Apenas lleva unos días en los cines, pero ya ha emocionado a millones de espectadores. La bola negra se ha convertido en uno de los mejores estrenos en la historia del cine en España, todo un fenómeno cinematográfico que ha dejado huella a todo aquel que la ha podido disfrutar.

Su música, su emocionante historia, sus apabullantes actuaciones o su impresionante fotografía son solo algunos de los elementos que han embelesado al público español y extranjero. Pero, además de todo eso, la nueva película de Los Javis también tiene un momento gastronómico que seguro ha llamado la atención a muchos.

Si la has visto, sabrás de la escena de la que a continuación trataremos. En pleno desarrollo de la trama, el personaje de Alberto (el joven historiador interpretado por Carlos González) y su madre, Teresa (Lola Dueñas), protagonizan un tenso almuerzo con una fabada de por medio que termina mal y pronto, con lanzamiento de cerveza incluido. El telón de fondo de esta discusión familiar es un restaurante asturiano de Madrid, un local que no solo existe, sino que lleva más de medio siglo haciéndolo.

Su nombre es La Copita Asturiana (C. de Tabernillas, 13) y es un pedazo vivo de la historia de la hostelería madrileña. Este pequeño restaurante, ubicado en el castizo barrio de La Latina, lleva décadas sirviendo auténtica cocina asturiana a sus clientes habituales, que ocupan las pocas mesas que permite este estrecho e icónico local.

Quienes hayan probado su cocina y hayan visto esta escena en la gran pantalla lo habrán reconocido por sus inconfundibles puertas de carpintería roja, sus ventanales, su barra de estaño, el interior revestido de azulejos y las cecinas, chorizos y chacinas que cuelgan en un rincón. Quizá también por la propia fabada, que los personajes se sirven de un enorme bol de cristal desde el que se aprecia el que es el plato estrella de la casa.

Los fundadores de este restaurante, María Mayo y Pepe Bueno, llegaron desde Asturias, ambos de una pequeña aldea del concejo de Valdés, y abrieron La Copita Asturiana el 20 de mayo de 1959. El local ya había sido despacho de vinos desde 1904 y conserva aún hoy su fachada original, lo que le ha valido estar catalogado como elemento protegido por el Ayuntamiento de Madrid.

Fabada y cachopo en este mítico local madrileño

Aquí sigue aún María, acompañada por su hija Olga, desde 2018 al frente del negocio. María y Olga dan vida a los fogones y atienden al público junto con José María, el yerno de la fundadora. La cocina del ‘chup chup’ y los sabores tradicionales siguen siendo bandera en este pequeño local de puertas rojas, que ha conseguido un Solete en la Guía Repsol y ser el destino favorito de populares vecinos del barrio como el televisivo Arturo Valls.

Su plato estrella es la fabada (21 €), acompañada de otros potajes como las fabes con almejas (22 €) o los callos con garbanzos (18 €), y una selección de pescados frescos y carnes seleccionadas como chuletillas de lechal, chuletón, cabrito asado o manitas de cerdo. que se acompañan de una cuidada variedad de vinos. Cómo no, no falta el cachopo, relleno de jamón y queso de nata de Vidiago (37 €/2 p.), ni tampoco los embutidos como la cecina de León.

El broche de oro lo ponen postres como su mítico arroz con leche (6,50 €). El ticket medio se mueve entre los 30 y 40 euros por comensal. Solo abren a mediodía y los sábados descansan, por lo que es conveniente reservar.

Arcadia 2026 reunirá cine restaurado y materiales rescatados de México, Colombia, Francia, Italia, Polonia y Brasil en la Universidad Nacional Autónoma de México.

La octava edición de la muestra, organizada por Filmoteca UNAM, se realizará del 8 al 11 de octubre con funciones gratuitas hasta completar el aforo.

La programación responde a la tarea de preservar y devolver a la pantalla grande películas que sobrevivieron al paso del tiempo.

Las obras provienen de acervos especializados y varias tendrán su primera exhibición en México, de acuerdo con la información difundida por Filmoteca UNAM.

Filmoteca UNAM llevará Arcadia 8 al Centro Cultural Universitario del 8 al 11 de octubre

La muestra tendrá funciones alternadas en las salas Julio Bracho, José Revueltas y Carlos Monsiváis del Centro Cultural Universitario, en Ciudad Universitaria.

Por primera vez, Arcadia también llegará a la Sala Lumiére de Casa del Lago UNAM, recientemente remodelada. Ese espacio recibirá una de las funciones especiales de El hombre de mármol, del realizador polaco Andrzej Wajda.

La sede principal se ubica en el Circuito Exterior Maestro Mario de la Cueva s/n, en Ciudad Universitaria, alcaldía Coyoacán, Ciudad de México.

La entrada será gratuita para todas las proyecciones, aunque el acceso estará sujeto a la capacidad de cada sala.

Más allá de la muerte y Rescate de las Islas de Revillagigedo integran el ciclo mexicano

Entre las películas mexicanas figura Más allá de la muerte, un relato sobre un triángulo amoroso codirigido en 1935 por Adela Sequeyro y Ramón Peón.

Sequeyro fue una pionera del cine sonoro mexicano y también se desempeñó como guionista, productora, actriz y periodista. La copia fue digitalizada en 4K a partir del negativo original en soporte de nitrato de 35 milímetros, preservado por el archivo universitario.

El programa también incluirá Rescate de las Islas de Revillagigedo, documental de 36 minutos construido con imágenes filmadas por Luis Spota durante una expedición de la Armada de México en enero de 1957.

La misión buscaba instalar una base permanente en la isla Socorro. Durante el viaje se registraron 20 mil pies de negativos que no fueron procesados en ese momento.

En 1985, Matilde Landeta y Elda Peralta organizaron una parte de ese material para realizar el documental. La Filmoteca preservó y digitalizó la obra.

Redondo y Juchitán recuperan sátira política y memoria documental

La selección nacional sumará Redondo, película de 1984 dirigida y escrita por Raúl Busteros, a partir de la novela Fuga, hierro y fuego, de Paco Ignacio Taibo.

El largometraje contrapone costumbres de dos épocas mediante la sátira y el sarcasmo, con una propuesta de humor escatológico. La película obtuvo el Premio Ariel a la Mejor Ópera Prima.

También se proyectará Juchitán (Lugar de las flores), documental de Salvador Díaz realizado en 1985 y digitalizado por Filmoteca UNAM a partir del acervo de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas de la UNAM.

La obra recoge la historia de la Coalición Campesino Estudiantil del Istmo, en Oaxaca, desde su surgimiento en 1974. El dirigente Leopoldo de Gyves narra los logros comunitarios del pueblo juchiteco y la represión atribuida a caciques locales, bajo la mirada de autoridades estatales y federales.

El cortometraje documental obtuvo un Premio Ariel en su categoría.

Colombia, Italia y Francia aportarán obras restauradas de distintas épocas

Desde Colombia llegará Sueños sobre un mantel vacío, documental de 1981 perteneciente a la primera etapa de la filmografía de Víctor Gaviria.

La película se acerca a la obra de la artista antioqueña Dora Ramírez, vinculada al arte pop colombiano, a través de sus pinturas, su casa y la ciudad de Medellín.

La restauración se desarrolló durante una pasantía de Daniel Cortés en Filmoteca UNAM, con apoyo técnico y administrativo de la institución.

La colaboración con la Fondazione Cineteca di Bologna permitirá exhibir Miedo de amar / La paura di amare, drama silente italiano de 1920 dirigido por Roberto Roberti.

La historia, escrita por Dario Niccodemi para la actriz Vera Vergani, sigue la obsesión de un hombre que identifica en cada mujer el rostro de aquella a quien teme amar.

La película conserva un valor histórico particular porque constituye el único registro superviviente de la actuación de Vergani.

La restauración partió de un duplicado negativo y una copia positiva de 35 milímetros resguardados en las bóvedas de la Filmoteca, antes de la restauración digital realizada en Italia.

El viernes 9 de octubre, a las 18:15, la Sala Julio Bracho proyectará Du fil à la trame, película francesa de 2022 dirigida por Julien Devaux.

El documental aborda la continuidad del arte de la tapicería, su tradición histórica y su diálogo con creadores modernos y contemporáneos. También plantea vínculos entre las culturas francesa y mexicana.

El hombre de mármol tendrá dos funciones por los 100 años de Andrzej Wajda

La muestra formará parte del proyecto Cine polaco en América Latina 2026, cofinanciado por la Secretaría de Cultura y Patrimonio Nacional de Polonia a través de su Fondo para la Promoción de la Cultura.

Filmoteca UNAM, la Fundación HOMO VIATOR y la Embajada de Polonia en México conmemorarán así el centenario del nacimiento de Andrzej Wajda con El hombre de mármol, restaurada y digitalizada.

La película de 1977 sigue a Agnieszka, una joven directora que reconstruye la trayectoria de Mateusz Birkut, quien pasó de ser un símbolo socialista a una víctima del sistema. El filme examina el estalinismo, la propaganda soviética, la memoria y la manipulación en Polonia.

La obra ganó el premio de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica en Cannes en 1978. Su restauración se realizó en 2012 dentro del proyecto Kino RP, que recuperó clásicos polacos y actualizó su audio a Dolby Digital 5.1.

La primera función será el sábado 10 de octubre, a las 16:30, en la Sala Julio Bracho. La segunda se realizará el domingo 11 de octubre, a la misma hora, en la Sala Lumiére de Casa del Lago UNAM.

Ambas proyecciones contarán con una videointroducción de Michal Oleszczyk, historiador de la Facultad de Artes Liberales de la Universidad de Varsovia, y con la presencia de Ela Chrzanowska, curadora y coordinadora del proyecto.

La hora de la estrella tendrá una mesa de diálogo el 10 de octubre

El Festival Cultura UNAM incorporará una función especial de La hora de la estrella / A hora da estrela, película brasileña de 1985 dirigida por Suzana Amaral y basada en el libro homónimo de Clarice Lispector.

El filme acompaña a Macabéa en sus primeras experiencias laborales, su primer amor y las predicciones de una vidente. La adaptación se exhibirá el sábado 10 de octubre, a las 18:00, en la Sala José Revueltas.

Tras la proyección se realizará la mesa Constelaciones de una adaptación, con Arantxa Luna, Julia Santibañez, Paula Abramo, Isabel Toledo y Hugo Villa Smythe, director general de la Dirección General de Actividades Cinematográficas.

La restauración digital de la película estuvo a cargo de Vitrine Filmes Brasil, con apoyos de Mapa Filmes, Link Digital, Cinemateca Brasileira, Centro Técnico Audiovisual y Petrobras.

La programación completa, los horarios y las sedes de cada función pueden consultarse en el sitio oficial de Filmoteca UNAM, organizadora de Arcadia 2026.

Gimme the Power llegará gratis a la Cineteca Nacional Chapultepec este viernes 16 de octubre de 2026, a las 17:00 horas, como parte del ciclo “Música disidente: De Big Poppa a Laurie Anderson”.

La función forma parte de una programación de cinco documentales que exploran escenas musicales ligadas a la protesta, la contracultura y el cuestionamiento político. Los boletos se entregarán el mismo día en taquilla.

La proyección se realizará en la Sala 5 de la Cineteca Nacional Chapultepec, ubicada en avenida Vasco de Quiroga 1345, Campo Militar número 1-F, Panteón Santa Fe, en la alcaldía Álvaro Obregón de la Ciudad de México.

El recinto cuenta con dos estacionamientos con capacidad para más de 200 vehículos. También es posible llegar mediante el STC Metro y el Cablebús.

Gimme the Power revisa la historia de Molotov y su discurso político

Gimme the Power es un documental mexicano de 2012 dirigido por Olallo Rubio. La película aborda el ascenso de Molotov, una de las bandas de rock mexicano que incorpora críticas sociales y políticas en sus canciones.

La cinta revisa el origen del grupo y el lugar que ocupa dentro de una escena musical marcada por letras de inconformidad. El documental también vincula el recorrido de la banda con distintos episodios de la vida política y social de México.

La función de Gimme the Power será la tercera del ciclo “Música disidente: De Big Poppa a Laurie Anderson”, que estará disponible durante todos los viernes de octubre en la Cineteca Nacional Chapultepec.

El programa reúne producciones de Estados Unidos, Jamaica, México, Francia y Japón. Las películas recorren géneros como el punk, hardcore, reggae, dub, rock, garage, psicodelia y música experimental.

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Los boletos se consiguen en taquilla el día de la función

La entrada para Gimme the Power será gratuita. Las cortesías podrán solicitarse directamente en la taquilla de la Cineteca Nacional Chapultepec el mismo viernes 16 de octubre.

La entrega de boletos estará sujeta a la disponibilidad de lugares en la Sala 5. La proyección comienza a las 17:00 horas, por lo que los asistentes deberán acudir con anticipación para solicitar sus cortesías.

El ciclo no requiere pago para ninguna de sus cinco funciones. Cada viernes habrá un documental distinto y, al terminar la exhibición, se realizará un diálogo comunitario con el público.

Estos encuentros buscan abrir una conversación sobre las escenas musicales retratadas en pantalla, sus formas de organización y las expresiones de resistencia que aparecen en cada película.

El ciclo inicia con American Hardcore el 2 de octubre

La programación comienza el viernes 2 de octubre con American Hardcore, documental estadounidense de 2006 dirigido por Paul Rachman.

La película recupera el surgimiento y auge de las escenas punk y hardcore en Estados Unidos durante la década de 1980. Entre los participantes aparecen músicos como Henry Rollins e Ian MacKaye, vinculados con agrupaciones y proyectos centrales de ese movimiento.

La cinta se enfoca en una generación de bandas que construyó circuitos independientes fuera de las grandes disqueras y utilizó la música como espacio de crítica, organización y confrontación con las normas sociales de su tiempo.

El viernes 9 de octubre se proyectará The Upsetter: The Life and Music of Lee Scratch Perry, documental estadounidense de 2008 dirigido por Ethan Higbee y Adam Bhala Lough. La narración corre a cargo de Benicio del Toro.

La película cuenta la trayectoria del músico y productor jamaiquino Lee “Scratch” Perry. El documental sigue su llegada a Kingston y su trabajo dentro de la música reggae y dub, además de su relación como mentor del joven Bob Marley.

La programación continúa con música experimental de Tokio

Después de la función de Gimme the Power, el ciclo seguirá el viernes 23 de octubre con We Don’t Care About Music Anyway, producción francesa de 2009 dirigida por Cédric Dupire y Gaspard Kuentz.

El documental se adentra en la escena experimental de Tokio. Los artistas retratados combinan referencias de la música clásica, sonidos urbanos, ruido y recursos generados mediante computadora.

La película muestra propuestas musicales que se alejan de los formatos convencionales de composición y presentación. El sonido aparece como una herramienta para explorar otras formas de creación dentro de una de las ciudades con mayor actividad cultural de Japón.

El ciclo concluirá el viernes 30 de octubre con Dig!, documental estadounidense de 2004 dirigido por Ondi Timoner.

La cinta sigue la relación entre The Brian Jonestown Massacre y The Dandy Warhols durante la década de 1990. El relato se concentra en la amistad y rivalidad entre Anton Newcombe y Courtney Taylor, líderes de ambas bandas.

Dig! aborda la competencia musical, las diferencias creativas y las tensiones que aparecen mientras los dos grupos intentan abrirse paso en la escena del garage rock y la psicodelia de Estados Unidos.

Cinco viernes de octubre para ver documentales de música sin costo

El ciclo “Música disidente: De Big Poppa a Laurie Anderson” propone una programación que conecta estilos musicales distintos por una misma vía: la expresión de desacuerdo ante lo establecido.

El hardcore estadounidense, el reggae jamaiquino, el rock mexicano, la experimentación sonora japonesa y el garage rock aparecen como lenguajes surgidos desde comunidades, circuitos independientes y artistas que cuestionan las estructuras de la industria o de la vida pública.

La selección reúne historias de bandas, productores y escenas que construyen una identidad propia desde la música. En algunos casos, el conflicto está en las letras; en otros, en la forma de producir, distribuir o interpretar las canciones.

Para conocer más detalles sobre horarios, disponibilidad de cortesías y posibles cambios en la programación, la Cineteca Nacional recomienda consultar sus canales oficiales antes de acudir a cada función.

“Se ve que todavía esa es palabra tabú en España, en ciertos medios, como si el confesarlo fuese un descrédito para el poeta”. Así hablaba Vicente Aleixandre sobre cómo en España, en los años 80, todavía había medios de comunicación que no se atrevían a hablar abiertamente de la homosexualidad de Lorca.

El Nobel de Literatura hablaba entonces con José Luis Cano en unas conversaciones que figuran recogidas en Los cuadernos de Velintonia (Fundación Municipal de Cultura José Luis Cano), y siguen resonando a día de hoy tras el estreno de La bola negra, una película que aborda directamente la orientación sexual del poeta y dramaturgo granadino.

Sobre ello también ha querido pronunciarse uno de los guionistas de la película, Alberto Conejero, quien además es autor de la obra de teatro La piedra oscura, la historia de Sebastián y Rafael que Javier Calvo y Javier Ambrossi adaptan en su película. “Medio siglo después del asesinato de Lorca, Vicente Aleixandre lamentaba el silencio en España sobre la homosexualidad del granadino”, escribía hace unos días en una publicación en X.

El robo de una identidad

Desde que se estrenó en cines La bola negra, Alberto Conejero se ha pronunciado en diferentes ocasiones sobre la homofobia que, durante mucho tiempo, hizo que no se hablara abiertamente sobre la homosexualidad de Lorca. No ha sido el único, ya que Javier Calvo y Javier Ambrossi también han abordado el tema en numerosas entrevistas. “A mí me robaron un referente cuando yo era pequeño y estudiaba a Lorca”, afirmaba el primero en una de las presentaciones de la película.

Del mismo modo, Alberto Conejero ha querido incidir en la idea de que en las escuelas y los institutos no se enseñaba que Lorca era un poeta homosexual, y ha señalado la homofobia que imperaba entonces en la sociedad española. Lo ha hecho, por ejemplo, compartiendo vídeos de entrevistas en televisión de la época, donde se trata esta orientación sexual como una “anomalía” a condenar. “Claro que nos robaron a Lorca: sus asesinos, sus censores y los que creen que su homosexualidad es vergonzante o irrelevante”.

A pesar de todas esas evidencias, son muchos los usuarios que han discutido con el escritor y guionista, tratando de negar la homofobia en España. Tras esto, Conejero ha sacado a colación una conversación mantenida con “un compañero de instituto” que se puso en contacto con él por redes sociales y con el que habló de cómo él mismo vivió su homosexualidad en aquella época.

En una captura compartida, se puede ver cómo el autor confiesa que “no fueron años fáciles” para él. La respuesta de ese compañero, lejos de reconocer todo lo sufrido por Conejero, se limita un “ya...”, y a un mensaje más bien genérico que habla de todo el “aprendizaje” que le ha llevado a “donde está hoy”. “Un breve tratado de la romantización del daño y de la imposibilidad de nombrar el mal causado, sí. Todavía nos tocará dar las gracias”, ha lamentado finalmente.

Alexia Putellas (Mollet del Vallès, Barcelona, 1994) no solo fue nombrada la mejor jugadora del mundo cuando en 2021 se convirtió en la primera futbolista española que gabó un Balón de Oro. Ese mismo año llevó a su ahora exequipo, el F.C. Barcelona femenino, a ganar la Liga, la Copa de la Reina y la Liga de Campeones. Al año siguiente volvió a conseguir el Balón de Oro y en 2023 ganó un Mundial junto a la selección española. Pocas jugadoras han revolucionado el mundo del fútbol como ella, dentro y fuera de España. Y ahora, su historia llegará también a la gran pantalla.

La directora valenciana Lucía Alemany (La inocencia, Élite, Pídeme lo que quieras) ya rueda una película de ficción inspirada en sus orígenes y primeros años antes de convertirse en futbolista del Barcelona. Porque Alexia tuvo desde niña una certeza: quería jugar al fútbol. Así, la trama seguirá a Putellas, una niña nacida en Mollet del Vallès que empieza a abrirse camino en un deporte que acabaría haciendo historia.

Protagonizada por Madicken Mauri-Sandaker como la futbolista en su adolescencia y Emma Masoliver en su etapa infantil, la cinta relatará su camino junto a sus padres. Mientras Jaume, interpretado por Roger Casamajor (La Mesías), será quien alimente su pasión por el fútbol, Eli. Marina Salas, su madre, tratará de protegerla ante un futuro incierto. La película avanzará hacia los años decisivos de su adolescencia, cuando Alexia tendrá que competir, alejarse de casa, afrontar pérdidas y empezar a tomar sus propias decisiones.

En cines en 2027

Escrita por Valentina Viso y Daniel González, la cinta se rueda actualmente en distintas localizaciones de Cataluña y Valencia y llegará a los cines españoles en 2027. “La historia de Alexia es inspiradora para toda una generación”, ha señalado la directora sobre una figura que, en palabras de la propia directora, “trasciende fronteras y se ha convertido en un icono internacional”.

Excapitana del Barcelona —la catalana dejó el equipo el pasado mayo—, Putellas vistió la camiseta azulgrana durante 14 años. Se marchó después de más de 500 partidos, 232 goles y 38 títulos, pero también después de haber crecido al mismo tiempo que lo hacía el propio fútbol femenino. Vivió desde dentro la profesionalización de la sección en 2015 y terminó convertida en el rostro de un Barça que pasó de buscar su sitio a dominar Europa. Con ella llegaron cuatro Champions, estadios con aforo completo y noches que hasta entonces parecían reservadas al fútbol masculino.

Antes de dar el salto a la ficción, la historia de Putellas ya despertó el interés del audiovisual. En 2022, Prime Video estrenó Alexia: Labor Omnia Vincit, una docuserie centrada en relatar la transformación de la futbolista en un icono global. La producción llegó a estar nominada en los Emmy Internacionales de 2023.

La libertad doble se estrenó en la prestigiosa Quincena de Cineastas del Festival de Cannes, la misma sección donde presentó en 2001 su ópera prima, La libertad. Veinticinco años después, La libertad doble retoma al protagonista de aquella película, el hachero Misael Saavedra. Ahora lo muestra obligado a hacerse cargo de su hermana, interpretada por la actriz chilena Catalina Saavedra, externada de un centro psiquiátrico tras un recorte de los subsidios estatales que financiaban su internación. Rodada en 35 milímetros, la película conecta el universo de su debut con la crisis social y económica de la Argentina actual.

Ese vínculo constante con Cannes es motivo de orgullo, pero también de una reflexión más incómoda para Alonso, cuyas siete películas pasaron por distintas secciones del festival francés. Una especie de “récord”. “También tengo otros récords que no darían cuenta de eso, tan a favor”, dijo con una cierta dosis de ironía, consultado sobre su presencia recurrente en la muestra.

Sobre lo que significa moverse en la gran vidriera del cine mundial pese a hacer un cine alejado de las convenciones comerciales, fue contundente: “Azarosamente coincidió que ese fue mi primer festival internacional. Por más que parezca una humorada, me lo tomo como que fue mi normalidad, aunque sé que para nada es así.” “Volviendo un poco a la realidad que les toca a muchos de mis colegas, que se la pasan trabajando igual que yo y tienen películas geniales y no logran llegar a ese circo, a esa alfombra roja del Festival de Cannes, donde está la crema del cine contemporáneo y de los grandes autores a nivel internacional”, agregó.

Las influencias detrás de ‘La libertad’

—¿Creés que La libertad abrió un camino para ese tipo de cine de observación en Argentina?

—No abrió un camino porque yo ya venía viendo a nivel cinematografía internacional en muchos cineastas que me causaba mucha curiosidad, de diferentes geografías. Puede ser Irán, Taiwán, Tailandia, Francia, África. No tanto del cono sur y menos de Argentina. Terminé la universidad y empecé viendo cine en la sección Contracampo del Festival de Mar del Plata, de la mano de Nicolás Sarquis. Fue muy beneficioso para mí tener esa ventana, porque me abrió la curiosidad al tipo de cine que a mí me interesa hacer también, que no tiene que ver quizás con algo más convencional, donde todo está más digerido y a la mano de un espectador que tiene otro tipo de ambición.

—¿Por qué decidiste volver a Misael Saavedra para esta película?

—Había probado con hacer otras películas que eran un poco más tediosas, que necesitaban de mayor presupuesto y mayor coproducción a nivel internacional, de cuatro o cinco países involucrados. Fue muy cansador para mí por diferentes razones y decidí repensar un poco cómo había empezado a hacer películas, con qué había proyectado que podría ser un camino, una herramienta de trabajo más sencilla, más independiente, que requiera de menos apoyo y menos coproducción. Inmediatamente pensé en Misael Saavedra, que es el protagonista de La libertad.

—¿Qué conexión encontrás entre las dos películas, con un cuarto de siglo de por medio?

—Coincidentemente, tanto aquella como esta pasaron en un momento de la Argentina donde ocurrían reformas y consecuencias de una política que afectaba directamente a quien incluso estaba fuera del sistema. Hoy, en esta nueva versión, secuela si se quiere, y aun estando fuera del sistema, la política le llega de alguna manera al protagonista. Entonces me pareció pertinente hacer un eco de una a la otra película veinticinco años después y también hacer, a nivel personal pero también cinematográfico, cómo nos toca evolucionar desde aquel momento hasta este. Culturalmente, social, políticamente, económicamente. Yo sé que es una metáfora que se vive a través de Misael, pero también se puede leer como a muchas otras personas de Argentina le sucede.

—¿Cómo conociste a este personaje, Misael Saavedra?

—Yo nací en Buenos Aires, viví en el conurbano un tiempo, pero mi padre es de la provincia de La Pampa. Cuando yo era postadolescente, a través del trabajo de mi padre y mi familia, que es la actividad agrícola-ganadera, volví a La Pampa a tener contacto con la naturaleza y con esa parte de la Argentina. Fue en un campo que lo encontré a Misael cortando árboles para hacer postes para los alambrados. Eso fue en 1998.

Aunque viví mi juventud en Buenos Aires, me sentí reflejado con la situación que vivía Misael de aislamiento, soledad, incomunicación, falta de un futuro posible, falta de elecciones. Por más que los dos teníamos diferentes realidades socioeconómicas, de alguna manera me sentí muy reflejado en su trabajo y su sensibilidad. Por eso decidí filmar a un joven que vivía fuera de la ciudad, porque en aquel momento también se filmaba mucho dentro de la ciudad de Buenos Aires. A partir de mediados de los 90 empezamos a sacar la cámara fuera de Buenos Aires y eso hizo que el nuevo cine argentino también brille de alguna manera.

—Dijiste que la producción de tus anteriores película te cansó un poco. ¿Es tan trabajoso toda esa tarea que no se ve en pantalla, ni siquiera tiene que ver con el hecho “artístico”, que te quita energía para la creación?

—No, forma parte. El tema es que la balanza a veces, como director, productor, guionista, montajista, me absorbe mucho más, como a todos los directores de cine en el mundo y en Argentina: cómo financiar las películas en la clave, sobre todo hoy, que cambió tanto la estructura de financiación de lo que puede ser una película.

Hoy quizás la producción de una película está más inclinada hacia las plataformas, pero estas empresas no suelen producir el tipo de películas que a mí me gusta hacer. Entonces es más difícil día a día encontrar posible financiación, ni hablar en Argentina, que ya no existe por obvias razones, pero en el exterior también. Los estímulos se reducen, entonces las posibilidades y dónde buscar financiación se reduce también. Se hace cada vez más engorroso tratar de encontrar el dinero suficiente para producir algo un poco más ambicioso.

Por eso decidí volver a algo más simple, más escueto y más austero. Encontré una felicidad enorme en hacerla y creo que me voy a quedar quieto donde estoy, porque me siento más suelto de equipaje. Más libre para tomar decisiones y elegir con quién y cómo trabajar.

—¿Creés que el modelo de producción de las plataformas termina afectando la narrativa de las películas?

—Evidentemente es un factor determinante. Me parece que lo que afecta es el nivel de cómo miramos o consumimos o trabajamos las imágenes que nos nutren día a día, que nos causan estímulo. Hoy por hoy me parece que cada vez es más difícil tener un cierto grado de concentración como se tenía antes cuando veíamos una película de Fellini o veíamos en una sala cinematográfica.

Hoy necesitamos todo el tiempo de algún estímulo. Miramos todo, incluso las relaciones familiares y de amigos, de otra manera. Vivimos en un mundo distinto, a otra velocidad.

Con solo cinco días en cartelera, La bola negra sigue siendo la película de la que todo el mundo habla en España: de ser el segundo mejor estreno del cine español en la última década (recaudó 4,67 millones de euros y reunió a más de 610.000 espectadores en su primer fin de semana) a conseguir el mejor martes de la historia en taquilla para una película española.

Por ese éxito, son muchos los detalles que han ido trascendiendo sobre cómo se hizo la película y sobre todo lo que en ella aparece. Entre ellos, los múltiples cameos que aparecen, que van desde la escritora Alana S. Portero a parte del entorno más íntimo de los Javis y el propio reparto.

En este sentido, uno de los nombres que más ha sorprendido ha sido el de Leo Encinas Cruz, el hijo mayor de Javier Bardem y Penélope Cruz, que figura en los créditos de la película, tal y como atestigua la base de datos de IMDb. Su intervención, con todo, es tan discreta que casi nadie del público la advirtió, y hasta ahora han trascendido muy pocos detalles sobre cuál es su papel en la producción.

Un debut que nadie detectó en el estreno

A pesar de su corta edad (nació en enero de 2011), lo cierto es que no es el primer trabajo de Leo Encinas Cruz en el mundo del cine: este mismo año prestó su voz a un personaje secundario de Toy Story 5, la última entrega de la saga animada de Disney, donde su madre también tenía un papel muy destacado.

Su paso por la película de los Javis, sin embargo, tiene un peso distinto. Su intervención es una figuración sin líneas de diálogo dentro de una escena coral, por lo que resulta prácticamente imposible identificarlo en el metraje sin conocer previamente el dato, comparte créditos con su madre y figura oficialmente en el elenco de la cinta.

Con todo, la familia ha guardado silencio sobre este debut. Ni Bardem ni Cruz se han referido públicamente a la participación de su hijo, y el adolescente no ha aparecido en ninguna alfombra roja ni acto de promoción de la película, ni siquiera en el estreno. Esto puede deberse, entre otras razones, a la protección del rostro de sus dos hijos que la pareja más famosa del cine español siempre ha ejercido.

Nunca ha posado con sus hijos en un estreno ni en ningún acto público, y son contadas las ocasiones en que se ha referido a ellos en entrevistas. Incluso han mantenido litigios judiciales con aquellos medios que han publicado el rostro de Leo y Luna y, según han explicado en algunas entrevistas, no les permiten tener redes sociales hasta que cumplan 16 años.

Los cameos que sí ha reconocido el público

La bola negra, seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2027, contiene otras muchas apariciones tan breves como estelares. De la hermana de Miguel Bernardeau hasta la madre de Guitarricadelafuente (interpretando, por cierto, a la madre de Sebastián, el personaje interpretado por su hijo), pasando por Custodio Pastor, mánager de los Javis, la cantante Judeline o el diseñador Palomo Spain.

Entre todos esos cameos destaca también el de Teo Lucadamo, hijo de Aitana Sánchez-Gijón, quien interpreta a un soldado llamado Frasquito. “Nació en Barruelo de Santullán y, como a todos estos chavales, la guerra le quitó todo lo bonito de la juventud”, cuenta el joven en una publicación de su cuenta de Instagram, donde también ha compartido imágenes del rodaje caracterizado como militar. “Gracias, Javis, por darme esta oportunidad junto a mis compañeros de #elpelotón y felicidades por la maravilla de película que habéis hecho”.

En octubre, el Encuentro de Cine Europeo en Argentina pondrá en pantalla 18 películas de 18 países de la Unión Europea, con funciones gratuitas en Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Neuquén, Rosario, Salta, San Miguel de Tucumán, Santa Fe, Ushuaia y Vicente López, entre otras localidades. y una retrospectiva dedicada al director alemán Wim Wenders. La edición XXII, bajo el lema “Historias para conversar el presente y pensar el futuro”, reunirá producciones estrenadas entre 2023 y 2025. La selección incluye dramas, comedias, documentales y biografías que abordan temas como la libertad, la memoria, los vínculos familiares, la identidad y las consecuencias de la guerra.

En la ciudad de Buenos Aires, el ciclo llegará al Centro Cultural Recoleta entre el 3 de octubre y el 1 de noviembre; a la Alianza Francesa, del 7 al 23 de octubre; y al Auditorio Amigos del Bellas Artes, entre el 16 de octubre y el 7 de noviembre.

La selección incluye Siete días, de Alemania; Peacock, de Austria; Cara o seca, de Bélgica; Smaragda, de Chipre; Dražen, de Croacia; Gente oculta, de Eslovenia; La furia, de España; Long Good Thursday, de Finlandia; Misterioso asesinato en la montaña, de Francia; Stelios, de Grecia; Sin aire, de Hungría; Cuatro madres, de Irlanda; La gioia, de Italia; Jippie No More!, de Países Bajos; No hay fantasmas en la calle Dobra, de Polonia; La memoria del perfume de las cosas, de Portugal; Voces de libertad, de República Checa; y Songs of Slow Burning Earth, presentada por Suecia. La entrada será gratuita en todas las funciones.

La novedad de 2026 será En las rutas de Wim Wenders, una retrospectiva de diez películas que se exhibirá en la Sala Leopoldo Lugones, el Cine York de Vicente López y El Cairo Cine Público de Rosario. El ciclo es resultado de un trabajo entre la Delegación de la Unión Europea en Argentina, la Embajada de Alemania, Cinemateca Argentina y las salas participantes.

Además, el encuentro lanzará junto a The Short Film Lab un Programa Federal de Mentorías para proyectos audiovisuales. La convocatoria seleccionará hasta seis largometrajes argentinos en desarrollo, cuyos equipos recibirán asesoramiento de profesionales locales y europeos sobre producción y circulación internacional. El detalle de las funciones y las bases de la convocatoria están disponibles en cineueargentina.com.

La cineasta salteña Lucrecia Martel defendió la búsqueda de formas cotidianas de resistencia ante lo que considera “un clima de impotencia social”. Durante una serie de encuentros en España para presentar su primer libro, Un destino común, y su documental Nuestra tierra, la realizadora propuso acciones comunitarias y nuevas maneras de construir lenguajes, vínculos y relatos. “No hace falta que hagamos la gran revolución, simplemente que cada uno de nosotros fuerce la cosa en un sentido distinto al que estamos viendo”, sostuvo Martel en una entrevista publicada por El País.

Como ejemplo de ese “disciplinamiento colectivo”, Martel mencionó el desahucio de Maricarmen Abascal, una vecina madrileña de 87 años desalojada el 23 de septiembre pasado de la vivienda en la que residía desde 1956, pese a un pedido de Naciones Unidas para suspender el lanzamiento y a la movilización de cientos de personas que acamparon frente al edificio para impedirlo. El caso, que derivó en protestas en distintas ciudades españolas y en una acampada en la Puerta del Sol, se convirtió en símbolo de la crisis de vivienda en España. Para la directora, episodios como este buscan instalar la idea de que, aunque se luche, nada puede cambiar.

Martel, nacida en Salta hace 59 años, inició el 24 de septiembre su recorrido por Madrid con una charla junto al director del Festival IDEM, Rolf Abderhalden. El encuentro formó parte del programa Ecotopías, dedicado a los desafíos ambientales de una época marcada por la intervención humana sobre el planeta. La realizadora planteó que la industria audiovisual impone obstáculos a proyectos que se apartan de sus circuitos más consolidados. Frente a esa situación, pidió encontrar vías alternativas para producir películas y recuperar al cine como ámbito de discusión pública.

“Que no sea un cine solo de entretenimiento y para resolver el insomnio, sino para conocernos, animarnos, darnos fuerzas e imaginar otras formas de futuro”, afirmó la autora de La ciénaga, La niña santa, La mujer sin cabeza y Zama. Desde su debut en el largometraje, en 2001, Martel abordó las relaciones de clase, el poder y el territorio. Sus películas se distinguen por el trabajo sonoro y por una construcción narrativa que presta atención a aquello que queda fuera de la imagen, a los gestos y tensiones que no se explicitan de forma directa.

El eje de Nuestra tierra, estrenada en 2025, es el asesinato de Javier Chocobar, referente de la comunidad indígena chuschagasta, ocurrido en 2009 en Tucumán. El documental sigue el juicio por el crimen y sitúa el expediente dentro de una discusión más amplia sobre los derechos de los pueblos originarios y las formas de propiedad de la tierra. La película expone el contraste entre el sistema judicial, que analiza la posesión desde títulos y derechos individuales asociados a la explotación económica, y la perspectiva de la comunidad chuschagasta, que entiende el territorio como un bien colectivo. La tensión alcanza al lenguaje: la comunidad debe traducir su propia experiencia a categorías ajenas para hacerla comprensible ante el tribunal.

La reconstrucción del crimen para el juicio adquiere en el documental una dimensión cinematográfica: los acusados dan indicaciones a los camarógrafos y describen los movimientos que hicieron el día del hecho. Martel contrapone esas imágenes con el archivo fotográfico y audiovisual que la propia comunidad chuschagasta conserva de su historia.

“En el diálogo vamos a tener que ceder algo y eso es ceder parte de la tierra”, dice uno de los integrantes de la comunidad en el film. Martel sostuvo que los significados de las palabras dependen de acuerdos que varían de acuerdo con la posición social, el contexto y el lugar desde el cual se habla. La realizadora explicó que el equipo buscó una forma audiovisual que mostrara ese desacuerdo sin convertirlo en una explicación externa. “Inventar un lenguaje es una micro-solución. Es encontrarnos”, señaló.

Lucrecia Martel también planteó la necesidad de resistencias más silenciosas frente al avance tecnológico. “Yo estoy con un bastón, así que no se me ocurre ninguna revolución por la fuerza física, pero sí creo en la clandestinidad. Vamos a tener que ocultarnos. Ocultar nuestros datos de las empresas, mentir, generar confusión”, sostuvo. La directora extendió esa desconfianza a la relación de la humanidad con sus propias invenciones: “Logramos una invención extraordinaria que es el lenguaje y, en su consecuencia, la escritura. Pero nos dio un problema terrible, que es la locura. Somos una especie enloquecida”, afirmó.

En el libro Un destino común, publicado por Caja Negra en 2025, Martel reunió intervenciones públicas y conferencias. Allí cuestiona una forma de mirar condicionada por la educación y las jerarquías sociales. “La educación genera una complicidad de clase que permite soportar no ver el mundo”, plantea en el volumen. La directora afirmó que el documental ya fue utilizado por grupos que organizan reclamos territoriales y espacios de debate. También relató que debió revisar sus propios modos de vincularse con sectores populares, luego de asistir a reuniones en barrios donde su filmografía era desconocida. “Yo tuve que cambiar para que pasara algo”.

Las conferencias de Martel circulan también fuera de los circuitos habituales del cine: fragmentos de sus intervenciones se difunden en redes sociales, donde jóvenes que no vieron sus películas replican sus ideas. “De repente estoy en TikTok, viendo carpintería japonesa y tractores y todas esas cosas que me interesan y me encuentro conmigo misma diciendo las mismas pavadas de siempre”, contó, entre risas.

Y Digger —un Dr. Strangelove para la era del cambio climático— no se anda con rodeos. Es poco probable que su deseo de lanzar un mensaje y sacudir al público cuente con el favor generalizado de la crítica. Pero hay momentos en los que hay que ir a lo grande. ¿Te gusta?

Seguramente, a algunos no les gustará. El mayor reparo que se le puede poner a Digger es que, para ser una sátira, no resulta especialmente divertida. Cruise no es Peter Sellers, e Iñárritu no es Stanley Kubrick. Sus denodados esfuerzos por alcanzar un tono de comedia negra similar pueden quedarse en nada.

Pero Digger es más incisiva en el otro extremo de la tragicomedia. Una provocación apasionada dirigida tanto a los políticos como al público, Digger es, desde cualquier punto de vista, un estreno poco común de un gran estudio: tan urgente como Una verdad incómoda, pero mucho más operística. Para bien o para mal, se trata de una gran apuesta de actualidad que probablemente no se repetirá en mucho tiempo.

En los primeros momentos de la película, Digger Rockwell (Cruise) se despierta en su lujosa casa, revestida de madera y rodeada de cuernos de ciervo, animales disecados y alfombras de piel de oso polar. Junto a él en la cama se encuentra su querido gato, una criatura que apenas está viva, representada como un títere animatrónico que se parece más a Annette que a un felino real. Se sugiere no solo que Digger, un magnate del petróleo, corrompe la naturaleza, sino también que hay algo más artificial en juego. La vista bucólica desde su ventana se asemeja más a un diorama de un museo de historia natural que a un paisaje.

Mientras tanto, Digger empieza a recibir llamadas desde una enorme plataforma de perforación petrolífera en Groenlandia. Una grieta en un glaciar y una fuga de metano del lecho marino preocupan a los científicos, pero Digger los convence con carisma utilizando metáforas del béisbol. En su lugar, pide un poco de “empuje” para aumentar el número de barriles extraídos diariamente.

El ritmo de Iñárritu, a partir de un guion escrito por él mismo y otros cuatro, es típicamente frenético. Cruise se mete de lleno en el personaje, una caricatura de vaquero, con un torrente de diálogos al estilo de los “chicos de toda la vida”. Blande con orgullo la pala con la que su abuelo inició el negocio petrolero familiar. Cerca de allí, un reloj de pie marca las horas de forma inquietante.

Emmanuel Lubezki, el brillante director de fotografía, filma estas y otras escenas desde abajo, lo que confiere a Digger, rodada en VistaVision, un aire carnavalesco y más grande que la vida. Las cosas se descarrilan rápidamente cuando una plataforma de hielo apodada “Judy”, cinco veces más grande que Washington D. C., se desprende de Groenlandia y comienza a dirigirse hacia Europa, en lo que se prevé que provocará una destrucción catastrófica.

Al poco tiempo, el presidente de EE. UU., Compson (John Goodman) —que no es tan diferente de lo que uno podría esperar— y su gabinete se encuentran en casa de Digger, necesitados de un plan. Compson lo califica de “un lío”. El grupo de expertos partidario del “perforar, perforar y perforar” está compuesto exclusivamente por hombres, blancos y decrépitos.

El drama que sigue se centra más en desarrollar la trama que en salvar a Europa. Digger oscila entre escenas privadas con Compson y un científico llamado Ganesh (un Riz Ahmed maravillosamente preocupado) por quien, contra todo pronóstico, Digger ha sentido simpatía. En una escena espectacular, Digger comparece ante un organismo similar a las Naciones Unidas, cuyos miembros visten todos de color pistacho y están furiosos por lo que él le ha hecho al planeta.

Es un foro absurdo en el que Digger monta una defensa enfática del petróleo, “la leche materna de la Tierra”, dice. No sin razón, pregunta si el mundo estaba realmente preparado para prescindir de él. Con el estilo de un maestro de ceremonias, presenta un buen argumento. Pero la intrusión de la realidad, en la apocalíptica segunda mitad de la película, tiene la última palabra.

Sin embargo, hay una segunda capa que discurre en paralelo. Desde el principio nos damos cuenta de que la película, tal y como la vemos, es, de hecho, una obra de teatro que se está representando. Esta dimensión metanarrativa de Digger parece, en un primer momento, una salida fácil, una forma de justificar los extremos exagerados de la película. Con un cierto tono a la defensiva, Iñárritu ha intentado a menudo adelantarse a las críticas hacia sus películas con digresiones autorreflexivas. ¿Recuerdas cómo Birdman incluía un enfrentamiento con un crítico teatral del New York Times?

Pero la estructura de “obra dentro de una obra” de Digger abre la película a preguntas sobre el valor de la sátira y los límites de la ficción. También conduce a la película a un lugar oscuramente fatídico, mucho más allá del debate sobre los combustibles fósiles. Y permite que la interpretación llena de matices de Cruise pase de la caricatura a algo más conmovedor. Cruise siempre ha destacado por interpretar los extremos del ego masculino (Magnolia, Una guerra de película, Ojos bien cerrados). Su personaje de Digger se unirá sin duda a esa lista. Pero, al igual que la película, son los momentos más tranquilos y premonitorios de su interpretación los que se te quedan grabados.

Fuente: AP

Fotos: Reuters/ Mario Anzuoni y Warner Bros.

La película, titulada originalmente Fall 2, presenta a un grupo de personajes que emprende una caminata en altura como parte de un homenaje a un ser querido. El recorrido se interrumpe cuando un desprendimiento de rocas los deja atrapados sobre una construcción precaria, sin una salida inmediata y con el vacío como amenaza constante.

Harriet Slater, conocida por Outlander: Blood of My Blood; Arsema Thomas, integrante de Queen Charlotte; y Tom Brittney, quien participó en Greyhound, encabezan el reparto. La historia parte de un vínculo marcado por el duelo y enfrenta a los protagonistas a una situación en la que deberán cooperar, pese a sus diferencias, para intentar abandonar la estructura.

La altura vuelve a marcar el conflicto de la secuela

La primera entrega instaló el temor a las alturas como el motor de una historia de supervivencia. En esta continuación, los directores trasladaron la premisa a un escenario inspirado en una caminata sobre tablas del monte Huashan, en China, una atracción conocida por su recorrido junto a un precipicio.

“Éramos grandes admiradores de la primera película, así que nos entusiasmaba mucho la posibilidad de participar en este nuevo capítulo”, señalaron los Spierig en declaraciones difundidas por BF Paris. Los cineastas explicaron que evaluaron distintas alternativas antes de optar por recrear una caminata sobre una viga suspendida.

Según los directores, la referencia del monte Huashan ofrecía una base para construir el nuevo relato. “Está considerada una de las caminatas más peligrosas del mundo, y cuando la vimos supimos que teníamos la base para una historia intensa y cinematográfica”, afirmaron.

La acción se sitúa en Tailandia, donde el paisaje y la lejanía del entorno acentúan el aislamiento de los personajes. El derrumbe que interrumpe el recorrido reduce sus opciones y convierte cada decisión en un factor de riesgo. La película sostiene su tensión a partir de la altura, la fragilidad de la estructura y la necesidad de desplazarse sin margen para errores.

Los directores priorizaron efectos prácticos durante el rodaje

Los hermanos Spierig buscaron que las condiciones del rodaje transmitieran parte del peligro que atraviesan los personajes. Por eso, según explicaron, redujeron al mínimo el uso de pantallas azules y trabajaron con elementos físicos para las secuencias desarrolladas sobre la caminata.

“Filmamos prácticamente sin pantalla azul, algo que era muy importante para nosotros”, indicaron. La intención fue que el elenco quedara expuesto al sol, al calor y a las condiciones del ambiente. Para los realizadores, esa decisión permitió incorporar una reacción física de los intérpretes a las escenas de riesgo.

Los protagonistas permanecieron sujetos con arneses y elevados a unos 12 metros sobre el suelo durante extensos períodos de filmación. Esa dinámica complicó la comunicación en algunos momentos y exigió una preparación específica para que el equipo pudiera registrar las escenas en altura.

Los directores también destacaron la participación del elenco en las secuencias de acción. “Cada vez que hacían sus propias escenas de riesgo, aportaban mucho a las secuencias y nos daban una gran cantidad de material para trabajar en la sala de edición”, señalaron.

La apuesta por recursos prácticos se vincula con la intención de sostener una experiencia física en pantalla. La película no plantea la altura únicamente como un fondo visual, sino como una condición que afecta los movimientos, las conversaciones y las decisiones de quienes quedan atrapados.

Una historia de duelo y supervivencia para la pantalla grande

Además del conflicto generado por el derrumbe, Vértigo 2 incorpora una dimensión emocional relacionada con la pérdida. El grupo inicia el trayecto para recordar a una persona cercana, pero la situación cambia cuando el recorrido deriva en una emergencia. A partir de ese momento, la trama concentra su desarrollo en la posibilidad de salir de la estructura.

La película tiene una duración aproximada de 100 minutos y pertenece al género de thriller de supervivencia. Su distribución en el país estará a cargo de BF Paris, que programó el estreno para el 1 de octubre.

Los Spierig señalaron que el proyecto fue concebido para una exhibición en salas. “Queremos que el público sienta el mismo vértigo y miedo que experimentó con la primera película”, expresaron. La secuela llegará a 82 cines con una nueva historia, un elenco distinto y un recorrido suspendido que concentra el peligro de principio a fin.

Pamplona acogerá la gala de los premios Goya de 2027 el 6 de febrero, una cita con la que la Academia de Cine extenderá sus actividades por distintas localidades navarras y reforzará su estrategia de llevar los galardones fuera de Madrid. El presidente de la institución, Fernando Méndez-Leite, ha anunciado la sede junto a la presidenta del Gobierno de Navarra, María Chivite.

El Navarra Arena será el recinto de la gala, después de que la Junta Directiva de la Academia de Cine haya designado a Pamplona como sede oficial. La ceremonia reconocerá las interpretaciones principales y de reparto, además de las especialidades técnicas y creativas del cine español.

La capital navarra se incorpora a la lista de ciudades que han acogido unos premios convertidos en itinerantes durante los últimos años. La 40 edición, correspondiente a 2026, había tenido lugar en Barcelona, mientras que Granada, Valladolid, Sevilla, Valencia y Málaga también han sido sedes de la ceremonia.

Méndez-Leite ha subrayado el salto geográfico de los Goya: “Nos vamos al norte. Hasta ahora no habíamos pasado de Valladolid, pero ahora nos vamos hasta Pamplona”. El presidente ha recordado también la presencia de decenas de cineastas e intérpretes navarros y la actividad de rodajes españoles e internacionales en Navarra.

Cuándo se conocerán los nominados a los Goya 2027

La Academia de Cine anunciará los nominados el 15 de diciembre. La bola negra, de Los Javis, parte como principal favorita en una edición en la que competirá con El ser querido, la película de Rodrigo Sorogoyen.

Los días previos a la gala, la Academia organizará actividades en diferentes localidades de la comunidad. Méndez-Leite ha presentado ese programa como parte de la descentralización de la institución: “Estamos descentralizando la actividad de la Academia en otros puntos del país que tienen tanto derecho como Madrid de tener la Academia en su pueblo”.

Chivite ha vinculado la celebración con la cohesión territorial y el acceso a la cultura. “Llevar a otros lugares de España los premios Goya es una una forma de cohesionar el país”, ha afirmado la presidenta, que ha señalado que Navarra lleva dos décadas como la ciudad con mejor calidad de vida de España y ha añadido: “El cine es más que entretenimiento, ensancha nuestra imaginación”.

Como comentábamos, será una edición en la que La bola negra partiría como favorita después de convertirse en un autentico acontecimiento, pero también hay muchas películas que podrían convertirse en la gran sorpresa de la noche. Además de El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen y de Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar, también ha tenido muy buena aceptación en el Festival de San Sebastián 5 minutos de más, de Javier Ruiz Caldera, por la que Javier Cámara ha conseguido la Concha de Oro al mejor intérprete de reparto. Además, un puñado de grandes óperas primas que se disputarán uno de los galardones en los que suele haber más competencia y en el que encontramos películas como Esta soledad, de Javier Giner o Yo no moriré de amor, de Marta Matute.

Entre esos cruces con Hollywood hay una ausencia que luego se transformó en un guiño recurrente: Clint Eastwood rechazó prestar su voz a un episodio de 1993 y, tiempo después, la serie incorporó personajes y escenas que remitían a su figura cinematográfica.

La historia se remonta a “Última salida a Springfield”, episodio de la cuarta temporada. Lisa necesita un aparato dental y Homero encabeza la protesta del sindicato de la planta nuclear contra el señor Burns. En ese contexto, los productores buscaron que Eastwood interpretara al doctor que atiende a la niña de ocho años.

La participación no se concretó. El actor rechazó la propuesta y el equipo debió resolver la voz de un personaje breve, aunque central para una trama que combina la sátira sindical con las tensiones cotidianas de la familia.

El episodio que buscó la voz de Clint Eastwood

Además de Eastwood, la producción contactó a Anthony Hopkins, quien también declinó interpretar al doctor Wolfe. Más tarde, Anthony Perkins, protagonista de Psicosis, aceptó la invitación, pero murió antes de realizar la grabación.

Finalmente, el papel quedó en manos de Hank Azaria, uno de los integrantes habituales del elenco de voces de la serie. Azaria interpretó al dentista y completó una participación que quedó asociada a uno de los episodios más recordados de la etapa inicial del programa.

La búsqueda de figuras conocidas para intervenciones puntuales era una práctica habitual de la producción. Actores, músicos, deportistas y dirigentes dieron voz a versiones animadas de sí mismos o a personajes ficticios. La invitación a Eastwood se inscribía en esa tradición, aunque su negativa llevó a los guionistas a aludir a su imagen pública sin necesidad de contar con su participación.

Según Espinof, no existe una confirmación de que las alusiones posteriores constituyeran una represalia por la negativa del actor. La relación entre ambos hechos surge de la cercanía temporal y de las referencias a personajes asociados con su filmografía, pero no está acreditada por la producción.

Las parodias que recuperaron la figura del actor

La primera alusión fue Magginer, un policía endurecido que reproduce varios rasgos del detective Harry Callahan, el protagonista de “Harry el sucio”. El personaje apareció en “El niño que hay en Bart” y “El niño que sabía demasiado”, ambos emitidos en la quinta temporada.

Magginer no era una representación literal de Eastwood, sino una parodia del arquetipo que el actor consolidó en el cine: un policía de métodos expeditivos, frases breves y una actitud distante. La serie empleó ese modelo para satirizar los códigos de los policiales televisivos y las películas de acción.

En ambas apariciones, el policía funciona como una referencia dentro de otra referencia. Los Simpson suelen incorporar géneros televisivos, códigos cinematográficos y celebridades a sus historias sin requerir la participación de las figuras evocadas. En este caso, la ausencia de Eastwood no impidió que su imagen como protagonista de personajes duros ingresara al universo de Springfield.

La conexión reapareció varios años después, durante la novena temporada. Esta vez, el programa dejó de sugerir un personaje inspirado en el actor y recurrió a una parodia visual más directa de una de las etapas más reconocibles de su carrera.

El legado cinematográfico de Eastwood como referencia

En “Todo canciones, todo bailes”, episodio musical de la novena temporada, los primeros minutos incluyen una recreación paródica de “La leyenda de la ciudad sin nombre”. La figura inspirada en Eastwood, sin embargo, viste como el personaje que encarnó en la trilogía del dólar, la serie de westerns que lo proyectó a escala internacional.

No existe una confirmación pública de que esa intervención también le hubiera sido ofrecida a Eastwood. Algunas versiones lo señalan, pero el dato no cuenta con documentación concluyente. En la emisión, la voz volvió a estar a cargo de Dan Castellaneta, quien, además de interpretar a Homero había hecho a Magginer.

El resultado terminó añadiendo una capa de contexto a la relación entre la serie y una de las leyendas de Hollywood que nunca pasó por el estudio de grabación de la familia amarilla.

El Principito tendrá una nueva adaptación al cine, esta vez en formato live-action, con Morten Tyldum como director y Simon Beaufoy a cargo del guion. El proyecto se desarrolla junto a Le Petit Prince Groupe, la organización que administra el patrimonio del escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry, autor de la obra original publicada en 1943. La película busca combinar dos historias en un mismo relato: la vida real de Saint-Exupéry como piloto pionero y escritor, y el universo fantástico del Principito. Según trascendió, la parte histórica se filmará en live-action, mientras que el personaje del Principito se creará mediante efectos visuales.

Tyldum, conocido por dirigir The Imitation Game, fue elegido para ponerse al frente de esta adaptación de gran escala, calificada como un proyecto de aventura familiar. El guion está a cargo de Beaufoy, guionista ganador del premio Óscar por Slumdog Millionaire y responsable también de los libretos de Full Monty y Los juegos del hambre: en llamas. La nueva versión de El Principito llevará a la pantalla grande la vida de Saint-Exupéry combinada con la fantasía del libro, en un proyecto que fusiona el drama biográfico con la aventura visual. La producción retomará, además, elementos de la adaptación gráfica que el historietista francés Joann Sfar realizó de la obra hace 15 años. Esa novela gráfica, desarrollada junto a la familia Saint-Exupéry, exploró el vínculo entre el Principito y el Aviador, un eje que la nueva película también buscará retratar. Sfar participó en el desarrollo del concepto de este filme.

Tyldum describió el proyecto como una historia de gran escala emocional. “Es una historia sobre el amor, el duelo y la pérdida. Se trata de la esperanza, de seguir los deseos del corazón y de ver la vida como una gran aventura”, afirmó el director. Beaufoy, por su parte, señaló el desafío que representa adaptar un texto de esta magnitud. “El Principito es el texto más extraordinario porque nunca pasa de moda. Le habla al niño que hay en cada ser humano”, expresó el guionista, quien agregó que llevar la obra a un formato cinematográfico más amplio constituye una responsabilidad estimulante. Sfar, en tanto, vinculó el nuevo proyecto con su trabajo previo junto a la familia del autor. “Estoy agradecido por la confianza depositada en mí por la familia Saint-Exupéry, junto a quienes creé el cómic de El Principito hace 15 años, para desarrollar el concepto de esta película única”, dijo el historietista, quien remarcó su conformidad con el equipo elegido para dirigir y escribir el filme.

Un proyecto de años

El proyecto es impulsado por Aton Soumache, productor francés detrás de la película animada de El Principito dirigida por Mark Osborne en 2015, que tuvo su estreno mundial en Cannes y recaudó cerca de 100 millones de dólares en todo el mundo. Esa versión ganó el César a mejor película animada y el premio BAFTA infantil a mejor largometraje. Soumache también está detrás de la franquicia Miraculous. Soumache describió el nuevo filme como una celebración de la obra. “Este filme no es simplemente una adaptación, sino una celebración de El Principito, de su historia atemporal y su espíritu perdurable”, sostuvo el productor. La película se produce junto a Paul Trijbits, a través de la compañía Magical Society, con oficina en Londres. Trijbits fue productor ejecutivo de la serie familiar de Netflix La carta para el rey y de la película de Disney Saving Mr. Banks, además de haber participado en filmes como Bloody Sunday de Paul Greengrass, Fish Tank de Andrea Arnold y Jane Eyre de Cary Fukunaga.

El Principito vendió más de 200 millones de copias en todo el mundo y fue traducido a cerca de 600 idiomas y dialectos desde su primera publicación en 1943. Sophie Kopaczynski, directora ejecutiva de Le Petit Prince Groupe, señaló que el objetivo del proyecto es honrar el legado de Saint-Exupéry y, a la vez, construir un filme con atractivo internacional. “A través de su extraordinaria vida y sus escritos, Antoine de Saint-Exupéry nos dio una visión profundamente humanista del mundo que sigue resonando a través de generaciones y culturas”, afirmó Kopaczynski, quien anteriormente ocupó un cargo directivo en Studiocanal y trabajó en distintas franquicias de entretenimiento familiar.

La relación entre David Fincher y Netflix se remonta a 2013, cuando el director dirigió el piloto de House of Cards, la serie que le dio a la plataforma su primer gran éxito original. Desde entonces, Fincher se convirtió en una de las figuras más asociadas a la identidad creativa del servicio de streaming. Bajo el contrato firmado en 2020, el cineasta dirigió tres películas para Netflix: Mank, The Killer y la aún no estrenada Las nuevas desventuras de Cliff Booth. Esta última, con Pitt como protagonista, funciona como una suerte de secuela espiritual de Érase una vez en… Hollywood, aunque desarrollada de forma independiente al universo de Quentin Tarantino.

El director también dejó su marca en otros proyectos de la plataforma. Fue productor ejecutivo de la antología animada de culto Love, Death & Robots y dirigió el piloto de Mindhunter, serie procedimental por la que ganó un Emmy. La salida de Fincher de Netflix respondería, en parte, a la recepción limitada que tuvieron sus últimos trabajos para la plataforma. Ni Mank ni The Killer contaron con un estreno amplio en salas de cine ni con edición en formato físico Blu-ray.

El peso de Cliff Booth en la decisión

Mank llegó en plena pandemia, un contexto que restringió su exhibición en cines. The Killer, por su parte, solo tuvo una breve exhibición orientada a calificar para premios, sin una distribución teatral significativa. La respuesta del público fue tibia en ambos casos. Mank generó un interés limitado entre los espectadores, mientras que The Killer pasó relativamente desapercibido pese a su buen recibimiento crítico. La ausencia de ediciones físicas también habría afectado el tipo de seguimiento de culto que caracterizó a películas anteriores del director, como Zodiac y El club de la lucha, títulos que construyeron su reputación a largo plazo gracias en parte a su circulación en formatos físicos y su exhibición sostenida en salas.

Las nuevas desventuras de Cliff Booth se perfila como la última producción de Fincher bajo el contrato vigente con Netflix. La película, con Brad Pitt nuevamente en el papel de Cliff Booth, representa uno de los estrenos más esperados del director en los próximos meses. El desenlace de este proyecto podría funcionar como un punto de inflexión: si la película logra una recepción más sólida que sus antecesoras, no se descarta que ambas partes reconsideren la posibilidad de extender la relación. De lo contrario, marcaría el cierre definitivo de un ciclo que comenzó con House of Cards.

El caso de Fincher se inscribe en una tendencia más amplia dentro de la industria audiovisual. Varios cineastas de renombre que en su momento firmaron acuerdos de exclusividad con plataformas de streaming han comenzado a reevaluar esas alianzas. El acuerdo original de Fincher con Netflix, firmado en 2020, se dio en un momento en que los servicios de streaming competían de forma agresiva por atraer a directores de prestigio, ofreciendo contratos económicamente atractivos y libertad creativa como principales incentivos. Ese escenario habría cambiado con el correr de los años. La eventual salida de Fincher podría interpretarse como una señal de que parte de los directores de mayor perfil vuelve a priorizar la distribución teatral por encima de los acuerdos exclusivos con plataformas digitales. Por el momento, ni Fincher ni Netflix se pronunciaron públicamente sobre el futuro de la relación tras el estreno de Las nuevas desventuras de Cliff Booth.

Jennifer Lawrence protagonizará The Flood, el thriller de ciencia ficción que Zach Cregger escribirá, dirigirá y producirá para New Line y Warner Bros. La película será el próximo largometraje del cineasta tras el éxito de Resident Evil y prolongará su relación con el estudio después de Weapons.

La película llegará a los cines el 11 de agosto de 2028 y su rodaje comenzará en Europa durante los primeros meses de 2027. New Line adquirió el proyecto de Netflix después de que abandonara su fase de desarrollo en aquella plataforma.

Los detalles de la trama y el resto del reparto permanecen bajo reserva. Amblin Entertainment producirá la cinta junto a Roy Lee y Miri Yoon, productores de Vertigo Entertainment y colaboradores habituales de Zach Cregger.

Cuándo se estrena The Flood y quién está detrás

Cregger ha partido de una idea original para construir The Flood, que reunirá al director con Warner Bros. después de Weapons, su película de terror y misterio de 2025. El estudio ya había distribuido aquel largometraje, continuación de la trayectoria que abrió con Barbarian en 2022.

Weapons recaudó 270 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto inferior a 40 millones. La película obtuvo además el Óscar a la mejor actriz de reparto para Amy Madigan, que interpretó a la malvada tía Gladys, responsable del secuestro nocturno de una clase entera de niños mientras su profesor y sus padres no detectaban lo ocurrido.

El director ha celebrado el reencuentro con los responsables del estudio. “Mike, Pam y todo el equipo de Warner Bros./New Line fueron un sueño absoluto como colaboradores en Weapons, y no podría estar más feliz de sumergirme de nuevo con ellos. Jennifer es única y estoy enormemente ilusionado por verla en este papel”, ha declarado Cregger a Variety.

Los ‘copresidentes’ de Warner Bros., Mike De Luca y Pam Abdy, han definido a Lawrence como “una de las actrices más dotadas y cautivadoras que trabajan hoy” y han mostrado su entusiasmo por situarla en el centro de la “visión audaz y completamente original” del cineasta. También han destacado la experiencia previa con Cregger y Vertigo, así como la incorporación de Amblin para llevar la película al público internacional.

La agenda de Jennifer Lawrence antes de ‘The Flood’

Lawrence ganó el Óscar por El lado bueno de las cosas, estrenada en 2012, y alcanzó una proyección global como rostro de la franquicia Los juegos del hambre. Su incorporación a The Flood supone uno de los pocos proyectos elegidos la intérprete este año, especialmente selectiva con sus papeles.

La actriz ha recibido recientemente una nominación al Globo de Oro por el drama sobre el posparto Die My Love, en el que compartía reparto con Robert Pattinson. Entre sus últimos trabajos figuran la comedia romántica Sin malos rollos, dirigida por Gene Stupnitsky, y el drama de A24 Causeway.

Antes del estreno de The Flood, Lawrence aparecerá junto a Leonardo DiCaprio en el esperado drama de terror What Happens at Night, dirigido por Martin Scorsese. También formará parte de Amanecer en la cosecha, la próxima ‘precuela’ de Los juegos del hambre.

Le seguiría la sitcom Paquita Salas, con Brays Efe, que los catapultaría como los nuevos adalides de la nueva generación de cineastas capaces de conectar con el público más joven gracias a sus dosis de humor ligado al lenguaje de Internet y las redes sociales mezclado con el costumbrismo de toda la vida.

Con Veneno, el biopic sobre Cristina Díaz, dieron un paso adelante como autores y demostraron su capacidad para narrar, así como su compromiso con el colectivo LGTBI a la hora de visibilizar el colectivo trans. Por último, llegaría La Mesías, la serie de Movistar Plus+ que constituyó su proyecto más ambicioso y en el que lograron aunar todas sus virtudes, que nos llevaban desde lo más turbio hasta lo pop.

Ahora, se consagran con La bola negra, con la que han ganado (por el momento) el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes, el premio del público en el Festival de Toronto y que ha sido seleccionada por España para representarnos en los Oscar, donde ya se vaticina que podría estar nominada en múltiples categorías.

La película parte de una obra inacabada de Federico García Lorca y de la pieza teatral La piedra oscura, de Alberto Conejero, para hablar de la memoria histórica de nuestro país desde el punto de vista homosexual, y cuenta en el reparto con Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes y Penélope Cruz.

El germen de ‘La bola negra’

Pregunta: ¿Cuál fue el germen del proyecto y cuándo fue el momento en que os disteis cuenta de que la bola se iba a hacer tan grande

Javier Calvo: Nosotros estábamos haciendo otro proyecto que se cayó... y pasamos una etapa muy triste. Pensamos: “¿Ahora qué vamos a hacer? No tenemos una idea clara, vamos a pensar. Y cómo es la vida, que nos fuimos de viaje y me llevé La piedra oscura, de Alberto Conejero, porque me apetecía algo corto. Y al leer el monólogo de Sebastián, que habla del bombardeo de su pueblo y abandona a su madre, a mí como que me emocionó mucho.

Y ese es el germen. Siempre hay algo que te emociona, que te hace llorar inexplicablemente y te dice: “Eso es bueno, hay que tirar por ahí”. Así que empezamos a imaginar. Supimos que queríamos adaptar La piedra oscura, pero había mucho diálogo y transcurría en una sola noche, por lo que hicimos el ejercicio de reducirla, de sacar la esencia para luego hacerla más grande. Dentro de la obra se hablaba de La bola negra, y nosotros no sabíamos qué era, así que nos pusimos a investigar y encontramos un libro sobre teatro inconcluso. Y ahí estaban esas cuatro páginas.

Javier Ambrossi: Nos impactó que fuera a ser una obra con un protagonista gay y que no se pudiera acacabar; tenía algo muy simbólico que nos estaba llamando. Y, de repente, escribir una película sobre lo inacabado cobró mucha fuerza. Así que decidimos unir La piedra oscura, La bola negra y, nos faltaba algo más, así que pensamos: “¿Y si además ponemos algo que nos hable a nosotros mismos y lo conectamos todo?”. Sabíamos que iba a ser muy difícil, porque hay mucha investigación, mucho trabajo con historiadores y mucha introspección. Pero, de repente, todo encajó.

Javier Calvo: Claro, y La bola negra era solo dos páginas de personajes y dos páginas del diálogo con la hermana. “Por mi gusto, tiraría la jabalina, pero debo endulzar naranjas”. O sea, que no podíamos hacer como Haneke con El castillo, de Kafka. Entonces hicimos el ejercicio de imaginar utilizando el elemento del tiempo y lo relacionamos con Así que pasen cinco años y también estudiamos mucho El público y Comedia sin título, yendo de Alberto Conejero siempre de la mano y tejiendo ese universo.

Javier Ambrossi: Él lo ha sido todo. El trabajo que ha aportado, su saber, su cuidado, ha sido precioso, porque nos iba guiando. Ha sido un aprendizaje brutal.

Pregunta: Pero llevar todo eso a una narración hilvanada debe haber sido complicado

Javier Ambrossi: Fue menos de lo que imaginas. Desde la primera lectura de la obra, hubo algo que nos inspiró, que nos hizo saber que teníamos que construir algo alrededor. Es de esas cosas que ves.

Javier Calvo: Como decía Lorca, la creación es un misterio, y solo el misterio nos hace vivir. Es lanzarte a lo desconocido.

Pregunta: ¿Esperáis que haya críticas negativas sobre la película solo por el hecho de que haya tenido tanta repercusión?

Javier Calvo: El otro día leí en Letterbox una crítica que me gustó y que decía: “Si le gusta a todo el mundo, es McDonald’s”. [risas] Entonces, yo entiendo que habrá gente a la que no le va a gustar. Soy consciente de ello, porque es imposible gustarle a todo el mundo, pero también estoy seguro de la película que he hecho.

Venimos ahora de un coloquio en el que había mucha gente joven. Y ver gente de diecisiete, dieciocho años, emocionada con una historia, emocionada con el cine, en una sala de cine, disfrutando colectivamente de una película que les toca el corazón, para mí eso es un mundo. Porque yo sé cuál es la sensación de salir de un cine y sentir que me ha cambiado algo dentro. La sensación de salir del cine y sentir que la calle es distinta, que mi vida es distinta, que puedo tomar una decisión que no me atrevía. Y es lo que yo quería hacer con esta peli, que pudiera remover a la gente por dentro, que saliera distinta de como entró.

La importancia de Federico García Lorca

Pregunta: Desde Cannes habéis trasladado vuestra preocupación de por qué se ha invisibilizado la homosexualidad de Lorca en muchos discursos sobre el autor y de que mucha gente no era consciente de que se le había matado por ser gay. ¿Creéis que esta película cambiará ese discurso?

Javier Calvo: Nuestra película tiene un enfoque artístico y quiere hablar de algo muy concreto. Solo podría decirte que, cuando se publicaron los Sonetos del Amor Oscuro, se eliminó la palabra Oscuro para que no tuviera ningún componente homosexual. Creo que eso habla mucho de cómo se ha intentado invisibilizar este tema.

Javier Ambrossi: Nuestra reivindicación es humanista. Y Lorca es una figura viva que fue libre en todos los sentidos, en su manera de pensar, desde el punto de vista político, en su orientación sexual. Y duele mucho su asesinato porque nos hemos perdido muchas cosas.

Pregunta: Hasta el momento, todos vuestros proyectos habían sido protagonizados por mujeres. ¿Cómo ha sido enfrentaros a personajes masculinos?

Javier Ambrossi: Imagínate, es la primera vez que hacemos algo tan desnudo. Ya no estamos sublimando o intentando buscar metáforas para contarnos a nosotros mismos, como habíamos hecho antes. Ahora es mucho más crudo. Evidentemente, cuando te pones a escribir algo así, te enfrentas a tus miedos, a tus fantasmas. Escribir una película sobre el amor, siendo pareja, te lleva a autoanalizarte. Si eres escritor, como nosotros, necesitamos que cada proyecto nos cambie, que sea una catarsis. Y escribir sobre personajes gais, en busca de quienes son, del deseo, del amor, de expresarse a sí mismos, pues te lleva a un espejo. Quizás, por eso, hemos tardado tanto.

Javier Calvo: Creo que nunca hemos escrito algo que no hayamos sentido que nos fuera a cambiar al final del camino. Que cuando termináramos la película sintiéramos que no fuéramos a ser completamente distintos. Igual hemos estado postergando este momento y aquí estuvimos valientes, prestándonos a nuestra propia historia en muchos sentidos.

Tres historias, tres estilos

Pregunta: Ganasteis el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes, y eso no es baladí. Habéis dado un salto descomunal en ese aspecto y la película está llena de ‘set pièces’ impresionantes. ¿Cómo ororquestasteis todo eso?

Javier Calvo: Pues nuestro primer pensamiento fue: vamos a investigar, a ir a museos, a ver cuadros de la época. Había en el Museo del Prado una exposición de cambios en el siglo XIX de los movimientos sociales en la que todo eran multitudes, con reivindicaciones, huelgas. Y eso nos inspiró mucho. También nos fijamos en las fotografías, siempre había mucha gente en las instantáneas. Y quisimos reproducir eso, personas que no estuvieran acostumbradas a ser grabadas, que tuvieran poca autoconciencia. Por esa razón, cada figurante fue importante. También queríamos reproducir el movimiento constante de esas masas. Si la película hablaba de poesía, queríamos que la película contara poéticamente las cosas, así que trabajamos los movimientos coreográficos, casi como si se tratara de una especie de danza contemporánea.

Queríamos, además, filmar de una manera diferente cada época. En el presente, se narra casi de forma documental y, en 1937, se retrata el dolor, la belleza y el deseo desde un punto de vista más objetivo, a través de lentes medias, menos planos, menos movimiento de cámara, todo más estático. Y, luego, en 1932, al partir de la obra de teatro, nos dejamos imbuir por la magia, la cámara se mueve más, como si fuera un personaje, utilizamos angulares...

Javier Ambrossi: Lo bueno es que ya habíamos trabajado con casi todo el equipo técnico, por lo que había mucha confianza. Nos encanta experimentar, probar. Rodamos en 35 mm. natural, por eso la película tiene los bordes redondeados, porque es como si fuera un objeto. Queríamos que fuera un objeto que tuvieras la sensación de que pudieras tocar, por eso del manuscrito, de la herencia, de las cosas que pasan de mano en mano, de generación en generación.

Pregunta: ¿Cómo os sentís estando en el foco de una manera tan brutal, sintiéndoos tan observados?

Javier Calvo: El otro día decíamos que cuando acabe la promoción vamos a desaparecer un tiempo. Porque es peligroso estar siempre visible.

Javier Ambrossi: Es un halago que la película interese tanto, porque es un micrófono gigante para poder contar tu punto de vista del mundo. Lidiamos con todo eso queriéndonos mucho, acompañándonos y cuidándonos, intentando ser sinceros con lo que hemos hecho. Y pasar de las redes sociales, para mí es mi religión, porque no me aportan nada.

Este martes ha fallecido a los 92 años uno de los cineastas más especiales de la historia reciente de España. Gonzalo Suárez, escritor, guionista, periodista deportivo y director, ha dejado tras de sí una carrera de más de 60 años de trabajo y una veintena de películas protagonizadas por algunos de los nombres más reconocidos del cine patrio: Javier Bardem, Marisa Paredes, Aitana Sánchez-Gijón, José Sacristán o Carmen Maura.

Entre muchas de las películas que rodó, destaca una de las más conocidas, Remando al viento. Estrenada en 1988, se convirtió un año después en una de las grandes triunfadoras de los Premios Goya: obtuvo nada menos que 13 nominaciones -entre ellas a Mejor película- y terminó alzándose con seis premios.

La cinta llevó a la gran pantalla uno de los episodios más célebres de la historia de la literatura europea: la estancia en Suiza de Percy Shelley, su amante Mary y la hermanastra de esta, Claire Clairmont, y el poeta Lord Byron. Al reto de que cada uno escribiera un relato de terror, terminó naciendo Frankenstein, una de las novelas más influyentes de la literatura moderna.

El reparto reunió a Lizzy McInnerny como Mary Shelley, Valentine Pelka como Percy Shelley y Elizabeth Hurley como Claire Clairmont. Los tres rondaban entre los 20 y los 30. “Los actores tenían que ser jóvenes, porque lo realmente llamativo es que Mary Shelley escribió Frankenstein cuando tenía sólo veinte años”, explicó durante el rodaje a El País. El reparto lo completaron José Luis Gómez, Virginia Mataix, Aitana Sánchez-Gijón, Bibiana Fernández, Jose María Pou, Ronan Vibert, José Carlos Rivas, Kate McKenzie y Jolyon Baker.

Un presupuesto de 300 millones de pesetas y un no muy buen recuerdo para Grant

Y así fue. El director confió en un joven Hugh Grant —para entonces tenía 27 años— siete años antes de que este protagonizara Cuatro bodas y un funeral junto a Andie MacDowell y se convirtiera en el galán británico por excelencia. De hecho, es en esta misma cinta donde el actor también triunfó en lo personal: Grant conoció en el set de rodaje a la que fue su pareja, Elizabeth Hurley, con quien mantuvo una relación desde 1987 hasta el año 2000 y con quien a día de hoy conserva una gran amistad.

Sin embargo, años después, Grant recordaría Remando al viento con bastante más ironía que nostalgia. En una charla con la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión, como parte de una retrospectiva a su carrera, el actor incluyó la película entre aquellas coproducciones europeas de los 80 en las que un guion escrito en otro idioma acababa “realmente mal traducido al inglés”. Suárez, que no hablaba inglés —aunque a él sí lo definió como “muy agradable”—, necesitó de un traductor, pero que nunca había trabajado en el mundo del cine. “Tenía extraordinariamente poco tacto”, recordó.

La película fue también una de las producciones más ambiciosas de su carrera. Contó con un presupuesto de 300 millones de pesetas -hoy equivaldrían a 1,8 millones de euros- y se rodó en Madrid, Suiza, Llanes y Venecia. Casi todos los intérpretes eran británicos y los actores españoles tuvieron que trabajar en inglés, una decisión pensada para facilitar la venta de la película en Europa. El guion, una obra suya con la investigación previa de su mujer, Hélène Girad, y de Antonio Saura, hijo del cineasta Carlos Saura. “Estoy contento con el guion; creo que la película no va a defraudar”, aseguró durante un rodaje en el que también se mostró especialmente satisfecho con sus intérpretes.

Y no defraudó. Según RTVE, Remando al viento llegó a permanecer 58 semanas consecutivas en cartel, convirtiéndose con el tiempo en una película de culto. El reconocimiento de la industria llegó también muy pronto: además de la Concha de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de San Sebastián, acumuló 13 candidaturas a los Goya y ganó seis estatuillas: Mejor Dirección, Dirección Artística, Dirección de Producción, Diseño de Vestuario, Fotografía y Maquillaje y Peluquería.

Apenas medio año antes de su muerte, Gonzalo Suárez fue recibido entre vítores y aplausos en el Auditorio Fórum del Centro de Convenciones Internacionales de Barcelona para recoger el Goya de Honor. Fue, de este modo, en la ciudad condal donde el reconocido escritor, periodista deportivo, guionista y director de cine nacido en Oviedo en 1934 recogió el premio; la misma a la que llegó a finales de la década de los 50 tras varios años de exilio en París y donde escribió sus primeros libros.

Comenzó despuntando en las letras con su periodismo deportivo y de investigación (firmado bajo el seudónimo Martin Girard) y sus relatos vanguardistas. Entre su prolífica obra, destacan De Profundis (1959), El caso de las cabezas cortadas (1965), que él mismo adaptaría a la gran pantalla, o El asesino triste (1994), premiada en la VIII Bienal de Narrativa Elena Poniatowska.

Su llegada al cine a finales de los años sesenta supuso una sacudida para la cinematografía de la época, marcada sobre todo por el realismo. Largometrajes como Ditirambo (1969) o la insólita Aoom (1970) iniciaron una larga trayectoria convertida en una referencia imprescindible para el séptimo arte de nuestro país: sobre todo Remando al viento (1987), con la que obtuvo la Concha de Plata al mejor director en el Festival de San Sebastián y seis Premios Goya, sin olvidarnos de Epílogo (1984), que triunfó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes.

Un viaje de ida y vuelta entre las películas y los libros

La conexión entre cine y literatura acompañó a Gonzalo Suárez hasta su fallecimiento a los 92 años. Durante más de seis décadas, combinó el arte de hacer películas con el de escribir obras de todos los géneros. El propio Julio Cortázar se mostró sorprendido ante esta ambivalencia. “¿Escritor que hace cine, cineasta que regresa a la literatura? De cuando en cuando hay mariposas que se niegan a dejarse clavar en el cartón de las bibliografías y los catálogos, de cuando en cuando, también, hay lectores o espectadores que siguen prefiriendo las mariposas vivas a las que duermen su triste sueño en las cajas de cristal”.

Así lo describía el autor de Rayuela, uno de tantos intelectuales de la época que veían a Suárez como una figura clave en el panorama de la cultura española contemporánea. Aunque quizá este no llegó a saber nunca que, mucho antes de dedicarse al mundo del arte, se dedicó al fútbol, ejerciendo como ojeador de futbolistas para Helenio Herrera, mítico entrenador de equipos como el Atlético de Madrid y el Fútbol Club Barcelona, además de su padrastro. También era aficionado al boxeo, aunque nunca se ganó la vida como púgil.

Fuera cual fuera la disciplina, parece que lo que siempre quiso Gonzalo Suárez fue “soñar despierto”; invitar y ayudar a los demás a que también lo hicieran con él. Así lo confesó él mismo en el Auditorio Fórum de Barcelona, ya sosteniendo el Goya: “Dios nos premia con los sueños y nos castiga con la realidad”. El cine fue, para él, el último reducto donde poder hacerlo.

Gonzalo Suárez, escritor, guionista y director de cine y una de las figuras más singulares de la cultura española, ha fallecido este martes en su domicilio de Madrid a los 92 años, según han informado a EFE fuentes de su familia y ha confirmado la Academia de Cine. El cineasta recibió este pasado mes de febrero el Goya de Honor por su trayectoria, que el jurado definió como “una filmografía sorprendente en la que ha experimentado con todos los géneros y desde todas las actitudes”.

Nacido en Oviedo en 1934, el cineasta tuvo una carrera polifacética cuyo cine se caracterizó por su extrañeza y por no dejar indiferente. Fue autor de una veintena de películas desde que se arrancó a dirigir con 32 años: entre ellas, destacaron El detective y la muerte, La reina anónima o Remando al viento, que le otorgó la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y el premio Goya a Mejor Dirección. También pasó por el Festival de Cannes. En 1984, Epílogo, presentada en la Quincena de Realizadores, recibió el Premio de la Juventud de la mano del jurado joven.

Antes de consolidarse detrás de la cámara, estudió Filosofía y Letras, ejerció como ojeador de futbolistas a las órdenes de Helenio Herrera y comenzó a abrirse camino en el periodismo deportivo y en la escritura bajo el seudónimo Martín Girard. Tras exiliarse en París, en 1958 llegó a Barcelona para debutar en la literatura en 1964 con la novela De cuerpo presente y más tarde con Trece veces trece, Rocabruno bate a Ditirambo, Gorila en Hollywood, El asesino triste, o El hombre que soñaba demasiado, entre otras.

Una veintena de cintas y 60 años de trayectoria

En la capital catalana también empezó su aventura cinematográfica. Considerado uno de los precursores de la llamada Escuela de Barcelona, debutó como director en 1966 y fue construyendo una filmografía en la que convivieron el cine experimental, el comercial y las adaptaciones literarias. Por sus películas pasaron algunos de los nombres más reconocidos de la interpretación española, como Fernando Fernán-Gómez, Francisco Rabal, José Sacristán, Carmen Maura, Victoria Abril, Marisa Paredes, Maribel Verdú, Javier Bardem, Ana Belén o Aitana Sánchez-Gijón, además de intérpretes internacionales como Hugh Grant o Donald Pleasence.

Su trabajo también se extendió a la televisión, donde estuvo detrás de la adaptación de Los pazos de Ulloa. En sus últimos años se había volcado especialmente en la literatura, sin abandonar del todo el cine: entre sus trabajos más recientes figuraban el cortometraje Alas de tiniebla y el mediometraje El sueño de Malinche.

Galardonado con el Premio Nacional de Cinematografía en 1991, la Medalla de Oro 2026 de la Academia de Cine, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Luis Buñuel, Gonzalo Suárez fue también nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y distinguido con la Orden de Alfonso X el Sabio, que recibió siendo el primer director de cine en obtener esta condecoración.

Hasta el final mantuvo intacta esa voluntad de seguir creando. En julio de 2025, cuando la Academia anunció que recibiría el Goya de Honor, reconoció que el premio le provocaba cierta “añoranza” por no llegarle mientras estaba rodando. “Me gustaría volver a decir ‘acción’ y ‘corten’ porque el cine es acción”, aseguró entonces. Y, al hacer balance de su trayectoria, lo resumió de una forma muy suya: “Si volviera a empezar, haría lo mismo: inventar el cine o tratar de inventarlo”.

La película La bola negra está llena de escenas donde se habla de la importancia de la memoria democrática en España y de la falta de concienciación que hay al respecto. Frases como “has heredado algo y no sabes qué hacer con ello; ya eres español” muestran hasta qué punto cuestiones como la Guerra Civil o la Dictadura posterior marcan la identidad de nuestro país, algo que también queda bien reflejado gracias al papel que interpreta en la cinta de los Javis la actriz estadounidense Glenn Close.

Conocida mundialmente por películas como Mars Attacks!, Las amistades peligrosas, Atracción fatal o 101 dálmatas. ¡Más vivos que nunca!, Glenn Close fue una de las incorporaciones más sonadas a la película que adapta una de las obras de teatro que Federico García Lorca nunca llegó a terminar. Además, su personaje es especialmente importante, ya que interpreta a una hispanista extranjera (al estilo de Ian Gibson o Paul Preston) experta en el poeta granadino.

Contar con alguien de fuera de España para interpretar ese papel no fue casualidad, ya que en la propia película se llama la atención sobre el hecho de que los mayores expertos en este periodo de la historia de España sean extranjeros; una realidad que evidencia la falta de cuidado por la memoria democrática tanto desde las instituciones como muchas veces desde la propia ciudadanía.

“Los dioses del cine están de nuestro lado”

Los Javis transformaron un personaje masculino de La bola negra para escribirlo pensando en Glenn Close. La actriz estadounidense aceptó participar en la película con una condición: quería interpretar su papel íntegramente en castellano. La decisión obligó a Javier Calvo y Javier Ambrossi a organizar una preparación lingüística para Close mientras ella trabajaba en Alemania, y de hecho, recibió clases de español incluso mientras se encontraba rodando la nueva película de Los juegos del hambre, con una profesora enviada por el Instituto Cervantes.

Close aceptó sumarse a La bola negra pese a que su participación era breve y eligió afrontar el personaje en un idioma que no hablaba. “Lo hago sí o sí, los dioses del cine están de nuestro lado. Pero lo haré en español porque necesito un reto”, recuerdan Javier Calvo y Javier Ambrossi que les dijo la actriz. “Cuando estábamos escribiendo La bola negra teníamos el personaje de un historiador que era un hombre. No era muy apetecible”, explicaron los Javis en el pódcast The Script. Los directores necesitaban “a alguien emocional para un texto algo frío”. Su respuesta fue inmediata: “Y esa era Glenn Close”.

El vínculo nació con un correo recibido a las tres de la mañana

La participación de Close en la película se originó mucho antes de que existiera el personaje pensado para ella. La actriz había visto La Mesías, la serie creada por los Javis, y decidió escribirles personalmente. Los dos directores estaban en la cama cuando recibieron el mensaje, enviado durante la madrugada. El correo incluía una carta de tres páginas dedicada a la serie. “Era un mail con una carta, PDF, adjunto, de tres páginas en el que se hablaba de La Mesías. Firmado por Glenn Close”, explicaron los Javis al citado medio.

Antes de recibir el guion de la película inspirada en la obra inacabada de Lorca, Close había planteado a los directores otro proyecto. Quería llevar al cine el musical Sunset Boulevard, basado en la película El crepúsculo de los dioses, de Billy Wilder. “Le dijimos: ‘No podemos hacer un remake de Billy Wilder. Nos parece una peli sagrada, no podemos mejorar esa película’”. La negativa no interrumpió el contacto con la actriz, que no dudó en aceptar el papel de La bola negra cuando le hicieron llegar la propuesta.

De hecho, tan buena es la relación entre los cineastas españoles y la actriz estadounidense que, durante el Festival Internacional de Cine de Cannes, se vivió un momento surrealista cuando estos llamaron a la intérprete para contarle la respuesta del público a la película. La intérprete respondió con un mensaje de respaldo al equipo. “Estoy muy orgullosa de vosotros”, les felicitó entonces Close.

Penélope Cruz aparece un total de 18 minutos en La bola negra, pero su personaje basta para abrir una de las puertas más fascinantes de la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi e impulsar el camino que va descubriendo Sebastián (Guitarricadelafuente). La actriz ganadora del Oscar tiene dos números musicales y una conversación con el personaje que centra la línea temporal ambientada en 1937, en plena Guerra Civil.

Durante su escaso intercambio de palabras, la actriz que da vida a la cupletista Nené Romero anima al batallón durante una de las noches en el cuartel con dos temas. Entre las canciones que interpreta está Las tardes del Ritz, un fox-trot que interpretó en la vida real Edmond de Bries, uno de los transformistas más célebres del Madrid de comienzos del siglo XX, a quien la propia Nené menciona durante su conversación con Sebastián.

Detrás de aquel nombre artístico estaba Asensio Marsal Martínez, nacido en Cartagena a finales del siglo XIX. Según recoge la Real Academia de la Historia, su interés por el escenario comenzó cuando tenía 14 años y vio actuar en su ciudad al imitador de estrellas Ernesto Folliers. Días después, durante una fiesta familiar, Asensio se caracterizó como él. El público se divirtió tanto que decidió dedicarse al teatro. Incluso, llegó a aprender a coser para hacerse su propia ropa.

El transformista que menciona Penélope Cruz

Así, se marchó a Madrid para debutar en el ya extinto Teatro de la Encomienda, situado en el número 16 de la calle del mismo nombre, en el actual barrio de La Latina. Primero actuó simplemente como Marsal, su apellido; después adoptó el nombre de Salmar y, finalmente, adoptó su seudónimo con el que entraría en la historia: Edmond —o Egmont— de Bries.

El éxito, sin embargo, no llegó a la primera. El propio artista reconocería más tarde que aquellas primeras actuaciones eran “verdaderas patochadas”. Fue entonces cuando entró en escena Consuelo Vello Cano, La Fornarina, una de las grandes cupletistas de la época y amiga de De Bries, que le aconsejó refinar sus imitaciones y cuidar mucho más la puesta en escena.

Él le hizo caso. Renovó su vestuario, perfeccionó sus números y convirtió la transformación en el centro de su espectáculo. A partir de ahí comenzó a imitar a algunas de las artistas más populares del momento, como La Goya, La Bella Chelito o Pastora Imperio. “Fue calificado como el número uno, pues logró no vulgarizar sus actuaciones, demostrando siempre un gran respeto hacia sus imitadas. Tal era su perfección que, en cierta ocasión en Barcelona, el público se pasó una semana dudando si quien actuaba en escena era hombre o mujer”, recoge la Real Academia de la Historia. La curiosidad fue tal que un grupo de caballeros acudió hasta su hotel para salir de dudas. De Bries los recibió y, al día siguiente, ya no quedaba misterio alguno.

Su gran consagración llegó en Madrid, especialmente en el Teatro Fuencarral, donde obtuvo algunos de sus mayores éxitos. Allí estrenó Las tardes del Ritz, compuesta para él por Álvaro Retana, uno de los números que ahora ha recuperado La bola negra. El vestuario seguía siendo una parte fundamental de su propuesta: llegó a invertir auténticas fortunas en ropa y complementos, hasta el punto de que su guardarropa fue valorado en unas 35.000 pesetas de la época.

Su popularidad llegó incluso hasta la Casa Real, donde en 1919 actuó ante los reyes en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, Alfonso XIII y su mujer, la reina consorte Victoria Eugenia de Battenberg. Sin embargo, tres años después, durante una actuación en el Teatro Lara de Madrid, varios jóvenes protestaron contra su espectáculo al considerar que atentaba contra su “dignidad de varones”. El altercado terminó teniendo consecuencias: la Dirección General de Seguridad le prohibió actuar vestido de mujer al considerarlo “inmoral”.

No sería la última vez. Apenas unos meses después, un nuevo altercado durante su regreso al Teatro Fuencarral provocó otra prohibición por parte de la Dirección General de Seguridad. De Bries decidió entonces defenderse públicamente en una carta enviada a El Imparcial. “Mi repertorio es culto, moral y propio para familias”, escribió el transformista, que denunciaba que una docena de personas había provocado el alboroto y preguntaba: “¿Por qué razón se me atropella a mí, que me he gastado todo cuanto he ganado en perfeccionar mi trabajo?”.

Su historia terminó muy lejos del brillo de aquellos años. Después de ganar fortunas y convertirse en uno de los nombres más populares del transformismo español, Edmond de Bries murió en Barcelona arruinado y todavía soñando con volver a los escenarios. Más de un siglo después, La bola negra rescata su nombre y también una de sus canciones más célebres.

La película La bola negra se está convirtiendo rápidamente en uno de los estrenos más exitosos del año en las salas de cine españolas. La cinta de Javier Ambrossi y Javier Calvo (también conocidos como los Javis) ha llegado tras ser premiada en festivales de todo el mundo e incluso suena para llevarse varias nominaciones a los premios Óscar.

La historia de esta producción está dividida en varias líneas temporales, aunque todas giran alrededor de la obra de teatro homónima que en su día empezó (y nunca pudo terminar) Federico García Lorca, con su primer protagonista explícitamente homosexual. Junto al dramaturgo, que aparece brevemente en la película, también figuran otros personajes históricos de gran interés, entre ellos el de Rafael Rodríguez Rapún (interpretado por Miguel Bernardeau), una figura clave en la trama.

El estreno de La bola negra ha devuelto al primer plano la figura de este exfutbolista del Atlético de Madrid convertido en secretario de La Barraca y en uno de los grandes amores de Federico García Lorca. La escritora María Teresa León, esposa de Rafael Alberti y amiga cercana de ambos, dejó en sus memorias un retrato del dolor que padeció Rapún tras el fusilamiento del poeta: “Nadie como este muchacho silencioso debió sufrir por aquella muerte”, afirmaba. “Estoy segura de que, después de disparar su fusil rabiosamente, se dejó matar. Fue su manera de recuperar a Federico”.

Del mundo del fútbol al del teatro republicano

La figura de Rapún no se ha descubierto con la película de los Javis. En realidad, fue el hispanista Ian Gibson quien rescató su nombre del olvido en su libro Lorca y el mundo gay (Planeta), tras años de investigación destinados a identificar al hombre que inspiró los Sonetos del amor oscuro, una de las obras más famosas del escritor granadino.

Antes de cruzarse con Lorca, Rodríguez Rapún destacaba en las categorías juveniles del Atlético de Madrid mientras estudiaba en la Escuela de Minas de la capital. Con apenas veinte años se afilió al Partido Socialista Obrero Español, en sintonía con sus vínculos en la Universidad Complutense. Un año después se incorporó como secretario a las filas de La Barraca, la compañía de teatro universitario que dirigía Lorca y que llevaba a Lope de Vega, Calderón de la Barca o Cervantes hasta los pueblos más rurales de España.

El pintor y actor de la compañía Luis Sáenz de la Calzada, autor del libro más importante sobre La Barraca, dejó escrita su descripción física: “Cabeza muy grande, braquicéfala, cabello ensortijado, frente no muy amplia surcada por una profunda arruga transversal; nariz correcta que le daba, en cierta medida, perfil de estatua griega”.

Un amor no correspondido

La relación amorosa entre Rapún y Lorca se afianzó durante el verano de 1935, en plena gira teatral de La Barraca. Federico lo convirtió en su secretario personal, más allá del cargo administrativo que ya ocupaba en la compañía. Rapún, sin embargo, no era homosexual. Tuvieron momentos de intimidad, pero el joven nunca ocultó una heterosexualidad que provocó en Lorca desengaño y sufrimiento.

Esa tensión sentimental quedó registrada en la única carta de Rapún a Lorca que se ha conservado, escrita cuando ambos estaban separados: “Dejar de ver a una persona con la que has estado pensando, durante meses, todas las horas del día es muy fuerte para olvidarlo. Máxime si hacia esa persona se siente uno atraído tan poderosamente como yo hacia ti”.

En noviembre de 1935, Lorca viajó a Valencia para las últimas representaciones de Yerma. Citó a Rapún, que no llegó a comparecer. Desde el Hotel Victoria de esa ciudad, el poeta escribió los diez primeros borradores de los Sonetos del amor oscuro, entre ellos El amor duerme en el pecho del poeta y un Soneto gongorino que arranca así: “Este pichón del Turia que te mando, de dulces ojos y de blanca pluma…”.

El fusilamiento del poeta y el alistamiento de Rapún

El estallido de la Guerra Civil, el 17 de julio de 1936, sorprendió a Lorca en Madrid. El poeta decidió permanecer en Granada, en casa de Luis Rosales, cuyos hermanos militaban en Falange, convencido de que estaría a salvo. La Guardia Civil lo detuvo el 16 de agosto de 1936 y lo acusó de haber sido secretario del ministro Fernando de los Ríos y de su homosexualidad. Lo fusilaron dos días después y la noticia llegó a Madrid, donde vivía Rapún, que decidió alistarse en el Ejército Republicano.

Rapún hizo un curso de artillería en la ciudad de Lorca, en Murcia, y obtuvo la graduación de teniente. Fue destinado al frente del norte, donde las fuerzas republicanas intentaban frenar el avance de la Legión Cóndor alemana, los voluntarios italianos enviados por Mussolini y las brigadas mandadas por el general Dávila. El 15 de agosto de 1937, la Legión Cóndor bombardeó Bárcena de Pie de Concha, donde se encontraban Rapún y sus hombres. Las heridas obligaron a trasladarlo a un hospital de campaña en Santander.

Murió el 19 de agosto de 1937, exactamente un año después del fusilamiento del poeta, a los 25 años. Fue enterrado primero en una tumba sin identificar del cementerio de Ciriego; diez años después, su padre solicitó el traslado de los restos al nicho donde reposan en la actualidad.

“El corazón de un maricón es un océano lleno de secretos” es una frase que puede escucharse del personaje interpretado por la actriz de Avilés en la parte final de la película, cuando se produce una de las grandes revelaciones de la historia que componen Carlos (Milo Quifes), Sebastián (Guitarricadelafuente) y Alberto (Carlos González). Una frase contundente pero detrás de la cual hay un gran significado, explicado por los directores de la película, Javier Calvo y Javier Ambrossi, así como por la propia Yenesi.

“Wow, qué pedazo de frase, El corazón de un maricón es un océano de secretos. Yo me he ahogado en corazones de maricones llenos de secretos. Buceo, llego hasta el fondo, se me cae la bombona y ahí me quedo”, contaba la actriz de Mariliendre, que da vida en la película a una abogada y ayudante del albacea de la familia de Alberto y Teresa (Lola Dueñas), la cual se ha mantenido separada durante años pero a raíz de la repentina muerte del abuelo hace que Alberto tenga que acudir a Cantabria para recibir el último testamento de su lejano pariente. Más allá de lo evidente, que muchas personas homosexuales esconden en su corazón grandes secretos, la frase se trata de un guiño directo a una de las películas de cabecera de los Javis: Titanic de James Cameron.

Un homenaje a una película predilecta

¿Qué descubrí con esta frase? Pues que es una referencia directa a Titanic, que nunca la vi entera, era muy pequeña cuando la pusieron por la televisión", aseguraba Yenesi a Shangay en una entrevista promocional de la película. La referencia a Titanic fue reconocida por los directores de la película, al igual que otras como el cine de Andrei Tarkovsky o Béla Tarr, aunque sin duda parece que este referente tenía un mayor anclaje emocional para ellos.

“Yenesi tiene que decir esa frase porque La bola negra es Titanic. Es una historia de amor imposible”, contaba Javier Calvo en La Ser. “Al leer La piedra oscura de Alberto Conejero, que es el germen de La bola negra, había una intimidad que me llevaba a El paciente inglés o Titanic evidentemente”, secundaba Javier Ambrossi, quien mencionaba otra película de referencia para La bola negra, especialmente en cuanto a su estructura. “Al construir las tres tramas también apareció la idea de Las horas, una peli que fuera apetecible para el espectador, que tuviera esa cosa antibelicista, que tuviera esta cosa antifascista, pero que también fuera una peli que apelara a todas las audiencias y que fuera atractiva. Si vas a hacer una peli grande, vamos a intentar que llegue a la gente!. Dicho y hecho.

Antonio Banderas ha provocado una fuerte polémica en redes sociales tras pedir que se atienda a “toda la realidad completa” de los desahucios en España y no solo al caso de Maricarmen, la mujer desalojada de su vivienda la semana pasada. El actor malagueño hizo estas declaraciones durante una entrevista con la Cadena COPE. El intérprete, ganador del Goya a Mejor Actor Protagonista en 2020 y del Goya de Honor en 2014, defendió que su interés está puesto en el conjunto de personas afectadas por desalojos en el país, y no en un único caso convertido en símbolo mediático.

“Me interesa toda la realidad completa y no una específica para un uso político específico. Pienso en Maricarmen, sí, pero también en los 25.000 desahuciados que ha habido en nuestro país”, afirmó Banderas en la entrevista. Ante la pregunta sobre el desalojo de Maricarmen, el actor sostuvo que se debe evitar el uso de un caso individual con fines políticos concretos, y reclamó una mirada más amplia sobre la magnitud de los desahucios en España. Insistió en que su postura no niega el caso puntual, sino que busca incorporarlo dentro de un panorama más extenso.

Banderas señaló además que el foco mediático podría haber recaído en otra situación similar: “Quizás podría haber salido de otra región española porque también ocurrió hace unas tres semanas con una mujer desahuciada con hijos, más joven que Maricarmen, en Cataluña, que además se suicidó”. Con esta comparación, remarcó que existen otros casos de desahucio que no alcanzaron la misma repercusión pública. “A mí me interesa toda la realidad completa y no una específica para un uso político específico”, repitió el actor, subrayando el eje central de su argumento.

El desahucio de Maricarmen y las protestas en España

Maricarmen, de 87 años, fue expulsada de su vivienda el pasado miércoles después de más de siete décadas viviendo en ella. Su caso se transformó en un símbolo de la situación actual del mercado inmobiliario en España. El desalojo derivó en manifestaciones en distintos puntos del país y en una acampada instalada en la Puerta del Sol de Madrid. Banderas reconoció el peso simbólico que adquirió el caso: “Se ha convertido en un icono y en un símbolo”, dijo el actor sobre la repercusión de la situación de Maricarmen.

El actor trasladó su argumento sobre la necesidad de mirar “toda la realidad” a otros conflictos internacionales, en referencia al lema histórico “No a la guerra”. “No, no a las guerras. Vamos a hablar en plural porque a mí me conmueve cuando veo a un niño palestino salir empolvado como si fuera un boquerón de un bombardeo, pero también me conmovió el 7 de octubre cuando les pasó a los judíos lo que les pasó”, expresó Banderas. El intérprete amplió su lista de conflictos que, según dijo, merecen la misma atención: “También me sigue conmoviendo lo que les pasa a los cristianos en Nigeria o en Sudán y me conmueve también lo que han hecho los hutíes en Yemen”. Con estas referencias, Banderas buscó ilustrar su idea de que la atención pública no debería concentrarse en un único conflicto o causa, dejando de lado otras situaciones de violencia que ocurren de forma simultánea en distintas partes del mundo.

“El mundo es muy amplio, hay mucha violencia, demasiada y a muchos niveles. Apoyar una causa y desaprovechar lo que está pasando en otras me parece que ya tiene un tinte completamente distinto, hay que estar a todas”, concluyó el actor durante la entrevista. Las declaraciones de Banderas, que vinculan el caso de Maricarmen con una reflexión sobre distintos conflictos internacionales, generaron un fuerte revuelo en redes sociales tras su difusión, con ciertas críticas al actor por no apoyar de forma más contundente el caso.

En el podcast Big Bro with Kid Cudi, el músico Scott Mescudi, conocido como Kid Cudi, anunció la participación de Benny X en la banda sonora de Slime, la película animada en la que trabajó junto con la cantante, guitarrista y artista Willow Smith.

Cudi y Smith confirmaron que ya habían terminado las grabaciones de voz. El rapero también contó que preparaba la música de la producción, mientras la animación seguía en proceso. Durante la conversación, ambos reflexionaron sobre la libertad creativa y sobre la manera en que buscan desarrollar sus proyectos sin quedar condicionados por las exigencias de la industria.

Los artistas explicaron que buscaban tomar decisiones que no dependieran de las exigencias comerciales, de las comparaciones sobre sus capacidades o de las formas de promoción en redes sociales.

Smith explicó por qué aceptó participar en “Slime”

Particularmente, reunía dos intereses que había tenido desde joven: la animación y la música. Durante su adolescencia, había escrito dos temporadas de una serie animada, aunque ese proyecto no llegó a realizarse.

Cudi señaló que ambos ya habían terminado las grabaciones de voz y que pudieron trabajar en el mismo estudio.

Smith también valoró que la película pusiera en primer plano a personajes afrodescendientes en un mundo futurista. La cantante sostuvo que ese enfoque coincidía con el tipo de animación en el que quería participar.

Smith y Cudi defendieron la libertad para crear en sus nuevos proyectos

Al hablar de su álbum PETAL rocks BLACK, Smith dijo que tocó la batería, el piano, el bajo y la guitarra, además de participar en los arreglos. Había tomado esa decisión porque sentía que todavía no había desarrollado por completo sus capacidades como instrumentista.

La cantante describió ese proceso como una forma de enfrentar sus inseguridades, sobre todo cuando se comparaba con artistas que admiraba. Cudi retomó esa idea y sostuvo que las influencias no debían convertirse en copias.

Smith citó un consejo que Donald Glover le había dado: “Cuando tenés un espíritu y una personalidad fuertes, si intentás imitar a otra persona, automáticamente va a salir algo que nadie hubiera escuchado antes”.

La charla sobre TikTok mostró dos miradas sobre los cambios en la industria

Cudi dijo que el pedido de su sello discográfico de crear contenido para TikTok reforzó su deseo de dejar atrás ese modelo de trabajo.

En ese sentido, relató que intentó promocionar su obra de una forma que sintiera propia, pero luego sintió que había cedido a una dinámica que no lo representaba. “No puedo esperar a publicar Free. Estoy por ser realmente libre”, expresó.

Smith consideró que la relación entre la industria y el contenido para redes podía resultar asfixiante, aunque introdujo un matiz. Dijo que los artistas debían adaptarse a los cambios si encontraban una manera acorde con su forma de crear.

La diferencia también apareció cuando hablaron de sus discos. Cudi defendió las canciones más festivas de Insano y Nitro Mega, mientras Smith admitió que al principio esperaba de él temas más personales.

Los dos músicos hablaron de tocar “Rose Golden” en una próxima presentación

El diálogo recuperó “Rose Golden”, la canción que grabaron juntos cuando Smith tenía 16 años. Cudi la describió como una colaboración en la que ambos participaron desde el comienzo y sostuvo que sus voces se complementaron.

Los artistas dijeron que querían interpretarla en una próxima presentación, aunque no dieron fecha ni lugar.

Cudi también recordó que, después de una presentación ante más de 70.000 personas que cantaron “Pursuit of Happiness”, escuchó la última canción de un álbum en el que trabajaba y se emocionó al pensar en sus 18 años de carrera. “No eran lágrimas de tristeza. Eran lágrimas de triunfo”, dijo.

Casey Affleck admitió que llamó a Christopher Nolan para resolver una discusión con su hijo sobre la película Tenet, una decisión que después calificó de error. El actor compartió la anécdota durante una entrevista pública en el Festival de Cine de Zúrich, donde también reflexionó sobre su experiencia trabajando con el director. Affleck trabajó con Nolan en Oppenheimer e Interstellar, y aprovechó la conversación en Zúrich para hablar tanto del episodio personal como de lo que significó formar parte del set del director.

“Estaba conduciendo de regreso de la escuela con mi hijo. Hablábamos de Tenet y no estábamos de acuerdo. Dije: ‘Vamos a resolver esto’”, contó Affleck ante el público del festival. La solución que eligieron fue llamar directamente al director de la película para zanjar la discusión. Sin embargo, la respuesta de Nolan dejó al actor con una sensación incómoda. “Lo llamamos y le preguntamos algo que fácilmente podríamos haber buscado en Reddit. Una vez que lo dijo, sonó tan obvio que me sentí avergonzado”, relató Affleck. “Eso fue todo. No lo he vuelto a llamar, y él tampoco me ha llamado a mí”.

Más allá de la anécdota telefónica, Affleck destacó lo que significó trabajar bajo la dirección de Nolan en dos de sus proyectos. Para el actor, la experiencia se diferencia claramente de otros rodajes. “Fue un honor, en verdad. Todos sienten lo mismo. Cuando estás en su set, es diferente a otras películas”, afirmó Affleck. Según describió, el estilo de Nolan combina un trato cercano con instrucciones precisas. “Es inclusivo y da indicaciones mínimas pero brillantes. Hace que todos a su alrededor den lo mejor de sí”, agregó el actor, quien también ha dirigido tres películas propias.

Un ‘outsider’ en Hollywood

Affleck aprovechó la figura de Nolan como ejemplo de una forma de trabajar que él mismo intenta seguir, alejada de las decisiones puramente comerciales. “No tengo una orientación carrerista en mi forma de pensar, y no lo digo con falsa modestia. Simplemente no sabría por dónde empezar”, explicó. “Nolan es un gran ejemplo de eso”. El actor remarcó que, pese al éxito masivo de las películas del director, considera que no responden a una lógica de mercado. “Hace estas películas gigantescas, enormemente populares y exitosas, pero no creo que las haga solo para complacer a otros”, dijo Affleck. “No quiero poner palabras en su boca, pero hace cosas que le interesan a él”, agregó. “Si yo pudiera hacer eso, tendría suerte”.

Affleck ganó el Premio de la Academia por su actuación en Manchester by the Sea, de Kenneth Lonergan, pero calificó la noche de la ceremonia como una experiencia atemorizante. “Esperaba que ganara Denzel Washington [por Fences]. Fue un momento aterrador tener que pararme en ese escenario. No puedo recordar nada de lo que dije”, contó. “Pero sí recuerdo que no agradecí a toda la gente a la que se supone que hay que agradecer. No agradecí a Kenneth, no agradecí a mis hijos, que me alentaron a hacer la película y me apoyaron todo el tiempo. Fue levemente traumático”. El actor también recordó el gesto de un colega tras bajar del escenario. “Recuerdo caminar fuera del escenario y ver a Leonardo DiCaprio parado entre bambalinas. Yo todavía estaba atrapado en un momento de terror y desorientación, y él se estaba riendo y me dio un gran abrazo. Después me sentí mejor”, relató.

Affleck cerró su reflexión sobre el oficio de actuar con una idea sobre el recorrido profesional. “Hay una ilusión de elegir el camino en el que uno quiere estar. El camino te elige a ti”, dijo. “Tienes que encontrar tu manera y cometer todos estos errores. Hacer malas películas, arriesgarte y dar malas actuaciones, no conseguir los trabajos que querías y ver a otra gente conseguir los trabajos que tú querías. Lo bueno de ser actor es que puedes llevarte todos esos sentimientos difíciles y hacer algo con ellos. Es la mejor parte del trabajo”.

El actor escocés Alan Cumming, quien interpreta a Nightcrawler en Vengadores: Doomsday, afirmó que no comprende la trama completa de la película pese a formar parte del elenco. En una entrevista con SiriusXM, Cumming contó además que nunca compartió una escena física con Florence Pugh, ya que fue la doble de acción de la actriz quien participó en las secuencias junto a él. “Para ser honesto, no entiendo del todo el argumento”, dijo Cumming en el programa. El actor explicó que Marvel no le permitió leer el guion completo de la producción, y que ni siquiera durante el rodaje logró tener claridad sobre lo que ocurría en la trama. Cumming remarcó que esa falta de información no se limitó a la etapa previa al rodaje. Según su relato, tampoco pudo despejar sus dudas mientras filmaba sus propias escenas dentro del set.

El actor relató que su función en la película se limitó, según sus propias palabras, a correr por el set. Cumming recordó una de las pocas escenas que filmó en locación real, sin pantalla verde de por medio.“Hubo un momento en que estábamos filmando una escena, y era una de las pocas veces que yo estaba realmente en el set y no frente a una pantalla azul”, relató. “Y este hombre vino y me dijo: ‘Bueno, ahora, Alan, estos robots gigantes están bla, bla, bla’, y empezó a contarme todo eso, y yo pensé: ‘Sabes qué, muchas gracias, pero dime hacia dónde tengo que apuntar lo que sea que tenga que apuntar. Y eso voy a hacer. En serio, solo sé que estoy aquí para correr’”.

Alan Cumming reconoció públicamente que no entiende la trama completa de Vengadores: Doomsday, aunque interpreta a Nightcrawler en la cinta. Según contó en SiriusXM, ni siquiera durante el rodaje de sus escenas logró comprender el contexto narrativo, ya que Marvel no le permitió leer el guion completo del filme. La anécdota del hombre que intentó explicarle la escena de los robots ilustra, según el propio actor, el nivel de hermetismo con el que Marvel maneja la información dentro de sus rodajes. Cumming decidió no insistir en obtener más detalles y limitarse a cumplir con la indicación técnica que necesitaba para su actuación.

El regreso de Nightcrawler tras 23 años

Cumming también relató un cruce reciente con Florence Pugh en la ceremonia de los premios Emmy, donde ambos actores descubrieron que jamás habían actuado juntos de manera directa en la película, pese a compartir una escena en la trama. “Y vi a Florence Pugh ayer en los Emmy”, agregó Cumming. “Y le dije: ‘Qué gracioso, nunca te conocí, pero te pusiste encima de mí, o tu doble de cuerpo lo hizo’. Y ella me dijo: ‘Sí, yo también me puse encima de ti, pero era tu doble de cuerpo’”. El intercambio confirmó que ninguno de los dos actores filmó esa secuencia de forma presencial junto al otro, sino que cada uno trabajó con el doble de acción de su contraparte. La escena, que en la película muestra a ambos personajes en contacto directo, fue en realidad producto del trabajo por separado de los dobles y la posterior edición.

Cumming retoma al mutante Nightcrawler junto a otros intérpretes históricos de la saga X-Men que también regresan en Vengadores: Doomsday: Patrick Stewart, Ian McKellen, Rebecca Romijn y James Marsden. El actor debutó con este personaje en X2: X-Men United, estrenada en 2003, pero no volvió a interpretarlo en ninguna otra entrega de la franquicia. Esto convierte a Doomsday en la primera oportunidad que tiene Cumming de volver a encarnar a Nightcrawler después de 23 años de ausencia en pantalla. La presencia de estos actores, todos vinculados a las primeras películas de “X-Men”, se suma al elenco de Vengadores: Doomsday en lo que constituye un cruce entre distintas generaciones de producciones de superhéroes de Marvel.

Cumming también describió los cambios técnicos en la caracterización de Nightcrawler entre su primera aparición y el rodaje actual. Según explicó, el proceso de maquillaje se redujo de manera considerable gracias a nuevas tecnologías. “Antes eran unas cuatro horas y media para aplicarlo, pero ahora son solo 90 minutos”, explicó Cumming. “Antes, todos los tatuajes se hacían a mano. No los habían decidido antes de que empezáramos a filmar. Ahora, simplemente se los pegan a mi cara. Es un cambio total”. El actor detalló que en 2003 el equipo de maquillaje definía los diseños de los tatuajes del personaje durante el propio rodaje, mientras que en esta ocasión el proceso llegó ya resuelto antes de comenzar las filmaciones, mediante piezas prefabricadas que se aplican directamente sobre su rostro. Vengadores: Doomsday se estrena en cines el 18 de diciembre.

El director ha conseguido sorprender gracias a su frescura y originalidad y a una serie de planteamientos inéditos surgidos de su imaginación, los ‘backrooms’, espacios alternativos que, a modo de ‘scape rooms’, suponen un descenso a los infiernos de nuestra mente, donde habitan las peores pesadillas.

Parsons procede de una nueva generación de directores que han llegado para subvertir las reglas del juego dentro de la industria, que no manejan los códigos habituales, que proceden de internet y que utilizan sus propias herramientas para hacer cine.

“Me formé consumiendo principalmente proyectos cinematográficos en línea y me adentré en todo esto a través de una vía que fomenta una curiosidad real por el mundo en el que vivo físicamente, más allá de cómo podrías procesarlo mediante el arte”, cuenta el director. “Siempre intento encontrar una forma indirecta de procesar esas cosas fuera de cualquier medio específico y delimitado. En la vida nunca recibes un resumen al final que te diga qué hiciste bien y qué hiciste mal; esa falta de un final cerrado es sencillamente propia de estar vivo, y creo que convierte la ambigüedad en un tema ambiental en todo lo que hago”, dice sobre la naturaleza de su cine y, en especial, sobre Backrooms.

Conexión con la generación Z

En cuanto a la revolución de los nuevos cineastas que han acaparado las miradas este año y que han conectado con la generación Z, dando un vuelco a la industria, se muestra prudente. “Eso está todavía por determinarse. Todos quieren venderlo como una fórmula. Hasta ahora, cualquier capacidad que tenga para conectar con esas sensibilidades surge principalmente de la intuición: prejuicios sutiles programados en mi cerebro por haber crecido con internet. A veces puedo expresarlos retrospectivamente, pero a menudo las decisiones que provocan una respuesta de personas de mi edad, con trasfondos similares, son cosas de las que ni siquiera me doy cuenta de que estoy haciendo. Lo que diré es que revisar habitualmente la sección de comentarios de cualquier cosa que estés viendo —algo que hago yo y que hace mucha gente— probablemente desarrolla una mayor capacidad para predecir las repercusiones en redes sociales de una obra de arte, para bien o para mal. Así que puede haber un instinto de relaciones públicas más ‘preprogramado’ en los cerebros de los jóvenes simplemente porque han estado inmersos en esa cámara de eco mientras crecían. Pero depende de la persona, y yo todavía estoy resolviendo esa parte”.

Sobre que se relacione el fenómeno con Obsession, lo tiene claro. “No las describiría como películas similares. Ambas son de bajo presupuesto, pero nosotros tuvimos diez millones de dólares y ellos 750.000 dólares. Sí, entiendo, hasta cierto punto, por qué existe una narrativa vinculada entre dos arquetipos de cineastas de la generación Z que pasaron de YouTube al cine y realizan su trabajo y, casualmente, es el momento adecuado para que esa historia cobre fuerza. Creo que Obsession es una gran película: tiene esa ósmosis cultural que mencioné antes, una comprensión de las ‘microsensibilidades’ sutiles de las personas que se sienten un poco privadas de material original en las salas de cine. Se sintió como si realmente estuviera en la misma sintonía que las personas que crecieron a principios de los años 2000. Pero no he descubierto el único factor definitorio que las vincule”.

Las claves de ‘Backrooms’ según su director

Al director le gusta sintetizar la sensación de realidad, aunque sea algo extravagante y exagerado, pero cree que a través de los lugares oscuros se conecta con el espectador, porque el miedo es algo universal. “Backrooms es una una película muy centrada en la arquitectura, y creo que conectó con personas que han formado relaciones profundas, a menudo tácitas, con espacios que han habitado, como habitaciones de su infancia en las que no habían pensado en 40 años. He visto a mucha gente decir que hizo que su mente volviera a algún espacio por el que deambulaban. Así que el trabajo en YouTube fomentó esa manera de pensar”.

Parsons nunca tuvo en su cabeza delimitar al público por un rango de edad, no trató de prestar atención a la demografía. “Nunca pensé en la película dentro de un contexto de terror. Sabía que sería percibida y comercializada de esa manera, pero yo no la experimento así, porque el objetivo no es tanto asustar u horrorizar como provocar introspección: cuestionar ciertas relaciones entre las personas y el mundo exterior. Cada quien sacará de ella lo que saque, e indudablemente tiene sus momentos de susto. Pero los principios fundamentales ya existían; está basada en una lógica de ciencia ficción dura envuelta en una capa exterior incognoscible y misteriosa, con un núcleo nostálgico”, cuenta.

“En todo caso, funciona como una especie de dispositivo de viaje en el tiempo: una puerta que invita a volver a una época más simple y tangible de tu vida. Para alguien que ha llegado a algunos callejones sin salida, abre muchas posibilidades de regresar o de encontrar cosas que perdió hace mucho tiempo. Así que no creo que haya atraído a un público joven puramente por sus propios méritos; eso es en parte la forma en que internet ha jugado con la idea a lo largo de los años, pero sí parece llegar mucho más allá de eso. Esa es mi divagación”.

A Parsons no le gusta hablar de forma específica de qué va la película, pero sí que da algunas pistas: “Para mí es una manera de procesar las excusas que nos damos como partes individuales de los sistemas abstractos que construimos, cultural y socialmente. Muchas de esas ideas sistémicas más grandes están representadas a través del trabajo que Mary (Renate Reinsve) y Clark (Chiwetel Ejioford) hacen en la película: dónde están en sus vidas, los comerciales que realizan y lo que eso significa respecto a su posición económica en la cultura estadounidense de los años 90. Incluso al final, con el personaje de Mark Duplass, todos los personajes orbitan el mismo vacío, intentando producir una respuesta a partir de algo que esencialmente es una singularidad infinita: no vas a obtener una respuesta. Pero lo intentan, y cada uno encuentra formas de hacer las paces con ello o de lanzarse fuera de ello hacia una vida que sea productiva para ellos. Así que es una meditación sobre aquello que aplazamos y a lo que renunciamos frente a los sistemas que habitamos”.

El director asegura que realmente disfrutaba de lo que hacía en YouTube y cuando el proyecto Backrooms empezó a ganar impulso en 2022, se emocionó. Después se ha ido adaptando a esa sensación con el transcurso del éxito de la película, pero asegura sentirse muy centrado, muy zen, y que su idea es seguir haciendo películas.

Pocas leyendas del cine representan mejor la esencia del western que Clint Eastwood. El actor construyó su carrera a base de protagonizar algunas de las películas más importantes de este género en territorio europeo junto al cineasta italiano Sergio Leone. Más tarde, ya como director, agrandaría su leyenda con otras obras maestras como Sin perdón.

A sus 96 años, Clint Eastwood ya se encuentra retirado, pero no deja de ser poético que la película con la que decidiera retirarse de la actuación fuera, precisamente, un western. Estamos hablando de Cry Macho, una película con la que el legendario intérprete y cineasta se puso por última vez en la piel de un vaquero; en este caso, una exestrella de rodeo y criador de caballos retirado.

En la película, disponible en plataformas como Prime Video (donde se irá el próximo 30 de septiembre) o Movistar Plus, Eastwood nos muestra a un hombre profundamente herido por una caída, varias pérdidas personales y todos los recuerdos que le atormentan. Sin embargo, el encargo de un antiguo jefe (viajar a México para traer de vuelta al hijo de este) deriva pronto en un viaje crepuscular alejada de la acción propia de lo que podría ser un western clásico.

Un proyecto que no se materializaba nunca

Cry Macho, en realidad, llevaba décadas intentando realizarse. Del mismo modo, en 2011, se intentaría relanzar el proyecto con Arnold Schwarzenegger en el papel principal, en el que habría sido el regreso del actor de Terminator tras su mandato como gobernador de California, pero la producción se canceló antes de avanzar. Incluso al propio Eastwood le ofrecieron en los años 90 encabezar la producción, si bien él descartó la idea por estar trabajando en otros proyectos.

De este modo, habría que esperar a 2021 para que Eastwood decidiera hacerse cargo del proyecto, como actor y también como director, y estrenara finalmente la película, la cual cosechó críticas mixtas tras su estreno. “Un corte profundo para los conservadores, un filme para pasar el rato sin nada que demostrar y con suficiente que decir, con buena nota y paisajes desérticos y bonitos”, ensalza una de las reseñas más entusiastas, escrita por el periodista A. O. Scott en The New York Times. “Si conduce el viejo, te aconsejo que subas y lo disfrutes”.

Buena parte del peso de la película recae en Milo, el personaje principal interpretado por Eastwood. Este es un hombre que no presume de fuerza ni de autoridad, sino de experiencia. Además, en su relación con el joven Ragfo retoma uno de los clásicos del cine de Eastwood: el de la paternidad (no necesariamente sanguínea) como una forma de redención para personajes atormentados.

Por otro lado, el relato construye una mirada hacia México como espacio de acogida y comunidad, en contraste con el aislamiento que vive el protagonista, transformado en una convivencia marcada por el afecto y el cuidado mutuo, incluso en la vejez. Eastwood solo dirigiría una película más, Jurado nº 2, aunque en ella no se le volvería a ver frente a las cámaras.

“Porque soy mujer. Y me conformo con ser mujer. Por mi gusto, tiraría a la jabalina, pero debo endulzar naranjas. Debo y quiero”. Quienes hayan visto ya La bola negra reconocerán fácilmente estas palabras de la hermana de Carlos (Milo Quifes) en la película de los Javis. Ahora bien, muy pocos espectadores sabrán que, en realidad, esta escena es la única verdaderamente escrita por Federico García Lorca, el poeta y dramaturgo autor del texto original que inspira la obra cinematográfica.

La adaptación de esta obra de teatro incompleta (y de la que apenas se conservan unas pocas páginas mecanografiadas) ha protagonizado el segundo mejor estreno para el cine español en diez años. Más de 600.000 espectadores han hecho que la producción haya conseguido rozar los 4,7 millones de euros en su primer fin de semana en la gran pantalla. En esto ha contribuido, sin duda, el éxito cosechado por los Javis en la presentación de la película en festivales como el de Cannes (donde fueron premiados por su labor como directores) o el de San Sebastián.

Sin embargo, el éxito de la película también se debe a la popularidad del propio Lorca, un autor tan reivindicado como leído en los últimos años, del que muchos se han preguntado cuánto escribió, en realidad, de todo lo que aparece en La bola negra. En realidad, muy poco: la producción de los Javis se divide en varias líneas temporales y solo en una de ellas se imagina cómo habría podido ser la obra de teatro del escritor granadino, la cual solo tiene mecanografiadas unas pocas páginas donde figuran sus personajes y un breve diálogo entre Carlos y su hermana.

El único diálogo conservado de ‘La bola negra’

De La bola negra se conserva, pues, el dramatis personae, nombre con el que se conoce la lista de personajes que intervienen en una obra literaria y que suele colocarse en las primeras páginas de un texto dramático. Tal y como se puede leer en el Teatro completo de Lorca (publicado por editoriales como Galaxia Gutenberg), en este figuran personajes que también aparecen en la película de los Javis: Carlos, sus amigos Enrique y Lorenzo, su familia, los socios del casino e incluso los esquiadores y la propia nieve, que debía intervenir en la obra con una o más líneas de diálogo.

Del mismo modo, la obra cuenta con una escena para su primer acto, donde Carlos aparece sentado en un diván, donde lo encuentra su hermana diciéndole que debería salir. Es ahí cuando ella le comenta que, si de ella dependiera, saldría siempre a la calle. “¿Y por qué no lo haces?“, le pregunta Carlos. ”Porque soy mujer. Y me conformo con ser mujer. Por mi gusto, tiraría a la jabalina, pero debo endulzar naranjas. Debo y quiero", responde ella, en una línea que también puede escucharse en la película.

Por otro lado, sabemos más de la obra por una carta que Lorca le escribió a su amigo Cipriano Rivas Cherif. En este texto, Lorca detalla la historia de un joven burgués de Granada que intenta ingresar como socio en un casino de la ciudad. Al regresar a casa rechazado, el joven conversa con su padre y da a entender que la verdadera razón de haber recibido la bola negra que lo había excluido en la votación es su homosexualidad. Lorca comentaba en la carta su intención de construir un ambicioso friso social que contaría con 36 personajes. Habría sido la primera obra narrativa del autor en colocar la homosexualidad y el estigma social en el centro de la trama de forma explícita.

El estreno ha congregado a 616.292 espectadores en tres días al sumar los pases especiales, según los datos de Rentrak facilitados por Elastica Films. La recaudación la convierte ya en la cuarta película española más taquillera de 2026 en un fin de semana.

La película ha liderado la cartelera española con el 44,54% de la taquilla nacional y ha sido el único título del ‘top 20’ que ha aumentado sus ingresos el domingo. Su comportamiento diario ha consolidado un arranque ascendente en un mercado dominado este año por franquicias y sagas.

El viernes, día de su llegada a los cines, la producción ingresó 1,31 millones de euros y obtuvo el 46,7 % de la cuota de mercado. El sábado alcanzó 1,64 millones, un 25% más, y el domingo elevó la cifra a 1,72 millones, otro 5% por encima de la jornada anterior.

Uno de los mayores estrenos españoles del año

Con una media de 11.995 euros por sala y 1.480 espectadores por cine, La bola negra ha superado la apertura de Ocho apellidos vascos, la película española con más espectadores de la historia. Aquel filme comenzó su recorrido comercial con 404.020 asistentes y 2,72 millones de euros, antes de cerrar su exhibición con 38 millones.

La distribuidora Elastica Films sostiene que se trata del mejor estreno de una compañía independiente en la historia de España, por encima de los 2,2 millones de euros logrados por [REC] 2 en 2009, distribuida por Filmax. El resultado también supone el mejor debut de un drama hablado en castellano, aunque Lo imposible tuvo una apertura superior con una película rodada en inglés.

La recaudación de la obra protagonizada por Miguel Bernardeau, Guitarricadelafuente, Carlos González y Milo Quifes ha superado los 4,47 millones de euros obtenidos por La Odisea, de Christopher Nolan. Entre los estrenos de producción española de 2026, solo Torrente, presidente, de Santiago Segura, queda por delante.

El filme ha competido en su primer fin de semana con el reestreno de Vengadores: Endgame, el debut de En el corazón de la bestia, que abrió con 1,28 millones de euros, y las películas que continuaban en cartelera, Resident Evil y Coyote VS. Acme. La producción de Calvo y Ambrossi se ha impuesto también a esos títulos internacionales.

Los premios en festivales acompañan el estreno

La película ha recibido el Premio del Público Ciudad de Donostia a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde se ha proyectado fuera de concurso dentro de la sección Perlas. La puntuación obtenida ha sido de 9,40, la más alta para una producción española en el certamen tras superar a La sociedad de la nieve, de Juan Antonio Bayona.

Antes de llegar a las salas, La bola negra también obtuvo el premio del público en el Festival de Toronto. Javier Calvo y Javier Ambrossi compartieron, ex aequo con el cineasta polaco Pawel Pawlikowski, el Premio a la Mejor Dirección del Festival de Cannes, donde la película compitió en la selección oficial.

El estreno de La bola negra es el segundo que entra en el grupo de los diez mejores debuts españoles de la historia en 2026, después de Torrente, presidente. Hasta este año habían pasado más de 15 años sin que un nuevo título se incorporase a esa clasificación.

El director definió la película como una obra distinta de Armageddon Time, aunque ambas parten de elementos vinculados con su infancia en Queens.

Ante el público del Lincoln Center, Gray explicó que buscó una narración de suspenso con referencias al cine de Alfred Hitchcock. El realizador situó a la familia en el centro de un conflicto que altera su vida cotidiana y deja a los personajes sin una comprensión completa de lo ocurrido.

“Quería hacer algo en esa tradición de una familia que amamos, que se ama entre sí, y que se encontrará con el desastre”, afirmó Gray.

James Gray buscó un registro inspirado en Hitchcock

El cineasta explicó que buscó construir el suspenso a partir de distintas situaciones y espacios, entre ellos escenas entre malezas, una irrupción en una casa y una secuencia dentro de un automóvil. Su intención era llevar el relato hacia un registro más intenso y apoyarse en una tradición del cine estadounidense que tomó como referencia.

Entre las películas que mencionó estuvo The Man Who Knew Too Much, la versión dirigida por Hitchcock y protagonizada por James Stewart y Doris Day.

Gray también vinculó esa influencia con el modo en que el cine estadounidense de la década de 1950 abordó indirectamente las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial, en parte debido a las restricciones del código de producción de Hollywood. “Quería hacer algo, francamente, un poco más intenso desde el punto de vista dramático”, sostuvo el director.

El director recurrió a experiencias de su propia vida

El guion incorpora aspectos reconocibles de la biografía de Gray, aunque el realizador insistió en que no se trata de un relato documental. Indicó que su hermano podría identificar elementos familiares, pero aclaró que la película no reproduce los hechos de manera literal.

Para el director, el uso de experiencias personales forma parte de su responsabilidad frente al público. “Es mi trabajo mostrarles lo que tengo, con defectos y todo”, expresó. También sostuvo que el propósito de su cine consiste en ofrecer una visión sincera del mundo y ampliar la empatía hacia sus personajes.

La historia se sostiene en una familia formada por los personajes interpretados por Johansson, Driver y Teller. Gray contó que el proceso de selección avanzó con rapidez debido al calendario de producción y a la disponibilidad de financiación.

El realizador destacó trabajos previos de sus intérpretes. Sobre Teller, mencionó su actuación en Bleed for This, película sobre el boxeador Vinny Pazienza. “No pensé que fuera buena; pensé que era brillante”, afirmó.

Johansson, Driver y Teller construyeron el vínculo familiar en un espacio reducido

Teller explicó que las primeras jornadas de rodaje se concentraron en las escenas dentro de la casa familiar. Según el actor, ese orden ayudó a establecer la cercanía entre los personajes antes de que el conflicto modificara la situación.

“Sabíamos que no había muchos momentos antes de que todo se descontrolara”, comentó Teller. También destacó el trabajo con sus compañeros: “Con Adam, en cada toma, hay algo diferente y está muy vivo”. Sobre Johansson, señaló que su presencia volvía innecesario forzar la actuación.

La actriz relató que el equipo filmó gran parte de las secuencias iniciales en un decorado pequeño y caluroso. Describió la dinámica de trabajo como una convivencia estrecha entre intérpretes y técnicos, quienes debían reorganizarse de manera constante dentro de un espacio limitado.

“Hay que sobrevivir al día porque hacer películas es difícil, y es muy difícil hacerlas en espacios pequeños y cerrados”, manifestó Johansson. Aun así, destacó que esa proximidad permitió fortalecer el vínculo entre quienes participaban del rodaje: “Terminas pasando el rato, hablando, compartiendo historias y sintiéndote más cerca”.

Por su parte, Driver atribuyó la facilidad para crear esa dinámica a la relación entre los protagonistas y a la conducción de Gray. “Hay una admiración mutua entre los cuatro”, afirmó. También consideró que el ambiente de un rodaje depende de quien dirige: “James establece esa cultura, donde todos se sienten libres y seguros”.

El desenlace deja a los personajes sin todas las respuestas

Gray explicó que eligió un final abierto porque le interesa que el relato continúe fuera de la pantalla. El director señaló que ningún personaje posee una visión total de los hechos, una decisión que vinculó con la experiencia de la vida cotidiana.

“En las películas, por lo general, alguien tiene toda la historia”, afirmó. En esta trama, en cambio, los personajes permanecen ajenos al destino de los demás en el cierre.

Driver indicó que el trabajo previo incluyó referencias a tragedias griegas como Áyax y Filoctetes. Según el actor, esas obras ayudaron a pensar el recorrido de Gary, un hombre que pierde el lugar de reconocimiento que antes ocupaba y busca recuperar parte de ese poder.

Johansson destacó que su aproximación se concentró en la condición de su personaje como mujer y en los mensajes que atraviesan varias generaciones. “Pensé en cómo fue criada esta mujer, cómo fue criada su madre y cómo fue criada la madre de su madre”, explicó.

Teller, a su vez, vinculó su participación con la dimensión familiar de la filmografía de Gray. “Sentí una inmensa empatía por esta familia cuando leí el guion”, sostuvo durante la presentación del Festival de Cine de Nueva York.

El animal interpreta a Odin, un perro de combate que acompaña al personaje de Pitt durante una historia de supervivencia en la naturaleza de Alaska.

Detrás de su elección hubo semanas de búsqueda y un proceso de preparación que incluyó entrenamiento, escenas de acción y trabajo específico para conseguir que el animal estableciera un vínculo creíble con el protagonista.

Andrew Simpson, coordinador de animales de Hollywood, fue quien encontró a Uber en Nueva Zelanda después de recorrer criaderos y refugios en busca del perro que pudiera asumir el papel.

Cómo encontraron al perro que interpreta a Odin

Simpson, quien trabajó en producciones como Juego de Tronos, El Renacido y John Wick: Capítulo 3, llegó hasta Heisenberg Kennels, donde encontró a Uber, un pastor alemán de seis años que había trabajado en tareas de búsqueda y rescate.

El animal llamó su atención desde el primer encuentro. “Él simplemente tenía esa madurez que necesitábamos”, explicó a GQ sobre las características que lo llevaron a elegirlo.

La película exigía que el perro pudiera participar tanto de escenas emocionales como de secuencias físicas. Por eso, el equipo necesitó otros animales para determinadas acciones. Uber había sido padre de más de diez camadas, lo que permitió localizar a Ryker y Zika, hermanos de camada, y a Hondo, su medio hermano menor.

Los tres funcionaron como dobles de acción del protagonista canino. “A menudo tenemos que hacer una coloración extensa o cambiar el pelaje y los patrones”, explicó Simpson. En este caso, señaló que los perros tenían rostros tan parecidos que “fueron los reemplazos más parecidos que hemos tenido en cualquier película”.

Tres semanas para crear el vínculo con Brad Pitt

Uno de los principales desafíos fue conseguir que Uber pudiera comportarse frente a Pitt como si existiera entre ambos una relación previa. El actor tuvo apenas tres semanas de entrenamiento junto a los perros.

“Lo más difícil es tomar un perro y de repente hacer que parezca que pertenece a otra persona”, explicó Simpson. El coordinador detalló que Pitt comenzó a acercarse al animal de manera progresiva: se sentaba en la jaula de Uber, trabajaba con su computadora y realizaba llamadas para que el perro se acostumbrara a su presencia.

Después, el actor empezó a trabajar con órdenes básicas como sentarse, tumbarse, acercarse y rodar. El objetivo era que ambos entendieran sus tiempos antes de incorporar la coreografía de las escenas.

Para Simpson, la predisposición del intérprete fue determinante. “No hay nada peor que trabajar con un actor que no quiere ensuciarse contigo. Eso es lo que crea la conexión”, sostuvo. Según su relato, Pitt se involucró desde el comienzo y terminó generando un vínculo con Uber.

El perro que tuvo que aprender a hacer escenas de riesgo

El rodaje incluyó secuencias con agua, troncos y ataques de lobos. Una de las escenas que más preocupó a Simpson fue el cruce de un puente de troncos ubicado a cierta altura.

El coordinador de especialistas Allan Poppleton diseñó un sistema de cables conectado a un arnés militar que el perro utilizaba durante la escena. “Le colocamos puntos de anclaje especiales en el arnés para poder controlarlo de forma segura, igual que a Brad”, explicó.

El equipo también construyó una estructura similar a la del rodaje para que los perros pudieran entrenar antes de enfrentarse al escenario real. La preparación permitió determinar cuál de ellos se sentía más cómodo con cada tipo de actividad.

Simpson remarcó que los animales no eran forzados cuando rechazaban una acción. Durante una escena que requería un salto al agua, el perro seleccionado inicialmente se negó. “Cuando un animal dice: ‘Esto no es para mí’, no tiene sentido forzarlo”, afirmó.

Cómo recrearon los ataques de lobos

La producción tampoco recurrió a los lobos que Simpson posee junto a su esposa y coentrenadora en su rancho de Alberta. El especialista explicó que no pudieron trasladarlos a Nueva Zelanda debido a las medidas de bioseguridad del país.

Para las escenas se utilizaron marionetas con aspecto de lobos, entrenadores y efectos visuales. Los perros fueron preparados para interactuar con las estructuras y realizar movimientos determinados, mientras que en otras secuencias el equipo de especialistas utilizó trajes digitales que posteriormente fueron reemplazados por lobos mediante efectos visuales.

Uber también tuvo un lugar especial en los créditos

La participación del pastor alemán terminó siendo tan relevante que Brad Pitt impulsó que Uber recibiera el primer lugar en los créditos. Simpson señaló que se trató de una situación inédita dentro de su trayectoria.

Después del rodaje, los animales regresaron con sus dueños. Simpson contó que la despedida fue especialmente emotiva para entrenadores y propietarios. “Cuando los dueños llegaron y tuvimos que devolverles los perros, todos los entrenadores lloraron”, relató.

Uber, por su parte, continúa como perro reproductor. Simpson mantiene el contacto con sus propietarios y señaló que espera poder quedarse algún día con uno de sus cachorros como recuerdo de la producción.

Alberto Cortés, nacido en Málaga en 1983, tiene 43 años y ha desarrollado su carrera en las artes escénicas. Su aparición en la película de Javier Ambrossi y Javier Calvo, dura menos de tres minutos dentro de un filme de más de dos horas y media.

La película entrelaza tres vidas de épocas distintas a través del deseo, el dolor y la memoria y parte de un proyecto teatral inacabado de Lorca del que se conservan cuatro páginas manuscritas y dialoga con La piedra oscura, la obra de Alberto Conejero que imagina un encuentro entre Rafael Rodríguez Rapún, miembro de La Barraca y pareja del poeta, y un soldado.

Quién interpreta a Federico García Lorca

Cortés ha construido su carrera entre el teatro, la danza, la poesía y la performance. Se formó en Dirección Escénica y Dramaturgia en la ESAD de Málaga y en Historia del Arte en la Universidad de Málaga, y comenzó su trayectoria escénica en 2009.

El creador suele escribir, dirigir e interpretar sus propios montajes. Entre sus trabajos figuran El ardor, Hollywood, Masacre en Alaska y la pieza One night at the Golden Bear.

También es autor de Analphabet, propuesta que ha recorrido festivales y teatros nacionales e internacionales. En 2024 publicó Siempre vengo de noche, un volumen que reúne el texto de esa obra y un cuaderno de notas sobre su proceso escénico.

La elección del malagueño surgió durante la búsqueda de un intérprete que pudiera encarnar una dimensión queer de Lorca. Javier Calvo, codirector de la película, ha explicado a que leyó Siempre vengo de noche y se preguntó qué rostro tendría su autor: “Porque Lorca tenía que ser un poeta queer. Cuando lo encontré vi que no se parecía… pero que podría parecerse”.

Ambrossi ha resumido el resultado de la prueba de selección con una frase: “Le hicimos una prueba… y era él”. El parecido físico entre Cortés y el autor de Romancero gitano ha llamado la atención de los espectadores desde la difusión de las primeras imágenes de la película.

La escena de Lorca que se negaron a eliminar

La presencia de Lorca no estuvo prevista desde el principio. Ambrossi ha reconocido que durante una larga etapa el proyecto fue “la peli de Lorca sin Lorca”, mientras que Calvo defendió conservar la secuencia pese a las recomendaciones en contra: “Todo el mundo nos decía que elimináramos esa escena y yo pensando: ¿Pero cómo voy a cortar el diálogo más bonito que hemos escrito en nuestra vida?”.

El diálogo que Calvo quiso preservar incluye estas palabras: “Si me muero, que se enteren los señores. España tiene demasiadas historias de amor enterradas en los campos. Hay que arañar la tierra para que salgan”. Los directores habían consultado con sobrinas del poeta, visitado la fundación y examinado el manuscrito original de La bola negra, además de leer su obra y textos de personas de su entorno.

La reconstrucción cinematográfica remite a la historia de Lorca y Rapún. El poeta fue asesinado en 1936 y Rapún murió en 1937 tras resultar herido durante la guerra.

Cortés ha descrito su aproximación al personaje desde las afinidades que percibe entre ambos: la escritura, Andalucía, el deseo y la identidad homosexual. “Me acerqué a él desde el autor de teatro, desde el poeta, desde el marica andaluz que escribe sus propias creaciones”, ha dicho al Diario Sur.

En conversación con la Cadena SER, el intérprete ha definido la propuesta de los directores como “un regalo” y ha afirmado: “He conectado con el marica amante y con el autor”. Para él, Lorca conserva vigencia por las preguntas sobre amor, deseo, belleza, vulnerabilidad y libertad presentes en su obra.

El artista acaba de publicar Libro de las devociones, que reúne un intercambio epistolar con el religioso Fernando Donaire, el texto teatral El corazón de Ester y el poemario Los chicos de la playa Adoro.

En estos momentos se está rodando una película sobre Federico García Lorca por parte de Fernando Franco y el actor elegido ha sido Nacho Sánchez. Otros intérpretes que se han metido en el papel han sido Andy García, en Muerte en Granada, Ángel Ruiz, en El Ministerio del Tiempo o Nickolas Grace en Lorca, muerte de un poeta, de Juan Antonio Bardem.

El largometraje se ha estrenado mundialmente en el Festival de Cine de Nueva York y las críticas coinciden en que la película combina el género kaiju con una historia familiar marcada por el Japón de posguerra.

La producción es el primer largometraje japonés rodado en IMAX. Yamazaki, que figura también como responsable de los efectos visuales, ha contado con un equipo de VFX mayor que el de Godzilla Minus One, la entrega de 2023 que ganó el Oscar por sus efectos y reactivó la franquicia de Toho.

La amenaza inicial llega a la ciudad de Matsumoto: King Ghidorah, todavía con una sola cabeza, arrasa la población antes de desarrollar su forma de dragón tricéfalo. Sus alas provocan vientos de fuerza huracanada y sus mandíbulas lanzan haces electromagnéticos capaces de elevar edificios, trenes y otros objetos antes de estrellarlos contra el suelo.

Qué ocurre en ‘Godzilla Minus Zero’

La acción transcurre dos años después de los sucesos de Godzilla Minus One. Japón intenta recuperar una apariencia de normalidad mientras Godzilla permanece en el fondo del océano, donde se le daba por destruido tras el ataque de 1947, pero Ghidorah abre una nueva crisis con su irrupción sobre Matsumoto.

El monstruo llega a las montañas japonesas tras la caída de un meteorito y el kaiju pasa periodos de hibernación en las colinas de Nagano. La película deja al margen buena parte de la mitología previa del personaje, que en otras entregas fue vinculado a invasores alienígenas, viajes temporales y la destrucción de Venus miles de años antes.

El profesor Kanji Murakami, interpretado por Min Tanaka, estudia criaturas biológicas y ha sobrevivido al bombardeo de Hiroshima, al ataque de Ginza de la película anterior y a la devastación de Matsumoto. Su experiencia conecta el relato con la historia de la guerra y con el daño físico que han dejado los ataques de los kaiju sobre la población.

Las autoridades japonesas prueban bombardear a Ghidorah con aviones y armas prestadas por Estados Unidos, pero el ataque solo despierta al monstruo. Variety describe una batalla aérea entre media docena de aeronaves y la criatura, mientras que The Hollywood Reporter destaca la capacidad de Ghidorah para regenerarse y resistir el armamento convencional.

Cuando Godzilla reaparece completamente regenerado frente a la costa, Murakami interpreta su regreso como una posibilidad para enfrentar a ambos monstruos. El plan de la Oficina de Respuesta ante Desastres a Gran Escala consiste en atraerlos al mismo lugar para que combatan entre sí: el superviviente quedaría herido y debilitado antes de que las fuerzas humanas intentasen eliminarlo.

La familia vuelve al centro de la historia

La batalla no desplaza a los personajes humanos que sostenían Godzilla Minus One. Kōichi Shikishima, el antiguo piloto kamikaze de la Segunda Guerra Mundial interpretado por Ryunosuke Kamiki, vive ahora con Noriko, encarnada por Minami Hamabe, y con Akiko, la niña huérfana a la que ambos acogieron y que ya tiene siete años.

La familia también cuenta con el apoyo de Sumiko, la vecina interpretada por Sakura Ando, que perdió a los suyos durante la guerra y ejerce como una figura de tía para Akiko. La convivencia que Kōichi ha conseguido levantar vuelve a quedar amenazada por la destrucción de Ghidorah y por el retorno de Godzilla.

Noriko arrastra las consecuencias del ataque de Ginza: sobrevivió con un parche en el ojo y presenta una recuperación física anómala. Un médico investiga los efectos de la exposición al tejido celular de Godzilla en las víctimas de los ataques, y esa condición de Noriko puede convertirse en un elemento útil para combatir a los monstruos.

Kōichi se resiste a volver a pilotar un avión de combate. Su dilema ya no se limita a la culpa por haber sobrevivido a la guerra, sino que enfrenta el deber de intervenir ante la amenaza con la responsabilidad de seguir vivo para Noriko y Akiko.

El ingeniero naval Kenji Noda, interpretado por Hidetaka Yoshioka, dirige la respuesta contra Ghidorah y reúne a antiguos compañeros junto a dos incorporaciones: la meteoróloga Makoto Aoyama, a quien da vida Masami Nagasawa, y Murakami. Aoyama detecta que el dragón responde a la fuerza electromagnética de un sistema de tormentas que se mueve con rapidez.

‘Godzilla Minus Zero’ recupera el trauma atómico

La película presenta a Godzilla como una presencia ligada a la ansiedad nuclear, los desastres naturales y la devastación de la posguerra japonesa. The Hollywood Reporter considera que esa especificidad cultural diferencia a las dos películas de Yamazaki de las producciones estadounidenses de la saga, donde el componente humano resulta menos desarrollado.

El crítico Owen Gleiberman sostiene en Variety que los monstruos adquieren una dimensión casi divina: Godzilla carga sus placas dorsales y libera una descarga radiactiva capaz de destruir una ciudad, mientras Ghidorah emite rayos anaranjados desde sus cabezas.

Yamazaki sitúa la historia en los últimos años de la década de 1940, el periodo en el que la saga encuentra su raíz espiritual antes del estreno del Gojira original en 1954. Tanaka nació el 10 de marzo de 1945, la fecha del bombardeo incendiario de Tokio, citado por Variety como el ataque aéreo más mortífero de la historia humana.

Las reseñas destacan dos grandes secuencias de monstruos: el combate aéreo sobre Matsumoto y el choque final entre Godzilla y Ghidorah. IndieWire, señala que el enfrentamiento culminante ha permitido a la franquicia obtener por primera vez una clasificación para mayores de edad R y afirma que, en todos los sentidos, esta secuela supera a su predecesora.

Robert Pattinson ha descartado que su Batman pueda integrarse con naturalidad en el DCU de Gunn, al considerar que la versión de Bruce Wayne creada por Matt Reeves pertenece a un universo de tono tan definido que sacarla de él resultaría difícil. El actor retomará el personaje en The Batman Part II, cuyo estreno está previsto para el 18 de febrero de 2028.

Robert Pattinson ha explicado que el Batman de esta nueva etapa, tendría problemas para relacionarse con otros superhéroes del universo cinematográfico de James Gunn, incluido el Superman interpretado por David Corenswet.

En una entrevista con LADbible, el intérprete ha atribuido esa incompatibilidad al proceso de rodaje y a la atmósfera de la saga. “Creo que sería bastante difícil sacar esta versión de Bruce de ese mundo”, ha afirmado.

El actor ha descrito una experiencia absorbente, marcada por la duración de las filmaciones y el estilo particular de las películas. “El tono se te mete dentro. Recuerdo que me pasó la última vez que lo hice y tardé un tiempo en recuperarme”.

Por qué este Batman no encaja en el DCU

Pattinson ha añadido que durante meses permanece “en la oscuridad todo el tiempo”, tanto por el ánimo como por la iluminación de los rodajes. “No puedo ver nada durante meses. Te afecta; después te sientes raro”, ha dicho sobre las consecuencias de encarnar al vigilante de Gotham.

The Batman de Matt Reeves se estrenó en 2022, una aproximación más oscura al personaje que las películas anteriores. La historia adoptaba la forma de un noir criminal psicológico y se alejaba de la acción convencional de superhéroes.

La trama situaba al Batman de Pattinson ante la corrupción oculta de Gotham después de que un asesino en serie sádico comenzara a matar a figuras políticas relevantes de la ciudad. Ese enfoque reforzó el carácter autónomo de una película concebida como relato independiente.

Así, la estrategia de Reeves se vio como una apuesta por llevar el personaje a un terreno más sombrío incluso que El caballero oscuro, más letal que Sin tiempo para morir y más extenso que Dune.

La distancia tonal con el nuevo universo de James Gunn se aprecia en Superman, estrenada en 2025. El crítico Owen Gleiberman escribió que la película no era “oscura”, sino una historia “alocada, dinámica y multifacética” con auténticas apuestas emocionales.

La secuela supondrá un giro radical

Pattinson ha adelantado a Collider que The Batman Part II supondrá “un giro radical” respecto a la primera entrega. “La primera era una versión distinta de una película de Batman, y esta es otra”, ha explicado.

El actor ha precisado que la continuación conservará elementos de la sensación que transmitía el filme de 2022, aunque la considera “muy ambiciosa”. La secuela reunirá de nuevo a Pattinson con el universo cinematográfico definido por Reeves y ya se perfila como uno de los estrenos más esperados a largo plazo por los fans de la franquicia.

La película animada Mary y Max debutó por primera vez en cines de México este 24 de septiembre de 2026, 17 años después de su lanzamiento comercial en Australia.

El filme de stop-motion llegó a las pantallas mexicanas impulsado por la recepción en taquilla de Memorias de un caracol, obra del mismo cineasta, Adam Elliot, que recaudó 87.2 millones de pesos en el país durante su exhibición.

La producción previa de Adam Elliot acumuló 1.4 millones de espectadores en salas nacionales y se posicionó como la cinta internacional con mayor asistencia en la historia de la Cineteca Nacional, al registrar 118,786 asistentes.

Un nuevo doblaje latino acompaña la exhibición en cines

El director australiano Adam Elliot escribió y dirigió Mary y Max en 2009 como su primer largometraje, producido mediante la técnica artesanal de modelado en plastilina o claymation.

La cinta inauguró el Festival de Cine de Sundance en enero de 2009 y tuvo su estreno oficial en salas australianas el 9 de abril de 2009, antes de llegar al público mexicano en formato doméstico.

La distribuidora del filme es Cine Caníbal, quienes confirmaron que la exhibición en cadenas comerciales incluye un doblaje en español latino diseñado de forma exclusiva para el mercado de México.

La actriz Regina Blandón presta su voz al personaje de Mary Dinkle, mientras que el creador de contenido Javier Ibarreche interpreta a Max Horowitz en la versión adaptada para cines mexicanos.

El locutor Arturo Mercado asume la narración de la historia en el doblaje latino, espacio que en la versión en inglés ocupó el actor británico Philip Seymour Hoffman junto con Toni Collette.

La soledad urbana y el síndrome de Asperger a través de las cartas impulsan la trama

El cineasta Adam Elliot declaró que buscaba algo auténtico que reflejara la vida real porque es caótica, al explicar la vigencia de su obra en animación.

El realizador ofreció una proyección especial y una clase magistral en la Ciudad de México el 21 de septiembre, previo al ingreso de la película a la cartelera nacional.

El director sostuvo que la historia conectó a la distancia con el público mexicano debido a que comparten valores ligados a la empatía y la resiliencia humana.

La trama se sitúa a mediados de la década de 1970 y sigue el intercambio de cartas entre dos personas que viven en continentes diferentes y enfrentan aislamiento social.

Mary Dinkle es una niña de ocho años que habita en los suburbios de Melbourne, hija única de una madre con problemas de alcoholismo y un padre ausente.

Max Horowitz es un hombre de 44 años con síndrome de Asperger que vive en Nueva York y padece crisis de ansiedad recurrentes ante la interacción social urbana.

La técnica artesanal de claymation requirió años de producción fotograma por fotograma

El vínculo por correspondencia inicia de forma casual cuando la protagonista elige una dirección al azar en una guía telefónica estadounidense para enviar su primera carta.

A lo largo de dos décadas, los personajes intercambian cartas, chocolates y objetos personales que retratan de forma detallada sus vivencias cotidianas, miedos y descubrimientos personales.

La producción requirió el modelado manual de cientos de marionetas de plastilina y escenografías a escala para recrear los contrastes visuales entre Melbourne y Nueva York.

El equipo de animación empleó una paleta de colores en tonos marrón para el entorno australiano y tonos grises para el escenario neoyorquino, con el fin de reflejar el estado emocional de los protagonistas.

El proceso de filmación del largometraje tomó cerca de cinco años de trabajo artesanal continuo debido a la complejidad técnica del rodaje fotograma por fotograma.

El filme de stop-motion llega por primera vez cines mexicanos tras 17 años

La llegada del largometraje a cines de México se concreta mediante proyecciones en las cadenas Cinépolis y Cinemex de las principales ciudades del país.

La obra de animación independiente se proyecta en salas comerciales con una duración total de 92 minutos, apta para público adolescente y adulto.

El recorrido comercial de la película se da tras haber permanecido 17 años sin exhibición formal en la red de cines mexicanos a pesar de su reconocimiento internacional.

El público mexicano adoptó la película desde su circulación informal en formato DVD y plataformas digitales, consolidando una comunidad de seguidores en el país.

El reestreno y debut en pantalla grande marca la primera ocasión en que el trabajo de animación de Adam Elliot cuenta con distribución masiva en salas cinematográficas mexicanas.

El 10 de septiembre de 1963, la entrada más codiciada de la ciudad era para el estreno, con todas las entradas agotadas, del primer Festival de Cine de Nueva York. Aquella noche, unas 2.300 personas abarrotaron una sala del Lincoln Center para ver El ángel exterminador, de Luis Buñuel, una de las 22 películas seleccionadas para la programación principal. Antes de la llegada del video doméstico, podían pasar años hasta que una película en lengua extranjera se estrenara en los cines estadounidenses, y los cinéfilos más atrevidos estaban ansiosos por verlas.

Ese año, la gran película de Hollywood era Cleopatra, una epopeya kitsch y costosa con una Elizabeth Taylor ataviada de joyas en el papel protagonista. Fue un éxito de taquilla, pero también estuvo a punto de arruinar a la 20th Century Fox, lo que llevó a su propio productor a calificar todo el proyecto de “una locura” y a los observadores del sector a preguntarse si Hollywood podría sobrevivir si continuaba por ese camino irracional.

Los programadores del Festival de Cine de Nueva York sabían que el cine era algo más que la pomposidad de los estudios, y sus horizontes eran más amplios, más extravagantes y más ambiciosos desde el punto de vista estético. Más de medio siglo después, la industria sigue sumida en la agitación, mientras que el festival parece más fuerte y más inteligente que nunca, tras haber sobrevivido a las tormentas de Hollywood, las crisis financieras, un público voluble, los cambios en la dirección y, por supuesto, la pandemia.

Hay otros festivales más grandes y llamativos, pero lo que ofrece este evento neoyorquino es el cine en toda su esplendorosa diversidad. Hay selecciones de ficción y documentales procedentes de prácticamente todas partes (incluso de Hollywood), con una programación internacional que incluye 74 largometrajes y muchísimos cortometrajes. Como es habitual, los programadores han seleccionado obras de festivales anteriores, como Cannes, pero la oferta de este año también incluye estrenos mundiales de Paul Thomas Anderson, Ava DuVernay, Tony Gilroy y Luca Guadagnino. Incluso hay una nueva película de Godzilla. El festival tiene variedad y garra.

Este año, los grandes estudios se han mostrado reacios a proyectar sus películas en festivales, pero, de alguna manera, se ha hecho una excepción con Behemoth, de Gilroy. Se trata de un estudio de personajes puntillista sobre un violonchelista interpretado con gran emotividad por Pedro Pascal (con un impresionante manejo del arco), y la película la estrena Searchlight Pictures, una división propiedad de Disney del antiguo estudio Fox. Es una alegría ver a Gilroy, autor de películas como Michael Clayton y showrunner de Andor, volver a dirigir para la gran pantalla. Espero que siga en esto.

El festival lleva mucho tiempo dando cabida a documentales, incluso en la programación principal, otorgando a la no ficción un protagonismo del que no siempre goza en eventos similares. (El documental sobre el concierto de Anderson, Cameron Winter at Carnegie Hall, no estaba disponible en el momento de cerrar esta edición.) Y 14th es la exploración políticamente urgente que hace DuVernay de la enmienda constitucional del mismo nombre, que garantiza la ciudadanía por nacimiento, y una sólida obra complementaria a 13th, su documental de 2016 sobre dicha enmienda. Junto con un amplio elenco de expertos apasionados y cautivadores (Eric Foner, Sherrilyn Ifill, David W. Blight), DuVernay traza una línea directa entre el mito de la “Causa Perdida”, el 6 de enero y las repetidas afirmaciones del presidente Trump de que no perdió las elecciones presidenciales de 2020.

El impactante documental NAZA es una obra dura, pero imprescindible. Se trata de la última obra de Yuval Abraham y Rachel Szor, dos israelíes que, junto con dos colegas palestinos, dirigieron en 2025 el documental No Other Land, sobre el conflicto israelo-palestino en su conjunto. En esta ocasión, Abraham y Szor se centran en las acciones del ejército israelí tras los ataques perpetrados por Hamás el 7 de octubre. Las revelaciones de la película son similares a las informaciones publicadas en The Guardian y otros medios, y se basan en entrevistas nocturnas realizadas en una azotea de Tel Aviv a oficiales de inteligencia y soldados israelíes anónimos. Con detalles escalofriantes y algún que otro dibujo, los entrevistados describen los métodos secretos utilizados en el bombardeo de Gaza, secciones que los cineastas intercalan con imágenes frías y distantes, casi de vigilancia, de la ciudad y de sus habitantes en su vida cotidiana.

Tanto NAZA como el documental estadounidense Once Upon a Time in Harlem se estrenarán próximamente en los cines. Harlem es una auténtica delicia y un triunfo de la perseverancia heroica. En 1972, el gran director afroamericano William Greaves (Symbiopsychotaxiplasm: Take One) reunió a un grupo de veteranos del Renacimiento de Harlem para celebrar una fiesta en la casa adosada de Duke Ellington. Con las cámaras en marcha, el ingenio a flor de piel y el alcohol fluyendo, estos hombres y mujeres —con profundidad, alegría contagiosa y algunas discusiones animadas— hicieron que el pasado cobrara vida en el presente. Greaves, que falleció en 2014, no tuvo la oportunidad de completar el proyecto. Esa tarea recayó en su hijo, el cineasta David Greaves, quien ha realizado una película que rinde homenaje al director original y a sus protagonistas.

La gente no deja de preguntarme si he visto You Can See Everything, el documental de Nathan Fielder y Lance Oppenheim sobre la empresaria de Silicon Valley caída en desgracia Elizabeth Holmes. Lo he visto, y es alucinante. También es una investigación aguda y autorreflexiva sobre la seducción de la fama, la naturaleza de la verdad y las complejidades del propio cine documental. Holmes, fundadora de la start-up de análisis de sangre Theranos, fue condenada por fraude en 2022 y enviada a prisión. Los cineastas comenzaron a rodar el documental antes de que Holmes estuviera entre rejas y tuvieron un acceso extraordinario. A lo largo de tres horas apasionantes —con Fielder en pantalla actuando como interlocutor a la vez cauteloso y comprensivo—, los cineastas buscan insistentemente respuestas en un abismo de significado.

Suena desolador, pero, aunque You Can See Everything pueda dejarte pálido, a menudo también resulta sorprendentemente divertida, una cualidad muy de agradecer que comparte con la película de ficción de Guadagnino, Artificial. Escrita por Simon Rich, narra la trayectoria meteórica de Ilya Sutskever (Yura Borisov), un informático nacido en la Unión Soviética que, tras estudiar redes neuronales artificiales con el futuro ganador del Premio Nobel Geoffrey Hinton (Mark Rylance), conoce a un excéntrico emprendedor llamado Sam Altman (un sensacional Andrew Garfield). Junto con otros personajes ambiciosos —la astuta y cómica interpretación de Ike Barinholtz como Elon Musk es otro de los puntos destacados—, Ilya y Sam fundan OpenAI, atraviesan diversas crisis (financieras, éticas), están a punto de fracasar estrepitosamente y dan un vuelco a la realidad.

Al igual que otras películas recientes sobre el mundo tecnológico, Artificial y You Can See Everything subrayan que, entre otras cosas, Silicon Valley aprendió algunas lecciones cruciales de Hollywood, incluido el atractivo —para inversores, trabajadores, periodistas y público— de las historias de éxito simplistas y fácilmente comercializables. A veces, la historia tiene tintes de remake barato (Holmes le gustaba llevar jerseys de cuello alto negros, al estilo de Steve Jobs) y un final con giro inesperado. En ocasiones, el talento original puede ser sustituido, como ocurrió cuando Sutskever ayudó a echar a Altman de OpenAI. (¡Altman se recuperó!) Y mientras Hollywood sigue funcionando a base de vapores, la “fábrica de sueños” de la tecnología no da señales de ralentizarse.

Sin embargo, hay una gran variedad de historias más, y el festival ha seleccionado algunas para cada tipo de espectador comprometido que se pueda imaginar. Entre otras de las mejores selecciones de este año se encuentra Rose, de Markus Schleinzer, una película visualmente impactante y discretamente conmovedora, protagonizada por Sandra Hüller en el papel de una mujer del siglo XVII que se hace pasar por un hombre, abandona el campo de batalla como soldado y se adentra en una vida sorprendente y llena de acontecimientos como granjera. La actriz también protagoniza otro drama en blanco y negro de magnífica fotografía, Fatherland, de Paweł Pawlikowski, sobre un viaje cargado de tensiones psicológicas y políticas que el escritor Thomas Mann realizó con su hija Erika en la Alemania de la posguerra. Y no te pierdas The Dreamed Adventure, de Valeska Grisebach, sobre una arqueóloga (una fantástica Yana Radeva) que, mientras supervisa una excavación en Bulgaria, se topa con un enredo de complicaciones.

Todas estas son razones para estar agradecidos al Festival y a su equipo de programadores, liderado por el director artístico Dennis Lim. Juntos, contribuyen a mantener viva la cultura cinematográfica de la ciudad, en parte atrayendo a un público más joven: el año pasado, el 59% de los asistentes tenía entre 21 y 44 años. Durante demasiado tiempo, una de las críticas más absurdas sobre este evento era que resultaba anticuado, lo cual solo era cierto porque el festival nunca se ha ajustado a ideas sin sentido sobre lo que son las películas. Esa es la misma razón por la que se le ha acusado de elitismo, una acusación ridícula, ya que, por supuesto, este evento comisariado por el Lincoln Center es un acto elitista. Hoy en día, sin embargo, sobre todo dada la mediocridad que inunda las plataformas de streaming, un poco de elitismo —o como quieras llamarlo: sensibilidad, amor por el arte, intuición por el medio, buen gusto— no solo resulta atractivo, sino que es esencial.

El Festival de Cine de Nueva York se celebra hasta el 12 de octubre. Para más información, visita filmlinc.org.

Manohla Dargis es la crítica de cine jefa de The Times.

Fuente: The New York Times.

Fotos: Procine_oficial; YouTube: SearchlightPictures; Paul Garnes/ Netflix vía AP; Venice Film Festival vía AP.

El actor sostuvo que el afecto por otra persona o por un animal puede activar una fuerza que no siempre surge del cuidado propio. La conversación giró alrededor de una historia centrada en James y Odin, un perro que acompaña al personaje en un entorno aislado.

Pitt y Ayer también abordaron la presión de los rodajes, la amistad entre hombres, la preparación profesional y la necesidad de construir relaciones donde sea posible expresar miedos e inseguridades.

Brad Pitt situó el amor por Odin como motor de la historia

En diálogo con el conductor Jake Humphrey, el actor de 62 años explicó que la película muestra cómo un personaje encuentra razones para resistir cuando sus recursos se reducen. Señaló que las personas no siempre se cuidan a sí mismas con la misma determinación que muestran ante alguien a quien aman.

“No siempre somos lo mejor para nosotros mismos. No siempre nos cuidamos tanto. Pero cuando tienes a otro al que amas incondicionalmente, de ahí sale una fuerza increíble”, afirmó Pitt en el podcast.

Según el intérprete, esa idea guía el recorrido de su personaje. “Pelearías hasta la muerte por esa persona o esa cosa”, agregó, e identificó el vínculo con Odin como el impulso que sostiene al protagonista.

Ayer describió un despojo material y físico progresivo de James durante su permanencia en la naturaleza. “Tiene su avión y está haciendo una especie de glamping. Lleva todo su equipo, y luego se lo quitan. Después le quitan más cosas. Le quitan la salud y la movilidad”, explicó.

Para Ayer, hay un elemento que permanece intacto en medio de esa situación. “Lo único que no pueden quitarle es su corazón, su amor por Odin, su necesidad de proteger y cuidar a alguien fuera de sí mismo”, señaló el cineasta.

La amistad y la vulnerabilidad atravesaron la conversación

El entrevistador citó una cifra según la cual el 15% de los hombres estadounidenses afirma no tener amigos cercanos. A partir de ese planteo, Ayer defendió la necesidad de contar con personas ante quienes sea posible mostrarse sin máscaras.

“Una de las cosas más importantes que puedes tener es la capacidad de ser vulnerable con alguien que realmente te conoce”, sostuvo. El director definió a esas personas como “testigos de vida”, alguien que conoce el recorrido personal del otro.

Ayer añadió que recibió sus mejores consejos de quienes estaban cerca en momentos difíciles. También relacionó esa experiencia con la relación entre una persona y un perro: “No tienes que usar una máscara. Puedes presentarte exactamente como eres y recibir amor por eso”.

Pitt, por su parte, destacó que “tengo un círculo de amigos muy pequeño, pero muy cercano, desde hace mucho tiempo”. Esa confianza le permite hablar de inseguridades, preocupaciones y errores sin perder la complicidad.

El actor también vinculó esa apertura con el paso del tiempo y con una mayor capacidad para reconocer aquello que considera valioso. “Cuando envejeces, empiezas a ver qué es más valioso y qué fue lo más valioso”, aseguró.

El actor también vinculó esa confianza con los personajes de la película. Ambos atravesaron la guerra, el dolor y pérdidas personales, antes de buscar una vida más tranquila. “Están intentando encontrar la paz”, comentó Pitt, quien agregó que suele encontrar alivio en los paseos por el bosque.

Ayer comparó el trabajo de un rodaje con la Fórmula 1

Durante la entrevista, Ayer estableció un paralelismo entre un equipo de Fórmula 1 y el funcionamiento de un set de filmación. Mencionó la presencia de equipos técnicos complejos, tareas especializadas y profesionales que deben coordinarse en tiempos breves.

También aludió a la figura pública que lidera cada estructura. “Tienes un líder o un piloto, alguien que pones al frente de todo, que será la cara pública y que realmente lo arriesga todo”, afirmó.

Ayer destacó la conducta de Pitt durante el rodaje, en particular su decisión de permanecer junto al equipo en condiciones adversas. Recordó jornadas con frío, lluvia y traslados de equipos por una montaña, momentos en los que el actor esperaba fuera de cámara sin regresar al campamento base.

“Cuando alguien hace eso, quieres trabajar más rápido. Quieres cumplir por esa persona”, expresó el director. Pitt señaló que la experiencia previa de ambos en Fury facilitó la comunicación durante este nuevo proyecto. El actor afirmó que conocer parte de la historia personal del otro resultó útil para contar la historia en el tiempo disponible.

El afecto mutuo surgió al final de la entrevista

Ante la pregunta sobre qué se dirían el uno al otro, Ayer destacó el afecto que siente por Pitt, quien respondió en el mismo sentido y valoró el vínculo construido durante el trabajo conjunto.

El director también sostuvo que Pitt encontró en él una mejor versión como cineasta, una apreciación que el actor trasladó al terreno de la interpretación al considerar que Ayer consiguió de su parte una actuación superior a las que había ofrecido hasta entonces.

Al explicar qué entiende por alto rendimiento, Ayer señaló la importancia de la preparación, la práctica, el reconocimiento de las propias debilidades y la capacidad de escuchar las ideas de los demás. Pitt coincidió en la relevancia de prepararse y destacó especialmente el nivel de concentración necesario para conducir un automóvil de competición.

El actor explicó que la experiencia al volante le exigió mantener una atención absoluta durante el recorrido, anticipando cada curva y preparando de antemano la maniobra siguiente.

El Festival de San Sebastián toca a su fin, pero deja tras de sí una larga lista de tareas pendientes. Además de su Concha de Oro, el certamen donostiarra ha proyectado algunos de los títulos más interesantes de lo que queda de año, o de lo que está por venir en 2027. Grandes directores, excelentes actores e historias llenas de emoción y ternura, como la que acaba de llegar a cines con La bola negra, que precisamente se estrenó en nuestro país a través del Festival de San Sebastián y ha ganado el premio del público. Pero, ¿qué otras películas hay que tener en el radar para estos meses?

‘Tender Loving Care’

Gran ganadora del festival, Tender Loving Care suponía el regreso del veterano director británico Mike Leigh con este humanista drama. Amy (Kate O’Flynn), trabajadora social en el servicio público de protección a la infancia, regresa a vivir con su alegre mejor amiga, Rosie (Alice Bailey Johnson), tras el fracaso de una relación amorosa. Rosie, que trabaja como asistente social, se enfrenta a diario a la ira y el resentimiento de las personas a las que atiende. A su vez, los padres de Amy (Marion Bailey y Paul Jesson), ya mayores y preocupados por la felicidad de su hija, se ven obligados de pronto a afrontar una crisis propia. La película aún no cuenta con fecha de estreno en nuestro país, pero en Estados Unidos estará en cartelera desde el 4 de diciembre.

‘5 minutos más’

Berto Romero y Belén Cuesta dan vida a un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el mundo entero entra en un bucle temporal. Los últimos cinco minutos se repiten una y otra vez como si saltara la aguja de un tocadiscos. Dirigida por el siempre ingenioso Javier Ruiz Caldera, esta comedia podrá verse en cines el próximo 22 de enero de 2027.

‘El debut’

Julianne Moore protagoniza la segunda película como director de Jesse Eisenberg tras A real pain. Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra. El debut ya ha apuntalado a Moore como una de las más que posibles candidatas al Oscar, aunque para ver su actuación habrá que esperar al 29 de enero de 2027.

‘Ruega por nosotras’

Daniel Monzón (Celda 211) dirige este drama sobre la histórica institución del Patronato de Protección a la Mujer. Ana tiene 19 años, vive en Barcelona y es una chica rebelde. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de Protección a la Mujer, institución especializada en “mujeres caídas o en riesgo de caer”. Ana es trasladada a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad de otras chicas en su misma situación, especialmente la de Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa que conecta al instante con ella. Esa luminosa amistad será lo que mantendrá a Ana a flote.

‘Ceniza en la boca’

El actor mexicano Diego Luna debuta como director en este drama que combina México con Madrid. En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban. No habrá que esperar mucho para verla, ya que se estrena en cines el próximo 9 de octubre.

‘Fatherland’

El director polaco Pawel Pawlikowski, quien compartió el premio a Mejor dirección con los Javis en Cannes, se encarga de este drama de época centrado en la figura de Thomas Mann. El escritor alemán y su hija realizan una gira para recibir dos premios honoríficos bien distintos. Uno, el del lado occidental, y otro del lado soviético, mientras la repentina muerte del hijo empieza a crear un gran conflicto entre Mann y su hija Erika, intérprete y confidente del escritor, además de actriz y escritora. Se podrá ver en cines el próximo 4 de diciembre.

‘De repente’

Tras asombrar a todo el mundo con su última película, Drive my car, el director japonés Ryusuke Hamaguchi regresa con esta De repente, basada en la correspondencia entre la antropóloga médica Maho Isono y la filósofa Makiko Miyano. En París, Marie-Lou Fontaine, directora de una residencia de ancianos, se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en la escucha activa y el respeto a la dignidad de los residentes, a pesar de la escasez de medios y la resistencia de parte de su personal. En medio de estos problemas, su encuentro con Mari Morisaki, una directora de teatro japonesa que lucha contra el cáncer, transformará profundamente su vida. Al forjar una profunda amistad, ambas mujeres unen fuerzas en una lucha compartida para lograr lo imposible. Esta película de la que todo el mundo habla maravillas podrá verse a partir del próximo año, el 19 de febrero de 2027.

‘Club Kid’

Sin duda una de las grandes sorpresas de este Festival de San Sebastián, quien la ha podido ver ya la mantendrá en su corazón durante mucho tiempo. El actor y comediante Jordan Firstman (I love L.A.) escribe, dirige y protagoniza esta historia sobre un promotor de fiestas homosexual en Nueva York, quien de la noche a la mañana recibe la noticia de que tiene un hijo de diez años del que tiene que hacerse cargo. Comenzará entonces una bonita relación entre dos desconocidos mientras lucha por salir de la espiral de drogas y fiesta de la que no quiere hacer partícipe a su nuevo hijo. Club Kid llegará a los cines el próximo 4 de diciembre.

La película Tender Loving Care (Cuidado tierno y afectuoso) del cineasta británico Mike Leigh, se alzó este sábado con la Concha de Oro a la mejor película en la 74ª edición del Festival de San Sebastián. El galardón mayor de la competencia reconoce el trabajo del realizador de 83 años, quien había anunciado que esta producción es “probablemente” su última, debido a una miositis que restringe su capacidad para afrontar un rodaje. Leigh no pudo asistir a la ceremonia de clausura y agradeció el premio por videollamada desde Nueva York.

El jurado, presidido por el director estadounidense Ira Sachs, le otorgó ademá el Premio del Jurado al mejor guion, con lo que la película se convirtió en el título más premiado de la noche. La Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista fue para Kate O’Flynn, una de las dos actrices principales del filme, en un empate con la noruega Asta Kamma August, reconocida por su trabajo en Growth of the Soil.

Tender Loving Care retrata la cotidianidad de dos amigas y colegas —trabajadoras sociales en el oeste de Londres— que vuelven a convivir luego de que Amy (O’Flynn) atraviesa una ruptura sentimental. La vida doméstica de ambas, sus casos laborales y la relación de Amy con sus padres ancianos —Marion Bailey y Paul Jesson— articulan una sucesión de escenas que alternan la comedia con el drama. La película dura 1 hora y 47 minutos y fue producida por Bleecker Street, Film4 y Thin Man Films, entre otras compañías.

La causa palestina marcó la ceremonia

Mike Leigh agradeció el galardón por videollamada en una gala que estuvo atravesada por la reivindicación de la causa palestina por parte de varios de los premiados. El documental Naza, de los realizadores Yuval Abraham y Rachel Szor, que ganó el Premio del Público a la mejor película europea, registra lo que sus directores describieron como la “matanza masiva y sistemática del ejército israelí en Palestina”. El mensaje de agradecimiento fue leído en la ceremonia porque los realizadores no pudieron asistir.

El Premio Especial del Jurado, segundo en importancia en el palmarés oficial, fue para Border, del director chino Ah Biao, una coproducción entre Hong Kong, Estados Unidos y Corea del Sur sobre un minero arrastrado a cometer un crimen en un pueblo fronterizo. La Concha de Plata a la mejor dirección correspondió a la sueca Amanda Kernell por Brace Your Heart, una historia de perdón y sacrificio ambientada en la cultura sami, pueblo indígena de Laponia.

La actuación de Javier Cámara en 5 Minutos Más, del director Javier Ruiz Caldera, se llevó la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto. El actor interpreta al anfitrión de una casa rural donde se produce un bucle temporal. La película fue escrita por Berto Romero, a quien Cámara agradeció el premio junto a Ruiz Caldera. “Parece que los Javis estamos triunfando”, dijo el actor antes de recoger el galardón, en alusión a la dupla conformada por Javier Calvo y Javier Ambrossi, cuya La bola negra ganó el Premio del Público a la mejor película. Las otras dos películas españolas en competición —El mal padre, de Roberto Bueso, y Sants, de Mikel Gurrea— se fueron sin premios.

El Premio del Jurado a la mejor fotografía fue para Oskar Dahlsbakken por Growth of the Soil, del noruego Hans Petter Moland, la misma producción que le valió a Asta Kamma August la Concha de Plata al mejor intérprete protagonista en el empate ya mencionado. El Premio RTVE Otra Mirada, destinado a obras que retraten la realidad de la mujer, recayó en De repente, del japonés Ryūsuke Hamaguchi, que en Cannes también fue reconocida con el premio a sus dos actrices.

El palmarés completo incluyó más de diez secciones

En las secciones paralelas, el Premio Horizontes Latinos fue para La ilusión del verano sin fin, de la argentina Alessandra Sanguinetti; el Premio Zabaltegi-Tabakalera, para Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, de Jane Schoenbrun; y el premio a Nuevos Directores, para Naemi Ada por Body of Glass. El Premio SGAE a la mejor música original correspondió a Amine Bouhafa por Milo, y el Premio Feroz, a El debut, del actor y director Jesse Eisenberg.

La 74ª edición del SSIFF, que se extendió desde el 18 hasta el 26 de septiembre, contó con 17 películas en competición por la Concha de Oro. El Premio Donostia de esta edición fue otorgado al cineasta alemán Werner Herzog y a la actriz australiana Naomi Watts. El Gran Premio FIPRESCI, entregado por la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica durante la gala inaugural, fue para One Battle After Another, del director estadounidense Paul Thomas Anderson. Tender Loving Care tiene previsto su estreno en salas el 4 de diciembre de 2026.

El Festival de San Sebastián de 2026 será recordado como el de las despedidas. La del gran Mike Leigh, director británico de prolífica carrera que presentaba la que bien puede ser su última película, Tender Loving Care, y la de José Luis Rebordinos, máximo responsable del certamen donostiarra durante los últimos quince años. Una edición que ha estado marcada por estos adioses, pero también por la llegada de savia nueva presente a lo largo de las distintas secciones del festival.

La más importante, la Sección Oficial, se ha saldado con la victoria de Tender Loving Care, una ganadora más que digna para suceder a Los domingos, y que se ha llevado también el premio a Mejor guion y a Mejor actriz protagonista gracias a Kate O’Flynn. Eso sí, lo ha hecho dentro de una selección de títulos que dejaban claro la escasez con la que había tenido que lidiar el comité de selección, que se encontró con que los tres grandes títulos españoles del año ya habían pasado por Cannes y otros tantos internacionales por Venecia y el propio certamen francés. Eso había provocado que buena parte del atractivo de Donostia se trasladase a la sección Perlak, desde donde hacen años se aglutinan los grandes títulos de otros festivales de clase A y donde este año se han podido ver De repente de Ryusuke Hamaguchi, Fatherland de Pawel Pawlikowski o Fjord de Cristian Mungiu, ganadora de la Palma de Oro.

A la vista está que el gran fenómeno del festival ha surgido de esta sección, que no ha sido otro que La bola negra, estrenada este mismo fin de semana y que se presenta no solo como la gran esperanza de España para los Oscar, sino también como una de las favoritas para el Oscar. La película de los Javis salió del certamen con un respaldo colectivo y hasta con un premio, el del público por su rotunda 9,40 de media, la más alta para cualquier película española en toda la historia del festival desde que se entrega este premio.

Nuevas directoras y amplios horizontes

Pero a pesar del éxito evidente de La bola negra, no hay que olvidar que un festival también está para descubrir nuevos nombres y ampliar los horizontes. Para eso ha estado siempre la sección de Nuevos directores, cuyo premio iba para Body of glass de Naëmi Ada, que se ha alzado ante otros títulos igual de elogiados como Chicas tristes, El tren fluvial o Esta soledad. También Horizontes Latinos, de la que siempre han salido nuevas y grandes voces del cine latinoamericano y este año ha alumbrado al actor Diego Luna, quien hacía su debut como realizador con Ceniza en la boca. El premio sin embargo ha sido para el documental argentino La ilusión de un verano sin fin de Alessandra Sanguinetti, que también se llevaba el premio DAMA del Jurado Joven,

La 74º edición también ha sido la de dos nombres propios: Naomi Watts y Werner Herzog, ambos galardonados con el Premio Donostia por su carrera. La primera aprovechaba para presentar su última película, The housewife, mientras que el segundo hacía lo propio con Bucking fastard, la particular propuesta que llevó a Venecia y que aquí se encontraba en Perlak. Dos grandes estrellas marcadas a su vez por la alargada presencia de David Lynch, omnipresente en sus discursos, y opacada en gran medida por la irrupción de grandes estrellas en la alfombra, roja, pues San Sebastián tampoco sería lo mismo sin su famoseo. Brad Pitt, Marion Cotillard u Orlando Bloom han sido algunas de las caras que más fotos y firmas han atraído, a pesar de que sus películas no causasen tanto entusiasmo.

Otras secciones como Zabaltegi Tabakalera o Culinary Zinema se han resuelto con sendos premios a Adolescencia, sexo y muerte en Camp Miasma y Burgundy respectivamente, la película de Jane Schoenbrun sobre la experiencia trans a través de una saga de slasher ochentera o el retrato del vino de la Borgoña. Así se despide la 74º edición de un festival que cierra una etapa, la de José Luis Rebordinos, y a partir de este momento abre una nueva época de cambios que solo el año que viene podremos ver cómo llegan a buen puerto.

Listado de premios al completo

• Concha de Oro a Mejor película: Tender Loving Care
• Premio Especial del Jurado: Border
• Concha de Plata - Mejor dirección: Amanda Kernell (Brace Your Heart)
• Mejor interpretación protagonista: Asta Kamma August (Growth of the Soil)
• Mejor interpretación protagonista: Kate O’Flynn (Tender Loving Care)
• Mejor interpretación de reparto: Javier Cámara (5 minutos más)
• Premio del Jurado - Mejor guion: Mike Leigh (Tender Loving Care)
• Premio del Jurado - Mejor fotografía: Oskar Dahlsbakken (Growth of the Soil)
• Mejor música original: Amin Bouhafa
• Premio del Público: La bola negra
• Premio del Público - Mejor film europeo: Naza
• Premio Horizontes (Mejor película latinoamericana): La ilusión de un verano sin fin
• Premio Nuevos Realizadores: Body of Glass

La película argentina La ilusión de un verano sin fin ganó el premio principal de la relevante sección Horizontes Latinos en la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Este viernes, además, el documental de la fotógrafa y cineasta Alessandra Sanguinetti también obtuvo el Premio de la Juventud en el mismo certamen, un reconocimiento votado por 150 jóvenes de entre 18 y 25 años.

La ilusión de un verano sin fin es una coproducción entre Argentina y Estados Unidos, producida por Sanguinetti junto a la cineasta argentina Julia Solomonoff. El proyecto nació en 1999, cuando Sanguinetti comenzó a fotografiar y filmar a Guillermina Aranciaga y Belinda Stutz, entonces dos niñas de nueve y diez años, en una zona rural de la provincia de Buenos Aires que comprende los partidos de General Guido, Dolores y Maipú. Lo que comenzó como un trabajo fotográfico paralelo —retratos de gran formato combinados con registros en video— derivó, en más de dos décadas y media, en un retrato íntimo del paso del tiempo, la amistad femenina y los modos en que la vida campestre moldea los sueños de la infancia.

El resultado es un documental de 93 minutos que sigue a Guillermina y Belinda desde la infancia hasta los 34 y 35 años respectivamente, a través del trabajo, la maternidad y los distintos rumbos que tomaron sus vidas. Las fotografías de Sanguinetti dialogan a lo largo del film con imágenes en movimiento, de modo que el paso del tiempo no funciona solo como contexto sino como materia central de la obra.

En la presentación del film en San Sebastián, la directora describió la película como “casi como ver un álbum familiar. No solo por ellas, sino porque cada momento me remite a un momento de mi vida”, según consignó el Diario del Festival. Sanguinetti también explicó el vínculo construido con las protagonistas a lo largo de los años: “La naturalidad con la que Guille y Beli se dejan filmar es única, nunca se preocupan por cómo salen. Yo ya soy de dentro”.

En Locarno ya había ganado dos premios

El reconocimiento en San Sebastián se suma a los que el film ya había cosechado antes de llegar a España. En agosto de 2026, La ilusión de un verano sin fin ganó el Leopardo de Oro en la sección Cineastas del Presente de la 79.ª edición del Festival de Cine de Locarno —galardón dotado con 35.000 francos suizos (unos USD 43.000), repartidos en partes iguales entre la directora y el productor— y además obtuvo el Premio Swatch a la Ópera Prima, según informó Infobae en esa oportunidad.

La plataforma MUBI adquirió los derechos de distribución del film, cuyo desarrollo contó con el apoyo de becas del Sundance Institute. The Hollywood Reporter la describió como “un documental luminoso e imborrable”.

Sanguinetti es fotógrafa de Magnum Photos y tiene obra en el MoMA

Alessandra Sanguinetti nació en Nueva York en 1968, se mudó a Buenos Aires a los dos años y vivió en Argentina hasta 2003. Estudió antropología en la Universidad de Buenos Aires (UBA) antes de formarse en el International Center of Photography de Nueva York. Miembro de Magnum Photos desde 2007, su obra integra las colecciones del MoMA de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art, el Museum of Fine Arts de Houston y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. Entre sus reconocimientos figuran la beca Guggenheim, la beca de la Fundación Hasselblad, el Premio Discovery de las Rencontres d’Arles y la beca MacDowell.

El trabajo fotográfico con Guillermina y Belinda tiene además una historia editorial previa: dio origen a dos libros, The Adventures of Guille and Belinda and the Enigmatic Meaning of Their Dreams (2010) y una primera edición del proyecto que comparte nombre con el documental (2020). En 2024, la Fundación Cartier-Bresson de París dedicó una retrospectiva a la serie de fotos de las dos protagonistas.

En la misma sección de cine latinoamericano del certamen vasco, Moscas, del cineasta mexicano Fernando Eimbcke, recibió una mención especial. La película, coproducción entre México y España, narra la historia de Olga, una mujer de 55 años que enfrenta la soledad y la precariedad económica y se ve obligada a alquilar una habitación de su departamento para costear una intervención quirúrgica. El film había ganado el Premio de la Industria WIP Latam en 2025 y fue presentado ese año en la Berlinale. Eimbcke ya había participado en Horizontes Latinos en 2025 con Olmo.

Universal Pictures superó los USD 5.000 millones de recaudación global en 2026, según informó NBCUniversal el 25 de septiembre. El grupo cinematográfico acumuló USD 5.006 millones hasta esa fecha, con USD 1.788 millones en Estados Unidos y Canadá y USD 3.218 millones en los mercados internacionales. La cifra convirtió a Universal en el primer estudio que alcanzó ese umbral durante el año.

El resultado reúne ingresos de películas lanzadas por Universal Pictures, Illumination, DreamWorks Animation y Focus Features, además de títulos cuya distribución internacional estuvo en manos del grupo. De acuerdo con NBCUniversal, la compañía lideró la taquilla mundial durante 11 fines de semana y colocó cinco producciones o distribuciones entre las 10 películas de mayor recaudación global de 2026.

La marca representa la tercera vez que Universal supera los USD 5.000 millones en un año calendario. La compañía había cruzado antes esa barrera en 2015 y 2017. Durante 2026, el estudio también fue el primero en superar los USD 4.000 millones a nivel mundial y los USD 3.000 millones fuera de Estados Unidos y Canadá.

¿Cuánto recaudó Universal en la taquilla mundial de 2026?

El balance comunicado por NBCUniversal indica que Universal llegó a USD 5.006 millones de ingresos mundiales al 25 de septiembre. La operación doméstica, que agrupa Estados Unidos y Canadá, aportó USD 1.788 millones. Los territorios internacionales representaron USD 3.218 millones, equivalentes a cerca del 64% de la recaudación acumulada por el estudio.

La cifra difundida por la empresa incluye recaudación de distintos sellos y acuerdos de distribución. Universal Pictures es la principal división de estrenos comerciales del grupo, mientras que Illumination y DreamWorks Animation concentran buena parte de sus producciones animadas. Focus Features participa con películas de menor escala de distribución.

El resultado global no corresponde en forma exclusiva a películas producidas por Universal Pictures. NBCUniversal incorporó en su balance títulos desarrollados junto con otras compañías y producciones cuya distribución internacional correspondió a Universal. Esa estructura explica que el informe incluya estrenos relacionados con Lionsgate y Nintendo.

El mercado internacional fue el principal componente de la recaudación acumulada. Los USD 3.218 millones obtenidos fuera de Estados Unidos y Canadá superaron por USD 1.430 millones los ingresos domésticos. El dato refleja la incidencia de los estrenos globales coordinados y de la distribución territorial del estudio en su resultado de 2026.

¿Qué películas impulsaron los USD 5.000 millones de Universal?

NBCUniversal atribuyó el resultado a cinco títulos que se ubicaron entre las 10 películas con mayor recaudación mundial de 2026. La lista incluye La Odisea, Michael, La película de Super Mario Galaxy, Minions & Monsters y Obsesión. Universal y Focus Features participaron en la distribución o el lanzamiento de esas producciones.

La compañía situó a La Odisea en el segundo lugar de la clasificación anual global, a Michael en el cuarto, a La película de Super Mario Galaxy en el quinto, a Minions & Monsters en el octavo y a Obsesión en el noveno. Las posiciones corresponden al balance corporativo emitido el 25 de septiembre.

De acuerdo con el grupo, tres de las cinco películas que superaron los USD 1.000 millones globales durante 2026 fueron distribuidas por Universal. Esos títulos fueron La Odisea, La película de Super Mario Galaxy y Michael. En el caso de esta última producción, Universal tuvo a su cargo la distribución internacional.

La presencia de esas películas muestra el alcance del calendario anual de la compañía, que combina animación, cine de acción real, producciones asociadas y lanzamientos de sellos especializados. NBCUniversal no publicó en ese comunicado el desglose completo de ingresos por cada una de las películas incluidas en el acumulado de USD 5.006 millones.

¿Cuánto recaudó La Odisea y cuál fue su aporte a Universal?

La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, se convirtió en la película de mayor recaudación en la historia de Universal Pictures, según NBCUniversal. El 12 de septiembre, la compañía informó que el largometraje había alcanzado USD 1.677 millones a nivel global y que avanzaba hacia los USD 1.685 millones al cierre de ese fin de semana.

El comunicado corporativo difundido el 25 de septiembre no actualizó el monto exacto de La Odisea, aunque la incluyó entre los estrenos que impulsaron el cruce de los USD 5.000 millones. La empresa confirmó, además, que la película ocupaba el segundo puesto de la taquilla mundial acumulada en 2026.

La información oficial no detalla qué parte de la recaudación de La Odisea corresponde a Estados Unidos y Canadá ni cuánto provino de los mercados internacionales. Tampoco incluye cifras de asistencia, número de salas o territorios. El reporte se limita a confirmar su récord histórico dentro de Universal Pictures y su participación en la recaudación anual del grupo.

El estreno reforzó el peso de las producciones de gran escala dentro del calendario de Universal Pictures. La compañía había trabajado antes con Nolan en Oppenheimer, película que se ubicó entre sus principales lanzamientos recientes y recibió reconocimiento en la temporada de premios.

¿Qué aportaron La película de Super Mario Galaxy, Michael, Minions & Monsters y Obsesión?

La película de Super Mario Galaxy superó los USD 1.000 millones de recaudación mundial, de acuerdo con NBCUniversal. El film fue producido por Illumination junto con Nintendo y distribuido por Universal. Su desempeño formó parte del aporte de las producciones animadas al resultado acumulado por el estudio en 2026.

Michael también cruzó los USD 1.000 millones a nivel global, según la compañía. NBCUniversal confirmó que Universal International estuvo a cargo de la distribución fuera de Estados Unidos y Canadá. El comunicado no publicó el desglose de ingresos internacionales ni la recaudación de la película en cada mercado.

Obsesión fue uno de los aportes de Focus Features al balance anual. El sello la presentó como la película de mayor recaudación de su historia. La empresa no detalló en su comunicado el total exacto de ingresos mundiales del título, aunque confirmó que se ubicaba entre las 10 películas de mayor recaudación global de 2026.

Minions & Monsters también figuró en la clasificación de NBCUniversal, en el octavo puesto de la taquilla mundial acumulada del año. El estudio no difundió en su informe del 25 de septiembre una cifra individual de recaudación para esa producción.

Focus Features forma parte de NBCUniversal y opera como sello dedicado a películas con estrategias de estreno diferenciadas de las grandes franquicias de Universal Pictures e Illumination. La presencia de Obsesión entre los títulos más taquilleros del año incorporó a esa división en el resultado global del conglomerado.

¿Qué películas estrenará Universal antes de terminar 2026?

Universal mantiene siete lanzamientos previstos entre septiembre y diciembre, según el calendario incluido en su comunicado corporativo. DreamWorks Animation estrenó Forgotten Island el 25 de septiembre, la misma fecha en que NBCUniversal informó que el grupo había superado los USD 5.000 millones globales.

El cronograma oficial contempla el estreno de Other Mommy el 9 de octubre y de Sense & Sensibility el 16 de octubre. Luego seguirá Elsinore, con estreno limitado a partir del 20 de noviembre. La lista se completa con Focker-In-Law, Violent Night 2 y Werwulf en las últimas semanas de 2026.

Según el calendario difundido por NBCUniversal, Focker-In-Law llegará a los cines el 27 de noviembre, Violent Night 2 se estrenará el 4 de diciembre y Werwulf el 25 de diciembre. La página de próximos estrenos de Universal Pictures muestra el 25 de noviembre para Focker-In-Law, una fecha distinta de la indicada en el comunicado corporativo.

La empresa no explicó la diferencia entre ambos listados. El rendimiento de esos títulos y la continuidad de las películas que ya están en cartel determinarán el cierre de la recaudación de Universal en 2026. El próximo balance anual permitirá precisar el aporte del último trimestre al total de taquilla del estudio.

En la película, que narra la historia de tres hombres en la España de tres épocas distintas -1932, 1937 y 2017-, Penélope Cruz da vida a Nené Romero, una mujer que viajaba durante la Guerra Civil española para actuar como cupletista. Esta figura era muy popular en la España de la primera mitad de siglo y consistía básicamente en una artista, generalmente mujer, que cantaba y actuaba interpretando cuplés, un estilo de canción ligera, popular y en ocasiones picaresca, como es el caso de La bola negra. Lo que mucha gente no sabe es que el personaje de Nené Romero está inspirado en una histórica cupletista, y la actriz recibió asesoramiento de la hija de esta, también cupletista y una de las mayores expertas en este noble arte de la España más castiza.

Hablamos de Olga Ramos, nacida en Badajoz en 1918 y quien inicialmente hizo cursó los estudios de violín, primero en el Conservatorio de Badajoz y después en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Durante la Guerra Civil española su conocimiento musical y su desparpajo la llevaron a ganarse la vida como cupletista, animando a las tropas y a la vez sacando el dinero suficiente para mantener a flote a su familia. Tras el final del conflicto, Ramos siguió compaginando su formación musical con sus actuaciones en distintos cafés y salas de Madrid, llegando a ganarse el título de la Reina del Cuplé, con el cual siguió actuando hasta bien mayor.

Pasando el testigo

Su legado continuó con su hija, Olga María Ramos, que es quien se ha encargado de asesorar a Penélope Cruz para preparar su papel en La bola negra. “El cuplé parece fácil, pero es muy difícil. Ya lo decía mi madre: ‘Yo lo canto como el que lava, pero es un género tremendamente complejo’. Y Penélope se acercó al cuplé con una humildad, con unas ganas de aprender. Aceptó todas mis sugerencias. Pero no solo los ha cantado, los ha hecho suyos”, contaba en Vanity Fair Ramos, quien no solo ha sido cupletista durante años sino que se ha encargado de investigarlo y de ser una de sus mayores divulgadoras. Tal y como revela, fue el gran interés de Los Javis en la historia de su madre y del cuplé lo que hizo posible esta bonita colaboración cinéfilo-musical.

“Vinieron a mi con todo el tiempo del mundo. Les enseñé mi Casa-Museo. Alucinaron con el violín de mi madre, con la pianola. Los Javis son dos genios. Yo he sido una más de esa película, y me siento muy orgullosa. Y en el rodaje me sentí muy querida”, relataba para la mencionada revista la cupletista, haciendo alusión a la pianola que también aparece en la película durante la famosa escena de Nené Romero. Porque La bola negra no solo ha rescatado del olvido la historia de Lorca y su obra perdida o puesto de relieve la cuestión queer en nuestro país, sino que también nos ha descubierto el maravilloso mundo del cuplé de la mano de una de sus mayores expertas.

Los Javis revelaron que Héctor Bellerín fue una de las primeras opciones para interpretar a Rafael Rodríguez Rapún en La bola negra, la película que representará a España en la carrera por el Oscar 2027 a Mejor Película Internacional. La confesión llegó durante un coloquio de la Academia de Cine, donde el director Javier Ambrossi compartió un dato que nunca antes había hecho público. El papel terminó recayendo finalmente en Miguel Bernardeau.

Ambrossi explicó que parte del personaje de Rafael Rodríguez Rapún se escribió pensando en el futbolista del Real Betis. “Necesitaba una cara”, detalló el director durante el encuentro. El propio Javier Calvo matizó el alcance de esa idea inicial. Según precisó, la opción de Bellerín “estaba en la primera pizarra” del proyecto, en una etapa temprana del desarrollo del guion.

La razón detrás de esa elección no era casual. Rafael Rodríguez Rapún, el personaje histórico al que da vida Bernardeau en la película, también tuvo un pasado ligado al fútbol antes de dedicarse al teatro. Esa coincidencia biográfica llevó a los directores a imaginar a un futbolista en activo interpretando a otro hombre cuya vida estuvo marcada por ese mismo deporte antes de acercarse al mundo de Federico García Lorca.

Quién fue Rafael Rodríguez Rapún

Rodríguez Rapún llegó a jugar en las categorías juveniles del Atlético de Madrid antes de incorporarse, en 1933, a La Barraca, la compañía teatral universitaria dirigida por García Lorca. Entró primero como actor y acabó ejerciendo como secretario de la compañía, lo que lo convirtió en una de las personas más próximas al poeta granadino. Durante la gira de La Barraca en el verano de 1935, la relación entre ambos se convirtió también en sentimental.

Su historia quedó posteriormente atravesada por la Guerra Civil española. Murió en Santander en agosto de 1937, con 25 años, a consecuencia de las heridas sufridas durante el conflicto. Esa biografía inspiró La piedra oscura, la obra de Alberto Conejero que constituye una de las principales raíces de La bola negra. La película combina esa pieza con la obra inacabada del mismo título escrita por García Lorca.

La historia cinematográfica tomó finalmente otro camino. Calvo hizo hincapié en que buscaban un actor con técnica y peso que acompañara a Guitarricadelafuente durante su interpretación en la trama. Esa necesidad terminó por inclinar la decisión hacia Bernardeau, quien asumió el papel de Rodríguez Rapún en una de las tramas fundamentales de La bola negra.

El propio actor explicó durante la promoción de la cinta que estudiar a Lorca, la Guerra Civil y la vida de Rapún le dejó una huella personal. Según sus palabras, el trabajo en la película le “cambió la vida”. La revelación sobre Bellerín quedó así como una anécdota del proceso creativo, sin que llegara a materializarse en una versión distinta del reparto final.

La Academia de Cine eligió la película de Calvo y Ambrossi para representar a España en la carrera por el Oscar 2027 a Mejor Película Internacional. El reparto está encabezado por Guitarricadelafuente, Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes y Lola Dueñas, además de las colaboraciones de Penélope Cruz y Glenn Close.

Antes de su estreno comercial en los cines españoles, el largometraje ya sumaba reconocimiento internacional. Los Javis obtuvieron con este trabajo el premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes, compartido con el director Paweł Pawlikowski. La bola negra articula su relato a partir de tres hombres situados en diferentes momentos históricos, conectados por la sexualidad, el deseo, el dolor y la herencia, según ha explicado la producción durante la promoción de la cinta.

La 74ª edición del Festival de San Sebastián concluye este sábado con la entrega del premio mayor, la Concha de Oro, y el resto de galardones, que pondrá el broche a nueve días de cine y estrellas en la ciudad del País Vasco, en el norte de España. El jurado presidido por el director estadounidense Ira Sachs dará a conocer al ganador del galardón a la mejor película de entre las 17 competidoras. También se entregarán los demás premios, incluido el que este festival, considerado vitrina del cine latinoamericano en Europa, otorga a la mejor película de la región.

La lista de favoritas para alzarse con la Concha de Oro, según los críticos, está encabezada por Tender Loving Care, una reflexión sobre los cuidados, la amistad y la familia del octogenario director británico Mike Leigh. De ganar, el premio tendría un significado especial ya que este probablemente sea el último filme del veterano director de 83 años, quien anunció que sufre una condición médica que le dificulta seguir rodando. Suenan también The Debut, del estadounidense Jesse Eisenberg, con una deslumbrante Julianne Moore en el papel principal, así como Muyou no hito, la ópera prima de la conocida escritora japonesa Maha Harada.

En la sección oficial compiten tres producciones latinoamericanas: Mis muertos tristes, la miniserie del cineasta chileno Pablo Larraín basado cuentos de Mariana Enriquez; Glaxo, del director argentino Benjamín Naishtat; y Las disculpas de Vicentina, del realizador brasileño Gabriel Martins.

Desde que arrancó el 18 de septiembre, por la alfombra roja del festival considerado el más pequeño de los grandes de Europa, después de Cannes y Venecia, han pasado estrellas como Brad Pitt, quien causó sensación firmando autógrafos durante más de una hora por las calles de San Sebastián. Marion Cotillard, Orlando Bloom, Ricardo Darín, Jeremy Irons, Rami Malek y Diego Luna fueron otras de las caras reconocibles que estuvieron en el certamen. En esta edición, el festival entregó su mayor distinción honorífica, el Premio Donostia, a la actriz británica Naomi Watts, por su versátil carrera, y al cineasta alemán Werner Herzog, con más de 70 filmes en su haber.

La polémica de ‘NAZA’

El festival, con una tradición bastante marcada de compromiso político, proyectó el documental NAZA, con testimonios de miembros de las fuerzas israelíes sobre bombardeos contra civiles palestinos en Gaza, ganador del Premio Especial del Jurado en la Mostra de Venecia. Fue proyectado sin la presencia de sus directores, los periodistas israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, quienes han sido objeto de amenazas e intimidaciones en su país. La noche del viernes, el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y cineastas españoles como Rodrigo Sorogoyen, Estíbaliz Urresola, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga hicieron un acto en apoyo de los creadores de NAZA sobre la alfombra roja.

El filme que clausura el festival, tras el anuncio del palmarés, es Le Faux Soir, del belga Michaël R. Roskam, basado en hechos reales sobre el día en 1943 en que la resistencia belga logró imprimir y distribuir una edición falsa de un conocido diario con artículos satíricos sobre los nazis. La película es un drama pero tiene muchos toques de comedia, algo deliberado, según contó el director en rueda de prensa. “Yo quería hacer una película muy seria sobre gente muy cómica (...) Yo quería realmente reflejar esta ‘belgitud’ que es a la vez seria y a la vez tiene ciertas pequeñas absurdidades, un surrealismo que también nos caracteriza”, señaló.

Fuente: AFP

El actor Johnny Lewis, recordado por interpretar a Kip “Half-Sack” Epps en la serie sobre una banda de motociclistas Sons of Anarchy, no tenía drogas ni alcohol en el cuerpo cuando murió el 27 de septiembre de 2012. Horas antes había matado a golpes y estrangulado a su casera, una mujer de 81 años. Así lo confirmó la autopsia.

El cuerpo de Lewis, de 28 años, apareció tendido en el garaje de una casa del barrio de Los Feliz, en Los Ángeles, California, Estados Unidos. Adentro de la vivienda encontraron a Catherine Davis, muerta por un traumatismo craneal y estrangulamiento manual. La policía nunca buscó a otro sospechoso: el asesino había sido el actor.

Todo empezó esa mañana cuando Lewis se presentó ante un vecino, el ex periodista Dan Blackburn, como “John, tu nuevo vecino”. Vestía solo un jean y zapatillas rojas y caminaba de un lado a otro frente a la casa, según reconstruyeron los medios hace 14 años.

Media hora después, Blackburn escuchó los gritos de su esposa. Encontró a Lewis golpeando a un pintor que trabajaba en la zona, con el rostro cubierto de sangre. Cuando intentó separarlos, el actor lo derribó de una piña.

Blackburn, su esposa y el pintor lograron encerrarse en la casa mientras Lewis empujaba la puerta con el brazo. Después saltó una cerca perimetral y trepó hasta la casa de Davis con una agilidad que el propio Blackburn describió como la de “un Spider-Man de poca monta”, según el mismo relato.

Un vecino de la cuadra, Greg Sarian, contó que escuchó pedidos de auxilio de un hombre y una mujer poco antes de que llegara la policía. “Help, help”, relató Sarian, y agregó: “Le recé a Dios: limpiá este quilombo, porque este es un lugar maldito”.

El informe forense determinó que no había sustancias en su organismo y que su muerte fue accidental, sin señales de haber sido empujado ni de haberse quitado la vida. Tenía marcas de uñas y signos de estrangulamiento en el cuello.

La médica forense Kelli Blanchard detalló en su informe que a Davis “le fracturaron todo el cráneo y le destrozaron el lado izquierdo del rostro, dejando el cerebro expuesto”, de acuerdo con un documento citado por Los Angeles Magazine. También halló cuatro pequeñas heridas punzantes en la mejilla, probablemente hechas con un lápiz mecánico.

Dentro de la habitación de Lewis, los investigadores encontraron un martillo oxidado con rastros de sangre y, en el baño, el cuerpo de un gato con el cráneo destrozado. No quedó claro si el martillo fue el arma usada contra Davis.

La teoría que circuló en un primer momento apuntaba a las llamadas “sales de baño”, una droga sintética que había generado ataques violentos en otros casos ese mismo año. El resultado del peritaje toxicológico, sin embargo, descartó cualquier tipo de sustancia.

Lewis había salido de la cárcel apenas seis días antes del crimen. El 8 de agosto se había declarado sin oponerse a un cargo de agresión con arma mortal y, el 17 de agosto, a otro de intento de robo, según los registros judiciales.

Le habían dictado una condena de un año de cárcel por el primer caso y de 291 días por el segundo. Pero recibió cientos de días de crédito por el tiempo ya cumplido y por buena conducta, y el 21 de septiembre de hace 14 años, a las 16.05 salió de una cárcel del valle de San Fernando.

Esa misma noche se alojó en un hotel de Atwater Village. Su padre lo ayudó a comprar ropa nueva y a recuperar su moto, y después le pidió a la propietaria de la casa de Los Feliz que le guardara su antigua habitación.

Su abogado había buscado un acuerdo para que Lewis cumpliera un año en un centro de tratamiento en lugar de la cárcel. Pero el actor, convencido de que su caso terminaría archivado, decidió despedir a su defensor y representarse a sí mismo, algo que le permitió la jueza Cynthia Ulfig. El sistema, sobrecargado de causas, terminó reduciendo su condena a solo seis semanas.

Antes de todo esto hubo un accidente de moto en octubre de 2011 cerca de Twentynine Palms. Desde entonces, según contó su padre a Los Angeles Magazine, su conducta empezó a volverse errática y violenta.

En enero de 2012 protagonizó un episodio confuso: entró por la fuerza a un departamento vecino convencido de escuchar gritos, agredió a dos hombres con una botella y terminó detenido. Tres días después fue internado de forma compulsiva bajo el código “5150” en un pabellón psiquiátrico.

Los meses siguientes incluyeron un intento de suicidio, una internación por hipotermia tras meterse vestido al mar en Santa Mónica y varios arrestos más. Le diagnosticaron esquizofrenia o trastorno bipolar y le recetaron Zyprexa y Abilify, pero se resistía a tomar la medicación.

En mayo de 2012 pasó a tratarse en Ridgeview Ranch, un centro en las afueras de Los Ángeles con terapia ecuestre y de arte. Ahí fingió una adicción a la marihuana y luego al alcohol para encajar en el programa, según relató su padre. En julio, en uno de sus últimos escritos, Lewis anotó: “Sentí más plenitud hoy... como si partes de mí hubieran vuelto a su lugar”.

Lewis empezó a hacer castings a los seis años de la mano de su madre y consiguió su primer papel al año siguiente, en un video de seguridad para escaleras mecánicas. Con los años sumó apariciones en 7th Heaven y Malcolm in the Middle, entre otras series.

A los 18 años se mudó solo a Hollywood, donde compartió casa con otros actores jóvenes en ascenso como Adam Brody y Ashlee Simpson, en una residencia conocida entre la industria como “Wilton Hilton”. Por esos años protagonizó su papel más recordado antes de Sons of Anarchy: Dennis “Chili” Childress en The O.C.

En 2008 y 2009 interpretó a Kip “Half-Sack” Epps en Sons of Anarchy, un personaje que había perdido un testículo en la guerra de Irak. Pese a la popularidad del papel, le pidió a su creador, Kurt Sutter, salir del programa que relataba la historia de una banda de motociclistas que no ahorraba ningún método para hacer sus negocios: le había dicho a su padre que la historia se volvía demasiado violenta para su gusto.

Después de dejar la serie no volvió a la televisión y se concentró en escribir una novela, aunque siguió actuando en producciones independientes. Días antes de morir, se esperaba el estreno en salas de 186 Dollars to Freedom, donde interpretaba a un surfista estadounidense preso en Perú. Su director, Camilo Vila, lo describió como “una fuerza creativa increíble, inteligente hasta dar miedo”.

Catherine Davis, conocida como “Miss Cathy”, había llegado a California desde Texas en 1950. Con el tiempo convirtió su mansión de estilo español en Los Feliz, construida en 1927, en una especie de pensión para artistas jóvenes.

Por la llamada Writers’ Villa pasaron actores como Val Kilmer, Parker Posey y Thomas Jane en distintos momentos de sus carreras. El alquiler rondaba entre 1.650 y 3.000 dólares mensuales por una habitación con baño privado.

Lewis había vivido ahí por primera vez en 2009, durante un descanso de Sons of Anarchy, y había hecho buenas migas con Davis. Al salir de la cárcel en septiembre de 2012 le pidió a su padre que averiguara si tenía lugar disponible: buscaba, según sus propias palabras, un sitio tranquilo para recomponerse.

Sutter fue de los primeros en pronunciarse luego de la muerte de Lewis. “Fue un final trágico para un tipo con mucho talento que, lamentablemente, perdió el rumbo”, escribió en su sitio web. “Lamento profundamente que una vida inocente haya quedado en el camino de su destrucción”.

Una fuente cercana a Lewis, consultada por los medios entonces, se mostró sorprendida: “Siempre fue bastante tranquilo. Las únicas veces que lo vi enojado fue por su personaje en el programa”, dijo, y agregó que el actor sentía que su rol se había convertido en “un chiste semanal”.

La actriz Shannon Woodward, amiga cercana del actor y de la cantante Katy Perry (quien fue novia de Lewis), escribió en su cuenta de Twitter que el actor “estaba muy, muy enfermo” y que sus actos fueron “un resultado despreciable de esa enfermedad, no quien era él realmente”. Una fuente cercana a Perry contó que la cantante estaba “devastada” por la noticia.

El 7 de octubre de 2012 sus amigos organizaron un servicio en su memoria en el Moth Theatre de Hollywood. Ahí, la actriz Beau Garrett dijo ante cientos de personas: “Algunos venimos equipados para sobrevivir a este mundo, y otros no”. Lewis dejaba una hija pequeña, fruto de una relación anterior con la actriz Diane Marshall-Green, por cuya custodia había peleado en los meses previos a su muerte.

Por un lado, a Taylor Swift, quien ha hecho honor a la acepción de la palabra volviendo -si es que alguna vez se va del todo- con The life of a showgirl: Encore, que incorpora cuatro temas al disco que lanzó hace casi justo un año. Por otro, el reestreno de una de las películas de superhéroes más importantes de la historia, que ahora llega en una versión inédita a los cines y con la misión de reenganchar a los fans antes de afrontar una nueva aventura.

De esta forma, Vengadores: Endgame regresa a los cines casi siete años después de su estreno, aunque no lo hace de la misma forma, pues mucho ha cambiado desde entonces. Lo hace con un nuevo título (lo habéis adivinado, Vengadores Endgame: Encore), con su propio póster y sobre todo con una serie de retoques y nuevas escenas que renuevan en gran medida la experiencia, aunque no deje de ser la misma película que vieron los espectadores que la convirtieron en la segunda más taquillera de la historia, solo por detrás de Avatar de James Cameron. Puede que el propio estreno se deba en gran medida a querer romper ese récord, algo muy habitual también en la discografía de Taylor Swift.

Nuevas y editadas escenas

Por refrescar un poco la memoria, Vengadores: Endgame era una continuación casi directa de Vengadores: Infinity War, estrenada solo un año antes y que concluía con la desaparición de la mitad de la población ante el chasquido de Thanos. Cinco años después, e incapaces de revertir la situación, la llegada de Ant-Man desde el mundo cuántico plantea una posibilidad: regresar atrás en el tiempo y recuperar una a una las gemas del infinito con el objetivo de arreglar todo y acabar con Thanos antes de que pueda chasquear los dedos.

Una compleja misión que lleva a sus protagonistas —el Capitán América, Iron Man, la Viuda Negra, Ojo de Halcón, Hulk o un Thor con sobrepreso, entre otros— a revisitar escenarios de sus anteriores películas, un poco lo que sucedía con Marty McFly regresando a Hill Valley en Regreso al futuro 2. Su final ya es conocido por todos los que la vieron, pero a los que no les volverá a sorprender un desenlace tan épico y emocional que Marvel se ha pasado los años siguientes buscando la forma de emularlo sin éxito.

En esta nueva versión hay algunos detalles técnicos que quizá sean imperceptibles para el gran público, pero que merecen ser señalados, como un cambio en la saturación del color que hace que la película tenga un look visual notablemente diferente, con colores más vivos y mayor contraste entre sus figuras. Lo mismo sucede en el apartado sonoro, con la incorporación de una mezcla de audio Dolby optimizada y unos niveles de brillo diseñados específicamente para pantallas de gran formato premium (PLF), incluida Infinity Vision, la tecnología que se implementará en la próxima gran película de Marvel, y con la que esta ha buscado conectar directamente. Hablamos, por supuesto, de Vengadores Doomsday.

La transición a ‘Doomsday’ que explica el problema del MCU

(Atención: posibles spoilers de Vengadores Endgame: Encore)

Precisamente a consecuencia del inminente estreno de esa película, Vengadores Endgame: Encore introduce su mayor novedad en hasta cuatro escenas completamente nuevas, y varias de ellas, si no todas, configuradas para dar un mayor contexto al futuro del universo que se avecina. La primera de ellas es la única que altera el final de la película, con el baile final entre Steve Rogers y Peggy Carter siendo interrumpido por la llegada del mismísimo Loki, pero el que pertenece a la serie Loki que se estrenó después de Vengadores: Endgame. Fiel a su propia trama, este cambio reescribe en gran medida la historia que conocíamos, y simplemente sirve para alertar al Capi de lo que está por venir, dando a entender que el que veremos en Vengadores: Doomsday es precisamente el de la misma línea temporal de aquí.

Las otras tres escenas ocurren ya tras la conclusión del filme, con una a mitad de créditos que involucra a los agentes de la TVA (Autoridad de Variación Temporal) Mobius (Owen Wilson) y Ouroboros (Ke Huy Quan) viendo el choque entre dos multiversos, el 10005 (que no es otro que el de los X-Men de la Fox) y el 1127, completamente desconocido por el momento. Las otras dos tienen que ver directamente con el gran villano de la función, el Dr. Doom que interpretará Robert Downey Jr. y al que podemos escuchar primero abduciendo al Dr. Banner/Hulk (Mark Ruffalo) y posteriormente forjando su máscara de hierro, en un claro guiño a como lo hacía Tony Stark con la máscara de Iron Man.

Cómo explicarán el hecho de que Doom sea interpretado por una persona con el mismo rostro de Iron Man es aún el secreto mejor guardado de Vengadores: Doomsday, pero lo que está claro es que Marvel admite inconscientemente lo mal que ha labrado su camino hasta aquí si ahora tiene que introducir hasta cuatro escenas adicionales que contextualicen todo. Hasta 15 películas y otras tantas series no solo incapaces de llenar de la misma forma, sino también de allanar el camino hacia otro proyecto mastodóntico que podrá ser mejor o peor, pero desde luego no ha contado con el mismo desarrollo emocional que tuvo esta Vengadores: Endgame, y que ahora los espectadores podrán disfrutar como merecida y necesitada antesala de Vengadores: Doomsday, que aterrizará en cines el próximo 17 de diciembre.

Un plano aéreo que baja por la 9 de Julio, recorre el Obelisco, panea una ciudad despertándose al alba y se mete en un departamento. Sobre una mesa redonda, cientos de fotos, recuerdos, memoria, y una mujer que navega entre las postales de una vida estallada. “Soy Analía Kalinec, nací el 31 de octubre de 1979 en la provincia de Córdoba, en Argentina. Cuando yo nací, mi mamá era ama de casa, tenía 22 años. Y mi papá, 27, era policía”. Así comienza Desobediente, un documental recién estrenado.

El ingreso a la historia es emotivo pero directo, sin distracciones. Kalinec creció en una familia común, como tantas de este largo y enigmático país, bajo el paraguas de algo que podríamos llamar felicidad. Un día del año 2005, con una familia nueva, la suya, la propia, ya formada, con hijos, con esposo, ejerciendo la docencia, irrumpe la verdad. Suena el teléfono: es su madre, que le dice: “No te asustes: papá está preso. Son todas cuestiones políticas. Enseguida se va a aclarar, ya va a salir”.

Detrás de ese padre cariñoso había un represor, un torturador, un genocida. Eduardo Emilio Kalinec, conocido como el Doctor K, tuvo una participación muy activa en la última dictadura militar. Para los sobrevivientes, era particularmente “salvaje”. “Me generaba mucha culpa desconfiar de mi papá. Yo pensaba que ahí había un error”, cuenta en el documental. De pronto, cae la venda; la realidad se impone, desnuda. Pero su madre y sus hermanas deciden romper la relación con ella. Entonces queda sola.

Ahora, desde su casa, Analía Kalinec conversa con Infobae Cultura: “Cuando empezamos a compartir nuestras experiencias con otros familiares de genocidas nos dimos cuenta que los sentimientos de culpa y de vergüenza nos atravesaban fuertemente. Trabajamos eso internamente y empezamos a pensar un pronunciamiento: qué teníamos de particular para decir los familiares de los genocidas sobre este tema, cuál era la importancia de esta voz en la construcción de la memoria colectiva”.

En el año 2017 nace la agrupación Historias Desobedientes. Fue en ese momento que se encontró con la “vocación documentalista” de Federico Coringrato y Martín Vergara, quienes le propusieron hacer una película: “Lo fueron documentando en tiempo real durante todos estos años, incluso en el medio estuvo la pandemia. No solamente estuvieron acompañando e involucrándose activamente en el colectivo, sino también abriendo puertas y posibilitando encuentros para retroalimentar el proyecto”.

Volvamos al documental. “A mí secuestraron el 13 de junio de 1977. Tenía 16 años y estaba embarazada de menos de tres meses”, cuenta Ana María Careaga, junto a Analía. Están en lo que quedó del centro clandestino Club Atlético. “Acá había una plataforma”, dice y extiende los brazos, “donde ya de entrada empezaban a torturarte: te desnudaban, te tiraban agua helada, picana eléctrica”. Luego narra un recuerdo breve: “Un represor le dice a otro: seguí vos, me tengo que ir a buscar a mi hija al colegio”.

“Perdidos en los recovecos de la Historia, depositarios de sus más grandes silencios y sus más radicales contradicciones, uno a uno fueron llegando los Desobedientes, sin otro equipaje que un puñado de relatos por construir”. Así comienza el texto de Verónica Estay Stange, la presentación del libro, luego del prefacio de Daniel Feierstein. Estamos hablando de Desobedientes: familiares de genocidas por la Memoria, la Verdad y la Justicia toman la palabra, que acaba de publicar Marea Editorial.

En París, ya de noche, Estay Stange atiende el teléfono para esta conversación. Es docente universitaria y sus días se pasan entre clases y defensas de tesis. “Hay un montón de trabajo”, dice y sonríe. Empezó dedicándose a la literatura francesa, ese era su objeto de estudio, pero poco a poco se fue acercando a la memoria como campo de investigación. “Sobre todo por mi propia historia”, dice. Nació en México, en el exilio. Sus padres, ambos chilenos, son sobrevivientes de la dictadura de Augusto Pinochet.

“El hermano de mi papá se sumó con toda conciencia al grupo de represores que lo había detenido. Por eso milito en Historias Desobedientes”, cuenta. Miguel Arturo Estay Reyno, más conocido como El Fanta, se encargó de identificar, torturar y hacer desaparecer a sus antiguos compañeros de militancia. Murió preso a los 68 años en 2021 por complicaciones del Covid. “Yo no tuve que vivir el proceso de descubrimiento, pero sí dimensionar las implicaciones que había tenido mi tío”, asegura.

Desobediente no se acota a la historia de Kalinec, tampoco a la de los familiares de genocidas argentinos que “torcieron el destino”, que se aceptaron “bastardos”, sino que el impulso cruza las líneas geográficas y conecta con historias similares ligadas a las dictaduras de Chile, Paraguay y Uruguay, pero también a los “hijos indignos” del franquismo español y del nazismo alemán. Una fuerza mundial y humana que nace triste por la ruptura pero que se consolida triunfante en la convicción enlazada.

“Cuando esto empieza a trascender fronteras y se acercan desobedientes de otros países, notamos que los familiares de los genocidas son un actor social importante. Durante muchos años permanecieron en el imaginario social alineados al pensamiento genocida. Hoy, a partir del crecimiento del movimiento feminista y de la lucha por los derechos humanos, ha cambiado”, asegura Kalinec, que es psicóloga, que participó con textos en Desobedientes, y que en 2011 publicó su libro Llevaré su nombre.

“Esto ha generado una conciencia que ha logrado penetrar en estas cosmovisiones del mundo que nos son inculcadas dentro de las familias de los genocidas. Hoy nos posicionamos desobedeciendo estos mandatos de lealtad familiar y de honrar al padre, tan fuertemente arraigados en estas culturas, para decir: no, la dignidad humana, el respeto por los derechos humanos, la construcción de estructuras democráticas e inclusivas, son las cosas que nosotros tenemos que defender a contrapelo”.

“Desobedientes tiene dos dimensiones: una reflexiva y una testimonial”, dice sobre este libro, que es una reedición corregida, modificada y ampliada de otro que salió en el año 2018 bajo el título Escritos desobedientes. “La propuesta vino de la editorial porque la edición anterior se agotó. Fue una decisión importante porque actualmente en distintos países del mundo hay una intensificación de la extrema derecha, tanto en los gobiernos, como se ve en América Latina, como dentro de la población”, explica.

Todo libro es producido por y para una época. Y si bien el núcleo de Desobedientes fue pensado para un contexto previo, al mundo que le habla es a este, al actual. “Las ideas de extrema derecha se están difundiendo con una magnitud y una rapidez tremendas”, asegura quien además es autora de La resaca de la memoria: herencias de la dictadura y De Papudo al infierno: autobiografía de Andrés Valenzuela Morales. “Este libro es importante para poder pensar lo que está ocurriendo hoy”.

“Siempre ha sido difícil desobedecer. En los países donde había un trabajo activo de memoria, donde los juicios estaban vigentes y existía una condena ética del negacionismo o de lo ocurrido en la dictadura, era un poco más fácil que la conciencia existiera. La parte afectiva sigue siendo dura. Poder acceder a ese grado de conciencia, que hace que alguien se vuelva desobediente, es mucho más difícil. Estamos remando contra la corriente en estos tiempos”, concluye Verónica Estay Stange.

Kalinec asegura que la lucha es contra “las lógicas autoritarias, jerárquicas, fuertemente machistas y patriarcales que imperan dentro de las fuerzas armadas y de seguridad, y que son las que alimentan el pensamiento genocida, que es fuertemente conservador y autoritario”. Hoy, en esta época, continúa, “frente a estos discursos de odio y negacionistas, venimos a aportar un eslabón más dentro de la cadena del movimiento de derechos humanos, reforzando la solidaridad con las víctimas”.

“Los discursos negacionistas también son interpelados por nuestros discursos, los de los propios familiares de genocidas. Tenemos una responsabilidad importante repudiando estos crímenes y reclamándoles también a nuestros familiares genocidas que cuenten lo que saben, que rompan el pacto de silencio, y que aporten información sensible, que sabemos que tienen, acerca del destino de los detenidos desaparecidos y los bebés nacidos en cautiverios”, concluye Kalinec, del otro lado del teléfono.

La bola negra, que desde este viernes está en cines tras un camino que arrancó en el Festival de Cannes el pasado mayo, tiene como punto de partida el personaje de Sebastián (Guitarricadelafuente), un joven cuyo pueblo es bombardeado por las fuerzas italianas durante la Guerra Civil y acaba recalando en un batallón del bando nacional en Santander. Situada en tres líneas temporales —1932, 1937 y 2017—, la cinta sigue las vidas interconectadas de tres hombres homosexuales: al personaje de Guitarricadelafuente se suman Carlos, interpretado por el debutante Milo Quifes, y Alberto, al que da vida Carlos González.

Sebastián no solo es el punto de partida de la historia: también lo es el pueblo en el que vive. Los 155 minutos de cinta arrancan en un pueblecito en plena Guerra Civil. Sus habitantes sostienen pancartas de bienvenida a las tropas fascistas italianas, sin saber que lo que les espera es una masacre de balas y sangre. Ese pueblo es Castil de Carrias, un núcleo desertizado ubicado en Burgos que conservaba el aspecto necesario para recrear una localidad castigada por la guerra, con casas hundidas y tapizadas por la hiedra y la maleza. “Decidimos que lo mejor era buscar un pueblo medio derruido en el que solo tuviéramos que construir algo más para poder luego destruirlo con las bombas”, explica Clara Salvador, jefa de localizaciones de la película, a Condé Nast Traveler. Allí comenzó oficialmente el rodaje hace poco más de un año, en agosto de 2025.

Florentino González Sáez, el solitario de Castril

Pero hasta que llegó el equipo de La bola negra, el pueblo estuvo en silencio desde 1994, cuando falleció su único habitante: Florentino González Sáez, un labrador que albergó en él la figura de alcalde de sí mismo y que se obstinó en vivir en soledad desde 1975, cuando tenía 48 años, hasta su muerte, 19 años después. El motivo por el que la despoblación fue haciendo mella fue, entre otros, por la falta de agua. “A todos los echó el agua, la ausencia de agua. Que aquí no hay manantial ni caudal cercano”, escribió El País sobre el pueblo en 1983. “Había que subirla con baldes desde las fuentes de abajo del barranco por la cuesta del Pontón que llamamos, y encima no era un agua buena, era muy dura, con mucho yeso, de mala calidad”, añade Javier, un vecino de la zona para el Diario de Burgos en 2020, recordando la historia del solitario de Castril.

“El invierno es duro y hay que guardar mucha leña para no congelarse. De gallinas, cuatro hay, las suficientes para comer algún huevo de vez en cuando. También tengo dos pollos que, más que nada, me sirven para despertarme”, confesó al semanario especializado en sucesos El Caso en 1985, donde ya predijo el futuro del pueblo: “Esto ya no tiene arreglo ninguno. Aquí no va a volver nadie”.

Pero hubo un tiempo en que aquel pueblo estaba lleno de vida. Según los censos históricos del Instituto Nacional de Estadística (INE), Castil de Carrias llegó a contar con 246 habitantes en 1860. En 1950 todavía vivían allí 178 personas; una década después eran 126 y en 1970 la cifra cayó hasta 59. En el censo de 1981 quedaba ya una única persona y un solo hogar: Florentino. El antiguo municipio terminaría integrándose posteriormente en Belorado.

“No hubo manera de convencerle para que se fuera a vivir a otro pueblo, a Briviesca o a Belorado. Era muy cabezota. Recuerdo que en aquellas elecciones en las que se hizo famoso le llevé yo a Belorado a votar”, apunta este mismo vecino. El labrado y su galga Culebra permanecieron allí hasta enero de 1994. Tenía 66 años cuando un cazador encontró su cuerpo en las escaleras de la antigua taberna en la que vivía, como relató el Diario de Burgos. El resto, es historia.

¿Por qué Netflix decidió inscribir a todo el reparto como actuación secundaria? La razón es que ningún personaje concentra suficiente protagonismo frente a los demás, según se detalló. Esa misma táctica ya fue empleada por cuatro películas que terminaron ganando el Oscar a mejor filme: Crash (2005), Spotlight (2015), Moonlight (2016) y Parásitos (2019). Todas esas producciones, excepto Parásitos, lograron además al menos una nominación individual en categoría de reparto. Y todas, salvo Moonlight, se llevaron el premio al mejor elenco en los Screen Actors Guild Awards.

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La Bola Negra fue adquirida por Netflix tras su paso por el Festival de Cannes en mayo. La semana pasada fue elegida como la representante de España para competir por el Oscar a mejor película internacional. El domingo anterior, además, se alzó con el premio del público en el Festival de Toronto. Ese recorrido posiciona al filme como el principal rival de La Odisea en la carrera por el Oscar a mejor película. La producción está ambientada en la Guerra Civil española y despliega tres líneas temporales distintas, lo que explica la amplitud de su elenco.

Penélope Cruz, la favorita entre las actrices

El cantante español de 29 años hace su debut como actor en el filme, donde interpreta a Sebastián, un soldado del bando nacional que se resiste a cumplir su misión: custodiar a Rafael, un soldado republicano herido interpretado por Bernardeau. Entre ambos personajes se desarrolla un vínculo central en la trama. Guitarricadelafuente también compite por el Oscar a mejor canción original con La Nieve, tema que coescribió e interpreta en la película. Si logra ambas nominaciones, se convertiría en la quinta persona en la historia en recibir menciones de actuación y de canción por el mismo filme, después de Mary J. Blige, Lady Gaga, Cynthia Erivo y Leslie Odom Jr.

Cruz interpreta a Nene, una artista de cabaret que entretiene al ejército nacional pese a no compartir su ideología, y que mantiene un breve pero intenso cruce con el personaje de Sebastián. Su actuación la posiciona como la intérprete femenina con mayores chances de obtener una nominación. La actriz ya hizo historia como la primera española en ganar un Oscar de actuación: mejor actriz de reparto por Vicky Cristina Barcelona (2008). Su año 2026 fue particularmente activo, con papeles destacados también en Bunker y La Invitación, motivo por el cual recibió un reconocimiento especial en Toronto.

El respaldo de Netflix al filme no se limita a la estrategia de campaña. La plataforma le otorgará la ventana de exclusividad en cines más extensa de su historia: 47 días, a partir del 16 de octubre. Además, la compañía informará públicamente la recaudación de taquilla de la película, algo que nunca había hecho con ninguno de sus otros estrenos. La Bola Negra será también el primer filme de Netflix en exhibirse en salas AMC fuera de proyecciones puntuales, como ocurrió previamente con Glass Onion: Un Misterio de Knives Out.

Tras el éxito comercial de Backrooms, el estudio A24 busca repetir la fórmula con un nuevo fenómeno nacido en internet. La productora se ha unido a Spooky Pictures e Image Nation Studios para llevar a la gran pantalla V/H/S: SCP, película basada en el universo de terror colectivo de la Fundación SCP. El proyecto, sin embargo, enfrenta un obstáculo poco habitual en Hollywood: el material original se publica bajo una licencia Creative Commons que impide reclamar exclusividad sobre sus contenidos.

Backrooms, otro proyecto surgido de la red, recaudó más de 394 millones de dólares en taquilla para A24. Ese resultado explica por qué el estudio decidió mirar hacia otra ficción colectiva de internet con público fiel: la Fundación SCP. En declaraciones a The Wrap, los responsables de la producción justificaron la apuesta al señalar que el “folclore de internet” se ha convertido en una cantera de historias con seguidores consolidados, y citaron como ejemplo directo el caso de Backrooms. A24 adquirió los derechos mundiales de V/H/S: SCP, que se estrenará en 2027 como parte de la saga de terror de metraje encontrado (found footage), que ya suma ocho entregas. En octubre, la franquicia sumará además V/H/S/Mixtape al catálogo de la plataforma Shudder.

El equipo de producción reúne a nombres habituales de la saga, entre ellos Roy Lee, Steven Schneider, Josh Goldbloom y Michael Schreiber, junto a Ben Ross, Rami Yasin, Jakob Pollack y Brad Miska como productores ejecutivos. El anuncio no resultó del todo sorpresivo: Variety ya había adelantado en julio pasado que Spooky Pictures e Image Nation Studios preparaban una adaptación, antes incluso de que A24 se sumara al proyecto. La Fundación SCP surgió en internet alrededor de 2008 y funciona como una gigantesca ficción colectiva construida durante casi dos décadas por miles de colaboradores. Sus autores han creado relatos sobre objetos, criaturas y fenómenos anómalos vinculados a una organización ficticia encargada de contenerlos. Con el tiempo, el universo saltó de la wiki original a videojuegos, cortometrajes y series web, sin que existiera hasta ahora un largometraje propio. V/H/S: SCP sería la primera adaptación cinematográfica de este fenómeno, aunque no es la única que se está preparando en Hollywood.

Una licencia Creative Commons con límites

El choque con las reglas habituales de la industria surge porque los contenidos de SCP se publican bajo licencia Creative Commons BY-SA. Esta licencia permite crear obras derivadas, incluso con fines comerciales, pero impone condiciones que no encajan con el modelo tradicional de explotación de Hollywood. Según recoge Kotaku, la película tendría prohibido incorporar DRM o cualquier otra medida que restrinja su copia. Plagiarism Today añade que la licencia obliga a mantener los mismos términos en las obras derivadas y, además, impide convertirlos en derechos exclusivos. Esto significa que, aunque la cinta podría distribuirse comercialmente, la licencia limita la posibilidad de proteger sus contenidos y controlar en exclusiva su explotación.

Quienes escribieron el universo SCP durante casi veinte años no tuvieron voz ni voto en el proyecto. A través de un comunicado, la comunidad aseguró que nadie los “consultó ni contactó” y que sus intentos de localizar a los responsables de la película no obtuvieron respuesta. El texto es igual de contundente respecto a los límites legales: sostiene que A24 “no tiene ni puede tener ningún derecho exclusivo” sobre los elementos del universo SCP. La productora intentó rebajar la tensión. A través de un portavoz, explicó a Kotaku que “no reclama” derechos para frenar a la comunidad ni impedir que siga creando obras basadas en SCP. Precisó además que los derechos mundiales adquiridos corresponden a la película de V/H/S, no al universo SCP, y presentó la cinta como un homenaje a la comunidad que construyó ese mundo. La aclaración llegó después de que A24 tuviera que retirar avisos automáticos de copyright dirigidos contra contenido de fans de Backrooms.

Como apunta Plagiarism Today, los productores no estaban obligados a recurrir al universo SCP, ya que la idea de una organización secreta que oculta fenómenos paranormales tiene múltiples precedentes fuera de esta comunidad. Hasta la fecha, ni la Fundación SCP ni las productoras han confirmado un acercamiento formal entre ambas partes. Habrá que esperar al estreno de V/H/S: SCP en 2027 para saber hasta dónde llega el pulso por los derechos.

Camilo Joaquín Villarruel, conocido como Milo Quifes, dejó Biología en la Universidad de Granada en 2022 y publicó en 2024 su primera novela, Ultravioleta. El actor ha obtenido su primer papel cinematográfico tras presentarse a un casting al que acudió para trabajar como extra y vencer su temor a la cámara.

Quifes comparte reparto con Antonio de la Torre, Natalia de Molina, Penélope Cruz y Glenn Close. La película narra las vidas de tres hombres en distintas décadas, desde los años anteriores a la Guerra Civil hasta la España contemporánea, y toma como punto de partida una obra de Lorca de la que solo se conservan el reparto de personajes y la primera escena.

El intérprete ha pasado su adolescencia en Sevilla y también ha vivido en Granada. En la biografía que acompañaba a Ultravioleta, publicada por el sello Montena, se indicaba que había tenido seis empleos y se había mudado once veces.

Quién es Milo Quifes y cómo llegó a ‘La bola negra’

Quifes nació en Huelva hace 25 años y empezó a escribir relatos de distintos géneros durante su etapa escolar. Sus profesores de Lengua en Sevilla alimentaron su interés por los libros, aunque inicialmente optó por una formación científica y se matriculó en Biología.

La experiencia universitaria le hizo comprender que esa carrera no era su camino. En un vídeo difundido en sus redes sociales, cuando tenía 21 años, explicó que llevaba tiempo sin sentirse feliz con los estudios: “Todos sabíamos que al final la iba a dejar”.

Tras abandonar la universidad, centró su actividad en la escritura, la creación de contenido y la interpretación. Ultravioleta aborda una historia de amor entre dos hombres y recoge elementos de su propia vida.

El papel en la película de Calvo y Ambrossi llegó después de una sucesión de pruebas que el joven creía destinadas a elegir figurantes. “Buscaban andaluces y yo decidí ir, también para enfrentarme al miedo que me provocaba estar delante de una cámara, y para ganarme algún dinerillo como extra”, ha relatado el actor durante el Festival de San Sebastián.

El personaje de 1932 y las heridas del rechazo

El protagonista ha vinculado su personaje con las experiencias de exclusión que ha vivido fuera de la pantalla. “Me ha obligado a pensar en todas las veces que me han echado a mí la bola negra, que me han cuestionado”, ha afirmado Quifes a Infobae.

El rodaje incluyó una jornada en Sierra Nevada durante un fuerte temporal. El actor llevaba varias capas de ropa térmica bajo el vestuario, pero ha explicado que no podía protegerse del frío en las manos ni en la cara y que apenas veía al equipo por la ventisca y la nieve.

La preparación del personaje le llevó a leer teatro y poesía de Federico García Lorca. “Estuve subrayando una página tras otra”, ha contado sobre un autor cuyo universo, sostiene, combina una simbología que ofrece nuevas lecturas con un amplio conocimiento de la naturaleza humana.

La película ha recibido el premio a la mejor dirección en Cannes y el premio del público en Toronto. La Academia de Cine también ha seleccionado el drama, basado asimismo en La piedra oscura, de Alberto Conejero y ‘coescrito’ por el autor jienense, como representante española en los Oscar. Quifes se define ante todo como escritor y trabaja en una segunda novela, aunque los viajes y la promoción de La bola negra dificulten el avance de ese libro.

El día al fin ha llegado; La bola negra llega a los cines, y con ella la apasionante historia de Los Javis que se ha convertido en una de las películas más importantes del año y que ahora mismo está de lleno en la carrera por el Oscar. Una película épica y ambiciosa no solo en su duración, sino también en su producción, en su historia y en sus personajes, con un amplio elenco que va desde Guitarricadelafuente a Penélope Cruz, mezclando actores debutantes, otros poco conocidos y otros que son estrellas mundiales como Glenn Close. Por todo ello, aquí van todos los personajes a tener en cuenta de la película.

Guitarricadelafuente - Sebastián

Gran protagonista de la película, aunque a ojos de los Oscar todos vayan a aplicar a secundarios, Guitarricadelafuente (Álvaro Lafuente Calvo) es sin duda uno de los grandes descubrimientos del filme, ya que se trata de su primera experiencia como actor. El músico da vida a Sebastián, un joven cuyo pueblo es bombardeado por las fuerzas italianas durante laa Guerra Civil y acaba recalando en un batallón del bando nacional en Santander. Allí conoce a Rafael, otro joven que llega como prisionero y al que ponen a su cargo. Poco a poco Sebastián comienza a tener cierto interés y deseo en Rafael, aunque los designios de la guerra pongan una gran barrera entre ambos.

Miguel Bernardeau - Rafael

Miguel Bernardeau le da la réplica a Guitarricadelafuente, aunque a este actor lo conocemos de sobra por series como Élite o Querer y películas recientes como La fiera. El actor hijo de Ana Duato y Miguel Ángel Bernardeau da vida a todo un personaje real como fue Rafael Rodríguez Rapún, exfutbolista, actor y soldado del ejército republicano. En la película, Rafael es apresado por el bando nacional y puesto a cargo de Sebastián, con el que empieza a mantener una estrecha relación. Lo que este no sabe es que Rafael fue íntimo amigo del poeta Federico García Lorca, y tiene un gran encargo por cumplir.

Milo Quifes - Carlos

El protagonista de la otra línea temporal es otro debutante como Milo Quifes, joven granadino que antes de trabajar con los Javis era conocido por sus vídeos en TikTok, y quien también debuta ahora en el largometraje. Quifes interpreta a Carlos, un joven de la Granada de 1931, en la que intenta formar parte del prestigioso casino y al que le dan “bola negra” por su supuesta homosexulidad. Ante la insistencia de su padre (Antonio de la Torre) y el apoyo de su hermana (Natalia de Molina), Carlos tendrá que intentar convencer al consejo del casino de que es apto para entrar.

Carlos González - Alberto

La tercera línea temporal, más cercana a nuestro presente pues se ubica en 2017, es la que protagoniza Carlos González, quien ya había colaborado con los Javis en Veneno y ha aparecido en otras producciones como Maricón perdido, La canción o Mariliendre. Carlos interpreta a Alberto -en homenaje a Alberto Conejero, dramaturgo en cuya obra La piedra oscura está inspirada la película-, un historiador que se topa con un gran secreto familiar que busca investigar a pesar de las reticencias de su madre.

Lola Dueñas - Teresa

Su actuación en La mesías es una de las más magnéticas, por lo que no es de extrañar que los Javis hayan querido a volver a contar con ella para La bola negra. Lola Dueñas da vida a Teresa, la madre de Alberto, una mujer algo antipática que carga con el peso de haber sido abandonada por su padre en la infancia y del que ya no quiere saber nada, hasta que su hijo le pide que le cuente la verdad sobre la historia de su familia.

Glenn Close - Isabelle Durand

Quizá la aparición más sorprendente de La bola negra, la historia de cómo se conocieron Glenn Close y los Javis da para una película en sí misma. La icónica actriz de 101 Dálmatas encarna a Isabelle Durand, una humanista especializada en Federico García Lorca que se encuentra en el camino de Alberto, quien necesita consejo con respecto a una obra de Lorca de lo más especial, La bola negra.

Alberto Cortés - Federico García Lorca

Uno de los personajes que vertebra la película y la historia en la que esta se inspira, Lorca aparece poco en la película pero cuando lo hace llena la pantalla. Lo encarna el hasta en momento desconocido Alberto Cortés, quien más allá de su evidente parecido con el poeta granadino cuaja una de las interpretaciones más especiales de toda la película.

Penélope Cruz - Nené Romero

Por último, pero no menos importante, Penélope Cruz es otro de los grandes reclamos de la cinta. La actriz de películas como Volver y ganadora del Oscar por Vicky Christina Barcelona interpreta a Nené Romero, una bailarina de Madrid que acude al encuentro de las tropas nacionales en Cantabria, donde conoce a Sebastián y le inspira a hacer caso a sus deseos y rebelarse contra el orden establecido.

Si La bola negra sigue las tres vidas de tres hombres interconectadas en diferentes épocas, su geografía es también un buen reflejo de su historia. La que es ya la película del año en España y en el terreno internacional —los expertos vaticinan que llegará a los Oscar con nada menos que 15 nominaciones, una cifra histórica— está, por fin, desde este viernes en cines. El premio a Mejor Dirección que Javier Calvo y Javier Ambrossi consiguieron el pasado mayo en el Festival de Cannes no hizo más que alimentar un fenómeno que después sumó el Premio del Público en Toronto y la elección de la Academia de Cine para representar a España en los Oscar.

La segunda película de Los Javis después de La llamada (2017) es también su proyecto cinematográfico más ambicioso. Una cinta rodada en 35 milímetros que se desplaza entre 1932, 1937 y 2017 y que necesitaba reconstruir no una, sino varias Españas. En total, los cineastas y coguionistas necesitaron 12 semanas por distintos pueblos, playas, ciudades y montañas de Burgos, Cantabria y Granada.

Castil de Carrias: un pueblo despoblado para volver a la Guerra Civil

El universo de la cinta, que tiene como inspiración la obra inacabada de Federico García Lorca del mismo nombre y La piedra oscura, de Alberto Conejero, comienza en Castil de Carrias, una pequeña localidad abandonada de Burgos donde arrancó oficialmente el rodaje en agosto de 2025. También es allí donde comienza la película: un pueblo en plena Guerra Civil recibe a las tropas fascistas italianas antes de que los aviones desaten el horror sobre sus habitantes.

Encontrarlo no fue casualidad. Clara Salvador, jefa de localizaciones de la película, ha explicado que recorrieron Burgos buscando un núcleo que estuviese ya parcialmente derruido para poder intervenir lo mínimo posible. “Hablando con efectos, decidimos que lo mejor era buscar un pueblo medio derruido en el que solo tuviéramos que construir algo más para poder luego destruirlo con las bombas”, ha contado a Condé Nast Traveler.

Situado a 10 kilómetros de Belorado y a 57 kilómetros de Burgos, Castil de Carrias está despoblado desde que en 1994 falleció el que era su único habitante, Florentino González Sáez.

Cantabria: soldados, playas y un hospital de guerra

La trama ambientada en 1937 llevó al equipo hacia el norte. Querían grabar en Comillas. Allí, la antigua Universidad Pontificia se convirtió en la cárcel y el hospital en el que transcurre una parte esencial de la relación entre Rafael Rodríguez Rapún, al que se le atribuye una relación con Lorca, interpretado por Miguel Bernardeau, y el personaje de Guitarricadelafuente.

“Tienen dos o tres edificios abandonadísimos, y rodamos en uno de ellos, que tuvimos hasta que desbrozar por dentro porque tenía plantas”, ha detallado Salvador. Cantabria también aporta algunos de los paisajes más abiertos de la cinta, como la playa de La Arnía, donde los soldados se bañan y cantan frente al Cantábrico, o la de Oyambre.

De la misma manera, el equipo también se desplazó hasta Lafuente, un pueblo de apenas 17 habitantes, para ilustrar el viaje del personaje que interpreta Carlos González —cuya trama se sitúa en 2017— para conocer el pueblo en el que había vivido su abuelo.

Granada: volver a Lorca

Si hay una ciudad inevitable en una película construida alrededor de Federico García Lorca, esa es Granada. Allí transcurre la historia de 1932, motivo por el que Los Javis quisieron rodar en espacios vinculados física y emocionalmente con el poeta.

La Plaza de Santa Ana y Plaza Nueva se transformaron para devolverlas a los años de la Segunda República, con el rodaje también pasando por el Carmen de los Mártires y distintos puntos del Albaicín.

Sierra Nevada: terminar cuando llegara la nieve

Meses después del grueso del rodaje, el equipo regresó a Granada para filmar en Sierra Nevada algunas de las imágenes finales de la película. “Hemos rodado a tres mil metros de altitud en Sierra Nevada, bajo la lluvia, en, en playas, de noche. Todo es real”, ha señalado Ambrossi.

En la obra inacabada que dejó Lorca, que apenas tenía cuatro páginas, dejó palabras como “esquiadores” y “la nieve”, elementos que Los Javis decidieron convertir en imágenes. La producción terminó escogiendo la zona de la Laguna y la pista El Puente, donde filmó con esquiadores profesionales.

Los Javis han conseguido aunar todo eso en La bola negra, su propuesta más arriesgada, ambiciosa y, también, tocada por un estado de gracia que les ha catapultado a una fama internacional desde su proyección en el pasado Festival de Cannes, donde consiguieron el premio a la mejor dirección.

Hay varios ejes vertebrales en la película: la reivindicación de la figura de Federico García Lorca y la revisión de la historia de la Guerra Civil a través del prisma de la homosexualidad, una perspectiva que prácticamente no se había abordado en nuestro país, sobre todo, de una forma tan caleidoscópica y compleja.

Tres tiempos que se miran entre sí

La película articula tres relatos situados en 1932, 1937 y 2017, cada uno rodado de una manera diferente y con sus propios códigos internos, aunque las piezas se van ensamblando de manera armónica interconectándose entre sí y componiendo una epopeya que combina drama bélico, musical, misterio literario y romance gay.

La película parte de las cuatro páginas que Federico García Lorca dejó escritas de una obra titulada La bola negra, concebida como el inicio de su primera pieza con un personaje abiertamente homosexual. El relato de Los Javis especula con la existencia de un manuscrito completo, oculto durante nueve décadas, y con lo que ese hallazgo revelaría sobre identidades silenciadas.

Una de las tramas transcurre durante la Guerra Civil. Guitarricadelafuente interpreta a un joven que presencia la destrucción de su pueblo por la aviación italiana, termina enrolado en el ejército sublevado y recibe el encargo de custodiar a un prisionero republicano.

Ese preso es Rafael Rodríguez Rapún, personaje al que da vida Miguel Bernardeau y que ha mantenido una relación con Lorca. La historia recrea un encuentro entre dos hombres de bandos enfrentados que establecen un vínculo en un hospital de guerra, con una obra inédita del poeta como legado que debe ser protegido.

La segunda línea temporal se sitúa en Granada en 1932. Milo Quifes encarna a un joven sometido al juicio de los socios de un casino, que deciden mediante bolas blancas y negras si merece ser admitido; el rumor sobre su deseo por otros hombres precipita su exclusión, su silencio y su condena social.

La tercera historia avanza hasta 2017 y sigue a un descendiente que hereda un secreto familiar ligado a los episodios anteriores. Carlos González interpreta a ese joven homosexual que rastrea una genealogía atravesada por los silencios y descubre cómo el pasado ha condicionado la vida de su abuelo, de su madre y la suya propia.

Reivindicación ‘queer’ de la memoria histórica

Ambrossi y Calvo han planteado la película como una reivindicación de los relatos de hombres gays españoles suprimidos por los prejuicios, la negación y el deterioro de la memoria. La identidad queer aparece como un proceso de construcción y reconstrucción, condicionado por una sexualidad reprimida y por la ausencia de referencias compartidas.

La película logra mantener la tensión entre materiales heterogéneos en la que encontramos una recreación descarnada y homoerótica de la Guerra Civil, un segmento de aliento poético inspirado en las cuatro páginas de Lorca y un drama contemporáneo de tono realista, que se convierte, de algún modo, en la pieza decisiva que da sentido a toda la propuesta a través de esa búsqueda de lo prohibido, de lo que ha permanecido oculto, que adquiere una dimensión tanto literal como simbólica.

A nivel visual, La bola negra es una explosión de fuerza expresiva a través de unas imágenes poderosas dispuestas a quedar para siempre en el imaginario colectivo: el inicio con el bombardeo, el plano secuencia del tablao flamenco, la secuencia de los soldados en la playa, la ‘set pièce’ protagonizada por Penélope Cruz... son momentos de una rabiosa ‘visceralidad’ y de una contundencia incuestionable.

Junto a ellos, nos encontramos con instantes desnudos de un enorme carácter revelador que consiguen que el elemento histórico tenga un verdadero eco en lo personal, en la intimidad de unos personajes heridos que buscan, en condiciones extremas, su identidad, su lugar en el mundo tras sentirse incomprendidos y rechazados y cuya única culpa reside en el amor.

La bola negra es un auténtico espectáculo cinematográfico, apabullante, necesario, imponente, por momentos excesivo, ‘bigger than life’, pero que se instala como una obra totémica y avasalladora.

Johnny Depp vuelve a estar en el centro de la escena de Hollywood. La productora Lionsgate difundió el primer tráiler de Sed de sangre (título original Day Drinker), un thriller de venganza que lo reúne con Penélope Cruz. El adelanto se conoció este jueves y muestra al actor con acento irlandés en un papel envuelto en misterio, según reportó The Hollywood Reporter.

Sed de sangre está dirigida por Marc Webb y sigue a una bartender de un yate privado, interpretada por Madelyn Cline, que se cruza con un enigmático pasajero a bordo encarnado por Depp. Ambos terminan enredados con una figura criminal interpretada por Cruz, en una trama marcada por conexiones que nadie anticipa. En el tráiler, el personaje de Depp lanza una frase que resume el tono de la película: “¿No quieres a veces portarte mal?”. Cline no es la única secundaria de nivel, pues también están los españoles Manu Ríos y Aaron Piper, ambos conocidos por la serie Élite.

El estreno en cines está previsto para el 26 de marzo de 2027. Se trata de la tercera vez que Depp y Cruz comparten pantalla, tras sus papeles conjuntos en Piratas del Caribe: En mareas misteriosas y en Blow. Sed de sangre marca un nuevo paso en el proceso de reinserción profesional del actor tras años alejado de las grandes producciones de Hollywood. Ese distanciamiento se originó en las acusaciones de abuso doméstico de 2016 y se profundizó con el juicio por difamación de 2022, derivado de su breve matrimonio con Amber Heard.

Nuevos proyectos y ‘Piratas del Caribe’

Sed de sangre no es el único proyecto que devuelve a Depp a la cartelera. El actor también protagoniza Ebenezer, el remake de Cuento de Navidad dirigido por Ti West, cuyo primer tráiler se difundió en julio y cuyo estreno está fijado para el 13 de noviembre. La combinación de ambos títulos convierte a este período en una doble presencia de Depp en los cines, algo que no ocurría desde antes de su alejamiento profesional. El primer adelanto de Sed de sangre se suma así como la segunda gran producción del actor en mostrar imágenes en los últimos meses.

El regreso de Depp no se limita a estos dos estrenos. En agosto, el productor Jerry Bruckheimer reveló en una entrevista con Deadline que existen conversaciones activas para que el actor retome su papel más reconocido: el capitán Jack Sparrow, en una sexta entrega de Piratas del Caribe. “Estamos hablando con Johnny Depp, estamos trabajando en un guion y esperamos poder concretarlo”, declaró Bruckheimer.

Aunque el productor no precisó fechas ni detalles sobre el estado del guion, la declaración confirma que la franquicia evalúa formalmente la reincorporación del actor a un personaje que definió buena parte de su carrera cinematográfica antes del escándalo mediático de 2016. Con Sed de sangre en camino para marzo de 2027, Ebenezer llegando en noviembre y una posible sexta película de Piratas del Caribe en desarrollo, Depp encadena tres frentes simultáneos que marcan el momento más activo de su carrera desde el inicio de su distanciamiento con los grandes estudios de Hollywood.

En su primera semana de estreno en España, Backrooms recaudó 1,6 millones de euros, situándose entre los títulos de terror más comentados del año junto a Obsession. La película convierte una idea nacida en Internet en un relato ambientado en los años noventa, articulado como una pesadilla física y existencial.

Kane Parsons tiene 20 años y procede de YouTube, donde publicó una serie de cortometrajes que acumuló millones de visualizaciones. Aquella antología contenía el germen de un universo que el largometraje amplía con una mitología propia.

El filme se integra en una generación de autores jóvenes que busca alterar las reglas del terror convencional y vincularlas a las inquietudes contemporáneas. En ese relevo aparecen nombres como Osgood Perkins, director de Longlegs; Zack Cregger, ligado a Weapons y la reciente Resident Evil, y los hermanos Philippou.

Qué cuenta ‘Backrooms’

La historia sigue a Clark, un arquitecto fracasado interpretado por Chiwetel Ejiofor. Separado de su mujer por sus problemas con el alcohol, dirige una tienda de muebles de descuento.

El otro personaje central es Mary, la terapeuta de Clark, a la que da vida Renate Reinsve. Ella arrastra los traumas de una infancia marcada por la convivencia con una madre con problemas de salud mental.

La realidad del relato se quiebra cuando Clark descubre una pared atravesable en el sótano de su negocio. Al otro lado se abre una versión deformada de la tienda, un espacio situado entre una sala de escape y un estado mental de pesadilla.

Ese portal conduce a un universo donde la lógica deja de funcionar y el escenario opera a la vez como un laberinto material y como un descenso hacia los monstruos que habitan la mente. El concepto de “backroom” se presenta como la entrada a callejones sin salida poblados por los engendros creados por la propia cabeza.

Esa construcción aparece como una experiencia en la que la amenaza procede tanto de lo que se ve en pantalla como de lo que queda fuera de campo. Cada puerta, pasillo o trampilla mantiene la incertidumbre sobre lo que puede haber detrás, con una dinámica comparable a un tren de la bruja llevado al extremo.

Una experiencia sensorial

Parsons combina el metraje encontrado, los planos subjetivos, el ‘creepypasta’ —las leyendas urbanas difundidas por Internet— y el terror liminal. La suma de esos recursos busca sostener una sensación de asfixia y pánico, sin ofrecer al espectador certezas sobre las reglas de ese mundo.

La película prioriza el clima y la atmósfera frente a las explicaciones cerradas. Su simbología queda abierta a interpretaciones que pueden recorrer desde las teorías conspirativas hasta la salud mental y la apatía existencial.

Esa tensión entre la estructura narrativa y la experiencia sensorial explica, para el medio, el magnetismo de la propuesta. El terror adopta una forma conceptual y abstracta, pero también corporal, y convierte el laberinto en una amenaza concreta para los personajes.

El entusiasmo que acompañaba a Backrooms desde su estreno en Estados Unidos le ha otorgado casi de inmediato la condición de película de culto. La película se apoya en una propuesta impredecible, opresiva y perturbadora que evita sobreexplicar su propia mitología.

La película llegó a los cines después de un prolongado período de incertidumbre sobre su distribución. Su recorrido fuera de la pantalla guarda, además, una relación directa con el conflicto de la trama: Wile E. Coyote demanda a ACME, la empresa cuyos productos fallidos han acompañado sus intentos de atrapar al Correcaminos.

Según informó SensaCine, el filme obtuvo una buena recepción a nivel global tras su estreno. Sin embargo, uno de los puntos que abrió debate fue que el personaje no logra imponerse en el juicio contra la compañía.

El juicio contra ACME termina sin la victoria que esperaba el Coyote

La historia presenta al Coyote como un cliente que busca responsabilizar a ACME por los reiterados accidentes provocados por sus artefactos. Durante el proceso judicial, el personaje queda expuesto como alguien marcado por fracasos continuos, una condición que remite a los cortometrajes clásicos en los que sus planes terminan con explosiones, caídas o golpes.

El desenlace conserva esa lógica. El Coyote pierde el juicio, pese a que la película también introduce consecuencias para otros personajes: el abogado vinculado a la empresa queda comprometido por las pruebas y el bufete de abogados logra mantenerse en funcionamiento gracias a la intervención de otros integrantes de los Looney Tunes.

La resolución no convierte al protagonista en un ganador en los términos habituales de una historia judicial. En cambio, plantea un cambio en el vínculo entre el Coyote y el Correcaminos. El personaje descubre que su rival lo considera un amigo y que existe alguien que se preocupa por él, incluso dentro de una relación definida desde hace décadas por la persecución.

Esa elección fue cuestionada por espectadores que esperaban que la demanda concluyera con una compensación o con una condena para ACME. La película opta por mantener al personaje en una situación reconocible para quienes conocen su trayectoria animada, aunque incorpora una dimensión afectiva que no suele ocupar el centro de los cortos.

Dave Green vincula el cierre con la esencia de los cortometrajes clásicos

Para Dave Green, la clave del final está en distinguir entre el objetivo aparente del juicio y la motivación central del Coyote. El director sostuvo que el personaje desea atrapar al Correcaminos y que esa meta es la que organiza sus días, más allá de los resultados de cada intento.

“La película trata sobre lo que quiere el Coyote. Y lo que quiere es pillar al Correcaminos”, explicó Green en declaraciones recogidas por SensaCine. A su juicio, la persistencia del Coyote contiene una idea simple: el personaje conserva una meta y vuelve a intentarlo aun cuando sus planes fracasan.

El cineasta señaló que el recorrido del protagonista puede impulsar al público a volver a los materiales originales. “Te hace querer volver y ver algunos cortos clásicos”, afirmó al referirse al efecto que buscaba con el cierre de la película. Así, la derrota legal no cancela la dinámica conocida, sino que devuelve al Coyote a la persecución que define su identidad.

La decisión también permite que el filme conecte su argumento con la historia de su distribución. La producción atravesó años de incertidumbre antes de llegar a las salas, por lo que su estreno añadió otra capa a una narración sobre un personaje que persiste frente a obstáculos reiterados.

Lana Condor interpreta el “quizá mañana” como una idea de perseverancia

La actriz Lana Condor, una de las coprotagonistas, identificó en el tramo final un mensaje relacionado con la capacidad de volver a intentarlo. La frase “O quizá mañana”, presente cerca del cierre, condensa para ella la posición de un personaje que no abandona su objetivo aun después de una nueva derrota.

“La esperanza es la que te mueve. Potencialmente, quizá mañana, triunfarás”, declaró Condor al medio especializado. La actriz vinculó esa lectura con la red de apoyo que encuentra el Coyote y con la posibilidad de sostener una meta incluso cuando los resultados inmediatos son adversos.

El final, por lo tanto, no modifica el rasgo central del personaje ni resuelve su rivalidad con el Correcaminos. El Coyote seguirá persiguiendo a su objetivo, con la diferencia de que ahora conoce el afecto que existe detrás de esa rutina. La última idea queda abierta bajo la misma promesa que atraviesa la película: quizá mañana.

Guillermo del Toro será una de las figuras centrales del Festival Internacional de Cine de Morelia 2026, que se realizará del 16 al 25 de octubre en Morelia y Pátzcuaro.

La programación incluye 96 películas en competencia, funciones especiales, homenajes, talleres y actividades para profesionales.

El Festival de Cine de Morelia se celebrará del 16 al 25 de octubre

La 24ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia reunirá proyecciones presenciales en distintos espacios de la capital michoacana.

Según la programación oficial del festival, las sedes en Morelia serán:

• Cinépolis Morelia Centro
• Cinépolis VIP Plaza Las Américas
• Teatro Mariano Matamoros
• Teatro Melchor Ocampo
• Museo Regional de Michoacán “Dr. Nicolás León Calderón”
• Centro Cultural Clavijero

Además, el festival tendrá funciones en Pátzcuaro, en el Teatro Emperador Caltzontzin.

El público que no pueda viajar a Michoacán tendrá acceso a funciones virtuales gratuitas a través de nuestrocine.mx, la plataforma del Instituto Mexicano de Cinematografía.

El sitio web oficial del FICM informó que la inauguración tendrá lugar la noche del 16 de octubre en Morelia. La ceremonia contará con la presencia de Jonás Cuarón, Alfonso Cuarón y parte del elenco de Campeón gabacho.

La película inaugural cuenta la historia de un migrante mexicano que persigue su aspiración de convertirse en boxeador en Estados Unidos. El protagonista es Juan Carlos Treviño García.

Guillermo del Toro presentará la versión restaurada de El laberinto del fauno

La presencia de Guillermo del Toro estará ligada a una de las funciones especiales de la programación. El cineasta acudirá a una Gran Gala de El laberinto del fauno, organizada para celebrar dos décadas desde el estreno de la película.

La proyección utilizará una versión restaurada del largometraje. La actividad se suma a los festejos previstos antes de su reestreno en salas mexicanas.

La cinta fue una obra decisiva en la proyección internacional del director mexicano y obtuvo tres premios Óscar. La presentación en Morelia será una de las actividades con mayor convocatoria de la edición.

La programación anunciada también incluye a James Gray, quien llevará su nueva película, Paper Tiger. Carlos Reygadas regresará al festival para presentar Heil Jupiter! y participar en una función especial de Batalla en el cielo.

Andrea Pallaoro asistirá con The Echo Chamber. Gael García Bernal presentará Hombre al agua, mientras que Demián Bichir acompañará el documental Mujer santuario y una función especial de Without Blood, dirigida por Angelina Jolie.

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Juan Antonio Bayona presidirá el jurado de largometraje mexicano

El realizador español Juan Antonio Bayona será el presidente del jurado de la Sección de Largometraje Mexicano. Lo acompañarán la cineasta vasca Jaione Camborda, la compositora mexicana Gabriela Ortiz y la directora y productora estadounidense Amy Redford.

La competencia del festival estará conformada por 96 películas distribuidas en cuatro apartados:

1. Sección Michoacana
2. Cortometraje Mexicano
3. Documental Mexicano
4. Largometraje Mexicano

La Sección Michoacana reunirá ocho trabajos: siete cortometrajes y un largometraje.

El apartado de Cortometraje Mexicano contará con 64 títulos, repartidos entre 17 producciones de animación, 11 documentales y 36 ficciones.

La selección de Documental Mexicano incluirá 12 películas. La misma cantidad integrará la competencia de Largometraje Mexicano.

Los ganadores de cortometraje de ficción, documental y animación, así como el vencedor del largometraje documental, podrán ser considerados para la nominación al Óscar.

El jurado de Documental Mexicano estará integrado por Alexandre O. Philippe, Jonathan Romney y Juan Carlos Rulfo.

Raphaëlle Pireyre, Pedro Aguilera y Federico Luis evaluarán la Sección de Cortometraje Mexicano. La Sección Michoacana quedará a cargo de Iván Trujillo, Antonio Zirión y Nicolás Echevarría.

Los largometrajes mexicanos en competencia del FICM 2026

El sitio oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia confirma que la competencia de Largometraje Mexicano estará integrada por 12 películas.

• 6 meses en el edificio rosa con azul - Bruno Santamaría Razo
• La cazadora - Suzanne Andrews Correa
• Ceniza en la boca - Diego Luna
• Chicas tristes - Fernanda Tovar
• Contra la naturaleza - Axel Bertha
• Lo demás es ruido - Nicolás Pereda
• Los días de Poncho - Faustino Alanís
• El jardín que soñamos - Joaquín del Paso
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Las películas internacionales anunciadas para el Festival de Cine de Morelia

Entre los títulos internacionales anunciados se encuentran:

• Klara and the Sun - Taika Waititi
• Look Back - Hirokazu Kore-eda
• Sheep in the Box - Hirokazu Kore-eda
• I Play Rocky - Peter Farrelly
• Ink - Danny Boyle
• A Long Winter - Andrew Haigh
• The Debut - Jesse Eisenberg 

Homenajes a Janet Alcoriza y Béla Tarr ampliarán la programación del FICM

El programa reservará un espacio para la memoria del cine mexicano con un homenaje a Janet Alcoriza, actriz y guionista de la Época de Oro. La muestra reunirá cuatro películas en las que participó como guionista y una en la que actuó.

Como parte de ese tributo se inaugurará la exposición fotográfica Los multiversos de Janet Alcoriza, realizada en colaboración con Fundación Televisa.

Por otra parte, la programación de clásicos restaurados incluirá La mujer de Benjamín, la ópera prima de Carlos Carrera. El director estará presente durante la exhibición de la copia restaurada, desarrollada junto con el Centro de Capacitación Cinematográfica.

El FICM también rendirá homenaje al cineasta Béla Tarr, fallecido en enero de este año. El programa incluirá la proyección de El caballo de Turín.

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El FICM mantendrá sus actividades de formación y apoyo a cineastas

Además de las proyecciones, el festival desarrollará iniciativas destinadas a impulsar nuevos proyectos y ampliar las oportunidades de formación para realizadores.

El Foro de los Pueblos Indígenas volverá a ofrecer un espacio para películas y narrativas de cineastas indígenas. La actividad incluirá el IV Laboratorio de Desarrollo de Proyectos para Cineastas Indígenas y Afrodescendientes de México.

El laboratorio cuenta con el respaldo de Netflix y el Marigold Fund. Su objetivo es brindar asesoría a proyectos en desarrollo de realizadores pertenecientes a comunidades originarias y afrodescendientes.

El Morelia: Sundance Laboratorio de Historias se realizará con el apoyo de Cinépolis y el Instituto Sundance. La iniciativa busca acompañar la escritura y el desarrollo de guiones cinematográficos.

La edición también albergará Impulso Morelia 12, una plataforma para largometrajes mexicanos que se encuentran en distintas etapas de posproducción. El espacio busca conectar los proyectos con especialistas de la industria y ampliar su visibilidad internacional.

Ambulante Gira de Documentales otorgará un premio a uno de los documentales seleccionados en Impulso Morelia.

Una alianza con la Fundación Casa de México en España y la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid permitirá que una persona de la Selección Oficial reciba una beca para cursar una maestría en Guion, Producción o Distribución.

Para conocer la programación completa, los horarios, las sedes, la venta de boletos y las acreditaciones, conviene revisar la página oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia.

Ese canal también permitirá verificar posibles cambios en las funciones y nuevos anuncios vinculados con la edición 2026.

Esta semana no es una semana cualquiera. Se estrena la que probablemente sea la película española más importante de todo el año, por no ir más lejos en fechas. La bola negra aterriza por fin en cartelera tras un fulgurante paso por el Festival de Cannes y Toronto, donde ha ganado sendos premios, y recientemente por el Festival de San Sebastián, donde ya está conquistando corazones. No es la única dispuesta a asombrar esta semana, pues llegan a cines otros títulos quizá no tan marcadamente épicos pero que sin duda harán las delicias de espectadores ávidos de nuevas aventuras.

Brad Pitt, otro de los rostros que todos persiguen en el Festival de San Sebastián, protagoniza también esta semana gracias a En el corazón de la bestia, su aventura junto al mejor amigo del hombre. Además de ellos están una joya de animación sobre una isla paradisíaca, una secuela de vértigo o el reestreno de Vengadores: Endgame, que llega en una nueva versión que introduce grandes y cambios y que incorpora escenas poscréditos para conectar con Vengadores: Doomsday.

La bola negra

Tres historias en tres tiempos distintos pero conectadas por la identidad queer y las heridas de la guerra. La bola negra narra las vidas de Sebastián (Guitarricadelafuente), un soldado del bando nacional durante la Guerra Civil, Carlos (Milo Quifes), un joven de Granada que intenta acceder a un casino, y Alberto (Carlos González), un historiador que intenta descubrir el pasado de su familia. Todos ellos convergen en esta ambiciosa y épica película que, antes de llegar a la carrera de los Oscar, tiene primero el reto de encandilar al público español.

En el corazón de la bestia

Toda una estrella y leyenda viva de Hollywood, Brad Pitt atraviesa una segunda juventud durante este año. En los próximos meses estrenará Las nuevas desventuras de Cliff Booth, secuela de la película por la que obtuvo el Oscar, pero antes tiene esta aventura junto a un buen amigo. Tras sobrevivir a un brutal accidente aéreo, el oficial de las Fuerzas Especiales James Belmont y su perro de combate Odín quedan atrapados en el corazón indomable de Alaska. Frente a una naturaleza implacable, ambos deberán luchar al límite por sobrevivir.

La isla olvidada

El gato con botas: El último deseo es probablemente una de las películas de animación mejor valoradas de los últimos años. Pues bien, sus directores Joel Crawford y Januel Mercado vuelven a la carga con esta aventura, de nuevo bajo el sello de Dreamworks. Jo y Raissa son dos jóvenes que, al hacerse amigas, crecen soñando con el mágico mundo de Nakali, una isla olvidada de la que le hablaba la abuela de una de ellas. Años después y convertidas en adultas no del todo funcionales, ambas se embarcan en un viaje para intentar descubrir si la isla existe de verdad.

Fall 2: Deadpoint

Secuela del éxito de 2022, Fall 2 vuelve para continuar con otra aventura de gran altura. Tras perder a su intrépida hermana Shiloh, Jax, profundamente dolida, emprende una peligrosa escalada con Luce, una vieja amiga de Shiloh, para honrar su memoria. Mientras caminan sobre la cuerda floja por los peligrosos tablones del monte Kwan, un aterrador desprendimiento de rocas les deja varados a 1.500 metros de altura. En medio de vértigos, verdades oscuras y giros crueles, Jax debe enfrentarse a sus miedos más profundos para luchar por la supervivencia y el final.

Avengers: Endgame Encore

Fue la épica que puso punto y final a toda una era, la misma que ahora busca volver a reenganchar a todos sus fans. Marvel reestrena Vengadores: Endgame, la épica odisea de superhéroes que arrasó en cines allá por 2019 y que es hasta la fecha la película que más dinero ha recaudado en la historia del cine tras Avatar. En este caso vuelve a cines con una nueva versión titulada Avengers Endgame: Encore, que incluye algunos cambios notables y una serie de escenas poscréditos que conectan directamente con la próxima gran película del universo, Vengadores: Doomsday.

Alejandro Amenábar ha visitado este jueves ‘El Hormiguero’ para recordar el 30 aniversario de ‘Tesis’ y repasar algunas anécdotas de su carrera, entre ellas la desaparición de uno de los dos Goya que recibió por su ópera prima tras la ceremonia.

“Yo voy perdiendo todo. Pero sí, esa noche se perdió un Goya. Fue porque no pensábamos que íbamos a ganar. No había prevista ni una fiesta”, ha explicado el cineasta sobre la gala en la que ‘Tesis’ obtuvo siete premios de sus ocho nominaciones.

Amenábar ha contado que el equipo terminó la noche en un local habitual de Malasaña. “Íbamos dejando los premios por las estanterías, al lado de la tónica. Y cuando fuimos a las seis de la mañana, que yo tenía dos, uno había desaparecido”, ha relatado.

El director no recuerda si la estatuilla correspondía al premio al mejor guion original o al de mejor dirección novel. Más tarde le comunicaron que dos jóvenes la habían encontrado en un contenedor, aunque ha puesto en duda esa explicación. “Creo que alguien se lo llevó y luego dijeron: ‘Le contactamos’”, ha añadido.

El inicio de ‘Tesis’

Amenábar también ha recordado el origen de una de las escenas más conocidas de ‘Tesis’. La secuencia inicial, en la que un revisor pide a los pasajeros que no miren a la vía después de un atropello, parte de una experiencia que vivió cuando iba a la universidad en el Metro de Madrid.

El tren se detuvo con una parte del convoy en el andén y la otra dentro del túnel después de que una persona se arrojara a las vías. Los pasajeros recibieron la orden de no observar la escena, pero varios quisieron acercarse para mirar. El cineasta ha considerado que esa reacción contenía la idea central de su primer largometraje: la atracción que ejercen las imágenes violentas y el límite entre la curiosidad y el rechazo.

‘Tesis’ volverá a proyectarse en salas con una versión remasterizada que corrige problemas de sonido y otros defectos técnicos. Amenábar ha explicado que dura cinco minutos menos, aunque no elimina escenas, porque recupera la velocidad real a la que se rodó la película.

El realizador ha contado que el guion original de ‘Tesis’ estuvo desaparecido varios días durante el rodaje, hasta que apareció en un banco de la universidad. El equipo llegó a trabajar sin el texto completo. A partir de entonces, Amenábar ha dejado de llevar los guiones íntegros al set y utiliza separatas con las páginas previstas para cada jornada. También ha reconocido que perdió aquel documento durante la producción.

El director ha recordado la inseguridad que sintió al dirigir su primer largometraje. José Luis Cuerda reunió a los técnicos del proyecto y Amenábar, entonces el miembro más joven del equipo, se definía como “el niñato del equipo” y “un pardillo”.

La falta de experiencia le llevó incluso a asumir tareas ajenas al rodaje. En una de las casas elegidas para filmar, la propietaria le pidió que instalara Canal+, por lo que empezó a manipular cables mientras el equipo le avisaba de que estaba a punto de comenzar la jornada.

De ‘Los otros’ a Hollywood y los Oscar

Amenábar ha defendido que el inicio y el desenlace son dos elementos decisivos en una película. Para explicarlo, ha citado los primeros minutos de ‘El padrino’ y ha sostenido que un mal final puede perjudicar la valoración de una obra, como le ocurrió, según ha dicho, con ‘Perdidos’. En cambio, ha explicado que concibió el final de ‘Los otros’ antes de desarrollar el resto de la historia. La película, estrenada en 2001, cumple 25 años, y el director ha indicado que construyó el relato alrededor de ese desenlace.

El proyecto adquirió una dimensión internacional cuando pasó a rodarse en inglés. Tom Cruise se incorporó como productor asociado y Nicole Kidman asumió el papel protagonista, una decisión que Amenábar no había contemplado al principio.

El cineasta ha definido la elección de Kidman como “el gran hallazgo de la película”. También ha reconocido que los primeros contactos fueron difíciles porque no dominaba el inglés, aunque una conversación posterior permitió que la relación profesional entre ambos se afianzara. Durante el rodaje, la actriz sufrió una lesión y la producción se detuvo dos semanas antes de terminar. Amenábar ha asegurado que nunca dudó de que regresaría para completar la película.

Amenábar ha recordado que dio un primer paso internacional tras ‘Abre los ojos’, cuando Cruise adquirió los derechos para producir ‘Vanilla Sky’. El director estaba en Londres y afrontó reuniones en inglés pese a que, según ha dicho, su nivel se limitaba a lo aprendido en el instituto. “En Londres lo único que hacía era salir de copas con españoles. Me trajeron de vuelta a España a aprender inglés”, ha contado. Tras una reunión y 24 horas de valoración, recibió la confirmación para seguir adelante con el proyecto.

También ha repasado la noche previa a los Oscar por ‘Mar adentro’, estrenada en 2004. Ha relatado que sufrió un malestar intestinal antes de atender entrevistas para televisión, tuvo que abandonar una rueda de prensa y quedó atrapado en un atasco mientras regresaba al hotel. “El glamour y el anti glamour a veces se dan la mano”, ha resumido.

Sobre la inteligencia artificial, Amenábar ha considerado que puede representar “un cambio radical o no ser nada”. Ha dicho que la tecnología ha llegado para quedarse y que el reto consiste en aprender a utilizarla en beneficio de los creadores.

Desde el momento en que llegó en 1983 como pasante a elBulli hasta que lo convirtió en el mejor restaurante del mundo, el recorrido del chef español Ferran Adrià se ficcionaliza en formato serie en Génesis, presentada en el Festival de Cine de San Sebastián.

Patrocinada por el Gobierno de Cataluña, que busca poner en valor la gastronomía de la región del noreste de España, la serie es apadrinada por el propio Adrià, que supervisó hasta el más mínimo detalle para garantizar la veracidad de los platos que se ven en pantalla, según explicó en entrevista con esta agencia.

“Yo me chupé (vi) todas las series importantes, como The Bear, y las películas de Hollywood sobre restaurantes y aprendí una cosa”, dice el chef de 64 años, que echó el cerrojo de elBulli en 2011 cuando el local seguía contando con tres estrellas Michelin.

“Que cuando muestras el producto de cocina, se tiene que parecer a un documental. Es decir, que si en la serie sale una escena donde se ve un menú degustación de elBulli, ese menú es real”, prosigue.

Saldar una deuda

La serie de seis capítulos, que incluye personajes inventados pero que es fiel a la hora de recrear la cocina del restaurante que creó escuela en el mundo, fue presentada en el Festival de San Sebastián en una sección no competitiva y se estrenará en Netflix en noviembre.

Y el 8 de diciembre se mostrará en Nueva York con presencia de Adrià y del presidente regional catalán, Salvador Illa.

Para Adrià, esta ficción y la serie documental elBulli: Historia de un sueño -ambas dirigidas por el realizador David Pujol- estrenada en 2009, saldan una deuda.

A su juicio, no se había contado el alcance de la revolución gastronómica que supuso el restaurante ubicado en la cala Montjoi de la Costa Brava.

“Lo que pasó en España a nivel gastronómico, no se explicó. No hubo un audiovisual para explicarlo nunca. Hasta el punto de que mucha gente no sabe algo muy sencillo, por ejemplo que las espumas se crearon en su cocina”, cuenta el chef.

Yo me voy por el mundo y me dan una espuma como si fuera algo novedoso, se ríe Adrià, quien en la pantalla es encarnado por el actor catalán Miquel Fernández, quien en opinión del cocinero hizo un trabajo brutal.

El actor pudo prepararse gracias al archivo de mil audiovisuales que de él mismo guarda Adrià, desde el principio, cuando era muy tímido y hablaba más o menos pausado, hasta que ya era un consagrado chef que hablaba con mucha velocidad e intensidad sobre la creación gastronómica.

“Su representación es tan exacta”, cuenta Adrià, “que un día estaba en casa revisando el material de la serie y su esposa le preguntó desde otra habitación ¿pero qué dices?“, pensando que era el chef el que estaba hablando.

Orgullo, nostalgia ninguna

Al repasar sus años al frente del restaurante que se volvió un icono de la vanguardia culinaria, el chef dice sentir orgullo de todo lo que pasó ahí.

“Nostalgia no, nostalgia ninguna, porque seguimos haciendo proyectos muy bonitos, como la reapertura de elBulli como museo en 2023″, dijo Adrià, quien afirmó que no tiene ningunas ganas de volver a la cocina de un restaurante.

“Cuando la gente me pregunta que si añoro un restaurante, les digo: ‘Vete a trabajar a un restaurante y verás si lo vas a añorar’”, agrega el chef con una sonrisa.

Fuente: AFP.

Fotos: prensa SSIFF.

El intérprete, de 64 años, fue el gran protagonista de la cita, que transformó este martes la plaza Leicester Square de Londres en un gran plató, con gran parte del elenco principal.

Cruise fue el primero en llegar a la alfombra roja, enfundado en un esmoquin combinado con unas botas de estilo cowboy y dedicó cerca de dos horas a hablar con sus fans, antes de atender a la prensa presente en el evento, entre los que se encontraba esta agencia.

Cruise afirmó que, desde los inicios de su filmografía, se ha puesto en la piel de una amplia gama de personajes y géneros, pero nada parecido a su rol en Digger.

“Esta es, sin duda, la película más original que he visto, que he leído y una de las más conmovedoras que he presenciado”, aseguró el actor.

En la piel del magnate Digger Rockwell, Cruise se presenta irreconocible, envejecido con prostéticos y luciendo un registro cómico -y soez-, lejos de sus papeles habituales de héroe de acción.

Para el actor, es un “privilegio” haber podido llevar un personaje así a la pantalla, pues asegura que es muy consciente a la hora de escoger sus papeles y siempre está en busca de aprender habilidades nuevas y campos interpretativos diferentes para luego poder implementarlas en sus películas.

“Si miras la técnica, en términos de volar aviones, o danza o música, estoy constantemente estudiando estas cosas: arquitectura, arte, historia... ya sabes, y aplico todas esas cosas a cada película, y a veces lleva años”, reflexionó Cruise.

Precisamente, Digger, que llegará a los cines españoles el próximo 2 de octubre, es el resultado de siete años de trabajo conjunto de Cruise con Iñárritu, a quien define como un cineasta “único en su género”.

El poder y la ambición humana

La película se estrena rodeada de un enorme secretismo y solo se han desvelado detalles mínimos de la trama, pues según explica el realizador mexicano a esta agencia es una película que está hecha para que la gente la vea en el cine y la descubra.

“Es bien difícil decir de qué va sin arruinar la experiencia”, aseguró el mexicano.

Aun así, se atreve a adelantar que Digger habla sobre la narrativa; de cómo el poder y la ambición humana son “una cosa muy aterradora y divertida al mismo tiempo”.

Además, pone a la audiencia frente a un espejo satírico y con tintes políticos de la situación actual del mundo: “Cuando empezamos, el mundo era muy distinto... y la realidad nos fue alcanzando. Ese fue el reto”, comentó Iñárritu.

El cineasta regresa después de cuatro años de parón desde Bardo (2022), y lo hace muy bien rodeado.

Además de Cruise, el elenco se completa con nombres como el de la actriz alemana Sandra Hüller (Anatomía de una caída), Jesse Plemons, Riz Ahmed, John Goodman o Michael Stuhlbarg, entre otros.

Hüller, que vive uno de los momentos más dulces de su carrera, confesó a esta agencia que aceptó unirse a Digger porque “admiraba” el trabajo del cineasta mexicano.

“Lo conocí, tuvimos una conversación maravillosa. Sentí que era alguien en quien podía confiar y del que quería rodearme. Tiene una gran visión y todas las herramientas para hacer una buena película. Así que quería descubrir cómo trabajaba”.

El preestreno mundial de Digger estuvo enmarcado en la llamada Gala Real del Cine (Royal Film Performance), un evento benéfico con el patrocinio de la familia real británica, y contó con la presencia especial de los príncipes de Gales, Guillermo y Catalina.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Neil Hall.

Más allá de La sociedad de la nieve es una serie documental de tres episodios que Netflix estrenará el 18 de diciembre: sigue el retorno de los 16 supervivientes, escucha a los familiares de las víctimas y registra el reencuentro que la película La sociedad de la nieve propició entre ambos grupos décadas después.

El proyecto nació de las historias que Bayona no pudo incorporar a su película, nominada al Oscar. El cineasta llamó a Torres, procedente del documental, con la propuesta de profundizar en las vidas que siguieron a los 72 días de supervivencia en la cordillera.

Qué cuenta ‘Más allá de La sociedad de la nieve’

Torres ha dedicado dos años a entrevistar a supervivientes y familias, consultar archivos personales y reconstruir la vida posterior al accidente. El director sostiene que la historia conserva vigencia porque combina una tragedia, una experiencia de supervivencia colectiva y testimonios de quienes aún pueden narrarla.

“El proyecto empieza cuando acaban las demás historias”, ha explicado Carlos Torres en la presentación de la película en el certamen. La serie no vuelve a narrar la estancia en la montaña como eje principal, sino el retorno a Montevideo y la convivencia con las madres, hermanas y allegados de quienes murieron.

El director ha subrayado que buena parte de los ocupantes del avión procedía del mismo barrio. Los rescatados regresaron a un entorno donde debían encontrarse con las familias de sus amigos fallecidos y afrontar un duelo que también les afectaba a ellos.

La cobertura mediática ocupa un lugar central en el documental. Torres, licenciado en Periodismo, ha señalado que el caso se convirtió de inmediato en un fenómeno mundial: dos jóvenes aparecieron vivos después de más de dos meses desaparecidos en la cordillera, antes incluso de que se conocieran las circunstancias de su supervivencia.

La serie recupera imágenes y titulares de aquel momento para mostrar el contraste entre la atención pública y la incapacidad de muchos protagonistas para explicar lo ocurrido. “Mientras el mundo hablaba de ellos, muchos ni siquiera eran capaces de articular una frase”, ha relatado el director al diario.

El relato incorpora la fragilidad de los recuerdos y las versiones divergentes de un mismo episodio. Torres no ha planteado la obra como una investigación de verificación periodística, sino como una película sobre la memoria: algunos entrevistados se preguntan si recuerdan lo que vivieron o las imágenes de las adaptaciones cinematográficas posteriores.

El reencuentro entre supervivientes y familiares de las víctimas

El origen inmediato de la serie estuvo en una proyección de La sociedad de la nieve organizada por separado para los supervivientes y para los familiares de los fallecidos. Juan Antonio Bayona ha contado que Gustavo Zerbino, uno de los rescatados, propuso reunir a ambos grupos en una misma sala.

“Llevaban 50 años enquistados”, ha afirmado Bayona. Al terminar la película, supervivientes y familiares se abrazaron y lloraron juntos, una escena que convenció al equipo de que había una historia pendiente sobre la relación entre quienes volvieron y quienes habían convivido durante décadas con la ausencia.

La serie aborda ese recorrido desde las 45 familias vinculadas al accidente, no solo desde quienes sobrevivieron. Torres ha defendido que el documental debía escuchar a quienes vivieron el duelo desde fuera de la montaña y recoger una perspectiva femenina, hasta ahora menos presente en los relatos sobre el caso.

Una de esas voces es Estelita Pérez del Castillo, hermana de Marcelo Pérez del Castillo, capitán del equipo de rugby y fallecido en los Andes. Pérez del Castillo ha asegurado que ver la película supuso para ella “un cambio radical” y que tanto el filme como el documental le “abrieron el corazón”.

También participa Eduardo Strauch, superviviente del accidente, que nunca recibió ayuda psicológica tras la tragedia. El uruguayo ha descrito hablar de los Andes como una forma de “autoterapia” y ha dicho que el documental le hace feliz.

La obra recoge el impacto de la ficción en las familias de los fallecidos. Para Torres, la aparición de actores con la misma edad que tenían los jóvenes muertos permitió conversaciones que se habían aplazado durante años: algunos intérpretes pidieron a los familiares ayuda para comprender a las personas a las que iban a representar.

Bayona ha sostenido que el cambio generacional ha permitido escuchar la historia de otra forma y comprender que el duelo es personal y subjetivo. El cineasta ha insistido en la necesidad de entender por qué cada persona reaccionó como lo hizo y de contar la experiencia sin causar daño a quien escucha.

El último episodio repasa las décadas posteriores al rescate: libros no autorizados, coberturas informativas dañinas, el libro Viven!, la película de Frank Marshall y el proceso que llevó a Bayona a adaptar La sociedad de la nieve. La serie también registra el viaje que parte del reparto realizó al lugar del accidente.

En esa expedición, los actores pasaron cinco días acampados en invierno a gran altura junto a Bayona y su equipo. Muchos habían rodado la película en decorados y no habían estado antes en el escenario real de la tragedia.

El debut sigue a Mona, un ama de casa ignorada por su marido y sus hijos, que consigue un papel en el musical comunitario Nosy Neighbors, representado en el Brooks Theater de Nueva Jersey. La preparación impuesta por Jerry, el director encarnado por Paul Giamatti, transforma años de frustración y rabia contenida en una actuación que acaba rebasando el escenario.

La historia tiene un punto de partida autobiográfico para Jesse Eisenberg. La película se traslada a 1990, cuando el cineasta tenía siete años, y recuerda el aislamiento que sentía antes de descubrir el teatro: “Recuerdo sentir que no existía. Pensaba que podía desaparecer al día siguiente”, ha relatado a Infobae en una entrevista en el marco del Festival de San Sebastián.

El actor ha explicado que aquel entorno le cambió. “Empezar a hacer teatro fue algo que alteró mi vida. Allí todos eran amables, te abrazaban, te daban la bienvenida. Todos sentíamos lo mismo, todos nos sentíamos invisibles. Esa es la razón por la que estábamos allí”, ha dicho.

Qué cuenta ‘El Debut’

Mona había sido actriz aficionada, pero su vida doméstica se ha reducido a atender a una familia que apenas repara en ella. Acude a una audición para un musical de tono deliberadamente anticuado y fracasa en la prueba, aunque termina incorporándose al reparto cuando Serena Cherry, la intérprete prevista para el papel, abandona la producción.

El personaje al que aspira es una encargada de edificio seca, agresiva y malhumorada, una personalidad opuesta a la timidez de Mona. Jerry acepta entrenarla a regañadientes y le exige que extraiga una intensidad emocional que ella nunca había mostrado, un proceso que altera tanto a la protagonista como a quienes la rodean.

Eisenberg, candidato al Oscar como actor por La red social y como guionista por A Real Pain, ha concebido la película como un homenaje a una profesión que conoce desde dentro. “Es que amo este trabajo y amo cómo se construye una comunidad. Hay una pasión en esa misión”, ha afirmado.

El director, de 42 años, también ha escrito el musical que se representa dentro de la película y lo ha definido como “tonto”. Esa condición es funcional para la comedia: si los personajes afrontasen una obra de Shakespeare, ha razonado, la gravedad de su empeño impediría que surgieran las risas.

Julianne Moore encarna el tránsito de Mona desde la vulnerabilidad inicial hasta una obsesión por alcanzar la verdad de su papel. A través de ella, Eisenberg satiriza los egos de actores y directores, así como las ideas de realismo interpretativo, sin abandonar el afecto por los teatros locales y por quienes sostienen esas producciones.

La interpretación como salida

Eisenberg ha vinculado el argumento a su propia relación con los personajes. Ha contado que sufrió ataques de pánico al interpretar a figuras traumatizadas o nerviosas, hasta que rodó Ahora me ves, donde daba vida a un mago seguro de sí mismo: “Me di cuenta de que durante ese rodaje no tuve ningún ataque de pánico… y que siempre acabo teniendo los sentimientos de los personajes que interpreto”.

El cineasta ha advertido de que ese mecanismo puede acercar a los actores al límite emocional. “Es muy fácil volverte loco como actor porque pasas la mayor parte del día en la piel de personas emocionalmente inestables”, ha señalado.

Su salto a la dirección responde también a una vocación previa. Eisenberg ha explicado que empezó a escribir guiones y a tocar la batería a los 16 años, y que ha encadenado estrenos de obras teatrales escritas por él. Entre las experiencias que ha incorporado a su trabajo ha citado el método directo de Woody Allen, con quien trabajó en Café Society, y el rodaje de Vivarium, al que se sumó para conocer cómo se filma una película surrealista. El debut se estrenará en nuestro país el próximo 11 de diciembre.

Kirsten Dunst regresó al Palacio de Versalles junto a Sofia Coppola para celebrar los 20 años de María Antonieta, la película que las unió como actriz y directora en 2007. Durante el encuentro, Coppola fotografió a Dunst con un vestido rojo semitransparente que rápidamente se volvió el centro de atención. El festejo tuvo lugar el pasado 22 de septiembre en el propio palacio francés, escenario original de gran parte del filme. El evento, titulado “María Antonieta by Sofia Coppola. 20th Anniversary”, incluyó un repaso del proceso de realización de la cinta. La reunión de la actriz con la directora en el mismo lugar donde filmaron hace dos décadas confirma el vínculo que ambas mantienen desde entonces. Coppola tomó personalmente la fotografía que circuló tras el evento, un gesto que refleja la cercanía entre ambas colaboradoras.

¿Qué pasó en el aniversario de María Antonieta en Versalles? Kirsten Dunst volvió al Palacio de Versalles junto a Sofia Coppola para un evento especial por los 20 años del filme, realizado el 22 de septiembre. Coppola fotografió a Dunst con un vestido rojo transparente durante la celebración, que incluyó un repaso de la producción original. La imagen muestra a Dunst con un vestido rojo de tela transparente y detalles con volados, un diseño que evoca cierta afinidad con la estética real que caracterizó a su personaje en la película, aunque sin las pelucas ni el maquillaje dramático de la producción original.

En sintonía con el evento en Versalles, el Cartier Cinema Club anunció una programación especial de actividades para celebrar el aniversario de la película. La iniciativa se suma a otras acciones conmemorativas que rodearon la fecha. María Antonieta llegó a los cines en enero de 2007. En su estreno, la película recibió reseñas mixtas por parte de la crítica. Con el paso del tiempo, sin embargo, se transformó en un clásico de culto, reconocido por su estética visual y por las actuaciones de su elenco.

Un libro con historia del rodaje

Los seguidores del filme también tendrán una nueva forma de acercarse a su producción. El autor Andrew Durham prepara el lanzamiento de Making Marie Antoinette, un libro que reúne una historia oral del rodaje con testimonios tanto de Coppola como de Dunst. Dado el vínculo que ambas mantienen hasta la actualidad, se espera que el libro ofrezca detalles inéditos sobre el proceso creativo detrás de la película de 2007.

María Antonieta también fue incorporada recientemente a The Criterion Collection, con una restauración en 4K que renueva la calidad visual del filme original. La incorporación se suma a la seguidilla de reconocimientos que rodean el aniversario de la cinta. Por el momento, la película continúa disponible para quienes cuenten con una suscripción a Netflix. La combinación de la restauración, el libro y los eventos conmemorativos generó una nueva ola de atención sobre el filme, veinte años después de su estreno.

Mientras se multiplican los homenajes a María Antonieta, Dunst mantiene una agenda cargada de trabajo. La actriz forma parte del elenco de la secuela de Minecraft y también participará en El secreto de la asistenta. Ninguno de estos dos proyectos figura todavía en la lista de estrenos de 2026, por lo que el público deberá esperar para verlos en pantalla. Mientras tanto, el reencuentro con Coppola en Versalles renovó el interés por la película que marcó un antes y un después en la carrera de ambas.

El adelanto muestra a Gizmo asomando desde una mochila tras forcejear para sacar la cabeza, un plano que remite directamente a la estética original de la franquicia. Ese tipo de escena, según se describió, es un recurso clásico de la saga que ya generó entusiasmo entre los seguidores. Gremlins 3 se estrena en cines el 6 de octubre de 2028, casi un año después de la fecha originalmente anunciada. El primer teaser ya muestra a Gizmo, el mogwai protagonista, en una escena que recupera la estética visual de las películas de los años 80 y 90. No se informaron motivos oficiales del retraso, aunque se descartó un conflicto de calendario con otros estrenos.

El aplazamiento de fecha no parece responder a un cruce de agenda con otros lanzamientos de Paramount, compañía que se encuentra en proceso de completar la adquisición de Warner. Tampoco se mencionó ningún otro conflicto de programación como causa del cambio. La explicación que se manejó apunta a que la producción podría necesitar más tiempo de desarrollo para terminar la película. No se ofrecieron detalles adicionales sobre qué etapa del proceso motivó la extensión del cronograma.

El camino hasta la nueva secuela

Chris Columbus, guionista de las dos primeras entregas de Gremlins y director de Harry Potter y la piedra filosofal, se hará cargo de dirigir y producir Gremlins 3. También participará en la escritura del borrador del guion. Lo acompañarán en esa tarea Zach Lipovsky y Adam B. Stein. El guion final, en tanto, quedará en manos de Hannah Marks, según se detalló. Columbus llevaba años impulsando la idea de retomar la saga. Desde 2013, Warner había estado evaluando distintas posibilidades para una tercera película sin concretar el proyecto.

Gremlins se estrenó en 1984 bajo la dirección de Joe Dante y se convirtió en una de las películas más recordadas de la década, con el sello de Amblin Entertainment, la productora de Steven Spielberg. Seis años después, Dante volvió a ponerse al frente de Gremlins 2: la nueva generación, una secuela que tuvo menor repercusión que la original pero conservó el cariño del público.

Tras esa segunda película, la franquicia quedó sin nuevas entregas cinematográficas durante más de tres décadas. El único desarrollo intermedio fue Gremlins: Los secretos de los Mogwai, una serie de animación de dos temporadas emitida por HBO Max. Con el estreno fijado para octubre de 2028, habrán transcurrido 38 años desde el lanzamiento de la última película de la saga en cines.

El tráiler presenta a Raymond “Ray” Gunn (Rockwell), un detective privado, y a Venus Nova (Johansson), una estrella pop atrapada en un escándalo que podría acabar con su carrera o con su vida. La historia transcurre en un mundo futurista habitado por humanos y alienígenas. Gunn trabaja junto a su colega extraterrestre Eyera (voz de Tom Waits) en un caso marcado por el misterio y el escándalo. El elenco se completa con Patton Oswalt, Kathryn Hunter, John Ratzenberger y Jamie Costa, quienes prestan sus voces a distintos personajes dentro de este universo de neo-noir animado.

La idea de Ray Gunn surgió cuando Bird vio el tráiler de la serie Peter Gunn (1989). A partir de esa referencia, el director comenzó a desarrollar la historia de un detective en clave de ciencia ficción. El proyecto se gestó originalmente en Turner Feature Animation durante los años 90, pero quedó archivado cuando Bird se volcó a la dirección de The Iron Giant, estrenada por Warner Bros. en 1999. En 2021, Bird firmó un acuerdo con Skydance Animation para retomar la dirección de la película. Ese acuerdo lo reunió con John Lasseter, con quien había trabajado durante su etapa en Pixar en Los increíbles, Ratatouille y Los increíbles 2. El proyecto también volvió a juntar a Bird con David Ellison y Dana Goldberg, productores que estuvieron a cargo de Misión Imposible: Protocolo fantasma, otra de las películas que el director llevó a la pantalla.

Posible competencia para ‘La bola negra’

Para concentrarse en Ray Gunn, Bird se apartó de la dirección de Los increíbles 3, la próxima entrega de Pixar prevista para 2028. En su lugar quedó Peter Sohn, director de The Good Dinosaur y Elemental. Ese movimiento marcó un punto de inflexión en la carrera de Bird, quien decidió priorizar un proyecto personal que arrastraba desde los años 90 por sobre la continuidad de una de las franquicias más taquilleras de Pixar.

Además de Bird, la producción de Ray Gunn incluye a Lasseter, Ellison, Goldberg y Lisa Beroud, quienes firman como productores ejecutivos del filme. La inscripción de Too Much To Ask posiciona a Netflix como uno de los estudios que buscará hacerse con la estatuilla en esta categoría durante la 99ª entrega de los Premios Oscar. La canción, interpretada por Johansson, fue escrita y producida por Kimbra.

Del lado español, La bola negra llega con La nieve, compuesta e interpretada por Guitarricadelafuente, como su carta para la misma categoría. La definición de ambas candidaturas dependerá del proceso de nominaciones que realiza la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas antes de la ceremonia. Mientras se resuelve esa competencia, Ray Gunn se estrenará en cines limitados el 4 de diciembre antes de aterrizar en Netflix el 18 de diciembre, con lo cual la plataforma sumará a su catálogo una producción animada que combina el género policial con la ciencia ficción, bajo la dirección de uno de los animadores más reconocidos de las últimas décadas.

En la Granada de los años 30, como en tantos otros lugares de España y del mundo, los casinos y círculos sociales funcionaban como puertas giratorias del poder y el prestigio. Para ingresar, no bastaba con tener dinero o apellido: había que ser aceptado por los socios. Y esa aceptación se decidía mediante un ritual aparentemente sofisticado: una votación secreta con bolas.

El procedimiento era sencillo en apariencia, pero implacable en sus efectos. Cada socio disponía de una bola blanca y una negra. Al votar, introducía en una urna opaca —a veces una caja con tela, tubo interno o doble compartimento— la bola que reflejaba su decisión: blanca para aceptar, negra para rechazar. Todos podían ver quién se acercaba a votar, pero nadie podía saber qué color había depositado. Al final, se abría la caja y se contaban las bolas: el resultado era público; la responsabilidad individual, no. La regla solía ser draconiana: bastaba con una o muy pocas bolas negras para que el candidato quedara excluido, aunque la mayoría hubiera votado a favor. De este modo, un pequeño grupo —o incluso una sola persona— podía vetar a quien considerara indeseable por su origen, sus ideas, su oficio… o su orientación sexual.

Lorca, cuatro páginas y un símbolo

Federico García Lorca conoció de cerca este mecanismo. De hecho, lo convirtió en el arranque de una novela inacabada titulada La bola negra, de la que solo escribió cuatro páginas antes de ser fusilado en agosto de 1936. En ese fragmento inicial, un joven adinerado cuenta a su padre que ha intentado ingresar en el prestigioso Casino de Granada y ha sido rechazado. Cuando el padre pregunta por qué, la respuesta es rotunda: “Porque soy homosexual”.

Esa escena, breve y demoledora, condensa una verdad incómoda: en la España de la Segunda República, la modernidad convivió con formas muy antiguas de exclusión. El casino, símbolo de progreso y sociabilidad burguesa, seguía siendo un espacio donde la homofobia podía ejercerse de forma elegante, discreta y colectiva. La “bola negra” no era solo un objeto: era la materialización de un veto social que no necesitaba nombres ni explicaciones.

Los Javis toman ese núcleo lorquiano y lo expanden en una epopeya que entrelaza tres historias en tres épocas distintas: 1932, 1937 y 2017. En la primera, un joven granadino (Milo Quifes) se enfrenta al rechazo del casino por los rumores sobre su homosexualidad. En la segunda, durante la Guerra Civil, Rafael Rodríguez Rapún (Miguel Bernardeau) —pareja de Lorca—, prisionero republicano, se encuentra con un soldado franquista (Guitarricadelafuente) de sexualidad reprimida en una adaptación de la obra teatral La piedra oscura, de Alberto Conejero. En la tercera, un dramaturgo contemporáneo (Carlos González) investiga el pasado de su abuelo y descubre las páginas perdidas de Lorca, mientras lidia con los silencios de su propia familia.

Del ostracismo a triunfar en Cannes

El resultado es una película que no solo habla de Lorca, sino de cómo su figura y su obra inacabada siguen interpelando a España un siglo después. “Queríamos hacer una película antibelicista y antifascista que fuera grande. Los gais no somos un nicho”, dijeron los directores tras el estreno en Cannes, donde obtuvieron el premio a la mejor dirección y una ovación de 20 minutos. Lo más inquietante del sistema de la bola negra no es su crudeza, sino su hipocresía. No se trataba de un voto abiertamente homófobo, sino de un mecanismo que permitía ejercer la discriminación sin asumir responsabilidad individual. Cualquiera podía decir, con las manos limpias, que él había votado blanco, mientras el resultado colectivo hablaba por sí solo.

Hoy, ese secretismo ya no funciona como antes. Las urnas de tela y las cajas con doble fondo han dado paso a otras formas de exclusión, a veces más sutiles, a veces más ruidosas. Pero la pregunta sigue siendo la misma: ¿quiénes siguen fuera de los clubes, aunque ya no haya bolas que contar? La bola negra llega a los cines en un momento en que España debate su memoria histórica, su diversidad sexual y sus heridas no cerradas. Y lo hace recordando que, a veces, la historia no necesita grandes discursos: basta con una urna, dos colores y un silencio cómplice.

El título de la película, por tanto, no es solo una referencia literaria o histórica. Es una advertencia: la exclusión no desaparece; se transforma. En los años 30, bastaba con una bola negra para cerrar una puerta. Hoy, las puertas pueden cerrarse con algoritmos, con miradas, con silencios institucionales. Pero el mecanismo sigue siendo el mismo: decidir quién entra y quién no, sin dar explicaciones. La bola negra no es solo una película sobre Lorca o la Guerra Civil. Es una película sobre cómo España ha votado, una y otra vez, con bolas blancas y negras a lo largo de su historia reciente. Y sobre qué significa, un siglo después, seguir viviendo con esas urnas abiertas en la memoria.

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata confirmó que su 41ª edición, que comienza el 5 de noviembre, exhibirá Woman Unknown, de la danesa May El-Touky, ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia, junto a Fjord, con la que el rumano Christian Mungiu obtuvo por segunda vez la Palma de Oro en Cannes. Ambos títulos forman parte de un lote de películas premiadas en los principales festivales del año que se sumará a un foco especial dedicado al cine nórdico.

“Fjord” y “La bola negra” llegan tras su paso por Cannes

Fjord, protagonizada por Sebastian Stan y Renate Reinsve, sigue a un matrimonio religioso que se muda a Noruega y enfrenta un conflicto entre la crianza estricta que impone a sus hijos y la legislación local sobre educación infantil. En la misma edición de Cannes, La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, compartió el premio al Mejor director con Pavel Pawlikowski. Inspirada en un cuento inconcluso de Federico García Lorca y estructurada en tres relatos de distintas épocas, la película es una de las tres preseleccionadas para representar a España en los premios Oscar y reúne en su elenco a Miguel Bernardeau, Guitarricadelafuente y Alberto González, con participaciones especiales de Penélope Cruz, Lola Dueñas, Antonio de la Torre, Natalia de Molina y Glenn Close.

También de Cannes llegará Notre Salut, de Emmanuel Marre, ganadora del premio al Mejor guion, ambientada durante la ocupación alemana de Francia y basada en las memorias del padre del realizador. De la sección paralela Un Certain Regard se exhibirá su ganadora, Every Time, de Sandra Wollner, sobre una familia que atraviesa el duelo por la muerte inesperada de una adolescente, junto a Iron Boy, de Louis Clichy, film animado con el Premio Especial del Jurado que integrará la sección Mar de Chicos y Chicas, y Congo Boy, de Rafiki Fariala, cuyo protagonista, Bradley Fiomona Dembeasset, ganó el premio al Mejor actor.

Diez películas nórdicas debutan en un foco dedicado a la región

Bajo el nombre Luces Nórdicas, el festival exhibirá diez películas, dos por país, de Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia, con el auspicio de las embajadas de esas naciones en Argentina y la visita de una delegación de cineastas que participará de paneles y conversaciones. La iniciativa continúa la línea de ediciones anteriores, que dedicaron espacios similares a Japón e Italia.

Noruega, además de Fjord, presenta Growth of the Soil, del veterano Hans Peter Moland, adaptación de la novela del Nobel Knut Hamsun, y My First Love, de Mari Storstein, basada en una historia real sobre una joven paralítica que encuentra el amor. Finlandia aporta The Squirrel, de Markus Lehmusruusu, comedia de ciencia ficción ambientada en un mundo sin animales, y Lex Julia, de Laura Hyppönen, sobre una mujer que descubre que su marido invitó a la casa de fin de semana al hombre que la violó quince años atrás.

Suecia estará presente con The Patron, de Julia Thelin, sobre una joven que se hace pasar por rica heredera ante dos compañeros de trabajo, y Clementine Orange, de Lisa Forslund, sobre un presidiario que dispone de 24 horas de libertad para concretar un romance epistolar. Islandia participa con Anorgasmia, de Jon Einarsson Gustafsson, coproducción con Canadá y República Checa protagonizada por Mathilde Warnier y Edward Hayter, y Disturbed, de Bragi Thor Hinriksson, thriller de terror sobre una mujer que no distingue ficción de realidad. Dinamarca completa la selección con Cute, de Marlene Emilie Lyngstad, coproducción con Noruega y Suecia que generó largos aplausos en San Sebastián y tiene como coprotagonista a Jan Gunnar Røise, actor visto el año pasado en Sex en el propio festival marplatense.

Berlín, Annecy, Sundance y Shanghái completan el palmarés internacional

De Berlín llegan Everybody Digs Bill Evans, de Grant Lee, ganadora del premio al Mejor director y protagonizada por Bill Pullman y Laurie Metcalf, y Rose, de Markus Schleinzer, que le valió a Sandra Hüller el premio a la Mejor actriz. Del festival de animación de Annecy llegará La violinista, de Raúl García y Ervin Han, coproducción entre Singapur y España que marcó la primera vez que un filme español gana el Cristal en ese certamen, con la voz de Enrique Arce, conocido por su papel de Arturo Román en La casa de papel.

Sundance aportará Josephine, de Beth de Araújo, protagonizada por Channing Tatum como un padre que debe afrontar la situación cuando su hija de ocho años presencia una violación en un parque. La película obtuvo el gran premio del jurado dramático y el premio del público, la misma combinación que impulsó en su momento a Minari (2020) y a CODA (2021) en la carrera por el Oscar. Cierra la lista Atlantic Rhapsody, de Kaifeng Zhong, ganadora del Festival de Shanghái, que integrará la sección Estados Alterados, con la historia surrealista de un empleado de supermercado que sufre insomnio tras cocinar un tiburón.

Las películas que integrarán las cinco competencias oficiales del festival se conocerán el 19 de octubre, en una presentación en el Palacio Libertad, que incluirá un concierto gratuito del ganador del Astor a la Trayectoria, Emilio Kauderer.

Fotos: prensa Festival Mar del Plata (archivo) y Reuters/ Yves Herman.

En ese sentido, Pitt ha contado cómo se preparó para el proyecto a través de expertos que le enseñaron cómo poder vivir en el bosque con los mínimos recursos, y cómo también generó una relación muy especial con el perro protagonista, que terminó formando parte de la familia del rodaje. “Cuando aparecía en el set la energía cambiaba”, dijo acerca de su compañero de reparto.

“Mi personaje, James, y Odín, el perro, son duros, han vividos guerras juntos, y hay una conexión especial, hay amor y lealtad. Es importante cuando pienso en los días más oscuros. He sido muy abierto acerca de mi lucha y de lo importante que es rodearte de la gente que te quiere”, se ha sincerado el actor.

También presente como productor

El intérprete también es productor de esta película. De hecho, una de sus grandes facetas en estos últimos tiempos ha sido la de productor, y ha estado detrás de muchos proyectos independientes, entre los que encontramos desde La voz de Hind a Mickey 17, pasando por 12 años de esclavitud, que ganó el Oscar a la mejor película.

“Han habido grandes cambios en los últimos veinte años, sobre todo con la industria del streaming. Pero, también es cierto que eso ha generado más oportunidades para todos y tenemos mayor cantidad de historias que contar”, ha dicho Brad Pitt durante la rueda de prensa. “Durante la época del COVID se generó una crisis de la que pensábamos que no íbamos a salir, pero poco a poco nos hemos ido recuperando y tanto las grandes películas hacen taquilla, como las de presupuesto pequeño y mediano, que son de las que yo me suelo encargar”, ha dicho en su faceta como productor.

Fan de Chillida y espíritu zen

También ha asegurado que nos encontramos en un momento de explosión de nuevos talentos, con todos los directores nacidos de YouTube que están llevando a las nuevas generaciones al cine.

El actor se ha declarado fan de Eduardo Chillida y dice que ha pasado unos días estupendos en San Sebastián. En cuanto a En el corazón de la bestia, piensa que además de una historia de supervivencia, también es una película de amor. “Creo que deberíamos pasar más tiempo generando vínculos que nos unan, podríamos escucharnos mejor, y así se diluirían las líneas de división que nos separan”

El intérprete también tiene pendiente de estreno Las nuevas desventuras de Cliff Booth, en la que retomará el papel por el que consiguió un Oscar en la película de Quentin Tarantino, Érase una vez en... Hollywood, esta vez a las órdenes de David Fincher en un original para Netflix.

El actor asistirá junto con el director David Ayer a la presentación de este thriller de supervivencia en la Sección Oficial, fuera de concurso, antes de que llegue a los cines el 25 de septiembre.

Pitt describió el trabajo en la película con una frase que resume el eje de su presentación: “Diría que ha sido lo más exigente físicamente que he hecho nunca”.

De acuerdo con la cobertura de Cultura Ocio desde la premiere, el intérprete se refirió a las condiciones de un rodaje atravesado por la humedad, el frío y el esfuerzo físico.

La película sitúa esa exigencia en la historia de James Belmont, un oficial de las Fuerzas Especiales que sobrevive a un accidente aéreo y queda aislado en la naturaleza de Alaska junto con Odín, su perro de combate. Según informó Cultura Ocio, ambos deben enfrentar el entorno para intentar regresar a casa.

Pitt y David Ayer llevarán la película a la Sección Oficial de San Sebastián

El estreno mundial de En el corazón de la bestia se celebró en el FirstBank Amphitheater de Franklin, en Tennessee, según publicó Cultura Ocio.

La próxima presentación prevista tendrá lugar en el Festival de Cine de San Sebastián, donde Pitt y Ayer acompañarán la exhibición fuera de competencia de la producción, que será en las próximas horas de este 23 de septiembre.

El 25 es la fecha anunciada para el estreno en salas, de acuerdo con la misma cobertura. La presentación en el certamen español antecederá a ese lanzamiento y reunirá al protagonista con Ayer, quien vuelve a dirigirlo después de Corazones de acero.

Ayer explicó a Cultura Ocio que eligió a Pitt por la conexión que el actor tuvo con el guion. “Creo que Brad era el actor perfecto para este papel, simplemente por la forma en la que conectó con el guion”, afirmó el director durante la premiere.

También sostuvo que el desafío consistía en sostener la acción de una historia de supervivencia y el recorrido íntimo de James Belmont.

El rodaje combinó trabajo físico y una exigencia emocional para Pitt

Pitt relacionó la experiencia de filmación con el escenario que atraviesa su personaje. “De principio a fin estuvimos expuestos a todo. Había humedad, hacía frío y tuvimos que hacer un trabajo físico bastante duro”, afirmó el actor en declaraciones a Cultura Ocio.

La demanda emocional, según explicó Pitt al mismo medio, no se limitó al esfuerzo corporal. “El listón emocional también estaba muy alto, así que no podría decir que una cosa fue más difícil que la otra. Ambas iban de la mano”, sostuvo al referirse al trabajo requerido para interpretar a Belmont.

El intérprete también vinculó ese proceso con el sentido de la película. “Todo sirve para contar la historia. Todo forma parte de la historia”, declaró Pitt a Cultura Ocio. La afirmación completa las declaraciones que el actor relacionó con las condiciones del rodaje y con el recorrido emocional del protagonista.

Cultura Ocio recogió además otra reflexión de Pitt sobre la historia. El actor afirmó que el desenlace lo conmovió y asoció esa reacción con el modo en que la película aborda los vínculos entre las personas y sus perros. También señaló al medio que suele aportar experiencias personales a la construcción de sus personajes.

Cameron Alexander escribió el guion a partir de su vínculo con su perro

La relación entre Belmont y Odín tiene un antecedente personal en la experiencia del guionista Cameron Alexander.

Durante la premiere, Alexander contó a Cultura Ocio que comenzó a escribir la historia en un período de dificultades profesionales, problemas económicos y soledad en Los Ángeles.

El guionista relató que sentía que su perro era su único amigo en ese momento. “En lugar de intentar inventarme una trama disparatada o cosas por el estilo, simplemente escribí una carta de amor a mi perro”, explicó Alexander en declaraciones recogidas por Cultura Ocio.

Alexander también definió el argumento como una metáfora de las dificultades que atravesó junto a su mascota.

Ese punto de partida se traslada a la historia de James Belmont y Odín, cuyo aislamiento después del accidente aéreo plantea una relación de dependencia durante la supervivencia en Alaska.

El biopic de Britney Spears sigue sin actriz protagonista porque el director Jon M. Chu decidió posponer cualquier elección de reparto hasta que el equipo cierre la historia de la película. La producción, basada en las memorias The Women in Me, no tiene un elenco anunciado. Chu dijo que recibe cientos de mensajes y audiciones de personas interesadas en encarnar a Spears, pero sostuvo que no iniciará esa etapa mientras el guion no esté definido.

El cineasta habló sobre el proyecto durante la gala inaugural del Museo George Lucas de Arte Narrativo, en Los Ángeles. Allí confirmó que leyó partes del libreto que prepara la guionista Liz Meriwether. Chu describió el trabajo de Meriwether como “increíble”, “profundo” y “hermoso”, aunque evitó revelar detalles de la historia. “Eso es todo lo que puedo decir”, afirmó. “Ya me hicieron decir demasiado”. La posibilidad de interpretar a Spears ha despertado interés entre aspirantes de distintos lugares, según explicó Chu. El director señaló que su correo electrónico recibe “cientos” de mensajes de personas que le envían sus audiciones para el papel. Pese a ese volumen de propuestas, Chu dejó claro que todavía no evalúa candidatas. “Ni siquiera estoy pensando en el reparto ahora mismo”, afirmó durante el encuentro en Los Ángeles.

El director explicó que el equipo tiene otra prioridad antes de abrir una búsqueda formal. “Solo estamos tratando de hacer bien la historia”, dijo sobre el estado de la película. Chu no adelantó plazos para el inicio del rodaje ni para el anuncio de los actores. Tampoco mencionó posibles nombres para asumir el rol de la artista, conocida por canciones como “...Baby One More Time”, “Toxic” y “Oops!... I Did It Again”. La película estará dirigida por Chu, responsable de Wicked. El proyecto adapta el libro de memorias que Spears publicó en 2023, donde relató episodios de su carrera y de su vida personal.

El guion de Liz Meriwether avanza sin fechas de rodaje

Liz Meriwether se sumó al proyecto en julio como responsable del guion. Su trabajo parte de The Women in Me, el libro que se convirtió en un éxito de ventas tras su lanzamiento. Chu afirmó que tuvo acceso a algunos fragmentos del texto. “Ella está haciendo muchas cosas hermosas y puede que haya visto o no algunos vistazos de lo que está haciendo”, declaró sobre la autora.

Meriwether ha trabajado en series como New Girl, The Dropout, Dying for Sex y la producción de Hulu Furious. En agosto, explicó que el desarrollo del biopic suponía un cambio de formato frente a sus experiencias más recientes en televisión. “Es muy interesante porque hace mucho que no escribo una película”, dijo entonces. La guionista señaló que parte del proceso consiste en pensar una historia de dos horas, después de acostumbrarse a narraciones de alrededor de ocho horas. Marc Platt produce la película bajo su acuerdo con Universal Pictures. La compañía obtuvo los derechos para llevar la historia de Spears al cine hace poco más de dos años. Cuando se conoció ese acuerdo, Spears publicó un mensaje en redes sociales sobre un “proyecto secreto”. La cantante sostuvo que Platt había hecho varias de sus películas favoritas y pidió a sus seguidores que estuvieran atentos a futuras novedades.

Durante la conversación, Chu no respondió si se ha reunido con Spears como parte de la preparación de la película. “No puedo decir nada ahora mismo”, contestó cuando le preguntaron si había pasado tiempo con la cantante. El director sí habló de las canciones de Spears que escucha con sus hijos. Mencionó “...Baby One More Time”, a la que se refirió como “Hit Me Baby”, como el tema con el que les está enseñando su música. También nombró canciones de los primeros años de la carrera de Spears, entre ellas “Soda Pop” y “E-mail My Heart”. “Estoy empezando con ellos desde el principio”, afirmó Chu.

Hasta la fecha había traido algunos de los mayores horrores del cine reciente, pero ahora quiere demostrar que el terror también puede convertirse en amor. El director Robert Eggers se encargará de llevar al cine Romeo y Julieta para Focus Features, después del estreno previsto de Licántropo, su próxima película. El proyecto será la siguiente producción del cineasta, que pasará de una historia de hombres lobo a una nueva versión de la tragedia de William Shakespeare sobre dos jóvenes de familias enfrentadas.

Focus Features ganó una puja en la que también participaron A24, Sony y Warner Bros., quienes habían trabajado previamente con el director. El estudio volverá a asociarse con Eggers, quien dirigirá y producirá la película que aun no tiene fecha de estreno. El acuerdo todavía debe cerrarse. No se informó quiénes acompañarán a Eggers en la producción o como productores ejecutivos. La operación se ubicaría en el rango alto de los 70 millones dólares, una cifra que incluiría los honorarios del realizador y del elenco, además del presupuesto de producción, de acuerdo con las fuentes.

La película adaptará Romeo y Julieta, la obra de Shakespeare escrita en la década de 1590. La historia sigue a dos jóvenes enamorados de Verona, Italia: Romeo Montesco y Julieta Capuleto, miembros de familias rivales. La versión de Eggers tendría una particularidad vinculada con el lenguaje. Las fuentes señalaron que los actores hablarían en inglés antiguo, en línea con la atención que el director ha puesto en la recreación de épocas y diálogos en sus películas. Hay quien ha cuestionado esta decisión, alegando que durante la época de Shakespeare el inglés ya era moderno y no antiguo, como podría ser el del relato de Beowulf. El viejo inglés fue el idioma de los sajones entre los años 500 y 1100, por lo que no tendría mucho sentido, pero habrá que ver también en qué época decide Eggers retratar los hechos.

Una nueva versión

A pesar de ser uno de los romances más conocidos y una de las historias que más han inspirado en la liteteratura universal, lo cierto es que en el cine no se ha prodigado en exceso, aunque existen ejemplos destacables. La obra de Shakespeare ha tenido varias adaptaciones cinematográficas. Entre ellas figuran la película de 1968 dirigida por Franco Zeffirelli y Romeo + Julieta, la versión de 1996 de Baz Luhrmann protagonizada por Leonardo DiCaprio y Claire Danes.

La nueva película extenderá la relación de Eggers con Focus Features, la división especializada de Universal. El estudio trabajó con el realizador en todas sus películas hasta ahora. La compañía estrenó La bruja, El faro, El hombre del norte y Nosferatu. En el caso de El faro, Focus también se ocupó de la distribución internacional a través de Universal International. Nosferatu, estrenada en 2024, fue un éxito inesperado para Focus. La compañía también distribuirá Licántropo, la nueva película de Eggers, cuyo estreno en salas está previsto para Navidad.

Licántropo reunirá al director con Aaron Taylor-Johnson y Lily-Rose Depp, quienes ya habían formado parte del elenco de Nosferatu. La película propone una versión del relato de hombres lobo. Con Romeo y Julieta, Eggers dejará atrás de forma temporal ese universo de terror para abordar una historia marcada por el enfrentamiento entre los Capuleto y los Montesco. La película está prevista como su siguiente rodaje después de Licántropo. Solo entonces podremos ver si se mantiene el horror de sus anteriores películas o el cineasta da un gran giro a su carrera.

En ella interpreta a Sebastián un chico de pueblo que, ante la llegada de los nacionales y después de una masacre, es reclutado y mandado a un hospital de campaña. Allí conocerá a Rafael Rodríguez Rapún (Miguel Bernardeau), un prisionero de guerra herido al que le tocará vigilar y con el que sentirá una conexión muy especial.

El propio cantante y ahora actor explica a Infobae cómo se introdujo en esta nueva faceta artística delante de las cámaras: “Yo no conocía a Los Javis. Coincidimos en un concierto en el que estaba tocando y recuerdo que esa misma noche me dijeron: ”tenemos algo que comentarte". Yo creía que se trataba de algo relacionado con la música, pero no, me enseñaron La piedra oscura y me dijeron que habían escrito el papel pensando en mí“.

Un papel que conecta con su universo

Después de semejante sorpresa, Guitarricadelafuente se fue dejando llevar por el entusiasmo que Javier Calvo y Javier Ambrossi habían depositado en él y sintió que, de alguna manera, el papel encajaba con lo que estaba explorando en la música en ese momento.

“Por una parte estaba la Guerra Civil, la historia de Federico García Lorca, el elemento queer.. era como si todo resonara en las composiciones que estaba haciendo. Sentí una conexión inmediata y también mucho respeto, porque nunca había hecho nada parecido y no me veía capaz de asumir ese reto. Pero, Los Javis tenían una confianza ciega en mí y eso me hizo dar el paso. Pensé, si ellos lo tienen claro, yo me pongo en sus manos”.

También recuerda cómo Javier Ambrossi le sorprendió preguntándole: ¿tú tienes traumas? y le contestó que cuando hiciera la película, sería alguien diferente. “El papel requería mucho de mí como Álvaro y un proceso de desenterrar cosas muy personales y usarlas para el personaje. Me vacié por completo, perdí mucho peso e intenté meterme en la piel de Sebastián, en su bloqueo, en no saber expresarse emocionalmente ni saber gestionar su deseo. Ha sido como haberme desvirgado, porque solo hay una primera vez”.

En cuanto a su personaje, cree que es alguien que ha vivido toda su vida lastrado por la culpa, algo que relaciona con las heridas de la Guerra Civil. “No creo que Sebastián represente a un bando en concreto, pero sí que arrastra una condena que va pasando de generación en generación. Creo que Los Javis han aportado un punto de vista nuevo al conflicto, con menos rencores, más enfocado en la libertad, que no siempre está garantizada”.

El peso simbólico de Lorca en su música

Guitarricadelafuente reconoce que sí estaba familiarizado con la obra de Federico García Lorca, en especial con el Romancero gitano. “Era un poeta muy visual, tenía mucha simbología en su obra, muchas metáforas que a muchos artistas nos han influenciado”.

Reconoce que está procesando la dimensión del fenómeno de La bola negra. “Era maravilloso ver a la gente en los pases de Toronto en pie y llorando, que conecten con historias que no se han contado. Al fin y al cabo, es una película que habla del amor”.

Se ha hecho de rogar, pero por fin está aquí el primer vistazo a la que es ya una de las películas más esperadas del próximo año. Hablamos, por supuesto, del primer capítulo de la saga Narnia, el cual llega de la mano de Greta Gerwig bajo el sello Netflix, que se ha encargado de lanzar las primeras imágenes oficiales de la producción. Entre ellas, nada menos que sus jóvenes protagonistas, el misterioso personaje de Daniel Craig o la malvada Bruja Blanca, aquí interpretada por Emma Mackey.

La película, que verá la luz primero en cines después de la gran insistencia de Gerwig para lanzarse en salas antes que la plataforma, se podrá ver desde el día 12 de febrero, previo a su estreno en Netflix durante el mes de abril. Mientras tanto, las primeras imágenes han dado ya muchas pistas de cómo será esta ambiciosa película que aspira a reiniciar la saga de C.S. Lewis que ya contaba con varias adaptaciones al cine, pero ninguna como esta historia.

El sobrino del mago fue la sexta publicación de la saga de fantasía juvenil creada por el escritor británico, pero en realidad se trataba de la primera historia en orden cronológico dentro de su vasto universo, justo por delante de El león, la bruja y el armario. En ella se narra la gran aventura de Digory Kirke y su vecina Polly Plummer, dos niños ingleses que, por invervención del tío de Digory, Andrew, viajan a un mágico mundo lleno de criaturas fantásticas. Entre ellas el rey-león Aslan, o la poderosa Jadis, la Bruja Blanca. El sobrino del mago es el libro que da origen a la saga, pues en él Aslan crea el mundo de Narnia de la nada gracias a su poderosa canción.

Un regreso a un universo olvidado

No hay que olvidar que esta no es la primera vez que se lleva al cine la saga de C.S. Lewis, aunque sí será la primera que lo haga con esta historia de orígenes. Narnia llegó al cine por primera vez en 2005, con el estreno de El león, la bruja y el armario, que presentaba la historia de los hermanos Pevensie, interpretados por William Moseley (Peter), Anna Popplewell (Susan), Skandar Keynes (Edmund) y Georgie Henley (Lucy), además de Tilda Swinton como Jadis. La película tendría una secuela en El príncipe Caspian (2008) y una tercera entrega en 2010 con La travesía del viajero del alba, ya con solo los dos hermanos pequeños de los Pevensie y su primo Eustace (Will Poulter) como protagonistas.

El sobrino del mago supone el regreso a un universo que llevaba tiempo dormido, pero que durante muchos años alimentó las ilusiones y fantasías de millones de niños tanto en el Reino Unido como en todo el mundo. Un mundo que ahora volverá a lucir de la mano de Greta Gerwig y que contará con los jóvenes David McKenna y Beatrice Campbell en los papeles de Digory y Polly, así como con Carey Mulligan como la madre de Digory, Daniel Craig como el tío Andrew y Emma Mackey como Jadis, además de Meryl Streep poniendo voz al león Aslan.

Cinema Queer México anuncia su novena edición, que se celebrará del 24 de septiembre al 9 de octubre con historias sobre el cuerpo, el deseo, las identidades y las diversas formas de resistencia. El festival recorrerá Michoacán, la Ciudad de México y una plataforma nacional gratuita.

La ruta comenzará en Michoacán, del 24 al 27 de septiembre, con paradas en Morelia, Pátzcuaro, Zamora, Jiquilpan y Paracho. Ahí se proyectará el ciclo Resistencias de Michoacán, integrado por seis cortometrajes realizados en la entidad o por cineastas locales.

Del 1 al 7 de octubre, el festival se trasladará a la capital del país. La programación cerrará los días 8 y 9 de octubre con una selección disponible de forma gratuita en toda la República a través de la plataforma Nuestro Cine MX, del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).

En la CDMX debuta la cinta sueca de Ester Bergsmark

La ruta capitalina abrirá con A Sweetness from Nowhere / Una delicia de la nada, de Ester Bergsmark, filmada entre las ruinas de un castillo sueco. La propuesta utiliza la metamorfosis del cuerpo como estrategia de supervivencia y transformación, y tendrá su estreno en México dentro de este festival.

El recorrido continuará con KitKatClub: Kinks of Berlin, de Philipp Fussenegger, un retrato en blanco y negro de la noche berlinesa que aborda la libertad sexual, el consentimiento y los afectos que surgen en los márgenes de las convenciones sociales.

El cierre en la capital llegará con el estreno en México de Girls Like Girls, ópera prima de la cantante, actriz y directora estadounidense Hayley Kiyoko, basada en su canción homónima. La cinta explora el despertar del deseo adolescente y el amor entre mujeres. Será la película de clausura el miércoles 7 de octubre en Cine Tonalá.

El cine mexicano ocupa un lugar central en la programación

Entre las producciones nacionales destaca Soy Mario, de Sharon Kleinberg, que ya pasó por el Festival Internacional de Cine de Toronto y el Festival Internacional de Cine en Guadalajara. La historia sigue a un taxista trans de 40 años que enfrenta un embarazo inesperado y los cuestionamientos sobre la paternidad y la masculinidad.

En el camino, de David Pablos, entrelaza deseo, peligro y precariedad a través del encuentro entre un joven trabajador sexual y un camionero marcado por las adicciones. La cinta fue seleccionada por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) para representar a México en la búsqueda de una nominación como Mejor Película Internacional en los Premios Oscar 2027.

Completan la selección mexicana El círculo de los mentirosos, de Nancy Cruz Orozco; Volar y otros deseos, de Verónica Marín Cienfuegos, con estreno mundial en el festival; Yo tengo dos papás, de Edgar Reyes, sobre familias homoparentales, y Voces de la cancha, de Juan Jaime González Varas, que aborda el fútbol desde las tensiones entre género, discapacidad y representación.

La novena edición incluye una curaduría dedicada al erotismo y el deseo desde corporalidades no hegemónicas, realizada en colaboración con Bhav, programadora de Excéntrico, muestra chilena que se realiza desde 2019 en Valparaíso y Santiago.

El eje incluye dos programas de cortometrajes: Cruces, placeres y relatos postporno entre Chile y México, donde el placer se convierte en herramienta política, y Adiós a Lesbos, una mirada irreverente hacia las lesbiandades que escapan de las representaciones tradicionales.

La experiencia se completa con el taller El problema de mirar: sexo explícito en el cine, abyección y memorias disidentes, programado el sábado 3 de octubre de 11:00 a 15:00 horas en Eucalipto 20, Ciudad de México.

Cinco programas de cortometrajes amplían el recorrido temático

La selección de cortos se organiza en cinco bloques: Reapropiación del cuerpo, sobre masculinidades y performatividades; Flores sin nombres, dedicado a identidades que fluyen más allá de las categorías; Genealogías disidentes, sobre afectos dentro de los espacios familiares; Sáfica, pero no para ti, que cuestiona el male gaze, e Historias desde Suecia, que conecta el contexto sueco con realidades latinoamericanas.

Los días 8 y 9 de octubre, Nuestro Cine MX transmitirá de forma gratuita Mi tía Peque, de Claudia Loredo, junto con un programa de cortometrajes conformado por Otoño, de Luis Pacheco; Ansia, de Kat Aranch; En algún lugar dentro de mí, de Andoeni Padilla, y Verano, de Rafael Ruiz Espejo y Luis Pacheco.

La edición cuenta con el respaldo del Fideicomiso para la Promoción y Desarrollo del Cine Mexicano del Gobierno de la Ciudad de México (PROCINECDMX), la Secretaría de Cultura de Michoacán (SECUM), la Fundación Heinrich Böll Stiftung México y el Caribe, y la Embajada de Suecia en México.

Circuitos y sedes

9a Edición Cinema Queer México

Michoacán - 24 al 27 de septiembre

Morelia

• Auditorio Fundadores, Universidad de Morelia
• Casa Taller Alfredo Zalce
• Centro Cultural Clavijero
• Espacio Solaris
• Instituto Latinoamericano en Ciencias Cinematográficas (ILATACC)
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Plataforma en línea: Nuestro Cine MX - 8 y 9 de octubre

Las primeras proyecciones para la prensa celebradas en Nueva York y Los Ángeles han dejado opiniones enfrentadas acerca de esta producción que ha costado 125 millones de dólares. La película combina comedia negra, sátira política y un giro que altera su premisa, todo esto mientras Cruise aparece bajo prótesis cuyo maquillaje pasó de requerir seis horas a una.

La película presenta a Cruise como Digger Rockwell, un empresario rico y ajeno a las consecuencias de sus decisiones. Una perforación petrolera provoca una expulsión de metano y desprende una plataforma de hielo de un glaciar que avanza hacia Europa, con riesgo de tsunami y destrucción a gran escala.

Junto a Cruise figuran Riz Ahmed como el científico Ganesh, Sandra Hüller como la hermanastra y socia empresarial de Digger, John Goodman como un presidente de Estados Unidos autoritario con cáncer anal, Michael Stuhlbarg como vicepresidente y Jesse Plemons en un papel cuya relevancia se aclara al final.

Las primeras críticas de ‘Digger’ con Tom Cruise

La recepción ha oscilado entre el entusiasmo por la ambición formal de Iñárritu y el rechazo a una sátira que varios críticos consideran fallida. Clayton Davis, especialista en premios de Variety, ha resumido esa fractura: “Respeto la apuesta y lo que Alejandro González Iñárritu intenta hacer. Tom Cruise y John Goodman ofrecen trabajos excelentes, y el diseño de producción y la fotografía impresionan”.

Davis ha señalado que “no todos los puntos conectan” y habría preferido que la película se entregase más a “la absurdidad y la sátira” que persigue. Su previsión es clara: “La división con esta película va a ser amplia”.

Matt Neglia, fundador de Next Best Picture, ha valorado el personaje de Cruise como su papel “más dinámico e interesante en años”, aunque cree que el guion da al actor espacio para dirigirse “hasta a la última fila” sin permitirle profundizar en una interpretación que podría haber tenido “más fuerza y matices”.

Joey Magidson, de Awards Radar, la ha definido como “un desastre” en el que “no funciona gran cosa” y que no le ha resultado ‘disfrutable’. El crítico Edward Douglas ha coincidido en que no puede decir que sea “muy buena”, aunque percibe las intenciones de Iñárritu y Cruise; también anticipa una valoración del público “horrenda” en CinemaScore.

El periodista Mike Ryan ha calificado la experiencia de “desagradable” y ha cuestionado algunas decisiones de la trama, pese a reconocer momentos de interés vinculados a la propia trayectoria de Cruise. Otro de los primeros comentarios describe la película como una sátira sobre el papel de la sátira: un examen de “narcisistas poderosos y ricos” que manipulan el relato público en su propio beneficio.

IndieWire ha recogido también reacciones que celebran el riesgo de la propuesta. Jim Hemphill sostiene que la cinta contiene la mejor interpretación de Cruise desde Magnolia y la considera una de las películas de estudio “más inventivas visualmente, audaces conceptualmente e imprevisibles” jamás realizadas.

Anne Thompson, de la misma publicación, la ha definido como “una película de arte valiente y hermosa” que no conectará con el gran público, pero que podría encontrar mejor recepción entre los miembros de la Academia, en especial en las categorías interpretativas y técnicas. Thompson ha destacado asimismo una escena en un anfiteatro que podría favorecer las opciones de Cruise.

El regreso de Cruise al drama adulto

El estreno supone para Cruise su regreso a un papel dramático orientado al público adulto después de más de una década identificado con héroes de acción. En los últimos 10 años, su única película alejada de ese terreno había sido la comedia criminal Barry Seal: el traficante, estrenada en 2017.

Para encontrar más títulos no centrados en la acción hay que retroceder 20 años en su filmografía, con películas como el musical La era del rock (Rock of Ages), el drama político Leones por corderos, la comedia Tropic Thunder y el thriller histórico Valkyrie. La elección de Iñárritu, ganador del Oscar por Birdman y El renacido, había despertado expectativas sobre una posible campaña de premios, aunque las reacciones podrían complicarla.

Cruise, cuatro veces nominado al Oscar, no ha ganado todavía una estatuilla competitiva, aunque recibió un Oscar honorífico el año pasado. La película está escrita por Iñárritu junto a Alexander Dinelaris, Nicolás Giacobone y Sabina Berman; Dinelaris y Giacobone ya colaboraron con el cineasta en Birdman.

La puesta en escena cuenta con Emmanuel Lubezki, director de fotografía habitual de Iñárritu, y con Dennis Gassner, ganador del Oscar por Bugsy, en el diseño de producción. El presupuesto podría ser incluso superior a los 125 millones y, al sumar promoción y campaña de premios, necesitaría superar los 300 millones de recaudación mundial para alcanzar el equilibrio.

El actor ha explicado en el pódcast New Heights cómo redujo el tiempo de caracterización: “Había un tipo con un cronómetro y le dije: ‘De acuerdo, ¿ves ese tiempo, seis horas? Cuando terminemos, lo bajaremos de una hora’”. El equipo inicialmente le respondió que no sería posible, pero Cruise ha relatado que cronometraron, ensayaron y ajustaron cada pieza de las prótesis.

La película se estrenará en nuestro país el próximo 2 de octubre y supone el regreso del director Alejandro González Iñárritu desde Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades en 2022.

El vicepresidente de El Salvador, Félix Ulloa, participó en la presentación de Vértices, una película dirigida y producida por el cineasta salvadoreño Arturo López Rodas.

La obra fue seleccionada por el Comité Cine Nacional de El Salvador (CINESAL) para representar al país en el proceso de consideración de la categoría de Mejor Película Internacional de la 99.ª edición de los Premios Óscar.

La actividad reunió a autoridades y representantes del sector audiovisual, en una instancia que buscó visibilizar la producción nacional y el recorrido de la película hacia la instancia de evaluación de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (AMPASS).

Según informó la Vicepresidencia de la República, en sus redes sociales, la participación de Ulloa se inscribió en una agenda de respaldo a las iniciativas culturales y a la proyección internacional de las producciones hechas en el país.

Durante la presentación, la representante de CINESAL, Paula Heredia, planteó la necesidad de consolidar una red de trabajo entre instituciones públicas, empresas privadas, organizaciones vinculadas con el cine y realizadores independientes.

Heredia sostuvo que el desarrollo de la industria requiere financiamiento de distintos sectores, además de políticas que amplíen las instancias de formación, producción y circulación de obras nacionales. También destacó la relevancia de las alianzas para facilitar el acceso de nuevos talentos a oportunidades dentro del sector.

La representante del comité señaló que el cine salvadoreño necesita condiciones que permitan sostener proyectos a largo plazo y ampliar su presencia en espacios internacionales. La postulación de Vértices abre una nueva exposición para una producción salvadoreña en la carrera hacia los Premios Óscar.

El Comité Cine Nacional de El Salvador es el organismo que eligió la película para competir por una nominación en la categoría destinada a filmes internacionales. Cada país puede presentar una obra, que luego debe cumplir con los requisitos y procesos de selección establecidos por la Academia.

Arturo López Rodas destacó las oportunidades para el cine nacional

López Rodas valoró la participación de su película en el proceso y afirmó que la selección representa una oportunidad para el sector audiovisual del país. El director definió a Vértices como “un drama sobre la amistad, el paso del tiempo, las pérdidas y los vínculos que permanecen a partir del reencuentro de tres antiguos amigos”.

La trama se centra en la relación entre esos personajes y en los conflictos que surgen a partir de su reencuentro. La película busca situar una historia personal dentro de una producción realizada desde El Salvador.

“Nos complace que se abran estas ventanas que representa el cine nacional”, expresó el realizador durante la actividad, según la comunicación de la Vicepresidencia.

Ulloa, por su parte, respaldó la iniciativa y destacó la necesidad de ampliar los espacios de impulso para la cinematografía local. La presencia de Vértices en la selección nacional coloca al cine salvadoreño en el circuito de consideración para la categoría de Mejor Película Internacional.

La candidatura dependerá de las etapas posteriores de evaluación de la Academia, que define las películas preseleccionadas y, más adelante, las obras nominadas para la ceremonia de los Premios Óscar.

El reciente estreno de La venganza de los Sith, última entrega de las llamadas precuelas de Star Wars de George Lucas y epítome del cine épico de principios de los 2000, ha traído de vuelta cierta nostalgia por el cine de aquella época, antes de que Hollywood apostase por un nuevo rumbo -orientado principalmente hacia los superhéroes y otras nuevas franquicias- y durante el cual surgieron propuestas de lo más atrevidas, especialmente en su uso de nuevas técnicas. Aunque en el caso de una, su vanguardista propuesta nació y murió prácticamente con ella.

Durante aquellos primeros años del nuevo siglo prosperaron un tipo de películas muy concreto, las que buscaban un tipo de animación más realista para poder explorar historias que no estuvieran solo reservadas al público infantil. Las innovaciones tanto en CGI a raíz de Toy Story, la rotoscopia de Waking Life o A Scanner Darkly de Richard Linklater o la combinación de animación y acción real (Looney Tunes: de nuevo en acción) invitaban a pensar hasta dónde podía llegar el límite. Y el director Robert Zemeckis lo quiso comprobar.

Tras un primer intento con Polar Express, la cual ya presentaba este novedoso método de captura de movimiento real mezclado con una animación completamente digital, el director de Regreso al futuro y Forrest Gump asumió la responsabilidad de adaptar Beowulf, un proyecto que llevaba preparándose desde hace más de una década en Hollywood y que en principio iba a dirigir Roger Avary, guionista de películas como Pulp Fiction y autor de Las reglas del juego. Finalmente Avary permaneció en el guion, el cual coescribió junto al escritor británico Neil Gaiman, quien ya había realizado una nueva aproximación al héroe nórdico en su colección de cuentos Smoke and Mirrors.

Un héroe diferente para los nuevos tiempos

En la leyenda tradicional escandinava, para la que Beowulf sería su Cid o Roldán particular, este héroe llegaba a la corte danesa para salvarla de los ataques de un monstruo conocido como Grendel, para años después convertirse en rey y enfrentarse ya anciano a la amenaza de un gran dragón, pereciendo en su intento por salvar a su pueblo. Lo que en principio tenía mucho de épica y poco significado en el contexto occidental actual, pronto se vio alterado por las modificaciones de Gaiman y Avery.

De esta forma, la Beowulf se convirtió en un héroe escandinavo solo en aspecto superficial, pero con connotaciones de pecados y la culpa cristiana. Grendel pasaría a ser el hijo del rey danés Hrothgar (Anthony Hopkins), ahora convertido en un borracho y mujeriego, el cual habría concebido con un demonio con aspecto de bella mujer -interpretada por la belleza canónica de la época, Angelina Jolie-, lejos de la ogresa que describía el relato original. “Me impactó que Grendel siempre fuera descrito como el hijo de Caín, significando esto que era mitad hombre, mitad demonio, pero su madre siempre dijo que era un demonio completo. Entonces, ¿quién es el padre? Debió ser Hrothgar, y si Grendel arrastra hombres hacia la cueva, debe ser para su madre, para que pueda dar a luz otro engendro demoníaco", resolvería Avary.

Los cambios de Avary y Gaiman provocaron que Beowulf se alejase en gran medida de la historia original en pos de una propuesta más épica y cercana a los tiempos, desprendiéndose de su esencia original por una más afín a la mentalidad occidental católica, pero no fue el único cambio significativo. Sufrió críticas por sus imprecisiones históricas por parte de algunos historiadores y académicos, pero la peor parte fue curiosamente con el público para el que supuestamente se había adaptado la leyenda.

Adentrándose de lleno en el valle inquietante

Aunque Zemeckis ya se había adentrado en el complejo mundo de la animación digital con Polar Express, con Beowukf llevó esta técnica a su máxima expresión haciendo uso de Imagemotion, un sistema de captura de movimiento desarrollado por Sony Pictures Imageworks como de Mova. La primera utilizó más de 200 cámaras infrarrojas para registrar los movimientos de los actores, mientras que la segunda resultaba una técnica innovadora que utilizaba maquillaje fosforescente y cámaras de alta velocidad para capturar los movimientos faciales con gran precisión. Los datos obtenidos se usaban para crear modelos 3D que luego se imprimieron en 3D y se iluminaron con estrobos, emulando un zoótropo tridimensional.

Todo ello confirió a Beowulf un aspecto único, con un movimiento menos fluido que el de una película de animación tradicional pero mucho más realista y con expresiones casi propias de los actores, pues en gran medida habían sido recreadas al detalle. Salvo en el caso del propio Beowulf (Ray Winstone), cuyo modelo se había tomado del por entonces joven actor de Reacher, Alan Ritchson, el resto de personajes tenían la voz y expresiones faciales de Robin Wright, John Malkovich, Brendan Gleeson o sobre todo Angelina Jolie.

Sin embargo, su estilo visual fue que prometía ser su gran baluarte, terminó siendo uno de los motivos por los que el público no conectó del todo con la película. Parag Havaldar, ingeniero principal de I+D en Sony Pictures Imageworks, reconocería posteriormente en una conferencia que la razón podría haber estado detrás del conocido valle inquietante (uncanny valley), a saber, el fenómeno por el cual los espectadores experimentan cierta incomodidad al verse frente a frente como representaciones humanas tan extremadamente realistas como de alguna manera imperfectas, al carecer de ese cariz humano.

Sea como fuere, el moderado fracaso de Beowulf hizo que ese tipo de animación y de cine nunca llegase a afianzarse y la moda se desvaneciera con el tiempo, hasta relegar a la película un estatus de olvidada y casi enterrada por el mercado de streaming. Sin embargo, hay quien la ve hoy día y la sigue apreciando como un noble intento de experimentación, y solo el tiempo la acabará de poner en su sitio. Como decían en otra famosa película de Zemeckis, “Supongo que no estáis preparados para esto, pero les encantará a vuestros hijos”.

La herencia de Martin Scorsese (Nueva York, 1942) es larga, y eso que no ha terminado. Desde que debutó con Who’s That Knocking at My Door hace exactamente 59 años, el director de películas como Taxi Driver, Shutter Island o El lobo de Wall Street solo ha hecho más que acumular un capital que le convierte en uno de los mejores cineastas de la historia del cine. Ahora bien, por Oscars -ganados- no será.

Scorsese acumula 10 nominaciones al Oscar a mejor director, lo que le convierte en el cineasta vivo con más candidaturas de todos los tiempos en esa categoría. En total, su nombre ha aparecido 16 veces entre los nominados de la Academia, contando también sus candidaturas como guionista y productor. Y, sin embargo, solo una de esas diez nominaciones como director terminó en victoria: la que consiguió por Infiltrados en 2007.

La película, estrenada un año antes, puso fin a una sequía que para entonces empezaba a resultar difícil de explicar. Scorsese había optado previamente al premio por Toro salvaje, La última tentación de Cristo, Uno de los nuestros, Gangs of New York y El aviador, pero siempre había salido de la ceremonia sin la estatuilla.

Hasta que llegó Infiltrados, remake estadounidense del thriller hongkonés Infernal Affairs, estrenado en 2002. La historia sigue a Colin Sullivan (Matt Damon), un mafioso infiltrado en la policía de Boston, y a Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), un oficial encubierto que se inmiscuye en la organización criminal de Frank Costello (Jack Nicholson), jefe de la mafia irlandesa. El reparto lo completaban Mark Wahlberg, Martin Sheen y Alec Baldwin.

Disponible en Prime Video hasta el 29 de septiembre

“No hay ningún gran misterio en cuanto a por qué Infiltrados ganó los premios a la mejor película, al mejor director, al mejor guion adaptado y al mejor montaje”, escribió Deadline tras la victoria de Scorsese. “Era una película fantástica. Recaudó mucho dinero, así que al público le gustó muchísimo. Contaba con actores de primera y un guion brillante. Marty Scorsese era el favorito sentimental de cara a esta competición. Y, bueno, una comedia nunca gana el premio a la mejor película. Y a los miembros de la Academia o les encantó Babel o la odiaron. A pesar de lo que digan los expertos en los Óscar, esto no es ciencia espacial: lo único que necesita una película para hacerse con el premio es que unos 1.300 votantes se sientan lo suficientemente entusiasmados con ella y marquen su papeleta en consecuencia”.

Infiltrados terminó recaudando casi 300 millones de dólares en todo el mundo y arrasó en los Oscar de 2007 con cuatro premios: mejor película, mejor director, mejor guion adaptado para William Monahan y mejor montaje para Thelma Schoonmaker.

Desde entonces, Scorsese ha vuelto a competir por la estatuilla con películas como Hugo, El lobo de Wall Street, El irlandés y Los asesinos de la luna, pero no ha conseguido una segunda victoria. Mientras tanto, puedes disfrutar de esta cinta en Prime Video, que abandonará la plataforma el próximo 29 de septiembre.

El realizador mexicano Bruno Santamaria Razo tardó “mucho en salir del armario”, según reconoce en esta entrevista, porque a su padre le diagnosticaron SIDA cuando él era niño y ese episodio de su vida le hizo pensar que la homosexualidad “era algo negativo”.

Esa vivencia fue el germen de Seis meses en edificio rosa y azul, una pequeña joya cinematográfica que se proyectó este lunes en la sección Horizontes Latinos del Festival de Cine de San Sebastián, en el norte de España.

La película empieza con la madre real de Santamaria hablando a la cámara mientras es entrevistada por su hijo, pero enseguida salta a la ficción y unos actores en estado de gracia y sorprendentemente parecidos a las personas reales recrean lo que pasó más de treinta años atrás.

La historia transcurre en Ciudad de México, a principio de los años noventa, el día que Bruno cumple once años y se enamora de su mejor amigo, Vladimir. Esa noche su padre recibe un diagnóstico de VIH positivo.

La película tiene colores vivos porque el realizador lo recuerda así: “Mis padres se esforzaron en proteger a los niños del dolor con mucha festividad, mucha música y colores en las paredes”.

Pero “el peso de la noticia transformó la vida familiar, salieron trapos sucios, aparecieron prejuicios” y “el mensaje homófobo” que llegaba “en anuncios informativos en televisión” o “en las clases de educación sexual” acabó calando en él.

“Ahora me doy cuenta de que tardé mucho en salir del armario, a pesar de que mis padres eran muy abiertos, pero es que el VIH marcó nuestra infancia”, afirma.

“Ahora pareciera que las cosas han cambiado y la homosexualidad está más aceptada socialmente -continúa-, pero sigue habiendo presión para que te mantengas dentro de la norma. Los prejuicios se mueven de lugar, pero siguen ahí”.

El largometraje explora los obstáculos que impone la sociedad a la diversidad sexual o de género y Santamaria concluye que “cuando te ponen una barrera clara, la rompes, pero si te indican el camino con suavidad es más fácil que te quedes en la jaula”.

El niño protagonista se queda encerrado porque quienes lo animan a hacerlo son personas que quieren su bien, pero “la actitud de obediencia es peligrosa”.

“Hay que ser más rebeldes, comunicarse más y no quedar paralizado ante la ola reaccionaria que viene”, concluye el cineasta.

Fuente: EFE

En las montañas chilenas llega el deshielo y, bajo la nieve, una niña encuentra pistas de una desaparición de la que los adultos no quieren hablar. Con este argumento, que podría ser de cine negro, Manuela Martelli ha construido un filme político sobre la transición chilena, los silencios de la dictadura y las zancadillas a la democracia.

“Quería hablar de la transición en Chile porque me parece un tema muy importante del que se ha hablado poco, pero no lo quería hacer desde los discursos, sino desde la emoción”, explica la directora a esta agencia en San Sebastián, donde ha acudido a presentar El deshielo en la Sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián.

En el largometraje no hay discursos, ni tampoco cuarteles militares o activistas políticos, los protagonistas son personas de a pie porque Martelli no entiende la historia de un país como “eso cien veces contado que sedimenta y parece de cartón”, sino como “algo que llevamos todos a cuestas y donde cualquiera de nosotros es un agente activo”.

El filme habla de una desaparecida escondida bajo un manto de silencio, como el caso de los miles de fallecidos que destapó el fin de la dictadura de Pinochet, pero en El deshielo la víctima no sabe nada de política, sino que es una esquiadora extranjera, porque Martelli prefiere las alegorías.

“Me interesaba observar cómo se construyen las democracias”, explica la directora y actriz, que ha ambientado la historia en 1992, en un hotel de montaña donde la nieta de la propietaria mira con ojos de niña los pecados de los mayores.

La democracia en Chile se construyó “con acuerdos que eran amarres de la dictadura, como el hecho de que Pinochet siguiera siendo jefe del ejército o la consolidación del sistema económico liberal”.

Aún así, se instauró la democracia y “los que vivimos eso pensábamos que ya nunca se volvería atrás y que se preservarían los derechos sociales que se habían conseguido con tanto trabajo”.

Sin embargo, el rumbo que ha imprimido el nuevo presidente de Chile, el ultraderechista José Antonio Kast, es, según Martelli, un ejemplo de “la fragilidad de la democracia” porque en sus discursos se aprecia “que es capaz de venderla a cambio de seguridad” y eso “puede llevar de vuelta a una dictadura”.

El silencio es un tema central de la película, porque para Martelli es una de las imposiciones de las dictaduras y, cuando se rompe con él, se transita hacia la democracia.

Pero en el filme se observa lo difícil que es romper el silencio y “lo actual que es callar ante el horror”.

“Hoy en día sigue habiendo un silencio terrible, solo hay que ver lo que pasa en Palestina -sentencia-. En esa guerra hay horror, complicidad y silencio”.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Javier Etxezarreta.

El estreno coloca a la producción de TriStar Pictures, Constantin Film y Davis Films entre los lanzamientos internacionales de mayor recaudación del período analizado. De acuerdo con Sony Pictures, la película fue dirigida por Zach Cregger, quien también figura como coguionista junto con Shay Hatten. Austin Abrams encabeza el elenco en el papel de Bryan, un repartidor médico que enfrenta una noche marcada por un brote de violencia y caos.

La cifra mundial de la nueva película supera los USD 102,9 millones que acumuló la primera adaptación de Resident Evil, estrenada en 2002, según los datos históricos de Box Office Mojo. La franquicia tuvo varias entregas protagonizadas por Milla Jovovich antes de que Sony presentara esta producción como una historia independiente, sin continuidad directa con los personajes centrales de las películas anteriores.

¿Cuánto recaudó Resident Evil en su estreno mundial?

Resident Evil alcanzó USD 108,45 millones en todo el mundo durante su estreno, de acuerdo con Box Office Mojo. La cifra se compone de USD 60,15 millones en Estados Unidos y Canadá, donde debutó el 18 de septiembre, y USD 48,3 millones fuera de ese mercado. El total supone una actualización mínima frente a los USD 108,3 millones informados inicialmente por el medio especializado Deadline.

La diferencia entre ambas cifras es de USD 150.000 y puede responder a la incorporación de reportes tardíos de salas de cine o de distribuidoras internacionales. Box Office Mojo, que pertenece a IMDb, actualiza sus registros a partir de los informes de exhibición que recibe de la industria.

La recaudación de Estados Unidos y Canadá representó cerca del 55% del total mundial registrado hasta el momento. Los mercados internacionales aportaron el 45% restante, según los datos de Box Office Mojo. La película mantiene funciones en salas y aún tiene pendientes estrenos en algunos territorios, por lo que el acumulado global puede modificarse con los próximos reportes.

El desempeño inicial de Resident Evil supera el total de la primera película de la saga, que obtuvo USD 102,9 millones en todo su recorrido comercial. Esa comparación surge de los registros históricos de Box Office Mojo y permite medir el alcance de la nueva entrega frente al comienzo de la serie cinematográfica, que se inició hace 24 años.

¿Cuánto recaudó Resident Evil en Estados Unidos y Canadá?

Resident Evil obtuvo USD 60,15 millones en Estados Unidos y Canadá durante su primer fin de semana, según Box Office Mojo. Esa cifra representa cerca del 55% de los USD 108,45 millones recaudados a escala mundial por la película desde su estreno del 18 de septiembre de 2026.

El mercado estadounidense y canadiense fue el principal aporte al debut internacional de la producción de Sony Pictures, de acuerdo con el desglose de Box Office Mojo. Los mercados fuera de Estados Unidos y Canadá sumaron USD 48,3 millones en el mismo período.

¿Quiénes participan en la nueva película de Resident Evil?

La ficha oficial de Sony Pictures identifica a Zach Cregger como director de la película y como coguionista junto con Shay Hatten. Cregger dirigió anteriormente Barbarian y Weapons, según la presentación institucional del estudio. La producción reúne a TriStar Pictures, Constantin Film y Davis Films, compañías que también estuvieron asociadas a títulos previos de la franquicia.

Austin Abrams interpreta a Bryan, el personaje central de la historia. Según la sinopsis difundida por Sony Pictures, Bryan trabaja como repartidor médico y queda involucrado en una situación de supervivencia durante una noche de desorden. El estudio define la película como una nueva versión de la franquicia y no como una continuación de la línea argumental protagonizada por Milla Jovovich.

El elenco también incluye a Zach Cherry, Kali Reis y Paul Walter Hauser, de acuerdo con la ficha de Sony Pictures. El estudio no difundió detalles adicionales sobre los personajes de esos intérpretes, ni informó cuál fue el presupuesto de producción o los costos de distribución de la película en los distintos mercados.

La información oficial acredita como productores a Robert Kulzer, Zach Cregger, Roy Lee, Miri Yoon, Victor Hadida, Asad Qizilbash y Carter Swan. Oliver Berben, Richard Wright y Robert Bernacchi figuran como productores ejecutivos, según Sony Pictures. Esos créditos muestran la participación de Constantin Film, Davis Films y PlayStation Productions en una adaptación que retoma el universo de la marca creada originalmente para videojuegos.

¿Resident Evil es una continuación de las películas de Milla Jovovich?

Sony Pictures describe el lanzamiento de 2026 como una “reinversión” de la franquicia y centra el relato en Bryan, el personaje interpretado por Austin Abrams.

La saga cinematográfica comenzó en 2002 con una película encabezada por Jovovich como Alice. Esa producción planteó una historia sobre una corporación y un virus que transformaba a las personas infectadas, según la descripción de Sony Pictures para Resident Evil: Retribution, estrenada en 2012. La compañía mantiene esa película disponible en su catálogo digital.

Los antecedentes comerciales de la franquicia incluyen varias secuelas lanzadas entre 2002 y 2016. Los datos históricos de Box Office Mojo sitúan a Resident Evil: The Final Chapter como la entrega de mayor recaudación mundial de la serie anterior, con cerca de USD 312 millones. La nueva producción necesita sostener su exhibición en las próximas semanas para aproximarse a ese total.

La comparación con las películas previas debe considerar que las formas de distribución y los mercados internacionales cambiaron durante las dos últimas décadas. Aun así, el primer fin de semana de la producción de 2026 se ubica por encima del total final de la cinta original, según los registros de Box Office Mojo.

¿Qué diferencia hay entre la taquilla de Resident Evil y Coyote vs. Acme?

El estreno de Resident Evil coincidió con la continuidad de Coyote vs. Acme en las salas. Sin embargo, los datos verificados disponibles muestran trayectorias distintas. Box Office Mojo ubicaba a la película protagonizada por el personaje de Looney Tunes en USD 80,43 millones mundiales al 22 de septiembre, por debajo de los USD 99 millones citados por Deadline.

La cifra de Coyote vs. Acme incluye USD 54,71 millones en Estados Unidos y Canadá, junto con USD 25,71 millones fuera de ese mercado, según Box Office Mojo. La película se mantenía a USD 19,57 millones de la marca de USD 100 millones globales.

Para Resident Evil, el dato de USD 108,45 millones corresponde solo a los primeros días de exhibición. Para Coyote vs. Acme, los USD 80,43 millones responden a una carrera comercial más extensa. De acuerdo con Box Office Mojo, ambos resultados pueden cambiar a medida que se sumen nuevos reportes de los distribuidores y las cadenas de salas.

La película de Sony seguirá su recorrido internacional después de su apertura del 18 de septiembre. Los próximos balances de Box Office Mojo y cualquier comunicación de Sony Pictures permitirán establecer cómo evoluciona su taquilla, qué mercados aportan más ingresos y si supera las cifras finales de otras entregas de la franquicia.

Se trataba de una ficción descarnada y dolorosa y en eso coincide con su debut en el largometraje, Esta soledad, aunque su estilo sea muy diferente, más despojado y austero, heredero del ‘nuevo cine británico’ y las películas de John Cassavetes, donde se elude cualquier tipo de artificio para ir en busca de un naturalismo sucio que desprende una verdad tan desnuda como arrolladora.

La película se presenta en la sección New Directors del Festival de San Sebastián y habla de las consecuencias de una ruptura, de la precariedad que condicionan los vínculos emocionales, del desarraigo, la identidad y las dificultades de salir adelante dentro de un entorno social en crisis.

Los caminos solitarios de Leo y Lorea

Esta soledad sigue a Leo y Lorea, interpretados por Oriol Pla y Marina Salas, una ‘expareja’ que afronta una separación cuyos motivos apenas se desvelan, pero que deja en ambos una sensación de profunda desolación.

Leo trabaja en un supermercado mientras compagina su profesión como actor en talleres y espectáculos. Precisamente, la película se abre con una ‘performance’ de Oriol Pla como ‘clown’ en la que aporta su sabiduría en este registro, un aspecto, el de tener que interpretar un papel mientras se está en el polo opuesto, que vertebra buena parte de la película.

Además, Leo se encarga de los cuidados de su padre enfermo hasta su fallecimiento. En ese momento descubrirá que su madre no desapareció de su vida por su propia voluntad, así que iniciará un camino personal para encontrarla.

Mientras, Lorea se encuentra sumida en el caos. Se siente una escritora fracasada, tiene un bloqueo emocional que le impide llevar una vida ordenada y se regodea en su tristeza mientras que, de cara a la galería, hace pensar a todo el mundo que está todo bien. Entre las visitas a su madre y la relación de amistad con una presa con la que entablará contacto, tendrá que hacer frente a sus fantasmas.

Ambos se encuentran atrapados en sus propios reductos, tanto físicos como emocionales, intentando como pueden buscar una salida a su incapacidad de reaccionar.

El descubrimiento de un cineasta indómito

Javier Giner demuestra ser un cineasta indómito, alejado de cualquier cliché del cine español contemporáneo, un espíritu libre a contracorriente que explora los vericuetos más profundos del alma humana sin miedo, sin pudor, y con espíritu kamikaze.

Es una obra lastrada por la melancolía, como esa melodía que Leo entona con su trompeta, repleta de escenarios marginales, de parajes industriales alejados del aburguesamiento que se impone en las producciones actuales. Una obra de raigambre proletaria, en la que se siente la escasez de recursos, ya sea a la hora de atender a un padre necesitado de cuidados o de ahondar en el enigma de la orfandad del personaje de Leo.

La identidad es otro de los temas estructurales de Esta soledad, que tiene su origen en la obra teatral Fuga de cuerpos, de María Velasco. Se trata de personajes perdidos que no saben cuál es su lugar en el mundo y que sufren por descubrirlo, ejemplos de una generación perdida con aspiraciones culturales que quedaron por el camino.

En Esta soledad importa tanto lo que se dice como lo que no. De hecho, muchas de las escenas más importantes, y también las más hermosas, transcurren sin palabras, como el final, uno de los mejores del cine español reciente, en el que los dos protagonistas coinciden por primera vez en pantalla.

Oriol Pla y Marina Salas componen dos personajes memorables, que se quiebran a sí mismos, frágiles hasta la médula, de una intensidad rabiosa por momentos, y de una inseguridad tan fogosa en otras, que los quema por dentro. Una película deslumbrante y sin duda, la ópera prima del año.

Un niño en busca de amor, un viaje y una lección de vida son los ejes por los que discurre El tren fluvial, la película de los argentinos Lorenzo Ferro y Lucas A. Vignale presentada este lunes en el Festival de San Sebastián.

Pero la promoción de la cinta se vio empañada por el trágico accidente en el que murió el pasado junio Vignale, quien este lunes fue homenajeado con una gran ovación antes y después de la proyección, programada dentro de la sección Horizontes Latinos de la 74ª edición del certamen donostiarra.

“Para mí, esta película es como un retrato de nuestra amistad, y eso se lo agradezco de por vida al cine y de por vida a mi amistad con Lucas y a Lucas”, dijo Lorenzo Ferro.

El filme, estrenado mundialmente el pasado febrero en la Berlinale, cuenta el viaje que emprende Milo, un muchacho de nueve años que decide marcharse a Buenos Aires sin decirle nada a su familia, en busca de libertad pero también de afecto. La excursión, en la que se acabará topando con una variopinta galería de personajes, le acabará sirviendo para conocer mejor sus límites.

El proyecto nació de “la nostalgia de estar vivo y salir (...) en busca de una palabra de amor, en busca de afecto, de un te quiero” y también de una experiencia que él tuvo en la Gran Manzana, explica Ferro.

“Cuando caminaba por la calle sentía que si me moría la gente como que iba a pasar por arriba caminando y me iba a aplastar, como que no era nadie”, cuenta el argentino, de 27 años, comparando esa vivencia con lo que siente Milo en Buenos Aires, donde “se da cuenta de que el afecto está en el hogar”.

“A veces cuando uno busca el afecto, quizás no llega” y “uno tiene que expresarlo”, señala Ferro, conocido por su faceta de actor en películas como El Ángel (2018) o Simón de la montaña (2024).

Dolor convertido en aventura

El Tren Fluvial es “un relato de dolor convertido en aventura”, una película que muestra “el momento donde una persona, en este caso un niño, se da cuenta de que no es invencible”, apunta el director.

En cierto modo, ese viaje iniciático que emprende Milo recuerda al del adolescente Holden Caufield en la novela de J.D. Salinger El guardián entre el centeno.

“Yo siento que mi vida fue un poco así”, reconoce el cineasta, quien admite que el primer libro que leyó por su cuenta fue precisamente ése y que es “uno de [sus] favoritos”.

El joven actor Milo Barria encarna al protagonista, cuyos padres son los de Barria en la vida real. También es real la escena con la que empieza el filme: una verdadera competición de malambo argentino, que Barria baila con soltura.

Según cuenta Ferro, Vignale y él ya habían trabajado con Milo unos años antes, en un cortometraje.

En los 14 días que duró el rodaje de El tren fluvial, el equipo se las tuvo que ingeniar para mantener el interés del niño y asegurarse de que no decidiera abandonar antes de terminar la filmación.

“Estaba todo adaptado a él y era todos los días inventar un nuevo juego, un dispositivo que lo mantuviera entretenido o despierto”, cuenta Ferro.

No escatimaron en inventiva, con promesas de partidos de fútbol o a los bolos, Coca-Cola, ratos de PlayStation o Nintendo Switch o hasta “una pijamada al final del día con todo el equipo”, recuerda el director con una sonrisa.

Hacer películas “como se pueda”

El semblante, no obstante, se le torna más serio al abordar el momento que atraviesa el cine en Argentina, una situación “difícil”, tras el retiro del apoyo al sector por parte del gobierno del ultraliberal Javier Milei.

Antes de la proyección de este lunes en San Sebastián se emitió un video exigiendo la derogación de una ley que entrará en vigor el 1 de enero de 2028 y que suprimirá la financiación del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

“Sabíamos que si nos poníamos en manos de una industria o de un instituto tan devastado por este gobierno, no íbamos a filmar nunca nuestra película”, explica al director, que llama a “no quedarse de brazos cruzados y que la gente que está allá arriba en el gobierno no logre que solo se filmen grandes películas”.

“La situación actual es dolorosa, pero hay que salir a aventurarse y a hacer películas de todas maneras, como se pueda”, sostiene.

Fuente: AFP

Llega el momento más esperado para millones de espectadores. La Fiesta del Cine regresará a las salas de toda España entre el lunes 19 y el jueves 22 de octubre, con entradas a 3,50 euros para las películas que estén en cartelera durante esos cuatro días. La XXVII edición mantendrá el acceso sin acreditación previa. La iniciativa reúne a distribuidores, exhibidores y organismos públicos en una campaña que busca aumentar la asistencia a las salas desde hace años y que vuelve después de obtener grandes resultados en su última edición.

La venta anticipada comenzará el miércoles 14 de octubre. Las entradas podrán adquirirse por internet, tanto en las páginas de los cines como en las plataformas habituales de venta. También se venderán en las taquillas y en los quioscos ubicados en los vestíbulos de los complejos cinematográficos. La organización no ha establecido un trámite de registro para acceder a la tarifa especial. La Fiesta del Cine se remonta a finales de la década de los 2000, en verano de 2009, cuando surgió como una iniciativa a pequeña escala impulsada por el Ministerio y con el apoyo de la industria cinematográfica para incentivar la asistencia a salas.

Hoy día, la iniciativa está organizada por la Federación de Distribuidores Cinematográficos (FEDICINE), la Federación de Cines de España (FECE) y el Ministerio de Cultura y Deporte, a través del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA). Según la información difundida sobre la convocatoria, el objetivo es agradecer al público que acude a las salas y fomentar la asistencia al cine como un hábito social y cultural. El evento se realiza en un momento en que la campaña vuelve a situar la experiencia presencial de las proyecciones como uno de sus ejes, especialmente tras la pandemia y el auge de las redes sociales, algo que ya contamos hace unos días a cuenta del estreno de Coyote vs. Acme, una película que estuvo cerca de ni siquiera ver la luz. Esa quizá sea una de las películas que puedan disfrutar los espectadores durante esos días si consigue mantenerse en cartelera, pero si no hay otros títulos a tener en cuenta.

Los ‘padrinos’ y las películas a tener en cuenta

La directora Alauda Ruiz de Azúa y el actor Álvaro Cervantes serán los embajadores de la edición de octubre. Ambos toman el relevo de Carolina Yuste y Eduard Fernández, quienes desempeñaron esa función el año anterior. La figura del embajador o embajadora se incorporó a la Fiesta del Cine en 2022, mediante la colaboración con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. Ruiz de Azúa recibió el Premio Goya 2026 a Mejor Dirección por Los domingos. Cervantes obtuvo el Premio Goya 2026 a Mejor Actor de Reparto por Sorda. La directora vinculó la asistencia a una función con una vivencia compartida. “Ver cine en una sala representa la experiencia colectiva”, afirmó, y sostuvo que ese espacio permite emocionarse, cuestionarse o reír con otras personas.

Cervantes recordó una sesión escolar en los Cines Verdi como uno de los momentos que marcaron su relación con el cine. La película que vio fue Ciudad de Dios, en versión original subtitulada. El actor señaló que quedó impresionado por la película y que aquella función le permitió mirar el cine desde una perspectiva más adulta, más allá del entretenimiento. Entre las películas que podrán verse durante los días de la Fiesta del Cine figuran Street Fighter, La invitación y Whalefall. La cartelera también incluirá El precio de la red, presentada como secuela de La red social. Estos títulos estarán disponibles dentro de la programación de las salas que participen en la XXVII edición entre el 19 y el 22 de octubre.

La obra se ha proyectado en un montaje cinematográfico de casi tres horas, con el que ha entrado en la competición oficial por la Concha de Oro a modo de largometraje. La producción ha sido la primera serie de televisión incluida en la sección oficial del certamen. Pablo Larraín ha explicado que la versión de largometraje reúne los capítulos sin cambios sustanciales en el contenido.

La adaptación parte del relato homónimo de Mariana Enríquez e incorpora personajes y elementos de Julie, Cuando hablábamos con los muertos y Un lugar soleado para gente sombría. La escritora argentina ha escrito el guion junto a Larraín, el dramaturgo chileno Guillermo Calderón y Anastasia Ayazi.

“Como lector de Mariana Enriquez y como director, mi prioridad era cómo trasladar a imágenes su literatura, de forma sugerente y relevante. Y en Mis muertos tristes se dio esa oportunidad, pensé ”yo estoy me lo imagino" y así empieza la máquina audiovisual del deseo de filmar eso", cuenta Pablo Larraín a Infobae.

Una mujer frente a los fantasmas

La protagonista es Ema, una médica recién jubilada de 60 años interpretada por Mercedes Morán que ve y escucha a los muertos desde niña. Tras la muerte de su madre, se instala en la vivienda familiar y recibe a su sobrina Julie, que comparte esa facultad, mientras el asesinato de tres adolescentes en el barrio de Piedrabuena multiplica las presencias y los recuerdos.

Ema había sido apartada del hospital público donde trabajaba y vende su casa, situada en un barrio más seguro, para trasladarse al chalé de su madre. Allí convive con el fantasma materno, al que da vida la actriz chilena Luz Jiménez, y con su hija, una fotógrafa y cineasta interpretada por Dolores Fonzi, con quien mantiene una relación tensa.

La hermana de Ema, su cuñado y Julie viajan desde Oregón, Estados Unidos, para tratar a la joven en un hospital público. Sus padres quieren ingresarla, pero Julie se fuga cuando Ema comienza a comprender la naturaleza de su sufrimiento. Piedrabuena, en Villa Lugano, concentra el deterioro material y la memoria política que recorren la serie.

La escritora ha explicado que la madre de Ema procede de una referencia cercana: “Como Ema, mi madre es médica y ha trabajado en un hospital público”. También ha señalado que el barrio del libro se inspira en un lugar real, aunque transformado para la ficción, y que muchas de las situaciones violentas parten de hechos reales modificados.

La capacidad de hablar con los muertos pertenece a la ficción, aunque Enríquez la relaciona con experiencias familiares. Ha contado que una de sus tías veía a su abuela en todas partes y que su madre percibe olores inesperados, como el de gasolina, que interpreta como una advertencia de que algo ocurrirá, sin que implique que vaya a producirse una explosión.

Julie establece con los fantasmas una relación distinta de la que mantiene su tía. La joven, abandonada por sus padres en un centro psiquiátrico y obsesionada con el sexo, encuentra placer en el más allá; Ema lo experimenta como una forma de purgatorio.

La autora ha situado el origen de esa idea en The Entity, una película de terror de los años ochenta en la que una mujer era atacada sexualmente por espíritus. Enríquez se preguntó qué ocurriría si esa relación fuese consentida y la conectó con los relatos de santas que decían estar casadas con el Espíritu Santo.

La importancia del sonido

Larraín ha destacado el peso del espacio sonoro en una ficción concebida para ser vista mayoritariamente en televisión. “Hay algo muy bello y muy inusual en el espacio sonoro, en la cantidad de cosas relevantes para la historia que no vemos, sino que solo oímos”, ha afirmado sobre el desafío de llevar a ese plano elementos que nunca aparecen en imagen. “Era una narrativa inmensa y desafiante, porque muchas escenas importantes tienen que ver con lo que no se ve, con lo que está fuera de campo”.

La serie combina planos largos, fotografía áspera y los edificios de Piedrabuena para mostrar a quienes murieron de forma traumática junto a supervivientes que cargan con experiencias semejantes. Su estructura episódica se articula alrededor de Ema y de la interpretación de Morán, marcada por el hastío ante los vivos y una conexión con los muertos a través del dolor.

Enríquez ha relacionado esos miedos con una historia latinoamericana que no se limita al presente. “Yo crecí en los 70, y estaba la paranoia de si venían los militares, o de si te iba a denunciar tu vecino por ser un militante social”, ha señalado; las protagonistas quedan atrapadas en un bucle del que deben salir para encontrar su lugar en el mundo.

Larraín, que ha rodado por primera vez en Argentina, ha dicho que el trabajo con equipos locales le hizo percibir más similitudes que diferencias entre Chile y su país vecino. El director también ha definido la adaptación como un tránsito desde la literatura hacia una representación visual de la narrativa de Enríquez.

“No es una foto del estado actual de Argentina, pero habla de cómo el pasado habla de nuestro presente desde un proceso social muy largo de abandono. Más que una crítica social es un comentario sobre el estado de las cosas sobre el deterioro del sector público”.

Así, el muerto, ha subrayado, reclama ser recordado: “El acto de memoria es también de alguien que quiere ser rescatado y no olvidado”. El escritor Stephen King, en una serie de mensajes en la red social X, ha calificado la serie de “genial”.

Las buenas noticias para la película de Los Javis no paran de acumularse a solo una semana de su estreno en nuestro país y las apuestas la sitúan como una de las obras más destacadas en la carrera para los Oscar.

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A Miguel Bernardeu le pilla este fenómeno en un gran momento. Desde su participación en la miniserie Querer, de Alauda Ruiz de Azúa, ha apostado por papeles arriesgados en películas con un sello de autor que ahora desemboca en La bola negra.

“Estoy en un momento de querer perseguir papeles que me obliguen a tener miedo, a tirarme a la piscina interpretativamente. Me anima a intentar hacer proyectos que no necesariamente tengan que salir bien, no me importa cagarla, no pasa nada tampoco. Pero sí que quiero probar más, estudiar más y, sobre todo, trabajar más”, cuenta Miguel Bernardeau a Infobae.

El reto de interpretar a Rafael Rodríguez Rapún

En La bola negra interpreta a Rafael Rodríguez Rapún, al que muchos especialistas atribuyen una relación con Federico García Lorca e incluso hay que sostiene que constituyó la fuente del inspiración del poeta para la escritura de Sonetos del amor oscuro.

Nacido en una familia de clase trabajadora, Rapún fue ingeniero, deportista y militante del PSOE. En 1933 se incorporó como actor a La Barraca, el grupo teatral dirigido por Lorca, quien lo apodó “El hombre de las tres Erres”. Tras recibir entrenamiento de artillería en Lorca, Murcia, fue destinado al frente cántabro con el grado de teniente. Murió el 19 de agosto de 1937 en Santander, en el Hospital de Campaña número 4, tras un bombardeo del bando sublevado durante la Batalla de Santander. Un año antes se había alistado para defender la Segunda República después de conocer el asesinato de Federico García Lorca por las milicias franquistas.

Precisamente, la obra teatral La piedra oscura, de Alberto Conejero, rindió homenaje a Rapún y ahora se convierte en uno de los pilares fundamentales de La bola negra, en la que se cuenta su relación con un soldado del bando contrario interpretado por Guitarricadelafuente.

“A mí La bola negra me ha cambiado la vida. Cuando terminé de rodarla ya era otro”, cuenta el actor. “Puede sonar como un tópico o no, pero ha sido una película y un personaje que creo que no hubiera podido pasar por ahí sin dejar algo de mí. Hay algo que se ha quedado conmigo. Y estudiar a Lorca, la Guerra Civil, interpretar a Rafael Rodríguez Rapún, que es un hombre apasionante, me ha abierto algo que todavía tengo por descubrir, que no sé hasta dónde me va a llevar”.

Dos hombres en medio de la violencia

En la película, Rafael y Sebastián (Guitarrica) encuentran un reducto de comprensión en un mundo cargado de violencia y de muerte. Aunque ambos pertenecen a bandos contrarios, Bernardeau no piensa que los personajes simbolicen las dos Españas. “Creo que simbolizan uno de los millones de casos de gente que se vio envuelta el algo no podía controlar, que era que los nacionales llegaban a tu pueblo y, o te mataban, o te daban un arma y te unías a ellos”, dice.

“Siento que simbolizan dos jóvenes en un momento tan complicado como ese, que se reconocen, se miran y se ven como dos humanos y no como dos soldados. No me imagino la Guerra Civil como en las películas donde todo es espectacular, me imagino el miedo, la masacre, la sangre, el hambre, la pobreza”.

Asegura que el éxito de la película todavía lo está gestionando, pero que todo el equipo se apoya y va de la mano. “Es un placer viajar por el mundo y compartir algo tan bonito. Es un momento muy dulce que hay que aprovechar”.

El dúo artístico formado por Javier Calvo y Javier Ambrossi se encuentra durante estos días en el Fetsival de San Sebastián, donde han presentado la película por primera vez en nuestro país y donde han atendido a los medios para promocionar la que se postula como gran película española del año. Pero entre tanto revuelo formado en torno a una película que acaba de ganar el premio del público en el Festival de Toronto y apunta a los Oscar, los Javis han revelado una historia de lo más curiosa. La de cómo conocieron a Glenn Close, y esta les acabó haciendo una atrevida propuesta.

“Estábamos en la cama a las tres de la mañana y de repente llega un mail de G.C. Era un mail con un PDF de tres páginas en el que se hablaba de La Mesías. Firmado por Glenn Close. Al día siguiente le contesté y nos dijo ‘¿Por qué no venís a Nueva York?’ Y nos fuimos a merendar con ella a su casa", revelaban los Javis en una reciente entrevista para Fotogramas en el marco del Festival de San Sebastián. De ese entrañable encuentro nacería también una relación profesional, ya que Close les pidió, ya como fan absoluta del dúo creativo, que adaptasen el musical de Sunset Boulevard, a su vez versión de una de las grandes películas de la historia: El crepúsculo de los dioses.

Un clásico eterno e irrepetible

“Ella tenía un proyecto, quería llevar al cine Sunset Boulevard el musical. Pero le dijimos ‘No podemos hacer un remake de Billy Wilder. Nos parece una peli sagrada, no podemos mejorar esa película’. Lo estudiamos durante meses, tuvimos muy buena conexión y tuvimos que decir que no era el proyecto para nosotros. Y cuando estábamos escribiendo La bola negra teníamos el personaje de un historiador que era un hombre. no era muy apetecible. Necesitábamos a alguien emocional para un texto algo frío. Y esa era Glenn Close”, confesaban los Javis en la entrevista.

El crepúsculo de los dioses está considerada por amplio consenso como una de las mejores películas de la historia del cine, y fue una de las primeras historias que reflexionaba sobre el propio oficio de ser actor. Dirigida por Billy Wilder, narra la historia de una vieja estrella de Hollywood que lleva años apartada del cine y se consume en su casa junto a uno de sus criados, repasando una y otra vez sus antiguas películas. Hasta allí llega Joe Gillis, un escritor de poca monta que huye de una serie de deudas y encuentra refugio en casa de Norma Desmond (Gloria Swanson), la otrora gran estrella que poco a poco entabla una estrecha relación con el escritor, al que le pide que reescriba un guion que tiene entre manos y que cree que puede devolverla a sus días de gloria.

Si bien ese proyecto no verá la luz, al menos de momento, del encuentro entre Los Javis y Glenn Close ha salido otra gran película como es La bola negra, en la que la actriz de películas como Hook o 101 Dálmatas interpreta a una humanista experta en Federico García Lorca. La intérprete no solo aceptó en seguida el papel ofrecido a pesar de su breve duración, sino que además se propuso un gran reto, tal y como revelan los directores. “Lo hago sí o sí, los dioses del cine están de nuestro lado. Pero lo haré en español porque necesito un reto”.

Zelda Williams ha pedido frenar la difusión de vídeos creados con inteligencia artificial que imitan a su padre, Robin Williams, y reclamó a quienes los comparten que tengan “algo de vergüenza”. La directora de Lisa Frankenstein reaccionó en X ante la circulación de un supuesto vídeo privado del actor. Afirmó que el material era una recreación hecha con inteligencia artificial y cuestionó a quienes lo presentaron como auténtico.

Zelda Williams pidió que los seguidores de Robin Williams no creen ni compartan vídeos que reproduzcan digitalmente su voz o su imagen. La hija del actor sostuvo que esas piezas usan a un hombre fallecido para convencer al público y señaló que su muerte no autoriza a convertirlo en una “marioneta”. Williams señaló que el vídeo que circulaba “es claramente IA” y afirmó que ni siquiera era una imitación convincente. Según escribió, quienes creyeron que la grabación era real no prestaron atención a la voz de su padre en sus películas.

La directora describió la voz recreada como robótica y de mala calidad. También apuntó contra la persona que utilizó una herramienta para generar el contenido y pidió que dejaran a su padre fuera de lo que calificó como “tonterías delirantes”. “Dejadlo fuera de vuestras tonterías delirantes y dejadlo descansar”, escribió Williams. En su mensaje, preguntó quién manipula al público a través de los medios cuando se recurre a la imagen de una persona fallecida para reforzar una postura.

“Que haya muerto no significa que sea vuestra marioneta”

La hija del actor también expresó su rechazo a X, una red social que, según indicó, está llena de cuentas automatizadas y de usuarios que aceptan contenidos difundidos por esos perfiles. Explicó que volvió a intervenir porque ama a su padre y consideró necesario aclarar que el vídeo no era verdadero. Williams añadió: “Que haya muerto no significa que sea vuestra marioneta”. Su petición a quienes producen o difunden estas recreaciones fue directa: “Tened algo de vergüenza”.

No es la primera vez que Zelda Williams se pronuncia contra los contenidos generados con inteligencia artificial sobre Robin Williams. En octubre de 2025, publicó un mensaje en Instagram en el que pidió que dejaran de enviarle vídeos de su padre creados con esa tecnología. En aquella ocasión, escribió: “Por favor, dejad de mandarme vídeos de IA de mi padre”. También manifestó que no quería ver ese material ni que los usuarios asumieran que podría comprender las razones para enviárselo. Williams sostuvo entonces que, si la intención era molestarla, restringiría esas cuentas y seguiría adelante. Aun así, pidió que, por respeto, dejaran de hacerle eso tanto a ella como a su padre.

“No es lo que él habría querido”, señaló en ese mensaje. La directora calificó esas recreaciones como una pérdida de tiempo y energía, y rechazó que la imagen de su padre se utilizara de esa manera. Robin Williams murió en 2014, a los 63 años. El actor participó en películas como Jumanji, El indomable Will Hunting, El club de los poetas muerta, Hook y Mrs. Doubtfire. En los últimos años, usuarios de redes sociales han creado y difundido vídeos que recrean digitalmente la apariencia y la voz del intérprete. El texto indica que este tipo de contenidos se convirtió en uno de los usos frecuentes de la inteligencia artificial aplicada a figuras fallecidas. El mes anterior al nuevo mensaje de Zelda Williams, ella y sus hermanos Zak Williams y Cody Williams reactivaron la cuenta de Instagram de Robin Williams. Los tres explicaron que buscaban combatir el uso extendido de inteligencia artificial sobre su voz e imagen en esa plataforma.

El Patronato podía retener a mujeres hasta los 21 años, entonces mayoría de edad, y en determinados casos hasta los 25; al menos 40.000 mujeres de entre 16 y 21 años pasaron por sus centros.

Las actividades del Patronato de Protección a la Mujer comenzaron en 1902, aunque la institución fue creada en 1941 bajo el franquismo y estuvo auspiciada por Carmen Polo, esposa del dictador. Su función era vigilar y someter a jóvenes cuya conducta se apartase de la moral ‘nacionalcatólica’, con motivos que podían incluir fumar, bailar, salir de noche o mantener relaciones sexuales sin casarse.

Daniel Monzón ha explicado que descubrió la existencia de estos centros en 2020, mientras terminaba Las leyes de la frontera. El director consultó artículos periodísticos, tesis doctorales, libros de Consuelo García del Cid Guerra y testimonios de miles de mujeres junto a Jorge Guerricaechevarría, coguionista de la película.

Qué cuenta la película sobre el Patronato

La protagonista es Ana, interpretada por Zoe Bonafonte, una chica de familia rica y religiosa que ingresa por decisión de sus padres. Después de una exploración médica que certifica que no es virgen, pasa por un centro de Barcelona, logra escapar y termina trasladada a otro de Madrid con un régimen más duro.

Los centros de Observación y Catalogación decidían el destino de las internas. Monzón ha señalado que las jóvenes eran clasificadas como “completas” o “incompletas” según conservaran o no la virginidad, una nomenclatura que determinaba la severidad del lugar al que serían enviadas y que las alejaba de su ciudad, de sus familias y de su entorno.

Las internas no podían salir a la calle, telefonear ni comunicarse con normalidad entre ellas. El incumplimiento de las reglas se castigaba con aislamiento durante días, semanas o meses en celdas, mientras las monjas imponían misas y una rutina de trabajo. La película muestra violencia física y verbal, además del abandono de familias que entendían el encierro como una medida correctiva.

Monzón ha evitado convertir ese relato en una sucesión de escenas explícitas de violencia. “Lo estudiamos mucho, porque usaban montones de castigos físicos. En la película se muestran algunos, pero si llegamos a plasmarlos todos hubiéramos caído en el género gore”. El cineasta sostiene que el enfoque debía preservar la dignidad de quienes pasaron por aquellos centros.

La preparación del reparto incluyó reproducir tareas y normas de la época. Las actrices aprendieron a fregar siguiendo las indicaciones de las monjas, sin apoyar el trasero y manteniendo la espalda recta; cosieron con máquinas de 1974 y memorizaron rezos con gestos concretos. Para el director, esos trabajos formaban parte de un sistema de castigo y sometimiento.

El título de la película procede del libro homónimo de la investigadora Consuelo García del Cid Guerra, a quien Monzón identifica como una figura decisiva para divulgar lo ocurrido en el Patronato. García del Cid leyó el guion y consideró que reflejaba la realidad de la institución, según el cineasta.

Ana y Sole, la amistad frente al encierro

Ana encuentra apoyo en Sole, una joven de pueblo interpretada por Manuela Calle que ha llegado a la ciudad en busca de una vida propia y sobrevive en condiciones precarias. Su relación articula una historia de amistad entre internas, fugas, castigos y resistencia ante un sistema que separaba a las jóvenes de cualquier red de apoyo.

Guerricaechevarría ha descrito el aislamiento de las reclusas como una metáfora de la sociedad franquista: un orden que impedía a las personas organizarse y ayudarse. El guionista plantea que la película sitúa la unión entre las dos protagonistas como su forma de supervivencia y de esperanza.

La película como un drama carcelario en el que las reclusas son niñas, las carceleras son monjas y los padres figuran entre los responsables del encierro. El reparto incluye a Adelfa Calvo, María Cerezuela, Carla Domínguez, María Gandiaga, Malena Gutiérrez, Belén Cruz, Bea Segura, Xavi Sáez y Shiara Fernández.

La película llega dos años después de Alumbramiento, de Pau Teixidó, que situaba en 1982 una trama sobre el robo de bebés a madres solteras internadas en centros vinculados al Patronato. Monzón ha subrayado que la pervivencia de la institución hasta 1985 explica que siga siendo una parte poco conocida de la historia reciente.

Bonafonte ha señalado que buena parte de las actrices desconocía la existencia de esos reformatorios porque “desgraciadamente, no se enseña en los libros de historia”. La intérprete ha reclamado que esta parte del pasado llegue a los colegios y ha recordado que las internas eran “niñas que no habían hecho nada malo”.

Calle ha rechazado la idealización de la dictadura y las afirmaciones de que “con Franco se vivía mejor”. La actriz ha asegurado que investigar para interpretar a Sole cambió su manera de entender aquel periodo, aunque reconoce que nadie que no viviera aquellas experiencias puede conocer por completo lo que sintieron las jóvenes encerradas.

Toy Story 5 sitúa a Jessie, Bonnie, la tecnología y las pantallas en el centro de una aventura sobre el impacto de los dispositivos digitales en la infancia, de forma que consigue adaptar la fórmula a los nuevos tiempos.

Así, la quinta entrega sitúa a Bonnie, de nueve años, ante la llegada de Lilypad, una tableta que sus padres le regalan por sus dificultades para relacionarse con otros niños. Jessie y los demás juguetes consideran que el dispositivo les relega y buscan que la niña haga amigas fuera de internet.

Han pasado más de 30 años desde el estreno de la primera Toy Story, una película que revolucionó la animación mediante técnicas digitales que hasta entonces no se habían utilizado y que entró casi de inmediato en el imaginario popular. Sus continuaciones expandieron las aventuras del vaquero Woody, el piloto espacial Buzz Lightyear y los demás muñecos; para muchos espectadores, Toy Story 3 fue la cima de la franquicia por un final de emoción genuina, pero está claro que el universo no para de expandirse y renovarse.

Qué plantea ‘Toy Story 5′ sobre niños y pantallas

La saga ha abordado el tránsito de la infancia a la edad adulta a través de la amistad, la soledad, la búsqueda de identidad y la aceptación de las distintas etapas vitales. Los juguetes funcionan como un reflejo de miedos ligados al abandono.

Después de una cuarta entrega poco memorable, la nueva película devuelve el liderazgo del grupo a Jessie, tras la marcha de Woody para vivir su propia vida. La vaquera pide ayuda a su antiguo compañero y ambos afrontan peripecias que separan a los juguetes, les obligan a reunirse y les enfrentan a obstáculos para cumplir su objetivo.

El conflicto de fondo resulta oportuno porque muestra a unos juguetes que se sienten obsoletos ante una era en la que parecen haber perdido su sentido, lo que genera buenas dosis de nostalgia y de incertidumbre frente al futuro.

Escenas míticas y una franquicia para el recuerdo

Entre las secuencias más míticas de esta nueva propuesta, encontramos a una horda de Buzz Lightyear que acude en ayuda de los protagonistas a través de varias secuencias memorables. Esos pasajes aportan la imaginación visual que siempre ha caracterizado a la franquicia.

Toy Story 5 llega a Disney Plus el 23 de septiembre y se incorpora al catálogo de todas las películas de la saga que se han convertido en un clásico contemporáneo y ya forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones que abarcan desde adultos que vivieron en su momento el fenómeno hasta los niños del momento que descubren por primera vez a estos personajes que llegan rápidamente al corazón y se quedan para siempre con nosotros.

La definición de Universal despeja una de las dudas que rodeaban a Hathaway desde el estreno. La actriz quedará en la misma categoría que Morton, una doble postulación que ha sido frecuente en la historia de los Oscar para las intérpretes secundarias de una misma película. Morton cuenta con dos nominaciones previas al Oscar: por In America y Sweet and Lowdown. La posibilidad de que ambas actrices compitan entre sí representa un desafío para la campaña, aunque el estudio buscará aprovechar la presencia de dos papeles femeninos del mismo largometraje.

Hathaway ganó el Oscar a actriz de reparto en 2013 por Fantine en Los miserables. Si volviera a imponerse por La Odisea, sería la tercera mujer en obtener dos premios en esta categoría, después de Dianne Wiest y Shelley Winters. Wiest recibió las estatuillas por Hannah y sus hermanas, de 1986, y Balas sobre Broadway, de 1994. Winters ganó por El diario de Ana Frank, de 1959, y Un retazo de azul, de 1965.

La competencia con Julianne Moore y Penélope Cruz

La campaña de Hathaway se desarrollará en una temporada que todavía toma forma. Variety señaló que la categoría de actriz de reparto parece menos poblada que la de protagonista, donde Julianne Moore ganó atención por The Debut, presentada en los festivales de Telluride y Toronto. Si Hathaway y Moore obtuvieran un segundo Oscar en la misma ceremonia, serían la primera pareja de actrices que logra esa marca desde 1995. Ese año, Jessica Lange ganó como protagonista por Blue Sky y Dianne Wiest triunfó como actriz de reparto por Bullets Over Broadway.

El panorama de premios también incluye a Penélope Cruz, vinculada a The Invite y a la producción española La bola negra. El material publicado por Variety menciona ambos títulos dentro de un repaso sobre la presencia de Cruz en la temporada, aunque no detalla en qué categoría podría competir por cada película. Cruz figura además en otro contenido relacionado con Bunker, una tercera producción citada por la publicación. La información disponible no establece si esas películas llegarán a competir de forma directa con Hathaway en actriz de reparto.

Universal buscará una amplia presencia de La Odisea en las nominaciones al Oscar. La película superó los 1.600 millones de dólares en la taquilla mundial y constituye el primer estreno de Nolan desde Oppenheimer, ganadora de los premios a mejor película y mejor dirección. Además de las categorías técnicas, el estudio prevé impulsar la película en canción original por un tema escrito por Travis Scott. Damon será la apuesta como actor protagonista, mientras Hathaway y Morton competirán entre las actrices de reparto. La campaña podría sumar nominaciones para John Leguizamo y Robert Pattinson en actor de reparto. Pattinson participa además en Primetime, The Drama y Dune: Part Three, estas dos últimas junto a Zendaya, quien forma parte del elenco de La Odisea. Solo cuatro películas lograron dobles nominaciones actorales en dos categorías distintas durante un mismo año en los Oscar: Eva al desnudo, Peyton Place, La última película y La fuerza del cariño.

La Bola Negra, el drama íntimo del mundo queer a través de la historia de España, ganó el domingo el primer premio del Festival de Cine de Toronto, primera gran consagración para este largometraje que representará a España en los Oscar.

Dirigida por el dúo español Javier Ambrossi y Javier Calvo, apodados Los Javis, esta película de dos horas y media revisita varias épocas, entre ellas la decisiva de la Guerra Civil, que entre 1936 y 1939 enfrentó al gobierno republicano con una insurrección militar y nacionalista dirigida por el general Franco.

A través de los destinos entrecruzados de tres hombres homosexuales y de idas y vueltas en el tiempo, el dúo presenta los amores gays asfixiados por la vergüenza y el secreto.

En primer lugar está la historia de un joven rechazado en 1932 de un club selecto por su homosexualidad. Después está el nacimiento del deseo entre dos soldados enemigos en plena Guerra Civil española; y, por último, la búsqueda de la verdad de un joven historiador gay en 2017.

“Es un homenaje a la comunidad LGBTQ+ que nos precedió y que luchó antes que nosotros”, explicó Javier Ambrossi a esta agencia.

La película, en la que aparece brevemente la actriz Penélope Cruz como cantante de cabaret, fue largamente aplaudida el martes durante su presentación en el festival. A diferencia del festival de Cannes o del de Venecia, en Toronto es el público quien otorga los premios.

La Bola Negra representará a España en los Oscar de 2027, donde competirá en la categoría de Mejor película internacional.

Los cineastas Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos en España especialmente por sus producciones para la pequeña pantalla, se inspiraron para esta película en una obra de teatro inconclusa del poeta y dramaturgo Federico García Lorca, fusilado en 1936.

Fuente: AFP.

Fotos: Europa Press; EFE.

En una entrevista con The Hollywood Reporter, también se refirió a la posibilidad de una tercera película de Black Phone, la saga de terror dirigida por Scott Derrickson en la que interpreta al villano conocido como “The Grabber”.

La producción, dirigida por Padraic McKinley, llevó al equipo hasta el Bosque Bávaro, en Alemania, que funcionó como escenario para representar la naturaleza salvaje de Oregón durante la década de 1930.

Según el actor de 55 años, la experiencia recreó las sensaciones de camaradería que vivió décadas atrás en locaciones reales, un tipo de rodaje que considera cada vez más escaso en la industria actual.

Un rodaje más duro que “Colmillo Blanco”

Consultado sobre si The Weight desplazó a Colmillo Blanco como su experiencia de filmación más exigente, Hawke respondió que “probablemente” sí.

“Por suerte, a mi edad actual, sabía en lo que me metía. Pero con el paso de los años desde Colmillo Blanco, extrañé la aventura”, afirmó el actor a The Hollywood Reporter.

El intérprete explicó que, más allá de la dureza física, ese tipo de rodajes generan un vínculo particular entre el equipo. “Se crea una camaradería cuando realmente te embarcas en una aventura con un grupo de personas, y eso se ve reflejado en la película. No es divertido en el momento, pero sí lo es cuando termina”, sostuvo.

También defendió el valor de filmar en escenarios reales frente al uso creciente de pantallas verdes y fondos digitales. Como ejemplo, mencionó Día de Entrenamiento, la película que protagonizó junto a Denzel Washington.

“El 50% de esa película consiste en Denzel y yo conduciendo un coche. Si lo hubiéramos hecho con una pantalla verde, sería una versión muy inferior. Simplemente le quita valor a todo”, explicó.

El personaje de la Gran Depresión inspirado en su abuelo

En The Weight, Hawke interpreta a Sam Murphy, un veterano de la Primera Guerra Mundial y padre soltero que termina en prisión tras un malentendido con policías corruptos durante la Gran Depresión.

El alcaide Clancy, interpretado por Russell Crowe, le ofrece un trato: ayudarlo a robar oro antes de que una orden ejecutiva de Franklin D. Roosevelt exija su entrega, a cambio de la libertad anticipada.

El actor señaló que construyó al personaje a partir de recuerdos de su propio abuelo, veterano de la Segunda Guerra Mundial. “La ética estadounidense tradicional de toda esa generación, la fe inquebrantable en la igualdad de la humanidad y la solidaridad, era el espíritu que mi abuelo se llevó consigo”, indicó.

Asimismo, detalló que buscó alejarse de la figura del antihéroe predominante en el cine actual. “Echaba de menos películas como El señor Smith va a Washington o ¡Qué bello es vivir!. Incluso el western clásico se basa en un hombre de principios, humildad, integridad, dignidad y respeto por los demás”, explicó.

El rol de Ryan Hawke en la producción de “The Weight”

La realización de The Weight también estuvo vinculada al trabajo de Ryan Hawke, esposa del actor y productora de la película junto a Simon Fields. Según Hawke, ambos participaron durante años en la búsqueda de una forma de llevar adelante el proyecto, que había sido desarrollado junto al director Padraic McKinley.

Cuando le preguntaron si habría podido hacer la película sin su esposa, el actor fue contundente: “No, no habría sucedido”. Hawke destacó especialmente el trabajo conjunto que mantienen desde hace quince años.

“Llevo 15 años trabajando con mi esposa, y tener a alguien a quien respeto profundamente, que me entiende y que se esfuerza por sacar adelante proyectos que de otro modo no se habrían concretado, ha sido la mejor etapa de mi carrera profesional”, afirmó.

La posibilidad de una trilogía de “Black Phone”

Sobre una eventual tercera entrega de Black Phone, franquicia que le dio a Hawke reconocimiento por su papel como “The Grabber”, el actor fue cauteloso y remitió la decisión al director de la saga.

“Eso dependería totalmente de Scott Derrickson. Jason Blum y yo confiamos en él. Si tiene una idea que le entusiasma, estoy seguro de que todos la apoyarían. No lo hará por dinero. Lo hará si encuentra una forma de expresarse”, detalló.

De “Moon Knight” a “The Lowdown”

Hawke también habló de su paso por Moon Knight, la serie de Marvel Studios donde compartió elenco con Oscar Isaac en el papel de villano. La producción se desarrolló durante el auge del streaming impulsado por Disney, un ciclo que se interrumpió tras la corrección del mercado en abril de 2022.

“Nunca tuve la intención de formar parte de ese universo. Pero me sorprendió un poco la corrección de la transmisión. Nadie puede predecir el futuro con exactitud”, reconoció el actor.

Esa experiencia lo llevó a The Lowdown, la serie de FX creada por Sterlin Harjo, cuya segunda temporada se estrena el 14 de octubre con dos episodios. “Lo que me encanta de mi programa actual es que Sterlin es un cineasta que usa la televisión para impulsar el cine. Siento que he llegado al lugar donde debo estar”, afirmó.

El actor de 63 años se sentó con Jason y Travis Kelce en New Heights para hablar sobre su próximo estreno, previsto para el 2 de octubre en cines de Norteamérica y el 1 de octubre en Argentina. La visita se produjo un día después de que Cruise acompañara a Travis en el estadio Arrowhead de Kansas City, donde los Kansas City Chiefs ganaron su segundo partido consecutivo de la temporada.

Digger, bajo la dirección de González Iñárritu, fue captada en VistaVision, un sistema de filmación desarrollado originalmente en los años 50 por Paramount Pictures para competir con la televisión doméstica. Cruise explicó que el formato fue elegido por la riqueza visual que aporta a la película. “La claridad, la riqueza del fotograma... es simplemente muy hermoso”, dijo el actor en el podcast.

VistaVision y lentes a medida: la apuesta técnica de la película

La película también contó con lentes construidas a medida para reforzar la estética cinematográfica del proyecto. El director de fotografía es Emmanuel “Chivo” Lubezki, ganador de tres premios Óscar consecutivos por Gravedad, Birdman y El renacido.

El actor reveló que González Iñárritu trabajó en el guion durante casi una década, y que él mismo lleva 7 años vinculado al desarrollo. “Hay películas en las que llevo pensando décadas y preparándome años”, afirmó Cruise.

Seis horas de maquillaje reducidas a menos de una hora

Para interpretar al personaje de Digger, un magnate del petróleo tejano, el actor utilizó un traje de prótesis que simulaba un cuerpo diferente al suyo. El proceso de maquillaje y caracterización llegó a durar 6 horas al inicio del rodaje. Cruise contó que, aplicando métodos de cronometraje y práctica, logró reducir ese tiempo a menos de una hora a lo largo de la producción.

“Lo primero que hice fue poner una pizarra con cada pieza y un cronómetro. Les dije: vamos a bajar de seis horas a una. Me dijeron que era imposible. Al terminar lo habían logrado sin siquiera apresurarse”, relató Cruise.

Una toma continua de diez minutos con traje de prótesis

Tanto Jason como Travis Kelce, que tuvieron acceso previo a una proyección del filme, destacaron durante la entrevista un monólogo que consideran uno de los momentos más intensos de la cinta. Cruise confirmó que la secuencia fue rodada en una sola toma continua de aproximadamente 10 minutos, con el actor en el traje de prótesis completo.

“Cuando lo leí en el guion supe de inmediato que era algo especial. Luego hay que mantener el filo, no perderlo”, explicó el intérprete. Los hermanos Kelce describieron la escena como visceral.

John Goodman, Sam Rockwell y Riz Ahmed en el elenco

El elenco incluye a John Goodman y Sam Rockwell, entre otros actores. Cruise habló con particular admiración sobre Goodman, a quien define como uno de los intérpretes más subestimados de su generación. “Desde el momento en que aparece en pantalla, me inclino hacia adelante. En cada película que hace, en cada personaje, tiene un poder único como artista”, afirmó el actor.

Cruise también mencionó al actor Riz Ahmed como parte del reparto, aunque sin detallar su papel dentro de la trama.

Absurdo y humanidad: el tono de Digger

Cruise describió Digger como una historia que combina absurdo y humanidad, con un personaje central que opera en el mundo de la extracción de recursos naturales. En el fragmento del filme proyectado durante el podcast, el personaje de Digger recibe una llamada de un funcionario medioambiental que alerta sobre una grieta de 1,5 metros en un glaciar ártico donde opera una plataforma de perforación. La respuesta del magnate resume el tono de la película.

“Esta historia es tan antigua como el tiempo”, señaló Cruise durante la entrevista. “Pero está contada de una manera original y absurda. Puedes relacionarla con tu propia vida”, agregó.

Jason Kelce afirmó que el filme genera una reacción física y que es el tipo de producción que se profundiza en cada visionado.