Después de tres horas de tormentas, cíclopes y hombres devorados, el Odiseo de Christopher Nolan por fin entra en su casa. Tensa el arco, mata a los pretendientes, es reconocido por su mujer. Y entonces sube a un barco y se va. Telémaco se queda con el trono; Penélope, esta vez, embarca con él, rumbo al oeste desconocido, a honrar a los soldados que dejó sin sepultura. Ese final no está en Homero.

Homero también proyecta una partida posterior, pero apunta al revés. En el canto XI, Tiresias le ordena que después de la matanza cargue un remo al hombro y camine tierra adentro hasta encontrar hombres que no conozcan el mar, tan ignorantes que confundan el remo con una horquilla. Ahí debe clavarlo, sacrificar a Poseidón y volver a Ítaca, donde lo espera una muerte suave en la vejez. El vector va hacia adentro y el destino es la casa: sale para poder quedarse. Nolan invierte las dos cosas: mar en vez de tierra, apertura en vez de clausura. Su final viene del canto XXVI del Infierno, donde Dante, que no leía griego y tuvo que inventarle un desenlace a Ulises: lo manda más allá de las columnas de Hércules en lo que llama el “loco vuelo”, y lo hunde. Tennyson, en 1833, le quitó la condena y le dejó la consigna: navegar más allá del ocaso. Un relato se define por su punto de detención. Si la película termina zarpando, las tres horas anteriores no fueron un regreso: fueron el intervalo entre dos viajes.

Doce años antes, Interstellar había ensayado la misma jugada. Ciento sesenta y nueve minutos sostenidos por una promesa: un padre que jura volver, y un regreso que se liquida en el tiempo de un trámite: Cooper despierta, entra en un cuarto donde una anciana rodeada de nietos le dice que ningún padre debería ver morir a su hija, y lo despide. Minutos después roba una nave y sale a buscar a otra mujer, en otro planeta. Antes de eso hay una imagen que suele leerse como consuelo y es la definición del problema: la granja familiar está reconstruida dentro de la estación espacial, con sus muebles y su porche, y un guía se la explica a los visitantes. Es un museo. El hogar sobrevive en el único estado que este cine tolera: exhibible, no habitable. Cooper se queja de que hayan puesto todo detrás de un vidrio. Ese vidrio es la tesis: el hogar, en el director británico, funciona como una coartada en el sentido jurídico del término: alibi, “en otro lugar”. Es la declaración que legitima todo lo que el héroe hace lejos. No es el destino: es el permiso.

Adorno y Horkheimer vieron la maquinaria en el propio Odiseo, en 1944: el prototipo del individuo burgués, que se conserva sacrificándose. Para oír a las Sirenas se ata al mástil y les tapa los oídos a los remeros: el señor oye pero no goza, y los que podrían moverse no oyen. La felicidad se paga con la renuncia a la felicidad. Y Cooper hace exactamente eso: para salvar a sus hijos renuncia a verlos crecer, y escucha veintitrés años de mensajes de video sin poder tocar. Su Odiseo también: expía en el mar la culpa de Troya y a esa expiación la llama deber. Es la ética del trabajo aplicada a la paternidad, y el corolario es implacable: la casa tiene que seguir siendo inalcanzable para que el sacrificio no se revele como lo que fue, una preferencia.

El patrón no empezó con Homero. Cobb vuelve en El origen y Nolan corta antes de verificarlo, después de una película donde los hijos aparecen siempre de espaldas: el hogar no es un lugar, es un archivo. En Dunkerque el regreso ocurre y los soldados llegan avergonzados “lo único que hicimos fue sobrevivir”, mientras el piloto que lo hizo posible se queda del otro lado, incendia su avión y se entrega: el que garantiza el nostos ajeno renuncia al propio. Y Bruce Wayne termina vivo en un café de Florencia, con otra mujer, lejos de Gotham y dado por muerto: el final de La Odisea con doce años de anticipación.

Queda el gesto más audaz del film, mucho más que los acentos o el casting que ocuparon la discusión pública. En Homero, Penélope no puede embarcarse: es imposible. La prueba final del canto XXIII consiste en que ella ordena mover el lecho conyugal y él estalla, porque esa cama la talló sobre el tronco vivo de un olivo con raíces en la tierra. El marido se reconoce por saber que la casa no se traslada. Penélope es Ítaca, en sentido literal.

Nolan mueve el lecho. Al subirla al barco convierte el hogar en equipaje, y la coartada alcanza su forma perfecta: ya no hace falta ni siquiera un lugar al cual no volver, porque el lugar viene a bordo. Se puede leer como emancipación en el sentido de que ella actúa, deja de esperar, pero el barco es de él y el rumbo lo fijó un muerto que habló con él y no con ella. Penélope no zarpa hacia lo suyo: acompaña.

Eso explica, de paso, el reproche que persigue a Christopher Nolan hace veinte años y volvió con esta película: la frialdad. No es que no le interesen las personas. Es que si la casa es un pretexto, el reencuentro no puede emocionar: sería el momento en que la ficción admite que el destino era una excusa. Por eso el punto más alto de Interstellar es un hombre solo mirando una pantalla, y el de La Odisea no es el reconocimiento de Penélope sino la confesión del caballo de Troya. Nolan filma el amor como telecomunicación diferida: llega siempre tibio al abrazo. Y encontró en el poema griego el género que vuelve virtud esa limitación, uno donde la noticia del héroe llega con veinte años de atraso y contada por otro.

La Odisea costó doscientos cincuenta millones, se rodó íntegramente en IMAX por primera vez en la historia del cine y pasó los mil millones de recaudación: la cifra más alta de su carrera. Nolan llegó, en todos los sentidos. Y su película termina con un hombre zarpando.

Homero, que era más viejo, sabía otra cosa: que la prueba final no es el mar sino la cama, y que la única astucia que verdaderamente importa es la del que se quedó.

[Fotos: Melinda Sue Gordon/ Universal Pictures; archivo e IMBD]

Desde que vi la nueva adaptación de La Odisea de Christopher Nolan, no he podido sacarme de la cabeza un momento en particular. Es una escena famosa: Ulises, advertido sobre las sirenas y su canción fatalmente seductora, pide a sus hombres que se tapen los oídos con cera para protegerse. Pero él quiere escuchar la música, así que ordena a su tripulación que lo ate al mástil del barco. El sonido, pronto lo descubre, es un bello tormento.

Nolan ofrece solo una visión lejana de las sirenas y no revela ni una nota de su música. En cambio, mientras los hombres reman y su líder grita atado al mástil, se escucha la banda sonora de Ludwig Göransson: una melodía llena de anhelo y tristeza que te hace compartir, de manera breve pero profunda, los sentimientos de Ulises al escuchar a las sirenas.

En TikTok, los fanáticos han publicado clips pirateados de la escena y de la música de Göransson, con textos como “Este sonido no sale de mi cabeza”, “Esto fue lo más hermoso que he visto” y “No puedo dejar de pensar en la secuencia de las sirenas”. Ya la han versionado en guitarras y pianos, cornos ingleses y saxofones.

Homero no dice mucho sobre el sonido real de las sirenas, aparte de describir su canto como “meloso” y “melodioso”, según la traducción de Emily Wilson. Ulises dice que “anhelaba escuchar más”, pero no cede, permaneciendo atado al mástil hasta que el barco atraviesa la zona. Nolan hace la escena más intensa dramáticamente, reflejando la nostalgia de Ulises por su hogar, su culpa por el saqueo de Troya y su larga recuperación tras la guerra. Cuando le preguntan qué fue el canto de las sirenas, responde: Todo lo que quieres que sea. Luego, todo lo que desearías no haber deseado nunca. Era esa deliciosa comezón que vas a rascar pero descubres que está bajo la piel, no puedes alcanzarla. Entonces la deliciosa comezón se vuelve insoportable. Te decía que lo que más quieres es lo que más no puedes tener. Y lo que más no puedes tener es lo que ya tuviste, y perdiste.

Durante la mayor parte de la película, la música de Göransson es metálica. Ha dicho en entrevistas que él y Nolan no querían usar una orquesta tradicional, así que reunió un coro de gongs que se escuchan tanto de forma acústica como a través de sintetizadores, logrando que un sonido terrenal parezca de otro mundo. Ocasionalmente introduce otras texturas, también, como el punteo de una lira para un motivo asociado al arco de Ulises y, en la escena de las sirenas, un instrumento de caña antiguo llamado aulos.

El aulos aparece a lo largo del arte griego, representado tanto en escenas militares como domésticas. A ojos modernos, parece dos flautas dulces que se unen en la boca del intérprete, sopladas al mismo tiempo. Su construcción permitió a Göransson utilizar un tubo para un tono pedal sostenido y el otro para la melodía. Esa melodía son solo cuatro notas: dos que ascienden, como si anhelaran, y dos que descienden, como un colapso. Es tan simple y tan triste.

Juntos, la melodía y el tono forman una serie de intervalos, cada uno con su propio significado en la música clásica occidental. El primero se conoce como intervalo de sexta menor, que establece un tono de lamento seguido por un segundo intervalo, cuyo sonido es brillantemente y agudamente disonante. Después, eleva la línea melódica, suspirando de nuevo, pero en lo que se llama intervalo de quinta, que es consonante pero no necesariamente armonioso, solo para caer a una nota en unísono con el tono pedal.

La frase se repite una y otra vez, su tensión armónica convirtiéndose en esa comezón bajo la piel que Ulises describe. La música de Göransson para esta escena nunca se resuelve del todo. Es insatisfactoria pero infinitamente tentadora, su propia clase de canto de sirena.

Fuente: The New York Times

Esa misma implicación es la que la actriz de éxitos como Vis a vis o Las chicas del cable muestra en su nueva película, Días de agosto. En ella, interpreta a Mónica, una mujer que, tras conocer a Juan, el hijo de su pareja, con el que coincide en la casa familiar de la playa, empieza a sentir una fuerte atracción por él. Con todo, este no es el único foco de tensión que se vive: el joven y su padre no parecen llevarse nada bien, condicionados tanto por el carácter caprichoso y peterpanesco de uno como por los secretos y las mentiras del otro.

“Creo que mi personaje tiene mucha fuerza por su misterio: hay algo muy contradictorio, muy emocional en una persona que normalmente no sería emocional, en el torrente de deseo que siente”, describe Maggie Civantos. La actriz confiesa que lo que la convenció para trabajar en la película fue que “no terminaba de entender” a Mónica, “y en eso había algo que me gustaba”. Ese algo acabaría de concretarse tras hablar con Chema de la Peña, el director, quien la convenció definitivamente para entrar en un proyecto en el que él mismo llevaba mucho tiempo interesado.

Un guion premiado

David Sueiro escribió el guion de Días de agosto y se lo presentó a Chema de la Peña. En aquel primer momento ya le interesó al director de películas como Isi/Disi: Amor a lo bestia o 23-F: La película, pero no fue hasta que el texto salió ganador un concurso organizado por ISII Group, Break On Time 59, que llamó a la productora Lydia Palencia para decirle: “Mira, conozco bien este guion y me apetece muchísimo hacerlo”.

Por su parte, la directora de producción de ISII Group reconoce que el guion de Días de agosto “encandiló” a todo el mundo. “Tenía esa parte de thriller, esa parte de erotismo y conflicto familiar que nos interesaba mucho”. Así, la productora se encontró con una idea que juntaba “todos los ingredientes para ser una gran película y además planteaba una producción ágil y sencilla, por las pocas localizaciones y los pocos personajes que tenía”.

Con todo, se tomaron su tiempo para hacerlo bien, sobre todo en la elección de los actores. Maggie Civantos y Roberto Álamo fueron los primeros en llegar, pero para los más jóvenes se hizo “un casting muy exhaustivo” que resultó en la elección de Pau Simón (El refugio atómico) y Berta Galo (El nudo). Ambos intérpretes tuvieron que superar un proceso en el que no solo hubo pruebas, sino también entrevistas personales con el propio De la Peña y otros ensayos con los mayores. “Maggie y Roberto sabes que van a funcionar, pero, para mí, ellos dos son uno de los grandes hallazgos de la película”, asegura el director.

La falta de inteligencia emocional en los personajes masculinos

En Días de agosto, Pau Simón y Berta Galo son la pareja joven de la casa. De vacaciones, tras acabar el curso en la universidad, llegan a la casa pensando que les espera un verano de amor, pasión y, sobre todo, intimidad, pero se encuentran con que el padre de Juan y su pareja también habían pensado algo parecido. Especialmente complicada es la situación de Gabriela, la joven que ve cómo su novio Juan parece odiar, primero, y acercarse, después, a esa enigmática mujer que muestra también una conducta muy extraña.

Galo destaca el trabajo previo de ensayos que realizaron todos los actores para equilibrar el trabajo de cada uno en una historia llena de tensiones y cosas no dichas. “Cada uno venía con una propuesta, y al final, siento que tuvimos una aportación muy personal todos y cada uno de nosotros para que nos sintiéramos cómodos con lo que estábamos interpretando”. Al fin y al cabo, se trata de una película donde los personajes y su carga psicológica llevan todo el peso de la historia. “Lo que más nos atraía eran esos conflictos tan humanos y cómo se desenvuelven, lo que querían contar con la película”, añade Pau Simón.

El actor, que reconoce que al principio no le caía demasiado bien su personaje (“pero la regla número uno de un actor es no juzgar”, dice a continuación), ve como una de las claves de la película cómo se representa la relación paternofilial de los protagonistas. “Cuando me llegó el personaje, empecé a tener debates conmigo mismo y rebusqué en la sociedad cómo funciona esto. ¿Es un caso aislado o concreto? Te das cuenta de que, en general, existe una escasa habilidad entre los hombres para compartirse cosas. Son las mujeres las que luchan un poco con ellos para que les cuenten lo que pasa; están ahí, sosteniendo la puñetera incapacidad de ellos para decir cuatro cosas emocionales“.

“Me di cuenta de que era bonito no entender a mi personaje”

La relación entre los cuatro intérpretes principales fue muy buena. “Es un tema que hemos comentado porque, a veces, siendo una persona más joven, se te puede dar menos voz. Están los adultos del rodaje y los niños. Nosotros también tenemos cosas que aportar a nivel creativo y de opinión y siento que aquí se nos ha dado el espacio y la voz”, agradece Berta Galo, que no olvida la experiencia y la trayectoria de sus compañeros más veteranos. “Tenemos muchísimo que aprender de ellos, pero tampoco minimicemos lo que tenemos que aportar”.

“Yo no conocía a Pau ni a Berta”, reconoce Maggie Civantos, “pero trabajar con ellos ha estado muy bien. Aparte de que son muy frescos en la forma de interpretar, creo que tienen una mirada muy natural y muy sensible. Además, personalmente, son dos amores, así que fue muy fácil y muy bonito”. Señala, en ese sentido, que trabajar con Pau Simón fue “muy fácil” porque “es un apasionado de su trabajo y está cien por cien en la escena. Él me daba mucho y podía perderme en él y perderme en cómo me mira”.

A la actriz, antes del rodaje, le daban miedo los motivos que podía tener el personaje de Mónica. Sin embargo, al final acabó comprendiendo que eso era parte del reto. “Todos la juzgan de alguna manera, incluso el espectador o ella misma. Me di cuenta de que era muy bonito no entenderla. Tenía que sentirla. En la vida muchas veces hacemos cosas que no comprendemos, sino que las hacemos porque forman parte de la humanidad”.

Fabio Colonna platicó con Infobae México sobre Retrato de una obsesión, su más reciente cortometraje que fusiona body horror y horror cósmico. La cinta está protagonizada por Hugo Stiglitz, ícono del cine de terror mexicano.

Sobre el origen del proyecto, el directos nos cuenta:

“Retrato de una obsesión es un cortometraje para una antología de terror mexicana de culto. Todavía no podemos decir cómo se llama, pero es una antología que va a ser su tercera entrega y ha sido destacada por juntar cineastas que hacen sus cortometrajes y todos están dentro de la escena de terror independiente mexicano. Nosotros fuimos invitados para esta nueva entrega e hicimos este proyecto que fusiona el body horror con el horror cósmico. La pieza está inspirada en una novela de H. P. Lovecraft que se llama El color fuera del espacio. También contamos con un artista manga que se llama Junji Ito, el cual hizo un manga que se llama Shiver, que habla de la tripofobia y el body horror. Juntamos esas dos historias y fue así como nació Retrato de una obsesión.”

La historia sigue a don Claudio, un hombre viejo que vive solo en un rancho, autónomo y autosuficiente, hasta que la llegada de un meteorito lo infecta con un parásito cósmico. A partir de ahí, el personaje entra en una espiral de alucinaciones y una decadencia en la locura que el director conecta con los temas de la vejez y la soledad.

Hugo Stiglitz a los 85 años, sin diálogo y a caballo

La pieza no tiene más personaje que don Claudio, y no tiene diálogo. Todo recae en Stiglitz. El director cuenta cómo fue trabajar con él:

“Toda la pieza está protagonizada por Hugo. Realmente no hay otros personajes, es nada más el personaje de Hugo, que se llama don Claudio, que está en un rancho. Fue una pieza que tampoco tiene diálogo, solo es ver la historia de este hombre. Y trabajar con Hugo fue una maravilla. Hugo, muy generoso, muy profesional, lo dio todo y a pesar de que ya tiene ochenta y cinco años, le estaba dando todo. Teníamos rodajes en la noche con frío, porque lo grabamos en el Estado de México, en un lugar que se llama Teoloyucan. Y Hugo se subió a caballo, corrió, subió, bajó, hizo una interpretación memorable.”

Un meteorito de tres metros y cero efectos digitales

La decisión de trabajar exclusivamente con efectos prácticos fue tomada desde el desarrollo del proyecto. El director lo explica:

“Con mi casa productora, que se llama Reserva Films, llevamos haciendo cine de género doce años y siempre nos hemos inclinado por la mayor cantidad de efectos prácticos. En el caso de Retrato de una obsesión, decidimos desde el desarrollo del proyecto llevarlo totalmente a los efectos prácticos. El formato cinematográfico que le dimos, el acercamiento en cuanto a las tomas, era mucho del cine clásico. Esta fue una pieza que codirigí con un amigo que se llama Luis Quijano y que produjo Arantxa Suárez. Previamente habíamos hecho otro proyecto que se llama Me gusta más crudo, que fue un acercamiento totalmente diferente, con más cortes, con muchas cámaras que se mueven. En Retrato de una obsesión era como de a ver, vamos a pensar esto de una forma más clásica, ¿no? La historia se prestaba para eso, el trabajar con Hugo. Fue un acercamiento más a películas de los setentas, donde los efectos prácticos eran vitales. Toda la pieza la llevamos con efectos prácticos. Mandamos a construir un meteorito de tres metros, que también fue un trabajo para el equipo de arte, pero todo era efectos prácticos y ha sido el proyecto que menos intervención de efectos digitales va a tener. A pesar de que es una pieza de horror cósmico, encontramos la manera en la que no fuera necesario crear efectos digitales.”

Los colores del giallo como lenguaje visual

La propuesta fotográfica del cortometraje toma el giallo italiano como referencia: rojos sin justificación narrativa, azules, amarillos, rosas, violetas. El director sitúa ahí sus influencias más amplias:

“En Retrato de una obsesión, todo el acercamiento y la propuesta de fotografía fue a través del giallo. Ocupar colores rojos que no estén justificados, azules, amarillos, rosas, violetas, blancos también. Ese fue el acercamiento que le dimos. En cuanto a las inspiraciones han sido varias. Siempre nos vamos nutriendo de todo el cine que vemos, aunque no nos guste, ¿no? Pero podría decir que mis grandes inspiraciones, sin duda, son Cronenberg, Del Toro, David Lynch también me gusta mucho, Michael Haneke también. Cineastas mexicanos como Alex Ortega, Isaac Ezban, Michel Garza. Taboada, ni qué decir, o el buen Moctezuma también. Han sido varios cineastas que, sobre todo los mexicanos, han incursionado y han hecho una brecha para que podamos hacer cine de género las nuevas generaciones y también los que vienen abajo.”

Me gusta más crudo: la ópera prima de Colonna

Paralelo al cortometraje, el director trabaja en su primer largometraje: Me gusta más crudo, codirigida con Luis Quijano y producida por Arantza Suárez. La describe así:

“Me gusta más crudo es una película totalmente independiente, es nuestra ópera prima. Es una película de extremismo, ese es el género, es más fuerte que el gore, y trata del canibalismo, de una pareja de clase alta que secuestra, tortura y juega con ellos hasta que descuartiza a dos personas de clase más baja que ellos, que parecen ser sus amantes. Fue una puesta en escena que hicimos de no tener miedo, de no censurarnos, de plasmar la violencia de una forma muy visceral, con muchos efectos prácticos también. Era mostrar esta cara del cine mexicano, esta oscuridad, porque en el cine comercial hay más un lado bonito de México, ¿no? También hay una parte del cine underground mexicano, del cine indie, que tiene estas temáticas de terror, de horror, de body horror, y es importante que tenga esa ventana de luz. Seguimos siendo mexicanos, venimos de una cultura muy violenta, de tradiciones tanto indígenas como a través de la conquista, donde la violencia está también en nuestro ADN. Y hay una audiencia grande que está deseosa de consumir estas nuevas narrativas y de descubrir esta otra cara del cine mexicano.”

El miedo como emoción universal

Sobre la lectura superficial que suele hacerse del cine de terror, el director apela a Lovecraft para argumentar su postura:

“Muchas veces se puede llegar a pensar que el cine de género, el cine de terror, es nada más un cuate disfrazado con una botarga persiguiendo a una chava, cuando no es así. Y aquí es bueno citar al maestro H. P. Lovecraft, que mencionaba que el miedo es la emoción más antigua del ser humano, el miedo a lo desconocido, y era lo que nos mantenía como civilización, como cavernícolas o como tribus, seguros. El miedo es lo más universal, porque va más allá de cualquier emoción humana o cualquier razonamiento humano. El miedo es algo que está en el instinto de cualquier ser vivo, así sea una bacteria, un mamífero, un insecto, un reptil. El miedo es algo que nos motiva a sobrevivir. Qué más humano que hablar del miedo, ¿no? Qué más universal que hablar de estas emociones donde cada quien tiene sus traumas, cada quien tiene sus propios miedos. El miedo no se puede pensar, no se puede construir y es algo que va a reflejar una necesidad humana de entender y aceptar su propia oscuridad.”

El cortometraje no es un escalón al largometraje

El director defiende el formato corto como una forma completa en sí misma, no como antesala de algo mayor:

“El cortometraje es una película, así como el largometraje o el mediometraje, es una cuestión de formatos, pero tiene mucho valor construir una película de cinco minutos, así como una de tres horas, ¿no? Lo que cambia mucho es el tiempo y la duración. El formato del cortometraje, al ser más accesible y tener mayores realizaciones, sí puede tener un estigma de menor categoría. No lo es, porque en el cortometraje podemos encontrar una realización más factible. No es lo mismo filmar un corto de dos días que una película de dos meses, por cuestiones económicas sobre todo. El cortometraje ayuda mucho a que el cine independiente esté vivo. Si no hubiera el formato del cortometraje, el cine independiente sería todavía más limitado. Con las redes sociales y la cantidad de contenido que hay, los cortometrajes también están empezando a tener otra visibilidad para las nuevas generaciones, ya que en el futuro pueden tener mayor concentración en un cortometraje de diez minutos que en una película de dos horas. El cine comenzó con cortometrajes, con los hermanos Lumière o con todo lo que hizo George Méliès. Son narrativas, son formatos y a pesar de que por muchos años se vio como algo menor o como un salto al largometraje, los cortometrajes deben ser vistos como piezas completas como tal y no necesariamente con el funcionamiento de un largometraje.”

Guillermo del Toro y la metáfora de las cadenas

Colonna tuvo un encuentro con Guillermo del Toro que ocurrió en la premiere de Pinocho, hace dos o tres años, durante el New York City Horror Film Festival, donde el director presentaba su cortometraje Unheimlich. Un amigo en común lo llevó hasta él. El cineasta reconstruye la conversación:

“Ahí conocí a un amigo de él. Me dijo: ‘Oye, acabo de ver tu corto y me acaba de recordar a un amigo que hacía también cortos así y ahorita está haciendo películas. No sé si lo conozcas, se llama Guillermo del Toro’. Dije: ‘No manches, pues claro que lo voy a conocer’, ¿no? Y me dijo: ‘Tengo un boleto, me invitó a la premiere de Pinocho, que es mañana. ¿Quieres venir conmigo?’. Le dije: ‘Por supuesto que sí’. Fuimos y tuve la oportunidad de platicar con Del Toro después de la presentación de la película, mientras hacían un brindis. Fue padre, porque fue una conversación de unos cinco minutos, muy enriquecedora, él muy generoso, y me dio un consejo. Me dijo que en esto todos somos como cadenas y así como yo estoy aquí arriba haciendo todo lo posible por ayudar a los que estén abajo, cuando tú estés arriba vas a hacer lo mismo. Y van siendo cadenas para construir una red sólida. Ese consejo se me quedó muy marcado. Fue una conversación muy amena, muy pasional. Del Toro tiene una cosa que te mira con los ojos muy grandes, muy abiertos, y te presta atención en cada momento. Una presencia muy fuerte y muy generosa.”

Todo es realizable, dice Fabio Colonna a los jóvenes cineastas

Para cerrar, el director lanza un mensaje a quienes quieren contar historias y no saben por dónde empezar:

“Diría que todo es realizable, que no hay historia que no se pueda contar, no hay guiones que no puedan ser filmados. También hay que tener los pies en la tierra y darnos cuenta cuáles son las herramientas de las cuales disponemos en el momento para poder contar nuestras historias, puesto que hay historias que tal vez no tengamos en este momento la forma de hacerlas. Tal vez en un futuro sí, pero hay otras que podemos contar ahorita con las nuevas tecnologías, con las nuevas cámaras, con el Internet, con las redes sociales. Se ha abierto un panorama más grande para poder contar estas producciones. Diría que es gran momento de nunca abandonar nuestros sueños, de nunca darnos por vencidos, de siempre buscar la manera, de ser muy persistentes, de creer sobre todo uno en uno mismo y, mientras tu intuición esté en el lugar correcto, lo que vas a estar haciendo va a estar bien. Es trabajar en equipo, es crear redes de apoyo y sobre todo no darse por vencidos. La vida te va a llevar por diferentes lugares, las cosas nunca van a salir como uno las planea, pero es parte del proceso y sobre todo aprender a disfrutar el presente y no estar obsesionados con el futuro, con el pasado, con el hubiera, y disfrutar cada momento. Como dicen, caminante, no hay camino, se hace camino al andar.”

Primero se enfrentó al Buitre. Después, a monstruos inimaginables que en realidad eran Misterio. En No Way Home, los villanos de los anteriores Spider-Man. Y finalmente se ha encontrado con una de las mutantes más poderosas, Jean Grey. Spider-Man no ha tenido un camino de rosas precisamente, pero se puede decir que el de Tom Holland tampoco es quien más difícil lo ha tenido. No obstante, hay un gran villano del universo arácnido al que ni siquiera Tobey Maguire o Andrew Garfield serían capaces de hacer frente.

El superhéroe más querido de Marvel tiene una galería de enemigos legendaria. El Duende Verde representa la tragedia personal; Venom, el espejo retorcido del héroe; Doctor Octopus, la amenaza intelectual. Morlun, en cambio, juega en otra liga: es una figura depredadora, casi sobrenatural, que convierte la existencia misma de Spider-Man en una presa. No busca dominar Nueva York ni derrotar al héroe por orgullo. Su objetivo es alimentarse de él. Pero ni el Duende Verde ni Venom: si hablamos del mayor enemigo de Spider-Man que todavía no ha dado el salto a las películas, el nombre que mejor encaja es Morlun. Es uno de los villanos más inquietantes del universo arácnido porque no funciona como un simple criminal con superpoderes, sino como un cazador casi mítico, obsesionado con perseguir y devorar la energía vital de Spider-Man y de otras versiones del héroe en el multiverso.

Una puerta al multiverso

Esa diferencia lo hace especialmente aterrador. Morlun no pelea por dinero, venganza o poder político. Pelea porque Spider-Man es, para él, alimento. En términos narrativos, eso lo vuelve más cercano a un monstruo de caza que a un supervillano tradicional. Por eso muchos lectores lo consideran uno de los antagonistas más peligrosos y perturbadores que ha enfrentado el trepamuros. La importancia de Morlun va mucho más allá de una sola pelea contra Peter Parker. Su verdadero peso en Marvel está en la idea de los tótems y en la expansión del multiverso arácnido. A través de él, los cómics introdujeron una mitología nueva: la de los Spider-Totems, versiones del héroe conectadas por una fuerza común que las hace parte de una red más grande, algo que ya vimos en las cintas de animación Spider-Man: Un nuevo universo.

Ese concepto fue importante porque ayudó a convertir a Spider-Man en algo más que un personaje aislado de una sola Tierra. Con Morlun, Marvel abrió la puerta a la idea de que existen muchas variantes del héroe, todas vinculadas por una misma esencia. Más adelante, esa lógica sería fundamental para historias como Spider-Verse, donde múltiples Spider-Personas de distintas realidades se reúnen y el multiverso pasa a ser una pieza central del mito arácnido. En ese sentido, Morlun no solo es un villano importante: es una herramienta narrativa. Sirvió para conectar a Spider-Man con una cosmología más amplia, más oscura y más ambiciosa. Su amenaza dio sentido a la existencia de los diferentes Spider-Men y consolidó la idea de que todos forman parte de una estructura mayor.

En los cómics, Morlun y los Herederos -la estirpe de vampiros a la que pertenece- ayudan a explicar por qué existen tantas variantes del héroe y por qué todas comparten una esencia común. En otras palabras, no solo es un villano: es una pieza que amplía el mito de Spider-Man y le da una dimensión casi religiosa. Aquí entra la aclaración importante. En los cómics, Ezekiel Sims no nace como una copia de Morlun ni como su equivalente directo. Más bien es una figura ambigua que conoce el lado místico de Spider-Man y del concepto de Spider-Totem, y más adelante queda ligada al peligro que representan Morlun y los Herederos. De hecho, su conexión más recordada con ese mito es que llega a ocultar a Cindy Moon para protegerla de Morlun. Una Cindy Moon que precisamente se ha rumoreado que aparecía en esta Spider-Man: Brand New Day entre las estudiantes del profesor Banner en la clase que a visitar Peter.

Un tímido intento con ‘Madame Web’

Eso hace que Ezekiel sea importante como intermediario: no es el gran depredador, pero sí un personaje que entiende la amenaza y la anticipa. Por eso, cuando Madame Web lo coloca en el centro de la historia, la película se acerca a ese universo de forma indirecta pero reconocible. La película Madame Web no introdujo a Morlun como tal, pero sí tomó elementos del conflicto totémico y los trasladó a Ezekiel Sims. Esa decisión convirtió al personaje en una versión más oscura y más directamente antagonista que la de los cómics, acercándolo al tipo de amenaza que Morlun representa.

Por eso puede decirse que Madame Web fue un acercamiento tímido, pero real, al universo de Morlun. No porque lo adaptara literalmente, sino porque normalizó en cine la idea de que Spider-Man y sus variantes forman parte de una red de destino, poder y persecución que va mucho más allá de la ciudad de Nueva York. Morlun sigue sin aparecer en películas, y justamente por eso su debut sería tan potente. Tiene el tipo de presencia que puede cambiar el tono de una saga: más oscura, más mítica y más conectada con el multiverso. Si el cine decide profundizar en esa línea, Morlun no sería solo “otro villano pendiente”, sino una amenaza capaz de redefinir la franquicia arácnida. De momento, Peter Parker regresará en Vengadores: Doomsday, pero si sale vivo de esa tal y como esperamos, el único villano que le podría presentar un reto aún más serio que el Doctor Muerte no es otro que Morlun.

Lima arranca la semana con una agenda cultural de formato mayor. El ballet y la ópera ocupan escenarios emblemáticos, las galerías abren nuevas exposiciones en San Isidro, Miraflores y Barranco, y el teatro despliega comedias, monólogos y obras de texto en varios distritos. A eso se suman un laboratorio audiovisual con figuras de Disney y Netflix, la presentación de un poemario en San Isidro y conciertos de salsa que convocan a varias generaciones. La semana no deja espacios vacíos.

BALLET Y DANZA

Resonancias

El Ballet San Marcos celebra 62 años de vida artística con Resonancias, una función que reúne cuatro obras de danza contemporánea y el célebre Pas de Deux de El Corsario. El programa abre con Concertante, creación de María Elena Riera y Luis Antonio Valdivia sobre música del compositor peruano Celso Garrido-Lecca. Le sigue el Pas de Deux de El Corsario, a cargo de Leila León y Raúl Trujillo. La segunda mitad incluye El eco de los pasos, coreografía de Dionarah Herrera; Niños de gasa, niños del mundo, de Olivia Vallejos Montalván; y Mall, de Juan Salas Ariza. Fundada en 1964, la compañía es la primera de carácter profesional establecida en el Perú.

• Lugar: Auditorio Ella Dunbar Temple, Ciudad Universitaria de la UNMSM, Av. Carlos Germán Amézaga s/n. Ingreso por Puerta N.° 5
• Cuándo: Miércoles 13 de agosto, 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

CONCIERTOS

Les Luthiers Trascendental

Más de 15 artistas subirán al escenario del Teatro Claretiano para celebrar, en formato coral y de gran ensamble, la obra de Les Luthiers. La puesta en escena incluye piano, violín, guitarra, cello, bajo, batería y percusión, y recorre piezas como Teorema de Tales, Aria Agraria y Chacarera de Santiago. La producción es de Artefacto, con dirección coral y musical de David Nomberto Vargas. Se trata del primer homenaje de este formato realizado en el Perú al grupo argentino.

• Lugar: Teatro Claretiano
• Cuándo: Miércoles 13 de agosto, 8:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Teleticket

Temporada Lírica 2026

La Municipalidad de Santiago de Surco presenta la Temporada Lírica 2026 en el Teatro Municipal de Surco. El programa alterna dos espectáculos: La Dolorosa + Antología de la Zarzuela —con piezas como Ronda de los enamorados, Aria del cuchillo y Costas las de Levante— y Escenas de la Vida Bohemia + Recital Lírico, basado en momentos de La Bohème de Giacomo Puccini.

• Lugar: Teatro Municipal de Surco, Sacramento 278, Parque de la Amistad, Surco
• Hasta cuándo: 16 de agosto
• Horarios: Funciones a las 8:00 p. m.
• Entrada: A la venta en Joinnus.

Cavalleria Rusticana y Pagliacci

El Teatro Municipal de Lima recibe una nueva producción del Teatro Colón de Buenos Aires con el díptico verista por excelencia. Cavalleria Rusticana, de Pietro Mascagni, concentra en un solo acto una historia de pasión, celos y honor en un pueblo de los Andes durante el Domingo de Pascua. Pagliacci, de Ruggero Leoncavallo, sigue a una compañía de comediantes ambulantes donde la ficción y la realidad se confunden hasta el quiebre, con el aria “Vesti la giubba” como uno de sus momentos más reconocidos. La Orquesta Sinfónica del Teatro Municipal de Lima y el Coro Nacional del Perú acompañan bajo la batuta del maestro Christopher Franklin.

• Lugar: Teatro Municipal de Lima, Jr. Ica 377, Lima
• Cuándo: 14 y 16 de agosto, 6:00 p. m.
• Entrada: Desde 32 soles en Ticketmaster

La trilogía de salsa 90’s

Salsa Kids, en su 35 aniversario, comparte escenario con El Reencuentro X-Salserín y El Reencuentro X-Adolescentes en una noche de salsa juvenil de los noventa. El evento reúne canciones que marcaron a una generación —De sol a sol, Yo sin ti, Virgen, Clase social, La magia de tus 15 años— en un formato de gran producción en la Costa Verde.

• Lugar: Costa 21, Costa Verde s/n, San Miguel
• Cuándo: Jueves 14 de agosto. Inicio a las 6:00 p. m.
• Entrada: Desde 128 soles en Teleticket

Daniela Darcourt

La cantante peruana Daniela Darcourt se presenta en el Kallpa Club de San Juan de Miraflores con un espectáculo de salsa nacional e internacional.

• Lugar: Kallpa Club, Av. Pedro Miotta, San Juan de Miraflores
• Cuándo: Sábado 15 de agosto
• Entrada: Desde 40 soles en Joinnus

Festival Internacional Chimpum Callao

El festival más tradicional del Callao regresa con una cartelera que incluye el retorno, tras 25 años de ausencia, del Grupo Niche de Colombia. Los acompañan Adolescentes Orquesta, Viti Ruiz con su homenaje a Frankie Ruiz, Nino Segarra, Willie González y Moncho Rivera en tributo a Ismael Rivera, además de orquestas nacionales del Callao.

• Cuándo: Sábado 15 de agosto, desde las 3:00 p. m.
• Lugar: Estadio Campolo Alcalde (Av. Víctor Raúl Haya de la Torre, La Perla, Callao).
• Entrada: Desde 33 soles en Teleticket

Cuando seas grande Vol. VII

El Coro Nacional de Niños del Perú, bajo la dirección de la maestra Mónica Canales, presenta el séptimo volumen de su producción “Cuando seas grande”. Más de 100 niñas y niños recorren grandes éxitos del pop y el rock de las últimas décadas en el Gran Teatro Nacional.

• Lugar: Gran Teatro Nacional, Av. Javier Prado Este 2225, San Borja
• Cuándo: Sábado 15 de agosto, 8:00 p. m. / Domingo 16 de agosto, 5:30 p. m.
• Entrada: A la venta en Joinnus

EVENTOS GRATUITOS

InterFaz

El artista visual peruano André Daza presenta InterFaz, su primera exposición individual, con curaduría de Mariana Linares Olivera. A través de esculturas, instalaciones, objetos y dispositivos tecnológicos, la muestra cuestiona la aparente neutralidad de los sistemas digitales: algoritmos, filtros de belleza y reconocimiento facial que reproducen jerarquías sociales y raciales. Incorpora además referencias al centralismo y la discriminación territorial desde su experiencia entre Arequipa y Lima.

• Lugar: Galería Más Arte, calle Mariano Odicio 282, Miraflores
• Hasta cuándo: 17 de agosto
• Horarios: Lunes a viernes, 10:00 a. m. a 6:00 p. m.; sábados, 10:00 a. m. a 1:00 p. m.
• Entrada: Libre

Entre el cielo y la tierra

La artista visual Ana Masías (Áncash, 1987) presenta ocho pinturas al óleo en la Galería MAD del Museo de Minerales Andrés del Castillo. El recorrido abre con una obra de 2017 del pintor José Tola, concebida por la artista como un homenaje al maestro que la impulsó hacia el arte. Las siete piezas siguientes, creadas entre 2024 y 2026, desarrollan un lenguaje figurativo que aborda la memoria, la violencia, la guerra, el desplazamiento y la saturación de imágenes en el mundo contemporáneo.

• Lugar: Galería MAD, Museo de Minerales Andrés del Castillo, Jr. de la Unión 1030, Centro de Lima
• Hasta cuándo: 28 de agosto
• Horarios: Lunes a domingo, 10:00 a. m. a 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

Tiempo sin tiempo

El artista ecuatoriano Olmedo Quimbita (Latacunga, 1963) exhibe 17 pinturas en óleo y acrílico más una instalación en el Centro Cultural Ricardo Palma de Miraflores. Entre las obras destaca Retorno al Infinito, un díptico de 2,10 x 1,30 m que el curador Rubén Ramos describe como un universo donde “la figura humana, la naturaleza y los paisajes andinos trascienden su condición descriptiva para transformarse en metáforas de la existencia”.

• Lugar: Centro Cultural Ricardo Palma, Av. José Larco 770, Miraflores
• Hasta cuándo: 16 de agosto
• Horarios: Lunes a domingo, 10:00 a. m. a 9:00 p. m.
• Entrada: Libre

Experiencia Vivencial

Bajo la curaduría de Tricia Cáceda y Álvaro de la Puente, la Galería Casa Cultural Grau de Barranco reúne a 23 artistas en una muestra que convoca pintura, escultura y otras expresiones contemporáneas. Entre los participantes figuran Ana Ruiz de Somocurcio, Anneli Vértiz, Carlo Calanche, Cecilia Flores, Elecktra Brown, Gabriel Rodríguez, Marcela Paz, Marisol Sánchez, Oscar Dextre y Vanessa Martínez, entre otros.

• Lugar: Galería Casa Cultural Grau, Av. Grau 178, Barranco
• Hasta cuándo: 29 de agosto
• Horarios: Miércoles a domingo, 4:00 p. m. a 9:00 p. m.
• Entrada: Libre

La estructura del instante

La muestra del artista trujillano Paolo Vigo (1980) reúne 19 obras —siete pinturas, diez impresiones giclée y dos esculturas— en las que personajes con antifaces de los que brotan ramas y hojas representan las limitaciones que condicionan la mirada: normas sociales, prejuicios, miedos. “Mi trabajo muchas veces es una forma de expresar mi preocupación por la contaminación social y ambiental”, afirma el artista.

• Lugar: Galería Índigo, Av. El Bosque (antes Daniel Hernández) 260, San Isidro
• Hasta cuándo: 10 de setiembre
• Horarios: Lunes a sábado, 10:30 a. m. a 8:30 p. m.; domingos y feriados, 11:00 a. m. a 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

Presentación del poemario Huaca de la noche

El literato y diplomático peruano Jesús Salazar Paiva presenta Huaca de la noche, poemario publicado en enero de 2026 por la editorial Andesgraund de Santiago de Chile. Los comentarios estarán a cargo del escritor y exministro de Cultura Alejandro Neyra y del poeta y catedrático Luis Fernando Chueca. Modera la poeta e investigadora Rashell Díaz Castillo.

• Lugar: Vallejo Librería Café, Av. Camino Real 1119, San Isidro
• Cuándo: Lunes 17 de agosto, 7:00 p. m.
• Entrada: Libre

EVENTOS INFANTILES

El zorrito audaz y el ave voraz

La segunda aventura del zorrito Blas regresa al escenario. En esta entrega, Blas y la Taruca conocen a Segisfredo, un despistado caracol, y a Carmela, una anciana tortuga, mientras un personaje peligroso amenaza con quitarles sus pertenencias. La obra es producida por la Asociación Cultural Coladecometa, con dramaturgia y dirección de Celeste Viale Yerovi y composición musical de Norma Alvizuri. El elenco incluye a Briscila Degregori, Kali Granados, Renato Medina-Vassallo, Lorena Rodríguez Vera, Jhair Bustamante y Beth Bellina.

• Lugar: Teatro Ricardo Blume, Jr. Huiracocha 2160, Jesús María
• Cuándo: Sábado 15 y domingo 16 de agosto, 4:00 p. m.
• Entrada: Desde 35 soles en Ticketmaster

La Granja de Zenón: Héroes en Acción

Bartolito, Tito, el Lobo Beto y sus amigos se convierten en superhéroes para salvar la granja en esta nueva propuesta de La Granja de Zenón. El espectáculo combina canciones, juegos, bailes e interacción con el público en el Centro de Convenciones Maracaná.

• Lugar: Centro de Convenciones Maracaná, Jr. Huáscar 1652, Jesús María
• Cuándo: Sábado 15 y domingo 16 de agosto, 2:00 p. m. y 5:30 p. m.
• Entrada: Desde 110 soles en Ticketmaster

Jugando con el Lobo Feroz

Lobualdo Ferozino se queda solo en el bosque encantado porque todos se fueron de vacaciones, y necesita la ayuda del público para contar los cuentos. Un espectáculo interactivo donde niños, niñas y adultos se convierten en protagonistas de las historias.

• Lugar: Teatro Juanita Tarnawiecki (ex Mocha Graña), Sáenz Peña 105, Barranco
• Cuándo: Sábado 15 de agosto (y también 22 y 29 de agosto), 4:00 p. m.
• Entrada: 34 soles en Teleticket

TEATRO

Inmaduros — 2da temporada

Aldo Miyashiro y Lucho Cáceres protagonizan esta comedia sobre dos amigos de mundos opuestos: Alfi, que vive sin frenos entre fiestas y tecnología, y Fideo, recién separado y sin rumbo. La condición para que Fideo se quede es acompañarlo en los legendarios “miércoles de diversión”, hasta que un secreto explosivo pone a prueba su amistad. La dirección es de Ximena Arroyo y Marco Paulo Meléndez. Completan el elenco Ebelin Ortiz, Fiorella Díaz, Gia Rosalino y Ximena Galiano. Producción de la Asociación Cultural La Pasión.

• Lugar: Nuevo Teatro Julieta, Psj. Porta 132, Miraflores
• Hasta cuándo: 30 de agosto
• Horarios: Jueves a domingo, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 35 soles en Joinnus

La señora K

Hilda, una anciana de firmes convicciones políticas, entra en coma tras una fuerte impresión. Al despertar, su nieta Laura y su enfermero Benhur intentan ocultarle que el partido que tanto ama atraviesa sus peores momentos. Una comedia sobre la dificultad de sostener una mentira.

• Lugar: Teatro Barranco, Av. Grau 701, Barranco
• Cuándo: Sábado 15 de agosto, 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 52 soles en Teleticket

Noche de enredos

Una marquesa ingenua, un cura encantador, un gasfitero sospechoso y un inspector demasiado astuto se cruzan en esta comedia de enredos escrita por Alberto Papa-Fragomén y Rodrigo Sopeña. Nadie es quien dice ser y todos esconden algo. Éxito en España, llega a Lima con un elenco conformado por Lia Camilo, Carlos Bañuelos, Pedro Olórtegui y Hugo Salazar, bajo la dirección del propio Bañuelos.

• Lugar: Teatro Auditorio Miraflores, Av. Larco 1150, Miraflores
• Horarios: El evento puede comenzar a las 8:30 p. m.
• Entrada: Desde 50 soles en Teleticket

STAND UP Y MONÓLOGOS

‘Se busca marido cama afuera’

Johanna San Miguel presenta ocho funciones de la edición especial de ‘Se Busca Marido Cama Afuera’, una comedia con anécdotas, música en vivo y personajes sobre la reinvención personal tras la caída.

• Lugar: Centro de Convenciones Bianca, Av. Almirante Miguel Grau 135, Barranco
• Hasta cuándo: 24 de setiembre (de jueves a domingo)
• Horarios: 8:00 p. m.
• Entrada: Desde 51 soles en Teleticket

CINE

30° Festival Internacional de Cine de Lima PUCP — Últimas jornadas

El Festival Internacional de Cine de Lima PUCP cierra su 30ª edición el 15 de agosto con las jornadas finales de una programación que supera los 130 títulos y reúne a cerca de 100 invitados nacionales e internacionales. El festival despliega hasta su último día películas de la Competencia Latinoamericana, además de funciones gratuitas de clásicos restaurados del cine peruano a cargo de la Filmoteca PUCP.

• Lugar: Centro Cultural PUCP, NOS PUCP, Cineplanet Alcázar, Cineplanet San Miguel, Alianza Francesa de Lima
• Hasta cuándo: 15 de agosto
• Entrada: Venta virtual en festivaldelima.com y en Joinnus. Venta presencial en la boletería del CCPUCP, de lunes a domingo, 11:00 a. m. a 8:30 p. m. Algunas funciones son de ingreso libre

La entrevista también repasa la trayectoria del actor británico, sus límites personales frente a ciertas rutinas del oficio y una vocación literaria que nunca dejó del todo. A los 76 años, Nighy habló desde el noroeste de Londres sobre el estreno, su rechazo a los almuerzos de trabajo, su distancia con Zoom y el presente de su podcast Ill-Advised.

Un regreso al cine con un papel atravesado por el conflicto

El estreno de & Sons vuelve a poner a Nighy en el centro de una historia familiar marcada por tensiones antiguas. En la película interpreta a AN Dyer, un novelista célebre y recluido que convoca a su familia para transmitir un anuncio decisivo. De acuerdo con The Guardian, la trama parte de una situación reconocible dentro del drama doméstico, aunque suma un elemento que desplaza el relato hacia una zona cercana a la ciencia ficción.

El reparto incluye a Johnny Flynn y George MacKay como los hijos mayores del protagonista, a Imelda Staunton como la exesposa y a Noah Jupe como un hijo menor nacido de otra relación. Ese entramado expone una red de vínculos atravesada por el resentimiento, la ausencia emocional y heridas que siguen abiertas.

La figura de Dyer organiza el conflicto central. Es un padre áspero, distante y convencido de que su talento literario puede colocarlo por encima de los daños que dejó en su entorno. Ese rasgo funciona como uno de los ejes de la película y también como una de las claves de la conversación que Nighy sostuvo.

La distancia con su personaje y sus propios límites

En la entrevista, Nighy marcó una diferencia nítida con la lógica de su personaje. El actor cuestionó la idea de que el talento sirva para justificar conductas dañinas dentro o fuera del ámbito artístico. “No creo eso en absoluto”, dijo al rechazar esa clase de excusas ligadas al genio creativo.

Esa observación cobra peso en una película donde Dyer sostiene que su objetivo como padre fue no causar daño, aunque la relación con sus hijos expone otra realidad. La distancia entre esa versión y los efectos concretos de su conducta empuja buena parte del relato.

Nighy vinculó ese punto con su propia experiencia familiar. Tiene una hija, Mary Nighy, fruto de su relación con la actriz Diana Quick. Consultado sobre si alguna vez tuvo una filosofía definida para la crianza, respondió con una frase directa: “Lo vas inventando sobre la marcha”. Luego explicó que ese camino incluye errores, correcciones y decisiones que cambian con el tiempo.

La charla también dejó definiciones sobre aquello que ya no está dispuesto a aceptar en su rutina laboral. Cuando habló de las videollamadas, su respuesta fue tajante: “¿Puedo retirarme de Zoom?”. La frase resume un tono entre el cansancio y la ironía que atraviesa buena parte de la entrevista publicada por The Guardian.

Esa misma claridad apareció al referirse a otra práctica habitual de la industria. Nighy sostuvo que “los almuerzos de trabajo están completamente descartados” en esta etapa de su vida profesional. Para él, esas reuniones mezclan planos que prefiere mantener separados.

También mencionó qué podría llevarlo a rechazar de inmediato una propuesta actoral. Su respuesta fue tan breve como precisa: “Togas”. El comentario, formulado con humor seco, refuerza la imagen de un actor que, tras décadas de carrera, fija sus condiciones con naturalidad.

Una ambición literaria que sigue en suspenso

Antes de consolidarse como intérprete, Nighy quiso ser novelista. El artículo detalló que ese deseo nació en la adolescencia, cuando un profesor de inglés de su escuela católica le sugirió que probara con la escritura. El actor recordó ese momento como un impulso decisivo en su forma de imaginar el futuro.

Más tarde trabajó en The Field, una revista dedicada a la caza y la pesca, y luego viajó a París con la intención de escribir. En ese período pasó tiempo en la librería Shakespeare & Company y evocó aquella etapa con una definición punzante sobre sí mismo: “Soy un cliché andante”.

Ese proyecto literario quedó en pausa cuando ingresó a una escuela de teatro, aunque nunca desapareció del todo. Nighy admitió que todavía piensa en escribir, aunque también reconoció una tendencia persistente a postergar ese plan. “Sigo pensándolo. Solo que soy muy bueno para procrastinar”, señaló.

Esa mezcla de memoria, ironía y deriva verbal encontró una nueva forma en Ill-Advised, el podcast en el que responde preguntas de los oyentes sobre ropa, vínculos y situaciones sociales. El programa iniciará su tercera temporada, suma más de 300.000 oyentes mensuales y recibió el premio a Podcast del Año 2026 de la Broadcasting Press Guild. & Sons llegará a los cines el 21 de agosto y la nueva temporada del podcast comenzará el 3 de septiembre.

Back to Buenos Aires se sitúa en 2008 y sigue a Mariano Guerra, un médico interpretado por el actor italiano Adriano Giannini, que regresa a Argentina después de 33 años en Europa para prestar declaración testimonial en los juicios contra los jefes militares responsables de su secuestro y cautiverio durante la dictadura. El equipo de producción precisó que “la película no trata sobre el regreso de un héroe en busca de venganza, sino el viaje de un hombre agobiado por su pasado oscuro cuando, destrozado por la tortura, denunció a sus camaradas”. La clave del relato, según los realizadores, no está en la acción exterior sino en el funcionamiento interno de la violencia y en la forma en que se instala dentro de los cuerpos de los sobrevivientes y en sus percepciones.

El elenco incluye a los argentinos Ana Celentano, Vero Gerez, Olivia Nuss, Adrián Fondari y Marcelo Chaparro —estos dos últimos ya habían trabajado con Bechis en Garage Olimpo— y a la brasileña Paula Cohen. La película fue rodada entre Porto Alegre, en Brasil, y Turín, en Italia, lo que refuerza la dimensión transnacional que atraviesa toda la obra del director.

‘Garage Olimpo’ y la construcción de una poética

Para comprender el alcance de Back to Buenos Aires es necesario detenerse en Garage Olimpo (1999), la película que definió el lugar de Marco Bechis en el cine político contemporáneo. Presentada en la sección Un Certain Regard (Una cierta mirada) del Festival de Cannes de ese año, la coproducción argentino-italiana narró la historia de María, una joven militante y alfabetizadora secuestrada y confinada en un centro clandestino de detención donde funcionaba, de día, un taller mecánico. Allí descubría que uno de sus captores era Félix, un joven que vivía como pensionista en su casa y que estaba secretamente enamorado de ella. La película obtuvo 23 premios internacionales, entre ellos el Gran Coral del Festival de La Habana, el Colón de Oro en Huelva, el Cóndor de Plata al mejor director de la Asociación Argentina de Críticos de Cine y el reconocimiento en festivales de Cartagena, Tesalónica y Santa Bárbara.

Lo que distinguió a Garage Olimpo dentro del corpus del cine sobre la dictadura argentina -además de su caracter “no argentino”- fue su decisión de situar la cámara en el interior del centro clandestino y de mostrar la rutina del exterminio: la administración burocrática de los cuerpos, la racionalización de la tortura, la coexistencia del horror con la vida urbana que continuaba al otro lado de las paredes del taller. La violencia ocurre fuera de cámara, pero su lógica se hace visible en los diálogos, en los gestos y en la relación entre detenidos y captores. La película entrelaza dos mundos paralelos —la clandestinidad del centro y la ciudad que lo alberga— para mostrar que el terrorismo de Estado no operaba en un espacio remoto, sino dramáticamente integrado en el tejido cotidiano de Buenos Aires.

La película, que tuvo un buen paso en Argentina en cuanto a convocatoria de público y aprobación de la crítica, sin embargo potenció su impacto en Europa, donde la memoria de la dictadura argentina -habiendo pasado más de dos décadas de los hechos allí narrados- ya quedaba difusa. Hablar de Argentina en cualquier ciudad europea en aquellos primeros años del siglo XXI remitía, en círculos de conversación cultural y política, a hablar de Garage Olimpo.

La filmografía de Marco Bechis

La obra de Marco Bechis no se agota en la dictadura pero sí está íntimamente ligado a la historia social y política de la Argentina. Su primer largometraje, Alambrado (1991), situado en la Patagonia, abordó el conflicto entre una familia y una empresa que pretendía cercar la tierra, anticipando la preocupación por la relación entre espacio, poder y violencia que recorrería toda su filmografía. En Figli/Hijos (2001), coproducción italo-argentina, exploró los efectos transgeneracionales del trauma en los hijos de desaparecidos que crecieron en el exilio europeo, en diálogo con las luchas del colectivo HIJOS en Argentina.

En La terra degli uomini rossi – Birdwatchers (2008), trasladó la mirada hacia Brasil para narrar la lucha de comunidades indígenas guaraní-kaiowá por recuperar sus tierras en el estado de Mato Grosso do Sul, obra que obtuvo el Premio C.I.C.T. UNESCO Enrico Fulchignoni en el Festival de Venecia. Su trabajo documental profundizó esa reflexión desde otro ángulo. Il sorriso del capo (La sonrisa del jefe, 2011) desplegó un montaje de imágenes de propaganda del régimen de Benito Mussolini, muchas de ellas inéditas, para analizar cómo el cine contribuyó a la construcción del consenso fascista en Italia. Años después, El rumor de la memoria (2015) reconstruyó la historia de Vera Vigevani Jarach, sobreviviente del Holocausto e integrante de Madres de Plaza de Mayo Línea Fundadora, cuya hija Franca desapareció durante la dictadura argentina, articulando en una sola biografía las memorias del genocidio nazi y del terrorismo de Estado en el Cono Sur.

De ‘Garage Olimpo’ a ‘Back to Buenos Aires’

El hilo conceptual que une Garage Olimpo con Back to Buenos Aires es la pregunta sobre lo que la violencia deja en quienes la padecieron y sobreviven. En la primera película, esa pregunta se plantea desde adentro del centro clandestino, en tiempo real. En la nueva, se formula desde la distancia de tres décadas y desde el espacio del juicio, donde el sobreviviente debe narrar públicamente lo que vivió, incluido lo que hizo bajo tortura. La película no trata la supervivencia como un acto heroico, sino como una carga que el personaje arrastra consigo y que el regreso vuelve a poner en primer plano.

Esa perspectiva es coherente con la poética de Bechis, que a lo largo de su carrera ha desconfiado de cualquier idealización testimonial y ha preferido mostrar la complejidad de las subjetividades dañadas. En Garage Olimpo, esa complejidad se expresaba en la figura de Félix, el verdugo enamorado, y en la de María, que intentaba instrumentalizar ese vínculo para sobrevivir. En Back to Buenos Aires, recae sobre el propio sobreviviente, cuya declaración en el juicio implica enfrentar no solo a sus captores sino también su propio pasado.

El elenco de la nueva película incluye a actores que ya formaron parte de Garage Olimpo, lo que refuerza la continuidad entre ambas obras y la voluntad de Bechis de sostener un universo artístico coherente a lo largo del tiempo. Cabe prever otra muestra contundente del cine de autor y el cine político que ha cultivado un director necesario para este tiempo.

[Fotos: Fandango Distribuzione]

“La captura” llega a Netflix el 21 de agosto de 2026 con el título internacional Facing El Chapo. La película mexicana, dirigida por Chava Cartas, recrea el operativo del 8 de enero de 2016 en Los Mochis, Sinaloa, que culminó con la tercera y última detención de Joaquín “El Chapo” Guzmán —entonces líder del Cártel de Sinaloa— seis meses después de su fuga del penal del Altiplano. La historia no gira en torno al capo, sino en torno a los agentes de la extinta Policía Federal que lo interceptaron.

Poncho Herrera es Arturo Carmona, el agente que rechazó 50 millones de dólares

Alfonso “Poncho” Herrera encabeza el elenco como Arturo Carmona, uno de los policías federales que realizaba un patrullaje de rutina en la carretera Los Mochis-Navojoa cuando interceptó el vehículo robado en el que huían El Chapo y su lugarteniente Jorge Iván “El Cholo” Gastélum, quienes momentos antes habían escapado por el sistema de drenaje de la ciudad. Según el relato histórico del operativo, el capo ofreció 50 millones de dólares al uniformado a cambio de su libertad. Carmona rechazó el soborno.

Herrera, nacido en la Ciudad de México el 28 de agosto de 1983, saltó a la fama internacional como parte del grupo RBD en la telenovela Rebelde (2004-2006). Desde entonces construyó una carrera sólida en producciones de alcance global: Sense8 (Netflix, 2015-2018), The Exorcist (Fox, 2016-2017), Ozark (Netflix, 2022) y Las muertas (2025). En 2026 también protagoniza la miniserie La casa de los espíritus.

Noé Hernández es el segundo agente en el centro de la acción

Noé Hernández interpreta a Héctor Rosales, el otro policía federal protagonista de la historia. Nacido en Atitalaquia, Hidalgo, el 10 de noviembre de 1969, Hernández es uno de los actores más premiados del cine mexicano de autor. Ganó el Premio Ariel al Mejor Actor de Reparto por 600 millas (2015) y el Ariel al Mejor Actor por Ocho de cada diez (2018). También participó en Narcos: Mexico, ZeroZeroZero y la adaptación de Pedro Páramo (2024).

Héctor Kotsifakis da vida a El Chapo

Héctor Kotsifakis asume el papel de Joaquín Guzmán Loera. Actor nacido en Torreón, Coahuila, el 12 de septiembre de 1971, hijo de padre griego y madre mexicana, se formó en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Con más de 30 largometrajes en su filmografía, es conocido por El infierno (2010), Cantinflas (2014) y Pedro Páramo (2024), producción por la que obtuvo el Premio Ariel a Mejor Coactuación Masculina.

Juan Pablo Cruz García y el resto del reparto

Juan Pablo Cruz García interpreta a Jorge Iván “El Cholo” Gastélum, el lugarteniente del Chapo que huyó junto a él por los túneles de drenaje de Los Mochis antes de ser capturado en la misma intercepción vehicular. Paola Fernández da vida a Isaura Carmona, pareja del personaje de Herrera. El elenco se completa con Antonio Fortier como Barraza, Allan Durell como Ortega, Fernando Cuautle como Lagarto, Gerardo Trejoluna como Valladares, Isaac Bravo como Foco, Alejandra Vázquez de León como Joana y Berenice Mastretta como Chabela.

Chava Cartas dirige su apuesta más ambiciosa

Chava Cartas, cineasta nacido en Guadalajara, Jalisco, el 15 de septiembre de 1971, estudió fotografía en el Hospicio Cabañas y cine en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba. Inició su carrera como director de fotografía y acumuló créditos en series como Rosario Tijeras y Gossip Girl: Acapulco. En cine dirigió la saga Mirreyes contra Godínez y Sobreviviendo mis XV (2023). La captura representa su entrada al thriller político basado en hechos reales.

La película estará disponible en Netflix a partir del 21 de agosto de 2026 para todos los países donde opera la plataforma.

Los fans de las películas tendrán un pretexto más para acudir a las salas de cine en este mes de agosto, cuando inicie la Fiesta Cinépolis, evento en el cual la cadena de cine en México ofrece funciones en diferentes tipos de salas desde 35 pesos.

Esta promoción incluye funciones para salas tradicionales, IMAX, 4DX y Macro XE, aunque cada formato tiene un precio diferente; las funciones son en los últimos días del mes de agosto, y aquí en Infobae México te contamos en qué fechas, qué necesitas y cuáles son las películas en cartelera que podrás ver en descuento.

Cuándo es la Fiesta Cinépolis y qué se necesita para comprar boletos en 35 pesos

La Fiesta Cinépolis arranca el lunes 24 de agosto del 2026 y termina el viernes 28 del mismo mes, y a diferencia de otras promociones de la cadena de cines, no necesitas tener ningún tipo de membresía para acceder a los precios especiales.

Lo único que necesitas es acudir directamente al cine y al adquirir tus boletos se cobrará con el descuento aplicado; válido para todos los puntos de venta de Cinépolis: kiosko, taquillas, página web y app, aunque en la compra en línea se aplicará un pequeño cargo por servicio.

¿Cuánto costarán los boletos en la Fiesta Cinépolis?

La promoción que se aplicará durante toda la semana de la Fiesta Cinépolis estará disponible para casi todos los formatos de la cadena, sólo quedando fuera el VIP, que mantendrá sus precios normales.

Estas son los tipos de salas y los precios que participan en la Fiesta Cinépolis de agosto:

• Cinépolis Tradicional: 35 pesos por boleto.
• Macro XE: 35 pesos por boleto.
• Cinépolis Plus: 35 pesos por boleto.
• Cinépolis Junior: 35 pesos por boleto. S
• IMAX: 80 pesos por boleto.
• 4DX: 80 pesos por boleto.

Las películas que están en cartelera durante el mes de agosto

Esta promoción de cine es válida para cualquier función que se esté proyectando en cartelera en ese momento, estas son las mejores películas que están actualmente disponibles.

Cartelera Principal:

• Spider-Man: Brand New Day (Acción / Aventuras)
• La muerte de Robin Hood (Suspenso / Acción)
• La Odisea (Drama / Aventura)
• PAW Patrol: La DinoPelícula (Animación / Infantil)
• Insaciable (Terror)
• Minions & monstruos (Animación / Familiar)
• Toy Story 5 (Animación)
• Pressure (Suspenso)

Las películas que se estrenarán próximamente en agosto

De acuerdo con la página oficial de Cinépolis, estas son las próximas películas que estarán disponibles en su cartelera en el mes de agosto, así como su fecha de estreno.

• KATSEYE: Wild Hearts — 12 de agosto de 2026.
• La princesa y la flor mágica — 13 de agosto de 2026.
• El final de la Calle Oak — 13 de agosto de 2026.
• Insaciable — 13 de agosto de 2026.
• Loco México Mágico — 13 de agosto de 2026.
• Nimrods: Una Comedia de Green Day — 14 de agosto de 2026.
• Insidious: Fuera del más allá — 20 de agosto de 2026.
• Impacto Mortal — 20 de agosto de 2026.
• GHOST: 2 Big To Rig — 26 de agosto de 2026.
• Coyote vs. ACME — 27 de agosto de 2026.
• Sólo por una noche — 27 de agosto de 2026.
• La guerra de los últimos — 27 de agosto de 2026.

Las funciones que no estarán disponibles y restricciones de la promoción

La Fiesta Cinépolis no aplica en todas las salas ni se puede combinar con otros beneficios. Las funciones en formato VIP quedan excluidas y conservan sus tarifas habituales, al igual que las de +QueCine, el espacio dedicado a conciertos, eventos especiales y contenidos distintos al cine convencional.

Cuando una función ya tiene un descuento vigente, el cliente debe elegir entre esa oferta y la Fiesta Cinépolis. Las dos promociones no se acumulan bajo ninguna circunstancia.

+QueCine es la plataforma de Cinépolis para proyectar contenidos alternativos: conciertos, producciones especiales y eventos que no corresponden al catálogo de películas tradicional. Al tratarse de un formato diferenciado, sus funciones mantienen una estructura de precios propia y no participan en la promoción.

Han pasado doce años de su muerte, pero el nombre de Robin Williams sigue atesorando el cariño de muchos fans de sus películas: El indomable Will Hunting, El club de los poetas muertos, Señora Doubtfire, papá de por vida, Jumanji... Títulos que, además de valerle un Oscar al Mejor actor de reparto, también le alzaron como una de las figuras más reconocibles y queridas de Hollywood.

Sin embargo, antes de convertirse en actor, Robin Williams se ganó la vida realizando shows de comedia en vivo (stand-up). Cuando ya era una estrella, el intérprete siguió viendo esa faceta cómica como un refugio. Por eso, en 2002 regresó a sus raíces con Robin Williams: Live on Broadway, un especial de monólogo en el que recuperó la energía desbordada que le caracterizaba, y en el que dejó una frase que acabaría siendo recordada durante años: “Algunos nacen grandes, algunos consiguen la grandeza y otros la toman como un regalo de graduación”.

La frase no nació enteramente de Williams, quien además ya la había empleado en un acto junto a Bill Clinton en el año 2000. En realidad, es una modificación cómica de una célebre línea de William Shakespeare en Noche de reyes. En esta obra, el criado Malvolio lee una carta falsa que María ha preparado para engañarlo y cree que la condesa Olivia le declara su amor. Allí aparece la idea de que unos nacen grandes, otros alcanzan la grandeza y otros la reciben inesperadamente. El actor cambió precisamente ese último giro.

Un hijo del presidente elegido como presidente

Mientras Shakespeare hablaba de la grandeza como poder, posición o reconocimiento, Robin Williams decidió hacer un chiste con algo mucho más cotidiano, un diploma, y un blanco muy claro, el expresidente George W. Bush. El político republicano, hijo de otro presidente de los Estados Unidos, era duramente criticado por haber ordenado la invasión de Afganistán tras los atentados del 11-S, con el objetivo de desmantelar Al Qaeda y capturar a Osama bin Laden, pero además era objeto de burlas constantes por sus errores a la hora de hablar en público (los famosos bushisms).

Williams está jugando con la idea moderna de que el éxito puede venir certificado, empaquetado y entregado. Para él, Bush hijo era el ejemplo perfecto de cómo determinadas personas parecen llegar al poder por circunstancias familiares o históricas más que por méritos extraordinarios. Para muchos, el título universitario representa esfuerzo y aprendizaje, pero también puede convertirse, en la sátira del cómico, en un símbolo de estatus que alguien recibe y exhibe como prueba automática de grandeza.

Así, el “regalo de graduación” sugiere que la grandeza, como el privilegio, a veces parece concederse sin que quien la recibe tenga que demostrar demasiado. Como Shakespeare, ilustra que mientras unos nacen en una posición privilegiada, otros alcanzan un estatus social elevado mediante sus propios actos, méritos, ambición o circunstancias. Aunque, como señalaba el famoso dramaturgo, otras veces son las circunstancias, la fortuna o las decisiones de otras personas las que lo colocan de repente en una posición de poder o relevancia.

Quizá por eso su chiste sobre la grandeza sigue siendo recordado. Porque, lejos de ofrecernos una definición sobre lo que son el éxito o el poder, Williams tomó una cita ya de por sí solemne y la trasladó a un lenguaje que todos pudiéramos comprender para lanzar un dardo contra la importancia en sí misma. La vanidad, el privilegio o la idea de que el éxito siempre es ‘merecido’ eran lo que pretendía combatir el actor, y ya de paso, arrancarle unas cuantas carcajadas a los espectadores.

De acuerdo con la información publicada por The Hollywood Reporter,la cinta, dirigida por Andrew Patterson, llegará a salas selectas este viernes 14 de agosto y representa una elección singular en la carrera del actor ganador del Oscar, quien optó por este proyecto de cine independiente dejando de lado otras propuestas más lucrativas.

Un regreso marcado por la convicción

La decisión de McConaughey de volver a la pantalla en “Los rivales de Amziah King” se produjo tras un período centrado en la escritura y lejos del cine. El actor relató a The Hollywood Reporter que buscaba un proyecto que lo entusiasmara: “Estaba conscientemente abierto y buscando el papel adecuado. Este guion es un logro original”.

Destacó la singularidad del universo planteado por el director: “Qué época, lugar, espacio e idioma tan originales. Es poético, musical, divertidísimo y una historia para los marginados”.

También encontró en la historia una combinación de elementos que coincidía con lo que buscaba en ese momento de su carrera. “El mundo necesita un poco de inocencia, amor y humor, y yo también”, afirmó el actor al explicar las razones que lo llevaron a aceptar el papel.

Esta producción no solo marca un retorno sino también una apuesta por un cine de riesgo, menos respaldado por grandes estudios. “Elegí esta en lugar de otras películas que podría haber hecho por mucho más dinero”, sostuvo el actor de 56 años. También subrayó el atractivo de trabajar en un entorno con tiempo y recursos limitados, donde predomina la libertad creativa.

Una historia en la Oklahoma rural

La trama de la película se sitúa en la Oklahoma rural y explora la vida de un apicultor, cristiano renacido y músico de bluegrass, interpretado por McConaughey. Su personaje, Amziah, establece una relación central con Kateri, interpretada por Angelina LookingGlass, quien vivió con él como hija adoptiva hasta que la vida los separó.

La historia profundiza en las dinámicas de la producción de miel, el tejido social de la región y los vínculos que se reencuentran en medio de la adversidad.

El director Patterson compartió que la idea surgió tras su primer largometraje y que buscó inspiración en su entorno inmediato: “Quería hacer una película sobre una mujer nativa americana que toma el control de la narrativa y se convierte esencialmente en la protagonista. Literalmente surgió de lo que tenía a mi alcance, de a quién conocía y de lo que quería hacer”.

Elección de reparto y desafíos del rodaje

El proceso de casting para el papel de Kateri estuvo a cargo de Angelique Midthunder, quien se enfocó en encontrar una actriz nativa americana. LookingGlass fue seleccionada tras meses de búsqueda y sesiones de trabajo conjunto con el director. Patterson resaltó la mirada hipnotizante de la actriz y su capacidad para construir el personaje a lo largo de varios meses.

Durante la producción, el equipo enfrentó condiciones exigentes, con rodajes al aire libre y constantes interrupciones por el clima y la presencia de abejas. McConaughey describió la experiencia como “divertida por la tensión” y valoró la intensidad de trabajar fuera de los espacios convencionales de Hollywood: “Mi lugar menos favorito en el set es mi camerino”.

El director también valoró la colaboración estrecha con el actor: “Matthew y yo nos involucramos mucho. Estábamos metidos en los asuntos del otro 15 o 16 horas al día para la producción”.

Un guion con estructura atípica

La película se distingue por una narrativa con múltiples giros y una estructura poco convencional. Patterson señaló que se inspiró en formas narrativas de la literatura, la ópera y la música popular, buscando romper con las reglas tradicionales de los estudios.

“Sabía que tenía que ser una película independiente para poder jugar con diferentes tipos de géneros y pasar de perspectivas cambiantes en la narrativa”, relató a The Hollywoo Reporter.

En la etapa de montaje, el director enfrentó diferencias de visión, pero terminó imponiendo su enfoque creativo: “Había diferentes visiones, y al final, la mía fue la que prevaleció. Así que estoy muy contento y agradecido por ello”.

Una mirada sobre el cine independiente

McConaughey expresó que para él, trabajar en una producción de este tipo implica una conexión con los marginados y con el espíritu de equipo: “Cuando tomo una decisión creativa, hablamos del amor por los desvalidos, y con una película independiente, inherentemente amas a un desvalido solo por hacer una”.

Por su parte, Patterson defendió el valor del cine independiente en la industria actual, destacando que estas producciones sacuden a los grandes estudios y abren nuevas posibilidades narrativas.

A los 57 años, la experiencia de entrenamiento de piernas de Hugh Jackman volvió a poner el foco en cómo cambia la exigencia física con el paso del tiempo. El actor, asociado durante años a la preparación extrema que demandó su papel como Wolverine, mostró ahora una rutina que ya no se apoya solo en ganar músculo o mover cargas altas.

La sesión fue diseñada por su entrenadora Beth Lewis e incluye fuerza, trabajo de core y equilibrio, con dos ejercicios de piernas que se apartan de la lógica más clásica del gimnasio.

De acuerdo con un artículo de Men’s Health Latinoamérica, el cambio permite observar cómo evolucionó el enfoque del actor hacia cualidades que también incluyen estabilidad, coordinación y potencia.

La publicación del actor aportó el tono de esa sesión: “Cuando Beth decide que es día de pierna, con un poco de core y equilibrio”, escribió Hugh Jackman en Instagram. Luego agregó: “Por suerte, el banco estaba ahí para atraparme. La seguridad es lo primero”.

De Wolverine a otro enfoque físico

Interpretar a Wolverine durante más de veinte años obligó a Hugh Jackman a sostener un nivel de preparación física asociado con fuerza y masa muscular.

El entrenamiento actual del actor muestra una evolución que ya no se limita a ese objetivo. La rutina que difundió no plantea solo cuánto peso puede mover, sino qué capacidades entrena a los 57 años.

Ese cambio también modifica la lectura sobre el esfuerzo físico en esta etapa de su carrera. La secuencia que mostró pone el acento en la tensión muscular, la estabilidad y la respuesta del cuerpo ante movimientos explosivos.

En lugar de repetir la lógica del entrenamiento ligado a su personaje más conocido, el actor exhibió una búsqueda más amplia sobre rendimiento y control.

Qué destacó el análisis sobre la rutina

El análisis estuvo a cargo de Andrew Tracey, director de Fitness de Men’s Health. El especialista señaló que las contracciones isométricas aplicadas de ese modo están subestimadas, sobre todo cuando se combinan con el segundo ejercicio de la secuencia.

En su explicación, Tracey comparó esta variante con otras sentadillas isométricas más habituales. “Con frecuencia, las sentadillas isométricas se realizan de manera similar a una plancha, simplemente manteniendo la posición durante el mayor tiempo posible hasta que se acumula suficiente fatiga como para obligarte a detenerte”, explicó el especialista.

El punto que distinguió en la rutina de Hugh Jackman fue la forma de aplicar la fuerza. “Al anclar la correa debajo de los pies y trabajar activamente contra una fuerza inamovible, justo en el punto medio de una sentadilla, Jackman está generando fuerza activamente durante todo el ejercicio, reclutando una enorme cantidad de fibras musculares y alcanzando el punto de fatiga mucho, mucho antes”, afirmó Andrew Tracey.

La combinación con potencia y equilibrio

La segunda parte de la secuencia incorpora un cambio de ritmo. Después del trabajo isométrico, Hugh Jackman pasa a un movimiento dinámico con mancuernas livianas, en el que alterna desplantes con salto.

Según indicó Andrew Tracey en ese análisis, esa transición responde a una fórmula clásica del entrenamiento de contraste. “Pasar de una contracción isométrica de máximo esfuerzo a un movimiento dinámico como los desplantes con salto es una combinación clásica”, explicó Tracey.

Luego precisó el fundamento de ese método: “Es una forma de ‘entrenamiento de contraste’, que aprovecha un efecto conocido como potenciación del rendimiento postactivación PAPE: comenzar con una contracción isométrica máxima para preparar el sistema nervioso antes de realizar un movimiento explosivo”, indicó.

La sigla PAPE alude a una mejora transitoria en la capacidad de responder con potencia después de una activación intensa. Ese método permite aumentar la activación muscular sin depender de cargas pesadas y agotadoras.

Tracey también vinculó esta parte de la rutina con el equilibrio. “Jackman también menciona el equilibrio, que necesitará para controlar el aterrizaje durante esas breves pausas entre cada salto”, añadió el especialista.

Luego planteó una lectura más amplia: “Estas tres cualidades —producción de fuerza, dinamismo y equilibrio— suelen quedar fuera de muchos programas de entrenamiento. Además, todas son fundamentales para conservar nuestras capacidades a medida que envejecemos, por lo que tiene sentido combinar estos movimientos”.

Los ejercicios que mostró Hugh Jackman

La rutina de piernas que compartió el actor incluyó estos movimientos:

• Sentadilla isométrica con correa

Jackman usó una correa ISO-Rack Strap de ZeroRM, anclada debajo de los pies y alrededor de la cintura. Desde una posición de sentadilla, con el cuerpo sostenido apenas por encima de un banco, empujó contra una resistencia fija sin que hubiera desplazamiento. El ejercicio exigió generar tensión máxima en un punto intermedio del movimiento y sostener ese esfuerzo durante la ejecución.

• Desplantes con salto y mancuernas livianas

Con una mancuerna ligera en cada mano, descendió a una posición de desplante y luego se impulsó de forma explosiva hasta cambiar de pierna, en repeticiones alternadas. La secuencia sumó velocidad, control del cuerpo y estabilidad en cada aterrizaje, ya que el ejercicio requiere recuperar el equilibrio antes de pasar al siguiente cambio de apoyo.

El día que miles de personas bloquearon una autopista de Hollywood para impedir que una película se estrenara, el director Martin Scorsese ya sabía que había tocado un nervio que iba mucho más allá del cine.

Era el 11 de agosto de 1988. Al día siguiente, La última tentación de Cristo se exhibiría por primera vez en nueve ciudades de Estados Unidos y Canadá. Pero antes de que el primer espectador comprara su entrada, la controversia había tomado una enorme temperatura.

Todo empezó mucho antes. En 1961, un compañero de Scorsese en la Universidad de Nueva York le habló de una novela publicada en 1955 por el escritor griego Nikos Kazantzakis. El director no la leyó entonces. La vida se la volvió a poner delante una década después, en el rodaje de Boxcar Bertha, cuando la actriz Barbara Hershey le regaló un ejemplar y le dijo, con una claridad que no dejaba margen para la duda, que él tenía que llevarla al cine y que ella tenía que protagonizar a María Magdalena.

Scorsese leyó el libro y quedó, en sus propias palabras, envuelto por la belleza de su lenguaje. Compró los derechos a fines de los 70 y le encargó la adaptación a Paul Schrader, el guionista de Taxi Driver y Raging Bull, quien venía de una formación calvinista y había estudiado teología. El guion estuvo listo en 1981.

El proyecto llegó a los estudios Paramount en 1983 con un presupuesto de 14 millones de dólares y locaciones en Israel. Scorsese se reunió con Eleni Kazantzakis, viuda del autor, y con su albacea literario. Ambos les dieron su apoyo incondicional, conscientes de que la novela ya había sido condenada por la Iglesia Católica y le había valido la excomunión a Kazantzakis por parte de la Iglesia Ortodoxa Griega.

Pero el infierno llegó antes de lo esperado. Una organización protestante comenzó a distribuir un boletín instando a sus seguidoras a escribir cartas de protesta a Gulf+Western, la empresa madre de Paramount. Las cartas llegaron a contabilizarse a razón de quinientas por día. El presupuesto crecía. A fines de 1983, el estudio canceló el proyecto.

Scorsese hizo After Hours y El color del dinero mientras esperaba. Fue Universal Studios quien resucitó el proyecto, pero con una condición: el director también tendría que hacer una película comercial para el estudio, compromiso que cumplió en 1991 con Cabo de miedo.

Para el papel de Jesús, Scorsese había pensado primero en Robert De Niro, quien declinó con respeto. Luego quiso a Christopher Walken, pero el estudio no estuvo de acuerdo. Después consideró al joven Aidan Quinn, opción que Paramount había aprobado antes de la cancelación. Cuando el proyecto volvió a la vida, solo Harvey Keitel y Barbara Hershey seguían disponibles. Sting, que iba a interpretar a Poncio Pilato, fue reemplazado por el cantante y actor David Bowie. Para el papel principal llegó Willem Dafoe.

Dafoe había intentado conseguir una audición sin éxito. Cuando finalmente Scorsese lo llamó, el encuentro fue breve y directo. “Por supuesto que habría hecho cualquier papel en esa película. Es Scorsese”, declaró el actor tiempo después.

El rodaje se realizó en Marruecos en el otoño boreal de 1987, en apenas 58 días y con un presupuesto de 6,5 millones de dólares, una cifra exigua para la envergadura del proyecto. Las condiciones fueron duras: se hacían apenas dos o tres tomas por escena. No había suficientes maquilladores, así que Hershey debía retocarse ella misma los tatuajes de mehndi de su personaje una y otra vez. Una cámara resultó defectuosa y nadie lo supo hasta que se reveló el material. El desperfecto produjo un destello blanco involuntario en el momento exacto de la muerte de Jesús. Scorsese lo dejó.

La última tentación de Cristo no está basada en los Evangelios. Su prólogo lo aclara desde el primer fotograma: es una exploración ficcional del conflicto espiritual eterno, tal como Kazantzakis definió el tema de su novela: “la batalla entre el espíritu y la carne”.

La película presenta a un Jesús profundamente humano, confundido, atormentado por su doble naturaleza. Willem Dafoe lo construye desde la torpeza y la duda: su Sermón de la Montaña empieza con un “lo siento” que descoloca, y avanza a tientas, convencido de que Dios hablará por él. Es un hombre que rescata a María Magdalena de la lapidación, que vaga por el desierto enfrentando representaciones del bien y del mal, y que solo después de ese tránsito se convierte en un guerrero contra Satán, finalmente convencido de ser el Hijo de Dios.

La escena que desató la mayor parte de la furia pública es la secuencia del sueño final. En ella, Satán tienta a Jesús con una vida ordinaria: bajar de la cruz, casarse con María Magdalena, tener hijos, envejecer. Pero en el clímax, Jesús despierta de esa alucinación y elige con alegría la crucifixión para cumplir su destino. La tentación es resistida. No hay apostasía, sino una afirmación de la fe a través de la renuncia.

El elenco que rodea a Dafoe es notable. La revista Variety, en su momento, señaló que Harvey Keitel “transmite la ferocidad y la lealtad de Judas”, aunque señaló que su acento neoyorquino ocasionalmente resquebrajaba la credibilidad. Hershey, cubierta de tatuajes, compone una María Magdalena física e intensa. De David Bowie como Poncio Pilato, la misma publicación apuntó que era “contenidamente racional” y que se lo hubiera querido ver más.

Mucho antes de que el film llegara a las salas, los grupos cristianos conservadores ya habían montado una campaña de proporciones. La Asociación Americana de la Familia (AAF), liderada por el reverendo Donald Wildmon, y la Cruzada Universitaria por Cristo (CUC), encabezada por Bill Bright, recibieron proyecciones privadas anticipadas por parte de Universal, que había contratado a un cristiano renacido como enlace con la comunidad religiosa. La reacción fue de indignación.

Bright fue más lejos que cualquiera: ofreció reembolsarle a Universal cada centavo invertido en la película a cambio de todos los negativos existentes, con el compromiso de destruirlos. Universal rechazó la oferta y publicó una carta abierta en diarios de todo Estados Unidos argumentando que ceder a esas presiones violaría la Primera Enmienda de la Constitución de ese país, que entre otros derechos protege el de la libertad de expresión.

El mismo día en que apareció esa carta, más de 600 manifestantes patrocinados por una radio cristiana de Los Ángeles se reunieron frente a la sede de MCA. Unas 1.200 estaciones de radio cristianas en California denunciaron la película. Mastermedia International llamó al boicot contra la empresa madre. La cadena Edwards Theaters, con 150 salas en todo el país, anunció que no la proyectaría. United Artists y General Cinemas, con 3.500 salas entre ambas, hicieron lo mismo.

El director italiano Franco Zeffirelli retiró su película Young Toscanini del Festival de Venecia en protesta por la presencia de La última tentación en la programación, y la calificó de “verdaderamente horrible y completamente delirante” sin haberla visto.

El 12 de agosto de 1988, hace 38 años, la película se estrenó en nueve ciudades: Los Ángeles, Nueva York, Washington, San Francisco, Chicago, Minneapolis, Seattle, Toronto y Montreal. Las funciones se llenaron. Las colas para comprar entradas en Manhattan llegaron a las dos o tres horas de espera bajo una humedad agobiante y 32 ℃ de temperatura. En el teatro de 1.200 butacas del centro de Nueva York, las cuatro funciones del día se vendieron completas.

Frente al Cineplex Odeon de Century City, en Los Ángeles, la policía estimó entre 300 y 400 los manifestantes que desfilaban a última hora de la noche para protestar contra la película. Adentro, cuando apareció el nombre de Scorsese en los créditos, el público aplaudió. Afuera, jóvenes y señoras mayores repartían folletos de contenido bíblico. Un hombre de traje negro que se identificó como Bobby Bible, de Long Beach, interrumpió la función a los gritos desde la platea. El personal de seguridad lo sacó del cine sin arrestarlo, consignaron las crónicas de aquel día.

En Chicago, bajo un calor similar al de Nueva York, un grupo inicial de manifestantes creció hasta 400 personas al caer la tarde, en su mayoría miembros de la comunidad ortodoxa griega que coreaban “¡Detengan la blasfemia!”. En Washington, unos 100 manifestantes rodeaban un maniquí vestido como Cristo. La policía había usado un perro entrenado para revisar el cine en busca de explosivos antes de abrir las puertas, luego de que una amenaza de bomba telefónica obligara a extremar los controles.

Tom Pollock, presidente del grupo cinematográfico de MCA, asistió a la primera función en Century City para medir la reacción del público. Ante los periodistas fue directo: “A medida que más gente vea esta película, la controversia disminuirá. Verán que no es lo que otros han dicho que es. Es una película verdaderamente religiosa”.

Las reseñas de la prensa especializada fueron dispares, aunque en general favorables. La crítica del Los Angeles Times, Sheila Benson, la describió como “una pieza de arte intensa, absolutamente sincera y frecuentemente fascinante, en la que el mensaje de la vida de Jesús tiene inmediatez y significado”. Variety la definió como “una reinterpretación poderosa y muy moderna de Jesús como un hombre atormentado por la angustia y la duda”. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó a Scorsese una nominación al Oscar como mejor director.

Los líderes religiosos, en cambio, estuvieron lejos de la unanimidad. El reverendo William Boggs, pastor de la Iglesia Metodista Unida de Wilshire en Los Ángeles, dijo no haberse sentido ofendido por la secuencia del sueño porque “fue presentada como una fantasía, no como una realidad”, y agregó que la Iglesia siempre sostuvo que Jesús era simultáneamente humano y divino. El reverendo Frank Eiklor, en cambio, salió furioso de la proyección privada: “Cuando ves a Jesús retratado de esta manera, cuando ves a Jesucristo convertido en un pusilánime, solo puedo salir indignado”.

La Conferencia Nacional de Obispos Católicos le asignó una calificación “O”, de moralmente ofensiva. La Mayoría Moral llamó al boicot. El grupo Sociedad Americana para la Defensa de la Tradición, la Familia y la Propiedad publicó avisos de página entera en varios diarios acusando a Universal de difamar a Cristo.

La controversia no se apagó con el estreno. Cuando la película llegó al circuito más amplio en septiembre, varias ciudades intentaron prohibirla: Savannah, Nueva Orleans, Oklahoma City y Santa Ana lo lograron. En 1989, Blockbuster Video decidió no incluirla en su catálogo de alquiler. A mediados de los 90, cuando se emitió por televisión en Canadá y Rusia, las protestas volvieron a encenderse.

En Milwaukee, donde un colectivo organizado por docentes de la Universidad de Marquette llevó a estudiantes a verla en el cine Downer Theater, la película estuvo dos meses en cartel y superó el récord histórico de asistencia de la sala, con más de 20.000 espectadores.

La película que nadie quería que existiera terminó siendo una de las más vistas de su temporada en las salas donde se animaron a exhibirla.

Cuando Nicolás Gueilburt escribió Un soldado siempre está solo no imaginaba esta inesperada afluencia entre fútbol y Malvinas. “Jamás pensé que iba a darse la sincronía o simultaneidad que finalmente sucedió entre la ficción de la novela y lo que pasó en el mundial: la mezcla de fútbol, sospecha de arreglos con árbitros y el partido con Inglaterra, que puso nuevamente a la cuestión de Malvinas en foco”, dice del otro lado del teléfono, bajo la estela de la heroica semifinal ganada a Inglaterra.

“La bandera escrita por hinchas (silenciada por autoridades que no dejaron mostrarla en la cancha a esos hinchas) que le vimos a algunos jugadores durante el festejo del triunfo en el partido puso en escena algo que se está ocultando en los últimos años, pero que existe: la necesidad latente de seguir diciendo”, explica este guionista argentino que, después de escribir una veintena de películas —La araña vampiro, Los paranoicos, El asesinato de Trotsky, El bonaerense—, acaba de publicar su primera novela.

Si ya estaba conmovido por la batalla en el Mercedes-Benz Stadium de Atlanta que se cerró en un 2 a 1, cuando la pantalla mostró a Lo Celso, Licha Martínez y al Cuti Romero desplegando en el pasto una bandera que decía, con letras imprentas, improvisadas, agresivas, “Las Malvinas son argentinas”, Gueilburt entró en el túnel irrenunciable de la emoción. Luego se aceleraría lo que muchos llamaron “campaña anti-argentina” y esa realidad, la de hace unos días, pelotearía sin tregua con su novela.

Un soldado siempre está solo empieza con Ciro Burgos saliendo de un estadio protegido por la policía entre gritos y botellazos para que, unas horas después, en una comisaría de Avellaneda, el comisario le pregunte: “Usted no es ni un ladrón, ni un asesino, ¿o me equivoco?“ ”Sólo soy un árbitro de fútbol”, responderá él. No solo había tomado malas decisiones arbitrales —“me salió todo mal”—; las cámaras lo engancharon, en un córner, moviendo los labios: cantando la canción de la hinchada.

De a poco se va configurando la historia de un hombre que tiene que alejarse momentáneamente de la vida pública, irse a dirigir partidos intrascendentes, pasar largas noches en silencio, entre su gata y el divorcio ya consumado, “fumando con el cenicero sobre el pecho”, mientras vuelven a él, con la insistencia de los traumas no resueltos, los días en Malvinas, las explosiones de la guerra, las trincheras, el frío, el miedo, la incertidumbre. Y lo hace desde 1982: en su “Diario de convalecencia”.

—Estudiaste Letras. Supongo que la idea de escribir una novela la tuviste siempre en tu cabeza. ¿Por qué ahora?

—Sí. A mi la literatura me gusta desde chico, desde siempre. Cuando entré a la carrera me acuerdo que estaba copado con Bioy Casares y con Borges. Antes había pasado por la etapa de Bukowski, Jack Kerouac, la literatura norteamericana, que después en Letras hice una materia muy buena con Rolando Costa Picasso, que era un traductor muy bueno y que nos dio un programa increíble desde Emerson a Melville, Kerouac, Allen Ginsberg. Bueno, Emily Dickinson y llegamos a Salinger: extraordinario. Ahí volví a leer la literatura norteamericana. Antes de entrar a la carrera, yo estaba estudiando cine, y fui a una charla que daba Bioy Casares en la Facultad de Filosofía y Letras: me pareció espectacular todo. A partir de eso me anoté y entré.

—¿En qué año fue? ¿Qué te acordás de esa charla?

—En el 96 habrá sido. Me acuerdo que Bioy, que ya era grande, era un tipo muy tímido. Hablaba del oficio de escribir, de libros. La gente le hacía preguntas: ¿Te gusta tal libro, te gusta tal otro? Pero él era muy recatado y hablaba. Hablaba mucho de su oficio de escribir y del placer de la escritura, pero sobre todo de la lectura. Eso era un poco lo que a mí me pasaba. Me pareció un buen camino en ese momento. No tenía nada claro. Uno era chico, joven. Después entré, hice muchas materias, tuve muy buenos profesores: Jorge Panesi, Daniel Link, Martín Kohan. Me acuerdo que ahí descubrí a Bolaño. Y mucho tiempo después, cuando empecé a escribir esta novela, volví a Bolaño, a también a Onetti. Como en general escribo guiones, me volví como a conectar con la literatura.

—¿Cómo fue ese regreso? Uno imagina al guion como más utilitario, más funcional, más ligado a que después pase a ser imagen, en cambio la literatura permite un trabajo de lenguaje distinto.

—Sí, totalmente. Yo soy muy lector de poesía. Lo que más leo es poesía. A la escritura de esta novela la encaré justamente a partir del ritmo y de la palabra, más que en la historia. Después la historia fue apareciendo. En general la literatura que yo leo, más allá del estilo, tiene una historia: Bolaño, Onetti, todos los que estamos hablando. Es cierto que el guion es una literatura utilitaria, pero no deja de ser literatura. Cuando escribo un guion, y conozco también otros colegas que lo encaran así, lo escribo de una forma literaria. Finalmente el director es el que le da la visión final que llega al espectador. En el caso de antes de la literatura es algo que llega directo, no hay intermediaciones.

—¿Por qué una novela ahora o en el momento que la empezaste? ¿Cómo se abrió esa posibilidad?

—Unos años antes había retomado la lectura. Pienso que la lectura es como el placer máximo que tengo, y siempre fue así, pero la tenía un poco postergada. Empecé a leer a John Cheever, a Richard Ford, escritores americanos, traje un nuevo cargamento de poesía, y con todo eso empecé a escribir. Escribí unos relatos que no publiqué. Ahí empecé a volver a conectarme con la literatura. Y en un momento se me apareció una imagen. Había leído una nota azarosamente de un árbitro que había cantado una canción en un partido de fútbol. Me llamó la atención misteriosamente. Una persona que no puede demostrar pasión o que tiene que ser ecuánime, imparcial y pulcra, y de repente se le sale algo inesperado, incluso para él, supongo. Me quedé con eso y se me vino la imagen, una que no quedó en la novela: un árbitro en un vestuario y gente insultándolo, golpeándole fuerte. Después se me vino la imagen de ese árbitro saliendo como en un patrullero custodiado Y si no ves lo anterior, parece que es un delincuente que lo están por linchar. Ese comienzo me pareció que estaba bueno. En su momento hablé con algunos directores amigos, le conté la idea, tal vez para una película en ese momento, y no se armó, no terminó de pegar por ese lado, y un día me senté a escribirla. Y me salió algo bien literario. Ahí se me abrió un camino. Ahí empecé a escribir.

—¿Cuánto influyó tu trabajo en el cine? Después de tantos guiones, ¿cómo fue cambiar de registro?

—No es lo mismo, claramente, pero tengo mucho oficio de escritura. Hace unos veinticinco, treinta años que me dedico profesionalmente a escribir guiones. Todos los días de mi vida escribo. Sin embargo, a esta novela la escribí como un collage. En algún momento yo también pintaba. Pintaba de bruto, sin técnica, hacía collage. La escribí de la misma manera. Es un momento muy vital para mí, cuando uno está involucrado, supongo que para cualquier persona que escribe, el momento del proceso de estar creando una novela o un guion o una historia o lo que sea. Muchas cuestiones que van apareciendo, cosas que leo, música que escucho, anécdotas, pensamientos, paisajes, de alguna manera misteriosa se va como acumulando y ordenando y de repente empiezan a bajar cuando estoy escribiendo. En mi caso, lo expreso, en vez de dejarlo en el inconsciente y nada más. Se me armó un poco así, como un gran collage de poesía. Básicamente es una novela que está impregnada de poesía desde el proceso.

En la pantalla del teléfono, con una biblioteca de fondo iluminada por la tarde, Gueilburt mueve los ojos hacia arriba buscando algo, un origen, el punto cero. “Promediando la pandemia”, dice. “Sí, con la pandemia avanzada... ahí empecé a escribir”. Cuando llegó a la mitad del libro, pensó en compartirlo. “Necesitaba que la lea alguien del palo de la narrativa”, cuenta. Primero fue Pablo Ramos: ese diálogo duró unos diez encuentros, hasta que apareció el punto final de lo que fue el primer borrador.

Después, Luciano Lamberti, “que es otro amigo”: “Hicimos una especie de trueque hermoso: yo lo ayudaba con un guion y él me ayudaba con la novela. Sobre todo trabajé con él la parte del diario, donde el protagonista apenas llega de la guerra y vive con su madre y está en el trauma y deprimido. Entonces lo llevan a un psiquiatra que le dice que para salir adelante tiene que empezar a sacar lo que tiene adentro. Ahí empieza de a poco a recordar lo que fue la guerra. Ese diario lo trabajé más con Luciano”.

—Y en ese proceso, ¿cómo aparece la figura del lector, qué forma tiene?

—Es extraño. El primer lector soy yo. Pero hay un lector imaginario que es un misterio. Es uno, pero no es uno. En un momento pensaba que eran determinados amigos, pero ahora que lo pienso, y recapitulando el proceso, es como un misterio. El lector es el misterio para mí. A diferencia de los guiones, a esta novela la fui b sin tener programada la historia. Ese misterio del lector es la aventura de escribir.

—Hablábamos de la bandera de Malvinas en la semifinal con Inglaterra. ¿Qué viste en ese gesto, en todo lo que desató?

—Creo que se manifestó de esa manera y tuvo tanto impacto porque muestra el pensamiento y el sentir de mucha gente que sigue reclamando por algo que, evidentemente, no se le está dando otras vías (fundamentalmente desde el Estado, ¿no?) para hacerlo... quizás por eso fue tan celebrado. Es un reclamo genuino, sentido, que no está cerrado en el pueblo argentino. Por el contrario, nos muestra que está totalmente vigente hoy. También me hace pensar en la necesidad de manifestarse en un momento donde se hace difícil la expresión colectiva.

—En la novela, ¿el fútbol es una excusa, una máscara, una posibilidad?

—Yo lo pienso como un marco, porque no es una novela sobre fútbol. No va por el lado del humor, de la añoranza, de la cosa sentimental. Me interesaba el personaje solitario, como dice Luciano Lamberti: un árbitro existencialista. Creo que la novela trabaja mucho alrededor de la poesía en una tónica existencial. El protagonista es un tipo que está frustrado por un trauma muy, muy grande del pasado y tiene que poder salir adelante de esa situación de miedo, de cobardía, de parálisis en la que quedó atrapado.

—¿Creés que son tiempos de cobardía? ¿Notás ese tinte hoy en día?

—Puede ser. Está bien lo que decís, es un momento de cobardía. Pero creo que es también un momento de valentía. Creo que es lo que va a surgir a partir de todo este momento del mundo. Quiero creer, por lo menos, que es un momento para plasmar la alegría, para plasmar la valentía, para ir para adelante. Para generar ideas diferentes, disruptivas. Valentía para defender los valores que uno cree y desde el lugar que cada uno tiene. En mi caso, escribiendo, saliendo a la calle cuando hay que salir, transmitiéndole a mis hijos y a la gente que está rodeándome los valores y lo que yo creo del mundo, y tener empatía con la gente que está sufriendo, porque hay un montón de gente sufriendo.

* El viernes 14 de agosto a las 19 horas es la presentación de “Un soldado siempre está solo” en La escena del crimen (Ravignani 1187, CABA): Gueilburt en conversación con Patricia Suárez y Bruno Berman

(Fotos: Alejandra López)

El objetivo es acercar el cine nacional a públicos amplios, celebrando la diversidad y el talento detrás de las producciones mexicanas, mediante funciones, retrospectivas, actividades especiales y acceso en línea.

Durante este periodo, la capital mexicana se convierte en un escenario abierto para el cine nacional.

La programación incluye catorce títulos —tres largometrajes y once cortometrajes— seleccionados bajo el eje curatorial “los cuerpos en movimiento”, con historias que exploran la resistencia, la convivencia y la creatividad en comunidad.

Se integran obras que van del baile al deporte, así como propuestas que apuestan por la inclusión, gracias a funciones con subtítulos en Lengua de Señas Mexicana y audiodescripción.

Las funciones especiales se realizarán en las tres sedes de la Cineteca Nacional —México, de las Artes y Chapultepec— los días sábado 15 y domingo 16 de agosto, con horarios y detalles disponibles en el sitio oficial de la Cineteca.

Entre los títulos seleccionados para estas fechas destacan Moscas (2026) de Fernando Eimbcke, Juana (2025) de Daniel Giménez Cacho, Bem, un lémur en fuga (2024) de Leopoldo Aguilar, Rebeladas (2023) de Andrea Gautier y Tabatta Salinas, y Ulama: el juego de la vida y la muerte (1986) de Roberto Rochín.

En Cinema Tepito, se rendirá homenaje a la trayectoria de María Rojo con una retrospectiva que abarca desde el 15 de agosto al 5 de septiembre.

Entre los filmes seleccionados para esta muestra se encuentran El apando (1976), Idilio (1977), María de mi corazón (1979), Me llaman la Chata Aguayo (1986), El callejón de los milagros (1995) y Tespis Teporocho (2025).

Sedes y espacios participantes en CDMX

Las 66 sedes participantes en el país incluyen salas de cine independientes, cine clubs y espacios públicos.

En la Ciudad de México, los recintos principales son la Cineteca Nacional, el Centro de Capacitación Cinematográfica, la Filmoteca de la UNAM, Casa del Lago UNAM y Cinema Tepito.

Además, televisoras públicas como Canal 22 transmitirán parte de la programación, facilitando el acceso a quienes no puedan asistir de manera presencial.

El acceso a todas las funciones en las salas de la UNAM es gratuito hasta completar el aforo.

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Películas y cortometrajes en la cartelera 2026

La selección de largometrajes para este año incluye:

• Rómpete la madre (2026), dirigida por Daniela Uriza
• Breaking la vida (2022), dirigida por Abraham Escobedo-Salas
• Temporada de patos (2004), dirigida por Fernando Eimbcke (disponible en versión solo en Lengua de Señas Mexicana)

En la programación de cortometrajes, la audiencia tendrá la oportunidad de ver propuestas que exploran distintas miradas y estilos dentro del cine nacional.

Entre los títulos seleccionados para esta edición se encuentran:

• Bailes inverosímiles en cajeros automáticos nocturnos (2025), de Gustavo Hernández de Anda
• Territorio skate (2023), de Belén Guzmán Mendoza
• Hasta que el alma baile (2024), de Karla D. Oceguera
• Luces de la noche (2024), de Octavio Daniel Carreño

La programación también contempla obras con enfoque inclusivo, pensadas para públicos diversos. Entre las producciones disponibles en versión en Lengua de Señas Mexicana se encuentran:

• Tío (2021), de Juan Medina 
• Los aeronautas (2016), de León Fernández 
• Polvo de estrellas (2017), de Aldo Sotelo Lázaro 
• Cerulia (2017), de Sofía Carrillo 

Funciones en línea y actividades complementarias

El Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) ha implementado el proyecto “CCC en línea”, una ventana permanente donde cada mes se ofrecen cortometrajes de acceso gratuito a través de su canal de YouTube.

En la selección reciente figuran Cola de rata (2022) de José Armando Salomo, Tlaconete (2022) de Oriana Jiménez y Mi edad, la tuya y la edad del mundo (2021) de Fernanda Tovar.

Por su parte, la Filmoteca UNAM suma a la celebración con la proyección de El tren fantasma (1926) de Gabriel García Moreno, una joya restaurada del cine mudo mexicano, el 15 de agosto a las 18:00 horas en la sala José Revueltas del Centro Cultural Universitario.

La función contará con musicalización en vivo.

El Cinematógrafo del Chopo proyectará el clásico ¡Vámonos con Pancho Villa! (1935) de Fernando de Fuentes el 15 de agosto a las 16:00 horas, además de una selección especial de cortos y largos entre el 17 y el 21 de agosto.

Alcance nacional, acceso digital y televisión abierta

La celebración se extiende más allá de la capital: 66 sedes distribuidas en 23 entidades del país formarán parte de la programación nacional.

Estas sedes incluyen salas independientes, cine clubs y espacios públicos, llevando funciones gratuitas a distintos estados y facilitando el acceso al cine mexicano en diversas regiones.

Para quienes prefieren disfrutar de las películas desde casa, una selección se encuentra disponible de forma gratuita en la plataforma nuestrocine.mx.

Además, quince televisoras públicas en entidades como Baja California, Chiapas, Ciudad de México, Hidalgo, Jalisco, Michoacán, Nayarit, Nuevo León, Puebla, Sinaloa, Veracruz y Zacatecas transmitirán parte de la programación.

La cartelera completa con fechas, horarios y sedes puede consultarse en el sitio oficial del IMCINE.

Antonin Baudry dirigió La batalla De Gaulle, el díptico cinematográfico que se convirtió en un inesperado éxito de taquilla en Francia y que recorre, en unos 320 minutos divididos en dos partes, los años más decisivos de Charles De Gaulle (1890-1970): desde su llamado a la resistencia por las ondas de la BBC el 18 de junio de 1940 hasta su entrada triunfal en París cuatro años después. Ahora en este caluroso verano francés, la película llega en un momento en que la figura del fundador de la V República genera una unanimidad poco habitual en un país profundamente fracturado.

La primera parte, La edad de hierro, concluye en 1942. La segunda, Escribo tu nombre —título tomado del poema “Libertad” de Paul Éluard, publicado clandestinamente ese mismo año—, recorre los años 1943 y 1944. Juntas, las dos entregas abordan la caída de Francia bajo el régimen títere de Vichy, los años de la Resistencia desde Londres y el regreso victorioso del general con las tropas aliadas. La producción se apoya en la biografía Una cierta idea de Francia, del historiador británico Julian Jackson, publicada en 2018 y nunca traducida al español.

Un Don Quijote contra dos imperios

El De Gaulle que Baudry construye junto a la coguionista Bérénice Vila es un hombre solo, sin empatía, guiado por una visión y un aire quijotesco. Un militar de 49 años, desconocido para el gran público, que se niega a aceptar el armisticio que el mariscal Philippe Pétain —héroe de la Gran Guerra— se disponía a firmar con los nazis. La Francia de Vichy lo condenó a muerte y lo despojó de la nacionalidad. “Había algunas biografías, pero demasiado icónicas. Y los iconos no aportaban mucho a lo que queríamos contar”, explicó Baudry a El País. “La obra de Jackson es la de un inglés hablando del personaje más importante del siglo XX en Francia, sin referencias al hombre que moldeó la República, a la bomba nuclear o a la independencia de Argelia. Nos gustaba ese lado del David contra Goliat”.

Vila fue más explícita sobre la referencia cultural que subyace al relato: “Como Astérix y Obélix, que explican lo que es ser francés en los 60: luchar contra la hegemonía cultural romana, o sea, la estadounidense. Y ahí volvemos a encontrar un poco lo que era De Gaulle”. La película muestra, entre otros episodios, cómo Estados Unidos planeaba convertir a Francia en una suerte de protectorado tras la liberación —al que Franklin D. Roosevelt quería llamar Nueva Balonia— y cómo llegaron a imprimirse francos estadounidenses para ese fin. “Eso fue así, aunque algunos historiadores no le hayan dado importancia. ¡Yo tengo uno de esos francos!”, señaló el director.

La vigencia política de De Gaulle

La elección del momento no es casual. Francia atraviesa un año electoral en que la ultraderecha se encuentra más cerca que nunca del Palacio del Elíseo, y la figura de De Gaulle es reivindicada —con distintos grados de legitimidad, según sus biógrafos— por todos los partidos políticos. Jean-Luc Barré, autor de Devenir De Gaulle y coeditor de sus Memorias en la colección La Pléiade, rechaza esa apropiación por parte de la extrema derecha: “Ahora lo reivindican, pero es una usurpación. No es sincero. Podemos hacer decir a De Gaulle lo que queramos. Si no asumes sus valores no puedes reclamarle. A diferencia de ellos, nunca fue antisemita, reaccionario, alguien que rechazase Europa, racista… Es una impostura”, afirmó.

Julian Jackson, por su parte, señala la pertinencia del relato más allá de las fronteras francesas: “Lo que De Gaulle proponía sobre las limitaciones de la OTAN en la década de 1960 es extraordinariamente relevante en la actualidad, y ese mismo mensaje ya puede percibirse en sus conflictos con Roosevelt durante la década de 1940”. Para Baudry, la vigencia del personaje se resume en una sola idea: “Hoy sigue representando la idea de la libertad. Pero la libertad necesita la independencia y luchar contra el más fuerte. Da igual si es estadounidense o alemán… Cuando te enfrentas a alguien más poderoso que tú, tienes que estar vigilante si quieres vivir libre”.

El realizador no llegó al proyecto desde la distancia académica. Trabajó como diplomático a las órdenes de Dominique de Villepin cuando dirigía el Ministerio de Exteriores francés en 2002, y fue coautor del histórico discurso del 14 de febrero de 2003 en el que Francia expresó su oposición a la intervención militar en Irak. “La razón por la que trabajé con él fue la misma que me empujó a hacer la película. Tenía una idea clara sobre algo, y aunque ahora todo el mundo esté de acuerdo, entonces fue muy criticado por las élites francesas. Le ocurrió lo mismo a De Gaulle, a quien trataron como a un loco”, señaló.

El proyecto comenzó a tomar forma en 2015, en un contexto en que las ideas de De Gaulle sobre la soberanía francesa respecto a Estados Unidos volvían a cobrar relevancia. La película recorre también la resistencia militar francesa gestada en África de la mano del general Philippe Leclerc, y analiza elementos que, según el director, germinaron décadas después de los hechos narrados. “La pregunta ahora es: ¿estamos dispuestos a luchar? La libertad tiene un precio”, resumió Baudry.

El historiador Barré traza el arco completo del legado: “Es la única figura hoy en día que domina por encima de las demás en Francia. Es el único visionario del siglo XX. Pero fue muy atacado y discutido en su momento. Nunca su figura suscitó unanimidad. Se fue del poder perdiendo un referéndum. Le atacó la derecha y la izquierda. Hoy, por ejemplo, a todo el mundo le parece formidable que Francia tenga la bomba atómica. Pero en su momento fue muy criticado. La historia le ha dado la razón en casi todo”.

El Festival Internacional de Cine de Horror Macabro 2026 cancela la proyección de la película El Heladero, dirigida por Eli Roth, tras recibir críticas por sus declaraciones públicas sobre el conflicto en Palestina.

El anuncio responde a la presión de colectivas y personas del gremio cinematográfico que señalaron que la participación del cineasta estadounidense contradice los principios del evento, uno de los espacios más longevos del género en Ciudad de México.

¿Por qué pidieron retirar el filme?

La decisión ocurre luego de que diferentes grupos expresaron preocupación por la inclusión de Roth, conocido internacionalmente por su trabajo en Hostal y por su respaldo público a la política del gobierno de Israel.

El festival retira “El Heladero” por congruencia con sus principios

En el comunicado difundido este 10 de agosto, Macabro reconoce haber escuchado las inquietudes de la comunidad y afirma: “Es una decisión que tomamos en congruencia con los valores que han acompañado a Macabro durante estos 25 años”. El texto detalla que cada película seleccionada representa una oportunidad de diálogo con el público y el contexto en el que se presenta.

El festival enfatiza que la programación no solo busca entretener, sino también generar reflexión sobre los miedos y realidades de la sociedad.

“Seguimos celebrando el cine de horror y fantástico, y seguimos construyendo Macabro junto con nuestra comunidad”, asegura el equipo organizador en el comunicado.

Cineastas y activistas piden filtros políticos y humanos en la programación

La cancelación ocurre tras la presión de Trabajadorxs del Cine por Palestina en Instagram, quienes criticaron la decisión de proyectar la película pese al “historial público de declaraciones profundamente problemáticas en relación a las manifestaciones de odio que tiene este director respecto al pueblo palestino”.

En su publicación del 10 de agosto, el colectivo señala: “Exigimos que asuman responsabilidad, reconsideren su decisión y retiren la película de su programación y distribución”. Además, instan a Diamond Films México, distribuidora de la cinta, a tomar la misma medida.

Las y los trabajadores del gremio advierten que estos posicionamientos deben estar presentes desde la selección de cada título.

“Como comunidad artística no podemos dejar pasar a directores como estos sin un filtro político y humano, mucho antes de lanzar convocatorias promocionándoles”, afirman en la publicación de Instagram.

El debate sobre responsabilidad en festivales y distribuidoras

El retiro de El Heladero del festival abre el debate sobre la responsabilidad ética y política en la programación de festivales de cine y en las decisiones de las distribuidoras.

Colectivas como Cine por Palestina demandan que estas medidas no sean reacciones tardías, sino filtros previos: “Creemos en la lucha y en reconocer nuestros errores, pero como comunidad artística no podemos dejar pasar a directores como estos sin un filtro político y humano, mucho antes de lanzar convocatorias promocionándoles”.

Hasta el cierre de esta nota, Diamond Films México no ha emitido un pronunciamiento sobre la petición de retirar la película de su programación. El caso pone en el centro la exigencia de congruencia entre los principios declarados por festivales y sus acciones ante figuras señaladas por discursos de odio.

Con el paso de los años, la trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson ha pasado a ser considerada como una de las mejores sagas cinematográficas de aventuras y fantasía de todos los tiempos. La adaptación del clásico de J. R. R. Tolkien se convirtió en un hito para la gran pantalla, elevando a personajes como Frodo, Aragorn, Gollum o Gandalf a iconos culturales todavía muy recordados, al margen de otras películas o series que hayan podido hacerse sobre la Tierra Media.

Esto ha hecho que las tres películas hayan sido analizadas por los fans hasta el más mínimo detalle, conscientes del gusto de Peter Jackson por hacer pequeños guiños a sus seguidores. Muchos de estos guiños son cameos del propio equipo de la película (el propio cineasta aparece en más de una ocasión), entre los que destaca una breve aparición de apenas un segundo de una figura clave de la saga de la que muchos aficionados no se han dado cuenta.

Esta breve aparición tiene lugar en la versión extendida de El señor de los anillos: El retorno del rey, en la secuencia que recrea el banquete de Edoras, una gran fiesta en el palacio del rey Théoden de Rohan. En el minuto 19:32 de la película, si el espectador presta atención, puede ver a Howard Shore interpretando a uno de los guardias. Para quien no le suene el nombre, se trata del principal responsable de la banda sonora de las tres películas, un trabajo memorable por el que fue reconocido por el propio equipo con este homenaje silencioso.

La contribución de Howard Shore a las películas de Peter Jackson

Antes de embarcarse en la Tierra Media, Howard Shore ya había dejado huella en la música cinematográfica. Fue el primer director musical de Saturday Night Live y colaboró en películas como Señora Doubtfire de Chris Columbus, Seven de David Fincher y El silencio de los corderos de Jonathan Demme. Con ese pedigrí llegó a su colaboración con Peter Jackson, quien le explicó la idea que tenía en mente para que elaborara una partitura a la altura. “No pensé en tres películas, sino en una ópera dividida en tres actos”, confesaría más adelante.

Así, el compositor aplicó la técnica del leitmotiv wagneriano, creando más de 90 temas musicales asociados a personajes y lugares, que evolucionan y se entrelazan a lo largo del relato. Shore compuso más de 12 horas de música original, transformando la narrativa literaria de J. R. R. Tolkien en una experiencia musical sin precedentes en la que participaron la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda y coros tanto infantiles como adultos. Además, insistió en la autenticidad lingüística al trabajar con el lingüista David Salo para traducir los textos corales a sindarin, quenya y otras lenguas ficticias creadas por Tolkien.

Tras todo ese trabajo, Howard Shore no solo fue galardonado con tres premios Óscar por su labor en la trilogía (dos por Mejor Banda Sonora y uno por Mejor Canción Original con Into the West, interpretada por Annie Lennox), sino que también recibió cuatro premios Grammy y tres Globos de Oro. Por si fuera poco, su obra fue adaptada en La Sinfonía de El señor de los anillos, la cual sigue sonando a día de hoy en salas de concierto de todo el mundo.

Han pasado casi 30 años desde que se publicó Harry Potter y la piedra filosofal, primera parte de la famosa saga literaria. Una década más tarde, en 2007, llegaría el séptimo y último libro, al que seguiría también la conclusión de su adaptación cinematográfica en 2011. Pero, a pesar del tiempo transcurrido desde entonces, el mundo mágico de J. K. Rowling sigue teniendo una gran masa de fans dispuestos a no dejar que ni la historia ni los personajes sean ‘barridos’ por la realidad.

El apego de esta comunidad al universo de Harry Potter ha quedado patente después de que esta consiguiera reubicar un interconector sumarino y subterráneo de 200 kilómetros cuya instalación se había planeado cerca de la playa de Freshwater West, en Gales. Este sitio es conocido por los fans como la “tumba” de Dobby, personaje que fallece en Las Reliquias de la Muerte (séptimo libro y séptima película) y que era uno de los más queridos por los seguidores de la historia tras su aparición en La Cámara de los Secretos.

Tras saberse el destino del cable de alta tensión, proyecto valorado en 430 millones de libras (más de 500 millones de euros), la empresa responsable, Greenlink, empezó a recibir una gran cantidad de llamadas y mensajes de aficionados preocupados. Así lo recordaba el director de la iniciativa, Simon Ludlam, en una reciente entrevista para el pódcast Energy Revolution: “Un colega me dijo: ‘Por lo visto, vamos a pasar directamente por la tumba de Dobby’. Le dije: ‘Dobby, ¿quién es Dobby? No conozco a Dobby’. Me respondió que era muy, muy serio".

Su nueva ubicación, cerca de un posible asentamiento prehistórico

La presión recibida fue tal que la empresa contrató entonces a planificadores para encontrar una ruta alternativa que evitara el memorial, colocado en noviembre de 2010 en la misma playa donde se había rodado la escena de la película. La modificación del trazado ha generado satisfacción entre los fans y permitió avanzar con la obra, pero su nueva ubicación también podría dar que hablar: el cable se puso cerca de un yacimiento de la Edad de Bronce. “Nos acercamos bastante a algunos restos reales, pero evitamos la tumba de Dobby”, razona Ludlam.

Entre los elementos prehistóricos que se han encontrado en la zona hay un recipiente de cerámica de casi 4.000 años de antigüedad “típicamente asociado a entierros humanos”, tal y como detalla un estudio perteneciente al año 2020. Además, también se encontraron lo que se cree que son fosas funerarias y lo que podría ser una franja de conchas que podrían ser algún tipo de asentamiento humano, entre otros restos. Sin embargo, lo cierto es que la empresa se comprometió a respetar este yacimiento. “Mucha gente se alegró mucho, el proyecto sigue adelante y Dobby está contento”.

El cable de Greenlink está diseñado para compartir energía entre la red eléctrica británica y su equivalente irlandesa, con una capacidad suficiente para suministrar energía a 380.000 hogares. “Tendemos el cable en el lecho marino, pero a medida que nos acercamos a la costa galesa debemos tener cuidado, debido al peligro de que haya munición sin explotar en el fondo del mar”, explicaba a la BBC en 2018 el ingeniero Norman Macleod. Por su parte, los fans de Harry Potter han seguido visitando la tumba de Dobby todos estos años con el visto bueno del propietario del terreno que, eso sí, pidió respeto por la zona, ecológicamente vulnerable.

La industria cinematográfica registró un nuevo hito con el estreno de Spider-Man: Brand New Day, que logró superar los 1.000 millones de dólares en recaudación internacional en solo 12 días, consolidándose como la segunda película más rápida en alcanzar esa cifra a nivel mundial, según cifras oficiales reportadas por Sony Pictures y Marvel Studios. El resultado impacta directamente a los principales mercados del cine global, con un efecto considerable en la competencia de los estudios y la dinámica de estrenos en Estados Unidos y el resto del mundo, de acuerdo con datos difundidos entre el 9 y el 11 de agosto de 2026.

La información, confirmada por agencias como Associated Press y medios como USA Today y Forbes, detalla que el filme protagonizado por Tom Holland y dirigido por Destin Daniel Cretton sumó 654 millones de dólares en la taquilla doméstica de Estados Unidos y Canadá, y poco más de 1.010 millones en mercados internacionales, para un total global de aproximadamente 1.664 millones de dólares. La distribuidora Sony Pictures Releasing precisó que el lanzamiento se realizó el 31 de julio en 4.487 salas, con una apertura doméstica de 360 millones de dólares, la más alta para la franquicia en ese territorio.

El estreno de Spider-Man: Brand New Day ocurre en un contexto de creciente interés por los lanzamientos de superhéroes y franquicias de alto presupuesto, tras el éxito previo de otros títulos del universo Marvel y la expectativa generada por los estudios en torno a las cifras de taquilla. El desempeño de la cinta se compara con precedentes como Avengers: Endgame y Spider-Man: No Way Home, así como con producciones recientes de otros estudios que han buscado liderar la taquilla internacional durante la temporada estival.

¿Cuánto ha recaudado Spider-Man: Brand New Day en todo el mundo?

De acuerdo con datos publicados por Box Office Mojo, Spider-Man: Brand New Day recaudó 654.342.914 dólares en Estados Unidos y Canadá, lo que representa el 39,3% de su taquilla global. La recaudación internacional alcanzó los 1.010 millones de dólares, equivalentes al 60,7% del total. El lanzamiento internacional incluyó 67 mercados y más de 72.800 pantallas.

El filme se convirtió en el decimosegundo más taquillero de la historia a nivel mundial sin ajustar por inflación, y fue el segundo más rápido en superar los mil millones de dólares, solo detrás de Avengers: Endgame, según Washington Times y USA Today. El segundo fin de semana doméstico sumó 145 millones de dólares, la tercera mejor cifra histórica para ese periodo, de acuerdo con Forbes. Al cierre del segundo fin de semana, la suma global llegó a los 1.664 millones de dólares, una cifra que lo posiciona como uno de los lanzamientos más exitosos de la década.

¿Por qué Spider-Man: Brand New Day se convirtió en un fenómeno de taquilla?

La estrategia de Sony Pictures y Marvel Studios incluyó estrenos simultáneos en mercados clave, el uso de pantallas premium y la comercialización en formatos avanzados como IMAX y 4DX. Según Forbes, estos formatos generaron el 16% de la recaudación en China y el 18% en Japón durante el primer fin de semana. En Corea del Sur, la cinta recaudó 2,4 millones en IMAX, el mayor monto en ese formato para ese país.

En declaraciones recogidas por Associated Press, analistas del sector estiman que la participación de Tom Holland y la continuidad narrativa con entregas previas de la saga motivaron un alto interés en múltiples franjas etarias. Además, la ausencia de estrenos rivales de gran magnitud durante el mismo periodo favoreció la concentración de espectadores en las salas dedicadas a franquicias de superhéroes.

¿Cómo fue el desempeño de Spider-Man: Brand New Day en Estados Unidos?

En el mercado estadounidense, Spider-Man: Brand New Day se posicionó como la película con la apertura más alta para la franquicia, al alcanzar 360 millones de dólares en su primer fin de semana, según cifras reportadas por Box Office Mojo. El acumulado doméstico de 654 millones de dólares en diez días representa el récord histórico para ese periodo, de acuerdo con USA Today.

El segundo fin de semana de exhibición sumó 145 millones de dólares, ubicándose como la tercera mayor recaudación para ese lapso, detrás de Star Wars: The Force Awakens y Avengers: Endgame. Las ventas en Norteamérica representaron el 39% del total global, lo que confirma la vigencia del mercado estadounidense como principal motor de la industria para este tipo de producciones.

El comportamiento de la audiencia en Estados Unidos también estuvo marcado por una alta asistencia a funciones en formatos especiales, con una ocupación relevante en horarios de tarde y noche los fines de semana, según Forbes. La película fue proyectada en 4.487 salas, la mayor cobertura para un estreno de la franquicia, lo que facilitó un acceso masivo en todo el país.

¿En qué países tuvo mayor éxito la película fuera de Estados Unidos?

Según reportes de USA Today, Spider-Man: Brand New Day tuvo un impacto robusto en Asia, América Latina y Europa. En China, la película recaudó 29,1 millones de dólares en el segundo fin de semana, con un acumulado de 186,7 millones, y en Brasil alcanzó un total de 46,9 millones, convirtiéndose en el mayor estreno de la historia para ese país. En India, el filme llegó a 52,8 millones, el máximo histórico para una producción de Hollywood en ese territorio. España, Italia y Perú también reportaron cifras sin precedentes para la franquicia y el género de superhéroes.

En mercados europeos, como el Reino Unido y Francia, la película mantuvo el liderazgo en taquilla durante dos semanas consecutivas, con acumulados de 87,6 millones y 50,2 millones de dólares, respectivamente. En México, el filme igualó las cifras históricas de Avengers: Endgame y Spider-Man: No Way Home, consolidando la preferencia del público latinoamericano por las producciones de Marvel.

¿Qué récords rompió Spider-Man: Brand New Day en su estreno?

El filme dirigido por Destin Daniel Cretton se convirtió en la segunda película más rápida en alcanzar los mil millones de dólares a nivel mundial, solo superada por Avengers: Endgame, según Washington Times y Forbes. Estableció el récord de mayor recaudación acumulada en los primeros diez días de estreno en Estados Unidos, con 654 millones, y la tercera cifra más alta para un segundo fin de semana en la historia de la taquilla estadounidense.

En Brasil, la película superó en un 40% la recaudación de Spider-Man: No Way Home y en un 4% la de Avengers: Endgame. En España, la diferencia fue del 81% respecto a la entrega previa y del 17% frente al récord de la saga de los Vengadores. En India y Perú, los resultados marcaron un antes y un después para los lanzamientos internacionales de Marvel Studios en esos mercados.

¿Cómo afecta el éxito de Spider-Man: Brand New Day a la industria del cine?

El desempeño de Spider-Man: Brand New Day refuerza el dominio de las grandes franquicias estadounidenses en la taquilla global y consolida a Sony Pictures y Marvel Studios como líderes en la producción de sagas internacionales. Según analistas consultados por Associated Press, el resultado podría acelerar el desarrollo de nuevas entregas, secuelas y proyectos derivados en el universo cinematográfico de Marvel.

El impacto financiero y comercial del filme modifica las expectativas de los estudios y redefine la asignación de recursos para los próximos estrenos, especialmente en la temporada de verano. La estrategia de ocupación de pantallas y la priorización de formatos premium podrían convertirse en el estándar para las producciones de alto presupuesto, de acuerdo con reportes de Forbes.

¿Qué se puede esperar tras el éxito de Spider-Man: Brand New Day?

El filme mantiene su proyección de crecimiento y podría acercarse a los dos mil millones de dólares en las próximas semanas, según estimaciones de USA Today y Box Office Mojo. Los reportes de taquilla de la segunda mitad de agosto determinarán si la película logra escalar posiciones en el ranking histórico, mientras los estudios rivales ajustan sus calendarios de lanzamiento y estrategias de marketing ante el nuevo escenario.

Las cifras alcanzadas influyen en la planificación de futuros estrenos de superhéroes y franquicias, mientras el público global responde con una asistencia sostenida a las salas. La industria seguirá de cerca la evolución de la recaudación, así como las decisiones que adopten Sony Pictures y Marvel Studios respecto a la continuidad y expansión del universo de Spider-Man.

Mientras recorría los pasillos del hotel ficticio Overlook ante las cámaras, el actor equilibraba largas jornadas de grabación con una vida nocturna agitada en Londres, enfrentando una rutina que a menudo lo ponía al límite.

Un ciclo extenuante de trabajo y vida nocturna

Durante el rodaje de El resplandor, Jack Nicholson quedó envuelto en un ritmo vertiginoso. Sus días transcurrían entre largas horas en el set y noches intensas en Londres.

El propio actor describió su rutina de ese periodo: “Trabajaba doce horas en la película, salía de fiesta durante ocho horas, dormía cuatro y volvía a empezar de nuevo al día siguiente”.

Semana tras semana, Nicholson sostuvo ese ciclo, donde el cansancio se instaló como parte de su vida cotidiana y la frontera entre trabajo y ocio prácticamente desapareció.

El propio Nicholson resumió esa etapa de Londres con una frase contundente recuperada por SensaCine: “Estaba decidido a reducirlo todo a cenizas, noche tras noche”. La combinación de jornadas maratónicas y descanso insuficiente marcó no solo el tono del rodaje, sino también la construcción de uno de los personajes más recordados de su filmografía.

La presión de un director perfeccionista

La presencia de Stanley Kubrick en el set imponía un ritmo singular. El cineasta, conocido por su búsqueda incesante de la toma perfecta, exigía a sus actores un nivel de entrega poco habitual en la industria.

Algunas escenas requerían hasta 50 repeticiones, en un intento por capturar matices específicos de cada interpretación. Esta metodología intensificó la presión sobre el elenco y el equipo técnico.

Durante la filmación, Kubrick y Nicholson sostuvieron discusiones creativas sobre el desarrollo de Jack Torrance. El actor optó por confiar en el enfoque del director, convencido de que el proceso experimental era parte integral de la visión de Kubrick. La relación profesional entre ambos se caracterizó por una búsqueda constante de nuevos enfoques para cada escena.

El desafío de sostener el personaje bajo presión

Interpretar a Jack Torrance implicó para Nicholson recorrer un territorio emocional exigente y, al mismo tiempo, mantener el ritmo de trabajo y vida nocturna.

Las largas horas bajo las luces del set, sumadas al desgaste acumulado por la falta de sueño, obligaron al actor a buscar nuevas formas de mantenerse concentrado y enérgico. La atmósfera del rodaje, marcada por el perfeccionismo de Kubrick, influyó directamente en la intensidad de la actuación.

A pesar de las dificultades, la interpretación de Nicholson en El resplandor logró trascender las circunstancias adversas. El propio actor reconoció en entrevistas posteriores que ese periodo fue uno de los más exigentes de su carrera, pero también el que le permitió explorar registros poco habituales en su trayectoria.

Un rodaje que dejó huella

La experiencia de El resplandor se convirtió en una referencia no solo por el resultado en pantalla, sino por las condiciones extremas en las que se desarrolló. Las anécdotas sobre la rutina de Nicholson y la meticulosidad de Kubrick alimentan hasta hoy el mito del rodaje. El proceso, continúa siendo objeto de análisis por parte de especialistas y fanáticos del cine.

Décadas después, el trabajo conjunto de Nicholson y Kubrick en Londres sigue siendo un ejemplo de la relación entre exigencia, resistencia y arte cinematográfico. La película permanece como uno de los grandes hitos del cine de terror y la historia detrás de su creación mantiene vivo el interés sobre lo que ocurre fuera de plano.

Según un reporte de Men’s Health España, Pitt recordó que la preparación para encarnar al guerrero griego alteró por completo su rutina, desde el entrenamiento hasta la alimentación y los hábitos personales.

El valor actual de esa confesión no está solo en la trastienda de una superproducción, sino en lo que revela sobre un patrón consolidado en la industria.

Los grandes papeles de acción convirtieron el cuerpo de los protagonistas en parte del espectáculo y, con eso, instalaron exigencias físicas que muchas veces se presentan como prueba de compromiso profesional, aunque impliquen niveles de desgaste difíciles de sostener.

Proceso de entrenamiento y dieta bajo la guía de Duffy Gaver

De acuerdo con el medio, Pitt asumió el papel con la obligación de construir una figura capaz de transmitir fuerza, velocidad y precisión en pantalla.

Para eso trabajó con Duffy Gaver, exintegrante de los Navy SEAL y entrenador asociado a preparaciones físicas de alto nivel. El esquema, según el medio, no apuntó solo a la apariencia, sino también a un rendimiento que volviera creíbles las escenas de combate.

El actor entrenaba cerca de dos horas por día con una rutina orientada a fuerza, agilidad y resistencia. La lógica del plan se alejaba del fisicoculturismo clásico y buscaba un cuerpo funcional para la acción. Esa preparación incluyó también cambios fuera del gimnasio.

Pitt dejó de fumar, reorganizó sus horarios y sostuvo una disciplina diaria que convirtió la construcción del personaje en una actividad central de su vida.

La alimentación siguió la misma línea. El reporte indica que el plan priorizaba proteínas y reducía al mínimo los hidratos de carbono, sin margen para desvíos frecuentes. Pitt explicó que el objetivo era llevar el cuerpo al límite de lo que el papel requería.

“Se supone que Aquiles es el mejor guerrero de todos los tiempos; tenía que poner mi cuerpo en forma y perfecto. Así que cambié mi vida por completo”, afirmó el actor en declaraciones citadas por el medio.

Desgaste físico y mental sufrido durante el rodaje

El punto más significativo del testimonio aparece cuando Pitt se aleja del resultado visual y describe el costo del proceso. El problema no era solo la exigencia de cada jornada de entrenamiento, sino la necesidad de repetir esa rutina durante meses sin interrupciones.

Ahí la transformación dejó de ser un objetivo físico puntual y pasó a convertirse en una forma de vida regida por horarios, restricciones y control permanente.

“Hubo días en los que simplemente no quería levantar una pesa más”, contó el actor, según el medio español. En otra de las citas reproducidas, definió esa etapa como “un trabajo de 24 horas al día, los 7 días de la semana”.

La frase resume el núcleo informativo de la historia: no se trató únicamente de una preparación intensa, sino de una exigencia absorbente que ocupó cada aspecto de la rutina.

Ese tipo de relato encaja con una tendencia más amplia del cine de acción. En las últimas dos décadas, las transformaciones físicas de actores para papeles de guerreros, superhéroes o peleadores pasaron a ser parte central de la narrativa promocional de las películas.

Rutinas extremas, dietas estrictas y cambios corporales acelerados dejaron de circular como dato secundario y se integraron al marketing de cada estreno. La experiencia de Pitt, vista con distancia, muestra el reverso de ese fenómeno.

Confesión de Brad Pitt sobre las dificultades y su reacción tras finalizar el rodaje

La dimensión más reveladora del recuerdo aparece en la reacción posterior al rodaje. Pitt contó que, cuando terminó Troya, el agotamiento era tal que abandonó de inmediato la lógica que había sostenido durante la preparación. “Miras el resultado y dices: ‘Vale, me veo genial’. Pero el proceso fue brutal”, señaló. La frase corre el foco desde la imagen final hacia el costo de producirla.

El actor también relató cómo cortó de manera abrupta con esa disciplina. “Lo primero que hice al terminar fue ir a comprar una hamburguesa y volver a fumar”, recordó, en una escena que el medio español destacó como síntesis del hartazgo acumulado.

Más que una anécdota de color, esa reacción funciona como indicador del límite entre el cuerpo exigido por una superproducción y la imposibilidad de sostenerlo en la vida cotidiana.

A más de 20 años del estreno, la confesión vuelve a circular en un contexto distinto al de 2004. Las exigencias físicas de la industria hoy reciben más atención pública, y los testimonios sobre dietas extremas o entrenamientos extenuantes ya no se leen solo como curiosidades de rodaje.

En ese marco, el caso de Brad Pitt deja de ser apenas un recuerdo sobre Aquiles y ofrece una entrada más amplia a un debate persistente en Hollywood: cuánto cuesta construir, para la pantalla, un ideal físico que luego resulta inviable fuera del set.

Memorex + Rexsexex y Más llega a las salas de Cinemex el próximo 17 de septiembre, cuando la banda mexicana Zoé estrene el concert film que documenta su serie de conciertos sold out en el Estadio GNP Seguros, con venta de boletos a partir del 20 de agosto.

El filme, dirigido por Rodrigo Guardiola y producido por Olmo Guerra, no es solo un registro de actuaciones en vivo. Combina la intensidad de las noches en el estadio con fragmentos íntimos del proceso creativo de la banda y las reacciones del público, construyendo un retrato que va más allá del espectáculo.

La proyección será exclusiva para la cadena Cinemex a nivel nacional. Jerónimo Sánchez, subdirector de Distribución y Contenido de la cadena, adelantó que el proyecto cuenta con el respaldo de Universal Music y Seitrack: “Será una experiencia colectiva e irrepetible con un sonido e imagen que solo el cine puede ofrecer”.

Zoé agotó seis fechas en el Estadio GNP

La serie de conciertos que da origen al filme se convirtió en uno de los hitos del rock latinoamericano reciente. La banda agotó seis fechas consecutivas en el Estadio GNP Seguros, convocando a públicos de distintas generaciones en cada una de ellas.

El concert film recoge esa capacidad de convocatoria y la traslada a la pantalla grande, donde el formato permite una experiencia audiovisual que el streaming no replica. La propuesta también funciona como apertura de una nueva etapa para el grupo, que busca extender su presencia más allá de los escenarios.

Paralelo al anuncio del estreno en cines, Zoé lanzó 011025, álbum en vivo ya disponible en todas las plataformas digitales. El material reúne 27 canciones grabadas durante el espectáculo y preserva la energía de esas noches en formato de audio.

El disco completa una celebración que comenzó en el estadio, continúa en las plataformas y culminará en las salas de cine.

De Cuernavaca al Grammy: los inicios de Zoé

La banda se formó en Cuernavaca, Morelos, a mediados de los años noventa. León Larregui y Sergio Acosta fueron los primeros en coincidir, y hacia 1997 quedó establecida la alineación definitiva con Jesús Báez en teclados, Ángel Mosqueda en bajo y Rodrigo Guardiola en batería.

En los primeros años, Zoé tocó en bares de su ciudad natal sin cobrar más que comida y cervezas. Para darse a conocer, distribuyó copias en casete y CD de su Demo Olmos entre managers y disqueras del entonces Distrito Federal. Larregui llegó a trabajar como modelo para costear el equipo de grabación.

El grupo tomó su nombre de la hermana de la exnovia de Acosta. En aquella época, las bandas de rock solían tener nombres largos; el de ellos era deliberadamente corto. En griego antiguo, zoe significa “vida”.

En 2001 lanzaron su primer álbum de manera independiente. Sony Music lo distribuyó a nivel nacional, aunque la relación con la disquera terminó pronto. Después pasaron por Noiselab y EMI Music antes de consolidarse en el mercado.

Rocanlover y Memo Rex, los discos que los lanzaron

El salto definitivo llegó con Rocanlover en 2003, producido por Phil Vinall, quien había trabajado con Placebo y Pulp. Canciones como “Rocanlover”, “Love” y “Veneno” se volvieron referentes del rock en español.

En 2006, Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea debutó en el número 1 de ventas en México. “Vía Láctea” fue el primer sencillo y terminó por consagrar a la banda a nivel continental.

La discografía de Zoé suma siete álbumes de estudio y múltiples reconocimientos, entre ellos un Grammy de la Academia norteamericana en 2019 por Aztlán en la categoría de mejor álbum de rock latino, urbano o alternativo, además de dos Grammy Latinos en 2011.

El Festival Macabro FICH llega a su edición 25 del 12 al 23 de agosto de 2026 con una programación que desborda los límites del cine de terror: 20 sedes en la Ciudad de México, más de 60 cortometrajes nacionales e internacionales, una primera incursión en los videojuegos y una jornada dedicada a la inteligencia artificial aplicada al género.

Para esta edición se exhibirán un total de 137 filmes, 53 largometrajes, 24 estrenos mundiales, 2 estrenos latinoamericanos/norteamericanos, 6 estrenos mundiales, 84 cortometrajes, 29 películas mexicanas, 7 instituciones aliadas y 25 países participantes.

“Una historia de encuentros, de películas espeluznantes, de momentos inolvidables y de todos los que han hecho del cine de horror un lugar para volver una y otra vez”, anunció el festival a través de sus redes sociales.

Inauguración en el Teatro de la Ciudad

La inauguración ocurre en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” con Gaua, el tercer largometraje del director vasco Paul Urkijo. La cinta reconstruye la cacería de brujas en el País Vasco del siglo XVII a través de Kattalin, una mujer que huye hacia el bosque tras una vida de opresión y encuentra criaturas de la mitología vasca. Gaua llega con tres nominaciones en los Premios Goya: Mejor diseño de vestuario, Mejor maquillaje y peluquería, y Mejores efectos especiales.

Urkijo construyó su carrera dentro del cine fantástico y de terror folclórico desde Errementari en 2017. Su segundo largometraje, Irati, fue nominado en los Goya por Mejor guión adaptado y compitió en el Festival de Sitges por Mejor Película.

Estrenos, clásicos y una noche de true crime

El clásico español ¿Quién puede matar a un niño?, del director Narciso Ibáñez Serrador, regresa a la pantalla en función única el miércoles 19 de agosto en la Cineteca Nacional México, en colaboración con el Festival Caostica. La película cumple 50 años y narra la historia de una pareja inglesa que llega a un pueblo cuyos únicos habitantes son niños que los observan en silencio.

El martes 18 de agosto, el Museo Casa de Carranza recibe la primera Noche del True Crime del festival, con entrada libre. La apertura es Altona, debut cinematográfico de los hermanos Affolter, que combina animación con testimonios sobre un ataque que devastó a una comunidad.

La jornada del 20 de agosto en el Centro de Cultura Digital propone una masterclass del cineasta español José Texeira, la exhibición de Memoria Lacerada —segunda película del director mexicano Lex Ortega realizada con inteligencia artificial— y el cortometraje Margoth et Kassandra del también mexicano León Landazuri. La entrada es libre.

Por primera vez en su historia, MACABRO FICH presenta una selección de ocho videojuegos independientes de horror en la Feria Geek, con el apoyo de Asus y Masamune. Los títulos incluyen Call of the Elder Gods, Welcome to Elderfield, Neve, Ground Zero, Grime II, Luna Abyss II, Hordes of Hunger y Subversive Memories, este último inspirado en los survival horror de la generación PlayStation 1.

25 carteles y un libro para documentar un cuarto de siglo

El 13 de agosto, el Museo Mexicano del Diseño —en Bucareli 35, alcaldía Cuauhtémoc— inaugura ARS MACABRA: 25 años de milagros, carteles y fetiches, exposición que reúne todos los carteles del festival desde su primera edición. Es la primera vez que el archivo gráfico completo se exhibe de forma pública y continua.

El mismo día, a las 17 horas, el Museo Casa de Carranza presenta el libro ARS MACABRA: 25 años de invocaciones, películas y monstruos, coordinado por los críticos Javier Quintanar Polanco, Alberto Acuña Navarijo y AJ Navarro. El volumen incluye fotografías de archivo, stills de películas, notas de prensa y documentos históricos, con la participación de Edna Campos, directora de MACABRO FICH.

Programación del Festival Macabro 2026

Selección Largometraje Internacional de Horror

• Adorable Humans — Anders Jon, Michael Kunov, Kasper Juhl, Michael Panduro — Dinamarca
• Camp — Avalon Fast — Canadá
• Corporate Retreat — Aaron Fisher — Estados Unidos
• Dead Eyes — Richard E. Williams — Australia
• Frankie, Maniac Woman — Pierre Tsigaridis — Estados Unidos
• Heritage — Baptist Agostini-Croce — Francia
• IAI — Zenzo Sakai — Japón
• Interior — Pascal Schuh — Alemania
• Mag Mag — Yuriyan Retriever — Japón
• Marama — Taratoa Stappard — Nueva Zelanda, Reino Unido
• Meat Kills — Martijn Smits — Países Bajos
• The Curse — Kenichi Ugana — Japón
• The Demonatrix — Aurelio Voltaire y Jeff Ferrell — Estados Unidos
• The Fence — Dmitry Davydov — Rusia
• The Ghost Game — Dong-wan Son — Corea del Sur
• The Red Mask — Ritesh Gupta — Estados Unidos
• The Theater is dead — Katherine Dudas — Estados Unidos

Selección Largometraje Iberoamericano de Horror

• Amor de madre — Luis Urquiza Mondragón — México
• Basement games — Lucio A. Rojas — Chile, Alemania
• Buffet libre — Zoe Berriatúa — España
• Covil (Beyond the nest) — Rodrigo Lages — Brasil
• Encantador — José María Cicala — Argentina
• GAUA — Paul Urkijo Alijo — España, Estados Unidos
• Insecta — Martín Florio — Estados Unidos, Uruguay
• Laberinto dos Garotos — Matheus Marchetti — Brasil
• La frecuencia Kirlian — Cristian Ponce — Argentina
• Herança de Narcisa — Clarissa Appelt, Daniel Dias — Brasil
• Historias sobrenaturales — Mauricio Corco — Chile
• Virtuosas — Cíntia Domit Bittar — Brasil
• The Whistler — Diego Velasco — Venezuela, Estados Unidos

Selección Largometraje Fantasía, Sci Fi y Thriller

• Casa 12 — Carlos Poblano Maldonado — México
• GODZILLA EN SANTA FÉ — Alexander Duré — Argentina
• Cuento siniestro — Vadir Sottelo — México
• BagWorm — Oliver Bernsen — Estados Unidos
• Body Blow — Dean Francis — Australia
• La cosa en la niebla — Chedey Reyes — España
• African Kung Fu Nazis II - Bum Bum! — Sebastian Stein, Samuel Ninja-Man Nkansah — Alemania, Ghana, Japón
• Armageddon Road — Karen Lam — Canadá
• Santa Zeta — Antonio Muñoz de Mesa — España
• The Trek — Meekaaeel Adam — Sudáfrica
• Violence — Connor Marsden — Canadá
• Remanente — Kapel Furman — Brasil
• The Arbiter — Marc Price — Reino Unido

Selección de cortometraje mexicano de horror:

• MemoNeura — México
• Cuando miras en los ojos de la bestia — México
• Año de casados — México
• Milagros — México
• Lucrecia y las brujas — México
• Curandero — México
• Reflejos Cotidianos — México
• Madre Mía — México
• Ansia — México
• Bloody Glamping — México
• Metamorfosis — México
• El brazo de don Acacio — México
• Ofrenda — México
• ¡Abre las piernas! — México, España, Suiza
• El coleccionista — MéxicoLa resiliencia — México
• Utemecatla, Semana Santa — México

Selección de cortometraje internacional de horror:

• Midnight City — Estados Unidos
• O Véu — Brasil
• Los Elegidos — Argentina, Uruguay
• Borbulha — Portugal
• Check Please — Estados Unidos
• Cosa Mala — España
• Summoned — Canadá
• A Hand to Hold — Inglaterra
• Esta Noite Minha Alma Partirá — Brasil
• Silver Anniversary — Estados Unidos
• Los murciélagos han abandonado el campanario — España
• Heirlooms — Canadá, Estados Unidos
• No es el fin del mundo — Colombia
• Open Mic — España
• The Taste of Your Scales — Canadá
• Headphones — Australia
• Pocongdorie — Países Bajos
• The Last Snow — Francia
• Forever, Liam — Venezuela, Canadá
• Obey! — Estados Unidos
• Señuelo — España
• Lick Me — Argentina, Reino Unido, Brasil
• Homonym — Inglaterra

FOCO: Tres visiones del género en el cine iberoamericano

MACABRO FICH dedica un espacio especial a tres directores que definen el cine de terror y fantasía en Iberoamérica: el argentino Demian Rugna, el vasco Paul Urkijo Alijo y la mexicano-canadiense Gigi Saul Guerrero.

Rugna construyó su carrera desde Buenos Aires con una filmografía que va de la comedia negra al horror puro. Su quinta película, Cuando acecha la maldad (2023), ganó el premio a Mejor Película en el Festival de Sitges y fue elegida la mejor cinta de terror del año por Rotten Tomatoes. El festival presenta también No sabes con quién estás hablando (2016), una parodia del cine fantástico protagonizada por dos hombres que intentan provocarle un infarto a un viejo gitano al que le deben dinero.

Urkijo Alijo lleva la mitología vasca a la pantalla grande desde Errementari (2017). Además de Gaua, su más reciente largometraje, presenta un programa de cortometrajes y la charla Mitología, espada y brujería en el cine fantástico, donde abordará conexiones entre las leyendas vascas y las mitologías maya y mexica.

Guerrero, cofundadora de Luchagore Productions, representa la fusión entre cultura mexicana, gore y crítica social. El festival exhibe Culture Shock (2019), producida por Blumhouse para Hulu, y siete de sus cortometrajes.

Sedes para el Festival Macabro 2026

• Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”
• Cineteca Nacional México
• Cineteca Nacional de las Artes
• Casa del Cine
• Cinematógrafo del Chopo
• Centro Cultural de España
• Facultad del Cine
• Biblioteca Vasconcelos
• Biblioteca de México
• Museo Panteón de San Fernando
• Museo Casa del Risco
• Centro de Cultura Digital
• Cine Villa Olímpica
• Circo Volador
• Centro Cultural Futurama
• Cine Víctor Manuel Mendoza
• FARO de Oriente
• FARO Cosmos
• Museo Mexicano del Diseño
• La plataforma nuestrocine.mx funciona como sede digital.

El Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México, MACABRO FICH, celebra 25 años de programación de género con una edición ampliada que suma funciones especiales, su primera incursión en el gaming y un día dedicado a la inteligencia artificial. La edición número 25 se realiza del 12 al 23 de agosto de 2026 en 20 sedes de la Ciudad de México, con actividades que van del cine de terror clásico a los videojuegos independientes de horror.

“¿Quién puede matar a un niño?” el clásico regresa a la pantalla 50 años después

El clásico del director español Narciso Ibáñez Serrador vuelve en colaboración con el Festival Caostica. La cinta narra la historia de Tom y Emily, una pareja inglesa que llega a un pueblo donde los únicos habitantes son niños que los observan en silencio. La función es única: miércoles 19 de agosto en la Cineteca Nacional México.

Ibáñez Serrador ya era figura del género antes del filme, con la serie televisiva Historias para no dormir y la película La residencia. El regreso de ¿Quién puede matar a un niño? a la cartelera mexicana llega avalado por su lugar en la historia de la cinematografía española de género.

La Noche del True Crime debuta en MACABRO con el documental “Altona”

Por primera vez en sus 25 años, el festival presenta una experiencia dedicada al true crime. La Noche del True Crime arranca con Altona, el debut cinematográfico de los hermanos Affolter, que combina animación con testimonios inéditos sobre un ataque que devastó a una comunidad. La pregunta que articula el documental: ¿se puede perdonar lo que nunca olvidarás?

La cita es el martes 18 de agosto en el Museo Casa de Carranza, con entrada libre. El formato busca reflexionar sobre por qué los documentales de crímenes reales conectan con el público y qué variantes existen dentro del género.

Día IA en el Centro de Cultura Digital: cine hecho con inteligencia artificial

El 20 de agosto, el Centro de Cultura Digital alberga el primer Día IA de MACABRO FICH, con entrada libre. El programa incluye una masterclass del cineasta español José Texeira, la exhibición de Memoria Lacerada —segunda película del director mexicano Lex Ortega realizada con inteligencia artificial— y el cortometraje Margoth et Kassandra del también mexicano León Landazuri.

La jornada propone el visionado, el diálogo y la reflexión sobre los avances de esta tecnología aplicada al cine de género.

MACABRO en la Feria Geek: ocho videojuegos independientes de horror

En el marco del aniversario, MACABRO FICH cruza por primera vez hacia los videojuegos con una selección de ocho propuestas independientes de horror presentadas en la Feria Geek, con el apoyo de Asus y Masamune.

La selección incluye Call of the Elder Gods, secuela del galardonado Call of the Sea de 2020, donde los jugadores resuelven rompecabezas en primera persona desde Nueva Inglaterra hasta el desierto australiano. También figura Welcome to Elderfield, un RPG de granja con mecánicas cotidianas que esconden una ambientación perturbadora.

Neve plantea un thriller retrofuturista en el que la capitana Jasmina debe guiar a su tripulación desde una cápsula de criogenia con la ayuda de una inteligencia artificial sospechosa. Ground Zero sitúa a dos agentes —una coreana y un canadiense— en una Corea del Sur devastada por un meteorito. Grime II retoma el universo de acción de su antecesor con nuevos territorios y sistemas de combate.

Completan la selección Luna Abyss II, Hordes of Hunger y Subversive Memories, este último inspirado en los survival horror de la generación PlayStation 1, con exploración de pasillos oscuros, gestión de recursos y una linterna de pilas limitadas como único recurso contra las sombras.

Rodar en celuloide es, para una gran parte de los profesionales del cine, un sueño. La gran mayoría del sector audiovisual dejó atrás ese material hace más de diez años y todo se realiza casi íntegramente en formatos digitales. Pero muchos directores siguen creyendo que así es como se filma el cine “de verdad”, el de Steven Spielberg, Alfred Hitchcock y Billy Wilder, el de imágenes bellas y orgánicas que se convierten en arte.

Aunque ya pocos trabajan con este soporte, el uso del celuloide sigue siendo un factor de prestigio. En los años de la transición entre formatos, entre el 2000 y 2015, un 83 % de las obras más taquilleras se rodaron en celuloide y no fue hasta 2012 cuando el número de películas digitales superó a las rodadas de manera tradicional.

Dentro de sus grandes defensores destaca, sin duda, Christopher Nolan. Además de abrazar ese material durante toda su carrera, en 2008, en El caballero oscuro, comenzó a filmar algunas secuencias en IMAX (acrónimo en inglés de Image MAXimum, ‘imagen máxima’), buscando una mayor inmersión en la historia. Este proceso le llevó a rodar Oppenheimer en 65 mm, alternando el color y el blanco y negro, y el formato IMAX con el de película de gran formato.

Con La Odisea va un paso más allá: es el primer filme narrativo rodado íntegramente en IMAX 70 mm. Para poder hacerlo, IMAX tuvo que rediseñar sus propias cámaras puesto que, en su estado normal, sonaban como máquinas de coser industriales y esto hacía imposible poder captar los diálogos de los actores.

Solo hay 41 salas en todo el mundo que pueden proyectar La Odisea en IMAX 70 mm a pantalla completa. El resto de los espectadores la verá en celuloide de 35 mm o 70 mm, IMAX digital o en digital estándar. ¿Cómo cambia esto la experiencia al sumergirnos en la película?

Un fotograma puede tener muchas formas

Imaginemos que fotografiamos una misma imagen con el móvil, pero primero lo hacemos en horizontal y luego en vertical. Lo que hay delante de la cámara no cambia, pero la ventana a través de la cual lo vemos es diferente. En el modo panorámico captamos más información a los lados y menos por arriba. En vertical, encaja mejor la figura humana pero nos perdemos el paisaje.

Esto es lo que en cine conocemos como “relación de aspecto”: la proporción entre el ancho y el alto del fotograma. Es un concepto distinto al del soporte (celuloide o digital) o de la resolución, aunque los tres suelen estar vinculados.

La televisión de casa tiene una proporción de 16:9. El formato IMAX tiene una proporción de 1.43:1, casi cuadrada. Se capta sobre una tira horizontal de película, donde cada fotograma ocupa 15 perforaciones. Este es el negativo más grande que existe hoy en día para cine comercial, lo que implica mayor nitidez, detalle y calidad, porque incluye más información.

El resto de versiones recortan este formato original. El IMAX digital la reduce a 1.90:1; el Dolby Cinema la presenta en 2.39:1 o 1.85:1 según la sala; y la copia en 35 mm anamórfico (la más habitual) se proyecta en un rectángulo mucho más panorámico, de 2.39:1. Hablamos, en todos estos casos, de la relación de aspecto. En el formato 70 mm sin IMAX (posibilidad que se ofrece en algunos cines) también se pierden detalles en las partes superior e inferior de la imagen, pero la copia mantiene la textura de la grabación original en celuloide.

Volviendo al tamaño, cuanto más se aleja del 1.43:1 original, más información se pierde por arriba y por abajo, hasta recortar un tercio de lo que captó originalmente la cámara. El ancho de la escena no cambia, el recorte sólo afecta al eje vertical. El lector que lo desee puede consultar la comparativa ofrecida por la propia página de la película.

Se pierde, sobre todo, información de la periferia de la imagen, como techos y cielos. Estos son los espacios por los que circulan los personajes y que nos permiten sentirnos inmersos en su mundo. Lo que normalmente no se pierde, si el director ha trabajado bien el encuadre, son los elementos narrativos centrales –los rostros, los gestos, la acción principal–, porque estos suelen situarse en la zona que sobrevive a cualquier recorte.

La crítica especializada que ha comparado las distintas copias de La Odisea coincide en que la experiencia no cambia tanto como cabría esperar. La versión en 35 mm recorta la imagen y aumenta ligeramente su textura, pero el relato sigue llegando con la misma claridad en todos los formatos.

Esto puede deberse a que Nolan y su director de fotografía, Hoyte van Hoytema, han tenido en cuenta cómo se recortará la imagen en sus diferentes versiones para que ningún elemento fundamental quede fuera.

¿Para qué?

Sin embargo, esto a su vez plantea una nueva duda. Si el resultado final es tan parecido en cualquier sala: ¿por qué filmar en un formato mucho más caro que casi nadie podrá disfrutar al completo?

La respuesta procede, en parte, de la historia del cine y, en parte, de la estrategia del propio director.

Los grandes formatos han funcionado tradicionalmente como una marca de prestigio, de espectacularidad dentro de la industria, y actúan como reclamo de los espectadores. El fotograma más grande permite decir que se ha rodado con el mejor formato posible, un argumento que en el cine comercial reciente ha pesado tanto como cualquier razón puramente narrativa.

A ello se suma la justificación de la inmersión: cuanto más grande y más “cuadrado” sea el fotograma, menos distancia sentirá el espectador respecto a la pantalla, que ocupa casi completamente su campo de visión.

En este caso, Christopher Nolan, además, lo usa como seña de su identidad como autor. En un mundo digital, es de los pocos que todavía mantiene las raíces del celuloide.

La Odisea resume del deseo de muchos directores de aunar la teoría sobre la pureza del formato original con un razonamiento que impulse el beneficio económico. De hecho, es su expresión más extrema hasta la fecha: una película pensada para el 1.43:1 pero fabricada, fotograma a fotograma, para sobrevivir a todos los recortes que le esperan fuera de esas 41 salas.

Fuente: The Conversation

Uma Thurman y Quentin Tarantino se conocieron en 1992, cuando el director se encontraba en pleno casting para Pulp Fiction (1994). Él era un director convertido en estrella del cine independiente tras el éxito de Reservoir Dogs, mientras ella era una joven promesa tras destacar en películas como Las aventuras del barón Munchausen o Las amistades peligrosas. Fue el cineasta quien insistió en conocer a la actriz tras ver su trabajo, lo que condujo a que se vieran en una cena donde pasaron horas hablando de la película.

Ese primer encuentro no solo dio lugar a la inolvidable interpretación de Mia Wallace (con su mítico póster y el baile junto a John Travolta), sino que inauguró una de las relaciones director-actriz más célebres de la historia del cine. Tarantino quedó fascinado por la presencia, la voz y la compostura de Uma Thurman y llegó a compararla con las grandes divas del cine, como Greta Garbo, Marlene Dietrich o Anna Karina. Por otro lado, fue precisamente rodando Pulp Fiction cuando, charlando en un bar, a ambos se les ocurrió la idea de lo que años más tarde se convertiría en Kill Bill: la historia de una novia ensangrentada que busca venganza.

Es así como surgió el segundo proyecto en el que ambos se embarcaron y que cambiaría la historia del cine de acción, al mezclar cine de serie B con artes marciales, spaghetti western y anime, y elevar la cultura pop y el pastiche posmoderno a la gran pantalla con un estilo visual difícil de olvidar. Pero, a pesar de su éxito tanto en taquilla como en crítica, Kill Bill supondría también el fin de la relación profesional entre Uma Thurman y Tarantino, precipitado tras un accidente en el rodaje que el director definiría como “el mayor error de su vida”.

El accidente que lo cambió todo

En el año 2003, mientras se encontraban en pleno rodaje de la película (que se rodó como un único filme y luego fue dividida en dos partes para su estreno en cines), Tarantino le dijo a Uma Thurman que debía conducir un coche a 65 kilómetros por hora en una carretera de tierra. La actriz no vio esta idea con buenos ojos y le pidió al cineasta que utilizaran un doble, petición por la que recibió una bronca del director, convencido de que sin ella no sería lo mismo. “Te prometo que el coche está bien. Es una carretera recta”, le aseguró él, tal y como la intérprete revelaría más adelante en una entrevista con The New York Times.

Finalmente, Uma Thurman accedió, pero durante la grabación perdió el control del vehículo y sufrió un accidente. “Sentí un dolor abrasador y pensé que no iba a volver a caminar. Cuando salí del hospital con un collarín, mis rodillas magulladas y una contusión, quise ver el coche; estaba muy enfadada. Tuve una pelea enorme con Quentin y le acusé de haber intentado matarme”. Aquel incidente supondría el fin de la confianza entre ambos, haciendo que no volvieran a trabajar juntos.

Sin embargo, pese a los años que pasaron distanciados, aquel incidente no supuso el fin de su relación. Además de mostrarse siempre un gran cariño y respeto mutuos, en 2018, Uma Thurman hizo público el vídeo del accidente en la entrevista con el citado medio, después de que el director consiguiera recuperarlo tras meses de búsqueda en los archivos. Se lo entregó a la actriz a sabiendas de que publicar el material le acarrearía duras críticas, pero fue la propia actriz quien eximió a Tarantino de haber hecho algo con mala intención. En vez de eso, la intérprete culpó directamente a los productores por el encubrimiento y destacó el valor de Tarantino al darle las pruebas para exponer la verdad.

Malta se consolidó como uno de los principales destinos europeos para grandes rodajes de cine y televisión, con más de 30 producciones anuales en cada uno de los últimos tres años y un esquema de incentivos fiscales que la posicionó entre las plazas más atractivas para estudios de Estados Unidos y Reino Unido. Según informó The Guardian, el país más pequeño de la Unión Europea recibió 36 producciones de gran escala en 2023 y repitió esa cifra en 2025.

La transformación de Malta quedó ligada a un cambio más amplio en la industria audiovisual global. De acuerdo con un reporte, las producciones ya no eligen locaciones solo por su valor visual, sino por el paquete financiero que ofrecen los países. En ese marco, la isla mediterránea pasó de ser una base ocasional para filmaciones a sostener actividad durante todo el año.

Un polo de rodajes con presencia constante

En la última década, el país ganó peso entre productores británicos y estadounidenses por su capacidad para representar escenarios diversos. En pantalla, el archipiélago sirvió como antigua Roma, el Caribe, el sur de Francia, Sicilia en los años 80 y la bahía de Pentos de Game of Thrones, según detalló The Guardian.

Entre los títulos filmados en la isla figuran Jurassic World Rebirth, Gladiator II, la adaptación de The Magic Faraway Tree y el thriller Mutiny, protagonizado por Jason Statham. También recibió producciones para televisión como Two Weeks in August y The Madame Blanc Mysteries. Enola Holmes trasladará parte de su tercera temporada a la isla, mientras que The Order, de Stephen Poliakoff, tiene previsto iniciar su rodaje principal el próximo año.

La actividad no es nueva en términos históricos. La relación entre Malta y el cine se remonta a 1925 con Sons of the Sea. Desde la década de 1970, además, la isla cuenta con dos grandes tanques de agua para escenas marítimas, una infraestructura poco frecuente en Europa y útil para producciones que requieren rodajes controlados en el mar.

Johann Grech, comisionado de cine del país, sostuvo que la industria dejó de ser estacional. “Ahora tenemos una industria que trabaja todos los días, todo el año”, afirmó en declaraciones recogidas por The Guardian. Por su parte, Adrian Wootton, director ejecutivo de la British Film Commission, señaló que, para un país europeo tan pequeño, la isla logró un desempeño superior al que su tamaño podría sugerir.

El peso de los incentivos y el impacto económico

El crecimiento del sector audiovisual maltés se explica en gran parte por los incentivos fiscales. Introdujo un sistema de reembolso en efectivo en 2005 y lo reforzó de forma sostenida en los últimos diez años. Según el productor de Napoleon y Gladiator II, se trata de “probablemente el reembolso en efectivo más generoso del mundo”.

Las 36 grandes producciones que filmaron en Malta en 2025 accedieron a un reembolso del 40%. Ese beneficio incluye, a diferencia de otros mercados competidores, gastos de personal y equipamiento llegados del exterior cuando no existe oferta local suficiente. Esa característica elevó el atractivo de la isla frente a otros destinos europeos que compiten por los mismos proyectos.

Grech anunció en junio, durante el festival Mediterrane, su intención de mejorar el modelo actual antes de su vencimiento en 2028. También planteó la búsqueda de inversión privada para construir un complejo de estudios valuado en 80 millones de euros (unos USD 92,46 millones). “Por cada euro que invertimos en el reembolso, la industria genera cuatro”, dijo al medio británico.

Las tensiones con el cine local y la vida diaria en la isla

El avance de los grandes rodajes también abrió cuestionamientos dentro del país archipiélago. Algunos críticos consideran que la apuesta estatal por atraer producciones extranjeras dejó en segundo plano al cine local.

La entidad gubernamental Malta Film Commission, concentra sus esfuerzos en captar producciones internacionales, mientras el apoyo al cine nacional recae en el consejo de las artes, que dispone de menos recursos. A diferencia de lo que ocurre en países como Estonia, el financiamiento para incentivos no tiene una contrapartida equivalente para el desarrollo de películas locales.

Las tensiones superan lo cultural. El aumento de rodajes exigió la infraestructura de Malta; cierres de calles y restricciones de estacionamiento molestan a residentes. El mes pasado, equipamiento de una filmación en La Valeta dañó una estatua de 100 años y un pedestal histórico en la plaza de San Jorge. Ese hecho generó nuevas críticas en la isla, que transformó al cine en motor económico, pero aún debate el costo local.

Nueva York entra en una de sus semanas culturales más activas con conciertos, cine, danza y arte digital distribuidos por los cinco distritos, una programación que mantiene el impulso turístico después de la final del Mundial y ofrece opciones gratuitas o de costo moderado para residentes y visitantes.

La concentración de actividades se apoya en museos, parques e instituciones culturales y permite armar recorridos para distintos presupuestos sin depender de Broadway ni de grandes recitales. La agenda también confirma un rasgo del verano local: buena parte de la oferta sale de las salas tradicionales y ocupa patios, plazas, muelles y espacios públicos.

Entre los datos que mejor describen esa escala, SummerStage realiza más de 80 conciertos gratuitos y benéficos por temporada, mientras que Movies With A View en Brooklyn Bridge Park transita su temporada número 26. A eso se suma Summer for the City, de Lincoln Center, que continúa hasta el 8 de agosto, y la serie Warm Up de MoMA PS1, que este año celebra su edición número 28.

Queens, el Bronx, Brooklyn y Manhattan reparten la actividad más buscada de la semana

Uno de los puntos centrales es Warm Up, la serie de música al aire libre de MoMA PS1 en Long Island City, Queens. La temporada 2026 se desarrolla durante seis viernes: 24 y 31 de julio, y 7, 14, 21 y 28 de agosto, siempre de 16:00 a 22:00 en el patio exterior del museo.

El ciclo se distingue por reunir artistas emergentes y propuestas experimentales internacionales en un cruce entre música electrónica, arte contemporáneo y vida nocturna. Su programación puede abarcar techno, ambient, ritmos afrocaribeños, R&B alternativo y distintas expresiones de música de baile.

No es una propuesta gratuita, aunque entra en la categoría de actividades económicas por los descuentos para estudiantes, miembros del museo y residentes de Long Island City. Los valores y la disponibilidad pueden variar según la fecha.

En Manhattan, Summer for the City convierte parte del campus de Lincoln Center en un espacio de espectáculos, talleres y encuentros públicos con actividades gratuitas y otras distribuidas mediante entradas. El jueves 30 de julio presenta al Mexican Institute of Sound y Meridian Brothers, con una combinación de electrónica, cumbia y experimentación ligada a México y Colombia, y esa misma noche suma una Silent Disco dedicada al R&B y el soul.

El sábado 1 de agosto, globalFEST reúne en The Dance Floor a la cantante caboverdiana Elida Almeida, al artista sudanés-estadounidense Sinkane y al grupo Saha Gnawa, enfocado en cruces entre jazz y sonidos del norte de África. La jornada sigue con una Silent Disco de música global.

El domingo 2 de agosto, el complejo presenta Street Dance Takeover: Beats, Battles and Breaking, una celebración de danza urbana con hip-hop, afrobeats y breaking. Ese mismo día también aparece la propuesta de la pianista y cantante Zahili Zamora, basada en raíces afrocubanas, jazz y narración musical.

SummerStage, administrado por City Parks Foundation, reparte otra parte fuerte de la agenda en parques de distintos distritos. El viernes 31 de julio, el Bronx recibe el Hip-Hop Appreciation Park Jam, encabezado por Doug E. Fresh y Funk Flex, con actuaciones de Cold Crush Brothers, T-Ski, Keni Burke y otros invitados.

El sábado 1 de agosto, el programa despliega dos citas con perfil internacional. En el Bronx, GHANAFEST-NY celebra la cultura ghanesa y su diáspora; en Central Park se presentan los argentinos Trueno y Milo J junto con la rapera dominicana J Noa en un concierto gratuito dedicado a nuevas figuras del hip-hop latino.

Ese recital concentra una de las propuestas con mayor atractivo para el público latinoamericano: vincula el crecimiento global de la música urbana en español con uno de los escenarios públicos más visibles de la ciudad. El domingo 2 de agosto, Central Park también recibe una celebración de R&B organizada por Funk Flex con intérpretes asociados a la música de las décadas de 1980 y 1990.

El cine al aire libre y los parques permiten armar jornadas completas sin grandes gastos

El cine gratuito sigue siendo una de las opciones más convocantes. El jueves 30 de julio, Movies With A View proyecta Clueless sobre el césped de Pier 1, en Brooklyn Bridge Park: el acceso comienza a las 18:00, la entrada es por orden de llegada y la función empieza al atardecer.

Antes de la película, la directora Amy Heckerling participa de una conversación pública. El ciclo continuará en agosto con títulos como Jurassic Park, Do the Right Thing y Bridesmaids.

En Bryant Park, Paramount+ Movie Nights se extiende los lunes entre el 13 de julio y el 14 de septiembre. El césped abre a las 17:00 y las películas empiezan a las 20:00; se puede ingresar con comida y manta, aunque existen restricciones para sillas, mesas y determinados materiales sobre el césped.

La ciudad también sostiene Movies Under the Stars a través de NYC Parks, con proyecciones gratuitas en parques de los cinco distritos. La cartelera incluye opciones familiares y películas recientes, aunque cada función puede modificarse o cancelarse por lluvia.

La respuesta más directa para quien busca planes baratos después del Mundial es esta: sí, Nueva York ofrece durante estos días una red amplia de actividades sin entrada o con costo moderado, repartidas entre Queens, el Bronx, Brooklyn y Manhattan, con conciertos, películas, danza, talleres y propuestas familiares casi todos los días.

Bryant Park y Brooklyn Bridge Park funcionan además como centros culturales diarios. El primero mantiene clases gratuitas de yoga, tai chi, juegos, sala de lectura al aire libre y actividades artísticas, además de 24 noches de música, danza, circo y teatro dentro de Picnic Performances entre mayo y septiembre.

El parque de Brooklyn suma kayak, actividades ambientales, recorridos educativos, ejercicio, encuentros musicales y un calendario de fin de julio con observación de plancton y ostras, clases físicas, navegación y actividades para adolescentes. Esa combinación permite organizar una tarde de actividad física o educativa y cerrar con un pícnic y una película sin comprar varias entradas.

Las exhibiciones inmersivas ofrecen refugio ante calor, humo o tormentas

La agenda no depende solo de actividades exteriores. En el espacio subterráneo de ARTECHOUSE NYC, debajo de Chelsea Market, se presenta Blooming Wonders, una instalación con proyecciones de alta resolución, imágenes florales, movimiento e interacción digital que transforma la sala en un jardín virtual envolvente.

En horario nocturno, el mismo espacio ofrece SUBMERGE: Beyond the Render hasta el 31 de agosto, con pantalla panorámica, sonido inmersivo y obras producidas por diseñadores y artistas digitales internacionales. Son experiencias pagas, por lo que encajan como opciones de costo moderado y no como actividades gratuitas.

La programación de esta semana también exhibe una fuerte descentralización geográfica y cultural: Queens concentra electrónica y arte contemporáneo; el Bronx recupera la historia del hip-hop y celebra diásporas africanas; Brooklyn convierte su costa en sala de cine; Manhattan reúne música latina, danza internacional y festivales en parques. Antes de asistir, conviene revisar el mismo día la página oficial de cada espacio, confirmar si hace falta reserva o boleto digital, llegar temprano cuando el ingreso es por orden de llegada, controlar alertas por calor, humo o tormentas y verificar cambios en el servicio del metro.

La realizadora aprovechó la ocasión para abordar públicamente la presión que enfrentan los cineastas ante el auge del streaming y la relevancia de proyectar películas en salas tradicionales.

Desde el escenario, Wilde manifestó su sorpresa ante la cantidad de asistentes y agradeció la oportunidad de presentar la película en un entorno tan destacado.

El interés del público se reflejó en el agotamiento total de localidades, lo que llevó a la organización del festival a anticipar la apertura de puertas para facilitar el acceso y garantizar el inicio puntual de la función.

El desafío de mantener el estreno en cines frente al streaming

Durante una rueda de prensa previa a la proyección, la actriz de 42 años abordó de manera directa los desafíos que implica para los creadores defender el estreno en cines frente a las ofertas del streaming.

La directora destacó en la conferencia de prensa que “te sobornan para que no estrenes en cines. Tenemos que luchar para que las películas se proyecten en las salas”.

Wilde explicó que las plataformas suelen ofrecer mayores ganancias a los inversores que a los cineastas y actores, lo que puede favorecer la decisión de optar por una distribución exclusivamente digital.

La cineasta subrayó que la decisión de mantener el estreno en cines no fue sencilla, aunque contó con el respaldo de la principal inversora del proyecto.

“Tuvimos mucha suerte de que nuestra inversora me diera la oportunidad de tomar esta decisión, algo que no me tomo a la ligera. Podría haber dicho que no fácilmente”, remarcó.

Apoyo de A24 y FilmNation

De acuerdo con información compartida por The Hollywood Reporter, la cineasta destacó el rol de A24, la distribuidora estadounidense, y de FilmNation en la estrategia de lanzamiento global.

Señaló que ambas compañías apostaron por acuerdos de exhibición en salas a nivel internacional. “A24 fue extraordinaria porque realmente creen en el éxito en salas de cine. FilmNation cerró los acuerdos internacionales en todo el mundo, todos para estrenos en cines”, puntualizó.

También hizo énfasis en la importancia de la experiencia colectiva, especialmente para el género de la comedia. “No hay género que se beneficie más de la experiencia colectiva de ver la película que la comedia”, expresó Wilde, quien además lamentó que este tipo de producciones suelen quedar relegadas al streaming.

Una comedia sobre los vínculos y la convivencia

“The Invite” cuenta con un guion de Will McCormack y Rashida Jones, y reúne en su elenco a Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton, además de la propia Wilde.

La trama gira en torno a Joe (Rogen) y Angela (Wilde), un matrimonio en crisis que invita a cenar a sus enigmáticos vecinos, Piña (Cruz) y Hawk (Norton). La velada desencadena acontecimientos inesperados que ponen a prueba la relación de la pareja y redefinen los límites de su convivencia.

Consultada sobre el proceso creativo, Wilde comentó que la película la volvió “mucho más romántica” y le permitió dejar atrás su visión cínica sobre las relaciones. “Me quitó el cinismo que llevaba dentro”, explicó ante la prensa, según informó The Hollywood Reporter.

La directora añadió que la historia explora el “ridículo experimento de la convivencia”, así como la vergüenza asociada al fracaso sentimental.

Éxito de público y ambiente colaborativo

La noche del estreno, la organización del festival envió un comunicado a los asistentes informando que todas las localidades estaban agotadas. El correo recomendaba llegar con antelación para facilitar el acceso y garantizar el inicio puntual de la proyección.

La respuesta del público convirtió el evento en uno de los puntos más destacados del festival, de acuerdo con el reporte de The Hollywood Reporter.

Wilde, visiblemente emocionada, elogió a sus compañeros de elenco y describió la experiencia como una “clase magistral” de actuación. “Nunca había formado parte de algo tan colaborativo”, sostuvo. Al ser consultada sobre su rol detrás de cámara, respondió que “dirigir es el mejor trabajo del mundo”.

No hay muchos directores cuyas películas seamos capaces de reconocer con apenas un vistazo. Tim Burton, Pedro Almodóvar o Christopher Nolan podrían ser algunos de ellos, aunque en esta lista no podría faltar tampoco Wes Anderson, el director estadounidense cuyas producciones suman hasta cinco premios Oscar y se han convertido en obras de culto para los fans de su filmografía.

El director nacido en Houston (Texas) tiene una de las puestas en escena más fácilmente identificables del cine actual. De hecho, casi podría decirse que su nombre es prácticamente un género cinematográfico en sí mismo, caracterizado por composiciones perfectamente simétricas, paletas de colores pastel, un sentido del humor seco y melancólico y la recurrencia de familias disfuncionales de genios incomprendidos.

Hasta ahora, algunos de sus títulos más conocidos (El Gran Hotel Budapest, La crónica francesa, Los Tenenbaums. Una familia de genios y Viaje a Darjeeling) se encontraban en Netflix, pero ahora la plataforma eliminará estas obras de su catálogo. Solo quedarán, pues, los cortometrajes exclusivos que el director hizo para la compañía, inspirados todos ellos en la obra de Roald Dahl, de los cuales uno (La maravillosa historia de Henry Sugar) fue merecedor del premio Oscar al Mejor cortometraje de ficción.

Su película más exitosa

A pesar de que el único Oscar que ha ganado Wes Anderson a título personal fue por este corto, no es la única estatuilla que han recibido sus películas. Una de ellas, El Gran Hotel Budapest, consiguió ganar cuatro: Mejor banda sonora, Mejor diseño de producción, Mejor vestuario y Mejor maquillaje y peluquería. Estas distinciones la consagraron como una de las películas más premiadas de su año, a pesar de no lograr triunfar en otras categorías como Mejor fotografía, Mejor montaje, Mejor guion original, Mejor dirección o Mejor película.

En esta producción, quizá la más conocida del cineasta, se cuenta la historia de Gustave H., un legendario conserje de uno de los hoteles más famosos de la Europa de entreguerras. Este hombre recibe por parte de una mujer millonaria un cuadro de gran valor, herencia que hará que él y su protegido, el joven botones Zero Moustafa, vivan una gran aventura en Europa perseguidos por el resto de la familia de la difunta.

El resto de títulos de Wes Anderson que no deberías perderte

Hasta el 11 de agosto, día en el que los títulos de Wes Anderson se despedirán de Netflix, es igual de recomendable ver otros títulos como Los Tenenbaums. Una familia de genios, considerada por muchos como la obra maestra que definió definitivamente su estética. Esta película sigue a tres hermanos prodigio venidos a menos y a su padre manipulador que intenta reconquistarlos. La fórmula es la misma que en otras películas: melancolía, humor seco y una estética muy marcada, aunque su frescura resulta mucho más evidente que quizá en los últimos títulos del director.

Por su parte, Viaje a Darjeeling sigue a tres hermanos distanciados que realizan un viaje en tren por la India tras la muerte de su padre. Esta cinta explora el duelo y la reconciliación familiar con una paleta de colores vibrante y un tono más introspectivo. Finalmente, La crónica francesa es quizá el título que más estrellas de Hollywood reúne (otro de sus rasgos más característicos) de toda su filmografía, con varias historias cruzadas que tratan de reconstruir los sucesos que se publican en una gaceta ficticia directamente inspirada en la revista The New Yorker.

El actor, conocido por su trabajo en la serie Better Call Saul, se reincorporó a la franquicia casi una década después de su última aparición, y lo hace en un contexto de gran expectativa por parte de los seguidores del personaje.

Según informó The Hollywood Reporter, Mando se reencontró con el set de Spider-Man tras su participación en Homecoming en 2017, cuando Escorpión fue presentado como uno de los posibles antagonistas futuros del héroe interpretado por Tom Holland.

La nueva entrega, dirigida por Destin Daniel Cretton, marcó un giro relevante para el personaje, que adquiere un rol más activo en la trama y abre interrogantes sobre su evolución en el universo Marvel.

Un salto en el tiempo y una historia renovada

De acuerdo con el reporte de The Hollywood Reporter, la historia de Spider-Man: Un Nuevo Día se sitúa cuatro años después de la última película protagonizada por Holland.

El director optó por representar el paso del tiempo a través de una secuencia en la que Spider-Man enfrenta a varios villanos de su repertorio, entre ellos el propio Escorpión. Este regreso no solo significó una revancha para el personaje, sino el inicio de una etapa con mayor profundidad dramática y peso narrativo.

La película introduce además la participación de Jean Grey, interpretada por Sadie Sink, quien recurre a Escorpión en un intento por rescatar a su hermana, capturada por el Departamento de Control de Daños (DODC).

En una de las escenas centrales, la mutante controla la mente de Escorpión, lo que da lugar a un enfrentamiento con un Spider-Man desconcertado y vulnerable.

Mando reveló a The Hollywood Reporter que este cruce le permitió “conectar con el deseo de Jean de salvar a su hermana”, ya que ambos personajes comparten una historia marcada por la tragedia y la desconfianza hacia las instituciones.

El potencial de Escorpión y el vínculo con Venom

Uno de los puntos de mayor interés para los fanáticos es el futuro de este villano dentro del universo Marvel. Mando reconoció que, junto a Cretton, discutió la posibilidad de explorar las diferentes etapas del personaje, incluida su transformación en Venom, tal como sucede en los cómics.

“El potencial de crecimiento de Escorpión es enorme. Esta película es solo el primer nivel del potencial de este personaje, y tiene al menos dos o tres niveles más por explorar, uno de ellos la forma definitiva de Venom”, declaró el actor de 45 años a The Hollywood Reporter.

Mando insistió en que el destino del personaje dependerá de las decisiones de Kevin Feige y Amy Pascal, figuras centrales en el desarrollo de la franquicia.

Un rodaje exigente y una experiencia única

La producción de Spider-Man: Un Nuevo Día incluyó escenas de acción intensa grabadas en los estudios Pinewood de Londres. El actor relató a The Hollywood Reporter que el trabajo físico fue exigente, ya que el equipo apostó por efectos prácticos y coreografías reales para las peleas, dejando a la animación digital solo la cola del Escorpión.

“Todo lo que ves es real, excepto la cola generada por computadora. El fuego, las explosiones, los golpes y movimientos son reales”, destacó el actor, quien consideró el rodaje como una experiencia estimulante y desafiante.

El reencuentro con el equipo de Spider-Man, incluyendo a Tom Holland, Zendaya y Jacob Batalon, fue descrito por Mando como un momento especial.

El actor expresó su satisfacción por volver a trabajar con un elenco y un grupo de producción que, en sus palabras, siempre lo recibieron con entusiasmo.

Escorpión y Spider-Man: un duelo psicológico

En la película, el conflicto entre Escorpión y Spider-Man se desarrolla en varios niveles. Mando explicó que “el objetivo de Escorpión era ver a Peter Parker perder su estatus de héroe. Lo logra al demostrarle al mundo, a través de Jean, que cualquiera que sea llevado al límite puede convertirse en el villano”.

Según el actor, de este modo, aunque Escorpión termina derrotado en el enfrentamiento, consigue cumplir su verdadero propósito: poner en duda la condición de héroe de Peter Parker.

Proyectos paralelos y futuro profesional

Mientras espera definiciones sobre la evolución del personaje en Marvel, Mando participa en otros proyectos de alto perfil, como la adaptación de Gundam para Netflix y la trilogía animada Batman: Knightfall, donde presta su voz al personaje de Bane. Además, integra el reparto de Criminal, serie basada en el cómic de Ed Brubaker para Amazon Prime Video.

La presencia de Escorpión en la nueva película amplía el horizonte de posibilidades para el universo de Spider-Man, mientras que el regreso de Mando aporta una nueva dimensión al personaje y anticipa oportunidades para futuras exploraciones en la franquicia, según lo detallado por The Hollywood Reporter.

Las primeras semanas de agosto han traído el que apunta a ser uno de los éxitos del verano en Netflix: la película La última casa, dirigida por Louis Leterrier y protagonizada por Wagner Moura y Greta Lee, la cual se estrenó el pasado viernes 7 de agosto y ya es la más vista en la plataforma en 89 países diferentes, incluida España.

En la cinta, una familia queda atrapada en su propia vivienda sin posibilidad de salir. “Por si esto no fuera ya una pesadilla, sus recursos se agotan y deben unir fuerzas para sobrevivir no solo a la falta de artículos de primera necesidad, sino también a la misteriosa y amenazante presencia que los mantiene atrapados en el interior”, reza la sinopsis oficial.

Así, a lo largo de 110 minutos se sitúa al espectador en un contexto cada vez más angustiante que, según adelantaba el propio Wagner Moura en una entrevista con Tudum, “evolucionará de formas que el público sin duda no espera”. “Hay capas y giros que me muero de ganas de que todos vean”, decía a continuación el intérprete brasileño, nominado al Oscar al mejor actor en la última edición de los premios por El agente secreto.

Cuestión de supervivencia

La última casa ofrece una premisa a medio camino entre el suspense, la ciencia ficción y el terror. Ni la familia ni los vecinos saben lo que ocurre fuera y el aislamiento se prolonga durante días, semanas y hasta años, mientras la supervivencia se convierte en un reto extremo. No es de extrañar, pues, que la campaña promocional de la película incluyera una casa elevada sobre una estructura en Sunset Boulevard (Los Ángeles) con un hombre en su interior asomado a la ventana y una pregunta: “¿Cuánto puedes sobrevivir?”.

Del mismo modo, la producción de Louis Leterrier (quien antes ya había dirigido éxitos como Ahora me ves..., El increíble Hulk o Transporter) invita al público a reflexionar sobre el confinamiento y la resistencia, al tiempo que plantea un misterio sin respuesta inmediata sobre la causa de esta situación. “Es una película muy personal para todos nosotros”, explicaba el cineasta en una entrevista con Variety al hablar sobre la sensación de “no poder controlar el mundo exterior o estar completamente perdido en la situación”.

Inspirada en el confinamiento por el Covid

La historia, escrita por Matthew Robinson (De amor y monstruos), se inspiró en lo ocurrido durante la pandemia por coronavirus, pero cuando el director leyó el guion, sintió que la historia tenía algo más: “Aprovechemos la experiencia y la comprensión global que la pandemia generó en la gente: cómo sobrevivimos físicamente al principio, pero, sobre todo, cómo sobrevivimos psicológica y emocionalmente después”, concluye el director en la entrevista con el citado medio.

A pesar de triunfar entre los usuarios de Netflix, La última casa no ha convencido del mismo modo a la crítica. “No es lo suficientemente buena como para merecer una pantalla más grande, pero, si te ves atrapado en casa por razones sobrenaturales o no, es lo bastante buena como para darle al ‘ver’”, razonan en The Guardian. Por su parte, en TheWrap se muestran más convencidos y señalan que La última casa “está magistralmente dirigida y cuenta con un reparto excepcional, lo que compensa la mayor parte de sus evidentes deficiencias”.

En 2025, el periódico estadounidense The New York Times elaboró una lista con las que consideraba “las 100 mejores películas del siglo XXI”. Pocos directores repitieron en este ranking de lo mejor en el cine de los últimos 25 años, aunque algunos incluso cuentan con tres títulos en el mismo. Entre ellos, destaca David Fincher, cineasta que en los 2000 ya era mundialmente famoso gracias a Seven (1995) y El club de la lucha (1999), y que en el nuevo milenio ha liderado producciones tan memorables como Perdida (puesto número 64), La red social (puesto 10) y Zodiac (19).

Este último filme de Fincher se inspira en la escalofriante historia real del asesino del Zodiaco. Este criminal sembró el terror en el área de San Francisco (Estados Unidos) durante las décadas de 1960 y 1970, asesinando a cinco personas e hiriendo a dos mientras enviaba cartas firmadas tanto a la prensa como a las autoridades, sin que nadie nunca pudiera descubrir su identidad. Fincher coge esta historia y la traslada a la pantalla con una película de atmósfera inquietante y opresiva. La película sigue la obsesiva persecución del criminal por parte de un periodista, un policía y un dibujante, cuya investigación se prolonga durante más de dos décadas.

A diferencia de otros thrillers convencionales, Zodiac evita el camino fácil: su ritmo pausado y su estructura clásica terminan por sumergir al espectador en un estado de incertidumbre. El impacto de la película reside en la forma en que transita entre el horror y la cotidianidad, logrando que el público experimente la misma obsesión y desconcierto que sus protagonistas. Así, Fincher regresaba a la esencia de sus primeros éxitos en el cine de suspense como Seven y The Game (1997) para rodar una película cuyo éxito fue inmediato.

Las aplaudidas interpretaciones de los protagonistas

Con una puesta en escena sobria y una planificación perfecta, en la que plano y cada transición están cuidadosamente calculados, Zodiac centra gran parte de la intensidad de su historia en el meticuloso guion de James Vanderbilt. Este está basado a su vez en el libro que escribió Robert Graysmith, uno de los protagonistas de la película (interpretado por Jake Gyllenhaal), donde se aportan un gran número de detalles y matices que permiten al espectador convertirse en parte de la investigación para identificar a uno de los asesinos más célebres de la historia de Estados Unidos.

De este modo, el impacto y la tensión de Zodiac no solo se construyen a partir de los hechos, sino también de los pequeños gestos, las miradas y los silencios. La película atrapa desde el principio, con un crimen que da paso a una obsesión por atrapar a un fantasma. En este sentido, el trío protagonista (Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr.) destaca por sus interpretaciones, representando cada una faceta distinta de la investigación y sus consecuencias.

Por todo ello, la crítica se mostró muy entusiasmada con el trabajo de Fincher en la película, actualmente disponible tanto en Netflix como en Filmin. “Magníficamente obsesiva”, celebraban en el ya mencionado The New York Times. “Rara vez una película con tanta sangre en sus manos ha parecido tan insistentemente viva”. Por su parte, The Guardian describió Zodiac como “un thriller muy convincente y entretenido” en el que “las escenas de asesinatos son espeluznantes”.

Este fin de semana, Spider-Man: Brand New Day ha superado a Toy Story como la película más taquillera del año. La nueva película del superhéroe interpretado por Tom Holland ya ha superado los 1.200 millones de dólares de recaudación en todo el mundo, convirtiéndose en la segunda más exitosa de toda la saga, solo detrás de Spider-Man: No Way Home. Más allá de estas cifras, parece que la gran noticia para Marvel han sido las buenas valoraciones por parte de los espectadores, que han elevado este nuevo título a uno de los mejores de su universo cinematográfico de los últimos años.

A raíz de esta buena recepción, la plataforma de cinéfilos Letterboxd ha querido hacer un ranking de todas las películas protagonizadas por Spider-Man en solitario: desde aquellas en las que Tobey Maguire consagró al superhéroe en la gran pantalla a las que protagonizó Andrew Garfield, pasando por los éxitos de animación centrados en Miles Morales y por todos los títulos de Tom Holland. La comunidad entera de esta red social, que actualmente supera los 30 millones de usuarios, ha podido valorar todos estos títulos, de modo que la lista final los ordena de menor a mayor puntuación.

“Con Brand New Day arrasando en taquilla, es el momento perfecto para evaluar cuál de las aventuras cinematográficas del trepamuros se corona como la mejor según la calificación media”, afirman desde la plataforma. Cabe destacar, en este sentido, que incluso en los últimos puestos la puntuación supera las tres estrellas (sobre cinco), por lo que todas ellas han gustado bastante a los usuarios y no hay ninguna que se haya considerado verdaderamente mala. Ahora bien, las mejor posicionadas rozan las cuatro y media, por lo que estaríamos hablando de que algunas producciones sobre Spider-Man han supuesto, para los espectadores, una verdadera experiencia cinematográfica.

11. ‘The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro’

En la última posición nos encontramos con The Amazing Spider-Man 2: el poder de Electro, la segunda (y última) película de Andrew Garfield en la piel de Peter Parker. A pesar de contar con Jamie Foxx como villano, este título de dos horas y media no convenció a los fans por sus excesos: de subtramas, de villanos y de efectos especiales. Por otro lado, Garfield no convenció a todo el mundo con un personaje al que muchos comparaban con el Edward Cullen de Crepúsculo, reconvertido en chulito detrás de la máscara. Eso sí, la película logró reunir al suficiente público como para superar los 700 millones de dólares de recaudación, lo que compensó de sobras los 200 que costó la producción. Nota en Letterboxd: 3,3 sobre 5.

10. ‘Spider-Man 3′

La última película de Tobey Maguire con el traje del Hombre Araña tuvo un presupuesto de entre 258 y 350 millones de dólares, lo que la convirtió en la película más cara de la historia del cine en su momento. A pesar de eso, los efectos especiales no resultaron demasiado creíbles, como tampoco lo fue ese Peter Parker arrogante que, entre enemigos, intereses amorosos y rivalidades periodísticas, nos regala solos de batería o bailes en plena calle que ya son un clásico de los memes de Internet. Con todo, su puntuación en Letterboxd no es mala, aunque la sitúa como una de las peores del superhéroe: 3.3 sobre 5.

9. ‘Spider-Man: Lejos de casa’

Las películas de Tom Holland llegaron a Marvel mostrando un extraño contraste entre un adolescente con problemas (y actitudes) de adolescente que, entre medias, salva el universo junto al resto de Vengadores. Spider-Man: Lejos de casa da buena cuenta de ello, con unas vacaciones a Europa que acaban de la peor manera para Peter Parker. Jake Gyllenhaal en la piel de Mysterio le da un punto extra a la película, aunque a nadie se le escapa que, después de Endgame, el multiverso de Marvel inició una etapa de escasez de ideas donde los efectos especiales cada vez resultaban menos alucinantes. Nota en Letterboxd: 3,4 sobre 5.

8. Spider-Man: Homecoming

Tras el fracaso de crítica que supuso The amazing Spider-Man 2, Marvel tenía claro que el futuro del superhéroe pasaba, en primer lugar, por vincularlo al unvierso cinematográfico de Marvel y, en segundo lugar, por darle un nuevo rostro. Tom Holland fue el escogido para protagonizar una saga que inicia con Michael Keaton como villano y que Robert Downey Jr. en la piel de Iron Man termina de aderezar. El resultado: una película entretenida con un superhéroe gracioso y más infantil que sus predecesores, que logró el consenso como para iniciar una saga que sigue hasta nuestros días. 3,5 sobre 5.

7. ‘The Amazing Spider-Man’

Apenas cinco años después de Spider-Man 3, Columbia Pictures y Marvel estrenaron una nueva película del Hombre Araña con Andrew Garfield como protagonista y Emma Stone en la piel de Gwen. La química entre la pareja, a la que se le dedicó mucho más espacio que en la saga anterior, fue uno de los puntos que más convenció a los fans. Con todo, no lograron el mismo éxito ni el villano interpretado por Rhys Ifans, que en su piel de lagarto resultó demasiado poco creíble, ni la trama de la película, que muchos consideraron un tanto plana. Nota: 3,6 sobre 5.

6. ‘Spider-Man: No Way Home’

Quizá la película de Spider-Man que más expectación haya generado antes de su estreno y, por lo tanto, la que más reacciones extremas provocó después. La tercera película del superhéroe dirigida por Jon Watts tenía todos los ingredientes necesarios para triunfar: unos protagonistas consolidados (Tom Holland y Zendaya), un Vengador como aliado (Benedict Cumberbatch como Doctor Strange) y, sobre todo, a los dos anteriores Spider-Man, Tobey Maguire y Andrew Garfield, para encumbrar las posibilidades del multiverso. A pesar de todo, el fan service acabó resultando excesivo, y la trama y su resolución resultaron, como poco, decepcionantes. Nota: 3,9 sobre 5.

5. ‘Spider-Man’

La primera vez que Spider-Man pudo verse en carne y hueso en una película marcó un antes y un después en la historia del cine de superhéroes. Tobey Maguire, Kirsten Dunst y James Franco están geniales en sus juveniles papeles, por no hablar de un Willem Dafoe en el papel del Duende Verde que también sentaría las bases de todo lo que llegaría después. En la dirección, Sam Raimi sorprendió a todo el mundo pasando del terror hiperactivo de serie B a un blockbuster comercial que superó los 800 millones de dólares con pocos peros y muy fiel a los cómics. En Letterboxd, los usuarios le dan un 3,9 sobre 5.

4. ‘Spider-Man 2′

Para muchos, la mejor película de Spider-Man jamás hecha. Igual de entretenida que la primera de su saga, pero además, con la capacidad de mostrar el lado más humano tanto de su protagonista como de su villano, el Doctor Octopus al que da vida Alfred Molina. Al guion no le faltan momentos de humor ni un interesante desarrollo de la historia romántica, y Sam Raimi mejoró además los efectos especiales y brindó estupendas escenas de acción acompañadas de una ya icónica banda sonora. Nota: 3,9 sobre 5.

3. ‘Spider-Man: Brand New Day’

Venía avisando Marvel de que esta película no iba a ser como todas las anteriores del Spider-Man de Tom Holland. Con una reducción del CGI y más acrobacias reales, el Hombre Araña cambia de director (Destin Daniel Cretton sustituye a Jon Watts) para ofrecernos una película que nos habla de soledad y precariedad, recuperando la dimensión psicológica del superhéroe. La mayor madurez de Peter Parker ayuda también a que el público haya conectado más con él que en anteriores entregas, un paso también vital para que el personaje, sin el respaldo directo de los Vengadores, también nos resulte creíble. En Letterboxd tiene 4,1 estrellas sobre 5.

2. ‘Spider-Man: Un nuevo universo’

Poco después de conocer a Tom Holland como Peter Parker, Marvel nos regaló la primera película sobre el Spider-Man de Miles Morales, que no solo eleva a nuevas cotas al Hombre Araña, sino que también destaca como una de las mejores películas de animación de la última década. Al humor más que reconocible de Phil Lord y Christopher Miller (que este año ya han triunfado con Proyecto Salvación) se le suma un estilo caracterizado por la mezcla de distintos estilos y una emocionante historia sobre los orígenes de este superhéroe tan bien acompañado. La nota en Letterboxd habla por sí sola: 4,4 sobre 5.

1. ‘Spider-Man: Cruzando el Multiverso’

Parecía imposible superarla, pero la continuación de Spider-Man: Un nuevo universo consiguió mejorar, en todos los aspectos, a su predecesora. Con una animación todavía más espectacular que la primera y una historia que ahonda en lo que realmente significa ser Spider-Man, se consagró como la más abrumadora y emocionante de todas las que se han hecho sobre este personaje. Los fans tuvieron que esperar cinco años para que llegara y habrán esperado casi otro lustro para ver el cierre de la trilogía (programado para 2027), pero quienes han visto ya las dos entregas lo tienen claro: la espera, si se trata de Miles Morales, siempre vale la pena. Nota: 4,4 sobre 5.

El ranking de las películas más taquilleras de la historia volvió a moverse con el ingreso de Ne Zha 2, que alteró una lista dominada durante años por Hollywood y reabrió una pregunta sobre el negocio global del cine: qué factores explican que solo un puñado de títulos supere los USD 2.000 millones de recaudación mundial, según informó People.

La novedad no pasa solo por el monto. El ascenso de la secuela animada china empujó otra vez la discusión sobre el peso de las franquicias, la expansión del mercado asiático, el efecto de los reestrenos y la dificultad de comparar fenómenos separados por décadas. En ese terreno, el ranking deja de ser una simple lista de éxitos y ofrece una radiografía del modelo de taquilla que domina la industria.

El dato común entre casi todos los títulos es la pertenencia a universos narrativos ya instalados. Avatar, Avengers, Star Wars y Spider-Man integran una conversación global que las grandes productoras sostienen con campañas simultáneas, estrenos masivos y circulación internacional.

Otra variable clave es el criterio de medición. La lista se ordena por recaudación bruta mundial, sin ajuste por inflación. Eso favorece a estrenos recientes, a mercados internacionales más amplios y a películas que regresaron a salas con relanzamientos.

8. Spider-Man: No Way Home y el futuro de la franquicia

La película estrenada en 2021 recaudó USD 1.921 millones y quedó como la entrega más exitosa de la saga de Spider-Man. El cruce entre distintas etapas del personaje funcionó como motor de convocatoria y convirtió a la nostalgia en parte central de la propuesta comercial.

Su presencia en este ranking muestra que una película puede quedar fuera del umbral de los USD 2.000 millones y aun así instalarse entre los mayores fenómenos recientes de la taquilla.

7. Avengers: Infinity War y el ascenso de los superhéroes en taquilla

Estrenada en 2018, sumó USD 2.052 millones y se convirtió en la primera película de superhéroes en superar esa barrera a escala mundial. Su lugar en la lista no se explica solo por el volumen de personajes reunidos, sino por una estrategia de continuidad narrativa que el Universo Cinematográfico de Marvel había construido durante años. El título marcó un punto de inflexión para un género que pasó de ser un segmento fuerte a ocupar el centro del negocio global.

6. Star Wars: The Force Awakens y su hito para la franquicia

El regreso de la saga a los cines en 2015 alcanzó USD 2.071 millones de recaudación mundial. La película unió personajes históricos con una nueva generación de protagonistas y reactivó una franquicia con peso propio en la cultura popular. Su desempeño confirmó que el valor de una marca consolidada puede traducirse en un arranque excepcional cuando existe expectativa acumulada durante años.

5. Ne Zha 2: éxito internacional del cine animado chino

Estrenada en 2025, la secuela china reunió cerca de USD 2.260 millones y se convirtió en el elemento disruptivo del ranking.

Su aparición amplió el mapa habitual de la taquilla internacional, dominado por producciones en inglés, y expuso la magnitud del mercado cinematográfico chino. También planteó una señal para la industria: el techo de recaudación ya no depende de forma exclusiva de las franquicias nacidas en Estados Unidos.

4. Titanic: pionera en romper récords de recaudación

La película de 1997 alcanzó USD 2.264 millones con el impulso de su estreno original y de posteriores reestrenos. Fue la primera en superar los USD 1.000 millones, un antecedente que modificó la escala con la que la industria empezó a medir los grandes éxitos.

Su caso conserva un rasgo singular dentro de la lista: a diferencia de muchas producciones posteriores, no se apoyó en un universo expandido ni en una saga previa para construir su alcance global.

3. Avatar: The Way of Water y su desempeño

La secuela lanzada en 2022 recaudó USD 2.334 millones y confirmó la capacidad de Avatar para volver a convocar público más de una década después de la primera película.

El título reforzó una lógica conocida en el ranking: cuando una marca combina escala visual, distribución global y expectativa prolongada, conserva margen para movilizar audiencias masivas incluso en un mercado más fragmentado.

2. Avengers: Endgame y su impacto en la taquilla

Con USD 2.799 millones desde su estreno en 2019, quedó durante un período como la película más taquillera del mundo. El cierre de una saga desarrollada durante más de diez años condensó una expectativa poco frecuente incluso para los estándares de Marvel.

Su recorrido mostró hasta dónde puede llegar una franquicia cuando convierte cada estreno en un episodio central de una historia más amplia.

1. Avatar: la película más taquillera de la historia

Con más de USD 2.900 millones desde su lanzamiento en 2009, sigue al frente del ranking mundial. La película combinó innovación tecnológica, una permanencia extensa en cartel y varios relanzamientos que ampliaron su recaudación total. Su liderazgo funciona también como referencia de una etapa del negocio en la que el estreno en salas todavía concentraba una escala de consumo difícil de replicar.

La composición de esta lista deja una conclusión operativa para la industria: los récords de taquilla surgen, en casi todos los casos, de marcas globales, ventanas de exhibición amplias y campañas capaces de transformar cada estreno en un acontecimiento internacional. La irrupción de Ne Zha 2 añadió una variable nueva a ese patrón y volvió a poner en discusión quiénes pueden disputar el dominio histórico de Hollywood en la recaudación mundial.

Morgan Freeman insiste en que todavía no entiende el alboroto que genera su voz. El actor, ganador del Óscar, de 89 años, ha interpretado a Dios y a presidentes, y es el narrador favorito de los documentalistas más reconocidos. Sin embargo, sigue restando importancia al impacto de su inconfundible y resonante barítono.

Freeman, cuya carrera no despegó hasta más tarde en su vida, está cerca de convertirse en nonagenario, pero sigue en plena actividad. Está retomando su papel de Edwin Mullins, el secretario de Estado de Estados Unidos, en la tercera temporada del thriller de espionaje Lioness de Taylor Sheridan en Paramount+, que también tiene como protagonistas a Zoe Saldaña y Nicole Kidman. El actor afroamericano además siente la responsabilidad de preservar el blues: es fundador de un club de blues en vivo en Clarksdale, Misisipi, y produjo y narró un disco que saldrá en agosto.

Recientemente habló sobre su trabajo en el universo Sheridan, sobre esa voz y cómo elige sus proyectos.

—Taylor Sheridan ha atraído a una larga lista de estrellas de cine a sus proyectos. ¿Qué tiene su escritura que hace que sus series sean tan atractivas?

—Su escritura tiene más que ver con la experiencia humana, lo que las personas realmente están viviendo, emocionalmente, en muchos casos. Eso se vio mucho en Yellowstone y, en realidad, se observa mucho en cualquiera de sus guiones. Y aquí, en Lioness, en el caso de Joe [el personaje de Zoe Saldaña], por ejemplo, trata con una mujer cuya vida está en peligro muy a menudo. Tiene hijos y un esposo. Toma decisiones y tiene que considerar estas cosas. Se necesita coraje para escribir sobre temas así, y Taylor parece tenerlo de sobra.

—Antes no se veía a muchas estrellas de cine sumándose a series episódicas. ¿Por qué ahora tantas lo hacen?

—Hay más trabajo en la televisión por streaming que en las películas que llegan a los cines. Si la gente puede quedarse en casa y ver algo extraordinario, eso es lo que hará. Por eso Warner Bros., Paramount y Hulu, todas ellas tienen estas plataformas de streaming.

—En la serie, interpreta a un funcionario del gobierno en un momento en el que hay tanta inestabilidad geopolítica en la vida real. ¿Siente responsabilidad en ese papel cuando la vida real a menudo refleja el arte?

—Realmente no intentamos tratar cuestiones geopolíticas contemporáneas en absoluto. Sabemos que la gente va a sacar sus propias ideas sobre lo que vio y lo que significa, pero tal y como lo presentamos, no tiene nada que ver con las situaciones actuales.

—La serie está llena de acción, pero sus escenas tienen lugar en una sala de situaciones. ¿Cómo genera tensión cuando solo tiene la sala como escenario y su voz como instrumento?

—No tenemos que generar la tensión. Es el diálogo lo que construye la tensión cada vez que tiene que haberla. Se trata de situaciones de vida o muerte con los equipos que están allá afuera en el territorio. Así que, eso mismo, uno toma lo que tiene en el guion y lo interioriza.

—¿En qué momento se dio cuenta de que su voz era un instrumento tan único?

—Aún no me he dado cuenta. Solo me lo dicen.

—¿A qué edad se lo dijeron por primera vez?

—No sé... 80, 75.

—Eso es difícil de creer.

—No lo crea difícil. Mi carrera ni siquiera había comenzado cuando tenía 50 años.

—¿Qué piensa cuando la gente le dice que tiene una voz y una cadencia profundas?

—“Caray”, es lo que pienso. “¿En serio? Muchas gracias”. Eso es todo. ¿Qué más se puede hacer con ello?

—¿Ha hecho algo específico para perfeccionarla a lo largo de los años?

—No. Solo intento hablar claro. Eso es todo. Lo que hay, está.

—Se ha involucrado en el blues. ¿Por qué es importante para usted?

—El blues es, en primer lugar, la herencia fundamental de Estados Unidos, y esa herencia de base pertenece a la población negra de este país. La creamos. La cuidamos — esto es blues y góspel — porque muchos de nuestros cantantes de góspel luego comenzaron a hacer blues. El dinero en el blues es mejor que el dinero por una canción góspel. Y ambas están inextricablemente unidas. No es que me haya sentado a decidir que era algo que tenía que hacer. Fue algo que se me impuso.

Un día estaba en Clarksdale, y un par de mochileros caminaban por las calles tratando de encontrar algún lugar donde escuchar blues en Clarksdale y no había ningún lugar. Mi socio y yo, simplemente decidimos que eso no podía ser. Tenemos que hacer algo al respecto. Así que realmente no puedo decirle que ha sido una pasión toda mi vida. La necesidad de hacerlo se me impuso.

—¿Hay algún elemento clave en un guion que le haga decir que sí?

—Si alguien le ofrece un trabajo, es muy agradable si además le ofrecen un guion emocionante, pero en realidad, entran en juego dos o tres cosas. ¿Cuánto le van a pagar? Si le van a pagar lo suficiente, entonces puede pasar por alto algunos de los fallos del guion que puedan estar ahí. A veces puede mencionar cosas del guion que no le convencen, y por lo general, eso se resuelve.

—¿Hay algún papel que aún no ha interpretado y que todavía quiera hacer?

—No. Ya casi tengo 90 años. Así que los papeles que me hubiese gustado interpretar, los interpretará Denzel Washington.

—¿Qué es lo que lo sigue impulsando a hacer arte?

—Soy como Clint Eastwood en eso: no dejes entrar al anciano. Así que, siga trabajando. Si puede levantarse de la cama y no se cae al hacerlo, entonces debe agradecerlo y seguir adelante. Así que yo trabajaré mientras pueda — mientras alguien diga: “¿Quiere hacer este papel?"

Fuente: The New York Times

Al sur de Marruecos, una aldea de adobe ha conquistado la pantalla grande con su perfil inconfundible. En “La Odisea”, la superproducción dirigida por Christopher Nolan, el público recorre sus laberintos de barro y murallas rojizas, testigos de múltiples aventuras cinematográficas. Aït Ben Haddou, reconocida por la UNESCO y elegida por directores de todo el mundo, se consolida como escenario universal para películas que buscan autenticidad y fuerza visual.

Convertida en Troya para el cine, la aldea marroquí no solo ha sido parte esencial de “La Odisea”. También fue el fondo de batallas en “Gladiator” y de escenas emblemáticas en “Juego de Tronos”, sumando a su historia local un legado internacional. La apuesta de Nolan y de la diseñadora Ruth De Jong por escenarios reales, en lugar de efectos digitales, permitió que actores y técnicos se involucraran de lleno en el entorno, logrando una inmersión que se transmite en cada plano.

Marruecos y la magia de Aït Ben Haddou en el cine

Situada cerca de Ouarzazate, a los pies de las montañas del Atlas, Aït Ben Haddou sobresale por su arquitectura tradicional de tierra y su silueta fortificada. Desde 1987, forma parte del Patrimonio de la Humanidad, lo que ha favorecido su conservación y también su popularidad como localización de películas. Su aspecto intacto, con torres, murallas y callejones, permite recrear épocas lejanas y ambientes míticos sin apenas intervención digital.

En el rodaje de “La Odisea”, el equipo levantó decorados sobre una hectárea en pleno pueblo. Se construyeron el Templo de Atenea, murallas monumentales, puertas y torres, y hasta se sumaron olivos para lograr el ambiente de la antigua Troya. El resultado, que mezcla lo histórico con lo épico, genera una experiencia visual que engaña al ojo: muchos espectadores creen estar viendo una ciudad griega, cuando en realidad recorren el corazón de Marruecos.

El clima y la geografía local influyeron en la dinámica de trabajo del equipo. Durante semanas, actores y técnicos convivieron con los habitantes del lugar, adaptándose al ritmo del desierto y a la logística de transformar un poblado real en una ciudad legendaria. La colaboración entre locales y cineastas resultó clave para el éxito del proyecto, fortaleciendo el lazo entre la tradición marroquí y la industria global del cine.

De “La Odisea” a “Gladiator”: películas que transforman paisajes reales

El uso de escenarios auténticos es una tendencia creciente en el cine de gran presupuesto. Nolan buscaba que el entorno físico influyera en el trabajo de los actores, evitando las pantallas verdes o azules que suelen dominar las producciones modernas. Así, cada piedra y cada sombra de Aït Ben Haddou se reflejan en pantalla, aportando textura y profundidad a la película.

La aldea no fue solo Troya en “La Odisea”. En “Gladiator”, se transformó en el mercado y campo de batalla donde el protagonista, interpretado por Russell Crowe, enfrenta parte de su destino. Esa versatilidad ha convertido a Aït Ben Haddou en un símbolo del cine internacional, capaz de adaptarse a historias tan distintas como las de la Antigua Grecia, la Roma imperial o los mundos de fantasía de “Juego de Tronos”.

El éxito de “La Odisea”, que superó los 600 millones de euros en taquilla y millones de espectadores en todo el mundo, refuerza la apuesta por paisajes reales como protagonistas silenciosos. A la filmación en Aït Ben Haddou se suman otras locaciones marroquíes, como las playas de Essaouira, donde se rodó la escena del Caballo de Troya, y las dunas de Dajla, elegidas para el encuentro de Odiseo con la ninfa Calipso. Estos escenarios aportan autenticidad y espectacularidad, diferenciando a la película en el panorama del cine actual.

Spider-Man: Brand New Day y La Odisea se unieron al estilo de Los Vengadores para impulsar el mayor fin de semana de la historia en la taquilla de Estados Unidos. Pero más allá de las cifras, ¿tienen algo en común estas películas sobre un superhéroe angustiado y un melancólico rey griego?

Bueno, “Tomdaya”, por supuesto. El acrónimo de Tom Holland, 30, y Zendaya, 29, ha circulado por internet desde que se conocieron durante el proceso de casting de Spider-Man: De regreso a casa (2017). Una década después, la pasión de la Generación Z por la pareja, ahora casada, se ha hecho aún más fuerte. Los actores y enamorados ayudaron a atraer al público joven a Spider-Man: Brand New Day, que estableció un récord de taquilla al recaudar 360 millones de dólares en un fin de semana, y a La Odisea, la épica que sigue dando frutos. Ambas películas están cerca de alcanzar los 1.000 millones de dólares en ventas de entradas a nivel mundial. Es otra señal positiva de la recuperación de la taquilla tras la pandemia, que sigue siendo liderada por las generaciones más jóvenes de asistentes al cine.

Atrapados en la red de ‘Spider-Man’

Spider-Man: Brand New Day es la cuarta película de Spider-Man que Holland y Zendaya protagonizan juntos, y la primera desde que concluyó la trilogía Home en 2021. Ese año, los coprotagonistas, interpretando al superhéroe y a su perspicaz interés amoroso, MJ, hicieron pública su relación. Brand New Day, una película de superhéroes guiada más por el sentimiento que por el espectáculo, destronó a Avengers: Endgame (357 millones de dólares) como la mayor recaudación de taquilla en Estados Unidos durante un fin de semana de estreno, sin ajustar por inflación.

Según Sony, distribuidora de la película, los jóvenes adultos impulsaron la asistencia. El 61 por ciento de los compradores de tickets tenía entre 18 y 34 años, mientras que el 48 por ciento tenía menos de 25 años. (La Generación Z abarca a personas nacidas entre 1997 y 2012, por lo que hoy tienen alrededor de 14 a 29 años). Greg Durkin, fundador de Enact Insight, una firma de investigación en entretenimiento, dijo en un correo electrónico que la película “tuvo un atractivo para todo el público, con un cariño extra de la Generación Z”. Durkin había dicho anteriormente a The New York Times que el elenco fue un factor que impulsó el interés de esa generación. La inclusión en la película de Sadie Sink (24 años), cuya fama creció en la serie Stranger Things, también puede haber aumentado el atractivo juvenil.

Giros épicos en ‘La Odisea’

El director Christopher Nolan reclutó a Tom Holland —evidentemente para sorpresa del propio actor— para interpretar a Telémaco, el animoso príncipe de Ítaca, en La Odisea, la nueva versión del antiguo poema griego. Zendaya tiene menos tiempo en pantalla que Holland, pero resulta memorable como la diosa Atenea, guía espiritual de Odiseo en su prolongado regreso a casa tras la guerra.

La Odisea, que también tiene como protagonistas a Matt Damon y Anne Hathaway, es el primer largometraje rodado íntegramente con cámaras IMAX, lo que ha llevado a los cinéfilos a viajar a través de estados e incluso fronteras internacionales. La película debutó con unos 124 millones de dólares de recaudación en el mercado estadounidense.

Pero espera, hay más

Zendaya está teniendo un gran año tras interpretar a una mujer cuyo próximo matrimonio se ve sacudido por un secreto adolescente en The Drama. Un portavoz de A24, la productora y distribuidora de la película, dijo en un correo electrónico que la audiencia estuvo mayoritariamente compuesta por jóvenes, con más del 80 por ciento de espectadores menores de 35 años. (The Drama” así como La Odisea, también está protagonizada por Robert Pattinson, quien se ha declarado miembro de la Generación Z a pesar de tener 40 años. Según sus palabras: “No importa.”

Más adelante este año, Pattinson volverá a reunirse con Zendaya en Duna: Parte Tres, una ópera de ciencia ficción azotada por las arenas y dirigida por Denis Villeneuve, cuyas predecesoras recaudaron en conjunto 1.000 millones de dólares a nivel mundial. La próxima película de Duna podría beneficiarse por su fecha de estreno: el 18 de diciembre, cuando también se lanzará Avengers: Doomsday. Siguiendo el ejemplo de Barbenheimer, ya la llaman Dunesday.

El Spider-Man de Holland no figura en la lista de Doomsday, pero los fans del Universo Cinematográfico Marvel creen que podría hacer una aparición sorpresa o un cameo en una escena poscréditos. Sería otro día de celebración en el estreno para “Tomdaya”.

Fuente: The New York Times

A rebufo de Tiburón nacieron joyitas como Mako, el tiburón de la muerte y otras fuera de los Estados Unidos como la mexicana ¡Tintorera! de René Cardona Jr. o la italiana L’ultimo squalo de Enzo G. Castellari. Surgieron hasta películas derivadas de la Tiburón original en 3-D o con el mismísimo Michael Caine, aunque no tuvieran el ingenio de Spielberg ni el impacto de la original. Así nació todo un subgénero conocido como Sharksploitation que llega hasta nuestros días, con sagas de éxito como Megalodón y otros proyectos de serie B como Sharknado. Se han hecho hasta fusiones con Drácula, con drogas (Cocaine Shark), con marionetas o con payasos, así que queda ya poco terreno por explotar.

Con todo esto en cuenta, el de un género que ya está más que pasado de rosca y que hace tiempo que no se toma demasiado en serio a sí mismo, llega ahora a los cines En mar abierto, un nuevo capítulo en el sharksploitation a cargo del hombre que precisamente revitalizó el género. Renny Harlin, su director, es el mismo hombre detrás de Deep Blue Sea, la película estrenada en 1999, con el género dando sus últimos coletazos, y que sirvió para hacer revivir la pasión por los tiburones que en el nuevo siglo daría paso a otros títulos como Open Water o Infierno azul del español Jaume Collet-Serra, mientras Netflix ya ha hecho lo propio con En las profundidades del Sena, que ya prepara su secuela, o Embestida, estrenada hace tan solo unos meses en la plataforma.

Nada más peligroso que la ignorancia humana

En mar abierto encajaría mejor entre estas últimas, pues cuenta la historia de la tripulación de un vuelo desde Los Angeles hasta Shanghai que sufre un colapso y, lejos de poder realizar en tierra un aterrizaje de emergencia, tiene que amerizar en medio del Pacífico, cerca de un arrecife coral que además divide el avión en varias partes. Lo peor de todo, más allá del susto y de la lejanía de ayuda humana, es que una manada de tiburones es quien acude a la llamada, alertados por el reguero de sangre que dejan los fallecidos del accidente y los que quedan en pie, quienes han de organizarse rápido antes de que caiga la noche o suba la marea y sean definitivamente presa de los escualos.

Lo curioso de todo es que, el origen de este accidente, reside en un error humano, o más bien en un cúmulo de negligencias voluntarias que hacen que se desencadene todo, y que ponen el verdadero foco de la película en la parte emocional. Harlin se toma mucho tiempo en acercarse a sus personaje antes de que aparezca la primera aleta, desde el choque cultural que representa el equipo de eSports chino frente a los deportistas americanos, una anciana de camino a ver a su nieta o una recién formada familia con hijos de otros matrimonios que no terminan de entenderse.

Aaron Eckhart, capitán de emergencia

Pero de todos esos personajes quizá el que mejor resuma el espíritu de En mar abierto sea el de Aaron Eckhart, un copiloto que otrora pudo haber sido algo más y se ha tenido que “conformar” con trabajar para una aerolínea de bajo coste, en la que trabaja sin descanso bien para conseguir dinero o bien porque prefiere no enfrentarse al drama familiar que le aguarda en casa. El que diera vida a Harvey Dent/Dos Caras en El caballero oscuro de Christopher Nolan llevaba un tiempo fuera de juego más allá de la saga Objetivo: La Casa Blanca -en la que acompaña a Gerard Butler como el presidente de los Estados Unidos- pero con esta película ha vuelto a ponerse el mono de trabajo y cuaja una sólida actuación como héroe por accidente, un perdedor que obtiene una segunda oportunidad al igual que el personaje de Ben Kingsley.

Esa historia, y cómo se va conjugando con la del resto de personajes, es quizá lo más interesante de una película que apuesta por la seriedad y el drama en las antípodas de la autoconsciencia y humor del género, una línea que roza en más de una ocasión pero que nunca termina de cruzar. Harlin diseña un ejercicio de supervivencia con gran orden y coordinación para que el espectador se sitúe en todo momento a pesar del mar abierto, pero no consigue transmitir el mismo peligro ni fuerza que en Deep Blue Sea, y la pantalla verde de los efectos digitales es a veces mayor incordio que unos tiburones de lo más salvajes pero atragantados de intensidad. Si la fiebre por la sharksploitation ha vuelto, habrá que buscar nuevas formas de recuperar la gloria que Spielberg o el propio Harlin conquistaron en su día.

Dicen que los polos opuestos se atraen. Tal vez por eso Alejandro, un machito que triunfa en Internet presumiendo de su habilidad para la seducción, se piensa que le bastan tres días para conquistar a Mariela, una activista feminista que no tarda en olerse las intenciones de su archienemigo. Con esta premisa arranca El último mono, la última comedia romántica de Joaquín Mazón (La familia Benetón, El casoplón) que se ha estrenado en cines este viernes 7 de agosto.

Dando vida a esta peculiar pareja están también dos actores bien distintos. A un lado, el archiconocido humorista Juan Dávila, que intercambia sus millones de seguidores en redes sociales por la cámara de cine; al otro, Susana Abaitua, actriz más que consolidada en cine y televisión, cuyos papeles dramáticos más conocidos (Patria, Un fantasma en la batalla) le han valido sendas nominaciones a los premios Feroz y a los Goya.

Así, el contraste en la pantalla está servido, pero también la química. “Es porque nos lo hemos currado y porque desde el minuto uno en los ensayos nos hemos llevado muy bien”, afirma ella. Juan Dávila asiente, pero no tarda en añadir que la parte física de Susana Abaitua lo ha puesto “más fácil”. “Quiero decir que hay veces que te tienes que enamorar de una persona a la que le huele el aliento y entonces tienes que hacer un poco más de esfuerzo centrándote en lo positivo, pero aquí no ha habido que hacer ningún trabajo extra”, se explica ante las risas de su compañera. “Ves, te estamos resumiendo la película: yo te digo que nos hemos llevado bien y él fijándose en mi físico”.

Una película para que el espectador se pregunte dónde está

A nadie se le escapa que, a pesar de tratarse de una comedia romántica ligera, el tema que aborda El último mono es delicado. Establecer una relación romántica entre un líder de la machosfera y una activista del feminismo corre el riesgo de equiparar a ambos personajes cuando no son lo mismo ni intelectual ni moralmente. Por eso, a la actriz Conchi Espejo (Valenciana), amiga de Mariela en la película, le preocupaba que algunos espectadores más concienciados pudieran considerarla “poco politizada”.

Sin embargo, la actriz no pone el foco en este grupo de espectadores, y considera que El último mono “es perfecta para que la gente que menos se suele hacer preguntas empiece a hacérselas”. Al fin y al cabo, pese a protagonizar un romance lleno de gags, la evolución de ambos personajes es muy distinta al final de la historia. “Creo que, en la sociedad en la que estamos hoy en día, esta película es una herramienta muy potente para llegar al máximo de espectadores posibles y que se pregunten: ‘Uy, pero ¿yo dónde estoy? ¿Qué personaje de los dos me representa más?’“.

Por su parte, Joaquín Mazón afirma que el feminismo no es el tema de la película, sino “las contradicciones del ser humano”. “Lo que hemos intentado es desmontar la figura de un hombre que, ahora, se está aprovechando de gente perdida en redes sociales, porque la gran pregunta que nos hacemos es quién hay detrás de todos esos movimientos de la machosfera”. Por eso, para él, El último mono habla de nuestra propia sociedad y “la va a disfrutar todo el mundo”, aunque al mismo tiempo sea “ciertamente generacional”.

Un machista de manual y un ejemplo de “nuevas masculinidades”

A la hora de interpretar a sus respectivos personajes, cada intérprete ha tenido que hacer un trabajo distinto. Mientras Abaitua explica que se sintió completamente identificada con el personaje, Espejo asegura que interpretar a Leire le ha hecho ser consciente de sus propias contradicciones y, además de corregirlas, aprender a reírse de ellas. Más difícil lo tenía Dávila, a quien le tocó “disociarse” del personaje. “Más que entenderlo, hice un trabajo para ir encontrando un poco la naturalidad en él”, explica. Su compañera protagonista destaca de él que “no ha apretado en la parte machista del personaje y le ha dado una esencia muy bonita, sin querer salvarlo tampoco de ridiculizarlo”.

Esos toques de humanidad en Alejandro llegan sobre todo por la relación que este tiene con su hermano Samuel, interpretado por Óscar Lasarte (¿Es el enemigo? La película de Gila), y en su necesidad de ‘enseñarle a triunfar’ que acaba convirtiéndose en fuente de ruptura entre ambos. “Yo creo que Samu es una persona muy perdida, que por pertenecer a algo se ha acogido al club este de ligar”, comenta este actor nominado al Goya a Mejor actor revelación en 2025. “El chico no se siente identificado con este tipo de cosas, es un poco el hombre deconstruido, y es interesante explorarlo porque da voz a una nueva masculinidad, adaptada a la evolución natural de la sociedad”.

“El personaje de Samu me gusta mucho porque tiene mucha ternura y porque busca un referente en el lugar equivocado”, completa Joaquín Mazón. “Y, quizá, él se acaba convirtiendo en el referente de su hermano, de modo que todos los personajes suman mucho y aportan a la película; no hay nada gratuito”. El último mono no intenta “adoctrinar”. “Yo creo que hay que focalizarse en hablar de los seres humanos”, explica un cineasta que aprovecha cuestiones sociales cotidianas (la vivienda y la conciliación en El casoplón, por ejemplo) como marco para sus comedias. “Me focalizo en personajes con contradicciones, más en las personas que en el mensaje”.

El director, guionista, productor y actor alemán Werner Herzog recibirá el Premio Donostia del Festival de Cine de San Sebastián en su 74° edición, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre. El cineasta será homenajeado en la gala de apertura del certamen vasco y presentará su película Bucking Fastard tras su estreno en Venecia.

El festival de San Sebastián ha desvelado este viernes en un comunicado el primer Premio Donostia de esta edición que reconoce así la trayectoria de una de las figuras más influyentes del cine contemporáneo. A lo largo de seis décadas, Herzog ha construido una “obra extraordinaria” con cerca de 80 filmes, moldeada por la obsesión, las situaciones extremas y las contradicciones de la naturaleza humana, destaca el Festival. Sus películas, tanto de ficción como de no ficción, están pobladas por soñadores y conquistadores que se enfrentan a paisajes extremos y fuerzas que escapan a su control. Guiado por su concepto de “verdad extática”, un concepto acuñado por el propio Herzog, su cine trasciende la mera observación de los hechos para revelar una dimensión más profunda y poética de la realidad.

La última película de Herzog, que competirá en el próximo Festival de Venecia, se proyectará en el teatro Victoria Eugenia de San Sebastián antes de la entrega del galardón en el Palacio Kursaal. Protagonizada por Rooney Mara, Kate Mara, Orlando Bloom y Domhnall Gleeson, Bucking Fastard narra la inusual historia de dos hermanas gemelas cuyo vínculo extraordinario las lleva a hablar al unísono, a amar al mismo hombre y compartir los mismos sueños.

Quién es Werner Herzog

Nacido en Múnich en 1942, Werner Herzog creció en un valle remoto de las montañas bávaras. Hasta los 11 años ni siquiera conocía la existencia del cine. Comenzó a desarrollar proyectos cinematográficos a los 15 años y, dado que nadie parecía dispuesto a financiarlos, durante sus últimos años de instituto trabajó en el turno de noche de una fábrica de acero como soldador. También empezó a viajar a pie.

Hizo su primera llamada telefónica a los 17 años y su primera película a los 19. Abandonó la universidad, donde estudió historia y literatura. Desde entonces ha escrito, producido y dirigido unas 80 películas, entre las que figuran Aguirre, la ira de Dios; Fitzcarraldo, para la cual trasladó un barco de vapor sobre una montaña en plena selva amazónica, El hombre Oso y La cueva de los sueños olvidados. Ha publicado también libros de poesía y prosa como De caminar sobre hielo, Conquista de lo inútil y, recientemente, la novela El crepúsculo del mundo.

Ha sido director de escena de una docena de óperas en Bayreuth y en La Scala de Milán, así como en otros teatros de ópera alrededor del mundo. También ha actuado en películas como Jack Reacher: bajo la mira, The Mandalorian y en papeles como invitado en Los Simpson. Creó una instalación artística, Hearsay of the Soul, para la Bienal del Museo Whitney de Nueva York y el Museo Getty de Los Ángeles. Además, fundó la Rogue Film School como contrapunto a lo que se enseña en la mayoría de las escuelas de cine del mundo.

El cine tiene una curiosa manera a veces de imitar la vida, y otras directamente de predecirla. Y si el fútbol es vida, como afirma alegre el Dani Rojas de la futbolera serie Ted Lasso, entonces el cine y el fútbol deberían entenderse. No lo han hecho siempre, pero ha habido un par de veces contadas en las que esa sinergia ha dado sus frutos. Y ahora esa vez resuena con fuerza tras el último fichaje del Real Madrid.

El club blanco acaba de anunciar la contratación de Yan Diomande, futbolista marfileño que hace tan solo un año estaba en las filas del Leganés y que esta temporada ha sido una de las grandes revelaciones de la Bundesliga alemana, en la que ha despuntado como extremo del RB Leipzig. Internacional por Costa de Marfil, con la que ha disputado el reciente Mundial, ahora se vestirá de blanco y cumplirá su sueño de jugar en el club más grande de la historia del fútbol, algo que ya hizo, desde la ficción, un joven que vivió una historia sorprendentemente parecida a la suya: Santiago Muñez.

Este personaje, al que interpretaría el actor mexicano Kuno Becker durante tres entregas, nació en el año 2005 con la película Goal -titulada aquí como ¡Goool! La película-, en la que se narraba la historia de un joven mexicano sin papeles que había saltado la frontera con Estados Unidos junto a su familia y que practicaba fútbol en una liga menor de Los Angeles. Allí era descubierto por Glen Foy (Stephen Dillane), un exfutbolista británico y antiguo ojeador del Newcastle United, quien veía en Santiago un diamante en bruto al que sacar de su humilde vida y convertirlo en una estrella del fútbol. En la primera película se narra su viaje hasta Inglaterra y sus dificultades para hacerse un hueco en el primer equipo del Newcastle, mientras se adapta a la cultura inglesa, al fútbol de la Premier y conoce a una enfermera de la que se enamora, Roz. Todo eso con música de Oasis de fondo y recreando estadios y partidos reales, con la dificultad que ello conlleva.

La apuesta subiría con su secuela, ¡Goool 2! Viviendo el sueño, en la que Santiago viajaría hasta Madrid para jugar en el Real Madrid de la misma forma que lo hace ahora Diomande, con el que curiosamente comparte varias características. En la parte futbolística, ambos son jugadores ambidiestros y con un gran rango de actividad a lo largo del campo. Diomande puede jugar en las tres posiciones de ataque, aunque tras la inminente renovación de Vinicius todo apunta a que vendría a instalarse en la banda derecha blanca. Son jugadores con una conducción muy particular y que a veces podría parecer que no levantan la cabeza de la pelota, pero a la hora de la verdad pueden dar la asistencia que marque el partido.

Una historia de superación en un Madrid en ruinas

Además de todo eso, el fichaje de Diomande llega en un momento casi idéntico al de una película que transcurría durante la temporada 2005-2006. Hace justo veinte años, el Real Madrid sumaba su segunda temporada en blanco con un equipo plagado de estrellas -Figo, Ronaldo, Zidane, Raúl o Beckham entre otros, quienes aparecen en la propia película- pero sin visos de arrebatar la hegemonía del Barcelona, quien en el filme aparece goleando al Real Madrid en el Bernabéu tal y como sucedió con aquel histórico momento de Ronaldinho. Diomande aterriza ahora en un equipo que viene de dos temporadas de absoluto fracaso a pesar de tener una de las plantillas con mayor talento, con nombres como Kylian Mbappé, Jude Bellingham, Federico Valverde o Vinicius Jr. en su vestuario.

Pero las casualidades no quedan solo en el césped, ya que las verdaderas semejanzas entre ambos jugadores tienen que ver con lo personal. Mientras que Muñez lo deja todo para seguir su sueño de convertirse en futbolista, Diomande ha pasado apuros hasta llegar a la élite. Nació en Abiyán, y durante su infancia no tuvo grandes problemas económicos, pero no fue hasta los 16 años que se le presentó una oportunidad de oro. Fue a través de la ‘DME Academy’ y en la International Development Academy (IDA), en Florida, donde encontraría el hueco para desarrollar su talento antes de dar, como Muñez, el salto a Europa. Fue de la mano del Leganés, quien apostó por el joven extremo y pronto se dio cuenta de que tenían un gran talento en ciernes, como reconoció el exentrenador Borja Jiménez en una entrevista.

A pesar de todo, quien siempre confió en Diomande fue su hermana Roxane, a la que el propio Diomande dedicó una carta hace unos meses dentro de The Players Tribune, gracias a la cual sabemos toda la historia de superación que arrastra el jugador. En Goal, Santiago se enteraba de improvisto de que su padre había fallecido, creyendo que este nunca le había apoyado cuando en realidad le había ido a ver a su último partido. Desgraciadamente, la hermana de Diomande también falleció hace unos meses después de que le pusieran algo en su bebida durante una fiesta en Costa de Marfil, con apenas 15 años y dejando un gran vacío en el futbolista. “No quiero ser rico, solo quiero demostrarle al mundo que mi hermana tenía razón”. Si el sueño de Muñez se cumplió en la ficción, ahora Yan Diomande tiene en su mano la oportunidad de honrar a su hermana jugando para el club más grande del fútbol, el Real Madrid.

El mes de agosto empieza por todo lo alto, con resaca aún del viaje de Odiseo o de trepar muros de la mano del Spider-Man de Tom Holland. Mientras los dos grandes titanes del blockbuster veraniego se pelean en taquillas -y solo entre comillas, pues cuentan con actores comunes como Zendaya, Jon Bernthal o el propio Tom Holland-, nuevos títulos llegan a cartelera para hacer más llevadero el verano y de paso descubrir nuevas historias y personajes.

Uno de ellos será el cómico de Juan Dávila en la comedia romántica El último mono, pero no el único. Otro título español como La ventana abierta viene para sorprender, así como el drama familiar en Islandia de El amor que permanece, el curioso síndrome Rembrandt en una pareja de ingenieros nucleares o, por supuesto, una historia de accidentes aéreos con muchos tiburones. Si no, no sería un verano que merezca la pena.

El último mono

Juan Dávila debutó en el cine hace más de quince años, en una película que quizá algunos recuerden titulada Pegado a tu almohada. Este 2026, ya como cómico consagrado, ha sido su gran retorno a la gran pantalla, primero con Castigo divino y ahora con esta comedia romántica que aspira a desmontar algunos de los estereotipos machistas que imperan hoy día. Susana Abaitua da vida a una cómica feminista que le dará la réplica y le enseñará cómo funcionan realmente las cosas.

El amor que permanece

El director Hlynur Pálmason es una de las grandes voces del cine islandés de los últimos años gracias a Godland o Un blanco, blanco día, y con este drama familiar hay quien dice que ha hecho su película más íntima y redonda. La película cuenta la historia de Anna y Magnus, una pareja recién separada que se reúne en una casa rural junto a sus tres hijos. Allí intentarán recuperar el tiempo perdido y revivir lo que parece que ya está muerto.

La ventana abierta

Unax Ugalde protagoniza este thriller en el que da vida a Rubén, un hombre que espera encontrarse en un pueblo de la costa andaluza con Merche, una mujer con la que lleva meses hablando online y a la que aún no ha desvirtualizado. Sin embargo, cuando llega allí, solo se encuentra una mirada amable, la de la joven Vera, la hija de Merche. Junto a ella empieza a reconstruir los recuerdos de esa mujer rota por dentro y a darse cuenta de cómo es realmente la vida que vive la mujer de la que se ha enamorado.

El síndrome Rembrandt

Todo el mundo conoce el síndrome de Stendhal, por el cual una persona sufre mareos o una gran impresión al estar expuesta a una gran obra de arte o belleza. Pues bien, algo parecido le sucede a Claire, una ingeniera francesa que desarrolla una especial conexión con los cuadros de Rembrandt tras visitar la Galería Nacional junto a su pareja Yves. Ambos ingenieros nucleares y con un gran reto entre manos, la visita cultural hará que la pareja comience a separarse mientras Claire ve en los cuadros del pintor holandés mucho más de lo que imaginaba.

En mar abierto

No sería un buen verano sin su película de tiburones, y Mar abierto es eso a grandes niveles. Cuando un avión comercial con destino a China se estrella en medio del Pacífico, la tripulación superviviente se enfrenta a una gran amenaza acuática. Varios tiburones han olido la sangre y merodean los escombros del avión, y con él a los fallecidos y a los que luchan por sobrevivir. El intrépido copiloto Ben (Aaron Eckhart), quien vive frustrado por no haber prosperado cuando pudo, encontrará una manera de redimirse y convertirse en el héroe que siempre soñó, manteniendo alejadas a las temibles criaturas de los pasajeros de su avión, a la espera de que alguien acuda en su rescate.

John Carpenter ha colaborado a menudo con las personas más cercanas a él a lo largo de su carrera. Pero la creación de Cathedral, una novela gráfica con un álbum original que se lanza este viernes, fue realmente un asunto familiar.

El reconocido director de películas de terror emblemáticas como The Thing y Halloween afirma que hoy la industria cinematográfica es totalmente “corporativa”. Por eso, a sus 78 años, prefiere buscar formas alternativas y menos costosas de mantenerse creativamente realizado.

Después de soñar con una iglesia abandonada en el centro de Los Ángeles que tenía un ascensor hacia el infierno, Carpenter, que también es un prolífico compositor, reclutó a su ahijado Daniel Davies y a su hijo Cody para colaborar en el álbum. El resultado es una serie de pistas instrumentales inquietantes que evocan algunos de sus clásicos más icónicos, como el tema de “Halloween”. Luego acudió a su esposa, Sandy King, quien es editora de cómics, para que le ayudara con la novela gráfica.

Carpenter, su hijo y Davies hablaron sobre su proceso artístico, sus preocupaciones sobre la inteligencia artificial y sobre tener pesadillas con la leyenda de los Boston Celtics, Larry Bird. La entrevista ha sido editada por claridad y brevedad.

—¿De dónde surgió la idea para este proyecto?

—John Carpenter: Pensé: soy director de cine de profesión, en los viejos tiempos, y este álbum sería una gran banda sonora para una película. Sin embargo, esa película costaría varios cientos de millones de dólares, así que, ¿por qué no hacer una novela gráfica? Mi esposa tiene una editorial de cómics, así que escribamos la novela, ilustremosla y compongamos la música para ella.

— ¿Ese ha sido tu proceso en el pasado? ¿Crear primero la música y luego la película?

—J.C.: No, al revés. Dirijo la película, la edito como quiero y después pienso en la música. Así que la música es simplemente funcional. Apoya la historia y los personajes, y así sucesivamente.

La industria cinematográfica cambió desde que yo trabajaba en ella a tiempo completo. Ahora todo es corporativo. Vengo del cine estudiantil, donde no teníamos dinero, así que no podíamos contratar a un compositor. Tenía que hacerlo yo mismo. Pero ahora tengo a estos vagos para hacerlo conmigo y ya no tengo que trabajar tanto.

— La idea para esto vino de un sueño. ¿Sueles inspirarte en tus sueños?

—J.C.: Nunca. Es la primera vez. La mayoría de mis sueños son bastante parecidos y no sirven para películas. Siempre sueño que estoy perdido en una ciudad e intento volver a casa, pero las calles cambian y no encuentro el camino. O busco el barrio de los cines y, cuando llego, todos están cerrados.

—Cody Carpenter: Llevo un diario de sueños desde la universidad. Tengo sueños psicóticos. Me gusta recordarlos, ¿sabes?

—J.C.: ¿El sueño del baloncesto? ¿No viste a alguien empezar a driblar?

—C.C.: Era Larry Bird. Pero resultó que estaba muerto y yo interactuaba con su fantasma.

— John, como alguien que ha trabajado con presupuestos bajos y le gusta experimentar, ¿has probado la inteligencia artificial?

— J.C.: Bueno, la gente me dice que es peligrosa. No sé, ¿qué significa eso? ¿Significa que empieza a aprender sola?

— Creo que depende de a quién le preguntes.

— Daniel Davies: Nos gusta hacer música. Me gustaría que ayudara a hacer tareas, como predecir nuevas pistas y conocer mi flujo de trabajo. Pero nos gusta crear cosas, así que ¿para qué usarla?

— C.C.: No sé. Conozco a alguien que hace mucha música con IA y me envía todo lo que hace y, bueno, creo que en algún momento ya no tendremos trabajo. Realmente me impresiona lo rápido que progresa. Pero no sé. Nadie lo sabe.

— J.C.: La música, creo, es la mayor forma de arte. Me da pena decirlo. Pero no requiere nada. Todos podemos escucharla en diferentes países. La gran música nos conmueve. ¿Y me dices que una máquina puede lograr eso? No lo creo. Eso me molesta. Esto es algo humano. Quiero que venga de nosotros. Realmente lo quiero.

— Recientemente vi “Prince of Darkness” por primera vez. Me gustó mucho. Parece poco apreciada.

— J.C.: ¿Por qué la viste recién ahora?

— Tienes razón. Ojalá la hubiera visto antes. ¿Hay películas tuyas que sientas que han sido poco valoradas?

— J.C.: Me alegra que te haya gustado. Estoy satisfecho con casi todas las películas que hice.

— ¿Con cuáles no?

— J.C.: No te lo voy a decir.

Entre las muchas comodidades que nos brindan las plataformas de streaming, se cuenta la de poder ver películas que tuvieron un gran impacto tras su estreno y que, en otras circunstancias, nos habría costado más encontrar. Buen ejemplo de ello es Diarios de motocicleta, una de las mejores películas argentinas de este siglo, recién recuperada por Prime Video.

Este filme, dirigido por Walter Salles (Aún estoy aquí), se centra en la juventud del revolucionario Ernesto Che Guevara, reconstruyendo el viaje que, mucho antes de alzar las armas, recorrería gran parte de Sudamérica junto a su amigo Alberto Granado. Así, durante dos horas seguimos a estos compañeros haciendo un viaje improvisado en motocicleta por países como Argentina, Chile, Perú o Venezuela, descubriendo realidades sociales que marcan un antes y un después en su visión del continente. El relato, lejos de situarse en la épica revolucionaria, opta por la mirada íntima y el asombro ante el mundo.

Salles elige mostrar los paisajes de Latinoamérica con una sensibilidad que explota el placer de contemplar la película. Junto a Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna, actores que dan vida a los protagonistas, observamos escenarios naturales que van desde los Andes hasta la selva amazónica. Esto es posible gracias a una colaboración inédita entre instituciones cinematográficas de varios países para producir una cinta que es, a la vez, testimonio de una identidad colectiva capaz de trascender fronteras. “Una reconstrucción emocionante y tierna”, opinaron The New York Times cuando se estrenó.

Una reivindicativa intervención en los Oscar

A pesar del carácter político de un personaje como el Che, la película de Walter Salles es de todo menos panfletaria. Al contrario, se enfoca más en la parte humanista y social de la historia que cuenta. Diarios de motocicleta tiene la estructura de una road movie que conecta escenarios y experiencias, pero se centra en subrayar la emoción y la transformación personal antes que cualquier análisis político. Además, Gael García Bernal nos ofrece un personaje simpático y cercano, que nos engancha en todo momento a la historia.

Pero si algo nos engancha es, sobre todo, la música. A las composiciones del dos veces ganador de un Oscar a la Mejor banda sonora, Gustavo Santaolalla, hay que añadirle la canción que le dio una estatuilla a la película, Al otro lado del río, obra de Jorge Drexler. El hito no es menor: el cantautor uruguayo consiguió que un tema en español ganara por primera vez el premio, aunque hubo cierta polémica después de que la Academia decidiera no hacer el tradicional concierto en la gala del ganador en la categoría, al considerar que este músico no era lo bastante conocido en Estados Unidos.

Aunque Drexler aceptó la decisión, el gesto molestó bastante al público latinoamericano, que percibió la medida como una falta de reconocimiento. Sin embargo, cuando se le entregó el premio (a manos de Prince, ni más ni menos), el cantautor subió al escenario y, tras hacerle una reverencia a su ídolo, sorprendió al público interpretando a cappella varios versos de la canción: “Clavo mi remo en el agua / Llevo tu remo en el mío / Creo que he visto una luz / al otro lado del río”. Su breve intervención, sin discurso ni agradecimientos convencionales, fue leída como un acto de dignidad y reivindicación cultural. “Gracias, chao”, dijo el artista justo antes de retirarse con el premio.

El feriado nacional ofrece la excusa perfecta para ir al cine y aprovechar la cartelera del jueves 6 de agosto en Perú. Los principales cines suman estrenos y mantienen en cartelera varias películas para todos los públicos, con funciones en distintos horarios y formatos.

A continuación, Infobae presenta una guía completa con los títulos disponibles, las cadenas participantes y los horarios clave. La información facilita comparar opciones y planificar la visita según la película, la sede o la preferencia de cada espectador.

Estrenos

ATEEZ: Light the Way in Cinemas

• Cineplanet Todas las sedes de Cineplanet ofrecen una función especial a las 18:50, ideal para los seguidores del K-pop que buscan una experiencia diferente en pantalla grande. Las entradas pueden adquirirse en boletería o en la web, con el respaldo de una cadena con cobertura nacional.
• Cinemark La película se proyecta en complejos seleccionados como Mall Plaza Bellavista, Jockey Plaza y Mall Plaza Comas, con función única a las 19:10. Cinemark recomienda consultar su página oficial para confirmar la disponibilidad en cada sede antes de acercarse, ya que la oferta varía según el local.
• Cinépolis Todas las salas de Cinépolis presentan este estreno a las 19:00. La cadena habilita la compra anticipada en línea y ofrece la experiencia en sus principales sedes, con servicios y comodidad reconocidos.

Engendro

• Cineplanet “Engendro” llega a todas las sedes de Cineplanet con funciones desde las 20:25. Algunas sucursales han programado dos funciones para responder a la demanda del público, y la web permite verificar horarios y disponibilidad antes de la compra.
• Cinemark En Cinemark, el estreno se encuentra en sedes como Gamarra y Jockey Plaza, con funciones a partir de las 22:50. La cadena sugiere revisar la cartelera online para elegir la mejor ubicación y evitar largas esperas, especialmente en feriado.
• Cinépolis En Plaza Norte y Santa Anita, Cinépolis ofrece la película desde las 18:00, únicamente en versión subtitulada. Estas sedes permiten a los espectadores optar por la función que mejor se ajuste a su horario y preferencia de idioma.
• Cine Star Todas las sedes de Cine Star suman este título desde las 19:00 en versión doblada. La película cuenta con restricción para mayores de 14 años y la cadena habilita la compra de entradas tanto en boletería como en línea.

Películas en cartelera

Spiderman: Un Nuevo Día

• Cineplanet Las salas de Cineplanet mantienen la película en cartelera con funciones desde las 13:00, disponibles en 2D y 3D, doblada o subtitulada. Las restricciones para promociones siguen vigentes, por lo que se recomienda revisar las condiciones antes de comprar.
• Cinemark Cinemark presenta “Spiderman: Un Nuevo Día” en todas sus sedes, con opciones en 2D, 3D y DBOX desde el mediodía. La cadena comunica que los cupones promocionales no podrán usarse en este título hasta el 11 de agosto.
• Cine Star En Cine Star, la película está disponible en todas las sedes desde el mediodía. La sede Excelsior destaca por ofrecer la opción de sala 3D, mientras que en el resto de locales se mantiene la restricción para promociones.
• Cinépolis Cinépolis ofrece el título en Plaza Norte y Larcomar, con funciones desde las 13:00. Los espectadores pueden elegir entre versiones dobladas y subtituladas en 2D y 3D, con la opción de compra anticipada en la web.

La Odisea

• Cineplanet Todas las sedes de Cineplanet proyectan la película a partir de las 14:00, en versión doblada o subtitulada. No existen restricciones para promociones y la información de formatos está disponible en la web de la cadena.
• Cinemark Desde el mediodía, Cinemark suma opciones en 2D, doblada o subtitulada según la sede. El acceso a promociones está habilitado y los usuarios pueden consultar horarios específicos por complejo.
• Cine Star Todas las sedes de Cine Star tienen funciones desde las 17:00, con la posibilidad de encontrar más de un horario en determinadas sucursales. La compra puede hacerse en línea o en la boletería del cine.
• Cinépolis En todas sus salas, Cinépolis proyecta “La Odisea” en versión doblada desde las 11:00. La película es para mayores de 14 años y la cadena permite el uso de promociones vigentes.

Moana Live Action

• Cineplanet “Moana” está disponible desde el mediodía en todas las sedes de Cineplanet, en versión doblada y sin restricciones. Es una opción pensada para todo público, especialmente para familias con niños.
• Cinemark Algunas sedes de Cinemark ofrecen dos funciones diarias de la película, pensadas para que niños y adultos puedan elegir el horario más conveniente. Se recomienda revisar la web para ver cuáles locales la tienen en cartelera.
• Cine Star La mayoría de las sedes de Cine Star tiene una función diaria desde las 13:00. El acceso a promociones está habilitado y la película es apta para todo público.
• Cinépolis Desde las 11:30, todas las sedes de Cinépolis presentan la película en versión doblada. Es posible comprar entradas en línea y aprovechar las promociones disponibles.

Paw Patrol: La Dino Película

• Cineplanet La mayoría de las sedes de Cineplanet ofrece esta película desde el mediodía, en versión doblada y sin restricciones. Complejos como Mall del Sur, Salaverry, Primavera y Puruchuco figuran entre las opciones frecuentes para familias.
• Cinemark Cinemark proyecta la película en sedes como Gamarra, Comas, Megaplaza, Arequipa Outlet Arauco y San Miguel. Los horarios son limitados, por lo que se sugiere consultar la web antes de la visita.
• Cinépolis Solo en Larcomar y Plaza Norte, Cinépolis presenta la película desde las 11:20. Ambas sedes permiten disfrutar de la función en horarios pensados para el público infantil.

Minions y Monstruos

• Cineplanet Desde el mediodía, todas las sedes de Cineplanet exhiben esta cinta animada en 2D doblada, con horarios pensados para facilitar la visita familiar y la compra anticipada.
• Cinemark La mayoría de los complejos de Cinemark mantiene la película en cartelera desde el mediodía, en versión doblada y solo en salas 2D. Los detalles de horarios y sedes pueden revisarse en la web oficial.
• Cinépolis Larcomar y Santa Anita son las únicas sedes de Cinépolis que proyectan la película desde las 13:00. Larcomar, además, ofrece una función especial para niños.

Toy Story 5

• Cineplanet En la mayoría de las sedes de Cineplanet, la película está programada desde el mediodía, en versión doblada y sin restricciones. Las entradas pueden adquirirse tanto en la web como en boletería.
• Cinemark La opción 2D está disponible en la mayoría de sedes de Cinemark, algunas con una sola función diaria. No existen restricciones para promociones ni para público de ninguna edad.
• Cine Star Casi todas las sedes de Cine Star exhiben la película desde el mediodía, en versión doblada y apta para todo público. La cadena facilita el acceso a promociones para este título.
• Cinépolis Cinépolis proyecta la película en Larcomar, Santa Anita y Plaza Norte, con funciones desde las 12:40. Algunas salas ofrecen funciones adaptadas especialmente para niños.

Las transformaciones físicas extremas de los actores de Hollywood vuelven a estar bajo la lupa. El fenómeno “natty or not”, expresión del mundo del fitness que alude a si un físico es natural o fue logrado con ayuda de sustancias, se mantiene como uno de los debates más intensos en la industria del cine y el fitness internacional.

Según Men’s Health, la pregunta sobre la autenticidad de estos físicos gana terreno cada vez que una estrella aparece en la pantalla con un cuerpo radicalmente distinto al de sus trabajos anteriores.

El entrenador Don Saladino, conocido por su trabajo con figuras como Ryan Reynolds y Hugh Jackman, explicó en diálogo con Men’s Health que “la controversia surge porque de repente son una persona completamente diferente”.

Las redes sociales amplifican la discusión y muchas veces bajan el estándar de lo que se considera alcanzable sin ayuda externa. “El público tiende a olvidar que son actores, no atletas de alto rendimiento”, puntualizó Saladino.

Expectativas de superhéroes y realidades del set

El estándar sobre los cuerpos de los actores de acción se elevó en los últimos años. La cultura del fitness digital y el éxito de películas de superhéroes elevan la exigencia y, al mismo tiempo, alimentan la sospecha sobre el origen de estos físicos.

De acuerdo con Men’s Health, existe una diferencia clara entre el físico de un culturista profesional y el de un actor que se prepara para un papel. “No son Ryan Terry ni Chris Bumstead, están lejos de competir en un escenario”, afirmó Saladino.

Los cuerpos esculpidos para la cámara suelen beneficiarse de la genética, una estructura ósea favorable y, en ocasiones, de trucos de producción. “Muchos ni siquiera entrenan como atletas, y algunos solo buscan lucir bien unos segundos en una escena”, detalló el entrenador.

Claves para identificar una transformación no natural

Uno de los principales indicadores de una transformación asistida es la velocidad del cambio corporal. Saladino explicó que cuando alguien modifica drásticamente su físico en pocos meses, saltan las alarmas. “Si llevo veinte años pesando lo mismo y en seis meses aparezco con veinte kilos más y la misma definición, hay algo raro”, sostuvo.

Otros signos pueden ser el desarrollo desproporcionado de ciertas zonas musculares, como los hombros o la espalda, debido a la presencia de más receptores androgénicos en esas áreas.

Sin embargo, la genética y el punto de partida influyen. “La estructura, la genética y los antecedentes de entrenamiento hacen que cada caso sea distinto”, subrayó Saladino, quien también recalcó que el público suele subestimar el potencial humano.

Límites y procesos de una transformación natural

La obtención de resultados notables sin ayudas externas requiere tiempo, disciplina y constancia. Según el análisis de Men’s Health, sumar entre cinco y diez kilos de músculo en un año es un logro extraordinario incluso para quienes entrenan de manera rigurosa y controlan la dieta.

El fenómeno conocido como “newbie gains” puede facilitar una evolución más rápida en principiantes, pero los progresos se ralentizan a medida que aumenta la experiencia.

Saladino destacó la diferencia entre la preparación para el cine y para la competencia profesional. “Para una escena, basta con estar listo unos minutos, pero para un escenario la exigencia es otra”, apuntó en la entrevista. El entrenamiento de los actores muchas veces se ajusta a la duración y las necesidades del rodaje, y no necesariamente busca objetivos atléticos a largo plazo.

Efectos de la percepción pública y las redes sociales

El escepticismo en redes sociales sobre las transformaciones físicas de los actores genera un clima de sospecha y desconfianza. Men’s Health recogió declaraciones en las que se advierte que generalizar sobre el uso de sustancias es un error.

“Decir que todos en Hollywood utilizan ayudas químicas es parte del problema porque desincentiva a la gente a esforzarse”, sostuvo Saladino, al remarcar que existen numerosos casos de figuras que logran cambios notables de manera natural.

La presión social y la viralización de comentarios en plataformas digitales aumentan el impacto psicológico del debate. “Cuando alguien dice que tal físico no es natural, en realidad está admitiendo que dejó de intentarlo”, señaló el entrenador.

El papel de la producción: trucos y recursos fuera del gimnasio

A diferencia del mundo del culturismo, donde la meta es impresionar a jueces en el escenario, en el cine la prioridad es lucir bien ante la cámara. Los recursos técnicos como el maquillaje, el bronceado, la iluminación y los ángulos de cámara contribuyen a potenciar la imagen de los actores.

En varias producciones, los responsables de vestuario y maquillaje intervienen directamente para remarcar abdominales o acentuar la definición muscular, según relató el entrenador a Men’s Health.

El resultado final que se ve en pantalla responde tanto a la preparación física como a una serie de trucos visuales. “La diferencia entre estar listo para el escenario y estar listo para la cámara es significativa”, concluyó.

En Londres, la regulación de la publicidad en espacios públicos es estricta, especialmente cuando se trata de imágenes que pueden ser vistas por menores de edad. Las autoridades locales y nacionales cuentan con organismos dedicados a velar por la protección del público frente a contenidos que puedan resultar perturbadores o inapropiados. Este control se refuerza en lugares de alta afluencia, como el transporte subterráneo, donde la exposición es masiva y la diversidad de edades es una constante. Unas reglas que ni una gran película puede romper.

Recientemente, los carteles promocionales de una de las películas de terror más comentadas del año, con permiso de Backrooms y Obsession, han sido retirados de circulación tras una decisión de la Advertising Standards Authority (ASA), el organismo regulador de la publicidad en el Reino Unido. La medida fue tomada después de recibir una treintena de quejas relacionadas con la campaña de La momia, dirigida por Lee Cronin, que se exhibía en estaciones del metro londinense. La polémica se originó por la imagen central del cartel: un primer plano de una figura femenina con aspecto momificado, la piel grisácea y labios secos y agrietados, un ojo cerrado e hinchado y el otro fijo, con una expresión vacía. Para la ASA, estos elementos ofrecían “una impresión realista de una niña muerta” y resultaban “demasiado angustiosos” para ser exhibidos en espacios donde pudieran ser vistos por niños.

Según el fallo del regulador de la capital inglesa, aunque los anuncios no se colocaron dentro de los 100 metros de ninguna escuela, al menos una de las vallas era visible desde una guardería infantil. Se consideró que el riesgo de que menores vieran la imagen era elevado y que el contenido era inadecuado para su difusión en la vía pública. “En cualquier caso, consideramos que la imagen era probable que causara angustia a los niños pequeños y que no era adecuada para su exhibición donde podía ser vista por ellos. Por lo tanto, concluimos que los anuncios eran inadecuados para su exposición exterior y que violaban el código”, afirmó la ASA en su resolución.

Argumentos y defensa de Warner Bros

La campaña de La momia incluía no solo carteles impresos, sino también escenas promocionales para televisión y plataformas digitales. Entre ellas, se mostraba el cuerpo de una mujer siendo retirado de un sarcófago y una escena en la que una madre, visiblemente angustiada, era tocada en la cara por una mano gris y de uñas quebradizas. El tráiler terminaba con la frase: “Solo quiero recuperar a mi hija”, pronunciada por el personaje materno. Esta versión, sin embargo, había sido aprobada por la agencia de control Clearcast para su emisión tras las 19.30 horas. La reacción social no se hizo esperar. Varias personas expresaron que tanto los carteles como los avances eran potencialmente perturbadores, no solo para niños sino también para adultos. Las quejas se centraban en el realismo de la imagen y la naturaleza inquietante de la trama sugerida en la publicidad.

Ante la controversia, Warner Bros defendió la campaña argumentando que se había elaborado con “la debida responsabilidad hacia los consumidores y la sociedad”. El estudio explicó que la figura mostrada en los carteles no era un cadáver, sino una “momia viviente” que regresa con su familia años después de haber sido secuestrada en la infancia. Aseguraron que se utilizó un rostro con expresión neutral y que se evitó intencionadamente cualquier elemento de violencia, amenaza o intimidación. Warner Bros también detalló que el diseño fue presentado y aceptado por el socio publicitario de Transport for London, Global, para su exhibición en la red del metro. En cuanto a los tráilers, el estudio subrayó que los elementos de terror estaban sugeridos y no mostrados de forma explícita: no había escenas de sobresaltos, violencia ni imágenes gráficas.

La resolución de la ASA expuso con detalle los motivos para el retiro de la campaña. En su análisis, el regulador destacó la apariencia cenicienta y sin vida de la figura, el deterioro visible en los labios y el rostro, y la mirada perdida, factores que, combinados, generaban un efecto perturbador y realista de muerte infantil. La proximidad de los anuncios a espacios frecuentados por menores reforzó la decisión de prohibir la exhibición al aire libre. La restricción no afecta las transmisiones en televisión o streaming en horarios autorizados, pero marca un precedente sobre los límites que enfrentan las campañas publicitarias de cine de terror en espacios públicos dentro del Reino Unido.

El fenómeno se explica en parte por el contraste entre la recepción de Spider-Man: Brand New Day y la trilogía previa. Aunque la película debutó con elogios que la posicionan como la mejor versión live-action del personaje en la historia —o, según algunos, la mejor dentro del MCU—, esta aclamación ha servido como catalizador para reavivar viejas críticas hacia la etapa de Watts. El estreno ha reabierto discusiones sobre la dirección creativa y las decisiones que marcaron el paso de Tom Holland como Peter Parker bajo las órdenes de Watts.

El lanzamiento de Spider-Man: Brand New Day no solo acaparó la atención por su éxito en taquilla y las críticas favorables. También provocó que numerosos fanáticos recurrieran a las redes sociales de Jon Watts para expresar su desaprobación por la visión que imprimió en el personaje. Comentarios como “Eres un buen director, Watts, pero tu visión de Spider-Man no nos satisfizo en absoluto” y “Diste una trilogía muy floja, muy Disney” se multiplicaron en su cuenta de Instagram y otras plataformas. La reacción no es nueva, pero sí ha alcanzado un pico inédito tras el lanzamiento de la nueva película. El rápido abrazo a la cinta de Cretton puso en evidencia, a juicio de los fans, que el Spider-Man de Holland solo necesitaba un director que comprendiera mejor al personaje. Para muchos seguidores, la comparación entre ambas etapas acentuó la percepción de que la trilogía de Watts adolecía de profundidad y conexión con la esencia del héroe.

Una entrega con más corazón

Entre los argumentos más repetidos por la comunidad se encuentra la decisión de Watts de eliminar los icónicos “balanceos” de Spider-Man. Según se difundió, el propio Watts habría aconsejado a Destin Daniel Cretton evitar esos movimientos por considerarlos “aburridos y se veían tontos”, algo que fue desestimado por el nuevo director. Para los seguidores, este detalle simboliza el alejamiento de la trilogía de Watts respecto al espíritu clásico del personaje.

Otra de las críticas recurrentes es la dependencia de la narrativa de Tony Stark en la evolución de Peter Parker. A lo largo de las tres películas dirigidas por Watts —Homecoming, Far From Home y No Way Home—, el desarrollo del protagonista se vincula constantemente al legado de Stark. Esta falta de autonomía argumental fue señalada como una de las grandes debilidades de la etapa, incluso en la muy popular No Way Home, que logró reunir a los tres Spider-Man del cine reciente pero no escapó al escrutinio de los fans.

Las redes sociales de Jon Watts se convirtieron en un espacio de catarsis para quienes nunca estuvieron conformes con su dirección. “Pero gracias por dejar a Spider-Man en buenas manos”, escribió un usuario, reflejando el sentir de parte del público que ve en Cretton una esperanza renovada. Otros mensajes, más duros, insistieron en que Watts no regrese a la franquicia, atribuyéndole el haber dado un tono excesivamente ligero y dependiente de la fórmula Disney. Esta dinámica adquirió una dimensión colectiva, con cientos de comentarios que no solo cuestionan las decisiones estéticas y narrativas de Watts, sino que agradecen su salida. El fenómeno expone cómo la percepción de una saga puede cambiar radicalmente a partir de una nueva entrega exitosa.

La diferencia más notoria, según la conversación de los fans, reside en la capacidad de Cretton para ofrecer una historia más introspectiva y madura. Spider-Man: Brand New Day presenta una secuencia de peleas que muchos describen como “sacada de los cómics más exitosos”, y una narrativa que explora las dudas y desafíos del héroe sin depender de tutores ni fórmulas previas. Cretton, que ya había dirigido Shang-Chi: La Leyenda de los Diez Anillos, sumó su experiencia en el MCU para dar un giro al personaje, logrando una conexión inmediata con la audiencia. El éxito de la película en menos de una semana y la recepción global refuerzan la idea de que la saga ha encontrado una nueva voz.

La comunidad de seguidores celebró la llegada de Cretton como el inicio de una etapa prometedora para Spider-Man en el cine. El propio director agradeció el apoyo y expresó su deseo de que la historia conecte con espectadores de todo el mundo. Mientras Spider-Man: Brand New Day continúa su recorrido en los cines, el debate sobre el legado de Jon Watts y la dirección futura del personaje sigue abierto, impulsado por una base de seguidores que no ha dudado en manifestar sus preferencias y expectativas.

La edición 2026, que se celebrará hasta el 9 de agosto, apuesta por la diversidad en formatos y voces, proyectando largometrajes y cortometrajes en varias sedes físicas, así como en una plataforma digital accesible para todo el país.

El certamen busca impulsar películas que a menudo quedan al margen de la industria, reafirmando su misión de ofrecer una vitrina a propuestas invisibilizadas.

Durante el festival, las funciones se distribuyen en espacios como La Casa del Cine MX y la Facultad de Cine, entre otras.

Además, varios títulos estarán disponibles de forma gratuita en línea a través de la plataforma Nuestro Cine MX, facilitando la llegada a nuevas audiencias y ampliando el impacto de la programación.

Sedes, fechas y acceso a las funciones

La tercera edición de Cine al Margen se extiende hasta el 9 de agosto, permitiendo que el público asista a proyecciones en distintas ubicaciones.

Las principales sedes del festival son:

• La Casa del Cine MX: Funciones de la competencia oficial. Única sede donde las funciones tienen costo.
• Sala Marco Julio Linares del Instituto Mexicano de Cinematografía: Proyecciones sin costo para el público.
• Cinemanía: Acceso libre a todas las funciones programadas.
• Facultad de Cine: Espacio dedicado a actividades académicas y paneles abiertos sobre actuación y fotografía, con entrada gratuita y sin necesidad de registro previo.

Para quienes prefieren el formato digital, la plataforma Nuestro Cine MX presenta una selección de cortometrajes y largometrajes de manera gratuita y en todo México, del 4 al 9 de agosto.

Películas y cortometrajes de la competencia oficial

La programación de este año está compuesta por 22 títulos provenientes de 10 estados de la república, con una oferta que abarca desde estrenos en la Ciudad de México hasta lanzamientos latinoamericanos y mundiales.

En la selección destacan tanto largometrajes como cortometrajes que exploran distintos géneros y temáticas.

Largometrajes en competencia:

• About the Beginning, de Amulio José Espinosa
• Corazones fracturados, de Roberto Campos Segura
• Ella vive en la escuela, de Samuel C. Montes De Oca León
• Kokoro: corazón de ciudad, de Mauricio Medina Elizondo
• La casa, de Eva Villaseñor
• Los invisibles, de Andrea Oliva Marcial
• Mi chica púrpura, de Francisco R. Crisóstomo
• Nos hace falta Sinar, de Andrés Alarcón Nandayapa
• Quiero ver sangre, de Ramiro Medina Flores

Cortometrajes en competencia:

• CIEGA, de Víctor Adam Luna
• Culpable, de Eduardo Luis Alvarado
• Demian, de Diego Padilla
• Distintas, de Jadebeth Belbe
• El vaivén, de Chucho E. Quintero
• Entre cerros, de Miguel Ángel Espinoza Camacho
• La otra pirámide de Cholula, de Alonso Velasco
• Más allá de las palabras, de Emma Rodríguez
• Por el dedo de Dios, de Rubén J. Méndez
• Por las buenas amistades, de Ulises Pérez Mancilla
• Somos calle, de Itto Muñoz
• Tú mirada mi recuerdo, de Lizz Saavedra
• Vi a Juan Gabriel, de José Luis Isoard y William Elizondo

El jurado encargado de evaluar los largometrajes está conformado por Armando Espitia, actor de cine, televisión y teatro; Natalia Bruschtein, realizadora y directora; y Erick Estrada, crítico de cine, programador e investigador.

En el caso de los cortometrajes, el jurado está integrado por Brenda Medina, guionista y productora; Jorge Magaña, promotor y director de Shorts México; y Selma Cervantes, directora y miembro de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

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Estrenos, premios y actividades adicionales

Este año, el festival incluye diez estrenos en la capital, dos nacionales, uno latinoamericano y uno mundial, consolidando su papel como plataforma para nuevos lanzamientos.

Todas las películas en competencia aspiran a reconocimientos en categorías como Mejor Película, Dirección, Actuación, Guion, Edición, Fotografía y Sonido, evaluadas por jurados con amplia trayectoria en el cine nacional.

Los cortometrajes compiten por el premio a Mejor Cortometraje, definido por un jurado especializado.

Además, se presenta un programa especial de Procine con tres cortometrajes fuera de concurso: A los once, Los espejos y Vagón de medianoche.

El festival también suma actividades académicas y paneles con invitados del sector cinematográfico.

Durante el primer trimestre de 2027, la itinerancia nacional del festival llevará parte de la selección oficial a distintos estados, con especial presencia en el sureste del país.

Así, Cine al Margen continúa su labor de descentralización y promoción del cine mexicano alternativo, facilitando el acceso a propuestas innovadoras y diversas tanto en la Ciudad de México como en otros puntos del país.

La cadena Cinemex confirmó que su reestreno será el 20 de agosto, permitiendo que los espectadores disfruten nuevamente de una de las historias más emblemáticas del cine independiente, ahora con calidad visual superior.

Esta decisión responde al interés persistente por el filme y a la oportunidad de revivirlo tres décadas después de su debut.

La fecha anunciada para el regreso de Trainspotting coincide casi exactamente con el aniversario de su estreno original en México, ocurrido el 15 de agosto de 1996, seis meses después de su lanzamiento en el Reino Unido.

En esta ocasión, la cinta llegará restaurada y adaptada a los estándares tecnológicos actuales, aunque no se ha especificado hasta cuándo permanecerá en cartelera ni en qué complejos estará disponible.

Por ello, los aficionados deberán estar atentos a las actualizaciones que publique Cinemex para no perder la oportunidad de verla en pantalla grande.

Cinemex y la experiencia en 4K

El regreso de Trainspotting fue anunciado a través de los canales oficiales de Cinemex, que cuenta con alrededor de 2,900 salas en 98 ciudades del país.

La empresa no ha detallado aún las sucursales que participarán ni los formatos de exhibición disponibles, aunque suele reservar este tipo de lanzamientos para complejos seleccionados y salas con tecnología avanzada.

La recomendación para el público interesado es consultar periódicamente las redes sociales y el sitio web de la cadena para conocer los complejos participantes y asegurarse de adquirir boletos con anticipación, ya que la disponibilidad podría ser limitada.

La restauración en 4K permite que tanto nuevos espectadores como quienes vivieron el fenómeno en los noventa puedan apreciar Trainspotting con una calidad de imagen y sonido mejoradas.

Trainspotting: argumento y relevancia

Trainspotting, estrenada en 1996, se ha consolidado como un referente del cine independiente británico.

La historia, basada en la novela de Irvine Welsh, sigue a Mark Renton y a su grupo de amigos en Edimburgo, explorando la adicción a la heroína y las consecuencias sociales, familiares y emocionales que enfrentan.

Con un tono directo y humor negro, la cinta aborda problemáticas de la juventud y la marginalidad en la Gran Bretaña de los años noventa.

La dirección de Danny Boyle y la actuación de Ewan McGregor dieron vida a un relato que generó debates en su época por la representación explícita del consumo de drogas.

El filme se distinguió por su banda sonora, su estética visual y su narrativa innovadora, lo que le valió un sitio privilegiado entre las producciones más influyentes de aquella década.

Vigencia y recepción del filme de Danny Boyle

A treinta años de su estreno, Trainspotting sigue generando interés y reflexión por la manera en que aborda la juventud, las adicciones y la búsqueda de sentido en contextos adversos.

Su regreso en 4K ofrece la posibilidad de analizar los cambios sociales ocurridos desde los años noventa a la actualidad y de reconocer la vigencia de los temas tratados por Boyle y Welsh.

La celebración del aniversario en salas mexicanas refuerza la importancia de este filme en la cultura cinematográfica, consolidando su estatus como una de las grandes referencias del cine británico y mundial.

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Lo que debes saber antes de asistir

Con el estreno programado para el 20 de agosto, la principal recomendación es consultar los canales oficiales de Cinemex para obtener información actualizada sobre los complejos y horarios.

La demanda por funciones especiales de películas icónicas continúa en aumento, por lo que asegurar boletos anticipados puede ser la mejor opción para no perderse la experiencia.

La llegada de Trainspotting en 4K representa una ocasión especial para reencontrarse con una historia que marcó a toda una generación y para entender su impacto desde una perspectiva renovada.

La Sala Leopoldo Lugones volvió a quedar confirmada como sede de la 26ª edición de DocBuenosAires, la muestra de cine documental de creación que se realizó del martes 18 al domingo 23 de agosto en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, según la gacetilla de Buenos Aires Ciudad de Artes.

La programación abarcó títulos nacionales e internacionales en formatos DCP y, en un caso, DM, con funciones pautadas entre las 14 y las 21, de acuerdo con cada jornada.

La muestra se organizó por el Complejo Teatral de Buenos Aires (Ministerio de Cultura de la Ciudad) y DocBuenosAires, junto con la Fundación Cinemateca Argentina, con apoyo de Mecenazgo Cultural y Directores Argentinos Cinematográficos (DAC).

Una de las líneas curatoriales más visibles de la agenda se apoyó en un foco dedicado a Tsai Ming-liang, con varias obras programadas entre el martes y el jueves, incluidas piezas vinculadas a la serie The Walker.

El martes 18, la Lugones programó La noche (The Night, Taiwán, 2021) y Vivienda pública de Xining (Xining Public Housing, Taiwán, 2024), ambas dirigidas por Tsai Ming-liang, en una función a las 15 con duración total de 81’.

En el texto de presentación de Vivienda pública de Xining, el propio director explicó su vínculo con el edificio: “Filmé en Xining Public Housing en dos ocasiones: primero para la serie All the Corners of the World y luego para mi largometraje The Hole, rodado íntegramente allí”.

La gacetilla precisó además que ese complejo fue construido en 1981 y fue hogar de unas 500 familias de bajos recursos, con una demolición que “parece inminente”, en palabras atribuidas al cineasta.

El miércoles 19 continuó el recorrido con El caminante (Walker, Taiwán, 2012) y Regreso a casa (Back Home, Taiwán, 2025), a las 15, con duración total de 92’. Allí se incluyó una cita extensa atribuida a Tsai Ming-liang sobre Hong Kong y el paso del tiempo: “Me pregunté: ¿Hong Kong cambió demasiado rápido o fui yo quien no pudo seguir su ritmo?”.

El jueves 20, la programación sumó Luz (Light, Taiwán, 2019) y Habitando ningún lugar (Abiding Nowhere, Estados Unidos/Taiwán, 2024), anunciada como “la décima película de la serie The Walker”, en una función a las 14.30 con duración total de 97’.

DocBuenosAires incluyó programas dobles y triples que cruzaron geografías y materiales. El martes 18 a las 20.30 se proyectaron La revolución contra la muerte (The Revolution Against Death, Dinamarca/Estados Unidos/Suecia, 2026), de Joshua Oppenheimer, y Un calendario incompleto (An Incomplete Calendar, Canadá/Irán/Turquía/Venezuela, 2026), de Sanaz Sohrabi, con duración total de 100’.

El viernes 21 a las 17, el programa combinó El lado B del paisaje (Auf der Rückseite der Landschaft, Alemania, 2026), de Philipp Hartmann, filmada en 16 mm revelada a mano según la sinopsis, y Vocabulario activo (Active Vocabulary, Alemania, 2025), de Yulia Lokshina, con duración total de 112’.

El sábado 22 a las 17.30, la agenda sumó En las cercanías del paraíso (Im Umkreis des Paradieses, Alemania, 2026), también dirigida por Yulia Lokshina, con una proyección de 121’.

El domingo 23 a las 15, la Lugones programó Pequeños poemas en prosa (Little Poems in Prose, Rumania, 2025), de Radu Jude y Andrei Rus, y Los rusos (Noruega, 2026), de Mirko Stopar, con duración total de 92’. La sinopsis de este último situó la observación en ciudadanos rusos que se trasladaron a Buenos Aires en 2023 “a causa de la guerra en Ucrania”, con énfasis en mujeres embarazadas que viajaron para dar a luz y tramitar ciudadanía y pasaporte argentinos.

La grilla reservó un bloque de producción local con tres títulos el miércoles 19 a las 20.30: Darkroom (Argentina, 2026), de Marcelo Cugliari; El canto de los pájaros (Argentina, 2026), de Sebastián Zanzottera; e Introducción a la catástrofe (Argentina, 2026), de Priya Govinda, con duración total de 88’.

El jueves 20 a las 20.30 se presentó el díptico En otra Palestina (Perú, 2026), de Yaela Gottlieb, y Vado in America (Argentina/Suiza, 2026), de Lucy Riera, anunciado como “un ensayo documental e investigativo” sobre migración, memoria familiar y archivo audiovisual, con duración total de 100’.

El viernes 21 a las 20, la función unió Hablan las aves (Argentina, 2026), de Rodrigo Montani, y Bosque arriba en la montaña (Argentina, 2026), de Sofía Bordenave, con duración total de 102’. La sinopsis de la segunda fechó un hecho puntual: el 25 de noviembre de 2017 fuerzas de seguridad estatales mataron al joven mapuche Rafael Nahuel en un bosque de la Patagonia.

El sábado 22 a las 21, DocBuenosAires programó Dice que… (Argentina, 2025), de Alejandro Fernández Mouján, con 67 minutos de duración, centrado en la reconstrucción de la muerte de José Luis Alvarenga a partir del eco de una frase: “mataron a Lorenzo Lamas”.

El domingo 23 a las 17.30, la selección incluyó No arreglen ni limpien mi habitación, a mí me gusta como está (Argentina, 2026), de Ignacio Ceroi, con 83 minutos, sobre la compra de una handycam usada en Francia en 2019 y el hallazgo de videos del dueño anterior.

A las 20.30 del mismo día, se proyectaron La felicidad (Paraguay, 2025), de Paz Encina, y El hogar fue sepultado en esa tierra que nunca pudimos encontrar (Colombia, 2026), de Deimer Qu

intero Vertel, con duración total de 109’. Paz Encina definió su obra en primera persona: “La felicidad es un cortometraje que aborda la nostalgia y el recuerdo hacia mi hermano fallecido. Desde entonces, solamente pienso en él e intento recrear alguna imagen que todavía pueda unirnos”.

“Yo no convertí a tus hombres en nada. ¡Esto es lo que son! Han violado y saqueado por todo el mundo. ¿Crees que eso va contra su naturaleza?” La sentencia de Circe en ese monólogo no son solo ficción mitológica. Morton las hace propias. “Estas no eran solo palabras. Las creo como Sam, no solo como Circe”, declaró la actriz al semanario inglés. “Cuando abrí la boca, era todas las mujeres. Hablaba por mi madre, que sufrió todo tipo de cosas a manos de los hombres. Y por mi hermana, mis amigas, mi abuela. Eran todos los errores y las formas en que las mujeres han sido representadas o tratadas desde siempre, desde la Prostituta de Babilonia en adelante.”

La Circe que no estaba en el guion

La actriz, nacida en Nottingham hace 49 años, se negó a leer lo que los especialistas en Homero han escrito sobre Circe a lo largo de los siglos. Prefirió construir el personaje desde adentro, a partir de imágenes y sensaciones: la serie infantil Fraggle Rock, la directora de videoclips Chris Cunningham, la película Alien y la pintura prerrafaelita de John William Waterhouse que muestra a la hechicera rodeada de cerdos. Quería que Circe no tuviera edad. “La interpreté como una chica de 16 años en algunas escenas, y como una mujer de 90 en otras. Como una hermana, una madre, una abuela”, explicó. El zumbido que Circe emite durante el hechizo tampoco figuraba en el guion. Surgió durante el rodaje, inspirado en Kate Bush, y Nolan decidió conservarlo. “Para transformar a los hombres, la magia no venía solo de mis manos sino de mis sonidos”, dijo Morto. “Son sonidos que aparentemente pueden volverte loco.”

La escena entera fue rodada sin efectos digitales. Tom Holland y Anne Hathaway explicaron a IMDb que los cerdos son cabezas animatrónicas y prótesis de silicona que Morton moldea con sus propias manos ante la cámara. “Eso no es CGI (Computer-Generated Imagery - Imágenes generadas por computadora)”, afirmó Morton. “Es brillantez humana y una conexión mía como intérprete, casi bailando y sintiéndome una con ellos.”

Christopher Nolan ha recibido críticas a lo largo de su carrera por la escasa profundidad de sus personajes femeninos. Solo Marion Cotillard en El origen y Jessica Chastain en Interstellar habían logrado eclipsar a los protagonistas masculinos en sus filmes. Para Samantha Morton, que lleva décadas construyendo una carrera fuera del circuito de Hollywood —con títulos como El viaje de Morvern o Minority Report, donde interpretó a una vidente para Steven Spielberg—, la convocatoria de Nolan tuvo un peso particular. “Llevo años esforzándome, pero quería hacer una audición para él y no se daba. Solo pensar en conocerle me daban ganas de llorar. Valida que debo de ser buena en lo que hago”, declaró a The Sunday Times.

Morton tiene dos nominaciones al Óscar en su trayectoria y nunca entró en la maquinaria de la industria. Vive cerca de Hastings, en Sussex, con su pareja, el cineasta Harry Holm, y dos de sus tres hijos. “No me he hecho faciales ni nada por el estilo. Tengo hijos, perros, una hipoteca: una vida real”, contó.

El monólogo de Circe

Lo que distingue el discurso de Circe de un alegato unidimensional es la tensión que Morton introdujo en él. Junto a la rabia, la actriz quiso colocar empatía. Su padrastro y su hermano sirvieron en el ejército, y esa experiencia tiñó su lectura de los soldados que Circe castiga. “Pensé en el PTSD (trastorno de estrés postraumático, por sus siglas en inglés), en la fotografía del soldado en estado de shock de Don McCullin“, explicó. “Porque si Circe es todas las mujeres, también es una madre. Había rabia, pero también empatía.”

Esa dualidad es, según recogió The Sunday Times, lo que convierte el monólogo en algo más que un momento de catarsis feminista dentro de un tanque de 250 millones de dólares. Morton no absuelve ni condena del todo: observa, y deja que el espectador complete el juicio. Con la temporada de premios en el horizonte, los analistas de los Óscar ya ubican a Samantha Morton como favorita al galardón a mejor actriz de reparto. La actriz, que perdió a su hermana el 22 de abril de 2026 y a su padre biológico dieciocho meses antes, dijo que el trabajo es lo que la sostiene. “Espero actuar hasta que literalmente deje de vivir. Porque esto realmente parece un sueño.”

El estudio estadounidense Universal Pictures se convirtió en el primer estudio en superar los 4.000 millones de dólares en recaudación global durante 2026, una cifra alcanzada a comienzos de agosto y atribuida al sólido desempeño de sus principales estrenos internacionales. Según informes de la propia compañía y de medios como NBCUniversal y Deadline, este logro vuelve a situar a Universal a la cabeza de la industria cinematográfica mundial.

De acuerdo con datos oficiales de NBCUniversal y reportes de International Business Times, la película La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, junto con títulos como Super Mario Galaxy: La Película y Michael, fueron determinantes para alcanzar esta marca. Universal sumó 1.530 millones de dólares en el mercado doméstico de Estados Unidos y 2.480 millones en el resto del mundo al cierre del primer fin de semana de agosto.

El récord se produce en un contexto de competencia entre los principales estudios de Hollywood, donde el liderazgo en taquilla global es un indicador clave para la industria. Warner Bros. había logrado este hito en 2025, mientras que Universal no lo conseguía desde 2023, según consignó Deadline.

¿Cuánto recaudó Universal en cada mercado y qué películas fueron las más exitosas?

Universal Pictures registró ingresos de 1.530 millones de dólares en Estados Unidos y 2.480 millones en mercados internacionales, según cifras de NBCUniversal. El total de 4.010 millones de dólares alcanzado para la fecha corresponde a la suma de los principales estrenos del año.

Entre las producciones que lideraron la recaudación mundial se encuentran:

• La Odisea (Christopher Nolan): 911 millones de dólares acumulados en tres semanas, de acuerdo con NDTV.
• Michael (biografía de Michael Jackson): 1.016 millones de dólares.
• Super Mario Galaxy: La Película: 1.011 millones de dólares.
• Obsesión (Focus Features): 475 millones de dólares.
• Minions y Monstruos: 449 millones de dólares.

La Odisea, según International Business Times, está próxima a superar los 1.000 millones de dólares, lo que la ubicaría junto a Michael y Super Mario Galaxy: La Película como las únicas películas de 2026 en rebasar esa cifra.

¿Por qué La Odisea fue clave en el récord de Universal en taquilla?

El estreno internacional de La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, marcó la diferencia para Universal en 2026. Según NBCUniversal, la película debutó con 263,8 millones de dólares en su primer fin de semana a nivel global, ubicándose en el primer lugar de la taquilla mundial. Datos de NDTV confirman que, tras tres semanas en cartelera, La Odisea alcanzó los 911 millones de dólares y mantiene una proyección de crecimiento que podría llevarla a terminar su recorrido comercial con entre 1.300 y 1.500 millones de dólares.

La película utilizó tecnología IMAX y fue proyectada en la mayoría de pantallas de gran formato en todo el mundo, excepto en China, Japón y Corea, donde aún no se ha estrenado. Solo en salas IMAX, La Odisea generó 68 millones de dólares durante su tercer fin de semana global, el segundo mejor resultado histórico para el formato, según IBTimes.

¿Cuáles son las películas más taquilleras de Universal en 2026?

Según datos de Universal Pictures y Focus Features lograron posicionar cinco películas entre las diez más exitosas del año a nivel global:

1. Michael (biografía musical): 1.016 millones de dólares.
2. Super Mario Galaxy: La Película: 1.011 millones de dólares.
3. La Odisea: 911 millones de dólares.
4. Obsesión: 475 millones de dólares.
5. Minions y Monstruos: 449 millones de dólares.

De acuerdo con NBCUniversal, tres de las cinco películas más taquilleras de 2026 son distribuidas internacionalmente por Universal, lo que refuerza su liderazgo en el mercado global.

¿Cómo afectan estos resultados a la industria del cine?

El récord de Universal Pictures influye directamente en la dinámica de la industria cinematográfica internacional. Según NBCUniversal, la compañía lideró la recaudación mundial durante diez fines de semana consecutivos en 2026. Este desempeño consolidó a Universal como el primer estudio en cruzar la barrera de los 4.000 millones en el año, por delante de Disney y Warner Bros.

La diversificación de géneros fue determinante en el éxito de Universal. La Odisea representa una apuesta por el cine épico, Super Mario Galaxy: La Película por la animación y Michael por el biopic musical. Esta variedad permitió captar distintos públicos y sostener el interés global durante el año, según IBTimes.

¿Qué récords adicionales consiguió Universal en 2026?

De acuerdo con Deadline y NBCUniversal, Universal y Focus Features se ubicaron en cinco de las diez películas más exitosas de 2026. Obsesión se convirtió en la película de mayor recaudación de la historia de Focus Features y en la producción más exitosa de Blumhouse Atomic Monster, con 475 millones de dólares.

Además, La Odisea estableció nuevos récords para una producción de Nolan en formato IMAX. La película generó 68 millones de dólares en ese formato solo en su tercer fin de semana, según IBTimes, y fue recibida con altas calificaciones tanto por críticos como por el público, de acuerdo con datos de NBCUniversal.

¿Qué se espera para Universal y la taquilla global en lo que resta de 2026?

Analistas citados por NDTV prevén que La Odisea continuará sumando recaudación a medida que se estrene en nuevos mercados, especialmente Asia, donde su lanzamiento aún está pendiente. Universal mantiene varias producciones en cartelera y nuevos títulos en agenda para el último cuatrimestre del año, lo que podría ampliar la distancia respecto a otros estudios.

El desempeño de Universal en 2026 marca un parámetro de referencia para la industria y anticipa una competencia intensa de cara al cierre de año, con estudios rivales como Disney y Warner Bros. buscando reposicionarse en la taquilla global.

¿Qué significa este logro para la industria y los espectadores?

El récord de Universal Pictures, de acuerdo con NBCUniversal y Deadline, implica una movilización masiva de espectadores a nivel global y la consolidación de una estrategia de franquicias y estrenos internacionales. La industria observa con atención la evolución de la taquilla global, mientras las compañías productoras y distribuidoras ajustan sus calendarios en función de estos resultados.

El impacto para los espectadores se traduce en una oferta más amplia y diversa de películas en cartelera, tanto en géneros como en formatos. Universal, con su actual liderazgo, marca el ritmo para el resto del año y establece nuevos estándares de recaudación y presencia global.

El esperado regreso de La Momia ya tiene fecha y buena parte del elenco confirmado. El nuevo capítulo de la saga, que se estrenará el 15 de octubre de 2027, reunirá a Brendan Fraser y Rachel Weisz tras casi dos décadas lejos de la franquicia, cuya última película, La momia: La tumba del emperador Dragón, se estrenó en 2008.

A ellos se sumarán rostros muy recordados del universo original, dando forma a un reparto que despierta la nostalgia de los seguidores más fieles. La cuarta entrega contará también con Oded Fehr y Kevin J. O’Connor, quienes recuperarán sus papeles de Ardeth Bay y Beni Gabor, respectivamente. La noticia ha sido confirmada por el medio estadounidense Entertainment Weekly, que además ha adelantado el regreso de John Hannah y la incorporación de nuevos nombres como Michael Johnston (Obsession) y Numan Acar, conocido por su papel en El joven Sherlock.

En lo que se refiere a la trama de la película, todavía no se ha detallado nada del argumento. Lo que sí se sabe es que el equipo creativo apuesta por una mezcla de acción, aventura y un tono más oscuro de lo que tenían las primeras partes (disponibles en Prime Video), aprovechando el estreno en la temporada de Halloween. De dirigir la película se encargará, de hecho, el conocido dúo Radio Silence (Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin), conocidos por títulos como Scream VI o Noche de bodas.

“Es hora de darles a los fans lo que quieren”

La reunión de Fraser y Weisz implica el retorno de la pareja protagónica que conquistó al público en los años 2000. En la tercera entrega, el personaje de Weisz fue interpretado por otra actriz (Maria Bello, que llegó a la producción después de que la actriz original rechazara el guion y la idea de pasar cinco meses rodando en China), pero ahora ambos volverán a compartir pantalla en una producción que promete homenajear a la saga original. Pese a estas intenciones, destaca la ausencia de Stephen Sommers, director de las dos primeras (y más exitosas) partes de la saga.

El cineasta lleva más de una década sin dirigir ningún proyecto, después de algunos fracasos como Van Helsing y, sobre todo, Odd Thomas, producción que, tras pasar por un calvario de problemas legales, vio lastrado su lanzamiento y tuvo una distribución casi invisible que perjudicó gravemente su viabilidad comercial, condenando de paso el perfil comercial de Sommers. Este, habiendo acumulado una gran fortuna durante la cima de su carrera a finales de los 90 y principios de los 2000, ha optado por una jubilación paulatina alejada de la presión de los grandes rodajes.

La película se desmarca completamente de otros proyectos recientes, como la versión dirigida por Lee Cronin, actualmente en cartelera y de la que en Infobae afirmamos que era la “más salvaje y desagradable del año”, y apuesta por revitalizar la fórmula original con sus protagonistas más célebres. “He estado esperando esta llamada durante 20 años”, aseguraba a Variety Brendan Fraser. “A veces era fuerte, a veces era un leve mensaje. ¿Y ahora? Es hora de darles a los fans lo que quieren".

El reciente estreno de la serie Cape Fear en Apple TV ha puesto otra vez en primer plano su trabajo, pero también su filosofía sobre el entrenamiento físico y la resiliencia creativa, según detalló Men’s Health.

En la industria audiovisual, son pocos los actores que compaginan proyectos internacionales con rutinas de entrenamiento exigentes. Wilson, de 53 años, es uno de estos casos.

De acuerdo con Men’s Health, distribuye su tiempo entre rodajes, competencias como HYROX y presentaciones musicales, lo que demanda una organización rigurosa y una clara definición de prioridades.

Una carrera atravesada por el esfuerzo físico

La trayectoria de Wilson abarca títulos del terror moderno, como las franquicias Insidious y El Conjuro, además de trabajos reconocidos en teatro y cine. En la entrevista con Men’s Health, el actor remarcó que su vínculo con la actividad física no es reciente ni superficial.

“Si tengo una carrera de HYROX pero mañana me voy a Europa a rodar una película durante tres semanas, busco algunos gimnasios por el camino y me preparo para entrenar aún más duro cuando vuelva. Es cuestión de prioridades”, señaló.

Detalló que su entrenamiento no responde a una moda ni a una tendencia pasajera. Lo considera una herramienta para potenciar su rendimiento creativo y su fortaleza mental.

“La condición física es algo muy personal. No soy de los que gritan que todo el mundo debería levantar pesas, o CrossFit, o correr maratones. Para mí, ayuda muchísimo estar en forma para los papeles, pero la fortaleza mental es la parte más importante”, afirmó.

El rodaje de Cape Fear en Atlanta implicó una logística especial para Wilson, quien seleccionó su alojamiento en función de la cercanía a un gimnasio y una cafetería. “Son las dos cosas más importantes para mí cuando estoy en exteriores: ¿Dónde puedo tomar un buen café? ¿Dónde puedo encontrar un buen gimnasio?”, explicó.

El terror como espacio creativo y físico

El vínculo de Wilson con el género de terror trasciende lo actoral y se conecta con su experiencia en el teatro. “Me gustan los altibajos, así que me encanta el buen terror que tiene esa tensión y liberación. Eso es lo que busco en mi propia vida”, describió el actor. La relación profesional con el cineasta James Wan y su participación en franquicias exitosas consolidaron su perfil dentro del género.

El físico de los personajes fue otro aspecto trabajado con el equipo de producción. Destacó la importancia de que los protagonistas tuvieran una presencia física creíble en pantalla, especialmente frente a Javier Bardem, quien interpreta al antagonista Max Cady.

El actor remarcó que la diferencia entre ambos surge más de la puesta en escena y la indumentaria que de un contraste físico real: “Nuestra complexión no es tan diferente. Así que fue nuestra ropa, interpretación en las escenas y la forma en que nos filmaron lo que ayudó a diferenciarnos físicamente”.

Dinámica en el set y decisiones creativas

La química entre los protagonistas fue un aspecto central durante la filmación. Según Wilson, la experiencia y la madurez de los actores permitió establecer relaciones creíbles y evitar conflictos de ego. “La química se crea a través de la ausencia de egoísmo, a través del interés por el otro. ¿Qué puedo aprender de ti?”, reflexionó el actor durante la entrevista.

El desenlace de la serie presenta una diferencia respecto a las versiones cinematográficas anteriores. En Cape Fear, los personajes principales eligen no tomar justicia por mano propia y dejan con vida al antagonista. Sobre esa decisión, afirmó: “Por muy defectuoso que sea el sistema judicial, para eso existe. Si lo hubieran matado, creo que habrían cargado con la culpa”.

El actor también se refirió a la posibilidad de una continuación de la historia. Ante la pregunta sobre una segunda temporada, expresó: “No tengo ni idea de qué más podríamos hacer. No sé qué más podría hacernos Max Cady aparte de matar a nuestros hijos o a alguno de nosotros para subir la apuesta”.

Proyectos personales y futuro creativo

La inquietud artística de Wilson se mantiene vigente. Entre sus proyectos personales figura el deseo de escribir, dirigir y protagonizar su propio western, un objetivo que espera concretar en el futuro. “Me encantaría hacer un western. Realizar mi propia versión de lo que hizo Clint Eastwood”, afirmó, destacando su admiración por los guionistas y directores.

La entrevista publicada por Men’s Health presentó a un actor que integra el desarrollo físico con el crecimiento creativo, y que aplica el esfuerzo cotidiano como herramienta para afrontar los desafíos profesionales y personales.

La sección Made in Spain del Festival de San Sebastián 2026 presentará una panorámica del cine español actual, reuniendo más de veinte largometrajes donde confluyen estrenos mundiales, óperas primas y el regreso de cineastas consagrados. El evento se inaugura con Albert Serra y su nuevo trabajo tras el éxito de Tardes de soledad, y se clausura con el homenaje a Paco Rabal, a la vez que destaca la presencia de nombres como Pedro Almodóvar e Isabel Coixet, junto a la emergencia de nuevas voces y proyectos inéditos.

El apartado abrirá con el estreno en España de Seize moments de ma vie, una no ficción de Serra dedicada a la actriz y cantante Ingrid Caven. El filme, que se exhibirá fuera de concurso en Locarno antes de llegar a San Sebastián, captura la interpretación en directo de Caven, quien revisita dieciséis episodios de su vida a través de la música en el Théâtre des Bouffes du Nord de París. La trayectoria de Serra, ganador de la Concha de Oro y del Goya a mejor película documental, ha estado marcada por su presencia habitual en festivales internacionales y en la propia sección Made in Spain, donde ya presentó títulos como Honor de caballería, El cant dels ocells y Pacifiction.

La clausura estará a cargo de 200 vidas, Paco Rabal, dirigida por Vanesa Benítez. La obra propone un recorrido por la vida y los viajes del mítico actor a través de grabaciones en super8 y cassettes con su voz, ofreciendo un tributo a quien fuera galardonado en el primer Festival de San Sebastián en 1953 y con el Premio Donostia en 2001. Benítez, nominada al Goya por La vida chipén, debuta en la sección con esta pieza de no ficción.

Tres estrenos mundiales y dos nacionales

La selección 2026 reúne tres estrenos mundiales, dos estrenos nacionales y diez óperas primas, consolidando a Made in Spain como escaparate de la diversidad y vitalidad del cine español. Entre los títulos más esperados figura Amarga Navidad, la última película de Pedro Almodóvar, presentada en la competición oficial de Cannes. Protagonizada por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón, alterna la vida de una publicista en 2004 y la de un guionista en 2026, reafirmando el vínculo del cineasta manchego con el certamen donostiarra, donde recibió el Premio Donostia en 2024.

Por su parte, Isabel Coixet vuelve a San Sebastián con Tre ciotole, estrenada en Toronto en 2025. La cinta aborda la ruptura de una pareja tras una discusión trivial y supone una nueva incursión de la directora catalana, reconocida con seis Premios Goya y el Premio Nacional de Cinematografía, en las relaciones humanas desde una perspectiva intimista.

También destacan trabajos como Kotodama, el camino del espejo, ópera prima de Eugenio Tardón y Carla Cañellas, que explora el significado espiritual de las palabras en un viaje entre el Camino de Santiago y la ruta japonesa del Shikoku Henro. Acompañando el estreno, los autores presentarán la exposición Kokoro no Michi en el Museo Chillida Leku, donde dialogarán arte y cine en torno a la memoria y la peregrinación.

La programación incluye la ópera prima de Aina Clotet, Viva, premiada en la Semana de la Crítica de Cannes, que narra el renacer vital de una mujer tras superar un cáncer. En la línea de nuevos talentos, se verán debuts como Mala bèstia de Bàrbara Farré, Corredora de Laura García Alonso o La buena hija de Júlia de Paz, junto a filmes como Altas capacidades de Víctor García León o La vida és Verdi de Berta García Lacht.

No faltarán propuestas que abordan temas sociales y personales desde diversas ópticas, como Pioneras. Solo querían jugar, de Marta Díaz de Lope Díaz, sobre los orígenes del fútbol femenino en España durante el franquismo, o Este cuerpo mío, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste, centrada en la amistad y la transición de género. Comedias como Pizza Movies, de Carlo Padial, o relatos familiares y de crecimiento como Yo no moriré de amor, de Marta Matute, premiada en Málaga, enriquecen la oferta de géneros y miradas.

Bajo la dirección de Paul Feig, El secreto de la asistenta se perfila como una de las secuelas más esperadas de los próximos años. La película, continuación directa de La asistenta, retoma la atmósfera de suspenso que caracterizó a la original y suma nuevas capas de intriga en torno al personaje central, Millie, interpretado por Sydney Sweeney. La historia se inspira nuevamente en la novela de Freida McFadden y cuenta con el respaldo de Lionsgate, que planea consolidar la saga como una franquicia de referencia en el género.

La gran novedad en el reparto es la incorporación de Brittany Snow, quien dará vida a Marybeth, una recepcionista en la empresa del esposo que interpretará Paul Anthony Kelly. El fichaje de Snow, anunciado oficialmente por la productora, ha causado sorpresa entre seguidores y prensa especializada, ya que su nombre no figuraba en las especulaciones previas sobre el elenco. Snow se suma así a un reparto encabezado por Sweeney, junto a Kirsten Dunst y Kelly, quienes personifican a los enigmáticos empleadores de Millie.

La presencia de Brittany Snow en El secreto de la asistenta añade un nuevo matiz al entorno de la protagonista. Su personaje, descrito como una recepcionista discreta, promete desempeñar un papel relevante en la trama, que gira en torno a los secretos que oculta la familia para la que trabaja Millie. La confirmación de su participación refuerza el atractivo comercial y narrativo de la producción. El reparto principal se completa con Sweeney, Dunst y Kelly. Dunst y Kelly interpretan a un matrimonio con un pasado oscuro, mientras que Sweeney retoma el papel de la asistenta que se enfrenta a situaciones cada vez más peligrosas. El guion, a cargo de Rebecca Sonnenshine, mantiene la línea argumental de la primera entrega, con giros y revelaciones inesperadas.

Así será ‘El secreto de la asistenta’

En esta nueva entrega, Millie acepta un puesto como asistenta interna en una casa donde nunca puede ver a la dueña. Al igual que en La asistenta, la familia que la contrata esconde secretos inquietantes que pondrán a prueba la capacidad de observación y resistencia de la protagonista. La saga se basa en las novelas de McFadden, y la reciente publicación de un tercer libro alimenta los rumores sobre futuras adaptaciones cinematográficas. El rodaje de El secreto de la asistenta está previsto para finales de este año, según informó Lionsgate. La fecha de estreno fijada es el 17 de diciembre de 2027, consolidando la apuesta de la productora por una franquicia de largo recorrido. El éxito de la primera película, que recaudó $400 millones con un presupuesto de $35 millones, respalda las expectativas en torno a la secuela.

Antes de su fichaje para El secreto de la asistenta, Brittany Snow destacó en la serie de Netflix The Hunting Wives, producida por Lionsgate Television y renovada para una segunda temporada. Reconocida por su trabajo en títulos como John Tucker Must Die, Hairspray, la trilogía Dando la nota y la cinta de A24 X, Snow aporta experiencia y versatilidad al elenco. Su representación profesional está a cargo de Gersh, Principal Entertainment LA, imPRint y Sloane, Offer, Weber & Dern. La decisión de Lionsgate de sumar a Snow refleja la estrategia de fortalecer la franquicia con intérpretes de perfil internacional y capacidad para sorprender al público. La combinación de un equipo creativo consolidado y un reparto renovado posiciona a El secreto de la asistenta como uno de los títulos más destacados del calendario cinematográfico de 2027.

La nueva película Ice Cream Man, dirigida por Eli Roth, ha encendido el debate en la industria cinematográfica por la inclusión de escenas realizadas con inteligencia artificial. Días antes del estreno previsto para el 7 de agosto en Estados Unidos, Roth admitió que la tecnología fue utilizada en “una porción muy pequeña de algunas escenas”. Esta revelación se produjo tras publicaciones en redes sociales que señalaban el uso extensivo de IA y la colaboración con el estudio de efectos visuales Dark Half.

Roth, conocido por su trayectoria en el cine de terror, es reconocido además por su estrecha relación profesional y personal con Quentin Tarantino. La amistad entre ambos se forjó a comienzos de los años 2000, cuando Roth debutó como director con Cabin Fever. Tarantino se convirtió en un referente y mentor para Roth, guiándolo en sus primeros pasos en la dirección. Más adelante, Tarantino apoyó la carrera de Roth al producir Hostel, uno de los títulos más influyentes en el auge del horror extremo de la década. Además, han compartido créditos en proyectos como Death Proof y Malditos bastardos, consolidando una alianza creativa que ha dejado huella en el género.

En una declaración difundida por Polygon, Roth aclaró que la inteligencia artificial se empleó únicamente en “una muy pequeña fracción de algunas escenas”. El director explicó que recurrió a esta tecnología para materializar su visión artística en secuencias animadas que muestran a un dibujo animado hipnotizando niños, convirtiéndolos en asesinos. Según Roth, él mismo dibujó las primeras versiones de la animación, inspirado en los cortos de Mickey Mouse de los años veinte, y posteriormente trabajó con animadores para “dotar a las imágenes de mayor fluidez” y un estilo clásico “tembloroso”. El director reconoció: “Me expresé mal. La IA se usó en una parte muy pequeña de unas pocas escenas de la película. Fue una oportunidad para que la tecnología y la creatividad se unieran y ayudaran a dar vida a mi visión para el filme”.

Proceso creativo y aportes artísticos

El proceso creativo detrás de las secuencias animadas comenzó con bocetos desarrollados por Roth, quien buscaba emular la estética de la animación vintage. Tras finalizar los dibujos iniciales, el cineasta contó con la asistencia de animadores y de un artista dedicado a replicar la textura y el movimiento propios de los cortos de principios del siglo XX. La participación del estudio Dark Half aportó recursos de inteligencia artificial para lograr que ciertas transiciones y efectos resultaran más fluidos, según las necesidades planteadas por Roth. La decisión de integrar IA respondió, según el director, a una búsqueda puntual de soluciones técnicas para escenas concretas, sin que la tecnología sustituyera la labor creativa central ni se extendiera al resto del largometraje.

La confirmación del uso de inteligencia artificial en Ice Cream Man se produce en medio de un contexto de creciente escrutinio público sobre la transparencia en la utilización de tecnologías emergentes en el cine. En los últimos meses, otros directores han enfrentado polémicas similares. El caso de Late Night with the Devil obligó a sus realizadores, Cameron y Colin Cairne, a explicar la presencia de imágenes generadas por IA tras la reacción de la audiencia. Por otro lado, Adam Shankman, responsable de Stop That Train, declaró que el filme protagonizado por RuPaul no contiene “ningún plano concebido por IA” luego de cuestionamientos en redes sociales por la colaboración con la firma Acme AI and FX.

La industria se encuentra ante un debate abierto sobre la legitimidad, alcance y límites del uso de inteligencia artificial en la producción audiovisual. En el caso de Roth, la reacción de parte del público ha oscilado entre la sorpresa, la crítica y el reconocimiento por la transparencia al aclarar la naturaleza de la intervención tecnológica. Tras la declaración de Roth, los representantes del director y del estudio Dark Half no ofrecieron comentarios adicionales. El episodio pone de manifiesto la sensibilidad actual del sector frente a la adopción de nuevas herramientas en el proceso creativo. La revelación en torno a Ice Cream Man evidencia la tensión entre innovación tecnológica y expectativas del público respecto a la autoría y autenticidad de las obras cinematográficas.

Durante una sesión de preguntas y respuestas dedicada a producciones de Marvel, Rosario Dawson sorprendió al público al confesar: “Incluso grabé una escena en la nueva película de Spider-Man, pero me dejaron fuera”. El comentario, recogido por asistentes y rápidamente viralizado en X, confirmó que la actriz había rodado una secuencia para la película, aunque su participación fue eliminada en la edición final. La declaración de Dawson puso fin a meses de rumores en redes y foros especializados sobre la posible presencia de Claire Temple, su personaje en las series de Marvel para Netflix, en la nueva entrega cinematográfica de Spider-Man. Los seguidores del MCU consideraban este cameo como un paso natural para unir el universo televisivo y la saga principal del héroe neoyorquino.

El cameo que nunca llegó a la pantalla

Según informes difundidos en redes sociales, la escena eliminada transcurría en un hospital, tras un incidente en el que Peter Parker resultaba herido por Punisher, el personaje interpretado por Jon Bernthal. En ese contexto, Parker, vestido con bata hospitalaria y su característica máscara, se cruzaba con Claire Temple mientras ella analizaba una radiografía. El intercambio era breve, pero suponía el primer encuentro entre ambos personajes en el MCU, un guiño que los fans esperaban ver concretado en la gran pantalla. La elección de Temple para este cameo tenía sentido dentro de la lógica del universo Marvel. En las series Daredevil, Luke Cage y Jessica Jones, Claire Temple se consolidó como la enfermera que asiste a los héroes urbanos de Nueva York, convirtiéndose en una figura de enlace entre distintas historias y personajes.

La confirmación de Rosario Dawson generó una reacción inmediata entre los asistentes al panel, que pasaron de la sorpresa al desencanto al enterarse de que la secuencia había sido descartada. En X y otras comunidades digitales, la noticia reavivó el debate sobre las oportunidades perdidas en la integración de personajes del MCU, especialmente aquellos que han tenido un desarrollo relevante en la televisión. Mientras tanto, otros personajes como Luke Cage, Jessica Jones e Iron Fist han logrado transitar hacia nuevas producciones del MCU, lo que mantiene viva la esperanza de que Dawson pueda retomar su papel en futuras películas o series. Por ahora, la escena eliminada de Spider-Man: Brand New Day representa un cameo que los fans consideraban esencial y que, según la propia actriz, quedó fuera en la etapa final.

El mes de agosto casi ni ha comenzado y parece que la cartelera solo contempla dos títulos posibles -La Odisea y Spider-Man: Brand New Day- en casi todos sus cines. Si no te apetece ver ninguna de esas dos películas o simplemente ya has hecho los deberes como nosotros y prefieres ver otra cosa, a continuación te traemos cinco propuestas de lo más frescas para montarte tu cine de verano particular. Pilla tumbona y prepara tu servicio de streaming, porque se vienen curvas.

De viajes en BlaBlaCar a campings, partidos de béisbol, terrores marinos, aventuras callejeras en la pequeña China o maldiciones que acechan piscinas. En verano es muy fácil aburrirse, pero cuesta poco salir de ello organizando una sesión de cine de verano con propuestas así.

Al abordaje

Dos amigos y un blablacar. Así podría comenzar casi cualquier aventura veraniega hoy día. Y es así como comienza la de Félix y Chériff, dos amigos pasando el verano en París que deciden ir de escapada a la campiña francesa, con la esperanza de que el primero reavive un amor de verano. Con la ayuda de su conductor y el espíritu aventurero y romántico, los tres jóvenes pasan los días en el camping realizando deportes de riesgo, bañándose en el río y la piscina e intentando conquistar a los respectivos amores que van surgiendo por el camino. Se puede encontrar en Filmin.

Todos queremos algo

Su director se ha encargado de hacer algunas de las películas románticas más recomendadas con Antes del amanecer y sus subsecuentes entregas, pero no todo el mundo sabe que también tiene la película perfecta para el mes de agosto. Porque no hay que olvidar que, además de ser uno de los meses centrales del verano, también es el que despide este y se encarga de hacer la transición de vuelta a la rutina. Eso le sucede al joven y divertido equipo de béisbol de Todos queremos algo, el cual aterriza en el campus el fin de semana de antes de empezar las clases. Tiempo más que de sobra para echar las últimas cervezas, bailes y quién sabe si encontrar el amor por el camino.

Tiburón

Todo un clásico del cine, pero también un clásico del verano. Aunque Steven Spielberg estrenó película hace tan solo unas semanas, aun no ha logrado conmocionar al mundo como lo hizo con una de sus primeras grandes películas, la que junto a Star Wars iniciaría el largo reinado del blockbuster, hasta tal punto que llega a nuestros días. Pero poco o nada se parece ya Tiburón al blockbuster moderno, ya que aquí todo está cuidado al detalle como el gran artesano que es Spielberg y hasta el mismísimo demonio de los mares se siente real, pues no en vano era un modelo mecánico a escala real. Ya no se hacen películas así. Está disponible en Movistar+.

Golpe en la pequeña China

Jack Burton (Kurt Russell) es un camionero del barrio chino de San Francisco, quien tras ganar una suma cuantiosa de dinero a Wang Chi (Dennis Dun) decide llevarle hasta el aeropuerto para recoger a su prometida y así asegurarse de cobrar la deuda. Pero al llegar allí descubre que no es el único al que Wang Chi le debe dinero, y una peligrosa banda secuestra a la prometida y desaparece. Jack y Wang comienzan así una aventura por encontrar a la mujer mientras se sumergen en el fascinante aunque peligroso mundo de Lo Pan, un milenario hechicero que les envía más de un demonio. Está disponible en Disney+ y Movistar.

It Follows

Es verano, conoces a un chico y ambos os liáis. Al día siguiente, una extraña figura ciertamente familiar comienza a perseguirte pero no sabes muy bien por qué. El chico te cuenta que te ha pasado una maldición por la cual un espíritu que toma la forma de un ser conocido no parará hasta acabar contigo, después irá a por la persona con la que tuviste relaciones y a su vez a por la última que las mantuvo con esta, en un bucle infinito. ¿Tu única opción? Mantener relaciones con otra persona y pasarle a ella la maldición, aunque nunca te asegurarás de estar a salvo del todo. It Follows fue una de las grandes sorpresas de terror en su época y de hecho ahora están preparando una secuela, por lo que quizá sea el momento idóneo para darle una oportunidad a esta gran joya del terror moderno. Puedes verla en Amazon Prime Video.

El evento consistirá en una proyección especial con música en vivo, en el Foro Alicia Urreta, ubicado en el Bosque de Chapultepec.

La función dará inicio a las 18:30 horas, con entrada completamente gratuita para el público.

Esta celebración busca homenajear el legado de la película en el marco del Día Nacional del Cine Mexicano, reforzando su lugar en la historia del género de terror nacional.

Veneno para las hadas: un ícono del terror nacional

Estrenada en 1986, Veneno para las hadas se consolidó rápidamente como una de las obras más reconocidas dentro de la filmografía de Carlos Enrique Taboada.

El film narra la inquietante amistad entre Flavia y Verónica, dos niñas cuyas fantasías y juegos las sumergen en una atmósfera oscura.

Las actrices Ana Patricia Rojo y Elsa María Gutiérrez ofrecen interpretaciones que, aún hoy, son recordadas por la intensidad y profundidad de sus personajes.

La película es considerada una obra de culto y ha sido objeto de múltiples análisis y debates en la crítica cinematográfica.

Su impacto se refleja en los cinco premios Ariel que obtuvo, incluido el de Mejor Película. Hasta la fecha, sigue siendo referencia obligatoria al hablar del cine de terror en México.

40 años de culto y vigencia en la cultura popular

El aniversario número 40 de Veneno para las hadas representa una oportunidad única para revisitar un largometraje que ha trascendido generaciones.

La vigencia del filme radica en la manera en que aborda la infancia, la sugestión y el miedo a través de un relato que mezcla lo cotidiano con lo sobrenatural.

A lo largo de estas cuatro décadas, el largometraje ha mantenido su capacidad de provocar inquietud y reflexión entre espectadores de todas las edades.

Las escenas, la atmósfera y el guion siguen generando conversaciones, reafirmando el valor del cine nacional en el imaginario colectivo.

Casa del Lago UNAM: epicentro de la celebración

La Casa del Lago UNAM, situada en el corazón del Bosque de Chapultepec, se convertirá en el escenario ideal para esta función especial.

El recinto, reconocido por su programación cultural y su apertura a propuestas innovadoras, ha preparado una jornada que combina cine y música en vivo para realzar la experiencia sensorial.

El evento forma parte de las actividades conmemorativas del Día Nacional del Cine Mexicano y cuenta con el respaldo del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica y el Instituto Mexicano de Cinematografía.

La organización recomienda llegar con anticipación, ya que el foro es al aire libre y se espera una asistencia considerable debido al atractivo de la función gratuita.

Musicalización en vivo: ensamble femenino y experimentación sonora

Uno de los elementos más distintivos de esta conmemoración será la musicalización en vivo, un formato que busca renovar la manera de apreciar el filme.

El ensamble está conformado por Camille Mandoki (vocalista), Rubí Topacio Ortiz Rodríguez (percusionista), Alondra Máynez (arpista) y Malintzin Cortés (productora experimental). Juntas, reinterpretarán la atmósfera oscura y envolvente que caracteriza a la película.

La presencia de estas cuatro artistas, cada una con una trayectoria reconocida en el ámbito musical y performático, promete una experiencia inmersiva.

A través de sus voces e instrumentos, el público podrá percibir nuevas capas de significado en la obra de Taboada, reforzando el carácter atemporal del relato.

Recomendaciones para asistir al evento

La función se llevará a cabo el 15 de agosto a las 18:30 horas, en el Foro Alicia Urreta de la Casa del Lago UNAM.

La entrada será gratuita, alineándose con la política de acceso abierto que distingue a muchas de las actividades del centro cultural.

Dado que el evento se realizará en un espacio al aire libre, la organización sugiere que los asistentes lleguen temprano para asegurar un lugar cómodo.

Además, se invita a consultar los canales oficiales de la Casa del Lago para obtener información actualizada sobre la programación y detalles logísticos.

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Día Nacional del Cine Mexicano: contexto de la celebración

La elección de la fecha no es casual. El Día Nacional del Cine Mexicano se ha consolidado como una jornada clave para visibilizar la riqueza y diversidad de la producción fílmica nacional.

En este contexto, la proyección de Veneno para las hadas se inscribe como un homenaje tanto a la trayectoria de Taboada como al impacto duradero de su obra.

El público tendrá la oportunidad de redescubrir una película que marcó un antes y un después en el género de terror en México, y de hacerlo en un entorno que privilegia la experimentación artística y la convivencia cultural.

Claves para entender el impacto de Veneno para las hadas

A lo largo de sus cuarenta años de existencia, Veneno para las hadas ha sido reconocida por su capacidad de perturbar y fascinar sin recurrir a mecanismos convencionales del terror.

El trabajo de dirección, las actuaciones y la fotografía han sido destacados por su aporte a la atmósfera inquietante del filme.

La función musicalizada en la Casa del Lago UNAM ofrece una nueva vía para aproximarse a este clásico, permitiendo que tanto quienes la vieron en su estreno como nuevas generaciones puedan experimentar su magnetismo en un formato renovado y colectivo.

Así, el aniversario de Veneno para las hadas se convierte en una celebración no solo para los cinéfilos, sino para todos aquellos interesados en la cultura, la memoria y la creatividad mexicana.

Según la información difundida en redes sociales y en publicaciones sobre el hecho, el conflicto comenzó cuando un hombre, que ya había visto la película, asistió a una nueva función acompañado por una amiga. Durante la proyección, empezó a contarle detalles de la trama, incluidas escenas importantes y momentos decisivos del argumento, sin reparar en que a su lado había otros fanáticos que intentaban ver el film sin conocer anticipos.

La situación provocó el enojo inmediato de un grupo de cuatro jóvenes, que le reclamó que dejara de hablar y evitara seguir con los spoilers. El intercambio subió de tono en pocos minutos y la discusión pasó de los reproches verbales a empujones y amenazas de pelea en plena sala.

Una discusión que escaló en plena función

De acuerdo con los reportes que circularon junto al video del incidente, el episodio ocurrió en una sala colmada durante una proyección de Spider-Man: Brand New Day. El hombre continuó comentando el contenido de la película pese a las quejas de quienes se encontraban cerca, lo que terminó por agotar la paciencia del grupo que estaba sentado a su lado.

Testigos señalaron que el clima dentro del cine cambió de forma abrupta. La película quedó en segundo plano cuando varios asistentes advirtieron la discusión, que comenzó por los comentarios sobre la historia y terminó con una confrontación física inminente entre los involucrados.

Las imágenes que se viralizaron muestran parte del desorden entre las filas de butacas y reflejan la tensión que se vivió en la sala. En ese contexto, los spoilers de la película quedaron en el centro de una pelea que sorprendió al resto del público.

El video se volvió viral en redes sociales

Tras el episodio, el video del momento empezó a circular en distintas plataformas y generó reacciones entre usuarios y seguidores del universo de Spider-Man. Muchos cuestionaron la actitud del espectador que reveló la trama, mientras otros remarcaron el nivel de intolerancia que alcanzó la discusión.

Los comentarios en redes coincidieron en un punto: para una parte importante del público, contar escenas clave de una película en pleno estreno constituye una falta de respeto hacia quienes esperan vivir la experiencia sin conocer detalles previos. En este caso, esa molestia escaló hasta un enfrentamiento que alteró por completo la función.

Aunque no trascendieron datos oficiales sobre sanciones o intervenciones posteriores por parte del cine, el caso sumó una nueva polémica alrededor del comportamiento del público en funciones de alto impacto, donde el entusiasmo de algunos puede chocar de frente con la experiencia que otros esperan preservar.

La Odisea de Christopher Nolan ya ha recaudado más de 900 millones de dólares en todo el mundo, lo que la sitúa cada vez más cerca de convertirse en la película más taquillera de la carrera del director. Sin embargo, el dinero que la gente está desembolsando para ver la adaptación del clásico de Homero no siempre está acabando en buenas manos. Y es que, desde su estreno, una “oleada de estafas” ha aprovechado el interés que ha despertado la producción para “obtener credenciales, datos bancarios e información personal” de los espectadores.

Con estas palabras lo explican desde Kaspersky, compañía de ciberseguridad que opera a nivel internacional. Desde esta empresa, alertan de una “campaña internacional de fraude que utiliza la enorme expectación generada por la película para atraer a usuarios a páginas web falsas que prometen acceso gratuito al filme”. Esos sitios están en diferentes idiomas, con tal de alcanzar a “víctimas de diferentes países”, y reproducen la estética de plataformas de streaming, incluyendo también “valoraciones de usuarios para aparentar legitimidad y generar confianza”.

Olga Altukhova, analista senior de contenido web de la empresa, señala que esta estrategia no es algo aislado. “Con frecuencia vemos cómo los ciberdelincuentes aprovechan grandes estrenos cinematográficos para sacar partido de la expectación que generan”. Así, esta experta recomienda que, cuando una película recién estrenada en cines aparezca de forma gratuita en plataformas desconocidas, debemos “extremar las precauciones”. “Lo más seguro es acceder siempre al contenido a través de servicios oficiales para proteger la información personal y evitar posibles pérdidas económicas”.

Así funciona el fraude de ‘La Odisea’ y así podemos protegernos

Según el análisis de Kaspersky, el modus operandi de los estafadores es el siguiente: primero ofrecen la posibilidad de ver gratis la película en el idioma del usuario y, al intentar reproducir el contenido, aparece un supuesto reproductor de vídeo que solicita completar un registro para desbloquear el acceso. Ahí es donde piden nombre, apellidos o incluso la dirección del correo electrónico, para después solicitar la creación de una contraseña y, finalmente, “los datos de una tarjeta bancaria bajo el pretexto de activar un ‘periodo de prueba gratuito’”.

Así es como los ciberdelincuentes obtienen credenciales e información de los usuarios, una situación especialmente peligrosa cuando las víctimas “reutilizan la misma contraseña en otros servicios”. Frente a esta situación, los expertos recomiendan verificar la autenticidad de las páginas web antes de introducir cualquier dato, revisar cuidadosamente la dirección URL y el nombre del servicio para detectar errores, proteger los datos bancarios utilizando tarjetas de prepago o métodos de pago específicos, activar la autenticación multifactor en las cuentas personales, además de revisar periódicamente los movimientos bancarios de sus cuentas, y contar con soluciones de ciberseguridad capaces de detectar enlaces de phishing y bloquear webs fraudulentas.

Cabe recordar que este tipo de delitos constituye una de las principales amenazas del ciberespacio en la actualidad. En España, las estafas informáticas superan las 400.000 denuncias anuales (con más de 25.000 incidentes de phishing registrados por el Instituto Nacional de Ciberseguridad) y provocan pérdidas directas superiores a 430 millones de euros.

La película de La bola negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo (el conocido dúo de Los Javis), es uno de los títulos que más expectación despierta entre los próximos estrenos que cerrarán el año. Inspirada en una obra inacabada de Federico García Lorca, esta producción llegará a las salas de cine en España el próximo 25 de septiembre. Semanas después, podrá verse en el resto del mundo, aunque la fecha de su exhibición internacional se ha visto modificada después de que Netflix haya decidido apostar por ella como nunca antes había hecho con ningún otro filme.

La plataforma de streaming, que adquirió los derechos de distribución en Estados Unidos, ha decidido dar a La bola negra una exposición sin precedentes en su calendario de estrenos. Desde la compañía son conscientes de que la película aspira a competir en los próximos premios Oscar, y por eso han decidido otorgarle la ventana de exhibición en cines más larga de su historia. Así, el largometraje llegará a las salas de Estados Unidos el 16 de octubre, pudiendo verse en streaming solo a partir del 2 de diciembre.

En otras palabras, La bola negra pasará 47 días exclusivamente en cines, superando ampliamente el récord anterior de la compañía, establecido por Historia de un matrimonio, de Noah Baumbach, con 30 jornadas, y seguido por El irlandés de Martin Scorsese (27 días) y Roma (21 días). Además, esto supone un adelanto de la fecha de estreno inicial, programada para el 6 de noviembre, cambio que responde, según ha informado la revista Variety, a la “selectividad y agresividad” con la que Netflix busca posicionar sus películas de prestigio.

La película despertó un gran interés tras su éxito en Cannes

En el Festival de Cannes, La bola negra causó un gran impacto, recibiendo un prolongadísimo aplauso en su primera proyección, elogios por una gran mayoría de la crítica especializada y logrando el premio a la Mejor dirección. Dado este éxito, se desató una intensa puja por sus derechos de distribución, finalmente adquiridos por Netflix en el mercado estadounidense a cambio de una cantidad superior a los 4 millones de euros. Además de Estados Unidos, la plataforma aseguró la distribución también en Canadá, mientras que la distribuidora Goodfellas se encargará de que se pueda ver en cines de otros 50 países.

La cinta, de hecho, formará parte de la sección Presentaciones Especiales en el próximo Festival Internacional de Cine de Toronto (del 10 al 20 de septiembre), donde Penélope Cruz, protagonista de la historia, será homenajeada con un premio especial. Junto a la actriz, destacan en el reparto otros nombres como el del músico Guitarricadelafuente, que debuta como actor, o el de los intérpretes Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres, además de la estadounidense Glenn Close. Todos ellos contribuyen a una película que narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas, ligadas por la sexualidad, el deseo, el dolor y la herencia.

Eso sí, La bola negra no será el único gran estreno que prepara Netflix para la próxima temporada cinematográfica. En el calendario de novedades de la plataforma hay otros títulos que han generado un gran interés, como la secuela de Érase una vez en Hollywood, dirigida por David Fincher y escrita por Quentin Tarantino, que tendrá una proyección exclusiva en IMAX, Las Crónicas de Narnia: El sobrino del mago (dirigida por Greta Gerwig), Ink (David Fincher), The Mosquito Bowl (Peter Berg) y Gentle Monster (Marie Kreutzer).

Durante los primeros años de la década de los 2000, John Cusack se encontraba en una situación privilegiada en Hollywood. Asociado a las historias de románticos incomprendidos de la Generación X, o a las aventuras de un héroe con el que todo el mundo pudiera identificarse, su rostro se hizo cada vez más familiar para los espectadores gracias a títulos como Con Air, Cómo ser John Malkovich o Alta fidelidad, coescrita por él mismo.

Sin embargo, a partir de 2010, John Cusack se hizo cada vez menos presente en las pantallas de cine, sobre todo en lo que a grandes producciones se refiere. Evitando el cine de franquicias y superhéroes y volcándose en proyectos más independientes, se ha distanciado del sistema tradicional de las grandes estrellas de cine. Una situación de la que no había hablado mucho hasta ahora, pero que sí comentó en su aparición en la última Comic-Con de San Diego, donde ha acudido para presentar su nueva novela gráfica, Momo. En este evento, el intérprete nominado a un Globo de Oro y a un BAFTA explicó las razones por las que había preferido ese alejamiento.

“No quiero negociar cómo contar la historia“, explicó el actor. Detalló cómo la industria del cine suele imponer condiciones que limitan la libertad creativa de quienes participan en proyectos de gran presupuesto. “Cuando le pides a alguien que invierta 20 o 30 millones de dólares en una cuenta bancaria para una película, quieren tener una opinión, tienen miedo y todo eso”.

Un proyecto creativo sin tener que estar “haciendo cuentas”

Por eso, en los últimos años, el actor se ha dedicado a proyectos más independientes, buscando preservar su autonomía creativa. Su decisión de escribir Momo llega tras rechazar múltiples papeles en Hollywood, optando por evitar negociaciones que, según él, solo diluyen la visión original de quienes crean la historia. La novela gráfica, co-creada con el ilustrador argentino Ignacio Noé, representa para Cusack un regreso a la esencia del relato visual. “Siempre pensé que eran lo más parecido al cine, la verdad. Estás seleccionando planos que son muy cinematográficos”, sostendría en una entrevista con Variety.

En Momo, el actor narra la travesía de dos fugitivos por Estados Unidos en los años 70, una historia que define como “surrealista” y completamente bajo su control creativo. La colaboración con Noé le permitió experimentar una libertad artística que, según relata, le resulta casi imposible de conseguir en el cine. En esta misma conversación, el actor y escritor señala que, a diferencia del cine, en este nuevo proyecto “nadie editó nada de lo que escribí ni de lo que él dibujó”. Para Cusack, el resultado es fruto del trabajo de solo dos personas, algo casi imposible en la industria cinematográfica actual. “No hay engaños ni juntas u ordenadores en Seattle que estén haciendo encuestas”.

La familia Cusack parece compartir ese espíritu. Su hermana, Joan Cusack (conocida por películas como Escuela de rock), también optó por dejar de lado el ritmo de las grandes producciones. Dedicada a su familia desde hace casi quince años, ha regresado solo ocasionalmente al mundo del cine, como este 2026 en Toy Story 5, retomando el personaje de Jessie.

El estreno de Spider-Man: Un nuevo día registró la mayor recaudación en un fin de semana de apertura en la historia del cine en Estados Unidos, con un total de 360 millones de dólares en el mercado doméstico, según datos oficiales publicados el lunes 3 de agosto. El fenómeno afecta a la industria cinematográfica internacional y marca un nuevo hito para la franquicia, consolidando a Marvel Studios y Sony Pictures como actores centrales en el sector de entretenimiento global.

De acuerdo con reportes de CNBC y Variety, la película protagonizada por Tom Holland alcanzó 932 millones de dólares a nivel mundial en sus primeros días de exhibición, lo que representa la segunda mayor apertura global de todos los tiempos y supera los registros previos de la saga Spider-Man. El dato fue confirmado por la propia Sony Pictures Entertainment a través de sus canales institucionales, que detalló un desempeño récord en preventa de entradas y funciones de preestreno.

La llegada de esta nueva entrega se produce siete años después del récord impuesto por “Avengers: Endgame”, cuyo estreno doméstico alcanzó los 357 millones de dólares en 2019. Según el análisis de Fortune, el impacto de “Un nuevo día” se extiende a formatos de exhibición premium, como Dolby Cinema y 4DX, que también reportaron sus mejores cifras históricas durante este lanzamiento.

¿Cuáles son los récords de taquilla que rompió Spider-Man: Un nuevo día?

El estreno de Spider-Man: Un nuevo día superó varias marcas históricas en la industria cinematográfica, según informes publicados por CNBC, Variety y Deadline. Entre los récords alcanzados destacan:

• Mayor recaudación en el estreno doméstico: 360 millones de dólares, que superan los 357 millones logrados por “Avengers: Endgame” en 2019, de acuerdo con datos oficiales de Sony Pictures y cifras auditadas por firmas como EntTelligence.
• Mayor recaudación global en un fin de semana de apertura para Sony Pictures: 932 millones de dólares, confirmados por la compañía y replicados por medios financieros internacionales.
• Mayor venta anticipada de entradas en Estados Unidos: 150 millones de dólares en preventas, según cifras de EntTelligence y reportes de Deadline.
• Mayor recaudación en funciones previas del jueves: 72 millones de dólares, superando a “Avengers: Endgame” en este segmento.
• Mayor recaudación en viernes de estreno: 169,8 millones de dólares, récord absoluto para el primer día de exhibición.
• Mayor asistencia en el primer fin de semana tras la pandemia: 24 millones de espectadores en Estados Unidos y Canadá, según EntTelligence.
• Mejor fin de semana en la historia de Sony Pictures y de la franquicia Spider-Man, de acuerdo con reportes de Variety y CNBC.

¿Qué récords internacionales de Spider-Man: Un nuevo día se reportaron según Deadline?

La repercusión internacional de Spider-Man: Un nuevo día también se reflejó en múltiples mercados, estableciendo nuevas marcas según información de Deadline. La película logró los mayores estrenos históricos para una película de Hollywood en:

• Francia: 26,6 millones de dólares, superando a títulos locales y franquicias previas.
• India: 31,8 millones, el mayor debut de una producción de Hollywood.
• Brasil: 23,8 millones, posición de liderazgo frente a lanzamientos anteriores.
• España: 15,6 millones, resultado superior al de “Avengers: Endgame”.
• Perú: 8,6 millones.
• Colombia: 6,8 millones, superando a “Inside Out 2”.
• Emiratos Árabes Unidos: 6,8 millones.
• Arabia Saudita: 5,4 millones, por encima de “Spider-Man: No Way Home”.
• Chile: 5 millones.
• Turquía: 4,7 millones.
• Ecuador: 4,1 millones.
• Bélgica: 4 millones.

Deadline detalló que el filme lideró la taquilla en todos estos territorios, contribuyendo al récord global del estudio.

¿Cómo afectó el estreno de Spider-Man: Un nuevo día a los formatos premium y a la asistencia en cines?

De acuerdo con cifras de EntTelligence recogidas por CNBC, aproximadamente 24,1 millones de personas asistieron a funciones de “Un nuevo día” en Estados Unidos y Canadá durante su primer fin de semana en cartelera. El 21% de las entradas corresponde a formatos premium, con un precio promedio de 18,55 dólares por boleto.

Las salas Dolby Cinema y CJ4DPlex, que opera los sistemas ScreenX y 4DX, también informaron sus mayores ingresos históricos en un solo fin de semana. Dolby Cinema reportó una recaudación de 10 millones de dólares, mientras que ScreenX y 4DX alcanzaron 7 y 5,2 millones respectivamente, de acuerdo con datos publicados por CNBC.

Este comportamiento de la audiencia refleja una preferencia creciente por las experiencias cinematográficas premium, tendencia que se consolidó tras la pandemia y que fue potenciada con el estreno de “Un nuevo día”.

¿Quiénes son los protagonistas y el equipo detrás del éxito de Spider-Man: Un nuevo día?

Según Variety y Deadline, el estreno de “Un nuevo día” representa la mayor apertura doméstica para Tom Holland, Zendaya, el director Destin Daniel Cretton y la productora Amy Pascal. Además, se trata de la mayor apertura bajo la presidencia de Kevin Feige en Marvel Studios.

El récord incluye también la mayor apertura global para un filme dirigido por Cretton, superando a “Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings” (2021), y la mayor apertura en la carrera de Zendaya, quien ya había protagonizado “Spider-Man: No Way Home” junto a Holland.

¿Cómo se compara Spider-Man: Un nuevo día con otros estrenos recientes de Hollywood?

Según el seguimiento de Fortune, “Un nuevo día” se convirtió en el cuarto título en superar la barrera de los mil millones de dólares en recaudación global en 2026, junto a “Toy Story 5”, “Michael” y “The Super Mario Galaxy Movie”. La película también marcó el mayor fin de semana colectivo de taquilla en Norteamérica, con 430 millones de dólares en ventas, dato atribuido a la firma Rentrak.

La compañía Rentrak y EntTelligence confirmaron que “Un nuevo día” es una de las dos únicas películas que han superado los 300 millones de dólares en su estreno doméstico, junto a “Avengers: Endgame”. Según Variety, estos resultados consolidan a la franquicia de Spider-Man entre las más rentables de la historia del cine contemporáneo.

¿Qué reacciones institucionales generó el estreno de Spider-Man: Un nuevo día?

En un comunicado difundido por Sony Pictures Entertainment, el CEO Ravi Ahuja calificó el desempeño de la película como un “logro histórico” para la compañía. Según declaraciones recogidas por Deadline, la dirección de Sony atribuyó los resultados a “decisiones creativas audaces” y al atractivo global del personaje de Spider-Man.

No se han registrado hasta el momento declaraciones institucionales de parte de Marvel Studios ni de The Walt Disney Company sobre el impacto de este estreno en el mercado internacional. CNBC y Variety resaltaron que la empresa distribuidora mantuvo una comunicación constante con los medios financieros para actualizar las cifras de recaudación a lo largo del fin de semana.

¿Qué impacto tiene el éxito de Spider-Man: Un nuevo día en la industria cinematográfica?

El impacto de esta apertura afecta tanto a los estudios involucrados como a las cadenas de exhibición y al público, que encuentra una oferta ampliada de funciones en formatos especiales y una mayor disponibilidad de entradas en diversos mercados. De acuerdo con proyecciones citadas por Variety y Deadline, se prevé que la recaudación de “Un nuevo día” continúe en ascenso en las próximas semanas, lo que podría consolidar su posición entre las películas más taquilleras de la historia.

Este resultado marca una recuperación sostenida para la industria del cine, mientras que la franquicia Spider-Man refuerza su relevancia comercial y cultural a nivel global. El comportamiento de la audiencia y la respuesta de las cadenas de cines sugieren que los grandes estrenos siguen siendo catalizadores para la reactivación del sector.

El Festival Internacional de Cine UNAM presentó la imagen oficial de su decimosexta edición: la serie Fulgor y Sombra, del artista visual mexicano Néstor Jiménez. El festival se realizará del 5 al 15 de noviembre de 2026 en la Ciudad de México.

Jiménez nació en la Ciudad de México en 1988. Egresó de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda y ha construido una práctica que transita entre la pintura, el video y la instalación. Su trabajo aborda la memoria histórica y política, la representación del territorio y la construcción de imaginarios colectivos, con frecuencia a partir de materiales recuperados.

Fulgor y Sombra es una serie que el artista desarrolló a partir de una pregunta sobre los extremos. Sus dos personajes centrales encarnan fuerzas aparentemente opuestas que, sin embargo, comparten un mismo origen. La tensión entre ambos revela cuánto se parecen los extremos cuando desaparecen los matices.

“Empecé a preguntarme mucho sobre los extremos políticos y sobre los tiempos de extrema política en los que estamos viviendo. También sobre cómo estábamos viviendo procesos de polarización y radicalización dentro de nuestras sociedades”, explicó Jiménez sobre el origen del proyecto.

Con cuerpos distorsionados y una iconografía que oscila entre lo figurativo y lo fantástico, la serie no ofrece lecturas cerradas. Propone, en cambio, espacios para la interpretación y el pensamiento crítico, e invita a cuestionar las imágenes que se consumen y las historias que construyen la experiencia colectiva.

La imagen como parte del discurso del festival

Desde su primera edición, FICUNAM ha tratado su imagen anual como una extensión de las preguntas que atraviesan su programación. La identidad visual no funciona como recurso decorativo: establece vínculos entre el cine contemporáneo, las artes visuales y las discusiones estéticas, políticas y sociales del presente.

La afinidad entre la práctica de Jiménez y la vocación del festival fue determinante en la elección. Al igual que las películas que integran su programación, Fulgor y Sombra coloca la complejidad y la ambigüedad en el centro de la experiencia.

Una tradición de colaboración con el arte contemporáneo

La decisión de convocar a un artista visual para diseñar la imagen del festival no es nueva. A lo largo de su historia, FICUNAM ha trabajado con creadores como Abraham Cruzvillegas, Carlos Amorales, Dr. Lakra, Mariana Mendivil, Zatu Straftäter y Pablo Vargas Lugo, entre otros.

Cada uno de ellos desarrolló la identidad visual de una edición distinta, convirtiendo ese espacio en un diálogo sostenido entre el cine y las artes visuales. Con Jiménez, el festival da continuidad a esa línea de colaboraciones.

Programación y detalles de FICUNAM 2026

La decimosexta edición del festival se llevará a cabo en sedes de la Ciudad de México durante once días. En las próximas semanas, la organización compartirá información sobre la programación, las competencias y los invitados nacionales e internacionales que participarán en esta edición.

Recientemente, el festival anunció a la cineasta francesa Julie Delpy como invitada de honor. Delpy recibirá la Medalla Filmoteca UNAM y protagonizará una retrospectiva, una clase magistral y una sesión de preguntas y respuestas. El cierre incluye un cine concierto con Un perro andaluz y La edad de oro, de Luis Buñuel, acompañadas en vivo por el Ensamble Cine Mudo.

El FICUNAM nació en 2011 como un proyecto de la Universidad Nacional Autónoma de México para celebrar lo más destacado del cine contemporáneo. Cada edición reúne más de 100 películas que combinan estrenos internacionales, retrospectivas de filmografías mexicanas y extranjeras, y programación expandida.

El filme, que marca el regreso de Brad Pitt al papel de Cliff Booth —personaje por el que obtuvo el premio a Mejor Actor de Reparto—, surgió como una continuación del universo presentado en Érase una vez en Hollywood. Sin embargo, el camino de la película tomó un giro inesperado cuando Tarantino optó por no dirigirla, según explicó Rothman en una entrevista con Variety. “Íbamos a hacer la película cuando Quentin la dirigía, pero decidió que no quería hacerlo y cambió de planes. El único director con el que se sentía cómodo era David Fincher, y Fincher es exclusivo de Netflix, así que no íbamos a interponernos”, afirmó el presidente de Sony Pictures.

La imposibilidad de retener el proyecto para Sony estuvo determinada por el acuerdo de exclusividad entre Fincher y la plataforma de streaming. Este contrato impide que Fincher realice largometrajes fuera de Netflix, lo que forzó que Las aventuras de Cliff Booth se convierta en un contenido exclusivo del gigante del streaming. Consultado de manera directa sobre su sentir tras no asegurar el filme —que tendría un presupuesto cercano a los 200 millones de dólares (USD)—, Rothman fue conciso: “Sí”. La situación se da después del abrupto final de The Movie Critic, proyecto previo de Tarantino que se canceló cuando el director decidió no avanzar con la producción. De esa forma, el guion de Las aventuras de Cliff Booth quedó disponible y la única opción viable para su realización fue Fincher, respaldado por Netflix. Sony, por su parte, mantuvo su política de solo producir la película con Tarantino al mando.

Exclusividad y consecuencias para Sony Pictures

La relación contractual entre David Fincher y Netflix resultó determinante para el destino de la película. El acuerdo impide que Fincher colabore con otros estudios en grandes producciones cinematográficas, lo que dejó fuera de competencia a Sony. Rothman explicó que Sony no quiso obstaculizar el proceso ni buscar alternativas, ya que el propio Tarantino sólo autorizaba a Fincher como posible director de su guion. Este escenario consolidó a Las aventuras de Cliff Booth como una de las apuestas más fuertes de Netflix para la temporada, desplazando a los estudios tradicionales del centro de la conversación. Se trata de una producción de alto perfil, con un elenco encabezado por Brad Pitt y nombres como Elizabeth Debicki, Yahya Abdul-Mateen II, Scott Cann, Carla Gugino, Holt McCallany, Karren Karagulian, Peter Weller y Timothy Olyphant.

Se confirmó que Las aventuras de Cliff Booth tendrá un estreno exclusivo en salas IMAX el 25 de noviembre, antes de su llegada al catálogo de Netflix el 23 de diciembre. El filme representa la continuación del personaje creado por Tarantino en Érase una vez en Hollywood, donde Pitt interpretó a un doble de riesgo convertido en solucionador de problemas en la industria del cine. La expectación en torno a este lanzamiento es elevada, tanto por el regreso de Pitt en el papel como por la colaboración inédita entre Tarantino —en calidad de guionista— y Fincher como director. El tráiler oficial, que se espera en alta definición tras el avance presentado durante el Super Bowl, elevará aún más la atención sobre el proyecto.

A pesar de la frustración expresada por Sony, existe una disposición abierta para respaldar el siguiente proyecto de Tarantino, que sería su décima y última película como director. Rothman reiteró que el estudio está listo para dar luz verde a cualquier iniciativa futura del cineasta, aunque por ahora no hay detalles confirmados sobre argumento o casting. El futuro profesional de Tarantino sigue siendo un tema de especulación en la industria, especialmente después de que su colaborador frecuente, el director de fotografía Robert Richardson, insinuara que el rodaje de su último filme podría comenzar el próximo verano. Mientras tanto, la atención del público y de la industria permanece sobre Las aventuras de Cliff Booth, que marca un nuevo capítulo en la relación entre grandes estudios, plataformas de streaming y creadores de renombre.

El canal de GQ recibió a Curtis James Jackson III para un extenso repaso por su carrera en el cine y la televisión. Conocido como 50 Cent, el histórico rapero compartió detalles sobre sus experiencias en producciones de Hollywood, el origen de sus proyectos más reconocidos y su creciente rol como productor ejecutivo.

La entrevista recorrió desde Get Rich or Die Tryin’ hasta Power, Den of Thieves, Southpaw y The Reckoning. Jackson habló sobre actuaciones, decisiones de producción y el modo en que pasó de ser una figura del rap a ocupar un lugar cada vez más activo detrás de cámara.

Get Rich or Die Tryin’: un debut difícil y terapéutico

La película autobiográfica Get Rich or Die Tryin’ fue el punto de partida de la conversación. El rapero admitió que la experiencia fue más compleja de lo que imaginaba, sobre todo por el rodaje fuera de secuencia y por tener que revivir episodios personales dolorosos.

“Fue casi terapéutico para mí al mismo tiempo, porque me pedían que pasara por estas cosas que realmente fueron parte de mi vida", afirmó Jackson en GQ. Y agregó: “Había experiencias realmente duras que yo no había procesado emocionalmente antes, y entonces tuve que pensar en ellas para poder actuar.”

El proyecto nació en Interscope Records, donde el sello acababa de tener un gran éxito con 8 Mile, la película de Eminem. La compañía armó un equipo con Terry Winter, guionista de The Sopranos y El lobo de Wall Street; el director Jim Sheridan; y Quincy Jones a cargo de la banda sonora.

El elenco incluyó a Terrence Howard, Viola Davis y Bill Duke. Además, grabaron la banda sonora completa durante el rodaje desde un estudio móvil instalado en un furgón.

“Den of Thieves”: del guion al set por insistencia

La historia detrás de su participación en Den of Thieves comenzó con una lectura. 50 Cent le pidió a su agente de CAA el mejor guion de acción disponible, y ese fue el texto que terminó en sus manos. Tiempo después se cruzó con el productor Tucker Tooley en una fiesta de los premios Óscar.

“Le dije: ‘Tenés ese guion que me gusta’. Él no sabía de qué le estaba hablando, y le dije Den of Thieves“, recordó. Ese encuentro fue decisivo: cuando comenzó el casting oficial, el productor lo tuvo en cuenta.

Para la secuela, destacó el trabajo de O’Shea Jackson Jr., a quien le dijo en persona: “Es tu película ahora, hermano. La tenés vos.” También anticipó que espera una tercera entrega.

“Southpaw” y “Righteous Kill”: llegadas casuales a grandes proyectos

Su incorporación a Southpaw ocurrió de manera casi accidental. Una amiga identificada como LaLa lo contactó para que mediara con el director Antoine Fuqua.

Cuando llegó al set, terminó improvisando una imitación del promotor de boxeo Al Haymon, y Fuqua le dijo en el acto que eso era exactamente lo que buscaba.

Sobre Jake Gyllenhaal, lo describió como un actor capaz de sumergirse por completo en sus roles: “Lo mirás y decís: ¿qué carajo fue eso?”

En Righteous Kill, compartió pantalla con Robert De Niro y Al Pacino. El vínculo con el productor Avi Lerner le abrió una nueva perspectiva sobre el negocio del cine. “Fue ahí donde empecé a entender cómo funciona la producción, no solo la pantalla”, explicó. Esa experiencia lo impulsó hacia la producción de cine y televisión.

Power y el universo que casi no llega a ser

Power fue uno de los proyectos más extensos de su carrera, aunque arrancó con condiciones económicas modestas: durante las primeras temporadas, Jackson cobró USD 17.000 por episodio mientras actuaba, producía ejecutivamente y componía la canción principal. El personaje de Kanan Stark fue una apuesta deliberada por un villano sin matices. “Dije: si voy a interpretar a alguien malo, quiero que sea realmente malo”, explicó.

La decisión de matar al personaje también fue suya, ante la tensión con la showrunner, quien percibía la serie como demasiado asociada a su marca. Además, reveló que frenó la intención de la guionista de eliminar al personaje de Omari Hardwick antes de tiempo.

Sobre el spinoff Raising Kanan, fue él quien apostó por ese proyecto cuando nadie más lo veía viable: “Se equivocó, porque ese show fue un éxito rotundo."

“Expendables 4″, “Street Fighter” y la lógica detrás de cada rol

Para Expendables, Jackson rechazó en primera instancia el papel que terminó siendo de Terry Crews por tener compromisos comerciales más rentables. Cuando finalmente participó en la saga junto a Jason Statham y Dolph Lundgren, se llevó una lección sobre el oficio actoral: “No necesitás muchas palabras para decir lo que querés decir. Estos tipos tienen los mejores remates del mundo.”

En Street Fighter no hubo audición formal. Jackson comunicó de antemano a los productores que estaba dispuesto a tomar roles secundarios en grandes producciones y rodó en Australia durante aproximadamente dos meses. Adelantó que el joven actor The Kid Noah será una revelación tras el estreno.

“The Reckoning” y la expansión como productor

El documental Sean Combs: The Reckoning fue un proyecto que inició seis meses antes de encontrar a la directora Alex Stapleton. El resultado superó las expectativas: la serie llegó al número uno en 31 países y superó a Stranger Things en audiencia durante aproximadamente cuatro semanas.

Ese éxito se enmarca en una operación más amplia: Jackson afirmó tener actualmente 44 shows en 12 redes distintas, con producciones que también se desarrollan en Shreveport. Su alcance en redes sociales supera los 100 millones de personas, lo que le permite negociar directamente con las cadenas desde una posición de fortaleza.

Morton, quien interpreta a la hechicera griega Circe junto a Matt Damon en el papel de Odiseo, destacó el contraste entre la aclamación recibida y la falta de continuidad laboral. “Tengo agentes muy buenos y un representante, pero al final del día, tengo 49 años. Creo que soy una buena actriz, pero hay otros buenos actores ahí fuera. ¿Sabes a lo que me refiero? La política de la industria ha cambiado muchísimo”, explicó. Su testimonio expone la transformación que atraviesa el sector del entretenimiento, donde factores como la edad y la percepción pública influyen en el acceso a nuevos proyectos, incluso para talentos reconocidos.

La intérprete británica relató que, aunque su trabajo en La Odisea ha sido uno de los más comentados del filme, eso no se ha traducido en ofertas concretas. “No he trabajado desde que terminé La Odisea”, insistió Morton, subrayando la incertidumbre que enfrentan los profesionales del cine, independientemente del prestigio alcanzado. La actriz mencionó que mantener la fe y la esperanza es esencial, ya que la visibilidad o el elogio de la crítica no garantizan estabilidad. “Supongo que si sigues adelante y haces buen trabajo, y la gente adecuada lo ve, quizá puedas seguir trabajando”, reflexionó.

La situación de Morton ilustra una realidad común en la industria: el reconocimiento mediático no siempre se traduce en oportunidades laborales inmediatas. Su caso cobra mayor relevancia considerando que su personaje aparece apenas diez minutos en pantalla, pero ha logrado captar la atención de la crítica y generar expectativas de cara a la temporada de premios. Durante el diálogo, Morton abordó la transformación estructural y política del sector audiovisual. “La política de la industria ha cambiado de forma muy grande”, afirmó, haciendo hincapié en el papel de la edad y la competencia en el acceso a papeles relevantes. La actriz señaló que, a pesar de contar con representación de alto nivel, el mercado se ha vuelto más competitivo y selectivo, dificultando la continuidad profesional para quienes superan cierta franja etaria.

Una actriz polifacética

Morton compartió también el impacto emocional que implica esta situación. Admitió haber llorado al saber que Nolan quería reunirse con ella para La Odisea, especialmente porque años antes perdió la oportunidad de trabajar con el director en The Prestige. “Creo que la vida y el arte tienen una forma extraña de entrelazarse y lo que es para ti no te pasará de largo. Pero a veces cuesta entenderlo en el momento, porque ha habido ocasiones en que las cosas no han salido y he estado muy triste tanto a nivel creativo como financiero, porque tengo tres hijos, una hipoteca y una vida”, expresó la actriz.

Más allá de su papel en La Odisea, Samantha Morton cuenta con una amplia trayectoria en cine independiente y producciones de gran alcance. Ha trabajado bajo la dirección de cineastas como Woody Allen en Acordes y desacuerdos y Jim Sheridan en In America, interpretaciones que le valieron nominaciones al Oscar en las categorías de Mejor Actriz de Reparto y Mejor Actriz, respectivamente. Su filmografía incluye títulos como Minority Report (2002), Animales fantásticos y dónde encontrarlos (2016), la serie The Walking Dead en AMC y The Serpent Queen en Starz.

A pesar de la incertidumbre, Morton manifestó confianza en su futuro profesional y animó a otros actores a perseverar. “Si eres honesto y tienes dignidad y compasión, el éxito llegará”, sostuvo, aunque advirtió sobre la fugacidad de los momentos de reconocimiento: “Hay que atesorarlos, porque son pocos y distantes entre sí”. Por el momento, la próxima aparición de Samantha Morton será en Love and War, dirigida por Lisa Mulcahy, según su ficha en IMDb. Mientras tanto, su testimonio reabre la discusión sobre las dinámicas internas de la industria y la dificultad de sostener una carrera, incluso en la cima del reconocimiento profesional.

La serie de God of War de Amazon Prime Video se prepara para un giro significativo en su producción tras la salida de Ryan Hurst como protagonista. Fuentes cercanas a la plataforma informaron que Dave Bautista se encuentra en negociaciones avanzadas para asumir el papel de Kratos, el personaje central inspirado en el exitoso videojuego. La decisión de buscar un nuevo actor responde a un contratiempo imprevisto: Hurst, inicialmente elegido en enero de 2026, sufrió una rotura de bíceps durante el rodaje, lo que habría retrasado el regreso a producción hasta 2027. Frente a este panorama, Amazon y Sony optaron por recastear el papel con el objetivo de reactivar el proyecto en otoño.

La noticia marca un cambio relevante para el desarrollo de God of War, una de las apuestas más ambiciosas de Prime Video. La adaptación, que ya cuenta con un pedido de dos temporadas, busca aprovechar el impulso de la franquicia original de videojuegos, reconocida por su narrativa épica y su base de seguidores global. La serie retoma la trama de las entregas más recientes, centradas en la relación entre Kratos y su hijo Atreus, mientras ambos enfrentan a las deidades del panteón nórdico. La incorporación de Dave Bautista al elenco surge tras la baja médica de Ryan Hurst. Según se informó, la lesión de Hurst obligó a los productores a considerar alternativas para evitar una demora prolongada en la agenda de producción. La decisión de Amazon y Sony de buscar un reemplazo responde a la necesidad de mantener el calendario original y garantizar la continuidad del proyecto sin interrupciones mayores.

En este contexto, el fichaje de Bautista representa una solución que permitiría restablecer la dinámica del rodaje antes de fin de año. La prioridad de la productora es retomar las grabaciones en otoño, minimizando el impacto del incidente sobre el cronograma previsto. Dave Bautista, reconocido por su trayectoria en el cine de acción y la televisión, es uno de los pocos intérpretes en Hollywood que podrían asumir el rol de Kratos en corto plazo. La exigencia física del personaje, conocido por su complexión muscular en God of War, encaja con el historial profesional del actor, quien mantiene un estado físico destacado desde sus inicios en la lucha libre profesional.

De Guardián de la Galaxia a vastigador del Olimpo

Bautista ha consolidado su carrera con papeles de alto perfil, especialmente como Drax en el Universo Cinematográfico de Marvel. Su experiencia incluye participaciones en seis películas de la saga, además de roles en las dos entregas de Dune dirigidas por Denis Villeneuve. También ha actuado en títulos como Blade Runner 2049, Llaman a la puerta, Spectre, Army of the Dead y la animación Avatar Aang: The Last Airbender. La relación previa de Bautista con Amazon MGM Studios facilita su integración al proyecto. El actor ya protagonizó las películas The Wrecking Crew, My Spy y My Spy: The Eternal City, y está previsto que aparezca en Road House 2 y el remake de Highlander, ambos bajo el mismo estudio.

El equipo detrás de God of War mantiene el plan de reactivar el rodaje en otoño, una vez que se formalice la llegada de Bautista. Prime Video ha asegurado la continuidad de la serie con un pedido de dos temporadas. El elenco incluye a Callum Vinson como Atreus, Max Parker como Heimdall, Ólafur Darri Ólafsson como Thor, Mandy Patinkin como Odin, Alastair Duncan como Mimir, Danny Woodburn y Jeff Gulka como los hermanos Brok y Sindri, y Ed Skrein en el papel de Baldur. La trama de God of War se inspira en los dos videojuegos más recientes. El argumento sigue a Kratos y su hijo Atreus en un viaje para esparcir las cenizas de Faye, esposa y madre de los protagonistas. Durante la travesía, padre e hijo se enfrentan a desafíos en el mundo de los dioses nórdicos, con el trasfondo de una búsqueda personal: Kratos intenta enseñar a Atreus cómo ser un mejor dios, mientras Atreus busca que su padre aprenda a ser mejor humano.

Más de 500 metros cuadrados, la altura de un edificio de seis pisos y una espectacular resolución 18K han convertido la pantalla de un cine a las afueras de Bruselas en un centro de peregrinación para cinéfilos de todo el mundo que buscan admirar La Odisea, de Christopher Nolan, tal y como el cineasta estadounidense la concibió: en 70 milímetros y en IMAX.

Este formato de cine en celuloide se basa en un fotograma gigante que ofrece una calidad de imagen, color y nitidez colosales, una tecnología analógica mítica que Nolan ha convertido en su particular odisea personal al empeñarse en rodar y proyectar películas como Oppenheimer o Interstellar en gigantescas bobinas IMAX para devolverle a la gran pantalla su magia más pura e inmersiva.

Una calidad de la que solo pueden disfrutar los espectadores de 41 salas de todo el mundo: 25 en Estados Unidos, 9 en Canadá, 3 en Reino Unido, 1 en Australia, 1 en República Checa, 1 en Francia y la de Bruselas.

La sala bruselense se encuentra en un cine abierto a finales de la década de los 80 del siglo pasado en una zona alejada del centro de Bruselas, pero que desde hace dos semanas se ha convertido en un hervidero de personas en cada una de las cuatro sesiones diarias.

Visitantes de Guatemala, Alemania o Rumanía

La posibilidad de vivir esa experiencia cinematográfica atrae al cine Kinepolis de la capital belga, a los pies del popular Atomium, a espectadores que viven en Bélgica, pero también a visitantes de Rumanía, Alemania, Dinamarca, Dubái, Italia, Francia o incluso de Guatemala.

Llegan para ver La Odisea y para experimentar esa nostalgia que provoca saber que van a ver un filme que utiliza un rollo de 640 kilómetros de película en celulosa —la distancia entre Bruselas y Berlín— que dos personas recolocan cuidadosamente cada vez que finaliza la proyección.

Hay personas como Petrus, un chileno residente en Dubái, que no ha querido dejar de lado la oportunidad de sumergirse en el universo de La Odisea a pesar de la distancia.

“He ido a otras IMAX en Chile, en Dubái, pero no es lo mismo, es impresionante el tamaño. Cuando uno llega y se enfrenta con esta pared gigante... Es impresionante", dijo a la salida de una de las multitudinarias sesiones en la sala, con capacidad para unas 400 personas, cuyas entradas —a unos 30 euros— están agotadas hasta finales de agosto.

Demanda no vista en más de 25 años

Stijn Vanspauwen, responsable de marketing del cine, confiesa, mientras contempla la larga cola de personas accediendo a la sala, que en más de 25 años de profesión no ha visto algo igual, en una época en la que las plataformas de contenidos a la carta se han asentado en hogares de todo el mundo.

“En una casa normal tienes un televisor de 2K, quizá de 4K, y aquí es de 18K, así que es cuatro veces más de lo que la gente tiene en casa, o de lo que se puede ver en otros cines”, explica Vanspauwen.

Desde que anunciaron la apertura de esta sala en sus redes sociales, la demanda de amantes de la gran pantalla tanto de Bélgica como de otros países fue en aumento, lo que provocó que ampliaran su venta por internet, antes limitada solo a su país y a su entorno por motivos de seguridad, a otras partes de Europa como Italia, Francia o España.

“Publicamos una entrada en Instagram y tuvo un millón de visualizaciones. Para los estándares belgas, eso es una cifra gigantesca, porque no era un contenido patrocinado. Y luego abrimos la preventa y, de nuevo, hubo mucho interés tanto dentro de Bélgica como fuera de ella", cuenta Vanspauwen.

“Si vives en Bruselas, vas al cine en Bruselas, pero para ver esta película, la gente recorre largas distancias. Y eso es lo que la hace tan espectacular, porque en las salas se pueden escuchar todo tipo de idiomas y se pueden ver todo tipo de culturas", señala Vanspauwen.

La gestora del cine calcula que han vendido hasta la fecha unas 70.000 entradas para esta sala IMAX, que seguirá proyectando La Odisea un mes más de lo inicialmente previsto —hasta finales de septiembre—, por lo que ya explora otras cintas que puedan adaptarse a la monumentalidad de esta pantalla que ha causado sensación entre los aficionados al cine.

Fuente: EFE

La relación entre Almería y el séptimo arte comenzó a finales de los años cincuenta. Desde entonces, sus paisajes desérticos han servido de escenario para cientos de producciones nacionales e internacionales y han marcado la carrera de grandes nombres de Hollywood. Si fue en esta provincia donde Clint Eastwood dio el salto definitivo hacia el estrellato gracias a la Trilogía del dólar, de Sergio Leone, para John Lennon también supuso un antes y un después. No sería, sin embargo, por la calidad de la película que vino a rodar.

En el otoño de 1966, el músico británico pasó seis semanas en Almería participando en Cómo gané la guerra (How I Won the War), la sátira bélica dirigida por Richard Lester, cineasta que previamente había dirigido dos películas sobre Los Beatles, A Hard Day’s Night (1964) y Help! (1965).

Lennon interpretó al soldado Gripweed, un papel secundario que aceptó porque quería “probar algo nuevo”. “Tenía ganas de hacer algo diferente y esta oportunidad surgió justo cuando me sentía con ganas de eso”, explicó durante una entrevista concedida al periodista Fred Robbins en el propio rodaje, en Carboneras, el 29 de octubre de 1966, según recoge la base de datos de entrevistas de Los Beatles.

El cantante aceptó porque quería “probar algo nuevo”

Aunque el cantante siempre restó importancia a su faceta como actor —“Está bien, pero no es lo más importante para mí“, dijo en aquella misma conversación—, la estancia en Almería coincidió con uno de los momentos más convulsos de su carrera. Apenas unas semanas antes, los Beatles habían ofrecido su último concierto en una gira y Lennon seguía soportando las consecuencias de la polémica desatada tras afirmar que el grupo era “más popular que Jesús”.

El viaje a España le permitió escapar, aunque solo fuera temporalmente, de esta presión. En esta entrevista publicada por la revista Look el 13 de diciembre de 1966, el músico reflexionó sobre la necesidad de alejarse del personaje que se había creado alrededor de los Beatles. “No somos los Beatles entre nosotros. (...) Cuando salimos por la puerta, nos convertimos en los Beatles porque todo el mundo que nos mira ve a los Beatles”, afirmó. En esa misma conversación añadió: “George está en la India y yo estoy aquí porque estamos un poco cansados de salir de casa, y la única manera de suavizar el golpe es repartirlo un poco”.

Su nuevo corte de pelo, impuesto por las exigencias del guion, también le devolvió una privacidad que llevaba años sin disfrutar. Durante la entrevista con Robbins recordó que había podido visitar un mercadillo sin levantar ningún tipo de sospecha. “Fui al mercadillo e hice cosas que no hacía desde hace mucho tiempo. Fue genial (...) Una o dos personas se quedaron boquiabiertas, pero nadie se dio cuenta”, explicaba.

Fue precisamente en ese ambiente de tranquilidad donde comenzó a tomar forma Strawberry Fields Forever, canción que la revista Rolling Stone nombró en 2020 como la tercera de las 100 mejores canciones de Los Beatles. Instalado en el Cortijo Romero —hoy convertido en la Casa del Cine de Almería—, Lennon escribió y grabó una primera maqueta de la canción con un magnetófono portátil antes de regresar a Londres, donde únicamente añadió un tercer verso.

Seis décadas después, el vínculo entre John Lennon y Almería sigue muy presente. La ciudad recuerda aquella estancia con una estatua del músico situada en la Plaza de las Flores, en pleno casco histórico, un homenaje al lugar donde el líder de los Beatles encontró un refugio y comenzó a dar forma a una de las canciones más importantes de su carrera.

La actriz Sadie Sink, conocida por su participación en Stranger Things, ya puede decir que es una más dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) con el papel de Jean Grey en Spider-Man: Brand New Day. La llegada de este personaje marca un punto de inflexión para los X-Men y anticipa cambios profundos en la narrativa futura de Marvel. La identidad del personaje de Sink se había mantenido en secreto durante los meses de producción y posterior rodaje de la película, y solo el músico Steve Lacy, presente en la premiere de la película, consiguió romper el voto de silencio revelando de quién se trataba.

En la película sucede algo similar, ya que Brand New Day mantiene en secreto durante la primera mitad de la trama quién es la persona detrás de los ataques que sufre la ciudad de Nueva York. Su rostro no es revelado hasta pasado un tiempo, generando intriga entre los espectadores y alimentando esas especulaciones que se habían formado previas al estreno. Pero una vez revelado, queda claro que la presencia de Jean Grey será determinante, tanto para la historia del filme como para los próximos pasos del MCU.

Jean Grey aparece como una figura enigmática, cuya motivación y poderes se descubren gradualmente. Al inicio, Tom Holland en el papel de Spider-Man investiga la aparición de un nuevo villano capaz de poseer los cuerpos de otras personas si se encuentran a menos de 10 metros de distancia. Este poder, manejado por Jean, le permite “saltar” entre mentes y ejecutar planes complejos, incluyendo un intento de irrumpir en la sede del Departamento de Control de Daños. Aunque al principio no sabemos muy bien por qué, solo que anda detrás de algo llamado “V-Max”.

De villana a heroína

Durante su misión, Jean Grey utiliza primero a un poseído Scorpion (Michael Mando) para intentar penetrar las instalaciones. Tras fracasar, recurre a controlar a Bruce Banner (Mark Ruffalo), liberándolo de su inhibidor para transformarlo en el Hulk. Esta maniobra desata el caos en Nueva York, obligando a Spider-Man a unir fuerzas con el Punisher (Jon Bernthal) para contener a la fuerza descontrolada del gigante verde. En una de las secuencias más impactantes de la película, Jean consigue finalmente acceder a la bóveda secreta de Control de Daños. Sin embargo, la organización la captura y la somete a experimentos con el objetivo de comprender el alcance de sus poderes psíquicos. Es en este punto donde se desvela una parte crucial de su pasado.

Un flashback revela que Jean Grey tenía una hermana mayor llamada Sara, quien también poseía la habilidad de dominar mentes ajenas. Durante una visita al parque, agentes de Control de Daños secuestran a Sara, obligando a Jean a intervenir para salvarla. Sara, al verse en peligro, toma el control de la mente de Jean para facilitar su huida, en un acto desesperado que deja una huella profunda en la protagonista. Mientras está prisionera, Jean descubre que ocupa la misma celda donde su hermana fue retenida y, finalmente, falleció a manos de los científicos de Control de Daños. Este descubrimiento desencadena una respuesta psíquica masiva: Jean crea una burbuja de energía mental que paraliza a casi toda la ciudad de Nueva York. El acto no solo muestra el alcance de sus poderes, sino que evidencia el conflicto emocional que la impulsa.

Con la ciudad en estado crítico, solo Spider-Man logra resistir la influencia mental de Jean Grey. En un momento de alta tensión, el héroe consigue conectarse emocionalmente con ella, reviviendo junto a Jean uno de sus recuerdos más personales: un instante con la fallecida tía May (Marisa Tomei). Este intercambio resulta clave para que Jean detenga su ataque y considere renunciar a su venganza contra Control de Daños. Mientras tanto, el Punisher de Jon Bernthal se posiciona desde la distancia, preparado para eliminar a Jean, percibiéndola como una amenaza incontrolable. Cuando dispara, Spider-Man reacciona y empuja a Jean fuera de la trayectoria, recibiendo la herida en su lugar. Aunque gravemente herido, Spider-Man sobrevive gracias a la intervención psíquica de Jean, quien mantiene sus signos vitales mientras es trasladado al hospital. Antes de que pueda despedirse, Jean desaparece de la escena.

El futuro de Jean Grey y su importancia para el MCU

La última escena muestra a Jean Grey montando un autobús rumbo al norte, sugiriendo una posible visita a la Escuela Xavier para Jóvenes Dotados en Westchester, el famoso refugio para mutantes en el universo Marvel. Aunque en Spider-Man: Brand New Day no se menciona explícitamente a los X-Men ni a otros mutantes, el guion deja pistas claras sobre la futura integración de estos personajes al MCU.

Jean Grey es uno de los miembros fundadores de los X-Men en los cómics y una de las figuras más poderosas del universo Marvel, principalmente por su capacidad telepática y telequinética. Su historia suele estar marcada por dilemas éticos, tragedias personales y la amenaza latente de perder el control de su inmenso poder, como se vio en sagas clásicas como Fénix Oscura. La interpretación de Sadie Sink es especialmente relevante porque enlaza con una tradición de actrices que han dado vida a Jean Grey en la pantalla. Famke Janssen la interpretó en la trilogía original de X-Men producida por Fox, mientras que Sophie Turner encarnó a una versión más joven en las precuelas. Sink representa la llegada de una nueva generación de mutantes y la posibilidad de renovar la franquicia bajo el sello del MCU.

La incorporación de Jean Grey a través de Spider-Man: Brand New Day representa un movimiento estratégico de Marvel Studios para revitalizar la saga de los X-Men. Hasta ahora, varios actores han retomado sus papeles de la era Fox en nuevas producciones como Doomsday, donde Hugh Jackman (Wolverine), Ryan Reynolds (Deadpool), Patrick Stewart (Profesor Xavier), Kelsey Grammer (Beast), James Marsden (Cíclope), Ian McKellen (Magneto), Rebecca Romijn (Mística), Alan Cumming (Nightcrawler) y Channing Tatum (Gambito) reaparecerán en el contexto del MCU. La compañía ya ha empezado a mover hilos y de momento ha anunciado al director para una nueva película, Jake Schreier (Thunderbolts) mientras busca reparto, con Samara Weaving como única confirmada.

La presencia de Sadie Sink como Jean Grey sugiere que Marvel planea equilibrar la aparición de veteranos con la introducción de rostros jóvenes. Este enfoque refuerza la idea de una transición generacional, en la que los mutantes dejarán de ser figuras periféricas para convertirse en protagonistas centrales de la narrativa compartida con los Nuevos Vengadores y los Cuatro Fantásticos. Por ahora, la historia de Jean Grey parece solo comenzar. Su huida de Nueva York y el desenlace abierto de Spider-Man: Brand New Day auguran un papel protagónico en el futuro inmediato de Marvel. La expectativa crece entre los seguidores, que ven en Sink a la heredera de un personaje fundamental para comprender el rumbo de los superhéroes en el MCU.

En los años 80, Quentin Tarantino todavía no era famoso, pero ya tenía claro que el cine era su vida. Por eso, escribió en el videoclub en el que trabajaba el guion de una película que pensaba rodar con sus amigos, pero que al no conseguir financiación, decidió vender por 10.000 dólares a unos productores independientes que conocía. Ese texto acabaría olvidándose, pero cuando Tarantino se hizo famoso por el éxito de su primera película, Reservoir Dogs, se rescató para venderlo a algún gran estudio al que le interesara.

La película de ese guion se llamaba Natural Born Killers, Asesinos natos, que finalmente llegaría a las manos del director Oliver Stone. Este venía de dirigir el gran éxito JFK: Caso abierto y de ganar dos Oscars como director (por Platoon y Nacido el cuatro de julio), pero buscaba algo más ligero para descansar de su habitual tono político. Sin embargo, al leer la premisa de la pareja de asesinos, vio el potencial para convertirla en algo mucho más ambicioso.

Así llegamos a la Asesinos natos que todos conocemos: una de las películas más polémicas, divisivas y visualmente agresivas de la década de 1990. La historia sigue a Mickey (Woody Harrelson) y Mallory Knox (Juliette Lewis), una pareja de amantes sociópatas golpeados por infancias traumáticas que se embarcan en un sangriento viaje por Estados Unidos. Su historia, así como el hecho de que se conviertan en estrellas gracias a un programa de televisión sensacionalista, lanza un ataque frenético a la cultura del sensacionalismo mediático, la obsesión americana por la violencia y la mercantilización del crimen.

El enfado de Quentin Tarantino

Asesinos natos, disponible en Prime Video hasta el próximo 7 de agosto, es una película que destaca por un estilo visual frenético. Si en la época se utilizaban unos 1.000 cortes de grabaciones para el montaje, en esta se utilizaron más de 3.000, donde además se alternan formatos, colores y hasta animaciones proyectadas e imágenes de telediarios. Para contar la historia tal y como quería Oliver Stone, los guionistas David Veloz y Richard Rutowski lo reescribieron profundamente para enfocar la historia en la crítica a los medios más que en la relación de la pareja, unos cambios que dieron identidad a la película, pero que no gustaron nada a su creador original, Quentin Tarantino.

Cuando Tarantino leyó la versión reescrita de Stone, se sintió completamente traicionado. Consideraba que Stone había malinterpretado su concepto, añadiendo un tono moralizante y destruyendo el estilo de diálogo y la estructura original. De hecho, el director de Pulp Fiction intentó publicar su guion original en forma de libro antes del estreno de la película, lo que derivó en disputas legales con los productores. Finalmente, no lo logró, pero pidió oficialmente que retiraran su nombre de los créditos como guionista. Por eso, aunque él escribiera el texto original, al final de la película su nombre solo aparece como responsable de la historia.

Con todo, y pese a la división de opiniones que generó, Asesinos natos obtuvo un gran reconocimiento internacional, con el Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia. Además, las interpretaciones de su elenco, donde junto a Woody Harrelson y Juliette Lewis destacan otros nombres como los de Jared Harris, Tommy Lee Jones o Robert Downey Jr., también fueron muy aplaudidas. Con el paso del tiempo, Asesinos natos se percibe como una obra casi profética sobre la era de la sobreproducción de noticias de impacto, las redes sociales, el consumo de true crime y el culto desmedido a las celebridades sin mérito.

El brutal éxito de películas como La Odisea y Spider-Man: Brand New Day ha situado ambas películas en lo más alto de las listas de grandes éxitos cinematográficos del año. La película de Christopher Nolan ya ha superado los 9 millones de euros en España y el millón de espectadores, mientras la del superhéroe de Marvel ha ido incluso más lejos y ha conseguido, en menos de una semana, una recaudación de 13 millones de euros.

A ambos títulos les queda mucho recorrido todavía, por lo que es fácil imaginar que sus cifras seguirán aumentando y quizá, incluso, superar a Michael (15,9 millones de euros) o Torrente presidente (19 millones de euros), los títulos más exitosos en lo que va de año. Eso sí, aunque todo el mundo esté yendo a ver las dos películas del momento, no significa que no haya otras igual de interesantes que quizá estén pasando algo desapercibidas.

Este es el caso de Obsession, una película de terror que recibió bastante atención cuando se estrenó a finales del mes de junio, pero que finalmente no ha tenido todo el éxito que merecería. A pesar de estar considerada como una de las mejores películas del género de los últimos años y de durar mucho menos que La Odisea y Spider-Man (menos de dos horas frente a las casi tres de la película de Nolan y las dos y media del Hombre Araña), la cinta dirigida por Curry Barker no figura entre las diez producciones más vistas del año, según datos de Comscore Movies Spain. Por eso, desde Infobae defendemos que esta es la mejor película que puedes ir a ver este verano, y te ofrecemos varias razones para ello.

Algo más que la ‘típica’ película de terror

La premisa de Obsession es muy simple: un joven llamado Michael se encuentra desesperado por el presunto desinterés romántico de Niki, la chica de la que está enamorado. Frente a esto, decide probar suerte con una rama del Sauce de los deseos, un artículo comprado en una tienda que, supuestamente, al quebrarse concede cualquier deseo. Michael pide que Niki “le quiera más que a nadie”, lo que en un principio parece que se cumple. Sin embargo, con el paso de los días se da cuenta de que la obsesión que ahora sufre esta joven por él es mucho más peligrosa de lo que imaginaba.

Puede que la historia en sí no parezca suficiente como para que la película haya recibido excelentes críticas ni batido récords en Estados Unidos. Con solo 750.000 euros de presupuesto, ha superado los 250 millones de dólares de recaudación en el país norteamericano. La razón es que Obsession no es solo una película de terror, o al menos, no es solo la idea que solemos hacernos de este género. En efecto, la película de Curry Barker da miedo, y mucho, pero a medida que avanza la trama nos damos cuenta de cómo el hechizo al que está sometida la joven nos habla de temas tan actuales como el consentimiento o los peligros de desear lo que no se tiene.

Por eso, aunque la increíble interpretación de Inde Navarrette en la piel de Niki sea lo que más nos asuste, es probable que salgamos de la sala preguntándonos quién da más miedo realmente: si la joven hechizada o el joven que, sabiendo lo que ocurre, decide mantenerlo todo como está. Puede que la mujer obsesionada no sea más que el reflejo de los deseos más oscuros que él tiene. La película de Barker cuenta, además, con un final a la altura y completamente inesperado, que pone la guinda a uno de los títulos más sorprendentes de la temporada.

La Universidad Nacional de Rosario otorgará a Lucrecia Martel el título de Doctora Honoris Causa el próximo 8 de agosto, una distinción con la que reconocerá su trayectoria en el cine y su aporte al lenguaje audiovisual, la cultura y el pensamiento crítico, según informó Rosario3.

La ceremonia se realizará ese sábado a las 10.30 en el Espacio Cultural Universitario. La casa de estudios la definió como su máximo reconocimiento honorífico y resolvió concedérselo por decisión de su Consejo Superior.

La universidad enmarcó el homenaje en una obra con proyección internacional. Las películas de Martel integraron la selección oficial del Festival de Cannes y recibieron premios en certámenes como Sundance, Berlín, Toulouse y La Habana; en 2019, además, presidió el jurado del Festival Internacional de Cine de Venecia.

La UNR sostuvo en los fundamentos de la resolución que la filmografía de Martel transformó las formas de narrar y representar la realidad latinoamericana. También destacó que su trabajo aportó a la cultura contemporánea y a la producción de conocimiento.

En ese documento, citado por el medio, la universidad afirmó que el cine de Martel “constituye una intervención sostenida en los procesos de construcción de sentido que organizan la vida social”. También valoró que sus películas inviten a cuestionar los discursos dominantes y a generar nuevas formas de comprender la realidad.

La directora y guionista construyó una obra reconocida por su tratamiento de las relaciones de poder, las desigualdades sociales y las formas en que se organizan los sentidos que estructuran la vida en sociedad. Entre sus películas figuran La ciénaga, La niña santa, La mujer sin cabeza y Zama.

Además de su carrera como realizadora, Martel desarrolló actividad docente en universidades, escuelas de cine e instituciones culturales de distintos países. Su trabajo en formación se concentró especialmente en guion, dirección y diseño sonoro.

Su obra también fue revisada en retrospectivas organizadas por instituciones como la Universidad de Harvard, el Museum of Modern Art de Nueva York, el Lincoln Center, la Universidad de Cambridge, la Tate Modern de Londres y el Centre Pompidou de París.

La cineasta también recibió un Premio Konex como una de las cinco mejores directoras de cine de la década en Argentina. Con esta decisión, la Universidad Nacional de Rosario la incorporará al grupo de personalidades distinguidas con el título de Doctora Honoris Causa por su aporte excepcional al conocimiento, la cultura y la sociedad.

La llegada de Spider-Man: Brand New Day ha dejado una huella inmediata en la taquilla española, donde logró que más de un millón ochocientas mil personas acudieran a las salas desde su primer día en cines. Con este dato, la película se ha posicionado como el mayor estreno de la historia de España.

En su primer día, la cinta protagonizada por Tom Holland, Zendaya y Mark Ruffalo alcanzó una recaudación de 3,2 millones de euros, cifra que desplazó a Vengadores: Endgame y sus 2,9 millones como el mejor debut previo en una sola jornada. El dato fue confirmado tanto por Sony Pictures como por la auditora Comscore, que detalla que la película ha sumado más de 13 millones durante todo el fin de semana.

La película, dirigida por Destin Daniel Cretton y escrita por Chris McKenna y Erik Sommers, se presenta como una nueva etapa para el personaje de Peter Parker. En esta ocasión, el héroe vive completamente solo, tras haber desaparecido voluntariamente de la vida y los recuerdos de quienes ama. “La presión desencadena una sorprendente evolución física que amenaza su existencia”, describe la sinopsis oficial, anticipando una de las amenazas más poderosas que ha enfrentado Spider-Man.

Impacto global y comparaciones con otros estrenos

A nivel internacional, Spider-Man: Brand New Day ha recaudado más de 800 millones de euros desde su estreno, según cifras recogidas por la auditora Rentrak. Estados Unidos y Canadá lideran las ventas con 355 millones de dólares (más de 306 millones de euros), mientras que en China la recaudación es de 121 millones y en Reino Unido, 49 millones.

Durante su primer fin de semana, la película ha sumado 572 millones de dólares (493 millones de euros) en mercados internacionales, consolidándose como el segundo estreno más lucrativo en la historia del cine, solo por detrás de Vengadores: Endgame, que alcanzó 1.600 millones a nivel global. En España, la magnitud del estreno quedó clara cuando, en solo 24 horas, el filme casi igualó lo conseguido en el primer fin de semana por las películas más taquilleras del año, como La odisea de Christopher Nolan y Super Mario Bros.

Podría ser la película más taquillera del año

Por otra parte, parece que al éxito en cifras se le suma la aceptación general del público y la crítica. La película ha obtenido un 90% de aceptación en Rotten Tomatoes y una calificación A en CinemaScore, lo que refuerza la percepción de que las nuevas aventuras de Peter Parker han logrado conectar tanto con la crítica como con el público, gracias a una narrativa que explora el sacrificio personal y el deseo de proteger a los demás a costa de la propia felicidad.

De este modo, Spider-Man: Brand New Day ha logrado establecer nuevos parámetros en la industria cinematográfica española y mundial. La cinta no solo ha batido récords de asistencia y recaudación, sino que también ha abierto conversaciones sobre el impacto emocional y social de sus historias, especialmente entre los espectadores más jóvenes. Solo falta ver cuál es el techo y si logrará, como todo apunta, superar a Toy Story 5, actualmente el título más taquillero del año tras superar los 1.025 millones de dólares.

A principios de la década de 1960, la industria del cómic estadounidense vivía una etapa de reinvención en la que Marvel tenía cada vez más protagonismo. Tras el éxito de los Cuatro Fantásticos, el guionista y editor Stan Lee buscaba crear un nuevo superhéroe que rompiera con los moldes habituales de la época. Lee deseaba una figura humana, imperfecta y totalmente distinta a los héroes invulnerables que dominaban las páginas de entonces.

La inspiración llegó de la forma más cotidiana mientras observaba una mosca subir por una pared. Lee pensó que sería fascinante crear un personaje capaz de adherirse a las superficies verticales. Después de descartar nombres como Hombre Mosca (Fly-Man) u Hombre Insecto (Insect-Man), eligió Spider-Man. Decidió añadir un guion al nombre para evitar que los lectores lo confundieran visualmente con Superman en las portadas de los cómics.

Sin embargo, el proyecto encontró un rechazo inmediato por parte de Martin Goodman, director editorial y propietario de Marvel. En aquella época Marvel publicaba un número limitado de títulos debido a un acuerdo de distribución, por lo que cada nueva colección suponía una apuesta importante, y a Goodman la idea le pareció poco viable porque la gente odiaba visceralmente a las arañas. Además, afirmaba que un adolescente no podía ser el héroe principal, sino únicamente un compañero de apoyo. El propio Stan Lee recordaría años después que su jefe le dijo: “Es la peor idea que he escuchado nunca”.

Una única oportunidad para triunfar

A pesar de la negativa, Stan Lee insistió en concebir a Peter Parker como un joven ordinario lleno de problemas personales, inseguridades académicas y dificultades económicas. El creador quería que el público empatizara profundamente con las fragilidades del protagonista. Sobre este enfoque revolucionario, Lee declaró en una entrevista que, en realidad, era también el más íntimo: “Es el personaje que más se parece a mí; nada sale perfecto para él, tiene muchos problemas y comete errores”.

Ante el rechazo categórico de Goodman —quien insistía en que los jóvenes detestaban a las arañas, que los adolescentes no podían ser héroes y que un protagonista atormentado no vendía—, Lee utilizó como vehículo una revista antológica que ya estaba condenada a desaparecer: Amazing Adult Fantasy. Dado que la revista iba a cancelarse de todos modos en su número 15, publicado como Amazing Fantasy #15, a la editorial no le importaba el rendimiento de esa entrega final. Lee argumentó que publicar a Spider-Man en esas páginas no le costaría nada a Marvel ni afectaría a la empresa.

Goodman accedió a incluir la historia en el último número únicamente para quitarse el tema de encima y complacer a Lee, convencido de que el personaje pasaría sin pena ni gloria y quedaría olvidado. Sin embargo, meses después, cuando llegó la auditoría de ventas, Goodman se encontró con una realidad increíble: la revista Amazing Fantasy #15 (donde Spider-Man ya lanzaba su famosa frase de “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”) había sido uno de los cómics más vendidos de Marvel en todo el año 1962, muy por encima de lo que se esperaba.

Del primer traje de Spider-Man a Tom Holland

Ante la innegable respuesta del público, el ejecutivo no pudo revivir la cabecera original a tiempo, por lo que le dio a Spider-Man su propia serie regular desde cero: The Amazing Spider-Man #1, que se lanzó en marzo de 1963. Con el paso de las décadas, aquel número de 12 centavos de dólar que nació en una revista “desahuciada” se convirtió en una de las piezas de coleccionismo más codiciadas de la historia. En septiembre de 2021, un ejemplar en estado casi perfecto (CGC 9.6) se vendió en subasta por 3,6 millones de dólares.

Para el apartado gráfico, Lee asignó inicialmente el trabajo al legendario dibujante Jack Kirby. No obstante, las primeras páginas presentaban a un personaje demasiado musculoso, heroico y apuesto, muy alejado de la visión de un tímido estudiante de secundaria. Por ello, Lee decidió transferir el encargo al ilustrador Steve Ditko, cuyo estilo visual aportaba una atmósfera más misteriosa, estilizada y terrenal a la narración.

Ditko realizó el diseño definitivo del emblemático traje cerrado de color rojo y azul, la máscara con grandes ojos blancos y los disparadores de telaraña colocados en las muñecas. Además, dotó al personaje de posturas contorsionadas y dinámicas que acentuaban su naturaleza arácnida. Aunque Kirby acabó dibujando la portada del primer ejemplar por razones comerciales de la editorial, fue el diseño conceptual de Ditko el que definió para siempre al héroe con un traje rojo y azul ajustado y una máscara que le cubría el rostro completamente, lo cual, para la época, también fue una novedad.

Tras el lanzamiento de The Amazing Spider-Man #1 pasaría poco tiempo hasta que el nuevo superhéroe se convirtiera en uno de los principales símbolos de Marvel. La gente conectó enseguida con aquel adolescente introvertido con lanzatelarañas mecánicos. Sería en 1967 cuando llegara su primera adaptación, aunque para ver a un hombre araña de carne y hueso habría que esperar diez años más. Desde entonces, Peter Parker ha pasado por varios rostros, siendo el último el de un Tom Holland que, con Spider-Man: Brand New Day, ha demostrado una vez más el potencial de este personaje para cosechar muchos éxitos más.

Spider-Man nunca falla. El hombre araña ha regresado a los cines cinco años después de las consecuencias de Spider-Man: No Way Home (Jon Watts, 2021). Y lo ha hecho por todo lo alto. Estrenada este miércoles 29 de julio en España —y dos días después en el resto del mundo—, la película ha hecho historia al convertirse en el mejor estreno de un largometraje en nuestro país. Más de medio millón de espectadores acudieron a las salas durante su primer día de exhibición, una cifra que se traduce en una recaudación superior a los 3,2 millones de euros.

Su éxito no solo viene precedido por el interés que genera el superhéroe desde tiempos inmemorables, sino de una película que ha sido alabada por la crítica. La historia, dirigida en esta ocasión por Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos), retoma la vida de Peter Parker cuatro años después de los acontecimientos de Spider-Man: No Way Home, que finaliza con el mundo no sabiendo quién es Peter Parker.

La película arranca con el protagonista completamente solo, que lleva cuatro años luchando contra el crimen en la ciudad de Nueva York. Sin su mejor amigo, Ned (Jacob Batalon) y sin novia, MJ (Zendaya), el héroe ha dejado de ser un adolescente risueño para ser un adulto en permanente lucha entre ser Peter y Spider-Man.

A partir de aquí, el artículo contiene spoilers de Spider-Man: Brand New Day.

La encargada de sacar a la superficie todos sus miedos y sentimientos es Jean Grey (Sadie Sink). Aunque en los cómics el personaje forma parte de los X-Men y es una de las mutantes más poderosas de Marvel, por el momento la película nos la presenta como su principal antagonista. Gracias a sus poderes telepáticos y telequinéticos, es capaz de adentrarse en la mente de cualquiera para manipular sus emociones y sus recuerdos. De cualquiera... excepto de Spider-Man.

Jean lleva años buscando respuestas sobre la desaparición de su hermana, Sara Grey, víctima de los experimentos del Departamento de Control de Daños (DODC). Convencida de que allí se esconde la verdad, utiliza sus poderes para poseer a distintos ciudadanos y sembrar el caos en Nueva York mientras trata de encontrar cualquier pista que la conduzca hasta ella.

En paralelo, Peter, víctima de reencontrarse con MJ y ver que esta ha rehecho su vida con otro chico, comienza a sufrir unas extrañas mutaciones: dolores de cabeza, telarañas orgánicas y un carácter agresivo nada habitual del amigo y vecino Spider-Man. Temeroso de perder el control, recurre a Bruce Banner, Hulk (Mark Ruffalo) para que le confirme si existe la posibilidad de desarrollar un inhibidor con el que mantener a raya sus cambios hormonales desarrollados por el estrés postraumático de lo vivido hace cuatro años.

El final, explicado

La revelación de que Sara murió durante los experimentos del Departamento de Control de Daños cambia por completo el rumbo de la película. Finalmente, bajo la custodia del Departamento de Control de Daños, y entregada por Peter, Jean se da cuenta de que la organización mató a su hermana, desencadenando su verdadero potencial. A partir de ese momento, sus poderes evolucionan hasta el punto de permitirle mantener a miles de ciudadanos atrapados dentro de una enorme burbuja psíquica que envuelve Nueva York.

Consciente de que no puede detenerla por la fuerza, Peter se quita el inhibidor que contenía sus mutaciones y permite que Jean entre en su mente. Allí, la telépata presencia el sacrificio que supuso perder a su tía May (Marisa Tomei) y renunciar para siempre a MJ y Ned con tal de salvar el multiverso. Sin embargo, cuando Frank Castle (Jon Bernthal), alias The Punisher, intenta acabar con ella de un disparo, Peter se interpone para intentar salvarla. Gravemente herido, Jean utiliza sus recién despertados poderes para mantenerlo con vida hasta que los médicos consiguen estabilizarlo. La joven abandona Nueva York, mientras el Departamento de Control de Daños queda bajo investigación.

¿Qué ocurre con Ned y MJ?

Después de que Jean Grey posea a MJ al comienzo de la cinta, Peter decide ponerla a salvo en la casa de Frank, hasta que encuentra la carta que el hombre araña había escrito al final de Spider-Man: No Way Home. Mientras Peter, sin la máscara, le declara sus sentimientos, ella responde con un “no te quiero”, porque, efectivamente, no se acuerda de él.

Después de que Peter la lleve al apartamento que comparte con Ned, Peter se queda para pasar tiempo con ambos, aunque en esta ocasión permanece oculto bajo la máscara. Su amigo, obsesionado con descubrir quién es Spider-Man tras recordar que este le salvó la vida en varias ocasiones en el instituto, se entera gracias a MJ de que se llama realmente Peter Parker.

Y entonces llega la burbuja psíquica que envuelve Nueva York. Mientras la ciudad está paralizada por los poderes de Jean, MJ rompe a llorar. Después de la batalla final, Peter vuelve a encontrarse con Ned, esta vez sin la máscara, y se presenta como si acabaran de conocerse. Cuando ambos estrechan la mano, repiten de forma instintiva el saludo que se inventaron cuando se conocieron en el instituto. Tras unos segundos de desconcierto, Ned exclama su nombre: “¡Peter!”. En otra secuencia, MJ vuelve a la azotea a la que solía ir con este cuando comenzaron a salir. Entonces, procede a agarrar el colgante de la dalia negra, que le regaló en Lejos de casa (2019).

La película deja la puerta abierta a futuras entregas para explorar si ambos podrán recuperar por completo sus recuerdos perdidos. Lo que sí sabemos, por ahora, es que Spider-Man volverá.

El mes de julio se ha despedido con algunos de los títulos más importantes no ya del verano, sino probablemente de todo el año: La Odisea o Spider-Man: Brand New Day están llevando a millones de espectadores al cine como no se veía mucho tiempo, algo que continuará durante estos primeros días de agosto. No obstante, el nuevo mes trae consigo una nueva hornada de estrenos para acompañar a esas dos gigantes y, quien sabe, quizá incluso hacerles algo de sombra.

El final de Oak Street, la misteriosa película de dinosaurios protagonizada por Ewan McGregor y Anne Hathaway y dirigida por el cineasta de culto David Robert Mitchell, o El ser querido de Rodrigo Sorogoyen con un Javier Bardem que acumula elogios, son sin duda las dos películas que mejor se presentan. Pero no las únicas, puesto que también tenemos la vuelta de un aventurero animado, de una gran saga de terror o de Jacob Elordi en la adaptación de una novela distópica de lo más exitosa.

En mar abierto

No sería un buen verano sin su película de tiburones, y Mar abierto de eso a grandes niveles. Cuando un avión comercial con destino a China se estrella en medio del Pacífico, la tripulación superviviente se enfrenta a una gran amenaza acuática. Varios tiburones han olido la sangre y merodean los escombros del avión, y con él a los fallecidos y a los que luchan por sobrevivir. El intrépido copiloto Ben (Aaron Eckhart), quien vive frustrado por no haber prosperado cuando pudo, encontrará una manera de redimirse y convertirse en el héroe que siempre soñó manteniendo alejados a las temibles criaturas de los pasajeros de su avión, a la espera de que alguien acuda en su rescate.

El final de Oak Street

Llevaba unos cuantos años alejado de Hollywood después de la fría acogida que tuvo su última película, Lo que esconde Silver Lake, pero ahora está de vuelta y con más ganas que nunca. Mientras prepara la secuela de su gran éxito, It Follows, el director David Robert Mitchell regresa con esta particular historia de ciencia ficción sobre una familia que se ve trasladada a la época de los dinosaurios sin previo aviso. Anne Hathaway y Ewan McGregor dan vida a los padres que tendrán que buscar no solo proteger a sus hijos sino también el modo de volver al barrio sanos y salvos.

Insidious: Fuera del más allá

Aprovechando el buen momento de terror de este año con películas como La momia de Lee Cronin, Obsession o Backrooms, las grandes sagas buscan su oportunidad. Tras el regreso de Posesión infernal hace algunas semanas, ahora es el momento de Insidious, la saga que arrancó en 2010 de la mano de James Wan (Saw) y que ha vivido ya cinco entregas. Esta será la sexta con un regreso a los orígenes pero una nueva protagonista que, buscando huir de unos asaltantes, se topará con el plano astral más aterrador en toda la saga.

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa

Cuarta entrega de la saga de animación de más éxito en nuestro país, Tadeo y Sara viven una nueva aventura en Londres, donde buscan el paradero de la famosa lámpara maravillosa de Aladino y Las mil y una noches. Sin embargo, su ya inseparable compañera la Momia tiene otros planes, y obliga a los aventureros a cruzar medio mundo con tal de arreglar el entuerto provocado y de descubrir el secreto detrás de la lámpara.

La constelación del perro

El director Ridley Scott, veterano en mil batallas desde Blade Runner a Gladiator pasando por Napoleón, vuelve a las andadas con una historia algo diferente a las que nos tiene acostumbrados. El cineasta adapta La constelación del perro, una de las novelas de ciencia ficción más aclamadas de los últimos años, y lo hace de la mano de varios actores de renombre como Jacob Elordi, Josh Brolin y Margaret Qualley. La película contará la historia de un piloto que acaba de perder a su mujer en medio de un apocalipsis por el cual la mayor parte de la humanidad ha fallecido, y el resto busca sobrevivir huyendo de unos carroñeros conocidos como Segadores.

Una noche al año

Las comedias románticas están resurgiendo, y ningún momento mejor que el verano para vivir una historia de corazones rotos y por coser. Allie (Monica Barbaro) y Owen (Callum Turner) se encuentran en una Nueva York de un universo alternativo, en la que los solteros tienen una sola noche al año para mantener relaciones sexuales. Lejos de querer una aventura fugaz como el resto de la ciudad, buscarán estrechar lazos en una noche en la que absolutamente todo lo que puede pasar mal, sucederá.

El ser querido

No se podía despedir el mes sin la que está llamada a ser una de las grandes películas españolas del año, y quizá la que pueda representar a España en los Oscar, aunque tendrá dura la competición con La bola negra de Los Javis, gran favorita. Aun así, el regreso de Rodrigo Sorogoyen al cine tras dirigir la serie Los años nuevos se antoja como una emocionante historia sobre relaciones familiares y el propio cine. En ella, Javier Bardem y Victoria Luengo dan vida a un director de cine y su hija actriz, quienes se reencuentran durante un rodaje del primero en las Islas Canarias. Allí, en medio de un rodaje ya de por sí complicado, estallará todo lo que ambos quisieron decirse y nunca pudieron.

La provocadora estrella pop Charli XCX probablemente podría haber convencido a casi cualquier músico que quisiera para que participara en su nuevo álbum, Music, Fashion, Film, la continuación oficial de Brat, su fenómeno de 2024 que conquistó el mundo. Pero optó por incluir solo a un artista invitado en su nuevo lanzamiento, y no es un músico en absoluto: es… David Cronenberg.

Sí, ese mismo David Cronenberg: el cineasta canadiense de 83 años responsable de clásicos de culto del horror corporal como La mosca, Videodrome: cuerpos invadidos y Pacto de amor —entre muchas otras contribuciones increíblemente rebeldes al canon cinematográfico—.

La participación de Cronenberg con una intervención hablada en “No One Lasts Forever”, la introspectiva canción de electro-pop que cierra el álbum, podría parecer aleatoria, pero si has estado prestando mucha atención a Charli XCX en los últimos años, sabes que no lo es. Ella ya hizo algunas alusiones visuales al clásico de culto Crash, en su LP de 2022 del mismo nombre, y su profundo amor por el cine de autor es evidente para cualquiera que siga su entretenida cuenta en la red social para cinéfilos Letterboxd. (En su perfil figura la sátira hollywoodense de Cronenberg de 2014, Polvo de estrellas, una película más que mordaz, como una de sus cuatro películas favoritas. Sinceramente, todo mi respeto.)

Charli xcx no es la primera artista en rendirle homenaje a un cineasta en una canción. En honor a su vínculo con David Cronenberg —y con la esperanza de que ella inspire a una nueva generación de amantes del cine pop—, armé una lista de reproducción con algunas otras canciones que hacen referencia a grandes cineastas en sus títulos. Algunas (como las de David Bowie, Sparks y Fugazi) son homenajes cariñosos, mientras que otras (de Le Tigre y CMAT) revelan una relación un poco más ambivalente con sus sujetos cinematográficos.

1. David Bowie: ‘Andy Warhol’

Aunque el destacado artista pop Andy Warhol era conocido por mucho más que su faceta cinematográfica, es precisamente el lado cinematográfico del artista —y sus famosas pruebas de pantalla— a lo que David Bowie hace referencia en este homenaje de 1971 incluido en Hunky Dory: “Andy Warhol, la pantalla grande / No puedo distinguirlos en absoluto". Bowie escribió la canción antes de conocer a Warhol, pero pudo tocársela al artista en The Factory poco antes de su lanzamiento. Más tarde, Bowie admitió que le dejó perplejo la reacción típicamente enigmática de Warhol ante la canción: “No sé si alguna vez le gustó o no”.

2. SZA: ‘Scorsese Baby Daddy’

En este tema de 2024, incluido en la edición de lujo de su exitoso álbum SOS, SZA anhela una pareja que se comprometa emocionalmente con la relación tanto como ella. “Adicta al drama”, canta, antes de hacer una importante contribución al idioma inglés al acuñar la frase “Scorsese baby daddy”.

3. Le Tigre: ‘What’s Yr Take on Cassavetes?’

Las integrantes del trío feminista de electro-pop Le Tigre entablan un animado debate sobre el pionero cineasta independiente John Cassavetes en este tema contagiosamente cadencioso de su álbum debut homónimo de 1999. En respuesta a la pregunta del título, lanzan una serie de posibles veredictos —“¡Misógino! ¡Genio! ¡Alcohólico! ¡Mesías!“— sin decidirse nunca por uno, lo que tal vez sugiera que todas las opciones anteriores pueden ser ciertas.

4. Fugazi: ‘Cassavetes’

Aquí hay otra visión sobre Cassavetes, de la legendaria banda punk de Washington D. C., Fugazi. (Fugazi, devotamente independiente, claramente sentía afinidad con Cassavetes, un autor inconformista que realizaba películas autofinanciadas al margen del sistema de Hollywood.) El guitarrista Guy Picciotto se encarga de la voz principal en esta canción del álbum In on the Kill Taker (1993), gritando su admiración poética y divirtiéndose un poco con la pronunciación del nombre de la esposa y colaboradora de Cassavetes: “¡Gena Rrrowlands!“.

5. Stereolab: ‘Brakhage’

Esta canción de apertura del álbum Dots and Loops (1997) lleva el nombre del cineasta experimental Stan Brakhage, cuyas obras poco convencionales y a menudo abstractas buscaban sacudir las percepciones de los espectadores. Los ideales de Brakhage contrastan irónicamente con el plácido mundo del consumismo adormecido que la cantante Laetitia Sadier describe aquí —“necesitamos tantas malditas cosas para mantener nuestras vidas aturdidas en marcha”—, aunque la instrumentación intrincadamente superpuesta de la canción se hace eco de las texturas de los fotogramas pintados a mano de Brakhage.

6. Sparks: ‘Tsui Hark’

Al igual que lo haría Charli XCX décadas más tarde, los divertidos músicos de art-rock de Los Ángeles, Sparks, cuentan con la voz de un reconocido cineasta en esta canción, incluida en el álbum con el exquisito título Gratuitous Sax & Senseless Violins (1994). El director de Hong Kong Tsui Hark se presenta y habla de su carrera en los términos más sencillos posibles —“Soy Tsui Hark, soy director de cine / He hecho varias películas"— acompañado de un riff de teclado sencillo y hipnótico y un ritmo techno palpitante.

7. CMAT: ‘Peter Bogdanovich’

La cantautora pop irlandesa CMAT (Ciara Mary-Alice Thompson) nos transporta al tenso set de la gran película de Peter Bogdanovich, The Last Picture Show, en este sencillo exuberante y de ensueño. La canción parece estar cantada desde la perspectiva de la joven estrella de la película, Cybill Shepherd, con quien Bogdanovich tuvo una aventura que provocaría el fin de su matrimonio con la diseñadora de producción de la película, Polly Platt. CMAT profundiza aún más en las dinámicas de poder de este triángulo amoroso en el video musical, en el que ella interpreta a Bogdanovich. (Ha dicho que escribió la canción después de escuchar un podcast sobre la realización de la película; apostaría lo que sea a que fue el excelente You Must Remember This de Karina Longworth, que dedicó una temporada completa a la historia de Platt).

8. The Magnetic Fields: ‘Busby Berkeley Dreams’

Stephin Merritt rinde homenaje a la elegancia, el glamour y la coreografía geométricamente ambiciosa del director de la Edad de Oro de Hollywood, Busby Berkeley, al componer una balada tan conmovedoramente hermosa que bien podría haberse cantado y bailado en una de las películas de Berkeley. Cuando digo que es una de mis canciones favoritas del triple LP 69 Love Songs (1999), lo digo en serio: formó parte de la tan debatida lista de reproducción Amplifier” que armé hace unos años con mis 11 canciones favoritas de ese álbum maravillosamente extenso.

9. Charli XCX con David Cronenberg: ‘No One Lasts Forever

Por último, terminemos con la colaboración entre Charli y Cronenberg que inspiró esta lista de reproducción. Normalmente me siento muy estresada o con asco mientras veo una película de Cronenberg, pero me sorprende gratamente lo serena que es su voz al hablar aquí, y lo generoso que es al compartir la sabiduría que trajo de una experiencia cercana a la muerte: “Realmente siento, y me oyes asegurarte, que el olvido es libertad”, dice, logrando sacar a Charli —y a todos nosotros, en realidad— de una crisis existencial.

Fuente: The New York Times

Puella Magi Madoka Magica regresa a los cines de México y Latinoamérica con el estreno de Walpurgisnacht Rising el 1 de octubre de 2026.

Konnichiwa!, junto con Aniplex of America, trae de vuelta a la pantalla grande la esperada secuela de la franquicia de chicas mágicas.

El reestreno se realiza trece años después de la primera película distribuida por Konnichiwa! en la región, celebrando el impacto duradero de la saga.

Los fans podrán revivir toda la historia con la proyección previa de las películas Beginnings, Eternal y Rebellion durante agosto y septiembre.

Konnichiwa!, Aniplex of America y el regreso de Madoka Magica

El regreso de la franquicia tiene un significado especial para Konnichiwa!, ya que Madoka Magica inició su camino como distribuidora de anime en México hace trece años.

La empresa destaca la colaboración con Aniplex of America en este lanzamiento, reafirmando el lazo con la saga que marcó un antes y un después en su historia.

La organización del ciclo de reestrenos permite que nuevos espectadores y seguidores experimenten la evolución completa de la narrativa antes del estreno de la nueva película.

Así, el público podrá entender el contexto y los cambios de los personajes principales a lo largo de la saga.

Fechas de estreno: agosto, septiembre y octubre de 2026

El calendario de proyecciones comienza el 20 de agosto con el reestreno de Beginnings y Eternal.

El 3 de septiembre será el turno de Rebellion, que amplía la historia y anticipa el siguiente capítulo.

Finalmente, Walpurgisnacht Rising llegará a los cines el 1 de octubre, completando el ciclo para la audiencia latinoamericana.

Este esquema ofrece la oportunidad de revivir el recorrido de Madoka Kaname y sus compañeras antes del estreno de la esperada secuela, permitiendo una preparación integral para los seguidores de la franquicia.

Magica Quartet y el equipo creativo de SHAFT

La nueva película cuenta con la participación del Magica Quartet en la historia original, con Akiyuki Shimbo como director en jefe, Gen Urobuchi (Nitroplus) como guionista, la diseñadora aokiume y la animación del estudio SHAFT.

Este equipo creativo ha sido responsable del estilo y la profundidad que distinguen a la franquicia desde su inicio en 2011.

La continuidad de los principales responsables garantiza que la nueva entrega mantenga la esencia y complejidad que han caracterizado a Madoka Magica, atrayendo tanto a veteranos como a quienes recién descubren la saga.

El legado de Madoka Magica desde 2011

Desde su estreno, Puella Magi Madoka Magica rompió moldes dentro del género de chicas mágicas, integrando elementos de fantasía, suspenso y un tono mucho más sombrío de lo esperado.

La historia de Madoka Kaname y Sayaka Miki, quienes aceptan la propuesta de Kyubey de convertirse en chicas mágicas a cambio de un deseo, se transforma rápidamente en un relato de sacrificios, responsabilidad y consecuencias trágicas.

Este enfoque renovado y su profundidad narrativa han permitido que la franquicia mantenga su vigencia y sume nuevas generaciones de seguidores, consolidando su estatus como referente del anime contemporáneo.

Qué esperar del ciclo de reestrenos y de Walpurgisnacht Rising

El público que asista a las funciones podrá redescubrir los momentos clave de la saga, desde los orígenes hasta los nuevos conflictos que plantea la secuela.

El ciclo de reestrenos prepara el terreno para Walpurgisnacht Rising, permitiendo comprender la progresión de la trama y la evolución de los personajes.

Fechas clave: Beginnings, Eternal, Rebellion y Walpurgisnacht Rising

El ciclo de exhibiciones permite a la audiencia disfrutar:

• Puella Magi Madoka Magica: Beginnings y Eternal: desde el 20 de agosto
• Puella Magi Madoka Magica: Rebellion: a partir del 3 de septiembre
• Puella Magi Madoka Magica: Walpurgisnacht Rising: estreno el 1 de octubre.

Este regreso a la pantalla grande reafirma el lugar de Madoka Magica como una de las sagas más influyentes del anime moderno y celebra su impacto en la cultura pop latinoamericana.

Una escena de la película Falso movimiento (1975) en la que Nastassja Kinski, de entonces 13 años, aparece en toples será suprimida en virtud de un acuerdo entre el director alemán Wim Wenders y la actriz. En una declaración conjunta publicada en el sitio de la Fundación Wim Wenders, el cineasta de 80 años afirma haber “presentado sus disculpas a Nastassja Kinski y accedido a su deseo de cortar de la película la escena que ella cuestionaba” desde hace tiempo. En ella, la actriz está acostada en una cama en toples y un hombre se tumba a su lado, también en ropa interior.

Según el comunicado, ambos desean “que el recuerdo de la película no se vea más, en el futuro, ensombrecido por este conflicto y que su larga relación de amistad se restablezca”. El 23 de julio, Wenders había explicado que la escena se cortó y “no formará parte de la película en el futuro”. Kinski llevaba intentando convencerlo desde principios de la década de 2010 y, desde hace una década, a través de su abogado.

A principios de junio, el director finalmente cedió al anunciar la retirada provisional de la película en su totalidad. “Reconozco que Nastassja Kinski debería haber estado mejor protegida”, declaró entonces. En la misma línea, la Fundación Wim Wenders señaló que buscaría “un amplio diálogo” con las instituciones cinematográficas alemanas sobre el futuro del filme, y que solo tras ese proceso, y con una solución acordada con Kinski, lo volvería a poner en circulación. “Solo un intercambio abierto y respetuoso puede llevarnos a reconsiderar posiciones y reevaluar responsabilidades”, agregó Wenders en ese comunicado.

Falso movimiento es la segunda entrega de la trilogía de películas de carretera de Wim Wenders, que completan Alicia en las ciudades (1974) y En el transcurso del tiempo (1976). El guion, escrito por el dramaturgo Peter Handke a partir de la novela Los años de aprendizaje de Wilhelm Meister de Johann Wolfgang von Goethe, sigue a un joven aspirante a escritor que atraviesa la entonces Alemania Occidental en tren y se une a un grupo de personajes marginales —una actriz, un anciano cómplice del Holocausto, un poeta frustrado y una adolescente muda y acróbata— en un viaje que funciona, a la vez, como bildungsroman (relato de aprendizaje)y como refutación del romanticismo alemán. El filme ganó los premios del Festival de Cine Alemán a mejor dirección y mejor fotografía, y la fotografía estuvo a cargo de Robby Müller, colaborador habitual de Wenders.

El papel de la adolescente muda, Mignon, fue el debut cinematográfico de Nastassja Kinski. La actriz fue descubierta por la esposa de Wenders en una discoteca de Múnich y, a pesar del conflicto que generó esa primera colaboración, la relación profesional entre ambos continuó durante décadas. Kinski tuvo un papel protagónico en Paris, Texas (1984), una de las obras más celebradas del director y ganadora de la Palma de Oro en Cannes, y volvió a aparecer en Tan lejos, tan cerca (1993). Fue precisamente en el acto de entrega del premio honorífico en el Festival de Cine Alemán, a fines de mayo pasado, donde Wenders reconoció públicamente que nunca volvería a filmar esa escena de la misma manera, aunque aclaró que no podía culpar al joven de 29 años que era entonces: “Hice una película de su tiempo”.

Con información de: AFP

[Fotos: Wim Wender Foundation; REUTERS/Sarah Meyssonnier ]

La película La odisea, dirigida por Christopher Nolan y producida por Universal Pictures, alcanzó más de 700 millones de dólares en recaudación global tras su estreno el 17 de julio de 2026. El lanzamiento afecta a la industria cinematográfica internacional y a los mercados de distribución, consolidando el título como uno de los mayores éxitos comerciales del año, de acuerdo con datos recopilados por Box Office Mojo y reportes de medios especializados.

De acuerdo con cifras de Box Office Mojo, el filme logró una recaudación doméstica de 344,5 millones de dólares y una internacional de 362,6 millones de dólares, totalizando 707,1 millones de dólares en todo el mundo. El largometraje, que cuenta con un presupuesto estimado de 250 millones de dólares, fue distribuido en salas por Universal Pictures y se proyectó en 81 mercados internacionales, según un informe publicado por Variety y validado por reportes de Brandsynario y NST.

La producción se basa en la epopeya homérica y sigue el viaje de Odiseo tras la guerra de Troya. El proyecto marca el regreso de Christopher Nolan al cine épico y cuenta con un elenco encabezado por Matt Damon, Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya y Robert Pattinson. Según 3DVF, la película superó en dos semanas la recaudación total obtenida por “Oppenheimer” en el mercado doméstico, posicionándose solo detrás de “The Dark Knight” y “The Dark Knight Rises” dentro de la filmografía del director por ingresos en Estados Unidos.

¿Cuál es la recaudación de “La odisea” a nivel mundial?

La odisea ha superado los 700 millones de dólares en recaudación global, según datos de Box Office Mojo. El filme acumula 344,5 millones de dólares en el mercado estadounidense y canadiense, y 362,6 millones de dólares en el resto del mundo. La apertura doméstica se ubicó en 123,5 millones de dólares, el mayor debut de una película de acción en vivo en 2026 en Estados Unidos.

Durante su segundo fin de semana, la película mantuvo un alto rendimiento, con ingresos de 128,3 millones de dólares en 81 mercados, según NST. El formato IMAX representó una parte significativa de la recaudación, con 140 millones de dólares, de acuerdo con un informe de Variety.

¿Quiénes integran el reparto de “La odisea” y cuál es el equipo técnico?

El reparto principal de La odisea está encabezado por Matt Damon en el papel de Odiseo. Lo acompañan Anne Hathaway, Tom Holland, Zendaya y Robert Pattinson. La dirección de Christopher Nolan, conocido por producciones como “El origen” y “Dunkerque”, marca el regreso del cineasta a la épica clásica, según información publicada por Variety.

La producción técnica incluyó cámaras IMAX y efectos visuales de última generación, lo cual se refleja en los 140 millones de dólares recaudados en ese formato. El guion adapta la epopeya griega de Homero, incorporando episodios como el enfrentamiento con el Cíclope Polifemo, el encuentro con las Sirenas y la estancia en la isla de Calipso. La producción fue responsabilidad de Universal Pictures, que gestionó la distribución global.

¿Cuál fue la fecha de estreno y en qué mercados se lanzó “La odisea”?

El estreno mundial de La odisea tuvo lugar el 17 de julio de 2026. La película fue lanzada de manera simultánea en regiones de Asia-Pacífico (APAC), Europa, Oriente Medio y África (EMEA), según datos de Box Office Mojo y Variety. La estrategia de estreno global permitió acceder a las principales salas de exhibición en 81 mercados, maximizando la recaudación inicial y el alcance del público internacional.

La distribución en Estados Unidos estuvo a cargo de Universal Pictures, que también coordinó la llegada del filme a otras regiones clave para la industria cinematográfica. El lanzamiento simultáneo facilitó que la recaudación internacional superara los 360 millones de dólares.

¿Cómo se compara “La odisea” con otros éxitos recientes de taquilla?

En términos de recaudación, La odisea se posicionó como la cuarta película más taquillera de 2026, solo superada por otras franquicias y superproducciones del año, según Brandsynario. El rendimiento doméstico ya superó la recaudación total de “Oppenheimer”, film anterior de Nolan que concluyó su ciclo comercial con 330 millones de dólares en Norteamérica y 975 millones de dólares a nivel global, según Deadline.

El desempeño de La odisea refuerza el perfil comercial del director, cuyas películas han dominado la taquilla en distintos géneros. La utilización de cámaras IMAX y la duración de 2 horas y 53 minutos son elementos técnicos destacados, según lo publicado por Variety.

¿Qué presupuesto tuvo “La odisea” y cómo influyó en su producción?

El presupuesto de La odisea alcanzó los 250 millones de dólares, cifra confirmada por Box Office Mojo y Variety. La inversión permitió desarrollar efectos visuales avanzados y una producción a gran escala, con locaciones y escenarios que recrean episodios clave de la mitología griega. El uso de tecnología IMAX aportó un valor diferencial, con 140 millones de dólares generados en ese formato, lo que representa un 20% de la recaudación global, según Variety.

La apuesta por una superproducción de estas características responde a la estrategia de Universal Pictures de competir en el segmento de grandes estrenos internacionales.

¿Cómo afecta el éxito de “La odisea” a la industria cinematográfica?

El resultado comercial de La odisea tiene varias implicancias para el sector. La recaudación global refuerza la tendencia de estrenos simultáneos y la importancia del mercado internacional en la rentabilidad de las superproducciones. Estudios y compañías de exhibición evalúan en función de estos resultados la programación de futuras películas, la asignación de recursos y la inversión en tecnologías como IMAX.

El caso de La odisea confirma el peso de los directores de renombre y el impacto de las estrategias de marketing y distribución global, de acuerdo con el análisis de Variety.

¿Qué se puede esperar tras el éxito de “La odisea”?

La evolución de la taquilla de La odisea será seguida de cerca por la industria y los analistas, ya que podría influir en la programación de próximos estrenos y en las estrategias de distribución de los principales estudios. El resultado hasta la fecha refuerza la relevancia de los lanzamientos globales y la capacidad de convocatoria de los grandes directores y productoras en el mercado contemporáneo, según Brandsynario y Variety.

La película continúa en cartelera y se prevén nuevas cifras récord en las próximas semanas, de acuerdo con proyecciones de los portales consultados.

La sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín presenta, del jueves 6 al sábado 29 de agosto, Luchino Visconti: viajes en Italia, un ciclo de siete largometrajes del cineasta italiano en el marco del 50° aniversario de su muerte, con copias enviadas especialmente desde Roma.

El director nacido en Milán el 2 de noviembre de 1906 ocupa un lugar singular en la historia del cine: fue, al mismo tiempo, uno de sus fundadores y uno de sus primeros críticos. Con Obsesión (1943), adaptación no acreditada de la novela negra El cartero siempre llama dos veces, de James M. Cain, sentó las bases del neorrealismo italiano y abrió el camino a una generación que incluye a Federico Fellini, Vittorio De Sica, Michelangelo Antonioni y Roberto Rossellini. Pero a diferencia de sus contemporáneos, Visconti nunca se conformó con un solo registro: aristócrata, marxista y homosexual, su cine atravesó el neorrealismo, el melodrama operístico y la épica histórica con una coherencia de fondo que siempre apuntó al mismo blanco: la decadencia de las clases sociales y las contradicciones del poder. “Casi todos mis personajes son unos vencidos, porque son los que más me conmueven”, declaró en una de sus últimas entrevistas.

El ciclo reúne siete títulos que trazan un arco completo de su filmografía. Obsesión (1943), su ópera prima, abre el recorrido con la historia de una joven casada que arrastra a su amante al crimen, y ya anticipa la obsesión del director por la música y la lírica como dimensiones morales del relato. La tierra tiembla (1948), adaptación libre de la novela I Malavoglia de Giovanni Verga, lleva el neorrealismo a su punto límite: filmada en Aci Trezza, un pueblo de pescadores de Sicilia, con actores no profesionales del lugar, representa, según el propio Visconti, el cénit de ese movimiento y el umbral desde el que él mismo decidió trascenderlo.

Bellissima (1951), protagonizada por Anna Magnani, plantea una metáfora sobre el fin de la utopía neorrealista: una madre de barrio que sueña con convertir a su hija en estrella de Cinecittà descubre que la industria cinematográfica no es el espejo de la realidad sino su reflejo burocratizado. “Visconti decretó el fin de la poética neorrealista y desveló una de sus grandes contradicciones: la creencia de que el cine podía llegar a ser diferente del reino de la ilusión”, escribió el crítico español Ángel Quintana en su libro El cine italiano 1942-1961.

Rocco y sus hermanos (1960), con Alain Delon, Annie Girardot, Renato Salvatori y Claudia Cardinale, es la película que el propio Visconti definió como su favorita. La historia de una familia del sur de Italia que emigra a Milán en busca de trabajo condensa el choque entre el Norte y el Sur del país, y lo hace con un aliento novelístico que el crítico argentino Luciano Monteagudo describió como una obra “hecha de grandes contrastes, de claroscuros profundos”, con una fotografía en blanco y negro del director Giuseppe Rotunno que “trasciende el mero registro del primer neorrealismo para buscar equivalencias dramáticas”.

El gatopardo (1963), Palma de Oro en Cannes y protagonizada por Burt Lancaster en lo que muchos consideran su mejor actuación, es la adaptación de la célebre novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa sobre la aristocracia siciliana ante el avance de Garibaldi en 1860. La frase que acuña su protagonista —“Algo tiene que cambiar para que nada cambie”— dio nombre a un concepto político que sobrevivió tanto a la novela como a la película. Martin Scorsese, uno de sus admiradores más declarados, escribió que podría hablar de El gatopardo “durante horas y horas” y que se trata de una película “que se ha convertido en algo más y más importante con el correr de los años”.

Muerte en Venecia (1971), con Dirk Bogarde y Björn Andrésen, adapta la novela de Thomas Mann sobre un compositor alemán que en Venecia sucumbe ante la belleza de un adolescente mientras la ciudad se consume en una epidemia silenciada. La película forma parte de la llamada “Trilogía alemana” junto con La caída de los dioses y Ludwig, y constituye una de las exploraciones más sostenidas del director sobre la decadencia, el deseo y el fin de una civilización. El propio Visconti se definió en relación a ella: “Lo que siempre me ha interesado es el examen de una sociedad enferma”.

El ciclo cierra con Grupo de familia (1974), su penúltima película, protagonizada nuevamente por Burt Lancaster junto a Helmut Berger y Silvana Mangano. Un profesor jubilado recluido en su palacio de Roma ve irrumpir en su vida a una marquesa y su séquito, imagen de un presente que ya no reconoce. Filmada dos años antes de su muerte, la película condensa el diagnóstico final de Visconti sobre Italia y sobre la modernidad: la utopía ha tenido lugar, y al intelectual clásico no le queda otra salida que esperar.

*Las funciones del ciclo Visconti: Viajes en Italia se realizan de jueves a domingo en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530, CABA). Consultar horarios, precio de entradas y formas de llegar en la página web del Complejo Teatral de Buenos Aires.

La película Spider-Man: Un nuevo día alcanzó 167 millones de dólares en su primer día de exhibición en Estados Unidos, logrando el mayor estreno en la historia del mercado norteamericano, según estimaciones de la industria reportadas el viernes 31 de julio de 2026. El dato afecta a la industria cinematográfica, los estudios y las cadenas de exhibición, al romper marcas previas y modificar las expectativas de recaudación para futuros estrenos. Este resultado es importante porque supera el récord anterior de Avengers: Endgame y redefine el umbral para los grandes lanzamientos de franquicias internacionales.

De acuerdo con informes de Deadline, Forbes y Variety, el largometraje producido por Sony Pictures y Marvel Studios sumó esa cifra al incluir los ingresos de funciones anticipadas realizadas miércoles y jueves, además de las funciones regulares del viernes. Las estimaciones sectoriales indican que los preestrenos arrojaron una recaudación de 72 millones de dólares, lo que representa la mayor marca histórica para preestrenos en el país. Hasta el momento, Sony Pictures no ha publicado la cifra definitiva, por lo que los datos corresponden a cálculos de compañías de análisis y fuentes especializadas.

El contexto previo muestra que el récord de estreno en un solo día pertenecía a Avengers: Endgame, con 157,4 millones de dólares en 2019. El desempeño de Spider-Man: Un nuevo día también supera el estreno de Spider-Man: Sin camino a casa, que en 2021 alcanzó 121,96 millones en su primer viernes. El resultado consolida la tendencia de las franquicias como motor de la recuperación pospandemia para las salas de cine en Estados Unidos.

¿Cuánto recaudó “Spider-Man: Un nuevo día” en su primer día?

Según Forbes, la cifra de 167 millones de dólares corresponde a la suma de los ingresos de los preestrenos del miércoles y jueves más la taquilla regular del viernes, siguiendo la práctica del sector para grandes estrenos. El reporte indica que los 72 millones de dólares obtenidos en funciones anticipadas superan el récord anterior de Avengers: Endgame, que había reunido 60 millones en ese concepto.

Variety y Deadline precisan que la proyección para el primer fin de semana oscila entre 330 y 342 millones de dólares. De confirmarse, Spider-Man: Un nuevo día quedaría como el segundo mayor estreno de la historia en Norteamérica, solo por detrás de Endgame, que logró 357 millones en su primer fin de semana.

¿Qué récords de taquilla rompió “Spider-Man: Un nuevo día”?

El análisis de ComicBook muestra que Spider-Man: Un nuevo día superó en su primer día el resultado final de películas como Pixar’s Hoppers y se ubicó entre las diez películas más taquilleras del año en Estados Unidos. El primer viernes de la nueva entrega de Spider-Man superó los registros de Star Wars: El despertar de la fuerza, Avengers: Infinity War y Star Wars: Los últimos Jedi, que hasta ahora integraban el grupo de estrenos con más de 100 millones de dólares en su jornada inaugural.

Los datos disponibles confirman que Spider-Man: Un nuevo día se posiciona por delante de los 260,1 millones de dólares de Spider-Man: Sin camino a casa como apertura de fin de semana, siempre que se mantenga el ritmo de ventas sábado y domingo, según Variety.

¿Cuántas salas proyectaron la película y cómo fue la distribución?

Deadline informó que Spider-Man: Un nuevo día se estrenó en 4.487 salas en Estados Unidos y Canadá, la mayor red de exhibición para un estreno de la franquicia. Cadenas como AMC, Regal y Cinemark programaron hasta 44 funciones en un solo día en complejos de grandes ciudades como Nueva York y Los Ángeles, de acuerdo con el reporte de Forbes.

La preventa de boletos superó los 80 millones de dólares, según datos de la industria difundidos por Forbes, lo que anticipaba el alto desempeño en la taquilla. Las funciones en formatos especiales como Dolby, 4DX y ScreenX también establecieron máximos históricos, con ingresos superiores a los obtenidos por Super Mario Galaxy: La película y Deadpool & Wolverine, según la consultora The Numbers.

¿Qué dicen Sony Pictures y las fuentes oficiales sobre la recaudación?

Hasta la tarde del viernes 31 de julio, Sony Pictures no había publicado un comunicado oficial con la cifra final de recaudación de Spider-Man: Un nuevo día. Las proyecciones de 167 a 173 millones de dólares provienen de consultoras como Greenlight Analytics, NRG y de los circuitos de exhibición, según información de Deadline y The Washington Times.

Un portavoz de Sony Pictures citado por The Washington Times confirmó que las funciones de preestreno superaron los 50 millones de dólares, lo que representa el mejor resultado de la historia para la compañía en ese rubro. Variety subraya que la suma de los datos de miércoles y jueves fue clave para alcanzar el récord.

¿Cuánto logró “Spider-Man: Un nuevo día” en funciones de preestreno?

Deadline y Variety reportaron que Spider-Man: Un nuevo día recaudó 72 millones de dólares en funciones de preestreno, un récord para la industria estadounidense. El dato supera los 60 millones de Avengers: Endgame y los 50 millones de Spider-Man: Sin camino a casa en este concepto.

Las funciones anticipadas incluyeron accesos exclusivos para miembros de Prime Video el miércoles por la noche y funciones regulares desde el mediodía del jueves en la mayoría de los complejos de exhibición. Estos ingresos contribuyeron de manera decisiva al total registrado el viernes, según Forbes.

¿Qué impacto tiene este récord en la industria cinematográfica?

El récord alcanzado por Spider-Man: Un nuevo día representa un punto de inflexión para la industria cinematográfica de Estados Unidos, que experimentó fluctuaciones en la asistencia a salas tras la pandemia. El resultado refuerza la vigencia de los grandes estrenos en cines y la importancia de las franquicias de superhéroes como motor de crecimiento para Sony Pictures, Marvel Studios y los exhibidores.

El éxito de la película implica una recuperación del tráfico en salas y una mejora en la recaudación respecto a años anteriores, según Forbes. Los estudios y las cadenas monitorean el comportamiento del público para planificar futuros lanzamientos de alto presupuesto.

¿Qué se espera para el resto del fin de semana?

Las proyecciones de consultoras como Greenlight Analytics y NRG apuntan a que el resultado final del fin de semana podría acercarse o superar los 340 millones de dólares, según Deadline. Si se confirma, el mercado estadounidense registraría también un récord de recaudación total para todos los estrenos combinados en un solo fin de semana, por encima de los 402 millones logrados durante el debut de Avengers: Endgame.

El seguimiento de la taquilla durante sábado y domingo servirá de referencia para la industria en la planificación de futuros estrenos.

¿Cómo se compara con otros lanzamientos recientes?

En comparación con otros estrenos de gran presupuesto, Spider-Man: Un nuevo día superó los números de Toy Story 5, Minions & Monsters y The Odyssey en sus respectivos lanzamientos de 2026, según datos de Deadline. El informe sectorial indica que el impacto de la película se extiende a la venta de productos promocionales y asociaciones comerciales, con una campaña récord de 309 millones de dólares en acuerdos de mercadotecnia, según Deadline.

¿Qué mantiene y qué cambia en la industria tras este récord?

El récord de Spider-Man: Un nuevo día confirma la tendencia de los grandes estudios a priorizar estrenos simultáneos en miles de salas, la apuesta por funciones de preestreno extendidas y la importancia de formatos premium para atraer público. La industria mantiene la estrategia de generar expectativa con preventas masivas y alianzas comerciales, pero el nuevo umbral de recaudación puede modificar las metas de los estudios y la competencia por fechas de estreno.

El resultado también refuerza la percepción de que las franquicias de superhéroes conservan su capacidad de convocatoria, pese al debate sobre la saturación del género en los últimos años.

¿Qué impacto tiene para los espectadores y los estudios?

Para el público, el éxito de Spider-Man: Un nuevo día ofrece un abanico más amplio de funciones y horarios, así como acceso a experiencias en formatos especiales. Para los estudios, el récord implica una validación de la estrategia de invertir en grandes franquicias y coordinar lanzamientos mundiales. El seguimiento en las próximas semanas permitirá evaluar la sostenibilidad de este modelo y su posible impacto en la programación de estrenos para 2027.

Para quienes vieron Spider-Man: Brand New Day sin conocer de antemano la identidad de la voz de E.V., la sorpresa llegó después. Fue en redes sociales donde se viralizó el dato: Naomi Watts es quien interpreta a la asistente virtual, y su elección no es casual para los seguidores más atentos. La conexión entre Watts y Holland se remonta a una película anterior: Lo imposible. En ese drama dirigido por J.A. Bayona, Watts encarnaba a la madre del personaje interpretado por Holland. La relación madre-hijo que compartieron en pantalla en 2012 quedó grabada en la memoria del público, aunque muchos no reconocieron de inmediato a Watts en su nueva faceta digital dentro del MCU.

El descubrimiento de esta “reunión” ocurrió tras el estreno, cuando usuarios en plataformas como X y Reddit compartieron capturas y fragmentos de entrevistas, sorprendidos por la coincidencia. Los comentarios reflejaban asombro: nadie lo había advertido antes de ver la película, y la noticia se expandió rápidamente, convirtiéndose en uno de esos detalles que enriquecen la experiencia de los fans. La participación de Watts como E.V. adquiere una dimensión simbólica, pues el personaje de la inteligencia artificial actúa como guía y apoyo para Parker en los momentos de mayor dificultad. Aunque no es una madre en sentido literal, la elección de Watts —quien ya había asumido ese rol junto a Holland en Lo imposible— refuerza el vínculo entre ambos actores y aporta una capa de significado adicional para quienes conocen el antecedente cinematográfico.

Un reencuentro inesperado

En Lo imposible, Watts y Holland interpretaron a una familia separada por el desastre del tsunami de 2004, ofreciendo una de las parejas madre-hijo más reconocidas del cine reciente. La película, dirigida por Bayona, consolidó la carrera internacional de Holland y le valió a Watts una nominación al Oscar. Volver a encontrarse, aunque sea en registros diferentes y diez años después, suma un guiño nostálgico que solo algunos espectadores captaron a primera vista. Los comentarios en redes (“Nadie se había dado cuenta” y muchos del estilo) reflejaron entusiasmo y sorpresa, destacando lo inusual de la coincidencia y el modo en que el MCU integra detalles que solo se revelan con el tiempo o la investigación de los seguidores más dedicados.

Antes de sumarse al universo Marvel, Naomi Watts había consolidado una carrera internacional con papeles en películas como Mulholland Drive, The Ring y King Kong. Su versatilidad y presencia en distintos géneros la convirtieron en una de las actrices más reconocidas de su generación. La nominación al Oscar por Lo imposible marcó un hito, y su colaboración con directores como David Lynch, Gore Verbinski y J.A. Bayona demuestra su capacidad para adaptarse a proyectos de gran envergadura. La llegada de Watts al MCU, aunque en un rol aparentemente secundario como la voz de una inteligencia artificial, abre la puerta a posibles expansiones de su personaje, siguiendo ejemplos previos dentro de la franquicia.

La experiencia previa de actores como Paul Bettany, quien pasó de ser la voz de J.A.R.V.I.S. a interpretar a Vision en pantalla, sugiere que la presencia de Watts en el MCU podría crecer en próximas entregas. Por ahora, su interpretación de E.V. añade una capa de profundidad y nostalgia para quienes recuerdan su trabajo junto a Holland, y plantea nuevas posibilidades para el desarrollo de la saga de Spider-Man. La noticia de que Naomi Watts vuelve a ser la “madre” de Tom Holland en Spider-Man: Brand New Day es un ejemplo de cómo la industria conecta trayectorias y guiños cinematográficos, sorprendiendo tanto a los seguidores nuevos como a los veteranos.

Inde Navarrette, protagonista de Obsession, ha confirmado que negocia su ingreso al Universo Marvel y comparte abiertamente cuál sería su personaje soñado. “Me encantaría ser parte de Marvel. Creo que es divertido, especialmente porque crecí viendo X-Men”, explicó la actriz en una entrevista reciente, dejando en claro su vínculo emocional con la franquicia y su entusiasmo por sumarse a sus filas. La actriz, que hasta hace nada era una completa desconocida, tiene ahora el mundo a sus pies y las ideas más que claras.

La actriz, que se ha convertido en una de las revelaciones de Hollywood tras liderar el éxito de terror independiente Obsession, no solo ha captado la atención de la industria por su desempeño actoral, sino también por su interés en los universos de superhéroes. Navarrette confirmó que ha mantenido una reunión con Jake Schreier, el director encargado de la nueva versión de X-Men para Marvel Studios y responsable de Thunderbolts, aunque evitó precisar si se trató de una negociación concreta por un papel. “He tenido muchas reuniones desde que salió Obsession, y eso ha sido muy bueno, porque conoces gente y puedes hacer preguntas”, comentó. El encuentro, según relató, fue principalmente una oportunidad para expresar su admiración por el trabajo de Schreier en Thunderbolts, destacando el enfoque en los personajes que, en su opinión, distingue a Marvel en sus mejores momentos.

La actriz fue directa al revelar cuál sería su papel predilecto en el Universo Marvel. “Mystique siempre ha sido muy guay”, respondió cuando le preguntaron por el personaje que más desea interpretar. Navarrette recordó su fascinación de niña por el proceso de maquillaje y prótesis que requiere el personaje, popularizado primero por Rebecca Romijn en la trilogía original de X-Men y después por Jennifer Lawrence en las precuelas. “De pequeña, veía los detrás de cámaras del proceso de las prótesis. Eso me parecía fascinante. Siempre miraba los making of de muchas cosas, como Piratas del Caribe y X-Men. Me resultaba muy interesante”, relató.

Navarrette no confirmó si en esa charla se discutió un rol específico dentro de X-Men, pero sí subrayó el valor de poder interactuar con creadores de proyectos que le inspiran. “Eso es un lujo que tengo ahora, conocer a diferentes personas, y no todas esas reuniones se convierten en proyectos. A veces solo quieres trabajar con alguien porque te gusta lo que ha hecho”, manifestó. Mystique, una mutante capaz de adoptar cualquier apariencia, es uno de los personajes más icónicos de la saga. La interpretación de Romijn marcó una época, y la propia actriz volverá a encarnar el papel en Vengadores: Doomsday, que cruzará a los X-Men originales con los Vengadores de Marvel Studios. Navarrette expresó su admiración por el legado de Mystique y su deseo de continuar esa tradición. “Crecí viendo los X-Men de los 2000. Ser parte de eso sería un sueño”, afirmó.

De ‘Obsession’ al radar de Hollywood

En la misma entrevista, Navarrette respondió a especulaciones que circulan en redes sociales sobre la posibilidad de que interprete a Felicia Hardy/Black Cat en una futura entrega de Spider-Man. Al respecto, fue tajante: “No sé quién es”, respondió tras enterarse de que los usuarios la han propuesto en ese papel. “Me encanta Spider-Man y disfruto mucho toda la prensa de Tom Holland que está ocurriendo ahora”, agregó, restando valor a los rumores pero dejando claro su apertura a sumarse a cualquier proyecto de Marvel. Navarrette reconoció que estas especulaciones la divierten, aunque no corresponden a ninguna negociación real: “Cada vez que veo algo así, me río, porque obviamente sé la verdad. Pero me encantaría ser parte de Marvel”, reiteró.

El salto de Navarrette al centro de la conversación en Hollywood se dio gracias a su papel como Nikki en Obsession, una película de terror que sorprendió por su éxito comercial: recaudó 459 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de apenas 750 mil dólares. Esta cifra superó a franquicias como Star Wars: The Mandalorian and Grogu, Supergirl y Moana, consolidando a Navarrette como una de las jóvenes actrices más solicitadas del momento. La repercusión de Obsession multiplicó las oportunidades para Navarrette, quien ahora se encuentra en el radar de los grandes estudios y directores de la industria.

Mientras tanto, el reboot de X-Men dirigido por Jake Schreier sigue sin anunciar su elenco completo. Recientemente se confirmó que Samara Weaving dará vida a Emma Frost, personaje que anteriormente interpretó January Jones. La expectativa por conocer al resto del reparto y el posible ingreso de Navarrette a la saga sigue creciendo, alimentada por sus propias declaraciones y el interés que ha generado su meteórico ascenso. Navarrette, por ahora, se mantiene prudente, valorando cada paso y disfrutando del momento. “Es divertido imaginar qué podría pasar en el futuro, pero por ahora solo me alegra poder conocer y aprender de gente tan talentosa”, concluyó.

La negociación entre Warner Bros. y los representantes de Margot Robbie, Ryan Gosling y Greta Gerwig ha sido el mayor obstáculo para el avance de Barbie 2. La directiva, encabezada por el CEO David Zaslav, consideró que la propuesta elaborada para el talento principal era “demasiado generosa” debido a los porcentajes de participación en ganancias ofrecidos si la película alcanzaba determinados objetivos de recaudación. La información, publicada por The New York Times, indica que los representantes del talento rechazaron una oferta formal en mayo y aún no han presentado una contraoferta. Este estancamiento es visto con preocupación dentro del estudio, que ya invirtió recursos para asegurar la continuidad del proyecto, pero hasta ahora no logra avanzar.

Por su parte, un portavoz de Warner Bros. rechazó la versión de que el estudio se negara a negociar. Según la declaración oficial de los copresidentes del estudio, Pam Abdy y Michael De Luca, existe un acuerdo de derechos con Mattel y se han hecho “grandes ofertas” para intentar cerrar el trato de Barbie 2, pero hasta el momento no consiguieron resultados favorables. La situación pone en riesgo la producción de la secuela y podría afectar la relación entre el estudio y los talentos involucrados, considerados piezas clave para replicar el éxito del primer filme. El acuerdo entre Warner Bros. y Mattel establece que el estudio tiene hasta diciembre para asegurar la continuidad de Barbie 2. De no concretar un contrato satisfactorio con Robbie, Gosling y Gerwig, los derechos revertirán automáticamente a Mattel, lo que dificultaría cualquier intento futuro de producir la secuela bajo la misma fórmula.

Warner necesita cerrarlo antes de diciembre

En este contexto, Warner Bros. ha buscado acelerar las conversaciones, consciente de que el plazo es limitado y que la presión por parte de Mattel también influye sobre las negociaciones. La compañía juguetera tiene interés en mantener vivas las adaptaciones cinematográficas de su franquicia más rentable, pero no está dispuesta a ceder indefinidamente los derechos si el proyecto no avanza. En palabras de los directivos de Warner Bros.: “Tenemos un acuerdo de derechos con Mattel y hemos hecho una serie de grandes ofertas para intentar finalizar los acuerdos y realizar la próxima película de Barbie. Lamentablemente, no hemos logrado un acuerdo hasta ahora”.

La falta de avances ha sido atribuida tanto a la postura del estudio como a las demandas del talento. Mientras Warner Bros. sostiene públicamente que su oferta fue rechazada y no hubo una contraoferta, representantes de los actores y la directora han optado por el silencio, sin emitir declaraciones oficiales sobre el estado de las conversaciones. El CEO David Zaslav tomó la decisión de rechazar la propuesta económica presentada al considerar que excedía los márgenes razonables para el estudio, pese al éxito previo de Barbie. La incertidumbre ha llevado a que ninguna de las partes quiera ceder, lo que genera dudas sobre la viabilidad de Barbie 2 en el corto plazo.

El interés por una secuela surge tras el enorme impacto de Barbie en 2023. La película, dirigida por Greta Gerwig y coescrita junto a Noah Baumbach, recaudó $1.500 millones a nivel global, logró ocho nominaciones al Oscar y ganó en la categoría de mejor canción original. Su lanzamiento, junto con Oppenheimer, dio origen al fenómeno cultural conocido como “Barbenheimer”, intensificado por una campaña de marketing masiva y la estética rosa asociada a la franquicia. Desde 2024, se sabe que Gerwig y Baumbach tienen ideas para el desarrollo de Barbie 2. Sin embargo, el futuro del proyecto depende ahora de una resolución favorable en las negociaciones entre Warner Bros. y el equipo creativo original. La continuidad de la saga está en proceso, condicionada por la capacidad del estudio y el talento para alcanzar un acuerdo económico que satisfaga a ambas partes antes de que expire el plazo contractual.

La nueva película de los X-Men en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) comienza a tomar forma con el anuncio del primer fichaje destacado: Samara Weaving interpretará a Emma Frost, una de las figuras más complejas y populares de los cómics de mutantes. La elección de la actriz australiana marca el inicio de la conformación del equipo que protagonizará el esperado reinicio de la franquicia bajo la dirección de Jake Schreier.

Weaving, reconocida por sus papeles recientes en Noche de bodas 2 y Over Your Dead Body, se incorpora así a una producción que busca redefinir la presencia de los X-Men tras la adquisición de los derechos por parte de Disney en 2019. Emma Frost, personaje que en la saga impresa evolucionó de supervillana a heroína, es famosa por sus habilidades telepáticas y su liderazgo en el universo mutante. La noticia sobre el fichaje fue publicada por Variety, aunque los representantes de la actriz y de Marvel no realizaron comentarios oficiales. La confirmación de Weaving como la primera integrante del nuevo elenco pone en marcha la maquinaria promocional de la película, que aún no ha revelado el resto de los actores que darán vida a los icónicos personajes. El papel de Emma Frost es central para la narrativa, ya que la mutante ha sido tanto antagonista como aliada en los cómics, lo que anticipa una interpretación versátil y con potencial de desarrollo en futuras entregas.

La participación de Samara Weaving en el proyecto supone un movimiento significativo para Marvel Studios. La actriz ha ganado notoriedad en los últimos años por su versatilidad en géneros que van desde el terror hasta la comedia negra, con títulos como The Babysitter, Scream VI y Bill & Ted Face the Music. Su incorporación al MCU representa una apuesta por aires renovados y una imagen fresca para el nuevo equipo de mutantes. Weaving dará vida a Emma Frost, un personaje dotado de extraordinarios poderes telepáticos y una personalidad ambigua que ha evolucionado a lo largo de las décadas en el mundo de los cómics. La adaptación de Frost al cine ha sido esperada por los seguidores desde la integración de los X-Men al universo Marvel, ya que su historia se entrelaza con la de otros grandes líderes mutantes.

Los primeros pasos de los nuevos X-Men

La actriz se suma a una larga lista de intérpretes que han dado el salto a las grandes franquicias del cine, y su elección responde a la intención de Marvel de atraer tanto al público fiel como a nuevas audiencias. El anuncio llega en un momento clave para Marvel Studios, que atraviesa una etapa de reconfiguración tras los discretos resultados en taquilla de sus más recientes estrenos, como Capitán América: Nuevo Mundo y Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos. Según lo informado, la compañía busca recuperar el impulso comercial y creativo que la llevó a dominar la industria durante más de una década.

El reinicio de X-Men es una de las apuestas más fuertes del estudio. Con la dirección de Jake Schreier, conocido por su trabajo en Thunderbolts, la productora espera darle un nuevo aire a la franquicia y aprovechar el potencial de los personajes mutantes, que hasta hace poco estaban bajo control de 20th Century Fox. El reciente evento en la Comic-Con sirvió de escenario para la presentación de otros fichajes destacados, como Ryan Gosling en el papel de Ghost Rider y David Jonsson como el nuevo rey de Wakanda para Pantera Negra 3. Estas incorporaciones refuerzan la estrategia de Marvel de renovar sus historias principales y expandir el universo con nuevos rostros.

La integración de los X-Men al MCU también permitirá que personajes clásicos de las películas anteriores tengan presencia en futuros proyectos. Se confirmó que figuras como Ian McKellen, Patrick Stewart y James Marsden volverán en Vengadores: Juicio Final, un filme que reunirá a los principales héroes de distintas generaciones. Esta decisión busca conectar la nostalgia de los seguidores con la nueva visión que desarrolla Marvel Studios. Desde la compra de Fox por parte de Disney, la expectativa por ver a los mutantes junto a los Vengadores y otros héroes del MCU ha ido en aumento, y el fichaje de Weaving es el primer paso concreto en esa dirección.

El estreno de Spider-Man: Brand New Day ha traído un gran cambio de aires al personaje, pero no todo es de estreno en la nueva aventura del superhéroe. Si algo ha definido a las distintas encarnaciones cinematográficas de Spider-Man es cómo han usado la música para contar quiénes son Peter Parker, Miles Morales y sus villanos en cada época. La nueva película, con temas que van de TV On The Radio y Tame Impala a Bad Bunny y Chaka Khan, completa un arco que arranca en el rock alternativo de los 2000, pasa por el hip hop de las películas de Miles Morales y llega al pop global y al reguetón que domina la última década.

Angustia millenial y rock de garaje

El primer Spider-Man, el que muchos consideran el original y verdadero, fue el de Tobey Maguire. Su relación con su mejor amigo Harry (James Franco), sus constantes idas y venidas con Mary Jane (Kirsten Dunst) o sus encarnizados enfrentamientos con el Duende Verde o el Doctor Octopus marcaron un antes y un después para toda una generación, pero esa trilogía a cargo de Sam Raimi escondía detrás la banda sonora del nuevo siglo, la de la angustia millenial y el rock garajero que se infiltraron en cada adolescente con la misma velocidad y contundencia que el gen arácnido en las venas de Peter Parker.

Más allá del reconocible tema oriiginal que compuso Danny Elfman para la primera película, estas películas contaron con artistas como Chad Kroeger de Nickelback, Dashboard Confessional, The Killers, Sum 41, The Hives o The Strokes, gran paradigma del rock indie de principios de los 2000 y quienes, como ha hecho ahora el superhéroe, han regresado ahora con un nuevo álbum, Reality Awaits. En la primera entrega de la saga hasta una de las artistas hacía un cameo, Macy Gray, cantando la canción My Nutmeg Phantasy junto a Tom Morello mientras Spidey rescataba a Mary Jane del primer ataque del temible Duende de Willem Dafoe.

El reboot ‘indie’ de Andrew Garfield

Spidey entró en una nueva década y lo hizo con una nueva piel, una nueva novia y sobre todo, una nueva playlist. Andrew Garfield recogía en 2012 el testigo de Tobey Maguire y lo hacía de la mano de Marc Webb, director de la romcom indie de referencia a finales de la década anterior como fue 500 días juntos. No conseguiría que sonasen los Smiths pero sí otras bandas indies como The Shins, quien participaba con su No Way Down. El de Garfield siempre fue un Spider-Man más retraído e introspectivo y de ahí también que saliese un grupo tan íntimo como Coldplay con su Til Kingdom Come, quizá anticipando el trágico destino de Peter y Gwen.

El viaje de este Spider-Man fue breve pero capturó como ninguno la transición que se daría desde el rock y el pop de los 2000 hacia nuevos sonidos. No en vano la segunda entrega, The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, cerraría con Alicia Keys, Kendrick Lamar y el tema It’s on again, aunque lo cierto es que no habría ninguna otra aventura. No obstante, quizá el tema más icónico que haya quedado para los fans de este díptico no sea ni rock ni rap, sino Gone, gone, gone de Phillip Phillip, una canción de Stomp and Holler, género cercano al folk que floreció durante estos años gracias a grupos y artistas como The Lumineers, Vance Joy, Of Monsters and Men o Milky Chance, entre otros. Esos tiempos quedaron atrás pero aun pueden escucharse muchas de estas canciones en ciertas caafeterías de especialidad o locales de hamburguesas con bicicletas colgadas en sus paredes de papel pintado.

Miles Morales, un nuevo universo de hip hop y trap

Mientras el nuevo Spider-Man, el de Tom Holland, se iba infiltrando poco a poco en el Universo Cinematográfico Marvel, el gran punto de inflexión musical llegaba con Spider-Man: Un nuevo universo (2018) y sus secuelas, centradas en Miles Morales. Aquí la música deja de ser un acompañamiento para convertirse en un personaje más. Daniel Pemberton firmaría una partitura que mezcla orquesta con beats de hip hop, pero el verdadero cambio lo traen las canciones y, sobre todo, el trabajo de Metro Boomin. En Un nuevo universo, temas como Sunflower de Post Malone y Swae Lee o Familia de Nicki Minaj se convierten en himnos que definen la película. La banda sonora está construida como un álbum de hip hop y trap, con colaboraciones de artistas como Travis Scott, Jaden Smith, Lil Wayne o Juice WRLD. El sonido es urbano, joven, directamente conectado con la cultura de Brooklyn y con la identidad afro-latina de Miles.

Spider-Man: A través del Spider-Verso (2023) llevaría esa idea aún más lejos. Metro Boomin vuelve a producir una banda sonora que funciona como un mixtape de lujo, con temas de Future, Don Toliver, 21 Savage, A$AP Rocky, Nas o Lil Uzi Vert, además de piezas más experimentales y electrónicas. La música ya no solo refleja la generación de Miles, sino que narra su conflicto interno: entre el legado de Peter Parker y su propia voz, entre el deber y la rebeldía. Este giro es fundamental para entender Brand New Day. Las películas de Miles Morales demostraron que Spider-Man podía hablar el lenguaje del hip hop y del trap sin perder su esencia. Abrieron la puerta a que el universo cinematográfico del personaje aceptara el reguetón, el R&B moderno y el pop global como parte natural de su mundo sonoro.

El MCU: mainstream y música ochentera

Con la llegada de Spider-Man al Universo Cinematográfico de Marvel, la banda sonora da otro giro. Michael Giacchino mantiene un leitmotif reconocible, pero las canciones licenciadas se vuelven más mainstream, más “playlist de Spotify”. En Spider-Man: Homecoming (2017), el tono es de comedia de instituto en pleno auge del streaming: hay pop, hip hop ligero y temas que suenan como lo que escucharía un adolescente en 2017, con clásicos como Ramones o Rolling Stones pero también grupos de actualidad como Alt-j o Spoon.

El director Jon Watts, gran fan del cine adolescente de los ochenta, llenaría las siguientes entregas de algún que otro clásico de la época, como I will always love you de Whitney Houston, Vacation de The Go-Go’s o Back in black de AC/DC. Spider-Man: No Way Home reuniría a los Spider-Man de las anteriores entregas y a sus respectivos villanos, y con ellos una banda sonora mucho más ecléctica que pasaría por Talking Heads, Beastie Boys, Sex Pistols o los queridos Ramones, ya seña de identidad del Spidey de Tom Holland.

Un nuevo día para Spider-Man

La nueva película mantiene la idea de que la música define la generación de Peter, pero la lleva a un territorio que ninguna entrega anterior había tocado con tanta claridad: la coexistencia de rock alternativo, R&B, soul clásico y, sobre todo, hip hop y reggaetón en español. Temas como Wolf Like Me de TV On The Radio -cuyo videoclip dirigió irónicamente el director de las anteriores entregas, Jon Watts- conectan directamente con la herencia indie de los años 2000 y 2010. Es el eslabón con The Strokes, Sum41 y esa Nueva York de millenial de Maguire y Garfield, como si hubiera aprendido de ellos mucho más que a ser Spider-Man. Pero en la misma película suenan EoO de Bad Bunny y Dame Tu Amistad de Dominique Patrick Noel, Hector Luis Pagan, Eduardo Padua y Eddie Montalvo, situando a Peter en una ciudad donde el español y el reggaetón son parte natural del paisaje sonoro.

Ese cambio no es solo estético: es demográfico y cultural. El Spider-Man de las primeras películas hablaba el lenguaje del rock anglosajón dominante en la radio comercial. El de Brand New Day habla el lenguaje de una Nueva York real de 2026, donde el hip hop y el reggaetón son la banda sonora de los barrios, del transporte público, de las fiestas, de las redes. Al mismo tiempo, la inclusión de I’m Every Woman de Chaka Khan y St. Elmo’s Fire de Brian Eno introduce un puente con el soul, el funk y el pop de los 70 y 80. Es como si la película dijera: “Peter ya no solo representa a una generación; representa a varias”. Esas canciones funcionan como un contrapunto clásico dentro de un mundo sonoro muy contemporáneo, algo que recuerda a cómo Spider-Man 3 mezclaba el rock con una banda de jazz escolar, pero llevándolo a otra escala.

Loser de Tame Impala, Fire For You de Cannons y Oh yeah? de Steve Lacy cierran el círculo con el indie y el R&B moderno, manteniendo viva la línea que arrancó con The Strokes y TV On The Radio, pero con una producción más pulida. La música de Brand New Day dice que este Spider-Man es, al mismo tiempo, heredero del rock que lo hizo famoso y producto de una era en la que el hip hop y el reguetón son tan centrales como las guitarras lo fueron para sus primeras películas. De Tom Morello y The Strokes a Metro Boomin y Bad Bunny, cada nuevo Spider-Man ha sonado como su tiempo. Y la nueva película, más que reinventar al personaje, lo pone al día: misma máscara, misma ciudad, pero una banda sonora que demuestra que en 2026 todas los géneros pueden convivir en armonía.

Que haya sido objeto de debate no es casual. Los domingos no propone ni una defensa de la vida contemplativa ni una crítica anticlerical. Ruiz de Azúa, que se declara atea, eligió un camino más incómodo: mostrar la decisión de Ainara —interpretada por una impecable Blanca Soroa, en su debut cinematográfico— sin juzgarla, dejando que cada espectador mida los pros y los contras desde su propio punto de vista. Siendo claro: no quiere probar que la chica está siendo engañada, ni tampoco demostrar que la vida religiosa es el mejor camino posible ¿Entonces?

Una familia de clase media ante lo inesperado

El padre de Ainara, interpretado por Miguel Garcés, es dueño de un restaurante al borde de la quiebra. Tiene un préstamo que cubrir, un nuevo interés romántico y escasa energía para procesar la noticia. Su reacción oscila entre la pasividad y una aceptación pragmática: en el fondo, parece pensar que su hija estará mejor entre monjas que rodeada de adolescentes con otras intenciones. La madre de Ainara murió años atrás, y desde entonces la joven asumió una carga de cuidados desproporcionada sobre sus hermanas menores, un rasgo que podría explicar —sin reducir— su decisión.

Quien toma las riendas del conflicto es la tía Maite, interpretada por una expresiva Patricia López Arnáiz, atea militante que percibe la decisión de su sobrina como producto de un “machaque religioso” en el colegio y de la ausencia de una figura materna. Maite tiene sus propios problemas de pareja, tensiones económicas por la herencia familiar y una especie de resentimiento que no termina de convertirla en villana. Más bien parece ser alguien que sufre y teme perder a su sobrina.

Hay otro personaje relevante en esta historia. El tío Pablo, interpretado por Juan Minujín -un elemento ciertamente disruptivo, tanto por el acento levemente argentino como por sus veloces retruques-, intenta convencerla de cambiar de idea mediante el humor, con resultados dispares. La abuela, encarnada por Mabel Rivera, carga con el dolor de quien intuye que la clausura puede significar no volver a ver a su nieta. Ninguno de los tres logra torcer ese deseo que parece inamovible.

El domingo como campo de batalla

El título de la película no es arbitrario. Las comidas familiares de los domingos funcionan como escenario privilegiado del conflicto: es allí donde se dicen y se callan cosas, donde los resentimientos de larga data afloran a la superficie y donde la decisión de Ainara actúa como detonante de tensiones que venían cocinando a fuego lento. Al mismo tiempo, el domingo es el día del Señor, el marco litúrgico en el que Ainara se acerca al convento y refuerza su convicción. Ruiz de Azúa superpone ambas dimensiones —la familiar y la sacra— hasta llevarlas al límite, mostrando cómo una misma jornada semanal puede ser, a la vez, el tiempo de la comunión y el tiempo de la pelea.

La película se construye sobre esa doble capa. Las escenas en el convento muestran a Ainara observando a las monjas desde la distancia, a veces detrás de barrotes difuminados, en una imagen que se repite como motivo visual. Las conversaciones con la madre superiora, interpretada por Nagore Aramburu, tienen una planificación deliberada: la realizadora introduce en esos momentos un salto que desestabiliza al espectador. La Iglesia aparece, así, como institución ambivalente, capaz de ofrecer consuelo y de ejercer poder al mismo tiempo.

Blanca Soroa recibió elogios de la crítica por su capacidad de transmitir la mezcla de timidez, determinación y confusión que define a su personaje Ainara. La joven no es una figura ascética desconectada del mundo: tiene vida social, escucha música urbana y siente atracción por un compañero del colegio. Esa normalidad hace más difícil reducir su vocación a un síntoma de carencia o trauma. La película deja abierta la pregunta de si su deseo de clausura responde a una llamada auténtica o a la búsqueda de un espacio donde, por primera vez, alguien —o algo— la cuide a ella.

La escena final concentra esa ambigüedad. Le sigue un silencio prolongado -en la película y también en la sala de cine o en el living de casa- que resume la apuesta central de Ruiz de Azúa: no cerrar el conflicto en una resolución cómoda. Vuelve al espectador y ahí queda, entre sus pensamientos.

[Fotos: prensa BTeam Pictures]

La dicotomía entre ser Spider-Man y Peter Parker es el verdadero monstruo que persigue al personaje de Marvel desde su creación de la mano de Stan Lee y el ilustrador Steve Ditko en 1962. La responsabilidad. La soledad. La humanidad. Y por encima, ser buena persona. La tarea de cumplir con el estándar del mítico personaje primero le llegó a Tobey Maguire en el 2002; después a Andrew Garfield, en 2012. Desde hace una década, a Tom Holland, que estrenó este miércoles en España —y desde el viernes en el resto del mundo— Spider-Man: Brand New Day (Sony Pictures Entertainment), la película con la que afronta su desafío más complejo hasta la fecha. Más oscura, sólida y con un mensaje más potente, la cinta aboga por la importancia de pedir ayuda en tiempos donde la soledad se ha convertido en la pandemia de las nuevas generaciones.

Han pasado cuatro años en la ficción, cinco en la vida real —Sony tiene los derechos del personaje siempre y cuando saque una nueva película de Spider-Man al menos una vez cada cinco años y nueve meses— desde que Holland cerró la Home Trilogy. La cuarta entrega recoge las consecuencias del final de la anterior, No Way Home (2021), que reunió por primera vez en pantalla a los tres Spider-Man en uno de los mayores ejercicios de fan service cinematográficos. Ahora Peter Parker está solo, sin amigos y sin novia. Las consecuencias, por más que el protagonista se empeñe, no se las queda solo el superhéroe. “A veces Spider-Man debe hacer lo más difícil, aunque le parta el corazón a Peter Parker”, dice el protagonista en los primeros minutos de la cinta.

Esa premisa marca el tono de una película mucho más madura y oscura que sus tres predecesoras, dirigidas por Jon Watts, pero que encauzaban el futuro del personaje hasta este momento: si en las tres películas anteriores, Peter trataba de encajar entre ser él mismo y el superhéroe, Brand New Day entiende que solo funciona cuando aprende a convivir con ambas. En esta ocasión, Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos) saca a relucir las mejores condiciones del personaje sacado del cómic, con un relato más íntimo salpicado de escenas de una sensibilidad poco habitual en el UCM.

A ello hay que sumarle unas grandilocuentes secuencias de acción —coordinadas por el equipo de especialistas de Jackie Chan— que conviven con un Peter Parker cada vez mas reprimido. El resultado es un veinteañero con síndrome de burnout, dolores de cabeza, ansiedad y una crisis de identidad que termina reflejándose en su propio cuerpo.

Así, Holland, que tiene un don para interpretar personajes simpáticos y bonachones, deja atrás la faceta del joven superhéroe idealista que interpreta desde 2016 para darle la bienvenida a uno mucho más adulto. La maduración del personaje no solo viene precedida por los cinco años de pausa en los que el propio actor ha rebuscado en internet todo lo que los fans pedían mejorar, sino que se ha metido en la sala de guion para supervisar y sugerir ideas. El conjunto da forma a una película más callejera, con intención discursiva y una mejora de la calidad de los personajes que pesan más que cualquier uso que pueda darle el CGI. No es casualidad que Holland pusiera orden en el rodaje después de trabajar con Christopher Nolan en La Odisea: Brand New Day recupera el gusto con unos efectos prácticos que devuelven a la ciudad de Nueva York el protagonismo que siempre debió tener.

El gran refugio de Marvel

Los guionistas, Chris McKenna y Erik Sommers, —los mismos que los de las dos últimas entregas, Lejos de casa (2019) y No Way Home—, repiten con una fórmula que apuesta por la comedia, esta vez, más fina, pero que se nota que ha sido revisada por Justin Kuritzkes, el guionista de la estupenda Challengers (Luca Guadagnino, 2021), protagonizada por Zendaya, MJ.

Precisamente, por MJ y Ned Leeds (Jacob Batalon), este último el ya exmejor amigo del protagonista, pasa el arco central de la crisis del hombre araña. Entre las teorías que leyó Holland estaba la de dar un descanso a ambos personajes y que no salieran en esta cuarta entrega. Bien que ignorase dichas peticiones. Ambos terminan convirtiéndose en el caballo de Troya —irónicamente, teniendo en cuenta que Zendaya y Holland vienen de protagonizar La Odisea, junto con Jon Bernthal— para recordar a Peter que ningún hombre es una isla. Ni siquiera un superhéroe.

En lo interpretativo, Zendaya firma probablemente su mejor trabajo de toda la saga —especialmente en una determinada escena—. Y aunque dispone de menos tiempo en pantalla que en dos de las películas anteriores, su peso dramático es mayor. Batalon, por su parte, recupera la faceta más desenfadada de Ned y aporta un alivio cómico justo. Bernthal, en el papel de Frank Castle, The Punisher, pone el contrapunto más bestia frente al idealismo de Peter. Y cómo no, es el cameo de Florence Pugh en dos secuencias de la cinta la que nos recuerda que esto es el UCM y no solo una película de Spider-Man: los actos de Peter son las consecuencias de próximas películas de los Vengadores. Para bien y para mal.

Con casi dos horas y media de duración, Brand New Day acusa por momentos un metraje excesivo y la necesidad de abrir demasiados frentes para apuntalar el futuro del Universo Cinematográfico de Marvel. Su resolución, no tan novedosa como cabría esperar, bebe de una fórmula muy similar a la propuesta por Thunderbolts* hace más de un año. El camino a seguir, al menos hasta que Holland ceda el testigo, parece estar mucho más cerca de películas como esta que de la obsesión por preparar el próximo gran evento cinematográfico de Marvel.

Spider-Man: Brand New Day, dirigida por Destin Daniel Cretton a partir de un guion de Chris McKenna y Erik Sommers, retoma la historia donde terminó Sin camino a casa. Peter vive solo ahora que su tía May (Marisa Tomei) ha muerto, y MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) se han ido al M.I.T. Con los años, Peter los observa de lejos a través de las publicaciones de Ned en las redes sociales. Spider-Man vuelve a ser querido por los neoyorquinos, así que combate el crimen y conversa por teléfono con la detective Jean DeWolff (Liza Colón-Zayas), sin revelar nunca su identidad como Peter Parker. Ocasionalmente se cruza con Frank Castle, alias el Castigador (Jon Bernthal), con quien mantiene una relación tensa.

Pero una extraña amenaza acecha la ciudad, una entidad vengativa que aparentemente salta de persona en persona. Al parecer, está buscando algo que está oculto en Control de Daños, la organización creada para limpiar después de la Batalla de Nueva York, pero que con el tiempo se ha vuelto un poco más autoritaria. El director de la organización, Bill Metzger (Tramell Tillman), explica que no está seguro de lo que busca la entidad, pero el objetivo de Control de Daños es aprovechar la energía destructiva y convertirla en algo bueno. Su esperanza es simplemente mantener a todos a salvo, dice.

Al mismo tiempo, Peter tiene sus propios problemas con la energía, porque sus niveles hormonales de araña están aumentando, lo que le provoca fuertes dolores de cabeza y la capacidad de lanzar fluido de telaraña desde las muñecas en lugar de su traje. Lo único que desea es suprimir sus poderes, regresar a las habilidades que conoce bien. Y es imprescindible que haga esto antes de que la entidad llegue a MJ, quien aún no sabe quién es él.

Por supuesto, hay mucho más, algo de lo cual no puedo contarles; Sadie Sink ha pasado el último año esquivando preguntas sobre su papel en esta película. Brand New Day es la cuarta en esta serie particular de películas de Spider-Man, y se siente como el cierre del arco de maduración por el que ha pasado esta versión del personaje. Si De regreso a casa trataba sobre la adolescencia, y Lejos de casa trataba sobre crecer a través de la pérdida de un mentor, y Sin camino a casa trataba sobre asumir la responsabilidad de tus acciones (y también, las solicitudes universitarias), entonces esta trata, en parte, de decidir si aceptar tus poderes de adulto, incluso cuando te den miedo.

Lamentablemente, no es tan divertida como las películas anteriores, aunque eso puede deberse al terreno que explora. Gran parte de la comedia ligera que hacía tan entretenidas las otras películas ha desaparecido, principalmente porque la relación de Peter con Ned y MJ ha cambiado drásticamente, lo que significa que la química de bromas entre Holland, Batalon y especialmente Zendaya, está en gran medida ausente. En su lugar hay una carga emocional, que se intensifica en algunas de las otras subtramas de la película. (Afortunadamente, Florence Pugh aparece algunas veces como Yelena Belova, y es un auténtico deleite).

La película también se ve lastrada por lo mismo que ha hecho decaer a las películas más recientes del Universo Cinematográfico de Marvel: la carga de unir todas las historias. Por ejemplo, si no eres una enciclopedia andante del U.C.M., o no viste la segunda temporada de Daredevil y la primera de Daredevil: Born Again y las dos temporadas de la serie de El Castigador y el especial de Marvel Punisher: la última muerte, puede que no sepas quién es Frank Castle o por qué él y Peter se conocen, lo cual parece pedir demasiado de tu audiencia.

Spider-Man ha estado integrado en el U.C.M. desde que apareció en Capitán América: Civil War (2016), gracias a un acuerdo entre Sony Pictures Entertainment y Walt Disney Studios (propietaria de Marvel Studios), y aparece en varias películas de Avengers. Aunque otros personajes del U.C.M. han aparecido en las películas independientes de Spider-Man, a veces en papeles de peso, estas todavía han parecido en su mayoría historias impulsadas por los personajes sobre Peter y sus amigos. Incluso Sin camino a casa, con sus múltiples guiños a otras películas, trataba sobre varias generaciones de Spider-Man (¿Spider-Mans? ¿Spiders-Men?), no realmente sobre el arco principal del U.C.M.

Esta película da la sensación de cargar con más peso de franquicia sobre sus hombros, y eso deja menos espacio para la emoción. Como resultado, es más dispersa, y aunque los fanáticos acérrimos del U.C.M. podrían estar satisfechos, el resto de nosotros, claramente, empezamos a cansarnos de tener que hacer la tarea previa. Nada puede borrar el placer de presenciar la actuación de Tom Holland, que sigue siendo encantadora y maravillosamente enérgica incluso cuando sabes que muchas veces es un Spidey generado por computadora. Al crecer él en pantalla, su público ha crecido con él. La pregunta que plantea esta película es una que ha surgido una y otra vez en el cine de cómics: ¿Qué hacemos con lo que nos hace especiales? En su mayor parte, Peter ha optado por quedarse local y oculto, por deshacer el daño que se produce cuando la gente conoce sus poderes. Pero ahora tiene que decidir si acepta quién es y se deja ver de nuevo, o si permanece en las sombras y toma la nueva oportunidad en blanco que promete el título.

De modo similar, parte de su público ha pasado de la adolescencia a la adultez en un mundo en el que los poderes creativos —especialmente los extraordinarios— son vistos como algo que podrían quitarte y usar para obtener beneficios. Peter incluso considera si podría existir una manera de crear un dispositivo que ponga a todos en igualdad de condiciones, y eso no parece una coincidencia. Si las películas captan subconscientemente las ansiedades de sus audiencias, tal vez esta trata sobre la aterradora experiencia de crecer y descubrir que todos ven lo que te hace especial y quieren quedárselo para sí mismos.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Marvel Studios]

Primero: no soy gente de sentarse largas horas en el cine, ni en ningún lado: digamos todo. Cuando supe que la película de Christopher Nolan duraba casi tres horas, tuve la tentación de clavar la amable invitación a verla y quedarme en casa. Total, algún día la iban a pasar en las plataformas y la podría ver de a poco. Por suerte no lo hice.

La vi la primera vez imantada: no me di cuenta de que pasaba el tiempo, no me sentí incómoda en el asiento, no me dolió la cintura, no estaba ni cansada al final. Algo me mantenía quieta y alerta y, a la vez, con esa felicidad que da una frase bien hecha, una imagen bella, una idea que te sorprende.

Fui de nuevo una semana más tarde, ya había visto todo pero como si no hubiera visto nada. O mejor, como quien va saboreando lo que ya sabe que viene, doble placer. Como preparar la casa para recibir a alguien querido que vive lejos e ir disfrutando su presencia desde antes de que llegue. A mi lado, mi nieto de 14 años, con todo el escepticismo de los 14 años, pasó gran parte de la película sentado en la punta de la butaca, la vista al frente.

Pero... ¿por qué? La pregunta del millón por estos días: ¿qué tiene esta historia de 2.700 años para ponernos la piel de gallina hoy? Lo pensé entre la primera y la segunda vez y alguna punta me dio el periodista y crítico cultural Daniel Molina, que escribió en X que el Odiseo de Nolan ya no era un héroe griego porque sentía culpa. Y la culpa por matarse los unos a los otros no era un sentimiento griego sino algo inventado en otras latitudes, entre los hebreos.

Toda adaptación, ya se sabe, habla del presente, aunque tome materiales del pasado. Son nuestras las miradas, el punto de vista, la idea de humanidad, el tipo de relaciones entre la gente. Y lo que hay para decir, claro. Sobre todo eso.

En los manuales se lee que Odiseo es astuto y quiere volver a casa. Básicamente eso: la astucia sobre la fuerza. Ahora, con una mano en el corazón: ¿es astuto el Odiseo de Nolan? ¿En qué se ve? ¿Es tan astuto cuando el director nos priva de una de las escenas claves de su astucia, esa en la que el héroe le dice al cíclope que se llama “Nadie” para que cuando el pobre monstruo tenga que pedir ayuda diga que “Nadie” lo atacó? Esa escena -ese ardid de jugador de truco- no está en la película. Ni la astucia ni -como señala Molina- el humor ni el sexo. Más bien vemos a un melancólico y hasta aceptamos el cuestionamiento psicoanalítico que le hace Calipso: en el fondo, no querías volver.

En cambio, vuelve y vuelve y vuelve a la pantalla -y a la mente- una escena que, creo, es fundamental. Odiseo está tirado en las escalinatas de una Troya que arde -sí, arde Troya- y ve lo que hizo. Ve que esa astucia que sí tuvo al meter a los soldados dentro de un caballo y dar ese caballo como regalo a Atenea, esa astucia terminó en masacre. Traicionamos los vínculos básicos, dirá en algún momento. Los troyanos abrieron la puerta a una ofrenda porque la ofrenda debía ser el final de la batalla y no, no era el final, era el arma letal.

No es gratis traicionar los acuerdos básicos y, además, no es gratis masacrar. Sería cosa de todos los días para el Odiseo de Homero, pero para el nuestro no lo es, por suerte. El Odiseo de Nolan es el vencedor vencido. Tanto que -esto tampoco está en el original- cuando por fin vuelve a casa y “gana”, se autoimpone el exilio. Pelea con los pretendientes, asesina a troche y moche a los invasores, recupera a su mujer y... deja el trono en manos de su hijo y se va, con ella, a otra parte. A cumplir el plan que ella había formulado al principio. Moraleja: si él le hubiera hecho caso en ese momento, se hubiera ahorrado diez años de pelea, ser el autor intelectual de la muerte de cientos de personas, otros diez años de regreso accidentado y la caída de todos sus compañeros, de su tropa. Ni que hablar que se hubiera evitado ese carnaval de sangre que es la pelea con los pretendientes.

Odiseo entendió mejor que nadie a los enemigos troyanos y usó eso que tenían en común -los mismos dioses- para quebrar la resistencia y, una vez adentro, arrasar con todo. ¿Será por eso, y no por lo del cíclope, que Poseidón está tan enojado con él que no lo deja volver a su casa? ¿O será que sabe que está tan sucio, tan manchado de sangre, que no puede llegar y tomar el trono? Porque el que vuelve, cargado de cadáveres ajenos y propios, no es el mismo que el que se fue. Después de cierta violencia, de ciertos daños, no alcanza con haber ganado: sos ese, el que convirtió una ciudad en escombros.

Quizás los diez años por el mar sean como los 40 de los judíos en el desierto cuando salieron de Egipto y desconfiaron de Dios, 40 años antes de llegar a la Tierra Prometida: un espacio para limpiar culpas. Pero, nos dice Nolan, ni eso alcanza. El que toca las playas de Ítaca ahora es, a la vez, un héroe y un asesino. Abre la puerta de su casa y no tiene opción, vuelve a matar, lo vuelve a hacer.

No sé por qué veo acá una metáfora política. Debe ser mi imaginación.

La espectacular batalla contra los lestrigones en La Odisea, la nueva película de Christopher Nolan, es uno de los momentos más impactantes del cine reciente. Pero tras la figura del héroe Odiseo, interpretado por Matt Damon, se esconde un hecho poco conocido: quien realmente se enfrenta a los soldados gigantes en muchas de las escenas clave no es el propio Damon, sino la especialista canadiense Devyn Dalton.

Para crear la ilusión de que Odiseo y sus hombres se ven amenazados por gigantes de casi tres metros, el equipo de La Odisea recurrió a una técnica clásica y eficaz: la perspectiva forzada. Los lestrigones fueron interpretados por especialistas que superan los dos metros de altura, mientras que los héroes, en varias secuencias, fueron sustituidos por dobles de menos de metro y medio. En este contexto, la figura de Dalton, que mide 1,37 metros, resultó fundamental para el efecto visual que buscaba Nolan.

Dalton ocupó el lugar de Damon en varios planos durante la batalla, aportando una escala realista y dinámica a la secuencia. Según explicó el propio Damon en el pódcast Happy Sad Confused, muchas imágenes en las que parece estar a punto de ser aplastado por los gigantes fueron rodadas realmente con Dalton frente a los especialistas más altos del reparto. El actor relató cómo, tras finalizar el rodaje de estas escenas, se acercó a Dalton para agradecerle su trabajo y la abrazó. En sus palabras, la especialista tenía “los mejores brazos que he visto en mi vida”.

La magia del cine

Este reconocimiento público de Damon ha puesto en primer plano la labor de los especialistas y, en particular, la de las mujeres en un sector históricamente dominado por hombres. Dalton, de 34 años, ha construido una carrera variada como actriz, doble de acción, artista de captura de movimiento, actriz de voz y bailarina. Lejos de ser una barrera, su estatura se convirtió en una ventaja esencial para lograr el realismo de la secuencia de los lestrigones. Al colocarla frente a intérpretes de estatura mucho mayor, la diferencia de tamaño generaba de manera natural la ilusión de que Odiseo se enfrentaba a titanes.

Dalton define su trabajo como “magia del cine”. En declaraciones a The New York Post, expresó: “Se habla a menudo de los especialistas, pero ¿qué pasa con las especialistas? Ha sido un camino muy largo intentando abrirnos paso”. Su comentario resalta el esfuerzo y la perseverancia de las mujeres que, como ella, han conseguido abrirse camino en una industria donde la imagen y el físico suelen ser una barrera adicional.

La carrera de Dalton comenzó poco después de terminar el instituto, cuando se incorporó al mundo del cine como especialista. Su primera gran oportunidad llegó en 2011 con El origen del planeta de los simios, donde interpretó a Cornelia y se adentró en la captura de movimiento. Posteriormente, participó en La guerra del planeta de los simios como Cornelius y sustituyó a César en escenas puntuales. Su trabajo en franquicias reconocidas como The Last of Us y Godzilla le ha permitido consolidar una reputación sólida en la industria.

El ritmo de vida de un especialista exige una preparación física constante. Dalton explica que siempre debe estar lista para cualquier llamado, ya que a veces la contratación llega con tan solo una semana de antelación. Para La Odisea, intensificó su entrenamiento junto a un preparador físico para reforzar fuerza y habilidades de combate. “Oportunidades como esta surgen después de ganarte la confianza y construir una reputación sólida dentro de la industria. No ocurre de la noche a la mañana. Requiere muchísimo tiempo y he pasado toda mi carrera preparándome para esto”, afirma Dalton.

El reconocimiento de Damon no solo ha visibilizado el trabajo de Dalton, sino también la importancia de reconocer cuerpos femeninos fuertes y poderosos en una industria donde la imagen sigue siendo un obstáculo. Dalton celebra que cada vez se preste más atención al papel de las mujeres especialistas, aunque admite que la batalla por la igualdad y la visibilidad continúa: “Muchas mujeres han abierto puertas, pero sigue siendo una batalla constante. Espero poder seguir allanando el camino”, concluye. La batalla de los lestrigones en La Odisea no solo es un ejemplo de destreza técnica y visual, sino también de cómo el trabajo de una especialista puede transformar la percepción del héroe en pantalla. El cine, en definitiva, sigue encontrando nuevas formas de sorprender al público, muchas veces gracias al talento y la dedicación de quienes rara vez aparecen en primer plano.