La historia del cine suele escribirse con nombres franceses o estadounidenses, pero en los cimientos de este revolucionario hito tecnológico descansa la figura de un modesto religioso español: Mariano Díez Tobar. El sacerdote burgués ya había desarrollado la técnica de la imagen en movimiento en el año 1892, adelantándose así a la célebre patente de los hermanos Lumière (1895), tal y como recoge el Ayuntamiento de Tardajos en su web sobre el vecino que ha tenido una mayor relevancia internacional.

Hoy, su recuerdo es bastante vago entre la cultura española y mundial. Pero algunos divulgadores e instituciones reconocen su trabajo. Este es el caso de Pablo Zarco, creador de contenido de curiosidades históricas y de ciencia (@undatopati) con más de 100.000 seguidores en Instagram. “El cine es un invento español. Ni hermanos Lumière, ni hermanas Lumière. El cinematógrafo de los Lumière lo inventó un cura de Burgos”, expone Zarco en una de sus publicaciones.

Ante el infrarreconocimiento de su figura, Pablo es contundente: “Ya es hora de que la historia haga justicia con el olvidado padre Mariano Díez. Y atentos, porque este hombre era poco menos que un genio”, asegura. Además de haber sido el precursor de la ciencia que se esconde tras las primeras imágenes de los hermanos Lumière, Mariano inventó: “Un aparato que convertía la voz humana en texto escrito, una máquina para transmitir imágenes a distancia, es decir, un precursor de la televisión, un aparato para conservar vino, un reloj que se daba cuerda con la voz y que funcionó durante diez años en un colegio solo con la energía de la voz del profesor dando clase y, por supuesto, el cinematógrafo”, enumera Zarco.

¿Quién era realmente Mariano Díez Tobar?

Mariano Díez Tobar nació en el seno de una sencilla familia de labradores el 21 de mayo de 1868 en Tardajos (Burgos). Según detalla Historia Hispánica de la Real Academia de la Historia, este religioso de la orden de los Padres Paúles mostró desde su juventud un destacado interés por la investigación científica. Así, como explica Fco. Javier Zubiaur Carreño en su web, aunque carecía de formación específica en ingeniería u óptica, su insaciable curiosidad le llevó a estudiar ciencias físicas y matemáticas de forma totalmente autodidacta. Fue en 1892, siendo profesor en el colegio de Murguía (Álava), cuando sorprendió a todos en una velada literario-científica.

Sobre aquel hito clave, Pablo Zarco responde a la pregunta de: “¿Pero cómo acabó su invento en manos de los Lumière?“. Al parecer, la conferencia, que dio el cura, marcaría un antes y un después en la historia, titulada ‘El cinematógrafo, descripción del aparato por el que las imágenes de las personas, lo mismo que las demás cosas, sea que en el acto existan, sea que ya no existan, aparecen al vivo y como si fueran la realidad con sus colores, movimientos, etcétera, ante nuestra vista’.

Como se puede ver, “lo suyo eran los inventos, no los títulos”, remarca Zarco. Pero con esta charla “dio permiso a quien quisiera para fabricarlo”. Y es que, con la pretensión, Díez Tobar no tenía intención de patentar su idea, sino que era una mera exposición puramente didáctica. El destino del cine se selló poco después, cuando el padre Mariano se encontró en Bilbao con el ingeniero francés A. Flamereau, representante de los hermanos Lumière.

“Creía en la educación universal gratuita y en el acceso libre al conocimiento”

“Después de la charla, se reunió con Mariano para preguntarle por algunas cuestiones técnicas de su diseño. Y Mariano, que creía en la educación universal gratuita y en el acceso libre al conocimiento, le resolvió sus dudas con mucho gusto. Sí que era un crack”, relata el creador de contenido. De esta forma, el cura entregó a Flamereau sus esquemas sobre cómo producir la ilusión de movimiento mediante la sucesión intermitente de fotografías, aprovechando la inercia de la retina. Los Lumière mandaron fabricar el aparato a París y lo presentaron con gran éxito a finales de 1895.

Para cuando los hermanos Lumière presentaron su invento en la capital española, sucedió algo que en ese momento muchos asistentes no sabían: “Oh, sorpresa, que en la primera proyección oficial en España en 1896 está invitado a Madrid un cura burgalés que nadie conocía de nada”, describe Zarco. Algunos se preguntaban ‘¿quién era?’, y Mariano había sido nada más y nada menos que “el padre del séptimo arte”, sin ser consciente de ello.

“Un hombre ninguneado por su tiempo y olvidado por la historia hasta hoy”, expone Pablo. Y es que el padre Díez falleció en Madrid en 1926 sumido en el olvido, y sus valiosos documentos fueron quemados por la envidia de algunos contemporáneos. Afortunadamente, como atestigua la web de Tardajos, su pueblo ha erigido un monolito con su imagen en su honor, buscando que la memoria del verdadero pionero que regaló el cine al mundo no vuelva a apagarse jamás.

Viaje al país de los blancos es la película que cuenta la historia de Ousman Umar: desde sus recuerdos en aquel pueblo ghanés que lo vio nacer un martes a su llegada a Barcelona, donde solo su propia fortaleza y la empatía y el cariño de otras personas permitieron que pudiera estudiar, fundar una ONG y dar un sonado discurso ante las Naciones Unidas. “Recuerdo perfectamente la primera noche que pasé en una casa y en una cama”, cuenta en su entrevista con Infobae. “Me pasé toda esa noche llorando, preguntándome por qué había sufrido tanto; hasta que entendí que no había logrado llegar vivo por ser más fuerte. Había llegado para cumplir un propósito de vida: ser la voz de los que no llegaron y de los que se siguen muriendo”.

Esa voz llegaría, primero, en forma de un libro homónimo, aunque antes de este ya había hablado con Dani Sancho, un director de cine al que un amigo le había contado su historia, y que no dudó en ponerse en contacto con él para planear la producción que se estrena ahora en cines. “Toda la historia que él contaba, el viaje y lo que le sucedía después en Barcelona, me llegó mucho porque era muy genuino. Él quería conocer mundo, saciar su afán de entender las cosas. Me parecía una premisa muy buena porque era algo universal”.

Hay personas que son “una página en blanco”

En un primer momento, Viaje al país de los blancos podría recordar a otras películas que fijan su mirada en las travesías de las personas migrantes que cruzan el mar de un continente a otro, como Yo Capitán (2023) o Mediterránea (2015). “Queríamos desmarcarnos de ellas e intentar hacer una peli que llegara a todos los públicos”, afirma Dani Sancho. “Si nos centrábamos solo en el viaje, teníamos la sensación de que nos dejábamos una parte muy importante que es cómo llega él aquí, los sueños que no se cumplen y el trato de la sociedad”.

A raíz de esto, la película cuenta con un guion que solo tras mostrarte todos estos elementos te golpea emocionalmente con un final en el que se revelan algunas de las partes más duras del viaje. “Cuando los ciudadanos occidentales andamos por la calle y vemos gente que duerme en la calle o gente que está vendiendo en el top manta, seguramente no estamos pensando en todo por lo que han pasado: son una página en blanco para nosotros”.

Del mismo modo, Umar confiesa en la película que, si él hubiera sabido lo lejos que estaba Europa (su viaje fue de más de 21.300 kilómetros, una distancia mayor de la que hay entre España y Nueva Zelanda), no habría iniciado ese viaje, aunque eso no le quitara todo el derecho del mundo a hacerlo. “Todos tenemos derecho a viajar. Migrar es un derecho”, reivindica. “Seguramente, tú has viajado a muchos sitios fuera de España sin darle explicación a nadie, ¿por qué otros no pueden hacerlo? Si la gente tuviera oportunidades, formación, información adecuada y prosperidad, te aseguro yo que nadie se marcha de la manera en la que nosotros lo hicimos".

Lo difícil que puede llegar a ser contar tu historia

La película cuenta con varias interpretaciones destacables, sobre todo la de Emma Vilasarau (Casa en flames, Los sin nombre), como una mujer que conoce al joven cuando todavía está en la calle y que decide ayudarlo, y la de Benjamin Kakraba, que interpreta al protagonista tanto de niño como de adolescente. “Teníamos clarísimo que lo tenía que hacer él. Es un descubrimiento y tiene un talento increíble”, celebra Dani Sancho. Por otro lado, el director destaca también la valentía de Umar por atreverse a interpretarse a sí mismo, algo que no es muy común pero que sabían que “podía funcionar”.

Es el propio Umar, pues, el que acaba por contarnos su historia sin ahorrarnos las partes de las que, durante mucho tiempo, más se culpó. Por eso, tanto en la ficción como en la realidad, fue tan duro abrirse de ese modo. “No fue nada fácil. Cuando tú eres consciente del esfuerzo que hay que hacer pero de que hay un bien mayor detrás, decides hacer el sacrificio. Pero el golpe emocional me trastocó: nadie es consciente de lo que es y está allí, pero lo hice más allá de mis propios intereses”, asegura.

Tanto para Umar como para Sancho, estas historias son necesarias y faltan todavía muchas por contar. “No podemos castigarnos por no ser capaces de contarlo todo, pero sí creo que se debería girar un poquito la mirada hacia esas realidades, porque no solamente son historias de inmigración, es la historia de nuestra existencia y de la humanidad al completo”, opina el primero. “Hay grandes viajes que están sucediendo constantemente en el planeta”, nos recuerda, por su parte, el segundo. “Grandes viajes, grandes barbaridades e historias que no nos podemos llegar a imaginar”.

“Conocí a la productora de la película justo cuando en mi familia un joven había caído gravemente enfermo. Cuando ella me propuso hacer mi primer largometraje, sentí que solo podría escribir sobre ese drama que acababa de suceder”, reconoce Loquès en su entrevista con Infobae, aunque aclara que no se trata de una historia real como tal. “Él murió dos años después y enseguida comprendí que no iba a contar su historia, la de un joven truncado por la enfermedad, porque era demasiado triste, demasiado doloroso para mí. Es personal, pero no es exactamente la historia que viví. Es como si me hubiese inventado un amigo imaginario al que le ocurriera esto y pudiera salvarlo”. Por ello la directora recurrió a la ficción para, a través de la escritura y las imágenes, dar otro camino a esa historia. “Me sumergí en la ficción, preguntándome si podía reinventar la historia. ¿Se puede partir de la misma situación, una enfermedad que afecta a un joven, y llevar ese punto de partida hacia la luz?”

La respuesta esta en una película oscura en cuanto que transcurre durante la noche parisina, aquella que Nino (Théodore Pellerin), su joven protagonista, comienza a atravesar en busca de algo de luz que le devuelva la esperanza en la vida. “Al principio fue casi una terapia: escribir para ver si, en otras vidas o realidades, la enfermedad podía convertirse para un joven en la oportunidad de revivir o de vivir de forma más intensa, de aportar un valor más precioso a la vida”, explica Loquès, quien unió fuerzas con la guionista Maude Ameline, colaboradora habitual en las películas de otro director de mirada alegre y humanista a pesar de la enfermedad o la tragedia como Mikhaël Hers (Mi vida con Amanda, Los pasajeros de la noche). “Maud llegó al final para intentar crear rupturas de ritmo en la película. Ya estaban los días, el desarrollo, pero intentó que la película no fuera solo una sucesión de escenas. Trabajó para que el relato avanzara de manera interior y psicológica, aunque no fuera evidente. Me gusta su trabajo en las películas de Hers, me interesa mucho esa cronicidad en el cine, aunque es muy difícil de lograr”.

De Claude Sautet a Fontaines D.C.

Con esa cronicidad, Loquès logra articular los tres días antes de Nino, este joven que tiene que reorganizar toda su vida y tomar una serie de decisiones que marcaran por completo esta, no solo el tratamiento del cáncer sino también si quiere congelar su esperma para poder tener hijos el día de mañana. “La idea era que cada escena supusiera un pequeño paso interior más en la psicología de Nino, como en Cleo de 5 a 7, donde el personaje cambia en hora y media. Aquí queríamos que el personaje cambiara un poco en tres o cuatro días", desarrolla la directora, haciendo alusión a una referencia directa de la película de Agnès Varda, pero no la única.

Porque Nino también debe mucho de su estructura y espíritu a Las cosas de la vida, una de las grandes películas del francés Claude Sautet, otra película sobre un hombre repasando su vida y su relación con el amor de su vida, una Romy Schneider que también “revive” en Nino a través de la cita de Loquès. “Es una película que me gusta mucho, me hubiera gustado hasta que Nino se titulase así. Es un momento de la película en el que quería que alguien le dijera: ‘Si quieres inventar tu vida, invéntala’. Romy Schneider encarna esa capacidad de insuflar ficción, belleza, gracia y poesía en la vida”, argumenta la directora, que guarda otra referencia distante en el tiempo pero con un espíritu igual de jovial y optimista, la banda irlandesa Fontaines D.C.

“Me interesaba que el film terminase con una conexión contemporánea. Es un grupo de rock irlandés muy conocido ahora y cuyo álbum salió mientras montábamos la película”, revela la directora, quien pretendía con el tema In the Modern World (Romance, 2024) tender ese puente entre clasicismo y modernidad, pero también ser un documento histórico de su propia época. “Me parecía bien que, dentro de unos años, se pudiera identificar en la película cuáles eran las canciones y películas que acompañaban a la juventud de 2025-2026. Veo muchas similitudes entre la letra de la canción y el estado de ánimo del grupo: buscar amistad y esperanza en medio del desánimo generacional. Me gusta crear puentes entre universos y creadores, y por eso era importante que la película terminase con esa canción”.

La película animada “Toy Story 5” ha alcanzado una recaudación global de 379.241.642 dólares, según cifras oficiales actualizadas de Box Office Mojo. El estreno, realizado en junio de 2026, impacta de manera directa a los estudios Pixar y Disney, al público familiar y a la industria de exhibición internacional, debido a su alto rendimiento económico y a la convocatoria registrada en los principales mercados.

De acuerdo con los datos reportados por Box Office Mojo, la cinta animada obtuvo 227.241.642 dólares en el mercado doméstico de Estados Unidos y 152.000.000 dólares en mercados internacionales. Estas cifras, verificadas por la plataforma especializada en estadísticas de taquilla, fueron confirmadas por medios como Deadline, que ha seguido de cerca el desempeño del filme en las primeras semanas de exhibición y ha informado sobre la evolución de las ventas durante el segundo fin de semana.

La saga Toy Story, inaugurada en 1995, se consolidó como una de las franquicias más rentables de la animación global. El lanzamiento de la quinta entrega se produce en un contexto de fuerte competencia para la taquilla internacional, con múltiples estrenos de alto presupuesto por parte de los principales estudios de Hollywood. El desempeño de Toy Story 5 establece un nuevo punto de referencia para Disney y Pixar en la categoría de animación, según las cifras analizadas por Deadline y Box Office Mojo.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 a nivel mundial?

Box Office Mojo reporta que “Toy Story 5” alcanzó una recaudación global de 379.241.642 dólares al 27 de junio de 2026. El 59,9% de los ingresos proviene del mercado estadounidense, mientras que el 40,1% corresponde a mercados internacionales.

El desglose por territorios, según la misma fuente, es el siguiente:

• Estados Unidos: 227.241.642 dólares
• México: 25.863.000 dólares
• Reino Unido: 20.312.000 dólares
• China: 17.983.000 dólares
• Brasil: 6.539.000 dólares
• Francia: 7.320.000 dólares
• Argentina: 5.392.000 dólares
• España: 5.396.000 dólares
• Corea del Sur: 5.936.000 dólares

Estas cifras consolidan a la película como uno de los estrenos más exitosos del año, según Deadline y Box Office Mojo.

¿Cómo fue el desempeño de Toy Story 5 en su primer fin de semana?

El filme debutó con un ingreso doméstico de 159.677.837 dólares durante su primer fin de semana en Estados Unidos, de acuerdo con Box Office Mojo. En mercados internacionales, el estreno también logró cifras destacadas, superando los 150 millones de dólares en los primeros días de exhibición.

Deadline detalló que el segundo fin de semana registró una disminución del 54% respecto al debut, estimando 70 millones de dólares adicionales en Estados Unidos. El medio especializado indicó que la cifra se mantiene dentro del rango esperado para una franquicia con amplia base de seguidores y fuerte presencia en la cartelera internacional.

¿Por qué Toy Story 5 es importante para la industria cinematográfica?

El éxito comercial de Toy Story 5 refuerza el liderazgo de Disney y Pixar en el sector de la animación. Según Deadline, la película contribuyó a que Disney superara los 3.000 millones de dólares en recaudación global durante 2026, algo que ningún otro estudio ha logrado en el año.

La estrategia de lanzamiento simultáneo en los principales mercados internacionales, junto con una campaña global coordinada por Disney, permitió maximizar la convocatoria en salas y fortalecer la presencia de la marca a nivel internacional. El filme se exhibió en más de 4.400 salas en Estados Unidos y en cadenas de Europa, América Latina y Asia.

¿Cómo se compara Toy Story 5 con otros estrenos animados?

El debut de Toy Story 5 se ubica por encima de la mayoría de los estrenos animados de 2026, según datos de Deadline y Box Office Mojo. La cifra de 159.677.837 dólares en el mercado doméstico supera las aperturas de entregas previas de la franquicia y de otras producciones animadas recientes de Pixar.

En el plano internacional, la recaudación de 152 millones de dólares durante la primera semana coloca al filme entre los títulos más vistos del verano boreal. Analistas de taquilla citados por Deadline destacan la capacidad de Disney para adaptar sus estrategias de distribución, logrando mantener una demanda sostenida incluso frente a la competencia de otros títulos de alto presupuesto.

¿Qué factores contribuyeron al éxito de Toy Story 5?

El rendimiento financiero de Toy Story 5 responde a distintos factores:

• Estrategia de estreno simultáneo en mercados clave.
• Participación de voces icónicas del elenco original.
• Campaña promocional global impulsada por Disney.
• Alianzas con cadenas de exhibición de América Latina, Europa y Asia.
• Distribución en horarios estratégicos y formatos de gran pantalla.

Según Deadline, la película compartió pantallas de gran formato con otros estrenos relevantes, como “Supergirl”, lo que permitió diversificar la oferta en horarios y maximizar la asistencia en salas.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en los principales mercados internacionales?

La información de Box Office Mojo detalla los ingresos de los territorios con mayor convocatoria, entre ellos:

• México: 25.863.000 dólares
• Reino Unido: 20.312.000 dólares
• China: 17.983.000 dólares
• Brasil: 6.539.000 dólares
• Francia: 7.320.000 dólares
• Argentina: 5.392.000 dólares
• España: 5.396.000 dólares

El éxito en estos mercados evidencia la fortaleza de la franquicia fuera de Estados Unidos y la capacidad de Pixar para conectar con audiencias diversas.

¿Qué impacto tiene Toy Story 5 en la agenda de Disney y Pixar?

El desempeño de Toy Story 5 permite a Disney consolidar su liderazgo en recaudación global durante 2026. Según Deadline, la película contribuyó a que el estudio superara los 3.000 millones de dólares en ingresos en lo que va del año, resultado que no ha sido igualado por otros competidores.

La continuidad de la franquicia y su éxito comercial fortalecen la estrategia de Pixar en la industria de la animación, al tiempo que aseguran la viabilidad de futuras producciones asociadas a la marca y el desarrollo de productos derivados.

¿Qué se puede esperar del futuro de Toy Story tras estos resultados?

La tendencia de recaudación de Toy Story 5 sugiere una extensión de la exhibición en salas durante las próximas semanas. Analistas citados por Deadline proyectan que la película podría superar marcas históricas de la franquicia si mantiene el ritmo de asistencia internacional.

El impacto de la cinta se extiende a toda la cadena de valor de la industria cinematográfica, desde la producción hasta la comercialización de productos asociados, reforzando la posición de Disney y Pixar frente a la competencia global.

Christopher Nolan admitió estar ansioso. “Es muy estresante”, dijo el guionista y director sobre el período previo al estreno de una película. “Trabajas en algo durante mucho tiempo, te importa mucho, pero las películas pertenecen al público. Así que, en cierto modo, es algo subjetivo”.

Su tensión era especialmente aguda unas semanas antes del estreno, el 17 de julio, de La Odisea, su última adaptación de alto riesgo tras el éxito de Oppenheimer, su película biográfica de 2023, que ganó numerosos premios Óscar. “Fue una tarea titánica, sin duda”, dijo Nolan sobre la adaptación del monumental poema de Homero a la pantalla. “No creo que me hubiera sentido preparado para dirigir esta película hasta ahora”.

La primera película comercial filmada completamente en IMAX, La Odisea, es una epopeya de espadas y sandalias de tres horas como las que ya casi no se hacen, rodada en seis países con un elenco y equipo de miles de personas, y con efectos prácticos en lugar de CGI completo. Está protagonizada por figuras habituales de Nolan como Matt Damon como Odiseo y Anne Hathaway como su esposa, Penélope, así como por nuevos y a veces inesperados actores: Tom Holland como su hijo; John Leguizamo como un porquero ciego; el rapero Travis Scott como un bardo. Las proyecciones en IMAX comenzaron a agotarse hace casi un año.

“Quería hacer una película muy accesible”, dijo Nolan. Pero los desafíos fueron enormes, requiriendo una nueva ingeniería y coreografía. Para Nolan y su director de fotografía, Hoyte van Hoytema, IMAX inventó un “sistema de dirigible”, explicó Nolan, para proteger y maniobrar su enorme y ruidosa cámara; los miembros del reparto usaban espejos para verse entre sí alrededor del equipo. “A mitad del rodaje, Hoyte y yo nos miramos y nos dimos cuenta: ‘Sí, esto va a funcionar’”, dijo Nolan.

En una reciente entrevista en las oficinas de su publicista en SoHo, Nolan, que cumplirá 56 años en julio, miró de reojo las estanterías ordenadas por colores. Su colección de libros en casa, según él, es un auténtico desastre, impulsado sobre todo por su esposa, Emma Thomas, su novia de la universidad, quien también es su productora desde hace mucho tiempo y la madre de sus cuatro hijos. “Ella lee cinco libros por cada uno que leo yo”, dijo. “Ojalá pudiera leer así de rápido”.

Al desarrollar La Odisea, leyó ”más traducciones de las que quisiera recordar”, dijo, y se dio cuenta de que “es el texto original. Está presente en todo lo que he hecho antes”.

Con fama de ser uno de los grandes puristas del cine —ni siquiera usa un diccionario de sinónimos (“no me ayuda a escribir”)—, podría parecer intimidante. Pero en persona era afable, y dedicaba tiempo a charlar mientras tomaba té de un termo que rellenaba; una especie de puntuación a sus pensamientos. A continuación, presentamos extractos editados de nuestra conversación.

—Llevas mucho tiempo interesado en hacer esta película. ¿Cuál fue tu conexión inicial con el material?

—Es una historia que siempre ha estado presente en mi mente, y que he recibido de muchas maneras diferentes. Uno de mis primeros recuerdos de la historia es estar en la escuela primaria en Londres, probablemente a los 5 o 6 años, y ver a los niños mayores representar una obra de teatro. Recuerdo el caballo —seguro que era algún tipo de artilugio de cartón sobre un carrito— y las sirenas, sobre todo. Nunca me he sentado a leerlo. Muchos jóvenes de este país parecen estar muy familiarizados con él. Lo cual es estupendo, pero también un poco intimidante.

—¿Cuántas versiones del guion escribiste?

—No suelo escribir mucho. Adaptando una historia muy académica de Oppenheimer —bellamente escrita, pero de 700 páginas, muy densa— el enfoque para La Odisea fue algo similar, en el sentido de que la leí y luego tomé muchas notas de memoria. Tiendo a pensar en términos geométricos, en términos matemáticos. Hago muchos diagramas, muchos garabatos y bocetos durante meses y meses, antes de permitirme escribir. Luego —supongo que irónicamente para alguien que se asocia con enfoques no lineales— escribo de una manera muy intensamente lineal. Empiezo en la página 1 y simplemente sigo adelante.

—Si mirara tu escritorio, ¿estaría lleno de cosas?

—Sí, es como Una mente brillante, llena de papeleo, tablones de anuncios, cronogramas, flechas y figuras en bucle. Hay un enfoque de diagrama de Venn para el punto de vista. Me gusta hacerlo antes de empezar a escribir, porque escribir me resulta muy difícil. Cuando escribo las palabras, intento descubrir a los personajes a través de ellas.

—¿De niño te gustaba crear mundos imaginarios?

—Sin duda, dediqué mucho tiempo a mi imaginación, y siempre me encantó ese aspecto del cine: una película que te transporta a un lugar completamente distinto. La primera Star Wars de George Lucas —de niño, creo que la vi doce veces en el cine—. Para mí, esa era la esencia de este medio: crear un mundo entero que puedas comprender y en el que puedas vivir, un mundo totalmente diferente de la vida cotidiana. Esa es la gran alegría del cine.

—Y ese es el atractivo de IMAX, ¿verdad?

—Mis recuerdos del cine cuando era niño son de pantallas gigantescas, y para mí, como adulto, uno intenta volver a eso. Intentar que el público se sienta en la cubierta del barco con Odiseo o en la cueva con el Cíclope. IMAX te ofrece ese lienzo grandioso. Me encanta el formato para eso. Los paisajes son asombrosos, pero los rostros son simplemente extraordinarios. Pondría sin piedad a Cillian Murphy [quien interpretó a Oppenheimer] bajo la mirada de esa cámara, pero hay algo tan intenso, tangible y gratificante en ver rostros humanos filmados de cerca de esa manera.

—¿Otros cineastas te preguntan cómo sacarle el máximo partido a la tecnología IMAX?

—Ryan Coogler me llamó antes de comprometerse con IMAX [para Sinners]. Creo que Dunkirk [2017] fue la primera vez que lo arrastré a una proyección de una copia original en IMAX. Me encanta mostrarles a los cineastas el potencial del formato. Así que me llamó cuando estaba preparando la película, pero en realidad creo que buscaba a alguien que le dijera que no era una locura rodar su película de vampiros de esa manera. Yo le dije: “No, me encantaría verla”. Una de las mayores satisfacciones de mi carrera ha sido formar parte de la evolución del sistema cinematográfico. Mi entusiasmo por haber terminado la película íntegramente en IMAX radica en preguntarme qué otros cineastas querrían hacer lo mismo. Me encantaría ver la película de otros cuando la realicen de esta manera.

—¿Qué películas viste como inspiración?

—Andrei Rublev [1966] de Andréi Tarkovski causó una gran impresión en todos; las texturas son realmente notables. Una de las películas que proyecté a modo de prueba, sin saber muy bien si sería relevante, fue Ran [1985] de Akira Kurosawa. Está filmada de una manera muy diferente, pero existe una relación entre el entorno y el viento. Ahora que veo nuestra película terminada, creo que tuvo una gran influencia.

—¿Tenías alguna imagen en mente antes de empezar?

—Dos que me han acompañado durante mucho tiempo: el caballo a punto de ser arrastrado por la marea, como ladeándose, como si fuera lo último que uno pensara que alguien [estaría] dentro, o que estuviera destinado a ser arrastrado hacia la ciudad. No suelo pensar en imágenes con fines puramente visuales. En lugar de hacer algo así como un caballo sobre patines, todo se trataba de presentar al caballo de una manera que un público completamente familiarizado con la historia pudiera ver cómo funcionaría de forma realista. Y también —no recuerdo cuál fue mi inspiración original— la idea de un soldado decapitando una estatua. Eso se volvió muy importante narrativamente.

—En una ocasión describiste a Oppenheimer como alguien que sabía motivar a los demás “a través de la teatralidad de su personalidad”. Podría decirse lo mismo de Odiseo. Parece haber muchos paralelismos.

—Cuando terminé la película, me impactó mucho eso. En cada película que hago, me gusta dejar preguntas o temas sin respuesta que pueda retomar en la siguiente. Hay muchas ideas sobre el liderazgo, las motivaciones contradictorias, los defectos de las personas, esa idea de cómo las mejores intenciones pueden salir terriblemente mal. Odiseo es un personaje muy complejo: un embaucador, alguien inteligente y astuto. En términos de Star Wars, es Han Solo, pero Han Solo no es el héroe de Star Wars, es Luke Skywalker.

—Tampoco rehúyes la idea de retratar su arrogancia e impetuosidad.

—[riendo] Aquí es donde se llega a Oppenheimer.

—¿Cómo describirías tu propio enfoque ante el riesgo?

—Soy muy, muy precavido. Siempre veo que todo puede salir mal. Soy ese tipo de persona.

—Un observador externo podría analizar tu trayectoria y tus innovaciones de la misma manera que el personaje de la película desea ser el primero en experimentar algo, aunque sea extremadamente difícil. He visto a tus productores describirte como una persona reacia al riesgo y responsable. Y, sin embargo, en pantalla, das pasos agigantados.

—Creo que tu pregunta se centra más en el riesgo creativo. Si te interesan de verdad las películas y su historia, lo que sin duda se ve es que hay que arriesgarse para triunfar. El mayor riesgo de todos es ir a lo seguro. Eso es lo que, sistemáticamente, no funciona en las películas comerciales. El público busca algo nuevo. Lo que quiero decir es que no lo veo como algo arriesgado. Recuerdo una conversación con Emma cuando le mostré por primera vez el guion de Memento [la película que lanzó a la fama a Nolan en 2000], estructurado al revés y todo. Le gustó el guion, pero sentía que implicaba mucho riesgo, una gran responsabilidad. Y pude decirle: No, puedo hacerlo. Hay muchos cineastas que pueden hacerlo de una manera más directa. De hecho, aportar algo nuevo reduce el riesgo y te permite diferenciarte. Luego intentamos vendérselo a gente que no lo entendió, así que tenía toda la razón. Pero al final llegó a un público y el público lo apreció. El riesgo está en los intermediarios: los financistas, el estudio. Si logras llegar al público... quiero decir, no estoy haciendo predicciones sobre esta película, pero en el pasado hemos sido bien recompensados por tener fe en el público.

—Al ver la película, reflexioné mucho sobre los orígenes clásicos de la hospitalidad, o la “Ley de Zeus” en la historia, y cómo funciona en nuestra era actual, tan dividida.

—La grandeza del poema reside en que uno se acerca a estas cosas como si fueran extrañas y antiguas, y luego, al explorarlas, de repente se vuelven sorprendentemente relevantes. La ley de Zeus, la Regla de Oro —trata como quieres ser tratado—, con un fundamento teológico en su mundo, sugiere que uno podría ser un dios disfrazado. En ese mundo, se trata claramente de supervivencia básica. Si sales de casa durante más de un par de días, por definición te estás poniendo a merced de extraños. Es la única forma en que la sociedad puede funcionar. Eso se volvió fundamental para la película, y en cuanto empiezas a analizarlo en profundidad, te das cuenta de que nada ha cambiado. Eso es todo lo que mantiene unida a la civilización, o incluso lo que la define.

—¿Había alguna moraleja que quisieras transmitir al público? ¿Sobre todo al presentarla como una gran película comercial?

—Absolutamente, al cien por cien. Pero no quiero expresarlo con palabras. Quiero que la gente lo experimente a través de la película. La historia me conmueve profundamente desde un punto de vista ético. Espero que el público sienta lo mismo que yo.

—¿Esa es una de las razones por las que te sentiste tan atraído por ello en este momento?

—Creo que sí, pero no lo sabía al principio. Como cineasta, tienes que actuar de forma impulsiva. Buscaba desafiarme con un tipo de narración completamente diferente y buscaba un vacío en la cultura. Estoy analizando la mitología griega, la propia Odisea, ¿por qué no se ha convertido en parte del cine moderno? Eso es muy emocionante para un cineasta. Luego, al profundizar, ¿qué hay ahí para engancharse? La Odisea, al igual que Oppenheimer, la razón por la que son grandes historias es que tienen estas resonancias, estos problemas complejos, dilemas éticos. Trata sobre situaciones imposibles. Eso es lo que hace que una historia sea magnífica.

—Cuando estás trabajando en algo, ¿sueñas con ello?

—Tiendo a soñar más con el proceso, lo cual es horrible. Sueños terribles de ansiedad en los que, ya sabes, el día casi termina y no hemos tenido ni una sola oportunidad. No son sueños muy útiles. Cuando escribo, tiendo a soñar más con la historia en sí.

—Me resulta un tanto sorprendente que, entre todos los cineastas, tú sigas despertándote empapado en sudor frío.

—Bueno, es parte de ver todo lo que puede salir mal. Pero una de las funciones de los sueños es esa: anticipatoria. Te advierten de algo, tu subconsciente te lo dice. A menudo, si no puedo dormir antes de un rodaje —tengo muchas noches de domingo difíciles— es porque no he organizado bien el trabajo de la semana. Te quedas despierto toda la noche procesando cosas que tal vez no tuviste tiempo de procesar la semana anterior. Así que cada vez le veo más utilidad, y me tranquiliza la tensión, si me entiendes.

—Cambiando un poco de tema, hablemos de la tensión real que se vive en su industria, que atraviesa un momento de contracción. El año pasado fue elegido presidente del Sindicato de Directores de Estados Unidos. ¿Cuál considera que es su principal misión?

—Para ayudar a los miembros del DGA: directores, directores asistentes, jefes de producción y jefes de escena. La mayoría trabaja en televisión. Y no se trata de un momento de contracción: la producción televisiva alcanzó su punto máximo en 2016. Esta ha sido una contracción prolongada. Los directores de series de televisión estamos lidiando con un 50% de desempleo en este momento. Es espantoso. Lo que realmente se necesita es un incentivo fiscal federal . Y mi intención es tratar de involucrar a los estudios y presionar desde un punto de vista empresarial. Necesitamos que la producción regrese a Estados Unidos. Es muy, muy importante.

—Históricamente, no has sido usuario de teléfonos inteligentes. ¿Te consideras una persona tecnófoba?

—No. Me considero un tecnoescéptico. La razón por la que sigo filmando en película es porque representa mejor la forma en que el ojo ve el mundo que cualquier sistema de imagen digital que haya visto, y los he analizado todos con mucho cuidado. El color analógico es diferente al color digital, así que para mí lo importante es tener la opción. Pero siempre he editado mis películas digitalmente; usamos gráficos por computadora como parte de nuestro proceso de efectos visuales. Siempre estoy al tanto de las nuevas tecnologías, pero suelen venderse a costa de sistemas que aún podrían ser válidos y viables. Eso es lo que vi en mi industria: desechar lo bueno junto con lo malo. ¡Casi perdemos el cine!

El comediante y cineasta ha estado esperando este hito. A principios de este año, Judd Apatow tituló su documental retrospectivo sobre él: Mel Brooks: ¡El hombre de 99 años! “Nací para hacer reír a la gente”, dice Brooks en la película. “Así que eso es lo que hago”.

Brooks nació como Melvin Kaminsky en Brooklyn, Nueva York, el 28 de junio de 1926. Después de servir en el Ejército durante la Segunda Guerra Mundial y actuar en el Borscht Belt, Sid Caesar lo contrató como guionista. En su programa Show of Shows, Brooks conoció a Carl Reiner, quien se convertiría en su amigo de toda la vida y con quien creó los sketches del “hombre de 2000 años”.

Reiner solía bombardear al anciano de Brooks con preguntas sobre cómo era Jesús. “Jesús… sí, sí“, respondía Brooks. “Un muchacho delgado. Llevaba sandalias. Siempre andaba por ahí con otros 12 tipos”.

Brooks llegó a protagonizar comedias clásicas como Los productores, Blazing Saddles, El joven Frankenstein y Alta ansiedad. Todo comenzó, según contó Brooks a Testa agencia en 2021, con su infancia en Williamsburg, Brooklyn.

“Quería que la fiesta siguiera. Quería que la felicidad, la alegría y las carcajadas nos acompañaran en una etapa más sombría de nuestras vidas, cuando ya no éramos niños”, recordó Brooks. “Una vez me entrevistaron y el reportero me preguntó: ‘¿Cuál fue el momento más feliz de tu vida? ¿Fue ganar el Premio de la Academia? ¿Fue casarte con Anne Bancroft?'. Le respondí que no, para nada. Fue mi infancia. Desde los 4 o 5 años hasta los 9, fue la vida más emocionante, feliz y alegre que alguien podría experimentar.

El reportero preguntó: “¿Qué pasó a los 9 años?”. Le respondí: ‘La tarea’”.

En abril, Brooks envió un mensaje de video a Eddie Murphy para homenajearlo con motivo de su Premio AFI a la Trayectoria. En mayo, anunció que donaría miles de sus documentos y fotografías al National Comedy Center en Jamestown, Nueva York.

“Siempre me he enorgullecido de decir que me gano la vida haciendo reír a la gente”, dijo Brooks entonces en un comunicado. “Por eso, saber que mi trabajo tendrá un hogar en el archivo nacional de la comedia y seguirá haciendo reír a la gente me llena de un profundo orgullo”.

Brooks también se ha burlado en ocasiones de la mortalidad. En un sketch de la década de 1980, creó para sí mismo una lápida que funcionaba con monedas y reproducía un mensaje grabado en video. Comenzaba así: “Yo fui Mel Brooks, uno de los judíos más graciosos que han pisado la Tierra".

Cuando se le preguntó en esa entrevista de 2021 si pensaba mucho en la muerte, Brooks respondió que no. “Dejé de pensar en eso después de cumplir 60 años, porque, si lo hiciera, estaría pensando en ello todo el tiempo. Así que no pienso mucho en eso. Cuando suceda, si es que sucede, será un día triste —para todos menos para mí—“, dijo Brooks, riendo. “Disfruto de la vida”, agregó. “Me gustaría seguir así todo el tiempo que pueda”.

Fuente: AP.

Fotos: HBO; Warner Bros, archivo y EFE/ Facundo Arrizabalaga/ archivo.

Álex de la Iglesia va a dirigir en 2027 su primera animación, una película de terror 3D para adultos basada en la obra de H.P. Lovecraft titulada Ages of Madness: The Howling of the Jinn (Edades de la locura: El aullido de los genios), ejercicio “complicadísimo” al que se asoma “con mucho respeto”, ha asegurado.

El creador de El día de la bestia, La comunidad o Balada triste de trompeta interpreta precisamente a un director de cine en Minions&Monsters, que se estrenará el próximo 1 de julio en cines, una película que para él es una genialidad, la mejor de la saga, y que ha presentado esta semana.

Él mismo entrará en el universo del dibujo animado para adultos, por primera vez como realizador y productor, ha confirmado en declaraciones tras el comunicado adelantado este miércoles por la productora canaria 3Doubles (Heidi: El rescate del lince), con los que trabajará en este proyecto junto a Sumendi Uhartea y Pokeepsie Films, la productora que dirige con Carolina Bang, su mujer.

“El universo de H.P. Lovecraft llega a la gran pantalla en 3D, con la grotesca y fascinante estética que solo un maestro como De la Iglesia puede entregar. Cuatro eras, un libro prohibido y un antiguo caos a punto de ser desatado", asegura el estudio de animación.

De la Iglesia ha explicado que “siempre” ha tenido en la cabeza la posibilidad de hacer animación. “Antes de hacer películas dibujaba monstruos”, resalta en el comunicado, en el que resalta que con esta película va a reconectar con sus raíces con un proyecto que le devuelve el entusiasmo del primer día haciendo películas.

Pero, como ha advertido, la animación es un campo al que le tiene “un inmenso respeto”. “O sea, me parece complicadísimo, sobre todo técnicamente”, ya que exige “un ‘story board’ completísimo”, ha detallado.

“Y sobre todo, no cambiar de idea, o sea, tú no puedes decir, espera, vamos a hacer otra toma. Has hecho una y esa es la que va. Pero voy a intentar hacer una de adultos, una de terror”, ha remarcado el cineasta.

“En el terror están los mejores directores”

Este género a su juicio es “el más interesante” que se hace en la actualidad en cine, también en acción real, con ejemplos como Backrooms, Obsession o las películas del director Ari Aster (Midsommar y Hereditary).

“Los mejores directores están en el terror ahora, porque es el género más libre, que no tiene ningún tipo de atadura, que puedes hacer lo que quieras”, ha opinado De la Iglesia.

Un género en el que los personajes “pueden ser buenos, malos, regulares, como te dé la gana” y sin condiciones. “Y, sobre todo, la audiencia está acostumbrada a mucha mayor libertad narrativa. En otros estás atado a unas variables que no son cinematográficas. En el terror solo hay cine”, ha remarcado.

Fiel a este gusto, De la Iglesia va a ser además padrino oficial de MadHorror, un festival de terror que se celebrará en septiembre en Madrid.

Fuente: EFE

El segundo tráiler de la película Spider-Man: Brand New Day consiguió 590,8 millones de visualizaciones en su primera semana, según el monitoreo de la consultora digital WaveMetrix. El avance, lanzado el 17 de junio, se ubicó como el segundo más reproducido a escala mundial, detrás únicamente del primer adelanto de la misma producción, que superó los 1.000 millones de vistas en cuatro días. El fenómeno impacta a la industria del cine y redefine las estrategias de promoción en plataformas digitales para grandes estudios como Sony Pictures y Marvel Studios.

De acuerdo con Deadline, la cifra alcanzada por el segundo avance fue certificada por WaveMetrix, empresa encargada de medir la repercusión de lanzamientos audiovisuales. Deadline destaca que el primer tráiler de “Spider-Man: Brand New Day”, difundido en marzo, estableció una marca sin precedentes para la industria, superando el millar de millones de reproducciones en menos de una semana. Ambas cifras han situado a la película como un caso de referencia en campañas de marketing digital de alto alcance.

Según información oficial de Sony Pictures y Marvel Studios, la película protagonizada por Tom Holland y Zendaya llegará a los cines el 31 de julio. El filme inicia una nueva etapa para el personaje de Peter Parker y suma la participación de Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal, Tramell Tillman, Michael Mando y Mark Ruffalo. El proyecto fue dirigido por Destin Daniel Cretton y cuenta con la producción de Kevin Feige, Amy Pascal, Avi Arad y Rachel O’Connor.

¿Cuántas vistas tuvo el segundo tráiler de Spider-Man: Brand New Day?

El segundo tráiler de Spider-Man: Brand New Day acumuló 590,8 millones de visualizaciones en su primera semana, de acuerdo con la consultora WaveMetrix y reportes publicados por Deadline. El registro posiciona este avance como el segundo más visto de la historia, solo superado por el tráiler inicial de la misma película, que alcanzó 1.000 millones de vistas en cuatro días.

La cifra fue avalada por medios especializados como ComicBook.com y WDW News Today, que citaron a WaveMetrix como la fuente principal de la medición. Según información de la consultora, el conteo abarca reproducciones en plataformas de video y redes sociales, tanto en canales oficiales de Sony Pictures como en otras cuentas verificadas.

¿Quién certifica los récords de visualizaciones de tráilers?

La auditoría de visualizaciones en lanzamientos digitales de la industria cinematográfica está a cargo de firmas especializadas como WaveMetrix, modelo seguido por estudios y medios internacionales. Deadline informó que WaveMetrix se especializa en el análisis de datos de consumo digital, utilizando herramientas que contabilizan vistas orgánicas y pagas, con especial atención al comportamiento durante la primera semana después del lanzamiento.

En declaraciones recogidas por ComicBook.com, WaveMetrix explicó que “el segundo tráiler alcanzó 590,8 millones de vistas en siete días”, confirmando el liderazgo de la película en el ranking histórico de visualizaciones.

¿Qué cifras de visualizaciones y preventa se registraron en Estados Unidos?

En Estados Unidos, el impacto del segundo tráiler de Spider-Man: Brand New Day se reflejó tanto en las cifras de visualización como en la venta anticipada de boletos. Deadline informó que la preventa de entradas en territorio estadounidense durante el primer día superó los 78 millones de dólares, una cifra que no se alcanzaba desde el estreno de “Spider-Man: No Way Home” en 2021. Este volumen de ventas posicionó a la nueva entrega como el estreno con mayor preventa en los últimos cinco años para el mercado norteamericano, según datos oficiales de Sony Pictures.

Las visualizaciones del tráiler en plataformas estadounidenses contribuyeron de manera significativa al total global, según WaveMetrix. Los canales oficiales de Sony Pictures y Marvel Studios en Estados Unidos reportaron millones de reproducciones en las primeras horas, impulsando la tendencia en redes sociales y posicionando el avance entre los contenidos más populares del país.

La estrategia de lanzamiento incluyó colaboraciones con cines estadounidenses y campañas específicas para el público local, de acuerdo con la información difundida por la productora. Además, los protagonistas del filme, Tom Holland y Zendaya, participaron en eventos presenciales y entrevistas en medios estadounidenses durante los días posteriores al lanzamiento del tráiler.

¿Por qué el segundo tráiler de Spider-Man: Brand New Day batió récords?

El éxito del segundo tráiler de Spider-Man: Brand New Day se atribuye a varios factores, entre ellos la consolidación de la franquicia en el mercado global y la estrategia de promoción coordinada por Sony Pictures y Marvel Studios. Deadline informó que el adelanto se lanzó el mismo día que comenzó la preventa de entradas para el estreno mundial, lo que potenció la difusión y el interés de los seguidores.

Las cifras de preventa también fueron destacadas por Deadline, que indicó que “el primer día de preventa superó los registros de los últimos cinco años, con valores superiores a los 78 millones de dólares en entradas anticipadas, una marca que no se alcanzaba desde el lanzamiento de Spider-Man: No Way Home en 2021”.

La campaña de promoción incluyó una gira de los protagonistas, Tom Holland y Zendaya, por ciudades como Roma y París, según confirmó Sony Pictures, buscando reforzar el impacto internacional del filme.

¿Qué se sabe del estreno de Spider-Man: Brand New Day?

La fecha de estreno internacional de Spider-Man: Brand New Day está fijada para el 31 de julio, según detallaron Sony Pictures y Marvel Studios en sus comunicados oficiales. La película se distribuirá en salas de cine de América, Europa y Asia, con funciones especiales y eventos de lanzamiento en ciudades seleccionadas.

El filme representa una nueva etapa para el personaje de Peter Parker, quien deberá enfrentar las consecuencias de vivir en un mundo donde nadie lo recuerda. La historia cuenta con la incorporación de nuevos personajes y la participación de actores como Sadie Sink, Jon Bernthal y Mark Ruffalo, bajo la dirección de Destin Daniel Cretton.

¿Cuál es el impacto de este récord en la industria del cine?

El doble récord logrado por los tráilers de Spider-Man: Brand New Day evidencia el alcance global de las franquicias de superhéroes y la penetración de las campañas digitales en la promoción de películas. Según WDW News Today, la producción se convirtió en el primer filme con dos avances en los primeros puestos del ranking histórico de visualizaciones, por encima de otras sagas como “Avengers” y “Star Wars”.

La tendencia refuerza la importancia de los tráilers como herramienta de marketing y la capacidad de las plataformas digitales para viralizar contenido en cuestión de horas. Analistas citados por Deadline aseguran que estos resultados influyen en la planificación de futuras campañas y pueden modificar los calendarios de estrenos de las grandes productoras.

¿Qué datos comparativos existen con otros tráilers recientes?

El segundo avance de Spider-Man: Brand New Day superó ampliamente el desempeño de lanzamientos recientes de otras franquicias, según datos de ComicBook.com y Dark Horizons. Por ejemplo, los tráilers más vistos de sagas como “Avengers: Endgame” y “Star Wars: The Force Awakens” no superaron los 300 millones de vistas en su primera semana, cifra muy inferior a la alcanzada por la nueva entrega del universo arácnido.

La diferencia se explica por el crecimiento exponencial del consumo de video en plataformas digitales y la estrategia de promoción simultánea en múltiples mercados. Deadline resaltó que “el fenómeno registrado por la nueva entrega de Spider-Man establece un nuevo parámetro de referencia para futuras campañas en la industria”.

¿Qué estrategias de promoción utilizaron Sony Pictures y Marvel Studios?

La promoción de Spider-Man: Brand New Day combinó el lanzamiento estratégico del tráiler con la apertura de la preventa de entradas y la realización de una gira internacional con los protagonistas. Sony Pictures confirmó que la gira incluyó presentaciones en Roma y París, y proyecta continuar en otras ciudades antes del estreno.

El diseño de la campaña contempló la presencia de actores clave en entrevistas y eventos, así como la difusión de material exclusivo en redes sociales. La sinergia entre promoción y contenido exclusivo fue señalada por Deadline como uno de los factores que favorecieron el alto volumen de visualizaciones y la viralización del tráiler.

¿Qué se puede esperar tras el récord del segundo tráiler?

El desempeño del segundo tráiler anticipa una alta demanda de entradas para el estreno mundial de Spider-Man: Brand New Day, según proyecciones de la industria recogidas por Deadline. El dato será observado por estudios y analistas como un indicador de tendencia para futuras estrategias de promoción en el sector audiovisual.

El impacto del récord de visualizaciones en la preventa de boletos y la recaudación definitiva dependerá del comportamiento del público en las semanas previas y posteriores al lanzamiento.

Se acaba el mes de junio, en el que se han estrenado un buen número de películas que han animado la taquilla y la conversación cinematográfica, que nos llevan desde las grandes superproducciones a las películas independientes de referencia.

Así, frente al fenómeno de Backrooms, de Kane Parsons, hemos podido ver El día de la revelación, de Steven Spielberg, y Toy Story 5, tres de las películas más esperadas del año.

Por eso, no deja de resultar significativo que la última semana del mes se cierre de nuevo con otra pugna entre un blockbuster de superhéroes y la que se ha convertido en la película de culto inmediata de la temporada, Obsession, de Curry Barker.

‘Supergirl’: la esperanza femenina de DC

Supergirl llega a la cartelera con la expectativa de igualar los números de la que fue la película inaugural del nuevo universo DC instaurado por James Gunn, es decir, Superman.

La película convierte a Kara Zor‑El en protagonista de una historia autónoma: unirá fuerzas con la adolescente alienígena Ruthye (Eve Ridley) para perseguir al villano Krem (Matthias Schoenaerts), un traficante intergaláctico de mujeres que también ha secuestrado a Krypto, el perro de la heroína.

Una película dirigida por Craig Gillespie (Yo, Tonya) y protagonizada por Milly Alcock y Jason Momoa como Lobo, un cazarrecompensas de físico imponente.

‘Obsession’: la película de terror del año

Por otro lado, se estrena Obsession, que junto a Backrooms han redefinido el cine de terror del año gracias a sus propuestas repletas de originalidad, en las que crean mitologías propias y que, además, han resultado de lo más rentables, ya que el coste de su producción, en especial el de la película de Curry Barker, ha sido ínfimo.

En ella se ‘reformula’ el clásico relato de La pata de mono, un talismán a través del que se podían pedir deseos, para hablar de las relaciones tóxicas en la actualidad.

El protagonista de la película, pedirá que su amiga Nikki lo quiera por encima de todas las cosas y, lo que en principio debería haberse convertido en una fantasía masculina ‘incel’, se trasformará en pesadilla.

Una película que utiliza los moldes de la comedia romántica para pasarla por los filtros del terror, que rezuma inteligencia a la hora de abordar el amor a través de la manipulación contando con buenas dosis de humor y muy mala leche.

Otros estrenos de todos los géneros

También se estrenan varias películas españolas, entre ellas, Viaje al país de los blancos, basada en la historia real de Ousman Umar, un joven procedente de Ghana que abandona su país para llegar a Barcelona y descubrir que la vida en ‘el país de los blancos’ no era como imaginaba.

Además, Morir no siempre sale bien, una comedia negra dirigida por Claudia Pinto (Las corrientes), en la que, tras un despido improcedente, una familia decide secuestrar el cadáver de su antiguo jefe y pedir un rescate. Protagonizada por Tamara Casellas, Ana Wagener, Juan Carlos Vellido y Paula Muñoz.

Para los amantes del ‘gamberrismo’, nada mejor que Jackass: Lo mejor para el final, quinta entrega de la saga capitaneada por Johnny Knoxville junto a sus secuaces dispuestos a hacer las mayores locuras y salvajadas que uno pueda imaginar.

Dentro del ámbito del cine de autor, tenemos Nino, de Pauline Loquès, cuyo protagonista, Théodor Pellerin ganó el Cesar al mejor actor revelación y su directora el premio a la mejor ópera prima. Una de las películas francesas del año que gira en torno a un joven al que le diagnostican un cáncer avanzado.

Por último, para los amantes de las adaptaciones cinematográficas de lujo, Pálida luz en las colinas, basada en un libro del Premio Nobel de Literatura Kazuo Ishiguro y para los fans de las películas de época, Los últimos días de María Antonieta, con Guillaume Canet y Mélanie Laurent.

Es 2026 y Arabia Saudí sigue rompiendo barreras. Haifaa al-Mansour (Al Zulfi, Riad, 1974) lo hizo en 2012 y lo ha vuelto a hacer ahora. Hace catorce años, la primera mujer directora del país rodó su primera película, La bicicleta verde, aún cuando no existían las salas de cine —prohibidas desde los años 80 bajo la presión de los islamistas radicales, el veto se levantó en 2018—. Para rodarla, tuvo que esconderse en una furgoneta y comunicarse con sus actores a través de walkie talkies.

Si la protagonista, Wadjda, solo quería hacer algo tan prohibido como montar en bici, Haifaa solo quería rodar. El debut de Al-Mansour fue revolucionario porque no solo dirigía una mujer, sino que por primera vez, se concedía una licencia para filmar íntegramente en el país. Además, la película llegó en medio de la ola de protestas de la llamada Primavera Árabe. Tras su debut en el Festival de Venecia, la película hizo historia con una decena de premios. La cineasta estrena su quinta película, que cierra la trilogía de mujeres iniciada con La bicicleta verde (2012) y continuada con La candidata perfecta (2019). “Siempre contaré historias sobre mujeres fuertes de Arabia Saudí”, asegura a Infobae. El tríptico se cierra con La mujer sin nombre, en cines desde este viernes 26 de junio.

En su nueva producción, que de nuevo ha contado con financiación del Gobierno y repite su filmación en el país, sigue las pesquisas de Nawal (Mila Al Zahrani), una mujer divorciada y amante de los true crime —que sigue a través de una cuenta de TikTok— que trabaja como secretaria en una comisaria. Cuando aparece el cadáver de una joven al que nadie reclama, Nawal se obsesiona con descubrir la verdad.

Al-Mansour se vale del thriller para retratar las contradicciones de la sociedad saudí, aún con un final que deja la boca abierta a muchos y con un mal regusto a otros. Un deselace que reconoce, sabe que no todo el mundo ha entendido. “Hay mucha gente que no quiere ver a mujeres así. Les resultan amenazantes y no saben qué hacer con ellas”, apunta.

“Al intentar hacer una película como esta, simplemente intento ser fiel a mí misma y decir cosas que realmente significan mucho para mí”, apunta. “Soy una persona muy progresista en Arabia Saudí y siempre haré comentarios sobre la tradición y sobre la forma en que llevamos nuestras vidas. Pero no busco el conflicto. No estoy ahí para enfrentarme a nadie, sino para hacerme un hueco y contar mi historia”. Así es como, asegura, se le ha permitido seguir rodando en su país y recibir financiación para películas que aspiran a “abrir la mente e inspirar a la gente”.

Entre ellas, critica a las limitaciones de las mujeres en una sociedad extremadamente patriarcal en la que se antepone ser madre y esposa ante cualquier cosa. “Nawal es una mujer moderna en una sociedad que le ha quitado todo”, cuenta sobre la protagonista, que además de estar separada de su marido también ha perdido un bebé. “La sociedad lo basa todo en ser esposa, hija y madre, y ella no tiene nada de eso. No es nadie. La gente quiere que desaparezca, pero ella se niega. Y por eso en cierto modo, la encuentro inspiradora”.

En una sociedad marcada por el control y el peso de la vergüenza -el asesinato de la joven queda enmarcado como un crimen de honor, justificado bajo la creencia de que la víctima ha manchado o deshonrado el honor y la reputación de su familia-. “La vergüenza es un arma en Oriente Medio”, sostiene. “Lo triste es que las propias mujeres también acaban adoptando esa mentalidad”. De ahí que, explica, en la ficción nadie parezca interesado en reclamar el cuerpo de la víctima. “Es más fácil asesinar a una mujer porque nadie quiere un escándalo. Si matan a un hombre, todo el mundo se pregunta qué ha pasado”. La también guionista encuentra un hueco para criticar la presión que opaca las vidas de estas mujeres. “Si una persona supera los 25 o 30 años y no se ha casado, es como si fuera el fin del mundo”, afirma, cuando se le pregunta cuán de importante sigue siendo esta tradición en Arabia Saudí.

“La vergüenza es un arma en Oriente Medio”

Hija de un Abdul Rahman Mansour, poeta, y Bahia Hamad Al-Swayegh, trabajadora social, la vida de Al-Mansour no fue como la de las demás mujeres. Creció como la octava de doce hermanos (todos de los mismos padres) y con un padre que le cautivó el amor por el cine gracias a las cintas VHS que veían en casa. Al contrario que la sociedad saudí, a ella nunca le exigieron llevar velo. Con el apoyo de su familia estudió literatura comparada en la Universidad Americana de El Cairo y más tarde completó un máster en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Sídney, en Australia. En mayo de 2007 se casó con el diplomático estadounidense Bradley Niemann, mientras él trabajaba en Arabia Saudí.

Entre 2012 y 2026 las cosas han cambiado. El país por un lado, y su carrera por otro. “Tengo que decir que Arabia Saudí ya no es tan tradicional como solía ser. La gente está viendo que hay una apertura, que se puede ver cine, escuchar música y leer literatura, y estar en contacto con el mundo gracias a Internet”. Entre otras cosas, el velo es opcional, las mujeres pueden conducir —Nawal lo hace en la película— y pueden viajar sin que sea necesario una autorización.

Ella, por otro lado, desde su debut en la década pasada, ha sido directora de la seried Tales of The Walking Dead —vive primordialmente en Los Ángeles—, The Society (Netflix ) y The Wilds (Prime Video) y ha hecho una adaptación de Mary Shelley con Elle Fanning como protagonista. Su futuro, por ahora, sigue pasando por las mujeres del país que la vio nacer. “Siempre contaré historias sobre mujeres fuertes de Arabia Saudí”, insiste. Sin embargo, admite que siente que ha llegado el momento de abrir otra etapa. “Quiero avanzar hacia una dirección diferente. Hay muchas historias complejas que están surgiendo en Arabia Saudí. Las tradiciones están cambiando y necesito tomarle el pulso a todo eso. Sin duda, estoy empezando un nuevo capítulo”.

Y es que las nuevas generaciones están hartas de productos prefabricados, de la enésima nueva parte de una franquicia infinita cuyas fórmulas están agotadas, y buscan algo diferente que conecte con sus necesidades audiovisuales y, por qué no, con sus ansiedades cotidianas.

En ese sentido, Kane Parsons con Backrooms y Curry Barker con Obession han venido a abrir una nueva vía que ya estaba presente en directores como Jordan Peele o los hermanos Philippou. Adiós al terror elevado, hola a los miedos que surgen de nuestra propia sociedad y que reflexionan sobre nuestro tiempo a golpe de ironía y muchas dosis de mala leche.

Obsession se erige como la joya de la corona del año: una película que parte de esquemas clásicos para modernizarlos y darles la vuelta desde una perspectiva absolutamente actual e iconoclasta.

Una trama repleta de capas

La trama sigue a Bear (Michael Johnston), un empleado de una tienda de música obsesionado con su compañera Nikki (Inde Navarrette). Su frustración es tan grande que toda su vida gira en torno a la imposibilidad de conquistar a la joven. Y aquí entrará el elemento sobrenatural que la entronca con la tradición del género: el talismán al que pedir deseos que puede convertirlos en una realidad que se transforma en pesadilla, castigo y condena.

Y es que, a partir del momento en el que se active el hechizo, Nikki, efectivamente, solo tendrá una prioridad en su vida: Bear. Pero no se trata de la verdadera Nikki, sino de una versión sometida y violentada.

Así, el deseo amoroso insatisfecho, que casa a la perfección con las doctrinas ‘incel’, se convertirá en una espiral de opresión a través de un conjuro que tiene que ver con las fantasías masculinas más perversas. O, lo que es lo mismo, tener a una mujer esclavizada a su entera voluntad, manejada como un títere que responde a un control insano.

A través de ese planteamiento, Curry Barker compone una intriga absorbente y tan juguetona como escalofriante alrededor de las relaciones tóxicas, la violencia sexual, la pérdida de identidad a través del engaño y el amor invasivo que generará un apego asfixiante y turbador a modo de maldición demoníaca.

Mínimos recursos para sacar el máximo partido

Que la película haya costado tan solo 750.000 dólares no es un hecho baladí. Barker sabe exprimir los mínimos recursos con los que dispone a través de soluciones visuales básicas pero eficaces, como ocultar a la protagonista en la oscuridad del encuadre, trabajar con el brillo de los ojos, alterar elementos del decorado para intensificar la inquietud o el uso de plano cerrado o la evolución del vestuario y la voz de la protagonista, que va en paralelo con el progresivo deterioro de su salud mental.

La cuestión es que, a lo largo de su metraje, la película no da tregua a la hora de seguir aportando capas que van redefiniéndola de manera constante: de la comedia romántica ‘creepy’ al terror insano, pasando por el humor más negro y la incomodidad constante que culmina con un último acto en el que aflora el gore y la asfixia tanto atmosférica como moral.

Obsession tiene todos los elementos para convertirse en una película de culto inmediata, no solo por el consenso y la conversación que ha generado entre el público, sino porque es al mismo tiempo inteligente y gamberra, contiene muchas dosis de atrevimiento y también mucha pasión por el género. Pero, sobre todo, porque no se limita a copiar, sino que apuesta por hacer algo diferente y desquiciado dentro de un universo audiovisual predecible y en estado comatoso.

El conglomerado estadounidense Walt Disney Studios alcanzó en junio de 2026 el hito de ser el primer estudio en superar los 3 mil millones de dólares en recaudación mundial durante el año, impulsado por el éxito de estrenos como Toy Story 5 y El diablo viste a la moda 2. Este resultado afecta a la industria internacional del cine, a los distribuidores, exhibidores y plataformas digitales, y consolida a la empresa como líder del mercado global en plena temporada alta.

Según informaron medios especializados como Deadline, la cifra corresponde a la suma de la recaudación de todos los estrenos internacionales de Disney en 2026, entre los que se encuentran, además de Toy Story 5 y El diablo viste a la moda 2, títulos como Star Wars: The Mandalorian and Grogu, Hoppers, Avatar: Fuego y Cenizas y Zootopia 2. De acuerdo con estos portales, los estrenos de la compañía encabezaron la taquilla global, con Toy Story 5 logrando la segunda mejor apertura para una película de Pixar y El diablo viste a la moda 2 sumando más de 677 millones de dólares.

La posición de Walt Disney Studios como líder mundial de taquilla se sostiene con antecedentes sólidos. De acuerdo con los balances anuales de la empresa y la cobertura de Deadline, la compañía encabezó el ranking global en nueve de los últimos diez años, consolidando la tendencia de liderazgo en la industria del entretenimiento.

¿Cuánto recaudó Disney en 2026 y cómo se compone la suma de 3 mil millones de dólares?

En 2026, Disney superó los 3 mil millones de dólares en recaudación global. Esta cifra representa la suma de todos los ingresos obtenidos por los estrenos internacionales del estudio desde enero hasta junio. Los principales aportes provinieron de Toy Story 5, con más de 367 millones de dólares; El diablo viste a la moda 2, con 677,6 millones de dólares; Star Wars: The Mandalorian and Grogu, con más de 323 millones de dólares; y Hoppers, con 372 millones de dólares. Además, la empresa sumó ingresos provenientes de títulos lanzados en 2025 como Avatar: Fuego y Cenizas y Zootopia 2, que permanecieron en cartelera durante 2026.

Según Deadline, cada uno de estos títulos contribuyó al récord alcanzado, ya que la cifra de 3 mil millones es el resultado de la suma de la recaudación de todas las películas estrenadas por Disney en el periodo, no de un solo filme.

¿Qué películas impulsaron la recaudación de Disney en 2026?

El principal motor de taquilla para Disney en 2026 fue Toy Story 5, dirigida por Andrew Stanton. De acuerdo con Deadline, la película tuvo un debut mundial de 312 millones de dólares, lo que la convierte en la segunda mejor apertura histórica para una producción de Pixar. En su primera semana, Toy Story 5 superó los 367 millones de dólares, consolidando el interés del público.

Por su parte, El diablo viste a la moda 2, producida por 20th Century Studios (perteneciente a Disney), sumó 677,6 millones de dólares y permitió que la franquicia superara el umbral de los 1.000 millones de dólares en ingresos acumulados, según BaoMoi. Además, el filme lideró la taquilla en mercados como Reino Unido e Irlanda, de acuerdo con la web oficial de Disney UK Press.

Otros estrenos relevantes incluyen Star Wars: The Mandalorian and Grogu y Hoppers, producción de Pixar, que agregaron más de 323 millones y 372 millones de dólares respectivamente al total. El desempeño de estos títulos, junto a los ingresos continuados de Avatar: Fuego y Cenizas y Zootopia 2, fue determinante para el récord anual.

¿Por qué es importante que Disney haya superado los 3 mil millones en taquilla en 2026?

La marca de 3 mil millones de dólares en recaudación mundial posiciona a Disney como la referencia en la industria global del cine en 2026. Según Deadline, este resultado evidencia la capacidad de la empresa para atraer grandes audiencias y mantener el liderazgo en un mercado caracterizado por la competencia de grandes franquicias y la diversificación de la oferta de contenidos.

El récord obtenido tiene impacto directo en los distribuidores y exhibidores de cine, así como en la estructura económica de la industria audiovisual. De acuerdo con analistas citados por BaoMoi, la consolidación de Disney en la taquilla internacional genera presión sobre otros estudios para invertir en franquicias, producciones de alto presupuesto y formatos novedosos de exhibición.

¿Qué estrenos contribuyeron al éxito de Disney y cuáles están previstos para el resto de 2026?

Durante la primera mitad de 2026, todos los estrenos de Disney debutaron en el primer puesto de taquilla en los principales mercados internacionales, de acuerdo con Omelete y Deadline. Entre los títulos que contribuyeron a la cifra récord se encuentran:

• Toy Story 5 (Pixar)
• El diablo viste a la moda 2 (20th Century Studios)
• Star Wars: The Mandalorian and Grogu
• Hoppers (Pixar)
• Avatar: Fuego y Cenizas (estrenada en 2025, continúa en cartelera)
• Zootopia 2 (estrenada en 2025, continúa en cartelera)

Para el resto de 2026, Disney tiene programados estrenos como la versión de acción real de Moana el 10 de julio, The Dog Stars dirigida por Ridley Scott el 28 de agosto, la animación Hexed el 25 de noviembre, y Vengadores: Juicio Final de Marvel Studios el 18 de diciembre, según información difundida por Deadline.

La empresa también anunció desde CineEurope la implementación de Infinity Vision, una certificación para salas premium, que se estrenará con la reemisión de Vengadores: Endgame Encore y la próxima entrega de la saga de los Vengadores.

¿Qué impacto tiene este récord en la industria del cine y qué se espera para los próximos meses?

El récord de Disney afecta a toda la cadena de valor de la industria cinematográfica: estudios rivales, exhibidores y plataformas de streaming. Según Omelete, el resultado refuerza la tendencia de apostar por franquicias de alto perfil y grandes presupuestos, y marca una pauta de referencia para el resto de las compañías del sector.

De acuerdo con el sitio oficial de Disney UK Press, la disponibilidad de El diablo viste a la moda 2 en plataformas de streaming como Disney+ y Hulu está prevista para el 29 de julio, lo que podría aumentar aún más los ingresos asociados a la franquicia. El impacto de estos resultados se refleja también en la estrategia de lanzamientos globales y en la expansión de formatos de exhibición avanzados como Infinity Vision.

Para el segundo semestre de 2026, la evolución del mercado dependerá de la respuesta del público a los nuevos estrenos y de la capacidad de los estudios para mantener el flujo de contenidos. Según analistas citados por BaoMoi, la continuidad de la oferta y la consolidación de franquicias seguirán definiendo el panorama de la industria.

La industria de la animación en México e internacional se encuentra de luto tras la muerte del animador digital mexicano Luis de la Rosa, quien falleció a los 34 años en un trágico accidente ferroviario ocurrido en Francia. El artista sonorense se encontraba en Europa para participar en el prestigioso Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy y presentar su proyecto independiente Ash Raider World.

La noticia comenzó a circular la noche del jueves 25 de junio, luego de que colegas y colaboradores del creador confirmaran su fallecimiento a través de redes sociales. La muerte del animador, reconocido por su participación en producciones cinematográficas de alcance global, provocó una ola de condolencias y homenajes dentro de la comunidad artística.

¿Cómo murió Luis de la Rosa en Francia?

De acuerdo con reportes difundidos por medios franceses, Luis de la Rosa murió el miércoles 24 de junio alrededor de las 20:00 horas, tiempo local, después de ser arrollado por un tren del sistema Léman Express.

La prensa local señaló que el accidente ocurrió en las vías férreas cercanas a la avenida Aristide Briand. Según la información preliminar proporcionada por las autoridades, el animador mexicano caminaba por una zona restringida y cerrada al público. A pesar de las advertencias emitidas por el maquinista, se produjo el impacto.

Las autoridades francesas iniciaron una investigación para esclarecer las circunstancias del accidente.

La información trascendió inicialmente a través del medio francés Le Dauphiné Libéré, que reportó el fallecimiento de un joven dibujante mexicano durante su estancia en Francia. Horas más tarde, colegas y figuras del medio artístico confirmaron que se trataba de Luis de la Rosa.

Colegas y amigos lamentan la muerte del animador mexicano

La noticia generó una profunda conmoción entre profesionales de la animación y el entretenimiento. Uno de los primeros en pronunciarse fue Luis Manuel Villarreal, director del estudio de animación Jugando en Serio, quien recordó haber trabajado junto a De la Rosa en Space Jam: A New Legacy.

“No puedo creer la noticia, en sirio sigo sin poder creerlo, a Luis de la Rosa lo conocía hace ya algunos años en CDMX, era un talento impresionante en la animación, tuve el gusto de trabajar en Space Jam 2 con él, un increíble ser humano, lamento profundamente su partida. Descansa en paz amigo, nos volveremos a encontrar, un abrazo y mi más profundo pésame a su familia”, escribió en Facebook.

Por su parte, el animador Alex Torres también expresó su dolor mediante una publicación en Instagram: “Hoy no solo se fue uno de los mejores animadores del país, se fue un amigo, un colega, una persona que también atenúa sus sueños y metas a futuro. Muchas gracias por todo lo que nos compartiste”.

La crítica especializada Gaby Meza contribuyó a la difusión masiva de la noticia en redes sociales, donde miles de usuarios comenzaron a compartir mensajes de despedida y reconocimiento al trabajo del artista.

¿Quién era Luis de la Rosa?

Luis de la Rosa nació en Hermosillo, Sonora, y construyó una destacada trayectoria dentro de la industria internacional de la animación.

Su talento lo llevó a participar en producciones de gran impacto como My Little Pony: The Movie, Spider-Man: Into the Spider-Verse y Space Jam: A New Legacy, proyectos que consolidaron su prestigio dentro del sector.

Durante los últimos meses, el artista trabajaba activamente en Ash Raider World, una serie independiente que presentó durante su visita al Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy.

Su última publicación en Instagram, realizada el pasado 2 de junio, mostraba avances del proyecto mediante una secuencia animada caracterizada por tonos violetas, blancos y trazos negros. Sin embargo, una de las publicaciones que más ha resonado tras su muerte fue la reflexión que compartió antes del inicio de 2026:

“Otro año, otra lección: Encuéntrate en las cosas que amas. Presta atención a lo que ves que otros no ven. La fe no es racional; las decisiones más importantes son instintivas. Asegúrate de que tus intenciones estén impulsadas por el amor. El camino solo se abre cuando caminas a través de él”.

Tras confirmarse su fallecimiento, seguidores, colegas y admiradores han inundado las redes sociales con mensajes de despedida, reconociendo el legado artístico y humano que Luis de la Rosa dejó en la animación mexicana e internacional.

El Congreso acaba de aprobar penalizar con hasta dos años de cárcel las llamadas terapias de conversión dirigidas contra personas LGTBIQ+, una reforma del Código Penal que convierte en delito unas prácticas que hasta ahora solo se castigaban por vía administrativa y que seguirá su tramitación en el Senado.

El cine ha abordado esta cuestión desde diferentes perspectivas que sirven para plasmar el daño y la violencia a la que están sometidas las personas que son obligadas a por motivos religiosos o sociales a intentar cambiar su orientación sexual o de género a través de los llamados Ecosig, y cuyos métodos que han llegado a ser definidos como tortura por la ONU.

El tema ha sido representado desde las perspectivas más diferentes. Por ejemplo, estaba presente en Memorias de un caracol, la película de animación en stop motion nominada a los premios Oscar. También era el centro de la película de terror They/Them, cuya trama se centraba en varios jóvenes trasladados a un campamento donde se practicaban estas terapias y en el que los adolescentes empezaban a desaparecer uno a uno.

También el director de Guatemala Jayro Bustamante abordó el tema en Temblores, la historia de un padre de familia evangélico que se enamorará de un hombre al que sus allegados presionarán para que sea heterosexual.

Sin embargo, hay dos películas que han explicado a la perfección las consecuencias de estas prácticas asociadas a sectores de una intolerancia extrema con la identidad sexual.

‘Identidad borrada’

La adaptación a la pantalla de las memorias de Garrard Conley que, cuando era joven, fue enviado por su familia fundamentalista (su padre era predicador baptista) a un programa de conversión para modificar su orientación, donde fue sometido a prácticas de intervención psicológica e, incluso espiritual para que dejara de ser homosexual.

La película fue el segundo largometraje que, hasta el momento, ha dirigido el también actor Joel Egerton, y estaba protagonizada por Lucas Hedges, Nicole Kidman y Russell Crowe. Además, en ella aparecían figuras reconocidas dentro del ámbito LGTBI, como el director Xavier Dolan o el músico Troye Sivan.

En ella se reflejaba las formas más brutales de intolerancia escudándose en la protección, el amor y los valores ultraconservadores.

‘La (des) educación de Cameron Post’

Dirigida por Desiree Akhavan y basada en el libro de Emily M. Danforth, la película se centra en el caso de una joven forzada por su familia a ingresar en un centro religioso que promete “curarla”. La trama se desarrolla en un internado donde autoridades adultas y religiosas intentan modificar la orientación sexual de los jóvenes, utilizando el lenguaje y la disciplina como herramientas de control.

El film se centra en las dinámicas grupales y la presión psicológica, mostrando a los adolescentes enfrentados a la humillación y la ‘autoaversión’ que afectará a sus identidades en la etapa de mayor vulnerabilidad.

La película se presenta como una denuncia de la imposición de la norma heterosexual y del control ejercido por adultos sobre la sexualidad adolescente. Su protagonista fue Chloë Grace Moretz, y ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance.

El avance sitúa a Daisy Edgar-Jones como Elinor Dashwood en una historia que arranca tras la muerte de su padre, Henry Dashwood, cuando su viuda y sus hijas quedan con una renta de 500 libras al año y pierden el control de la finca familiar.

La nueva versión gira en torno a las hermanas Dashwood, obligadas a abandonar la propiedad familiar junto a su madre viuda para instalarse en una casa modesta. Allí afrontan por primera vez el amor, el desengaño y la fragilidad económica en un entorno marcado por las normas sociales de la Inglaterra del siglo XVIII.

Un drama romántico que no pasa de moda

La trama añadirá un dato material decisivo para entender el conflicto: gran parte de la herencia de Henry Dashwood pasa a un hijo de su primer matrimonio, John, interpretado por Tom Brooke, y su esposa Fanny, encarnada por Stacy Martin, que se instalará de inmediato en la gran casa familiar. Esa pérdida precipitará la caída social de las Dashwood.

El avance también perfila el eje romántico de la historia. Elinor despierta el interés de Edward Ferrars, mientras Marianne oscila entre el impulsivo Willoughby y el más contenido coronel Brandon.

Junto a Edgar-Jones, el reparto reúne a Esmé Creed-Miles como Marianne Dashwood, Caitríona Balfe como la señora Dashwood, Bodhi Rae Breathnach como Margaret, George MacKay como Edward Ferrars, Frank Dillane como John Willoughby, Herbert Nordrum como el coronel Brandon y Fiona Shaw como la señora Jennings.

El tráiler dibuja una adaptación de corte clásico, con grandes paisajes, bailes de época, trayectos en carruaje y el tono sentimental asociado a la novela. La directora parece haber optado por una lectura fiel al debut literario de Austen.

La película adapta un guion de Diana Reid, autora ‘superventas’ y cuenta con producción de Tim Bevan y Eric Fellner para Working Title Films, junto a India Flint de November Pictures y Jo Wallett. Oakley firmó y dirigió Blue Jean, su debut en el largometraje, una obra que le valió una nominación al BAFTA a mejor debut.

Entre las líneas de diálogo que ya ha mostrado el tráiler figura la defensa del sentimiento sin reservas que hace Marianne. “Un hombre que me ame debe arder con ello, con todas sus pasiones, sin la menor contención ni vacilación”, dice el personaje.

Elinor, en cambio, encarna una mirada más contenida sobre la dependencia afectiva. “Es fascinante la idea de que la felicidad de una dependa por completo de otra persona. No siempre es posible”, afirma el personaje de Edgar-Jones en otro momento del avance.

Jane Austen, siempre

La nueva adaptación llega después de una versión especialmente recordada: la dirigida por Ang Lee en 1995, con Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant y Alan Rickman. Aquella película se llevó el Óscar al mejor guion adaptado para Thompson, que además protagonizó el filme, y sigue siendo la referencia más conocida de la novela en la gran pantalla.

La producción se suma a una nueva oleada audiovisual en torno a Austen, ya que también se espera otra nueva adaptación para Netflix de Orgullo y prejuicio, con Emma Corrin, Jack Lowden, Olivia Colman y Rufus Sewell.

Según Empire, la escena se rodó el pasado julio en el bosque de Culbin, en Escocia, con siete cámaras IMAX, ilusiones de perspectiva forzada y trabajo con cables para lanzar a especialistas por el aire durante el asalto de esos gigantes saqueadores, uno de los desafíos más duros del viaje del protagonista.

La publicación visitó ese rodaje y sitúa a los lestrigones como una de las pruebas centrales del periplo de Odiseo, interpretado por Matt Damon, en una historia en la que el héroe se enfrenta a monstruos, a sus propios demonios y a los planes de pretendientes hostiles mientras intenta regresar junto a su familia en Ítaca. Nolan ha explicado al medio que el objetivo de esa secuencia era transmitir desorientación y peligro para el protagonista.

Una batalla marcada por la violencia

“Fue una secuencia divertida de rodar y es brutal”, ha dicho el director a Empire. “Se trata realmente de intentar transmitir la brutalidad. Son guerreros, y sus armas y armaduras tienen un nivel de sofisticación que Odiseo nunca ha visto”.

Ese planteamiento conecta la acción con el conflicto dramático del personaje. El director sostiene que esos encuentros fantásticos no funcionan solo como espectáculo, sino también como pruebas que ponen en cuestión al héroe en el plano personal.

En ese sentido, Christopher Nolan ha subrayado que el episodio de los lestrigones conserva la función que ya tenía en el poema original: erosionar la autoridad de Odiseo ante sus propios hombres.

“El propósito de los lestrigones en la historia, igual que en el poema original, es mostrar en cierto modo la naturaleza cuestionable del liderazgo de Odiseo. Dar a sus hombres razones para dudar de él”, ha afirmado. “Y por eso aquello a lo que se enfrentan los deja a todos conmocionados”.

Una escena rodada a lo grande

La información publicada por Empire detalla que Nolan ha recurrido a técnicas prácticas para filmar el asalto, aunque muchas de ellas siguen sin desvelarse. Entre las que sí han trascendido figuran la perspectiva forzada y el uso de cables para proyectar a los especialistas durante la acción.

El episodio de los lestrigones pertenece al Canto X, titulado como Lo relativo a Eolo, a los lestrigones y a Circe (que estará interpretada por Samantha Morton). Durante su travesía, los tripulantes, abrirán un odre regalado por Eolo, señor de los vientos y eso enfurecerá a la deidad mandándoles una tormenta. Llegarán a la tierra de los lestrigones, un pueblo de gigantes antropófagos, y tendrán que luchar contra ellos.

La película incluirá otras batallas, como la de la guerra de Troya, aunque no se han desvelado detalles al respecto. Lo que sí que se sabe es que su clasificación será para mayores de 16 años acompañados, dado el nivel de violencia explícita que tendrá.

La actriz Ann Blyth ha muerto a los 98 años, dos meses antes de cumplir 99, tras una carrera marcada por su nominación al Oscar por Mildred Pierce y por una retirada temprana del cine que reorientó su vida hacia la familia, el teatro musical y la televisión.

La intérprete ha fallecido por causas naturales, según ha informado KABC a través del periodista George Pennacchio. Deja cinco hijos, 10 nietos y cinco bisnietos, y estuvo casada con el médico James McNulty desde 1953 hasta la muerte de él en 2007.

Su papel decisivo tuvo lugar en 1945, cuando encarnó a Veda Pierce, la hija calculadora y desagradecida del personaje de Joan Crawford en Mildred Pierce. Aquel trabajo le valió una candidatura al Oscar a la mejor actriz de reparto cuando tenía 16 años.

Elegida por la propia Joan Crawford

Crawford ganó la estatuilla a la mejor actriz por esa película, que también fue candidata a mejor película. La cinta, basada en la novela de James M. Cain, volvió a adaptarse en 2011 como miniserie de HBO bajo la dirección de Todd Haynes, con Kate Winslet como protagonista y Evan Rachel Wood en el papel de Veda.

Centenares de adolescentes hicieron la prueba para el personaje, pero Crawford vio algo en Blyth y llegó a participar con ella en la prueba de pantalla. La actriz recordó años después que esa ayuda resultó decisiva: “Sabía que otras personas también querían el papel, pero yo fui la afortunada porque Joan Crawford hizo la prueba conmigo, y eso cambió todo. La gente no hacía eso, no la gente de su categoría”.

Décadas después, en una pieza grabada para Turner Classic Movies, Blyth explicó que, pese a la relación tormentosa entre madre e hija en la pantalla, ella y Crawford se llevaban muy bien fuera del rodaje. Hasta aseguró que le resultó difícil abofetearla en una de las escenas decisivas del filme.

Cinco días después de terminar Mildred Pierce, la actriz sufrió un grave accidente de trineo durante unas vacaciones cerca de Lake Arrowhead, en California. Se fracturó la espalda y pasó siete meses con un yeso corporal, además de varios más en silla de ruedas.

Aun así, llegó a asistir a la ceremonia de los Oscar de 1946 con un vestido diseñado por el estudio para encajar sobre el corsé ortopédico. La convalecencia se prolongó durante un año y medio y Universal la incorporó a Fuerza bruta, con Burt Lancaster, mientras seguía confinada en una silla de ruedas.

De la ópera a la actuación

Nacida como Ann Marie Blyth el 16 de agosto de 1927 en Mount Kisco, Nueva York, creció después en Nueva York tras la separación de sus padres. Empezó a actuar en programas radiofónicos infantiles a los seis años, además cantaba, recitaba poesía y actuaba con la San Carlo Opera Company mientras aspiraba a una carrera operística.

Su única aparición en Broadway llegó con la producción original de Watch on the Rhine, el drama bélico de Lillian Hellman, entre 1941 y 1942. Durante la gira de la obra en Los Ángeles llamó la atención de Universal, que le ofreció una prueba de pantalla y después un contrato.

Debutó en el cine en 1944 con el musical juvenil De tal palo, tal astilla y encadenó ese mismo año títulos como Noche triunfal y Babes on Swing Street. No fue hasta Mildred Pierce cuando su nombre empezó a destacar con claridad.

Tras recuperarse del accidente, su filmografía se amplió con Swell Guy, Killer McCoy, La otra cara del bosque, Vida de mi vida, Tempestad en la cumbre y El mundo en sus manos. También intervino en Mr. Peabody and the Mermaid y en The Great Caruso, donde interpretó a la esposa de Enrico Caruso, encarnado por Mario Lanza, e introdujo la canción The Loveliest Night of the Year.

En MGM participó en varias operetas, entre ellas Rose Marie, The Student Prince y Kismet. El declive de los grandes musicales de estudio afectó a su trayectoria, como ocurrió con otros nombres de aquella etapa.

Su última película fue Para ella un solo hombre en 1957, donde dio vida a una cantante alcohólica de los años 30 junto a Paul Newman. El mismo año también apareció en The Buster Keaton Story y fue considerada para el papel principal de Las tres caras de Eva, que acabaría dando a Joanne Woodward el Oscar a la mejor actriz. Tras el final práctico de su carrera cinematográfica en 1957, Blyth se volcó en la familia y en el teatro musical.

Su presencia en televisión fue esporádica pero prolongada: apareció en Lux Video Theatre, The DuPont Show With June Allyson, The Dick Powell Theatre, varias entregas de Wagon Train, el episodio Queen of the Nile de La dimensión desconocida, dos apariciones en Quincy, M.E. y una última participación en Se ha escrito un crimen en 1985.

Charles Chaplin sostuvo, hasta el final de su vida, que La quimera del oro era la película por la que más deseaba ser recordado. No eligió El gran dictador, ni Tiempos modernos, ni El pibe. Eligió la historia de un vagabundo que hierve una bota y la come con la elegancia de un gourmet en medio de la nieve de Alaska.

Para entender la película, conviene saber de dónde venía su autor. Chaplin nació en Londres en 1889. Su padre murió cuando él tenía 12 años y su madre fue internada en repetidas ocasiones en asilos psiquiátricos. Desde los 9 años, junto a su hermano mayor Sydney, tuvo que arreglárselas solo.

Se formó como actor, bailarín y comediante en los escenarios del music hall inglés. En 1908 se incorporó a la popular compañía de Fred Karno, donde también estaba un joven Stan Laurel. Cuando la gira del grupo por Estados Unidos terminó, en 1913, Chaplin decidió quedarse allí para trabajar en el cine.

Firmó contrato con Keystone Studios e hizo 35 cortometrajes en un año. El personaje del Vagabundo —con sus pantalones anchos, los zapatos enormes, el bastón de caña y el sombrero hongo— apareció por primera vez en su segunda película, Kid Auto Races in Venice, en 1914. Chaplin describió ese momento en su autobiografía de 1964: “Pensé en vestirme con pantalones anchos, zapatos grandes, un bastón y un sombrero. Agregué un pequeño bigote... en el momento en que me puse la ropa y el maquillaje, sentí quién era ese personaje. Empecé a conocerlo, y cuando caminé hacia el escenario, ya había nacido por completo”.

Antes de que terminara ese primer año, ya dirigía además de actuar. El Vagabundo —siempre en la mala pero con recursos, agilidad y astucia— conectó con el público de una manera que muy pocos personajes cinematográficos lograron antes o después.

La idea de La quimera del oro surgió en Pickfair, la mansión de Mary Pickford y Douglas Fairbanks. Dos amigos le mostraban a Chaplin fotografías de Alaska y el Klondike. Uno de ellos imaginaba a los buscadores de oro escalando el Paso de Chilkoot, y esa imagen le dio a Chaplin el tema de su siguiente película.

Al mismo tiempo, Chaplin leyó un libro sobre el desastre de la Expedición Donner de 1846, cuando un grupo de inmigrantes quedó atrapado por la nieve en la Sierra Nevada y se vio reducido a comer sus propios zapatos y los cadáveres de sus compañeros muertos. De esa combinación —la ambición de la fiebre del oro y el horror del hambre extrema— surgió una comedia.

Fue la única de sus grandes comedias mudas que Chaplin comenzó a filmar con una historia completamente elaborada, sin improvisaciones ni reescrituras durante el rodaje. Solo dos meses después del estreno de su película anterior, A Woman of Paris, ya había enviado un guion —titulado provisionalmente The Lucky Strike— para registrar el copyright, y había puesto a su estudio a construir los decorados.

Mientras buscaba a su protagonista femenina, Chaplin redescubrió a Lillita Louise MacMurray, a quien había contratado cuando tenía 12 años para El pibe, en 1921. Con menos de 16 años, Lillita fue contratada nuevamente y rebautizada como Lita Grey. Chaplin inició una relación clandestina con ella.

Cuando la película llevaba seis meses de rodaje, Lita descubrió que estaba embarazada. Chaplin se vio obligado a casarse con ella en un matrimonio que, según el sitio oficial de Chaplin, “trajo desgracias a ambos cónyuges”, aunque de esa unión nacieron dos hijos: Charles Chaplin Jr. y Sydney Chaplin. La producción se detuvo durante tres meses.

Lita fue reemplazada por Georgia Hale, de 24 años, quien había llegado a Hollywood tras ganar un concurso de belleza en la ciudad de Chicago. Por entonces trabajaba como extra, hasta que Josef von Sternberg la eligió para su película debut, The Salvation Hunters. Chaplin proyectó esa película en su casa y decidió de inmediato que Georgia sería su nueva protagonista.

Durante el rodaje, Chaplin y Hale también mantuvieron una relación. Cuando la película se reeditó en 1942, Chaplin ya había terminado con ella y cortó la escena final para eliminar el beso prolongado, reemplazándolo por una toma más sobria de la pareja caminando de la mano. La propia Hale recordó en un documental sobre Chaplin que cuando filmaron ese beso original “no actuaban”.

Con esa interrupción de por medio y las turbulencias de la vida doméstica de Chaplin, la producción se extendió casi un año y medio. Fue, en todos los aspectos, la producción más grande de su carrera hasta ese momento.

El equipo pasó dos semanas filmando en exteriores en Truckee, California, en la zona nevada de la Sierra Nevada, a 700 metros de altura. Allí Chaplin recreó la imagen histórica de los buscadores de oro escalando el Paso de Chilkoot. Los 600 extras que interpretaban a los mineros eran, en su mayoría, vagabundos reales de la ciudad de Sacramento que fueron trasladados en tren y contratados por un solo día.

Rodar en exteriores resultó tan problemático que Chaplin decidió filmar el resto de la película en los estudios de Hollywood. Para recrear el paisaje de Alaska construyó una réplica del Paso de Chilkoot con 76.200 metros de madera, alambre de gallinero, arpillera, yeso, sal y harina. En total se emplearon 200 toneladas de yeso, 285 toneladas de sal y 100 barriles de harina para producir artificialmente el hielo y la nieve. Cuatro vagones llenos de papel picado completaron las escenas de ventisca.

Las herramientas del rodaje incluyeron 300 picos y palas, 600 metros de manguera de jardín, 2.100 metros de cuerda, cuatro toneladas de acero, cuatro toneladas de asbesto, 35 toneladas de cemento y 400 barriles de clavos. Más de 500 trabajadores especializados en escenografía construyeron los decorados durante los dos años que duró el proceso completo. Se filmó 27 veces más material del que apareció en el montaje final.

La escena en que el Vagabundo y su compañero Big Jim —interpretado por Mack Swain— hierven y comen una bota llevó tres días de rodaje para los actores, pero 63 días para Chaplin. La bota estaba hecha de regaliz y los clavos de los zapatos, de caramelo. El material terminó intoxicando a Chaplin, que fue trasladado de urgencia a un hospital por un shock insulínico.

La alucinación en que Big Jim ve al Vagabundo transformado en un pollo presentó su propio problema: originalmente un tramoyista llevaba el traje de ave, pero no lograba imitar los movimientos de Chaplin. Chaplin se puso el traje él mismo. La secuencia fue un triunfo técnico: los camarógrafos debieron resolver el efecto de transformación completamente dentro de la cámara, sin posproducción.

El baile de los pancitos —en que el Vagabundo clava dos tenedores en dos pequeños panes y los hace bailar como si fueran piernas— ya había sido esbozado por Roscoe “Fatty” Arbuckle en el cortometraje The Rough House, de 1917. Pero la versión de Chaplin tuvo una recepción que nadie anticipó: en el estreno de la película, en Berlín, los proyeccionistas detenían la cinta y la rebobinaban para repetir la escena ante el pedido del público. Décadas después, esa secuencia inspiró una escena similar en Corazones en conflicto (1993), donde Johnny Depp realizó un baile muy parecido.

Mack Swain, por su parte, renunció durante el rodaje porque no soportaba el esfuerzo físico que demandaba el papel con el grueso traje de piel. Chaplin lo dejó ir, pero luego lo convenció de volver. El problema fue que Swain ya se había afeitado la barba. En lugar de usar una postiza, Chaplin pausó la producción hasta que le creció de nuevo.

La première del 26 de junio de 1925, hace 101 años, se realizó en el Teatro Egipcio de Grauman, un cine nuevo de Hollywood en ese momento, construido tres años antes e inspirado en el descubrimiento reciente de la tumba de Tutankamón. Sid Grauman, su dueño y amigo de Chaplin, había acompañado al equipo durante el rodaje en la Sierra Nevada.

Los Angeles Evening Herald describió esa noche: “Un estreno de Chaplin es siempre un evento... No había un asiento vacío. Si algún tenedor de entrada hubiera preferido quedarse en casa, podría haber vendido su entrada a un precio exorbitante”. El patio del teatro fue decorado durante una semana entera. Cada celebridad que entraba era anunciada por una voz estentórea y aplaudida según su grado de popularidad.

El programa de esa noche incluyó focas reales sobre una roca de hielo artificial, bailarinas esquimales, una recitación del poema “The Spell of the Yukon” de Robert W. Service, patinaje sobre hielo y un número de cabaret. Solo después de ese largo prólogo el público vio la película. Los aplausos al final duraron varios minutos y Chaplin fue llevado al escenario. Anunció que estaba demasiado emocionado para dar un discurso largo, y luego dio uno bastante bueno.

Georgia Hale recordó que esa noche fue una de las pocas ocasiones en que Chaplin no tuvo dudas sobre su propio trabajo: “Estaba seguro. Realmente sentía que era la mejor película que había hecho. Estaba completamente satisfecho”.

The New York Times la llamó “la gema más destacada de todas las películas de Chaplin”. New York Daily News escribió que era “la más graciosa y más triste de todas las comedias”. El film se convirtió en un éxito de taquilla internacional y es, hasta hoy, la quinta película muda más taquillera de la historia, detrás de El nacimiento de una nación (1915), El gran desfile (1925), Ben-Hur: Una historia de Cristo (1925) y Las dos tormentas (1920).

Las repercusiones políticas no tardaron. En ciertos círculos conservadores se criticó el tono del film, especialmente su representación de los marginados y la sátira al sueño americano. Chaplin, inmigrante y figura controvertida, fue acusado de “radicalismo” por su enfoque sobre la pobreza y la desigualdad. Movimientos sociales y sindicales adoptaron la película como ejemplo de las dificultades de los trabajadores.

En 1925, en una entrevista con The New York Times, Chaplin dijo: “Lo que hice en La quimera del oro... es exactamente lo que quería hacer. No tengo excusas ni pretextos. Hice lo que deseaba”. Y agregó: “Más allá de todo eso —de la ropa graciosa, el bigote y los pies grandes—, quería producir algo que conmoviera a la gente, con una historia de amor dulce, poética y a la vez cómica”.

En 1942, Chaplin reeditó la película con una nueva banda sonora que compuso junto al director musical Max Terr, reemplazó los intertítulos del cine mudo por una narración en off que él mismo grabó y agregó efectos de sonido. Esa reedición recibió dos nominaciones al Oscar en 1943: a la mejor banda sonora de una película dramática o comedia y al mejor sonido. Es la primera de sus películas mudas que Chaplin revivió de esa manera para nuevas audiencias.

Con más de tres décadas en el mundo del cine profesional a las espaldas, Álex de la Iglesia puede presumir de ser uno de los directores españoles más reconocidos a nivel internacional. Al fin y al cabo, se trata del responsable de títulos como El día de la bestia, La comunidad o la serie 30 monedas, que ahora sumará un nuevo logro en su carrera al realizar la primera película de animación 3D para adultos sobre el universo literario de H. P. Lovecraft, uno de los escritores de terror y fantasía más importantes de la historia.

La noticia indica, pues, un importante giro en la carrera del cineasta español, quien pese a demostrar siempre un gran interés por los mismos géneros que el escritor al que adaptará nunca se había aproximado a su universo ni tampoco había dirigido ninguna película de animación. El argumento gira en torno al Necronomicón, el legendario libro prohibido ideado por Lovecraft, cuya lectura conduce a la locura o a una muerte espantosa. En palabras de la productora, la película “explora la fragilidad de la cordura humana ante lo desconocido”, y sitúa al libro viajando a través de cuatro escenarios históricos y geográficos, todos tan distantes como sombríos.

La producción arrancará a finales de 2026. El largometraje entrelazará varias historias, descritas como “trágicamente entrelazadas”, con el Necronomicón“alimentándose de la sed de conocimiento prohibido de la humanidad” y desatando “la escalofriante certeza de que no somos más que polvo de los Antiguos”, tal y como han informado desde Variety. Además, la trama se apoya en uno de los elementos más inquietantes del propio Lovecraft: aunque menciona el libro en numerosos relatos, nunca revela su contenido, lo que acrecienta aún más el misterio y el temor en torno a él.

“Este proyecto situará a la industria española en el mapa mundial”

La revista estadounidense ha preguntado al director por qué ha tardado tanto en abordar el cine de animación. “Empecé creando cómics, y la animación siempre ha estado presente”, relata De la Iglesia. “Ages of Madness me da la oportunidad de reconectar con mis raíces junto a un equipo increíblemente talentoso. Estoy emocionado porque, incluso después de tantos años en el cine, todavía puedo afrontar algo nuevo con la ilusión del primer día”.

Por su parte, para Darío Sánchez, CEO de 3Doubles, la adaptación de Lovecraft representa algo más que un proyecto personal. Así lo ha subrayado para el citado medio: “Siempre me ha fascinado el universo lovecraftiano, y poder llevar ese horror cósmico a la pantalla junto a Álex de la Iglesia es un sueño hecho realidad”. Sánchez considera que “este es un punto de inflexión para nuestro sector: la animación para adultos está en pleno auge, y este proyecto situará a la industria española en el mapa mundial”.

El largometraje contará con el respaldo de dos productoras especializadas. 3Doubles tiene experiencia en títulos como SuperKlaus y Norbert, ambos nominados al Goya. Por su parte, Sumendi Uhartea suma créditos recientes en series y películas como Heidi, Katamotzaren erreskatea, Lasai, Zeus! y KooKoo Corral, seleccionada para el Cartoon Forum 2025. “El Necronomicón se ha agitado. Álex de la Iglesia se sumerge por primera vez en la animación con Ages of Madness: The Howling of the Jinn. Cuatro eras, un libro prohibido y un caos ancestral a punto de desatarse”, celebran todos los implicados en el comunicado en redes sociales que ha terminado de hacer oficial este nuevo trabajo.

En un mundo como el actual, donde cada mes se estrenan decenas de películas en cines y las plataformas renuevan continuamente sus catálogos, cuesta pensar que algunas películas consigan atraer a la gente a las salas de cine para lograr recaudar cientos o incluso miles de millones de dólares. Sin embargo, ese reto parece pan comido (o lo que sea que coman los na’vi) para James Cameron y su megasaga de películas de Avatar.

El cineasta estadounidense se proclamó como uno de los cineastas más exitosos de todos los tiempos al repetir, con este clásico de la ciencia ficción cuya primera parte se estrenó en 2009, emular su gesta con Titanic y situarlo como la película más taquillera de la historia. De hecho, Avatar sigue siendo el título que más ha recaudado a nivel mundial en toda la historia del cine, y ni siquiera su secuela, Avatar: El sentido del agua, o la tercera entrega, Avatar: Fuego y ceniza, han logrado éxitos semejantes.

Precisamente esta última acaba de desembarcar en Disney Plus para que, por primera vez, pueda verse en streaming y los espectadores de España y el resto del mundo que la vieron en pantalla grande puedan volver a disfrutarla en sus casas. Sumando en taquilla 1.490 millones de dólares en todo el mundo (lo que la sitúa en la decimosexta posición de títulos con mayor recaudación de todos los tiempos), la película de James Cameron fue la tercera película más exitosa de 2025 (Ne Zha 2 y Zootrópolis 2, dos largometrajes de animación, la superaron). Ahora bien, ni siquiera eso fue suficiente para despejar las dudas de una saga que, en un principio, aspiraba a contar una gran historia dividida en cinco partes.

Por qué no sabemos si habrá una película más de ‘Avatar’

A día de hoy, la producción de Avatar 4 no se da nada por hecho en las oficinas de Disney. A pesar de la buena recaudación, la compañía acusó las malas críticas de la tercera entrega de la saga (a pesar de que en la revista estadounidense Empire la celebraron como “cine verdaderamente épico”) y la considerable caída de espectadores de una franquicia cuya primera película roza los 3.000 millones de dólares en taquilla, y cuya segunda película superó con creces los 2.300 millones. Quedarse lejos de esas cifras no ayudó a James Cameron, que ha visto como el estudio le ha exigido dos condiciones para una nueva película: menos presupuesto y menos duración.

Por el contrario, el cineasta ha subrayado la necesidad de “un fuerte compromiso” por parte de Disney para seguir adelante con el proyecto. Una postura que hace difícil que se pongan de acuerdo. Sin embargo, también hay brotes verdes en este escenario lleno de incógnitas. En abril, el productor Rae Sanchini intentó transmitir optimismo al asegurar: “Ahora mismo estamos definiendo el cronograma. Estamos trabajando intensamente en ello: presupuestando, programando, planificando y desarrollando nuestra nueva red de proveedores. Por nuestra parte, vamos a toda máquina”.

Con todo, no ha habido confirmación de que la franquicia vaya a continuar. La posibilidad de que Avatar 4 vea la luz depende de que el equipo logre convencer a Disney de que la saga puede seguir siendo rentable bajo las nuevas condiciones y la última palabra, al menos por ahora, sigue en manos de los ejecutivos del estudio. Por el momento, deberemos contentarnos con poder ver al fin Avatar: Fuego y ceniza en nuestras casas, una opción más que atractiva para los fans de la ciencia ficción que no llegaron a ver esta película, que cuenta con incorporaciones tan destacadas como la de Oona Chaplin, y que ofrece una espectacular puesta en escena digital repleta de vibrantes escenas de acción.

La actriz Amy Adams ha contado que salvó a un hombre apuñalado en Santa Mónica al aplicar consejos que había aprendido durante su paso por la serie médica de CBS Dr. Vegas, una ficción cancelada tras cinco episodios en 2004 y en la que interpretaba a una enfermera titulada.

La actriz ha relatado en el ‘pódcast’ SmartLess que el hombre había sido “apuñalado en el cuello” y que ella consiguió contener la hemorragia con toallas de playa mientras le pedía que dejara de moverse, una intervención que, según explicó, se produjo cuando salió de su restaurante favorito con su familia.

Adams ha dicho que ella y los suyos fueron “las primeras personas en llegar” al lugar del apuñalamiento. La intérprete iba acompañada por su padre Richard Adams, su marido Darren Le Gallo y su hija, cuando se encontraron con la escena al salir del local.

Cómo se desarrollaron los acontecimientos

La actriz recordó que oyó gritos y vio a un hombre caminando mientras quienes estaban con él alertaban de que se estaba muriendo. Su marido identificó de inmediato que había sangre, y al comprobar que la herida estaba en el cuello, Le Gallo se quedó con su hija mientras Adams y su padre acudían a asistirle.

Adams se encontró a un hombre que sangraba mientras sus amigos estaban “presos del pánico”. En ese momento, dijo haberse sentido muy centrada y utilizó las toallas que llevaban consigo para hacer presión sobre la herida y frenar la pérdida de sangre.

La actriz le dio una instrucción concreta a la víctima: “Cuanto más te esfuerces, más rápido vas a desangrarte. Túmbate”. Ese consejo, según explicó al medio, procedía de lo que había aprendido interpretando a Alice Doherty, una enfermera en Dr. Vegas.

Una maniobra aprendida en una serie

La serie se emitió en 2004 en CBS y solo duró cinco episodios. Estaba protagonizada por Rob Lowe, que daba vida al doctor Billy Grant, un médico joven que vivía y trabajaba en un complejo turístico y casino de la vieja escuela en Las Vegas.

En el reparto también figuraban Sarah Lancaster, Lisa Gabriel, Joe Pantoliano, Tom Sizemore y Adam Clark. La experiencia en aquella producción, pese a su breve recorrido, fue la referencia que Adams citó para explicar por qué supo cómo reaccionar en una emergencia de ese tipo.

Adams volvió a ver a la víctima un año después del apuñalamiento. Ocurrió en un restaurante, cuando un hombre se le acercó para preguntarle si era cierto que ella y su padre habían estado presentes cuando apuñalaron a alguien.

La actriz contó que entonces le reconoció de inmediato y comprendió que estaba hablando con la misma persona a la que había ayudado aquella noche. “Dios mío, eres tú”, recordó haber pensado al identificar al hombre con el que se reencontró tiempo después.

La película está protagonizada por Moore como Mona Friedman, una mujer nerviosa y reservada que consigue un papel en una producción local y acaba enfrentada al director Jerry, interpretado por Paul Giamatti, presentado como “el nombre más importante del teatro comunitario de Nueva Jersey”, mientras el adelanto la muestra sometida a un proceso de exigencia extrema.

Se trata del siguiente largometraje como director de Eisenberg después de la ‘oscarizada’ A Real Pain. The Debut tendrá calificación R en Estados Unidos y gira en torno a la transformación de Mona, que pasa de ser una ama de casa discreta a una actriz de método dispuesta a todo para defender la integridad artística de un papel mínimo.

Una comedia entre bambalinas

El tráiler arranca con una confesión de la protagonista: “No he cantado delante de nadie desde el coro de la iglesia”. Aun así, termina obteniendo un papel protagonista en una producción dirigida por Jerry, cuya reputación dentro de ese circuito teatral local marca el tono del conflicto.

La película ha sido descrita como una comedia entre bambalinas en la que Mona cae bajo la influencia de un director temperamental y enigmático. La relación entre ambos derivará en un pulso artístico mientras la vida de la protagonista empieza a descontrolarse.

Una de las advertencias del avance llega a través del personaje de Halle Bailey: “Jerry va a ponerte a prueba, va a empujarte y va a arrastrarte por el barro”. La frase encuentra su réplica en otra intervención del propio director, cuando le espeta a Mona: “Todas y cada una de las cosas que estás haciendo no funcionan”.

Eisenberg aparece también en pantalla como otro actor de la troupe de teatro comunitario. Completan el reparto Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov y Bernadette Peters, en una cinta especialmente vinculada al mundo escénico.

La producción reúne de nuevo a Eisenberg con Topic Studios y Fruit Tree, socios con los que ya trabajó en A Real Pain. Entre los productores figuran Emma Stone, Dave McCary, Ali Herting y el propio cineasta.

Tercera película como director de Eisenberg

La nueva película será la tercera incursión de Eisenberg en la dirección tras Cuando termines de salvar el mundo y A Real Pain. “Escribo todo tipo de cosas. La mayoría no se publican ni se producen, como le pasa a la mayoría de la gente, supongo”, dijo Eisenberg en su momento.

Añadía que había escrito un musical hace 15 años y que parte de ese material ha acabado reciclado en esta nueva historia ambientada en el teatro comunitario. También vinculaba el proyecto con su obra Happy Talk, protagonizada por Susan Sarandon.

El anterior largometraje de Eisenberg, A Real Pain, seguía a dos primos, David y Benji, en un viaje por Polonia para rendir homenaje a su abuela. La película obtuvo nominaciones al Óscar a mejor actor de reparto y mejor guion original, y Kieran Culkin ganó la estatuilla al mejor actor de reparto en 2025.

La película consolidó el perfil de Eisenberg como director después de una carrera como actor que ya había incluido una nominación al Óscar por interpretar a Mark Zuckerberg en La red social, de David Fincher.

The Debut supondrá además la segunda colaboración de Eisenberg con A24 después de Cuando termines de salvar el mundo, que también contó con Julianne Moore. Por ahora, la distribuidora no ha fijado una fecha concreta de estreno, aunque se supone que estará ligada a la temporada de festivales y, cómo no, también a los premios

La conversación cinematográfica en estos últimos meses ha tenido varios protagonistas: por una parte Steven Spielberg con su nueva gran superproducción, El día de la revelación y, por otra, los jóvenes cineastas surgidos de YouTube que se han hecho un hueco en el panorama cinematográfico en tiempo récord.

El día de la revelación llegaba a las salas más de 50 años después de que Tiburón redefiniera el gran espectáculo veraniego, que es precisamente lo que están haciendo ahora directores como Kane Parsons o Curry Barker con el cine de terror. En ese sentido, ¿quién ve ahora las películas de Steven Spielberg y quién las de los jóvenes nuevos talentos?

En términos de taquilla, Backrooms debutó con 81,4 millones y se convirtió en el mejor estreno de la historia de A24, mientras El día de la revelación atrajo a un público de mayor edad, con un 59% de asistentes por encima de los 35 años en su primer fin de semana.

Cuáles son las preferencias de la Gen Z

Por eso, The Hollywood Reporter ha publicado un estupendo reportaje en el que preguntan a jóvenes de la generación Z tanto por Steven Spielberg y el valor que siguen teniendo sus películas como por sus nuevos directores favoritos. ¿Qué prefieren?

La reacción inicial de varios entrevistados fue de vacilación ante el nombre del director, hasta que el medio enumeró títulos como Tiburón, E.T., el extraterrestre, la saga Indiana Jones, La lista de Schindler o Salvar al soldado Ryan. Ahí cambió el reconocimiento: las películas estaban presentes, aunque no siempre asociadas de forma inmediata a su autor.

Algunas de las conclusiones de esta encuesta a pie de calle es que las nuevas generaciones se sienten atraídas por propuestas de base más artesanal, ya vengan de directores surgidos en YouTube o de películas de bajo presupuesto, frente a grandes autores y franquicias que perciben como demasiado orientados a un público masivo.

También que muchos espectadores jóvenes están saturados de cine dominado por imágenes generadas por ordenador, por películas clones como las que pertenecen a Marvel y que eso les ha alejado de las superproducciones.

Ahora lo que se busca es originalidad, rodajes con soluciones prácticas y nuevas voces, por encima de franquicias y grandes espectáculos visuales. Esa preferencia ayuda a entender el rendimiento de los dos títulos que han alterado el mapa del verano.

Entre ellos encontramos Obsession, una película original de terror sobre un joven llamado Bear, interpretado por Michael Johnston, que utiliza un objeto maldito llamado One Wish Willow para lograr que Nikki, a quien da vida Inde Navarrette, le quiera más que a nadie en el mundo. El deseo se cumple, pero trae consecuencias peligrosas.

Tras su sexto fin de semana en cartel, Obsession supera los 334 millones de recaudación mundial con un presupuesto de 750.000 dólares. La película se ha convertido así en la más taquillera de la historia de Focus Features.

Dos semanas después llegó Backrooms, adaptación de la serie de cortos virales de Parsons en YouTube. La película sigue a Clark, un arquitecto fracasado interpretado por Chiwetel Ejiofor, que descubre una sucesión interminable de habitaciones en la tienda de muebles que dirige. Su recaudación mundial asciende a 276,9 millones con un presupuesto de 10 millones, y ya es el mayor éxito histórico de A24.

El propio Spielberg elogió a los dos jóvenes cineastas pocas semanas después del estreno de sus películas. Dijo haber “adorado” Obsession, aunque aún no había visto Backrooms.

Cada generación, ¿tiene sus mitos?

La comparación generacional incluye otro paralelo: Spielberg también tenía poco más de 20 años cuando dirigió Tiburón en 1975. Aquella película ganó tres Oscar y se convirtió en el primer gran taquillazo del verano. Obsession, además, ha sido la primera cinta desde E.T., el extraterrestre en 1982 que ha aumentado su recaudación en el segundo y el tercer fin de semana en lugar de caer.

Los datos demográficos refuerzan esa brecha. En el primer fin de semana de Backrooms, el 86% del público tenía menos de 35 años y más de la mitad no llegaba a los 25.

En ese sentido, no se sabe cómo responderán los jóvenes norteamericanos frente a un título como La Odisea, de Christopher Nolan, que también tiene un carácter épico y un reparto lleno de estrellas, cuando ahora, lo que se lleva, es que sean rostros desconocidos. Para los jóvenes, ver película en la que no se reconoce a nadie resulta hoy más estimulante, porque los personajes parecen personas corrientes.

Además, ahora existe un ecosistema digital que no estaba presente cuando Spielberg empezó su carrera. Antes se estrenaba una película, uno iba a verla y quizá leía una crítica en el periódico o hablaba con amigos; ahora hay un flujo constante de publicaciones en Facebook, Instagram y anuncios que empujan al público a formarse una opinión sobre todo lo que rodea a la obra antes incluso de verla.

Pese a esa inclinación hacia youtubers, cine independiente y directores emergentes aparece un acuerdo de fondo: nadie ha igualado todavía la mezcla de longevidad, influencia y éxito comercial de Spielberg. Uno de los entrevistados lo resumió con un criterio exigente para cualquiera que aspire a ser “el próximo Spielberg”: tendría que rodar tantas películas como él y convertirlas todas en éxitos.

La capacidad de Jimmy Donaldson, conocido mundialmente como MrBeast, para transformar conceptos de la ficción audiovisual en experiencias tangibles ha redefinido el entretenimiento digital. Con una producción que supera los límites habituales de YouTube, ha conseguido que millones de espectadores sean testigos de pruebas, escenarios y desafíos que antes solo existían en la pantalla grande o en la televisión.

Su habilidad para recrear universos ficticios, sumada a un despliegue técnico y económico inédito en la plataforma, lo ha posicionado como un fenómeno cultural que desdibuja las fronteras entre la realidad y la fantasía.

En cada proyecto, MrBeast combina recursos extraordinarios, sentido del espectáculo y una ejecución milimétrica para trasladar a los participantes —y a la audiencia— a escenarios inspirados en clásicos del cine y populares programas televisivos.

Estas producciones no solo destacan por la escala de sus sets o la fidelidad con la que imitan escenas icónicas, sino también por la manera en que invitan a vivir en primera persona desafíos que antes solo se podían imaginar. A continuación, un repaso por 10 ocasiones en que MrBeast llevó la ficción a la realidad a través de sus videos más ambiciosos.

10 ocasiones en que MrBeast transformó clásicos del cine y la televisión en desafíos reales

• ‘El juego del calamar’ llevado a la vida real

En 2021, MrBeast recreó los escenarios y mecánicas de la serie surcoreana ‘El juego del calamar’, convocando a 456 participantes reales. El montaje reprodujo a detalle los retos de la trama original, aunque las eliminaciones se realizaron mediante sensores y explosivos de pintura, garantizando la seguridad de todos los presentes. El premio final fue millonario, igualando el atractivo de la narrativa original, y el video marcó un récord de audiencia en la plataforma.

• La fábrica de chocolate de Willy Wonka

Inspirado en el clásico literario y cinematográfico, Jimmy Donaldson construyó una fábrica de chocolate a escala real, con un río de chocolate navegable, habitaciones de malvaviscos y cascadas de caramelo. La experiencia incluyó la participación del chef Gordon Ramsay, quien se encargó de juzgar la última prueba culinaria de los concursantes, aportando rigor y espectáculo al desenlace.

• Supervivencia al estilo ‘Náufrago’

Siguiendo la premisa de la película 'Náufrago’, MrBeast y su equipo se aislaron en una isla tropical sin provisiones. Deberían buscar comida, construir refugios y mantenerse a salvo de las inclemencias del clima y los insectos. Aunque la recreación omitió la presencia simbólica de “Wilson”, el balón compañero en la historia original, la experiencia se caracterizó por su realismo y exigencia física.

• Enterrado vivo: homenaje a ‘Kill Bill’ y ‘Buried’

Para experimentar la claustrofobia de escenas memorables de ‘Kill Bill: volumen 2′ y ‘Buried’, MrBeast se encerró en un ataúd transparente y fue sepultado bajo tierra. Contaba con provisiones y monitoreo médico constante, pero el desafío psicológico de permanecer enterrado fue, según sus propias palabras, uno de los más intensos de su carrera en la plataforma.

• ‘El piso es lava’ en versión gigante

El popular juego infantil y el programa de concursos de Netflix ‘El piso es lava’ sirvieron de inspiración para este reto. El equipo de MrBeast diseñó una bodega inmensa sobre una piscina que simulaba lava, donde los participantes debían realizar saltos y acrobacias para evitar caer y perder la competencia, todo por un premio económico considerable.

• Espionaje y lásers: ‘Misión imposible’

La recreación de una de las escenas más recordadas de 'Misión imposible’ consistió en construir un cuarto con un entramado de lásers y sensores. Los concursantes debían atravesar el espacio sin activar las alarmas, emulando los movimientos de espías de cine y poniendo a prueba su destreza física y concentración.

• ‘Escape room’ y ‘El juego del miedo’

En esta ocasión, el canal de MrBeast adoptó la tensión y los acertijos de las películas de terror psicológico como ‘Saw’ y del formato ‘Escape room’. Se crearon habitaciones con trampas, paredes móviles y acertijos contrarreloj, buscando reproducir la atmósfera de suspenso y urgencia característica de este género cinematográfico.

• Circuitos de obstáculos al estilo ‘Wipeout’ y ‘Castillo Takeshi’

La construcción de circuitos de obstáculos colosales, inspirados en programas como ‘Wipeout’ y ‘Castillo Takeshi’, se ha convertido en una constante dentro del canal de MrBeast. Estos desafíos reúnen a amigos y seguidores en competencias donde las caídas y el barro son parte del espectáculo, y en algunos casos han trascendido a producciones para plataformas de streaming.

• Vida en prisión: de ‘Prison Break’ a ‘Fuga de Alcatraz’

Para acercarse a la experiencia retratada en dramas carcelarios como ‘Prison Break’ y ‘Fuga de Alcatraz’, Jimmy Donaldson y su equipo alquilaron una prisión real. Pasaron varios días encerrados, utilizando uniformes y enfrentándose a la rutina y los espacios reducidos, en una inmersión total en la vida tras las rejas.

• ‘Los juegos del hambre’ en la vida real

El formato de competencia en ‘Last To Leave The Circle’ toma elementos de ‘Los juegos del hambre’ y de los llamados ‘Battle Royale’. Recientemente, MrBeast anunció su intención de llevar esta idea al extremo en una isla privada, empleando tecnología de ‘laser tag’ para simular batallas entre concursantes por un premio de un millón de dólares, sin riesgo físico para los participantes.

La experimentación continua de Jimmy Donaldson con la recreación de conceptos fílmicos y televisivos ha consolidado su posición como referencia en el entretenimiento digital, demostrando hasta dónde puede llegar la fusión entre la creatividad audiovisual y los recursos de la era de internet.

El actor estadounidense Dustin Hoffman y la actriz francesa Juliette Binoche recibirán el Globo de Cristal por su destacada contribución a la cinematografía mundial durante la sesenta edición del Festival de Karlovy Vary, que comienza el 3 de julio en esa ciudad checa.

Binoche (París, 1964), que recibirá el galardón por su contribución al séptimo arte en la clausura del festival, se ha destacado en cintas dramáticas, como Tres colores: azul o Los amantes del Pont-Neuf (1991), y obtuvo el Oscar con El paciente inglés (1996).

En la inauguración del festival será Hoffman, nacido en Los Ángeles (EEUU) en 1937, quien reciba el Globo de Cristal, por una carrera en la que se abrió paso en Hollywood como contrapunto de actores más altos, atractivos, o personajes de triunfador.

“Su brillantez e interpretaciones magistrales han transformado por completo el ideal del héroe de Hollywood”, afirma el Festival en el comunicado en el que anunció el homenaje.

Hoffman alcanzó su primer gran éxito con El graduado (1967), que será proyectada en Karlovy Vary, con la que Mike Nichols ganó el Oscar a mejor director, y en cuya banda sonora se incluía la famosa canción “Mrs. Robinson”, de Simon y Garfunkel.

El actor tuvo que esperar unos años para levantar su estatuilla de Hollywood, con Kramer contra Kramer (1979), y luego con Rainman (1988), con Tom Cruise como compañero de reparto, pero a lo largo de su trayectoria fue nominado en otras cinco ocasiones a los premios de la Academia.

En la primera jornada del festival se proyectará el documental argentino-español El partido, dirigido por Juan Cabral y Santiago Franco, y que narra el inolvidable partido del Mundial 1986 en el que Argentina ganó por 2 a 1 a Inglaterra con dos tantos de Diego Armando Maradona.

También recibirá el Globo de Cristal por su contribución destacada a la cinematografía mundial el cámara y fotógrafo Robert Richardson, conocido por su trabajo con Oliver Stone, Martin Scorsese y Quentin Tarantino, y que ha ganado tres estatuillas de Hollywood por JFK (1991), El aviador (2004) y Hugo (2011).

En esta edición de Karlovy Vary recibirá el President’s Award, que se otorga a cineastas que realizan una contribución fundamental al desarrollo del cine, el actor estadounidense Jeffrey Wright, que trabajó en Ángeles en América! (2003) y American Fiction (2024).

Otra de las estrellas invitadas al festival es el actor Havery Keitel, que ya recibió en 2004 el Globo de Cristal por su contribución al cine mundial, y que asistirá personalmente al pase de su película Malas calles (1973), el famoso drama de Martin Scorsese, con Robert de Niro y Keitel en el reparto.

Fuente: EFE.

Fotos: Reuters/ Mark Blinch; Reuters/ Maryam Majd.

La película transcurre en un Japón de futuro próximo en el que una empresa de robótica crea réplicas humanoides de personas fallecidas a partir de fotos, vídeos y otros rastros digitales. En ese marco, un matrimonio recibe en una caja una recreación androide de su hijo muerto.

El largometraje se estrenó en competición en el Festival de Cannes y es la 17ª película de Koreeda. El director japonés, ganador de la Palma de Oro por Un asunto de familia en 2018, firma aquí el guion, la dirección y el montaje.

Qué cuenta ‘Sheep in the Box’

La historia sigue a Otone, una arquitecta interpretada por Haruka Ayase, y a su marido Kensuke, un carpintero al que da vida Daigo. Ambos atraviesan el duelo por la muerte de su hijo pequeño cuando encuentran una empresa especializada en ofrecer a familias en esa situación una continuidad artificial del ser querido perdido.

El tráiler arranca con escenas domésticas de apariencia cotidiana: un niño juega con sus padres en un parque, planta un árbol en el jardín y lee El principito en la cama. La quiebra de esa normalidad llega al final del día, cuando el niño no se mete bajo las sábanas, sino que se sienta en su estación de carga y se apaga con un resplandor azul en la nuca.

Ese punto de partida podía haber conducido a un relato de terror tecnológico, pero Koreeda ha optado por otro camino. El director ha explicado que muchas personas esperaban “algún tipo de historia ‘distópica’ sobre IA, controlada por robots”, y que les sorprende que no termine así, “para bien o para mal”.

Un drama sobre el duelo y la IA

La película funciona más como un drama de duelo con elementos de ciencia ficción que como una ‘distopía’ tradicional. El medio vincula además su actualidad con el debate sobre la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento, un asunto que marcará la próxima temporada de premios.

Koreeda ha ido más allá en su explicación del sentido de la película. En declaraciones a The Hollywood Reporter, ha afirmado: “Creo que, a medida que la IA y los androides evolucionen, van a trascender a la humanidad. Querrán conectar con algo más grande”.

El título de la película remite a El principito, de Antoine de Saint-Exupéry. Kore-eda se inspiró para escribir y dirigir la obra después de leer un artículo sobre una empresa china que intentaba utilizar inteligencia artificial generativa para devolver a los muertos.

La mirada del cineasta también se traslada a la puesta en escena de los personajes. Aunque sus películas suelen desarrollarse con frecuencia desde la perspectiva de los niños, en esta ocasión muestra la incomodidad de algunos adultos ante el niño humanoide, cuya propia perspectiva solo empieza a emerger hacia el final del filme.

Sobre el trabajo con el actor infantil Rimu Kuwaki, Koreeda ha precisado que no le pidió que actuara como un robot. “No le dije que actuara como un robot, pero dirigí a los adultos de manera que encontraran eso incómodo”, ha dicho al medio.

El reparto incluye a Daigo, Kuwaki y Ayase. Detrás de la cámara, Kore-eda vuelve a colaborar con el director de fotografía Ryuto Kondo, responsable también de la imagen de Un asunto de familia y de Monster, la película de 2023 del realizador japonés.

La producción corre a cargo de Fuji Television, Gaga, Toho y AOI Pro. En Estados Unidos, la distribución está en manos de Neon, mientras que las ventas internacionales las gestionan Gaga y Goodfellas. La película se estrenará en Nueva York y Los Ángeles el 24 de julio y después ampliará su lanzamiento al resto del país en las semanas siguientes. En nuestro país, todavía no tiene fecha de estreno, pero se distribuirá a través de Vertigo Films, como todas las anteriores películas del director.

La película Artificial de Luca Guadagnino busca nuevo distribuidor después de que Amazon MGM se retirara del proyecto, una decisión que llega tras la inversión de 50.000 millones de dólares de la compañía en OpenAI y que ha reabierto en Hollywood el debate sobre hasta qué punto la tecnología, la política y el negocio condicionan qué historias llegan a estrenarse.

El filme, protagonizado por Andrew Garfield como Sam Altman y con un presupuesto de 40 millones de dólares, estaba casi terminado y ya había sido descartado por Focus Features, Warner Bros.’ Clockwork, A24 y Netflix, según Variety. Mubi negocia ahora su posible adquisición y Neon también figura entre los interesados.

La salida de Amazon MGM no ha dejado a la producción sin mercado, pero sí la ha convertido en un activo incómodo. CAA Media Finance, que representa a Guadagnino, ha organizado pases en los últimos días para encontrarle nueva casa a una película que el estudio había previsto estrenar a comienzos de 2027.

Por qué Amazon ha rechazado ‘Artificial’

Según Variety, Amazon ha sostenido que el largometraje estaría “mejor atendido” en otro estudio y que trabaja con los cineastas para cerrar ese relevo. La compañía ha negado que la materia del filme haya motivado su marcha.

La coincidencia temporal ha alimentado las dudas dentro de la industria. Amazon anunció hace unos meses una inversión de 50.000 millones de dólares en OpenAI dentro de una alianza plurianual de infraestructura en la nube, y la película ofrece un retrato muy poco amable de Sam Altman, el director ejecutivo de la empresa.

The Hollywood Reporter precisa que una versión del guion presenta al consejero delegado de OpenAI de forma “menos que halagadora” y llega a describirlo como sociópata. Variety añade que circula el rumor de que la película lo retrata como un mentiroso patológico y muestra a Elon Musk, interpretado por Ike Barinholtz, como una figura marcadamente antipática.

Ese contenido explica parte de la cautela, pero no toda. Este caso se sitúa dentro de un contexto más amplio: el del Hollywood actual, donde las grandes tecnológicas pesan cada vez más en la financiación, la distribución y las alianzas corporativas, al tiempo que los estudios se muestran menos dispuestos a sostener dramas adultos de presupuesto medio con recorrido comercial incierto.

En ese cálculo también entran los vínculos accionariales. A24, uno de los compradores que se ha retirado, cuenta entre sus respaldos con Thrive Capital, la firma de Josh Kushner, que tiene un asiento en el consejo y figura entre los apoyos más visibles de OpenAI.

De qué habla la película de Guadagnino sobre OpenIA

El guion, firmado por el excolaborador de Saturday Night Live Simon Rich, ha sido descrito como una versión de La red social para la era de la inteligencia artificial. La historia reconstruye el turbulento fin de semana de 2023 en el que Altman fue destituido y readmitido por el consejo de OpenAI en cuestión de días.

La primera parte del relato se centra en el cofundador Ilya Sutskever, interpretado por Yura Borisov, presentado como la mente científica idealista de la empresa. Después, el foco se desplaza a la lucha de poder en la cúpula de la compañía. El reparto incluye además a Monica Barbaro como la exdirectora tecnológica Mira Murati, junto a Cooper Hoffman, Jason Schwartzman, Cooper Koch, Billie Lourd, Zosia Mamet, Chris O’Dowd y Mark Rylance.

La duda de los estudios no se limita al componente político. The Hollywood Reporter subraya que películas como esta, dramas adultos de presupuesto medio, encajan mal en la economía actual de Hollywood. En ese análisis también pesa la incógnita sobre el interés del público por una historia centrada en el funcionamiento interno de OpenAI, pese a la comparación frecuente con el filme sobre Facebook dirigido por David Fincher.

El mismo medio recuerda además el último recorrido comercial de Guadagnino con Amazon. Rivales, con Zendaya, recaudó 96 millones de dólares en todo el mundo, mientras que Caza de brujas, protagonizada por Julia Roberts, se quedó en 9 millones de dólares globales con un presupuesto superior a 70 millones.

En ese escenario, Mubi se perfila como el encaje más natural. La distribuidora ya ha trabajado con Guadagnino en varios frentes: lanzó Queer en distintos territorios internacionales, llevó a los cines británicos Suspiria y adquirió los derechos mundiales del cortometraje The Staggering Girl.

La relación previa no es el único argumento. La compañía ya rescató La sustancia de Coralie Fargeat cuando Universal la abandonó antes del Festival de Cannes. Aquella apuesta terminó con un premio en Cannes y cinco nominaciones a los Oscar, aunque ese caso entrañaba menos riesgo porque costó menos de la mitad y no retrataba a personas reales con poder actual.

Mubi necesita una victoria después del decepcionante recorrido en salas de Die, My Love. También apunta que salvar una película apartada en plena colisión entre estudios y gigantes tecnológicos le daría una inyección de imagen pública. Neon sigue en la órbita del proyecto, aunque sin un movimiento confirmado.

La película se encuentra en la fase final de posproducción. Antes de la salida de Amazon aspiraba a estrenarse en SXSW, pero ahora podría acabar en el Festival de Venecia; si Mubi cierra la compra, la opción del Lido gana fuerza porque Guadagnino ha presentado allí buena parte de su filmografía, incluida su última película, Caza de brujas o Hasta los huesos: Bones and All, por la que ganó el premio al mejor director.

Por el momento, Toy Story 5 encabeza la taquilla con el mejor estreno del año y la canción de Swift lidera la Billboard Hot 100. Ese doble dominio sitúa el tema en cabeza de la carrera de premios, aunque su uso en la película se limita a los títulos de crédito finales y no acompaña ninguna escena central.

El medio sostiene que ese detalle puede pesar más de lo que parece en una categoría donde los votantes suelen premiar canciones incrustadas en la narración. La elegibilidad del tema no preocupa, según personas implicadas en la campaña de premios de la película con las que ha hablado la publicación, pero la discusión no está ahí.

La canción no está ligada a un momento emocional

La clave está en cómo la saga ha utilizado antes la música para fijar momentos emocionales. El artículo recuerda que, aunque You’ve Got a Friend in Me, de Randy Newman, ha sido la base musical de la franquicia, la unión más recordada entre imagen y canción en Toy Story sigue siendo el montaje de Jessie en Toy Story 2 con When She Loved Me, escrita también por Newman e interpretada por Sarah McLachlan.

En Toy Story 5, la expectativa de un eco de aquella secuencia era alta porque la historia vuelve a situar a Jessie en el centro de la trama. La vaquera, con la voz de Joan Cusack, regresa a la casa de su dueña original, de quien creía haber sido abandonada, y descubre que esa dueña llamó Jessie a su hija.

Para IndieWire, esa escena ofrecía el lugar natural para que I Knew It, I Knew You quedara ligada al corazón dramático de la película. La canción, sin embargo, no suena ahí ni en ningún otro momento de la acción: aparece únicamente sobre los créditos finales.

Ese uso la deja en una zona delicada ante una rama de la Academia que, según el medio, premia con frecuencia temas que no solo acompañan una película, sino que ayudan a contarla. La publicación cita tres ejemplos recientes de ese patrón: Golden, en Las guerreras K-pop, sella finalmente el Honmoon; la primera actuación en directo de Shallow define el nacimiento de Ha nacido una estrella; y What Was I Made For? formula la pregunta que Barbie resuelve en su clímax emocional.

El artículo subraya que Swift sí ha demostrado antes que sabe escribir canciones con una función narrativa más explícita en cine. Menciona You’ll Always Find Your Way Back Home, el tema final de Hannah Montana: La película, interpretado en concierto por Miley Cyrus como el personaje ficticio, como un cierre que remata lo que el espectador acaba de ver.

La autora estadounidense también cuenta con experiencia previa en la categoría. Como intérprete, su primera incursión en música para cine fue Safe and Sound, junto a The Civil Wars, para Los juegos del hambre, y en 2022 entró en la ‘short list’ del Oscar con Carolina, escrita para La chica salvaje.

Aquella candidatura frustrada tuvo una consecuencia institucional: al año siguiente recibió la invitación para entrar en la rama musical de la Academia. Aun así, la publicación advierte de que el peso estelar de Swift no basta por sí solo para doblegar las inercias internas de ese grupo de votación.

Otras posibles candidatas

La comparación con otros nombres conocidos refuerza ese argumento. Según el medio, ni las dos canciones integradas en la trama de El diablo viste de Prada 2 por Lady Gaga han entrado siquiera en el Top 40, mientras la banda sonora de Cumbres borrascosas de Charli XCX se está diluyendo ante la llegada de su próximo.

El panorama de lo que queda de año tampoco ofrece, por ahora, muchos musicales originales de gran escala que alteren la competición. La publicación sí apunta a Jesse Eisenberg, impulsado por su película ganadora del Oscar A Real Pain, como alguien con opciones de colocar una canción de su nuevo proyecto, The Debut, en la conversación.

Con seis meses todavía por delante en 2026, el análisis concluye que aún hay margen para que aparezca otra colaboración entre artista y director con una inserción más orgánica en una película. La posición de Swift como favorita se apoya hoy en que no ha surgido otra canción original para cine con un impacto comparable, pero esa ventaja sigue sin convertir la carrera en un trámite.

Según el medio IndieWire, esa versión dura dos horas y 45 minutos, se proyectó el 30 de abril en la sala de Verve de Hollywood y fue la primera exhibición pública en más de cuatro décadas del primer montaje de la película. A la sesión asistió también el director Joe Dante, que presentó en persona el pase.

La copia mostraba versiones extendidas de escenas que sí llegaron al montaje final, junto a material completamente descartado. El resultado ofrecía una imagen precisa de cómo evolucionó la película desde su ensamblaje inicial hasta la edición afinada que acabó convertida en un gran éxito comercial.

Grant dirige desde hace años el Gremlins Museum, un archivo independiente centrado en preservar la historia de Gremlins y Gremlins 2: La nueva generación. El proyecto se articula en torno a la mayor colección conocida de marionetas, atrezo, materiales de producción y objetos del rodaje vinculados a ambas películas.

El proceso de recuperación del material

El origen de esa labor, ha contado Grant al medio, fue un objetivo personal muy concreto: conseguir una marioneta original de un gremlin. Recordó que de niño se preguntaba cómo alguien podía comprar una de esas criaturas de cine y que esa fascinación nunca desapareció; hacia 2020, una de las marionetas más raras de la primera película llegó a sus manos y empujó el proyecto con fuerza.

La reconstrucción del montaje comenzó en febrero de 2026, cuando Grant habló con Chris Walas, creador de las criaturas de Gremlins. Walas recordaba que la secuencia original de Dorry’s Tavern contenía mucho más metraje que el incluido en la película terminada, quizá hasta 20 minutos adicionales dentro del primer ensamblaje.

Con ese dato, Grant consultó a Dante para saber si ese material había existido y, sobre todo, si aún quedaba alguna cinta. El director respondió que lo revisaría y pocos días después localizó en su archivo personal una cinta VHS etiquetada “11/23/83 – Gremlins 1st Assembly”.

La publicación explica que Dante ni siquiera tenía claro qué contenía exactamente aquella cinta y tampoco disponía de un reproductor VHS para comprobarlo, de modo que decidió enviársela a Grant. Cuando el paquete llegó, no incluía una sola cinta, sino dos: la copia de montaje y una segunda casete etiquetada “Gremlins Outtakes”.

Grant llevó ambas a una empresa profesional de preservación de soportes en Seattle para supervisar su digitalización. Las cintas tenían más de 40 años y no había garantía de que conservaran material utilizable, pero el proceso acabó revelando una gran cantidad de imágenes perdidas de la película.

El material, tal como apareció, no estaba listo para una proyección abierta. Eran casi tres horas con diálogos de producción en bruto, sin música y con sonidos de criaturas todavía sin terminar, un formato que podía resultar valioso para especialistas y aficionados muy entregados, pero difícil de sostener ante una sala generalista.

Qué se espera de esta nueva copia

Ahí empezó la llamada “Screening Cut”, una nueva edición pensada para respetar el contenido original y hacer posible su visionado en público. Grant limpió vídeo y audio, elevó la imagen al menos a 2K, aisló los sonidos definitivos de las criaturas y la banda sonora de la versión estrenada en cines, y reeditó toda la película.

El primer gran obstáculo fue un zumbido constante en el audio VHS de las dos cintas, que complicaba la limpieza de los diálogos desde el principio. Después llegó la sustitución de los sonidos provisionales de Gizmo y de los gremlins, para los que recurrió a herramientas modernas de audio capaces de extraer e integrar las interpretaciones sonoras definitivas del montaje comercial.

La música de Jerry Goldsmith planteó otro problema de fondo. Su partitura estaba sincronizada con mucha precisión para la versión estrenada, pero numerosas escenas del montaje recuperado duran varios minutos más, así que Grant tuvo que alargar y reestructurar fragmentos para ocultar los puntos de edición; al final, trabajó con cuatro o cinco versiones distintas de la película cargadas al mismo tiempo dentro del proyecto.

Mientras avanzaba en esa reconstrucción, recibió un mensaje por Instagram de Scott Glassgold, de 12:01 Films, que aceleró los plazos. Glassgold quería organizar una proyección pequeña y exclusiva para personas vinculadas a su empresa, entre ellas los guionistas de Gremlins 3 Zach Lipovsky y Adam B. Stein, y esa cita dio a Grant una fecha límite que no esperaba.

Aquella sesión reunió también a varios cineastas de terror contemporáneo, entre ellos Drew Hancock, Dan Berk, Robert Olsen, Brian Duffield y Akela Cooper. Grant relató que buena parte de los invitados acudió sin saber qué iba a ver, porque la convocatoria se presentó como el pase secreto de una película “que nadie había visto antes”.

Grant quiere ahora que más seguidores de la saga puedan ver esa copia de montaje y, según IndieWire, ya está hablando con Warner Bros. para estudiar cómo hacerlo posible. Su intención, dijo, es estar presente cuando el público la vea por primera vez y comprobar la reacción de una sala llena de aficionados cuando la película tome caminos que no esperan.

El Gremlins Museum, que empezó como una colección personal, ha crecido además mediante colaboraciones con creadores originales de la saga para conservar su trabajo. Grant citó como ejemplo el escaneado de los Polaroid originales de Walas, las mismas fotos que enviaba a Dante desde el rodaje para documentar la construcción de las criaturas, así como diapositivas promocionales de Gremlins obtenidas de la colección personal del director.

Su objetivo es ampliar esa labor con otros responsables de Gremlins y Gremlins 2. Entre ellos mencionó al diseñador de criaturas Rick Baker, de quien destacó una colección de negativos del rodaje de la segunda película que le gustaría ayudar a escanear y preservar para contar con más detalle cómo se hicieron ambas producciones y conservar el legado de sus artistas para futuras generaciones.

En la actualidad, se está preparando la que sería una secuela de Gremlins, Gremlins 3, dirigida por Chris Columbus, creador del guion de la original y que cuenta con películas de entretenimiento a sus espaldas tan famosas como Harry Potter y la piedra filosofal o Solo en casa. La película ya ha fijado su fecha de estreno en noviembre de 2027.

Ahora que películas como Backrooms u Obsession han revitalizado el cine de terror y que, de alguna manera beben de aquella película fundacional, no es de extrañar que se haga una nueva versión y que incluso se haya fijado ya una fecha de estreno para ir generando expectación.

Así, Lionsgate ha comunicado que la nueva película de El proyecto de la bruja de Blair aterrizará en las carteleras el 24 de septiembre de 2027. Un movimiento con el que el estudio busca ‘reintroducir’ uno de los títulos más rentables del cine independiente de terror a una nueva generación y ampliar de nuevo el universo de la franquicia en salas.

Un director surgido de YouTube, en la línea actual

El elegido para dirigirla será Dylan Clark, joven cineasta, al igual de Curry Barker o Kane Parsons, curtido en el ámbito del cortometraje y en YouTube, que debutará con este ‘reboot’ que ha sido definido como como una “nueva visión” destinada a recuperar este clásico del terror para nuevos espectadores.

La trama sigue sin desvelarse, pero el estudio ha situado el proyecto dentro de una ‘reinterpretación’ del universo de la saga. Su objetivo es actualizar su mitología y trasladarla a una narrativa pensada para audiencias contemporáneas.

La película original, estrenada en 1999, se convirtió en un caso singular de rentabilidad: recaudó cerca de 250 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto mínimo. Su propuesta formal, basada en el ‘found footage’, seguía la supuesta historia real de tres estudiantes de cine que desaparecen mientras ruedan un documental sobre la leyenda de la Bruja de Blair.

Entre los productores figuran Jason Blum y James Wan, fundadores de Blumhouse y Atomic Monster, junto a Roy Lee, Adam Hendricks y Greg Gilreath.

Fricciones en la reactivación del proyecto

El nuevo proyecto recupera además a parte del núcleo creativo y artístico de la cinta de 1999. Eduardo Sánchez, Daniel Myrick y Gregg Hale, vinculados a la creación de la película original, ejercerán como productores ejecutivos, igual que los actores Joshua Leonard y Michael C. Williams.

Ese regreso llega después de una relación distante con las nuevas producciones de la saga. Tras el anuncio inicial del reinicio en 2024 durante la CinemaCon, Leonard y Williams aseguraron en declaraciones citadas por Variety que no habían sido informados previamente sobre la reactivación del proyecto ni sobre el uso de sus nombres e imágenes en su promoción.

Heather Donahue resumió aquel malestar en una declaración recogida entonces por el medio especializado: “Habíamos reservado algunas convenciones. Era agradable escuchar cosas positivas de los fans y ver a la gente. Se sentía algo bueno por primera vez en toda la historia de esto. Y entonces —boom— llega este anuncio, y es como, ‘malditos sean’”.

El proyecto de la bruja de Blair dio pie en 2000 a El libro de las sombras: Blair Witch 2, una secuela que no alcanzó el mismo resultado que la primera película. En 2016 llegó además otra ‘revisitación’, Blair Witch, dirigida por Adam Wingard (responsable de Tú eres el siguiente o Godzilla vs. Kong) aunque, en esta ocasión, parece que las expectativas con este nuevo proyecto ya están muy altas.

La muerte de Robert Blake cerró en 2023 la historia de un actor que pasó de estrella infantil y el reconocido rostro de Baretta a protagonista de uno de los casos judiciales más seguidos de Hollywood: el asesinato de su esposa Bonny Lee Bakley, por el que un jurado lo absolvió en lo penal y después un tribunal lo declaró responsable en la vía civil.

Nacido en Nueva Jersey el 18 de septiembre de 1933, construyó una carrera de siete décadas en cine y televisión con grandes títulos como Our Gang, A sangre fría y Baretta. Sin embargo, quedó marcado por el asesinato de su esposa Bonny Lee Bakley en 2001. All That Interesting recogió que fue absuelto en el juicio penal en 2005, después afrontó una condena civil con una indemnización millonaria y murió por una enfermedad cardíaca el 9 de marzo de 2023.

El actor creció en un entorno adverso y violento. Su papá, Giacomo Gubitosi, era abusivo y él mismo describió su hogar como un lugar “terrible y muy enfermo”. Incluso, asegura que su mamá intentó abortarlo y que su padre sometía a sus hijos a tormentos y vejaciones.

No obstante, sus padres actuaban de forma esporádica y llevaron a Blake y a sus hermanos al espectáculo desde niños. De este modo, la familia se mudó a California en 1938 y los menores empezaron a trabajar como extras.

A los seis años se convirtió en una cara habitual de Our Gang, que después derivó en Los Pequeños Traviesos. Su carrera retomó impulso en los años 50 y 60. Uno de sus papeles destacados fue como Perry Smith en A sangre fría en 1967.

El gran salto de popularidad llegó con Baretta, la serie de los años 70 que le dio un Emmy y un Globo de Oro. El creador de la serie, Stephen Cannell, declaró a la revista People: “El término complejo ni siquiera empieza a describir su personalidad. Si uno está en un proyecto con él, hay que apretarse bien fuerte el cinturón porque el viaje va a ser muy movido, va a haber muchas sacudidas y turbulencias”.

La relación con Bonny Lee Bakley y la noche del crimen

Blake conoció a Bonny Lee Bakley en un club de jazz en 1999. La mujer, de 43 años y madre de tres hijos, venía de nueve matrimonios y una vida vinculada sentimentalmente con Christian Brando, otra cara conocida de Hollywood que asesinó al novio de su medio hermana. A finales del milenio, Bakley quedó embarazada, situación de la cual quiso desligarse el actor, asegurando que el hijo era del otro actor. No obstante, una prueba de ADN determinó después que la nena sí era su hija.

El actor, que ya tenía dos hijos de una relación anterior, se casó con Bakley en noviembre de 2000. Ambos criaron durante unos meses a su hija, Rose Lenore Sophia Blake, aunque atravesaron una convivencia poco convencional dentro de la propiedad del actor en California.

La noche del 4 de mayo de 2001, la pareja cenó en Vitello’s, un restaurante italiano de Studio City, indicó All That Interesting. Luego de la velada, caminaron hacia el auto y Blake regresó al local a buscar un arma que se había olvidado, mientras su mujer aguardó dentro del vehículo. Según su relato recogido por la revista, cuando regresó al automóvil, encontró a su esposa con dos heridas de bala: una en la cabeza y otra en el hombro. “Abrí la puerta, me senté a su lado y la levanté, pero lo único que hacía era gotear y había una enorme cantidad de sangre por todas partes”.

El juicio por el asesinato y la condena en la vía civil

La investigación encontró pronto un obstáculo central. Según All That Interesting, el arma de Blake no fue la usada en el crimen y las pruebas balísticas no hallaron restos de pólvora en sus manos. La acusación se apoyó entonces en los testimonios de dos antiguos dobles de riesgo, Ronald “Duffy” Hambleton y Gary McLarty. Ambos dijeron que Blake les había pedido matar a Bakley antes del crimen.

McLarty declaró, en un testimonio recogido por CNN: “Empezó a hablar de su esposa y de cómo se aprovechaba de él, gastando su dinero”. Por su parte, la fiscalía citó llamadas telefónicas entre el actor y uno de esos testigos y un retiro bancario de $25.000 el mismo día del asesinato.

Finalmente, la policía arrestó a Blake en abril de 2002, casi un año después del crimen. A partir de allí pasó 11 meses detenido y que recuperó la libertad tras pagar una fianza de USD 1.500.000. El juicio penal comenzó en diciembre de 2004. La defensa desacreditó a Hambleton y McLarty al exponer antecedentes penales, consumo de drogas y problemas de credibilidad, y que la falta de pruebas físicas dejó espacio para la duda razonable.

El jurado absolvió a Blake en marzo de 2005. Sin embargo, la historia judicial no terminó ahí. Un juicio civil posterior lo declaró responsable por la muerte de Bakley y le impuso una indemnización de $30 millones, que luego se redujo. Los gastos legales y la sentencia civil golpearon sus finanzas y en 2006 se declaró en bancarrota, lo que lo motivó a volver a actuar en nuevos papeles de televisión o cine.

La muerte de Blake y el peso duradero del caso

En sus últimos años habló públicamente de su estado físico y de su versión de los hechos. En declaraciones recogidas por ABC News, dijo: “Tengo 85 años, estoy hecho polvo, pero sigo aquí” y también: “No me rindo”. En esa misma conversación volvió a negar cualquier participación en el crimen. “Tenía una fortuna de 40 millones de dólares. ¿Acaso iba a contratar a alguien para que le disparara a mi esposa en un auto mientras yo estaba en el baño o alguna tontería por el estilo?”, sentenció.

Robert Blake murió de una enfermedad cardíaca el 9 de marzo de 2023 a los 89 años. El actor pasó sus últimos años en soledad y su nombre ya aparecía más en la crónica policial que en la historia del espectáculo.

Su carrera incluyó una infancia frente a las cámaras, el reconocimiento por A sangre fría, la fama televisiva de Baretta y una última etapa marcada por el aislamiento. Al final, el caso por la muerte de Bakley pesó más que los papeles con los que construyó su lugar en Hollywood.

La industria audiovisual atraviesa un momento de transformación histórica con la alianza entre A24 y Google DeepMind, un acuerdo que busca redefinir los procesos creativos y técnicos a través de la inteligencia artificial. Este movimiento plantea nuevas posibilidades para la narrativa cinematográfica y pone sobre la mesa debates sobre el futuro del empleo y la autoría en el cine.

El anuncio de la colaboración llega en un contexto donde la inteligencia artificial comienza a impactar de lleno en el desarrollo y la producción de películas y series, según ha advertido un informe de McKinsey. Directivos, sindicatos y expertos de la industria observan con atención los cambios que esta tecnología puede provocar en la creatividad, la economía y los modelos de trabajo tradicionales.

En qué consiste la alianza entre Google y A24

La colaboración entre A24 y Google DeepMind se presenta como una iniciativa pionera orientada a la investigación y el desarrollo de nuevas herramientas basadas en inteligencia artificial. El objetivo es que los cineastas participen activamente en la creación y adaptación de tecnologías que respondan a sus necesidades narrativas y de producción, y que permitan ampliar los límites de la creatividad audiovisual.

La alianza implica la inversión directa de Google en el estudio, así como la creación de equipos conjuntos de trabajo para explorar y experimentar con flujos de trabajo, técnicas y soluciones innovadoras. Se espera que los resultados de este enfoque colaborativo no solo optimicen los procesos existentes, también faciliten la aparición de métodos inéditos de realización y posproducción.

La inteligencia artificial y su vinculación en la cinematografía actual

El uso de inteligencia artificial en el cine no es nuevo, pero su integración a gran escala se acelera con alianzas como la de A24 y Google. De acuerdo con McKinsey, la IA ya se emplea en etapas como la preproducción, donde ayuda a desglosar guiones, visualizar secuencias y planificar recursos con una eficiencia inédita, logrando aumentos de productividad de hasta un 10% en algunos casos.

Estas herramientas permiten anticipar problemas y optimizar la toma de decisiones antes de que las cámaras empiecen a rodar. En la producción física, la adopción avanza a un ritmo más lento, en parte por limitaciones técnicas y por la necesidad de preservar la integridad creativa. Voces de la industria, como Kevin Lingley, vicepresidente ejecutivo de Fremantle, subrayan que la implicación emocional del espectador sigue siendo prioritaria, por lo que el equilibrio entre tecnología y autenticidad resulta clave.

En la posproducción, la presencia de inteligencia artificial ya se percibe en tareas como la edición, el doblaje y la localización de contenidos. La automatización de procesos repetitivos permite agilizar calendarios y reducir costes, mientras que la calidad visual y sonora avanza hacia nuevos estándares.

Cambios en el empleo y retos para la creatividad

El informe de McKinsey ha alertado sobre el impacto de la automatización en los puestos de trabajo dentro del sector audiovisual. Si bien muchas tareas técnicas se verán reducidas o transformadas, también podrían surgir nuevos roles vinculados a la gestión y supervisión de tecnologías de inteligencia artificial. Los sindicatos han comenzado a negociar cláusulas que protejan los derechos de imagen y la compensación de los profesionales creativos, en un intento de equilibrar la innovación con la protección del talento humano.

La introducción de sistemas inteligentes en el cine abre el debate sobre la autoría y la autenticidad en la obra audiovisual. Los expertos coinciden en que la creatividad seguirá dependiendo de la visión artística, aunque los medios y herramientas para plasmarla evolucionen de forma acelerada.

La alianza entre A24 y Google DeepMind representa el comienzo de una etapa de exploración conjunta, donde los límites de la tecnología y la narrativa audiovisual serán puestos a prueba en múltiples proyectos. El enfoque inicial busca reducir la distancia entre la innovación tecnológica y el entretenimiento de próxima generación, sentando las bases para una colaboración que promete cambiar la forma en que se conciben, producen y disfrutan las películas.

El director Quentin Tarantino y la cantante Kylie Minogue protagonizarán la nueva película del director galés Jamie Adams Tangled Up in Blue, informó Variety.

El elenco también comprende a la actriz Allison Williams, el rapero estadounidense RZA, así como los actores Jason Isaacs y Sofia Boutella.

La película, de la cual no se han adelantado detalles, será producida por Sabine Stener, Randy Kleinman y Jordan Yale Levine, de Visor Entertainment.

Esta no es la primera vez que Tarantino trabaja junto a Adams. El director de Kill Bill interpretó al editor de libros John Percy en la película Only What We Carry, estrenada recientemente en el Festival de Tribeca, en Nueva York.

Dicho papel fue su rol más relevante como actor desde 1996, cuando participó en la película de Robert Rodriguez From Dusk Till Down, de la que también fue guionista.

Por su parte, la cantante australiana regresará al cine ocho años después del estreno de la comedia dramática Swinging Safari.

Actualmente Tarantino se encuentra trabajando en los preparativos de su primera obra de teatro, The Popinjay Cavalier, que tiene previsto estrenar a principios de 2027 en el famoso distrito teatral del West End de Londres.

Fuente: EFE.

Fotos: archivo.

Toy Story 5 logró el mejor debut en la historia de la franquicia al recaudar 160 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, lo que representa el mayor estreno anual en ese mercado y un hito para la animación en 2026, según cifras oficiales publicadas el domingo 21 de junio. El lanzamiento global alcanzó los 311,6 millones de dólares, impulsando a Disney y Pixar y consolidando el interés internacional por la saga.

De acuerdo con registros de Box Office Mojo y reportes de medios como CNBC y Deadline, la película dirigida por Andrew Stanton se exhibió en 4.425 salas de Estados Unidos y Canadá, donde asistieron 11,5 millones de personas según la consultora EntTelligence. A nivel internacional, la recaudación sumó 152 millones de dólares, elevando el acumulado mundial a 311,6 millones de dólares durante el fin de semana de estreno.

El lanzamiento de Toy Story 5 establece un nuevo estándar para Pixar, tras un periodo de resultados variables en la industria luego de la pandemia. El desempeño de esta entrega supera ampliamente el debut de Toy Story 4, que en 2019 había registrado 120 millones de dólares en su primer fin de semana en Norteamérica, según Box Office Mojo.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en su estreno y cómo se compara con otras películas animadas?

Según cifras publicadas por Box Office Mojo, Toy Story 5 recaudó 159.677.837 dólares en Estados Unidos y Canadá en su primer fin de semana, lo que representa el 51,2% del total mundial. En el extranjero, la película sumó 152 millones de dólares, logrando así un total global de 311.677.837 dólares. CNBC informó que este resultado marca un récord para la franquicia y el mayor estreno para una película animada en 2026.

Este desempeño coloca a Toy Story 5 como la segunda mayor apertura de una película animada en Estados Unidos, solo por detrás de Incredibles 2, que alcanzó 182,6 millones de dólares en 2018, según registros de Variety. A nivel mundial, Toy Story 5 se ubica detrás de Inside Out 2, que recaudó 384 millones de dólares en su estreno global, excluyendo China, de acuerdo con Variety.

¿En qué países Toy Story 5 tuvo el mejor desempeño en taquilla?

De acuerdo con Box Office Mojo, México lideró los ingresos internacionales con 25,8 millones de dólares, seguido por Reino Unido con 20,3 millones y China con 17,9 millones. Otros mercados destacados incluyen Brasil (6,5 millones), Argentina (5,4 millones), Francia (7,3 millones), Corea del Sur (5,9 millones) y Australia (6,8 millones).

En Europa, los ingresos más altos se registraron en Reino Unido, Francia, España (5,4 millones) e Italia (3,6 millones). En América Latina, además de México, Brasil y Argentina se posicionaron entre los mercados más relevantes. En Asia, Corea del Sur, Australia, Taiwán y Filipinas superaron los 2 millones de dólares en sus respectivos estrenos.

En Estados Unidos, las ciudades con mayor asistencia fueron Los Ángeles, Nueva York, Dallas, Houston y Chicago, donde se concentró la mayor parte de las ventas de boletos, según datos de EntTelligence.

¿Cuál fue el perfil de la audiencia y cómo influyeron las fechas especiales?

La asistencia en salas norteamericanas estuvo marcada por una alta participación de público familiar, con el 64% de los espectadores optando por funciones antes de las 17:00 horas del sábado, de acuerdo con EntTelligence. El estreno coincidió con el Día del Padre y el feriado de Juneteenth en Estados Unidos, factores que tradicionalmente incrementan la concurrencia al cine, según reportó Deadline.

El análisis demográfico reveló que el 50% del público se identificó como fanático de la franquicia, mientras que el 49% manifestó interés en una posible sexta entrega de Toy Story, de acuerdo con datos de Rentrak citados por Deadline.

¿Qué estrategias de distribución y marketing acompañaron el lanzamiento?

El lanzamiento global de Toy Story 5 incluyó alianzas promocionales con marcas como Porsche, Adidas, Kellogg’s, AT&T y Papa John’s, según Deadline. El valor estimado de la campaña mediática global ascendió a 200 millones de dólares, superando las inversiones realizadas en Inside Out 2 y Zootopia 2, según información de la compañía.

Las funciones en salas premium y pantallas IMAX representaron el 31 % de las ventas de boletos en Norteamérica, de acuerdo con Box Office Mojo, reflejando una preferencia creciente por experiencias mejoradas de exhibición. IMAX reportó ventas domésticas de 11,5 millones de dólares y un total global de 18,4 millones durante el fin de semana de estreno, según CNBC.

Además, la campaña de promoción incluyó la colaboración de la cantante Taylor Swift, cuyo tema “I Knew It, I Know You” debutó en el primer lugar del Hot 100 antes del estreno de la película, lo que contribuyó a posicionar la producción en la conversación cultural, según Deadline.

¿Qué dijeron Disney y Pixar sobre los resultados?

La respuesta institucional de The Walt Disney Company y Pixar Animation Studios se enfocó en destacar la aceptación obtenida en cines y el impacto de la estrategia de estrenos en salas frente a alternativas digitales. Un portavoz de Disney declaró a CNBC: “Toy Story 5 marcó el mayor lanzamiento de la franquicia y reafirma el atractivo de las proyecciones en salas”.

La empresa también informó que las cuatro películas previas de Toy Story generaron más de 60 millones de horas de visualización en Disney+ durante la semana anterior al estreno, el mayor incremento para un lanzamiento cinematográfico según datos recogidos por Deadline.

¿Cómo impacta el éxito de Toy Story 5 en la taquilla de 2026?

El desempeño de Toy Story 5 llevó a la taquilla veraniega estadounidense a alcanzar los 1.850 millones de dólares al 21 de junio, cifra apenas 1,1% inferior a la registrada en 2019 para el mismo periodo, según Rentrak y Box Office Mojo. El acumulado anual de la taquilla estadounidense se ubicó en 4.470 millones de dólares al cierre del fin de semana, de acuerdo con CNBC.

Analistas consultados por Deadline y CNBC señalaron que la tendencia observada en el estreno de Toy Story 5 anticipa una recuperación sostenida de la asistencia a salas, en particular para títulos de franquicia y películas animadas de alto presupuesto.

¿Qué se puede esperar a partir de ahora para la franquicia Toy Story y la industria?

Los resultados obtenidos por Toy Story 5 refuerzan la preferencia del público por grandes estrenos en salas y confirman la vigencia de las franquicias cinematográficas como motor principal de la industria, de acuerdo con Variety y CNBC. Las cifras de asistencia y recaudación, junto con la expansión de alianzas comerciales y el uso de formatos premium, delinean el escenario inmediato para los grandes estudios y las cadenas de exhibición.

El monitoreo de la taquilla en las próximas semanas permitirá evaluar la sostenibilidad de la tendencia y su impacto en la programación de estrenos y estrategias de marketing.

A los 16 años, una edad en la que la mayoría de los adolescentes piensa en exámenes de conducir y bailes de graduación, Kane Parsons realizó un cortometraje de nueve minutos titulado The Backrooms (Found Footage), sobre un hombre atrapado en un inquietante laberinto de pasillos.

El filme y sus secuelas se convirtieron en un fenómeno de YouTube tan grande que, pocos meses después de que Parsons cumplió 17 años, A24 lo contrató para dirigir una adaptación cinematográfica de Backrooms, convirtiéndolo en el director más joven en la historia del estudio. Siguieron dos años de desarrollo, así que Parsons tenía 19 años cuando eligió a los nominados al Óscar Renate Reinsve y Chiwetel Ejiofor como protagonistas, y 20 cuando lo entrevisté en Los Ángeles unas semanas antes del estreno de la película.

“La edad siempre ha estado presente en las conversaciones sobre mí”, comenta Parsons, quien tiene mejillas sonrojadas y rizos peinados hacia adelante, como un tiktoker adolescente. Antes de comenzar la producción de “Backrooms” (en cines), temía que la gente no lo tomara en serio como director de un largometraje.

“Eso era lo que más me inquietaba: ¿Cuánto debo hacer para contrarrestar el prejuicio que cualquiera pueda tener?”, afirma.

Al mismo tiempo, temía perder la audiencia online que había construido con tanto esfuerzo. Parsons forma parte de una nueva generación de realizadores de terror surgidos en YouTube, como Mark Fischbach, de 36 años, cuyo “Iron Lung” logró un éxito inesperado este año, y Curry Barker, de 26, quien pasó de la comedia de sketches a dirigir “Obsession”, otro éxito reciente.

Parsons es el más joven del grupo y, en ciertos aspectos, el menos previsible para dar el salto al cine. Reconoce abiertamente que su enfoque artístico ha estado más influido por series web y videojuegos como Portal y Half-Life que por el cine tradicional de Hollywood.

“No veo muchas películas”, admite, aunque ha visto la serie Mr. Robot al menos ocho veces.

Aun así, Parsons no es un aficionado. Caminando junto al río de Los Ángeles, lo percibí como alguien inusualmente reflexivo y seguro de sí mismo, con la autoridad serena de un profesor universitario. Al reflexionar sobre el éxito del concepto “Backrooms”, Parsons dejó de lado el factor de miedo de los pasillos abandonados para apuntar a algo más amplio.

“Hay mucha simpleza en la premisa que explota la ansiedad que genera la etapa de industrialización en la que estamos”, dice. “El mundo se atomiza y se vuelve solitario. Tenemos mucho a nuestro alcance —al menos en esta parte del mundo— pero parece que todo lo que tenemos vale cada vez menos”.

En una videollamada, Reinsve elogió a Parsons por su capacidad para aterrizar grandes conceptos filosóficos en la realidad cotidiana.

Sobre lo que hace tan aterrador a “Backrooms”, Parsons explica: “Es estar al borde de poder asomarse a la esquina, y hay otra esquina más allá”.

En la película, Reinsve interpreta a la doctora Mary Kline, una terapeuta cuyo paciente Clark (Ejiofor) afirma haber encontrado un portal hacia un extraño mundo dentro de su tienda de muebles. Cuando Clark desaparece días después, Mary debe adentrarse en el laberinto de las Backrooms para investigar.

Pero para Parsons, la trama encierra algo más profundo. Así como Mary intenta cartografiar la mente humana como terapeuta, Clark trata de mapear las Backrooms, y ambos se enfrentan a sistemas cuya lógica interna permanece fuera de su alcance.

“Es una película sobre la imperiosa necesidad biológica de hacer mapas de todo para tener cierto control, para explicar tus circunstancias y así escapar de la carga emocional que suponen”, sostiene Parsons.

Pero, ¿y si somos problemas sin solución y los pasillos de nuestra mente se extienden hasta el infinito? Para Parsons, esa idea es lo que vuelve tan aterradoras las Backrooms.

“Es estar a punto de mirar la esquina y ver que hay otra aún más allá”, repite.

Parsons creció en las afueras de Silicon Valley, en el Valle de Petaluma, al norte de California, rodeado de colinas verdes que compara con el fondo de pantalla predeterminado de Windows XP. “Los campos son bonitos porque gente con muchos recursos quiere que siga así, y se escucha el zumbido lejano de los centros de datos”, cuenta.

Con una cámara digital heredada de sus padres, pasó buena parte de su infancia realizando cortometrajes, desde historias de monstruos con su hermano menor hasta películas en stop-motion con plastilina y Legos. Pero al llegar a la adolescencia, Parsons sufrió un dolor intenso en las piernas que tardó casi dos años en diagnosticarse.

“La artritis en un niño de 13 años no tenía sentido”, dice ahora sobre la afección, que controla con una inyección semanal. Hubo momentos en los que apenas podía caminar, y en ese periodo se volcó al mundo de los efectos visuales, usando Blender para crear escenarios virtuales explorables incluso sin moverse.

Fue así como nació el primer corto de “Backrooms” a comienzos de 2022, inspirado por la imagen viral de una oficina abandonada iluminada por una luz amarilla inquietante. Parsons lo armó en Blender en tres semanas y lo consideró un simple experimento técnico. Pero sus efectos impecables y atmósfera inquietante causaron tal impacto que el corto se viralizó, alcanzando 10 millones de visualizaciones en dos semanas.

Entonces Hollywood se interesó. Parsons continuó su serie de “Backrooms” con cortos que acumulaban millones de visitas, y empezó a recibir correos de productores interesados en convertir su creación en una franquicia de terror genérica.

Podrían haber esperado a un adolescente ansioso por venderse, pero tras fracasos como “Slender Man” en 2018, también basada en un meme de internet, Parsons desconfiaba de que Hollywood intentara explotar otra sensación online: “Era lo normal, no la excepción, que eso saliera mal”, asegura.

También rechazaba la idea de que YouTube fuera solo un trampolín para llegar a Hollywood. ¿No podía ser el escenario principal?

“Tengo un nivel de seguridad financiera perfectamente adecuado gracias a YouTube y una gratificación creativa más que suficiente”, afirma. “Intentar cambiar de medio con ciertos proyectos puede quitar algo intrínsecamente valioso de la idea original”.

Por eso, aunque finalmente firmó con A24, considera que la película es solo una versión ampliada de su serie web. “Hice este film por una razón creativa personal, y no creo que deba ser el objetivo final”, reflexiona.

El rodaje duró nueve semanas el verano pasado en Vancouver, donde construyeron 2.800 metros cuadrados de Backrooms en un estudio, materializando lo que solo existía en la computadora de Parsons. “Fue realmente surrealista”, dice, aunque lo que más le sorprendió fue lo natural que le resultó todo.

“Descubrí que no hay una forma correcta de dirigir”, dice. “No podía evitar preguntarme, ‘¿Esto está bien? ¿Por qué se siente tan normal? Pero estamos haciendo la película y funciona’”.

Reinsve cuenta que Parsons fue firme cuando hizo falta, pero siempre dispuesto a adaptarse.

“He trabajado con muchos directores primerizos, y me gusta porque buscan su estilo y aprendes junto a ellos”, dice Reinsve. “Pero él estaba muy seguro, y cada día, al terminar, preguntaba: ‘¿Podría haber hecho algo mejor hoy?’”

No todo fue fácil. Además de dirigir, Parsons compuso la banda sonora con Edo Van Breeman y continuó trabajando en los efectos visuales, modelando los escenarios en Blender igual que cuando “Backrooms” era un proyecto solitario. A finales del año pasado, cuando el calendario de posproducción se acortó varias semanas, esas responsabilidades aumentaron todavía más.

“Al final tenía demasiadas cosas encima”, cuenta Parsons, quien llegó a trabajar jornadas autoimpuestas de 21 horas para que la película quedara tan pulida y detallada como planeaba. “Definitivamente llevé mi sistema nervioso al límite”.

En enero, mientras seguía en plena posproducción en Vancouver, el firmware de su inyector automático dejó de funcionar, lo que lo dejó en cama dos semanas hasta que el equipo de producción consiguió un reemplazo cruzando la frontera. Otro director podría haberse detenido ante contratiempos así, pero Parsons ya había pasado por situaciones similares, aunque entonces tenía menos colaboradores.

“No terminé agotado por la película, fue más bien un agotamiento positivo”, asegura. “Estoy muy contento con el resultado, aunque no fue un trabajo relajado. Todos lo dieron todo”.

Parsons está abierto a hacer secuelas si “Backrooms” tiene éxito, y las proyecciones indican que podría superar los 40 millones de dólares en su estreno, lo que lo convertiría en el director más joven en lograr un éxito así. (Josh Trank, que tenía 27 años cuando “Chronicle” recaudó 22 millones, es hasta ahora el cineasta más joven en liderar la taquilla.)

Aun así, el principal objetivo de Parsons siempre ha sido convertir el proyecto en una serie de televisión. Lleva años imaginando varias temporadas en su cabeza.

“Siento que voy a enloquecer si no saco esto de mi sistema”, afirma. “La razón por la que hago ‘Backrooms’ es por lo que todavía no ha ocurrido”.

Aunque le gustaría abordar otros proyectos —su sueño sería adaptar “Portal” al cine—, Parsons siente que no podrá pasar página hasta concluir “Backrooms”.

“Ya pasaron unos años desde que empecé la serie en YouTube y es como, ‘Vamos, termina esto de una vez’”, dice. “Pero me consuelo porque en verdad disfruto trabajar en ello”.

Y ahí es donde la juventud juega a su favor.

“No planeo morirme en los próximos cinco años”, concluye, “así que no veo problema en tomarme un tiempo”.

Fuente: The New York Times

Estas fueron algunas de las reflexiones que compartió en The Interview, el podcast de The New York Times, donde también habló sobre la evolución de su carrera, el valor de la colaboración creativa y los desafíos que enfrentan quienes buscan desarrollar nuevas ideas dentro de la industria.

Durante la entrevista, el actor, guionista y productor de 44 años puso como ejemplo a Supercool, la comedia que escribió junto con Evan Goldberg y que se estrenó en 2007. “Ningún estudio actualmente compraría un guion como el de Supercool y lo rodaría de inmediato. Hoy, Hollywood evita riesgos”, afirmó.

La transformación personal de Seth Rogen en busca de la satisfacción creativa

El principal aprendizaje de este tiempo, sostiene Rogen, fue anteponer la satisfacción creativa propia a la validación externa. Explicó que, aunque en el pasado buscaba aprobación, ahora su prioridad está en disfrutar del proceso y confiar en sus colaboradores. “La validación externa guiaba mis primeros años; ahora busco sentirme satisfecho con el proceso creativo”, comentó.

Reconoció que su autocrítica reemplazó al enojo generado por presiones externas, y que ese diálogo consigo mismo es parte de su madurez. “Mi enojo ya no es con otros, sino conmigo cuando siento que no di lo mejor”, añadió al podcast de The New York Times.

Igualmente, afirma haberse liberado de la obsesión por el dinero y la competencia, manifestando: “El regalo que me di fue dejar de pensar todo el tiempo si fui suficientemente bueno”.

Para Rogen, los logros se miden por el valor del proceso más que por el aplauso ajeno. Dirigir, escribir y producir le resultan más gratificantes que actuar, y considera fundamental el trabajo conjunto para potenciar el resultado.

Amistad y colaboración: el valor de los lazos auténticos en la obra de Rogen

Las relaciones genuinas, tanto en el cine como en la vida, fueron clave en la trayectoria de Rogen. La amistad masculina franca y vulnerable ocupa un lugar central en películas como Supercool, nacida de su experiencia adolescente junto a su socio creativo Evan Goldberg.

“Nuestra amistad creativa empezó cuando teníamos 13 años y nunca dejó de sorprendernos. Aprendimos juntos a contar historias, a escribir y a identificar lo gracioso y conmovedor. Compartimos el mismo sentido del humor”, relató.

Para Supercool, ese enfoque auténtico sobre la vulnerabilidad masculina diferenciaba la película en la industria: “Las amistades auténticas y vulnerables, en la vida y en la pantalla, han sido mi clave creativa”, subrayó. El valor de los vínculos está, según él, en la capacidad de los hombres para expresar emociones y apoyarse más allá del entretenimiento superficial.

En sus proyectos, la retroalimentación y la colaboración con amigos y colegas resultan esenciales. “Prefiero rodearme de un comité creativo en el que confío antes que afrontar todo en soledad. La colaboración mejora todo”, señaló.

El desafío tecnológico: inteligencia artificial y oportunidades para nuevos cineastas

Rogen, en The Interview podcast, también abordó el papel de la tecnología y celebró la democratización de herramientas digitales, que ha dado lugar a nuevas voces creativas. Aunque valora que cualquier persona, incluso con pocos recursos, pueda filmar y compartir su trabajo, mantiene reservas respecto al uso de la inteligencia artificial en la escritura creativa.

“La inteligencia artificial no tiene sentido para la escritura creativa; la interacción humana es insustituible”, señaló. Sostiene que el intercambio entre personas es irremplazable para generar ideas originales.

Aunque admitió que algunas personas recurren a herramientas de inteligencia artificial como ChatGPT para desarrollar ideas o escribir, aseguró que nunca se sintió atraído por ese tipo de recursos. “Nada sustituye a un colaborador real: hasta el peor amigo es más útil que un programa”, ironizó.

Rogen celebra la irrupción de jóvenes directores como Kane Parsons y Curry Barker, quienes lograron notoriedad en YouTube siendo apenas veinteañeros. Defiende que, gracias al avance tecnológico, cualquiera puede demostrar su talento con recursos mínimos.

Además, cree que la industria experimenta cambios frecuentes, por lo que confía en que las nuevas generaciones podrán abrirse camino si logran conectar con el público y ofrecer propuestas de valor.

El ecosistema de Hollywood atraviesa transformaciones constantes. Aunque la industria tienda a protegerse y eluda el riesgo creativo, siempre habrá espacio para quienes deseen hacer algo diferente y busquen la excelencia.

Ante la expansión tecnológica y la uniformización comercial, invita a los nuevos talentos a aprovechar las oportunidades y apostar por la creación de historias propias.

Rogen afirmó que la disposición a asumir riesgos continúa siendo un elemento clave para impulsar nuevos proyectos en Hollywood. Además, destacó la importancia del trabajo y la constancia en una industria altamente competitiva, y señaló que tanto los profesionales consolidados como quienes comienzan su carrera deberían apostar por proyectos ambiciosos en lugar de limitarse a opciones más seguras.

¿Qué podemos decir de Brad Pitt que no se haya dicho ya? Tal vez no todos conozcan que, antes de ser famoso, estudió periodismo y publicidad en la Universidad (lo abandonó dos semanas antes de graduarse), o que se ganó la vida conduciendo limusinas. Pero a quién le importan estos detalles teniendo en cuenta lo que vendría después: una de las carreras más brillantes del Hollywood actual que incluye personajes ya instaurados en la memoria colectiva, varios clásicos modernos e incluso un premio Oscar al Mejor actor de reparto por Érase una vez en... Hollywood.

Siendo así, es difícil elegir qué película podría ser la mejor de toda su carrera, que ya casi cumple las cuatro décadas. Eso sí, sin duda, una de las primeras posiciones la ocuparía El curioso caso de Benjamin Button, un drama histórico con tintes bélicos, románticos y fantásticos en el que el actor volvió a trabajar con uno de sus directores fetiche, David Fincher, a quien conocía desde hacía años por haber actuado para él en títulos tan memorables como Seven o El club de la lucha, y con el que volverá a coincidir este 2026 en The Adventures of Cliff Booth.

La película, estrenada en 2008, se consagró como una de las propuestas más singulares del cine de su década por la historia de un hombre que, en vez de envejecer, rejuvenece a medida que transcurren los años. Basada en el relato corto de F. Scott Fitzgerald, la película narra la vida de Benjamin Button desde su nacimiento en Nueva Orleans al final de la Primera Guerra Mundial hasta sus últimos días, atravesando un periplo personal marcado por el abandono, el amor y la diferencia.

Un prodigio técnico nacido del genio literario

Actualmmente, El curioso caso de Benjamin Button puede verse en Netflix, aunque por poco tiempo: quedan apenas tres días para que desaparezca del catálogo de la plataforma un título que, además de superar los 333 millones de dólares de recaudación mundial, ganó 3 premios Oscar (Mejor diseño de producción, Mejor maquillaje y peluquería y Mejores efectos visuales), una cantidad que incluso pudo saber a poco, dadas las 13 nominaciones con las que contaba.

Aún así, el premio para la calidad técnica de la película fue más que merecido, ya que es uno de sus sellos distintivos. Para plasmar la transformación física del personaje principal, el equipo de Fincher diseñó efectos visuales inéditos y un extenso trabajo digital. El resultado se tradujo en una verdadera revolución tecnológica para el cine de los 2000, que combina a la perfección con un emotivo guion en el que destacan otros intérpretes como Cate Blanchett, Tilda Swinton, Elle Fanning, Jared Harris o Mahershala Ali.

A esto hay que sumarle también la potencia de la historia original del cuento clásico de Scott Fitzgerald, uno de los escritores más conocidos del siglo XX gracias a novelas como El gran Gatsby o Suave es la noche. La inspiración, según dicen, le vino al escritor de una idea atribuida a otro conocido escritor estadounidense, Mark Twain: “La vida sería infinitamente más feliz si uno pudiera nacer a la edad de 80 y gradualmente acercarse a los 18”. Así, El curioso caso de Benjamin Button sigue la historia de un hombre que, desde 1918, va rejuveneciendo mientras pasa por distintos eventos históricos capitales en la historia del mundo, descubre el amor y nos recuerda cuan extraña, dolorosa y al mismo tiempo valiosa puede ser la vida de una persona.

Mantenerse en la cima del catálogo de Prime Video resulta cada vez más exigente. La avalancha de estrenos y la competencia feroz entre títulos hace que pocas producciones logren permanecer durante semanas entre lo más visto. Sin embargo, Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta ha desafiado esa lógica, consolidándose como uno de los grandes fenómenos recientes de la plataforma y manteniéndose ni más ni menos que durante un mes entero en el top.

El salto de la saga Jack Ryan al formato de largometraje exclusivo en streaming marcó un hito para la franquicia y para Amazon MGM Studios. Recordemos que este personaje, creado originalmente en las novelas de espionaje escritas por el famoso escritor Tom Clancy, había conquistado el mundo de las series con cuatro temporadas en la que John Krasinski había encarnado al agente secreto. La madurez narrativa adquirida sería la que intentarían trasladar al largometraje estrenado en la plataforma, apostando por una secuela inmediata que retoma el pulso del thriller de acción internacional con Andrew Bernstein en la dirección y un guion de Aaron Rabin y el propio Krasinski.

La trama de la película se desarrolla cuando una conspiración global obliga al personaje principal a regresar al trabajo, enfrentándose tanto a amenazas externas como a traiciones del pasado. Del mismo modo, regresan algunos de los personajes más queridos por el público, como el de James Greer (interpretado por Wendell Pierce) o Mike November (Michael Kelly), lo que renueva las dinámicas de la saga y amplía el universo de aliados y enemigos. También añade nuevas figuras, entre ellos el de la agente del MI6 Emma Marlowe (Sienna Miller).

El regreso de una franquicia emblemática de los 90

El fenómeno de Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta trasciende su éxito en streaming. Esta producción significa la reactivación cinematográfica de una saga que, desde La caza del Octubre Rojo (1990) hasta Jack Ryan: Operación Sombra (2016), ha sabido adaptarse a los cambios de época y público. Del mismo modo, el personaje de Jack Ryan ha sido interpretado por figuras tan diversas como Alec Baldwin, Harrison Ford, Ben Affleck, Chris Pine y finalmente John Krasinski. Cada uno de estos actores ha aportado sus propios matices al famoso agente secreto.

En los 90, Harrison Ford consolidó la imagen heroica y familiar del personaje en Juego de patriotas y Peligro inminente, enfrentando amenazas del IRA y el narcotráfico. El cambio de siglo trajo consigo una etapa de reinicios con Ben Affleck en Pánico nuclear y Chris Pine en Jack Ryan: Operación Sombra, intentos que no lograron revitalizar la franquicia en la gran pantalla. Finalmente, la llegada de Krasinski supondría en 2018 que el personaje experimentara un verdadero renacimiento, adaptando su perfil a los desafíos del siglo XXI y conquistando a una nueva generación de espectadores.

Un ejemplo claro se da en esta película, donde se exploran las consecuencias personales del espionaje y los dilemas morales inherentes a las operaciones encubiertas. La historia, que se desarrolla en tiempo real, intensifica la tensión y refuerza el peligro constante para el protagonista y su equipo. En la misma línea, el guion apuesta por la inmediatez y el riesgo emocional, explorando los límites del sacrificio individual en el contexto de operaciones internacionales y traiciones imprevisibles.

El Boletín Oficial del Estado (BOE) ha publicado el procedimiento del Bono Cultural Joven 2026. A partir de este lunes y hasta el próximo 31 de octubre de 2026, todos los españoles que cumplan los 18 años podrán solicitar una ayuda de 400 euros para la adquisición de productos, servicios y actividades culturales.

El programa, que cumple cuatro años en 2026, favorecerá a los nacidos en el 2008, que ya han alcanzado o alcanzarán la mayoría de edad en los próximos meses. En total, se destinarán 160 millones de euros para poner en marcha la ayuda.

El Bono Cultural incluye para 2026 una novedad para esta nueva edición: ahora, los jóvenes beneficiarios podrán utilizar el dinero para comprar instrumentos musicales, material artístico y acceder a formación cultural. “Ampliamos el horizonte porque queremos que no solo sirva para acceder a la cultura, sino también para hacerla. La cultura no es solo consumo, es práctica, creatividad, participación, comunidad y desarrollo personal”, ha explicado este lunes el ministro de Cultura, Ernest Urtasun.

Cómo acceder al Bono Cultural

Podrán solicitar el Bono Cultural Joven todos los españoles que cumplan los 18 años en 2026, así como aquellos que tengan la residencia legal en España en el momento de presentar la solicitud. Los interesados tan solo tendrán que entrar en la página web del programa y rellenar el formulario correspondiente.

Aquellos que deseen solicitarlo pero todavía no cumplan los 18 años, solo podrán utilizar para su identificación únicamente Cl@ve PIN con registro avanzado o Cl@ve permanente, que se obtiene de forma presencial, acompañado del padre, madre o tutor en cualquiera de las Oficinas de Registro Cl@ve.

Así puedes gastar el Bono Cultural

Los jóvenes beneficiarios recibirán la ayuda de 400 euros a través de tarjetas prepago personales, que permitirán la adquisición de productos, servicios y actividades culturales, respetando unos máximos marcados por el BOE. El dinero solo podrá gastarse en empresas que estén adscritas al programa. Si la compañía no pertenece al proyecto, sus productos no estarán cubiertos, aunque sean artículos culturales.

Este año, se presentan dos modalidades para utilizar el Bono Cultural Joven. La primera, establece diferentes techos de gasto según el producto o servicio que se vaya a adquirir:

• Máximo de 200 euros para artes en vivo y audiovisuales, patrimonio cultural y medios de creación artística y material artístico. Este modelo incluye entradas y abonos para artes escénicas, música en directo, cine, museos, bienes integrantes del patrimonio histórico español, bibliotecas, exposiciones, cursos en modalidad presencial sobre materias relacionadas con la cultura (en particular aquellos vinculados a las artes, el patrimonio, la creación, la gestión cultural y otros ámbitos afines), festivales escénicos, literarios, musicales o audiovisuales, instrumentos musicales, partituras musicales, cámaras fotográficas, programas informáticos orientados específicamente a la producción, creación y práctica creativa, y espectáculos taurinos.
• Máximo de 100 euros para productos en soporte físico. Se refiere a productos culturales como libros, revistas, prensa, u otras publicaciones periódicas, videojuegos, discos de vinilo, CD, DVD y Blu-ray.
• Máximo de 100 euros para consumo digital o en línea. Se incluyen en esta categoría suscripciones y alquileres a plataformas musicales, audiovisuales, de lectura o audiolectura, compra de audiolibros, compra de libros digitales, compra de canciones o álbumes digitales a través de plataformas de venta de música, suscripción para descarga de archivos multimedia (incluyendo pódcast), suscripciones a videojuegos en la nube o en línea, cursos en modalidad en línea sobre materias relacionadas con la cultura y suscripciones digitales a prensa, revistas u otras publicaciones periódicas.

En la segunda modalidad, la novedad de la edición, podrás destinar la totalidad de la ayuda, 400 euros, a cursos y talleres de contenido cultural en modalidad presencial y en línea, así como a la compra de instrumentos musicales, medios de creación y material artístico.

En él, Pierre Coffin, su creador, ha situado la saga animada en un nuevo punto de ambición. Así, la tercera película en solitario de los personajes amarillos traslada la acción al Hollywood de los años veinte y convierte su deuda con el ‘slapstick’ en argumento.

La cinta, séptima entrega del universo Mi villano favorito y tercera derivada centrada en los Minions, sigue a James y Henry en su llegada accidental a California, donde pasan de buscar un amo malvado a convertirse en estrellas del cine mudo antes de que la irrupción del sonoro arruine su ascenso y desemboque en una amenaza monstruosa sobre Los Ángeles y el mundo.

Los Minions, estrellas del cine mudo

Así, los Minions siguen su búsqueda incansable de un jefe verdaderamente malvado, y acabarán irrumpiendo en el rodaje de un wéstern de aire Roy Rogers, llamando la atención de los productores, que los convierten en las nuevas sensaciones del cine mudo. Variety subraya que esa premisa permite a Coffin oficializar una influencia que siempre había estado ahí, con referencias explícitas a Buster Keaton, Charlie Chaplin y Harold Lloyd.

Para el crítico Guy Lodge en Variety, ahí está el hallazgo principal: una película de Minions con una idea central más allá del caos festivo. El medio sostiene que los personajes funcionan mejor como protagonistas que como escuderos del universo de Gru, y considera que esta entrega corrige el retroceso que había supuesto Minions: El origen de Gru, estrenada en 2022.

TheWrap coincide en esa lectura y describe la película como una carta de amor al Hollywood clásico y a la experiencia compartida de ir al cine. La publicación destaca que el arranque encadena el logotipo moderno de Universal con una marcha atrás hasta la identidad visual del estudio en los años veinte, mientras la propia cabecera de Illumination adopta una variante visual heredera de la animación de manguera de goma.

Una película repleta de referencias cinéfilas

Ese bloque inicial es, para varias críticas, la zona más fértil del filme. Variety lo define como el tramo más rico en narración y humor sostenido, lleno de guiños a Tiempos modernos, de Chaplin, El hombre mosca e incluso a una versión anacrónica de Ciudadano Kane. TheWrap amplía la lista con ecos de Casablanca, del cine barato de autocine y de Cantando bajo la lluvia en el tratamiento del paso del mudo al sonoro.

La ‘première’ no se ha limitado al lanzamiento de una superproducción de Illumination. Según ha contado Deadline, antes de la proyección Meledandri y Coffin han recibido placas para el Wall of Fame del festival, instalado en el nuevo centro de animación de Annecy, ubicado en los edificios restaurados de las antiguas caballerizas nacionales de la ciudad, fechadas a finales del siglo XIX.

Meledandri ha defendido el marco temporal elegido para la historia con una formulación que resume el proyecto: “El amanecer del cine en el Hollywood de los años veinte no es un lugar obvio para empezar una película sobre los Minions, pero es la época perfecta para situar una historia que honra al cine y rinde homenaje a la inspiración de los propios Minions, los payasos del cine mudo Keaton, Lloyd y Chaplin”.

El ejecutivo también ha dicho que no había ningún lugar del mundo donde él y Coffin prefirieran estrenar mundialmente Minions & Monsters antes que Annecy. Después ha añadido: “Annecy no solo ofrece este momento para celebrar la animación, también brinda la oportunidad de honrar a Illumination y su arte... me hace especial ilusión porque me gusta muchísimo esta película y esta noche puedo compartir mi aprecio por todo el cuidado que cientos de artistas han puesto en cada uno de los fotogramas de esta película desde el centro de París en Illumination Studios”.

Más libre e imaginativa y con corazón

Variety sostiene que la dirección en solitario de Coffin marca la diferencia y que, sobre todo en su primera mitad, la película parece menos atada a una plantilla de estudio y resulta más libre e imaginativa. TheWrap dice algo parecido con otra formulación: la saga no había parecido tan viva desde hacía tiempo y esta vez no resulta evidente hacia dónde se dirige en cada momento.

Donde surgen las reservas es en la segunda parte. Variety considera que la película pierde inercia cuando llega el cine sonoro, separa al grupo y concentra gran parte de la acción en el robot cobarde Dort, con voz de Jesse Eisenberg, y en una subtrama romántica con la sufragista Debbie, interpretada por Zoey Deutch. El crítico ve más prometedora la idea del sueño de James de dirigir su propia película de monstruos de Universal, pero cree que la ejecución deriva hacia más estruendo que ingenio.

TheWrap formula una objeción cercana: a mitad del metraje, el relato gira hacia un territorio más reconocible de grandes criaturas y destrucción urbana, un patrón habitual del universo Minion. Aun así, la publicación sostiene que la película conserva suficiente corazón y suficientes desvíos para mantener el interés, y llega a plantear que podría ser la mejor entrega de la franquicia desde la primera Mi villano favorito.

En el retrato industrial y creativo de la saga, todas las fuentes convergen en un punto: Pierre Coffin, ‘cocreador’ de los personajes y voz de todos ellos, ha usado esta tercera aventura propia para acercarlos más que nunca a las formas del cine que los inspiró desde el principio, desde Georges Méliès hasta el ‘slapstick’ estadounidense, y para probar que todavía admiten una reinvención dentro de una franquicia con 19 años de recorrido.

El actor de 69 años habló sobre la importancia de la autenticidad en las interpretaciones, las exigencias del trabajo en los sets de filmación y la forma en que el cine puede generar experiencias culturales compartidas.

A lo largo de la conversación, también repasó algunas de las películas y personajes más influyentes de su trayectoria, analizó cómo evolucionó la relación del público con el entretenimiento y compartió experiencias personales vinculadas con la autocrítica y los errores profesionales.

Además, se refirió a intereses fuera de la actuación, como su afición por el fútbol, en un diálogo que recorrió más de tres décadas de carrera en la industria audiovisual.

La búsqueda constante de autenticidad y el aprendizaje de los errores

El reconocimiento internacional de Hanks como uno de los actores más versátiles de Hollywood no lo exime de la presión diaria. Según relató a The Rest is Entertainment, existe una demanda constante por lograr escenas auténticas incluso en condiciones extenuantes.

“Al final del día 47 de rodaje, en la hora 14, uno todavía debe capturar un destello emocional que va a durar para siempre, lo haga bien o no”, afirmó el actor. Esta exigencia lo llevó a evitar ver varias de sus películas después del estreno.

“Existen películas que tienen momentos que no puedo ver porque no llegué ahí. Hay un momento doloroso en el que simplemente pienso: ‘No estoy ahí’”, reflexionó el actor durante la entrevista.

Explicó que la autocrítica y la inseguridad forman parte de su proceso creativo. “Siempre queda el temor de ser escoltado fuera del set porque la policía de la autenticidad me considera un fraude”, expresó.

Como ejemplo, mencionó una escena de Náufrago que todavía le genera incomodidad: “Hago un gesto que me parece falso y que es mío, no de Chuck. Si la película está en la televisión, me levanto y salgo antes de esa escena”.

El actor señaló que el error es una parte inevitable del oficio y una fuente permanente de aprendizaje. “Todas son experiencias profundas de éxito y fracaso. No vuelvo a ver las películas después de la primera vez porque nunca cambian”, aseguró.

También destacó que la búsqueda de autenticidad no depende únicamente del intérprete principal, sino del trabajo conjunto de todos los integrantes de una producción para alcanzar el mejor resultado posible en cada toma.

Personajes y legado generacional

El papel de Woody en la saga Toy Story marcó un hito en la carrera de Hanks y en la animación digital. El actor reconoció que la propuesta de Pixar resultaba incierta en sus inicios: “Nos explicaban como si fuera una mezcla volátil que podía explotar en cualquier momento si no se hacía bien. Era una nueva tecnología de animación que no era dibujada a mano”, relató.

Al recordar a su personaje, Hanks también bromeó sobre cómo sería convivir con él fuera de la pantalla: “Woody me volvería loco. Estaríamos en una competencia continua por ver quién está a cargo”.

El impacto de sus personajes trasciende la pantalla. “Ahora hay personas de 56 años que recuerdan la primera vez que vieron juntos a Woody y Buzz, y vuelven a la película una y otra vez”, comentó.

El fenómeno se repite en generaciones sucesivas, consolidando la posición de Toy Story como referencia cultural. El propio actor experimentó ese efecto, al reconocer la emoción de encontrarse con figuras que marcaron su adolescencia: “He conocido a Keir Dullea, de 2001: Odisea del espacio, y me convierto en un tonto balbuceante”.

Evolución del cine y experiencias fragmentadas

El avance tecnológico alteró la manera en que el público consume entretenimiento. El actor estadounidense identificó una reducción en los grandes momentos unificadores, aquellos que congregan a multitudes en torno a una obra.

“Ahora cualquiera puede entretenerse solo durante todo el día en intervalos de tres minutos”, subrayó. No obstante, destacó el poder de compartir una experiencia artística con cientos de desconocidos en una sala de cine y cómo esos instantes permanecen en la memoria colectiva.

El auge de las franquicias y la repetición de fórmulas comerciales modificó la dinámica de la industria. Rememoró la etapa de los años 90, cuando protagonizó títulos como Forrest Gump, Apollo 13 y Rescatando al Soldado Ryan.

“El último filme que rodé en los años 1900 fue Náufrago. Fue una apuesta arriesgada en todos los sentidos, y sentíamos que lográbamos algo que el arte puede ofrecer si uno se atreve a probarse”, explicó. La combinación entre creatividad y economía en esa época generó condiciones singulares, distintas a las actuales.

Pasión futbolera y comunidad

Además de su vínculo con el cine, Hanks se refirió a su afición por el equipo Aston Villa. El actor relató cómo eligió al club inglés tras ver su nombre en un marcador de la BBC, atraído por la sonoridad y la tradición del fútbol británico. “Uno se vuelve hincha de un equipo para toda la vida pensando que cuando muera, recién ahí van a ganar”, comentó entre risas.

La pasión por el fútbol y la identificación con una comunidad reflejan la importancia de los rituales compartidos, tanto en el deporte como en el arte. Para el actor, esa conexión da sentido al esfuerzo colectivo y a la permanencia de ciertos símbolos en la cultura popular.

Ese fue el contexto al que se enfrentó Eve Hewson durante el rodaje de Disclosure Day, la nueva superproducción dirigida por Spielberg. Según relató la actriz en una entrevista con The Hollywood Reporter, nada en su carrera la había preparado para ese momento, cuando tuvo que lidiar con la presencia de francotiradores en el tejado y una audiencia que incluía a algunas de las personalidades más influyentes del cine y la política.

La historia de Hewson da cuenta de una trayectoria forjada a base de perseverancia y autenticidad. Aunque es hija de Bono, el emblemático vocalista de U2, pasó una infancia relativamente alejada de los focos en Dublín, donde el estímulo artístico de sus padres despertó su interés por el teatro y la música desde temprana edad.

Con el tiempo, aquella curiosidad se transformó en una pasión sólida que la impulsó a buscar su lugar en la industria cinematográfica internacional.

Un encuentro inesperado con Spielberg

La relación profesional entre Hewson y Spielberg se remonta a varios años atrás, cuando la actriz obtuvo un papel menor en El puente de los espías, también bajo la dirección de Spielberg.

En esa ocasión, el director recurrió a métodos poco convencionales para sacar lo mejor de su actriz. Recordó en diálogo con The Hollywood Reporter que durante una escena particularmente tensa, Spielberg utilizó dos bates de madera para generar sobresaltos fuera de plano y así intensificar su reacción.

“Fue muy práctico y muy útil, y nunca había tenido un director tan atento a mis necesidades”, afirmó la actriz al medio estadounidense. Desde entonces, el cineasta siguió de cerca la evolución de la carrera de Hewson, observando su trabajo en títulos como The Luminaries, Behind Her Eyes y Bad Sisters.

A finales de 2024, contactó nuevamente a la actriz para proponerle el papel de Jane en Disclosure Day, una historia centrada en el descubrimiento de vida extraterrestre y los esfuerzos de un gobierno por mantenerlo en secreto.

El ofrecimiento llegó de manera sorpresiva, a través de una llamada de su agente: “Me dijo: ‘Te he estado observando, estoy muy orgulloso de ti y tengo un guion que quiero que leas; tu personaje es Jane’”, relató Hewson.

Un papel protagónico y una preparación exigente

Lejos de tratarse de un rol secundario, el personaje de Jane se presenta desde la primera página del guion y ocupa un lugar central a lo largo de la película. “Les he estado diciendo a mis amigos actores que, aunque piensen que es una película pequeña, Steven Spielberg la verá algún día y podría contratarlos, así que asegúrense de presentarse”, comentó.

También compartió detalles sobre el proceso de audición y la interacción con el director. Tras una reunión virtual, el director y la actriz discutieron ideas para el personaje antes de que la oferta formal se hiciera efectiva.

Durante la filmación, la dirección de Spielberg se caracterizó por su implicación emocional y su capacidad para crear un ambiente de trabajo seguro. “Si lloras, él está llorando también frente al monitor”, destacó la actriz.

La exigencia de las escenas junto a Colin Firth llevó a la intérprete a terminar algunas jornadas sintiendo una fatiga similar a la de una sesión intensa de ejercicio físico, según relató a The Hollywood Reporter.

De Dublín a las grandes producciones de Hollywood

A pesar del éxito internacional, Hewson mantiene un vínculo estrecho con su entorno familiar y su ciudad natal. Durante la promoción de Disclosure Day, la actriz se encontraba en Dublín rodando una película sobre carreras de motos junto a Channing Tatum, y compartía sus noches de viernes viendo películas en casa de sus padres.

“Tengo 34 años y he estado pasando mis viernes por la noche con mis padres viendo películas, pero a todos nos encanta”, compartió la actriz.

La repercusión de su protagónico en la película de Spielberg se manifestó incluso antes del estreno. El anuncio de su participación le abrió nuevas oportunidades y generó una oleada de mensajes de conocidos y profesionales del sector que no habían tenido contacto con ella en años.

“Me preocupa que tanta gente vaya a ver esta película: todos los dentistas a los que he ido, pero también el mundo entero”, expresó Hewson en declaraciones al medio estadounidense.

La celebración del Día Internacional del Orgullo LGBTTTIQ+, que se conmemora cada 28 de junio, tendrá una presencia destacada en la pantalla de Canal 22, que anunció una oferta especial integrada por series, documentales, películas y producciones musicales dedicadas a visibilizar las distintas expresiones de la diversidad sexual y de género.

Del 22 al 29 de junio, la audiencia podrá acceder a una selección de contenidos que exploran temas relacionados con la identidad, la memoria, el arte, la cultura y los derechos de las comunidades LGBT+, con propuestas nacionales e internacionales que buscan fomentar la reflexión y el reconocimiento de la pluralidad.

DiverCiudad abre la programación especial del Orgullo LGBT+

Uno de los estrenos principales será DiverCiudad, serie conducida por Johnny Carmona que aborda la historia, la cultura y las expresiones contemporáneas de diversas identidades y comunidades.

El lunes 22 de junio, a las 18:00 horas, se transmitirá el episodio La creatividad y el cine como bandera de lucha LGBT+, centrado en creadoras y creadores que han encontrado en el cine, la fotografía y las artes visuales herramientas para construir memoria, compartir experiencias y generar nuevas formas de representación desde la Ciudad de México.

La serie continuará con distintos capítulos temáticos:

• 23 de junio: La moda y la danza, dedicado a estas disciplinas como formas de identidad y resistencia.
• 24 de junio: Foto Cuir Muxe del Istmo, una mirada a las expresiones culturales e identitarias de la comunidad muxe.
• 26 de junio: Ilustración LGBT, sobre la representación queer a través del arte.
• 29 de junio: Museo de Arte TransFemenino, enfocado en la iniciativa independiente del mismo nombre.

Series documentales muestran historias y experiencias de la diversidad

La programación también incluirá Labels, serie enfocada en las relaciones y experiencias de personas que viven la diversidad sexual y de género, la cual será transmitida de lunes a viernes a la medianoche.

A esta propuesta se suma De leones y mariposas, producción documental que reúne testimonios de integrantes de la comunidad LGBT+ en diversos municipios de Antioquia. Los episodios podrán verse los días 24, 26 y 29 de junio a las 18:30 horas.

Además, el 26 de junio a las 10:30 horas se presentará La raíz doble. Sol de movimiento: Muxes, Istmo de Tehuantepec, producción que profundiza en la cultura, historia y papel social de las personas muxes en Oaxaca.

Cine de autor y cortometrajes

Como parte de la programación dedicada al Orgullo LGBT+, los sábados a las 23:30 horas se transmitirá Zona D, espacio permanente de Canal 22 dedicado a la comunidad LGBTTTIQ+, que en esta ocasión presentará una selección especial de cortometrajes del festival Shorts México.

En colaboración con el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), la televisora también ofrecerá dos películas emblemáticas del cine iberoamericano.

El sábado 27 de junio, a las 22:00 horas, se proyectará Fresa y chocolate, mientras que el domingo 28, en el mismo horario, llegará a la pantalla El lugar sin límites, considerada una de las obras más relevantes sobre diversidad sexual dentro del cine mexicano.

Luisa Almaguer cerrará la semana con un especial musical

La programación concluirá el domingo 28 de junio a las 16:00 horas con Resonante: Luisa Almaguer, episodio grabado en el Museo Panteón de San Fernando.

En esta entrega, la voz de la cantante y compositora Luisa Almaguer dialoga con la memoria histórica y el simbolismo del recinto, en una propuesta que combina música, identidad y patrimonio cultural.

La audiencia podrá seguir toda la programación especial por la señal 22.1 de Canal 22 y mediante la transmisión en línea.

A la hora de elegir la película que vamos a ver, siempre será muy influente los actores que aparecen en ella. Protagonistas de otras cintas que nos gustaron mucho, estrellas internacionales, ganadores de algunos de los premios más importantes... Un buen reparto puede hacer que muchos se fijen en una película y que, si además es buena en todo lo demás, tenga el éxito garantizado.

Algo así ocurre con El mensajero del miedo, una película de suspense que se ha colado en la lista de lo más visto en Netflix y que, sumando a todos los miembros de su elenco, suma un total de seis premios Oscar a las mejores interpretaciones. De estos, cinco son para sus dos intérpretes protagonistas: Meryl Streep y Denzel Washignton, con dos y tres estatuillas, respectivamente.

Dirigida por Jonathan Demme (conocido sobre todo por El silencio de los corderos), esta producción traslada el clásico argumento de la manipulación y la paranoia política a una era marcada por el trauma de la guerra del Golfo y el clima de vigilancia posterior al 11S. El comandante Bennett Marco (Denzel Washington) revive una y otra vez una emboscada sufrida en Kuwait, mientras la versión del mismo acontecimiento del sargento Raymond Shaw (Liev Schreiber), hijo de la senadora Eleanor Prentiss (Meryl Streep) y candidato a la vicepresidencia, despierta en él crecientes dudas sobre si fue tan heroica como este cuenta.

El ‘remake’ de un clásico adaptado al mundo contemporáneo

El mensajero del miedo explora el poder de la manipulación y la fragilidad de la memoria en tiempos de crisis, reinterpretando el conocido clásico homónico que, en 1962, dirigió John Frankenheimer y protagonizó Frank Sinatra. Si esta primera versión de la historia se ambientaba en la Guerra de Corea, la película de Demme traslada la acción a los Estados Unidos de principios de los 90. “La fuerza de un material sensacional unido a unas interpretaciones excelentes, una dirección soberbia y a su asombrosa significación política hacen de El mensajero del miedo un entretenimiento excepcionalmente inteligente”, celebraban en una reseña de Los Angeles Times en el momento de su estreno.

A pesar de que muchos consideran esta película como uno de los mejores thrillers de su año e incluso del siglo, la película no triunfó demasiado en las galas de los premios. Obviada en los Oscar, solo Meryl Streep logró una nominación en los Globos de Oro y no logró salir como vencedora. No obstante, tanto ella como Denzel Washington brillan con luz propia en esta película de suspense que muestra el lado más oscuro de la política y su relación con el mundo militar. Junto a ellos, destacan otros nombres como el del mencionado Liev Schreiber, Anthiny Mackie, Jon Voight (que sumaría el sexto Oscar del reparto), Bruno Ganz y Kimberly Elise.

Todos estos nombres se ponen al servicio de una cinta que, realizada a principios de los 2000, explota la tensión hasta el último momento, y que si bien no llega a la calidad de la película original de Frankenheimer sí ofrece un entretenimiento más que digno en el que guerra, terrorismo e hipervigilancia juegan un papel fundamental.

El cine ha dejado a lo largo de su historia tándes director-actor para el recuerdo, desde Alfred Hitchcock y Cary Grant o James Stewart, John Ford y John Wayne, Martin Scorsese y Robert De Niro o Leonardo DiCaprio, Nora Ephron y Meg Ryan o más recientemente Yorgos Lanthimos y Emma Stone. En los últimos años ha cogido fuerza uno tan inesperado como es el del cineasta mexicano Michel Franco y la actriz estadounidense Jessica Chastain, ganadora del Oscar en 2022 por Los ojos de Tammy Faye. Un tándem que comenzó con Memory hace tres años, regresa ahora con el estreno en cines de Dreams y quién sabe si podría alargarse de aquí en adelante.

“Volvería a escribir un papel a medida para Jessica. Lo difícil es que cada nuevo guion debe sorprenderla y no repetir lo que ya hicimos”, explica a Infobae Michel Franco desde la Casa de México como parte de su visita a España con motivo del estreno de Dreams. “Más allá de ser una estrella de Hollywood, Jessica se considera una actriz a la que le gusta el teatro y el cine. Admira el trabajo de Isabelle Huppert y sabe que películas como las que Huppert hizo con Michael Haneke o Claude Chabrol responden más a una visión personal que a la industria”, confiesa el director, quien admite también la importancia de la actriz en el proyecto. “Jessica facilita mucho el proceso, es muy consciente de su papel y lo asume con intención. Sin ella, la película habría sido menos potente. Su presencia la hace más hipnótica y eleva la calidad del proyecto”.

Dreams narra el romance entre una empresaria de éxito (Chastain) y un bailarín mexicano (Isaac Hernández) que intenta abrirse camino en Estados Unidos como profesor de ballet, pero sin documentación alguna. Creyendo contar con la protección de su amante, este cruza la frontera entre México y Estados Unidos, pero conforme conoce avanzan los encuentros furtivos y conoce al entorno de ella, se va dando cuenta de que el sueño americano está mucho más lejos de lo que él pensaba.

“Intento que cada película sea diferente y honesta a la vez”

Un poco como su personaje, Franco ha intentado abrirse camino por su cuenta en una industria dominada por la imposición de los grandes estudios. “Hacer películas así es complicado. Hablar de ciertos temas de manera frontal solo es posible cuando eres productor y guionista. Si no, es imposible. Nunca he trabajado con estudios. Mis películas son el resultado de lo que quiero hacer, nunca hay consenso”, asegura el director.

Después de brillar en México con títulos tan rompedores como Después de Lucía o Las hijas de abril -esta última con la presencia de la española Emma Suárez-, Franco obtuvo su gran carta de presentación internacional de la mano de Nuev orden un thriller ambientado en una boda de la alta sociedad mexicana en la que estalla una revolución de clases y que sacudió por completo festivales como San Sebastián o Venecia, donde se llevó el Gran Premio del Jurado. “Gracias a Nuevo orden, Jessica Chastain quiso trabajar conmigo. Fue una película que quise hacer durante muchos años, supuso un reto enorme en todos los sentidos, tanto por la producción como por la ambición de la historia”.

Cine en los márgenes

Franco se inscribe dentro de una gran tradición del cine mexicano de resistencia al sistema y subversión, manteniéndose independiente a diferencia de otros compatiotas que sí trabajan dentro del sistema americano como Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón o Guillermo del Toro. Algo indispensable para poder tener la libertad creativa y dirigir la mirada contra todo y contra todos, como sucede en el caso de esta película con el ICE y la política migratoria de Trump. “Cuando la gente leía el guion, pensaban que exageraba, que ICE no operaba así. Yo les decía que en el fondo sí, que el espíritu es señalar al migrante como fuente de los problemas y no confiar en él, aunque se utilice como mano de obra para mantener el país en funcionamiento. Esa doble moral siempre ha existido”.

Franco menciona Amat Escalante (Heli, Narcos: México) como otro ejemplo de cineasta mexicano que transgrede, lo más importante desde su punto de vista: “El cine que no se atreve y no transgrede termina envejeciendo mal porque no dice la verdad. Lo más difícil es decir la verdad. El cine puede tener esa fuerza, pero requiere mucho dinero y el filtro de muchas personas. Por eso muchos proyectos con potencial no llegan a concretarse”. Aun con todo, el director admite que no hay mayor enemigo que uno mismo a la hora de realizar una película que se atreva a cuestionar todo. “La censura siempre ha existido, pero la peor es la autocensura. Desde Después de Lucía, me decían que debía cambiar los finales porque no se podían filmar así, pero cuando alguien me pide eso, me confirma que ese es el camino correcto”.

Para apoyar la animación nacional: Mi Amigo el Sol, el largometraje animado mexicano, llegará próximamente a las salas de Cinemex para publicos de todas las edades, según anunció la cadena en días recientes a través de sus redes sociales.

La cinta, producida por Fotosíntesis Media en coproducción entre México y Brasil, ya tuvo su bautizo ante la industria en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) en su edición 41, celebrada del 17 al 25 de abril de 2026 y tuvo una muy buena recepción.

Atrévete a pintar. #MiAmigoElSol llega próximamente a Cinemex para disfrutar en familia. pic.twitter.com/3C0JhFLSi5

— Cinemex (@Cinemex) June 19, 2026

Una historia entre el mundo real y la mitología mexica

La trama sigue a Diego y su hija Xóchitl, quienes sobreviven en la Ciudad de México vendiendo pinturas inspiradas en la mitología mexicana.

El conflicto arranca cuando Xóchitl pinta en secreto un mural que invoca a Quetzal —una serpiente emplumada basada en Quetzalcóatl— y es transportada a Tollan, el reino sagrado, donde es señalada como el Sexto Sol.

Diego deberá entonces enfrentarse a los mitos que durante años usó como simple mercancía para atraer turistas, mientras el dios Tezcatlipoca amenaza con manipular el destino de la niña para obtener poder absoluto.

Animación 2D, formato 4K y Ximena Sariñana en la banda sonora

La película fue dirigida por Alejandra Pérez González, cineasta tabasqueña egresada de Ringling College y cofundadora de MUMA (Mujeres en el Mundo de la Animación).

Con una duración aproximada de 80 minutos, la producción está animada en 2D y filmada en formato 4K. El guion es obra de Miguel Ángel Uriegas y Jonathán Barceló, y la banda sonora incluye una canción original interpretada por Ximena Sariñana.

El elenco de voces incluye a Moisés Iván Mora, Ana Tena, Silverio Palacios, Humberto Solórzano y la colaboración especial de Erasmo Catarino.

El hito detrás de la directora

“Gracias a todos los que han aportado de pequeña o gran manera a nuestra película Mi Amigo el Sol. Su estreno oficial será en FICG , lo cual nos llena de orgullo y mucha emoción. Gracias equipo de Fotosíntesis Media por el aguante. Nos quedo muy bonita oigan. Lo que sea de cada quien. Ahora si la fiestaaaaa!!!!”, declaró la directora durante el estreno.

La producción es señalada como el primer largometraje animado en México liderado por una mujer, un dato que el productor Miguel Ángel Uriegas —ganador del Ariel— vincula a la filosofía de “entretenimiento con causa” de Fotosíntesis Media.

Su paso por el FICG 41 y el resultado en competencia

Mi Amigo el Sol compitió en la categoría Largometraje Internacional de Animación del FICG 41 junto a Coração das Trevas (Brasil-Francia), El tesoro de Barracuda (España), The Square y Your Letter (ambas de Corea del Sur).

El Mayahuel a Mejor Largometraje de Animación —dotado con 300 mil pesos— fue para Coração das Trevas, de Rogério Nunes, según el palmarés oficial del festival publicado el 26 de abril.

La participación en el FICG marcó el primer contacto de la cinta con el público y la industria, previo a su distribución comercial. La película estará disponible tanto en español como en inglés.

Una coproducción entre México y Brasil

Fotosíntesis Media, el estudio detrás del proyecto, sumó como socio brasileño a Tortuga Studios para sacar adelante una producción que llevó varios años de desarrollo.

El productor Uriegas describió la película como el reflejo de una filosofía de trabajo orientada a la animación como herramienta de transformación social.

Al competir con producciones de Francia, Corea del Sur y España en el FICG, la cinta posicionó a Fotosíntesis Media —con más de una década de trayectoria— como uno de los estudios de referencia del cine animado en México.

Gael García Bernal llega a la Cineteca Nacional con Magallanes, la épica histórica del director filipino Lav Díaz que recorrió los festivales más prestigiosos del mundo antes de tocar suelo mexicano.

A partir del 26 de junio, el público podrá ver en pantalla grande al actor mexicano dar vida al explorador portugués Fernando de Magallanes.

La cinta narra las campañas coloniales de Magallanes en el Sudeste Asiático durante el siglo XVI, desde la conquista de Malaca en 1511 hasta su muerte en batalla. Con 164 minutos de duración y diálogos en español, portugués, cebuano y francés, la película construye un retrato íntimo y políticamente cargado de uno de los exploradores más célebres de la historia.

#ProximoEstreno 🎬 | MAGALLANES (2025)

A partir del 26 de junio, llega a las pantallas de Cineteca Nacional la nueva película de Lav Díaz, protagonizada por Gael García Bernal. Una de las propuestas más esperadas del cine contemporáne..

🍿 Consulta próximamente la cartelera en… pic.twitter.com/YTPxQUcsCP

— Cineteca Nacional (@CinetecaMexico) June 20, 2026

Gael aprendió portugués para el papel

García Bernal se enteró del proyecto a través del productor Joaquim Sapinho. Tras reunirse con él y con el productor Albert Serra en Berlín, viajó a Lisboa para encontrarse con Díaz y confirmar su participación.

Como Magallanes era portugués, el actor mexicano tuvo que aprender el idioma desde cero para el rol. No fue el único del reparto en asumir ese reto: Hazel Orencio, quien interpreta a Juana, aprendió cebuano —lengua nativa de las Filipinas— con la ayuda de un hablante nativo del equipo.

Un dato que no pasará desapercibido para los fanáticos: Dario Yazbek Bernal, hijo de Gael, también aparece en el reparto como Duarte Barbosa.

Una historia que reescribe el mito de Lapulapu

Uno de los elementos que más ha generado debate es la interpretación de Díaz sobre Lapulapu, el datu de Mactán reconocido oficialmente en Filipinas como el primer héroe nacional. Tras siete años de investigación en fuentes primarias, el director concluyó que Lapulapu pudo haber sido un personaje ficticio, creado por el rajá Humabon para desalentar las conversiones al cristianismo.

En la película, es el esclavo cebuano Enrique —comprado por Magallanes en Malaca— quien revela en voz en off que fue Humabon quien orquestó el ataque que mató al explorador, y que él mismo participó en la masacre para recuperar su libertad. Díaz reconoció que esta lectura podría ser tachada de “revisionista”.

Un rodaje accidentado entre tres países

El equipo filmó en los municipios de Sampaloc y Mauban, en la provincia de Quezon, Filipinas, en noviembre de 2024. La producción luego se trasladó al sur de Portugal y a Cádiz, España, donde utilizaron una réplica del barco Victoria —la nave de Magallanes— que se conserva como museo en esa ciudad.

Durante el rodaje, Lav Díaz contrajo tuberculosis. La producción concluyó a principios de 2025 y el material resultó tan abundante que fue dividido en dos largometrajes: Magallanes y Beatriz, la esposa, un segundo filme de nueve horas centrado en la mujer del explorador, que aún está en posproducción.

De Cannes al Óscar, con escala en México

Magallanes tuvo su premiere mundial en el Festival de Cannes 2025, en la sección Cannes Première. Desde entonces acumuló reconocimientos: ganó el Golden Spike en el Festival Internacional de Valladolid, obtuvo el 89% de aprobación en Rotten Tomatoes con 53 reseñas, y fue seleccionada como la candidatura de Filipinas al Óscar a Mejor Película Internacional en la edición 98 de los premios.

La cinta también pasó por el Festival Internacional de Cine de Toronto y tuvo su estreno en Estados Unidos el 9 de enero de 2026. En junio de 2026, Criterion Collection la lanzará en Blu-ray y DVD dentro de su selección Criterion Premieres.

La cartelera completa de Cineteca Nacional puede consultarse en cinetecanacional.net.

Gael, también detrás de cámara con Hombre al agua

Magallanes no es el único proyecto que ocupa a García Bernal en este momento. El actor mexicano también dirige y protagoniza Hombre al agua —“man overboard”, aunque el título en inglés aún no está confirmado—, su tercer largometraje como realizador tras Déficit (2007) y Chicuarotes (2019).

El filme, coescrito con el dramaturgo argentino Mariano Pensotti, es descrito por sus productores como “un drama introspectivo con elementos de humor y secuencias oníricas, que explora la manipulación y la falsedad de las máscaras sociales”. The Pool Films, con sede en París, tomó los derechos de venta internacionales en febrero de 2026 y posiciona la cinta como candidata fuerte para la temporada de festivales de ese año.

El reparto reúne a figuras de peso del cine latinoamericano: Esmeralda Pimentel, Débora Nascimento, Natalia Oreiro, Manuel García Rulfo y Jorge Salinas, quien ya había compartido créditos con García Bernal en Amores perros.

La producción está respaldada por La Corriente del Golfo, la compañía que García Bernal fundó junto a Diego Luna tras separarse de Canana, la productora que ambos habían cofundado 14 años antes con el productor Pablo Cruz.

El estreno de Toy Story 5 logró una recaudación de 71 millones de dólares en su primer día en Estados Unidos, consolidando su posición como uno de los debuts más destacados para una película animada. El evento, que tuvo lugar el 19 de junio de 2026, afecta directamente a la industria cinematográfica internacional y a las estrategias comerciales de los principales estudios de Hollywood. El desempeño inicial de la película resulta relevante porque representa una recuperación importante en la asistencia a los cines y establece nuevos parámetros para futuros lanzamientos de animación, según datos publicados por The Numbers y reportados por Deadline.

Según información confirmada por Deadline, la cifra de 71 millones incluye ventas de boletos del jueves por la noche y viernes, en un total de 4.425 salas en Norteamérica. Esto sitúa a Toy Story 5 muy cerca del récord histórico alcanzado por ‘Los Increíbles 2’, que en 2018 sumó 71,2 millones en su primer día. De acuerdo con Variety y The Numbers, la película podría terminar el fin de semana con una recaudación de entre 160 y 170 millones de dólares, lo que la convertiría en el segundo mejor estreno para un filme animado en la historia de Estados Unidos, solo superado por la mencionada secuela de Pixar.

El contexto del estreno es relevante: la industria cinematográfica ha experimentado una recuperación paulatina tras la crisis sanitaria global, fenómeno reflejado en los datos de asistencia y recaudación. El éxito de la saga Toy Story refuerza el liderazgo de Disney y Pixar en el segmento de animación y confirma su capacidad de convocatoria en mercados clave, de acuerdo con cifras de Box Office Mojo y análisis de Variety.

¿Cuánto recaudó Toy Story 5 en su estreno y cómo se compara con otros lanzamientos animados?

Toy Story 5 alcanzó una recaudación de 71 millones de dólares en su primer día de estreno en Estados Unidos, cifra confirmada por The Numbers y citada por Deadline. Este resultado incluye los ingresos de las funciones de preestreno del jueves, que sumaron 17,5 millones, posicionando a la película como el mayor lanzamiento de la franquicia y el mejor estreno animado del año.

Las proyecciones oficiales, recogidas por Variety, sitúan la recaudación del primer fin de semana entre 160 y 170 millones de dólares. Estas estimaciones superan el debut de ‘Toy Story 4’, que en 2019 recaudó 120,9 millones, y se acercan a los 182,6 millones de ‘Los Increíbles 2’, el récord vigente para una película animada en Estados Unidos. Según Hollywood Outbreak, el desempeño de Toy Story 5 también supera a otros títulos recientes del género como ‘Spider-Man: Across the Spider-Verse’ y ‘Inside Out 2’.

¿Cuál es el impacto de Toy Story 5 en la taquilla internacional?

El estreno de Toy Story 5 no solo fue relevante en Estados Unidos, sino que también generó un impacto considerable en mercados internacionales. De acuerdo con The Washington Times, la película debutó en 41 territorios fuera de Estados Unidos, acumulando 43,5 millones de dólares en los primeros días y posicionándose en el primer lugar en todos los mercados donde se estrenó.

En México, la película alcanzó 6,7 millones de dólares, logrando una cuota de mercado del 86%, el segundo mayor debut del año en ese país. Francia y España registraron 2,1 millones y 1,7 millones respectivamente, mientras que en el Medio Oriente Toy Story 5 estableció nuevos récords de apertura para producciones de Pixar, según cifras recopiladas por Box Office Mojo.

¿Cómo se distribuyó la asistencia y qué perfiles de público lideraron el estreno?

El análisis demográfico del estreno, elaborado por Screen Engine y PostTrak, revela que la audiencia de Toy Story 5 fue diversa y mostró cambios respecto a entregas anteriores. El porcentaje de espectadores latinos e hispanos aumentó al 30% frente al 23% registrado en ‘Toy Story 4’. Los caucásicos representaron el 36%, y los públicos afroamericanos y asiático-americanos alcanzaron el 13% cada uno, de acuerdo con cifras de Deadline.

Por rango etario y género, las mujeres mayores de 25 años encabezaron la asistencia con el 30%, seguidas de mujeres menores de 25 años (27%), hombres mayores de 25 (25%) y hombres menores de 25 (20%). Destaca que el 72% de los adultos acompañantes eran madres, frente al 28% de padres, superando el 58% de madres registrado en la cuarta entrega. El cine AMC Disney Springs 24, en Orlando, Florida, fue la sala con mayor recaudación individual, superando los 235.000 dólares en el primer día, según datos de Deadline.

¿Qué estrategias de marketing acompañaron el lanzamiento de Toy Story 5?

La campaña publicitaria de Toy Story 5 fue relevante, aunque su presupuesto de 8,8 millones de dólares resultó inferior a los casi 29 millones invertidos por Disney en el lanzamiento de ‘Star Wars: The Mandalorian y Grogu’. Según iSpot, citada por Deadline, la campaña de la película generó 814 millones de impresiones con anuncios en eventos deportivos como la NBA y la NHL, así como en programas de televisión de gran audiencia.

El 18% de los espectadores señaló que las redes sociales fueron la principal vía de información sobre el estreno, mientras que el 13% identificó al tráiler en cines como factor decisivo, según datos de Screen Engine. El valor mediático adicional de la campaña se estimó en 3 millones de dólares, considerando promociones cruzadas con otras cadenas y marcas asociadas.

¿Qué récords y tendencias deja Toy Story 5 en la industria del cine?

El desempeño de Toy Story 5 marca un nuevo récord para la franquicia y para el cine animado en 2026. Según Box Office Mojo, el acumulado de la saga, incluyendo todas sus entregas, se aproxima a los 237,6 millones de dólares. Analistas citados por Deadline destacan que la película se posiciona como el estreno animado más exitoso del año, superando a otros lanzamientos recientes y consolidando a Disney y Pixar en el liderazgo del mercado.

La tendencia de crecimiento en la asistencia a cines tras la pandemia, la diversificación del público y la fortaleza de los formatos premium (PLF e IMAX) refuerzan la importancia de los estrenos masivos y el papel de las franquicias en la recuperación del sector, según análisis de Variety y Deadline.

¿Qué se puede anticipar tras el estreno de Toy Story 5?

El éxito inicial de Toy Story 5 anticipa una temporada estival fuerte para la taquilla estadounidense y mundial. La evolución de la recaudación en las próximas semanas, junto con el interés del público por futuras entregas, será seguida de cerca por estudios, salas de exhibición y analistas del sector. De acuerdo con Deadline, el 49% del público expresó interés en una potencial sexta entrega, mientras que la franquicia mantiene un índice de recomendación elevado entre madres y jóvenes.

La capacidad de convocatoria de Toy Story 5 y su desempeño en mercados clave establecen una referencia para próximos lanzamientos de animación y reafirman el peso de la franquicia en la industria global.

El Temach, conocido por su presencia en redes sociales y sus videos virales sobre masculinidad, debutó como cineasta este mes con el estreno de su primera película independiente, El Templo.

El Temach explicó que apostó todo para filmar El Templo

En entrevista para el reportero Ernesto Buitrón, el controversial creador de contenido explicó que la producción de El Templo requirió una inversión que el propio Temach calificó de “modo guerra”.

El creador dijo: “Sacar una película es, es como digo yo, es en modo guerra”.

El Temach explicó que pidió favores a todos sus contactos de la industria y que el presupuesto subió dos veces durante la preproducción. A pesar del esfuerzo, aseguró que él y su equipo lograron sacar adelante el proyecto y que la gira de presentaciones ayudó a financiar la película.

“Mi gira está sustentando la película. Para poder lograr eso, pues yo no duermo porque llego del avión de dar show al set a dirigir una película”, relató.

El Templo surgió de historias enviadas por su comunidad

El Temach detalló que la cinta está inspirada en testimonios reales que recibe de sus seguidores.

“El Templo es una historia de Gabriel que se acerca a lo que aparenta ser una iglesia cristiana porque conoce una chavita que le gusta… y resulta que es una secta”, señaló. El relato tiene origen en una carta llegada al creador y ocurre en los años ochenta.

El Temach afirmó que su objetivo es filmar diez películas basadas en las peores historias que le han contado.

De la polémica en redes al reto de dirigir cine

El Temach reconoció que su imagen pública ha sido controversial por su forma de abordar temas de masculinidad.

“Me gusta mucho la idea de la masculinidad reprimida, hablar de eso”, dijo. Añadió que no busca ser violento ni agresivo, sino abrir espacios para debatir ciertos valores masculinos tradicionales. Señaló que su estilo directo genera reacciones virales y, en ocasiones, ataques coordinados en redes sociales, incluyendo la cancelación de cuentas.

“Perdí mi cuenta, esta es la nueva cuenta del Temach. Y en tres días teníamos trescientos mil seguidores”, relató.

El Temach defendió su experiencia previa como director

Antes de ser conocido como creador digital, trabajó varios años en la industria audiovisual.

“La realidad es que yo sí estudié cine. La realidad es que yo tengo mucha experiencia dirigiendo, dirigiendo comerciales, dirigiendo videoclips”, comentó. Aseguró que para él era un reto demostrar que sabe dirigir y que el salto al cine no es improvisado.

El proyecto buscó dar experiencia y orgullo al equipo

El Temach subrayó que tanto actores como creativos trabajaron por debajo de sus tarifas habituales.

“Si van a venir a trabajar conmigo por poquito, les voy a dar la experiencia… de ver al final su trabajo”, afirmó. Para el creador, era clave que el equipo pudiera ver la película en una sala de cine junto a sus familias.

El cine como nuevo brazo del Temach

El Temach dijo que su intención es mantener la producción audiovisual como parte de su oferta, sin dejar de lado los contenidos en redes.

“La idea es que sea un brazo más del Temach. Yo no creo retirarme de hacer contenido pronto”, explicó. Añadió que quiere motivar a otros creadores jóvenes a producir cine, aprovechando la tecnología disponible.

El Templo está disponible en línea

La película puede verse a través de temach.net, donde se encuentran los enlaces para acceder al contenido, informó el propio Temach durante la entrevista.

Todos han vuelto en Toy Story 5, la más reciente –y lejos de ser la mejor– aventura de Pixar sobre un colectivo de juguetes infantiles. Está Woody, por supuesto, el vaquero de rostro alargado y miembros flexibles al que Tom Hanks ha dado voz desde tiempos inmemoriales, es decir, desde 1995, cuando se estrenó la primera película de la serie. En aquel entonces, Woody era el rey bondadoso de su ámbito, un mundo encantado en el que los juguetes cobran vida y pueden caminar y hablar cuando los humanos no están presentes. Como los demás habitantes, Woody entonces pertenecía a Andy, un niño dulce que rompió corazones —en la pantalla y fuera de ella— mientras crecía y empezaba a dejar de lado sus supuestas cosas infantiles.

Al final de la cuarta película, Andy era un recuerdo cada vez más distante, Woody estaba en libertad —habiendo asumido la identidad de un “juguete perdido”— y el resto de los juguetes prefabricados estaba en casa con otra niña, Bonnie. Ahora con la voz de Scarlett Spears, Bonnie es el aparente centro de esta nueva película, aunque, como en el pasado, la historia se centra más en sus juguetes, su sentido del propósito y cómo navegan la vida en casa y el mundo más amplio. Al igual que los propios niños, los juguetes deben lidiar con miedos y amenazas existenciales mediante la prueba y error, y aunque parecen casi indestructibles, el tiempo les ha pasado factura, como era de esperarse.

Eso es ciertamente cierto para Woody, quien entra en la habitación de Bonnie para un complicado reencuentro con sus amigos, incluyendo a su mejor amigo, Buzz Lightyear (Tim Allen), una bombilla poco brillante con un casco de burbuja. Desde fuera, Woody parece más o menos igual pese al pañuelo que cuelga sobre su cuerpo como si fuera un poncho. Es un aspecto que evoca al pistolero El hombre sin nombre de Clint Eastwood en los westerns de Sergio Leone, una alusión que parece más dirigida a los cinéfilos que a la mayoría de los adultos comunes. Todos los públicos también podrán reírse de la prominente barriga de Woody y de su calva, consecuencia de tantas veces que se ha quitado el sombrero. El tiempo, una vez más, está al orden del día en Toy Story 5, aunque de formas que el equipo detrás de cámaras nunca logra manejar de manera plenamente satisfactoria.

El director Andrew Stanton (cuyos créditos incluyen Wall-E) ha participado en la realización de todas las películas de la serie y aquí, junto a la codirectora Kenna Harris, ha ideado una historia que una vez más revisita grandes interrogantes. Superficialmente alegre, esta es una película sobre una niña imaginativa y sumamente tímida que anhela la amistad humana. Trata sobre la soledad y el deseo de pertenecer. También aborda algunos de los temas complejos —el juego, la individualidad, la obsolescencia, el consumismo— que esta serie ha tratado tanto de manera superficial como emotiva desde sus inicios. Uno de los temas más inquietantemente actuales es cómo las personas mantienen su humanidad en la era del tecnocapitalismo, incluso cuando este reduce a los individuos a datos explotables comercialmente.

En otras palabras, Bonnie recibe una tableta. Llamada Lilypad, es un dispositivo mono (con la voz de Greta Lee), al menos por fuera, con un bisel verde coronado por una sonrisa y dos ojos alocados. Luce como si una rana se hubiera tragado un iPad o quizá al revés, y aunque suena tan inquietante como su autoritaria exigencia (“¡Vamos a jugar!”), Bonnie pronto queda tan zombificada por su pantalla como los demás niños de la ciudad, con el rostro bañado en una extraña luz azul-blanca. Las máquinas han venido por los niños, lo que sacude la vida de los juguetes de Bonnie, incluyendo su favorita, Jessie (Joan Cusack), una vaquera. Al igual que Woody, Jessie tiene una cuerda para tirar y parece haber sido fabricada cuando los cineastas eran niños (o mayores); como él, también es muy capaz de acudir al rescate.

El elenco aporta energía y patetismo a sus palabras; uno de los aspectos realmente conmovedores de esta película es que, aunque el tiempo apenas ha marcado físicamente a los juguetes en todos estos años, se percibe su paso en las voces de los actores, especialmente Hanks y Allen. La actuación vocal de Cusack, con ese toque de Chicago y dicción marcada, también es un deleite y brilla incluso cuando el diálogo no lo hace. Bonnie es un personaje simpático, pero los realizadores parecen interesarse solo de manera marginal en ella, y eso se nota. No es de extrañar que las secuencias más vivas, tanto emocional como visualmente, involucren a Jessie, ya sea en algunos flashbacks o en llamativas sesiones de juego animadas que parecen dibujadas a mano con pastel.

Hay un límite hasta donde los cineastas —que trabajan, después de todo, en un estudio célebre por su innovación tecnológica— pueden llevar esta historia. Así que, como era de esperarse, simplemente dejan de intentarlo y en cambio evitan los temas más espinosos mientras dedican demasiado tiempo a otro romance aburrido de Pixar. Más positivamente, Stanton y su equipo introducen a algunos nuevos personajes, incluyendo a una valiente niña, Blaze (Mykal-Michelle Harris), que tiene un halo de cabello rizado y sus propios juguetes, incluyendo una figura de acción con lo que parece ser un tutú rosa. Blaze aporta un bienvenido entusiasmo a la trama, que, a pesar de algunos movimientos espectaculares, nunca llega a despegar. Es una película correcta, bonita y divertida, pero si nadie parece ponerle el corazón, quizá ha llegado la hora de dejar paso a otros juguetes.

Fuente: The New York Times

Sus sucesivas continuaciones se fueron amoldando a los tiempos, de manera que las aventuras del vaquero Woody, el piloto espacial Buzz Lightyear y todos los demás muñecos se expandieron de manera orgánica hasta alcanzar su cumbre en la que, para muchos, es la mejor película de la saga, Toy Story 3, que contiene uno de esos finales en los que es imposible no soltar una lagrimita, por la emoción genuina que contiene.

A lo largo de toda la saga se han abordado temas íntimamente relacionados con el aprendizaje que nos lleva de la infancia a la edad adulta: de la amistad al sentimiento de soledad, de la búsqueda de la identidad a la aceptación de las diferentes etapas. Al fin y al cabo, los juguetes siempre han sido una especie de espejo de nuestros miedos atávicos, entre ellos, el abandono.

Los juguetes frente a una tablet

Después de la poco memorable cuarta entrega, Toy Story 5 regresa con energías renovadas y un mensaje muy acorde a nuestra actualidad: la introducción de la tecnología y las pantallas en nuestra cotidianeidad y de cómo impactan en la infancia.

Ahora la niña Bonnie ha cumplido nueve años y sigue jugando con sus juguetes favoritos, entre ellos, Jessie, que se ha convertido en la líder del equipo después de que Woody se marchara a vivir su propia vida. Sin embargo, la pequeña tiene problemas para socializar y sus progenitores decidirán regalarle un dispositivo para ver si, al menos virtualmente, consigue hacer amigas. La ‘tablet’ en cuestión se llamará Lilypad y pondrá a la defensiva al resto de los juguetes, que se sentirán totalmente relegados ante la llegada del nuevo dispositivo.

Así que Jessie pedirá refuerzos a Woody y ahí comenzará toda una serie de aventuras paralelas que siguen el mismo esquema que las anteriores propuestas: los juguetes sufrirán peripecias que los separarán y tendrán que luchar contra las adversidades no solo para reunirse, sino también para conseguir sus objetivos, en este caso que Bonnie conecte con una niña en la realidad, no a través de internet.

De nuevo, se aborda el paso del tiempo a través de esos juguetes que se sienten obsoletos y se deben enfrentar a una nueva era en la que parecen ya no tener sentido. Sin embargo, a pesar de que el tema de fondo pueda ser de lo más oportuno, se echa en falta que los personajes adquieran una mayor entidad, que tengan un peso más rotundo y, sobre todo, no deja de resultar cansino que la fórmula narrativa se vuelva a repetir de manera milimétrica, aunque en esta ocasión, desprovista de las dosis necesarias de emoción y melancolía.

Una fórmula agotada que se repite

Toy Story 5 es una película demasiado ‘formulaica’ y prefabricada, que parece renegar, precisamente, de esa imaginación, los sueños y la fantasía que pretende reivindicar a través de su historia.

Hay pocas escenas memorables en esta entrega y, las más significativas corresponden a la horda de Buzz Lightyears que aparecerán para ayudar a los protagonistas y cuyas escenas están repletas de imaginación visual, algo de lo que carece la mayor parte de la película, a la que le falta alma y poesía.

Quizás sea el momento de decir adiós a una franquicia que no da más de sí, que se ha exprimido hasta la última gota y que ya solo vive de la nostalgia y de las rentas del pasado.

El regreso de Juan Gabriel al cine se materializa una década después de su fallecimiento, con una nueva biopic que prepara el cineasta Gary Alazraki. El proyecto cuenta con el respaldo de Iván Aguilera, hijo del cantante, quien ha dado su aval para la realización de la cinta.

Por el momento, la película lleva como título provisional “Juan Gabriel”. Este largometraje representa la tercera producción dedicada a Juan Gabriel en los últimos diez años, tras la bioserie “Hasta que te conocí” y el documental “Juan Gabriel: Debo, puedo y quiero”, disponible en Netflix.

El enfoque internacional y el reto creativo

Alazraki ha manifestado su intención de buscar financiamiento fuera de México para garantizar que la película pueda estrenarse en varios países. El director subraya que el objetivo es llegar a una audiencia global, lo que implica una mirada diferente respecto a los trabajos anteriores sobre el artista.

Según el cineasta, el principal desafío radica en la abundancia de materiales ya existentes sobre la vida de Juan Gabriel. “El reto es mayor por la cantidad de trabajos previos”, admitió Alazraki. Por ello, la nueva producción pretende distanciarse de las aproximaciones previas y ofrecer una perspectiva renovada del ídolo mexicano.

La biopic de Juan Gabriel, dirigida por Alazraki y avalada por Iván Aguilera, planea ofrecer una visión diferente y global sobre la vida del cantante, lo que representa un desafío adicional debido a la gran cantidad de producciones anteriores sobre su figura.

Proyectos paralelos y calendario de rodaje

Mientras define la financiación y el alcance de la biopic, Alazraki tiene previsto iniciar pronto las grabaciones de la segunda temporada de “La oficina” para Prime Video. Sin embargo, si los planes de producción avanzan según lo previsto, el rodaje de “Juan Gabriel” podría comenzar durante este año.

El desarrollo de esta película marca un nuevo capítulo en el legado del “Divo de Juárez”, abriendo las puertas para que su historia sea contada a una audiencia mucho más amplia. La expectativa crece ante la posibilidad de ver a Juan Gabriel retratado en la pantalla grande bajo una óptica diferente y contemporánea.

Los momentos más emblemáticos de la carrera de Juan Gabriel que queremos ver en su película biográfica

• El niño de Parácuaro que cantaba en camiones. Alberto Aguilera Valadez nació en 1950 en Michoacán y llegó de bebé a Ciudad Juárez. Desde los 13 años cantaba en calles, camiones y tranvías. Esa imagen —un adolescente sin dinero ni apellido artístico buscándose la vida en la frontera— es el origen de todo.
• Lecumberri: la cárcel que lo formó. A los 20 años fue acusado de robo en la Ciudad de México y pasó meses en la infame prisión de Lecumberri. Ahí conoció a la cantante Enriqueta Jiménez, quien lo ayudó a salir y lo conectó con RCA. Sin ese encierro, Juan Gabriel quizás no habría existido.
• El debut con “No Tengo Dinero”. En agosto de 1971, con un nombre nuevo y alrededor de 150 composiciones guardadas, lanzó su primer sencillo. La canción llegó al número uno de inmediato y también la grabó en japonés. Fue el arranque de una carrera de 45 años sin pausas.
• “Amor Eterno” y la muerte de su madre. Compuso la balada tras la muerte de su madre en diciembre de 1974, pero la guardó por una década. Fue Rocío Dúrcal quien la grabó en 1984 y la convirtió en una de las canciones más escuchadas del español. La película necesita mostrar ese dolor y esa espera.
• Bellas Artes, 1990: el “sacrilegio” que llenó el recinto. Los periódicos lo llamaron vulgar. La dirección cultural resistió hasta el final. Aun así, el 21 de mayo de 1990 Juan Gabriel cantó junto a la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio de Bellas Artes. Fue el concierto más famoso de su carrera y una declaración de guerra contra el clasismo cultural mexicano.
• El Rose Bowl con 75,000 personas. En 1993 llenó el Rose Bowl de Pasadena. Hasta hoy es el único artista de origen hispano en presentarse en ese escenario. La escena de ese estadio desbordado, visto desde adentro, sería una de las más poderosas de cualquier biopic musical.
• “Lo que se ve no se pregunta.” Durante años evitó hablar de su orientación sexual en público. Pero esa frase, dicha en una entrevista, se volvió una de las expresiones más repetidas de la cultura popular mexicana. La película de Alazraki tendrá que decidir cómo aborda ese silencio elocuente.
• La última noche en Los Ángeles. El 28 de agosto de 2016, un día después de un concierto en Los Ángeles, sufrió un paro cardiaco. Su hijo Iván recibió la noticia en 15 minutos. Tenía 66 años y más de 1,800 canciones compuestas. El cierre de la película ya está escrito.

La película “Obsession”, dirigida por Curry Barker y distribuida por Focus Features, alcanzó una recaudación global de 286,5 millones de dólares, convirtiéndose en la adquisición de festival más exitosa de la historia del cine. Este logro, conseguido tras cinco semanas de exhibición internacional, impacta de forma directa en la industria de la distribución y en los modelos de negocio de los estudios independientes. Los datos han sido confirmados por Deadline y respaldados por plataformas especializadas como Box Office Worldwide y Moneycontrol.

Según Deadline, la película desplazó el récord que mantenía “The Blair Witch Project” desde 1999, consolidándose como el mayor éxito comercial de Focus Features. Box Office Worldwide y Moneycontrol informan que la cinta superó los 230 millones de dólares en menos de un mes desde su estreno, mientras que Box Office Mojo confirmó cifras similares y una tendencia de crecimiento sostenido en los principales mercados, entre ellos Estados Unidos, India, Reino Unido, México y Medio Oriente.

La adquisición de “Obsession” se realizó tras su exhibición en el Toronto International Film Festival (TIFF), donde Focus Features compró los derechos por más de 15 millones de dólares, de acuerdo con Deadline. Producida por Capstone con un presupuesto de 750.000 dólares, la película se estrenó en salas de Estados Unidos el 15 de mayo de 2026, logrando un debut destacado en la taquilla.

¿Cuánto recaudó “Obsession” en la taquilla internacional?

De acuerdo con Deadline, “Obsession” alcanzó una recaudación global de 286,5 millones de dólares, superando los 248,6 millones de dólares de “The Blair Witch Project”, que ostentaba el récord anterior para una adquisición de festival. Box Office Worldwide y Moneycontrol reportaron que la película sobrepasó los 230 millones de dólares en menos de 30 días de exhibición internacional, y Box Office Mojo respaldó cifras semejantes.

La cinta se consolidó como el mayor éxito de Focus Features y la mayor recaudación para una película de horror adquirida tras su estreno en festival, según Deadline y Box Office Worldwide. Moneycontrol destaca que “Obsession” acumuló más de 234 millones de dólares en 26 días y que su ritmo la sitúa entre los principales estrenos globales del año.

¿Cómo fue el desempeño de “Obsession” en Estados Unidos?

El mercado estadounidense fue determinante en el éxito global de “Obsession”. Según Deadline, la película sumó 188,3 millones de dólares en Estados Unidos en su cuarta semana de exhibición, superando el ritmo de recaudación de “The Sixth Sense” y posicionándose como una de las películas de horror más exitosas en la taquilla doméstica.

Deadline informa que el filme mantuvo cuatro fines de semana consecutivos mejorando el resultado de su estreno inicial, que fue de 17,1 millones de dólares. En la cuarta semana, la recaudación semanal alcanzó los 19 millones de dólares, lo que subraya la estabilidad de su desempeño. Box Office Mojo y Moneycontrol confirman que la mayor parte de la recaudación global provino de Estados Unidos, consolidando a “Obsession” como el mayor éxito de la historia de Focus Features.

La película también superó el total doméstico de “Star Wars: Mandalorian and Grogu”, que había acumulado 165 millones de dólares en Norteamérica, según Deadline. Este rendimiento convirtió a “Obsession” en un referente para los estrenos del género horror en el mercado estadounidense durante 2026.

¿En qué mercados internacionales se destacó la película?

La expansión de “Obsession” a mercados internacionales fue clave para alcanzar el récord global. Según Deadline, Box Office Worldwide y Pinkvilla, la película se estrenó en 59 territorios, con ingresos destacados en India, Reino Unido, Irlanda, México, Medio Oriente y Filipinas.

En India, la recaudación totalizó 76,7 millones de rupias (aproximadamente 8 millones de dólares) en 17 días, con datos confirmados por Box Office Worldwide. En el Reino Unido y Irlanda, el acumulado fue de 17,7 millones de dólares tras cinco semanas, lo que la convierte en la película de horror clasificada 18 más exitosa de la historia en esos territorios, según Deadline.

En México, la cifra alcanzó 6,8 millones de dólares, superando los totales de “Invisible Man” y “Scream VI”. En el Medio Oriente, la suma de Emiratos Árabes Unidos y Arabia Saudita fue de 12,4 millones de dólares, ubicando a “Obsession” como el segundo filme de horror más visto de la región.

¿Por qué “Obsession” es relevante para el modelo de adquisiciones en festivales?

La compra de “Obsession” por Focus Features tras su estreno en el TIFF representó una de las mayores inversiones del estudio en la etapa post pandemia, según Deadline. La operación superó los 15 millones de dólares, destacando frente a la tendencia de precios a la baja y menor rentabilidad para títulos adquiridos en festivales en años recientes.

El éxito de “Obsession” reaviva el interés en el modelo de compra post festival, especialmente para producciones de bajo presupuesto y alto potencial comercial. Box Office Worldwide subraya que el fenómeno refuerza el atractivo de los géneros horror y thriller, y demuestra que los estudios independientes pueden generar éxitos globales a partir de adquisiciones estratégicas.

El desempeño de esta película podría influir en la dinámica de los festivales internacionales, incentivando la inversión en nuevos proyectos independientes.

¿Qué récords rompió “Obsession” en comparación con otras películas?

La película superó los 248,6 millones de dólares recaudados por “The Blair Witch Project” y los 259,9 millones de “Get Out”, posicionándose como la adquisición de festival más taquillera de la historia, según Deadline y Box Office Worldwide. Además, se ubicó como el séptimo filme de horror con mayores ingresos en el Reino Unido y el tercero en India dentro de su género, conforme a Pinkvilla.

Box Office Mojo y Moneycontrol señalan que la recaudación en menos de un mes posicionó a “Obsession” entre los estrenos más destacados del año, convirtiéndola en referencia para la industria y en caso de estudio para futuras adquisiciones.

El modelo de bajo presupuesto y alto retorno quedó evidenciado, con un presupuesto de 750.000 dólares frente a una recaudación global que supera los 286 millones.

¿Cuál es la cifra oficial de recaudación y el desglose por mercados?

• Recaudación global (Deadline): 286,5 millones de dólares.
• Recaudación en Estados Unidos (Deadline): 188,3 millones de dólares.
• Cifra global (Box Office Worldwide/Moneycontrol): más de 230 millones de dólares.
• India: 76,7 millones de rupias (8 millones de dólares).
• Reino Unido e Irlanda: 17,7 millones de dólares.
• México: 6,8 millones de dólares.
• Medio Oriente: 12,4 millones de dólares.
• Presupuesto de producción: 750.000 dólares.
• Monto de adquisición en TIFF: más de 15 millones de dólares.

Según Deadline, estos datos reflejan un fenómeno comercial sin precedentes para el cine independiente adquirido en festivales, y establecen un nuevo estándar para los estudios y distribuidores internacionales.

¿Cuáles son las perspectivas para la industria tras el éxito de “Obsession”?

El desempeño de “Obsession” ha generado interés en la industria cinematográfica y en los circuitos de festivales internacionales. Su éxito, confirmado por Deadline y Box Office Worldwide, podría motivar una mayor presencia de títulos de horror y thriller en festivales y una revalorización de los proyectos independientes en negociaciones futuras.

No se han emitido declaraciones oficiales por parte de Focus Features sobre futuras secuelas o adquisiciones, pero la atención mediática y el impacto financiero sugieren un posible cambio en la estrategia de compra y distribución de cine independiente para el periodo 2026-2027.

La película “Spider-Man: Brand New Day” registró el 18 de junio de 2026 el mejor desempeño de preventa en su primer día en Estados Unidos de los últimos cinco años, estableciendo un hito para la industria del cine y alterando las previsiones de taquilla para el verano boreal. El récord impacta directamente a estudios, cadenas de exhibición y plataformas de venta de entradas, en un contexto donde las cifras de preventa representan un indicio clave para anticipar el éxito comercial de los grandes estrenos.

De acuerdo con Deadline, medio especializado en el sector cinematográfico, la nueva entrega de la franquicia de Spider-Man, protagonizada por Tom Holland y bajo la dirección de Destin Daniel Cretton, superó las expectativas tras la apertura de la venta anticipada de boletos, liderando todos los registros de 2026 y posicionándose entre los debuts más exitosos en la historia de la plataforma Fandango. La información fue confirmada por portales como ComicBookMovie, que señalan que la película logró ingresar al Top 10 histórico de preventas de primer día en Fandango y se ubicó en el cuarto puesto general de ventas anticipadas a través de todas las plataformas disponibles.

El éxito de preventa de “Spider-Man: Brand New Day” sucede en un periodo donde solo grandes producciones del universo Marvel habían alcanzado cifras comparables. El antecedente más cercano es “Spider-Man: No Way Home”, estrenada en 2021, que había sumado 78 millones de dólares en preventas antes de su lanzamiento y logró un debut doméstico de 260,1 millones de dólares, según datos de Deadline. La nueva película se convierte así en la producción con el mayor registro de preventa desde aquel lanzamiento.

¿Cuáles son las cifras de preventa de “Spider-Man: Brand New Day” y cómo se comparan con otros estrenos recientes?

Según el reporte de Deadline y el análisis de ComicBookMovie, Spider-Man: Brand New Day alcanzó el mayor volumen de entradas vendidas en su primer día desde 2021. La plataforma Fandango, principal sitio de venta anticipada en Estados Unidos, comunicó que el título encabezó el ranking de preventa en 2026, superando a otras producciones como “The Odyssey”, “The Mandalorian and Grogu” y “Project Hail Mary”.

El largometraje ingresó en el Top 10 de preventas históricas de Fandango y logró el cuarto lugar general en ventas anticipadas a través de todas las plataformas, de acuerdo con ComicBookMovie. Esta posición lo sitúa junto a los estrenos de mayor impacto en la industria en términos de venta anticipada de boletos. El portal Numerama, por su parte, destacó que el filme rompió el récord de preventa en las primeras 24 horas en el mercado estadounidense, respaldando las cifras difundidas por los medios de la industria.

¿Por qué “Spider-Man: Brand New Day” logró un récord de preventa en EE.UU.?

El récord de preventa de Spider-Man: Brand New Day surge por una combinación de factores que involucran tanto el atractivo del personaje como el contexto de los estrenos de 2026. El regreso de Tom Holland como Peter Parker, bajo la dirección de Destin Daniel Cretton, creó un clima de expectativa en el público, según los reportes de Deadline y ComicBookMovie. El argumento de la película, que continúa la historia tras los hechos de “Spider-Man: No Way Home”, refuerza el interés de los seguidores de la franquicia.

El calendario de lanzamientos también incidió en el resultado. La película tiene previsto su estreno para el 31 de julio, apenas dos semanas después de “The Odyssey”, dirigida por Christopher Nolan y distribuida por Universal. A pesar de que “Spider-Man: Brand New Day” no contará con salas IMAX debido a compromisos previos con el otro estreno, la venta anticipada no sufrió variaciones, según lo informado por Deadline.

El respaldo de Sony Pictures y Marvel Studios, responsables de la producción y distribución, aportó una campaña de comunicación sostenida, que se reflejó en el volumen de preventas registrado por plataformas como Fandango y recogido por medios europeos como Numerama.

¿Cómo se compara el desempeño de “Spider-Man: Brand New Day” con otros títulos de Marvel y del cine reciente?

El impacto de la preventa de Spider-Man: Brand New Day adquiere mayor dimensión al contrastarlo con otros lanzamientos recientes del universo Marvel. “Doctor Strange in the Multiverse of Madness”, estrenada en 2022, alcanzó una apertura doméstica de 187,4 millones de dólares, pero no igualó las cifras de venta anticipada de la actual entrega de Spider-Man, según Deadline.

En el plano global, “Spider-Man: No Way Home” ostenta el tercer puesto en recaudación de estreno, con 600,5 millones de dólares en su primer fin de semana, por detrás de “Avengers: Endgame” (1.220 millones de dólares) y “Avengers: Infinity War” (640,5 millones de dólares), según el registro de Deadline. El desempeño de venta anticipada de “Brand New Day” refuerza la tendencia de éxitos vinculados a la franquicia y al personaje de Spider-Man.

¿Qué papel juegan las plataformas de venta anticipada como Fandango en el récord de preventa?

La plataforma Fandango ha sido clave en la consolidación de la venta anticipada como indicador para la industria cinematográfica. De acuerdo con ComicBookMovie, Fandango reportó que “Spider-Man: Brand New Day” se convirtió en su mayor preventa de 2026, por encima de otros títulos importantes. El sistema de reservas online ha modificado las estrategias de promoción y la planificación de las cadenas de exhibición, que ahora dependen en buena parte de estos datos para proyectar la demanda.

El récord de preventa se acompañó de una reacción institucional de Fandango, que destacó el carácter histórico de la marca alcanzada y confirmó que el filme se sitúa entre los diez mayores lanzamientos registrados por la compañía. Esta tendencia se refleja en los movimientos de otras plataformas, que también reportan cifras récord en la semana de apertura de ventas de la película.

¿Cuáles son las implicancias del récord para estudios, exhibidores y la industria?

El registro histórico de preventa de “Spider-Man: Brand New Day” tiene implicancias directas en la planificación de los estudios, las cadenas de cines y los distribuidores. Según Deadline, el volumen de entradas anticipadas obliga a los exhibidores a ajustar su programación para responder a la demanda esperada. El dato también incide en las campañas promocionales y en la distribución de recursos para próximos estrenos.

El caso ofrece un precedente para medir el impacto de la venta anticipada en la proyección de ingresos, en un contexto donde los grandes lanzamientos dependen cada vez más de la respuesta del público antes del estreno. Numerama remarca que la capacidad de la franquicia de Spider-Man para atraer a las audiencias se mantiene sólida, incluso en un mercado saturado de superproducciones.

¿Qué se puede esperar tras el estreno y cómo afecta a los involucrados?

La marca alcanzada por “Spider-Man: Brand New Day” sitúa a la película como un título central para la temporada de estrenos en Estados Unidos y anticipa un impacto inmediato en la taquilla internacional. El comportamiento del filme tras el estreno, previsto para el 31 de julio, será observado de cerca por analistas, estudios y la industria en general.

El récord de preventa funciona como un termómetro para los exhibidores y los estudios, que ajustan sus estrategias de distribución y promoción en función de la demanda anticipada. Las proyecciones para la franquicia y para el actor Tom Holland dependerán del desempeño en taquilla y de la reacción del público en las primeras semanas.

¿Qué antecedentes existen sobre récords de preventa en la franquicia Spider-Man?

La franquicia de Spider-Man ha sido, en la última década, uno de los principales motores de recaudación para Sony Pictures y Marvel Studios. El antecedente inmediato, “Spider-Man: No Way Home”, alcanzó 78 millones de dólares en preventas y un debut de 260,1 millones de dólares en su primer fin de semana, según Deadline. Estas cifras sentaron un estándar que la nueva entrega logra igualar o superar en su fase de preventa.

El fenómeno de venta anticipada se ha consolidado en el sector tras la pandemia, cuando los patrones de consumo y las estrategias de exhibición experimentaron un cambio estructural. Las plataformas digitales y los acuerdos de distribución han permitido a las productoras medir el interés del público con mayor precisión antes del estreno.

¿Cómo afecta este récord a la industria del cine estadounidense en 2026?

El hito alcanzado por “Spider-Man: Brand New Day” influye en la planificación de la industria del cine estadounidense, que enfrenta una temporada de estrenos con alta competencia y expectativas comerciales elevadas. El éxito de preventa sirve como referencia para otros estudios y para la planificación de lanzamientos futuros, de acuerdo con Deadline.

El impacto se extiende a la promoción, la estrategia de salas y la relación con las plataformas de venta de entradas, que adquieren un rol central en la dinámica del sector. La tendencia de preventa puede trasladarse a otros géneros y franquicias, consolidando un modelo donde los resultados de las primeras 24 horas definen el alcance comercial de las producciones.

Italia no disputa durante estos días el Mundial, el tercero consecutivo sin el combinado azzurri, que ya parece más resignado que decepcionado en cuanto a lo que a fútbol se refiere. Sin embargo, mientras Lamine Yamal, Kylian Mbappé o Jude Bellingham se disputan el trono mundial del fútbol, en una ciudad al norte de Italia emergen otras estrellas mucho más grandes y casi o tanto más conocidas que ellas. Hablamos de nombres como Charles Chaplin, Cary Grant, Claudia Cardinale o Marilyn Monroe.

Hablamos de Il Cinema Ritrovato, uno de los festivales más singulares del mundo y que se celebra durante poco más de una semana en la ciudad de Bolonia. Este mismo sábado arranca nada menos que su 40º edición, con un gran programa que abarca desde el cine de hace 120 años hasta películas de Martin Scorsese o David Lynch. Un “Mundial” cinéfilo en el que compiten países de todo el mundo llevando sus propias restauraciones de películas, uno de ellos España que además tiene una destacada presencia en esta edición. Pero, ¿cómo puede existir un festival así, un paraíso para los cinéfilos?

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“Es como una gran fiesta: una celebración colectiva del cine en todas sus formas y variantes. Es un evento inclusivo, una orgía de películas que cada asistente disfruta en un orden completamente diferente y muy personal”, explica a Infobae Ehsan Khoshbakht, cineasta iraní y uno de los directores de Il Cinema Ritrovato. “En ese sentido, y espero que esto no suene presuntuoso, es uno de los pocos festivales del mundo que ofrece una selección de películas verdaderamente democrática. Hay tantas versiones de Il Cinema Ritrovato como personas que acuden a él”, alaba Khoshbakht, en contraposición a festivales como Cannes o Venecia, llenos de estrellas (vivas) y estrenos de alfombra roja, pero pensados únicamente para un público reducido y de forma mucho menos accesible.

Cazadores en busca de tesoros cinematográficos

“Nuestro trabajo se parece más a las penurias de un cazador nocturno. Sales a buscar la presa. Muchas noches vuelves a casa con las manos vacías. Otras noches vuelves con algo que crees que puede alimentar a una gran familia con un gran apetito por el cine esencial. Y luego están esas noches excepcionales en las que capturas al tigre”, bromea el director de cine y guionista sobre el trabajo de organizar un festival en el que las películas no solo van a ti, sino que son ellos también los que se encargan de buscarlas. “Implica ver una enorme cantidad de películas e intentar averiguar cómo se pueden organizar en yuxtaposiciones significativas y hilos argumentales reveladores”, explica el codirector, quien es también programador en el Festival de Locarno, uno de los más antiguos del mundo y el cual también presta atención al pasado, aunque está prácticamente dedicado a la actualidad y apoyado por los grandes estrenos.

Ese es quizá el mayor hándicap de Il Cinema Ritrovato, el de seguir apostando por un cine que, como su propio nombre indica, ha de ser reencontrado. “El arte ya no es rentable, salvo cuando está en manos de empresas, agencias y quienes quieren sacar provecho económico de él. Il Cinema Ritrovato se dedica por completo a la idea del arte puro, y cómo consigue sobrevivir es una pregunta que habría que plantear al brillante equipo que se encarga de la gestión financiera del festival. Creo que hacen magia”, asegura Khoshbakht.

Parte del encanto del festival, al igual que el paseo marítimo de Cannes, el casco antiguo de San Sebastián o los variopintos edificios de Berlín, es sin duda la propia ciudad de Bolonia, un anfitrión inmejorable para dar cabida a cine de todas las épocas pero también para hacer de puente entre varias generaciones. “En los últimos diez años, la ampliación del programa ha atraído a personas de diferentes edades y entornos sociales. Y una vez están en Bolonia de repente empiezan a experimentar e ir más allá de la idea que tenían, descubriendo películas que no conocían o directamente olvidadas y sumergiéndose por completo en la totalidad del evento”.

España, protagonista con uno de sus maestros

En la que es su 40 edición, que arranca este mismo sábado 20 hasta el día 28 aunque este año se prolongará algunos días con proyecciones especiales en la icónica Piazza Maggiore, España tiene un protagonismo absoluto. Uno de sus mejores cineastas, Juan Antonio Bardem, es objeto de uno de los ciclos principales de esta edición, con sesiones de casi toda su filmogrfía y presentaciones a cargo de responsables de Filmoteca Española como Carlos Reviriego o Valeria Camporesi, y directores de nuestro cine como Jonás Trueba, encargado de introducir una de las películas más míticas de Bardem, Muerte de un ciclista. “Soy un admirador incondicional de su obra desde que vi Calle Mayor, aunque fue La venganza la que más me conmovió. Lo que me gusta de sus películas son las cualidades subversivas que mantuvo durante la dictadura y la concisión con la que utilizó el modernismo europeo de la posguerra para contar historias tan claramente españolas", revela Khoshbakht.

Bardem será uno de los platos fuertes pero no el único en un festival que también presenta este año una retrospectiva de otro gran cineasta -y en este caso patrio para los italianos- como Luchino Visconti, autor de Rocco y sus hermanos, El gattopardo o Muerte en Venecia. Conocido también por su labor restauradora -a través de la propia Cineteca de Bolonia, una de las punteras en todo el mundo-, Il Cinema Ritrovato también reestrenará clásicos y películas de culto como Amanecer de F.W. Murnau o The devils de Ken Russell. Pero entre tanto historicismo y autor habrá también espacio para la risa con las comedias de Mitchell Leisen: “Habita en un mundo propio —en parte inventado por él mismo— en el que la sofisticación del estilo, el lenguaje y las travesuras sexuales resulta mucho más fluida y sutil que en la obra de muchos otros maestros del género".

La protagonista de esta edición es la actriz Barbara Stanwyck, una de las más prolíficas de todo el Hollywood clásico con títulos que van del melodrama al cine negro pasando por la screwball comedy, pero basta echar un vistazo rápido al festival para darse cuenta que los verdaderos actores principales son los cinéfilos que recorren las calles de Bolonia, en unión con uno de los pocos festivales en todo el mundo que siguen apreciando el cine de antes. “Si se trata de una forma de resistencia, es una resistencia contra la banalidad y contra el desprecio por la historia y la verdad. Si es una celebración, es una celebración de la forma, la belleza, el estilo y el arte sin pretensiones. Hacemos lo nuestro, y si eso parece, desde fuera, un intento deliberado de contrarrestar la comercialización del cine, pues tanto mejor”.

El acuerdo sitúa a Curry Barker como guionista, director y productor de su tercer largometraje y se ha cerrado por una cifra de ocho dígitos. La película nacerá de una idea original presentada por el propio cineasta a la cúpula de Universal y tendrá distribución mundial a cargo de Universal Film Group.

La operación mantiene al director dentro del ecosistema de Universal después de que Obsession se distribuyera a través de Focus Features, sello del grupo, y de que su segunda película, Anything But Ghosts, ya esté rodada y siga vinculada a esa misma estructura industrial. Ese filme se encuentra en ‘posproducción’ para Blumhouse Atomic Monster y Focus Features.

Un proyecto de continuidad con su estilo de terror

Barker ha enmarcado el nuevo proyecto como una continuidad natural de esa alianza. “Esta película es algo que llevaba tiempo queriendo hacer, y estoy encantado de volver a asociarme con Blumhouse Atomic Monster y Universal Film Group para ello”, ha dicho el director.

Los detalles argumentales se mantienen en secreto. Variety precisa que la película parte de una idea original surgida de un pitch de Barker, mientras The Hollywood Reporter añade que Universal adquirió el proyecto a partir de esa presentación a sus principales ejecutivos.

La producción volverá a reunir a varios de los socios habituales del director. Además de Blumhouse Atomic Monster, participarán Spooky Pictures, la compañía de Roy Lee y Steven Schneider, y Divide/Conquer, el sello de Adam Hendricks y Greg Gilreath.

La relación entre esas productoras y Barker no empieza ahora. Blumhouse Atomic Monster, Spooky Pictures y Divide/Conquer ya se habían sumado a Anything But Ghosts antes incluso del estreno de Obsession en Toronto, y más tarde Blumhouse Atomic Monster se incorporó a Obsession como productor ejecutivo.

El director que ha conectado con el público

La valoración interna dentro de NBCUniversal la ha expresado la presidenta de entretenimiento Donna Langley. “Curry Barker tiene una capacidad excepcional para conectar con el zeitgeist cultural, combinando un instinto innato para detectar lo que quiere ahora el público, unido a una extraordinaria destreza cinematográfica”, ha dicho Langley a The Hollywood Reporter.

La dimensión del movimiento empresarial se entiende por el rendimiento de Obsession. La película se estrenó el 15 de mayo en Estados Unidos, costó solo 750.000 dólares y encadena cuatro fines de semana consecutivos por encima de su apertura, que fue de 17,2 millones de dólares.

Así, Obsession ya es la película más taquillera de la historia de Focus Features y el filme se ha convertido en un fenómeno cultural y que incluso empieza a generar conversación de cara a los Oscar.

James Wan y Jason Blum, socios de Blumhouse Atomic Monster, han vinculado el nuevo proyecto a esa respuesta del público. “Con Obsession, Curry hizo lo que solo un puñado de cineastas consigue en una generación: crear algo completamente original que conectó con una audiencia masiva”, han afirmado en una declaración conjunta.

El siguiente título de Barker antes de esta tercera película será Anything But Ghosts, que dirige, protagoniza y ha coescrito con Cooper Tomlinson, quien también actúa en la cinta. El reparto incluye a Aaron Paul y Bryce Dallas Howard en una historia sobre dos falsos investigadores paranormales obligados a enfrentarse a fantasmas reales y a las mentiras sobre las que sostienen su negocio.

La película continúa el relanzamiento de DC después de Superman, estrenada el pasado verano, que recaudó 618 millones de dólares en la taquilla mundial y presentó a David Corenswet como el Hombre de Acero. En esta nueva entrega, Kara Zor-El emprende un viaje interestelar de venganza y justicia junto a un aliado inesperado.

Entre las primeras valoraciones recogidas por Variety, el periodista Mike Ryan ha dicho al medio que la película “parece y funciona más como una película de Mad Max, con mundos sucios, villanos repugnantes y una heroína autodestructiva”. Ese giro de registro es uno de los rasgos más repetidos en las impresiones iniciales de la prensa especializada.

Valoraciones positivas que la califican de disfrutable

Simon Thompson ha escrito que “no es un clásico, pero es divertida y acierta en la mayoría de los objetivos que se propone”. En esa misma valoración, Thompson destaca a Jason Momoa como Lobo, además de la acción, el humor y los momentos en los que la película se apoya en la producción física.

Germain Lussier, de Gizmodo y io9, ha calificado la película de “muy disfrutable” y ha señalado que no alcanza “la resonancia” de Superman, aunque sí funciona como “compañera perfecta” y continuación de aquella, con personajes mejores y relaciones más complejas. Lussier también subraya su carga emocional y sostiene que ese tono hace que la acción tenga más impacto.

Otra de las reacciones citadas por Variety describe la película como una mezcla entre Guardianes de la galaxia, Valor de ley (el western de los hermanos Coen) y Mad Max dentro de una “batidora” de DC, con una aventura espacial sucia, divertida y sorprendentemente sombría. Esa misma impresión vuelve a poner el foco en Alcock, especialmente cuando el relato entra en el pasado trágico de Kara.

Valoraciones negativas: película irregular

No todas las respuestas han sido plenamente entusiastas. Una de las reacciones recogidas por Variety habla de una película irregular: reconoce que Milly Alcock y Lobo destacan, pero considera que algunas decisiones de adaptación y un villano plano impiden que la propuesta alcance un resultado mayor.

La sinopsis de la película establece que un adversario inesperado y despiadado golpea demasiado cerca de casa, lo que obliga a Kara Zor-El, también conocida como Supergirl, a unir fuerzas a regañadientes con un compañero improbable en una travesía épica por el espacio. El filme adapta la serie de cómics Supergirl: Woman of Tomorrow, escrita por Tom King y dirigida en pantalla por Craig Gillespie.

El reparto secundario incluye a Matthias Schoenaerts como Krem de Yellow Hills, el principal villano; a Eve Ridley como Ruthye Marye Knoll, la joven que recluta a Supergirl para llevar a Krem ante la justicia por el asesinato de su padre; a David Krumholtz y Emily Beecham como los padres de Supergirl; y a David Corenswet, que también aparece como Superman.

El mes pasado, Alcock explicó por qué aceptó interpretar al personaje. “Me miré al espejo y pensé: ‘¿Quién soy yo para rechazar esta oportunidad? Sabía que era lo que necesitaba hacer, porque me daba miedo. Y pensé: “Bueno, tengo una vida grande, mala y hermosa. ¿Por qué no ir a por ello? ¡Simplemente ve a por ello! ¿Qué te pasa, que tienes miedo? Supérate’”, dijo la actriz al medio Variety.

En la reciente presentación de Spider-Man: Brand New Day, Zendaya sorprendió en la alfombra roja al reinterpretar el concepto de transparencias con una propuesta de McQueen que capturó la atención de todos los presentes.

Su elección marcó un giro inesperado en su historial estilístico y generó un revuelo inmediato entre los asistentes y seguidores de la moda.

El conjunto estuvo compuesto por una chaqueta negra de textura brillante con botones, que añadía un sutil contraste sobre un top transparente negro con bordados en blanco.

Este recurso permitió a Zendaya jugar con las capas y los matices de la prenda, resaltando el efecto translúcido sin perder sofisticación.

El cabello corto, peinado con raya lateral y acabado húmedo, reforzó la imagen vanguardista, mientras que el maquillaje centró la atención en los ojos, con sombras oscuras y delineado preciso.

Los labios nude aportaron equilibrio, y los pendientes largos de pedrería enmarcaron su rostro, acentuando la elegancia de la composición.

Otros looks destacados de Zendaya en alfombras rojas

Vestido negro asimétrico y flecos

Para la premiere de Spider-Man: Brand New Day en Madrid, llevó un vestido negro de escote palabra de honor con textura aterciopelada, que se ajustó al torso y se abre en una falda asimétrica. El diseño incorporó una abertura lateral adornada con flecos largos y detalles de lazo en la cadera, aportando movimiento y un guiño a la silueta clásica con un toque contemporáneo.

Complementó el look con stilettos negros y pendientes largos, mientras el peinado húmedo y el maquillaje en tonos neutros acentuaron el aire sofisticado del conjunto.

Camisa estructurada y shorts rojos

En este estilismo, para la premiere en Amsterdam, Zendaya combinó una camisa negra de manga larga con detalles geométricos en blanco y plateado sobre los hombros y el pecho, inspirados en el icónico traje de Spider-Man. La prenda llevó estructura y caída larga en la parte trasera, similar a una levita.

Los shorts rojos de talle alto crearon contraste cromático y aportan un aire juvenil. Remató el conjunto con zapatos de punta blanca y pendientes discretos. El cabello corto, peinado con ondas, reforzó el carácter dinámico y vanguardista del look.

Vestido rojo translúcido de cuello alto

Zendaya posó en un evento de “Spider-Man” en Madrid con un vestido rojo de tela translúcida y cuello alto, sin mangas y con una falda fluida de largo midi que genera movimiento. La prenda destacó por su minimalismo y por el uso de capas superpuestas en la parte inferior.

Los zapatos rojos de charol y accesorios en tono plata acompañaron la propuesta monocromática. El peinado húmedo con mechones sueltos y el maquillaje en tonos tierra complementaron el estilismo.

Sastre beige de textura orgánica

Para un evento en Las Vegas optó por un conjunto de sastre en color beige, compuesto por un blazer de hombros marcados, solapas anchas y mangas largas, junto a pantalones de corte recto.

El tejido tenía una textura orgánica que añadió interés visual y volumen. La ausencia de accesorios llamativos y el peinado recogido centran la atención en las líneas arquitectónicas del atuendo.

Vestido halter negro de satén

Para la premiere de “Euphoria” llevó un vestido largo negro de satén con cuello halter y espalda completamente descubierta. El corte ajustado al cuerpo y la caída fluida hasta el suelo crearon una silueta estilizada.

El estilismo se completó con pendientes plateados y un peinado pulido con raya lateral, resaltando el carácter minimalista y elegante de la propuesta.

Vestido azul marino con transparencias y drapeados

En Nueva York, lució un vestido azul marino de escote halter, confeccionado en tejido translúcido con aplicaciones onduladas y drapeados sobre el busto y el torso. El diseño dejó la espalda y los laterales al descubierto, acentuando la silueta. Los accesorios en azul y plata, junto al maquillaje de ojos en azul intenso, aportaron cohesión cromática y sofisticación.

Vestido negro con escote profundo y apliques

Para este look en la premiere de la película “The Drama” en Roma, eligió un vestido largo negro de corte sirena, con un escote en V profundo decorado con apliques geométricos al tono. La prenda se ajustó al cuerpo y se expandió suavemente hacia el bajo. El peinado corto y el maquillaje con sombras rojizas reforzaron el aire contemporáneo y audaz del estilismo.

Vestido blanco de satén con hombros descubiertos

Para otra premiere de “The Drama” en Los Ángeles llevó un vestido largo de satén blanco, de hombros caídos y detalles drapeados en el busto y la cintura. El diseño incorporó una cola ligera y una lazada en la espalda que añade movimiento. Los zapatos de punta blanca y los pendientes largos completaron el conjunto, mientras el peinado suave y el maquillaje natural aportaron frescura.

Vestido largo de gasa floral

En este estilismo, para su aparición en el programa de Jimmy Kimmel en Hollywood optó por un vestido largo de gasa translúcida con estampado floral en tonos pastel. El diseño presentó escote halter, espalda descubierta y una falda amplia con caída vaporosa. El lazo atado al cuello y la ausencia de accesorios llamativos reforzaron la ligereza y el carácter etéreo del look, que se complementó con un peinado corto y natural.

En la a menudo volátil intersección entre el arte y la política en Rusia, Alexander Sokurov destaca. Reconocido cineasta y figura habitual del cine de autor en Occidente, suele cuestionar públicamente al presidente Vladimir Putin sobre diversas cuestiones polémicas, incluida la represión gubernamental. Aun así este año, la Bienal de Venecia lo excluyó como orador tras las protestas de un grupo de artistas rusos exiliados que lo señalaron como ejemplo de disidencia oficialmente permitida, circulando sin obstáculos en Rusia mientras los verdaderos críticos eran encarcelados o forzados al exilio.

“En muchos sentidos, su destino es el de un solitario talentoso”, dice Anton Dolin, destacado crítico de cine ruso en el exilio. “Eso explica tanto el culto a su alrededor como la hostilidad hacia él. Por un lado, sus películas están prohibidas en Rusia”, agrega. “Por otro, sigue siendo muy respetado y continúa participando en consejos e instituciones estatales.”

La reunión de diciembre de 2025 del Consejo Presidencial para la Sociedad Civil y los Derechos Humanos volvió a poner el foco en el cineasta, de 74 años. Putin nombró al director para este consejo en 2018, y Sokurov aprovechó la reunión anual con el presidente para criticar las políticas gubernamentales represivas. Fue una postura inusual para un organismo consultivo de 50 miembros, dominado por figuras proguerra y otros simpatizantes del Kremlin. Allí, calificó la estricta censura al arte como peor actualmente que en la época soviética; describió el ritual de etiquetar a los críticos del gobierno como “agentes extranjeros” como humillante; y cuestionó que se priorizara a los hijos de veteranos de la guerra en Ucrania para las ya limitadas plazas gratuitas en prestigiosas universidades estatales.

No era la primera vez que ocurría algo así. En una reunión similar en 2021, por ejemplo, Putin, visiblemente molesto, rechazó su sugerencia de permitir que las repúblicas minoritarias pudieran abandonar libremente la Federación Rusa.

En una entrevista, Sokurov —un hombre corpulento, de aspecto afable y cabello blanco, que camina con bastón— reconoció que la mayoría de las personas no podría decir esas cosas sin consecuencias. Pero su relación con el presidente se remonta a décadas, cuando Putin era funcionario en San Petersburgo y el cineasta le pidió que salvara del olvido el estudio de cine de la era soviética.

Esta vez, el presidente evitó en gran medida responder, y sugirió que discutieran los temas en persona, una reunión que aún no ha ocurrido. Sokurov señaló que siente una responsabilidad especial de hacer comentarios públicos, sobre todo para asegurar que las nuevas generaciones de rusos hereden un país habitable. “A veces la gente me dice que soy un tonto, que no debería decir estas cosas, que es una locura, que no tiene sentido”, repitió, durante un festival de cine ruso en París el pasado marzo, donde presentó trabajos de sus estudiantes y su último filme, Director’s Diary, un documental de cinco horas que entrelaza noticieros históricos con entradas de sus diarios de 1957 a 1990.

“Mi interés es puramente público, puramente sobre la vida”, dijo. “Estoy rodeado de personas reales, no de algún gobierno ni círculo de élite. Soy simplemente un cineasta de clase trabajadora.” Sokurov afirmó que sus críticas suelen ser ignoradas. Prepara estas intervenciones cuidadosamente, escribiendo el guion como si fuera una escena de película, para no olvidar ningún punto. “Para mí, es muy estresante: hablar en público, enfrentar represalias, empeorar mi propia situación”, dijo. Aun así, afirmó que no puede callar.

Alexander Sokurov nació el 14 de junio de 1951 en un pueblo cerca del lago Baikal, en Siberia. Su padre, militar, obligó a la familia a una infancia itinerante para él y su hermana mayor. Así describió a su padre, un condecorado infante de la Segunda Guerra Mundial, como “temperamental y de voluntad fuerte”. Su madre conocía de memoria óperas rusas e italianas, aunque sus padres no consideraban el arte como una profesión.

Atribuye a la radio, en particular a los programas soviéticos de música clásica y teatro, el haberle abierto los ojos al mundo más allá de los confines militares de su infancia. “Fue mi maestra y mi mentora”, dijo. Sus impulsos contrarios surgieron en la universidad. Propuso una tesis sobre el zar Nicolás II, pero le dijeron que el tema era tabú. En protesta, eligió un tema poco conocido: las relaciones económicas entre la Unión Soviética y Chile. Quería probar su capacidad para mantener una protesta hasta el final.

Un trabajo universitario improvisado, produciendo tanto obras de teatro como eventos deportivos en directo para una televisión local, lo llevó finalmente al cine. De joven, reconocía que las películas soviéticas constituían “un cuerpo de trabajo creativo serio, vasto y muy motivado”, pero no le atraía la profesión. “Nunca me gustaron las películas, y tampoco soy fanático ahora”, afirmó. “Soy lector.” Su independencia le trajo problemas. El director de Lenfilm, el centro de producción cinematográfica de Leningrado (hoy San Petersburgo), lo denunció por actitud “antisoviética”. Fue interrogado y puesto bajo vigilancia. Su carrera parecía condenada, contó. Pero entonces el líder soviético Mijaíl Gorbachov introdujo el concepto de “perestroika”, apertura para la sociedad. Poco después colapsó la URSS.

En 2002, Sokurov dirigió El arca rusa, un viaje surrealista por 300 años de historia rusa que atrajo a una audiencia global. En la película, un narrador anónimo recorre los laberínticos pasillos del Museo Hermitage de San Petersburgo, encontrándose con figuras famosas como Catalina la Grande. Filmar los 95 minutos en una sola toma continua fue considerado un hito.

El diálogo incluía críticas a Rusia. Por ejemplo, el narrador, al admirar copias de obras de Rafael, decía: “Los rusos son tan talentosos copiando. ¿Por qué? Porque no tienen ideas propias. Sus autoridades no quieren que las tengan.”

Las películas de Sokurov son muy variadas y no encajan fácilmente en categorías como drama o comedia. A menudo son experimentales y, cuando hay trama, rara vez es lineal. “Es un gurú del cine de autor: muy independiente, profundamente original y ampliamente respetado”, dice el crítico Dolin. “En Rusia, se le admira más como autoridad moral y por su obra que por ser realmente visto.”

En 2011, su película Fausto ganó el primer premio en el Festival de Venecia. El filme formaba parte de una tetralogía que exploraba, entre otros, el legado de Lenin, Hitler y el emperador Hirohito.

Para explorar la vida de Lenin, recurrió al escritor disidente Alexander Solzhenitsyn. “La primera impresión que me dio Sokurov fue una rara combinación de masculinidad y ternura”, cuenta Natalia D. Solzhenitsyna, viuda del escritor, en respuestas por correo electrónico. Esa impresión, afirmó, perdura. “Respeto profundamente su disposición a hablar abiertamente con las autoridades sobre las carencias de nuestra vida, aunque me duela que eso le exija tanta fortaleza”, agregó.

Tras fracasar en conseguir financiamiento público o privado para Fausto, pidió ayuda a Putin. El presidente, ex agente secreto en Alemania, se mostró interesado y ayudó a reunir los 10 millones de euros necesarios. El cineasta sigue impresionado por la atención al detalle.

Algunas de sus películas han sido prohibidas en Rusia, como la reciente Fairytale, en blanco y negro, en la que utilizó imágenes de archivo para animar a Stalin, Mussolini, Hitler y Churchill juntos en el más allá.

En tiempos soviéticos, las autoridades al menos explicaban por qué prohibían una película, dijo. La carta denegando la licencia para Fairytale citaba la “ley federal” sin especificar cuál. A principios de este año, el Festival Internacional de Cine de Moscú le informó que recibiría un prestigioso premio a la trayectoria, contó. El aviso llegó tras su último intercambio público con el presidente Putin. Pero, relató, el galardón fue cancelado abruptamente en vísperas de la ceremonia. Numerosos teatros de San Petersburgo rechazaron también hacerle un homenaje por su 75º cumpleaños.

En mayo, en la Bienal de Venecia, Sokurov iba a ser orador destacado en un seminario sobre disidencia. Luego, un grupo de figuras culturales italianas y destacados artistas rusos exiliados publicó una carta abierta criticándolo como ejemplo de “disidencia segura” bajo aprobación del Kremlin. El festival anunció inesperadamente que Sokurov no estaría disponible. Él niega haberse retirado.

En última instancia, Sokurov afirma que el miedo impide a la mayoría expresar sus opiniones. Pero siente la obligación de intentar que el gobierno escuche la disidencia. Aunque a veces lamente las consecuencias, considera que el poderoso Estado ruso debe escuchar voces diferentes. Por esa razón, dice, nunca elegirá el exilio. “Estoy sentado en este bote, y si empieza a hundirse, me hundiré con él”, concluyó.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Dmitry Kostyukov / The New York Times]

Nos acercamos al meridiano de 2026 y toca hacer recuento de las películas que han marcado estos meses del año. Ha sido una temporada marcada por los debuts cinematográficos, que en su mayoría se han podido ver en el Festival de Málaga, y por algunas películas de autores asentados que se han convertido en auténticos acontecimientos.

Todavía queda mucho por explorar durante la ‘rentrée’ otoñal, en la que se estrenarán títulos cuya puesta de largo tuvo lugar en el Festival de Cannes, como El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen o La bola negra, de Los Javis, que se alzó con el premio a la mejor dirección en el certamen.

Por el momento, nos quedamos con estas diez propuestas, aunque hay muchas más que han ayudado a configurar un mapa cinematográfico de lo más rico y diverso, como Viva, de Aina Clotet, que se estrena esta misma semana o la inminente 9 lunas, una pequeña y estupenda sorpresa, sobre el embarazo de un hombre ‘trans’.

‘Amarga Navidad’

Pedro Almodóvar presentó una película en torno a la creación y a los límites de la autoría a través de un perverso mecanismo ‘metacinematográfico’ repleto de capas en el que la realidad y la ficción se funden y se confunden. Un ejercicio de estilo de lo más complejo en el que la narración se pliega sobre sí misma para componer un juego de espejos en torno a la pérdida, el duelo y el cine como mecanismo para fagocitar el drama de los seres queridos.

‘Tres adioses’

Una de las películas más delicadas de Isabel Coixet, que vuelve a hablar de la muerte, como ya hizo en Mi vida sin mí, pero desde una perspectiva diferente que tiene que ver con la esperanza y la empatía en un mundo que se desmorona. Se trata de una adaptación de las memorias póstumas de la activista Michaela Murgia, que falleció de cáncer y propone un viaje de ‘redescubrimiento’ de la identidad a partir de la enfermedad.

‘Historias del buen valle’

El gran regreso de José Luis Guerín al cine ‘observacional’, a través del que compone una oda al barrio periférico de Vallbona partiendo del punto de vista de la diversidad cultural de sus habitantes. Una película que reivindica la dignidad de las comunidades excluidas y que nos propone un trayecto histórico por un territorio al límite entre el olvido y la gentrificación.

‘Aída y vuelta’

Paco León se atreve a recuperar en formato película la serie Aída dándole una vuelta de tuerca, como suele ser habitual en él. La icónica ficción ha pasado a formar parte de la cultura popular de nuestro país y el director e intérprete, consciente de la magnitud del fenómeno le ha querido rendir homenaje de la mejor manera posible, a través de un dispositivo ‘metadiscursivo’ tan inteligente como ingenioso en el que se reflexiona sobre buena parte de los temas que tienen que ver con la contemporaneidad a través del humor más ácido.

‘Altas capacidades’

He aquí una de las mayores sorpresas de la temporada, una sátira en torno a las clases sociales que habla de la hipocresía de nuestro tiempo a partir de la educación que queremos darle a nuestros hijos. Una punzante comedia que no deja títere con cabeza a la hora de describir tanto a los privilegiados como a la clase trabajadora deseosa de un ascenso social que quiere mostrar su mejor cara a través de la cultura de las apariencias.

‘Yo no moriré de amor’

La gran triunfadora del Festival de Málaga. Una ópera prima de lo más consistente que parte de la propia experiencia de la autora con su madre, que falleció a causa de un Alzheimer prematuro que poco a poco fue arrebatándole todos sus recuerdos. Una película que gira en torno a los cuidados, al sentimiento de orfandad, a la falta de recursos para abordar la propia identidad en situaciones de máxima vulnerabilidad y a la necesidad de exorcizar fantasmas personales a través de la urgencia a la hora de visibilizar no solo los problemas de demencia ‘neurogenerativa’, sino de cómo esa situación influye en el entorno más cercano.

‘La luz’

Fernando Franco vuelve a introducirse en temas incómodos como siempre ha hecho a lo largo de su filmografía, desde su ópera prima La herida. En esta ocasión, se encarga de indagar en los casos de pederastia en la Iglesia católica y todo el proceso de ocultación al que se han sometido estos delitos, a través de la figura de un sacerdote que decide dar un paso al frente y expiar sus pecados en público. Una película pulcra y rigurosa sobre un tema que llevaba tiempo mereciendo un espacio en nuestra cinematografía.

‘Iván & Hadoum’

La ópera prima de Ian de la Rosa es una especie de Romeo y Julieta ambientada en los invernaderos de Almería en la que un chico trans y una chica marroquí se enamoran a pesar de los prejuicios a los que están condenados por culpa de la sociedad que les rodea. Una película que va más allá de la realidad trans para componer una historia de amor y de incomprensión en los tiempos que corren.

‘Zeta’

El director Dani de la Torre sube al máximo el listón en lo que se refiere a ficciones internacionales con esta intriga de espionaje heredera de los thrillers de James Bond, Jason Bourne y compañía, solo que en este caso a través de un agente secreto interpretado por Mario Casas. Una intriga a lo grande, espectacular y entretenida que sitúa la acción española a niveles nunca vistos.

‘Corredora’

Otra ópera prima, en este caso de Laura García Alonso, que utiliza el mundo de la alta competición deportiva para hablar de los problemas de salud mental inherentes a un estrés juvenil excesivo. Una historia que escapa a las narrativas convencionales a golpe de asfixia atmosférica y de una reflexión en torno a las ansiedades del mundo en el que vivimos y que nos anulan por completo.

La espera ha terminado para los fanáticos de la saga pues Toy Story 5 llega a cine de toda Latinoamérica este 18 de junio y con ella la nostalgia que suele traer esta película pues ha acompañado a más de uno desde su infancia hasta su adultez y ahora va por las nuevas generaciones.

En esta nueva entrega, que espera ser tan exitosa como las anteriores, Toy Story toca un tema que sin duda se encuentra en el centro de las discusiones sobre la infancia actual: el uso de la tecnología.

Es por eso, y por muchas cosas más, que se espera que la película sea tan conmovedora y llena de reflexiones como lo han sido sus entregas anteriores aunque siempre corre el riesgo de no gustar a sus fanáticos, quienes sin duda tienen grandes expectativas.

Resalta también el hecho de que esta cinta está vista en su totalidad desde la perspectiva de una niña (la pequeña Bonnie), algo que sin duda dará una narrativa diferente a la trama.

Además, la película también toca un tema sensible que viven millones de infancias al rededor del mundo, la dificultad de crecer en un mundo completamente tecnológico.

Es por eso que aquí te dejamos una recopilación de datos que debes tener presentes para llegar bien preparado a las salas de cine y vivir la experiencia al 100%.

No olvidemos en qué terminó Toy Story 4

Sin duda recordar la trama de la última entrega es vital para poder estar preparados para la nueva entrega y si tú no tienes tiempo de verla de nuevo, aquí tienes un pequeño resumen para no llegar en blanco Toy Story 5.

Al final de Toy Story 4, Woody decide quedarse con Bo Peep y separarse de su grupo de juguetes, que incluye a Buzz Lightyear, Jessie y los demás, quienes regresan con Bonnie. Woody elige ayudar a otros juguetes perdidos a encontrar nuevos niños, acompañando a Bo Peep en esa misión.

Buzz y Woody se despiden, reconociendo que su amistad sigue, aunque tomen caminos distintos. La película cierra con Woody comenzando una nueva etapa junto a Bo Peep, mientras Buzz y los demás continúan al lado de Bonnie.

5 datos curiosos sobre la nueva película Toy story 5

Aquí tienes 5 datos curiosos sobre la nueva película “Toy Story 5” para que aumentes tu emoción de verla:

1. El villano es una tablet: Por primera vez en la saga, el principal antagonista no es un juguete, sino una tablet inteligente llamada Lilypad, que representa el reto de la tecnología y las pantallas en la infancia actual. Lilypad compite por la atención de Bonnie, desplazando a los juguetes tradicionales.
2. Woody regresa: Aunque al final de “Toy Story 4” Woody se despide de sus amigos para iniciar una nueva vida con Bo Peep, en la quinta entrega vuelve a reunirse con Buzz, Jessie y los demás para enfrentar la crisis provocada por la tecnología.
3. Jessie es protagonista: Jessie tiene un papel mucho más relevante, enfrentando sus propios miedos al abandono y tomando el liderazgo mientras explora aspectos de su pasado.
4. Participación de celebridades: La película suma nuevas voces como Bad Bunny, Taylor Swift, Conan O’Brien, Bizarrap y Penélope Cruz. Además, Taylor Swift compuso la nueva canción principal de la película.
5. Tema social de fondo: La historia se centra en cómo los juguetes enfrentan la pérdida de relevancia ante la tecnología y plantea una reflexión sobre la importancia del juego imaginativo frente al tiempo que los niños pasan con dispositivos electrónicos.

Sin duda este será un estreno lleno de cosas por comentar y millones esperan con ansias.

El proyecto Backrooms llegó a los cines con una recaudación global inicial de 118 millones de dólares, después de haber circulado durante años en entornos digitales como un fenómeno de creación colectiva.

Su desarrollo estuvo vinculado a comunidades en línea, especialmente en Reddit, donde usuarios debatieron, ampliaron y reinterpretaron el concepto original a lo largo del tiempo.

La plataforma Reddit, creada en 2005, está organizada en subforos denominados “subreddits”, espacios dedicados a temas específicos que pueden abarcar desde intereses generales como cine o deportes hasta comunidades altamente especializadas.

Dentro de este sistema surgió r/backrooms, un subreddit que tomó como punto de partida una publicación en el foro 4chan que describía una serie de espacios vacíos y repetitivos con una estética particular.

A partir de esa idea inicial, los usuarios del subreddit comenzaron a desarrollar relatos, teorías y expansiones del universo narrativo.

Según Jim Squires, director de marketing de Reddit, el proceso comenzó a consolidarse alrededor de 2019, cuando la comunidad empezó a construir una especie de “lore” compartido mediante publicaciones y discusiones continuas.

En ese entorno digital, el creador Kane Parsons, conocido en redes como Kane Pixels, desarrolló una serie de cortometrajes en video basados en Backrooms.

Estas producciones fueron difundidas principalmente en YouTube y contribuyeron a ampliar la narrativa visual del proyecto. Con el tiempo, su trabajo se convirtió en una de las bases para la adaptación cinematográfica producida por el estudio A24.

El caso de Backrooms se inscribe en un fenómeno más amplio en el que las comunidades digitales funcionan como espacios de desarrollo creativo. Un moderador del subreddit r/movies explicó que los usuarios no solo consumen contenido, sino que también participan en la generación de nuevas ideas.

En este tipo de comunidades, los proyectos pueden evolucionar a partir de la interacción constante entre publicaciones, comentarios y material audiovisual compartido.

De acuerdo con esta dinámica, algunos contenidos publicados en Reddit han comenzado a ser considerados por la industria del entretenimiento como posibles fuentes de propiedad intelectual.

Agentes y representantes del sector han identificado subreddits y relatos breves como espacios donde pueden surgir conceptos con potencial de desarrollo audiovisual.

Dentro de esta lógica, Reddit ha pasado a ser observado como un entorno donde se pueden identificar tendencias de audiencia y procesos de creación colectiva.

Según Squires, la plataforma permite analizar en tiempo real la forma en que los usuarios interactúan con determinados temas y cómo ciertas ideas se expanden dentro de comunidades específicas.

Además de r/backrooms, otros subreddits como r/nosleep, dedicado a relatos de terror, han funcionado como punto de partida para proyectos audiovisuales. En este espacio se publican historias originales escritas por usuarios, algunas de las cuales han sido adaptadas posteriormente a formatos cinematográficos.

Entre estos proyectos se encuentra I Pretended to Be a Missing Girl, una producción protagonizada por Sydney Sweeney y basada en uno de los relatos publicados en la comunidad.

Según datos proporcionados por la plataforma, el contenido relacionado con entretenimiento alcanzó aproximadamente 240 mil millones de visualizaciones en el último año.

Estudios internos realizados en colaboración con terceros indican que campañas promocionales en Reddit pueden influir en el nivel de exposición de contenidos audiovisuales, con incrementos en la visibilidad medidos en ciertos casos.

Dentro de las herramientas de interacción utilizadas en la plataforma, las sesiones AMA (Ask Me Anything) han sido un mecanismo frecuente para la comunicación entre creadores y comunidades.

En el caso de Kane Parsons, una de estas sesiones realizada en r/movies reunió más de 1,400 comentarios, generando un espacio de discusión en torno al proyecto Backrooms y su desarrollo audiovisual.

Moderadores y usuarios han señalado que este tipo de interacciones forman parte del proceso mediante el cual las ideas pueden ganar visibilidad y evolucionar hacia otros formatos.

La prematura muerte de la actriz Daveigh Chase, la inolvidable niña del pozo en The Ring, ha hecho que muchos fans de la película rememoren el impacto que supuso una saga que redefinició el cine de terror en los años 2000. Nadie olvidará el pánico que daba mirar una televisión analógica con estática, ni la voz de ultratumba que sonaba a través del teléfono fijo para anunciar a quien lo cogía que le quedaban “siete días” de vida.

La película estadounidense tuvo un éxito arrollador porque supo adaptar con maestría el horror psicológico de la película original, realizada en Japón y con menor recorrido que su remake. De hecho, además de recaudar 250 millones de dólares en todo el mundo, lo que la convirtió en una de las películas de terror más taquilleras de su época, su historia sobre una cinta de vídeo maldita acabó creando una fobia colectiva hacia los teléfonos y las cintas de vídeo VHS.

Aquel brutal triunfo comercial estiró la franquicia durante años mediante diversas secuelas y adaptaciones que, pese a no contar con Daveigh Chase ni ningún otro miembro del elenco original, intentaron replicar la fórmula original. La última entrega de esta famosa marca cinematográfica estuvo dirigida por un español, el cineasta cordobés F. Javier Gutiérrez, quien en 2017 firmaría el cierre de la saga.

En busca de nuevas ideas

A la hora de ampliar la saga de The Ring, los productores pensaron que quién mejor que el director original de la película japonesa, Hideo Nakata. En 1998, este cineasta había estrenado Ringu (1998), que fue la que convenció a los estudios norteamericanos para comprar los derechos y realizar un lavado de cara occidental que le diera popularidad mundial a la historia. De hecho, para cuando se estrenó The Ring 2 (2005), Samara Morgan ya no era un espectro asiático, sino un icono pop de la industria americana.

Con un presupuesto parecido al de la primera película, esta continuación obtuvo unos ingresos bastante menores (161 millones de dólares), pero aún así lo suficientemente elevados como para que se considerara un éxito comercial. Sin embargo, de cara a la crítica y el público, la idea no salió tan bien. La crítica condenó a la película por su abuso de los efectos especiales y la decisión de querer explicar los orígenes del personaje.

Por otro lado, el futuro de la saga acabó de condenarse con los cambios tecnológicos que empezaron a llegar a paritr de mediados de los 2000: el VHS desapareció del mercado y, a los pocos años, llegaría internet. Los estudios no terminaban de ver cómo la saga The Ring podía adaptarse a este nuevo mundo, aunque hubo propuestas como The Ring 3D, que haría que Samara saliera literalmente de la pantalla hacia las gafas del espectador. A pesar de eso, no hubo ningún guion que terminara de convencer a los productores.

El tropiezo digital

El regreso definitivo se planeó para el año 2017 con Rings, la entrega que confió en el talento español de F. Javier Gutiérrez, que había triunfado internacionalmente con la película 3 días (2008), para intentar actualizar el mito a la nueva era de las redes sociales. El cineasta intentó modernizar la maldición mediante vídeos virales de WhatsApp y correos electrónicos, pero ni siquiera logró pasar el corte de los primeros pases de prueba, donde las reacciones fueron muy negativas y llevaron a que el estudio decidiera intervenir en el guion, cambiando pasajes, eliminando personajes y haciendo nuevas grabaciones.

Fuera mejor o peor tras esos cambios, lo cierto es que la tercera entrega se consideró un fracaso estrepitoso. Las críticas la destrozaron por haber perdido su atmósfera asficiante y todo su encanto analógico, además de por sus efectos digitales de baja calidad. Con todo, la producción logró salvar los muebles con una recaudación de más de 80 millones de dólares a nivel mundial, nada mal teniendo en cuenta que su presupuesto había sido de unos 25 millones. Por aquel entonces, Rob Moore, vicepresidente de Paramount, afirmó que, si los números iban bien, podrían producirse más secuelas anuales, pero su salida del estudio dejaron los planes suspendidos.

En la actualidad, no existen planes oficiales ni proyectos activos para recuperar la saga cinematográfica de The Ring en la gran pantalla. Los derechos permanecen guardados, reflejando el miedo de las productoras a tropezar de nuevo. Así, el legado de la franquicia se mantiene vivo únicamente en el recuerdo de los espectadores que sufrieron con su visionado original. Con la reciente y triste pérdida de Daveigh Chase, la nostalgia por aquella experiencia ha ido incluso más allá. Su escalofriante mirada a través del televisor siempre será el verdadero y eterno corazón de The Ring.

Sin embargo, también estudió Comunicación Audiovisual y siempre había querido dirigir. En 2016 debutó con el cortometraje Tiger y en 2023 llegaría su primera serie como creadora, Esto no es Suecia, en la que hablaba de las diatribas de la maternidad en la actualidad.

Ahora, sorprende con su ópera prima en el largometraje, Viva, que se presentó en la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes donde ganó el premio a la primera mejor película dentro de esta sección.

“Quería explorar dos temas que para mí eran muy importantes, el miedo a la soledad y el miedo a la muerte. Y, a la vez, las dependencias que sentía que había con el apego ansioso y las relaciones románticas”, cuenta Aina Clotet a Infobae.

Una mujer que quiere liberarse tras superar un cáncer

En Viva, la protagonista, Nora (la propia Aina Clotet), es una mujer de 40 años que acaba de superar un cáncer y se ha sometido a una mastectomía. Tiene una relación de pareja estable, pero siente que algo no funciona. La aparición de Max (Marc Soler) un joven que se siente atraído por ella, la llevará a explorar una serie de espacios que no se hubiera atrevido en otro momento, pero que ahora constituyen para ella una especie de tabla de salvación para sentirse viva.

“Al principio el personaje de Nora no tenía cáncer, solo se enamoraba de un chico más joven y le costaba romper con su anterior relación. Sin embargo, por cuestiones de la vida, personas cercanas atravesaron esta situación, y como que el cáncer de mama empezó a estar muy presente. De golpe sentimos que queríamos integrarlo, pero sin centrarnos en él, sino contando las consecuencias, las huellas que deja en el cuerpo, tanto físicas como psicológicas. También queríamos poner en el centro a una mujer que ha pasado por una mastectomía y que consigue rehacer su vida, ‘reapropiarse’ de su propio cuerpo, hacer un viaje de pasión y de deseo”, continúa la directora.

En efecto, veremos al personaje de Nora aceptando su cuerpo y sintiéndose de nuevo plena, manteniendo relaciones sexuales con ese joven con el que tiene una química en la cama más allá de cualquier tipo de tabú.

“Necesitaba que la película tuviera una temperatura sexual importante, porque sentía que era la manera también de mostrar las dos caras de la moneda, el miedo y el deseo feroz de vivir. Porque es una historia de liberarse, de soltar el control”.

La importancia de mostrar cuerpos no normativos

Aina Clotet arriesga en ese sentido, no solo por mostrar las cicatrices del pecho, sino por poner en primer plano, por ejemplo, una mamografía al comienzo de la película y el proceso doloroso que conlleva.

“Quería que, que el cuerpo de Nora estuviera retratado de la manera más bella posible y hablar también de las nuevas generaciones, que creo que están abrazando los cuerpos no normativos. Empezar con esa escena, para mí era metafórico de lo que luego sucedería, porque es como una máquina que te chafa el pecho, y lo que quiere la protagonista es explotar, salir de ahí con toda la fuerza del mundo”.

En cuanto a la edad de los protagonistas, que el personaje de Nora tenga muchos años más que el de Max, algo que ya habíamos visto en películas como Babygirl, con Nicole Kidman y Harris Dickinson (en ese caso, las relaciones de poder lo inundaban todo), Aina Clotet se muestra muy clara: “Si los roles estuvieran girados, y fuera un hombre y una mujer quince años menor, no habría tema de conversación, porque es algo que está asimilado en el grado audiovisual, ver a hombre mayores con mujeres más jovenes. Entonces, siento que es súper importante empezar a poner también estos referentes al revés, porque suceden en la vida. En este caso, necesitaba a un chico con una energía muy pasional para que Nora encontrara su propia fortaleza”.

La directora piensa que las mujeres hemos heredado muchos más prejuicios y presiones, por eso también introduce en la película la anterior generación, la de los progenitores, que siguen juntos pero no saben ya ni por qué. “Siento que las mujeres hemos heredado mucho esta idea de que tenemos que encontrar un amor que nos dé lugar en el mundo. Y creo que Nora está intentando romper con esto y estar bien ella misma”.

La vocación frustrada de Aina Clotet

En la película, la protagonista es científica y se dedica a una investigación para prolongar la longevidad. Aina Clotet es hija de Bonaventura Clotet, uno de los máximas eminencias en la lucha contra el SIDA.

“Yo tengo una vocación frustrada que es la ciencia, me gusta muchísimo, quizás porque vengo de cuatro generaciones de científicos. Y, cuando estaba escribiendo el personaje era como: ¿a qué se puede dedicar? Pues pensé: que se dedique a la biología o a la medicina, a la investigación, que para mí es apasionante. Me parecía un buen espejo contar un estudio real sobre el envejecimiento y cómo poder alargar la vida de las células. La ciencia cada vez nos lleva a, a una vida más saludable y a vivir más años, pero ¿cuál es la vida que, que nosotros estamos dejando, no? Con un mundo ‘medioambientalmente’ peligroso, con un cambio climático que ya es una realidad y con una salud mental que también es precaria por una sociedad súperexigente, individualista, capitalista, que nos lleva a lugares de ansiedad muy grandes. ¿Cuál es ese mundo en el que podremos vivir más años que estamos dejando a las nuevas generaciones? Me parecía una buena idea de fondo y también sí, un homenaje a mi padre".

La película Dreams of Violets, dirigida por Ash Koosha y presentada en el Festival de Tribeca, se ha convertido en el primer largometraje generado por completo con IA seleccionado por un gran certamen.

El debate que ha supuesto ha sido inmediato: ¿hasta dónde puede llegar una producción de coste mínimo levantada con herramientas generativas? Y es que el presupuesto de Dreams of Violets alcanza solo los 2.000 dólares, un dato que resulta de lo más controvertido a nivel industrial en un momento en el que los presupuestos se están recortando.

Al parecer la cinta no prueba que la IA pueda hacer cine por sí sola, pero sí que ya puede crear escenas complejas y visualmente verosímiles con un coste extraordinariamente bajo.

Qué dice la crítica de ‘Dreams of Violets’

El crítico Owen Gleiberman, en su crítica para Variety, decía que, en realidad, se trataba de dos película a la vez. Una es la propia película, un drama ambientado en Teherán que Koosha ha escrito y dirigido sobre protestas, represión y asesinatos avalados por el Estado. La otra, más relevante, es la demostración práctica de lo que la IA puede aportar ya al largometraje.

Koosha, iraní expatriado y empresario tecnológico afincado en Londres, sitúa la historia en los días posteriores a unas protestas ocurridas cinco meses antes, en enero, cuando ciudadanos iraníes salieron a la calle para expresar su rechazo al régimen teocrático. La película no se centra en una revuelta ascendente, sino en el momento posterior a su contención, con operaciones policiales de limpieza y episodios de violencia estatal.

La crítica de Variety considera que el principal problema de la película no reside exactamente en que haya sido creada con IA, sino en su forma. Gleiberman la describe como una sucesión apenas ‘guionizada’ de anécdotas y momentos, con escaso desarrollo dramático y poco contexto para las escenas que muestra.

Koosha ha construido el filme a partir de informaciones periodísticas, fotografías y testimonios de testigos. Su intención era aproximarse a la sensación de estar viendo fragmentos de un documental. El resultado deja a los personajes en una zona de autenticidad aparente pero de conexión emocional limitada.

La película presenta a media docena de personajes, entre ellos un chico en silla de ruedas, su hermano mayor médico, una anciana que recuerda el pasado y una estudiante de música. Gleiberman sostiene que ninguno de ellos llega a desarrollarse en escenas plenamente construidas, lo que reduce la fuerza de unas imágenes centradas en asesinatos de civiles y opresión política.

El filme aparece descrito como un drama existencial compuesto por momentos abstractos que parecen auténticos, pero no alcanzan la intensidad de un documental real ni la implicación emocional de una ficción elaborada.

Las polémicas en Hollywood en torno a la IA

Dreams of Violets aparece en un momento de cambio acelerado en Hollywood respecto al uso de la IA. Steven Soderbergh reconoció el pasado mes de abril haber utilizado IA para crear secuencias de fantasía en su documental John Lennon: The Last Interview, y que a comienzos de junio Martin Scorsese se asoció con la empresa alemana de IA generativa Black Forest Labs para acelerar el proceso de ‘storyboard’.

Además, Darren Aronofsky también ha empleado ya estas herramientas para una serie de vídeos web sobre la guerra de Independencia de Estados Unidos. Todos esos casos son pasos iniciales, pero el interés de la película de Koosha está en mostrar hacia qué usos más amplios podría evolucionar esa relación entre la industria audiovisual y la IA.

En el pase de Tribeca, Koosha justificó haber hecho la película enteramente con IA alegando que de otra forma no habría podido existir y que las figuras que aparecen en pantalla están basadas en personas reales.

La crítica llega a plantear una lectura más dura: que la película funciona mejor como demostración tecnológica que como largometraje. Pese a ello, Variety subraya que, fotograma a fotograma, el acabado visual le pareció texturizado y realista, hasta el punto de hacer creíbles escenas de agitación urbana al atardecer en Teherán, con soldados en las calles, ciudadanos introducidos en furgonetas y transeúntes apartándose.

Ese es, para Gleiberman, el verdadero dato oculto de la película: no que su retrato del régimen iraní aporte una revelación política nueva, sino que 2.000 dólares ya pueden generar una cantidad muy considerable de imagen en movimiento.

El tres veces oscarizado Sean Penn dirigirá una cinta sobre un policía que se ve atrapado en el ataque al Capitolio de Estados Unidos el 6 de enero de 2021, informaron medios locales este martes.

La película abordará la vida de este policía, que podría ser encarnado por el actor Bradley Cooper, según la publicación especializada Deadline.

La producción de la cinta, cuyo guion también estará a cargo de Penn, está prevista para mediados de 2027.

Los representantes de Penn no respondieron de inmediato.

El ataque al Capitolio ocurrió cuando miles de simpatizantes de Donald Trump invadieron el Congreso cuando se iba a certificar la victoria electoral del demócrata Joe Biden, quien había derrotado en las presidenciales de 2020 al republicano.

La insurrección, que conmocionó a Estados Unidos y al mundo, se volvió parte del debate político nacional.

Trump, quien nunca reconoció la derrota electoral, niega su responsabilidad en el ataque y califica a los manifestantes como “patriotas”.

Penn, conocido por su vena política y social, con posiciones más alineadas con la izquierda, acudió a las audiencias públicas del comité legislativo que investigó la insurrección.

En aquella época, al actor se le fotografió sentado junto a oficiales que se enfrentaron al ataque, tales como Michael Fanone y Daniel Hodges.

Fanone habló en las audiencias y en numerosas entrevistas sobre los traumáticos momentos que vivió el 6 de enero.

El oficial escribió el libro Hold the Line: The Insurrection and One Cop’s Battle for America’s Soul, sobre lo que vivió durante el dramático ataque en Washington.

De momento, no ha sido revelada la identidad del policía que inspira la cinta.

De acuerdo con medios locales, el proyecto pertenece a Warner Bros.

El legendario estudio y su matriz Warner Bros. Discovery están siendo adquiridos por Paramount Skydance, cuyo director ejecutivo, David Ellison, es hijo de Larry Ellison, considerado próximo a Trump.

Warner Bros. estuvo a cargo de Una batalla tras otra, ganadora del Óscar a la mejor película del año, y que le dio a Penn en marzo su tercer premio de la Academia.

Fuente: AFP

Como figura destacada en Hollywood, Colin Farrell supo reinventarse en distintas etapas de su carrera, logrando captar la atención tanto de críticos como de fanáticos del cine de superhéroes.

Su interpretación de El Pingüino fue una de las más comentadas en la primera entrega de Batman, generando expectativas no solo por el maquillaje y la transformación física, sino también por la profundidad psicológica que aportó al personaje.

Su participación en programas estadounidenses como Jimmy Kimmel Live suele atraer gran interés, ya que permite conocer aspectos personales y profesionales que rara vez se exploran en los estrenos o en la promoción oficial de las películas. Estas apariciones televisivas contribuyen a fortalecer su vínculo con la audiencia y a consolidar su imagen como un actor versátil y cercano.

Al referirse a su participación en la secuela, Colin Farrell contó: “El Pingüino va a estar en la nueva película de Batman. Sí, sí, sí. Solo tengo un par de escenas, pero el guion es increíble”. El actor subrayó que pudo leer el texto completo: “Me dejaron leer el guion entero, no solo las páginas en las que aparezco. Es extraordinario”.

Distinguió entre este papel y su interpretación de Sugar: “El Pingüino es malvado, psicopático, un narcisista maligno. Sugar, en cambio, es bondad pura, optimismo y cariño por los seres humanos”. Farrell afirmó que ambos papeles lo afectan emocionalmente de maneras opuestas.

Consultado por el presentador, Farrell recordó su primera prueba de maquillaje como El Pingüino: “La primera vez que lo probé, fui a un Starbucks. Nadie entendió nada porque aún no se había estrenado la película. Pedí mi café como Oz”.

Las anécdotas de Farrell sobre Tom Cruise

Al abordar su trabajo previo, el actor relató anécdotas del rodaje de Minority Report. “Es un actor extraordinario y tiene una energía fuera de serie. Es una de las personas más impresionantes con las que trabajé”, afirmó respecto a Tom Cruise. Destacó la trayectoria dramática de Cruise en filmes como Rain Man y Nacido el cuatro de julio, señalando que muchos lo asocian solo a Misión Imposible.

Farrell evocó el ambiente del rodaje: “Recuerdo que un día preguntó: ‘¿Esto es una película de acción? ¿Por qué no oigo acción?’”. Según el actor, Cruise muestra una competitividad saludable y una actitud abierta en el set: “Es una de las energías más positivas que conocí”, subrayó ante la audiencia de Jimmy Kimmel Live.

También relató su reencuentro con Cruise en una proyección junto a Steven Spielberg y Dakota Fanning, y recordó que el cineasta comía palomitas de un cubo con su propio rostro. Kimmel comentó: “No hay otro Tom Cruise igual”, y Farrell asintió: “Este planeta no podría con un segundo”.

Su experiencia en la Fórmula 1 de Miami

La entrevista también permitió a Farrell compartir su afición por la velocidad. Relató su experiencia como pasajero durante unas vueltas en el Gran Premio de Miami: “Fue aterrador. Nunca antes había estado en un coche llevado al límite absoluto de sus capacidades”.

Dijo que sintió miedo y describió entre risas: “Sentí que me daba un infarto, pero en el buen sentido. Parecía que el coche iba a desarmarse, aunque el piloto tenía el control total”.

El asombro aumentó cuando supo la edad del piloto: “Parecía un chico de 16 años, aunque estaba compitiendo en F2”, bromeó. Farrell resaltó la destreza del conductor: “El control que tenía era asombroso. Incluso cuando parecía que patinábamos, él corregía y seguía en carrera. Fue una locura”.

Durante una conversación pública, el actor profundizó en las razones que, a su juicio, explican la diferencia de impacto entre ambas producciones. Según declaraciones recogidas por la revista de entretenimientos Variety, Crowe expresó que el atractivo de la primera entrega residía en decisiones creativas específicas y en la profundidad emocional que aportaba su historia.

De acuerdo con un reporte publicado por el diario británico The Guardian, Crowe sostuvo que la productora de Gladiator II no supo identificar los elementos fundamentales que hicieron célebre al filme dirigido por Ridley Scott. El actor australiano relató que, en el rodaje original, rechazó filmar una escena de sexo con la actriz Connie Nielsen, quien interpretaba a Lucilla, la examante de su personaje.

“Durante el rodaje, la presión era enorme. El estudio y los productores creían que debía haber sexo entre Máximo y los personajes femeninos. Yo me negué rotundamente”, recordó. En la misma línea remarcó “esta es la historia de un hombre que busca vengar la muerte de su esposa y su hijo. No puede haber un momento en ese viaje en el que se detenga y tenga sexo con alguien. No tiene sentido, porque eso arruina la historia”.

Un éxito original basado en la emoción y el público femenino

Por otra parte, el actor destacó que la memorable recepción de Gladiator se debió, en gran medida, a la carga emocional del relato y no únicamente a sus escenas de acción. Según sus palabras, la negativa a incluir una escena íntima entre los protagonistas fue determinante para mantener la coherencia dramática del film. “Por suerte para mí, Ridley Scott estuvo de acuerdo conmigo en aquel entonces en que ese era el núcleo emocional de la película”, explicó el actor, siempre citado por The Guardian.

La actriz Connie Nielsen también reflexionó sobre el impacto que tuvo la película en diversos sectores del público. Destacó que la historia original logró cautivar a una audiencia femenina significativa, porque trató la venganza desde una perspectiva más profunda. “Uno piensa que, a primera vista, Gladiator es una película para hombres, pero si lo fuera, trataría sobre la venganza, y no es así. Es una película para mujeres porque trata sobre la venganza”, comentó Crowe en el mismo foro.

Gladiator II: críticas a la secuela y lecciones no aprendidas

El estreno de Gladiator II en 2024 no consiguió replicar el fenómeno de la primera película. El actor australiano lamentó que la producción haya perdido de vista el eje moral que, según su visión, fue la clave del éxito inicial. “El estudio fracasó porque no entendió por qué la película original tuvo éxito: tenía un núcleo moral”, afirmó.

Para Russell, la ausencia de un enfoque emocional claro y el intento de repetir fórmulas superficiales alejaron a la secuela de la esencia que conectó con el público, especialmente con las mujeres. “Eso es algo que mucha gente no entiende: desde la segunda semana de su estreno mundial, siempre hubo más mujeres que hombres en las salas de cine”, subrayó el actor sobre el fenómeno de la primera entrega.

A pesar de las expectativas generadas en torno a la continuación de la saga, las palabras de Crowe ponen en duda la dirección creativa elegida por el estudio y reafirman la importancia de la integridad narrativa en las grandes producciones cinematográficas.

El análisis sobre el éxito de Gladiator y el fracaso de su secuela resalta la relevancia de las decisiones creativas en el cine contemporáneo. Su testimonio, invita a reflexionar sobre cómo la construcción de personajes y la coherencia emocional pueden determinar el alcance y la permanencia de una película en la memoria colectiva.

El actor Robert Downey Jr. ha afirmado que Vengadores: Doomsday representa un punto de inflexión para el universo cinematográfico de Marvel, al asegurar que la película ha encontrado la clave para no convertirse en una decepción tras el fenómeno generado por Infinity War y Endgame. “Se trata de cómo se ha estructurado”, explicó el actor, quien regresa a la franquicia en un papel radicalmente distinto, ahora como el villano Doctor Doom.

Durante una conversación con CBR junto al codirector Joe Russo, el ganador del Oscar declaró que el filme “aterrizó en un lugar que creo que más que satisfará a los fans”. Downey Jr. subrayó que la respuesta a la pregunta sobre cómo evitar que las nuevas entregas sean una frustración tras los éxitos anteriores está en el modo en que se ha construido la historia y en la interacción de los personajes. Según sus palabras, “hay algo en Doomsday y lo que viene después que es literalmente el único antídoto para: ¿Cómo lograr que estas películas no sean una decepción después de Infinity War y Endgame? Y vaya si hemos trabajado mucho para lograrlo”.

Downey Jr. enfatizó que, más allá de su propia interpretación, el verdadero mérito se encuentra en la estructura narrativa y en el desarrollo coral del guion. “No se trata siquiera de cómo lo he ejecutado yo”, señaló. “Se trata de la forma en que se ha estructurado, y de los otros personajes”. Estas declaraciones refuerzan la expectativa de que la cinta, lejos de apoyarse únicamente en el regreso de figuras emblemáticas, buscará un equilibrio argumental para sostener la atención del público.

La expectativa generada por Vengadores: Doomsday es considerable. Downey Jr. ha insistido en que el largometraje ofrece una solución genuina al desafío de crear una película que no resulte insatisfactoria después de los eventos culminantes de la saga. El actor explicó que se ha dedicado un esfuerzo notable a este objetivo, convencido de que la película ha alcanzado un nivel que “más que bastará” para los seguidores del universo Marvel. Según Downey Jr., la clave radica en la estructura interna de la historia y en el modo en que los distintos personajes interactúan a lo largo de la trama. Esta estrategia busca diferenciar a Doomsday de otras producciones recientes, señalando que existe “algo” en la película y en su continuación, Avengers: Secret Wars, que constituye una respuesta inédita al riesgo de decepcionar a la audiencia.

“La más compleja emocionalmente”

Joe Russo, codirector de la cinta, aportó su perspectiva al afirmar que la nueva entrega está repleta de sorpresas y que “es la más emocionalmente compleja de todas, y en muchos sentidos, la más madura”. Esto sugiere que la película no solo apuesta por el espectáculo visual, sino por una profundidad temática y emocional inusitada en la franquicia. Downey Jr. también expresó un sentimiento de gratitud por formar parte de este nuevo capítulo, describiendo la oportunidad como un privilegio tras su larga trayectoria como Iron Man. El actor destacó la importancia de afrontar la crítica constructiva y de aceptar los retos que implica responder a las altas expectativas del público: “La gratitud de poder hacerlo. De seguir interactuando con personas que son críticas cuando no alcanzamos el objetivo, pero que entienden lo difícil que es cuando lo logramos”.

El regreso de Downey Jr. adquiere una dimensión particular, ya que su personaje original, Iron Man, salió de escena tras los acontecimientos de Endgame en 2019. Ahora, su incorporación como Doctor Doom marca un cambio de rol significativo que añade una nueva capa de interés al filme. Este movimiento ocurre en un contexto donde Marvel ha alternado entre éxitos como Spider-Man: No Way Home y Deadpool vs. Wolverine, y fracasos en taquilla como The Marvels y Ant-Man y la Avispa: Quantumania. La decisión de confiar el papel central a una figura tan identificada con la saga, pero en un registro opuesto, refuerza la apuesta de Marvel Studios y Disney por revitalizar la franquicia a través de riesgos creativos.

Vengadores: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre, con la producción de Disney y Marvel Studios. El anuncio se realizó durante la presentación de Walt Disney Studios en CinemaCon 2026, celebrada en el Dolby Colosseum de Las Vegas, Nevada. La atención internacional está puesta en cómo esta nueva estructura narrativa y el giro en el reparto lograrán afrontar el reto de mantener la relevancia del universo Marvel, en medio de una industria cada vez más exigente y volátil.

En una inesperada jugada de casting, Wagner Moura está en negociaciones finales para interpretar al villano principal en la precuela de la saga Ocean’s Eleven, un proyecto que reunirá en pantalla a Margot Robbie y Bradley Cooper. El filme, desarrollado por Warner Bros. y con estreno previsto para el 25 de junio de 2027, contará con Cooper como director, guionista y productor, y con Robbie como coprotagonista y socia en la producción a través de LuckyChap. El fichaje de Moura como antagonista supone una de las sorpresas más comentadas en torno a esta nueva entrega. Según la información disponible, el personaje que encarnará será central en la trama, enfrentando a los padres de Danny Ocean —figura clave de la franquicia— en un golpe maestro ambientado en el Gran Premio de Mónaco de 1962.

La elección de Wagner Moura para dar vida al villano marca un cambio notable en la dinámica del reparto y amplía el alcance internacional de la saga. Moura, quien recientemente hizo historia al convertirse en el primer brasileño nominado al Oscar a mejor actor y en ganar el Globo de Oro por su papel en El agente secreto, lleva una carrera en ascenso en el cine internacional. El rol de villano en la precuela colocará a Moura en el centro de la acción, en una película que explorará los orígenes criminales de la familia Ocean.

La producción ha mantenido en secreto los detalles específicos sobre el personaje y la naturaleza del conflicto, aunque se espera que la interpretación de Moura aporte una nueva dimensión al universo de Ocean’s Eleven. La precuela, que será dirigida y escrita por Bradley Cooper, contará además con Margot Robbie en un papel principal y como productora, junto a Tom Ackerley, Josey McNamara y Milan Popelka. El guion definitivo, desarrollado por Cooper, se mantiene “bajo llave”, pero se sabe que versiones anteriores estuvieron a cargo de Carrie Solomon.

Así será la historia

Durante la última CinemaCon, Robbie confirmó que la historia se desarrollará durante el Gran Premio de Mónaco de 1962, donde los padres de Danny Ocean protagonizarán un atraco de alto riesgo. “Antes de que Danny Ocean pusiera un pie en Las Vegas, dos mentes maestras le enseñaron todo lo que sabía: sus padres”, explicó Robbie al presentar el proyecto. La ambientación en la Europa de los años sesenta y la promesa de un golpe cinematográfico en el corazón del glamur monegasco se perfilan como los grandes atractivos de la nueva entrega. Los detalles adicionales sobre el villano y su relación con los protagonistas están reservados para el estreno.

La saga Ocean’s inició en 1960 con el filme protagonizado por Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin, y fue revitalizada en 2001 por Steven Soderbergh con Ocean’s Eleven, encabezada por George Clooney, Brad Pitt y Julia Roberts. La franquicia sumó dos secuelas directas, Ocean’s Twelve (2004) y Ocean’s Thirteen (2007), y el spin-off Ocean’s Eight (2018), protagonizado por Sandra Bullock y Cate Blanchett. Todas juntas han recaudado más de 1.400 millones de dólares en taquilla internacional. La llegada de Moura, quien también ha sido premiado en el Festival de Cannes y por la New York Critics Circle por El agente secreto, añade prestigio y nuevas expectativas a la franquicia. Entre sus próximos proyectos figuran The Last House junto a Greta Lee, The Last Day con Alicia Vikander, Last Night at the Lobster (donde también dirigirá), el thriller Flesh of the Gods con Kristen Stewart y Art junto a Ralph Fiennes y Colin Farrell.

La representación de mujeres y personas ‘racializadas’, en streaming y Hollywood ha caído en picado en 2025, según la última edición del informe Hollywood Diversity Report de UCLA: el retroceso afecta a dirección, guion, protagonistas y reparto en un momento en que la producción de películas originales para plataformas también se ha reducido.

Los protagonistas de color han pasado del 51% registrado en 2024 al 36% en 2025, la primera vez en tres años que su peso cae por debajo de la representación proporcional respecto a la población de Estados Unidos. El informe también sitúa en 23,6% la cuota de películas de streaming dirigidas por una mujer, el nivel más bajo desde que el estudio empezó a seguir este segmento en 2022.

Según The Hollywood Reporter, los autores del estudio vinculan ese retroceso a la reacción contra las políticas de diversidad, equidad e inclusión, a la contracción de la industria y al ajuste general de presupuestos. Su tesis es que, cuando llegan los recortes, la diversidad pasa a tratarse como un elemento prescindible u opcional.

Fase de cambio debido al clima político actual

Ana-Christina Ramón, directora de la Entertainment and Media Research Initiative de UCLA y cofundadora del informe, ha manifestado que tras las cifras elevadas de diversidad que mostraban los originales de streaming hace solo un par de años, que ahora se aprecia cómo se estrecha la vía para que mujeres y personas de color estrenen una película en una gran plataforma.

El deterioro no se limita a los papeles principales. Solo el 25,8% de las películas de streaming contó con repartos en los que la mayoría eran personas de color, frente al 41 % del año anterior, de acuerdo con los datos del informe.

Darnell Hunt, vicepresidente ejecutivo adjunto y vicecanciller de UCLA, ha dicho que la industria está en una fase de cambio “y en retroceso”, sobre todo en materia de diversificación. Hunt ha añadido que, igual que ya se había visto en el cine estrenado en salas, el clima político actual está teniendo efectos “muy significativos y concretos”.

En esa misma valoración, Hunt sostiene que cuando los presupuestos se ajustan, las primeras oportunidades que desaparecen son las de cineastas procedentes de entornos ‘infrarrepresentados’. También ha advertido que estas tendencias deberían hacer saltar las alarmas y empujar al sector a actuar.

La lectura de UCLA apunta así a una doble presión sobre el sistema: menos películas originales en plataformas y menos espacio para perfiles que en años recientes habían encontrado en el streaming una vía de acceso más abierta que la del circuito tradicional.

‘Las guerras K-Pop’, una excepción

El informe identifica como caso destacado y excepcional de 2025 a Las guerreras K-Pop, la producción de Netflix que sobresale por varios motivos dentro de un ejercicio descrito como malo para la representación. Según The Hollywood Reporter, el estudio la presenta como una prueba de que la representación diversa no aleja al público.

Nico Garcia, doctorando de la School of Theater, Film and Television de UCLA y coautor del informe, ha dicho que la película es “un ejemplo claro” de cómo circula la cultura y de cómo una representación diversa no aliena a la audiencia, sino que puede atraerla.

Uno de los datos que el informe considera más llamativos es que un porcentaje mayor de hogares de familias latinas vio la película original de Netflix que de hogares con mujeres asiáticas. El estudio añade que, aunque la cinta se hizo para una audiencia de Estados Unidos, se apoya de forma intensa en la cultura coreana y no solo en su música pop.

Michael Tran, sociólogo y coautor del estudio, ha dicho a The Hollywood Reporter que no hace tanto tiempo el streaming era el espacio en el que mujeres y personas de color lograban afianzarse. El propio informe de UCLA, según recoge The Hollywood Reporter, sostiene ahora que ese terreno se está cerrando... y que las cosas pueden ir a peor en los próximos años.

Las tres primeras películas conforman una trilogía casi perfecta: una serie que abarca toda una infancia, desde los juegos en la habitación hasta la universidad, desde el encanto hasta la pérdida. Su alcance no parecía épico. Rara vez se alejaban mucho más allá de la pizzería de la esquina o la juguetería de Al. Sin embargo, esas tres primeras películas, tan sensibles a las penas de la infancia y la paternidad, parecían extenderse hasta el infinito y más allá.

Pero, claro está, la pulcritud narrativa no es un principio fundamental en la gestión de franquicias de Hollywood hoy en día. Nueve años después de Toy Story 3 —un final tan impecable como el tiro de despedida de Michael Jordan en 1998— llegó Toy Story 4. Recaudó mil millones de dólares sin esfuerzo y destrozó la ingeniosa trama de la saga. Cuanto menos se diga de Buzz Lightyear —sin duda el capítulo de los Washington Wizards en Toy Story—, mejor.

Aunque mi corazón resentido quería rechazar Toy Story 4, tuve que admitir que era bastante buena. No puedo hacer mucha moralina ante Tony Hale convertido en un tenedor y Key y Peele en peluches.

Y Toy Story 4 también tenía razón en algo. Si la trilogía original sugería que la historia terminaba cuando el niño llegaba a la edad adulta, la cuarta película trata sobre Woody, el padre cuyos hijos ya se han independizado. El vaquero de Tom Hanks y Bo Peep de Annie Potts descubren que la vida continúa después de Andy. Bien podrían haberse mudado a Florida.

Esta es mi forma rebuscada de decir que Toy Story 5 es, a la vez, un crimen contra la humanidad y, también, bastante buena. Puede que no alcance el nivel de las tres primeras y probablemente se sitúe como la quinta mejor de estas películas. Pero Toy Story tiene el listón muy alto, y la calidad y la profundidad que siempre han caracterizado a Pixar están muy presentes en esta película dirigida y coescrita por Andrew Stanton, un veterano de Pixar que lleva trabajando en ella desde Toy Story de 1995.

La última película de Toy Story tiene algunos puntos a su favor. En esta entrega, Jessie, la vaquera interpretada por Joan Cusack, cobra mayor protagonismo, y siempre ha sido un personaje muy divertido. La adorable Bonnie (con la voz de Scarlett Spears) es una mejora con respecto a Andy. (Lo siento, Andy).

Pero, sobre todo, como ha dejado muy claro la publicidad de la película, que se centra en el enfrentamiento entre juguetes y tecnología, Toy Story 5 se basa en un conflicto con el que tanto niños como padres pueden identificarse fácilmente.

En Toy Story 5, las tabletas llegan de forma tan inquietante como las armas en 2001: Odisea del espacio. Los padres de Bonnie, temiendo que su hija se sienta excluida, ceden y le compran una Lilypad (Lily, con la voz de Greta Lee). Cuando Bonnie lleva a Lily a una pijamada, los juguetes, que miran por la ventana del sótano, se horrorizan al verlas “simplemente sentadas allí”. Suenan las alarmas.

“¡La era de los juguetes ha terminado!”, grita un juguete triste que está cerca. Más tarde, el dinosaurio Rex (Wallace Shawn) exclama: “¡Extinción! ¡Otra vez no!”.

En el mundo de Toy Story, como en el nuestro, el inicio del “tiempo frente a la pantalla” es un acontecimiento verdaderamente trascendental. Por supuesto, ha sido un elemento central en otras películas de animación recientes. (Los Mitchell contra las máquinas y Ron se ha equivocado son solo algunos ejemplos).

Pero abordar este tema tiene un significado más profundo en una película de Toy Story, y no solo porque Pixar fuera el estudio pionero de la animación digital en el Área de la Bahía. Estas películas han logrado capturar la esencia de la infancia de tal manera que casi parecen formar parte de la nuestra. Y dada la profunda influencia que las pantallas han tenido en la experiencia de crecer, la trama innovadora le otorga a Toy Story 5 algo que la mayoría de las secuelas no pueden decir: una razón de ser.

Lily representa una amenaza no solo para los juguetes, sino también para Bonnie, de ocho años. Pronto deja de jugar con ellos y se vuelve adicta al dispositivo. Esto nos parece una especie de tragedia, no solo porque sume a Bonnie aún más en la soledad, sino porque lo hace para encajar. Como una plaga, ninguno de los otros niños juega con juguetes.

Que los humanos nunca pillen a los juguetes en movimiento siempre ha sido un chiste recurrente en las películas de Toy Story. Pero esta vez hay una escena realmente inquietante. Cuando la aventura se intensifica y un pequeño grupo de juguetes toma un atajo por una casa, pasan desapercibidos porque todos los que están dentro están absortos en sus pantallas.

En Toy Story 5 también aparece un padre en una videollamada de Zoom y algo parecido al ciberacoso, pero en versión infantil. Las consecuencias de la experiencia de Bonnie en Lilypad llevan a Jessie y Bullseye a la granja donde vivió Emily, la primera niña de Jessie. Allí vive ahora Blaze (Mykal-Michelle Harris), una niña creativa de 9 años aficionada a la equitación.

No es difícil vislumbrar la solución a la fatalidad existencial de los juguetes: una cita para jugar. Reunir a Bonnie y Blaze se convierte en una misión de rescate para Jessie, sus amigos de siempre (incluido un Woody de visita) y un pequeño grupo de los juguetes perdidos de Blaze. Entre ellos se encuentran varios dispositivos de primera generación que funcionan con pilas AA, como un entrenador para ir al baño (Conan O’Brien), una cámara (Shelby Rabara) y un hipopótamo con GPS (Craig Robinson).

La acción que sigue —que incluye una flota de Buzz Lightyear (Tim Allen) en modo de demostración— es, como era de esperar, encantadora, aunque no llegue a ser (con tono pretencioso) una obra maestra de Toy Story. Pero lo más convincente de cómo se resuelve todo son las pocas secciones de dibujos estilo crayón que dan vida a momentos de juego infantil puro. Estas escenas, fruto de la imaginación de Bonnie o Blaze, son como maravillosas invitaciones para que los niños (y los adultos) creen sus propias diversiones.

Las películas de Toy Story tratan sobre crecer, y tal vez eso signifique darse cuenta de que la trilogía original no era una batalla perdida de antemano. Después de todo, todos sabemos que la verdadera batalla perdida es que la mejor película de Pixar es Ratatouille.

Fuente: AP

[Fotos: Pixar-Disney vía AP]

Después de más de dos décadas de rumores, especulaciones y respuestas ambiguas, Mike Myers finalmente despejó una de las mayores dudas de los seguidores de la saga Austin Powers. El actor y creador de la popular franquicia confirmó que una cuarta película está en camino, aunque por ahora evitó revelar cualquier detalle sobre su desarrollo.

La confirmación llegó durante su participación en Trevor Noah’s World Cup Watch Party, donde el presentador leyó una pregunta enviada por un fan: si alguna vez verían Austin Powers 4. Sin rodeos, Myers respondió con una sola palabra: Sí.

La respuesta fue tan inmediata que incluso el entrevistador reaccionó con sorpresa: “¡Vaya, ese fue un sí muy rápido!”

Aunque el actor no ofreció información sobre la historia, el elenco, el calendario de producción o una posible fecha de estreno, su breve respuesta fue suficiente para entusiasmar a los seguidores de una franquicia que llevaba cerca de 25 años sin una nueva película.

La historia de Austin Powers comenzó en 1997 con Austin Powers: International Man of Mystery, una comedia escrita por Mike Myers y dirigida por Jay Roach. La película presenta a un extravagante espía británico de la década de 1960 que es congelado criogénicamente durante 30 años para ser despertado en la década de 1990 y enfrentarse nuevamente a su archienemigo, Dr. Evil, personaje que también interpreta Myers.

El filme parodiaba las películas clásicas de espías, especialmente la franquicia de James Bond. Había humor absurdo, referencias a la cultura pop y varios personajes interpretados por el propio Myers.

El éxito de la primera entrega dio paso a Austin Powers: The Spy Who Shagged Me (1999), que amplió el universo de la franquicia e incorporó al personaje de Fat Bastard, otro de los papeles creados e interpretados por Myers. Su recaudación en taquilla internacional llegó a los 300 millones de dólares.

Posteriormente llegó Austin Powers in Goldmember (2002), que mantuvo el éxito comercial de su antecesora e introdujo al villano Goldmember. En dicha entrega participó Beyonce como estrella invitada.

Años de rumores sobre una cuarta película

Durante mucho tiempo, la posibilidad de una nueva entrega permaneció en el terreno de las especulaciones.

En una entrevista concedida a Entertainment Weekly en 2019, Myers aseguró que estaban trabajando para hacer realidad una cuarta película. Sin embargo, el proyecto nunca llegó a concretarse públicamente.

Un año después, en 2020, el director Jay Roach explicó que la continuidad de la franquicia dependía principalmente de que Myers encontrara una idea que realmente lo inspirara. En ese momento afirmó que nunca diría “nunca”, pero reconoció que el actor todavía no había encontrado el concepto adecuado para regresar al personaje.

En 2022, Myers volvió a alimentar las especulaciones durante una entrevista con SiriusXM Stars, cuando respondió con humor que no podía confirmar ni negar la existencia del proyecto.

Más recientemente, en 2024, el actor declaró que había “absolutamente” más historias por contar dentro del universo de Austin Powers, lo que reforzó la esperanza de los fanáticos de volver a ver al peculiar espía británico en la pantalla grande.

En una entrevista con Infobae al Mediodía, Villarreal repasó el fenómeno que transformó a su obra en un caso excepcional dentro de la industria, reflexionó sobre el vínculo entre tecnología y creatividad, y recordó el camino que lo llevó desde sus primeros dibujos enviados a Disney hasta trabajar para uno de los estudios más importantes del mundo.

Durante la charla con Maru Duffard, Andrei Serbin Pont, Fede Mayol y Facundo Kablan, el director exhibió el certificado y las medallas que acreditan el récord Guinness de On Off. El proyecto comenzó a desarrollarse en 2016, se estrenó en festivales internacionales en 2020 y fue finalizado en 2021.

“Mientras más entraba a festivales, más ganaba. Y mientras más ganaba, más invitaciones recibía. Se volvió algo exponencial”, recordó. Villarreal admite que ni él esperaba semejante recorrido: “Mis otros cortometrajes ganaron entre cinco y quince premios, que ya es muchísimo. Pero con este pasó algo distinto. Lo mandamos a siete festivales y entró en los siete. Eso no es normal”.

A medida que avanzaba el recorrido internacional, los reconocimientos comenzaron a multiplicarse. On Off obtuvo distinciones en categorías como mejor cortometraje, dirección, edición, arte y banda sonora. “Cuando llegamos a los 35 premios ya me parecía una locura. Después siguieron llegando más y más”, señaló.

Una reflexión sobre la creatividad en la era de las pantallas

Detrás del éxito internacional hay una premisa sencilla: pensar el uso de la tecnología y su impacto en los procesos creativos. “Me gustaba imaginar cómo sería si Leonardo da Vinci o Frida Kahlo tuvieran un celular”, explicó Villarreal. “On Off no está en contra de la tecnología. La idea es mostrar que depende de cómo la uses. Puede ser una herramienta o puede convertirse en una distracción”.

La propuesta se apoya en personajes históricos y situaciones cotidianas para explorar cómo las pantallas influyen en la atención, la imaginación y los hábitos de las personas. “La inspiración surgió al ver a dos personas en el subte: una estaba leyendo y la otra mirando el teléfono. Ahí empecé a preguntarme qué habría pasado si algunos de los grandes artistas de la historia hubieran tenido acceso a estas herramientas”, relató.

Según explicó, el objetivo del cortometraje es generar una reflexión, especialmente entre los más jóvenes. “La idea es que quienes lo vean puedan redescubrir sus pasiones y pensar qué hacen con su tiempo”.

De los dibujos enviados a Disney al trabajo en grandes estudios

Mucho antes de los premios y los récords, Villarreal ya tenía un objetivo claro: dedicarse a la animación. “Cuando tenía ocho años vi E.T. y entendí que una película podía generar emociones muy fuertes. Ahí empezó todo”, recordó.

A los quince años decidió enviar dibujos a Disney y Warner con la ilusión de abrirse camino en la industria. Aunque no fue contratado, recibió una respuesta que todavía recuerda. “Me mandaron una carta muy linda. Me explicaban que no podían aceptar originales, pero me recomendaban estudiar cine y animación. Sentí que ese mundo existía y que podía intentar llegar”, contó.

El camino estuvo marcado por años de formación, trabajo y rechazos. Durante su etapa de estudio en Estados Unidos llegó a dedicar hasta 12 horas diarias al dibujo y la animación. “Llegó un momento en el que ya no competía contra otros, sino contra mí mismo. Recibí muchos rechazos, pero entendí que si el resultado externo afecta lo que hacés, entonces siempre vas a estar dudando”, afirmó.

Ese esfuerzo terminó abriéndole las puertas de Disney. Villarreal recordó con especial emoción el momento en que comprendió que había alcanzado una meta que perseguía desde la adolescencia. “Me di cuenta de que estaba trabajando en Disney cuando vi mi nombre y los personajes en un pizarrón. En ese instante se me fue el cansancio acumulado de 15 años. Me acordé de mi familia y de todo lo que había sacrificado para llegar hasta ahí”, relató.

El valor del esfuerzo y la experiencia del cine

Durante la entrevista, Villarreal también se refirió a la situación de la industria audiovisual y al lugar que ocupan los cortometrajes dentro del cine. “En Argentina los cortos suelen verse principalmente en festivales, pero a nivel internacional funcionan como una carta de presentación para hacer películas”, explicó.

Tras el éxito de On Off, recibió propuestas para desarrollar proyectos de mayor escala, aunque varios de ellos quedaron suspendidos por la huelga de guionistas que afectó a Hollywood en 2023.

Más allá de los cambios tecnológicos y las nuevas formas de consumo, el director defendió el valor del cine como experiencia colectiva. “Lo mágico del cine es que compartís emociones con personas que no conocés. Las buenas películas empiezan cuando terminan, porque te cambian la manera de ver el mundo”, sostuvo.

Con más de 2.200 premios internacionales y un récord Guinness que ya rompió en tres oportunidades, Villarreal reconoce que el logro supera cualquier expectativa inicial. Sin embargo, insiste en que el mensaje detrás de On Off sigue siendo más importante que los números. “El esfuerzo vale, no importa dónde estés. Si hay algo que me gustaría que deje el corto es justamente eso”, concluyó.

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Javier Bardem hizo historia este martes al convertirse en el primer español en dejar sus huellas en el Teatro Chino del Paseo de la Fama de Los Ángeles. El actor, ganador de un Oscar y candidato en otras cuatro ocasiones, ya forma parte de la historia de Hollywood.

Entre los muchos títulos que han marcado su carrera destaca precisamente No es país para viejos (No Country for Old Men, 2007) una de las películas mejores valoradas de su carrera y la que le dio su única estatuilla de la Academia hasta la fecha.

Sin embargo, el camino hasta ese éxito estuvo lejos de ser sencillo. Cuando los hermanos Coen le ofrecieron interpretar a Anton Chigurh, el despiadado asesino a sueldo que se convertiría en uno de los villanos más memorables del cine contemporáneo, Bardem no estaba convencido de ser la persona adecuada para el papel.

Bardem estaba “deprimido” durante el rodaje

“No conduzco, hablo mal inglés y odio la violencia”, les dijo a Joel y Ethan Coen cuando le propusieron participar en la adaptación de la novela de Cormac McCarthy, según relató el actor en una entrevista para Entertainment Weekly en 2007. “Por eso te llamamos a ti”, respondieron ellos.

Estrenada en 2007, la película se convirtió en un fenómeno de crítica y público. La interpretación de Bardem fue aclamada por especialistas y espectadores, hasta el punto de que muchos consideran a Anton Chigurh una de las representaciones más realistas y perturbadoras de un psicópata vistas en la gran pantalla. El trabajo del actor español fue recompensado con el Oscar al Mejor Actor de Reparto en 2008, convirtiéndose entonces en el primer intérprete español en ganar una estatuilla en una categoría de actuación.

Sin embargo, el rodaje fue una etapa dura para el actor. Como confirmó para Deadline a finales de 2024, Bardem estaba “muy deprimido” tanto por su corte de pelo como porque “no le gustaba la violencia”. “A mí no me gusta mucho la violencia, y tampoco suelo ver películas especialmente violentas. No me gusta. Curiosamente, hice algunas cuando era más joven”, apuntó, haciendo referencia a esta cinta. “Me llevaron al centro de Estados Unidos para interpretar este papel tan oscuro con un elenco y un equipo estadounidenses por primera vez en mi vida. Así que me sentí un poco solo y completamente desconectado. Supongo que algo de eso también se transmitió al personaje, porque era alguien emocionalmente distante de los demás”, dijo.

Afortunadamente, encontró un apoyo en su compañero de reparto, Josh Brolin. “Era tan amable, servicial y cariñoso; realmente me rescató y me mostró la luz. Lo pasamos de maravilla. Lo considero una gran persona y un buen amigo”, añadió.

Durante su discurso de agradecimiento tras dejar sus huellas en Hollywood, Bardem también quiso reivindicar el papel de Los Ángeles como ciudad de acogida para quienes persiguen una oportunidad en la industria cinematográfica. El actor aseguró que la ciudad ha sido “generosa” con él de formas que nunca imaginó y defendió que, pese a las dificultades actuales, sigue representando un lugar de oportunidades. “No importa cuántos Trump estén en el poder o cuántos agentes de ICE haya en las calles, la gente sigue viniendo aquí creyendo en las posibilidades que representa esta ciudad”, afirmó. Para Bardem, el cine continúa siendo uno de esos espacios capaces de reunir a personas de todo el mundo alrededor de las historias y de la oportunidad de compartirlas con el público.

Puede que el nombre de John Lasseter no te suene demasiado, pero deberías saber que este hombre es una de las personas más importantes del cine moderno. Al fin y al cabo, se le considera el gran pionero de la animación por computadora y uno de los primeros que creyó en el potencial del CGI. Al principio, sus ideales le costarían su puesto en Disney, pero lejos de quedarse ahí, decidió fundar un estudio propio, Pixar, desde el que dirigiría obras maestras como Toy Story, Bichos o Cars.

Han pasado décadas desde entonces, y lo cierto es que la vida de Lasseter no es la que habría cabido esperar tras esos éxitos. En 2017, varias acusaciones por conducta profesional inapropiada y acoso sexual le señalarían directamente. Él pediría disculpas públicamente y se retiraría temporalmente del estudio, pero eso no impediría que, tras una excedencia de seis meses, este ‘pactara’ con Disney (que compró Pixar en 2006) su salida definitiva en 2018.

En enero de 2019, no obstante, la carrera del director y animador daría un nuevo vuelco después de que decidieran ficharlo en Skydance Media como director de la división de animación, tras una investigación previa donde corroboraron tanto que él estaba arrepentido por lo ocurrido como que era posible crear un entorno laboral seguro. Desde esta institución, Lasseter ha liderado la producción de nuevas películas como Luck o Hechizados, aunque ninguna con tanto éxito como Intercambiados, que con apenas un mes en Netflix va camino de convertirse en un éxito histórico para la plataforma.

Así es el nuevo fenómeno de Netflix

Tras un estreno discreto, Intercambiados, dirigida por Nathan Greno (Enredados), va camino de superar las 120 millones de visualizaciones en apenas un mes y medio. A pesar de llevar casi dos meses en Netflix, la película no desaparece del top de lo más visto, algo que lleva a pensar que muy probablemente estemos ante una de las películas animadas más vistas de la historia de la compañía de streaming.

Con voces como la de Michael B. Jordan o Juno Temple al frente del proyecto, Intercambiados cuenta la historia de una pequeña criatura del bosque que, misteriosamente, intercambia su cuerpo con un majestuoso pájaro del valle. Estos dos animales son enemigos naturales, pero dada la situación, se ven obligados a colaborar para sobrevivir y conseguir recuperar sus cuerpos en la aventura más salvaje de sus días.

Una película que empezó con un borrón y cuenta nueva

La producción de la película no fue nada sencilla. Al principio, Intercambiados era otra película llamada Powerless y centrada en superhéroes adolescentes. “Estábamos profundizando en el tema, y ​​empezó a tomar un rumbo diferente, con adolescentes transformándose”, explica en una entrevista con el medio estadounidense Cartoon Brew el director de la película, Nathan Greno. “Y, para seros sinceros, se complicó un poco. Todo era como: ‘¿Qué estamos haciendo?’.

Estas mismas dudas fueron las que llevaron al cineasta a hablarlo con Lasseter. “Le dije: ‘John, creo que lo estamos haciendo mal’”. Querían romper los clichés habituales de las películas de transformación, donde lo más habitual es que el humano, al convertirse en animal, aprenda una lección. En ese punto, Lasseter propuso: “¿Qué tal si no hay humanos en absoluto?”. Greno recuerda su reacción: “Eso es interesante”. Y se pusieron manos a la obra.

A partir de esa premisa, el equipo se volcó en una inversión total de la fórmula habitual, cuyo resultado final es Intercambiados, una película que mezcla aventura y comedia y en la que, en efecto, todos los personajes son animales. Ahora solo falta por ver cuán lejos puede llegar su éxito en Netflix, ya que a día de hoy no parece que ningún estreno sea capaz de competir con ella. Eso sí, para este 2026 Lasseter todavía no ha gastado su mejor bala: se trata de Ray Gunn, la nueva película de animación de Brad Bird (responsable de Ratatouille y Los increíbles) que promete ser uno de los estrenos de la temporada, con una historia de ciencia ficción sobre un detective humano en un planeta alienígena.

Con una voz inconfundible y una trayectoria que abarca más de medio siglo, Morgan Freeman se ha consolidado como uno de los grandes referentes del cine mundial. Su carrera, llena de títulos memorables que van desde Cadena perpetua, Seven, Invictus o Million Dollar Baby —por la que obtuvo el Oscar—, ha convertido al actor nacido en 1937 en Tennessee en una figura imprescindible de Hollywood.

La pasión de Freeman por el séptimo arte tiene una raíz temprana. Durante una conversación en 2011 con Rotten Tomatoes, Freeman fue invitado a seleccionar sus cinco películas favoritas, en una lista para la que el intérprete no dudó en señalar que el primer puesto era para la primera película que había visto en un cine. Para ello, hay que volver a los años 40, cuando, de niño, vio frente a la gran pantalla un clásico de 1933 que cambiaría para siempre su vida y su mirada artística.

“Mi película favorita es la primera que vi en el cine; tenía seis años y es el King Kong original. Sigo pensando que es el mejor King Kong”, revelaba en la citada conversación. De este modo, la historia que dio pie al gorila más grande y feroz de la historia del cine logró situarse por encima de otros títulos que el actor quiso destacar, como Solo ante el peligro, Moulin Rouge, El fuera de la ley y Moby Dick.

La película que revolucionó el séptimo arte

Dirigida por Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, King Kong relata la travesía de Ann Darrow, una joven que se embarca en una expedición fílmica rumbo a la isla Skull Island, donde los lugareños veneran a una criatura colosal: King Kong. La mezcla de aventura, misterio y tensión convirtió a la película en un hito del cine fantástico y de aventuras, batiendo récords como el del estreno más taquillero que había habido hasta entonces.

La película es recordada, además, por su revolución técnica. Los directores recurrieron a Willis O’Brien (considerado entonces el mayor especialista del mundo en el stop-motion) para dar vida al gorila gigante mediante maquetas y animación fotograma a fotograma, una técnica que marcó el futuro de los efectos especiales en Hollywood y fue perfeccionada más tarde por figuras como Ray Harryhausen.

Un rodaje complicado

Así, poco a poco se le fue dando forma a una idea que Merian C. Cooper había tenido antes de todo: la de un simio gigante en lo alto del edificio más alto del mundo mientras luchaba con los aviones. Como quería llegar a ese punto, el trabajo fue elaborar una historia a la inversa: partiendo desde el final para saber cuál iba a ser el principio.

El rodaje también supuso un reto: tanto la actriz protagonista (Fray Way) como uno de los directores (Ernest B. Schoedsack) estaban grabando en ese mismo set otra película, El malvado Zaroff, por lo que la organización tuvo que ser máxima y el descanso para ambos brilló por su ausencia.

Con todo, el éxito de la película la llevaría a trascender generaciones y dar origen a nuevas versiones, como la de 1976 con Jeff Bridges y el remake de Peter Jackson en 2005. Para Freeman, eso sí, ninguna ha logrado superar la impresión que provocó en su momento la original. Actualmente, King Kong puede seguir viéndose en diferentes plataformas de streaming, como Prime Video, Movistar Plus (en su plan Ficción Total) y FlixOlé.

Uno de los principales cambios en el mundo de las series y películas que ha conllevado el éxito de las plataformas de streaming es que, a día de hoy, las películas y series de habla no inglesa tienen mucho más alcance que el que podrían haber tenido en las salas de cine. Títulos como Trol, En las profundidades del Sena o La sociedad de la nieve son títulos que quizá en otro momento no habrían tenido tanta relevancia, pero que gracias a Netflix, en este caso, se convirtieron en grandes éxitos internacionales.

Es así como se explica, también, el éxito de Extraterritorial, una película alemana que acaba de convertirse en una de las cintas más vistas de la historia de la plataforma. Con más de 91,7 millones de visualizaciones y casi 170 millones de horas reproducidas, la cinta dirigida por Christian Zübert se sitúa la cuarta en el ranking de producciones de habla no inglesa más vistas, solo por detrás de las tres que mencionábamos al principio.

Extraterritorial es un thriller protagonizado por Jeanne Goursaud (Bárbaros) que destacó en la plataforma desde su estreno con una premisa directa: una exsoldado de las Fuerzas Especiales, Sara Wulf, enfrenta el peor escenario posible al perder a su hijo durante un trámite en el consulado estadounidense en Fráncfort. Nadie parece recordar haber visto al niño, y la protagonista se encuentra ante una red de negaciones e interrogantes.

Esto opinan quienes ya la han visto

De este modo, la película (de 1 hora y 45 minutos de duración) combina acción sin pausa y un misterio que desafía la lógica, narrando la angustiosa búsqueda de una madre que deberá incluso recurrir a su entrenamiento militar para sobrevivir y desentrañar la conspiración que la rodea, todo mientras las autoridades insisten en que el niño nunca estuvo allí. En esta trama, el elenco incluye otros nombres como Dougray Scott, Lera Abova y Kayode Akinyemi, quienes refuerzan la dimensión internacional del filme.

Como suele ocurrir en estos casos, el éxito de Extraterritorial no se corresponde con la opinión de la crítica especializada, que, si bien ha reconocido que es “entretenida” o que “funciona muy bien” como pasatiempo, echa en falta un poco más de profundidad en el guion. Sí que ha habido espectadores que han valorado muy positivamente la película. "Exterritorial me sorprendió gratamente. Esperaba una película de acción más, pero me encontré con un thriller intenso y elegante, con verdadero dinamismo y personalidad. El ritmo es ágil, la tensión casi constante y las escenas de acción limpias, viscerales y bien coreografiadas", escribe un usuario en la plataforma de IMDb.

Dado el éxito de Extraterritorial, no sería extraño que Netflix informara pronto de que ya están trabajando en una secuela, si bien todavía no ha habido confirmación oficial. El propio director, Christian Zübert, fue claro al afirmar que solo consideraría una segunda parte “si tuviera una idea realmente buena para ello”. Mientras tanto, el éxito de la cinta alimenta especulaciones entre los seguidores, que esperan ver a la heroína enfrentando nuevos desafíos fuera de las fronteras del consulado.

Durante décadas, Pixar Animation Studios construyó una reputación basada en películas que redefinieron la animación. Detrás de ese historial hay decisiones de gestión poco convencionales, tensiones con Disney y un modelo de trabajo que sus propios creadores tardaron años en comprender del todo.

Ed Catmull, cofundador de Pixar y uno de los pioneros de la animación por computadora, impulsó la creación de Toy Story, el primer largometraje animado íntegramente por ordenador. Tras la compra del estudio por Disney en 2006, también estuvo al frente de Pixar y Disney Animation.

En una conversación con el periodista y podcaster David Senra, repasó los principios que sostuvieron a Pixar desde sus primeros años hasta su adquisición por Disney.

Entre esos principios, uno destaca por su radicalidad: Steve Jobs despidió a dos miembros del directorio de Pixar porque nunca lo contradijeron. No fue una reacción impulsiva, sino la aplicación de una convicción sobre el valor del desacuerdo.

“Si no discrepan conmigo, no están aportando ningún valor a la empresa”, fue la lógica que, según Catmull, guiaba al cofundador de Apple. Las reuniones del directorio eran ruidosas y acaloradas. Jobs no solo toleraba esa dinámica: la exigía.

La Brain Trust: un mecanismo para la honestidad

En el centro del proceso creativo de Pixar operó durante años un dispositivo poco convencional: la Brain Trust. Se trataba de un grupo reducido de directores y guionistas experimentados que se reunía después de cada proyección de una película en desarrollo para ofrecer retroalimentación directa, sin filtros jerárquicos.

La premisa era simple pero difícil de sostener: la discusión debía girar siempre en torno al problema, nunca en torno a quién tenía razón. Catmull explicó que la dinámica psicológica de esas reuniones requería una atención constante. Los equipos creativos que presentaban su trabajo se sentían vulnerables frente a colegas exitosos.

Los nuevos integrantes del grupo temían quedar en evidencia si una idea suya no funcionaba. Esos miedos, si no se gestionaban, desviaban la conversación del problema real hacia las relaciones personales y las carreras individuales.

Jobs no participaba de estas sesiones, y la razón era precisa: su presencia alteraba la dinámica de la sala independientemente del momento en que hablara. “Tenía una voz tan poderosa que, sin importar cuándo hablara, iba a tener un efecto fuerte sobre la dinámica del grupo”, señaló Catmull.

El propio Jobs reconocía esa limitación y la asumía. Por eso, su participación se concentraba en las presentaciones ante el directorio, donde sí podía aportar observaciones.

En esas instancias, según Catmull, solía expresar ideas que parecían novedosas para quienes lo escuchaban, aunque muchas ya habían surgido previamente en las reuniones de la Brain Trust. La diferencia radicaba en su capacidad para exponerlas con tal claridad y convicción que resultaba imposible pasarlas por alto.

De contrato boutique a competidor de Disney

La relación entre Pixar y Disney comenzó con una asimetría de poder que Jobs transformó en palanca estratégica. El contrato original, firmado en 1991, obligaba a Pixar a entregar tres películas bajo condiciones que reflejaban la percepción de Disney: el estudio produciría filmes de nicho, comparables en escala a los de stop-motion. Nadie en Disney anticipó que Toy Story se convertiría en la película más taquillera de 1995.

Tras ese éxito, Jobs advirtió que al completar las dos películas restantes del contrato, Pixar habría acumulado una experiencia que ningún otro estudio poseía. “Habríamos creado la peor pesadilla de Michael Eisner: un competidor”, relató Catmull. Esa lógica llevó a la decisión de salir a bolsa la misma semana del estreno de Toy Story, para contar con el capital necesario al momento de renegociar en igualdad de condiciones.

El nuevo acuerdo fue de cinco películas, pero las secuelas quedaron excluidas bajo el argumento de que eran producciones de menor rango. Esa cláusula generó una fractura cuando Toy Story 2 demostró ser un éxito teatral en la animación.

La negativa de Eisner a reconocer ese cambio irritó profundamente a Jobs y marcó el inicio del distanciamiento definitivo. La llegada de Bob Iger como CEO de Disney alteró el panorama: su primera llamada tras ser nombrado fue a Jobs, con una admisión directa de que Disney Animation no estaba en condiciones de recuperarse sola. Esa honestidad inicial fue la base de la adquisición de Pixar por Disney en 2006.

Una cultura sin jerarquías visibles

Desde su fundación, Pixar apostó por eliminar la distinción entre perfiles técnicos y creativos. Catmull observó en otras empresas una dinámica de primera y segunda clase, donde quienes no ocupaban posiciones visibles sentían que su aporte era marginal. En Pixar, animadores, ingenieros, diseñadores de sonido y productores operaban como pares.

Esa apuesta tuvo fricciones. Catmull identificó al menos tres momentos en la historia del estudio en que algún grupo comenzó a sentirse relegado, sin que nadie lo verbalizara abiertamente.

Uno de ellos ocurrió cuando los empleados más nuevos, al ver que los fundadores, ya casados y con hijos, se marchaban al terminar la jornada, empezaron a imitar ese comportamiento. Los veteranos interpretaban esa actitud como falta de entusiasmo. Ninguno de los dos grupos lo decía en voz alta.

La respuesta de Catmull no fue una directiva corporativa ni una política formal. Fue identificar a personas con iniciativa dentro del estudio y darles señales de que el espacio para lo irreverente seguía abierto.

“Si alguien viola una regla de sentido común, lo llamas a rendir cuentas. Pero no conviertes eso en una norma para que nadie más cometa el mismo error”, explicó. Además, sostuvo que más reglas generan más solicitudes de permiso, y más solicitudes de permiso frenan la creatividad que impulsa el producto.

Las huellas de Javier Bardem permanecerán para siempre en Hollywood después de que el actor español se haya convertido en el primero en dejar su estampa en el histórico Teatro Chino. Un reconocimiento más a la carrera de un intérprete que lleva décadas apareciendo en algunas de las películas más destacadas del cine estadounidense (Dune y F1: la película son los últimos ejemplos), y con el que los mejores directores del mundo se mueren por trabajar.

Ahora bien, si hubiera que señalar el momento exacto en el que Javier Bardem derribó las puertas de Hollywood, este sería el estreno de la película Antes que anochezca (disponible en Movistar Plus y FlixOlé), donde el actor se puso en la piel del escritor cubano Reinaldo Arenas para contar su vida y retratar la vida de un hombre que desafió las restricciones de su época, así como el destino político que sacudió su tierra natal.

“La película me ha cambiado la vida”, llegaría a decir el actor en una entrevista con EFE tras reconstruir la vida del poeta desde su infancia rural hasta llegar a su implicación en la Revolución Cubana y la represión que sufrió como escritor y como hombre homosexual bajo el régimen de Fidel Castro. Tras su salida de Cuba durante el éxodo de Mariel Harbor en 1980, el relato lo acompaña en el exilio y en sus últimos días en Estados Unidos, donde la libertad siguió siendo una meta esquiva y él siguió siendo un marginado.

Una película que señala directamente hacia Cuba y Estados Unidos

Dirigida por Julian Schnabel (La escafandra y la mariposa), no solo significó el debut de Bardem en un papel en inglés, sino que también le valió la primera nominación al Oscar para un actor español en la categoría de Mejor Actor. Este logro, que cerró un círculo iniciado años antes por su tío Juan Antonio Bardem (quien logró la primera nominación para España en la categoría de Mejor Película Internacional por La venganza), catapultó al intérprete madrileño en la industria estadounidense y disparó la recaudación del filme tras su estreno.

Sin embargo, la alegría de Bardem fue mucho más allá de lo personal. La película, que también cuenta en su reparto con nombres tan destacados como los de Johnny Depp o Sean Penn, ilustra que la persecución en Cuba no era uniforme para todos; la condición de Arenas como voz crítica y artista lo colocó en la mira. El filme utiliza esta pluralidad de identidades para hacer visible cómo se cruza la censura política con la discriminación sexual, y cómo el exilio no siempre representa un refugio pleno.

El actor se mostró también muy orgulloso de poder haber contado a tanta gente la historia de Reinaldo Arenas y la represión que sufrió, no solo en Cuba, sino también en Estados Unidos. “Antes que anochezca es una película políticamente incorrecta, como lo fue Reinaldo", declaraba en una entrevista con ABC, donde señala cómo el escritor murió asfixiado “con una bolsa que dice I Love New York..., porque ese país terminó por rematarle. Estados Unidos, en vez de utilizarlo como artista, lo hizo como personaje político”.

La secuela se titulará en España El precio de la red (The Social Reckoning) y dejará atrás el origen de Facebook para centrarse en el daño atribuido a la plataforma, con Frances Haugen (que reveló la trama) y la investigación periodística sobre los Facebook Files como eje del relato.

La película está inspirada en “The Facebook Files”, la investigación publicada por The Wall Street Journal en octubre de 2021, y contará con Mikey Madison como Haugen, Jeremy Allen White como el periodista Jeff Horwitz y Jeremy Strong como Mark Zuckerberg.

Una secuela sobre nuestro tiempo

Sorkin explicó en una amplia entrevista a Vanity Fair que abrió una cuenta de Facebook por primera vez mientras preparaba el guion y pasó cerca de año y medio observando la plataforma para entender cómo se había convertido en una estructura con tanto poder e influencia. Ese trabajo previo, según ha contado, no le ofreció una vía narrativa clara hasta que encontró la historia de Haugen, la ‘exingeniera’ que presentó denuncias ante la Comisión de Bolsa y Valores de Estados Unidos y facilitó decenas de miles de documentos internos a The Wall Street Journal.

En esa misma entrevista, Sorkin ha resumido la diferencia entre ambas películas con una fórmula precisa: “La red social trataba sobre cómo se inventó Facebook, y El precio de la red es en lo que se ha convertido”. Vanity Fair sitúa además el proyecto dentro de la tradición de los thrillers sobre denunciantes, en la línea de El dilema, Todos los hombres del presidente y Spotlight.

La base factual de la secuela es la serie de reportajes que expuso daños que Facebook conocía o permitía en sus plataformas. Entre las consecuencias figuran la supresión de determinados movimientos políticos y el impacto tóxico sobre adolescentes, en particular chicas adolescentes.

Así, la nueva película amplía el foco del original. Si la cinta de 2010 se concentraba en disputas entre fundadores y pleitos sobre la creación de la red social, la continuación desplaza el centro hacia el conocimiento interno que la compañía tenía sobre los efectos de la plataforma en sus miles de millones de usuarios.

Sorkin llevaba tiempo buscando el enfoque adecuado para una continuación y que terminó de encontrarlo tras el asalto al Capitolio del 6 de enero de 2020, un episodio cuyo contexto, según ese medio, el guionista vinculó al papel de Facebook. Sin embargo, la película no será un relato exclusivo sobre aquella jornada, sino una historia más amplia sobre las elecciones de 2020, el efecto de la red en adolescentes y preadolescentes, la violencia y su impacto fuera de Estados Unidos.

Un nuevo Mark Zuckerberg

Uno de los cambios más visibles respecto a la película original está en el reparto. Jeremy Strong interpretará a Mark Zuckerberg, en sustitución de Jesse Eisenberg. Sorkin ha contado que ofreció primero el papel a Eisenberg porque consideraba que “le pertenecía”, pero que el actor rechazó regresar.

Sorkin ha detallado que pasó tres días intentando convencerle y que Eisenberg no quería seguir siendo confundido con Zuckerberg. El guionista añadió que no quería hablar en nombre del actor, pero sí explicó que estaba cansado de que se le asociara públicamente con el fundador de Facebook.

El relevo se cerró en torno a la fiesta de los Oscar organizada por Vanity Fair en 2025. Sorkin contó allí a Eisenberg que tenía un guion para él y, pocos minutos después, se cruzó con Strong, que le trasladó su interés por el proyecto si el anterior protagonista no aceptaba.

Sobre el trabajo de Strong, Sorkin ha dicho al mismo medio que el actor llegó al rodaje completamente inmerso en el personaje y que ya hablaba como Zuckerberg desde el primer día. Esquire recoge además que algunas reacciones iniciales a su caracterización han sido polarizadas y que parte del debate gira precisamente en torno a si la ausencia de Eisenberg obligaba o no a plantear una secuela de carácter más espiritual que directo.

Mikey Madison tras ‘Anora’

La otra figura central del reparto es Mikey Madison, que interpreta a Haugen. Se trata del primer papel que ha aceptado después de ganar el Oscar por Anora y supone un cambio claro frente a personajes anteriores más agresivos o inestables.

Madison ha explicado a Vanity Fair que Haugen no tenía “ni un gramo de arista” y que construyó el personaje desde la timidez, la incomodidad social y una vigilancia nerviosa constante. También ha reconocido que no es una experta en tecnología y que una de sus primeras tareas para preparar el papel fue aprender a mecanografiar con rapidez y corrección.

La actriz no habló directamente con Haugen antes del rodaje. Según Vanity Fair, Sorkin sí había conectado con la denunciante durante la escritura, pero prefirió que Madison no intentara imitarla. Tras terminar la producción, la intérprete le envió una carta.

El contexto jurídico y político del asunto sigue abierto. Vanity Fair recuerda que las consecuencias de las revelaciones de Haugen continúan en marcha y que Meta, matriz de Facebook, y otras plataformas afrontan demandas en distintos puntos del país. En marzo, un jurado de Los Ángeles declaró negligentes a Meta y YouTube en un caso considerado histórico, y Meta también perdió otro procedimiento sobre seguridad infantil en Nuevo México.

El actor Javier Bardem hace historia en Hollywood al convertirse en el primer español en dejar sus huellas en el Teatro Chino del Paseo de la Fama. El actor dedicó el homenaje a su madre y vinculó su discurso con la importancia del cine y la situación política actual. En una ceremonia celebrada el 16 de junio de 2026, Javier Bardem dejó impresas las huellas de sus manos y pies en el TCL Chinese Theatre de Los Ángeles. Este acto lo posiciona como el primer español en recibir este reconocimiento en uno de los escenarios más emblemáticos de la industria cinematográfica mundial. La ceremonia, que coincide con el estreno de la serie ‘Cape Fear’ de Apple TV, marcó un hito para el cine español y para la comunidad latina y europea en Hollywood.

El evento se desarrolló frente a las puertas del histórico cine, donde ya figuran las huellas de celebridades como Marilyn Monroe. Bardem, ganador de un Oscar, se une así a un selecto grupo de artistas internacionales que han dejado su marca en el corazón de la meca del cine. La impresión de las huellas en cemento incluyó, además de sus manos y pies, la fecha del día y un sol junto a su nombre, un elemento personal con el que el actor quiso sellar el momento.

La ceremonia fue organizada con motivo del estreno de El cabo del miedo, un thriller psicológico de diez episodios producido por Apple TV. Bardem encarna a Max Cady, personaje que previamente interpretaron figuras como Robert Mitchum y Robert De Niro en adaptaciones cinematográficas anteriores. El homenaje, sin embargo, trascendió el simple lanzamiento de una serie y se convirtió en un reconocimiento a la trayectoria del actor y su aporte al cine internacional. El hecho de que Bardem sea el primer español en recibir este homenaje resalta la apertura y la diversidad progresiva de la industria cinematográfica estadounidense. Hasta ahora, solo un reducido grupo de europeos y latinos había sido invitado a dejar sus huellas en el teatro chino, lo que subraya la relevancia de este logro para la representación hispana en Hollywood.

Un sentido homenaje a Pilar Bardem

Durante la ceremonia, Bardem compartió espacio con colegas, representantes del cine internacional y medios de comunicación que destacaron la importancia de su carrera. El actor ya había sido galardonado previamente con un Premio Oscar, consolidando así su posición como uno de los intérpretes más reconocidos fuera de Estados Unidos. En su discurso, Javier Bardem rindió homenaje a su madre, la también actriz Pilar Bardem, a quien atribuyó un papel fundamental en su vida profesional y personal. “Yo no estaría aquí sin mi madre Pilar; ella es la persona más importante en la educación y una lección muy importante que aprendí de ella como actriz es que nunca te cases con el éxito o la derrota porque ambas son una mentira”, afirmó el actor durante la ceremonia.

Las palabras de Bardem reflejaron la influencia de su madre en su formación artística y su visión sobre la profesión actoral. La referencia a Pilar Bardem adquirió un tono emotivo al situarla como guía y referente ético, resaltando la tradición familiar ligada al mundo del cine y del teatro. El actor abrió su intervención recalcando la importancia del cine y la necesidad de preservar su comunidad. Bardem subrayó que, incluso en “tiempos difíciles” marcados por el miedo y la división, persiste el deseo de las personas de formar parte de la comunidad cinematográfica. “Donde el miedo y la división resuenan más alto que la esperanza, la gente continúa queriendo ser parte de la comunidad del cine”, expresó, aludiendo al papel integrador y colectivo del séptimo arte.

La impresión de las huellas coincidió con el lanzamiento de El cabo del miedo, una serie que reinterpreta el clásico dirigido por Martin Scorsese. Bardem asume el rol de Max Cady, siguiendo los pasos de intérpretes como Robert Mitchum y Robert De Niro. El proyecto, distribuido por Apple TV, representa una apuesta por el formato de serie limitada y el thriller psicológico, y marca una nueva etapa en la carrera internacional del actor. El estreno de ‘Cape Fear’ sitúa nuevamente a Bardem en el centro de la atención mediática y refuerza su presencia en la industria audiovisual global. La serie, compuesta por diez capítulos, explora la dualidad moral del personaje y su impacto en el entorno familiar y social, en línea con el estilo de los grandes thrillers estadounidenses. La ceremonia en el Teatro Chino de Hollywood y la nueva producción de Apple TV consolidan el reconocimiento internacional de Javier Bardem, quien suma un nuevo hito a su trayectoria y proyecta la presencia del cine español en el panorama global.

Marvel Studios estuvo a punto de sorprender al mundo eliminando a uno de sus superhéroes más icónicos antes de lo esperado. Durante la producción de Vengadores: Infinity War, los directores Joe Russo y Anthony Russo analizaron seriamente la posibilidad de que Tony Stark muriera en esa entrega, mucho antes de su desenlace en Vengadores: Endgame. La revelación, confirmada por los propios cineastas y por Robert Downey Jr. en una charla exclusiva, expone cómo las decisiones narrativas más trascendentes del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) a veces se debaten hasta último momento.

La idea de eliminar a Tony Stark antes del final de la saga no solo habría impactado a los seguidores, sino que también sorprendió a quienes participaron en la discusión. Según los hermanos Russo, ese tipo de propuestas suelen surgir cuando el equipo creativo busca la mejor manera de mantener la tensión narrativa. “Hay momentos en que pensamos que nadie lo esperaría”, admitió Joe Russo en la entrevista, refiriéndose a la opción de sacrificar a Iron Man durante el enfrentamiento con Thanos en Titán. Durante el proceso de escritura y filmación de Vengadores: Infinity War, los Russo evaluaron todas las posibilidades respecto al destino de los personajes principales. Entre ellas, surgió la alternativa de que Tony Stark encontrara su final a manos de Thanos en la penúltima película, en vez de en el gran cierre de la saga.

El propio Robert Downey Jr. participó en la conversación, bromeando sobre su preferencia: “La mía es simple, no me maten”. Sin embargo, el debate era real. Según los directores, existió un momento en el que la opción de la muerte prematura de Iron Man se consideró “el mejor lugar” para sorprender a la audiencia. “Todo está sobre la mesa. Siempre decimos que la mejor idea gana”, sostuvo Joe Russo, explicando la dinámica de trabajo en una franquicia donde las expectativas del público son tan altas. La escena en cuestión, en la que Thanos apuñala a Iron Man en Titán, fue vista por muchos como una posible despedida del personaje. Sin embargo, finalmente sobrevivió, y el desenlace se pospuso para Vengadores: Endgame. El método de trabajo de los Russo Brothers se caracteriza por la exploración constante de alternativas, incluso aquellas que parecen arriesgadas o poco convencionales. “Hay que estirar las posibilidades y ver hasta dónde llegan”, explicó Joe Russo sobre el proceso de crear una narrativa capaz de sorprender y emocionar.

El regreso de Downey Jr.

El debate sobre el destino de Tony Stark no solo involucraba el impacto inmediato en la trama de Vengadores: Infinity War, sino también la necesidad de que el personaje pudiera contribuir al desenlace de la saga. “Teníamos que pensar cómo podría participar en la siguiente película”, relató el director, evidenciando el nivel de detalle y previsión requerido para mantener la coherencia y el interés en una franquicia de gran escala. La elección de reservar la muerte de Iron Man para Vengadores: Endgame respondió a la búsqueda de un momento aún más emotivo y decisivo, que diera cierre a la trayectoria del personaje y sirviera de clímax para toda una generación de espectadores.

La decisión final de posponer el sacrificio de Tony Stark se tomó tras analizar el efecto que tendría en el público y en la estructura de la narrativa. “Podíamos hacerlo aquí, pero después tendríamos que encontrar la forma de que siguiera participando en la siguiente película”, recordó Joe Russo sobre el dilema. Finalmente, optaron por darle a Iron Man su último acto heroico en Vengadores: Endgame, permitiendo que el personaje tuviera un cierre acorde a su peso en el MCU. El desenlace elegido permitió que Tony Stark completara su arco heroico, enfrentando a Thanos y sacrificándose para salvar al universo, consolidando así su legado como uno de los pilares fundamentales de la saga.

La revelación del debate detrás de cámaras ofrece una nueva perspectiva sobre el desarrollo de las películas más exitosas de Marvel. El propio Robert Downey Jr. reconoció que la posibilidad de morir antes de tiempo estuvo sobre la mesa, aunque, en tono humorístico, se inclinaba por sobrevivir. Estas discusiones reflejan la complejidad de construir una narrativa colectiva que equilibre la sorpresa, la emoción y la continuidad, elementos que han definido el éxito de la saga. La elección final de reservar el sacrificio de Iron Man para el desenlace de Vengadores: Endgame marcó un cierre inolvidable para el personaje y para toda una era del cine de superhéroes.

El cineasta Guillermo del Toro lanzó una advertencia directa sobre los peligros que la inteligencia artificial representa para el futuro del arte cinematográfico. Durante la cena de homenaje organizada por el British Film Institute (BFI) en Los Ángeles, donde fue distinguido con el BFI Fellowship, el director subrayó la gravedad del momento actual para la creación audiovisual. “Estamos al borde de la analfabetización de la imagen. Estamos al borde de la analfabetización cinematográfica”, afirmó Del Toro ante un auditorio repleto de figuras de la industria.

Para el realizador, reconocido por obras como El laberinto del fauno y La forma del agua, el auge de la inteligencia artificial y la consolidación empresarial en Hollywood ponen en jaque el ejercicio creativo y la libertad de expresión. “El pacto entre hombre e imagen es sagrado”, sostuvo Del Toro, quien calificó la IA como una forma de “estupidez natural” frente a la autenticidad de la experiencia humana en el arte. Defendió que el propósito de una imagen no es simplemente existir, sino “conectarnos, hacernos sentir belleza”. En su intervención, Del Toro recalcó que la necesidad de expresarse a través de imágenes es tan antigua como la humanidad misma, remontándose a los primeros dibujos en las cavernas. El director alertó que el desarrollo tecnológico, lejos de fortalecer la relación entre las personas y el arte, amenaza con debilitarla. Destacó además la creciente polarización política como un factor de riesgo adicional para la libertad creativa en distintos países.

La aparición de sistemas de inteligencia artificial capaces de generar imágenes y contenidos preocupa al cineasta mexicano, quien ve en ello una amenaza directa a la tradición artesanal del cine. Según Del Toro, el cine ha sido siempre una actividad guiada por la sensibilidad y la intuición humanas, y la automatización de la creación atenta contra esos cimientos. “Nos dicen que las imágenes pueden generarse por medios artificiales. La existencia de una imagen no es solo estar ahí. Es conectarnos, es hacernos sentir belleza”, expresó.

El director advirtió que la industria fílmica y las nuevas generaciones de espectadores enfrentan el peligro de perder la capacidad de interpretar y valorar el lenguaje audiovisual. “Estamos al borde de la analfabetización cinematográfica”, insistió. Para Del Toro, la defensa del arte es inseparable de la defensa de la libertad: “El arte puede ayudarnos a unirnos, pero estamos en una época en la que eso está en peligro”. El evento en Los Ángeles, celebrado en el restaurante Mother Wolf, reunió a ejecutivos de estudios, cineastas y representantes de la industria, como Ted Sarandos (co-CEO de Netflix), Bill Hader, Jon Favreau y Leonardo DiCaprio. Sarandos presentó a Del Toro como uno de los “maestros modernos del cine”, recordando su primer encuentro cuando el director lideraba la adaptación animada de “Trollhunters” para Netflix.

Del Toro compartió con los asistentes su vínculo personal con el British Film Institute, que se remonta a sus años de adolescencia en Guadalajara. Narró cómo solía escribir al BFI solicitando copias de clásicos británicos para proyectar en su cineclub local. El cineasta anunció que donará un tercio de sus archivos personales al BFI, como muestra de su compromiso con la preservación y transmisión del legado cinematográfico. “Me emocioné cuando visité el archivo del BFI y vi su historia desde 1935”, confesó.

Durante su discurso, Del Toro enfatizó el valor de proteger el cine como espacio de encuentro y aprendizaje. “No somos guardianes de la puerta. Somos quienes la sostienen para que más personas puedan entrar y salir de la iglesia del cine”, afirmó. El director expresó que ha encontrado salvación personal en las imágenes y que ahora busca retribuir enseñando y promoviendo la educación audiovisual, incluyendo clases sobre la obra de Alfred Hitchcock en colaboración con el BFI. El presidente del BFI, Ben Roberts, subrayó el papel del instituto en la conservación y formación cinematográfica. Roberts destacó la importancia del National Archive, una de las colecciones fílmicas más extensas del mundo, y remarcó que la labor de la organización es defender las condiciones para el éxito del cine británico.

La gala también sirvió para recaudar fondos para el Film on Film Festival del BFI, que volverá a Londres el próximo junio. Roberts explicó que los festivales y los programas de preservación fílmica son parte central de la misión del instituto: “Nuestro trabajo es asegurar que existan las condiciones adecuadas para el éxito del cine”. Del Toro cerró su discurso con una metáfora sobre el momento crítico que atraviesa la industria: “Ahora mismo, el autobús está tan cerca del precipicio que todos tenemos que inclinarnos hacia el lado correcto”. El cineasta instó a sus colegas a unirse en la defensa de la creatividad y la memoria audiovisual como patrimonio de la humanidad.

Semana de altos vuelos en taquilla. Tras dejar atrás la Fiesta del Cine con unos datos de récord y el paso de Steven Spielberg y sus nuevos alienígenas con El día de la revelación, es el momento de recibir en cartelera una nueva hornada de títulos con sus correspondientes protagonistas. Y esta semana esos protagonistas tienen un aspecto de lo más distinguido.

Los juguetes de Toy Story 5 o la actriz Jessica Chastain encabezan las películas más esperadas de esta semana, una con películas procedentes de varios países al más puro estilo del Mundial de fútbol que tiene lugar estos días. Nunca es mal momento para acercarse al cine entre partido y partido, y si no siempre queda organizar un particular Mundial de cine. Pero para los que decidan apostar por las salas, como le gusta decir a Spielberg, aquí van algunas de las películas más esperadas de esta semana.

Toy Story 5

Los juguetes más famosos del cine regresan a la gran pantalla. Más de siete años después de su última aventura, Buzz, Woody y el resto de la pandilla se vuelven a reunir. Esta vez la protagonista es Jessie, la intrépida vaquera que poco a poco empieza a ver cómo la niña con la que juega deja de prestarle atención en favor de un nuevo juguete, por llamarlo de alguna manera... pues en realidad es una tablet. Jessie y el resto del equipo tendrán que hacer todo lo posible para que la niña no caiga en la tentación de las pantallas y de esta forma cada vez más se olviden de los juguetes de toda la vida.

El placer es mío

François Cluzet (Intocable) y Alexandra Lamy (Vuelta a casa de mi madre) dan vida a Fanny y Tom, una pareja que lleva 20 años casada y aparentemente feliz. Sin embargo, un día sale a la luz un secreto revelador: Fanny nunca ha tenido un orgasmo. Tom, ingeniero de profesión, decide ponerse manos a la obra para crear el invento que revolucione el placer femenino. Su aventura por hacer feliz a su mujer lo llevará a afrontar grandes desafíos que cambiarán para siempre su relación.

Viva

Presentada dentro de la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes, Viva apunta a ser uno de los grandes fenómenos del cine español de este año. Escrita, dirigida y protagonizada por Aina Clotet. Ambientada en un futuro marcado por la sequía extrema, la película cuenta la historia de Nora, una mujer a las puertas de los 40 que acaba de pasar por un cáncer de mama y por fin puede reemprender su vida. Sin embargo, pronto sus planes se verán alterados por la aparición de Max, un joven de 23 años.

Caso 137

Dominik Moll, el realizador alemán afincado en Francia y autor de thrillers como La noche del 12, regresa a su género predilecto con este nuevo thriller encuadrado en el cuerpo de policía. Stéphanie (Léa Drucker), agente de policía de Asuntos Internos, es asignada a un caso relacionado con un joven gravemente herido durante una tensa y caótica manifestación en París. Si bien no encuentra pruebas de violencia policial ilegítima, el caso adquiere un cariz personal al descubrir que la víctima es de su ciudad natal y transformará el caso 137 en algo más que un simple número.

Dreams

Desde que ganase el Oscar en 2022 por Los ojos de Tammy Faye, Jessica Chastain no se ha prodigado en la gran pantalla tanto como quizá le hubiera gustado a sus seguidores. Y, cuando lo ha hecho, ha sido bajo la dirección de Michel Franco, como sucedió con Memory y sucede ahora con Dreams. En ella, Chastain da vida a una acaudalada empresaria que mantiene un romance furtivo con un profesor de ballet. Sin embargo, este es un mexicano sin papeles que precisará de su ayuda para poder formalizar su situación en Estados Unidos. Mientras ambos buscan un punto de unión, la verdadera naturaleza de cada uno saldrá a la luz cuando vengan mal dadas.

El próximo 29 de julio se estrena Spider-Man: Brand New Day, la cuarta parte de la saga protagonizada por Holland en la que ya quedaron atrás los tiempos como adolescente que caracterizan al personaje: ahora es un hombre adulto que ha desaparecido del recuerdo de aquellos a los que amó de acuerdo a los hechos acontecidos en la anterior parte, aunque sigue combatiendo el crimen en solitario.

En medio de la gira de presentación de la película se le ha preguntado quién podría sustituirle en el puesto y el intérprete ha dado una respuesta clara: Owen Cooper.

El candidato perfecto para sustituir a Holland

Holland ha dicho a Esquire UK que Cooper “sería fantástico” como próximo Peter Parker y lo ha descrito como un intérprete “superdotado” y “del que todo el mundo habla ahora mismo”. The Hollywood Reporter añade que el actor también ha contemplado que el relevo pueda recaer en una cara nueva y que ese papel sería una “gran plataforma” para alguien que aún no sea conocido.

La elección no llega en abstracto. Cooper ya había manifestado su interés por el personaje en marzo de 2025, cuando dijo a la revista i-D: “Quiero interpretar a Spider-Man”.

El nombre de Cooper ha ganado peso después de Adolescencia, la miniserie de Netflix con la que se dio a conocer, un trabajo que le valió premios en los BAFTA TV Awards, los Globos de Oro y los Primetime Emmy.

En la misma entrevista con Esquire UK, Holland ha explicado que le gustaría participar en el desarrollo futuro del personaje, aunque ha admitido que “es bastante difícil conseguir un crédito de productor en películas futuras”. La idea, según sus palabras, es poder acompañar al siguiente intérprete como él fue acompañado al comienzo de su recorrido en Marvel.

Un trabajo de acompañamiento

“De la misma manera que Robert Downey Jr. fue un mentor para mí en mis tres primeras películas, me encantaría ser esa persona para quien venga después”, ha dicho Holland. La comparación con Downey no es nueva: Deadline recuerda que el actor ya había mencionado antes esa influencia en otras entrevistas.

En declaraciones recientes a Empire, Holland ha ampliado esa idea más allá de Peter Parker y ha abierto la puerta a otros personajes del universo arácnido. “Para quien venga después, ya sea un Miles Morales o una Spider-Gwen o una Spider-Woman o algo así, me encantaría formar parte de la preparación del siguiente capítulo”, ha dicho.

Ese deseo de continuidad convive con una etapa todavía abierta como protagonista. Holland debutó como Spider-Man en 2016 con Capitán America: Civil War, donde pasó a integrarse oficialmente en el Universo Cinematográfico de Marvel, y un año después encabezó Spider-Man: Homecoming, distribuida por Sony Pictures, con Downey retomando el papel de Iron Man.

Después repitió como Peter Parker en Avengers: Infinity War (2018), Avengers: Endgame (2019), Spider-Man: Lejos de casa (2019), Venom: Habrá matanza (2021) y Spider-Man: No Way Home (2021).

La cuarta película de Tom Holland como Spider-Man está dirigida por Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos) y escrita por Chris McKenna y Erik Sommers. En el reparto figuran Holland de nuevo como Peter Parker y Zendaya como MJ, además de Jon Bernthal, Sadie Sink y Liza Colón-Zayas.

Toda película está ligada a su tiempo. Estrenada apenas un año después de los ataques a las Torres Gemelas en septiembre de 2001, Señales, de M. Night Shyamalan, sirve de paradigma de un cine que respondía al 11-S.

Se trataba, por un lado, de un cine que volvía al tema de la invasión alienígena y que, por el otro, exploraba cuestiones como el miedo al otro y la paranoia. En ella, el personaje interpretado por Mel Gibson era un reverendo que había perdido la fe tras la muerte de su esposa en un accidente de tráfico. La crisis de fe se presentaba aquí de dos maneras: el protagonista había dejado de confiar en los poderes divinos y, a la vez, no creía que los responsables de los hechos extraños que tenían lugar en su granja fuesen los alienígenas.

El cine de extraterrestres como metáfora sobre el tiempo presente recuerda a la década de los cincuenta, cuando las películas se volcaron a las invasiones alienígenas como parábola de la amenaza comunista y de la idea de un enemigo exterior, como es el caso de la versión de 1956 de La invasión de los usurpadores de cuerpos.

La caída de las Torres Gemelas provocó de nuevo el auge de géneros que permitían ahondar en la idea de invasión para poder explicar el miedo a aquello que venía de fuera. Cabe recordar que un mes después de esos atentados desde el Pentágono se organizó una comisión de profesionales del cine para que pensaran en posibles ataques.

Es decir, se les pedía que plantearan guiones de ficción, con la idea que estos pudieran tornarse reales el algún momento.

El 11-S como fricción

J. Hoberman, una de las plumas más brillantes de la crítica estadounidense, escribió que, ante el espectáculo real de la caída de las Torres Gemelas, el cine norteamericano se volcó hacia la hiperrealidad: la realidad no era suficiente, y la concepción de las películas como una experiencia sustituyó a la idea de espectáculo. Por ejemplo, La pasión de Cristo no se dedicaba únicamente a narrar el calvario de su protagonista, sino que intentaba, mediante su puesta en escena, que el espectador se viese inmerso en él.

En este sentido, Hoberman vió en filmes como La guerra de los mundos de Steven Spielberg un ejemplo de ese gusto del cine americano del siglo XXI por una puesta en escena que convirtiera la película en una experiencia: la cámara se mostraba frenética, pegada a los personajes, sin aliento.

Aquella historia sobre un padre que huye junto a sus hijos de la amenaza de seres desconocidos que llegan a la Tierra desde el espacio exterior se estrenó en 2005, y exponía que el miedo no era solo al extraño, sino también a los seres humanos. Es decir, en los momentos de crisis, era difícil confiar en la bondad.

Algo similar sucedía en Calle Cloverfield 10, realizada a la sazón del éxito de Monstruoso en 2008, película de Matt Reeves sobre una invasión alienígena. En Calle Cloverfield 10, un hombre intentaba convencer a la protagonista de que lo mejor era no salir de un búnker que él había construido, pues en el exterior se había desatado un verdadero desastre que podía terminar con la humanidad.

El ser humano es bueno

Señales establece un puente entre la fe de carácter místico o religioso y la creencia en que hay vida extraterrestre, algo que en cierta manera atraviesa también la última película de Steven Spielberg.

El día de la revelación se inscribe descaradamente en el contexto actual. El hecho de que una de las protagonistas (Emily Blunt) sea la presentadora del tiempo de un canal televisivo local de Kansas ayuda a que las noticias estén presentes constantemente: vemos a menudo a sus compañeros hablar, aunque sea de fondo, de los diversos conflictos que azotan nuestra época.

Aunque es una película de extraterrestres, también tiene mucho que ver con el periodismo y la libertad de prensa. Spielberg ya había tocado estos temas en Los archivos del Pentágono, situada a comienzo de los años setenta, cuando el Washington Post se mostró determinado a publicar una serie de documentos clasificados sobre la Guerra de Vietnam.

En El día de la revelación, el contexto es ficticio, pero está muy arraigado en nuestro tiempo presente. En él se desarrolla la trama sobre un experto en ciberseguridad que pretende divulgar al mundo que el gobierno estadounidense es conocedor de la presencia de alienígenas en la Tierra.

Si en La guerra de los mundos algunas escenas apuntalaban la desconfianza en la humanidad, en El día de la revelación se plantea una esperanza casi ingenua, la constatación de que el ser humano puede ser bueno. El protagonista, interpretado por Josh O’Connor, huye con la convicción de que el mundo puede y debe saber de la existencia de extraterrestres. Mientras, el personaje encarnado por Colin Firth sirve de contrapunto: es un hombre del Gobierno que no cree que el ser humano esté preparado para saber que no está solo en el universo.

En 1982, Spielberg estrenó E.T., una película en la que un extraterrestre bueno se hacía amigo de un niño que tenía que ayudarle a volver a casa. Unos años antes el cineasta ya había realizado Encuentros de tercer tipo, filme sobre los misterios de la vida alienígena, con el que entraba por la puerta grande en el imaginario de la ciencia ficción. Se retrataba ahí la necesidad de comprender al otro, algo que atraviesa las dos películas. En E.T. el niño confía en las bondades de lo desconocido; en Encuentros... los personajes no se mueven por el miedo, sino por la curiosidad y la necesidad de comprender.

El día de la revelación hace suyo este objetivo también, mediante dos personajes que sirven de nexo entre las personas y los aliens. El experto en ciberseguridad interpretado por O’Connor comprende lo que dicen los extraterrestres, les traduce, les hace inteligibles; y la periodista que encarna Blunt puede sentir con los humanos. Este alegato en favor de la empatía da pie a algunas de las escenas más edulcoradas de la película. A la vez, la interpretación de Blunt es extraordinaria: modula de forma excelsa su registro desde la comicidad hasta la emoción.

A partir del sentimiento y de la necesidad de comprender al otro, Spielberg traza la posibilidad de diálogo en un momento en el que todos los puentes parecen rotos. En un contexto de guerras y de incertidumbre como el que vivimos, el cine fantástico vuelve a desplegar respuestas.

Fuente: The Conversation

El cineasta mexicano Guillermo del Toro ha sido seleccionado como nuevo miembro de la Junta de Gobernadores de la Academia de Hollywood, sumándose a la rama de directores para el periodo 2026-27. Esta elección marca la primera vez que el director, ganador de tres premios Óscar, ocupa este puesto estratégico dentro de la organización.

La Junta de Gobernadores desempeña un papel clave en la Academia, ya que, según la institución, se encarga de definir la visión estratégica, preservar la estabilidad financiera y velar por el cumplimiento de su misión. Además de Del Toro, se incorporan figuras como David Leitch, reconocido por la saga John Wick e impulsor de la nueva categoría de acrobacias, que debutará en los premios en 2027.

Nuevas incorporaciones y renovaciones en la Junta

La lista de nuevos integrantes incluye a profesionales de distintas especialidades del cine. Se suman nombres como Michael Goi en la rama de directores de fotografía, Anne Goursaud como editora de cine, y Patricia Dehaney, representante de maquilladores y peluqueros. El compositor Kris Bowers también se integra como parte de la rama de música.

Entre quienes regresan tras una pausa, la Academia anunció la reincorporación de la productora Bonnie Arnold (animación), Bernard Telsey (directores de casting), el director Roger Ross Williams (documentales), Bob Rogers (cortometrajes) y Paul Debevec (efectos visuales).

La renovación de mandatos alcanzó a figuras como Lou Diamond Phillip en la rama de actores, Jinko Gotoh en animación, Daniel Orlandi en diseño de vestuario, Hannah Minghella en el sector ejecutivo y Dana Stevens en guionistas, quienes continúan con un nuevo periodo en el organismo.

Estructura y funcionamiento de la Junta de la Academia

La Academia de Hollywood está conformada por 19 ramas, cada una representada por tres gobernadores. Cada miembro puede ejercer hasta dos mandatos de tres años, consecutivos o no, y debe tomar una pausa de dos años antes de aspirar a dos periodos adicionales, con un límite vitalicio de 12 años en el cargo.

El ingreso de Guillermo del Toro a la Junta destaca el peso del cine latinoamericano en la industria estadounidense y su reconocimiento en las estructuras de decisión de la Academia. Esta noticia responde a la pregunta sobre la representación de cineastas mexicanos en los órganos directivos de Hollywood: Guillermo del Toro se suma por primera vez a la Junta de Gobernadores, ampliando la presencia latina en el máximo órgano estratégico de la Academia.

Trayectoria y logros recientes de Guillermo del Toro

Del Toro obtuvo su primer Óscar en 2018 como mejor director por la película The Shape of Water, que también fue galardonada como mejor película. En 2023, alcanzó su tercer Óscar por mejor película animada con Pinocchio, realizada en animación cuadro a cuadro.

Estos reconocimientos consolidan a Del Toro como una figura influyente en la industria, ahora también en el ámbito institucional de la Academia, donde participará en la toma de decisiones que definirán el futuro de los premios y la organización.

El estilo de Guillermo del Toro: los monstruos que lo convirtieron en uno de los cineastas más importantes del mundo

El cineasta Guillermo del Toro transforma el temor y la fascinación por los monstruos en una marca personal que define su obra en la industria mundial.

Desde su debut en la dirección, el mexicano utiliza criaturas fantásticas para explorar la fragilidad humana, la violencia y la esperanza en contextos hostiles.

En películas como El laberinto del fauno y La forma del agua, el director recurre a seres fantásticos para cuestionar la moralidad y los límites de la empatía. Los monstruos, lejos de ser antagonistas, reflejan el sufrimiento y la bondad posible en medio de la guerra o la exclusión.

El estilo visual de Del Toro privilegia atmósferas oscuras, un detallado diseño de producción y la integración de efectos prácticos con animación digital. El director crea universos en los que lo fantástico convive con la realidad cotidiana, dotando a cada criatura de una historia y un código ético propio.

Cate Blanchett, una de las actrices más premiadas del cine contemporáneo, fue nombrada profesora visitante de teatro en la Universidad de Oxford para el año académico 2026-27, según anunció este martes el centro educativo. La actriz australiana afincada en el Reino Unido ocupará la Cátedra Cameron Mackintosh con sede en el Saint Catherine’s College, donde participará en un programa de conversaciones, conferencias y encuentros con estudiantes y con la comunidad universitaria en general.

Al conocerse el nombramiento, Blanchett afirmó que esperaba “comenzar este alboroto creativo” y describió la cátedra como “una oportunidad electrizante” para entablar “un diálogo creativo directo y sólido con la próxima generación de pensadores y creadores”. La actriz también subrayó que “el arte derriba las fronteras y los límites de la imaginación” y que sus años de práctica creativa le dieron la posibilidad de “afinar sentimientos hasta convertirlos en ideas y de abrir caminos hacia la comprensión”.

Sir Cameron Mackintosh, el productor teatral que en 1990 financió y creó la cátedra que lleva su nombre, dijo estar “encantado” con la incorporación de Cate Blanchett. “Su carrera, tanto como actriz y productora en el teatro, el cine y la televisión, será una gran inspiración para los estudiantes de Oxford“, declaró según recogió la BBC.

La lista de artistas que han ocupado la cátedra a lo largo de sus más de tres décadas de historia incluye a figuras como Stephen Sondheim, Ian McKellen, Arthur Miller, Tom Stoppard, Stephen Fry y Diana Rigg. La actriz australiana sucede en el cargo a la escenógrafa Es Devlin, quien amplió el alcance y la visibilidad de la posición durante su mandato.

La designación llega respaldada por una trayectoria artística de primer nivel. En el cine, Cate Blanchett acumula dos premios Óscar —el primero por su retrato de Katharine Hepburn en El aviador (2004) y el segundo por su papel en Blue Jasmine (2013)—, cuatro BAFTA, cuatro Globos de Oro y ocho nominaciones a la Academia, lo que la convierte en la australiana con más candidaturas al Óscar en la historia. Entre sus trabajos más reconocidos figuran Elizabeth (1998), la trilogía de El señor de los anillos (2001-2003), Carol (2015) y Tár (2022).

Su vínculo con las artes escénicas es igualmente extenso. Fue codirectora artística y ejecutiva de la Sydney Theatre Company de Australia junto a su marido, el dramaturgo Andrew Upton, entre 2008 y 2013, período en el que impulsó nuevas producciones e iniciativas de sostenibilidad. Sobre los escenarios ha trabajado con directores como Liv Ullmann, Benedict Andrews, Katie Mitchell y Thomas Ostermeier, y en 2017 protagonizó su debut en Broadway con The Present, adaptación de Plátonov de Chéjov, que le valió una nominación al Tony.

La Cátedra Cameron Mackintosh tiene como objetivo conectar a figuras de relevancia internacional del teatro, el cine y las artes escénicas con los estudiantes y la comunidad universitaria de Oxford. Blanchett asumirá sus funciones a partir del próximo otoño, cuando arranque el curso 2026-27.

Con información de: EFE

Este lunes 15 de junio la actriz y directora estadounidense Helen Hunt ha cumplido 63 años. La ganadora del Oscar a Mejor Actriz por su interpretación en la película Mejor... imposible (1997) es una de las figuras más reconocidas del cine estadounidense de las últimas décadas gracias a títulos como Náufrago (2000), Lo que ellas quieren (2000) o la serie Loco por ti (1992-1997).

Sin embargo, hay una película que ocupa un lugar especial dentro de su filmografía. Esta es Twister (1996), el exitoso largometraje centrada en un grupo de cazadores de tormentas que persiguen tornados por el Medio Oeste estadounidense. La película fue un fenómeno de taquilla recaudando cerca de 500 millones de dólares y, casi tres décadas después, el año pasado, dio lugar a una secuela (independiente) que volvió a despertar el interés del público por esta historia.

Dirigida por Jan de Bont y protagonizada por Helen Hunt junto a Bill Paxton, Twister sigue a un grupo de cazadores de tormentas que recorren Oklahoma con el objetivo de probar un innovador dispositivo capaz de recopilar datos del interior de los tornados. En medio de fenómenos meteorológicos cada vez más peligrosos, Jo Harding (Hunt) y su exmarido Bill (Paxton) deberán dejar a un lado sus diferencias personales para enfrentarse a una serie de tormentas devastadoras que amenazan con destruir todo.

La película fue aclamada por sus logrados efectos especiales, considerados revolucionarios para la época. “Resulta imposible distinguir las auténticas tormentas, los tornados captados por la segunda unidad de producción, de las creadas por los diseñadores de efectos especiales”, escribió el diario El País en su crítica de 1996. En USA Today, el periodista Mike Clark la definió como “un éxito veraniego que hará las delicias de todos”, una valoración que casi tres décadas después sigue reflejando el cariño que el público mantiene por la película.

El espectacular resultado visual convirtió a la cinta en una referencia dentro del cine de catástrofes y le valió dos nominaciones a los premios Oscar, en las categorías de Mejores Efectos Visuales y Mejor Sonido. Además, fue una de las primeras superproducciones en demostrar el potencial de las imágenes generadas por ordenador para recrear fenómenos naturales a gran escala, abriendo el camino a numerosos éxitos de Hollywood que llegarían en los años posteriores.

Los problemas durante el rodaje

Sin embargo, el éxito de la producción fue mucho mejor que el rodaje. Bill Paxton llegó a explicar en una entrevista que tanto él como Hunt sufrieron lesiones oculares mientras rodaban una escena que requería mirar directamente a unas potentes luces.

“Recuerdo esas cuatro bombillas de 160.000 vatios de luz sujetas a la parte trasera del camión de cámaras, filmándonos”, recordó Hunt en una entrevista de 2020 con Vulture. “Y de por sí tengo los ojos muy entrecerrados y sensibles. Y recuerdo haber pensado: ‘Apenas puedo mantener los ojos abiertos’”. “Estuvimos allí todo el día rodando la escena, y al día siguiente, Bill entró en el camerino de maquillaje y me preguntó: ‘¿Puedes ver?’. Y yo le dije: ‘En realidad, no’. Fue muy raro”, explicó Hunt. Finalmente los daños temporales afectaron a su visión durante varios días.

Pese a ello, en 2024 llegó una secuela independiente llamada Twisters, que, dirigida por Lee Isaac Chung, sigue a Kate (Daisy Edgar-Jones), una antigua cazadora de tormentas que abandonó la actividad tras vivir una experiencia traumática. Cuando un viejo amigo le propone volver a estudiar tornados, regresa al campo y cruza su camino con Tyler (Glen Powell), una popular estrella de las redes sociales conocida por grabar sus arriesgadas persecuciones de tormentas.

En 2025, las salas de cine se llenaron de espectadores que asistieron a ver la adaptación del que se considera el videojuego más vendido de la historia: Minecraft. A pesar de las dudas iniciales sobre su desempeño y las críticas negativas recibidas por parte de la crítica, la película resultó ser un verdadero éxito, que llegaría a superar los 960 millones de dólares a nivel mundial.

La historia de Una película de Minecraft sigue a Garret Garrison (Jason Momoa), Henry (Sebastian Eugene Hansen), Natalie (Emma Myers) y Dawn (Danielle Brooks), cuatro inadaptados que quedan atrapados en el universo cúbico de Minecraft. Su única esperanza para regresar es aprender a navegar ese mundo, apoyados por Steve (Jack Black), un experto en la creación de objetos al que se encuentran en ese extraño lugar en el que se encuentran.

Como vemos, el reparto de la película es estelar, con estrellas del cine de acción y de comedia que encajan a la perfección con el tono de aventura familiar que tiene la producción. Sin embargo, el elenco no se acaba con los protagonistas. La película cuenta también con la participación de Jennifer Coolidge (American Pie), Jemaine Clement (Lo que hacemos en las sombras) y las voces de Rachel House, Matt Berry y Jared Hess, director de la película.

De qué va ‘Una película de Minecraft’

Aunque el relato gira en torno a los personajes jóvenes, la dupla formada por Jack Black y Jason Momoa acapara la atención. Black, en el papel de Steve, se convierte en el alma de la cinta. Su personaje es un vendedor desafortunado que termina trabajando en una mina y que, allí, descubre dos misteriosos objetos que lo transportan a Overworld, el mundo de Minecraft.

La película se distingue por un enfoque que funciona tanto para fanáticos del videojuego como para quienes no han jugado nunca. El director Jared Hess consigue que el fan service conviva con un humor accesible, logrando que los guiños a Minecraft sean disfrutados tanto por iniciados como por recién llegados. En este sentido, la química entre ambos actores dota de energía y desenfado a una película que, pese a estar basada en un universo digital, nunca pierde el sentido del humor ni la ligereza.

No es de extrañar, pues, que Warner y Legendary Entertainment, los estudios responsables del proyecto, hayan decidido contar con ambos para la esperada secuela, que ya cuenta incluso con título: Una película de Minecraft al cuadrado. El estreno en cines está programado para el 23 de julio de 2027, y ya se sabe que el reparto original volverá a escena. Eso sí, también contarán con algunas novedades, como la incorporación de Kirsten Dunst en el papel de Alex, personaje icónico del videojuego.

Eso sí, antes de que llegue esta nueva entrega, los espectadores pueden seguir disfrutando de Una película de Minecraft en HBO Max hasta el 19 de junio, momento en el que se despedirá de la plataforma para llegar a Netflix, con la que ha firmado un nuevo acuerdo de distribución.

El largometraje retrata la historia de amor entre Iván (Chicón, Málaga, 1988), un chico trans que trabaja como mozo de almacén en un invernadero de Almería, y la hispano-marroquí Hadoum (Herminia Loh; Tetuán, 1993), su nueva compañera. Entre medias, tendrán que hacer frente a los prejuicios de una sociedad que no tiene normalizada una realidad que existe y que, lejos de lo que plantean multitud de otras ficciones, no supone un trauma para los protagonistas. Por si fuera poco, la historia tiene varios componentes que la hacen cinematográficamente histórica en nuestro país: en particular, el sexo trans. El arco que lo acompaña viene de la mano de la diferencia (y orgullo) de clase.

Este hito viene reconocido por el Festival de Berlín. El pasado 24 de febrero —cuatro días antes de la celebración de los Goya en Barcelona— Iván & Hadoum se llevó en la Berlinale el Teddy Award, que premia a la mejor película de temática LGTBIQ+ del festival —la primera y única vez que se le concedió a una cinta española fue en 1987, en su primera entrega, a Pedro Almodóvar por La ley del deseo—. Unas semanas después, el debut de De la Rosa llegó al Festival de Málaga en Sección Oficial para hacerse con tres premios: Premio Especial del Jurado, Mejor Guion y Mención Especial para su protagonista, Silver Chicón.

No es un recorrido cualquiera. En los últimos años, algunas de las películas más importantes del cine español han seguido una estela bastante similar: primero, con un estreno internacional en Berlín y llevándose un premio bajo el brazo; después, un paso triunfal por Málaga que ha culminado en la gran cita del cine español al año siguiente. Ahí están los casos de 20.000 especies de abejas (2023) -Sofía Otero ganó el Oso de Plata interpretando a una niña trans de seis años- y Sorda (2025), donde Miriam Garlo se alzó con el Goya a Mejor Actriz Revelación, siendo la primera persona no oyente en conseguirlo en los 40 años de los premios.

“Afortunadamente, después de mucha lucha estamos llegando a generar este tipo de historias, donde lo trans no es el conflicto. Y esa era una de las cosas más importantes para mí con esta película. Era una necesidad”, apunta su director. De la Rosa vuelca en su ópera prima muchas de las reflexiones sobre “lo trans, la identidad, el amor, el deseo y Almería”, su ciudad natal. “Es una ficción escrita con una estructura clásica narrativa bastante evidente, pero con unos personajes que no lo son”, apunta.

De la Rosa ha tratado la realidad trans en dos cortos: Víctor XX (2015), ganador del Premio Cinéfondation en el Festival de Cannes hace ya más de una década; y Farrucas (2021), nominado al Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción y ganador del Premio Gaudí en la misma categoría, por el que se convirtió en el primer director trans en España en conseguirlo. Por si fuera poco, ha sido guionista de la aclamada serie Veneno (de Javier Calvo y Javier Ambrossi, 2020) y de su secuela, Vestidas de Azul.

Pero la singularidad de Iván & Hadoum no reside únicamente en la historia de su protagonista. Para De la Rosa, era igual de importante construir a Hadoum lejos de los clichés que suelen acompañar a los personajes marroquíes en la ficción española. “Hadoum es un personaje transcultural, hispano-marroquí, que sabe lo que significa navegar entre aguas e identidades donde a lo mejor no acabas de encajar o no se te acaba de reconocer”, explica el director. “Hay muchas personas que viven en esa transculturalidad y que tampoco tienen una representación o la representación que tienen muchas veces es de un cliché que conocemos”, añade.

La voluntad de alejarse de los estereotipos en torno a lo trans y la migración —a Hadoum la llaman ‘la mora’— fue lo que atrajo a sus protagonistas. “Ha sido un privilegio poder hacer este personaje que no se centra en eso. Las mujeres marroquíes nos podemos enamorar de chicos trans y podemos tener sexo. No todo es el trauma y el dolor”, reconoce Loh, algo con lo que coincide Chicón. “Qué guay que otros chicos o chiques trans vean la peli, se puedan sentir identificades y vean que también puedes ser trans y tener historias de amor desde la luz, no todo desde el trauma. Es la película que a mí de pequeño me hubiese gustado ver”, reflexiona.

Escenas de sexo “necesarias”

Por eso mismo, las escenas de sexo que aparecen en pantalla pueden considerarse históricas. “A mí me encanta haberlas hecho, me parecen tan necesarias”, reflexiona Loh. “Se han contado de una manera muy realista. Son tiernas, pero también ves el deseo, la ternura y el sexo tal y como es”, cuenta. Chicón defiende que las escenas íntimas no buscan la provocación ni la reivindicación explícita, sino acompañar el desarrollo de los personajes. “A medida que se sienten más cómodos consigo mismos y entre ellos, también cambia la forma en que viven la intimidad. Además, muestran una realidad que rara vez aparece en pantalla. Rompen ciertos clichés sobre cómo se supone que debe ser una relación entre un hombre trans y una mujer y, de alguna manera, amplían las posibilidades de representación. Hay gente que ni siquiera se había planteado que existen otras maneras de vivir el sexo”.

La conexión entre ambos personajes se construye también desde la clase social. Bajo los campos de plástico de Almería, Iván quiere convertirse en “el hombre de la casa” aceptando una promoción en el trabajo para poder comprarse una casa -en la que vivirán también su madre, su hermana y su sobrino-, poniendo contra las cuerdas su relación con Hadoum. Ella, recordemos, es envasadora y él será su jefe. “Por encima de las identidades están el dinero y la clase social”, afirma De la Rosa. “Si eres rico, todo es mucho más fácil”. El cineasta, hijo de trabajadores sociales, se siente cómoda representándola porque “echo de menos verla en la gran pantalla”. “Me he criado en una casa donde lo social y la clase estaban muy, muy, muy presentes . Es inevitable, ¿no? En mí está de forma orgánica", asegura.

Para los protagonistas es su primera inserción en el mundo del cine, aunque los dos tienen su lado artístico. Chicón, artista drag, vive en Londres desde hace una década. Loh es la música, productora y DJ conocida como Restinga -de hecho, ha sido una de las múltiples recomendaciones culturales de Pedro Sánchez en su cuenta de TikTok cada fin de semana-. En el caso del protagonista, todo comenzó con un mensaje de la directora de fotografía, Beatriz Sastre. “Se está haciendo este proyecto en España, buscan a un chico trans andaluz, es que eres tú. Te tienes que presentar”, recuerda. “Yo me presenté por la experiencia. En ningún momento pensé: ‘Me van a coger, voy a dejar mi trabajo, me voy a ir de Londres y voy a grabar una película’”.

“Nos cuesta reivindicarnos como líderes, pero en este sentido lo estamos siendo. Pero es una realidad y los demás lo ven. ¿Por qué Berlín ha premiado esta película? Pues porque sabe perfectamente que estamos dando pasos”

Loh tampoco se lo esperaba. Especialmente porque la directora de casting, Marichu Sanz, dio con ella a través de Google, bajo el término “cantante hispano-marroquí andaluza”. “Se puso en contacto conmigo y me contó que estaba haciendo el casting del primer largo de Ian de la Rosa. Hice un primer casting y pensé: ‘Bueno, venga, pues para echar el día en Madrid’”, recuerda. Un año y tres meses después, la cinta que coprotagonizan ya ha ganado cuatro premios. Y lo que le queda.

España, a la cabeza en materia LGTBQ+

Pero el fenómeno que explica la existencia de películas como Iván & Hadoum va mucho más allá de una sola producción. “Lo que está cambiando es que las personas trans, queer y LGTBI estamos llegando a escribir, producir, dirigir e interpretar. Esto es un cambio histórico”, señala De la Rosa. “El cine tampoco lleva tanto tiempo y creo que es una de las primeras veces que sucede dentro de una industria mainstream donde se puede llegar a un público amplio, porque en lo underground hemos estado siempre”.

Este año, la transmasculinidad está más presente que nunca. Además de Iván & Hadoum, a principios de mes llegó a cines Este cuerpo mío, el largometraje dirigido y coprotagonizado por la actriz Carolina Yuste y su amigo, el realizador y activista Afioco Gnecco, cuya obra sigue los primeros años del proceso de transición de Afioco. En julio llegará Nueve lunas -también preestrenada en Málaga-, con la historia de Fran, un joven entrenador personal que descubre que está embarazado. Todos están protagonizados por personas transmasculinas, delante y detrás de la cámara.

¿Va España por delante de otros países en materia de ficción trans? “Totalmente. Nos cuesta reivindicarnos como líderes, pero en este sentido lo estamos siendo. Pero es una realidad y los demás lo ven. ¿Por qué Berlín ha premiado esta película? Pues porque sabe perfectamente que estamos dando pasos, aunque quizá necesitamos un poco de perspectiva para entender los pasos que se están dando ahora mismo. Eso hay que celebrarlo y nos tenemos que aplaudir, porque es genial. Pero también tenemos que protegerlo porque es muy frágil, una victoria muy frágil".

Quizá por eso no le preocupa especialmente la reacción que pueda provocar la película en determinados sectores. “Si me preocupasen las reacciones de la gente que no va a aceptar ciertas cosas, estaría metido debajo de una piedra ahora mismo”. Para él, Iván & Hadoum funciona ante todo como una invitación al encuentro. “La película conecta de forma universal con el espectador. No es panfletaria y tampoco puede gustarle a todo el mundo. Pero si alguien la rechaza únicamente por una cuestión ideológica, se está perdiendo no solo esta película, sino muchas otras facetas de la vida”, finaliza.

Su objetivo fue encarnar a una mujer dominada por los celos, la soledad y la necesidad de ser amada, exponiendo emociones difíciles que, según la actriz, muchos atraviesan en silencio.

En “Obsession”, film de terror psicológico dirigido por Curry Barker y rodado en Los Ángeles, Navarrette se sumergió en sentimientos de inseguridad y aislamiento para plasmar una autenticidad incómoda y realista. La actriz de 25 años relató que este desafío la obligó a explorar aspectos emocionales poco admitidos y darle voz a experiencias femeninas de fragilidad y necesidad de afecto.

“Quería que Nikki no pareciera un personaje. Quería que pareciera una persona real, alguien que podrías encontrar en tu vida”, relató Navarrette a Vestal Magazine. Además, destacó que “me centré en los celos, la soledad y, en última instancia, ese profundo deseo de ser amada, de ser vista, de ser cuidada y deseada por Bear”.

La intérprete admitió que transitar estas emociones resultó liberador. “Hay tantas emociones de las que la gente no habla porque conllevan mucha vergüenza”, explicó. La sinceridad de su actuación impactó tanto en el set como en la audiencia; personas vinculadas al rodaje se acercaron para agradecerle que mostrara “la crudeza y lo horrible” de la situación sin embellecerla.

Humanizar la locura en Obsession

Interpretar el viaje psicológico de Nikki exigió dejar de lado la distancia entre actriz y personaje. Describió el arco emocional: “Al principio, ella es deseada. La persona que más ama también la ama. Pero luego, él comienza a alejarse y a culparla por cosas que no son su culpa. Eso se convierte en anhelo; ella intenta cambiar para ser lo que cree que él desea”.

Cuando ese esfuerzo tampoco logra aceptación, surge la inestabilidad. “Cada momento la empuja más lejos. Fue un gran arco, un clímax constante”, puntualizó. Atribuyó parte de la coherencia emocional a la escritura de Barker: “Cada paso tiene sentido dentro de esa mente dominada por la obsesión”.

La transformación de Nikki: celos, anhelo e inestabilidad

Mantener la continuidad en las etapas emocionales de Nikki, desesperación, anhelo e inestabilidad, fue un reto amplificado por la dinámica de rodaje. “Grabamos completamente fuera de orden”, contó la actriz estadounidense.

“Primero filmamos todo en la casa de Bear, luego las escenas del trabajo, y terminamos con la inicial, la noche de preguntas y respuestas”. Arrancar por las secuencias más intensas la obligó a salir de su zona de confort y forjar confianza de inmediato.

La actriz compartió que hubo escenas filmadas en una sola toma, en parte por la existencia de finales alternativos y la libertad que esto le permitió. “Había momentos en los que olvidaba que la cámara existía”.

De sus escenas favoritas, destacó la autenticidad que se logró en pantalla y señaló que la producción captaba la esencia de la historia de una manera auténtica y elegante. También aseguró que se sentía muy orgullosa cada vez que la veía.

Autonomía y expectativas sociales en la construcción del personaje

La pérdida de autonomía es un tema central en “Obsession”. “Ella realmente no tiene el control. Es una emoción difícil de atravesar, pero es muy reconocible, especialmente para las mujeres”, reflexionó Navarrette.

También se refirió a la presión que ejercen las expectativas sociales sobre las mujeres y sostuvo que existen numerosas reglas sobre cómo deben comportarse para ser consideradas profesionales, elegantes, dignas de respeto y de amor. Según explicó, apartarse de esos parámetros puede implicar perder ese reconocimiento.

La relación emocional con Nikki le resultó compleja. “La perspectiva tuvo sentido inmediato, pero conectar a nivel emocional fue duro porque constantemente te enfrentas a la idea de que solo te querrán si encajas en ciertos moldes”, expresó.

Lo que Nikki dejó en Inde Navarrette

Navarrette distingue ahora con más claridad la diferencia entre impulso genuino y autodestrucción: “La pasión no es egoísta. La obsesión sí lo es”.

Sostiene que la pasión permite amar sin controlar, mientras que la obsesión centra todo en uno mismo: “Cuando te obsesionas con alguien, todo gira en torno a uno mismo. Se pierde la capacidad de ver al otro tal como es. La obsesión es egocéntrica”.

El aprendizaje perdura más allá del personaje. Navarrette enfatizó a Vestal Magazine que este papel la llevó a descubrir nuevas capacidades y una confianza inédita, abriéndole la puerta a asumir retos inesperados en su carrera futura.

Bajo la dirección de Steven Spielberg, la película fusionó tecnología y narrativa para inaugurar una era de efectos visuales que dieron vida a criaturas extintas con una verosimilitud nunca antes vista. Los dinosaurios, hasta entonces confinados a los libros de paleontología y las vitrinas de museos, se transformaron en protagonistas absolutos del imaginario popular.

Pasaron 33 años y, aun hoy, el eco de los rugidos de los velociraptores y la silueta imponente del Tiranosaurio rex permanecen intactos en la memoria colectiva. Cada generación que descubrió la película revive ese vértigo inicial, esa mezcla de temor y maravilla que solo el cine puede provocar. Jurassic Park sigue despertando la misma fascinación, recordando que, a veces, la ficción puede devolvernos el asombro perdido de la infancia.

El impacto de Jurassic Park en el cine

El estreno de Jurassic Park representó un cambio en la industria audiovisual. Según Empire Magazine, revista especializada en cine, su llegada supuso “el mayor salto tecnológico desde Star Wars”.

El filme integró animatrónicos de la compañía Stan Winston Studio y efectos digitales desarrollados por Industrial Light & Magic (ILM), lo que permitió que criaturas extintas cobraran vida con un realismo hasta el momento inexplorado. Owen Gleiberman, editor de Variety, remarcó: “El asombro no solo provenía de los dinosaurios, sino de la sensación de que el cine había cruzado una nueva frontera”.

La repercusión de esta obra trascendió la taquilla. En 1993, Jurassic Park se convirtió en la película más taquillera de la historia hasta ese momento, con una recaudación mundial que superó los USD 900 millones, según datos citados por Box Office Mojo, sitio especializado en taquilla.

Su impacto llevó a una oleada de producciones que adoptaron técnicas digitales y consolidó la colaboración entre Spielberg y el compositor John Williams, cuya partitura sigue siendo reconocible para el público.

El elenco y sus testimonios

La película reunió a un grupo de intérpretes que marcaron a una generación. Sam Neill dio vida al paleontólogo Alan Grant, mientras que Laura Dern interpretó a la doctora Ellie Sattler y Jeff Goldblum encarnó al carismático matemático Ian Malcolm. Según The Hollywood Reporter, medio especializado en entretenimiento, la elección del reparto aportó verosimilitud y carisma a los personajes, y acercó a cada protagonista al público.

En una entrevista recuperada por Total Film, revista especializada en cine, Sam Neill recordó que “la primera aparición del T-Rex en el set asustó a los niños, y también a los adultos”.

Goldblum, por su parte, señaló que el rodaje fue “una experiencia tan cercana a la infancia y la maravilla como se puede vivir en un plató”. El legado de estos actores se consolidó en las posteriores entregas de la saga, donde varios de ellos retomaron sus papeles y reactivaron el vínculo con el público.

Ciencia y cultura popular

El atractivo central de Jurassic Park reside en la recreación de los dinosaurios, criaturas que fascinan tanto a niños como a adultos. La asesoría científica del paleontólogo Jack Horner influyó en la representación de especies como el Velociraptor y el Tiranosaurio rex, aunque algunas licencias artísticas favorecieron la narrativa sobre la precisión paleontológica.

Según National Geographic, medio de divulgación científica, la película multiplicó el interés por la paleontología y disparó las inscripciones a carreras científicas en Estados Unidos.

El portal Screen Rant, sitio especializado en cine y series, señala que “la imagen del velociraptor, ágil e inteligente, cambió para siempre después del estreno” y el T-Rex se convirtió en “símbolo de poder y temor”.

Las réplicas de fósiles, juguetes y videojuegos inspirados en la película acompañaron el crecimiento de varias generaciones, consolidando una franquicia de alto rendimiento comercial.

El legado de la saga

Más allá del fenómeno comercial, Jurassic Park dejó una huella en la cultura contemporánea. La reflexión sobre los límites de la ciencia, la ética de la clonación y el control humano sobre la naturaleza aparece en innumerables debates y análisis académicos. De acuerdo con IGN, sitio especializado en entretenimiento y videojuegos, la película “anticipó preocupaciones sobre la manipulación genética que hoy resultan más actuales que nunca”.

Las secuelas y el relanzamiento de la saga con Jurassic World en 2015 reactivaron el entusiasmo por el universo creado por Michael Crichton y dirigido por Steven Spielberg. Para muchos especialistas, el impacto del filme original no fue igualado. El crítico de IndieWire, medio especializado en cine y televisión, remarca que “ninguna entrega posterior logró igualar la mezcla de asombro y temor del estreno de 1993”.

Detalles de producción e impacto cultural

Uno de los detalles más comentados sobre la producción de Jurassic Park involucra al rugido del tiranosaurio rex. De acuerdo con Empire Magazine, el equipo de sonido experimentó con múltiples fuentes para obtener un efecto: mezclaron grabaciones de elefantes, tigres y caimanes, lo que otorgó a la criatura una identidad sonora reconocible que quedó asociada a la película.

La influencia de la película también se extiende a la divulgación científica y educativa. La popularidad de Jurassic Park motivó a museos de todo el mundo a renovar sus exposiciones sobre dinosaurios, con el objetivo de atraer al público infantil y juvenil. Esta renovación contribuyó al auge del interés por la paleontología y acercó la ciencia a otras generaciones.

Por último, el legado lingüístico de la obra sigue vigente. La frase: “La vida se abre camino”, pronunciada por Jeff Goldblum en su papel de Ian Malcolm, suele citarse en debates científicos y culturales, convirtiéndose en un símbolo de la imprevisibilidad de la naturaleza y de los dilemas éticos en torno a la manipulación genética.

Lejos de las presiones asociadas a la apariencia física y la permanencia en el centro de atención, sostuvo que encontró una mayor sensación de equilibrio al aceptar el paso del tiempo.

Según explicó, esta etapa le permitió valorar la experiencia acumulada, fortalecer sus vínculos familiares y encontrar satisfacción en una vida guiada por la autenticidad, más que por las expectativas tradicionales de Hollywood.

En ese mismo tono, también se refirió a la forma en que la industria y el público suelen invadir la vida privada de las figuras públicas. “Se espera que cada celebridad honre los detalles de su vida privada con una rueda de prensa, un perfume y un reality show en horario estelar”, señaló, marcando distancia con ese modelo de exposición constante.

En relación con su identidad y la exposición mediática, recordó: “Espero que no les decepcione que no haya un gran discurso de salida del armario esta noche, porque ya lo hice hace unos mil años”.

Infancia, familia y primeros pasos en el cine

La historia de Foster, que debutó ante las cámaras con apenas tres años, estuvo determinada por la influencia directa de su madre y el contexto cultural de Los Ángeles y Nueva York. La actriz rememoró cómo durante el rodaje de “Taxi Driver”, siendo una niña de 12 años, descubrió junto a Martin Scorsese y Robert De Niro el alcance y la seriedad de la interpretación.

“De Niro me enseñó que actuar era mucho más que recitar líneas”, relató Foster al medio británico. Hasta entonces, sentía que interpretaba personajes de forma superficial, siguiendo instrucciones sin una conexión genuina con el arte dramático.

El aprendizaje del francés en el Lycée Français de Los Ángeles, promovido por su madre Evelyn Foster, le abrió puertas a nuevas culturas. Subrayó que esta formación internacional fue crucial para ampliar su visión más allá del entorno de Hollywood y para protagonizar producciones en otros idiomas.

A pesar de crecer bajo reglas estrictas, nunca eligió la actuación como vocación infantil. Su madre tomaba las decisiones sobre qué personajes interpretar y qué películas aceptar, procurando que obtuviera el respeto y la seriedad profesional deseados en el entorno artístico.

La influencia de su madre y los retos familiares

La figura de Evelyn “Brandy” Foster marcó la trayectoria de la actriz desde sus inicios. Su madre, que nunca viajó a Europa en su juventud, proyectó ideales y aspiraciones propias en la carrera de su hija, lo que influyó decisivamente en la educación y las elecciones profesionales de Foster.

“Gran parte de mi trabajo en los primeros años estaba ligado a los problemas y deseos de mi madre”, admitió. La relación se transformó cuando, tras muchos años siendo su representante, Evelyn dejó ese papel en 1992, poco después de que la propia Jodie Foster obtuviera su segundo Óscar.

La convivencia entre madre e hija estuvo teñida de momentos difíciles, especialmente en la adolescencia y después del nacimiento de los hijos de Foster. “Ella era controladora y tenía opiniones sobre todo”, reconoció la actriz.

La enfermedad y fallecimiento por demencia de su madre en 2019 supusieron una etapa exigente, que describió como un periodo “horrible y difícil”, aunque también un alivio en ciertos aspectos.

Aprendida la experiencia, Foster enfatiza la importancia de no repetir esos patrones de control con sus hijos, Charlie y Kit. “Quiero que sepan que sus logros y fracasos les pertenecen”, comentó Foster, defendiendo la autonomía y la responsabilidad personal en su familia.

La ansiedad, el envejecimiento y el valor de la experiencia

Uno de los puntos centrales del testimonio de Foster es su relación con la ansiedad. “Mis 50 fueron difíciles, llenos de ansiedad y de una extraña sensación de insuficiencia”, confesó a The Telegraph. El cambio fundamental llegó al entrar en la década de los sesenta: “Algo cambió. Sentí que ya no me importaba”.

Foster nunca se sometió a procedimientos estéticos para ocultar el paso del tiempo, rechazando bótox, rellenos o cirugías habituales en Hollywood. Explicó que ahora afronta su edad sin intentar competir con actrices más jóvenes, y que valora el bienestar que le aporta mostrarse tal como es.

En los últimos años, Foster afirmó que su felicidad y libertad profesional han alcanzado un punto inédito. “Creo que mi trabajo está mejor que nunca, soy más feliz en él”, expresó. Y añadió, en referencia a su presente artístico: “Ahora, a mis 63 años, estoy más feliz que nunca haciendo películas”.

Considera que la experiencia acumulada no solo enriquece su labor como actriz, sino que también le permite acompañar y dar espacio a nuevas voces dentro de la industria cinematográfica.

El final del rodaje de A puño descubierto ha dado inicio a la cuenta atrás para que los fans de Mario y Óscar Casas podamos volver a verlos juntos en la gran pantalla. Después de que el mayor se estrenara en la dirección con Mi soledad tiene alas, donde su hermano tenía el papel principal, ahora llega el momento de un nuevo proyecto que ha culminado tras varias semanas de intenso trabajo en Barcelona.

La noticia ha sido anunciada tanto por la productora como por los propios integrantes del equipo, con un emocionado Óscar Casas que quiso compartir unas palabras en redes sociales sobre cómo había sido la experiencia. “Hermano, nuestra segunda peli juntos ha terminado... No tengo palabras para describir lo que hemos vivido. Gracias por sacar lo mejor de mí, por regalarme tu pasión, tu entrega. Tú haces que me enamore de esta profesión, de las historias, del cine. Por mil viajes más juntos, hermano, te amo”.

Además, el actor, cuya devoción y agradecimiento por su hermano mayor ya había quedado patente mucho antes de este mensaje, ha querido dirigir también unas palabras a sus fans, aumentando la expectación por la película: “Os puedo asegurar que no sabéis lo que hemos hecho”, haciendo que la espera de sus seguidores por poder ver A puño descubierto se haga todavía más larga.

Final del rodaje y expectativas para el estreno

La filmación de A puño descubierto arrancó el 17 de abril en Barcelona y Gran Canaria y se extendió durante seis semanas y media. El elenco, encabezado por los hermanos Casas, se completa con Tania Noriega, Migdalia H. y Javier Oliveras y el guion lo firman Eduard Sola (La casa en flames, Querer) junto a Mario Casas, quien en 2021 recibió su primer Goya como actor por No matarás. Además, cuenta con un equipo técnico integrado por profesionales como Edu Canet (Muy lejos) en fotografía y Alba S. Torremocha en música.

La historia de la película se centra en Luis y Daniel, dos hermanos inmersos en el mundo de las peleas clandestinas. La relación entre ambos, tan fuerte como frágil, se pone a prueba por sus diferentes sueños: mientras uno busca escapar de ese entorno, el otro permanece atado por la necesidad y la lealtad. De este modo, la historia explora “la fraternidad, el sacrificio y la posibilidad —o no— de escapar del destino heredado”, según reza la sinopsis oficial.

A lo largo del relato, los protagonistas deberán afrontar límites personales y tomar decisiones que los enfrentarán con las consecuencias de su pasado y su entorno. Una trama perfecta para que Mario Casas siga avanzando en su carrera como cineasta de la mano del que, muy probablemente, sea su actor predilecto, tal y como respondía en una entrevista reciente con MeriStation: “Para mi Óscar es de los mejores, es top tres, es uno de los mejores actores de su generación. Es mi hermano y, a la vez, lo que yo estoy pidiéndole al actor protagonista no se lo puedo pedir en esta peli a otro actor que no sea mi hermano“.

La película de terror, realizada con un presupuesto de apenas USD 750.000, se acerca a los USD 300 millones en la taquilla mundial. En una entrevista con The Hollywood Reporter, reconoció que el impacto fue tan grande que llegó a sentirse “paralizado” al intentar asimilar lo que estaba ocurriendo.

El fenómeno sorprendió a la industria: las proyecciones iniciales para el estreno eran modestas, pero el fuerte boca a boca impulsó una recaudación histórica que igualó marcas de crecimiento semanal que no se veían desde E.T., el extraterrestre en 1982.

El estreno y la explosión en taquilla de Obsession

Las proyecciones iniciales situaban la película entre USD 8 y 10 millones para su fin de semana de estreno. Barker reconoció que eso lo decepcionó un poco y compartió que “la película se compró por USD 15 millones, así que esperaba que recaudara al menos eso en el fin de semana de estreno”.

El primer día, la cifra llegó a USD 7 millones y cerró el fin de semana con USD 17 millones. El verdadero punto de inflexión llegó en la segunda semana, cuando la recaudación no cayó sino que subió, algo que, según el propio Barker, casi nunca sucede. El salto a USD 27 millones lo dejó sin palabras: “No sabía que eso fuera posible. No creía que fuera matemáticamente factible”, subrayó.

Impulsado por el entusiasmo del público y las recomendaciones entre espectadores, Barker llegó a asistir de incógnito a varias funciones para ver la reacción de la audiencia. El fenómeno alcanzó tal magnitud que, en su tercera semana en cartelera, Obsession igualó un récord de crecimiento semanal que permanecía intacto desde E.T., el extraterrestre en 1982.

La avalancha de oportunidades y el impacto personal del éxito

El éxito de Obsession transformó por completo la carrera de Barker. Tras años intentando vender proyectos, comenzó a recibir ofertas de estudios que le preguntaban qué película quería hacer, e incluso una compañía llegó a ofrecerle USD 10 millones por cualquier idea que propusiera.

También recibió mensajes de figuras como Nathan Fielder y Tim Robinson, mientras que cineastas de la talla de Steven Spielberg, Christopher Nolan y Paul Thomas Anderson elogiaron públicamente su trabajo. “Me estaba quedando paralizado porque era tan increíble que mi cerebro no podía procesarlo”, admitió a The Hollywood Reporter.

El reconocimiento alcanzó otro nivel cuando Focus Features le organizó una celebración sorpresa y le obsequió una réplica dorada del objeto central de la película, un guiño al deseo que había pedido durante la promoción para que el film triunfara en taquilla.

Barker también abordó las críticas de la directora de arte Sally Choi sobre los bajos salarios en producciones independientes. Al respecto, afirmó: “Siento un profundo respeto por el departamento de arte, y el trabajo que realizaron fue extraordinario”. También expresó su deseo de que el éxito de la película ayude a impulsar las carreras de todos los integrantes del equipo.

La defensa de la visión creativa durante la producción

Antes de que Obsession encontrara distribución, rechazó ofertas que implicaban modificar aspectos esenciales de la historia. Una de ellas ascendía a USD 2 millones y exigía transformar a Bear en un personaje moralmente intachable.

El director se negó porque consideraba que sus errores y contradicciones eran fundamentales para la trama: “Es mucho más interesante que no haga lo correcto y que siga tomando una mala decisión tras otra”.

También defendió decisiones creativas cuestionadas durante la producción, como una escena en la que cae dinero del techo, y se resistió a las presiones para abordar de manera más explícita los temas de consentimiento presentes en la película.

Al reflexionar sobre el éxito del film, atribuyó gran parte del resultado a la libertad que tuvo para desarrollar su visión y sostuvo que esa debería ser una lección para la industria: “Hollywood debería aprender la lección de brindarle más libertad creativa a los cineastas”.

El casting y el trabajo con Inde Navarrette

Inde Navarrette, quien interpreta a Nikki, llegó al proyecto cargando con una de las apuestas más exigentes de la película: un personaje que requería una gama de matices muy amplia. Barker la eligió convencido, pero la confirmación definitiva llegó en el set, durante una escena que él mismo describió como el momento bisagra del rodaje.

“Hubo un momento durante el rodaje que nos puso nerviosos, porque aún no la habíamos visto hacer ninguna de las escenas más intensas”, recordó. Navarrette, según Barker, es reservada en los ensayos, algo que calificó como bastante común. La incertidumbre, sin embargo, se mantuvo hasta el día en que llegaron a esa escena clave.

Barker le dio una indicación precisa: mirar a Bear, mirar a su alrededor, darse cuenta de dónde estaba y entrar en pánico. Navarrette lo hizo a la primera toma. Tras ver la escena, Barker y la productora Haley Nicole Johnson intercambiaron una mirada que les confirmó que la película tenía el potencial que esperaban y que el proyecto estaba funcionando como habían imaginado.

Los próximos pasos de Barker

Tras el éxito de Obsession, Barker prepara el estreno de Anything But Ghosts, una comedia sobrenatural protagonizada por él y Cooper Tomlinson. El director admitió que la repercusión de su debut generó cierta presión durante la edición, pero decidió que su nueva película debía diferenciarse claramente de la anterior.

Además, ya fue contratado por A24 para escribir y dirigir una nueva versión de La masacre de Texas. Según explicó, busca ofrecer una mirada renovada de la franquicia sin perder la esencia que convirtió al filme original en un clásico del terror.

También analiza llevar a la pantalla grande algunos de sus cortometrajes y no descarta una secuela de Obsession, aunque aseguró que, por ahora, está enfocado en gestionar el vertiginoso crecimiento de su carrera.

El cineasta Steven Spielberg reafirmó su rechazo a colaborar con Netflix, subrayando su compromiso con el formato tradicional de las grandes salas y el celuloide de 70mm. En declaraciones recientes a ITV News, Spielberg fue categórico: “Yo nunca haría una película para Netflix, a menos que fuera alguien que hace películas destinadas a enviarse como pequeñas cintas o DVDs a individuos”. Para Spielberg, la esencia de su oficio radica en el encuentro colectivo que solo puede ofrecer una sala llena de espectadores. Aseguró: “Soy un cineasta que cree en las grandes películas, en experiencias teatrales de 70mm”. El director considera que la energía de una audiencia, donde extraños ríen o se asustan juntos, es insustituible y no puede replicarse en una pantalla doméstica.

El realizador dejó claro que su objetivo es crear obras para “grandes recintos”, no para dispositivos personales. Si trabajara para Netflix, explicó, sabría que sus películas solo serían vistas “por millones de personas en sus pantallas hogareñas”, lo que contradice su visión sobre el destino de una película. Así, Spielberg reafirmó que la experiencia cinematográfica no solo depende de la imagen y el sonido, sino del espacio compartido y la reacción colectiva. A diferencia de Apple y Amazon, que han apostado por estrenos amplios en salas para varios de sus títulos, Netflix se mantiene renuente a adoptar ese modelo. La empresa suele limitar la exhibición en cines de sus producciones candidatas al Oscar a una semana, apenas lo suficiente para cumplir con los requisitos de la Academia.

Recientemente, Netflix hizo una excepción con Narnia, dirigida por Greta Gerwig, que tendrá un estreno de 45 días en cines. Sin embargo, poco después del anuncio, el jefe de cine de Netflix, Dan Lin, declaró que la compañía no trabajará en el futuro con cineastas que exijan estrenos teatrales amplios. La posición de Netflix contrasta con la de otros estudios y plataformas que han buscado equilibrar la distribución en salas y el streaming. Esta diferencia marca una línea divisoria en la industria sobre el valor y la función de la exhibición tradicional en la era digital.

El papel de Netflix en el cine de autor

Pese a la resistencia de Spielberg, Netflix ha servido de refugio para directores que buscan concretar proyectos personales. Cineastas como Noah Baumbach, David Fincher, Martin Scorsese, Joel Coen, Jane Campion, Alfonso Cuarón, Todd Haynes y Guillermo del Toro han encontrado en la plataforma la financiación necesaria para llevar a cabo películas que, de otro modo, tal vez no habrían visto la luz.

Entre las producciones más reconocidas en esa lista se encuentran Roma, El irlandés y La balada de Buster Scruggs. El caso plantea un debate sobre el futuro del cine de autor: ¿algunas de estas obras existirían sin el respaldo de Netflix? Mientras algunos directores priorizan la viabilidad de sus proyectos frente a las limitaciones de la distribución tradicional, Spielberg se mantiene firme en su apuesta por el cine como “gran espectáculo” compartido. Por ahora, el director de E.T. y Jurassic Park descarta cualquier colaboración con la plataforma y sigue defendiendo el valor de la experiencia colectiva en pantalla grande como el núcleo de su vocación cinematográfica.

Sir Ian McKellen sorprendió a una multitud de más de dos mil personas en un cine al aire libre en Roma al compartir detalles inéditos de su regreso como Magneto en la próxima película Vengadores: Doomsday. El actor británico, de ochenta y siete años, reveló el truco que utilizó para expresar furia en una de las escenas clave del rodaje: imaginar la destrucción de algo que detesta profundamente.

Durante su intervención en el festival Cinema in Piazza, McKellen relató cómo los directores Anthony y Joe Russo le pidieron un nivel de furia aún mayor para una secuencia en la que Magneto debía desatar su poder destructivo. “Me dijeron: tienes que parecer que odias lo que destruyes”, explicó el actor. Para lograr esa expresión en pantalla, confesó que, en vez de pensar en Nueva Jersey —el destino ficticio del ataque—, gritó “Mar-a-Lago” mientras ejecutaba el gesto, provocando risas y aplausos en la audiencia. En palabras de McKellen, la indicación de los Russo fue clara: debía transmitir odio y rabia genuinos en el rostro de Magneto. Así, el actor optó por un recurso personal: “Grité ‘Mar-a-Lago’ y sentí cómo la energía cambiaba”, contó ante los espectadores, haciendo referencia al complejo poseído por Donald Trump. El episodio, que se produjo durante la grabación de una de las escenas de destrucción masiva de la película, fue recibido con entusiasmo por los asistentes, muchos de ellos seguidores de la saga de Marvel.

Esta confesión resume el enfoque interpretativo de McKellen en su regreso al universo cinematográfico de Marvel. El propio actor subrayó que encontrar una motivación interna auténtica facilita la conexión con el personaje. Su capacidad para transformar una indicación técnica de dirección en una reacción visceral generó uno de los momentos más comentados de la noche en Roma. La escena en cuestión forma parte de Vengadores: Doomsday, la trigésima novena película del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), cuyo estreno está previsto para diciembre. En ella, se produce el esperado retorno de los X-Men interpretados por McKellen y Sir Patrick Stewart, bajo la dirección de los hermanos Russo, responsables de Vengadores: Endgame, la segunda película más taquillera de la historia.

Magneto y los X-Men regresan al MCU

El regreso de Magneto y Charles Xavier marca un cruce de generaciones y universos dentro de la franquicia de Marvel. McKellen y Stewart, figuras centrales en las adaptaciones previas de X-Men, se suman al reparto estelar de Vengadores: Doomsday, que busca continuar el éxito global de Endgame, película que recaudó $2.800 millones en taquilla. El evento en Roma sirvió como antesala exclusiva para mostrar imágenes nunca vistas de la nueva entrega. McKellen se levantó de su asiento para recrear ante el público la escena de la destrucción, ilustrando con gestos y una energía contagiosa el momento en que Magneto libera su ira. Los asistentes respondieron con ovaciones y risas, celebrando el humor y la sinceridad del actor.

Además de hablar sobre su trabajo como Magneto, McKellen aprovechó la velada para compartir recuerdos personales ligados al cine. Presentó una proyección de Las vacaciones del señor Hulot, la comedia francesa de Jacques Tati de 1953, y evocó la emoción de haber visto la película a los catorce años junto a un amigo del que estaba enamorado. El actor describió a Hulot como una figura tan poderosa en la historia del cine como Charles Chaplin o Buster Keaton, y destacó la inspiración que supuso para personajes como Mr. Bean.

La presencia de McKellen en Roma coincide con una etapa activa de su carrera, tras recuperarse de una caída sufrida en 2024 durante una función teatral. En el último año, el actor ha estrenado la película The Christophers, dirigida por Steven Soderbergh, y ha participado en una innovadora instalación escénica en Nueva York. Fuera del escenario, McKellen se ha involucrado en causas sociales y culturales: inauguró un centro de artes escénicas en el condado de Durham, participó en una marcha contra la criminalización de las personas LGBTQ+ en países de la Commonwealth y develó una placa azul de la English Heritage en la antigua residencia de Laurence Olivier en Londres.

En su intervención en Roma, el actor también adelantó que viajará próximamente a Nueva Zelanda para retomar el papel de Gandalf en la nueva producción El señor de los anillos: La caza de Gollum, dirigida por Andy Serkis y producida por Peter Jackson. Según McKellen, esta historia “contará algo que no creo que Tolkien haya escrito”, generando expectativas entre los seguidores de la saga. La noche en Roma dejó la imagen de un actor que, a sus ochenta y siete años, sigue renovando su vínculo con el cine, el teatro y el público. Su método para expresar furia en Avengers: Doomsday —imaginar la destrucción de aquello que odia— se suma a la larga lista de anécdotas de una carrera marcada por la entrega y la autenticidad.

Universal Pictures alcanzó otro hito a comienzos de junio: Super Mario Galaxy: La película, secuela animada de Illumination y Nintendo, superó los 1.000 millones de dólares de recaudación mundial y se convirtió en la película número 61 que cruza ese umbral, según la revista Deadline.

El recuento reúne secuelas, remakes de Disney y sagas comerciales como Star Wars, Avatar, James Bond, El señor de los anillos, el Universo Cinematográfico de Marvel, Harry Potter, Fast & Furious, Parque Jurásico, El caballero oscuro y Transformers, además de producciones de Disney y Pixar.

El número uno indiscutible es para Avatar, de James Cameron, estrenada en 2009 y que supuso una verdadera revolución en lo que respecta a los efectos digitales. La película protagonizada por Zoe Saldana y Sam Worthington recaudó casi 3 billones de dólares. Una auténtica salvajada que todavía no se ha podido superar.

James Cameron: imbatible en taquilla

Le sigue en el segundo puesto Vengadores: Endgame (2019), la última parte de la saga hasta el momento que se convirtió en un auténtico acontecimiento de taquilla, alcanzando los 2.799.439.100 de dólares.

La medalla de bronce vuelve a ser para James Cameron con Avatar: El sentido del agua (2022), una secuela que llegó a los 2.334.484.620 de dólares. Y en el quinto puesto, Titanic, demostrando que no hay nadie que pueda con James Cameron en materia de cifras.

Sí que resulta curioso que en el cuarto puesto se haya colado una película no norteamericana. Se trata de Ne Zha 2, una película china de animación que ha roto todos los récords, recaudando más de 2.200 millones de dólares

El peso de las franquicias

El listado de Deadline muestra el peso de las franquicias, las secuelas y las marcas reconocibles. En esa relación figuran Star Wars: El ascenso de Skywalker, Toy Story 4, Toy Story 3, Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto, Vaiana 2, Rogue One: Una historia de Star Wars, Aladdin y Piratas del Caribe: En mareas misteriosas.

Por supuesto, también encontramos películas originales o que han dado paso a diferentes universos, como Lilo & Stitch, Minions, Harry Potter y la piedra filosofal, Buscando a Dori, Zootropolis, El Hobbit: Un viaje inesperado, El caballero oscuro o Super Mario Bros: La película.

Entre los casos recientes, Barbie, protagonizada por Margot Robbie y Ryan Gosling, llevó a Greta Gerwig a ese club como la primera directora en solitario en alcanzar la barrera de los 10 dígitos en la taquilla mundial.

Jennifer Lee ya había alcanzado el nivel de los mil millones con Frozen II en 2019, aunque en ese caso codirigió la película junto a Chris Buck.

Resulta, eso sí, un tanto desesperanzador, que ninguna de las películas más taquilleras no forme parte de alguna gran franquicia, que todas formen una especie de conglomerado absolutamente previsible en el que no importa la calidad ni la originalidad, sino las apuestas de marketing de las grandes multinacionales a través de las propuestas acontecimiento que se repiten de secuela en secuela, de remake en remake, de versión en versión. Y, así, hasta el infinito de los billones de dólares.