La noticia sacudió este martes al mundo del cine argentino: Luis Puenzo, guionista, director, productor y figura central de la cultura nacional, murió en Buenos Aires a los 80 años. La confirmación llegó a través del comunicado oficial de Argentores, la entidad que nuclea a autores cinematográficos: “Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció hoy, en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años de edad. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento.” Las palabras, secas y sinceras, sellan el final de una vida dedicada a contar historias y a pelear por la memoria en la pantalla grande.

El nombre de Luis Puenzo quedó grabado en la historia grande del cine argentino, sobre todo desde 1985. Ese año, su película La historia oficial encendió por primera vez los proyectores y nada volvió a ser igual. No era solo cine: era un espejo. Rodada en un clima de miedo, bajo amenazas, cuando todavía retumbaban los ecos de los represores y no se sabía hasta dónde podía llegar el peligro, la película llegó al público apenas dos años después del regreso de la democracia. Muchos salieron de la sala con algo roto, o tal vez con una nueva claridad: por fin se hablaba en voz alta de lo que durante años había sido susurro de paredes, de lo que había sucedido en los años del horror.

La historia oficial se convirtió en bandera. No solo por lo que contaba, sino por cómo lo hacía: la tensión flotaba sin necesidad de golpes bajos ni violencia explícita. Bastaban las miradas, los silencios, la fragilidad de Norma Aleandro metida en la piel de Alicia, una profesora de historia que comenzaba a dudar de todo. El final sigue dejando sin aliento: Alicia enfrentando a su esposo, escapando de su casa, mientras Gaby canta sola “En el país de Nomeacuerdo”. Un tema infantil convertido en símbolo de la identidad robada. Lo que pocos sabían entonces era que el rodaje había empezado en 1983, con la dictadura todavía en el poder, el equipo reducido y el temor recorriéndolo todo. Algunos actores recibieron amenazas, pero siguieron adelante. Estrenaron dos años después, cuando ya la democracia intentaba sanar heridas abiertas.

El impacto fue inmediato y mundial. Al año siguiente, La historia oficial ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera, el primero para el cine argentino. Puenzo subió al escenario y dijo, con voz firme: “Aceptando este honor, no puedo olvidar que otro 24 de marzo, hace diez años hoy, sufrimos el último golpe militar. Nunca olvidaremos esa pesadilla, pero ahora estamos empezando ahora a dar comienzo a nuestros nuevos sueños”. La película también ganó el Globo de Oro, el Cóndor de Plata y fue premiada en Cannes. Puenzo y su coautora, Aída Bortnik, recibieron además la nominación al Oscar al Mejor Guion Original.

Antes de los grandes premios y del reconocimiento mundial, Puenzo ya había mostrado su vocación narrativa. Nacido en Buenos Aires el 19 de febrero de 1946, comenzó su carrera en la publicidad en los años 60. Fundó su propia productora, Luis Puenzo Cine, y ahí, entre cortos y comerciales, fue puliendo ese estilo directo, emocional, que después llevaría al cine.

Su debut como director y guionista de largometrajes se dio en 1973, con Luces de mis zapatos, una película infantil protagonizada por Norman Briski. Poco después, dirigió el segmento Cinco años de vida en el film colectivo Las sorpresas (1975).

La trayectoria de Puenzo no se detuvo tras el éxito internacional. Dirigió y escribió Gringo viejo (1989), adaptación de la novela de Carlos Fuentes, con Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en la Revolución Mexicana. En 1992, filmó La peste, basada en la obra de Albert Camus, con William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá. Ya en 2004, rodó entre Argentina y España La puta y la ballena, protagonizada por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón.

Además de cineasta, Puenzo fue un activo defensor de la industria audiovisual argentina. En 1994 participó en la redacción de la Ley de cine (ley Nº 24.377/94), que dio autarquía y financiamiento al INCAA. Fue uno de los fundadores de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina en 2004 y, entre 2019 y abril de 2022, presidió el INCAA.

Cuarenta y un año después del estreno de La historia oficial, la búsqueda de la verdad que abrió la película sigue viva. El film dejó nombres, cuerpos y heridas en la memoria colectiva. Alicia, Gaby, las miradas y los silencios. Lo que alguna vez fue peligroso nombrar, hoy es parte fundamental de la historia argentina y del legado de Luis Puenzo.

“Somos amigos, muy muy amigos, sí, familia y seguimos trabajando juntos y creando y con nuestra productora. Felices, la verdad”. Con estas palabras, Javier Calvo aporta su visión después de la separación sentimental con Javier Ambrossi, confirmando no solo la continuidad de su relación profesional sino la cercanía afectiva entre ambos. Esta declaración surge tras la reciente intervención de Ambrossi en el programa ‘La Revuelta’, donde detalló su proceso personal y los motivos de la ruptura, describiendo cómo ambos han protegido y fortalecido su vínculo creativo. Según publicó el medio CHANCE, tanto Calvo como Ambrossi demuestran que el final de una relación sentimental no implica el distanciamiento ni en la esfera personal ni en la colaborativa.

De acuerdo con CHANCE, meses después de que los creadores comunicaran el fin de su relación de pareja tras más de una década juntos, ambos insisten en mantener la transparencia sobre su nueva etapa. Ambrossi compartió en ‘La Revuelta’ su necesidad de “recuperar el espacio individual” tras años de intensa convivencia profesional y personal, matizando que, aunque “a veces uno se desenamora”, la relación emocional y laboral con Calvo permanece intacta. El medio detalló que, pese al dolor que implicó la transformación de la relación, los dos siguen gestionando conjuntamente la productora Suma Content y mantienen el impulso hacia nuevos proyectos en los próximos años.

Javier Calvo, por su parte, tomó el testigo de las declaraciones de Ambrossi adoptando un tono distendido y respetuoso, según consignó CHANCE. Calvo señaló que al conocer el contenido de la entrevista, su reacción fue de agrado: “Me llamó justo después y me dijo, ‘oye, he dicho todo, pero todo muy bonito’ y me encantó, si es que a él se le da genial”, relató el cineasta. Reveló sentirse cómodo con el modo en que su ex pareja narró la historia conjunta en televisión, reconociendo que no tuvo reparos ni incomodidad ante la apertura mostrada por Ambrossi.

Ambos buscan desterrar los mitos tradicionales sobre las exparejas, ejemplificando con su caso la posibilidad de conservar una relación positiva tras una ruptura sentimental. “Hay que romper con eso de que con los ex no te puedes llevar bien”, declaró Calvo, según recogió el medio, remarcando la opción de transformar el vínculo romántico en una amistad sólida y una colaboración profesional efectiva. Calvo hizo hincapié en el carácter familiar de su relación actual con Ambrossi, destacando la felicidad que experimentan al continuar su labor creativa conjunta.

El medio CHANCE subraya que la actitud de ambos se percibe como un ejemplo de cómo reconfigurar historias de pareja que, aunque terminan en lo personal, dan lugar a nuevas formas de complicidad y asociación en el plano profesional. Los Javis sostienen su “marca” creativa a pesar del cambio en su vida privada, manteniéndose al frente de la productora y asegurando la proyección de proyectos futuros. De este modo, continúan como una dupla reconocible en la industria audiovisual y muestran la capacidad de sobreponerse a barreras emocionales en favor de objetivos comunes y de un trabajo compartido.

El relato de Calvo y Ambrossi, según lo publicado por CHANCE, resalta la importancia de la comunicación directa y el respeto mutuo en contextos de cambio personal. La manera en que ambos manifiestan su amistad y colaboración refuerza la idea de que los procesos de transformación en las relaciones no necesariamente suponen fracturas profundas, sino que pueden derivar en nuevas formas de cercanía y cooperación.

A través de sus propias voces y experiencias, ambos remarcan ante los lectores del medio que el diálogo sincero y la redefinición de los espacios personales y profesionales han sido claves para afrontar el tránsito de pareja a amigos y compañeros de trabajo. De este modo, Los Javis demuestran capacidad para superar estigmas sociales habituales relacionados con las exparejas, optando por un modelo basado en el apoyo recíproco, el compañerismo y la continuidad de sus inquietudes artísticas.

Rob Reiner era mi amigo, y Michele también. A partir de ahora, tendré que usar el pasado, y eso me llena de una tristeza profunda. Pero no hay otra opción.

Rob y yo nos conocimos en Los Ángeles a principios de los años 70. Tenía un buen amigo en Nueva York llamado Bill Minkin, un cómico legendario, locutor de radio y actor. Bill apareció en algunas de mis películas, incluyendo mi primer largometraje, “¿Quién es ese que llama a mi puerta?” Gracias a Bill, conocí a George Memmoli, también en la comedia (George interpretó a Joey en “Mean Streets” y a Nicky en “New York, New York”). Cuando me mudé a Los Ángeles, empecé a ir a reuniones en casa de George. Eran salones de monólogos de comedia, eventos nocturnos. David Steinberg y Dick Gregory pasaban bastante, y ahí fue donde conocí a Rob y a su esposa de entonces, Penny Marshall.

Rob y yo éramos ambos originarios del Este, de alguna manera. Él y su familia se mudaron a Los Ángeles cuando él era pequeño, pero nació en el Bronx y vivió en New Rochelle de niño. Rob venía de la realeza del mundo del espectáculo de Nueva York. Su madre, Estelle, era una cantante y actriz maravillosa, y su padre, Carl, salió de “Your Show of Shows” de Sid Caesar junto a Neil Simon y Mel Brooks, quien más tarde se convirtió en su compañero en la brillante rutina de “2000 Year Old Man”. Esto era 100% humor neoyorquino, y estaba en el aire que respiraba.

Debo decir que en ese momento formaban parte de varios grupos de improvisación diferentes. La empresa de George, con Bill Saluga y Michael Mislove, Patti Deutsch y Fred Willard, era la Ace Trucking Company. Rob estaba más conectado con la “Brecha de Credibilidad”, un grupo de satíricos en la radio alternativa con un agudo matiz político y contracultural. Para que te hagas una idea de cómo estaban, una de sus emisiones se tituló “J. Edgar Hoover: demasiado orgulloso para morir, demasiado muerto para vivir.” Michael McKean, Harry Shearer y Albert Brooks también formaban parte de esa escena.

Desde el principio, me encantó pasar tiempo con Rob. Teníamos una afinidad natural el uno por el otro. Era divertidísimo y a veces mordaz de humor, pero nunca fue el tipo de persona que tomara el control de la sala. Tenía una hermosa sensación de libertad sin inhibiciones, disfrutando plenamente de la vida del momento, y tenía una gran carcajada. Cuando le homenajearon en el Lincoln Center, Michael McKean hizo un número, que fue una brillante parodia de los solemnes discursos oficiales de homenaje. Antes de llegar al remate, Rob se rió tanto que se podía oír por todo el auditorio.

Cuando nos conocimos aquella primera vez en casa de George, la canción de War “The Cisco Kid” sonaba por todas partes en la radio. Rob y yo estábamos hablando, y él me dijo casualmente: “Sabes, el Cisco Kid era un amigo mío.”

“De verdad”, dije, “no sabía que era real.”

“Oh sí, era amigo mío.”

“Vaya.”

“Sí. El Cisco Kid era amigo mío.”

Hmm, me preguntaba, quizá conocía a Duncan Renaldo. Seguimos hablando bastante tiempo hasta que finalmente me dijo que estaba bromeando. Quiero decir, bastante patético — el cómico tuvo que explicar el chiste. Pero Rob era tan bueno que me tenía en la palma de la mano.

Seguimos en contacto a lo largo de los años y vimos las películas del otro. Mi película favorita entre sus películas es “Misery”, una película muy especial, bellamente interpretada por Kathy Bates y James Caan. Pero luego, por supuesto, está “This Is Spinal Tap”. De alguna manera, esa película está en una categoría propia. Es una especie de creación impecable. Y una gran parte de la grandeza de esa película es el propio Rob, como director y como actor.

Cuando estaba haciendo el casting de “El lobo de Wall Street”, inmediatamente pensé en Rob para interpretar al padre de Leonardo DiCaprio. Podía improvisar con los mejores, era un maestro de la comedia, trabajaba de maravilla con Leo y el resto de los chicos, y entendía la situación humana de su personaje: el hombre amaba a su hijo, estaba contento con su éxito, pero sabía que estaba destinado a una caída. Está ese momento maravilloso en el que Rob observa cómo Jon Favreau le explica a Leo que puede salir relativamente ileso si simplemente se marcha de su empresa antes de que la S.E.C. pueda acusarle de violaciones. La expresión de Rob, al darse cuenta de que Leo duda y que al final no parará, es tan elocuente. “Tienes todo el dinero del mundo”, dice. “¿Necesitas el dinero de los demás?”. Un padre amoroso, desconcertado por su hijo. Me conmovió la delicadeza y apertura de su interpretación cuando la rodamos, me conmovió una vez más al unir la escena en el montaje y me emocioné al ver la película terminada. Ahora, me parte el corazón pensar en la ternura de la interpretación de Rob en esta y otras escenas.

Lo que les ocurrió a Rob y Michele es una obscenidad, un abismo en la realidad vivida. Lo único que me ayudará a aceptarlo es el paso del tiempo. Así que, como todos sus seres queridos y sus amigos — y eran personas con muchos, muchos amigos — tengo que poder imaginarlos vivos y bien... y que un día, estaré en una cena o fiesta y me encontraré sentado junto a Rob, y escucharé su risa, veré su rostro beatífico, me reiré de sus historias y disfrutaré de su sentido natural del humor, y me sentiré afortunado de tenerle como amigo.

El jefe del Departamento de Policía de Los Ángeles, Jim McDonnell, confirmó que la división especializada en robos y homicidios mantiene bajo su competencia la investigación vinculada al presunto doble asesinato de Rob Reiner y Michele Singer, cuyos cuerpos fueron hallados en su residencia de Brentwood. Nick Reiner, hijo del reconocido director y productor, fue detenido como principal sospechoso, según informó el medio fuente.

La detención de Reiner se produjo tras una investigación intensiva, iniciada inmediatamente después del hallazgo de los cuerpos, ocurrida poco antes de las 15:38 horas del domingo, explicó el Departamento de Policía de Los Ángeles. Los equipos de emergencia acudieron al bloque 200 de la Avenida South Chadbourd, tras recibirse un aviso de emergencia médica gestionado por el Departamento de Bomberos. Una vez en el lugar, los servicios encontraron sin vida a Rob Reiner, de 78 años, y a Michele Singer, de 68 años, ambos en el domicilio familiar. De acuerdo con el informe de la policía citado por el medio fuente, las primeras pesquisas permitieron clasificar el hecho como un caso de homicidio.

El arresto de Nick Reiner, descrito como el principal sospechoso del crimen, tuvo lugar al término de una inspección y seguimiento desarrollado durante toda la noche tras el descubrimiento. El Departamento de Policía de Los Ángeles precisó que se establecieron cargos formales de homicidio contra él y que se ha decretado una fianza de cuatro millones de dólares, atendiendo a la gravedad del delito.

Rob Reiner figuraba como una de las personalidades más relevantes del panorama cultural estadounidense, con una trayectoria reconocida internacionalmente en la industria audiovisual. El medio fuente repasó su carrera, que incluyó logros notables como una nominación al premio Óscar por la producción de “Algunos hombres buenos”, y la dirección de títulos destacados como “Cuando Harry conoció a Sally” y “La princesa prometida”. Además de su trabajo tras las cámaras, Reiner se consolidó como referente habitual en debates políticos y sociales en Estados Unidos, pronunciándose en defensa de posturas progresistas.

El doble asesinato provocó reacciones en el ámbito cultural, social y político. Según reportó el medio fuente, el expresidente Donald Trump publicó un mensaje en Truth Social donde expresó su pésame, pero a la vez vinculó el fallecimiento de Reiner y su esposa a una supuesta “ira” generada por la oposición ideológica del cineasta hacia él. En sus palabras, traducidas por el medio fuente, Trump afirmó que el hecho estaba relacionado con “la ira que provocaba en los demás por su padecimiento enorme, obstinado e incurable de una enfermedad mental incapacitante conocida como Síndrome de Locura por Trump, a veces denominada SLT (TDS, por sus siglas en inglés)”.

El exmandatario añadió que, a su juicio, dicha “furibunda obsesión” hacia el presidente Donald J. Trump desencadenó paranoias visibles en Rob Reiner. Trump calificó a Reiner como “un director de películas con mucho talento, una estrella de la comedia” y finalizó su mensaje con un “¡Descansen en paz!”. Estas declaraciones se produjeron en el contexto de una relación pública conflictiva entre ambos, marcada por numerosos intercambios a lo largo de los últimos años, en los que Reiner acusó al expresidente de “no ser mentalmente apto para el cargo” y de comportamientos que consideró afines a la traición, según recordó el medio fuente.

El caso sigue bajo análisis de las autoridades del Departamento de Policía de Los Ángeles, con la investigación centrada en determinar las circunstancias y causas del doble homicidio. De acuerdo con la información proporcionada, hasta el momento no se han divulgado detalles sobre posibles motivaciones ni el proceso judicial que se seguirá contra Nick Reiner más allá de su arresto y la imposición de la cuantiosa fianza.

La cobertura de la noticia por parte del medio fuente también detalló aspectos del perfil personal y profesional de Rob Reiner, nacido en 1947 en el Bronx, Nueva York. Reiner ganó notoriedad en la década de 1970 tanto en televisión como en cine, primero como actor y posteriormente en su faceta de productor y director. A lo largo de su carrera, su filmografía acumuló éxitos de crítica y público, mientras que su participación en campañas y debates políticos lo proyectó como una voz influyente fuera del ámbito artístico.

Respecto a la respuesta pública, la conmoción en el entorno cultural estadounidense fue inmediata, según publicó el medio fuente. Artistas, productores y figuras del espectáculo manifestaron su asombro y pesar por el hecho. A su vez, el episodio ha reavivado el debate sobre los vínculos entre el clima político polarizado y el impacto sobre figuras públicas alineadas con diversas posturas ideológicas.

La situación personal y procesal de Nick Reiner todavía no se ha esclarecido plenamente. Hasta el momento, la información disponible, de acuerdo con el medio fuente, se limita al arresto, la presentación de cargos y la fijación de la fianza. La investigación, bajo la responsabilidad de la división especializada del Departamento de Policía de Los Ángeles, prosigue sin que se hayan difundido nuevos datos acerca del avance del caso ni declaraciones adicionales por parte de los familiares o representantes de los afectados.

El mediodía porteño estaba teñido de rutina en Villa Crespo hasta que, en cuestión de segundos, la escena adquirió otro peso y otra intensidad. Enrique Piñeyro, cineasta piloto, fue protagonista de un acto de solidaridad que rápidamente se hizo notar y se viralizó por su humanidad y su compromiso, más allá del glamour del espectáculo.

Según pudo saber Teleshow, Piñeyro llegaba a su reconocido restaurante a bordo de su automóvil eléctrico cuando un accidente a escasos metros captó su atención: un repartidor de delivery había sido atropellado mientras circulaba en su moto, queda caído en pleno cruce peatonal.

Lejos de ignorar la situación, el artista detuvo su vehículo, estacionó a un costado y no dudó en acercarse a la víctima. Apelando a su conocida sensibilidad, se arrodilló junto al joven para asistirlo. Con la presencia de otros transeúntes y, con total serenidad, le transmitió tranquilidad y palabras de contención al motociclista, que estaba visiblemente dolorido y permanecía tendido en el suelo. La escena capturada frente a las cámaras mostró a un Piñeyro comprometido y a la altura de las circunstancias, quien decidió quedarse a su lado hasta que logró reincorporarse por su cuenta y subirse a su moto.

No es la primera vez que el cineasta y activista demuestra este nivel de vocación por servir y ayudar. Fundador de una organización con llegada humanitaria, Piñeyro ha dado sobradas pruebas de que su compromiso no es solo de discurso. Apenas unos meses antes, en octubre de 2023, protagonizó otra gesta solidaria que trascendió fronteras y que fue motivo de agradecimiento internacional: el piloto argentino comandó un vuelo rumbo a Ereván, Armenia, transportando 11 toneladas de ayuda humanitaria.

En cuanto al accidente ocurrido este miércoles en la ciudad de Buenos Aires dejó en claro que la solidaridad de Piñeyro no entiende de cámaras, alfombras rojas ni espectáculos mediáticos. Su actitud colaborativa en la vía pública fue elogiada tanto por los transeúntes que vieron todo como por quienes compartieron las imágenes, que rápidamente se viralizaron y generaron mensajes de admiración.

Piñeyro esperó junto al joven hasta asegurarse de que podía reincorporarse y seguir su camino. Aquel fue testimonio de la empatía y la entrega que lo caracterizan, y de cómo puede deberse a su permanente interés por la salud, la ayuda directa y la formación profesional, pero también a un compromiso genuino con la situación de las personas reales, más allá del ojo mediático.

En la trayectoria de Piñeyro, estos gestos atraviesan su historia personal: ya sea en los cielos trasladando insumos a zonas de guerra, en la dirección de proyectos cinematográficos con mensaje social o en la vida cotidiana reaccionando en la calle, demuestra que la solidaridad es posible aun cuando no hay cámaras ni aplausos profesionales de por medio. El episodio de este miércoles, como aquel vuelo a Armenia o tantas otras acciones que eligió encarar, se suman a la lista de logros y actitudes que lo distinguen dentro y fuera del rubro artístico.

Enrique, que acostumbra a estar al frente de proyectos de ayuda y es reconocido tanto por su labor en la aviación como en la cultura y el compromiso social, volvió a dar muestra de que la verdadera vocación no se toma descanso. En una ciudad donde la indiferencia suele ganar la carrera, su reacción y su profesionalismo sumaron un ejemplo concreto de humanidad en acción.

Crédito: RSFotos.

La cineasta y animadora Aria Leonora Guzmán Casanova, conocida en el medio artístico como Aria Covamonas, fue encontrada sin vida en la ciudad de Oaxaca. La diputada de la CDMX Diana Sánchez Barrios dio a conocer la noticia, sin que se hayan revelado detalles adicionales sobre las circunstancias del fallecimiento.

Originaria de Monterrey, Nuevo León, Aria Covamonas nació en 1979 y se formó como realizadora audiovisual de manera autodidacta. A lo largo de la última década, se consolidó como una figura destacada en el cine experimental, con un enfoque que combinaba técnicas de animación, fotomontaje y reapropiación de imágenes y sonidos de dominio público, principalmente procedentes del archivo cinematográfico internacional.

Un estilo propio y rupturista

Covamonas se introdujo en el ámbito del cine sin estudios formales, desarrollando una metodología influida por el dadaísmo, el surrealismo y la obra de la artista alemana Hannah Höch, pionera del fotomontaje. En diversas entrevistas describió su proceso creativo como un “mecanismo” que reorganiza fragmentos visuales y sonoros, permitiendo que el significado surja espontáneamente, sin una narrativa lineal predefinida.

Una de las características más distintivas de su trabajo fue la utilización de audio de películas chinas de dominio público, cuyos subtítulos y sonidos descontextualizados aportaban una atmósfera onírica e inmersiva a sus obras.

Trayectoria y obra fílmica

Desde 2017, Aria Covamonas dirigió una serie de cortometrajes que circularon en festivales nacionales e internacionales. Su primera pieza, Camille Saint-Saëns’ The Carnival of the Animals, marcó el inicio de una producción constante que incluyó títulos como Taxidermy for Beginners y Unidentified Item No. 984 (2018), y Hideouser and Hideouser (2019).

En 2020 estrenó Introduction to the History of Western Philosophy, y un año después participó en la selección oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia con Socrates’ Adventures in the Under Ground. Con I Can’t Go on Like This by Aria Covamonas from Planet Earth (2023), reafirmó una propuesta artística orientada a desmontar estructuras narrativas convencionales, consolidando su lugar en el cine de vanguardia.

Primer largometraje: un proyecto ambicioso

Entre 2021 y 2024 desarrolló su primer largometraje, La gran historia de la filosofía occidental, una pieza animada que explora el pensamiento filosófico desde una perspectiva disruptiva. La obra fue seleccionada en la competencia oficial del Festival Internacional de Cine de Róterdam (IFFR) en 2025 y recibió elogios por su forma irracional, poética y altamente experimental.

La película fue distribuida internacionalmente por Miyu Distribution y destaca por el uso de recortes digitales animados, referencias filosóficas y personajes tomados del imaginario asiático, como el Mono de la obra clásica Journey to the West. La propuesta combina elementos gráficos y sonoros para construir un relato no lineal que cuestiona la forma en que se representa el conocimiento en la animación.

Covamonas aplicaba una técnica basada en la fragmentación: animaciones de recortes (cutouts), edición sin guion y organización de materiales a partir de una “máquina imaginaria” donde la lógica visual se subordinaba a la combinación libre de texturas, gestos y sonidos. El desarrollo de La gran historia de la filosofía occidental se extendió durante tres años y consistió en la elaboración de unidades animadas de dos segundos, repetidas hasta alcanzar un ritmo narrativo inestable pero consistente con su estilo.

Reconocimiento internacional

Su obra fue presentada en diversos festivales como Morelia y Rotterdam, y ha sido comentada en medios especializados como ZippyFrames, The Film Verdict e Imcine. Su trabajo abrió nuevas posibilidades dentro de la animación experimental en México y representó una alternativa crítica al canon audiovisual tradicional.

Filmografía

• Camille Saint‑Saëns’ The Carnival of the Animals (2017)
• Taxidermy for Beginners, Unidentified Item No. 984 (2018)
• Hideouser and Hideouser (2019)
• Introduction to the History of Western Philosophy (2020)
• Socrates’ Adventures in the Under Ground (2021)
• I Can’t Go on Like This… (2023)
• La gran historia de la filosofía occidental (2024)

Los Ángeles (EE.UU.), 18 jun (EFE).- Un conjunto de 11 guiones inacabados del legendario director David Lynch compilados bajo el título de 'Ronnie Rocket: The Absurd Mystery of the Strange Forces of Existence' fueron subastados por 195.000 dólares en una puja celebrada este miércoles en Beverly Hills.

Asimismo, el guión de 'Lost Highway' (1997), escrito en 1995, con una mancha de café en la portada y revisiones en distintos colores, alcanzó también los 195.000 dólares.

Los guiones formaban parte de los cerca de 450 artículos del archivo personal que la casa Julien's puso a la venta, ofreciendo a los seguidores del enigmático cineasta "un portal íntimo a la vida y el mundo" del creador de obras como 'Twin Peaks' o 'Blue Velvet'.

"Todo lo que hay en esta venta viene directamente de su casa. Son objetos personales que él guardaba, utilizaba y consideraba lo suficientemente importantes y especiales como para conservarlos durante toda su vida", cuenta Roy Parker, especialista en Hollywood y cultura pop para Julien's Auctions, en una entrevista con EFE.

La subasta tuvo lugar apenas cinco meses después del fallecimiento del director, tras un riguroso proceso de revisión llevado a cabo por su familia. Según Parker, el resto de sus pertenencias pasará a formar parte de un archivo familiar.

La selección de objetos abarcaba desde una máquina de café expreso, que se vendió por 45.000 dólares; pasando por su colección personal de discos relacionados con 'Blue Velvet', que incluía álbumes de Bobby Vinton y Roy Orbison, y fue subastada por 5.850 dólares; hasta una silla de director con su nombre grabado, diseñada por Coach, que alcanzó los 91.000 dólares.

"Una de las mayores pasiones de David era el café. Él decía que nunca quería estar a más de 15 pasos de una taza de café en su propia casa y su casa era grande", explica Parker.

Desde su punto de vista, este tipo de objetos son apreciados por los seguidores más fieles.

Por eso tampoco le sorprende que colecciones de libros superarán los 8.000 dólares, o un solo ejemplar de 'The Empty Glass', de J.I. Baker, con anotaciones del director alcanzara los 3.500 dólares.

"La gente quiere saber a qué estaba haciendo referencia, en qué se estaba inspirando, para extraer algo del enigma que es David Lynch, y para ver si probablemente pueden aprender algo ellos mismos", explica.

Entre los objetos más cotizados también se subastaron guiones de 'Twin Peaks: Fire Walk With Me' por 78.000 dólares; de 'Mulholland Drive', por 104.000; y una cortina roja con alfombra de patrón zigzag blanco y negro, inspiradas en la Logia Negra de 'Twin Peaks', que alcanzaron los 32.500 dólares.

El especialista también explica que aunque cada vez es más común que las subastas se realicen exclusivamente de forma virtual, esta edición tuvo que llevarse a cabo de manera presencial debido al gran interés del público.

Al salón del Hotel Península en Beverly Hills acudieron seguidores, directores, coleccionistas y estudiantes de cine, quienes buscaban ver de cerca algunos de los objetos y aprovechar la oportunidad de participar en la puja.

El cineasta y productor Peter Gould ('Breaking Bad', 'Better Call Saul'), quien se encontraba entre los compradores, asistió con la intención de adquirir los guiones inacabados, pero finalmente no compró nada.

"Había tantas cosas increíbles como el micrófono de 1930 del set de 'Dune'. Pero los guiones 'Ronnie Rocket'... había escuchado de ellos desde que era niño pero alguien más los compró", mencionó a EFE.

Desde su perspectiva, Lynch era "un artista único, auténtico consigo mismo, inspirador, que tenía una dulzura y un sentido del humor muy especial".

Aspirantes a directores como Ben, un joven de 19 años estudiante de cine, también se hicieron presentes en el encuentro para vivir la experiencia de su primera subasta.

"Soy un súper fan de David Lynch, estaba muy interesado en los guiones, pero no tengo esa cantidad de dinero", comentó a EFE el joven que acudió con un amigo.

Lynch falleció el pasado 16 de enero a los 78 años debido a un paro cardiorrespiratorio causado por una enfermedad pulmonar, el cineasta construyó su obra a partir del surrealismo y el misterio, navegando siempre entre lo real y lo onírico.

"No hay nadie como él. Está tan bien definido por sí mismo y, al mismo tiempo, está tan abierto a la interpretación. Creo que eso es en esencia lo que significa ser un artista", apunta Parker. EFE

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La cineasta Isabel Coixet ha presentado este lunes en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza su colección de unos 50 collages inéditos, recogidos en la exposición 'Aprendizaje de la desobediencia', y ha asegurado que el collage es "una manera de fijar cosas que no se pueden fijar de otra manera".

"Empecé con los collage sin pensar en absolutamente nada. Alguien podría decir que tengo síndrome de diógenes, pero prefiero decir que mi animal espiritual es el cuervo o la urraca y que me gusta acumular cosas absolutamente absurdas", ha asegurado Coixet en rueda de prensa.

La exposición, que forma parte de la programación de PHotoEspaña, está compuesta por medio centenar de collages presentados en una variedad de soportes y técnicas que van desde lo digital al lienzo, pasando por el cartón, la pluma, el papel y el táblex. La mayoría de las composiciones datan entre 2021 y 2024.

La artista ha recordado su encuentro con el director artístico del Thyssen, Guillermo Solana, a quien le presentó sus recortables con la idea de realizar "postales". "Que se muestren ahora por primera vez es una especie de casualidad. Mi gran aspiración era que hicieran postales sobre mis collages. Soy de esas personas que ven la piscina vacía y me tiro. Amo las piscinas vacías", ha recalcado.

"Lo que hago aquí es una transmisión de emociones. El título de la desobediencia me parece perfecto porque es lo que yo hago cuando me dedico a los collages", ha reconocido.

En este punto, ha asegurado que se siente "muy cómoda" siendo una "impostora" y ha añadido que la "mochila" que ha sentido como artista no es diferente a la que carga cuando se pone detrás de las cámaras. "En la exposición hay un ejercicio de punto de vista muy determinado. Hay algo que deliberadamente tiene que ver con la desobediencia y para mi ha sido muy liberado romper con ese objetivo de 35mm", ha explicado.

"Una de las cosas buenas del collages es que puedes cometer errores. Yo me he pasado la vida en un oficio (cine) donde los errores van muy tarde. Es fantástico levantarte por la mañana y ver que lo que has hecho no está bien y puedes romper algo y empezar de nuevo", ha afirmado.

Por su parte, la comisaria Estrella de Diego asegura que Coixet desprende en sus obras la misma "desobediencia" que reside en sus películas, reflejando temas aparentemente banales. "Las imágenes han sido muy especiales y difíciles de montar, pero se crea una coherencia que para mi va más allá de lo visual", ha destacado.

En la rueda de prensa también ha participado Guillermo Solana, que ha ensalzado la dedicación tan "definida" de Coixet con los collages, algo que considera que "no es tan frecuente en el cine", si bien ha puesto de manifiesto que es una disciplina que trabajan realizadores como Tim Burton o David Lynch.

"El collage tiene unos orígenes que, en el fondo, se remontan al sector cinematográfico. Es excepcional que una cineasta como ella haya mantenido esta dedicación de esta manera tan sostenida", ha ensalzado.

La familia y los amigos más cercanos del director y guionista Mariano Ozores se han dado cita este jueves en el madrileño Tanatorio de La Paz para darle su último adiós tras su fallecimiento este miércoles a los 98 años en su domicilio de la capital por causas naturales mientras dormía.

Los restos mortales del popular cineasta han sido incinerados en la más estricta intimidad después de un funeral, tan solo con la presencia de sus familiares y amigos más cercanos, que han querido arropar a su hija Teresa Ozores en este doloroso trance.

A su lado en todo momento, sus primas Adriana -hija del recordado actor José Luis Ozores- y Emma -hija del también actor Antonio Ozores-, que han seguido los pasos artísticos de sus padres en el mundo del espectáculo y han demostrado su unión familiar consolando a Teresa a las puertas del tanatorio, donde se han dejado ver charlando y compartiendo muestras de cariño tras despedir al director.

Y, aunque en estos momentos la tristeza supera a cualquier otro sentimiento, las mujeres de la familia Ozores también han esbozado algunas sonrisas al recordar algunas de las anécdotas vividas al lado de Mariano, del que tanto su hija como sus sobrinas Emma y Adriana han destacado su bondad y su calidad humana.

Woody Allen debutará a los 89 años en la novela con '¿Qué pasa con Baum?', el libro que publicará en español Alianza Editorial y que saldrá a la venta el próximo 28 de agosto, según ha anunciado la compañía en un comunicado.

"A pocos meses de cumplir 90, definitiva y felizmente el ritmo de creatividad de Allen se mantiene. No con una nueva película, pero sí con su ópera prima en la ficción de larga extensión. Su novela tiene los ingredientes que tanto gustan a los seguidores del director de 'Manhattan': un universo reconocible, tramas originales y divertidas y un don para los diálogos ingeniosos", asegura Alianza Editorial.

El cineasta regresa al mundo literario 50 años después de la publicación de su primer libro de relatos, 'Cómo acabar de una vez por todas con la cultura' y tras dos años de su última película 'Golpe de suerte'. La editorial adelanta cómo será la cubierta del libro, que evoca la tipografía habitual de los créditos de las películas de Allen e incluye una ilustración que da cuenta de la atormentada situación vital del protagonista combinando Nueva York con la pintura 'El grito' de Edvard Munch.

También avanza que la calidad de la novela "remite a la profundidad y sofisticación de algunas de las películas más celebradas de los ochenta y los noventa como 'Delitos y faltas', 'Balas sobre Broadway' o 'Maridos y mujeres'".

Además, detalla que el protagonista de '¿Qué pasa con Baum?' es un judío de mediana edad, autor de ensayos filosóficos con escaso éxito que decide probar en la novela y el teatro para expresar sus ansiedades. Asher Baum descubre un sorprendente secreto que puede cambiar su vida justo en un momento de verdadera crisis existencial, con un matrimonio a la deriva (sospecha que su mujer le engaña), un hijo al que envidia (porque tiene el reconocimiento literario que él no consigue), sentimientos de culpa relacionados con su difunto padre y la amenaza inminente de que se haga público un acto impulsivo. Humor inteligente cortesía de un Woody Allen en estado puro, accesible para todos los públicos como pasa con sus mejores películas.

La obra, traducida por Manuel de la Fuente Soler, retrata con mano maestra la peripecia de un escritor petulante e inadaptado que no logra hacerse un hueco en el mundillo literario y que se encuentra ridículamente paralizado por preocupaciones neuróticas sobre la futilidad y el vacío de la existencia, según Alianza Editorial.

El comunicado añade que Allen recrea la escena cultural de Nueva York, las miserias de la vida familiar, el declive del amor en las parejas y el destino fatal de los que sin demasiados dones se sienten llamados a la gloria, como hiciera por ejemplo hace justo tres décadas en la cinta Balas sobre Broadway.

Familiares y amigos han despedido este miércoles a Mariano Ozores en la capilla ardiente que se ha instalado en el Tanatorio de la Paz (Madrid), para despedir al cineasta que, tal y como ha desvelado su hija Teresa Ozores, ha fallecido "dormidito y sin enterarse de nada" y al que han calificado como un hombre "cachondo y maravilloso".

"Ha fallecido tranquilo, dormidito, no se ha enterado de nada. Con lo cual, pues le doy gracias a Dios, porque es una manera bastante buena de morir. Y ya eran casi 99 años", ha afirmado Teresa Ozores a los medios de comunicación congregados en el Tanatorio La Paz de Madrid.

Las primeras en acudir al Tanatorio alrededor de las 17.00 horas han sido su hija Teresa Azores y su sobrina Emma Ozores, quienes se han fundido en un abrazo en cuanto se han visto. Teresa Ozores ha desvelado que su padre ha fallecido tranquilo mientras dormía y ha recordado que era "una gran persona, muy divertido y muy ingenioso" y ha elogiado los "valores" que le inculcó. "No se ha enterado de nada, con lo cual, le doy gracias a Dios porque es una manera bastante buena de morir. Y ya eran casi 99 años", ha reconocido.

"Ha tenido una vida muy llena, con mucho cariño, ha conocido a sus bisnietos, ha tenido el cariño del público y de todos nosotros que le adorábamos", ha manifestado. Además, se ha deshecho en elogios hacia su padre, "la persona más buena del mundo, la más honrada y la más honesta" "Y eso es un orgullo mayor que el que haya sido alguien en el cine, que también lo ha sido. Denostado muchas veces por la crítica, pero el público lo adora siempre y con eso me quedo", ha asegurado.

Por su parte, su sobrina, la actriz Emma Ozores ha destacado que le parecía "impresionante" ver cómo trabajaba su tío porque "daba todas las herramientas para que el trabajo saliese lo mejor posible".

"Me quedo con el cariño de la gente, que creo que es lo más importante en estos momentos, que es lo que te puedes llevar en el alma y no lo que dejas material sino lo que te enriquece como persona. Él ha podido hacer feliz a mucha gente y doy las gracias desde aquí a toda esa gente y también a vosotros porque siempre habéis apoyado", ha afirmado la actriz antes de emocionarse.

En torno a las 18.00 horas ha llegado Manuel Velasco, hijo de Concha Velasco, que ha recordado que "la gran mayoría" de las películas que protagonizó su madre fueron dirigidas por Mariano Ozores, un cineasta "maravilloso" y una persona "estupenda". "Toda mi familia le quiere muchísimo y le debemos mucho. Es un día de pena, pero también de agradecimiento a la carrera de un cineasta maravilloso", ha indicado.

"Tengo recuerdos muy bonitos porque los Ozores y los Velasco son dos familias que han estado siempre muy unidas, entonces todos los recuerdos que tiene mi madre con Mariano, con Antonio, con Emma, con Adriana son siempre recuerdos muy divertidos y muy bellos", ha afirmado.

Pasados unos minutos de las 18.00 ha llegado el consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco, que ha enfatizado el humor y la comedia que desarrolló el cineasta en sus películas. "La familia Ozores es una familia de artistas, una familia de profundísimo talento y que viene de esa saga que él inicia siendo patrimonio cultural, siendo un artífice de nuestro patrimonio, pero también de nuestra industria cinematográfica. Con lo cual, es una gran pérdida, pero su legado va a quedar siempre presente entre nosotros y seguro que es bueno para las generaciones venideras", ha comentado.

El cuerpo de Mariano Ozores será incinerado este jueves en el mismo Tanatorio, en una ceremonia privada. Ozores cosechó un total de 96 películas que vieron alrededor de 90 millones de personas y, aunque la crítica nunca estuvo de su lado, al cineasta madrileño lo único que le importó siempre fue conectar con el público.

SEGUNDO DIRECTOR EN ESPAÑA CON MÁS PELÍCULAS A SU NOMBRE

Nacido en Madrid en 1923, fue el segundo hijo de Luisa Puchol y Mariano Ozores, actores de teatro. A los 17 años comenzó a trabajar en la compañía teatral de sus padres, haciendo de tramoyista, ayudante, apuntador o representante cuando hacía falta e intentaría también seguir el camino de su familia e iniciarse en la interpretación, pero a diferencia de sus hermanos Antonio y José Luis Ozores, este no era el campo en el que Mariano se sentía más cómodo.

La profesión de sus padres hizo que Ozores conviviera con las risas del público desde joven, despertando en él una gran curiosidad acerca de cómo conseguirlas. Así, comenzaría a encaminar sus pasos a la escritura: "Soy autodidacta. Ir de teatro en teatro, visitando pueblos y ciudades, me hizo ver como el público se reía, de qué se reía y cómo lo hacía".

A partir de 1952 se aventura en el cine cuando es contratado por Benito Perojo para escribir el guion de 'Ché, que loco'. Durante casi una década entera trabajó en la productora de Perojo de la mano de Alfonso Paso con quien escribe Los amantes del desierto, Susana y yo y La noche y el alba, entre otras.

Coincide además con el inicio de las emisiones de TVE, donde llega ser nombrado director de programación, presentando y dirigiendo series, documentales y programas como 'Aeropuerto Telefunken', en 1959. Su debut como director de cine llega ese mismo año con Las dos y media y veneno, protagonizada por sus dos hermanos y su cuñada Elisa Montes.

Trabajador incansable, Mariano Ozores tiene agenciado el título del segundo director en España con más películas a su nombre, 96 en total, todas ellas encargadas por productoras que buscaban la rentabilidad de sus películas.

Solo en 1982 llegó a rodar un total de seis cintas: 'Padre no hay más que dos',' Cristobal Colón de oficio descubridor', 'El primer divorcio', Todos al suelo', 'El hijo del cura' y '¡Qué vienen los socialistas!'.

Durante cinco décadas trabajó con los actores más famosos de cada época. Además de sus hermanos José Luis y Antonio, Mariano Ozores hizo películas con José Luis López Vázquez, Alfredo Landa, Concha Velasco, Lina Morgan, Gracita Morales, Florinda Chico, Manolo Escobar, José Sacristán. Junto a al productor José María Reyzabal, vio el potencial que podían tener Fernando Esteso y Andrés Pajares como dúo cómico.

Coincidiendo con "el destape", se formó un trío imparable que comenzó con el éxito de 'Los bingueros' en 1979 y que llegó a conseguir más de un millón de espectadores por cada una de las nueve películas que hicieron juntos. Incluso su tercera colaboración, 'Yo hice a Roque III' consiguió que retrasasen dos semanas el estreno de 'El Imperio contraataca' en España porque la distribuidora sabía que la película de Irvin Kershner no podría competir contra el trío.

Fue uno de los primeros nombres en formar parte de la Academia de Cine- su número de carnet es el 18- y en 2016 se le concedió el Goya de Honor, galardón con el que recordó a todos los actores con los que había trabajado y, en especial, a sus dos hermanos. Estuvo acompañado de sus sobrinas las actrices Adriana y Emma Ozores, y en su discurso de agradecimiento también le hizo una dedicatoria a, "ese ente misterioso al que se lo debo todo, el público, el respetable público".

En declaraciones a los medios, la hija del director y guionista ha explicado que Mariano Ozores "ha fallecido tranquilo, dormidito, no se ha enterado", tras una "vida llena" y con casi cien años, que le han permitido conocer a sus bisnietos.

Era "la persona más buena del mundo, más honrada, más honesta, con unos valores que nos ha inculcado a todos", ha explicado Teresa Ozores, quien ha rememorado también su trayectoria profesional y que todavía se ríe de una secuencia de la película "Yo hice Roque III".

Pero sobre todo ha querido incidir en que, aunque "denostado muchas veces por la crítica, el público le adoraba, a toda la familia, y con eso me quedo. Es un orgullo enorme".

"Estamos muy afectados", ha añadido Emma Ozores, sobrina del cineasta, quien ha coincidido en "dar las gracias a todo su público, que le ha hecho muy feliz", así como en su legado de honestidad.

Sobre su trayectoria profesional, ha recordado que trabajó con él en varias películas: "Era increíble lo que sabía, te daba todas las herramientas para que saliera bien tu trabajo. Nos ha dejado el listón súper alto", ha proseguido su sobrina, quien siente ahora el "peso de este legado", el de Mariano y sus hermanos.

También se han acercado al tanatorio los nietos de Mariano Ozores, así como Manuel Velasco, hijo de Concha Velasco, quien ha recordado que los Ozores y los Velasco han sido familias muy unidas, que comparten recuerdos "muy divertidos y bellos".

"Toda mi familia le quiere y le debe mucho porque la mayoría de las películas de mi madre fueron dirigidas por Mariano Ozores, y por ello hoy es un día de pena pero de agradecimiento a la carrera de un cineasta maravilloso", ha afirmado.

El consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco, también ha acudido al tanatorio para dar el pésame a la familia del cineasta, del que ha subrayado que es ya patrimonio cultural y de la industria cinematográfica. EFE

El polifacético creador Alejandro Jodorowsky visita el Teatro Cervantes de Málaga los próximos días 1 y 2 de septiembre con motivo de la proyección de su última película, 'Psicomagia: un arte para sanar'. Se trata de una oportunidad única ya que el escritor, cineasta y artista franco-chileno conversará con el público después de la proyección de la película.

'Psicomagia: un arte para sanar' (2019) es un documental que ahonda en la técnica de terapia alternativa para sanar y liberar las conciencias a través del arte. Un viaje a través de representaciones teatrales y poéticas dirigidas directamente al inconsciente.

El acto en la capital de la Costa del Sol contará con la presencia del propio Alejandro Jodorowsky, quien participará en un coloquio tras la finalización de la proyección del documental. El evento tendrá una duración total aproximada de dos horas y media: 90 minutos de proyección más 60 minutos de coloquio. Las entradas para la sesión salen a la venta este miércoles con precios comprendidos entre los 12 y los 36 euros según la zona.

Alejandro Jodorowsky es una de las personalidades más inclasificables y polifacéticas del siglo XX: escritor, filósofo, poeta, ensayista, guionista de cómics, dramaturgo, cineasta, psicomago, experto en el tarot y por encima de todo sanador.

Artista de culto, ha llegado a conquistar el interés del gran público no sólo por la calidad artística de sus propuestas y disciplinas (con, por ejemplo, películas como 'El topo' y 'La montaña sagrada') sino por la originalidad de su verdadera intención: ¿De qué sirve el arte si no es para sanar?

Fundador del Movimiento Pánico, guionista de los mejores álbumes del dibujante Moebius, compositor, marionetista y curador, Jodorowsky ya estuvo en 2013 en el Teatro Cervantes con 'Cabaret místico', un ejercicio de terapia colectiva, un taller armado con "ejercicios para todo el mundo" que llenó las dos funciones programadas entonces.

Estrenada en la sección Cannes Première, fuera de competición, el filme estadounidense desató carcajadas en el Teatro Debussy, uno de los auditorios del Palacio de Festivales de Cannes, especialmente al contemplar sus planos secuencia coreografiados con sello de Covino.

Él ya había presentado su ópera prima en Cannes, la también cómica 'The Climb', y en 'Splitsville' volvió a unir fuerzas con Kyle Marvin, quien firma el guion del filme junto al cineasta.

Ambos, además, interpretan los papeles masculinos de las dos parejas que protagonizan esta película.

Carey, al que interpreta Marvin, es un hombre en la cuarentena que se acaba de casar con la caótica Ashley (a la que interpreta Adria Arjona, hija del cantante Ricardo Arjona), pero esta le pide el divorcio.

Por su parte, el personaje de Covino, Paul, está casado con Julie (Dakota Johnson) y tienen una vida aparentemente ideal y acomodada que esconde problemas maritales.

"Hubo mucho esfuerzo puesto en hacer esta película por parte de actores increíbles. Es un honor tan grande presentarla aquí", aseguró Covino, quien antes del estreno había desfilado junto a su equipo por la alfombra roja de Cannes dedicada esta tarde a la película 'Highest 2 Lowest', de Spike Lee.

'Splitsville' era una cinta esperada y eso se notó con la batería de figuras que acudieron al estreno, como los realizadores también estadounidenses Sean Baker y Ari Aster, además del actor Jason Momoa, que es pareja de Arjona.

No defraudó y se llevó un aplauso de más de siete minutos que emocionó al director y a los actores.

"Esta es la casa del cine, simple y llanamente. Es el lugar más increíble en el que tener una película", dijo Covino al agradecer la ovación. EFE

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La familia, propietaria de los Cines Ortega y Multicines Avenida de Palencia, ha informado a través de redes sociales del fallecimiento de Ramón Margareto, nacido en Medina de Rioseco (Valladolid) en 1962.

Director de cine, guionista, escrito y pintor, Ramón Margareto pertenecía a una de las familias más queridas de Palencia, ciudad a la que se trasladó junto a su familia cuando era niño.

Aunque inició estudios de Derecho en la Universidad de Valladolid, pronto se orientó hacia las artes, formándose en cinematografía y artes plásticas.

Margareto dirigió varios cortometrajes, entre ellos el documental 'Memorias de un cine de provincias', que ganó el Premio Goya en 2011, un homenaje al Cine Ortega de Palencia y a la memoria de su padre, el empresario cinematográfico Osmundo Margareto.

Entre sus otros trabajos destacan el largometraje 'Bollywood made in Spain', que recibió una mención especial en el Indian International Cine Film Festival de Bombay en 2016, y documentales como 'Salamandras y salamandros' y 'Confesiones de un artista'.

En el ámbito pictórico, Margareto desarrolló el estilo que denominó "geopop art", una fusión de abstracción geométrica y pop art, y realizó exposiciones en diversas ciudades, incluyendo Madrid, Alicante y Palencia.

Ramón Margareto, Moncho, era un artista muy querido en Palencia, como demuestran todas las reacciones que a través de las redes sociales se están publicando tras su fallecimiento.

El funeral tendrá lugar este lunes a las 12 en la iglesia del Carmen de Palencia.

Con motivo de su fallecimiento los Multicines Avenida permanecerán cerrados este domingo.EFE

aaf/aam

Con la misma brillantez que exhibió en sus facetas de poeta, novelista o cineasta, Pier Paolo Pasolini fue también una de las puntas de lanza de la crítica literaria de su generación.

'La palabra que construye el mundo' reúne textos seleccionados que fueron escritos por Pasolini entre la década de 1940 y los últimos años de vida del autor, que falleció en 1975.

Aunque la mayoría de estos artículos aparecieron en distintos periódicos, semanarios, revistas y otras publicaciones de la época, advierte Altamarea que "algunos permanecieron inéditos hasta mucho después de la muerte de Pasolini".

Con el hilo común de la creación literaria como objeto de análisis, en estos artículos Pasolini osciló entre siglos y géneros, entre estocadas perentorias y elogios inesperados, desde el estudio de la poética de Dante hasta la denuncia de la mezquindad de la industria editorial y cultural de su tiempo.

"De los libros interesa todo excepto el valor y la autenticidad. Interesa lo que representan socialmente, solo eso", clama Pasolini.

La crítica más feroz hacia la industria editorial y cultural llega en boca del cineasta y poeta cuando lamenta que "de un libro se habla porque la moda, la editorial, el director del periódico quieren que se hable de él" y concluye: "Por los libros ya no se tiene amor, ni siquiera interés cultural".

Capaz de brindar píldoras sorprendentes sobre figuras contemporáneas y clásicas, pero también de legar reflexiones inmunes al desgaste de la temporalidad, este libro es, según el editor, "una nueva ventana al universo de "un intelectual literalmente irreprimible", como lo definió el experto pasoliniano Paolo Mauri, que, medio siglo después de su desaparición, "todavía puede enfadar a más de un lector".

En estos textos de crítica literaria, Pasolini habla de autores como Céline, Alberto Moravia, Italo Calvino o Hans Magnus Enzensberger.

Pasolini (Bolonia, 1922-Ostia, 1975) fue uno de los más agudos y polémicos autores de todo el siglo XX, y su profunda y precoz inquietud lo llevó a experimentar con varios lenguajes y a conquistar una controvertida fama de intelectual global a raíz del éxito internacional de películas como 'Accattone' y 'Mamma Roma', sus dos primeros filmes.

A estos títulos siguieron otras cintas como 'El Evangelio según San Mateo', 'Teorema', 'Medea', 'Pocilga', 'El Decamerón'. 'Las Mil y una Noches' y 'Saló o los 120 días de Sodoma'.

Pasolini fue autor además de algunos de los versos más originales y brillantes de la literatura italiana contemporánea, aunque su figura se popularizó gracias a su extensa producción en prosa, que incluye obras fundamentales del neorrealismo como 'Chavales del arroyo' y 'Una vida violenta', además de numerosos ensayos y textos periodísticos.

Fue asesinado la madrugada del 2 de noviembre de 1975 en Ostia, cerca de Roma, en circunstancias no del todo esclarecidas, mientras escribía un colosal libro-denuncia, 'Petróleo', que se publicó inacabado en 1992. EFE.

Los Ángeles, 16 ene (EFE).- El director, productor y guionista estadounidense David Lynch, cuya actividad artística se extendió a la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño, ha fallecido a los 78 años, según anunció este jueves su familia.

Nacido el 20 de enero de 1946, en Missoula (Montana, Estados Unidos), su infancia transcurrió en distintas ciudades debido a los constantes traslados de su padre, biólogo forestal.

Cursó estudios de arte en el Corcoran School of Art de Washington, en el Boston Museum School y en el Pennsylvania Academy of Fine Arts.

Después de realizar el cortometraje animado 'Six men getting sick' ('Seis hombres enfermos', 1967), con marcadas influencias del cómic y la ilustración, recibió una beca para cineastas independientes del American Film Institute que le permitió rodar 'The Alphabet' (1969) y 'The Grandmother' (1970) en 16 milímetros.

En 1972, Lynch rodó su primer largometraje, 'Eraserhead' ('Cabeza borradora'), que fue estrenado en 1977 y por el que recibió grandes elogios de la crítica por su originalidad.

'The Elephant Man' ('El hombre elefante', 1980), fue la película que le dio la fama, tuvo un gran éxito comercial y fue nominada a ocho Óscar -entre ellos a mejor dirección y guion-, aunque no ganó ninguno.

Tras dirigir 'Dune' (1984), en 1986 estrenó 'Blue Velvet' ('Terciopelo azul'), protagonizada por Isabella Rossellini, con la que inició una relación sentimental que duró cinco años. Un trabajo por el que recibió su segunda nominación al Óscar como director

Con su siguiente filme, 'Wild at Heart' ('Corazón salvaje', 1990), obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Su trayectoria en televisión comenzó con la serie 'The cowboy and frenchman' (1989), a la que continuó su gran éxito 'Twin Peaks' (1989-1991), considerada como el producto más vanguardista y rupturista en la historia de la pequeña pantalla.

Continuó en la televisión con 'On the air' (1992) y 'Hotel Room' (1993).

Dos años después participó en la producción de 'Lumière y compañía' con motivo de la conmemoración del centenario de la primera proyección cinematográfica. Junto con directores de los cinco continentes realizó un plano secuencia de 52 segundos de duración en las mismas condiciones que los hermanos Lumière: sin sonido sincronizado, sin iluminación artificial y un máximo de tres tomas.

Con 'Lost Highway' ('Carretera perdida', 1997), Lynch exhibió un nuevo catálogo de imágenes turbadoras y siniestras que consolidarían su estilo personal. Dos años después, con 'The Straight Story' ('Una historia verdadera', 1999), abandonó un cine esteticista y obsesivo optando por una realización más sencilla y conmovedora.

A comienzos del nuevo siglo, recupera la etapa inquietante del mejor 'Twin Peaks' con 'Mulholland Drive' (2001), por la que recibió su tercera y última nominación al Óscar a la mejor dirección, que tampoco ganó.

Como director de largometrajes, su último trabajo fue 'Inland Empire' (2006). Desde entonces realizó múltiples cortometrajes vanguardistas y experimentales, además de vídeos musicales.

En 2017 retomó la historia de 'Twin Peaks' veinticinco años después, para continuarla con una temporada más, esta vez con total libertad creativa, algo que no había tenido en el proyecto original.

Debutó en el terreno musical en 2010, con dos canciones de su creación, 'Good Day Today' y 'I Know', que publicó un sello independiente del Reino Unido y tras el que le siguieron más trabajos musicales.

En 2024 anunció el lanzamiento del álbum 'Cellophane Memories', junto a Chrystabell, en la que fue la tercera colaboración con la cantante.

Apasionado de la pintura, expuso sus lienzos de gran formato con objetos inusuales en varias galerías estadounidenses y europeas.

Presentó una colección de diseños en el Salone del Mobile de Milán (1997) y participó con una exposición fotográfica en el Certamen de Toulouse (2001).

También trabajó en el mundo publicitario con firmas como Calvin Klein y dirigió numerosos videoclips para artistas como Michael Jackson, Donovan o Moby.

Y colaboró durante los años ochenta en el periódico 'Los Angeles Reader' con la tira cómica denominada 'El perro más furioso del mundo', durante casi una década.

Durante su trayectoria recibió multitud de premios, entre los que se encuentran un Óscar Honorífico en 2019. Y fue reconocido en festivales como Cannes, Venecia o Sitges (España).

En 2024 hizo público que padecía un enfisema pulmonar y aunque declaró que no se retiraría "nunca" del cine, reconoció que no podía salir de casa, por lo que consideró poco probable que pudiera volver a dirigir.

Además de su relación con Isabella Rossellini, Lynch se casó en cuatro ocasiones y tuvo cuatro hijos. EFE

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Este nuevo proyecto audiovisual, respaldado por el propio director, promete ofrecer una mirada inédita sobre su vida, su obra y los vínculos que lo han definido dentro y fuera del cine.

Una filmografía con sello propio

La obra de Tim Burton se distingue por su coherencia estilística y temática. Desde sus primeros trabajos hasta sus producciones más recientes, ha desarrollado un universo visual que fusiona lo gótico con lo fantástico, lo macabro con lo tierno.

Esta constancia le ha permitido construir una marca personal inconfundible, que se extiende más allá del cine hacia el arte visual y la cultura popular.

La fidelidad de su base de seguidores es una consecuencia directa de esta identidad artística, pero también representa un desafío: cualquier producción vinculada a su nombre debe estar a la altura de sus estándares estéticos y emocionales.

Es por eso que tanto sus películas como los proyectos derivados —como exposiciones o documentales— deben cuidar meticulosamente la forma en que representan su legado.

Una docuserie con voces cercanas

El nuevo documental sobre Tim Burton no es simplemente una biografía audiovisual más. La miniserie se construye a partir de testimonios de algunos de los colaboradores más cercanos al director, como Johnny Depp, Michael Keaton y Winona Ryder.

Estas figuras, que han formado parte esencial de su filmografía, ofrecen una perspectiva íntima sobre el proceso creativo de Burton y sobre su evolución como artista.

El primer episodio de la serie, que tuvo su estreno el año pasado en el Festival de Cine de Tribeca, incluye entrevistas exclusivas y un cortometraje inédito en animación stop-motion, técnica recurrente en la obra del cineasta. Aunque la serie constará de cuatro capítulos, hasta ahora sólo se ha divulgado este adelanto inicial.

Se trata, además, de la primera vez que el propio Tim Burton respalda un proyecto documental sobre su carrera, lo que garantiza un nivel de acceso y profundidad que hasta ahora no se había conseguido en otros trabajos sobre su figura. Este hecho por sí solo convierte la docuserie en un documento relevante dentro de la historia del cine contemporáneo.

Más allá del cine: una celebración del artista visual

La docuserie se suma a otros homenajes recientes al universo creativo de Burton. Entre ellos destaca una exposición que se presentará próximamente en la Ciudad de México, dedicada a su faceta como artista visual.

La muestra propone una experiencia inmersiva con una estructura laberíntica, esculturas de personajes icónicos y ambientaciones diseñadas para capturar el espíritu de su obra.

Estos proyectos —la serie documental y la exposición— se complementan al ofrecer distintas entradas al mundo de Tim Burton: una desde el testimonio audiovisual y otra desde la instalación artística. Ambas reafirman su lugar como uno de los creadores más singulares del panorama cinematográfico y cultural de las últimas décadas.

Sin fecha de estreno confirmada

Aunque ya se ha presentado un tráiler y un primer episodio, todavía no se ha anunciado oficialmente la fecha de estreno de la docuserie completa.

Sin embargo, la expectación que ha generado este adelanto inicial, sumada a la participación directa del cineasta y de colaboradores históricos, anticipa una recepción notable por parte del público y la crítica.

El proyecto se inscribe en una tradición creciente de documentales que examinan en profundidad la vida y obra de autores cinematográficos, pero lo hace con un enfoque personal y autorreferencial que promete iluminar aspectos poco conocidos del universo burtoniano.

En este contexto, no sorprende que Nolan sea descrito como un cineasta radical. Sin embargo, en una reciente conversación con NJ.com, el director sorprendió al nombrar a Dunkerque como su creación más extrema y la que mejor representa su ambición de ofrecer una experiencia sensorial única.

“Dunkerque”, la favorita de Nolan

A pesar del éxito mundial de películas como El caballero de la noche asciende, que recaudó 1.800 millones de dólares, y del prestigio crítico alcanzado por Origen, Nolan confesó que Dunkerque es la obra de la que se siente más orgulloso. Según explicó, su intención fue crear una película “muy intensa”, no un rompecabezas intelectual.

Este thriller histórico ambientado en la Segunda Guerra Mundial adopta una estructura narrativa singular que combina tres perspectivas simultáneas, cada una con su propia escala temporal: una semana en tierra, un día en el mar y una hora en el aire.

Esta innovadora técnica de montaje y superposición de tiempos busca que el espectador experimente de manera visceral la ansiedad y la urgencia vividas durante la evacuación de Dunkerque.

El reto de manipular la percepción del tiempo

Nolan exploró recurrentemente la manipulación del tiempo en su filmografía, pero considera que Dunkerque es su aproximación más radical desde Amnesia. En sus palabras, se propuso alterar la sensación temporal del público sin sacrificar la comprensión de la historia. “Se supone que debe ser una experiencia muy intensa. No se supone que sea un crucigrama que tengas que resolver”, puntualizó el director británico.

El desafío principal fue lograr que esta estructura fragmentada no confundiera al espectador, sino que intensificara su inmersión emocional en el relato, una hazaña que Nolan considera una de las virtudes singulares del cine como medio de expresión.

Una inspiración surgida de la experiencia personal

La idea de estructurar Dunkerque en tres escalas temporales distintas tiene raíces en una experiencia personal del cineasta. A mediados de los años noventa, Nolan y su esposa, la productora Emma Thomas, atravesaron el Canal de la Mancha en un pequeño bote. Lo que inicialmente debía ser una travesía placentera se convirtió en una odisea de casi 19 horas debido al mal tiempo.

Este agotador y peligroso cruce le permitió a Nolan reflexionar sobre el valor de los civiles que, durante la Segunda Guerra Mundial, se embarcaron voluntariamente en la misma travesía, plenamente conscientes de que se dirigían hacia una zona de guerra. A diferencia de su propio viaje, que dejó de ser riesgoso una vez alcanzada la costa, los voluntarios de 1940 enfrentaban amenazas reales y constantes.

El legado de “Dunkerque” en la historia del cine

Más allá de su innovación técnica, Dunkerque se distingue por su capacidad para capturar la dimensión humana del conflicto sin trivializarla. Nolan logró combinar una narrativa compleja con una representación emotiva y respetuosa de la tragedia de la evacuación, donde miles de soldados quedaron atrapados en la playa bajo el fuego enemigo, dependiendo de la audacia de civiles comunes para su salvación.

Con Dunkerque, Christopher Nolan reafirmó su lugar como uno de los cineastas más audaces de su generación, dejando una huella profunda en el arte de contar historias a través del cine. Su enfoque, que evita el sentimentalismo y apuesta por la inmersión emocional directa, consolidó a la película como un hito en la cinematografía contemporánea.

Madrid, 11 ene (EFE).- En 2010, hace 15 años fallecía el cineasta Eric Rohmer, uno de los máximos exponentes de la Nueva Ola del cine francés, junto a míticos directores como François Truffaut, Jean-Luc Godard o Claude Chabrol. Rohmer dirigió títulos como: ‘La coleccionista’, ‘Mi noche con Maud’, ‘El rayo verde’ o ‘Cuento de otoño’.

Beverly Hills (EE.UU.), 5 ene (EFE).- El cineasta estadounidense Brady Corbet consiguió este domingo el Globo de Oro, el primero de su carrera, a mejor director de película por el drama de posguerra ‘The Brutalist’, protagonizada por Adrien Brody. EFE

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Ángel Alonso Giménez

Madrid, 23 dic (EFE).- En 'Oh Canada', que se estrenará el 25 de diciembre en España, Richard Gere interpreta a un famoso cineasta documental que antes de morir quiere contar la verdad de su vida. O lo que él cree que es la verdad, porque "toda su vida es una ficción, y todos de alguna manera vivimos así".

Gere se expresó de este modo durante la entrevista que ofreció a EFE la semana pasada con motivo del estreno en España de su último trabajo. 'Oh Canada' es, además, el reencuentro del actor con el cineasta Paul Schrader, quien le dirigió en los 80 en 'American Gigolo'.

Son ahora casi 50 años más mayores, les han pasado muchas cosas, algunas tragedias. Tragedias que influyeron en la película, de hecho.

Como cuenta Gere (75 años), el propio Schrader sufrió recientemente la muerte del autor de la novela en la que se inspira la película, Russell Banks, de quien era muy amigo. Y Gere perdió a su padre antes de que el cineasta le llamara para interpretar a Leonard Fife.

"Así que Paul y yo afrontamos esta película con esa sensación de profundidad que dejan las pérdidas de seres queridos", puntualiza.

La muerte está presente en la película. El personaje central (Gere) está a punto de decir adiós por culpa de un cáncer terminal. Antes, quiere contar la verdad de su vida ante una cámara. Quiere cambiar de lado, ser él el grabado.

Dice Gere al respecto: "Es lo que le importa: el mecanismo de la cámara. solo le importa que la cámara esté encendida para que diga la verdad. Así que la película también es un relato metafísico sobre cómo se hacen las películas". O cómo nos construimos la vida.

Porque la vida de Fife, indica el actor, es "una ficción". "Todos -prosigue- vivimos así de algún modo. Tenemos un pasado que recordamos, pero la memoria a veces falla. El futuro es un sueño; el presente no existe".

Ese pasado borroso y confuso conecta la trama. Los 'flashbacks' no siguen una lógica narrativa típica, en consecuencia. Schrader, como destaca Gere, mezcla color y blanco y negro, diferentes formatos de pantalla y texturas variadas para construir escenas que viven en la cabeza del protagonista; escenas que, sean reales o no, salen así de su cabeza.

"Mi personaje es complicado porque es narcisista y egocéntrico. Un artista. Él crea dramas en sus vidas, es probable que exagere las historias que cuenta, pueden no ser verdad", describe.

Trabajar en 'Oh Canada' con Schrader, guionista de títulos como 'Taxi driver' y autor de largometrajes como 'Affliction', fue intenso por el peso de las muertes de seres queridos en la construcción de una película que versa sobre ello.

Pero es también estimulante. Según subraya el protagonista de las películas 'Oficial y caballero', 'Pretty woman' o 'Las dos caras de la verdad', el guion tenía entre 70 y 80 páginas y la película, "un presupuesto determinado".

"Del rodaje no ha sobrado nada. Lo que se ve es justo lo que rodamos", asegura Richard Gere. EFE

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Meryl Streep es ampliamente reconocida como una de las actrices más talentosas y versátiles de la historia del cine. Su carrera, que abarca más de cinco décadas, ha estado marcada por interpretaciones memorables en una gran variedad de géneros.

Con 21 nominaciones al Oscar y tres estatuillas ganadas, así como múltiples premios BAFTA y Globos de Oro, su legado en la industria del cine es inigualable.

Sin embargo, su ascenso a la cima de Hollywood no fue inmediato ni fácil, y uno de los momentos más determinantes de su carrera ocurrió en una audición que fue descrita como la peor en la historia de su director.

El inicio de una estrella

El debut de Streep en el cine llegó en 1977 con un papel en Julia, una película protagonizada por Jane Fonda y Vanessa Redgrave. Aunque su aparición fue breve, su presencia en pantalla no pasó desapercibida.

Un año después, su participación en El francotirador junto a Robert De Niro le valió su primera nominación al Oscar, consolidándola como una actriz con un futuro prometedor.

Sin embargo, el verdadero punto de inflexión en su carrera llegaría con Kramer vs. Kramer, un drama que retrata la difícil separación de una pareja y la lucha legal por la custodia de su hijo. En esta película, Streep interpretó a Joanna Kramer, un personaje que le permitió mostrar su capacidad para transmitir emociones complejas con una sutileza que se convertiría en su sello distintivo.

Una audición para el olvido, pero un papel inolvidable

A pesar de su creciente reconocimiento, Streep no tuvo una audición ideal para Kramer vs. Kramer. Fue su agente, Sam Cohn, quien convenció al director Robert Benton de que le diera la oportunidad de reunirse con ella. Sin embargo, lo que ocurrió en esa entrevista quedó grabado en la memoria del cineasta por razones inesperadas.

En una entrevista posterior, Benton recordó: “Meryl apareció y se sentó allí… No creo que la entrevista durara más de 15 o 20 minutos como máximo, y fue… la peor entrevista que he tenido con un actor en todos mis años en Hollywood. La peor. La peor.”

Sorprendentemente, tras esa desastrosa audición, Benton y Dustin Hoffman, quien protagonizaba la película, coincidieron en que Streep era la elección perfecta para interpretar a Joanna Kramer. Y no se equivocaron.

Un Oscar que cambió su destino

A pesar de la impresión inicial que dejó su audición, Streep ofreció una interpretación conmovedora en la película, logrando capturar la complejidad de una madre que enfrenta la difícil decisión de dejar a su hijo para encontrarse a sí misma.

Su actuación fue aclamada tanto por la crítica como por el público, y le valió su primer premio Oscar como Mejor Actriz de Reparto.

Ese galardón marcó el inicio de una carrera en la que acumuló nominaciones y premios, consolidando su reputación como una de las mejores actrices de su generación.

La manera en que abordó el personaje en Kramer vs. Kramer demostró su capacidad para dotar de humanidad y profundidad a cualquier papel, una cualidad que se convertiría en una constante en su filmografía.

Una carrera sin necesidad de audiciones

Con el paso de los años, Streep alcanzó un estatus en el que ya no necesitó hacer audiciones. Su talento y prestigio eran suficientes para asegurarle papeles en algunas de las películas más importantes de cada época.

A lo largo del siglo XXI, su carrera siguió en ascenso con interpretaciones memorables en películas como El diablo viste de Prada, donde dio vida a la implacable Miranda Priestly, y Florence Foster Jenkins, un papel que le valió otra nominación al Oscar.

En 2021, Streep protagonizó No miren arriba, una sátira política en la que interpretó a la presidenta de los Estados Unidos en un contexto de crisis global.

La película fue un éxito de audiencia y volvió a demostrar la capacidad de la actriz para adaptarse a cualquier género con maestría.

El talento que trasciende las audiciones

La historia de Meryl Streep es un recordatorio de que el talento auténtico trasciende las primeras impresiones. Lo que pudo haber sido una audición fallida terminó convirtiéndose en el trampolín que lanzó su carrera hacia el estrellato.

Hoy, es imposible imaginar el cine sin su presencia. Con cada personaje que interpreta, Streep reafirma su lugar en la historia de Hollywood, demostrando que, en el mundo del cine, lo más importante no es cómo se comienza, sino cómo se deja huella.

París, 17 dic (EFE).- El director español Pedro Almodóvar lamentó la muerte de Marisa Paredes, fallecida este martes a los 78 años, de la que dijo que fue "parte integral" de su vida.

"Ha sido una noticia totalmente inesperada, es como si despertara de un mal sueño", dijo el cineasta en París, donde se encuentra promocionando su última película, 'La habitación de al lado'. EFE

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Barcelona, 10 dic (EFE).- El cineasta y productor de cine barcelonés Juan Antonio García Bayona ha sido galardonado con la Medalla de Oro al Mérito Cultural de la ciudad, que reconoce el esfuerzo del autor por consolidar una voz propia, tanto cuando se adentra en universos fantásticos como cuando retrata a personajes que se enfrentan a situaciones extremas.

Bayona tiene una dilatada carrera en el sector audiovisual estatal e internacional, reconocida por las máximas instituciones cinematográficas con distintos premios y nominaciones.

Su último largometraje, 'La sociedad de la nieve', estuvo nominado en la última edición de los Premios Óscar en las categorías de mejor película internacional y mejor maquillaje y peluquería.

Bayona se graduó en la primera promoción de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).

Tras terminar sus estudios se inició en el mundo audiovisual dirigiendo campañas publicitarias y videoclips de diferentes artistas, como Raphael, Fangoria, OBK, Hevia, Camela, Alejandro Sanz, Bunbury o el grupo británico Keane.

En el año 1999 dio el salto al cine con el cortometraje 'Mis vacaciones', al que seguiría, tres años después, el corto 'El hombre esponja', del que Bayone fue productor.

Su gran oportunidad llegó con la película 'El orfanato' (2007), coproducida por Guillermo del Toro, aplaudida en Cannes, nominada a trece Premios Goya y galardonada en siete categorías, entre las cuales la de mejor director novel.

La excelente acogida de este filme le permitió dar el salto a Hollywood, con proyectos como la adaptación cinematográfica de la novela 'Hater', del escritor inglés David Moody, producida también por Guillermo del Toro y protagonizada por Ben Gazzara, o las superproducciones 'Jurassic World 2', para la que fue seleccionado personalmente por Steven Spielberg, y la serie 'Los anillos de poder'.

Los largometrajes 'Un monstruo viene a verme', protagonizado por Felicity Jones y Liam Neeson, 'Lo imposible', con un reparto encabezado por Naomi Watts y Ewan McGregor, y la ya mencionada 'La sociedad de la nieve', a partir del libro homónimo de Pablo Vierci, son otros títulos destacados de su filmografía. EFE

gcm/mg/oli

La película The Brutalist, dirigida por Brady Corbet, generó un intenso debate en la industria cinematográfica, no solo por su ambiciosa narrativa y su extensa duración de tres horas y treinta y cuatro minutos, sino también por el uso de inteligencia artificial en su producción.

La historia, que según reveló Paris Match sigue la vida de un arquitecto húngaro que emigra a Estados Unidos tras sobrevivir a la Shoah, recibió múltiples reconocimientos en festivales, pero su implementación de tecnologías avanzadas en la posproducción despertó opiniones encontradas entre cineastas y espectadores.

Un filme monumental con desafíos técnicos

Rodada en película analógica y con una estética que recuerda a las grandes epopeyas cinematográficas, The Brutalist se centra en Laszlo Toth, un arquitecto cuyo sueño de éxito en Estados Unidos se transforma en una lucha contra los intereses de un poderoso industrial, interpretado por Guy Pearce.

En diálogo con Paris Match, Corbet explicó que busca elegir temas que mantengan su relevancia con el paso del tiempo y resuenen con cualquier audiencia, sin importar cuándo sean vistos.

Desde su presentación en el Festival de Venecia, el filme fue ampliamente analizado por su enfoque visual y narrativo, pero también por la inclusión de inteligencia artificial en la posproducción.

Para perfeccionar la pronunciación en húngaro de los actores Adrien Brody y Felicity Jones, el director recurrió a Respeecher, un software de IA diseñado para modificar la voz sin alterar las interpretaciones originales. “Si no hubiera utilizado esta tecnología, me habría enfrentado a una controversia diferente: mis actores habrían hablado húngaro con acento estadounidense o inglés”, afirmó Corbet.

El papel de la IA en la posproducción

Más allá del trabajo en los diálogos, el editor de la película, Dávid Jancsó, reveló en una entrevista con RedShark News que la producción también recurrió a la inteligencia artificial para generar imágenes.

Algunos dibujos y estructuras que aparecen en las escenas finales fueron creados mediante IA generativa, una decisión tomada por cuestiones de presupuesto y tiempo.

“Hablar de IA en la industria es difícil, pero no debería serlo”, aseguró Jancsó, quien ve esta tecnología como una herramienta que permite agilizar el proceso sin sustituir el trabajo humano, según declaró a Wired.

Por su parte, Corbet también se refirió al tema en declaraciones a The Hollywood Reporter y aclaró que el inglés no fue editado con IA y que la tecnología solo se empleó para perfeccionar ciertos sonidos en húngaro. “Fue un proceso manual, realizado por nuestro equipo y luego por Respeecher en posproducción”, sostuvo el director.

Una polémica en expansión

El uso de inteligencia artificial en la industria cinematográfica no se limitó a The Brutalist. La película Emilia Pérez, de Jacques Audiard, también fue objeto de críticas por recurrir a Respeecher para modificar la voz de la actriz Karla Sofía Gascón, combinándola con la de la cantante francesa Camille.

Según informó Wired, esta práctica provocó una controversia similar sobre los límites del uso de IA en el cine y su impacto en la interpretación actoral.

El debate trascendió el ámbito de la posproducción y llegó al proceso creativo. El director y guionista Paul Schrader experimentó con ChatGPT para generar ideas de guion y quedó sorprendido por su capacidad de producir conceptos originales en cuestión de segundos.

“Todas las ideas que se me ocurrieron en ChatGPT eran buenas. Y originales. Y bien desarrolladas. ¿Por qué deberían los escritores pasar meses buscando una idea cuando la inteligencia artificial puede proporcionar una en cuestión de segundos?”, reflexionó Schrader en una publicación citada por Wired.

Innovación o amenaza: el dilema del cine contemporáneo

Según Paris Match, el caso de The Brutalist reflejó la creciente influencia de la inteligencia artificial en el cine y las divisiones que genera en la industria.

Mientras algunos la consideran una herramienta útil para mejorar aspectos técnicos y optimizar tiempos de producción, otros temen que su uso excesivo pueda restar autenticidad a la labor de actores, guionistas y otros profesionales.

En declaraciones a Paris Match, Corbet defendió su postura y argumentó que la tecnología ayudó a perfeccionar detalles que habrían sido criticados de otra manera.

Jancsó, por su parte, enfatizó en RedShark News que el uso de IA en la película respondió a necesidades concretas de la producción, sin reemplazar el trabajo creativo humano.

El debate sobre la inteligencia artificial en el cine continúa abierto y plantea preguntas sobre el equilibrio entre la innovación tecnológica y la preservación de la esencia artística. La recepción de The Brutalist, según Paris Match, sugiere que la industria aún está en proceso de definir los límites de esta herramienta en la creación cinematográfica del futuro.

Este viernes se celebraba en Huelva el 50 Festival del Cine Iberoamericano y allí pudimos ver a Paz Vega, que acudía por primera vez para recibir el Premio Luz, "un momento de mucha emoción" y que le hacía sentir "súper honrada".

Sin embargo, lo que nadie esperaba es que confesase ante los medios de comunicación que "a corto plazo necesito descansar" porque "estoy sin voz" debido a "una bronquitis tremenda", que se lo está haciendo pasar "un poquito mal, pero bueno, es sólo cuestión de parar un poco y tomarme unas vacaciones que las necesito, la verdad".

Hace tan solo unos días, la actriz reconocía que es la primera vez que acude al festival y que venir de esta manera es "un motivo de gran orgullo". Además, explicaba que ponerse a dirigir es una necesidad" y "una consecuencia lógica" de todo lo que ha estado haciendo y de lo que ha ido "aprendiendo del oficio".

Con la concesión de este galardón, que cuenta con el apoyo del Colaborador Oficial del certamen, la Fundación Atlantic Copper, el Festival de Huelva reconoce a una actriz de trayectoria internacional en Europa, Estados Unidos e Iberoamérica, y que ahora ha iniciado su carrera como cineasta y directora con su ópera prima 'Rita'.

Fermín Cabanillas

Huelva, 15 nov (EFE).- La actriz sevillana Paz Vega ha asegurado este viernes que, tras dirigir su primera película, ‘Rita’ lo que más ilusión le hace “es escribir” y ponerse “detrás de la cámara”, sin dejar de lado las ofertas que le lleguen para seguir interpretando.

En una entrevista con EFE en Huelva, donde esta noche recogerá el Premio Luz del Festival de cine Iberoamericano de Huelva durante la gala de inauguración de la 50 edición, la actriz se ha mostrado “muy contenta e ilusionada” por recibir el Premio que además reconoce su comienzos como directora, lo que le motiva especialmente.

En este sentido, ha reconocido que “es la primera vez que está en este Festival, “y venir de esta manera es un motivo de gran orgullo”.

Para ella, “dirigir es una necesidad, una consecuencia lógica de todo” lo que ha estado haciendo”, para echar la vista atrás en su vida profesional, y recordar que cuando empezó no se puso “ninguna meta, las cosas se fueron dando”, y ha acabado “trabajando en muchos países y proyectos”.

“Todo ese bagaje me ha dado la oportunidad de dirigir y contar una historia desde mi mirada”, ha dicho, además de asegurar que ha vivido “el paso de actriz a directora de una manera muy natural, sencilla”, y que lo ha afrontado cuando “ha llegado el momento en el que que estaba preparada para contar una historia”.

Con la concesión de este galardón, el Festival de Huelva reconoce a una actriz de trayectoria internacional en Europa, Estados Unidos e Iberoamérica y que ahora ha iniciado su carrera como cineasta y directora con su ópera prima ‘Rita’.

Una producción que compite en esta 50 edición del Festival de Huelva en la nueva sección ‘Acento’, y con la que Paz Vega se siente muy identificada: “Rita es un homenaje a la memoria, a la infancia, a una manera de ser niño”, ha subrayado, y “a una generación de madres luchadoras, valientes, que lo sacrificaron todo por tener una familia, y también es un tirón de orejas, porque, como sociedad” hay reflexionar sobre “qué hay que cambiar para ser una sociedad moderna y avanzada”.

Ha añadido que ‘Rita’ es  también “un homenaje” a su propia infancia, una infancia sin tecnologías”, en la que se disfrutaba con cualquier pequeño acontecimiento”, con niños que eran “felices con lo mínimo”.

“Rita es un alter ego mío, indudablemente. Me recuerda mucho a mí misma”, ha explicado la actriz y directora sevillana.

 Rodaje en pueblos como Gelves

Paz Vega ha dicho que en su película quiso buscar “la autenticidad”, y por eso decidió rodar planos en pueblos como Gelves, en la provincia de Sevilla, porque “la historia sucede en los 80”, y buscaba algo que existe en Andalucía, “la esencia  que hay en muchos lugares”, para subrayar la belleza que tienen región andaluza, con sitios “que parece que están detenidos en el tiempo, y eso es precioso”.

Ha añadido una última reflexión para el Festival de Huelva, solo dos años “mayor” que ella, que hoy la premia, y ha bromeado con el premio al “talento emergente”, porque inició su carrera en la comedia de situación ‘Siete vidas’, tras la que dio el salto a la gran pantalla con la película ‘Lucía y el sexo’, de Julio Medem, en el año 2001.

“Yo elegí ser actriz hace muchos años, pero es verdad que ahora tengo esta nueva faceta como como directora o cineasta, y si han considerado que soy un talento emergente, me hace muchísima ilusión”, ha concluido. EFE

fcs/fs/aam

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Los Ángeles (EE.UU.), 23 oct (EFE).- Una causa judicial abierta en EE.UU, contra el cineasta francés de origen polaco Roman Polanski por la supuesta violación de una chica de 13 años en 1973, un caso diferente al que le llevó a huir del país al final de los años 70, ha sido cerrada en razón de un acuerdo entre las partes.

"Las partes acordaron una solución de las reclamaciones a satisfacción mutua", señaló este miércoles a EFE Gloria Allred en una declaración escrita.

La abogada, que representa a Robin M., demandó a Polanski ante la justicia estadounidense en 2023.

Allred confirmó el acuerdo, algo que ya había hecho con anterioridad el abogado de Polanski, Alexander Rufus-Isaacs.

De esta manera el juicio que iba a tener lugar en Los Ángeles a partir del 4 de agosto de 2025 no se celebrará.

Ninguno de los abogados dio detalles sobre el acuerdo.

Polanski huyó de EE.UU. en 1978 antes de que se dictará sentencia en un juicio en el que estaba acusado de haber violado a una chica de 13 años, Samantha Geimer.

El director había admitido la violación para evitar acusaciones más graves y cumplido poco más de 40 días encarcelado cuando se marchó a Francia.

El caso ahora retirado por el arreglo extrajudicial es otro y fue abierto a raíz de una demanda civil presentada en 2023 por una mujer identificada como Robin M.

La demandante alegó que conoció al director en una fiesta en 1973 y que él la invitó a cenar en un restaurante, le dio a beber tequila y luego la llevó a su casa de Benedict Canyon, donde ella se desmayó en la cama.

Según la demanda, cuando se despertó vio a Polanski acostado junto a ella.

Él le pidió tener sexo y ella se negó pero aun así la violó, aseveró en la demanda Robin M., que pudo presentarla a pesar de los muchos años transcurridos gracias a una ley californiana que amplió el plazo para que los abusos sexuales prescriban cuando la víctima es menor de edad.

"Nuestra clienta (...) ha demostrado un enorme coraje al presentar su demanda contra un director famoso", dijo la abogada de Jane Doe, Gloria Allred, cuando se presentó la demanda en los tribunales de Los Ángeles.

"Aunque el acusado parece haber vuelto a la normalidad en su vida, nuestra clienta no ha podido volver a la normalidad. Pero esperamos con ansias nuestra lucha por la justicia y la rendición de cuentas para Jane Doe". agregó en una rueda de prensa. EFE

Madrid, 21 oct (EFE).- Se cumplen 40 años del fallecimiento del cineasta francés Francois Truffaut, uno de los principales representantes de la nouvelle vague.

Roma, 15 oct (EFE).- El director estadounidense Francis Ford Coppola, que esta semana protagoniza la Fiesta del Cine de Roma, recibió este martes el máximo reconocimiento de la ciudad, 'la Loba Capitolina', por parte de su alcalde, Roberto Gualtieri.

"La Loba Capitolina es una forma de darle las gracias por parte de una entera comunidad que ha amado sus películas" y "representa un nuevo capítulo en una historia que nos concierne", dijo el dirigente municipal.

El alcalde alabó "el amor visceral por Italia" del famoso director del séptimo arte, con raíces italianas.

"Ahora pienso en mis abuelos, sin ellos no podría haber sido hijo de esta tierra y no estaría aquí, quiero agradecerlo también a Roma", afirmó Coppola tras recibir el galardón.

"Detrás de sus películas están su padre Carmine, Dante, la música de Verdi y Miguel Ángel", remarcó Gualtieri a Coppola durante el acto de entrega en el Ayuntamiento de la Ciudad Eterna.

"Para usted, Italia es el punto de referencia de su cine, con directores como Fellini o Antonioni", agregó, que aseguró que la ciudad de Roma "le ama" por sus películas.

Ayer, Coppola inauguró una calle con su nombre en los míticos estudios cinematográficos de Cinecittà, en otro acto de homenaje.

"De niño soñaba con estudiar en el Centro Experimental" de Cinecittà, pues "entonces Hollywood era Roma", aseveró el cineasta en el acto, donde también se le entregaron las llaves honorarias de los estudios.

En la preapertura de la Fiesta del Cine en Cinecittà de ayer, Coppola, que cuenta con seis oscar, ofrecerá un discurso antes del estreno italiano el próximo jueves de 'Megalopolis', su última y ambiciosa producción protagonizada por Adam Driver y Giancarlo .

Coppola también tiene previsto reunirse este martes con los estudiantes de las escuelas de cine de Roma, los jurados de 'Alice', el certamen paralelo al festival dedicado a las nuevas generaciones, y el público para recorrer los más de sesenta años de carrera que lo han convertido en uno de los maestros más importantes del Séptimo Arte. EFE

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Roma, 14 oct (EFE).- El célebre director de cine estadounidense Francis Ford Coppola, autor de obras maestras como "El Padrino" y "Apocalypse Now", inauguró este lunes una calle con su nombre en los míticos estudios cinematográficos de Cinecittà, en vísperas de la Fiesta del Cine de Roma.

"De niño soñaba con estudiar en el Centro Experimental" de Cinecitta, pues "entonces Hollywood era Roma", pero no pude hacerlo porque era pobre: "Ahora mi sueño se ha hecho realidad", comentó el cineasta estadounidense con orígenes italianos en el acto, en el que también se le entregaron las llaves honorarias de los estudios.

En la preapertura de la Fiesta del Cine en Cinecittà esta tarde, Coppola, que cuenta con seis óscares de Hollywood, ofrecerá un discurso antes del estreno italiano el próximo jueves de 'Megalópolis', su última y ambiciosa producción protagonizada por Adam Driver y Giancarlo .

Además, Coppola se reunirá este martes con los estudiantes de las escuelas de cine de Roma, los jurados de 'Alice', el certamen paralelo al festival dedicado a las nuevas generaciones, y con el público para recorrer los más de sesenta años de carrera que lo han convertido en uno de los maestros más importantes y célebres del Séptimo Arte.

El mismo día, el alcalde de Roma, Roberto Gualtieri, recibirá al cineasta para dedicarle un especial tributo de la ciudad.

Además de Coppola también estarán en la capital los actores Johnny Depp y Viggo Mortensen, que serán premiados por sus carreras en la 19ª edición certamen cinematigráfico romano, que comenzará este miércoles y durará hasta el 27 de octubre. EFE

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Tabernas (España), 13 oct (EFE).- El actor y director Viggo Mortensen aseguró este domingo que el género de las películas del Oeste norteamericano no ha muerto, tras ganar el premio de mejor película del Almería Western Film Festival (sureste de España) con la cinta 'The Dead Don't Hurt'.

El cineasta estadounidense agradeció al jurado el reconocimiento del "inmenso trabajo colectivo" para rodar la película (EEUU-México-Canada, 2023), y dedicó el galardón al equipo técnico y al elenco de actores.

También destacó en especial la labor del director argentino Lisandro Alonso, que el sábado recogió el premio Spirit of the West por su contribución innovadora al género.

Según Mortensen, los premios "son una cosa muy subjetiva". "Si no ganas (...) no quiere decir que tu historia o tu película sea defectuosa -dijo-, son cosas del azar cosas, de la suerte. Así que felicito a todos los que participaron".

"Se sigue diciendo, de vez en cuando, que el género del western ha muerto -comentó-. Ya no importa. Viéndolos a ustedes (...) es verdad que no ha muerto el western, siempre caben nuevas historias que se pueden hacer, hay mundos infinitos dentro del género, posibilidades infinitas de contar cosas diferentes", ha sostenido.

Entre otros, el premio especial del jurado fue para el largometraje 'Eureka', de Lisandro Alonso (Argentina, 2023), y el premio Carlo Simi por la mejor contribución técnico-artística recayó en 'Paradise', de Max Isaacson (EE.UU., 2024).

El del público al mejor largometraje fue para 'Sergio Leone, el italiano que inventó América', de Francesco Zippel (Italia, 2022).

El italiano Leone rodó algunos de los clásicos más relevantes del género de la década de los años sesenta en el desierto de la localidad española de Tabernas, donde se celebra el Almería Western Film Festival. 'Per un pugno di dollari' ('Por un puñado de dólares') y 'Per qualche dollaro in più' ('La muerte tenía un precio') son algunas de ellas. EFE

La comunidad artística y cultural de Veracruz se vio conmocionada ante el asesinato de Víctor Muro Velásquez, técnico en iluminación que participó en películas dirigidas por cineastas mexicanos, como Alfonso Cuarón, que incluso recibieron premios internacionales.

Víctor se había trasladado a territorio veracruzano en compañía de otras tres personas provenientes de la Ciudad de México (CDMX) para ofrecer sus servicios de iluminación en una producción. No obstante, el lunes 7 de octubre fue localizado sin vida.

Reportes preliminares indican que el cuerpo de Víctor fue desmembrado y localizado en al menos dos inmuebles de la ciudad de Xalapa. De acuerdo con el gobernador de Veracruz, Cuitláhuac García, se trató de un asunto personal en el que habría participado uno de sus compañeros.

“Este no es un problema de seguridad. No fue atacado por un grupo delictivo. La línea de investigación es que su compañero de trabajo se atrevió a privarlo de la vida. La fiscal tiene en sus manos avances importantes y está detenido el compañero de él”, explicó el gobernador en una conferencia del 8 de octubre.

Asimismo, precisó que Víctor Muro Velásquez no se desempeñaba como director de cine, pues aunque trabajaba en la industria del séptimo arte se dedicaba a instalar la iluminación en los rodajes.

Su muerte fue confirmada por la casa productora Aluxes, la cual lamentó el fallecimiento de su “amigo y maestro”, a quien reconocieron por su labor en el set.

“Tras el fallecimiento de nuestro querido compañero y amigo, hacemos de su conocimiento que la película y el personal que se encontraba trabajando en la ciudad de Xalapa, Veracruz, con el Sr. Víctor Muro (Q.E.D.) no tiene vínculo, ni relación con nosotros”, aseveró la casa productora.

La trayectoria de Víctor Muro en el cine

De acuerdo con registros de IMDb (una de las bases de datos de películas más populares de la web), Víctor Muro participó en al menos 10 cortometrajes y largometrajes. En todas las producciones se desempeñó como electricista o gaffer (encargado de iluminación).

Los proyectos audiovisuales en los que Muro Velásquez estuvo involucrado fueron:

• El crimen del padre Amaro. Película dirigida por Carlos Carrera en 2002. Está basada en la obra homónima del escritor portugués José Maria Eça de Queirós. En el guion participó el novelista Vicente Leñero. En 2003 fue galardonada como Mejor Película en los Premios Ariel, en los que también ganó la categoría a la Mejor Dirección.
• Cero y van 4. Se trata de la segunda colaboración de Víctor con el cineasta Carlos Carrera. La película se estrenó en 2004 y trata sobre cuatro relatos diferentes de crímenes en la Ciudad de México.
• Sexo Limpio. Cortometraje de 2015 dirigido por María Conchita Díaz.
• Días pequeños. Cortometraje dirigido y escrito por Antonio Dezner en 2015.
• Motel 19. Cortometraje de 2016 dirigido y escrito por Rafael Rebolledo.
• Fight Back. Cortometraje dirigido en 2017 por Renton Méndez.
• The Fhisherman. Cortometraje escrito y dirigido por Ernesto Arenas Vera en 2017.
• Roma. Largometraje dirigido por Alfonso Cuarón y protagonizado por Yalitzia Aparicio en 2018. La película fue galardonada con tres premios Óscar: Mejor película extranjera, mejor dirección y mejor cinematografía.
• Cullli & Macuilli, los hijos del Jaguar. Largometraje de Arturo Sánchez del Villar producido en 2019.
• Estoy todo lo iguana que se puede. Película dirigida en 2022 por Julián Robles.

El asesinato de Víctor Muro Velásquez, cineasta que llegó a trabajar con Alfonso Cuarón, ha causado un fuerte impacto en la comunidad artística, tras el hallazgo de su cuerpo desmembrado en dos domicilios en Xalapa, Veracruz, el lunes 7 de agosto.

De acuerdo con la información que brindaron medios locales y la Fiscalía General del Estado (FGE), el cuerpo del ingeniero en iluminación fue encontrado repartido en dos direcciones distintas de la zona centro de Xalapa: su cabeza fue hallada dentro de una cubeta en una vivienda ubicada en la calle Poeta Jesús Díaz, mientras que en otro inmueble, en ruinas, sobre la calle Jesús González Ortega, se encontraron otras partes del cuerpo envueltas en bolsas de plástico dentro de un tambo.

El gobernador de Veracruz, Cuitláhuac García Jiménez, informó que un hombre ha sido detenido como principal sospechoso del crimen.

De acuerdo con el mandatario estatal, el móvil del asesinato sería un conflicto personal entre Muro y su compañero de un proyecto cinematográfico. “Este no es un problema de seguridad pública, no fue atacado por un grupo delictivo. La línea de investigación apunta a un compañero de trabajo”, declaró el mandatario en una conferencia de prensa. Asimismo, aseguró que se investigará a fondo para que el caso no quede impune.

El mandatario fue ampliamente criticado luego de poner mayor relevancia al tema de si la víctima era o no un cineasta: “Es falso que sean cineastas, son trabajadores de una empresa que da iluminación y que fueron contratados con ese objetivo [...] vean como la imprecisión de la información y se atreven a mentir, porque en medios ya (ponen) cineastas”, dijo.

Hasta el momento, se ha identificado a una segunda persona implicada que aún no ha sido detenida.

La fiscal Verónica Hernández Giadáns informó que la investigación avanza de manera favorable. Detalló que Muro y su presunto asesino llegaron juntos a Xalapa provenientes de la Ciudad de México para trabajar en la producción de un cortometraje.

El gobierno de Veracruz indicó que el detenido es un hombre de aproximadamente 45 años, conocido de Muro. Las autoridades ministeriales aseguraron además un automóvil que, según las primeras investigaciones, fue utilizado para trasladar las partes del cuerpo del técnico de iluminación.

¿En qué películas participó?

Víctor Muro Velásquez, de 60 años, era un técnico especializado en iluminación con una larga trayectoria en el cine mexicano. Aunque el gobernador García aclaró que no era cineasta, Muro participó como gaffer en producciones cinematográficas de renombre, incluyendo la multipremiada película Roma (2018) de Alfonso Cuarón; El crimen del padre Amaro (2002) de Carlos Carrera y en donde sale el actor Gael García; y Cuilli y Muculli, los hijos del jaguar (2019).

Otras películas en las que también participó se encuentran: Cero y van 4 (2004); Sexo limpio (2015); Días Pequeñas 2015); Motel 19 (2016); Fight back (2016); The Fisherman (2017); y Estoy todo lo iguana que se puede (2022).

El trabajo de Muro en estas películas fue destacado por la casa productora Aluxes, con la que colaboraba en un cortometraje al momento de su asesinato.

La productora, con sede en la Riviera Maya, emitió un comunicado expresando sus “sentidas y profundas condolencias” por la pérdida de su amigo y colega, describiéndolo como “un gran ser humano, querido por muchos compañeros cineastas”.

Además de su trabajo en cine, Muro también documentó el movimiento Zapatista en 2014 y recientemente, el pasado mes de septiembre, impartió un taller de iluminación en la Escuela Veracruzana de Cine Luis Buñuel.

Roma, 1 oct (EFE).- La cineasta y productora Bertha Navarro será homenajeada este viernes en el Festival de cine mexicano de Roma por ser una abanderada del cine iberoamericano, galardonada a nivel internacional, y haber descubierto el talento de algunos de los mexicanos más importantes en el mundo del séptimo arte.

"La quinta edición del festival rinde un profundo, sincero y merecido homenaje a la carrera de la mujer que rompe paradigmas y esquemas, la más influyente en la cine en México e Iberoamericano y una de las figuras más importantes a nivel internacional", señaló la fundadora de la muestra, Cecilia Romo.

Será una película producida por Bertha Navarro el título que inaugure este viernes el festival, 'El laberinto del fauno' (2006) , dirigida por Guillermo del Toro, galardonada con 97 premios entre los que destacan siete Goyas, nueve Ariel Awards y tres óscar, entre ellos a mejor fotografía para Guillermo Navarro, que también asistirá a la muestra.

Durante estas jornadas, se proyectará por primera vez en Italia la película 'Un mundo mejor' (2023) de Jannet Juárez, ganadora del Festival Internacional de Cine de Monterrey, informó la organización en una nota.

También se proyectará el documental 'Un Lugar Llamado Música' (2021) de Enrique M.Rizo y producida por Cath Cuevas, invitada en el festival como la directora Montserrat Larqué, de la que se mostrará su 'opera prima', 'Allá, cartas al corazón' (2022), "una caricia al alma del espectador", señaló la organización.

Además, el festival también acoge a Valentina Leduc, "intérprete de la icónica pintora Frida Kahlo en la película 'Frida Naturaleza Viva' (1983) dirigida por su padre, Paul Leduc", que cerrará la muestra este domingo.

Durante la muestra de cine se proyectarán 8 películas por primera vez dobladas al italiano y en versión original con subtítulos en italiano 11 largometrajes y 5 cortos. EFE