La artista estadounidense sorprendió durante su participación en el pódcast Call Her Daddy al revelar que porta siempre un colgante elaborado a partir de su propia placenta, una pieza que considera única y significativa en su vida. Colgante de placenta y ritual espiritual de Kesha son parte del concepto con el que la cantante ha captado la atención del público.

Kesha lleva consigo este colgante porque, según las creencias transmitidas por su madre, la placenta le proporciona una percepción especial y favorece la apertura del “tercer ojo”. Para la artista, este objeto simboliza la protección, la intuición y una conexión permanente con dimensiones que considera más elevadas y significativas.

A lo largo de los años, la cantante ha convertido esta joya en un amuleto personal y espiritual. En el episodio emitido el 6 de mayo de 2026, la conductora Alex Cooper le preguntó a Kesha si el colgante era un diente. La artista respondió: “Oh, no. Esa es mi placenta”, indicó.

La revelación generó sorpresa inmediata en la conductora, quien respondió: “¿Perdón, qué?” Al buscar el dije para mostrarlo, ambas notaron que había desaparecido. “He perdido mi placenta en tu sofá”, bromeó la cantante entre risas. Cooper, preocupada, replicó: “¿Dónde está tu placenta? Estabas sosteniéndola. ¿Quizá cayó entre los cojines?”

El significado espiritual de la placenta para Kesha

Luego, Kesha explicó cómo su madre fue clave en la conservación de este tejido. “Supuestamente, tu placenta te da visión adicional, ayuda a abrir tu tercer ojo”, afirmó la artista. “Así lo sostiene mi madre. Por eso la colocó en el horno, la guardó en una caja y la encontró cuando yo tenía unos 21 años en el sótano”, relató, reprodujo el medio citado.

Kesha señaló que el personal médico en el hospital donde nació intentó desechar la placenta, pero su madre insistió en conservarla. “Luchó por ello, y ahora la llevo conmigo a todas partes”, añadió la cantante.

Sobre el proceso definitivo para transformar la placenta en un colgante, Kesha fue clara: “La encontramos. La echamos en la licuadora y la pusimos en un colgante. ¡Listo!” El resultado fue una joya de oro con forma de corazón que la artista mostró durante el programa.

En entrevistas previas, la madre de Kesha, Pebe Sebert, ha relatado que se inspiró en costumbres nativas norteamericanas para conservar la placenta de su hija y convertirla en joya.

Según explicó en un video, tras el parto, la almacenó y secó en el horno durante varias semanas, antes de pulverizarla y encapsularla en un colgante. “Le di el collar a Kesha y creo que le ayudó a potenciar su percepción”, compartió Sebert en declaraciones a medios internacionales.

Las colecciones inusuales de Kesha y sus rituales personales

La excentricidad del colgante no es el único rasgo distintivo en la vida de Kesha. Crear arte y accesorios a partir de elementos biológicos de seres queridos, incluidos sus gatos, se ha convertido en una forma de mantener vínculos afectivos e integrar estos objetos en su mundo simbólico.

“Me recuerda cuando tengo una pequeña parte de las personas que amo”, explicó la cantante. “He estado coleccionando dientes desde hace tiempo... Mis gatos tuvieron que extraerse algunos dientes, como sus muelas del juicio felinas. También guardo esos pequeños dientes. Soy como el hada de los dientes”, expresó.

Para Kesha, portar la placenta y fabricar estas joyas responde a su gusto por los rituales. Reconoce: “Me gustan los rituales. Me trasladan a un mundo distinto, lejos del aburrimiento y más cercano a ese espacio espiritual con el que conecto”, destacó People.

El colgante de placenta y los rituales descritos por Kesha muestran su preferencia por una realidad donde lo esotérico y lo artístico se fusionan, y donde la artista encuentra un refugio lejos de lo cotidiano.

La entrevista comenzó recorriendo los momentos más duros de la infancia de El Polaco, un terreno en el que el artista suele moverse con honestidad. Sin embargo, el diálogo pronto giró hacia el porvenir, cuando Pergolini preguntó: “En la fantasía, ¿estudiarías alguna carrera?”. La respuesta del invitado fue inmediata y contundente, revelando una faceta poco conocida: “Lo que voy a hacer es algo que me gustó siempre de chico: piloto de avión. Voy a arrancar ahora a hacer las clases. Lo voy a hacer en Berazategui”.

La noticia no solo descolocó al conductor, sino que generó una reacción de asombro en el estudio. Pergolini no tardó en imaginar cómo sería un vuelo comandado por El Polaco, y bromeó sobre la repercusión que podría tener entre sus seguidores. El propio artista se permitió reír con la ocurrencia, destacando que se trata de un sueño personal que viene postergando desde hace años.

Mientras la charla avanzaba, el músico se sinceró sobre su vínculo con la música y su visión a futuro. “Siempre me pregunto eso. Viví muchas cosas lindas y pienso qué va a pasar con mi vida”, compartió. La frase dio pie a una reflexión más profunda sobre el desgaste que implica la carrera artística y el deseo de explorar nuevos horizontes.

“No me siento cantando 10 años más. Me gusta edificar y otras cositas. Siento que podría vivir de eso, aunque tendría que probar, pero nunca dejaría de trabajar”, expresó El Polaco, dejando en claro que su verdadera inquietud está en la búsqueda constante de desafíos.

El cantante reconoció que, aunque su camino musical le dio grandes satisfacciones, la idea de dedicar los próximos años a otra pasión lo entusiasma genuinamente. Su decisión de comenzar a estudiar para piloto responde a una necesidad personal de crecimiento y cambio, más allá del éxito alcanzado en los escenarios.

En relación al futuro, El Polaco admitió el carácter impredecible de su vida y carrera: “La verdad es que no sé qué pasará el día de mañana, vivo el momento”. Esta filosofía, según sus palabras, lo llevó a no planificar demasiado y a dejarse sorprender por las oportunidades que se presentan.

Durante el encuentro, el conductor indagó también sobre otros aspectos de la vida del artista, como su relación con el trabajo y la posibilidad de retirarse completamente del ambiente del espectáculo. El Polaco fue terminante: si bien podría alejarse del canto, jamás se vería sin una ocupación. “Nunca dejaría de trabajar”, sostuvo.

El intercambio con Pergolini permitió conocer a un Polaco reflexivo, dispuesto a enfrentar los cambios y desafiar sus propios límites. El artista no solo se animó a proyectar una vida diferente, sino que también transmitió un mensaje de perseverancia y curiosidad, valores que, según él, lo acompañaron desde pequeño.

En las redes, el anuncio de su futuro como piloto generó revuelo y una mezcla de bromas, admiración y expectativa. La reacción del público reflejó el impacto de sus palabras y la capacidad de El Polaco para reinventarse frente a las cámaras.

El recorrido por Otro día perdido no solo sirvió para repasar viejas andanzas y anécdotas junto a otros invitados, sino que funcionó como plataforma para lanzar una nueva etapa personal. El músico dejó claro que el arte de reinventarse es tan valioso como el talento para la música, y que los sueños de infancia pueden transformarse en realidades, incluso cuando parecen alejados de la vocación original.

La cantante estadounidense Katy Perry ha sorprendido durante su visita a Roma al publicar un vídeo en el que deposita su tarjeta de crédito en la ‘Fontana di Trevi’ por falta de monedas, siguiendo la tradición de buscar buena suerte en este lugar turístico.

En la grabación, Katy Perry solicita una moneda a los viandantes y, ante la imposibilidad de conseguirla, sumerge brevemente su tarjeta, un gesto que relata luego con humor aludiendo a la letra de una de sus canciones: “Ya os lo dije en ‘Save as Draft’, no tengo nada que ver con el cambio”, afirmando también: “pero últimamente he estado tirando muchas monedas”.

Perry, nacida en 1985 y conocida por éxitos internacionales, compartió este momento en sus redes sociales, acompañado de imágenes de su recorrido por la ciudad. Según el tabloide británico Daily Mail, la fuente de Trevi recibe más de 1.000 visitantes cada hora y fue finalizada en 1762.

Un tour por Roma documentado por redes

Además de este episodio, la artista añadió varias instantáneas bajo el título “Just Rome’ing around”, en las que exhibe otros lugares de la capital italiana que ha visitado, como la basílica de San Pedro, donde interpreta “Pope Leo, hallelujah”, en referencia al primer papa estadounidense. También publicó una imagen mientras preparaba un concierto privado en el centro de conferencias La Nuvola, donde interpretó The One That Got Away.

El vídeo difundido muestra a Katy Perry vestida con sudadera gris, solicitando una moneda a cámara antes de decidirse por su tarjeta bancaria al no tener cambio, y justificando la acción porque “necesitaba buena suerte”. La grabación termina con Perry recuperando la tarjeta antes de perderla, un gesto que generó numerosos comentarios de seguidores en su cuenta oficial en la plataforma estadounidense Instagram, según lo relata el tabloide británico Daily Mail.

Junto a estos momentos informales, la cantante documentó su viaje en compañía de su familia, incluyendo una videollamada con su hija Daisy Dove (fruto de su relación con el actor Orlando Bloom), y mostró un busto de mármol, un llavero con forma de insecto y varias tomas con su equipo durante los preparativos del concierto. De acuerdo con la información publicada, la pareja habría puesto fin a su compromiso en 2025 tras siete años de vínculo, un dato que destaca considerando la edad de la hija en las imágenes actuales.

Su polémica por agresión a Ruby Rose

La difusión de los vídeos y fotografías coincide con la apertura de una investigación de la Policía del Estado de Victoria en Australia tras una denuncia de la actriz Ruby Rose por presunta agresión sexual en 2010 en un club nocturno de Melbourne, según un portavoz policial: “Detectives del equipo de investigación de delitos sexuales y abusos infantiles en Melbourne están investigando una supuesta agresión sexual histórica ocurrida en 2010”. Rose, que entonces tenía veinte años, sostiene que los hechos se registraron en el club Spice Market.

El entorno de Katy Perry ha desmentido estas acusaciones. En una declaración a Daily Mail, un representante de la cantante señala: “Las alegaciones difundidas por Ruby Rose en redes sociales sobre Katy Perry no solo son completamente falsas, sino que además constituyen mentiras peligrosas y temerarias”. Precisa que la actriz cuenta con “un historial documentado de realizar acusaciones públicas graves en redes sociales contra varias personas, afirmaciones que han sido reiteradamente desmentidas por quienes las han recibido”.

En la misma semana, Perry (actual pareja del ex primer ministro canadiense Justin Trudeau, de 54 años) fue vista recorriendo Roma y en el mencionado concierto privado, donde lució un conjunto de bandeau de lentejuelas y pantalón de seda negra.

Todo esto ocurrió junto al inicio de su gira “The Romantic Tour”. El evento reunió a autoridades, personalidades y seguidores en el Strip, marcando un nuevo capítulo en la relación del artista con la ciudad.

El homenaje a Bruno Mars respondió a su impacto en la vida cultural de Las Vegas y su historia de residencias musicales que han atraído a miles de visitantes a los principales teatros. La serie de honores —incluida la donación al próximo Hospital Infantil Intermountain Health de Nevada— destacó la influencia artística y el compromiso social del cantante, según informó PEOPLE.

Durante el desfile, Bruno Mars recorrió el Strip en un descapotable rosa acompañado por artistas locales, una banda de mariachis y una gran figura inflable de Elvis Presley, según reportó Las Vegas Review-Journal.

Miles de seguidores se congregaron para presenciar el convoy, que atravesó puntos emblemáticos como las fuentes del Bellagio y finalizó cerca del Park MGM, donde autoridades lo presentaron como “el nuevo rey de Las Vegas”. Mars compartió con la multitud un mensaje de gratitud, evocando los inicios de su carrera y su conexión con la ciudad.

La ceremonia, celebrada el 10 de abril de 2026, incluyó un desfile por Las Vegas Boulevard, la entrega de la llave de la ciudad a Mars y la presencia de diversas autoridades. Jim Gibson, comisionado del Condado de Clark, y Joe Lombardo, gobernador de Nevada, encabezaron el acto, acompañados por Bill Hornbuckle, director ejecutivo de MGM Resorts International.

Además, Park Avenue —cerca del teatro Dolby Live de Park MGM— fue renombrada oficialmente como “Bruno Mars Drive”, un honor previamente reservado a figuras como Elvis Presley y Frank Sinatra.

Trayectoria de Bruno Mars y su vínculo con Las Vegas

Durante más de una década, el cantante ha sido figura clave en escenarios como el Bellagio, el MGM Grand y, más recientemente, el Dolby Live, donde estableció récord de asistencia con su residencia musical. Estos espectáculos han consolidado a Bruno Mars como uno de los artistas más influyentes de la ciudad.

En palabras de Hornbuckle, recogidas por el medio, Mars “ha creado momentos inolvidables únicos de Las Vegas que definen la ciudad”. Las autoridades subrayaron su papel en la vitalidad cultural y el atractivo turístico de la urbe.

Donación millonaria de Bruno Mars al hospital infantil de Nevada

El homenaje incluyó el anuncio de 1 millón de dólares donados por Mars al futuro Hospital Infantil Intermountain Health de Nevada. Este aporte permitirá desarrollar servicios pediátricos avanzados y mejorar el acceso a la atención de menores y sus familias en todo el estado.

El donativo, presentado durante la ceremonia principal, atrajo atención mediática por su magnitud y el potencial impacto social, según reportó el medio. El hospital se encuentra en fase de planificación y busca ampliar programas médicos esenciales para la infancia.

Inicio de The Romantic Tour y conciertos en México

El 10 de abril marcó el debut de la esperada “The Romantic Tour” con un concierto de Mars en Dolby Live, donde interpretó 25 canciones, incluida una colaboración con Anderson .Paak, su partner en Silk Sonic, quien participó como invitado especial.

Mars lanzó su álbum “The Romantic” en febrero, alcanzando el primer lugar en ventas en Estados Unidos. La gira finalizará el 8 de diciembre de 2026 con cuatro presentaciones en el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México.

La relación de Bruno Mars con Las Vegas ha contribuido a definir el pulso artístico de la ciudad y afianza su imagen como referente del entretenimiento internacional. Su presencia, tanto en los escenarios como a través de gestos filantrópicos, seguirá marcada en la memoria colectiva local y más allá.

Un episodio de Call Her Daddy Podcast presentó una conversación marcada por las confesiones, relatos y reflexiones de Becky G sobre su vida personal, su carrera y el impacto de la fama digital. La cantante, reconocida por su proyección internacional y su influencia en redes sociales, dialogó con Alexandra Cooper acerca de los desafíos y aprendizajes que supuso crecer bajo el escrutinio público, consolidando su identidad en la industria del entretenimiento.

Desde el inicio, Becky G relató cómo enfrentó la presión mediática y las expectativas tanto en lo profesional como en lo privado. Explicó que “cada vivencia, tanto positiva como negativa, fue fundamental en mi desarrollo personal y profesional”, y enfatizó que la honestidad con su audiencia fue clave para construir una conexión genuina.

“Nunca busqué agradar a todo el mundo, pero aprendí que ser honesta sobre mis errores me acercó más a las personas”, aseguró la artista, estableciendo el tono transparente del episodio.

La cantante reconoció que crecer expuesta ante el público implicó lidiar con críticas constantes y expectativas elevadas, tanto en su entorno laboral como en sus relaciones personales. “He cometido errores de juicio en mis relaciones, pero cada experiencia fue clave en la construcción de mi identidad”, afirmó, subrayando que la autenticidad se convirtió en su principal herramienta para sobrellevar la exposición.

Asimismo, Becky G insistió en que prefiere “enfrentar los rumores dando mi versión y dejando claro lo que realmente pienso”, una actitud que, según explicó, le permitió mantener el control sobre su propia narrativa y evitar que terceros definan su historia.

A lo largo de la entrevista, Becky G abordó el costo emocional de la exposición en redes sociales, señalando: “A veces siento que la gente olvida que soy humana”. Y admitió que los comentarios negativos le afectaron en distintos momentos, aunque con el tiempo aprendió a proteger su tranquilidad mental y priorizar su bienestar por encima de la opinión pública.

La artista remarcó que su camino estuvo lleno de desafíos y que el aprendizaje continuo fue esencial para superar las dificultades inherentes a la vida pública.

Declaraciones clave y reflexiones de Becky G

Durante la conversación, Becky G subrayó: “Siempre he creído que la vulnerabilidad es una fortaleza, no una debilidad”. Defendió también la importancia de mostrar a su audiencia tanto los éxitos como los fracasos, y afirmó que reconocer sus errores no le resta fuerza, sino que la humaniza y acerca a quienes la siguen. “Aprendí que es válido reconocer cuando uno se equivoca y que eso no me hace menos fuerte”, puntualizó.

Al referirse a sus relaciones personales, la cantante compartió: “He cometido errores, he confiado en quienes no debí, pero cada experiencia me enseñó algo importante sobre quién soy y hacia dónde quiero ir”.

En ese sentido, Becky G explicó que los momentos de crisis en su vida sentimental y profesional la obligaron a reevaluar sus prioridades y a centrarse en el autocuidado. Enfatizó que su honestidad ante la audiencia la ayudó a superar las adversidades y a construir una imagen pública coherente y transparente.

Sobre las polémicas recientes, Becky G fue categórica: “Prefiero enfrentar los rumores dando mi versión y dejando claro lo que realmente pienso”. Además, explicó que esa postura la protege de interpretaciones ajenas y le permite mantener una identidad auténtica en medio de la exposición mediática.

La cantante insistió en que su objetivo es inspirar a otros a priorizar la salud mental y la honestidad en la vida cotidiana, especialmente a quienes atraviesan situaciones similares.

En la segunda mitad del episodio, Becky G reflexionó sobre el impacto de sus experiencias en otras personas. “Contar mis historias puede servir de apoyo a personas que están pasando por lo mismo”, sostuvo la cantante, quien expresó su deseo de que su ejemplo motive a otros a cuidar su bienestar emocional y a buscar ayuda cuando sea necesario.

Repercusión del episodio y respuesta en redes sociales

Con la publicación del episodio, el testimonio de Becky G generó una gran repercusión en redes sociales, acumulando más de 500.000 interacciones en las primeras horas, según datos del propio pódcast.

Miles de usuarios valoraron la sinceridad de la cantante y su resiliencia ante la presión mediática, replicando sus frases más destacadas y participando en debates sobre la importancia de la salud mental y la autenticidad en la vida pública.

Entre las declaraciones más citadas, Becky G subrayó: “Lo más valioso que puedo compartir es la lección de no rendirse, incluso cuando se siente que todo está en contra”. Esta reflexión fue compartida por miles de seguidores, quienes la identificaron como un emblema de fortaleza y superación ante la adversidad.

La artista concluyó el episodio con una frase que rápidamente se viralizó: “Ningún comentario negativo define mi valor ni mi historia”. Esta afirmación, replicada ampliamente en distintas plataformas, impulsó tendencias ligadas al episodio y generó nuevos debates sobre el autocuidado y el manejo emocional en entornos digitales.

Céline Dion anunció su regreso a los escenarios en septiembre de 2026 con una serie de 10 conciertos en París, marcando así su vuelta tras su diagnóstico de síndrome de la persona rígida, una enfermedad neurológica rara que la apartó de la música durante casi cuatro años. La artista compartió la noticia a través de sus redes sociales, en coincidencia con su cumpleaños número 58, según PEOPLE.

La cantante canadiense fue diagnosticada con el síndrome de la persona rígida en agosto de 2022, una condición que afecta a una de cada millón de personas. Desde entonces, Dion ha enfrentado espasmos musculares, dolor intenso y rigidez que alteraron seriamente su movilidad y desempeño vocal. Su proceso de recuperación incluyó tratamiento farmacológico, terapia inmunológica, ejercicios de rehabilitación cinco días a la semana y el acompañamiento constante de su equipo médico.

La trayectoria de la enfermedad obligó a Dion a cancelar una serie de compromisos profesionales. En octubre de 2021, pospuso el inicio de su show en Las Vegas y suspendió 21 conciertos entre noviembre de 2021 y febrero de 2022 por síntomas persistentes.

A comienzos de 2022, aplazó la gira norteamericana y, más tarde, debió retrasar la etapa europea de sus presentaciones. En mayo de 2023, anunció la cancelación de todas sus fechas programadas hasta abril de 2024 por recomendación médica.

En diciembre de 2022, Dion hizo público su diagnóstico, detallando que la enfermedad alteraba su capacidad de caminar y cantar. “Hubo momentos en los que apenas podía caminar y sentí que me alejaba de la vida. Mis hijos empezaron a notarlo”, expresó en una entrevista con el medio citado. La cantante enfatizó que esta condición es duradera y que debía aprender a manejarla en su vida cotidiana.

El impacto del síndrome de la persona rígida en su vida profesional y privada

Uno de los efectos más severos de la enfermedad ha sido el daño en su voz. Céline Dion explicó a NBC News que cantar con esta condición es “como si alguien presionara tu laringe y faringe… no puedes subir ni bajar el tono”. La rigidez muscular también afectó sus movimientos básicos, haciendo que sus pies y manos quedaran en posiciones fijas y dolorosas.

La Dra. Amanda Piquet, responsable del tratamiento de Dion, señaló que no existen terapias aprobadas específicamente para esta enfermedad y que gran parte del manejo es experimental. “Todo lo que usamos es fuera de indicación”, explicó al medio, remarcando la importancia de la investigación clínica. El tratamiento demanda un compromiso diario similar a una jornada laboral de tiempo completo.

En algunos momentos, Dion recurrió a dosis crecientes de relajantes musculares para poder cumplir con sus compromisos en el escenario, alcanzando hasta 90 miligramos de diazepam en ciertas ocasiones. La cantante reconoció que esta situación puso en riesgo su salud: “Pudo haber sido fatal… No entendía que podía dormirme y no despertar. Aprendes con tus errores”, confesó.

El apoyo familiar y la motivación personal de Dion

Durante esta difícil etapa, Dion resaltó el papel fundamental de sus tres hijos —René-Charles, Nelson y Eddy— como fuente de fortaleza para afrontar el tratamiento.

Tras la muerte de su esposo René Angélil en 2016, la preocupación de que sus hijos pudieran perder también a su madre la llevó a conversar con ellos abiertamente sobre su enfermedad. “Les hice saber que mamá tiene una condición, pero que es distinta y no iba a morir. Es algo con lo que aprenderé a vivir”, declaró la artista a PEOPLE.

En público, Dion reapareció en noviembre de 2023 junto a sus hijos en un partido de hockey en Las Vegas, su primera exposición mediática en casi cuatro años. Chantal Machabée, directiva de los Canadiens de Montreal, afirmó al medio citado que la presencia de Dion ese día fue “tranquilizadora” y reflejó que, a pesar de los altibajos, la cantante vivió un momento de alegría.

La motivación por regresar a la música llevó a Dion a reconocer sus propios límites y seguir el consejo de los médicos, optando por el autocuidado. “Quise ser valiente y seguir adelante, pero aprendí que era mejor actuar con sensatez”, comentó en una edición especial de PEOPLE publicada en 2024.

El camino hacia la recuperación y el regreso a los escenarios

En junio de 2024, Dion relató su historia en el documental ‘I Am: Céline Dion’ en Prime Video, donde compartió detalles sobre la adaptación a los cambios en su cuerpo y voz tras el diagnóstico. Este documental contribuyó a dar visibilidad internacional al síndrome de la persona rígida y a concienciar sobre los desafíos de las enfermedades poco frecuentes.

La cantante volvió a presentarse en público en ocasión de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de París 2024, donde interpretó “Hymne à l’Amour” de Édith Piaf a los pies de la Torre Eiffel. Posteriormente, realizó una breve aparición en los premios Grammy, entregando un galardón a Taylor Swift.

El 30 de marzo de 2026, Céline Dion anunció formalmente su regreso a los escenarios con las nuevas fechas en París. La artista aseguró que se encuentra cuidando su salud y “cantando otra vez”, según el medio. La expectativa entre sus seguidores es alta ante el reencuentro después de años de lucha y resiliencia.

De cara a estos nuevos conciertos, Dion ha expresado gratitud y entusiasmo, viendo este retorno como una recompensa al esfuerzo y el apoyo recibido de su familia y de quienes han seguido de cerca su proceso. La cantante considera que volver a cantar en París simboliza el cierre de una etapa difícil y la oportunidad de compartir nuevamente con su público.

La Justicia de Tucumán decidió ampliar el procesamiento contra la cantante e influencer santiagueña, Valentina Olguín, acusada de haber utilizado los CUIT y datos fiscales de cinco gobernadores para realizar compras de lujo en el exterior. El caso salió a la luz a medidados del año pasado.

La reciente resolución dictada por el juez Guillermo Díaz Martínez, del Juzgado Federal N° 2, señaló a Olguín como responsable de al menos quince hechos de contrabando por simulación, una operación que consistía en el uso indebido de la identidad de los mandatarios para recibir en su domicilio paquetes de indumentaria de una marca estadounidense.

De acuerdo con lo informado por el Ministerio Público Fiscal, el procesamiento, inicialmente limitado a maniobras vinculadas al gobernador de Tucumán, Osvaldo Jaldo, ahora incluye hechos similares perpetrados con los datos del gobernador de Buenos Aires, Axel Kicillof; el gobernador de La Pampa, Sergio Ziliotto; y el mandatario de Entre Ríos, Rogelio Frigerio. Además, el juzgado dispuso aumentar el embargo sobre los bienes de la acusada hasta cubrir la suma de 15 millones de pesos. En un principio, esta medida alcanzaba los 5 millones de pesos.

El expediente, impulsado por el fiscal federal Agustín Chit, sostiene que la joven simuló operaciones de importación ante el servicio aduanero para eludir los límites del régimen de compras vía courier, evitando así usar su propio cupo anual. Según la investigación, la imputada consignó información falsa ante el organismo recaudador ARCA y gestionó los envíos internacionales a través de la empresa FedEx, recibiendo la mercadería en su domicilio.

En mayo de 2025, Olguín ya había sido procesada por cinco hechos la misma naturaleza con compras internacionales a nombre de Jaldo, uno de los primeros en denunciar los hechos. La resolución rechazó los argumentos de la defensa, que alegaban que los datos utilizados provenían de una “búsqueda al azar” en internet, y destacó que la reiteración de las operaciones, así como el perfil público de los funcionarios involucrados, permitieron descartar la supuesta falta de conocimiento acerca de la ilicitud de las maniobras.

En el marco de la investigación, se dispuso el allanamiento del domicilio de Olguín, donde se secuestraron facturas emitidas por FedEx a nombre de los mandatarios, dispositivos electrónicos, dinero en efectivo y prendas de vestir en sus envoltorios originales. De comprobarse el delito por el cual se encuentra imputada, podría enfrentar penas de 2 a 8 años de cárcel.

La joven ganó visibilidad como cantante en el grupo Dame 5 y, posteriormente, inició una carrera solista. En su presunto descargo, habría admitido que recurrió a datos fiscales ajenos luego de superar su propio cupo para compras personales en el exterior y el de su familia.

El descargo

“No ha sido un robo de dinero, ni de tarjeta, ni una estafa. Tampoco me dedicaba a la venta de ropa como se dice. Me dedico a la música hace mucho. Fue una imprudencia desde el total desconocimiento, desde la inmadurez de no saber que lo estaba haciendo podría tener una consecuencia seria”, explicó la joven en aquel entonces, y resaltó: “Cero tiene que ver con algo político. Busqué totalmente al azar“.

En este sentido, señaló: “Yo recibía ropa que me mandaban de afuera a modo de colaboración desde Estados Unidos. Se trata de una marca muy importante y me empezó a mandar desde el año 2020 paquetes de ropa. Cada envío se puede usar hasta 5 veces por año. Como me mandaban todos los meses, usé mi CUIT, el de mi familia y el de mis amigas, que se los pedía".

“En un momento dado, comenzaron más restricciones de parte de la Aduana y me empezaron a retener los paquetes”, sostuvo. Luego, se descubrió la maniobra.

A pesar de las recientes informaciones sobre la situación financiera de Bertín Osborne, Fabiola Martínez sostiene una postura de absoluto distanciamiento respecto a estos asuntos, subrayando que su única prioridad está enfocada en su bienestar personal y en el de sus hijos. La venezolana, madre de dos de los niños del presentador, declaró de manera contundente: “Mira, no tengo ni idea, de verdad. ¿Sabes cuánto hace que me he separado? Cinco años, en el 2020”. Con ello, establece una separación clara entre los problemas que actualmente enfrenta Osborne y su propia vida, descartando cualquier implicación o interés sobre el patrimonio o las finanzas del artista.

De acuerdo con información recopilada por el medio Fiesta y difundida por el periodista Alejandro Entrambasaguas, Bertín Osborne afrontaría una deuda que se aproxima a los 4,3 millones de euros. Este panorama habría puesto presión sobre el artista para tomar en un corto período de tiempo lo que la fuente califica como una “decisión muy importante” en torno a su patrimonio, dada la situación de falta de liquidez a pesar de poseer significativos bienes inmobiliarios. Según detalló Fiesta, Osborne podría verse forzado a recurrir a una operación financiera “tremendamente arriesgada” con el objetivo de obtener la suma necesaria en un plazo reducido.

Frente a la atención mediática sobre personas cercanas al entorno de Osborne, la reacción de Fabiola Martínez ha sido tajante. Tal como publicó Fiesta, la exesposa del presentador respondió sin rodeos al ser consultada sobre las dificultades económicas que afectan al comunicador: “Yo no me meto en eso. Lo que a mí respecta todo bien”. Con estas palabras, dejó en evidencia que considera estos temas ajenos a su vida actual y no siente la necesidad de involucrarse en la futura o presente administración patrimonial que lleve a cabo el padre de sus hijos.

La posición de Fabiola se inscribe dentro de un contexto donde, según consignó el medio Fiesta, el círculo cercano a Bertín Osborne ha cobrado relevancia en la opinión pública, debido al posible impacto que tendrían sus decisiones económicas. Sin embargo, Martínez reafirma su independencia al rechazar alimentar cualquier especulación mediática, reiterando que su vínculo con Osborne se limita al cuidado y bienestar de los hijos que ambos comparten. Desde su separación en el año 2020, su actitud ha dibujado una frontera nítida respecto a las cuestiones financieras del artista.

El medio Fiesta expuso que, pese a los bienes con los que cuenta Bertín Osborne, la falta de liquidez sería el problema principal por resolver en las próximas semanas. Mientras tanto, la madre de dos de sus hijos mantiene clara su postura de desvinculación y autonomía, recalcando que su presente y sus decisiones permanecen separados de las circunstancias económicas del presentador.

Gagu tomó una decisión que para muchos podría resultar arriesgada. “Tal vez reformular mi plan de vida fue el primer desafío que enfrenté”, reconoce. Tras un año de crisis y replanteos, la joven recibió el respaldo de su familia y optó por iniciar estudios de música en 2020.

El contexto de la pandemia la obligó a adaptarse al aprendizaje virtual y a convivir con la incertidumbre. “Me conocí profundamente y me sentí conectada con mi propósito”, afirma. La transición marcó una etapa de autodescubrimiento que la artista considera fundamental para su desarrollo personal y profesional.

El nombre artístico Gagu no es resultado de un proceso de branding, sino una construcción espontánea y afectiva. Surge de la unión de sus apellidos, Gamarra y Gudiel, y adquirió significado cuando sus amigos universitarios comenzaron a llamarla así en redes sociales. “Se transformó en una especie de homenaje al cariño de mis amigos y la base de mi familia”, explica la cantante.

La música de Gagu se caracteriza por la búsqueda de autenticidad y cercanía. El pop, género que la acompaña desde niña, es el lenguaje elegido para narrar historias personales y colectivas.

“Describiría este camino como un proceso honesto y vulnerable en el que comparto partes de mí para que conecten con quienes necesiten estas historias”, señala. La artista considera que su evolución no solo es musical, sino principalmente humana: “Con mi proyecto solista he conectado con mi infancia y la de quienes me escuchan”.

De la crisis vocacional al escenario: una apuesta por la sensibilidad y la salud mental

El sencillo “Como la primera vez” es una muestra de la propuesta de Gagu. A diferencia de lo que sugiere el tono romántico y dulce del tema, la inspiración surgió tras una discusión con su pareja. “Quise retratar un amor que se construye mutuamente y mantiene la chispa de las primeras veces a pesar del paso del tiempo y los desacuerdos”, detalla.

La frase que dio origen a la canción, “aunque el cielo esté nublado, te sigo mirando como la primera vez”, encapsula la idea de persistencia y ternura que recorre la obra. El proceso creativo incluyó referencias a la serie “Floricienta”, un punto de conexión generacional tanto para la artista como para su pareja, quien además produjo la canción.

Las influencias de Gagu son diversas y abarcan tanto la cultura audiovisual como la música latinoamericana y global. Menciona las series y películas de los años 2000 de Disney y Nickelodeon como elementos fundacionales de su imaginario.

En el plano musical, reconoce a Shakira como referente de su infancia y a Morat en la adolescencia. Hoy se nutre de una amplia variedad de artistas, entre ellos Aitana, Gracie Abrahams, Lizzie McAlpine, Camilo, Lagos y Daniela Spalla. “Se ven reflejados en mi honestidad al componer y en el sonido que se presentará conforme sigan saliendo mis canciones”, afirma.

Uno de los ejes distintivos de su propuesta es la inclusión de la salud mental como temática central. “Durante los últimos años he atravesado distintas circunstancias relacionadas con la salud mental. Por demasiado tiempo ha sido un tema tabú y actualmente que se está rompiendo con eso considero importante sumar mi granito de arena al exponer mis experiencias en mi música”, explica.

Para Gagu, la música es un vehículo de acompañamiento y contención. “En este mundo lleno de hostilidad y juicios, mostrarnos vulnerables es un acto de valentía, no de debilidad”, sostiene.

El compromiso con la autenticidad se traduce en una búsqueda constante de nuevas formas de expresión dentro del pop. “He descubierto muchísimas cosas que me gustan, que quiero repetir o nuevas por probar entre tantos matices que tiene el pop; pero creo que mi evolución personal es lo que más se enriquece de este paso a paso en la música gracias a las conexiones humanas”, reflexiona. La artista valora la capacidad de sus canciones para acompañar la sensibilidad de quienes la escuchan. “Lograr que mis creaciones sean abrazos a la sensibilidad de quien me escuche es una señal de evolución en lo que hago”, subraya.

Con un repertorio que promete crecer en los próximos meses, Gagu se perfila como una voz singular en la escena emergente del pop hispanoamericano. Su apuesta por la honestidad, la vulnerabilidad y la salud mental la distingue en un panorama musical en el que cada vez más jóvenes buscan narrar sus propias historias en sus propios términos.

Durante una fase marcada por rumores sobre nuevos proyectos profesionales, Eugenia Osborne ha optado por no confirmar planes futuros y ha mostrado cautela respecto a su exposición mediática, según publicó el medio Hola!. Estas declaraciones surgen en el contexto del reciente clima de distensión entre su padre, el cantante Bertín Osborne, y Gabriela Guillén, tras meses de tensión mediática entre ambos por motivos familiares.

De acuerdo con la información presentada por Hola!, Eugenia Osborne manifestó satisfacción ante la mejoría en la relación entre Bertín Osborne y Gabriela Guillén. "Pues me alegro, me alegro. Me alegro mucho", indicó Eugenia, reflejando alivio y conformidad ante la disminución del conflicto. El entorno familiar había sido foco de atención tras semanas de declaraciones cruzadas, especialmente después del nacimiento del hijo en común entre el cantante y Guillén.

Hola! detalló que el motivo por el que la familia Osborne volvió a centrar la atención mediática se relaciona con las palabras más recientes de Gabriela Guillén en el programa ‘Supervivientes’. Allí, la fisioterapeuta afirmó que actualmente mantiene una relación más cordial con Bertín Osborne, y que la tensión que existió en los últimos meses se ha reducido notablemente.

En ese contexto, Eugenia Osborne, quien habitualmente se ha mantenido al margen de la controversia pública, ha sido consultada en reiteradas ocasiones por la prensa. Si bien celebró el nuevo clima de cordialidad, estableció límites claros al rechazar ahondar en cuestiones relacionadas con su hermano pequeño, fruto de la relación entre Bertín Osborne y Gabriela Guillén. “Sobre ese tema ya sabéis que no hablo”, zanjó Eugenia cuando le preguntaron si había conocido al niño, en declaraciones recogidas por el medio Hola!. La joven marcó así una frontera entre el interés mediático y la vida privada familiar.

En relación a su vida profesional, Eugenia abordó los comentarios surgidos en torno a la posibilidad de que esté preparando un nuevo proyecto en televisión. Según lo reportado por Hola!, reconoció que existen “movimientos”, aunque matizó que no hay ningún acuerdo confirmado hasta ahora. Ante la pregunta directa sobre la viabilidad de dicho proyecto, Osborne respondió con precaución: “Todavía no tengo nada confirmado, no sé”, dejando abierto el interrogante sobre sus próximos pasos en los medios.

Pese a las reservas y la falta de confirmación, Eugenia admitió en palabras recogidas por Hola! que la opción de regresar o asumir un nuevo reto televisivo le resulta sugerente y atractiva. Consideró que vivir la experiencia sería “divertido”, según su propio testimonio, aunque insistió en que cualquier novedad será comunicada sólo cuando las negociaciones estén oficialmente cerradas.

El medio Hola! agregó que Eugenia Osborne ha mantenido siempre una postura de respeto hacia la privacidad de los menores y de precaución respecto a los asuntos mediáticos relacionados con su familia, optando por no alimentar polémicas públicas y separar la esfera profesional de la personal. La reciente relajación del clima familiar, junto con la prudencia de la joven ante los rumores laborales, contribuye a mantener en suspenso tanto el desenlace de la relación entre Bertín Osborne y Gabriela Guillén como el futuro profesional de la propia Eugenia.

La cobertura realizada por Hola! subraya que la figura de Eugenia cobra relevancia en este contexto por su vinculación directa con los protagonistas del conflicto y por su interés creciente en proyectos televisivos, aunque sin que se hayan concretado detalles definitivos. La combinación de estabilidad familiar emergente y de oportunidades laborales por definir mantiene a Eugenia Osborne en el centro de atención sobre cuestiones públicas y privadas vinculadas a su entorno inmediato.

El cantante puertorriqueño Luis Fonsi ha visitado el plató de El Hormiguero para presentar su nuevo sencillo, ‘Cambiaré’, el primer tema de salsa de su carrera y resultado de una colaboración con el artista Feid.

Durante la entrevista, Fonsi expuso el giro que ha dado a su trayectoria musical con esta incursión en la salsa, estilo que hasta ahora había evitado interpretar, y compartió sus impresiones sobre el proceso creativo y la situación social de los latinos en Estados Unidos.

Luis Fonsi, con veinticinco años de carrera y reconocido mundialmente por éxitos como ‘Despacito’, explicó a Pablo Motos que había rechazado propuestas para grabar salsa por la admiración y respeto que siente hacia el género y porque no lo consideraba parte de su identidad artística.

“Siempre agarraba la guitarra y hacía cosas más románticas. Ahora lo estoy gozando”, confesó el cantante. El cambio se produjo en el propio estudio y surgió de manera espontánea: “Llegué a un momento de mi vida donde me senté en un estudio, salió esta canción, sonaba a salsa y dije: ‘¿Sabes qué? Vamos a hacerlo, vamos a poner a la gente a bailar’ y me lo estoy gozando”.

Imprevisibilidad del éxito y mirada crítica sobre EE.UU.

Sobre la posibilidad de anticipar el éxito de una canción, Fonsi compartió que existe cierta percepción, aunque nunca una certeza: “Uno sale del estudio emocionado, el dormir y escucharlo fresco es muy importante. En la mañana es el momento de la verdad, me encanta escucharlo en el coche. Uno no sabe hasta que lo lanza al público”.

Al referirse al fenómeno de ‘Despacito’, tema que se mantuvo dieciséis semanas en el número uno del Billboard Hot 100 y fue el primer vídeo musical en superar los 5.000 millones de reproducciones en YouTube, Fonsi admitió: “Imaginaba que en el mundo hispanohablante iba a gustar, pero jamás pensaba que en China o Japón gustase”.

La preocupación de Fonsi por la situación política y social en Estados Unidos también tuvo espacio en el programa. Residente en Miami junto a su familia, hizo referencia a las políticas del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) y a la presidencia de Donald Trump.

Se mostró crítico con el clima de división y reconoció que vive con cautela: “Se trata a los latinos de una forma... Que yo voy por ahí con mi pasaporte siempre encima. La gente te mira con otros ojos y es algo que antes no pasaba. Quiero pensar que hay mucha gente que se arrepiente de lo votado.”

Creación honesta y anécdotas con grandes figuras

En el plano artístico, Fonsi describió el proceso creativo de sus canciones como un procedimiento de prueba y error, donde las mejores ideas surgen de manera inesperada. Remarcó la importancia de limitar los colaboradores en el estudio para mantener la sensibilidad artística: “A mí no me gusta trabajar en el estudio con más de tres personas, si no hay demasiado ruido”.

También se refirió a la honestidad que exige cuando recibe propuestas de colaboración que no siente propias: “Digo que no me escucho en la canción y propongo hacer otra. La canción la tengo que sentir mía”. Fonsi mencionó la frase recurrente cuando la conexión artística no se produce: “No siento mía la canción, el tema es bueno, pero no me veo en él”.

Entre las anécdotas compartidas en El Hormiguero, destacó el encuentro con Sting en la víspera de la gala de los Grammy Latinos, cuando el líder de The Police pidió hacerse una foto con él: “Me quedé en shock, se supone que es al revés”. Sobre otros artistas, resaltó la actuación de Bad Bunny en la Super Bowl, calificándola como un momento “histórico y súper emocionante”, y explicó que ver a su compatriota en ese escenario le resultó especialmente significativo.

El propio Fonsi insistió en las dificultades y sorpresas que depara el éxito en la industria musical: “A veces me ha pasado de tener el megahit y de repente nada”, resaltó en El Hormiguero, reafirmando su convicción de que el público tiene la última palabra en la aceptación o el rechazo de cada nuevo lanzamiento.

En medio de la dinámica, Enriquez aprovechó para consultarle a Rosalía sobre sus gustos y preferencias, en un intercambio que rápidamente dio la vuelta al mundo. “¿Qué cualidad apreciás más en un hombre?”, preguntó la autora de Nuestra parte de noche. La respuesta de la artista española no tardó en desatar risas y complicidad: “Y... que sea gay”, lanzó, entre carcajadas. Enriquez, lejos de sorprenderse, coincidió de inmediato: “Bueno, coincidimos”. “¿Verdad?”, preguntó Rosalía, a lo que Mariana respondió con un “sí” convencido.

El juego siguió con una reflexión sobre la construcción binaria de las preguntas. Rosalía, mordaz, señaló: “¿Y en una mujer? Yo de golpe a lo mejor diría: ‘Qué curioso que hagan la distinción, como que hagan qué cualidad aprecias en un hombre, qué cualidad en una mujer, ¿por qué?’”. Mariana Enriquez lo explicó con simpleza: “Y porque es antigua...”. “Ya, porque la primera cosa que pensaría es como qué cualidad te resalta más para vos o te llama más atención de la gente...”, continuó la compositora. Enriquez completó: “De una persona”. “Exacto”, asintió Rosalía. “Bueno, pero eran muy binarios en esta época”, remató la escritora, dejando en evidencia la distancia generacional y conceptual con el presente.

La conversación se volvió aún más interesante cuando Rosalía le devolvió la pregunta a la escritora: “Y, vos en una mujer, ¿qué dirías?”. La autora argentina respondió sin dudar: “El humor”. “Ah, qué buena”, reaccionó la cantante. Enriquez profundizó: “Creo que hay que reírse de una misma, porque creo que nos meten tantas cosas, responsabilidades y no sé qué”. Rosalía coincidió: “Y nos lo tomamos muy en serio”. “Sí, yo creo que sí”, insistió Mariana. “Y no hace falta. Me gusta. Buena esa”, concluyó la española, cerrando un intercambio que reflejó admiración mutua y una complicidad poco habitual en entrevistas de este tipo.

La secuencia entre Enriquez y Rosalía causó furor entre los seguidores de ambas, quienes celebraron el inesperado encuentro de talentos. Los videos y fragmentos de la charla se viralizaron rápidamente, generando una ola de reacciones positivas en redes sociales. “Dos mujeres mirándose con admiración y cariño, ¡qué lindo!”; “Son mis madres”; “Son una representación de las voces de mi cabeza juntas”; “Devoraron”; “Amo su forma de ver la vida”; “Nunca me imaginé que iba a verlas juntas”, fueron solo algunos de los comentarios que se destacaron en medio del furor generado por el video.

En paralelo al vaivén de emociones que suscitó la viralización del encuentro, Mariana aportó su propia mirada sobre el detrás de escena de ese encuentro tan especial. “En diciembre del año pasado hicimos esta entrevista con Rosalía, en realidad un Cuestionario Proust, que ella no había respondido nunca. Lo hicimos de mañana, con el bar cerrado y no se enteró nadie”, relató la escritora, resaltando la intimidad y el clima de complicidad que marcaron la charla. Mariana no dudó en destacar lo distinta que es Rosalía respecto de otras celebridades: “Ella es rarísima como celebrity: muy tranquila, amorosa, interesada; hablamos de rock argentino y de la gira que se le venía y de lo cansada que estaba de sobreexplicar Lux. Conozco mucho famoso y pocos te ofrecen medialunas y te tratan como a un ser normal, con entorno mínimo y poco invasivo”. Así, Enriquez dejó en claro que, más allá de la fama, el encuentro estuvo marcado por la sencillez y la calidez que pocas veces se encuentran en figuras internacionales.

En un contexto donde los cruces entre disciplinas ganan cada vez más espacio, la charla entre Enriquez y Rosalía se instala como un momento de frescura y profundidad, capaz de generar identificación y abrir nuevos debates sobre los vínculos, las identidades y la manera en que nos miramos a nosotros mismos y a los demás. Un encuentro que ya es parte de la historia pop y cultural, y que confirma que cuando los talentos se encuentran, la admiración y la complicidad pueden generar verdaderos momentos de inspiración.

Según lo observado, el conductor negó el ingreso al muchacho, quien deseaba cantar en el vehículo. Ante la negativa, el joven le rompió un vidrio al vehículo.

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Las imágenes, captadas desde un automóvil, muestran al conductor sujetando al cantante por el saco, mientras este carga un parlante. Durante el forcejeo, se escucha al conductor exigir una explicación: “¿Por qué lo rompe?”. El joven justifica su acción diciendo: “Porque no me deja trabajar”.

En medio de la disputa, un ciclista intervino en la escena. Juntos, el ciclista y el conductor lograron apartar al muchacho, quien opuso resistencia durante varios segundos. El episodio fue registrado en video por testigos y compartido en redes sociales, generando todo tipo de comentarios sobre el incidente.

Los comentarios en redes sociales exhiben una gama de posturas que van desde el respaldo absoluto hasta el rechazo a las acciones tanto del conductor como del joven involucrado.

Entre las voces que apoyan al trabajador se encuentran mensajes directos como: “Apoyo total al señor conductor” y cuestionamientos sobre el impacto de estos hechos en el servicio: “Por qué van a dañar las unidades que prestan un servicio a la comunidad”.

Otras personas, en cambio, centraron su atención en la figura del joven, señalando experiencias previas: “Ese chino es así, si hasta yo he tenido dificultades con él”, o bien planteando alternativas menos conflictivas como: “Por qué no lo dejó? cantar es preferible y no que robe”. También surgieron expresiones de empatía y preocupación social: “Siento lástima por el joven, muy seguramente se está rebuscando el diario para sobrevivir”.

Frente al uso de la fuerza, algunas opiniones rechazaron el modo en que se manejó la situación: “Es terrible, no es la manera de tratar al muchacho de esa manera y nadie hace nada”. Y hubo quienes optaron por no tomar partido: “No apoyo a ninguno de los dos sencillo”.

El Manual de Convivencia de los sistemas SITP y TransMilenio establece reglas estrictas sobre el comportamiento dentro de los vehículos.

No está permitido cantar, vender productos ni realizar actividades que alteren la tranquilidad de los usuarios. Estas restricciones, sustentadas en el Código Nacional de Policía, buscan garantizar la seguridad y la comodidad de los pasajeros.

Las infracciones a estas normas pueden conllevar sanciones o multas tipo 1, según el marco legal vigente. Las autoridades insisten en que el cumplimiento de estas disposiciones es fundamental para mantener el orden y prevenir situaciones que puedan escalar en violencia o daño a la propiedad pública.

Romper un vidrio dentro de un bus del SITP o en una estación de TransMilenio no es un acto menor. El artículo 353 del Código Penal colombiano lo clasifica como delito de perturbación en servicio de transporte público. Las consecuencias legales son severas:

Prisión de 4 a 8 años Multa entre 13.33 y 75 salarios mínimos legales mensuales vigentes y obligación de reparar el daño causado al bien público.

Estas medidas buscan disuadir acciones que atenten contra la infraestructura destinada al transporte ciudadano y garantizan que el responsable asuma tanto consecuencias penales como económicas.

El Manual del Usuario de TransMilenio también contempla sanciones para los conductores que agreden, insultan o irrespetan a los pasajeros. En estos casos, las medidas incluyen multas económicas equivalentes a cuatro salarios mínimos diarios legales vigentes.

Cuando se presentan episodios de mayor gravedad, como agresiones físicas, las sanciones pueden ser aún más estrictas. El conductor podría enfrentar la suspensión de la tarjeta de operación por dos años, lo que lo inhabilita para prestar servicio en el sistema durante todo ese tiempo.

Estas disposiciones evidencian el equilibrio que las normas buscan establecer entre el orden, la protección al usuario y la responsabilidad de los trabajadores del sistema de transporte.

“A veces nos quedamos en lo conocido incluso cuando ya nos hace mal. No porque nos guste sino porque lo entendemos. Porque al menos sabemos cómo duele”, expresó, en un texto que acompañó con imágenes suyas bailando en la playa y en un multitudinario festival, con una energía desbordante y un mensaje claro: confiar en uno mismo. En los videos que publicó, se la ve moviéndose entre la arena y la multitud, con el cabello rojo al viento y frases contundentes sobreimpresas: “A todos nos da miedo”, “Descubrí tu poder”, “Confiá en vos”, “Hay magia en tener fe”. El contraste entre la fiesta y la introspección no es casual: Vigna viene construyendo un discurso en el que la vulnerabilidad y la fuerza conviven. “Soltar… uff. Soltar es otra cosa. Es quedarte sin piso un ratito. Es confiar sin garantías”, escribió. Y aclaró que no habla desde un lugar de superioridad ni de resolución total: “A mí también me cuesta. No hablo desde ‘miren cómo lo tengo resuelto’. Hablo desde estar aprendiendo a animarme”.

La artista atraviesa un período de cambios profundos. En los últimos meses se mostró enfocada en su carrera musical, en viajes en solitario y en un proceso de autoconocimiento que ella misma definió como una “nueva forma de amarse”. En una reflexión previa, había señalado: “Hoy veo muchos patrones que ya no quiero repetir”, marcando un quiebre respecto a su pasado. En esta nueva publicación, profundizó esa idea: “Creo que crecer es eso… confiar en que si algo se está cerrando, no es castigo. Es espacio. Espacio para una versión nueva tuya que todavía no conocés”. Para Flor, esa decisión implica riesgo. “Eso que te merecés también te está buscando. Pero a veces hay que hacer el movimiento primero”, afirmó, invitando a sus seguidores a tomar la iniciativa, incluso cuando el miedo paraliza.

El texto no fue solo una catarsis personal. También funcionó como antesala de su próximo estreno musical. “De eso se trata esta canción. De decir ‘chau’ a lo que ya no te cuida. De elegirte aunque tiemble todo un poco”, adelantó. Si bien aun no reveló el título ni la fecha exacta de lanzamiento, aseguró que será su próximo single y que ya siente el acompañamiento del público. “Todavía no salió… pero veo cómo la están abrazando y me emociona. Por eso va a ser el próximo lanzamiento”, escribió, agradecida. Y cerró con una dedicatoria especial a su comunidad digital: “Gracias, de verdad. Por los mensajes, por abrirse, por contar sus historias sin vergüenza. Me encanta esta manada. Cada vez nos siento más nosotros”.

En paralelo, Vigna viene defendiendo con firmeza su identidad artística frente a las críticas y los debates que genera cada uno de sus pasos. En distintas oportunidades habló sobre la necesidad de liberarse de etiquetas y dejar de encasillarse en un solo rol. “No entiendo si soy boxeadora, actriz, cantante, bailarina. Por ahí no llego a ser nada, pero soy yo misma. Y eso me lo tengo que avalar”, había expresado tiempo atrás. Esa búsqueda personal se refleja también en su estrategia creativa. En un contexto de consumo digital acelerado, explicó que piensa cada lanzamiento con una lógica acorde al momento cultural. “Vivimos en una sociedad hiperestimulada… en vez de pelearme con eso, lo uso a mi favor”, señaló en relación a uno de sus videoclips recientes.

Sin embargo, más allá del marketing y la exposición mediática, el corazón de su mensaje actual parece estar en otro lado: en animarse a cambiar. En aceptar que lo conocido —incluso cuando duele— puede resultar más cómodo que lo incierto. Y en elegir, aun así, el camino del descubrimiento. Con una mezcla de euforia, honestidad y vulnerabilidad, Flor Vigna vuelve a apostar a un relato íntimo que conecta con miles. Su reflexión no solo anticipa una nueva canción, sino también una etapa marcada por la decisión de confiar en sí misma. Porque, como escribió, el mundo se divide en lo que conocemos… y en todo lo que todavía estamos por descubrir.

La primera imagen compartida muestra a María Emilia Fernández Rousse, una de las Trillizas de Oro, acunando a su nieta recién nacida en un momento como cargado de emoción y ternura.

Sonia Zavaleta, hija menor de María Emilia, ya era madre de Enero, de dos años, junto a su esposo Isidro Escalante. Ahora, con la llegada de Rosa, comienza una nueva etapa que la familia vive unida y marcada por el apoyo mutuo.

Durante el embarazo, Sonia debió seguir indicaciones médicas de reposo en diciembre para resguardar la salud de madre e hija. Su entorno la acompañó de manera constante durante ese tiempo.

Superada esa etapa, pudo compartir unos días de descanso en la playa con su familia antes del parto. El nacimiento ocurrió a comienzos de febrero y, según los datos familiares difundidos, tanto la madre como la bebé se encuentran en buenas condiciones y rodeadas de afecto.

La celebración se extendió rápidamente en plataformas digitales, donde amigos y seguidores del clan familiar enviaron mensajes de cariño. Los saludos y comentarios hicieron hincapié en la relevancia de este nuevo nacimiento, tanto para el círculo íntimo como para la comunidad de admiradores de las Trillizas de Oro.

La llegada de Rosa refuerza el legado de una de las dinastías artísticas más queridas del espectáculo argentino. Cada acontecimiento familiar es recibido por el público como parte esencial del patrimonio afectivo y cultural de la familia.

Sonia Zabaleta antes de que naciera Rosa

La cantante Sonia Zavaleta comunicó en sus redes sociales la cancelación de su show en el Nün Teatro Bar tras ser hospitalizada de urgencia, situación que confirmó la necesidad de poner en pausa su actividad artística durante el embarazo. El anuncio generó preocupación inmediata entre sus seguidores, quienes venían acompañando la etapa de gestación de la vocalista, hija de María Emilia, integrante de las Trillizas de Oro.

Zavaleta detalló en Instagram el motivo que detonó esta decisión: “Con toda la ilusión y el amor con el que vengo trabajando, tengo que cancelar mi show por motivos de salud. Quise hacer todo, llegar a todo, sostener todo y mi cuerpo me pasa factura. Ahora, necesito escucharme, frenar y priorizar mi bienestar”, aseguró la cantante, visiblemente agotada.

A través de otra publicación, reconoció el impacto emocional de suspender un proyecto tan esperado: “No es fácil porque ese proyecto me llenaba de emoción, pero estoy aprendiendo que también es valioso saber cuándo parar. Gracias por el cariño, por acompañarme siempre y por entender que a veces el camino también incluye hacer una pausa”, afirmó Zavaleta.

El reposo inmediato se volvió ineludible para la artista tras ser dada de alta. La presión de los compromisos laborales influenció el anuncio de su alejamiento momentáneo de los escenarios: “Voy a volver cuando esté bien, con más fuerza y más verdad que nunca. Los quiero”, aseguró Sonia Zavaleta, en sus redes sociales

La vocalista también buscó tranquilizar a su audiencia tras el cuadro que la llevó al hospital: “Ya estoy mejor, en casa, recuperando, la beba está perfecta. Tengo que hacer reposo. Quedarme tranqui”, publicó en sus redes sociales, enfatizando la estabilidad de su salud y la de su hija en gestación.

Como había adelantado la familia, la niña era esperada para el mes de febrero. Y se convirtió en la nieta número 21 del clan de las Trillizas de Oro.

Esa es la clave de las diez canciones que, desde temas como la ansiedad a la voluntad de apostar por los demás, propone un mundo tan cotidiano como, para qué engañarnos, mucho mejor del que nos pintan quienes lo manejan. Diez canciones, como diría él sobre el escenario de la Sala Villanos en la que lo encontramos, “a palo seco y sin coca-cola”, pero que constituyen la pequeña y preciada revolución tranquila que tanto nos falta.

Cuando entrevistamos al malagueño, faltan menos de tres horas para que salga su nuevo álbum y se encuentra “en un punto justo en medio entre ilusionado y cagado”. “Yo tengo una especie de pachorra natural”, nos confiesa entre risas, “es algo que forma parte de mi carácter, pero ahora mismo no estoy nada calmado, de hecho estoy bastante nervioso”.

Un acompañante en cada canción

Al Kanka le gusta “que la gente se divierta” con sus temas, pero también que se emocione. Ese es el objetivo que persiguen canciones como Los compadres, una oda a la amistad que también reflexiona sobre el paso del tiempo, o Limpieza general, cuya doméstica temática no es más que el escenario sobre el que uno busca ordenar su vida junto a la persona amada que nos gusta tanto cuidar.

“Yo creo que es fácil que se te pegue una canción”, reflexiona el cantante, “pero que una canción signifique algo para alguien es una vuelta de tuerca mucho más bonita y lo que más me emociona de mi trabajo”. Esa faceta cobra más relevancia todavía en el contexto actual. “Cada canción tiene una paranoia distinta”, empieza diciendo, “pero creo que sí que hay algo en todas de reivindicativo, de ofrecer una perspectiva de que otro mundo es posible”.

El Kanka se muestra convencido de que, en efecto, la alternativa está a nuestro alcance, ese otro mundo “que estamos creando”. “No creo que el ser humano tenga que estar abocado a la locura, a la crispación y polarización que vivimos ahora. De hecho, creo que es lo contrario a nuestra naturaleza, pero por ciertas decisiones y cierta inercia histórica hemos llegado aquí ahora”. De este modo, las letras de La calma no son sino todas esas cosas que le gusta decirse a sí mismo. “No me extraña que el disco acompañe a la gente, porque son canciones que hago para que me acompañen a mí”, ríe.

Parecidos y homenajes

Mención aparte merece el apartado musical del disco, que va desde el tono habitual del cantautor a los ritmos latinos como el bolero o la salsa, pasando por el ska, el reggae y un cierto aroma beatlelesco que alcanza su apogeo en el estribillo de la canción que da título al disco. “Es completamente casualidad, no me había dado cuenta hasta que alguien me lo comentó cuando salió la canción en YouTube”, comenta El Kanka.

En cualquier caso, el músico comenta que tampoco le preocupan en exceso ese tipo de parecidos, al fin y al cabo habituales cuando de música se trata. “Sí que me ha pasado en otras canciones que, deliberadamente, he buscado homenajear a alguien”. Así, destaca cómo en el disco anterior, Cosas de los vivientes, guio su sonido al de uno de sus ídolos, el recientemente fallecido Robe Iniesta.

“Cuando empiezas nadie te conoce y no vienen a verte, pero hay que pagar el alquiler”

Lo que sí parece evidente es que La calma habla también de un proceso personal de sentirse en paz, además de con quienes nos rodean, con uno mismo. “Es una búsqueda que no creo que consiga nunca, francamente”, se sincera el cantante. El Kanka también señala cómo “el tema de la serenidad” es algo de lo que se habla poco y que “a lo largo de los tiempos ha sido denostado”. Para él, en cambio, es una meta “interesante” que, aunque no se deje alcanzar del todo, sí que “uno se va acercando”.

En ese sentido, mientras la música sí le aporta calma, “trabajar en la música” le aporta “algún que otro tormento”. “No voy a decir que es una profesión muy dura, porque más lo es la de un minero o la de un médico que está 48 horas de guardia. Mi profesión es hermosa y está de puta madre, pero tiene sus dificultades”. Entre ellas, por ejemplo, el tiempo fuera de casa: “Me he pasado muchos años haciendo 90 conciertos para intentar posicionar el proyecto, porque cuando empiezas nadie te conoce y no vienen a verte, pero hay que pagar el alquiler”.

Así, no esconde que durante algunos años, sobre todo al principio, pecó de “exigirse demasiado y de llegar a un punto en mi carrera en el que no sabía quién era”. “Yo quiero ser El Kanka cuando me subo al escenario, no luego cuando me hago el puchero, salgo a correr o veo una película”, defiende ahora. “La profesión me ha dado quebraduras de cabeza, pero la música no. La música me ha dado alegría y me ha dado calma porque es maravillosa”.

Canciones que no, canciones que sí

Tan maravilloso o más es el amor, aunque el malagueño defienda que, cuando de sus canciones se trata, tampoco hay que centrarse exclusivamente en este sentimiento. “Las canciones de amor son preciosas y la mayoría de canciones que existen son sobre eso, pero es como... ¿De verdad no se te ocurre otra cosa de la que hablar? Eso me chirría un poco, aunque por supuesto no voy a venir yo a decirle a nadie sobre lo que escribir. Solo es que con lo que a mí me gusta encontrarme es con artistas y discos que no tienen un único nombre y apellido en todas sus canciones; me parece que el género da para mucho más”.

Es por eso que, como última pregunta, nos interesamos por esa canción que lleve tiempo queriendo hacer y todavía no haya llevado a cabo. “Es más una idea que un tema”, advierte entre risas, “pero me haría muchísima gracia una simulación de pelea de gallos de rap (no suelo rapear, pero en alguna que otra canción sí que me pongo a hacer el tonto) donde empiezan los dos a insultarse y a vacilarse, pero que llega un momento en el que la cosa cambia y empiezan a adularse el uno al otro, hasta el punto de que también eso se vuelve una competición y discuten por quién es mejor, pero a favor del otro”.

El motivo no fue una hazaña heroica ni un rescate espectacular, sino una simple presentación: “Mi nombre es Diomedes Díaz. Soy el coordinador académico del Cuerpo de Bomberos de Acacías, Meta”.

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Bastó esa frase para que la grabación, cuyo fin era convocar a capacitaciones en primeros auxilios y prevención de incendios, se convirtiera en tendencia nacional.

El efecto viral no tardó en manifestarse. En pocas horas, miles de usuarios de Facebook, TikTok e Instagram compartieron el video, sorprendidos por la coincidencia entre el nombre del bombero y el del cantante vallenato Diomedes Díaz Maestre.

La reacción colectiva osciló entre la incredulidad y el humor, con comentarios que jugaban con títulos de canciones adaptados al ámbito bomberil: “Tal vez lo conozcan por éxitos como; mi primera llama, la ventana quemadita, echarte agua mas no pude, el bombero herido, entre otros”.

La verdadera historia detrás del nombre salió a la luz tras la viralización. En entrevista con El Tiempo, Díaz relató que nació en 1985, año en el que “el cantante se encontraba en pleno furor”, por lo que sus padres decidieron llamarlo así, convencidos de que esa identidad le traería éxito.

Lejos de incomodarse, el bombero reconoce que “salió al mundo cargando con el peso y la gloria de tener un nombre de pila similar al del artista”. Pero ese peso no siempre se tradujo en anécdotas graciosas.

Durante su etapa escolar, la confusión fue constante. Los reportes académicos no coincidían con su documentación y era frecuente que tuviera que presentar pruebas para demostrar su identidad. “En ese entonces no había computador, por lo que, cuando me trasladaron a un colegio nuevo, la secretaria me indicó que mi boletín de estudio no concordaba con la tarjeta de identidad”, recordó Díaz.

Estas situaciones se repitieron en la vida adulta. Como él mismo explicó, a menudo debe mostrar documentos porque muchos creen que “está bromeando” al presentarse como Diomedes Díaz.

Actualmente, Díaz asume con humor y tranquilidad la exposición pública que le ha dado la coincidencia. Reconoce que la viralidad “puede generar gran impacto”, pero procura que sus redes sociales sigan siendo un espacio tranquilo y profesional.

El fenómeno trasciende la anécdota individual y revela el poder de la cultura popular en Colombia. El nombre Diomedes Díaz evoca inmediatamente música, anécdotas y expresiones que forman parte del imaginario colectivo. Por eso, la aparición de un bombero con ese nombre, invitando a capacitaciones sobre extintores y primeros auxilios, no pasó desapercibida.

Durante el video institucional, Díaz detalló: “Los días viernes se van a realizar la capacitación de uso y manejo de extintores en la estación Centenario, que queda ubicado cerca de la normal” empezó la invitación.

Y continúo: “En esta capacitación miraremos los temas como el uso y manejo del extintor, las clases de fuegos y las clases de extintores que debemos utilizar ante una emergencia o un fuego incipiente” aclarando que el fin era brindar cursos para la prevención de incendios.

No obstante, las respuestas de los internautas no se hicieron esperar. El humor fue protagonista, con frases como: “Ay veeeee, mi primer incendio”, “Que vivan los booooommbeeeeroossss” y “Una capacitación con Diomedes Díaz un viernes y Sábado... debe ser interesante...”. Así, el bombero de Acacías logró, sin proponérselo, unir dos pasiones nacionales: la música vallenata y el orgullo por el servicio público.

La historia de Diomedes Díaz, el bombero, es el reflejo de cómo una coincidencia nominal puede transformar un anuncio rutinario en una celebración colectiva de la identidad colombiana.

La diseñadora Raquel Bollo admitió que Manuel, su hijo, suele contarle pocos detalles sobre sus asuntos personales, especialmente en temas sentimentales, resaltando que él “poco me cuenta de sus historias”, mientras reafirmó en televisión que su apoyo hacia él permanece intacto incluso en la distancia. Según reportó el medio 'Fiesta', Bollo destacó su rol como madre como un respaldo fundamental para Manuel, quien atraviesa un momento complicado tras exponer públicamente su vínculo con Gloria Camila.

De acuerdo con lo publicado por 'Fiesta', Manuel Cortés acudió el sábado al programa para compartir con Emma García sus emociones respecto a su relación con Gloria Camila, eligiendo presentarse solo, sin la presencia física de Raquel Bollo. El propio Manuel pidió que su madre no lo acompañara en el plató, con el objetivo de eludir interpretaciones negativas sobre la influencia y protección materna. Durante la entrevista, Manuel afirmó que hablaba desde su perspectiva personal como “hombre” y no como cantante, profundizando en sus pensamientos tras su ruptura sentimental.

Tal como consignó 'Fiesta', Raquel Bollo, colaboradora en televisión, no pudo estar presente en el plató ese día a causa del mal tiempo, pero participó a la distancia y reiteró que apoya a Manuel en los momentos difíciles. Bollo explicó que su papel consiste en estar cerca de sus hijos y prestarles respaldo, aunque también ejerce un enfoque crítico cuando lo considera necesario. “Le vi muy afectado, muy sincero”, manifestó Raquel Bollo sobre la intervención de su hijo, según relató el medio.

Durante su aparición, Raquel Bollo subrayó que Manuel, a sus 30 años, decidió compartir públicamente sus dudas relacionadas con su relación, después de pensarlo detenidamente. Bollo recalcó que confía plenamente en la versión que Manuel ofreció sobre el vínculo con Gloria Camila y destacó una diferencia fundamental entre el afecto y el amor: “Lo dijo claramente, esa no es la historia. Cuando dos personas tienen un cariño especial de muchos años, tienen unos códigos que no tienen nada que ver con el amor”, expuso la diseñadora, citada por el medio.

Raquel Bollo reconoció que desconoce si Gloria Camila ha mantenido una doble relación, evitando pronunciarse al respecto. Aprovechó para puntualizar que la principal decepción que experimenta su hijo radica en su percepción de que “no se le ha protegido”, en referencia a lo expresado por Manuel durante la entrevista. Según detalló 'Fiesta', la diseñadora evitó hacer comentarios sobre los rumores de posibles juegos emocionales por parte de Gloria Camila, y centró su intervención en remarcar la falta de resguardo que habría sentido su hijo.

El medio subrayó que Raquel Bollo se mostró firme al intervenir como colaboradora del programa, definiendo su apoyo como una labor materna indispensable en circunstancias adversas. Además, la diseñadora reiteró que su papel no se limita al acompañamiento, sino que también implica claridad y sinceridad con respecto a lo que piensa sobre las decisiones de sus hijos.

Las declaraciones de Raquel Bollo ocurrieron tan solo un día después de la entrevista concedida por Manuel Cortés, lo que revela la continuidad de su interés y presencia, incluso al no coincidir físicamente. Según publicaron en 'Fiesta', la intervención de Manuel se centró en explicar los motivos de su ruptura con Gloria Camila, descartando por completo que existiese enamoramiento de ambas partes y recalcando que la relación entre ambos se sustentaba en un largo historial de afecto más que en un vínculo amoroso.

El regreso de Raquel Bollo al espacio televisivo, aunque solo fuese a través de intervención remota, puso de relieve el dinamismo de las relaciones personales frente a la exposición pública. 'Fiesta' informó que la diseñadora se mantiene como la principal referencia emocional para su hijo, acompañándolo de manera incondicional y abordando los matices de la situación sin esquivar su parte crítica.

A lo largo de la emisión, tanto Bollo como su hijo han optado por enfrentarse abiertamente a las especulaciones del entorno mediático, diferenciando entre lo que corresponde al afecto familiar y los aspectos sentimentales. Las intervenciones reflejan una posición clara frente a las presiones externas y a la interpretación que otros puedan hacer del respaldo ofrecido por la diseñadora a su hijo.

Según lo detallado por 'Fiesta', la postura de Raquel Bollo obedece a un sentido de responsabilidad y acompañamiento característico en su rol de madre, subrayando que el apoyo familiar se transforma en una herramienta crucial durante situaciones personales expuestas en público. En palabras de la diseñadora, actuar con sinceridad y establecer límites claros en las relaciones personales tiene relevancia, especialmente cuando se percibe una falta de protección hacia sus hijos.

Nacida hace 31 años en Buenos Aires como Michelle Leclercq, su carrera se caracteriza por una dualidad poderosa: es tanto una cantante con voz propia como una letrista y colaboradora incansable en proyectos de otros artistas. Su versatilidad la llevó a trabajar con nombres de peso como María Becerra, con quien realizó arreglos vocales y coros en temas como “Tattoo” y el clásico navideño “Jingle Bell Rock”, con Denise Rosenthal aportando letras en álbumes como “Dicotomía”, “Balance” y “Mantra”, y Shakira, sumando su voz en “Soltera”. También escribió canciones para BK, Angel Bleu junto a Rochy RD, Renee y Chico Curly Head, y fue la mente detrás de “Gracias x eso”, una colaboración especial con Noel Schajris, integrante de Sin Bandera. Cada una de estas experiencias revela su facilidad para cruzar géneros, conectar historias y aportar sensibilidad en cada proyecto, consolidándola como una de las creadoras argentinas más activas y multifacéticas de la escena internacional.

Dueña de una voz que ya emocionó en estadios, como cuando interpretó el himno nacional en el homenaje a Emanuel Ginóbili en la NBA, Leclercq fusiona influencias de rock, pop y soul en canciones que cuentan su propia vida y la de tantos otros que sueñan a lo grande. Su camino, reflejado también en sus proyectos, muestra una artista que se formó como cantante, compositora y productora, colaborando con figuras internacionales y defendiendo la honestidad como su sello personal. Entre recuerdos de Buenos Aires, noches de estudio y escenarios internacionales, Mimi reivindica el poder de la autenticidad y la música como puente para sanar y conectar.

—¿Cuál es el primer recuerdo que tenés vinculado a la música?

—Desde muy chiquitita supe que quería hacer música. Cuando tenía tres años mis papás me metieron a un jardín musical. Pero uno de mis primeros recuerdos es ver a Freddie Mercury en la tele y pensar: “Yo quiero hacer eso”. Incluso escribía canciones acerca de que no quería ir al cole, cuando tenía como cuatro o cinco años.

—¿Qué te llevó a convertir esa pasión en una decisión profesional y no sólo un hobby?

—Toda mi vida supe que quería hacer música. Nací sabiéndolo. Además, desde chica fui muy rebelde y siempre seguí mi corazón. Tal vez al principio mi familia tenía miedo de que yo me dedicara a la música, pero a mí nunca me importó. Yo sabía que lo que quería hacer y, cuando a mí se me mete una idea en el corazón o en la cabeza, voy para adelante. Siempre fui así, desde muy joven.

—¿En algún momento tu familia intentó convencerte de que eligieras otro camino?

—Sí, fue terrible. Mi mamá me hizo ir a universidades de otras cosas, por ejemplo en idiomas, y a mí me gustaba la música. No me veía en un trabajo de oficina de nueve a cinco, siempre quise dedicarme a algo más creativo. Superar los miedos de mis padres, también es parte de crecer, darte cuenta de que sos adulto y podés tomar tus propias decisiones. Y tal vez, si de joven no validaron mis emociones o no validaron mi carrera, ahora de grande soy yo quien la tiene que validar. Entonces, fue muy lindo porque se sanó mucho el vínculo con mis padres a través del arte y crecí mucho como persona también.

—A los 19 años emigraste a Estados Unidos. ¿Qué te impulsó a irte del país y cómo viviste ese salto fuera del nido familiar?

—Yo estaba estudiando música en la UCA, pero no me gustaba para nada la carrera. Era más orientado a lo clásico, y yo quería ser cantante, por lo que no tenía mucha relación entre una cosa y la otra. Pero mis padres no lo entendían y para mi mamá era muy importante que yo tenga un título universitario. Ella me metía mucha presión con eso y yo ya no podía más. Entonces, la dejé en secreto y, en la primera que pude, aproveché para venir a un Work and Travel, que estaban de moda en aquel entonces. Vi la oportunidad de irme a seguir mis sueños y hacer lo que yo quiera. Desde ahí empecé a averiguar otras universidades donde pudiera estudiar lo que realmente quería hacer, que era cantar y ser artista.

—¿Cómo reaccionaron tus padres cuando se enteraron de que habías elegido otro camino?

—Al principio se enojaron, pero con el paso del tiempo se dieron cuenta de que tal vez ya no soy una niña y que me va bien y están muy orgullosos de mí. Y cuando canté en la NBA, mi abuela y mi mamá me pidieron perdón por no haber creído en mí desde el comienzo. Como que para ellos fue como: ‘¡Guau! Sí, lo está haciendo en serio’.

—En 2018 lanzaste tu primer sencillo. ¿Qué sentiste al ver que tus sueños empezaban a cumplirse y que podías lograrlo por vos misma?

—Fue como una montaña rusa emocional, porque cuando todo el mundo te dice que no podés y vos decís: “Sí puedo, sí puedo, sí puedo”. Uno siempre está preparado para el fracaso, pero es difícil aceptar el éxito. A veces uno le tiene más miedo al éxito que al fracaso. Entonces, fue un paso a paso. Obviamente, cuando empezás algo por primera vez tenés mucho que aprender. Y a medida que vas creciendo, te vas volviendo más profesional y más seguro de vos mismo. Obviamente, la primera canción que saqué no es lo mismo que la música que estoy sacando hoy en día.

—¿Dónde encontrás esa diferencia?

—Al principio escribía cosas en inglés, me costaba vulnerabilizarme y con el tiempo entendí que la gente conecta con los artistas valientes. Los artistas contamos historias y hacemos que el público se dé cuenta de cosas que tal vez ellos mismos no se daban cuenta. La gente se relaciona con tu música y para que se relacionen, vos tenés que ser muy honesto y muy sincero. Y aceptarte con todo, con las cosas buenas, con las malas. De eso se trata para mí componer, de mirar hacia adentro y de tener algo que decir.

—¿Te resultó difícil conseguir ese primer sencillo? ¿Lo hiciste sola o pudiste apoyarte en colegas que fuiste haciendo en el camino?

—Obviamente en la universidad, en mi caso LACM (Los Angeles College of Music), somos todas personas que queremos aprender. Al principio, cuando estudié, era muy fácil colaborar porque los productores querían cantantes para practicar, los cantantes querían compositores. Entonces, había mucha colaboración. Tal vez las dificultades las encontrás a medida que te vas haciendo más profesional, que buscás ya un nivel de calidad más alto, que los presupuestos son más altos. Es difícil costear todo eso como artista independiente. Y tal vez también algo que es difícil es estar en otro país donde se habla otro idioma, donde hay otras culturas... Es un proceso de adaptación.

–En 2019, cantaste en el homenaje de la NBA a Manu Ginóbili. ¿Cómo surgió esa oportunidad y qué te dejó esa experiencia?

–Todo surgió por una nota que me hicieron, que se ve que llegó a Ginóbili y tal vez él se sintió identificado con el hecho de alguien que se va del país en busca de un sueño. Para mí fue un momento muy importante, porque me marcó de un montón de maneras y me inspiró muchísimo a seguir creciendo. También me llevó a preguntarme: “¿Por qué hago esto? ¿Lo hago para agradar y para que me aplaudan o lo hago por una razón más grande? ¿Tengo algo que decir?” Entonces, siento que después de esa experiencia, que fue mi primer estadio, me dediqué muchísimo a aprender a componer y a trabajar más duro todavía. Después de esos dos o tres años de trabajar y trabajar, me empezaron a aparecer contratos, empecé a trabajar ya con gente más grande, como Shakira o Christina Aguilera.

—Además de escribir tus propias canciones, trabajaste con artistas de renombre como Shakira y María Becerra. ¿Cómo vivís la experiencia de componer para otros y para vos misma?

—Es muy difícil porque tenés sobresalir en un lugar donde hay mucha gente buscando el mismo sueño. Pero cuando sos artista, compositor y cantante, estás como compitiendo en tres ámbitos diferentes. Están dentro de un mismo globo, pero no es lo mismo una persona que se dedica exclusivamente a componer para todo el mundo que una que se dedica exclusivamente a cantar, que una que hace las tres cosas. Tenés que ser muy bueno en dividir tu tiempo, para poder rendir al máximo, porque hay un nivel al que estás tratando de llegar para poder mantener estas tres carreras a flote.

–¿Qué implica para vos componer para otros artistas?

–Componer para otras personas requiere muchísima empatía, porque tenés que sacarte el traje de Michelle, o de Mimi, y ponerte en el de quien sea el artista. Entonces, tenés que tener una muy buena comprensión de lo que la otra persona está sintiendo.

—¿Hay algún artista que haya significado un antes y un después para vos?

—Cantar con Christina Aguilera fue como un sueño. Yo la escucho desde que tenía ocho años y toqué la guitarra y canté en vivo, en los premios Latin Billboards. Tal vez no tuve mucha interacción con ella, porque llegás con tus partes aprendidas, subís al escenario y a darlo todo. Igualmente es una sensación muy linda, es como sentirte realizado.

—¿Te costó expresarte en inglés o en español en tus canciones? ¿Te sentís más cómoda en algún idioma?

—Hoy en día me siento súper cómoda en los dos. Al principio fue difícil componer en todos los idiomas. Componer requiere tocar fibras profundas, y para escribir algo que llegue, tenés que estar dispuesto a mirarte por completo. Habiendo crecido en un ambiente donde no se validó la música al principio, fue difícil exponerme. Para mí, el trabajo fue aprender a exponerme de una manera cruda, sin ser perfecta. Cuando empecé a estar en paz con eso, se me abrieron muchas puertas y conecté mucho más con la gente. Ahora me es más sencillo navegar entre los dos idiomas. El inglés fue difícil al principio, y cuando vivía en Los Ángeles, uno trata de encajar, pero después te das cuenta de que tu acento te hace cool. Ser vos mismo es cool, no tenés que tratar de ser como alguien más.

—En los últimos años usaste distintos nombres artísticos.

—Sí, me lo cambié tres veces y ahora estoy volviendo a Mimi Leclercq. Cuando vivía en Los Ángeles, nadie sabía pronunciar mi nombre. Lo pronunciaban mal en inglés y español. También quise separarme un poco, pero sentía que Michelle era el nombre que me decían cuando me retaban: “¡Michelle, vení para acá!“. Entonces, quería tener mi propia identidad elegida por mí y por eso antes me puse Mimi Rose. Ahora veo que mi apellido es muy especial, es francés y significa “el escritor”. Yo soy compositora, yo escribo y mi apellido mismo lo dice.

—¿Qué te inspira hoy para escribir y superarte como artista?

—Siento que siempre te va a inspirar algo que esté bien hecho. Escucho desde canciones actuales como “Estuve ahí” de Nanpa Básico, a un clásico como “Ojalá” de Silvio Rodríguez. Esas cosas que están tan perfectamente armadas, que transmiten tanto, me dan ganas de escribir y tocarle el corazón a las personas. Lo que más me inspira es contar mi historia, cómo superé mis miedos, cómo fui creciendo. La música tiene el poder de sanar y de sanar a otros. Contar mi historia con el fin de que, por lo menos, una persona del otro lado haga un clic, le llegue, le sirva.

—Cuando mirás hacia atrás con todo lo que hiciste para llegar hasta acá, ¿cómo te sentís?

—Me siento orgullosa porque sé que pasé por muchas cosas y he crecido mucho. Me siento agradecida de la familia que me tocó, de mis padres. Cuando era más joven no los entendía, pero ahora agradezco porque eso me hizo muy independiente y esa independencia la necesitaba para hoy poder llegar adonde llegué. Siempre tuve la necesidad de hacer las cosas sola, de aprender cosas nuevas. Para mí un no es: te voy a demostrar cómo lo hago. En Argentina se enseña que hay que tener un trabajo seguro, pero nuestra capacidad es inmensa si cambiamos el chip. Hoy sí veo cómo hice algo que me hace sentir orgullosa de mí misma.

—¿Sentís que tu experiencia puede inspirar a otros artistas emergentes?

—Sí, totalmente. El miedo es muy mental y es una actitud ante la vida. Cuando te sentís seguro de vos mismo, tenés amor propio y sabés que sos suficiente y que un error no te define. Cuando tenés miedo, te restringís y no brillás en tu autenticidad. Lo más importante es ser valiente, porque el miedo siempre va a estar, pero tenés que ser valiente y saber que al principio uno se equivoca. Es parte de aprender algo nuevo. No podés comparar tu primer canción con la de un artista global, pero algún día vas a llegar tal vez a ser ese artista. Tu primer trabajo no es igual al que suena en todas las radios.

–Hoy vivís en Miami. ¿Cómo es tu rutina allá y cómo te preparás como artista?

–Yo vivo de cantar y de componer. De jueves a domingo canto en diferentes lugares, así que tengo que prepararme diariamente con mi voz, como un deportista. Para componer, escribir tres páginas todas las mañanas y leer libros me ha ayudado mucho. Escucho música que me gusta, la disecciono, veo qué hizo el artista. Es importante no distraerse y encontrar un balance, porque tampoco podés trabajar todo el día y no tener vida social. Hay que tener un día libre a la semana, hacer cosas que te hagan sentir bien, porque mientras te sentís bien, vas a seguir trabajando.

—¿Buscás esa autenticidad también en tu música?

—Siempre, porque es lo que más conecta y transmite. Es lo que más te hace brillar y te da paz.

—¿Te gustaría volver a la Argentina y presentarte en vivo?

—Sí, me encantaría. De hecho, en 2024 toqué en La Tangente y fue muy especial. Quiero colaborar más con artistas argentinos. Ya tengo muchas colaboraciones con artistas grandes en otros países. Ahora en marzo saco una con Denise Rosenthal, una artista muy grande en Chile, y tengo colaboraciones con Noel Schajris de Sin Bandera, en una canción que se llama “Gracias por eso”. Este año se me prendió la chispa de querer conectar más con mis raíces.

—¿Con qué artista argentino soñarías colaborar próximamente?

—Me muero por colaborar con María Becerra. Ojalá se me dé, no sé si este año o el que viene. Además, este año conocí a Hernán de La Champions Liga en un café y me pareció una persona muy mágica. El día de mañana me encantaría colaborar con él porque aprendí mucho. Hay muchos artistas argentinos que me parecen buenísimos, desde los más populares hasta gente como Soledad Pastorutti.

—¿Qué otros planes tenés para este 2026?

—Este año se viene con todo, estoy muy emocionada. Tengo un álbum que sale en abril y se llama Todo para nada. Llevo tres años trabajando en él y tiene 14 canciones. Después tengo sencillos, uno para cada mes hasta diciembre. Se vienen festivales, fechas importantes, y mi intuición me dice que va a ser un gran año para elevarme mucho. Estoy muy agradecida por eso.

Al ver a esos hombres armados y encapuchados irrumpieron en la habitación, el ginecólogo Julio Iglesias Puga creyó que iban a matarlo. Aterrorizado, se acurrucó en una esquina de la cama y se cubrió el rostro con las manos. No quería mirar cuando le dispararan. Pero en lugar del estampido de los tiros escuchó una voz gruesa que le dijo con calma:

-Tranquilo, somos los buenos.

Cuando los comandos del Grupo Especial de Operaciones (GEO), un cuerpo de élite de la Policía Nacional española encargado de combatir a la ETA, irrumpieron en la casa del pueblo de Trasmoz, en Zaragoza, estaban seguros de que allí la organización separatista vasca tenía secuestrado al empresario José Lipperhide, por lo que nunca imaginaron que se encontrarían frente a frente con el padre del famosísimo Julio Iglesias. Es más, el atribulado doctor tuvo que aclararles quién era. Todavía no podía creer que seguía vivo cuando lo sacaron de allí y lo subieron a un auto. Tan nervioso estaba que se olvidó la dentadura postiza que había puesto en un vaso con agua antes de dormir.

Corría la madrugada del 17 de enero de 1982 y el padre de Julio Iglesias llevaba 19 días secuestrado. “Hace falta tener una fe enorme para poder soportar veinte días de cautiverio. Fueron educados conmigo y me trataron correctamente. Jamás me explicaron los motivos del secuestro, sólo me dijeron que se había pedido un rescate y que conociendo que detrás había mucho dinero confiaban en que mi hijo lo pagaría”, contó después, con la dentadura ya recuperada.

El secuestro de “Papuchi”

Además de ser conocido como el padre de Julio Iglesias, el doctor Julio Iglesias Puga era, a los 66 años, un reconocido ginecólogo madrileño. Su consultorio, en el centro de la capital española, siempre estaba muy concurrido y entre sus pacientes se contaban no pocas estrellas del mundo del espectáculo y la canción. Ese éxito era el resultado de dos factores que se potenciaban entre sí: su prestigio como médico y la fama de su hijo. Era un signo de distinción ser atendidas por “Papuchi”, como llamaban sus pacientes al padre de Julio Iglesias.

Después de pasar unos días con su hijo en Miami, Iglesias Puga había regresado a Madrid el 26 de diciembre para pasar el fin de año con su exnuera, Isabel Preysler, y sus nietos Chabely, Julio José y Enrique, hijos del ya terminado matrimonio del cantante con Isabel. Vivían en dos pisos del mismo edificio en la calle madrileña San Francisco de Sales. El 28 de diciembre dos personas que se presentaron como periodistas de la televisión alemana visitaron al doctor Iglesias Puga en su consultorio en un Instituto Médico de la calle O’Donell. Le propusieron hacer una entrevista al día siguiente en su departamento, a donde irían con las cámaras. El padre del cantante, que no esquivaba la exposición mediática, aceptó de inmediato y fijaron una cita.

El pedido de entrevista era en realidad un engaño. La mañana del 29 de diciembre, cuando el doctor Iglesias Puga abrió la puerta de su piso de la calle San Francisco de Sales, se encontró frente a tres hombres que no llevaban cámaras pero sí armas. Lo obligaron a bajar hasta el estacionamiento, donde lo ataron y lo obligaron a tomar un puñado de somníferos antes de encerrarlo en el baúl de un auto. Cuando despertó – contaría después de su liberación – estaba en una habitación de unos nueve metros cuadrados donde había una cama, tres sillas y un balde para que hiciera sus necesidades. Allí pasaría los siguientes 19 días.

Un rescate millonario

Para después de la supuesta entrevista, Iglesias Puga tenía agendado un almuerzo con su abogado, Fernando Bernáldez, que se preocupó porque el buen doctor no solía faltar a sus citas. Tampoco fue a visitar, como había prometido, a su cuñada, que estaba embarazada. Esa misma tarde, Bernaldez denunció la desaparición en la Dirección de Policía. Casi al mismo tiempo, Isabel Preysler llamó a su exmarido por teléfono para darle la noticia.

Pasaron 48 horas sin novedades hasta que los secuestradores se comunicaron para hacer conocer sus exigencias: 10 millones de dólares por la liberación del padre de Julio Iglesias. En una única llamada, hicieron saber que las indicaciones para pagar el rescate llegarían a una embajada española en el exterior.

Frente a ese panorama, el otro hijo de Iglesias Puga, Carlos Iglesias, se quedó en Madrid para atender a la prensa y estar en contacto permanente con la policía. Al mismo tiempo, Alfredo Fraile – el hombre en quien más confiaba Julio Iglesias – viajó a Miami para acompañar a su amigo y coordinar todo desde allí. “Fueron unas semanas terribles. Dejé mi casa y me instalé en la de Julio para organizar las relaciones con la prensa y el día a día. Julio estaba derrotado, desesperado. No se me olvidará nunca. Julio no podía comer, ni dormir y repetía constantemente ‘lo han secuestrado por mi culpa”, recordó Fraile muchos años después.

En los Estados Unidos, además de contener a su atribulado amigo, Fraile tuvo que lidiar con incontables pedidos falsos de rescate. Las cifras no coincidían con la de la primera llamada y en muchos casos no hacía falta que el FBI – que escuchaba las comunicaciones – dijera que se trataba de impostores. Otra tarea de Fraile era estar en línea directa las 24 horas con uno de los bancos más importantes de Miami y con el Banco Español de Crédito (Banesto) por si hacía falta realizar cualquier movimiento o transacción económica con urgencia.

Para entonces, aunque los secuestradores no se habían identificado la policía española sospechaba que se trataba de una operación con fines puramente económicos de la ETA. Además, el aviso de que el pedido de rescate llegaría a una embajada española en el exterior, donde la ETA tenía vinculación con otras organizaciones, reforzó esa teoría.

Los días pasaban y la situación parecía estancada. Los secuestradores – como habían anunciado – se mantenían en silencio, ya que las indicaciones para pagar el rescate llegarían por otra vía. En su cautiverio, el doctor Iglesias Puga pasaba los días como podía, encerrado en la misma habitación donde lo encontraron los hombres del Grupo Especial de Operaciones. En la casa, además de rescatar al médico secuestrado, sorprendieron dormidos a tres integrantes de la ETA que luego fueron identificados como José Luis Gutiérrez ‘Guti’, su hija Gloria y su yerno, Baltasar Calvo. No ofrecieron resistencia.

La noche anterior, la Embajada española en Beirut había recibido una carta con indicaciones preliminares para el pago del rescate. Años después se sabrían las razones por las cuales la entrega del dinero debía hacerse fuera de España. En 2006, tras ser extraditado de Sudán, acusado de una serie de atentados en territorio europeo, el venezolano Ilich Ramírez, mundialmente conocido como “Carlos” o “El Chacal”, explicó que él era el encargado de cobrar el pago. “El acuerdo era que ocho millones de dólares serían para ETA y dos millones para nosotros”, dijo.

El llanto de un hijo

En Miami, Alfredo Fraile saltó en el sillón donde dormitaba cuando el teléfono sonó a las cuatro de la madrugada, hora local, de ese mismo 17 de enero. Era su turno de estar junto al aparato en la casa de Julio Iglesias en Indian Creek, donde todos vivían en estado de duermevela desde hacía veinte días. Tardó un segundo en despejarse. Sabía que el teléfono estaba intervenido por el FBI y que si la llamada era de los secuestradores tenía que estirarla lo más que pudiera. Tenía que estar alerta.

Del otro lado de la línea, Fraile escuchó una voz conocida. Era el comisario José María Rodríguez Colorado, director general de la Policía española, con quien ya había hablado otras veces en esos días inciertos.

-Fraile, tengo una buena noticia. Rescatamos al doctor Julio Iglesias Puga. Está bien, aquí conmigo. Quiere hablar con su hijo – dijo el policía.

-Lo despierto de inmediato – contestó Fraile y volvió a saltar del asiento, esta vez para correr hacia el dormitorio del cantante romántico más famoso del mundo hispanohablante.

Desde el secuestro de su padre, Julio Iglesias vivía en vilo, caminando por la casa y repitiendo una frase que, de tanto escucharla, a Fraile le había quedado grabada: “Lo han secuestrado por mi culpa. Pobre viejo, pobre viejo, con el frío que hace en Madrid y él sin abrigo, porque nunca lleva abrigo. A mis hijos les puse guardaespaldas y no supe cuidar a mi padre. ¿Tendrá sus medicinas? Me siento responsable”, decía una y otra vez.

El calvario había terminado: un minuto después hablaba por teléfono con su padre. Alfredo Fraile se alejó con cierto pudor. No quería oír esa conversación íntima, pero sí escuchó desde lejos que su amigo lloraba.

María José, conocida cariñosamente como “La Josa”, celebra cinco décadas de vida en uno de los momentos más sólidos de su trayectoria. Nacida en la Ciudad de México, la cantante ha construido una carrera marcada por la disciplina, la potencia vocal y una conexión genuina con el público que la sigue desde hace años.

Su nombre ocupa un lugar destacado dentro del pop nacional gracias a interpretaciones que han trascendido generaciones. Cada presentación confirma su capacidad para sostener un espectáculo con entrega total, una cualidad que la ha convertido en una de las artistas más respetadas del país.

Lejos de mirar el pasado con nostalgia, María José atraviesa esta etapa con energía renovada. Su presencia constante en escenarios y proyectos musicales demuestra que la madurez artística puede ir de la mano con la vigencia y la pasión.

Una gira que confirma su fuerza en vivo

Durante el último año, la cantante ha vivido una de las etapas más activas y exitosas de su carrera. La gira “Ahora o Nunca” ha recorrido diversas ciudades y estados de la República Mexicana, consolidando su cercanía con públicos de distintas regiones.

Uno de los momentos más destacados ocurrió en octubre y noviembre de 2025, cuando ofreció cinco conciertos con localidades agotadas en el Auditorio Nacional. Las presentaciones se realizaron en menos de un mes y representaron un nuevo hito dentro de su historial en ese recinto emblemático.

Con estas funciones, María José alcanzó un total de 25 conciertos en el llamado “Coloso de Reforma”, una cifra que refleja constancia, convocatoria y una respuesta inquebrantable de sus seguidores.

Canciones que se cantan en una sola voz

El repertorio de María José forma parte de la memoria emocional del pop mexicano. Temas como “Prefiero ser su amante”, “Lo que tenías conmigo” y “No soy una señora” se han convertido en himnos que el público entona de principio a fin.

A estas canciones se suman otros éxitos como “Las que se ponen bien la falda”, “Adelante corazón”, “Él era perfecto”, “Mi rey, mi santo”, “Me equivoqué” y “Rosas en mi almohada”, piezas que reflejan distintas etapas y matices de su carrera.

En cada ciudad que visita, sus conciertos se transforman en encuentros colectivos donde miles de asistentes cantan al unísono. Esa comunión explica por qué, sin importar el lugar, los recintos suelen llenarse.

Una celebración íntima con sello personal

El cumpleaños número 50 de la intérprete también se celebró fuera del escenario. María José organizó una fiesta con temática flamenca que reunió a personalidades del espectáculo, influencers y creadores de contenido, en un ambiente festivo y cercano.

Entre los invitados estuvieron Ashley Grace, del dueto Ha*Ash, y Kimberly “La Más Preciosa”, entre muchas otras figuras que se sumaron al festejo. La velada destacó por su estilo, la música y la complicidad entre los asistentes.

Uno de los momentos más emotivos ocurrió cuando la cantante bailó con su madre, escena que reflejó el lado más humano de la celebración. Entre la estética flamenca y el afecto familiar, María José celebró sus 50 años fiel a su esencia: cercana, auténtica y profundamente conectada con la emoción.

De la misma forma, se confirmó que, tras el impacto, la aeronave quedó totalmente destruida, confirmando con ello la muerte de los seis tripulantes, incluido el piloto.

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Este es el reporte de salida de la avioneta con los tripulantes:

• Piloto: capitán Hernando Torres.
• Tripulantes: Yeison Jimenez, Juan Manuel Rodriguez, Oscar Marin, Jefferson Osorio, Weisman Mora.

¿Qué se sabe de los demás tripulantes?

Todos los demás pasajeros de la aeronave eran personas cercanas al oriundo de Manzanares, Caldas, que en más de una ocasión compartió fotografías junto a los mencionados.

“¡Compañeros de batalla! ¡Que sería de ustedes sin mí! Quién le podrían el sabor a los viajes“, es una de las publicaciones que hizo Jiménez con fotografías en las que estaba acompañado de Óscar Marín y Jefferson Osorio, que estaban a su lado durante el accidente.

Este es el reporte oficial de Bomberos Boyacá

Minutos después de que se registró la emergencia, Bomberos de Boyacá confirmaron la atención de su parte tras el llamado por la caída de una aeronave Piper Navajo PA31 de matrícula N325FA con seis ocupantes, más especificamente en la vereda Romita

“Se atiende con cinco unidades y dos móviles, lamentablemente todos los ocupantes fallecen en el sitio, se realiza control y extinción de las llamas, se encuentra a espera de actos urgente”, informó el Cuerpo de Bomberos de Boyacá.

En estos momentos hay presencia de unidades de la Policía Nacional, Defensa Civil, Cruz Roja Internacional, y funcionarios del Hospital San Vicente de Paul Paipa en el lugar de los hechos.

Por parte de la Aeronáutica Civil, se confirmó que el artista tenía como destino llegar a Medellín para presentarse en la capital antioqueña.

“Se ha confirmado el siniestro de una aeronave en el sector comprendido entre Paipa y Duitama. La aeronave, que transportaba un total de seis ocupantes, conformados por el piloto, el copiloto y cuatro pasajeros, había presentado un plan de vuelo con destino a Medellín. El Centro de Coordinación de Búsqueda y Rescate, Sar, Aerocivil de Bogotá, notificó la activación de la señal de localización de emergencias (ELT) en el sector del evento”.

¿Quién era Yeison Jiménez?

Yeison Jiménez era un cantante y compositor colombiano nacido en Manzanares, Caldas, en 1991, que se consolidó como una de las figuras más representativas de la música popular en Colombia. Desde joven mostró interés por la música y comenzó su carrera artística interpretando canciones en bares y pequeños escenarios, hasta lograr reconocimiento nacional.

Jiménez fue reconocido por letras que abordan temas de desamor, superación y la vida cotidiana, conectando con el público a través de experiencias personales y relatos cercanos a la realidad de muchas personas. Su estilo fusionó la música popular colombiana con elementos del género regional mexicano, lo que le permitió ampliar su audiencia más allá de las fronteras de su país.

A lo largo de su trayectoria, lanzó varios álbumes y sencillos que han alcanzado posiciones destacadas en las listas musicales. Canciones como “Aventurero” y “El Desmadre” son algunas de las más conocidas de su repertorio. Además de su faceta como intérprete, también ha trabajado como compositor para otros artistas del género.

Yeison Jiménez fue reconocido por su cercanía con sus seguidores, manteniendo una activa presencia en redes sociales y participando en diversos programas de televisión, lo que ha contribuido a afianzar su popularidad.

La presencia de México en festivales internacionales suma un momento relevante con la participación de María León en el Benidorm Fest 2026, festival español que funciona como antesala de Eurovisión. La cantante llegará a este escenario con una propuesta que destaca por su enfoque narrativo y su identidad artística, consolidando un paso poco habitual para intérpretes mexicanas en este tipo de competencias.

El tema elegido logró sobresalir entre 890 canciones enviadas al festival, un proceso que colocó a la artista entre los proyectos seleccionados para competir en una plataforma de alcance europeo. Este logro marca un punto en su carrera y amplía el panorama del pop mexicano fuera de América Latina.

La final del Benidorm Fest se celebrará el 14 de febrero de 2026, fecha en la que María León buscará dejar huella con una actuación que representa tanto una apuesta musical como un posicionamiento creativo frente a nuevas audiencias.

“Las Damas y el Vagabundo”, una alianza creativa

Para el Benidorm Fest, María León presentará “Las Damas y el Vagabundo”, una canción en colaboración con la cantante española Julia Medina. El sencillo fue estrenado el 18 de diciembre de 2025 y se construye a partir de una historia compartida que apuesta por la complicidad y la fuerza colectiva.

La narrativa gira en torno a un grupo de mujeres que, tras una experiencia común, deciden unirse y transformar la decepción en un acto de afirmación personal. Este enfoque se refuerza tanto en la letra como en la propuesta visual del proyecto.

El videoclip acompaña el mensaje con una estética festiva, subrayando la idea de comunidad y celebración, elementos que buscan conectar con públicos diversos más allá de las fronteras culturales.

De Guadalajara al escenario europeo

Originaria de Guadalajara, Jalisco, María León inició su camino artístico desde temprana edad, desarrollándose como cantante, bailarina y actriz. Su primer reconocimiento llegó con el grupo T’ de Tila, aunque su proyección nacional se consolidó más adelante como integrante de Playa Limbo.

Con esta agrupación alcanzó gran popularidad gracias a canciones que marcaron una etapa del pop mexicano como “Piérdeme el respeto”, “El tiempo de ti” y “El eco de tu voz”, lo que le permitió construir una base sólida de seguidores. En 2016 inició su etapa como solista, decisión que abrió la puerta a una exploración musical más personal y diversa.

Paralelamente, su carrera actoral tomó fuerza en televisión y teatro musical, participando en producciones como “Chicago”, “Hoy No Me Puedo Levantar” “Vaselina” y “Mentiras, el Musical”, donde demostró su versatilidad escénica y su disciplina artística.

Un nuevo ciclo artístico en construcción

Más allá de la competencia, la participación en el Benidorm Fest representa para María León el inicio de una etapa creativa distinta. La cantante ha adelantado que su próximo disco responderá a una necesidad personal de expresión, abordando temas que antes no había explorado abiertamente.

Este nuevo proyecto se perfila como un ejercicio de libertad artística, donde la música funciona como vehículo de identidad, fuerza y transformación. La experiencia internacional también le permitirá dialogar con otros mercados y ampliar su alcance como creadora.

Con este paso, María León no solo busca conquistar un escenario europeo, sino también reafirmar su voz dentro de una industria global, posicionándose como una artista mexicana capaz de conectar con mensajes universales desde una mirada auténtica, fresca y actual.

La cantante cubana Seidy “La Niña” confirmó su llegada al Perú por primera vez como parte de una gira promocional que tendrá lugar a mediados de febrero de 2026.

La artista, referente del género del reparto, informó a través de su promotora oficial, Showeventosperu, que realizará una serie de actividades en el país, lo que ha generado expectativa entre su base de seguidores. Según detalló Showeventosperu, el arribo de la intérprete está programado para la quincena de febrero, ocasión en la que la artista cumplirá compromisos televisivos y ofrecerá presentaciones en vivo.

De acuerdo con Showeventosperu, la agenda de Seidy “La Niña” incluye la promoción de sus principales éxitos musicales. Temas como "Pecadora”, “Cuídate”, “Mulatica”, “La Temba” y “Tatuaje” figuran entre los más aclamados por sus seguidores, quienes podrán escuchar su repertorio en el marco de la visita. La promotora subrayó que será la primera oportunidad para el público peruano de presenciar en directo el espectáculo de la artista, reconocida por su energía en el escenario y su constante actividad en redes sociales.

En las semanas previas al viaje, la cantante se ha mantenido al margen de las polémicas que suelen circular en plataformas digitales. Según Showeventosperu, la llegada de Seidy “La Niña” responde a un interés por acercarse a sus seguidores peruanos y fortalecer su posicionamiento en el mercado latinoamericano.

La productora indicó que cualquier consulta sobre presentaciones o detalles logísticos puede realizarse a través del número telefónico 989060572.

La artista cubana se suma así a la lista de exponentes urbanos que eligen el Perú para expandir su propuesta musical en la región. De acuerdo con Showeventosperu, la expectativa por la llegada de Seidy “La Niña” se refleja en la demanda de información y reservas anticipadas para los eventos previstos durante su estadía.

¿Quién es Seidy ‘La Niña’?

La cantante cubana Seidy Carrera, reconocida artísticamente como Seidy ‘La Niña’, se ha consolidado como una figura versátil en la música urbana y el entretenimiento latino. Nacida en La Habana, Cuba, el 4 de julio de 1994, emigró a Estados Unidos durante su infancia, donde inició una carrera multifacética que incluye canto, baile y actuación. Según Wikipedia, Seidy ‘La Niña’ destacó inicialmente en la danza y el flamenco y formó parte de diversos programas televisivos, así como en videoclips de artistas internacionales.

De acuerdo con un reporte de Cuba Conecta, un accidente automovilístico en 2014 interrumpió temporalmente su trayectoria artística, pero la cantante reinició su actividad profesional enfocándose en el género urbano y fusionando sonidos cubanos. Entre sus temas más reconocidos se encuentran ‘Ranpanpam’, ‘Enjoy the Ride’, ‘Tumbao’ y ‘Te prometo’. Apple Music detalla que en 2025 la artista lanzó el álbum ‘CORRUPCIÓN’, ampliando su presencia en la industria.

Además de su carrera musical, Seidy ‘La Niña’ ha incursionado en otras áreas, incluyendo la plataforma OnlyFans y la política local. Según Cuballama Noticias, en 2025 la cantante expresó su intención de postularse como alcaldesa de Hialeah, Florida, uno de los principales enclaves cubanoamericanos en Estados Unidos.

La artista mantiene una presencia activa en redes sociales y continúa posicionándose como una de las voces emergentes de la música urbana latina, integrando experiencias personales con elementos de la cultura cubana y estadounidense.

En el contexto del segundo cumpleaños de su hijo en común con Bertín Osborne, Gabriela Guillén manifestó que no tiene expectativas personales respecto al presentador y explicó que le brinda todo lo posible a su hijo dentro de la situación actual. Según informó el medio que difundió sus palabras, la empresaria remarcó que la prioridad para ella sigue siendo la estabilidad del menor y que su relación actual con Osborne se reduce a la distancia y circunstancias en las que viven: “A ver, una madre siempre espera que tenga una buena relación con su padre y es la que tiene ahora mismo, tiene una relación a esa distancia. Él vive allí y nosotros vivimos aquí”, sostuvo Guillén.

De acuerdo con la publicación, estas declaraciones surgen tras las afirmaciones recientes de Osborne, quien señaló públicamente que se encuentra soltero, sin pareja y que disfruta del tiempo junto a varias “amigas”. Ante este panorama, Gabriela Guillén quiso precisar la naturaleza y el significado de su vínculo con el presentador en el pasado, marcando distancia frente a las versiones que la presentan como una amistad más de Osborne. “Yo tuve una relación muy bonita con él y si me hubiera sentido mal en algún momento me hubiera ido, pero para nada fui ni una amiga. Fui su pareja. Eso que quede claro, por favor”, enfatizó Guillén según consignó la fuente.

El medio que publicó las declaraciones detalló que la empresaria no abundó en valoraciones respecto a los rumores sobre nuevas relaciones del cantante. Guillén optó por explicar que no se siente aludida por las historias que se atribuyen a Osborne en el presente: “Es que no tengo nada que comentar al respecto. No es mi vida. Él puede hacer lo que quiera igual que yo. O sea que eso es totalmente cosa suya, yo no tengo nada que opinar al respecto”. La respuesta evitó detallar o alimentar posibles polémicas y puso el foco en su propio día a día, así como en el bienestar del hijo que comparten.

En un entorno mediático donde se multiplican rumores acerca de la vida sentimental de Bertín Osborne y sobre mujeres cercanas a su círculo, Guillén quiso subrayar que la relación que tuvieron se caracterizó por su seriedad y no desea verla equiparada a vínculos más esporádicos. Así, mencionó explícitamente que no pertenecía al grupo de amigas con el que Osborne comparte salidas, y que su papel fue de pareja, rechazando interpretaciones que rebajan su historia común a una mera amistad o circunstancia pasajera.

La empresaria, en sus respuestas recogidas por el medio, mantuvo una actitud de calma y distancia frente a cualquier “guerra mediática” o enfrentamiento público, reforzando que sus prioridades están en su entorno familiar y personal. En el plano de la relación del niño con su padre, remarcó que la convivencia se da con naturalidad y corresponde a las distancias físicas que existen actualmente, evitando reproches directos pero dejando entrever que el vínculo entre padre e hijo responde más a las posibilidades que a una relación cercana en el día a día.

El medio señaló que Guillén ha decidido hablar para clarificar el papel que desempeñó en la vida de Osborne, haciendo hincapié en que no busca entrar en polémicas relacionadas con las nuevas personas en el entorno del cantante ni con la gestión pública de su imagen. Al mismo tiempo, recalcó que su interés es garantizar la estabilidad de su hijo y esquivar cualquier discusión que desvíe la atención de ese objetivo.

Durante su conversación con el equipo de Europa Press, Luitingo compartió que uno de sus principales deseos personales consiste en formar su propia familia y experimentar la paternidad. El cantante andaluz sostiene que esa aspiración proviene de sus vivencias durante la infancia, rodeado de hermanos y de un entorno familiar con presencia constante de niños, lo que le ha llevado a sentirse capacitado para ser un buen padre cuando llegue el momento. Así lo expresó en sus declaraciones recogidas por Europa Press: “Es una de las ilusiones más grandes que tendría en mi vida, el ser padre, tío. Siempre lo he querido porque en mi casa somos tres niños [...] siempre hemos estado rodeados de niños y además que me gusta, sería un buen padre, sería un buen padre”.

En medio de esta etapa de transformación personal y reflexión sobre su vida sentimental, Luitingo manifestó ante Europa Press su determinación de marcar distancia con su pasado afectivo, especialmente con su expareja Jessica Bueno. El cantante, conocido por su sinceridad, señaló que su intención es mirar hacia adelante, adoptando como prioridad la búsqueda de su propia felicidad y la de quienes le rodean. Al ser consultado sobre la posibilidad de un reencuentro con Bueno, Luitingo respondió con claridad: “Ya está, cada uno con su vida, que cada uno sea feliz. Le felicito el año a todo el mundo y que cada uno viva su vida como la quiera vivir, claro que sí”. Estas palabras, reproducidas por Europa Press, reflejan la voluntad del artista de mantener una actitud de respeto, pero sin interferir en la vida de su ex pareja.

Sobre cómo actuaría si se diera la circunstancia de coincidir nuevamente con Jessica Bueno, Luitingo dejó ver que su preferencia sería mantener cierta distancia física y emocional: “Claro, más lejos si puedo, ahí está. Si puedo irme a Alemania, mejor. No, no, no, que va, yo respeto por supuesto, pero no... que sale de frente algún día, por respeto, por educación y por cortesía, pero que no voy a ir '¡hola!', yo no, no, no”. Estas declaraciones, consignadas por Europa Press, subrayan la decisión del artista de separar su presente de los capítulos ya cerrados de su pasado, bajo la premisa de la educación y el respeto mutuo pero evitando cualquier acercamiento voluntario.

Pese a esta toma de distancia, Luitingo afirmó que el amor mantiene un papel fundamental en su vida y que no ha renunciado a sus propios sentimientos. Europa Press lo cita reconociendo que siempre ha sido “una persona muy enamoradiza”, lo que explica su apertura a nuevas etapas sentimentales y emocionales, así como su deseo de vincularse nuevamente de manera profunda cuando lo considere adecuado.

En el contexto actual, según reportó Europa Press, el cantante se encuentra centrado en sus valores familiares y en la definición de sus prioridades, lo que ha influido de manera directa en sus declaraciones públicas, en las que ha optado por dejar atrás situaciones pasadas y abrirse a nuevas posibilidades. El artista describe su entorno familiar como un espacio en el que la presencia de niños ha sido una constante, reforzando sus aspiraciones personales de replicar ese modelo a futuro.

El medio Europa Press detalló que Luitingo no elude su historial emocional, sino que opta por canalizar sus experiencias hacia planes personales orientados a la estabilidad y el desarrollo en el ámbito familiar. Sus palabras transmiten la intención de apostar por una vida enfocada en el crecimiento interno y la realización de metas personales que para él resultan esenciales, como la paternidad.

Esta etapa de cambios tiene también impacto en su manera de exponerse públicamente, reiterando la importancia de establecer límites claros con personas de su pasado, a fin de evitar malentendidos o interpretaciones erróneas sobre sus deseos y prioridades actuales, según subraya Europa Press. De esta manera, Luitingo pone de manifiesto la relevancia de mantener el foco en el bienestar propio y en la construcción de un futuro en el que el amor y la familia ocupen un lugar central en su vida y proyecto personal.

Esta imagen fue el punto de partida para la creación de “Dream as One”, el tema original que acompaña la nueva película de James Cameron. “A veces, eso es lo que se necesita para crear algo hermoso”, explicó Cyrus al recordar aquel momento.

La experiencia de reconstrucción tras la pérdida quedó reflejada en la letra de la canción, que transmite la idea de resistir y encontrar lo valioso en medio de la adversidad. El verso “Somos diamantes en la oscuridad. Puse mi cabeza en tu pecho y escuché a través de tu corazón” encapsula esa visión, según destacó la propia artista en diálogo con Billboard.

Una conexión profunda con la historia de Avatar

La identificación de Cyrus con la trama de la película fue inmediata. En el especial “20/20” de ABC News, reproducido por Billboard, James Cameron detalló que la cantante vio en el fuego y la pérdida una representación del trauma y la posibilidad de reconstrucción, en sintonía con los temas centrales de la saga.

El director señaló que la artista se emocionó especialmente por la oportunidad de transformar su vivencia personal en un mensaje universal.

Cyrus manifestó que su objetivo era que la canción transmitiera la sensación de alivio y superación, como una exhalación después de un periodo difícil: “Quería que ‘Dream as One’ se sintiera como un respiro: ‘Lo logramos’”, afirmó.

El estreno de la película el 19 de diciembre marcó el inicio de un éxito comercial, con más de USD 220 millones en Estados Unidos y USD 760 millones a nivel global recaudados hasta la fecha.

El método directo de Miley Cyrus para integrarse en grandes producciones

La llegada de Cyrus a la banda sonora de Avatar fue resultado de una estrategia directa y persistente. En la D23 Expo 2024, donde fue reconocida como Disney Legend junto a Cameron, la cantante aprovechó la ocasión para proponer personalmente su música al director, según relató a People y recogió Billboard.

Esta táctica ya le había permitido obtener la nominación al Globo de Oro por su canción para “The Last Showgirl”, al contactar directamente a Jamie Lee Curtis para ofrecerle un tema original.

Este enfoque se repitió en los Oscar 2025, donde Cyrus ofreció sus servicios musicales a productores y directores presentes en la ceremonia. “De verdad, por eso fui a los Oscar este año. A cada persona que se me acercaba y se presentaba, le decía: ‘Si necesitas música, estoy disponible’”, afirmó la artista en diálogo con Billboard.

Incluso manifestó su interés por participar en la serie “Baby Reindeer” de Netflix, aunque no estuviera confirmada una segunda temporada.

El significado y la recepción de “Dream as One”

Para Miley Cyrus, “Dream as One” representa mucho más que una simple canción para una película. La artista expresó que la experiencia de perderlo todo y reconstruirse a partir de las cenizas le otorgó al proyecto un significado especial: “Tiene para mí un sentido muy profundo”.

Cyrus subrayó que los temas de unidad, sanación y amor presentes en el film resuenan con su historia personal, y describió su integración al universo de Avatar como “un sueño hecho realidad”.

La colaboración entre Cyrus y Cameron fue resaltada por Billboard, que destaca la capacidad de la cantante para transformar la adversidad en arte. Su método directo y su perseverancia consolidaron su presencia en grandes producciones, demostrando que el contacto personal y la autenticidad pueden abrir puertas incluso en los escenarios más exigentes.

Gala Montes compartió un mensaje íntimo dedicado a su pareja Icho Van, texto que expuso no solo afecto, también memoria, resistencia y crecimiento compartido. La publicación, difundida en redes sociales, mostró una faceta vulnerable de la actriz y cantante, alejada del personaje público.

El escrito relató el origen de una relación marcada por el acompañamiento mutuo, los sueños compartidos y la construcción diaria de un proyecto de vida.

El mensaje generó respuesta inmediata entre seguidores, quienes identificaron en sus palabras un testimonio honesto sobre atravesar momentos difíciles sin idealizar el proceso, reconociendo el valor de quien permanece cuando todo parece desmoronarse.

¿Quién es Icho Van?

Icho Van integrante de la banda Jenny and the Mexicats, cuenta con más de catorce años de experiencia dentro de la industria musical. Su trayectoria se ha construido desde el escenario, la producción y el acompañamiento artístico.

Además de su vínculo sentimental, forma parte del equipo creativo de Gala Montes, colaborando en la realización de sus videoclips y canciones.

En el mensaje publicado, la cantante recordó una etapa especialmente compleja, marcada por pérdidas materiales y emocionales. En ese contexto, destacó cómo Icho se convirtió en un impulso diario, alguien que sostuvo la esperanza cuando el ánimo parecía agotado.

Gala Montes, fuerza, versatilidad y evolución artística

Nacida el 4 de agosto del año 2000, Gala Montes se ha posicionado como una figura constante dentro de la televisión mexicana. A sus 25 años, su carrera se caracteriza por interpretaciones intensas y una actitud directa frente a los retos profesionales.

Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el protagónico en “Diseñando tu amor”, así como su participación antagónica en “Vivir de amor” durante 2024, donde dio vida a Rebeca. Su trayectoria también incluye proyectos para plataformas digitales como “¡Hasta la Madre!” y la serie “Acapulco” de Eugenio Derbez.

La actriz formó parte de producciones como “El señor de los cielos” y participó en “La Casa de los Famosos” en 2024, experiencia que amplió su exposición mediática y reforzó su presencia dentro del entretenimiento nacional.

Música, próximos proyectos y una relación sin etiquetas

En el ámbito musical, Gala Montes ha desarrollado una propuesta personal con temas como “El patrón”, “Gloria y Sergio”, “Más bonita que el mar” y “Tacara”, además de colaboraciones con artistas como Mariana Seoane. Su faceta como cantante ha crecido a la par de su carrera actoral.

Actualmente se prepara para asumir el rol de villana en la telenovela “Corazón de oro”, donde compartirá elenco con Mayrín Villanueva y Gabriel Soto. A la par, alista el lanzamiento de su versión de “Mujer contra mujer” y su participación en la obra “Malinche”, programada para el mes de mayo del 2026.

La relación con Icho Van fue hecha pública en diciembre del año pasado mediante una transmisión en vivo, donde la actriz habló abiertamente sobre un vínculo abierto. Aquella revelación rompió las expectativas sobre una posible relación con la influencer y conductora Karime Pindter, situación que le trajo una lluvia de comentarios a favor y en contra.

A diferencia de otras figuras de su generación, la autora de éxitos globales como “Chandelier” o “Elastic Heart” eligió escudarse detrás de una imagen cuidadosamente construida para evitar pagar el alto precio de la popularidad. En una industria acostumbrada a la sobreexposición, Sia apostó al anonimato poco común entre voces que dominan las listas internacionales.

La transformación no fue una estrategia de marketing. No le haría falta debido a su enorme talento y belleza que suele apuntalar a las estrellas de su talla. Sia recurrió a la máscara y al anonimato —según contó a la revista Billboard— cuando la fama comenzó a resultar una carga inmanejable. Dijo que si alguien ajeno a la fama supiera lo que supone ocupar ese lugar, nunca querría ser famoso. El reconocimiento constante, la pérdida de privacidad y el escrutinio sobre cada gesto de su vida cotidiana la impulsaron a tomar la decisión. A veces, en ese juego de máscaras, el misterio le hace malas jugadas. El mínimo corrimiento de la peluca en el escenario o cuando es descubierta de vacaciones —porque es lógico que no pueda vivir escondida— lleva a viralizar su imagen mucho más que cualquier otra estrella.

En ese mismo escenario de luces y sombras, Sia encontró una figura que asumió el rol de una cara visible: Maddie Ziegler (23). La bailarina, que debutó a los 11 años en el icónico videoclip de “Chandelier” enfundada en un mono color piel, se convirtió desde entonces en su única musa, su extensión. La conoció siguiendo un reality show llamado Dance Moms, donde la niña destacaba por su talento y expresividad. Impresionada, Sia la contactó directamente a través de Twitter para convocarla para el video, donde saltó a la fama internacional de la noche a la mañana. El vínculo entre ambas trascendió lo estrictamente profesional, transformándose en una relación marcada por la protección y el afecto profundo.

El 30 de septiembre de 2018, cuando Maddie cumplió 16 años, los sweet sixteen de Estados Unidos, donde viven, la estrella le regaló un Audi blanco, que dejó estacionado frente a su casa con globos que formaban el número que cumplía. Maddie compartió su emoción en Instagram con la frase: “Sweet sixteen I can’t believe this car is actually mine!“ (No puedo creer que el auto sea mío).

El afán protector de Sia hacia Maddie incluso la llevó a intervenir ante situaciones de riesgo. Según contó en una entrevista, llegó a impedir que Ziegler viajara en un avión privado vinculado a Harvey Weinstein, advirtiendo sobre las posibles implicancias de aquel encuentro.

“En cuanto conocí a Maddie, sentí un deseo inmenso de protegerla. Creo que eso forma parte de mi propia sanación”, confesó. Así, cada nuevo proyecto —videoclips, actuaciones en vivo y hasta una película— incluyó a la adolescente a la que decidió guiar en el espinoso terreno del espectáculo. Sin embargo, ese control sobre su musa fue calificado en redes sociales como excesivo.

Al margen de ese lazo artístico y casi filial, la vida privada de Sia también estuvo marcada por decisiones singulares, por ese mismo anhelo de maternidad y protección. En 2019 anunció la adopción de dos adolescentes que, con 18 años, estaban a punto de abandonar el sistema de acogida para jóvenes sin familia. “En ese momento los dos tenían dieciocho años, y ahora tienen diecinueve. Ellos ya no tenían derecho al sistema de acogida por su edad. Los amo muchísimo”, compartió durante una entrevista con The Morning Mash Up de SiriusXM.

El deseo de maternidad —anticipado en redes al manifestar su intención de adoptar a uno de los protagonistas del documental Foster—tomó forma sin necesidad de pareja estable, luego del final de su breve matrimonio con Erik Anders Lang. Tras divorciarse del documentalista en 2016, la artista decidió abocarse a formar una familia lejos de las convenciones tradicionales. Actualmente, reside en Los Ángeles, en una propiedad valuada en 5 millones de dólares, donde convive con sus hijos. Al año siguiente de la adopción, uno de sus hijos la convirtió en abuela. Tuvo dos bebés que hoy la llaman Nana.

En 2023 volvió a intentar la vida en pareja. Se casó con Dan Bernard en una ceremonia íntima en Portofino, Italia. Pero la relación llegó a su fin también a los dos años. En medio de la ruptura, reveló en una entrevista concedida a la revista Vogue Australia que tuvo con Bernard su primer hijo biológico. Se llama Somersault, y lo llaman Summi.

Sus inicios y un luto compartido

Su recorrido musical comenzó en Adelaide, Australia, en la segunda mitad de los años noventa, como vocalista de la banda Crisp. A pesar del carácter experimental del grupo, la propuesta no perduró mucho tiempo y, tras la disolución en 1997, la joven cantante decidió mudarse a Londres junto a su pareja de entonces, Dan Pontifex. El destino, sin embargo, le reservaba uno de los momentos más trágicos de su vida: su novio murió repentinamente tras ser atropellado por un taxi poco después de la llegada.

La noticia la obligó a regresar brevemente a Australia, pero fue convencida por los amigos de su novio para instalarse nuevamente en Londres. Fue allí donde la devastación emocional y el luto compartido derivaron en una etapa marcada por los excesos: “Llegué y éramos 13 personas viviendo en un departamento de tres habitaciones, y todos estábamos de luto y nos emborrachamos por mucho tiempo. Todos estábamos devastados y nos excedimos con las drogas y el alcohol. Desafortunadamente, esa juerga me duró seis años”, relató la propia Sia al Sunday Telegraph en 2007.

Durante más de una década se movió en los márgenes de la industria como una cantante de relativo reconocimiento, a la vez que sus problemas con las adicciones y un clima emocional inestable se profundizaban. “Fui una cantante por 10 u 11 años de éxito mediocre y era una alcohólica y una drogadicta, y después logré estar sobria y decidí que ya no quería ser una artista porque empecé a ser un poco famosa y me desestabilizó de cierta forma. Así que pensé en qué no existía en la música pop por el momento, y era el misterio. Ya hay muchas fotos en Instagram de todos en el dentista”, confesó años más tarde a James Corden en su segmento Carpool Karaoke.

El recorrido por ese lugar sombrío la llevó, además, a depender de medicamentos como Xanax y OxyContin. Sia tocó fondo y llegó a redactar una carta de despedida en 2010. Estaba sola en una habitación de hotel, con una mezcla letal de narcóticos a mano, dejó instrucciones para su paseador de perros y una nota dirigida al gerente del hotel. Cuando estaba al borde del suicidio, una llamada inesperada de un amigo logró que reconsiderara su decisión. Esta serie de pérdidas y búsquedas personales terminaría delineando tanto la audacia de su música como sus maneras singulares de enfrentar la fama y el padecimiento.

Más allá de los demonios emocionales, la salud física de la cantante también se vio severamente comprometida por enfermedades crónicas. Dio a conocer que padece el síndrome de Ehlers-Danlos, un conjunto de trastornos hereditarios que afecta el tejido conjuntivo y provoca hipermovilidad articular, fragilidad cutánea y la posibilidad de complicaciones graves. “Estoy sufriendo de dolor crónico, una enfermedad neurológica, Ehlers Danlos… El dolor es desmoralizante, y no están solos”, comunicó en uno de los tuits más conmovedores de su cuenta antes de alejarse de las redes.

Al cuadro se sumaron una enfermedad autoinmune —Enfermedad de Graves, que complicó su salud tiroidea— y un trastorno bipolar. No obstante, la compositora confirmó que sus ganas de trabajar continúan intactas. “Establecí un modelo en donde puedo envejecer, la peluca no muestra la edad”, le dijo a la revista Rolling Stone.

En diciembre de 2023, otro aspecto de su relación con el cuerpo y la exposición pública fue noticia. Dos meses después de anunciar que se había sometido a un lifting facial, la artista comunicó en su cuenta de X su decisión de someterse a una liposucción. Detalló que la medicación recetada había provocado un aumento de peso que no lograba revertir ni con ejercicio ni con tratamiento para la tiroides, y que la cirugía representaba una elección para recuperar su autoestima. “Quiero ser sincera con todos mis procedimientos para no contribuir al sistema que nos dice que no somos suficientes. Soy insegura como la mayoría de la gente y estar en el ojo público me da ansiedad, así que he tomado la decisión de alterar mi apariencia por mis propios problemas de confianza. ¡Recen por mí, por favor! Los quiero, ¡sigan adelante!”, escribió en sus redes, abriendo el debate sobre los estándares de belleza y la transparencia en la industria musical.

La revelación sobre el diagnóstico de autismo añadió una nueva capa de complejidad a su historia, especialmente por el momento en que decidió hacerlo público: fue tras la controversia que provocó el estreno de Music, su película de 2021.

En esa obra, la protagonista autista fue interpretada por Maddie Ziegler, y no con alguien del espectro, lo que generó fuerte rechazo por parte de la comunidad y especialistas. Las críticas se intensificaron por ciertas escenas con técnicas de inmovilización desaconsejadas por profesionales. Primero se defendió de las acusaciones de mal modo en las redes. Más tarde, reconoció su error. Anunció que retiraría esas escenas y asumió su falta de rigor al documentarse: “Escuché a las personas equivocadas y esa es mi responsabilidad”.

Dos años después del estreno de la película, en el podcast de Rob Cesternino, confesó haber sido diagnosticada con un trastorno del espectro autista, permitiéndose comprender aspectos de sí misma hasta entonces no descifrados. “Durante 45 años me he sentido como ‘Tengo que ponerme mi traje humano’. Y sólo en los dos últimos años he llegado a ser plenamente yo misma”, afirmó, describiendo el alivio que le produjo el diagnóstico. La vergüenza y los secretos, relató, habían marcado su vida, pero compartir su historia le permitió finalmente sentirse vista y comprendida.

A cinco décadas de su nacimiento, Sia se sostiene como una figura única y atípica: su carrera vive entre la potencia de sus creaciones y la voluntad férrea de reinventar el vínculo entre artista y público. A fuerza de misterio, exposición selectiva, honestidad sobre su salud mental y física, modelos de familia no convencionales y autocrítica pública, desafía los paradigmas de la celebridad contemporánea.

Desde el comienzo, la artista dejó en claro que el último año fue puro vértigo: la intérprete de La mujer de la fila está rodeada de proyectos, rodajes y homenajes, y alterna el brillo de la alfombra roja con la búsqueda diaria de equilibrio y sentido. “Me gusta eso como me gusta maquillarme y salir en una alfombra roja o ponerme una tanga para una foto. No me gusta encasillarme en un lugar. Me gusta mucho la jardinería. Soy una arquitecta frustrada, siempre me gustó”, contó.

En ese clima, la entrevista la llevó a un terreno clave: el de la exposición pública y sus consecuencias en la vida de Atahualpa, quien está comenzando la etapa adolescente. Natalia fue directa: “Tiene casi 14 y no tiene celular. Para su cumpleaños le vamos a regalar uno que no tiene conexión”. Ante la pregunta sobre cómo es lidiar con otras familias, la actriz subrayó el valor del consenso y la paciencia: “Y... hay que consensuar entre las familias, si no es muy difícil. Si tiene un grupo de pertenencia que están todos muy hiperconectados, realmente es difícil porque él siente que se queda afuera. Si en su grupo más cercano lográs consensuar con las familias, es más fácil. Él también está muy acompañado desde la escuela en ese planteo. En su curso son 38 compañeros, de los cuales entre 12 o 14 todavía están con esto de no tener hasta los 14. Y a los 16 sería la entrega del teléfono que se le llama inteligente.”

Para Oreiro, el desafío está en construir la espera y fomentar hábitos positivos. “Tenés que darle herramientas y no es un ‘porque no’, sino explicar por qué no. Y cada familia es un mundo. Es una decisión muy personal, pero bueno, si me preguntan, eso es lo que pienso”, sentenció, insistiendo en que el secreto está en “darle otras cosas, que le tomen gusto a otras cosas”, aseguró. En su casa, eso implica visitas a librerías, carpintería, herrería, origami, deporte y, sobre todo, un trabajo consciente para que Atahualpa disfrute realidades más amplias.

Temas contemporáneos también llegaron a la mesa del stream: la dificultad de los jóvenes para autogestionarse ante la sobreexposición, la presión de la tecnología y el imperativo de acompañar, más allá de la consigna prohibitiva. La actriz remató con una metáfora: “Si vos le ponés sal a un plato antes de probarlo, es difícil que después te guste algo diferente”.

Otro de los tópicos que tomó relieve en la charla fue la música. Consultada sobre si esa pasión había quedado relegada ante tanto proyecto en cine y televisión, Oreiro fue honesta: “Es parte de mí. Yo siempre fui una actriz que canta. Mi primera incursión musical fue en Un argentino en Nueva York. Cuando fui al casting me preguntaron si cantaba y yo dije, ‘por supuesto’. Lo hacía en el coro de la escuela. Y dije ‘claro que canto’. Bueno, cantá un tema. No sé qué canté y quedé”.

“Yo entregué mi contrato discográfico en mi tercer disco porque estaba girando y yo quería ser actriz dramática... Era otro momento. En ese entonces, estaba muy separado lo que era la actriz de televisión y la cantante pop. Me acuerdo que una vez fui a un casting en San Martín y no me lo tomaron porque era de otro universo. Ni siquiera es que no daba con el perfil; era por los límites del ambiente”, reconoció, mostrando la dificultad de cruzar fronteras profesionales en un contexto mucho menos permeable que el actual.

En la primera parte de la nota, Natalia desarrolló con emoción su experiencia en La mujer de la fila, la película donde interpreta a Andrea Casamento, activista por los derechos de las personas detenidas y sus familias. La actriz confesó la intensidad de dejarse transformar por historias reales: “Cuando interpreto a un personaje real, que no solo existió sino que sigue haciendo cosas por la sociedad, es muy difícil desvincularse. Con ellas tuve un compromiso, porque la mayoría se sintieron no solo miradas sino tenidas en cuenta y protagonistas de esa historia. Hoy su barrio no las estigmatiza sino que las acompañan. Ahora se sienten tratadas de otra manera cuando antes tenían que ocultar su situación, porque la sociedad juzga y dice: ‘Algo deben haber hecho, los criaste mal, se lo merecen’. La película pone el foco en las familias, empatiza con esas realidades y nos hace sentir que a cualquiera nos puede pasar”.

Oreiro también subrayó la importancia de revisar los propios prejuicios y no replicar discursos heredados. “Tenés que trabajar con tus prejuicios, incluso si venís de lugares diferentes. Yo tengo un hijo que va a cumplir 14 años en enero, que me acompaña en mi trabajo. Hoy estamos cumpliendo 40 años con UNICEF; me acompaña a diferentes recorridos porque es la única manera de educar que encuentro posible. Cuando hago una película, me interpela lo que le ocurre al personaje y si es madre, desde que me convertí en mamá me desarma”.

Entre anécdotas familiares, reflexiones sobre su carrera y la maternidad y confesiones sobre los desafíos de la exposición, Oreiro volvió a demostrar por qué, después de más de dos décadas, sigue siendo un faro cultural. Su presencia en el estudio de Infobae fue, en sus propias palabras, un encuentro con su presente, sus cambios y los nuevos sueños que, tanto en la pantalla como en su casa, la impulsan a seguir creciendo y aprendiendo, sin perder nunca la capacidad de emocionarse y de compartir, en voz alta, las preguntas esenciales de la vida.

Para ver la entrevista completa:

Carlos Rivera es una de las voces más queridas de México, ha construido una trayectoria sólida sin perder de vista sus raíces. Originario de Huamantla, Tlaxcala, el cantante siempre ha destacado el orgullo que siente por su tierra y por la cultura que lo formó, detalles que constantemente comparte en entrevistas y presentaciones. Esa identidad también incluye un profundo vínculo espiritual que ha acompañado cada uno de sus pasos.

A lo largo de veinte años de carrera, Rivera ha mostrado una conexión emocional con la Virgen de Guadalupe que él mismo describe como una fuente de fortaleza. Su relación con la fe no es decorativa ni discreta: forma parte de su vida diaria, de sus decisiones y de sus momentos más importantes sobre el escenario. En varias ocasiones ha afirmado que cada logro lo atribuye al trabajo, al cariño del público y a la protección que siente al encomendarse a la morenita del Tepeyac.

Esa devoción se ha vuelto un sello distintivo que sus seguidores reconocen y respetan. Cada aparición pública en la que habla de su espiritualidad revela un aspecto íntimo que él comparte con total sinceridad, generando cercanía con quienes lo escuchan y reforzando la imagen de un artista que no olvida sus raíces.

Momentos que fortalecieron su vínculo con la morenita

En una entrevista televisiva, Rivera recordó con especial emoción la presencia de una imagen de la Virgen de Guadalupe ubicada en el interior del Auditorio Nacional. Según relató, cada vez que se presentaba como invitado en ese escenario, dedicaba unos minutos a pedir por la oportunidad de estar ahí. Con el paso del tiempo, ese pequeño ritual se convirtió en una tradición personal.

El cantante también compartió que, antes de consolidarse como figura estelar, dejó un mensaje en el libro de artistas del recinto. En mayo de 2016 escribió una frase que, con el tiempo, tomó un significado especial: “Cuántas veces caminé frente a la Virgen y le pedí una noche como estas”. Para él, esas palabras simbolizan el camino recorrido y la realización de un sueño por el que trabajó durante años.

A partir de ese momento, Rivera ha regresado al auditorio en numerosas ocasiones como protagonista de conciertos multitudinarios. Cada presentación, afirma, es un recordatorio de lo que pidió y de lo que finalmente obtuvo. Su testimonio refleja cómo la fe se entrelaza con sus metas y su evolución profesional.

Devoción que también se expresa a través de su música

Además de sus rituales personales, Carlos Rivera ha tenido la oportunidad de participar en homenajes dedicados a la Virgen de Guadalupe durante transmisiones especiales en diciembre. En esas presentaciones ha interpretado temas con mariachi, entre ellos “Como pagarte”, canción que ha ofrecido con especial cariño durante sus visitas al Tepeyac.

En otra ocasión, cuando le preguntaron qué significaba la Virgen en su vida, respondió con firmeza que la considera un pilar emocional. Definió a la morenita como “nuestra madre y nuestra fuerza”, dejando en claro que su vínculo con ella no se limita a lo simbólico, sino que forma parte esencial de su manera de enfrentar los desafíos y celebrar sus logros.

Rivera ha dicho en múltiples entrevistas que agradece no solo el crecimiento profesional, sino también la estabilidad familiar y el apoyo de su público, atributos que reconoce como bendiciones. Su fe, su música y su historia personal avanzan juntas, mismas que lo han acompañado desde sus inicios.

“El duro momento de salud que atravesó María Becerra” no fue una figura retórica o un simple titular. En abril de este año, la artista —conocida como La Nena de Argentina— eligió compartir con su público el diagnóstico que la puso al borde del abismo: una hemorragia interna causada por un embarazo ectópico. La noticia provocó conmoción en miles de fanáticos y un repliegue íntimo en la pareja, que hasta entonces había preferido el silencio o, a lo sumo, frases sueltas en redes sociales y entrevistas fugaces.

Pero este martes, Julián Reininger, conocido como J Rei, rompió ese cerco con un relato crudo, sensible y lleno de verdades incómodas. “La pasó mal, obviamente, porque estuvo en riesgo su vida”, resumió de entrada, sin disfrazar el espanto. ¿Cómo se digiere la fragilidad de quien es el centro de tu vida? La impotencia lo atravesó. “Querés poner el cuerpo por ella y no podés”, recordó. La escena lo marcó: “Ver a la persona que más amás en una cama de hospital, sin poder responderte… ahí se te frena el mundo”.

En ese instante, todo lo superfluo quedó a un costado. Por difícil que resultara, su rol se redujo a estar y querer. “Yo lo único que tengo para dar es amor y uno, por la persona que ama, hace hasta lo que no puede”, confesó el cantante, con la voz quebrada por el recuerdo. “Di de mi corazón todo lo que tenía, entregué mi alma, mi tiempo, mi energía, mi cariño… todo lo que podía”. Sin embargo, fue enfático: “La fortaleza fue de ella, puntualmente”. María peleó la batalla más dura y él acompañó, consciente de sus límites y de la dimensión del amor real.

Contra ese trasfondo de hospitales, miedos y esperas, la música encontró un nuevo sentido. El artista transformó el trance en arte: “Este año mi terapia fue ir al estudio, llorar y hacer canciones que ni siquiera sabía que estaban guardadas adentro mío”, relató. Su canción más reciente, que definió como “un poema más que un tema”, está dedicada íntegramente a María Becerra. La letra recoge el dolor compartido y la esperanza de quienes “se encontraron y pidieron a sus dueños nunca más ser impar”. La fragilidad se vuelve verso; el miedo, melodía.

La experiencia extrema no solo redefinió palabras y estrofas. La colaboración de la pareja en la canción “Mi amor dos puntos” debió ser reescrita. “Iba a tratar sobre la distancia, pero después de lo que vivimos, cambiamos la historia que queríamos contar”, explicó. Los planes y los tiempos se trastocaron. La prioridad, ahora, tiene nombre: la salud. “Lo más valioso está de la puerta para adentro y adentro de tu corazón también”, reflexionó. De pronto, las cosas simples —el valor del tiempo, un plato de comida, el abrazo y el hogar— adquirieron una dimensión desconocida. “Ningún bien material, insistió, puede competir con eso”.

Tanto caló la lección que su vida cotidiana experimentó un vuelco: abandonó el cigarrillo, incorporó el ejercicio diario y redujo el alcohol. “Le doy mucha entidad a la salud. La salud es impagable, no tiene precio”, sentenció. Su día a día se volvió una carrera deseando un solo final: cumplir con las obligaciones y regresar a casa para ver a su pareja. “Lo único que deseo es que termine el día y verla, estar con ella”.

El futuro como familia existe, pero ni él ni María están apurados. “La naturaleza te indica el camino, y sabemos respetarlo. Ahora es el momento de la salud”, cerró J Rei ante la atenta mirada y oídos del estudio.

Las palabras pueden parecer ajenas hasta que el drama se cuela en la cotidianeidad, y quienes las pronuncian se despojan de cualquier coraza. Así, en ese instante, J Rei abrió una ventana a la intimidad de quienes atraviesan la tormenta y deciden transformarla en canción y en amor.

Santo Domingo, 5 dic (EFE).- El cantante puertorriqueño de música urbana Rauw Alejandro cerrará un año "histórico" con un "espectacular" concierto gratuito en República Dominicana el 13 de diciembre, anunció este lunes a través de un video en sus redes sociales.

La presentación 'Noche Caribeña' se realizará en el Parque Eugenio María de Hostos, en el malecón de Santo Domingo, informaron este viernes sus organizadores.

En el clip, Rauw Alejandro aparece disfrutando un tradicional mangú -plato típico en República Dominicana- mientras escucha una radio antigua que reproduce su bachata 'Silencio'.

En pleno diciembre, y como agradecimiento al cariño del público dominicano, el artista llega convertido en 'Santa Rauw', para ofrecer una noche cargada de energía, baile, éxitos, sorpresas y colaboraciones especiales, agregó la información.

La producción incluirá invitados que representan la riqueza musical del país, desde leyendas del merengue y la bachata hasta destacados artistas urbanos, uniendo generaciones y ritmos en un mismo escenario.

La 'Noche Caribeña' marca el regreso del puertorriqueño a Santo Domingo tras dos años de ausencia, tiempo en el que recorrió Estados Unidos, Latinoamérica y Europa con su gira 'Cosa Nuestra World Tour'.

Durante 2025, el artista fue distinguido con el Premio Herencia Hispana en la categoría Visión, por su aporte innovador a la música latina y su impacto global.

En República Dominicana interpretará éxitos de sus álbumes 'Cosa Nuestra' y 'Cosa Nuestra: Capítulo 0', trabajos con los que rindió homenaje a sus raíces y exploró géneros como la salsa, la plena y la bomba.

40 fotos: el cóctel de bienvenida al embajador de los Estados Unidos, Peter Lamelas, organizado por AmCham

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La primera pregunta de la tarde incluye al mundo del espectáculo: “‘No era jamón, era japaleta.’ ¿Quién dijo esta frase de la farándula argentina?“ Ante la consigna, Tato aprieta el botón de respuesta: “No tengo ni idea, pero me la voy a jugar. Arranco con toda”, lanza antes de responder al azar que es Aníbal Pachano quien pronunció cierta frase célebre. Pero inmediatamente interviene Luchi Patrone: “Te tiré para que la adivines mal. Te la robo. Moria Casán”. La respuesta resulta correcta y la ronda se llena de carcajadas: “Jajaja. Era muy Moria esa frase para mí.”, celebra Luchi, mientras Tato reclama con humor: “Empezamos mal. Yo les dije que tiene suerte”.

Ambos dejan que la espontaneidad maneje el desarrollo del programa. “Estoy un poquito nervioso”, reconoce Tato, y Luchi se suma: “Yo también estoy nerviosa”. Cuando llega una pregunta sobre deportes: ¿Quién es el último argentino en ganar un Grand Slam? La energía aumenta: “Esta es la mía”, se anticipa Tato y agrega: “Creo que no necesitaría ni opciones, pero por las dudas vamos a escucharlas…”, y da la respuesta que lo consagra: “La opción correcta es Juan Martín del Potro fue el último en ganar un Grand Slam y fue un US Open”. La producción ratifica y el punto suma: “¡Vamos!“, festeja Tato, mientras Luchi concede: “Era la intuición”.

La amistad y la rivalidad se cruzan en bromas sobre sus supuestas habilidades deportivas. “Yo soy muy buena en los deportes, la verdad. Pero responder bien es otra cosa. Vos me ponés a hacer gimnasia, me sale. Jugué al handball, voley, básquet, de todo. Si me pongo, va bien. Pero acá, responder es otra cosa”, reflexiona Luchi con humildad y humor. Tato suma: “Yo me tengo mucha fe en Deportes, así que rezá para que no toque mucho de ese tema”.

El recorrido por las preguntas revela momentos de vulnerabilidad, como cuando hablan de su desempeño escolar. “¿Cómo te iba en el colegio?, nunca te pregunté eso”, pregunta Tato. “No, no, es un tema que no tenemos que traer a la mesa”, sonríe Luchi. “¿Es un tema tabú?”, acota Tato, mientras Luchi recuerda: “Siempre aprobaba todo; a fin de año estaba ahí para rendir y aprobaba todo”.

El desafío de geografía los enfrenta a una pregunta clásica: ¿Cuál de los siguientes países no tiene salida al mar: Bolivia, Chile, Turquía o Egipto? Luchi, tentada por la duda, responde “Egipto”, pero Tato detecta el error y agrega pedagógicamente: “La respuesta correcta es Bolivia”. Luchi se ríe de sí misma: “Iba a decir Bolivia pero me arrepentí”, y la anécdota hace crecer la confianza y la distensión entre ambos.

En medio del juego, las apuestas empiezan a surgir. “¿Qué apostamos?”, tira Luchi. “Luchi cocina poco, pero cuando cocina, cocina bien. Podría cocinar algo”, sugiere él. Ella retruca: “No, un almuerzo después de acá”.

Las preguntas de ciencia ponen a prueba el conocimiento de ambos y generan incertidumbre: “¿Qué gas constituye la mayor parte del aire que respiramos?”, lee la producción. Tato se apresura: “La respuesta correcta es oxígeno”. Sin embargo, Luchi tiene la última palabra: “Nitrógeno”, responde con seguridad. Y la producción confirma que su respuesta es correcta. Seguido de un baile para festejar el acierto Luchi comenta: “Eso es porque estas canchereando mucho amigo”.

La ronda avanza hacia las últimas preguntas con el marcador ajustado. Los nervios crecen y llega la siguiente pregunta sobre Historia: “¿Quién fue el último Faraón de Egipto?”. “Ahora sí, el papelón está asegurado”, se ataja Tato. Entre risas Luchi acompaña el sentimiento: “Ahora sí, ya está, me doy por vencida”. Luchi se anticipa a apretar el botón de respuesta y contestar con seguridad: “Cleopatra”. Ante el acierto de su compañera Tato se agarra la cabeza y comenta: “¡No, no, a suerte que tiene!”.

La pregunta final determina como cierra la competencia: “¿De quién es el tema musical ‘Diva Virtual’: Daddy Yankee, Don Omar, Macano o Luis Fonsi?“. La decisión se vuelve estratégica y la pulseada por el botón se intensifica. Finalmente, Luchi tira el batacazo: “Don Omar”. Y confirma el triunfo: “Chequea cómo se menea, amigo. ¡Amigo, te descosí!, decí la verdad”. Tato acepta la derrota y recuerda la apuesta inicial: “¡Ay, no! ¡Tengo que pagar el almuerzo!”

La complicidad, el compañerismo y la diversión perduran más allá de la competencia en #Detaquito. “No pasa nada. ¿Querés revancha? Hacemos revancha”, propone Luchi, dejando abierta una promesa para el próximo encuentro. Tato concluye, fiel a su humor: “Voy a soñar con Don Omar y Daddy Yankee”.

Un escenario iluminado, una multitud emocionada, el piano que arranca con “Your Song”. Hasta hace poco, nada parecía capaz de detener la energía inconfundible de Elton John. Pero lejos de los reflectores, el ícono británico enfrenta el reto más inesperado de su vida: una drástica pérdida de visión tras una infección ocular. El diagnóstico sorprendió incluso a los médicos. No era la primera vez que la salud amenazaba la carrera y la rutina de una de las mayores leyendas vivas del pop.

A lo largo de los años, el cantante lidió con varios desafíos médicos que marcaron sus etapas como artista y como persona. Desde el consumo problemático de sustancias en los años setenta y ochenta hasta afecciones físicas propias del desgaste, nunca ocultó su batalla por mantenerse en pie.

Entre los episodios de salud pública más conocidos del músico destaca su ingreso a rehabilitación en 1990 para combatir la adicción al alcohol, la cocaína y los trastornos alimentarios. Aquella decisión, según relató el propio Elton en diversas entrevistas, le salvó la vida. Desde entonces, ha promovido la salud mental y la prevención de adicciones, fundando y liderando campañas junto a la Elton John AIDS Foundation.

En los últimos años, su salud física también requirió atención médica significativa. En 2017, el cantante de hits como I’m Still Standing fue hospitalizado tras una grave infección bacteriana contraída durante una gira por Sudamérica, que obligó a cancelar varios conciertos. Aquella vez, los médicos describieron el estado como potencialmente mortal, pero la reacción temprana y los tratamientos intensivos permitieron su recuperación.

Más adelante, en 2021, sufrió una caída en su residencia que le provocó problemas en la cadera. La lesión llevó a postergar fechas de su gira de despedida, y finalmente el cantante debió someterse a reemplazo de ambas rodillas, recuperando movilidad, aunque siempre bajo control médico regular.

La batalla actual: ¿cómo perdió la visión Elton John?

En el verano de 2024, durante unas vacaciones en la Costa Azul de Francia, Elton John contrajo una infección ocular que comprometió radicalmente su visión. El virus afectó ambos ojos y dejó al artista completamente ciego de su ojo derecho, según confirmó People. El izquierdo, a pesar de los esfuerzos y tratamientos médicos, sólo mantiene capacidad visual limitada.

La dolencia obligó al músico a modificar prácticamente todas las facetas de su día a día. “Ha sido devastador. Perdí el ojo derecho y el izquierdo tampoco está bien. No puedo ver la televisión, no puedo leer, ni ver a mis hijos jugar”, afirmó el cantante a Variety.

Su familia, encabezada por su esposo David Furnish, reorganizó rutinas y apoyos. La imposibilidad de ver partituras llevó a adaptar los procesos de composición y grabación, incorporando tecnologías como pantallas de alto contraste, teleprompter personalizado y formatos de letras en gran tamaño.

Qué tratamientos médicos siguió y cuál es el pronóstico

Según explicó David Furnish –presidente de la Fundación e indispensable en el cuidado de su esposo–, el daño en la retina derecha es irreversible, pues el tejido retinal no sana naturalmente. Sin embargo, continúan tratamientos experimentales en el ojo izquierdo, incluyendo aplicaciones de tecnología e inteligencia artificial para facilitar la rehabilitación visual.

Los médicos que tratan al artista destacan que la ciencia avanza y existen investigaciones en curso sobre cuidados de la retina y estimulación visual. Por ahora, el objetivo se centra en conservar el residuo visual y garantizar calidad de vida. “He tenido una vida increíble y tengo esperanza. Debo ser paciente y confiar en la ciencia”, afirmó el propio John.

¿Cómo impactó la salud en su vida personal y artística?

La vida cotidiana y el entorno profesional del músico han cambiado drásticamente. Ya no puede asistir a eventos públicos ni observar los conciertos de otros artistas como antes. La firma autógrafa, célebre en la cultura pop, debió simplificarse; ahora consiste en una “E” y una “X”. No puede ver a sus hijos, Zachary y Elijah, durante sus partidos deportivos, hecho que describió como una de las pérdidas emocionales más profundas que ha sufrido.

En el estudio, la producción musical encontró alternativas para mantener la creatividad. Se utilizan pantallas de computadora de gran tamaño y teleprompters con tipografías muy visibles. El propio Bernie Taupin, colaborador de toda la vida, le recita las letras de las canciones cuando la visión del artista no alcanza para leerlas.

¿Elton John dejó los escenarios por motivos de salud?

En términos de giras, Elton John sí optó por finalizar su etapa de conciertos multitudinarios. El impacto de las recaídas físicas y la necesidad de priorizar la salud lo llevaron a despedirse de los escenarios tras su tour Farewell Yellow Brick Road. No obstante, continúa presentándose en eventos seleccionados y en galas benéficas para la Elton John AIDS Foundation.

Aunque la severidad de su condición obliga a una agenda menos pública, el músico pone énfasis en su red de apoyo: familia, colegas y amigos como Paul McCartney o Keith Richards, quienes lo acompañan en este proceso.

Pese a los obstáculos, el cantante de temas como Rocket Man insiste en mantener la actitud positiva, confiando en los avances médicos y científicos. “No puedes perder la esperanza, siempre hay que intentar mejorar las cosas”, repitió ante Variety.

De acuerdo con el relato recogido por el Tribunal Superior de Justicia de Cantabria, la víctima y su madre, que también actuaba como su agente, intentaron aclarar la situación con la discográfica tras haber realizado los ingresos a petición de sus representantes. Solo entonces la compañía discográfica les comunicó que los servicios habían sido abonados por uno de los managers por solo 29.000 euros, una cifra mucho menor a la entregada por la cantante. El medio explicó además que la discográfica les informó que el contrato alegado nunca llegó a formalizarse, por causas imputables a la pareja de representantes. Este hecho constituye el núcleo de la denuncia por apropiación indebida y estafa, según el Ministerio Público.

El ministerio fiscal, según informó el medio, atribuye a los dos acusados—que ocupaban el rol de managers de la artista—haber aprovechado la relación de confianza con la cantante y su madre para aparentar la existencia de un acuerdo con una reconocida discográfica. Bajo esta premisa, convencieron a ambas de realizar transferencias bancarias por un valor total de 75.322 euros, que supuestamente estaban destinadas a cubrir los costes de formalización de ese presunto contrato. Sin embargo, según reportó la Fiscalía, la cuenta beneficiaria no pertenecía a la discográfica sino que estaba a nombre de los propios acusados.

De acuerdo con los datos aportados por el Ministerio Público y recogidos por la prensa, los hechos estarían enmarcados como un delito de estafa agravada. En el caso concreto de uno de los imputados, la acusación fiscal incluye la agravante de reincidencia, ya que contaba con antecedentes penales por hechos similares. En consecuencia, la Fiscalía solicita para la manager una condena de dos años de prisión y una multa de 2.400 euros; para su pareja la petición asciende a cuatro años de cárcel y una multa de 3.600 euros. Además, la Fiscalía solicita que los acusados abonen de forma conjunta una indemnización de 75.322 euros a la cantante y su madre, conforme a la responsabilidad civil derivada del delito.

En cuanto a la acusación particular, ejercida por la propia artista afectada, la petición de penas se eleva: solicita para ambos cuatro años de prisión y multas de 4.500 euros, así como el pago de la misma cantidad defraudada a modo de indemnización. El proceso judicial por estos hechos quedó señalado para el miércoles 3 de diciembre a las 9:30 horas, con audiencia en la Sección Primera de la Audiencia Provincial de Cantabria, según detalló el Tribunal Superior de Justicia regional.

Durante la investigación, según consignó la Fiscalía a los medios, se determinó que los fondos transferidos por la cantante y su representante tenían como destinatario una entidad bancaria controlada por los managers. La simulación de acuerdos contractuales, sumada a la falsa apariencia de relación con la discográfica, forman parte de las pruebas presentadas por el Ministerio Público para argumentar la existencia de un engaño premeditado.

Tanto la acusación particular como la fiscal insisten en que la suma entregada no se correspondió con servicios reales ni con la gestación de ningún contrato efectivo con la discográfica. El hallazgo de que la compañía musical había recibido menos de la mitad de lo pagado refuerza—según publicó el Tribunal Superior de Justicia de Cantabria—la tesis de la apropiación ilícita y la falsa representación por parte de los acusados.

El procedimiento judicial busca dirimir si los hechos relatados cumplen los elementos tipificados como estafa agravada, con la toma en cuenta de los antecedentes previos y de la gravedad del perjuicio económico ocasionado. El Ministerio Público y la representación de la artista reclaman la devolución íntegra del dinero defraudado como parte del resarcimiento a las víctimas.

La causa ha generado especial atención por el presunto abuso de confianza ejercido hacia la cantante y su madre, que confiaron en los managers para la negociación de contratos importantes en el inicio de la carrera musical de la artista. El juicio en la Audiencia Provincial de Cantabria permitirá a las partes exponer sus versiones y aportar testigos y pruebas sobre la existencia de los hechos atribuidos, según ha detallado el Tribunal Superior de Justicia de Cantabria.

La joven cantante e influencer latina María De La Rosa, conocida artísticamente como DELAROSA, falleció el sábado pasado a los 22 años después de recibir varios disparos mientras se encontraba en un automóvil estacionado en el barrio de Northridge, Los Ángeles.

Este miércoles, las autoridades acusaron a los sospechosos como Francisco Otilio Gaytán y Benny Licon Gómez, ambos de 27 años, quienes fueron detenidos durante el fin de semana.

El tercer implicado, Eduardo López, de 21 años, tiene una orden de arresto pendiente. Todos ellos residen en Northridge y enfrentan cargos por asesinato y por intento de robo en segundo grado, según detallaron los fiscales.

Los sospechosos han sido acusados de asesinato e intento de robo

De acuerdo con la información publicada por The Associated Press, la Fiscalía del Condado de Los Ángeles informó que tres hombres han sido acusados de asesinato y de dos cargos de intento de robo en segundo grado por este ataque, que tuvo lugar durante el fin de semana.

La madrugada del sábado, poco antes de la 1:30, tres individuos se aproximaron a un vehículo estacionado y exigieron dinero a sus ocupantes. Según la Oficina del Fiscal de Distrito del Condado de Los Ángeles, tras la negativa, los agresores abrieron fuego, hiriendo a las tres personas que se encontraban en el interior.

De La Rosa fue trasladada de urgencia a un hospital, donde falleció a causa de las heridas de bala. Las otras dos víctimas resultaron gravemente heridas, de acuerdo con la información proporcionada por la fiscalía.

Las autoridades han fijado fianzas para cada uno de los detenidos

En cuanto a las medidas judiciales, Licon Gómez permanece bajo custodia con una fianza fijada en 2.280.000 dólares y su comparecencia ante el juez estaba prevista para el miércoles, según la información del medio ABC News.

Por su parte, la fianza de Gaytán se estableció en 2.180.000 dólares, con una audiencia programada para el 7 de enero de 2026. En el caso de López, la fianza asciende a 2.205.000 dólares y la fecha de su lectura de cargos será determinada próximamente.

Los fiscales calificaron el crimen como “despiadado y selectivo”

La Fiscalía del Condado de Los Ángeles subrayó la gravedad del ataque, al calificarlo como un acto “despiadado y selectivo” que no solo acabó con la vida de una joven artista, sino que también dejó secuelas profundas en su familia y en los dos sobrevivientes.

“Este fue un ataque despiadado y selectivo que le robó la vida a una joven artista e infligió un trauma profundo de por vida a su familia y a los dos sobrevivientes”, afirmó el fiscal de distrito Nathan Hochman en un comunicado de prensa difundido el miércoles. Hochman añadió: “Mi oficina investigará este caso con firmeza para garantizar que los responsables rindan cuentas por esta violencia sin sentido y mortal”.

La madre de la víctima, Deyanira De La Rosa, relató a la cadena KABC de Los Ángeles que su hija había salido con amigos cuando ocurrió el tiroteo. Profundamente afectada, expresó: “¿Cómo le haces eso? ¿Quién le hace esto? Porque esto no es normal”. También destacó la juventud de su hija al declarar: “Ella era tan joven”.

La cantante comenzaba a explotar en el mundo musical

DELAROSA había comenzado a ganar notoriedad en la escena musical latina, acumulando cerca de 40.000 seguidores en Instagram.

En agosto, lanzó un sencillo titulado “No me llames”, y su última publicación en la red social recibió numerosos mensajes de condolencia, entre ellos el del fundador del sello discográfico Rancho Humilde, Jimmy Humilde.

De acuerdo con la fiscalía, si los acusados son hallados culpables de los cargos que se les imputan, podrían enfrentar cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional.

María de la Rosa, conocida artísticamente como DELAROSA, una joven cantante e influencer originaria de Puerto Rico de 22 años fue asesinada tras ser víctima de un ataque armado en Northridge, Los Ángeles.

La artista, reconocida por su reciente sencillo “No Me Llames”, perdió la vida después de recibir varios disparos mientras se encontraba en el interior de un vehículo estacionado, en lo que las autoridades describieron como una “emboscada”.

El Departamento de Policía de Los Ángeles informó al medio Univisión que el ataque ocurrió alrededor de la 1:25 horas de la madrugada (hora local) del sábado 22 de noviembre, cuando dos hombres se aproximaron al automóvil donde se hallaba De la Rosa junto a dos amigos, un hombre y una mujer.

Momentos antes del ataque, los agresores habían estado merodeando el auto donde se encontraba la cantante

Testigos relataron a las autoridades que los agresores habían sido vistos merodeando el vehículo minutos antes de abrir fuego desde el lado del conductor.

Según el comunicado policial recogido por Univisión, “los testigos describieron haber visto a dos sospechosos acercarse a un vehículo estacionado en la calle Bryant… Se dispararon varias balas contra varias víctimas que estaban estacionadas en la zona en su vehículo”.

Los equipos de emergencia trasladaron urgentemente a la artista a un hospital

La cantante fue trasladada de urgencia a un hospital, donde finalmente fue declarada muerta. De acuerdo con la información publicada por el medio TMZ, un familiar de María de la Rosa aseguró que la artista “fue la única víctima alcanzada por los disparos”.

El mismo familiar detalló al medio que María se encontraba en el asiento del copiloto cuando los agresores dispararon, mientras que las otras dos personas en el coche resultaron ilesas. Sin embargo, Univisión reportó que, hasta la tarde del sábado, los acompañantes de la cantante permanecían en estado crítico.

Las autoridades mantienen abierta la investigación mientras se esclarecen los motivos del ataque armado

El motivo del tiroteo permanece sin esclarecer y la investigación policial sigue en curso. Las autoridades no han realizado detenciones y los sospechosos continúan prófugos.

De acuerdo con la información publicada por el medio KTLA-TV, los funcionarios del Departamento de Policía de Los Ángeles confirmaron que los atacantes huyeron tras disparar varias veces contra el vehículo, por lo que, hasta el momento, ninguna persona ha sido arrestada por el asesinato de la joven puertorriqueña.

El martes 25 de noviembre, TMZ difundió que tuvo acceso al audio de la llamada al 911 realizada tras el ataque. En la grabación, una persona describe a la víctima como “una mujer hispana de veinte años con una presunta herida de bala en el abdomen”. Este dato fue resaltado por el medio como parte de la reconstrucción de los hechos.

DELAROSA había comenzado a ganar notoriedad en la escena musical latina gracias a su sencillo “No Me Llames”, lanzado en agosto de este año. Su muerte ha generado numerosas muestras de pesar entre seguidores y colegas, quienes lamentan la pérdida de una voz emergente en la música puertorriqueña.

María José Loyola Anaya, mejor conocida como “La Josa”, es una cantante mexicana reconocida por su voz y calidad artística. A través de sus redes sociales comparte momentos de su vida: lo que sucede detrás de los shows, ensayos, la música y también la convivencia con dos perritos que conquistaron su corazón, Pancha y Boligoma.

Dentro de su vida familiar estos canes se han convertido en una parte esencial de su rutina, alimentando no solo su inspiración, sino también su bienestar emocional. De hecho, Pancha fue su compañera más antigua y su refugio en momentos personales difíciles.

En diversas entrevistas consultadas por Infobae la intérprete ha mencionado que su padre quiso regalarle un perro porque su esposo, Mauricio, le comentó que ella deseaba un bulldog francés. Sin embargo, al llegar a su casa encontró un San Bernardo bebé, llegada que coincidió con una etapa complicada, pues un día después de recibirla sufrió un legrado.

“Ese perro me cayó del cielo, porque fue divina; nunca dio lata, nunca lloró… La verdad es que si vino a rescatarnos a Mauricio y a mí”, contó en una entrevista con Mara Patricia Castañeda publicada en su canal de Youtube. El San Bernardo llegó para acompañarla en la búsqueda de convertirse en madre.

Fue una historia de compañía que duró muchos años, pero en agosto del año 2024 la intérprete publicó un mensaje de despedida en su Instagram agradeciendo por la vida y el camino compartido, bendiciendo su transición, ya que su “pilar, montaña y ángel” lamentablemente había fallecido.

Boligoma, un goldendoodle que cautivó las redes sociales

En sus redes sociales, la cantante compartió un video en el que presentó a Boligoma a Pancha y a su hija, cuando la goldendoodle aún era muy pequeña. El encuentro generó numerosas reacciones entre sus seguidores, quienes destacaron la ternura del momento y lo hermosa que lucía la cría.

Ella ha publicado fotografías, historias y videos que muestran la convivencia familiar con su mascota. También ha compartido que Boligoma tuvo cachorros y que uno de ellos se llama Pimienta. Tanto fans como algunos medios destacan el profundo amor canino de la cantante y actriz, capaz de traspasar la pantalla y evidenciar la importancia del vínculo con los animales.

Las mascotas pueden convertirse en una oportunidad para generar conexión, sanar y acompañar incluso en los momentos más difíciles. Tal como mencionó la propia María José: llegan del cielo y te salvan la vida justo cuando más lo necesitas.

Características de la raza San Bernardo

El San Bernardo es un perro de gran tamaño, conocido por su temperamento tranquilo y afectuoso. Su imponente cuerpo y pelaje, que puede ser claro o medio, lo distinguen. Es amable, leal y tierno lo que lo vuelve una raza muy especial.

De acuerdo con Hill’s Pet, “los San Bernardo son perros cariñosos y plácidos. Su simpatía instintiva probablemente contrarrestará el miedo inicial de un extraño que se acerca a un perro tan grande. No obstante, dichos ejemplares son igualmente rápidos a la hora de proteger a los miembros de la familia que crean que están en peligro”.

Además, señalan que “por ser tan simpáticos, dulces y tolerantes, los San Bernardos pueden llevarse especialmente bien con familias con niños con buen comportamiento. Famosos por ser excepcionalmente comprensivos y pacientes, los San Bernardo tendrán cuidado para no herir a los niños”.

Tanto en hembras como en machos pueden pesar entre 54 y 91 kilogramos. Los machos alcanzan aproximadamente 69 cm de altura y las hembras unos 64 cm, en general son muy musculosos y fuertes. En cuanto a los cuidados, se recomienda que realicen ejercicio con frecuencia para que liberen toda su energía y estrés.

Y ahí, bajo los focos de la televisión ibérica, las sorpresas no terminan. Fue en ese país donde en las últimas horas la cantante participó de El Podcast de final de mes, conducido por Miki Núñez, y en ese espacio, se sinceró sobre diferentes aspectos de su vida.

María, de cara a sus seguidores, leyó en voz alta una pregunta inesperada: “¿Cuánto pagarías por volver a ser anónima por un día? Por poder salir a la calle sin que nadie te reconozca”. El silencio era palpable, se presentía la expectativa por su respuesta que desarmó a todos: “Pagaría lo que sale un pasaje a Japón. Porque me voy a Japón y no me conoce nadie. Es tal cual. Es que es verdad, sí. Yo si quiero estar tranquila, me voy a esos lugares que no hablan mi idioma, que nadie me conoce y soy una persona normal”. El estudio estalló en risas y aplausos por el ingenio con el que contestó. ¿Quién habría imaginado que una superestrella necesita, a veces, perderse en la multitud más distante para reencontrar su paz?

Incluso, el propio Miki Núñez no dudó en aclarar las dificultades del encuentro. Ese cruce de océanos, de acentos y de modismos dejó ver otra barrera inesperada. Pese a que ambos hablan castellano, por momentos la charla se tornó difícil y muchas cosas no se les entendieron, debido a la diferencia de acentos y maneras de expresarse.

En el set de La Voz, la química se tradujo en alegría y complicidad. El encuentro entre María Becerra y Sebastián Yatra marcó el inicio de una dupla capaz de mover fibras dentro y fuera de la pantalla. “María ha encajado muy bien, tiene ese tacto no solo para ayudar a los participantes, sino también para ayudarme a mí y sumarle al programa”, reveló el cantante colombiano entre gestos de admiración, quien mostró a cada momento su satisfacción por la dinámica recién nacida. Ella, por su parte, se rindió ante el carisma y esa “labia” tan característica de Yatra: “Te lo dije desde el minuto uno, jamás conocí a alguien que pudiera hablar tanto”. “Sos muy inteligente y rápido con las palabras, y también muy sensible”, agregó, al revelar la empatía que selló su alianza en este escenario competitivo.

“Va a ser brutal, tenemos un grupo increíble. Dimos con un equipo con el que conectamos”, sentenció Yatra al anticipar jornadas de grandes emociones y actuaciones memorables. Las apuestas se pusieron sobre la mesa.

El debut de María en el programa no pudo ser mejor recibido. Presentándose junto a Yatra, interpretaron una versión acústica de “Si tú no estás aquí”, el célebre clásico de Rosana. Las voces se mezclaron, las miradas cómplices recorrieron el estudio, el público se detuvo a disfrutarlos. ¿Quién podría permanecer indiferente ante esta fusión de talento y ternura? Así, entre cámaras, ensayos y decisiones cruciales, la cantante escribió un nuevo capítulo en su carrera, derribando fronteras y conquistando corazones en cada paso.

Tras el éxito arrollador de Motomami, Rosalía regresa a los escenarios con un nuevo proyecto musical que promete marcar un antes y un después en su carrera. Lux, su cuarto disco de estudio, verá la luz el próximo 7 de noviembre y llegará acompañado de una presentación a la altura de las expectativas que rodean a la artista catalana.

La cantante ha elegido Valencia como el escenario donde mostrará por primera vez este nuevo trabajo al mundo. Ese mismo día se celebrarán los LOS40 Music Awards Santander 2025, una gala que servirá como marco para el esperado debut en directo de Lux. La cita tendrá lugar en el Roig Arena, el flamante recinto valenciano que acogerá uno de los eventos musicales más importantes del año.

El equipo de Rosalía prepara un espectáculo especial que, según adelantan, inaugurará una nueva era en su propuesta artística. Música, visuales y estética se combinarán para dar forma a una experiencia que promete no dejar indiferente a nadie y que consolidará a la artista como una de las figuras más innovadoras del panorama internacional.

Todo lo que sabemos hasta la fecha sobre `Lux’

Rosalía marca su regreso a la música con Lux, su esperado cuarto álbum de estudio, editado por Columbia Records y Sony Music. El proyecto incluye 15 canciones en formato digital y 18 temas en vinilo y CD, y cuenta con la participación de figuras de renombre como Björk, Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz y Yves Tumor, entre otros. Grabado junto a la London Symphony Orchestra, el disco profundiza en la mística femenina, la transformación y la espiritualidad, construyendo un viaje sonoro que transita entre la ilusión y la pérdida, la fe y la afirmación de la individualidad. Entre sus más importantes inspiraciones para el disco destaca la filósofa y mística francesa Simone Weil (1909-1943) que durante la Guerra de España formó parte de la Columna Durruti.

Más de tres años después del fenómeno global de Motomami, la artista catalana presenta un trabajo que promete redefinir su universo creativo y consolidar su posición como una de las voces más innovadoras del panorama internacional. Con Lux, Rosalía propone una nueva dimensión estética y musical llena de introspección.

Un regreso simbólico

Para celebrar este lanzamiento, Rosalía ha elegido Valencia como escenario de su regreso a los escenarios. La cantante inaugurará la gala de los LOS40 Music Awards Santander 2025 en el Roig Arena, con un espectáculo especialmente diseñado para la ocasión. Su visita tendrá además un valor simbólico: un año atrás, la artista viajó a la zona como voluntaria, colaborando en las tareas de ayuda tras la DANA que afectó a la región. Esta vez, volverá para agradecer al público valenciano con un show inolvidable que marcará el inicio de una nueva era en su carrera.

Los LOS40 Music Awards Santander 2025, uno de los eventos musicales más prestigiosos del mundo, celebrarán por primera vez su gala en Valencia, transformando la ciudad del Turia en el epicentro mundial de la música. Rosalía se suma a un cartel estelar que reunirá a artistas de renombre internacional como Ed Sheeran, Aitana, Feid, Nicky Jam, Dani Martín, Emilia, Morat, Dani Fernández, Rels B, Pablo Alborán, Mora, Beéle, Alleh & Yorghaki, Myles Smith, Nil Moliner, De La Rose y Kapo. Una noche que promete ser histórica y que consolidará a Valencia como una de las nuevas capitales globales de la música en directo.

El popular cantautor griego Dionysis Savvopoulos, conocido por sus letras alegóricas y profundamente poéticas que abordaban la política, la identidad y la sociedad griegas, falleció. Tenía 80 años.

Savvopoulos, figura destacada de la escena cultural e intelectual griega, falleció el martes por la noche, según anunció su familia en su cuenta oficial de redes sociales. El músico había estado hospitalizado en los últimos días y llevaba varios años luchando contra el cáncer.

Conocido por su apodo Nionios —un apodo común para Dionisio—, Savvopoulos saltó a la fama en la década de 1960, alcanzando fama nacional con sus canciones sutilmente revolucionarias durante la dictadura militar de 1967-1974. Fue encarcelado brevemente por la junta, y sus canciones se convirtieron en himnos de resistencia para jóvenes y disidentes en Grecia.

Los homenajes a Savvopoulos llegaron desde todo el mundo político y cultural griego.

“No quiero creerlo, pero nuestro Dionisio ya no está aquí”, publicó el primer ministro Kyriakos Mitsotakis en sus redes sociales. “Savvopoulos se ha ido, dejando una profunda huella en la música, las letras y el estilo público. Porque con su trabajo y su postura, demostró ser un compositor maravilloso. Un griego sensible”.

Nacido en Tesalónica el 2 de diciembre de 1944, Savvopoulos estudió Derecho, pero nunca terminó sus estudios. Se mudó a Atenas en 1963 y comenzó su carrera musical, actuando en pequeños clubes de la capital griega.

Sus canciones mezclaban múltiples géneros, incluida la música popular griega con elementos de rock y folk-rock, la música de músicos estadounidenses como Bob Dylan y Frank Zappa, así como la música tradicional griega.

Compuso tanto la música como la letra de la mayoría de sus canciones, con un profundo contenido político, romántico y humorístico. Su álbum debut, “Fortigo” (que significa “Camión”), se lanzó en 1966 y se convirtió en un gran éxito, catapultándolo a la fama con su combinación de comentarios políticos, influencias del rock y modismos folclóricos griegos.

Consolidó su éxito con su segundo álbum, “The Fool’s Garden”, publicado tres años después, en 1969, durante la dictadura militar. Savvopoulos se convirtió rápidamente en una de las principales voces de la disidencia artística griega, y para la caída de la junta en 1974, era considerado uno de los compositores griegos más importantes y originales de su generación.

En 1972, lanzó el álbum “The Dirty Bread”, que incluía la canción “The Angel Herald”, una adaptación de “The Wicked Messenger” de Bob Dylan, mientras que en 1997 lanzó “The Hotel”, un álbum dedicado a artistas que lo habían inspirado, incluidos Bob Dylan, Nick Cave, Jethro Tull, Van Morrison, Lou Reed, Lucio Dalla y otros.

“Fue un gran artista, un hombre extraordinario, apreciado por el pueblo griego por su personalidad, su obra y su contribución al arte”, declaró el presidente griego Konstantinos Tassoulas en un comunicado. “Inflexible, innovador y audaz, encarnó el espíritu de cuestionamiento de la forma más sensible y poética a través de obras que marcaron la historia de la canción griega y se convirtieron en hitos de la cultura moderna de nuestro país”.

Savvopoulos, un talentoso artista escénico, cautivaba a públicos de todas las edades con su música y narrativa. Continuó actuando a lo largo de su carrera, participando en conciertos en vivo tan recientemente como este año, cuando actuó en un festival de música de verano a las afueras de Atenas.

Savvopoulos publicó su autobiografía, “Por qué pasan los años”, a principios de 2025, donde habló abiertamente sobre su batalla contra el cáncer de pulmón, diagnosticado en 2020.

“La muerte es algo inaceptable. Pero una vez que la aceptas, es cuando empiezas a vivir”, dijo en una entrevista televisiva.

A Savvopoulos le sobreviven su esposa Aspa, dos hijos y dos nietos. Los detalles del funeral se anunciarán más adelante, según informó su familia.

(con información de AP)

La aparición del cuerpo de una adolescente en el vehículo de D4vd, artista conocido por su éxito en redes, generó un profundo misterio alrededor del cantante estadounidense. El hallazgo de los restos de Celeste Rivas Hernandez en el maletero delantero de su Tesla, descubierto en Hollywood en septiembre, marcó el abrupto freno de la ascendente carrera del joven músico.

D4vd, cuyo nombre legal es David Anthony Burke, alcanzó la popularidad mundial tras autogestionar el inicio de su carrera musical desde el armario de su hermana, combinándolo con un empleo en Starbucks.

La viralidad de su sencillo “Romantic Homicide” en TikTok y sus millones de seguidores lo llevaron a una gira internacional y a firmar contratos con sellos como Darkroom Records, Universal Music Group y Sony Music Publishing. Sin embargo, la investigación policial que se abrió tras el descubrimiento del cadáver involucró al artista en un caso de alto perfil, según revelaciones de BBC News.

La víctima, una joven de quince años, fue identificada como Celeste Rivas Hernandez. Residente de Lake Elsinore, situada a aproximadamente 120 kilómetros de Hollywood, fue reportada desaparecida por su familia en varias ocasiones desde 2024. Su madre distribuyó afiches con su imagen y publicó súplicas para su regreso en redes sociales. “Cada vez que se fugaba, eventualmente regresaba y retomaba su vida como estudiante de secundaria”, explicó un familiar al Los Angeles Times.

La condición en la que se halló el cuerpo complicó las labores forenses. El médico forense del condado describió que los restos estaban “severamente descompuestos”, lo que obligó a posponer la determinación oficial de la causa de muerte. “La autopsia aún no arrojó resultados concluyentes y podría requerir varios meses”, declaró la oficina del forense a BBC News.

El Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD) mantiene el caso abierto y no identificó sospechosos ni personas de interés en las semanas posteriores al hallazgo. “Resulta cada día más inusual que no haya arrestos ni información pública”, indicó Neama Rahmani, abogado y exfiscal de Los Ángeles, en declaraciones recogidas por BBC News. Este vacío informativo desencadenó especulación pública y alimentó la atención de seguidores y entusiastas del true crime.

Entre los elementos que vinculan a la adolescente con el cantante destaca un tatuaje con la inscripción “Shhh...” en el dedo índice de ambos. Testimonios de allegados citados en diversos medios sugieren que Rivas Hernandez mantenía algún tipo de relación con Burke.

Una exprofesora, mediante un video viral, adjudicó su última desaparición a un supuesto noviazgo con un músico conocido. De acuerdo con familiares y amigos, la joven mencionó que salía con un artista cuyo nombre era David, pero ni el músico ni la policía comentaron sobre la naturaleza de esa relación.

En el marco de la investigación, la policía inspeccionó la residencia que D4vd rentaba en Hollywood Hills. Allí, los agentes confiscaron un DVR con registros audiovisuales del sistema de seguridad. Adicionalmente, se destacó que los automóviles Tesla cuentan con avanzados sistemas de rastreo y cámaras, lo que podría dar acceso a evidencia relevante para las autoridades, como mencionó Rahmani a ABC News: “el potencial de contar con imágenes o registros digitales en este caso es significativo”.

El propietario de la vivienda, Malden Trifunovic, contrató un investigador privado. “No hay ninguna duda de que se cometió un delito. Ella no se colocó sola en el maletero ni movió el vehículo donde fue hallado”, aseguró Trifunovic en diálogo con BBC News.

Frente a la presión mediática y la incertidumbre, el representante legal del cantante, Blair Berk, comunicó que su cliente “coopera plenamente con las autoridades” y prefirió abstenerse de declaraciones públicas, al igual que los sellos discográficos relacionados y Sony Music Publishing.

Tras el incidente, la casa discográfica suspendió la promoción del segundo álbum de D4vd y varias marcas, como Hollister y Crocs, dieron por finalizadas sus campañas con el artista. La cantante Kali Uchis también retiró de circulación su colaboración con Burke.

El impacto del caso hizo que el músico cancelara presentaciones y que sectores de la industria tomaran distancia en espera de avances sobre la investigación.

Mientras persiste la incógnita sobre el vínculo de D4vd con la muerte de Rivas Hernandez, la familia de la joven organizó una colecta digital para costear los gastos funerarios y expresó su dolor por la pérdida. “Estamos devastados por esta tragedia”, publicaron en redes sociales, en tanto las pesquisas oficiales no arrojaron novedades desde finales de septiembre.

“Lo más desconcertante no es tanto la conexión con el famoso, sino la ausencia de información por parte de la policía”, puntualizó Neama Rahmani. El entorno del cantante, en particular su exmánager Josh Marshall, también aclaró que no posee relación con el caso y repudió cualquier rumor circulante.

El nombre de Harry Styles suele asociarse a estadios repletos y discos exitosos. Sin embargo, su capacidad de sorprender trascendió la música. El artista adoptó un riguroso entrenamiento físico para cuidar su salud y disfrutar de otra actividad.

Recientemente, logró completar el Maratón de Berlín en menos de tres horas, una marca exigente entre corredores amateurs y profesionales. La prueba fue de 42,195 kilómetros.

El cantante británico, que participó inscripto como Sted Sarandos, fue parte de una edición con más de 55.000 participantes y detuvo el cronómetro en 2 horas, 59 minutos y 13 segundos.

Los organizadores de la competencia se lo confirmaron a Associated Press y luego se viralizó en redes. Styles, con gafas de sol y banda en la cabeza— cruzó la llegada entre aplausos y se fotografió junto al atleta paralímpico Richard Whitehead, doble campeón olímpico en 200 metros.

Progresión en el running: de Tokio a Berlín

El camino del cantante en el mundo del maratón comenzó tiempo antes. En marzo de este año, completó la Maratón de Tokio con una marca de 3 horas, 24 minutos y 7 segundos, casi 25 minutos más que el registro obtenido en la prueba alemana. En aquella ocasión finalizó en el puesto 6.010 sobre 26.706 corredores y mantuvo un ritmo estable, alternando saludos a los espectadores y gestos para las cámaras durante el recorrido.

La cita en Berlín representó una superación significativa: alcanzó un promedio de 4 minutos y 15 segundos por kilómetro y demostró los frutos de un entrenamiento planificado y sostenido. Pese al intento de anonimato, Styles fue rápidamente reconocido por su comunidad de seguidores y señalado como uno de los corredores más comentados en redes sociales.

Entrenamiento metódico y hábitos saludables

El desempeño del ex One Direction tiene base en un riguroso plan físico diseñado junto al entrenador Thibo David. Según explicó el propio David en diálogo con The Independent, el cantante ha alternado sesiones de resistencia, natación, circuitos de movilidad y boxeo.

Estas rutinas incluyen tandas de carrera en “zona 2”, destinadas a fortalecer la base cardiovascular; circuitos de fuerza con repeticiones de flexiones, abdominales y sentadillas en no más de ocho minutos; pruebas de velocidad; y bloques de intensidad inspirados en el acondicionamiento de luchadores de artes marciales mixtas. “Incluíamos baños de hielo, masajes y estiramientos asistidos”, detalló David.

La bicicleta como modo de vida en Londres

El interés de Harry Styles por la vida activa va más allá de las carreras masivas. La bicicleta eléctrica es uno de sus modos preferidos de desplazamiento por las calles londinenses. El artista suele recorrer la ciudad tanto en los trayectos diarios como en salidas junto a amigos como James Corden.

A menudo se lo ve pedaleando con auriculares y ropa deportiva, lo que es una sorpresa para sus fans que le sacan fotos o videos y los comparten en redes sociales. Incluso se lo ha fotografiado en cafés, panaderías y parques recogiendo productos o compartiendo paseos con figuras cercanas. El uso de este medio de transporte, además de su lógica sustentable y eficiente para movilizarse, lo integra a la vida cotidiana del barrio y refuerza su perfil relajado fuera de los reflectores.

Natación, fútbol y la búsqueda de equilibrio

Otra de las disciplinas favoritas de Styles es la natación. Según portales británicos frecuenta los estanques de Hampstead Heath durante todo el año, incluso en pleno invierno. Su vida pública muestra preferencia por rutinas alejadas de la ostentación, desde la práctica del deporte hasta los paseos por supermercados y panaderías locales, donde adopta el hábito de buscar el mejor croissant en distintas zonas de la ciudad, según relató Evening Standard.

Además, el interés por el fútbol lo lleva a asistir regularmente a partidos en Londres y a participar de actividades relacionadas al deporte local.

Más allá de los éxitos discográficos y la multitud de seguidores, Harry Styles se posiciona hoy como referente de bienestar e inspiración para otros artistas y fanáticos. El registro conseguido en el Maratón de Berlín, la presencia constante en circuitos de bicicleta y la integración a la vida comunitaria londinense dibujan un perfil atípico para una estrella pop.

Estudios planificados, variedad de rutinas deportivas, disciplina constante y compromiso con la movilidad urbana construyen un estilo de vida que integra la exigencia física y la búsqueda de equilibrio personal.

La hija de Gastón Pauls y Agustina Cherri ya había sorprendido y demostrado su talento en la música, participando en presentaciones en vivo y colaboraciones que evidenciaron su versatilidad. Sin embargo, su debut como modelo marca un hito distinto: por primera vez protagoniza una campaña publicitaria de gran alcance, y se puede apreciar con la naturalidad con que lo hace.

Aunque anteriormente había participado en acciones comerciales junto a su madre, la llegada de Muna como rostro principal de la marca fue muy recibida con entusiasmo en redes sociales, donde miles de seguidores celebraron su desenvoltura ante la cámara y todos se sorprendieron y destacaron el parecido con Agustina Cherri.

El entorno artístico de Muna ha sido determinante en su formación. Creció rodeada de referentes de la televisión, el teatro, el cine y la conducción. Este contexto facilitó su incursión en distintas disciplinas, y su reciente debut como modelo confirma que su proyección no se limita a la música. Muna siempre está acompañada, apoyada y guiada por su familia.

El apoyo incondicional que Muna recibe en plataformas digitales es constante. Miles de seguidores la alientan a continuar explorando nuevas facetas, que se percibe como el inicio de una carrera multifacética que integra música, actuación y moda.

Hace unas semanas la adolescente compartió detalles sobre su vida con padres separados a través de sus redes sociales, donde respondió preguntas de sus seguidores sobre la dinámica familiar y su presente sentimental.

La joven de 16 años destacó que la cercanía entre las casas de sus padres, ubicadas a tres cuadras de distancia, le permite una rutina flexible: “Tengo como una libertad, un poco de elegir con quién dormir o en qué casa estar a la tarde. Como que tengo esa libertad”. Habitualmente, sigue un esquema semanal en el que pasa los lunes y martes con su madre, miércoles y jueves con su padre, y alterna los fines de semana entre ambos. De esa manera todo es más relajado para ella y para todos los integrantes de las familia.

Entre las consultas recibidas por sus seguidores, una de las que más interés generó fue sobre su relación de pareja. Muna reveló que está de novia con un joven a quien conoce desde hace años y que vive en su mismo barrio. “Estoy de novia, estoy muy enamorada y estoy muy bien”, afirmó, y añadió que su historia comenzó gracias a la proximidad: “Y era acá, el amor, yo lo tenía a la vuelta de la esquina, literal” contó.

La cantante también reflexionó sobre el amor, señalando que no lo limita solo a lo romántico, sino que lo entiende como un sentimiento que abarca la familia, las amistades y el crecimiento personal. “No creo en esto de que me va bien el amor o no. Y mirá que acabo de responder que me va bien. Pero porque hoy mi corazón romántico está bien y está enamorado”, expresó.

Muna no quiso dar detalles sobre quien era su pareja, aunque mencionó que ambos compartieron amistades y coincidieron en cumpleaños a lo largo de los años, por la cercanía que siempre compartieron: “Él es lo más de lo más, yo estoy muy enamorada y algún día capaz lo conocen, ¿quién te dice?”, concluyó la joven.

Graciela Torres Sandoval, conocida en el mundo del entretenimiento nacional como la “Negra Candela”, aseguró que durante los días de incertidumbre por el paradero del artista B-King, cuyo cuerpo fue hallado sin vida el 22 de septiembre de 2025 en México, ella decidió consultar personalmente con fuentes en ese país sobre el paradero del cantante de género urbano.

“Me puse yo en la tarea de averiguar con mis fuentes en México y dicen no, aquí no se sabe absolutamente nada de él (B-King), no es conocido en México, aunque fue invitado a dar unos conciertos. Él dio un concierto; aparentemente tuvo mucho éxito, pero no lo hizo en un escenario gigantesco, lo hizo en un escenario pequeño y me dijeron: ‘Él no tiene ninguna, eh... Pues no es figura en nuestro país’”, dijo la “Negra Candela” durante una entrevista con Daniel Muñoz en el pódcast La Red Viral.

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Sin embargo, durante sus pesquisas, la periodista confesó que recibió una sorpresiva respuesta al asegurar que, según sus fuentes, el cantante “no era reconocido” en el país centroamericano.

“Es muy difícil que un cantante colombiano sea reconocido en Ciudad de México, donde hay tantísimo talento y tantas figuras. Así es que se dieron a la tarea de averiguarnos para Colombia si algo había sucedido: ‘Quédese quietecita ahí, no diga más. Cuando nosotros sepamos algo, entonces la llamamos y le confirmamos, si es que sabemos qué pasó con este cantante que aquí en México no es reconocido’”, expuso Graciela Torres, citando lo que, según ella, le contestaron sus fuentes.

Durante la conversación con la “Negra Candela”, Daniel Muñoz, presentador del pódcast La Red Viral, aseguró que sostuvo una conversación con un analista experto en narcotráfico mexicano llamado David Saucedo, que le aseguró durante los días de búsqueda que Bayron Sánchez Salazar (nombre de pila de B-King), que “fue blanco de un secuestro por parte del crimen organizado” en México.

“Pues gravísimo, porque no veo por dónde él podría estar vinculado con este tipo de ‘mundillo’, ¿no? Lo que sabemos aquí es que él fue pareja de Marcela Reyes, duraron siete años. Pues aparentemente fue una relación conflictiva, mirando algunas declaraciones de Marcela o de él mismo, y él decía que la relación había terminado porque él no había querido librarse de unas adicciones“, aseguró la ”Negra Candela” ante la información revelada por Muñoz.

El hallazgo de los cuerpos de B-King y DJ Regio Clown en Cocotitlán

Las autoridades mexicanas confirmaron que Bayron Sánchez Salazar —conocido como B-King— y Jorge Luis Herrera Lemos, identificado como Regio Clown, fueron hallados sin vida en el municipio de Cocotitlán, en el centro de México.

Ambos artistas musicales, reportados como desaparecidos en la Ciudad de México desde el 16 de septiembre, fueron localizados sin vida en circunstancias que apuntan a la posible implicación de La Familia Michoacana, organización asociada al crimen organizado y al narcotráfico.

La Fiscalía General de Justicia de la Ciudad de México (FGJ-Cdmx) y la Comisión de Búsqueda de Personas de la capital (CBP) informaron que los perfiles de los desaparecidos coincidían con los de dos personas fallecidas encontradas el 17 de septiembre.

El hallazgo condujo a la apertura de una investigación que incluyó la recopilación de testimonios y la obtención de videograbaciones, lo que permitió establecer la hipótesis de que el último paradero de los músicos se situaba en el Estado de México.

La colaboración entre la FGJ-Cdmx y la Fiscalía General de Justicia del Estado de México (Fgjem) resultó determinante para avanzar en el caso. Personal de servicios periciales de la Fgjem realizó la confrontación de los perfiles de los desaparecidos, encontrando coincidencias con los cuerpos hallados en Cocotitlán. Este procedimiento permitió a las autoridades avanzar hacia la identificación formal de las víctimas.

Como consecuencia de estos hallazgos, la Fgjem abrió una investigación por homicidio, intensificando los esfuerzos para esclarecer las circunstancias en torno a la muerte de los artistas. El 22 de septiembre, los familiares de Bayron Sánchez acudieron a la Subprocuraduría Regional de Tlalnepantla de la Fgjem, en San Pedro Barrientos, donde lograron identificarlo durante una diligencia oficial. Este reconocimiento familiar se convirtió en uno de los momentos clave dentro del proceso de investigación.

El nombre de Julieta Novarro es sinónimo de pasión, legado y esa inquietud que parece emanar de las grandes historias familiares argentinas. Hija del recordado Chico Novarro y de Cristina Alessandro, supo desde la infancia que la vida le tenía reservado un destino entre arte y bohemia. Hoy, su premisa inamovible se traduce en hechos: armó su propio espacio de teatro y otros donde la música, la gastronomía y el arte llevan su sello inconfundible.

En esos ambientes de luz baja, entre notas y frases, Julieta se detiene apenas. “Yo siempre me imagino que papá hubiese estado ahí tocando el piano. El alma de él está acá y él hubiese soñado con tener un lugar así”, reconoce.

“Me crié en una casa rodeada de música y de músicos, porque a mi casa venían desde Mercedes Sosa hasta Eladia Blázquez, que era la mejor amiga de papá, y Rubén Juárez y el Negro Rada”, rememora. Para ella, aquellos grandes del folclore y el tango eran simplemente "los amigos de papá". “Un asado de domingo podía ser Mercedes Sosa cantando”, relata.

En la charla concedida a Teleshow, Julieta reveló que el arte siempre estuvo ligado al amor y a la familia. El dolor por la ausencia de su padre la impulsa a buscar vínculos, sobre todo a través de su hermano, Pablo Novak. “Eso es lo que nos dejó papá, una familia, y desde algún lado nos estará mirando”.

Pero la vida pública y el apellido pesan. Todavía resuena el eco de las declaraciones recientes de Cecilia Milone, quien confesó un vínculo extramatrimonial con el cantautor.

El tiempo no atempera polémicas, y ante la pregunta Julieta no titubea: “¿Vos sabés que yo ya no leo? Tengo esa higiene. Me llamaron de todos lados. Pero no hablé porque creo que la gente entiende qué es lo que está pasando. Cuando no está el interlocutor, es muy difícil valorizar y legalizar un legado o alguien que dice algo. Yo puedo encontrar muchas personas que pueden decir lo mismo, pero no está él para decir ni sí, ni no, ni blanco, ni negro. Creo que todos los homenajes musicales son lindos, todo lo que se pasa más allá de lo musical está de más”.

Más adelante, la empresaria se refiere a la vida personal de su padre. “Creo que ahí hay un punto en el cual ya es el tema de uno, con lo que le puede haber pasado con mi padre. Seguramente hay muchas mujeres en su casa que deben sentir lo mismo, porque él era un seductor. Y bueno, yo siempre digo, estuvo separado de mamá, pero no se puso de novio con nadie. Tuvo todas las posibilidades. Pero él falleció al lado de mamá, de la mano, y eso es lo que eligió”, afirma.

“El resto, con respeto y con amor, siempre es bienvenido. Sin duda”, dice. Y remata con una frase que podría ser legado, reflexión o advertencia sobre la memoria: “Creo que cuando no está el otro, todo pierde legalidad. Es como que mañana fallece Luis Miguel y yo te cuento que en el 98 tuve un vínculo y me amó. ¿Qué sé yo? Andá a preguntárselo a él...”.

En el centro de esta trama pública y privada, Julieta recuerda los fines de semana compartidos con su padre, la apertura de puertas y afectos, la libertad elegida. “Después, debe haber muchas mujeres que hoy digan: ‘Esta canción la escribió por mí’”. En esa grieta entre el mito y la realidad cotidiana, la hija de Chico Novarro sigue sosteniendo su legado artístico y familiar.

A sus 78 años, Elton John no deja nada librado al azar cuando se trata de su salud. El legendario músico británico construyó una rutina diaria enfocada en combatir los efectos de la edad y mantenerse activo luego de décadas en los escenarios, cantando hits como “Rocket Man”, mientras se adaptaba a las exigencias de una vida marcada por problemas médicos y una diabetes tipo 2 diagnosticada a comienzos de los años 2000.

Su método combina ejercicio adaptado, disciplina alimentaria y controles médicos constantes.

Actividad física: bajo impacto y constancia

Lejos de los entrenamientos tradicionales, Elton John encontró en el agua un espacio seguro para ejercitarse. Durante el periodo de confinamiento global, implementó una estrategia sencilla pero eficaz: caminar 9 kilómetros semanales dentro de su piscina. El método consiste en desplazarse de lado, con el agua que ofrece resistencia y, al mismo tiempo, protege sus articulaciones.

“Me levanto, desayuno y salgo a caminar en la piscina. A mi edad, es lo mejor que puedo hacer”, explicó a Daily Mail Elton, quien vio en esta rutina la única forma de mantenerse en movimiento sin cargarse de dolor ni sumar lesiones a su historial de cirugías. El ritmo sostenido de esta costumbre le permitió prepararse tanto física como mentalmente para la extenuante gira de despedida, que incluyó más de 300 funciones alrededor del mundo.

Alimentación: una disciplina estricta

La dieta que sigue Elton John está marcada por la vigilancia de sus niveles de azúcar. Eliminó las azúcares refinadas y limita el consumo de frutas únicamente a aquellas que no alteran sus valores glucémicos. “Puedo tener una manzana, puedo comer un poco de melón. Mientras seas sensato, no te sube el azúcar”, explicó en el podcast Ruthie’s Table. La moderación es la base: no hay lugar para dulces, chocolates o postres, aunque, según confiesa, el deseo sigue presente. “Lo que de verdad quiero comer es chocolate y helado. No puedo tomar ningún helado”.

Este autocontrol también responde a su historia clínica. La diabetes es solo una parte del cuadro: Elton John enumeró las operaciones que marcaron su vida adulta. “No tengo amígdalas, adenoides ni apéndice. No tengo próstata. No tengo cadera derecha ni rodilla izquierda ni derecha. De hecho, lo único que me queda es la cadera izquierda. Pero sigo aquí”, resumió.

La comida previa a sus conciertos era un ritual de cuidado: un pequeño filete y vegetales. “Sería probablemente un poco de carne y algunas verduras. Solo algo de proteína y vegetales porque no puedes subirte al escenario sintiendo que te vas a desmayar. Es muy desagradable. Eso sería todo. Era un ritual”, relató. Esta costumbre acompañó cada presentación hasta la última función de su gira de despedida en 2023.

A pesar de su firmeza, Elton admitió que extraña lo que no puede comer. Si tuviera que elegir su última comida no dudaría: “No contendría nada que no fueran dulces, porque ahora no puedo comerlos. Me gustan todas las cosas que no son buenas para mí: pollo frito, donuts. Si pudiese, tendría helado, donuts, tarta de manzana, crumble de ruibarbo, lo que sea”.

Más allá de los placeres perdidos, el cantante asume la restricción como la única vía para mantener su estilo de vida cercano a la familia y, en menor medida, a la música. “Decidí dejar de hacer giras porque tengo 78 años, ya hice todo lo que tenía que hacer. Pero tengo que hacer espacio porque todavía quiero la música en mi vida. Lo más importante son David, Zachary y Elijah, mi familia y mis amigos. Encontré la utopía y estoy feliz”, expresó en la premiere de su documental.

Salud y resiliencia cotidiana

Vigilando de cerca su dieta y su rutina física, el intérprete de la icónica pista “Your Song” suma controles médicos permanentes. Se recupera en la actualidad de una infección ocular severa que redujo su visión. Las internaciones y cirugías han sido parte frecuente de su cotidianidad, pero nunca desvían su enfoque: “Estoy muy agradecido con el excelente equipo de médicos y enfermeros y con mi familia, que me ha cuidado. He pasado el verano recuperándome en casa y me siento positivo con el progreso”.

Elton John demuestra que la longevidad sobre el escenario y fuera de él no es cuestión de suerte. Es resultado de una rutina rigurosa, constancia y renuncias necesarias. No hay excesos, ni caprichos culinarios, ni entrenamiento de alto impacto: solo un equilibrio sostenido entre la actividad controlada, la comida justa y el apego estricto a las indicaciones médicas. La disciplina se transformó en el centro de su vida diaria, mientras emprende una época de retiro rodeado de su familia.

El vibrato y la relación de potencia de canto (SPR, por sus siglas en inglés) fueron identificados como factores clave en la evaluación de cantantes de ópera. Así lo concluyó un estudio liderado por el equipo de la Universidad de Keio (Japón) y publicado la revista Frontiers in Psychology.

Esta investigación aportó criterios objetivos y permite comprender cómo se asignan las puntuaciones en concursos de canto operísticos.

El equipo, encabezado por Haruka Kondo junto a Shinya Fujii y Sotaro Kondoh, analizó grabaciones de diez cantantes japonesas con formación clásica, quienes interpretaron la pieza italiana “Caro mio ben” en condiciones controladas.

Cuatro jueces profesionales, también cantantes e instructoras, evaluaron las grabaciones, otorgando una puntuación global sobre cien y calificando seis atributos vocales: vibrato, resonancia, timbre, dicción, entonación y expresividad.

El objetivo fue determinar científicamente qué elementos vocales y acústicos influyen en las calificaciones otorgadas por los jueces.

Un experimento para buscar objetividad

El procedimiento experimental se realizó en un entorno acústicamente aislado para asegurar la precisión de las mediciones. Las participantes, con una media de veinticinco años y experiencia profesional, interpretaron la obra a cappella tras un calentamiento vocal.

Las grabaciones se analizaron para extraer parámetros acústicos: la relación de potencia de canto (SPR), la relación armónico-ruido (HNR) y las unidades de sonoridad integradas a escala completa (LUFS). Los jueces escucharon las interpretaciones en el mismo entorno controlado, evaluando la impresión global junto a los atributos vocales.

Para identificar los factores que más inciden en la puntuación final, se emplearon modelos estadísticos mixtos. Uno examinó el impacto de los seis atributos vocales subjetivos; otro, la contribución de características acústicas objetivas.

Los resultados, revelaron que el vibrato fue el único atributo vocal con efecto significativo sobre la puntuación general. Entre los parámetros acústicos, solo la SPR, que cuantifica el equilibrio energético en el rango de 2 a 4 kHz, asociado al formante del cantante, mostró una relación estadísticamente significativa con las calificaciones.

El vibrato y la SPR, claves para sobresalir

El vibrato, definido por la regularidad, velocidad y amplitud de las oscilaciones de la voz, confirmó su importancia como indicador de expresividad y control técnico. El análisis detallado mostró que la extensión del vibrato, más que su velocidad, predijo mejor las valoraciones de los expertos.

Por su parte, la SPR se consolidó como el principal predictor acústico: las voces con mayor energía relativa en el rango de 2 a 4 kHz, que permite que la voz sobresalga sobre el acompañamiento musical, recibieron las puntuaciones más altas.

Estos hallazgos refuerzan la importancia del formante del cantante, la característica acústica que permite a los intérpretes proyectar su voz en grandes salas sin amplificación.

Atributos como la resonancia, el timbre, la dicción, la entonación o la expresividad no resultaron significativos en los modelos analizados. Según los investigadores, la posible superposición perceptiva entre vibrato, timbre y resonancia podría explicar la preeminencia del vibrato en la evaluación global.

Además, la uniformidad en la pronunciación y afinación entre las participantes, así como la interpretación de una misma pieza bajo condiciones controladas, redujeron la variabilidad y el peso de estos factores en la puntuación final.

“Nuestra investigación ofrece perspectivas objetivas y nuevas y eficaces herramientas para el entrenamiento y la educación vocal. Además, también aborda cuestiones fundamentales sobre cómo los humanos percibimos el sonido y el arte”, explicó Shinya Fujii, según publicó Frontiers in Psychology.

La investigación de la Universidad de Keio representó el primer paso para comprender, de manera científica, qué hace destacar a un cantante de ópera y permite vislumbrar métodos de formación y evaluación más precisos, donde el vibrato y la relación de potencia de canto se consolidan como ejes fundamentales en el desarrollo técnico y artístico del género.

Nació ciego. Pero con un talento para la música sin igual. Y esto fue lo único que le importó. José Feliciano llegó al mundo el 10 de septiembre de 1945, hace exactamente 80 años, en el seno de una familia humilde de Lares, un pueblo ubicado en la región occidental de Puerto Rico. Era el cuarto de 11 hermanos. Y padecía un glaucoma congénito, por lo que nunca tuvo la posibilidad de ver. Sin embargo, desde muy chico, supo cuál era su vocación. Y no dejó que su limitación física le impidiera seguir su camino.

“Mi primera memoria sobre tocar música fue cuando tenía tres años. Tocaba la percusión en una lata detrás de mi tío, que tocaba el cuatro. Creo que Dios mismo me estaba empujando hacia ese camino para que me fuera bien la vida”, relató el artista, que por entonces se nutría de ritmos típicos de su tierra natal como la Bomba y la Plena, entre otros géneros con base afrolatina.

Pero las carencias eran muchas en aquella choza en la que vivía en la montaña, a 1200 metros de altura, donde el frío se hacía sentir con intensidad. Así que, cuando José tenía apenas cinco años, su familia se trasladó al Harlem español de Nueva York. Y allí fue donde Feliciano tuvo contacto con otros estilos musicales que incluían al rhythm and blues, el góspel, el soul y el hip-hop. Entonces cayó en sus manos un ukulele y luego comenzó a tocar la guitarra, instrumento que lo acompañó a lo largo de su carrera. Según confesó ya de grande, gracias a la música comenzó a sentir “que no era solo un hombre ciego”. Era, definitivamente, un artista con un gran potencial.

Siendo un joven músico se codeó con figuras de la talla de Bob Dylan y Pete Seeger en Greenwich Village, lugar que frecuentaba. Y se sintió animado a luchar por su sueño cuando se enteró por la radio de que Ray Charles era no vidente, igual que él. Entonces se propuso ser el mejor en lo suyo. Y se aferró a su instrumento. “Tocar la guitarra era una vocación, pero nunca pensé que fuera una carrera. Fue algo que hice por amor. Pero la música se convirtió en una fuerza...”, contó.

Con 17 años se vio obligado a dejar sus estudios para ayudar en la economía de su hogar luego de que su padre se quedara sin trabajo. Pero su condición no le permitía conseguir un empleo digno. “Los únicos trabajos que se les ofrecían a los ciegos en aquel tiempo eran hacer canastas y pintar sillas”, recordó. De manera que comenzó a cantar temas de moda en distintas cafeterías, hasta que un crítico de The New York Times lo descubrió tocando en Gerde’s Folk City y sus comentarios elogiosos llegaron a oídos de un productor de la discográfica RCA Víctor.

Grabó su primer disco en inglés, The Voice and Guitar of José Feliciano, en 1964. Y luego editó dos trabajos más: Fantastic Feliciano y A Bag Full of Soul. Pero estaba claro que lo suyo iba por otro lado. Y en 1966, después de haber viajado a la Argentina para presentarse en un Festival de la Canción Internacional de Mar del Plata, se reunió con los popes de la compañía en Buenos Aires y les propuso hacer un álbum de boleros viejos, esos que escuchaba en su infancia. A partir de ese momento, su carrera explotó.

Sus 60 álbumes grabados, los más de 45 discos de Oro y Platino que obtuvo, los 9 Premios Grammy con los que fue reconocido, el galardón otorgado por la revista Guitar Player como mejor guitarrista y su huella marcada en el Paseo de la fama de Hollywood, son solo una muestra de su éxito, que se mantiene intacto. Porque en la actualidad José sigue tan activo y vigente como siempre, incluso colaborando con jóvenes artistas urbanos. Y no hay fiestas en las que no suene su “Feliz Navidad”, el tema bilingüe que grabó a los 24 años y que se convirtió en un clásico en todo el mundo.

Dueño de un registro de tenor en su voz y un estilo inconfundible a la hora de interpretar cada palabra de sus canciones, Feliciano se ha dado el lujo de actuar junto a figuras de la talla de Frank Sinatra y Barry Manilow. Hizo duetos con Santana, José José, Vicente Fernández, Marco Antonio Muñiz, Ana Gabriel, Marc Anthony y Rudy Pérez. Pero, además, ha sido convocado para cantar frente a los papas Juan Pablo II, Benedicto XVI y Francisco, lo que entre todos sus logros se ha convertido en uno de sus mayores orgullos.

Cuando no trabaja, José disfruta de su tiempo libre con su mujer y sus tres hijos en su casa de Connecticut, en EEUU, o en la vivienda que posee cerca de Viena, en Austria. Se divorció de su primera esposa, la compositora Janna Merlyn, en 1978. Y después de once años, primero de amistad y luego de salidas de novios, en 1982 se casó con Susan, una estudiante de arte con la que sigue en pareja hasta el día de hoy. Con ella tuvo a sus tres hijos, Melissa, Jonathan y Michael. Y hoy tiene también una nieta llamada Emma. Sin lugar a dudas, estará celebrando sus ocho décadas junto al amor de su familia.

“Cuando eres ciego no tienes muchas oportunidades, bien sea para tocar guitarra o en tu vida amorosa. Si no eres hábil, nunca te dan una segunda oportunidad. Por eso yo sabía que tenía que ser el mejor. Y esa era mi motivación”, reflexionó Feliciano. Y está claro que supo aprovechar con creces esa chance que le dio la vida tanto en lo profesional como en lo personal.

El cantante británico Ed Sheeran anunció que dejó el Reino Unido y planea establecerse de forma indefinida en Estados Unidos junto a su familia, según declaraciones brindadas en The 2 Johnnies Podcast.

La decisión, atribuida a motivos laborales y personales. Sheeran explicó: “estoy a punto de mudarme a Estados Unidos… siento que podría ser la única persona mudándose a América ahora mismo… Voy a estar de gira allí durante un tiempo, así que tengo familia, y no puedo entrar y salir, así que vamos a establecernos allí”.

Sheeran, de 34 años, comunicó que viajará con su esposa Cherry Seaborn y sus hijas Lyra y Jupiter. El músico puntualizó que la relocalización responde a la duración de su próxima gira por Estados Unidos y a su deseo de no distanciarse de su núcleo familiar durante el proceso. “No puedo ‘entrar y salir’, vamos a establecernos allí”, reafirmó.

Hasta ahora, en la web oficial del artista no figura información detallada sobre el itinerario completo de su próxima gira estadounidense, exceptuando un show previsto en el iHeartRadio Music Festival de Las Vegas el 20 de septiembre.

El nuevo álbum de Sheeran, titulado “Play”, verá la luz el 12 de septiembre y se estima que marcará el eje temático de su próxima gira por territorio estadounidense, según análisis de NBC News.

Otros comentario de Sheeran

El intérprete de temas como “Galway Girl” también abordó recientes polémicas relacionadas con comentarios sobre su identidad cultural, que generaron reacciones en el Reino Unido.

En una entrevista con The Louis Theroux Podcast, Sheeran expresó identificarse “culturalmente como irlandés” pese a haber nacido y crecido en Gran Bretaña. Además, el artista indicó en el pódcast Call Her Daddy en abril que su meta final es establecerse en Nashville y vincularse profesionalmente con la música country: “Nashville es mi ciudad favorita en Estados Unidos y siempre ha sido mi objetivo final mudarme allí y pasarme a la música country”.

El cambio de residencia se da luego de un ciclo en que Sheeran residió en Framingham Earl, Suffolk, donde edificó su casa familiar, que incluye dos bares privados y una capilla.

Durante la grabación para The 2 Johnnies Podcast, relató usos personales de esas instalaciones domésticas: “los pubs están siempre listos, nunca se sabe cuándo alguien quiere venir. La noche puede irse de las manos fácilmente. Siendo conocido, no puedes salir a disfrutar sin preocuparte de que todo termine en redes sociales al día siguiente. Es importante tener un lugar donde estar seguro, tomar una copa, cantar y pasar un rato sin preocuparte”, describió.

En referencia a la capilla, Sheeran comentó que la utiliza como espacio de homenaje a amistades fallecidas y como sede de eventos familiares: “la capilla sirve para recordar amigos que ya no están y para cantar villancicos en Navidad. Incluso miembros de mi equipo de seguridad se han casado ahí”.

Ed Sheeran posee, además, una participación minoritaria en el club de fútbol Ipswich Town, equipo que descendió de la Premier League al término de la temporada 2024-2025. El artista ha cosechado catorce sencillos número uno y ocho álbumes líder de ventas en el Reino Unido, y sus canciones más reconocidas incluyen “The A Team”, “Sing” y “Don’t”.

Durante el verano boreal, Sheeran presentó públicamente su primera colección artística personal. Existen expectativas respecto a su incursión sostenida en la música country y su vida en Estados Unidos, tras la radicación familiar anunciada por el cantante.

De ser parte del Team La Sole, se convirtió en estas últimas instancias en el Team Miranda! “A mí me encanta lo que hace Miranda!, me encanta lo que hace Lali también, que esa noche se dio vuelta, y me encanta lo que hace Sole; es muy difícil decirle que ‘no’ a cualquiera de ellos”.

Joaquín es un chico de 22 años que, solo con su guitarra, emocionó a los grandes artistas que lo coachearon. A lo largo de la nota, contó su vínculo especial con el instrumento que heredó de su mamá, al que define como parte de su sensibilidad musical. Y que, de alguna forma, se convirtió en su amuleto. “Las veces que toqué sin mi guitarra en un escenario, es como que me sentí desnudo”, reconoció. En esta entrevista exclusiva con Teleshow, Joaquín revisó sus experiencias, sus raíces y reveló sus sueños para el futuro.

— Vamos a hacer como un traspaso tuyo en el programa. Primero vos entrás con el equipo de la Sole, después de la Sole te roba Miranda! ¿Cómo es ese vaivén de emociones entre ambos equipos?

— Bueno, cuando empecé en el programa y se dieron vuelta los dos, tuve una gran crisis interna en esos minutos que tenía que tomar la decisión. La verdad es que a mí me atrajo la idea de poder respetar mis raíces. Yo arranqué en la música haciendo folclore, pero con el paso de los años sentí que por ahí no representaba tanto al folclore como lo hacen otras personas que dedican su vida al género. Empecé a explorar otras cosas, pero tengo esa raíz muy presente. Entonces dije ‘bueno, voy a ir por lo que siento’ y elegí a la Sole. Pero en el momento en el que me tocó despedirme del programa, de volver a mi ciudad, estaba muy contento de haber llegado hasta donde llegué.

—¿Te sentiste decepcionado de abandonar en esa instancia? Porque uno siempre quiere más y más.

— Sí, hay una charla que se repite mucho con los chicos en el programa y es que cuando llegué dije ‘bueno, si paso las audiciones, con que quede eliminado en las Batallas me voy feliz’. Pero lo que sucede es que cada vez que vas pasando querés seguir estando porque es tan increíble el ambiente que se vive ahí. Es algo único, que no se vive todos los días de tu vida y uno va juntando ese hambre de gloria de querer seguir avanzando.

— Y después de ese vaivén entre la Sole y Miranda!, ellos te eligieron. ¿Cómo fue para vos?

— Lo que me pasó es que cuando me estaba yendo, que ya había bajado las escaleras para irme, tenía un poco de esperanza de que alguien tocara el botón y me robara. Ese día me estallé del llanto, me largué a llorar de inmediato y cuando abracé a Juliana y le agradecí, tocó el botón Lali y fue como... no, de nuevo. No quiero elegir de vuelta. Fue como que me devolvieron las lágrimas, porque ¿qué iba a hacer? Y seguí mi corazón porque sentí que ellos me dieron un voto de confianza y la oportunidad. Me dolió mucho decirle que no a Lali. Después le pedí perdón. Hasta el día de hoy le sigo pidiendo perdón cada vez que la veo en el programa, pero estoy muy contento de haber elegido a Miranda! y de poder seguir desarrollando mi carrera como artista con ellos.

— ¿Te cuesta expresarte fuera de las cámaras?

— No, creo que soy una persona bastante sensible y me gusta expresar lo que me pasa, así sea bueno o malo. Me gusta vivir cualquiera de las dos sensaciones. Los sentimientos creo que los expreso mucho más cuando canto. Esa es mi manera de demostrar mi vulnerabilidad y mi manera de mostrar amor a partir de eso.

— ¿Alguna vez te tocó una situación en la que lo tengas que hacer?

— Sí, totalmente. Creo que la mayor parte de veces que he mostrado un poco de lo que me pasa, no fue solo desde un lugar amoroso con alguien, de enamoramiento, sino en general con los vínculos, con mis papás, con mis amigos. Me siento muy inspirado por la gente que me rodea, entonces eso me hace escribir canciones y es mi manera de devolverles ese cariño que recibo.

— ¿Cómo fue tu primer acercamiento a la música?

— Empecé a tocar desde muy pequeño, gracias a mi papá, que hizo música toda su vida y a los siete u ocho años me despertó la curiosidad por una guitarra que había en mi casa, que era de mi mamá. Y recuerdo que él siempre tocaba. Me acompañaba él a veces. Una vez hicimos una canción. Y bueno, a esa edad me despertó la curiosidad y le dije que me enseñara los primeros acordes. Después de eso vino el auge de YouTube y todo eso. Entonces empecé a ver tutoriales y cada canción que me gustaba la buscaba por ahí, o tal vez en una página de acordes.

— Autodidacta.

— Sí, sí, muy autodidacta. Hasta los 19 años que empecé a estudiar y ya me formé como guitarrista.

— ¿Cuál es tu próximo objetivo?

— Yo llegué al programa con el objetivo de poder desarrollar mi carrera como artista un poco más y encontrar experiencias. Creo que lo estoy logrando. Aprendí muchas cosas en el programa. A mí me encantaría que a partir de donde llegue, a poder seguir haciendo mis canciones. Me encanta componer y me encantaría mostrarle mis canciones al mundo, a la gente. Recibí mucho cariño en este último tiempo y la verdad que eso para mí es muy gratificante. Mi sueño sería sacar un disco, girar por el país y conocer otros lugares haciendo música, son dos cosas que me gusta mucho.

Desde el principio, el cantante de cuarteto ya había dado el paso fundamental: tras los playoffs, eligió personalmente a Thomas Dantas, Nathalie Aponte, Lucas Barros, Emma Roach y Federico Mestre para pasar a la siguiente etapa. El resto quedaba en manos del público. Ahí entraban Camila Rizo Avellaneda, Jacqueline Medina, Eduardo Desimone, Lucía Lencina, el dúo Enrique & Tomás Olmos y Nicolás Behringer.

“La gente elige, y yo les debo todo”, acertó a decir Nicolás tras conocerse la decisión de los televidentes, ya dentro del Team Luck Ra, casi sin poder contener las lágrimas cuando el voto popular lo salvó. “Es un montón, yo a la gente le debo un montón. Esta victoria es de la gente, no mía, ellos son los campeones”, murmuró con la voz partida, intentando agradecer entre ovaciones. ¿Quién no se preguntó, en ese instante de vulnerabilidad, cuántos sueños cuelgan del voto de una multitud anónima?

Entonces, en ese clima de celebración y desahogo, ocurrió el hecho inesperado que quedará grabado entre los mejores momentos del ciclo. El jurado cordobés se acercó, pidió la palabra con la humildad de quien prefiere los hechos a las palabras y miró a Nicolás de frente. “Quiero que sepas que lo mejor que te pudo haber pasado es que hayas entrado en votación, porque a partir de ahí mucha gente te empezó a valorar mucho más. Y tal vez deberías haberte dado cuenta de que vos también empezaste a subir muchos más videos. Yo te veía ahí”, le soltó con franqueza, haciendo alusión al crecimiento digital del participante.

El conductor, Nico Occhiato, agregó un matiz personal al señalar: “A mí también, cantando en el tren, en la calle”. Era una confirmación: la presencia del joven se expandía, tangible, en las redes.

Pero faltaba la sorpresa. El coach cordobés, sin cortes ni guion, se dirigió de nuevo a su protegido. “Veo que sos una persona que usa mucho el celular. Así que me nació de todo corazón, viendo que lo usás mucho, regalarte un celu bien piola y bien facha para que puedas hacer tus videos ahí con más calidad”. Así, de pie, levantándose de su silla, Luck Ra le entregó una bolsa con un teléfono al joven cantante ante la incredulidad general. “Esto está pasando en vivo, eh”, avisó Occhiato, mirando a cámara, mientras el estudio apenas creía lo que veía. “Nadie sabía lo que iba a suceder”, subrayó, al enfatizar el carácter genuino de ese obsequio.

El momento quedó sellado con un abrazo. “Sé que te puede ayudar mucho en lo que vos hagas, hermano... te quiero, guacho”, cerró Luck Ra, un lazo fraternal bajo una lluvia de aplausos.

Para no dejar flaquear el ánimo, Occhiato explicó: “Bueno, tremendo, el primo lo vio que subía muchos tiktoks y le regaló el teléfono”. Las risas, el desenfado y el compañerismo flotaban en el aire. Y, por si algo faltaba, llegó la chispa de Lali Espósito, una de los jurados del programa, quien entre carcajadas lanzó: “Yo tengo que ver La Voz en la compu porque no tengo tele, se me rompió la tele de casa... Hermoso gesto, primo...”.

Barbara Eden, protagonista de la recordada serie Mi bella genio, fue la figura central en una extensa conversación en el Club Random Podcast, donde repasó sus más de sesenta años en la industria y reveló detalles inéditos de la comedia que la catapultó a la fama.

En el marco del 60º aniversario de la producción, la actriz reflexionó sobre el legado de la serie, la transformación de la televisión y los cambios sociales que presenció desde los años 50. La charla estuvo marcada por una mirada lúcida sobre el espectáculo y una profunda nostalgia por los inicios de su trayectoria.

Durante la entrevista, Eden rememoró los días de grabación de Mi bella genio, citando particularidades como el mítico vestuario de su personaje. “No podían mostrar el ombligo”, recordó la actriz, en alusión a la estricta censura televisiva.

Si bien el traje dejaba visible el abdomen, la producción exigía cubrir cualquier mínimo indicio de ombligo, lo que provocó debates e incluso artículos en la prensa especializada. “Un periodista venía al set solo para preguntar por mi ombligo”, contó Eden entre risas, remarcando cómo ese detalle se transformó en un tema nacional.

La actriz revivió anécdotas sobre la dinámica en el set y la relación con sus compañeros, especialmente con Larry Hagman, a quien consideró “un talento enorme y un hombre entrañable, aunque un poco excéntrico”. Entre los episodios más insólitos, relató la visita de un grupo de monjas al estudio y las bromas irreverentes de Hagman, que provocaron la prohibición de nuevas visitas de invitados.

Encuentros en Hollywood y Las Vegas: leyendas, rutinas y curiosidades

El paso de Eden por Hollywood y Las Vegas marcó varios de los momentos más destacados de su carrera. En el Club Random Podcast, recordó su experiencia junto a Elvis Presley en la película Flaming Star (1960).

“Era un caballero, muy directo y honesto”, afirmó, y relató conversaciones que mantuvo con el cantante sobre la vida en pareja y las dificultades de mantener una relación bajo los focos. Eden aludió al controvertido mánager del músico, el “Coronel” Parker, citando las palabras de Presley: “Si no fuera por él, no estaría aquí hoy”.

En Las Vegas, la actriz compartió escenario con figuras como George Burns y Shecky Greene, en jornadas de dos funciones diarias durante toda la semana. La rutina dejaba poco espacio para la vida personal y los camerinos solían ser solitarios.

Entre las historias más sorprendentes, Eden relató el fallecimiento de un espectador durante una de sus presentaciones: “Cubrieron al hombre con un mantel y siguieron con el show. Yo no me enteré hasta después”, narró. Esta experiencia, según la actriz, destaca tanto el profesionalismo como la extrañeza de un ambiente donde el espectáculo debía continuar.

Fama, encasillamiento y una televisión en transformación

A lo largo de la conversación, Eden se refirió al peso de la fama y el impacto de un personaje icónico como Jeannie. “Nunca me molestó ser identificada con ella. Me siento afortunada”, aseguró, aunque admitió que el éxito podía llevar al encasillamiento profesional.

Después de la serie, buscó papeles diversos, como en Harper Valley PTA, y se reinventó en el teatro y los espectáculos en vivo. “No pensaba en Jeannie, pero ella siempre estaba ahí”, confesó, reflejando la dificultad de desprenderse de una imagen tan potente para el público.

La actriz analizó los profundos cambios sociales y culturales que observó. Contrastó la censura de los años sesenta con la actualidad, donde la televisión y el cine presentan mayor permisividad. “Hoy se puede mostrar mucho más, incluso en canales básicos”, comentó Eden, aunque señaló que, en ocasiones, se corre el riesgo de caer en el exceso.

Recordó que la diversidad y la inclusión eran poco frecuentes cuando inició su carrera, mientras que —según sus palabras— en su entorno en San Francisco convivían naturalmente personas de distintas razas y orientaciones. “No pensábamos en eso, simplemente convivíamos”, relató. Mencionó a colegas como Paul Lynde y Rock Hudson, cuya orientación sexual era un secreto a voces en el ámbito privado, pero invisible para el público general. Celebró los avances en representación y apertura social logrados con el tiempo.

En cuanto a la prensa y los medios, Eden se mostró cauta: “Depende de qué prensa hablemos. Los tabloides exageran y dicen cosas que no deberían”, afirmó, aunque reconoció que también recibió un trato amable en ciertas ocasiones. Valoró la posibilidad de mantener una relación genuina con sus seguidores, quienes le escriben desde lugares tan lejanos como Moscú o China.

Sobre las redes sociales, admitió recibir ayuda para gestionar su presencia digital y expresó su preocupación por el impacto negativo de estas plataformas, sobre todo para jóvenes y personas mayores, afectados por acoso y estafas en línea.

Vitalidad y legado: el entusiasmo intacto de una estrella

La entrevista concluyó con un retrato de la vitalidad y entusiasmo que Eden continúa proyectando en el presente. Superados los noventa años, la actriz atribuyó su longevidad profesional al placer de trabajar y al constante contacto con el público.

“Disfruto salir, conversar y responder preguntas del público. Eso me mantiene activa y feliz”, expresó, reafirmando un vínculo inquebrantable con generaciones de admiradores en todo el mundo.

De hecho, sobre este tema se han generado varios debates sobre los ingresos que reciben los vendedores ambulantes y artistas callejeros que se presentan en los diferentes articulados.

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Es por ello que una publicación realizada por el ciudadano Jorge Andrés, que es conocido en TikTok por el usuario @Georgito_000 se volvió tendencia, ya que el joven reveló cuánto gana diariamente por cantar en TransMilenio.

En primer lugar, el joven indicó que no solo trabaja en el servicio público, sino que alterna esto con presentarse en algunos restaurantes de la ciudad, exponiendo que su jornada comienza todos los días después de las diez de la mañana.

Buscando aconsejar a las personas que no cuenten con un trabajo formal y estén pensando en “rebuscarla” en el TransMilenio, el joven indicó que lo primordial es mostrarse de manera positiva ante los pasajeros.

“La idea es hacerle con moral, buena actitud ante todo, eso no puede faltar”, indicó Jorge Andrés antes de salir de su vivienda, que no especificó en que zona de Bogotá queda.

El video fue publicado el sábado 16 de agosto, factor que explicó el joven, es importante, porque varios de los pasajeros que le daban dinero podrían haber recibido su salario recientemente, lo que facilita su labor.

De hecho, Jorge Andrés se mostró sorprendido al mostrar que en un articulado le entregaron más de 10.000 pesos, lo que no suele ser algo habitual.

Argumentando que después de las 12:00 p. m., durante los fines de semana, el TransMilenio suele estar más lleno de lo normal, el joven decidió trasladarse hasta Santa Isabel y cantar en restaurantes, en donde su suerte se mantuvo de manera positiva.

“Ya son las tres de la tarde, nos fue bien gracias a Dios, pero hay que seguir dándole. Hubo una zona en la que me fue más duro, pero era porque había otro parcerito cantando, pero igual, ustedes saben que para todos hay”.

Debido a que el sábado 16 de agosto jugó Atlético Nacional vs. Fortaleza Ceif en la Liga BetPlay, Jorge Andrés indicó que es difícil que las personas que están en establecimientos comerciales le presten atención durante eventos deportivos, por lo que sobre las 4:00 p. m. decidió dejar de trabajar.

Al final, el joven contó el dinero que logró recolectar, sumando 124.000 pesos, lo que, afirmó, no es algo de todos los días, puesto que los fines de semana suele haber más oportunidad de trabajar en restaurantes, mientras que entre semana es preferible hacerlo en el transporte público.

En la publicación, que suma más de 400.000 visualizaciones, algunos usuarios debatieron sobre la suma que recolectó el joven, ya que algunos se mostraban en contra de que un trabajador informal pueda sumar más de tres millones al mes en ingresos trabajando de esa forma.

“Serían más de tres millones al mes, mientras que a otros les toca menos de 60.000 por trabajar más duro”, “Todos dicen que es fácil, pero haga eso usted, yo no sería capas de andar tanto y de aguantar tratos de los demás” o “Igual son bendiciones, lo que para algunos es una moneda, para él representa lo del diario y ayudar a su familia”.

Además, debido a que en algunos comentarios criticaban al joven al afirmar que un rapero no debía generar esos ingresos, el joven respondió a algunos usuarios mostrando que en realidad se presenta cantando música popular con su guitarra; sin embargo, indicó que si tuviera que hacerlo como artista urbano, esto tampoco sería un factor para sentir vergüenza.

El mundo del espectáculo registró un hito financiero inédito: Taylor Swift se convirtió en la primera artista musical que ingresa al exclusivo club de los multimillonarios fundamentando su fortuna principalmente en la venta de su propio repertorio y presentaciones en vivo.

La marca, divulgada por primera vez por Forbes, sitúa a la artista entre las veinticinco mujeres más ricas que construyeron su patrimonio desde cero en los Estados Unidos durante 2025, una lista dominada históricamente por empresarias tecnológicas o herederas de grandes compañías.

El valor aproximado del patrimonio de Swift alcanza los 1.600 millones de dólares, de acuerdo con el rastreador de riqueza de Forbes. El medio atribuye este ascenso económico a la impresionante demanda mundial por la música de la cantante y, en específico, al fenómeno de “The Eras Tour”, gira que despachó más de 2.000 millones de dólares en entradas, cifra que el periódico The New York Times interpretó como “el doble” del monto que había alcanzado cualquier otro tour musical en la historia reciente.

La magnitud del impacto cultural y comercial de “The Eras Tour” rompió récords: 10.168.008 fanáticos asistieron a los conciertos en todo el mundo, según datos facilitados por la empresa de promoción de Swift.

El portal FOX Business recuerda que el sistema Ticketmaster colapsó debido a la avalancha de compradores, lo que provocó que el Congreso estadounidense iniciara una investigación sobre las operaciones y la transparencia de la boletería.

La estrategia de Swift

El alcance de Taylor Swift trasciende la venta de entradas y la rotación de canciones. En 2021, la artista optó por publicar nuevas versiones de sus seis primeros álbumes, bajo el sello “Taylor’s Version”, como estrategia para retomar el control de los derechos de explotación de su música original.

Estos derechos los perdió luego de que los másters de sus grabaciones fueran adquiridos en 2019 por la empresa Ithaca Holdings, de Scooter Braun. Meses después, Ithaca vendió esos derechos a la firma Shamrock Capital por un monto estimado en 360 millones de dólares, recogió FOX Business.

La apuesta por recuperar sus grabaciones fue rentable de inmediato. Según la publicación Rolling Stone, la reedición de “1989 (Taylor’s Version)” registró la venta de 1,3 millones de copias en su primera semana, superando la marca original de 1,28 millones de unidades. Este movimiento consolidó la narrativa de Swift como empresaria y artista, cuyo control creativo y financiero aumentó de manera exponencial.

El retorno definitivo de los másters a manos de Swift llegó en mayo de 2025, tras la adquisición directa a Shamrock Capital. Fuentes consultadas por Billboard precisaron que la cifra abonada por la artista alcanzó los 360 millones de dólares, similar a la que invirtió la firma de capital privado.

Más allá de giras y recuperaciones, la solidez del patrimonio de la cantante se explica por la valoración de su catálogo musical, estimada en 600 millones de dólares, y a inversiones inmobiliarias que ascienden a unos 110 millones, documentó Forbes.

La rentabilidad de su actividad en vivo resultó determinante. El cálculo de la editorial estadounidense señala que cerca de 800 millones de dólares provienen de regalías y conciertos, indicadores que la sitúan como la compositora-intérprete de mayor éxito económico de su generación, sin depender de grandes contratos comerciales ajenos a la música.

El ascenso de Taylor Swift a la cima del negocio musical vino acompañado de una intensa presencia mediática y de lanzamientos en cadena. El anuncio de su álbum más reciente, “The Life of a Showgirl”, realizado durante una aparición en el pódcast “New Heights”, conducido por su pareja y jugador de la NFL Travis Kelce, superó los once millones de vistas en veinticuatro horas.

Este 24 de julio, Jennifer Lopez cumple 56 años y es una buena oportunidad para repasar su lugar como ícono de la moda global.

Desde los años noventa hasta hoy, la forma de vestir de la cantante, actriz y compositora acompañó cada etapa de su carrera artística. Este recorrido repasa la evolución de sus elecciones estéticas, desde los looks urbanos ligados al hip hop hasta la alta costura y la versatilidad contemporánea.

Con más de tres décadas en el centro de la escena, sus apariciones públicas marcaron tendencias y reflejaron cambios culturales tanto en la industria del entretenimiento como en el mundo del diseño. Sin abandonar su identidad, combinó piezas de distintos orígenes, adaptó su imagen a nuevos escenarios y construyó una presencia reconocida en alfombras rojas, campañas y presentaciones.

Primeros años y raíces urbanas (1991-1996)

Durante la primera mitad de los años noventa, cuando comenzaba a destacar como bailarina y actriz en programas como “In Living Color”, López se identificó con la estética urbana y relajada de Nueva York.

Prefería pantalones tipo baggy, tops deportivos, grandes aros dorados y zapatillas. Camperas bomber, denim y gorras acompañaban un look ligado al hip hop y la cultura urbana. Esta época se caracterizó por la comodidad y el minimalismo, con un maquillaje discreto y peinados recogidos.

Glamour y sofisticación (1997-1999)

Tras su salto al cine, especialmente con su papel protagónico en “Selena” (1997), Lopez comenzó a incorporar piezas más sofisticadas.

Los vestidos ajustados, los satines, los escotes y los diseños que resaltaban su figura definieron su presencia en premiaciones y eventos.

Consagración y looks icónicos (2000-2009)

Durante la década de los 2000, Jennifer Lopez se convirtió en un nombre recurrente en las mejores listas de estilo. Este es el periodo de mayor atrevimiento en sus elecciones: transparencias, escotes profundos, brillos, plataformas, vestidos con aberturas y siluetas poco convencionales.

El vestido verde de Versace que usó en los Grammy Awards del 2000 marcó un hito en su carrera y redefinió para siempre la historia de la moda. Durante estos años, experimentó con diferentes estilos, desde el glamour hollywoodense hasta el boho chic, fusionando tendencias sin perder protagonismo en la escena.

Elegancia y refinamiento (2010-2019)

Desde 2010 y durante la siguiente década, Lopez apostó por la sofisticación y la alta costura. Vestidos de líneas limpias, conjuntos monocromáticos, prendas drapeadas y detalles de pedrería predominaron en sus apariciones.

Los trajes sastre, las capas y los vestidos columna dieron cuenta de una evolución hacia la elegancia clásica, sin abandonar toques sensuales ni guiños contemporáneos.

El maquillaje y los peinados también maduraron, priorizando acabados naturales, ondas suaves y recogidos pulidos. Esta etapa consolidó su figura entre las más elegantes del espectáculo.

Versatilidad moderna y vida cotidiana (2020-presente)

En la actualidad, Jennifer Lopez demuestra una versatilidad que combina estilo y practicidad. Alterna entre looks deportivos de lujo, básicos de alta gama y prendas cómodas sin resignar sofisticación.

Jeans de tiro alto, crop tops, sudaderas y sneakers se encuentran con bolsos y gafas de diseñador, creando estilismos replicados en redes y revistas.

Tanto en alfombras rojas como en presentaciones especiales, sigue destacando con vestidos en los que el brillo, las transparencias y las siluetas ajustadas reafirman su vigencia como icono global.

Un estilo en transformación permanente

Como se ve, el camino en la moda de Jennifer Lopez es un reflejo de su recorrido personal y profesional: una mujer que se reinventa, integra influencias diversas y marca el pulso del glamour de cada década.

Su capacidad para mezclar géneros y tendencias, sumar elementos de sus raíces y adaptar la alta costura a su identidad la posicionan entre las figuras más influyentes e imitadas del mundo del espectáculo.

No está siendo un verano tranquilo para Pedro Pastor. Conciertos, promociones y algún que otro viaje para desconectar lo llevan de un lado a otro. La entrevista, pues, la hacemos en uno de los pocos momentos en los que pasará más de tres días seguidos en su casa de Rivas-Vaciamadrid, a unos pocos kilómetros de la capital. “Los músicos tenemos vacaciones un poco cuando podemos y queremos”, dice. “Es como una balanza en el calendario, donde hay que equilibrarse hacer el trabajo que hemos elegido y que amamos y cuidarse descansando”.

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Pedro Pastor tiene 30 años, pero ya lleva 15, justo la mitad, con su nombre sonando en el circuito de la música independiente española. Hijo de músicos, casi parece natural en él haberse convertido en cantautor, rodeado desde la cuna de figuras consagradas en este género como su padre, Luis Pastor, o su tío por parte de madre, Pedro Guerra. Así, a los 13 años compuso su primera canción; a los 15, actuó por primera vez en un concierto en solitario en el que compartió esas iniciales composiciones. Fue entonces cuando sacó su primer disco, también cuando decidió que iba a dedicarse a eso de tocar sus temas frente a los demás durante toda su vida.

Un proyecto conmemorativo y colaborativo

Desde entonces, van siete álbumes completos, varias giras, millones de reproducciones y diez años junto a Los Locos Descalzos. Esta banda cumple ahora una década a su lado, por lo que, para conmemorar este hito, se encuentran en pleno lanzamiento de un disco conmemorativo. “Tener la misma banda durante diez años ha sido un milagro y un regalo”, reconoce el cantautor, “Pensamos que era justo y hermoso dejar hecho este disco con la celebración de una década”.

De este modo nace el proyecto 10 Locos Años Descalzos, un álbum en el que rescata algunas de las canciones compuestas en diferentes momentos de su carrera y, según explica, permitirles “tener una segunda oportunidad de sonar con otras vestiduras”. Al fin y al cabo, algunas de ellas fueron grabadas cuando él era aún un adolescente que tocaba a solas en su casa o en bares frente a unos pocos asistentes. Para grabarlas, iba a la casa de un amigo, donde hacían maquetas caseras con solo un violín como acompañamiento.

10 Locos Años Descalzos parte, por lo tanto, de su “espíritu de solista”. Sin embargo, es también una celebración de la amistad y, sobre todo, de la música en común. Prueba de ello, también, son las colaboraciones, a las que si aplicamos el dicho de dime con quién andas y te diré quién eres, nos haremos una idea del camino recorrido de este músico. Rozalén, Silvio Rodríguez, Rupatrupa acompañan los primeros adelantos: Los Olvidados, Quererte, En Braille, respectivamente.

Tres canciones compuestas en diferentes momentos de su vida, pero que figuran entre las más destacadas y queridas de su trayectoria. “En Braille es la primera buena canción que escribí en mi vida”, afirma. En aquella época, exprimía al máximo el mundo que le rodeaba y se inspiraba de todo para, después, trasladarlo a toda la música que creaba. “Me acuerdo de cuando volvía de ver un concierto, me quedaba tomando una cerveza con mis amigos y volvía borracho en un bus nocturno para llegar a mi casa a las 4 de la mañana, y a las 8 tenía que levantarme para ir al instituto, porque estaba en primero de bachillerato”.

“Estamos metidos en una década en la que el sistema genera una pobreza del espíritu”

Desde esa época, un pensamiento se ha mantenido: “Para poder escribir de algo hay que ser un soñador. Si no, te vas a equivocar”. Puede que, al hacerse mayor, haya visto como quedaban atrás ciertos “idealismos y valores que los acompañaban”, pero es consciente de que son esos mismos valores los que le han “hecho ser quien soy”. Una idea que cobra especial importancia, dice, en una década marcada por la “pobreza de espíritu” que, por un lado, “hace que vivamos la vida como si fuéramos máquinas”, y por otro, nos hace tolerar o incluso defender “las barbaridades de los gobernantes genocidas poseídos por delirios de grandeza”.

A la pérdida de la sensibilidad, se le añade, tal y como él percibe, un desprestigio de lo público. “Miro por la ventana y veo a un hombre que limpia las calles, a dos calles del colegio público en el que me formé; recuerdo a los ocho años romperme el brazo y una persona formada me lo curó... No sé, cada noche se ilumina una farola en mi calle para que yo pueda aparcar, abro un grifo y sale agua, tiro de la cadena... ¿De verdad queremos que sean empresas privadas las que se encarguen de nuestras necesidades básicas? Hay muchísima gente defendiendo esas ideas y que aprovechan una ausencia de información y una falta de pensamiento crítico".

“En los 70, había músicos que eran incluso más importantes que los políticos”

El discurso de Pedro recuerda al de esos cantautores de los que es heredero. Los mismos que conquistaron las radios (y los discursos) hace varias décadas, especialmente en las décadas de los 60 y los 70, en pleno auge de la canción protesta. “Los músicos eran incluso más importantes que los políticos”, recuerda, gracias al contenido social de sus letras. “Ahora ya no es así”, lamenta. “Al ver que los chavales iban a seguir lo que dijeran, la industria buscó que calara el mensaje de que el arte no debe meterse en política”.

De pronto, transmitir ideas sobre el mundo en un mercado cada vez más masivo era sinónimo de arriesgarse a perder fans. Frente a eso, mejor no hablar de nada en concreto, o mejor aún, hablar solo de uno mismo: consignas aplicadas, para Pedro Pastor en el pop, la música electrónica y en parte de la urbana, donde solo desde el rap mantiene el recuerdo de que “el arte es el espejo de la sociedad”.

Por todo eso, le preguntamos al cantautor si tiene la sensación de haber llegado tarde, cuando los cantautores ya no tienen la fuerza de la que antes gozaban. Su respuesta es que no. “Al final la canción política no está en su mejor momento, pero sí se sostiene bastante bien. Además, mi padre fue una personalidad bastante importante en este país, pero cuando tenía mi edad no pudo tocar en la mitad de países en los que he podido tocar yo”.

Nuevas canciones y actuaciones en julio y agosto

Así, mientras su música se sigue escuchando en todo el mundo, Pedro Pastor acomete ahora las fechas que le quedan de cara al resto del verano. En julio le esperan conciertos en Campo de Criptana este viernes y en San Vicente do Mar el martes que viene. En agosto, tocará en el festival Sierra Sonora (9 de agosto) en la Rioja y en las Nits de Tramuntana (16 de agosto), cerca de Girona. Finalmente, para despedir el verano en septiembre, viajará hasta Burgos para tocar en el Festival Tribu.

Este viernes, además, saldrá otra canción de su disco de celebración: Sin rosas, acompañado de María Ruíz. Además, ya se encuentra disponible su reciente colaboración con Marta Gómez en Destellos de belleza. Esta canción habla sobre cómo las pequeñas cosas nos llenan de vida y nos alegran. Componerla fue, afirman sus autores en redes sociales, “un proceso sanador” que ahora pretenden compartir con todo el que quiera escucharles.

En eso trabaja Pedro Pastor desde hace 15 años. A pesar de que el mundo le invita cada vez menos al optimismo, recuerda aquello que, desde siempre, le ha hecho escribir canciones. “Si no hubiera sido así, hubiera firmado con Warner a los 19 años, cuando me lo propusieron, y hubiera vivido otra carrera”, dice. Lejos de los focos, del gran show, apuesta por lo que lleva dentro: un refugio del mundo a través del que, aunque suene imposible, empezar a vivir de verdad en él con los demás.

En la competencia, Navarro consiguió cautivar al público y posicionarse como tercer finalista, junto a Melissa Gate y el ganador, Altafulla.

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Tras el cierre del programa y alcanzada una popularidad masiva, surgieron rumores en redes que desaconsejaban su regreso a Barranquilla, presuntamente ante la fuerte reacción de los fanáticos de Altafulla. Esto motivó que el creador de contenidos optara por permanecer un tiempo en Bogotá, para posteriormente establecerse definitivamente en Medellín. La mudanza marcó el inicio de una nueva etapa, con residencia en un apartamento lujoso y mayores oportunidades, incluida la visita del reconocido cantante Ryan Castro, que se sumó a las populares “batallas” en TikTok impulsadas por Emiro.

Habría encontrado el amor

El impacto mediático y el reconocimiento masivo permitieron a Navarro disfrutar de nuevos lujos y experiencias, entre ellas, salidas con amigos en yates por la costa de Miami. Además, no pasó desapercibida la complicidad mostrada en redes junto al cantante e influenciador ecuatoriano Johann Vera. Los seguidores pudieron verlos protagonizando dos videos en TikTok, en el que recrean tendencias musicales e incluso disfrutaron juntos en la playa. En uno de estos registros, Vera y Navarro corrían tomados de la mano, una imagen que generó comentarios y especulaciones sobre una posible relación sentimental.

La posibilidad de una nueva relación en la vida de Emiron no es descabellada, ya que el cantante ecuatoriano fue visto en varias de las visitas a los medios estadounidenses con Navarro, donde fue citado el exparticipante de La casa de los famosos. Además de compartir los momentos de ocio, como se ve en el video, en el que disfrutan de la playa y el atardecer de Miami.

Batallas con los grandes de la música

El impacto de los lives realizados los días jueves no dejó de crecer. A estos encuentros virtuales se suman personalidades del entretenimiento como Valentina Ferrer, acompañada de su pareja, el artista internacional J Balvin. De hecho, Navarro confirmó la continuidad de estos espacios de interacción, con una nueva transmisión programada el jueves 24 de julio y el plan de que Emiro Navarro viaje próximamente a Nueva York para encontrarse presencialmente con Ferrer. La influencia del joven tiktoker ya captó la atención de otros íconos de la música urbana, incluyendo al propio Maluma, que expresó públicamente su interés en compartir una “batalla” en vivo con el creador digital de tan solo 23 años.

La proyección internacional de Navarro alcanzó un nuevo nivel cuando fue invitado por la cadena Telemundo a participar como invitado especial en las instalaciones de Miami donde se graba el programa matutino Hoy día, dirigido al público latino de Estados Unidos. La presencia del colombiano fue celebrada en el set durante la emisión del lunes 21 de julio de 2025, donde destacó por su carisma y autenticidad al mostrar ritmos típicos nacionales como la cumbia y participar en una animada coreografía junto al presentador Clovis Nienow.

Emiro, una celebridad nacional e internacional

El alcance de Emiro en la esfera digital, así como su habilidad para conectarse y colaborar con artistas de talla internacional, reflejan una nueva forma de ascenso en la industria del entretenimiento y la generación de contenido en plataformas sociales. La capacidad de adaptarse a distintos escenarios —desde realities nacionales hasta estudios televisivos internacionales— le permitió romper fronteras, reinterpretar el concepto de influencia digital y posicionarse como un referente para nuevas generaciones.

El recorrido de Emiro, desde su irrupción en la segunda temporada de La casa de los famosos Colombia hasta consolidar lazos con figuras internacionales y explorar oportunidades en la televisión de los Estados Unidos, representa el dinamismo y la transversalidad de las carreras que hoy nacen y se desarrollan en el universo digital. Su presencia en Miami, el desarrollo de contactos en el extranjero y la capacidad de generar conversación en plataformas como TikTok lo mantienen como uno de los protagonistas emergentes más observados y comentados del momento.

“La gente se movía de acuerdo a las inflexiones de mi voz”, decía Alberto Castillo. Y así era: el cantor tenía una entonación perfecta y una manera tan particular y divertida de interpretar, que invitaba a los tangueros a salir a la pista de baile. Se había recibido de médico, ginecólogo para más datos. Y también era actor. Pero su gran pasión siempre había sido la música porteña. Esa que perdió a uno de sus mayores referentes aquel 23 de julio de 2002, hace ya 23 años, cuando él murió.

Nació en Floresta, como hijo de un matrimonio de inmigrantes italianos compuesto por Salvador De Lucca y Lucía Di Paola. Era el menor de cinco hermanos y sus padres lo bautizaron con el nombre de Alberto Salvador, soñando con el momento de verlo convertido en un profesional. Pero, desde niño, él mostró su interés por el tango. “En esa época, Buenos Aires tenía la humildad de principios de siglo, con balcones desde los que se oían pianos somnolientos y, en cada barrio, había un pibe con un fuelle”, recordó en una ocasión.

Empezó a estudiar violín siendo muy chico, pero lo que más le gustaba era cantar. Y lo hacía en cuanta oportunidad se le presentara, así fuera para muy poca gente. Sin ir más lejos, fue cuando apenas había cumplido los 15 años que, durante una fiesta en la que actuó para sus amigos de secundario, el guitarrista Armando Neira lo “descubrió“ y lo invitó a sumarse a su conjunto como cantor.

Para su debut profesional, eligió el pseudónimo de Alberto Dual. Y mientras iba recorriendo orquestas como las de Julio De Caro, en 1934, Augusto Berto, en 1935 y Mariano Rodas, en 1937, fue alternando su nombre artístico con el de Carlos Duval. ¿El motivo? Su familia no sabía que se había lanzado como artista y el mandato decía que tenía que ser médico. De hecho, cuenta la leyenda que un día, mientras lo escuchaba cantar por Radio París sin saber que se trataba de su hijo, su padre le comentó a su esposa: “Canta muy bien, tiene una voz parecida a la de Albertito”.

En 1938, sin embargo, decidió dejar de lado los micrófonos para abocarse de lleno a su carrera universitaria, conformándose con cantar solo para su barra de compañeros de facultad. Tenía que convertirse en “el doctor” con el que sus padres soñaban, lo que por aquellos años representaba un ascenso en la escala social. Y no iba a darse por vencido hasta lograrlo. Sin embargo, un año antes de recibir su título, el tango volvió vibrar por sus venas cuando aceptó unirse a la Orquesta Típica Los Indios, que dirigía el dentista y pianista Ricardo Tanturi. Junto a ella grabó su primer disco, en 1941, en el que figuraba con el pseudónimo con el que al tiempo se convirtió en una verdadera figura: Alberto Castillo.

Lo cierto es que, pese a tener muy clara su vocación, nunca abandonó sus estudios. Se recibió en 1942 en la Universidad de La Plata. “Me acuerdo que, ese día, canté Corazón Arrabalero en Radio el Mundo”, señaló en una nota. Luego instaló su propio consultorio ginecológico en la casa de sus padres, al que calificó como “una rascada”. Y se dio el gusto de poner, tal como se usaba en la época, la placa de bronce en la puerta que decía que allí atendía el doctor Alberto Salvador de Lucca. Era médico de día y cantor de noche. Y se sentía cómodo combinando sus dos actividades. Sin embargo, a medida que las mujeres que lo escuchaban en la radio y suspiraban al oírlo interpretar sus canciones empezaron a “decubrir” su verdadera identidad, todo se complicó.

“¿Está lista señora?“, contó que le preguntó una vez a una de sus pacientes, a la que había mandado a desvestirse detrás de un biombo. Y la respuesta de la mujer lo dejó boquiabierto: ”Yo sí, doctor. ¿Y usted?“. En ese momento, el hombre entendió por qué su consultorio estaba cada vez más abarrotado de damas. Ellas no querían ver al ginecólogo de Lucca sino a Castillo, el cantor. ”Esas insinuaciones no me gustaban", reconoció en una entrevista, al explicar el motivo por el que llegado un punto optó por dejar de lado definitivamente la medicina.

Corría el año 1943 cuando se animó a comenzar su carrera como solista. Los militares de entonces censuraban sus letras y decían que no podía seguir cantando porque tenía “una voz demasiado arrabalera”, algo que ellos pretendían arrancar por la fuerza de la cultura nacional. Pero, lejos de desanimarlo, con esto le dieron mayor impulso para seguir adelante en su faceta de cantor. “Estaban en contra del lunfardo. Y yo seguí por amor propio”, reconoció de aquellos años donde el dinero le era esquivo pero su corazón desbordaba de pasión.

Tuvo la acertada idea de incorporar algunos candombes a su repertorio. El primero fue Charol, de Osvaldo Sosa Cordero. Y, dada la buena recepción que tuvo el género entre sus seguidores, continuó sumando títulos como el clásico Siga el baile, de Carlos Warren, que grabó en el disco De mi barrio sin imaginar que cinco décadas más tarde, en 1993, en un cruce de estilos y generaciones, formaría parte del álbum Fiesta Monstruo de Los Auténticos Decadentes, en el que aceptó colaborar reflotando su vigencia entre los más jóvenes.

Ya convertido en un ídolo popular, Alberto encontró el amor en los brazos de Ofelia Oneto, con quien se casó el 6 de junio de 1945. Del matrimonio nacieron tres hijos: Alberto Jorge, Viviana Ofelia y Gustavo Alberto. Para entonces, él también se había consagrado como un prestigioso letrista. Entre los temas de su autoría se pueden mencionar Yo soy de la vieja ola, Muchachos escuchen, Cucusita, Así canta Buenos Aires, Un regalo del cielo, A Chirolita, Dónde me quieren llevar, Castañuelas y Cada día canta más.

“Por esos años se respiraba otro ambiente, de tango. La gente hablaba nada más que de tango. Venía música foránea, pero así como venía se iba. Porque acá se le dio entrada a toda la música foránea. Pero siempre estaba la orquesta típica y su cantor”, contó Alberto en una oportunidad, recordando esos tiempos de gloria. La década del 40 fue, según su opinión, la mejor para la música oriunda del Río de la Plata que él representaba.

En esa época, además, Castillo incursionó en el rubro de la actuación. “Cuando empecé a filmar, comencé a ganar plata de verdad”, reconoció. Debutó en la pantalla grande en 1946 con Adiós pampa mía. Y luego formó parte de películas como El tango vuelve a París en 1948, Un tropezón cualquiera da en la vida en 1949, Alma de bohemio en 1949, La barra de la esquina en 1950, Buenos Aires, mi tierra querida en 1951, Por cuatro días locos en 1953, Ritmo, amor y picardía, en 1955, Música, alegría y amor, en 1956, Luces de candilejas, en 1958 y Nubes de humo, en 1959.

Tenía 87 años cuando fue internado en la Clínica Bazterrica de la ciudad de Buenos Aires a raíz de una neumonía, donde falleció. Decían que era arrabalero y jodón. Que en sus manos, el micrófono se movía como un péndulo. Y que siempre encontraba entre el público a alguien a quien mirar burlón cuando se preguntaba “qué saben los pitucos” en Así se baila el tango, tema de Elías Randal y Marvil que se había convertido en uno de sus caballitos de batalla sobre el escenario. “El tango es folclore del cemento. Si le hacés una radiografía a un porteño, vas a ver que es tanguero hasta la muerte”, decía sin titubear y hablando, sin lugar a dudas, en primer lugar de sí mismo.

“Esto puede pasarle a cualquiera. Ojalá mi historia sirva para que otros no cometan el mismo error. Hoy me siento más fuerte y más consciente de que ser artista implica también ser responsable con lo que uno proyecta”, reflexionó Alejandro Vásquez al cierre de su conversación con La Red, de Caracol Televisión.

La declaración, cargada de autocrítica y advertencia, llega tras semanas de exposición pública y amenazas, en medio de un proceso judicial que ha puesto en jaque su vida personal y profesional. En ese contexto, el cantante de música popular denunció haber sido víctima de extorsión y de una campaña de acusaciones falsas de abuso sexual, tras un encuentro casual en mayo de 2025.

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El relato de Vásquez reconstruye una secuencia que, según él, comenzó después de una presentación privada. El artista decidió salir con amigos y, en el transcurso de la noche, conoció a una mujer con la que terminó en un motel. “Ella accedió voluntariamente. Subimos, y al poco rato se quedó dormida. Me pareció irrespetuoso y me fui”, explicó. Horas después, recibió un mensaje inesperado de la mujer: “¿Qué me diste?, ¿me drogaste?”, en el que lo acusaba de haberle suministrado escopolamina. El cantante aseguró: “Yo quedé en shock. Nunca he consumido drogas, ni siquiera fumo. Me dijo que me iba a acabar la carrera y luego recibí amenazas de muerte desde un número oculto”, dijo al medio citado.

La situación escaló rápidamente. Según narró Vásquez en la entrevista, “A las seis de la tarde ya había una foto mía publicada en su Facebook acusándome de violador. Empezó una campaña en redes con perfiles falsos, me amenazaban a mí y a mi familia. Publicaban fotos de mi mamá, de mis hermanas, hasta la dirección de donde vivían”. El impacto de la exposición digital y la viralización de las acusaciones afectó no solo su imagen pública, también la seguridad de sus seres queridos.

En su testimonio, el cantante subrayó que la mujer no presentó pruebas médicas ni forenses que respaldaran las acusaciones. Además, afirmó que no existe una demanda formal en su contra y que, según su conocimiento, la denunciante ya tenía antecedentes de querellas similares. Vásquez sostuvo que la situación se agravó cuando se negó a pagar los $20 millones que le exigieron, lo que, en su opinión, confirma el carácter extorsivo del caso.

Actualmente, la Fiscalía General de la Nación investiga el caso bajo los cargos de injuria, calumnia y presunta extorsión. El proceso legal sigue su curso, mientras el cantante insiste en que su prioridad es limpiar su nombre y proteger a su familia.

Capturado cantante de música popular por abusar de una menor de edad en Antioquia

En el municipio de Sonsón, Antioquia, otro cantante de música popular, cuya identidad no ha sido revelada fue capturado por delitos sexuales en contra de una menor de edad. El hombre, de 43 años, era solicitado por las autoridades luego de que un juez ordenara su detención mientras avanza el proceso de investigación.

La captura, que se ejecutó en medio de un operativo que realizaron miembros de la Policía Nacional y el Cuerpo Técnico de Investigación (CTI) de la Fiscalía General de la Nación, se dio en cumplimiento de la orden emitida por el juzgado primero promiscuo municipal con funciones de control de garantías de Sonsón, Antioquia.

Según los datos revelados por las autoridades y algunos medios de comunicación locales, como Minuto 30, los hechos ocurrieron entre 2019 y 2022, cuando la menor de edad frecuentaba la vivienda del señalado, ubicada en Sonsón. Aprovechándose de la confianza y su posición de poder, el hombre presuntamente abusó sexualmente de la menor de edad en varias ocasiones.

“¡Que viva Palestina libre!” Con esta frase, Residente cerró el mensaje en el que anunció la cancelación de sus conciertos en España, una decisión motivada por el descubrimiento de vínculos financieros entre los festivales en los que iba a participar y el fondo de inversión estadounidense KKR, relacionado con negocios en Israel.

El propio rapero puertorriqueño, cuyo nombre real es René Pérez Joglar, comunicó que no actuará en el Morriña Festival ni en el Festival Internacional de Benicàssim (FIB), sumándose así a un boicot que desde mayo ha llevado a decenas de artistas a retirarse de festivales asociados a KKR.

Apoyo al pueblo Palestino frente al genocidio

El detonante de la decisión fue una alerta recibida por Residente a través de su hermano, responsable de gestionar sus perfiles en redes sociales. El equipo del artista desconocía por completo la relación financiera entre los festivales y KKR hasta ese momento.

Tras recibir la advertencia, el músico dedicó varios días a verificar la información, consultando a periodistas e investigadores de confianza. Durante ese periodo, en el que también trabajaba en el guion de un proyecto (al parecer, sobre el líder revolucionario portorriqueño José Maldonado Román que se convertiría en un biopic) y compartía tiempo con su hijo, Residente confirmó que KKR invierte en empresas israelíes dedicadas a tecnología militar, vigilancia, espionaje y en proyectos inmobiliarios en asentamientos ilegales de los territorios palestinos ocupados.

El artista expresó que estas inversiones representan “una contribución indirecta al genocidio y a las violaciones sistemáticas de los derechos humanos contra el pueblo palestino”.

En el vídeo difundido en sus redes sociales, Residente enfatizó que, aunque es consciente de que su decisión podría tener consecuencias legales, no le preocupan frente a la firmeza de sus convicciones.

“No me importa lo que pueda pasar legalmente”, afirmó. El boicot al que se suma Residente ha tenido un impacto considerable en la programación de festivales vinculados a KKR.

Una ola de cancelaciones

La cantante Judeline canceló su participación en el FIB en protesta por estas conexiones. Más de 50 artistas y colectivos, entre ellos Animistic Beliefs, Juliana Huxtable y La Prados, abandonaron el Sónar tras conocerse la relación del festival con el mismo fondo inversos.

Un festival, por cierto, que ha pasado de convertirse en uno de los más prestigiosos del país, sobre todo en materia de música avanzada y electrónica, a verse absolutamente estigmatizado este año por esta razón, algo que se ha notado también en la escasa cobertura, así como en la falta de apoyo de muchos de los artistas que iban a participar durante esos días en los conciertos en la ciudad de Barcelona.

Bandas como Sons of Aguirre, Kamikazes y Los Chikos del Maíz también han renunciado a actuar en eventos como Viña Rock y Resurrection Fest.

En su despedida del mensaje que ha compartido, Residente pidió disculpas a quienes ya habían adquirido entradas para sus conciertos y subrayó que el trasfondo financiero de estos festivales le impide participar, ni siquiera por un segundo, en nada relacionado con esta tragedia.

Sus letras hablaban de amor y sexo sin tabúes en una época puritana. “Para hacer bien el amor hay que venirse al Sur. Para hacer bien el amor iré donde estás tú. Sin amantes, quién se puede consolar, sin amantes, esta vida es infernal”, cantaba sin dejar de bailar.

Pegadizas, enérgicas y alegres, canciones como “53 53 456”, con sus versiones en español, quedaron grabadas en la memoria popular y en el corazón a juzgar por las imágenes de su funeral con asistentes desconsolados. Raffaella tenía carisma. Era amada más allá de Italia. Era imposible no quererla. Su estilo fue antecedente de muchas artistas que luego replicaron puestas escénicas similares. Pero ella lo hizo primero.

Aunque por ser italiana y por su repertorio musical, no siempre se la reconoció como pionera del “pop sexy”. Los medios italianos replicaron el concepto de que ella fue “la madre de todas las rubias del pop”, en alusión a Madonna, Lady Gaga y todas las que siguieron. “La tuvimos en casa muchas décadas antes”, argumentaron los medios, que están convencidos de que su blonda fue una fuente de inspiración y allanó el camino a la mismísima reina del pop. En el año 2000, Raffaella entrevistó a Madonna en un impecable inglés para su programa, aunque la cantante norteamericana, con un look western por el álbum Music que acababa de presentar, no se mostró especialmente cálida e interesada en tamaña figura.

Carrà fue un símbolo de libertad sexual. Su estilo, audaz y provocador, causó escándalo en España durante una de sus giras, donde guardan registros. Así lo recuerda el programa Cachitos de hierro y cromo de la televisión pública española, donde se repasan clips musicales con subtítulos irónicos. En un episodio que incluye su canción Caliente Caliente, vestida de rojo, recuerdan lo escandaloso que era para la época. Seguramente más de un televidente se habría persignado al verla. “Por las noches me despierto abrazada a la almohada y con deseos de amar. Será que ya es primavera. No sé. Caliente, caliente”, recitaba sin perder la sonrisa, mientras sacudía las caderas o sensualmente su pelvis.

En 1971, su canción Tuca Tuca generó malestar en el Vaticano. En la coreografía, vestida con un top que dejaba ver su ombligo - fue la primera italiana en mostrarlo un año antes-, tocaba distintas partes del cuerpo de su compañero de baile al ritmo de “Mi piace” (Me gusta) mientras a su turno dejaba tocarse ella. “Cuando la canté con un grandísimo artista italiano que se llama Alberto Sordi, el Vaticano se quedó mudo", relató la artista entre risas al recordar su actuación del tema en un programa de radio de la Cadena Ser. El diario oficial del Vaticano, L’Osservatore Romano, la criticó con dureza. Sin embargo, ella nunca se enfrentó a la Iglesia: era creyente y espiritual. Ya en los años noventa, durante su programa Pronto, Raffaella, que sirvió de inspiración a Hola Susana, recibió a la Madre Teresa de Calcuta. Aquel encuentro, según dijo, fue profundamente emotivo.

Temas como Fiesta, En el amor todo es empezar y Hay que venir al sur fueron éxitos globales, solo por mencionar algunos. El repertorio fue amplio.

En los actos escolares, las coreografías de Raffaella podían colarse en los escenarios. Existió una Raffaella manía. Es que la estrella italiana visitó la Argentina en varias oportunidades. La primera fue en octubre de 1978, plena dictadura militar, como parte de una gira por América del Sur. Agotó seis funciones en el Luna Park, se presentó en el Teatro Ópera y cerró su visita con un recital en el estadio Vélez Sarsfield. A año siguiente, visitó Mar del Plata para una serie de shows en el Gran Hotel Provincial y el furor fue tal que los fans acamparon en las inmediaciones. En octubre de 1979 regresó con más recitales y en 1980 filmó en Buenos Aires una película, Bárbara, coprotagonizada por Jorge Martínez, un galán de la época. En 1982 dio sus últimos conciertos en el Gran Rex.

Queda claro que su relación con la Argentina era intensa y esto se debe también a la fuerte inmigración italiana en el país. “Yo he estado en América varias veces. Veía a la Argentina como un país muy lejano para ir a trabajar. Y cuando he bajado del avión me encontrado gente como los italianos. Absolutamente iguales. Me he encontrado como en mi casa”, contó en una entrevista de la TVE. Su última visita fue en octubre de 2005, cuando participó en el programa televisivo “La noche del 10”, conducido por Diego Maradona.

Nacida en tiempos de guerra

El nombre que figuraba en su documento era Raffaella María Roberta Pelloni. Nació el 18 de junio de 1943, en tiempos de guerra y bombardeos. Su padre abandonó a la familia, y ella intentó abrirse paso en la danza clásica desde los diez años. Pero no logró destacarse. Si bien había debutado como actriz a los 9, en la película Tormento del pasado, tampoco encontró su lugar. Incluso después de haber trabajado en Hollywood con Frank Sinatra. “No se le daban bien los primeros planos, quizás porque su gran don era su capacidad para expresarse con el cuerpo”, sostuvo el cineasta Marco Bellocchio, quien la conoció en el Centro Experimental de Cine en los años sesenta.

Cantante, compositora, bailarina, coreógrafa, actriz y presentadora, Carrà encarnó todas esas facetas. Murió sin haber tenido hijos. En sus últimos años, evitaba entrevistas. A los 76 años se declaraba “retirada del amor”. Disfrutaba del silencio de su mansión en Roma y nunca creyó en el matrimonio como institución. “Está caduco”, solía decir.

Su primer gran amor fue Gianni Boncompagni, productor y artífice de su proyección internacional. Él le llevaba 11 años. “No le enseñé nada, nació así”, declaró el hombre alguna vez, quien murió en 2017.

Más tarde, en los años 80, conoció al coreógrafo Sergio Japino, esta vez 11 años menor que ella. Con él compartió el escenario en programas como Fantástico 3 y Pronto, Raffaella?, con un éxito masivo. Aunque se separaron en los 90, mantuvieron una relación estrecha hasta su muerte. Hicieron juntos giras y espectáculos memorables.

La unión entre Carrà y Japino duró casi tres décadas. Consultada por El País, la conductora de ¡Che sorpresa! definió a Japino como un guía, un apoyo y una presencia luminosa. Ella misma explicó que su carrera postergó el deseo de ser madre: “Fue una pena, pero la vida se dio así”. Dos sobrinos ocupaban un lugar especial en su corazón.

Fue Japino quien anunció su muerte con estas palabras: “Raffaella nos dejó. Se fue a un mundo mejor, donde su humanidad, su inconfundible risa y su extraordinario talento brillarán para siempre”. Más tarde reveló que padecía cáncer de pulmón desde hacía un año. La misma enfermedad había causado la muerte de su hermano Vincenzo en 2002 y de su madre Iris Dellutri en 1987.

“El cáncer había atacado su cuerpo menudo, pero lleno de energía”, contó Japino. “Era una mujer fuera de lo común, pero dotada de una simplicidad sorprendente. No tuvo hijos, pero decía siempre que tenía miles de ellos”. También explicó por qué eligió no revelar su enfermedad: “Fue un gesto de amor hacia su público, para que su calvario personal no turbase su recuerdo luminoso”.

Sobre ella, dijo además: “Tenía una fuerza imparable que la llevó a la cumbre del star system mundial y una voluntad férrea que no la abandonó hasta el último minuto”.

En 2020 se estrenó Explota Explota, una película protagonizada por Ingrid García-Jonsson, nominada a tres premios Goya, que explora su figura desde la ficción, aunque su vida personal permaneció siempre en un plano reservado.

Su muerte, el 5 de julio de 2021, tomó por sorpresa al público. Así comienza el documental Raffaella, dirigido por Daniele Luchetti y estrenado por Disney+, donde se aborda su legado como ícono de la cultura popular y del empoderamiento femenino.

Seguramente habrá más documentales. El mundo la extraña.

El 17 de junio, las redes sociales de Cacho Deicas, la voz que por medio siglo definió el sonido de Los Palmeras, se llenaron de inquietud y nostalgia. El cantante eligió compartir una frase cargada de significado, tomada del tema Cara sucia de 1995: “Pero el hombre cantante, a veces ignorante, olvida la serpiente que Dios puso en el Edén”. Aquellas palabras, surgidas del repertorio que tantas veces entonó sobre los escenarios, resonaban como un eco de algo que se vivía puertas adentro de la histórica banda santafesina. Para sus seguidores, el texto abría una grieta de misterio sobre el clima íntimo que atravesaba el grupo.

En la semana siguiente, entre versiones cruzadas, rumores de ruptura y desmentidas que circulaban de boca en boca y en los portales, el propio Cacho tomó la palabra para despejar dudas. Confirmó su deseo de regresar a Los Palmeras tras haber enfrentado un ACV. Sin embargo, relató públicamente que recibía condiciones inexorables para poder reinstalarse en la banda: “Me envían una serie de requisitos para que yo pueda volver al grupo, que iban en contra del proceso de recuperación que estoy pasando y de mi libertad para poder utilizar mis redes sociales, entre otras cosas”. La respuesta de Cacho fue tajante. No accedió a esas exigencias, que sentía incompatibles con su salud y su vida actual. A los pocos días, recibió una carta documento con la formalidad del caso: Marcos Camino, acordeonista y fundador del grupo, le notificaba el pedido de disolución de la sociedad por no poder cumplir con los shows pactados ni presentarse a trabajar.

La noticia sacudió a los fanáticos y compañeros. Las redes de inmediato se inundaron de mensajes de aliento. Llegaron voces de todo el país, como la de alguien que le escribió: “Cacho, vos te ponés con un tarro y dos guitarras y sos el alma de la fiesta. No necesitás de Los Palmeras porque Los Palmeras SOS VOS”. Otros recordaron lo fundamental que fue su voz en momentos de felicidad: “Cacho, tu voz musicalizó los momentos más hermosos de mi vida, eso se devuelve con apoyo y cariño incondicional”.

La versión del grupo no tardó en publicarse en sus canales oficiales. El comunicado explicaba que, por la condición de salud de Deicas, la sociedad artística se veía empujada a la disolución. Argumentaban que la banda, sin él, debía continuar actuando, grabando y tomando compromisos porque esa era su razón de existir: “El conjunto musical Los Palmeras seguirá cumpliendo con todos y cada uno de sus compromisos, tal como lo ha hecho hasta la fecha, brindando alegría desde los escenarios a la gente”.

Pero aún bajo ese mensaje formal, los comentarios siguieron volcándose en respaldo a Cacho. Luis Rojas, cantante y fan confeso, sumó palabras que reflejaron el sentimiento de una multitud: “Como admirador, como fan de Los Palmeras, como cumbiero, me da mucha tristeza todo esto. Quizás no le importe a nadie lo que digo… Amigos, recuerden que de esta vida no nos llevaremos nada. Solo nos quedará lo vivido en nuestra mente y alma. Tantos años de amistad para terminar así… Los Palmeras son los dos. Abrazos y perdón, pero me duele en el alma”.

En ese clima de emociones desbordadas, Cacho Deicas subió a su cuenta de Instagram una foto suya, de pie sobre un escenario, frente al público que lo acompañó durante décadas, ese mismo que lo vio cantar, bailar y contagiar alegría infatigable. De fondo, suena “Cumbia compañera”, con su voz marcando el pulso: “Cumbia, compañera de tantas noches llenas de encanto, bórrame esta pena que me tortura, que me arrebata. Llévame contigo, llévame muy lejos, que entre tus senderos de melodías quiero olvidar”. El mensaje que eligió para acompañar la imagen fue breve, pero lleno de gratitud: “Nunca voy a dejar de agradecer todo el apoyo que me han dado ayer, hoy y siempre. ¡Gracias, amigos!”.

La actuación tuvo lugar en un contexto de protestas en el centro de Los Ángeles, donde se llevaron a cabo manifestaciones contra las redadas del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE), y las manifestaciones llevadas a cabo en diferentes estados del país.

Nezza afirmó que los Dodgers le habían indicado previamente que no debía cantar el himno en español. En un video publicado en TikTok, la cantante escribió: “Miren cómo los Dodgers me dicen que no puedo cantar la versión en español de ‘Star Spangled Banner’, que Roosevelt literalmente encargó en 1945”.

Así fue el momento protagonizado por Nezza

En el video, se escucha a una persona no identificada decirle: “Hoy vamos a hacer la canción en inglés. No estoy seguro si eso no se comunicó”. A pesar de ello, Nezza decidió interpretar el himno en español frente al público, escribiendo sobre el video: “Así que lo hice de todos modos”.

En un video posterior, Nezza explicó su decisión y el impacto emocional que tuvo el momento. La cantante señaló que la versión en español del himno fue encargada en 1945 por el Departamento de Estado de Estados Unidos como parte de la política del Buen Vecino del presidente Franklin Roosevelt, con el objetivo de fortalecer las relaciones con América Latina.

La letra fue escrita por Clotilde Arias, una compositora peruano-estadounidense. Nezza expresó que, considerando el contexto de Los Ángeles y las protestas contra las redadas del ICE, no esperaba que le pidieran no cantar en español. “He cantado el himno nacional muchas veces en mi vida, pero hoy, de entre todos los días, no pude”, afirmó.

La cantante, de ascendencia colombiana y dominicana, destacó que su decisión fue un acto de amor y energía positiva. “Estoy orgullosa de haberlo hecho porque mis padres son inmigrantes”, comentó, añadiendo que no podía imaginar ser separada de ellos, ni siquiera en su edad adulta.

También agradeció a sus seguidores por los mensajes de apoyo y bromeó diciendo: “Puedo decir con seguridad que nunca más me permitirán entrar a ese estadio”, según declaraciones recogidas por la revista People.

Por su parte, un representante de los Dodgers declaró al Los Angeles Times que no habría consecuencias para Nezza tras su actuación y que sería bienvenida nuevamente en el estadio en el futuro.

Reacciones de otras celebridades a las protestas migrantes

El mismo día del evento, el jugador puertorriqueño de los Dodgers, Kike Hernández, compartió un mensaje en Instagram expresando su indignación por las redadas. “Esta ciudad me adoptó como uno de los suyos. Estoy entristecido e indignado por lo que está ocurriendo en nuestro país y nuestra ciudad. Todas las personas merecen ser tratadas con respeto, dignidad y derechos humanos”, escribió Hernández, quien utilizó el hashtag #CityOfImmigrants para enfatizar su postura.

Además, el equipo de fútbol Angel City F.C., también de Los Ángeles, se unió a las muestras de apoyo hacia la comunidad inmigrante. Durante su partido del 14 de junio, el club distribuyó camisetas a los aficionados con la frase “Immigrant City Football Club”, y los jugadores lucieron las mismas camisetas antes del encuentro.

Nezza, quien ha hablado anteriormente sobre su orgullo por sus raíces latinas, declaró en 2021 a PEOPLE: “Estoy muy orgullosa de ser Latinx. Somos personas extremadamente apasionadas y llenas de vida. Quiero difundir amor y ofrecer a la gente una actuación que nunca olviden”. Su interpretación del himno en español no solo marcó un momento significativo en el estadio, sino que también resonó con las tensiones sociales y políticas que atraviesa la ciudad de Los Ángeles.

La pareja jugó al despiste durante semanas de rumores, pero la revista 'Diez Minutos' publicaba hace unas semanas en su portada el plan más romántico de Aitana Ocaña y el Plex, dejando claro que su historia de amor es una realidad.

Sin embargo, parece que todavía hay compañeros de la artista que no se han enterado de esta noticia que ha causado un revuelo mediático sin precedentes... Es el caso de Roi Méndez, quien se ha quedado sorprendido al enterarse de esta noticia.

El cantante acudía este fin de semana al concierto de Lola Índigo en Madrid y al preguntarle por esta información, su reacción era sorprendente: "¿Está con Plex? pues parejaza" y añadía: "Es monísimo, me da mucha ternura y Aitana también".

Hace casi dos meses, a mediados de abril, la revista 'Diez Minutos' ya adelantaba en su portada que Aitana y Plex eran pareja, pero en aquel momento ambos negaron la información a través de su entorno, que aseguró que tan solo habían coincidido en Japón por motivos profesionales. Ahora, es imposible negar que la cantante y el influencer están juntos.

El cantante de country Conner Smith estuvo involucrado en un accidente automovilístico en Nashville, Tennessee, que resultó en la muerte de una mujer de 77 años.

El incidente ocurrió el domingo por la noche, cuando Smith atropelló a Dorothy Dobbins mientras cruzaba un paso peatonal en la Tercera Avenida Norte, según informó el Departamento de Policía Metropolitana de Nashville.

La víctima, quien residía cerca del lugar, fue trasladada al Centro Médico de la Universidad de Vanderbilt, donde falleció poco después.

Smith no presentaba signos de estar alcoholizado o distraído

De acuerdo con las autoridades, los hallazgos preliminares indican que Smith no cedió el paso al peatón, lo que habría sido un factor determinante en el accidente.

Sin embargo, el comunicado policial también señaló que el cantante no presentaba signos de estar bajo los efectos del alcohol ni de distracción con su teléfono móvil en el momento del impacto. Hasta ahora, no se han presentado cargos en su contra, y la investigación sigue en curso.

El abogado del artista, Worrick G. Robinson, confirmó la participación de su cliente en el accidente y expresó sus condolencias a la familia de la víctima.

En un comunicado compartido con medios como NBC News y ABC News, Robinson declaró: “Su más sentido pésame a la familia de la Sra. Dobbins en estos momentos tan difíciles. El Sr. Smith continúa cooperando plenamente con la investigación en curso”.

Trayectoria personal y musical de Smith

Conner Smith, de 24 años, es un músico originario de Nashville que ha ganado notoriedad en la escena del country. Está firmado con el sello Valory de Big Machine Records y lanzó su álbum debut, “Smoky Mountains”, el año pasado.

Además, ha sido telonero de artistas como Luke Bryan y fue nominado a Artista Masculino Revelación del Año en los Premios ACM de 2024. En abril, lanzó el sencillo “Country in the Clouds” junto a Dylan Marlowe y participó en la banda sonora de la película “Twisters”.

Smith tenía programada una gira a mediados de este mes

El accidente ha generado incertidumbre sobre el futuro inmediato del cantante, quien tenía programado iniciar una gira el 14 de junio.

Hasta el momento, no se ha confirmado si las fechas de los conciertos se mantendrán tras lo ocurrido. Smith, quien se casó recientemente con la surfista Leah Thompson en abril de 2024, ha sido considerado una de las promesas más destacadas de su generación en el competitivo mundo de la música country.

El Departamento de Policía Metropolitana de Nashville dijo que la investigación continúa en curso

El Departamento de Policía Metropolitana de Nashville continúa investigando las circunstancias del accidente. Según el comunicado oficial, “el factor preliminar que contribuyó a este accidente parece ser que Smith no cedió el paso al peatón”, aunque no se han identificado otras causas que puedan haber influido en el trágico suceso.

Una fuente que presenció el incidente señaló que el cantante no parecía distraído, lo que deja abiertas preguntas sobre las condiciones exactas en las que ocurrió el atropello.

La víctima era residente de la zona en el que sucedió el accidente

Dorothy Dobbins, la víctima, era residente de la zona y cruzaba el paso peatonal cuando fue impactada por la camioneta Chevrolet Silverado conducida por Smith. A pesar de los esfuerzos médicos realizados tras su traslado al hospital, no fue posible salvar su vida debido a la gravedad de las lesiones sufridas.

El caso ha atraído la atención de los medios debido a la notoriedad de Conner Smith en la industria musical y a las circunstancias aún poco claras del accidente. Mientras tanto, el cantante ha expresado su disposición a colaborar con las autoridades para esclarecer los hechos.

En el ojo del huracán tras su polémico paso por Eurovisión -donde quedó en el puesto 24º-, Melody ha concedido por fin su primera entrevista. El plató elegido, creando un cisma porque muchos esperaban que rompiese su silencio en RTVE, 'El Hormiguero', donde se ha sincerado con Pablo Motos sobre su experiencia en el festival.

Dejando claro que en ningún momento cree que ha perdido "porque me he ganado el corazón de gente que no me conocía", sí ha admitido que le hubiese gustado hacer las cosas "de otra manera". "Ya que he quedado en el 24, me hubiese gustado equivocarme yo. Estoy en mi derecho de decirlo y no por eso me he hecho la víctima" ha sentenciado.

Una entrevista que está dando mucho que hablar, y tras la que Melody ha puesto rumbo a Málaga para reencontrarse con su hijo Cairo. Tranquila y contundente, la cantante de 'Esa Diva' ha asegurado que ya no tiene nada más que contar "porque ya lo he dicho todo" y ha aprovechado para promocionar su nuevo tema, 'El apagón', en el que está volcada en estos momentos dejando atrás su participación en Eurovisión.

"Estoy muy bien, muy contenta y muy tranquila. Todo tiene su tiempo y hemos vivido una experiencia muy buena. Y nada, muy agradecida por todo y muchísimas gracias por el cariño. Y a los periodistas, a todos, y ahora seguir con muchas cosas que vienen" ha añadido, dejando claro que pasa página y que no quiere volver a hablar del festival porque "con ya con lo que he dicho es suficiente".

En compañía de un grupo de amigos, la triunfita y Daniel Alonso -nombre real del nuevo novio de la catalana- disfrutaron de una cena en un restaurante cubano del centro de la capital en la que no faltaron los besos, los arrumacos y las miradas que hablan por sí solas y revelan que están muy enamorados, terminando la noche, tras abandonar el local por separado para intentar esquivar a las cámaras sin conseguirlo, en el reservado de una conocida discoteca donde habrían dado rienda suelta a su pasión.

Y este mismo miércoles, horas después de su primera portada juntos, Aitana y Plex han tenido una nueva 'cita'. Antes de que la cantante comenzase sus ensayos -ultimando los detalles de la gira con la que recorrerá nuestro país en los próximos meses-, su chico se ha acercado a su casa para desearle suerte y disfrutar de un rato de intimidad lejos de las cámaras antes de cumplir con sus compromisos profesionales.

Eso sí, para no ser visto Plex ha hecho su entrada en la residencia de la cantante -que ha aprovechado el día para poner a punto su jardín, con varios operarios descargando un camión con un gran árbol y varias macetas más pequeñas con palmeras y otros setos- en una furgoneta con los cristales tintados que usa habitualmente en sus desplazamientos, dejando claro que por el momento no piensan oficializar su relación.

Minutos después de que el youtuber abandonase su casa, era Aitana la que lo hacía, dirigiéndose en su propia furgoneta a un local de ensayos para centrarse en sus conciertos tras haber pasado varias horas con su nueva pareja.

Hace diez años, Cynthia Erivo disfrutaba de la libertad de desplazarse por las calles de Nueva York o Los Ángeles en su patinete, un hábito que recuerda con cariño. “¡Llevo años haciéndolo!”, comenta desde su loft en Los Ángeles. Sin embargo, tal y como le indicó el director John Doyle le advirtió: “Cynthia, no vas a poder hacer eso por mucho más tiempo”. Un comentario que preveía lo que pasaría con la talentosa cantante y actriz en unos años.

A sus 38 años, Erivo se ha consolidado dentro de la industria musical y de la actuación por su enorme versatilidad. Ante el inminente lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, I Forgive You, disponible a partir del 6 de junio, la superestrella de Hollywood ha sido entrevistada por la revista Billboard no solo para dar los detalles de la creación de este proyecto, sino también para sincerarse sobre su identidad queer y su evolución artística.

Desde que alcanzó la fama internacional tras su debut en Broadway en 2015 con The Color Purple, dirigida por Doyle, su carrera ha sido un ascenso constante. Y es que está a un paso de alcanzar el estatus EGOT, ya que solo le falta el Oscar tras tres nominaciones. Además, ha participado en series como The Outsider, Genius y Poker Face, y ha rendido homenaje a leyendas musicales en el Kennedy Center. Sin embargo, a pesar de haber vivido durante bastantes años dentro de la industria, sigue sin acostumbrarse la vuelco que ha dado su vida tras el éxito de Wicked: “Es una locura. Y también es una locura mientras está sucediendo”.

Un viaje de autodescubrimiento: “Nunca había explorado mi identidad queer”

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La exploración de la sexualidad de Cynthia Erivo comenzó su punto de partida mientras interpretaba a Celie en The Color Purple. En aquel momento, la actriz se enfrentó a una realidad personal hasta entonces desconocida. “Nunca había explorado mi identidad queer, nunca la había descubierto, comprendido ni aprendido realmente sobre ella”, confiesa. Pero tuvo suerte y se dio cuenta que podía “interpretar a esta mujer que explora y aprende sobre su propia identidad queer al mismo tiempo que intenta descubrir qué es el amor’. Algo maravilloso sucedió al mismo tiempo: pude hacer lo mismo conmigo misma”.

Erivo había salido del armario en privado durante su juventud, con amigos y familiares cercanos, pero interpretar a Celie durante dos años le brindó la seguridad para hacerlo público. “Es como si finalmente tocara tierra”, explica. “Incluso con el trabajo que empecé a hacer, ya sea en un set o en un estudio, me sentí mucho más relajada”, aseguraba.

Con esta nueva tranquilidad, llegaron más proyectos y reconocimiento. Tras concluir The Color Purple, participó en películas como Bad Times at the El Royale y Widows, actuando junto a figuras como Viola Davis y Jeff Bridges. Su papel estelar en Harriet (2021) le valió dos nominaciones al Oscar, a mejor actriz y mejor canción original. De haber ganado, habría sido la persona más joven en lograr el estatus EGOT. Sobre esta posibilidad, reflexiona: “Qué bonito, ¿no? Estar en esta posición a estas alturas de mi carrera es, en primer lugar, un privilegio, y en segundo lugar, una enorme sorpresa", afirmaba. Para ella, “ser una de esas personas que está a punto de siquiera mirar eso a la cara, es maravilloso”.

“No tengo ningún problema en compartir parte de mi vida”

La coprotagonista de Wicked ha comunicado durate la entrevista que la percepción pública de su persona ha estado marcada desde el principio: “La gente ve una versión muy estereotipada de mí, y hacemos esto con la gente donde los aislamos o los cristalizamos en un espacio y decimos: ‘Ella es solo eso’”. Por eso, su nuevo álbum I Forgive You no solo muestra su versatilidad musical, sino que representa “una declaración personal” en la que su voz y esencia toman protagonismo. “La gente no me conoce como música de la forma en que me están conociendo ahora”, asegura la cantante.

Pero sobre la exposición que supone ser una figura pública, Erivo ha puesto límites claros: “Creo que ocurre algo interesante: se asume que, por estar en el ojo público, todo es para todos. Pero estar en el ojo público no te impide ser un ser humano; simplemente, ahora tienes ojos puestos en ti", ha expuesto ante Billboard. Además, ha asegurado no tener “ningún problema en compartir parte de mi vida, siempre que me vean en el escenario, siempre que me escuchen cantar, siempre que me vean actuar, estoy compartiendo”.

No obstante, “eso no significa que todo sea suyo. Debería poder guardar algo para mí”. A pesar de ello, la actriz se ha abierto un poco y ha hablado sobre su relación con la productora y guionista Lena Waithe, visible pero nunca confirmada públicamente: “¿Tampoco querrías que lo compartiera todo? Nadie debería tener que hacerlo, porque entonces, ¿qué queda? Una puede estar agradecida, y aun así tener un límite”.

Además, ha asumido que no puede “cambiar la opinión que alguien tiene de mí; si quieren sentirse de alguna manera, no hay nada que yo pueda hacer al respecto”. Sin embargo, después de saltar a la fama aprovechó el momento. “Estaba tan emocionada de poder ser al menos una cara más ante la que alguien pudiera decir: ‘Dios mío, ella lo logró y todavía puede hacerlo. Sigue creando, sigue haciendo. Así que tal vez yo también pueda hacer lo mismo’”, ha confesado la actriz.

Su visibilidad como mujer negra queer en la industria no es casualidad ni superficialidad. Al parecer, tras protagonizar la portada de British Vogue en 2022, asumió públicamente su identidad. Esto no tuvo tanto que ver con una necesidad de autorrealización, sino como un deseo de apoyar a su comunidad. “Creo que buscaba activamente a quienes se animaran a ser más ellos mismos”, dice.

El cantante de country Rockie Lynne reveló recientemente en una entrevista cómo conoció a su padre biológico siendo adulto, tras realizarse una prueba de ADN. El encuentro no solo reveló un vínculo familiar hasta entonces desconocido, sino también una coincidencia determinante: ambos compartían una obsesión por la guitarra.

Rockie Lynne es un cantante, guitarrista y compositor estadounidense de música country que alcanzó el reconocimiento de forma tardía, firmando su primer contrato discográfico a los 39 años con Universal Music.

Nacido en Carolina del Norte, fue abandonado al nacer y criado en un orfanato, lo que marcó profundamente su vida personal y artística. Su primer contacto con la música no vino de un pariente ni de la escuela, sino de un desconocido que un día visitó la institución donde vivía.

Aquel hombre tocó canciones tradicionales con un estilo de thumb-picking que dejó una impresión permanente en el joven Lynne. “Desde ese momento, soñar con tener una guitarra fue lo único que ocupaba mi mente", recuerda.

Años después, compraría su primer instrumento: una guitarra tipo Stratocaster del catálogo de JC Penney, fabricada en la histórica planta japonesa Matsumoku. Costó 99 dólares e incluía un estuche. Hoy, décadas después, todavía la utiliza para grabaciones.

Durante su adolescencia, Rockie se introdujo en el circuito musical tocando con músicos adultos en bares y clubes comunitarios. “Mientras mis compañeros trabajaban en centros comerciales, mi primer empleo fue tocar en una banda por dinero”, afirma. Aquella experiencia temprana lo expuso a músicos con mayor trayectoria y le inculcó el hábito de rodearse de gente que lo empujara a mejorar.

En la biblioteca de su escuela, Lynne era el primero en leer las nuevas ediciones de Guitar World, donde descubrió la existencia del Musicians’ Institute de Hollywood. Para un adolescente pobre de una zona rural, asistir a esa escuela parecía imposible, hasta que supo que el ejército ofrecía fondos educativos.

Se enlistó a los 18 años, no solo para servir, sino para alcanzar su sueño musical. “La disciplina militar y el respeto por los demás fueron claves para mi desarrollo como artista y como ser humano”, aseguró en una entrevista con el portal Guitarist.

Luego de completar su formación, Rockie se trasladó a Nashville, donde tocaba por propinas en Printer’s Alley, uno de los rincones más legendarios de la ciudad. Pronto se convirtió en líder de banda en Barbara’s, donde conoció a Noel Haggard, hijo del ícono del country Merle Haggard. “La primera vez que tocamos juntos, su voz me paralizó. Era como escuchar a su padre. Fue un honor acompañarlo”, dice.

El milagro en un bar de Minnesota

Después de años como músico de apoyo, Lynne decidió montar su propia banda y recorrer clubes del Medio Oeste. Tocaban unas 200 veces al año y generaban un seguimiento fiel.

Una noche cualquiera en New Prague, Minnesota, un ejecutivo discográfico lo escuchó. Días después estaba en una reunión con Doug Morris, jefe mundial de Universal Music, quien lo firmó de inmediato. El legendario Tony Brown produjo su álbum debut, y en poco tiempo estaba abriendo la gira de Carrie Underwood por Norteamérica.

Una guitarra, un padre, una canción

Pero el capítulo más significativo de su vida llegó después, lejos de los escenarios. Ya adulto, Lynne decidió someterse a una prueba de ADN. El objetivo era encontrar algo de su historia personal. Lo que descubrió superó cualquier expectativa: su padre biológico era músico.

“Me sorprendió saber que él había estado obsesionado con la guitarra toda su vida, igual que yo”, relata. Su padre, un camionero que cantaba y tocaba en bares del sureste de Estados Unidos los fines de semana, era dueño de una Martin D-35 de 1972, su posesión más preciada.

Poco antes de morir, ese hombre al que Lynne nunca había conocido le entregó su guitarra. “Fue un momento que me marcó profundamente. Sentí que esa Martin D-35 era más que un instrumento; era un puente con mi historia, con mi origen”, explica.

Conmovido por el gesto, compuso la canción My Father’s Guitar, que interpreta en sus conciertos como un homenaje. Lynne nunca tuvo una infancia con figura paterna, pero encontró en esa guitarra una forma de conexión emocional con alguien a quien apenas pudo conocer. “Es el instrumento más importante de mi vida”, asegura.

Un rig de leyenda y una guitarra sin pintura

Cuando firmó su contrato discográfico, Universal le ofreció renovar su equipo. Con la ayuda de Randy Gabbard de Tour Supply, replicaron el rig de Peter Frampton, que Rockie había escuchado durante un ensayo en Nashville.

El sistema incluía preamplificadores hechos a mano, amplificadores de válvulas, efectos vintage y una configuración MIDI que alimentaba parlantes Marshall. “Era el mejor sonido que había escuchado en mi vida”, dice.

Además, Lynne desarrolla su propia línea de guitarras personalizadas. Utilizan una sola pieza de madera sólida, sin cámaras ni pino, y aplican tintes de cuero y aceite Tru Oil en lugar de pintura o lacas, lo que, según él, mejora el sustain y deja “respirar” al instrumento. “Si quieres sustain, vas a tener que cargar con algo pesado”, bromea.

Crítica a la industria

Lynne cuestiona el modelo actual de streaming, donde los ingresos para artistas independientes son escasos. “Hay muchos tributo bands porque no hay incentivo para crear música original. Pero el arte encuentra la forma de salir, como una hierba que rompe el concreto”, sostiene.

También elogia plataformas como YouTube y TikTok, que han erosionado el poder de los “guardianes del gusto” en la industria. Para los músicos jóvenes, su consejo es claro: “No compites con nadie. Crea por el arte, no por el resultado. Cree en ti. Toca tu propio camino. Y practica. Mucho”.

A sus más de 50 años, Rockie Lynne no piensa frenar. Tiene seis álbumes, giras internacionales, un documental titulado Where I Belong y una misión clara: “Solo quiero ser mejor compositor. Este es el trabajo que haría gratis, y aún me emociona cada día”.

Silvina Garré atraviesa horas de profunda angustia tras haber sido víctima de una estafa virtual que la dejó sin acceso a sus ahorros y con sus datos personales comprometidos. La noticia fue revelada por el periodista Juan Etchegoyen en su ciclo Mitre Live, luego de conversar con allegados a la artista rosarina, figura emblemática del movimiento Trova Rosarina en los años ochenta.

“Quiero abrir el programa con una información urgente que tiene que ver con la cantante argentina Silvina Garré, quien está viviendo uno de los momentos más difíciles de su vida”, comenzó Etchegoyen.

Según relató el periodista, la intérprete fue blanco de una modalidad delictiva cada vez más extendida: el robo de identidad y el acceso remoto a dispositivos móviles. “Me cuentan que la estafa fue telefónica. Le chuparon el teléfono y le vaciaron por completo su cuenta bancaria. Le robaron todo, literal”, explicó con preocupación.

La situación no terminó allí. De acuerdo con la información aportada por el entorno cercano de la artista, además del acceso a sus cuentas bancarias, los delincuentes también lograron ingresar a sus correos electrónicos, lo que compromete aún más su información personal. “Le hackearon sus mails, le tomaron el control digital completo. Está devastada”, agregó Etchegoyen.

La artista, que en los últimos años se mantuvo activa con presentaciones en todo el país, todavía no realizó declaraciones públicas. “Intenté comunicarme con Silvina pero no responde. Si llega a hacerlo antes de que termine el programa, lo voy a comunicar. Lo que sí sabemos es que ya realizó la denuncia correspondiente”, concluyó el conductor, visiblemente consternado por la situación.

El episodio que atraviesa Garré, próxima a realizar un nuevo show en Buenos Aires con todos sus éxitos además de los temas que serán parte de su nuevo disco, pone en evidencia el crecimiento de los delitos informáticos y la vulnerabilidad a la que pueden estar expuestas las personas y en particular las figuras públicas, aun cuando mantienen un bajo perfil. Mientras tanto, su entorno espera que las autoridades puedan avanzar en la investigación para dar con los responsables y recuperar al menos parte de lo sustraído.

Durante una reciente charla en la que reflexionó sobre su proceso creativo, Garré compartió detalles íntimos y reveladores sobre cómo nacen sus canciones. Lejos de fórmulas o estructuras premeditadas, la compositora describió su vínculo con la inspiración como un proceso profundamente intuitivo y ligado a experiencias sensoriales y emocionales.

“He escrito canciones después de ir al cine. Eso es mágico”, expresó. La artista reveló que el cine representa una de sus mayores fuentes de estímulo creativo. “Voy mucho sola al cine. No me gusta ir con nadie, porque salgo y quedo un rato en la película. Lo mismo me pasa con el teatro”, detalló, al aludir a esa necesidad de permanecer en el universo emocional que le dejan ciertas obras.

Para Garré, la composición no es un ejercicio racional ni estructurado. “La composición es algo bastante misterioso y no quiero que pierda su misterio, así que tampoco lo analizo tanto racionalmente, porque no es un proceso racional. Lo racional es posterior, la parte de quizás corregir un acorde. Pero la composición se da más desde el inconsciente, el inconsciente dicta y uno escribe”, explicó.

Además del cine y el teatro, otras fuentes de inspiración incluyen la lectura —no solo de literatura, sino también de textos filosóficos e ideas— y las conversaciones profundas con amigos. “Se abren un montón de espacios después de algunas charlas. Hay una suerte de co-crear ahí, previo a la canción, porque uno empieza a saber más sobre uno hablando con otro que sabe escuchar y que está en una sintonía similar”, señaló.

Garré también se refirió a los recuerdos y a las imágenes lejanas de la infancia como detonantes creativos. Y frente a quienes le preguntan para quiénes están dirigidas sus canciones, respondió con una cita de Nietzsche: “Este libro es para todos y para ninguno. Porque uno no sabe, no lo puede controlar. Y eso es lo que tiene de lindo y especial”, sostuvo.

Como ejemplo, en una charla con La Capital recordó una experiencia reciente con una de sus propias composiciones: “Hace poco escuché ‘Diablo y alcohol’. Cuando lo escribí, no tenía ni idea de qué estaba escribiendo. Y hace un tiempo lo escuché y le encontré una significación que no había visto antes”.

Sus palabras trazan un mapa sensible del acto de componer, en el que la intuición, la memoria y la experiencia se entrelazan sin certezas, en un espacio donde lo irracional cobra forma a través de la música.

Tras confirmar su separación de Daniela, el ex participante de Gran Hermano sorprendió a todos al anunciar que está listo para cumplir uno de sus mayores sueños: lanzar su carrera musical. A través de sus redes sociales, compartió su emoción por esta nueva etapa que marca un emocionante comienzo en su vida después de la relación que culminó el 5 de mayo. En su mensaje, Thiago expresó: “Espero que me apoyen en esto que estoy haciendo”, destacando su intención de dedicarse completamente a la música.

Medina reveló que su incursión artística comenzará con el lanzamiento de su primera canción, titulada “Cuánto vale”, en colaboración con el artista Francisco Antonio Gauna, conocido como ‘Dasty‘. El primer paso de su carrera musical será entonces en uno de los géneros musicales.

El estreno de esta canción será acompañado por un videoclip que se inspira en El Eternauta con referencias claras al icónico personaje de la historieta de Héctor Germán Oesterheld, popularizado recientemente por la serie de Netflix protagonizada por Ricardo Darín. En el adelanto visual compartido, Thiago aparece caracterizado con un traje al estilo de Darín, escapando de “la nieve” al igual que en la narrativa de la serie.

El videoclip de “Cuánto Vale” se lanzará este miércoles 21 de mayo a las 19 y rápidamente su publicación no tardó en cosechar más de seis mil “me gusta” en menos de cuatro horas, acompañada de una avalancha de comentarios de sus seguidores. Entre estos mensajes destacan muestras de apoyo y ánimo, como: “Che, suena bien”, “Los hombres no lloran, facturan”, y “Dale gente, mañana todos a apoyar el tema, hacerlo tendencia y que se escuche en todos lados.”

Aunque el camino de la música presenta nuevos retos para Thiago, la reacción positiva de sus seguidores indica que su nueva faceta como cantante ha despertado interés y entusiasmo. Ya sea para él como para Daniela, quienes han decidido mantener un vínculo amistoso por el bien de sus hijas Laia y Aimé, este nuevo proyecto es una oportunidad para continuar desarrollándose personalmente y encontrar nuevas formas de felicidad y realización. Mientras que Pestañela sigue trabajando en los medios, Thiago Medina se abre paso en la escena musical, invitando a todos a seguir de cerca esta nueva aventura.

Cuando confirmaron su ruptura, Celis se quedó en la casa con las pequeñas y el flamante cantante se mudó cerca para poder estar cerca de sus dos hijas. Con tono pausado y en una transmisión íntima, recorrió cada rincón de la casa que habita en soledad.

“Miren, voy a mostrar un poco dónde estoy alquilando ahora. Este vendría a ser el patio. Ahí tengo la pile, el patio. Falta cortar el pasto, pero eso mañana lo hago porque está lloviendo”, narró mientras mostraba el jardín. Amplio, con césped alto y una piscina modesta, el espacio reflejaba lo que es: un nuevo comienzo, sin lujos pero con lo necesario.

“Tengo el pool acá, las cosas, esta es una mesa de ping pong, tengo la parrilla… Bueno, y al entrar tenés esto, que ahí armé la computadora para prender stream”, agregó mientras pasaba de ambiente en ambiente. “Tengo el silloncito, el freezer, la cocina, tengo todo acá. El baño, bueno, chiquito para mí solo”. Una confesión con sabor a adaptación, con la honestidad de quien todavía está encontrando su lugar.

No ocultó el desorden, al contrario: lo mostró con franqueza. “Tengo acá mi pieza, miren, tengo las camas, todo. Está un poco desordenado porque me mudé hace poco, pero estoy ordenando todo”. En una esquina, colgada sobre una cómoda, una imagen detenía la mirada: los cuadros de Laia y Aimé, sus hijas. “Obvio, no me lo iba a dejar. Pero bueno, chiquitito, pero lindo”, dijo.

En sus redes sociales, Melody ha publicado un adelanto de 12 segundos de su nueva canción tras ‘Esa diva’, con la que quedó antepenúltima en Eurovisión, y después de editar ‘Bandido’, otro single, en 2024.

Su último disco con varias canciones salió al mercado el 9 de junio de 2014, con el título de ‘Mucho camino por andar’, al tiempo que ha realizado varias colaboraciones en bandas sonoras de películas como ‘’Hércules’, ‘Mujeres apasionadas’ o ‘Ahora o nunca’.

Con diez años fue la primera artista española en lograr, con esa edad, ser número uno en más de 15 países y vender mas de un millón de copias.

Mientras Melody ha decidido abandonar su agenda pública y marcharse a su localidad natal, Dos Hermanas, en este municipio se ha creado un grupo de WhatsApp con la única finalidad de mostrar su apoyo a su paisana tras el festival. EFE

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"Con lo que me quedo es con el amor, el cariño y el respeto que todos los países han mostrado, detrás de cámara, a nosotros y a nuestro trabajo", ha comentado en un vídeo difundido en las redes sociales -recogido por EFE- que ha dirigido a sus seguidores unas horas después del festival.

"Muy buenas, familia. Ya estoy en el hotel, que voy a comer algo, que llevo muchas, muchas horas, desde las 7 de la mañana, despierta, arreglándome, maquillándome", ha comenzado el mensaje con sus primeras declaraciones tras la final.

"En primer lugar -ha proseguido- quiero dar las gracias a todas las personas que me han apoyado muchísimo, a toda España, porque se ha volcado conmigo cien por ciento. Me han mandado no sé cuántos vídeos de estadios de España llenos para ver la actuación u por toda Latinoamérica. Ha sido un show total que esto no se olvidará jamás".

Melody ha agregado: "Estoy muy satisfecha con la actuación que he hecho. Me parece que hemos hecho un gran trabajo. Mi traje me encanta, vocalmente ha estado... estoy muy feliz. Los bailarines son unos máquinas todos. Estoy muy contenta".

Tras confesar estar "un poquito cansada", adelantó que más adelante hablará "un poco más largo y tendido" con sus seguidores de todo lo que ha visto y lo que piensa.

"Pero sí quiero dejar claro una cosa: esto es una cosa más y yo con lo que me quedo es con el amor, el cariño y el respeto que todos los países han mostrado, detrás de cámara, a nosotros y a nuestro trabajo. Estaba todo el mundo con la boca abierta", ha proseguido.

También se queda, continuó, "con que este verano nos vamos a ver porque tenemos una gira de conciertos brutal".

"Aún así, -ha dicho a sus fans- vosotros también os merecéis una explicación, una charlita y nos la vamos a pegar y vamos a hablar como ustedes sabéis que yo soy natural y bien clara. Vamos a hablar con claridad de lo que yo he visto y de lo que opináis tanto vosotros como yo".

Melody ha concluido el vídeo diciendo: "Pero señores, que estoy muy feliz y muy satisfecha porque nosotros hemos ganado: el amor está por encima de todo. Y que viva el arte y la música, aunque a veces prevalezcan otras cosas, pero que viva el arte".

Más espinas que rosas se ha encontrado Melody en el resultado de su paso por Eurovisión 2025, que ha relegado a esta diva "fuerte y poderosa" a la antepenúltima posición, muy lejos del austríaco JJ, que ha convertido la historia de su naufragio sentimental en el faro y salvavidas del festival con su triunfo.

España ha reunido en total 37 puntos, solo 10 del televoto y 27 de los jurados nacionales, por lo que ha quedado en el puesto 24 de los 26 participantes en esta edición. EFE

(vídeo)

Un mes después de que Bertín Osborne reconociera públicamente que ya ha conocido a su hijo, Gabriela Guillén ha regresado al plató de '¡De Viernes!' para aclarar algunos puntos sobre ese esperado encuentro... y también para sembrar nuevas dudas.

Aunque el cantante dio a entender que ya había visto en varias ocasiones al pequeño, Gabriela ha puntualizado que el artista solo ha estado con el bebé una vez, aunque aseguró sentirse feliz de que, por fin, su hijo conozca a su padre: "Sí, por supuesto que sí. Y eso está siendo".

Sin embargo, cuando ele quipo de Europa Press le ha preguntado cómo es actualmente su relación con el presentador, la paraguaya se ha mostrao nerviosa e incómoda. "Es que ya os digo, no voy a hablar más del tema. No voy a hablar más del tema porque es algo muy personal y no voy a estar desmintiendo siempre", responde tajante, dejando entrever que la situación con el padre de su hijo es más delicada - o compleja - de lo que parece.

Los rumores sobre un posible acercamiento sentimental entre ambos también han sonado las últimas semanas, algo que la joven ha evitado confirmar. "Es que no voy a estar desmintiendo todo lo que salga de mí", dice con un gesto entre resignado y cansado.

Mientras crecen las especulaciones sobre un posible nuevo capítulo en la historia de Bertín y Gabriela, ella mantiene su postura: prudente, hermética y visiblemente agotada de tener que aclarar constantemente su vida privada.

La Feria de Abril ha vuelto a convertir Sevilla en el epicentro de la fiesta y la tradición andaluza, pero este año, entre sevillanas y farolillos, un rumor ha comenzado a tomar fuerza en redes sociales: el supuesto reencuentro entre Jessica Bueno y Luitingo. La expareja, que rompió a finales de febrero, ha sido señalada como protagonista de un posible acercamiento tras ser vinculada por una seguidora anónima del perfil de Instagram La Cuernis. Según este testimonio, ambos habrían sido vistos en compañía de los hijos de Jessica, e incluso se llegó a afirmar que el cantante fue visto sosteniendo en brazos al más pequeño durante una reciente visita a Bormujos, en Sevilla.

Ante la creciente difusión de este rumor, la modelo ha querido pronunciarse de forma tajante para desmontar cualquier especulación. "Eso es completamente falso", ha asegurado al equipo de Europa Press, mostrando su sorpresa por la facilidad con la que se difunden este tipo de informaciones sin contrastar. "Hay tanta gente en la Feria que yo creo que eso era imposible", ha añadido, dejando claro que no se produjo ningún tipo de encuentro con su expareja durante las fiestas.

Jessica ha cuestionado duramente la forma en la que se ha originado el rumor: "No sé cómo una plataforma, bueno, un perfil de Instagram es el que ha iniciado el rumor y no sé cómo pueden iniciar ese rumor solo porque una simple anónima le manda un mensaje sin pruebas, sin fotos ni vídeos para poder contrastar esa noticia y al final lo único que hace es quitar credibilidad para otras noticias que quiera soltar".

Sobre la posibilidad de una reconciliación con Luitingo, la sevillana ha sido clara y contundente: "No, no, no, no, cada uno ha tomado su camino (...) lo que no puede ser, no puede ser. No hay que darle más vueltas a eso". Aun así, asegura que, en caso de haberse encontrado con él, no habría supuesto ningún problema: "Lo hubiera saludado tan normal y ya está, no pasa nada".

Lejos del foco de estos rumores, Jessica ha preferido centrarse en lo positivo que le ha dejado esta Feria, especialmente el cariño recibido por sus elecciones de vestuario. "Me alegro mucho que, al final, todo el trabajo que conlleva elegir los looks, todos los detalles de cada cosa para que quede perfecto, pues que se vea el resultado así, de esa manera. Que al final eso, pues, que se vea el resultado y que a la gente le guste me hace muy feliz", ha concluido con una sonrisa.

El diagnóstico de un trastorno genético extremadamente raro cambió por completo la vida de Casey McPherson, líder de la banda de rock progresivo Flying Colors.

Su hija Rose, de 9 años, perdió la capacidad de hablar debido a una mutación en el gen HNRNPH2, lo que la dejó sin poder comunicarse verbalmente y enfrentando múltiples desafíos en su desarrollo.

Según informó People, McPherson decidió abandonar su carrera musical para dedicarse por completo a buscar una cura para su hija, un compromiso que lo llevó a fundar la empresa de biotecnología AlphaRose Therapeutics en 2023.

Cual es el extraño trastorno que padece Rose McPherson

El trastorno del desarrollo neurológico relacionado con el gen HNRNPH2 es una condición extremadamente rara que afecta a menos de 200.000 personas, según la FDA. Este tipo de enfermedades, conocidas como raras o ultrarraras, suelen ser potencialmente mortales y carecen de tratamientos aprobados.

La neuróloga pediátrica Jennifer Bain, del Centro Médico Irving de la Universidad de Columbia, explicó a People que las personas con esta mutación genética enfrentan retrasos significativos en el desarrollo, dificultades para caminar y hablar, y un mayor riesgo de complicaciones graves como convulsiones, epilepsia y regresión. Bain describió el diagnóstico como devastador, ya que la mayoría de los pacientes requieren apoyo integral durante toda su vida.

Principales signos del trastorno, su desarrollo y las consecuencias del padecimiento

McPherson, de 46 años, relató que los primeros signos de alerta en la salud de Rose comenzaron a manifestarse poco después de su nacimiento en 2016. Aunque inicialmente parecía estar sana, la niña comenzó a experimentar dificultades para alcanzar hitos del desarrollo, como gatear o caminar.

Más tarde, perdió la capacidad de hablar, lo que llevó a sus padres a buscar respuestas médicas. Finalmente, a los tres años, Rose fue diagnosticada con el trastorno relacionado con HNRNPH2, además de autismo, que su padre considera una consecuencia del trastorno genético.

El impacto de la enfermedad en la vida diaria de Rose y su familia ha sido significativo. La niña sufre convulsiones intermitentes, problemas de percepción de profundidad que dificultan su movilidad, y necesita monitoreo constante de sus niveles de oxígeno y ritmo cardíaco durante la noche.

Además, aún no ha aprendido a ir al baño, lo que complica las actividades cotidianas de la familia. McPherson señaló que estos desafíos han llevado a un aislamiento social, afectando también a la hermana mayor de Rose, Weston, de 11 años, quien a menudo ha tenido que adaptarse a las limitaciones impuestas por la situación.

El padre rechazó un millonario contrato con Sony para buscar la cura de la enfermedad de su hija

En su búsqueda por mejorar la calidad de vida de su hija, McPherson rechazó un contrato discográfico con Sony y se dedicó a recaudar fondos para desarrollar un tratamiento personalizado.

Desde enero de 2023, su empresa AlphaRose Therapeutics ha conseguido más de un millón de dólares, con el objetivo de alcanzar cinco millones para junio. Este financiamiento permitirá avanzar en el desarrollo de una medicina de precisión para Rose, que podría estar lista para ser administrada en un ensayo clínico en aproximadamente seis meses, según detalló People.

Además de su empresa de biotecnología, McPherson fundó en 2021 la organización sin fines de lucro To Cure A Rose Foundation, con el propósito de apoyar a otras familias que enfrentan desafíos similares.

Su trabajo también ha sido documentado en el filme Rare, que narra las historias de cinco familias que luchan por encontrar tratamientos para enfermedades raras. El documental, presentado recientemente en Washington DC, busca generar conciencia sobre la necesidad de un marco regulatorio que facilite la inversión en tratamientos para las más de 7.000 enfermedades raras identificadas en los Estados Unidos.

El entusiasmo ante los avances en el desarrollo de tratamientos

La Dra. Bain expresó su entusiasmo por los avances en el desarrollo de tratamientos para este tipo de trastornos, aunque señaló que actualmente no existen medicamentos aprobados por la FDA para el trastorno relacionado con HNRNPH2. Bain está trabajando en un ensayo clínico independiente con tres pacientes que padecen esta condición, lo que subraya la urgencia de impulsar investigaciones en este campo.

A pesar de los desafíos, McPherson mantiene la esperanza de que su hija pueda recuperar algunas de las habilidades que ha perdido. Rose asiste a una escuela privada y, según su padre, es mucho más inteligente de lo que sugieren las pruebas, aunque ha perdido ciertas funciones.

Su objetivo final es que Rose y otros niños con enfermedades raras puedan caminar, nadar, hacer amigos y, quizás, volver a comunicarse verbalmente. “Quizás cante una canción, quizás vuelva a decir ‘Papá’ algún día”, expresó McPherson a People, destacando que esos son los logros que realmente importan a los padres.

La cuenta atrás ha comenzado. Melody está a tan solo unas horas de vivir la gran experiencia de su vida: Eurovisión. Este próximo sábado, la andaluza representará a España en el festival de la canción con el tema Esa Diva, con el que derrochará todo su potencial sobre el escenario.

A falta de conocer cómo será el espectáculo final como las pruebas están dejando claro que Melody se va a dejar la piel en el escenario y que, además, ha cogido el testigo de Chanel y su Slomo. “Melody ha brillado en el primer pase con el público en el Basel Arena”, han anunciado desde radiotelevisión española. “Ha estado espléndida, radiante y perfecta vocalmente, afinadísima, con mucho poderío y en este ensayo, sin alardes vocales innecesarios y artificiales. El gran valor de la candidatura, sin duda, es ella”, ha afirmado uno de los afortunados en ver el show.

Por otro lado, también hay opiniones que están criticando las expectativas que se están generando en torno a la sevillana, que podría acabar por la cola de la lista, como ha sucedido en otras ediciones con otros artistas españoles.

Y aunque las opiniones son diversas, lo que sí parece estar más claro es lo que sucede en las casas de apuestas. Tras su segundo ensayo, la plataforma de apuestas Eurovisionworld.com ha situado a la cantante varios puestos por encima del ránking anterior, pasando de estar en el puesto 17 del total de 37. Sin embargo, el lunes ha vuelto a bajar al 18 después de que Alemania haya subido posiciones. Pese a ello es más que positivo porque Melody está en la primera mitad de la tabla y significa que la andaluza está lejos de ese penúltimo puesto que ocupó en la clasificación de pretemporada.

De momento, Suecia sigue liderando la clasificación, con un 34% de posibilidades de ganar, según las casas de apuestas. En segundo lugar, estaría Austria, con un 23% de las opciones.

Un cambio de ‘look’ por cuestión de estética y salud

Un tema que ha llamado mucho la atención en las últimas horas ha sido el uso de una peluca por parte de Melody para su actuación. Larga, con ondas y reflejos rubios, este complemento refuerza la narrativa de empoderamiento y glamour que transmite la canción. Pero además se trata de una cuestión de salud y estética.

Así lo ha contado la propia Melody en su perfil de TikTok cuando le han preguntado por el uso de pelucas durante sus actuaciones. "Me gusta cambiar de look y de color. Cuando te gusta cambiar tanto no es recomendable para tu pelo”, ha comenzado, para añadir que si no hace eso “al final te quedas como el gallo de Morón, y yo no me quiero quedar así”.

Melody ha dejado claro que va a por todas. No solo ha sorprendido con un llamativo pelucón que ya está dando que hablar, sino que ha desvelado por fin el look definitivo con el que pisará el escenario en la gran final.

Se trata de un diseño exclusivo firmado por Gustavo Adolfo Tarí, cargado de cristales, pedrería y flecos, en una combinación explosiva que brilla tanto como su energía. El estilismo, perfectamente coordinado hasta con el micrófono, ha sido pensado al detalle para impactar desde el primer segundo.

Pero el look no viene solo. Melody estrena también un nuevo montaje escénico que incluye una plataforma elevada, dándole aún más presencia y fuerza visual en el escenario. Todo apunta a que la actuación será tan potente como su outfit.

En mitad de rumores de reconciliación con Jessica Bueno, Luitingo ha reaparecido este viernes en la plaza de toros de La Maestranza, en Sevilla, y ha aclarado en qué punto se encuentra sentimentalmente.

La cuenta de instagram 'La Cuernis' ha sido quien ha informado a todos sus seguidores que le han llegado diversas informaciones que apuntarían a una reconciliación entre la modelo y al cantante que se habría producido en la Feria de Abril.

Luitingo aparecía en la plaza de toros afónico, una "señal de que lo estoy pasando bien" en la feria y aseguraba que se lo está pasando "bien, muy bien" porque "hemos intentado venir todos los días, estrenando alguna que otra ropa diferente y ahora aquí con la familia a ver la corrida de hoy".

Sin embargo, cuando le preguntaban si ha encontrado de nuevo el amor o esta de nuevo abierto, el artista confesaba que "no", que el único amor que le interesa es el de "la familia y del mundo entero".

Momentazo el que hemos vivido este jueves en el programa 'La Familia de la Tele' cuando su director, David Valldeperas, ha comunicado a María Patiño la misión que tendría que cumplir: desplazarse hasta una estación de Metro de Madrid para acompañar a Manuel Carrasco en la presentación de su nuevo disco, 'Pueblo salvaje II'.

Fan incondicional del cantante onubense desde hace años -de hecho, su canción 'No dejes de soñar' es como un himno para ella, que lo ha entonado en infinidad de ocasiones en directo-, la presentadora se ha quedado en shock y ha entrado en pánico, repitiendo sin parar "no, no, no, no voy a ir, que no voy". "¡Que me muero de vergüenza!" reconocía al borde de las lágrimas.

Y aunque aseguraba que "no puedo tenerle cerca, tengo mis limitaciones y de verdad que no puedo, mira como estoy", María acaba desplazándose a la estación de metro con un cámara de su programa para encontrarse con Manu.

Lejos de tranquilizarse, la periodista se sinceraba ante los micrófonos de Europa Press aterrorizada y sin despegarse de la pared: "Yo me quedo, que no quiero verlo en persona porque me da mucha vergüenza, me da vergüenza".

"Tengo ganas de verlo. No, sí, pero no en persona. Me da vergüenza, me quiero ir a mi casa" explicaba a punto de romperse y sin poder ocultar su nerviosismo ante la llegada de su cantante favorito al metro. "Estoy muy nerviosa, estoy acojonada. Me gusta mucho mucho, estoy mal" confirmaba mostrando su cara más vulnerable.

Sobre un acantilado en Cape Cod, con vistas despejadas al estrecho de Nantucket y acceso directo a la playa, una residencia de siete habitaciones vuelve a captar la atención del mercado inmobiliario. Pero no es cualquier propiedad, entre 2012 y 2013, esta mansión perteneció a Taylor Swift, quien la adquirió durante una de sus relaciones más recordadas, la que mantuvo con Conor Kennedy, y cuya historia suma ahora un nuevo capítulo con el precio de reventa fijado en 14.5 millones de dólares.

Un capítulo sentimental en la vida de la cantante

La propiedad ingresó al radar del público cuando la estrella del pop la compró por 5 millones de dólares en 2012. Durante ese período, Swift atravesaba un breve romance con Conor Kennedy, integrante de una de las familias más emblemáticas de Estados Unidos.

Según People, la casa está situada en las cercanías del histórico complejo Kennedy, lo que refuerza la conexión simbólica entre el vínculo sentimental de la artista y la elección de esta ubicación.

La relación con Kennedy terminó hacia el otoño de ese mismo año y, pocos meses después, Swift decidió desprenderse de la propiedad. La operación de venta se concretó en la primavera siguiente por 5.675 millones de dólares, una cifra que marcaba una plusvalía moderada en relación con el precio de compra, pero lejos de la valorización actual que ha experimentado el inmueble.

El valor se triplica: de 5 millones a 14,5 millones de dólares

Actualmente, el agente Robert B. Kinlin, de la firma Berkshire Hathaway HomeServices, es quien maneja la nueva oferta en el mercado. La tasación de 14.5 millones de dólares representa un incremento de casi el triple respecto al monto pagado por Swift en 2012. El crecimiento del valor responde tanto a factores inmobiliarios regionales como al atractivo singular de haber pertenecido a una figura pública con impacto global.

La mansión, construida originalmente en 1928, se extiende sobre más de 5000 pies cuadrados (equivalentes a unos 465 metros cuadrados) y ocupa un terreno de 1.11 acres. Está emplazada sobre un acantilado rocoso que le otorga no solo privacidad, sino también vistas ininterrumpidas del estrecho de Nantucket.

Desde el interior, se puede observar el mar a través de amplios ventanales y puertas que conectan las áreas comunes con el entorno natural.

La propiedad ofrece acceso privado a una franja de playa de más de 60 metros, lo que la convierte en una pieza rara dentro del mercado de lujo del noreste estadounidense.

Prestaciones exteriores e interiores

En términos funcionales, la casa cuenta con siete habitaciones y ocho baños, además de tres garajes, piscina climatizada y un espacio exterior destinado a fogatas. Alrededor de la piscina, una cabaña complementaria permite disfrutar del mar como fondo escénico permanente.

La disposición de los espacios favorece la entrada de luz natural y la circulación de la brisa marina, una combinación que, según People, contribuye a “ese estilo de vida de abuela costera”.

La cocina y el comedor están diseñados para albergar hasta 12 personas, lo que sugiere que, a pesar de la sofisticación, la residencia conserva una atmósfera doméstica y acogedora.

Diseño, mobiliario y el toque de Heather Wells

Una de las particularidades del actual listado es que la propiedad se ofrece completamente amueblada. La diseñadora de interiores Heather Wells fue la encargada de su ambientación, aunque People aclara que no está confirmado si la estética coincide con la de Swift. Más allá del mobiliario, el conjunto general fue concebido para integrarse visualmente con el paisaje y reforzar la atmósfera de retiro costero.

Con humor, el artículo original sugiere que el comprador “traiga su propio cárdigan”, en alusión al estilo íntimo que se asocia a ciertas etapas de la artista.

El mapa inmobiliario de una estrella pop

El caso de esta propiedad no es aislado dentro del portafolio de bienes raíces de Taylor Swift. Como recuerda People, la cantante ha adquirido inmuebles en varios puntos estratégicos de Estados Unidos: Nashville, Rhode Island, Los Ángeles y Nueva York figuran entre las ciudades en las que invirtió en distintas etapas de su carrera.

Entre las propiedades más comentadas se encuentra su apartamento de Cornelia Street, en Manhattan, vinculado a la canción que lleva ese nombre. En 2023, ese departamento fue puesto a la venta por casi 18 millones de dólares.

Cada uno de estos movimientos confirma no solo el gusto de Swift por las propiedades emblemáticas, sino también su intuición como inversora en el mercado residencial de alto perfil.

Continuando con su vida tras su polémica ruptura con Jessica Bueno el pasado febrero tras un año de intensa relación en la que parecían la viva imagen de la felicidad y durante el que fueron numerosas las ocasiones en las que se prometieron amor eterno, Luitingo no se ha perdido la corrida del lunes de 'Pescaíto' en la Plaza de la Maestranza de Sevilla antes de pisar por primera vez el Real en compañía de sus padres, su gran apoyo en este momento en el que -aunque intenta poner su mejor cara ante las cámaras- le estaría costando recuperarse de su separación de la modelo.

Desde que pusieron punto y final a su noviazgo -salpicado por las grabaciones privadas en las que el cantante de 'Chico perfecto' hablaría mal de la andaluza y de sus hijos- la expareja tan solo se ha visto las caras una vez, cuando el artista fue al domicilio que compartió con la ex de Jota Peleteiro en Sevilla para recoger sus pertenencias y se cruzaron durante unos minutos.

Algo que podría cambiar en los próximos días, ya que tanto Jessica como Luitingo han adelantado que disfrutarán a tope de la Feria, una de sus semanas favoritas del año y en la que ambos pisarán el Real a diario acompañados de sus seres queridos. ¿Cómo reaccionaría si se reencontrasen en una caseta?

"Pues nada, un abrazo, dos besos y ya está, y lo que... y gloria bendita" ha confesado el cantante con una sonrisa incómoda, dejando entrever que ya se había planteado que es posible que se tope con la modelo en los próximos días.

Y aunque su relación es nula desde su ruptura hace casi tres meses, Luitingo no ha dudado en dejar claro que le desea lo mejor a Jessica, "por supuesto, claro que sí", a la que tras su tenso cara a cara con Peleteiro en el plató de '¡De Viernes!' -cuando el exfutbolista insinuó que estaba más preocupada por hundirle que por cuidar de sus hijos- ha definido una vez más como "una pedazo de madre".

Blanca Villa visitaba el programa de televisión 'Fiesta' este sábado para hablar de la batalla judicial que tuvo años atrás con María José Cantudo, por la que se dictó una sentencia que le obligaba a pagar 4000.000 euros a Cantudo por los daños causados, una multa que obligó a Blanca a desprenderse de la casa en la que vivía con sus hijos.

"Esa señora me engañó, me estafó, yo puse mi voz para unas canciones que se suponía que iban a ser para bandas sonoras de películas y además porque era mi amiga, pero yo no sabía que las iba a utilizar para sus giras. Ella dice que no me conoce pero yo he dormido en su cama, en su casa, y ella dormía en una camita para invitados", confesaba Blanca.

Unas declaraciones que provocaron que María José entrase por teléfono al programa: "Yo a esa señora no la conozco de nada, yo soy una mujer que tengo palabra y si hemos ganado es porque esa señora falsificó una cinta mía. Es la clásica persona que coge una voz y la imita. Esta señora mañana tiene una demanda, hasta ahora no había ido a por su coche y sus cosas porque me daba pena, pero eso se acabó, ya voy a ir a por ella, le voy a quitar todo lo que tenga".

Ante la advertencia de la artista, la exparticipante de 'La Voz' no se quedaba callada y le contestaba: "¡Mentira podrida, mientes más que hablas! ¿Cómo puedes decir que no me conoces? Ven a por mí, no te tengo miedo, quítame lo que quieras, hasta las bragas me vas a quitar, cómo no me quites la mierda que tengo en las tripas no sé qué me vas a quitar".

Tras su intervención en el programa, la cantante abandonó las instalaciones de Telecinco sin querer hacer declaraciones ante la prensa. Prefirió guardar silencio y ocultarse tras los cristales tintados del vehículo en el que viajaba tras escuchar a su enemiga, anunciar en directo, que interpondrá una nueva demanda contra ella.

Después de anunciar su divorcio, Tamara ha tenido que soportar el testimonio del que fuera su mánager, Neruk y su mujer, Tina, acusándole de estafa, apropiación indebida y falsedad documental. Una polémica en la que la artista no ha entrado y ahora que ha reaparecido ante las cámaras ha zanjado por completo.

"Está en un proceso judicial, que está abierto, que no se puede hablar mucho del tema porque eso es lo que me aconsejan mis abogados, que están pendientes de todo", aseguraba la cantante tras todo lo que han contado en televisión.

Eso sí, Tamara dejaba claro que está "muy tranquila" porque "estoy esperando a que un juez dictamine y nada más porque sé lo que he hecho y lo que no he hecho, entonces eso te da paz y tranquilidad".

De esta manera, la artista recalcaba que ella no va a hablar de estos temas personales porque lo suyo "es vender música, que es lo que más me fascina en esta vida, aparte de mis hijos y eso es lo que estoy haciendo".

Por último, hacía hincapié en que la fuerza la encuentra en "todo y hay gente que me quiere, que está conmigo y que me adora. Yo no tengo ninguna queja en esta vida, no me puedo quejar", demostrando así que está centrada en su carrera musical y no en lo que se ha dicho de ella estos últimos meses.

Ha sido una de las peores épocas de Luitingo a nivel personal, pero parece que poco a poco el artista está consiguiendo salir a flote. Este puente de mayo se ha dejado ver junto a su padre -uno de sus apoyos incondicionales- en la plaza de toros de la Maestranza y allí ha hablado con la prensa sobre su situación.

Sonriente y visiblemente más animado que en las últimas apariciones públicas, el cantante confesaba que va "poquito a poco" y que "todo pasa" tras la ruptura con Jessica Bueno hace unos meses.

En cuanto a la relación que mantiene con la modelo, Luitingo explicaba que "tenemos un trato educado, un trato cordial" y que muchas de las conversaciones que mantienen es debido a su preocupación por sus hijos: "Yo cuando le tengo que preguntar por los niños le pregunto".

De esta manera, Luitingo dejaba claro que se encuentran "bien" porque "el rencor no vale para nada"... fueron semanas de polémica tras filtrarse unos audios en los que el artista hablaba mal de la modelo con su familia, lo que desencadenó multitud de especulaciones sobre los motivos de su ruptura.

El artista puertorriqueño Daddy Yankee ha alcanzado un nuevo hito en su carrera al recibir su 52º Premio ASCAP, consolidando su posición como uno de los compositores más destacados de la música latina.

Según informó Nevarez Communications, este reconocimiento fue otorgado por su éxito global “Bonita”, una canción que logró posicionarse como la más escuchada en Puerto Rico y Estados Unidos durante 17 semanas consecutivas.

La Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) otorga estos premios anualmente para destacar las canciones más interpretadas del año en diversos géneros musicales.

El mensaje de Daddy Yankee tras recibir el premio

En un mensaje grabado desde Hong Kong, Daddy Yankee expresó su gratitud hacia ASCAP y sus seguidores, destacando el impacto positivo de “Bonita” en la vida de muchas personas.

“Gracias a mi gente de ASCAP por honrarme con el premio ASCAP 2025 a mi canción ‘Bonita’, una canción que es un himno de vida para muchas personas”, afirmó el artista.

Además, dedicó el reconocimiento a su padre y a sus seguidores, subrayando que el tema fue creado con la intención de inspirar esperanza y ánimo en quienes lo escuchan.

La historia detrás de la canción

“Bonita” fue escrita por Daddy Yankee y contó con la producción de Sergio George, reconocido productor ganador del Grammy, y el productor panameño BK.

La canción se caracteriza por su mensaje de positivismo, autoexpresión y celebración de la belleza de la vida, elementos que la han convertido en un referente de la música latina contemporánea.

Además de su éxito en las listas de reproducción, el tema ha acumulado más de 100 millones de reproducciones en plataformas digitales, consolidándose como uno de los mayores éxitos del artista.

El gran impacto de la canción en la industria de la música

El impacto de “Bonita” no se limita únicamente a su popularidad en plataformas digitales. La canción ha sido galardonada con importantes premios de la industria musical, entre ellos un Latin GRAMMY en la categoría “Mejor Canción Urbana”, un Premio Billboard de la Música Latina como “Latin Rhythm Song of the Year”, un Premio Juventud a “Mejor Canción Urbana” y un Premio Lo Nuestro en la categoría “Mejor Canción de Música Cristiana”.

Estos reconocimientos reflejan la versatilidad y el alcance de la canción, que ha resonado tanto en el ámbito secular como en el espiritual.

Con este nuevo logro, Daddy Yankee continúa consolidando su legado en la música latina. Su capacidad para conectar con audiencias globales y su habilidad para crear temas que trascienden géneros y fronteras lo han convertido en una figura icónica de la industria.

El reconocimiento de ASCAP no solo celebra el éxito de “Bonita”, sino también la trayectoria de un artista que ha redefinido el panorama de la música urbana.

“Gasolina” dentro de la Biblioteca del Congreso de EEUU

El 12 de abril de 2023 la canción “Gasolina”, interpretada por el artista puertorriqueño, fue incluida en el Registro Nacional de Canciones de Estados Unidos, convirtiéndose en el primer tema de reguetón en alcanzar este reconocimiento.

Según informó CNN, esta distinción, otorgada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, destaca a las canciones que poseen un valor cultural, histórico o estético significativo dentro del patrimonio sonoro del país.

La selección de las canciones que ingresan al registro está a cargo de la bibliotecaria del Congreso, Carla Hayden, quien destacó que los temas elegidos son considerados “tesoros de audio dignos de preservación para todos los tiempos”.

En su sitio web, la Biblioteca del Congreso señaló que la lista de canciones seleccionadas no solo preserva la historia, sino que también refleja la diversidad cultural de Estados Unidos.

El mensaje expresado en su cuenta de Instagram

En su cuenta de Instagram, Daddy Yankee expresó su emoción y orgullo por este logro en 2023, recordando los humildes orígenes de la canción.

“Para ese chamaco que creció en Santurce, una canción como ‘Gasolina’, que nació en un barrio de Puerto Rico, y sea reconocida por la Biblioteca del Congreso como una de las canciones que transformó la cultura, cambió la historia musical en el mundo y en Estados Unidos, es algo que jamás soñé”, escribió el artista.

Los orígenes de la canción que la llevaron a la Biblioteca del Congreso

El éxito de “Gasolina” no fue casual. Según detalló la Biblioteca del Congreso en un comunicado, la canción fue seleccionada entre un total de 1.100 nominaciones, lo que subraya su impacto y relevancia en la música global. Este tema, lanzado en 2004 como parte del álbum Barrio Fino, marcó un antes y un después en la historia del reguetón, consolidando al género como un fenómeno mundial.

Los orígenes de la canción están ligados a una experiencia cotidiana que Daddy Yankee convirtió en un himno. Según ha relatado en diversas entrevistas y conciertos, la idea surgió tras escuchar a un hombre gritarle a una mujer: “¡Cómo te gusta la gasolina!”.

En una conversación con la revista Rolling Stone, el artista explicó que la frase “dale más gasolina” es una expresión popular en Puerto Rico que hace referencia a una mujer que disfruta salir de fiesta y divertirse. Esta energía y espíritu festivo se convirtieron en el núcleo de la canción.

Durante un concierto en Atlanta en agosto de 2022, Daddy Yankee describió a “Gasolina” como “la canción que cambió el juego para siempre”.

Según sus palabras, este tema fue el punto de partida para que el reguetón se convirtiera en un movimiento global.

Además, destacó que cada vez que interpreta la canción, siente como si hubiera sido lanzada recientemente, lo que refleja su vigencia y popularidad a lo largo de los años.

Infancia en Toronto y raíces etíopes

The Weeknd nació en 1990 en Toronto, hijo único de Samra y Makkonen Tesfaye, dos inmigrantes etíopes que huyeron del régimen del “Terror Rojo”. La pareja llegó a Canadá como refugiada en 1987 y Abel creció en Scarborough, un barrio del este de Toronto, criado por su madre y su abuela, ya que su padre los abandonó cuando él era niño.

Aprendió primero el amárico, el idioma de su abuela, y vivió una infancia sin lujos, mientras su madre trabajaba todo el día. Con el tiempo, la ausencia paterna lo afectó profundamente. “Apenas sé el nombre de mi padre”, dijo. Además, nunca se reconciliaron.

Drogas y abandono escolar

Desde muy joven, The Weeknd tuvo problemas con las drogas. Empezó a fumar marihuana a los 11 años y más adelante experimentó con sustancias más fuertes.

A los 18 años dejó la escuela y se mudó con amigos a un departamento. “Creía que necesitaba las drogas. Hoy agradezco no necesitarlas”, dijo en una entrevista con GQ.

Primeros pasos como artista y el nacimiento de The Weeknd

En 2009, comenzó a subir canciones a YouTube bajo el seudónimo XO, sin mostrar su rostro. Era música oscura, introspectiva, muy influida por el R&B. El rapero Drake lo descubrió y escribió sobre él en su blog. En 2011 lanzó su primer mixtape, House of Balloons, seguido ese mismo año por Thursday y Echoes of Silence.

Así nació The Weeknd como personaje. Según la leyenda urbana, el nombre viene de un fin de semana en el que se fue de fiesta y nunca volvió al colegio. Pero él dijo que se inspiró en el título de su primer disco.

La consagración: fama mundial y estilo propio

Después de lanzar los mixtapes, firmó con Republic Records y en 2012 salió el álbum Trilogy. Su primer disco oficial, Kiss Land, apareció en 2013, con una estética inspirada en películas de terror y ciencia ficción.

La fama global llegó con Beauty Behind The Madness (2015), que incluía éxitos como Can’t Feel My Face y The Hills, y colaboraciones con Ariana Grande y la película Cincuenta Sombras de Grey. Ese disco lo posicionó como uno de los artistas más escuchados del planeta.

El cambio con “Starboy” y el nuevo personaje

En 2016 lanzó Starboy. En el video del tema homónimo, mata a su antiguo yo y se presenta con nuevo look, sin sus rastas emblemáticas.

Fue una declaración simbólica, un nuevo The Weeknd nacía, con una estética futurista influida por el cine, el terror y el cyberpunk.

“After Hours” y “Dawn FM”: oscuridad, muerte y purgatorio

En 2020 llegó After Hours, su disco más exitoso, con hits como “Blinding Lights” y “Save Your Tears”. Fue seguido en 2022 por Dawn FM, en el que se muestra como un hombre viejo atrapado en una especie de purgatorio, guiado por la voz de Jim Carrey. Estos dos álbumes forman una narrativa conceptual sobre la muerte, las adicciones y la búsqueda de redención.

El final de The Weeknd con “Hurry Up Tomorrow”

En 2025, lanzó Hurry Up Tomorrow, su sexto álbum y último como The Weeknd. Lo acompañó con una película donde interpreta una versión de sí mismo, rodeado de mansiones, limusinas y caos. “No te quedes más tiempo del debido en la fiesta”, le dijo a Variety, al anunciar el fin del personaje.

En este disco, The Weeknd reflexiona sobre lo que queda después de la fama: soledad, vacío y legado. Canta sobre lágrimas de whisky, encierros en áticos y una vida marcada por la oscuridad. “Llamame por el nombre viejo y familiar”, dice citando un poema.

Relaciones amorosas y distancia familiar

Tuvo relaciones con Bella Hadid, Selena Gómez y Yovanna Ventura, todas seguidas con atención por los medios. Siempre se mantuvo cercano a su madre y distanciado de su padre. Este último intentó contactarlo en 2017, pero la reconciliación nunca ocurrió.

Hoy, The Weeknd es dueño de una de las mansiones más caras de California. Además, ganó múltiples premios Grammy, rompió dos récords Guinness y realizó una gira mundial con más de 100 shows, que incluyó una experiencia inmersiva transmitida por Amazon Video.

Pasó de ser un chico criado por su abuela en un barrio obrero de Toronto a convertirse en uno de los artistas más influyentes de su generación. Con Hurry Up Tomorrow, le pone fin a su alter ego y se prepara para lo que sigue, una nueva etapa.

Madrid, 29 ene (EFE).- La Unión de Actores y Actrices ha galardonado a la cantante y actriz Ana Belén con el premio homenaje 'A toda una vida', que recogerá el 10 de febrero en la 33 gala que se celebrará en el Teatro Circo Price de Madrid.

La actriz madrileña ha sido elegida a través de los votos de sus compañeros "por su gran trayectoria y recorrido impecable con este galardón honorífico por su prolífica carrera", ha señalado la Unión de Actores y Actrices este miércoles en un comunicado.

Ana Belén es una de las artistas más polifacéticas de España. Inició su carrera en el cine en la década de 1960 y pronto amplió su trayectoria al teatro.

"Ha destacado por su compromiso artístico y por la profundidad de sus interpretaciones tanto en la pantalla como en los escenarios", reseñan.

Ana Belén ha formado parte del elenco de 'La colmena', 'La casa de Bernarda Alba' y 'Fortunata y Jacinta', y en una prolífica discografía que la consolida como una de las grandes voces de la música española.

Los intérpretes nominados en esta 33 edición de los Premios de la Unión de Actores y Actrices se darán a conocer el próximo 4 de febrero. EFE

El anuncio, publicado en su cuenta de Instagram, estremeció a sus seguidores. “Cuidá tu salud, conectá con Dios, y compartí este video así tomamos conciencia”, pidió, como un grito de auxilio colectivo, como un puente tendido entre su historia y las vidas de quienes lo escuchaban. Detrás de su figura vibrante de intérprete de cumbia, detrás del personaje que se había hecho lugar entre los escenarios y las pistas de baile, se ocultaba un hombre deshecho, luchando en soledad contra sus demonios.

“Me sentía muy bien, en mi mejor momento de vida... y fui al médico por un dolor de panza”, relató. Bastó un simple análisis de rutina para que el mundo conocido se le desmoronara. Todo en orden, salvo una palabra que lo cambió todo: positivo.

El Villano no lo supo de inmediato. Reveló que durante años vivió una existencia de excesos: alcohol, drogas, sexo desenfrenado. “Me despertaba al otro día sin acordarme de nada”, admitió. La fama, como un espejismo cruel, le regalaba aplausos mientras en privado se destruía pieza por pieza. Nadie lo veía. O peor aún, nadie quería verlo.

“Cuando estás en la mier..., lo único que te puede sacar de ahí es Dios”, dijo, y en su voz vibraba algo más profundo que la fe: un anhelo desesperado de redención. Fue Dios —o la fe en algo más grande que él mismo— lo que lo empujó a romper el silencio, a dejar de fingir, a contar su historia aun a riesgo de ser juzgado.

En ese proceso íntimo de reconstrucción, Jonathan encontró en su relación con Dios la única brújula confiable. Dejó primero el alcohol, luego las drogas. Más tarde enfrentó una adicción al sexo que, según confesó, arrastraba desde heridas de la infancia. Cada caída, cada recaída, cada pequeño avance se convirtió en un peldaño hacia algo que, ahora, define como su verdadero propósito: “cambiar vidas para mejor”.

En un párrafo vibrante, casi suplicante, pidió a sus seguidores: “Quiero conectar un poco más con mi propósito, que es literalmente cambiar vidas para mejor. Los quiero un montón. Seguramente les haga un click y se empiecen a cuidar. Cuídense. Porque la salud es todo. Sin salud no podemos vivir... y conecten con Dios”. Cada palabra parecía salir directamente de su cicatriz, como un evangelio personal tejido a base de dolor y de esperanza.

Entre los ecos de su revelación, una historia pasada volvió a emerger. En abril del año anterior, El Villano había compartido un breve capítulo con Cata Gorostidi, exparticipante de Gran Hermano. Tras su salida de la casa, la profesional de la salud participó en uno de sus videoclips, y los rumores de un posible romance no tardaron en encenderse. Pero tras la publicación de ese video en que se los ve juntos, ella fue tajante: “Estoy agradecida que El Villano me haya elegido para su nueva canción. Pero quiero aclarar que simplemente fue eso y que estoy muy decepcionada de muchas cosas”. Un velo de misterio cubrió así aquella relación truncada, lo que dejó más preguntas que respuestas.

Por su parte, él explicaría en ese mismo tiempo: "Capaz que hubo un poquito de onda. Fue algo fugaz cuando salió, no sabía que iba a volver a entrar”, al referirse al repechaje que llevó a que Cata regresara a la competencia.

Hoy, El Villano no es solo un cantante de cumbia que arrastra multitudes. Es un sobreviviente. Un hombre que decidió no ocultarse más. Que eligió transformar su herida en un mensaje. Que en un instante eterno frente a la cámara abrazó su dolor, su fe, y su propósito.

Jelly Roll, el cantante de country originario de Nashville, podría estar más cerca de obtener un indulto que le permita superar las barreras legales que han limitado su carrera internacional.

Según informó The Associated Press, la Junta de Libertad Condicional de Tennessee emitió una recomendación unánime para que el gobernador del estado, Bill Lee, conceda el indulto al artista, cuyo nombre real es Jason DeFord. La decisión final ahora recae en el gobernador, quien deberá evaluar el caso en los próximos meses.

El músico, conocido por su álbum de 2023 “Whitsitt Chapel” y éxitos como “Need a Favor”, busca este indulto no solo para facilitar sus viajes internacionales, sino también para continuar llevando un mensaje de redención y esperanza a través de su música.

Jelly Roll, de 40 años, ha hablado abiertamente sobre su pasado delictivo y cómo encontró en la composición musical una vía para transformar su vida.

Un pasado marcado por condenas

De acuerdo con The Associated Press, el historial penal de Jelly Roll incluye varios delitos cometidos en su juventud. A los 17 años, fue condenado por un robo en el que, aunque no portaba armas, estuvo involucrado junto a otros dos jóvenes que sí las llevaban.

El incidente resultó en una condena de un año de prisión y un periodo adicional bajo libertad condicional.

Posteriormente, a los 23 años, enfrentó cargos relacionados con drogas. En 2008, la policía encontró marihuana y crack en su vehículo, lo que derivó en una sentencia de ocho años de libertad condicional.

Además, el artista tiene antecedentes menores por conducir sin licencia y por posesión de parafernalia de drogas.

Transformación personal y contribuciones sociales

Durante la audiencia de la junta, que se extendió por aproximadamente una hora y 45 minutos, varios testigos destacaron el cambio radical en la vida de Jelly Roll.

Entre ellos, el sheriff de Nashville, Daron Hall, quien señaló que el músico experimentó un despertar personal mientras cumplía su condena en una de las cárceles que él supervisaba.

El propio Jelly Roll relató cómo la música se convirtió en una herramienta terapéutica durante su tiempo en un centro de detención.

“Empezó como un proyecto apasionante que me pareció terapéutico y que acabaría cambiando mi vida de maneras que jamás soñé y me abrió puertas que jamás creí posibles”, afirmó el cantante ante la junta. Además de su carrera musical, el artista ha dedicado tiempo a actividades filantrópicas.

Según consignó The Associated Press, Jelly Roll visita cárceles y centros de rehabilitación antes de sus conciertos, organiza comidas para personas sin hogar y participa en actividades comunitarias, como jugar baloncesto con jóvenes en centros juveniles.

Aunque evita buscar atención mediática para estas acciones, su impacto ha sido reconocido por líderes cívicos y figuras de la industria musical.

El director ejecutivo de Live Nation Entertainment, Michael Rapino, destacó en una carta a la junta el compromiso del cantante con causas benéficas, subrayando las donaciones realizadas a organizaciones que trabajan con jóvenes en situación de riesgo.

Obstáculos legales para su carrera internacional

Uno de los principales motivos que exhortan a Jelly Roll a buscar el indulto es la dificultad que sus antecedentes penales representan para viajar al extranjero.

Según una carta presentada por un abogado de inmigración como parte de su solicitud, el cantante enfrenta largos procesos burocráticos cada vez que necesita permisos especiales para ingresar a países como Canadá.

Recientemente, Jelly Roll logró realizar su primera gira en Canadá y visitó el Reino Unido, donde tuvo la oportunidad de hablar sobre programas de rehabilitación. Sin embargo, el artista explicó que cada viaje requiere un equipo legal y una considerable cantidad de papeleo para garantizar su entrada a estos países.

“Quiero ser una inspiración para quienes ahora están donde yo estaba, para que sepan que el cambio es realmente posible”, expresó el músico durante la audiencia. Además, señaló que su objetivo no se limita a las giras internacionales, ya que planea utilizar el indulto para realizar trabajo misionero en el futuro.

El caso se mantiene en un proceso exhaustivo

El gobernador Bill Lee, quien asumió el cargo en 2019, ha otorgado más de 90 indultos desde 2021, según informó The Associated Press. Cada caso pasa por un proceso exhaustivo de revisión antes de que se tome una decisión final.

“Los informes sobre Jelly Roll son alentadores para su situación, pero todavía hay pasos por tomar en ese caso”, declaró el gobernador a los medios. La solicitud de indulto del cantante comenzó a ser evaluada por la junta en octubre de 2024, marcando al menos cinco años desde que expiró su última sentencia.

Luego desapareció del ojo público. Hoy, más de dos décadas después, ha vuelto, pero ya no con Biblia en mano, sino con una guitarra y un micrófono. Su nueva faceta lo muestra como cantautor cristiano, y su transformación ha despertado la curiosidad de quienes lo vieron crecer entre sermones.

De las multitudes al silencio y luego a la música

Durante los años noventa, su imagen era frecuente en los programas de televisión. Vestido con traje, voz potente y ademanes de adulto, Nezareth Castillo, originario de Paiján (La Libertad), capturó la atención de creyentes de toda América Latina. Su discurso, basado en pasajes bíblicos, era directo y apasionado. Con apenas unos años de vida, ya tenía seguidores fieles que lo aclamaban como un enviado especial.

Con el tiempo, sin embargo, su figura se desvaneció del escenario mediático. Terminó su etapa escolar, vivió una adolescencia alejada del fervor público y empezó a buscar nuevas formas de espiritualidad. Fue allí, en ese proceso de introspección, donde la música apareció como una vía para canalizar sus emociones y creencias.

Nezareth encontró en el rock cristiano un lenguaje que podía usar sin necesidad de gritar desde un altar. Así comenzó a escribir canciones que hablan de fe, perdón, lucha interior y esperanza. Su voz, ahora más madura, conserva la fuerza que lo hizo conocido, pero con una sensibilidad diferente.

Una nueva etapa con presencia digital

Ya no predica frente a miles en estadios, pero sí frente a miles de seguidores en redes sociales. Desde su cuenta de Instagram y su canal de YouTube, Nezareth comparte videoclips, reflexiones breves, testimonios y temas originales. Su estilo musical oscila entre el pop-rock y el folk cristiano, con arreglos sencillos y letras que aún evocan pasajes bíblicos, aunque desde una perspectiva más íntima y contemporánea.

Entre sus temas destacan composiciones como “Respiro”, “Tu voz me llama” y “Llévame”, piezas donde combina el lenguaje de la fe con una estética musical actual. No busca figurar en rankings ni firmar con grandes sellos. Su intención, como ha dicho en entrevistas recientes, es “tocar corazones y recordar que la espiritualidad también puede sonar a guitarra eléctrica”.

La tecnología se ha convertido en su nuevo púlpito. Publica contenido constante, responde mensajes y mantiene contacto con una comunidad que, aunque más dispersa, lo sigue con afecto y curiosidad. Muchos lo recuerdan de niño; otros apenas lo descubren como músico cristiano.

Familia, fe y una vida fuera del espectáculo

Lejos del ruido mediático que lo rodeó de pequeño, Nezareth ha encontrado estabilidad en su vida personal. Está casado con Karen Julca, quien también comparte su fe. Juntos han construido un hogar centrado en valores cristianos y participan en actividades comunitarias.

Actualmente no vive de la música ni de la religión. Tiene un empleo formal y alterna su trabajo con sus proyectos musicales. Esta faceta doble, entre la vida cotidiana y la creación artística, le ha permitido reencontrarse con sí mismo. No extraña la fama de la infancia ni busca replicar ese fenómeno. “Prefiero llegar a pocos con autenticidad que llenar estadios por nostalgia”, comentó en un video subido a sus redes sociales.

Eso sí, su cambio no ha sido abrupto. Más bien ha sido un tránsito de años, marcado por dudas, silencios y nuevos comienzos. La fe permanece, pero ya no como una herramienta para impactar, sino como una guía personal.

Han pasado dos años desde que un integrante del equipo de la cantante Ximena Sariñana perdiera un ojo durante un violento incidente ocurrido en el marco de la Feria de Texcoco. A pesar del tiempo transcurrido, la intérprete asegura que no se ha hecho justicia.

El 27 de marzo de 2023, Luis Miguel Melche, gerente de producción de Sariñana, perdió el ojo derecho tras recibir una brutal golpiza.

“No fue ningún altercado, fue un ataque muy directo hacia mi production manager. Tan así, que encerraron a la otra parte del staff y a mis músicos”, declaró la cantante en su momento al programa De primera mano.

Tras los hechos, los organizadores del festival emitieron un comunicado en el que prometieron investigar lo sucedido.

“Estamos realizando las gestiones y las investigaciones necesarias para encontrar a los responsables de estos actos reprobables, para que asuman su responsabilidad. Nos comprometemos a llegar hasta las últimas consecuencias”, se indicó.

Ximena Sariñana afirma que no ha habido justicia

Más de dos años después del ataque, la también actriz manifestó que las autoridades no han esclarecido el caso ni han identificado a los agresores. Su declaración se dio a raíz de un nuevo incidente en el mismo recinto, donde recientemente el cantante Luis R. Conríquez fue abucheado y bañado en cerveza por no interpretar corridos.

“Ahí, hace dos años, Melche, el gerente de producción de mi equipo, perdió un ojo y, hasta la fecha, todo sigue igual: nadie supo, nada pasó. No ha habido justicia al respecto. Es una de las tragedias más terribles que han ocurrido en este país. Ojalá que estas situaciones, que siguen repitiéndose en el mismo lugar y en la misma feria, sirvan para que se tomen medidas reales en cuanto a la seguridad”, expresó la cantante en entrevista con Ventaneando.

Sobre la censura a ciertos géneros musicales

En relación con el debate sobre prohibir canciones que hagan apología del delito o la violencia, Sariñana reflexionó sobre los límites de la libertad de expresión.

“Existe una parte de la libertad de expresión, ya que uno canta a partir de lo que vive o ve a su alrededor. Pero, por otro lado, debemos ser conscientes del país en el que vivimos y del tipo de mensajes que transmitimos a quienes escuchan nuestra música”, comentó.

Ximena Sariñana alista gira por Estados Unidos

La intérprete se prepara para emprender una gira por Estados Unidos, donde se presentará en ciudades como San Francisco, Los Ángeles, El Paso, Dallas, Houston, Miami, entre otras.

El cantante mexicano Luis R. Conriquez se encuentra en medio de la polémica, luego de que el pasado viernes fue abucheado por sus fanáticos en el palenque de Texcoco, dentro de la Feria del Caballo debido a que no cantó corridos tumbados para evitar ser sancionado por el gobierno federal.

Esta decisión del intérprete de regional mexicano provocó la molestia de todos los presentes que provocaron un desastre total dentro de este recinto, ubicado en el Estado de México.

Personas rompieron instrumentos musicales, bañaron de cerveza al cantante y no pararon de exigir corridos tumbados, a pesar de que el intérprete no quiso para evitar contrastar con la decisión gubernamental de no hacer apología del delito a través de las canciones.

Él es Luis R. Conriquez

Luis Roberto Conriquez es el nombre completo del intérprete, cantante y compositor mexicano, quien nació en febrero de 1996 en Caborca, Sonora.

Desde su infancia admiraba demasiado a los músicos que interpretaban en bailes populares por lo que desde temprana edad tuvo su pasión por los escenarios.

Luis R. Conriquez tiene millones de oyentes al mes en todo el país

Actualmente es un artista muy influyente quien cuenta con más de 20 millones 529 mil oyentes mensuales en Spotify.

Es el creador de los llamados “corridos bélicos”, muy parecido a los corridos tumbados, pero que se cambian en la letra, los cuales “están ganando popularidad y suman números a sus redes sociales en las que se consagran como un nuevo ídolo del regional mexicano”, de acuerdo lo expresado en su canal de YouTube en donde tiene a más de 1.7 millones de suscriptores.

Desde el inicio de su carrera, el vocalista, considerado padrino de Peso Pluma, fue firmado por la disquera Kartel Music, del cual en la actualidad es socio que impulsa la trayectoria de 15 artistas de diversos géneros.

Cuenta con diversas colaboraciones entre las que están con Grupo Firme, Natanael Cano, Grupo Frontera y Peso Pluma. Su capacidad para conectar con una audiencia joven y mantener la esencia del género ha sido clave en su éxito, entre sus éxitos más conocidos se encuentran canciones como “El Buho” y “JGL”.

Dentro de sus canciones incluye narraciones vivenciales, reales y ficticias, toca temas de amor y desamor, así como situaciones de acuerdo al contexto del país.

Ha logrado destacar en la industria musical con giras nacionales e internacionales, llevando su música a audiencias de Estados Unidos y Latinoamérica.

Hacía ya tiempo que Pablo Alborán no iba al programa de Broncano. De hecho, la última vez fue cuando aún era La Resistencia, antes de llegar a RTVE. “Se ha hecho largo”, comentó David al respecto.

Una semana después - cómo no - de visitar El Hormiguero, el cantante ha visitado La Revuelta en mitad de la promoción de su nuevo single, CLICKBAIT, sobre el cual el artista ha asegurado que se trata de un giro temático importante en su producción musical. Como se puede llegar a intuir por su nombre, en esta obra, que abre con un “muchos dicen que me conocen, pero no tienen ni idea de quién soy”, el artista critica el sensacionalismo y la falsedad de los titulares que, muy frecuentemente, se difunden por internet.

“El morenito cantante” se sienta con Broncano

El artista y el presentador han tratado varios temas, desde la certeza de Broncano de que el apellido del cantante debe ser de origen árabe, con un “el apellido Alborán en realidad es Borán, ¿no? (...) ¿Sabes que ‘Al’ en árabe es como una partícula, un determinante, como un artículo?“; hasta la confesión de Pablo de que ”una de mis primeras canciones la escribí en una servilleta“, porque “los grandes escribían así, y yo dije ‘pues venga’”, aunque también asegura que “era un mojón”.

Reveló también un mote que “tuvo” en sus años mozos, “El morenito cantante”, aunque se lo puso a sí mismo (en su perfil de Messenger). Además, compartió cómo empezó a cantar en un bar de Málaga, la Sala Gabá, un garito de Fuengirola en el que experimentó por primera vez eso de que el público le cantase sus propias canciones, aprendidas a través de los vídeos que subía a Myspace.

Pero también han hablado de cosas más serias: el cantante contó como un familiar suyo se enfrentó a un cáncer de médula ósea, temporada durante la cual Alborán decidió apartarse de todo para estar a su lado, lo que le permitió ver lo duro que es el trabajo de los profesionales sanitarios. Aunque considera que la Sanidad pública es “increíble”, añadiendo que “tenemos que cuidarla, no nos la podemos cargar”, también subrayó la necesidad de mejorar las condiciones de los trabajadores, ya que considera que las largas guardias y la excesiva carga de trabajo los lleva al límite, y “necesitan claramente nuestra ayuda, tenemos que ayudarles como sea”.

“Tratamos a los médicos como superhéroes, pero son humanos”, quiso recordar; y contó que, como parte de su homenaje, escribió una canción dedicada a la séptima planta del Hospital de la Fe de Valencia - donde recibió tratamiento su familiar - que, con la colaboración del guitarrista Vicente Amigo, estará incluida en su nuevo disco, previsto para finales de este año 2025.

El cantante habló también sobre su faceta de actor: explicó que está contento con la segunda temporada de Respira, la serie de Netflix que está rodando. “Llevaba tiempo estudiando interpretación, pero me proponían cosas siempre cantando y me alejaba de eso. Me salió otro papel que no pude hacer porque estaba en la gira(...). Me ha llegado el papel goloso porque le pasa de todo: soy cirujano plástico en un hospital público”. Broncano, a lo suyo: “¿Te enrollas con algún...?“, a lo que Alborán responde con un ”me enrollo con..." y un sonido de sobresalto con el que se corta para no soltar ningún spoiler. “Me van a matar, no puedo decir nada”, se justifica.

Según se observa en un video que se difundió en redes sociales, un camión de la basura cumplía con su recorrido común y corriente por distintos sectores de la Capital de la Montaña, pero en esta ocasión había algo diferente y poco usual en él.

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Una mujer que vestía un atuendo elegante estaba a bordo, incluso sujetando uno de los barandales de los que los operarios de aseo acostumbran a sostenerse cuando cumplen con sus labores diarias.

Lo más curioso del caso es que esta mujer entonaba múltiples canciones de ópera, mientras que el camión avanzaba. La artista cantaba y señalaba a cada uno de los transeúntes con lo que se topaba, dándoles a conocer un mensaje: “Miércoles y sábado, la basura se saca hoy si no otro día vas a acumular”.

Y es que poco después se conoció que dicho espectáculo sería parte de una estrategia que impulsa la Secretaría de Cultura de Medellín para dar a conocer los horarios de recolección de basuras; esto, con el único fin de que las calles de la capital antioqueña permanezcan libres de residuos

De esta manera, la artista, identificada como Estafanía Palacio, se sube a los camiones de basura y acompaña a los funcionarios de Emvarias en sus diferentes recorridos por la ciudad. Mientras que los hombres recogen los residuos, ella entona piezas como la de Carmen, de Gerges Bizet, atrayendo la atención de decenas de personas que reaccionan sorprendidos frente a la escena.

“La idea de esto es vincular al canto lírico, en especial la opera, con todo el tema cultural que tiene que ver con la sacada de basuras, por qué es importante, qué días se debe sacar, es incentivar a la población de otra forma diferente”, explicó la mezzosoprano a Telemedellín.

Tal situación ha generado decenas de comentarios en redes sociales, donde ha habido internautas que se han mostrado a favor de este tipo de prácticas, así como quienes no recibieron de buena manera esta situación.

Por ejemplo, un internauta aseguró: “Eso es una desacralización de la belleza. La ópera, como forma de arte, tiene un valor profundo y merece ser apreciada en su contexto, no entre la porquería. Todo tiene su lugar y su momento. La ópera no deberían ser usadas como un truco sensacionalista para llamar la atención”.

De igual forma, otros de los comentarios fueron: “Mientras no se le ensucie la garganta”, “Cantante de la ‘oficina’ que letras tan ‘asesinas ‘”, “Opera facha” “camión de basura nazi” “limpieza paramilitar”.

Frente a ello, es importante anotar que la ópera representa uno de los géneros más representativos en la capital antioqueña, llegando incluso a recibir múltiples eventos relacionados con esta en los últimos años.

Cómo ha sido la influencia de la ópera en Medellín

La ópera ha tenido una influencia significativa en Medellín, enriqueciendo su vida cultural y artística desde principios del siglo XX. La ciudad, con su fuerte tradición musical, ha sido cuna de importantes iniciativas operísticas, como la creación de la Ópera de Medellín y el Festival Internacional de la Ópera.

Estos espacios han permitido la formación de talentos locales y la presentación de producciones de alta calidad, consolidando a Medellín como un referente en el panorama operístico colombiano. Además, el Teatro Metropolitano y otros escenarios han acogido a renombradas compañías y artistas, facilitando el acceso del público a este género.

Gangnam Style, del artista Park Jae-sang, conocido como Psy, fue subido a YouTube el 15 de julio de ese año y, en cuestión de semanas, se convirtió en un fenómeno global.

Se trató del primer video en alcanzar 1.000 millones de vistas en la historia de la plataforma, marcando un antes y un después en la forma en que la industria musical comprendía la viralidad y el poder de internet.

A partir de entonces, la vida de Psy cambió para siempre. Pero el éxito abrumador también vino acompañado de consecuencias complejas y duraderas.

Según The New York Times, esta historica canción desató una obsesión tanto en la industria como en el propio gobierno surcoreano, que se abocaron a entender qué elementos, la melodía, la letra, el ritmo, el video o la personalidad de su autor, habían logrado semejante repercusión mundial.

Psy fue invitado a encuentros con figuras como Barack Obama y el ex secretario general de las Naciones Unidas, Ban Ki-moon, y firmó un contrato con Scooter Braun, representante de Justin Bieber.

Se mudó a Los Ángeles con la expectativa de consolidar una carrera global, pero, pese a colaboraciones como la que realizó con Snoop Dogg, no logró replicar el éxito de su hit más famoso.

“Vamos a hacer solo uno más”, se repetía a sí mismo, según declaró a The New York Times, en referencia a su intención de conseguir un segundo gran éxito que estuviera a la altura del primero. Pero no ocurrió.

La presión se convirtió en una carga constante. En declaraciones a AFP, el artista reconoció que ese período fue uno de los más difíciles de su vida: “Las cosas se volvieron más pesadas y más difíciles porque cada vez tenía que tener una canción igual de fuerte”.

En 2015 dijo a Entertainment Weekly que había empezado a pensar que “Gangnam Style iba a ser la canción más importante de su vida y que no lograría repetir el triunfo”.

Intentó replicar la fórmula del éxito, pero pronto llegó a la conclusión de que no tenía “el mismo talento que Adele”, y que no era capaz de producir cinco singles al año.

La presión terminó por afectar su salud emocional y su estilo de vida. En 2013, en diálogo con The Times, admitió: “Si estoy feliz, bebo. Si estoy triste, bebo. Si está lloviendo, bebo. Si hay sol, bebo. Si hace calor, bebo. Si hace frío, bebo”.

Su entorno familiar fue clave en ese momento oscuro: su esposa Yoo Hye-yeon y sus hijas gemelas permanecieron a su lado y lo ayudaron a recuperar el equilibrio.

En medio de esa tensión, Psy lanzó su siguiente sencillo, “Gentleman”, en abril de 2013. El videoclip logró superar los 18 millones de visualizaciones en YouTube durante sus primeras 24 horas, estableciendo un nuevo récord en ese momento, y llegó a posicionarse entre los cinco primeros puestos de los rankings en Estados Unidos.

A pesar de esos logros, el impacto cultural de la canción fue considerablemente menor en comparación con su antecesora.

Si bien “Gentleman” fue un “hit respetable”, no consiguió replicar el alcance planetario de “Gangnam Style” y fue duramente recibido por parte de la crítica.

La coreografía, menos accesible, y una letra menos universal, fueron algunas de las razones mencionadas por los analistas para explicar la recepción más tibia.

A pesar de todo, “Gentleman” demostró que Psy no era una figura pasajera dentro de la industria y que mantenía la capacidad de generar expectativas a escala global.

Desde ese momento, Psy lanzó tres álbumes. El más reciente, Psy 9th, salió en abril de 2022. Pero el cambio más profundo en su trayectoria vino por el lado empresarial. En 2019 fundó P Nation, una agencia de representación artística y sello discográfico.

Según Billboard, Psy explicó entonces su intención: “Quiero aprovechar el boom del K-pop. Es un fenómeno gigantesco y ya no se trata de algo local”.

En diálogo con The New York Times, agregó que disfruta del carácter impredecible de su rol como productor: “Decimos entre nosotros que estamos en el ‘negocio de las tapas’... porque no sabes qué hay hasta que la abres. No sabes cuál nube traerá la lluvia”.

P Nation representa a artistas como Jessi, Hyuna, Dawn y Crush. Además, en 2022 debutó el grupo TNX, una boy band de seis miembros, bajo la tutela directa de Psy.

En la misma entrevista con The New York Times, reconoció que siente más presión al encargarse de las carreras de otros que cuando gestionaba solo la suya: “No puedo darles instrucciones infalibles para crear un éxito”.

A pesar de toda su experiencia, admitió que aún no comprende del todo qué hizo tan especial a “Gangnam Style”: “Las canciones las escribe la misma persona, los movimientos los crea la misma persona, las interpreta la misma persona. Todo es igual, pero ¿qué tuvo esa canción? Todavía no lo sé”.

En una presentación en la Universidad de Corea, fue evidente que su popularidad persiste: un público joven coreaba cada palabra, incluso de canciones lanzadas antes de que muchos de ellos hubieran nacido.

A nivel económico, Psy también logró capitalizar su momento de fama. Celebrity Net Worth estima su fortuna en una cifra que oscila entre los 29 y los 65 millones de dólares.

Los ingresos provienen de reproducciones, publicidad, derechos de autor, contratos y su actividad empresarial.

Aunque su éxito global no se repitió con la misma intensidad, el impacto de “Gangnam Style” permanece vigente: como recordó el miembro de BTS, Suga, en una entrevista difundida en 2022, “pavimentó el camino para el K-pop en Estados Unidos”.

Desde entonces, el género se transformó en una industria de escala global.

Más de una década después del fenómeno, Psy reside nuevamente en Seúl, en la zona norte del río Han. Fue criado en el área de Gangnam, aunque, según relató a The New York Times, ya no pasa mucho tiempo en ese barrio.

Su vida cotidiana gira ahora en torno a su familia, su agencia musical y la formación de nuevos artistas. En ese proceso, mantiene viva la memoria de un hito cultural que transformó tanto su vida como la proyección internacional de la música surcoreana.

Lupita D’Alessio se encuentra en la recta final de su recuperación tras haber sido hospitalizada debido a un virus que comprometió sus pulmones.

La intérprete, conocida como “La Leona Dormida”, aseguró que su estado de salud ha mejorado notablemente y que espera recibir el alta médica muy pronto.

Una recuperación que exige disciplina

Durante una charla, la cantante explicó que la infección provocó una inflamación pulmonar, lo que le impide presentarse en conciertos hasta que complete su tratamiento y rehabilitación. Residiendo en una zona costera, el nivel del mar le ha jugado en contra, dificultando su pronta recuperación.

“Dios me mandó al hospital en vez de trabajar”, expresó con resignación y buen ánimo.

A pesar de la pausa obligada, D’Alessio destacó que su cuerpo responde favorablemente al tratamiento, además de que podría ser dada de alta entre hoy y mañana. “Me revisaron de pies a cabeza, y estoy bien gracias a Dios.

Mi cuerpo es fuerte, pero hay que cuidarlo”, aseguró. Como parte de su proceso de recuperación, los médicos le han indicado terapias pulmonares, una dieta especial y la necesidad de reducir peso para optimizar el funcionamiento de sus órganos.

Regreso a los escenarios con nueva energía

Lupita D’Alessio tiene claro que su regreso a los escenarios será en el Zócalo de la Ciudad de México el próximo 10 de mayo. “Me darán tres semanas de recuperación para estar lista”, comentó en una entrevista con Pati Chapoy en Ventaneando.

Su promotora ya trabaja en la reprogramación de sus conciertos, y los cambios serán anunciados a través de sus redes sociales.

La artista también destacó la importancia del bienestar físico y mental. “La salud es un lujo. Hay que apartarse de muchas cosas para recuperar energías y volver con nuevas pilas”, enfatizó.

Consciente de que la disciplina es clave en su recuperación, se comprometió a seguir su dieta mediterránea y realizar ejercicios que fortalezcan su sistema respiratorio.

Prioridad: su bienestar

Más allá de su carrera, Lupita D’Alessio subrayó que su prioridad es ella misma y su familia. “Me quiero ir a mi playa, primero estoy yo. Me debo cuidar para que mis nietos me den más lata”, afirmó con humor.

Su paso por el hospital le ha servido como una llamada de atención para prestar mayor atención a su salud y llevar un estilo de vida más equilibrado.

Agradecida con sus fans, la cantante se mostró optimista y entusiasmada por reencontrarse con ellos. “Los veo el 10 de mayo para cantarle a todas las madres. Es una bendición”, concluyó.

Con una mentalidad renovada y el apoyo de sus seres queridos, Lupita D’Alessio se prepara para retomar su vida y su carrera con más fuerza que nunca.

Pablo Alborán anunció su retirada temporal de la música hace un año. “Necesito un tiempo, no sé cuánto. Han sido años de mucho trabajo. Necesito barbecho. Necesito volver a escribir sin presión. Necesito estar con los míos y dedicar tiempo a mi familia y amigos”, afirmó el cantante en El Hormiguero tras finalizar la gira de su álbum La Cuarta Hoja. Casi doce meses después de aquella inesperada noticia, el artista ha vuelto a sentarse junto a Pablo Motos para presentar Clickbait, su nueva canción tras su parón musical.

El de Requena ha querido saber cómo se encuentra el malagueño después de este tiempo alejado del foco público. Ha sido entonces cuando el intérprete de Saturno ha revelado el motivo real de su descanso profesional. “Me he pensado mucho cómo contar esto, pero las noticias buenas tienen que empezar a hacer más ruido que las malas y hemos vivido un milagro en mi casa”, han sido las primeras pronunciadas por el artista.

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La verdadera razón por la que el invitado se retiró de los escenarios era en realidad para cuidar de un familiar que estaba enfermo de gravedad. “Hemos pasado por un proceso de quimioterapia, trasplante de médula, un camino muy largo, un infierno”, ha continuado detallando el andaluz, dejando entrever que ha sido una de las etapas más complicadas de su vida.

“Pero también hemos vivido la sanación, la curación y el milagro de la cienca”, ha proseguido el malagueño, poco antes de realizar una importante petición. “Donad médula que salva vidas. Tengo la obligación moral de decirlo, gracias”. Alborán ha reconocido que la vida les ha dado una “segunda oportunidad” tanto a la persona enferma como a su familia entera y que el público le ha “sanado” sin ni siquiera saber por lo que estaba pasando, ya que es la primera vez que ha hablado del tema públicamente.

“Una lección para toda la vida”

“Tú te encerraste un mes con esa persona y el pronóstico era malo. ¿Cómo se vive?“, ha querido indagar el presentador del espacio de las hormigas con la idea de que los espectadores tengan un contexto más amplio de la historia. ”Uno pone el automático, las ganas de superar el proceso son importantísimas. Doy gracias al hospital por estar al pie del cañón, devolvernos la esperanza y dejarnos creer que las cosas buenas también suceden“, ha manifestado, sumamente emocionado.

El invitado del programa de Antena 3 ha dejado claro que esta situación “ha sido un infierno para esta persona”, pero, a su vez, “ha sido una lección para toda la vida”. “Nunca olvidaré la cara de la médico que vino y la sensación. Era mágico que te dijera que se iba a ir a casa”, ha continuado explicando, agregando que el humor jugó un punto fundamental en este proceso.

Para Pablo Alborán este tema formaba parte de su intimidad y, por lo tanto, no quería hablar de ello públicamente. Sin embargo, se ha visto en la necesidad de hacerlo, ya que hay cientos de personas que están pasando por lo mismo, además del gran trabajo que hacen los profesionales. "Están pendientes de ti en unas condiciones que no están reguladas. Están trabajando 24 horas y te están sonriendo. Tengo la obligación de decirlo por todas las personas que hacen posible que estés bien“. El andaluz ha vuelto a reiterar la importancia de donar médulas y ha animado a las personas que lo hagan, ya que es un proceso muy fácil y con el que se pueden salvar vidas.

Al pensar en voces españolas que derrochan talento puro y que, con tan solo escucharlas, es inevitable reconocerlas, seguro que el nombre de Pablo Alborán se viene a la cabeza. El malagueño es uno de los artistas españoles más queridos, tanto en nuestro país como en el panorama musical de Latinoamérica, donde Alborán cuenta con una gran oleada de seguidores. El éxito en la carrera del cantante se ha materializado en nada más y nada menos que 6 álbumes de estudio, más de 20 sencillos y varias colaboraciones con artistas internacionales como Alejandro Sanz, Sebastián Yatra o Ana Mena. Además, ha ganado numerosos premios musicales y hasta un Goya por el tema que compuso para la película Palmeras en la nieve.

Sin duda, a pesar de los inmejorables números de Pablo Alborán, es su talento el que supera la barrera de las estadísticas y convierte al malagueño en un artista referente del panorama musical español e internacional. Además de su exquisita y reconocible voz, Alborán nació con un don para la música, pues es un excelente compositor que demuestra una gran sensibilidad y un estilo inconfundible en sus temas, y también toca a la perfección varios instrumentos, como el piano, la guitarra española o los timbales. Este miércoles, Pablo Alborán visitará el programa El Hormiguero de Pablo Motos, para presentar su nuevo tema, Clickbait, que es el primero después de su parón en la música.

Inversiones inmobiliarias con gran beneficio

Sin embargo, las ganancias del artista malagueño en la música no son las únicas que conforman su patrimonio. Coincidiendo con el lanzamiento de su tercer álbum, en 2014, Pablo Alborán fundó la sociedad Sirona Investments. Según el Registro Mercantil, esta organización está dedicada a la gestión de la propiedad inmobiliaria y, como administrador único de la empresa, el cantante se dedica a invertir en locales para después arrendar, subarrendar o vender. Esta decisión fue todo un acierto para Pablo Alborán ya que, según los últimos datos del Registro, que datan de 2019, la sociedad Sirona Investments cerró dicho ejercicio con 443.998 euros, y tenía unos activos que se acercaban a los 10 millones de euros.

Mediante este negocio, Pablo Alborán se ha centrado en la inversión en locales de Madrid y Málaga, su ciudad natal. En la capital, consta que el artista es propietario de dos locales, uno de ellos de 190 metros cuadrados y situado en una exclusiva zona de Madrid, entre las calles Diego de León y Velázquez. Mientras, en Málaga, Alborán posee, a través de su sociedad, de un local en la calle Bolsa, y otro en el edificio Calafate, según ha apuntado Vanitatis.

Las casas de Pablo Alborán

Además de tratar de sacarle partido a sus inversiones en locales, Pablo Alborán cuenta con un amplio patrimonio en el que también se incluyen las casas de las que es propietario. El cantautor se crio en la zona de El Limonar, un exclusivo barrio de la capital malagueña, y fue este el emplazamiento que escogió para la compra de su primer piso. Alborán trata de moverse entre Madrid y Málaga en cuanto puede. Así, también tiene un impresionante chalet en Benalmádena, donde viven sus padres y en el que se encuentra el refugio familiar de Pablo Alborán cuando quiere disfrutar de unos días de descanso.

El músico malagueño también tiene un piso en propiedad en Madrid. Sea como fuere, lo cierto es que Pablo Alborán no ha malgastado el dinero que ha ido ganando en su carrera musical, y ha decidido invertirlo con gran criterio. A pesar de su gran éxito, tanto en el plano económico como, sobre todo, en su carrera profesional, Pablo Alborán ha demostrado ser una persona amable, humilde, cercana y risueña. El cantante proviene de una de las familias más conocidas de Málaga, y su abuelo era el primer marqués de Alborán.