Ángeles sin alas, arañas sin patas, escritores sin historias o herederos sin dinero. Así de paradójica se presenta esta semana de estrenos en cartelera. Después de un finde protagonizado por la española Yo no moriré de amor, los Hombres G u ovejas detectives, en este llega un nuevo reparto de lo más rocambolesco pero encabezado por Keanu Reeves y Jennifer Lopez.

Relatos fantásticos con moraleja como Movida celestial, musicales como El beso de la mujer araña y dramas con acento español son algunas de las propuestas de esta semana. Mientras la mirada comienza a estar puesta en el Festival de Cannes, donde competirán hasta tres películas españolas dentro de la Sección Oficial, los cines se llenan de nuevas y apasionantes historias con las que vivir este fin de semana.

Movida celestial

Un ángel sin alas y un millonario sin dinero. Movida celestial es una película que en España bien podría recordar a Ángeles S.A. de María Isabel, aunque dudamos que Aziz Ansari haya podido ver una película de María Isabel. Debut en la dirección del cómico y protagonista de la serie de Netflix Master of None, Movida celestial cuenta la historia de un ángel interpretado por Keanu Reeves que decinde intervenir en la triste vida de Arj, un hombre que llega con lo justo a fin de mes. Todo se complica cuando le da la oportunidad de vivir la vida Jeff (Seth Rogen), un millonario despreocupado que verá como le arrebatan mágicamente todo de la noche a la mañana. Pero en esta historia, como en la vida real, nada es tan simple.

Hokum

El irlandés Damian McCarthy se ha hecho un pequeño gran nombre en el cine de terror, especialmente tras sus dos anteriores películas, Caveat y Oddity. En Hokum vuelve a presentar un universo de lo más particular y sórdido, esta vez encarnado en un escritor en plena depresión que se ve inmerso en una horrible conspiración en un pequeño hotel rural de Irlanda. Brujas y otras maldiciones del folclore gaélico se verán entremezcladas con el drama personal de este novelista de éxito que no está allí por casualidad, pues sus padres pasaron la luna de miel en ese aparentemente acogedor hotel.

Un hijo

Para dramas, el que se vive en un pequeño colegio con la entrada de María (Macarena García), una psicóloga sin apenas experiencia y que se da de bruces con un caso de lo más complejo, el del pequeño Guille. Nadie sabe muy bien qué le ocurre a él o a su distante padre Manuel (Hugo Silva), pero el niño también acaba de llegar al colegio y tiene dificultades para comunicarse y hacer amigos. La intervención de la psicóloga será fundamental para destapar el grave problema que vive en realidad la familia y que impide a hijo y a padre salir adelante.

Jugada maestra

Puede que muchos no hayan visto Ocho sentencias de muerte, pero esta película vendría a ser una revisión de aquella comedia de la británica Ealing Studios. En Jugada maestra, Becket (Glen Powell) es un joven humilde que se ha criado alejado de su familia, una de las más nobles y ricas de todo el mundo. Una repentina muerte de uno de sus miembros coloca a Becket en la línea de sucesión, y desde ese momento hará todo lo posible por ir escalando puestos. Lo que significa, sí, efectivamente, ir liquidando a miembros de su propia familia. Al fin y al cabo, nunca le prestaron mucha atención.

El beso de la mujer araña

Otro remake cierra las novedades en cartelera como es este peculiar musical basado en la obra del argentino Manuel Puig y que ahora dirige Bill Condon (Chicago). Con Jennifer Lopez y Diego Luna a la cabeza, la película cuenta la historia de un preso político en la cárcel mezclada con el relato de otro preso, quien le deleitará con las historias de una diva de Hollywood, Ingrid Luna, y su peculiar historia.

“Es un trayecto”, bromeó del Toro. “Eso es más o menos lo que tardo en ir de casa a la oficina. Alfonso Cuarón, que hizo esta película conmigo como productor, en un momento se volvió hacia mí y me dijo: ‘Déjalo entrar. Relájate’. Yo estaba muy tenso. No soy muy bueno con los elogios”. Del Toro volvió a Cannes para proyectar una restauración de una de sus películas más queridas. Poco antes, brindó esta entrevista en un hotel sobre la Croisette, a pocos pasos de donde su vida cinematográfica cambió hace dos décadas.

Un exuberante cuento de hadas ambientado en la España franquista de 1944, El laberinto del fauno trata sobre la joven Ofelia (Ivana Baquero), quien llega con su madre para quedarse con su nuevo padrastro fascista, el Capitán Vidal (Sergi López). Desarrollada principalmente en el norte de España, es Del Toro en su versión más terrenal e imaginativa. Los libros cobran vida cuando se sostienen. Las puertas se manifiestan a partir de una silueta de tiza. Y criaturas —hadas, un fauno, el inolvidable Hombre Pálido con ojos en las palmas de las manos— revelan un mundo de encantamiento más profundo y oscuro.

Un punto de inflexión para del Toro

Del Toro, quien desde entonces ha realizado La forma del agua y Frankenstein, admite que no se habría convertido en el cineasta que es hoy si no hubiera hecho El laberinto del fauno” En ese momento, era un director bien considerado pero no muy conocido gracias a Hellboy y Blade 2. “Estaba recibiendo todas las ofertas de Marvel de parte de Avi Arad. Realmente fue una elección ir a hacer la película que nadie quería financiar”, dice. “Fue una de las pocas veces en mi vida que tomé una decisión. Y la tomé una y otra vez porque todo lo que podía salir mal, salió mal; toda puerta que podía cerrarse en mi cara, se cerró en mi cara”.

Del Toro hizo El laberinto del fauno -que se reestrena en cines de todo el mundo el 9 de octubre-, con un presupuesto de 19,5 millones de dólares —el mismo que La forma del agua, ganadora del Oscar a mejor película—. Pero justo después de que trasladó a su familia a España para el rodaje, un importante financiero se retiró. “Dije: me quedo. Vamos a hacer esta película”, recuerda.

Los incendios forestales en España fueron otra complicación. Tan verde y mágica como parece la selva en El laberinto del fauno, se requirieron meses de riego para darle vida. “Cada árbol exuberante que ves, lo hicimos exuberante”, dice del Toro. “Cada helecho lo plantamos nosotros”. El icónico árbol de la película, sin embargo, fue obra del diseño artístico de Eugenio Caballero. Del Toro ha sido durante mucho tiempo reconocido por su arte detallado, pero El laberinto del fauno incluye algunas de sus creaciones más memorables. En una época en la que la inteligencia artificial está abriéndose camino en la producción cinematográfica, la belleza artesanal de la película destaca aún más.

“Creo que la gente intrínsecamente sabe cuándo has hecho un esfuerzo”, dice el director mexicano. “Sienten que es importante para ti en la artesanía. No solo vamos al cine para ver el mundo. Vamos para ver un mundo que no reconocemos. Cuanto más el diseño sea algo que no has visto antes, que se haya hecho a mano, puedes sentirlo”. “El cine virtual, para mí, no es tan interesante”, añade. “No buscas un accidente. No buscas la humanidad”, afirma.

Creciendo con ‘El laberinto del fauno’

Nada es más humano en “El laberinto del fauno” que su joven protagonista. Ivana Baquero tenía solo 11 años cuando rodó la película, pero del Toro la llama “la actriz más madura que he dirigido”. Baquero, ahora con 31 años, también viajó a Cannes para la proyección. “Durante el proceso de audiciones, no me trató como a una niña”, dice Baquero. “Me trató como a una adulta. Me dio mucha tarea. Me dio muchas referencias de películas, algunas de las cuales —como La tumba de las luciérnagas— eran muy oscuras”.

El laberinto del fauno, una fábula clasificada para adultos con ráfagas de violencia sangrienta, no es precisamente para niños. Pero a Baquero no se le ocultó ninguna de sus crueldades. Creció con esta película. “Puedo disfrutarla cada vez más a medida que pasa el tiempo”, dice. “Puedo distanciarme de estar en la película y verla con otros ojos. Ya casi no me veo como esa niña. Sí lo hago, pero fue hace 20 años”.

Tras su estreno en Cannes, El laberinto del fauno fue aclamada como una obra maestra y obtuvo seis nominaciones al Oscar, ganando tres (por fotografía, dirección de arte y maquillaje). Pero del Toro llama a su experiencia al proyectar la película para Stephen King “mi Oscar”. Viajó hasta Maine, llevando sus rollos de película, para mostrársela al autor al que admiraba desde niño. “El Hombre Pálido lo tuvo retorciéndose todo el tiempo”, dice del Toro.

En El laberinto del fauno, hay fuerzas eternas y ocultas bajo tierra que sobreviven a los males que puedan pisar arriba. Hay magia en el mundo, pero hay que saber dónde buscarla. Dos décadas después, del Toro sigue creyendo en eso. “Lo he experimentado en el mundo real. No faunos, ni hombres pálidos ni hadas”, dice, riendo. “Pero encuentro que cuando tu voluntad se alinea con la corriente vital del cosmos, ves que pasan cosas tremendas. Cuando nadas contra la corriente vital, las cosas salen mal”.

Fuente: AP

Hablar de Tiburón es hacerlo de una de las películas más influyentes de la historia del cine. El clásico dirigido por Steven Spielberg redefinió el suspense moderno y convirtió el miedo a lo desconocido en un fenómeno global gracias a una puesta en escena impecable y a la inolvidable música de John Williams. Sin embargo, el cineasta Quentin Tarantino cree que existe una producción de serie B capaz de capturar la esencia de la misma.

Se trata de Piraña, la cinta de terror estrenada en 1978 dirigida por Joe Dante que sigue a dos jóvenes que, durante un baño nocturno en el lago Lost River, son atacados por unas pirañas modificadas genéticamente. Sus muertes destapan la existencia de un experimento secreto del gobierno conocido como Operación Razorteeth, responsable de haber creado estas criaturas.

Sin embargo, la situación empeora cuando el ejército de peces comienza a desplazarse en dirección a un complejo vacacional repleto de turistas y niños. Allí, un ecologista interpretado por Bradford Dillman y una investigadora encarnada por Heather Menzies intentarán detener la amenaza antes de que las pirañas alcancen aguas abiertas y el desastre se vuelva imposible de controlar.

“Ingenio y crudeza desmesuradas”

El director de Pulp Fiction y Kill Bill elogió abiertamente esta ficción en una extensa crítica publicada en la web del New Beverly Cinema, el histórico cine de Los Ángeles que el cineasta compró en 2007, para salvarlo de la remodelacón. Tarantino definió la película de Dante como “una emocionante y sangrienta imitación de Tiburón por derecho propio”, tal y como escribió el 16 de febrero de 2020.

La cinta, escrita por John Sayles, surgió en plena oleada de imitaciones del éxito de Spielberg. Pero, para Tarantino, logró ser algo más. “Piraña destaca por su ingenio y la crudeza desmesurada de su sangriento clímax en un campamento de verano para niños pequeños”, escribió el director.

El cineasta añadió además que la película “parece deleitarse con la idea de poner a niños regordetes y armados en el camino de feroces peces con dientes afilados como navajas”. Para Tarantino, precisamente ese tono excesivo y provocador forma parte del encanto de la producción de Joe Dante.

En su crítica, también destacó una de las secuencias finales de la película, protagonizada por Bradford Dillman. “En el clímax, tiene un momento de suspenso digno de la original de Spielberg”, aseguró. Tarantino se refería a la escena en la que el protagonista debe sumergirse bajo el agua para cerrar una válvula mientras las criaturas atacan violentamente su cuerpo.

Con el paso de los años, Piraña se ha convertido en una obra de culto para los aficionados al terror y al cine de serie B. Y las palabras de Tarantino han contribuido a reforzar el prestigio de una película que, pese a haber nacido a la sombra del clásico de Spielberg, todavía sigue siendo reivindicada por su violencia, su humor negro y su capacidad para generar suspense.

La Cineteca Nacional anunció el inicio de la edición 2026 del Festival de Cine Europeo, como parte de su programa cultura, liderado por la Secretaría de Cultura.

Este encuentro cinematográfico es una colaboración entre las autoridades mexicanas y la Delegación de la Unión Europea en Méxicom así como las embajadas de los Estados Miembros.

El evento busca reunir a diecinueve largometrajes de veinticinco naciones europeas, reflejando la riqueza y diversidad del cine actual del continente.

Durante la presentación oficial, la subdirectora de programación, Orianna Paz, acompañada por el embajador de la Unión Europea en México, Francisco André, destacó que el festival se ha consolidado como un referente esencial para quienes desean explorar las nuevas tendencias y voces del cine europeo.

La muestra ofrece una amplia variedad de géneros y temáticas, así como la inclusión de dos filmes centrados en el fútbol, pensados como un guiño previo al próximo Mundial 2026.

Por lo tanto, la selección abarca producciones realizadas entre 2024 y 2025. Entre ellas, animaciones destinadas al público infantil, programadas para los fines de semana.

Este evento es una oportunidad única para conocer la visión creativa de países con poca presencia en las salas nacionales, como Austria, Chipre o Suecia.

El embajador subrayó que el ciclo de cine, suma casi tres décadas de existencia, aunque la exhibición ha cambiado de nombre, el concepto sigue siendo el mismo.

Además, celebró la alianza con la Cineteca Nacional como clave para dar vida a este proyecto. Según el diplomático, el arte es un canal privilegiado para fortalecer la relación entre México y Europa, y el cine especialmente ocupa un lugar central como puente entre culturas.

La jornada de películas comenzó el pasado 12 de mayo, y permanecerá en cartelera hasta el 20 de mayo. Posteriormente las cintas viajarán a más de diez estados a través del Circuito Cineteca.

Esta estrategia busca descentralizar la oferta cultural y llevar propuestas diversas a públicos de todo el país, fomentando la participación de los ciudadanos en el séptimo arte.

Cartelera del festival

La programación del Festival de Cine Europeo 2026 incluye una variedad de títulos destacados que reflejan la identidad del continente. Entre los filmes seleccionados se encuentran:

• Mr. Nobody Against Putin (Dinamarca / República Checa, 2025), documental galardonado con el Oscar y el BAFTA.
• Misterioso asesinato en la montaña (Francia, 2024).
• Accidentalmente escribí un libro (Hungría, 2024).
• Four Mothers (Irlanda / Reino Unido).
• A Boat in the Garden (Luxemburgo / Francia, 2024).
• La pandilla de Derecho (Rumanía, 2025).
• Loss of Balance (Polonia, 2025).
• Hammarskjöld (Suecia, 2023).
• Quasi Grazia (Italia, 2025).

Lionsgate alcanzó un récord con la película Michael, que superó los USD 570 millones en ingresos globales durante el fin de semana del Día de la Madre. El filme sobre Michael Jackson desplazó a otros estrenos en los principales mercados y se consolidó como uno de los grandes éxitos de taquilla de 2026, según cifras de Deadline y la consultora Comscore.

De acuerdo con datos difundidos por el medio especializado en industria cinematográfica Deadline y validados por la consultora Comscore, Michael recaudó USD 36,5 millones en su tercer fin de semana en salas de Estados Unidos, alcanzando un acumulado doméstico de USD 240,4 millones hasta el 10 de mayo. En el plano internacional, la película impulsó su recaudación global a más de USD 570 millones, superando la marca lograda por Bohemian Rhapsody en el mercado estadounidense. El éxito de la cinta se da en un contexto de recuperación para la industria cinematográfica tras la pandemia y fortalece la tendencia de las biopics musicales, según la asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association (MPA).

El estreno mundial de Michael se realizó el 10 de abril en Berlín, mientras que el lanzamiento comercial en Estados Unidos tuvo lugar el 24 de abril. Lionsgate implementó una campaña global de promoción, estrenos escalonados en mercados de Europa, América Latina y Asia, y una presencia ampliada en salas, de acuerdo con reportes oficiales.

¿Cuánto recaudó la película Michael en taquilla?

Según el portal de datos de taquilla Box Office Mojo, Michael alcanzó un total de USD 584,6 millones en ingresos globales tras su tercer fin de semana en cartelera. De este monto, USD 245,5 millones corresponden a Estados Unidos y Canadá, mientras que USD 339,1 millones provienen de mercados internacionales. Los datos de Comscore y The Numbers confirman que el filme recaudó USD 36,5 millones entre el viernes 9 y el domingo 11 de mayo, una caída del 33% respecto al fin de semana anterior; aun así, mantuvo su presencia entre las películas más vistas en Norteamérica.

Deadline informó que Michael superó en ingresos domésticos a Bohemian Rhapsody, lo que refuerza el atractivo de las biografías musicales. La asistencia se mantuvo elevada en cadenas como AMC y Regal, según Comscore.

¿Por qué fue importante el rendimiento en taquilla de Michael?

El desempeño comercial de Michael durante el fin de semana del Día de la Madre refuerza la estrategia de las productoras de apostar por historias centradas en figuras musicales, según Deadline. Comscore interpretó estos números como un indicio de la recuperación del sector cinematográfico en Estados Unidos y la reactivación de la asistencia a salas. Para las cadenas de exhibición, el éxito de la película se traduce en mayores ingresos y en la posibilidad de sostener una programación con más títulos biográficos.

El presidente de Lionsgate Jon Feltheimer afirmó en un comunicado oficial: “El apoyo del público a la historia de Michael Jackson confirma la vigencia de las biografías musicales en el mercado internacional”. Comscore detalló que la participación de grupos familiares y jóvenes adultos fue clave para sostener el ritmo de la taquilla en la tercera semana de exhibición.

¿Cuáles fueron los factores detrás del éxito de Michael en los cines?

El lanzamiento de Michael coincidió con la estrategia de estrenos de alto perfil en el mercado estadounidense y una campaña de promoción global. Según Deadline, la presencia de actores reconocidos y la producción de gran presupuesto favorecieron la convocatoria tanto en el mercado doméstico como internacional. La distribución en más de 3.550 salas en Estados Unidos y el lanzamiento escalonado en mercados internacionales permitieron sostener la recaudación a lo largo de varias semanas.

La consultora Comscore y Box Office Mojo informaron que el público principal estuvo conformado por adultos y jóvenes que asistieron en grupos familiares. El estreno mundial en Berlín y la amplia distribución en América Latina, Europa y Asia aportaron volumen a la taquilla global. Paul Dergarabedian, analista senior de Comscore, señaló en declaraciones a Deadline: “La biografía de Michael Jackson consiguió mantener la atención del público más allá del ciclo habitual de estreno”.

¿Cómo se compara Michael con otras biografías musicales exitosas?

En comparación con otros títulos recientes, Michael se posicionó entre las tres películas más vistas durante el fin de semana del 9 al 11 de mayo, según Comscore. El estreno doméstico registró USD 97,2 millones, una de las mejores cifras de lanzamiento para una biopic musical, de acuerdo con The Numbers. El desempeño internacional, apoyado por estrenos en Alemania, Reino Unido, Brasil y otros mercados, permitió mantener el ritmo de recaudación global.

El interés por las biografías musicales ha mostrado un crecimiento sostenido desde el éxito de Bohemian Rhapsody y Elvis, de acuerdo con la asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association. Las cifras de Michael confirman que las historias relacionadas con figuras del espectáculo mantienen una convocatoria significativa en mercados diversos.

¿Qué películas desplazó Michael en la taquilla del Día de la Madre?

Durante el fin de semana del Día de la Madre, Michael compartió cartelera con títulos como The Devil Wears Prada 2 y Mortal Kombat II, según datos de Deadline. A pesar de la competencia, la película sobre Michael Jackson mantuvo su posición en el top 3 de la taquilla estadounidense, solo detrás del estreno de The Devil Wears Prada 2, que recaudó USD 41 millones, y superando a Mortal Kombat II, que logró USD 38,7 millones en su primer fin de semana.

Comscore informó que la asistencia al cine durante ese fin de semana aumentó un 92% respecto al año anterior, impulsada en parte por la presencia de filmes dirigidos a diferentes públicos, entre ellos la biografía de Jackson.

¿Qué tendencia muestran las biopics musicales en la taquilla internacional?

La tendencia de crecimiento de las biopics musicales se ha mantenido en los últimos años, según la asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association. El éxito de películas como Bohemian Rhapsody, Elvis y ahora Michael evidencia el interés sostenido del público por relatos de figuras musicales. De acuerdo con Comscore, estos filmes logran captar audiencias diversas y suelen sostenerse en cartelera por más de tres semanas, a diferencia de títulos de otros géneros que experimentan caídas más abruptas.

El atractivo de las biopics musicales radica en la conexión con los personajes y en el respaldo de campañas promocionales que involucran a familiares, herederos y discográficas, según analistas consultados por Deadline.

¿Cuáles son las proyecciones para el desempeño futuro de Michael en taquilla?

Las proyecciones de Comscore y Box Office Mojo anticipan que Michael podría mantenerse en el top 5 de la taquilla internacional durante las próximas semanas, a medida que amplíe su estreno en nuevos mercados y se mantenga el interés del público. Deadline señala que la ausencia de estrenos de gran escala en las siguientes dos semanas podría permitir a la película conservar una parte significativa de la taquilla acumulada.

Las cifras se actualizarán con los reportes diarios de recaudación y la evolución en la asistencia a salas. Según estimaciones de Comscore, el filme podría acercarse a los USD 650 millones globales si se mantiene la tendencia actual.

¿Cuáles fueron las reacciones oficiales al éxito de Michael?

Las reacciones institucionales a los resultados de Michael han sido de reconocimiento al desempeño comercial y a la estrategia de distribución. El presidente de Lionsgate Jon Feltheimer indicó en un comunicado que el éxito de la película respalda la apuesta por contenidos de alto perfil y por el género biográfico musical. La asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association subrayó que la reactivación de la asistencia a salas y el rendimiento de títulos como Michael constituyen un indicador positivo para el sector.

La consultora Comscore, a través de su analista Paul Dergarabedian, destacó que el mercado estadounidense experimentó uno de sus mejores fines de semana del año en términos de recaudación, impulsado por la diversidad de estrenos y la recuperación de la confianza del público en la experiencia cinematográfica presencial.

¿Qué significa el éxito de Michael para la industria global y el público?

El desempeño de Michael en la taquilla global representa una señal clara para productores y distribuidores sobre el comportamiento de la audiencia ante biografías musicales y confirma la expansión de este género en la industria audiovisual. Según el medio especializado en industria cinematográfica Deadline, las estrategias de lanzamiento global y la diversificación de contenidos han sido factores determinantes para el éxito del filme.

El impacto de la película se traduce en un mayor interés de las productoras por historias basadas en figuras de la música, en la extensión de la presencia en cartelera y en el fortalecimiento de la programación de las principales cadenas de exhibición. La continuidad de esta tendencia dependerá de la respuesta del público a futuros estrenos y de la evolución del mercado internacional en los próximos meses.

Mayo está siendo un buen mes para Netflix. La grande del streaming ha estrenado en las últimas semanas Ápex, un nuevo thriller de supervivencia protagonizado por Charlize Theron, o el remake de Mi querida señorita, la cinta de 1972 protagonizada por José Luis López Vázquez que en esta ocasión lidera la desconocida Elizabeth Martínez y que dirige Fernando González Molina.

Por si fuera poco, a esta dupla tan diversa hay que añadirle una cinta de animación que llegó a la plataforma el pasado 1 de mayo y actualmente es la película número uno en 77 países. Solo durante la semana pasada acumuló cerca de 40 millones de reproducciones.

La ficción no es otra que Intercambiados (Swapped). Dirigida por Nathan Greno, director de una de las cintas más míticas de Walt Disney, Enredados (2010), y escrita por John Whittington, conocido por ser el guionista de Batman: La LEGO película (2017), la historia sigue a Ollie, una pequeña criatura del bosque parecida a una zarigüeya o nutria que, tras un extraño accidente, intercambia su cuerpo con Ivy, un majestuoso pájaro. Obligados a convivir y colaborar, ambos deberán descubrir el origen del conflicto que lleva décadas enfrentando a sus especies.

Un éxito con sabor español

El ganador del Oscar Michael B. Jordan y la actriz británica Juno Temple ponen voz en versión original a los protagonistas de esta aventura fantástica que apuesta por la comedia, la fantasía y un mensaje sobre la empatía, la convivencia y con un fuerte mensaje medioambiental.

La cinta ha firmado además el mejor estreno para una película de animación de Netflix desde Leo (2023), acumulando 15,5 millones de visualizaciones en apenas tres días. Sin embargo, el auténtico récord llegó después. Según datos publicados por Tudum, el portal oficial de Netflix, la producción alcanzó 38,7 millones de reproducciones durante su primera semana completa y se convirtió en la película animada con mayor audiencia semanal de la historia de la plataforma. La última vez que una película de animación iba tan bien en la plataforma fue el verano pasado con Las guerras K-pop, aunque esta tardó un pelín más en despegar.

Por si fuera poco, la película cuenta con equipo español. Producida por Skydance Animation, la cinta ha tenido parte de su desarrollo en Madrid, puesto que ha contado con la división de la empresa en la capital para desarrollar aspectos técnicos como la iluminación. “Se ha hecho eterna la espera y pensaba que nunca llegaría este momento, pero al final ha merecido la pena. No sé cómo expresar todo lo que siento”, ha expresado el iluminador y artista 3D, Adolfo Rico en su Instagram, donde ha compartido una imagen con todo el personal que ha participado en ella.

Por el momento, la crítica se ha mostrado favorable. En Rotten Tomatoes mantiene un 67% de valoraciones positivas por parte de la prensa, como la periodista Rosie Fletcher, quien definió la película como una “diversión veraniega dulce y tierna” y destacó tanto la química entre Michael B. Jordan y Juno Temple como su mensaje medioambiental dirigido al público infantil. Más favorable aún se muestra el público, con una valoración positiva aún mayor: un 87%.

Dicen que “quien no oye consejo, no llega a viejo”, pero puestos a dejarnos aconsejar, mucho mejor si lo hace alguien que ha dado vida a personajes tan memorables como Indiana Jones, Han Solo y Rick Deckard. A través de ellos, probablemente Harrison Ford haya vivido en la memoria de varias generaciones, si bien el pasado martes, el actor de 83 años logró también inspirar a miles de estudiantes lejos de la gran pantalla, con un discurso en su ceremonia de graduación que no ha tardado en volverse viral.

El intérprete estadounidense se dirigió a la promoción más numerosa en la historia de la Universidad Estatal de Arizona (ASU), compuesta por 14.000 estudiantes de pregrado que recibieron más de 15.000 títulos. La ceremonia principal se celebró en el Mountain America Stadium, donde muchos de estos jóvenes escucharon a Harrison Ford, nombrado Doctor Honoris Causa de la institución, en una intervención que buscó recordarles que su generación tiene “mucho más poder” del que imaginan, y que solo deben encontrar “sus causas y su voz” para que el mundo “no pueda ignorarlos”.

Ford compartió con los egresados una experiencia de su juventud universitaria. Explicó que, al notar que sus calificaciones descendían durante el tercer año, decidió inscribirse en un curso de teatro buscando una mejor nota. “Mis compañeros de clase eran personas a las que antes había descartado como nerds y marginados. Pero pronto me di cuenta de que yo también era un nerd y un marginado”, relató. “Había encontrado mi lugar. Esta era mi gente”.

“Pasión y propósito no son lo mismo”

El actor recordó que, tras mudarse a California, la actuación no bastaba para sostener a su familia, por lo que alternó su carrera artística con el trabajo de carpintero. “Esto duró unos 15 años, durante los cuales trabajé mucho como carpintero y solo hice cuatro o cinco trabajos como actor, pero eran proyectos más ambiciosos y de buena calidad. Y luego todo encajó y conseguí el papel en Star Wars”, contaba Ford, recibiendo ovaciones del público.

Al reflexionar sobre su trayectoria, Ford distinguió entre pasión y propósito: “Tener pasión no es lo mismo que tener propósitos. La pasión te da alegría. Los propósitos te dan sentido”. Y añadió: “La pasión te levanta de la cama por la mañana, pero los propósitos te permiten dormir por la noche. Y yo aún no había encontrado un propósito superior a mi trabajo”.

“Construid algo que no existía ayer”

La intervención de Ford fue, además, un llamado a la conciencia ambiental. “La naturaleza no necesita a las personas. Las personas necesitan a la naturaleza para sobrevivir”, advirtió, agregando: “Un mundo natural y sano proporciona a la humanidad servicios gratuitos que nosotros no podemos proporcionarnos a nosotros mismos”. A pesar de los avances científicos y las nuevas políticas, Ford advirtió que la naturaleza continúa desapareciendo. “Necesitamos un cambio cultural. Necesitamos extender la justicia social”, subrayaba.

“Construid algo que no existía ayer. Defended a quienes no pueden defenderse a sí mismos. Reunid a personas que antes no se comunicaban”, instaba a los jóvenes reunidos en el estadio. Y concluía: “Eso es liderazgo. Eso es lo que marca la diferencia. ... Este es vuestro momento. ¡Aprovechadlo! Disfrutad cada segundo. ¿Qué podría ser peor que llegar al final de vuestra vida y daros cuenta de que no la habéis vivido plenamente?”.

La cuenta regresiva ya comenzó: en solo tres días, El gran showman dejará el catálogo de Netflix, despidiéndose de miles de espectadores que la han colocado entre las películas más vistas de la plataforma. La cinta, protagonizada por Hugh Jackman, no solo supuso uno de los mayores éxitos de la carrera del actor, sino que además le sirvió como demostración de que estaba más que preparado para pasar página con Lobezno, el personaje de X-Men al que había ligado buena parte de su carrera.

El gran showman coincidió con el estreno de Logan, película con la que el actor australiano se despedía de la famosa saga de superhéroes. Intercambiando la acción por los musicales, Hugh Jackman tenía frente a sí el reto de protagonizar la nueva película de Michael Gracey que pretendía contar la historia de P. T. Barnum, un visionario del siglo XIX que se propuso transformar el aburrido entorno de su época en un espacio donde la imaginación y la felicidad fueran accesibles para todos.

El proyecto personal del actor

En realidad, Jackman llevaba soñando con este proyecto desde 2009, pero a los estudios les costaba confiar en la idea: los musicales no suelen tener un gran éxito en cines y la película apuntaba a necesitar un presupuesto bastante alto (finalmente, sería de 84 millones de dólares). Casi una década después, logró convencerles, aunque las primeras críticas casi arruinan el estreno: El gran showman tuvo un recibimiento frío por parte de la prensa especializada, y en taquilla tuvo un arranque discreto. “Con un estreno tan desastroso solo podía contener mi aliento”, confesó Gracey, quien durante el primer fin de semana recibió decenas de llamadas de “voces aterrorizadas”.

Sin embargo, tras una mala primera semana, el boca a boca transformó la suerte de la película: su recaudación subió más de un 75% y mantuvo a El gran showman durante semanas en la gran pantalla, logrando superar los 350 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Más allá de eso, la banda sonora, con Hugh Jackman demostrando por qué antes de triunfar como actor tuvo una brillante carrera en el teatro musical, fue el disco más vendido a escala mundial en 2018 y batió récords en Reino Unido y Estados Unidos.

Para potenciar el lado musical de este biopic, Gracey trabajó con Benj Pasek y Justin Paul, quienes ya habían ganado el Oscar por la canción City of Stars, de La La Land. Eso sí, las canciones no fueron lo único que convenció de la película. Otro de sus atractivos era un reparto donde Jackman destacaba por encima del resto, pero que también contaba con estrellas como Zendaya (que hizo de acróbata sin usar un doble de acción), Zac Efron, Michelle Williams, Rebecca Ferguson o Yahya Abdul-Mateen II.

El cambio que supuso para Hugh Jackman hacer ‘El gran showman’

Hugh Jackman, al que ahora podemos ver en cines protagonizando Las ovejas detectives, ha admitido en más de una entrevista que el éxito de El gran showman cambió su carrera y su vida. “Me paran por la calle más que por ninguna otra cosa por El gran Showman. Recibo vídeos todos los días”, contaba en una entrevista con la revista Billboard, donde reconoció que esta película le había abierto las puertas “de una forma que nunca creí posible, sobre todo a un público joven”.

La huella de El gran showman se extendería más allá de la pantalla. La producción inspiró una gira internacional de conciertos de Jackman y una adaptación a Broadway, además de una secuela que podríamos ver próximamente. Mientras tanto, tenemos la oportunidad de descubrir o volver a ver la película original en Netflix, hasta que el próximo 15 de mayo desaparezca del catálogo de la plataforma.

Peter Jackson, premiado con la Palma de Oro honorífica en el Festival de Cannes 2026, explicó que su postura respecto a la inteligencia artificial en el cine es absolutamente práctica: solo la ve como una herramienta. El creador de la trilogía de El Señor de los Anillos compartió esa perspectiva y otras novedades durante una masterclass realizada este miércoles en el marco del famoso festival francés.

“No me disgusta en absoluto”, dijo sobre la IA aplicada al cine. “Para mí es solo un efecto especial. No es diferente de otros efectos especiales”, reportó Variety.

Sin embargo, el cineasta trazó una línea roja con igual claridad: la protección de los actores frente al uso no autorizado de su imagen. “Es absolutamente crucial proteger los derechos de los actores para que su imagen o voz no sean robadas y utilizadas en películas sin su permiso”, señaló.

“Si estás haciendo un duplicado de IA de alguien, como Indiana Jones o cualquier otro, siempre que hayas licenciado los derechos de la persona que estás mostrando, no veo el problema. El problema es cuando la imagen de alguien es robada y usurpada”, argumentó.

No obstante, el ingreso de IA generativa al discurso cinematográfico también ha impactado en la percepción de otras expresiones artísticas humanas, como las actuaciones de captura de movimiento.

“Mucha gente en el entorno actual está tan preocupada por la IA... No creo que un personaje tipo Gollum o un personaje generado tenga ninguna esperanza de ganar premios”, dijo Jackson. “Lo cual es un poco injusto, especialmente en el caso de Andy Serkis, donde no es una actuación generada por IA, es una actuación creada por un humano al 100%”.

El director también explicó, en diálogo con el periodista francés Didier Allouch, el origen de la idea de usar la captura de movimiento para el personaje. Según citó Deadline, el plan inicial era un Gollum completamente animado, con Serkis a cargo solo de la voz. Sin embargo, como el actor debía estar físicamente en el set para que los demás intérpretes tuvieran una referencia visual, la producción tomó la decisión de incorporar su actuación completa mediante la tecnología de motion capture.

‘Hunt for Gollum’: “Andy conoce a este personaje mejor que nadie”

Jackson también habló sobre El Señor de los Anillos: la caza de Gollum, la nueva película de la saga prevista para el 17 de diciembre de 2027, con Serkis como director y protagonista. Aunque Jackson figura como productor, explicó su decisión de no tomar la dirección esta vez.

“Podría haberlo dirigido, pero pensé: ya lo he hecho”, dijo ante los periodistas reunidos en Cannes, según Deadline. “Sería más interesante, con esta historia particular —que transcurre entre El Hobbit y El Señor de los Anillos— que la dirigiera Andy Serkis". Y añadió: “Es una historia interna sobre la psicología y la adicción de Gollum. Es una historia personal para Gollum. Andy conoce a este personaje mejor que nadie. No pensé en mí. La versión más emocionante de esta película será con Andy Serkis al mando”.

Sobre su rol como productor, Jackson fue enfático en su voluntad de no interferir: “Le he dado tanta libertad como he podido”, afirmó.

Más allá del universo tolkieniano, el director de 64 años reveló otros proyectos en marcha durante el evento en Cannes. Jackson ya trabaja en un nuevo guion de Tintín junto a su colaboradora y pareja Fran Walsh, en el marco del acuerdo que tiene con Steven Spielberg. “El trato era que Steven dirigiera una y yo dirija otra”, explicó, en referencia a la película de 2011 que Spielberg llevó a la pantalla.

Asimismo, expresó su deseo de retomar Dambusters, un proyecto sobre el célebre ataque de la Royal Air Force a las represas alemanas en la noche del 16 de mayo de 1943. El filme era una de sus prioridades antes de asumir El Hobbit tras la salida de Guillermo del Toro.

La actriz estadounidense Demi Moore dijo este lunes en el Festival de Cannes que luchar contra la inteligencia artificial (IA) es “una batalla que vamos a perder” y que por eso es mejor encontrar caminos para “trabajar con ello”.

“La IA está aquí”, dijo la estrella de Hollywood, miembro del jurado de esta edición del certamen, cuando le preguntaron sobre esta nueva tecnología y su impacto en la industria del cine.

“Luchar contra ello es librar una batalla perdida”, añadió, recordando que “la oposición siempre genera oposición”.

Para la intérprete de éxitos tan sonados de los años 1990 como Ghost o Propuesta indecente, lo mejor es intentar trabajar con este nueva técnica, en lugar de oponerse.

“Encontrar maneras de trabajar con ello me parece un camino más valioso para seguir”, destacó durante la rueda de prensa del jurado.

A la pregunta de si estamos suficientemente protegidos ante la IA, Moore afirmó no conocer la respuesta, pero “probablemente no”.

La actriz defendió sin embargo que “no hay nada que temer” porque “lo que nunca podrá reemplazar es aquello de donde proviene el verdadero arte, que no es físico, porque viene del alma”.

“Eso nunca podrán recrearlo a través de algo técnico”, zanjó.

Otro miembro del jurado, el guionista británico Paul Laverty, colaborador habitual del cineasta Ken Loach y conocido por su posiciones de izquierda, advirtió en cambio contra el poder de la IA y de los gigantes de la tecnología en general.

“Estamos empezando a darnos cuenta de que no deberíamos dejar que estos multimillonarios tecnobros [trabajadores tecnológicos], en su mayoría libertarios de derecha, dicten cómo vivimos nuestras vidas”, subrayó.

Para Laverty, las empresas de IA y tecnología “deciden los algoritmos que afectan nuestras vidas de la manera más profunda [...] luego dan por hecho que el resto del mundo va a seguirles y a tragárselo, sin importar cuáles sean las consecuencias”.

Fuente: AFP.

Fotos: Reuters/ Gonzalo Fuentes; Valery Hache/ AFP.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood ha confirmado que Conan O’Brien volverá a ser el anfitrión de los Premios Oscar en su edición de 2027. El anuncio se realizó durante la presentación de novedades de Disney, donde se informó que O’Brien conducirá la ceremonia por cuarto año consecutivo, consolidando así su rol como figura central de la gala más importante del cine. La próxima entrega de los Oscar se celebrará el 14 de marzo de 2027, con transmisión en directo por ABC y Hulu a partir de las 19:00 (hora del este de Estados Unidos). Además, la organización ratificó la continuidad de los productores Raj Kapoor y Katy Mullan, quienes estarán al frente por cuarta vez, junto a Jeff Ross y Mike Sweeney, responsables del evento por cuarto año. Sweeney también desempeñará funciones como guionista de la gala.

La elección de O’Brien se produce en un contexto donde la Academia busca mantener un tono de cercanía y dinamismo en la ceremonia. Craig Erwich, presidente de Disney Television Group, subrayó la contribución del comediante: “Conan ha creado una energía notable en los Oscar. Su voz cómica convierte la noche más grande de Hollywood en una de las celebraciones más entretenidas del año”. Desde la producción, Kapoor y Mullan destacaron la importancia de la colaboración con el presentador: “O’Brien aporta ese humor característico que todos aprecian, junto con una calidez y generosidad que atraviesa todo el espectáculo. Es un socio creativo en quien confiamos plenamente y hace que todo el proceso sea realmente divertido, tanto detrás de escena como en el escenario”.

Por su parte, Bill Kramer y Lynette Howell Taylor, CEO y presidenta de la Academia, respectivamente, valoraron el aporte del equipo: “Han producido espectáculos cautivadores, entretenidos y emotivos en los últimos dos años. Agradecemos su compromiso mientras honramos a la comunidad cinematográfica global, y esperamos que Conan lidere la celebración con su ingenio y humor”. La designación de O’Brien como anfitrión anticipa una continuidad en el estilo de la gala, caracterizado por la combinación de comedia, espontaneidad y referencias a la industria del cine, que han marcado sus intervenciones en ediciones anteriores.

Buscando la estabilidad en los premios

La presencia de O’Brien por cuarto año seguido coincide con una tendencia similar en otros galardones. Los Globos de Oro también repetirán presentadora, ya que Nikki Glaser fue confirmada para su cuarta edición consecutiva al frente de la ceremonia. Esta práctica busca aprovechar la familiaridad y el carisma de conductores que ya han conectado con la audiencia y la industria.

Críticos especializados, como Dan Fienberg de The Hollywood Reporter, han valorado positivamente el desempeño de O’Brien en las últimas ediciones. En su reseña sobre la gala de 2026, lo calificó como “muy bueno” y pronosticó que la Academia lo invitaría nuevamente. La decisión de renovar su contrato varios meses antes del evento confirma esta expectativa. En materia de audiencias, los Oscar han experimentado fluctuaciones recientes. La edición de 2025 registró un repunte con 19,69 millones de espectadores, la cifra más alta desde la pandemia. Sin embargo, en 2026 la audiencia descendió a 17,86 millones, una baja cercana al 9% respecto al año anterior.

La edición de 2027 será la penúltima que se transmita por ABC y Hulu, ya que a partir de 2029 la ceremonia pasará a emitirse por YouTube. Además, será la anteúltima ocasión en que los Oscar tengan lugar en el Dolby Theatre de Hollywood; desde 2029, la sede cambiará al Peacock Theater. Con la confirmación de Conan O’Brien como presentador, la Academia apuesta por la continuidad y el humor en una gala que buscará renovar su atractivo ante los desafíos de la industria y los cambios en los hábitos de consumo televisivo.

La nueva película de Christopher Nolan, La Odisea, aún no se ha estrenado y ya genera debate en redes sociales y foros especializados. El director británico salió al cruce de las críticas que cuestionan la fidelidad histórica del vestuario y la elección de actores, defendiendo el rigor de su propuesta y trazando un paralelismo con las objeciones que recibió tras el estreno de Interstellar. Con un presupuesto de 250 millones de dólares y rodada íntegramente en cámaras Imax de 70 mm, La Odisea representa el proyecto más ambicioso de Nolan hasta la fecha. La película, que llegará a los cines el 17 de julio, traslada a la pantalla la epopeya de Homero con un elenco encabezado por Matt Damon en el papel de Odiseo, Anne Hathaway como Penélope y otras figuras como Tom Holland, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya, Charlize Theron, Jon Bernthal y Benny Safdie.

La historia sigue el regreso de Odiseo, rey griego, tras la guerra de Troya y su enfrentamiento con obstáculos sobrenaturales y humanos en el camino de vuelta a su hogar. La escala de la producción, el diseño de sets y la utilización de efectos prácticos se combinaron para recrear la atmósfera de la Grecia antigua, según explicó el propio Nolan en una serie de entrevistas con Time. Uno de los puntos que más polémica generó fue el aspecto de las armaduras que lucen los guerreros en La Odisea. En las redes sociales, muchos usuarios compararon el atuendo de los personajes con el Batsuit, el traje de Batman, por su apariencia moderna y oscura. Ante estas observaciones, Nolan defendió el trabajo de la diseñadora de vestuario Ellen Mirojnick y argumentó que la inspiración provino de hallazgos arqueológicos.

“Existen dagas micénicas de bronce ennegrecido”, explicó Nolan en Time. “La teoría es que probablemente pudieron ennegrecer el bronce en aquella época. Si se añade más oro y plata, y luego se utiliza azufre, el material toma ese color”. El director añadió que para el personaje de Agamenón, la vestimenta debía transmitir su posición elevada respecto al resto: “Se logra mediante materiales que serían muy costosos”. Esta explicación busca responder a quienes afirman que la película sacrifica autenticidad histórica por un diseño visual atractivo. Nolan subrayó que las decisiones estéticas están fundamentadas en investigaciones sobre la cultura micénica, intentando equilibrar rigor y narrativa visual.

Un rapero en la corte de Odiseo

Otra controversia giró en torno a la elección de Travis Scott como bardo, una figura central en la transmisión oral de las historias en la antigua Grecia. El anuncio del rapero estadounidense en el reparto sorprendió a muchos espectadores que no asociaban su perfil con el contexto del filme. Nolan justificó la decisión vinculando la tradición oral de la poesía épica con el rap contemporáneo. “Lo elegí porque quería hacer un guiño a la idea de que esta historia se ha transmitido como poesía oral, algo análogo al rap”, explicó el director. La presencia de Scott busca reforzar el puente entre la antigüedad y la actualidad, mostrando cómo las formas de narración evolucionan pero mantienen raíces comunes.

Nolan es conocido por su meticulosidad y su búsqueda de precisión en cada proyecto. En Interstellar, contrató un equipo de científicos para asegurar la fidelidad de las leyes físicas representadas. Al hablar sobre La Odisea, el director trazó un paralelismo entre ambas producciones: “Para Interstellar te preguntas cuál es la mejor especulación sobre el futuro. Cuando miras al pasado antiguo, es lo mismo. ¿Cuál es la mejor especulación y cómo puedo usarla para crear un mundo?”

El cineasta reconoció que ninguna recreación histórica puede ser perfecta, pero defendió el método de trabajo basado en la investigación y la consulta con expertos. “Espero que disfruten la película, aunque no estén de acuerdo con todo. Muchos científicos se quejaron de Interstellar. Lo importante es que no piensen que lo tomamos a la ligera”, afirmó Nolan. La polémica alrededor de La Odisea refleja el interés y la expectativa que rodean al proyecto. El propio director, lejos de esquivar el debate, invitó al público a valorar el esfuerzo detrás de cada elección artística y a comprender que la reconstrucción del pasado implica necesariamente un ejercicio de interpretación y especulación informada.

Las sagas Star Wars, Indiana Jones y Top Gun tuvieron su gran momento en el Festival de Cannes, en esta última década. Pero en 2026 estas colosales producciones de Hollywood brillan por su ausencia, lo que hace pensar que los grandes estudios evitan el certamen.

El mayor festival de cine del mundo, que arrancó este martes, siempre contó con los estrenos de Hollywood, películas de entretenimiento con muchas estrellas, como Tom Cruise o Harrison Ford, para contrarrestar las cintas más de autor que dominan en la muestra.

Cuando el delegado general del festival, Thierry Frémaux, asumió el cargo hace 25 años, hizo de estas grandes producciones estadounidenses una prioridad para mejorar la proyección internacional del evento. Pero al anunciar el pasado mes de abril las películas de la selección, tuvo que dar explicaciones sobre su flagrante ausencia. “Al margen del cine de los estudios, sigue existiendo un cine independiente, un cine fuera de Los Ángeles“, aseguró.

“¿Dónde ha visto que los estudios ya no vienen a Cannes? Para analizarlo correctamente, hay que mirar un periodo de cinco años. Verá entonces que todos son fieles, desde Sony Columbia hasta Warner, desde Paramount hasta Universal y Disney. Cannes sigue prosperando junto al cine estadounidense. El intercambio con los estudios es fructífero. No dependemos de nada más que de las propias películas, y el mundo del cine es vasto. La prueba es que las películas no estadounidenses de Cannes están cada vez más presentes en el mercado estadounidense… ¡y en los Oscar!“, le dijo a la revista Variety en marzo de 2026.

Dos películas independientes estadounidenses compiten por la Palma de Oro: Paper tiger, de James Gray, con Adam Driver y Scarlett Johansson, y The man I Love, de Ira Sachs, con Rami Malek. Sin embargo, gigantes de Hollywood como Universal, Disney, Warner, Sony o Paramount no presentan ninguna película nueva en la Croisette. Una situación parecida ocurrió en la Berlinale en febrero, donde la directora Tricia Tuttle tuvo que lidiar con una programación sin ninguna gran producción de Hollywood.

Sobre la ausencia de los grandes estudios este año, Frémaux matizó en la misma entrevista, la distinción entre cine de Hollywood y cine estadounidense. Anora no fue una producción de estudio, ganó la Palma de Oro y se llevó el Oscar, y Sean Baker hizo “una hermosa declaración de amor a las salas de cine”. El ejemplo ilustró su argumento central: el festival no depende de las majors para justificar su relevancia.

La pregunta sobre si la ausencia de Sinners y Una batalla tras otra —ambas ganadoras del Oscar— dejó al festival en una posición débil recibió una respuesta directa: “No nos hace sentir vulnerables”. Las dos películas tuvieron “un recorrido tremendo en salas de cine de todo el mundo”, aunque Frémaux sostuvo que su paso por la Croisette les habría abierto una audiencia todavía mayor. Puso como referencia las trayectorias de Ryan Coogler, descubierto en Sundance y luego en la sección Un Certain Regard, y de Paul Thomas Anderson, que llegó al festival primero en esa misma sección y después a competición con Embriagado de amor. “¡Volverán, estoy seguro!”, dice.

La consolidación y los despidos que atraviesa la industria estadounidense pesan, aunque Frémaux señaló que cuando los estudios de Hollywood consideraron que Cannes les beneficia, acuden. El problema es estructural: los grandes estudios producen menos superproduciones y menos películas de autor que antes.

Precisamente esas películas no llegarán a tiempo. Digger, del director mexicano con Tom Cruise como protagonista, y The Odyssey de Christopher Nolan “no están listas”. El posible regreso de Steven Spielberg con Disclosure Day tampoco estará. Ante eso, Frémaux lanzó un mensaje a los estudios: no hace falta gastar de más para generar impacto en el festival. “También se puede viajar ligero… Un director y dos actores son suficientes para presentar una película.”

Nerviosismo en Hollywood

Tricia Tuttle comentó entonces que se trataba más bien del temor a arriesgarse por parte de los grandes estudios, y habló también de las presiones comerciales. “Hay nerviosismo en un mercado muy difícil: un nerviosismo ligado a la publicación de críticas mucho antes del estreno y al control que se busca ejercer sobre el lanzamiento de filmes de esta envergadura”, afirmó en enero al Hollywood Reporter.

La responsable recordó la desastrosa acogida crítica que recibió Joker: folie à deux, presentada en la Mostra de Venecia en 2024, antes de su fracaso en taquilla. “Desde entonces constatamos mucha más reticencia”, añadió.

En otra época, cuando Hollywood producía más películas, un fracaso comercial podía absorberse con mayor facilidad. Hoy en día, un tropiezo así puede desembocar en dificultades graves para las empresas.

Para algunos analistas, los estudios de Hollywood producen menos películas compatibles con Cannes. “Llevan allí a los artistas, intentan construir un relato mediático dos, tres, a veces cuatro meses antes del estreno y luego exponen la película a las críticas más exigentes del mundo”, explica J. Sperling Reich, crítico de cine afincado Los Ángeles. “Si la película no funciona en Cannes, es muy difícil recuperarse", afirma.

Los grandes estrenos recientes, como el biopic sobre Michael Jackson Michael y El diablo viste de Prada 2, organizaron sus propios eventos promocionales, muy controlados y potenciados por los “influencers” y las redes sociales.

Cannes, una vidriera formidable

Otros expertos, en cambio, dudan de que 2026 marque una ruptura entre Hollywood y los festivales europeos, puesto que para los estudios suponen una muy buena base de proyección internacional. El Festival de Cannes “es una vidriera formidable, porque es uno de los eventos más vistos, pero tienen un ritmo de promoción muy eficaz. Si las fechas de Cannes coinciden con su lanzamiento, se produce una convergencia de ambos”, explica Éric Marti, director de Comscore Francia, la empresa encargada de procesar los datos de las recaudaciones en el cine.

Hollywood, además, no está “totalmente ausente” de Cannes este año, señala. El festival tiene prevista una proyección especial de Fast and Furious para celebrar los 25 años de la saga, propiedad de Universal, con la presencia de las estrellas originales Vin Diesel, Michelle Rodriguez y Jordana Brewster.

Fuente: AFP

El 79º Festival de Cine de Cannes dio comienzo este martes, marcando el inicio de 12 días de estrenos ininterrumpidos que culminarán el 23 de mayo con la entrega de la prestigiosa Palma de Oro.

Aquí hay cinco cosas que sucedieron el día de la inauguración del Festival de Cannes 2026.

Peter Jackson recibió una Palma de Oro honorífica

El festival de la Riviera Francesa comenzó con un homenaje a Peter Jackson, a quien se le otorgó la Palma de Oro honorífica. Fue presentado por Elijah Wood, quien interpretó a Frodo Bolsón en las películas. “Nunca he entendido por qué me dan la Palma de Oro. No soy de los que aspiran a ganarla”, dijo el cineasta neozelandés.

A continuación, Jackson fue agasajado con una interpretación de “Get Back” de Los Beatles, un guiño a su aclamado documental de 2021. El director se sentó a la derecha del escenario, moviendo los labios al ritmo de la letra.

Jane Fonda y Gong Li inauguraron el festival

La tarea de declarar oficialmente inaugurado el festival recayó en Fonda, de 88 años, y en Gong, el actor chino-singapurense. “El cine siempre ha sido un acto de resistencia”, dijo Fonda.

Cine y política en Cannes

En la presentación del jurado que decidirá la Palma de Oro —el máximo galardón de Cannes—, los miembros del jurado hablaron sin rodeos sobre la celebración de un festival de cine en tiempos de conflicto geopolítico. Paul Laverty, el guionista escocés conocido por sus películas con el director Ken Loach, señaló el cartel de Cannes de este año, el de Thelma y Louise, mientras hablaba de su asistencia a Cannes durante lo que él llamó “genocidio en Gaza”. Citando a El rey Lear, dijo: “Los locos guían a los ciegos”.

“Cannes tiene un cartel estupendo”, dijo Laverty. “¿No es fascinante ver a algunos como Susan Sarandon, Javier Bardem y Mark Ruffalo vetados por sus opiniones en contra del asesinato de mujeres y niños en Gaza? ¡Qué vergüenza para la gente de Hollywood que hace eso!“ El jurado, compuesto por nueve miembros, está presidido por Park Chan-wook , el cineasta surcoreano de Oldboy y No Other Choice, quien afirmó que la política y el cine van de la mano.

“El arte y la política no son conceptos contradictorios”, afirmó Park. “No se puede descartar una película con el pretexto de que tenga un mensaje político. Del mismo modo, no se puede rechazar una película porque no sea lo suficientemente política”. Entre los demás miembros del jurado se encuentran Chloé Zhao, Stellan Skarsgård, Ruth Negga y Demi Moore, quien hace dos años fue aclamada por su regreso triunfal con la película La sustancia.

La reaparición de James Franco

Cannes se ha caracterizado en ocasiones por acoger a personalidades que no siempre son bien recibidas en Hollywood. Hace tres años, el festival se inauguró con la película de Johnny Depp, Jeanne du Barry. Este martes, James Franco fue un invitado inesperado en la ceremonia de inauguración.

En 2021, el actor y otros coacusados ​​acordaron pagar 2,2 millones de dólares para resolver una demanda en la que se le acusaba de intimidar a estudiantes de una escuela de actuación y cine que él mismo fundó, obligándolos a participar en situaciones sexuales gratuitas y de explotación.

Una versión restaurada de ‘El laberinto del fauno’

Veinte años después del estreno de su aclamada fábula, El laberinto del fauno, Guillermo del Toro regresó a Cannes para proyectar una restauración en 4K de la misma. El cineasta mexicano afirmó que la película, que narra la historia de una joven y un capitán fascista en la España de los años 40, sigue siendo de gran actualidad.

“Desafortunadamente, vivimos en tiempos que hacen que esta película sea más pertinente que nunca, porque nos dicen que resistirse es inútil, que el arte se puede hacer con una maldita aplicación”, afirmó del Toro.

Fuente: AP

[Fotos: Manon Cruz; Gonzalo Fuentes / Reuters]

El director neozelandés Peter Jackson recibió una Palma de Oro honorífica en la apertura del Festival de Cannes, un homenaje que él, conocido en especial por la gesta (hasta entonces considerada imposible) de haber adaptado El Señor de los Anillos, describió como “inesperado” y “milagroso”. “Nunca pensé que ganaría una porque no hago filmes que consiguen la Palma”, detalló sobre el galardón, que le fue entregado en el escenario del Gran Teatro Lumière, tras haber desfilado por la alfombra roja con la icónica sintonía de “La Comunidad del Anillo” con el actor estadounidense Elijah Wood, al que Jackson catapultó a la fama con el papel de Frodo.

El también responsable de títulos como Desde mi cielo explicó que Cannes ha sido un lugar fundamental en su carrera y, sobre todo, en la preparación de la trilogía de El Señor de los Anillos ya que fue en el marco de este certamen francés donde se pudieron ver por primera vez las imágenes inéditas del filme en 2001. Eran apenas 26 minutos, siete meses antes del estreno oficial, que impactaron a los periodistas que pudieron ver el adelanto.

Antes de eso, recordó Jackson, “todos los medios no hablaban más que de fracaso”. Pero “Cannes cambió la percepción del filme, incluso para mí”, compartió el director en su discurso de agradecimiento. Años atrás ya había estado en el festival, rememoró, tras haber filmado Mal gusto (1987), un título que gracias al mercado del festival pudo ser visto en medio centenar de países y eso supuso el auténtico “lanzamiento” de su carrera. “Para mí Cannes está ligado a buenos recuerdos”, aseguró.

Antes de entregarle el galardón, Elijah Wood le había descripto como un genio que cambió el cine cuando se embarcó en el rodaje de la obra maestra de J.R.R. Tolkien, una proeza técnica que, pese a todo, se siente “artesanal” y con “corazón”. “La tecnología no significa nada si no lleva una parte de humanidad”, afirmó el intérprete de 45 años, con el que Jackson bromeó para romper el hielo al felicitarle porque por fin había logrado tener vello facial. En aquel monumental rodaje de la trilogía sobre el “Anillo Único”, Wood contó que le vio “tomar decisiones imposibles todos los días con una calma increíble” y señaló también que la labor de Jackson ha permitido desarrollar la industria cinematográfica en Nueva Zelanda, que antes de él era muy pequeña.

Peter Jackson sucede en la Palma de Oro honorífica a nombres como Agnès Varda, Marco Bellocchio, Jodie Foster, Meryl Streep o Robert de Niro, y en esta edición también habrá otro galardón de homenaje para la cantante y actriz estadounidense Barbra Streisand, que la recibirá en la ceremonia de clausura. Tras la entrega del trofeo al cineasta neozelandés, las actrices Jane Fonda y Gong Li se encargaron de declarar abierta la edición 79 del Festival de Cannes, que comenzó con la proyección fuera de competición de la comedia francesa La Vénus électrique, de Pierre Salvadori.

Vibrante discurso de Jane Fonda

La actriz estadounidense Jane Fonda y su colega china Gong Li inauguraron el Festival de Cannes. “El cine siempre fue un acto de resistencia porque contamos historias”, afirmó Fonda. “Historias que aportan empatía a los marginados, historias que nos permiten sentir más allá de las diferencias, historias que nos dejan ver que es posible un futuro alternativo”, añadió. “Creo en el poder de las voces, las voces en la pantalla, las voces fuera de la pantalla y, sobre todo, las voces en la calle, especialmente ahora”, insistió la actriz.

Jane Fonda también recordó que en el Festival de Cannes “los relatos priman, la valentía de contar prima”. “Celebremos la audacia, la libertad y el enorme acto de creación”, dijo antes de declarar abierta la muestra junto a Gong Li.

Con información de: EFE y AFP

[Fotos: Reuters/Manon Cruz]

Las raíces familiares y el teatro infantil definieron de manera profunda la vocación y el compromiso de Ayo Edebiri y Don Cheadle, según compartieron ambos en una conversación con el programa informativo estadounidense CBS Sunday Morning.

Unidos por una admiración mutua y por una sensación inmediata de complicidad en escena, los actores reflexionaron sobre cómo sus experiencias personales se enlazan y cómo el teatro ha sido un espacio donde han forjado un lazo de respeto genuino.

La influencia del entorno familiar, la impronta de docentes y las primeras vivencias en el escenario fueron decisivas en su pasión por la actuación. Edebiri relató que su profesora de teatro en la primaria y las funciones para público infantil marcaron su camino inicial, mientras que Cheadle describió cómo siente la presencia de sus padres al actuar y la relación profunda que el teatro crea más allá de la simple interpretación.

Raíces familiares y primeras vocaciones

“Está en mi Monte Rushmore de actores”, confesó Edebiri sobre Cheadle durante la entrevista con CBS Sunday Morning. La actriz recordó que fue elegida para el teatro infantil siendo apenas una niña, impulsada por su profesora de teatro a asumir papeles que la hicieron comprender el poder del escenario: “Mi vida, mis moléculas, cambiaron por el teatro en vivo”, contó.

Por su parte, Cheadle narró experiencias similares, evocando la emoción y los nervios de sus primeras veces en escena. “Cuando vi el set, fue como un retroceso; recordé esa mariposa en el estómago antes de actuar”, expresó el actor.

La disposición y el esfuerzo de sus familias jugaron un papel clave. A veces, era necesario movilizar recursos para pagar entradas asequibles o apoyar actividades escolares relacionadas con el arte. “Poder pagar una entrada era la única forma de ver teatro”, subrayó Edebiri sobre sus comienzos.

Complicidad y proceso creativo en el escenario

La química entre los protagonistas surgió de inmediato en el primer ensayo. “Sentí de inmediato un instinto paternal con Ayo”, admitió Cheadle en la conversación con CBS Sunday Morning. Edebiri también remarcó la profundidad del vínculo: “No tuvimos que ser formales; de inmediato fuimos compañeros de escena al mismo nivel”.

Ambos destacaron que la comunicación iba más allá de los ensayos formales. “Me escribía mensajes sobre una línea o una escena, y eso me motivaba”, relató la actriz.

En el día a día, la dinámica se hace evidente a través de cuidados y bromas mutuas con tono familiar. “Si Ayo va a trasnochar, le recuerdo que tenemos función”, relató Cheadle entre risas, a lo que ella añadió: “Y yo hago lo mismo contigo; es recíproco”.

El desafío de reinventarse sobre el escenario

Reflexionando sobre la diferencia entre teatro y audiovisual, ambos subrayaron la naturaleza irrepetible y exigente del escenario en vivo.

Edebiri compartió su preferencia por arriesgarse: “Prefiero fracasar de forma espectacular que tener éxito sin alma”, afirmando el valor de experimentar y ensayar con humildad.

“El valor está en lo que el público siente, no en la ovación”, señaló Cheadle, remarcando que la recompensa del proceso creativo se encuentra en la autenticidad y el impacto real en los espectadores. Ambos coinciden en que el aprendizaje radica en aceptar errores y mejorar noche tras noche. “En el teatro, la palabra es lo más importante”, insistió el actor, resaltando la fidelidad al texto.

Teatro accesible y el poder de transformar vidas

El compromiso de Ayo Edebiri y Don Cheadle con un teatro accesible forma parte central de sus motivaciones. “Fue importante para nosotros porque el teatro es parte de nuestra base; poder pagar una entrada era fundamental”, enfatizó Edebiri, destacando la influencia de iniciativas para entradas asequibles.

Ambos aseguraron a CBS Sunday Morning que no solo apoyan la accesibilidad, sino que contribuyen directamente con recursos para que nuevos públicos puedan acceder a espectáculos. “La entrada puede ser una barrera real, pero estamos trabajando para expandir el acceso”, apuntó Cheadle.

La implicación de Barack Obama y Michelle Obama —expresidente de Estados Unidos y ex primera dama— como productores aportó un nuevo horizonte al proyecto. “Es estupendo contar con su apoyo en esta misión de apertura”, reconoció el actor, remarcando la sintonía del espectáculo con un propósito inclusivo y transformador.

Ambos intérpretes consideran que el proceso teatral representa un aprendizaje constante y un desafío que aviva su vocación. “Ser parte de un grupo donde puedo equivocarme, experimentar y crecer me inspira cada día”, declaró Edebiri. Cheadle señaló la importancia de salir de la zona de confort: “El arte nos invita a cruzar límites, a crecer y encontrar nuevos caminos”.

Elijah Wood, el intérprete de Frodo, protagonista de la saga The Lord of the Rings (El señor de los anillos), dirigida por Peter Jackson, será el encargado de entregar, este lunes, la Palma de Oro de honor del 79.° Festival de Cannes al realizador neozelandés.

Era uno de los secretos de esta edición y ha sido desvelado por la corporación pública France Télévisions, encargada de las retransmisiones de Cannes.

La entrega de la primera Palma de Oro de honor de esta edición –la segunda será para Barbra Streisand– se celebrará durante la ceremonia de apertura del festival. Y este miércoles, el realizador tendrá una cita con el público en una de las habituales charlas que Cannes organiza con grandes figuras del cine.

“Será uno de los mayores momentos de mi carrera. Cannes ha desempeñado un papel decisivo en mi carrera de cineasta”, dijo el director cuando se anunció que recibiría este reconocimiento en Cannes, al que acudió por primera vez con su ópera prima, Bad taste (Mal gusto) en 1988.

Jackson “ha marcado un antes y un después” en el cine, con “la desmesura como marca de fábrica y su arte total de la diversión particularmente ambicioso”, señaló el festival cuando anunció el galardón.

Cannes destacó los “virajes decisivos” que ha ido dando Jackson en su carrera como realizador, productor y guionista y afirmó que con su trilogía de El señor de los anillos, iniciada en 2001, “revolucionó en la gran pantalla la manera de fabricar imágenes, crear universos y contar historias”.

Fue en Cannes donde se pudieron ver por vez primera las imágenes del filme. Apenas 26 minutos, siete meses antes del estreno oficial, que impactaron a los periodistas que pudieron ver el adelanto.

El señor de los anillos se convirtió en un enorme éxito internacional, recaudó 868 millones de dólares, solo superada aquel año por la primera entrega de Harry Potter (974 millones).

La trilogía consiguió un total de 17 Oscar, 11 de ellos para la tercera película, que igualó así el récord de estatuillas que estaba en poder den Ben Hur (1959) y Titanic (1997). Y, con 3.000 millones de dólares en ingresos, es la octava saga más rentable de la historia.

Jackson firmó después la nueva versión de King Kong (2005), antes de regresar al universo de Tolkien con otra trilogía, la de The Hobbit (El hobbit) entre 2012 y 2014.

En los últimos años ha realizado documentales como They Shall Not Grow Old (Ellos no envejecerán, 2018), sobre la Primera Guerra Mundial, o la miniserie The Beatles: Get back (2021).

Jackson sucederá en la Palma de Oro honorífica a nombres como Agnès Varda, Marco Bellocchio, Jodie Foster, Meryl Streep o Robert de Niro, que lo recibió el año pasado.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Carlos Ortega, Reuters/ Yuriko Nakao/ archivo y Reuters/ Gonzalo Fuentes.

El conglomerado The Walt Disney Studios alcanzó USD 2.000 millones en recaudación global en lo que va de 2026, un resultado que lo convierte en el primer estudio cinematográfico en lograr esta marca durante el año, según reportó el sitio especializado Deadline el 10 de mayo. Este hito afecta de manera directa al sector de la exhibición cinematográfica internacional y a los grandes estudios de Hollywood, ya que refleja el liderazgo de la compañía en un mercado competitivo y volátil.

Según cifras citadas por Deadline, la película El Diablo Viste a la Moda 2 impulsó de forma determinante la recaudación del estudio, con un acumulado global de USD 433,2 millones en sus primeras semanas de exhibición. La información fue confirmada por la base de datos Box Office Mojo, que atribuyó el éxito a una estrategia de estrenos internacionales y al impacto de franquicias ya establecidas.

El desempeño de Disney se enmarca en un contexto de recuperación y crecimiento del sector, tras el impacto de la pandemia y la consolidación de modelos híbridos de distribución, de acuerdo con Deadline y otras fuentes del sector. El estudio mantiene su estrategia de fortalecer sagas y lanzar secuelas de títulos exitosos para sostener su posición en taquilla.

¿Cómo alcanzó Disney los USD 2.000 millones en 2026?

De acuerdo con Deadline, el principal motor de la recaudación de Disney en 2026 fue El Diablo Viste a la Moda 2, dirigida por David Frankel y protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaway. El filme logró USD 144,8 millones en Estados Unidos y USD 288,4 millones en mercados internacionales, superando los USD 326,5 millones globales de la cinta original de 2006. Este desempeño fue complementado por títulos como Hoppers (USD 371,6 millones) y Send Help (USD 94 millones), además de los ingresos residuales de estrenos de 2025 como Avatar: Fire & Ash y Zootopia 2, según la base de datos Box Office Mojo.

La estrategia de lanzamientos globales permitió a Disney posicionar a El Diablo Viste a la Moda 2 como el estreno internacional más visto de 2026 en países como Italia, Brasil, Reino Unido y Australia, con cifras altas en otros mercados clave, de acuerdo con el análisis publicado por el sitio especializado Deadline.

¿Cómo fue el desempeño de El Diablo Viste a la Moda 2 en Estados Unidos?

En el mercado estadounidense, El Diablo Viste a la Moda 2 registró una recaudación de 144,8 millones de dólares al cierre de su segunda semana, según datos de Deadline. La película se ubicó entre las más vistas en salas de cine de EE.UU., manteniendo un sólido desempeño tras un debut de 43 millones de dólares en su primer fin de semana.

La cinta experimentó una caída del 44% en su segunda semana, una cifra considerada dentro del rango habitual para grandes estrenos, según el análisis de Box Office Mojo. El filme se benefició de la celebración del Día de la Madre en Estados Unidos, lo que impulsó la asistencia y llevó a los principales estudios a ajustar sus estimaciones al alza, de acuerdo con Deadline.

El éxito en el mercado doméstico contribuyó de manera significativa al acumulado global de Disney. La estrategia de estrenos amplios en cadenas de cine y la continuidad de la saga resultaron determinantes para captar audiencias en diferentes segmentos, según fuentes de la industria citadas por Deadline y Box Office Mojo.

¿Cuáles fueron los mercados más importantes para El Diablo Viste a la Moda 2?

La película El Diablo Viste a la Moda 2 se ubicó en la primera posición de la taquilla no local en mercados como Alemania (15,9 millones), Italia (USD 28 millones), Reino Unido (USD 28,5 millones), Australia (USD 18,5 millones), Japón (USD 16,8 millones), Corea del Sur (USD 8,3 millones), Brasil (USD 22 millones) y México (USD 20,1 millones), según datos de Deadline. En América Latina, la cinta también logró posiciones destacadas en Argentina (5,8 millones), Venezuela, Uruguay, Paraguay y Chile.

La publicación de Deadline precisa que la secuela se consolidó como el estreno número uno (no local) en países como Armenia, Bosnia, Bulgaria, Georgia, Líbano y Eslovaquia. En el mercado estadounidense, la película alcanzó USD 144,8 millones después de dos semanas en cartelera.

¿Cómo se comparan estas cifras con las de otros estudios?

El análisis de Deadline y del portal de estadísticas Koimoi destaca que Disney es el único estudio en superar los USD 2.000 millones en recaudación global en 2026 hasta la fecha. Los demás grandes estudios de Hollywood, incluidos Warner Bros. y Universal Pictures, no han alcanzado esa marca en el mismo periodo, según los datos publicados.

El éxito de Disney está vinculado a su capacidad para capitalizar franquicias y secuelas, así como a la estrategia de estrenos simultáneos en múltiples territorios. Deadline subraya que los cómputos anuales de los estudios incluyen tanto estrenos del año en curso como ingresos remanentes de títulos lanzados el año anterior.

¿Qué otros estrenos impulsaron la taquilla internacional?

Además de El Diablo Viste a la Moda 2, la recaudación global de Disney recibió el aporte de títulos como Hoppers y Send Help, junto a los remanentes de Avatar: Fire & Ash y Zootopia 2. Por fuera de Disney, el informe de Deadline menciona el estreno de Mortal Kombat II, de Warner Bros., que sumó USD 63 millones en su primer fin de semana mundial, con USD 40 millones en Estados Unidos y USD 23 millones en mercados internacionales.

También se registró el lanzamiento de Michael, la biopic sobre Michael Jackson dirigida por Antoine Fuqua, que alcanzó USD 577 millones a nivel global, de los cuales USD 240,4 millones provinieron de Estados Unidos y USD 336,8 millones del resto del mundo, según datos citados por Deadline. Otros estrenos recientes incluyen The Sheep Detectives, de Amazon MGM Studios (USD 28 millones), y el documental musical Billie Eilish: Hit Me Hard & Soft, distribuido por Paramount (USD 20,1 millones).

¿Qué impacto tiene este resultado para el sector y el público?

El liderazgo de Disney en la taquilla global refuerza la tendencia de los grandes estudios a apostar por franquicias y secuelas para garantizar ingresos sostenidos. Analistas consultados por el sitio especializado Deadline y la base de datos Box Office Mojo coinciden en que la estrategia de lanzamientos internacionales y la continuidad de sagas exitosas permiten a los estudios movilizar audiencias en mercados diversos.

El informe de Deadline señala que los datos de taquilla de 2026 reflejan una recuperación del sector, con una afluencia de público que supera los registros de años anteriores en mercados clave. Los operadores de salas y distribuidores prevén que esta tendencia se mantenga, dada la cantidad de estrenos importantes programados para el resto del año.

El monto de la recaudación obtenida por Disney tiene implicancias para el desarrollo de nuevas producciones, la distribución global y la programación de eventos cinematográficos internacionales, según el análisis de Deadline. Los espectadores acceden a una oferta ampliada de contenidos, mientras que los estudios ajustan sus estrategias para capitalizar la atención del público en un contexto de competencia creciente.

¿Qué se puede esperar para el resto de 2026?

La expectativa del sector es que Disney mantenga su liderazgo en la taquilla internacional durante el segundo semestre, a partir del estreno de nuevas entregas de franquicias consolidadas y de la diversificación de géneros. Las cifras de Deadline y la base de datos Box Office Mojo anticipan un cierre de año con volúmenes de recaudación superiores a los de 2025 para los grandes estudios de Hollywood.

El impacto para la industria y los espectadores se traduce en un mayor flujo de producciones de alto presupuesto y en la consolidación de estrategias de distribución global, de acuerdo con el análisis de Deadline. El resultado obtenido por Disney en 2026 marca un precedente para las prácticas de programación y lanzamiento en la industria cinematográfica.

Con cinco directoras entre las 22 películas en competición oficial, el delegado general del Festival de Cannes aseguró este lunes que se niega a aplicar una “política de cuotas” y rechazó las críticas sobre el “feminism washing” del cartel oficial que representa a Thelma y Louise.

“En ningún momento elegimos a Geena Davis o Susan Sarandon o la película de Ridley Scott como cartel para, supuestamente y sin mucho esfuerzo, darnos una imagen feminista”, declaró Thierry Frémaux, respondiendo a las críticas de 50/50 sobre la elección del visual que, según este colectivo feminista, no es representativo del lugar de las mujeres en Cannes.

El colectivo 50/50, que trabaja por la igualdad y la inclusión en la industria del cine y del audiovisual, firmó en 2018 una especie de carta estatutaria con el Festival de Cannes.

“En ningún momento esta carta menciona la paridad en la selección. En ningún caso debe haber una política de cuotas”, insistió el responsable, añadiendo que la paridad está en “los jurados y los órganos”.

“Si dudamos entre dos películas [...] y las dudas son entre la película de un director y la película de una directora, elegiremos el filme de la directora”, agregó en la rueda de prensa, en la víspera de la ceremonia de apertura del festival.

El porcentaje de mujeres cineastas (sobre el número total de directores y directoras) en 2026 para los largometrajes de la selección oficial, incluidas secciones paralelas como Una Cierta Mirada, es del 34% (frente al 26% en 2025). Esta proporción llega al 38% con los cortometrajes, según el festival.

“Hoy vemos cada vez más directoras en el cine joven, así que van llegando poco a poco a la competición”, insistió Frémaux. “Las cifras dicen que se progresa, que es lento, que no es suficiente”, admitió.

Fuente: AFP. Fotos: Blanca Cruz/ AFP; Olivier Chassignole/ AFP.

El actor Jack Taylor, conocido por su extensa carrera en el cine de terror y su presencia en la escena cinematográfica española desde los años 60, ha fallecido a los 99 años. La noticia fue confirmada por la Academia de Cine, que destacó el legado de este intérprete nacido como George Brown Randall en Oregón, Estados Unidos, en 1926. Taylor, que residía en el barrio madrileño de Chamberí desde hace décadas, se convirtió en una figura habitual del género de terror y de la serie B en España.

Su llegada a España marcó un punto de inflexión en su trayectoria profesional. Tras una etapa inicial en Hollywood, donde no encontró su sitio, Taylor viajó a México, donde se sumergió en el cine local, trabajó en teatro y aprendió español. Finalmente, en los años 60, se instaló en la capital española. Allí, aunque tampoco encajó del todo en el cine español tradicional de la época, halló su nicho en las películas de terror. Su aspecto y su acento le abrieron las puertas a papeles de villano, muchas veces en filmes que, en su momento, no lograron la proyección deseada en España por cuestiones de censura, pero que hoy cuentan con una legión de seguidores.

A pesar de su especialización en el cine de género, Jack Taylor también formó parte de proyectos de gran alcance internacional. Trabajó con directores como Roman Polanski en La novena puerta (1999), donde compartió pantalla con Johnny Depp, y con Milos Forman en Los fantasmas de Goya (2006). Además, dejó su huella en superproducciones como Cleopatra (1963), junto a Elizabeth Taylor, y en la emblemática Conan el Bárbaro, donde interpretó a un sacerdote enfrentado a Arnold Schwarzenegger. Su versatilidad le permitió aparecer tanto en grandes producciones como en títulos de culto dentro del género.

Jack Taylor y su papel en el cine de terror español

En España, el nombre de Jack Taylor está estrechamente ligado a la filmografía de Jesús Franco, cineasta con quien colaboró en numerosas ocasiones. Juntos rodaron películas de vampiros y otros subgéneros del terror y exploitation, consolidando a Taylor como uno de los rostros más reconocibles de este tipo de cine. Uno de sus papeles más recordados fue el del profesor Arthur Brown en Mil gritos tiene la noche, una película que se ha convertido en referencia obligada para los aficionados al terror.

El recorrido de Taylor por el cine de terror español abarca también títulos como Necronomicón y apariciones en proyectos televisivos, como la serie Curro Jiménez, dirigida por Pilar Miró. Su físico y estilo lo convirtieron en el antagonista ideal, un rol que él mismo valoraba positivamente. En entrevistas, llegó a afirmar que prefería encarnar al malo porque “la gente solo se acuerda del malo”, y recordaba que las películas rodadas fuera de España no estaban sometidas a la censura local, lo que le permitía trabajar con mayor libertad creativa.

Trayectoria internacional y anécdotas de un actor versátil

La carrera de Jack Taylor no se limitó a los estudios españoles. Tras abandonar Hollywood por la falta de papeles que se ajustaran a su perfil, el actor se trasladó a México, donde no solo amplió su experiencia profesional, sino que también aprendió el idioma que utilizaría el resto de su vida en Madrid. En Europa, Taylor encontró la oportunidad de participar en películas que más tarde alcanzarían estatus de culto, y de trabajar en un entorno menos restrictivo que el de la industria estadounidense de la época.

Taylor compartió escenas con figuras como Manolo Escobar y Rocío Jurado en Los guerrilleros (1963), y tuvo pequeños papeles en grandes producciones, demostrando una capacidad de adaptación que le permitió mantenerse activo hasta una edad avanzada. Su experiencia con la censura franquista y su visión sobre la evolución de los contenidos audiovisuales en España reflejan el recorrido de un actor que supo reinventarse sin perder su identidad. La muerte de Jack Taylor cierra una etapa del cine español marcada por la presencia de actores extranjeros que, como él, supieron encontrar su sitio en Madrid y dejar una impronta imborrable en el género del terror y la serie B.

La actriz Juliette Binoche ha explicado en una reciente entrevista con el diario británico The Guardian, tras el estreno de su documental In-I In Motion, que considera que tener un coordinador de intimidad en un rodaje no es suficiente para lograr interpretaciones auténticas en las escenas físicas o románticas. Según Binoche, los actores deben superar sus propios límites para alcanzar una verdad emocional en pantalla.

El documental In-I In Motion, en el que Binoche debuta como directora y que se presentó en el pasado Festival de San Sebastián, muestra el proceso de seis meses de ensayos de danza contemporánea junto al bailarín británico Akram Khan.

El diario británico The Guardian recoge declaraciones donde Binoche señala que “el cuerpo se convierte en un puzle” cuando se establecen normas formales de consentimiento para cada movimiento, mostrándose más partidaria de un enfoque intuitivo para las escenas íntimas. Sobre el trasfondo del proyecto, la actriz puntualiza: “Nuestra película va contra lo que se dice hoy en día, y eso me gusta”.

Las medidas de protección Vs. la espontaneidad

Durante la conversación, Juliette Binoche detalló que valora las medidas de protección para actrices con menos experiencia, pero sostiene que la conexión entre intérpretes debe surgir de una necesidad interna, lejos de apoyarse únicamente en protocolos.

La intérprete y directora afirma: “No es tan simple como tener a un coordinador de intimidad en el plató. Cuando actúas una escena amorosa, tiene que venir del corazón, del instinto, de la necesidad. Si en vez de sentir lo que sucede, piensas solo en los movimientos que vas a hacer, entonces estás en una mala situación”.

Además de esta perspectiva, Binoche argumenta la importancia de vencer la timidez y abordar sin reservas la exposición corporal y emocional, aunque implique atravesar ciertas barreras personales. “De verdad tienes que ir más allá de tu zona de confort porque de lo contrario te vuelves una mojigata y no eres veraz con lo que está pasando en la vida”. Estas afirmaciones destacan el posicionamiento singular de la actriz frente a debates recientes sobre la seguridad y autonomía en los rodajes.

La postura de Binoche contrasta con las opiniones de otras figuras del cine, como Kate Winslet o Jennifer Lawrence, quienes han destacado la utilidad de los coordinadores de intimidad tras el auge del movimiento #MeToo. Binoche reconoce la utilidad de estos profesionales, aunque reivindica que la autenticidad de ciertas escenas solo puede alcanzarse aceptando cierto riesgo y espontaneidad.

En la misma entrevista con el diario The Guardian, Binoche detalla el origen autobiográfico de algunas escenas del documental, en particular una secuencia inspirada por un asalto que sufrió en su adolescencia. Relata que, en ese episodio, cuando su agresor intentó estrangularla, ella le desafió diciéndole: “Adelante, hazlo”. El atacante desistió, algo que Binoche identifica como gesto de autodeterminación y comprensión del dolor propio. “Mucha gente pasa por eso. En Francia el porcentaje de mujeres que sufren violencia así es enorme”, afirma la intérprete, remarcando la dimensión colectiva de estas experiencias.

Una nueva experiencia como directora

La actriz, que cuenta con más de setenta largometrajes y un Oscar, asume que el proceso creativo implica exponerse, trabajar sobre lo desconocido y asumir la vulnerabilidad como motor artístico. “Ser principiante significa no saber. Se trata de orientarse hacia una verdad interior. No es cuestión de confianza, sino de permitirse no ser nada”, argumenta Binoche en The Guardian. En la pieza también aparece su visión sobre la dirección cinematográfica: tras décadas de colaboración con grandes realizadores, afirma haber recogido la intuición de la mayoría de directores para seguir la necesidad interior como punto de partida en el arte.

El documental incluye material filmado por su hermana, la realizadora Marion Stalens, quien grabó cerca de 200 horas de ensayos que Binoche redujo personalmente a las dos horas finales de metraje. La película, compuesta por fragmentos de las conversaciones con Akram Khan y escenas de improvisación, culmina con la grabación íntegra de la pieza de danza. El diario británico The Guardian subraya que este resultado es una obra aún más descarnada y experimental que los papeles más icónicos de la actriz en filmes como Tres colores: Azul o El paciente inglés.

Binoche reside actualmente en París, disfruta de trabajos que la mantienen conectada con su realidad y acaba de finalizar el rodaje de North Loire, dirigida por Antoine Chevrollier, mientras sostiene distintas colaboraciones internacionales. También protagonizará la próxima película dirigida por Ethan Hawke, que tendrá por título Camino real.

Ya dio vida a todo un personaje icónico en una película navideña como fue el de Padre en apuros, pero ahora Arnold Schwarzenegger vuelve a sorprender con un giro inédito en su carrera al encarnar a Santa Claus en The Man with the Bag, la próxima apuesta navideña de Prime Video. El servicio de streaming ha publicado las primeras imágenes oficiales en las que se ve al actor caracterizado como el icónico personaje, generando expectativas entre los fanáticos del cine de acción y la comedia. El filme se presenta como una de las grandes novedades de la temporada festiva de 2026 y busca posicionarse como la favorita de los hogares para estas fiestas.

La caracterización de Schwarzenegger como Santa Claus marca una nueva etapa para el actor, quien a sus 78 años sigue liderando producciones de alto perfil. En la imagen difundida por Prime Video, se observa a Schwarzenegger vestido con el clásico atuendo rojo y blanco, portando la tradicional barba y un gorro navideño. La transformación no solo resulta llamativa por el contraste con los papeles de acción que definen su carrera, sino también por el tono humorístico que promete la película. Junto a él, aparece Alan Ritchson, quien interpreta a Vance, un exladrón reclutado por Santa para una misión inusual.

La trama de The Man with the Bag se centra en un dilema propio de una comedia navideña con tintes de acción: la bolsa mágica de Santa ha sido robada y, para recuperarla, el protagonista decide buscar ayuda en la “lista de los traviesos”. Vance, interpretado por Ritchson, es el elegido para esta tarea, en una dinámica que combina el humor de los filmes navideños con la adrenalina de los títulos de acción. El argumento explora la posibilidad de redención para un personaje que representa el lado opuesto de la tradicional lista de buenos y malos, mientras se enfrenta a situaciones inesperadas al lado de Santa. El elenco de The Man with the Bag se completa con figuras reconocidas del cine y la televisión. Entre los nombres destacados se encuentran Ken Jeong, Awkwafina, Kyle Mooney, Jane Krakowski, Murray Hill y Liza Koshy. La participación de estos actores, conocidos por sus dotes cómicas y su presencia en producciones de éxito, refuerza el tono festivo y familiar de la película. Mooney, antiguo integrante de Saturday Night Live, junto a Jeong y Awkwafina, aportan una variedad de estilos humorísticos que prometen escenas memorables.

Así será ‘The Man with the bag’

Dirigida por Adam Shankman y escrita por Allan Rice, The Man with the Bag combina la experiencia de un realizador experto en musicales y comedias con la frescura de un guion pensado para todos los públicos. La película fue anunciada como una de las grandes producciones para la temporada navideña, con una apuesta clara por el entretenimiento familiar y un enfoque visual atractivo. Prime Video ha confirmado que el estreno mundial será el 2 de diciembre, ubicando el lanzamiento en el inicio de la temporada festiva, un momento estratégico para captar la atención de quienes buscan nuevas propuestas para ver en casa.

La elección de Schwarzenegger como Santa Claus no es casual. Su trayectoria, marcada por éxitos como Terminator y Los mercenarios, lo ha consolidado como un referente del cine de acción, pero también como una figura capaz de reinventarse. La imagen del actor austríaco en el papel de Santa combina fuerza física, carisma y una veta cómica que se anticipa como el principal atractivo del filme. Ritchson, por su parte, suma credenciales como protagonista de la serie Reacher, consolidándose como un rostro popular en el streaming.

El anuncio y las imágenes de The Man with the Bag han generado gran expectación. En la fotografía promocional, Schwarzenegger sonríe junto a Ritchson, mostrando la química entre ambos protagonistas y anticipando el tono desenfadado que tendrá la historia. La película busca sumarse a la lista de clásicos navideños que renuevan el género, apostando por una combinación de acción, humor y espíritu festivo. Con una fecha de estreno que evita la saturación de títulos cercanos a Navidad, Prime Video apuesta a que el público encuentre en esta propuesta una nueva favorita para celebrar en familia.

Warner Bros. ha iniciado el desarrollo de un reboot cinematográfico de Westworld, con el reconocido guionista David Koepp a cargo del libreto. Koepp es conocido principalmente por adaptar la novela Jurassic Park para la pantalla grande, lo cual lo posiciona como una figura relevante en historias donde la tecnología y la ciencia salen de control. La compañía aún no ha confirmado quién dirigirá la nueva versión, y el proyecto se encuentra en una etapa inicial. El futuro de este desarrollo podría verse afectado, ya que Warner Bros. está en proceso de ser adquirida por Paramount Skydance, situación que podría modificar la agenda de estrenos y proyectos del estudio.

La película original Westworld, escrita y dirigida por Michael Crichton en 1973, ofrecía una visión de un parque de diversiones temático en el que los visitantes interactuaban con androides que, de forma inesperada, comenzaban a fallar y representar una amenaza. Esta trama, centrada en la imprevisibilidad de sistemas complejos y la fragilidad de las barreras entre lo humano y lo artificial, anticipó conceptos narrativos que Crichton retomaría en Jurassic Park. El filme fue protagonizado por Yul Brynner, Richard Benjamin y James Brolin, logrando una recaudación de 10 millones de dólares frente a un presupuesto de 1,2 millones.

El universo de Westworld se ha expandido más allá del cine. Entre 2016 y 2022, la historia fue adaptada a la televisión mediante una serie distópica emitida por HBO. Este proyecto, creado por Jonathan Nolan -hermano del famoso director Christopher Nolan- y Lisa Joy, contó con actuaciones de Evan Rachel Wood, Thandiwe Newton y Jeffrey Wright. La serie modernizó el enfoque del relato, explorando temas de conciencia artificial, poder y libre albedrío, y consolidó a Westworld como una franquicia de referencia en la ciencia ficción contemporánea.

En busca de director

El nuevo reboot de Westworld busca capitalizar el interés renovado en relatos de inteligencia artificial y entretenimiento inmersivo. El fichaje de Koepp como guionista sugiere una intención de retomar el tono y la tensión que hicieron de Jurassic Park un éxito global. Entre los trabajos más reconocidos de Koepp figuran sus colaboraciones en franquicias como Mission: Impossible, Indiana Jones y Spider-Man, así como películas originales como Death Becomes Her (1992), Panic Room (2002) y War of the Worlds (2005). Más recientemente, Koepp ha trabajado en Indiana Jones and the Dial of Destiny (2023), dos filmes con Steven Soderbergh, la historia sobrenatural Presence (2024), el thriller de espionaje Black Bag (2025) y Jurassic World Rebirth. Actualmente, Koepp prepara un nuevo proyecto junto a Steven Spielberg: la película Disclosure Day, que contará con las actuaciones de Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth, Eve Hewson y Colman Domingo. Esta colaboración refuerza el perfil de Koepp como uno de los guionistas más solicitados para grandes producciones de Hollywood.

La evolución de Westworld desde su concepción en 1973 hasta el presente refleja el interés persistente por las historias que exploran los límites entre la humanidad y la tecnología. La nueva versión en desarrollo representa una apuesta de Warner Bros. por revitalizar un concepto clásico, en un contexto donde la relación entre humanos y máquinas vuelve a ocupar un lugar central en el debate cultural y cinematográfico. Todavía no se han anunciado fechas de inicio de rodaje ni detalles sobre el reparto, por lo que la atención permanece sobre cómo la posible fusión empresarial podría influir en el destino de este ambicioso reboot.

Ahora todas esas vivencias las ha volcado en su ópera prima como directora, Yo no moriré de amor, película que ganó la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga, el premio a la mejor actriz (la debutante Júlia Mascort) y el de mejor actor de reparto (Tomás del Estal).

En ella, los introduciremos en el espacio familiar a través de la mirada de la joven Claudia (Mascort) y de las dinámicas que se establecen a partir del paulatino empeoramiento de su madre a lo largo de los años. Así, iremos pasando de la negación a la necesidad de escapar, de la reivindicación de libertad a la empatía y el entendimiento.

Basada en la propia experiencia de la directora

“La película está basada en mi historia, en efecto, porque cuando tenía 18 años, a mi madre le diagnosticaron una demencia frontotemporal y estuvo nueve años enferma. Y todos esos años nos tuvimos que encargar de los cuidados mis hermanas, mi padre y yo. Así que todo este proceso ha sido lo que me ha conformado como persona adulta”, cuenta Marta Matute a Infobae.

El ‘alter-ego’ de Marta en la pantalla, lo encarna una sorprendente Júlia Mascort, que consigue llevar el peso de toda la película, a pesar de su juventud, y de enfrentarse a una interpretación llena de matices que nos lleva de la rabia al dolor, de la culpa a la rebeldía de una manera prodigiosa y con una madurez que pocas veces hemos visto en una debutante.

“Cuando me llegó la prueba sabía que se trataba de un tema delicado, pero tras leer el guion me pareció increíble la manera en la que se abordaba, porque tampoco creo que haya tantas historias que hablen de la figura del cuidador o cuidadores, de cómo una familia se organiza para poder dedicarse a la persona enferma. Así que me parece una increíble noticia que exista esta película”, cuenta Máscort.

Su personaje no deja de ser el de una chica adolescente que tiene que echarse encima una serie de cargas que la oprimen por completo, en un momento además, en el que se encuentra conformando su personalidad. “Creo que es el gran dilema de mi personaje, que tiene que vivir todo eso, tomar decisiones y priorizar entre su juventud, las cosas que le gustan, sus amigos, la fiesta, o condenarse a vivir en casa para cuidar de su madre. Ella lo ve como algo ‘súperinjusto’ y a veces se comporta un poco egoísta. Pero yo también tenía que empatizar con eso, con la humanidad del personaje y de cómo ella viaja a lo largo de los años con esta irresponsabilidad”.

Junto al personaje de Claudia, encontramos al de su hermana mayor, a la que encarna Laura Weissmahr (que ganó el Goya a la mejor actriz revelación por Salve María), más responsable, pero que vive en otra ciudad y no puede hacerse cargo como le gustaría. “Creo que, de alguna manera, todos estábamos ahí para honrar a su familia, a su historia, a través de lo personal para hacerlo más universal a través de lo que significan los cuidados, que a cada uno nos va a tocar de una forma u otra“, cuenta Laura Weissmahr.

Una propuesta pulcra y respetuosa

Yo no moriré de amor está contada de una manera de lo más pulcra y respetuosa, desde el corazón, sin parafernalias emocionales o lacrimógenas a pesar de tratar una tema tan duro. “Yo tenía el tono muy claro en la cabeza. Mi línea roja era no caer en el melodrama, eso nunca podía pasar, antes prefería no hacer la película. Pero porque no es real. Cuando estás durante años cuidando a alguien, terminas disociándote completamente, así que normalizas la situación, normalizas algo que no es normal”.

La directora cuenta que estamos atravesados por el deber de cuidar a quien nos ha cuidado. “Yo quería retratar a una familia poco comunicativa, poco afectuosa, que no fuera de grandes abrazos ni de grandes demostraciones de cariño. Son los pequeños gestos los que importan, los que hacen que empatices con ellos. Pero, en general, es una película muy contenida”.

En segundo plano, pero no menos importante, asistiremos al avance de la enfermedad de la progenitora, de cómo los pequeños olvidos y ausencias se van convirtiendo en episodios en los que ella ya no es consciente de su cuerpo ni de su mente. El trabajo, en este sentido, de Sonia Almarcha, resulta absolutamente desgarrador.

“No rodábamos de forma cronológica y, en el caso de Júlia, a lo mejor por la mañana estaba en un estado de la enfermedad del año uno, y por la tarde en el año siete. Entonces, ella tenía un mapa hecho de cada momento para ubicarse. Yo, que tenía menos días de rodaje, cuando llegaba decía: ¿qué vamos a hacer hoy? Y solo tenía que girarme y ver el estado de Sonia para saberlo. Ella nos ayudaba a colocarnos mucho en el papel, porque lo tenía interiorizadísimo“, cuenta Laura Weissmahr. ”A nosotras nos vino muy bien todo el trabajo previo que hicimos, como ir a visitar centros de día y pasar tiempo con personas que estaban en esas condiciones, respirar un poco ese ambiente para no asustarnos, para que no nos pillara por sorpresa, porque si tú lo vives todos los días, es lo más normal del mundo".

En la película, el deterioro de la madre tiene lugar a lo largo de seis años. En el caso de Marta, fueron nueve, pero conoce a personas que en dos años, han desaparecido totalmente. “No se sabe por qué ocurre, solo que en las personas más jóvenes, todo avanza más rápido. Hay tantos tipos de demencias como las personas que las padecen. Yo he intentado plasmar la que vivió mi madre, así que ha sido muy impresionante ver lo que hacía Sonia Almarcha en la película, porque había momentos que me retrotraían directamente al pasado”, cuenta Matute.

Yo no moriré de amor se postula así como una de las óperas primas destacadas para la próxima edición de los Premios Goya. Una película pequeña en comparación con los trabajos de Pedro Almodóvar, Rodrigo Sorogoyen o Los Javis que seguramente acaparen las nominaciones, pero que contiene una verdad y emoción contenida que desarma al hablar de un tema tan sensible de una forma personal y delicada.

La buena noticia, es que no tendremos que esperar mucho para verla, ya que se estrenará en Apple TV el próximo 29 de mayo. Se trata de la adaptación de su propio libro, titulado en inglés Propeller One-Way Night Coach y que aquí se llamará Ven a volar conmigo.

La película, narra la travesía de un joven entusiasta de la aviación, Jeff —a quien da vida el debutante Clark Shotwell— y su madre, interpretada por Kelly Eviston-Quinnett, en un trayecto aéreo a través del país hacia Hollywood.

Un homenaje a la edad de oro de la aviación

La historia sitúa su acción durante la edad dorada de la aviación y describe cómo un vuelo rutinario se convierte en un viaje transformador, lleno de escalas inesperadas, pasajeros peculiares y una mirada singular a la primera clase. Así, la experiencia del chico estará marcada por comidas a bordo, azafatas encantadoras, pasajeros extraordinarios y momentos mágicos e inesperados, elementos que terminan definiendo el futuro del protagonista.

La dirección y la producción del filme corren a cargo del propio Travolta, junto con Jason Berger y Amy Laslett de Kids at Play, bajo el amparo de Apple Original Films.

La película supone el debut como director de John Travolta, una figura de larga trayectoria reconocida tanto en los géneros populares de finales del siglo XX —como ocurrió con su papel en Grease— como en propuestas más arriesgadas de los años noventa, entre ellas Pulp Fiction (1994) y Primary Colors (1998).

Travolta traslada aquí una de sus grandes pasiones personales, la aviación, presente también en su faceta como piloto ocasional y en otros trabajos anteriores como actor. Al asumir la dirección, Travolta incorpora a Ella Bleu Travolta, su hija, en el reparto interpretando a una de las azafatas junto a Olga Hoffmann, y suma a Miles McMahon como parte del elenco.

El regreso a Cannes de Travolta

La exhibición de en Cannes de Ven a volar conmigo, marca el regreso de John Travolta al festival francés casi treinta años después de su última participación como actor. En 1998 presentó Primary Colors, y previamente había acudido con Pulp Fiction y Atrapada entre dos hombres en 1994 y 1997, respectivamente.

La participación de la película en la Sección No Competitiva del Festival de Cannes coincide con un año donde la presencia de títulos estadounidenses en el festival es limitada. El certamen cuenta con obras europeas como la inaugural La Vénus électrique de Pierre Salvadori y una importante representación española, con títulos como Amarga Navidad de Pedro Almodóvar, La bola negra de los Javis y El ser querido de Rodrigo Sorogoyen.

Travolta, que suma más de setenta producciones como actor, asume con este largometraje un nuevo papel tras décadas de experiencia en la industria. Al mismo tiempo que ha dirigido su ópera prima, el actor tiene en marcha la participación en seis proyectos más, entre los que se encuentran November 1963 y The Gentleman Thief. También estaría en postproducción la última película de Renny Harlin, en la que compartiría protagonismo con el español Álvaro Mel, titulada Black Tides.

El actor y cómico Martin Short ha relatado durante una entrevista con CBS News Sunday Morning, el profundo impacto que provocó en su familia el suicidio de su hija Katherine Short, ocurrido el pasado febrero a los cuarenta y dos años de edad.

Short describió la muerte de Katherine como “una pesadilla para la familia”, y subrayó que tanto la salud mental como el cáncer —en referencia al padecimiento que sufrió su esposa Nancy Dolman— deben ser entendidos como enfermedades que, en ocasiones, pueden resultar terminales.

“Mi hija luchó mucho tiempo con graves problemas de salud mental, trastorno límite de la personalidad y otros cuadros; hizo lo que pudo hasta que ya no pudo más”, expresó el actor en la citada entrevista.

Los problemas de salud de Katherine

La oficina del forense de Los Ángeles confirmó a la revista People que el deceso de Katherine se debió a un suicidio. En un comunicado, la familia Short pidió respeto a la intimidad y resaltó que Katherine Hartley Short “será recordada por la luz y alegría que trajo al mundo”.

Graduada en psicología y estudios de género y sexualidad por New York University en 2006, Katherine obtuvo el máster en trabajo social por la University of Southern California en 2010. Trabajaba como trabajadora social clínica titulada en práctica privada y prestaba servicios en la clínica Amae Health en labores de apoyo comunitario, grupos familiares y psicoterapia.

Por otra parte, Nancy Dolman, esposa de Martin Short durante treinta años, murió por cáncer de ovario en 2010 a los cincuenta y ocho años. El actor adoptó junto a ella a Katherine, Oliver (40) y Henry (36).

Qué contará el documental sobre Martin Short

El estreno de la película documental Marty, Life Is Short en Netflix está previsto para el 12 de mayo y en él se repasará toda su vida dentro del mundo del cine desde sus inicios hasta la actualidad. O, lo que es lo mismo, desde Saturday Night Live o películas míticas de los años ochenta como El chip prodigioso hasta recientes éxitos como Solo asesinatos en el edificio.

El documental está dirigido por el mítico Lawrence Kasdan, guionista de las sagas de Indiana Jones o La guerra de las galaxias, y contará con la participación de personalidades de Hollywood como Steven Spielberg o Tom Hanks y su mujer Rita Wilson, grandes amigos de Martin Short, al igual que la recientemente fallecida Catherine 0’Hara, a la que también la película dedicará un pequeño homenaje.

Martin Short ha estado toda la vida ligado a la comedia. Sin embargo, la huella de la muerte siempre le ha acompañado. A los doce años, perdió a su hermano mayor en un accidente y antes de cumplir los 20 ya habían fallecido sus padres.

Quizás por eso, utilizó el humor como salvavidas emocional. Es al menos lo que dicen sus amigos, como Steve Martin, que lo ha acompañado desde sus inicios hasta la actualidad, configurando una de esas extrañas parejas de Hollywood que solo existen por los vínculos más sólidos y que se puedan imaginar delante y detrás de las cámaras.

El rotundo éxito de la película Michael, biopic de Michael Jackson, ha consolidado el legado del Rey del Pop en la cultura actual. Tras su estreno en abril de 2026, la cinta ha superado todas las expectativas comerciales al recaudar aproximadamente 570 millones de dólares a nivel mundial en apenas tres semanas y ya se posiciona como el biopic musical más exitoso en Estados Unidos, reafirmando el magnetismo eterno del cantante de Billie Jean, Beat It o Thriller.

Así, el éxito de Michael vive directamente de la relevancia que tuvo este artista que llegó a vender más de 70 millones de copias con solo uno de sus discos (Thriller), y que en seis décadas diferentes, incluso 20 años después de su muerte, ha conseguido que sus canciones entren en las listas de lo más escuchado del mundo. Tal fue su fama en vida que, allí donde iba, se convertía en el centro de atención de todo el mundo.

En España, sin ir más lejos, actuó un total de ocho veces a lo largo de su carrera. Marbella, Madrid, Barcelona, Oviedo, Zaragoza y Tenerife serían algunos de los destinos donde recalaría el rey del pop, protagonizando todo tipo de anécdotas que, con el tiempo, han ido saliendo a la luz, desde sus paseos por la capital rodeado de policías hasta su preocupación cuando vio a tanta gente asomada a los balcones en las calles. Alguien tendría que explicarle que hacer vida en aquella parte exterior de la casa era muy habitual en España, al contrario que en otros países más fríos.

El hotel que no le permitió hospedarse

Sea como sea, cuesta imaginar que una ciudad no deseara que el artista actuara allí, así como que un hotel que no quisiera recibirlo durante su estancia. Sin embargo, eso fue lo que ocurrió en Madrid a finales de los años 80. El Rey del Pop iba a actuar frente al estadio Vicente Calderón completamente lleno y buscaba quedarse en alguno de los mejores establecimientos de la ciudad.

El elegido para acoger al cantante fue el Hotel Ritz (actual Mandarin Oriental Ritz Madrid), un histórico edificio inaugurado a principios del siglo XX por el rey Alfonso XIII para dotar a la capital de un alojamiento de lujo al estilo de París o Londres. Sin embargo, desde el Ritz decidieron rechazar la estancia del artista por una sencilla razón: no se aceptaban mascotas, y Michael Jackson siempre iba acompañado de uno de los personajes que más reacciones ha provocado en su biopic: Bubbles, su chimpancé.

Convertido en su compañero inseparable desde los 80, Bubbles se convirtió en parte del círculo íntimo del cantante, e incluso durmió durante mucho tiempo en su misma habitación. Sin embargo, a medida que creció, su carácter se volvió cada vez más imprevisible y ganó mucha fuerza, por lo que en 2003 sería trasladado al Centro de Grandes Simios de Florida. Desde allí, describieron la personalidad de este simio como tranquila y también “juguetona”, lo que explicaba también por qué a Michael Jackson le gustaba tanto estar con él. Cuando recibió la negativa del Ritz, decidió no prescindir de su mascota y acabar recalando en el Hotel Palace, donde le ofrecieron su mejor habitación.

Una habitación llena de juguetes en Canarias

Lo cierto es que la presencia de Bubbles no sería la única extravagancia de Michael Jackson en los hoteles. En 1993, el cantante visitó la isla de Tenerife para un concierto frente a 50.000 personas. Para ello, el cantante se alojó en el Hotel Botánico de Puerto de la Cruz, y un elemento muy recordado de su estancia es que pidió que su habitación estuviera llena de juguetes.

El artista se dejó ver en diferentes zonas del norte de la isla y, tal y como recordarían quienes estuvieron allí, se gastaría mucho dinero en discos... y en llamadas telefónicas: “La factura telefónica en el Hotel Botánico fue astronómica”, recordó Juan Manuel Bethencourt en una entrevista para el diario canario de El Día. Betancourt fue el responsable del reportaje documental de 2023 Adivina quién actuó esa noche, que rescató todos los recuerdos del concierto de Michael Jackson en Tenerife treinta años antes.

“Lo que ocurrió con Tenerife fue una cosa totalmente exótica. El concierto en Tenerife no estuvo en la gira europea, ni en la asiática, ni en la americana. Convirtieron a la isla en una escala entre el final de la gira asiática y el inicio de la gira latinoamericana. Jackson pasó de Estambul a Buenos Aires y, en medio, estuvo tres días en Canarias”, concluía para el citado medio. De este modo, pese a sus muchas excentricidades, y también pese a las polémicas que rodearon su figura en los últimos años de su vida, el cantante dejó recuerdos inolvidables en cada lugar en el que actuó, además de su música, que décadas después de su muerte sigue emocionando a viejos y nuevos oyentes.

El reciente Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades ha recaído en Studio Ghibli “por haber transformado excepcionalmente la creatividad en conocimiento y comunicación”.

El galardón sirve para recordar algo que muchos espectadores ya sabían desde hace años: que sus películas no son solo historias bonitas, sino una forma distinta de mirar el mundo. A lo largo de décadas, el estudio de animación japonés ha creado un imaginario propio que ha marcado a varias generaciones, no tanto por lo que cuenta sino por cómo lo cuenta.

La fantasía como herramienta

La obra de Hayao Miyazaki, director, cofundador de Ghibli y probablemente su nombre más conocido, es una manera de hacer cine donde la fantasía no es evasión, sino una herramienta para percibir mejor la realidad. Sus historias funcionan con una lógica más abierta, más intuitiva. No hace falta entenderlo todo para sentir que ese mundo es real. Una de las claves de ese estilo está en cómo construye sus mundos.

En Mi vecino Totoro, por ejemplo, la historia de una familia que, en el Japón de la posguerra, comienza a interactuar con una criatura, nadie explica qué o quién es Totoro ni de dónde viene. El personaje es tan ambiguo como real. Aparece, y lo aceptamos, bien sea una deidad sintoísta o una imaginación infantil. Forma parte del paisaje igual que los árboles y la casa familiar. Lo mismo sucede en El viaje de Chihiro, donde la protagonista, en medio de una mudanza, entra en un mundo lleno de normas extrañas que nunca se explican del todo. Y, sin embargo, lo aceptamos. Hay cosas que van más allá de la lógica.

La magia en Studio Ghibli tampoco funciona como en otras historias. No es un poder para dominar o vencer, sino una forma de relacionarse. En El castillo ambulante, la fortaleza móvil del título, en su inexplicable funcionamiento, sirve de representación física de la inestabilidad emocional y agente transformador de su dueño. En La princesa Mononoke o Nausicaä del Valle del Viento, lo fantástico está profundamente conectado con la naturaleza. Los dioses, los espíritus o los ecosistemas no son decorado: son el centro del conflicto.

Las películas del estudio hablan, una y otra vez, de la relación entre los seres humanos y su entorno. Pero lo hacen sin sermones. No hay discursos directos ni moralejas evidentes. Lo que hay es aprendizaje, personajes que se equivocan, que dudan, que intentan entender.

Por eso es tan importante el tipo de protagonistas que aparecen en estas historias. Muchas veces son niñas o jóvenes en proceso de crecimiento, como Chihiro o las hermanas Satsuki y Mei de Mi vecino Totoro. No son heroínas clásicas que salvan el mundo, sino personas que aprenden a habitarlo. Su fuerza no está en vencer, sino en comprender, en cuidar, en establecer vínculos.

Esa idea conecta con otra de las características más reconocibles del estudio: la importancia de lo cotidiano. En las películas de Ghibli, cocinar, limpiar, trabajar o viajar tienen tanto peso como cualquier elemento fantástico. No son momentos de transición, sino parte esencial de la historia. Gracias a eso, la magia no aparece como algo lejano. Está en los pequeños gestos, en los silencios, en la forma en que los personajes se relacionan con su entorno. Lo extraordinario no rompe lo cotidiano: convive con él.

El papel de los recuerdos

Pero no se puede hablar de Ghibli sin mencionar también la figura del director Isao Takahata, otro de los cofundadores, que aportaba una mirada muy distinta.

Si Miyazaki explora la realidad a través de la fantasía, Takahata se acercaba más a ella a través de los recuerdos y de la consciencia del pasado. Y lo hacía sin suavizarla. En La tumba de las luciérnagas, la Segunda Guerra Mundial se muestra sin épica ni heroicidad. Es una experiencia dura, cotidiana, que golpea especialmente a los más vulnerables. No hay victimismo, pero tampoco consuelo fácil; solo una mirada honesta sobre lo que la violencia provoca.

Esa sensibilidad aparece también en Recuerdos del ayer, donde Takahata convierte la memoria en el verdadero centro de la narración. La película no necesita grandes conflictos: le basta con observar cómo los recuerdos de la infancia moldean la identidad adulta de Taeko, su protagonista. Algo parecido ocurre en El cuento de la princesa Kaguya, quizá su obra más poética y estéticamente única, donde la belleza de la vida coexiste con la pérdida y la imposibilidad de detener el paso del tiempo.

Películas que no se acaban

Esa convivencia entre lo fantástico y lo realista es lo que hace de Studio Ghibli algo único. No es solo un estudio de animación, sino un espacio donde distintas formas de entender el mundo dialogan entre sí.

En el caso de Miyazaki, su cine transmite una sensación de calma que a veces puede engañar. Sus películas son tranquilas, incluso luminosas, pero no necesariamente optimistas. En ellas hay conflictos que no se resuelven del todo, heridas que no desaparecen, como si fuesen un comentario directo a la realidad. Y, sin embargo, ahí está su fuerza. No ofrecen respuestas cerradas, sino formas de mirar, de estar en el mundo. Por eso, con el paso del tiempo, esos filmes no se agotan: siguen acompañando a quienes las ven porque dejan espacio para volver a ellas, para entenderlas de otra manera.

El reconocimiento a Studio Ghibli no premia solo una colección de películas inolvidables. Reconoce una forma de contar historias que apuesta por la sensibilidad, la empatía y la capacidad de asombro. En un momento en el que todo parece necesitar explicación, sus mundos nos recuerdan algo más simple e importante: que a veces basta con aprender a mirar.

* Es profesor asociado del grado en desarrollo de aplicaciones 3D interactivas y videojuegos, Universidad de Salamanca.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

[Fotos: Europa Press; El viaje de Chihiro/ Studio Ghibli; El cuento de la princesa Kaguya; Studio Ghibli/Netflix]

Este lugar, dice en una charla con EFE, le ha sentado "fenomenal" tras atravesar el duelo por su madre, la legendaria intérprete Gemma Cuervo (1934-2026).

"Andaba con las emociones bajas y venir aquí me ha sentado fenomenal. Llevo unos días superfeliz, bajando al mar, entrenando y muy enfocada en hacer bien mi trabajo. Estoy muy agradecida a todo Egeda (la Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) por haber confiado en mí", expresó la intérprete a pocas horas de la ceremonia, que reunirá al talento audiovisual iberoamericano en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret (México).

Guillén Cuervo, icono de la televisión española y ahora también de las plataformas de 'streaming' con el podcast 'No te lo cayes', conectó en este viaje con el alma de su madre y, sobre todo, con esas palabras que marcaron su despedida.

"Se paró, me miró y me dijo: 'No olvides nunca que eres maravillosa, que brillas, que aportas siempre a los demás; que nadie te confunda, que nadie te robe la sonrisa, que nadie te rompa las alas'", parafraseó Guillén Cuervo tras confesar que "son esas palabras, dolorosas pero inspiradoras" de las que se agarra para seguir adelante.

Con ese buen ánimo, la actriz confía en que esta noche estelar, que reunirá también el resplandor de la música en español con la actuación especial de Camilo, Manuel Carrasco y María Becerra, estará llena de esa gente "sonriente y amable" que admira tanto.

Además, aseguró, será otro episodio más para celebrar "los vínculos del cine iberoamericano", fomentados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda) desde la fundación de la primera edición de los Premios Platino en 2014.

"Creo que esta telaraña de contactos, de ayuda, de colaboración (que ha sujetado a Egeda durante tantos años) es algo único", destacó la polifacética intérprete.

Con más de tres décadas de experiencia en la industria, la actriz admira el cine inspirado en la visión del "50 % del planeta": las mujeres, quienes, además, tienen un papel protagónico en la XIII edición de los Platino, como es el caso de 'Belén', de la argentina Dolores Fonzi; o 'Los domingos', de la española Alauda Ruiz de Azúa, ambas coronando el número de nominaciones.

"El 50 % del planeta es femenino, pues el 50 % las artes escénicas o audiovisuales tendrán que tener puntos de vista femeninos; ni mejor ni peor, femeninos. Es otra manera de ver la vida", defendió.

Para Guillén Cuervo esa mirada femenina que "está siendo bien aprovechada" en el cine tiene el poder para abrir "la conversación, el debate, la reflexión y el espíritu crítico" frente a "la beligerancia, la guerra y el conflicto" que atraviesa actualmente a la humanidad.

La tercera edición del Festival de Cine de Sundance 2026: CDMX llega a la Ciudad de México en un momento en que el cine independiente parece recuperar una de sus funciones más urgentes: despertar conciencia crítica. No se trata solamente de proyectar películas fuera del circuito comercial, sino de abrir un espacio donde las imágenes vuelven a intervenir en las discusiones públicas sobre migración, comunidad, violencia, autoritarismo y resistencia. En América Latina, Sundance no puede ser leído únicamente como una extensión internacional de un festival estadounidense. Su presencia en México tiene otra densidad: ocurre en una región donde las fronteras no son líneas abstractas, sino experiencias cotidianas de espera, expulsión, miedo y sobrevivencia.

Por eso resulta tan potente que una de las películas más relevantes de esta edición sea Everybody to Kenmure Street, del director Felipe Bustos Sierra, documental que obtuvo en Sundance el World Cinema Documentary Special Jury Award for Civil Resistance. La película reconstruye una protesta ocurrida en mayo de 2021 en Pollokshields, un barrio multicultural del sur de Glasgow, cuando agentes del Home Office británico intentaron detener y deportar a dos hombres de origen sij. La operación ocurrió en la mañana de Eid, en una comunidad con fuerte presencia musulmana, lo que muchos vecinos interpretaron como una provocación directa. En pocos minutos, la noticia circuló por redes, chats vecinales y organizaciones comunitarias. Un activista se metió debajo de la camioneta migratoria, abrazó el eje del vehículo y se negó a moverse. Luego llegaron decenas, después cientos de personas. Rodearon la camioneta durante horas hasta impedir la deportación.

Lo extraordinario del documental de Bustos Sierra es que no convierte la protesta en una postal heroica ni en un mito romántico. La muestra como una coreografía social: vecinos que no necesariamente se conocían, personas que salieron en pijama, madres, jóvenes, migrantes, activistas, comerciantes, habitantes comunes de un barrio que de pronto entendió que la política no estaba en el Parlamento, sino en la calle. La película tiene un desenlace poco frecuente para un documental político: una conclusión alegre. Dos personas iban a ser arrancadas de su comunidad y, gracias a la presión colectiva, fueron liberadas.

En entrevista, el propio Felipe Bustos Sierra subraya algo fundamental: la policía no supo cómo responder ante una multitud que no estaba ejerciendo violencia. Esa frase revela uno de los núcleos políticos de la película. El poder está acostumbrado a administrar el choque, la amenaza, el enfrentamiento. Sabe cómo narrar al manifestante violento, al enemigo público, al desorden. Pero se desorienta cuando una comunidad aparece como un cuerpo colectivo, pacífico, persistente y moralmente legítimo. En Everybody to Kenmure Street, la multitud no destruye; protege. No incendia; rodea. No agrede; impide que el Estado se lleve a sus vecinos.

Ahí está la relevancia más profunda del filme: demuestra que el activismo no es una abstracción sentimental. Sirve. Tiene consecuencias materiales. En la entrevista, Bustos Sierra insiste en que la protesta puede tener un resultado legítimo en beneficio de los migrantes. No se trata de una consigna ingenua, sino de una constatación histórica: dos hombres estaban a punto de ser deportados, una comunidad se interpuso, y ambos pudieron regresar a su barrio. La película no pregunta si la solidaridad es bonita; pregunta si estamos dispuestos a asumir su costo.

La conexión con México y América Latina es inevitable. Aquí también la migración ha sido administrada muchas veces como problema de seguridad antes que como drama humano. México es país de origen, tránsito, destino, espera, contención y deportación. Tapachula, en Chiapas, se ha convertido en uno de los símbolos más claros de esa contradicción: una ciudad-frontera donde miles de personas migrantes quedan suspendidas entre trámites, controles, precariedad y la imposibilidad de avanzar hacia el norte. La frontera, en ese sentido, no siempre aparece como muro; también puede aparecer como demora, vigilancia, cansancio y administración burocrática del movimiento. La figura de la camioneta del Home Office en Glasgow dialoga con otra imagen conocida en nuestro continente: los retenes migratorios, las estaciones de detención, las deportaciones aceleradas y el miedo a ser separado de una comunidad.

En Estados Unidos, esos agentes son conocidos como ICE, siglas de Immigration and Customs Enforcement. Para muchas familias migrantes latinoamericanas, ICE no es una institución abstracta, sino una presencia de terror cotidiano: la puerta tocada de madrugada, la detención en el trabajo, la separación familiar, la amenaza de deportación. En Reino Unido, el Home Office cumple una función semejante dentro de otro marco institucional. En ambos casos, el Estado aparece como máquina de clasificación: decide quién pertenece, quién sobra, quién puede quedarse y quién debe ser expulsado.

Everybody to Kenmure Street nos obliga a mirar esa maquinaria desde abajo. No desde el lenguaje burocrático de la “gestión migratoria”, sino desde la experiencia del barrio. En la película, la comunidad funciona como una frontera ética. No una frontera que separa, sino una que protege. Frente al Estado que llega para extraer cuerpos considerados deportables, el barrio responde: de aquí no se los llevan.

La dimensión poscolonial del documental también es central. Glasgow aparece como una ciudad de tradición obrera, sindicalista, internacionalista y antirracista, pero al mismo tiempo marcada por una historia colonial que no puede borrarse. Esa tensión es importante porque recuerda que las sociedades europeas que hoy criminalizan migrantes fueron también beneficiarias de imperios, esclavitud, saqueo y desplazamientos globales. Bustos Sierra parece sugerir que la migración contemporánea no puede separarse de esas genealogías coloniales. Quienes llegan a Europa no aparecen de la nada; llegan desde historias largas de desigualdad, intervención, extractivismo, guerras y fronteras impuestas.

Esa lectura resuena profundamente en América Latina. Nuestros países también viven contradicciones similares: discursos de hospitalidad combinados con racismo, nacionalismo, clasismo y violencia institucional contra los migrantes. México puede denunciar el maltrato a sus ciudadanos en Estados Unidos y, al mismo tiempo, reproducir prácticas de contención contra migrantes centroamericanos, haitianos, venezolanos, cubanos o africanos en su propio territorio. Por eso la película no habla sólo de Glasgow. Habla de todas las comunidades que deben decidir si miran desde la ventana o bajan a la calle.

Uno de los momentos más fuertes de la entrevista con Felipe Bustos Sierra aparece cuando reflexiona sobre la legalidad de la protesta. El director señala que muchas personas pueden reconocer la moralidad de una protesta, pero no se suman hasta saber si es legal, hasta que alguna institución la aprueba. Y ahí aparece una paradoja poderosa: aquella protesta fue ilegal hasta que, de algún modo, se volvió legítima. Esa idea atraviesa la historia de las luchas sociales. Muchas conquistas democráticas nacen antes de ser autorizadas. Primero son vistas como desorden, exceso o amenaza; después, cuando la historia cambia de tono, se convierten en memoria cívica.

México conoce bien esa tensión. Las protestas feministas, las luchas de madres buscadoras, las resistencias indígenas, los movimientos estudiantiles, los defensores del territorio y las redes de apoyo a migrantes han sido muchas veces criminalizadas antes de ser reconocidas como necesarias. La legalidad no siempre llega primero. A veces la justicia aparece como interrupción. A veces, para que una causa sea escuchada, alguien tiene que bloquear una calle, rodear una camioneta, documentar un abuso, abrir una puerta o simplemente quedarse ahí.

Por eso Sundance CDMX importa. No sólo porque trae películas premiadas, sino porque permite que estas discusiones entren en el espacio cultural mexicano. En una época donde buena parte del entretenimiento busca neutralizar el conflicto, el cine independiente recuerda que mirar también es una forma de tomar posición. Everybody to Kenmure Street no ofrece una teoría abstracta de la resistencia; ofrece una escena concreta: una camioneta detenida por la fuerza moral de un barrio.

Al final, la frase de Bustos Sierra condensa el corazón de la película: “If we don’t turn up, nothing happens” (“si no aparecemos, no pasa nada”). Esa es quizá la lección más urgente del documental. La democracia no se defiende sola. La solidaridad no existe si permanece como idea privada. Y la protesta no siempre empieza cuando todo es seguro, legal o cómodo; a veces empieza cuando alguien decide que la expulsión de un vecino no puede ocurrir en silencio.

En un continente atravesado por migraciones, guerras, desplazamientos y nuevas formas de autoritarismo, Everybody to Kenmure Street recuerda algo elemental pero profundamente político: la comunidad todavía puede interrumpir la maquinaria del miedo. Y Sundance CDMX, al traer esta historia a México, nos deja una pregunta incómoda: cuando la camioneta llegue por nuestros vecinos, ¿vamos a mirar desde la ventana o vamos a bajar a la calle?

La película El Diablo Viste a la Moda 2 alcanzó una recaudación global de más de USD 258 millones hasta el 7 de mayo de 2026, posicionándose entre los principales estrenos del año para la industria cinematográfica internacional. El filme, producido por el estudio 20th Century Studios y con la participación de Meryl Streep y Anne Hathaway, se mantiene como uno de los títulos con mayor asistencia en salas de Estados Unidos y en mercados internacionales antes del fin de semana del Día de la Madre.

Según datos de el sitio especializado Box Office Mojo, la secuela sumó USD 101.844.258 en el mercado doméstico hasta el 7 de mayo y USD 156.600.000 en el extranjero, lo que eleva el total mundial a USD 258.444.258. Esta recaudación corresponde al periodo previo al Día de la Madre, que en Estados Unidos se celebrará el 10 de mayo, de acuerdo con el calendario oficial. El comportamiento de la taquilla será monitoreado durante el fin de semana, con especial atención al impacto que pueda tener la festividad sobre la asistencia.

De acuerdo con el portal Deadline, la segunda entrega de la franquicia de el estudio 20th Century Studios se enfrenta en cartelera a otros estrenos de alto presupuesto, como Mortal Kombat II y Michael, en una de las semanas para los cines estadounidenses de mayor recaudación anual. El antecedente inmediato de la saga, la primera película estrenada en 2006, cerró su recorrido global con más de USD 326.000.000, según el sitio especializado Box Office Mojo, lo que establece un punto de comparación para los resultados actuales.

¿Cuánto ha recaudado El Diablo Viste a la Moda 2 hasta el 7 de mayo de 2026?

De acuerdo con los registros de el sitio especializado Box Office Mojo, la película dirigida por David Frankel acumuló USD 101.844.258 en el mercado doméstico de Estados Unidos y USD 156.600.000 en el circuito internacional hasta el 7 de mayo. El total global asciende a USD 258.444.258, cifra que mantiene a la producción entre las más exitosas del año hasta la fecha.

Los datos corresponden a la recaudación previa al fin de semana del Día de la Madre, por lo que el comportamiento de la taquilla durante los días 8, 9 y 10 de mayo será determinante para establecer el impacto total de la festividad en los ingresos del filme. Según el portal Deadline, se espera un aumento en la concurrencia durante ese periodo. Los resultados oficiales estarán disponibles después del cierre de las proyecciones del domingo.

¿Por qué el Día de la Madre impacta en la taquilla de la película?

El Día de la Madre en Estados Unidos se celebra el segundo domingo de mayo, que en 2026 corresponde al 10 de mayo. Esta fecha es una de las de mayor concurrencia para la industria cinematográfica, debido al incremento de la asistencia familiar a las salas, según informes de el portal Deadline. Las distribuidoras suelen programar estrenos dirigidos a públicos femeninos o familiares para aprovechar la tendencia estacional.

En el caso de El Diablo Viste a la Moda 2, la estrategia de lanzamiento buscó captar la atención de mujeres adultas y familias, replicando el enfoque de la primera entrega. De acuerdo con el portal Deadline, el comportamiento de audiencia suele reflejar un repunte durante el fin de semana del Día de la Madre, lo que podría traducirse en un aumento en las cifras de recaudación para la cinta protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaway.

¿Cómo se compara la recaudación de El Diablo Viste a la Moda 2 con la de otros estrenos recientes?

Durante la primera semana de mayo, El Diablo Viste a la Moda 2 compartió cartelera con títulos como Mortal Kombat II, Michael y Sheep Detectives, según el portal Deadline. La competencia directa con otros lanzamientos de alto presupuesto genera un escenario de fuerte rivalidad por la preferencia de los espectadores. Las estimaciones de la industria ubicaban a El Diablo Viste a la Moda 2 y Mortal Kombat II con proyecciones similares para el fin de semana, en torno a los USD 40.000.000 cada uno.

El total recaudado por la secuela hasta el 7 de mayo supera ampliamente los USD 100.000.000 en Estados Unidos, una barrera que pocas películas han alcanzado en 2026, de acuerdo con el sitio especializado Box Office Mojo. A nivel internacional, el filme también destaca por su desempeño, con más de USD 156.000.000 fuera del mercado estadounidense.

¿Cuál es el perfil de la audiencia de El Diablo Viste a la Moda 2?

La estrategia de el estudio 20th Century Studios para El Diablo Viste a la Moda 2 estuvo orientada a segmentar la audiencia femenina y familiar, en sintonía con la fecha del Día de la Madre. Según el portal Deadline, la programación de estrenos en fechas señaladas responde a una lógica comercial que busca maximizar la asistencia en periodos de alta demanda.

El análisis de el portal Deadline indica que el 76% de la audiencia del filme en semanas previas corresponde a mujeres, un dato que coincide con el perfil de público de la primera película. La expectativa de la industria se centra en el posible repunte de la asistencia durante el fin de semana, aunque los datos oficiales estarán disponibles tras el cierre de la taquilla del domingo.

¿Qué efecto tiene la recaudación de El Diablo Viste a la Moda 2 en la industria cinematográfica?

La recaudación acumulada por El Diablo Viste a la Moda 2 refuerza la tendencia de los grandes estudios a apostar por secuelas y franquicias como motores de ingresos globales, según el sitio especializado Box Office Mojo. La comparación con el desempeño de la primera entrega, que sumó más de USD 326.000.000 a nivel mundial, establece un parámetro relevante para evaluar la evolución de la saga.

El comportamiento de la taquilla en la primera semana de mayo proporciona información sobre las preferencias del público y la eficacia de las estrategias de lanzamiento en fechas señaladas. Las proyecciones de el portal Deadline anticipan que el resultado final dependerá de la permanencia del interés del público y de la competencia directa con otros títulos en cartelera durante las próximas semanas.

¿Cuáles son las expectativas tras el fin de semana del Día de la Madre?

Con una recaudación global que supera los USD 258.000.000 hasta el 7 de mayo y la expectativa de un incremento durante el fin de semana del Día de la Madre, El Diablo Viste a la Moda 2 se perfila como uno de los títulos más exitosos de la temporada. Según el portal Deadline, la evolución de la taquilla tras la festividad será decisiva para determinar la posición final de la película entre los estrenos destacados de 2026.

La experiencia de este lanzamiento podría influir en la planificación de futuros estrenos dirigidos a públicos específicos en fechas de alta concurrencia. Los resultados oficiales posteriores al 10 de mayo permitirán comparar el desempeño de la secuela con otros títulos lanzados en periodos similares y definir el impacto real del Día de la Madre en los ingresos del sector.

En lo que va de año, hemos tenido varios fenómenos cinematográficos. Los últimos han sido quizás El diablo viste de Prada 2 y el biopic de Michael Jackson, pero también han estado Proyecto Salvación, la última entrega de Scream o Cumbres borrascosas, la cuestionada adaptación de EMily Brontë protagonizada por Jacob Elordi y Margot Robbie. Pero entre medias hubo una película mucho más valiente y salvaje que todas esas, una avalada por todo un maestro del cine y con dos protagonistas que sorprendentemente congeniaban a la perfección. Una película que, precisamente ahora, acaba de aterrizar en plataformas tras pasar hace unos meses por cines.

Hablamos de Send Help (Enviad ayuda), un thriller de supervivencia con tanto toque de humor como de gore y, sobre todo, mucha aventura. La película se centra en la historia entre un joven jefe de una compañía tecnológica y su empleada más veterana, una esforzada trabajadora que ansía ser valorada y que sin embargo es despreciada por su superior. Sin embargo, el destino quiere que ambos viajen por negocios y que sean los dos únicos supervivientes después de un grave accidente de avión que los deja varados en una isla paradisíaca. Para grata sorpresa del joven, ella está preparada más que de sobra para la situación, pues lleva años entrenándose para un concurso de supervivencia. Pero mala noticia es que las tornas han cambiado, y quizá la empleada está por fin en situación de reclamar justicia.

Dylan O’Brien y Rachel McAdams forman esta extraña pareja cuya química se basa precisamente en el odio que comienzan a profesarse el uno al otro conforme pasan los días en la isla. El primero es conocido principalmente por la serie Teen Wolf y la saga cinematográfica de aventuras El corredor del laberinto, mientras que McAdams es una de las actrices más versátiles de su generación, capaz de encarnar a la malvada pero carismática Regina George en Chicas malas o a la dulce Mary en la comedia romántica Una cuestión de tiempo. Send Help es de alguna manera su gran regreso al cine, después de unos años apartada de la pantalla con apariciones menores en el universo Marvel de la mano de Doctor Strange.

La isla de los ascensos forzados

No obstante, el gran nombre detrás de Send Help es el de Sam Raimi, conocido principalmente por encargarse de la trilogía original de Spider-Man con Tobey Maguire como el icónico superhéroe, pero quien también ha realizado trabajos que mezclan el terror y el humor como Posesión infernal o El ejército de los muertos. Precisamente Raimi fue el encargado de dirigir la última entrega de Doctor Strange en el multiverso de la locura, y aquí puede decirse que da rienda suelta a su mala leche y todos sus trucos cinematográficos, que no son pocos.

Ha sido Disney+ la plataforma encargada de rescatar esta película tras su paso por cines, y donde ahora se puede encontrar la que es sin duda una de las propuestas más diferentes del año, una que mezcla drama de clases con thriller de supervivencia, que tiene una de las escenas más sangrientas e imprevisibles de lo que va de curso y que desde luego no dejará indiferente a nadie que la vea.

La información, revelada por Variety según cuatro fuentes cercanas a las negociaciones, detalla que Streep, la figura central como Miranda Priestly, no solo fue clave para concretar la secuela, sino que impulsó activamente que sus compañeras estuvieran en igualdad de condiciones. Aunque la intérprete de Miranda Priestly podría haber exigido un salario considerablemente superior, las partes involucradas decidieron que la cifra fuera igual para las tres: 12,5 millones de dólares por su participación en la película dirigida por David Frankel. Este acuerdo fue posible gracias a la inclusión de la cláusula de “favored nations”, práctica que garantiza que ningún miembro principal del reparto cobre menos que otro en el mismo rango. Dos de las fuentes consultadas aseguraron que tanto Hathaway como Blunt recibieron la misma suma para volver a dar vida a Andrea Sachs y Emily Charlton, respectivamente. El gesto, atribuido directamente a Streep en la mesa de negociación, honra el espíritu colectivo que hizo de la primera película un clásico perdurable.

El salario base de ocho cifras no es la única fuente de ingresos para las actrices. Los contratos firmados incluyen bonificaciones ligadas al desempeño en taquilla, un mecanismo habitual en los grandes estudios, pero que en este caso destaca por la magnitud de las cifras alcanzadas. Las fuentes señalaron que los incentivos económicos ya comenzaron a pagarse, dado el éxito inmediato de la secuela en las boleterías mundiales. Hasta la fecha, El diablo viste de Prada 2 ha superado los 300 millones de dólares en recaudación global. Si la tendencia persiste y la película continúa batiendo marcas de taquilla, cada actriz podría ver sus ingresos superar los 20 millones de dólares gracias a la suma de salario y bonos. Este tipo de acuerdos, según expertos consultados por Variety, son habituales entre las grandes estrellas, aunque pocas veces se ven cifras tan elevadas fuera del circuito de superproducciones.

Un fenómeno en taquilla

El regreso de la franquicia fue posible tras una larga espera y con un presupuesto considerable. La primera entrega, estrenada en 2006, fue realizada con 35 millones de dólares y recaudó 326 millones en todo el mundo, consolidándose como un fenómeno cultural y comercial. Para la secuela, los estudios asignaron un presupuesto de 100 millones de dólares, gran parte del cual se destinó al elenco principal, según confirmó el director Frankel. El interés de Streep en retomar el papel de Miranda Priestly no era un hecho hasta hace apenas dos años. Según Aline Brosh McKenna, guionista de ambas películas, la actriz manifestó entonces que estaba “abierta” a considerar ideas para una continuación, lo que aceleró las conversaciones y permitió avanzar en el proyecto.

Aunque el salario recibido por Streep en El diablo viste de Prada 2 es notable, no representa el mayor de su carrera. De acuerdo con otra fuente citada por Variety, ese honor lo tiene No mires arriba, la película de Adam McKay para Netflix, donde la estructura de pago difiere de la de los estudios tradicionales. En el caso de Netflix, la compensación incluye una estimación de lo que la película habría recaudado en cines, sumando un pago extra para sustituir los bonos de taquilla. La secuela se encuentra en su segunda semana de estreno y compite en la taquilla global con títulos como Mortal Kombat II. Las previsiones de la industria apuntan a que El diablo viste de Prada 2 podría sumar hasta 42 millones de dólares adicionales durante este fin de semana, lo que consolidaría su posición entre los estrenos más exitosos del año para 20th Century Studios.

Gerard Butler se prepara para irrumpir en el mayor evento deportivo del planeta con The Nest, una película de acción en la que interpretará a un francotirador atrapado en medio de un partido de la Copa del Mundo. El filme, producido por Thunder Road y Black Bear, será presentado en el mercado de Cannes como una de las apuestas más ambiciosas del año.

En The Nest, Butler encarnará a un experto tirador que recibe una amenaza anónima a través de la radio durante el desarrollo de un partido decisivo. A partir de ese momento, el personaje se ve forzado a actuar para salvar tanto a su familia como a 70.000 espectadores que llenan el estadio en plena final del Mundial. La tensión crece a medida que el reloj avanza y el peligro se cierne sobre los asistentes.

La película está inspirada en operativos reales y cuenta con un guion de Aaron Benjamin. La producción reúne a figuras reconocidas del cine de acción: Basil Iwanyk y Erica Lee (Thunder Road), el propio Butler y Alan Siegel (G-BASE), junto a Steve Klinsky (Untravelled Worlds). El inicio del rodaje está previsto para principios de 2027, mientras que la elección del director aún está en proceso.

Un francotirador en la Copa del Mundo

The Nest traslada la acción a uno de los escenarios más reconocibles y multitudinarios: un estadio repleto durante la Copa del Mundo. El protagonista, interpretado por Gerard Butler, debe enfrentarse a una amenaza desconocida, tomando decisiones bajo presión extrema para proteger a su familia y evitar una tragedia durante el partido. Según los detalles difundidos, la historia se basa en experiencias reales de operativos especializados, lo que añade una capa de credibilidad al argumento. El guion explora la dualidad entre la responsabilidad profesional del francotirador y los riesgos personales al verse involucrado su entorno más cercano. Esta combinación de elementos promete una narrativa intensa y cargada de suspense.

El proyecto será uno de los principales atractivos en el mercado de Cannes, donde Black Bear y Thunder Road buscarán asegurar acuerdos de distribución internacional. El presupuesto estimado para la película oscila entre 70 y 80 millones de dólares (USD 70-80 millones), situándola entre las producciones más costosas presentadas este año en el encuentro de la industria. La estrategia de venta apunta a capitalizar la popularidad de Butler en el género y la demanda de historias ambientadas en contextos de alto riesgo y gran visibilidad mediática. El manejo del mercado doméstico estará a cargo de CAA Media Finance.

Gerard Butler ha construido una sólida reputación como protagonista de películas de acción de gran escala. Su filmografía incluye sagas como Objetivo: La Casa Blanca, Greenland, Juego de ladrones y la exitosa serie animada Cómo entrenar a tu dragón. Su vinculación con The Nest refuerza el atractivo del proyecto para estudios y distribuidores, que buscan nombres con experiencia en roles de alta exigencia. El guionista, Aaron Benjamin, tiene experiencia en el género y ha trabajado en títulos como The Zone, con Paula Patton, y She Seems Nice, ambos en desarrollo. También es autor de Maverick, una biografía sobre John McCain durante su periodo como prisionero de guerra. El equipo de producción incluye a Basil Iwanyk y Erica Lee (Thunder Road), reconocidos por su labor en John Wick, así como al propio Butler y Alan Siegel (G-BASE), y Steve Klinsky (Untravelled Worlds).

La producción de The Nest está programada para comenzar en 2027. Actualmente, el equipo se encuentra en proceso de definir al director que estará al frente del rodaje. Mientras tanto, la película ya despierta interés entre distribuidores y analistas de la industria por su combinación de acción, suspense y el trasfondo del Mundial de Fútbol. El anuncio de la fecha de estreno y la confirmación del reparto adicional se realizarán a medida que avance la preproducción. The Nest se perfila como uno de los títulos más esperados entre las novedades presentadas en el mercado de Cannes, y un nuevo paso en la carrera de Gerard Butler.

El cineasta mexicano Guillermo del Toro fue distinguido esta semana como “Miembro de Honor del Instituto Británico”, un reconocimiento que lo sitúa junto a figuras como Elizabeth Taylor y Martin Scorsese. En la ceremonia realizada en Londres, el director recibió el galardón de manos de Cate Blanchett y JJ Abrams.

Aunque el acto central fue el homenaje, lo que más sorprendió a los asistentes fue la confesión del propio Del Toro: después de filmar El laberinto del Fauno en 2006, llegó a pensar que esa podría ser su última obra.

“Pensé que no había más futuro para mí. Era muy complicado conseguir películas de la forma que a mí me gustaba hacer”, explicó ante un auditorio repleto.

El director compartió que, pese a que el filme lo acercó a la Academia de los Oscars, la inseguridad profesional lo acompañó durante mucho tiempo.

Este dato resulta especialmente llamativo por el contraste con su posterior consagración internacional. Quienes se preguntan por qué Del Toro dudó de su carrera tras el éxito de El laberinto del Fauno encuentran en sus palabras la respuesta: las dificultades para mantener su estilo personal en un entorno cada vez más restrictivo para los creadores.

De la infancia en Guadalajara a la consagración en Hollywood y su amor por los monstruos

La pasión de Del Toro por el cine comenzó desde niño, cuando con apenas ocho años experimentaba con una cámara Super 8 y creaba sus primeras historias. Ya en la adolescencia, en México, dirigió varios episodios de la serie La hora marcada en 1988.

El amor por los monstruos es una constante en su obra. El propio director relató la anécdota que marcó este vínculo: “Una noche pedí al monstruo de mi casa que si me dejaba ir a hacer pis seríamos amigos para siempre y les adoro desde aquel día. Son mis criaturas favoritas.” Para Del Toro, los monstruos tienen un “poder de sanación” cuando una película conecta con el público.

Reconocimientos y legado internacional

La trayectoria de Del Toro incluye títulos como La invención de Cronos (1992), El espinazo del diablo (2001), Blade II (2002) junto a Wesley Snipes, y las dos entregas de Hellboy (2004 y 2008). El reconocimiento global llegó con La forma del agua en 2018, por la que obtuvo los premios Oscar a Mejor Película y Mejor Director. Más tarde, su adaptación de Pinocho en 2022 recibiría la estatuilla a Mejor Película de Animación.

Durante mayo, el British Film Institute celebra la obra del cineasta con un maratón de todas sus películas y actividades especiales hasta el día 31. Este homenaje subraya la influencia de Del Toro en la industria y su capacidad para fusionar la fantasía con la emoción humana.

En la conversación, el director subrayó: “La única razón por la que la gente está contigo es cuando eres puro, y eso lo soy, el 100% de lo que ves en las películas soy yo.” La afirmación resume una carrera marcada por la autenticidad y la fidelidad a una visión personal, que hoy es celebrada en uno de los escenarios más prestigiosos del cine mundial.

Según publicó el periódico británico The Guardian, el caso de Soderbergh resulta paradigmático porque, aunque históricamente abierto a nuevas tecnologías, su postura es matizada: “No creo que sea la solución a todo, ni el fin de todo. Estamos en las primeras etapas”, declaró en entrevistas recientes. Su enfoque contrasta con posiciones extremas dentro de la industria, que van desde el rechazo total —como Guillermo del Toro— hasta el entusiasmo corporativo de actrices como Reese Witherspoon y Sandra Bullock, que ven la IA como una herramienta creativa y una aliada inevitable.

Por otra parte, la adopción de IA en proyectos de alto perfil, como la última película de Doug Liman y la serie de Aronofsky basada en IA, señala que la tecnología comienza a formar parte de los grandes presupuestos, no solo como apoyo técnico, sino como elemento central en la propuesta visual o narrativa. Liman, por ejemplo, sostiene que la IA permitió reducir el presupuesto de su nueva producción de USD 300 a 70 millones, aunque esto genera dudas sobre el verdadero impacto económico y artístico.

IA en el cine: entre la innovación y la polémica

De acuerdo con declaraciones recogidas por medios como Filmmaker Magazine y Variety, Soderbergh y otros directores consideran que la IA puede complementar el trabajo humano, pero no reemplazarlo. James Cameron, por su parte, sostiene que la IA generativa nunca tendrá control total en sagas como Avatar, aunque sí explora su uso en aspectos técnicos y creativos. Cameron también integra el consejo de administración de una empresa de IA, lo que refleja un interés estratégico y empresarial.

Mientras tanto, la industria asiste a un debate sobre los riesgos y oportunidades que plantea la IA. Críticos advierten que la democratización prometida por la tecnología puede traducirse en una avalancha de producciones de baja calidad, mientras que los estudios buscan equilibrar la reducción de costos con la preservación de estándares artísticos. El ejemplo de la migración al cine digital, liderada por Soderbergh y otros pioneros, muestra que la tecnología puede transformar la industria, pero no necesariamente elevar la calidad promedio de las películas.

En este contexto, la resistencia de cineastas como Guillermo del Toro y Steven Spielberg representa el otro extremo, defendiendo la creatividad humana y el aprendizaje artesanal frente a la automatización. Spielberg declaró no haber usado IA “todavía”, dejando abierta la puerta a su posible adopción futura.

El futuro de la creatividad en la era de la IA

Por otra parte, la integración de IA en el cine plantea desafíos éticos y laborales. La posibilidad de usar la tecnología para crear imágenes, escenarios y hasta actores digitales genera preocupación sobre el plagio, la manipulación y el desplazamiento de trabajadores técnicos y creativos. El debate también alcanza a la autoría y la originalidad, temas centrales en películas recientes como Los Christophers de Soderbergh, que explora precisamente los límites entre creación y copia.

Advirtieron que el avance de la IA en la industria parece inevitable, aunque su alcance real y su impacto en la calidad y el sentido del cine siguen en discusión. Para algunos, la clave estará en cómo se combine el toque humano con la potencia de las nuevas herramientas, mientras que otros temen una homogeneización y degradación de la producción audiovisual.

Mientras tanto, el público y los profesionales del sector observan con atención cómo los grandes nombres del cine marcan tendencia, influyendo tanto en las aspiraciones creativas como en las políticas de los estudios. El próximo ciclo de estrenos y la evolución de los proyectos actuales mostrarán si la IA se consolida como un recurso más en la paleta del cine contemporáneo o si, como anticipa Soderbergh, termina siendo solo “una fase divertida”.

"Fueran del género que fueran tenían esa identificación", dijo en una rueda de prensa en el parque natural de Xcaret, en la Riviera Maya mexicana, el intérprete conocido por sus papeles en 'El secreto de sus ojos' o la exitosa serie de Disney+ 'El encargado' (2022-2026, cuatro temporadas).

Porque todos sus papeles "tienen que ver con lo popular". "Es lo que me representa a mí, con humor blanco para niños o con más profundidad, pero que siempre tengan eso que cada uno de ustedes tiene", señaló.

El Premio de Honor significa para el actor argentino "un reconocimiento al camino andado" y eso "tiene otra profundidad", dijo.

"Estoy enormemente agradecido por el respeto con que se trata esta gala y este premio, con el jurado, con cómo llevan a cabo todo. Estoy como pleno y satisfecho y feliz de cómo me miman y me cuidan. Esta distinción es lo mejor que me puede pasar. Me emociona mucho", aseguró.

Francella, de 71 años, recordó que a pesar de su pasión por la interpretación desde muy joven estudió periodismo: "Búscate algo para comer", le decían sus padres cuando él lo único que quería era hacer teatro.

"Sentía que en periodismo oral, no en el escrito, había algo de actuación. Lo llevé a cabo, me recibí y trabajé en una revista de la cual me despidieron al poquito tiempo", explicó entre risas. "Y no me gustó", añadió, a pesar de que fuera porque se acabó su periodo de estancia en el medio, "y no por otra cosa".

Su vocación le viene desde muy joven, desde que en el colegio de secundaria, "para financiar el viaje de egresado", su idea fue hacer una obra de teatro ('Charlatanes', de Julio Escobar). "Allí algo me pasó. Me movilizó tanto verme allí en el escenario que dije este es mi lugar en el mundo, era muy jovencito", sostuvo.

"Y mucha gente me acompañó. Primero tuve el apoyo de mis papás y mucha gente de la profesión. En el camino anterior tuve todo tropiezos grises, las cosas no se daban, era muy difícil vivir de la profesión. Antes era una lotería encontrar que alguien te mire, era muy difícil, pero tuve mucha gente que me acompañó y me apoyó", reconoció.

Además del Premio de Honor, el actor está en esta edición de los Platino nominado en la categoría de Mejor Interpretación Masculina de Largometraje por su papel en 'Homo Argentum', película de los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat en la que interpreta a 16 personajes distintos.

El filme fue un gran éxito en el país y suscitó un debate público sobre qué imagen de la sociedad argentina reflejan los personajes.

Los Premios Platino del cine iberoamericano son unos galardones creados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda) en colaboración con la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (Fipca), la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (Fiacine), Latin Artist y el apoyo de los institutos de cine, para reconocer a los profesionales de la industria cinematográfica iberoamericana.

En esta edición, estos galardones premian en total 36 categorías del audiovisual iberoamericano.

Ayer se entregaron 21 de ellas, la mayoría de carácter técnico, en una gala inaugural que se celebró por primera vez en la historia de estos reconocimientos.

Entre los más reconocidos en esta primera entrega, 'El Eternauta', la serie argentina que adapta la popular novela ilustrada de Héctor Germán Oesterheld, con cinco Platino técnicos de categorías televisivas, y la española 'Anatomía de un instante', adaptación de la novela homónima de Javier Cercas, cuatro.

El resto se darán a conocer en la gala final que se celebrará el sábado en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret.

Después de los últimos estrenos del mes de abril, entre los que se incluían la esperada secuela de El diablo viste de Prada o la obra de culto para cinéfilos Resurrection, la cartelera del mes de mayo se abre con un crisol de propuestas.

Por una parte, desembocan algunas películas internacionales potentes, como la segunda parte de Mortal Kombat, pero sobre todo encontramos mucho cine español de lo más diverso: la ganadora del Festival de Málaga, el thriller de terror Bajo tus pies, protagonizado por Maribel Verdú y el ‘slasher’ La casa en el árbol.

Además, destaca la producción chilena Hangar rojo, basada en hechos reales en torno a cómo la escuela de aviación de Santiago de Chile que se convirtió en un centro de detención y tortura durante la dictadura de Pinochet.

‘Yo no moriré de amor’: cuidados y Alzhéimer

La gran triunfadora del Festival de Málaga ha vuelto a ser una ópera prima, en este caso de Marta Matute, que aborda su historia personal cuando tuvo que enfrentarse al cuidado de su madre enferma de demencia cuando apenas había cumplido 18 años.

En Yo no moriré de amor la directora nos introduce dentro del entorno familiar a través de la mirada de una joven que se debate entre su deseo de libertad y la responsabilidad de cuidar a su progenitora, que poco a poco se irá apagando, al mismo tiempo que su estado requerirá una atención y un esfuerzo que supondrá poner de acuerdo a todos los miembros para sacar adelante la situación.

Una película sin artificios, de lo más rigurosa y honesta en la que brilla todo el reparto: Júlia Mascort, Sonia Almarcha, Tomás del Estal y Laura Weissmahr.

‘Las ovejas detectives’, un ‘whodonit’ animal

Basada en la novela de Leonie Swann y dirigida por uno de los responsables de Los Minions, se presenta esta original comedia en el que unas ovejas, a las que su dueño les leía novelas policiacas, tendrán que investigar su muerte cuando se den cuenta de que ha sido asesinado.

En el reparto humano encontramos a Hugh Jackman, Molly Gordon o Emma Thompson y en el animal, las voces de Patrick Stewart, Regina Hall, Bella Ramsey o Bryan Cranston.

‘Mortal Kombat II’, ‘revive’ el mítico videojuego

Esta saga basada en la franquicia de videojuegos parece que nunca vaya a tener fin. Desde que comenzara su explotación en 1995, ha tenido muchas vidas hasta que Simon McQuoid se hiciera cargo del ‘reboot’ en 2021. Parecía que su secuela no iba a llegar, pero aquí está esta segunda parte que ha sido acogida por la crítica mejor de lo que nadie hubiera esperado.

Al frente del reparto, en esta ocasión, Karl Urban, Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson y Judi Li. Los campeones favoritos de los fans, se tendrán que enfrentar en la batalla más sangrienta, a vida o muerte mientras un oscuro régimen, amenaza la existencia.

‘Los mejores años de nuestra vida’, y Hombres G

El tándem formado por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, responsables de documentales que nos llevan desde Anatomía de un Dandy a la serie Raphaelísimo, se embarcan en la tarea de contar la historia del grupo Hombre G desde su formación en los años 80 hasta la actualidad.

Mientras la banda celebra 40 años en la música, es el momento de repasar los buenos y malos momentos a través de material de archivo inédito y desde una valiosa perspectiva individual de cada uno de los miembros.

‘Couture (Alta costura)’, Angelina Jolie y la moda

En el pasado Festival de San Sebastián se presentó esta película de Alice Winocour que cuenta la historia de una directora de cine de terror, interpretada por Angelina Jolie, a la que una Maison francesa, encargará hacer un cortometraje durante la Semana de la moda sirviéndose de inspiración en una serie de piezas góticas. Al mismo tiempo, será diagnosticada de cáncer y tendrá que someterse a un virulento tratamiento. Su camino se cruzará con el de otras dos mujeres, una modelo de Sudán que escapa de su pasado marcado por la violencia para sumergirse en un entorno repleto de superficialidad, y una maquilladora que trabaja entre bambalinas.

Una película que utiliza el mundo de la moda para hablar de universo femenino a través de diferentes puntos de vista, en el que la supervivencia en un entorno hostil se convierte en una de las cuestiones fundamentales.

Tenía 22 años, casi la misma edad que la protagonista de la película, Andy Sachs. Ambas vivíamos y trabajábamos en Nueva York, y ambas teníamos un conocimiento bastante limitado de la alta costura, pero ahí terminaban las similitudes, al menos superficialmente. Ella aspiraba a ser escritora en The New Yorker, pero por el momento era la asistente junior de Miranda Priestly (Meryl Streep), la insoportable editora de la revista de moda Runway; yo era analista de negocios en un gran banco de inversión, solo me servía mi propio café y nunca me había planteado seriamente una carrera en el periodismo.

Al presenciar la evolución de Andy, de una empleada nueva abrumado hasta una asistente personal sumamente competente, y luego una aspirante a periodista con un corte de pelo mucho mejor, vi en ella un ejemplo para seguir. Me encantó, y la he visto docenas de veces en los últimos 20 años, pero con el tiempo he llegado a verla de otra manera, y no solo porque yo también he cambiado.

En mi propia orientación para nuevos empleados un año antes, un gerente de alto nivel nos exhortó a mí y a otros cien recién graduados: “Si quieren tener éxito en el trabajo”, dijo, ajustándose la corbata, “conviértanse en la persona indispensable en su escritorio”. Sean los primeros en llegar a la oficina y los últimos en irse, explicó. Nunca rechacen una tarea. Asuman que harán el peor trabajo y nunca digan que no, y por favor —la implicación era clara— si no les gusta cómo los trata su jefe, no acudan a recursos humanos. Aguántense y sigan adelante.

El diablo viste a la moda mejoró la novela. Eliminó el monólogo interior quejumbroso de Andy sobre la indignidad de tener que recordar el pedido de almuerzo de su jefa y colgar su abrigo. Pero la película conservó todos los rasgos de la ansiedad femenina de mediados de los 2000, exagerados por el contexto de la revista. El elemento más flagrante es su obsesión con el tamaño corporal, el pesaje de almendras, la declaración del director de arte Nigel (Stanley Tucci) de que “la celulitis es uno de los ingredientes principales de la sopa de maíz”. Cuando Andy, interpretada por la esbelta Anne Hathaway, le dice a Nigel que ha pasado de la talla 6 a la talla 4, él brinda con champán, y el momento se presenta como una aspiración, no como una ironía.

No importa que su pérdida de peso sea claramente producto de la ansiedad laboral: Andy está mejorando en su trabajo, y su figura cada vez más delgada es una señal. También lo son otros cambios en su vida. Lo más anticuado de El diablo viste de Prada es la seriedad con la que se toma el consejo que la jefa nos dio a los nuevos empleados del banco. Lean In, de Sheryl Sandberg aún tardaría siete años en publicarse, y la fundadora de Nasty Gal, Sophia Amoruso, no popularizaría el término #girlboss hasta un año después. Pero Miranda Priestly era el prototipo, una jefa a la que se detestaba porque arrollaba a sus subordinados, y por mucho que Andy la resintiera, también llegó a parecerse a ella.

En otra escena, Nigel y Andy están en Central Park, supervisando una sesión de fotos de moda. “Mi vida personal pende de un hilo”, se queja Andy a Nigel.

“Eso es lo que pasa cuando empiezas a tener éxito en el trabajo, cariño”, dice. “Avísame cuando tu vida se vaya al traste. Eso significa que es hora de un ascenso”.

En el papel, las líneas suenan a arrepentimiento, pero en la pantalla son consejos de vida de un mentor, y Andy los asimila. El precio del trabajo, para Miranda y Nigel, es la vida. Es cierto que, al final de la película, Andy ha visto a Miranda traicionar a una amiga, se ha dado cuenta con horror de que va por el mismo camino y ha decidido alejarse antes de que sea demasiado tarde. Pero no hay indicios de que anhele establecer límites personales. Simplemente necesita volver a su verdadera pasión: el periodismo.

Ese no es precisamente el tipo de trabajo que uno deja en la oficina.

Me ha resultado curioso ver recientemente El diablo viste a la moda y darme cuenta de que la lección que creía que Andy había aprendido sobre el equilibrio entre la vida laboral y personal no está presente en absoluto. De hecho, en la nueva secuela, El diablo viste a la moda 2, ambientada 20 años después de la primera película, queda claro que Andy conservó algunas de las lecciones aprendidas en la pasarela. Tiene una vida personal sana, sí. Pero también trabaja muchas horas y ha tomado decisiones que otros no habrían tomado. Ahora me identifico con ella al comienzo de la secuela. Ambas trabajamos en periódicos y vivimos en esos apartamentos de Brooklyn donde a veces hay que insistir para que salga agua limpia del lavabo. Ambas tenemos mucha más confianza en nosotras mismas y vestimos mucho mejor que en 2006.

Y ambas hemos tenido que darnos cuenta de que existe una tercera opción entre la toxicidad omnipresente de la era #girlboss y tratar el trabajo como un mal necesario, algo a lo que hay que entrar y salir para poder pagar el resto de la vida. Nadie se hace rico con el periodismo —El diablo viste a la moda 2 es, principalmente, una película sobre cómo los medios de comunicación están en una espiral descendente—, pero al llegar a la mediana edad uno tiende a aprender qué es lo que realmente le importa, y a veces, acumular dinero extra no es una de esas cosas.

Miranda sigue obsesionada con la delgadez extrema y trata a sus subordinados con desdén. Sin embargo, incluso ella se ha suavizado un poco, con la edad y también gracias a la intervención del departamento de recursos humanos, debido a una Generación Z menos servil.

Cuando Andy regresa a Runway, sabe lo que quiere y lo que le importa. Reconoce lo positivo de lo que aprendió de Miranda y Nigel, a la vez que trata con amabilidad a los asistentes y busca las historias que considera relevantes. Aunque parezca mentira, es cierto: de alguna manera, Andy ha confirmado una de las viejas afirmaciones de Miranda que antes la horrorizaba: que Andy le recuerda a sí misma. Simplemente, amar tu trabajo no tiene por qué significar convertirte en Miranda Priestly. Puede significar ser Andy Sachs.

Alissa Wilkinson es crítica de cine del Times. Lleva escribiendo sobre cine desde 2005.

Fuente: The New York Times.

Fotos: archivo.

El brote de hantavirus detectado en el crucero MV Hondius, con siete casos confirmados y tres fallecidos, ha devuelto esta infección respiratoria poco frecuente a la actualidad justo un año después del fallecimiento de Betsy Arakawa, esposa de Gene Hackman, a causa del mismo virus.

El impacto mediático del caso anterior ha reavivado la alerta sanitaria sobre las características y peligros de este patógeno. El MV Hondius, que viajó de Ushuaia (Argentina) a Cabo Verde y destino final Canarias, contaba con aproximadamente 150 personas a bordo, 14 de ellas españolas.

La Organización Mundial de la Salud ha informado de siete personas afectadas, tres fallecidas y una grave, mientras las autoridades sanitarias consideran que el contagio pudo haberse producido antes del embarque, atendiendo al periodo de incubación.

El hantavirus es una enfermedad respiratoria que afecta principalmente a roedores, aunque puede transmitirse a humanos en determinadas condiciones. En el caso reciente del crucero, los síntomas han oscilado desde cuadros leves hasta mortales. Esta situación ha motivado una investigación para identificar el origen y las circunstancias exactas del contagio.

Qué se sabe del caso de Gene Hackman y su mujer

La muerte de Betsy Arakawa en febrero de 2025 supuso un precedente notorio. El hallazgo de la esposa de Gene Hackman sin vida en su residencia de Santa Fe (Nuevo México) junto al actor, quien falleció días después por causas cardíacas, generó en su momento una investigación exhaustiva. Según las autoridades, los equipos de salud pública hallaron en la vivienda restos de roedores, excrementos y nidos en varias dependencias, identificándose estos elementos como el foco principal de infección.

La autopsia determinó que el fallecimiento de Arakawa fue consecuencia de un síndrome pulmonar provocado por hantavirus, una patología que puede confundirse inicialmente con una gripe por síntomas como dolores de cabeza, malestar y dificultad respiratoria. La evolución rápida de la insuficiencia pulmonar complicó el diagnóstico y motivó la alerta, según detallan los informes forenses.

Gene Hackman, enfermo de alzhéimer avanzado, convivió durante varios días con el cadáver de su esposa antes de morir él mismo, hecho que dificultó el hallazgo y la intervención de las autoridades. La mascota fallecida —por una convalecencia tras una operación— y el estado en que fueron encontrados otros animales domésticos, acentuaron la singularidad de la escena, tal como han narrado ambos medios.

Qué se sabe de la propagación del virus

La incidencia y propagación del hantavirus en determinadas zonas de Estados Unidos llevó a que, meses después del fallecimiento del matrimonio Hackman-Arakawa, las autoridades estadounidenses emitieran recomendaciones preventivas para quienes pudieran haber estado en contacto con roedores, sus nidos o excrementos.

La transmisión principal del hantavirus ocurre por inhalación de partículas contaminadas provenientes de orina, heces o saliva de roedores en lugares cerrados y mal ventilados, una vía de infección destacada por las autoridades. Aunque puede darse contacto directo o, en casos excepcionales, contagio por mordeduras, la propagación de humano a humano es muy poco común.

Transcurrido un año del triple fallecimiento (junto al perro), la residencia de Gene Hackman en Santa Fe, ubicada en la urbanización privada Santa Fe Summit, se vendió en tiempo récord. La vivienda, con una extensión de algo más de 21 hectáreas y aproximadamente 1.200 metros cuadrados, se vendió por 5,2 millones de euros, una cifra inferior a la que solicitaban inicialmente.

Tanto el caso del crucero MV Hondius, con pasajeros españoles a bordo pero sin síntomas hasta el momento, como la historia del matrimonio Hackman-Arakawa en Nuevo México, han intensificado la atención pública y de los organismos sanitarios respecto a los riesgos del hantavirus y reflejan la importancia de identificar precozmente los síntomas, conocer las vías de transmisión y mantener la vigilancia en entornos propensos a la presencia de roedores.

A principios de 2020, cuando el coronavirus confinó a buena parte de la población mundial, muchos predijeron que tarde o temprano llegarían las películas sobre la pandemia. Hay pocas cosas que gusten más a Hollywood (y también al cine español, para que nos vamos a engañar) que un thriller apocalíptico con un virus mortal como telón de fondo. Desde entonces han aparecido títulos como Eddington (2025), de Ari Aster; Host (2020), Sick (2022) o las españolas Ego (2021), protagonizada por María Pedraza; e Infiesto (2023), con Luis Zahera.

Seis años después, la realidad vuelve a poner un virus en un barco. El crucero MV Hondius permanece aislado tras un brote sospechoso de hantavirus, una familia de virus que, según recoge el Ministerio de Sanidad, puede causar enfermedades graves y que suele transmitirse a través de roedores, aunque la variante Andes también permite el contagio entre personas. Por el momento, las autoridades llaman a la calma y aseguran que el riesgo de pandemia es muy bajo.

Aun así, la mezcla entre un crucero y una amenaza sanitaria activa automáticamente un imaginario que el cine y la literatura llevan décadas explotando: el barco de lujo convertido en una comedia negra satírica.

‘Algo supuestamente divertido que nunca volveré a hacer’ (1997)

La primera recomendación se acerca más al ensayo que a la ficción propiamente dicha. El escritor estadounidense David Foster Wallace, finalista del Premio Pulitzer y autor de La broma infinita, considerada una de las cien mejores novelas escritas en lengua inglesa por la revista Time, publicó en 1997 Algo supuestamente divertido que nunca volveré a hacer, una colección de ensayos y de textos no-ficción que radiografían la cultura americana de fin de siglo.

Compuesto por siete ensayos, es en el último donde Foster Wallace aborda una postal gigantesca basada en su experiencia en un crucero de lujo por el Caribe. Este relato, publicado originalmente en la revista Harper’s en 1996 bajo el título Shipping Out, comienza como un encargo periodístico para relatar sus impresiones del viaje.

Wallace rebautiza irónicamente a su barco, el Zenith de la compañía Cruceros Celebrity, con el nombre de Nadir y utiliza su estancia para hacer una disección hilarante, filosófica y mordaz de la industria del turismo de masas estadounidense, exponiendo los cruceros como una experiencia tortuosa y en realidad nada divertida.

“Hay algo insoportablemente triste en los Cruceros de Lujo masivos. Como la mayoría de las cosas insoportablemente tristes, resulta increíblemente elusivo y complejo en sus causas y simple en sus efectos: a bordo del Nadir —sobre todo de noche, con toda la diversión organizada, la amabilidad y el ruido del jolgorio— me sentí desesperar”, escribió.

‘El triángulo de la tristeza’ (2022)

Posiblemente la cinta por antonomasia que se viene a la cabeza al pensar en un crucero convertido en una pesadilla sea la del director sueco Ruben Östlund. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes en 2022, El triángulo de la tristeza utiliza un yate de lujo habitado por multimillonarios, influencers y traficantes de armas para construir una sátira salvaje sobre los ricos. Un eat de rich de manual.

La cinta sigue a la pareja de influencers y modelos Carl (Harris Dickinson) y Yaya (Charlbi Dean), que embarcan en este crucero de lujo. Sin embargo, una tormenta y una intoxicación alimentaria pondrán del revés esta comedia negra sobre el dinero, la sociedad capitalista y el ansia de belleza de la sociedad actual -el título, de hecho, hace referencia al gesto tan temido en el mundo del modelaje, responsable de las arrugas de expresión en el entrecejo-.

El reparto lo completan Woody Harrelson como un capitán marxista y alcohólico que pasa más tiempo encerrado en su camarote que gobernando el barco; Zlatko Burić en el papel de un oligarca ruso obsesionado; o Dolly de Leon, la empleada de limpieza que termina invirtiendo por completo las jerarquías sociales cuando la situación se descontrola.

‘La mujer en el camarote 10’ (2025)

Más recientemente tenemos La mujer en el camarote 10, cinta estrenda en Netflix en octubre del año pasado que protagoniza Keira Knightley. La película sigue a la periodista Laura “Lo” Blacklock en un lujoso yate, donde se embarca en un viaje exclusivo organizado por el personaje de Guy Pearce, un magnate que reúne a celebridades y figuras influyentes para una gala en los fiordos noruegos. Sin embargo, la protagonista presencia lo que parece ser la caída de una mujer al mar desde el camarote contiguo al suyo, un hecho que nadie más parece corroborar y que la deja aislada y desacreditada ante el resto de los pasajeros y la tripulación.

El guion, firmado por Joe Shrapnel, Anna Waterhouse y el propio director Simon Stone y basado en la novela homónima de Ruth Ware, publicada en 2016, mantiene una estructura clásica de misterio al estilo de Agatha Christie, con un elenco de personajes que incluye a figuras como Hannah Waddingham, Gugu Mbatha-Raw, David Morrissey, Kaya Scodelario y Art Malik.

A pesar de que fue masacrada por la crítica al tacharla de “torpe” y “bizarra”, la cinta se colocó número 1 en la plataforma.

Dos películas de supervivencia que no son ‘Titanic’

El cine de catástrofes lleva en auge desde los 70. Ya por aquel entonces, el cineasta británico Ronald Neame dirigió La aventura del Poseidón, película que convirtió un crucero de lujo en una ratonera después de que una ola gigante volcara el barco en mitad del océano.

Décadas después, en 2006, el alemán Wolfgang Petersen retomó la historia con Poseidon, remake protagonizado por Kurt Russell, Josh Lucas y Richard Dreyfuss. La película arranca durante una fiesta de Nochevieja a bordo de un gigantesco transatlántico cuando una ola monstruosa vuelca completamente la embarcación.

Por si fuera poco, mucho antes de que los cruceros de lujo se convirtieran en objeto de sátira, el thriller australiano Calma Total (Dead Calm) ya había explorado otra de las grandes obsesiones del cine marítimo: el aislamiento en medio del mar.

Dirigida por Phillip Noyce y protagonizada por Nicole Kidman, Sam Neill y Billy Zane, la película sigue a una pareja que se embarca en su pequeño yate de vela con la intención de olvidar la pérdida de su hijo, fallecido en un accidente de tráfico. Sin embargo, la travesía se complica cuando divisan un bote neumático que escapa de una goleta. El único ocupante del bote, un asustado joven estadounidense (Billy Zane), les explica que es el superviviente de una intoxicación alimentaria que ha acabado con todos sus acompañantes.

El brote del MV Hondius, de momento, pertenece más al terreno de la prevención epidemiológica que al del cine de catástrofes. Y confiamos en que siga siendo así.

"La vida nos está dando cachetadas de realidad. 'El yerno' es una película que -con los acontecimientos de las últimas dos semanas y quizá del último par de meses- sirve como una lupa sociopolítica actual, que amplifica y muestra el germen", explica el protagonista de la cinta Adrián Vázquez (Tijuana, 46 años) en una entrevista con EFE.

Entre la sátira y el drama, Vázquez interpreta a José Sánchez, un hombre que pasa de controlar una flota de autobuses en la empresa de sus suegros a vincularse con el narcotráfico y ascender a fiscal del estado ficticio de 'Albacruz', que podría ser cualquier localidad mexicana.

El metraje incluye referencias a agrupaciones políticas, como el Partido Revolucionario Institucional (PRI) o a sus antiguos integrantes, cuyos casos destacan por un historial de corrupción y fugas del país, como ocurrió con el gobernador de Veracruz, Javier Duarte (2010-2016).

"Tenemos algunos referentes nacionales en los que podemos ver algún aspecto similar. Me tocó vivir en Veracruz, justo en la época de Duarte, y cuando ves a ese tipo y su comportamiento y esa barriga pues es indefectible que diga: 'No mames, parece José Sánchez'", afirma el intérprete.

Bromea con que "cualquier parecido con la ficción es pura realidad".

También defiende que su personaje "no es un villano de inicio", sino un espécimen que se adapta a la realidad mexicana actual.

"José Sánchez es la descripción de cualquier ente contemporáneo. Él es alguien que va por la vida sin resolver realmente qué quiere, creyendo que sí lo sabe, pero dejándose arrastrar por las circunstancias. El poder termina llevándolo hacia esa parte criminal", opina sobre este papel, que le dio la oportunidad de debutar con un rol protagónico en el cine.

Además, recalca que, en la mayoría de los casos, "los que realmente delinquen de manera monumental son quienes llevan la mejor vida", una realidad que, a su juicio, la sociedad mexicana conoce "desde hace décadas", aunque sigue siendo incapaz de evitar caer "en las mismas dinámicas políticas y sociales".

 Cine doloroso o realista

Durante años, cineastas como Luis Estrada y sus producciones, como 'La ley de Herodes' (1999) o 'El Infierno' (2010), han reflejado la crudeza de México.

Una tendencia cinematográfica que el público ya no recibe tan bien, asegura Vázquez, un asunto que le incomoda en su visión de hacer cine.

"El arte tiene que defender la visión de los creadores. Hay que decir las cosas aunque sean dolorosas, crueles o incómodas, porque históricamente los artistas nos han ayudado a mirar el mundo de otra manera", argumentó.

En un México en el que todavía persisten la violencia, la corrupción y el narcotráfico, considera que las películas "son dolorosas porque la realidad también lo es", y aunque se pone en la piel de aquellos a los que ciertos temas les pueden resultar "sensibles", estima que visualizarlas permite que "quienes nunca han pasado por eso puedan empatizar".

'El yerno' está disponible internacionalmente en la plataforma de streaming Netflix y es una apuesta del director mexicano, Gerardo Naranjo, y de su protagonista por reflejar la dureza de un país con un toque de comedia.

Las actrices Maribel Verdú y Sofía Otero han coincidido esta semana en ‘La Revuelta’ para presentar la película Bajo tus pies, dirigida por Cristian Bernard y cuyo estreno en cines está previsto para el 8 de mayo.

La visita al programa no solo ha servido para hablar del filme, sino también para mostrar las marcadas diferencias generacionales, costumbres y manías de ambas intérpretes, que en la ficción interpretan a madre e hija.

A pesar de la distancia de más de 40 años que separa sus fechas de nacimiento, las dos actrices han revelado cuáles son sus sueños no cumplidos. Sofía Otero, de 13 años, aspira a lanzarse en paracaídas y tener un mono tití como mascota, mientras que Maribel Verdú, de 55 años, desea poder “repetir y repetir todo lo que ya he vivido”. Ambas se han mostrado también nostálgicas con épocas pasadas: Verdú se ha decantado por el Tánger de los años 50 y Otero por el Barroco o la juventud reciente de sus familiares.

Estreno y confesiones personales

Bajo tus pies es el nuevo thriller que ambas protagonizan. La sinopsis oficial describe a Priscilla, el personaje de Verdú, como una madre que se traslada con sus dos hijos pequeños a un nuevo hogar para huir de un pasado incómodo. Allí, entran en contacto con tres hermanas misteriosas que habitan el piso inferior, y pronto se ven envueltas en un oscuro secreto ignorado por el resto de los vecinos.

Las rutinas y aversiones cotidianas de las actrices han acaparado los focos durante la entrevista. Maribel Verdú ha confesado en directo su fobia al olor de la mandarina, asegurando que tal situación puede llevarla a un cuadro físico evidente: “Hay una cosa que la gente lo sabe en los rodajes, no puedo oler a mandarina... Me dan ganas de vomitar”, ha afirmado.

La intérprete ha ampliado el alcance de su rechazo durante la grabación de La Revuelta, al precisar que ni siquiera poder entrar en un taxi si detecta el aroma, aunque haya transcurrido tiempo desde que alguien la haya pelado, porque el olor persiste y lo considera “una falta de respeto” cuando se consume en espacios públicos. En palabras de Verdú, “es un olor muy invasivo”.

Sofía Otero, por su parte, ha relatado que el olor que le resulta más desagradable es el de “persona sudada”, frecuente tras las clases de educación física o recreo escolar. En tono distendido, ha narrado cómo en ocasiones al fotografiarse con seguidores con ropa deportiva, debe contener la respiración para soportar la situación.

Esta anécdota se suma al relato que la joven intérprete compartió cuando recordó un incidente reciente en el instituto: “Una vez me meé en clase, este año, estaba riéndome tanto… fue en el segundo trimestre… fui al baño y todo el pipi. No era un escape, me meé entera, luego se me secó, me eché agua. Menos mal que siempre llevo en la mochila un neceser y me eché colonia. Cuando me río mucho, mucho… hay riesgo”.

Tradiciones, rutinas y humor

Tal como lo ha explicado Sofía Otero, su obsequio para el programa ha consistido en una figura de “escarabillera”, el símbolo popular de Basauri, localidad vasca con la que se siente vinculada. En palabras de Otero, las “escarabilleras” eran mujeres sin recursos de Basauri que recogían carbón para subsistir a principios del siglo XX.

En la actualidad, forman parte de las fiestas locales: la figura se viste de cuadrilla y, la última jornada, se despide atándole globos para que “vuele” llevando en su interior un mensaje que permite contactar a quien la encuentre. Según ha afirmado Otero, “lo más lejos que ha llegado ha sido a Checoslovaquia”.

Durante la emisión, David Broncano ha bromeado con la necesidad de mandar a la cama a los menores de edad, siguiendo la dinámica habitual de sus programas. En un momento de la grabación, el colaborador conocido como El Hombre Mágico ha hecho acto de presencia en el plató recriminando en tono humorístico a Otero que estuviera despierta, a lo que ella ha respondido con naturalidad que “pensaba que lo grababais y luego lo editabais”. Finalmente, el presentador ha intentado que Otero continuara la entrevista usando una careta pixelada, para cumplir la normativa televisiva sobre menores.

Al ser preguntadas por sus rutinas diarias, la diferencia generacional se ha hecho nuevamente evidente. Sofía Otero ha descrito que apenas necesita “20 minutos” para estar lista y salir hacia el colegio, aunque ha admitido que tiene la “mala costumbre” de no desayunar. Por el contrario, Maribel Verdú ha declarado emplear al menos hora y media cada mañana para completar sus ejercicios de estiramientos, mascarilla facial, ducha y desayuno, afirmando también su escasa relación con la fruta, exceptuando las uvas congeladas.

La intensidad con la que Maribel Verdú vive su aversión a las mandarinas ha llegado a trascender durante la grabación del programa, cuando el presentador David Broncano ha bromeado con la posibilidad de traer una pieza de esta fruta al plató. La actriz no ha dudado en advertir “me tengo que ir, puedo vomitar”, obligando a suspender cualquier intento de comprobar su reacción y subrayando el carácter real de su intolerancia.

El regreso de El laberinto del fauno en 2026, a veinte años de su estreno, ha generado enorme expectativa entre los fanáticos del cine fantástico y seguidores de Guillermo del Toro.

El aniversario contará con funciones especiales tanto en México como a nivel internacional.

Dónde y cuándo ver El laberinto del fauno en México

Para celebrar el vigésimo aniversario de la película, se han programado funciones abiertas al público en diferentes puntos del país.

En la Ciudad de México, la proyección más esperada tendrá lugar el 22 de abril de 2026 a las 19:00 horas en la Casa del Lago UNAM. Esta función forma parte de la programación especial del festival Cácaro y será completamente gratuita.

En el norte del país, la Cineteca Ciudad Juárez realizará una función especial el 17 de abril a las 19:00 horas en el Centro Cultural Paso del Norte (CCPN). Este evento, impulsado por la Subsecretaría de Cultura y el Paso Film Festival, incluirá además cortometrajes locales y actividades culturales. El ciclo “División del Norte” se extenderá los días 24 y 25 de abril en otras cinetecas de la región, también con acceso gratuito para todo el público.

Proyecciones internacionales y reestreno mundial

A nivel internacional, El laberinto del fauno volverá a las salas de cine en octubre de 2026, bajo la coordinación de Cineverse y Fathom Entertainment.

Por primera vez, la película se proyectará en formato 3D y en versiones restauradas en alta definición, llevando la visión de Del Toro a una nueva dimensión para el público global. Las funciones especiales están planeadas para Estados Unidos y otros países, con la preventa internacional de boletos abierta a partir del 9 de septiembre.

El reestreno estará acompañado por materiales exclusivos como podcasts y documentales sobre el proceso creativo detrás de la cinta, según medios especializados como Barchart, Inverse y la revista de entretenimiento Collider.

El estreno mundial se preveé para el 9 de octubre, coincidiendo con el cumpleaños del propio director.

Un universo oscuro y fascinante

Ambientada en la España rural de 1944, tras la Guerra Civil, la película presenta un mundo dividido entre la brutalidad del régimen franquista y la escapatoria hacia la fantasía.

La protagonista, Ofelia (interpretada por Ivana Baquero), es una niña que se traslada con su madre embarazada al campamento de su padrastro, el capitán Vidal (Sergi López), un militar implacable.

En este entorno hostil, Ofelia descubre un antiguo laberinto donde un fauno (Doug Jones) le revela que es la reencarnación de la princesa perdida de un reino subterráneo. Para regresar a su lugar legítimo, Ofelia deberá superar tres pruebas extraordinarias, mientras lidia con la violencia de la guerra y la enfermedad de su madre.

La cinta combina el realismo de la España de posguerra con criaturas fantásticas, acertijos y escenarios inquietantes, en un relato donde la inocencia infantil choca con la crueldad del mundo adulto.

El universo visual del filme —creado a partir de influencias del folclore ibérico, cuentos de hadas y el propio imaginario de Del Toro— es uno de los aspectos más celebrados por la crítica y el público.

La producción contó con el trabajo de la diseñadora de vestuario Montse Ribé y el director de fotografía Guillermo Navarro, quienes contribuyeron a la atmósfera única de la cinta.

Reconocimientos y legado

Desde su estreno en 2006, El laberinto del fauno ha cosechado más de cien premios internacionales, incluidos tres premios óscar: mejor fotografía, mejor dirección artística y mejor maquillaje.

El largometraje también recibió galardones en los Premios Goya, los BAFTA y el Festival de Cannes, consolidando su posición como una de las películas de habla hispana más laureadas de la historia.

Con una aprobación sobresaliente en Rotten Tomatoes y el reconocimiento de publicaciones como Collider, la obra es considerada un referente del cine contemporáneo por su capacidad de fusionar géneros, su aproximación visual a la historia española y su profundidad simbólica.

La celebración de su vigésimo aniversario no solo rescata la película para nuevas generaciones, sino que ratifica el lugar de Guillermo del Toro como uno de los creadores más influyentes del cine mundial.

El cine argentino tendrá este año una participación distinta en el Festival de Cannes 2026, pues la única presencia nacional será el estreno de una copia restaurada en 4K de La casa del ángel (1957) de Leopoldo Torre Nilsson. Esta participación se da en la sección Cannes Classics, creada hace veinte años para rescatar grandes películas históricas y que en esta edición no contará con películas argentinas en las competencias oficiales ni en las secciones paralelas. Esta será la primera vez que el público podrá ver la versión restaurada, un hito para el país y para el legado del director.

En total, el programa de Cannes Classics 2026 presentará 24 largometrajes restaurados, entre los que figuran obras como El laberinto del fauno de Guillermo del Toro, El hombre de hierro de Andrzej Wajda, Dos mujeres de Vittorio de Sica, Sierra de Teruel de André Malraux, y El extraño de Orson Welles.

El proceso de restauración de La casa del ángel implicó varias gestiones internacionales y técnicas. Luis Alberto Scalella, presidente de Argentina Sono Film y supervisor del trabajo, relató la complejidad de recuperar el negativo original, que debió regresar a Argentina tras un intento fallido de restauración en el laboratorio L’Immagine Ritrovata de Bolonia. La versión final que se verá en Cannes resultó de la intervención de la Sociedad por la Restauración Audiovisual, Latam Classics y el laboratorio Cubic, con el apoyo del programa de Mecenazgo del Ministerio de Cultura porteño. Se utilizaron tanto el negativo original en 35mm, un internegativo de primera generación también en 35mm, ambos guardados en el archivo de Argentina Sono Film, y una copia en celuloide en 35mm del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa).

El Festival de Cannes 2026 se realizará entre el 12 y el 26 de mayo. La proyección de la película será presentada por Scalella y Fernando Madedo, presidente de la Sociedad por la Restauración Audiovisual y coordinador general del proyecto, en un evento cuya fecha y horario serán anunciados este jueves junto al resto de la programación.

El rescate de La casa del ángel ocurre exactamente dos años después de que Scalella y Madedo presentaran en la misma sección de Cannes Rosaura a las diez (1958) de Mario Soffici, también como una restauración de un clásico argentino. Sin embargo, en el caso actual, la conexión histórica es aún más significativa: La casa del ángel fue parte de la sección oficial de Cannes en 1957, con estreno mundial el 17 de mayo de ese año, lo que consolidó a Torre Nilsson como el cineasta argentino de mayor proyección internacional de aquella época.

Esta película marcó el inicio de la colaboración del director con la escritora Beatriz Guido, autora de la novela homónima publicada en 1954. Guido, quien más tarde sería su pareja, adaptó el libro al cine junto con Torre Nilsson y Martín Rodríguez Mentasti. Entre su elenco se encuentran Elsa Daniel y Lautaro Murúa, acompañados por Bárbara Mujica, Guillermo Battaglia, Berta Ortegosa, Yordana Fain y Alejandro Rey.

Ambientada en la Argentina de la década de 1920, la película desarrolla temas como la pérdida de la inocencia, la memoria deformada por el tiempo, la estricta educación de los jóvenes bajo un régimen de tabúes y represiones, y los prejuicios hacia las mujeres. Se trata de un filme contado desde una perspectiva cercana al expresionismo.

La restauración reciente que será proyectada en Cannes representa, en palabras de Scalella a La Nación: “La casa del ángel es un título fundacional en todo sentido. Estamos muy felices de volver a Cannes Classics, en parte porque nos costó mucho recuperar el negativo original”.

Entre los títulos restaurados internacionales que compartirán programación con el clásico argentino, el ciclo de Cannes Classics 2026 incluirá películas como Los demonios de Ken Russell y El inocente de Luchino Visconti, reforzando el carácter global de esta vitrina patrimonial para la historia del cine mundial.

La frase suena a sentencia, a declaración de principios: “No me importa vivir en un mundo de hombres, siempre que pueda ser una mujer en él”. Pronunciada a principios de la década del cincuenta, durante el ascenso meteórico que siguió al estreno de Niágara, la cita ha sido repetida en tazas, pósteres y flyers, a menudo despojada de su carga política. Sin embargo, detrás de la aparente docilidad de esas palabras se escondía la táctica de guerra con que Marilyn Monroe conquistó Hollywood.

Para entender la frase hay que situarse en la oficina de algún ejecutivo de la 20th Century Fox, como Darryl F. Zanuck. En aquel entonces, era tratada como propiedad del estudio, una “rubia tonta” moldeada para el deseo ajeno. El biógrafo Donald Spoto, en su rigurosa obra Marilyn Monroe: The Biography, es quien rescata esta declaración, la escribe como quien se la escuchó mil veces. Es cierto: dicen que ella solía repetirla. Era su filosofía de vida, la construcción consciente de su personaje público.

Al decir que no le importaba el dominio masculino siempre que se le permitiera “ser una mujer”, Monroe lanzaba un desafío: aceptaba las reglas de un juego diseñado por hombres, pero solo porque confiaba en que su identidad femenina era lo suficientemente poderosa como para, no solo no caer en las garras del sistema, sino subvertirlo desde adentro. Así fue que entendió, antes que nadie, que en el Hollywood de posguerra la feminidad no era una debilidad, sino la única armadura disponible.

La filosofía que transmite la frase no se quedó en palabras. Mientras el mundo la veía cantar sobre cómo Los caballeros las prefieren rubias, ella estudiaba los balances de la industria. En 1955, en un acto de rebeldía sin precedentes, rompió su contrato con la Fox y se mudó a Nueva York para irse al Actors Studio de Lee Strasberg. Allí, fundó su propia compañía, Marilyn Monroe Productions. Fue la segunda mujer en la historia de Estados Unidos (después de Mary Pickford) en tener una productora propia.

Fue su manera de decir que, en ese “mundo de hombres”, ella también podía firmar los cheques. El resultado de esa independencia fue El príncipe y la corista, donde no solo actuó, sino que ejerció un control creativo que los estudios le habían negado sistemáticamente. Pero si bien la frase pertenece a la Marilyn que seducía a la prensa, sus textos más íntimos, recopilados años después en el libro Fragments, muestran la otra cara de la moneda: poemas de una soledad desgarradora.

Esa dualidad es lo que hace que su filosofía sea tan moderna. No negaba la estructura patriarcal de su época; la habitaba con una inteligencia táctica. Sabía que para ser escuchada en un set donde directores como Billy Wilder la sometían a jornadas extenuantes durante el rodaje de Con faldas y a lo loco, debía jugar la carta de la feminidad absoluta. En última instancia, la frase que hoy analizamos resume su supervivencia, al de ser mujer en aquel Hollywood tan sanguinario.

¿Quién es Marilyn Monroe?

Marilyn Monroe (1926-1962), nacida como Norma Jeane Mortenson, fue una de las actrices más icónicas de la historia del cine y un símbolo cultural del siglo XX. Tras una infancia difícil marcada por orfanatos y hogares de acogida, saltó a la fama en los años cincuenta con éxitos como Niágara, Los caballeros las prefieren rubias y La tentación vive arriba. A pesar de su imagen pública de rubia ingenua, fue una mujer de gran instinto profesional que fundó su propia productora y buscó el respeto artístico.

Sus actuaciones en Con faldas y a lo loco, que le valió un Globo de Oro, y en su última película terminada, Vidas rebeldes, demostraron su profundidad dramática. Pero las luces también se pusieron sobre su vida personal, que estuvo definida por la búsqueda constante de afecto y por sus matrimonios de alto perfil con la estrella del béisbol Joe DiMaggio y el dramaturgo Arthur Miller. Sin embargo, detrás del glamour, luchaba con problemas de salud mental, adicciones y la presión asfixiante de la industria.

Su muerte, ocurrida el 4 de agosto de 1962 a los 36 años por una sobredosis de barbitúricos, conmocionó al mundo y dio lugar a numerosas teorías conspirativas. El final de su historia no tuvo el guion perfecto de Hollywood. No hubo últimas palabras ante una audiencia, sino un silencio profundo en una habitación de Brentwood. Sin embargo, semanas antes, le había confesado a la revista Life una verdad que hoy resuena como su verdadero epitafio: “La fama pasará, y adiós a la fama, te he tenido“.

Guillermo del Toro presentará una versión en 4K de El laberinto del fauno durante la edición 79 del Festival de Cannes, que se realiza del 12 al 23 de mayo en la Costa Azul francesa.

La película será homenajeada por su vigésimo aniversario en la sección Cannes Classics, según confirmó el festival al anunciar su selección.

“Hace casi veinte años, cuando la relación del cine contemporáneo con su propia memoria estaba a punto de verse revolucionada por la incipiente llegada de la tecnología digital, el Festival de Cannes creó Cannes Classics, una sección que permite dar a conocer la labor de puesta en valor del patrimonio", publicó la organización del festival respecto a la restauración de diversos filmes.

¿Qué otras películas homenajeará Cannes?

La sección Cannes Classics proyectará este año 21 largometrajes, 3 cortos y 6 documentales restaurados o vinculados a la historia del cine. Además de la obra de Del Toro, se incluirán películas como La casa del ángel (1957), de Leopoldo Torre Nilsson, así como la cinta restaurada Sierra de Teruel (Espoir, 1938), dirigida por André Malraux.

Dentro de la selección figuran también obras restauradas de Akira Kurosawa y Luchino Visconti.

El Laberinto del Fauno, una obra desde México que sigue cautivando tras veinte años desde su estreno

El Labertinto del Fauno cumple veinte años desde su estreno y mantiene su lugar como una de las películas más influyentes en el cine contemporáneo de habla hispana.

La obra de Guillermo del Toro conecta la fantasía con la realidad al situar su historia en la posguerra española, a través de la mirada de Ofelia, una niña que se enfrenta a la violencia adulta con la única herramienta que le queda: la imaginación.

La producción involucró talento de México y España, consolidando a Del Toro como referente internacional desde la primera década de este siglo. Hasta la fecha, El Laberinto del Fauno suma más de tres Óscares y múltiples premios internacionales, cifra que la coloca como una de las películas mexicanas con mayor reconocimiento fuera del país.

A dos décadas de su debut, la película sigue inspirando nuevas generaciones de cineastas y espectadores. La presencia de elementos propios del folclore mexicano y la construcción visual influenciada por la tradición artística nacional han sido objeto de análisis en universidades y festivales. El aniversario motiva retrospectivas y revisiones críticas, reafirmando la vigencia de la obra y el alcance de la carrera de Guillermo del Toro.

Universal Pictures acaba de presentar el nuevo tráiler de La Odisea, la esperada adaptación cinematográfica de Christopher Nolan basada en el legendario poema de Homero. El avance, estrenado en la última emisión de The Late Show with Stephen Colbert, ofrece un primer vistazo a Charlize Theron en el papel de Calipso muestra el imponente diseño del Cíclope, dos de los elementos más esperados por los seguidores del proyecto.

En las imágenes del tráiler, Matt Damon encarna a Odiseo mientras enfrenta al monstruoso Cíclope, una de las criaturas más icónicas de la mitología griega. La secuencia destaca por su tratamiento visual: el Cíclope aparece en una atmósfera sombría, con efectos prácticos y digitales que refuerzan su carácter intimidante. El avance también introduce a Theron como la ninfa Calipso vestida con atuendos inspirados en la Grecia antigua y rodeada de una escenografía que remite a lo sobrenatural. La interpretación de Theron como Calipso enfatiza la dualidad del personaje, conocida por su poder para transformar y manipular a quienes se acercan a su isla.

La película reúne a un elenco de reconocidas figuras. Anne Hathaway interpreta a Penélope, la esposa de Odiseo, mientras que Tom Holland asume el rol de Telémaco, su hijo. Robert Pattinson da vida a Antínoo, el principal antagonista humano de la historia y aspirante al trono de Ítaca, y Zendaya encarna a la diosa Atenea, consejera de Odiseo. El reparto se completa con nombres como Lupita Nyong’o, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Himesh Patel, Will Yun Lee, Mia Goth, Jimmy Gonzales, Elliot Page y Jovan Adepo, quienes interpretan a diferentes personajes del poema.

El tráiler de La Odisea destaca especialmente por el primer acercamiento a Charlize Theron como Calipso aparición está marcada por la atmósfera mística que rodea al personaje, uno de los más complejos y ambiguos del relato original. La caracterización y el diseño de producción buscan transmitir tanto el poder como la amenaza que representa Calipso en el viaje de Odiseo. Por otra parte, el Cíclope se presenta como uno de los desafíos visuales más ambiciosos de la producción. El tráiler exhibe una escena de tensión entre Odiseo y el gigante de un solo ojo, realzando la escala y el peligro de la criatura. La combinación de efectos especiales y trabajo de cámara refuerza la sensación de peligro inminente durante el encuentro.

Sin rastro de Zendaya

El avance divulgado por Universal Pictures marca la primera vez que el público puede ver en pantalla la interpretación de Theron en esta faceta, así como el enfoque de Nolan para adaptar elementos míticos con un tono realista y épico. La reacción en redes sociales tras la emisión del tráiler se centró en la fidelidad visual de los personajes y en la magnitud de las escenas de acción. De otra parte, sigue siendo notable la ausencia de Zendaya, quien está confirmado que dará vida a Atenea, pero de la que aun no hemos visto una imagen encarnando a la diosa de la sabiduría.

El reparto de La Odisea reúne a actores que han colaborado previamente con Nolan y a figuras que debutan en su filmografía. Matt Damon, protagonista de la historia, asume el desafío de dar vida a un héroe que debe superar pruebas sobrenaturales y humanas para regresar a Ítaca. Anne Hathaway, conocida por su trabajo con Nolan en Interstellar, encarna la paciencia y la fortaleza de Penélope, mientras que Tom Holland interpreta a un Telémaco que busca su lugar en el mundo ante la ausencia de su padre. Robert Pattinson, en el papel del antagonista Antínoo, aporta un matiz oscuro y calculador a la lucha por el trono, reforzando el conflicto entre los pretendientes y la familia de Odiseo. Zendaya, como Atenea, aparece guiando y protegiendo a los protagonistas, en línea con el papel de la diosa en el poema original.

La Odisea constituye el decimotercer largometraje de Christopher Nolan. El director y guionista ha adaptado el poema de Homero y produce la cinta junto a Emma Thomas bajo la firma Syncopy. Universal Pictures se encarga de la distribución, apostando por un estreno de gran alcance. La película se distingue por ser el primer largometraje narrativo filmado íntegramente con cámaras Imax, una decisión que, según la producción, busca ofrecer una experiencia inmersiva y sin precedentes en la adaptación de relatos clásicos.

El estreno de La Odisea está programado para el 17 de julio, coincidiendo con el lanzamiento de Spider-Man: Brand New Day de Disney y Sony, lo que anticipa una competencia directa en la taquilla internacional. Las entradas para funciones en 70 mm se pusieron a la venta con un año de antelación en julio de 2025, en una estrategia promocional que generó expectativas inéditas para una adaptación de la literatura clásica. El lanzamiento del tráiler refuerza la expectativa por una de las producciones más ambiciosas del año y marca el regreso de Nolan tras el éxito comercial y crítico de Oppenheimer, que recaudó $958,8 millones y obtuvo siete premios Oscar, incluyendo Mejor Dirección y Mejor Película.

La película “Michael”, basada en la vida del cantante estadounidense Michael Jackson, ha logrado una recaudación acumulada de 430,3 millones de dólares en taquilla global hasta el 5 de mayo de 2026, según cifras de Box Office Mojo y confirmación de Deadline. El desempeño afecta directamente a la industria cinematográfica internacional, a los estudios productores y a los distribuidores, ya que consolida una tendencia creciente en el género de biopics musicales. El fenómeno adquiere relevancia por el contexto de alta competencia en cartelera y por la capacidad de estas producciones para atraer públicos diversos.

De acuerdo con los datos oficiales publicados por Box Office Mojo, el filme dirigido por Antoine Fuqua y protagonizado por Jaafar Jackson sumó 184,2 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, mientras que los mercados internacionales aportaron 246,1 millones de dólares. El último fin de semana, la cinta mantuvo el liderazgo en países como Francia, España, Países Bajos, Bolivia, Perú, Ecuador y Malasia, según reportó Deadline. El análisis de medios especializados como The Numbers y Box Office Watch respalda estos datos, mencionando el rendimiento sostenido del largometraje en regiones clave.

El estreno de “Michael” se sitúa dentro de una tendencia reciente donde los biopics musicales alcanzan cifras notables en la taquilla global. La producción se posiciona como la segunda más exitosa de Lionsgate tras la pandemia, solo por detrás de “John Wick: Capítulo 4”. Además, supera la recaudación acumulada de otros títulos del género como “Elvis” y “A Star is Born”, y mantiene una ventaja sobre la trayectoria de “Bohemian Rhapsody” en varios territorios estratégicos, según Deadline.

¿Cuánto recaudó “Michael” en los mercados más importantes?

De acuerdo con Box Office Mojo, Michael acumuló 184,2 millones de dólares en América del Norte y 246,1 millones en el resto del mundo. Los principales mercados internacionales incluyen:

• Francia: 21,2 millones de dólares, cifra que supera el resultado de “Bohemian Rhapsody” y “Oppenheimer” en el mismo punto de su exhibición, según información de Deadline.
• Reino Unido e Irlanda: 30 millones de dólares, con un segundo fin de semana de 8,2 millones, de acuerdo con el mismo medio.
• México: 17,8 millones de dólares, con una retención del 26% de la taquilla nacional y un comportamiento superior al de “Bohemian Rhapsody”, según Deadline.
• Italia: 15,7 millones de dólares, con una caída semanal limitada y un rendimiento por encima de “Bohemian Rhapsody” en el segundo fin de semana.
• Brasil: 15 millones de dólares, lo que representa un tercio del último fin de semana en ese país, superando los registros de otros títulos musicales recientes.

Otros mercados destacados son Alemania (13,7 millones), España (13,8 millones), Australia (13,4 millones) y el área de Oriente Medio (11,4 millones), conforme a los datos verificados por Deadline y Box Office Mojo.

¿Por qué “Michael” es relevante en la taquilla internacional?

Según Deadline, el éxito de Michael responde a factores estructurales y coyunturales de la industria. La estrategia de estreno mundial abarcó 82 territorios y un segundo fin de semana con ingresos por 134,8 millones de dólares, de los cuales 80,8 millones provinieron de mercados fuera de Estados Unidos. La película se mantuvo en el primer lugar de la taquilla en países de Europa y América Latina durante dos semanas consecutivas.

La cobertura de Deadline indica que la asistencia a las salas estuvo impulsada por feriados como el Día del Trabajo y la Semana Dorada en Japón. Además, la película mostró caídas semanales reducidas en los principales países, lo que revela una demanda sostenida. El reporte de Box Office Watch señala que “Michael” se consolida como la segunda película más taquillera de Lionsgate tras la pandemia, por encima de “Los Juegos del Hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes”.

¿Cómo se posiciona “Michael” frente a otros biopics musicales y grandes estrenos?

El estreno de Michael coincidió en cartelera con títulos como “El diablo viste de Prada 2” y “Super Mario Galaxy”. Según Deadline, la película inspirada en Michael Jackson mantuvo el primer puesto de la taquilla en Francia, España y Países Bajos, incluso ante estrenos de alto perfil. En México, Brasil e Italia, la recaudación superó la de otros biopics musicales en el mismo periodo de exhibición.

“Super Mario Galaxy” se acerca a los 900 millones de dólares globales, pero “Michael” destaca en la categoría de películas musicales, superando a “Bohemian Rhapsody”, “Elvis” y “A Star is Born” en varios mercados, según Box Office Mojo. De acuerdo con el portal especializado, el largometraje se convirtió en la segunda película más rentable de Lionsgate después de “John Wick: Capítulo 4”.

¿Qué estrategias potenciaron la recaudación de “Michael”?

La campaña de lanzamiento de Michael incluyó preestrenos internacionales y una distribución escalonada que abarcó 82 territorios. De acuerdo con Deadline, la coordinación con feriados locales y la promoción en festivales de cine contribuyeron a la alta asistencia durante los primeros días. La película se benefició tanto del interés en la figura de Michael Jackson como de una estrategia de retención de público basada en la expansión progresiva a nuevos mercados.

Según Box Office Mojo, varias regiones, como Oriente Medio y Asia-Pacífico, mostraron incrementos de recaudación en el segundo fin de semana. El desempeño en Arabia Saudita y Australia se destacó por mantener una asistencia alta aun sin coincidir con festivos nacionales, conforme a la cobertura de Deadline.

¿Qué datos comparativos muestran el impacto de “Michael” en la industria?

De acuerdo con Box Office Mojo y Deadline, “Michael” ya superó la recaudación acumulada de “Elvis” y “A Star is Born” en mercados clave. En Francia, el total de 21,2 millones de dólares supera los registros de biopics previos en el mismo punto de exhibición. En México, la retención del 26% es la más alta para una película no animada en el mercado.

El reporte de Box Office Watch indica que en Italia, la caída semanal del 19% permitió que el acumulado de 15,7 millones superara a “Bohemian Rhapsody” al finalizar el segundo fin de semana. En Brasil, el filme se posicionó por delante de títulos recientes del género, con 15 millones de dólares logrados en solo dos semanas.

¿Cuál es el impacto para los estudios y el futuro del género musical?

La recaudación de Michael refuerza la tendencia de éxito de los biopics musicales en la taquilla internacional. Según Deadline, la película representa un caso de estudio sobre el potencial comercial de este tipo de producciones, que incrementaron su presencia en la cartelera global durante los últimos años. El posicionamiento de “Michael” como la segunda cinta más rentable de Lionsgate abre nuevas expectativas para futuros proyectos del estudio.

El éxito financiero destaca la vigencia de figuras como Michael Jackson como motor de atracción para audiencias diversas, de acuerdo con Box Office Mojo. El género musical mantiene un atractivo sostenido en la industria, como muestran las cifras de recaudación y la permanencia en el primer puesto de la taquilla en varios territorios.

¿Qué se proyecta para la recaudación de “Michael” en las próximas semanas?

Según los datos de Box Office Mojo, la tendencia indica que “Michael” podría mantener un ritmo sólido en la recaudación global durante las próximas semanas. La retención en mercados clave y la expectativa de estrenos diferidos en algunos países pueden contribuir a incrementar la cifra final. El monitoreo de la asistencia en territorios con alta demanda de cine musical será relevante para el resultado total.

La evolución del filme dependerá de la capacidad para sostener el interés del público frente a nuevos estrenos y de la estrategia de distribución de Lionsgate y Universal, según los analistas citados por Deadline.

La espera ha terminado. Han sido meses duros para todos aquellos que no pudieron acudir a los cines a ver una de las mejores películas de lo que va de año, pero esa paciencia tendrá recompensa. Marty Supreme por fin llega a plataformas, lo que significa una oportunidad ineludible para descubrir la apasionante historia de Marty Mouser, el último gran personaje al que ha dado vida Timothée Chalamet, y toda la magia del ping-pong recogida durante más de dos horas y media de vértigo.

La película se inspira en la historia real de Marty Reisjman, uno de los primeros grandes jugadores de tenis de mesa para Estados Unidos, y quien ganó el campeonato en los años 1958 y 1960. Pero es solo una premisa, ya que la película toma otros derroteros que van mucho más allá del ping-pong, en la primera aventura en solitario de Josh Safdie tras separarse artísticamente de su hermano Benny, quien a su vez estrenó el año pasado The Smashing Machine. Aquí, no obstante, pervive el frenetismo, los diálogos acelerados y las situaciones de extrema tensión que ya eran marca de la casa en películas como Good time o Diamantes en bruto.

En el filme se narra la historia del joven Marty Mouser (Chalamet), quien busca dejar su trabajo en una zapatería para perseguir su sueño de convertirse en el mejor jugador del mundo de tenis de mesa. No lo tiene nada fácil, pues durante el campeonato de Gran Bretaña pierde la final frente al jugador japonés Koto Endo. Desde ese momento, Marty se propone hacer lo imposible para obtener su revancha en el mundial, pero no dispone del dinero suficiente para realizar el viaje a Japón. Junto a su vecina Rachel, su amigo Wally y su nuevo socio Milton, Marty irá poco a poco encontrando la manera de estar más cerca de sus sueños, aunque siempre en el alambre.

Grandes actores, mejor banda sonora

A Chalamet lo acompañan actores tan variopintos como Gwyneth Paltrow o la prominente Odessa A’zion, así como otros no versados en la interpretación como el cantante Tyler the creator o el empresario Kevin O’Leary. Cada uno está expresamente ideado para el papel que interpreta, de la misma manera que la música de Daniel Lopatin está confeccionada para adaptarse a cada escena, además de temas anacrónicos de los 80 que encajan a la perfección en la idiosincrasia del intrépido jugador de ping-pong.

Marty Supreme llegará a plataformas esta misma semana, en concreto el próximo viernes 8 de mayo. La plataforma en concreto será Amazon Prime Video, desde la cual se podrá ver junto a series como The boys o La casa de los espíritus y otras películas recientes como La larga marcha o Balls Up (Con un par). Será la nueva gran incorporación pues sin duda Marty Supreme es una de las grandes películas de 2026, una película que va mucho más allá del ping-pong y que, a pesar de su fracasado recorrido por los Premios Oscar, llega ahora a plataformas dspuesta a buscar la revancha. Es lo que Marty habría querido.

El proyecto, dirigido por Guy Ritchie y con Henry Cavill, Jake Gyllenhaal y Eiza González como protagonistas, se rodó mientras otras superproducciones paralizaban actividades, gracias a una excepción avalada por el gremio. La demora en la posproducción ha generado expectativas adicionales en torno a la entrega final, reflejando cómo los acuerdos durante la huelga han cambiado la dinámica de los calendarios de estreno recientes en Hollywood.

El rodaje durante la huelga SAG-AFTRA convierte a este título en caso de estudio para negociaciones futuras, pues el acuerdo permitió a la producción avanzar en un contexto de parálisis generalizada. El retraso por cuestiones técnicas y la nueva fecha de estreno asignada por Lionsgate impulsan el interés en las estrategias de gestión de crisis en grandes estudios ante desafíos logísticos y normativos imprevistos.

Acción, crimen y manipulación: el regreso de Ritchie al thriller

La película narra cómo un equipo encubierto de agentes de élite, liderados por Cavill, Gyllenhaal y González, recibe el encargo de recuperar una fortuna de mil millones de dólares robada por un déspota implacable, interpretado por Carlos Bardem. Lo que comienza como un golpe imposible se transforma rápidamente en una guerra total de estrategia, engaño y supervivencia, donde la línea entre lo legal y lo ilegal se desdibuja a través de una narrativa que fusiona espionaje y crimen organizado.

Ritchie emplea su sello reconocible: ritmo dinámico, estructuras entrelazadas y humor cínico, en un contexto donde cada personaje manipula redes de poder con la misma destreza con que maneja armas automáticas y explosivos. Los especialistas, habituados a operar fuera del radar, deben enfrentar alianzas inestables y redefinir constantemente sus lealtades en escenarios internacionales, mientras el botín actúa únicamente como detonante de una disputa mayor por el control.

La tensión entre intereses cruzados establece un clima de desconfianza y obliga a los personajes a asumir riesgos constantes. La operación, lejos de limitarse al robo, desemboca en una escalada donde el dinero deja de ser el único factor en juego y la supervivencia se convierte en el elemento central.

Dinámica de elenco y escalada internacional

El reparto reúne a nombres de alto perfil: Jake Gyllenhaal y Henry Cavill lideran la acción, con Eiza González incorporándose a un elenco que acentúa el carácter internacional del proyecto junto a Rosamund Pike y Kristofer Hivju. La selección del elenco responde a la necesidad de sustentar tanto las escenas de acción como la carga dramática de un thriller de espionaje de múltiples capas. La presencia de Bardem como antagonista aporta una dimensión adicional a las confrontaciones por poder y supervivencia.

La apuesta de Lionsgate por ubicar el estreno a mitad de 2026 muestra confianza en el atractivo comercial de un título que recurre a la eficacia probada de Ritchie en el género de acción y crimen. El proyecto se posiciona estratégicamente en el calendario cinematográfico, con potencial de competir en taquilla internacional y capitalizar tanto la notoriedad del director como la del elenco.

La película se mueve entre marcos de legalidad, riesgos financieros y adaptación a nuevas reglas pactadas entre productores y sindicatos, ampliando su relevancia hacia la ingeniería industrial que distingue al sector en escenarios pospandemia y poshuelgas.

Sabrina Carpenter nunca da puntada sin hilo. La cantante es experta en llenar todos sus espectáculos de referencias, ya sea a la cultura pop a su propio pasado. Y teniendo delante un evento tan importante y con tanta exposición como es la Met Gala, la autora de Manchild no ha querido dejar pasar la ocasión de hacer ambas cosas, referenciando no solo su propio nombre sino también el título de una de las comedias románticas más emblemáticas del cine clásico. Una película que, literalmente, llevaba adherida a su cuerpo mientras desfilaba por la icónica gala.

La artista sorprendió a todos enfundándose un vestido hecho de celuloide, pero no uno cualquiera. Se trataba de la película Sabrina, dirigida por Billy Wilder en el año 1954 y considerada todo un clásico de la comedia romántica del Hollywood de la época, al que Carpenter nunca se ha cansado de referenciar. Ahora ha encontrado la forma de unir su nombre, su pasión por la cultura pop y la moda en uno solo, pues no en vano la temática de la Met Gala de este año era “La moda es arte”, y se buscaba con ello "explorar la relación entre la ropa y el cuerpo que hay debajo". Lo que no sabemos es si detrás de la elección de la película hay algo más, pues se trata de una película con una relación romántica muy concreta.

La película en cuestión narra la historia de Sabrina (Audrey Hepburn), la joven hija del chófer de la familia adinerada que componen Linus (Humphrey Bogart) y David (William Holden), quienes nunca se han fijado en la joven, bien por negocios o por intereses en otras. Todo cambia cuando Sabrina regresa a la casa después de años estudiando cocina en París, convertida ahora en una mujer sofisticada y elegante, que no tarda en captar la atención de los hermanos, especialmente de David. Pero este ha de casarse para cerrar una fusión con otra empresa, lo que lleva a Linus a intentar seducir a Sabrina para poder cerrar el trato, sin saber que por el camino él también se enamorará de la dulce joven.

Otra película favorita

La película se llevó un Premio Oscar de lo más curioso, el de Mejor diseño de vestuario, que recayó en la veterana Edith Head. Durante la película se cimentó el rumor de que muchos de los vestidos de Hepburn habían sido diseñados y escogidos por Hubert de Givenchy, aunque Head desmentió el rumor durante años, y el propio Givenchy lo reconfirmó tras la muerte de la diseñadora. Sea como fuere, fue el principio de una larga amistad entre Audrey Hepburn y el francés, de la cual precisamente se llevará a cabo ahora una película con Thomasin MacKenzie como la actriz y Ansel Elgort como el modisto galo.

Por si fuera poco, Sabrina Carpenter aprovechó la gala para reafirmar su película favorita, que no es ni de Billy Wilder ni pertenece al Hollywood clásico, aunque se haya convertido en una película de referencia para toda una generación. “Shrek 2″, afirmaba la cantante durante la pasarela, dejando entrever así su ecléctico gusto, y quizá un posible guiño de cara al futuro. Al fin y al cabo, ya se sabe que la cantante nunca da puntada sin hilo.

El supuesto parecido entre la trama de “Running Point” y “Bride Wars” no fue planeado deliberadamente, según las declaraciones de Mindy Kaling y Kate Hudson recogidas por el medio citado. Ambas aclararon que el guion de la serie no buscó replicar la conocida rivalidad entre amigas de la cinta de 2009. Hudson afirmó que solo notó la similitud tras oír los comentarios de la audiencia.

La temporada muestra a Isla Gordon, interpretada por Kate Hudson, enfrentando la inminente boda con Lev (Max Greenfield) al tiempo que su amistad con Ali (Brenda Song), colega y mejor amiga, se interrumpe por un conflicto laboral. Ali, al no recibir un aumento salarial, acepta un empleo dentro de un equipo en Toronto, lo que fuerza una pausa en la relación entre ambas en un momento decisivo para Isla.

La situación recuerda la premisa de Bride Wars, donde dos amigas ven su relación en crisis cuando sus bodas coinciden. Este elemento captó la atención del público, que destacó el posible guiño al pasado cinematográfico de Hudson, según lo detallado por PEOPLE.

Mindy Kaling y Kate Hudson responden al paralelismo con Bride Wars

La co-creadora de la serie, Mindy Kaling, declaró al medio que no hubo ninguna intención consciente en el paralelismo argumental con la película protagonizada por Hudson y Anne Hathaway. “No estábamos intentando inspirarnos en eso, pero ¿quién no se inspira en Bride Wars cada día?”, expresó Kaling, resaltando el carácter icónico del filme.

Por su parte, Hudson compartió: “No estaba pensando en eso. Habría que preguntar a los guionistas”. La actriz explicó, según PEOPLE, que la coincidencia solo se hizo evidente una vez que los seguidores comenzaron a señalarla. Ambas sostienen que las similitudes surgieron de manera espontánea, por lo que descartan cualquier homenaje explícito en la serie.

Otras referencias y guiños en Running Point

Aparte del paralelismo con Bride Wars, la segunda temporada de Running Point introduce guiños autorreferenciales. Entre ellos destaca una escena donde Isla, tras cancelar la boda, bromea mirando a cámara y dice: “Así es como se pierde a un hombre en 10 minutos”, haciendo referencia directa a la cinta “Cómo perder a un hombre en 10 días”.

Hudson explicó al medio citado que, aunque habitualmente es cautelosa con ese tipo de bromas, consideró que la frase estaba “muy bien ejecutada” y que funcionaba porque abordaba un momento doloroso de manera cómica. “El tiempo fue perfecto y, si algo es gracioso, lo es. No puedes simplemente decir que no”, afirmó.

Kaling admitió que pensaba que Hudson rechazaría esa escena por parecerle demasiado cursi, pero finalmente el fragmento se mantuvo en la serie. La creadora destacó el entusiasmo del equipo por incluir una referencia tan cercana a uno de los papeles más recordados por el público.

El desafío de Isla Gordon en la nueva temporada

Según la sinopsis oficial difundida por Netflix y recogida por PEOPLE, la segunda temporada presenta a Isla como directora del equipo Los Angeles Waves. Su objetivo es demostrar su valía total en el cargo tras el escándalo que afectó a la franquicia el año anterior.

Sin saberlo, su hermano Cam (Justin Theroux) intenta recuperar el puesto actuando desde la sombra y usando cada error como argumento en su contra. Isla debe equilibrar las exigencias del equipo, los intereses familiares y su vida personal, con cada decisión teniendo impacto en su futuro inmediato. Esto la obliga a replantear su camino si quiere encabezar al equipo al final de la temporada.

La serie logra conservar su estilo propio pese a los guiños y referencias, ofreciendo momentos inesperados tanto para los seguidores de Hudson como para el público que disfruta de reconocer conexiones con su filmografía previa. Las referencias, según subrayó Kaling a PEOPLE, son un recurso pensado para entretener más que para marcar un sello permanente, y su inclusión ha sorprendido a todos los involucrados en la producción.

Los Diablos Rojos del México protagonizaron este fin de semana una de las series más esperadas del calendario con el clásico duelo ante los Guerreros de Oaxaca dentro del Día de Star Wars.

Durante los tres días de juego, el Estadio Alfredo Harp Helú vibró intensamente con una gran cantidad de aficionados acudiendo al Parque de Pelota con los atuendos de sus personajes favoritos de la saga.

En cuanto a los deportivo se vivieron tres juegos de infarto en el Diamante de Fuego, ya que los Pingos tuvieron que venir de atrás en cada uno de los encuentros barriendo la serie y dejando tres veces consecutivas en el terreno al equipo bélico.

Nuevo jersey

Como ya es tradición desde hace tres años, los Diablos Rojos del México disputaron del 1 al 3 de mayo la icónica “Serie Star Wars” ante los Guerreros de Oaxaca en el Estadio Alfredo Harp Helú.

Por tercera ocasión consecutiva, los escarlatas lanzaron un jersey conmemorativo en su rojo icónico, destacando la letra “M” como logo principal y un diseño alusivo al Mandaloriano, rindiendo homenaje al estreno de The Mandalorian & Grogu, con detalles galácticos que fusionan la identidad del equipo con el universo de la saga.

Esta colaboración entre Disney y Diablos Rojos del México comenzó en 2024 con un jersey inspirado en el Lado Oscuro y el personaje de Darth Maul, uno de los villanos más emblemáticos de la saga.

El diseño utiliza el rojo tradicional de los Diablos combinado con detalles en negro y patrones que evocan la estética de los Sith y la energía oscura del universo Star Wars.

Un año después, en 2025, toma como base el concepto “Power of the Force”, homenajeando la energía que une a todos los seres vivos en el universo Star Wars.

El diseño incorpora símbolos de la Fuerza y colores que combinan el rojo escarlata del club con detalles luminosos y oscuros, representando el equilibrio entre el lado luminoso y el lado oscuro, con Darth Vader y la estrella de la muerte como principales protagonistas.

Qué otras actividades ofrecen para los aficionados

Además del jersey conmemorativo, los Diablos Rojos lanzaron una exclusiva colección que fusiona la saga galáctica con la identidad beisbolera: playeras, gorras y chamarras con elementos icónicos de Star Wars.

Dentro del Alfredo Harp Helú, el viernes se presentó un espectacular show de drones proyectando imágenes del equipo y la película. El sábado, los Diablos jugaron con el uniforme especial, mientras se vendían sables de luz y los aficionados vestían con sus disfraces preferidos.

A Keanu Reeves lo hemos visto en el papel de ‘superhombre’ más de una vez. En Matrix, interpreta a Neo, un joven informático que resulta ser el elegido para salvar al mundo de las máquinas (y, de paso, aprender jujitsu al nivel de un campeón mundial), mientras que en John Wick da vida a un sicario capaz de convertir una sartén en un arma mortal.

Con estos y otros papeles, al final ha sido el mismo Keanu Reeves el que ha acabado con una imagen de ser capaz de (casi) cualquier cosa, hecho que ha provocado que muchos se pregunten por qué nunca hemos visto al actor con una capa de superhéroe. La respuesta a esa pregunta es compleja, e intervienen muchos factores, pero lo cierto es que, aunque nunca le hayamos visto en ese contexto, el intérprete sí que cuenta con una película dentro de un multiverso superheroico.

Estamos hablando de Constantine, la película donde Reeves da vida a un detective esotérico que viene, literalmente, del infierno. Así, se trata de un hombre con la capacidad de reconocer a los ángeles y demonios que pisan la tierra. No es algo que le guste demasiado, así que en realidad se trata de un antihéroe que rechaza su don y vive una vida dura, hasta que una misteriosa muerte se cruza en su camino y le lleva a afrontar una serie de eventos sobrenaturales que podrían acabar con el mundo.

Un superhéroe contra los héroes

Inspirada en el cómic Hellblazer, de DC, John Constantine forma parte de la llamada Justice League Dark, un grupo de héroes que se encarga de amenazas mágicas que Superman o Wonder Woman no pueden ni tocar. De hecho, en el Arrowverse (universo de superhéroes que cuenta con varias series), vemos a un Constantine interpretado por otro actor, Matt Ryan, que se encuentra con Lucifer (Tom Ellis) y menciona que se conocen de hace tiempo. Esto confirma que, en el multiverso, Constantine es el personaje que tiene “contactos” en todas las realidades.

De este modo, a todos los efectos, Constantine puede considerarse como la versión más oscura de los superhéroes convencionales y, de momento, la aproximación más cercana de Keanu Reeves al mundo de los superhéroes. Puede que sea esta una de las razones por las que la película, dirigida por Francis Lawrence (a quien conocemos por la saga de Los juegos del hambre), pasara de dividir a la crítica en el momento de su estreno a, con el tiempo, convertirse en una película de culto con una comunidad de fans que espera expectante una segunda parte.

Tanto Reeves como Lawrence confirmaron ya que ya están trabajando en esa secuela. El actor volverá a ponerse en la piel del personaje y ya se encuentra revisando junto al director el nuevo guion. Todavía se sabe poco del proyecto, pero sí ha trascendido que el intérprete no quiere que la película se llene de efectos especiales, sino que debería mantener el tono espiritual y ‘ordinario’ de la primera entrega. De hecho, se dice que rechazó borradores anteriores porque el estudio quería hacer algo más parecido a John Wick.

Otro superhéroe con su cara

Además de Constantine, Keanu Reeves ha explorado el género mediante la voz y la creación propia. En 2022, cumplió su deseo de interpretar a un icono de DC prestando su voz a Batman en la película animada DC Liga de Supermascotas, donde aportó su característica solemnidad al Caballero Oscuro. Esta interpretación reavivó el interés de los fans por verle algún día como un Batman maduro en acción real.

Asimismo, Keanu Reeves ha ido más allá del cine al crear su propia franquicia con BRZRKR, un cómic sobre un guerrero inmortal que es, en esencia, un superhéroe ultraviolento con su apariencia. Este personaje tendrá también su propia serie de anime y una película de acción real que Netflix prevé para 2026. Además, Kevin Feige (la mente detrás del Universo Cinematográfico de Marvel) ya ha mencionado en varias ocasiones que está en contacto con el actor para ver si le encaja algún papel. De momento no ha sido así, pero quién sabe lo que nos deparará el futuro.

La noticia de la muerte de Heath Ledger sacudió a la industria del cine en enero de 2008, cuando el actor australiano falleció a los 28 años por una sobredosis accidental. Su pérdida dejó un vacío tanto en la pantalla como en su entorno familiar, y puso en el centro la situación de su hija, Matilda.

Ledger había redactado su testamento en 2003, mucho antes de convertirse en padre. Por eso, en los documentos no figuraba Matilda, la hija que tuvo junto a su expareja, la también actriz Michelle Williams, tras su relación durante el rodaje de Brokeback Mountain. La herencia, valorada en 16,3 millones de dólares, según informó en su momento la revista People, estaba destinada íntegramente a los padres y hermanas del actor al haber sido redactada dos años antes de que el actor estrenara su paternidad.

No obstante, tras la muerte de Heath, su familia decidió que Matilda debía ser la única beneficiaria. “Nuestra familia le ha entregado todo a Matilda. Nunca hubo dudas de que el patrimonio de Heath sería para ella. Jamás una duda”, aclaró su padre, Kim Ledger, en declaraciones recogidas por el citado medio.

La posición de la familia

A pesar de que el testamento no había sido actualizado tras el nacimiento de Matilda, la familia de Heath optó por priorizar el deseo que, según ellos, él habría tenido. “Matilda es una prioridad absoluta y Michelle es una parte integral de nuestra familia. Ellas serán cuidadas, y así es como Heath lo hubiera querido”, explicaron sus padres y hermanas tras el fallecimiento del actor.

Cuando Heath Ledger murió, su hija Matilda tenía solo dos años. Durante los primeros meses tras su nacimiento, el actor confesó en una entrevista a InTouch: “Matilda es adorable, observadora y sabia. Michelle y yo la amamos profundamente. Ser padre superó todas mis expectativas. Es la experiencia más extraordinaria que he vivido: es maravilloso”.

Todo el apoyo recibido

Aunque la pareja ya vivía separada en el momento de la muerte del actor, mantenían una relación armónica dedicada a la crianza en común de Matilda. Michelle Williams, reconocida por su trabajo en Dawson crece y múltiples nominaciones al Oscar, continuó criando a su hija en Nueva York, donde reside actualmente junto a su esposo, el director teatral Thomas Kail, y sus otros tres hijos.

El círculo cercano a Matilda no solo incluye a su familia paterna y materna, sino también a figuras del cine. Sus padrinos son Jake Gyllenhaal y Busy Philipps, ambos muy presentes durante su infancia. Además, Jeremy Strong, estrella de Succession y amigo íntimo de Michelle, vivió durante un tiempo con madre e hija, ofreciendo apoyo en los momentos más difíciles. Williams describió al actor como alguien capaz de “sostener el peso del corazón roto de una niña y lo suficientemente sensible para acercarse a ella a través del juego y la risa”.

Matilda también recibió gestos extraordinarios de los amigos y colegas de su padre. Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law, quienes terminaron su papel en El imaginario del Doctor Parnassus tras su muerte, donaron sus honorarios de la película a la niña. El director Terry Gilliam elogió la actitud: calificó la ayuda como “extraordinaria y maravillosa”.

Para Gene Simmons el cine y la música son “el mismo negocio”. El líder de KISS, quien regresa a la gran pantalla como productor de la película de acción Deep Water, asegura que su responsabilidad “es darle al público emociones”, cuenta en una entrevista.

“Ya sea desde el escenario con una banda como Kiss o a través de ‘Deep Water’... tu responsabilidad es darle a la gente emociones y escalofríos”, relata Simmons.

“Tienes que hacerlos olvidarse del mundo exterior y hacer que se preocupen por los personajes que están ahí”, dice el fundador de una de las bandas más influyentes del siglo XX, conocida por las legendarias identidades escénicas de sus integrantes.

Simmons llevaba 11 años alejado de la industria cinematográfica, desde que produjo la cinta Armed Response en 2017, y ahora regresa con Deep Water, dirigida por el finlandés Renny Harlin.

La película es un thriller de supervivencia que sigue a un piloto, interpretado por Ben Kingsley, y a su copiloto, Aaron Eckhart, quienes se ven obligados a aterrizar en el océano y deben hacer todo lo posible para salvar a la tripulación y protegerla de los peligros de las aguas hostiles en las que han aterrizado.

La cinta marca el regreso de Harlin a los tiburones, de los que había estado alejado por más de dos décadas cuando estrenó Deep Blue Sea, en un momento en el que Hollywood ha vuelto a interesarse en estos depredadores marinos con producciones como Thrash o la segunda parte de The Shallows.

“En el corazón de la película hay en realidad un homenaje al cine de desastres de los años 70, donde tienes emoción, tensión, un accidente de avión y tiburones”, indica Harlin.

A lo largo de la película, los personajes tendrán que trabajar en equipo y enfrentar no solo los problemas y retos que les impone el mundo exterior, sino también lidiar con el ego, el individualismo y la desesperación de los supervivientes, que van disminuyendo a lo largo de la historia.

“En el fondo, se trata de las personas. Se trata de los personajes y de construir un grupo de individuos por los que realmente te preocupas”, añade Harlin

Un rockstar como productor

La alianza entre Harlin y Simmons se concretó después de años de conocerse y de compartir el gusto y el amor que ambos tienen por el cine.

“Durante años habíamos hablado de colaborar y cuando finalmente surgió este proyecto, creo que reunió muchas de las cosas que nos apasionan: la narrativa, el entretenimiento, el arte y demás”, cuenta Harlin.

Para Simmons, el cine es el único arte que logra reunir distintas disciplinas en una sola obra: la pintura, la música, la actuación y los efectos especiales, todo en armonía.

De acuerdo con el director, la presencia de Simmons en el proyecto fue una presión positiva que lo impulsó a perfeccionarlo.

“Trabajar con un productor así me hizo exigirme más. Sabía que estaba frente a alguien que ha entretenido a audiencias durante décadas en todo el mundo, alguien que sabe cómo captar la imaginación y la fascinación del público”, cuenta.

“Él siempre dice que yo soy como un chef: recibo todos los ingredientes y luego preparo el platillo. Y él se asegura de que tenga los mejores ingredientes. Así, no es tan difícil lograr un buen resultado”, concluye Harlin.

Fuente: EFE

Ahora, el medio especializado Deadline ha ofrecido en exclusiva las primeras imágenes del rodaje de Dinner With Audrey en Budapest. La cinta, una producción conjunta de Wayfarer Studios (que fundó Justin Baldoni), Hyde Park Entertainment y Mad Chance Productions, suma además la incorporación de Miranda Richardson y Judy Greer a su reparto principal. Ya se había confirmado que Michael Shannon también estaría presente en la película, aunque se desconoce qué papel interpretará.

Miranda Richardson, dos veces nominada al Óscar, interpretará a Ella Van Heemstra, madre de Hepburn, mientras que Judy Greer encarnará a la diseñadora Edith Head, la mujer que más Oscar ha ganado en la historia del cine y responsable del vestuario de Sabrina.

Qué contará ‘Dinner with Audrey’

Este proyecto cinematográfico, dirigido por Abe Sylvia (creador de la serie de Apple TV, Palm Royale) y escrito por Kara Holden, cuenta con producción ejecutiva de la propia Holden. Además, Hyde Park International presentará la película a los distribuidores internacionales en el Festival de Cannes durante este mes.

La trama trasladará al espectador al París de 1953, donde una Audrey Hepburn de 24 años busca el vestuario para el rodaje de Sabrina y, por indicación del director Billy Wilder, acude al atelier de un joven Hubert de Givenchy. A pesar de la negativa inicial del diseñador, el encuentro marca el inicio de una colaboración artística que se prolongará durante 40 años.

La producción ha contado con la participación de la fotógrafa Sophie Elgort, reconocida por sus trabajos para la revista de moda Elle Magazine, el diario económico The Financial Times, la revista de sociedad Town & Country, la revista de moda Vogue o Harper’s Bazaar, y hermana del actor Ansel Elgort.

La relación entre Audrey Hepburn y Givenchy

Sophie Elgort ha retratado la recreación del vínculo entre Hepburn y Givenchy en pleno auge de la moda parisina de los años cincuenta, reforzando la ambientación y el desarrollo visual. El guion, firmado y producido ejecutivamente por Kara Holden, se basa en hechos históricos. Según el presidente de producción y desarrollo de Wayfarer Studios, Andrew Calof, la película busca plasmar una amistad y creatividad fieles a sus protagonistas: “Dinner with Audrey es una historia basada en hechos reales y recoge una de las asociaciones creativas más memorables entre la moda y el cine. Como cineastas, sentimos el peso y la responsabilidad de honrar a estos dos nombres y de retratar su amistad con la mayor precisión posible. Todo en esta producción ha sido diseñado con meticulosidad, cuidado y respeto. No podríamos estar más ilusionados por contar su historia”, ha declarado Andrew Calof.

El rodaje continuará en Budapest con la mirada puesta en reconstruir fielmente la ambientación y la estética de la época, con un equipo creativo vinculado tanto al mundo del cine como al de la moda. Hay que recordar que, además de convertirse en amigos (decían que eran como un matrimonio), Givenchy fue el autor de algunas de las piezas más emblemáticas que lució actriz, como el icónico vestido negro de cóctel de Desayuno con diamantes (que pasaría a formar parte del imaginario popular) o el vestido de noche rojo de Una cara con ángel.

El actor y director Kenneth Branagh ha manifestado su disposición a dirigir una nueva entrega cinematográfica centrada en Thor, el personaje de Marvel Studios al que dio vida en la gran pantalla en 2011, según ha manifestado en una entrevista al medio financiero Business Insider.

El cineasta, ganador de un premio Óscar (por el guion de Belfast), ha dejado claro que su interés en la franquicia se ha mantenido a lo largo de los años y que le gustaría culminar su vínculo con el dios ‘asgardiano’ mediante una película de tono más oscuro, evocando el enfoque de Logan (2017).

Tras el estreno de Thor en 2011 bajo la dirección de Branagh, la saga continuó con Thor: El mundo oscuro (2013), dirigida por Alan Taylor, y luego con Thor: Ragnarok (2017) y Thor: Love and Thunder (2022), ambas a cargo de Taika Waititi.

La intensidad de las producciones de Marvel

Branagh ha recordado que estuvo preparado para una posible secuela poco después de su primera película, aunque en ese momento necesitaba una pausa por la exigencia de los rodajes y la ‘posproducción’: “Las producciones de Marvel son intensas. La posproducción de Marvel es todavía más intensa —muy emocionante, pero sumamente exigente—. Necesitaba hacer una pausa. Kevin Feige fue comprensivo, y también el resto del reparto. Necesitaba un respiro”, ha explicado Branagh.

A lo largo de la entrevista, el realizador británico subrayó que su “interés nunca se extinguió por completo”. Incluso planteó: “Siempre quise hacer más y, en efecto, tenía un par de ideas, más en la línea de la brillante Logan de James Mangold. Me encantaría ver a Chris Hemsworth y a los demás disponer de su propia historia final, que llevase a Thor hacia un ocaso glorioso”.

Durante la conversación con Business Insider, Branagh confirmó que, como aficionado a la saga, considera que “sería hermoso llevar a esos personajes hacia su propio atardecer particular”. No obstante, señaló que su regreso como director no depende exclusivamente de él: “Están muy avanzados en el futuro del Universo Marvel, así que lo más probable es que los planes ya estén definidos”. En su opinión, “hay algo muy bello en encontrar una conclusión para ese arco narrativo de esas historias, con estos personajes y estos actores”, afirma el cineasta.

Orgulloso de su primera película de ‘Thor’

Branagh aseguró que ha seguido las películas posteriores “con una mezcla de gran orgullo y asombro por las múltiples formas en las que pueden desarrollarse estas historias”. A pesar del tiempo transcurrido y de la diversidad de sensibilidades que aportaron los nuevos directores, el realizador ha reiterado que su visión para un eventual desenlace que tendría un tono diferente.

Branagh ve con satisfacción la evolución de la franquicia y sueña con la posibilidad —aunque incierta— de cerrar su participación con un último filme centrado en el héroe nórdico. Por el momento, su próximo proyecto como director se titula The Last Disturbance of Madeline Hynde, un thriller psicológico con Jodie Comer y Patricia Arquette. Mientras, como actor, lo podemos ver en cartelera en El diablo viste de Prada 2, encarnando al marido de Miranda Priestly o, lo que es lo mismo, Meryl Streep.

La película nos introducía en las entrañas de la revista Runway (un trasunto de la revista Vogue), dirigida desde la tiranía por la despótica Miranda Priestly (hecha a imagen y semejanza de la editora Anna Wintour, interpretada por una genial Meryl Streep. Allí irá a parar una joven asistenta, Andy (Anne Hathaway), que tenía que aprender el oficio dentro de una redacción en la que el compañerismo brillaba por su ausencia, en especial el de Emily (Emily Blunt).

El diablo viste de Prada tenía la particularidad de subvertir las reglas de la comedia romántica, de forma que aquí lo importante no eran los vaivenes sentimentales de la protagonista, sino su valía profesional dentro de un entorno competitivo. Además era una película fresca, que sabía moverse con desenvoltura entre la frivolidad y la crítica a ese universo vacío de las apariencias.

Traer ‘El diablo viste de Prada’ al momento actual

Ahora, los mismos responsables del anterior proyecto han intentado mantener el mismo espíritu de hace dos décadas reuniendo de nuevo al reparto original para adaptar la historia a los nuevos tiempos. Tiempos de desconcierto dentro del sector editorial, de precariedad laboral, de despidos, de sueldos miserables, de la crisis del papel y del auge de la Inteligencia Artificial.

Pero seguramente, nada de eso sea lo que le importe a los fans de la primera parte, más enfocada en el cuento entre la Cenicienta y la madrastra y de cómo el lujo y la ambición puede producir monstruos. Nociones mucho más universales que nada tienen que ver con las crisis que dominan nuestro tiempo.

Además, estaban los looks, todo ese arsenal de ropa de marca absolutamente avasalladora que se convirtió en una seña de identidad. Y, por supuesto, volver a ver a Anne Hathaway convertirse de patito feo a ‘princesa por sorpresa’ con ‘estilazo’.

Un réplica de la primera parte, pero sin gracia

Todo lo que resultaba nuevo y desenfadado en la primera parte, aquí no deja de ser forzado y, sobre todo, aburrido, sin chispa, apático e indolente. Un rollo, vamos.

La película comienza con Andy consiguiendo un premio por aquello con lo que soñó: ser una periodista seria. Pero justo en ese momento, despiden a toda la plantilla y se queda sin trabajo. Al mismo tiempo, Runway pasa por una crisis después de destaparse que Miranda apoyaba a una marca que trabajaba en talleres clandestinos. Vaya. Así que el CEO de la empresa contratará a Andy para darle a la revista un valor editorial de prestigio.

Lo que viene después será una réplica de la película anterior, pero sin gracia. Miranda volverá a despreciar a Andy hasta la extenuación, aunque ella no se rendirá y buscará todo tipo de estrategias para seguir validándose ante su jefa. Eso sí, como ocurría en la anterior, la protagonista demostrará que su independencia vale por encima de todas las cosas. Menos mal. Y, además, sabrá jugar bien sus cartas, cosa que, en el mundo en el que vivimos, repleto de depredadores, lamentablemente es así, una cuestión de ganar o perder, supervivencia laboral.

Si el guion está hecho con bastante desidia y es repetitivo hasta decir ‘basta’, aunque quizás lo peor sea ver al reparto en estado ‘catatónico’, como si estuviera deseando que terminara la pantomima para cobrar el cheque, irse a su casa y olvidarse del asunto. Todas ellas están en piloto automático, a excepción del siempre inigualable Stanley Tucci, quizás porque está acostumbrado a no ser estrella y traga con lo que sea. Él es el alma subterránea de esta segunda parte anodina y ramplona que incluso tiene la osadía de utilizar como villana a un personaje que no se lo merece para darle un lección, algo que, por cierto, no recibe Miranda porque, ¿quién se atrevería?

Cuando una película se ‘autofagocita’ a sí misma

Por supuesto, no hay una reflexión en torno a la industria del lujo, porque las marcas son las que sustentan la película. En la primera parte no había tanta exposición de las grandes casas de moda porque no se generó el producto en torno a eso, como sí lo hace en esta ocasión, por lo que la exhibición resulta todavía más chabacana y obvia, de manera que la ‘logomanía’ domina el producto. ¿Cuánto habrá pagado Dior para sea uno de los buques insignia de la película?

Es una paradoja que los ricos sean los malos de la película, los inversores que solo quieren sacar dinero sin tener ni idea de nada mientras siguen gastando parte de sus fortunas en coches de alta gama y ropa exclusiva. Resulta todo demasiado inocente si no fuera porque, en el fondo, se está enmascarando todo un sistema capitalista absolutamente pernicioso. Aunque Andy diga que se haya comprado una chaqueta de Maison Margiela de segunda mano. En realidad, esta segunda parte de El diablo viste de Prada, es un poco de saldo, aunque en ella haya mucho dinero.

La película, prevista para el 21 de mayo de 2026, ofreció un formato renovado, potenciando la experiencia visual y la escala cinematográfica.

El director consideró que The Mandalorian and Grogu funcionó como una “nueva esperanza” para el cine porque simbolizó el regreso del universo Star Wars a las salas, brindando la oportunidad a distintas generaciones de compartir la experiencia cinematográfica.

The Mandalorian and Grogu apostó por una mayor amplitud y escala, conjugando decorados reales y tecnología de pantallas led, revitalizando la dinámica entre Din Djarin y Grogu, y sumando figuras reconocidas como Sigourney Weaver y Jeremy Allen White, con la participación especial de Martin Scorsese.

La apuesta visual: del Volume a la escala IMAX

“Siento una enorme responsabilidad. Hay gente que hoy tiene la edad que yo tenía cuando vi Star Wars por primera vez”, dijo el director. Asimismo, Favreau trasladó su vínculo emocional con la saga y su deseo de causar impacto en el público contemporáneo: “Quiero que la audiencia sienta algo parecido a lo que vivimos en 1977”.

En tanto, subrayó que su objetivo fue que la película se viviera como una experiencia colectiva y en “una pantalla gigantesca”.

Sobre la transición de la televisión al cine, Favreau sostuvo: “Uno de los retos era que ya habíamos logrado algo bastante cinematográfico con la serie”.

Al abordar las diferencias esenciales para la gran pantalla, detalló: “Ahora, con una película pensada para la gran pantalla y en IMAX, hemos tenido varios años para desarrollarla. Eso nos ha permitido construir muchos más decorados reales”.

El director explicó que integrar pantallas led y escenarios físicos permitió desplegar “más naves, criaturas, una mayor amplitud y escala”.

La producción dejó atrás la dependencia digital que impusieron los plazos televisivos. “Ya no era una necesidad como lo era en la serie”, señaló Favreau.

Reparto estelar: de Weaver a Scorsese

La llegada de Sigourney Weaver y Jeremy Allen White supuso una novedad de peso. “Sigourney no solo es Ripley de Alien, también es Avatar y Héroes fuera de órbita... Trae consigo todo su bagaje y su reputación al subconsciente del espectador”, indicó.

En ese sentido, Favreau destacó la importancia de contar con grandes estrellas en el cine porque “solo tienes 2 horas para contar tu historia”, a diferencia del ritmo de la televisión.

Bromeando sobre la incorporación tardía de Weaver a la saga, Favreau comentó: “¡Malditos xenomorfos!”, destacando que el carisma y la trayectoria de la actriz enriquecieron la conexión con la audiencia y otorgaron profundidad inmediata a los personajes.

La participación especial de Martin Scorsese se gestó con el impulso de Kathleen Kennedy. “Pensábamos en su personaje y él era la opción soñada. Se lo propusimos y accedió sin dudar”, recordó Favreau.

Durante la grabación, Scorsese mostró ingenio y capacidad de improvisación. “Fue una experiencia emocionante, de las que solo ocurren una vez”, señaló.

La presencia de Scorsese tuvo lugar en una food truck, una escena que algunos asociaron con la trayectoria culinaria de Favreau en el cine. El director resumió: “En el cine es divertido poblar la pantalla de figuras más grandes que la vida: la pantalla lo exige”.

Entre el mito y la identidad: Pedro Pascal en la gran pantalla

Favreau reconoció el reto de mantener el carisma de Pedro Pascal ahora que es una estrella y su “rostro es fantástico para la gran pantalla”. “Tenemos que encontrar el equilibrio, porque el casco es muy representativo, pero su cara también lo es. Es un reto que ya tuve con Iron Man“, manifestó.

El director comparó la naturaleza de Din Djarin y Tony Stark: “El Mandaloriano es más estoico, mientras que Tony Stark es más bien un embaucador. En realidad, harían un buen equipo”.

Favreau también resaltó el entusiasmo compartido con Dave Filoni y el equipo creativo, comparando la experiencia a la de niños jugando con sus juguetes, ahora convertidos en vehículos y vestuarios a escala real.

El regreso de Star Wars al cine con The Mandalorian and Grogu reflejó ese espíritu lúdico y el entusiasmo que inspiraron a los pioneros de la saga, describió Favreau a Fotogramas. Dirigir en este universo significó transformar la pasión de la infancia en un proyecto de gran escala.

La secuela de El diablo viste a la moda no solo recupera una historia de hace veinte años para mostrarnos en qué momento vital se encuentran ahora los personajes. También permite que todos ellos utilicen un vestuario compuesto por prendas de diseñadores de renombre que apuntalan su caracterización.

No es nada nuevo. Desde sus inicios, el cine utiliza el vestuario para situar la historia en un contexto histórico-social. Pero a partir de la década de 1960, la indumentaria trasciende su función ilustrativa para convertirse en una herramienta narrativa y simbólica.

El vestido negro de Audrey Hepburn en Desayuno en Tiffany’s (1961), diseñado por Hubert de Givenchy, es un ejemplo emblemático del momento en que una prenda adquiere una dimensión totalmente nueva en la gran pantalla. Con el tiempo, se convertiría en uno de los trajes más caros de la historia del cine. El único ejemplar vendido se adjudicó por 608 000 euros en una subasta en 2006.

Y eso sucedió porque esa pieza tubo de satén, con cortes minimalistas en la espalda, encarna la elegancia atemporal y consagra la unión entre la alta costura y el séptimo arte. La escena inmortalizada frente a los escaparates de Tiffany’s eleva a la categoría de icono al “vestidito negro” popularizado por Coco Chanel en la década de 1920, y lo convierte en un símbolo de elegancia sin igual.

La edad de oro de las colaboraciones

Los años 80 marcan un punto de inflexión decisivo con la llegada de Giorgio Armani, cuyas siluetas minimalistas y desestructuradas redefinen la elegancia masculina y femenina.

Armani se da a conocer al público estadounidense al crear el vestuario de Richard Gere en American Gigolo. Sus trajes, depurados y sofisticados, se convierten en su sello visual y lanzan una moda que sigue siendo influyente hasta hoy. El modisto milanés multiplica a continuación las colaboraciones destacadas: viste a Kevin Costner, Sean Connery y Robert De Niro en Los intocables de Eliot Ness, a Lauren Bacall en Una estrella por dos y, de nuevo, a Kevin Costner en El guardaespaldas. Estas apariciones contribuyen a forjar la imagen de un estilo Armani que es sinónimo del poder discreto y la elegancia atemporal.

Esta relación privilegiada entre Armani y Hollywood continúa con George Clooney y Brad Pitt en Ocean’s Thirteen, para la que diseñará el vestuario, al igual que el de Tom Cruise en Misión imposible: Protocolo fantasma, y el de Leonardo DiCaprio en El lobo de Wall Street, donde el personaje de Jordan Belfort luce trajes de tres piezas que simbolizan su ascenso y desmesura. Estas colaboraciones ilustran cómo la moda puede servir a la narración, reforzar la credibilidad de los personajes y situar al espectador en una época o un entorno social concretos.

La moda como catalizador de la metamorfosis

En el cine, la ropa es un vector de transformación, como analizó recientemente un grupo de investigadores utilizando el ejemplo de Pretty Woman.

La película retoma de forma moderna el arquetipo de la transformación presente en tres cuentos clásicos: La Cenicienta, Pigmalión y La Bella y la Bestia. Vivian Ward, interpretada por Julia Roberts, es una prostituta ingenua pero encantadora. Gracias a su vestuario, pasa de una imagen marginal a una elegancia sofisticada que le permite conquistar la atención de Edward Lewis, un rico hombre de negocios interpretado por Richard Gere.

Los investigadores destacan que Pretty Woman refleja una sociedad en transformación, en la que la identidad personal está cada vez más determinada por la imagen y el estilo. Los vestidos de lunares, el vestido blanco y el sombrero negro que luce en Rodeo Drive e incluso el vestido de noche rojo en la ópera se convierten en símbolos de esta metamorfosis, popularizando tendencias que marcarán la moda estadounidense de los años 1990.

Cuando la moda moldea la ambición y la identidad profesional

En El diablo viste a la moda, adaptación de la novela de Lauren Weisberger, la moda no es solo un accesorio, sino un instrumento de poder y transformación. Andrea Sachs, una joven periodista recién licenciada interpretada por Anne Hathaway, se convierte en la asistente de Miranda Priestly, la tiránica redactora jefe de la revista Runway (encarnada por Meryl Streep).

Al principio, Andrea es objeto de burlas por su falta de estilo, pero sufre una metamorfosis en su forma de vestir que refuerza su confianza en sí misma. Un abrigo blanco, una chaqueta verde, una falda plisada e incluso unas botas negras de Chanel hasta el muslo se convierten en los marcadores visuales de su evolución. Todos ellos ilustran cómo la adopción de los códigos de la moda puede abrir las puertas a un mundo profesional despiadado.

Veinte años después, el estreno de la segunda entrega plantea una pregunta central: ¿sabrá Andrea imponerse ante Miranda y las demás mujeres ambiciosas del sector, adoptando prendas tomadas del vestuario masculino? ¿Qué nuevas siluetas surgirán como símbolos de esta rivalidad y de esta búsqueda de emancipación?

De la colocación de productos a la creación de tendencias

El cine y las series, al mostrar marcas de lujo, se han convertido en importantes palancas de marketing. La década de los 2000, con el impacto de la serie Sexo en Nueva York, sistematizó esta práctica y transformó las pantallas en escaparates para Manolo Blahnik, Dolce & Gabbana, Prada o Gucci. Después de todo, la colocación de productos en películas es una excelente estrategia para aumentar la notoriedad de una marca y llegar fácilmente a un segmento de la clientela.

En un mercado del lujo estimado en más de 1,5 billones de euros en 2024, con cerca del 25 % de clientes estadounidenses, no es de extrañar que las producciones al otro lado del Atlántico sean tan apreciadas por las marcas.

Sin embargo, el equilibrio sigue siendo frágil: entre la coherencia narrativa y la saturación publicitaria, las marcas deben evitar caer en la caricatura, como en Emily in Paris, donde la repetida exposición de productos de lujo roza a veces la parodia. A pesar de ello, algunas apariciones más discretas, como la de bolsos fabricados por una firma de Isère en la quinta temporada de la serie, han generado una avalancha de pedidos, lo que demuestra el impacto directo de estas colocaciones.

Cuando la moda se convierte en protagonista

La serie Love Story (2024), que narra la relación entre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr. desde los años 90 hasta su trágica desaparición en 1999, ofrece un ejemplo llamativo de la influencia de la moda en la pantalla.

Aunque la ficción explora sobre todo la dimensión psicológica de la pareja, los atuendos de Carolyn Bessette ocupan un lugar central. Su estilo minimalista, depurado y elegante se convierte en un personaje en sí mismo, celebrado bajo el nombre de “Carolyn Bessette Style”. Las redes sociales se han hecho eco del fenómeno, con una explosión de búsquedas de prendas de los años 90 y del hashtag #CBK. Las plataformas de venta de segunda mano ven cómo se disparan sus ventas de ropa vintage, mientras que Calvin Klein, marca emblemática de esa época, disfruta de un resurgimiento sin precedentes.

Este éxito demuestra que la moda, cuando se integra con sutileza y pertinencia, puede trascender su papel accesorio para convertirse en un verdadero vector de identificación y aspiración. La colocación de marcas de lujo solo tiene un efecto persuasivo cuando se inscribe en un contexto narrativo coherente. Love Story es la prueba de ello.

La moda en la pantalla, entre espejo social y palanca de influencia

El vestuario cinematográfico se ha impuesto como un lenguaje universal, reflejando y anticipando los cambios sociales. Ahora trasciende su función narrativa para convertirse en una herramienta de transformación identitaria y una palanca de marketing imprescindible.

En la era digital, donde las fronteras entre ficción y realidad se difuminan, las marcas de lujo y el séptimo arte mantienen una relación simbiótica: una ofrece un escenario, la otra relato. Esta alianza, entre creación artística y estrategia comercial, sigue cautivando el imaginario colectivo, al tiempo que cuestiona los límites de una exposición cada vez más intensa. ¿Siguen viendo los espectadores en estas historias una promesa de metamorfosis personal?

Fuente: The Conversation

La película Super Mario Galaxy alcanzó un total de USD 390,5 millones en recaudación doméstica tras cinco semanas en cartelera, consolidándose como el primer estreno de 2026 en lograr esa cifra, según las bases de datos especializadas en taquilla Box Office Mojo y The Numbers. El lanzamiento, realizado por Illumination, Nintendo y Universal Pictures, abarcó mercados clave de Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina.

De acuerdo con el informe publicado el 30 de abril por Box Office Mojo, la producción logró USD 390,5 millones en Estados Unidos y USD 445,8 millones en mercados internacionales, lo que arroja un acumulado global de USD 836,3 millones. Entre los factores que explican este resultado se encuentra la estrategia de estreno global, la colaboración entre estudios estadounidenses y japoneses, y el reconocimiento de la marca Super Mario en distintas generaciones de espectadores.

El precedente inmediato fue el estreno de Super Mario Bros. Movie en 2023, que recaudó más de USD 1.300 millones a nivel mundial, según la base de datos especializada en taquilla The Numbers. El sostenido crecimiento de la saga, sumado al éxito de propuestas similares en animación, evidencia cambios en los canales de distribución y consumo.

¿Cuál fue la recaudación exacta de Super Mario Galaxy en Estados Unidos y el mundo?

Según el corte oficial del 30 de abril publicado por Box Office Mojo, Super Mario Galaxy Movie alcanzó USD 390,5 millones en el mercado doméstico y USD 445,8 millones en mercados internacionales, sumando un total global de USD 836,3 millones. Estos datos sitúan a la producción como la más taquillera de 2026 en Estados Unidos y la consolidan como una de las animaciones con mayor proyección en lo que va del año.

El informe de The Numbers confirma que la película se mantuvo en el primer lugar de la taquilla norteamericana durante tres semanas consecutivas, acumulando ingresos superiores a los de otras producciones recientes del género. El acumulado global la posiciona entre los lanzamientos más rentables de la temporada, superando a estrenos recientes de otros géneros, y ubicándose solo por detrás de su predecesora en la franquicia.

¿Cómo fue la estrategia de lanzamiento global de la película?

El desarrollo de la película estuvo a cargo de Illumination, en asociación con Nintendo y Universal Pictures, empresas que coordinaron una estrategia de estreno simultáneo en América, Europa y Asia, según el análisis de la revista especializada Variety. El filme debutó en más de 4.000 salas en Estados Unidos y en cientos de complejos en Japón, México, Francia, Reino Unido, Brasil, España y Corea del Sur, entre otros mercados.

Universal Pictures confirmó que la campaña de lanzamiento incluyó acuerdos de exhibición con las principales cadenas y una promoción coordinada en tiendas, plataformas digitales y eventos internacionales. El alcance global se vio potenciado por la base de fanáticos de los videojuegos y la penetración de la marca Super Mario en distintos segmentos demográficos.

¿Qué factores contribuyeron al éxito comercial de la película?

El análisis de las bases de datos especializadas en taquilla The Numbers y Box Office Mojo identifica varios elementos clave:

• Reconocimiento global de la marca Super Mario en distintas generaciones.
• Campaña promocional coordinada entre Nintendo y Universal Pictures, con activaciones en tiendas y redes sociales.
• Fecha de estreno estratégica cercana a las vacaciones escolares en el hemisferio norte.
• Experiencia previa del estudio Illumination en éxitos de taquilla familiar y animación.

Box Office Mojo detalla que la película se mantuvo entre las tres más vistas en Estados Unidos durante cinco semanas consecutivas, superando a estrenos recientes de otros géneros y consolidando su presencia en la cartelera internacional.

¿Cómo fue recibida por el público y la crítica?

La recepción de la audiencia se reflejó en las cifras de asistencia y en los índices de aprobación publicados por Rotten Tomatoes, donde la película obtuvo 91% de aprobación del público y un 75% de la crítica especializada. El mantenimiento de un alto nivel de espectadores durante las primeras semanas aportó solidez a la recaudación y permitió que la película permaneciera más tiempo en cines.

El director Chris Meledandri, fundador de Illumination, declaró en conferencia de prensa que la cooperación con Nintendo permitió integrar elementos icónicos del videojuego en una narrativa cinematográfica adaptada a distintos públicos, según recogió la agencia AP. La participación de actores reconocidos en el doblaje y el uso de tecnología de animación avanzada fueron señalados por la crítica como elementos que sumaron valor a la producción.

¿Cuáles son las cifras en comparación con otros éxitos recientes de la animación?

La película previa de la franquicia, Super Mario Bros. Movie (2023), finalizó su ciclo comercial con una recaudación mundial de USD 1.362 millones, según datos de The Numbers. Aunque Super Mario Galaxy Movie aún no ha igualado esa cifra, su desempeño la posiciona como uno de los títulos con mayores ingresos y permanencia en cartelera en 2026.

El comparativo de Box Office Mojo muestra que ningún otro título de 2026 había alcanzado USD 390,5 millones de recaudación doméstica antes de Super Mario Galaxy Movie. Esta posición fortalece la presencia de la franquicia frente a otras propuestas de animación.

¿Qué dice la industria sobre las perspectivas de la franquicia Super Mario?

La estrategia de Nintendo y Universal Pictures apunta a expandir el universo Super Mario más allá de los videojuegos, incorporando parques temáticos, productos licenciados y nuevas producciones audiovisuales, según el último informe trimestral de Nintendo. El desempeño de la película en taquilla genera expectativas de continuidad para la franquicia y abre la posibilidad de futuros proyectos conjuntos con estudios de animación.

La consultora de análisis de taquilla Gower Street Analytics proyecta que el mercado global del cine animado mantendrá una tendencia de crecimiento durante 2026, impulsado por el rendimiento de franquicias como Super Mario Galaxy Movie y la expansión de las plataformas de exhibición. Según Universal Pictures, la película continuará disponible en los principales mercados internacionales, con potencial para incrementar su recaudación en las próximas semanas.

¿Cómo impacta este fenómeno en la industria y los espectadores?

El resultado obtenido por Super Mario Galaxy Movie ha generado expectativas entre los estudios y los exhibidores, quienes enfrentaron caídas en años recientes. La permanencia del filme en cartelera y la asistencia sostenida han fortalecido la confianza en el atractivo del cine animado y en las propuestas basadas en franquicias reconocidas.

Según el balance de Box Office Mojo, la película contribuyó a elevar la taquilla global de 2026, impulsando el interés por estrenos familiares y animados. El desempeño de la franquicia seguirá bajo la mirada de analistas del sector, que anticipan nuevos desarrollos en el marco de la competencia entre estudios y el cambio en los hábitos de consumo de las audiencias.

Resurrection sitúa su relato en un mundo en el que la humanidad ha prolongado su existencia renunciando por completo a la capacidad de soñar. En este nuevo orden social, sobreviven unos pocos individuos conocidos como ‘delirantes’ o ‘fantasmers’, quienes desafían el conformismo refugiándose en universos ficticios inspirados en diferentes períodos y referentes del cine clásico.

Ante ellos se alza la figura de una misteriosa mujer, encarnada por la mítica actriz Shu Qi, cuyo cometido es rescatarlos de estos estados y devolver la linealidad al tiempo, preservando la esencia de la experiencia humana. La película, con una duración de 160 minutos, está protagonizada también por Jackson Yee, quien interpreta al mismo personaje en diferentes momentos de la historia.

Un repaso por todos los géneros del cine

La estructura de Resurrection se articula en cinco o seis episodios (según diferentes lecturas) y cada uno rinde homenaje a una etapa y género cinematográfico: del cine mudo y el expresionismo alemán hasta el noir de los años cuarenta, pasando por el drama rural chino, el folclore nacional y la evocación estilística de autores como Wong Kar-wai o Hou Hsiao-hsien.

El primer bloque está ambientado en las primeras décadas del siglo XX y reconstruye el asombro de los pioneros, con referencias a El regador regado de los hermanos Lumière, Viaje a la luna, de George Méliès, Nosferatu, de Murnau y elementos del ‘pre-cine’ y del expresionismo. En este pasaje, la pantalla se convierte en una “caja mágica” repleta de imágenes y juegos visuales realmente abrumadores.

La narración progresa a través de distintas décadas y estilos, guiando al espectador con el personaje interpretado por Jackson Yee, que cambia de identidad en cada bloque, hasta alcanzar el plano secuencia de cuarenta minutos rodado en la víspera del año 2000.

Durante este segmento, el protagonista, acompañado de una ‘mujer-vampiro’, se pierde en una sucesión de fiestas, peleas y karaokes, recreando la atmósfera propia del cine asiático de finales del siglo XX. Las características técnicas de esta secuencia muestran el virtuosismo del autor, que ya demostró sus capacidades en su anterior obra, Largo viaje hacia la noche, otro auténtico prodigio estilístico, también de estirpe experimental, aunque no del calibre de Resurrection, que rompe cualquier límite.

El desenlace retoma el motivo del rescate: la figura de Shu Qi recupera al ‘fantasmer’ y lo transforma en un monstruo fílmico, en una operación que tiene que ver con la propia naturaleza del filme. El plano final muestra una sala de cine en la que las figuras parecen derretirse y la pantalla arde, una metáfora nostálgica del final del cine.

Devolver la emoción en un mundo tecnológico

Bi Gan explicó en la rueda de prensa de la Seminci, donde estuvo presente el filme: “el cine, para mí, siempre es un juego. Y estas son simplemente maneras de hacer cine. Lo más importante es el final, son las personas que brillan en la película, la emoción. No solo hacia el cine sino también hacia el mundo”.

El cineasta profundizó en el mensaje de la película durante su intervención en la Semana Internacional de Cine de Valladolid: “Vivimos en un mundo de tecnología muy avanzada, dependemos de ella por completo en nuestros actos cotidianos. Y es normal que haya muchos autores preocupados por el futuro. Pero tenemos que recordar que lo que realmente necesitamos es nuestro cuerpo. Usamos las piernas para andar e ir más lejos, los ojos para ver, la mente para pensar. Por supuesto, el cambio del mundo hace que estemos pendientes de la máquina, pero creo que tenemos que volver a las cosas tradicionales, antiguas, puras, simples. Nuestro conocimiento del mundo parece fallido pero es lo que construye nuestra consciencia y nuestra sociedad, es lo que hace que seamos humanos”.

La película alterna géneros y formatos, combinando homenajes a grandes nombres y estilos del cine global. El filme utiliza tres formatos distintos y una mezcla de géneros: desde el fantástico y policiaco hasta el drama folclórico en una amalgama tan insólita y desconcertante como apabullante convirtiendo el relato en una eterna paradoja: nos encontramos en un mundo en el que ya nadie sueña porque hemos bloqueado todo acceso al subconsciente.

Resurrection es una experiencia ‘inmersiva’ alucinada y alucinante, una rareza avasalladora, una fábula indómita, de una originalidad tan extrema que no se ha visto nunca nada igual en el cine. Una experiencia exigente también, pero tan hipnótica y embriagadora que deja sin palabras.

En esta ocasión, la mirada de un niño, se convertirá en el eje para explorar los vestigios del nazismo y el impacto de la guerra en el seno de una familia alemana durante los últimos compases de la Segunda Guerra Mundial. Este enfoque, que evita el dramatismo excesivo y los tópicos habituales, ha sido uno de los aspectos que ha destacado la crítica internacional, sobre todo si tenemos en cuenta que el director es tendente a una mirada convulsa y aquí se muestra tan sensible como delicado.

La película narra cómo Nanning Bohm, de 12 años, enfrenta los últimos meses de la guerra junto a su madre, partidaria acérrima del nazismo y embarazada, sus dos hermanos menores y su tía Ena. La familia se ve obligada a huir del Hamburgo bombardeado para refugiarse en la pequeña isla de Amrum, en el mar del Norte. El padre, militar de alto rango en las SS nazis y notable científico, está ausente combatiendo, mientras la madre sostiene la estructura familiar en condiciones extremas.

La mirada de un niño frente al horror

El niño intenta ayudar en la subsistencia familiar, trabajando en los campos de patatas, recogiendo leña y rebuscando alimentos, en un entorno marcado por la escasez y el trueque como única vía para conseguir bienes tan codiciados como el pan blanco con mantequilla y miel, el principal anhelo de la madre tras dar a luz. Todo sucede en una isla dependiente de los cupones de racionamiento nazis, que pierden todo valor cuando el conflicto termina.

El relato mantiene en todo momento el punto de vista del niño, lo que permite captar la complejidad histórica con matices de ambigüedad y candor: Nanning no comprende del todo las implicaciones del régimen ni las fracturas ideológicas que marcan a los adultos. A partir de episodios cotidianos, la película construye un mosaico de lo ordinario y lo trágico: desde las travesuras infantiles —robo de huevos, juegos en la playa y aprendizaje de los oficios insulares— hasta escenas límites, como el hallazgo del cadáver de un aviador británico en la costa, con los ojos devorados por los peces, o el choque con la muerte al subir inesperadamente la marea.

La dimensión emocional se acentúa en la relación entre Nanning, su madre y el entorno: la depresión materna tras la muerte de Hitler y el nacimiento de la pequeña hermana, los intentos desesperados del niño para satisfacer los deseos alimentarios de la madre en un panorama de carencia absoluta, o el clima de sospecha y delación que surge cuando el protagonista, sin querer, repite ante su madre un comentario irónico sobre Hitler escuchado a una granjera. Como resultado, esa indiscreción infantil acarrea consecuencias para la mujer, mostrando el miedo y la vigilancia interna en la Alemania de posguerra.

La llegada de refugiados de Silesia, región del centro de Europa que en ese periodo pasó de Alemania a Polonia, despreciados y llamados ‘polacos’ por los niños insulares a pesar de ser alemanes, añade una dimensión social y de prejuicio entre compatriotas.

La narración incorpora pequeños rituales o ritos de paso que aceleran la madurez del niño, como la obligación de despellejar un conejo o afrontar la muerte directa de personas conocidas. La sucesión de hechos culmina en escenas donde la derrota del régimen se hace palpable: el suicidio de un líder de las Juventudes Hitlerianas, la pérdida de valor de los cupones nazis y la humillación de la madre, que tras robar una salchicha es incapaz de conseguir alimentos legales.

Una película fiel a la memoria

El trabajo de Fatih Akin supone un viraje respecto a sus filmes anteriores: en La isla de Amrum apuesta por una dirección contenida y cercana a la sencillez emocional, alejándose de los ritmos más frenéticos de sus obras previas. Como ha detallado el cineasta, la colaboración con Hark Bohm resultó fundamental, tanto en el desarrollo del guion como en el cuidado de la memoria: “Hark es mi maestro de cine, mi maestro de vida y mi amigo”. Akin ha remarcado que el filme explora la penetración del ideario nazi en la familia y cómo ese legado puede transmitirse o rechazarse en las generaciones siguientes: “Aprendemos a través de las historias. Olvidamos muy rápido y pensamos que el proceso de ‘desnazificación’ está completo, pero no es cierto en absoluto”.

Otra capa relevante es la geografía de la isla de Amrum. Akin describe el proceso de rodaje como enriquecedor, al descubrir un territorio salvaje y sano, donde la naturaleza y el aislamiento adquieren peso narrativo: en Amrum no existe conexión por tierra firme, lo que refuerza su carácter remoto y, en última instancia, protegido de la violencia directa de la guerra.

El elenco incluye intérpretes que asumen el reto de cambiar de registro y trabajar en entornos poco habituales para la industria alemana, combinando la experiencia de los adultos con la espontaneidad de la niñez. En ese sentido, al frente del reparto encontramos a la estrella Diane Kruger, con la que el director ya había trabajado en el drama judicial En la sombra y por el que la intérprete ganó el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes.

Nacido en Bucarest el 16 de enero de 1926, Tandarica llegó a este país como refugiado rumano y se convirtió en uno de los cómicos más reconocidos de la televisión de los años ochenta. Su número del mozo torpe y aparentemente ebrio en VideoMatch, el éxito que catapultó a la fama a Marcelo Tinelli, fue el que le valió el apodo de “el Chaplin argentino”.

Tandarica trabajó durante años en circos de Rumania. La dictadura comunista de Nicolae Ceaușescu, que comenzó en 1965, lo empujó a abandonar el país. Según relató su hija Aglaja Veteranyi en un libro sobre su padre, se fue con el dinero que había tomado de la caja del circo nacional rumano.

La huida tuvo consecuencias graves. Cuando las autoridades rumanas tomaron conocimiento del robo y de sus creencias religiosas, fueron condenados a muerte en ausencia. Esa sentencia le cerró para siempre la posibilidad de regresar a su país de origen.

La primera parada fue Suiza, donde la familia obtuvo un pasaporte de refugiados. Desde allí, Tandarica y su esposa comenzaron a recorrer distintos países con su trabajo circense, sin un destino fijo. Una vida itinerante.

Esa vida del circo tuvo un costo familiar enorme. Tandarica se casó dos veces y tuvo dos hijas. A Aglaja la tuvo con una trapecista que trabajaba en el mismo circo que él.

La movilidad constante llevó al humorista a tomar una decisión que marcaría la infancia de sus hijas: las dejó en un internado de Suiza. Aglaja permaneció allí gran parte de su niñez y llegó a la adolescencia sin saber leer ni escribir. Cuando cumplió 15 años, su madre fue a buscarla para llevarla a trabajar al circo.

Ya adulta, Aglaja aprendió a leer y escribir, y llegó a desarrollar una carrera como dramaturga, guionista y ensayista. Publicó el libro Por qué se cuece el niño en la polenta, donde narró situaciones muy duras sobre su relación con su padre. Se suicidó en Suiza tiempo después de la muerte de Tandarica, ella tenía 39 años.

En 1974, el humorista desembarcó en la Argentina y se incorporó al conocido circo Tihany, con el que actuó en las temporadas veraniegas de Mar del Plata. A principios de los años ochenta se radicó en Buenos Aires, donde comenzó a construir una carrera en teatro, cine y televisión.

Antes de consolidarse en el país, Tandarica ya había ganado el “Óscar del Humor”, un reconocimiento que se entregaba en España para premiar a los grandes cómicos. Lo obtuvo por sus imitaciones de figuras de la historia contemporánea como Stalin, Fidel Castro y Francisco Franco.

Su debut teatral en Argentina fue en 1980, con la obra Los años locos del Tabarís, junto a Moria Casán, Carmen Barbieri, Orlando Marconi, Alberto Anchart y otros. La obra lo instaló en el circuito del teatro de revista porteño, un género que convocaba muchos espectadores por aquellos años.

A lo largo de los años ochenta encadenó varias temporadas. Trabajó en La revista del paro general (1984) con el inolvidable José Marrone, Tristán y Luisa Albinoni; en La noche está que arde (1987), estrenada en el Teatro La Sombrilla de Villa Carlos Paz junto a Marrone y Adriana Aguirre; y en La revista corrupta (1991), en el Teatro Tabarís, con Nito Artaza y Beatriz Salomón, entre otros.

En cine participó en varias películas del género de comedia como El telo y la tele (1985), Los colimbas al ataque (1987), Los bañeros más locos del mundo (1987) y Corona se va al karate (1990).

Dice la leyenda que el entrañable Tandarica llegó a filmar una película en Hollywood junto a Sylvester Stallone, aunque no hay confirmación de aquello haya sucedido realmente.

En televisión apareció en uno de los programas de mayor suceso en la década de 1980 como fue Mesa de Noticias (1983). Integró el elenco de Recreo 11, Las mil y una de Sapag, Las gatitas y ratones de Porcel (1986), Badía y Compañía (1987) y Ritmo de la Noche. Pero fue VideoMatch, el programa diario conducido por Tinelli, el espacio donde su personaje se volvió verdaderamente popular.

El número que caracterizaba a Tandarica consistía en representar a un mozo con bigote a lo Chaplin que parecía ebrio y tropezaba permanentemente y desataba desastres en cadena a su alrededor. Era un gag puramente corporal, sin palabras, que conectaba directamente con la tradición del mimo clásico pero con mucha más energía y movimiento. Ese personaje le dio el apodo que lo acompañó el resto de su vida.

En 2013, el programa Sin codificar le rindió homenaje con un personaje llamado “El Nieto de Tandarica”. La televisión húngara produjo además una película titulada Aglaya, centrada en la historia de su hija y en la propia vida del cómico.

Tandarica murió hace 31 años. Tal vez un reportaje publicado en la revista Somos, en mayo de 1985, se pueda revelar algo más sobre la vida de un actor, mimo y humorista que hacía del silencio una virtud escénica.

-¿Por qué eligió la mímica y no la actuación, Tandarica ?

—No me expreso bien con la palabra y decidí hacerlo con el cuerpo. Pero quiero decir que con mi cuerpo hablo, transmito un mensaje, ¿entiende?

-Sabemos que su currículum es frondoso. . .

—Sí: trabajé en el Moulin Rouge, en el Folies Bergére, en un circo suizo financiado por Chaplin, en el Tihany. De chico me enviaron a estudiar a la escuela de circos de Moscú y llegué a actuar para el mismísimo Stalin. Egresé como regisseur circense cuando el gran clown Popov estaba en su apogeo. Hice 60 cortometrajes en Rumania y anduve de gira por África, Europa y Sudamérica. Acaban de contratarme para ir a un casino de Las Vegas. Pienso quedarme seis meses y volver a la Argentina, país que me gustó tanto cuando vine que me casé por segunda vez con una criolla: María Teresa.

-¿Y su anterior mujer?

—Quería vivir en Suiza y no en la Argentina, así que me abandonó y yo volví a casarme aquí. Me gustan los argentinos: sus modos, sus gestos. . .

-¿Le gusta más la tevé que el circo?

—El olor del circo me desagrada, créalo. Claro que no reniego de él.

-¿No ha recibido ofertas para tener su propio programa?

—Sí: de ATC (Argentina Televisora Color) y de Alejandro Romay en Canal 9. Pero son sólo ofertas.

-Ese bigotito chaplinesco, ¿tiene algo que ver con Charlotte?

—Es para darle carácter a mi personaje, nada más. En cuanto a Chaplin, él me ayudó mucho durante mis primeros tiempos en Suiza. Además de ser uno de los financistas del circo donde yo actuaba, se encargaba él mismo de la alimentación de los animales. ¡Qué personaje! Cuando ya estaba postrado en la silla de ruedas, le gustaba ver sus películas. Yo no podía sentir más que agradecimiento y cariño por él, así que iba a su casa y hacía de proyectorista. Chaplin no hablaba, pero se emocionaba.

-Su estilo mímico no se parece al de Marcel Marceau. ¿Qué opina de él?

—Trabajamos juntos en el Folies Bergére. Usa toda la cara blanca, una máscara estupenda para lo suyo. Es un tipo singularmente bueno, además.

-¿Se ríen de igual modo los públicos que lo han visto actuar, Tandarica?

—Todos me reciben igual, créalo. El secreto esta en mi cuerpo: él les dice todo lo que hace falta para reírse. Siento que la gente me entiende.

-¿No extraña Rumania, Suiza, Europa?

—En Rumania no me queda nada. Mis padres han muerto y yo soy hijo único. Piense lo que habrá significado para ellos, actores que no estudiaron, desprenderse de su único hijo en aras del estudio. En Suiza, con mi ex mujer, tengo una hija de 12 años que estudia cine. Otra hija mía, de 28 años, casada, vive en México. Tengo dos nietos, y pienso visitarlos.

-¿Usted estaba en Europa cuando la Segunda Guerra, verdad?

—Sí, pero no me gusta hablar sobre la guerra. Yo era chico, pero el servicio militar era obligatorio. Tenía 20 años y todo fue feo, muy triste, ¿sabe? Fui segundo piloto y también actué un poco para las tropas.

-¿Qué tipo de show haría de concretarse algo con ATC o Canal 9?

—Un show de mimos, claro; pero abriendo más el espectro de posibilidades. Ahora estoy haciendo gags y bromas para chicos, digamos, pero me encantaría hacer humor para adultos. Nada picante: fino, apoyado en el gag visual y para grandes y chicos. La idea básica: un pobre ayudante de pista de un gran circo que debe reemplazar a quien falta, y que fracasa siempre. O no.

Así hablaba Tandarica. Un hombre que hizo reír solo con sus gestos y la torpeza sublime de su personaje más recordado.

El director Andy Serkis ha señalado que Viggo Mortensen reaccionó de forma “encantada” frente al fichaje de Jamie Dornan como el nuevo Aragorn en la próxima película The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum (La caza de Gollum). Durante una intervención en el pódcast estadounidense Happy, Sad, Confused, Serkis enfatizó que tanto Mortensen como el equipo de rodaje están satisfechos con la elección de Dornan, destacando que no existe resentimiento por la llegada del nuevo actor al papel.

La incorporación de Jamie Dornan como Aragorn supone la introducción de un nuevo rostro en la franquicia, mientras el propio Serkis retomará el papel de Gollum. La película enfocará su narrativa en torno a la complejidad psicológica del personaje de Gollum y se describe como una historia más íntima.

Regresarán también Ian McKellen como Gandalf, Elijah Wood como Frodo Bolsón y Lee Pace como Thranduil, junto a nuevas incorporaciones como Kate Winslet (Marigol) y Leo Woodall (Halvard).

Una forma de revivir la mítica saga

Serkis explicó en el mismo pódcast que, aunque prefiere no profundizar todavía en los detalles del proceso de selección, tanto el equipo como Mortensen comparten la satisfacción por la incorporación de Dornan: “No quiero entrar en ello ahora porque quiero reservarlo para más adelante. Pero estamos encantadísimos con Jamie. Y, por cierto, también lo está Viggo”, declaraciones recogidas por la revista especializada Variety.

La nueva entrega, ambientada en los años previos a La Comunidad del Anillo, narrará la persecución de Gollum y busca ubicarse entre las trilogías de El Hobbit y El Señor de los Anillos. El guion se basa en el trabajo de Fran Walsh y Philippa Boyens, colaboradoras habituales de la franquicia, y suma las aportaciones de Phoebe Gittins y Arty Papageorgiou sobre la obra de J.R.R. Tolkien.

Un personaje icónico dentro de la cultura popular

“Queda mucho por explorar en este personaje tan complejo —probablemente el más complejo que escribió Tolkien— porque el propio autor volvió a él en distintas ocasiones. Por eso, había ganas de regresar a la Tierra Media y esta historia, más íntima y psicológica, nos permite ahondar hasta el fondo”.

“Es una forma de traer de vuelta a parte del reparto, pero ofreciendo algo muy distinto, una indagación sobre un personaje que ha quedado totalmente asumido en el imaginario popular. Nos parece que existe una auténtica vigencia”, expuso Serkis en el pódcast citado por la revista"

Serkis insistió en que la historia encajará con precisión entre las dos grandes trilogías cinematográficas, subrayando: “Creo que todavía hay una riqueza de contenido en Gollum. Además, se sitúa de forma muy natural entre las películas de El Hobbit y El Señor de los Anillos. Es un excelente modo de que el público vuelva a este mundo”.

La película The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum se estrenará el 17 de diciembre de 2027 en cines y se prevé como uno de los acontecimientos más esperados de la temporada navideña del año que viene. Además, el director y actor, también participará en otra gran franquicia de próxima temporada, como es The Batman. Parte II, donde repetirá su papel del mayordomo de Bruce Wayne, Alfred Pennyworth.

Inspirado por los antagonistas más reconocidos del cine, Paul Anthony Kelly reveló en una entrevista exclusiva con People su intención de dejar atrás la imagen romántica que marcó su carrera, para asumir el reto de interpretar un villano capaz de infundir auténtico temor y transformar la experiencia cinematográfica tanto para la audiencia como para sí mismo.

“Sería fascinante explorar lo que significa hacer sentir temor de verdad”, resumió.

La búsqueda de un nuevo registro actoral

Kelly explicó que su decisión surge de una necesidad personal y profesional de explorar territorios inexplorados en su trayectoria.

El actor declaró que, tras años encarnando personajes asociados al romance, siente que llegó el momento de abordar un rol que implique una transformación profunda y desafíe sus propios límites interpretativos. Considera que asumir un antagonista le permitirá crecer como actor y sorprender a quienes lo siguen desde sus primeros trabajos.

La elección de este giro no responde solo a una inquietud personal, sino también al convencimiento de que los villanos bien construidos enriquecen la narrativa y permiten al intérprete trabajar con una amplitud emocional distinta. Kelly remarcó que esta nueva etapa supone un cambio sustancial en su carrera y representa el desafío más grande que ha enfrentado hasta ahora.

El valor dramático de los grandes villanos

Durante la entrevista, el actor reflexionó sobre la influencia que ejercen los antagonistas en el cine. Señaló que los villanos memorables se distinguen por su capacidad para alterar el pulso del espectador y generar reacciones viscerales, incluso con gestos mínimos o frases breves.

Para Kelly, esos personajes son los que trascienden el mero conflicto narrativo y se convierten en el motor emocional de las historias.

A modo de ejemplo, mencionó cómo los grandes antagonistas logran impactar al público más allá del desenlace de la película. “Los villanos de las películas que más me marcaron son aquellos que uno nunca olvida”, afirmó, subrayando la importancia de la autenticidad y la profundidad en la construcción de este tipo de roles.

La preparación para un papel desafiante

Kelly detalló que la preparación para encarnar a un villano implica un proceso de investigación exhaustivo y una revisión constante de los propios recursos expresivos. Destacó la necesidad de evitar los lugares comunes y el trabajo minucioso sobre la psicología del personaje para lograr una interpretación creíble.

El actor enfatizó que su meta es construir un papel que despierte sensaciones genuinas, desde el miedo hasta la empatía, y que permanezca en la memoria del público. “Sería fascinante explorar lo que significa hacer sentir temor de verdad”, sostuvo en diálogo con People. Para lograrlo, considera esencial una entrega total y una autocrítica permanente durante todo el proceso de composición actoral.

Estrategia profesional y expectativas del público

La decisión de buscar un cambio radical en su carrera responde también a una estrategia deliberada para ampliar su registro interpretativo y posicionarse como un actor versátil. Kelly reconoció que este giro representa una oportunidad única para demostrar su capacidad de adaptación y consolidarse en un nuevo segmento del cine, captando la atención tanto de realizadores como de audiencias que buscan propuestas distintas.

La expectativa generada por sus declaraciones exclusivas a People ha despertado interés en la industria y entre sus seguidores, quienes aguardan la concreción de este proyecto. El público, habituado a verlo en papeles románticos, observa con atención cómo Kelly se prepara para asumir el reto de convertirse en un villano relevante en la pantalla contemporánea.

Una nueva etapa en la carrera de Paul Anthony Kelly

A medida que avanza en este proceso de transformación, Paul Anthony Kelly reafirma su compromiso con la autenticidad y la búsqueda de nuevos desafíos en el arte de la actuación. Su objetivo es construir un personaje capaz de conmover y fascinar, dejando una huella profunda en la memoria colectiva.

El actor encara este cambio convencido de que un villano bien logrado puede redefinir el relato y aportar una dimensión inédita al cine actual, marcando el inicio de una etapa de crecimiento y experimentación en su carrera.

La aparición de Jordi Évole en La Revuelta de TVE, presentado por David Broncano, ha marcado una colaboración poco habitual entre cadenas rivales, en la que el periodista ha aprovechado para defender el documental ‘Sidosa’ sobre el VIH y respaldar públicamente a Eduardo Casanova frente al rechazo que ha suscitado su testimonio.

El propio Évole ha confirmado que Atresmedia no le ha puesto impedimentos para acudir al plató de la cadena pública y presentar un proyecto que, como ha subrayado, nació de la apuesta de su grupo por la visibilización del VIH. El periodista ha recalcado que ni Casanova ni él han obtenido beneficio económico alguno de la película y ha insistido en que ningún fondo público ha financiado el documental.

Tensiones entre cadenas y reivindicación de la apertura televisiva han protagonizado los primeros compases del programa, con un intercambio de bromas y observaciones directas sobre la competencia por audiencias.

Évole ha entrado al plató del Teatro Príncipe Gran Vía en Madrid entre vítores, precisando a Broncano que necesitaba sentarse de inmediato por riesgo a sufrir un ataque de cataplexia, condición a la que ha hecho referencia repetidamente a lo largo de la entrevista, llegando a experimentar varios episodios en directo.

Rivalidad entre cadenas y apoyo a Casanova

Una vez ya acomodado en el sofá, Broncano ha dado inicio al diálogo planteando la cuestión sobre si la dirección de Atresmedia estaba al tanto de la presencia de Évole en la televisión pública. De acuerdo con el propio Évole, él mismo avisó a su director general, José Antonio Antón, quien respondió que no habría inconvenientes para que pudiera asistir al espacio.

Este gesto ha sido interpretado por ambos presentadores como un posible síntoma de normalización en unas relaciones tradicionalmente marcadas por la rivalidad, aunque Broncano ha destacado que “a nivel institucional, entre compañías, la situación es tensa”. El cruce de comentarios entre ambos ha ido escalando en humor cuando Évole ha bromeado sobre la “tensión” existente y ha lanzado la acusación de que Televisión Española estaría “copiando toda la programación de laSexta”.

Broncano ha replicado que, de hecho, Atresmedia ha fichado a Marc Giró, anterior colaborador de TVE, para incorporar a su parrilla. La conversación ha desembocado en una reflexión compartida sobre la excepcionalidad de la visita de Évole, quien ha insistido en que “no debería ser noticia” la presencia de un rostro de Atresmedia en la cadena pública, aunque reconocía que estas situaciones siguen siendo infrecuentes.

El motivo original de la presencia de Évole era promocionar el documental ‘Sidosa’, centrado en el testimonio de Eduardo Casanova sobre su diagnóstico de VIH. Casanova no pudo estar presente en la entrevista por encontrarse indispuesto, lo que llevó a Évole a realizar una defensa explícita de su colaborador, afirmando que: “Ha sido un valiente haciendo este documental, explicando que tiene VIH desde los 17 años. Hizo la serie ‘Aída’ teniendo VIH, ha estado siempre escondido y a pesar de hacer un testimonio así, está recibiendo hate”.

Évole ha continuado denunciando las críticas negativas hacia Casanova: “Hay gente que no tiene corazón, le están dando duro como hacen siempre”. Además, ha agregado que ni Casanova ha recibido remuneración alguna por el proyecto ni la producción ha contado con fondos públicos: “Edu no ha ganado ni un duro haciendo ‘Sidosa’ y además esta película no ha recibido ni un euro público. Si lo hubiese recibido, no pasaría nada, pero en este caso ha sido Atresmedia la que ha apostado por esta película. Me da bastante rabia, él ha hecho un acto de generosidad muy bestia”.

Cataplexia y preguntas clásicas

Durante la charla, Jordi Évole ha compartido detalles sobre su cataplexia y ha relatado que, en ocasiones, puede llegar a desmayarse debido a la risa o situaciones de tensión. En el programa, ha llegado a sufrir hasta tres episodios de cataplexia, deteniendo la entrevista hasta recuperarse: fue mientras rememoraba una anécdota de tráfico cuando se desmayó por primera vez, narrando: “Me bajé del coche, ese día estaba muy loco, y cuando me voy para el otro, me caigo”.

El formato también ha dado espacio a las denominadas “preguntas clásicas” sobre la vida personal y patrimonial del invitado. En cuanto a su situación económica, Évole ha afirmado que “iba muy bien con el dinero” pero que se lo ha gastado en la realización de ‘Sidosa’ y que no han recuperado “ni un duro”.

Preguntado por el saldo de su cuenta bancaria, el periodista ha ofrecido una horquilla amplia de “entre 900.000 euros y 30 millones”, rehuyendo cualquier precisión. Sobre el sistema impositivo, Évole ha manifestado: “Me considero un afortunado, pago todo lo que hay que pagar a Hacienda y lo hago contento, porque no creo que haya un sistema mejor”.

El diálogo ha finalizado con la tradicional pregunta sobre las relaciones sexuales del invitado, a la que Évole ha respondido, sin proporcionar cifras: “Ha sido un buen mes. No puedo decirlo por no humillarte. Te vas a ir hundido a casa”.

A comienzos de siglo, una joven periodista llamada Lauren Weisberger pasó once meses como asistente personal de Anna Wintour, la temida jefaza de Vogue y la editora de moda más famosa del mundo. De su experiencia nació El diablo viste de Prada, una novela superventas que no se cortaba a la hora de despellejar a la que fue su antigua jefa.

El éxito fue tal que tres años más tarde Meryl Streep y Anne Hathaway se enfundaron en la piel de Miranda Priestly, la fría y exigente redactora jefe, y su joven becaria, Andy Sachs, respectivamente, en una cinta que dirigó David Frankel y que nominó a Streep al Óscar a mejor actriz.

Dos décadas después, este fenómeno cultural regresa a los cines con una secuela que se estrena este 30 de abril y que plantea un giro acorde a los tiempos, contando de nuevo con Frankel en la dirección y Aline Brosh McKenna en el guion. La nueva película retoma la historia de Miranda Priestly en plena transformación del negocio editorial: el declive de Runway como revista impresa, el auge de lo digital y la irrupción de las redes sociales como nuevo epicentro de influencia, con, valga la redundancia, influencers, como el mayor de los escaparates. En la nueva cinta, retoman sus papeles las actrices protagonistas, así como Emily Blunt en el papel de Emily, antes primera asistente de Miranda, y ahora ejecutiva en Dior, y el que fue la mano deerecha de Miranda, Nigel, interpretado por Stanley Tucci. En esta ocasión se incorporan Justin Theroux y Kenneth Branagh.

Pero el regreso de estas dos protagonistas no se entiende sin el impacto de la primera, una cinta ambientada en Nueva York que narra una historia atemporal donde se tratan temas como la toxicidad laboral, la manipulación psicológica, la cultura del agotamiento y la tiranía silenciosa de unos jefes más que exigentes.

Disponible en Disney+, Movistar Plus+ y RTVE

Para quienes quieran revisitar la primera parte antes de ver la secuela, hay multitud de opciones. Actualmente, la película está disponible en streaming en plataformas como Disney+ y Movistar Plus, donde puede verse dentro del catálogo para suscriptores. Sin embargo, si no tienes ninguna de estas plataformas a tu alcance, está disponible de forma gratuita en RTVE Play.

Esta primera parte mantiene, a día de hoy, una muy buena recepción crítica. En portales como Rotten Tomatoes, la cinta cuenta con una valoración muy positiva tanto por parte de la crítica y del público: un 75 sobre 100 por parte de la prensa especializada. Un punto porcentual superior le da el público, con un 76 sobre 100.

En ese contexto, el estreno de la secuela no solo apela a la nostalgia, sino que reabre el debate sobre la importancia del periodismo o cómo han evolucionado las dinámicas de poder en entornos laborales tan exigente. Volver a El diablo viste de Prada permite comprobar hasta qué punto su mirada sigue vigente en una industria que ha cambiado. Quizá por eso, Miranda Priestly no solo continúa siendo un icono, sino también un espejo -para muchos- en el que todavía merece la pena mirarse.

La decimonovena edición de La Nueva Ola, Festival de Cine Español y Latinoamericano de Roma, que se realiza del 6 al 10 de mayo en los cines Barberini y Troisi de la capital italiana, destaca en su programación a dos películas argentinas que representan dos épocas de la producción nacional: la contemporánea Las corrientes, dirigida por Milagros Mumenthaler, y un clásico de los años 80 como Tangos, el exilio de Gardel”, obra de Fernando “Pino” Solanas.

Ambas películas ocupan un lugar central en el festival, que las presenta como ejemplos paradigmáticos de la creación argentina. Por un lado, Las corrientes representa la renovación del cine actual al abordar, desde la mirada personal de su directora, el dilema del desarraigo, la búsqueda de identidad y las secuelas emocionales del exilio. Por otro, Tangos, el exilio de Gardel simboliza el rescate y la vigencia de un clásico restaurado, que utiliza la música, la danza y la narrativa poética para retratar la memoria colectiva de un tiempo muy particular de la historia contemporánea de nuestro país.

Con casi veinte años de historia, el Festival de Cine Español y Latinoamericano de Roma se ha consolidado en Italia como referente para el cine iberoamericano. En esta edición, la programación subraya relatos de resistencia, migración y memoria, visibilizando el papel de Argentina a través de obras que dialogan con problemas universales y que encuentran resonancia en audiencias internacionales.

‘Las corrientes’, entre la identidad y el desarraigo

La directora Milagros Mumenthaler, de origen argentino-suizo, propone en Las corrientes”¿ una exploración sobre el desarraigo individual y las fisuras de la pertenencia. El filme sigue a Lina, interpretada por Isabel Aimé González Solá, una diseñadora que divide su vida entre Europa y Buenos Aires y atraviesa una crisis existencial tras un episodio decisivo en Suiza.

Mumenthaler ha señalado a Infobae Cultura que su protagonista es “un personaje desclasado, que se va de su lugar de pertenencia por obligación, por un instinto de supervivencia, para acomodarse al entorno socioeconómico de su pareja”. Añade que este esfuerzo cotidiano “la vuelve frágil, permeable a posibles desequilibrios psíquicos”, evidenciando la vulnerabilidad y las tensiones que enfrentan quienes se mueven entre distintos mundos.

La película transcurre entre Ginebra y Buenos Aires, y se centra en la soledad de Lina y en la distancia que siente hacia su familia. Aclamada en festivales internacionales como Toronto y San Sebastián, donde recibió el Premio RTVE, la obra sobresale por su cuidada fotografía y el papel simbólico del agua, que acompaña la búsqueda de identidad y memoria.

El trasfondo personal de Milagros Mumenthaler, marcada por el exilio durante su infancia en Suiza, otorga a la película una mirada íntima sobre las consecuencias emocionales del desarraigo. El reparto incluye a Esteban Bigliardi, Emma Fayo Duarte y Claudia Sánchez, y desarrolla una narrativa que oscila entre el realismo y la evocación poética.

‘Tangos, el exilio de Gardel’, exilio y la memoria

La inclusión de Tangos, el exilio de Gardel en este festival representa la recuperación de una película emblemática del inicio de la etapa democrática a partir de 1983. Dirigida por Fernando “Pino” Solanas y galardonada en 1985 con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia, este largometraje relata la experiencia del exilio argentino en Europa a través de un grupo de artistas que busca crear un espectáculo de “tanguedia” (fusión de tango, comedia y tragedia) en París.

La obra de Solanas destaca por transformar la nostalgia en un acto creativo, eludiendo el resentimiento. La música compuesta por Astor Piazzolla se amalgama con las vivencias del desarraigo y la memoria, resultando en una narrativa fragmentada y llena de símbolos, donde la creación artística se convierte en refugio frente a la pérdida de la patria.

El elenco está encabezado por Miguel Ángel Solá, acompañado por Marie Laforet y Ana María Picchio, entre otros. La crítica resaltó la riqueza visual y sonora del film, así como la manera en que difumina los límites entre realidad y ficción, invitando al espectador a sentir la historia más allá de las palabras. El equilibrio entre humor, ternura y referencias históricas sitúa a esta obra en un lugar central del cine latinoamericano.

La respuesta directa es sí. El principal responsable de Lionsgate, productora encargada de la película, lo acaba de confirmar en el podcast The Town with Matthew Belloni, en el que abordaba algunas cuestiones relativas a la película como sus reshoots (cuando es necesario volver a rodar algunas escenas tiempo después) o el impacto de esta en la industria. Adam Fogelson, jefe del estudio, respondía a todas estas preguntas y daba nuevos detalles de esa secuela en camino. “Estábamos muy seguros de que la película iba a funcionar desde el mismo proceso de producción”, aseveraba el directivo nada más arrancar la conversación.

Fogelson tampoco rehuía hablar de todos los problemas de producción que ha tenido Michael, especialmente los famosos reshoots de su tercer acto. “Siempre estuve preocupado de cómo íbamos a abordar todo en una sola película con el guion original. Obviamente no puedes abarcarlo todo, los Beatles van a tener cuatro películas”, argumentaba el productor. Ahora hay la posibilidad de una segunda película, tal y como deja entrever el final de la primera, y Fogelson resuelve la gran incógnita. ¿Está en camino? ¿Cómo se pueden dramatizar las acusaciones que enfrentó el rey del pop?

Pendientes de Fuqua

“No me quiero adelantar a los cineastas en cómo tiene que ser una segunda parte”, comienza diciendo Fogelson. “Hay un montón de música y de experiencias vitales que darían para una película sola más allá de las acusaciones”, aclaraba el productor. “Creo que habrá varias maneras en la que los directores serán capaces de sacarlo adelante. En un par de semanas nos reuniremos para saber cuál es la visión que tienen”, revelaba Fogelson, refiriéndose al productor Graham King (Bohemian Rhapsody) y el director Antoine Fuqua, principales responsables creativos de la película.

Con respecto a los tiempos de rodaje, Fogelson sacaba a la luz un problema: el compromiso de Fuqua con Netflix para rodar una nueva película junto a Denzel Washington, con el que ya ha colaborado en Dia de entrenamiento o la saga The equalizer. “Todos tienen mucho trabajo, Graham también está con varios proyectos y no sé como lo resolverán entre él y Antoine”, explicaba Fogelson, quien confirmaba que la película va a suceder, ya sea este año o el siguiente: “La probabilidad es muy alta”. Tan solo es cuestión de tiempo y de ver el resultado final en taquilla de una película que de momento está devolviendo a la gente a los cines y, con acusaciones o no, haciendo que esta salga de la sala con muchas ganas de bailar y cantar.

En esta semana las protagonistas son indiscutibles. Meryl Streep y Anne Hathaway vuelven con El diablo viste de Prada 2, el que sin duda es el estreno más destacado, pero no el único a tener en cuenta. El cine español tiene presencia de la mano de Carmen Machi en una suerte de 12 hombres sin piedad sobre corrupción, el cine de autor tiene su hueco con Resurrection, la ambiciosa película del chino Bi Gan, el acoso escolar del drama australiano La plaga o el terror de Strangers: Capítulo final, cierre de la exitosa franquicia.

El diablo viste de Prada 2

Han pasado unos cuantos años, pero hay cosas que nunca pasan de moda. Miranda Priestly y Andie Sachs, los personajes de Meryl Streep y Anne Hathaway en El diablo viste de Prada, regresan con esta esperada secuela de las peripecias en la revista Runway. Mucho ha cambiado en el mundo de la moda, pero estas dos mujeres siguen entendiendo de estilo y tendencias como nadie, aunque han surgido nuevos problemas. Con la jubilación de Miranda a la vista y los crecientes problemas de publicidad, la estricta jefa tendrá que pedir la ayuda de su antigua secretaria y dejar a un lado su orgullo para salvar su carrera.

Los justos

La gran Carmen Machi encabeza un jurado popular que delibera un caso de corrupción. Aunque las pruebas parecen bastante irrefutables, una noticia de última hora lo cambia todo. Cada uno de ellos recibirá un millón de euros si declaran al acusado inocente en vez de culpable. Pero claro, para que el veredicto y el premio se den, tienen que coincidir todos, y eso hará que cada uno tenga que velar por sus intereses. ¿Un millón de euros o la conciencia tranquila? Poco a poco, las nuevas deliberaciones irán mostrando la verdadera cara de cada uno de ellos.

Resurrection

Una de esas películas imposibles de clasificar, quizá porque contiene dentro de ellas otras tantas de lo más peculiares. El director chino Bi Gan vuelve años después de sorprender con la inmersiva Largo viaje hacia el fin de la noche con esta Resurrection, en la que narra un mundo que ha perdido la capacidad para soñar. Fiel a sus planos secuencia, el director hace recorrer a sus personajes por fastuosos y exóticos escenarios, desde un viejo teatro a un templo, pasando por un club nocturno en el que nada es lo que parece. Pero los sueños tampoco lo son.

La plaga

El cine sobre acoso escolar escribe un nuevo capítulo con La plaga, película australiana que aterriza en cartelera encabezada por Joel Edgerton, actor en películas como Warrior o la reciente Sueños de trenes en Netflix. La película cuenta la historia de Ben (Everett Blunck), un joven que entra al campamento de waterpolo, sin saber que está a punto de formar parte de una cruel tradición, por la cual tiene que atacar a todo aquel que no se integre con una enfermedad conocida como La Plaga. Aunque al principio accede fruto de su ansiedad social, con el tiempo se dará cuenta del peligro que entraña la broma y del daño real que puede estar ocasionando alrededor y a sí mismo.

Strangers: Capítulo final

La saga de terror que repopularizó el llamado home invasion llega a su capítulo final esta semana. Después de volver por todo lo alto en 2024 de la mano de Gabriel Basso y Madeleine Petsch, con otra aventura estrenada el año pasado, Strangers concluye de una vez por todas. En esta ocasión, la joven protagonista, Maya, se enfrenta por última vez a los asesinos enmascarados. Un brutal y sangriento ajuste de cuentas, donde saldrán a la luz horribles secretos, y en el que ella deberá decidir si vengarse o convertirse en aquello que le arruinó la vida.

La película es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Colleen Hoover, autopublicada en 2018 y relanzada por Grand Central Publishing en 2021, tras convertirse en un fenómeno editorial. El libro encabezó durante meses la lista de bestsellers de The New York Times y vendió más de un millón de copias solo en 2023.

La historia sigue a Lowen Ashleigh (Dakota Johnson), una escritora al borde de la ruina financiera que recibe una oportunidad única en la vida: completar los libros pendientes de la exitosa autora de thrillers Verity Crawford (Anne Hathaway), quien quedó incapacitada tras un misterioso accidente. Jeremy Crawford (Josh Hartnett), marido de Verity, contrata a Lowen como “escritora fantasma” para terminar la saga de su mujer.

Sin embargo, una vez instalada en la lujosa mansión de los Crawford, Lowen descubre un manuscrito incompleto que amenaza con revelar oscuros secretos sobre el pasado de Verity y de su propio marido.

Atrapada entre su trabajo para Jeremy y una creciente cercanía con él y con el hijo de la pareja, Crew, Lowen deberá determinar si los escritos de Verity son pura ficción... o una perturbadora confesión de una mente peligrosa.

Lo que se ve en el tráiler

El adelanto abre con Lowen caminando en la oscuridad por la mansión hasta llegar al dormitorio de la pareja. Con Verity postrada en cama a pocos metros, Lowen, enfundada en una bata de seda, se sienta en el regazo de Jeremy mientras él mira televisión. Los dos comienzan a besarse, pero cuando Lowen se separa, descubre que ya no es Jeremy quien tiene frente a ella: es Verity, mirándola con frialdad antes de atraparle el rostro y forzar un nuevo beso. Lowen termina con los labios ensangrentados y lanza un grito.

El tráiler alterna esas escenas con imágenes de la vida de Verity antes y después del accidente que la confinó a una silla de ruedas, intercaladas con secuencias de sexo, noches oscuras y gritos perturbadores. Todo ello acompañado por “Can’t Get You Out of My Head”, el icónico tema de Kylie Minogue.

“Incluso con mi generosa advertencia, vas a seguir tragándote mis palabras”, dice la voz en off de Verity sobre el montaje. “Pero ten en cuenta una cosa: no hay luz a donde vamos. Nos espera la oscuridad”.

El equipo detrás del proyecto

Anne Hathaway, de 43 años, encarna a la enigmática Verity Crawford. La actriz, conocida por El diablo viste de Prada y El diario de la princesa, anunció su participación en noviembre de 2024. Dakota Johnson, de 36 años, interpreta a Lowen y también figura como productora ejecutiva del proyecto. Josh Hartnett completa el triángulo protagónico como Jeremy Crawford. El reparto suma a Ismael Cruz Córdova y Brady Wagner en roles secundarios.

Detrás de las cámaras, la dirección está a cargo de Michael Showalter, quien ya había trabajado con Hathaway en La idea de ti para Prime Video, y cuya filmografía incluye The Eyes of Tammy Faye (2021) y The Big Sick (2017). El guión fue escrito por Nick Antosca.

El rodaje comenzó en febrero de 2025 en Nueva York, donde Hathaway y Hartnett fueron fotografiados corriendo por las calles en ropa semiformal tomados de la mano. Días después, Johnson apareció en el set cubierta de sangre falsa filmando lo que parecía ser una escena del accidente automovilístico central en la trama.

Verity llegará a las salas de cine en Estados Unidos el 2 de octubre de 2026.

Cuando pensamos en Tom Cruise, es muy fácil que acudan a nosotros algunas de sus sagas más conocidas, como Top Gun, Jack Reacher o, por supuesto, Misión Imposible. Gracias a ellas, el actor ha forjado su leyenda en un Hollywood que espera con ganas su vuelta a los papeles dramáticos con Digger, la próxima película del oscarizado director mexicano Alejandro González Iñárritu, que quizá logre sobrecogernos tanto como en su día lo hicieron títulos como Magnolia o Eyes Wide Shut.

Al margen de estos papeles, Tom Cruise también ha protagonizado otros blockbusters que, pese a lograr el visto bueno de la crítica y el público, no han logrado la misma consideración que sus “grandes éxitos”. En esta lista, una de las primeras sería sin duda Al filo del mañana, una de las mejores películas de ciencia ficción firmadas por el actor que actualmente puede verse en Netflix, pero que se retirará del catálogo de la plataforma el próximo 30 de abril.

Estrenada en 2014, Al filo del mañana reunió a Tom Cruise y Emily Blunt para adaptar el manga All You Need Is Kill, de Hiroshi Sakurazaka. La película, dirigida por Doug Liman (responsable de la saga de Jason Bourne) se sitúa en un futuro devastado por la invasión de unos alienígenas llamados Mimics, donde la humanidad libra una batalla desesperada. El protagonista, el comandante William Cage, es arrojado a una misión suicida sin experiencia en combate, pero tras morir rápidamente se descubre atrapado en un bucle temporal que lo obliga a revivir el mismo día y la misma batalla repetidamente. Sin quererlo, ese extraño don podría resultar decisivo en la guerra.

Una película valorada con el tiempo

En su estreno, la película logró recaudar más de 370 millones de dólares en todo el mundo y, con el paso de los años, se consolidó como una de las obras de culto del género, aunque en su momento su taquilla no cumplió las expectativas para un proyecto cuyo presupuesto había sido de 178 millones. Habrían de pasar los años, pues, para que el público fuera valorando una historia frenética llena de giros y de acción, pero a la que no le faltan tampoco buenos toques de humor. “Un juguetón y frenético tornado de ciencia ficción”, se congratulaba en su momento la revista Empire en su reseña de la película.

Así, la combinación de una trama inteligente, efectos visuales sobresalientes y la química entre sus protagonistas han mantenido el interés tanto de nuevos espectadores como de los fanáticos de la primera hora. Y sí, también han hecho que muchos deseen que algún estudio empiece a pensar en la idea de sacar una segunda parte que permita seguir adaptando las novelas de Sakurazaka.

La secuela que nunca llega... pese a los rumores

El éxito que tiene ahora la película, así como sus aceptables datos en taquilla, dejó la puerta abierta a una segunda parte, aunque el proyecto ha permanecido en un limbo durante años. Los rumores sobre han sido constantes, y no es que los implicados hayan hecho mucho por desmentirlos. La actriz Emily Blunt compartió en el pódcast Happy Sad Confused en 2025: “Había un guion que Doug Liman me envió... Me encantaría hacerlo realidad, pero no sé cuándo ni cómo”.

Las apretadas agendas de Cruise y Blunt (a punto de estrenar El diablo viste de Prada 2 y El día de la revelación, además de la tercera parte de la saga de Un lugar tranquilo) han dificultado la producción. Ambos son figuras recurrentes en superproducciones y su disponibilidad parece ser el principal obstáculo. Mientras tanto, el director Doug Liman también ha manifestado su deseo de regresar, aunque el proyecto siga sin fecha clara ni luz verde definitiva.

Alto secreto. Información clasificada. Acceso restringido. Operación encubierta. Este tipo de términos suelen ir asociados a las películas y series que vemos en nuestro día a día, y quizá por eso nos sorprende y cautiva tanto que existan personas que, en su día a día, trabajen con ellos. Este era el caso de Edward Snowden, quien ejercía de administrador de sistemas e ingeniero técnico para contratistas privados de la inteligencia estadounidense.

Sin embargo, desde hace más de una década pesan sobre Snowden varios cargos de espionaje, después de que este analista tomara una decisión que cambió el debate global sobre la privacidad digital y la información confidencial. En 2013, cuando tenía 29 años, copió miles de documentos clasificados que demostraban que la Agencia de Seguridad Nacional (NSA) de Estados Unidos espiaba las comunicaciones de ciudadanos estadounidenses y de decenas de países aliados, los entregó a periodistas seleccionados y huyó del país.

Las imágenes grabadas de la filtración

Todo ese proceso queda registrado en imágenes en el oscarizado documental Citizenfour, dirigido por la reconocida cineasta Laura Poitras y recientemente incluido en el catálogo de Prime Video, aunque también está disponible en Filmin. Tal y como puede verse en esta cinta, Poitras no buscaba a Snowden cuando él la encontró. La directora estaba en Berlín terminando su tercera película cuando un contacto anónimo comenzó a escribirle a través de una red cifrada. Se identificaba como “Citizenfour”, y tras cinco meses de intercambio de mensajes con él, finalmente comprendió que ese interlocutor poseía pruebas reales de una operación de espionaje masivo sin precedentes en la historia del país.

El resultado es un documental que registra en tiempo real los ocho días que Poitras pasó junto a Snowden en una habitación de hotel en Hong Kong, acompañada por los periodistas Glenn Greenwaldy Ewen MacAskill, del diario The Guardian. Lo que la cámara captura es a Snowden explicando, con calma técnica y sin dramatismo, el funcionamiento de los programas en los que había trabajado junto a la Agencia de Seguridad Nacional (NSA) de Estados Unidos, y que servían para espiar a millones de personas en todo el mundo.

Entre estos programas destacaban PRISM, que permitía acceder a datos de grandes empresas tecnológicas como correos electrónicos, chats y archivos almacenados, y XKeyscore, una herramienta capaz de rastrear prácticamente cualquier actividad en internet en tiempo real. También se interceptaban metadatos de llamadas telefónicas —como duración, origen y destino— para analizar patrones de comportamiento. “Sus filtraciones conmovieron al mundo”, escribían en el periódico británico The Guardian en su artículo sobre el documental de Poitras.

¿Ese espionaje era legal? Citizenfour señala directamente a la Ley de Espionaje de Estados Unidos, creada en 1917 y con varias secciones realmente polémicas que, en pro de la famosa “seguridad nacional”, parecían validar todas esas actuaciones de la NSA. Sin embargo, tras las revelaciones de Edward Snowden, muchos expertos, tribunales y organizaciones cuestionaron esa legalidad: se argumentó que la interpretación de la ley era demasiado amplia y que violaba derechos fundamentales. De hecho, en 2015, la reforma de la USA FREEDOM Act limitó algunas de estas prácticas.

Qué ha ocurrido con Snowden

Tras las filtraciones, cuando el gobierno de Estados Unidos canceló su pasaporte, Snowden se encontraba en tránsito en el aeropuerto de Moscú. Quedó atrapado durante semanas en la zona de tránsito hasta que Rusia le concedió asilo temporal, lo que bloqueó cualquier posibilidad de extradición y marcó el inicio de un exilio que se prolongaría durante años. Después de varios permisos de residencia renovables, se le daría residencia permanente y, finalmente, en 2022, la ciudadanía rusa, una decisión que generó nuevas controversias en el contexto de la invasión de Ucrania.

Durante ese tiempo, Snowden no desapareció del debate público. En 2019 publicó sus memorias bajo el título Vigilancia permanente, donde relata su historia y reflexiona sobre las implicaciones de sus filtraciones para el futuro de la privacidad digital. Continuó participando en conferencias internacionales mediante videollamada y colaboró con organizaciones defensoras de las libertades civiles. Su figura sigue siendo referencia obligada en cada debate legislativo sobre vigilancia, tanto en Estados Unidos como en Europa.

En la actualidad, Snowden trabaja como consultor de seguridad informática y preside la Freedom of the Press Foundation. Los cargos en su contra bajo la Ley de Espionaje siguen vigentes en Estados Unidos, lo que hace improbable cualquier regreso sin enfrentar un juicio y una posible cadena de más de 30 años de cárcel. Desde el exilio, ha construido una vida pública y profesional activa, y utiliza su plataforma para denunciar los abusos de la vigilancia masiva y el avance de las tecnologías de control.

La noche del 27 de abril, el Jockey Plaza de Lima se transformó en el epicentro de la moda peruana con la realización de la avant premiere de ‘El Diablo Viste a la Moda 2’. Influencers, figuras mediáticas y creadores de contenido desfilaron por una alfombra roja que invitó a emular el sofisticado estilo de Miranda Priestly, personaje central de la película.

Natalie Vértiz fue una de las protagonistas de la noche, con un vestido rojo de volumen, pantis y lentes negros, siguiendo el sello de elegancia que caracteriza al filme. Desde temprano, las redes sociales mostraron el entusiasmo de las asistentes, quienes compartieron imágenes de sus preparativos y de los looks elegidos para la ocasión.

La tendencia fue clara: trajes y vestidos inspirados en el universo de la moda internacional, con guiños directos a la estética de la película. Angie Arizaga eligió un sastre color vino, mientras que Melissa Paredes y Anthony Aranda apostaron por un dúo de trajes sastre, aportando un aire diferente al desfile de estilos.

En la lista de asistentes sobresalió María Pía Copello, quien optó por un vestido blanco con escote pronunciado en la espalda y falda voluminosa. El toque Miranda Priestly estuvo presente en la propuesta de Xanaxtasia, que recreó la esencia del personaje tanto en actitud como en vestimenta. Miranda Capurro y Luana Barron prefirieron vestidos ajustados en negro y rojo, apostando por la sobriedad y el clasicismo.

El desfile continuó con la presencia de Gia Meier, quien eligió un look relajado en blanco, y otras influencers como Natalia Merino, Talía Echecopar, Tana Rendón y Carolina Braedt, que aportaron una presencia marcada en blanco y negro. Además, creadores de contenido como Nelly Rossinelli, Francis Herrer, Percy Pls y Kiwi se sumaron a la alfombra, posando para las cámaras y participando en las activaciones especiales del evento.

El ambiente estuvo marcado por la creatividad y la reinterpretación de los códigos de vestimenta que distinguen al universo de El Diablo Viste a la Moda. La presencia de destacadas figuras del entretenimiento digital peruano, así como la participación de nuevos rostros de las redes sociales, aportó dinamismo a la celebración. La convocatoria reunió a perfiles diversos, todos unidos por el interés en la moda y la cultura pop.

Durante la premiere, las influencers y creadores de contenido se tomaron fotografías, interactuaron con los fans y participaron en las activaciones preparadas por la organización para resaltar el espíritu de la película.

El Diablo Viste a la Moda 2 llega a Perú

La expectativa generada alrededor de la secuela de El Diablo Viste a la Moda se refleja en la atención que despertó el avant premiere. La película se estrena en cines de Perú el 30 de abril de 2026, sumándose al calendario internacional de lanzamientos. El reparto original, encabezado por Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci, regresa para dar vida a una historia que explora el impacto de la industria de la moda en la vida contemporánea.

El filme ha tenido presentaciones previas en otras ciudades, donde el despliegue de moda en las alfombras rojas se convirtió en tendencia y generó conversación en redes sociales. La llegada a las salas peruanas marca un nuevo capítulo para una franquicia que sigue vigente y que despierta interés tanto en el público como en los especialistas del sector. La propuesta visual y narrativa de la cinta promete atraer a una audiencia amplia, interesada en el glamour, la creatividad y las historias que giran en torno al mundo de la moda.

La adaptación cinematográfica de la novela Yesteryear (que se publicará dentro de muy poco por la editorial AdN) ha generado intensos debates en internet debido a su polémica visión sobre la figura de la “tradwife” y ha situado de nuevo a Anne Hathaway en el centro de la conversación pública sobre las dinámicas de género en Estados Unidos.

La actriz, que además de protagonizar la película también asumirá labores de producción a través de su compañía Somewhere Pictures, enfrenta con este proyecto una de las discusiones más divisivas del momento, en una época marcada por discursos misóginos y una fuerte polarización cultural en torno a la identidad femenina.

La novela original, publicada por Caro Claire Burke, sitúa a su protagonista Natalie, una influencer defensora del modelo tradicional femenino, en el año 1855 tras un viaje temporal que transforma radicalmente su existencia. El dato diferencial respecto a este fenómeno es que Amazon MGM Studios adquirió en julio de 2024 los derechos de adaptación tras una puja muy disputada. Además, la adaptación estará a cargo de la guionista Hannah Friedman, ganadora de un Emmy, con la producción aún en fase preliminar y sin director confirmado.

El fenómeno de las ‘tradwives’ en la actualidad

El término ‘tradwife’ ha alcanzado notoriedad en los últimos años. En un ensayo para el periódico británico The Guardian, Burke lo define como mujeres que optan por un reparto doméstico tradicional –cocinar, limpiar, criar hijos– bajo una estética retro idealizada, aunque esta imagen no se ajuste a la realidad vivida por la mayoría. Según la autora, se trata de una tendencia surgida en foros ‘incel’ que se ha extendido al universo influencer y se utiliza tanto como aspiración como provocación, alimentando la controversia online.

La trama de Yesteryear evita el retrato generalista de la sociedad estadounidense y centra todo el relato en Natalie, una mujer cuya imagen cuidada en redes –marido atractivo, casa perfecta y 6 hijos pequeños– esconde un entramado de trabajo invisible y riqueza que sostiene una existencia vacía.

El giro argumental, en el que la protagonista es forzada a vivir en la América de mitad del siglo XIX sin los privilegios modernos, actúa como castigo personal por sus propias decisiones y como reflejo de una pesadilla ‘autoinfligida’: la vida que promovía resulta ser, en esa versión histórica, una condena de la que no puede escapar.

Más allá de la crítica superficial a los valores familiares conservadores, la novela se adentra de forma aguda en el conflicto interno de su única protagonista, sin construir un sistema opresivo a gran escala como en otros relatos ‘distópicos’ populares.

El impacto de la novela ‘Yesteryear’ en redes

Las reacciones al libro y al proyecto cinematográfico han inundado plataformas como TikTok, Instagram, Threads, YouTube, Goodreads y Reddit. Una parte de los lectores interpreta la obra como una denuncia del patriarcado, mientras que otros rechazan su desenlace y acusan a Burke de dureza narrativa.

Abundan también los comentarios que instrumentalizan el argumento –y la implicación de Anne Hathaway como productora– en el enfrentamiento político-cultural estadounidense. La mayoría de las discusiones giran, en realidad, en torno a la idea general del libro más que a su desarrollo concreto, distorsionando su mensaje y alimentando la controversia antes siquiera de que la película comience su producción efectiva.

En el plano comercial, Yesteryear registra buenos datos tras aparecer de forma recurrente en clubes de lectura y listados de ventas. La comparación con otras ficciones como Black Mirror o proyectos ‘distópicos’ literarios –El cuento de la criada de Margaret Atwood y Vox de Christina Dalcher– surge de inmediato, aunque la novela de Burke se distancia por su enfoque introspectivo: en lugar de crear un mundo alternativo completamente opresivo, describe la deriva de una única conciencia atrapada por sus propias construcciones sociales.

La oleada de comentarios en redes también ilustra cómo el libro ha sido percibido tanto como “un ataque de izquierdas hacia las mujeres conservadoras” como un simple meme que ‘banaliza’ el sufrimiento. Esta dinámica ha configurado un ciclo de promoción peculiar, más cercano a la pugna política que al análisis literario, y deja en el aire si la adaptación cinematográfica logrará trasladar la complejidad de Yesteryear al público de sala.

El proyecto aún carece de fecha oficial de estreno y no hay un calendario definitivo de producción, aunque la implicación de Anne Hathaway y la operación financiera de Amazon MGM Studios lo sitúan en un lugar destacado dentro de la agenda de grandes estrenos futuros.

Este estado preliminar refuerza el interés mediático por la figura de Hathaway, especialmente por su versatilidad entre producciones de prestigio y superproducciones comerciales que alimentan el debate sobre el papel de la mujer en la industria del cine contemporáneo.

La recepción dividida y la intensidad de las reacciones anticipan que la adaptación de Yesteryear podría seguir polarizando a los públicos tanto en Estados Unidos como en otros mercados. “El contenido ‘tradwife’ es fundamentalmente performativo. Se trata de construir una imagen de la vida doméstica que pueda ser consumida, compartida y deseada, más que de reflejar la realidad vivida por la mayoría de las mujeres”, ha afirmado la propia Caro Claire Burke en el periódico británico The Guardian.

Anne Hathaway ha salido a aclarar una de las historias virales que han surgido durante la producción de El diablo viste de Prada 2, cinta que marca el regreso de la actriz ganadora del Oscar en el papel de Andy Sachs. La polémica se originó tras una revelación de Meryl Streep en una entrevista para Harper’s Bazaar, publicada el mes pasado, donde la intérprete contó que Hathaway intervino directamente con los productores para solicitar la inclusión de modelos de diversas tallas en el set. La declaración de Streep sorprendió a muchos, al resaltar la delgadez de las modelos contratadas inicialmente para una escena central de la película. Según la actriz, “Annie se dio cuenta también, y fue directo a los productores para asegurar que las modelos que aparecerían en la pasarela de nuestro filme no fueran tan esqueléticas”. Streep calificó a Hathaway como “una persona íntegra” en ese contexto.

La historia relatada por Streep rápidamente se viralizó y generó debate en redes sociales y medios de comunicación. La inquietud se centró en cómo se aborda la representación de la diversidad corporal en una franquicia que gira en torno al mundo de la moda. En la entrevista con Harper’s Bazaar, Streep mencionó que no esperaba ver modelos tan delgadas en el rodaje, lo que llevó a Hathaway a intervenir. Este episodio fue interpretado en redes sociales como un ejemplo de activismo dentro de la industria, pero también derivó en rumores sobre posibles despidos de modelos por su talla.

En respuesta a la creciente atención, Hathaway explicó en el programa Good Morning America que el suceso en el set fue un momento breve, que ahora se ha magnificado fuera de proporción. Subrayó que nunca pidió que se despidiera a ninguna modelo, desmintiendo versiones que circularon en plataformas sociales. “Quiero aclarar que se está difundiendo una pequeña desinformación: nadie fue despedido por la inclusión de tallas”, afirmó Hathaway en la entrevista. “Nadie perdió su trabajo; de hecho, se crearon más empleos. Es difícil porque no puedo decir de qué trata la escena, pero hay una canción que Lady Gaga escribió y es maravillosa. ¿No es mejor ver distintos tipos de cuerpos representados en pantalla con esa música?” Este fragmento resume el núcleo de la controversia: la actriz pidió más diversidad, lo que derivó en la contratación de más modelos y no en exclusiones.

Todas las formas son bellas

Durante la premiere mundial de El diablo viste de Prada 2 en la ciudad de Nueva York, Hathaway habló por primera vez en público sobre las declaraciones de Streep. Detalló que su observación se basó en la intención de que el público disfrutara más la escena si se mostraba una gama amplia de cuerpos, ya que “todas las formas son bellas”. Hathaway recordó que, al notar que las modelos presentes respondían a un perfil tradicional, pensó que la escena ganaría fuerza y conexión con la audiencia mostrando más diversidad corporal. “Simplemente me acerqué a los productores y pregunté: ‘¿No creen que la escena sería más sólida si adoptamos un enfoque más inclusivo respecto a las tallas?’”, relató la actriz.

La respuesta de los productores fue inmediata y positiva, según Hathaway. Explicó que se mostraron apenados por no haberlo considerado antes, pero actuaron con rapidez y en cuestión de una hora ya estaban incorporando modelos de diferentes tallas al rodaje. La actriz enfatizó que la medida no implicó la salida de nadie del proyecto, sino que hizo el equipo más amplio y representativo. Hathaway insistió en que la intención siempre fue sumar, no restar, y que la inclusión debía reflejarse como un valor en la producción.

El diablo viste de Prada 2 se estrena en cines el 1 de mayo. Desde que se conoció la anécdota, Hathaway ha sido consultada repetidamente sobre el tema en entrevistas y eventos de prensa. La conversación sobre la diversidad y la inclusión en el cine y la moda ha cobrado protagonismo, impulsada por la visibilidad de los comentarios de Streep y las aclaraciones de Hathaway. La nueva entrega buscará, según sus protagonistas, reflejar una visión más amplia y contemporánea de la belleza, integrando a modelos de diferentes tallas en una de sus escenas clave. La expectativa del público y la crítica se centra ahora en cómo se plasmará este enfoque en pantalla.

Woody, el vaquero icónico de la saga Toy Story, vuelve a la pantalla en la quinta entrega con cambios notables que reflejan el paso de más de treinta años desde el estreno original. Tom Hanks, quien encarna su voz desde 1995, describe con precisión cómo el personaje revela las huellas del tiempo y del uso continuado por parte de sus dueños ficticios. “Ha sido jugado en exceso”, explica Hanks en una reciente entrevista para Entertainment Weekly, aludiendo a la transformación visible en el muñeco. “Tienes un sombrero de goma sobre una cabeza de goma una y otra vez, algo se tenía que desgastar”, comenta sobre el origen de la zona calva que ahora se distingue en la parte posterior de la cabeza de Woody.

Este detalle no es anecdótico ni decorativo: resume una decisión de producción orientada a plasmar la autenticidad del paso del tiempo en los juguetes. “No es plástico moldeado, está hecho de relleno y tela, y eso se asienta con el tiempo”, añade Hanks, enfatizando que Woody “ha cambiado físicamente, y ahora se aprecia una zona gastada y una figura menos firme”. El desgaste visible tras décadas de aventuras es una representación deliberada de cómo los objetos, igual que las personas, sufren transformaciones por la vida y el uso.

La narrativa de Toy Story 5 toma este punto de partida y lo integra a un relato más amplio sobre la adaptación de los juguetes a la era digital. El personaje de Woody, que en las primeras películas representaba la figura del líder clásico y el juguete predilecto, se enfrenta ahora a su propia vulnerabilidad física y emocional. El guion sitúa al vaquero en un momento de transición, mientras sigue liberando juguetes olvidados con la ayuda de Bo Peep y Duke Caboom, lejos de la casa original de Andy y de su última dueña, Bonnie. El desgaste de Woody no solo es físico. El personaje atraviesa un proceso de introspección y adaptación a nuevas realidades, enfrentando la posibilidad de ser reemplazado por dispositivos electrónicos y observando cómo los niños se relacionan cada vez menos con los juguetes tradicionales. Esta dimensión emocional añade profundidad al relato y conecta con el público de distintas generaciones, que ha crecido junto a la franquicia.

El regreso a una saga emblemática

El estreno de Toy Story 5, programado para el 19 de junio, marca un punto de inflexión en la historia de la franquicia. Por primera vez, Andrew Stanton asume la dirección de una película principal de la serie, tras haber sido una de las figuras clave del “Brain Trust” de Pixar y coautor del guion original en 1995. Stanton, de 60 años, reconoce que este proyecto podría ser el último que dirige en el estudio, aunque seguirá vinculado a Pixar como vicepresidente creativo. El nuevo filme retoma a los personajes más queridos del universo Toy Story, incluido Woody, en un entorno donde la tecnología desafía el sentido y la vigencia de los juguetes clásicos. La historia arranca con un giro tecnológico: cincuenta figuras de acción de Buzz Lightyear despiertan en una isla desierta tras la caída de un cargamento, lo que da pie a nuevas dinámicas en el grupo y a la exploración del contraste entre lo analógico y lo digital.

Stanton cita su propia experiencia vital como inspiración para abordar el envejecimiento de los personajes y la pérdida del protagonismo frente a las pantallas electrónicas. El tiempo invertido en la producción de cada película, según el director, equivale a obtener un título universitario: “Cuatro años pasan mucho más rápido mientras envejeces, y quiero que mis cuatro años duren lo máximo posible”, reflexiona Stanton, justificando su posible retiro de la dirección. El trabajo de Tom Hanks como Woody ha evolucionado junto al personaje. El actor relata que, a lo largo de cinco películas, la experiencia de grabación se ha mantenido sorprendentemente constante en su aspecto técnico, pero que la presión y la ansiedad de cada sesión siguen intactas. “Si pudieras haberme tomado en cualquiera de las grabaciones, experimenté la misma ansiedad, presión y exigencia física”, dice Hanks sobre la familiaridad del proceso.

El desgaste de Woody, lejos de ser un accidente, se convirtió en una oportunidad para que el equipo creativo y los actores reflexionaran sobre la longevidad y el valor sentimental de los juguetes. El propio Hanks, entre risas, señala también que el vaquero ha ganado “un poco de barriga” y ya no mantiene la misma firmeza que en sus años más jóvenes, lo que añade humanidad y realismo al personaje. La saga Toy Story ha mantenido un vínculo emocional con varias generaciones gracias a la honestidad en el retrato de sus protagonistas. En Toy Story 5, la evolución de Woody representa la aceptación del paso del tiempo, la adaptación a los cambios tecnológicos y la resiliencia frente a la obsolescencia. Estas transformaciones, reflejadas en su apariencia y su carácter, reafirman el lugar de Woody como un símbolo de la infancia, la memoria y el afecto duradero.

El director británico Dan Reed, responsable del documental Leaving Neverland, lanzó duras críticas contra el biopic Michael, dirigido por Antoine Fuqua y avalado por la familia Jackson. La polémica surge tras el estreno de Michael, que ha recaudado $219 millones en su primer fin de semana y presenta a Jackson como un hombre incomprendido cuya infancia fue arrebatada por un padre autoritario. Según Reed, la producción omite cualquier referencia a las denuncias públicas de abuso sexual infantil que salieron a la luz en los años noventa y dos mil, y concluye la historia antes de que surjan los primeros señalamientos. Reed sostiene que la película “crea una versión de los hechos que esencialmente retrata a Wade, James y otros que han acusado a Jackson de abuso sexual infantil como mentirosos sin decirlo expresamente”.

En Leaving Neverland, Wade Robson y James Safechuck relataron haber sido víctimas de abuso sexual infantil por parte de Michael Jackson cuando tenían siete y diez años. Reed recuerda que los testimonios incluyeron detalles gráficos sobre los supuestos actos cometidos por el artista, así como la manipulación emocional, el aislamiento de sus familias y la entrega de regalos costosos. El documental, presentado en el Festival de Sundance de 2019 bajo estricta seguridad, impactó profundamente al público y a sus protagonistas. “Por el final de la película de más de cuatro horas, no había un ojo seco en la sala”, detalla Reed sobre la recepción de la audiencia. Asegura que, para Robson y Safechuck, ese momento fue “catártico y validante”, pues, por primera vez, sentían que su historia era creída y tomada en serio. Reed también enfatiza que “Jackson había pagado millones a Jordan Chandler y Jason Francia, dos niños que lo acusaron de abuso sexual infantil, pero no pudo silenciar a Wade y James”.

El cineasta británico fue categórico tras ver el biopic: “La primera parte de Michael como niño, eso podía creérmelo. Pero en cuanto llega el Jackson adulto, interpretado por su sobrino Jaafar, eso me rompió la burbuja. Pensé, es un gran bailarín, pero su actuación es muy rígida, y una de las razones es que no tenía mucho guion con el que trabajar. Se convierte en una figura de cera que interpreta canciones, pero no hay ningún atisbo de lo que hace que Jackson sea como es. Es una figura plástica, asexual, en la película”.

La omisión deliberada

Reed acusa a la película de distorsionar completamente el tema de la relación de Jackson con los niños: “Describen a Jackson como un ángel que quería ser bueno con los niños, no tener sexo con ellos”. Según Reed, el filme “sugiere que la relación de Jackson con los niños era completamente benigna y motivada solo por la filantropía”. Para Reed, la omisión no es casual. “El filme simplemente le da la vuelta a la verdad: blanco es negro, negro es blanco, y dos más dos son cinco. Ninguna de las personas que vea la película lo cuestionará, pero es una película imposible de tomar en serio como contranarrativa de Leaving Neverland”.

El director sostiene que la producción evita abordar los aspectos clave: “Es bien sabido que Jackson pasaba mucho tiempo con pequeños compañeros varones, incluyendo llevarlos a su cama por la noche y cerrar la puerta. Eso es indiscutible. Y solo con eso, si alguien hace una denuncia, probablemente sea suficiente para condenarlo en un juicio por abuso sexual infantil. Pero con Jackson, nada de esto parece importar”.

Reed critica la explicación central de la película: “Nadie, ni la familia, ni el guionista, ni nadie más, ha dado una narrativa alternativa salvo: ‘No tuvo infancia, así que necesitaba pasar la noche solo con niños’, lo que no tiene ningún sentido”. El documentalista subraya que Robson y Safechuck “jamás recibieron un centavo” por contar su historia, ni han buscado acuerdos económicos. “Nunca han intentado negociar su silencio por dinero. El dinero lo ganan quienes están cerca de Jackson y quieren contar una narrativa distorsionada que los deshonra”, afirma Reed.

Un juicio inminente

Sobre los procesos legales, Reed estima que un juicio podría producirse pronto: “Creo que sucederá el próximo año. Y si hay un juicio, habrá una avalancha de pruebas y testigos que contarán lo que Jackson hizo o lo que vieron que hizo a los niños”. Reed sostiene que la figura de Jackson ha adquirido un estatus de mito inalcanzable: “Jackson es un mito estadounidense, además de ser una persona real. Cuando eso ocurre, no importa quién fue realmente, porque la persona se transforma en algo que pertenece a la cultura. Se ha convertido en parte de la imaginación colectiva, y esta nunca puede incluir el hecho de que es un pedófilo. No es posible”.

Sobre la reacción de los fans y el entorno digital, Reed afirma haber sido víctima de “amenazas de muerte, campañas de acoso y suplantación de identidad”, muchas de ellas ejecutadas mediante cuentas falsas. A pesar de la presión, Reed insiste en que su propósito fue dar voz a las víctimas y que la responsabilidad de los narradores es “no contribuir a construir mitos que nieguen la experiencia de quienes denuncian abuso”. En palabras de Reed: “Alguien que ha hecho decenas de millones promoviendo una narrativa falsa sobre un hombre que es un pedófilo, eso es algo desagradable”, zanjaba mientras anticipaba una tercera entrega de su serie documental.

Fue sin duda una de las películas más importantes de finales de los años ochenta, y con reparto íntegramente femenino, todo un logro para la época. Se trata de Magnolias de acero, basada en la novela de Robert Harling y que aglutinó a grupo de actrices de auténtico lujo en el que se alternaban algunas estrellas míticas y jóvenes promesas emergentes.

Entre las protagonistas encontrábamos a Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, la cantante Dolly Parton, la chica del momento, Daryl Hannah, la gran Sally Field y Julia Roberts que, hasta el momento, solo había destacado el la comedia generacional Mistic Pizza y, desde luego, no estaba en ese momento, al nivel de sus compañeras en cuanto a fama.

Ahora, Sally Field ha rememorado el instante en que percibió que Julia Roberts estaba destinada a convertirse en una estrella, mucho antes de que comenzara el rodaje de Magnolias de acero.

Julia Roberts: Un talento único

En una entrevista reciente concedida a la revista de entretenimiento Parade, la actriz estadounidense relató que supo de inmediato que Roberts tenía un talento único cuando esta entró en la sala de audiciones. Durante el proceso de selección para Magnolias de acero, Field ya había sido elegida para interpretar a M’Lynn, la madre de Shelby, una joven con diabetes tipo 1.

La producción continuaba buscando a la actriz idónea para dar vida a Shelby y Field se encargó de leer las escenas con diversas candidatas. “Leí con muchas actrices ya establecidas para ese papel”, detalló Field a Parade, y señaló que todo cambió en el momento en que Roberts hizo su audición. Tras leer con Julia, Field manifestó: “Después de leer con Julia, dije, ‘Ya hemos terminado, ya está, es ella.’ Lo supe”.

El reparto definitivo de Magnolias de acero, como hemos comentado, reunió a un elenco coral con nombres destacados como Shirley MacLaine, Dolly Parton, Daryl Hannah y Olympia Dukakis, además de Field y Roberts. Esta selección marcó el tono colectivo de la película y, según Field, supuso una experiencia intensa para todas las participantes. “No piensas en esto como ‘es solo otro día en la oficina’”, declaró la ganadora del Oscar a Parade. “Requiere una gran parte de tu alma. Tiene un coste. Nos costó a todas”. La actriz añadió: “Recibimos mucho a cambio porque aprendimos de la experiencia. Estuvimos completamente unidas, apoyándonos entre nosotras en todo momento. Pero no es solo un trabajo”.

El despegue de Julia Roberts

Julia Roberts, originaria de Georgia, aún no era conocida por el gran público cuando realizó la prueba para el filme, cuyo guion se basaba en la obra de 1987 de Robert Harling. Hasta ese momento, Roberts solo había participado en producciones de menor alcance como Mystic Pizza, aún sin estrenar entonces, además de películas como Parque de bomberos, Baja Oklahoma y Satisfaction.

Tras ser escogida para Magnolias de acero, por la que consiguió con este papel su primera nominación al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto, su carrera se disparó. Fue la protagonista de Pretty Woman y su fama alcanzó una máxima proyección internacional. El resto, ya es historia del cine.

En 1997, Matt Damon y Ben Affleck eran apenas unos desconocidos cuando sacudieron el panorama de cine con El indomable Will Hunting, película que habían escrito juntos y terminarían protagonizando a las órdenes del prestigioso director Gus Van Sant.

La película contaba la historia de Will (Damon), un joven rebelde, pero dotado de una inteligencia asombrosa, sobre todo para las matemáticas. La figura clave sería la de un profesor que, tras darse cuenta de sus grandes aptitudes, lo animaría a seguir adelante con su carrera académica. Este papel fue interpretado por Robin Williams y se convirtió en uno de los más celebrados de su larga trayectoria, en la que ya había ejercido de profesor en la mítica El club de los poetas muertos.

En la edición de los Oscar de ese año, unos jovencísimos Matt Damon y Ben Affleck ganarían el Oscar al mejor guion original y Robin Williams, su primera y única estatuilla como mejor actor, en este caso de reparto.

Un premio que ha servido para rendirle tributo

Ahora, Matt Damon y Ben Affleck han recibido el Robin Williams Legacy of Laughter Award el pasado lunes, durante la gala “Revels & Revelations” realizada en la Bahía de San Francisco. El reconocimiento, otorgado por la ONG estadounidense está dedicado a la salud mental Bring Change to Mind, que instaurado por Glenn Close (gran amiga del intérprete), y fue entregado por la familia de Robin Williams —Zak, Zelda y Cody Williams—, cuya presencia coincidió con los 2,5 millones de dólares recaudados para la causa.

Damon evocó cómo su carrera y la de Affleck dieron un giro cuando Robin Williams aceptó protagonizar El indomable Will Hunting en 1997. “En el momento en que Robin leyó el guion y decidió hacerlo, todos nuestros problemas desaparecieron. El estudio tenía muchas objeciones, pero cuando Robin dijo: ‘No, me gusta el guion tal como está’, de inmediato respondieron: ‘A nosotros también nos encanta’”, relató el actor.

‘El indomable Will Hunting’ cambió sus vidas

Durante la ceremonia, en la que ambos usaron gorras de los San Francisco Giants en homenaje a la afición de Williams por el equipo, Affleck expresó: “Este reconocimiento es nuestra manera de agradecer a Robin, la persona que tuvo el impacto más profundo en nuestras vidas profesionales. Muchas de las metas que nos propusimos no habrían sido posibles sin él”.

La gala, que contó con figuras como Sarah Silverman, Chase Stokes y Chris Martin, conmemoró quince años de labor en salud mental de la institución e hizo un especial énfasis en la memoria de Williams, fallecido en 2014 a los sesenta y tres años.

Para Affleck, no es casual que El indomable Will Hunting trate sobre problemas de salud mental: “Robin seguramente estaría muy orgulloso de ser celebrado en este contexto”, puntualizó.

Lo cierto es que, a partir de ese momento, la carrera de ambos actores se disparó, convirtiéndose ambos en parte decisiva de la industria de cine de Hollywood. Robin Williams fallecería 20 años después de esta película, dejando tras de sí una de las trayectorias más queridas por el público y que más han impactado en el seno de la cultura popular contemporánea.

Desde el 10 de abril, la audiencia puede ver en la pantalla grande la química nacida entre Regé-Jean Page y Halle Bailey en la película You, Me & Tuscany. La relación profesional y personal que une a ambos actores comenzó en un entorno poco habitual: la Met Gala 2025, apenas una semana después de que se anunciara oficialmente el filme que protagonizan.

Aunque el anuncio de la película los había colocado en la mira de la industria, el primer contacto real entre Page y Bailey ocurrió en la alfombra roja de la Met Gala, celebrada en Nueva York. El evento, famoso por su despliegue de moda y celebridades, fue el escenario donde coincidieron por primera vez, rodeados de figuras como Beyoncé y otros nombres destacados de la música y el cine internacional.

Ambos actores compartieron con PEOPLE que la atmósfera de ese evento resultó tan deslumbrante como intimidante. En palabras de Page, muchos asistentes atraviesan la noche sintiéndose “sorprendentemente solitarios”, debido a que suelen acudir sin compañía. Para el actor, el desafío era encontrar un rostro amistoso en medio de un mar de desconocidos.

Bailey recordó que la imagen de Page, vistiendo completamente de rojo, le llamó la atención. Aunque apenas lo conocía de nombre, la necesidad de romper el hielo la impulsó a acercarse. “Es extraño porque estás nerviosa y piensas: ‘¿Será amable?’. Como íbamos a filmar juntos, opté por presentarme”, relató Bailey al medio citado.

Durante la gala, la actuación de Stevie Wonder y Usher se convirtió en el punto de inflexión de la noche. Bailey describió ese momento musical como el “rompehielos perfecto”, una experiencia que permitió que la conversación entre ambos fluyera con naturalidad. El ambiente festivo y la música en vivo facilitaron la simpatía que más tarde sería fundamental para la dinámica en el set.

El rodaje en Italia y la consolidación de la relación profesional

Después de ese encuentro inicial, Page y Bailey se embarcaron en el rodaje de You, Me & Tuscany, que los llevó a diferentes locaciones en Italia.

Ambos recalcaron a PEOPLE que la química nacida en la Met Gala se trasladó sin esfuerzo al trabajo diario durante la filmación. Esa complicidad contribuyó a crear una atmósfera de confianza y colaboración dentro del equipo.

La película narra la historia de Anna, interpretada por Bailey, una joven que se instala en una villa toscana abandonada. Allí conoce a Michael, personaje de Page, quien es primo del dueño de la propiedad. El argumento se centra en el encuentro casual entre ambos y cómo esa relación inesperada comienza a transformar la vida de Anna, según la sinopsis difundida por el medio estadounidense.

Para quienes se preguntan por qué la relación entre los protagonistas ha generado tanta expectativa, la respuesta radica en la autenticidad y cercanía que ambos transmitieron desde el primer momento. El relato de su primer contacto en la Met Gala revela que la química fue inmediata y que, lejos de ser solo una estrategia promocional, esa conexión se consolidó durante el rodaje.

Un inicio marcado por la complicidad y la naturalidad

Al recordar la noche de la Met Gala, Bailey y Page coinciden en que no solo fue una velada de lujo y celebridades. Para ellos, se trató del inicio de una amistad y de una colaboración creativa que trascendió el glamour del evento. La sinceridad en sus relatos y la espontaneidad con la que se presentaron ante el otro sentaron las bases de su vínculo profesional.

Ese instante facilitó la confianza necesaria para afrontar juntos el desafío de un rodaje internacional y, posteriormente, reflejar en la pantalla la complicidad que el público espera ver.

Expectativas en torno al estreno

Con el estreno de You, Me & Tuscany, la atención ahora se centra en cómo la relación nacida en una noche de gala se traduce en la gran pantalla. La fecha de lanzamiento marcó el momento en que los espectadores pudieron ser testigos de una historia que, según los protagonistas, está marcada por la autenticidad y la energía positiva que caracterizó su primer encuentro.

El recuerdo de la Met Gala de 2025 permanece para Bailey y Page como el punto de partida de una nueva etapa en sus carreras. Más allá de las luces y los flashes, ambos destacan la importancia de la naturalidad y la empatía en el trabajo actoral. Los relatos recogidos por PEOPLE muestran que, a veces, una simple conversación puede definir el tono de toda una película.

Así, la historia detrás de You, Me & Tuscany no solo será contada en la ficción, sino que también quedará ligada a la realidad de dos actores que encontraron en el otro un socio creativo y, quizá, un amigo para toda la vida.

La actriz Macarena Gómez ha acudido al programa ‘El Hormiguero’ para conversar sobre su entorno familiar, su relación con los animales y la proyección de su próxima película, ¿Cómo hemos llegado a esto?, que se estrena el 30 de abril.

En su intervención, la intérprete ha relatado anécdotas personales, los hábitos de su hogar, el modo en que conoció a su marido Aldo Comas y sus impresiones sobre el amor. También ha hecho referencia a las dificultades cotidianas que afronta debido a la misofonía y a los episodios de vértigo que padece.

Durante la conversación con Pablo Motos, Gómez ha contado que comparte su casa con una variedad de animales, entre los que destaca una guacamaya llamada Agapita que, según ha asegurado, “me tiene celos porque cuando está con mi marido no quiere saber nada de mí”.

Ella se ha referido a Agapita como su “despertador para llevar el niño al cole” y ha explicado que convive, además, con burros, perros, caballos, gallinas, un pavo real, un cerdo y una llama, y que el cuidado y la limpieza de estos animales suele recaer principalmente en su esposo.

Traición, amistad y un flechazo en Argentina

Gómez ha explicado que la trama de su nueva película, ¿Cómo hemos llegado a esto?, se centra en la relación entre dos amigas, Elena y Alba, que se reencuentran tras un año. El personaje de Alba confiesa que mantiene una relación con el exmarido de Elena, situación que la actriz ha descrito como una “traición” y que, en sus palabras, “rompe como el primer mandamiento de la amistad”.

Según su relato, tras este conflicto, las protagonistas dejan de hablarse, sufren una serie de incidentes y finalmente deben aceptar la situación. Durante la entrevista, la actriz ha definido el flechazo como el punto de partida de su relación sentimental con Aldo Comas.

Ha relatado que el encuentro se produjo en Argentina, donde ella rodaba una película y Comas se hallaba de viaje como paracaidista. Ha mencionado que el comentario de Comas sobre su parecido con Miércoles Addams le resultó especialmente gracioso y significativo. Gómez ha destacado que la admiración mutua es fundamental en su pareja y ha afirmado: “Tengo la suerte de que admiro mucho a mi pareja. Es el más creativo del mundo. Además de pintor, tiene un cociente intelectual fuera de lo normal”.

Sobre la convivencia, ha señalado que llevan dieciséis años juntos, que suele consultarle asuntos cotidianos como la elección de vestuario y que Comas asume tareas como la limpieza o la cocina, actividad por la que ella ha expresado no sentir interés. De hecho, recordó que una tentativa culinaria al inicio de la relación llevó a su esposo a pedirle que no repitiera la experiencia, aunque se ha mostrado satisfecha porque “el otro día cociné alcachofas a mi hijo y se quedó contento”.

Sensibilidad extrema y gratitud

La intérprete también ha admitido las dificultades derivadas de sus problemas de vértigo y equilibrio, que le llevan a ser especialmente sensible a las condiciones del mobiliario en los restaurantes. Ha asegurado que suele solicitar cambios de mesa hasta cinco veces si detecta alguna irregularidad, y ha reconocido: “Yo creo que alguna vez me han escupido en la comida”.

Gómez ha abordado igualmente el impacto de la misofonía en su vida diaria, detallando que los sonidos habituales como el teclado del ordenador, el movimiento de piernas, las patatas al ser comidas en el tren o el simple paso del segundero de un reloj le resultan altamente perturbadores y le provocan ansiedad. La actriz ha afirmado utilizar tapones a diario para paliar esta hipersensibilidad, precisando: “Duro lo mío. Me molestan los sonidos cotidianos, los que otra persona no percibiría. A mí me provocan ansiedad”.

En el transcurso de la entrevista, Gómez ha expresado su agradecimiento hacia colegas como Antonia San Juan, Verónica Forqué, Loles León y Petra Martínez por los consejos y enseñanzas recibidas a lo largo de su trayectoria profesional y ha subrayado la generosidad de sus compañeras, afirmando que las admira profundamente.

Hace más de 60 años, mucho antes de convertirse en una leyenda de Hollywood y de alzarse con cuatro premios Oscar —dos como mejor director y dos como productor—, un casi desconocido Clint Eastwood aceptaba un proyecto que, sin saberlo, cambiaría el rumbo de su carrera para siempre. Un viaje a Europa —con parada en España incluida— lo llevó a trabajar con el cineasta italiano Sergio Leone en una película destinada a redefinir el wéstern e inaugurar una nueva corriente cinematográfica: el spaghetti western.

Estamos hablando, como no puede ser de otra manera, de la legendaria Trilogía del Dólar, iniciada con Por un puñado de dólares(1964). Sin embargo, el proyecto tal y como lo conocemos en la actualidad pudo no existir.

Por aquel entonces, Eastwood ya gozaba de cierta popularidad gracias a su papel en la serie Rawhide, emitida entre 1959 y 1965 en la cadena CBS, sin embargo, cuando su agente le envió el guion de la película durante el parón entre temporadas, su respuesta fue clara: un no. “Le dije por teléfono que no me interesaba. Quería concentrarme en mi juego de golf”, relató el actor a Associated Press en 1965, según recuerda Metv. Pese a su negativa inicial, su agente encontró otro argumento: el rodaje incluía viajar a Europa, un destino que Eastwood aún no conocía. El resto fue historia. “En cuanto lo leí, me gustó”, explicó tiempo después.

Un viaje que lo cambió todo

Pese a que la cinta todavía no se había estrenado en Estados Unidos, sí lo hizo en Italia, convirtiéndole en una estrella. “La primera vez que fui, simplemente entré a escondidas”, dijo. “Tenía barba, pero no importó. Nadie me conocía de todos modos. Y nadie me prestó atención” Pero la segunda fue totalmente diferente: “Caminaba por la Via Veneto y la gente se me acercaba para pedirme autógrafos. Me agasajaron con comida y bebida y me trataron como a un rey”, afirmó, según el citado medio.

La trama de Por un puñado de dólares arranca con la llegada de un misterioso pistolero, conocido como Joe, el “hombre sin nombre” interpretado por Clint Eastwood, a un pueblo fronterizo dominado por dos familias enfrentadas: los Baxter y los Rojo. Allí decide jugar a dos bandas para sacar beneficio, enfrentando a ambos clanes en una espiral de violencia. Frente a él se sitúa Ramón Rojo, interpretado por Gian Maria Volonté, el principal antagonista.

La película, dirigida por Sergio Leone, fue el punto de partida de la Trilogía del Dólar, que continuó con La muerte tenía un precio (1965), donde Eastwood encarna a Manco y comparte protagonismo con el coronel Douglas Mortimer, interpretado por Lee Van Cleef; y culminó con El bueno, el feo y el malo (1966), en la que el actor vuelve como Blondie, acompañado por Tuco (Eli Wallach) y Sentencia (de nuevo Van Cleef).

El éxito de la trilogía no fue solo cultural, también económico. Por un puñado de dólares, rodada con un presupuesto muy reducido, se convirtió en un fenómeno en Europa y multiplicó su inversión en taquilla. Las siguientes entregas consolidaron ese impacto internacional, especialmente El bueno, el feo y el malo, hoy considerada una de las grandes obras del wéstern. Aunque en su momento no arrasaron en los grandes premios de Hollywood, sí lograron un reconocimiento creciente con los años, convirtiéndose en títulos de culto y en referentes absolutos del género.

El debut de Wanda Nara como protagonista de cine ya tiene sus primeras imágenes oficiales, con el rodaje en marcha de ¿Querés ser mi hijo?, una comedia romántica que reúne a la mediática junto a Jean Pierre Noher, Charo López y Agustín Bernasconi. Las fotos del set muestran escenas de alto contenido gestual y situaciones que anticipan el tono descontracturado y sentimental de la película, que promete combinar enredos, romance y humor.

La historia sigue a Lucía, el personaje de Wanda, una mujer de 40 años que, tras descubrir la infidelidad de su pareja, debe regresar a su antiguo departamento de soltera y reconstruir su vida. En ese proceso conoce a Javier, el vecino de 23 años interpretado por Bernasconi, y le propone que simule ser su hijo para una entrevista laboral. Lo que comienza como una mentira para salir de un apuro se transforma inesperadamente en el germen de un romance, pese a los 20 años que los separan.

Las primeras fotos del film permiten anticipar la dinámica de la producción y los matices de los personajes. En una de las imágenes, Wanda aparece sentada a la mesa junto a Charo López. La escena transmite complicidad y humor a través de gestos y miradas, aportando una pincelada de lo que será la relación entre ambas dentro de la trama. Otra fotografía muestra a la protagonista con un vestido rosa claro y expresión seria, observando a Jean Pierre Noher en lo que parece una reunión familiar cargada de tensión y expectativa.

La intimidad y la vulnerabilidad del personaje afloran en una tercera imagen, donde la empresaria, en un ambiente cálido, luce un atuendo estampado y una expresión emotiva, anticipando los momentos más personales y sensibles de Lucía. Por su parte, el vínculo con Javier queda reflejado en un plano que reúne a la protagonista y a Bernasconi en una conversación cargada de tensión y química, elemento central del desarrollo de la historia romántica.

El ambiente de camaradería y trabajo en equipo que caracteriza a la producción se puede ver en una foto grupal tomada en el living de un departamento. Allí el elenco al completó está repasando el guion, comparten risas y muestran una faceta distendida detrás de cámara, lo que sugiere una atmósfera de colaboración y entusiasmo en el set.

El film, que es una remake de una exitosa comedia mexicana, se plantea como una propuesta ágil y fresca. Explora las relaciones intergeneracionales, los enredos derivados de una mentira y la posibilidad de reinventarse después de una crisis sentimental. Las distintas situaciones que atraviesan los protagonistas, tanto en la ficción como en las imágenes ya difundidas, dejan ver que la película combinará emociones, humor y un juego de identidades en clave contemporánea.

Las fotos del rodaje no solo sirven como adelanto de la trama, sino que también permiten vislumbrar la construcción visual y la energía que Wanda imprime a su primer protagónico en la pantalla grande. Entre escenas de almuerzos familiares, diálogos cargados de complicidad, situaciones de tensión y momentos de intimidad, ¿Querés ser mi hijo? se perfila como un relato actual donde las segundas oportunidades y los vínculos inesperados serán el motor de la historia.

En paralelo al rodaje a la película,a empresaria también se encuentra filmando una serie vertical junto a Maxi López, su expareja. El proyecto lleva por nombre Triángulo Amoroso y propone una versión ficcionada de la relación que durante años mantuvieron Nara y López, explorando los vaivenes sentimentales y las situaciones que marcaron la historia pública de la pareja, incluyendo el escándalo con Mauro Icardi, por quien la pareja luego llegó a su fin y la mediática contrajo matrimonio.

Que los cantantes se suben al carro de la actuación no es algo nuevo. Lo hemos visto con Lady Gaga en Ha nacido una estrella y en Joker: Folie à Deux. También con Harry Styles, que hizo su debut cinematográfico ni más ni menos que de la mano de Christopher Nolan en Dunkerque en 2017, o la mismísima Rihanna, que coprotagonizó Ocean’s Eight en 2018 y ya para entonces acumulaba un gran CV cinematográfico a sus espaldas. Ahora es el turno de SZA.

La cantante de éxitos como Kill Bill, ganadora de siete premios Grammy, da el salto a la gran pantalla con Un día de esos (One of Them Days, en inglés), una comedia de poco más de hora y media de duración que acaba de aterrizar en Netflix y que algunos ya consideran una de las mejores del género en lo que llevamos de década.

Protagonizada por Keke Palmer en el papel de Dreux, y SZA, el nombre artístico de Solána Imani Rowe, como Alyssa, la historia sigue a estas dos amigas y compañeras de piso que, tras descubrir que el novio de esta última ha malgastado el dinero del alquiler, el dúo se ve abocado a una carrera contrarreloj para evitar el desahucio y mantener intacta su amistad. La película ha sido comparada con Todo en un viernes (Friday), el clásico de los noventa estadounidense protagonizado por Ice Cube y Chris Tucker.

A partir de ahí, la película despliega una sucesión de situaciones caóticas y cómicas a lo largo de un único día, una estructura que recuerda a las clásicas buddy comedies de los noventa. Sin embargo, lejos de quedarse en la nostalgia, Un día de esos actualiza el género con una mirada más pegada a la actualidad que rodea a los jóvenes y no tan jóvenes en todos los rincones del mundo: el problema de la vivienda.

Lo que dicen la crítica y el público

La crítica especializada ha respaldado la propuesta. Desde el medio estadounidense especializado en culture Vulture, la periodista Alison Willmore señala que la película recupera “la forma y el encanto desaliñado” de las comedias de colegas de antaño, aunque sin recurrir a uno de sus elementos más característicos: el consumo de drogas.

Ese buen recibimiento se refleja en plataformas de valoración como Rotten Tomatoes, donde la película mantiene una puntuación excelente y un consenso entre crítica y público. La prensa especializada otorga a la cinta debut de Lawrence Lamont un 94 sobre 100 con 125 críticas, 117 muy positivas. La audiencia le otorga una puntuación muy similar con un 89 de 100.

El éxito no es casualidad: la cinta superó los 50 millones de dólares de recaudación mundial tras su estreno en enero del año pasado, cuando su presupuesto estaba en 14 millones. Por si fuera poco, en junio del año pasado, Variety anunció en exclusiva que la secuela ya estaba en desarrollo. Palmer y la cantante volverán en sus respectivos papeles, junto con el equipo original de la primera película.

Si pensamos en las películas sobre crimen organizado, es probable que a nuestra cabeza acudan dos nombres. El primero sería El Padrino, la película de Francis Ford Coppola considerada por muchos como la mejor de la historia del cine. El otro sería el de Martin Scorsese, y cualquiera de las obras maestras con las que encumbró este género de la mano de actores como Al Pacino, Joe Pesci o su mejor socio, el doblemente oscarizado Robert De Niro.

Martin Scorsese lleva más de cinco décadas demostrando que nadie filma el crimen con tanta precisión ni con tanto nervio. Pero dentro de una filmografía que incluye Malas calles, Casino, Gangs of New York, Infiltrados o El Irlandés, hay una película que muchos sitúan por encima de todas: Uno de los nuestros.

La cinta de 1990 nació de un libro de no ficción de Nicholas Pileggi, Wiseguy: Life in a Mafia Family, que reconstruía en primera persona la vida de Henry Hill junto a la mafia de la familia Lucchese. Entre sus páginas, Scorsese encontró una historia con la que liberarse de la estética que Coppola y El Padrino venían marcando desde hacía décadas: ya no se trataba de realizar un retrato épico y trágico de la mafia, sino de contar la cotidianidad menos glamurosa del crimen organizado, y poner la cámara en su nivel más bajo.

Por qué ‘Uno de los nuestros’ se considera una obra maestra

Sin el romanticismo ni la grandeza de los Corleone, Scorsese construye su historia desde la codicia de sus personajes y el caos generalizado del mundo en el que viven. Uno de los nuestros, que puedes ver en Netflix hasta el próximo 30 de abril, nos cuenta la historia de un joven que, lleno de encanto, nos cuenta la historia de un joven recién ingresado en la mafia. Muy pronto, ese chico que creció admirando la vida de los gángsters irá ascendiendo de categoría tras ganarse la confianza de los principales jefes de esa familia.

La película arranca con calma, casi como una historia de formación, y luego aprieta el acelerador hasta un tramo final construido sobre la paranoia. Scorsese usa la voz en off, el montaje acelerado y una selección musical que funciona como motor narrativo, no como decorado. Todo eso, junto a planos secuencia que sumergen al espectador en la acción, como la famosa escena en la que vemos al protagonista entrar por la puerta trasera del club nocturno Copacabana, uno de los más recordados (y citados) por su puesta en escena y magistral narrativa visual.

Esta fórmula permite que todos los intérpretes de la película acaben por brillar con luz propia. Ray Liotta y Robert De Niro cuentan con los papeles principales, mientras que secundarios de lujo como Joe Pesci (que no aceptó participar en la película hasta que incluyeron una escena propuesta por él mismo donde pasa de ser el ‘rey de la fiesta’ al personaje más peligroso del local), Lorraine Bracco, Paul Sorvino o Chuck Low ponen el resto para dar vida a esta fábula inmoral sobre el crimen organizado.

Pesci ganaría el único Oscar de Uno de los nuestros, aunque ya sabemos que la Academia nunca ha sabido premiar debidamente a Scorsese. A pesar de su impresionante filmografía, solo una de sus cintas ha ganado en la categoría de Mejor película. Aunque a quién le importan los premios cuando acabas de cambiar para siempre la historia del cine criminal, y de algún modo, cuando incluso has conseguido terminar con el imperio de la estética casi operística que nos legaron Coppola y El Padrino.

Maialen Beloki accedió al comité de dirección del Festival de Cine de San Sebastián con apenas 30 años. El 1 de enero de 2027, antes de cumplir los 44, se convertirá en la primera mujer en dirigirlo, una labor que quien la conoce no duda de que realizará con la misma capacidad de trabajo “desbordante” que ha mostrado hasta ahora.

Esta donostiarra, nacida en 1983, licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y doctora cum laude en Teoría, análisis y documentación cinematográfica por la Universidad del País Vasco, tuvo su primer contacto con el Festival en 2004, cuando hizo prácticas en el departamento de prensa, aunque su relación laboral se inició en 2010.

En estos dieciséis años ininterrumpidos, ha llevado a cabo todo tipo de cometidos, pero también ha puesto sus granos de arena en proyectos como el de la candidatura de la Capital Europea de la Cultura Donostia 2016, en cuyo equipo de trabajo de escritura participó. Asimismo, colaboró en la puesta en marcha de la Elías Querejeta Zine Eskola, de la que es docente y forma parte de su dirección académica, y fue profesora de Comunicación en la Universidad de Mondragón.

En lo deportivo, se decanta por un deporte no precisamente de masas, la esgrima, pero en lo cinematográfico sus gustos son eclécticos, ya que puede alternar una película de Marvel con un ciclo de Tabakalera de esos que antes se definían como de arte y ensayo. Su nombramiento por parte del Consejo de Administración de la entidad, integrado por el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación de Gipuzkoa, el Gobierno Vasco y el Ministerio de Cultura, ha sido recibido con satisfacción por el equipo del Festival, “muy contento” de que se ponga al frente a quien es desde 2016 una de sus subdirectoras, con un conocimiento “muy transversal” del certamen.

El actual responsable del Zinemaldia, José Luis Rebordinos, que le cederá el testigo de un puesto al que él accedió en 2011, se alegra “inmensamente” de la elección de quien considera “una pieza fundamental del trabajo realizado en estos 15 años”.

En un mensaje enviado desde París, donde se encuentra con algunos miembros del Comité de Selección visionando películas para esta 74 edición, destaca que Beloki y Lucía Olaciregui, la otra subdirectora, “son dos de las figuras más importantes de un equipo que no solo trabaja durante los nueve días del certamen en septiembre, sino también en las actividades y programas que desarrollamos el resto del año”. “En los próximos meses mi obligación es trabajar estrechamente con Maialen para que llegue a enero de 2027 con el mayor conocimiento posible del Festival. En este caso, no será difícil porque conoce bien sus entresijos”, remarca.

Se abre ahora un período en el que Beloki acompañará a Rebordinos para familiarizarse con los cometidos más precisos de su futuro cargo, en una transición que se presenta poco complicada dada esta buena sintonía y que se hará visible en una presentación mano a mano de los carteles de la próxima edición, aún sin fecha cerrada.

Mailaen Beloki llegará a la dirección del Zinemaldia en la edición del 75 cumpleaños y lo hará con un currículum “impresionante” para sustituir a un hombre como Rebordinos con un notable don de gentes y un carisma que ha concitado acuerdos unánimes en esferas muy distintas. Y eso que algunos tenían sus reticencias sobre alguien que había estado al frente de un certamen tan excéntrico como el Festival de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián para cuyo público llegó a disfrazarse de pollo.

Fuente: EFE

[Fotos: EFE/ Zinemaldia]

La actriz Emma Stone regresa oficialmente al género de la comedia romántica, protagonizando una nueva película junto a Chris Pine que será dirigida por su esposo, Dave McCary. El filme, titulado The Catch, tiene su estreno previsto en salas para el 21 de mayo de 2027 y marca un retorno al tipo de historias que consolidaron la carrera de Stone ante el gran público. Stone es reconocida por su participación en comedias románticas como La La Land, Rumores y mentiras, Crazy, Stupid, Love y Aloha. Su actuación en La La Land le valió el Oscar a la Mejor Actriz Protagonista, uno de los seis premios que obtuvo el filme en los Premios de la Academia. En años recientes, la actriz había abandonado el género romántico, centrándose en colaboraciones con el director griego Yorgos Lanthimos en títulos como Poor Things, Kinds of Kindness y Bugonia.

El anuncio de The Catch representa el primer acercamiento de Stone a la comedia romántica desde hace varios años. Según se informó, Stone eligió este proyecto después de analizar varios guiones y quedar especialmente interesada en la versión más reciente del texto, escrita por Jen Statsky (Hacks) y Travis Helwig, sobre un guion original de Patrick Kang y Michael Levin. Hasta el momento, no se han revelado detalles oficiales sobre la trama de la película. La noticia confirma que tanto Emma Stone como Chris Pine serán los protagonistas de The Catch. Esta colaboración reúne a dos intérpretes con experiencia previa en comedias románticas. Pine ha participado en películas como Princesa por sorpresa 2, Devuélveme mi suerte, o Esto es la guerra. En los últimos años, ambos actores orientaron sus carreras hacia producciones menos convencionales, pero su participación en este proyecto supone un regreso al género que definió etapas previas de sus trayectorias.

The Catch es el primer largometraje de Stone tras Bugonia, su más reciente trabajo con Lanthimos. La actriz obtuvo una nominación al Oscar por ese papel, convirtiéndose en la segunda persona más joven y la mujer más joven en alcanzar siete nominaciones a los Premios de la Academia. Solo Meryl Streep había alcanzado ese récord a una edad similar, mientras que Walt Disney sigue siendo la persona más joven en lograrlo, con 34 años. La dirección de la película estará a cargo de Dave McCary, quien además de ser el esposo de Stone, tiene una reconocida trayectoria como guionista y realizador. McCary dirigió y escribió numerosos episodios de Saturday Night Live y ha desarrollado una carrera en cine y televisión. En 2024, la productora que comparte con Stone, Fruit Tree, firmó un acuerdo de primera opción con Universal Pictures.

Estrechando lazos

El vínculo personal y profesional entre Stone y McCary añade un atractivo adicional al proyecto, que contará con el respaldo de Universal y la experiencia de ambos en la industria cinematográfica. Entre las películas producidas anteriormente por Fruit Tree se encuentran Poor Things, I Saw the TV Glow, A Real Pain y Bugonia. La producción de The Catch estará a cargo de Fruit Tree y también de 21 Laps, la compañía de Shawn Levy y Dan Levine. Levy, conocido por su labor como productor y director, se encuentra inmerso en la posproducción de Star Wars: Starfighter, filme que llegará a los cines una semana después del estreno de The Catch, el 28 de mayo de 2027.

El guion de la película fue inicialmente escrito por Patrick Kang y Michael Levin, pero la versión que finalmente atrajo a Stone fue desarrollada por Jen Statsky y Travis Helwig. Aunque la sinopsis oficial aún no ha sido difundida, fuentes de la producción indican que el guion fue uno de los factores determinantes para que la actriz aceptara el proyecto. En los últimos años, Emma Stone se ha concentrado en roles dramáticos y colaboraciones de alto perfil, alejándose de las comedias románticas que la impulsaron al estrellato. Su trabajo con Lanthimos ha sido destacado por la crítica y la ha mantenido como una de las figuras más influyentes de su generación.

Por su parte, Chris Pine alternó papeles en cine independiente y proyectos más comerciales, incluyendo su debut como director en Poolman. La unión de ambos actores en una comedia romántica dirigida por McCary representa un reencuentro con el cine mainstream y una apuesta por revitalizar el género con figuras reconocidas y experiencia comprobada. El estreno de The Catch en mayo de 2027 se perfila como uno de los regresos más esperados en la carrera de Stone y una oportunidad para que el género vuelva a captar la atención del público con nuevos rostros y perspectivas.

Netflix ha confirmado la fecha de estreno global de Enola Holmes 3 y ha revelado las primeras imágenes oficiales de la esperada película. La nueva entrega de la franquicia protagonizada por Millie Bobby Brown llegará a la plataforma el 1 de julio, y ya se anticipa como uno de los lanzamientos más destacados del año para el servicio de streaming. En las imágenes publicadas por Netflix, se observa a Enola Holmes, interpretada nuevamente por Brown, junto a Louis Partridge en el papel de Tewkesbury. La pareja aparece en plena celebración de bodas, lo que confirma que el vínculo romántico entre los personajes avanzará de manera significativa en esta tercera parte. Además, el adelanto visualiza el tono de aventura y misterio que ha caracterizado a la saga desde su debut.

La trama de Enola Holmes 3 llevará a la joven detective a Malta, donde deberá resolver un caso especialmente complejo. Según la sinopsis oficial, la historia mezcla los desafíos personales y profesionales de Enola, quien se enfrenta a una investigación más enredada y peligrosa que nunca. Mientras intenta descifrar el misterio, también debe gestionar las nuevas etapas de su relación con Tewkesbury, lo que añade una dimensión más íntima al relato. La película cuenta con un elenco principal que retoma varios de los rostros ya conocidos por los seguidores de la franquicia. Henry Cavill regresa como Sherlock Holmes, el hermano mayor de Enola, mientras que Helena Bonham Carter interpreta nuevamente a Eudoria Holmes, la madre de los Holmes. El reparto se completa con Himesh Patel como el doctor John Watson y Sharon Duncan-Brewster en el papel de Moriarty, asegurando continuidad y expansión en el universo narrativo iniciado en las entregas previas.

Una franquicia de éxito

La dirección de esta tercera película recae por primera vez en Philip Baranti, realizador de Adolescence, quien sustituye a Harry Bradbeer, responsable de las dos primeras películas. El guion, en cambio, mantiene la firma de Jack Thorne, que ya había trabajado previamente con Baranti y es responsable de adaptar la saga literaria a la pantalla. Enola Holmes 3 se basa en la serie de libros The Enola Holmes Mysteries, escrita por Nancy Springer, consolidando así la conexión entre la obra literaria y su versión audiovisual. En cuanto a la producción, la película es fruto de la colaboración entre Legendary Entertainment y PCMA Productions. Entre los productores se encuentran Brown, Thorne, Mary Parent, Alex Garcia, Ali Mendes, Robert Brown y Michael Dreyer. Además, la lista de productores ejecutivos incluye a Joshua Grode, Jake Bongiovi (esposo de Brown) e Isobel Richards, lo que refuerza el compromiso de la protagonista en la creación y el desarrollo del proyecto.

El éxito de la franquicia Enola Holmes ha sido notable desde el lanzamiento de la primera película, consolidando a Brown como una de las figuras más populares de Netflix. Enola Holmes 2, estrenada en 2022, mostró a la protagonista abriendo su propia agencia de detectives y resolviendo un caso inspirado en la huelga de las cerilleras de 1888 en Londres, lo que aportó una dimensión histórica y social a la saga. El anuncio de la tercera entrega mantiene el interés de los seguidores y apunta a elevar aún más las expectativas en torno a la franquicia. La confirmación de la fecha de estreno y la publicación de las primeras imágenes oficializan el regreso de la joven detective al centro de la acción. Los elementos románticos y de aventura, sumados a la incorporación de nuevos escenarios y desafíos, configuran un panorama atractivo para los espectadores de todas las edades. Con el estreno global fijado para el 1 de julio, Enola Holmes 3 se posiciona como uno de los títulos más esperados en el calendario de Netflix para 2026.

Sony prepara la unión de El Zorro y Django en una nueva película, apostando por el cruce de dos de los forajidos más célebres del cine contemporáneo. El proyecto, que contará con guion de Brian Helgeland, se inspira en el cómic de 2014 coescrito por Quentin Tarantino y Matt Wagner, aunque la historia que llegará a la pantalla será completamente original. La idea de reunir a Django y Zorro tomó fuerza tras el lanzamiento de Django Desencadenado en 2012, dirigida por Tarantino y protagonizada por Jamie Foxx. El personaje de Django, un cazador de recompensas en el sur de Estados Unidos posterior a la Guerra Civil, se convirtió en uno de los iconos recientes del western revisionista. Por otro lado, Zorro es una figura emblemática de la cultura popular, representada en el cine moderno por Antonio Banderas en La máscara del Zorro (1998) y La leyenda del zorro (2005).

El cruce entre ambos personajes cobró forma en el cómic Django/Zorro, publicado en 2014 y firmado por Tarantino y Wagner. Sin embargo, la adaptación cinematográfica anunciada por Sony no será una traslación literal de la historieta: se desarrollará una trama inédita que, según se informa, llevará a Django a formar una alianza inesperada con el legendario justiciero enmascarado. Aún no se han publicado detalles específicos sobre el argumento. Sony ha confiado la escritura del guion a Brian Helgeland, ganador del Óscar por L.A. Confidential. La elección de Helgeland marca un cambio respecto a versiones anteriores del proyecto. En el pasado, el comediante Jerrod Carmichael fue contactado para escribir un borrador, pero esa versión fue descartada por razones no especificadas. Quentin Tarantino, aunque figura como coautor del cómic original y ha impulsado la idea del crossover durante años, no dirigirá la película ni tiene previsto estar al frente del proyecto.

La dirección permanece vacante y no se ha anunciado quién ocupará esa función en la producción. La combinación creativa de Helgeland y la premisa surgida de la colaboración entre Tarantino y Wagner genera expectación sobre el tono y el estilo que adoptará la película. El respaldo de Sony a la iniciativa refuerza la intención de llevar la historia a una audiencia internacional. El filme se encuentra en una fase temprana de desarrollo dentro de Sony Pictures. No hay fecha confirmada para el inicio de la producción ni para su estreno. Tampoco se ha definido quién asumirá la dirección, y el estudio no ha revelado información sobre el equipo técnico o el resto del reparto. La noticia del avance en el desarrollo responde al interés sostenido de Tarantino por esta historia. Durante años, el cineasta expresó su entusiasmo por ver en pantalla el encuentro entre Django y Zorro, llegando a conversar con diferentes colaboradores para explorar posibles enfoques. La participación de Helgeland en la escritura del guion representa el paso más concreto hasta la fecha para materializar el proyecto.

A la espera de Banderas

Por el momento, Jamie Foxx y Antonio Banderas no han firmado su participación en la película. Banderas ha confirmado públicamente que Tarantino le propuso el papel durante una conversación en la noche de los Óscar de 2020, cuando el actor fue nominado por Dolor y gloria. Sin embargo, no existe confirmación oficial de su incorporación ni de la de Foxx. Banderas expresó en 2022 su entusiasmo por la posibilidad de trabajar bajo la visión de Tarantino, señalando la capacidad del director para transformar materiales inspirados en películas de serie B en producciones de alta calidad. La presencia de ambos actores sería clave para atraer la atención de los seguidores de las sagas originales.

Tarantino no ha dirigido una película desde Once Upon a Time in Hollywood en 2019. El cineasta ha reiterado en diversas ocasiones su intención de retirarse tras realizar su décima película, proyecto que durante un tiempo llevó el título tentativo de The Movie Critic, pero que finalmente fue descartado. En paralelo, Tarantino prepara su debut teatral con una obra titulada The Popinjay Cavalier, que se presentará en el West End de Londres en 2027. Con una obra teatral en el horizonte y sin planes inmediatos de regresar a la dirección cinematográfica, la adaptación de Django/Zorro representa una extensión indirecta de su universo creativo, aunque bajo el liderazgo de otros profesionales.

Anne Hathaway interpretaría a Verity Crawford y Dakota Johnson a Lowen Ashleigh. Dirigida por Michael Showalter y con guion de Nick Antosca a partir de versiones previas de Hillary Seitz, Angela LaManna, Will Honley y April Maguire, la trama se centraría en Lowen Ashleigh, una escritora de carrera irregular contratada para completar la exitosa saga literaria de Verity Crawford, una reconocida autora incapacitada tras un accidente.

La convivencia en la mansión de los Crawford derivará en un clima de tensión: Lowen descubre un manuscrito inconcluso que revela cuestiones inquietantes sobre la salud mental y los misterios domésticos de Verity. El reparto incluye además, a Josh Hartnett como Jeremy Crawford y también a Brady Wagner, Asel Swango, Daniel Echevarria e Ismael Cruz Córdova.

Qué ofrece el tráiler de ‘Verity’

El primer avance, presentado en CinemaCon para exhibidores y distribuidores, y luego lanzado al público, muestra imágenes en las que Lowen explora la casa de los Crawford mientras viste un albornoz de seda, y Verity permanece dormida en la cama. La tensión visual y narrativa culmina con una escena en la que Jeremy, esposo de Verity, inicia un romance con Lowen; en un giro inquietante, Lowen descubre sangre durante un beso y se da cuenta de que, en realidad, está besando a Verity, no a Jeremy, lo que provoca una reacción de pánico.

El tráiler incluye frases del personaje de Verity, como: “Incluso con mi continua advertencia, vas a seguir absorbiendo mis palabras. Pero debes saber una cosa: donde vamos no hay luz. Hay oscuridad por delante”.

El filme expone motivos como la manipulación emocional, los límites difusos entre ficción y realidad y el peso de los secretos familiares, reforzados por la mirada de Hoover y el protagonismo femenino, habitual en las recientes adaptaciones de su obra.

El ‘boom’ de las adaptaciones de Collen Hoover

Las últimas películas basadas en novelas de Colleen Hoover han impulsado la estrategia de los grandes estudios de Hollywood para atraer al público mediante relatos de suspense centrados en mujeres. El estudio de Hollywood Sony inauguró este ciclo con Romper el círculo, que superó los 351 millones de dólares (alrededor de 326 millones de euros) en taquilla, pese a las disputas legales entre sus protagonistas, Blake Lively y Justin Baldoni.

El estudio de Hollywood Paramount continuó con A pesar de ti, dirigida por Allison Williams y con Mckenna Grace, Dave Franco y Mason Thames, que superó los 90 millones (unos 83,6 millones de euros) en ingresos; hace poco, el estudio de Hollywood Universal estrenó No te olvidaré, recaudando más de USD 84 millones (cerca de 78 millones de euros).

La propia Colleen Hoover participa como productora junto con Showalter, Antosca, Alex Hedlund, Stacey Sher y Jordana Mollick.

Antes del lanzamiento de Verity en octubre, Amazon MGM Studios mantiene una agenda repleta de estrenos, como Las ovejas detectives, la versión con Nicholas Galitzine de He-Man y y los masters del universo y How to Rob a Bank, dirigida por David Leitch, conocido por John Wick.

Por su parte, la otra protagonista del proyecto, Dakota Johnson, se encuentra en una fase más introspectiva. Tras el fracaso de Madame Web, parece dispuesta a elegir mejor las películas en las que participa y, quizás por ello, no tiene tantas citas en el próximo año. Rodará a las órdenes de la italiana Alice Rohrwacher Three Incestuous Sisters, junto a Jessie Buckley y Saoirse Ronan.

De todas las ventanas al futuro, el cine siempre ha sido uno de los ámbitos donde los seres humanos más han insistido en tratar de imaginar cómo será el mundo dentro de cientos de años. A pesar de que a día de hoy asociemos la ciencia ficción con películas modernas como Star Wars, Interstellar o Proyecto Salvación, lo cierto es que el género fue uno de los primeros en llegar a la gran pantalla y, también, uno de los primeros en dejarnos obras maestras.

En 1927, cuando el cine todavía se consolidaba como un producto masivo, Fritz Lang estrenó Metrópolis. En esta película, el director alemán imaginaba en clave expresionista cómo sería el mundo en 2026. En esa inmensa megalópolis del futuro, nos cuenta la historia de Freder, un joven perteneciente a las élites económicas, que, tras enamorarse de María, una muchacha de origen humilde, descubre la dura condición de las clases obreras que trabajan en la ciudad.

A partir de este descubrimiento, se construye una película que ofrece una visión ciertamente distópica del futuro (hoy presente) de la humanidad. En su momento, los estudios cinematográficos decidieron recortar algunos minutos de la película de Lang, de modo que la versión íntegra y original de Metrópolis (disponible actualmente en Filmin) no se vería hasta 2010, poco después de que se descubriera un material que se creía perdido en un museo de Buenos Aires.

Qué nos dice ‘Metrópolis’ sobre el futuro

En un vídeo que ya supera las 90.000 visualizaciones, el divulgador @sergiobouzine describe cómo la sociedad de Metrópolis vive dividida espacial y económicamente en dos clases. “Arriba, la élite vive rodeada de lujo y abajo, miles de trabajadores sostienen el sistema como si fueran máquinas”. Acertó, pues, de lleno en cómo las desigualdades económicas se reflejarían en el urbanismo moderno, con grandes ciudades actuales como Nueva York, Dubái o Tokio donde se muestra una verticalidad extrema en la que el piso en el que vives depende, literalmente, del dinero que tengas.

No sería el único acierto de Fritz Lang, que se anticipó a la llegada de las videollamadas, la inteligencia artificial o las ciudades conectadas y llenas de pantallas. Cabe recordar que en aquella época ni siquiera existían los ordenadores, por lo que la predicción de Lang no solo acertó con los inventos que llegarían, sino en el modo en que estos cambiarían la estructura de la sociedad. “Metrópolis fue esa película que empezó a preguntarse cómo imaginamos el futuro”, afirma Sergio. Y parece que sus conclusiones señalaron en la dirección correcta.

Eso sí, rodar esta película, considerada como la mejor película de ciencia ficción de la historia, no fue nada fácil. “El rodaje fue un infierno”, cuenta el divulgador en su vídeo. “Jornadas interminables, condiciones durísimas y un presupuesto que casi arruina al estudio”. Con todo, el resultado valió la pena: “Cambió la historia del cine para siempre. La estética de sus ciudades, los robots, la forma de representar el futuro... Todo eso influyó en películas como Blade Runner, Star Wars y la cultura pop actual”.

En una sala a oscuras, donde el silencio se ve interrumpido únicamente por el sonido envolvente de la proyección, una tecnología emergente comienza a registrar mucho más que la atención del público.

Según un informe de Smithsonian Magazine, cada latido, cada movimiento ocular y cada variación en la piel se transforman en datos que permiten analizar las respuestas físicas ante una historia, trasladando la experiencia cinematográfica, tradicionalmente asociada a la percepción subjetiva, a un terreno cuantificable basado en indicadores fisiológicos.

Este enfoque se desarrolla en el Reino Unido, donde investigadores de la Universidad de Bristol impulsan una sala experimental que combina exhibición audiovisual con análisis científico. El objetivo consiste en identificar con precisión biológica qué elementos captan el interés del espectador y de qué manera se configura su vínculo emocional con el contenido proyectado.

Un laboratorio dentro del cine

El proyecto, denominado Smart Cinema, convierte una sala con capacidad para 35 personas en un espacio de medición avanzada. El entorno integra un proyector láser de alta resolución y sistema de sonido Dolby Surround con tecnología especializada que permite registrar en tiempo real las respuestas físicas de los espectadores.

Estos incluyen monitores de frecuencia cardíaca, auriculares de electroencefalografía (EEG) y cámaras infrarrojas que siguen los movimientos oculares.

A diferencia de las pruebas tradicionales, basadas en encuestas al concluir la función, este sistema permite captar reacciones inmediatas. La tecnología mide variables como la temperatura corporal, la actividad cerebral y la conductividad de la piel, todos indicadores asociados a la emoción y la atención.

El neuropsicólogo Iain Gilchrist explicó el alcance a The Times: “Esos métodos [antiguos] tienen su valor, pero siempre se basan en la memoria”.

Además, enfatizó que “con esta tecnología de cine inteligente y estos métodos, no hay que arriesgarse a estrenar algo y esperar que funcione. Se puede obtener información real del público, momento a momento, sobre cómo reacciona y luego realizar cambios antes del estreno. Y creemos que eso podría aportar un valor real”.

Qué revelan los datos biométricos

El avance del sistema se sustenta en investigaciones previas. Un estudio publicado en la revista Journal of Cognitive Neuroscience, publicación académica de referencia, analizó el comportamiento de 40 personas expuestas a fragmentos audiovisuales de diferentes géneros. Durante las pruebas, los investigadores recopilaron datos fisiológicos para identificar patrones comunes.

Los resultados evidenciaron que la atención y la implicación emocional se relacionan con la sincronización de la frecuencia cardíaca y la dirección de la mirada entre los espectadores. Ese vínculo no se encontró en la comprensión narrativa, lo que plantea que comprender una historia y reaccionar emocionalmente no obedecen a los mismos mecanismos.

En el artículo académico, los autores señalaron que a pesar de la importancia y la omnipresencia de la narración de historias, se sabe relativamente poco sobre los mecanismos neurocognitivos mediante los cuales los medios narrativos captan y mantienen nuestra atención.

Primeras pruebas con público

El cortometraje de ciencia ficción RENO inauguró el uso de la sala experimental. La obra, centrada en la relación entre humanos e inteligencia artificial, se proyectó ante una audiencia cercana a las 200 personas en distintas funciones.

El director, Rob Hifle, remarcó: “No se trata solo de perfeccionar la película; también se trata de conectar con los espectadores y comprender sus reacciones. Esta experiencia, sin duda, influirá en el montaje final de maneras que aún no puedo imaginar”.

El acceso a datos en tiempo real habilita herramientas que pueden incidir en la edición, el ritmo narrativo o la construcción de escenas concretas.

Entre el análisis y el escepticismo

El uso de métricas biométricas en la industria audiovisual genera interés, aunque también despierta cuestionamientos. La investigadora de medios y profesora, Amanda Lotz, aportó una mirada crítica en diálogo con The Guardian: “La narración original prioriza la técnica y la historia, no una fórmula como ‘el 50% de los espectadores analizados quieren X’”.

Mientras especialistas advirtieron sobre el riesgo de reducir la creatividad a datos cuantificables, los impulsores del proyecto defienden que la herramienta amplía las posibilidades de análisis sin reemplazar el criterio artístico.

Además del cine, los investigadores visualizan aplicaciones para la música en vivo y la publicidad, donde comprender la respuesta emocional del público también resulta relevante.

Ha fallecido el mítico director Adolfo Aristarain, una de las figuras clave del cine argentino gracias a películas míticas como Tiempo de revancha (1981) o Un lugar en el mundo (1992), por la que consiguió la Concha de Oro del Festival de San Sebastián.

Tuvo una relación muy estrecha con nuestro país a través de diferentes coproducciones y ya en 1986 dirigió junto a José Ramón Larraz una serie que adaptaba las aventuras del personaje de Manuel Vázquez Montalbán, el detective Pepe Carvalho, al que encarnó, Eusebio Poncela.

Sin embargo, la película que obtuvo más repercusión en nuestro país de toda su filmografía, sería Martín (Hache), que se convertiría en una de las obras más icónicas de los años noventa, alcanzando incluso la categoría de culto. ¿Por qué?

Por qué ‘Martín (Hache)’ es una obra de culto

Entre otra cosas, por ser un retrato despiadado y honesto de los desarraigados, con un guion de lo más afilado y repleto de frases célebres, por hablar de temas como la patria, el amor, la paternidad, las drogas y las relaciones humanas de una manera poco convencional y nada cómoda, aportando toda una serie de reflexiones tan profundas como dolorosas y reveladoras.

Y sí, por su reparto en estado de gracia, conformado por Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela y Cecilia Roth. La historia giraba en torno a Martín Echenique, director de cine argentino en Madrid, y su hijo Hache, de 19 años que vive en Buenos Aires, quienes mantienen una relación distante que se transforma tras un accidente de Hache. El reencuentro en Madrid redefine los vínculos —junto a Alicia, la amante de Martín, y Dante, el amigo actor— a través de un guion escrito por Aristarain y Kathy Saavedra.

Lo cierto es que ese guion, contenía tantas verdades como puños que, su vigencia, a pesar de haber transcurrido casi 30 años, continúa estando presente de una manera casi incorruptible. Así, la cita “la patria es un invento” ha adquirido notoriedad porque sintetiza el planteamiento del filme sobre el sentimiento nacional y sugiere que se extrañan las personas antes que los países. Para el joven Hache, “su país son sus amigos”, justificando la vigencia del debate sobre la identidad más allá de banderas o estadísticas.

Es un dato relevante que la película desarrollara sus temas en una duración de 134 minutos, permitiendo ahondar en la búsqueda del conflicto generacional en un contexto de exigencias familiares, apoyándose en la representación de la juventud y su tensión ante las expectativas ajenas.

En lo referido a los consumos de sustancias, el discurso de la película se articula a través de los cuatro personajes principales, todos vinculados de algún mundo a las drogas. Hache las emplea como evasión, Martín como refugio, Alicia para apaciguar su sufrimiento y Dante como parte de su visión existencial. “Las drogas son maravillosas porque te abren la mente”, se dice en un momento de la película, resumiendo la paradoja del filme: entiende a la droga tanto como fuente de ‘autodescubrimiento’ como de riesgo. En realidad, todos los personajes se encuentran profundamente solos y perdidos.

Un retrato del choque entre generaciones

El retrato de la juventud —especialmente la dificultad de adaptarse a normas y la presión por responder a búsquedas existenciales— está presente en todo el guion. Hache, obligado a elegir entre estudiar o trabajar, enfrenta un mandato social que lo lleva al desencanto. En un momento del filme, se resume la frustración de quien se siente perdido en el paso a la vida adulta: “Igual tengo talento para ser mediocre”.

Alicia, a cargo de Cecilia Roth resulta una figura decisiva, punto de unión entre padre e hijo y exponente de una mujer herida en el amor. El planteamiento feminista se evidencia en la reflexión de Dante, que alcanza notoriedad porque desafía estereotipos de la época: “Ninguna mujer tiene dueño”.

Dante (un personaje que rescató a Eusebio Poncela), aporta vitalidad y desenfado y un estatus casi filosófico. Su célebre razonamiento sobre la atracción y el deseo ha trascendido porque lo eleva a debate existencial: “Hay que follarse a las mentes”. Así, la película aborda temas actuales sobre sexualidad y deseo más allá de lo físico.

La denuncia a la hipocresía social se concentra en la escena donde Dante confronta al público en una obra de teatro. Esta secuencia es relevante porque interpela directamente sobre el conformismo moral: “Seremos cómplices de la farsa, de vuestra farsa. [...] Pero tendréis la conciencia tranquila porque sois modernos, porque habéis aplaudido a rabiar una obra de izquierdas muy dura”.

Martín (Hache) continúa siendo una pieza clave del cine de los noventa en la que se condensaba todo el desencanto de la época. Hablaba de autodestrucción, pero también de supervivencia, estaba llena de diálogos torrenciales de una lucidez arrolladora y todavía hoy, verla genera un ejercicio de catarsis realmente apabullante. La película fue nominada a 4 Goyas y Cecilia Roth consiguió la estatuilla. En San Sebastián, Federico Luppi ganó la Concha de Plata al Mejor Actor. Todavía nadie entiende cómo Eusebio Poncela no estuvo nominado. La película puede recuperarse en Movistar Plus+ para ver en streaming.

La Secretaría de Cultura, a través de la Cineteca Nacional, inauguró un ciclo dedicado al reconocido cineasta italiano Gianfranco Rosi, figura central del cine documental contemporáneo.

La muestra, organizada en colaboración con el Instituto Italiano de Cultura y los estudios Cinecittà, busca acercar al público mexicano a una obra que redefine los límites entre el documental y el relato cinematográfico.

Una retrospectiva que impulsa el diálogo cultural

La titular de la Secretaría de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, destacó que este tipo de iniciativas fortalecen el acceso al cine de autor, fomentan el diálogo cultural y contribuyen a la formación de nuevas audiencias. Subrayó que abrir espacios a grandes voces del cine contemporáneo es fundamental para garantizar el derecho a mirar, reflexionar y conocer otras formas de narrar la vida.

Las retrospectivas cinematográficas permiten analizar el lenguaje audiovisual y conocer a fondo la obra de cineastas como Rosi, cuya propuesta se caracteriza por la inmersión prolongada, la ausencia de narración explicativa y una construcción basada en la observación del tiempo y la realidad.

Inauguración con el cineasta y la comunidad cinéfila

El ciclo fue inaugurado el 23 de abril de 2026 con la participación de la directora general de la Cineteca Nacional, Marina Stavenhagen; el director del Instituto Italiano de Cultura, Gianni Vinciguerra; y el propio Rosi.

Durante el evento se proyectó la película “Pompei sotto le nuvole / Pompeya bajo las nubes”, la más reciente obra del director. Stavenhagen resaltó la importancia de mantener colaboraciones internacionales que permitan difundir el cine italiano y sus autores, mientras que Vinciguerra celebró la oportunidad de acercar al público mexicano a un cine exigente y reflexivo.

La mirada de Gianfranco Rosi

En su intervención, Rosi agradeció la realización del ciclo y reflexionó sobre la importancia de las salas de cine como espacios fundamentales para la experiencia cinematográfica. Señaló que sus películas buscan acompañar la realidad, más que explicarla, invitando al espectador a observar, escuchar y habitar las historias.

El cineasta también destacó la evolución de su trayectoria, recordando sus primeras retrospectivas y la relevancia de presentar su obra en espacios emblemáticos como la Cineteca Nacional.

Películas que conforman la retrospectiva

El ciclo incluye una selección representativa de su filmografía, entre ellas:

• Boatman (Italia, 1993), su primer largometraje
• Bajo el nivel del mar / Below Sea Level (2008), premiada en el Festival de Venecia
• El Sicario, Room 164 (2010)
• Sacro GRA (2013), una de sus obras más reconocidas

Estas películas permiten recorrer la evolución creativa del director, desde sus inicios hasta sus trabajos más recientes, consolidando su lugar en el cine internacional.

Fechas, sede y actividades especiales

La retrospectiva estará disponible hasta el 3 de mayo de 2026 en la sala 10 de la Cineteca Nacional, ubicada en la colonia Xoco, alcaldía Benito Juárez, en la Ciudad de México. La programación completa puede consultarse en el sitio oficial de la institución.

Como parte de las actividades, el 25 de abril Rosi impartió una Masterclass dirigida a estudiantes de cine, promoviendo el intercambio directo con nuevas generaciones de realizadores.

Con este ciclo, la Cineteca Nacional reafirma su papel como espacio clave para la difusión del cine documental, ofreciendo al público una oportunidad única para explorar la obra de uno de los cineastas más influyentes de la actualidad.

Hace unos días daba una clase sobre la filosofía de Jean-Paul Sartre en la Universidad de Buenos Aires. Como todo lo retro, Sartre no pasa de moda. Somos lo que hacemos con lo que han hecho de nosotros.

Alguna vez, en una entrevista el semiólogo Roland Barthes dijo que el estructuralismo había sido un poco cruel con Sartre. Era un gigante, sin atacarlo no podían pensar; pero con el tiempo, Sartre seguía ahí. No podemos dejar de pensar en la libertad, en la responsabilidad por nuestros actos, en el mundo elegimos para los demás.

Mientras daba la clase, un colaborador docente me recomendó una película argentina que no conocía, la versión de 1962 de una obra clásica de Sartre: A puerta cerrada. Fue el primer y único largometraje de Pedro Escudero. Es una adaptación muy recomendable y se ve en YouTube.

Les propongo recorrerla con una interpretación y después verla, leerla o esperar hasta la próxima reposición de esta obra inmortal.

Sartre y el teatro

Suele afirmarse que el teatro sartreano es un “teatro de situaciones”. En efecto, esta consideración se sostiene en la función del teatro para Sartre, quien pensaba que dicha forma artística debía desplegar las variantes que toma la libertad del hombre en diversas situaciones paradigmáticas –en las que se pone en juego su capacidad de elegir, de acuerdo con coordenadas que alterarían el destino.

A puerta cerrada es un claro exponente de este carácter ejemplar del teatro sartreano. Estrenada en París, en mayo de 1944, se trata de una obra con una estructura relativamente sencilla: tres personajes en un escenario permanente, que no es más que un salón estilo Segundo Imperio con el que Sartre representa el infierno.

Los personajes –Inés, Estelle y Garcin– son tres condenados… a estar juntos. En términos generales, la obra apunta a exhibir ciertas posibilidades que se desprenden de la dimensión para otro de la existencia, diversas actitudes que pueden asumirse frente a los demás. Una primera intención significativa, entonces, se desgaja de esta condición –y que recorre toda la obra, hasta que es enunciada en la conclusión–: el infierno está en (la mirada de) los otros.

El infierno de tres

Podría pensarse que el hecho de que los personajes estén muertos tiene un valor simbólico preciso: se trata de seres para quienes la libertad se ha cristalizado, dado que sus posibilidades se encuentran fijadas; ajenos al mundo y sometidos a la mera exterioridad de ser significados por los otros –por ejemplo, pueden ver y oír lo que en la tierra se dice de ellos.

Los muertos se han convertido en seres exteriores, apresados desde afuera, por los demás, sin poder controlar sus actos. Así también es que se encuentra a los personajes en el escenario, exteriores a su libertad y en busca de definirse (y justificarse) a través de los otros.

Por eso es interesante que Sartre haya propuesto la situación de un “trío”, dado que en estos términos la significación nunca va a ser estable, al no poder reducirse al mero fenómeno especular –ya que siempre habría un tercero que podría objetar el sistema construido.

Los tres personajes fueron condenados por un acto íntimo, cuyo efecto retorna como una predicación sobre el ser del sujeto: Inés es una lesbiana, Garcin es un cobarde y Estelle una infanticida. Cada uno habría actuado en circunstancias que llevaron a la muerte de otras personas; pero no son cuestionados por estos hechos, sino por la posición que asumieron ante la contingencia (convertida, entonces, en algo necesario).

He aquí el sentido de que sean circunscritos desde esta condición y de que en la obra se interrogue la particular posición subjetiva que cada uno habría tomado.

El infierno de la vergüenza

En principio, dado que los personajes no se conocen, cada uno se presenta como habiendo actuado con motivos, según una determinación que podría ser objetivamente fundada.

Se niegan a verse a sí mismos a partir de sus actos y buscan determinarse como objetos de una voluntad ciega que se les escurre. No obstante, se trata de tres formas de existir que son resistentes a los ideales, dado que han muerto en la flor de sus pecados, justamente por los actos que realizaron –que en absoluto implican que hayan “muerto de vergüenza”.

La obra transcurre con el propósito de que se desarrolle una progresiva caída de los velos que esconden la desnudez de sus goces, encubiertos con versiones imaginarias que los muestran como amables a los demás.

De este modo, la vergüenza recorre –con una intensidad dramática patente– todos los diálogos de los personajes, planteándose en un doble nivel: por un lado, el develamiento de aquello que han hecho; pero también, por otro lado, en los afectos y pasiones que surgen de la interacción que se da entre ellos por estar en ese salón.

Así, a la vergüenza por el descubrimiento de la intimidad, se añade la vergüenza en acto en esta situación “de a tres”, donde se expone una disputa amorosa: Inés quiere conquistar a Estelle, quien, a su vez, busca ser deseada por Garcin.

Detengámonos brevemente en las posiciones de cada personaje. Inés se muestra como una mujer resuelta: ella se afirma en su condición y sostiene que tiene merecido el infierno. A diferencia de Estelle y Garcin, no busca encubrir lo que ha hecho. En efecto, expone una suerte de “honestidad brutal”, desde la cual acecha a los otros personajes solicitándoles la confesión de sus faltas. Es un personaje que claramente demuestra el carácter amboceptivo del pudor, ya que al exhibirse produce el rechazo de los otros, especialmente el de Estelle, quien se reconoce como una mujer pudorosa y acomodada a los semblantes de la coquetería femenina.

Este carácter decidido de Inés se manifiesta también en el desencanto con que asume que se encuentran en el infierno, en el modo en que lo enrostra a los demás, a sabiendas de que están perdidos y sin más recursos que ellos mismos –“El verdugo es cada uno de nosotros para los otros dos”. Su acechanza llega a tomar la forma de la ironía, como un ejercicio retórico de trasgresión que busca la división subjetiva:

“El azar. Entonces esos muebles están ahí por azar. El que el canapé de la derecha sea verde espinaca y el de la izquierda burdeos, es por azar… ¿Verdad que sí? Está bien; pues intenten cambiarlos de sitio y ya me dirán lo que ocurre…”

El infierno sin ventanas

Asimismo, es un detalle significativo que el salón no posea espejos ni ventanas. De este modo, los tres personajes están expuestos a la mirada inquisitorial del otro, no solo en la búsqueda del reconocimiento, sino en la suposición de que el saber se consolida fuera de la identidad personal: lo que cada uno sabe de sí mismo, lo recibe de un Otro que ya no es un mero semejante.

Así, por ejemplo, Garcin sostiene lo siguiente: “Después de todo, siempre he vivido entre muebles que no me gustaban y en situaciones falsas […]. Bueno; en fin, no hay nada que ocultar; ya le digo que conozco perfectamente mi situación.”

No hay nada que ocultar… porque el ocultamiento (o la evasión) es imposible. A lo sumo, puede haber una estrategia consentida en el desconocimiento, como la que propone Garcin cuando sugiere que “debemos conservar entre nosotros una extremada cortesía. Ello constituiría, creo yo, nuestra mejor defensa”.

Pero el trío resiste a esta posibilidad de engaño, el desequilibrio es permanente, y la cobardía de Garcin es confesada al poco tiempo. En este punto, su posición de rechazo de la verdad (hacerse ver como un héroe) se invierte en una certeza que lo avergüenza (haber maltratado a su mujer).

Caído este velo, Garcin se vuelve un personaje lúcido, y es quien avanza en las conclusiones hasta el final de la obra:

“Todas esas miradas que me devoran… (Se vuelve bruscamente) ¡Cómo! ¿Solo sois dos? Os creía muchas más. (Ríe) Entonces esto es el infierno. Nunca lo hubiera creído… Ya os acordaréis: el azufre, la hoguera, las parrillas… Qué tontería todo eso… ¿Para qué las parrillas? El infierno son los otros.”

Si la posición defensiva de Inés ante la vergüenza se resolvía en el recurso a la trasgresión del pudor, a través de la ironía, Garcin toma otra actitud frente a su “desnudez”: acepta su falta, deja de taparse los ojos, elige saber. De este modo, puede notarse que una misma estructura –la vergüenza– toma formas distintas y que, si bien la división subjetiva queda encarnada en los tres casos, cada uno se orienta de modo distinto en la situación.

Así, esta obra es el punto de partida para pensar una fenomenología de la vergüenza que no solo considere su definición, sino su variedad clínica, esto es, los diversos modos de avergonzarse y que no dependen de la situación ni del goce en cuestión, sino de la posición que el sujeto asume en el conflicto.

El infierno está encantador

De acuerdo con esta perspectiva es que también cabe pensar la posición de Estelle, quien inicialmente se presenta con aires de ingenuidad y cierto infantilismo. No obstante, una vez caído el velo de su acto, y barrido el límite de la vergüenza, se muestra conquistadora y atrevida en busca del deseo de Garcin.

En esta decisión refuerza su perseverancia en ser un objeto para la mirada del hombre, al punto de afirmar: “Es todo lo que quiero”. No obstante, ofrecerse al deseo es una manera de evadir una posición específica:

“¿Quién de ustedes se atrevería a decir que yo soy agua pura? A ustedes no se les puede engañar; ustedes saben que yo soy una basura, un desperdicio…”

De este modo, Estelle recurre a la estrategia de motivar fálicamente un deseo para disfrazar su lugar de resto caído. Sin duda, es el personaje más vulnerable de la obra, ya que para ella la vergüenza impulsa una huida en un erotismo vacío.

De todos modos, la posición de Inés no es menos problemática, ya que, si bien se asume resueltamente como homosexual, esta asunción tiene cierto gesto impostado, una especie de obstinación que hace consistir su ser con cierto propósito canalla.

Inés refrenda la mirada descarnada que el otro le ofrece (afirma su ser objeto, pero con un estatuto “degradado” que proviene de la sanción de los demás), no busca una imagen amable, sino que restituye el carácter de desperdicio, por ejemplo, cuando afirma: “Ya estamos desnudos, como gusanos”.

Desde ese lugar desengañado es que Inés intenta conquistar a Estelle, denunciando la impostura con que esta última busca refugiarse en Garcin –con el propósito de avergonzarlos del artificio de su condición deseante.

De lo íntimo a lo público

A puerta cerrada desarrolla una nueva forma del pasaje de lo íntimo a lo público a través de la mirada y la vergüenza, al poner en acto –en la situación misma de flirteo– la vacilación de las posiciones que cada uno asumiría.

En este punto, se nota cómo aquello que puede ser objeto de vergüenza no es meramente el develamiento de un hecho, sino la posición de cada quien. Por cierto, no es un detalle menor que los tres personajes están construidos en función de su vida erótica (una homosexual, un cobarde que hace sufrir a su mujer, una coqueta perezosa). Así es que Sartre invita a pensar que esa dimensión del ser que eventualmente se acompaña de vergüenza –la vida amorosa– está hecha de la misma materia con que se realizan los actos que pueden elegir la libertad o la condena en el infierno de los demás: la sexualidad no es un asunto de vida privada, sino una posición en la sociedad.

De toda la historia de los Premios Goya, Javier Bardem es el intérprete (en categoría masculina y femenina) que más galardones se ha llevado por sus papeles. El hijo de la también actriz Pilar Bardem cuenta con una carrera de más de tres décadas que le ha llevado, incluso, a coronarse con un Oscar al Mejor actor de reparto por su película No es país para viejos. Un logro que ayudó en su momento a que todo el mundo conociera a un actor que, en su país, es considerado como una de las grandes leyendas de su cine.

El último Goya que ganó Bardem se lo llevó, precisamente, con una película que también puede presumir de tener el récord absoluto de nominaciones: un total de 20. Estamos hablando de El buen patrón, cinta que juntó de nuevo al intérprete con uno de sus socios favoritos, Fernando León de Aranoa, con quien ya había rodado Loving Pablo, una película sobre la relación amorosa entre Pablo Escobar y Virginia Vallejo, y Los lunes al sol, donde da vida a un obrero que encadena trabajos precarios para salir a fin de mes.

En cierto modo, El buen patrón podría considerarse como la otra cara de la moneda de Los lunes al Sol. Al fin y al cabo, Bardem da vida al propietario de una empresa a punto de recibir un premio por su excelente labor. Para obtener esta distinción, dicho empresario tratará de solucionar todos los problemas de sus empleados, incluso cuando estos tienen que ver con su vida personal, lo que terminará por reflejar la propia hipocresía del protagonista.

Un empresario basado en hechos reales

Actualmente disponible en HBO Max, donde dejará de poder verse a partir del 1 de mayo, El buen patrón es una sátira de todos esos empresarios que se conciben a sí mismos y a sus empleados como a su familia, a los que da vida un reparto con nombres como los de Manolo Solo, Almudena Amor u Óscar de la Fuente. La génesis del personaje principal tiene raíces reales, según explicó el propio León de Aranoa en entrevistas: “Nace de alguien que conozco, y que tiene una relación con sus trabajadores parecida”, afirmaba para la revista Fotogramas.

La actuación de Javier Bardem, que recibiría por el papel su sexto cabezón del cine español, es fundamental para dar vida a este jefe carismático y manipulador. El actor construye un personaje capaz de retorcer la realidad a su favor, disimulando sus maniobras bajo una apariencia campechana y paternalista. El propio guion aprovecha este contraste para generar situaciones cargadas de humor negro y crítica social, con esas balanzas que se fabrican como la metáfora perfecta: por más que se intente, el equilibrio entre los intereses de la empresa y los derechos de los trabajadores nunca se alcanza.

A pesar de esas 20 nominaciones, El buen patrón finalmente ganó ‘solamente’ seis Goya, incluyendo Mejor película, Mejor dirección y Mejor guion original. Se quedaría lejos, pues, de Mar adentro, el título que actualmente ostenta el récord de premios, con un total de 14 de las 15 categorías a las que optaba. Posteriormente, esta película, también protagonizada por Bardem, lograría también un Oscar a la Mejor película internacional, marcando otro de los grandes hitos en la carrera del actor.