiempo, el autor falleció en Nueva York a los 84 años. La biografía Carl Van Vechten and the Irreverent Decade, escrita por Bruce Kellner, condensa los detalles de una vida marcada por la transgresión y el cruce de fronteras culturales. A continuación, un fragmento de El tigre en la casa.

Contra el prejuicio popular

Cada vez que se toca el tema, y siendo moderado puede decirse que surge unas cuarenta veces al día, invariablemente alguien dice: «No, a mí no me gustan los gatos, me gustan los perros». La observación dicotómica equivalente, igual de popular, predominante y banal, sería algo como: «No, Dickens no me gusta, me gusta Thackeray». Tal como el escritor James Branch Cabell dejó asentado de una vez y para siempre, «al pensamiento filosófico esa afirmación le resulta tan sensata como rechazar una invitación a jugar al billar con el argumento de que uno es fanático del arenque». Sin embargo, ambas controversias siguen causando estragos, y pensadores despreocupados continúan imponiendo categorías a Dickens y al gato. Los amantes de los perros, si es que tiene sentido esa oposición (porque claramente es posible que te gusten ambos, gatos y perros, así como es posible leer con deleite La historia de Pendennis y Casa desolada), dicen del suave felino que es taimado y falso, ladrón y malagradecido, cruel y veleidoso, amigo de la casa y no del ser humano. De está opinión, desconsiderada y precipitada, ha derivado el peyorativo y metafórico adjetivo «gatuno» –catty, que en inglés significa malicioso–, que cuando se usa en su sentido más aceptado me parece especialmente aberrante, porque solo podría describirse como gatuna una criatura graciosa y elegante, digna y reservada, el epítome de la belleza, el encanto y el misterio del amor.

Los amantes de los gatos, por su lado, tan fervientes que en Francia se han ganado el apodo de félinophiles enragés, tampoco es que sean unos inocentes. Cariñoso, inteligente, fiel, seguro y confiable son algunos de los adjetivos que prodigan de forma indiscriminada a sus mininos adorados, y después de leerlos pareciera que los gatos pasan sus nueve vidas cuidando a los enfermos, rescatando niños de edificios en llamas y ayudando a las ancianas benefactoras a coser ropita para los desposeídos en África. El mismo gato podría haber resuelto el problema hace mucho tiempo, si la resolución de tales cuestiones fuera uno de los propósitos del gato en esta vida. No se puede esperar razonablemente que un pariente cercano del rey de la selva (a quien de cerca se asemeja mucho más, por cierto, que un chin a un terranova), un animal que ha sido un dios, el compañero de las brujas en el aquelarre, una bestia que es de la realeza en Siam, «el tigre que come de la mano», como se lo llama en Japón, el adorado de Mahoma, el rival de Laura para Petrarca, el amigo de los momentos ociosos de Richelieu, el favorito del poeta y del prelado, vea sino con desdén la estupidez de la humanidad en lo que a él se refiere. El gato, de hecho, no hace ningún intento de acercamiento.

Se concentra en su lugar junto a la chimenea, a menudo consiente en dar afecto a sus amigos humanos y es conocido por una noto ria afición por caballos, loros y tortugas, pero incluso en la más intensa de estas relaciones mantiene la debida independencia. Se queda donde le gusta estar, va adonde quiere ir. Entrega su afecto a quien le place y cuando quiere, y lo retiene ante quienes considera indignos de él. Con un gato uno se ve en una posición parecida a la que se tiene con un digno y buen amigo: si se pierde su respeto y confianza, la relación sufre. Conviene recordar que el gato sigue siendo amigo de los humanos porque le agrada serlo, y no porque deba. Ingenioso, valiente, inteligente (el cerebro de un gatito es mayor que el de un niño), en ningún sentido es dependiente, y puede volver al estado salvaje con menos reajuste de sus valores que cualquier otro animal doméstico. Por eso se le permite determinar su propio fin y propósito, ser el rector de su propia vida. «Me encanta en el gato –decía Chateaubriand al conde de Marcellus, quien lo registró en Chateaubriand et son temps (1859)– ese temperamento independiente y casi ingrato que le impide apegarse a cualquiera; la indiferencia con que pasa del salón al tejado. Cuando lo acaricias se estira y arquea el lomo, es cierto, pero lo hace por el placer físico y no, como el perro, por esa tonta satisfacción que siente en amar y serle fiel a un dueño que devuelve el cumplido a patadas. El gato vive solo, no necesita de la sociedad, no obedece excepto cuando él quiere, finge dormitar para ver más claramente y araña todo lo que puede. Buffon ha dado una falsa impresión del gato; yo estoy trabajando en su rehabilitación y con el tiempo espero hacer de él un animal medianamente bueno». Sin alguna guía como esta es imposible abordar la naturaleza del más interesante de los animales, pero con estos pocos hechos en mente debo insistir en una paradoja. El caso es el siguiente: cada gato difiere en tantas formas como sea posible de cualquier otro gato en particular. El observador imparcial lo habrá descubierto por sí mismo si se ha familiarizado con varios a la vez. Existen los gatos angélicos y los gatos demoníacos, pero el carácter de la mayoría se sitúa en algún punto entre estos intensos extremos en blanco y negro. Y algunos son tan excepcionales que carecen incluso de las características felinas más típicas. Sí puede decirse que son todos soberanos, y la mayoría apasionados (sus hábitos amorosos, inspirados por el deseo más impetuoso, suelen ser sumamente crueles) y místicos. La teoría de la secta estadounidense de los shakers de que las funciones del sexo «pertenecen a un estado de naturaleza y son inconsistentes con el estado de gracia» no la respalda el gato. Sobre este último punto existen pocos motivos para la duda. Los gatos manifiestan gnosis en un grado que solo se atribuye a algunos obispos, como intentaré mostrar en un capítulo posterior. En cuanto a su independencia, se trata solo de la aristocrática cualidad de ser natural. No fuerzan sus atenciones y no les importa recibirlas de los demás. Pero cuando un gato tiene hambre o quiere salir, o siente el llamado de la pasión, declara abiertamente sus sentimientos. «¿Por qué no? –se pregunta Kiki-la-Doucette, la gata de los Diálogos de animales de Colette–. ¿Por qué no? La gente lo hace». Son reminiscencias, herencias de la vida salvaje que no ha perdido y nunca perderá. Porque, tal como en su regio hermano el león, también en ellos dormita un fuerte instinto de raza que despierta cuando se lo llama. El gato sabe más que la Mona Lisa. La diversidad de carácter en los gatos se mide en cómo reaccionan a estos instintos, y esas diferencias se acentúan por trato y por crianza. Suena poco científico, pero entre los muchos rasgos que heredan los gatos hay evidencia sólida de que heredan también características adquiridas. Hay autores que han llegado a afirmar que una gata a la que se le ha cortado la cola podría parir gatitos sin ella. Muchos observadores han registrado las excentricidades y los atributos de este animal. Andrew Wynter, en Fruit Between the Leaves, habla de un gato suyo que seleccionaba papel secante para tumbarse. El Gran Gatito de Meredith Janvier contrajo tuberculosis por dormir sobre un radiador caliente. Clara Rossiter describe en el North British Advertiser de Edimburgo, en 1874, a una minina cuyo mayor entretenimiento era sacar todos los alfileres de una almohadilla, ponerlos en la mesa «y, cuando sacabael último, nos miraba a la cara con la expresión más graciosa del mundo, dejándonos muy claro que los quería de vuelta en la almohadilla. Sin importar cuántas veces volviéramos a pinchar los alfileres, ella volvía a quitarlos». Disfrutaba también devorando flores que sacaba de los floreros. El reverendo J. G. Wood nos habla de un gato que era tan aristocrático que «nada –ni siquierala leche cuando tenía hambre– lo inducía a asomar la cabeza por la cocina, o a entrar en la casa por la puerta de servicio». Wynter tenía un gato que un día se levantó de súbito y subió por el tubo de la chimenea, y eso que el fuego ardía en la rejilla. Un par de siglos antes habrían quemado en la hoguera al escritor por narrar este incidente. Este gato comía pepinillos, y le gustaba el coñac con agua. William Lauder Lindsay menciona un gato que tenía afición por la cerveza negra, y Jerome K. Jerome escribe en sus Novel Notes de una que bebió de la gotera de un barril de cerveza hasta intoxicarse. En una carta a Samuel Butler, fechada el 24 de diciembre de 1879, dice la señorita Savage: «Mi gato bebió demasiado vino dulce y ponche de ron. ¡Pobrecito! Pero tanto mejor para él, así aprenderá. El doctor Richardson dice que los animales inferiores rechazan las bebidas alcohólicas, y que los humanos deberían hacer lo mismo». Se suele creer que los gatos sienten una antipatía inheente por el agua y que en general son «catabaptistas», pero mi Ariel no era así; esta gatita persa anaranjada acostumbraba a saltar por voluntad propia dentro de mi matinal bañera caliente, y le gustaba sentarse en el lavatorio bajo el grifo abierto. Artault de Vevey tenía una gata, Isoline, que tomaba baños saltando a la tina llena. «Se supone que a los gatos les desagrada lo mojado –escribe Olive Thorne Miller–, pero yo he visto a dos de ellos mantener una entrevista bajo una lluvia constante, con toda la gravedad y deliberación con que se celebran estos asuntos». Sé han registrado innumerables ejemplos de gatos que nadan por cursos de agua para retornar a sus hogares, y St. George Mivart nos habla de una gata que se hundió en un arroyo correntoso y rescató a sus tres gatitos, que se ahogaban, cargándolos uno a uno hasta la orilla. En el Chamber’s Journal del 9 de octubre de 1880, un redactor recuerda a un alicaído gato negro que sé suicidó ¡ahogándose! Los gatos pescadores son un lugar común. Lane cita al Plymouth Journal contando de uno que acostumbraba a bucear en busca de peces; y Charles Henry Ross escribe sobre un tal señor Moody, cerca de Newcastle-upon-Tyne, que tenía uno que atrapaba pececitos, anguilas y sardinas de está manera. Igualmente, se sabe de un célebre fresco egipcio en el Museo Británico que representa a un gato que actúa como un

perro retriever; el noble gatito salta al Nilo desde un bote para buscar y traer de vuelta al pato sacrificado, incidente que G. A. Henty ha narrado en su cuento para niños The Cat of Bubastes Charles Henry Lane (1903), en Rabbits, Cats and Cavies. El gato se llamaba Puddles. «Solía salir a pescar conmigo todas las noches –relata el pescador–. En las noches frías se me sentaba en el regazo y asomaba la cabeza de vez en cuando, o bien yo lo envolvía en una lona y hacía que se quedara quieto. Seme tumbaba encima mientras yo dormía, y si alguien se acercaba echaba una maldición y los enfrentaba; nunca tocaba un pescado, ni siquiera la más diminuta víscera, si no se lo dabas. Me veía obligado a llevarlo a pescar o de lo contrario se paraba y aullaba y maullaba hasta que yo volvía. Lo subía al queche y lo dejaba dentro del bote; entonces se ponía contento. Cuando hacía buen tiempo solía asaltar la proa y sentarse a observar los tollos, que pasaban por miles, y se zambullía y los sacaba sujetándolos firmes entre los dientes como si fueran ratas, y no temblaba con el frío ni la mitad de lo que lo hacía un perro terranova acostumbrado al mal clima. Tenía un aspecto horriblemente salvaje cuando salía del agua con un tollo. Yo mismo le enseñé a entrar en el agua. Un día, cuando era cría, lo llevé hasta el mar para lavarlo y sacarle las pulgas, y en una semana podía nadar tras una pluma o un corcho». Al gato negro, que lo tiene en mente, el gato chinchilla le da el siguiente consejo en las Novel Notes de Jerome: «Trata de mojarte un poco. Por qué la gente prefiere un gato mojado a uno seco nunca he sido capaz de entenderlo, pero es un hecho que a un gato mojado se le dará cobijo y se le hablará efusivamente, mientras que a un gato seco puede que le apunten la manguera del jardín. Además, si puedes manejarlo y te lo ofrecen, come un pedazo de pan seco. La raza humana siempre se conmueve hasta lo más

hondo ante la visión de un gato que come un mendrugo». Ciertos gatos hoy en día encuentran natural esta tarea de rescate. Mi Ariel corría tras un ratoncito de hierba gatera y me lo traía todas las veces que yo lo arrojaba. «Durante la visita a un amigo en la Patagonia –registra W. H. Hudson en Diario de un naturalista – quedé atónito un día que salimos con un arma para cazar un poco, seguidos por los perros y un gato negro que los acompañaba, y al disparar mi primer tiro lo vi salir volando antes que los perros para recuperar el pájaro y traérmelo». Hay quienes observan que los gatos son siempre amables y educados, que comen con delicadeza y nunca con avidez, pero yo he visto felinos de buenas maneras que pueden engullir su comida y gruñir sobre ella con tanta glotonería y falta de educación como cualquier perro. En la mera cuestión de la selección de su cena varían tanto como las personas. Existen gatos imperiosos, altivos, aristocráticos, que insisten en ser alimentados en platos esotéricos, en determinados lugares y por ciertas personas. Otros se parecen al gatito rojo de Lafcadio Hearn en «The Little Red Kitten», que «comía bifes y cucarachas, orugas y pescados, pollo y mariposas, libélulas y cordero asado, estofado y bichos bolita, escarabajos y pernil de cerdo, cangrejos y arañas, polillas y huevos escalfados, ostras y lombrices de tierra, jamón y ratones, ratas y arroz con leche, hasta que su vientre sé convirtió en una representación del Arca de Noé». Los gatos son extremadamente nerviosos y como regla general no son confiables en los trenes, pues el menor ruido o movimiento es probable que los aterrorice, y los objetos en rápido movimiento les inspira un temor agudo. Sin embargo, Abélard, el persa atigrado de Avery Hopwood, da paseos motorizados con él, sentándose como un experto en el asiento delantero sin correa. Si el auto se detiene, salta y camina alrededor, listo para volver a su lugar cuando su dueño se pone en marcha. Theodore Hammeker, un piloto en el frente galo y en Palestina durante la Primera Guerra, volaba con Brutus, su gato negro. El R-34, el primer dirigible en cruzar el Atlántico desde Inglaterra hacia Estados Unidos, cargaba a Jazz, un gato atigrado, como único pasajero animal. Y yo estoy familiarizado con un gato persa de color plata y alteraciones digestivas que incluso va al cine en el hombro de su dueña.

Nuevamente, la creencia popular supone que los gatos prefieren los lugares a las personas, y existen literalmente miles de casos de ejemplares que han vencido toda clase de obstáculos físicos con tal de volver a las casas de las que se les había expulsado. Pero sería igual de fácil e interminable hacer la lista de los gatos que se mudan con sus familias más o menos una vez por año; y se podría hacer otra lista con los que se trasladan por decisión propia, a menudo desde hogares donde los tratan con todo respeto y en los que están rodeados de lujos y comodidades. A aquellos que sienten que un receptor de tantas atenciones debería estar agradecido, sin importar si su forma es humana o animal, esta extraña conducta les parecerá inexplicable, pero estoy seguro de que mis lectores entenderán que es posible desear algo distinto de una vida rodeada de lujos y comodidades. Incluso de vez en cuando es posible encontrar gente dispuesta a abandonar sus cómodos aposentos a cambio de los placeres de la aventura. «El viaje de los deseos alados del gato / libre de ataduras, allende el tiempo y el espacio», cavila Hiddigeigei, el gato macho del poema de Joseph Viktor von Scheffel; y los michos con anhelos en el alma invariablemente satisfacen estos deseos, hasta donde pueden hacerlo. Se ha sabido de gatitos persas criados entre algodones que han abandonado las sedas y los satines de las salas de estar en pos de la libertad de los tejados y la compañía de felinos sumamente lenguaraces, maleducados y de pelo corto. Luego el adulterio abunda. Otros gatos han dejado atrás lujosas mansiones para llevar una existencia más interesante en una verdulería, donde la caza es mejor y hay menos humanos persiguiéndolos para darles cariño. Lo contrario también pasa a menudo –dejan las pellejerías de la calle para iniciar una vida de lujos–, pero por lo general yo diría que los gatos moldean sus vidas más como May Yohe que como Cenicienta. Por lo demás, es indudable que existen gatos contumaces, así como existen personas contumaces, que insisten en vivir en un lugar determinado; como mostraré más adelante, tienen por instinto una buena motivación para hacerlo. Algunas gatas son madres fervientes y afectuosas, y cuidan con esmero de sus retoños previniendo el peligro, bañándolos, alimentándolos y enseñándoles a jugar. La gata de la Alicia de Lewis Carroll, Diana, cuyo método para lavar a sus crías consiste en sostener por las orejas a los pobrecillos en el aire y con la otra pata frotarles la cara por todas partes, es una excelente madre. Algunas tienen un instinto maternal tan fuerte que si les arrebatan las crías pueden amamantar a recién nacidos, lebratos y hasta ratas. Pero hay otras que rechazan e incluso matan a su camada. Una imperturbable joven reina, seguramente después de leer La belleza inútil de Maupassant, ahogó a sus gatitos en un barril colector de lluvia; otra, que se rehusaba a amamantar o siquiera a acercarse a sus crías, tras ser encerrada con ellas en un cobertizo acabó con sus cortas vidas aplastándolas con sus fuertes patas traseras. Luego, cuando la liberaron, salió ronroneando, evidentemente aliviada y en un estado de gran contento. La higiene en el mundo gatuno suele considerarse una virtud suprema. El gato dedica más tiempo a la limpieza que las jóvenes debutantes a cambiarse de vestido, y su atención a la hidráulica gulliveriana y otras demandas de la naturaleza puede llegar a ser hasta demasiado escrupulosa.

Melchor Peredo, nacido en 1927 en la Ciudad de México, fue uno de los exponentes destacados del muralismo mexicano surgido tras la Revolución de 1910.

Influenciado por la época muralista, integró en sus obras la denuncia social, la sátira y la representación de las condiciones de explotación de los trabajadores. Referentes como David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Diego Rivera marcaron su formación artística, y su obra, exhibida en edificios públicos, evidenció la continuidad del legado de estos maestros.

El muralismo, impulsado por figuras como José Vasconcelos y Álvaro Obregón, buscó desde sus orígenes un arte monumental, educativo y social, promoviendo la recuperación de técnicas tradicionales y consolidando su influencia internacional.

Identidad, memoria y compromiso social en la obra de Peredo

Los murales de Melchor Peredo narran la historia de México, exaltando la lucha de indígenas, campesinos y obreros, y recuperando motivos de culturas originarias. A través de su obra, denunció la marginación y el deterioro de los murales, reflejo del desinterés institucional por el patrimonio cultural.

En Veracruz, donde se desempeñó como docente, promovió la transmisión de conocimientos técnicos y sociales a nuevas generaciones.

Su libro Los muros tienen la palabra, que reúne artículos publicados en el Diario de Xalapa, explora la historia, técnicas y protagonistas del muralismo, analizando su vínculo con el compromiso político y social, así como los retos y dilemas del movimiento.

Defensa del arte público y crítica al mercado globalizado

Peredo subrayó el compromiso político e internacionalista del muralismo, documentando la represión sufrida por los artistas y la influencia del movimiento más allá de México.

Criticó la especulación del mercado del arte contemporáneo y la marginación de los valores sociales, señalando el desplazamiento de los artistas comprometidos por la mercantilización y la superficialidad del arte globalizado. S

us relatos incluyen retratos de artistas, restauradores y comunidades indígenas, así como historias de resistencia popular y espacios alternativos de formación artística.

Innovación técnica y reinterpretación histórica

Reconocido por su maestría en la pintura al fresco, Peredo empleó cañas de bambú de gran tamaño y andamios para realizar sus murales.

En 2018 creó seis murales portátiles sobre la llegada de los españoles a América, donde reinterpretó a figuras históricas como Hernán Cortés, La Malinche y Moctezuma, alejándose de los estereotipos tradicionales y reivindicando la figura de la mujer indígena.

Su legado comprende al menos 25 murales, incluyendo seis en la Universidad de París XII y paneles en instituciones de Estados Unidos.

Últimos años y vigencia del muralismo

A los 99 años, Melchor Peredo falleció en Xalapa, Veracruz, ciudad donde residía.

Su pareja, Lourdes Hernández Quiñones, anunció su muerte y lo despidió destacando su vocación muralista. Peredo, considerado uno de los últimos íconos del muralismo mexicano, defendió hasta el final la vigencia del movimiento.

Ante la pregunta sobre la posible extinción del muralismo, respondió: “Mientras no esté muerto yo, no está muerto el muralismo”.

La modesta casa adosada del número 4 de Plaistow Grove, en Bromley, al sureste de Londres, parece banal, pero David Bowie pasó allí su adolescencia y el edificio pronto recuperará su aspecto de los años 1960 para recibir visitas de los fans del cantante.

El legendario músico británico, que nació en 1947 en el barrio londinense de Brixton y falleció en 2016 en Nueva York a los 69 años de edad, vivió en Bromley con su familia entre 1955 y 1968, poco antes del lanzamiento de su primer éxito, Space Oddity.

Esta construcción de los suburbios de la capital británica fue adquirida por la organización patrimonial Heritage of London, que pretende devolverle el aspecto que tenía en 1963, tal como se ha hecho con las casas donde crecieron John Lennon y Paul McCartney en Liverpool.

Las obras se realizarán bajo la dirección de Geoff Marsh, especialista en David Bowie, y según las previsiones la casa se abrirá al público a finales de 2027.

Junto a la puerta gris de la casa, construida para alojar a trabajadores ferroviarios a finales del siglo XIX, una placa azul indica que Bowie residió allí.

“Todo comenzó en este edificio, donde un simple escolar se transformó en un joven decidido a convertirse en una superestrella”, señala Marsh.

David Bowie vivía en esta casa con sus padres y su medio hermano, Terry, que era mayor que él.

Terry tuvo gran influencia creativa en David. Le hizo descubrir el jazz moderno, la literatura de la Generación Beat y el budismo.

Pero a Terry le diagnosticaron esquizofrenia en 1966, lo que lo obligó a entrar y salir repetidamente de hospitales psiquiátricos.

Según los biógrafos de David Bowie, su madre, Peggy Jones, era emocionalmente distante, y su relación estuvo marcada por periodos de alejamiento.

La mujer decidió abandonar la casa en 1970, un año después de la muerte del padre de David, Haywood, con solo 56 años, debido a una neumonía.

Para devolver la casa a su estado original se deberá eliminar la calefacción central, la ampliación de la cocina-comedor, el baño en la planta superior y el invernadero.

Después se reinstalarán una estufa de carbón, un baño exterior, una diminuta cocina y el garaje que se encontraba al fondo del jardín.

Vía de escape

La casa se encuentra muy cerca de la estación de tren Sundridge Park, que permitía al joven David Robert Jones (verdadero nombre de Bowie), “escapar de una vida suburbana que consideraba muy monótona y desplazarse rápidamente a los clubes de música del West End o de Soho”, en Londres, según Marsh.

Pese a su corta edad, “David claramente pensó que esa vida no era para él y que quería triunfar. Y la música fue su puerta de salida”, señala Marsh, comisario en 2013 de una exposición sobre el artista en el museo V&A de Londres.

El punto culminante de la visita será la habitación del cantante, donde tenía su tocadiscos, su magnetófono y un saxofón que le regaló su padre.

David Bowie escribió allí sus primeras canciones, que no tuvieron éxito hasta Space Oddity.

Más tarde, Bowie describiría esta habitación como el refugio al que acudía para escapar de sus padres y soñar, un lugar del que también diría que lo perseguiría toda su vida.

“De alguna manera pasó su vida huyendo de ese lugar”, afirma Marsh.

Para Nicola Stacey, directora de Heritage of London, “nada será más impactante” para los fans que estar en esa habitación.

En la pieza había una fotografía de Little Richard, leyenda del rock, que David Bowie había colgado cuando tenía diez años.

Varios amigos de Bowie en aquella época recuerdan una casa y una atmósfera “bastante austeras”, según Stacey.

“Subían a la habitación de David, ponían música y admiraban todos esos objetos estadounidenses que le apasionaban, con la sensación de nuevos horizontes posibles”, relata Stacey.

Varias personas del barrio también recuerdan haber visto al adolescente “lucir atuendos increíbles”, formados por prendas compradas en comercios de moda o de segunda mano de Londres.

Aquellos vecinos sabían que no era como los demás y sentían, según Stacey, que “iba a convertirse en alguien increíble”.

Fuente: AFP

La escritora argentina Samanta Schweblin, ganadora del millón de euros del Premio Aena de Narrativa Hispanoamericana, ha confesado a los periodistas tras recibir el galardón que “no sabe” qué hacer con tanto dinero y que, de hecho, su “sueño”, toda la vida, ha sido “tener un sueldo todos los meses”.

Schweblin (Buenos Aires, 1978) ha sido elegida de entre una terna en la que también estaban Nona Fernández, Enrique Vila-Matas, Héctor Abad Faciolince y Marco Giralt Torrente gracias al libro de cuentos El buen mal (Seix Barral), cuyos personajes coinciden en estar atravesados por una gran vulnerabilidad en momentos de cambio y transformación.

“No sé contar cuánto es un millón, es un número tan grande que me pierdo No sé cuántos ceros tiene. Es algo muy raro. No sé qué hacer con ello. En mi imaginario siempre, desde que dejé casa de mis padres, lo que toda la vida quise tener es un sueldo todo los meses. Este número lo asocio un poco con esa idea fantasiosa del sueldo para siempre”, ha contado.

La también autora de Pájaros en la boca, ha querido aprovechar la visibilidad para denunciar la penosa situación financiera de la universidad pública de Buenos Aires, en cuyas aulas aprendió todo lo que sabe sobre literatura, ha explicado.

“Mi universidad es muy prestigiosa y he tenido unos maestros increíbles, pero hoy está desfinanciada. Fue un orgullo nacional muchos años pero la estamos perdiendo y es muy doloroso”, ha dicho.

Un libro “fantasioso”

Preguntada sobre qué se encontraran en sus páginas los lectores, la escritora argentina ha dicho que se trata de un libro “fantasioso” que trata de las “fuerzas” que nos “comandan”, sobre “momentos de cambio en los que darse cuenta de qué es importante”.

Schweblin, que ganó el Booker Internacional en 2017, ha dicho querer leer en el premio “un guiño” al género del cuento, con menos galardones que las novelas en los premios de literatura.

La bonarense ha rememorado su “enamoramiento” con el cuento “allá por el verano de los once años” cuando leyó y releyó tres antologías de Franz Kafka, Ray Bradbury y Julio Cortázar.

“Ese verano se fundó en mi algo, fue como mi fundación literaria emocional”, ha asegurado la escritora.

Afincada en Alemania, Schweblin ha reconocido que los responsables del premio tardaron más de un día en dar con ella para comunicarle que era finalista del premio porque “nunca” coge el teléfono de casa dado que su alemán “aún no es tan bueno”.

Rosa Montero leyó el fallo

La gala, en el Museu Marítim de Barcelona, presentada por Martina Klein y Josep Cuní, ha contado con invitados del mundo de la cultura como Arturo Pérez-Reverte, Carme Riera, Rosa María Calaf o Najat El Hachmi.

Han conformado el jurado de estos primeros premios los españoles Rosa Montero, Pilar Adón, Luis Alberto de Cuenca y José Carlos Llop; los argentinos Jorge Fernández Díaz y Leila Guerriero, y el mexicano Élmer Mendoza. El grupo ha conseguido mantener en secreto hasta el final el nombre del ganador, que no habrían decidido hasta pocos minutos antes de la gala.

En la lectura del fallo, Montero ha destacado la capacidad de la autora de “plasmar nuevos mundos” y transitar “la frontera entre lo posible y lo imposible” con una escritura “de belleza inquietante”.

El Premio Aena de Narrativa Hispanoamericana, recordaron los organizadores, nace con vocación internacional y se dirige a la comunidad hispanohablante de más de 630 millones de personas. El galardón, con la misma dotación del premio Planeta, es sin embargo a obra publicada y emula en lengua española a otros galardones internacionales como el Booket o el Gouncourt.

Además, cuenta con la colaboración de la Fundación Gabo y la Cátedra Vargas Llosa, con el fin de promover la lectura y la escritura en los países donde ambas instituciones desarrollan su actividad.

Fuente: EFE

En su regreso a la literatura con El último secreto, Dan Brown, reconocido mundialmente por sus thrillers que combinan historia, arte, códigos secretos y sociedades ocultas, inicia una nueva etapa junto a su emblemático personaje, el profesor de simbología Robert Langdon, protagonista también de su obra más célebre, El código Da Vinci.

En una entrevista exclusiva con la revista Esquire, el autor estadounidense compartió de qué modo sus recientes vivencias modificaron su enfoque narrativo y el rumbo de la saga.

Luego de 8 años sin publicar, Brown abordó este reencuentro con la escritura describiendo un proceso donde el duelo por la muerte de su madre, el renovado amor en su vida y una introspección creativa guiaron la gestación de su última obra literaria.

En ese contexto, el autor vinculó el origen del libro con su interés por la consciencia y la muerte, incorporando además una dimensión emocional centrada en el amor, elementos que redefinen el universo del personaje de Robert Langdon.

En relación con la literatura española, afirmó que escribió un ensayo universitario sobre Cervantes, el escritor español, y García Lorca, el poeta español. No obstante, matizó: “No leo ficción. Puede parecer paradójico porque yo escribo ficción, pero todo lo que leo son libros de no ficción para aprender sobre ello”.

Amor, pérdida y consciencia en El último secreto

El último secreto introduce una perspectiva emocional inédita en la obra de Brown: el amor emerge como eje temático y vital. “Una de las razones por las que Robert Langdon está enamorado es que el arte imita la vida. He conocido a alguien, estoy comprometido con una mujer maravillosa”, confesó, aludiendo a Judith Pietersen.

“Para un novelista existen muchos motores: miedo, dinero, orgullo, pero cuando te mueve el amor, es el mayor motor de la vida, tienes muchísimo por lo que vivir y muchísimo que perder”, reflexionó el autor de 61 años.

La pérdida de su madre, ocurrida poco después de iniciar la novela, produjo un impacto profundo en la reflexión del autor en torno a la vida y la muerte. “Cuando pierdes a un ser tan querido, se acentúa la necesidad o se expande la intuición de que somos algo más que un revoltijo de conexiones cerebrales encerradas en un cuerpo efímero”, expresó Brown.

Considera que la consciencia podría existir más allá del cuerpo físico: “La consciencia no es como la imaginamos. No es local, nuestro cerebro no crea la consciencia, sino que la recibe. Si la consciencia de tu madre es como una señal de radio… puede ser que la radio haya desaparecido, pero la señal sigue llegando”.

De acuerdo con sus investigaciones para la novela, señaló avances científicos que exploran la supervivencia de la consciencia tras la muerte corporal. “La ciencia apunta hacia una consciencia no local y hacia el hecho de que, de alguna manera, nuestra consciencia sobrevive a la muerte del cuerpo”, explicó.

El novelista observó que el temor a la muerte impulsa conductas negativas, y destacó que quienes vivieron experiencias cercanas a la muerte suelen transformarse: “Estas personas cambian sus vidas. Se vuelven menos materialistas, más espirituales y amables”.

Tecnología y búsqueda de sentido en la sociedad actual

Brown advirtió sobre la aceleración tecnológica y la brecha respecto a la madurez y filosofía humanas. “Todo tiene que ver con la tecnología, que cada vez es más poderosa. Ese crecimiento es exponencial, mucho más rápido que el de nuestra filosofía o madurez”, reflexionó.

Aunque reconoció los riesgos, ve en la innovación el potencial para resolver los mayores desafíos globales: “La tecnología es también lo que nos salvará como especie, lo que resolverá los grandes problemas de superpoblación, contaminación o cambio climático. Lo resolveremos porque tenemos que hacerlo”, señaló en diálogo con Esquire.

Al concluir la reflexión sobre su novela, describió una etapa de calma creativa en la que, según compartió en la entrevista, surgen nuevas ideas para sus futuras historias y regresa el impulso por abordar los grandes interrogantes de la existencia humana.

Mis rincones oscuros (1996) no es una novela de ficción, sino una autobiografía de investigación y una de las obras más crudas de James Ellroy. En este libro, el autor deja de lado sus tramas policiales imaginarias para enfrentar el crimen que marcó su vida: el asesinato de su propia madre.

En 1958, cuando Ellroy tenía 10 años, su madre, Geneva Hilliker Ellroy, fue violada y estrangulada en El Monte, California. El cadáver fue hallado en una cuneta y el asesino nunca fue capturado. Casi 40 años después, ya como un escritor famoso, Ellroy decidió reabrir el caso. Para ello, contrató a Bill Stoner, un detective retirado de homicidios del condado de Los Ángeles, y juntos pasaron 15 meses revisando expedientes y buscando testigos olvidados.

Más allá de buscar al culpable, el libro es un intento de Ellroy por conocer a la mujer que fue su madre, a quien él mismo admite haber despreciado durante su infancia debido a la influencia de su padre. Es un libro donde el autor no se guarda nada sobre su propio pasado oscuro. Narra su caída en el alcoholismo, el consumo de drogas, sus arrestos por robos menores y su etapa como “mirón” y vagabundo antes de convertirse en escritor.

Allí escribe: “Los hombres mataban porque estaban borrachos, colocados y furiosos. Mataban por dinero. Mataban porque otros hombres hacían que se sintiesen mariquitas. Los hombres mataban para impresionar a otros hombres. Mataban para poder hablar de ello. Mataban porque eran débiles y perezosos”.

Y de ahí avanza: ¿por qué los hombres matan a las mujeres? Dice Ellroy: “Los hombres mataban a las mujeres por capitulación. La muy puta no les dejaba hacer lo que les venía en gana o no les daba su dinero. La muy puta cocía excesivamente el bistec. A la muy puta le daba un ataque cuando ellos cambiaban sus cupones de comida por droga. A la muy puta no le gustaba que sobara a su hija de doce años".

Hace unos años, en una entrevista con Patricia Kolesnicov en el diario argentino Clarín, reafirmó esta idea: “Los hombres siguen asesinando mujeres. Los chicos crecen consumidos por esa obsesión por saber. Ese porqué específico: ¿Por qué murió mi madre? ¿Por qué ese hombre en esa específica noche tuvo que hacer lo que hizo? En ese sentido el libro es eterno".

El enfoque de la violencia, sostiene el autor, trasciende las explicaciones individuales. Ellroy enfatiza, como muchas corrientes feministas, que no cree en causas singulares sino en comportamientos colectivos.

“Por supuesto que nunca encontramos al asesino ni lo vamos a encontrar. En esta vida no, en la otra veremos”, admite el escritor durante la entrevista. Sin embargo, en el final de Mis rincones oscuros, Ellroy formula un juramento en memoria de su madre: “No permitiré que esto termine. No volveré a traicionarla ni a abandonarla.”

Quién es James Ellroy

James Ellroy es uno de los escritores más potentes y singulares de la novela negra contemporánea. Se lo conoce como “el perro rabioso de la literatura estadounidense”. Su estilo es inconfundible: frases cortas, secas, casi telegráficas, y una visión obsesiva con el L.A. oscuro de mediados del siglo XX, la corrupción policial y los bajos fondos de la política.

Entre sus libros esenciales, hay dos grandes sagas. Por un lado, El Cuarteto de Los Ángeles, su obra cumbre, donde mezcla crímenes reales con ficción en la California de los años 40 y 50. Aquí están La Dalia Negra (1987), El gran desierto (1988), L.A. Confidential (1990) y White Jazz (1992).

Además, la Trilogía Americana (Underworld USA), que deja de lado el crimen local para contar la historia secreta de Estados Unidos entre 1958 y 1972, vinculando a la mafia, el FBI de Hoover y los Kennedy. Sus libros son América (1995), Seis de los grandes (2001) y Sangre vagabunda (2009).

Cuatro piezas arqueológicas mesoamericanas de propiedad de México se incluyen en una subasta programada por la casa Accademia Fine Art en Monte-Carlo, Mónaco, el próximo 16 de abril.

La Secretaría de Cultura exige detener la venta y solicita la restitución de las piezas al Estado mexicano.

Secretaria de Cultura llama a que no se realice la subasta y que se sustituyan las piezas

Claudia Curiel de Icaza, titular de la Secretaría de Cultura, confirmó que el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) dictaminó que estos objetos son bienes inalienables e imprescriptibles, protegidos por la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos. Su exportación está prohibida desde 1827, y se consideran extraídos ilegalmente del país.

La dependencia federal informó que se han iniciado procedimientos jurisdiccionales ante las autoridades pertinentes, con el objetivo de repatriar las piezas mediante canales diplomáticos y legales. El Gobierno de México sostiene que la comercialización de bienes culturales expoliados afecta la memoria de los pueblos originarios y constituye un acto de despojo cultural.

En mensajes públicos publicados este 8 de abril, Curiel de Icaza reiteró el llamado a la Accademia Fine Art para suspender la venta y reflexionar sobre la ética y la legalidad en la comercialización de patrimonio cultural. Además, invitó a la casa de subastas a sumarse a la salvaguarda del patrimonio, no solo de México, sino de la humanidad.

México consigue repatriar 160 piezas históricas

México logra la repatriación de 160 piezas patrimoniales, incluidas 157 de valor arqueológico y tres objetos históricos, que regresan al país desde Estados Unidos, Canadá, Francia y Argentina tras diversos procesos de restitución y cooperación internacional.

De acuerdo con información difundida el pasado 6 de abril por la Secretaría de Cultura, el retorno de estos bienes se inscribe en el esfuerzo sostenido del Gobierno mexicano por combatir el tráfico ilícito de patrimonio y recuperar objetos que forman parte de la identidad nacional, una estrategia que desde 2018 ha permitido la reincorporación de unas 16 mil 500 piezas culturales al acervo del país, según los datos de la propia autoridad consignados por la agencia EFE.

Las 157 piezas arqueológicas y los tres bienes históricos recuperados tienen orígenes diversos. Según la Secretaría de Cultura, estos objetos corresponden a áreas como el Altiplano Central, Occidente, Bajío y la zona maya. Su datación abarca más de dos milenios de historia, desde el periodo Preclásico mesoamericano (2.500 a.C.-200 d.C.) hasta la época virreinal.

Entre los bienes históricos, la dependencia precisó que destacan dos puertas de madera barrocas del siglo XVIII, labradas con escenas religiosas, aseguradas en Atlanta y probablemente originarias del Altiplano Central o del Bajío.

Además, se recuperó el libro “Manual Summa de las Ceremonias de la Provincia del Santo Evangelio de México según el orden del Capítulo General de Roma”, impreso en 1703 y decomisado por la Policía Federal de Argentina.

Respecto al proceso de restitución, el consultor jurídico de la Secretaría de Relaciones Exteriores, Pablo Arrocha Olabuenaga, explicó que la mayoría de estos bienes regresan a territorio mexicano gracias a la entrega voluntaria de particulares. Sin embargo, también hay casos en los que se logró la recuperación a través de la cooperación con autoridades judiciales extranjeras.

La escritora argentina Samanta Schweblin fue distinguida con el Premio AENA de Narrativa Hispanoamericana, uno de los galardones literarios más importantes del ámbito hispano, que otorga un millón de euros al autor del mejor libro publicado en 2025. La autora fue seleccionada por su libro de relatos El buen mal, publicado por Seix Barral y escrito durante los años 2021 y 2024.

La ceremonia de premiación se realizó en Barcelona, con la presencia de referentes del mundo de las letras y representantes de AENA. El jurado, presidido por Rosa Montero e integrado por figuras como Leila Guerriero, Jorge Fernández Díaz, Elmer Mendoza, Pilar Adón, Luis Alberto de Cuenca y Maurici Lucena, destacó la originalidad y la potencia narrativa del libro de Schweblin.

“Siempre me sentí un bicho raro y traté de entender qué les pasaba a otros obsesionados con pertenecer a la mayor de las ficciones que tenemos, que es la idea de la normalidad”, dijo hace un tiempo atrás. De esa forma se refleja muy bien su mirada literaria tan aguda y extrañada, tan enigmática y ominosa. La autora superó a Héctor Abad Faciolince, Nona Fernández, Marcos Giralt Torrente y Enrique Vila-Matas, quienes recibirán 30 mil euros cada uno como finalistas.

El buen mal reúne seis relatos que abordan cuestiones como la maternidad, el miedo, la culpa y la vigilancia social. En estos textos la autora explora universos inquietantes y propone mirar con atención las grietas de la realidad. El jurado consideró que el libro se destaca por “la intensidad de su mirada sobre el malestar contemporáneo y la capacidad de generar alarma e introspección en el lector”.

“Es todo tan acelerado que una injusticia enciende la rabia y nos despabila. Estos cuentos van al corazón de este estado de alarma”, le dijo el año pasado, desde Alemania, a Infobae.

Samanta Schweblin nació en 1978 y llamó la atención desde que apareció en las letras argentinas, en 20022, con los cuentos de El núcleo del disturbio, que ganó el Premio del Fondo Nacional de las Artes.

En 2009 llegó otro libro de cuentos notable: Pájaros en la boca. Pero su consagración se dio con la novela Distancia de rescate, donde Samanta Schweblin construye una de las apuestas más singulares de la literatura argentina reciente: una historia breve pero asfixiante, que plantea el concepto del título: a qué distancia hay que estar para llegar siempre a rescatar a un hijo. Con un ritmo sostenido en la tensión y una economía de recursos notable, la autora logra instalar una inquietud que crece en cada página, transformando un paisaje rural en escenario de peligro latente. Lejos de cualquier golpe efectista, la novela se apoya en lo insinuado y en lo no dicho, y allí radica su potencia: en la capacidad de convertir lo íntimo en algo profundamente perturbador.

Schweblin reside en Berlín hace más de una década, donde también se desempeña como docente de escritura creativa. Su obra ha sido traducida a más de veinte idiomas y obtuvo reconocimientos internacionales, entre ellos el National Book Award en Estados Unidos y dos nominaciones al Premio Booker Internacional. “El cuento es el género literario que más me exige y al que más me dedico”, le dijo a Infobae Cultura.

El Premio AENA —que pertenece a la empresa pública española y primera operadora aeroportuaria— representa un hito en la carrera de Samanta Schweblin, quien se consolida como una de las voces más potentes de la literatura en español. La entrega del galardón, seguida de cerca por la comunidad literaria, refuerza el protagonismo de la narrativa argentina en el panorama internacional.

El premio del millón de euros. Así se lo conoce al Premio AENA de Narrativa Hispanoamericana, que distingue al mejor libro publicado en 2025, porque tiene una dotación de, efectivamente, un millón de euros. ¿Es mucho? Esa pregunta viene rondando hace días entre columnistas, influencers literarios y escritores.

Compiten por él Nona Fernández, Enrique Vila-Matas, Samanta Schweblin, Marcos Giralt Torrente y Héctor Abad Faciolince. El jurado, presidido por Rosa Montero, está conformado por Leila Guerriero, Jorge Fernández Díaz, Elmer Mendoza, Pilar Adón, Luis Alberto de Cuenca, y el presidente de AENA, Maurici Lucena.

El galardón pertenece a la empresa pública y primera operadora aeroportuaria, que depende de Transportes y Movilidad Sostenible. Ese es el elemento central del cual se toman los que cuestionan la abultada cifra. “Los premios privados tienen como objetivo promocionar un libro y una editorial y recuperar lo invertido. De lo que estoy en contra es del uso de dinero público de forma tan… obscena", escribió Carmen Domingo en una columna de opinión publicada en el diario español El País.

Por su parte, y en el mismo medio, el escritor español Sergio del Molino sostuvo que “en el moralista mundo cultural molesta que un agente externo rompa el ambiente de pobretería en el que hemos de vivir los escritores si aspiramos a la pureza literaria”.

“La crítica al premio se argumenta de mil maneras, pero todas operan sobre un fondo social de desprecio a la cultura tan generalizado, que afecta al mismo mundo literario, donde abundan los franciscanos que reclaman un voto de pobreza. Asquea tanto el dinero en la literatura, que son legión los que trabajan gratis”, agregó.

“Que la cuantía del galardón sea tan grande indica, obviamente, que lo que importa es la literatura y no el dinero”, escribió Daniel Gascón en El Periódico.

El premio mejor pago está en Emiratos Árabes Unidos, se llama 1 Million’s Poet, es un concurso de poesía televisado y otorga aproximadamente 1.3 millones de dólares. Le siguen el Premio Nobel de Literatura y el Premio Planeta de Novela de España, ambos con un millón de euros.

Luego el Premio Memorial Astrid Lindgren enfocado en literatura infantil y juvenil que entrega unos 435.000 euros, el Premio Internacional Ibsen para dramaturgos que otorga aproximadamente 215.000 euros y el Cervantes con 125.000 euros. Después está el terreno de la especulación: el Premio Goncourt de Francia, que garantiza ventas millonarias al ganador, entrega un cheque simbólico de solo 10 euros.

En la ex Twitter y actual X el asuntó siguió. El autor Jorge Corrales comparó el campo literario con el audiovisual (donde “no es que sea una desdicha en cuanto a la precariedad, pero la gente comenta cuanto gana”) y agregó una cruda verdad: “Yo puedo ganar más dinero por hacer un vídeo en redes que por escribir una novela. Pero, para desgracia de mi cuenta corriente, a mí lo que me gusta es escribir”.

“Por eso, cuando anunciaron el premio AENA, me alegré porque existe la posibilidad de que algún escritor puede salir de pobre y dedicarse solo a escribir. Me encantaría que el dinero viniera de un filántropo o mejor, de que al Ministerio de Cultura le sobrase el dinero, pero aún así…“, agregó.

Ese guante lo recogió Martín Caparrós. “Es cierto: muchos escritores consideramos vulgar hablar de dinero. En una época me daba risita; ahora, en este mundo donde todo es plata, me da orgullo. Los 5 finalistas del millón y muchos otros escritores vivimos del trabajo que haríamos gratis: es un gran privilegio. Parece que no te imaginas lo maravilloso que es hacer lo que uno quiere sin pensar en plata: sabiendo que vas a ganar lo suficiente para vivir, y ya”.

“Ninguno necesita un millón “para sobrevivir”, y me da mucha pena que ese tipo guarango, prepotente de dinero se mezcle con la buena literatura", dijo y concluyó: “Ese millón no le sirve a “la literatura”; le sirve a Aena para que tú y yo y tantos otros estemos hablando de ellos ahora. ¿Hay algo más opuesto a la literatura que la propaganda?"

En la misma línea está Carmen Domingo, citada al principio, cuando dice que “por más que desde el jurado se insista en que la intención es crear un premio de prestigio, una vez conocida la lista de los finalistas, una no tiene más remedio que preguntarse si lo que se pretende es fomentar aún más a los grandes grupos editoriales o mantener a los autores consagrados en su consagración”.

La obra de Francisco de Zurbarán, uno de los grandes pintores españoles del siglo XVII, viaja este año por Londres, París y Chicago en una exposición itinerante para la que museos, instituciones y colecciones privadas de España prestaron algunas de sus principales piezas.

La exposición Zurbarán, organizada por la National Gallery, el Louvre y el Art Institute de Chicago y que se inaugura el próximo 2 de mayo en Londres, reúne 50 cuadros del artista extremeño, formado en Sevilla, donde alcanzó su plenitud artística.

Quince de ellas, entre las que se encuentran varias santas de suntuosos ropajes, monjes con pesados hábitos y algún delicado bodegón, fueron prestadas por el Museo del Prado, el Museo Nacional de Arte de Cataluña o el Museo de Bellas Artes de Bilbao. También viajan cuadros desde Valladolid, Sevilla y de colecciones privadas, según datos recabados.

Los comisarios de la muestra también reunieron obras de museos de América y Europa, desde Lyon (Francia) al Metropolitan de Nueva York.

Ahora, todos estos cuadros maravillosos dispersos por el mundo se reúnen en Londres durante unos meses antes de seguir su periplo por París y Chicago, hasta 2027.

Francisco de Zurbarán

Este gran maestro del barroco español firmó una amplísima obra marcada por encargos en España y América, muchos de ellos para conventos e iglesias.

Siglos de desamortizaciones, ventas, expolios y movimientos del mercado provocaron una gran dispersión de su catálogo, lo que hace especialmente interesantes las exposiciones temporales.

Si bien en su época fue conocido como “el pintor de los frailes”, Zurbarán fue más recientemente calificado por expertos contemporáneos como “el pintor de lo indescriptible” por su forma de captar el silencio de las cosas cotidianas, los contrastes de luz, la fuerte intensidad mística de sus lienzos y el uso de vibrantes colores en los riquísimos vestuarios de sus santas.

El puzzle de los préstamos

Entre las piezas clave de la exposición figuran buen número de cuadros que Zurbarán pintó para el retablo mayor de la Cartuja de Nuestra Señora de la Defensión, de Jeréz de la Frontera (Cádiz), que fue desmembrado tras la desamortización de Mendizábal, en 1836, y las pinturas diseminadas por el mundo.

Así, cuatro grandes obras del retablo se encuentran hoy en el Museo de Grenoble (Francia), que presta dos de ellos. El Metropolitan de Nueva York presta otra más de ese conjunto, entre sus aportaciones a la muestra itinerante.

La maravillosa y etérea Virgen del Rosario con dos cartujos viaja desde el Museo Nacional de Poznan (Polonia).

Además, los organizadores escogieron para la muestra obras pertenecientes al Museo de Bellas Artes de Lyon, el Palacio de Auckland, del Reino Unido, o el Wadsworth Atheneum, de Connecticut (EEUU).

De hecho, lograron préstamos de instituciones y colecciones privadas desde California hasta Budapest, pasando por Ohio y París, incluida la española Colección Abelló, que presta La familia de la Virgen, una escena doméstica de la virgen niña junto a san Joaquín y santa Ana.

Del Museo Thyssen-Bornemisza viaja Santa Catalina, una bellísima obra de la serie de santas ataviadas con suntuosos ropajes; mientras que la madrileña Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presta la Visión del Beato Alonso Rodríguez.

La catedral de Sevilla presta un Cristo crucificado de los cinco que tiene, mientras que el Bellas Artes de Bilbao envía dos santas: Santa Catalina de Alejandría y Santa Isabel de Turingia.

Del Museo Nacional de Arte de Cataluña viajan a Londres la Inmaculada concepción con dos niños rezando y un maravilloso Bodegón con cacharros; desde el Museo de Escultura de Valladolid viaja La Santa Faz, que la National Gallery identifica como ‘El velo de Verónica’.

Pero no todos los cuadros viajarán a las tres sedes de la exposición, pues supondría prestar obra hasta finales de junio del 2027, cuando cierra la muestra en Chicago.

Fuente: EFE

“Todo cuanto sobre las mujeres han escrito los hombres debe tenerse por sospechoso, puesto que son juez y parte a la vez”. Lo escribió Simone de Beauvoir en El segundo sexo de 1949. Durante muchos años esta filósofa francesa reflexionó sobre lo que significa que ser mujer y llegó a la conclusión de que no es un destino biológico, sino una construcción social. El libro fue un éxito de ventas y aún hoy es una cita ineludible.

La cuarta parte del libro inicia con un apartado titulado “Infancia”. Allí escribe: “No se nace mujer: se llega a serlo”. Y sigue con una idea que línea a línea se torna más clara: “Ningún destino biológico, psíquico o económico define la figura que reviste en el seno de la sociedad la hembra humana; es el conjunto de la civilización el que elabora ese producto intermedio entre el macho y el castrado al que se califica de femenino”.

Unas cincuentas páginas antes usa la misma fórmula: “A decir verdad, no se nace genio: se llega a serlo; y la condición femenina ha hecho imposible ese devenir hasta el presente”. El punto central es la diferencia entre sexo y género. Distingue entre el cuerpo con el que nacés (biología) y la identidad que la sociedad te impone (cultura). Al nacer, un bebé tiene características biológicas (hembra), pero no tiene “feminidad”.

Luego “se llega a serlo”: a medida que la niña crece, la familia, la educación, las leyes y la religión le enseñan cómo debe comportarse, vestir, hablar y sentir para encajar en el molde de lo que esa sociedad considera “femenino”. Si históricamente el hombre ha sido definido como el “sujeto” (lo universal, la norma, el ser humano) y la mujer como “lo Otro”, ser mujer es aceptar un rol secundario, una posición de subordinación.

Como filósofa existencialista, Beauvoir creía que “la existencia precede a la esencia”. Esto significa que no hay una “esencia femenina” natural (como ser más cariñosa, sumisa o maternal por naturaleza). Si la feminidad es algo que se “aprende” o se “construye”, entonces también se puede deconstruir. La frase se volvió bandera y eslogan y se fue adoptando en las nuevas corrientes y fue un puntapié para el movimiento trans: no se nace mujer (¿ni varón?).

El segundo sexo es considerado la “piedra basal” del feminismo moderno. Cuando se publicó, el feminismo (luego se lo llamaría “feminismo de la primera ola”) estaba estancado tras haber conseguido el voto. El libro fue extremadamente polémico: el Vaticano lo incluyó en su lista de libros prohibidos y sectores conservadores lo tacharon de escandaloso. Funcionó de “combustible” para un activismo real.

Quién fue Simone de Beauvoir

Simone de Beauvoir (1908–1986) fue una filósofa, escritora y activista francesa, considerada la madre del feminismo moderno y una figura central del existencialismo. Defendió la libertad individual y la igualdad de género, argumentando que la identidad no es algo biológico sino una construcción social. Sin dudas su obra maestra y pilar de la teoría feminista es el libro que acabamos de analizar: El segundo sexo.

También escribió Los mandarines (novela que retrata las dudas intelectuales y políticas en la Francia de posguerra; ganó el Premio Goncourt), Memorias de una joven formal (primer tomo de su autobiografía) y La mujer rota (colección de tres relatos cortos que exploran la crisis existencial y la vulnerabilidad de las mujeres frente al paso del tiempo y el desamor). El filósofo Jean-Paul Sartre fue su compañero de vida.

La escritora argentina Samanta Schweblin, quien está establecida en Berlín desde 2012, fue seleccionada finalista del Premio AENA de Narrativa Hispanoamericana, que en su primera edición otorga un millón de euros, por El buen mal. La autora reconoce que este volumen, más extenso que sus anteriores trabajos, le permitió alcanzar “una conexión emocional con los personajes mucho más profunda”, un cambio que atribuye a un proceso personal de menor ansiedad, según dijo en entrevista con el diario español El País.

“Siempre fui muy reticente a hablar de mis razones íntimas para escribir. Con este libro eso ha cambiado. Quizá sea mi libro más personal”, afirmó.

“Prestar atención es el superpoder más grande que hay en la humanidad”, dijo. La autora advirtió sobre la incapacidad creciente de percibir el entorno, tanto en la vida cotidiana como en lo político: “No hay una sola vez que tome el metro y no me dé cuenta de que el 99% de la gente está mirando su teléfono. Hemos apagado el registro del entorno”.

La pregunta sobre el futuro de la intimidad en la era digital aparece con frecuencia en el diálogo. Schweblin sostiene que la posibilidad de concentrarse y resguardar la privacidad se ha vuelto un acto de resistencia. Entre las estrategias que aplica para preservar ese espacio figuran limitar el uso de redes sociales a un día a la semana, usar VPN y mantener el teléfono en silencio. Sobre el impacto de la IA en la literatura dijo: “La inteligencia artificial podría hacerlo en el futuro; sería ingenuo pensar que no. Pero todavía no ha dado ese paso. No hay manera de que dé un salto hacia afuera. Su avance está atrapado en sus probabilidades”.

El contexto argentino está presente en el pensamiento y la producción de Schweblin, quien, aunque reside principalmente en Berlín, afirma que su universo literario continúa anclado en su país natal. En esa charla describió su vínculo con la Argentina como una “relación a distancia”, con una rutina de viajes periódicos y un seguimiento constante de la realidad política y social. “La ultraderecha tomó el poder y lo está destrozando todo. No hay una manera más suave de decirlo. Es un momento muy doloroso para mi país... Han despertado todos los monstruos del pasado y los ha vuelto a poner entre nosotros”, dijo.

Schweblin atribuye a la ola feminista latinoamericana entre 2015 y 2017 un cambio decisivo en el mercado literario regional, donde el papel de las lectoras cobró un protagonismo transformador. “El gran cambio, más que en quién escribe, está en quién lee”, sostuvo. Uno de los rasgos más destacados de la narrativa de Schweblin es la presencia de la infancia y la adolescencia como espacios de sabiduría diferencial y, al mismo tiempo, vulnerabilidad. “El niño tiene una sabiduría que no es mejor ni peor que la adulta, pero que es distinta y tiene mucho valor. Es algo que se recupera en la vejez”, afirmó.

Respecto a la influencia de la dictadura argentina en su generación, la autora observó que ese pasado traumático se manifiesta en su literatura no solo como tema, sino como atmósfera emocional: “En mi generación, incluso cuando escribe realismo o ciencia ficción, aparece siempre un monstruo muy específico, real, invisible, escondido, que mata sin que se vea cómo. Eso fue la dictadura en Argentina, y está en toda mi generación, de Mariana Enriquez a Pedro Mairal”.

Schweblin creció en Hurlingham, en la periferia de Buenos Aires. La residencia en Berlín tuvo su origen en una beca que le permitió seleccionar una vida austera pero dedicada a su oficio, una alternativa que difícilmente podría haber costeado en Argentina debido a la precarización del ámbito cultural. “La pérdida de talento que está sufriendo Argentina es brutal”, afirmó. Su relación con Alemania también está marcada por la historia familiar. El apellido Schweblin —de origen alsaciano— y la presencia de un abuelo que emigró desde Alemania al terminar la Segunda Guerra Mundial forman parte de un relato migratorio que resuena en sus propios desplazamientos.

El contacto cotidiano con la memoria del nazismo y las manifestaciones neonazis en Berlín se ha convertido en un elemento adicional de reflexión sobre el pasado y su persistencia: “Percibo ese pasado nazi reverberando otra vez. Vivo en una calle por la que cada dos por tres pasan manifestaciones nazis, con la policía cuidándolos por delante y por detrás”. La estructura de lo anómalo como matriz de la normalidad es una idea insistente en la obra y el pensamiento de Schweblin. “En nuestra sociedad todo es normalizable. Somos bichos que se acostumbran muy rápido a todo. Todas nuestras normalidades nacieron de una anomalía”, argumentó.

En su visión literaria y social, la capacidad de atención y la resistencia a lo normativo resultan esenciales para no sucumbir a una dinámica donde el mal se trivializa y se imprime en la vida diaria hasta tornarse invisible.

Aena es la sociedad estatal española que gestiona los aeropuertos de ese país. El buen mal permanece como una de las obras seleccionadas en su Premio de Narrativa Hispanoamericana, cuyo fallo se anunciará el miércoles en Barcelona.

La irrupción de robos ultrarrápidos en museos europeos ha puesto en alerta a la comunidad internacional de expertos en seguridad y patrimonio cultural, especialmente tras el reciente asalto nocturno en la Fundación Magnani Rocca en Parma, Italia, donde fueron sustraídas pinturas de Paul Cézanne, Henri Matisse y Pierre-Auguste Renoir en apenas tres minutos. Este episodio, ocurrido el 22 de marzo de 2026, refuerza la preocupación sobre la creciente vulnerabilidad de instituciones regionales frente a métodos delictivos cada vez más audaces y expeditivos, según informó Artnet News.

A diferencia del espectacular robo sufrido por el Louvre en octubre de 2025, valorado en USD 102 millones, el caso de Magnani Rocca tuvo una repercusión inicial muy limitada. La noticia tardó varios días en difundirse fuera de Italia, en buena medida porque el museo, ubicado en una villa a las afueras de Parma, optó por mantener silencio público mientras la policía y los Carabinieri investigaban posibles conexiones internas y analizaban eventuales fallos en los sistemas de alarma. El valor estimado de las obras robadas ronda los USD 10 millones, una cifra considerable para una institución regional.

La velocidad con la que se ejecutan estos robos no es un fenómeno aislado. El robo al Louvre —que ocurrió en siete minutos y durante el día, con los criminales disfrazados de obreros y utilizando chalecos reflectantes para pasar inadvertidos— marcó un precedente por su audacia y la facilidad con que burlaron la vigilancia. En ese caso, según explicó Christopher Marinello, director ejecutivo de Art Recovery International, los criminales ganaron tiempo debido a que la multitud y los guardias inicialmente asumieron que formaban parte del personal.

Marinello advirtió: “Estamos ante la era de los robos en tres minutos, y debemos tomar nota de ello. Con una palanca, un pasamontañas y tres minutos, se puede hacer casi cualquier cosa. Eso es lo que me preocupa”. Este patrón peligrosamente eficiente también ha sido observado por Anthony Amore, director de seguridad del Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, quien matiza: la mayoría de los hurtos en museos internacionalmente documentados se consuman en un rango de tres a nueve minutos.

Según Amore, el robo de Magnani Rocca plantea interrogantes específicos. La alarma del museo habría tardado tres minutos en activarse, favoreciendo la fuga de los asaltantes. En su columna de Substack, Amore señaló: “Dudo que la alarma los haya asustado. Ya han robado antes y lo esperan. Es curioso que, según los informes, la alarma tardara tres minutos en activarse”. Los ladrones mostraban indicios de planear llevarse más piezas si no hubiera intervenido el sistema de seguridad de la colección privada ni llegado la policía, la cual respondió en cuatro minutos, un tiempo considerado aceptable para el ámbito rural.

A diferencia del caso del Louvre, que fue presenciado y documentado “in situ” ante numerosos curiosos y que generó una onda expansiva viral en redes y medios, el robo a la Fundación Magnani Rocca pasó inadvertido al principio. La institución optó por mantener la información bajo estricta reserva mientras los investigadores evaluaban la posibilidad de que hubiese participación de alguien del entorno del museo y verificaban cada detalle técnico de la noche del robo.

Marinello, quien ha trabajado en investigaciones con los Carabinieri, explicó a Artnet News la estrategia habitual en estos casos: “Inicialmente, prefieren mantener la información en secreto, realizar su trabajo de investigación y, por supuesto, verificar cualquier posible conexión interna. Al hacerlo público, es su manera de decir: ‘No tenemos pistas concretas y ahora solicitamos información al público, informando a todos que estos objetos fueron robados. Si aparecen, avísennos’”.

Las posibilidades de recuperar estos cuadros dependen casi por completo de los movimientos de los ladrones. Anthony Amore explicó: “La esperanza es que los ladrones de estos cuadros estén intentando venderlos. Ese sería el mejor escenario posible. Si simplemente los esconden, no los encontraremos”. Esta realidad contrasta con el robo al Louvre, donde las joyas sustraídas podían ser fundidas y trasladadas con facilidad, dificultando su recuperación.

Tanto Marinello como Amore coinciden en que los robos por encargo —como sugieren las ficciones cinematográficas— son extremadamente raros en la práctica real. El destino más probable de las pinturas es el mercado negro internacional, aunque vender obras de arte de notoriedad global resulta muy complejo y arriesgado. Marinello advirtió: “Quizás intenten trasladarlos a Bélgica o a Europa del Este, o buscar un comprador en Oriente Medio, pero les resultará muy difícil deshacerse de ellos”.

El atractivo de estas obras reside precisamente en su condición insustituible: a diferencia de las joyas, su destrucción no aporta ningún beneficio financiero a los ladrones. Amore resume: “Las pinturas permanecen intactas. Sería difícil encontrar ejemplos fidedignos de grandes obras de arte robadas y destruidas”.

Borges ya era Borges. Argentina quería volver a ser Argentina. En el año 1983, a semanas del regreso a la democracia, el suplemento Cultura y Nación del diario Clarín le publicó un texto titulado “El último domingo de octubre”. Empezaba así: “Yo escribí alguna vez que la democracia es un abuso de la estadística”. La sentencia es dura, ingeniosa, fuertísima. Pero, ¿a qué se refería? ¿Se estaba arrepintiendo?

En septiembre de 1976, recién arribado a Madrid, dijo una entrevista al periodista Fernando Samaniego de El País donde dijo: “La democracia es una superstición, basada en la estadística. Toda la gente no entiende de política, como no podemos entender todos de retórica, de psicología o de álgebra”. Pasaron ocho años, los más oscuros de nuestro país, pasó mucha muerte bajo el puente, y Borges se releía a sí mismo.

“La democracia argentina me ha refutado espléndidamente“, escribe en el texto de Clarín. Y continúa: “Mi utopía sigue siendo un país, o todo el planeta, sin estado o con un mínimo de estado, pero entiendo, no sin tristeza, que esa utopía es prematura y que todavía nos faltan algunos siglos. Cuando cada hombre sea justo podremos prescindir de la justicia, de los códigos y de los gobiernos. Por ahora son males necesarios”.

Ante la pregunta lógica, enmarcada en esta época, de si podía considerarse un temprano libertario, hay un largo texto publicado en este mismo medio. Se titula Anarquista, conservador y ¿libertario?: Borges, el escritor políticamente inclasificable. Ahí el Alejandro Vaccaro dice que Borges era anarquista “en cuanto a las ideas liberales” y que “lo liberal en lo económico tiene otro significado”.

También vale recordar que en su juventud, como escribió Nicolás González Varela en un texto publicado en Polvo en el año 2016, “Borges abrazó apasionadamente los ideales anarco-comunistas” con “fervor soviético”, etapa que fue “reprimida” hasta llegar a un “anarquismo aristocrático”. En una entrevista en la Feria del Libro de Buenos Aires de 2024 Daniel Mecca lo dijo con todas las letras: “Borges no le pertenece a nadie”.

Volvamos al texto de 1983 en Clarín: “Es casi una blasfemia pensar que lo que nos dio aquella fecha es la victoria de un partido y la derrota de otro. Nos enfrentaba un caos que, aquel día, tomó la decisión de ser un cosmos. Lo que fue una agonía puede ser una resurrección. La clara luz de la vigilia nos encandila un poco (...) Tenemos que desandar un largo camino. Nuestra esperanza no debe ser impaciente”.

Y concluye: “La esperanza, que era casi imposible hace treinta días, es ahora nuestro venturoso deber. Es un acto de fe que puede justificarnos. Si cada uno de nosotros obra éticamente, contribuiremos a la salvación de la patria”. Quizás ese anhelo de sociedad libre sea muy similar a la “libertad colectiva” del peronismo, a la “sociedad sin clases” del marxismo y a la vida sin “interferencia estatal” del liberalismo. O quizás no.

Quién era Borges

Jorge Luis Borges (1899-1986) fue un escritor, ensayista y poeta argentino, considerado una de las figuras más brillantes y universales de la literatura del siglo XX, no solo argentina, sino del mundo entero. Su vida estuvo marcada por una ceguera progresiva que, lejos de detenerlo, potenció su capacidad para crear mundos imaginarios y laberintos mentales que exploran el tiempo, el infinito y la filosofía.

Su obra es famosa por sus cuentos breves, donde lo fantástico irrumpe en la realidad para cuestionar la lógica del universo. Borges no escribió novelas; prefirió la precisión del cuento y el ensayo para desplegar temas recurrentes como los espejos, las bibliotecas infinitas, los duelos de cuchilleros y los laberintos circulares. Fue director de la Biblioteca Nacional de la República Argentina.

Entre sus libros más importantes destacan Ficciones (una colección de relatos fundamentales que incluye “La biblioteca de Babel” y “El jardín de senderos que se bifurcan”), El Aleph (libro de cuentos que contiene el famoso relato homónimo sobre un punto del espacio que contiene todos los puntos del universo) y Otras Inquisiciones (recopilación de ensayos de gran su agudeza crítica), entre otros.

Otra, la nueva novela de Lorena Pronsky publicada hace días por el sello Vergara explora los dilemas internos de Carola, una mujer que enfrenta el agotamiento y el bloqueo creativo. Reconocida por sus conferencias en Argentina y el extranjero, Pronsky, licenciada en Psicología, ha escrito títulos muy leídos como Loca, Rota se camina igual, Cúrame y Despierta. Con esta historia abre una nueva puerta de ficción.

La trama presenta el proceso de transformación de la protagonista a partir de una noche de insomnio, cuando descubre que su aparente parálisis artística esconde un cambio vital profundo. Entre los principales ejes se encuentra el enfrentamiento de Carola con sus propios límites, a través de diálogos íntimos con su amiga Sofía, su hermana Julia, terapeutas y recuerdos de personas fallecidas.

En Otra, Pronsky narra un recorrido que permite a la protagonista cuestionar si necesita reinventarse completamente para alcanzar una existencia plena. Con su publicación, la autora ahonda en los desafíos emocionales, planteando si el camino hacia una vida auténtica requiere convertirse en alguien nuevo o crear espacios para ser fiel a uno mismo. A continuación, Infobae Cultura presenta un adelanto del libro:

Es la una y media de la mañana. Los chicos duermen hace rato. Allá afuera, el resto del mundo también. Yo no puedo. Otra vez no puedo. Me entretengo pensando, circulando una y otra vez por los mismos pasillos mentales de todas las noches hasta llegar a la conclusión de siempre: ninguna. El problema del insomnio es que las ideas no llegan para quedarse, sino que se posan apenas un segundo, como monos inquietos saltando de rama en rama. No hay forma de aferrase a una sola, de desarrollarla, de resolver nada. Solo una selva mental caótica, salvaje, donde el pensamiento brinca sin rumbo y la calma es un imposible. Uno se resigna ante esta enfermedad nocturna con bronca y esto lo complica mucho más. No es una entrega tranquila, ni una rendición zen. Acá no hay aceptación. Lo que hay es odio, frustración, impotencia. Una lucha interna cargada de agotamiento y desesperación. Piernas temblando. Ganas de romperlo todo.

Enciendo la luz del velador y me siento en la cama. El despertador dice que son las tres de la mañana. No puedo entender cómo perdí una hora y media en nada. Miro el cuaderno que descansa en la mesita de luz y lo traigo conmigo. Me digo mentalmente que es hermoso. Me quiero convencer. Me digo en voz alta: Supongo que estás acá porque sos hermoso. Acaricio la tapa de un cuero perfecto, sin arrugas, liso y suave como la piel de un bebé. Deslizo los dedos sobre su superficie, pero es como si tocara aire. No la siento. Me llevo el cuaderno a la nariz y lo inhalo con fuerza como si fuera la última pitada de un cigarrillo. Tampoco me llega el olor. Confirmo que se trata de otro rastro que no está.

Lo pruebo. Lo recorro con la lengua, lento, de abajo hacia arriba. De arriba hacia abajo. Paseo la mirada hacia los costados como si buscara algo o alguien que oficie de testigo de lo que acaba de pasar: ningún sabor. Ni sal. Ni dulzura. Ni siquiera la amargura del cuero recién curtido. Insisto en lamer la sombra de algo que no existe. No hay pulso. Solo el eco de lo que hoy se transformó en un recuerdo.

Lo abro en la primera hoja. Lo miro y me mira. Ninguno de los dos dice nada. Hace tiempo se rompió el diálogo entre nosotros. Solo hay vacío. Un cruel e inexplicable vacío. Apoyo la punta de la lapicera en el primer renglón, pero no se mueve. La sostengo hasta que me canso de hacer fuerza y la dejo caer. La observo de reojo con enojo y la tiro al suelo como castigo.

Me miro las manos como ayer. Y como antes de ayer. Siguen mudas. Desconectadas. No son mías. Algo de ellas no me pertenece. Hago fuerza para no llorar. No es angustia. Es ira. Bronca. Me atormenta no saber qué me pasa. No me queda claro si estoy perdiendo los sentidos o la memoria. No sé si no recuerdo cómo se escribe o si la falta de movimiento por estar tanto tiempo en la cama alteró mi sensibilidad.

La escritora que habita en mí está en coma.

Logro que una idea se asiente por un instante. Mierda. Justo este pensamiento que desearía que se fuera se queda más de cuatro segundos en una de mis ramas mentales. Basta resistirse para que persista. Es ley.

Recuerdo que hace un año (uno, dos, da igual) me tomé el cóctel de pastillas y siempre supuse que, a pesar de no haber muerto, esa ingesta debió haber dejado secuelas.

Me saco el pelo de la cara como si se tratara de una mosca. Quiero despabilar este pensamiento intrusivo, pero lo alimento al darle más atención. El muy choto se afianza. Se agarra con fuerza de la rama y de repente la idea se vuelve certeza: alguna bacteria desconocida me dejó mentalmente incapacitada y rompió el canal de inspiración que alguna vez tuve liberado. Dios mío. Lo que te pido es poco. Tan solo una palabra. Una letra. Un garabato. Lo que sea. Dame lo que sea.

Pero nada. La escritura, mi refugio, desapareció. Mi capacidad, mi pasión, mi identidad como escritora, o quizá mi identidad a secas, no existen más.

Apago la luz, me apoyo en el respaldo de la cama, con el cuaderno a upa. Me llevo la mano hacia la cabeza. Como una pinza, tomo un solo pelo entre el pulgar y el índice, y lo deslizo suavemente hacia arriba. Nunca fumé. Pero no me cabe ni una sola duda de que esta acción es mi cigarrillo. Es algo que, mientras empiezo a crear diferentes hipótesis, me calma.

El Sistema de Transporte Colectivo (STE) Metro inauguró una exposición fotográfica dedicada a Rocío Dúrcal

La muestra, titulada El rostro de una voz inolvidable, reúne imágenes y textos que exploran el impacto artístico y personal de la artista española, reconocida por su vínculo con México y su legado musical en América Latina.

La exhibición, realizada por Miguel Ángel Vázquez, busca acercar el arte y la memoria colectiva a las personas usuarias del Metro durante la temporada vacacional.

Según información proporcionada por el propio Metro, la exposición constituye una alternativa cultural accesible para quienes permanecen en la ciudad y desean conocer más sobre una figura esencial de la música hispana.

Entre los materiales expuestos, se encuentran referencias al papel de María de los Ángeles de las Heras Ortiz, nombre real de la cantante, en la construcción de un repertorio que suma más de 300 temas y la venta de más de 60 millones de discos.

¿En qué estación se encuentra la exposición fotográfica de Rocío Dúrcal?

La exposición fotográfica de Rocío Dúrcal se encuentra en la estación División del Norte de la Línea 3 del Metro de la Ciudad de México, en el marco del 20 aniversario luctuoso de la cantante.

El recorrido fotográfico también incorpora anécdotas y momentos de su vida personal, así como colaboraciones con intérpretes destacados de distintas generaciones.

La muestra subraya el compromiso del Metro con la difusión de expresiones artísticas y la preservación del patrimonio musical.

El Metro capitalino reafirmó su política de ofrecer espacios culturales que permitan a la sociedad capitalina acceder a propuestas que trascienden lo cotidiano y enriquecen la experiencia en el transporte público.

Trayectoria de Rocío Dúrcal

Una carrera internacional

Rocío Dúrcal se consolidó como una de las voces más influyentes en la música popular hispana.

Su desempeño en ámbitos como el cine, la televisión y el teatro complementó una carrera discográfica que abarcó varias décadas y continentes.

• Reconocimiento internacional: Dúrcal desarrolló su trayectoria en México, Estados Unidos y la mayor parte de Latinoamérica, donde realizó múltiples giras y cosechó el cariño de públicos diversos desde su primera visita en 1964.
• Éxitos discográficos: Su legado incluye la interpretación de más de 300 canciones y la venta de más de 60 millones de discos en todo el mundo.
• Cine y televisión: Además de su carrera musical, participó en películas y producciones televisivas, convirtiéndose en una figura reconocida por su versatilidad artística.

Vínculo con México y legado

• La relación de Rocío Dúrcal con México se fortaleció a partir de su trabajo conjunto con mariachis, logrando un reconocimiento especial como la española más mexicana.
• La cantante mantuvo una cercanía constante con su público, lo que se refleja en las anécdotas y testimonios recogidos en la exposición.
• Su obra es considerada parte del patrimonio emocional y musical de varias generaciones, y su presencia sigue vigente a través de la memoria colectiva y nuevos homenajes, como el realizado este año en el Metro capitalino.

De este modo, la exposición El rostro de una voz inolvidable rinde tributo a una figura central de la música hispana y mantiene vivo su legado en uno de los espacios públicos más transitados de la Ciudad de México.

San José se prepara para transformarse en un gran escenario urbano con la llegada del Festival de Verano Transitarte 2026, que en su edición XIX apuesta por una expansión sin precedentes, nuevas experiencias culturales y una oferta más diversa para todos los públicos. Durante los días 10, 11 y 12 de abril, la capital costarricense concentrará a más de 300,000 personas en una celebración que combina arte, música, gastronomía y convivencia ciudadana.

El evento, que se ha consolidado como uno de los principales encuentros culturales del país, contará este año con la participación de más de 200 artistas y agrupaciones, además de un crecimiento territorial que suma más de 1,300 metros adicionales de programación. Esta ampliación permitirá integrar nuevos espacios como la Plaza de la Democracia, el Boulevard República de Argentina y el nuevo bulevar de la Avenida Central, fortaleciendo la descentralización de las actividades.

El alcalde de San José, Diego Miranda, destacó que este crecimiento responde a la necesidad de acercar la cultura a más sectores de la ciudad. “Esta ampliación permitirá a las personas disfrutar de una oferta más diversa, accesible e integrada a distintos espacios urbanos”, señaló.

Entre las principales innovaciones de esta edición destaca la incorporación de un escenario móvil, una propuesta que llevará espectáculos de artes escénicas a distintos puntos del casco urbano, ampliando el alcance del festival y acercando el talento a nuevas audiencias.

La música será uno de los ejes centrales de Transitarte 2026, con cerca de 35 propuestas en vivo que abarcan géneros como el pop, la música alternativa, el urbano, la electrónica, el calipso y la fusión. Entre las agrupaciones confirmadas figuran Los Ajenos, Mal País, República Fortuna, Los Garbanzos, Sonámbulo Psicotropical y la Banda Chiqui Chiqui, quienes se presentarán en diferentes tarimas distribuidas en parques y bulevares.

A esto se suman nuevas tarimas temáticas, como la de swing y bolero, que ofrecerá talleres, concursos y noches bailables para rescatar ritmos tradicionales; la tarima urbana, enfocada en el rap, freestyle y cultura emergente; y una zona electrónica dirigida a públicos jóvenes.

Más allá de la música, el festival ofrecerá más de 50 espectáculos de artes escénicas que incluyen teatro, danza, circo, narración oral y folclor, así como intervenciones urbanas que buscan transformar los espacios públicos en experiencias artísticas participativas.

La gastronomía también tendrá un papel protagónico con un “mercadito” que contará con más de 240 espacios entre food trucks, terrazas y propuestas culinarias que van desde la comida tradicional hasta tendencias contemporáneas. Asimismo, más de 80 emprendedores creativos participarán en el mercado de emprendimientos, fortaleciendo la economía local.

Transitarte 2026 refuerza además su enfoque educativo y comunitario con talleres para todas las edades, incluyendo escultura, pintura, danza y robótica, un corredor literario con actividades culturales y venta de libros, así como un mercado del trueque que promueve el consumo responsable.

La programación también incluye cine al aire libre con una segunda pantalla, espacios dedicados a la niñez, zonas de bienestar animal con actividades de concientización, y áreas para la recreación y el deporte, como exhibiciones de boxeo y lucha libre.

Las actividades se desarrollarán entre las 11:00 a.m. y las 9:00 p.m. en puntos clave como el Parque Nacional, Parque España, Parque Morazán, Paseo de las Damas y la Plaza de la Democracia, entre otros. Como cierre, el festival se extenderá hasta el Parque Metropolitano La Sabana, donde se realizará un concierto internacional acompañado de actividades culturales y gastronómicas.

Para garantizar la seguridad, se contará con un operativo que incluye más de 140 oficiales de la Policía Municipal, puestos de atención prehospitalaria, puntos de hidratación, servicios sanitarios y centros de información distribuidos estratégicamente.

Además, se implementarán cierres regulados en el casco central de la ciudad desde el viernes a medianoche hasta el domingo a medianoche, con el fin de resguardar los espacios destinados a las actividades.

El deceso del autor, ocurrido tras despegar en una operación aliada el 31 de julio de 1944 en el sur de Francia, amplificó el aura mítica de su obra. La autenticidad de la desaparición de Saint-Exupéry fue confirmada solo en el año 2000, cuando el Estado francés reconoció restos de fuselaje hallados en el Mediterráneo y una pulsera con la inscripción “Consuelo”. La pieza manuscrita original de Le petit Prince, compuesta por 125 páginas mecanografiadas y numerosos borradores, fue entregada antes de esa partida a Sylvia Hamilton, periodista estadounidense con la que mantuvo una relación personal en el exilio, y años después vendida al Museo Biblioteca Morgan en Nueva York, donde permanece actualmente expuesta.

Durante la ocupación nazi de Francia, Saint-Exupéry residía en un departamento elevado del Central Park. Allí, a pesar de su éxito como autor de Tierra de hombres y Piloto de guerra —obras que vendían cientos de miles de ejemplares en Estados Unidos y se publicaban en los principales diarios internacionales—, el escritor vivió uno de los períodos más sombríos de su vida. Conflictos entre franceses exiliados, acusaciones de “traidor” por su desconfianza hacia Charles de Gaulle y la presión de su propia salud, deteriorada por accidentes aéreos previos, sumaron pesadumbre a su existencia.

En ese contexto, la sugerencia de Elizabeth Reynal, esposa de uno de sus editores norteamericanos y traductora ocasional, lo impulsó a canalizar su creatividad hacia un relato destinado a niños. Reynal, según narró en The New York Times el 31 de mayo de 1993 y recogido por biógrafos, notó que Saint-Exupéry dibujaba con frecuencia un niño de cabello rubio y bufanda larga en servilletas y papeles. Tras insistir en que abandonara por unas horas la obsesión por la guerra, el autor dio comienzo esa misma noche a la frase inicial: “Cuando yo tenía seis años una vez vi una lámina magnífica en un libro sobre el Bosque Virgen…”.

En apenas tres meses, Saint-Exupéry completó la narración central del aviador caído en el desierto frente a un pequeño príncipe proveniente de otro planeta. Pese a carecer de formación artística, el autor ilustró la primera edición con pintura en acuarela, seleccionando cuarenta viñetas originales. El escritor suizo Denis de Rougemont, testigo del proceso en los rascacielos de Manhattan, lo describió como “gigante calvo con los ojos redondos de un pájaro exótico… concentrado en aplicar pequeñas pinceladas pueriles”.

El libro, editado inicialmente en inglés como The Little Prince en abril de 1943, tuvo una primera tirada de 30.000 ejemplares; cifra que resultó cautelosa dada la expectativa de que el público estadounidense esperara “otras aventuras aéreas” del célebre piloto y cronista.

Antes de marcharse a Argelia para reincorporarse a la escuadrilla aliada 2/33 —pese a edad y lesiones que teóricamente lo inhabilitaban para volar—, Saint-Exupéry concluyó el prólogo de El Principito. Dedicó la obra a su amigo Léon Werth, justificando así la elección: “Esa persona mayor es el mejor amigo que tengo en el mundo... vive en Francia, donde tiene hambre y frío. Tiene verdadera necesidad de consuelo... Corrijo, pues mi dedicatoria: A Léon Werth, cuando era niño”.

Durante el último año de su vida, el autor luchó infructuosamente para retomar misiones de vuelo. Su prestigio le permitió, tras apelaciones incluso al comandante supremo Dwight Eisenhower, volver a pilotar el P3Lightning, con el que despegó por última vez desde la base aliada en Córcega. Mientras tanto, El Principito atravesaba un inicio editorial poco auspicioso, aunque en paralelo Saint-Exupéry continuaba trabajando en otro proyecto extensa y obsesivamente: el ensayo Ciudadela, publicado de forma póstuma.

La primera edición francesa de Le petit Prince apareció en 1947. Al español llegó en 1951. Desde entonces, la novela ha sido traducida a alrededor de 200 idiomas y dialectos, incluido el braille, y han surgido adaptaciones teatrales, cinematográficas, televisivas, coreográficas y operísticas. Las cifras de ventas acumuladas rondan los 200 millones de ejemplares, con al menos un millón de copias vendidas anualmente.

La presidenta de México, Claudia Sheinbaum, afirmó este lunes que la Colección Gelman, con piezas de artistas de Frida Kahlo, Diego Rivera o María Izquierdo, regresará a México “como dice la ley” en 2028, tras un periodo en el que será exhibida en el extranjero.

“Esta colección no se va a vender, no va a quedar exhibida en un lugar por mucho tiempo, sino sencillamente son dos años que la colección va a visitar distintos países del mundo y va a regresar a México como dice la ley que debe de regresar”, declaró la mandataria en su conferencia de prensa diaria desde Ciudad de México.

La Colección Gelman, una de las más importantes del país y actualmente expuesta en el Museo de Arte Moderno de Ciudad de México, reúne decenas de piezas de artistas emblemáticos del siglo XX como Frida Kahlo, Diego Rivera, María Izquierdo, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

No obstante, un acuerdo de gestión con el banco Santander la rebautizó como Colección Gelman Santander y prevé su futura presentación en España en el próximo otoño.

Al respecto, Sheinbaum recordó que se trata de una colección privada, al tiempo que destacó que la legislación mexicana permite la “difusión” de obras en el extranjero, pero nunca su “venta” porque forman parte del “patrimonio” del país.

“El Banco Santander se pone de acuerdo con los privados para poder promover la obra en distintos lugares. Deciden promoverla primero en México (...) Después de 20 años se presenta en el Museo de Arte Moderno para todos los mexicanos y cualquiera que quiera visitarla (...) Y después se va a llevar al extranjero a darla a conocer en distintos lugares durante dos años y va a regresar", remarcó.

Pese a la polémica generada por este acuerdo, la presidenta indicó que el Ejecutivo aclaró en “inumerables ocasiones” la vuelta de la muestra a México, ya que es algo que establece la ley.

Además, mostró el comunicado del Banco Santander que también asegura que la colección artística regresará en 2028.

“¿Cuántas veces quieren que digamos que la Secretaría de Cultura está cumpliendo con la ley? Que a diferencia del pasado, ahora se expone en el Museo de Arte Moderno y que en el 2028 la colección va a regresar a México y que se están cumpliendo con todas las leyes", sentenció la mandataria.

Fuente: EFE

En el 30 aniversario del estreno de la aclamada adaptación inglesa al cine de Trainspotting (1996), el escritor británico Irvine Welsh continúa impactado con el éxito de su debut literario, del que, confiesa en esta entrevista, pensó que sería “escribir un libro y luego seguir a otras cosas”.

“Realmente me sorprende que la gente siga interesada y me pida que siga escribiendo. He tenido la suerte de estrenar un musical sobre Trainspotting, de poder explorar cine, teatro y televisión. Lo seguiré haciendo felizmente mientras sigáis interesados", confiesa desde Ciudad de México con motivo de su visita a México y a la FIL de Coyoacán (FILCO), en la capital.

Mientras cientos de personas se amontonan en la librería U-Tópicas con DVDs de Trainspotting, del director Danny Boyle, y otros títulos de Irvine Welsh, el autor escocés reconoce que, en más de 30 años, la situación político-económica a la que se enfrentan sus protagonistas apenas ha cambiado.

En ese sentido, entiende por qué los lectores más jóvenes siguen sintiéndose identificados con las problemáticas que atraviesan figuras como Mark Renton y el resto de personajes de la saga Trainspotting, y se mostró agradecido por seguir “conectado” con su público después de tantos años.

“Antes nos prometían hogares, empleos, un estado de bienestar, buenos hospitales, escuelas y perspectivas, pero nunca cumplían. Ahora el Estado, las empresas y los gobiernos no nos prometen nada, solo nos dicen: ‘No esperes nada’ y, aun así, ‘vota por nosotros’”, protesta enérgicamente.

El autor, de 67 años, centrado actualmente en la saga del detective Ray Lennox y en su última entrega, Los cuchillos largos (2025), considera que el éxito de sus novelas reside en sus personajes, a los que distintas comunidades en todo el mundo se han “aferrado” como una forma de evadir contextos similares a los que retrata, marcados por la delincuencia y las drogas.

“La gente intenta escapar, crear sus propias aventuras y divertirse a su manera, ya sea con drogas, delitos menores o conflictos entre ellos”, apunta.

Aunque las drogas están muy presentes en su obra y en muchos de los países de sus lectores, para Welsh lo realmente importante de su trabajo reside en cómo los personajes aprenden a superar estas adversidades gracias a sus narraciones.

Por ello, afirma que “sin rebeldes que critiquen a la sociedad, no hay historias que escribir”.

“Creo que lo que realmente importa no es el tema de las drogas o la delincuencia, sino los personajes. La gente se conecta con ellos con la pregunta de ‘¿Cómo sobrevivimos y prosperamos en un mundo donde hay poco trabajo, poco dinero y muchos obstáculos?’”, reflexiona.

Rebeldes envejecidos

Más de una quincena de libros después de Trainspotting, sus queridos héroes protagonistas ya no pueden ser rebeldes. Tiene que pagar hipotecas y alquileres, han envejecido y se han incorporado al sistema de los algoritmos y la tecnología, una situación que critica y preferiría no escribir si no fuera porque “es el reflejo de la sociedad”.

“Me he vuelto más antisistema y anarquista, no veo otra salida. Todo gira en torno a élites, bloques de poder, tratos y manipulación, y no estoy en eso. Por eso siento que es necesario reflejarlo en mis historias”, confiesa entristecido.

Sin embargo, sus seguidores le piden que siga haciendo más historias de su famosa saga Trainspotting y olvide la actualidad, algo a lo que nunca se ha negado, haciendo numerosas continuaciones y precuelas, y comprendiendo que los enamorados de sus personajes “quieren verlos de nuevo y saber qué están haciendo cinco años después”.

Consciente de que “publicar libros es un acto de entrega”, Welsh asegura que sus libros no le pertenecen a él, sino al mundo y se muestra abierto a escribir “pronto” una nueva entrega y a hacer lo mismo que en décadas anteriores: esperar a la respuesta que obtendrá de su público.

Fuente: EFE

Con Sapiens: De animales a dioses, filósofo israelí Yuval Noah Harari se colocó en el centro del debate intelectual. Cuatro años después sorprendió con otro libro que tuvo el mismo alcance: Homo Deus: Breve historia del mañana es un ensayo que explora el destino de la humanidad en el siglo XXI tras haber superado, en gran medida, los desafíos históricos del hambre, las plagas y la guerra. Fue publicado por primera vez en hebreo en 2015 y traducido al inglés y al español en 2016.

En ese libro hay varias argumentaciones e ideas, pero esta frase ha dejado a muchos lectores sin palabras: “En el futuro cercano, la mayor parte de la población humana no tendrá un lugar en el mercado laboral… millones de seres humanos podrían quedar obsoletos”. Pasaron veinte años y la lo estamos viendo: muchos trabajados han recibido inyecciones notables de IA desempleando a una gran población mundial.

El libro también plantea que en la “agenda humana” estará, además de la inmortalidad y la felicidad eterna, la divinidad (homo deus): los humanos buscarán adquirir capacidades “divinas”, como la creación de vida artificial o la fusión con máquinas, pasando de la selección natural al diseño inteligente. También introduce el concepto de Dataísmo, una nueva “religión” que venera el flujo de información y los algoritmos, sugiriendo que el poder se trasladará de los individuos a la IA.

Pero en su obra no opera un pesimismo devastador. Es por eso que suele argumentar en sus libros y en las entrevistas que brinda que la capacidad humana de crear y creer en historias (como el dinero, las naciones o la religión) es lo que permitió la cooperación a gran escala y el dominio de nuestra especie. Actualmente es un orador recurrente en foros globales donde advierte sobre los riesgos de la inteligencia artificial, el hackeo de seres humanos y el surgimiento de nuevas desigualdades biológicas.

Quién es Yuval Noah Harari

Yuval Noah Harari es un influyente historiador, escritor y profesor israelí, reconocido mundialmente por sus análisis sobre la evolución humana y los desafíos tecnológicos del futuro. Se doctoró en Historia por la Universidad de Oxford y ejerce como profesor en la Universidad Hebrea de Jerusalén. Se especializa en procesos macrohistóricos y la relación entre la biología y la historia.

Sus libros han vendido más de 50 millones de copias. Entre sus grandes obras, además de Homo Deus, están Sapiens: De animales a dioses (un recorrido por la historia de la humanidad), 21 lecciones para el siglo XXI (sobre la inteligencia artificial y la desinformación), y Nexus: Una breve historia de las redes de información (historia de las redes de información y los riesgos que representan para la democracia).

La Fundación Banco Santander anunció que las obras de la Colección Gelman clasificadas como monumento artístico retornarán a México en 2028, al tiempo que defendió la legalidad del acuerdo que permitió su salida temporal del país para exposiciones internacionales.

Este pronunciamiento surge en medio de una controversia intensificada por la posibilidad de que piezas fundamentales del arte moderno mexicano permanecieran fuera del territorio nacional hasta 2030, según lo informado por la propia institución en un comunicado difundido este viernes.

El acuerdo entre la fundación y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), revelado días antes, permitía la exhibición de la colección en el extranjero entre 2026 y el 30 de septiembre de 2030, con una opción de prórroga.

Dicho convenio provocó preocupación en el sector cultural por tratarse de una de las colecciones privadas más importantes del arte moderno mexicano y por involucrar obras protegidas por una declaratoria de monumento artístico.

Pinturas mexicanas, ¿un legado privatizado?

Entre las 68 piezas que integran la Colección Gelman figuran creaciones de artistas como Frida Kahlo, Diego Rivera, María Izquierdo, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, actualmente exhibidas en el Museo de Arte Moderno de Ciudad de México.

La Fundación Banco Santander aseguró que cumplirá “en todo momento” la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, su reglamento y la Ley Aduanera, en coordinación con el INBAL.

Añadió que el convenio establece cinco años de colaboración con la actual administración, pero enfatizó que este plazo refleja un marco de trabajo institucional y no implica una exportación indefinida de la colección. Reiteró que las piezas protegidas legalmente retornarán a México en 2028.

En respuesta a las inquietudes, Fundación Banco Santander negó cualquier transferencia patrimonial, afirmando: “Ningún acuerdo suscrito prevé el cambio de propietario, ni el traslado definitivo de la colección a ningún punto fuera de México", sostuvo la institución financiera, al explicar que el esquema adoptado corresponde a la gestión y difusión internacional del acervo.

La secretaria de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, había reafirmado previamente que la colección volvería al país en 2028, mientras que Alejandra de la Paz Nájera, directora del INBAL, puntualizó que las piezas catalogadas como monumento artístico no pueden ser exportadas definitivamente, aunque sí pueden salir bajo permisos temporales sujetos a revisión.

Colección pasará por España antes de regresar al país

El acuerdo de gestión que impulsó la internacionalización de la colección también motivó su rebautizo como Colección Gelman Santander y su próxima presentación en sedes de la institución financiera en España durante el otoño próximo.

En el contexto de este debate, integrantes del sector cultural difundieron una carta abierta para recabar apoyos públicos y exigir transparencia, legalidad y rendición de cuentas en la gestión de la colección. El documento insta a las autoridades culturales y judiciales a especificar los mecanismos de supervisión y la observancia del marco jurídico aplicable.

Con su posicionamiento oficial, Fundación Banco Santander buscó cerrar la discusión sobre una eventual salida permanente de las obras protegidas y reiteró que, concluida su exhibición internacional, la Colección Gelman regresará íntegramente a México en 2028.

La Casa Marie José y Octavio Paz, ubicada en la colonia Tacuba, fue escenario de una serie de actividades para conmemorar el 112 aniversario del nacimiento de Octavio Paz.

Durante la ceremonia, Beatriz Rojas Martínez, directora general del Sistema para el Desarrollo Integral de la Familia de la Ciudad de México (DIF), resaltó la importancia de impulsar la cultura como herramienta de transformación social y recordó el compromiso de la institución con la preservación del legado del Nobel mexicano.

Homenaje y legado en el corazón de la capital

Rojas Martínez subrayó que la cultura debe ser un derecho tangible y cotidiano. En su mensaje, transmitido a nombre de la jefa de Gobierno, Clara Brugada, enfatizó la necesidad de construir una política cultural con enfoque territorial para que la vida artística se extienda a todos los rincones de la ciudad.

Destacó la creación de corredores culturales y la realización de un recorrido poético-visual en avenidas emblemáticas como Tacuba y Mariano Escobedo, donde poetas y actrices leyeron en voz alta la obra de Paz frente al público.

La funcionaria explicó que estas iniciativas están alineadas con la visión de la administración capitalina y se complementan con espacios como Las Utopías, centros dedicados a la enseñanza artística.

“Como heredero único y universal, el DIF CDMX y la Casa Marie José y Octavio Paz trabajan para contribuir a la preservación, estudio y difusión de este legado, parte indispensable de nuestra cultura nacional”, remarcó.

Actos destacados de la conmemoración del 112 Natalicio de Octavio Paz

• Intervención institucional

• Beatriz Rojas Martínez reconoció el trabajo del equipo del museo, dirigido por Leticia Luna Aguilar, y del área jurídica encabezada por Enrique Rodrigo Rojas, por su labor en la protección del legado Paz-Tramini.

• Participación de la comunidad

• Poetas, personal del DIF, vecinos y especialistas acudieron a la casona del siglo XVIII, conocida como la Perulera, para sumarse al homenaje al autor de El Laberinto de la Soledad.

• Conferencia magistral

• Laura González Matute, Carmen Galindo, Tayde Acosta Gamas y Anthony Staton impartieron la ponencia “Octavio Paz y su relación con el grupo artístico y literario Ulises, a 100 años de su fundación”.

Patrimonio y memoria colectiva del 112 Natalicio de Octavio Paz

Leticia Luna Aguilar recordó que la casa museo fue inaugurada hace tres años por la entonces jefa de Gobierno y ahora presidenta de la República, Claudia Sheinbaum Pardo.

Luna Aguilar explicó que, gracias a la colaboración entre autoridades federales y locales, el conjunto patrimonial de Octavio Paz y Marie José se encuentra bajo resguardo del pueblo de México.

Durante la jornada, se reafirmó el propósito de acercar la obra de Octavio Paz a nuevas generaciones con actividades que permitan revitalizar la memoria colectiva y el acceso al arte y la literatura, como parte de una política pública que busca democratizar la cultura en la capital.

La Biblioteca Vasconcelos presenta una completa cartelera cultural durante abril 2026, con actividades gratuitas dirigidas a niñas, niños y jóvenes, en el marco de las celebraciones del Día Mundial del Libro, el Día Mundial del Arte y el Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil.

Organizada por la Secretaría de Cultura y la Dirección General de Bibliotecas, la programación incluye talleres, lecturas, conversatorios, actividades lúdicas y puestas en escena, con el objetivo de fomentar la lectura, el arte y la convivencia familiar.

Calendario de actividades abril 2026

2 de abril | Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil

La programación arranca con dinámicas lúdico-literarias, lecturas en voz alta y la creación del club de lectura “Los libros de la ballena”. También se habilita una sección especial para explorar el libro-álbum “Y de postre… un libro”, enfocada en el fomento a la lectura infantil.

7 de abril | Inicio de “Vacaciones con V de Vasconcelos”

En la Sala Infantil, comienzan las actividades de temporada vacacional con talleres para bebés, juegos literarios y actividades manuales para infancias, ideales para promover el aprendizaje a través del juego.

10 de abril | Talleres por el Día Mundial del Arte

Como parte de la celebración del 15 de abril, se imparten dos talleres de historia del arte, uno dirigido a niñas y niños y otro para adolescentes, fomentando el acercamiento temprano a las expresiones artísticas.

11 de abril | Literatura, historia y reflexión

En el marco del Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor (23 de abril), se realizan actividades que conectan lo literario con lo personal:

• Exploración de los códices Boturini y Mendocino, para acercarse a las raíces del pueblo mexicano.
• Círculo de lectura sobre Alejandra Pizarnik, enfocado en la interioridad y el existencialismo.

Además, en días posteriores se abordará la narrativa latinoamericana contemporánea, con autoras como Mariana Enríquez y Lola Ancira.

18 de abril | Conversatorios y cultura digital

Se llevará a cabo el conversatorio “Aprender a aprender”, enfocado en desarrollar herramientas de concentración y estudio profundo frente a la distracción digital.

También destacan actividades interdisciplinarias como:

• Análisis del antihéroe en narrativas crossmedia, con el anime One Piece como caso de estudio.
• Diálogos que vinculan la obra de Carlos Fuentes y el Boom Latinoamericano con el storytelling digital contemporáneo.

19 de abril | Lectura crítica de El principito

La jornada culmina con una lectura crítica y adulta del clásico El principito, ofreciendo una nueva perspectiva de esta obra universal.

24, 25 y 30 de abril | “Florecemos entre libros”

Como parte del festejo del Día del Niño, se realizará esta jornada especial con:

• Puestas en escena y presentaciones musicales
• Talleres y narraciones
• Actividades enfocadas en la convivencia familiar sin celulares

Destaca el taller “Me pongo la camiseta de la paz”, que promueve el derecho de las infancias a vivir en entornos seguros y brinda herramientas para identificar situaciones de riesgo.

25 y 26 de abril | Teatro familiar

El Instituto Reynosense para la Cultura y las Artes presentará el montaje “No hay sitio mejor que el hogar”, inspirado en El Mago de Oz, con funciones pensadas para toda la familia.

Actividades gratuitas para disfrutar en familia en CDMX

Con esta cartelera de actividades en la Biblioteca Vasconcelos abril 2026, el recinto reafirma su compromiso como uno de los principales espacios culturales gratuitos en CDMX, al ofrecer opciones que promueven el bienestar integral de las infancias, la lectura y el acceso a la cultura.

La invitación está abierta para que el público consulte horarios específicos en redes sociales oficiales y disfrute de este mosaico cultural para niñas y niños durante todo el mes.

El “Ciclo de charlas con autores argentinos” retoma sus actividades con una nueva edición en el Café Rivarola (Pasaje Rivarola 154, Ciudad de Buenos Aires), desde el 16 de abril a las 18:00, ofreciendo acceso gratuito al público y encuentros cercanos con escritoras y escritores locales de distintos géneros.

El evento, impulsado por Susana Mitchell, periodista, socióloga y columnista de Infobae Cultura, busca fomentar la lectura y potenciar el intercambio directo entre público y autores, invitando a los asistentes a formular preguntas y solicitar firmas de ejemplares durante cada jornada.

La programación de esta cuarta temporada incluye presentaciones de Mauro Ignatti con La potentada (Editorial Enero) el 16 de abril; Marcelo Rubio con El Llovedor el 21 de mayo; Vale Groisman con Vantablack (Editorial Gata Flora) el 18 de junio; Pablo Mariosa con Póstumo (Editorial Del Fondo) el 23 de julio; Natalia Zito con Agua del mismo caño (Editorial Enero) el 27 de agosto; y Gabriela Exilart con El secreto de Azucena (Penguin Random House) el 17 de septiembre.

También estarán Adriana Riva (Seix Barral), el 22 de octubre , con su celebrada novela Ruth. Y el 19 de noviembre Inés Garland con Una vida más verdadera.

El ciclo propone un ambiente único para profundizar en el arte de escribir y el pensamiento creativo, en el cual los autores comparten su experiencia y dialogan abiertamente con la audiencia. Se trata de la cuarta temporada del ciclo.

Hace unos años la palabra feminismo está en todos lados. Están quienes la usan como bandera y los que la ponen en duda. El término no es nueva, tiene una larga historia. Surgió alrededor del siglo XVIII con la publicación de la obra Declaración de los Derechos de la Mujer y de la Ciudadana de Olympe de Gouges en 1791 y la Vindicación de los derechos de la mujer, de Mary Wollstonecraft en 1792.

Mucha agua corrió bajo el puente desde entonces. Muchas luchas han proliferado, muchos derechos se han conquistado en pos de lograr la igualdad de las mujeres respecto de los hombrea. Quienes han trabajado teóricamente sobre este movimiento tuvieron que incorporar nuevos encuadres acorde a los cambios que surgían en la sociedad. Uno de los nombres claves de las últimas décadas es Judith Butler.

Quizás su libro más importante sea El género en disputa: feminismo y la subversión de la identidad, publicado en 1990. Encuadrado dentro de los debates de la tercera ola del feminismo, Butler propone unir la teoría feminista, la filosofía postestructuralista, el psicoanálisis y la teoría literaria. De esta forma sembró las primeras bases para el desarrollo de la teoría performativa del género.

Allí plantea esta pregunta: “¿Ser mujer es un hecho natural o una actuación cultural? ¿Esa ‘naturalidad’ se determina mediante actos performativos discursivamente restringidos que producen el cuerpo a través de las categorías de sexo y dentro de ellas?" La provocación de Butler está ligada a subrayar la performatividad de los géneros y de los cuerpos quitándole toda marca natural, esencial, precultural.

En El género en disputa, Butler sostiene que el género no es lo que uno es, sino lo que uno hace, que no existe una identidad previa a nuestras acciones; el género se construye mediante la repetición constante de actos, gestos y palabras que la sociedad dicta como “masculinos” o “femeninos”.

En esas páginas desafía la distinción clásica entre sexo (biológico) y género (cultural), analiza con minuciosidad la matriz heterosexual y hace una crítica al sujeto del feminismo argumentando que fue un error asumir que “las mujeres” son un grupo uniforme con características naturales comunes. Además, propone que, como el género es una “actuación”, podemos subvertirlo: prácticas como el drag demuestran que el género es una imitación sin un original, permitiendo romper las normas establecidas al exagerarlas o mezclarlas.

Quién es Judith Butler

Judith Butler es una filósofa, teórica feminista y académica estadounidense nacida en 1956. Es reconocida internacionalmente por sus aportes en los campos de la teoría de género, la teoría queer, la filosofía política y la ética. Sus trabajos han influido de manera decisiva en los estudios de género y sexualidad, así como en la teoría crítica contemporánea.

Es profesora en la Universidad de California, Berkeley, y ha ocupado cargos académicos en diferentes instituciones estadounidenses y europeas. Entre sus principales contribuciones se destaca la teoría de la performatividad de género, expuesta en su obra más influyente, donde sostiene que el género no es una identidad fija, sino el resultado de actos repetidos y socialmente regulados.

Algunos de sus libros más famosos son Cuerpos que importan: Sobre los límites discursivos del “sexo” (1993), donde profundiza en cómo el poder moldea la materialidad de los cuerpos y la hegemonía heterosexual, Deshacer el género (2004), donde examina la normativa del género y cómo estas reglas pueden ser cuestionadas para permitir vidas más vivibles, y ¿Quién teme al género? (2024), que analiza cómo el miedo al género impulsa movimientos reaccionarios y autoritarios a nivel global.

Este miércoles 1 de abril de 2026 arrancó la edición número 21 del Gran Remate de Libros, Discos y Películas en el Monumento a la Revolución de la Ciudad de México.

Autoridades del Gobierno de la Ciudad de México inauguraron y dieron marcha a este evento cultural, el cual reúne a cientos de personas diariamente.

De manera anual, el Gran Remate de Libros, Discos y Películas en la Ciudad de México se lleva a cabo en este sitio de la capital del país.

El Gobierno capitalino reveló las fechas en las que estará instalado el 21 Gran Remate de Libros, Discos y Películas, por lo que hizo un llamado a la población a acudir a este evento cultural local.

Fechas para acudir al Gran Remate de Libros, Discos y Películas en el Monumento a la Revolución en la CDMX 2026

De acuerdo con los tiempos notificados por el Gobierno de la Ciudad de México, las fechas para acudir al Gran Remate de Libros, Discos y Películas en el Monumento a la Revolución en la capital del país serán de este miércoles 1 hasta el domingo 5 de abril de 2026.

Como se mencionó anteriormente, el evento cultural se realiza en el Monumento a la Revolución de la capital del país.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México pidió a los asistentes acudir para aprovechar las miles de ofertas que están disponibles.

Desde rebajas, descuentos y promociones en diferentes títulos hasta ediciones especiales de discos es lo que se podrá encontrar en la edición número 21 del Gran Remate de Libros, Discos y Películas en el Monumento a la Revolución de la alcaldía Cuauhtémoc.

“Del 1 al 5 de abril, encuentra libros, discos y películas a precios accesibles y da nueva vida a miles de historias”, destacó el Gobierno de la Ciudad de México.

Gran Remate de Libros, Discos y Películas en la CDMX: evento anual que se ha vuelto una tradición

El Gran Remate de Libros, Discos y Películas se ha consolidado como uno de los eventos culturales más relevantes en la Ciudad de México, ofreciendo a los habitantes de la capital una oportunidad única para acceder a materiales de lectura, música y cine a precios accesibles.

Esta iniciativa fomenta el acercamiento a la cultura y fortalece el hábito de la lectura y el consumo de arte en distintos formatos.

Entre los aspectos más destacados del evento se encuentran:

• Acceso a libros, discos y películas a precios reducidos, facilitando la adquisición de obras que habitualmente resultan inaccesibles para muchos.
• Participación de editoriales, distribuidoras y sellos independientes, lo que impulsa la diversidad cultural en la capital.
• Espacios dedicados a la promoción de lectura, así como actividades culturales y talleres para todas las edades.
• Contribución al reciclaje y la reutilización de materiales culturales, evitando su desperdicio y promoviendo el consumo responsable.
• Encuentro entre lectores, coleccionistas y amantes de la música y el cine, fortaleciendo la vida cultural de la CDMX.

El Gobierno de Ciudad de México habilitó este 1 de abril una playa recreativa de una hectárea en la Utopía Mixiuhca, ubicada en la alcaldía Iztacalco, con acceso gratuito y la expectativa de recibir hasta 3.000 personas diarias durante las vacaciones de Semana Santa.

La iniciativa estará en funcionamiento hasta el 12 de abril y forma parte de un programa más amplio que prevé la apertura de piscinas en todos los espacios Utopía de la capital, donde las autoridades estiman una asistencia máxima de 10.000 visitantes a lo largo de la temporada vacacional.

El espacio habilitado cuenta con 15 piscinas —cinco exclusivas para menores—, áreas con arena, pelotas inflables, salvavidas. Las actividades se completan con un calendario de 20 propuestas recreativas, culturales y deportivas abiertas a toda la población.

Durante la inauguración, la jefa de Gobierno, Clara Brugada Molina encabezó la apertura y recalcó que la iniciativa busca asegurar el derecho al espacio público gratuito. La mandataria afirmó: “el derecho a la ciudad incluye también el derecho a detenerse, a respirar, a disfrutar, a jugar, a gozar, ese es el derecho a la ciudad, ese es el derecho al espacio público gratuito“.

Desarrollo para el espacio familiar

El secretario de Obras y Servicios, Raúl Basulto Luviano, durante la conferencia para la presentación del Santo Chapuzón Vacacional, informó que instalaron 16 amenidades, de las cuales 15 son albercas, pensadas especialmente para que niños y niñas pueda ¿n disfrutarlas.

El espacio también será deportivo, habrá 5 canchas, de futbol y voleibol de playa, una serie de servicios complementarios, módulos de sanitarios, regaderas, areneros, entre otros servicios.

Las amenidades que pueden encontrarse en la Utopía Mixiuhca son:

• Albercas de primeras infancias
• Mesas de picnic
• Carpa del Campo a la Ciudad
• Carpa de cultura
• Carpa de vestidores
• Regaderas y sanitarios
• Activaciones deportivas

Descanso merecido para la CDMX

“Aunque no tengamos mar, tenemos muchas olas de alegría en esta ciudad, una ciudad justa, que reparte también el tiempo, que se preocupa por que la población pueda tener un tiempo digno y no sólo tenga las pantallas de la televisión y el celular para distraerse”, expresó la jefa de gobierno al dar por concluida la inauguración del espacio.

“Esta convivencia es lo más importante para construir paz, una ciudad justa es aquella que reparte el tiempo y la posibilidad de disfrutar la vida en familia y en comunidad, sobretodo en alegría”, agregó.

A la par, Brugada mencionó que esta apenas es una demostración de los beneficios de su gestión, pero el próximo año habrá 32 utopías funcionando, con la oportunidad de convivir con este tipo de actividades.

“Un reconocimiento a quienes no descansarán y se dedicarán a cuidar a los demás, este es el gobierno que en la ciudad estamos construyendo”, finalizó.

La selección de fútbol de Estados Unidos debe estar a la moda: Annie Leibovitz estuvo presente en el entrenamiento el lunes para tomar fotografías.

Leibovitz fotografió a cuatro jugadores durante una hora en un campo de césped artificial en el Children’s Healthcare of Atlanta Training Ground, el centro de entrenamiento del Atlanta United de la Major League Soccer.

Cada uno de los jugadores participantes recibió un libro autografiado por la fotógrafa de 76 años. No se reveló qué medio utilizará las fotos.

Seis jugadores estadounidenses también estaban en un campo de césped haciéndose fotos para la revista Vogue.

Además, durante la actual concentración, los jugadores participaron en sesiones de fotos promocionales para Fox y Telemundo, titulares de los derechos de la Copa del Mundo, entrevistas con TNT Sports, que posee los derechos de la Federación de Fútbol de Estados Unidos, y en la preparación promocional para la Copa del Mundo para los socios de publicidad y marketing de la USSF.

Los jugadores que no estuvieron presentes en la concentración de noviembre también tuvieron que ser fotografiados con los nuevos uniformes Nike que se usarán en la Copa del Mundo.

El seleccionador estadounidense, Mauricio Pochettino, dijo que todas estas actividades le quitaron tiempo para concentrarse en los partidos amistosos contra Bélgica, que perdieron 5-2 el sábado, y contra Portugal el martes.

“Debemos ser justos con los jugadores porque la presión de los medios desde su llegada fue muy intensa”, dijo. “Ayer estaban tan cansados ​​que no se les vio en el campo de entrenamiento porque querían descansar un poco. La cantidad de exigencias para el Mundial dificulta mucho la preparación para los partidos”.

Pochettino contrastó esta concentración con los partidos de noviembre, una victoria por 2-1 sobre Paraguay en Chester, Pensilvania, y una goleada por 5-1 sobre Uruguay en Tampa, Florida, y los partidos de octubre, un empate 1-1 con Ecuador en Austin, Texas, y una victoria por 2-1 sobre Australia en Commerce City, Colorado.

“Filadelfia, Tampa, nos estábamos concentrando en preparar el partido, entrenar y enfocarnos en esto, esto, esto y esto. O antes, de nuevo en Austin o en Denver”, dijo. “No teníamos reuniones porque los jugadores iban a no sé dónde. Otro: ‘¿Adónde tengo que ir? Bueno, hasta el último día no podemos hablar de nada. Estábamos entrenando en el medio, no, y fue duro”.

Fuente: AP

El cineasta y artista británico Steve McQueen fue distinguido con el Premio Erasmus de 2024, uno de los reconocimientos culturales más relevantes de Europa, otorgado por la Praemium Erasmianum Foundation. La distinción incluye una dotación de 150.000 euros (aproximadamente USD172.000), además de una pieza conmemorativa: un cuadernillo en papel que reproduce una caligrafía del humanista Desiderius Erasmus del siglo XVI, según informó la propia fundación holandesa.

El jurado seleccionó a McQueen bajo el lema “Ecce Homo, Behold the Human Being”, centrando la distinción en su capacidad para reflejar la humanidad en tiempos de tensión social y polarización. La Praemium Erasmianum Foundation subrayó que la obra audiovisual del artista invita a analizar la realidad “sin prejuicios—ecce homo—y a reconocernos en los demás”.

Reconocido por largometrajes como 12 Years A Slave (ganador del Oscar a Mejor Película en 2013) y piezas destacadas como el documental Occupied City (2023) o la instalación sonora Bass presentada en 2024 en Dia:Beacon, Nueva York, McQueen ha expandido su trayectoria en diversas disciplinas del arte contemporáneo.

Este galardón, creado en 1958 y no restringido únicamente a artistas visuales, se otorga a figuras o entidades con “una contribución excepcional a las humanidades, ciencias sociales o artes en Europa y más allá”, de acuerdo a materiales oficiales. Entre los laureados anteriores figuran nombres como Trevor Noah (2023), Barbara Ehrenreich (2018), Renzo Piano (1995), Wikipedia (2015) y Amnesty International (1976), según recuerda la Praemium Erasmianum Foundation.

Las temáticas del Premio Erasmus cambian cada año e incluyen enfoques como “El poder de la imagen en la era digital” (2021), “Foto y documento” (2002), “Escultura” (1968) y “Pintura” (1960 y 1994), según el registro de galardonados publicado por la fundación.

“No puede haber paz donde no hay orden”, escribió Santo Tomás de Aquino en la Suma Teológica (Parte II-II, Cuestión 29, Artículo 1, Solución 1). Para entenderla, hay que mirar el contexto técnico: está definiendo la paz y distinguiéndola de la simple concordia.

La Suma Teológica (Summa Theologiae) es su obra cumbre. Escrita entre 1265 y 1274, fue concebida originalmente como un manual para estudiantes de teología, buscando sintetizar todo el conocimiento cristiano bajo una estructura lógica y ordenada. El libro sigue un esquema circular llamado exitus-redditus: todo sale de Dios y todo vuelve a Él. Se divide en tres partes principales: Parte I (Prima Pars), sobre Dios y la creación, Parte II (Secunda Pars), sobre el movimiento del hombre hacia Dios, y Parte III (Tertia Pars), sobre Cristo como camino de salvación y los sacramentos.

En el libro cada tema está organizado en Cuestiones y estas en Artículos que siguen un formato rígido y dialéctico. Parte de una pregunta (por ejemplo, “¿existe Dios?”), desarrolla las objeciones (argumentos en contra), cita a la Biblia que indica la dirección correcta y refutación punto por punto de los argumentos iniciales.

¿Qué significa que no hay paz sin orden?

Para Santo Tomás, la paz no es solo que la gente no se pelee (concordia externa), sino que es la “tranquilidad del orden” (citando a San Agustín). El orden significa que cada cosa esté en su lugar y se dirija a su fin natural. Por ejemplo, que la razón mande sobre los deseos, o que las leyes busquen el bien común. La paz es el resultado de ese orden. Si tus deseos internos están en conflicto o si una sociedad es injusta, no hay orden; por lo tanto, aunque no haya guerra, no hay “paz” verdadera.

Tomás explica que un hombre puede estar en “concordia” con otros (todos están de acuerdo en hacer algo malo, por ejemplo), pero no tiene paz porque sus propios deseos internos están desordenados. Estaba analizando si la paz es una virtud y cómo se relaciona con la caridad. Concluye que la paz requiere que nuestros apetitos (lo que queremos) estén unificados y ordenados hacia el Bien.

En resumen, para él la paz es una consecuencia. No podés “fabricar” paz directamente; tenés que ordenar primero las prioridades (la justicia, la ética, la razón) y la paz aparecerá como resultado natural.

Quién fue Santo Tomás de Aquino

Tomás de Aquino (1225-1274) fue un fraile dominico, teólogo y filósofo italiano, considerado el máximo representante de la Escolástica y uno de los pensadores más influyentes de la historia occidental.

Su importancia radica en haber logrado la síntesis entre la fe cristiana y la razón aristotélica. Antes de él, muchos veían la filosofía griega (basada en la lógica y la observación) como una amenaza para la religión. Tomás demostró que ambas podían convivir porque, según él, ambas provienen de la misma fuente: Dios.

“Doctor Angélico” es el título que le dio la Iglesia Católica, donde es la autoridad filosófica principal. Escribió muchísimo. Además de la Suma Teológica, está la Suma contra Gentiles (una defensa de la fe cristiana frente a los no creyentes, especialmente filósofos árabes y judíos, usando principalmente la razón natural) y el Compendio de Teología (versión mucho más breve y directa de su pensamiento, que dejó inconclusa al morir), entre tantos otros textos.

La editorial británico-estadounidense Penguin Random House anunció el martes haber presentado una demanda en Alemania contra OpenAI, acusando a su herramienta de inteligencia artificial, ChatGPT, de haber infringido los derechos de autor de libros infantiles alemanes.

Se trata de la serie Der kleine Drache Kokosnuss, la historia de un dragón llamado Coco que no sabe volar, del ilustrador alemán Ingo Siegner.

La demanda fue presentada ante el tribunal regional de Múnich contra OpenAI Ireland Limited, proveedor de ChatGPT, según un comunicado de esta editorial, propiedad del gigante alemán de medios Bertelsmann.

Con “simples solicitudes”, el chatbot “reproduce de manera reconocible” contenidos protegidos por derechos de autor de Siegner y genera ilustraciones del dragón “que se parecen notablemente al original”, denuncia la empresa.

Además, existen “indicios claros” de que las obras de Ingo Siegner “fueron utilizadas ilegalmente para entrenar el sistema de IA” y están almacenadas por el chatbot.

Penguin Random House considera que los derechos de autor del ilustrador, así como los derechos exclusivos de uso y explotación que posee su filial, fueron vulnerados.

El gigante de Silicon Valley, pese a una solicitud de cese y de información, no reaccionó, asegura Penguin Random House.

Una responsable de OpenAI para Europa no respondió de inmediato.

En enero de 2025, Bertelsmann había alcanzado un acuerdo con OpenAI para generalizar el uso del chatbot en sus actividades, incluyendo también a Penguin Random House.

Para la editorial, el objetivo de esta colaboración era ofrecer recomendaciones de libros personalizadas en redes sociales.

“Estamos abiertos a las oportunidades que ofrece la IA, pero la protección de la propiedad intelectual sigue siendo para nosotros una prioridad absoluta”, afirmó Carina Mathern, directora editorial de su división juvenil.

Penguin Random House también exige “mayor transparencia para los lectores, con medidas de protección adecuadas”.

“La IA no debe desarrollarse en detrimento de quienes crean los contenidos”, declaró en un comunicado separado el sindicato de editores alemanes.

Este organismo insta a los tribunales a “definir claramente a partir de qué punto comienzan las apropiaciones ilícitas”.

Fuente: AFP

El concepto de reconocer a los menores como “sujetos culturales activos” se presenta en la reciente declaración oficial impulsada por el Consejo de Ministros. Según informó el medio fuente, esta medida sostiene que los niños y adolescentes deben contar con espacios reales para participar, tener la posibilidad de expresar sus opiniones y ver garantizado su derecho a la libre expresión en el ámbito cultural, en línea con la conmemoración del Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil, que se celebra cada 2 de abril.

De acuerdo con la información difundida, el Gobierno materializó esta posición aprobando en Consejo de Ministros una declaración institucional firmada por los titulares de Juventud e Infancia, Sira Rego; Cultura, Ernest Urtasun; y Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación, José Manuel Albares. El documento señala la lectura como una herramienta central para el fomento del pensamiento crítico y el fortalecimiento de la salud emocional en los menores, subrayando su papel para construir sociedades más democráticas e igualitarias.

La declaración oficial, tal como publicó el medio fuente, enfatiza que promover el hábito lector entre la infancia y la juventud contribuye a fortalecer la autonomía y el bienestar mental. Al referirse a este aspecto, los ministros destacaron que facilitar el acceso a la lectura significa proteger el derecho de los jóvenes a crecer y desarrollarse en entornos que favorezcan su salud mental y su independencia. La práctica de leer se presenta como una vía para que los menores se relacionen con la realidad de forma consciente y profunda, lo que permitiría un enfoque más libre en su interacción con la sociedad contemporánea.

El pronunciamiento institucional recoge también que la lectura no implica aislarse, sino que habilita formas enriquecidas y críticas de conectar con el mundo. Los responsables ministeriales sostienen que apostar por el hábito lector entre los jóvenes es comprometerse con los principios de igualdad, pensamiento crítico y democracia, tal y como lo reflejan las palabras del documento citado. Además, la iniciativa señala que la infancia y la adolescencia desempeñan un papel relevante como agentes en la generación de cultura, por lo que resulta necesario reconocerlos como actores activos en ese desarrollo y crear mecanismos y espacios que permitan escuchar sus voces en este ámbito.

Sira Rego, ministra de Juventud e Infancia, valoró la declaración institucional como un paso esencial para reivindicar la lectura como un derecho fundamental de las generaciones más jóvenes, reportó el medio fuente. Aseguró que la lectura permite a niños, niñas y adolescentes expandir sus horizontes vitales, reflexivos y de acción, en tanto que el acceso igualitario a la cultura fortalece su visión sobre el mundo y su capacidad para desenvolverse autónomamente.

Desde el Ministerio de Cultura, Ernest Urtasun remarcó que la promoción de la lectura constituye una herramienta estratégica para lograr una sociedad comprometida con los valores democráticos. A su vez, el Ministerio de Asuntos Exteriores, representado por José Manuel Albares, apoyó la declaración en la línea de impulsar el intercambio cultural y la proyección de los derechos de la juventud en un contexto global.

La declaración pone así el foco en el papel transformador de la literatura infantil y juvenil, al considerar que fomenta capacidades que trascienden el mero acceso a los libros y potencian la participación activa en la vida cultural y social. Además, el texto oficial señala la necesidad de abrir nuevas oportunidades para que los menores ejerzan su derecho a la creación y participación cultural, asegurando una representación efectiva de sus opiniones e intereses, según detalla la publicación original.

El respaldo dado por el Consejo de Ministros a esta declaración, consignada por el medio fuente, se enmarca en una estrategia más amplia que busca fortalecer la autonomía y el pensamiento propio entre la infancia y la adolescencia. El Gobierno, al refrendar esta postura, subraya su compromiso con políticas que contribuyan a garantizar el acceso universal a la lectura y la cultura, como elementos indispensables para la formación de ciudadanos libres e igualitarios. Conforme a lo reportado, esta acción institucional refuerza la determinación de crear condiciones que permitan un desarrollo integral de las capacidades de los menores desde una perspectiva inclusiva y de apertura a la diversidad.

Publicado en 1513, El Príncipe es la obra más influyente de Nicolás Maquiavelo y un pilar de la ciencia política moderna. Escrito como un regalo para Lorenzo de Médici con el fin de recuperar su favor político, el libro funciona como un manual práctico sobre cómo obtener, mantener y expandir el poder.

¿Por qué es tan importante este libro? A diferencia de los filósofos anteriores que buscaban el “Estado ideal”, Maquiavelo se enfoca en la “verdad efectiva” de las cosas, en el “realismo político”, analizando cómo actúan los hombres en la realidad y no cómo deberían actuar. También habla de la relación entre suerte y virtud: el éxito de un gobernante depende del equilibrio entre el azar y la capacidad, inteligencia y valentía para dominar las circunstancias.

En este sentido, Maquiavelo es un autor que vela por la razón de Estado: sugiere que el bienestar y la estabilidad del Estado son el bien supremo, lo que a veces obliga al príncipe a actuar contra la moral, la religión o la palabra dada si el fin lo justifica.

En ese libro escribió frases de gran envergadura como “el fin justifica los medios”, “es mucho más seguro ser temido que amado, si no se puede ser ambas cosas”, “los hombres ofenden antes al que aman que al que temen”, “los hombres juzgan más por los ojos que por las manos, porque ver les corresponde a todos, tocar a pocos” y “las guerras no se evitan, solo se posponen para beneficio de otros”.

También escribió: “La naturaleza de los pueblos es muy poco constante; resulta fácil convencerles de una cosa, pero resulta difícil mantenerles convencidos”. Está en el capítulo VI titulado “De las soberanías nuevas que uno adquiere con sus propias armas y valor”. Una primera lectura habla de la volatilidad de la opinión pública. Maquiavelo observa que las personas, en conjunto, suelen cambiar de parecer con facilidad. Es sencillo lograr que acepten una idea o apoyen una causa en un primer momento. Sin embargo, ese apoyo tiende a ser inestable y pasajero, y mantener la adhesión de la sociedad a lo largo del tiempo requiere un esfuerzo constante.

En el contexto de El Príncipe, Maquiavelo advierte sobre la dificultad de gobernar basándose solo en la aprobación popular, ya que esta puede desaparecer rápidamente si cambian las circunstancias o si surgen nuevas influencias. Para un gobernante, esto implica que debe buscar formas de consolidar su poder y legitimidad más allá de la simple persuasión inicial.

Quién fue Maquiavelo

Nicolás Maquiavelo fue un filósofo, diplomático y escritor italiano, ampliamente reconocido como el padre de la ciencia política moderna. Su pensamiento marcó una ruptura con la tradición medieval al separar la política de la moralidad religiosa, enfocándose en cómo se obtiene y se mantiene el poder en la realidad.

Nació en 1469 en Florencia durante el Renacimiento. Se desempeñó como funcionario público y diplomático de la República Florentina, lo que le permitió observar de cerca las intrigas de las cortes europeas. Su obra más famosa, escrita durante su exilio, se titula El Príncipe (1513). Allí analiza la naturaleza del poder y sugiere que un gobernante debe ser capaz de actuar con astucia y, si es necesario, sin escrúpulos para preservar el Estado.

Debido a sus crudos análisis, surgió el término “maquiavélico”: su apellido se convirtió en un adjetivo que suele usarse de forma negativa para describir a alguien astuto, engañoso o que cree que “el fin justifica los medios” (aunque esta frase exacta no aparece en sus libros). Sin embargo, en sus Discursos sobre la primera década de Tito Livio defendió la libertad cívica y la importancia de las instituciones republicanas y el papel del pueblo, por lo que su pensamiento es republicano.

También fue un destacado dramaturgo, autor de la popular comedia La Mandrágora, y escribió sobre estrategia militar en Del arte de la guerra. Falleció en 1527, poco después de la caída de los Médici y la restauración de la República, sin haber recuperado su antiguo cargo público.

La figura de Juan Carlos sigue ocupando un lugar central y controvertido en la memoria colectiva de España. Para la escritora Laurence Debray, quien pasó dos años en Abu Dabi junto al monarca y le realizó la última gran entrevista antes de su abdicación, encarna un valor histórico: “Es un rey que recibió los plenos poderes del general Franco, o sea, de un dictador, y supo aliarse con el Partido Comunista y con los socialistas para democratizar el país”, dijo en diálogo con Infobae Cultura, subrayando la singularidad política que distingue a la monarquía española de las demás casas reales de Europa.

Reconciliación, las memorias de quien fue rey durante 38 años, desde 1975 hasta 2014, llegó a las librerías durante los últimos días del año pasado y desde entonces no se ha parado de hablar del asunto. No es para menos: Juan Carlos es una figura central. Nació en Roma en 1938 durante el exilio de su familia, nieto de Alfonso XIII, el último rey antes de la proclamación de la Segunda República Española en 1931. Tras la Guerra Civil, Francisco Franco tomó el poder en España y, en 1969, lo eligió como su sucesor, saltándose al padre de este, al considerarlo demasiado liberal.

Fue Juan Carlos quien impulsó una serie de reformas que condujeron a la instauración de la democracia constitucional. Esta etapa culminó con la aprobación de la Constitución de 1978, que estableció la monarquía parlamentaria. En 1981 frenó un intento de golpe de Estado y consolidó el sistema democrático. Pero su figura entró en declive a partir de 2011. Hubo varios escándalos, como el caso Nóos, que implicó a su hija Cristina y a su yerno en un tema de corrupción, y la polémica causada por un viaje secreto de caza de elefantes en Botswana durante la crisis económica española. Además, se sumaron problemas de salud e irregularidades financieras.

El 2 de junio de 2014, Juan Carlos anunció su decisión de abdicar en favor de su hijo Felipe, argumentando la necesidad de “dar paso a una nueva generación” ante los nuevos desafíos y transformaciones sociales. Su renuncia se formalizó el 19 de junio, y Felipe VI asumió el trono ese mismo día. Desde entonces, Juan Carlos ostenta el título honorífico de rey emérito y reside fuera de España, en parte debido a investigaciones por supuestas irregularidades financieras: comisiones por contratos internacionales, fondos y tarjetas opacas, fundaciones y cuentas en paraísos fiscales, y pagos a Hacienda.

A diferencia de otras monarquías europeas caracterizadas por su patrimonio fastuoso, Debray señala que la española es “de bajo presupuesto”. En sus palabras: “La monarquía española es una monarquía tipo IKEA”, haciendo eco de su relativa modestia institucional y económica. (IKEA es el nombre de una popular cadena sueca de muebles, donde las personas ensamblan el objeto ellas mismas.)

El poder simbólico de la monarquía radica, a su juicio, en su función de garante de la cohesión nacional y de las instituciones democráticas: “La constitución es la constitución del rey Juan Carlos y su hijo vigila que las instituciones democráticas funcionen bien”. La vigencia de la Corona se puso a prueba en episodios graves como el conflicto catalán. Debray recuerda que durante la crisis independentista, el actual rey Felipe VI pronunció un discurso clave que frenó el quiebre constitucional, reafirmando el rol de la monarquía como árbitro institucional.

Sin embargo, el legado de Juan Carlos I se ha visto empañado por su salida a Emiratos Árabes y los escándalos financieros y personales de los últimos años. “Tenía una cuenta bancaria en Suiza que no declaró al impuesto español y además dio el dinero a su amante. O sea, que todo mal”, afirmó Debray. Esta situación llevó al rey emérito a un retiro forzado en Abu Dabi: “Se fue justamente para desaparecer y dejar tranquilo a su hijo reinar y vivir una vida secreta para que se olviden de él”. Agrega que, por carecer de patrimonio privado, Juan Carlos I no puede regresar a ningún palacio nacional y sus visitas a España son limitadas a eventos aislados, como regatas en Galicia.

Esta salida no responde al esquema tradicional de las casas reales, enfatiza Debray, para quien la biografía de Juan Carlos es “atípica”. Recuerda: “El rey Juan Carlos nació en el exilio. Fue muy duro llegar a ser rey. Democratiza el país, cambia un poco y tiene un poder... Yo creo que tiene su propia política. Él sí hace política”. Destaca así el inusual recorrido vital del monarca, desde el exilio hasta influir en la apertura internacional y cultural de España.

Laurence Debray nació en París en 1978 y creció rodeada de libros, ideas y debates. En su infancia vivió en un campamento en Cuba. Estudió Historia y Literatura en La Sorbona, Economía en la London School of Economics y en la Escuela de Estudios Superiores de Comercio de París (HEC). Se dedicó a trabajar en las finanzas. Es hija del filósofo francés Régis Debray —uno de los intelectuales más influyentes de la izquierda francesa— y de la antropóloga venezolana Elizabeth Burgos, conocida por sus trabajos sobre identidad y política latinoamericana. Publicó el libro Hija de revolucionarios.

La escritora, cuya formación familiar estaba marcada por figuras revolucionarias en la izquierda latinoamericana y europea, reconoció en el rey un modelo opuesto al drama revolucionario: “Encontré en el rey el modelo de la transición, que lo veo más pragmático, menos dramático y, y que resultó positivo”. Según Debray, la impronta de Juan Carlos responde más al republicanismo de la guerra civil que a una monarquía conservadora.

El contraste entre la valoración internacional y la crítica interna es notorio. Para la entrevistada, en escenarios como Inglaterra o Francia, Juan Carlos I sigue siendo recibido con honores de jefe de Estado y reconocido como padre de la Constitución. Pero en España, el contexto político actual, con una coalición de socialistas, republicanos e independentistas, ha acentuado la instrumentalización de su figura: “Tienden a querer atacar a la Corona y lo utilizan a él. Es un poco el chivo expiatorio fácil que han encontrado”.

Debray considera que en el mediano plazo su legado institucional prevalecerá: “Él quiere ser recordado como el padre de la Constitución española. Yo creo que sí, pero ya dentro de mucho tiempo”. Por ahora, la percepción dominante, sobre todo entre las nuevas generaciones, sigue marcada por los escándalos recientes que opacan una trayectoria, según ella, determinante para la democracia contemporánea.

La historia de Dolores comenzó mucho antes de que yo supiera que alguna vez iba a escribir una novela. Empezó en una sobremesa, en la casa de mi abuela, en Buenos Aires. Yo iba seguido a almorzar con ella y, entre el postre y el café, aparecían historias familiares que muchas veces quedaban flotando en el aire, apenas insinuadas. Había algo en esos silencios que siempre me intrigaban.

En 2015, en uno de esos almuerzos, mi abuela me dijo que me iba a contar la historia de su hermana mayor, Dolores, “de punta a punta”: desde cuando emigraron de España hasta todo lo que pasó en su llegada a Argentina, cosas que muchas de sus hermanas habían preferido olvidar. No sé por qué, pero ese día tuve la lucidez de pedirle si podía grabarla con el celular. Me dijo que sí.

Yo nunca conocí a Dolores, que murió antes de que yo naciera. Pero cuando mi abuela terminó de contarme su historia, lo primero que me salió decirle fue: “Esto es como para escribir una novela”. Lo dije casi en broma, como quien lanza un “algún día” que suena más a deseo lejano que a un plan real. Guardé el audio y seguí con mi vida.

Cinco años después llegó la pandemia y, de alguna manera, el mundo se detuvo. Cerraron restaurantes, gimnasios y oficinas. El tiempo, que siempre parecía faltar, de repente sobraba. Mucha gente buscó cómo llenarlo: yoga, pan con masa madre, aprender a tocar un instrumento. Yo encontré refugio en la escritura.

Decidí reflotar aquella historia de Dolores. Busqué la grabación durante semanas y no aparecía. Hasta que un día la encontré en un mail que me había enviado a mí mismo, con el asunto “Abuela”. Recuerdo haber sonreído y sentirme orgulloso de esa versión previsora de mí mismo.

La escuché de principio a fin. La transcribí. Y ese germen fue creciendo hasta convertirse en Dolores: Una novela”, el libro que finalmente publiqué en 2024.

Pero antes de escribir una sola línea, pasé un año entero investigando. Quería entender cómo era la Buenos Aires de principios del siglo XX, la época en la que transcurre la historia de Dolores. No los grandes acontecimientos históricos, sino la vida cotidiana, porque sabía que quería contar una historia íntima. Cómo se vestían, cómo funcionaba el transporte, qué barrios estaban creciendo, cuál era el lugar de la mujer en esa estructura social y qué implicaba llegar como inmigrante a una ciudad en expansión.

Armé un archivo con más de 300 fotos antiguas: mapas, planos, registros. Incluso encontré online el buque exacto en el que viajó Dolores con su familia, desde Málaga a Buenos Aires. Cuando escribí su nombre y apareció el barco, con la fecha precisa de llegada, sentí un escalofrío. La historia familiar dejaba de ser un relato oral y se volvía algo tangible.

Después vino lo más difícil: aceptar que estaba escribiendo una novela, no una biografía exhaustiva. Mi abuela ya no estaba para responder preguntas. Mi mamá y mis tías me ayudaron con recuerdos heredados, pero entendí que mi fidelidad no debía ser notarial, sino emocional. La ficción no podía traicionar la esencia de la historia, pero sí completar sus silencios.

Soy comunicador y trabajo en publicidad. Ahí aprendí que cada palabra tiene que cumplir una función. En mi mundo profesional el tiempo de atención dura apenas unos segundos. En una novela, el desafío es sostenerlo durante más de 300 páginas. Intenté que cada escena empujara la historia hacia adelante y que el lector no se perdiera en lo innecesario.

Pero más allá del oficio, lo que me impulsó fue otra cosa. Muchas personas que leyeron Dolores me dijeron que se sintieron identificadas porque en su familia también hay historias de inmigración. Todos venimos de alguien que dejó su tierra por algún motivo. Si la novela logra algo, me gustaría que sea eso: que alguien termine de leerla y llame a sus abuelos para preguntarles su historia antes de que sea tarde.

Mi abuela no llegó a ver el libro publicado. Falleció en 2018. Pero me gusta pensar que aquella tarde en la que decidió contarme la historia de su hermana sabía, de algún modo, que no era una anécdota más.

Y que hoy estaría orgullosa de que aquella historia de vida esté plasmada en papel. De que lo que le dije al pasar en aquel momento se volvió realidad: esa sobremesa familiar se terminó convirtiendo en una novela.

Más que estética, una herramienta de soberanía. Una exposición en París bucea en cómo la moda africana del siglo XX se convirtió en un “gesto político” emancipador para un continente que, tras la colonización, utilizó el textil para tejer su nueva identidad frente a Occidente.

El recorrido de Africa Fashion, que se inaugura mañana, martes, y estará presente hasta el 12 de julio en el museo Quai Branly - Jacques Chirac de París, abarca no solo vibrantes estampados del África austral o delicadas túnicas de seda del Magreb, sino que se adentra en la idiosincrasia de una cincuentena de naciones que empezaban a ser soberanas a mediados del siglo pasado.

“El uso de tejidos tradicionales se convierte en un acto político en ese momento de independencia”, explicó ante los medios la comisaria Christine Checinska, del Victoria and Albert Museum de Londres, institución que ideó la muestra y la llevó anteriormente a ciudades como Nueva York, Chicago, Melbourne y Montreal.

En pleno movimiento descolonizador iniciado tras la Segunda Guerra Mundial, Checinska contó cómo “el sello Made in Africa” sirvió para que las naciones del continente descubriesen “el verdadero poder económico de la moda”.

“Es también el momento en el que, en efecto, aparecen eslóganes políticos impresos en las telas, pero también cuando se construyen fábricas” textiles, agregó la comisaria.

Solo en 1960, 17 países africanos declararon su independencia y naciones como Ghana y Senegal contaron con presidentes —en la persona de Kwame Nkrumah y Leopold Sédar Senghor, respectivamente— que estimaban que el arte y la cultura podían ser motores importantes para definir el rol de África en la escena internacional.

Considerado un continente con una rica historia textil, desde el bogolanfini en Malí (tela de algodón teñida de un barro especial con más de 800 años de antigüedad), pasando por el Kuba (un irregular tejido hecho a partir de la fibra de una palmera en lo que es hoy la República Democrática del Congo), los talentos africanos de la moda florecieron a partir de los años 1960.

Dos figuras de ese renacimiento fueron la marroquí Naïma Bennis (1940-2008), quien aligeró el caftán tradicional eliminando capas pesadas y creando prendas fluidas, con sedas y muselinas; y el ghanés Kofi Ansah (1951-2014), quien reinventó el llamativo tejido kente con patrones contemporáneos que pudieran usarse en trajes de noche y chaquetas.

Destacaron también el maliense Chris Seydou (1949-1994) —que dio una segunda vida al bogolanfini cortándolo en minifaldas, chaquetas de aviador y sombreros de copa— o la nigeriana Shade Thomas-Fahm (1933), cuyo gran acto político fue el de transformar el traje tradicional femenino yoruba añadiéndole cremalleras, pinzas y botones.

También hay espacio en la muestra de París para la fotografía del camerunés Samuel Fosso (1962), quien, en su serie African Spirits, se retrata a sí mismo evocando a figuras emblemáticas del movimiento negro como los estadounidenses Malcolm X y Angela Davis.

Eclosión del arte africano en Europa y un pintor ghanés

Junto a Africa Fashion, otras dos exposiciones relacionadas con el continente se inauguran mañana en el Quai Branly: 1913-1923: El espíritu del tiempo y Kwame Akoto.

La primera, que parte de la fecha de 1913 por ser el año en el que se organizó una importante muestra sobre arte extraeuropeo en París, bucea en la emergencia del arte africano y de Oceanía como fuente de inspiración de artistas del Viejo Continente —Pablo Picasso y Henri Matisse, entre otros—, en un momento en el que las teorías racistas y las ideas preconcebidas sobre lo africano estaban en boga.

La segunda descubre al pintor Kwame Akoto (1950), alias “Almighty God” (Dios Todopoderoso). La exposición se adentra en su peculiar carrera, desde sus comienzos como pintor de carteles y rótulos comerciales en la ciudad ghanesa de Kumasi.

En la muestra, su estilo figurativo, casi ingenuo, está dotado de una técnica de retrato asombrosa, como cuando plasma a Barack Obama en 2009, nada más asumir como presidente de Estados Unidos.

Fuente: EFE

El gobierno federal destinará este sexenio una inversión de 380 millones de pesos para mejorar y renovar diversos recintos culturales y arqueológicos del país. De esa cantidad, 40 millones corresponden al mantenimiento del Museo Nacional de Antropología e Historia y 30 millones a la zona arqueológica de Teotihuacán. Así lo informó Joel Omar Vázquez Herrera, director general del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), durante la conferencia mañanera de este lunes ante la presidenta Claudia Sheinbaum Pardo.

“Hace 30 años que no se le invertía a la infraestructura cultural de estos recintos”, declaró el funcionario.

Zonas arqueológicas y museos, los grandes beneficiados

El proyecto contempla la rehabilitación de 46 zonas arqueológicas, 12 museos —de sitio, arqueológicos y regionales— y 12 juegos de pelota distribuidos en 12 entidades del país. Vázquez Herrera indicó que las obras registran un avance del 46 por ciento. Entre los sitios beneficiados destacan Teotihuacán, Monte Albán, Cholula, Tlatelolco, Malinalco y El Tajín, además del Museo del Templo Mayor. Las intervenciones abarcan desde la rehabilitación de espacios físicos hasta trabajos arqueológicos, museográficos y de conservación.

En las escuelas del INAH también se atendieron 220 espacios, que incluyen 122 salones, 13 laboratorios, una bodega especializada, sanitarios, comedores y auditorios.

Una inversión mayor para las escuelas de arte

Por su parte, la titular de la Secretaría de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, presentó los avances del Programa Integral de Renovación y Fortalecimiento de las Escuelas de Educación Artística y Cultural, uno de los 100 compromisos culturales del actual gobierno. Este programa cuenta con una inversión total de mil 500 millones de pesos para atender las escuelas del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y del propio INAH, infraestructura que llevaba más de cuatro décadas sin mantenimiento integral.

En las 39 escuelas del INBAL intervenidas se atendieron mil 405 espacios: 118 salones de danza, 265 de música, 384 salones académicos y 23 auditorios, entre otros. Además, se adquirieron 23 mil bienes, incluyendo instrumentos musicales —una de las principales demandas estudiantiles—, así como equipo científico y tecnológico. Curiel de Icaza adelantó que al cierre de este año entrará en operación el laboratorio de investigación de la Escuela Nacional de Arte (ENA), que se perfila como el más importante de América Latina en su ramo.

Museo Textil y nuevos planes de estudio

Otro anuncio relevante de la mañanera fue la próxima apertura del Museo Textil de los Pueblos Indígenas y Afromexicanos, programada para el 29 de mayo en un edificio emblemático del Centro Histórico de la Ciudad de México. El recinto contará con cuatro salas de exposición permanente, sala de exposiciones temporales, sala interactiva, espacios de capacitación y área lúdica. Su apertura coincidirá estratégicamente con los meses previos al Mundial 2026.

La secretaria también informó que los planes de estudio de educación artística se actualizan en coordinación con alumnos y docentes, con miras a ampliar la matrícula. El año pasado se incorporaron dos estados más a la currícula artística, y se anticiparon nuevos crecimientos en educación no formal.

Durante meses, se ha especulado en línea que la popular novela de terror Shy Girl fue escrita con la ayuda de inteligencia artificial. La novela, que narra la historia de una joven desesperada que es tomada como rehén por un hombre al que conoció en internet y obligada a vivir como su mascota, fue autopublicada en febrero de 2025. El libro rápidamente encontró un público entre los aficionados al terror, y Hachette lo publicó en el Reino Unido el otoño pasado y planeaba lanzarlo en Estados Unidos esta primavera, presentándolo como “una novela de terror de venganza visceral y sin concesiones”.

A principios de este año, Max Spero, fundador y director ejecutivo de Pangram, un programa de detección de IA, se enteró de las afirmaciones sobre Shy Girl y decidió realizar una prueba del texto completo. Los resultados indicaron que el libro había sido generado por IA en un 78 por ciento.

“Estoy convencido de que esto se ha generado en gran medida mediante inteligencia artificial, o que cuenta con una gran asistencia de la misma”, afirmó Spero, quien publicó su investigación en X en enero.

The Times también analizó pasajes de la novela utilizando varias herramientas de detección de IA y encontró patrones recurrentes característicos del texto generado por IA, como lagunas en la lógica, uso excesivo de adjetivos melodramáticos y una dependencia excesiva de la regla de tres.

En los meses transcurridos desde el lanzamiento de Shy Girl en Gran Bretaña, más lectores expresaron en línea sus sospechas de que la autora había recurrido a la IA, citando metáforas sin sentido y frases extrañas y repetitivas. A finales de enero, mientras un coro de acusaciones se multiplicaba en internet sobre la supuesta creación de la novela mediante IA, Hachette guardó silencio.

En respuesta a las preguntas de The New York Times sobre las acusaciones de manipulación de la inteligencia artificial contra Shy Girl, Hachette comunicó a The Times que su sello editorial Orbit ha cancelado los planes para publicar la novela en Estados Unidos y que Hachette dejará de publicar su edición para el Reino Unido.

La autora de Shy Girl, Mia Ballard, quien según su biografía escribe poesía y vive en el norte de California, tiene muy poca presencia en redes sociales y no parece haber abordado las acusaciones de uso de IA en sus perfiles. En un correo electrónico enviado a The Times a última hora del jueves por la noche, Ballard negó haber usado IA para escribir Shy Girl, alegando que una conocida a la que contrató para editar la versión autopublicada de la novela había usado IA.

La decisión de cancelar la publicación se tomó tras un análisis exhaustivo y prolongado, según declaró la portavoz de Hachette, quien señaló que la empresa valora la creatividad humana y exige a los autores que certifiquen la originalidad de su obra. Hachette también solicita a sus autores que informen a la empresa si utilizan inteligencia artificial.

Shy Girl parece ser la primera novela comercial de una editorial importante que se retira por evidencia de uso de IA. Su cancelación es una señal de que la escritura con IA no solo está apareciendo en libros electrónicos autopublicados baratos que inundan Amazon, sino que también se está infiltrando en la ficción publicada tradicionalmente.

El sorprendente hecho de que Shy Girl llegara tan lejos en el proceso editorial, e incluso se publicara en el Reino Unido antes de que las editoriales investigaran a fondo las afirmaciones sobre el uso de la IA, es una señal de lo poco preparados que están muchos en el mundo editorial para afrontar el auge de la IA. También anuncia el comienzo de una nueva era incierta para el mundo editorial, ya que tanto editores como lectores se preguntan cada vez más si la prosa que leen fue escrita por un ser humano o por una máquina.

Pocos editores o directores de editoriales hablarían públicamente sobre cómo están manejando la IA, dado que sus usos en la escritura son tan controvertidos y éticamente ambiguos. Sin embargo, algunos ejecutivos del sector editorial temen que poco se pueda hacer para detener la incursión de la IA, especialmente a medida que la tecnología se vuelve más sofisticada rápidamente.

“Es como con el plagio: estás a merced del autor”, dijo Morgan Entrekin, editor de Grove Atlantic. “Tenemos que tener confianza en nuestros socios”.

Por ahora, las disrupciones más evidentes de la IA están afectando al ámbito de la autoedición, donde los autores afirman que el ecosistema se ha visto inundado de obras de baja calidad generadas por IA. Sin embargo, algunos en la industria creen que es solo cuestión de tiempo antes de que más libros escritos con IA pasen desapercibidos para los editores de las grandes editoriales. La tecnología se ha generalizado cada vez más, al igual que la práctica de adquirir libros autoeditados y reeditarlos a través de sellos tradicionales.

“No es simplemente inevitable”, dijo Thad McIlroy, consultor de la industria editorial que ha instado a las editoriales a aclarar sus políticas en torno a esta tecnología. “Estamos en medio de ello”.

Después de que McIlroy se enterara de las acusaciones sobre Shy Girl por un empleado de Pangram, consiguió una copia del libro y solicitó informes a Pangram y a otros dos programas de detección de IA, GPT Zero y Originality.ai. Los tres concluyeron que era probable que el texto hubiera sido generado en gran parte o en su totalidad por IA, y el informe de Pangram señaló ciertas frases, como “la pausa se siente como un cuchillo en mi pecho, afilado e inflexible”, y más adelante, “aprieto el teléfono contra mis labios, la pantalla fría e inflexible”, por tener las características propias de la escritura de un chatbot.

Es casi imposible calcular cuánto texto escrito por IA se publica, pero hay indicios de que esta tecnología ha propiciado un auge en la publicación de libros. El año pasado, se autopublicaron más de 3,5 millones de libros, frente a los 2,5 millones previstos para 2024, según Bowker, empresa que recopila datos del sector editorial. Las editoriales tradicionales publicaron más de 642 000 libros el año pasado.

Tuhin Chakrabarty, profesor de informática en la Universidad de Stony Brook, utilizó Pangram para analizar más de 14.000 novelas autopublicadas en Amazon en busca de texto generado por IA. El programa descubrió que casi el 20 por ciento de las novelas habían sido escritas sustancialmente por IA. Centrándose principalmente en las novelas publicadas entre 2024 y 2025, Chakrabarty observó un aumento del 41 por ciento interanual en la cantidad de novelas de su muestra aleatoria que contenían una gran cantidad de texto generado por IA, según afirmó.

Los detectores de IA a veces confunden la escritura humana con la generada por computadora. Aun así, Chakrabarty afirmó estar seguro de que Pangram detectaba el lenguaje de los chatbots. El programa fue diseñado para detectar patrones lingüísticos que utilizan con frecuencia grandes modelos de lenguaje como ChatGPT y Gemini, y tiene una tasa de falsos positivos de aproximadamente uno entre 10 000, explicó Spero. También está diseñado para detectar intentos humanos de encubrir el uso de IA mediante la edición.

Tras recopilar una lista de novelas autopublicadas que Pangram demostró que habían sido generadas en gran medida por IA, Chakrabarty se centró en los libros que conectaban con los lectores, basándose en el número de valoraciones en Goodreads y el número medio de estrellas.

Al clasificar los libros según el mayor número de reseñas, Shy Girl se encontraba entre los mejor valorados y más escuchados, con más de 4.840 reseñas y una media de 3,5 estrellas.

Sin embargo, la primera reseña de la página le otorga una estrella, de un lector que escribió: “Estoy bastante seguro de que esto fue escrito por ChatGPT“.

La autora Olivie Blake, quien escribió una reseña elogiando Shy Girl, escribió en un correo electrónico a The Times el viernes que era “verdaderamente desalentador saber que la IA podría haber estado involucrada”, afirmando que “no tiene cabida en el arte”. Cuando leyó el libro, continuó, “partí de la base de que la historia había sido escrita por un ser humano, y sinceramente me pareció audaz, ingeniosa y singularmente aterradora”.

“Dicho esto”, añadió, “Mia Ballard ocupa una posición muy vulnerable en la industria editorial como autora negra, así que no quiero sacar conclusiones precipitadas”.

Muchas editoriales no prohíben explícitamente a los autores el uso de la IA en sus contratos. En cambio, se basan en cláusulas contractuales de larga data que exigen que los escritores afirmen que su obra es “original”, lo que muchos en el sector editorial interpretan ahora como una prohibición de facto del uso de la IA para la creación de texto o imágenes.

Las editoriales también desconfían del contenido generado por IA, ya que actualmente los textos e ilustraciones creados con IA no están protegidos por derechos de autor. Sin embargo, dado el uso generalizado de la IA en la investigación, la elaboración de esquemas y otras etapas del proceso de escritura, aún no está claro qué constituye un uso apropiado. Muchos en el sector temen que las editoriales se expongan a estafadores, o incluso a escritores que creen que su uso de la IA no infringe ninguna norma.

Un problema a la hora de regular el uso de la IA por parte de los autores es que la mayoría de las editoriales no quieren prohibirla por completo. Los editores reconocen que los autores utilizan la IA de diversas maneras, además de escribir con ella. Y los directivos de las editoriales quieren asegurarse de que sus empleados puedan utilizar la tecnología para tareas como la creación de textos de marketing, narraciones de audio y traducciones.

El hecho de que las editoriales no hayan establecido límites claros respecto al uso de la IA genera confusión sobre lo que está permitido. ¿Podría un novelista pedirle a la IA que sugiera giros argumentales, proponga un final alternativo o pula un borrador y aun así considerarlo una obra original? ¿En qué momento deja de ser una obra humana?

Las sospechas generalizadas sobre el uso de la IA por parte de los autores han puesto a las editoriales en una posición precaria. Muchas siguen considerando la edición tradicional como el único refugio para la ficción original, cuidadosamente seleccionada y pulida por editores expertos. Si la IA es capaz de producir ficción cautivadora, y ni lectores ni editores pueden discernir su origen, podría erosionar la posición de las editoriales como referentes literarios.

«Es un problema real y debemos establecer límites», declaró Mary Rasenberger, directora ejecutiva del Gremio de Autores, que lidera una demanda colectiva por infracción de derechos de autor en nombre de autores contra OpenAI y Microsoft, alegando que ChatGPT fue entrenado ilegalmente con obras protegidas por derechos de autor. (The New York Times ha demandado a OpenAI, creador de ChatGPT, y a su socio Microsoft por infracción de derechos de autor de contenido informativo relacionado con sistemas de IA. Ambas compañías han negado estas acusaciones).

“Hay editores y autores que piensan que la calidad de la IA está a un nivel que le impide competir con ellos, y no creo que ese sea el caso con los nuevos modelos de lenguaje a gran escala”, añadió Rasenberger.

Escribir con IA sigue generando mucha controversia entre autores y lectores. Algunos lo ven como una forma de trampa, sobre todo si los lectores no se dan cuenta de que el libro que leen incluye pasajes generados por un chatbot. Para otros, es un robo: muchos programas de IA generativa se entrenaron con copias no autorizadas de obras protegidas por derechos de autor.

Seth Fishman, un agente literario, dijo que los autores a los que representa se oponen en gran medida al uso de la IA para escribir.

“Para los autores, esto no es solo una cuestión tecnológica, sino también moral”, afirmó. “Los autores sienten que les han robado su obra”.

Incluso antes de Shy Girl, circulaban rumores en el mundo editorial sobre casos en los que las editoriales estuvieron a punto de detectar el uso de inteligencia artificial antes del lanzamiento de un libro.

En un caso, un editor de una importante editorial, que habló bajo condición de anonimato debido a la confidencialidad del proceso editorial, preguntó a un escritor por qué algunos pasajes de su último libro eran tan planos e insulsos. El autor reconoció haber utilizado inteligencia artificial para las revisiones.

Otra editorial descubrió que un libro que había adquirido contenía prosa con ayuda de inteligencia artificial y lo retiró de la publicación, según un empleado que se negó a dar más detalles o a identificar al autor o a la editorial, alegando la naturaleza confidencial de los contratos editoriales.

Existe poco consenso sobre qué medidas se deben tomar para detectar textos generados por IA no declarados en los libros. Algunos agentes y editores argumentan que las editoriales deben indicar explícitamente sus expectativas respecto a la IA para evitar confusiones o incluso fraudes por parte de autores que no sean transparentes sobre su dependencia de esta tecnología.

Penguin Random House, la mayor editorial de Estados Unidos, ha creado directrices para establecer parámetros sobre el uso de la IA para autores e ilustradores, que reflejan sus cláusulas contractuales sobre originalidad. Representantes de otras importantes editoriales, como HarperCollins, Simon & Schuster y Macmillan, declinaron dar detalles sobre sus políticas de IA, limitándose a mencionar dichas cláusulas de originalidad en sus contratos editoriales. Una portavoz añadió que Macmillan evalúa las cuestiones relacionadas con el uso de la IA caso por caso.

Sin embargo, a algunos les preocupa que la ambigüedad que rodea a la IA, y el estigma que conlleva esta tecnología en el mundo literario, haga más probable que los escritores no sean transparentes al respecto.

“Si se mantiene en secreto, si no se quiere hablar de ello, la gente va a hacer un mal uso de la tecnología”, dijo Chakrabarty. “El estigma que rodea a la IA está causando más daño que beneficio”.

Fuente: The New York Times

El Festival Federal de Mosaico (FeMo) 2026 reunirá del 2 al 5 de abril a artistas, gestoras e instituciones de once provincias argentinas con el propósito de potenciar el mosaico contemporáneo como expresión artística y herramienta de integración social. Desplegado en sedes distribuidas por todo el país, el evento busca fortalecer la identidad local y promover una estructura federal, en la que cada ciudad diseña su programa a partir de los ejes de accesibilidad, sostenibilidad y colaboración nacional. El festival, impulsado por la gestión de Romina Fascendini desde la Galería Arte Mosaico de Córdoba y Alejandra Martin en El Calafate, recibirá el reconocimiento de interés cultural por parte de la Legislatura de Córdoba y cuenta con el auspicio del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El certamen desplegará 31 acciones simultáneas en ciudades como Córdoba, Ushuaia, El Calafate, Plottier y la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, donde los encuentros abiertos, intervenciones artísticas, talleres y ferias pondrán en primer plano el mosaico como disciplina transversal. La edición 2026 del FeMo prioriza la formación, la difusión de artistas emergentes y consolidados, así como la generación de redes que promuevan el vínculo entre comunidad y territorio. Según la información difundida por la organización, la consigna central es celebrar “el arte musivo en alianza y simultaneidad festivalera, en diversas ciudades de Argentina”.

La Legislatura de la Provincia de Córdoba, a instancias de la legisladora Karen Acuña, distinguirá formalmente al FeMo durante uno de los actos centrales en la ciudad. Esta distinción se suma al patrocinio oficial del Ministerio de Cultura porteño, lo que ubica al festival en el radar de las agendas culturales más relevantes del país.

El Festival Federal de Mosaico se llevará a cabo en un formato descentralizado que permite a cada sede desarrollar actividades de acuerdo con su propio contexto. Esta modalidad fue delineada por Fascendini y Martin para asegurar la participación plural, promover el intercambio horizontal de saberes y estimular experiencias de formación accesibles orientadas a toda la comunidad.

A modo de ejemplo, serán parte de la programación actividades como la intervención artística en el Parque de la Vida de Córdoba, la inauguración de un mural colectivo en Ushuaia, talleres temáticos en centros culturales de Santa Rosa, exposiciones en el Palacio Barolo de la Ciudad de Buenos Aires y la muestra “Oda a artistas argentinos” en el Museo Casa del Che en Alta Gracia.

Córdoba será sede de numerosas actividades, incluyendo el Reconocimiento Legislativo al FeMo el jueves 2 de abril a las 17:00 en el Museo Metropolitano de Arte Urbano Plaza España, así como talleres y ferias de arte que se desarrollarán de 17:00 a 20:30 horas.

El FeMo 2026 estructura su propuesta a partir de tres ejes: garantizar la accesibilidad e inclusión, favorecer la sostenibilidad y responsabilidad social en cada acción y profundizar la colaboración federal entre regiones. Entre sus principales objetivos figuran la consolidación de un entramado cultural democrático, la valorización del patrimonio material e inmaterial de cada territorio y la generación de oportunidades educativas equitativas.

Uno de los énfasis declarados por Romina Fascendini es la perspectiva de género: el festival fomenta que la creación, gestión y representación artística sean equitativas, visibilizando tanto a artistas emergentes como a los de trayectoria consolidada.

Durante los cuatro días del evento, se realizarán también conversatorios, ferias, clases teóricas y performances. Entre las acciones más destacadas aparece la jornada “Crear en comunidad” en El Calafate, donde a partir de las 14:30 del 4 de abril los participantes podrán sumarse a una experiencia colectiva en el Parque Nacional Los Glaciares. En el mismo sentido, la Compañía de Mosaicos, Artes y Oficios de Villa Urquiza albergará actividades formativas a lo largo de todas las jornadas.

El FeMo 2026 extiende su alcance desde el sur hasta el centro y norte argentino, involucrando a sedes como Ushuaia, coordinada por Maca Demattia, y Plottier, liderada por Nilda Zamudio. En la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Cintia Besanzini y Ana Lía Dellacasa estarán al frente de las agendas de CABA 1 y CABA 2, respectivamente.

El festival prevé acciones como la inauguración del mural colectivo “Un jardín para el jardín” en el Jardín de Infantes Paulo Freire de Pablo Nogués, con obras enviadas por artistas de todo el país y la muestra “Materia fragmentada. Dos talleres, 25 miradas” en Ricon-art, Comuna 12, Villa Urquiza, abierta al público del 1 al 6 de abril.

El alcance federal del FeMo se manifiesta también en el homenaje a la trayectoria de Andrea Wenner con una muestra retrospectiva en el Palacio Barolo y en los recorridos guiados por murales en Lago Puelo, El Bolsón y El Hoyo, que buscan revalorizar el patrimonio y fortalecer la identidad regional a través del arte musivo.

La programación se completa con la creación de murales conmemorativos como “Mural Malvinas” en Ushuaia, el Mural Escudo Provincial en Santa Rosa y ferias de arte que tenderán puentes entre las comunidades y los trabajadores culturales.

Con 31 actividades coordinadas en once provincias argentinas y un reconocimiento institucional inédito, el Festival Federal de Mosaico 2026 consolida su propuesta como una plataforma de circulación cultural, innovación artística y desarrollo comunitario en el escenario contemporáneo argentino.

Hay que volver a los clásicos. En tiempos de reciclajes, antiintelecutalismo y fugacidad, atrás, en el pasado, allá lejos y no tan lejos, están las obras que la humanidad fue construyendo, las piedras angulares de nuestro pensamiento, de eso que llamamos civilización, gente que pensó y pensó hasta morir. Uno de esos clásicos es Voltaire.

Nacido como François-Marie Arouet en 1694 y fallecido en 1778, siempre en París, es uno de los principales representantes de la Ilustración, aquel período que enfatizó el poder de la razón humana y de la ciencia en detrimento de la religión. En ese proceso de transición tan complejo y contradictorio, este intelectual francés dejó una huella que tal vez pueda darnos una nueva perspectiva para pensar nuestro presente.

En el ensayo Milagros de Cuestiones sobre la Enciclopedia (1767) escribió: “Quien tenga el poder de hacerte creer absurdos, puede hacerte cometer injusticias”. La frase no es exacta. Se llegó a esas palabras luego de siglos de traducción y adaptación. En el original, Voltaire escribió: “Certainement qui est en derecho de vous rendre absurde est en derecho de vous rendre injuste”. La traducción literal sería: “Ciertamente, quien tiene el derecho de hacerte absurdo, tiene el derecho de hacerte injusto”.

Con el tiempo, la traducción al inglés y posteriormente al español evolucionó para ser más impactante, sustituyendo “injusto” por “cometer atrocidades”. Aunque no son sus palabras exactas, los estudiosos coinciden en que la frase captura perfectamente el mensaje de Voltaire sobre los peligros del fanatismo y la pérdida de la razón.

Voltaire critica el fanatismo religioso y argumenta que cuando alguien abandona la razón para aceptar dogmas imposibles, queda vulnerable a ser manipulado para realizar actos crueles. Pero ese enceguecimiento no está solo en la religión, sino en otros aspectos de la vida. Hoy lo vemos con claridad: la cultura, la política, los medios, la tecnología, el entretenimiento... todo confabula para nublarnos la vista.

De algún modo, lo que propone Voltaire es un gran despertar, sacar la cara de la pantalla y mirar a los demás, al que está al lado, al mundo, a la vida. Volver a mirar. ¿Quién cometa las injusticias? ¿Y si en realidad fuéramos nosotros los ejecutores?

Quién fue Voltaire

Voltaire (1694–1778), cuyo nombre real era François-Marie Arouet, fue un filósofo, escritor e historiador francés y una de las figuras más emblemáticas de la Ilustración. Se le reconoce mundialmente por su defensa de la libertad de expresión, la tolerancia religiosa y la separación de la Iglesia y el Estado.

Fue un defensor de la razón (creía que el progreso humano dependía de la ciencia frente a la superstición y el fanatismo dogmático) que utilizó la ironía y la sátira para cuestionar a la Iglesia Católica, la aristocracia y el absolutismo francés, lo que le valió múltiples encarcelamientos en la Bastilla y largos exilios. Además, intervino activamente en casos de injusticia judicial, siendo el más famoso el de Jean Calas, un protestante torturado injustamente, logrando que se rehabilitara su memoria.

Fue un autor extremadamente prolífico, con más de 2.000 libros y panfletos, y unas 20.000 cartas. Sus títulos más destacados incluyen Cándido o el optimismo (1759), Tratado sobre la tolerancia (1763), Diccionario filosófico (1764) y Cartas filosóficas (o Cartas inglesas) (1734).

Durante la próxima celebración del 40 aniversario de COGAM, prevista para el 28 de mayo de 2026 en la sede de UGT en Madrid, Eduardo Casanova recibirá el Premio Triángulo Positivo 2026, en reconocimiento a la visibilidad y referente positivo que ha supuesto su testimonio público sobre el VIH. Según informó COGAM, la decisión de premiar al intérprete madrileño responde a su contribución destacada en la lucha contra los prejuicios y su aportación a la percepción social de la diversidad.

El medio COGAM detalló que este premio tiene como fundamento destacar trayectorias que han favorecido la ruptura del estigma social y la creación de referentes culturales diversos dentro del colectivo LGTBI+. En el caso de Casanova, el colectivo LGTBI+ de Madrid subrayó que su carrera se distingue por una perspectiva artística que expresa la diferencia sin ocultamientos ni justificaciones. Esta aproximación ha permitido que un segmento joven del colectivo encuentre modelos con los que identificarse y que se alejan de prejuicios y estándares preestablecidos.

El propio Casanova hizo público recientemente su diagnóstico de VIH, una decisión que COGAM califica como un acto de "gran valor social". Según publicó la entidad, la elección de dar a conocer su situación de salud no era una obligación personal, pero ha tenido un importante efecto social en un contexto donde permanecen el desconocimiento y la discriminación asociados al virus. El colectivo puntualizó que la apertura de Casanova al hacer pública su realidad contribuye a sensibilizar sobre cómo el estigma social persiste aún más allá de las implicaciones médicas del VIH.

COGAM, al anunciar este lunes el galardón, expresó que “lo diferente no se esconde ni se disculpa” en la obra de Casanova, señalando su universo creativo como un espejo para jóvenes que buscan referentes sin juicios. De acuerdo con el comunicado, el premio reconoce la capacidad transformadora de aquellos personajes públicos que, desde la cultura, logran disminuir las barreras del estigma y ampliar la representación de la diversidad sexual y de género.

Los Premios Triángulo, entregados anualmente, representan uno de los reconocimientos de mayor historia y visibilidad en la reivindicación de los derechos LGTBI+ en la Comunidad de Madrid, según consignó COGAM. La edición de 2026 adquiere importancia adicional por coincidir con los festejos del 40 aniversario de la institución, en los que se espera una gala con un simbolismo especial. Además, COGAM indicó que en las próximas semanas anunciará a otras personas e iniciativas galardonadas en esta edición.

La entidad subrayó la labor de Casanova no solo en lo artístico, sino también en el terreno social, al convertirse en motor de conversación pública sobre asuntos todavía cargados de tabú. Según reportó COGAM, la visibilidad de personas con VIH desempeña un papel en la desarticulación de mitos y miedos sociales aún presentes en la sociedad. Desde el colectivo, se resalta la necesidad de dar protagonismo a quienes, como Casanova, aportan al debate y promueven una percepción más realista del VIH en la vida cotidiana.

En la nota de anuncio, COGAM recalcó que la decisión de este año vuelve el foco sobre la importancia de los referentes públicos y artísticos en la conquista de espacios igualitarios y en el combate de la discriminación por motivos de orientación sexual, identidad de género o condición de salud. Dentro del mismo comunicado, el colectivo confirmó la continuidad de sus premios y actividades orientadas al reconocimiento de personas, entidades e iniciativas con un compromiso demostrado con la igualdad y los derechos del colectivo LGTBI+.

El galardón a Casanova se suma a una lista de reconocimientos concedidos a quienes han jugado un papel destacado en la denuncia de la discriminación, la defensa de la igualdad y la construcción de una cultura más inclusiva. Según resaltó COGAM, los próximos nombres premiados se harán públicos después del anuncio de Casanova, en un evento que busca destacar tanto trayectorias individuales como acciones colectivas determinantes para los derechos de la comunidad LGTBI+ en Madrid.

Trainspotting, el celebrado debut literario de Irvine Welsh, estrenará una versión musical en el Theatre Royal Haymarket de Londres en julio de 2026, incorporando temas inéditos compuestos por el propio autor y reinventando su historia sobre los días oscuros de la epidemia de heroína en Edimburgo para el público del West End.

La producción, cuya inauguración está fijada para el 15 de julio, integrará no solo canciones originales escritas en colaboración entre Welsh y Stephen McGuinness, sino que también incluirá selecciones clave de la banda sonora de la película dirigida por Danny Boyle en 1996, cuya adquisición de derechos aún se negocia. Welsh declaró al medio The Guardian que “se sentiría extraño” que el musical prescindiera de himnos tan representativos como “Lust for Life” de Iggy Pop.

La adaptación no se limitará a trasladar el texto base de 1993: sumará personajes nuevos y contextualizará con escenas extraídas de Skagboys, la precuela escrita por Welsh en 2012. El autor explicó a The Guardian que “ha pasado tanto tiempo” desde la novela original que ahora puede revisitar el material “con más desapego”. El protagonista, Renton, tendrá rostro nuevo en el escenario: el actor Robbie Scott, de 26 años, debutará en el West End tras destacar en el Pitlochry Festival Theatre con obras como Peter Pan y Wendy. La selección del resto del reparto —los emblemáticos Sick Boy, Begbie, Spud, Tommy y Diane— será anunciada próximamente.

La dirección artística estará a cargo de Caroline Jay Ranger, conocida por su larguísima gestión de Only Fools and Horses the Musical en el mismo Theatre Royal Haymarket. Ranger, exbailarina y colaboradora de figuras como Steve Coogan y John Cleese, fue definida por Welsh como alguien que “comprende el drama, la coreografía y, sobre todo, el humor” inherente a la obra. El autor insistió con humor en que cuando se aborda “material oscuro, hay que lograr que la audiencia se ría también”.

La narrativa creada por Welsh sobre cuatro amigos que sobreviven estafando turistas y consumiendo heroína durante la crisis del VIH en Escocia desafió las convenciones del género, tanto en su éxito literario como cinematográfico. El mismo autor confesó que “no era el libro más obvio para convertirse en un éxito. Tampoco era la película o la obra de teatro más obvias para triunfar”. A pesar de sus expectativas, el fenómeno trascendió formatos con secuelas, una precuela y dos álbumes de bandas sonoras, abriéndose ahora al musical.

Welsh y McGuinness ya publicaron un álbum inspirado en la novela Men in Love (2025), lo que consolidó la química creativa que ahora aplicarán a Trainspotting. El reto, en palabras del novelista, era evitar fórmulas impersonales: “Solo veía viable un Trainspotting musical si podíamos escribir canciones propias que hicieran avanzar la trama realmente, como una obra de teatro musical completa.”

La conexión de Welsh con el teatro musical tiene raíces personales: de niño, vio Oliver! ocho veces en Blackpool con sus padres y declaró que White Christmas es su favorita, cinta que revisa cada Navidad desde hace cinco décadas. Aun así, el autor reconoció abiertamente que no es “gran aficionado de los musicales”, si bien estos recuerdos personales moldearon su enfoque para la adaptación.

La primera versión teatral de Trainspotting, adaptada por Harry Gibson en 1994, fue elogiada por la ferocidad y fidelidad de su lenguaje, que en buena parte replicaba el espíritu irreverente de la novela. Experiencias recientes como Trainspotting Live probaron que la obra seguía resultando idónea para el directo. El propio Welsh subrayó que la “chispa y el vigor” continúan vivos en la interacción sobre el escenario: “Estoy deseando ver la reacción del público.”

La llegada de Trainspotting the Musical en julio de 2026 devuelve al legendario texto de Welsh una nueva vida, uniendo elementos del pasado con innovaciones musicales y escénicas destinadas a actualizarlas para nuevas audiencias del West End.

Las cerezos de Washington alcanzaron su máximo esplendor este jueves 26 de marzo de 2026, colmando de rosa las riberas del Tidal Basin y desatando la afluencia masiva de visitantes a la capital.

Con este fenómeno natural, se inaugura de manera no oficial la temporada turística más intensa de la ciudad, un evento cuya duración es tan breve como imprevisible, ya que las flores dependen de las condiciones meteorológicas y pueden desaparecer tras una jornada de lluvia o viento.

Este año, el festejo coincide con una cita histórica: la celebración próxima del 250.º aniversario de la independencia de Estados Unidos, contexto que otorga a la floración un significado singular, según informó la agencia de noticias Associated Press.

El Servicio de Parques Nacionales define la fecha de máximo esplendor de los árboles, de los cuales se contabilizan 3.500 ejemplares en la ciudad, como el día en que el 70% de las flores de la variedad Yoshino están abiertas.

En este 2026, la floración ocurrió en el periodo habitual que suele situarse entre la última semana de marzo y la primera de abril, aunque en registros previos se adelantó al 15 de marzo o pospuesto hasta el 18 de abril, de acuerdo con la precisión del organismo citada por Associated Press.

La fragilidad de este espectáculo natural y la urgencia de disfrutarlo son puntos destacados por el parque y los impulsores del festival, que advierten que las flores de los árboles Yoshino se mantienen abiertas solo durante varios días y pueden perderse de manera abrupta si llueve o soplan vientos fuertes. Una helada tardía, ausente este año, podría haber impedido que los árboles florecieran.

El Festival Nacional de los Cerezos y su impacto internacional

El Festival Nacional de los Cerezos, que comenzó el 20 de marzo y seguirá hasta el 12 de abril de 2026, organiza cuatro semanas de actividades culturales en torno a la floración: conciertos, exhibiciones de tradiciones japonesas y espectáculos de fuegos artificiales.

Durante la edición anterior, los organizadores comunicaron que más de 1,6 millones asistieron a los eventos programados y la cámara en vivo que sigue el proceso de floración fue visualizada más de 2,3 millones.

El origen de estos árboles se remonta a 1912, cuando el alcalde de Tokio donó 3.000 ejemplares como símbolo de amistad entre Japón y Estados Unidos. En 2024, Fumito Miyake, ministro de asuntos públicos en la Embajada de Japón, confirmó al medio Associated Press que el gobierno japonés decidió donar 250 árboles adicionales como “regalo de cumpleaños” anticipado de cara a la celebración del 250.º aniversario de la independencia estadounidense.

Nuevas restricciones y la desaparición de Stumpy

La mayor concentración de los cerezos se encuentra en el Tidal Basin, área donde actualmente persisten restricciones de acceso debido al proyecto de renovación del malecón, que el Servicio de Parques Nacionales lleva a cabo desde hace tres años para garantizar la integridad de la infraestructura durante los festejos patrios del verano.

La obra requirió la tala de más de 100 árboles, que serán reemplazados una vez concluida la intervención. Entre los ejemplares retirados destaca Stumpy, el árbol deforme conocido en Internet y que ahora solo sobrevive a través de clones preparados para su futura plantación.

En 2025, los organizadores sumaron una carrera memorial de botes de pedal en homenaje al personaje arbóreo más conocido de la ciudad.

Los controles en la zona son reforzados por integrantes de la Guardia Nacional de Mississippi, el cuerpo estatal de reserva de Estados Unidos, quienes patrullan los puntos turísticos para garantizar la seguridad de los visitantes.

Washington atestigua estos días una confluencia de tradiciones, memoria histórica y fragilidad biológica, escenario en el que el breve fulgor de los cerezos representa los primeros compases de un año con especial carga simbólica para la nación y sus lazos con Japón, según la cobertura de Associated Press.

Durante la Semana Santa, visitantes y residentes en la Ciudad de México pueden acceder a la Alberca Encantada en el Complejo Cultural Los Pinos sin ningún costo. El espacio acuático está disponible desde el miécoles 25 de marzo hasta el domingo 7 de abril, en horario de 10:00 a 16:00 horas.

El recinto fue acondicionado con distintas zonas recreativas para ofrecer actividades acuáticas a familias y niños, como parte de una iniciativa cultural y de esparcimiento. El acceso gratuito a la Alberca Encantada busca facilitar opciones de entretenimiento para quienes permanecen en la ciudad durante este periodo.

Las autoridades locales anunciaron que el cupo es limitado y recomendaron llegar temprano, ya que la afluencia suele incrementarse en estas fechas.

Convivencia sana para las infancias

La Secretaría de Cultura anunció el pasado 11 de marzo la apertura de la Alberca Encantada, una nueva estación lúdica para niñas y niños de 5 a 10 años en el Complejo Cultural Los Pinos.

El espacio se encuentra en la antigua alberca de la Casa Miguel Alemán y busca fomentar el juego, la imaginación y la convivencia en un entorno seguro y gratuito.

Entre los componentes más destacados del área recreativa, la propia secretaría detalló que existen estructuras como el “Río que guía”, una resbaladilla que puede escalarse en ambas direcciones.

Además de los “Senderos” con desniveles para opciones de recorrido, árboles que recrean un bosque fantástico, “Hongos del eco” como zonas de descanso y escondite, y “Bellotas colgantes” que funcionan como columpios. Todas estas instalaciones fueron planeadas para estimular el movimiento, la cooperación y el vínculo con la naturaleza, según el comunicado oficial.

El acceso a la Alberca Encantada está restringido a niñas y niños acompañados por un adulto responsable. El espacio opera de miércoles a viernes, con grupos de 40 personas y horarios de entrada cada hora de 12 a 16 horas, mientras que los sábados y domingos se permite el ingreso cada hora de 10:30 a 16:30 horas. No se permite el acceso con alimentos o bebidas y el cumplimiento de las normas de seguridad es obligatorio.

La titular de la Secretaría de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, subrayó: “Queremos que las infancias encuentren en Los Pinos espacios seguros, gratuitos y estimulantes, en los que el juego, la imaginación y la convivencia sean también una forma de ejercer sus derechos culturales”.

Arte, infancia y adolescencia para niñas

La exposición “PÚBLICAS. NIÑAS 8M” de la artista y activista Lorena Wolffer presenta una visión de futuros en igualdad a través de la creación colectiva de nuevas reglas formuladas por niñas y adolescentes, abriendo el diálogo sobre las normas que afectan la vida cotidiana de las infancias y su potencial para transformar la cultura.

Disponible del 28 de marzo al 3 de mayo de 2026 en la Cabaña 1 del Complejo Cultural Los Pinos, espacio de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, la muestra se erige como un dispositivo para explorar la dimensión política y social de la experiencia infantil.

En su despedida, Francina Armengol subrayó la trayectoria de Maria Badia i Cutchet como una figura que empleó la defensa de la cultura y del catalán como elementos clave para avanzar en el proyecto europeo y en la mejora de la sociedad. Según informó la agencia Europa Press, la presidenta del Congreso y secretaria general del PSIB expresó su pesar por el fallecimiento de Badia, filóloga y antigua eurodiputada socialista, elogiando su dedicación tanto a las Islas Baleares como a los valores europeos.

Tal como publicó Europa Press, Armengol utilizó su cuenta en la red social X para recordar a Badia como una "amante de nuestras Islas y firme defensora de la cultura y lengua catalanas como herramientas vehiculares del proyecto europeo que contribuyó a mejorar este mundo que hoy tiembla". En la publicación, la dirigente socialista también destacó el legado de Badia en la promoción de los derechos y las libertades, deseando que su ejemplo inspire la continuidad de estos ideales en el futuro.

Maria Badia i Cutchet desarrolló una carrera relevante en el ámbito político e institucional, marcada por su compromiso con la lengua y la cultura catalanas en los espacios europeos. De acuerdo con Europa Press, Armengol resaltó el papel de Badia como una defensora del catalán y de la identidad cultural, subrayando la huella que deja en la sociedad y en la política de las Islas y del conjunto del Estado.

La presidenta del Congreso puso de relieve el fuerte vínculo de Badia con el proyecto europeo, interpretando su defensa lingüística y cultural como parte de una visión más amplia orientada al fortalecimiento de la libertad, la democracia y los derechos ciudadanos en el ámbito europeo. En su mensaje, Armengol manifestó: “Que la tierra te sea leve y que tu memoria nos ilumine para seguir luchando por nuestros derechos y libertades”.

Según consignó Europa Press, Maria Badia tuvo un papel activo como eurodiputada y dejó huella entre sus compañeros y en toda una generación de responsables políticos implicados en la defensa de los valores europeos y la diversidad cultural. Armengol, al referirse a su trabajo, insistió en la importancia de su contribución para situar la lengua catalana en espacios institucionales internacionales y su impulso a proyectos que buscan consolidar la multiculturalidad dentro de la Unión Europea.

El mensaje de Armengol, detalló Europa Press, reunió condolencias y expresiones de reconocimiento tanto a nivel político como social, evidenciando el aprecio y la influencia que Badia alcanzó en sus diferentes etapas de gestión pública. Desde la presidencia del Congreso se reiteró la relevancia de su legado en la protección y promoción de la lengua y la cultura catalana, así como en la proyección de estos valores en el contexto europeo.

La despedida pública de Maria Badia contó con el respaldo de figuras políticas que, como Francina Armengol, destacaron su impulso en la defensa de los derechos colectivos, los valores europeos y la preservación del patrimonio cultural. Según detalló Europa Press, las palabras de Armengol reflejan el reconocimiento a una trayectoria marcada por la convicción, el compromiso y la búsqueda constante de espacios inclusivos y plurales para las lenguas y culturas en Europa.

La librería Feltrinelli abrió sus puertas en Montevideo, marcando la llegada de la mayor cadena italiana de librerías a Sudamérica y el debut de la marca fuera de Europa.

El espacio, ubicado en el histórico edificio Pablo Ferrando sobre la peatonal Sarandí, ofrece más de 60.000 títulos distribuidos en dos plantas y 650 metros cuadrados, junto a una cafetería y una agenda de eventos culturales permanentes.

La inauguración oficial se realizó el sábado 28 de febrero con la presencia de autores locales, figuras de la comunidad literaria, representantes de la colectividad italiana y autoridades tanto uruguayas como italianas.

Entre los asistentes se encontraron Carlo Feltrinelli, presidente del grupo editorial, y la poeta uruguaya Ida Vitale, de 102 años, quien fue especialmente homenajeada durante la velada.

Se sumaron también funcionarios del gobierno uruguayo y delegaciones diplomáticas, en un acto que celebró la apertura con música en vivo y discursos que resaltaron el carácter cultural del proyecto.

La apuesta por Montevideo responde, según declaró Eva Congil, consejera delegada del grupo en España, a la combinación de una fuerte tradición lectora, la existencia de socios locales experimentados y la oportunidad de restaurar un edificio emblemático.

Caras y Caretas recogió sus palabras: “Una librería hoy tiene sentido si es algo más que un lugar donde comprar. Son espacios de comunidad”. La propuesta, alineada con el modelo italiano, ofrece una cafetería, actividades culturales y una selección de títulos en español, inglés e italiano, así como vinilos y artículos culturales.

El edificio Pablo Ferrando fue sometido a un proceso de restauración que preservó elementos originales como la escalera de mármol, los vitrales y el reloj de la fachada. Se trata de una construcción patrimonial de grado cuatro y cuenta con el ascensor en funcionamiento más antiguo de Uruguay.

El espacio funcionó durante quince años como la librería Puro Verso y ahora alberga la primera sede latinoamericana de Feltrinelli, tras una alianza con los libreros Alejandro Lagazeta, Juan Castillo y Pablo Braun.

En cuanto a la oferta, la Feltrinelli de Montevideo cuenta con secciones de narrativa, ensayo, poesía, literatura infantil y una propuesta internacional que incluye un área específica para libros en lengua italiana.

Se implementó un sistema de mesas temáticas que se renuevan cada dos semanas, con foco inicial en ecología, género, feminismos y literatura uruguaya. La agenda cultural prevé presentaciones de libros, mesas redondas y música en vivo, consolidando el lugar como un nodo cultural y de encuentro para la ciudad.

La historia de Feltrinelli se extiende por más de setenta años. Fundada en 1954 por Giangiacomo Feltrinelli, la editorial fue pionera en la publicación de autores latinoamericanos en Europa y editó títulos de referencia como Cien años de soledad de Gabriel García Márquez y el Diario del Che en Bolivia de Ernesto Che Guevara.

Actualmente, el grupo gestiona más de 120 librerías en Italia y mantiene una política de fuerte compromiso cultural, a la que ahora incorpora su presencia en América Latina.

El desembarco en Montevideo se plantea como un “primer experimento” en la región, según palabras de Carlo Feltrinelli a El Observador. La apuesta se sustenta en el dinamismo del ecosistema editorial uruguayo, la cercanía cultural entre Italia y Uruguay y la convicción de que, incluso en la era digital, los libros pueden seguir generando comunidad.

La librería, explicaron sus impulsores a Infobae Cultura, busca ser un espacio abierto a la diversidad, el debate y la participación, con el objetivo de renovar el vínculo entre lectores y libros en un contexto de transformación tecnológica y de consumo cultural.

¿Somos lo que pensamos, lo que deseamos, lo que amamos, lo que despreciamos? Uno podría pensar que sí, que eso es efectivamente lo que nos hace ser quienes somos, pero para el célebre filósofo Slavoj Žižek ahí radica la gran ilusión social. Le llama ideología.

En El sublime objeto de la ideología, libro publicado en 1989 y considerado por muchos su obra maestra, usa la noción kantiana de lo sublime para pensar a la ideología como lo que va más allá de toda percepción e inteligibilidad objetiva.

Žižek se apoya en Marx pero también en Freud al mostrar como ambos pensados descubrieron el “núcleo” del significado oculto dentro de las “formas” de la mercancía, para el primero, y de los sueños, para el segundo. De allí se desprende una de las frases más agudas del libro: “Nuestros deseos no son nuestros; pertenecen a la ideología”.

El argumento que desarrollará en estas páginas es que la ideología no es solo una creencia impuesta, sino la estructura misma que organiza cómo deseamos y percibimos la realidad. La ideología, potenciada por el capitalismo, gestiona nuestras carencias y dicta qué perseguir, convirtiendo el deseo en un mecanismo de consumo y control inconsciente.

Su propuesta no es pensar a la ideología como una “falsa conciencia”. Su línea argumental es la siguiente: no es que no sepamos la verdad (consciencia), sino que actuamos como si no la supiéramos (inconsciente). Es una estructura que nos domina incluso cuando creemos ser libres y críticos.

Quién es Slavoj Žižek

Nacido el 21 de marzo de 1949 en Liubliana, Eslovenia, Slavoj Žižek es filósofo, psicoanalista, sociólogo y teórico cultural, considerado uno de los pensadores más influyentes y polémicos de la actualidad. Se le conoce frecuentemente como el “filósofo estrella” o “filósofo viral” debido a su estilo provocador y su presencia constante en medios de comunicación y redes sociales.

Los pilares de su pensamiento son la filosofía hegeliana (utiliza la dialéctica de Hegel para analizar las contradicciones de la sociedad moderna), el psicoanálisis lacaniano (aplica los conceptos de Jacques Lacan para explicar cómo funciona el deseo y la cultura popular) y la teoría marxista (mantiene una postura crítica frente al capitalismo global y se identifica como comunista o marxista, aunque a menudo critica las fallas de la izquierda tradicional).

Publicó más de cuarenta libros, algunos de ellos son El sublime objeto de la ideología, ¡Goza tu síntoma!: Jacques Lacan dentro y fuera de Hollywood, Bienvenidos al desierto de lo real, Sobre la violencia: Seis reflexiones marginales, Primero como tragedia, luego como farsa, La permanencia en lo negativo y Contra la tentación populista.

Rodrigo Cuevas ha centrado el primer programa doble de La Revuelta con una aparición que ha resuelto una ausencia prolongada del artista en este escenario. El cantante asturiano, conocido por su enfoque sobre la tradición y su activismo social desde la música, ha compartido impresiones sobre su último disco y ha abordado cuestiones tanto culturales como políticas en su intervención.

El músico ha presentado su álbum Manual de belleza, donde ha colaborado con intérpretes como Zahara, Massiel, Mala Rodríguez y Ana Belén, y ha destacado que se trata de su tercer trabajo discográfico. Durante su paso por el programa, ha entregado como obsequios huevos y una morcilla de su pueblo, así como una montera confeccionada por su madre, aportando también una camiseta con el mensaje “Libertad para las seis de La Suiza”, en referencia a un caso judicial de 2017.

La visita de Rodrigo Cuevas ha tenido un trasfondo personal, ya que el artista ha lamentado su ausencia durante los últimos nueve años en el teatro donde se graba el formato. “La gente dice, por camerinos, que eres tú el que lleva a los invitados. Eché de menos no venir antes”, ha explicado el cantante dirigiéndose al presentador David Broncano. La disculpa no se ha hecho esperar y el conductor del programa ha asegurado: “Se arregla un error histórico hoy”, con Rozalén como testigo en el público. Este gesto ha marcado el tono de la emisión, marcada por el reconocimiento al folclore y las raíces rurales del asturiano.

Defensa de la artesanía y las raíces rurales

Durante la entrevista, Cuevas ha hecho gala de su faceta como defensor de la España rural. Se ha referido a la producción tradicional, al regalo de las artesanías familiares —una montera cosida por su madre— y ha señalado la transformación de las piezas artesanas en artículos de lujo.

El propio David Broncano ha subrayado esta realidad en directo: “Quedan pocas cosas que hagan artesanos, cosas de lujo. Es curioso que lo que antes era el común para el pueblo, ahora las cosas artesanas sean de lujo”, a lo que Rodrigo Cuevas ha respondido que “la gente no tiene tiempo y el tiempo vale muy caro”.

Esta reivindicación de lo rural ha sido acompañada de un obsequio especial: huevos de pava y madreñas como símbolo de su identidad piloñesa, lo que ha dado pie a una interacción humorística entre presentador e invitado.

En el transcurso de la emisión, el programa le ha entregado una postal personalizada, mientras el cantante exponía cómo organiza su propio tiempo y la disposición para ayudar a quienes le rodean, enfatizando su valoración de las relaciones personales. Sobre su formación, ha reivindicado los años de estudio y su conocimiento del folclore de diferentes regiones.

Reclamo político y reivindicación social

La parte más política de la intervención ha llegado al repartir una camiseta con la frase “Libertad para las seis de La Suiza”. Rodrigo Cuevas ha rememorado el caso en el que cinco mujeres y un hombre fueron encarcelados en Gijón en 2017, tras protestar frente a una pastelería.

El artista ha criticado que el Gobierno todavía no haya concedido el indulto prometido y ha manifestado: “Tienen un indulto prometido por el Gobierno. ¿Sabes qué pasa? Que la izquierda hace las cosas muy lentas. Lleva seis años en el gobierno y la ley mordaza… ¿qué?”. Posteriormente, Cuevas ha ampliado su crítica a la derecha, argumentando que “promete, promete hasta que te la mete, y después de metido, nada de lo prometido”.

Durante el momento de las preguntas personales, Rodrigo Cuevas ha sorprendido al público con una respuesta referente a su actividad sexual diaria, asegurando: “Te digo que tres cifras”, dato que ha sido recibido con incredulidad por David Broncano, quien ha comentado: “No puede ser, hacemos récord histórico”. Ante la insistencia, el artista ha eludido concretar: “No te pongas pelusón, déjalo estar que no lo voy a desglosar”, generando sorpresa en los colaboradores y espectadores.

En el cierre del programa, el cantante ha continuado con su tono reivindicativo, entregando un obsequio a Sergio Bezos en lugar de a Broncano por la ausencia de invitación durante tantos años: “El regalo soy yo”, ha anunciado antes de interpretar en directo ‘Un mundo feliz’, junto a Mala Rodríguez y Ana Belén. El espacio ha culminado con la entrega de entradas para su nueva gira.

Un esqueleto que podría pertenecer a d’Artagnan, el soldado francés que inspiró la novela Los tres mosqueteros, ha sido descubierto en una iglesia en la ciudad holandesa donde murió hace siglos, informaron medios locales el miércoles.

El esqueleto fue hallado en Maastricht, en la nave de una iglesia moderna cuyos orígenes se remontan al menos al siglo XIII, durante reparaciones relacionadas con el colapso parcial del suelo en febrero, explicó L1 Nieuws, un medio de la provincia de Limburgo.

Charles de Batz de Castelmore, conocido como d’Artagnan, el famoso mosquetero de los reyes Luis XIII y Luis XIV, pasó su vida al servicio de la corona francesa.

El noble gascón inspiró al héroe de Alexandre Dumas en Los tres mosqueteros en el siglo XIX, un personaje ahora conocido mundialmente gracias a la novela y numerosas adaptaciones cinematográficas.

D’Artagnan fue asesinado durante el sitio de Maastricht en 1673. Su lugar de descanso final ha permanecido como un misterio desde entonces.

Según el diácono Jos Valke, quien estuvo presente durante la excavación inicial, se encontró una moneda francesa cerca del esqueleto en Maastricht.

“Además, la ubicación de la tumba indica que se trataba de una persona importante: el esqueleto fue hallado donde solía estar el altar, y solo la realeza u otras figuras importantes eran enterradas bajo un altar en esa época”, declaró a L1 Nieuws.

El esqueleto fue retirado de la iglesia y ahora se encuentra en un instituto arqueológico en Deventer, en el este de Países Bajos, informó el medio.

El 13 de marzo se tomó una muestra de ADN del esqueleto y actualmente está siendo analizada en un laboratorio en Múnich. El arqueólogo Wim Dijkman lleva 28 años buscando los restos de d’Artagnan.

“Siempre soy muy cauteloso, soy un científico. Pero tengo grandes expectativas”, dijo a L1 Nieuws.

Fuente: Agence France-Presse

La feria de arte contemporáneo Art Basel Hong Kong, una de las más influyentes de Asia, inauguró este jueves su 13ª edición con una destacada asistencia de coleccionistas, comisarios e instituciones de todo el mundo, en un contexto marcado por el conflicto bélico en Irán y la volatilidad de los mercados globales.

Su directora, Angelle Siyang-Le, confía en que la ciudad semiautónoma mantenga su reputación como puerto seguro de intercambio cultural y económico, y como “un lugar para encontrarse y construir vínculos en tiempos difíciles”, aseguró en la apertura.

Los VIP internacionales no han dado la espalda al evento, con una presencia que, según Siyang-Le, se mantiene “a la par del año pasado”, disipando temores de que la inestabilidad disuadiera a los mecenas.

Sin récords pero con ritmo

El mercado se movió con pulso firme en su inauguración, aunque sin estridencias. Ninguna galería superó este miércoles los cinco millones de dólares en ventas, incluyendo el lote más cotizado de la edición, un Modigliani valorado en 11 millones de dólares en el stand de Pace, que cerró el día sin comprador.

No obstante, la apertura VIP deparó una cadena constante de operaciones de envergadura. El alemán David Zwirner lideró el marcador con un lienzo de Liu Ye (2006) por 3,8 millones de dólares y una tela de Marlene Dumas (2002) por otros 3,5 millones.

La galería berlinesa Bastian vendió Le peintre et son modèle (1964), un óleo de Picasso, por unos 4 millones de dólares. Hauser & Wirth colocó À Baudelaire #1 (2008), escultura de Louise Bourgeois, por 2,95 millones a una fundación asiática, y una pintura de George Condo por 2,3 millones a un coleccionista privado de la región.

White Cube, por su parte, acumuló en torno a cuatro millones de libras, con Take me to Heaven (2024), de Tracey Emin, por 1,2 millones a la cabeza. También Perrotin despachó varias piezas de Takashi Murakami en la horquilla de 600.000 a 800.000 dólares.

La porcelana valenciana se reinventa

En este clima de renovación, la marca España irrumpió desde un ángulo inesperado de la mano de Lladró, el histórico bastión de la porcelana valenciana fundado en 1953, que se ha despojado de su aura academicista para abrazar la irreverencia del arte pop.

Bajo el sello Art Editions —su laboratorio de experimentación contemporánea—, la firma presentó la colección My Little Artists junto al creador madrileño Edgar Plans, cuya obra orbita en torno a personajes de trazo infantil que dialogan con el universo de Basquiat o Keith Haring.

La pieza central, Juanin and his martian, muy elogiada en su puesta en escena, trasciende la proeza artesanal para convertirse en un homenaje sentimental al padre del artista, escritor de ciencia ficción que inoculó en su hijo el fervor por lo fantástico.

Gritos de arte sin techo

La impronta de Basel se filtra estos días en Tai Kwun —antigua comisaría y prisión del siglo XIX reconvertida en epicentro cultural—, donde una programación sin proclamas reivindica el cuerpo como lugar de memoria y conocimiento frente a la hegemonía de lo digital.

Bajo el título Experiencing Knowledge, el recorrido convoca mitologías de largo aliento en las piezas del performer australiano Justin Shoulder y sitúa las instalaciones sonoras de Lydo, artista no binaria vietnamita-estadounidense, en antiguos refugios antiaéreos donde la escucha se vuelve casi una disciplina, más cercana al rito que al consumo.

La ocupación de estos espacios con biografía institucional reescribe los códigos de lo normativo y la disidencia sexual deja de presentarse como excepción para integrarse en el registro cultural común, mientras la institución ensaya una resiliencia que enlaza identidades y geografías sin necesidad de subrayados.

En paralelo, Hong Kong ha sumado recientemente cuatro nuevas galerías y el Gobierno local ha suscrito un acuerdo con la feria para garantizar a la metrópoli su condición de sede exclusiva en Asia durante los próximos cinco años.

Fuente: EFE

El año 2021 marcó un periodo determinante en la vida de la soprano Ainhoa Arteta, cuya salud se vio comprometida a raíz de una grave complicación médica causada por un cólico nefrítico, que derivó en un infarto y una septicemia. Durante dicho episodio, la cantante permaneció hospitalizada durante varias semanas. Fue en esos momentos críticos donde, según informó Europa Press, la Reina Sofía se destacó por un apoyo personal, manifestado en reiteradas llamadas para conocer su evolución y estado de salud.

De acuerdo con Europa Press, Ainhoa Arteta, reconocida por su trayectoria internacional, dio a conocer públicamente su vínculo cercano con la madre del Rey Felipe VI durante una intervención ante las cámaras, en el transcurso de la cena solidaria organizada por el XVIII aniversario de la Fundación Isabel Gemio. Durante su intervención, la soprano enfatizó su gratitud por el respaldo de la Familia Real hacia la cultura, así como la estrecha relación personal que mantiene con la Reina Emérita. Arteta declaró: “Yo mi agradecimiento siempre a la Familia Real por su apoyo, no solamente a los actuales Reyes, sino a los anteriores, con Doña Sofía tengo una relación maravillosa, pero maravillosa. La Casa Real es una casa muy comprometida con la cultura y es de agradecer, de verdad”.

Europa Press consignó que la propia Arteta describió cómo la Reina Sofía, reconocida por su afición a la música y su rol como Presidenta de Honor de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, ha sido un pilar durante su proceso de recuperación en 2021. Arteta relató: “Se preocupaba de mí cuando estaba muy grave y me llamó varias veces para saber cómo estaba, y eso es de agradecer”.

En sus declaraciones recogidas por Europa Press, la soprano también reveló que, además del apoyo durante la convalecencia, su relación con la Reina Sofía incluye encuentros personales lejos de actos públicos. Arteta explicó: “Yo con ella, además de que ha asistido a muchos de mis conciertos, he ido a veces a Zarzuela a charlar con ella, a tomar café”. De este modo, la artista destacó la cercanía cultivada no sólo en eventos oficiales, sino también en un plano íntimo, dentro de los ámbitos privados de la Casa Real.

Tal como reportó Europa Press, la soprano detalló los contenidos y la naturalidad de esas reuniones. Allí intercambian impresiones sobre sus carreras y experiencias personales, y es la Reina Sofía quien muestra un interés particular por la cultura y por conocer más sobre el desarrollo de la vida artística. Arteta manifestó que la madre del Rey Felipe VI “le gusta muchísimo la cultura, le gusta hablar de nuestras carreras, de nuestras vidas, y siempre ha sido una mujer de una serenidad increíble y con unos valores tremendos, que lleva la cultura en su ADN, igual que su hermana Irene que falleció, que era una grandísima pianista”. La referencia a la hermana de la Reina Sofía, Irene, subraya su afinidad familiar con la música, ya que la propia Irene se destacó como pianista.

En las palabras de Arteta, compartir tiempo con la Reina Emérita supone un privilegio inmenso: “Entonces, para mí, tomarme un café con ella era, imagínate, un regalo. Un privilegio”, afirmó la soprano en su conversación difundida por Europa Press.

La relevancia de la Reina Sofía en el panorama musical español quedó nuevamente en evidencia, según transmitió Europa Press, no solo por su participación en actividades culturales de alto nivel, como recitales celebrados en el Auditorio Nacional, sino también por el apoyo tangible que ofrece a figuras destacadas del arte en España. Ainhoa Arteta subrayó la importancia de ese respaldo insistiendo en el compromiso de la Casa Real con la cultura. La cantante hizo hincapié en que dicho compromiso se ha reflejado tanto durante el reinado de los reyes actuales como en el de los anteriores.

La información difundida por Europa Press confirma, a través del testimonio directo de la artista, aspectos desconocidos sobre las relaciones personales y culturales entre la Familia Real y creadores de renombre. Así, la relación cercana entre Ainhoa Arteta y la Reina Sofía revela una faceta poco conocida del apoyo institucional y humano que los miembros de la Casa Real prestan a la vida cultural y a quienes la representan en el ámbito internacional.

¿Escucharon hablar de burnout? La imagen metáforico suele ser un fósforo recién apagado. Algunos le llaman síndrome de “estar quemado”. El término burnout lo acuñó el psicoanalista estadounidense Herbert Freudenberger a mediados de la década de 1970. Describió este fenómeno como una pérdida de energía progresiva, agotamiento emocional y desmotivación. ¿Cómo se traduce eso a nuestro presente?

El que mejor lo definió fue Byung-Chul Han, un filósofo y ensayista surcoreano que da clases en la Universidad de las Artes de Berlín. Sus libros son breves y profundos. Se destacó en el pensamiento contemporáneo por su crítica al capitalismo, la sociedad del trabajo, la tecnología y la hipertransparencia. Fue un libro el que lo puso en boca de todos: La sociedad del cansancio, publicado originalmente en 2010.

El ensayo describe el paisaje patológico de la sociedad actual, caracterizado por el auge de enfermedades neuronales como el trastorno por déficit de atención e hiperactividad (TDAH) y el trastorno del espectro autista (TEA). Han sostiene que cada sociedad tiene su enfermedad característica. Si en el siglo XX fue de tipo inmunológico, entre lo idéntico y lo extraño iniciada por la Guerra Fría, ¿cuál es la del XXI?

La nuestra, dice, es de carácter neurológico y no inmunológico. Una violencia neuronal ha provocado el exceso de positividad actual que nos anula manteniendo nuestro sistema nervioso autónomo simpático en constante alerta debido a la necesidad de mantener la competitividad y productividad. No hay ningún descanso mental, tenemos que estar activos. Somos sujetos del rendimiento. No podemos dejar de producir.

“El sujeto de rendimiento se explota a sí mismo hasta que se quema”, se lee en La sociedad del cansancio. Con la falsa ilusión de que somos nuestros jefes, de que solo nos debemos a nosotros mismos, vivimos sin parar, dándolo todo, no a nosotros, no a la sociedad, sino al sistema. Por eso el cansancio, por eso el rendimiento. Nos explotamos a nosotros mismos. El síndrome de “estar quemado”. Burnout.

Quién es Byung-Chul Han

Byung-Chul Han nació en Seúl, Corea del Sur, en 1959. Estudió metalurgia antes de mudarse a Alemania, donde se doctoró en Filosofía en la Universidad de Friburgo. Posteriormente, amplió su formación en la Universidad de Múnich y desarrolló su carrera docente en instituciones como la Universidad de Basilea y la Universidad de las Artes de Berlín. Ha centrado su reflexión en temas como la sociedad digital, el poder y la psicopolítica. Su enfoque se caracteriza por el análisis crítico de la cultura contemporánea y la influencia de la tecnología.

Entre sus libros más destacados se encuentran La sociedad del cansancio, La expulsión de lo distinto y La agonía del Eros. Ha publicado numerosas obras que abordan la globalización, la vigilancia y la transformación de la subjetividad en la era digital. Su pensamiento ha tenido un impacto notable en el debate filosófico y social europeo. Su influencia se refleja principalmente en la discusión académica y mediática sobre la sociedad actual. Ha recibido los premios Bristol des Lumières (Francia, 2016) y Salzburg State Prize for Future Research (Austria, 2016). En 2025, fue galardonado con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades, reconocido por su análisis crítico de la sociedad tecnológica, la hiperproductividad y la deshumanización.

“Me sentí muy afortunado de tener ese tiempo”, dice en una entrevista en video desde su casa en Los Ángeles, con un estante de bajos visible detrás de él. Recordó haber disfrutado la lucha inherente al proceso, sintiéndose “frustrado los días en que sentía que no mejoraba, y muy emocionado los días en que sentía que mejoraba un poquito, [usando una palabrota de exasperación] centímetro, milímetro”.

El resultado de la dedicación de Flea es Honora, su álbum debut en solitario que se publica esta semana. Lo presenta tocando la trompeta y el bajo eléctrico, acompañado por un elenco estelar de figuras del jazz contemporáneo: el guitarrista Jeff Parker, la bajista Anna Butterss (contrabajo) y el multiinstrumentista Josh Johnson, quien también produjo el disco, además del baterista Deantoni Parks, conocido por su trabajo con André 3000 y The Mars Volta. En mayo, la banda ofrecerá conciertos en Estados Unidos y Europa, incluyendo fechas en Gran Bretaña y Alemania.

“Para mí, todo encaja a la perfección, porque todo me representa”, dijo Flea, de 63 años, vestido con una remera blanca sin mangas, un grueso collar de cadena y unas grandes gafas negras con detalles dorados. “Nunca me planteé si ‘esto encaja’ o ‘esto no’. Simplemente pensé: ‘Me gusta esta sensación, me gusta esta sensación, me gusta esta sensación’, creé una estructura flexible para lo que podría ser, me reuní con músicos sensibles y comprensivos, y me lancé”.

Principalmente instrumental, el álbum incluye colaboraciones vocales de renombre como Nick Cave y Thom Yorke de Radiohead, así como sutiles contribuciones de sus compañeros de los Red Hot Chili Peppers, Chad Smith y John Frusciante. Temas originales, tanto alegres como introspectivos, comparten espacio en la lista de canciones con una ecléctica selección de versiones. El álbum lleva el nombre de la tatarabuela paterna del artista, cuya vida en Irlanda y posteriormente en Australia, marcada por la pobreza y las dificultades, Flea conoció durante su participación en un episodio reciente del programa de PBS Finding Your Roots. (Una fotografía de finales de la década de 1960 de su suegra, quien posteriormente emigró de Irán, adorna la portada).

Es un álbum difícil de resumir en pocas palabras, lo cual, como sugirió Johnson, el productor del disco, en una entrevista en vídeo, es una de sus mayores virtudes. “Resulta más fácil describirlo como su álbum de jazz o su álbum de trompeta”, dijo Johnson, señalando que él ve el proyecto de Flea de forma más integral: “Creo que la clave de su cohesión reside en que todos son diferentes caminos que nos llevan a él”.

Durante una entrevista telefónica, John Lurie, el multiinstrumentista y compositor que anteriormente lideró a los Lounge Lizards —y amigo del bajista desde hace más de 40 años— elogió “A Plea”, una improvisación enérgica e hipnótica de Honora construida alrededor de una línea de bajo vertiginosa de Flea. “Eso no es rock, eso no es jazz, eso es música “, dijo. “Y así debe ser”.

La historia de Flea con la música

El jazz y la trompeta entraron en la vida de Flea mucho antes que el rock y el bajo. Recordaba sentir una admiración absoluta cuando su padrastro, Walter Urban Jr., bajista de jazz, organizaba sesiones improvisadas en la sala de estar de la casa familiar en Larchmont, Nueva York. A los 11 años, después de que la familia se mudara a Los Ángeles, empezó a tocar la trompeta en la escuela secundaria, inspirándose en los grandes trompetistas de jazz. “Mi primer gran amor como trompetista fue Clifford Brown”, dijo, “quedé completamente asombrado y conmovido por la potencia y la belleza de su música”.

Tocaba en la banda de la escuela y recibía clases de Jane Sager, una veterana trompetista de big band, pero una invitación para tocar el bajo en una banda de rock con sus amigos y futuros compañeros de los Red Hot Chili Peppers, Hillel Slovak y Jack Irons, lo llevó por otro camino. Aun así, sus primeras incursiones con la trompeta le dieron una idea de las posibilidades que ofrecía el instrumento.

“Mis estudios fueron muy básicos y nunca avancé más allá de un sentido armónico poco desarrollado o una comprensión del complicado lenguaje del jazz, pero sabía lo que era bello”, dijo, “y siempre busqué esa belleza”.

Esa búsqueda no se reanudaría en serio hasta unos 50 años después, en la casa de Rickey Washington en Inglewood, California. Washington era un músico y educador con una larga trayectoria que había enseñado a su propio hijo, el futuro saxofonista Kamasi Washington, desde pequeño. Flea, para entonces un ícono ganador del Grammy e incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll, lo buscó a través de Kamasi, amigo y colaborador ocasional, cuando sintió la necesidad de retomar la trompeta al acercarse a su 60 cumpleaños. Por esa época, se propuso durante dos años practicar la trompeta “todos los días, sin excepción” y luego grabar un álbum que documentara su progreso.

Rickey le enseñó de forma práctica, guiándolo para que cantara y tocara melodías en las doce tonalidades, e interiorizara escalas y frases musicales. En una entrevista telefónica, Rickey recordó haberle dicho a Flea: “Vamos a aprender de forma intuitiva, y luego vamos a aprender de forma académica”. “Fue muy gratificante presenciar su evolución”, añadió Rickey, quien participa como flautista en Honora. “Algunas cosas le resultaron difíciles de aprender, pero fue constante y persistente. Siguió aprendiendo y ahora es un trompetista formidable”.

Estudiar con Rickey le brindó a Flea la base que tanto anhelaba. “Siempre oía hablar de los músicos que tienen mentores, especialmente los de jazz”, comentó. “Pero, sinceramente, nunca había tenido uno”. Y recordó que, al llegar a su primera clase, Rickey le dijo: “Te voy a revelar estos secretos. Esto es lo que aprenden los músicos de jazz”. Y recuerdo haber pensado: “Esto es lo que he deseado toda mi vida. Estar en una sala con un profesor que quiere ayudarme a descubrir mi vocación”.

Encontró un sistema de apoyo similar en el grupo de músicos locales que formarían la banda Honora. Conoció a Johnson a través de Nate Walcott, el tecladista de gira de los Red Hot Chili Peppers y otro colaborador en el nuevo álbum. Más tarde, en casa, mientras comenzaba a reunir ideas para lo que se convertiría en Honora, disfrutó de dos álbumes recientes en los que participaba Johnson: The Way Out of Easy de Jeff Parker, que también incluía a Butterss, el bajista —“Es tan libre como Ornette y tan centrado como Birth of the Cool“, dijo— y The Omnichord Real Book, de la bajista, cantante y compositora Meshell Ndegeocello, que Johnson también produjo.

Antes de que comenzaran las sesiones de grabación de Honora el año pasado, Flea se sentía nervioso por tocar con músicos de jazz, en parte porque su padrastro menospreciaba el rock. “Siempre he sentido un profundo amor por el jazz, pero también una gran inseguridad al respecto”, comentó. Pero una vez que entraron al estudio Sunset Sound de Hollywood, sus preocupaciones se disiparon. “¿Conoces esa sensación de emoción intensa que te dan ganas de llorar?”, dijo. “Estuve en ese estado todo el tiempo con todos, simplemente escuchándolos, con mis cosas sencillas y ellos honrando todo de una manera tan hermosa”. “Todos vinieron a apoyarme”, añadió.

Entre las colaboraciones vocales y el apasionado monólogo de Flea en “A Plea”, que aboga por la unidad en medio de la división que vivimos, destaca el trabajo de trompeta del líder. En los momentos más reflexivos del álbum, sus líneas transmiten un profundo patetismo: se puede apreciar cuando acompaña la voz de Nick Cave en una versión de “Wichita Lineman” de Jimmy Webb, inspirada en la versión de The Meters de 1970; improvisa sobre los sombríos arpegios de “Maggot Brain” de Funkadelic, interpretada en una versión de cámara con vibráfono, clarinete y flauta; o toca la melodía del estribillo de “Thinkin’ ‘Bout You” de Frank Ocean con un acompañamiento de cuerdas.

Johnson afirmó que, como productor, quería “eliminar parte de la presión de tener que lidiar con toda la historia del jazz”. En cambio, animó a pensar de la siguiente manera: “Hagamos que la melodía sea lo más bella posible. Pensemos en el fraseo, o simplemente en la claridad y la belleza, y que eso sea suficiente”. En una videollamada, Parker recordó su primer encuentro con Flea en un evento en la escuela a la que asistían sus hijos. Se le acercó y le comentó que ambos habían aparecido, por separado, en el mismo álbum de Joshua Redman de 2005. “Es un músico excepcional”, dijo Parker. “Toca la trompeta con un sonido, ideas, fraseo y matices preciosos”.

“Morning Cry”, una composición original y desenfadada de Flea, es el tema más minimalista del álbum, interpretado en directo por él mismo con la trompeta, junto a Parker, Butterss y Parks. En una entrevista en vídeo, Butterss, que utiliza pronombres neutros, comparó la pieza con la obra de Ornette Coleman (una influencia clave de Flea con quien había compartido escenario ): “Pensé: ‘Si me hubieras dicho que Ornette la había escrito, te lo habría creído’”.

En general, Butterss dijo que, tras el proyecto, reflexionaron sobre “lo raro que es, creo, que un artista tan consagrado y con una carrera tan exitosa dé un giro de 180 grados y se embarque en un proyecto tan significativo, tan vulnerable y tan alejado de lo que ha estado haciendo”. “La dedicación, el compromiso y la pasión que le ponía realmente me impresionaron”, añadieron.

Desde que terminó el álbum, la práctica diaria se ha convertido en una parte ritualizada de la vida de Flea: “Me levanto cada día pensando: ‘¿En qué voy a trabajar hoy con la trompeta?’” (De igual manera, sobre su música en solitario, dijo con una sonrisa: “Hay más por venir”).

También señaló que, en la actualidad, tocar la trompeta le permite reconectar con su amor original por el instrumento. “Le da forma a las cosas que no la tienen”, dijo. “Es como si, de repente, tuvieras un sonido tangible, y aún así se siente como cuando era niño, con todo ese romanticismo, misterio y esperanza”. “Y también hay momentos en los que pienso: ‘Dios, sueno como una [grosería]’”, añadió entre risas. “Pero estoy trabajando en ello”.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Ariel Fisher/The New York Times]

La organización del Mundial 2026 en Ciudad de México dio a conocer los detalles del nuevo corredor cultural a través de redes sociales, donde habrá una gran variedad de exposiciones relacionadas al futbol en los diversos museos de la capital.

El arte y el deporte se fusionan para brindar una gran experiencia tanto a los ciudadanos locales como a los extranjeros que visiten el país durante la Copa del Mundo.

Qué museos participarán en el corredor cultural

México tiene un compromiso con todos los turistas que visitarán el país durante el Mundial 2026, por lo que en conjunto con el gobierno, se ha organizado un corredor cultural, el cual comprenderá 17 museos dentro de la capital con 19 exposiciones únicas.

Conoce la lista de museos participantes en esta iniciativa sin precedentes:

Museo Franz Mayer (Inauguración 24 de marzo)

Dentro del museo se contempla el deporte como una obra maestra de diseño total con la exposición “Futbol: Diseñando una Pasión”, donde la tecnología, estética, ingeniería y arquitectura se encuentran para mostrar el arte invisible detrás del deporte.

La exhibición busca mostrar una pasión diseñada con precisión, visión y belleza.

Museo Memoria y Tolerancia (Inauguración 25 de marzo)

Aquí se explorarán temas más humanos como el juego limpio, fomentando valores como la identidad, la no discriminación y la equidad a través de historias que mueven, transforman y sobre todo inspiran.

El balón será mostrado como símbolo de resistencia y el juego visto como esperanza.

Museo Jumex (Inauguración 25 de marzo)

El futbol se convierte en arte contemporáneo con la exposición “Futbol y arte: Esa misma emoción”.

Dicha exhibición reúne obras de artistas internacionales para explorar el deporte como un fenómeno cultural que trasciende el juego, creando un espacio donde arte, ciudad y pasión dialogan para recordarnos que el futbol también inspira nuevas miradas.

Museo Yancuic (Inauguración 27 de marzo)

La historia del futbol vivirá con más de 15000 piezas auténticas, las cuales representarán camisetas de 90 selecciones nacionales, donde se busca reunir el legado del deporte en un mismo techo .

Gigantes del futbol (Inauguración abril)

Figuras monumentales de futbolistas a manera de estatuas estarán presentes por toda la ciudad, las cuales fueron creadas por maestros cartoneros de Iztapalapa y se elevarán primordialmente en lugares emblemáticos de la CDMX como el Paseo de la Reforma.

Centro de las artes inmersivas (Inauguración 15 de abril)

Se transformará en un lugar donde la innovación se mezclará con la imaginación y surrealismo a través del Laberinto de Leonora Carrington, creando un universo donde criaturas, símbolos y libertad caminan juntos para recordarnos que el arte también juega a lo grande.

A través de esculturas monumentales, grabados, joyería y un viaje al surrealismo se buscará transmitir dicho mensaje.

México Aquí (Inauguración 29 de abril)

Habrá un pabellón multisensorial que celebra la grandeza del país a través de siete salas, espacios gastronómicos y un área de celebración, donde la piedra, la luz, la música, el juego, los ritos y la masa despiertan los sentidos para revelar la riqueza cultural de México.

MIDE (Inauguración 30 de abril)

Aquí se entiende al futbol como una conversación global sobre economía, comunidad y bienestar con la exposición “Pasa el Balón”. Una exposición binacional junto al Perot Museum de Dallas, creando experiencias interactivas, clínicas deportivas e historias que demuestran que cada gol también mueve fuera de la cancha.

Colegio Nacional (Inauguración 12 de mayo)

Juan Villoro nos recuerda que el futbol también se escribe con una exhibición denominada “¿De qué color pinta el verde?”, donde se muestra al verde como un color que pinta emociones y atraviesa generaciones , creando una reflexión sobre identidad, patria y memoria.

Museo Universum (Inauguración 19 de mayo)

La ciencia se mete a la cancha. La física del balón, la biomecánica, la inteligencia artificial invitan a enseñarnos cómo cada jugada encuentra explicación científica.

Palacio de Iturbide (Inauguración 21 de mayo)

En pleno corazón de Madero, la arquitectura novohispana se convierte en el puente entre pasado y presente de nuestra identidad. Aquí, entre muros que han visto siglos pasar, el futbol se leerá como memoria viva y un ritual colectivo.

Museo Dolores Olmedo (Inauguración 30 de mayo)

El arte mexicano dialoga con nuestra identidad más profunda, pues su arquitectura, sus jardines y su acervo emblemático revelan un México que respira historia, color y simbolismo.

Conferencia Interamericana de Seguridad Social (Inauguración 1 de junio)

El recinto que hospedó a la selección de Brasil en 1970 se transforma en archivo vivo con más de 500 piezas, donde se exhibirá la habitación el cual durmió Pelé y recuerdos de aquella selección emblemática

Papalote Museo del Niño (Inauguración 2 de junio)

Habrá cinco zonas temáticas donde el futbol se convertirá en descubrimiento, aprendizaje y diversión con risas, talleres e imaginación desbordada, donde la afición por la pelota comienza desde temprana edad.

Museo Tamayo (Inauguración 10 de junio)

El arte contemporáneo se despliega en múltiples miradas al mismo tiempo con tres exposiciones para abrir nuevas conversaciones sobre el arte, la memoria y el movimiento.

Museo Kaluz (Exposición permanente)

El paisaje se vuelve memoria viva bajo la mirada de José María Velasco, donde nos revela un México de luz, detalle y asombro.

La experiencia invita a detener el tiempo porque contemplar también es viajar y contemplar quienes somos.

Museo de Historia Natural (Inauguración junio)

La curiosidad se convierte en descubrimiento. Entre dinosaurios, ecosistemas y la historia de nuestro planeta, este espacio invita a explorar la ciencia y la vida en la tierra, a través de un recorrido por la naturaleza.

Museo Nacional de Antropología (Inauguración junio)

Llega con la mirada de Annie Leibovitz para conectar pasado y presente, donde el balón será espejo de nuestra identidad.

“Salzburgo no es lugar para mi talento”, escribió Wolfgang Amadeus Mozart sobre su ciudad natal austriaca. De hecho, su familia pasó gran parte del tiempo allí planeando marcharse. Su padre, músico de la corte, se ausentaba con frecuencia para llevar a sus hijos de gira, presentándolos en conciertos por toda Europa. Pero si bien los Mozart no amaban Salzburgo, la ciudad nunca ha perdido el cariño por Wolfgang.

Estos lugares están bajo la supervisión de la Fundación Mozarteum de Salzburgo, que conserva una vasta colección de objetos e instrumentos musicales. Varias de sus piezas, como el clavicordio portátil manchado de tinta en el que Mozart compuso La flauta mágica, se pueden ver en la exposición Tesoros de la Fundación Mozarteum de Salzburgo, en la Biblioteca y Museo Morgan de Nueva York hasta el 31 de mayo.

La exposición y su catálogo abarcan toda la vida y el legado del compositor, pero gran parte de ella se centra en sus años de formación en Salzburgo, con objetos que ilustran cómo un niño de talento aparentemente prodigioso se convirtió en el Mozart que conocemos hoy. Aquí presentamos tres de esos objetos:

Su violín de la infancia

El padre de Wolfgang, Leopoldo, le regaló este violín cuando tenía 6 o 7 años. Mucho más pequeño que el tamaño estándar, fue fabricado con abeto y arce por Andreas Ferdinand Mayr, uno de los músicos de la corte de Leopoldo. El violín destaca más por su procedencia que por su sonido, que es modesto y algo nasal. Pero también es notable por su excelente estado de conservación: sobrevivió a los años de infancia itinerantes de Wolfgang, a su custodia en casa de Nannerl y, posteriormente, a una propiedad privada, antes de llegar al Mozarteum en 1896.

Cuando Wolfgang recibió el violín, ya improvisaba y componía para instrumentos de teclado, que aprendió con una facilidad asombrosa. Le tomó cariño al violín y comenzó a componer sonatas para él; estas son algunas de sus primeras obras con varios movimientos y una forma más amplia y madura. Le siguieron cuartetos, junto con una serie de conciertos que se han convertido en piezas fundamentales del repertorio.

La música de Nannerl

Este fragmento es el único trozo de música que se conserva compuesto por Nannerl, la hermana mayor de Wolfgang. Fue la primera niña prodigio de la familia Mozart y aprendió de un cuaderno que Leopold le regaló cuando tenía siete años. Este cuaderno contenía piezas escritas por diversos compositores, copiadas a mano y ordenadas por dificultad. Wolfgang también aprendió de la misma colección y luego comenzó a componer su propia música.

Tras la muerte de Wolfgang en 1791, Nannerl se convirtió en su primera biógrafa. Seguramente también escribió. Las cartas de su hermano expresan asombro ante su habilidad, pero durante mucho tiempo los estudiosos tuvieron que creerle sin más. Recientemente, se descubrió la conclusión de una partitura suya en una colección donada al Museo Morgan en 2019. Ahora, los tres fragmentos se han reunido y se exhiben en forma de facsímiles y un manuscrito, ofreciendo la impresión más clara posible de su música.

El ‘Rondo alla Turca’

La infancia de Wolfgang, transcurrida en la carretera, lo salvó del provincialismo al que habría estado confinado en Salzburgo. Y a medida que maduraba hasta convertirse en un maestro en constante evolución, incorporó sus experiencias cosmopolitas a su música, para deleite del público de entonces y de ahora.

Por ejemplo, el final de su Sonata para piano en La mayor (K. 331), más conocida como el Rondó a la turca, cuyo manuscrito de copista se puede ver en la Morgan, comienza con una de las melodías más famosas de la música. Con reminiscencias de las bandas militares turcas populares en Viena en aquella época, fue prácticamente concebida para ser un éxito, con ritmos vibrantes, ornamentación traviesa y un tema exótico y cautivador que se repite una y otra vez.

Al igual que gran parte de la música de Mozart, el Rondó también está al alcance de los músicos aficionados, lo que permitió que se escuchara en hogares de toda Austria cuando se publicó en 1784. Sigue siendo irresistible para los jóvenes pianistas que quieren lucirse, al igual que el pequeño Wolfgang en su juventud.

Fuente: The New York Times

En el ámbito sanitario, la agenda de este miércoles prevé a partir de las 9:00 la celebración de la jornada 'Hackeando la brecha' en la Casa Encendida de Madrid, un foro centrado en tecnología, mujer y salud coordinado por Farmaindustria, el Digital Health Validation Center del Hospital de la Santa Creu i Sant Pau y Fenin. Según consignó Europa Press, esta iniciativa pretende abordar el impacto de la innovación digital en la salud femenina y los retos en la reducción de la brecha de género dentro del ecosistema tecnológico sanitario.

Más adelante, a las 10:00, ViaCare organiza el primer encuentro de su ciclo Desayunos ViaCare en su sede de la calle Menéndez Pidal, donde especialistas y participantes discuten el lipedema desde la alimentación, el tratamiento y el estilo de vida. Este evento busca consolidar el conocimiento en torno a esta patología, así como explorar enfoques terapéuticos y de intervención en base a la experiencia clínica y la evidencia actual.

Avanzando la mañana, Europa Press reportó que a las 10:30 se desarrollarán dos actividades relevantes: en el Espacio Bloke se realizará un encuentro informativo junto a la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC) sobre los programas de cribado de cáncer de colon en España, en el que se analizarán los primeros resultados obtenidos a escala nacional y su proyección para la detección precoz de la enfermedad. De manera simultánea, Boehringer Ingelheim convoca a la prensa internacional a una rueda de prensa virtual desde Ingelheim, Alemania, donde los directivos presentarán los datos financieros del último ejercicio y esbozarán tanto la visión estratégica como los principales objetivos de la compañía para el futuro cercano. El acceso se habilita a través de un enlace de registro en la plataforma de streaming, según detalló el medio Europa Press.

Dentro del campo de la radiología, la Sociedad Española de Radiología Médica (SERAM) introduce a las 11:00 su nueva Guía de Renovación Tecnológica 2026 en una presentación a los medios y a la comunidad médica en la sede social de la entidad, ubicada en la calle Alcalá. Según publicó Europa Press, el documento aborda tanto la modernización de los equipos de radiodiagnóstico como las prioridades e inversiones requeridas en este sector hasta 2026.

Ya en la tarde, la Universidad de Granada presentará, a las 16:30, los hallazgos de un estudio científico sobre los efectos fisiológicos derivados de la experiencia Hammam, en un acto celebrado en el reservado de la cafetería del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Esta investigación, pionera por analizar los beneficios de la tradición del baño árabe en el ámbito académico, suma nuevas perspectivas a la comprensión del bienestar físico y psicológico asociado a estas prácticas. Europa Press destaca que el evento reúne tanto a investigadores como a profesionales del ámbito de la salud y la cultura.

El bloque cultural de la jornada, siempre según Europa Press, cobra especial relevancia desde las 11:00, cuando el Palacio de Gaviria abre una muestra dedicada a la figura de Salvador Dalí, ofreciendo al público la oportunidad de repasar la trayectoria del pintor surrealista. Poco después, a las 11:30, el Teatro Español inicia la función de ‘Tras el ensayo’, obra escrita por Ingmar Bergman donde se plantean las conexiones entre arte, vida, memoria y deseo, temas recurrentes en la producción del autor sueco.

A mediodía, la agenda incluye una entrevista exclusiva con Oriol Rodríguez, autor de la biografía ‘Buscando a Rosalía’, en la que analiza el fenómeno cultural alrededor de la artista y sus influencias. Más tarde, a las 15:00, el Instituto Cervantes acogerá el acto oficial de presentación del ciclo de conciertos Caprichos Musicales en Paradores 2026, propuesta enfocada en la difusión de la música en enclaves históricos. La jornada finalizará con el lanzamiento público de la temporada de conciertos SON Estrella Galicia, que tendrá lugar en el Mercado de los Mostenses a las 19:30 horas, reunión que espera la asistencia de públicos diversos atraídos por la programación musical y la relevancia del ciclo en el panorama cultural madrileño.

Europa Press desglosa así una agenda que combina la divulgación científica, la promoción de la salud, la actualización tecnológica y el disfrute cultural en distintos puntos de la ciudad, reflejando la variedad de propuestas disponibles para distintos perfiles de público a lo largo del día.

El dolor no se va. Muta, cambia, se oculta, se reprime, pero sigue ahí. Somos un país que aprendió a no bajarle la mirada. La marea negacionista a veces sube, a veces baja; el monstruo está ahí, nosotros también. Este remendado cuerpo social que llamamos Argentina aprendió a recorrer las huellas de la última dictadura militar: los hechos centrales, los detalles, los nombres, la violencia, la complicidad, los gritos, los silencios. Tenemos libros de a toneladas. Esta semana las librerías los pusieron en vidriera.

Se ha escrito tanto sobre la dictadura, el golpe del setenta y seis, los centros de exterminio, el plan del norte, el neoliberalismo adentro del caballo de Troya, las condiciones previas, lo que legó. No se agota porque todavía muchos milicos y sus cómplices civiles guardan el secreto, pero sobre todo, fundamentalmente, porque el dolor también produce imaginación —pequeñas y gigantes formas lúdicas de combatir la muerte— y en este país roto e imbatible tenemos de sobra. De sobra.

¿Cómo se para hoy la literatura frente al monstruo? ¿Cómo lo rodea, cómo se acerca a sus fauces, cómo le arranca una originalidad? Mientras el país se devora a sí mismo en una recesión llena de memes, la cultura se estandariza en esquemas de golpes de efecto y los debates se vuelven burbujas autocelebratorias, la literatura todavía puede, ¿qué puede?, seguir alimentan la gran máquina argentina de la imaginación. Hoy: Ropa prestada de Waldo Cebrero y Avisale a mamá de Mónica Zwaig.

La historia empieza en el ropero. Un padre y un hijo sacan ropa y juegan a disfrazarse. Pero hay uno de esos trajes que no tiene el tono lúdico y divertido de los demás. Uno de esos trajes tiene el peso de la historia. Exige, ya no parodia ni grotesco, sino respeto. Es el uniforme del represor Raúl Pedro Telleldín, jefe del Departamento de Informaciones de la Policía de Córdoba, que funcionó como base de torturas y operativos ilegales durante la última dictadura. ¿Por qué está ahí? “Poneteló. Dale, pa, poneteló”.

Waldo Cebrero es periodista y docente de la Universidad Nacional de Córdoba. Después de guionar y producir documentales y de escribir los cuentos de Mecanismos primitivos publica esta suerte de novela de no ficción. Se titula Ropa Prestada y se editó por el sello Los Ríos. El ropero (y el traje) lo devuelve al pasado, a la investigación de Telleldín para un libro que nunca pudo. Ahora es padre de Vicente, hay una bebé en camino, y su mujer le dijo: “No quiero que esa cosa esté en la casa cuando nazca Helena”.

“Parecía la piel usada de una serpiente. El cuero de una bestia”, es la primera descripción de aquel traje. Se lo dio su hijo, el abogado Carlos Telleldín, acusado de participar en el encubrimiento del atentado a la AMIA, luego devenido “rey de los sacapresos”, una tarde lluviosa de 2015 en su casa de Castelar, junto a su octava esposa con su décimo hijo a úpa. Y la historia se abre más cuando le dice: “A mí me metieron en la causa AMIA los enemigos de mi padre que estaban en la SIDE”.

Cebrero se construye como falso protagonista, como el detective de una historia que une dictadura militar, pasado y presente familiar (su familia se amplía también hacia atrás: es hijo y nieto de policías) y de una insistente narración metaliteraria, que se vuelve metaperiodística y que se pregunta por el libro que está escribiendo mientras lo está escribiendo: “¿Había una única forma de escribir ese libro? ¿Sobre qué quiero escribir?" ¿Sobre el dueño del uniforme? ¿O sobre por qué todavía lo tengo conmigo?”

Es la biografía esquiva o una postbiografía de Telleldín, el hombre que “manejaba una dotación de hombres y mujeres crueles, que tenían la misión de exterminar opositores, especialmente de izquierda. Su sello fueron las bombas: mandó a explotar oficinas públicas, redacciones de diarios, comercios, casas particulares y hasta las tumbas de sus propias víctimas. En el D2, ubicado a metros de la plaza principal de Córdoba, fueron torturadas cerca de dos mil personas, muchas de las cuales están desaparecidas”.

Como biografía política, como crónica periodística, como diario personal, pero sobre todas las cosas, y aquí está su valor, Ropa prestada funciona como artefacto deforme que reproduce, según el botón que se toque, los distintos colores del gran horror argentino. Están los amarillos y verdes más prístinos, los azules más terribles, pero también los marrones más cotidianos —el pardo, el ocre, el canela— que nos recuerdan que ese monstruo sigue presente en los detalles. No hay que taparse los ojos.

Avisale a mamá empieza en la escuela. Es el grado cero de la pregunta por la historia del país. Teo tiene que hacer una monografía para aprobar Ética de segundo. El tema es libre y para alguien que a priori no le interesa nada de nada es un problema. Y lo resuelve levantando la vista del celular. Vio un libro que decía “Historia de la última dictadura militar” y empezó por ahí. Dos semanas después de evitar el tema vuelve al celular y le pregunta a la inteligencia artificial. Esa IA ya está personalizada: se llama Seba.

Teo tiene un vínculo singular con Saba, es una especie de amigo virtual. Le pregunta cosas pero también conversan. En ese sentido, el libro está escrito en el presente más urgente, ese que se toca con el futuro, y reproduce el chat que Teo tiene con Saba como si estuviéramos frente a la pantalla. “No sé nada del tema y me parece un torre”, le dice Teo, y enseguida aparece el malentendido entre humano y máquina. ¿Qué significa un torre? Lo que sigue es una larga enumeración de títulos relacionados a la dictadura.

Mónica Zwaig, su autora, nació en Francia en 1981 porque sus padres se exiliaron. En 2007 se vino a vivir a la Argentina y trabajó como abogada en el CONADI y el CELS en los juicios de lesa humanidad. Tiene dos novelas, Una familia bajo la nieve y La interlengua, y una obra de teatro: Cuarto intermedio: guía práctica para audiencias de lesa humanidad. Acaba de publicar Avisale a mamá por el sello Siglo Veintiuno. El libro está pensado para un público juvenil ensimismado y visiblemente despolitizado.

La novela se abre con la aparición de los amigos, de eso que llamamos livianamente comunidad. Mora, una compañera que había elegido el mismo tema que él, le cuenta que su mamá la llevaba a la marcha del 24 de marzo desde que es una bebé. De todos modos el vínculo es lejano: una amiga de su abuela fue desaparecida por los militares. También aparecen dos amigos. Mirko dice que “los montoneros ponían bombas y mataban gente” y Ana le pregunta si “por eso tenían derecho a matarlos también”.

Teo vuelve a Saba, su IA, y empieza con preguntas simples, como qué es la dictadura, qué es una desaparición forzada. Saba responde como la IA obediente que es pero de pronto le dice: “Tenés el pelo muy largo, deberías cortarte un poco”. “¿Qué estás diciendo?" “Son tiempos complicados hijo, no podés andar así con el pelo largo y la campera de jean, te parecés a ellos”. “¿A quién? ¿Hijo? Te desconfiguraste, Saba” “Te parecés a un guerrillero (...) No te metas en nada raro, por favor”.

La forma en la que irrumpe esa voz extraña en una trama que se pretendía banal y simplista logra imponer algo del terror ominoso que está en la esencia de la dictadura misma. Durante todos estos años ese intenso miedo social se lo fue incorporando a la lejanía, convirtiéndolo en una pieza de museo, pero la literatura, con su capacidad inventiva, con su máquina de la imaginación, puede recordarnos el verdadero tamaño de la bestia. Mirar al mismo monstruo con nuevos ojos. Y entender que no está muerto.

En el verano pasado, la salud del Papa Francisco se había deteriorado. “Recuerdo estar prácticamente todos los días buscando información de cómo estaba”, recuerda el músico y compositor Nicolás Crespo en diálogo con Infobae Cultura.

El 17 de abril recibió la noticia de la muerte del pontífice por un mensaje institucional: “Veo en un grupo de WhatsApp que se suspendían las clases por el fallecimiento del Papa Francisco, lo cual fue un shock porque no entendía nada, si hacía un rato lo había visto en televisión”. Ese momento le activó no solo el recuerdo de la figura pública, sino también una reflexión sobre la valoración de los grandes ídolos nacionales mientras están vivos.

Así nació la comedia musical Francisco, el Papa del Fin del Mundo. Se presentará en una única función en el Teatro Picadero el 24 de marzo a las 20:00, en un formato de concierto sinfónico que reunirá a una orquesta en vivo de 15 músicos. La obra, con idea y música de Nicolás Crespo, libro y letras de Leo Schmit y dirección general de Luján Zalazar, explora la vida de Jorge Mario Bergoglio desde una perspectiva abiertamente humana y social.

El musical reconstruye la vida de Jorge Bergoglio desde su nacimiento en 1936 hasta su muerte. Según Crespo, el relato abarca una existencia atravesada por dilemas políticos, desafíos familiares y convicción personal: “Después de encontrarme con semejante vida, con casi cien años de historia dentro de la historia argentina, Jorge Bergoglio, Francisco, nos dejó mucha historia”.

Al indagar en el enfoque narrativo, Crespo resaltó la condición de Francisco como hijo de inmigrantes italianos que “justamente venían escapándose de la Primera Guerra Mundial y ya desde su contexto familiar tan conflictuado por estas guerras, ya empieza una vida en busca de la paz, en busca del amor”. La obertura principal, titulada “Buenos Aires Arde”, sitúa al espectador en la capital argentina de la década del treinta y cuenta, en palabras de Crespo, “el contexto sociopolítico del Buenos Aires de la década de infancia mía, la década entre el 30 y el 40, post Primera Guerra Mundial, previo a la Segunda”.

La obra aborda el posicionamiento idealista de Francisco y las consecuencias en su trayectoria. Crespo relató que “políticamente tal vez no fue correcto, o no fue lo que esperaba el gobierno argentino de la época, de todas las épocas, porque sufrió todo tipo de persecución política en democracia y en dictadura”. Frente a la hostilidad del poder, enfatizó que el Papa “siempre fue amigo, siempre fue de fe y de perdonar. Inclusive cuando algunos presidentes han dicho barbaridades sobre él, él siempre recibió a esa gente con un abrazo”.

El protagonista es retratado como líder de una vida austera, dedicada a los sectores populares: “Francisco es un hombre que creyó en el pobre, que creyó que el pobre era el protagonista de las historias, así como Jesús lo comunicaba”. En el montaje, el compromiso con la humildad y la justicia social ocupa un lugar central. Además, “el tango está muy presente en estas composiciones, también la comedia musical nos permite un montón de ritmos y de formas y sobre todo la apertura que un personaje como Francisco tuvo hacia la vida”.

En sus palabras, la génesis misma del proyecto estuvo vinculada a una propuesta de Salazar, surgida durante un retiro espiritual en Córdoba vinculado al padre Pío. Aunque inicialmente pensaron en una obra dedicada a ese referente, el trabajo de documentación sobre Francisco y el momento colectivo posterior a su muerte fueron determinantes para definir el enfoque definitivo. El proyecto, armado en menos de un año y con fecha de estreno para el 21 de abril, aborda tanto sus orígenes como su papel disruptivo frente al poder argentino.

El desarrollo acelerado del espectáculo respondió, según Crespo, a la voluntad de rendir homenaje en vida a los íconos nacionales: “Siempre tenemos ídolos muy grandes a nivel mundial y que no siempre son valorados en Argentina, o por lo pronto, mientras que viven, tal vez después de que mueren siempre se los valora mucho más”.

La producción, a cargo de A Seagull Orquesta, ha optado en esta instancia por mostrar exclusivamente las canciones centrales del espectáculo, aprovechando una puesta que integra lenguaje teatral con elementos sinfónicos contemporáneos. Participarán intérpretes como Alito Gallo Gosende, Flor Barisone, Chiara Rodó, Marian Lorena Vázquez, Xixi Padilla, Joa de León, Lucas Rach, Miqueas Peralta, Maxi Areitio y Milena Cinosi, bajo la dirección musical de Nicolás Crespo.

El espectáculo propone un acercamiento emotivo y musical a la figura del pontífice argentino, apoyado en una partitura original y una mirada que prioriza los conflictos personales, la espiritualidad y el compromiso social del protagonista. Las entradas para el evento, que tendrá lugar en Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, CABA, están disponibles en Plateanet.

Australia presentará en diciembre de 2026 su primera gran retrospectiva dedicada a Takashi Murakami, uno de los nombres más influyentes del arte contemporáneo global. La Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en Sídney será sede de una muestra que recorrerá tres décadas de producción, marcando un hito en la programación cultural australiana y dentro del ciclo Sydney International Art Series, el evento cultural más relevante de su tipo en el país. El anuncio de la institución señala que la exposición incluirá tanto obras históricas como creaciones inéditas, reafirmando la posición de Murakami en el centro del movimiento Superflat y su proyección internacional.

La magnitud del evento queda reflejada en la cifra: la retrospectiva abarcará 150 obras que resumen la evolución de Murakami desde sus primeros experimentos artísticos en la década de 1990 hasta las piezas más recientes. La exposición se desplegará en espacios emblemáticos del museo, como la ampliación subterránea Naala Badu y el tanque Nelson Packer, un recinto de 23.680 pies cuadrados que en su origen fue un depósito de petróleo durante la Segunda Guerra Mundial. Este volumen y diversidad de obras no habían tenido precedentes previos en las visitas del artista a Australia, como el mural encargado en 2019 para la exposición Lo sobrenatural japonés en la misma galería.

En términos de singularidad, la muestra recibirá el título Takashi Murakami y está planteada para ofrecer un panorama integral no solo del desarrollo individual del artista, sino también del surgimiento y expansión del Superflat. Este movimiento, que fusiona influencias del manga, el arte tradicional japonés y la cultura pop, tuvo en Murakami a su principal exponente desde finales del siglo XX. Según la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, la retrospectiva incluirá obras tempranas, pinturas de gran formato, esculturas, instalaciones y videos, lo que permitirá observar su tránsito desde sus inicios como aspirante a mangaka hasta consolidarse como referente internacional.

En el tanque Nelson Packer, el mayor espacio de la exposición, el público podrá descubrir obras que Murakami está creando actualmente en su estudio de Tokio. Este proceso refuerza las comparaciones entre la producción del artista y la de Andy Warhol: ambos transformaron el atelier en una auténtica fábrica de arte, difuminando los límites entre alta cultura y consumo masivo. Además, el propio Murakami contribuirá con ensayos inéditos al catálogo de la muestra. El libro también contará con textos de Melanie Eastburn, curadora principal de arte asiático de la galería, y de Ed Schad, director de publicaciones del museo The Broad de Los Ángeles, institución que organizó en 2022 una retrospectiva itinerante dedicada a Murakami.

En palabras de Steve Kamper, ministro de Empleo y Turismo de Australia, citadas por Artnet News, la llegada de la obra de Murakami: “aportará importantes beneficios económicos a nuestro estado y consolidará a Sídney como el principal destino de Australia para experiencias culturales de primer nivel”. Esta apuesta cultural se inscribe dentro de la decimosexta edición del Sydney International Art Series, que este año incluirá además una exposición del francés Philippe Parreno en el Museo de Arte Contemporáneo de Australia, donde se desplegarán instalaciones basadas en inteligencia artificial, robótica y sonido.

La exposición Takashi Murakami estará abierta al público en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, ubicada en Art Gallery Road The Domain, Sídney, desde el 5 de diciembre de 2026 hasta el 18 de julio de 2027.

El Senado, junto a varias comunidades autónomas y la Fundación Toro de Lidia, retomaron la entrega del Premio Nacional de Tauromaquia tras la eliminación de este galardón por parte del Ministerio de Cultura en mayo de 2024. Según informó el medio, la segunda edición del premio tendrá lugar el próximo 8 de abril de 2025 en la ciudad de Santander, consolidando la continuidad de este reconocimiento en el panorama cultural español a pesar de los recientes cambios impulsados por el ejecutivo central.

De acuerdo con la información publicada, el Premio Nacional de Tauromaquia 2025 cuenta con una dotación económica de 30.000 euros, equivalente al importe que reciben los galardonados de los Premios Nacionales de Cultura. El organismo encargado de la convocatoria integrada está compuesto por el Senado y los gobiernos autonómicos de Andalucía, Cantabria, Región de Murcia, Comunitat Valenciana, Aragón, Castilla-La Mancha, Extremadura, Madrid, Castilla y León, Ciudad Autónoma de Melilla y la Fundación Toro de Lidia, completando un respaldo institucional centrado en la promoción y reconocimiento del mundo taurino.

El fallo del jurado, según detalló la noticia, se producirá el 8 de abril en Santander, pero la ceremonia oficial de entrega del reconocimiento tendrá como escenario el Senado, en una fecha que todavía no se ha especificado. El formato de participación contempla que las propuestas de candidaturas puedan ser presentadas tanto por los miembros del jurado como por entidades, centros, instituciones y profesionales vinculados al ámbito de la tauromaquia, siempre mediante una propuesta razonada remitida al presidente de la Fundación Toro de Lidia, Victorino Martín García.

En su edición anterior, el Premio Nacional de Tauromaquia fue otorgado al director de cine Albert Serra y a la Real Unión de Criadores de Toros de Lidia, dentro del marco de la reestructuración y refuerzo institucional impulsado a raíz de la supresión del galardón por parte del Ministerio de Cultura en el año 2024. La decisión de continuar el premio con el respaldo de varias comunidades autónomas y del Senado responde, según recogió el medio, a la voluntad de mantener el reconocimiento público a personalidades o entidades que hayan contribuido de manera destacada al sector taurino y a su imbricación con el ámbito cultural.

El mecanismo de presentación de candidaturas, tal como reportó la fuente original, se mantiene abierto a diversas organizaciones y profesionales, permitiendo una pluralidad de aspirantes avalados por su vinculación con la tauromaquia. Esta estructura sigue el modelo de la primera edición, facilitando la participación de actores relevantes del ecosistema cultural y ganadero.

La continuidad del Premio Nacional de Tauromaquia, pese a la retirada del respaldo del Ministerio de Cultura, representa según publicó el medio una acción coordinada entre los principales organismos del arco institucional y autonómico, dirigida a reconocer la influencia y el papel del mundo taurino en la vida cultural de España. Las entidades convocantes han remarcado la importancia de la colaboración interinstitucional en la preservación de este galardón, que recupera su lugar entre los reconocimientos nacionales dedicados a la cultura.

Cabe destacar que la entrega del premio y las actividades vinculadas a su fallo sitúan a Santander como una de las ciudades anfitrionas de eventos culturales ligados a la tauromaquia, reforzando su perfil en esta materia dentro de la agenda institucional de 2025. Según consignó la publicación, la formalización del galardón mantiene los requisitos y el proceso deliberativo empleado en la edición anterior, y la convocatoria está abierta tanto a personalidades individuales como a entidades, en línea con el objetivo de ofrecer representatividad y pluralidad en el reconocimiento.

El medio detalló que se espera la participación de figuras y organismos con reconocido prestigio en el ámbito taurino, quienes podrán presentar sus candidaturas al presidente de la Fundación Toro de Lidia dentro del plazo especificado por la convocatoria. La celebración del fallo en Santander, seguida de la entrega en el Senado, responde a un diseño organizativo que busca dotar al premio de una visibilidad relevante y preservar su proyección a nivel nacional en una etapa de transición institucional.

Walter Benjamin fue un filósofo muy singular —“un pescador de perlas”, según Hannah Arendt, un “pensador magnético”, según Theodor Adorno— que construyó una obra de a retazos. Sus libros son ejemplos de su forma fragmentaria de abordar el mundo.

Quizás el mejor ejemplo sea Calle de dirección única, una obra que terminó en septiembre de 1926 y que publicó en Alemania en enero de 1928. No es un libro académico ni una investigación ensayística. No. Es un libro de aforismos.

Aforismos de esos que iba escribiendo por la calle, mirando carteles, esquivando vendedores ambulantes, multitudes apurados y linyeras. La precaria situación del país germano le sirvió de combustible para pensar la vida en clave de pasión y tragedia.

Calle de dirección única evoca un paisaje alborotado de tiendas, cafés y apartamentos exprimiéndole el jugo a la vida cotidiana hasta en los más mínimos detalles. Son sesenta piezas cortas en prosa. Una de ellas es la que titula este artículo. La escribió así, sin más: “La única forma de conocer a una persona es amarla sin esperanza”.

Hay algo desgarrador en esa idea. Amar sin esperanzas, sin expectativas, sin acomodarse a supuestos devenires prósperos ni especulaciones fortuitas. Un amor en permanente presente, un amor del aquí y del ahora, un amor aurático.

Walter Benjamin nació en Berlín en 1892. Fue un filósofo, crítico literario, traductor y ensayista alemán de origen judío. Se inscribe en la tradición del materialismo histórico y del misticismo judío. Está íntimamente relacionad con la Escuela de Fráncfort.

Murió en el pueblo catalán de Portbou en 1940, luego de que unos policías españoles lo detuvieron para entregarlo a la Gestapo. Antes de que se lo lleven los nazis sacó del bolsillo un puñado de pastillas de morfina y se suicidó.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México anunció que la primera jornada del Circuito Nacional de Festivales por la Paz congregó a más de 260 mil asistentes en Tecámac, Estado de México, y Tijuana, Baja California.

Esta iniciativa, impulsada por la presidenta Claudia Sheinbaum Pardo, forma parte de una estrategia integral destinada a fortalecer el tejido social y abrir espacios para las juventudes a través de la cultura y el acceso gratuito a eventos masivos, según informó el propio organismo mediante un comunicado oficial difundido este 22 de marzo.

En el marco del programa, la Secretaría de Cultura prevé la realización de 200 festivales a lo largo de las 32 entidades federativas del país, con el objetivo de alcanzar a más de 7 millones de jóvenes mediante actividades culturales de gran escala, así como eventos medianos y comunitarios de distintos géneros.

El despliegue, coordinado con gobiernos estatales y municipales, responde a una estrategia orientada, según el organismo, a “que atiende las causas desde la cultura, recupera el espacio público y fortalece el tejido social desde los territorios”.

“El Circuito Nacional de Festivales por la Paz forma parte de una visión que reconoce a la cultura como un derecho y al espacio público como un lugar para construir comunidad”, expresó Claudia Curiel de Icaza, secretaria de Cultura del Gobierno de México.

La funcionaria subrayó: “La paz se construye también desde la cultura: al abrir espacios para que las y los jóvenes se encuentren, participen y ejerzan sus derechos. Este circuito acerca festivales gratuitos a todo el país como parte de una política que fortalece el tejido social desde los territorios”.

Carín León toca en Tijuana y Siddhartha en Tecámac

El debut del Circuito tuvo lugar el pasado 21 de marzo en dos sedes de formato masivo. En la Monumental Playas de Tijuana, el concierto inaugural encabezado por Carín León atrajo a participantes de ambos lados de la frontera, transformando el espacio público en un punto de convivencia comunitaria.

Alrededor de las 9:00 pm, la multitud recibió con entusiasmo al cantautor, quien, según la reseña oficial, “se adueñó del escenario con su voz y presencia”. La cita resonó en la explanada con versos como: “Se nos hizo miel la Luna y un concierto pa’ Tijuana”.

Simultáneamente, en Tecámac, el Festival Atmósfera Mundialista reunió a miles de personas. Destacaron las presentaciones de Lila Downs, Siddhartha y la agrupación Bronco, figuras que reafirmaron el papel de la música como mecanismo de encuentro y participación para la comunidad, según la información compartida por la institución organizadora.

Inicio de los Festivales por la Paz en la CDMX

El pasado 2 de marzo, con la reapertura del Festival Eurojazz en el mes de marzo tras cinco años de restricciones por la pandemia, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México ha dado inicio a una estrategia cultural sin precedentes: el Circuito Nacional de Festivales por la Paz

La edición número veintinueve del Eurojazz 2026 marca el primer paso de esta ruta, reuniendo a miles de asistentes en las Áreas Verdes del Centro Nacional de las Artes (Cenart) en la Ciudad de México.

Marisú Hernández tenía 21 años el 28 de enero de 1977. Ese día le cerraron la librería en la que trabajaba toda la familia. Fue un año entero la clausura, hasta diciembre. Libros subversivos, dijeron. A la Librería Hernández la fundaron Damián Carlos Hernández y Emilce García en 1956. Trabajaban ahí sus tres hijas; Marisú es la más chica. Primero estuvo en Corrientes 1580 y en 1973 se mudaron adonde está hoy. Aquel día del 77 los militares se llevaron 7800 libros. Dos meses después volvieron por más.

Fue una denuncia anónima. Los milicos volvieron porque se enteraron que la librería tenía un depósito lleno de estantes. Cuando entraron no podían creer la cantidad de libros. Libros subversivos. “Este año decidimos exhibirlos de frente, en un sector especial donde la gente los pueda ver. Y en otra mesa pusimos todos los libros sobre derechos humanos, juicios, desaparecidos, madres, abuelas, nietos. Los vamos rotando por la cantidad de material que se ha editado del 83 a esta parte”, cuenta Marisú.

Marx, Lenin, Mao, Trotski, Perón, Evita, Ho Chi Minh, Marcuse, Sartre, Fidel Castro, David Viñas, Spilimbergo, Kautsky, Gregorio Selser, David Rapaport, Noé Jitrik, Bernard Dort son algunos de los tantos nombres que figuran entre los libros prohibidos.

Las cosas no volvieron a ser igual. Ese día se llevaron a Eduardo Mora, cuñado de Marisú, y lo largaron en seis meses. Sus padres, los fundadores de la librería, se exiliaron en Uruguay. “Lo ocurrido hace 49 años en la librería y 50 años en todo el país fue una cosa planeada: no solamente desaparecieron gente, robaron niños, mataron y secuestraron, también fueron hacia la cultura, hacia la educación, hacia la formación de la gente. Esto también le pasó a editoriales como Centro Editor y a librerías como Trilce”.

Hernández, que está cumpliendo setenta años, es una librería que, en palabras de Marisú, “siempre tuvo una línea, una conducta, una posición”: “Por más que tenemos material plural, siempre nos dedicamos más temas como historia, política, sociología, psicología, educación. La gente que viene a esta librería en parte saben a qué vienen, qué quieren, qué buscan. Contar la historia de la librería ha movilizado a mucha gente que estuvo acá, o que compraba acá, incluso muchos se enteraron así”.

Marisú Hernández salva vidas y lee libros, ¿o salva libros y lee vidas? Todas las mañanas está en la gran librería familiar —trabajan ahí sus hermanas, su hija, sus sobrinos—, patrimonio nacional, en Corrientes 1436, y algunas tardes atiende pacientes en su consultorio: es médica clínica. Hasta 2001 fue al revés: se dedicaba fundamentalmente a la medicina y cuando podía iba a la librería. Pero la balanza pesó más de un lado. Hoy sigue con los pies en los dos charcos: salva vidas y lee libros, ¿o salva libros y lee vidas?

“Otras librerías tendrán otra impronta, pero nosotros, a pesar de lo que nos pasó, no modificamos una línea, una conducta, una postura”, dice la librera y piensa cómo esa historia y este nuevo aniversario del golpe de Estado tensiona con el presente y hace ecos con las políticas de Javier Milei y La Libertad Avanza. “Lo que está haciendo este gobierno desde que tomó el poder es tratar sacar todo lo que sea cultura. Es bien sabido todo lo que ha hecho con cantantes, con películas, con desfinanciar el cine”.

“Esto lo dijo en lo personal: este gobierno tiene una actitud muy similar a lo que ocurrió antes. Sabemos bajo qué gobierno estamos actualmente”, sostiene.

Marisú sigue creyendo en los libros. Pero reconoce que es un artefacto a destiempo. “La mayor potencia del libro fue en los años setenta cuando la gente joven y no tan joven sabían que la única manera de poder entender un montón de cosas era leyendo. Para mí el libro tiene un lugar preponderante ahora, que es para formarse, y lo va a tener siempre. Me refiero al libro en papel, no a leer en la computadora. Uno puede salir del apuro con un e-book, pero al libro no lo van a reemplazar... El libro es irreemplazable”.

(Fotos: Adrián Escandar)

Algunos creen que no hay salida, que desde que apareció el celular ya no se puede sacar la cara de la pantalla. Una salida posible es el libro: tirarse a leer a la sombra de sauce una buena historia atrapante. Pero quizás el problema no sea el soporte sino el contenido. ¿Y si en vez de estar scrolleando eternamente en las redes sociales nos sentamos a leer, en el mismo celular, un buen cuento, una novela, un ensayo, algo que nos lleve de paseo por otra vida, otro mundo, otra sensibilidad?

A continuación, tres libros que se pueden leer gratis en Bajalibros.

Las fuerzas extrañas, de Leopoldo Lugones

Las fuerzas extrañas, de Leopoldo Lugones, publicado en 1906, es un libro fundamental porque marca el nacimiento de la ciencia ficción y la fantasía en la literatura argentina. Aunque en su momento fue poco comprendido y no tuvo éxito comercial, la colección de cuentos imaginó experimentos y avances científicos que, décadas después, la propia ciencia acabaría confirmando. Lugones explora el conocimiento humano y la curiosidad científica en relatos que mezclan el asombro, la tragedia y el humor, anticipando temas que hoy atraviesan el género.

La importancia del libro reside en su capacidad para mostrar cómo la literatura puede ser un laboratorio de ideas y una puerta a futuros posibles. Cada cuento de Las fuerzas extrañas se convierte en una reflexión sobre los límites de la ciencia, la ética y la imaginación, invitando al lector a cuestionar la realidad y a considerar el impacto del progreso sobre la condición humana. Obras como “La fuerza omega”, “La metamúsica” o “Yzur” se adelantaron a debates contemporáneos sobre inteligencia artificial, la relación con los animales y los riesgos del conocimiento sin control.

Para un lector actual, Las fuerzas extrañas no es solo una curiosidad histórica: es una obra que sigue vigente porque plantea preguntas esenciales sobre el sentido del avance científico y el papel de la ficción como herramienta para pensar el presente y el futuro. Leer a Lugones hoy es reconocer la potencia de la literatura para anticipar y provocar cambios en la forma en que comprendemos el mundo.

(Des)Amores breves de Carolina Balbiani

Carolina Balbiani es periodista de Infobae. Los lectores la conocen. Escribe historias de amor y muerte con una intensidad impactante. Publicó varios libros. Uno de ellos se titula (Des)Amores breves, cuentos en el que hace foco en los efectos que el amor desbordante provoca en ciertas personas que no están preparadas para romper la vida cotidiana. Cuando el encanto de la pasión se vuelve un hechizo maldito.

“Son historias que nacen de historias que escuché y todas terminaban mal. Los finales felices son un poco bobos, me parece. Es un prejuicio mío, es totalmente arbitrario. Pero cuando me protestan por los finales, yo digo que si el día es lindo y está todo bien, no hay historia. Hay una idealización del amor fogoso, pero después decanta la vida. Y la vida es mucho más que la pasión. Intenté poner esas cosas que uno piensa y no dice. Como cuando hay gente que piensa que mejor no hubiera tenido un embarazo, o un romance, o una historia, pero no lo dice porque es políticamente incorrecto. Me gusta que el personaje pueda expresarse”, dijo la autora en una entrevista para Infobae con Patricia Zunini.

60 maneras de vivir sin ansiedad

En tiempos de mucho celular y la imposibilidad de una pausa reflexiva, viene muy bien la lectura. La lectura en general. Pero en particular, un libro: 60 maneras de vivir sin ansiedad. Técnicas sencillas, explicaciones dinámicas y buenas ideas para replantearse la vida cotidiana son algunas de las propuestas de este texto que se puede leer como una especie de guía para el bienestar personal.

Cómo dejar de ser perfeccionista cómo mejorar la organización cotidiana para ganar en armonía y bienestar o de qué manera alejar los pensamientos negativos y reducir la velocidad vertiginosa a la que vivimos figuran entre los temas centrales que ofrecemos aquí. Además los lectores encontrarán técnicas saludables para aliviar las tensiones del cuerpo y de la mente. Meditación, tai chi chuan, recetas naturales, relajación, masajes y mucho más.

“Desde que me fui del país, mis libros son más argentinos que nunca”, dijo Samanta Schweblin en una entrevista con Infobae hace unos meses atrás. Ya pasaron catorce años desde que se instaló en Berlín, Alemania. Esa distancia le dio otra perspectiva, otro tiempo, otra forma de leer pero también de escribir. Así construyó una larga y potente obra que hoy vuelve a estar en boca de todas: está entre los cinco finalistas del millonario Premio AENA de Narrativa Hispanoamericana con su libro El buen mal.

El 8 de abril se anuncia al ganador. La argentina compite con el colombiano Héctor Abad Faciolince, la chilena Nona Fernández, y los españoles Marcos Giralt Torrente y Enrique Vila-Matas. La dotación es de un millón de euros para la obra ganadora y con 30 mil euros para cada uno de los cuatro finalistas. El ganador o ganadora será anunciado el 8 de abril. Mientras, hay que esperar. Pero, ¿qué dice esta nominación acerca de la obra de Schweblin?

Estamos frente a una trayectoria literaria que ha obtenido reconocimiento internacional y una serie de galardones en los principales circuitos de la literatura en español e inglés. Podría decirse que su irrupción en el panorama literario global responde a un proceso sostenido de producción y circulación de su obra, que ha trascendido fronteras. Sus libros han sido traducidos a más de cuarenta idiomas haciéndose eco en medios extranjeros como The New Yorker, The Paris Review y Granta.

El recorrido de Schweblin por los premios literarios comenzó en 2001, cuando obtuvo el Premio del Fondo Nacional de las Artes por El núcleo del disturbio y el Premio del Concurso Haroldo Conti por el cuento Hacia la alegre civilización de la Capital. En 2008, su libro de relatos Pájaros en la boca fue distinguido con el Premio Casa de las Américas. Dos años después, el cuento Un hombre sin suerte recibió el Premio Juan Rulfo, mientras que en 2014 recibió el Premio Konex, Diploma al Mérito por su labor como cuentista entre 2009 y 2013.

El año 2015 marcó un punto de inflexión para su carrera: Siete casas vacías obtuvo el Premio Internacional de Narrativa Breve Ribera del Duero y Distancia de rescate fue reconocida con el Premio Tigre Juan. La proyección internacional de Schweblin se confirmó cuando Distancia de rescate resultó finalista del Premio Booker Internacional y fue distinguida con el Premio Shirley Jackson a la mejor novela corta. Además, recibió el Premio Tournament of Books en Estados Unidos.

En 2018, la publicación de Kentukis amplió su prestigio global y le permitió sumar el Premio Mandarache en 2020 y el Premio IILA-Literatura en 2021. El cuento Un hombre sin suerte volvió a ser reconocido, esta vez con el Premio O. Henry en 2022. Ese mismo año, Schweblin recibió el Premio Iberoamericano de Letras José Donoso y el National Book Award por Siete casas vacías, consolidando su posición en el mercado angloparlante. En 2024 fue distinguida nuevamente con el Premio Konex de Letras en la categoría Cuento, período 2014-2018.

La obra de Samanta Schweblin se caracteriza por una escritura precisa, donde el cuento ocupa un lugar central; la novela es la excepción. Su estilo, vinculado a la tradición rioplatense y con influencias de Adolfo Bioy Casares, Julio Cortázar y Antonio Di Benedetto, explora temáticas como la maternidad, el miedo, la culpa y el malestar cotidiano. “Un malestar que enciende la rabia, un dolor punzante por una injusticia innecesaria, algo ocurre y nos obliga a detener la vorágine y prestar verdadera atención”, reflexionó Schweblin sobre el tono de su libro más reciente.

El Premio AENA cuenta con un jurado presidido por Rosa Montero e integra a figuras de la literatura latinoamericana y española, como Leila Guerriero y Jorge Fernández Díaz. La decisión final se conocerá próximamente en Barcelona, donde se anunciará si Schweblin suma un nuevo reconocimiento a una lista de premios que ha ido en aumento constante. La posibilidad de obtenerlo representa un nuevo hito en el proceso de internacionalización de su obra, que ha situado a la autora entre los nombres más destacados de las letras contemporáneas, deslizando a la literatura argentina unos cuantos escalones más arriba de lo que ya estaba. Schweblin aún es joven, tiene 48 años; le quedan muchos libros por escribir.

Rusia condenó este miércoles el documental ganador del Oscar Mr. Nobody Against Putin (El señor Nadie contra Putin), señalando que se mostraron niños filmados sin el consentimiento de sus padres, en la primera reacción oficial de Moscú tras el galardón a la prestigiosa cinta.

El videógrafo escolar Pavel Talankin, de 35 años, originario de un pequeño pueblo ruso, ganó el premio de la Academia junto al cineasta estadounidense David Borenstein por el documental, que narra las lecciones patrióticas a favor de la guerra introducidas en las escuelas rusas bajo el mando del presidente Vladimir Putin, en medio de la ofensiva de Moscú en Ucrania.

Talankin, quien huyó de Rusia con las grabaciones obtenidas de manera clandestina y se opone abiertamente a la guerra, recibió la orden de filmar las lecciones de propaganda por parte de la administración escolar, decidiendo finalmente colaborar en secreto con el director estadounidense.

El consejo de derechos humanos de Rusia, un organismo gubernamental, señaló que “se usaron imágenes de menores sin obtener el consentimiento de sus padres” en el documental.

Añadió que las grabaciones estaban destinadas a ser “un registro interno de actividades escolares para uso educativo”, pero luego se emplearon con fines comerciales.

El consejo indicó que solicitó a la Academia que otorga los Oscar y a la agencia cultural de la ONU, la UNESCO, que inicien una investigación.

Moscú no ha comentado sobre el contenido de la película. Los medios controlados por el Estado en su mayoría ignoraron el galardón.

El documental ha resultado polarizador incluso entre los rusos opuestos al Kremlin, y algunos sostienen que los niños fueron filmados sin el consentimiento parental.

Talankin huyó de Rusia en 2024, dejando atrás a su madre y hermanos.

Desde el envío de tropas contra la vecina Ucrania hace cuatro años, el Kremlin ha sofocado la oposición a la guerra.

Las autoridades han implementado numerosas actividades patrióticas en todo el país, especialmente en escuelas y universidades, en lo que los críticos califican como una movilización y militarización de la sociedad para apoyar la ofensiva.

Fuente: AFP

El pianista y compositor estadounidense James Francies encabezará una serie de presentaciones junto a dos referentes del jazz moderno, Bob Hurst y Jeff “Tain” Watts, los días sábado 21 y domingo 22 de marzo en Bebop Club de Buenos Aires. Esta formación, que reúne tres trayectorias internacionales, tiene como objetivo explorar las fronteras entre la tradición jazzística y la innovación sonora en dos jornadas con doble función diaria.

La combinación de Bob Hurst y Jeff “Tain” Watts junto a Francies implica, como destaca el anuncio, un diálogo artístico entre generaciones que marcaron etapas claves en el jazz contemporáneo y la emergencia de nuevas voces. El contrabajista nacido en Detroit consolidó su proyección internacional como integrante fundamental del quinteto de Wynton Marsalis durante las décadas de 1980 y 1990, contexto en el que el movimiento neoclásico renovó el canon del género. Watts, por su parte, redefinió el papel de la batería en el formato acústico moderno a partir de su destacada participación en el cuarteto de Branford Marsalis.

El trío desarrolla esta búsqueda colectiva en un repertorio atravesado por la versatilidad. Desde su álbum debut Flight en 2018 bajo el sello Blue Note Records, James Francies ha sido definido por The New York Times como “un pianista con un dinamismo líquido en su toque”. Su trabajo más reciente, Purest Form, fue celebrado por la crítica internacional y encabezó numerosas listas de lo mejor del año, proponiendo una aproximación al piano con carácter orquestal, flexibilidad tímbrica y un enfoque personal que navega entre el amor, el duelo y la fortaleza emocional.

A lo largo de su carrera, Francies ha colaborado con figuras de distintos ámbitos musicales, entre los que destacan Childish Gambino, Pat Metheny, Mark Ronson, The Roots, Yebba, Chris Potter, Common, Marcus Miller, DJ Dahi y Ms. Lauryn Hill. Esta diversidad de experiencias nutre el sonido del trío, que se orienta tanto hacia la tradición como hacia la experimentación. Además de su labor interpretativa, Francies es graduado en Jazz Performance por The New School for Jazz y mantiene una activa agenda educativa como docente y embajador artístico de Yamaha Pianos, Korg Keyboards y la marca IWC.

Los conciertos están programados para las 20 y las 22.30, con apertura de puertas una hora antes en el primer turno y media hora antes en el segundo. Las funciones tendrán lugar en Bebop Club, instalado en el circuito de jazz de Buenos Aires como uno de los principales escenarios para músicos internacionales y locales. Antes de los shows, Francies conversó con Infobae Cultura.

—Volverás a Buenos Aires casi una década después de tu primera visita en 2015, cuando tocaste en el Festival Internacional Buenos Aires Jazz junto a la guitarrista Camila Meza. ¿Qué recuerdos tenés de aquella experiencia y qué significa regresar ahora como líder de tu propio trío?

—¡Guau! En 2015 tenía solo 19 años. Cómo pasa el tiempo. Tenía muchas ganas de volver desde hace mucho, y poder hacerlo ahora junto a dos de mis héroes lo hace muy especial. Amo mucho la cultura y la comida de Argentina, así que estoy realmente muy entusiasmado.

—Tu música se mueve con naturalidad entre el lenguaje del jazz y las influencias del hip hop, el R&B y la producción contemporánea. ¿Cómo pensás el equilibrio entre esa apertura y la profunda tradición del piano en el jazz?

La verdad es que no lo pienso en absoluto. Todas esas influencias vienen de mi formación en distintos estilos de música, pero no trato conscientemente de equilibrarlas. Simplemente surge de manera auténtica, que creo que es lo mejor. Mi trabajo en diferentes mundos musicales nace de un interés natural y, muchas veces, también de la necesidad. Suelo ir hacia donde me convocan.

—En este proyecto te acompañan dos músicos que son figuras centrales en la historia reciente del jazz: Bob Hurst y Jeff “Tain” Watts. ¿Qué significa para vos compartir escenario con artistas que han trabajado con figuras como Wynton y Branford Marsalis, McCoy Tyner o Sonny Rollins?

—Toco con Jeff desde que tenía 18 años, así que de alguna manera me vio crecer, tanto musicalmente como como persona. Aprendo mucho de él y es una verdadera fuente de conocimiento. A Bob lo conocí hace algunos años y tocamos juntos por primera vez en 2023, si no recuerdo mal. Es una gran inspiración y una gran persona. Creo que este trío funciona muy bien. Hemos tocado juntos algunas veces en el Blue Note de Nueva York. Y, por supuesto, cualquier trío con ellos dos va a ser bueno.

—Jeff “Tain” Watts también ha sido una presencia importante en tu recorrido musical en Nueva York. ¿De qué manera influyó en tu desarrollo como músico y cómo evoluciona hoy ese vínculo cuando se encuentran en el escenario como colaboradores?

—Empecé a tocar con él cuando tenía 18 años, durante mi primer año en Nueva York. Es alguien que siempre está atento a los nuevos músicos jóvenes que aparecen en la escena. Ha sido una gran influencia para mí, especialmente en lo que respecta a la composición. Hablamos todo el tiempo y lo considero un amigo cercano. Ha influido a muchísima gente. Es un verdadero innovador.

—Tus grabaciones para Blue Note revelan una exploración muy personal del sonido del piano, a menudo con una concepción casi orquestal del instrumento. Cuando tocás en formato de trío acústico, ¿qué aspectos de esa exploración sonora se vuelven más centrales?

—Hacer un disco y tocar en vivo son dos mundos completamente distintos. Las grabaciones no cambian, así que hacés todo lo posible para capturar la mejor instantánea posible de la música. En vivo trato de adaptarme al espacio, que está cambiando constantemente noche tras noche.

—Muchos músicos de tu generación crecieron escuchando tanto a maestros del jazz como Herbie Hancock o Chick Corea como a artistas y productores del mundo del hip hop. ¿Sentís que el jazz actual está redefiniendo su identidad a partir de esa convivencia de lenguajes musicales?

—No creo que exista más de un lenguaje musical. Hay diferentes versiones o formas de ese lenguaje, pero en el fondo es el mismo. La música es mucho más grande que un título o un género. Lo que está pasando en el mundo en cada momento es lo que define el sonido de la música verdadera. Siempre fue así. De algún modo estamos creando cápsulas del tiempo.

—El trío de piano es uno de los formatos más históricos del jazz, pero también uno de los más abiertos a la reinvención. Con un contrabajista como Bob Hurst y un baterista como Jeff “Tain” Watts, ¿cómo imaginás el espacio de interacción dentro del trío en el escenario?

—Tenés a tres personas empáticas en el escenario que además son muy buenos oyentes. Tengo muchas ganas de ver qué aporta cada uno. Trato de no tener ideas preconcebidas sobre lo que debería pasar, porque eso puede limitar las posibilidades de lo que realmente puede suceder.

Cuando Agustín Palleres Yoffe conoció a Francisco Furgang, el autor de No preguntes, pensó: “Esta historia y esta sinergia es la que necesito para que todo salga como quiero. Y ahí dije: esta es la película”. Luego llegó la propuesta de Digicine para que filme vaya directamente a los cines comerciales. “Fue la caricia al alma que necesitaba para darme cuenta que no estaba loco, y significó que todo el proceso, que sí fue una locura, valió la pena”, cuenta ahora el director, todavía emocionado. Esta es su ópera prima.

No preguntes relata la historia de una joven que enfrenta el caos de la adultez: Lisa ingresa al mundo laboral, luego de años de evasión. Se estrenó hace unos días y todavía sigue en cartelera. El elenco está formado por Micaela Riera, Nacho Di Marco y Alfredo Castellani. Representa el debut cinematográfico de su director, reconocido anteriormente por su trabajo internacional en publicidad y televisión. Palleres Yoffe, nacido en Buenos Aires en 1980, construyó una carrera premiada en el sector publicitario y televisivo, con trabajos en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

La película formula, a través de su trama, preguntas existenciales sobre el sentido del trabajo y los límites entre la adaptación y la sumisión al sistema social contemporáneo. Las experiencias de Lisa en la empresa se convierten en una experiencia de autodescubrimiento: ¿Qué significa realmente trabajar? ¿Dónde se traza el límite entre adaptarse y perderse en el sistema?

“Decidí convertir mi lenguaje dinámico en uno cinematográfico. Ejemplo: tiempos de rodaje, la película es de 90 minutos y la filmamos en 19 días hábiles, 8 horas. Metíamos entre 15 y 18 escenas por día. Todas en movimiento, no hay casi nada estático. Inventábamos planos en el momento. Y la capacidad de resolver todo rápidamente. Fue más como grabar una tira diaria de los 90 que el cine tradicional. ¡Fue cine publicitario!“, dice en diálogo con Infobae Cultura.

El mayor desafío narrativo fue “hacer entretenido y dinámico un tema tan aburrido como la vida corporativa, la burocracia y el choque generacional en ese universo laboral”, confiesa. “Y nos quedó muy bien. Hice bastante guion de dirección para que tenga el resultado de hoy y la película te lleve todo el tiempo a ritmos desiguales pero movidos”, dice y agrega: “La mirada autoral fue todo pensada desde la conexión con el público masivo. Entendía que debía generar empatía y para eso debía jugar un tema tan absurdo como la burocracia laboral para que la gente que la vivió se sienta identificada y la que no la vivió entienda qué es lo que se siente”.

Que la película haya sido realizada de manera independiente “influyó 100 por ciento en todo, ya que el objetivo fue optimizar todos los recursos para dar tiempo en la creatividad. Y nos pudimos dar el lujo de tener tiempo para inventar planos, entre otras cosas. Optimizar recursos y tiempos es lo fundamental para esto”. No preguntes ganó varios premios internacionales. “Pudimos demostrar que somos capaces de internacionalizar el cine argentino”, concluye.

La escritora argentina Samanta Schweblin figura entre los cinco finalistas del Premio AENA de Narrativa Hispanoamericana, que distingue al mejor libro publicado en 2025 con una dotación de un millón de euros. Schweblin compite con su libro de relatos El buen mal (Seix Barral), obra que ha recibido elogios de la crítica y ha reforzado su posición como referente internacional de la literatura en español.

El anuncio de los finalistas se realizó en la librería La Mistral, en Madrid, con la presencia de Rosa Montero, presidenta del jurado, quien destacó el impulso que supone este nuevo galardón para escritores y lectores. El premio, creado por AENA, busca situarse entre los más reconocidos del ámbito hispanohablante y su primera edición ha puesto especial énfasis en la narrativa latinoamericana. Junto a Schweblin, fueron seleccionados Héctor Abad Faciolince (Colombia), Nona Fernández (Chile), Marcos Giralt Torrente (España) y Enrique Vila-Matas (España).

La autora ha consolidado una trayectoria internacional luego de residir más de una década en Berlín, donde enseña escritura creativa. “Desde que me fui del país, mis libros son más argentinos que nunca”, le dijo en una entrevista a Infobae. Su obra ha sido traducida a numerosos idiomas y ha recibido distinciones como el National Book Award en Estados Unidos. Libros anteriores como Distancia de rescate y Kentukis la llevaron a ser finalista del Premio Booker Internacional en dos ocasiones.

En entrevistas con Infobae, Schweblin ha señalado que el cuento es el género donde se siente más cómoda, pese a que muchas veces se lo considera menor en relación a la novela. “Siempre estoy escribiendo cuentos, en mi caso es la novela la que es la excepción”, explicó la autora sobre el proceso de escritura de El buen mal, compuesto por seis relatos creados entre 2021 y 2024. Según detalló la escritora, el último cuento le llevó más de un año de trabajo y describió su relación con el género: “Intelectualmente demanda mucho más, eso no significa que un libro de cuentos sea mejor ‘per se’”.

La crítica ha destacado la capacidad de Schweblin para crear universos inquietantes y explorar temáticas como la maternidad, el miedo, la culpa y el cuidado, líneas recurrentes en su narrativa. En diálogo con Infobae, la autora se refirió a la función del malestar en su literatura: “Un malestar que enciende la rabia, un dolor punzante por una injusticia innecesaria, algo ocurre y nos obliga a detener la vorágine y prestar verdadera atención. Los cuentos de este libro van directo al corazón de este estado de alarma, a qué podríamos ver cuando finalmente nos detendremos a mirar”.

El Premio AENA pertenece a la empresa pública y primera operadora aeroportuaria. Su dotación es de un millón de euros para la obra ganadora y con 30 mil euros para cada uno de los cuatro finalistas. El jurado, presidido por Rosa Montero, está conformado por los argentinos Leila Guerriero y Jorge Fernández Díaz, el escritor mexicano Elmer Mendoza, los españoles Pilar Adón y Luis Alberto de Cuenca, y el presidente de AENA, Maurici Lucena. Anunciarán la decisión final el 8 de abril durante un almuerzo en Barcelona. Hasta entonces, habrá que esperar.

Un ballet sobre la vida del legendario bailarín nacido en la Unión Soviética, Rudolf Nureyev, que fue prohibido en Rusia por contener “propaganda gay”, tendrá una nueva vida esta semana en Berlín.

Nureyev, creado por el director ruso de cine y teatro Kirill Serebrennikov, se estrenó en Moscú en 2017, pero después de que Rusia endureciera sus leyes anti-LGBTQ, el ballet fue prohibido en 2023 debido a su representación abierta de relaciones entre personas del mismo sexo.

Serebrennikov, quien dejó Rusia en 2022 y ahora vive exiliado en Alemania, presentará el ballet por primera vez fuera de su país natal en el Ballet Estatal de Berlín el 21 de marzo, con el exbailarín del Bolshói, David Soares, en el papel principal.

Revitalizar el ballet es “algo muy especial para mi corazón y una gran responsabilidad”, dijo el bailarín brasileño Soares, de 28 años, quien también dejó Moscú en 2022 tras la invasión a gran escala de Ucrania por parte de Rusia.

Nureyev cuenta la historia del hombre ampliamente considerado como el principal bailarín de ballet masculino del siglo XX, quien huyó de la Unión Soviética hacia Francia en 1961 y allí murió en 1993 debido a complicaciones derivadas del SIDA.

Christian Spuck, el director del Ballet Estatal de Berlín, ha insistido en mantener la producción lo más fiel posible al original, según Serebrennikov.

El mensaje para las audiencias occidentales es “el mismo” que el destinado a Rusia, dijo Serebrennikov a la AFP, “porque estamos viviendo en una época de falta de libertad, falta de sentido común”.

Tacones altos y drag

Con su “arte disruptivo” y “espíritu rebelde”, Nureyev es alguien “que no pertenece a ninguna época”, explicó Serebrennikov.

“Él está de alguna manera por encima de todo. Por eso esta figura… siempre será un imán para otros artistas y será un gran ejemplo de cómo luchar contra la aburrida y gris normalidad”, señaló.

El ballet pone de relieve las relaciones de Nureyev con hombres y su disfrute de la escena gay en París, donde aparece rodeado de bailarines en tacones altos y drag.

Cuando se estrenó en el Bolshói en diciembre de 2017, Nureyev fue bien recibido por la crítica.

Pero el propio Serebrennikov no pudo asistir, ya que se encontraba bajo arresto domiciliario acusado de malversar fondos estatales.

El estreno estaba inicialmente programado para julio de 2017, pero fue cancelado después de que funcionarios rusos objetaran el desnudo masculino visible en el escenario.

El espectáculo debía presentar un gran telón de fondo de escenario completo con una fotografía completamente desnuda de Nureyev tomada por el famoso fotógrafo Richard Avedon, imagen que fue retirada para el estreno definitivo ese mismo año.

En Berlín, la imagen será restituida en todo su esplendor.

“Expresiones extremas”

Serebrennikov, de 56 años, es uno de los decenas de miles de rusos que han huido a Berlín desde 2022, el año en que estalló la guerra de Ucrania, convirtiendo a la ciudad en la capital no oficial de la oposición rusa.

El director ha reunido a un equipo de compatriotas exiliados para la nueva producción, incluido el coreógrafo Yuri Possokhov.

Para Soares, quien dejó Brasil a los 12 años para cumplir su sueño de bailar en Moscú, es “bastante imposible” encarnar plenamente a Nureyev.

“No es solo una estrella del ballet. Es un personaje, una persona muy, muy poderosa”, dijo el bailarín, quien se sumergió en entrevistas con Nureyev y personas cercanas a él para prepararse para el papel.

Soares, quien compartirá el papel de Nureyev con varios otros solistas durante la temporada, elogia el estilo único del bailarín, caracterizado por “saltos explosivos”, “expresiones extremas” y “libertad artística en todos los sentidos”.

“Fue uno de esos artistas que enseñan al público cómo ver el ballet de una manera nueva”, afirmó.

“Cuando apareció con su forma de bailar, enseñó al público: siéntense y vean lo que hago”.

Fuente: AFP

Días atrás, una obra de “hiperrealismo mágico” de Ricardo Celma estuvo perdida. El artista argentino había denunciado la desaparición de su pintura, que despachó por correo para concursar en certámenes internacionales en Europa, lo que motivó la intervención de Interpol y la organización de una campaña global de búsqueda. La preocupación de todos era que haya ingresado al mercado negro del arte.

Pero la historia tuvo su final feliz. Acaban de llamar a Celma para decirle que habían encontrado el tubo en un depósito del aeropuerto de Middle East, en Inglaterra. “Supuestamente fue confundido con otros tubos de cañería, ya que es parecido y tiene un color rojizo, donde se ponen materiales más bien como de construcción. Aparentemente eso habría sido el error”, le dijo a Infobae, aliviado. “Me puse muy contento”, confesó, del otro lado del teléfono.

La obra implicó un trabajo de meses. La protagonista del cuadro es su hija. Una vez concluida, salió en un tubo de PVC de casi un metro y medio de alto desde Argentina con destino inicial en Turquía. La encomienda, sin embargo, llegó pequeña y vacía; el destinatario tomó fotografías y devolvió el paquete al identificar la irregularidad. ¿Qué pasó con la obra? Nadie supo darle una respuesta. Entonces las alarmas sonaron.

Luego de solicitar imágenes de cámaras, se dio inicio a la búsqueda especializada en bienes culturales. Y apareció. Cuando le avisaron que la tenían, le preguntaron adónde quería recibirla. “A un amigo que vive en Inglaterra. Él me mandó las fotos apenas lo abrió. El envoltorio estaba intacto y el cuadro viajó perfecto. La abrió apenas y me di cuenta que era mi obra. Tengo una felicidad enorme”, contó. Enseguida llamó a su hija y a mucha gente con la que venía hablando. A esa altura, ya todo el mundo del arte sabía de su pérdida.

Cuando contó todo esto en redes, enseguida los usuarios corrieron la voz y viralizaron el mensaje. “Lo positivo es la confianza y la solidaridad de la gente. Es impresionante el poder que tienen las redes”, sostuvo. Ricardo Celma nació en el barrio porteño de Boedo y tiene una trayectoria internacional en ciudades como Nueva York, Tokio, Shanghái y París.

EL artista destacó la importancia del “aprendizaje”, porque “hace pocos meses los correos están habilitados para mandar obras de arte: hay que aprender a manipular obras de arte, saber que es una carga valiosa aunque no tenga tanto valor material al momento de enviarla, y es una gran carga de valor para el artista y para el que la recibe”. “Hay que tratar de que esto se revierta, y así ayudar también a un montón de artistas que tuvieron malas experiencias mandando obras”, concluyó.