La escasez de oportunidades en el sector cultural en España llevó a Irene Sánchez, una joven salmantina formada en Bellas Artes, a buscar alternativas en el extranjero. Tras una primera etapa en Países Bajos, después obtuvo una beca en Berlín, donde tuvo la oportunidad de desarrollarse como gestora y curadora de arte en una de las escenas creativas más activas de Europa. Su idea, sin embargo, tras adquirir unos años de experiencia internacional, siempre fue regresar a su entorno rural natal para fomentar la cultura local y crear redes en la región.

Consciente de las dificultades para impulsar proyectos culturales en áreas rurales, Irene decidió involucrarse en política como vía para conseguir recursos y apoyo institucional. Aunque actualmente reside en Madrid por motivos laborales, esta joven de 26 años es concejala en Saldeana, un pequeño pueblo de 100 habitantes en Salamanca junto a la frontera con Portugal, desde donde trabaja en la creación de alianzas con otros municipios.

Su llegada a la política local, que también estuvo motivada por la necesidad de evitar que el gobierno municipal quedara únicamente en manos de la derecha, según explica a Infobae, le ha permitido descubrir nuevas formas de entender y promover la cultura, adaptadas a la realidad de los pequeños municipios, por lo que defiende la importancia de visibilizar esa riqueza cultural, más allá de los grandes centros urbanos. Desde su puesto como concejala del PSOE, trabaja para coordinar actividades como conciertos, cine al aire libre y representaciones teatrales, iniciativas que buscan revitalizar el entorno rural y acercar propuestas culturales a zonas poco conectadas con los grandes circuitos.

Irene pone como ejemplo a Morille, una localidad cercana a Saldeana con unos 200 habitantes que organiza un festival de arte desde hace más de dos décadas y sigue siendo un evento poco conocido en Salamanca, pese a estar ubicado a tan solo 20 kilómetros de la ciudad. “Morille celebra el festival PAN junto a otro pueblo en Portugal y tiene una producción cultural increíble, pero apenas se conoce”, lamenta.

La joven señala que, aunque en el entorno rural de Castilla y León existen propuestas culturales muy atractivas, muchas pasan desapercibidas, a veces por no desarrollarse en grandes ciudades y otras porque falta difusión en redes sociales para que lleguen a un mayor número de público. “No se trata de llevar la cultura a los pueblos, sino de mostrar que ya hay cultura en los pueblos, y desde la política es más fácil hacerlo”, aclara. Por ello, plantea como objetivo futuro fortalecer los lazos y la colaboración entre localidades para que estas iniciativas culturales tengan mayor visibilidad y reconocimiento, aprovechando las relaciones ya existentes entre las comunidades rurales.

Irene, que creció en Guijuelo, plantea la idea de crear una red de residencias artísticas entre distintos pueblos. Su objetivo es que estos proyectos no se limiten a estancias breves, sino que permitan a los artistas establecer vínculos duraderos y convertirse en parte activa de la comunidad.

Despoblación y envejecimiento, dos de los principales retos de la región

Al igual que Irene, muchos jóvenes encuentran serias dificultades para acceder a un empleo en el entorno rural de Castilla y León. La región sufre una pérdida constante de habitantes con una población cada vez más envejecida, lo que agrava la falta de oportunidades laborales. De hecho, los procesos de despoblación y envejecimiento, junto al escaso dinamismo económico, se han convertido en dos de los principales retos sociales para el futuro de la comunidad autónoma, que celebra elecciones este 15 de marzo.

Castilla y León ocupa el tercer puesto entre las comunidades autónomas con mayor proporción de población envejecida, solo superada por Asturias y Galicia. Además, todas sus provincias presentan índices de envejecimiento que superan ampliamente la media nacional, con un porcentaje elevado de personas mayores de 80 años y un número significativo de centenarios. El éxodo de jóvenes hacia ciudades en busca de empleo o estudios, sumado a la baja natalidad, ha incrementado el peso de la población mayor y ha dificultado el relevo generacional. Esta situación afecta directamente a la sostenibilidad de los servicios públicos, la actividad económica y la vida social en las zonas rurales de la región.

La llegada de población migrante ha contribuido a frenar, en parte, la pérdida de habitantes, pero la comunidad sigue teniendo una de las proporciones más bajas de residentes extranjeros del país: solo el 8,4% de la población, frente al 14% de media nacional.

Puede llamarse Marisa o Karen, que la situación que asfixia a las y los trabajadores no entiende ni de nombres, ni de idiomas, ni de nacionalidad. Cuando Beatriz Serrano (Madrid, 1989) publicó en 2023 El descontento (Temas de hoy, 2023) el libro se convirtió en un fenómeno literario por retratar con un humor y perspicacia la asfixia del mercado laboral.

“Nuestros padres han pasado 40 años en el mismo trabajo, pero nosotros ya no tenemos esa relación de pertenencia a ninguna empresa”, explicó la también periodista en su entrevista con Infobae España, que el año pasado fue finalista del premio Planeta. “Se han precarizado mucho los salarios y se ha usado a las profesiones más vocacionales y creativas para explotar a muchísimos trabajadores”, añadió.

La autora vendió los derechos de la obra a Alemania, Italia, Francia, Portugal, Hungría y Holanda, además de al Reino Unido y Estados Unidos. Ha sido en este último mercado donde la novela, publicada este año bajo el título Discontent, ha llamado la atención del New York Times. El diario ha incluido la novela en su lista anual Our Favorite Hidden Gem Books of 2025, una selección personal en la que los editores del Book Review recomiendan ‘gemas escondidas’ que, aunque no han entrado en los rankings principales, se convirtieron en sus lecturas favoritas del año.

Como reconocen sus responsables, siempre queda ese título que se queda fuera por cuestión de espacio y que, sin embargo, acompaña al propio periodista durante meses. Para Leah Greenblatt, editora de avances, El descontento es exactamente ese tipo de descubrimiento: una novela “melancólica y ácidamente divertida” que combina la sátira laboral con una reflexión profunda sobre la soledad digital.

En su reseña, Greenblatt describe a Marisa como una experta en un “juego de manos de cuello blanco”, una forma elegante de señalar que la creativa domina el arte de fingir que está ocupada. La realidad es que la protagonista odia su trabajo y cuando puede abre una página de Excel falsa que relega a una esquina de su escritorio mientras se aisla del caos de las llamadas y los meetings viendo vídeos de YouTube. Un comportamiento que el periódico resume como “nihilismo de oficina con un toque ligero”. “El constante guiño sardónico oculta un dolor real y una soledad sobrecogedora”, cita el medio.

Una “joya oculta”

Pero, según advierte Greenblatt, bajo la sátira se esconde un retrato mucho más profundo: Serrano logra “captar la soledad esencial de una protagonista que parece vivir casi por completo detrás de pantallas o mediante encuentros superficiales”. Esa lectura es la que ha convertido a la novela en un pequeño fenómeno de boca a oreja dentro de la crítica estadounidense.

El periódico subraya también su final, un “desenlace fulminante” que sacude al lector y confirma la habilidad de Serrano para manejar el ritmo y la sorpresa narrativa. Con su presencia en una de las listas más influyentes del panorama literario anglosajón, El descontento confirma el alcance internacional de una reflexión que no tiene fronteras. La crisis que viven las personas trabajadoras son universales.

El cine romántico adolescente no da tregua. Entre las mil y una adaptaciones de Wattpad, donde chico malo conoce a chica buena, quedaba aún por encontrar una pincelada, un elemento real al que aferrarse para no creer que seguimos viendo otra historia con los clichés más manidos del género.

Algo así intenta Me has robado el corazón (Sony Pictures), bajo la dirección de Chus Gutiérrez (Retorno a Hansal) y que ha llegado a los cines este viernes 5 de diciembre. Tras protagonizar Mi soledad tiene alas, Óscar Casas lidera esta comedia romántica que podría verse como una versión alternativa, un spin-off, de Tres metros sobre el cielo —con guiño incluido—. Casas, como su hermano Mario en la cinta de 2010, donde dio vida a un machirulo tóxico, podría haber ido al mismo gimnasio. Aquí tiene buenas intenciones, aunque la moral sea bastante cuestionable. Él es Nacho, y quiere robar un banco porque, con 27 años, no consigue un ascenso como ingeniero en una big tech —bien podrían ser las Big Four de Madrid— que hace que siga compartiendo piso con otros dos amigos, también del gremio.

Entre citas de Tinder se topa con el personaje a quien da vida Ana Jara (Soy Luna, Camino a Arcadia), Vera, que lo acaba de dejar con su prometido, Mario Marzo (Los Protegidos). Una vez cometido el robo, la engaña para que sea su conductora en su huida hacia Galicia mientras la policía, cuyo grupo lidera precisamente el tío de Nacho, Luis Zahera (As bestas), les persigue.

Si en Tres metros sobre el cielo se reutilizaba el tópico de chica pija y adinerada que se enamoraba del chico (malo) de clase obrera, aquí tampoco podía ser de otra manera. Entre secretos, mentiras y un road trip en un Aston Martin —la protagonista es pija pija, con una familia que grita tener casa en Sotogrande— el prófugo y su no-cómplice caen en un romance tan previsible como inevitable.

Un filme de varios géneros con altos y bajos

El reparto que les acompaña refuerza precisamente ese cruce entre comedia, cine de acción y thriller. Además de Zahera, participan Antonio Pagudo (La que se avecina), Miguel de Lira (Rapa), Ana Milán (Física o química) y Arturo Valls (Un funeral de locos), entre otros, así como el cantante y actor Pol Granch (Élite).

Durante los 98 minutos que dura el largometraje, es difícil no tensarse ante ciertos momentos que solo toleraría un adolescente que está viendo una cinta de este tipo por primera vez. El acento gallego impostado de Casas es notable, y el sinsentido de algunas de las escenas hacen que se complete una trama bastante inverosímil en ciertos puntos de la historia, que, por cierto, está inspirada en un hecho real ocurrido en Estados Unidos.

¿Cómo es posible que, atracando un banco enfrente del domicilio del protagonista, ninguna cámara capte que el ladrón ha entrado al portal de enfrente, pero sea “uno de los atracos más espectaculares de los últimos años”? El final, del que no se hará spoiler, también deja la misma duda.

Muy rápido olvida los matices más interesantes por los que se plantea el atraco: la crisis de la vivienda, la falta de oportunidades para los menores de 30 años o el peligro de las dinámicas de las apps de citas. Si destaca algo es que, una vez pasada su primera media hora, la película consigue estabilizarse gracias a la dulzura de Jara y a su química con Casas. También muy bien parada sale la banda sonora, con el uso de temas como El fin del mundo de La La Love You o Ya no te hago falta de Sen Senra, que encajan muy bien en la narrativa planteada.

Me has robado el corazón no reinventa el romance, pero sí deja ver destellos de personalidad que se asoman entre sus contradicciones. Irregular y a ratos inverosímil, busca algo de alma en un género cuyo público aún añora la época dorada de principios de siglo.

Francisco Javier Labandón Pérez (Sevilla, 1969) lleva todo lo que va de siglo haciendo música en España. Muchas cosas han cambiado, él no es una de ellas. Desde que debutó como El Arrebato en 2001 y la publicacación de su decimocuarto álbum de estudio, El viaje inesperado, este pasado 21 de noviembre, dos cosas siguen intactas: una, su estilo musical —“intento hacer cosas nuevas, pero cuando las interpreto suenan a mí”, apunta en su conversación con Infobae España— y otra, sus felpas. “Igual tengo 800, aunque no te podría decir”, bromea. Y eso que solo usa “diez o doce” porque es “maniático y supersticioso”. Algún día le gustaría “hacer algo benéfico con ellas, aunque no tengan mucho valor”, finaliza.

El cantante de rumba-pop y flamenco, autor de Búscate un hombre que te quiera (2004) y el Himno del Centenario del Sevilla FC (2006) se dedica de lleno a la música, aunque admite que la industria es un lugar complicado. Las redes sociales y las novedades musicales han cambiado mucho desde que está en activo. “Antes se escuchaban todos los perfiles, se consumía mucha música española. Hoy hay cuatro bandas de chavales que intentan hacerlo y les cuesta mucho”, lamenta. Además, la inteligencia artifcial le “acojona un poco”. “Vamos a perder la credibilidad de la música si seguimos así. La gente no va a saber si es verdad o artificial”.

Aun así, confía en que el directo se convierta en el refugio de los artistas: “A lo mejor viene bien para que la gente vaya y reciba algo auténtico”. Su ultimo trabajo, El viaje inesperado, que vuelve a beber del pop aflamencado, es una declaración de optimismo y aceptación en una época que no lo es tanto.

-Pregunta: El Viaje inesperado es tu decimocuarto álbum. En lo personal y en lo profesional, ¿cuál dirías que ha sido lo más inesperado en toda tu carrera?

-Respuesta: Pues este, precisamente. El viaje inesperado ha sido hace dos años. Tuve un cambio en mi vida importante y he cambiado toda mi forma de vivir, he superado un montón de miedos, mi fobia al avión... La vida me iba llevando por un sitio muy bonito en el que no era lo planeado, pero al final era lo que yo necesitaba, que es de lo que habla el disco.

-P: Creo que el año pasado te subiste por primera vez a un avión en 13 años.

-R: Sí, llevaba tiempo. Desde 2010 o 2011 no cogía avión.

-P: ¿Cómo te vino la fobia?

-R: Pues no lo sé. Siempre me dio un poco de miedo, pero lo podía superar. Me montaba en el avión, pero no sé si fue por estrés o por lo que fuera, que cada vez me daba más miedo, hasta que intentaba evitar todos los aviones que podía. Una vez, en un vuelo a Tenerife, tuvimos un montón de turbulencias y lo pasé mal. Ya no me volví en avión, me volví de Tenerife en barco.

-P: Eso imagino que también te habrá condicionado a la hora de viajar fuera a otros países.

-R: Claro. En España sí, pero Sudamérica, por ejemplo... Ahora vamos a volver y vamos a trabajar por allí. La verdad que es otro viaje inesperado que me hace mucha ilusión.

-P: Supongo que también habrás tenido que rechazar cosas.

-R: Sí, mucho. Mucho trabajo en Sudamérica, en México, en Miami. Tenía mucho trabajo y me llamaban los productores, pero yo no era capaz de afrontarlo. Tenía trabajo aquí en España y me podía más el estar en mi zona de confort.

-P: Una frase del nuevo álbum dice: “Qué alegría caminar sin paraguas y sin miedos, respirando libertad, libre de todo veneno”. ¿Qué definirías como veneno a día de hoy?

-R: Como veneno yo me refiero a cuando hay alguien, una persona o varias, que intentan no dejarte vivir bien, que van intentando ponerte zancadillas. Libre del veneno de los demás. Es un poco a nivel de librarte de la maldad. Cuando decides caminar hacia adelante y te olvidas, no te atascas con la gente que te hace daño y la gente que intenta atraparte y no dejarte volar.

-P: Aparte de que tus letras son bastante alegres, dices que no siempre podemos elegir el camino, pero sí podemos elegir la actitud con la que nos tomamos las cosas. ¿Siempre tienes esa filosofía de ser positivo?

-R: Sí, pero no es conscientemente. Soy así desde pequeño, es patológico. Intento sacarle lo bueno a lo malo. En una canción es difícil ver una tragedia mía. Normalmente empiezo con un drama, pero lo soluciono. Es algo patológico dentro de mi personalidad. Intento siempre ver el lado positivo de las cosas.

Una declaración de intenciones contra la IA

-P: No sé si te pasa, pero a nivel social vivimos en una época más tensa. No sé si eso te puede llegar a afectar.

-R: Hubo una época en la que sí me afectaba, pero ahora, desde hace un tiempo, estoy un poco ajeno a todo, a lo de fuera. Bastante tengo con mi trabajo. Ahora mismo no veo un telediario desde hace por lo menos dos años. El COVID me cambió la vida completamente. Decidí que no iba a vivir más con tragedia, que nadie me iba a meter miedo, que no quería escuchar malas noticias, a no ser que sea imprescindible y necesario para reaccionar. Si no, prefiero no escucharlas. Por ese tema no es, es por mi vida personal.

-P: Has sido siempre muy fiel a tu estilo. ¿Nunca te han entrado ganas de dar un giro o hacer algo totalmente diferente, incluso más mainstream?

-R: Es verdad que intento hacer cosas nuevas, pero cuando las interpreto yo suenan a mí. Igual hago una bachata, una rumba flamenca, una canción pop o una balada y todo suena a El Arrebato. En este disco he hecho una bachata, cosas distintas, pero al final suena a bachata ‘arrebatera’. Investigo, soy inquieto, pero luego no trascienden mucho mis cambios. Hago canciones, pero suenan a mí.

-P: Pero eso es superbonito. Poner la radio y saber que eres tú. Es tu marca.

-R: Claro. Es un problema virtuosamente raro.

-P: Cuando te entrevistamos hace dos años dijiste que a veces los medios hacían daño al vetar ciertos tipos de música, como el flamenco, pero luego ponían folclore colombiano o argentino. En los últimos años, ha habido un boom de nuevos folclores en España. ¿Cómo ves esto?

-R: Gracias a artistas como Rosalía, que ha investigado un poco en el flamenco. Pero creo que seguimos escuchando música latinoamericana o de otros estilos, que a mí me encanta, pero parece que, si hay algo español o algo andaluz… Sobre todo con lo andaluz tenemos un problema de prejuicio a nivel musical, no sé por qué. Por ejemplo, Cadena Dial no pone nada que suene andaluz. Ponen “la mejor música española”, pero no. Lo que ponen es latino. No lo vendas como la mejor música española si no lo es. En Galicia se hace música maravillosa, en Cataluña, en todos los sitios, y no lo potenciamos. En cambio, nos encanta poner merengue o country, por ejemplo en Los 40 Principales. Y aquí, que el country es el “lolailo” de aquí, como Los Chichos, lo llamamos de otra forma. No sé por qué ese prejuicio contra nosotros mismos.

“Con las fiestas gratuitas de las radios, el público se acostumbró a no pagar por ver artistas y se le ha perdido el respeto a la música”

-P: Llevas más de dos décadas en la industria, imagino que habrá cambiado mucho. ¿Cuál es el mayor cambio que has notado?

-R: A nivel discográfico ha cambiado una barbaridad. Los discos ya no se venden físicamente. Antes había mucha más diversidad musical. Se escuchaba de todos los perfiles, se consumía mucha música española, había grupos maravillosos. Hoy día hay cuatro bandas de chavales que intentan hacerlo y les cuesta mucho. Antes había calidad y diversidad. Ahora se está mimetizando todo en un sonido feo, que es pum, pum, pam y de ahí no se sale. Es todo urbano. Que hay cosas urbanas muy buenas, pero el 80% está metido ahí artificialmente. Nos olvidamos de la riqueza que tenemos en este país de músicos, cantantes, grupos, bandas maravillosas. Perdón que lo diga, pero yo intento ser muy sincero.

-P: Hablando de que cada vez se venden menos discos, ahora el dinero entra por otro lado: giras, publicidad, TikTok, redes. Imagino que el choque se nota.

-R: Exactamente. Los circuitos para llegar a la gente no tienen nada que ver. Antes salías en un programa de televisión y te veía toda España. Hoy tienes que estar con TikTok. La música está muy circuiteada. Con los algoritmos escuchas una cosa y no sales de ahí. Hace poco descubrí un artista que llena estadios y no sabía que existía.

-P: ¿Quién era?

-R: Anuel. No lo conocía. Igual he quedado como un inculto. Luego escuché canciones y dije: “Esto sí, algo he escuchado”. Y resulta que es una superestrella. Igual le pasa a la gente conmigo y con otros artistas. Hay que currárselo mucho para llegar a todo el mundo.

-P: Siempre se dice que la industria es muy precaria. Mucha gente tiene que compaginar trabajos. ¿Cuál es el secreto para llevar tantos años dedicándote a esto?

-R: Tuve la suerte de coger diez años buenos de la música. La precariedad es muy importante ya y es muy complicado. Siendo honesto, yo conseguí consagrarme. En los conciertos tengo bastante trabajo, voy a los sitios y los lleno porque tengo un público fiel que ya me sigue, que conseguí ganarme, pero es muy complicado porque tienes que consagrarte muy bien para que la gente pague una entrada. Las radios hicieron mucho daño. Con las fiestas gratuitas de las radios, el público se acostumbró a no pagar por ver artistas y se le ha perdido el respeto a la música. La gente tiene que entender que para ver un show musical digno hay que pagar.

“Al final vamos a buscar el directo del artista, verle cantar y ver cómo se expresa. Creo que, en ese sentido, la inteligencia artificial nos puede hacer un favor”

-P: Hablando de redes sociales, ¿cómo llevas lo de la inteligencia artificial?

-R: Acojona un poco. Estoy a la expectativa porque da un poco de miedo. Ya he visto gente que hace discursos, dibujos, carteles. Y canciones. Creo que nunca va a superar al ser humano, tenemos algo que nadie sabe lo que es, pero es lo único que importa al final. Confío en que eso perdure y la gente sepa identificar la verdad. Pero da miedo. He escuchado canciones que creías que eran de un artista porque imitan la voz con la letra de otro. Se va a perder la autenticidad. Vamos a perder la credibilidad de la música si seguimos así. La gente no va a saber si es verdad o artificial.

Intentando buscarle el lado positivo, sueño con que toda esa gente va a querer ver al artista en directo, que es lo que le va a importar, porque lo otro ya no va a tener ningún valor. Es como las fotos. Antiguamente, una foto tenía mucho valor. Hoy es algo muy normal, todos los días hacemos miles de fotos. Nuestros abuelos las guardaban como un tesoro por eso mismo. Creo que con la música va a pasar igual, al final vamos a buscar el directo del artista, verle cantar y ver cómo se expresa. Creo que, en ese sentido, la inteligencia artificial nos puede hacer un favor.

-P: ¿Usas ChatGPT?

-R: Sí, lo tengo. No lo uso mucho, pero lo tengo.

-P: Por ejemplo, algunos artistas han dicho que intentan que les acabe una letra, pero tardan más en conseguir una respuesta decente que en escribirla ellos mismos.

-R: Pero fíjate, ya lo están intentando. Seguramente dentro de un año ya lo podrán hacer y es una putada porque no nos vamos a creer cuando venga un Joaquín Sabina explicándonos una canción maravillosa. ¿Qué nos va a servir? Pues el concierto. A lo mejor viene bien para que la gente vaya y reciba algo auténtico, porque se va a perder credibilidad.

Natalia Lacunza (Pamplona, 1999) entró en catarsis emocional en el momento en el que se le truncó la vida que tenía hasta el momento. O la que ella pensaba que estaba destinada a tener. Coincidió con que tenía 25 años. En inglés, eso tiene un nombre: midlife crisis. En español, tal vez, es menos glamuroso: la crisis de los 25. Ese momento vital lo narra ahora en N2STAL5IA, su segundo álbum de estudio, que lanza tras Tiene que ser para mí (2022) y siete años después de salir de Operación Triunfo 2018, donde dio el salto a la fama. Entre medias sacó dos EP, EP2 (2020) y Duro (2023).

Los temas a tratar —el desamor, la pérdida de amigas que pensaba que iban a estar siempre, o su búsqueda y reconciliación personal— unidos a la presión que suelen sentir los artistas con el segundo álbum, han hecho que efectivamente reconozca que este disco haya sido “mucho más duro” que su primera puesta de largo. “Me he dado contra la pared mogollón de veces, pero ahora, viéndolo desde lejos, creo que es mi mejor disco. El mejor de los dos, sin duda”, afirma en su entrevista con Infobae España en el UMusic Hotel de Madrid, días antes de su lanzamiento, que tuvo lugar el pasado 21 de noviembre.

Durante la conversación se muestra cercana, me llama “tía” con total confianza y se preocupa de que la charla esté siendo grabada. Tampoco tiene ningún reparo en hablar sobre inteligencia artificial o pronunciarse políticamente en sus redes sociales.

Pregunta. En el álbum reflexionas, entre otras cosas, sobre lo que fue y no pudo ser, la nostalgia o las relaciones que te cambiaron en la mitad de tus veinte. ¿Dirías que esa ha sido tu crisis de los 25? ¿Cómo lo has vivido?

Respuesta. Sin duda. De hecho, ahora siento que estoy saliendo, pero me ha costado. Antes de empezar a hacer la promo, hace un mes o así, era como: “No sé cómo voy a enfocar esto, porque sigo aquí dentro”. Sigo en esta vorágine, esta sensación de estar perdida más con 25 que con 20, ¿sabes? Sobre todo de certeza y de sensación vital, de sentirte plena, orgullosa, sentir que sabes quién eres y lo que quieres. De repente todo tu alrededor, tus vínculos, tu relación con la ciudad, contigo misma... Todo lo que pensaba que iba a tener a este punto no lo tengo y además estoy en la edad adulta de verdad. He aprendido de este proceso a aceptar la impermanencia y que la vida es cambiar todo el rato. No te puedes aferrar a nada como si fuera a ser definitivo. Y eso es lo que he evitado aceptar durante la creación del disco y lo que ha hecho que suene así de nostálgico.

P. No sé si cuando eras pequeña te imaginabas que con 25 o 26 años ibas a tener cumplidas ciertas cosas. Yo pensaba que iba a vivir sola y a tener mi casa, cosa que no ha ocurrido ni va a ocurrir próximamente.

R. Pues... (ríe) Joder, ya te digo, es que ese tema es muy fuerte. Yo siento que he conseguido mogollón de cosas que soñaba de pequeña. Pero, por otro lado, también me he dado de bruces contra lo que siento, porque no es lo que se supondría que debería sentir, ¿sabes? No ser capaz de reconocer mis propios logros. Eso me ha pasado mucho durante este tiempo, que no he sido capaz de darme la palmadita en la espalda y decir: “Tía, lo has conseguido”. Todo el rato mirando lo que no tengo o lo que me falta. Soy muy sobreexigente. Entonces, otro de los aprendizajes ha sido aprender a relativizar, a mirarme con ojos más compasivos y más realistas, a salir del bucle de la exigencia y de un perfeccionismo un poco enfermizo.

P. ¿Hay alguna parte de la adultez que te cueste abrazar?

R. Yo creo que lo abrazo bastante. Lo que más me ha costado ha sido con los vínculos: no querer aceptar que hay cosas que ya no vuelven. A nivel de vida real, voy aprendiendo poco a poco. Me gusta la parte de la autonomía y la independencia. Pero en cómo sentir las cosas y los vínculos, eso sí me ha costado cambiar el chip.

“La pubertad entró en mí como un tsunami y me hizo perder muchas cosas de mí que no he recuperado hasta ser mayor. He estado toda mi adolescencia a merced de la opinión masculina”

P. ¿Cómo gestionas emocionalmente todo eso?

R. Pues yendo mucho a terapia y teniendo mil conversaciones. Y si necesito hablar ochenta mil veces de lo mismo, pues hablar ochenta mil veces de lo mismo, y en algún momento se encenderá la bombilla. Pensar: “Vale, me siento atascada en esto, pero en algún momento lo desatascaré si es que quiero”. Poner fe, aunque no veas clara la salida de ese bucle, saber que existe un final, hablarlo y desahogarte hasta que un día haces “clic” y vas aceptando cosas o cambiando la perspectiva. No sé si es muy ambiguo todo esto, pero...

P. Si lo piensas, ¿dirías que es un disco triste? ¿Escribes mejor cuando estás contenta o cuando estás más triste?

R. Yo sin duda escribo mucho mejor cuando estoy triste. Espero que cambie, pero tampoco creo que sea un álbum necesariamente triste. Siento que es como...

P. Muy emocional, a lo mejor.

R. Sí, es emocionante, emocional. Conecto mucho con la emoción y el misterio, con las preguntas, con el anhelo emocional. Por eso escribo de conflictos: porque a través de eso aprendes y vas adquiriendo conocimiento. Cuando tienes algo atascado, hablas de ello y poco a poco lo vas desatascando. Es una forma de autoterapia, por decirlo de alguna forma, y de poner palabras a las cosas. Y escribo mejor con conflictos, sin duda, aunque tampoco creo que todas las canciones sean tristes, ¿sabes? Son todas emocionantes. Se me hace más fácil conectar con lo negativo, creo. Necesito canalizarlo más que lo positivo, supongo.

P. En general es algo que os pasa a los artistas. Bueno, y a los que no escribimos canciones. Cuando estamos tristes necesitamos reflejar lo que nos pasa.

R. Claro. Porque lo necesitas sacar. Cuando estás contenta igual te lo quedas para ti. Pero si estás triste igual necesitas llorarlo y contárselo a alguien.

P. ¿Dirías que el álbum te ha reconciliado contigo misma?

R. El álbum necesariamente no. En la vida un poco. Este álbum tiene temas más luminosos, pero me encantaría no haberlo hecho en algún punto. No me he querido mucho a mí misma haciéndolo, así que no me ha servido para estar mejor. Lo he sacado fuera y ya está. Lo que me ha hecho estar mejor ha sido ir a terapia, pensar mucho, rodearme de buena gente y tener conversaciones conmigo misma. Pero el disco en sí no me ha hecho estar mejor, que no sé si es una cosa buena o mala. Es solo un canal de exteriorización.

P. Cuando estás peor, ¿te invade el síndrome del impostor?

R. Soy la reina, vamos. Lo tengo clarísimo. Por eso me ha costado tanto hacer este álbum. He tenido la voz del demonio de la comparación y de la impostora gritándome al oído todo el rato. Se me ha hecho muy cuesta arriba algunas veces. Había puntos de luz donde acababa cosas, pero también muchos momentos de darme contra la pared. Ya no me siento tan así, pero sí, lo he pasado mal. También porque creo que al perder vínculos, relaciones, cosas que te hacían sentir bien, talentosa, poderosa también pierdes parte de tu autoestima. Me ha pasado todo eso a la vez.

P. También dejas un poco de ti en esas relaciones que pierdes.

R. Claro, exacto.

P. ¿Cómo eras cuando eras adolescente?

R. Yo siempre he sido una niña muy poco niña y una adolescente muy “quiero crecer ya”. Con ocho años quería tener 18. Sentía que estaba adelantada a mis tiempos. Estuve toda primaria sintiendo que hacía el mismo curso. Y algo que me marcó muchísimo y que no me lo hizo pasar muy bien fue la validación masculina. La pubertad entró en mí como un tsunami y me hizo perder muchas cosas de mí que no he recuperado hasta ser mayor. He estado toda mi adolescencia a merced de la opinión masculina. Creo que nos pasa a todas. También tenía frescura en algunas cosas, pero me vi muy sesgada en esa época por eso, con mi identidad de género, sexual… Siento que perdí cosas ahí. Luego lo recuperé un tiempo y ahora de repente otra crisis más gorda. Esta es esa segunda crisis fuerte.

P. Eso tiene que moldear mucho tu persona.

R. Sí, es una experiencia confusa.

P. ¿Y cuál ha sido el cambio más grande de tu vida?

R. Cuando me mudé a Madrid. También creo que en este último año ha habido muchos cambios, pero que dependían mucho más de mí y de mi forma de estar en el mundo, ¿sabes? Poco a poco he conseguido tener una rutina y he conseguido tener un orden, unas pautas y unas cosas para realmente estar mejor. He ido cambiando cositas poco a poco para intentar que esta cabecita mía tan loca esté apoyada en un mejor colchón, ¿sabes? Poco a poco. Y ese cambio sí que ha sido muy de dentro. El cambio más grande de fuera fue cuando me mudé aquí y cuando empecé a dedicarme a la música y eso. Pero a nivel interno, creo que está siendo ahora, ¿sabes?

P. Apego feroz, Lo de antes y Otro culito hablan de idealizar a alguien hasta perderte a ti misma. ¿Qué es lo más sacrificado que has hecho por amor?

R. Perdonar injustamente, no darme el valor suficiente. Basicamente, ir en contra de mi autoestima, mis creencias, mi instinto por querer tanto a alguien que piensas que tiene razón aunque te haga sentir mal, ¿sabes? Como que tú estás súper cabreada conmigo y me vas a hacer sentir como el culo, y yo no voy a responder porque te quiero tanto que entiendo que te está pasando algo muy raro que tiene más que ver contigo que conmigo. Pero mientras estoy entendiendo eso, estoy dejando que esto que me estás transmitiendo me vaya minando y al final acabé yo desapareciendo.

Música en tiempos algorítmicos

P. En la nota de prensa dices que el álbum “rehúye de lo inmediato y abraza la pausa”. Rosalía con LUX habló de lo mismo. Esto dice mucho de cómo estamos consumiendo la música y de cómo estamos viviendo. ¿Cómo planteaste tú la escucha del disco?

R. Realmente no he planeado nada. Así es como ha salido. Yo siempre he pensado esto y lo llevo diciendo desde que empecé. Esta forma de consumir música a la que estamos expuestos todo el rato es, para mí como oyente, completamente contraproducente y sobreexigente. De la música nueva que sale todo el rato no retengo nada. Soy incapaz de conectar con ello. Me tengo que poner discos antiguos y cosas que me gustaban antes para realmente ponerme a escuchar música, ¿sabes? O hacer listas muy concretas y dejar que se aposenten. Este disco no es inmediato. No es como que lo escuchas y dices “hook, hook, hook” [en español, gancho]. Es de los que crecen con cada escucha, se va aposentando y te va gustando más, más y más. Creo que lo hice sin querer. Yo no hago música queriendo, me sale. Esto suena un poco pretencioso y todo, ¿sabes? Pero es verdad. Yo no puedo elegir la música que hago ni el tipo. Sale desde mi subconsciente. Supongo que mi subconsciente está diciendo: “A ti no te gusta la música automática; no conectas con esto, entonces tampoco te va a salir algo con esa fórmula”.

P. Sí. Los discos necesitan tiempo.

R. Totalmente. Tenemos un TDAH increíble que nos han infundado, ¿sabes?. Antes tu grupo favorito sacaba un disco cada tres o cuatro años. No había ochocientas canciones sonando todo el rato en todos lados. Como que se percibía de otra forma.

P. Hay tanta cantidad de cosas…

R. Es contraproducente. A mí me pasa que veo tantas cosas que no me apetece ver nada. Me encierro y digo: “Paso, no quiero saber nada de nadie, no quiero escuchar tu puto disco nuevo”.

P. Y estamos sobreestimulados. No dejamos reposar las cosas.

R. Total. Para hacer una crítica objetiva de LUX tienes que escucharlo un mes y ya luego hablas de ello. Es como tan loco... Con mi disco siento que también pasa un poco, que tienes que dejar que aposente. Pero ahora todo es “es el momento de opinar”. Y yo que no tengo ni puta idea de nada y escucho un violín digo “guau, una orquesta”. No, tío, no tienes ni puta idea de música. Cállate un rato. Puedes tener una primera impresión, sí. Pero no ponerte a escribir una crítica.

P. Cuando eras pequeña, ¿te imaginabas que este futuro no iban a ser coches voladores, sino IA?

R. Es distópico. Yo solo pienso en irme al pueblo, plantar tomates, escuchar pájaros, tocar hierba, respirar aire normal. No mirar el puto móvil. Pienso que somos absurdos. Nos veo desde fuera y estamos perdiéndonos la vida.

“Las cosas que son tendencia ahora como Rusowsky o Ralphie Choo han sido originales en un inicio y se han convertido en mainstream. Originalmente, han sido una cosa muy underground y muy, muy original"

P. ¿Cómo vives la IA a nivel creativo?

R. No la utilizo ni la he utilizado, ni tiro de ello para nada. No tengo ChatGPT. Si acaso le pido a mi hermana “búscame esto”, pero nunca para nada creativo. Creo que es más interesante leer un libro, salir a la calle, escuchar conversaciones, pasear, ver exposiciones, pelis… Estar en el presente. La creatividad real viene de otra cosa, no de la sobreinformación. Vienes desde un sitio mucho más calmado.

P. Amaia contó para la revista GQ que cuando la usaba para acabar una frase en un tema nunca era nada bueno.

R. Pero lo vas a crear tú al final del día. Yo alguna vez creo que lo he usado para hacer un caption de Instagram. Y no me gustó nada. Todo me daba cringe, me parecía horrible.

P. En la nota de prensa dices que querías hacer algo que no respondiese a una tendencia y que resistiese el paso del tiempo. ¿Cuál dirías que es la tendencia ahora?

R. Ni idea. No escucho Los 40, no escucho la radio. Las cosas que son tendencia ahora como Rusowsky o Ralphie Choo han sido originales en un inicio y se han convertido en mainstream. Originalmente han sido una cosa muy underground y muy, muy original. Luego está toda esta otra parte del popazo: Abraham Mateo, Ana Mena, Aitana… No sé definirlo. Pero sí siento que este disco no responde a nada que esté pasando ahora. No estoy criticando ninguna tendencia tampoco, ¿eh? Simplemente creo que esto está como fuera de cualquier tendencia.. Yo no he escuchado mucha música mientras hacía este disco. Llevo escuchando a Natalia Lacunza dos putos años, ¿sabes?

P. Hubo polémica porque Rosalía no se pronunció sobre Palestina. Tú en tu caso, sí lo haces. ¿Hasta qué punto el arte es político? ¿Hay margen para la neutralidad en los artistas?

R. Creo que no hay margen para la neutralidad, por lo menos si tienes sensibilidad y realismo. Es verdad que hay un punto de que no tengo por qué ser historiadora ni tener un máster en conflictos. Hay mil detalles que se me escapan, pero hay cosas que están claras y que, teniendo un altavoz con una plataforma utilizable para decir equis factores hay realidades que son tan absolutas y tan demoledoras que es inevitable decirlo en alto, ¿no? Tampoco puedes exigir a un músico que sea político de profesión. Pero sí creo que el arte es político en sí. Existir diciendo ciertas cosas ya es una acción política.

El fenómeno generado por el estreno de Wicked: Parte II ha reconfigurado las cifras históricas del cine musical. Durante su primer fin de semana, la película ha alcanzado los 223 millones de dólares en recaudación global. De hecho, ha logrado romper el récord más alto de taquilla para una adaptación de Broadway. Dirigida por Jon M. Chu y encabezada por Cynthia Erivo, quien da vida a Elphaba, y Ariana Grande, a Glinda, la cinta concluye el musical de Broadway llevado a la gran pantalla. Sin embargo, debido al fenomeno fan es inevitable hacerse la pregunta: ¿habrá una tercera entrega? Aunque Universal no ha confirmado ninguna continuación, el interés del público y del propio equipo podría indicar que la historia no ha terminado.

De hecho, si hablamos de material, hay mucho. L. Frank Baum, el autor de El Mago de Oz (1900) escribió varios libros que daban continuación a la primera novela, pero no es aquí de donde coge inspiración Chu. Lo hace del musical creado por Stephen Schwartz y Winnie Holzman en 2003, que a su vez se inspira en la novela de Gregory Maguire Wicked: memorias de una bruja mala (1995). El autor publicó tres novelas más sobre la historia de Elphaba, la Bruja Mala del Oeste, y Glinda, la Bruja Mala.

Entre el reparto, Ariana Grande ha sido una de las voces más abiertas a imaginar un regreso. Días antes del estreno, compartió un clip en Instagram donde bromeó: “Si hemos aprendido algo de Cher, es que siempre puede haber otra gira de despedida”. “No nos despedimos de nada. Estos personajes siempre serán parte de nuestros corazones. Han cambiado nuestras vidas irrevocablemente y para siempre, y estoy muy agradecida por eso”, afirmó.

El director tiene “ideas”

Jonathan Bailey, que interpreta al príncipe Fiyero, también ha dejado entrever que la puerta no está cerrada. En una conversación con Esquire, ha reconocido no saber si habrá una tercera entrega, pero ha señalado que “todos los personajes tienen potencial”. Incluso, atención SPOILER, ha recordado que, en los libros, Fiyero y Elphaba tienen hijos. Además, Michelle Yeoh, Madame Morrible en la ficción, ha afirmado que si Jon M. Chu se lo pidiera, diría que sí “sin pensarlo dos veces”. “¿Por qué le diría que no? Nunca”, ha declarado para Variety.

En cambio, el actor Bowen Yang, ShenShen, uno de los mejores amigos de Glinda en la cinta, cree que la historia debería quedarse en la parte dos. “Creo que lo dejaremos aquí. Voy a presentar una historia de ‘Rosencrantz y Guildenstern están muertos’ con mis personajes y los de Bronwyn James”, le respondió al citado medio.

Por último, el propio director ha alimentado aún más las especulaciones. En la premiere de Nueva York confesó que hay “muchas ideas flotando” sobre una posible tercera película. Además, ha revelado que su hija de ocho años ha escrito un origen para Fiyero que a él “le encanta”. Ya veremos. Disfrutemos de este viaje primero", respondió.

Si una nueva entrega llega a buen puerto está por ver.

Cuando el cineasta estadounidense Jon M. Chu rodó en 2023 Wicked y Wicked: Parte II, el auge de la ultraderecha y el populismo ya marcaba el clima global. En noviembre del año pasado, cuando se estrenó la primera parte del musical, Donald Trump acababa de volver al poder en Estados Unidos, coincidiendo con un estreno, que pese a ser una colorida cinta, dejaba (mucho) espacio para la crítica y la lectura supremacista. Un año después, la película, si cabe, es aún más terriblemente actual. “La verdad no es una cuestión de hechos o razón. La verdad es simplemente aquello en lo que todos están de acuerdo”, dice el Mago en el Wicked original de Broadway, línea que también se replica en esta continuación que lleva Chu a la gran pantalla.

En realidad, Wicked: Parte II no es una secuela, sino el acto número dos de una obra que, en vez de los quince minutos de pausa tradicionales del teatro, ha llegado un año después. Con este cierre, Chu completa uno de los mayores espectáculos musicales de la milla de oro del género y reafirma las alegorías políticas sobre la verdad, el bien y el mal que ya planteaba la primera cinta. De nuevo, confirma a Cynthia Erivo y Ariana Grande como unas históricas Elphaba, la Bruja Mala del Oeste, y Glinda, la Buena.

En su última ocasión —o no: Chu ha afirmado que tiene ideas para rodar una tercera parte—, Wicked continúa durante dos horas y 17 minutos por donde se quedó su predecesora, dividida de igual forma que lo hace el musical original —y que desde el pasado octubre se puede ver en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid—. Sin embargo, esta vez se aleja del brilli-brilli y de los colores chillones para abrazar un tono más oscuro y mucho menos cómico, donde Elphaba (Erivo) se ha convertido completamente en la Bruja Mala. Exiliada y liderando la lucha por la libertad de los animales, intenta desesperadamente sacar a la luz la verdad sobre el Mago, mientras Glinda (Grande) ha sucumbido a la brillante maquinaria de propaganda del Mago de Oz (Jeff Goldblum), alimentada por Madame Morrible (Michelle Yeoh), ante unos habitantes que no cuestionan ningún tipo de realidad. A dar claridad entra el encantador Príncipe Fiyero (Jonathan Bailey), cuyo papel le obliga a navegar entre la lealtad a Oz y su cercanía con Elphaba.

Pero Wicked: Parte II se siente actual, precisamente, porque toca el auge del fascismo, la propaganda, la desinformación (las mal llamadas fake news) o la manipulación de las masas, un espejo de nuestro tiempo que a su vez es completamente atemporal. Las bases ya las planteaba la obra original de L. Frank Baum en 1900 y casi un siglo después fue reinterpretada por Gregory Maguire en Wicked: memorias de una bruja mala, que años más tarde inspiraría al exitoso musical de Stephen Schwartz y Winnie Holzman, en cartel en Broadway desde 2003.

Un tono más oscuro y mucho menos cómico

En la versión original, la película lleva por título Wicked: For Good, referencia directa a una de las canciones emblema del musical. “Un cambio para bien no necesariamente significa un cambio para mejor”, cantan las protagonistas en el tema final. Y nunca mejor dicho. Pese a que como ocurrió en el primer acto, la química entre Erivo y Grande vuelve a ser su mejor baza, en esta ocasión el acto final no sale tan redondo como lo fue el primero.

En primer lugar, por la falta de canciones memorables, pese a la que da título a la película. What Is This Feeling?, Dancing Through Life, Popular o Defying Gravity fueron una sucesión de pop perfection en su primera entrega, que en esta ocasión, y como también le ocurre al musical en directo, no tienen la misma fuerza. Para paliar esto, Chu recurre a dos temas originales, The Girl in the Bubble y There’s No Place Like Home, que buscan dar identidad propia al cierre. En segundo lugar, porque aunque el refrán dice que las segundas partes nunca son buenas, en este caso, resulta compleja. Especialmente su primera hora, porque pese a que la cinta continúa tan solo con un par de meses de diferencia respecto a su predecesora, se nota el cambio brusco de tono —y la gran ausencia de comedia—, y unos decorados que chocan con lo establecido en la primera. Al errático montaje también se le suman las numerosas elipsis que engloban las referencias a la novela original, que pasa de puntillas el camino que siguen los personajes de Dorothy —que no se le ve la cara en toda la cinta—, el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León Cobarde.

Aun con sus irregularidades, Wicked: Parte II funciona como cierre emocional y político de una historia que ha necesitado casi cinco horas de metraje para desplegarse por completo. Chu firma una película imperfectamente perfecta que dejará contentos a los fans del musical y quién sabe si con un sabor a Oscar para Grande, que ya estuvo nominada el año pasado como Mejor actriz de reparto, y su nombre ya está más que presente en las quinielas.

Pero incluso en sus tropiezos, Wicked: Parte II mantiene viva la pregunta que atraviesa todo Oz desde 1900: ¿quién decide qué es el bien, el mal, y qué ocurre cuando el miedo predomina? Lo más importante tal vez sea la amistad, igualmente imperfecta, de ambas protagonistas. En esa duda, es donde la película encuentra su verdadero poder.

Esther Uria, conocida actriz y pedagoga, falleció el pasado jueves a los 55 años en el Hospital Donostia de San Sebastián, tras una breve enfermedad, tal y como adelantó Cinemanía. La noticia, que no se ha conocido hasta esta semana, llega después de que la actriz sufriese una enfermedad rápida e inesperada.

Con una intensa trayectoria en el mundo de la televisión, Uria deja un gran recuerdo en el imaginario de millones de españoles. Sus apariciones en producciones tan míticas y conocidas como Cuéntame como pasó, El comisario, Doctor Mateo y Hospital Central no fueron los únicos hitos profesionales que realizó: también actuó sobre los escenarios y dedicó parte de su vida al ámbito de la educación.

Una vida dedicada a la actuación y a la enseñanza

Esther Uria nació en 1970 en San Sebastián. Muy pronto se interesó por la actuación, por lo que se formó en Arte Dramático. Además de en la pequeña pantalla, la actriz se subió a los escenarios con obras de teatro versionadas como La cacatúa verde (de Arthur Schnitzler), La importancia de llamarse Ernesto (de Oscar Wilde) o Como agua para chocolate.

Además de su participación en series tan conocidas como las ya mencionadas, Uria también hizo apariciones en Ana y los 7, MIR, Con dos tacones o Maitena: Estados alterados. En la televisión vasca, Uria actuó en Euskolegas, protagonizada por conocidos actores españoles como Iker Galartza o Javier Antón, y Pilotari.

Esta trayectoria artística la compaginó con su carrera como pedagoga e investigadora. Estos dos mundos, sin embargo, no fueron excluyentes, ya que buscó utilizar el teatro como técnica pedagógica, llevando esta pasión tanto a centros académicos como a proyectos culturales.

En 2008, la actriz retomó sus estudios y consiguió grandes éxitos dentro del ámbito educativo: el Premio Extraordinario en Educación Especial y la licenciatura con Premio Fin de Carrera en Psicopedagogía. Además, en 2012, Uria hizo un Máster de Formación de Profesorado en Secundaria.

En 2014, obtuvo una beca para su tesis sobre el teatro como herramienta pedagógica, un ejemplo de la conjugación de los dos mundos. Su investigación la realizó en la Universidad de Victoria, en Canadá, y en 2018 se doctoró en la EHU/UPV con una tesis en la que desarrolló un programa basado en las técnicas del sistema teatral con el objetivo de fomentar la convivencia positiva en el alumnado de Educación Secundaria Obligatoria del País Vasco.

De esta manera, Esther Uria llevó su pasión por la actuación a las aulas, al mismo tiempo que dio cuenta de los beneficios del artes escénico para la resolución de conflictos y el fomento de la positividad entre los alumnos.

Aunque a partir de estos años se enfocó más en la enseñanza en ESO y, especialmente, en educación inclusiva, Uria no abandonó su pasión por la actuación. En 2013, cuando ya había realizado su máster y todavía no había obtenido la beca para su tesis, la actriz y pedagoga creó con su pareja, Edu Errondosoro, de Golden Apple Quartet, la obra teatral Cada día es solo una vez al día.

El Museo del Prado, la mayor pinacoteca de España, se moderniza. Quiere hacer una gran inversión para adquirir uno de los microscopios más potentes del mercado —tan potente que es capaz de radiografiar un pelo humano—: un microscopio electrónico de barrido (MEB). Ha presupuestado 248.000 euros para su compra y mantenimiento. El objetivo es mejorar el sistema de estudio y restauración de sus obras. El microscopio que se quiere adquirir tendrá una resolución en nanómetros (una medida de longitud equivalente a una milmillonésima parte de un metro). Un cabello humano, por ejemplo, tiene de media 60.000 nanómetros de espesor.

El MEB es una herramienta utilizada por museos para el estudio morfológico de sus obras de arte, sobre todo en pinturas y esculturas, proporcionando una visión detallada de su estructura y de los elementos que las componen. Para ello, este microscopio emplea un haz de electrones, lo que genera imágenes con una resolución mucho mayor que la de los microscopios ópticos convencionales. Cuando el haz de electrones actúa sobre la muestra, estos interaccionan con la misma, produciendo diferentes tipos de señales que son recogidas por detectores. La información es transformada para dar lugar a una imagen de alta definición, con una resolución de 0,4 a 20 nanómetros.

El laboratorio del museo comenzó a usar esta técnica en el año 2007. La ha combinado con la espectroscopía de dispersión de energías de rayos, que permite la identificación química de los elementos presentes en las muestras. Este último sistema fue reemplazado en el año 2022 por un detector más reciente, lo que permitió mejorar la calidad de los análisis. Sin embargo, el Prado reconoce que su microscopio MEB es “muy antiguo”, y que “los signos de deterioro afectan a su rendimiento”, además de que ha sido imposible actualizar su sistema operativo. “Por ello, resulta indispensable su sustitución por un modelo más moderno y con mejores prestaciones”.

El contrato que está licitando el museo exige que la empresa que suministre el microscopio también preste el servicio de mantenimiento por tres años, tanto para el MEB como para la espectroscopía de energías de rayos. “Cualquier desajuste en uno de los dos sistemas puede afectar el rendimiento global del conjunto. Por tanto, contar con una sola empresa que brinde soporte técnico para ambos equipos asegura una visión integral del sistema, lo que permite una detección más precisa de fallas, una resolución más eficiente de problemas y una mejor planificación del mantenimiento preventivo”, señala el pliego de condiciones del contrato.

Tamaños de los granos del pigmento

Uno de los principales usos del MEB, en el estudio de pinturas y esculturas, es la caracterización morfológica de las distintas capas superpuestas que constituyen el soporte y su policromía: textura, tamaño de los granos del pigmento, espesor de las capas, mezclas de pigmentos. También permite visualizar roturas, discontinuidades, capas añadidas o productos de degradación de los materiales originales. En el caso de los materiales pétreos, el MEB puede determinar la presencia de sus productos de alteración (sales solubles, eflorescencias...) En los objetos de metal es posible observar el tamaño de grano y sus productos de corrosión. El catálogo de El Prado está formado por 36.700 piezas. De su conservación se encarga el Área de Restauración, que cuenta con un Laboratorio de Análisis.

Precisamente el Museo del Prado lanzó el año pasado un proceso de selección para contratar un técnico especialista para su laboratorio. La retribución es de 44.446,92 euros brutos anuales. Entre los requisitos del puesto están: análisis de muestras utilizando las técnicas de espectroscopia, cromatografía, microscopia óptica y microscopia electrónica de barrido.

Todo lo que toca Taylor Swift se convierte en oro. El lanzamiento de su duodécimo álbum de estudio, The Life of a Showgirl, este pasado viernes, le ha hecho conquistar las salas de cine de todo el mundo. La cantante sorprendió el fin de semana con un evento cinematográfico bautizado como Taylor Swift: The Official Release Party of a Showgirl, que ha arrasado en taquilla con 34 millones de dólares recaudados en Estados Unidos, consiguiendo 50 millones en todo el mundo. En España, tampoco le ha ido nada mal. Ha conseguido recaudar en sus tres únicos días en cines 624 mil euros.

No es la primera vez que vemos a Taylor Swift en el cine. Ni dentro de la pantalla ni también fuera de ella. La cantante, con sus casi 20 años de carrera, ha hecho sus pinitos en el séptimo arte como actriz en películas como Valentine’s Day (2010) o en el musical Cats (2019). También tuvo un papel en The Giver (2014), adaptación de la novela distópica de Lois Lowry, y ha realizado cameos en series como New Girl.

Fuera de la pantalla, Swift se ha encargado de dirigir varios de sus videoclips más aclamados, como All Too Well: The Short Film (2021), un trabajo de 15 minutos, además de muchos de sus videos. El último, precisamente publicado este pasado domingo noche, The Fate of Ophelia, el single de este nuevo álbum.

Un debut anunciado

En 2022, la compañía Searchlight Pictures —filial de prestigio de Disney, responsable de títulos como Black Swan o The Favourite— anunció que había cerrado un acuerdo con Swift para que escribiera y dirigiera su primer largometraje. Esto parecía cuestión de tiempo. La compositora de 35 años es conocida por su storytelling, es decir, como cuenta las historias en sus canciones. La propia compañía la definió como “una artista y contadora de historias de una generación”.

Tres años después, los detalles de la cinta continúan bajo secreto, aunque ha llegado a circular la versión de que la guionista Alice Birch (Lady Macbeth, Die, My Love) había revisado un borrador, aunque portavoces cercanos al proyecto lo desmintieron, asegurando que solo Swift firmará el guion, como ha detallado Variety.

Sin embargo, con la apoteósica gira The Eras Tour, que arrancó en 2023 y se convirtió en la gira más exitosa de la historia, —Swift dio 149 conciertos en 51 ciudades de todo el mundo, finalizando en diciembre del año pasado—, su debut quedó en pausa. La gira no solo rompió récords, también dio origen a la película de concierto más taquillera de la historia (260 millones de dólares).

Con la promoción de The Life of a Showgirl, la cantante ha confirmado que no habrá gira ligada a este álbum. “Voy a ser muy honesta: estoy agotada solo de pensar en hacerlo otra vez, porque querría hacerlo muy, muy bien”, confesó a BBC Radio. Esa declaración ha alimentado las esperanzas de que, liberada de la presión de la carretera, pueda finalmente centrarse en su debut cinematográfico.

Por ahora, ni Searchlight ni el equipo de Swift han ofrecido declaraciones o confirmaciones. Fuentes cercanas aseguran que el estudio sigue “en modo espera”, aguardando una llamada de la cantante.

La televisión española ha conseguido hacerse un hueco en los International Emmy Awards 2025, los galardones más prestigiosos del audiovisual fuera de Estados Unidos. La Academia Internacional de Artes y Ciencias de la Televisión ha anunciado este 25 de septiembre en Nueva York a los nominados de la edición número 53, y España figura con cuatro candidaturas repartidas en distintas categorías.

El actor Oriol Pla (Barcelona, 1993) ha sido nominado en la categoría de Mejor interpretación masculina por su trabajo en la serie Yo, adicto, disponible en Disney+. En la ficción creada por el director y guionista Javier Giner, Pla da vida al propio director de la serie, donde relata la etapa de su vida en la que fue adicto a las drogas y al sexo. El actor competirá con el indio Diljit Dosanjh en Amar Singh Chamkila, el británico David Mitchell en Ludwig y Diego Vasquez en Cien años de Soledad, serie ganadora de cuatro galardones en la última edición de los Premios Platino, celebrada el pasado mes de abril en Madrid.

En la categoría de documental deportivo, España está nominada con #SeAcabó: Diario de las campeonas, obra que revisa el impacto global del beso no consentido del para entonces presidente de la Real Federación Española de Fútbol (RFEF) Luis Rubiales, a la jugadora de la selección Jennifer Hermoso, tras la final de la Copa Mundial Femenina de Fútbol en 2023, celebrado en Australia. En el documental, que puede verse en Netflix, se sentaron por primera vez los testimonios de las futbolistas españolas que vivieron lo ocurrido.

En esta edición de los International Emmys, la selección femenina tendrá como rivales a Argentina ’78, una serie documental de Disney+ y Pampa Films que revisita el Mundial disputado bajo la dictadura militar argentina; Chasing the Sun 2, producción sudafricana de T+W que sigue desde dentro a los Springboks, la selección de rugby de Sudáfrica, en su camino al título en el Mundial de 2023; y Sven, documental británico para Prime Video que repasa la carrera del técnico sueco Sven-Göran Eriksson y su lucha actual contra un cáncer terminal.

Hueco para estas dos telenovelas

Las telenovelas españolas también han conquistado espacio en las nominaciones. Por un lado, Regreso a Las Sabinas, también de Disney+, se suma a la lista de finalistas con la serie que sigue el reencuentro de las hermanas Molina, Gracia y Paloma, en su pueblo natal, Manterana, tras años separadas. Regresan a la finca de Las Sabinas para enfrentar la enfermedad de su padre y no solo confrontarán su pasado, sino que también se desvelarán secretos que podrían alterar sus vidas de manera definitiva. La serie está protagonizada por Celia Freijeiro, Andrés Velencoso, Olivia Molina, Natalia Sánchez, Nancho Novo y María Casal.

Por otro lado, Valle Salvaje, de RTVE, ha conseguido hacer también con una candidatura en la misma categoría. Ambas competirán contra producciones de Brasil (Manía de Voce) y Turquía (Deha), países tradicionalmente fuertes en el terreno de las telenovelas.

En total, la 53ª edición de los International Emmy Awards 2025 han seleccionado 64 nominados procedentes de 26 países, un récord histórico. Los ganadores se conocerán en la gala de entrega que tendrá lugar el día 24 de noviembre, en la que se conocerán los ganadores.

Fue el pasado julio cuando la presidenta de la Comunidad de Madrid dio el pistoletazo de salida a la celebración de la Hispanidad 2025. La cantante Gloria Estefan fue confirmada como pregonera de unos actos que comenzarán el próximo 3 de octubre y se prolongarán hasta el día 12. La cubana también actuará el día 5 al mediodía en un concierto gratuito en un nuevo escenario principal ubicado en la Plaza de Colón —y cuyo caché no ha pasado desapercibido. El Gobierno de Díaz Ayuso le pagará casi medio millón de euros, 484.000—.

Pero no será la única. Entre música, danza, teatro, museos y exposiciones, la cita reunirá más de 150 actividades gratuitas repartidas por toda la ciudad durante esa semana. Este año, Argentina será el país invitado, y repetirá como lema ‘Todos los acentos caben en Madrid’, que ya comulgó el año pasado.

Los conciertos se desplegarán por espacios emblemáticos como la Plaza Mayor, la Puerta del Sol, el Puente del Rey – Repsol y la Plaza de España, además de contar con un nuevo escenario principal ubicado en Colón. También se sumarán instituciones culturales como el Museo Cerralbo, el Centro Sefarad-Israel, la Casa Museo Lope de Vega o el Caixaforum Madrid.

Los artistas tampoco se quedan atrás. Hay hueco para todos los estilos y todos los gustos: de jazz a rock pasando por el pop más español, pero también internacional. Entre los nombres que sobresalen, además de Estefan, se encuentra Henry Méndez, que también protagonizó una polémica hace unas semanas al decir que “odia a los rojos”; también la cantante cordobesa María José Llergo o el cantante y productor Alizzz, entre muchos otros.

Calendario de conciertos por la Hispanidad 2025

Miércoles 8 de octubre

• Concierto De América y España. Ensamble Iberoamericano. Museo Cerralbo. 19:00 horas.

Jueves 9 de octubre

• Concierto Desde el amor. Binelli – Ferman Duo. Centro Sefarad-Israel. 19:00 horas.
• Concierto de Chita. Plaza de España. 18:30 horas.
• Concierto de Aleesha. Plaza de España. 19:00 horas.
• Concierto de Çantamarta. Plaza Mayor. 19:00 horas.
• Concierto de Nidia Góngora. Puerta del Sol. 19:00 horas.
• Concierto de la Orquesta El Macabeo. Puente del Rey – Repsol. 19:00 horas.
• Concierto de la Orquesta del Plata. Puente del Rey – Repsol. 20:00 horas.
• Concierto de Henry Méndez. Puerta del Sol. 21:30 horas.
• Concierto de Los Estanques + El Canijo de Jerez. Plaza Mayor. 21:30 horas.
• Concierto de Bon Calso. Plaza de España. 22:00 horas.

Viernes 10 de octubre

• Recital de canto y piano. Laia Falcón y Alberto Rosado. Real Academia de San Fernando. 12:00 horas.
• Concierto La mujer en Hispanoamérica. Trío Nuestra América. Casa Museo Lope de Vega. 19:00 horas.
• Concierto de Muerdo. Plaza de España. 19:00 horas.
• Concierto de Maestro Espada. Plaza Mayor. 18:00 horas.
• Concierto de Rita Payés. Plaza Mayor. 19:30 horas.

• Concierto Trío Valdés Legacy. Centro Cultural Paco Rabal. 20:00 horas.
• Concierto de Nacho Nacif. Puente del Rey – Repsol. 20:00 horas.
• Concierto de Silvana Estrada + Ensemble de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Plaza Mayor. 21:30 horas.
• Concierto de Dillom. Plaza de España. 21:30 horas.
• Concierto de Miranda! Puerta del Sol. 19:00 horas.
• Concierto de Babasónicos. Puerta del Sol. 21:30 horas.
• Concierto de Niña Polaca. Puente del Rey – Repsol. 21:30 horas.

Sábado 11 de octubre

• Concierto de Eliades Ochoa. Plaza de España. 13:00 horas.
• Concierto Reflejos de Macondo. Teatros del Canal – Sala Roja. 19:00 horas.
• Concierto de La Ganga Calé. Plaza de España. 19:00 horas.
• Concierto de Bareto. Puente del Rey – Repsol. 19:00 horas.
• Concierto de Orquesta Aragón. Plaza Mayor. 19:00 horas.
• Concierto de OnOff. Puerta del Sol. 18:50 horas.
• Concierto de Kevin Johansen + Liniers + The Nada. Puerta del Sol. 20:00 horas.
• Concierto de Karina La Princesita. Puente del Rey – Repsol. 21:30 horas.
• Concierto de María José Llergo. Plaza Mayor. 21:30 horas.
• Concierto de Alizzz. Plaza de España. 21:30 horas.

Domingo 12 de octubre

• Conciertos de Bandas de Música. Varios municipios (Ciempozuelos, Alcobendas, Meco, Algete, San Martín de la Vega, Navalcarnero, Brunete). 12:00 horas.
• Concierto de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Plaza Mayor. 12:00 horas.
• Concierto de Mocedades y Los Panchos. Plaza Mayor. 13:30 horas.
• Concierto de Sonora Ponceña. Plaza de España. 13:00 horas.
• Concierto Ritmos de Ultramar (zarzuela). Puerta del Sol. 13:00 horas.
• Concierto de Gerardo Morán y Los más queridos. Puente del Rey – Repsol. 13:00 horas.
• Concierto Bajo mi voz. Choby Scheufler y Leyre Perrino. CaixaForum. 17:00 y 18:00 horas.
• Concierto de Naíza. Puerta del Sol. 18:00 horas.
• Concierto de Tiraya. Plaza de España. 18:00 horas.
• Concierto Los 40 Hispanidad Pop. Puerta del Sol. 19:00 horas.
• Concierto de Bomba Estéreo. Plaza de España. 19:30 horas.
• Concierto del Corral de la Morería. Plaza Mayor. 21:00 horas.

Domingo 5 de octubre

• Concierto de Gloria Estefan. Plaza de Colón – Repsol. 13:00 horas.

Del 3 al 12 de octubre

• Conciertos en las salas Madrid en Vivo. Varias sedes.

Taylor Swift va, casi, que a titular por día. Especialmente en los últimos meses, que del silencio absoluto ha pasado a anunciar su duodécimo álbum de estudio, a comprometerse con el jugador de fútbol americano Travis Kelce, y ahora, a volver a los cines, dos años después del exitoso Eras Tour, que en octubre de 2023, meses antes de que su gira mundial llegase a Madrid, dio la vuelta en formato documental por las salas de cine.

Este viernes Variety dio la exclusiva y minutos después lo anunció la propia cantante: en octubre, Taylor volverá a los cines con Taylor Swift: La fiesta de lanzamiento oficial de una Showgirl, (en inglés, Taylor Swift: The Official Release Party of a Showgirl) un evento especial de 89 minutos que se estrenará el 3 de octubre, coincidiendo con la llegada de su nuevo álbum, The Life of a Showgirl. El evento estará disponible durante el fin de semana del lanzamiento, del 3 al 5 de octubre.

Por ahora, la cantante de Pensilvania, de 35 años, todavía no ha dado más pistas sobre el lanzamiento de un posible single o ni quiera del sonido, más allá del nombre del álbum, las portadas -hasta cinco diferentes- o el tracklist, pero sí que su gran día se inaugurará por todo lo alto.

En Estados Unidos, la producción se exhibirá en las 540 salas de AMC Theatres, en virtud del acuerdo vigente entre la artista y la distribuidora, así como en otras cadenas como Cinemark o Regal. Todas las proyecciones arrancarán de forma simultánea en distintas franjas horarias.

¿Se podrá ver en España?

La gran atracción para los swifties será el estreno mundial del videoclip de The Fate of Ophelia, una de las canciones del nuevo LP. Además, los 89 minutos incluirán material inédito: escenas entre bastidores de la grabación del vídeo, reflexiones personales de Swift sobre las canciones y nuevos lyric videos. En Estados Unidos, el precio de las entradas se ha fijado en 12 dólares, sin incluir gastos de gestión. El número no es casualidad: aunque el 13 ha sido siempre su número de la suerte, el 12 simboliza su duodécimo trabajo de estudio, que también está compuesto por 12 temas.

Variety anunció en exclusiva que más de un centenar de países podrán disfrutar de la “fiesta de lanzamiento” en cines, algunos de forma simultánea a Estados Unidos y otros en fechas posteriores. Entre los territorios confirmados para el primer fin de semana figuran Canadá, México, Reino Unido, Francia, Alemania, Países Bajos, Irlanda, Suiza, Austria, Bélgica, los países nórdicos, Australia, Nueva Zelanda y Sudáfrica. En estas regiones, las entradas estarán disponibles a partir del próximo martes. El resto de mercados, entre ellos varios europeos, podrán disfrutar del evento a lo largo de octubre, con las fechas definitivas aún por anunciar.

En cuanto a España, la incógnita se despeja a medias: Cinesa ha confirmado que abrirá la preventa el 3 de octubre, lo que garantiza que la película llegará a las salas nacionales, aunque aún no se conocen ni el número de copias ni los cines concretos donde se proyectará.

Jaime Barbosa, batería del grupo madrileño Alcalá Norte, explicó una vez que si uno de sus temas más famosos, La vida cañón, se llama así es porque nació a raíz de un recorte de la revista Mundo Gráfico datada de 1935. La canción, una oda al disfrute, tiene como título las aspiraciones de un vecino de Lavapiés en caso de que le tocara el Gordo. “Lo que haría es darme una vida cañón”. Pero, ¿qué era la vida cañón en 1935? “Iría a Burgos, de donde era mi padre, y a Soria, de donde era mi madre. Me compraría un gramófono, y a la parienta un mantón”, añadió aquel vecino del barrio madrileño en el reportaje. 90 años después las cosas han cambiado. Y mucho.

El grupo fundado en 2019 no ha sido el único en recoger este término. En 2025 también lo ha hecho la periodista Analía Plaza (Madrid, 1989), que en La vida cañón: La historia de España a través de los boomers (Temas de hoy, 2025) retrata la generación de los nacidos en España entre 1955 y 1977 desde su infancia en la dictadura hasta su consolidación como el grupo con más poder adquisitivo del país. Los baby boomers, generación que supera ya los 55 años y están al final de su vida laboral o se ha jubilado ya. Tiene una (o más) viviendas en propiedad y disfruta de viajes en pareja o con amigos. Son unos disfrutones. Esa es la vida cañón.

El libro, publicado este miércoles 17 de septiembre, lleva desde poco antes de su lanzamiento copando debate en redes. Ya le han dedicado hasta algún titular acusándola de “culpar” a los boomers de la situación de precariedad de los jóvenes. “El libro no va de eso. En ningún momento les he echado la culpa de nada”, señala la periodista en su entrevista con Infobae España, que a sus 35 años ha trabajado en medios como elDiario.es, El Confidencial o El Periódico de España. “Yo estoy encantada porque sé que eso se traduce en ventas”, bromea (o no) durante la conversación que tiene lugar en una de las salas de la Biblioteca Eugenio Trías, en pleno parque de El Retiro de Madrid.

-P. ¿Cuál fue la opinión de tus padres cuando leyeron el libro?

-R. Solo lo ha leído mi madre, tres veces, porque como buena boomer, lee mucho. Mi padre no lee tanto. Su primer comentario fue que parece que con tener una casa en propiedad lo tienes todo solucionado. “Hombre, pues un poco sí yo creo que ayuda”, le dije. El segundo fue: “Vale, va a haber que morirse” (risas). Y el tercero, que le había gustado mucho. Lo que me falta es que un hombre boomer lo lea, quiero saber qué opinan. Se les da un poco de cera en el libro. Eso es lo que me falta.

-P. En el La vida cañón, reconoces explícitamente que, al principio, los boomers lo tuvieron complicado. ¿En qué aspectos fue más difícil y en cuáles más fácil?

-R. Creo que las infancias, dentro de que no fueron de posguerra como las de sus padres, no fueron necesariamente fáciles. El capítulo de la infancia boomer lo enmarqué un poco en el éxodo rural, en las familias que emigraban del campo a la ciudad. Me contaban que fueron en furgoneta de Andalucía a Barcelona, porque allí había trabajo. Muchos se ponen a trabajar con 14 años, a veces porque no quieran estudiar, otras porque tienen que ayudar en casa. Esto ahora ni siquiera es legal. Ahí claramente lo tuvieron peor que nosotros.

-P. ¿Y qué sería lo más fácil?

-R. La transición a la vida adulta, a nivel material y de estabilidad. Esa era la gran pregunta que quería responder. “¿Qué pasó para que tuvierais trabajos tan estables?”. Que, de hecho, yo me partía la cabeza, porque en los 80 había muchísimo paro. Se cerraron un montón de fábricas, hubo boomers en la calle, hubo revueltas, hubo muertos por estas revueltas. Lo que pasó fue que algunos ya habían entrado a trabajar con 14, esa crisis todavía no les pilló. También la generalización del contrato temporal, que aunque se aprueba en el 88 y hay una huelga general que protesta contra esto, no se populariza hasta el comienzo de los 90. Igual algunos sí tuvieron currillos de mierda antes de que les llegara el contrato indefinido, pero eran carreras laborales mucho más largas. ¿Y qué han tenido mejor? Los que compraron la casa en los 80, que era mucho más barato.

-P. ¿Por qué crees que se sienten tan ofendidos?

-R. He reflexionado mucho sobre esto. Creo que cuando señalas una desigualdad, en este contexto, una desigualdad económica donde digo que el que es más rico que el joven es el boomer, la reacción automática es ponerse de uñas. “Ah, claro, me culpas a mí de que tú seas pobre”. Piensan que le estás culpabilizando. También me estoy dando cuenta estos días del rencor cruzado de millennials a boomers y de boomers a millennials. Los boomers depositaron en sus hijos unas expectativas, les inculcaron una cultura del esfuerzo y de la meritocracia. Nos decían: ”Tú ve a la universidad, esfuérzate y lo tendrás todo hecho". La clase media en la que crecieron los boomers se sustentó bajo este ideal de progreso: “No importa lo rico que seas, porque si tú vas a la universidad y te esfuerzas, te va a ir muy bien”. El boomer tenía esa expectativa para su hijo y no se ha cumplido. Lo mismo para el millennial.

-P. En el libro señalas que los boomers en España comprenden de 1957 a 1977. ¿Qué distinción hay entre los early boomers y los late boomers?

-R. Los late boomers son generación X, más o menos, aunque técnicamente el baby boomer es del 57 a 77, y a partir de ahí la natalidad decrece. Pero, claro, uno que ha nacido en el 75, con su adolescencia ya es en democracia plena, entra al mercado laboral en los años 90, en plena burbuja o bien ya “en el final de la fiesta”. Cuando se compra la vivienda ya lo hace muchísimo más cara. Si luego vino la crisis, se queda con una hipoteca probablemente muy alta o se compró una vivienda muy cara. Pudieron comprar una casa porque daban hipotecas al 110%, pero fue carísima. Y el boomer boomer, la compró en los 80 y estaban todavía baratas.

“La clase media en la que crecieron los boomers se sustentó bajo este ideal de progreso: ‘No importa lo rico que seas, porque si tú vas a la universidad y te esfuerzas, te va a ir muy bien’. El boomer tenía esa expectativa para su hijo y no se ha cumplido"

-P. ¿Por qué está tan mal visto que los jóvenes gasten el dinero en la suscripción de Netflix, en Spotify o en un café, y “no” comprarse una casa?

-R. Los millennials tienen un poco de rencor al boomer. “Me dijisteis esto [esforzarse, ir a la universidad para conseguir un trabajo y posteriormente comprarse una vivieda] y no sucedió. Y encima me estáis acusando de viajar o de salir”. Creo que si el millennial ha viajado y ha salido es, en primer lugar, porque existe una cosa llamada turismo low cost. Y esto hablo un poco de lo que yo he visto, porque decíamos: “No vas a tener casa en la puta vida”.

De hecho, uno de los datos que yo saco es que según el Banco de España, en 1993, hacían falta 3,8 años de salario bruto para comprarse una casa, y ahora, 7,5. Es una generación que se casaron y tuvieron uno, dos o como mucho tres hijos, mientras ellos venían de familias más numerosas. Habría que echar cuentas: ¿A cuánto renuncia el millennial por tener que pagar 900 euros de alquiler versus a qué renunciaba el boomer por criar a los hijos, pagar la hipoteca y la letra del coche? Son realidades un poco distintas.

Las herencias también crean desigualdades

-P. También se dice que ahora los jóvenes no protestan, ¿por qué crees que pasa esto? ¿Puede tener que ver con la desafección y el agotamiento político?

-R. Hay como mil variables y es probable que hasta sea general de toda la sociedad, ¿no?, porque se junta la desafección y la polarización. Ahora laboralmente la historia es otra. El precario de hoy está mucho más individualizado y esto hace mucho más difícil organizarse laboralmente, porque no es una masa de gente contratada por la misma empresa. Mira los riders, y aun así han ganado sus batallas. Yo he estado en una empresa que tenía 49 trabajadores para que no se pudiera crear comité de empresa. Estas cosas pasan.

Como dice el sociólogo Manuel Rodríguez, el proletariado de ahora se parece más a una señora inmigrante yendo del metro a limpiar 27 casas que un señor de la fábrica. Esto ya no va de jóvenes, sino de trabajadores.

-P. También depende de qué manifestaciones.

-R. Hay jóvenes que se han estado manifestando por el cambio climático. En 2011 los jóvenes del momento hicimos el 15-M y de ahí surgió un partido que cambió el curso de la política en España [Podemos]. A nivel transversal los jóvenes y no tan jóvenes están saliendo a las manis de Vivienda, pero como son menos, no va tanta gente. Las de Sanidad son mucho más masivas porque van los mayores, los funcionarios. Sin duda, la más transversal es la del feminismo, la manifestación del 8M. Entonces, ¿pelean menos? Yo no lo creo. A lo mejor en su causa, como la vivienda o el cambio climático, como son menos, salen también menos.

“Según el Banco de España, en 1993, hacían falta 3,8 años de salario bruto para comprarse una casa, y ahora, 7,5″

-P. En el libro señalas que se cruzan dos desigualdades, una es de clase y otra generacional. ¿Crees que el debate público-político pone demasiado el foco en la brecha generacional y pasa más por alto la de clase?

-R. En vivienda hay un corte de clase brutal. El mito del pequeño propietario te evita hablar de clases. Hasta no hace nada ha imperado en el discurso que necesitas el piso en alquiler para complementar tu pensión y eso significa que ya tienes dos pisos. Hombre, pues muy pobre no serás si tienes dos. El casero no es superrico, pero es más rico que el inquilino y más rico que el hogar que no alquila. Casi se evita más el tema de clase para defender a un supuesto pensionista pobre que otra cosa.

-P. Durante la época franquista se incentivaba mucho la compra de vivienda, de ahí a que nuestros abuelos llegaran a un punto en el que tuvieron hasta tres casas. ¿Por qué ocurrió?

-R. Esta ley se creó porque también hubo una crisis de vivienda, para que se construyeran casas para colectivos de trabajadores. Hay muchas tesis sobre esto de querer tener al obrero atado para pagar la casa y que no se nos revolucione.

-P. ¿Crees que a la política actual le beneficia que no desaparezca del todo el problema de la vivienda?

-R. No lo sé, porque no soy política. Lo que creo es que no se va a hacer nada porque se está dejando todo en manos de que se mueran los boomers. Con el libro he aprendido que el Estado del bienestar español es familiarista, entonces delega una parte de la protección social y del bienestar en las familias: Yo delego que tú vayas a heredar, tú ya tendrás casa porque te darán para una entrada. Esto pasa sobre todo para propiedad, pero tienes que tener muy buen sueldo para acceder a ello en compra. Culturalmente en España el alquiler se concibe como tirar el dinero. [El presidente del Gobierno] Pedro Sánchez anunció el otro día alquiler con opción a compra. Creo que se está delegando en que las familias salven a los jóvenes. Yo empiezo a verlo así.

-P. ¿Qué nos espera a las próximas generaciones en materia de pensiones?

-R. Los jóvenes nos hemos creído que no vamos a tener pensión. En 2011 ya era “sin casa, sin curro, sin pensión, sin miedo” [pancarta central del Movimiento 15-M]. El tema de que no vamos a tener pensión está totalmente incrustado en nuestras cabezas. Los jóvenes deberíamos empezar a entender el sistema de pensiones y la Seguridad Social también debería hacer ejercicios de transparencia para que sea más fácil, porque financia no solo a la jubilación, también otra serie de pensiones. Nos deberíamos familiarizar con esto para luchar para que el sistema siga funcionando. Somos los primeros interesados en tener una pensión pública, porque nuestra nula capacidad de ahorro nos impedirá ahorrar. Tenemos un Estado de bienestar, queremos una pensión pública. ¿Qué nos espera? Nos esperan unos años en los que la aportación del Estado y de las nóminas de los trabajadores a los ingresos de la Seguridad Social va a tener que ser cada vez mayor para financiar todas esas pensiones. Técnicamente, a partir del 2050, la cosa empieza a mejorar, tendremos que ver cómo llegamos. En 2045, cuando yo me jubile, todavía no está destensado el sistema. Espero que siga funcionando, pero lo primero que tenemos que hacer es entenderlo.

-P. Y si pudieras añadir un epílogo dentro de veinte, treinta años, ¿qué escribirías?

-R. El qué va a pasar con las pensiones. ¿Va a haber desigualdad entre millennials? ¿Vamos a una sociedad en la que el millennial que haya heredado sea mucho más rico que el que no? Igual heredas un piso y no tienes que dar un palo al agua más en tu vida. Yo creo que el tema tendrá que ser ese: una sociedad que because of las herencias ha creado muchísimas más desigualdades.

Este sábado 6 de septiembre el Auditorio Miguel Ríos de la madrileña localidad Rivas-Vaciamadrid se convertirá en el epicentro de una peregrinación contemporánea. Hakuna Music Group, el grupo musical fundado a raíz del movimiento religioso del mismo nombre en el 2013 por el sacerdote José Pedro Manglano, presenta su concierto más multitudinario hasta la fecha: cerca de 30.000 personas formarán parte de esta misa multitudinaria. Llevan 10 años en activo y hace cinco, en 2020, Don Josepe se salió del Opus Dei para continuar con esta corriente. Así es como unas 40 personas se subirán al escenario a las 21.30 de la noche, donde nadie destacará por encima de nadie; ninguno de ellos será el protagonista: solo la palabra Dios. Con prácticamente casi todo agotado, el pop eclesiástico de Hakuna viene a duplicar el éxito que consiguieron hace un año y medio en el para entonces llamado WiZink Center (ahora Movistar Arena), que aglutinó en enero de 2024 a más de 17.000 personas.

Sus fieles llegarán desde todas partes de España. Hay jóvenes que se mueven para ver a Taylor Swift, otros para ver a Hakuna. En algunos casos pueden hasta coexistir. Martín, de 18 años, o Gloria, de 22, viajarán desde Mérida y Albacete, respectivamente, para el gran evento que tendrá lugar en Rivas, tal y como explican a Infobae España. Son ‘profetas’, son fieles, pero también son fans. Son hakuners. Y este sábado se llenará de ellos en un evento multitudinario. Bajo el título de Un sitio, cantarán sus temas más conocidos, como Baila y déjate de historias, que supera los nueve millones de reproducciones en Spotify y es un homenaje a una miembro de Hakuna que falleció de cáncer, o Arde, dedicada a José, padre putativo de Jesús. Harán un repaso de sus cinco álbumes de estudio y presentarán el último, Tú.

Pero primero habrá una Hora Santa —una charla con un sacerdote o un invitado, y luego un rato tranquilo de Adoración ante el Santísimo, como recogen en su web—, y después dos tandas de teloneros: el grupo madrileño de rock-pop nacional 84, el trío formado por Mon, Jaime y Beris; y los sevillanos Siempre así, autores de temas como A mi manera o Te estoy queriendo tanto, hasta que a las 21.30 arranque el grupo que mueve masas. Las expectativas son altas. “Vamos a hacer todo lo posible por rezarlo al máximo y ser conscientes de lo que estamos cantando para que, si Dios quiere, toque muchas almas”, apunta uno de los miembros del grupo, Ignacio Serrano, a este medio, quien recalca que más que nervioso está “ilusionado y con muchas ganas”. “Es muy heavy poder formar parte de algo tan bonito y estar rodeado de gente tan maravillosa”, añade.

Rezar de otra forma

Aunque Hakuna sea un grupo de música, el movimiento es una asociación privada de fieles, aprobada por el Cardenal Arzobispo de Madrid, Don Carlos Osoro, y cuyas bases residen en el Opus Dei. Su fundador, Don Josepe, creó dicho movimiento en 2013 tras la Jornada Mundial de la Juventud (JMJ) de Río de Janeiro. “Hagan lío y organícenlo bien”, dijo allí el ya difunto papa Francisco. Sin embargo, pertenecía a la jurisdicción hasta que el 11 de marzo anunció su salida para dedicarse a Hakuna. “Recientemente, los directores del Opus Dei me han expuesto que ven conveniente que deje de ser miembro del Opus Dei, ya que ven incompatible mi dedicación a Hakuna con ‘la disponibilidad propia de un sacerdote de la Prelatura’”, escribió el sacerdote en una carta, acentuando que el movimiento “nació como algo distinto” al Opus. Dos años antes, el papa Francisco había participado en una misa celebrada por el colectivo en la basílica de San Pedro, y la había reconocido públicamente como una “gran familia eucarística”.

Pero el grupo católico dio el petardazo gracias a las redes sociales, concretamente en TikTok, como no podía ser de otra forma. Corría septiembre de 2022, cuando presentó su álbum Qaos en un Palacio Vistalegre a rebosar, con 8.000 personas. En uno de los vídeos, cientos de jóvenes hacían un pogo en la pista del recinto ubicado en Carabanchel. De fondo sonaba Huracán, la que ahora es su canción más reproducida en Spotify con más de 19 millones de reproducciones —mensualmente les escuchan casi medio millón de personas—. La canción se hizo tan viral que hasta circuló una versión remix que sonó en varias discotecas.

Las imágenes se difundieron como la pólvora, saliéndose de la comunidad cristiana de la aplicación para llegar al otro lado de TikTok, al no creyente o al ateo. Entre el asombro, el tono de broma o lo pegadizo del tema, la canción se hizo viral durante semanas. La letra es una conversación entre el creyente y Dios. “Te buscaré / Y un huracán / Romperá el cielo desde mi garganta / Gritándote: “¿dónde estás cuando me haces falta?””, dice el estribillo, el verso de la canción que se viralizó en TikTok. Poco después, responde el omnipresente: “Estoy aquí, en el silencio / Estoy aquí, en este viento / Estoy aquí, soy este trozo de pan / Estoy aquí, en tu lamento”, añade la letra.

Gloria, una joven de 22 años, de un pueblo de Albacete, afirma a este medio que ella conoció el grupo gracias a la aplicación, en el momento en el que Huracán se hizo viral. Sin embargo, tardó un poco más en engancharse a su música. “El año pasado mi hermano me enseñó más canciones y lo seguí un poco más. Ahí sí que ya profundicé en conocer su música y ponérmela más”, añade. Explica que si las canciones de Hakuna enganchan tanto es porque “es un pop melódico, pop indie, que está de moda. Tiene buen ritmo”. Para Gloria, no está tan lejos de escuchar la música, por ejemplo, que uno se puede encontrar al reproducir la playlist de Los 40 Principales: “Igual que a lo mejor unos días estoy escuchando Arde Bogotá o Viva Suecia, otro día me levanto y me pongo Hakuna”.

Como no puede ser de otra forma, TikTok también sirve de punto de encuentro para los jóvenes. Rocío y Aída, dos chicas de Granada, buscan gente que vaya a acudir al evento este sábado, como publican en la aplicación.

“Igual que a lo mejor unos días estoy escuchando Arde Bogotá o Viva Suecia, otro día me levanto y me pongo Hakuna“

Entre los comentarios del vídeo compartido por las dos chicas aparece Martín, asegurando que allí estará. En declaraciones a Infobae España, este joven de 18 años detalla que llegará a Rivas desde Mérida, donde vive, pese a haber nacido en la capital. Ya fue a otro concierto del grupo el año pasado y salió encantado. “Fue increíble. No era solo música, era como una oración colectiva con todos los jóvenes cantando y disfrutando. Salí de allí con el corazón lleno de alegría y con muchas ganas de seguir creciendo en la fe”, señala.

En lo que coinciden todos los entrevistados para este artículo es que Hakuna es una forma de rezar. “Si te paras a leer las letras, te ayudan a reflexionar, o si eres creyente, a expresar la fe o a relajarte”, añade Gloria. Carmen Gil, catequista de 26 años en una parroquia madrileña animada por una congregación religiosa, asegura que, pese a que “no hay una forma correcta de rezar” y cuando “no sabes” cómo hacerlo, te puede ayudar “escuchar canciones con letras profundas que hablan de la relación con Dios”. “Te acerca mucho a la oración”, afirma. “Las canciones de misa son todas con un estilo muy concreto, muy lentas, un poco carca, ¿sabes? Hakuna creo ha dado bastante toque”, añade.

De hecho, la catequista ha estado en “cuatro o cinco conciertos” de este grupo, el primero de ellos en el Teatro Gran Vía, en pleno centro de Madrid, en 2021. La primera vez que pisó el recinto, asegura que vio el vínculo que les unía. “Cuando entras, tú respiras que todo el mundo se conoce”, dice, y añade que en los primeros conciertos iban numerosos grupos de amigos. “Ahora se ha convertido en un festival de familias y eso es algo muy bonito y muy especial”. Ella cree que ahí reside parte del secreto de su éxito. “Por eso se venden tantas entradas, porque la gente coge a los padres y compran 10. Imagínate si son del Opus, a lo mejor tienen que comprar 20. Es una locura”. Y añade que “a nivel experiencia de concierto es de los mejores” en los que ha estado nunca.

Salir de copas y creer en Dios no es excluyente

Su éxito para la religión católica no es casualidad. Como apunta Rafael Ruiz Andrés, coautor del estudio El movimiento Hakuna: estructura organizacional y estrategias para la recristianización de la juventud en España, publicado en 2024, la razón de su triunfo es “la posibilidad que brinda a los jóvenes creyentes de conectarse entre sí y descubrir que hay otros como ellos”, como se recoge en el texto. Y apunta a que, a pesar de “disfrutar de la vida y hacer cosas propias de su edad, como salir de fiesta, cantar, bailar, viajar o estudiar”, han logrado conectar estas cuestiones con su experiencia religiosa.

Sin embargo, la fe cantada también convive con las críticas, especialmente de sectores ajenos al religioso. “A veces la gente se sorprende cuando digo que soy fan de Hakuna, pero yo lo vivo con total naturalidad”, explica Martín. En su caso, asegura que le gusta mostrar que “ser joven y católico puede ser divertido, alegre y muy real”. Gloria reconoce que en su entorno cercano no se ha sentido juzgada, aunque en espacios “más ateos” sí lo han llegado a ver como “frikada o secta”. Carmen confiesa que se ha sentido “súperjuzgada, como si Hakuna fuera a comerte el coco o a meterte ideas del Opus, pero yo sigo diciendo que no voy a dejar de escucharlos. Para mí tienen una calidad espectacular, tanto en las letras como en la música”. Pero eso, este sábado en el auditorio Miguel Ríos dará igual. Van todos a una. Como una gran familia.

Fue en 2018 cuando un tsunami llamado Rosalía (Sant Esteve Sesrovires, 1993) irrumpió con tanta fuerza en el panorama español que hizo historia. Primero llegó Malamente, el primer single de su segundo álbum, y después, Pienso en tu mirá. El resultado final fue El Mal Querer, una de las últimas obras maestras como pocas se recuerdan en España, con el que la para entonces cantaora captó la atención de curiosos y ajenos. Fuera de nuestras fronteras, algo también se removió. Su éxito llegó rápido y sin cura: la catalana, que para entonces tenía 25 años, publicaba su Trabajo Final de Grado (TFG) fusionando flamenco con ritmos urbanos como trap, R&B contemporáneo o el pop bailable. Para muchos, probablemente, darle al play a ese álbum de 30 minutos y 11 canciones fue lo más cercano que habían estado nunca de reproducir el folclore originario de Andalucía.

Rosalía no tiró la primera piedra —que se lo digan a ella, cuyos primeros meses poséxito estuvieron envueltos en debatir si hacía apropiación cultural por no ser andaluza, sino catalana, y cantar flamenco—, pero sí "puso la más grande" de ellas al visibilizar el neofolclore español, como recuerda el crítico musical Odi O’Malley a este medio. Así es como se abrió una puerta al público general que hasta entonces parecía cerrada. “El Mal Querer rompió un muro imaginario por el que no podían pasar los géneros regionales. Rompió la primera grieta para todo el mundo. El resto se han ido colando poco a poco”, resume Gabriel Carey, periodista en la web especializada Jenesaispop. Este 22 de agosto se celebra el Día Mundial del Folclore. España tiene mucho que ofrecer.

Los nombres abundan: Rodrigo Cuevas (Asturias), Baiuca, Tanxugueiras (Galicia), Juanjo Bona (Aragón), Maestro Espada (Murcia), Queralt Lahoz (Cataluña), Judeline (Andalucía)... Especialmente en los últimos años, ha surgido una nueva generación de artistas que apuestan por renovar la música regional. En muchos de estos casos, son jóvenes. Algunos no superan los 25 años.

¿Ha tenido Rosalía algo que ver con este crecimiento? Como apunta Marta España, musicóloga y periodista cultural de medios como Rockdelux, con El Mal Querer “hubo un antes y un después”, pero en lo que se refiere “al neofolclore más que al folclore en sí mismo". “Después de Rosalía, mucha gente —autores, creadores, público— se interesó por la fusión de la música tradicional con el urbano-latino”. Y con esto coincide el periodista musical Sebas E. Alonso, fundador y director de Jenesaispop, web líder independiente sobre música pop, que señala, que la ganadora de dos premios Grammy y 12 Grammy Latino “ha sido un punto de inflexión en cuanto a su tratamiento desde un punto vanguardista".

Un público dispuesto a escuchar “otras cosas”

Sin embargo, los expertos mencionan como precedentes en la fusión de géneros folclóricos a artistas como Camarón con La leyenda del tiempo; el también cantaor granadino Enrique Morente con el grupo Lagartija Nick en su álbum Omega; el grupo flamenco-fusión Ketama, que actualmente forma Antonio Carmona, o Rosario, que ya en los 90 se acercó al pop. Un poco más recientemente Rodrigo Cuevas (Oviedo, 1985), que aterrizó en el panorama nacional en 2012 con el álbum Yo soy maga, un repertorio de canciones gallegas. “Lo de Rodrigo Cuevas va más allá del folclore asturiano: ante todo es un performer que se mira tanto en las grandes folclóricas como en gente tan histriónica como Freddie Mercury. Actuando en el Movistar Arena [el pasado 25 de enero], ya se vio que es algo que trasciende géneros”, remarca el fundador de la web.

“Hace unos años nadie habría imaginado que un concursante de OT hiciera un disco entero sobre la música de su pueblo”

Sin embargo, apunta O’Malley, El Mal Querer “fue una bofetada de ‘espabilina’ para el folclore patrio. Desde entonces, el resto de artistas que juegan con él sumaron en ambición, en ganas de llegar al público mainstream. Se perdió un poco el miedo a que todo el mundo no ‘entendiera’ el folclore. ¿Qué hay que entender en él? Hemos pasado a un momento más de disfrutarlo que de explicarlo“, concluye.

Una de las justificaciones que los profesionales consultados encuentran en el auge de la diferente fusión de géneros es un cierto sector del público saturado de los géneros tradicionales, como el pop, que, señala Alonso, “está completamente estacado en un eterno revival”. “Hay una parte del público dispuesto a escuchar otras cosas. La música latina y la folclórica, junto a las mal llamadas ‘músicas del mundo’, han abierto un océano de posibilidades“. Y pone el ejemplo del aragonés Juanjo Bona (Magallón, 2003), que se dio a conocer en la pasada edición de Operación Triunfo y en el que quedó cuarto. En marzo publicó su álbum debut, Recardelino, una fusión de pop con jota aragonesa. “Juanjo Bona me parece el mejor ejemplo: hace unos años nadie habría imaginado que un concursante de OT hiciera un disco entero sobre la música de su pueblo. No ha vendido millones, pero ha conseguido un público súper fiel. En Jenesaispop es el artista que más tráfico nos ha aportado en el último año”, señala el director del medio. “Admiro mucho a estos artistas que cogen lo local y lo intentan llevar a lo universal. Si quieres triunfar, no te vayas muy lejos. Busca lo que tienes alrededor y lo que mejor conoces”, añade Carey sobre el estilo que hace, por ejemplo, Bona.

Precisamente con el fenómeno OT también coincide O’Malley. “Los efectos de Benidorm Fest y OT han dado más alas al folclore gallego y a la jota, en el caso de Juanjo. Aún queda camino por recorrer y mucho que jugar con ello, porque siguen siendo situaciones aisladas, pero es evidente que poco a poco van ganando terreno“. Y si esto está funcionando, es por la capacidad emotiva, la nostalgia y los recuerdos de la infancia o de nuestros abuelos. “Intuyen que en la interpretación de Guitarricadelafuente hay un componente de sentimiento que no tienen en [la playlist de Spotify] Novedades Viernes, por ejemplo. Y ese punto de provocación del sentimiento se está focalizando mucho en proyectos que tiran de folclore”, añade el crítico musical. Por otro lado, España apunta que un mundo hiperglobalizado ha provocado “la búsqueda de nuestra propia identidad ante el miedo de que se pierda en un futuro”.

Pero por mucho que el neofloclore haya invadido los rincones musicales del público, no han aumentado las escuchas hacia las músicas tradicionales más puras, apunta España “No sé cuánta gente que escucha asiduamente a Rosalía se pone discos de flamenco, o cuanta gente que escucha Baiuca hace una búsqueda exhaustiva de muñeiras no electrónicas“, sentencia la experta en Música popular urbana.

Ahora bien, ¿están dispuestas las discográficas a invertir en este tipo de proyectos? En casos contados, como por ejemplo fue el caso de Rosalía, cuyo segundo álbum llegó a Sony ya completo, necesitan tiempo, por lo que las grandes majors no suelen tenderles la mano. “Parece que el tema de la tradición siempre va a ir ligada a un mercado más independiente. La creación de ese tipo de proyectos necesita de calma, de mimo, tiempo y de un diseño con detalle y gusto para funcionar“, dice O’Malley. ”Los sellos siguen muy ensimismados con la prisa y la inmediatez, el proyecto que da streams y el que sigue el flujo del mercado de turno. Y son ideas, estas, que difícilmente les encajan en ese sistema. De cuando en cuando invierten en ellas, pero lo más normal es que los propios artistas decidan ir por libre o con sellos más pequeños“, finaliza.

Rosalía rompió aquel muro, y ahora, a través de él, se cuelan muchas otras voces. El folclore vuelve, con orgullo, a recordarnos lo que un día fuimos.

Los expertos recomiendan

Infobae España pregunta a los expertos consultados que recomienden a un artista neofolclórico. Estas son sus apuestas.

• Sebas E. Alonso (Jenesaispop): “Me gusta mucho el disco de Juanjo Bona [Recardelino]. Creo que es un disco precioso, muy bien contado y elaborado al que mucha gente y muchos medios no han prestado suficiente atención”
• Odi O’Malley: “Yo me enamoré hace unos años del proyecto de Vicente Navarro, que tira de folclore manchego en sus álbumes y tiene un gusto exquisito para interpretarlo y mezclarlo con elementos de trap, de R&B, de pop... me parece que tiene dos álbumes deliciosos, de esos que reúnen sorpresa, emoción, calma y conexión a la tierra. Y yo, que soy vasco, barriendo para casa también recomendaría la escucha del álbum Aaztiyen, de Zetak, que ahonda en el folclore vasco y navarro mezclándolo con electrónica y pop de una forma súper audaz.”
• Gabriel Carey (Jenesaispop): “Mi apuesta es que el futuro del pop está en las manos de [los americanos] Dijon y Mk.gee y todo el colectivo de Rusia IDK en España. Rusowsky, Ralphie Choo, Tristán, Mori... Todos son increíbles. También voy a decir [el rapero y cantante americano] Teezo Touchdown, que es un tío que ha colaborado con Tyler, Drake... Tiene algo muy especial".

La policía Elena Tajada, con apenas 20 años y recién salida de la Academia de Policía de Álava, aceptó infiltrarse en la banda terrorista ETA bajo una identidad falsa. Su misión encubierta, que se prolongó durante ocho años, la convirtió en la primera mujer en desempeñar ese papel dentro de la organización.

Con el nombre ficticio de Aranzazu Berradre Marín, Tejada se fue introduciendo poco a poco en la izquierda abertzale hasta escalar posiciones en la estructura de la banda. Durante un año y medio convivió en un piso de San Sebastián con los terroristas Sergio Polo y Kepa Etxebarría, hasta que su detención permitió la desarticulación del Comando Donostia, uno de los más activos y sanguinarios de ETA. Tras aquella operación, su identidad quedó comprometida y pasó a ser objetivo de la organización.

Estos ocho años de la agente inspiraron a la directora Arantxa Echevarría a materializar La infiltrada (2024), que en la última edición de los Premios Goya obtuvo el galardón a Mejor Película —ex aequo con El 47— y coronó a Carolina Yuste como Mejor Actriz.

El regreso de Díaz Yanes como director

Ahora, la gran pantalla vuelve a asomarse a aquellos años oscuros con Un fantasma en la batalla, dirigida por Agustín Díaz Yanes (Madrid, 1950), director de películas como Alatriste (2006) o Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (1995).

El filme tendrá su estreno mundial en el Festival de San Sebastián 2025, dentro de la Sección Oficial fuera de concurso. Después llegará a los cines el 3 de octubre y dos semanas después, el 17, llegará a Netflix, con la ambición de convertirse en una de las producciones españolas más comentadas del año.

La protagonista es Amaia, interpretada por Susana Abaitua, una joven guardia civil que dedica más de una década a vivir bajo una identidad falsa. Su objetivo: localizar los zulos en el sur de Francia donde ETA almacenaba armas y explosivos. El personaje, aunque ficticio, bebe de testimonios reales de agentes que participaron en operaciones de infiltración durante los años 90 y los 2000.

Rodada en numerosas localizaciones del País Vasco español y francés, el reparto de este thriller político lo completan Andrés Gertrúdix, Iraia Elias, Raúl Arévalo y Ariadna Gil. La cinta está producida por los responsables de La sociedad de la nieve, o lo que es lo mismo, por J.A. Bayona, Sandra Hermida y Belén Atienza.

Díaz Yanes, que llevaba varios años sin dirigir, regresa con un thriller político que promete suscitar debate dentro y fuera de nuestras fronteras. El director de Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto o Alatriste aborda ahora uno de los capítulos más complejos y sensibles de la historia reciente de España.

Esta nueva película entronca con un momento de proliferación en torno a relatos que abordan la lucha armada de ETA desde diferentes perspectivas, desde la serie La línea invisible, de Mariano Barroso, a la La infiltrada, protagonizada por Carolina Yuste y que también aborda un caso real.

Fue poco antes de comenzar el rodaje de Dolor y Gloria (2019) donde Penélope Cruz conoció a Rosalía. La catalana hacía su primera incursión en la actuación profesional de la mano del director manchego Pedro Almodóvar. Ambas compartían una escena: interpretaban a lavanderas que entonaban A tu vera, de Lola Flores, mientras lavaban la ropa en el río. La cantante, que por aquel entonces había explotado a nivel mundial tras publicar su segundo álbum El Mal Querer (2018), coincidió por primera vez con Cruz en una comida en un pequeño pueblo cerca de donde se rodó la película. “Estaba caminando con Pedro y llegaste tú y ahí nos presentó”, recordó Cruz en la entrevista conjunta para Vogue España en 2023.

“Cuando me dijeron ‘tienes que cantar con Rosalía’, yo pensé ‘estos se han vuelto locos, ¿cómo voy a cantar con Rosalía?’”, añadió en la entrevista. “Menos mal que la potencia y la magia de tu voz cubría todo lo demás y nosotras solo teníamos que intentar acompañarte un poco y no estropearlo”, añadió la oscarizada actriz, de 51 años.

La cantante, por su parte, elogió a la actriz: “Ay, Penélope, qué va, si tú cantaste superbién, me sorprendió mucho. Me acuerdo de la segunda vez que te vi, fue la mañana que llegamos y estabas tan guapa. Pensé ‘wow, qué increíble Penélope’”.

“Ella estaba nerviosa por actuar, y yo por cantar”

Dos años después de aquella entrevista, la actriz ha querido volver a elogiar a su compañera de reparto en la cinta de Almodóvar. Rosalía ha conocido una entrevista con ELLE USA, publicada este jueves para la edición del mes de septiembre, donde Cruz ha aprovechado para recordar aquel momento que compartieron. La catalana se encuentra rodando actualmente un nuevo papel como actriz, esta vez como estrella invitada de la serie Euphoria (HBO) que dirige Sam Levinson y protagoniza Zendaya.

“Me aterraba tener que cantar con ella”, ha recordado Cruz en la entrevista para ELLE. “Ella estaba nerviosa por actuar, y yo por cantar, y era divertido compartir ese nerviosismo”. Más allá de la escena, Cruz ha expresado su admiración por Rosalía como artista integral: “Siempre me ha fascinado su voz, y su talento también como compositora, como escritora, como intérprete. Su forma de actuar y lo que puede transmitir es algo realmente especial”.

En la misma entrevista, Rosalía se ha mostrado abierta sobre su momento creativo y reveló que su próximo álbum aún está en proceso. “¿Qué es el tiempo?”, bromeó. “¡Es tan relativo! Siempre hay una fecha límite, y, bueno, la fecha límite siempre puede cambiar”. No ofreció detalles sobre el sonido del nuevo disco, y tras la entrevista se dirigió a un estudio en Cataluña para seguir trabajando en los temas. “Estoy en proceso”, concluyó, dejando claro que el proyecto sigue tomando forma.

Por su parte, el próximo proyecto cinematográfico de Penélope Cruz será La bola negra, dirigida por Los Javis (Javier Ambrossi y Javier Calvo). En la película, la actriz compartirá pantalla con Guitarricadelafuente, quien interpretará el papel principal. La cinta está programada para estrenarse en cines en 2026.

El verano de 2023 el mundo se tiñó de rosa. Barbie (se convirtió en un fenómeno sin precedentes. La película de Greta Gerwig sobre la muñeca más famosa de Mattel superó los mil millones de euros de recaudación y llenó las salas con un entusiasmo inusual: el filme se erigió como un icono feminista dentro del mainstream. Sin embargo, también levantó ampollas. En Burriana, Castellón, Vox censuró la compra tanto de la cita de Gerwig sobre la muñeca de Mattel como 20.000 especies de abejas, la ópera prima de Estíbaliz Urresola, para su Biblioteca Municipal por su “marcada ideología de género y LGTBI”. La obra de Gerwig también se vetó en Vietnam y ahora también lo ha hecho un ayuntamiento de Francia.

El pasado viernes 8 de agosto, la localidad de Noisy-le-Sec, situada en la región metropolitana de París, canceló la proyección de Barbie prevista en el marco del ciclo Ciné sous les étoiles (Cine bajo las estrellas, en su traducción al español), un programa gratuito de verano de cine al aire libre que se celebra anualmente en el municipio de Est Ensemble. Según el alcalde, Olivier Sarrabeyrouse (Partido Comunista Francés), un grupo de entre diez y quince personas rodeó a los agentes municipales encargados de instalar la pantalla y el equipo de sonido, lanzando amenazas para impedir la sesión. “Si lo instalan, desmontamos todo y ponemos fin a su proyección”, habrían dicho, según ha recogido el medio Midilibre.

Tachada de “propaganda neofeminista”

Según el comunicado del alcalde, este grupo habría acusado a la película de “promocionar historias de personajes lesbianas, gays, bisexuales y trans“, mientras que otros la han tachado de ”propaganda neofeminista". Ante la tensión, el alcalde decidió suspender la actividad para garantizar la seguridad del personal y del público familiar previsto. “No he cedido a la presión; he actuado como un alcalde responsable”, declaró a la agencia de prensa AFP, subrayando que la polémica estaba siendo instrumentalizada por la extrema derecha.

En el mismo comunicado, Sarrabeyrouse lamentó que “un pequeño grupo, presionado por un individuo, haya movilizado su energía para impedir la proyección de un filme clasificado como apto para todos los públicos en Francia”. El regidor también anunció la presentación de una denuncia por amenazas y puesta en peligro de agentes del servicio público.

La ministra de Cultura, Rachida Dati, calificó el incidente como “una grave vulneración” de la programación cultural para familias y niños. A través de X (antes Twitter), afirmó haber adoptado medidas contra este tipo de ataques, que describió como “una nueva forma de delincuencia”. El Ministerio confirmó que la denuncia incluirá el cargo de “obstaculización a la libertad de difusión de la creación artística”.

La cancelación ha generado reacciones en el ámbito político y cultural. Aurélie Trouvé, diputada de La Francia Insumisa por la circunscripción, denunció que “son de nuevo las familias y niños que no se van de vacaciones quienes se ven privados de momentos de cultura y convivencia en verano”. Y subrayó que “la cultura debe ser un instrumento de emancipación, unidad y apertura para todos” y no puede ser “confiscada por minorías violentas”.

Pese a la controversia, Barbie sigue siendo un éxito. Protagonizada por Margot Robbie, la película es una sátira feminista que enfrenta a la muñeca al machismo del mundo real. Algo todavía vigente en la sociedad actual.

Uno de los hobbys más conocidos fuera de la pantalla del actor, comediante y director Ben Stiller (Nueva York, 1965) es, sin duda alguna, el tenis. Al intérprete en películas como Zoolander o Noche en el museo se le ha visto en numerosos partidos de tenis y en más de una ocasión se ha mostrado como un fan acérrimo de Rafa Nadal.

De hecho, en 2013, cuando el jugador mallorquín se enfrentaba al argentino Juan Martín del Potro en el Madison Square Garden de Nueva York con motivo del BNP Paribas Showdown, Stiller se encontraba en primera fila como espectador invitado. Sin embargo, en un punto del partido los tenistas detuvieron el partido de exhibición, para cada uno, reclutar a un miembro del público y jugar unos dobles.

Así lo relató en febrero de 2022 en el programa de Jimmy Fallon, donde compartió, con humor y algo de vergüenza, lo ocurrido aquella noche. En plena mitad del partido, Nadal detuvo el juego, miró al público y lanzó una propuesta: “¿Jugamos dobles?”. Lo que nadie anticipaba era lo que sucedería a continuación. “Me señaló y dijo: ‘Ben Stiller, come on’”, contó el actor entre risas. Sin ropa deportiva y con botas de cuero y camisa, Stiller abandonó su asiento y entró en la pista central de la mítica arena neoyorquina, que tiene capacidad para 19.500

La sorpresa no terminó ahí. Para emparejar los equipos, Del Potro decidió invitar como compañera a una niña de unos ocho años, que también se encontraba entre el público. “En ese momento supe que no había salida digna posible”, bromeó Stiller. “Si le ganaba a la niña, todo el mundo me odiaría”, apuntó entre risas.

De jugar con Nadal a ir a clases de tenis

El breve partido fue una sucesión de errores del actor, mientras la joven devolvía cada pelota con naturalidad. “Fueron cuatro pelotas. Ella las devolvía y yo las mandaba directo a la red”, recordó. Al final del improvisado encuentro, Del Potro alzó a la niña sobre sus hombros mientras la multitud aplaudía. Stiller, en cambio, abandonó la pista sin hacer contacto visual con nadie, aseguró entre risas. “Ni con Nadal, ni con mi esposa, ni con el público”, añadió.

Sin embargo, este momento le sirvió al actor para comenzar a acudir a clases de tenis. “Empecé a tomar clases hace unos seis años. Estoy preparado por si alguna vez ocurre que alguien me saque de entre la multitud para jugar al tenis con él. Lo cual probablemente nunca volverá a ocurrir”, bromeó.

Stiller, declarado admirador de Nadal —a quien describió como “una bestia competitiva y una gran persona”—, reflexionó sobre cómo una situación embarazosa puede convertirse en algo memorable. “Fue un sueño y una pesadilla al mismo tiempo, pero nunca lo olvidaré”. Sin embargo, Nadal perdió 7-6 y 6-4 contra el argentino.

Hoy, más de una década después, Ben Stiller sigue asistiendo a torneos, practicando tenis y, según dice, esperando una improbable revancha contra aquella niña que, por una noche, lo superó en el deporte que más admira.

El impacto de Taylor Swift es mundial. Lo avalan los miles de discos vendidos, los billones de dólares conseguidos en una de las giras más importantes de la historia, The Eras Tour, comprendida entre el 2023 y 2024 por todo el mundo, o, incluso, los cursos que se imparten en universidades estudiando su caso de éxito.

Y tampoco le faltan libros o documentales sobre su vida o su dinámica en la industria. Ahora otro está a punto de aterrizar en las televisiones, por ahora, en las británicas. El canal Channel 4 ha confirmado que está trabajando en una serie documental de dos partes dedicada a Swift, una de las artistas más influyentes y exitosas de la música contemporánea. Bajo el título provisional Taylor, el proyecto promete un análisis en profundidad de las dos décadas de carrera de la cantante, desde sus inicios como adolescente hasta convertirse en multimillonaria con escandalosos récords.

La cadena describe el proyecto como una mirada a la “fuerza global” que representa la intérprete de Cruel Summer y Shake It Off, combinando material de archivo “poco visto” con entrevistas a expertos de la industria musical, analistas culturales, fans y otras voces relevantes. La serie abordará tanto el ascenso artístico de Swift como su consolidación como icono cultural del siglo XXI, así como los desafíos y controversias que ha enfrentado a lo largo del camino.

“Taylor Swift es una voz poderosa y sin precedentes para las mujeres y los jóvenes del siglo XXI”, ha declarado el director de la serie, Guy King. “Ha estado bajo el microscopio de las redes sociales desde los días de MySpace y Tumblr, y alcanzó la fama en plena ola de un nuevo feminismo. Con esa fama llegaron las polémicas, que ha sabido enfrentar con habilidad. Estamos entusiasmados de contar su historia”, añadió.

Además del éxito comercial, el proyecto explora cómo Swift ha influido en debates sobre propiedad intelectual, feminismo, salud mental y activismo político, elementos que han acompañado a su figura pública en los últimos años. La serie buscará también explicar el poder de atracción de su base de seguidores, un fandom intergeneracional que ha convertido cada movimiento de la artista en un acontecimiento global.

Disponible este mismo año

La producción está a cargo de Sandpaper Films, la compañía detrás del documental A Deadly American Marriage. El equipo creativo incluye a Jessica Brady como productora, Lina Caicedo como responsable del archivo, y a los productores ejecutivos Susannah Price y Henry Singer. La edición está en manos del galardonado con un BAFTA Martin Thompson, mientras que la distribución internacional correrá a cargo de Blue Ant.

Este nuevo proyecto llega en un momento de máxima visibilidad para Swift, cuya gira The Eras Tour se ha convertido en un fenómeno global y una de las más lucrativas de la historia. Previamente, la artista ya fue protagonista del documental Miss Americana en Netflix (2020), centrado en aspectos personales y políticos de su vida, pero ahora la nueva serie documental promete ahora una visión más amplia de su legado artístico, cultural y social.

Aún no se ha anunciado la fecha de estreno, pero se espera que Taylor llegue a las pantallas del Reino Unido en 2025. El anuncio confirma así los rumores que circulaban desde hace meses y consolida a Swift como una figura de interés cultural más allá del ámbito musical.

Era 2005 cuando los Jonas Brothers hicieron de su apellido su marca, y tres años después eran mundiales: los hermanos Nick Jonas (1992), Joe Jonas (1989) y Kevin Jonas (1987) dieron el salto a la fama global en 2008 con la película Camp Rock, que protagonizaron junto a una adolescente Demi Lovato. Figuraron en todo tipo de ficciones bajo la marca de Disney Channel y entre 2006 y 2013, año de su separación, publicaron cuatro álbumes. Fueron una de las promesas pop revelación de los 2000 y hoy, continúan en el ideario colectivo de los millennials y la generación Z.

Sin embargo, pese a que hace 12 años anunciaron que se tomarían una pausa, volvieron un año antes de la pandemia. A día de hoy, la banda no es la misma que la que en la infancia de muchos —hace unas semanas anunciaron el cambio de recinto de seis conciertos planeados en Estados Unidos, pasando de una media de aforo de 50.000 a poco más de 18.000—, sin embargo, el golpe ya lleva acechando al grupo unos años.

De hecho, la reunión de los Jonas Brothers en 2019 llegó justo a tiempo para que Kevin Jonas pudiera liberarse del caos económico que vivió durante varios años. El hermano mayor de los tres miembros del grupo reveló en el podcast The School of Greatness el pasado 7 de julio que estuvo al borde de la quiebra.

Se quedó al 10%

“¿Cuál es la mayor lección que has aprendido del dinero, el éxito y la fama en los últimos 20 años", preguntó el anfitrión Lewis Howes durante la entrevista en la que también se encontraban sus hermanos Nick y Joe. “He visto el comienzo del éxito, pasando del éxito financiero a no saber qué era realmente el dinero y entenderlo, a no tenerlo, a perderlo casi todo”, confesó Kevin. De hecho, el músico detalló que perdió “la mayor parte” de su dinero, “como, hasta el 10 por ciento restante”. Y mencionó que este periodo ocurrió hace aproximadamente nueve años, al rededor de 2016.

En ese entonces, Kevin había invertido en propiedades y otros proyectos, buscando expandir su carrera más allá de la música. “Lamentablemente, no era la sociedad correcta, si sabes a lo que me refiero”, explicó, refiriéndose a las inversiones fallidas que lo llevaron a perder gran parte de su dinero.

En 2019, los tres hermanos decidieron volver a reunirse para revivir la magia de su banda, que no solo trajo consigo nuevos proyectos musicales, sino también una “lección vital” para Kevin: “Afortunadamente, para la vida en general tenemos una segunda oportunidad y una nueva oportunidad con la banda”, añadió el mayor de los tres hermanos en el podcast. “Fue algo fortuito. Aprendí esta lección, nunca quise aprenderla, pero lo hice, y al mismo tiempo, reevalué cómo acercarme a la vida desde esa perspectiva y mirando al futuro”.

En los últimos años, han publicado tres álbumes más: Happiness Begins (2019), The Album (2023) y Greetings from Your Hometown, previsto para el próximo 8 de agosto. Ahora, la vista está puesta en la celebración de su 20º aniversario con la gira que arrancará este agosto en Nueva Jersey.

Pese a que la actualidad política nacional está en llamas desde hace semanas con el caso Cerdán y la trama Koldo acaparando titulares cada día, el líder del Ejecutivo y secretario general del PSOE, Pedro Sánchez, ha encontrado un hueco en la edición de julio y agosto de la revista Esquire para compartir las canciones que lo han marcado en el último año. ¿Le seguirá gustando Taylor Swift? ¿Habrá descubierto nuevas cantantes españolas?

Sánchez ya recomendó a varios artistas en 2023 en el podcast de La Pija y la Quinqui, en medio de la campaña para las elecciones generales que tuvieron lugar el 23 de julio. En clave centennial, Sánchez respondió a las preguntas de Carlos Peguer y María de los Ángeles Maturana, Mariang para todo internet. El presidente del Gobierno, siempre fan del indie español como el grupo Los Planetas, en aquella ocasión no dudó en mencionar a Taylor Swift, Rigoberta Bandini o Rosalía. Ahora, ha compartido con la revista la lista de canciones que más le han acompañado en los últimos doce meses: una selección ecléctica que va del jazz al rap, pasando por el folclore nacional, el indie español y la música latinoamericana.

La lista comienza con Blackbird del pianista Brad Mehldau, versión jazzística del clásico de Los Beatles. “Me gusta todo lo que hace, especialmente sus trabajos de piano en solitario”, señala el presidente. Continúa con Folías de España del conjunto barroco Accademia del Piacere. “Programamos este grupo de las Naciones Unidas. Me interesa especialmente la Investigación que hacen de nuestras influencias africanas, cristianas, musulmanas y judías. Una música profundamente española”, señala a la revista, respecto a la cumbre que se ha celebrado en Sevilla del 30 de junio al 3 de julio.

También destaca Génesis, del pianista español Moisés P. Sánchez, a quien considera “uno de los pianistas de jazz más relevantes de nuestra escena musical”. También destaca Americana / the garden waits for you to match her wilderness, del trompetista estadounidense Ambrose Akinmusire, cuyo enfoque mezcla jazz, rap y cuarteto de cuerda. De la escena del hip hop internacional, elige a Kendrick Lamar con Squabble Up, a quien define como “uno de los artistas más relevantes del rap actual.” En sexto lugar, destaca Point and kill de

En el terreno nacional, Sánchez continúa fiel a sus preferencias. Incluye a Rigoberta Bandini con Kaiman, canción incluida en su último álbum Jesucrista Superstar (2025). Sánchez no puede no incluir a Los Planetas, grupo del que es acérrimo desde hace años. En esta ocasión, incluye su colaboración con Carolina Durante, De viaje. También destaca Vacaciones, de Estopa, con motivo de los 25 años del dúo catalán.

El presidente también menciona al rapero El Chojin, con La vida es eso, a quien conoció en el Día de la Diversidad Cultural, y a En Tol Sarmiento con Zure Eskutik, destacando su capacidad de llenar estadios cantando en euskera.

La lista cierra con Bien de amores, de María José Llergo —banda sonora elegida para la reciente cumbre de Naciones Unidas en Sevilla—, y El lugar correcto, de la mexicana Natalia Lafourcade, a quien el presidente considera parte del liderazgo musical global surgido en Latinoamérica.

El broche final es oro. Sánchez menciona a Judeline y rusowsky en Heavenly, tema del álbum debut de la gaditana, Bodhiria (2024), como otra de sus canciones del año. “Me parece una chica muy joven y con mucho talento y proyección. Este tema lo hace con Rusowsky, que acaba de sacar nuevo disco y que parece un artista muy interesante también", dice sobre DAISY, estrenado el pasado mes de mayo. Valeria Castro cierra su top 15 con la canción que pone banda sonora a la película El 47, El borde del mundo.

La lista completa de Sánchez

1. Brad Mehldau: Blackbird
2. Accademia del Placere: Folías de España
3. Moisés P. Sánchez: Génesis
4. Ambrose Akinmusire: Americana / the garden waits for you to match her wilderness
5. Kendrick Lamar: Squabble up
6. Little Simz: Point and kill
7. Rigoberta Bandini: Kalman
8. Los Planetas y Carolina Durante: De viaje
9. Estopa: Vacaciones
10. El Chojin: La vida es eso
11. En Tol Sarmiento: Zure Eskutik
12. María José Llergo: Bien de amores
13. Natalia Lafourcade: El lugar correcto
14. Judeline: Heavenly
15. Valeria Castro: El borde del mundo

La industria y el público pocas veces tienen la paciencia de ver a una estrella crecer. La vorágine de las redes sociales, el hiperconsumo y una sociedad saturada de artistas hacen que dar con la tecla para atraer la atención no sea fácil. A Gara Durán (Madrid, 1999) le bastó su sensibilidad y una composición dedicada a Burgos, la tierra de su abuela, para tener la atención necesaria para dar sus primeros pasos. Cinco años después del vídeo que le consiguió la atención de Javier Ajenjo, uno de los responsables del festival Sonorama Ribera, y haber lanzado cerca de 10 singles, la cantante estrena este viernes su primer EP, Alkimia, siguiendo su estela única: ‘pop sensible’ en cinco temas sobre la entrada y salida de una relación tóxica.

Compone, canta y produce. Influenciada por su padre, cantante de ópera, y su madre, profesora de música, el arte le viene de familia. Pero le frenó la timidez. Con 18 años empezó Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid. Entre los pasillos de la facultad el sueño, pensaba, le quedaba grande. Hasta que un día en 2020, en plena pandemia, cogió la guitarra y cantó. Nada más abrir la boca apareció la voz de un ángel.

En 2022 decidió intentarlo y publicó su primer single, Cuesta Respirar. Ahora, con 25 años, los últimos tres se ha dedicado a trabajar (de periodista; se graduó), a componer y a buscarse su hueco en la industria. Gara ha acompañado a La M.O.D.A en conciertos, ha sido telonera de Belén Aguilera, Viva Suecia y Shinova, y ya ha rotado por varios festivales. Hace unos meses la fichó Universal Music Spain.

Durán también forma parte de la nueva oleada de artistas que se codean con Rusia-IDK, colectivo formado por Ralphie Choo, Rusowsky, Drummie y TRISTÁN! (y también Nusar3000, Claudio Montana y mori), y llevan por bandera el experimentar con los sonidos, su fusión. No hay límites. “Ya has escuchado todo y ahora toca hacer un trabajo más de collage”, dijo Ralphie Choo en una entrevista en 2023 para definir este sello, y que hace unos meses colaboró con Rosalía. Ellos combinan influencias de bachata, flamenco, electrónica o hyperpop. Recientemente, han trabajado con Judeline en su álbum debut Bodhiria (2024), con Amaia en Si abro los ojos no es real (2025) o con Amore en Top Hits, Ballads, etc... (2025).

Para Gara, además de sus productores de confianza, también son sus amigos. Su primer tema se lo produjo TRISTÁN!; Hadas (2022), DRUMMIE y Malaquita (2023), Ralphie Choo; Además ha colaborado con Barry B (también habituales en sus producciones), su pareja, en dos ocasiones. Este es la fase uno de su álbum debut, en el que ya está trabajando. Con Alkimia, Gara da otro paso. Poco a poco brilla más.

Pregunta. ¿En qué momento te diste cuenta de la voz ta especial que tienes?

Respuesta. Empecé a interesarme por hacer covers y cantar un poco más en serio a raíz de una aplicación en la que tú te registras y cantas con gente random del mundo. Es como un karaoke. Grabas tu parte y la otra persona graba la suya. Me compré hasta un micrófono. Ahí empecé a grabar y se lo enseñé a mi padre. Me dijo: ‘Uy, qué bien te sale, ¿no?’ Ya no por si afinaba o cantaba bien, sino la forma de transmitir.

P. ¿Esto cuándo fue?

G.D. Entre 2015 y 2017, y ahí empecé a hacer muchas covers. Luego en una cuenta secundaria que tenía para hacer el imbécil en Instagram me grababa y lo subía. Mi gente de confianza me decía: ‘Jolín, lloro, ¿cómo cantas esto?’ Fue a raíz de ahí que me lo tomé un poco en serio.

P. Hasta que en 2020 subiste Burgos, alma especial, a Instagram y se hizo viral.

G.D. Claro. Ahí de repente la cosa fue en serio. Me replantée mi vida entera. Una cuenta en Instagram, Don’t be home, que la llevaba un amigo me dijo si quería hacer una canción para promocionar una provincia de España y la hice sobre Burgos, porque mi abuela es de Aranda de Duero. Escribí la canción con mi padre y la subió. Se viralizó muchísimo allí. Y de ahí llegó al jefe de Sonorama Ribera, Javier Ajenjo, que me escuchó en la radio y me dijo: ‘Oye, quién eres?’ Él me ayudó y me hizo replantearme toda mi vida. Yo iba a estudiar, a trabajar de periodista, pero claro, tampoco sentía que no era lo que más me apasionaba. Lo que me tiraba de verdad fue la música, cantar y tocar. Y fue a raíz de ahí.

P. Es curioso porque la composición es tuya, pero no era una canción comercial, sino una con toques regionales. Ahora el folclore está en auge, pero en ese momento no, al menos no tanto.

G.D. Sí, es una canción que también era un poco difícil de que se viralizara, pero siento que toqué temas de la gente de Burgos y de Aranda que caló. Hablo del Cid, canto la jota de Aranda de Duero... Eso caló.

“No sé a dónde llegaré ni qué pasará, pero al menos estoy orgullosa de ese proceso y de las decisiones que he tomado”

P. Cuando en 2022 sacas tu primer single, Me cuesta respirar, ¿te planteas empezar a profesionalizarte?

G.D. Ahí fui un poco más en serio porque tenía ganas de sacar canciones mías. Me acuerdo que en ese momento fue de las primeras que compuse y que me gustó porque hice muchas más grandes, pero esa la produje en el iPad y luego se la di a Tristán, un amigo y un artista muy guay y la hizo en dos días. Encima la tenía que sacar muy rápido porque tocaba en el Sonorama. A raíz de ahí ya dije: ‘Venga, a tope’.

P. Cuando la escuché por primera vez fue como la cosa más bonita que había escuchado nunca.

G.D. Es que es un tema muy delicado. De hecho, es una de las que más me cuesta cantar en directo porque miro a los ojos de la gente y empatizo mucho.

P. Siento que casos como el tuyo hoy en día son raros. O lo petas en redes, sales de un programa de la tele o cuesta mucho empezar de cero e ir escalando.

G.D. Yo estoy muy orgullosa de mi proceso porque ha sido súper natural. Nadie me ha forzado a nada ni me ha obligado a sacar canciones que yo no quería para que triunfaran y poco a poco se van viendo los frutos. No sé a dónde llegaré ni qué pasará, pero al menos estoy orgullosa de ese proceso y de las decisiones que he tomado. Al final es lo importante, ser consciente de lo que quieres. Yo podría haber sacado una canción de reggaetón pero no soy yo, ¿sabes? Yo no pienso en que una canción se viralice, pienso en lo que a mí me gusta hacer.

P. He leído una entrevista de Duki que decía que todos los artistas habían caído en querer tener un hit para TikTok y ahora había vuelto esa necesidad de hacer música que llegara. Las redes al final son un poco la pescadilla que se muerde la cola.

G.D. También puede jugar en tu contra. Veo que se han hecho canciones por TikTok y se han viralizado 15 segundos y luego lo ves en directo y la gente muda hasta que llega lo que se ha hecho viral, que la gente lo grita. Es muy triste, ¿no? Ya no se considera ni canción.

P. Y ahora presentas un EP, ¿cómo te sientes?

R. Me siento muy orgullosa y muy, muy contenta con el resultado. Tenía muchísimas ganas de hacer un proyecto más consolidado, que contara una historia que tuviera una narrativa. Creo que es un EP muy sincero, que todo el mundo se puede sentir identificado. Es una relación tóxica en la que cada uno se la lleva donde quiere.

P. ¿Por qué lo has llamado Alkimia con K?

G.D. Porque sí (se ríe). Mi AR es vasco y dice que le gusta más la K que la que la ‘Q’. Pues sí, me pareció chulo, más moderno. Estéticamente mola más.

P. Robot, Kryptonita, Noto el nudo, Sin pena ni gloria y Cuídalas. ¿Cuál es tu canción favorita del EP?

G.D. Yo tengo un cariño especial a Kryptonita. Siento que en concierto me gusta mucho. Pero no puedo elegir, es como cuando te dicen: ‘¿Qué prefieres, a tu madre o a tu padre? Cada una tiene su algo.

P. ¿Y cómo has construido tu seña artística. Los coros, las armonías.. Llevan contigo desde el principio.

G.D. Ha sido a base de de componer muchísimo y de tener muchas, muchas referencias. A raíz de ahí he ido viendo mi camino y mi sello de identidad, pero también de hacer muchas canciones malas o que no me identificaban para nada. Y de repente sentirme a gusto en un mundo sonoro y un universo que sí, las armonías con coros y movidas ambientales. Todo eso ha sido a base de mucho rebuscar. Y seguiré rebuscando porque creo que ahora mismo no sé si tengo un estilo al 100%.

P. Yo diría que lo tienes.

G.D. Sí que me apetece hacer otro tipo de canciones. Ahora he estado en un camp para mi disco y he hecho muchas canciones divertidas, más pop, más disfrutonas. Creo que mi lado más nostálgico, sentimental y triste absoluto ya lo he mostrado y ahora creo que hay que darle una vuelta y que se vea una cara más de una cara mucho más fiestera.

P. ¡Pues qué guay el cambio!

G.D. Tampoco se va a salir de mi línea de estilo porque creo que va a seguir teniendo mi línea de armonías, de coros y de mi sonido. Pero sí que le voy a dar una vuelta y que sea más divertido todo.

P. Justo por esa tristeza que comentabas antes te quería preguntar. ¿Cuando escuchas Alkimia, dices ostras: ‘Estaba fatal’?

G.D. Sí que a veces escucho mis canciones y pienso: ‘Jolín, yo no sabía que estaba tan mal’. Hasta que te paras a escuchar la letra y estaba muy mal. Creo que pasas por muchas experiencias y muchas cosas que no sabes que te afectan y lo hacen y no sabes por qué. Pero son muchos cambios... también el madurar, de repente tener una vida adulta. Creo que la vida son muchos cambios, muchas etapas y estímulos y eso te hace a veces estar mal y no saber por qué. Yo lo reflejo un poco las canciones y luego lo veo y bueno, al menos me sirve como terapia, ¿no?

P. Desde que empezaste, en la producción has colaborado con miembros de Rusia-IDK como TRISTÁN!, DRUMMIE, Rusoswky..., que de hecho he leído que este último particpa en el EP.

G.D. Sí, en el piano de Noto el nudo.

P. Y tú te produces practicamente todas tus canciones. ¿Cómo has desarrollado todo eso?

G.D. Básicamente yo sola, bicheando, probando y jugueteando con el Logic. Primero empecé con el iPad con el GarageBand y todos mis amigos productores me decían: ‘Jolín, cámbiate al Logic ya, no seas pesada, que es muy básico’. Me cambié y me pareció fácil, y ya te digo, ha sido sola, poco a poco mirándome vídeos de YouTube y así, hasta ahora.

P. Hablando de Rusia-IDK. Todo lo que hacen está súper bien valorado. Son, por decirlo claro, unos genios. Han trabajado con Judeline, Amaia, Amore... Me parecen una ola de artista de lo mejor que tenemos en España actualmente. Tú que trabajas con ellos, ¿crees que encajas ahí?

G.D. Totalmente. Yo conozco sobre todo mucho a Rus (Rusowsky).

P. Daisy, sú ultimo álbum, es una pasada.

G.D. Es un genio. El el típico artista con oído absoluto que tiene conservatorio y tiene de todo. Barry vivió mucho tiempo con él y yo pues indirectamente también. Siento que nos parecemos mucho a nivel musical, tenemos gustos muy, muy parecidos y nos fijamos en las mismas cosas. Hay conexión musical, ¿sabes? Y eso se nota. La verdad es que es una ola de artistas increíble la que hay ahora mismo.

P. Sí, están cocinando algo potente.

G.D. Lo difícil es que tengan relación entre ellos, pero que a la vez cada uno tenga sus cosas y mola montón su estilo, la verdad.

“Si sale bien la jugada lo normal es que tardes en ganar pasta. Yo cuando vi la noticia de Lucas dije: ‘¿La gente de que se asombra realmente?’ Se asombran porque tienen un concepto de hacer música que es totalmente irreal"

P. No solo compones para ti, sino también para otros artistas. Natalia Lacunza, Lara91K, Juanjo Bona, MARTIN.... ¿Qué dinámica sigues cuando compones para otra y con otra gente?

G.D. Primero procuro preguntar un poco qué referencias tienen, que les apetece hacer o por dónde quieren tirar. Yo tampoco soy muy partidaria de que, por ejemplo, si acabo de conocer a un artista, que me cuente sus traumas y su vida. Siento que eso es como un poco antinatural y que si te sale y hay conexión con la persona, genial, pero no siempre. Igual se siente forzado a decirlo y no tiene por qué. Y después porque no hace falta componer desde ahí.

P. Leí que MARTIN (OT 2023) dijo que le había gustado mucho vuestra sesión, que le había cambiado lo que él tenía hecho hasta ahora.

G.D. Al final son gente que sale de un programa de televisión muy grande en el que todo el mundo les conoce y tienen el foco absoluto, ¿sabes? Muchas veces es normal que no sepan por dónde tirar o qué hacer con su vida, porque es como: ‘No tengo por qué saber componer’.

P. Ellos entran y salen con toda su vida totalmente cambiada.

G.D. Eso es lo que no te cuentan cuando entras a un sitio así. Creo que muy poca gente está preparada para lo que viene después, que es todo. Una discográfica, aprender a componer, sacar canciones, un disco... Les viene todo muy grande. Él me estuvo contando que había hecho sesiones con mucha gente, pero necesitaba ubicarse, parar y decir: ‘A ver, ¿cuál es mi estilo?, ¿qué quiero hacer?’. Eso lo hablé con él y me pareció una decisión súper madura por su parte. Lo fácil y lo que suele hacer todo el mundo es: ‘Salgo, compongo, saco’. Te puede salir bien la jugada o te puede salir mal. Normalmente sale mal si no sabes muy bien componer lo que quieres.

P. ¿Y con Juanjo qué tal? Le entrevisté en marzo y fue muy guay.

G.D. Sí, Juanjo es monísimo y fue muy guay. Tiene su concepto y su estilo súper claro: hacer jotas pero de una manera más moderna. Es una persona muy, muy cercana, muy fácil a la hora de trabajar. Hace como un mes hicimos una idea muy chula.

P. Ahora que hablamos de artistas de OT, hace un par de semanas se supo que Lucas, también de su misma edición, estaba trabajando como camarero en una cafetería de Madrid para poder llegar a fin de mes. Hay gente que se piensa que por salir en la tele o por ser artista y publicar en Spotify ya te da para vivir.

G.D. No, no. De hecho lo normal es que no te ganes la vida así de primeras. El mundo de la música es muy difícil. La gente se piensa que porque salgas igual en un reportaje y un día en la radio ya eres súper rico y no. Es una carrera muy muy muy costosa, tienes que estar ahí, constante y trabajando muchísimo. Andrés, tú lo sabes bien, que también tienes un grupo de música.

Entonces, Gara se gira a un miembro de su equipo.

—¿En serio? ¿Cuál?

—Colectivo Da Silva.

G.D. Si sale bien la jugada lo normal es que tardes en ganar pasta. Yo cuando vi la noticia de Lucas dije: ‘¿La gente de que se asombra realmente?’ Se asombran porque tienen un concepto de hacer música que es totalmente irreal. Es algo, de verdad, muy sacrificado, en el que tienes que invertir muchísimo dinero y que a la larga y si eres constante y bueno, si tienes el factor suerte o el factor enchufe, llámalo como quieras, pues igual te buscas un hueco y vas poco a poco. Pero ya te digo, o sea, lo normal es que no pase nada.

P. ¿Tú compaginas este trabajo?

G.D. Hago periodismo también. En la empresa de Planeta Sonoro, que es de festivales. Pero como es media jornada me da posibilidad para hacer cosas. Y bueno, ahora voy ganando más dinero. Pero es difícil.

P. ¿Cuál es la parte más complicada de ser artista emergente?

G.D. Te diría llegar al público. Creo que eso es lo más difícil. El trabajo y lo que me sale a mí hacer, lo hago, me siento orgullosa de eso y palante. Pero lo más dificil es sin duda el público.

P. Ahora llega el verano y hay un montón de festivales pero todavía sigue escasa la presencia femenina. De hecho, menos del 30% de los carteles de los mayores festivales en España están compuestos por mujeres. ¿Es culpa de los promotores o del público?

R. Yo creo que es un poco una mezcla. Es difícil porque al final si no te meten en un playlist [de Spotify] no tienes esa visibilidad que pueden tener otros artistas. Es más complicado que los promotores se fijen en ti y pero al 100% debería de haber muchísimas más mujeres en los carteles. Hay muchísimo talento y muchísimas que lo están petando ahora mismo y jolín, que ya es hora.

P. También tienes dos conciertos en octubre. El día 10 en Madrid y el 17 en Barcelona. Véndete un poco. ¿Por qué tiene ir la gente a verte?

G.D. La gente tiene que ir porque soy muy maja (risas), porque es un show nuevo, diferente con la banda. Ya hay dirección musical, ya todo tiene un sentido. Tengo muchísimas ganas de tocar y hacer mi show por fin. Vamos a tocar las canciones del EP, canciones que he compuesto en el camp para el disco... canciones muy muy chulas. Invito a la gente a venir porque yo creo que se lo van a pasar muy bien, van a empatizar mucho y es una banda muy muy guay que suena muy bien.

P. Para acabar, ¿qué le dices a la Gara del futuro?

G.D. Le diré que confíe más en sí misma, que luego las cosas salen. Que siga teniendo esa intuición, que es un poco la clave para ser una misma. Seguir trabajando y trabajando y que confíe en ella misma. Y que Dios dirá pero que de momento va muy bien.

Son la némesis de Barbie. Si la muñeca rubia de Mattel es rubia, alta y esbelta, las Bratz son algo así como la prima rebelde: aspecto más urbano, pelo de colores, mucho maquillaje, outfits recargados. Y ahora, tras el éxito arrollador de Barbie (Greta Gerwig, 2023), que recaudó más de 1.245 millones de euros a nivel mundial, las expectativas en torno a las adaptaciones cinematográficas de juguetes se han disparado. Esta vez, es el turno de las Bratz, la icónica línea de muñecas que ahora se prepara para llegar a la pantalla grande con una futura cinta.

Todavía no se conoce a sus protagonistas, pero podría ser que ya se hacha fichado a la villana. Y eso no sería ni más ni menos que Kim Kardashian, como ha apuntado Deadline este miércoles. El anuncio por ahora no es oficial, pero el rumor ya corre con fuerza.

Aunque los detalles de la trama de la película aún se mantienen en secreto, lo que sí ha trascendido es que la segunda hija mayor de las hermanas Kardashian está siendo considerada para interpretar a la villana del filme. Con más de 350 millones de seguidores en Instagram, es una de las figuras más influyentes del planeta.

Sin embargo, este no sería el primer acercamiento de Kardashian al cine. A lo largo de los años, la empresaria ha tenido varias apariciones en la industria audiovisual, además de haber sido protagonista junto al clan Karshian-Jenner del reality Keeping Up With The Kardashians y Las Kardashians. En 2023 participó en la duodécima temporada de American Horror Story y este 2025, la también socialité protagonizará la serie Todo vale, creada por Ryan Murphy, en la que dará vida a una exitosa abogada de divorcios y compartirá reparto con Sarah Paulson, Naomi Watts, Glenn Close y Niecy Nash. Además, actualmente produce y protagoniza la comedia de Netflix The Fifth Wheel, dirigida por Eva Longoria, aunque todavía no se conoce fecha de estreno.

Qué se sabe de la película

Los encargados de escribir el guionde la película serán Charlie Polinger y Lucy McKendrick, dos guionistas y directores de cortometrajes y películas independientes como The Plague. Polinger también está trabajando en The Masque of the Red Death, un proyecto con Sydney Sweeney para A24, la productora detrás de títulos como Borderlands y Bailando por la vida. Además, el proyecto contará con la producción de Amazon MGM Studios, lo que genera grandes expectativas sobre la calidad del mismo.

Las Bratz fueron lanzadas en 2001 por MGA Entertainment como una competencia directa de Barbie, la muñeca más famosa del mundo. Lo que hizo revolucionarias a las Bratz fue su imagen moderna y atrevida, en contraposición a la estética tradicional y dulce de Barbie.

Bratz ya tuvo su propia película en 2007, titulada Bratz: La película. Sin embargo, solo obtuvo una recaudación de apenas 27 millones de dólares. La película se suma a la creciente tendencia de adaptaciones cinematográficas basadas en juguetes, especialmente después del rotundo éxito de Barbie en 2023, que se convirtió en un fenómeno cultural y recaudó cifras millonarias.

Bad Bunny y Taylor Swift llevan unos años ‘peleando’ por ver quién tiene el trono en la industria musical. En 2020, el puertorriqueño inauguraba el título de ser el primer latino en ser el artista más reproducido en Spotify. Repitió, de manera consecutiva, también los dos años siguientes. En 2023 llegó Taylor Swift y le quitó la corona para volver a hacerlo el año pasado.

Mientras tanto, durante los dos últimos años, la de Nashville ha girado por el mundo con The Eras Tour. Con 149 shows, ha sido tildada de ser la gira más exitosa de la historia. Durante tres horas, Swift hacía un repaso por toda su discografía, sus 11 álbumes desde que debutó en 2006. Pero en vistas de su residencia en Puerto Rico -concierto realizado en el mismo recinto durante determinadas noches, en su caso, en la capital de su país natal- y de su gira DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour, que parará 12 noches en España el próximo año, Benito Antonio Martínez Ocasio, el nombre de pila bajo el que se esconde Bad Bunny, ha pedido relajar las expectativas. "No soy Taylor Swift“, ha declarado en una entrevista para Variety.

Algunos fans llevaban tiempo especulando si el show sería su propia versión del Eras Tour, y ante esto, el artista ha querido cortar la comparación de raíz. “Quiero aclarar esto ya para que la gente no se emocione demasiado: no va a estar organizado así. Es bastante una gira para Debí (tirar más fotos), con algunas canciones más antiguas intercaladas”, ha explicado durante su conversación con el citado medio el intérprete de Titi Me Preguntó o Yo Perreo Sola.

Una gira (casi) mundial

La entrevista llega en vísperas del arranque de su residencia No me quiero ir de aquí” en el Coliseo de Puerto Rico en San Juan, a menos de una hora de Vega Baja, donde creció. El proyecto lo mantendrá en el país los fines de semana del 11 de julio al 14 de septiembre, antes de emprender su gira mundial con 56 fechas por estadios. En España, pisará el Estadi Olímpic en Barcelona y el Riyadh Air Metropolitano en Madrid.

Sin embargo, si no pasará por algún país, ese es Estados Unidos. “Es innecesario”, ha señalado, ya que según el puertorriqueño han tenido muchísimas oportunidades de verle actuar en los últimos seis años.

Sobre la magnitud de su nueva gira, reconoce momentos de duda: “A veces sí que pienso: ‘cabrón, esto por lo que has firmado es demasiado’. Pero lo que pienso es que no soy médico, ni profesor, no soy nadie que se tenga que levantar a las 5 de la mañana para meterse en un atasco para poder vivir. Mi trabajo es cantar, e incluso si conlleva un montón de sacrificios, es una tontería quejarse”.

En vistas de la residencia, en la entrevista se ha revelado que para los conciertos en su país natal al equipo de producción le va a tomar “10 días reconstruir” los escenarios que se alojarán en el Coliseo. “Benito es capaz de subir al escenario horas antes del concierto y decir: ‘Necesito que esto cambie’”, ha contado al medio el manager del artista Noah Assad. “Lo hizo para la gira Un Verano Sin Ti, cuando dijo que el escenario debía ser mucho más pequeño la noche anterior al estreno”, recuerda. “Le dijimos que era imposible y lo hicimos en menos de 12 horas, así que quizás sea culpa nuestra”.

“El escenario es donde estoy más presente y soy más feliz. Probablemente, me dedicaré a esto hasta que sea mayor”, ha remarcado el artista.

El cantante Alejandro Sanz ha respondido a Ivet Playà, la fan de 26 años que el pasado domingo compartió en redes sociales que mantuvo relaciones sexuales con el cantante cuando esta cumplió 18 años y él tenía 49. "Mi vínculo personal con Alejandro Sanz fue irremediable, y se convirtió en íntimo y sexual. Se suponía que estaba viviendo un sueño, un sueño más de su mano, pero la realidad es que se convirtió en una terrible pesadilla", narra en el vídeo.

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Dos días después, Sanz ha respondido y ha admitido lo ocurrido. “Ivet, yo tenía un recuerdo muy bonito de nosotros dos, personas adultas, compartiendo su cariño, siendo libres. Qué pena que este sentimiento se haya roto ahora”, ha escrito en Instagram. “En el mes de mayo me ofreciste participar en invertir en unos negocios familiares tuyos, tras revisarlo con mis asesores te dije que no”, añade en el comunicado publicado vía stories. “Siento que tu reacción sea esta, pero quiero que sepas que nunca he sido partícipe de estas prácticas y así seguiré toda mi vida. Te deseo que encuentres pronto tu camino y felicidades”, finaliza.

Como explicó Playà en el vídeo publicado en X y TikTok el domingo 15 de junio, su relación con Sanz comenzó en 2015. “Yo era su fan y él me siguió en redes sociales y yo alucinaba con que alguien como él, tan famoso y tan querido por todo el mundo, me mandaba mensajes privados, me comentaban mis fotos, incluso publicaba cosas mías en sus redes”, cuenta la joven, mientras a lo largo del vídeo adjunta pruebas de la presencia en sus conciertos o capturas de comentarios en su cuenta de Instagram.

Sin embargo, cuenta que cuando ella alcanzó la mayoría de edad y él tenía 49 años quedaron por primera vez y el “vínculo fue a más”. “Para mí ha sido muy duro asumir que Alejandro Sanz sabía perfectamente lo que yo era. Desde el principio. Lo sabía. Yo era una niña. Una niña que con 19 años se puso a trabajar de dependienta para recorrerse toda España. Detrás de él me hice diez conciertos en un mes y medio y él lo sabía. Jugó con mis sueños, jugó con mi ilusión”.

Cuando tenía 22 años la contrató para trabajar para él

La joven, que actualmente tiene 26 años, explica que dejó Barcelona con 22 para mudarse a Madrid porque el ganador de cuatro premios Grammy la contrató para trabajar para él. En su perfil de LinkedIn figura que desde noviembre de 2021 hasta junio de 2023 trabajó en @MOWmanagement como parte del equipo de Sanz.

En el vídeo también asegura que durante esa etapa el equipo del cantante le espiaba las conversaciones que mantenían en privado: “En esa época no sé realmente el motivo, pero no se espiaban las conversaciones que manteníamos por privado”. “Se suponía que estaba viviendo un sueño, un sueño más de su mano, pero la realidad es que se convirtió en una terrible pesadilla”, y detalla que incluso “sus acciones llegaron a traspasar cualquier límite de lo que yo consideraba y considero moral, incluso humano”.

“Recuerdo una entrevista que dio en marzo de este año. Decía que se llevaba a gente por delante y que es peligroso. Y si tú has llegado hasta aquí y te preguntas que por qué estoy aquí contando, esto es porque a mí Alejandro Sanz me ha llevado por delante. (..). Él mismo lo reconoce y creo que vive en una realidad paralela que lleva construyéndose desde hace muchísimos años”. La captura que adjunta es una entrevista con Vanity Fair, donde el medio le pregunta si “se encuentra en paz”, para afirmar que sí. “También que las personas más peligrosas son las que tratan de huir de los problemas, y a veces lo hago y me llevo a gente por delante, pero jamás es con mala intención”, respondió para el medio.

“Ya no soy esa niña que estaba dispuesta a todo para estar más cerca de él. (...) ¿Y ahora qué? Y ahora la verdad. Y ahora yo”, termina Ivet en su publicación.

Esta semana, quien no haya estado pegado al televisor o al móvil al tanto del terremoto que ha sacudido al PSOE con Santos Cerdán al frente, entonces habrá estado haciendo scroll en X (Twitter, para quienes no pasan página). Sabrina Carpenter (las iniciales de ambos coinciden, qué cosas) anunció el jueves su séptimo álbum de estudio, Man’s Best Friend (El mejor amigo del hombre, en español), para el próximo 29 de agosto, apenas un año después del estreno del Short n’ Sweet, el LP que le dio el pistoletazo definitivo a su carrera tras más de una década en la industria.

La polémica ha surgido a raíz de la portada del disco. Carpenter, de 26 años, aparece vestida con un diminuto vestido negro y está arrodillada frente a una persona trajeada que la tira del pelo. Vamos, haciendo alusión al título, como un perro -o una perra, mejor dicho-. Las redes se ha llevado las manos a la cabeza. Unos han tachado la imagen de misógina y machista, y han acusado a la artista de perpetuar la mirada masculina, la llamada male gaze en inglés, al estar “sexualizándose así misma”. Otros, se lo veían venir. Porque quien sea fan de la artista lo sabe: se ha apropiado de su propia sexualidad.

“No importa el punto que ella quiera hacer con su música si eso no se corresponde con lo visual. Esta imagen por sí sola no es satírica, ya sea porque no es la intención o porque simplemente no le salió”, dice una usuaria en la red social, mientras otra, salta a su favor: “Con descaro y polémica, algo de lo que carecen muchas divas del pop hoy en día”.

Por esto mismo, la portada hay que entenderla en contexto. Si Sabrina Carpenter se ha convertido en la sensación pop del momento es, además de por sus exitazos pop -este medio calificó Espresso como una de las mejores canciones de 2024-, también por su feminidad ácida y provocativa, que, en tiempos en los que el puritanismo y la ultraderecha vuelven a conquistar espacios, forma un combo perfecto para estar a la orden del día, por desgracia, también en polémicas. Cuando en los conciertos —hace una semana conquistó el Primavera Sound en Barcelona— canta Juno, enseña a su audiencia una postura del Kamasutra —“Podría dejarte embarazarme”, dice la letra, para más tarde cantar “¿Quieres probar algunas posiciones atrevidas? / ¿Has probado esta alguna vez?”.

“Ha apostado por no tomar a la gente por tonta”: Sabrina 1 - Público 0

“Todas las críticas están basadas totalmente en una mirada heteropatriarcal, en penalizar la sexualidad. Se da por hecho que la persona que está sujetándole la cabeza es un hombre. Yo quiero creer que es una lesbiana butch”, declara a este medio la doctora en periodismo Leyre Marinas, autora de Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical (Dos Bigotes, 2024). Y con lesbiana butch, Marinas se refiere a las mujeres homosexuales cuya expresión de género se alinea con características tradicionalmente asociadas a lo masculino, por ejemplo, a la forma de vestir.

“Sabrina tiene un contenido abiertamente feminista. Es más, aplica el humor de tal forma a sus canciones que mira a los hombres heterosexuales en la mayor parte de las ocasiones con ternura y lástima”, apunta el periodista musical Odi O’Malley, que añade que, pese a que es una “portada incómoda a propósito, se entiende muy bien como irónica al contextualizarla con el propio disco”.

A raíz de esto, añade O’Malley, surgen dos cuestiones: “Una, si es el momento de ponerse a ironizar en vez de ir al grano con el punto que quiere hacer, que es una crítica a la versión patriarcal de la mujer; y por otro, si a causa del momento que vivimos tenemos que simplificar los mensajes hasta dar todo mascadito al público”. “Ella ha apostado por no tomar a la gente por tonta”, añade.

Andrea Proenza, periodista, investigadora y divulgadora en redes sobre amor, cultura y feminismo, coincide con que “a pesar de que juega mucho con la sexualidad en la mayoría de sus canciones y puestas en escena en el escenario, tiene mucha autoconsciencia del lugar desde el que lo hace y para quien lo hace”, apelando al público conocido como “gays and girls” (chicas y gays). “No creo que encarne una hipersexualización vista desde y para el disfrute de la mirada masculina, sino que pretende jugar con ella. Parece que se siente cómoda en esa unión entre humor negro y sexualidad”, apunta.

Sin embargo, Proeza asegura que en esta imagen, la distancia que Sabrina marca “para que se vea la sátira y la ironía, está más difuminada”, especialmente con una estética que recuerda a los años 40 y 50, la misma de movimientos conservadores como las tradwives. “Creo que por lo general sí que consigue poner una distancia suficiente para que se vea la sátira y la ironía, pero en esta fotografía en particular creo que esa línea está más difuminada”, señala.

“Es necesario que se debata y por muy complicado que sea el momento ideológico, también es el momento de que la gente joven que la sigue —que es una mayoría— tenga que pensar un poco más allá de una simple imagen”, finaliza O’Malley.

Netflix toma el centro de Madrid. La plataforma de streaming celebra este martes que hace 10 años aterrizó en España. Lo hace con un concierto al aire libre que reunirá a unos miles de asistentes en plena calle Alcalá. Por este motivo, el Ayuntamiento de Madrid avisa: habrá “inevitables repercusiones en la movilidad peatonal y motorizada” y ha informado del cierre al tráfico total de esta parte de la ciudad durante la mayor parte de este martes, según el plan de movilidad publicado por el evento.

El concierto reúne a lo mejor del panorama nacional y tiene artistas para todos los gustos. Amaia, Pablo Alborán, Rigoberta Bandini, Dani Fernández, Ralphie Choo, Omar Montes, el dj Mygal, Alleh y Yorghaki y Yami Safdie son los músicos que Alcalá acogerá esta noche. Las entradas para el evento, gratuitas, se agotaron en cuestión de minutos hace días. Acudirán al acto unas 5.000 personas, como ha informado el consistorio.

El evento tendrá lugar en el tramo comprendido entre la Plaza de la Independencia y la Plaza de Cibeles entre las 21:00 y las 23:00. Las principales restricciones de tráfico se concentrarán en la calle Alcalá, una de las arterias clave del centro madrileño. Desde las 12:00 horas del martes 10 de junio y hasta las 6:00 del miércoles 11, el tramo de la calle Alcalá entre Cibeles y la Plaza de la Independencia permanecerá cerrado al tráfico, aunque se mantendrá habilitado el carril bus-taxi en ese intervalo horario.

Qué zonas estarán cortadas

Sin embargo, durante el horario del concierto y horas previas —entre las 15:00 y las 23:30 horas de este martes— este carril también quedará cerrado a la circulación, ampliando así la restricción a todos los vehículos motorizados.

Además, desde las 2:00 hasta las 12:00 del mismo día se registrarán afecciones en un carril en ambos sentidos de circulación en las proximidades de la Plaza de la Independencia, lo que podría provocar demoras puntuales.

De manera adicional, desde el 8 de junio a las 4:00 horas y hasta el 11 de junio a las 14:00, uno de los carriles de circulación de la Plaza de la Independencia se mantendrá cortado.

¿Cómo llegar si voy al concierto?

Los asistentes que tengan entrada desde las calles en Paseo Del Prado 1 y en Paseo de Recoletos 2, en los dos lados del recinto. También se facilitará el acceso por calle de Pedro Muñoz Seca, Alfonso XI y Plaza de la Independencia.

El consistorio liderado por José Luis Martínez-Almeida ha señalado que el área del concierto será de libre tránsito peatonal y contará con itinerarios accesibles, sin barreras arquitectónicas.

Las autoridades municipales recomiendan a los ciudadanos que eviten circular por la zona en vehículo privado durante todo el martes 10 de junio y que opten por el transporte público, especialmente el metro, cuya red no se verá afectada por los cortes de tráfico en superficie.

El show consistirá en varias versiones de las canciones más icónicas de Netflix durante esta década. También habrá una alfombra roja “con los actores y actrices más relevantes de la industria audiovisual de nuestro país”, explican desde la compañía.

En numerología, las horas espejo, como las 11.11, son un símbolo de buena suerte; también un momento para pedir deseos. Esto, Ela Taubert (Bogotá, Colombia, 2000) se lo sabe a la perfección, aunque esto no impide que haya tenido que trabajar mucho para cumplir sus sueños. Ya sea gracias a Dios, las energías o el poder de la manifestación, la colombiana ha pasado de publicar covers en TikTok en 2020 sin que se le viera la cara por pura vergüenza, a ganar un Latin Grammy, a colaborar con artistas como Joe Jonas o Aitana y a acumular millones de reproducciones en Spotify. “En mi casa nosotros hemos sido siempre muy espirituales. Crecí en Bogotá, pero mi familia viene de Los Llanos —región dividida entre Colombia y Venezuela caracterizada por grandes extensiones de tierra—. Es pura naturaleza. Conecto mucho con eso“, cuenta a Infobae España.

El 2024 fue clave. Su single ¿Cómo pasó? se hizo viral en TikTok y dio la vuelta al mundo. Sus cinco años de vértigo hacen que ahora, en el momento en que se realiza esta entrevista en Madrid, acabe de estrenar ¿Para qué volver?, colaboración con Aitana incluida en el cuarto álbum de la artista salida de Operación Triunfo 2017, Cuarto Azul. “Me siento demasiado orgullosa, demasiado feliz por cumplir ese sueño, porque de verdad que la admiro desde siempre”, dice, haciendo referencia a su paso por la Academia.

Ese título, en pregunta, se repite en bucle en su álbum debut Preguntas a las 11:11, publicado el pasado 9 de mayo, donde las 16 canciones que componen —todas menos precisamente la que se titula Preguntas— vienen entre signos de interrogación. “Me di cuenta de cuánto sobrepensaba”, cuenta a este medio. “Me generó una fascinación muy grande, porque cada vez que sobrepensaba tanto me paraba a escribir. Siempre lo hacía en el momento perfecto, a medianoche o a las 11:11, donde también pedía deseos”, reflexiona sobre su afán por la buena suerte que da título a su álbum. “Era la forma más bonita de mostrar quién soy yo”, añade.

Por eso mismo, asegura, el proceso del álbum ha sido “terapéutico”. “Siempre he sido muy ansiosa de encontrar respuestas, de cuestionar mucho todo”, y por ello, se vio obligada a poner en pausa el ritmo frenético de cabeza. “Este álbum no trata de encontrar respuestas—porque a veces, no las hay, sino vivir con las preguntas, abrazar el sobrepensar y encontrar consuelo en no siempre saber”. “Porque ya estoy acostumbrada, de ti nunca espero nada / ¿Para qué prometes todo si siempre sales con nada? / Siempre pides más”, canta en ¿Es en serio?, canción número cuatro del LP. “En el proceso del álbum llegué a esa conclusión. Es un viaje a mi interior, de sanar y de desahogarme y darme cuenta de que la vida sigue y que hay cosas que no tienen respuesta”.

Así es como gesta su propuesta artística, donde combina sus raíces latinas con lo mejor del pop anglosajón que ha consumido desde que era niña: Taylor Swift, Adele, Miley Cyrus o los Jonas Brothers. Estas 16 canciones son un repaso de las vivencias de su última década, protagonizada por sus “años más vulnerables”, un salto de la plena adolescencia con 15 a ser una joven adulto con 25. “Son las etapas donde uno más entiende sus emociones. Soy muy sensible, siento muchísimo. Ha sido como muy un ejercicio muy bonito”, relata.

Producido por KEVN (alias de Kevin Aguirre), Taubert ha colaborado con Rami Yacoub, colaborador de Max Martin en éxitos de Britney Spears y One Direction, y el propio Martin, compositor del histórico álbum 1989 de Taylor Swift, que obtuvo el premio álbum del año en los Grammy en 2016. “Yo no creo en las coincidencias, sí en las diosidencias —término que combina las palabras Dios y coincidencia, que se interpreta como una intervención divina—, porque son cosas que no me explico cómo pasan”, cuenta la cantante. Para ella, componer con ambos —este último se presentó de sorpresa en la sesión— fue una “locura”. “Obviamente, no tenía ni idea de quién era yo, pero fue como: ‘Vamos a hacer una súper canción’. Estaba interesado por la cultura latina, el habla hispana... Fue muy bonito. De las experiencias más increíbles de mi vida”.

Más allá de colaborar con el icónico compositor y productor, también lo ha hecho con el cantante y actor Joe Jonas, que marcó a toda una generación con películas Disney como Camp Rock (2008), protagonizada junto a Demi Lovato. Taubert cuenta que, cuando llegó su nominación a los Latin Grammy como ‘Best New Artist’ —y que ganó en noviembre pasado—, encontró un vídeo de su infancia cantando This Is Me, canción interpretada por Jonas y Lobato en la película. Ella decidió escribirle por Instagram y él, más allá de dejarla en leído, quiso conocerla. Cuando quedaron en Nueva York ambos grabaron ¿Cómo pasó? a dúo y unos meses más tarde estaban en el Kaseya Center de Miami en los premios interpretando el tema. La versión en estudio está disponible en el álbum.

Otra de estas “disidencias”, como ella las llama, le ocurrió con Aitana, cuando se conocieron hace dos años, cuando la extruinfita visitó su país natal. “Tuvimos el chance de conocernos y luego me escribió para ser parte de su álbum, que para mí fue la locura misma”. Pese a escribir una canción más tarde en Los Ángeles, esa canción no es la que hoy se puede escuchar en Cuarto Azul. ¿Para qué volver? surgió cuando estaban “un poco lejos”. “Escribí mi pedacito con Kevin, con mi productor. Es una canción muy especial, no hubiera podido ser mejor canción que esa. ”Me siento demasiado orgullosa, demasiado feliz por cumplir también ese sueño. Fue muy bonito poder lograr esta colaboración en un álbum tan espectacular“, añade.

Su abuela, bailora de flamenco

Más allá de sus influencias angloparlantes, Taubert no se olvida ni de sus raíces latinas ni tampoco de su conexión con España. Su abuela es bailora de flamenco. “Me metió muchísimo en la cultura española porque ella es bailaora de flamenco“, dice. “Siempre estuve muy empapada de mucha cultura y de mucha música”, añade sobre ambos idiomas.

Cuenta que en el lugar donde se crió su abuela, nacida en el municipio colombiano de Villavicencio dentro de los Llanos Orientales, “había mucha cultura española y del flamenco”. “Ella estudió arte y baile durante muchos años, tocaba la guitarra y se graduó de bailaora”. Mientras lo narra, se le ilumina la mirada. “Crecí viéndola. Tengo un amor muy grande por España, voy por cada esquina y me recuerda a mi abuela”, dice haciendo referencia a las calles de la capital.

Sea como sea, la artista tiene claro que Colombia es su “casa”. “Bogotá es una ciudad que está muy empapada de mucha música y de mucha cultura“. ”Crecí escuchando a Juanes, Karol G, Shakira, Andrés Cepeda, Fonseca... Uno crece con esa ilusión. Si ellos fueron capaces de salir de Colombia a compartir nuestra cultura, a lo mejor yo también puedo”, menciona con orgullo, y añade que, precisamente, su cultura le ha ayudado mucho a encontrarse “como artista y como persona, y a seguir representando con orgullo y amor el lugar del que vengo”.

Ahora, con la vista puesta en el futuro, Ela no deja de soñar. ¿Qué le diría a la joven del 2020, cuando tenía apenas 20 años? “Que no se rinda. Y que siga a pesar de que se ve difícil y que le siga metiendo todo el amor que lo va a lograr”. Sus deseos son órdenes. Para el futuro Dios, o su fuerza de manifestar, dirá. Por ahora pinta muybien.

En la industria musical, el éxito en las listas de éxitos es lo que transforma a los artistas en íconos globales. Al menos, así lo era antes. Los Beatles, Elvis Presley, Beach Boys y Rolling Stones son solo algunos ejemplos de artistas que alcanzaron la fama gracias a sus numerosos sencillos en la cima de las listas. Sin embargo, hay un grupo que, a pesar de haber participado en más canciones número uno que estos gigantes, sigue siendo un completo desconocido para muchos: The Funk Brothers. Héroes anónimos, arquitectos silenciosos.

Fundados en 1959, The Funk Brothers fueron la banda de la casa de Motown Records, discográfica de Detroit que, durante las décadas de 1960 y 1970, revolucionó la música pop y soul. La realidad es que fueron una banda de sesión y participaron en la casi totalidad de las grabaciones de todos los artistas del sello. A pesar de ser los arquitectos sonoros detrás de algunos de los mayores éxitos de Motown, apenas recibieron el reconocimiento público. A pesar de ser conocidos en los clubes de jazz de Detroit, permanecieron en el anonimato en las grabaciones de la Motown hasta la década de 1970, cuando el estudio reconoció a los músicos de acompañamiento

Durante su existencia, The Funk Brothers participó en la grabación de más de 50 sencillos número uno, incluyendo algunos de los más emblemáticos de la música popular, como I Heard It Through The Grapevine de Marvin Gaye y Reach Out (I’ll Be There) de The Four Tops, y para artistas como Stevie Wonder. Estos éxitos, junto con cientos de otras canciones que definieron la era dorada de Motown, tienen algo en común: el sonido único de The Funk Brothers.

Sin créditos hasta 1971

A lo largo de los 13 años de existencia del grupo, los miembros de The Funk Brothers fueron responsables de crear los riffs de bajo y las líneas rítmicas que dieron forma a los clásicos del soul y el funk. Entre sus miembros más destacados de los muchos que pasaron por allí, se encuentran James Jamerson, cuyo bajo se considera el alma del sonido Motown, y William “Benny” Benjamin, el baterista cuya base rítmica impulsó algunos de los mayores éxitos de la discográfica. Otros músicos clave fueron Earl Van Dyke, Robert White y Joe Messina, que también contribuyeron significativamente al sonido característico de la casa.

A pesar de su trascendental contribución a la música, The Funk Brothers fueron esencialmente una banda de acompañamiento, un concepto común en la industria del funk y el soul, pero que rara vez era reconocido en los créditos de los discos. Por ejemplo, aunque participaron en el primer sencillo número uno de Motown, Please Mr. Postman de The Marvelettes, su nombre no figuraba en la portada. Los músicos no reciben crédito público por su trabajo hasta 1971, cuando Marvin Gaye incluyó sus nombres en su álbum, What’s Going On. El grupo se disolvió en 1972, cuando Motown dejó Detroit para mudarse a Los Ángeles.

La desaparición de The Funk Brothers fue casi silenciosa. La recopilación de sus contribuciones se vio finalmente reflejada en el documental Standing in the Shadows of Motown, que, en 2002, ayudó a restaurar la memoria colectiva sobre su rol clave en la historia de Motown.

En 2013, fueron homenajeados con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, y su legado sigue vivo tanto en la música de Motown como en las generaciones posteriores.

Hace 15 años ya lo cantaba, hoy tiene más sentido que nunca. "It was the end of a decade, but the start of an age" (”Era el final de una década, pero el comienzo de una era”), entonaba Taylor Swift en Long Live, canción que cerraba su tercer álbum de estudio, Speak Now (2010). No han tenido que pasar diez años, pero sí seis. Este viernes, la cantante de Pensilvania de 35 años ha hecho público que ha recuperado los derechos de sus seis primeros álbumes, derechos que perdió en 2019 después de que Big Machine Records, el sello en el que Swift comenzó a desarrollar su carrera en el 2005, vendiera el catálogo de la artista a Shamrock Capital por 300 millones de dólares (hoy, unos 260 millones de euros al cambio).

“Por fin puedo decir estas palabras: Toda la música que he compuesto ahora me pertenece a mí”, ha anunciado Swift en una carta que ha publicado en su página web. Desde que perdió sus derechos, la cantante ganadora de 14 premios Grammy había estado regrabando sus álbumes bajo el concepto de (Taylor’s Version). En estos seis años ha publicado cuatro de los seis: Fearless (2021), Red (2021), Speak Now (2023) y 1989 (2023). “Todos mis vídeos musicales, todas las películas caseras, los recuerdos y las fotografías, las canciones inéditas, cada pequeño detalle, la magia, la locura, cada símbolo, el trabajo de toda mi vida”, ha añadido en la extensa carta.

Este anuncio llega justo cuando se cumple un año de los dos conciertos que ofreció en el Santiago Bernabéu como parte de la multimillonaria gira The Eras Tour, donde interpretó precisamente estas canciones, las que han marcado su vida y su trayectoria como artista. “Mis fans saben lo importante que ha sido para mí, tanto que regrabé y publiqué meticulosamente cuatro de mis álbumes, llamándolos Taylor’s Version. El apasionado apoyo que mostraron a esos álbumes y la historia de éxito en la que convirtieron The Eras Tour me permitieron recomprar mi música”, señala. Solo con la gira, formada por 149 conciertos, con tres horas de perfomance por show con 44 canciones, le supuso a la cantante unos ingresos que superaron los 2.000 millones de dólares (casi 1.900 millones de euros), además de haber contado con más de 10 millones de espectadores, como confirmó The New York Times y fuentes representativas de la propia cantante.

La también compositora ha agradecido a Shamrock Capital, la venta de casi 15 años de su trabajo. “Estaré eternamente agradecida con todos en Shamrock Capital por ser los primeros en ofrecerme esto. Han gestionado cada interacción con honestidad, justicia y respeto. Para ellos era un negocio, pero sentí que lo veían como lo que era para mí: mis recuerdos, mi sudor, mi letra y mis décadas de sueños. Estoy infinitamente agradecida”. Scooter Braun, empresario y mánager de artistas como Justin Bieber o Ariana Grande, adquirió en 2019 los derechos de los seis primeros álbumes de Swift cuando compró su antigua discográfica, Big Machine Records, sin el consentimiento de la artista, para vendérselos a la citada empresa. Tras esto, fue acogida por Universal Music Group y con ellos ha distribuido cinco álbumes más: Lover (2019), folcklore (2020), evermore (2020), Midnights (2022) y The Tortured Poets Department (2024).

La cifra por la que Swift habría comprado sus derechos no ha trascendido, aunque portales como Page Six han apuntado que el precio estimado estaría entre 600 millones y 1.000 millones de dólares.

¿Qué pasa con las regrabaciones qué quedan?

Y quien sea fan de Swift, lo sabe. Los fans llevan literalmente años esperando a que Reputation (Taylor’s Version) vea la luz. Algo que, para desesperación de muchos, nunca llegaba. En la carta ha querido quitarse la espina que perseguía a sus seguidores y ha confirmado que el álbum, por ahora, no saldrá a la luz. “Reputation era tan específico de esa época de mi vida que me topaba con un punto muerto cuando intentaba rehacerlo”. La autora ha asegurado que este álbum, publicado en 2017 nacido de sus controversias mediáticas -especialmente tras el rifi-rafe con Kim Kardashian y Kanye West- es el único de los seis primeros que pensó que “no podría mejorarse rehaciéndolo. Ni la música, ni las fotos, ni los vídeos. Así que lo fui posponiendo”. Sin embargo, no ha descartado no publicarlo.

Por otro lado, Taylor Swift, el álbum debut de corte íntegramente country que publicó en 2006, el género que la vio nacer hasta evolucionar y experimentar, sí está totalmente regrabado. “Ya he regrabado por completo mi álbum debut, y me encanta cómo suena ahora”, ha detallado, pero ha añadido que por el momento no verán la luz, y si lo hacen será porque a los fans les ”entusiasma“. ”Esos dos álbumes aún pueden tener sus momentos para resurgir cuando sea el momento adecuado, si es algo que os entusiasma. Pero si sucede, no será por tristeza ni nostalgia de lo que desearía tener. Ahora será simplemente una celebración".

Cuando en 2019 anunció que regrabaría sus álbumes, se convirtió en un referente. Los artistas empezaron a tomar conciencia de la importancia de ser dueños de su propio trabajo: Kesha, The Weekend o Shakira. Ahora es su turno. Taylor Swift vuelve a ser dueña de ella misma.

“Vi en redes sociales que la gente que normalmente no se implica en este tipo de causas lo estaba compartiendo y dije: ‘Vale, esto va a ser gordo’”, dice. Se refiere a la manifestación celebrada en Madrid -con un efecto dominó en otras ciudades de España- el pasado 13 de octubre contra los precios de los alquileres y la vivienda. Fue entonces cuando Sincierre, un colectivo de jóvenes comunicadores, diseñadores y publicistas, decidió aportar su granito de arena con unas pancartas que aparecieron en los stories del usuario medio de Instagram.

Blancas y simulando un anuncio de Idealista, sus diseños se colaron entre los más compartidos de la jornada de protesta. “Cogimos un par de frases relacionadas con los metros cuadrados de una casa” y el resto es historia (de las apps). Javier (29) crea Sincierre en 2020 con el ímpetu de aparcar la “frustración” que sentía en sus creaciones laborales, adscritas a una marca o un producto muy concreto. “Llamé a gente que sabía que podía estar en la misma situación que yo y decidimos sacar el colectivo adelante para defender ideas que a nosotros nos importan”, indica a Infobae España.

Formado por “un grupo de WhatsApp” cuyos miembros oscilan según la temporada, Sincierre nace con un ímpetu anónimo y altruista, y cuenta en sus filas con diseñadores gráficos, comunicadores o perfiles dedicados a la publicidad. Todo lo que crean lo comparten en su cuenta de Instagram (@sincierre). “Esto no da dinero, tenemos nuestros trabajos aparte”, cuenta Javier. La primera campaña social que efectuaron se produjo en el marco de la vacunación durante la pandemia. Desde entonces, sus proyectos han ido apareciendo poco a poco, pues tratan de que el producto esté cuidado mientras lo compaginan todo con sus jornadas laborales propias. “Queremos que nuestro talento vaya a causas sociales que merecen la pena y no a marcas sin compromiso”, dice.

Javier y compañía evitan darse demasiada importancia. No quieren que el nombre del colectivo esté por encima de la acción que preparan junto a asociaciones vecinales o movimientos sociales organizados. Lo que Sincierre hace es “donar” sin coste alguno esa parte más artística y curada de las protestas, ya sea a través de pancartas, diversas estrategias de comunicación en redes, ilustraciones o proyectos más concretos relacionados con la imagen. “El mundo activista muchas veces deja de lado el diseño y la estética”, cuenta. “En ocasiones es el plus que les falta” y que el colectivo les aporta con su “bagaje” artístico.

Activismo o anonimato, esa es la cuestión

Javier explica uno de los grandes quebraderos de cabeza del colectivo: la duda eterna de si deben o no firmar sus piezas. “Hasta ahora hemos decidido que sean anónimas, porque puede parecer que te aproveches de una cuestión social para darte publicidad o autobombo”, relata. Por ello también prefiere que no se sepa a ciencia cierta quién forma parte del proyecto y a qué se dedican. Insiste en la privacidad como si de un Banksy se tratase. También porque su labor va más allá de ellos. “Es como los memes o los stickers, los crea alguien y pasan a ser del pueblo, que es quien los va rulando”, dice. “Eso es mucho más bonito que intentar que la gente lo asocie a tu marca”, apostilla.

Además de las pancartas virales, Sincierre tiene preparadas otras iniciativas junto al Sindicato de Inquilinas para ampliar la voz sobre dicha problemática. “La primera idea que tuvimos fue la de colgar una lona en un edificio de Gran Vía para que la gente que formase parte de la manifestación la viera”, dice Javier. También pensaron en llenar de vinilos una estación del Metro de Madrid, una gestión que todavía no pueden cerrar por motivos económicos. “Son muchos miles de euros”, cuenta.

Antes de su ‘idea, lista’, Sincierre elaboró una serie de proyectos para la primera manifestación de plantas de la historia (una acción que tuvo lugar el 15 de julio de 2023 en Madrid). También han trabajado con Extinction Rebellion, un movimiento social mundial que aboga por la justicia climática, y fueron un pilar audiovisual fundamental en la campaña de la vacunación frente al coronavirus. “Nos dimos cuenta de que éramos mucho más fuertes si nos asociábamos con gente que defiende nuestros mismos valores”, explica.

Ahora, Javier quiere que el colectivo vaya más allá de la rebeldía y la insatisfacción callejera. “Me parece una forma básica de protestar y seguiremos yendo a manifestaciones, pero somos mucho más que eso”, cuenta. Además de las acciones convencionales que han estado haciendo hasta la fecha, Sincierre -que como bien indica su nombre, es una organización que no acota sus límites-, estaría dispuesto a ahondar en “el mundo perfomance”, ir por la calle con un megáfono o repartir panfletos diseñados. “Mi ambición sería poder vivir de esto sin perder nuestra esencia y poner el foco de atención en las cosas que necesitan ser escuchadas”, concluye.

Sebastián Yatra se encuentra en plena promoción de su nuevo álbum estudio, Milagro, publicado el pasado 16 de mayo. Y si hace unas semanas atendió a los medios en España, ahora ha pegado el salto al otro lado del atlántico. “Este disco ha sido una oportunidad para ir a lo más profundo de mi corazón. Milagro para mí es un concepto hermoso porque todos tenemos nuestro propio concepto de lo que es un milagro", dijo a mediados de mes en el programa El Hormiguero. Este miércoles, acudió al programa The Kelly Clarkson Show, donde el también actor, entre otros temas, conversó con la presentadora Kelly Clarkson sobre su colaboración musical con la artista catalana Bad Gyal, el nombre artístico bajo el que se esconde Alba Farelo.

En el vídeo, compartido por las redes sociales del programa, la conductora le preguntó al propio Yatra sobre 2AM, su colaboración con Bad Gyal estrenada el pasado mes de noviembre, y que ahora forma parte de su cuarto álbum. Por este motivo, aprovechó para hablar de su éxito conjunto con la catalana, explicando cómo fusionaron su estilo con un tema que mezcla reguetón y un sample de Thank you, canción de Dido. “Bad Gyal es una de mis artistas favoritas ahora mismo, una auténtica badass”, afirmó Yatra. “Es súper cool y la canción refleja eso. Tomamos un sample y lo adaptamos al español. La letra dice: ‘Son las dos de la mañana y no sé dónde estás’, y luego va directo al reguetón”, contaba el artista, para que inmediatamente después Clarkson comentara que “el español es un idioma muy sexy”,

Tras mostrarse de acuerdo con esto, la presentadora añadió, en tono de broma: “Me esfuerzo tanto [con el español] que el búho de Duolingo está muy decepcionado conmigo”. “¿Cuál es la cosa más sexy que puedes decir en español?“, preguntó Yatra a la intérprete de Stronger. ”Cualquier palabra que lleve un ‘r’, como ‘rojo’“, respondió, intentando pronunciarlo en español.

La anécdota de Yatra en ‘El Hormiguero’: estuvo en la cárcel

Volviendo a su paso por España, el cantante contó en el programa de Atresmedia dirigido por Pablo Motos que estuvo en la cárcel. Fue en Florida (Estados Unidos). “Salí por el balón corriendo porque estaba saltando balcones y me metieron en la cárcel”, explicó. “Tenía 18 años y no se lo recomiendo a nadie”. Ante esto, Pablo Motos quiso conocer más detalles. “Estuve 27 horas y fue complicado. Lo pasé mal, pero fue una experiencia interesante de vida que me hizo valorar mucho la libertad”, replicó.

“Nos metieron a mí y a un amigo a la cárcel, pero no estábamos juntos. En mi celda había un tipo que yo no conocía”, agregando que estaba vestido con la vestimenta habitual que dan a los presos. “Yo entré muerto del susto y veo a un hombre acostado. Yo estaba en la cama de arriba. Entré superlento y sin hacer ruido para no despertarle, porque era de noche”.

“Cuando ya estaba en la cama, miro para el techo y justo escucho ‘¿Por qué te metieron aquí?‘. Le conté mi historia y él me contó la suya, que fue bastante fuerte. Y nos hicimos amigos", zanjó.

La canción, a dúo con el artista guatemalteco—mexicano Jesse Baez, referente del R&B latinoamericano y colaborador de C.Tangana, nace del duelo. Pero no el anhelo de un amor romático, sino por la pérdida de una amistad, por crecer y por cambiar de etapa casi sin darse cuenta. “La vida va de eso, de ir completando etapas y de repente no te das cuenta, pero ya no estás en la de antes”, cuenta en la redacción de Infobae España el jueves 8 de mayo, horas antes de que la canción esté disponible en plataformas. Por eso también medita sobre la nostalgia, de lo que va su segunda puesta de largo. “De no querer aceptar el paso adelante, de aferrarte a lo que ya conoces como un clavo ardiendo”, cuenta la cantante de 26 años.

Es una tarde nublada y lluviosa —otra más— en la capital. Tal vez, la ocasión perfecta para reflexionar sobre el pasado y también sobre el feminisimo, dos de los temas que más le han tocado en los últimos años. Si durante la promoción de Duro ya estaba cansada de que, especialmente los hombres, le preguntaran por este último tema, vuelve a lanzar la misma bala. “Gastas muchísima energía y te cuestionas un montón sobre lo que has contestado, lo que no. También dices: ‘Yo qué cojones sé’”. Durante la convesarción, dispara otra vez la pistola, pero sin apuntar a nadie, o tal vez a todos. “Se expondría a tanta gente que sería esto una masacre”, añade sobre un Me Too que en España, ni en el la industria musical ni audiovisual, termina de cuajar. Natalia Lacunza, como siempre, va con todo. Está de vuelta.

Pregunta. A finales de 2023 estrenaste tu EP Duro. En ese momento dijiste que necesitabas parar, y hasta el verano pasado que estrenaste el single doble SIMELLAMA / LAPLATA no habías sacado más música. ¿Qué te pasó por aquel entonces?

Respuesta. Me pasó una cosa muy lógica, que es que yo llevaba trabajando de todo a la vez como tres años. Estuve con muchísima gira, componiendo, haciendo promo... haciendo muchas cosas al mismo tiempo. Al final este trabajo requiere de una energía muy grande para poder sacar toda la creatividad. Yo sentía que estaba llegando a un punto en el que estaba agotada. Mi energía había bajado a mínimos totalmente y creo que todos los artistas necesitamos tener un poco de barbecho, hacer un equilibrio entre épocas de trabajo muy duro y las de un poco menos para poder centrarte en lo que es la composición y la creación del siguiente proyecto. Este tiempo desde que salió Tiene que ser para mí (2020) y Duro (2023), fue un sin parar también. He tenido este momento de estar más en barbecho, de tocar menos, de exponerme menos y de centrarme mucho más en el proceso creativo. Y ha dado sus frutos, la verdad.

P. ¿En qué momento dirías que estás ahora?

R. Estoy en un momento un poco tenso porque el segundo álbum siempre es una cosa que impone un montón. Yo creo que tanto para el artista como para el público, siempre el segundo largo es un momento importante. Puede ir muy bien o muy mal. Pero bueno, como todo en la vida, estoy intentando no pensar demasiado en cómo se va a recibir, sino en intentar disfrutar del proceso hasta que llegue ese momento que está siendo un poco agónico. Estoy en un momento un poco de nervios, de incertidumbre, de muchos altibajos, un día súper contenta, otro día en plan: “Esto es una mierda”. Pero bueno, nos pasa a todos.

R. Hay una cosa que me gusta mucho de Un castigo y es que dices que es una reflexión sobre el duelo, pero no solo de una relación, sino de una etapa vital. ¿Tenías también la necesidad de volver renovada también musicalmente hablando?

R. Sí, un poco. También a la vez necesitaba como volver a aunarme con una Natalia anterior. Un castigo es el tema que más me recuerda a la Natalia de antes. Me recuerda mucho a Tiene que ser para mí, A todo lamento, a estos temas más poppies, como funkerito, un poco ¿no? Tiene esta esencia de la Natalia de antes. Durante este tiempo he hecho bastante el ejercicio de abrazar a esa Natalia. Siento que llevaba un tiempo cuestionándome un montón e intentando escapar un poco de mi propia naturaleza al hacer música. Tengo una nube de melancolía y de nostalgia que vive en mi garganta, de la que quizá no me tengo que deshacer, ¿sabes? Tengo que abrazarlo y llevarlo al máximo exponente, que es un poco lo suyo. Cada uno tenemos una forma de expresarnos y esta es la mía. En vez de rechazarla lo que he hecho ha sido coger, abrazarla. El resultado ha sido este disco que tiene mucho de la Natalia de antes, de las melodías mías primeras y de esa forma de conectar con la música. Nunca me habéis escuchado como estoy sonando. Este disco tiene un poco las dos vertientes.

P. ¿Porqué decidiste sacar una colaboración como primer single?

R. Esta canción en todo momento la sentí bastante single. Es un tema que salió en una tarde e iba a ser yo sola, pero yo me seguía [en redes sociales] con Jesse Baez. Seguía el trabajo que él hace desde hace mucho tiempo, había pequeñas interacciones y yo decía: “Jolín, de repente este tema creo que puede quedarle muy guay y puede ser lo que le haga falta. Otra voz que le aporte textura, que juegue muchísimo con los arreglos vocales porque hay un montón de coros...”. Sentía que este tema era el más pop del disco, el que mejor iba a entender la gente también, y me parecía una buena vuelta después de haber divagado más por otros universos en mis anteriores trabajos cortos. Es como decir: “Mira, estoy volviendo al pop. Estoy volviendo conmigo misma de abrazar esta línea pop que yo quiero tener siempre”.

“Mis 25 años fue un momento de darme cuenta de que lo que yo pensaba que ya estaba seguro en mi vida tenía que volver a resignificarlo”

P. He leído una entrevista que diste para México en septiembre del año pasado que decías que te hacía falta un poquito más de autoestima y de seguridad. ¿Crees que lo has encontrado ahora?

R. Bueno. Creo que el camino de una chica es tremendamente largo e infructuoso. No sé si se diría así. Creo que va por momentos.

P. Hay días y días.

R. Hay días y días, total. No se puede estar siempre en la cresta de la ola, ni tampoco puedes estar todo el rato retozandote en tu propia mierda. Tienes que encontrar un punto medio. Yo estoy intentando escuchar mis emociones, identificando los pensamientos negativos que te hacen entrar en bucle. Creo que eso es un poco la clave para sobrevivir, entender qué pensamientos que estás teniendo vienen de un lado negativo e irreal de tu cerebro y cuáles son los que realmente tienes que escuchar. Estoy en ese camino de aprender a a encajonarlos y poder vivir con ello.

P. Hablando también de la etapa vital que mencionabas antes, nombras la tristeza sobre una juventud que no es como esperabas. ¿Cómo fue el momento en el que te diste cuenta de que no era como te imaginabas?

R. Yo creo que es que el año 2025 y mis... Bueno, no, mentira. El año 2024 y mis 25 años fue un momento de darme cuenta que lo que yo pensaba que ya estaba seguro en mi vida tenía que volver a resignificarlo. Las amistades que yo pensaba que iban a ser para siempre de repente no lo son. La sensación que yo tenía viviendo en Madrid cambia completamente y tienes que volver a resignificar tu espacio en la ciudad. También reencontrarte contigo misma de nuevo. No hay tregua y siento que esta cosa que me ha pasado a los 25 seguramente me pase los 30 y me pase los 35 también. La vida va de eso, de ir completando etapas y de repente no te das cuenta, pero ya no estás en la de antes. Esta es la primera vez que me pasa esto, ya en la edad adulta. Tengo 26 años, no son tantos, pero a la vez ya me estoy acercando a los 30. Es este momento de limbo, de decir: “Joder, ya no puedo excusarme con que soy una postadolescente”. Es que ya no lo soy. Tengo 26 años, debería saber perfectamente lo que estoy haciendo y no es así.

P. Justo por eso te preguntar, por si te da ansiedad crecer o eres de las que les encanta la nostalgia.

R. No es que me encante la nostalgia, pero creo que es una cosa con la que convivimos todos y que hay que saber cómo darle el lugar correcto en uno mismo. Es normal tener apego a cosas del pasado, pero también es necesario mirar para adelante. Te puedes volver a enamorar, puedes volver a tener un crush de amiga increíble, puedes volver a a pasear por esta ciudad y que signifique otra cosa, reinventarlo un poco. La nostalgia es un sentimiento que indica que has tenido cosas buenas en el pasado, entonces está guay, ¿no? También es como la sensación de, yo qué sé, escuchar a Kate Ryan, escuchar temas de los 2000 y que te dé toda la nostalgia. Si está bien canalizada, la nostalgia es muy buena, pero tampoco hay que recrearse en ella demasiado.

P. Porque también hace daño.

R. Claro. De hecho, eso es un poco de lo que va el disco. De no querer aceptar el paso adelante, de aferrarte a lo que ya conoces como un clavo ardiendo y darte de bruces.

P. ¿Y crees que antes, a lo mejor, tenías romantizado ciertas cosas sobre el paso de la vida, la juventud?

P. Creo que sí que tenía un poco romantizado el hecho de estar ya en una etapa como postadolescente y decir: “Vale, yo he escogido a mis amigas con mi dedo” y he dicho: “Tú te quedas conmigo por esto, por esto y por lo otro”. Y de repente, por mucho que tú hayas querido que esa persona signifique eso en tu vida, nunca sabes lo que va a pasar y se puede ir. Esto es una cosa que puede pasar. A mí por ejemplo me ha costado mucho soltar eso. Las personas vienen y van de tu vida. Es una cosa que parece que aprendemos desde muy pequeños, pero en realidad hasta que no lo vives en tus carnes no te das cuenta del duelo realmente grande que es.

P. Sí, sí, justo. Porque a veces perder a un amigo o un grupo de amigos incluso te puede llegar a doler más que...

R. De hecho este disco parece que va de una ruptura amorosa y en realidad es una ruptura amistosa. Es una cosa que me gusta porque es un dolor que no había sentido nunca. Esta intensidad de dolor por una ruptura amistosa, que es lo que dices, puede ser peor que una amorosa. Cuando tú estableces una relación romántica con alguien, el final ya cabe un poco en tu imaginario. Una relación romántica puede terminarse en algún momento, pero la amistad no se concibe de la misma forma. No está tan claro el horizonte, no cuentas tanto con la idea de que esa persona va a desaparecer. Es un duelo distinto.

P. Si a ti hace un par de años te hubiesen dicho todo esto, ¿qué consejo te hubieses dado a ti misma?

R. No te culpes por sentir cosas. Tú quiere todo lo que tienes que querer porque tienes un corazón enorme y es lo que tienes que hacer. Está bien hecho. Pero también entiende que puede que no sea para siempre. No te agarres a esto como si fuera el sustento entero de tu vida, porque realmente el sustento de tu vida vas a ser tú misma, no las cosas que te rodeen. Quiere todo lo que tengas que querer porque está bien hecho. Todo lo que sea amor dado está bien dado, pero luego no esperes que las cosas sean como a ti te gustaría que fueran. Después de eso, no está en tu mano como que el resto de gente se comporte.

P. Entrando un poco en terreno musical, ¿cómo ha cambiado tu visión de la música y de lo que tú haces desde 2018 hasta que empezaste oficialmente [tras salir de Operación Triunfo] hasta ahora?

R. Es verdad que ha habido momentos. Siento que he perdido un poco de ingenuidad. Antes hacía música y no pensaba en la música que estaba haciendo, como que hacía lo que me salía y ya está. Sigo haciendo lo que me sale pero ahora lo pienso muchísimo más. Soy mucho más consciente de la repercusión o no que eso puede tener, de la interpretación o no... Hay muchas cosas que rodean al proceso creativo que sé que interfieren y eso es una cosa que va pesando con los años. Eso es un poco lo que ha cambiado.

“Este disco parece que va de una ruptura amorosa y en realidad es una ruptura amistosa. Una relación romántica puede terminarse en algún momento, pero la amistad no se concibe de la misma forma”

P. También son tus ingresos, a lo mejor, aunque inconscientemente, también tienes que pensar si va a gustar, por si la gente te lo va a comprar.

R. Claro, justo. Al final estás monetizando el arte y eso es una movida tremenda porque el arte no debería ser monetizado. Entran unos patrones de estructura que son muy distintos a tu pura relación con la creatividad y con la música. Estos años han sido básicamente irme dando cuenta de qué va la vaina. Pierdes un poco como de ilusión, de frescura... pero tienes que pelear por recuperarla, seguir enamorada de lo que haces a pesar de que haya muchas cosas que hacen mucho ruido que quizá no te lo ponen tan fácil.

P. Este es el primer single de tu segundo álbum. ¿Por qué has preferido siempre sacar más EPs más que una puesta de largo?

R. El formato EP es muy divertido porque evidentemente hay un compromiso muy grande con el trabajo, pero no son las palabras mayores que es un álbum. Es guay porque puedes experimentar, puedes sacar cosas sin que tenga el peso de ser “mi segundo álbum de estudio”. Es un formato más ligero y más divertido de hacer. El disco tiene mucha más intensidad emocional, pero también tiene mucho más peso, más presión, más expectativa... Cuesta más hacerlo. Estamos ahí, ya estamos acabando.

P. Y ahora en mayo (este miércoles 14, en Rivas) empieza tu gira de festivales hasta agosto (MadCool incluído). ¿Qué has planeado?

R. Un poco un intermedio entre todo lo que he hecho. Es un poco un greatest hits con un poco de todo lo que he ido sacando. También he intentado incorporar temas antiguos que hace tiempo que no canto, que sé que a la gente le gustan mucho. Es intentar hacer un Best of Natalia, ¿sabes?, y presentar poco a poco también los singles del disco.

P. Durante la promo de Duro en septiembre 2023 dijiste que estabas harta de que te preguntaran sobre feminismo, pero especialmente que te lo preguntaran hombres. ¿Cómo has lidiado con todo esto? Siento siempre que se os pregunta a vosotras y nunca qué pueden hacer ellos.

R. Claro. Cuando respondí a esto era como: “Pregúntaselo a algún man, ¿no?“. Pregúntaselo a algún hombre, a ver qué te contesta. Creo que esa respuesta te sirve más de análisis que la que yo te pueda dar. Al final soy una persona con unas convicciones, unas creencias, que he vivido unas cosas en mi propia carne. Te puedo dar mi testimonio, mi opinión al respecto, pero aquí el trabajo más grande que hay que hacer es el de analizar a la otra parte. Eso era un poco lo que yo quería decir en ese momento. ¿Cómo lo he llevado? Pues a veces bien, a veces peor. Hay muchas veces que no quiero hablar de esto porque siento que ya lo he hablado. Es una cosa que me drena un montón, porque también te sientes muy comprometida, ¿sabes? Cuando te hacen ese tipo de preguntas yo te puedo decir lo que pienso y creo firmemente, pero también está ese momento especulativo de ver qué contesto... es que no sé si quiero estar en esa posición.

“Se expondría a tanta gente que sería esto una masacre”

P. Te debía pasar mucha factura mentalmente.

R. Claro, es que gastas muchísima energía y te cuestionas un montón lo que has contestado, lo que no, también dices: “Yo qué cojones sé”. Tiene que haber alguien doctorado en esto que te pueda contestar. Estamos hartas de que nos pregunten a nosotras cómo se siente ser una mujer en la industria. Ya sabemos cómo se siente ser una mujer en la industria, ahora tendrás que preguntarle al directivo de Universal, de Sony, de tal o de cual que van a hacer ellos para que cambien las cosas. El foco esté también ahí.

P. Y también pregúntale a X artistas.

R. Bueno, eso ya ni te cuento.

P. Que se cuestionen ellos también ciertas cosas.

R. En ese caso, ¿sabes qué pasa? Que se expondría a tanta gente que sería esto una masacre.

P. Hay una pregunta que muchas veces se os suele hacer, que es tipo comodín, que es la de ¿qué os gustaría que os preguntasen? Yo voy a hacerte la contraria. ¿Hay una pregunta que te gustaría que te dejaran de hacer?

R. Pues realmente no. Soy bastante chill. He contestado la misma pregunta 80 veces y entiendo que es parte del trabajo también. Luego cada vez me sale decir una cosa, voy indagando un poco en mi propio cerebro. Está guay. Tampoco me raya especialmente ninguna pregunta. Si te puedes ahorrar la de qué se siente siendo una mujer en la industria musical pues mejor, pero bueno, yo contesto a todo generalmente.

P. Están ahora haciendo castings para la nueva edición de OT (que se estrena en septiembre). ¿Qué consejo le darías a alguien que entrara ahora? Porque creo que en estos siete años ya han pasado muchísimas cosas...

R. ¡Siete años! Madre mía...

P. Creo que en estos años han cambiado muchas cosas, para bien, pero también en otras para mal. ¿Qué consejo te darías a ti misma en el hipotético caso de que fuese 2018 y volvieses a entrar?

R. Yo es que creo que lo hice súper bien. Creo que fui con la mentalidad que tenía que ir, fui sin expectativas de ganar en absoluto, a aprovechar la experiencia, a aprender un montón y a disfrutar de mis compis. Es un campamento, al final del día. Es como un My Camp Rock. Es literalmente eso y es súper divertido. Yo creo que no cambiaría nada. La Natalia que entró a Operación Triunfo entró justo cuando tenía que entrar, sin miedo, con ganas de pasárselo bien, de aprovechar la experiencia un montón. Sí que le habría dicho como: “Cuídate muy bien luego”. No le habría dicho nada sobre dentro porque es que creo que estaba perfectamente preparada para lo que tenía que hacer. Pero para luego, sí. Toda la movida, la paranoia máxima de decir “qué está pasando aquí”. Es como una cosa superantinatural. No haber hecho nada de tu propia cosecha en el sentido creativo y de repente tener una atención desmesurada en comparación a lo que tú sientes que has dado al público. Ahí empieza un poco la crisis existencial. Es muy importante cuidarte un montón, ir a terapia, rodearte de la gente que te quiere. A mí me pasó que lejos de que se me fuera la cabeza, se me bajó más todavía. Solo quería estar con la gente que ya conocía. Evidentemente luego hice un montón de amigos y todo eso iba como con el corazón súper abierto y luego pasaron cosas muy chulas también, pero que te guarden de tu propia soledad. Cuídate en tu foro interno, porque es que pueden pasar muchas cosas raras.

[OT] es una cosa superantinatural. No haber hecho nada de tu propia cosecha en el sentido creativo y de repente tener una atención desmesurada en comparación a lo que tú sientes que has dado.

R. ¿Y ya para terminar, hacia dónde va la Natalia de 2025?

R. Pues no lo sé, la verdad. Como que no lo tengo claro. Para mí este disco no se siente ni una apertura, ni un cierre de etapa ni nada así. Es como una continuidad completa de lo que vengo haciendo y de cómo vengo sintiendo. Me siento muy dentro del disco todavía, también a nivel pues que hablo de cosas y está escrito en una situación vital que todavía no ha terminado. Simplemente estoy expectante de a ver qué pasa. Tengo muchas ganas de que salga, de tenerlo terminado, de tenerlo en mis manos, de que compartirlo con el público, de volver a girar... De volver a sentirme otra vez en la rueda un poco. También está bien retirarse, pero me apetece ya como sentirlo en mi realidad, como en mi día a día.

Quedan menos de dos meses para que Pamplona se vista de blanco y de rojo y celebre durante ocho días las Fiestas de San Fermín, en honor al patrón navarro. Del 6 al 14 de julio no solo se escuchará el bullicio y el rumor de las aglomeraciones al amanecer para correr los sanfermines, sino que la música también tomará las calles durante esa semana de fiesta.

Este martes, el Ayuntamiento de Pamplona ha anunciado el cartel con los artistas que tocarán tanto en la Plaza del Castillo como en la plaza de Compañía durante las fiestas. Los nombres son muchos y muy variados: desde Leire Martínez -que arrancó en solitario el pasado abril tras haber sido la vocalista de La Oreja de Van Gogh durante casi dos décadas-, Rozalén o los colombianos Cali y El Dandee son algunos de los nombres más sonados que darán vida a las fiestas.

Conciertos en la Plaza del Castillo

Este espacio alberga los conciertos más importantes de los Sanfermines, que normalmente arrancan a partir de las 23:45 horas, tras los fuegos artificiales. Habrá cinco días en los que se celebrarán dos conciertos, el segundo de ellos, hacia la una de la madrugada, salvo el sábado 12, cuando el primer concierto de la rapera Sara Socas será a las 22 horas y el segundo, el de Cali y el Dandee a las 23.45 horas.

Como ha apuntado el consistorio, de todos los artistas seleccionados para el escenario de Plaza del Castillo, siete son mujeres (un 54%) y cuatro cantan en euskera (un 31%). En total serán 13 artistas.

A continuación, todas las actuaciones de este año en la Plaza del Castillo:

• Domingo 6 de julio: Bulego ((23.45 horas)
• Lunes 7 de julio: Tatxers (23.45 horas) y Kaotiko (00.50 horas)
• Martes 8 de julio: Rozalén (23.45 horas)
• Miércoles 9 de julio: Leire Martínez (23.45 horas)
• Jueves 10 de julio: OBK (23.45 horas) y Ladilla Rusa (01.00 horas)
• Viernes 11 de julio:  Dupla (23.45 horas) y Zea Mays (00.50 horas)
• Sábado 12 de julio: Sara Socas (22 horas) y Cali y El Dandee (23.45 horas)
• Domingo 13 de julio: Villano Antillano (23.45 horas) y Lia Kali (01.00 horas)

Conciertos en la Plaza Compañía

La Plaza Compañía de la ciudad acogerá tanto a artistas locales como “músicas del mundo en un ambiente más recogido”. De esta forma, por las tardes actuarán grupos locales, mientras que por las noches lo harán internacionales. La apuesta por la variedad de sonidos pasa por la música electrónica, el country o el afrobeat, entre otros.

• Domingo 6 de julio: Adrien Body (19 horas), Rapha Mundi (20.30 horas) y Zombies in Miami (22 horas)
• Lunes 7 de julio: Janus Lester (20 horas) y Bcuc (23.30 horas)
• martes 8 de julio: Kokoshca (20 horas) y Mystery Lights (23.30 horas
• Miércoles 9 de julio: Original Sistah (19 horas) y Seun Kuti & Egypt 80 (23.30 horas)
• Jueves 10 de julio: Kiliki (20 horas) y Bombino (23.30 horas)
• Viernes 11 de julio: Mirari (20 horas) y Chocolate Rmx (23.30 horas)
• Sábado 12 de julio: Naxker (20 horas) y Omar Souleyman (23.30 horas)
• Domingo 13 de julio: Bourbon Kings (20 horas) y Eri Yamamoto Trío (23.30 horas).

Es uno de los artistas más laureados y aclamados a nivel mundial. Y en España no es para menos. Bad Bunny ya apuntaba alto cuando en el 2022 y 2023 fue el artista más escuchado en Spotify en nuestro país, según datos de Spotify Wrapped. Esto se ha visto reflejado en la demanda para asistir al DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour que parará en nuestro país en Madrid y Barcelona el mayo y junio del año que viene. La fiebre por escucharle en directo ha superado con creces lo esperado. De los tres conciertos anunciados en la península para el próximo año -el 22 de mayo en Barcelona, en el Estadi Olímpic; y el 30 y 31 en el Riyadh Air Metropolitano de Madrid- la demanda ha escalado tales niveles que, entre el arranque de la preventa este jueves y hoy viernes, la venta general, en total se han sumado nueve conciertos más: Bad Bunny dará 12 conciertos en España. Hasta esta tarde, la cifra era de diez conciertos, pero a las 16.30 horas Ticketmaster ha anunciado dos fechas más para el 14 y 15 de junio en la capital. Por ahora, esa es la cifra, aunque quién sabe si la casa rojiblanca le dará más margen para seguir haciendo conciertos.

Los sold out ya son oficiales, como ha informado en la tarde de este viernes la promotora Live Nation. Solo en Madrid, en las 10 fechas previstas entre el 30 de mayo y el 15 de junio, se espera congregar hasta unos 60.000 espectadores por concierto, aunque depende de la disposición del escenario, como asegura el Atlético de Madrid en su web. Esta cifra, multiplicado por diez, haría que unas 600.000 personas disfrutasen del show de Benito Martínez Ocasio. Este número superaría con creces a la población de municipios como Murcia (474.617) o Málaga (591.637), y casi alcanzar Zaragoza (686.986), según datos del Instituto Nacional de Estadística (INE) a cierre de 2024.

El puertorriqueño regresó a principios de año con su sexto álbum de estudio, Debí tirar más fotos, un homenaje a la isla en la que nació, creció y vivió hasta hace un par de años, cuando vivió de forma intermitente entre Los Ángeles y Nueva York. En el disco, Bad Bunny se acuerda de algunos de los géneros que han servido de banda sonora, donde hace un tributo a sus raíces y ritmos latinos.

Cifras históricas, también en Spotify

Dos años antes, en 2023, estrenó Nadie sabe lo que va a pasar mañana, tras Un verano sin ti (2022). Estos dos álbumes, con más o menos reggaeton, le convirtieron en el artista más escuchado en el mundo durante 2020, 2021 y 2022. Sin embargo, en 2023 y 2024, Benito no pudo con Taylor Swift, que con la ayuda de The Eras Tour y su The Poets Tortured Department se coronó como la artista con más millones de reproducciones totales en la aplicación musical.

Con una gira mundial programada que arranca este noviembre en República Dominicana, seguirá a lo largo de finales de este año en países como México y comenzar en 2026 en Colombia, Tokio o Síndey, hasta llegar a España, Alemania, Portugal, Reino Unido o Francia.

Podría decirse que directores españoles como Pedro Almodóvar hay pocos, pero la realidad es que no hay ninguno. Su particular estilo, sus diálogos, o desde sus historias más descabelladas hasta las más profundas con reflexiones sobre la cultura y la política de nuestro país, hacen del director historia de nuestro cine. También en el plano internacional. El director manchego lleva a sus espaldas más de 40 años de carrera y una veintena de largometrajes. Por todo esto, la pareja de también directores y guionistas, Javier Calvo y Javier Ambrossi, han querido rendirle un homenaje con la serie documental Pedro x Javis.

Esta serie, disponible en Movistar Plus+ a partir del próximo mes de junio, repasa la vida y la filmografía de Almodóvar a lo largo de tres episodios: Amigas y madres, Ley y deseo y Muerte y cine. La narrativa de este documental está construida a partir de horas de charla entre los tres directores, en los que abordan confesiones, recuerdos y revelaciones inéditas sobre el ganador de dos Oscars, dos Globos de Oro y numerosos premios internacionales, uno de los últimos, el León de Oro en el pasado Festival de Venecia.

“Es un privilegio haber desarrollado este proyecto, gracias al cual hemos podido compartir muchas horas con Pedro. Todo el tiempo a su lado ha sido un aprendizaje y un honor”, han detallado los creadores de La Mesías sobre la serie documental en la nota de prensa. “Es un homenaje muy especial al director que más nos ha influenciado”, han añadido. Por otro lado, el director de Volver o La habitación de al lado, ha sido breve: “Creo que he hablado demasiado”.

Tres capítulos y muchos invitados: de Penélope Cruz a Guitarricadelafuente

Pedro x Javis es una ventana al mundo de Almodóvar, también desde la perspectiva de quienes han sido marcados por su trabajo. A lo largo de los episodios, la serie cuenta con la participación de actores y colaboradores clave en la carrera del cineasta, como las ‘chicas Almodóvar’ por excelencia Penélope Cruz, Julieta Serrano, Rossy de Palma, Carmen Machi, Bibiana Fernández, Loles León, Lola Dueñas y Leonor Watling.

También se suman las confidencias de Antonio Banderas, quien ha sido una figura central en el cine de Almodóvar, y otras tan cercanas al director como Agustín Almodóvar, su hermano y productor, junto a otros colaboradores cercanos como Esther García y Alberto Iglesias o José Luis Alcaine.

Una de las características más destacadas de la serie es la “recreación de momentos icónicos” de las películas del director, que se combinan con números musicales interpretados por artistas como Amaia, Nathy Peluso, Guitarricadelafuente, Luz Casal, Albert Pla, Raül Refree y el propio Banderas,

Javier Calvo y Javier Ambrossi son los productores y conductores de Pedro x Javis, una serie documental de cuyo equipo forman parte el también actor Brays Efe (Paquita Salas) y Paloma Rando (Mariliendre) como guionistas, Mendo como codirector, Uri Barcelona como director de fotografía, Celia Cuéllar como montadora, Leila Rodríguez como directora de arte y Álex de Lucas en la dirección musical. Domingo Corral, Pilar Robla y Custodio Pastor son los productores ejecutivos.

“Nuestros universos se mezclan en un formato que aúna lo que más nos gusta de la televisión y del cine. Es el primer proyecto de entretenimiento de Suma Content, algo que siempre habíamos querido hacer, y estamos entusiasmados con el resultado”, han finalizado los Javis.

Hace ya muchos años que la MET Gala dejó de ser un simple evento benéfico. El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se convierte, cada primer lunes de mayo, en el epicentro mundial de la moda. ¿Será Zendaya la mejor vestida de la noche? ¿Qué hombres se quedarán escasos con el protocolo? ¿Con qué vestido de archivo sorprenderán las hermanas Kardashian?

Lo que comenzó como una cena benéfica modesta en 1948 es hoy la MET Gala, una de las citas más exclusivas del calendario social y cultural de todo el mundo. Organizada por el Costume Institute del MET y la revista Vogue, bajo la dirección de Anna Wintour desde 1995, la gala tiene un propósito claro: recaudar fondos para el mantenimiento y desarrollo del Instituto del Traje. Sin embargo, es mucho más que eso: es una reunión de las celebrities de élite donde la moda también funciona como un lenguaje político, estético y cultural.

En 2025, la cita se celebra este lunes 5 de mayo (en España coincidirá también con la madrugada del martes) y su temática será Superfine: Tailoring Black Style, una reflexión estética sobre el dandismo —corriente asociada al dandi, figura burguesa caracterizada por su estilo refinado y amplio conocimiento de moda— dentro de la cultura afroamericana, inspirada en el libro Slaves to Fashion de Monica L. Miller. El código de vestimenta, Tailored for You, invita a los asistentes a llevar estilismos personalizados. Entre los anfitriones figuran el cantante y productor Pharrell Williams, el rapero ASAP Rocky, el piloto Lewis Hamilton y el actor Colman Domingo, junto al jugador de baloncesto LeBron James como presidente de honor.

Aunque asistir cuesta —en 2024 la entrada individual alcanzaba cerca de los 75.000 euros—, el dinero no basta. La lista de invitados está gestionada por la propia Wintour, que tiene la última palabra sobre quién accede a la gala. Por esto mismo, el evento es tan exclusivo que solo algunos de los nombres más relevantes del panorama español han conseguido desfilar por las famosas escaleras del Metropolitano.

Rosalía

Es uno de los nombres más recientes, pero también de los que con más fuerza han pisado el panorama internacional. La cantante de Motomami no solo ha conseguido hacerse un hueco en la música al otro lado del charco, sino que es una de las más cercanas al clan Kardashian-Jenner (es bff de Kylie Jenner) y también ha dado el salto interpretativo nada más ni nada menos que con una de las series más alabadas —y criticadas— a nivel mundial: Euphoria, en la que participará en la tercera temporada de la ficción que protagoniza Zendaya.

La ganadora de dos premios Grammy y 11 Grammy Latinos hizo su debut en 2021 para la edición In America; A Lexicon of Fashion, con un vestido rojo del diseñador Rick Owens que reinterpretaba un mantón de Manila. Con motivo de la edición de 2022, In America: An Anthology of Fashion, un espejo de la Edad Dorada (el gilded glamour estadounidense), apostó por Givenchy y un diseño blanco con bordados de pedrería y mangas de gasa.

Pese a saltarse la edición de 2023, volvió a hacer acto de presencia en 2024. Sin embargo, el look escogido para asistir a la gala, dio de que hablar, porque no cumplía a rajatabla con el dresscode. Si la temática de la edición fue El Jardín del Tiempo, que abordaba la colección Sleeping Beauties: Reawakening Fashion (’Bellas Durmientes: El Despertar de la Moda’), Rosalía se plantó con un vestido de Dior completamente negro, en vez de patrones florales, texturas o elementos 3D, como sí llevaron otros invitados.

“Cuando escuché la temática, me centré en que trataba sobre la belleza durmiente. Y pensé, ¿qué significa esto para mí? Inmediatamente, pensé en los sueños. Antes de que te duermas, cierras los ojos y ¿qué ves? Ves negro, ves oscuridad, así que tuve claro que tenía que ser un diseño en negro. (...) Esta noche estoy celebrando a Dior y por eso soy un tulipán negro”, recogió Vogue. Pero hace unas semanas, la mano derecha de la cantante, su hermana Pili, hizo público en su cuenta de Instagram un vídeo de ambas en un coche, en mayo del año pasado, donde escucha estas mismas declaraciones. Para muestra, su reacción: carcajadas limpias que muestran que sus palabras no era más que una simple coartada.

El universo Almodóvar

Penélope Cruz es otra de las más recurrentes. En total ha pisado el Museo Metropolitano cuatro veces desde su debut en 2011, durante el homenaje al diseñador Alexander McQueen, Savage Beauty, que había fallecido, para entonces, recientemente. Cruz acudió junto al diseñador Óscar de la Renta, con un vestido negro de silueta sirena adornado con plumas.

Tuvieron que pasar ocho años para que volviese a posar. En 2019, con motivo de la temática Camp: Notes on Fashion, tras la muerte de Karl Lagerfeld, llevó un diseño de Chanel con una gran camelia en el pecho. La musa del director Pedro Almodóvar lleva años siendo embajadora de la marca. Además, en 2023, tuvo la ocasión de ser una de las anfitrionas de la gala, y rindió homenaje al modisto alemán con un vestido nupcial firmado también por Chanel, una pieza de archivo de Alta Costura primavera-verano de 1988.

Por último, el año pasado, la intérprete de Volver volvió a acudir vestida de la marca de la que es embajadora con un vestido, al igual que el de Rosalía, también en negro, pero con ocho tipos distintos de encaje floral que conformaban el vestido.

Toda musa necesita un artista y el director Pedro Almodóvar no podía, al menos una vez, asistir a una de las noches más importantes del mundo —con respeto a los premios Oscar, por supuesto—. Él es una de las figuras españolas más influyentes en el panorama cultural internacional y asistió en 2013 acompañado por la actriz Amanda Seyfried. Fiel a su estilo sobrio, optó por un esmoquin clásico, sin estridencias, pese a que la temática de la noche fue Punk: Chaos to Couture.

Otro rostro que ha pisado la alfombra del MET es Manu Ríos. El actor de 26 años pasó de nacer en el mismo pueblo que el director manchego, Calzada de Calatrava, a ponerse bajo su dirección en el corte del western Extraña forma de vida (2023). El también intérprete de Élite o Respira acudió por primera vez en 2022 con un traje de Moschino decorado con pedrería y perlas. En 2023, repitió, esta vez, con un estilismo inspirado en Lagerfeld: un total look negro que evocaba los diseños del alemán en los años 70.

También la aristocracia

No solo actores y cantantes han representado a España. La modela y empresaria Eugenia Silva, hasta hace 15 años, ostentaba el récord de la española con más presencias en la gala: asistió en 2004, 2006, 2008 y 2010. Como modelo habitual en las grandes pasarelas en la década de los 90, su presencia resultaba natural.

En 2019, también estuvieron presentes Victoria y Cristina Iglesias, hijas de Julio Iglesias, quienes debutaron con vestidos idénticos de plumas firmados por Óscar de la Renta.

La moda taurina también tuvo su momento con la presencia del torero José María Manzanares en 2015. Acompañado por los diseñadores de Dolce & Gabbana, lució un esmoquin con chaqueta de terciopelo bordada con strass. El extenista español Fernando Verdasco, por su parte, asistió en 2010.

En un mismo año, el actor que ha dado vida a Enric Marco, ha explotado de éxito. Primero con El 47, la historia de los vecinos de Torre Baró durante la dictadura y el posterior secuestro de un autobús para que la línea 47 llegara a su barrio. Unos meses más tarde con Marco. Tan solo en esta 39ª edición de los Premios Goya, El 47 ganó ex aqueo con La Infiltrada a Mejor Película y Fernández consiguió su segundo Goya como Mejor actor protagonista -su cuarto en total-. Y como no podía ser de otra manera, su brillantez también ha estado presente en esta última edición de la fiesta de la industria audiovisual en castellano y portugués, celebrada este domingo en el recinto IFEMA de la capital. Además, El 47, de Marcel Barrena, que optaba a dos premios esta noche, se ha llevado uno para Clara Segura como Mejor actriz de reparto.

Antes de acceder a la gala, Fernández ha dedicado unos minutos a Infobae España, donde ha reflexionado sobre sus dos grandes películas de 2024, los proyectos que están por venir y los jóvenes y la ultraderecha.

Pese a que lleve meses de gala en gala con ambas cintas, ha asegurado tener “muchas ganas” de la entrega de premios de esta noche. Un par de horas después ha terminado ganando.

“El 47 ha sido un éxito tremendo, ha gustado mucho y a la gente le ha tocado mucho personalmente. En Marco también, por el que me dieron el Goya", ha señalado. “Es un personaje de aquellos inacabables, muy enorme, con muchas capas, que lo odias, que a ratos te da pena y tal... Es un gran personaje. Es un placer cuando un director te da un papel así”, ha añadido sobre interpretar al hombre que afirmó falsamente haber sobrevivido en el campo de concentración de Flossenbürg, En Alemania, durante la Segunda Guerra Mundial. “Ya llevo muchos años en la profesión y a veces crees que una película va a ser un exitazo y no lo es tanto. Otras crees que no va a serlo. Y lo es. Nunca se sabe”, ha reflexionado.

Pero interpretar a Manolo Vital, el conductor de autobús que en 1978 secuestró la línea 47 de Barcelona para que llegase hasta Torre Baró, barrio que estaba siendo construido a partir del éxodo rural en plena dictadura franquista, fue diferente. “Es un personaje muy querido. Todo el mundo lo lleva en el corazón. Marco es más controvertido, pero es un gran personaje, con una profundidad y una complejidad bestial para un actor. Eso es un regalazo”, ha añadido.

De su debut como director a rodar una serie sobre el 23-F

Para este 2025, el intérprete tiene su vista puesta en El Otro, su debut como director, en el que también es protagonista. “Me ha resultado sencillo saber dónde poner la cámara y cómo rodar”. El cortometraje presentado el pasado octubre en la Seminci de Valladolid volvió a pasar hace unas semanas por el Festival de Málaga. “Ha sido fácil, ha sido sencillo. He contado una historia que a mí me apetecía contar y ahí está. Vamos a ver qué recorrido tiene”, ha detallado sobre el corto de drama psicológico sobre un hombre que “bebe, se droga, se siente inquieto, espiado, perseguido en su propia casa y huye”.

Fernández, que pese de estar confirmado como uno de los actores invitados a la Gala, en un primer momento de la noche no figuraba entre los asistentes, finalmente ha podido desfilar por la alfombra roja minutos antes de que empezaran los premios. El motivo de su retraso es que se encuentra grabando Anatomía de un instante, serie dirigida por Alberto Rodríguez (La isla mínima) para Movistar Plus+. Basada en la novela homónima de Javier Cercas sobre el golpe de Estado del 23-F, el actor se pone en la piel de Santiago Carrillo, periodista y secretario general del Partido Comunista de España (PCE) que aquel día de 1981 se encontraba en el Congreso de los Diputados cuando Tejero intentó dar el fallido golpe. El reparto lo completan Álvaro Morte como el presidente del Gobierno, Adolfo Suárez y Manolo Solo como el que para entonces fue ministro de Defensa, Manuel Gutiérrez Mellado.

El actor asegura que la experiencia está yendo “muy bien”. “Es un gustazo. Rodar con Alberto es una maravilla”, ha dicho sobre el director.

Además, el actor, activamente político, ha lanzado un mensaje a los jóvenes tras el auge de la ultraderecha. Ante los totalitarismos, Fernández se planta. “Eso es producto de la incultura, de la falta de educación, porque si supiesen lo que es, no dirían eso”, ha reflexionado tras preguntarle en la alfombra sobre que al 38% de los menores de 24 años no les importaría vivir en un régimen “poco democrático” si eso le garantiza una supuesta “mejor calidad de vida”, como reflejó el Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS) el pasado mes de marzo. “Siempre habría alguien que no sea muy buena persona que le gustaría vivir en una dictadura. Si el dictador es él, solo en ese caso”.

Ante la incultura, cultura. “Yo creo que hay mucha incultura y por eso está avanzando tanto la extrema derecha y hay que ponerse en situación. Hay que ser honesto y saber que la sociedad la hacemos entre todos y que hay que colaborar y tener una cierta conciencia social”, ha finalizado.

Nick y Charlie se dirán su clásico ‘hola’ por última vez. Han pasado seis meses desde que Netflix estrenara la tercera temporada de Heartstopper, y en todo este tiempo los fans de la saga han estado en vilo. La renovación de la serie basada en la novela gráfica creada por Alice Oseman no llegaba y muchos temían que los rumores de cancelación se hicieran realidad. Pero no será el caso. La serie juvenil queer más entrañable de la tele llegará a su fin, aunque no con una cuarta temporada. En su lugar, la historia de amor adolescente entre Nick y Charlie finalizará con una película, y así lo ha anunciado la plataforma de streaming este martes.

Si las tres primeras temporadas se inspiraron en los volúmenes del uno al cinco de la saga, la película lo hará con el volumen seis. La autora británica publica Heartstopper en formato webcomic en Tumblr desde el año 2016 y en papel desde 2018. Su éxito fue tal que cuatro años después, Nick, Charlie y su grupo de amigos del colegio Truham Grammar School se convirtieron en personajes de carne y hueso, cuando Netflix compró los derechos para hacer la serie. Hoy en día, la autora, además de escribir el guion de la futura cinta, también escribe y dibuja el último volumen de la saga que empezó hace casi una década.

“Estamos rodando un largometraje para concluir la adaptación cinematográfica de Heartstopper, basada en el volumen 6 y en la novela Nick y Charlie”. ¡¡¡Vamos a contar el final de la historia!!!”, ha escrito Oseman en redes sociales. Además de la saga, en 2015, un año antes de empezar a dibujar a estos personajes, publicó Nick y Charlie, una novela de apenas 120 páginas con la que comenzaba su andadura con esta bonita historia de amor. “Estoy muy agradecida a todos los que han trabajado arduamente para que esto sea posible y a los increíbles fans de Heartstopper por su paciencia y pasión. No puedo esperar para llevar esta historia a su mágica conclusión”.

La película tomará el relevo del final de la tercera temporada, donde los protagonistas tendrán que hacer frente a que Nick deberá irse a la universidad. Con ello, las dudas sobre si serán capaces de superar la distancia comenzarán a pesar. ¿Podrá el primer amor de Nick y Charlie durar para siempre? La película intentará responder a esa pregunta mientras retrata la transición hacia la adultez de estos jóvenes personajes. Todo esto siempre vivido de la mano de sus amigos Elle, Tao, Tara, Darcy Isaac, Imogen y el resto del grupo, que también lidiarán con las complicaciones que trae consigo el amor y la amistad, mientras atraviesan las dificultades inherentes al proceso de crecer y avanzar en la vida.

Wash Westmoreland (’Siempre Alice’) dirige

Kit Connor y Joe Locke, quienes dan vida a Nick y Charlie en la serie original, repetirán sus papeles en la película. Oseman formará parte de la producción ejecutiva, y junto a ella se suman los jóvenes actores protagonistas, quienes ayudarán a dar ese cierre a sus personajes. La cinta comenzará su rodaje este verano de 2025 con Wash Westmoreland como director, quien también dirigió Siempre Alice (Still Alice).

A lo largo de sus tres temporadas, Heartstopper ha recibido elogios de la crítica y el público, especialmente por su representación de personajes y temas LGBTQ+, como la amistad, la asexualidad y el arromanticismo, la salud mental y los trastornos de la conducta alimentaria.

La Semana Santa ha traído un puente que muchos y muchas han aprovechado para realizar pequeñas escapadas a otras comunidades autónomas o países. En esos trayectos o incluso cuando ya se ha llegado al nuevo destino, tal vez haya rato para ver alguna película o alguna serie.

Sin embargo, la oferta televisiva puede no ser de nuestro agrado. A los canales en lenguas que no conocemos hay que añadirle la imposibilidad de elegir ‘a la carta’ lo que se quiere ver. Por eso, la mayoría de personas optan por ver algo a través de las plataformas de streaming como Netflix, Prime Video, Max o Disney Plus, además, por supuesto, de Movistar Plus+.

Este último servicio ha logrado hacerse con bastantes usuarios en los últimos meses gracias a sus nuevas ofertas con precios reducidos y un amplio contenido en el que se incluyen tanto películas y series de primer nivel como acceso al directo de ciertos eventos deportivos, como partidos de tenis o de fútbol. Y no, no es igual que hace unos años, cuando para tener Movistar Plus+ era obligatorio contar con un descodificador y una tarifa más amplia.

Ver Movistar Plus+ desde un país extranjero

Ante la pregunta de si todo el contenido de esta plataforma se puede disfrutar desde cualquier país, lo cierto es que se puede acceder a Movistar Plus+ al completo desde 29 países diferentes dentro del continente europeo: Alemania, Austria, Bélgica, Bulgaria, Chipre, República Checa, Croacia, Dinamarca, Eslovaquia, Eslovenia, Estonia, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Irlanda, Italia, Letonia, Lituania, Luxemburgo, Malta, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumanía, Suecia, Liechtenstein, Islandia y Noruega.

Una lista en la que, desde 2021 no se encuentra Reino Unido desde su salida de la Unión Europea. En la misma línea, la compañía señala que en el resto de países del mundo la aplicación “no está disponible”, del mismo modo que tampoco se puede acceder desde el ordenador.

Si se está dentro de los países que sí lo permiten pero se experimenta algún problema técnico, entonces lo mejor es cerrar sesión, borrar las cookies y el historial de navegación, así como resetear el router y desvincular todos los dispositivos en Gestión de Dispositivos de nuestra cuenta. Desde un móvil, una tablet o un iPad, lo mejor es desinstalar y volver a instalar la aplicación.

Los nuevos precios de Movistar Plus+

Un importante porcentaje de las mejores películas y series del año se encuentran en esta plataforma, razón por la que muchos no dudan en contratar sus servicios, disponibles desde un precio de 9,99 euros al mes para los clientes de Movistar que ya dispongan otras tarifas. Con este pago, se proporcionaría acceso a más de 80 canales, tanto de pago como convencionales, y varias ofertas de contenido a la carta que podría aumentarse por un pago de 12 euros mensuales.

Estas ofertas, lanzadas a finales de 2024 y sin permanencia, se complementan con otro plan incluso más económico de un año, donde la cantidad a pagar sería de 99,99 euros, unos 20 menos que con las suscripciones mensuales. La oferta de Movistar Plus+ incluiría, por otro lado, la posibilidad de reproducir simultáneamente contenido en dos dispositivos diferentes, opción con la que sería posible compartir la suscripción con algún familiar o amigo.

La Semana Santa está llena de tradiciones. Los pasos, las procesiones, las torrijas... pero también los inconfundibles clásicos de cine de sobremesa (y también series) que traen las parrillas de televisión y las plataformas de streaming en esta época del año, donde la vida de Cristo se convierte en la gran protagonista. Sin embargo, para no caer en la monotonía en Infobae España hemos recopilado algunas de las películas y series con temática religiosa para ver en esta fecha. De clásicos como Ben-Hur (1959) o Jesucristo Superstar (1973) a La Mesías (2023), hay para todos los gustos.

‘Ben-Hur’ (1959): el gran clásico de Semana Santa

Una película de culto. Dirigida por William Wyler y protagonizada por Charlton Heston, Ben-Hur es un emblema del cine épico religioso. Ganadora de 11 premios Oscar, la película adapta la cinta muda homónima de 1925, a su vez basada en la novela de Lewis Wallace. En la obra de Wyler conocemos a Judá Ben-Hur, un noble judío, y Mesala, un tribuno romano al servicio de las fuerzas de ocupación, que ven cómo su antigua amistad se rompe. Ben-Hur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, y Mesala lo encarcela a él y a su familia. Mientras Ben-Hur es trasladado para cumplir su condena, un hombre llamado Jesús de Nazaret se apiada de él.

Está disponible en Movistar Plus+.

‘La Mesías’ (2023): religión, trauma y cultura pop

Estrenada en octubre de 2023, La Mesías ha sido uno de los fenómenos más comentados de la televisión española en los últimos años. Dirigida por Los Javis (Javier Calvo y Javier Ambrossi), la serie profundiza en el impacto del fanatismo religioso dentro del entorno familiar, tomando como punto de partida la viralidad de un grupo ficticio de pop católico, Stella Maris, inspirado en las reales Flos Mariae. A través de la historia de la familia Puig-Baró, el espectador asiste a un complejo retrato sobre la fe, el abuso y la redención.

Con un reparto coral encabezado por Carmen Machi, Lola Dueñas, Roger Casamajor, Macarena García, Ana Rujas y Amaia Romero, entre otros, la serie logró hacerse con seis Premios Feroz y un premio Ondas.

También disponible en Movistar Plus+.

‘Jesucristo Superstar’ (1973): el Evangelio en clave musical

Esta versión cinematográfica del musical de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice propone una reinterpretación rock de la Pasión de Cristo. Dirigida por Norman Jewison, Jesucristo Superstar narra la historia de los seis últimos días de la vida de Cristo, vistos a través de los ojos de Judas en la que no hay diálogos hablados, sino que son cantados.

El cantante y actor estadounidense Ted Neeley es Jesucristo, mientras que Carl Anderson interpreta al apóstol que lo traicionó, Judas Iscariote.

La cinta está disponible en Filmin y Movistar Plus+.

‘La llamada’ (2017): Dios canta Whitney Houston

La ópera prima cinematográfica de Calvo y Ambrossi también gira en torno a la religión, aunque desde una perspectiva más irreverente. La llamada, adaptación de la obra teatral homónima también a cargo de los directores y creadores, sigue a dos adolescentes María (Macarena García) y Susana (Anna Castillo) en un campamento religioso que se transforma en escenario de su despertar personal y espiritual: a María se le aparece Dios cantando canciones de Whitney Houston.

La película, disponible en Prime Video, Netflix, y RTVE combina humor, música y reflexión sobre la identidad, la fe y la libertad. El reparto incluye a Belén Cuesta y Gracia Olayo, y obtuvo el premio Goya 2018 a la mejor canción original.

‘Teresa’ (2023): mística y resistencia

La figura de Santa Teresa de Jesús cobra una nueva dimensión en esta película dirigida por Paula Ortiz (La novia), basada en la obra La lengua en pedazos de Juan Mayorga. Protagonizada por Blanca Portillo y Asier Etxeandia, Teresa reconstruye el enfrentamiento entre la santa y un inquisidor en una celda austera donde las palabras son armas y la fe, un campo de batalla.

Lejos del biopic convencional, la película adopta un tono onírico y reflexivo para abordar el conflicto entre la espiritualidad personal y la estructura institucional de la Iglesia.

Se puede ver en Filmin.

‘The Chosen’ (2017-): una visión contemporánea de los Evangelios

The Chosen (Los elegidos) es una serie sobre la vida de Jesús de Nazaret, centrada en las personas que lo rodearon. A lo largo de varias temporadas, la ficción construye una narrativa coral en la que cada episodio se detiene en las vivencias de apóstoles, fariseos y ciudadanos anónimos.

La serie ha sido financiada por crowdfunding y en nuestro país, las cuatro primeras temporadas están ya disponibles en acontra+, Movistar Plus+ y Prime Video

Además, la serie sobre la vida de Jesucristo ha aprovechado la celebración de la Semana Santa para llegar a los cines en España: a través de una adaptación cinematográfica de su temporada 5 con un resumen que costa de 1 hora y 53 minutos de duración. Disponible en cines desde el 10 de abril.

‘Los diez mandamientos’ (1956): Moisés y el espectáculo bíblico

Dirigida por Cecil B. DeMille y protagonizada por Charlton Heston, Los diez mandamientos representa otro de los grandes títulos de la Semana Santa televisiva. La película narra la historia de Moisés, desde su adopción por la hija del faraón hasta la liberación del pueblo hebreo y la entrega de las tablas de la ley.

Con más de tres horas de duración y un despliegue técnico imponente para la época, sigue siendo una de las producciones más emblemáticas del cine religioso.

Si Taylor Swift puede estudiarse en España en clase de ‘business’, la comunidad china puede usar las letras de Karol G —por poner un ejemplo— para aprender español. Así lo ha constatado la Universitat Pompeu Fabra (UPF) de Barcelona en un artículo científico publicado en marzo por la revista Language and Intercultural Communication, que asegura que el interés creciente en la cultura y la lengua española y la poca oferta de cursos en el país asiático está llevando a su comunidad a aprender el idioma a través de canales alternativos, como la música y el género urbano del reggaetón.

Como explica la universidad, el problema radica en que en China carece de recursos educativos formales para aprender el idioma, en comparación con el inglés. Es por esto, apuntan, que cada vez más chinos recurren a herramientas digitales informales para aprender español. Y para ello recurren a la música. La investigación analiza el caso de dos traductores no profesionales en, digamos, el Spotify chino, la principal plataforma de streaming musical del país NECM, acrónimo de NetEase Cloud Music. El artículo es fruto de la investigación de Li Yuan—Cloris, investigadora del Departamento de Traducción y Ciencias del Lenguaje (TyCL) y una de las 81 estudiantes de origen chino que cursan estudios de Traducción y Ciencias del Lenguaje en la UPF, un 37% más que hace un lustro.

Yuan Coris ha encontrado que, en más de 60 canciones estudiadas —y divididas por géneros, siendo el reggaeton la más analizada (38 canciones), baladas (11), pop (6) y trap (5)—, los dos traductores escogidos han utilizado distintas estrategias para facilitar la comprensión de su público, e incluso sortear la censura de algunos términos para que los algoritmos no puedan identificar el significado real de las palabras.

De eufemismos a los asteriscos

En total, las canciones traducidas contienen un total de 183 items con especificidades culturales (CSI), referentes a conceptos de la cultura hispana sin un equivalente chino. La estrategia más común de los traductores, usada en el 68% de los casos, como apunta el artículo, es la domesticación, que consiste en sustituir términos españoles por otros más familiares para el público chino. Por ejemplo, para traducir la expresión “llevarse un plantón”, usan una expresión china “放鸽子”, que literalmente significa “liberar a una paloma”. En esta cultura , las palomas son vistas como mensajeras, y liberar una paloma que luego no regresa se asocia con una promesa rota.

Otra estrategia utilizada son los eufemismos, que sirven para evitar conceptos españoles que pueden resultar sensibles para la comunidad china o incluso llegar a ser censurados. Todas las referencias sexuales encontradas en las canciones originales (34 explícitas o implícitas) se traducen con eufemismos. Por ejemplo, para traducir “chingar” o “hacerlo”, se usan expresiones como 占有 (poseer) o 交欢 (intercambiar placer).

También se emplean formas de ortografía no estándar (como tranßcripting). Un ejemplo es la traducción de la palabra “caliente”, donde combinan dos palabras que equivalen a los anglicismos “sexi” (性感) y “hot” (火辣). Para evitar la censura, los traductores insertan asteriscos entre los caracteres de cada palabra (性感 / 火 辣). En chino, las palabras no se separan con espacios, y añadir los asteriscos hace que los algoritmos de la plataforma tengan más dificultad para identificar el verdadero significado de las palabras.

“Los mismos traductores también acompañan a los textos de sus traducciones con paratextos, anotaciones o comentarios, para explicar los elementos culturales hispánicos a la audiencia china y fomentar así la comprensión intercultural de la comunidad china hacia la cultura española”, explica la investigadora, en un texto recogido por la universidad.

Como señala la univeridad, la UPF ha sido testigo del creciente interés de los estudiantes chinos por la lengua y cultura españolas. Además de los estudios en Traducción y Ciencias del Lenguaje, en los últimos cinco años ha aumentado un 32% el número de estudiantes chinos en todas las disciplinas ofrecidas por la universidad, alcanzando actualmente los 275 estudiantes (102 en grados, 71 en másteres y 102 en doctorados).

La Semana Santa es una de las festividades más emblemáticas de España, destacándose no solo por su profundo carácter religioso, sino también por su enorme impacto cultural y turístico.

Más allá de su dimensión litúrgica, atrae a miles de visitantes, tanto nacionales como internacionales. Además, para quienes aprovechan estos días para realizar una breve escapada, es fundamental conocer las fechas exactas de los festivos. La diversidad de celebraciones y el ajuste de los días no laborables según la comunidad autónoma hacen necesario estar al tanto del calendario.

Cuándo es la Semana Santa 2025

Este año, la Semana Santa llega más tarde de lo habitual, con las procesiones preparadas para recorrer las calles de ciudades y pueblos de todo el país, a pesar de las previsiones de lluvias. Desde el Domingo de Ramos, 13 de abril, hasta el Domingo de Resurrección, 20 de abril, las cofradías y hermandades protagonizan estos actos acompañados de bandas de música, penitentes, incienso y saetas.

El Jueves Santo, que este 2025 caerá el 17 de abril, se consolida como una de las festividades más destacadas de la Semana Santa, solo por detrás del Viernes Santo. Aunque no es festivo a nivel nacional, es considerado día de fiesta en gran parte del territorio español, con la excepción de Cataluña y la Comunidad Valenciana. Por su parte, el Viernes Santo es festivo en todo el país, siendo un momento clave para la devoción y la tradición religiosa.

Creyentes o no, gran parte de la ciudadanía lleva semanas tachando los días del calendario, ansiosos por la llegada de la Semana Santa. Para muchos, será la primera vez desde Navidad que podrán disfrutar de al menos cuatro días libres consecutivos. Y es que, en las comunidades donde el Jueves Santo no es festivo, el Lunes de Pascua ofrece un respiro adicional.

Además, las localidades más afortunadas podrán disfrutar de hasta cinco días de libranza, lo que convierte esta festividad en una ocasión ideal para desconectar y participar en las tradicionales procesiones o simplemente disfrutar del descanso.

Dónde es festivo el Lunes de Pascua En España

En 2025, el Lunes de Pascua será festivo solo en cinco comunidades autónomas: Cataluña, Comunidad Valenciana, Navarra, País Vasco y La Rioja. Esta cifra representa es relativamente más baja que la del año anterior.

Por qué los festivos de Semana Santa son distintos entre unas comunidades autónomas y otras

Los festivos de Semana Santa varían entre las comunidades autónomas debido a la descentralización administrativa en España. Cada región tiene la capacidad de declarar ciertos días como festivos, lo que permite a las comunidades adaptar el calendario laboral a sus tradiciones y costumbres locales. En el caso de Semana Santa, algunas autonomías eligen celebrar el Jueves Santo y el Lunes de Pascua como días festivos debido a su relevancia religiosa y cultural, mientras que otras, como Cataluña o la Comunidad Valenciana, no los consideran.

Ahora bien, no hay que olvidar que existen festivos nacionales, como el 1 de noviembre o el 12 de octubre, que deben ser respetados por todas las comunidades autónomas, independientemente de sus variaciones regionales.

La Semana Santa es una de las festividades más emblemáticas de España, destacándose tanto por su profundo carácter religioso como por su enorme impacto cultural y turístico. Más allá de su dimensión litúrgica, atrae a miles de visitantes, tanto nacionales como internacionales.

Desde el Domingo de Ramos hasta el Domingo de Resurrección, las calles de diversas ciudades y pueblos se transforman en el escenario de procesiones y representaciones que narran la pasión, muerte y resurrección de Cristo. Estas celebraciones, que combinan devoción y patrimonio histórico, son un pilar de la identidad cultural del país. La riqueza de las tradiciones y la solemnidad de los actos hacen de la Semana Santa un evento único. Pero no solo eso, también se ha convertido en una de las semanas más esperadas del año, incluso para las personas no creyentes, ya que son muchos los que desde Navidad no disfrutan de varios días seguidos de descanso.

En qué comunidades no es festivo el día de Jueves Santo

El Jueves Santo, que en 2025 cae el 17 de abril, es la segunda gran festividad de toda la Semana Santa, solo por detrás del Viernes Santo. Aunque no es festivo a nivel nacional, sí es un día de fiesta en gran parte del territorio español. De hecho, resulta más fácil enumerar las comunidades autónomas donde no se celebra, ya que solo son dos: Cataluña y Comunidad Valenciana.

Por lo tanto, el 17 de abril de 2025 será festivo en las siguientes comunidades y ciudades autónomas: Andalucía, Aragón, Asturias, Baleares, Canarias, Cantabria, Castilla-La Mancha, Castilla y León, Ceuta, Extremadura, Galicia, La Rioja, Comunidad de Madrid, Melilla, Región de Murcia, Navarra y País Vasco. En estas regiones, los ciudadanos disfrutarán de un día festivo en el marco de las celebraciones de la Semana Santa.

Además, aunque el Jueves Santo no es festivo a nivel autonómico en Cataluña y Comunidad Valenciana, eso no significa que no se celebre en algunas zonas de estas comunidades. Los gobiernos locales tienen la competencia para designar hasta dos días festivos adicionales en sus calendarios laborales. Por lo tanto, existen municipios en Cataluña y la Comunidad Valenciana donde el 17 de abril, Jueves Santo, sí se considera festivo.

¿Y qué pasa con el Lunes de Pascua?

El 21 de abril, Lunes de Pascua, será festivo en Cataluña, Comunidad Valenciana, La Rioja, Navarra y Euskadi. Además, algunas ciudades tendrán fiesta local, como Palma de Mallorca, Pamplona, Toledo y Ferrol.

Este año, la Semana Santa se celebra más tarde de lo habitual, lo que provoca que, pocos días después del Domingo de Resurrección y el Lunes de Pascua, llegue otro de los puentes más esperados: el del 1 de mayo. En la Comunidad de Madrid, los ciudadanos podrán disfrutar de un puente de cuatro días.

¿Cuándo es la Semana Santa 2026?

El Domingo de Pascua o de Resurrección se celebra el primer domingo después de la primera luna llena posterior al equinoccio de marzo, que marca el inicio de la primavera. Este fenómeno, determinado por el ciclo lunar, no puede ocurrir antes del 22 de marzo ni después del 25 de abril. Así, la fecha del inicio de la Semana Santa varía cada año, comenzando siempre con el Domingo de Resurrección.

En los próximos años, las fechas en las que se celebrará la Semana Santa serán las siguientes: en 2026, comenzará el 29 de marzo; en 2027, el 21 de marzo; en 2028, el 9 de abril; y en 2029, el 25 de marzo.

Es uno de los últimos —e infinitos— días lluviosos de abril en Madrid antes de que salga el sol, pero eso no le impide a Alba Morena (Salou, Tarragona, 2000) afrontar uno de sus intensos días de promoción con un look digno de Pinterest: entre su falda larga naranja y una camisa blanca destaca una corbata negra y morada que decora su pelo como si fuera una diadema. En un punto de la entrevista, el nudo que transforma la prenda en accesorio, se deshace, y mientras habla, vuelve a atársela. “Lo quiero poner de moda”, dice. La charla que mantiene con Infobae España tiene lugar días antes de que, este viernes 11 de abril, haya estrenado Trámite, un EP que sirve de puente entre su proyecto anterior, Yo Te Quiero Pero, de corte fusión electrofolclórico, y lo que será su segundo álbum de estudio. “Necesitaba salir de la electrónica y de lo folclórico. Fue como recapitular y decir: ‘¿Qué escuchaba yo con 14 años?”, explica a Infobae España. “Ha sido muy liberador”, añade.

La Real Academia Española (RAE) define “trámite” como “cada uno de los pasos y diligencias que hay que recorrer en un asunto hasta su conclusión”. Eso fue exactamente lo que le pasó a Morena. Necesitaba perderse para volverse a encontrar. “Me perdí mucho, no sabía por qué género tirar ni por qué estilo”, reconoce. Y la respuesta la tuvo ahí: ¿Qué escuchaba su yo adolescente? “Recuerdo ser, y soy, una devota de Radiohead, de Nirvana [de hecho, así se llama el primer single de este EP], de MGMT, de millones de grupos más pop, rock, indie... Ha sido como un poco decir: ‘Igual tengo que salir un poco de la electrónica y divertirme más’”, reflexiona. Y así lo hizo. Bajo ese pretexto nace Trámite, un conjunto de cinco canciones que se acercan a lo punk, a lo underground y al rock alternativo, aunque ella no se atreva a definir su nuevo trabajo con una etiqueta. “Hago un poco lo que me da la gana. Va un poco desde la electrónica que bebe de muchos géneros, pero no diría que es rock pop, la verdad, ni glitch pop. No lo sé. ¿Tú qué piensas?”, bromea, devolviendo la pregunta. “Ayer fui a ver a una amiga —la artista catalana Queralt Lahoz— y ella decía: ‘Yo no entiendo de géneros ni de estilos, porque yo soy el estilo’. Y yo pensaba: ‘Buah, literalmente’. Al final el único hilo conductor es mi voz. Y cada canción es un mundo”.

El dilema de las etiquetas... y de las redes

Trámite es su tercer trabajo. Con tan solo 21 años publicó Las Dos Edades (2021), su álbum debut autoproducido y autoeditado post-pandemia, que fluía entre la música electrónica y urbana con el flamenco y lo alternativo, y en marzo del año pasado estrenó Yo Te Quiero Pero, su primer EP formado también por cinco canciones. Finalmente, dejó aparcado el que iba a ser su segundo álbum producido por David Soler y Marcel Bagés (El Extintor), para pasar casi 12 meses “perdida sin saber qué hacer” y sacar varios singles como Sin Morir Espero o A tiempo. Consiguió dar con la clave. “No encontraba realmente el camino o la voz que yo quería. En cuanto encontré el primer tema del EP, que era Nirvana, ya salió todo”, señala.

"Tenía que pasar por este trámite —que por eso también el EP se llama así— para poder encontrar qué álbum quiero hacer, que ya está en proceso"

“Ha sido un trabajo de tres meses y ya está. Fue todo superrápido y supergenuino, de hacer muchas canciones en casa, encontrar el personaje”, añade. “Creo que tenía que pasar por este trámite —que por eso también el EP se llama así— para poder encontrar qué álbum quiero hacer, que ya está en proceso”, apunta. El personaje al que se refiere la catalana de 24 años es una femme fatal “(femme porque es mujer, fatal porque está fatal)” y en él se retrata, con histrionismo y mucho sarcasmo, el caótico proceso que hay “entre conocer a alguien, engancharse emocionalmente, perder el rumbo y, finalmente, aceptar que te han roto el corazón. Otra vez”, dice la nota de prensa sobre su nuevo proyecto.

La artista, situada en el panorama fusión del pop electrónico, tiene un currículum musical tremendamente amplio, lo que hace que sus opciones a la hora de decir qué hacer sean enormes. Estudió el Grado Profesional de violín clásico y cinco años de Canto Lírico en el Conservatorio de Vila-seca. Con 18 años cursó tres años de jazz y uno de flamenco. Tanto por sus estudios como por su destreza para producir y tocar todo tipo de géneros, el aprendizaje es la clave de su ambición y de su deseo de abarcar tantas cosas. “¿Dónde pertenezco yo? No lo sé”, relata. “Eso también es parte de haberme perdido, porque se me situaba mucho en lo folclórico y me encanta. Siempre voy a beber de lo folclórico y uno de mis sueños es hacerme un disco de boleros con 60 años, ¿sabes? Pero no sé dónde meterme porque tampoco me considero ni rock, ni pop rock, ni radiofónica, pero tampoco soy súperunderground. Y yo como productora he hecho flamenco, electrónica dura, he hecho rock pop. Entonces, no lo sé”, repite.

Por esto mismo, sus influencias también son amplias, pero siente especial debilidad por artistas como Antonio Vega, Silvio Rodríguez o Mecano. “Los artistas de antes no tenían internet. Creo que eso es lo que ha jodido todo y que creemos un fast food. Ahora está todo tan medido y tan hecho... Antes creo que todo era genuino y hecho tan por y para la música, que ahora ya eso no existe casi”, comenta. “Mi concepto de hacer música es que envejezca bien, ¿sabes? Tampoco espero nada inmediato, sino como que sea una música que yo un día pueda mirar atrás y decir: ‘Joder, qué guay, qué evolución, qué todo’. Entonces creo que lo genuino y lo bonito se va haciendo su hueco tranquilamente”.

Escribir con Ana Torroja, una posible candidatura al Benidorm Fest y su segundo álbum

De hecho, uno de los grupos que le marcó cuando era pequeña fue Mecano, motivo por el que considera “el pico” de su vida haber conseguido componer para Ana Torroja —quien fue vocalista del grupo entre 1981 y 1992— en su casa de la capital. “Fue a través de su management y fue bastante increíble porque vino a hacer sesiones para su disco aquí a Madrid, vino a mi casa. Soy súperfan y pude componer una canción con ella”, cuenta, para añadir que esta estará en el futuro álbum de la cantante de 65 años. “Ya está, puedo morir en paz”, bromea mientras toca madera y se santigua a modo de ritual. “Más que la ambición, me define el paso a paso de ir disfrutando”, añade.

Sobre el futuro, la artista no descarta presentarse al Benidorm Fest, como ha hecho recientemente DeTeresa—Inés, su nombre de pila como la llama la cantante, ya que es una de sus amigas más cercanas—. “Mis padres quieren que lo haga porque les encanta el formato y están locos por el Benidorm Fest. Yo no lo sé”, relata. “Si me presento sería algo tipo Salvador Sobral, puramente vocal, porque yo popstar así de moverme..., no soy”. Su segundo álbum está al caer. “Más que mi segundo va a ser mi primero, porque lo hice sin saber, fue como a lo loco”, apunta y asegura que van a empezar a salir singles próximamente. “Y a principios del año que viene disco por fin ya”. La espera se hará más leve, uno, con Trámite, y dos, con calma.

Culpa mía fue, en junio de 2023,“el contenido original de habla no inglesa con mayor número de espectadores en la historia de Prime Video”, según comunicó la propia plataforma en aquel momento. Su secuela, Culpa tuya, estrenada el pasado mes de diciembre, alcanzó el número uno global durante el fin de semana de su estreno y el pasado 28 de enero, con apenas un mes desde su lanzamiento, la plataforma anunció que la saga había vuelto a batir un récord, convirtiéndose en la producción original internacional más vista de su historia, aunque eso sí, sin dar datos. Ambas producciones, dirigidas por Domingo González, son adaptaciones de los dos primeros libros de la trilogía Culpables (Montena, Penguin Random House), que la española-argentina Mercedes Ron primero publicó en Wattpad —una aplicación de lectura y escritura— y después pasó del mundo digital al físico.

El éxito estaba claro y por eso no podía quedarse sin tercera parte. Este miércoles 9 de abril, la plataforma ha publicado un pequeño avance de la tercera y última parte: Culpa nuestra, protagonizada, al igual que las dos anteriores entregas, por Nicole Wallace y Gabriel Guevara, y que cuenta con el mismo director. Ella interpreta a Noah, una joven de 17 años que se ve obligada a mudarse con la nueva pareja de su madre y adaptarse a una vida completamente distinta. Él da vida a Nick, su hermanastro, con quien al principio mantiene una relación conflictiva que pronto se transforma en una intensa —y complicada— historia de amor.

La segunda película cerró con la ruptura entre Nick y Noah, y con este besando a Sofía (Gabriela Andrada), lo que provoca que Noah, profundamente herida, se marche a su apartamento y busque apoyo en su psicólogo Michael (Javier Morgade). Sofía, por su parte, anima a Nick a no rendirse y a luchar por su relación. Él intenta enmendar su error y va en busca de Noah para disculparse. Pero cuando llega, ya es tarde: Noah ha perdido el colgante en forma de corazón que Nick le regaló... en la cama de Michael.

La sinopsis del tercer libro narra lo siguiente: “La relación de Nick y Noah está pasando por su peor momento, y parece que nada podrá volver a ser como antes... Van a tener que pasar por muchas cosas para finalmente comprender si de verdad están hechos el uno para el otro o si por lo contrario, estar separados es lo que de verdad les conviene. Pero ¿acaso se puede olvidar un amor tan fuerte? ¿Cómo pueden borrarse los recuerdos tatuados en el corazón? El amor no siempre es suficiente y el perdón a veces no basta para solucionar las cosas ¿Serán capaces de dejar atrás el pasado y volver a empezar?”

¿Cuándo se estrena y qué actores repiten por última vez?

En el teaser de 40 segundos que avanzó la plataforma este miércoles se ve como Nick y Noah coinciden en la boda de sus amigos Jenna (Eva Ruíz) y Lion (Víctor Varona), pero su primer reencuentro tras la ruptura. Él, centrado en asumir el legado empresarial de su abuelo; ella, dando sus primeros pasos en el mundo laboral. Ambos intentan contener unos sentimientos que siguen presentes. Pero, tras volver a cruzarse, ¿podrán ignorar lo que aún los une?

La fecha exacta aún no está confirmada, pero Prime Video ya ha confirmado que la película verá la luz en octubre. Además, la plataforma ha confirmado el regreso de Marta Hazas e Iván Sánchez en los papeles de los padres de los protagonistas; Víctor Varona y Eva Ruiz retomarán sus roles como Lion y Jenna, amigos de la pareja; y Goya Toledo volverá a interpretar a la madre de Nick. También estarán Gabriela Andrada, Álex Béjar y Javier Morgade, encarnando a los personajes que complican la historia entre los protagonistas. Completan el reparto Felipe Londoño y la incorporación de Fran Morcillo, que se suma al elenco como Simon, como ha apuntado Cinemanía.

Para una generación, ni los Beatles ni One Direction necesitan presentación. Para otra, NSYNC o Backstreet Boys tampoco, y lo mismo podría decirse de Nirvana, Oasis o Guns N’ Roses. Si algo tienen en común estos nombres —más allá de que todos estén formados por hombres— es que fueron —y son— algunos de los grupos más conocidos en la historia de la música. Si nos vamos a los formados por mujeres, la carrera la han liderado desde las Spice Girls hasta Destiny’s Child. Sin embargo, en los últimos años ha habido un vacío en las listas musicales. ¿Han cambio los gritos de las adolescentes de objetivo? ¿Están en declive los grupos musicales —y su consiguiente evolución del concepto al de boy y girlband—? Un estudio elaborado por Datapulse y Skoove ha analizado las listas de éxitos de Reino Unido y Estados Unidos —donde, en occidente, estos países son el motor de la industria— para concluir que, efectivamente, el silencio se nota. Cada año, hay más presencia de solistas.

El estudio detalla que, en Reino Unido, entre octubre de 1980 y octubre de 2024, se registraron 223.030 canciones en las listas semanales de éxitos del país. De ese total, el 20% fueron colaboraciones entre artistas (los también llamados feat), el 37% fueron bandas, y el 43% solistas. Fue precisamente entre los años 80 y los 90 cuando la presencia de los grupos fue la más notable, como ocurrió con Oasis o The Police. Estos representaron más del 60% de las posiciones en las listas de éxitos entre 1980 y 1983, y rondaron el 50% entre 1984 y 1999. En 2024, la cifra se situaba en el 11%.

Algunos nombres de los grupos mencionados al inicio de este artículo se han disuelto. De hecho, la industria del pop británico ha producido una gran cantidad de solistas que precisamente estuvieron previamente en bandas. Es el caso de Robbie Williams (Take That), Sting (The Police), George Michael (Wham!) o Harry Styles (One Direction).

En Estados Unidos, el panorama tampoco es muy diferente. Los datos del estudio destacan que las bandas o grupos pasaron de ocupar el 41% de las posiciones en las listas de éxitos en 1995 a tan solo el 4% en 2023. Y al igual que la industria británica, la separación de grupos estadounidenses han dejado estrellas como Beyoncé, cuyos datos terminaron eclipsando a Destiny’s Child, grupo formado en los 90 para su posterior disolución en 2006. O Justin Timberlake, que durante la década de los 2000 gozó de gran popularidad después de que NSYNC se disolviera temporalmente en 2002.

Según los datos, las bandas o grupos representaron entre el 40% y el 55% de las listas desde mediados de los 60 hasta mediados de los 90. Los solistas dominaron las listas de éxitos en la década de 1950, y luego ocuparon aproximadamente la mitad de los puestos durante décadas. Las cifras también esclarecen que, desde 2007, ha habido más colaboraciones que bandas.

Pero.... ¿y el k-pop?

El estudio de Skoove y Datapulse se centra en las listas de Estados Unidos y en Reino Unido, pero no menciona uno de los fenómenos musicales más grandes de los últimos años: el del k-pop. Hace un par de semanas, en redes sociales se estableció este mismo debate. “Que vuelvan las boybands”, escribió la creadora de contenido en TikTok Clers (@clersssss) a finales de febrero. Su vídeo llegó a X (antes Twitter) y se desató la polémica. “Siempre fingiendo que el k-pop no existe. Que no diga que vuelvan las boybands, que diga que quiere una de hombres blancos ingleses y terminamos antes”, criticó en una publicación @natagepi. El tuit se hizo viral y a comienzos de abril supera las 750.000 visualizaciones y más de 12.000 ‘me gustas’. “La frase de ’Ya no hay boybands como antes’ parte de que la sociedad está occidentalizada. Parece que si no hay un One Direction de occidente, no existen las boybands”, señala Beatriz Blanco, filóloga inglesa y experta en k-pop desde hace una década.

BTS, EXO o Seventeen son tres de los grupos que hacen k-pop, abreviatura de “Korean Pop” que se utiliza para enmarcar la música popular creada en Corea del Sur. Y no, no es un género, “es una industria que lleva desde los 90 existiendo”, como señala Blanco. Los grupos de k-pop están conformados por un gran número de integrantes y una de sus señas de identidad son las intensas coreografías que manejan. “Es el core del k-pop. Tienes que bailar bien. Se pone por encima el bailar bien que el cantar”, añade.

Pero para crear un grupo de k-pop es necesario reunir a las personas adecuadas. Como explica Blanco, para entrar en la industria hay que pasar un casting en una empresa de entretenimiento, como por ejemplo SM Entertainment o Big Hit. Como si metiésemos Operación Triunfo y El juego del calamar en una coctelera. “Si tú quieres de verdad triunfar, intentas hacer un casting en una de estas empresas famosas, porque es en las que tienes posibilidades”, señala. Para formar un grupo se analizan miles de solicitudes y la formación puede extenderse durante años. Todo esto con inversiones de miles de euros detrás. El resultado final es una banda de artistas perfeccionados al máximo.

Uno de los grupos más representativos de esta industria es BTS, cuya formación incluye a RM, Suga, Jin, J-Hope, Jimin, V y JungKook. Su alcance es estratosférico. En 2023, las ventas de álbumes físicos totalizaron 98,9 millones de unidades, según el Circle Chart operado por la Asociación de Contenido Musical de Corea. Además, la industria musical surcoreana alcanzó un récord histórico de ingresos por ventas de alrededor de 11 billones de wons surcoreanos en 2022, así como un valor de exportación de aproximadamente 927,6 millones de dólares estadounidenses. Al cambio, esto equivale a aproximadamente 6.324 millones de euros. Durante 2020 y 2021, en lo que antes se llamaba Twitter, se publicaron 7.500 millones de tuits sobre k-pop. La cifra en 2011 fue de 5,1. Hay k-pop para rato.

*Consulta los estudios completos elaborados por Datapulse y Skoove aquí:

https://www.skoove.com/blog/decline-of-bands-usa/

https://www.skoove.com/blog/decline-of-bands-uk/

A las 3:10 de la madrugada del 3 de abril de 1979, una explosión estremeció la Avenida de Mayo. En ese momento, un incendio de grandes proporciones se propagaba por el edificio del Banco de Intercambio Regional, una estructura de más de cuatro décadas, lindera al histórico Teatro Avenida. Las llamas alcanzaron tal intensidad que, minutos después de iniciado el fuego, el edificio bancario colapsó. Fue entonces cuando las llamas avanzaron violentamente hacia el teatro, comprometiendo su fachada y parte de la sala.

Según la crónica publicada en La Prensa ese mismo día, el incendio originado en el tercer piso del banco se expandió con una velocidad devastadora. La propagación del fuego, junto con la posterior caída del edificio, causó dos víctimas fatales y dejó a varios bomberos heridos.

La sala afectada era el Teatro Avenida, sala emblemática de la Avenida de Mayo y propiedad en ese momento de la actriz y cantante Nati Mistral. Allí se preparaba el estreno del musical El diluvio que viene, una producción encabezada por Fernando Prado y el actor Alberto Closas. La escenografía contaba con un complejo sistema giratorio que, según relató el responsable técnico Adolfo Gómez, se salvó milagrosamente del fuego, al igual que el vestuario y los masters musicales.

Pese a que la sala principal resistió el embate del incendio, el teatro quedó inutilizado. Esa misma noche, Alejandro Romay ofreció su sala El Nacional para que la obra pudiera estrenarse, mientras el Avenida entraba en un letargo que se extendería por quince años.

Abandono, usurpación y deterioro del edificio

Durante los quince años que permaneció cerrado, el Teatro Avenida atravesó un proceso de degradación física y simbólica. El abandono, acentuado por la falta de mantenimiento y la desprotección estructural derivada del incendio, dio paso a la usurpación del edificio. Según testimonios, personas sin techo comenzaron a ocupar los palcos del teatro en condiciones precarias. Se decía que un exboxeador administraba la distribución de los espacios internos.

El aspecto del edificio durante ese período fue definido por quienes frecuentaban la zona como una “postal lúgubre”. La degradación no solo afectó al interior de la sala, sino también a su magnífica fachada. La sala quedó reducida a un cascarón deteriorado.

En 1987, un consorcio hispano-argentino decidió intervenir en la recuperación del edificio. Conformaron la sociedad anónima “Reconquista del Teatro Avenida” y adquirieron el inmueble con el propósito de restaurarlo respetando su arquitectura original. La puesta en valor fue liderada por el empresario hotelero Florencio Aldrey Iglesias, quien comandó un trabajo minucioso de acondicionamiento.

El teatro volvió a abrir sus puertas el 19 de junio de 1994, en una gala que marcó el regreso de su antiguo esplendor. El evento de reinauguración estuvo a cargo del tenor Plácido Domingo, acompañado por la mezzosoprano española María José Montiel y las cantantes argentinas Paula Almerares y Cecilia Díaz. Junto a ellas participaron el Coro Polifónico Nacional y la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. En el foyer se instaló una obra de arte para recordar esa noche.

El nacimiento del teatro más español

Inaugurado el 3 de octubre de 1908, a la altura 1222 de Avenida de Mayo, el Teatro Avenida fue concebido con una orientación clara hacia la cultura española, en un momento en que Buenos Aires recibía una oleada de inmigrantes de ese país y la avenida lucía todo su esplendor. Fue obra de los ingenieros Fernández Poblet y Alejandro Ortúzar, y su construcción fue encargada por los hermanos Juan y Joaquín Cordeu. El empresario teatral Faustino Da Rosa se encargó de su administración inicial.

El estilo arquitectónico se inscribe dentro del academicismo francés, aunque con elementos de estética imperio en clave modernista. Su fachada está coronada por una marquesina cubierta por mansarda con óculos, lucarnas y chimeneas. En el interior destacan las líneas curvas, ornamentaciones en racimo, cartouches, cariátides, grecas, coronas y efigies. La sala, con capacidad para 1200 espectadores, está dispuesta en forma de herradura, lo que optimiza su acústica.

Un elemento distintivo es la gran araña central, que cuelga del techo y se desmonta una vez por año para su limpieza. Las tulipas distribuidas en los cinco niveles de palcos y galerías completan la identidad visual de este espacio lírico porteño.

Presencia de grandes estrellas

Desde sus inicios, el Teatro Avenida fue escenario de múltiples personalidades del arte español y rioplatense. María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza protagonizaron la noche inaugural con El castigo sin venganza. Lola Membrives dejó una marca profunda con su ciclo dedicado a Federico García Lorca en 1933, que incluyó Bodas de Sangre, Mariana Pineda y La zapatera prodigiosa. Ese mismo año, el propio Lorca viajó a Buenos Aires, donde permaneció seis meses.

El 8 de marzo de 1945, la actriz catalana Margarita Xirgu estrenó mundialmente en esta sala La casa de Bernarda Alba. Otros nombres ilustres que pasaron por su escenario fueron La Argentinita, Carmen Amaya, Enrique Borrás, Lola Flores, Sara Montiel, Miguel de Molina, Raphael, Nati Mistral y Rocío Jurado. Entre los artistas argentinos se destacaron Hugo del Carril, Tita Merello, Florencio Parravicini, Carlos Gardel y Lolita Torres, quien debutó allí a los 11 años.

En la década del sesenta, el espectáculo Buenas noches, Buenos Aires, con Hugo del Carril, Tita Merello y Mariano Mores, reafirmó su vínculo con la cultura popular local.

Relación con la comunidad española

La ubicación del teatro en la Avenida de Mayo, considerada la arteria más española de la ciudad, fue determinante para su perfil artístico. Desde su fundación, el Avenida fue la sala predilecta de las compañías de zarzuela, flamenco y teatro español. Actores provenientes del viejo continente consideraban natural presentarse allí al llegar a Buenos Aires.

Durante décadas, se convirtió en enclave privilegiado para la difusión de la cultura ibérica en el Río de la Plata. Títulos emblemáticos de la zarzuela como La verbena de la Paloma, La Dolores, El anillo de hierro y El salto del Pasiego ocuparon su cartelera con regularidad.

A partir de fines de los años noventa, el Teatro Avenida se afianzó como uno de los espacios principales para la ópera, el concierto clásico y el ballet. Fue sede de compañías como Juventus Lyrica, Clásica del Sur y Ópera Festival Buenos Aires. En 2001, Gustavo Cerati eligió este escenario para su concierto sinfónico 11 Episodios Sinfónicos, cuyo registro en vivo se convirtió en un hito.

Tras el cierre obligado por la pandemia de COVID-19 en marzo de 2020, el Avenida mantuvo sus puertas cerradas por más de dos años. En 2022 volvió a iluminarse. El hall, los palcos y las butacas fueron reacondicionados; se renovó el alfombrado y se pintaron las balconadas. Con una capacidad de 1100 espectadores, conserva su disposición tradicional, incluida la zona popularmente conocida como “gallinero” o “cazuela”.

El legendario actor y director estadounidense Clint Eastwood es uno de los rostros más reconocidos del cine estadounidense. La gran figura de Hollywood cumplirá el próximo mes de mayo los 95 años de edad y, a sus espaldas, carga con el peso de su propia historia, que ha marcado prácticamente una época en el séptimo arte debido a la longevidad de su carrera. Eastwood comenzó su trayectoria como actor a principios de la década de los 60 y, a pesar de que ciertas críticas le tildaban de poco profundo e inexpresivo, el californiano logró un gran reconocimiento protagonizando las películas de la Trilogía del dólar y también las de Harry el Sucio.

Como director, Clint Eastwood ha cosechado grandes éxitos durante toda su carrera en el cine. Los más importantes se tradujeron en sus cuatro premios Óscar, por dos de sus más reconocidas películas, Sin Perdón (1993) y Million Dollar Baby (2005). Por cada una, el estadounidense recibió el Óscar a mejor director y también a mejor película. Clint Eastwood también ha sido galardonado con otros premios, como el Óscar honorífico en honor a Irving Thalberg en 1995, que valora la labor en el mundo de la producción cinematográfica, y cinco Globos de Oro, entre otros reconocimientos.

La película favorita de Clint Eastwood

Sin embargo, uno de los rasgos más singulares de Clint Eastwood durante toda su trayectoria ha sido su capacidad para dirigir y, a la vez, producir y protagonizar algunas películas muy exitosas en taquilla, como pueden ser Los puentes de Madison, de 1993, o Gran Torino, en 2008. Lo cierto es que su completa carrera en el mundo del cine le ha permitido a Clint Eastwood la licencia de desprenderse de todas las etiquetas. Además de que, como un grande de Hollywood, no le hizo falta un cambio radical en el tipo de personaje para mostrar diferentes sentimientos, lo cierto es que Eastwood siempre ha tenido un carácter algo enigmático.

Quizá, gran parte de este hermetismo provenga de la polivalencia del cineasta. Su don para actuar y dirigir, para hacer western o drama, cine de época o contemporáneo, convierte a Clint Eastwood en uno de los personajes más exitosamente versátiles de la historia del cine. Es por esta misma razón que, cuando se le pregunta al californiano por sus gustos personales, su respuesta sea inesperada. En este caso, fue el American Film Institute (AFM) el que preguntó en una entrevista a Clint Eastwood sobre su película favorita. El actor y director sorprendió al nombrar, entre otras, el film ¡Qué verde era mi valle!, dirigido en 1941 por John Ford, como una de sus películas favoritas.

Sinopsis y dónde ver ‘¡Qué verde era mi valle!’

En un pueblo minero de Gales viven los Morgan, todos ellos mineros y orgullosos de serlo y también de respetar las tradiciones y la unidad familiar. Sin embargo, la bajada de los salarios provocará un enfrentamiento entre el padre y los hijos; porque mientras éstos están convencidos de que la unión sindical de todos los trabajadores es la única solución para hacer frente a los patronos, el cabeza de familia, en cambio, no quiere ni siquiera oír hablar de sindicatos ni de socialismo.

Actualmente, la película está disponible bajo suscripción en la plataforma Movistar+. ¡Qué verde era mi valle! obtuvo cinco estatuillas de los Óscar en 1941, y se trata de un drama costumbrista que cuenta la historia de una familia trabajadora galesa, desde el punto de vista del niño más joven.

La oferta de televisión de pago en España ha crecido considerablemente en los últimos años, con múltiples opciones para los consumidores que buscan acceso a contenido exclusivo como cine, series y deportes. Movistar Plus+, la plataforma de televisión de pago de Movistar, ha ajustado sus tarifas y opciones para adaptarse a las necesidades de diferentes perfiles de usuarios.

La plataforma ofrece una amplia gama de contenidos, que van desde las últimas películas hasta la programación deportiva más destacada, y ha creado una estructura de precios que varía según el tipo de contratos y los servicios adicionales que se deseen. Esta variedad, que se intenta adaptar a todos los bolsillos, ha permitido que tanto nuevos usuarios como clientes habituales de Movistar puedan disfrutar de la plataforma.

Precios para los clientes de Movistar

Si ya eres cliente de Movistar y quieres contratar Movistar Plus+, tienes varias opciones disponibles, cada una con características y precios distintos. Para los clientes de Movistar que ya disponen de una tarifa de fibra y móvil, el precio básico de Movistar Plus+ es de 9,99 euros al mes.

Esta tarifa, la más económica, proporciona acceso a más de 80 canales, que incluyen tanto los de pago como los convencionales de la televisión, además de contenido a la carta, con un estreno de cine diario y acceso a algunos partidos de fútbol.

Sin embargo, si deseas un servicio más completo, Movistar ofrece un paquete que incluye un descodificador de TV por 12 euros al mes, lo que eleva el coste anual a 144 euros. Esta opción resulta más atractiva para quienes quieren acceder a una mayor variedad de canales, incluido todo el fútbol de la temporada y competiciones deportivas exclusivas de Movistar. También se incluyen algunas plataformas de streaming como Netflix, Max, Disney Plus y SkyShowtime.

Tarifas de Movistar: la opción más completa

Si deseas disfrutar de la plataforma de Movistar Plus+ con la posibilidad de acceder a todos los contenidos exclusivos y sin limitaciones en cuanto a canales, se puede considerar contratar la plataforma junto con otros servicios como internet y telefonía móvil. Los planes de fibra y móvil de Movistar varían en precio, desde los 52,9 euros mensuales hasta los 123,9 euros, dependiendo de la velocidad de conexión y los servicios incluidos.

En este caso, el coste mínimo de la suscripción mensual a Movistar Plus+ asciende a 64,9 euros, ya que es necesario contratar la tarifa de fibra y móvil, además de la plataforma de televisión. De esta manera, los clientes de Movistar pueden acceder a todo el contenido de la plataforma, así como disfrutar de una conexión de internet de alta velocidad, ideal para aquellos que buscan un paquete completo.

La oferta de O2: la alternativa gratuita

Por otro lado, si eres cliente de O2, la filial de Movistar, puedes beneficiarte de otras ofertas diferentes. O2 permite contratar Movistar Plus+ de manera gratuita si ya estás suscrito a su tarifa más cara, que cuesta 50 euros al mes. Este plan incluye fibra de 1 Gbps, fijo y móvil con 350 GB sin permanencia.

Es una opción atractiva para quienes buscan una solución todo en uno, que combine televisión, internet y móvil a un precio competitivo. Esta alternativa elimina el coste adicional de Movistar Plus+ y lo incluye como parte del paquete, lo que hace que la oferta sea más económica si ya eres cliente de O2.

Es importante destacar que, a diferencia de otros servicios, Movistar Plus+ no ofrece un periodo de prueba gratuito. Desde el momento de la suscripción, el primer mes de pago se cobra automáticamente.

“Se ven banderas vascas por todas partes, hay un museo vasco, un centro cultural vasco”, dice en un video de Tiktok la usuaria @royaventurera, en el que muestra el trocito del País Vasco que se esconde en Estados Unidos, siendo a su vez uno de los pocos lugares del mundo donde se habla euskera.

Boise, la capital y ciudad más grande del estado de Idaho, cuenta con unos 200.000 habitantes. Aunque Idaho es uno de los estados más tranquilos de Estados Unidos, con una economía basada principalmente en la agricultura y una gran riqueza de paisajes naturales, uno de sus aspectos más curiosos es su estrecha conexión con la cultura vasca.

Este vínculo se remonta a finales del siglo XIX, cuando los primeros inmigrantes vascos llegaron a Idaho tras la fiebre del oro en California. A través del pastoreo, los vascos se fueron asentando en la región, lo que dio lugar a un efecto llamada y estableció una conexión migratoria entre el País Vasco e Idaho. De hecho, el censo del estado permite a los ciudadanos identificarse como vascos en cuanto a su ascendencia.

Como resultado, Boise alberga una manzana completa dedicada a rendir homenaje a la cultura vasca, con restaurantes que ofrecen productos y platos típicos del País Vasco, museos, frontones e incluso una escuela que enseña euskera a los más jóvenes.

“Se ven banderas vascas por todas partes, hay un museo vasco, un centro cultural vasco... y alguien me comentó en los comentarios de mi último video que incluso enseñan euskera en el Centro Vasco", ha explicado la creadora de contenido.

“Aunque no tuve mucho tiempo para verlo todo porque fue un viaje muy rápido, sí que fui a comer al Mercado Vasco, y debo decir que la comida estaba increíble. ¡Me recordó a cuando viví en España durante un año!", ha asegurado la estadounidense.

Los seguidores del Athletic de Bilbao también están presentes en la ciudad, con peñas que apoyan al equipo desde la distancia. Además, se celebra la festividad de San Ignacio de Loyola, patrón de Vizcaya y Guipúzcoa.

Celebraciones tradicionales

La creadora de contenido destacó que los locales también celebran fiestas tradicionales que normalmente no salen de las fronteras de la comunidad española. “Supe que organizan festivales vascos anuales, pero tienen un gran festival muy especial que solo se celebra cada cinco años, y gente de todo el mundo viene a ver este festival", ha contado.

Y es que el momento más destacado de la conexión vasca en Boise ocurre cada cinco años, durante la celebración del Jaialdi. Este evento se toma las calles del centro de Boise para conmemorar las raíces vascas de la región, heredadas de los pastores que llegaron a principios del siglo XX.

Durante el festival se sirven Kalimotxo, un cóctel típico vasco de vino tinto y refresco de cola, y comen frijoles negros y paella, aunque estos últimos no son los platos más tradicionales del País Vasco. El Jaialdi ofrece también danzas, artesanía, deportes rurales y música vasca. Este macroevento atrae a más de 40.000 personas, no solo de Boise, sino también del País Vasco y otras comunidades de la diáspora vasca, como Argentina. El próximo Jaialdi se celebrará en 2020.

“Y cada cinco años es, de hecho, este año: en 2025. Así que si te interesa ir a ese festival es a finales de julio, creo que del 29 de julio al 3 de agosto", ha matizado la creadora de contenido.

“En general me pareció genial e interesante ver este trocito de España en pleno corazón de Boise, Idaho. Así que si echas de menos España o quieres visitarla pero no tienes presupuesto para ir hasta allí y estás en el noroeste del Pacífico te recomiendo encarecidamente una visita rápida al barrio vasco en Boise", ha concluido la usuaria.

En Estados Unidos, universidades como Boise State University en Idaho y la Universidad de Nevada en Reno cuentan con centros dedicados a la investigación y promoción de la cultura vasca. Además, en algunos países europeos, el euskera se estudia por su singularidad lingüística, ya que es una lengua aislada sin parentesco conocido con otras lenguas.

Sin embargo, a esa lista habría que añadir una nueva producción que, en tan solo una semana desde su estreno, ha logrado colocarse como la más vista en España, casi toda Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, Francia, Alemania e Italia.

Se trata de Medusa, una serie en la que se cuenta la historia de Bárbara Hidalgo, una empresaria que está a punto de asumir el control de un conglomerado familiar, pero que sufre un accidente en mitad del mar y es dada por muerta. Sin embargo, cuando la investigación concluye que su cuerpo fue tragado por el mar, Bárbara regresa para descubrir que fue víctima de un atentado fallido y se une a un detective para desentrañar la verdad detrás de su incidente.

Una nominada a los Goya como protagonista

Parte del éxito de la serie es mérito de su actriz principal, Juana Acosta, que carga sobre sus hombros el peso de la mayor parte de la historia. Nacida en Cali (Colombia) en 1976, esta intérprete mostró siempre un gran interés por las artes escénicas, lo que hizo que estudiara Bellas Artes en Bogotá mientras comenzaba a trabajar en la tele novela Mascarada.

Gracias a eso pudo mudarse a España, donde ha trabajado en numerosos proyectos. Algunos de los más recientes son Lobo Feroz, de Gustavo Hernández, Ola de crímenes, de Gracia Querejeta o Perfectos desconocidos, de Álex de la Iglesia. Su participación en la película de Bernabé Rico, El Inconveniente (2020), de hecho, le valió una nominación en los premios Goya como Mejor actriz de reparto.

En series también la hemos podido ver en proyectos como El inocente, La templanza, Velvet, Hispania u Hospital Central. Y es ahí donde incluso ha participado, también, en proyectos internacionales como Carlos, serie francesa dirigida por Olivier Assayas, o Vernon Subutex, de Cathy Verney.

Una familia de actores

Juana Acosta ha desarrollado gran parte de su carrera en España, país en el que también han tenido lugar hechos muy importantes en el apartado personal. Entre 2003 y 2019, mantuvo una relación con el famoso actor hispano-argentino Ernesto Alterio. Con él se casó en 2006 y tuvo a su hija en 2006.

Lola Alterio, de 18 años, parece querer seguir los pasos de sus padres y adentrarse en el mundo de la interpretación. Por ello, se ha formado como actriz en la escuela de Arte Dramático de Juan Carlos Corazza, el mismo sitio en el que su madre estudió una vez llegó a España. De este modo, Lola se convertiría en la tercera generación de la familia Alterio que actúa en el mundo del cine, dado que Héctor Alterio fue también un importante actor al que le fue dado, por ejemplo, el Premio Goya de honor en el año 2004.

Taylor Swift, Karol G, Duki, la lista de grandes artistas que han actuado en el Santiago Bernabéu se estrenó en 2024 con algunas actuaciones que son ya historia de los conciertos en España. Sin embargo, los problemas con la normativa anti ruido tras la denuncia de varios vecinos acabaron provocando la decisión del Real Madrid de suspender las actuaciones en el estadio.

A raíz de esto, Lola Índigo, una de las grandes artistas que esperaba su turno para actuar en el Bernabéu el próximo 14 de junio, anunció un cambio de localización del show, que pasaría a realizarse en el estadio Metropolitano “el mismo día a la misma hora”.

La cantante granadina puso así fin a la incertidumbre que había puesto la suspensión de la agenda de conciertos en el campo del Real Madrid. “Me alegra mucho dar esta noticia porque han sido unos meses de mucha incertidumbre y la prioridad era asegurar este concierto para vosotros que nos habéis apoyado incondicionalmente”, transmitía ella en un comunicado.

Indignación ante el aumento de los precios

Esta actuación del tour La Bruja, La Niña y El Dragón será una de las últimas -a falta de una actuación en Sevilla y otra en Barcelona- de una gira que ha llevado a la artista española por diferentes escenarios de España y México durante más de un año.

De este modo, para muchos fans la noticia del cambio de ubicación de su concierto en la capital supuso un verdadero alivio. A pesar de ello, la alegría se ha transformado en indignación en algunos casos. Para su concierto en el Metropolitano, la cantante ha ofrecido nuevas entradas, disponibles desde el 9 de marzo en la web lolaindigomusic.com, para las que ha implementado una subida de precios.

De este modo, si para el Bernabéu las entradas en pista se habían ofertado a un precio de 39 euros, en el caso del estadio del Atlético de Madrid no bajaban de 52, algo de lo que muchos usuarios han protestado a través de las redes sociales. El precio ha seguido subiendo a medida que se han ido agotando las localizaciones, de modo que actualmente el precio en pista es de un mínimo de 90 euros, con algunas entradas aún disponibles en las gradas, con un abanico de precios que va desde los 30 euros en los laterales a los 124 para el front stage.

Un “disgusto” y un cambio que podría imitar Aitana

Con todo, la decisión de trasladar el concierto ha sido una buena noticia para Lola Índigo, que ya en diciembre de 2024 confesaba que la noticia había supuesto “un disgusto”. “Me petó un poquito la patata”, recordaba en una entrevista en el programa de La Revuelta. Aun así, ella misma lanzó un mensaje optimista para sus seguidores: “No preocuparse, va a salir todo bien, como siempre”.

La decisión final de pasar al Metropolitano no ha pillado del todo a los fans por sorpresa, puesto que no ha sido el único artista que ha tomado esa misma medida. Menos de una semana después del concierto de Lola en el nuevo estadio, de hecho, actuará Dellafuente, artista que también tenía agendado un concierto en el Bernabéu el pasado 15 de noviembre.

Tampoco parece que la cantante granadina sea la última, y es que ahora los rumores señalan a Aitana como la próxima en cambiar la localización de los dos conciertos que tenía planeados en el estadio madridista para este verano -y que ya fueron pospuestos anteriormente-.

La Semana Santa es una de las festividades más destacadas de España, tanto por su tradición religiosa como por su impacto cultural y turístico. Más allá de su carácter litúrgico, atrae a miles de visitantes nacionales e internacionales.

Desde el Domingo de Ramos hasta el Domingo de Resurrección, las calles de numerosas ciudades y pueblos se convierten en escenario de procesiones y representaciones de la pasión, muerte y resurrección de Cristo. Estas celebraciones, marcadas por la devoción y el patrimonio histórico, forman parte de la identidad cultural del país. Así, cada vez queda menos para que empiece la Semana Grande de este 2025.

Cuándo es la Semana Santa 2025

La Semana Santa de 2025 se celebrará del 13 al 20 de abril, mientras que en 2024 tuvo lugar del 24 al 31 de marzo. El Viernes Santo, 18 de abril, será festivo en toda España, lo que permitirá un puente en todas las comunidades autónomas. En cambio, el Jueves Santo (17 de abril) y el Lunes de Pascua (21 de abril) serán festivos únicamente en algunas regiones.

En qué comunidades es festivo el Jueves Santo

El Jueves Santo, 17 de abril, será festivo en Andalucía, Aragón, Asturias, Baleares, Canarias, Cantabria, Castilla-La Mancha, Castilla y León, Ceuta, Extremadura y Galicia. En estas comunidades, junto con el festivo nacional del Viernes Santo (18 de abril), disfrutarán de un puente de cuatro días. En contraste, en Cataluña, Comunidad Valenciana y Región de Murcia, el Jueves Santo no será festivo, pero sí lo será el Lunes de Pascua (21 de abril).

Este año, la Semana Santa se celebra más tarde de lo habitual, lo que hace que, pocos días después del Domingo de Resurrección o del Lunes de Pascua, llegue otro de los puentes más esperados: el del 1 de mayo. En el caso de la Comunidad de Madrid, los ciudadanos volverán a disfrutar de un puente de cuatro días.

Por qué cada año cambian las fechas de la Semana Santa

La Semana Santa conmemora la resurrección de Cristo, considerada la festividad más relevante del calendario litúrgico cristiano. Su fecha se relaciona con la Pascua Judía, dado que la crucifixión de Jesús coincidió con esta celebración. Según los Evangelios, la Última Cena fue una cena pascual judía, conmemoración de la liberación de los hebreos de Egipto. La Pascua Judía se celebra el 15 del mes de Nisán, tras la primera luna llena de la primavera. Por tanto, la elección de fechas se establece según un criterio astronómico. El Domingo de Pascua o de Resurrección se celebra el primer domingo después de la primera luna llena posterior al equinoccio de marzo, que marca el inicio de la primavera. Este fenómeno no puede ocurrir antes del 22 de marzo ni después del 25 de abril.

Considerando que la Semana Santa empieza el día del Domingo de Resurrección, estas son las fechas en las que se celebrará la Semana Santa en los próximos:

• En 2026 la Semana Santa comenzará el 29 de marzo
• En 2027 la Semana Santa comenzará el 21 de marzo.
• En 2028 la Semana Santa comenzará el 9 de abril.
• En 2029 la Semana Santa comenzará el 25 de marzo.

Netflix apuesta otra vez por la combinación de misterio y comedia en uno de sus próximos lanzamientos. Un asesinato en la Casa Blanca, una detective poco convencional y varios sospechosos convierte a esta nueva producción en una de las grandes apuestas del mes de marzo. Con una mezcla de intriga y humor ácido, la plataforma busca conquistar a los aficionados de los thrillers ingeniosos y las historias llenas de giros inesperados.

Detrás de este ambicioso proyecto se encuentra Shonda Rimes, creadora de algunos de los mayores éxitos de la televisión en las últimas décadas. Conocida por títulos como Anatomía de Grey o Cómo defender a un asesino, además de la exitosa Los Bridgerton, la productora pretende repetir la fórmula que la ha consolidado como una de las figuras más influyentes de la industria. En esta ocasión, su nuevo proyecto para Netflix es La Residencia, una serie policíaca basada en la novela The Residence: Inside the Private World of the White House, escrita por Kate Andersen Brower.

Una serie que se mueve entre el thriller y la sátira política

La Residencia se estrenará en la plataforma el próximo 20 de marzo y contará con una primera temporada de ocho episodios. Creada por Paul William Davies, la serie sigue la historia de la inspectora Cordelia Cupp, interpretada por Uzo Aduba, quien se enfrenta a un complejo caso de asesinato ocurrido en la Casa Blanca. Tal y como han recogido en VerTele, durante una desastrosa cena de Estado, se produce un crimen que deja 132 habitaciones, 157 sospechosos y un cadáver como único punto de partida. Con un tono que recuerda a Solo asesinatos en el edificio y la dinámica del clásico juego de mesa Cluedo, la producción promete combinar el suspense con un humor mordaz y personales extravagantes.

Además de Aduba en el papel principal, el reparto cuenta con un elenco de lujo en el que destacan nombres como Giancarlo Esposito, Edwina Findley, Molly Griggs, Jason Lee, Ken Marino, Randall Park e Isiah Whitlock Jr. También habrá apariciones especiales de reconocidas estrellas, entre ellas Eliza Coupe, Jane Curtin, Julian McMahon y la cantante Kylie Minogue, quien se interpretará a sí misma en un cameo.

La serie busca ofrecer una visión intrigante y satírica de los entresijos del poder en Washington, mezclando el drama policial con situaciones inesperadas y un guion cargado de ironía. La Casa Blanca se convierte en el escenario de un crimen en el que todos ocultan algún secreto y cualquiera puede ser el culpable. Esta propuesta, que se mueve entre el thriller y la sátira política, pretende atraer tanto a los seguidores del misterio como a quienes disfrutan de una narrativa más irreverente.

Con un guion afilado y una atmósfera que evoca el lujo y el secretismo del poder, La Residencia se presenta como una de las apuestas más interesantes del mes. La combinación de un reparto talentoso, la dirección de Shonda Rimes y la inspiración en un libro que desentraña los rincones más ocultos de la Casa Blanca convierten esta serie en una cita obligatoria para los amantes del género. Las expectativas están muy altas y, con el historial de éxitos de su creadora, todo apunta a que Netflix tiene entre manos un nuevo fenómeno televisivo.

Anillos, pendientes, incrustaciones de oro, todo estos accesorios forman parte de la estética con la que ha conseguido llegar a lo más alto la cantante Rosalía. Las joyas forman parte de ella, pero ahora le han supuesto una derrota en los juzgados europeos contra una empresa búlgara.

El caso comenzó cuando la empresa Raphael Europe Ltd, con sede en Sofía (Bulgaría), solicitó el registro de la marca “ROZALIYA jewelry for enlightenment” ante la Oficina de Propiedad Intelectual de la Unión Europea (EUIPO) el pasado 17 de mayo de 2016 y fue registrada el 6 de septiembre de 2016.

La marca era para productos de la clase 14 de la Clasificación de Niza, que incluyen diversos artículos de joyería, adornos y objetos de arte elaborados con metales preciosos o semipreciosos.

Fue el 8 de octubre de 2021 cuando la cantante presentó una solicitud de revocación total de la marca ante la EUIPO, alegando la falta de uso efectivo durante un período ininterrumpido de cinco años, conforme al artículo 58(1)(a) del Reglamento (UE) 2017/1001. Esto significa que que si el titular de una marca de la Unión Europea no la usa de manera real y efectiva en el comercio durante cinco años seguidos, cualquier persona puede solicitar su revocación.

Joyería, adornos personales y hallazgos de joyería

En 2022 la División de Anulación de la EUIPO resolvió revocar parcialmente la marca, manteniéndola únicamente para algunos productos específicos de la clase 14, entre ellos, joyería, adornos personales y hallazgos de joyería. La parte recurrente impugnó esta decisión mediante un recurso ante la Sala de Recurso de la EUIPO, solicitando la revocación total de la marca.

Sin embargo, un año más tarde, la Cuarta Sala de Recurso de la EUIPO desestimó el recurso de Rosalía y confirmó la validez de la marca para los productos mencionados. En su fallo, la Sala determinó que las pruebas presentadas por el titular de la marca, Raphael Europe Ltd, como facturas de ventas, anuncios en redes sociales y capturas de pantalla de su sitio web, demostraban uso genuino dentro de la Unión Europea durante el período relevante.

Esto llevó a la cantante a interponer recurso ante el Tribunal General de la Unión Europea el 5 de marzo de 2025, solicitando la anulación de la resolución de la EUIPO y la revocación total de la marca. Su argumentación se basaba en la supuesta insuficiencia de pruebas de uso efectivo.

Uso genuino de la marca

Ahora el Tribunal General de la Unión Europea ha desestimado el recurso contra la EUIPO y ha confirmado la resolución de la Cuarta Sala de Recurso de la EUIPO de 15 de diciembre de 2023 en el asunto R 430/2023-4.

En su fallo, el Tribunal ha concluido que la Junta de Apelación de la EUIPO no incurrió en error al considerar que las pruebas presentadas por Raphael Europe Ltd demostraban un uso genuino de la marca “ROZALIYA jewelry for enlightenment” para ciertos productos de la clase 14 de la Clasificación de Niza. Por ello, ha determinado que la presencia de la marca en facturas, anuncios y documentos comerciales era suficiente para establecer su uso en el mercado, sin que fuera necesario que estuviera directamente impresa en los bienes o su embalaje.

Asimismo, ha desestimado los argumentos de la recurrente sobre la supuesta insuficiencia de pruebas en relación con las ventas fuera de la Unión Europea y la extensión del uso en el mercado, señalando que la mayoría de las transacciones documentadas ocurrieron dentro del territorio de la UE.

En cuanto a la supuesta falta de motivación de la resolución impugnada, el Tribunal ha considerado que la Junta de Apelación justificó adecuadamente su decisión y proporcionó fundamentos suficientes para sustentar su conclusión sobre el uso efectivo de la marca.

La actriz española Anna Castillo, conocida por sus papeles en producciones como Nowhere, La Llamada, Un cuento perfecto o Paquita Salas, protagoniza en Su majestad a Pilar, una joven princesa rebelde que se ve obligada a quedar al frente de la institución después de que un escándalo salpique a su padre, el rey Alfonso XIV. Desde ese momento, deberá demostrar que no es la mujer irresponsable, insolente y vaga que todos creen.

La serie cómica, que acaba de aterrizar en Prime Video, promete ser una de las más comentadas de los últimos meses gracias a un argumento tradicional, vinculado a la realeza que tanto gusta en la ficción, pero a la vez refrescante, con una protagonista muy humana y polémica.

Creada por Borja Cobeaga (Pagafantas) y Diego San José (Vota Juan), Su majestad consta de siete episodios de una duración aproximada de 30 minutos. El dúo ya había escrito de forma conjunta películas que se han convertido en iconos dentro de la comedia española: Fe de etarras, Superlópez u Ocho apellidos vascos y Ocho apellidos catalanes, que obtuvieron un enorme éxito en taquilla. La dirección está firmada por Borja Cobeaga y Ginesta Guindal (Élite, Vida perfecta o El Vecino), que hablan con la revista de cine Best Movie España sobre su inspiración para crear al personaje que interpreta Anna Castillo.

Victoria Federica o Isabel Díaz Ayuso

Para configurar la personalidad de Pilar, los escritores tuvieron a su alcance todo un imaginario actual sobre el que asentar las bases de su protagonista, una princesa insolente que se aleja por completo del estereotipo que debería cumplir. Los directores de la serie española, que ya puede verse en Prime Video, destacan que parte de la inspiración la obtuvieron de Victoria Federica, hija de la infanta Elena de Borbón y Jaime de Marichalar.

“Sería estúpido no pensar en Victoria Federica. Es verdad que me lamento mucho de no haber sacado a Pilar en un patinete fumándose un pitillo, que es la imagen icónica de Victoria Federica”, destaca Borja Cobeaga con respecto a uno de los memes más conocidos de los que rodean a la influencer. Además, también destacan que el póster de la serie, en la que se muestra a la princesa (y reina por sorpresa) montando en moto como si cabalgase un caballo, tiene serias reminiscencias de la figura borbónica: “Yo recuerdo que hizo un reportaje en el ¡Hola! posando con un caballo y todo eso, que decía ‘esto parece el póster de la serie que todavía no hemos rodado’”.

Ginesta Guindal señala que a nivel interpretativo también resultaba importante contar con una fuente de inspiración que les permitiese modelar el personaje: destaca la “manera de comportarse de ciertos personajes de la realeza”, así como “la jeta o desfachatez y el porte de Isabel Díaz Ayuso”. En Pilar, por tanto, encontramos una cierta evocación de la presidenta de la Comunidad de Madrid, aunque los directores destacan que en parte fue accidental: en la serie, a la reina de España se le escapa un “hijos de puta” dirigido a los seguidores del Barça y el Girona durante la Copa del Rey; esto recuerda al insulto que Ayuso masculló en el Congreso de los Diputados en noviembre de 2023 mientras intervenía Pedro Sánchez. La presidenta se excusaría después asegurando que lo que se podía leer en sus labios era “me gusta la fruta”.

Aunque podría pensarse que en la serie se realiza una clara referencia al momento protagonizado por Isabel Díaz Ayuso, esto fue una completa casualidad, ya que ocurrió después: “De hecho, estábamos en la preproducción de la serie, con toda la serie escrita, y pasó lo que pasó con Isabel Díaz Ayuso y fue como ‘¿esto es bueno o es malo?, ¿nos va a favor o...?’”, señala Ginesta Guindal.

Estas personalidades polémicas y singulares dan vida a una princesa completamente inusual que podría ganarse un puesto importante en el paseo de la fama de la comedia española.

Es muy común entrar a un hotel, un supermercado o incluso un dentista y que suene música. Pero, ¿alguna vez has pensado si por hacerlo hay que pagar derechos de autor? ¿Es siempre obligatorio? El uso de música en negocios como bares, restaurantes o tiendas puede conllevar este pago a la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). Sin embargo, esta obligación no es universal y depende de si existe una “comunicación al público” de la obra protegida.

La entidad que se encarga de gestionar los derechos de explotación de obras protegidas por propiedad intelectual en España es precisamente la SGAE, una entidad sin ánimo de lucro inscrita en el Registro Nacional del Ministerio del Interior. Su actividad está regulada por el artículo 147 del Real Decreto Legislativo 1/1996, de 12 de abril, que establece el marco legal de la Ley de Propiedad Intelectual. Sin embargo,

Las entidades de gestión como la SGAE no pueden repartir beneficios entre sus socios, aunque sí pueden recibir retribuciones económicas para operar y administrar los derechos de autor.

Según los artículos 1 y 2 de la Ley de Propiedad Intelectual, los derechos de autor protegen las creaciones artísticas, literarias o científicas desde el momento de su creación. Estos derechos incluyen derechos de carácter personal, que garantizan la vinculación del autor con su obra, y los derechos patrimoniales, que permiten la explotación económica de la obra.

El autor es el principal responsable de proteger sus derechos, aunque puede ceder esta gestión a entidades como la SGAE. Estas organizaciones investigan y controlan el uso no autorizado de las obras protegidas, facilitando su cumplimiento legal.

¿Todos los negocios deben pagar a la SGAE?

El pago de derechos de autor depende del tipo de negocio y del uso que se haga de la música. La clave está en la “comunicación al público”, un concepto definido por el Tribunal de Justicia de la Unión Europea (TJUE), que se recoge en la sentencia del 15 de marzo de 2012.

Según el TJUE, una comunicación al público ocurre cuando la música se reproduce para “número indeterminado de destinatarios potenciales e implica, por lo demás, un número considerable de personas”. Esto excluye los usos privados o en espacios con una audiencia reducida, como apuntan los abogados y asesores fiscales Ruiz Ballesteros.

El tribunal estableció criterios para determinar qué negocios deben pagar derechos de autor. Están obligados los hoteles que ofrecen radio o televisión en las habitaciones, ya que esto influye en el precio de la estancia, como recoge la sentencia del TJUE, 15 de marzo de 2012. El tribunal sentenció que un hotel que proporciona acceso a obras protegidas a sus clientes transmite la obra a un “público nuevo”, distinto del originalmente previsto por los autores al autorizar la radiodifusión de la obra. Esta intervención del hotel constituye una explotación de la obra y, por lo tanto, genera la obligación de pagar derechos de autor.

Del mismo modo, el Tribunal de Justicia declaró que la transmisión de obras radiodifundidas en un establecimiento de restauración se hace para atraer clientes y puede repercutir sobre el número de personas que frecuentan dicho establecimiento y, en definitiva, sobre sus resultados económicos.

Sin embargo, hay espacios en los que se está exento de pago. Por ejemplo, la difusión de música en las consultas odontológicas no constituye una “comunicación al público” en el sentido del artículo 8, apartado 2, de la Directiva 92/100. “Los pacientes de un dentista acuden a una consulta de odontología con el único objeto de ser atendidos, no siendo inherente a la asistencia odontológica la difusión de fonogramas”, señaló la sentencia.

El cineasta Alejandro Amenábar ha afirmado este domingo que ha votado a la española Karla Sofía Gascón como mejor actriz protagonista en los Oscar, un galardón que espera que gane porque a su juicio la intérprete “se lo merece”.

En declaraciones a los medios de comunicación antes de participar en uno de los diálogos del Foro de la Cultura de Valladolid, el director ha señalado que el caso de Karla Sofía Gascón, apartada por Netflix de la promoción de la película ‘Emilia Pérez’ de cara a los Oscar por publicar comentarios contra el islam o George Floyd en su perfil de ‘X’, demuestra que “a veces unos se compromete con sus palabras”.

Por este motivo, ha indicado que hace “muchos años” que él decidió “no tener redes sociales”, con el objetivo de “no ser esclavo de sus palabras”, como le ha sucedido a la intérprete, a quien ha votado para que se haga con la estatuilla a Mejor actriz protagonista por su papel de Emilia Pérez.

Sobre el miedo, tema sobre el que ha girado la VIII edición del Foro de la Cultura, Amenábar ha recordado que este ha sido un “componente presente” en algunas de sus películas, como la “oscuridad” en ‘Los otros’ o la “muerte” en ‘Mar adentro’.

“El miedo a una tercera guerra mundial”

Asimismo, ha reconocido que ahora mismo lo que le “perturba” es el “miedo a una tercera guerra mundial”. “A mí ahora mismo las pesadillas me las traen más que los monstruos de cine lo que está ocurriendo en la realidad política mundial”, ha apostillado.

Por otro lado, cuestionado sobre el género del terror en el cine, ha apuntado que es uno aún “comercial”, si bien ha avisado de que hay “desinterés” en “hacer cosas que se salgan de la norma”. “Es difícil llegar con un proyecto provocador o con un proyecto complejo, porque hay ahora mismo un mínimo común denominador en muchas de las políticas de inversiones. Es decir, se intenta hacer películas que se asemejen más a productos que contentan a todo tipo de público”.

(Noticia elaborada por Europa Press)

Anna Castillo (Barcelona, 1993) se pasó ayer por el teatro de La Revuelta para presentar su último proyecto Su Majestad, la nueva serie de Prime Video. Durante la conversación con Broncano, se mostró a ese público que no la conocía como la persona natural que es. Hablando con gracia y desparpajo sobre su obsesión por la limpieza, los golpes que se da, los arañazos que tiene de su gato, el dinero que tiene y de sus encuentros sexuales (20 en el último mes).

La intérprete ha trabajado en infinidad de trabajos. Ganó el Goya a Mejor Actriz Revelación en 2017 por su papel en la película de Iciar Bollaín, El Olivo. Al mismo tiempo, daba vida a Belén de Lucas en Paquita Salas, grabó uno de los capítulos de TVE, El Ministerio del Tiempo, rodó la película Oro de Agustín Díaz Yanes y la adaptación cinematográfica de la obra La Llamada, por la que fue nominada al Goya como Mejor Actriz de Reparto. Estuvo a punto de ganar el galardón a Mejor Actriz Protagonista por su interpretación en Girasoles Silvestres. Asimismo, llegarían proyectos como, Adú, La vida era eso, La Línea Invisible, Donde Caben Dos, Fácil, Un cuento perfecto y Citas Barcelona.

La vida personal de Anna Castillo

Muchos son los datos que conocemos de la vida profesional de Anna Castillo y es que a sus 31 años puede presumir de haber participado en infinidad de trabajos. Sin embargo, la actriz es celosa de su intimidad y es muy prudente con la información de su vida privada que comparte.

Tal y como le contó a Elísabet Benavent en una entrevista para Cosmopolitan, de pequeña soñaba con ser como Julia Roberts. Sin embargo, le confesó a la escritora que si a sus 19 años, cuando empezó a trabajar como actriz “en serio”, alguien le hubiera dicho cómo iban a ser los siguientes diez años de su carrera se hubiera “muerto de ilusión”. “No me imaginaba que pasarían tantas cosas ni que fuera a trabajar en proyecto, que me hicieran tan feliz”, comentaba.

Para la intérprete, una de las cosas más difíciles de ser conocida es la exposición, ya que, según explicaba en esa conversación, te convierte “en alguien vulnerable”. “Te acabas validando a partir de los ojos de los demás y esto supone estar revisándote siempre, pero tengo la suerte de que me castigo poco. Lo importante es tener una base sólida y entender que tu trabajo y tu exposición no te definen”, compartía.

Contaba la actriz, que a veces era difícil compaginar el trabajo con la vida social, sobre todo, en aquellos proyectos donde se es la protagonista y hay que “rodar todos los días”. “Me paso tres o cuatro meses abducida por el proyecto", explicaba. “Pero le doy tanta importancia a mi vida personal que me obligo. Ya me puedo estar cayendo de sueño que, si mis amigas han quedado, voy a ir. Necesito sentir que no desaparezco, que sigo existiendo como persona”, admitía.

La historia de amor de Anna Castillo y Álvaro Mel

Casualmente, la misma escritora que le hacía esta entrevista es la culpable de que Anna Castillo conociera a su actual novio, Álvaro Mel. Los dos actores se vieron por primera vez en el rodaje de Un cuento perfecto, la adaptación audiovisual del vigésimo libro de Elísabet Benavent.

En esta serie de Netflix, interpretaban a Margot y David. En esta ficción los protagonistas vienen de dos mundos muy diferentes, pero al final acaban enamorándose. Un amor que parece que traspasó la pantalla.

Los rumores sobre un supuesto romance entre ambos no tardaron en llegar, pero hasta mediados de agosto de 2023 ¡Hola! no publicaba las imágenes que lo confirmaban. A pesar de que ellos nunca han dicho delante de una cámara que sí que son pareja, son múltiples las imágenes que comparten juntos en redes sociales, donde demuestran una complicidad increíble.

Las amigas también pueden ser una historia de amor y esa premisa la dejó clara Elísabet Benabeth (Gandía,1984) en la saga de En los Zapatos de Valeria, cuatro libros de la autora que atravesaron la pantalla hasta llegar a Netflix en 2020. Y como toda historia de amor que empieza, también acaba. Valeria y sus tres amigas Lola, Carmen y Nerea —a las que dan vida Diana Gómez, Paula Malia, Silma López y Teresa Riott— también dirán adiós en pleno San Valentín, porque la cuarta y última temporada de la serie, se despedirá este viernes 14 de febrero. Con el corazón roto se quedará más de uno, eso seguro.

Pero antes de llegar a ser una best-seller con un metaverso en Netflix —además de Valeria, la gigante del streaming también estrenó 2021 la película Fuimos Canciones y en verano de 2023 Un cuento perfecto, adaptando otras de sus obras—, Elísabet Benavent tuvo que esperar muchos años para llegar a este punto. De hecho, estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad Cardenal Herrera CEU de Valencia y pese a que siempre se interesó por las letras, nunca consideró dedicarse a ello. Durante años trabajó en el departamento de comunicación de una multinacional hasta que, en 2013, su pasión por la escritura la llevó a tomar una decisión definitiva: dedicarse por completo a la literatura.

Con la década del 2010 ya bien entrada, era una época donde estaba de moda escribir en internet. Así es como Benavent, también conocida como Beta Coqueta, publicó En los zapatos de Valeria, el primer libro de la saga, en el mundo digital. “Lo colgué en Internet por 2,68 euros. ¿Quién era yo para vender un libro por más dinero?”, declaró en una entrevista en El País. Antes, le había enseñado la novela a una amiga y esta a su marido. Finalmente, terminó autoeditada en Amazon. Hoy es una de las autoras más leídas en España con más de 4,5 millones de ejemplares vendidos. Desde entonces ha escrito más de 25 novelas.

¿Y por qué Valeria ha tenido tanto éxito? “Soy la primera sorprendida y no lo sé muy bien”, declaró a Infobae en 2023. “Quiero pensar que es un género muy agradecido, que está muy cerca de las lectoras y tiene dos patas. Una es la aspiracional (...). Es un género que se queda más fuera de lo ordinario. Además es muy referencial porque todos nos sentimos identificados. Se habla de amor, de amistad, de problemas para encontrar departamento, problemas con los padres, con el trabajo, para llegar al fin de mes”, contó.

El metaverso de Benavent en Netflix

Gracias a la repercusión en redes sociales, la editorial Suma apostó por ella y tras publicarle el primer libro le siguieron otros cuatro: Valeria en el espejo (2013), Valeria en blanco y negro (2013), Valeria al desnudo (2013) y finalmente El diario de Lola (2015). El éxito de la saga llevó a traducirse en numerosos idiomas, desde el francés, neerlandés, ruso, turco, húngaro, serbio, croata, eslovaco hasta el macedonio. Con el tiempo, la autora amplió su estantería en las librerías con nuevas historias como las bilogías Silvia, Sofía y Canciones y recuerdos, además de novelas autoconclusivas como Mi isla y Toda la verdad de mis mentiras. En año pasado, en 2024, la autora publicó su última novela: Esnob.

El impacto de sus historias no solo se ha sentido en el mundo literario. En 2020, Netflix estrenó la serie Valeria, basada en su saga más reconocida, protagonizada por Diana Gómez, Paula Malia, Silma López y Teresa Riott. Un año después, la plataforma estrenó Fuimos canciones, la adaptación cinematográfica de la bilogía Canciones y recuerdos. En 2023, la novela Un cuento perfecto también cobró vida en la pantalla, con Anna Castillo y Álvaro Mel en los papeles protagonistas.

Si Andy Warhol (Pittsburgh, 1928-Nueva York, 1987) hubiese sido centennial, habría convertido las diversas herramientas a nuestra disposición en lienzos en blanco. Vídeos, imágenes y todo tipo de experiencias artísticas, su universo se habría expandido con las ondas de internet (y no tanto con el arte de la serigrafía). Reducir su impacto a la copia o a la imagen canónica de la sopa Campbell -el sucedáneo estadounidense del caldo Aneto- es denostar la figura de un pionero que convirtió el arte en objeto y comodidad.

El artista pop por antonomasia, además del primer influencer del mundo del arte, sigue manteniendo un diálogo con el presente: su forma de abordar la práctica artística continúa generando sonados debates (entre amigos, con la pareja o con cada visita a una pinacoteca que albergue cualquiera de sus obras). La esfera contemporánea prosigue con su particular idilio hacia sus lienzos, imágenes y estilo de vida.

Ni Marilyn ni Liz Taylor. Tampoco Mao, o por lo menos no como se ha visto hasta ahora, porque el artista estadounidense ‘regresa’ a la capital con una de las exposiciones más notorias de la primavera: Andy Warhol. Posters. La muestra, que se podrá visitar del 12 de febrero al 4 de mayo en la Fundación Canal de Madrid, ahonda en una de las facetas más desconocidas -si es que dicha palabra se puede adscribir a su currículo artístico- del socialité de la brocha.

La exposición reúne 134 carteles creados por el artista desde 1962 hasta el final de su carrera: una de las recopilaciones más amplias reunida hasta el momento que permite profundizar en el legado del genio del pop art. Las láminas proceden del Museum für Kunst und Gewerbe de Hamburgo, donde fueron expuestas previamente, para instalarse en una ciudad que siempre busca un hueco para seguir profundizando en sus aristas.

Su obra abarcó diversos medios, desde la pintura hasta el cine, desarrollando un estilo personal y único que siempre levantó ampollas. Sin embargo, fue su experiencia como publicista y diseñador gráfico la que le permitió integrar los pósteres como una expresión relevante y permanente en su trayectoria artística. El pop art reflejaba, criticaba y, a veces, incorporaba objetos cotidianos, bienes de consumo y mensajes e imágenes de los medios de comunicación. Al tratarse de elementos que pueden ser vistos por millones de ojos, quizá son las láminas de Warhol los objetos que mejor experimentan ese ethos de elevar lo popular a la grada del arte más notorio.

No es la primera muestra que busca plasmar nuevos aspectos de la ecléctica carrera del polifacético Warhol. Hace unos meses (ya acabada), el Museo Lázaro Galdiano de Madrid ahondó en la visita del estadounidense a nuestro país. En enero de 1983, Andy Warhol puso un pie España junto a Fernando Vijande con motivo de otra exposición: Pistolas, cuchillos y cruces. De ese viaje nació una de las muestras más interesantes del pasado 2024 en la capital, organizada por Colección Suñol Soler.

A través de más de una treintena de obras, la muestra quiso poner el foco en el viaje del artista contemporáneo a tierras mediterráneas, una visita que supuso una revolución en la sociedad española, pues posicionó al país dentro del circuito artístico internacional. Se trató de un homenaje a la conexión y fascinación entre la obra de ambos perfiles, que se conocieron a finales de los años 60 en la legendaria The Factory neoyorquina. La de la Fundación Canal no será la única exposición dedicada a Warhol en 2025, pues el Museo Thyssen-Bornemisza contará con una muestra temporal en sus salas protagonizada por el héroe pop y Jackson Pollock, entre otros artistas norteamericanos influyentes en la esfera artística. Eso sí, habrá que esperar a octubre.

Aranzazu Berradre Martín, pseudónimo que empleó para no desvelar su identidad, aparcó su vida con apenas 20 años de edad para intentar desarticular, desde dentro, el Comando Donosti. Lo hizo en una época delicada en la que ETA había anunciado una falsa tregua que trasladó sus operaciones y comunicaciones a las sombras. Su historia (estuvo ocho años conviviendo con la banda terrorista) comenzó a copar los titulares del país tras el lanzamiento de La infiltrada, la película dirigida por Arantxa Echevarría que recupera su relato.

La cinta ha sido uno de los grandes taquillazos del 2024 en España: tras su estreno en las salas de cine, el filme de Echevarría ha recaudado más de 8 millones de euros, convirtiéndose en un auténtico fenómeno. La Infiltrada fue una de las grandes protagonistas en la gala de los Premios Goya, celebrada en Granada el pasado sábado: se alzó con el premio a ‘Mejor película’ (ex aequo con El 47, de Marcel Barrena, un premio compartido por primera vez en la historia de los galardones) y Carolina Yuste, que se mete en la piel de Aranzazu, se alzó con el ‘cabezón’ en la categoría de ‘Mejor actriz protagonista’. “No podemos usar la herida de la gente para sacar rédito político y que solo sacan la violencia y cosas oscuras”, manifestó al subir al escenario.

“Si llega a ser un hombre no hago la película”, indicó Echevarría en una entrevista concedida a este medio en el marco de presentación de la película. La directora afirmó a Infobae España que “nadie” conocía la historia de Tejada “porque es una mujer”, pero ésta estuvo infiltrada durante ocho años en medios abertzales. Era de Logroño y se trasladó a Donostia para desarticular a ciertos miembros de la banda desde dentro, llegando a compartir techo con los etarras Kepa Echevarría y Sergio Polo. Dejando su vida aparcada, cortando todo tipo de conexiones familiares y renunciando a una vida propia: así fueron los difíciles años de una policía que, en términos prácticos, no existía.

A Echevarría la historia le pareció “un caramelo”, pero había una condición imprescindible para llevarla a cabo: el sí de Carolina Yuste, que protagonizó su primer largometraje, Carmen y Lola. “La llamé corriendo”, contó a este medio. “No me habría atrevido a hacerlo con otra, porque ella es increíble, es una actriz con intuición”. Además, “me cae bien”, un elemento imprescindible para que la química y el bienestar se plasmase en la pantalla. Junto a ella, Luis Tosar (interpretando a ‘El inhumano’, el encargado de la operación), Íñigo Gastesi y Diego Anido (Kepa Echevarría y Sergio Polo, respectivamente), y Víctor Clavijo, Nausicaa Bonnín, Jorge Rueda y Pepe Ocio como miembros de la unidad antiterrorista.

Entre los hitos personales de Tejada estuvo la obtención de información sensible sobre la falsa tregua que ETA llevó a cabo entre el año 1998 y 1999, lo que permitió la detención de Kepa y Polo, sus ‘compañeros’ de piso. No sólo fue la primera y única mujer que se infiltró en la banda. Su trabajo, basado en escarbar los entresijos internos de sus operaciones a base de ganarse la confianza de algunos de sus líderes y mensajeros, permitió que las autoridades se pudieran adelantar a algunos de los movimientos que ETA tenía planeados. En la actualidad, Elena Tejada sigue en activo y vive en Andorra, donde fue destinada tras la misión encubierta.

Arantxa Echevarría cree que, si no eres vasco, “es complicado” hacer una película como La infiltrada, pues ella regresó a su infancia para recordar algunos de los capítulos más notorios de la historia contemporánea del país. “Mi padre aprendió castellano a los 19 años, él hablaba euskera a diario, era de un pueblo de Amorebieta”, relató a Infobae España. “En Madrid, la gente le miraba mal por la calle”, y añadió: “En el colegio pegué a un niño porque me llamó etarra, pero esas generalidades tan dolorosas y terribles se están olvidando”.

El 20 de octubre de 2011, ETA anunció el cese definitivo de su actividad armada. Trece años después, los titulares políticos siguen abordando el fin de la organización terrorista. El año pasado, todos los partidos políticos aprobaron en el Congreso una reforma legal que convalida a los presos de la banda las penas que cumplieron en otro país.

Los días se alargan y, poco a poco, la primavera comienza a asomarse por la ventana... de la pantalla de nuestro teléfono u ordenador. La vida contemporánea no se entiende sin los capítulos de la serie predilecta del momento. Tras la rutina, el trabajo, el gimnasio o la actividad extralaboral que se precie, nada sienta mejor que un descanso al ritmo del guion más laureado del momento. A nadie le amarga un dulce, y mucho menos si viene cargado de drama y giros de guion.

Las plataformas presentan algunos de los títulos más esperados de la temporada y en Infobae España recopilamos los que no debes perder de vista (o el calendario semanal a tener en cuenta para no olvidarte de los estrenos de los próximos días). Uno de los grandes alicientes, no solo de la semana, también del año, es la llegada de la tercera temporada de The White Lotus, que estrenará su primer capítulo el lunes 17 de febrero en Max.

La ficción creada y dirigida por Mike White se ha convertido en una de las series más laureadas de los últimos tiempos por diversos motivos: los enclaves en los que está rodada, las interpretaciones de sus personajes y la tensión que es capaz de generar en cada episodio, un hilo de misterio que va in crescendo con cada capítulo. Tras dos exitosas temporadas, los seguidores de la serie de HBO están ansiosos por conocer todos los detalles de una tercera entrega que está ubicada en Tailandia: Koh Samui, Phuket y Bangkok serán el escenario de los nuevos capítulos.

La serie explorará en esta tercera temporada “la muerte, la religión y la espiritualidad orientales”, tal y como explicaba el showrunner en una entrevista. “La primera temporada se centró en el dinero y la segunda en el sexo. Creo que la tercera temporada podría ser una mirada satírica y divertida a la muerte, la religión oriental y la espiritualidad. Me parece que podría ser un rico tapiz para hacer otra ronda en White Lotus”, explicaba White.

Leslie Bibb (Iron Man y El legado de Júpiter), Carrie Coon (The Leftovers), Dom Hetrakul (Peligro en Bangkok), Jason Isaacs (parte de la franquicia de Harry Potter), Michelle Monaghan (Misión imposible 3), Parker Posey (Beau tiene miedo) y Tayme Thapthimthong se unen a la actriz Natasha Rothwell, que retoma su papel de Belinda (que apareció en la primera temporada). También estará la cantante Lisa, amiga íntima de Rosalía y miembro de la banda Blackpink, Patrick Schwarzenegger, Sam Nivola, Sarah Catherine Hook, Walton Goggins (The Fallout) y Aimee Lou Wood (Sex Education).

Todo apunta a que White subirá aún más la tensión después de que la segunda temporada apostara más por el misterio, la duda y la insinuación, y menos por la sátira ácida de los capítulos iniciales. La primera temporada recibió 20 nominaciones a los Premios Emmy, de los que ganó diez, incluido el de ‘Mejor miniserie limitada o antológica’. La segunda entrega obtuvo 23 nominaciones a los Emmy.

Otro de los grandes estrenos de la semana es la última parte de la sexta temporada de Cobra Kai, la serie de artes marciales más exitosa de Netflix, y uno de los productos estrella de su catálogo que se podrá ver a partir del 13 de febrero. La secuela, en clave capitular, de la película Karate Kid se ambienta tres décadas después de la original y sitúa a Johnny Lawrence (William Zabka) en un mal momento de su vida, así que decide volver a abrir el dojo ‘Cobra Kai’.

Tras su accidentado paso por Barcelona, donde la serie dejó momentos para el recuerdo, la historia regresa al valle, donde todo empezó. Allí tendrán que medirse de nuevo al Cobra Kai de John Kreese si quieren hacerse con el Sekai Taikai y obtener por fin el prestigio y reconocimiento perdido. El final de esta serie será sin duda emotivo, pero tampoco significa un adiós definitivo a su universo. LaRusso (Ralph Macchio) continuará su aventura como sensei con Karate Kid: Legends, la película que unirá el universo del Karate Kid original con el del remake de 2010 de Jackie Chan.

Otra de las series que se despide de Netflix es Valeria, la ficción española que cierra su apogeo en la plataforma con el estreno de la cuarta, y última, temporada el viernes 14 de febrero (coincidiendo con San Valentín). En la temporada final, Valeria (Diana Gómez) tendrá que tomar una decisión decisiva tanto en su vida amorosa -elegir entre Víctor (Maxi Iglesias) y Bruno (Federico Aguado)- como en su carrera profesional. Carmen (Paula Malia) debe afrontar la maternidad junto a Borja (Juanlu González); Nerea (Teresa Riott) tiene que buscar el equilibrio entre su vida profesional como autónoma y la estabilidad con Georgina (Mima Riera), mientras que Lola (Silma López) intenta superar una nueva crisis vital.

A continuación, todos los estrenos de la semana en el streaming.

Netflix

• Cómo sobrevivimos a la caída de los Black Hawk. 10 de febrero. Documental.
• Bolsa de valores (Temporada 2). 13 de febrero. Serie.
• Cobra Kai (Temporada 6-Parte 3). 13 de febrero. Serie.
• Luces, cámara, ¡amor!. 14 de febrero. Serie.
• Valeria (Temporada 4). 14 de febrero. Serie.

Max

• All American (Temporada 7). 11 de febrero. Serie.
• Una maternidad diferente. 14 de febrero. Documental.
• Casados con el mal (Temporada 2). 14 de febrero. Serie.
• Rita. 14 de febrero. Película.
• Infidelidades letales. 16 de febrero. Programa.
• The White Lotus (Temporada 3). 17 de febrero. Serie.

Prime Video

• Real Madrid: Cómo no te voy a querer. 10 de febrero. Docuserie.
• Culpa Mía: Londres. 13 de febrero. Película.
• Juega o Muere. 14 de febrero. Película.

Disney+

• Harlem Ice. 12 de febrero. Docuserie.
• Umami (Hierve). 12 de febrero. Serie.
• Entre paredes. 12 de febrero. Serie.

Movistar Plus+

• So long, Marianne. 11 de febrero. Serie.
• La infiltrada. 14 de febrero. Película.
• Rita. 15 de febrero. Película.
• Campamento de verano. 16 de febrero. Película.
• La vida breve. 17 de febrero. Serie.

Atresplayer

• Física o química: La nueva generación. 16 de febrero. Serie.

Filmin

• Shetland (Temporada 7). 11 de febrero. Serie.

Se avecina un verano de grandes estrellas del pop global en España. Olivia Rodrigo en el Mad Cool Festival junto a Gracie Abrams (que este fin de semana se marcó un doble sold out en Madrid, donde presentó su The Secret of Us), Dua Lipa en el Movistar Arena y Tate McRae en el Palacio Vistalegre. El boom de la música en directo sigue intentando alcanzar su nuevo pico y, por eso, el Alma Festival ha querido unirse a dicha fiebre con una nueva incorporación a su cartel: Camila Cabello.

La cantante estará, bajo la marca ‘Alma’, en Barcelona y Madrid los días 24 y 25 de junio, respectivamente. Las entradas se podrán adquirir desde el miércoles 12 de febrero a las 12:00 horas -para ambos conciertos- y partirán desde los 65 euros cada una. Éstas se podrán adquirir en la página web del festival.

Tras el rotundo éxito de su reciente álbum, C,XOXO, la artista cubano-estadounidense presentará en directo su trabajo más arriesgado hasta la fecha: una fusión de sonidos y de experiencias con la que quebró la imagen que de ella se tenía. No en vano, colaboró con El Guincho (productor de El Mal Querer de Rosalía) para conformar su nueva era.

Además de I Luv It, Cabello también interpretará algunos de sus temas más emblemáticos en el Parque Tierno Galván (en el caso de Madrid) o Poble Espanyol (en Barcelona): Havana, Señorita y Don’t Go Yet, sencillos que han conquistado las listas de éxitos a nivel mundial con colaboraciones con artistas de la talla de Shawn Mendes, Ed Sheeran, Alejandro Sanz o Camilo, entre otros.

Junto a ella estarán artistas como Wilco, The Corrs, The Alan Parsons Live Project, Dorian + Miranda!, Los Tigres del Norte y RÜFÜS DU SOL, cuyo concierto ya ha colgado el cartel de sold out en la edición de Madrid. En Barcelona también se incorporan al cartel artistas de la talla de Residente, The Cult, Madness, Zahara + Natalia Lacunza, Julieta Venegas + Rita Payés o Guitarricadelafuente.

¿Qué es el Alma Festival?

Alma Festival es un proyecto musical que el músico y productor Carlos Jean ha conseguido traer a la capital de la mano de La Carbonería, empresa de la que es socio. “Madrid no podía dejar de tener un festival así”, dijo hace unos meses en una entrevista con Infobae España. En 2024, Alma Festival celebró su primera edición en el Parque Enrique Tierno Galván, una ocasión que repetirán el próximo junio.

“España tiene 800 y pico festivales, no solo puedes distinguirte trayendo a los grandes artistas”, contó entonces Jean. Alma Festival busca, así, convertirse en un espacio de “curación musical” que destaque por su trato y por sus espacios, amplios y pulcros. Al ser preguntado por si cree que en nuestro país hay demasiados eventos asociados a la música, Jean respondía: “Nos tienen envidia, los españoles sabemos pasarlo bien, comer y beber bien. Somos expertos en vida y por eso somos una potencia turística”.

En todo lo relativo a las polémicas invitaciones de influencers, o las campañas publicitarias activas que se instalan entre escenarios, el productor alertó de que “al festival Alma no le gusta ese tipo de postureo”. A Jean le “revienta” que algunos espacios se dediquen a dar prioridad a los perfiles con followers, y no tanto a aquellos “que llevan un montón de tiempo esperando a verte en directo o a escuchar una sesión tuya”. Por eso cree que “los influencers no son el mejor medio de comunicación” para los festivales, una burbuja que puede estar llegando a su ocaso.

Granada acoge este sábado 8 de febrero la 39ª edición de los Premios Goya. La ceremonia comienza con el desfile de los nominados y demás invitados por la alfombra roja, que al acabar dará paso a la gala, que empezará sobre las 22:00 horas.

Las actrices Leonor Watling y Maribel Verdú serán las presentadoras de esta edición, en la que El 47 y La infiltrada parten como principales favoritas con 14 y 13 nominaciones, respectivamente. Les siguen de cerca Segundo premio, con 11 candidaturas, y La habitación de al lado, con 10.

Cómo se escoge a los nominados de los Premios Goya

El proceso de selección de los nominados a los Premios Goya sigue un sistema interno dentro de la Academia de Cine. Los miembros de esta entidad se agrupan en Comisiones de Especialidad, lo que permite que en la fase de nominaciones el voto de los profesionales especializados en cada área tenga un mayor peso. Por ejemplo, en la categoría de Mejor Sonido, los expertos en esta disciplina son quienes tienen mayor influencia en la elección de los nominados. Sin embargo, una vez seleccionados los finalistas, todos los académicos pueden votar en todas las categorías con el mismo valor, sin distinción de especialidad.

En los últimos años, la Academia ha implementado cambios para actualizar sus estatutos y renovar su composición, con el objetivo de integrar a miembros más jóvenes y diversos. Esta medida busca ampliar las perspectivas dentro de la institución y ajustar los criterios de selección a la evolución del sector cinematográfico.

Así es como se elige a los ganadores de los Premios Goya

A diferencia de festivales como Cannes o Berlín, donde un jurado especializado elige a los premiados, en los Goya la decisión es tomada de manera democrática por los propios miembros de la Academia. Esta organización está compuesta por alrededor de 2.000 profesionales del cine, tanto en activo como retirados, y su voto es secreto.

Cada académico emite su voto de forma individual y anónima. No existe un comité que determine a los ganadores, y los miembros no están obligados a participar en todas las categorías. Sin embargo, si seleccionan más de una opción en una misma categoría, su voto queda anulado.

Historia de los Premios Goya

El 12 de noviembre de 1985 marcó un hito en la historia del cine español. Una reunión entre grandes personalidades de la industria, en la que participaron directores como Carlos Saura o Luis García Berlanga, actuó como germen de lo que un año después se constituyó como la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la organización que nació con el objetivo de impulsar la industria del cine en el plano nacional.

Como parte de ese objetivo, nacieron los Premios Goya, concebidos para reconocer el trabajo de los profesionales del sector. La primera edición se celebró el 17 de marzo de 1986 y en ella se descartaron las categorías a los premios a la película infantil, canción y programa filmado en televisión, así como el desdoblamiento del guión (original y adaptado) y del Goya de Honor. Las categorías que finalmente debutaron fueron 16.

Este 8 de febrero Granada acoge la gran fiesta del cine español. Leonor Watling y Maribel Verdú, las ‘Thelma & Louise’ del cine español, son las encargadas de presentar esta 39ª edición. Además, la pareja abraza así un nuevo hito para la industria: esta es la primera vez que una pareja femenina dirige la ceremonia.

Ambas aceptaron el reto sin dudar al conocer a su compañera de baile, durante el anuncio de los premios en la Academia, destacaron que asumen esta responsabilidad con un objetivo claro: celebrar el cine español. Precisamente por ello, desde el primer momento dejaron claro que iban a dejar los discursos políticos a un lado. “Cada película ya tiene un discurso y un posicionamiento, no hace falta contarlo”, afirmó Watling. “Hay tan poquito hueco en los periódicos para hablar de cultura y ahora que lo tenemos, ¿lo vamos a llenar de política? No jodas”. Y tras haber visto su presentación, parece que esto se ha cumplido.

Así ha sido la inauguración de los premios Goya 2025

“Queremos darnos las gracias por acompañarnos en esta edición de los Goya”, decía Maribel. Tras estas palabras, ha comenzado a decir una larga lista de personas a las que agradecer, pero prestando una especial atención a quienes hoy se encuentran en las localidades afectadas por la DANA del pasado octubre. “Las historias que contamos nacen de la vida y hoy queremos estar cerca de vosotros”, afirmaban.

Después, ambas actrices han querido recordar el número de producciones que han optado a los Goya este año: 355. “Imagínate el nivel de este año”, decía Maribel. De estas, solo cinco optan a la mejor película. “Hacer cine es bastante parecido a lo que hemos hecho nosotras para esta nosotras aquí esta noche: un viaje audaz”, bromeaban.

Tras esto, han pasado a mencionar a las cinco producciones nominadas esta noche a mejor película. Así pues, el final del discurso ha venido por una mención a la pluralidad de la industria y a la importancia de los espectadores. “En todos nuestros idiomas y con todos nuestros acentos, pero siempre con un mismo destino final: el público, concluían.

Las cinco películas nominadas a los Premios Goya 2025

La categoría que más atención recibe entre el público, junto con Mejor Dirección, es la de Mejor Película. El año pasado, el galardón fue para La sociedad de la nieve, de J.A. Bayona, y en 2025 cinco producciones aspiran a sucederla.

Se trata de El 47, que lidera las nominaciones con 14 candidaturas, cuenta la historia de un movimiento vecinal que logró transformar Barcelona en 1978. Le sigue La infiltrada, con 13 nominaciones, es un thriller basado en la historia real de la única policía que logró infiltrarse en ETA.

Segundo premio, con 11 nominaciones, narra la historia del grupo musical Los planetas; Por su parte, Casa en llamas, con 8 candidaturas, es un drama familiar sobre secretos y conflictos intergeneracionales que ha llevado a su protagonista Emma Vilarasau a ganar el Premio Feroz a Mejor Actriz. Por último, La estrella azul, también con 8 nominaciones, que sigue la búsqueda artística del músico Mauricio Aznar en Latinoamérica.

Directores, actores, actrices y demás personalidades técnicas y creativas del mundo de la cultura en España se han desplazado a Granada para celebrar la gran noche del cine español. Fue en 1986 cuando La Academia celebró la primera edición de los aclamados Premios Goya. Desde entonces, estos prestigiosos no han parado de sumar prestigio: hoy son el galardón más importante de la cultura nacional. Y es por ello, por lo que no hay nadie que quiera faltar a esta cita.

Las alfombras rojas siempre dan grandes anécdotas. Además, para quienes trabajan en el mundo de la cultura, esta cita es la excusa perfecta para reencontrarse con amigos y compañeros. Pero no siempre se puede acudir. En la edición de este 2025, serán cinco las figuras destacadas del cine las que no asistirán a la gala: el director Pedro Almodóvar y las actrices Penélope Cruz, Karla Sofía Gascón, Tilda Swinton y Julianne Moore.

Por qué no ha ido Pedro Almodóvar a los Premios Goya

Pedro Almodóvar no asistirá a la 39ª edición de los Premios Goya, a pesar de estar nominado a Mejor Dirección por La habitación de al lado. Según informa EFE, el cineasta sufrió un accidente doméstico que le provocó problemas de espalda. Actualmente, se encuentra bien, pero sus médicos le recomendaron no desplazarse a Granada. En la misma línea, otra de las grandes ausencias de la gala es la de Penélope Cruz, quien a pesar de que este año no figuraba entre las nominadas, no suele faltar al evento. Sin embargo, esta vez no podrá acudir debido a una gripe, según comunicó la organización el pasado 6 de febrero.

Por su parte, Tilda Swinton y Julianne Moore, protagonistas de la cinta de Almodóvar, tampoco estarán en los Goya debido a problemas de agenda. Ambas actrices están nominadas en la categoría de Mejor Actriz Protagonista.

Karla Sofía Gascón en los Premios Goya

La actriz Karla Sofía Gascón está en el centro de la atención mediática por una fuerte polémica que está alcanzando una dimensión internacional. La reaparición de antiguos tuits con comentarios racistas e islamófobos está afectando duramente al desarrollo de su carrera profesional. Nominada en los Premios Oscar 2025 por Emilia Pérez, Gascón no acudirá a los Premios Goya, pese a que la película competía en la categoría de Mejor Película Europea.

Según fuentes de la producción citadas por EFE, se decidió que la actriz no acudiera a la gala en Granada. En caso de que el filme resultara premiado, serán los distribuidores los encarados de recoger el galardón.

Qué pasa si el ganador de un Goya no va a la gala

Si un ganador no asiste a la gala de los Premios Goya, el galardón es recogido en su nombre por un representante, ya sea un compañero de equipo, un familiar o un miembro de la producción. En algunos casos, los organizadores emiten un mensaje del ausente, ya sea en vídeo o por escrito. Si no hay un representante designado, la Academia de Cine conserva el premio hasta que el ganador pueda recibirlo en un acto posterior.

Quedan tan solo unas horas para descubrir la identidad de los ganadores del máximo premio de la cultura nacional: los premios Goya. Fue en 1985 cuando una reunión entre grandes personalidades de la industria del cine, entre las que se encontraba Carlos Saura o Luis García Berlanga, marcó para siempre la historia del sector.

Este fue el germen de lo que un año después se constituyó como la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la organización que nació con el objetivo de impulsar la industria del cine en el plano nacional. Como parte de este plan, nacieron los Premios Goya, concebidos para reconocer el trabajo de los profesionales del sector.

Desde entonces, la ceremonia ha ido creciendo y ganando cada vez más prestigio. Así, de las 16 categorías que debutaron, hoy la cifra ha crecido hasta las 30.

Premios Goya 2025

En esta 39.ª edición, Granada se convierte por primera vez en la anfitriona del encuentro. Este 8 de febrero, a partir de las 22.00 horas as actrices Maribel Verdú y Leonor Watling serán las encargadas de conducir una ceremonia marcada por la competencia entre El 47, de Marcel Barrena, que lidera las nominaciones con 14 candidaturas, y La infiltrada, de Arantxa Echevarría, que aspira a 13 premios.

En la categoría de Mejor Película, ambas producciones competirán con La estrella azul, Segundo premio y Casa en llamas. Por su parte, La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar, quedó fuera de esta categoría, aunque suma 10 nominaciones, entre ellas Mejor Dirección y Mejor Guion Adaptado.

La expectación en esta edición es especialmente alta, ya que El 47 tiene la posibilidad de igualar el récord de la película más premiada en la historia de los Goya.

Esta es la película que tiene más premios Goya

Con Mar adentro, Alejandro Amenábar hizo historia en los Premios Goya al obtener 14 galardones, la cifra más alta alcanzada hasta la fecha. La película, basada en la historia real de Ramón Sampedro, también logró el Oscar a Mejor Película Internacional.

El cineasta y Mateo Gil adaptaron la lucha de Sampedro, un hombre tetrapléjico que durante 25 años reclamó su derecho a una muerte digna en un momento en que la eutanasia estaba prohibida en España. La película presenta este conflicto a través de dos personajes clave: una abogada (Belén Rueda) y una mujer del pueblo (Lola Dueñas), con visiones opuestas sobre su destino.

Entre las categorías más destacadas, Mar adentro recibió el Goya a película y mejor dirección. Además, Javier Bardem fue galardonado como Mejor Actor Protagonista por su interpretación de Ramón Sampedro, mientras que Belén Rueda recibió el premio a Mejor Actriz Revelación. Por su parte, Amenábar y Mateo Gil también recibieron el Goya a Mejor Guion Original por la adaptación cinematográfica de la historia real de Sampedro.

Dónde ver ‘Mar adentro’

Actualmente, Mar adentro está disponible en varias plataformas de streaming en España. Puede verse en Netflix, Movistar Plus+, FlixOlé y RTVE Play. Además, está abierta la posibilidad de alquiler o compra en Apple TV. No obstante, hay que tener en cuenta que la disponibilidad puede variar con el tiempo y según la ubicación.

Leonor Watling y Maribel Verdú, las ‘Thelma & Louise’ del cine español, son las encargadas de presentar la 39ª edición de los Premios Goya. Además, este 8 de febrero marcarán un hito para la industria: van a ser la primera pareja femenina en dirigir el evento.

Ninguna de ellas dudó en aceptar este reto cuando se enteró de quién iba a ser su pareja de baile. Ahora, tal y como ya revelaron durante la presentación de los premios en La Academia, asumen esta responsabilidad con un único propósito: celebrar el cine nacional. Y para ello, evitarán los discursos políticos. “Cada película ya tiene un discurso y un posicionamiento, no hace falta contarlo”, afirmó Watling. “Hay tan poquito hueco en los periódicos para hablar de cultura y ahora que lo tenemos, ¿lo vamos a llenar de política? No jodas”.

A qué hora empiezan los Premios Goya

Los invitados han empezado a posar en la alfombra roja desde las 19.00 horas. Una vez termine, arrancará la ceremonia. Y aunque puede haber sorpresas, el comienzo de la gala está pensado para las 22:00 horas (21:00 en las Islas Canarias).

El humor será el invitado estrella de la noche. Ahora, no será lo único que veamos en esta gala. Más allá de la entrega de premios, los espectadores podrán disfrutar de varias actuaciones musicales. Por el momento se ha confirmado la participación de Alejandro Sanz, Amaral —que presentará su noveno álbum, Dolce Vita—, Dora, Rigoberta Bandini —reciente ganadora del Premio Goya 2024 a la mejor canción original— y Zahara.

Además, a esta lista también se suman los artistas granadinos Miguel Ríos, Dellafuente, Estrella, Kiki y Soleá Morente, Lola Índigo, así como a la Orquesta de la Universidad de Granada, el Coro Manuel de Falla y el grupo de baile Soul Dance.

Como en ediciones anteriores, la gala será retransmitida por La 1 de Televisión Española. Además, RTVE emitirá la ceremonia a través de su plataforma de streaming, RTVE Play. Por su parte, Infobae España también informará en directo de todo lo que pase en la gala tanto en su página web como en sus redes sociales.

Cuánto dura la gala de los premios Goya

La gala de los Premios Goya suele tener una duración aproximada de tres horas y media, aunque en algunas ediciones ha superado las cuatro horas. El evento incluye la entrega de más de 30 galardones, entre los que destacan el de mejor película, mejor dirección y mejor interpretación en sus distintas categorías. Además, al recoger el galardón, los premiados pronuncian un discurso de agradecimiento.

En los Premios Goya no hay un tiempo máximo estricto para los discursos de los ganadores, aunque se recomienda que no superen el minuto. En ediciones anteriores, algunas intervenciones han superado los dos minutos, pero la Academia de Cine busca acortar estos tiempos para mantener un ritmo fluido en la gala. Para evitar que la ceremonia se alargue, cuando un discurso se extiende demasiado, comienza a sonar música como señal de aviso para que el premiado concluya su intervención.

Este sábado 8 de febrero, Granada se viste de gala y saca su alfombra roja. La ciudad andaluza será el escenario de la 39ª edición de los Premios Goya, el evento más importante del cine español. En esta ocasión, las películas El 47 y La Infiltrada lideran las nominaciones con 14 y 13 candidaturas respectivamente, seguidas de La habitación de al lado con 10 y La virgen roja con 9. Este año, la ceremonia continúa con la tradición que comenzó en 2019 de rotar su sede. En vez de en Madrid, estos últimos años se ha llevado el evento a ciudades como Sevilla, Málaga, Valencia y Valladolid.

Según la historia de los Goya, contada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, el origen de los premios Goya se remonta al 12 de noviembre de 1985, cuando el productor Alfredo Matas reunió a un grupo de destacados profesionales del cine español en el restaurante O’Pazo de Madrid. En un contexto de incertidumbre para la industria cinematográfica nacional, esta reunión pretendía poner sobre la misa los principales problemas del sector y buscarles una solución.

Entre los asistentes se encontraban figuras como los directores Luis García Berlanga y Carlos Saura, los actores José Sacristán y Charo López, y otros profesionales como el guionista Manuel Matji, el músico José Nieto y el director de fotografía Carlos Suárez. Este encuentro marcó el inicio de lo que más tarde sería la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, institución que daría vida a los Premios Goya.

Evolución de los premios del cine español

Una vez constituida la Academia, la organización de la primera edición de los Premios Goya se celebró el 17 de marzo de 1987. Tal y como detalla la Academia, los cineastas Jaime de Armiñán y Teo Escamilla asumieron la tarea de coordinar los preparativos desde una oficina en la calle Génova de Madrid. Aunque en un principio no existía consenso sobre el nombre de los galardones, se barajaron opciones como Premios Lumière, Premios Buñuel o Soles. Finalmente, el nombre Goya fue aprobado en una asamblea, en parte porque el pintor Francisco de Goya es una figura emblemática de la cultura española y su obra, según dijo en aquel momento el director artístico Ramiro Gómez, tiene un enfoque visual que recuerda al lenguaje cinematográfico.

La primera ceremonia se celebró en el Teatro Lope de Vega de Gran Vía, en Madrid, con 16 categorías, un número que ha ido creciendo con el tiempo hasta alcanzar las 28 actuales. En los primeros años, se destacaron premios como los dedicados a películas infantiles, canciones o programas de televisión. Sin embargo, a partir de 1988 comenzaron a añadirse nuevas categorías, como Mejor Dirección de Producción y Mejores Efectos Especiales. En 1989, se introdujo la distinción entre guiones originales y adaptados, y en 1990 se incorporaron los premios a Mejor Dirección Novel, Mejor Película de Animación y cortometrajes. En años posteriores, se fueron sumando reconocimientos a películas europeas, actores revelación, documentales y canciones originales.

Desde su creación, los Premios Goya han evolucionado para adaptarse a los cambios en la industria cinematográfica y para reconocer el talento en todas sus formas. Con casi cuatro décadas de historia, los Goya se han consolidado como un referente cultural y un símbolo del compromiso con el arte cinematográfico y la cultura en España.

El cine español se viste de gala y se prepara para una de sus noches más importantes del año. Este sábado se celebra la 39ª edición de los Premios Goya en el Palacio de Congresos de Granada, una gala que reconoce el talento y la labor de los profesionales del sector cinematográfico en España, además de promover las producciones nacionales.

Granada será la sexta ciudad en acoger la ceremonia, después de que en 2019 se decidiera rotar el lugar en el que se celebran estos premios, sumándose a una lista que incluye Madrid, donde se hacía tradicionalmente, Barcelona, Valencia, Málaga, Sevilla y Valladolid. Este año, las películas con más nominaciones son El 47, dirigida por Marcel Barrena, que lidera con 14 candidaturas, y La infiltrada, de Arantxa Echevarría, que cuenta con 13 nominaciones. Ambas producciones parten como las grandes favoritas para arrasar en la gala.

La primera edición de los Premios Goya se celebró en 1987, marcando el inicio de un evento que ha evolucionado significativamente con el tiempo. En sus inicios, las categorías eran diferentes a las actuales, y no fue hasta 1992 cuando se introdujo el premio a Mejor Actor/Actriz Revelación, una categoría que ha servido para destacar a las nuevas promesas del cine español. Desde entonces, más de 1.000 actores y actrices han sido nominados en las categorías de protagonista, reparto y revelación, aunque no todos han tenido la fortuna de llevarse el icónico cabezón a casa.

El actor más laureado en la historia de los Goya

Entre los nombres más destacados de los Premios Goya, el de Javier Bardem ocupa un lugar especial. Y es que Bardem es el actor más premiado en la historia de estos galardones, con un total de siete estatuillas, seis de ellas como actor y una como productor. Su primer Goya se lo llevó en 1994 por su papel en Días contados (1994), donde fue reconocido como Mejor actor de reparto. Desde entonces, ha acumulado éxitos con películas como Boca a boca (1995), Los lunes al sol (2002), Mar adentro (2004), Biutiful (2010) y El buen patrón (2022). Además, en 2012 fue galardonado como productor por el documental Hijos de las nubes, la última colonia.

A pesar de su impresionante trayectoria, Bardem no ha ganado en todas las ocasiones en las que ha sido nominado. En total, ha recibido 12 nominaciones, pero se quedó sin premio en películas como Jamón, jamón (1993), Huevos de oro (1994), Carne trémula (1998), Loving Pablo (2018) y Todos lo saben (2019).

Antonio de la Torre, el actor con más nominaciones al Goya

Aunque Bardem es el actor con más Goyas a sus espaldas, el actor con más nominaciones en la historia de los Premios Goya es Antonio de la Torre, quien ha sido candidato en 15 ocasiones entre 2006 y 2019. De la Torre ha ganado dos veces, por Azuloscurocasinegro y El Reino. A pesar de su historial de nominaciones, su promedio de victorias es más bajo en comparación con otros actores.

Otro nombre relevante es el de Eduard Fernández, quien ha sido nominado 14 veces y ha ganado en tres ocasiones, por En la ciudad, Fausto 5.0 y Mientras dure la guerra. Este año, Fernández es uno de los principales favoritos para triunfar en la gala gracias a su papel en Marco. Por su parte, Luis Tosar, otro de los grandes nombres del cine español, cuenta con tres Goyas por Los lunes al sol, Te doy mis ojos y Celda 211, y ha sido nominado en diez ocasiones, incluida su candidatura actual por La infiltrada.

Este sábado 8 de febrero el mundo de la cultura celebra la gran noche del cine español. En este 2025, los Premios Goya celebran su 39.ª edición. Y lo hacen en Granada, en el Palacio de los Congresos.

Las películas El 47 y La infiltrada encabezan las nominaciones de este año, con 14 y 13 candidaturas, respectivamente. Les siguen La habitación de al lado, con 10 opciones a premio, y La virgen roja, con 9. A continuación, se desvelarán todos los detalles de la ceremonia.

Quién presenta los Premios Goya

Leonor Watling y Maribel Verdú harán historia al convertirse en el primer dúo femenino en presentar los Premios Goya. Su objetivo, según adelantaron en la sede de la Academia durante la presentación de esta 39.ª edición, será centrarse en la celebración del cine español, evitando discursos políticos. “Cada película ya tiene un discurso y un posicionamiento, no hace falta contarlo”, afirmó Watling. “Hay tan poquito hueco en los periódicos para hablar de cultura y ahora que lo tenemos, ¿lo vamos a llenar de política? No jodas”.

Quiénes entregan los Premios Goya

El dúo femenino conducirá la ceremonia, pero no entregará todos los premios. Diversas figuras de la cultura española irán desfilando por el escenario para hacer entrega de las estatuillas a los galardonados. Por el momento, entre los nombres ya desvelados por La Academia destacan actrices como Elena Anaya, Susi Sánchez, Natalia de Molina, Lola Dueñas, Ana Torrent, Malena Alterio, Ane Gabarain o Ester Expósito. También actores como Alberto Ammann, Javier Bardem, Antonio Banderas, Quim Gutiérrez, Óscar Martínez, Tamar Novas, Ricardo Gómez, Miguel Ángel Silvestre, Miguel Bernardeau y Josep María Pou. Y directores y guionistas como Alejandro Amenábar, J.A. Bayona, Estibaliz Urresola Solaguren, Pablo Berger, Diego San José, Javier Calvo y Javier Ambrossi. Productoras como Esther García y Belén Atienza también subirán al estrado.

Qué actuaciones musicales habrá en los Premios Goya 2025

La gala de los Premios Goya contará con un amplio despliegue musical encabezado por Alejandro Sanz, Amaral —que presentará su nuevo álbum Dolce Vita—, Dora, Rigoberta Bandini, ganadora del Goya 2024 a Mejor Canción Original, y Zahara. A ellos se suman los artistas granadinos Miguel Ríos, Dellafuente, Estrella, Kiki y Soleá Morente, así como Lola Índigo. La velada también incluirá la participación de la Orquesta de la Universidad de Granada, el Coro Manuel de Falla y el grupo de baile Soul Dance.

A qué hora empiezan los Premios Goya

La gala de los Premios Goya se emitirá este sábado 8 de febrero a las 22:00 horas en La 1 de TVE y en streaming a través de RTVE Play. Además, también podrán seguirse en directo a través de la página web de Infobae España y de sus redes sociales. Antes de que comience el encuentro, todos los invitados posarán en la alfombra roja.

Cuándo empieza la alfombra roja de los Premios Goya

A la ceremonia de los premios, le precederá la alfombra roja, que podrá seguirse minuto a minuto en este periódico desde las 18:00 horas. A partir de las 18:45, RTVE Play emitirá un especial conducido por Henar Álvarez y Judith Tiral, con una retransmisión distendida de más de cinco horas. Además, desde las 19:15, La 1 iniciará su programa especial con Carlos del Amor, Elena Sánchez y Rafael Muñoz.

Era 1997 cuando Aranzazu Berradre Marín consiguió que la organización terrorista ETA la captase, aunque su historia comenzó cinco años antes, en 1992, frecuentando ambientes antisistema y antimilitaristas fuera del País Vasco. Berradre no existía, o al menos no lo había hecho desde hacía demasiado tiempo: bajo este alias, la agente de policía Elena Tejada se convirtió en la primera y única mujer en infiltrarse en el grupo armado, para lo que tuvo que desprenderse por completo de su anterior vida, cortar todos sus lazos familiares y dedicarse en cuerpo y alma a una causa que ponía en serio peligro su vida.

Carolina Yuste es una de las favoritas para alzarse este sábado 8 de febrero con el Goya a mejor actriz por su papel en La infiltrada, la película de Arantxa Echevarría que ha sido nominada a otras 12 categorías de los premios del cine español. La historia sigue de cerca los pasos de Aranzazu (o Arantxa) desde que, con solo 20 años y recién salida de la Academia de Ávila, comenzó su proceso de infiltración hasta que, en 1999, el operativo terminó con dos detenciones.

La agente se convirtió en un “topo” dentro de las filas del ‘Comando Donosti’, uno de los más sanguinarios de la historia de la banda, y consiguió información sensible sobre la falsa tregua que ETA llevó a cabo entre 1998 y 1999. Tras siete años en un mundo que no le pertenecía y pese a poner punto y final a su trabajo como infiltrada, Elena Tejada no pudo volver a su antigua vida nunca más.

La desaparición de Elena

Arantxa Berradre comenzó su proceso de infiltración desde los puestos más bajos de la jerarquía: aprovechando que era de Logroño, regresó allí, donde comenzó a frecuentar ciertos ambientes antimilitaristas que le permitieron crear un pasado para su nueva identidad. El objetivo era dejarse ver, al mismo tiempo que empezar a borrar los rastros de su anterior vida para que ningún pequeño vestigio pudiese delatarla.

Desde allí se trasladó a San Sebastián, donde tuvo que buscarse la vida: era una agente infiltrada, no encubierta, por lo que su nivel de implicación en la organización terrorista debía ser máxima. Elena tenía que actuar como si verdaderamente fuese Arantxa. Comenzó a trabajar en una carnicería frecuentada por personas de la izquierda abertzale, a acudir a la calle Juan Bilbao y a entrar en el Herriko Taberna. El objetivo era que comenzasen a conocer su cara, mientras ella iba escalando e involucrándose cada vez más en la causa de la independentzia.

En los siguientes años, Arantxa participó en encarteladas y akanpadas, al mismo tiempo que se hacía un hueco y conocía a las personas involucradas en estos ámbitos. Fue en 1997 cuando la agente infiltrada vio el primer avance tangible en su operación: uno de los camareros de la taberna le entregó una nota escrita por José Javier Arizcuren Ruiz ‘Kantauri’, jefe militar de ETA. Había conseguido que la organización terrorista la captase.

En la boca del lobo

La infiltrada convivió durante un año y medio con los terroristas Sergio Polo y Kepa Etxebarría, al tiempo que recababa información de las operaciones de la banda y la compartía con el comisario, su jefe y la única persona de su vida anterior con la que podía mantener el contacto. En el piso de San Sebastián en el que estuvo durante ese tiempo con los dos etarras, Arantxa descubrió que la tregua que ETA decretó el 16 de septiembre de 1998 realmente era una forma de ganar tiempo para reestructurarse y rearmarse.

El final de la operación se aceleró cuando unas detenciones en Francia provocaron que Polo quisiese abandonar el piso, por lo que se tuvo que proceder de forma inmediata a la detención de los dos etarras. La agente les llevó hasta el sitio en el que fueron arrestados y escapó al lugar que había acordado con el comisario, poniendo fin a siete años de infiltración.

Una tercera identidad

Sin embargo, esto no supuso para Elena una vuelta a su antigua vida. Había corrido un gran riesgo infiltrándose en la organización terrorista y todavía existía el peligro de que fuese descubierta y perseguida por ETA. Esa misma noche fue llevada a Madrid y, cuando la jueza preguntó por la mujer que había alquilado el piso, la Policía Nacional respondió que “Aranzazu Berradre no existe”.

No pasó mucho tiempo hasta que el entorno de ETA descubrió el motivo por el que Polo y Kepa habían sido detenidos. Además, después de un leve accidente de tráfico, consiguieron el nombre real de Arantxa. Se convirtió entonces en objetivo del grupo armado: empapelaron las calles con su cara y se publicaron imágenes de su casa y de sus padres. Por este motivo, Elena tuvo que huir, buscarse una nueva identidad y dejar atrás su vida de nuevo.

Pasó un tiempo en embajadas extranjeras y, en la actualidad, nadie conoce su paradero. La agente consiguió rehacer su vida, aunque no ha confesado su historia a sus hijos y nunca ha hablado sobre sus años como infiltrada.

Fue el 14 de octubre de 2021 cuando se estrenó en cines El Buen Patrón, película dirigida por Fernando de León de Aranoa y protagonizada por un excéntrico Javier Bardem. Un mes más tarde se convirtió en la película más nominada en la historia de los Premios Goya, con 20 nominaciones, aunque finalmente el equipo y su director se fueron a casa con menos de la mitad, seis galardones. Al año siguiente, As Bestas (Rodrigo Sorogoyen, 2022) arrasó. El thriller rural francés-gallego obtuvo 17 nominaciones y consiguió 9 estatuillas. En 2023 la tragedia y posterior milagro de los Andes volvió a hacerse película. J.A Bayona estrenó La sociedad de la nieve, relatando los más de dos meses de los 16 supervivientes al vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya que se estrelló el 13 de octubre de 1972. La película obtuvo 13 nominaciones, y en febrero, cuando tuvo lugar la 38.ª edición, casi hizo pleno. Se llevó 12.

Si algo tienen en común estas tres películas es que, además del igualable talento que rodea al equipo, es su fecha de estreno. El Buen Patrón se proyectó en salas en octubre, As Bestas en noviembre y La sociedad de la nieve en diciembre. Pero, ¿puede una fecha de estreno predecir qué película aspira a más nominaciones y premios? Este sábado tendrá lugar en Granada la 39ª edición de los Premios Goya, donde El 47 parte como favorita con 14 nominaciones, seguida de La infiltrada, con 13 opciones a galardón. Segundo premio con 11 y La habitación de al lado (The Room Next Door) con 10, mientras La virgen roja acumula nueve; Casa en flames y La estrella azul ocho y por último, Marco con cinco opciones a estatuilla.

Infobae España ha analizado el mes de salida de las películas con mayor número de nominaciones (entre 5 y 20) de las últimas 10 ediciones. De las 75 películas analizadas, la fecha de lanzamiento de más de la mitad está concentrada en los últimos tres meses del año. Y si hablamos del mes en el que se estrenan las películas con más nominaciones, reina octubre con un 28% del total. Por poner otros ejemplos, La trinchera infinita (Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga, 2019), obtuvo 20 nominaciones, aunque solo ganó dos. También Un monstruo viene a verme (J.A Bayona, 2016), que de sus 12 posibilidades de estatuilla, se llevó nueve. Las leyes de la frontera (Daniel Monzón, 2021) aspiraba a seis y obtuvo cinco. Todas fueron estrenadas en ese mismo mes.

Si bien la mayoría de películas con más nominaciones se estrenan en los últimos meses del año, esto no significa que una película tenga más posibilidad de ganar, ya que se trata de correlación y no causalidad. “En otoño suele haber mayor afluencia a salas porque se acortan los días, y hace peor tiempo. El mayor competidor del cine es la terraza y la cervecita”, explica Kike Lozano, director general del Gabinete de Estudios de Comunicación Audiovisual (GECA). “Por calendario, es el último y mejor vagón para entrar aún en los principales galardones del año”, añade. Con esto también coincide Josetxo Cerdán, exdirector de la Filmoteca Española y Doctor en Comunicación Audiovisual por la Universitat Autònoma de Barcelona. “Las distribuidoras saben que los inicios de temporada son las mejores fechas y por eso se lanzan a concentrar ahí muchos estrenos”, explica.

El efecto llamada

Además, una vez pasada la tormenta llega la calma. El verano es sinónimo de blockbusters —todo el mundo recuerda el fenómeno de Barbenheimer hace dos años — lo que en España se traduce que septiembre y octubre son meses de dar un poco de aire a películas más independientes. “Se queda una época un poquito más tranquila en la que no empiezan todavía las grandes películas de Navidad”, explica a Infobae España Rafael Linares, Doctor en Ciencias de la Información en la Universidad Rey Juan Carlos, centrado en el estudio del marketing cinematográfico.

José Luis Palacios, gestor cultural del Cine Embajadores y fundador de la sala de cine Artistic Metropol, afirma que, dado que el plazo de los académicos para votar las películas nominadas termina a mediados de diciembre y “apuran hasta el último día”, todo el mundo prefiere estrenar su película “en esas fechas para que la tengan más frescas a la hora de votar”, cuenta a este medio. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, comúnmente conocido como la Academia de Cine, cuenta con aproximadamente 2.000 profesionales del sector en diferentes categorías, como directores, guionistas, actores, productores, montadores y otras especialidades técnicas. Son los propios miembros de la Academia quienes de forma anónima emiten sus votos de manera individual.

Otra baza importante son los Oscar. ¿Qué película representará a España en los próximos premios de la industria de Hollywood? “A finales de septiembre es cuando salen los seleccionados para representar a España en los Oscar y ya en noviembre los nominados a los Goya. Muchas películas intentar irse a esas fechas para aprovechar el efecto llamada que puedan tener las nominaciones o que te seleccionen”, añade Linares.

El 70% de las películas más nominadas de la última década han pasado por festivales como Cannes, San Sebastián o Venecia

Los festivales son una baza fundamental para dar forma a la temporada de premios. Mientras en Cannes, Berlín, San Sebastián o Venecia se despliegan alfombras rojas, el mundo mira qué película o películas serán la apuesta fuerte durante los siguientes meses. En el plano internacional se mira a los Oscar, pero en el nacional, lo hacemos con los Goya.

De hecho, en el análisis realizado por este medio, un 70% de las películas que posteriormente obtienen más nominaciones a los premios del cine español han pasado meses antes por un festival, siendo el Internacional de Cine de San Sebastián (SSIFF), en septiembre, uno de los favoritos por los cineastas españoles. Las 18 películas con más nominaciones en la última década se han estrenado allí, ya sea en competición o no. Es el caso de Un amor (Isabel Coixet, 2023) que dos meses antes de su estreno en salas pasó por el festival. También La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) que unas semanas antes se preestenó en el Zinemaldia, antes de llegar a los cines a finales de septiembre, o La Llamada (Javier Calvo, Javier Ambrossi, 2017).

“Las películas españolas tienen dos épocas de concentración. Una en torno a septiembre y octubre por la influencia de festivales como el de San Sebastián, y otra en marzo, que se concentra en torno al Festival de Málaga”, añade Linares. Respecto a este último, que tiene lugar en la ciudad andaluza en marzo, es donde algunas de las cintas terminan siendo laureadas en los Goya, como Cinco Lobitos (Alauda Ruiz de Azúa, 2022), o este año, la candidata a 11 estatuillas Segundo Premio (Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez, 2024).

Casi a la par que el festival de San Sebastián también tiene lugar el Festival Internacional de Cine de Venecia. En esta edición, ha ocurrido con Marco (Aitor Arregi Galdos, Jon Garaño, 2024) que el 30 de agosto se presentó en la Mostra. Este sábado aspira a cinco nominaciones a los Goya tras estrenarse en noviembre. Algo parecido también lo ha hecho con La habitación de al lado, el esperado último trabajo de Pedro Almodóvar, que llegó a los cines el 18 de octubre tras su preestreno en el mismo festival.

El Festival de Cannes es sin duda otro de los favoritos porque se celebra en el mes de mayo, dos meses después de que tengan lugar los Oscar, cuando finaliza la temporada de premios a nivel internacional. De las películas que se han presentado en este festival, un 87% la han presentado en salas entre septiembre y noviembre, ente unos cuatro y ocho meses después. En mayo de 2023, el legendario director Víctor Erice llevaba más de 30 años sin rodar un largometraje hasta que llegó Cerrar los ojos, y que en mayo de 2023 presentó en la sección Première del festival de Cannes su nuevo filme, pero que no se estrenó en salas hasta el mes de septiembre. De esta forma siguió los pasos de Rodrigo Sorogoyen, que presentó As bestas en la misma sección meses antes de arrasar en la temporada de premios española. Cuando al año siguiente llegaron los Goya, Cerrar los ojos estuvo nominada a 11 premios, aunque solo se llevó uno.

“Hay algunas películas que sí que intentan hacer circuito, están muy bien planificadas para distribución y luego ya buscan el estreno para que también les funcione con las nominaciones”, finaliza Linares. ¿Quién ganará mañana? Los académicos dirán.

El próximo jueves 13 de febrero, la casa Subarna Subastas de Barcelona pondrá a la venta un cuadro inédito de Salvador Dalí (Figueres, 1904-1989), fechado en 1921, cuando el artista tenía solo 17 años. Se trata de una naturaleza muerta pintada al óleo sobre tela, que saldrá a subasta con un precio inicial de 150.000 euros, aunque la casa de subastas estima que podría alcanzar los 250.000.

La obra, titulada Naturaleza muerta, está firmada con la inicial “D” en el ángulo inferior izquierdo y con la firma completa del pintor en el reverso. Forma parte de la colección de E. Isern y está registrada en el catálogo razonado de pinturas de la Fundación Gala-Salvador Dalí. Según esta entidad, la pieza pertenece a la etapa académica del artista, antes de su incursión en el surrealismo y poco antes de su ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid.

Este periodo de Dalí estuvo marcado por la muerte de su madre, Felipa Domènech, en 1921. Su pérdida supuso un fuerte impacto emocional en el joven pintor, quien encontró en el arte un refugio. La influencia de este acontecimiento se percibe en sus creaciones de esos años, caracterizadas por una técnica más clásica y un enfoque detallado en la composición.

La pieza ha sido objeto de estudio y ha aparecido en diversas publicaciones especializadas, como el Catàleg de la col·lecció Isern Dalmau, editado por Sebastià Gasch en 1948. Además, fue exhibida en la 1.ª Exposición de Arte Contemporáneo del Museo de Cuenca en 1955, bajo el número de catálogo 13.

La etapa pre-académica de Dalí

Como explica el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, la obra temprana de Dalí revela su fascinación por el paisaje del Ampurdán, representado con un lenguaje plástico influenciado por el Puntillismo y el Impresionismo. Estas corrientes, que conoció de primera mano gracias a su amistad con el pintor Ramón Pitxot, se reflejan en piezas como Cadaqués (c. 1919) y Paisaje de Cadaqués (1920-1921).

En 1921, Dalí ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en la capital y se instaló en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde conoció a Federico García Lorca y Luis Buñuel. Durante esta etapa, produjo obras como Gitano de Figueras (1923) y Sifón y botella de ron (1924), este último un obsequio a García Lorca, que aparece en varias fotografías de la época colgadas sobre la cama del poeta.

En la década de 1920, el arte europeo experimentó un retorno al clasicismo, conocido como “vuelta al orden”, una tendencia que también influyó en Dalí. Ejemplos de esta influencia se encuentran en Desnudo, Desnudo en el agua y Muchacha en la ventana, todos de 1925. Aunque ya mostraba interés por el Surrealismo a través de la lectura de revistas de vanguardia, fue en sus viajes a París en 1926 y 1929 cuando profundizó en este movimiento. En su visita de 1929, participó en la realización del filme “Un perro andaluz” de Buñuel, en cuyo guión colaboró. De este periodo data “Bodegón al claro de luna” (1927).

Las dimensiones del lienzo son de 60 x 50 cm, mientras que con el marco alcanza los 79 x 68,5 cm. La subasta de esta pintura supone una oportunidad única para coleccionistas y aficionados al arte interesados en la primera etapa de uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

El sábado 8 de febrero se celebrará la gala de los Premios Goya 2025 en Granada. De entre los nominados, Eduard Fernández se perfila como uno de los favoritos para llevarse el galardón a Mejor Actor Protagonista gracias a su interpretación de Tomás Marco en la película Marco, dirigida por Jon Garaño y Aitor Arregi. De llevárselo, sería el cuarto Goya en la carrera del actor barcelonés, quien ya ha sido reconocido en tres ocasiones anteriores por su versatilidad y talento.

La actuación de Eduard Fernández en Marco ha sido ampliamente elogiada por su capacidad para dotar de humanidad a un personaje tan oscuro como Marco, un hombre que construyó su fama a partir de una monumental mentira: estafó a la gente asegurando que era un superviviente de los campos de concentración nazis.

Este relato completamente falso lo utilizó para ganar notoriedad y convertirse en portavoz de la asociación española de víctimas del Holocausto. Basada en una historia real, Marco llegó a dar discursos en el Congreso y a ser recibido por políticos y autoridades, todo ello basado en una mentira que alimentaba su insaciable ego. Fernández, en su interpretación, logra transmitir la complejidad del personaje, y muestra tanto su narcisismo como su humanidad.

Una carrera marcada por la excelencia y la versatilidad

Estudió mímica en el Instituto del Teatro de Montjuic y empezó como mimo en la calle, para después comenzar a trabajar en el teatro con la compañía Els Joglars en los años 90. Desde entonces, Fernández ha construido una carrera sólida y multifacética. Su debut en el cine llegó con Los lobos de Washington (1999), dirigida por Mariano Barroso, donde compartió pantalla con figuras como Javier Bardem y Ernesto Alterio. Esta actuación le valió su primera nominación al Goya como Mejor Actor Revelación. Dos años después, ganó su primer premio como Mejor Actor Protagonista por Fausto 5.0 (2001), una colaboración con La Fura dels Baus. Su segundo Goya llegó en 2003 como Mejor Actor de Reparto por En la ciudad, y el tercero, en 2019, por su interpretación de Millán-Astray en Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar.

Además de todo su éxito de este año, también ha trabajado en otras películas tan conocidas como Alatriste (2006), El Niño (2014), por la que estuvo nominado al Goya a Mejor Actor de Reparto, y El hombre de las mil caras (2016) que le valió la Concha de Plata a Mejor Actor.

A lo largo de su trayectoria, Fernández ha demostrado una habilidad única para interpretar personajes complejos y contradictorios. En una entrevista en El Cultural, el actor habló de que, para él, lo más desconcertante de Marco es que no buscaba un beneficio económico con su engaño, sino que su motivación era puramente egocéntrica. “Todo se trataba del ego, de la visibilidad en los medios, de ser siempre el protagonista sin límite”, explicó. Esta contradicción, según el actor, lo convierte en un personaje fascinante y aterrador a la vez.

Manolo Vital, el héroe de barrio de ‘El 47′

Además de su papel en Marco, Eduard Fernández también ha brillado este año en El 47, una película dirigida por Marcel Barrena que narra la historia de Manolo Vital, un conductor de autobús que se convirtió en un símbolo de la desobediencia civil en España. La película ha sido un éxito en taquilla, atrayendo a más de medio millón de espectadores, y llega a los Goya con 14 nominaciones, incluida la de Mejor Película.

Manolo Vital, interpretado por Fernández, es un hombre común que, tras una tragedia personal, decide actuar para mejorar las condiciones de su barrio en la periferia de Barcelona. A modo de protesta, secuestra el autobús de la línea 47 y lo conduce por las empinadas calles de Torré Baró, desafiando al Ayuntamiento que decía que ese tipo de vehículos no podía acceder a la zona.

Otro de los roles más característicos del actor fue el de Oscar Camps, fundador del Open Arms, en Mediterráneo (2021). Este personaje también tiene una personalidad algo desagradable, pero con un profundo sentido de la justicia y la humanidad.

Además de la cita del sábado en Granada, el actor se puso frente a las cámaras de Lo de Évole, entrevista que se estrenará al día siguiente de la gala, el domingo 9 de febrero. En el programa, a la pregunta de Jordi Évole de “¿cómo puedo saber que no estás interpretando ahora?“, Fernández contestó: ”solo hay una cosa más creativa que construir un personaje, deconstruirlo”. “Todos pasamos por una serie de fases y una de ellas es decir: todo lo que no me gusta mío, fuera y nunca más”, se le escucha decir en el vídeo promocional del capítulo.

Con una carrera que abarca más de tres décadas, Eduard Fernández se ha consolidado como uno de los actores más destacados del cine español. Su capacidad para interpretar a todo tipo de personajes con una profundidad y humanidad, características que trascienden la pantalla. Todo esto le ha convertido en un referente indiscutible. Su trayectoria no solo está marcada por el éxito profesional, sino también por su honestidad y compromiso personal, cualidades que lo han llevado a conectar con el público de una manera única.

Durante el encuentro, dirigido por Maribel Verdú y Leonor Watling, distintas personalidades de la industria subirán al escenario para entregar el máximo galardón de la cultura nacional. Primero presentarán la candidatura correspondiente para, seguidamente, leer el nombre de los cinco nominados. Todos aparecerán en pantalla, pero solo uno se levantará de su asiento para recoger la estatuilla de Francisco de Goya. Tras una horda de aplausos, los galardonados podrán levantar el premio. Sin embargo, para que llegue este momento, alguien tiene que fabricar el busto del pintor. Desde el año 2020, María Luisa y Miguel Ángel Codina, de la Fundación Codina, son los encargados de hacerlo.

Fue entonces cuando La Academia decidió cambiar el modelo anterior (original de Miguel Ortiz Berrocal y elaborado por José Luis Fernández) por el que realizó Mariano Benlliure en 1902. “La Fundación Mariano Benlliure quiso que lo hiciéramos nosotros, porque el escultor Mariano Benlliure había fundido gran parte de su obra aquí, en La Fundación, con nuestro bisabuelo y nuestro abuelo”, explica María Luisa, que ya está puliendo los últimos detalles de las estatuillas. Infobae España se ha desplazado a su taller, en Paracuellos del Jarama (Madrid), para conocer de primera mano cómo se hace un Premio Goya.

“Si nos dedicáramos solo a esto, tardaríamos unos dos meses en acabar los 50 que preparamos. Como esto no es posible, empezamos en el mes de octubre”, agrega Miguel Ángel, su hermano. Él es quien nos hace de guía en la vista al taller y nos explica paso a paso cómo se hacen los cabezudos.

Cómo se hace un Premio Goya: de la cera a la estatuilla

Encontrar la puerta de entrada a la Fundación Codina ha sido complicado para nosotras. Cuando por fin lo hacemos, entramos a una sala amplia y con las paredes blancas. Hay una estantería azul, justo a la izquierda, está llena de pinturas y herramientas. No es la única, al lado de ella encontramos otra mucho más alta y de color grisáceo, también está llena de materiales. Hay mesas de trabajo y esculturas que decoran todo el espacio. Llama la atención la del gran busto de Goya. Está a la derecha, casi en la mitad de la sala, es blanca, de unos 60 centímetros y se sostiene sobre un pedestal de color negro. También nos paramos en el cuadro de color sepia que decora la pared de la derecha, casi en la entrada. En él sale Mariano Benlliure.

Aquí volveremos más tarde, pero para conocer el proceso desde el principio acompañamos a Miguel Ángel a una sala mucho más pequeña, a la que llegamos después de haber atravesado otra habitación y una pequeña entrada. Esta tiene menos luz que la primera y una gran mesa de trabajo ocupa la mayor parte del espacio. Por debajo de ella hay instrumentos de todo tipo. Por encima, tres estatuillas de Goya de diferentes colores: cada una pertenece a una fase del proceso.

La escultura que realizó Mariano Benlliure es el punto de partida de la estatuilla de los Premios Goya. Sin embargo, como la obra original era muy grande, hubo que escanearla y digitalizarla para realizar una copia de unas dimensiones más reducidas, de unos 30 centímetros. Después, en la Fundación se encargaron de elaborar un molde para “hacer todas las piezas una a una”. “De aquí se saca un busto de cera que estará hueco por dentro”, explica Miguel Ángel. Con la escultura de cera ya en la mano, el siguiente paso es montar “el árbol de fundición”, una estructura por la que entrará el bronce más adelante. Para que esto ocurra hay que meter las estatuillas en unos cilindros, en una especie de contenedores. “Se rellenan de una pasta refractaria que entra por dentro y por fuera”, indica Miguel Ángel.

Ahora ponemos rumbo a la sala por la que habíamos pasado antes. Esta tiene mucha luz, una de sus paredes es una puerta que ahora mismo está levantada, por aquí entran las grúas para mover las esculturas y los materiales más pesados. Una vez dentro de esta sala, lo que más llama nuestra atención es el gran horno marrón con dos chimeneas delgadas que la preside. “Cuando las estatuillas están preparadas en los cilindros, las llevamos a este horno, donde la temperatura subirá a los 730 grados, que es la idónea para que la cera desaparezca y deje una especie de vacío”. Es por este vacío por el que más tarde entrará el bronce, que habrá que fundirlo previamente junto al crisol en un horno de fundición a unos 1.200 grados.

En Fundación Codina, mientras se funde el bronce, aprovechan para sacar los cilindros con la grúa para así empezar las últimas fases del proceso. “Hacemos la colada fundida en el espacio vacío. Luego, evidentemente, se golpea, se abren los cilindros y aquí tenemos lo que sería ya una estatuilla en bronce hueca por dentro”, relata. Esto último es importante, ya que si no iban a ser muy pesados y el objetivo era que no superaran los tres kilos: reto cumplido, pesan 2,800. Para que la imagen quede perfecta hay que hacerle un pequeño repaso. “Primero se limpia con un chorro de arena y aire y después se retiran los restos con un martillo. El acabado siempre es con un cincel”.

Para terminar, volvemos al punto de partida. Estamos otra vez en la gran sala, junto a una de las mesas. Esta fase es la que el tiempo haría por sí mismo, pero el calendario aprieta y no se puede esperar a que la figura se oxide por su cuenta, hay que acelerar el proceso. Para ello, se pinta el busto con ácidos y sales para después darle calor aproximándolo al fuego. “Finalmente, le daríamos una sal de amoníaco para que salgan los tonos verdosos”, concluye Codina.

La entrega de los Premios Goya

A día de hoy los bustos del pintor ya están camino a Granada, que es la ciudad en la que este año se celebra la ceremonia. Esta vez, la fecha de entrega era el 5 de febrero, por lo que en nuestra visita ya estaba casi todo hecho, solo quedaba decir adiós a los cabezudos.

“Me despido cariñosamente cuando los envolvemos, porque es un trabajo muy bonito. Es muy importante que salgan bien, que estén perfectos, sobre todo por la ilusión que le hace a los que los reciben”, confiesa María Luisa. Tanto ella como su hermano saben todo lo que hay detrás de cada Goya, pero como no conocen el nombre de sus futuros dueños, las estatuillas no son personalizadas. Por lo que la identidad de los ganadores continuará siendo un secreto hasta la noche del sábado. Pero esta vez Miguel Ángel y María Luisa podrán ver en directo quién levanta cada busto, ellos también estarán en Granada.

“Es el síndrome del impostor, a todos nos pasa. Y más ahora, que soy músico y actor”, dice entre risas. El restaurante Casa Revuelta lleva un par de minutos abierto, pero ya recibe a unos primeros clientes ansiosos por probar su tajada de bacalao o su pincho de tortilla. Entre ellos está Cristalino, nombre artístico que bautiza a Francisco Martín Ocete. El músico granadino, aunque nacido en Adra (Almería), donde vivió hasta los seis años, recibe a Infobae España días antes de la gala de los Premios Goya. Su vida actual se traduce en billetes de tren de alta velocidad y compromisos laborales de última hora que le mantienen entre la ciudad que alberga los galardones y la capital.

En la ceremonia, que se celebra este sábado en el Palacio de Congresos de Granada, el intérprete novel opta a alzarse con el galardón a ‘Mejor actor revelación’ por su papel en Segundo Premio, la biografía no autorizada de Los Planetas a cargo de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez. Desde que se presentara en la pasada edición del Festival de Málaga, ganando la Biznaga de Plata, el recorrido del filme casi culmina en el Dolby Theatre de Los Ángeles. La película fue seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en los Oscar, pero finalmente no pasó la criba. “Habría estado muy bien, pero bueno”, se resigna Cristalino. “Han venido tantas cosas buenas que la rueda se tenía que parar en algún momento, y ha sido ahí”, dice.

Viene de ganar en los Premios Carmen del cine andaluz y se postula como uno de los favoritos para llevarse el ‘cabezón’ este sábado. “Nadie se esperaba tanto éxito”, dice sobre el tour cinematográfico que ha experimentado en los últimos meses. Además de la campaña de Segundo Premio, el músico ha vivido un renacimiento sonoro. “Me cambié el nombre artístico a Cristalino un mes antes de que empezara todo lo de la película, fue todo en la misma época”, dice sobre el frenesí musical e interpretativo con el que lidió entonces.

Tras Brío Afín o Pájaro Jack, el cantante presenta Cristalino EP II, un proyecto con el que consolida su espíritu vanguardista. Comenzó a escribir canciones “que canturreaba” con seis años; más tarde descubrió la guitarra y, como autodidacta, comenzó a dar pasos más grandes en su parcela creativa. “Si quieres seguir dedicándote a la música tienes que desarrollar amor propio y un sentido del gusto”, indica. “He tenido que forjar una especie de confianza en lo hago para aceptar que soy como soy, y que a las masas quizá no le gusta lo que hago”, dice sobre su personalidad sonora.

Dice que está probando un nuevo ejercicio a la hora de componer. “No ser tan biográfico”, admite. Aunque pueda ir a contracorriente de la tendencia mainstream de convertir la lírica en un diario personal, Cristalino quiere alejarse de la pulpa. “Como músicos nos limita mucho. Taylor Swift es una persona, no le pueden pasar tantas cosas”, dice cómico sobre la capacidad de la estadounidense de capitular su relato.

“He tenido que forjar una especie de confianza en lo hago para aceptar que soy como soy, y que a las masas no le gusta”

“Los Planetas son la banda sonora de mi vida”

No solo no se esperaban tanto éxito en torno al filme que recupera el periodo creativo de uno de los discos que han marcado la historia de la música alternativa española, Una semana en el motor de un autobús (1998). Cristalino tampoco contaba con erigirse como uno de los nombres de la temporada cinematográfica. “¿Hay mucha gente que ha hecho una criba para que yo esté aquí, ¿sabes?”, se recuerda cuando su cabeza prefiere jugar a los malabares con la humildad. “Confías en eso y y ya está, pero es verdad que si yo hubiera hecho el montaje de la película habría quitado un montón de cosas en las que la gente me ve bien pero yo no”, cuenta. Su objetivo es aceptar que él “tampoco” es lo anterior.

En Segundo Premio, Isaki Lacuesta se toma la licencia de construir una mirilla en el estudio del grupo granadino. En ella, Cristalino interpreta a Florent, el guitarrista de la banda: un hombre con adicciones e inseguridades, un líder espiritual que no siempre cumple con las obligaciones de la vida rockera y cuyas decisiones comprometen el momentum del grupo. “Hay una parte del personaje que entiendo profundamente”, dice el granadino sobre la actitud que éste tenía en entrevistas. “Capto lo que está sintiendo, los procesos que tiene por su cabeza”, añade. Los conciertos que vio desde adolescente, las escasas, pero existentes, biografías sobre la banda y la herencia que ha recibido de su entorno le permitieron acercarse a la icónica banda sin pecar de buscar la imitación o el plagio interpretativo. Para Cristalino no hay method acting que valga en su debut en la gran pantalla.

“Si hubiera hecho el montaje de la película habría quitado un montón de cosas en las que la gente me ve bien pero yo no”

Aunque admite que su afición por Los Planetas no llega al nivel de la mitomanía, sí recibe de su música un abrazo cálido y familiar. “Lo siento como algo más familiar que como algo de lo que soy muy fan, porque lo considero mío, de mi bagaje, es algo que, culturalmente, ha sido cercano a mí”, explica. Que su entorno haya crecido en torno a las canciones de la banda granadina explica su sentido de pertenencia con la discografía del grupo. El hecho de haber acudido a infinidad de conciertos suyos también ayuda. “Me he impregnado de eso y para mí son la banda sonora de mi vida”, apostilla.

La imagen de autodestrucción que muchas leyendas musicales han registrado en su currículo vital y sonoro no se esconde en Segundo Premio: tabaco, drogas y alcohol se erigen como un elemento imprescindible del carácter de unos jóvenes artistas. “La sociedad está cambiando”, dice Cristalino. “Hay cosas que antes estaban bien vistas y ahora no”, añade. Florent ha de ser el anticristo para los gurús de bienestar que copan las redes sociales en la actualidad. “Los Planetas salieron en una época en la que se fumaba en todo lados y ahora no”, dice. Ahora, afirma, se ha percatado de que está de moda decir que no bebes alcohol. “He visto a varios actores que están hablando sobre ello y reivindicándolo como algo cool, como algo relacionado con la valentía, la fuerza de voluntad e incluso la superioridad”, admite. “Ahora es transgresor decir que no vas a beber alcohol en una fiesta”, al igual que todas las experiencias con las drogas de las que se habla en el filme de Lacuesta “tenían un punto transgresor de experimentación”.

El Ayuntamiento de Cádiz ha anunciado que podría considerar modificaciones en el Concurso Oficial de Agrupaciones del Carnaval (COAC) tras el incidente ocurrido en el Teatro Falla, donde una chirigota con mensajes contrarios a las vacunas y al cambio climático fue abucheada por el público, impidiendo que su actuación se desarrollara con normalidad. Según informó la concejala de Fiestas, Beatriz Gandullo, el gobierno municipal está dispuesto a abrir un debate sobre la posibilidad de implementar una preselección de los repertorios de las agrupaciones participantes, algo que hasta ahora no se ha realizado.

El incidente tuvo lugar durante la actuación de la chirigota denominada Abre los ojos, presentada por el humorista vasco Óscar Terol, conocido por su participación en programas como Vaya semanita y la serie Allí abajo. El contenido de su repertorio, que incluía mensajes negacionistas sobre las vacunas y críticas a las políticas medioambientales, generó una reacción inmediata del público, que entre abucheos y gritos impidió que las coplas fueran escuchadas tanto en el teatro como en las transmisiones de radio y televisión.

En declaraciones recogidas por los medios, Gandullo explicó que, aunque el concurso siempre ha permitido la participación de cualquier agrupación sin revisar previamente su contenido, el incidente podría abrir la puerta a un cambio en este aspecto. “Si hay que abrir un debate, se abre. Siempre hemos considerado que el concurso está vivo, pero no cambiaremos nada que el carnaval no quiera cambiar”, afirmó la edil.

La concejala también subrayó que el estreno de una agrupación es inédito tanto para el público como para el Ayuntamiento, y que el gobierno municipal no evalúa la calidad de los grupos. Sin embargo, dejó abierta la posibilidad de que, tras la conclusión del concurso de este año, se analice la viabilidad de exigir a las agrupaciones la presentación previa de sus repertorios.

Abucheos y griterío

El público presente en el Teatro Falla reaccionó de manera contundente ante el contenido de la chirigota, ejerciendo lo que Gandullo calificó como “libertad de expresión”. Los abucheos y gritos fueron tales que el repertorio no pudo ser escuchado en ningún medio de transmisión.

Por su parte, el jurado del concurso tiene un plazo de 48 horas para analizar las imágenes de la actuación y decidir si la chirigota será descalificada. Además, se revisarán las imágenes proyectadas en una pantalla durante la actuación para determinar si alguna de ellas vulnera derechos fundamentales. En caso de que se detecten irregularidades, las fuerzas y cuerpos de seguridad del Estado serían los encargados de tomar las medidas correspondientes.

¿Se compromete la libertad de expresión?

El Ayuntamiento de Cádiz ha reaccionado con rapidez ante la controversia generada por la actuación de Abre los ojos, que ha puesto en el centro del debate la libertad de expresión y los límites en el contenido de las agrupaciones carnavalescas. Este incidente podría marcar un punto de inflexión en la organización del COAC, un evento que históricamente ha sido un espacio de creatividad y crítica social sin restricciones previas.

La posibilidad de implementar una preselección de los repertorios plantea interrogantes sobre cómo equilibrar la libertad artística con la responsabilidad de evitar mensajes que puedan resultar ofensivos o contrarios a derechos fundamentales. Por ahora, el Ayuntamiento ha dejado claro que cualquier cambio en las normas del concurso deberá contar con el consenso del mundo del carnaval.

El caso de Abre los ojos no solo ha generado polémica en el ámbito local, sino que también ha puesto de relieve la importancia de establecer límites claros en eventos culturales de gran relevancia, como el Carnaval de Cádiz, que cada año atrae la atención de miles de personas dentro y fuera de España.

Noticia elaborada con información de EFE.

En esta semana cargada de precipitaciones y tiempo inestable, el mejor plan ha incluido una manta, una bebida caliente, un pack de snacks y la mejor serie o película de estreno. Con la cuesta de enero llegando a su fin después de (casi) 300 días marcados por la monotonía y la rutina, ¿acaso hay algo mejor que engancharse a una ficción capaz de transportarnos a nuevos mundos y vidas?

Las plataformas presentan algunos de los títulos más esperados de la temporada y en Infobae España recopilamos los que no debes perder de vista (o el calendario semanal a tener en cuenta para no olvidarte de los estrenos de los próximos días). Uno de los estrenos más destacados de la semana tiene que ver con la gala de los Premios Goya 2025, que se celebra el sábado 8 de febrero en el Palacio de Congresos de Granada. Por ello, Movistar Plus+ estrena esta semana un amplio listado de títulos que están nominados en el certamen, entre ellos, Soy Nevenka, Los destellos, Salve María, Por donde pasa el silencio, Las novias del sur o Polvo Serán.

Otro de los títulos más destacados de estos días es la miniserie Celda 211, que aterriza en Netflix el próximo 5 de febrero, y que está basada en la película dirigida por Daniel Monzón y protagonizada por Luis Tosar y Alberto Ammann. En esta versión mexicana y capitular es Diego Calva (Babylon) el protagonista del relato. Un lanzamiento que gustará al público español es el estreno de A muerte, la serie de Dani de la Orden, artífice de Casa en flames (una de las cintas favoritas para alzarse con el Goya), que llega a Apple TV+ el 5 de febrero.

Protagonizada por Verónica Echegui, Joan Amargós, Cristian Valencia y Paula Malia, la ficción narra la historia del prudente Raúl, que tras su diagnóstico de cáncer de corazón se reencuentra con Marta, de espíritu libre y recientemente embarazada. Los dos retoman una amistad que comenzó en la infancia, y esta relación causada por el destino comienza a poner a prueba sus creencias sobre el amor.

Para los amantes del chisme y el drama, Disney+ no se olvida de uno de los fortines de su catálogo: Las Kardashian, que regresa con su sexta temporada a la plataforma el jueves 6 de febrero. La familia más notoria de Los Ángeles, y del panorama influencer, retorna a la pequeña pantalla para armar más líos, generar nuevas discusiones y mostrar, como siempre, que su vida no es todo brillo y glamur.

A continuación, todos los estrenos de la semana en el streaming.

Netflix

• Celda 211. 5 de febrero. Serie.
• Envidiosa (Temporada 2). 5 de febrero. Serie.
• Vinagre de manzana. 6 de febrero. Serie.
• Cassandra. 6 de febrero. Miniserie.
• Dulces magnolias (Temporada 4). 6 de febrero. Serie.
• Los crímenes de Åre. 6 de febrero. Serie.

Prime Video

• Calleja en el espacio: Parte 1. 3 de febrero. Docuserie.
• Invencible (Temporada 3). 6 de febrero. Serie.
• The Order. 6 de febrero. Película.
• Newtopia. 7 de febrero. Serie.
• Contigo en el futuro. 7 de febrero. Película.
• El llanto. 7 de febrero. Película.

Max

• Space Jam. 1 de febrero. Película.
• La boda de mi mejor amigo. 1 de febrero. Película.
• Efectos secundarios. 3 de febrero. Serie.
• Reformas en pareja (Temporada 5). Programa.
• La caída de la hermandad aria de Texas. 6 de febrero. Serie.
• El minuto heroico: yo también dejé el Opus Dei. 7 de febrero. Docuserie.
• The last Woodsmen. 8 de febrero. Programa.
• Tom y Jerry. 10 de febrero. Película.

Movistar Plus+

• Longlegs. 1 de febrero. Película.
• Memory. 2 de febrero. Película.
• Wolf Hall: en la corte del lobo. 3 de febrero. Serie.
• Salve María. 3 de febrero. Película.
• Renacimiento: arte y violencia. 4 de febrero. Documental.
• Los destellos. 4 de febrero. Película.
• Las novias del sur. 5 de febrero. Documental.
• Líbano: el atraco del siglo. 6 de febrero. Documental.
• Polvo serán. 6 de febrero. Película.
• Por donde pasa el silencio. 7 de febrero. Película.
• Black box diaries. 7 de febrero. Documental.
• Soy Nevenka. 7 de febrero. Película.
• Asteroid City. 9 de febrero. Película.

Disney+

• El joven Sheldon (todas las temporadas). 1 de febrero. Serie.
• Spidey y su equipo de Marvel (Temporada 3). 5 de febrero. Serie.
• Las Kardashian (Temporada 6). 6 de febrero. Reality.
• Fly. 7 de febrero. Documental.

Apple TV+

• A muerte. 5 de febrero. Serie.

La próxima edición de los galardones cinematográficos más importantes del país, que se celebrará el 8 de febrero en el Palacio de Congresos de Granada, tendrá como presentadoras a dos figuras prominentes del cine español: Maribel Verdú y Leonor Watling. Ambas actrices, conocidas por su talento y versatilidad, asumen el reto de dirigir esta gala, prometiendo una noche memorable (y siguiendo la estela de las buenas críticas que recibieron Los Javis -Javier Calvo y Javier Ambrossi- y Ana Belén en la ceremonia de 2024). La gala se podrá ver en La 1 y comenzará a las 22 horas, aunque se espera que, como otros años, la cobertura comience antes con la alfombra roja.

Ha sido un buen año para el cine español: el éxito en taquilla de películas como Casa en flames o El 47, de La Virgen Roja o La infiltrada, así como de cintas autorales como Segundo Premio, Salve María, Volveréis, La estrella azul, La habitación de al lado, Marco, Nina, Polvo Serán o Los destellos ha conformado un mapa de lo más interesante en la industria local. Aunque no se han desvelado muchos detalles acerca de la gala, se espera que haya un sentido homenaje a la DANA, que dejó más de 200 fallecidos en la Comunidad Valenciana.

¿Quiénes son los nominados a los Goya 2025?

El 47, la película de Marcel Barrena basada en hechos reales (narra el secuestro de un autobús para que la línea llegara al barrio barcelonés de Torre Baró), ha logrado el mayor número de nominaciones, 14, entre ellas, la de ‘Mejor película’. La infiltrada, de Arantxa Echevarría, se convierte en la segunda película más nominada, con 13 candidaturas y Segundo Premio, de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, ha obtenido 11 nominaciones, seguida por La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar, con 10, incluyendo las de sus protagonistas, Tilda Swinton y Julianne Moore, quienes optan al premio en la categoría de ‘Mejor actriz’.

La virgen Roja, de Paula Ortiz, ha conseguido 9 nominaciones (aunque sorprende que Nawja Nimri no haya conseguido una mención en los premios por su interpretación de Aurora Rodríguez). Por su parte, Casa en flames, de Dani de la Orden, ha acumulado 8 nominaciones, buena parte de ellas correspondientes a su gran elenco de intérpretes: Emma Vilarasau (que viene de ganar el Premio Feroz como ‘Mejor actriz’), Alberto San Juan, Enric Auquer, Macarena Gómez y María Rodríguez Soto. La cinta del director catalán fue la gran vencedora de la noche en la gala de los ‘zorritos’ celebrada el pasado sábado en Pontevedra (alzándose también con el Feroz a ‘Mejor guion’ y ‘Mejor película de comedia’).

Marco, que también está protagonizada por Eduard Fernández, ha logrado sumar la cifra de cinco nominaciones. Calladita, Rita, Soy Nevenka, Polvo serán o Volveréis también optan a llevarse el ‘cabezón’ en diferentes categorías, como ocurre con Salve María, Los destellos, ¿Es el enemigo? La película de Gila o Disco, Ibiza, Locomía, entre otras.

Las nominadas a ‘Mejor película’ no se corresponden, en esta ocasión, a las nominadas a ‘Mejor dirección’. Las dos únicas excepciones son las de La infiltrada (Arantxa Echevarría) y Segundo premio (Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez), que están en las dos categorías. Así, Pedro Almodóvar, Paula Ortiz y el colectivo Moriarti (Aitor Arregi y Jon Garaño) han quedado fuera de la categoría reina con La habitación de al lado, La virgen roja y Marco, respectivamente, pero sí han sido reconocidos por su trabajo detrás de la cámara.

El debut que mayor atención ha conseguido ha sido La estrella azul, de Javier Macipe, que además de estar presente en la categoría de ‘Mejor dirección novel’ (junto a las películas Calladita, Rita, El llanto y Por donde pasa el silencio), también se encuentra representada en la categoría de ‘Mejor actor revelación’ y en un buen puñado de apartados. La película de Pilar Palomero, Los destellos, no ha alcanzado la repercusión que se esperaba, aunque parte como favorito Antonio de la Torre en la categoría de ‘Mejor actor secundario’.

En las categorías de interpretación, encontramos a las dos protagonistas de La habitación de al lado, que competirán con las españolas Emma Vilarasau, Carolina Yuste (La infiltrada) y Patricia López Arnaiz (Los destellos). En la parte masculina está Alberto San Juan, Eduard Fernández (por Marco, no por El 47), Alfredo Castro por Polvo serán, Urko Olazabal por Soy Nevenka y la sorpresa, Vito Sanz, por su papel en Volveréis, de Jonás Trueba.

¿Quién cantará en los Goya 2025?

Aunque se desconocen muchos detalles acerca del guion que Verdú y Watling tendrán que ejecutar en el escenario, así como el tono de la gala, lo que la Academia de Cine sí ha anunciado han sido las actuaciones musicales que habrá durante la ceremonia. La apuesta para la 39.ª edición es el talento local granadino, pues se subirán al ‘tablao’ del Palacio de los Congresos de Granada diversos artistas, con diferentes estilos, que le pondrán una nota de color a la celebración del cine español.

De Estrella, Kiki y Soleá Morente, pasando por el sonido urbano y centennial de Dellafuente o Lola Indigo, los Goya han querido apostar por aquellos nombres que se erigieron en la muralla de la ciudad andaluza. Para coronar la noche estará Miguel Ríos, una figura fundamental del rock español con más de 40 álbumes publicados. Su trayectoria le ha valido las Medallas de Oro de Granada, Bellas Artes y la de Andalucía; ser nombrado Hijo Predilecto de Granada y de Andalucía, y el Grammy Latino a la Excelencia Musical.

La noche se completa con la Orquesta de la Universidad de Granada, el Coro Manuel de Falla de la institución académica y el grupo de baile granadino Soul Dance, que acompañará sobre el escenario a algunos de los artistas. La noche tendrá un sabor muy local, pero habrá más artistas que se sumarán a ese amplio listado, pues la Academia de Cine anunció que este lunes daría alguna que otra sorpresa más.

¿Quién es el Goya Internacional 2025?

El actor estadounidense Richard Gere ha sido distinguido con el Goya Internacional 2025, un galardón que reconoce su trayectoria cinematográfica y su contribución a la industria del cine a nivel global. De esta forma, el veterano intérprete relevará a Sigourney Weaver, que obtuvo esta distinción en la edición del año pasado.

Gere (Filadelfia, 1949) es una de las figuras más reconocidas de Hollywood desde hace años, aunque buena parte de su vida reciente la haya hecho en España. Su carrera, que abarca más de cinco décadas, lo ha convertido en un referente del cine, con interpretaciones memorables en películas como American Gigolo (1980), Oficial y caballero (1982), Pretty Woman (1990) y Chicago (2002).

Su versatilidad le ha permitido transitar entre el drama, la comedia romántica y el musical, consolidando su estatus como una de las grandes estrellas del cine contemporáneo. Recientemente se le ha podido ver en Oh Canada junto a Jacob Elordi o Uma Thurman.

De ser “la noche más grande para el Ozempic” a decir que Adrien Brody es “un doble superviviente del Holocausto” -refiriéndose a sus roles en El pianista y The Brutalist-. Nikki Glaser, presentadora de la pasada ceremonia de los Globo de Oro en Los Ángeles, brilló con sus bromas y sacó un sobresaliente en la complicada tarea de rescatar del hoyo a una gala que quería recuperar la notoriedad que había perdido. Era la primera vez en 82 años que una mujer se enfrentaba al reto sola, sin acompañantes femeninos o masculinos. Aunque la situación y el país son distintos, los Premios Goya 2025 también harán historia al poner, por primera vez, a dos mujeres como presentadoras.

La próxima edición de los galardones cinematográficos más importantes del país, que se celebrará el 8 de febrero en Granada, tendrá como presentadoras a dos figuras prominentes del cine español: Maribel Verdú y Leonor Watling. Ambas actrices, conocidas por su talento y versatilidad, asumen el reto de dirigir esta gala, prometiendo una noche memorable (y siguiendo la estela de las buenas críticas que recibieron Los Javis -Javier Calvo y Javier Ambrossi- y Ana Belén en la ceremonia de 2024).

Ha sido un buen año para el cine español: el éxito en taquilla de películas como Casa en flames o El 47, de La Virgen Roja o La infiltrada, así como de cintas autorales como Segundo Premio, Salve María, Volveréis, La estrella azul, La habitación de al lado, Marco, Nina, Polvo Serán o Los destellos ha conformado un mapa de lo más interesante en la industria local.

Aunque se desconocen muchos detalles acerca del guion que Verdú y Watling tendrán que ejecutar en el escenario, así como el tono de la gala, lo que la Academia de Cine sí ha anunciado han sido las actuaciones musicales que habrá durante la ceremonia. La apuesta para la 39.ª edición es el talento local granadino, pues se subirán al ‘tablao’ del Palacio de los Congresos de Granada diversos artistas, con diferentes estilos, que le pondrán una nota de color a la gala.

De Estrella, Kiki y Soleá Morente, pasando por el sonido urbano y centennial de Dellafuente o Lola Indigo, los Goya han querido apostar por aquellos nombres que se erigieron en la muralla de la ciudad andaluza. Para coronar la noche estará Miguel Ríos, una figura fundamental del rock español con más de 40 álbumes publicados. Su trayectoria le ha valido las Medallas de Oro de Granada, Bellas Artes y la de Andalucía; ser nombrado Hijo Predilecto de Granada y de Andalucía, y el Grammy Latino a la Excelencia Musical.

La noche se completa con la Orquesta de la Universidad de Granada, el Coro Manuel de Falla de la institución académica y el grupo de baile granadino Soul Dance, que acompañará sobre el escenario a algunos de los artistas. La noche tendrá un sabor muy local, pero habrá más artistas que se sumarán a ese amplio listado, pues la Academia de Cine anunció que este lunes daría alguna que otra sorpresa más.

Richard Gere, Goya Internacional

El actor estadounidense Richard Gere ha sido distinguido con el Goya Internacional 2025, un galardón que reconoce su trayectoria cinematográfica y su contribución a la industria del cine a nivel global. De esta forma, el veterano intérprete relevará a Sigourney Weaver, que obtuvo esta distinción en la edición del año pasado.

Gere (Filadelfia, 1949) es una de las figuras más reconocidas de Hollywood desde hace años, aunque buena parte de su vida reciente la haya hecho en España. Su carrera, que abarca más de cinco décadas, lo ha convertido en un referente del cine, con interpretaciones memorables en películas como American Gigolo (1980), Oficial y caballero (1982), Pretty Woman (1990) y Chicago (2002).

Su versatilidad le ha permitido transitar entre el drama, la comedia romántica y el musical, consolidando su estatus como una de las grandes estrellas del cine contemporáneo. Recientemente se le ha podido ver en Oh Canada junto a Jacob Elordi o Uma Thurman.

El pasado viernes, cerca de un millar de personas acudieron al corazón del Eixample barcelonés para paralizar el desahucio de la Casa Orsola, un edificio modernista que se ha convertido en el emblema de la lucha por el derecho a la vivienda digna en la ciudad. La finca se enfrenta a una amenaza de desalojo que afecta a 20 familias, entre ellas, la de Josep Torrent, un profesor de 49 años que ha vivido en su piso durante más de dos décadas. El primer desahucio estaba programado para el día 31 de enero, pero la movilización social consiguió paralizarlo.

El desahucio se ha aplazado hasta el próximo martes 4 de febrero a las cinco de la madrugada, una decisión que provocó gritos de “vergüenza” entre los asistentes. La crisis de la vivienda en España ya no deja prisioneros y ha llegado a los barrios de clase media-alta. La delicada situación ha provocado una ola de solidaridad desde diversos sectores sociales, en especial el cultural.

La situación de la Casa Orsola no es un caso aislado, sino un reflejo de la creciente presión que enfrentan los inquilinos en Barcelona. La finca ha sido adquirida por un grupo inversor que busca desalojar a los residentes para llevar a cabo una revalorización del inmueble. El caso de Torrent, que se ha convertido en la cabecera de la lucha (bajo el lema “hoy es Josep, pero mañana puedes ser tú”) y cuya vida está profundamente arraigada en el barrio, pone de manifiesto las consecuencias humanas de estas prácticas y busca generar un debate más amplio sobre el modelo de vivienda.

Apoyo desde la gala de los Premis Gaudí

El caso de la Casa Orsola ha trascendido más allá de los movimientos vecinales y ha encontrado eco en el mundo de la cultura. Durante la pasada gala de los premios de cine Gaudí, varios artistas aprovecharon su espacio en el escenario para expresar su apoyo a los vecinos de la finca. Figuras como el director Marcel Barrena, de El 47, y los actores Eduard Fernández, Enric Auquer y la cantante Maria Arnal hicieron un llamado público para evitar el desalojo. A Auquer, además, se le vio en la manifestación del viernes junto a la también intérprete (y su pareja) Macarena García. “Esto no es un caso aislado, está pasando en toda la ciudad”, señaló Auquer en los Gaudí.

Estas declaraciones en un evento de gran visibilidad han amplificado el mensaje de los afectados, subrayando la importancia de la movilización ciudadana frente a los intereses de grandes grupos inversores. La Casa Orsola, situada en una zona que ha sido objeto de un proceso de “pacificación” urbana en el Eixample, representa un caso paradigmático de cómo la especulación inmobiliaria impacta incluso en áreas tradicionalmente acomodadas.

La ministra de Vivienda aplaude la paralización

La ministra de Vivienda, Isabel Rodríguez, se ha mostrado satisfecha por que se haya paralizado el desahucio de la casa Orsola y ha explicado que ha hablado sobre este asunto con el alcalde de Barcelona, Jaume Collboni. Ambos habrían analizado la “dificultad de dar, en ocasiones, la solución que merece la ciudadanía en estas situaciones”.

”Creemos que los problemas en materia de vivienda han de afrontarse desde la colaboración, el entendimiento y no desde la confrontación. Y a mí me gustaría que esa situación pudiera resolverse por vías de mediación, como ha anunciado el Defensor del Pueblo en Cataluña”, agregó la ministra.

A su juicio, este caso “evidencia que es necesaria la regulación, que el libre mercado ayuda a la especulación, que en este país se está sufriendo una grave crisis de vivienda en el ámbito del alquiler y que se está sufriendo porque se dejó hacer”. ”Lo que para algunos es especulación e intervencionismo, no es más que garantizar los derechos de la ciudadanía para evitar que se produzcan estos abusos y estos fraudes”, apuntó.

Adrien Brody es uno de los favoritos para ganar el premio a ‘Mejor Actor’ en los Premios Oscar 2025 por su interpretación en ‘The Brutalist’. No obstante, el uso de inteligencia artificial en la postproducción ha podido salpicar su oportunidad de ganar su segunda estatuilla, después de llevarse un Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor Actor de Drama’. Al parecer, el editor de cine, Dávid Jancsó, ha empleado el software de una empresa ucraniana para mejorar la autenticidad de algunos diálogos en húngaro del actor, uno de los acentos más complicados de pronunciar.

Sin duda esto podría interponerse en su segunda posibilidad por conseguir el Oscar, tras dos décadas en el olvido de Hollywood. Y es que, a pesar de que Brody se convirtió en la persona más joven, con 29 años, en ganar un Oscar a ‘Mejor Actor’, no ha tenido la misma suerte el resto de su carrera. Aunque no ha dejado de trabajar, ha interpretado papeles marginales o secundarios que no han sabido captar su gran potencial, al ser encasillado en una etiqueta que le persigue hasta hoy.

En la actualidad, Brody se ha catapultado, 23 años después, en el punto de mira de todo el mundo gracias a su interpretación en ‘The Brutalist’. Sin embargo, muchos no pueden evitar pensar en la película producida por Roman Polansk, cuando ven al actor. Algo que le ha acompañado los últimos años de su carrera profesional y con lo que no se siente del todo cómodo.

“Consumía mucha tristeza”

Adrien Brody ha confesado en una entrevista con Fotogramas sus problemas con ‘El pianista’, la película que lo llevó a lo más alto y después al silencio. En el metraje dirigido por Polanski dio vida a un músico polaco atrapado en la Varsovia devastada de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, el actor se metió en lo más profundo de la piel de Wladyslaw Szpilman, su personaje. Algo que le impide ver la película a día de hoy: “Fue un viaje de seis meses de inmersión en los horrores de aquella época. Realmente, no puedo soportarlo”, ha comentado.

“Es muy difícil para mí revivir y recorrer de nuevo esa experiencia“, ha recordado. Durante la preparación de su papel, Brody aprendió a tocar el piano, vendió su apartamento y su coche, desconectó su teléfono y dejó de ver la televisión. En esos meses, también tuvo que perder 14 kilos, a través de una dieta muy estricta. Esta se basaba en dos huevos cocidos y té verde para el desayuno durante seis semanas.

Todo ello creó “mucho tejido emocional que conecta con otras áreas de mi vida y con lo que yo era en ese momento. Consumía mucha tristeza para poder representar, precisamente, la devastación que envolvía a mi personaje“. Esto no impide que el actor no sepa apreciar la hermosura del largometraje: “Me fascina lo que hizo Roman Polanski, una película tan bellamente hecha y contada... Adoro ‘El pianista’, pero, simplemente, sigue siendo muy difícil para mí“, ha afirmado.

A pesar de que muchos cinéfilos conectan sus dos películas estrella, el actor ha trazado una barrera, muy clara, ya que opina que su personaje en ‘The Brutalist’ “es un personaje diferente y es un viaje completamente distinto“. Su explicación se basa en que ”en ‘El pianista’, los horrores de la guerra estaban muy presentes y mi personaje los vivía de primera mano, mientras que ‘The Brutalist’ aborda los traumas persistentes y el impacto psicológico de haber sobrevivido a esos traumas específicos. László Tóth (su personaje por el que le han nominado a los Oscars de 2025) es un hombre que los está procesando e intenta avanzar y resarcirse a través de su capacidad artística, tratando de huir del sentido de opresión y antisemitismo que aún persiste“, insiste.

Hoy en día no sorprende a nadie que las listas de éxitos de las plataformas de streaming están llenas de canciones de Bad Bunny, Rauw Alejandro, Lola Índigo, Quevedo o Bad Gyal. Tampoco sorprende que viajar a cualquier parte del mundo implica escuchar Tití Me Preguntó o que las diferentes ediciones de festivales de reggaeton salen en verano con fervor. La música urbana es el gran fenómeno de música mundial desde hace años.

Y en España esto se nota. También en la pista de baile. Según un estudio presentado por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), un 35,67% de las canciones que se reproducen en discotecas, bares y salas de conciertos son de música urbana, siendo liderada por géneros como el reggaetón. La investigación, realizada en colaboración con la Federación Nacional de Empresarios de Ocio y Espectáculos, España de Noche, confirma la hegemonía del género sobre otros estilos musicales.

Por detrás de la música urbana se encuentra el pop, que representa el 28,93% del repertorio en estos espacios de ocio nocturno. Sin embargo, sorprende la escasa presencia de la electrónica, un género históricamente ligado a la vida nocturna, que apenas alcanza el 2,70%. Otros estilos, como el rock (2,08%), la música alternativa (1,77%), el reggae (1,28%), la música universal o étnica (0,90%) y otros géneros menores (0,59%) también tienen cabida en el repertorio musical de los locales de ocio, según dicho estudio.

Más de la mitad de las canciones que suenan en las discotecas no suenan en la radio

Los datos se obtuvieron a través de un sistema de monitorización desarrollado por BMAT Music Innovators, que identifica las canciones que suenan en discotecas y bares de toda España. El objetivo del estudio es proporcionar una imagen precisa de la música que se consume en estos espacios y asegurar un reparto más equitativo de los derechos de autor.

El estudio también ofrece que el 60% de las canciones que suenan en las discotecas no se escuchan en las emisoras de radio. Esta disparidad refleja la diversidad de repertorio en los locales de ocio nocturno, donde en los últimos tres meses de 2024 se han reproducido 98.000 canciones de 36.000 artistas y productores.

A esto hay que sumarle que la industria musical vive un momento donde se demanda inmediatez y hay mucha oferta de artistas y canciones. El algoritmo (como el de Tikok) es también una parte importante de cómo se conjugan los éxitos. “Somos víctimas de la digitalización, de la rapidez, de las redes sociales, de sacar una canción con un estribillo que pegue mucho para que se haga viral en Tik Tok”, explicó a Infobae España José María Clemente, co-director de la serie documental de Movistar Plus+ Perrea, Perrea, junto a Elena Pascual. Sobre si consideran que la burbuja en clave urbana vaya a pincharse pronto, ambos contaban que “más que explotar, irá cambiando, irá sacando otras burbujitas”. Aunque parece ser el único estilo copando los grandes éxitos, lo que hace que “sea muy difícil llegar al número uno”, su brillo no evita que otros géneros puedan tener su parcela de consagración. “Los festivales de música indie tienen su burbuja y siguen funcionando bien. Otros géneros quizá no han podido sobrevivir, pero no es por culpa del reggaetón”, precisó Clemente.

La presentación del informe tuvo lugar en Barcelona, el pasado miércoles 29 de enero, en el marco de la jornada “Sistemas de identificación y control del uso del repertorio en los locales de ocio”, organizada por la SGAE y España de Noche.

La actriz española Karla Sofía Gascón, nominada al Oscar a ‘Mejor actriz’ por su papel en Emilia Pérez, se ha pronunciado este viernes tras la oleada de críticas recibida en las últimas 24 horas, a raíz de unos antiguos tuits suyos que fueron rescatados y expuestos en un artículo publicado ayer por Variety.

Unos posts en los que ataca directamente a los musulmanes, a George Floyd -a quien considera un “drogata estafador”- o a la diversidad en los Oscar. Los mensajes, muchos de los cuales fueron borrados el jueves tras su reaparición, se publicaron en su mayoría entre 2020 y 2021 (cuando X todavía era Twitter).

Ahora, un día después de la polémica, la intérprete no solo ha desactivado su cuenta en X, sino que también ha enviado un comunicado de disculpa a varios medios españoles, como EL PAÍS o El Mundo, con el objetivo de explicar lo ocurrido.

Comunicado oficial de Karla Sofía Gascón,

A continuación, se reproducen sus declaraciones de forma íntegra:

“Lo siento, pero no puedo seguir consintiendo que esta campaña de odio y desinformación afecte más ni a mi familia ni a mí, así que a petición de ellas cierro mi cuenta en X. Me han amenazado de muerte, insultado, violentado y vejado hasta la extenuación. Tengo una hija maravillosa que proteger, a la que amo con locura y que me apoya en todo.

Había tomado hace mucho la decisión de cerrar una red social, que ha tomado una deriva terrible, en la que yo a veces también he caído, y por lo cual pido disculpas. Como parte de esta sociedad he expresado mi desacuerdo o acuerdo con todos los temas relacionados que me han tocado y de los cuales, he tenido una opinión, muchas veces errónea, que ha cambiado a lo largo de mi propia experiencia.

Siempre he utilizado mis redes sociales a modo de diario, reflexiones o notas, para más tarde crear historias o personajes, no como algo que fuera a ser escudriñando hasta el último de sus 140 caracteres, ya que a veces ni yo misma soy consciente de haber escrito algo negativo.

He defendido a todas y cada una de las minorías de este mundo y apoyado cualquier evento contra el racismo, la libertad de religión o la homofobia, de la misma manera que he criticado la hipocresía que subyace dentro de las mismas, porque con la primera que soy autocrítica es conmigo misma.

Jamás me escucharán apoyar una guerra, una injusticia, el extremismo o aplaudir a nadie que oprima a otros seres humanos. Quizá mis palabras no sean las correctas, muchas veces por desconocimiento o por pura equivocación, vuelvo a pedir perdón si alguien se ha sentido ofendido alguna vez o en el futuro.

Soy un ser humano que también cometió, comete y cometerá errores de los cuales aprenderé, no soy perfecta. Sacar de contexto o manipular mis palabras para hacerme daño es algo de lo que yo no soy responsable. Solo soy responsable de lo que digo, no de lo que los demás dicen que digo o de lo que los demás interpreten de lo que yo digo.

Espero tener la oportunidad de dar una explicación más extensa en algún momento. Discúlpenme porque no paro de ir de un lado al otro y no puedo estar respondiendo a cada cosa que sacan para intentar hundirme. Pero si lo desean pueden seguir atacándome como si yo fuera la responsable del hambre y las guerras en el mundo. Pido de nuevo perdón si alguna vez en mi vida he ofendido a alguien con mis palabras.

Solo soy Karla Sofía Gascón, una actriz que ha llegado donde muy pocos gracias a su esfuerzo y trabajo, sin robar o hacer mal a nadie en este mundo, solo intentando que me dejen vivir en paz, amor y respeto, algo que parece molesta mucho en este mundo. Está claro que hay algo muy oscuro detrás. Pero les digo algo: Cuanto más intenten hundirme más fuerte me va a hacer. Más grande será la victoria. Discúlpenme una vez más si alguna de mis palabras les hizo daño. Atentamente, Karla”.

La intérprete Karla Sofía Gascón, nominada al Oscar a la ‘Mejor actriz’ por su papel en Emilia Pérez, se enfrenta a una oleada de críticas después de que algunos tuits que publicó en el pasado hayan salido a la luz en un artículo publicado por Variety. En ellos ataca a los musulmanes, a George Floyd -a quien considera un “drogata estafador”- o a la diversidad en los Oscar. Los mensajes, muchos de los cuales fueron borrados el jueves tras su reaparición, se publicaron en su mayoría entre 2020 y 2021 (por aquel entonces, X era Twitter).

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“Perdón, ¿es mi impresión o cada vez hay más musulmanes en España? Cada vez que voy a recoger a mi hija al colegio hay más hembras con el pelo tapado y el faldón hasta los talones. Lo mismo el año que viene en vez de dar inglés tenemos que dar árabe... y un cordero“. Esta es una de las publicaciones que ha reaparecido estos días por la red social. No es la única en la que parece atacar a los musulmanes y su religión.

En otro post publicado el 29 de enero de 2021, Gascón dice que “el Islam incumple los derechos internacionales” y que la religión “debe ser prohibida mientras no cumpla los DDHH”. En otra publicación que compartió el 2 de septiembre de 2020, la actriz continuó criticando dicha religión.

“El islam es maravilloso, sin ningún tipo de machismo”, comentó irónica en un tuit que incluía una imagen de una familia en la que ella está cubierta con un burka. “A la mujer se la respeta, y cuando se la respeta mucho le dejan un cuadradito en la cara para que se le vean los ojos y la boca, pero si se porta bien. Aunque ellas visten así por gusto. Qué asco más profundo de humanidad”, continuaba.

En 2016 también publicó que el Islam se estaba convirtiendo “en un foco de infección para la humanidad” que se debía “curar urgentemente”. En 2021, la actriz de Alcobendas volvió a cargar contra la religión al decir: “Cuántas veces más la historia tendrá que expulsar a los moros de España... todavía no nos hemos dado cuenta de lo que significa esta amenaza de civilizaciones que constantemente ataca a la libertad y coherencia del individuo. No se trata de racismo, se trata del islam”, apuntó entonces.

Además de los tuits anteriores, también se ha rescatado una publicación en la que Gascón habló del asesinato de George Floyd pocos días después de que fuera abatido por un policía, una muerte que movilizó a Estados Unidos y que armó el movimiento Black Lives Matter. “Realmente creo que a muy pocos les importó nunca George Floyd, un drogata estafador, pero su muerte ha servido para volver a poner de manifiesto que hay quienes todavía consideran a los negros monos sin derechos y quiénes consideran que la policía es asesina. Todos errados”. publicó entonces.

También cargó contra la diversidad en la gala de los Oscar, tuiteando que “cada vez más se parecen a una entrega de premios de cine independiente y reivindicativo, no sabía si estaba viendo un festival afrokoreano, una manifestación Blacklivesmatter o el 8M”. Añadió: “Les faltó darle un premio al corto de mi primo, que es cojo”.

La polémica con Fernanda Torres

Karla Sofía Gascón no solo está teniendo que lidiar con los polémicos mensajes que han resurgido de su cuenta de Twitter, y que podrían hacer tambalear sus opciones de alzarse con la estatuilla dorada, también ha sido ampliamente criticada por unas declaraciones en las que decía que el equipo de Fernanda Torres, protagonista de I’m still here y candidata al Oscar en la misma categoría que la madrileña, había orquestado una campaña para acabar con su reputación.

“Si gana ella, estupendo, si ganó yo, estupendo. Lo que no me gusta es que hay un equipo de redes sociales que trabaja alrededor de todas estas personas intentando demeritar mi trabajo y el de mi película, porque eso no lleva a ningún sitio. Para resaltar el trabajo de una persona no necesitas hundir el de los demás”, expresó Gascón. “En ningún momento me verán hablando mal de Fernanda Torres o de su película, pero en cambio sí veo a muchas personas que trabajan en el ambiente de Fernanda Torres que hablan mal de mí y de Emilia Pérez. Yo creo que eso habla más mal de ellos y de la película que de la mía”, indicó.

Estas declaraciones han generado cierto revuelo en Estados Unidos, pues podrían haber sido motivo de descalificación al tratarse de una crítica a una compañera nominada. De acuerdo con las reglas del certamen, “no se tolerará ninguna comunicación pública por parte de cualquier persona asociada con una película elegible que intente arrojar algo negativo sobre una película competidora”. De momento, la Academia no ha emitido ningún comunicado al respecto.

La primera actriz trans nominada a los Oscar

Karla Sofía Gascón es la segunda intérprete femenina española en recibir una nominación a los Oscar, después de las cuatro de Penélope Cruz (para más inri, ambas son de Alcobendas), y la cuarta intérprete si sumamos a Javier Bardem y Antonio Banderas. Emilia Pérez, la película de Jacques Audiard que protagoniza, ha recibido un total de 13 nominaciones. Aunque no llega al récord de 14 que marcaron largometrajes como Titanic, La La Land o Eva al Desnudo, sí empata con las 13 de Oppenheimer del año previo (que además se acabó alzando con la estatuilla dorada en la categoría de ‘Mejor película’).

El musical ‘narco-trans’ del director francés, presentado en la pasada edición del Festival de Cannes, ha dado mucho que hablar en las últimas semanas, sobre todo tras el éxito que está teniendo en el circuito de premios (arrasó en los Globos de Oro, llevándose el galardón a ‘Mejor película’, una decisión que enfadó hasta al propio Luca Guadagnino). En Cannes, sus actrices (Adriana Paz, Selena Gomez y Zoe Saldaña) recibieron el premio a la mejor interpretación, erigiendo a Karla Sofía Gascón como la primera actriz trans en llevarse dicho reconocimiento.

Al superar las 10 nominaciones, Emilia Pérez se convierte en la película en lengua no inglesa con más candidaturas de la historia -también en la cinta en español con más nominaciones de la historia-. Gascón también es la primera intérprete trans que recibe una nominación en la principal categoría interpretativa (Elliott Page todavía era Ellen Page cuando fue nominada por Juno).

“Yo creo que la clave está en que toma riesgos, no repite clichés, es una película con personalidad. Es un drama, es un musical, es muchas cosas. Pero el mérito lo tiene Jacques Audiard, que es un artista. Hay gente a la que le dices: ‘Venga, píntame este cuadro igual que el que ha pintado Picasso’, y te lo pinta exactamente igual. Pero, qué mérito tiene eso. Hay personas que hacen la diferencia, que se atreven a romper las reglas, a aportar su imaginación y componer algo único. Yo me identifico mucho con todo ese espíritu”, contó Gascón sobre Audiard y la explosiva Emilia Pérez en una entrevista con Infobae España.

“Cuando vivía en Alemania, eran las gominolas Haribo. Pero cuando volví a Japón, se convirtió en el chocolate”, dijo sobre cuál era el snack que más comía mientras pintaba en su estudio. Yoshitomo Nara (Hirosaki, Japón, 1959) no solo es uno de los artistas contemporáneos que más factura -está entre los diez artistas vivos más notorios del panorama artístico-, también es de los más venerados por el público.

Aunque él mismo ha rechazado la conexión que sus pinturas puedan tener con el universo del anime y el manga, la comparativa ha sido (y sigue siendo) empleada para describir a sus espeluznantes “niñas cabezonas”. Sus grandes y rasgados ojos, y la estética kawaii (cuqui en japonés) que ha impreso en el trazo de su brocha, han convertido sus lienzos en un páramo de inocencia que, sin embargo, esconde un aspecto sombrío. Los retratos de niñas pequeñas son, a su vez, flashes de horror e ira.

Su peculiar estilo (que ha enamorado, además de a los coleccionistas y gurús del arte, a la generación Z, que comparte el idilio con sus pinturas en redes sociales como TikTok) nace de un acercamiento tanto a la cultura local como a la occidental. Nara creció en el Japón de posguerra, una época de mayor exposición a los elementos pop occidentales, como puedan ser los cómics, los dibujos de Disney o la música popular.

Además de tener acceso a la Biblioteca de Alejandría del mundo anglosajón, Nara estudió en Alemania -en la Kunstakademie Düsseldorf a finales de los años 80-, lo cual le permitió conformar una rica obra con diversas influencias. Fue en 1990 cuando el nipón comenzó a forjar su particular estilo: figuras querubinescas que esconden una mirada tenebrosa, niñas con cuchillos, ceños fruncidos y morros arrugados; estatuas de la infancia que transmiten un aura de amenaza, de desafío, pero que también atesoran una capa de melancolía e inseguridad.

“La gente se refiere a ellos como retratos de niñas o niños”, dijo Mika Yoshitake, experta en arte japonés de posguerra, a The New York Times. “Pero en realidad son todos, creo yo, autorretratos”, apostilló. De forma bidimensional y con un fondo neutro, las pinturas de Nara se asocian al estilo Superflat: según Takashi Murakami, otro de sus grandes exponentes, es la forma de redefinir la identidad tradicional japonesa desde la modernidad para hablar del pasado.

La cultura manga se ha beneficiado de dicha rama artística, la cual ha explotado de sobremanera, pero el Superflat también se narra grabados Ukiyo-e del período Edogracias a la influencia de los antiguos . Aunque Nara no obtuvo una aceptación inmediata en el mundo del arte, su innovador estilo se ha acabado consolidando en la actualidad. No en vano, los seguidores de su arte presentan el mismo fervor que cualquier adolescente en el concierto de su artista predilecto.

Recuerdos de infancia que tiene marcados como un tatuaje, la música (admite escuchar, sobre todo, a Bob Dylan en su estudio) y la literatura, así como su insaciable curiosidad, son los elementos que han nutrido sus lienzos y objetos. Con la venta en 2019 de Knife Behing Back (2000) por 25 millones de dólares (unos 22 millones de euros) en Sotheby’s, Yoshitomo Nara ha conseguido erigirse como una de las firmas más cotizadas y valoradas en el panorama artístico global.

Nara ha sabido construir un imperio que va más allá de los lienzos que se han vendido a precio de oro (por ejemplo, No Means No por 6 millones de dólares, Three Stars por 3,5, millones, In the Milky Lake por 10, Be Happy por 5 o Missing in Action por 11). Su universo pictórico, al igual que el de ídolos como Andy Warhol, se erige más allá del óleo. El pintor nipón ha creado una máquina de creación que incluye diversos formatos y objetos coleccionables que apelan a todo tipo de clases sociales: de los ricos que compran en Sotheby’s a los jóvenes con un salario humilde.

Grabados, litografías, dibujos, esculturas, animales de peluche, lámparas, tapices, ceniceros, huchas, libros, despertadores, platos y hasta monopatines. El mundo de Yoshitomo Nara es tan venerado como diverso. En 2024, el Museo Guggenheim de Bilbao le dedicó la primera retrospectiva en España, un viaje onírico por los elementos que ponen de manifiesto su creatividad, y una exposición que ha trasladado sus alas a la ciudad alemana de Baden-Baden. Tu mejor amiga no tardará mucho en colgar uno de sus cuadros en su habitación aesthetic.

El Festival de Málaga, que celebrará su 28ª edición del 14 al 23 de marzo, ha revelado un avance de su Sección Oficial a concurso, en la que predominan las películas dirigidas por mujeres. Según informó el medio especializado, cinco largometrajes españoles encabezados por directoras competirán en esta categoría: La furia, de Gemma Blasco; Los Tortuga, de Belén Funes; Sorda, de Eva Libertad; La buena suerte, de Gracia Querejeta; y La buena letra, de Celia Rico. Este enfoque refuerza el compromiso del festival con la visibilización del talento femenino en la industria cinematográfica.

La selección incluye historias que abordan temas como el duelo, la maternidad, la violencia de género y la búsqueda de identidad, con narrativas que prometen conmover y generar reflexión. El certamen cinematográfico busca sustituta para Segundo Premio, la cinta de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez que se alzó con la Biznaga de Oro a la mejor película en 2024 (además, fue la cinta seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en los Oscar 2025, aunque finalmente se quedó fuera).

Gemma Blasco debuta con ‘La furia’, una historia de dolor y venganza

Gemma Blasco, cineasta barcelonesa (rayectoria incluye cortometrajes como Jauría, que fue estrenado en el Festival de Málaga en 2018, y la película experimental El zoo) presentará su primer largometraje de ficción, La furia, en la próxima edición del Festival de Málaga tras haber sido seleccionada también para el SXSW Film & TV Festival en Austin, Texas.

La película, escrita por Blasco junto a Eva Pauné, cuenta con un elenco encabezado por Ángela Cervantes, Àlex Monner y Ana Torrent, entre otros. La trama sigue a Alex, una joven que, tras ser víctima de una violación durante la celebración de Año Nuevo, busca apoyo en su hermano Adrián. Sin embargo, la rabia de este último lo lleva por un camino oscuro que los distancia.

‘Los Tortuga’, de Belén Funes, explora el duelo y la conexión familiar

La cineasta Belén Funes, reconocida por su sensibilidad para retratar historias íntimas, competirá con Los Tortuga, una coproducción entre España y Chile. La película, escrita por Funes junto a Marçal Cebrian, tuvo su estreno en el Festival de Toronto y cuenta con un reparto liderado por Antonia Zegers, Elvira Lara y Mamen Camacho.

La historia se centra en Delia y su hija Anabel, quienes enfrentan de manera distinta la pérdida del padre. Ambientada entre los campos de olivos de Jaén y las calles de Barcelona, la película aborda el equilibrio entre el amor y el dolor, la ternura y la dureza, mientras ambas mujeres lidian con la incertidumbre de su futuro.

Su debut como directora, el cortometraje Sara a la fuga, le valió dos Biznagas de Plata en el Festival de Málaga. Su primer largometraje, La hija de un ladrón, fue galardonado con tres Premis Gaudí y el Goya a Mejor Dirección Novel.

Eva Libertad aborda la maternidad en ‘Sorda’

Eva Libertad, guionista y directora, presentará su primer largometraje, Sorda, en el Festival de Málaga. La película, protagonizada por Miriam Garlo, Álvaro Cervantes y Elena Irureta, narra la historia de Ángela, una mujer sorda que enfrenta una crisis en su relación con Héctor, su pareja oyente, tras el nacimiento de su hija. La trama reflexiona sobre los desafíos de la maternidad en un mundo que no siempre está adaptado a las necesidades de las personas sordas.

Libertad ha destacado previamente con su cortometraje homónimo, codirigido con Nuria Muñoz, que fue nominado a los Premios Goya 2023. Su obra aborda temas como la violencia de género y los derechos humanos, con un enfoque social y comprometido.

Gracia Querejeta regresa con ‘La buena suerte’

La reconocida directora Gracia Querejeta competirá en el Festival de Málaga con La buena suerte, una película que cuenta con las actuaciones de Hugo Silva, Megan Montaner y Miguel Rellán. La trama sigue a Pablo, un arquitecto que decide abandonar su vida en la ciudad para instalarse en un pequeño pueblo, donde conoce a Raluca, una mujer que confía en las sorpresas que la vida puede ofrecer.

Querejeta cuenta con una extensa trayectoria en cine y televisión. Entre sus películas más destacadas se encuentran Siete mesas de billar francés y 15 años y un día, Cuéntame cómo pasó. mientras que en televisión ha trabajado en series como

3,2,1... El juego del calamar fue algo más que un simple fenómeno audiovisual. En un renacimiento tras la pandemia, la serie surcoreana supo captar la atención de todo el mundo con una macabra ficción sobre un juego que ponía al límite a sus participantes. Tres años después de su estreno en Netflix (y de que millones de personas se hayan inspirado en ella para sus disfraces de Halloween), la segunda temporada de la serie creada por Hwang Dong-hyuk ya se puede disfrutar en el gigante del streaming.

Tras romper récords de visionado en su primera semana en la plataforma, Netflix ha anunciado la fecha de la más que esperada tercera temporada: el 27 de junio. Tras dejar el juego mortal a medias, los espectadores podrán poner cierre al macabro experimento a mitad de año con los nuevos capítulos. Tras el suspense que dejó la última escena de los nuevos episodios, la audiencia está deseando conocer cuál será el desenlace del mortal juego.

Como era de esperar, la segunda entrega fue un éxito inmediato y masivo, pues debutó con 68 millones de visionados en sus primeros cuatro días, más de lo que ninguna otra serie de Netflix ha logrado en su semana de estreno, batiendo así el récord que Miércoles estableció con 50,1 millones de visionados en 2022.

La capítulos de la tercera (y última) parte se grabaron junto con los de la segunda para evitar que la espera entre ambas fuese tan larga como la pausa que hubo entre la primera temporada (que se lanzó en 2021) y la recién estrenada. Así, la audiencia ha de esperar menos para el desenlace de una de las ficciones más exitosas de la historia de la plataforma. La plataforma también ha desvelado las primeras imágenes de los nuevos capítulos.

El juego del calamar, que destacó en 2021 por su combinación única de juegos infantiles con consecuencias mortales, adoptó temáticas universales como la desesperación económica y la lucha por la supervivencia, resonando entre audiencias de diversas culturas. Esta capacidad de conectar con el público ha llevado a la serie a recibir múltiples premios y consolidarse como un referente en la industria del entretenimiento.

“La historia no ha terminado”

En una entrevista con la BBC, Hwang Dong-hyuk desveló qué le ha llevado a querer ampliar una historia que parecía finita, pero de la que, admitía, todavía queda mucho por contar. “Aunque la primera temporada fue un gran éxito mundial, sinceramente no gané mucho con ella. Así que hacer la segunda temporada me ayudará a compensar el éxito de la primera”, contó, añadiendo que el relato “no ha terminado del todo”.

Hwang ya había comentado en diversas entrevistas que le pagaron por adelantado por rodar El juego de el calamar, por lo que no le ofrecieron una “prima” por el éxito de la serie. El creador también había relatado previamente cómo el estrés del rodaje de los primeros capítulos le afectó a su salud, pues se le llegaron a caer hasta “ocho o nueve” dientes. La tensión que le provocó la grabación de la primera temporada le llevó a pensar que no rodaría otra, pero la realidad económica que se le presentaba con los nuevos episodios era demasiado buena como para rechazarla.

“Gianni Versace justificó la elección de Medusa como logotipo diciendo que cualquiera que la haya visto una vez no podrá quitársela de la cabeza”. Un recuerdo permanente, un sello de discoteca que no se borra ni con el mejor jabón o la capacidad de generar un impacto que perdura. El símil entre la figura mitológica y el legado de sus diseños es más que latente. El italiano (Regio de Calabria, 1946-Miami, 1997) fue uno de los primeros perfiles que se convirtió en celebridad por medio de la costura. Su ropa, sus supermodelos y sus estampados le acompañaron dentro y fuera del taller.

Fue la primera rockstar del tejido y la personalidad que imprimió en sus piezas (las cadenas, la cabeza de la mujer que convertía a sus detractores en piedra y las faldas de rejilla que triunfaron en los años 90) continúa viva. La retrospectiva de la carrera del diseñador (y de la marca que sigue vibrando de la mano de su hermana Donatella) aterriza, por primera vez, en España con una exposición que se podrá visitar a partir del 7 de febrero en el Centro Cultural Fundación Unicaja, en Málaga.

“Dado que Medusa es un símbolo que también narra, en cierto modo, la tragedia de la historia de Gianni Versace, tiene una gran carga emocional y no ha perdido su magia hasta el día de hoy”, cuenta Karl Von der Ahé, comisario de la exposición junto a Saskia Lubnow, a Infobae España. La muestra está compuesta por más de 500 piezas originales que incluyen looks, accesorios, fotografías inéditas, tejidos, dibujos, prototipos y estampados de las diversas épocas del diseñador.

“Dado que Medusa es un símbolo que también narra, en cierto modo, la tragedia de la historia de Gianni Versace, tiene una gran carga emocional y no ha perdido su magia” | Karl Von der Ahé, comisario de la exposición

En Gianni Versace Retrospective se expone un recorrido que va desde la infancia del creador en el sur de Italia, a sus estancias en Milán, Nueva York y Miami Beach: un camino de creatividad al que acompañan las piezas que conformaron sus icónicas colecciones (desde 1989 hasta la de Otoño-Invierno 1997). “Es una de las exposiciones más completas sobre Gianni que se han mostrado hasta la fecha”, ha explicado el comisario a este medio. No es la única que hay en nuestro país dedicada a sus mosaicos, pues hasta el 2 de marzo también se podrá visitar la muestra del Museo Nacional de Artes Decorativas enfocada en el vínculo del diseñador con la Historia.

“Gianni se hizo a sí mismo en el sentido más estricto de la palabra. No pasó de la miseria a la riqueza, sino que procedía de la clase media del sur de Italia”, relata Von der Ahé para explicar la pulsión que el diseñador sigue teniendo con la actualidad. A diferencia del calabrés, “la mayoría de los diseñadores de su época tenían detrás a conocidas familias del norte” del país, pero el hombre que fundó Versace fue capaz de dominar la escena “y eclipsar a casi todos sus competidores”. Para el comisario, la historia de la marca y del hombre detrás de ella fue “un relato de éxito muy americano, lo que explica, en parte, su afinidad con la cultura estadounidense”.

“Gianni se hizo a sí mismo en el sentido más estricto de la palabra. No pasó de la miseria a la riqueza, sino que procedía de la clase media del sur de Italia” | Karl Von der Ahé, comisario de la exposición

Los años 70, 80 y principios de los 90 fueron la ‘Edad de Oro’ de la moda italiana. Lo anterior se consiguió por medio de diversos elementos: una fuerte tradición artesanal, una sólida base industrial y un elevado nivel creativo. La familia era otro punto clave, pues la base de las casas de moda se erigía por medio de los pilares del hogar. Cuando la capital de la moda se traslada de París a Milán, “Gianni fue uno de los pocos diseñadores que se benefició de los puntos fuertes de Italia y, al mismo tiempo, reconoció que los nuevos tiempos exigían una estrategia de marketing completamente nueva a escala mundial para tener éxito", puntualiza el comisario. “Entonces era, y sigue siendo hoy, un importante embajador de la calidad y la creatividad italianas”, apostilla.

“Gianni fue uno de los pocos diseñadores que reconoció que los nuevos tiempos exigían una estrategia de ‘marketing’ completamente nueva a escala mundial para tener éxito” | Karl Von der Ahé, comisario de la exposición

“Los diseñadores de hoy parecen entrenadores de fútbol”

La de Gianni Versace no es la única retrospectiva relacionada con la esfera de la moda que se ha organizado. La industria de los textiles preciosos y las figuras anodinas se ha convertido en un fortín para los principales museos de todo el mundo (y más allá del Metropolitan Museum of Art de Nueva York). “Nuestra experiencia en los últimos años es que el interés va en aumento”, ha precisado Karl Von der Ahé sobre cómo el diseño acapara las grandes salas de algunas de las pinacotecas más notorias del mundo.

“Ayuda a entender algunas cosas y, hoy en día, se nota que hay un fuerte anhelo, sobre todo entre las generaciones más jóvenes, de entender cómo funcionaba la vida antes de que internet y las redes sociales se hicieran cargo de la comunicación”, explica el comisario de Gianni Versace Retrospective. En ese aspecto, considera a Gianni Versace como un influencer primigenio, una figura de creación orgánica que se creó antes que el término que dicta los tiempos coyunturales. Solo hace falta ver cómo se las gastaba el diseñador calabrés con sus supermodelos y lo mucho que le gustaba el flash de la cámara.

“Los diseñadores se parecen más a entrenadores de fútbol a los que se contrata para conseguir objetivos de ventas y beneficios. [...] La moda está desvinculada, a día de hoy, de los diseñadores” | Karl Von der Ahé, comisario de la exposición

Para el alemán, uno de los elementos que explica la nostalgia que Versace representa, así como la figura de su creador, es la idea de que la moda se ha convertido más en un negocio que en un espíritu de creación. “Hoy en día, está desvinculada de los diseñadores, de la base artesanal”, cuenta. “Los diseñadores se parecen más a entrenadores de fútbol a los que se contrata para conseguir objetivos de ventas y beneficios”, una realidad que hace que el público vuelva a una época previa asociada a “la capacidad personal, las raíces regionales y la voluntad de asumir riesgos”. Eso hace que las prendas de antaño mantengan su “extraordinaria calidad”, un motivo que podría explicar el auge del producto de segunda mano y de las piezas de archivo.

Un brutal asesinato y la desaparición de un manuscrito revolucionario son el punto de partida de la nueva novela de Dan Brown, titulada El último secreto. Este esperado libro, que marca el regreso del icónico profesor de simbología Robert Langdon, estará disponible en librerías de España y Latinoamérica a partir del 10 de septiembre, según informó el autor en el programa estadounidense Good Morning America.

La trama de esta nueva novela sitúa a Langdon en la ciudad de Praga, donde asiste a una conferencia impartida por Katherine Solomon, una destacada científica con quien mantiene una relación personal. Solomon está a punto de publicar un libro que promete desafiar creencias profundamente arraigadas sobre la conciencia humana. Sin embargo, los planes se ven truncados cuando un asesinato desata el caos y Katherine desaparece junto con su valioso manuscrito.

Tal y como ha contado el propio Brown, el escenario de la novela incluye elementos emblemáticos de la capital checa: castillos históricos, iglesias monumentales, cementerios antiguos y pasajes subterráneos que añaden un aire de misterio y tensión a la narrativa. En este contexto, Langdon deberá enfrentarse a fuerzas desconocidas mientras intenta resolver el enigma que rodea la desaparición de Katherine y su obra.

Un fenómeno literario global

El último secreto se suma a la exitosa serie de novelas protagonizadas por Robert Langdon, que incluye títulos como El código Da Vinci, Ángeles y demonios, El símbolo perdido, Inferno y Origen. Estas obras han consolidado a Dan Brown como uno de los autores más leídos del mundo, con más de 250 millones de ejemplares vendidos en un total de 56 idiomas.

La publicación de esta nueva obra será un evento global, ya que llegará de manera simultánea a las librerías de todo el mundo. En el caso de los países de habla hispana, la editorial Planeta será la encargada de distribuir el libro.

Un regreso esperado

El anuncio de El último secreto ha generado gran expectativa entre los seguidores de Dan Brown y los amantes del género de misterio y suspense. La figura de Robert Langdon, un profesor de simbología que combina su vasto conocimiento académico con una habilidad innata para resolver enigmas, se ha convertido en un referente dentro de la literatura contemporánea.

En esta ocasión, la elección de Praga como escenario principal añade un nuevo matiz a la saga. La ciudad, conocida por su rica historia y su arquitectura gótica, se presenta como el telón de fondo perfecto para una trama que promete explorar los límites del conocimiento humano y cuestionar verdades establecidas.

Desde la publicación de El código Da Vinci en 2003, Dan Brown ha revolucionado el panorama literario con su estilo único, que combina elementos de historia, arte, religión y ciencia. Sus novelas no solo han sido éxitos de ventas, sino que también han dado lugar a adaptaciones cinematográficas protagonizadas por Tom Hanks en el papel de Robert Langdon.

Con El último secreto, Brown parece dispuesto a continuar esta tradición, ofreciendo a sus lectores una experiencia literaria que mezcla intriga, acción y reflexión. La obra promete ser un nuevo capítulo en la exitosa carrera del autor, reafirmando su capacidad para capturar la imaginación de millones de personas en todo el mundo.

Artículo elaborado con información de EFE.

Si la vida es cíclica, la de TikTok es directamente circular. La red social de vídeos cortos ya ha demostrado su más que mastodóntica capacidad de cambiar vidas, convertir a artistas emergentes en nuevas sensaciones globales y llevar a figuras del pasado a una suerte de renacimiento en clave centennial. La vida propia que generan sus publicaciones, interacciones y tendencias (los estadounidenses sufrieron más con su prohibición de horas que con el resultado electoral) han convertido a la aplicación en un espacio de proyección inmenso.

Que se lo digan a Lola Young. La joven cantante británica admitió recientemente a Jimmy Kimmel que “estaba harta” de escuchar Messy, su canción, en la plataforma. “Obviamente me encanta que esté en la aplicación, solo que no quiero escuchar mi propia canción cuando la abro”, admitió a Variety. Este tema que escribió tras una ruptura se ha erigido como el gran hit de TikTok después de que Sofia Richie subiera un vídeo bailando con su canción.

Lo propio ha ocurrido con otra canción... aunque ésta no se ha lanzado recientemente, más bien hace más de treinta años. Se trata de Father Figure, el éxito ochentero que George Michael incluyó en su álbum Faith -el primero en solitario- y que ahora está gozando de una nueva ronda de aplausos tras aparecer en Babygirl. La película de Halina Reijn ya ha aterrizado a las salas de cine españolas y viene cargada de sensualidad, fantásticas interpretaciones y una temática en la que el clímax femenino adopta la primera plana. ¿Alguien ha pedido una galleta?

Tras presentarse en el pasado Festival de Venecia, certamen cinematográfico que premió a Nicole Kidman con la Copa Volpi por su más que sugerente actuación, la cinta ha cautivado a todo tipo de audiencias (de señoras que juegan al Bingo, pasando por las nuevas generaciones que abrazan las horrendas pelucas que Nicole Kidman lleva en sus películas). Sin embargo, hay una escena que ha permanecido en la retina de los espectadores: el sensual baile de su compañero de escena, Harris Dickinson.

El actor británico, a quien conocimos por su interpretación en El triángulo de la tristeza (2022), es el favorito para interpretar a John Lennon en los diversos biopics que Sam Mendes dirigirá en torno a los Beatles. En Babygirl, en cambio, se presenta como Samuel, un becario que trabaja para la empresa en la que Romy (Kidman) es directora ejecutiva. Entre ellos se inicia una relación de poder en la que él toma las riendas (pues sabe que es, precisamente, lo que ella necesita).

En una de las escenas más tórridas del filme, Dickinson comienza a bailar delante de Kidman mientras suena Father Figure (un tema cuyo mensaje aplica al historial de Romy). Sin camiseta, con un vaquero, mostrando sus tatuajes -sí, son suyos- y con una copa en la mano, ¿quién dijo que la sensualidad estaba reñida con los grandes gestos? Con George Michael como banda sonora, Halina Reijn ha conseguido que una canción del siglo pasado esté siendo recordada, o descubierta, gracias al éxito de su película.

“Cuando Halina compartió por primera vez un borrador del guion, Father Figure ya estaba incluida en la descripción de la escena", explicó Meghan Currier, supervisora musical de Babygirl, a Harper’s Bazaar. “Esta canción era perfecta para la escena: el magistral guion de Halina celebra realmente la brillante composición de George Michael. Es una pieza central estupenda de la película”, añadió Currier.

“Recuerdo cuando era joven y estaba enamorada de George Michael. Pensaba que era heterosexual y el hombre más sexi del planeta, sobre todo cuando cantaba Father Figure”, dijo la directora a Entertainment Weekly sobre su decisión instintiva de incorporar la canción en la película. “Pero luego, poco a poco, todos descubrimos que reprimía gran parte de su sexualidad ante el mundo exterior y que sólo quería pertenecer a él. Se creó la imagen de un tipo clásico, heterosexual, engreído y machista. En cierto modo, mi película también trata de eso”, añadió.

“Halina me envió esa canción mucho tiempo antes de que la hiciéramos, y fue una de esas cosas con las que yo pensaba: ‘¿Debería ensayar algo para esto o simplemente hacerlo?‘. El día antes del rodaje, pensé: ’Oh Dios mío, eso es mañana'. Puede que me tomara o no un poco de whisky antes de bailar“, admitía a W Magazine. La directora de Babygirl no solo tenía clarísimo que la canción de George Michael tenía que formar parte de su liberación cinematográfica, también celebra que el tema haya calado en las nuevas generaciones.

“Todo esto de Father Figure convirtiéndose en algo viral y todo el mundo bailando en TikTok, y las esposas obligando a sus maridos a bailar, me encanta", ha dicho Reijn a IndieWire. “Creo que es una forma estupenda de estar en contacto con este tipo de temas, de hablar de ellos y de nuestra honesta vulnerabilidad, y eso es algo que creo que es muy importante en la vida”.

De la gran pantalla al renacimiento musical

Este fenómeno no es nuevo (aunque tampoco hace falta remontarse a antaño para descubrir cuál fue su última ‘víctima’). Con el lanzamiento de Saltburn en Prime Video en diciembre de 2023, Murder on the Dancefloor se convirtió en un hit en TikTok. La canción de Sophie Ellis-Bextor, lanzada en el año 2002, aparecía al final de la cinta, coincidiendo con la escena en la que Barry Keoghan baila por la mansión completamente desnudo (y sin prótesis en sus partes nobles).

La canción forma parte de su disco Read My Lips y sus acordes recogen el ambiente festivo que se respiraba en los siempre añorados años 2000. La letra se adapta perfectamente a las intenciones de Oliver (Keoghan) en Saltburn: un banquete erótico-festivo en el que la ambición termina destruyéndolo todo.

Lo anterior resuena, también, con la segunda vida que vivió Running Up That Hill, el tema de Kate Bush empleado en la cuarta temporada de Stranger Things que resurgió como la espuma en las listas de éxitos globales (y no sólo en Spotify) a raíz de su aparición en la exitosa ficción de los hermanos Duffer. La canción, estrenada en 1985 con el álbum Hounds of Love, tiene un importante papel en la trama de la serie, sobre todo teniendo en cuenta la importancia de la música en las nuevas aventuras de Once y sus amigos.

“Es una gran serie, pensé que la canción llamaría la atención”, dijo Bush en una entrevista realizada en el programa radiofónico Woman’s Hour de la BBC Radio 4. “Nunca imaginé que sería algo así. Es tan excitante, pero es bastante impactante, ¿no? Quiero decir, todo el mundo se ha vuelto loco”, añadió. “Lo que es realmente maravilloso es que esta es una audiencia completamente nueva que, en muchos casos, nunca ha oído hablar de mí”, confesó.

“La idea de que todos estos jóvenes escuchen la canción por primera vez y la descubran es muy especial”, declaró entonces Bush, emocionada por saber que su música estaba llegando a audiencias que, cuando estrenó Running Up That Hill, no habían nacido. Running Up That Hill no sólo consiguió ser número uno en Reino Unido y entrar en el ‘Top 10′ en Estados Unidos tras su aparición en Stranger Things: también fue uno de los éxitos más duraderos del 2022 pese a tratarse de una canción lanzada casi cuatro décadas antes.

Otra de las grandes tradiciones de dichas fechas es la de hacer maratones de películas navideñas clásicas. Las opciones son cada vez más amplias, sobre todo teniendo en cuenta que las plataformas han encontrado una mina de oro de contenido original en dicha temática. Se han convertido en un fortín para el renacimiento, que se lo digan a Lindsay Lohan. No solo apelan a todos los públicos, son uno de los contenidos más consumidos y esperados en el universo del streaming.

Quizá ese sea uno de los motivos que ha llevado a los Jonas Brothers a regresar a la ‘cadena’ que les otorgó la fama. Según ha informado Variety en exclusiva, Kevin, Joe y Nick Jonas se han reunido con Disney+ para producir y protagonizar una comedia navideña que se estrenará a finales de 2025. En la película, cuyo título provisional es Jonas Brothers Christmas Movie, los hermanos se enfrentan a una serie de obstáculos cada vez mayores mientras pelean por llegar de Londres a Nueva York a tiempo para pasar la Navidad con sus familias.

La ganadora del Oscar Jessica Yu (Quiz Lady y This Is Us) dirigirá la película, producida por 20th Television (parte de Disney Television Studios) y los guionistas y productores Isaac Aptaker y Elizabeth Berger. Los Jonas Brothers producen junto a Adam Fishbach, Spencer Berman y Scott Morgan. El nominado al Grammy Justin Tranter es el productor musical ejecutivo y escribirá canciones originales para el proyecto.

Los Jonas Brothers tienen una larga historia con Disney. El trío (ahora sin anillos de castidad) publicó su segundo álbum en Hollywood Records, un sello de su propiedad. A partir de entonces, los hermanos se convirtieron en un pilar para Disney Channel y protagonizaron las películas originales Camp Rock y su secuela. Publicaron dos álbumes más en Hollywood Records y también protagonizaron su propia serie en Disney Channel (que ya no se sintoniza en abierto en España), titulada Jonas.

La banda lo dejó en 2013 y se reunió seis años después con el disco Sucker, que se coló en la primera posición de la prestigiosa lista Billboard Hot 100. En 2023, los Jonas Brothers lanzaron su sexto álbum de estudio, The Album. Ahora, el popular trío regresa a la que fuera su casa para presentar una nueva película bajo el sello del ratón de prominentes orejas.

Fue una sorpresa, o quizá no tanto, que al ser comercializada como un musical encontrase el rechazo que obtuvo en salas. Joker: Folie à Deux se estrenó en taquilla dando la nota, aunque en este caso, la entonación fue de corte negativo. La secuela de Joker (2019), vencedora del León de Oro en el Festival de Venecia, recaudó menos de 40 millones de dólares en su primer fin de semana, una cifra un tanto baja que culminó con un total de 206 millones de dólares en la taquilla global.

Este dato entroncó con la recaudación de la cinta original, también protagonizada por Joaquin Phoenix, que fue una auténtica revelación para la audiencia, llegando a superar la barrera de los mil millones de dólares en taquilla. Subversiva y diferente, situando al Joker como una persona con enfermedades mentales, la película bebió de un éxito sin precedentes. El problema con Joker: Folie à Deux no sólo fueron bajos números en taquilla, también su elevado presupuesto: la secuela, con Phoenix y la incorporación de Lady Gaga, costó a la productora unos 200 millones de dólares -más 100 más en promoción y distribución-.

Según estimó Variety, la segunda película basada libremente en el villano de DC podría haberle costado a Warner Bros. entre 150 y 200 millones de dólares en pérdidas, una ‘catástrofe’ no esperada, pero de la que no se ha beneficiado una cinta vapuleada por crítica y público. No en vano, recibió una media de un 33 sobre 100 en Rotten Tomatoes y una calificación de ‘D’ (un suspenso) en la encuesta elaborada por la empresa CinemaScore.

Aunque sí ha tenido algún que otro defensor (entre ellos los directores Quentin Tarantino o John Waters, que llamó “estúpidos” a los críticos por no haber sabido apreciarla), las malas reviews acabaron con ella antes de que pudiera ser descubierta por la audiencia. Meses después de su estreno, Lady Gaga -que interpretaba a Harley Quinn en la secuela- ha hablado de la acogida del filme. “A la gente a veces no le gustan algunas cosas, es así de simple. Y creo que para ser artista tienes que estar dispuesto a que a la gente [no le guste]. Sigues adelante aunque algo no conecte de la manera que pretendías”, ha contado a la revista Elle.

“Siento cierta vergüenza, y es algo muy vulnerable de compartir. Pero creo que haciendo este álbum he podido amarme a mí misma a través de todo eso. Enfrentarme a la música fue una forma de afrontar algunas de las cosas por las que he pasado y decir: ‘Está bien, así es como eres’. Y celebrar eso de mí misma, en vez de intentar fingir que no es real”, ha explicado a la publicación. En marzo, la cantante estadounidense publicará Mayhem, un séptimo disco del que ya conocemos Die With a Smile, el éxito junto a Bruno Mars, y Disease, un tema con el que volvió a tocar las teclas de su pasado.

“Fui muy dura conmigo misma al no entrar en el estudio con ideas preconcebidas a las que me iba a aferrar. Mayhem trata de seguir tu propio caos a cualquier rincón de tu vida al que te lleve. En ese sentido, se trataba de seguir las canciones. Escribir tantas canciones como hice para este álbum fue un trabajo de amor total", ha contado a Elle.

La estatua de los Oscar está desnuda, pero parece que sus académicos tienen cierto pudor a la hora de poner en valor los filmes más eróticos que se han presentado este año a sus galardones. Ni Babygirl, ni Queer y tampoco Challengers optan a ninguna categoría de los premios cinematográficos más notorios de la industria. Las nominaciones se han conocido este miércoles de la mano de Rachel Sennott y Bowen Yang, pero las cintas más sugerentes, atrevidas y sexis de los últimos meses se han quedado fuera de su listado. ¿A nadie le apetece un churro en Los Ángeles?

Ni Nicole Kidman, que venía de ganar la Copa Volpi en la pasada edición del Festival de Venecia por su interpretación en el filme de Halina Reijn (artífice de Bodies, bodies, bodies). Ni la banda sonora de Challengers a cargo de Trent Reznor y Atticus Ross, que viene de ganar el Globo de Oro en su categoría. Ni la adaptación de la novela de William S. Burroughs a cargo de Luca Guadagnino, que consiguió una nominación en la categoría de ‘Mejor actor de Drama’ para su protagonista, Daniel Craig.

En Babygirl, Reijn quiso ahondar en la figura de Romy (Kidman), una directora ejecutiva de una gran empresa que inicia un affaire con uno de sus becarios, Samuel (Harris Dickinson). La directora se inspiró en los thrillers eróticos de los años 80 y 90, principalmente las cintas de Paul Verhoeven y Adrian Lyne, para conformar este retrato que bebe de sus predecesores pero, admite, no “castiga” al personaje femenino.

“Es una película sobre una mujer con una crisis existencial, sobre el deseo y cómo las diferentes generaciones pueden aprender unas de otras. Pero por otro lado, también es un filme sobre la masculinidad y, sobre todo, acerca de la pregunta: ‘¿Cómo puedo amarme a mí mismo en todas mis facetas?’. Espero que sea un tributo al amor propio y a la liberación”, comentó Reijn.

El sometimiento como práctica sexual y el deseo femenino se abordan de una forma elegante y sugerente, poniendo el clímax de la mujer en el centro de la cuestión (no en vano, la cinta comienza con la protagonista siendo incapaz de llegar al orgasmo con su marido, interpretado por Antonio Banderas, y teniendo que recurrir a la masturbación a través del porno). Kidman se entrega de forma feral a un papel en el que aborda la liberación de la mujer en lo a que deseos y placeres se refiere.

Por otro lado está Challengers, que tampoco parece haber convencido a los académicos pese a haber sido una de las cintas más laureadas del pasado año. Aquí, Luca Guadagnino explotó su faceta menos seria y divertida al conformar un triángulo amoroso con tres de los actores más queridos en la pirámide centennial: Zendaya, Josh O’Connor y Mike Faist. A un lado, un ídolo de masas en horas bajas, Art Donaldson (Faist), al otro, un jugador que no ha apostado por su talento y que vive de torneos poco prestigiosos, Patrick Zweig (O’Connor). Entre los dos está Tashi Duncan (Zendaya), una antigua promesa del tenis juvenil que, tras una grave lesión en un torneo universitario, se convierte en entrenadora de élite.

Entre porras que se comparten entre bocas, bisexualidad y erotismo, el tenis sirve de excusa para hablar de la dictadura de las pasiones irrefrenables. A nadie le amarga un dulce, pero los Oscar han debido pensar que esta cinta estaba únicamente dirigida a los jóvenes que usan Letterboxd. Como en toda buena screwball comedy (aunque esta no lo sea en sentido estricto), será Tashi la que lleve las riendas, mientras que los hombres quedan en un segundo plano para batirse en duelo a través de un patético pavoneo de testosterona en la cancha.

Por último, Queer, también de Guadagnino, aunque esta vez siguiendo la estela de Call me by your name (2017) y hablando de la homosexualidad desde un prisma de dolor, frustración y represión. Adaptando la novela de William S. Burroughs, el director italiano convierte a Daniel Craig (icono metrosexual donde los haya tras su paso por la factoría Bond) en un homosexual cincuentón con adicción a la heroína.

En Queer, Craig se mete en la piel de William Lee, un personaje autodestructivo, un cuerpo maduro que necesita contacto aunque no sea correspondido. El misterioso Eugene (Drew Starkey) se convertirá en su objeto de deseo, un twink que no tiene las cosas claras y que se deja llevar por el misterio. Las escenas tórridas de sexo homosexual, y una de las mejores interpretaciones de la carrera de Craig, no le han valido para conseguir una nominación por su papel en la cinta (algo que sí ocurrió en los Globos de Oro).

La cinta que se ha coronado como la favorita para la Academia ha sido Emilia Pérez, incluyendo una nominación para Karla Sofía Gascón en la categoría de ‘Mejor actriz protagonista’. La película de Jacques Audiard ha recibido un total de 13 nominaciones. Aunque no llega al récord de 14 que marcaron largometrajes como Titanic, La La Land o Eva al Desnudo, sí empata con las 13 de Oppenheimer del año previo (que además se acabó alzando con la estatuilla dorada en la categoría de ‘Mejor película’). Le siguen de cerca Anora, The Brutalist o Wicked, otros de los títulos favoritos de la temporada.

Ha sido un buen año para el cine español: el éxito en taquilla de películas como Casa en flames o El 47, de La Virgen Roja o La infiltrada, así como de cintas autorales como Segundo Premio, Salve María, Volveréis, La estrella azul, La habitación de al lado, Marco, Nina, Polvo Serán o Los destellos ha conformado un mapa de lo más interesante en la industria local.

Los Premios Goya 2025, que se celebrarán el próximo 8 de febrero en Granada (una ceremonia que presentarán, por primera vez, dos mujeres: Leonor Watling y Maribel Verdú), están ultimando los detalles de la que será su 39ª edición. Nuevas caras, grandes sorpresas y una noche en la que se celebra lo mejor del cine español.

El 47, la película de Marcel Barrena basada en hechos reales (narra el secuestro de un autobús para que la línea llegara al barrio barcelonés de Torre Baró), ha logrado el mayor número de nominaciones, 14, entre ellas, la de ‘Mejor película’. La infiltrada, de Arantxa Echevarría, se convierte en la segunda película más nominada, con 13 candidaturas y Segundo Premio, de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, ha obtenido 11 nominaciones, seguida de cerca por La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar, con 10.

La virgen Roja, de Paula Ortiz, ha conseguido 9 nominaciones (aunque sorprende que Nawja Nimri no esté en la lista por su interpretación de Aurora Rodríguez). Por su parte, Casa en flames, de Dani de la Orden, ha acumulado 8 nominaciones, buena parte de ellas correspondientes a su gran elenco de intérpretes: Emma Vilarasau (que viene de ganar el Premio Feroz como ‘Mejor actriz’), Alberto San Juan, Enric Auquer, Macarena Gómez y María Rodríguez Soto. La cinta del director catalán fue la gran vencedora de la noche en la gala de los ‘zorritos’ celebrada este pasado sábado en Pontevedra (alzándose también con el Feroz a ‘Mejor guion’ y ‘Mejor película de comedia’).

Si no has tenido tiempo para disfrutar de ellas en la gran pantalla, que no cunda el pánico. Todavía queda tiempo para ponerse al día antes de la gala. Por eso, en Infobae España hemos recopilado todas las películas y documentales nominados a los Premios Goya 2025 que están disponibles en Filmin. Uno de los grandes alicientes de la plataforma es La estrella azul, la película de Javier Macipe que acumula 8 nominaciones, incluidas las de ‘Mejor película’ y ‘Mejor dirección novel’. Como mejores actores y actrices de revelación están nominados Cuti Carabajal, Pepe Lorente y Mariela Carabajal. Este viaje musical a Argentina, un atípico biopic, también competirá en ‘Guion original’, ‘Mejor montaje’ y ‘Mejor sonido’.

Películas de los Goya 2025 que están en Filmin

• Los pequeños amores
• La estrella azul
• Domingo, domingo
• La zona de interés
• Volveréis 
• Mi hermano Alí
• Por donde pasa el silencio (estreno el 7 de febrero)
• Emilia Pérez (estreno próximamente)
• Flow, un mundo que salvar (estreno próximamente)