El Tapiz de Bayeux regresa a Inglaterra tras cerca de mil años, gracias a un acuerdo bilateral entre Francia y Reino Unido que habilita su exhibición en el British Museum desde septiembre de 2026 hasta julio de 2027. Esta obra, considerada un hito del bordado medieval europeo, relata la conquista normanda de 1066 y protagoniza una nueva exposición que profundiza en su función original, su relevancia cultural y los debates sobre su autoría y significado.

El tapiz, que bordaron a finales del siglo XI en Canterbury, Inglaterra, describe con detalle los acontecimientos previos y posteriores a la batalla de Hastings, así como el ascenso de Guillermo el Conquistador al trono inglés. Durante siglos, los expertos lo vieron como un instrumento de legitimación política para los normandos; sin embargo, investigaciones recientes proponen que también cumplía un propósito educativo y moral dentro de la Abadía de San Agustín. Su regreso a Londres reaviva el interés internacional y el análisis académico sobre su origen y su impacto en la historia europea.

Con aproximadamente 70 metros de longitud y confeccionado en varios paneles de lino bordados con lana teñida, el tapiz se distingue por su técnica y estado de conservación. Representa escenas clave como el nombramiento de Harold Godwinson por el rey Eduardo el Confesor, su viaje a Normandía, la ruptura de un juramento decisivo, la invasión de los normandos y la aparición del cometa Halley, considerado un presagio en su época. El panel final, que probablemente mostraba la coronación de Guillermo, se perdió con el paso de los siglos, según HistoryExtra.

La creación y posible origen del Tapiz de Bayeux

De acuerdo con el British Museum, un patrocinador normando financió el tapiz y bordadoras anglosajonas, organizadas en talleres, ejecutaron la obra bajo la supervisión de un especialista en bordados de gran formato.

Los registros históricos de Inglaterra y Normandía muestran que mujeres con formación específica realizaron la mayor parte del trabajo, empleando lino y lana en cuatro puntadas principales: tallo, cadeneta, separación y el característico “punto de Bayeux”, que permite cubrir grandes superficies de color.

Las hipótesis sobre el origen y la finalidad del tapiz siguen abiertas. El profesor Benjamin Pohl (Universidad de Bristol) sostiene en un estudio publicado recientemente que la pieza se creó para la Abadía de San Agustín y que su función principal era educativa y moral, dirigida a los monjes.

Los estudios recientes resaltan que el tapiz se exhibía durante las comidas en el refectorio, facilitando la contemplación y la reflexión silenciosa, y que los bordes, inspirados en fábulas de Esopo, reforzaban su valor pedagógico. La ausencia de documentos concluyentes mantiene el debate sobre la autoría, aunque la mayoría de los expertos menciona al obispo Odón de Bayeux, hermanastro de Guillermo, como posible comitente junto a otros candidatos como el abad Scolland o la reina Edith.

La exposición en Londres y su impacto internacional

El traslado del tapiz al British Museum despierta tanto entusiasmo como preocupación por su conservación. Conservadores franceses y británicos garantizan que el proceso seguirá protocolos estrictos, que incluyen contenedores especializados y control ambiental equiparable al del museo en Bayeux.

La obra superó momentos críticos a lo largo de la historia, como la Revolución Francesa, las apropiaciones nazis y restauraciones defectuosas en el siglo XIX, lo que aumenta la atención sobre su integridad.

La institución londinense estima que hasta 7,5 millones de visitantes acudirán a la exposición, lo que fortalecerá la proyección internacional del tapiz y dinamizará el interés en Londres y en la ciudad de Bayeux, donde la pieza permanece habitualmente resguardada.

La muestra coincide con los preparativos para el milenario del nacimiento de Guillermo el Conquistador, un evento que, según Helena Dollimore, diputada por Hastings y Rye, tendrá gran resonancia en la memoria colectiva y subrayará la vigencia histórica del tapiz como símbolo europeo.

El Tapiz de Bayeux ofrece un testimonio excepcional de las dinámicas políticas, artísticas y morales de la Edad Media. Su próxima exhibición en Londres reafirma el compromiso con la preservación, el estudio y la reinterpretación de uno de los mayores legados visuales del patrimonio europeo.

El Museo Británico, destacado por su pratimonio artístico y arquelógico, anunció un proyecto de remodelación de su acceso principal en Bloomsbury, Londres, diseñado por Studio Weave junto a los arquitectos Wright & Wright.

La propuesta prevé la instalación de nuevos pabellones de acceso y la creación de un jardín temático mediterráneo, con el objetivo de modernizar la recepción de visitantes y reforzar las medidas de seguridad.

El proyecto busca sustituir las estructuras provisionales instaladas en años recientes y causó una intensa controversia sobre el equilibrio entre la innovación arquitectónica y la protección del patrimonio histórico.

La iniciativa contempla reemplazar las carpas temporales, erigidas por motivos de seguridad, por pabellones definitivos que integrarán sistemas de control avanzados. Estos dispositivos permitirán escanear a los visitantes sin que deban vaciar sus pertenencias.

El diseño, basado en la combinación de piedra y acero, se enmarca en un plan maestro de modernización del museo, desarrollado tras un concurso resuelto a finales de 2024, según explica Le journal des Arts. El museo argumenta que la modernización responde a la necesidad de adaptarse a un flujo anual que supera los 6,2 millones de visitantes.

La nueva infraestructura está pensada para agilizar la entrada, incrementar la seguridad y facilitar la adaptación de cara a una futura remodelación integral del recinto. Esta renovación mayor, prevista para la próxima década, se estima en casi GBP 1.000 millones. El carácter transitorio del proyecto queda evidenciado en la solicitud de autorización para una permanencia de hasta 10 años, en espera del veredicto del comité de urbanismo de Camden, previsto para febrero de 2026.

El proyecto de jardín supone transformar la zona exterior, actualmente de carácter mineral, en un espacio verde que prolongue el diálogo cultural de las colecciones históricas hacia el entorno paisajístico de Bloomsbury.

El museo resalta su intención de crear una “colección viva”, conectando el interior del edificio con el contexto neoclásico y protegido del barrio, de acuerdo a la visión recogida por el diario frances especializado en arte.

La propuesta fue rechazada entre entidades defensoras del patrimonio. Georgian Group, enfocada en la arquitectura georgiana, considera que los nuevos pabellones alterarían la simetría de la fachada sur e impedirían la vista desde Great Russell Street. A su vez, la organización observa que el jardín propuesto resulta inadecuado para el carácter formal y solemne de la zona.

Victorian Society comparte esta postura crítica. Su portavoz, Morgan Ellis Leah, sostiene que el pabellón sur se asemeja “a una boutique o a un bar de vinos moderno”, tildando el diseño de excesivamente simple para un enclave histórico de tanta importancia. Además, propone reubicar la nueva construcción junto a las verjas periféricas para minimizar su impacto visual.

No obstante, no todas las voces patrimoniales son contrarias. Historic England respalda la transformación, considerando que los beneficios en seguridad y funcionalidad superan las objeciones.

La dirección del museo, encabezada por Nicholas Cullinan, defiende ante Le journal des Arts que el impacto será “inferior al sustancial”, justificado por razones de seguridad y por la retirada de instalaciones temporales poco estéticas.

Fundado en 1759 y reconstruido en el siglo XIX, el Museo Británico es uno de los grandes símbolos del neoclasicismo británico. Su fachada sur, con pórtico monumental y una colonnada jónica, es un emblema de simetría y monumentalidad en la arquitectura londinense.

El entorno, protegido dentro de Bloomsbury, constituye un valor patrimonial que intensifica el debate entre modernización funcional y respeto a los valores arquitectónicos históricos.

Cullinan sostiene que la estrategia de la institución parte del reto de inspirar a millones de visitantes cada año, sin perder de vista la importancia del edificio que representa la identidad y la historia de la ciudad.

La apertura de museos los siete días de la semana es una tendencia global en expansión. Este fenómeno se vincula al auge del turismo cultural y la competencia entre grandes destinos. Los principales centros culturales de Europa del Norte, América del Norte y Oceanía ya ofrecen acceso permanente al público. Sin embargo, en América Latina, Asia y gran parte de África, sigue siendo común reservar un día semanal para tareas de organización y conservación.

El interés por ampliar los horarios se intensificó desde 2011. El objetivo es responder al aumento de visitantes y aprovechar los ingresos de estas instituciones. Le Journal des Arts señala que en urbes como Londres, Ámsterdam y Nueva York, museos emblemáticos como el British Museum, el Rijksmuseum y el Museum of Modern Art (MoMA) reciben visitantes todos los días del año. Esta práctica está presente también en Australia y Nueva Zelanda, donde instituciones como el Te Papa Tongarewa solo cierran en festividades importantes.

En Francia, el debate sobre la apertura diaria continúa. Laurent Fabius, exministro de Asuntos Exteriores, calificó de “anormal” el cierre semanal de museos como el Louvre, Orsay o Versalles. Sin embargo, el modelo francés mantuvo el día de cierre. Las razones incluyen la necesidad de realizar tareas de mantenimiento y de conservación de las colecciones, así como demandas sindicales sobre la organización del trabajo. Henri Loyrette, exdirector del Louvre, defendió la pausa semanal y aseguró que “las obras deben respirar”, en referencia a la protección del patrimonio.

El panorama europeo es diverso. Museos británicos y neerlandeses encabezan la apertura diaria y la gratuidad de acceso, permitiendo la llegada de un público numeroso. En contraste, en Italia y otros países mediterráneos, instituciones como la Galería de los Uffizi o los Museos Vaticanos permanecen cerradas al menos un día por semana. Madrid constituye una excepción reciente en Europa del Sur: el Museo del Prado adoptó la apertura diaria en 2011 para incrementar ingresos y afrontar la reducción de subvenciones públicas. El Reina Sofía, en cambio, mantiene el cierre los martes.

Estados Unidos es pionero en eliminar los días de cierre en los grandes museos. El MoMA de Nueva York dejó de cerrar un día a la semana en 2013 para responder al crecimiento de los visitantes, que pasaron de 1,5 a 3 millones al año tras su ampliación. El Guggenheim implementó el horario ininterrumpido en 2019, al cumplir sesenta años. Solo el Metropolitan Museum of Art y el Whitney conservan el cierre semanal, aunque esta excepción es cada vez menos frecuente. En Washington D.C., casi todos los museos federales de la Smithsonian Institution abren todos los días, salvo el 25 de diciembre, gracias al financiamiento público.

En América Latina y el Caribe, la norma es el cierre semanal, especialmente los lunes, por motivos organizativos y de mantenimiento. Ejemplo de ello es el Museo Nacional de Antropología en Ciudad de México. Algunas excepciones surgen en destinos turísticos, como el Museo del Oro de Bogotá durante el verano, o en ciertos sitios arqueológicos de Perú y Ecuador. Sin embargo, la mayoría de las ciudades de la región prefiere mantener la pausa semanal.

Oceanía refleja la influencia de los modelos anglosajones. En Australia y Nueva Zelanda, la apertura es casi completa. Museos como la Art Gallery of New South Wales en Sídney o la National Gallery of Victoria en Melbourne solo cierran en fechas excepcionales como Navidad o Viernes Santo. La política de acceso continuo está asociada con el impulso al turismo y el acceso democrático a la cultura.

La tendencia en Asia se inclina hacia el cierre semanal, motivado por la planificación de tareas de conservación. En China, Japón y Corea del Sur, museos de referencia como el Palacio-Museo de Pekín o el Museo Nacional de Tokio cierran tradicionalmente los lunes, salvo en temporadas de alta afluencia. Singapur se diferencia con su política de apertura diaria, ligada a su estrategia de posicionamiento internacional. Museos como el National Museum of Singapore y la National Gallery abren sus puertas cada día.

En África, predomina la costumbre del día de cierre, aunque existen excepciones. Egipto mantiene museos como el Museo Egipcio de El Cairo y el Grand Egyptian Museum abiertos todos los días, en estrecha relación con la importancia del turismo en su economía. En Sudáfrica, instituciones como el Museo del Apartheid y el Zeitz MOCAA solo modifican su calendario durante eventos especiales o vacaciones escolares.

De acuerdo con el recuento realizado por Le Journal des Arts en cincuenta museos de todo el mundo, la apertura diaria se consolida como nueva norma entre grandes instituciones del norte global, mientras que la tradición del cierre semanal prevalece principalmente en el sur del planeta.

Las recientes publicaciones en redes sociales del Museo Británico han desencadenado un debate en torno al uso de imágenes generadas por inteligencia artificial y la representación de la cultura en instituciones patrimoniales.

Tras difundir, el 27 de enero, imágenes en las que una mujer joven aparece observando distintas piezas en el museo, la institución recibió críticas significativas de la comunidad arqueológica y del público, lo que llevó a la retirada del contenido tras cerca de seis horas en línea.

Uno de los puntos que más inquietud ha generado es el posible impacto de la inteligencia artificial generativa en las profesiones ligadas al patrimonio. La preocupación por el reemplazo de historiadores, educadores y curadores ha sido central para distintas voces del sector.

Según expresó Mya Steele, estudiante de arqueología de la Universidad de York al medio Artnet News, el empleo de inteligencia artificial “afecta directamente los puestos de trabajo de los historiadores, educadores y curadores” y, al mismo tiempo, puede provocar la difusión de “información incorrecta” y perpetuar “los sesgos de bases de datos abrumadoramente occidentales y coloniales”.

La crítica se intensificó tras difundirse imágenes en las que la figura generada por inteligencia artificial aparece, en un caso, vestida con indumentaria tradicional de Asia Oriental y, en otro, con ropa de estilo mexicano frente a una estatua azteca, recreando una visión intercultural simplificada. Steph Black, arqueóloga y doctoranda en la Universidad de Durham, remarcó al medio Artnet News: “Es como si todas estas culturas fueran iguales”.

Las capturas de pantalla de las polémicas publicaciones fueron compartidas en Instagram por Black, quien cuenta con casi 200.000 seguidores. Poco después, la arqueóloga sostuvo que el British Museum la eliminó de sus contactos, así como a otros creadores que habían criticado el posteo, lo que interpretó como una advertencia. Entre los comentarios recibidos por la institución, el tono fue “realmente negativo”, y varios usuarios exigieron una disculpa pública.

Black planteó que la acción del museo “sienta un precedente para el resto del sector”, al tiempo que sugirió que estas pruebas buscan “medir cuán dispuesta está la gente a aceptar imágenes de I.A., para luego despedir o evitar contratar creativos y profesionales”, todo ello vinculado, según su punto de vista, a la reducción de costos.

También exigió a la institución que “reconozca lo ocurrido, explique por qué sucedió y quién lo autorizó”, reclamando además un compromiso de “no volver a utilizar I.A. generativa”.

En respuesta, un portavoz del British Museum declaró al medio Artnet News que suelen compartir contenidos “generados por los usuarios”. En esta ocasión, el material “había sido producido por I.A.” y, al advertir “la posible sensibilidad” del asunto, resolvieron retirarlo.

El portavoz añadió: “No publicamos imágenes creadas por inteligencia artificial”. El museo anunció también que está “elaborando pautas sobre el uso de la I.A. en todas sus áreas”, dada la creciente presencia de esta tecnología en el sector cultural.

Testimonios recientes y estudios demuestran que la contemplación estética en los museos transforma el ánimo y renueva la percepción cotidiana.

Frente a una jornada solitaria en Londres, la entrada al British Museum se convierte en algo más que un pasatiempo: ofrece un refugio emocional. Según Traveler, recorrer las salas de un museo protege contra la tristeza y permite experimentar un cambio emocional profundo. Imágenes, esculturas y objetos exhibidos despiertan calma y curiosidad, rompiendo la rutina y el desánimo.

El impacto de la experiencia directa

La experiencia directa en el British Museum demuestra, según explicaron expertos a Traveler, que el encuentro con obras originales puede dejar una huella inmediata en el visitante. La contemplación de los frisos del Partenón, en una sala silenciosa y bañada de luz tenue, genera una sensación de soledad y asombro que trasciende lo cotidiano.

Expertos consultados por Traveler señalaron que las estatuas parecen desafiar la distancia entre el presente y la antigüedad, transmitiendo una fuerza capaz de impactar profundamente la percepción emocional.

A pesar de las remodelaciones y cambios en el museo, la esencia de la contemplación artística permanece: el arte exige atención y, en ocasiones, cierto grado de incomodidad para que su efecto sea pleno.

Es que la experiencia artística provoca reacciones en los pensamientos y las emociones, activando redes cerebrales vinculadas al sentido, la memoria y la creatividad. Estudios recientes difundidos por la American Psychological Association revelan que observar arte puede producir desde conmoción o placer hasta inspirar procesos de transformación personal.

Según el especialista Edward Vessel, del City College de Nueva York, el impacto de una obra varía entre individuos, pero se ha demostrado que el arte puede activar la “red neuronal por defecto” del cerebro, asociada con la reflexión y la creatividad.

Además, un informe de la Organización Mundial de la Salud subrayó que las expresiones artísticas, como la música o la literatura, mejoran la salud física, mental y social, reducen la depresión y el dolor, y fomentan la empatía en distintos contextos.

Obras maestras que conectan emociones

El impacto de ver arte original se refleja en encuentros únicos, como ante el David de Miguel Ángel en la Galería de la Academia de Florencia, Las Meninas en el Museo del Prado o el busto de Nefertiti en el Neues Museum de Berlín.

La energía que emanan estas piezas conecta al visitante con una dimensión estética y emocional irreproducible en fotos. Incluso en la cultura popular, como en “Sueños de un seductor”, los museos aparecen como lugares donde el arte revoluciona la percepción y abre la mente.

El origen y la evolución de los museos

El significado de los museos tiene raíces profundas. El término proviene del griego “mouseion”, morada de las musas protectoras de las artes y ciencias. Los primeros museos nacieron del coleccionismo, pero a lo largo de los siglos se democratizaron, acercando el arte al gran público.

Los gabinetes de curiosidades renacentistas, como el del archiduque Fernando II en el Castillo de Ambras, mezclaban colmillos de elefante, cocodrilos disecados y arte en un mismo espacio. Estos microcosmos, símbolos de poder y fascinación, sentaron las bases para la difusión cultural y el acceso universal a la creatividad humana.

Inspiración para grandes figuras y para todos

Las galerías inspiraron al público general, y también a personalidades destacadas. Virginia Woolf encontró en los museos un motor para su pensamiento; Beyoncé y Jay-Z eligieron el Museo del Louvre para su videoclip motivados por su amor al arte.

David Bowie, Albert Einstein, John F. Kennedy, Winston Churchill, Theodore Roosevelt y Jorge Luis Borges encontraron en ellos un descanso espiritual y una vía para reconectar con la esencia humana.

Guardianes de la memoria colectiva

Expertos citados por Traveler resaltan el valor simbólico y psicológico de estos lugares. Krzysztof Pomian, historiador y ensayista, los considera guardianes de símbolos y memoria colectiva, donde los objetos y su historia configuran la cultura común. Para él, los museos son “templos de fe en el porvenir”.

Susan Sontag defendía la idea de que “la memoria de Occidente se guarda en museos, y casi toda es visual”. El semiólogo Omar Calabrese los compara con una novela: cada visita ofrece una narrativa que compartimos al volver a casa.

En tiempos de incertidumbre y ruido constante, los museos ofrecen un refugio donde la creatividad humana y la belleza se presentan como caminos para reconciliarse con el mundo.

En ellos descubrimos que, incluso frente a la adversidad, las personas continúan creando obras que trascienden el tiempo y siguen emocionando a nuevas generaciones. La contemplación artística potencia la resiliencia, el autoconocimiento y la inspiración diaria.

La celebración del Pink Ball en la sala que alberga los Mármoles del Partenón ha desencadenado una nueva ola de críticas hacia el Museo Británico, tanto desde el gobierno griego como de activistas medioambientales.

El evento, realizado el 18 de octubre de 2024, reunió a 800 invitados de alto perfil, entre ellos Mick Jagger, Naomi Campbell, Alexa Chung y Tracy Emin, con entradas valoradas en £2.000 (USD 2.700) cada una.

La gala, concebida como una estrategia para diversificar los ingresos del museo, fue organizada por Nicholas Cullinan, director de la institución, junto a Isha Ambani, filántropa y heredera de la mayor fortuna de Asia.

La reacción del Ministerio de Cultura de Grecia no se hizo esperar. La ministra Lina Mendoni calificó de “ofensivo” el uso de los Mármoles del Partenón como “elementos decorativos” durante la cena, y denunció públicamente la falta de respeto hacia el patrimonio cultural griego.

En un comunicado, Mendoni afirmó: “El Ministerio de Cultura ha condenado repetida y sistemáticamente cenas, recepciones y desfiles de moda organizados en espacios museísticos donde se exhiben monumentos y obras de arte. La seguridad, integridad y ética de los monumentos deberían ser la principal preocupación del British Museum, que, una vez más, demuestra una indiferencia provocadora”.

Este episodio revive la polémica surgida en febrero del año anterior, cuando el museo permitió que la firma británica Erdem presentara su colección otoño/invierno frente a los mismos mármoles. En aquella ocasión, Mendoni declaró que la pasarela mostraba “cero respeto por las obras maestras de Fidias”.

Las críticas al Pink Ball no provinieron únicamente de Grecia. Durante el discurso de George Osborne, presidente del consejo de administración y exparlamentario conservador, un activista climático interrumpió la intervención portando un cartel con el mensaje “drop BP now”. Esta protesta hacía referencia a la relación comercial vigente entre el museo y British Petroleum (BP), renovada en 2023 mediante un acuerdo de £50 millones ($67 millones) por diez años.

El grupo organizador de la protesta, Energy Embargo for Palestine, exigió al museo romper lazos con BP, rechazar futuros fondos de empresas de combustibles fósiles, cambiar el nombre del auditorio BP y crear un comité de ética para supervisar futuras actividades de financiación.

Estas demandas se sumaron a las críticas previas al evento por la implicación de Isha Ambani, cuya familia controla Reliance Industries, un conglomerado indio de petróleo, gas y petroquímica. Un portavoz de la organización ambientalista Culture Unstained calificó la gala como “una fiesta de multimillonarios para criminales climáticos”.

La organización del Pink Ball responde a la reducción continuada de fondos públicos para los museos británicos, lo que ha obligado a estas instituciones a buscar nuevas fuentes de ingresos. Se estima que la venta de entradas generó alrededor de £1,6 millones (US$ 2,2 millones), cifra que aumentó gracias a una subasta silenciosa y donaciones adicionales.

Parte de los fondos recaudados se destinará a las colaboraciones internacionales del British Museum, que facilitan la exhibición de piezas destacadas de su colección en diferentes lugares del mundo.

La competencia por captar fondos privados se ha intensificado entre los grandes museos del Reino Unido, y el British Museum ha decidido apostar fuerte: organizará un fastuoso baile anual que aspira a convertirse en el equivalente londinense de la Met Gala neoyorquina.

“Londres es reconocida mundialmente por sus artes, cultura, creatividad y estilo”, afirmó Nicholas Cullinan en un comunicado de prensa recogido por Museums Association. “Es una ciudad donde la historia y la innovación coexisten, y todos son bienvenidos. El British Museum celebra este dinamismo”, añadió el director de la institución, quien comparte la presidencia del comité organizador con la mecenas Isha Ambani.

El evento, bautizado como British Museum Ball, se celebrará el 18 de octubre, coincidiendo con el cierre de la Frieze Week, cuando las figuras más influyentes del arte internacional se congregan en la capital británica. La primera edición tendrá como tema central el color rosa, inspirado en la exposición “Ancient India: Living Traditions”.

Según la información difundida por el museo, unos 800 invitados disfrutarán de copas de Ruinart en la imponente Great Court antes de pasar a la cena. El acceso no será para todos los bolsillos: una mesa para diez personas costará £20.000 (USD 26.800), y la recaudación, junto a una subasta silenciosa, se destinará a fortalecer las alianzas internacionales del museo y a financiar el préstamo del Tapiz de Bayeux desde Francia para una de las exposiciones más esperadas de 2026.

El comité del baile para 2025 reúne a una selección de personalidades del mundo cultural y filantrópico de Londres. Entre los artistas distinguidos figuran Grayson Perry, Edmund de Waal, Hew Locke, Yulia Mahr y Steve McQueen. También integran la lista el exdirector de Frieze Masters Nathan Clements-Gillespie, el actual CEO de Frieze Simon Fox, la exdirectora de la Serpentine Yana Peel, la consultora de arte Jane Suitor, el asesor Lawrence Van Hagen, la coleccionista Pamela Joyner, las mecenas Midge Palley y Lady Shaw Ruddock, y la experta en relaciones públicas Erica Bolton.

No todos celebran la iniciativa. El grupo ambientalista Culture Unstained ha criticado los vínculos del evento con Ambani, cuya familia controla el conglomerado indio de petróleo, gas y petroquímica Reliance Industries. “Un baile de multimillonarios para criminales climáticos”, denunció un portavoz de la organización a Museums Association, quien sostuvo que el evento solo demuestra que el British Museum sigue “desconectado de la realidad”. La relación histórica del museo con British Petroleum ha sido objeto de controversia y, pese a las críticas, se renovó a finales de 2023.

Las objeciones no se limitan al ámbito ambiental. La escritora Zuzanna Lachendro, en un artículo para New Statesman, cuestionó la idoneidad del British Museum para organizar un evento de este tipo: “Simplemente no es lo suficientemente cool para tener su propia versión de la Met Gala”, argumentó, aludiendo a que la fortaleza de la colección reside en las antigüedades y no en la alta costura.

Lachendro expresó su preferencia por el V&A Museum de South Kensington, especializado en artes decorativas y objetos de lujo, como sede más adecuada. Además, señaló que la vasta colección internacional del British Museum, que supera ampliamente a la de artefactos locales, resulta demasiado global para “celebrar la ciudad” de manera genuina.

Frente a estas críticas, Cullinan ha dejado claro que, aunque admira la Met Gala, no pretende replicarla. “Londres es bastante diferente”, declaró a The Telegraph. El director explicó que su principal inspiración fue la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, la cual, en sus palabras, “fue fantástica, excéntrica y humorística” y logró “hacerte pensar en silencio en la historia asombrosa de la que formamos parte”.

El panorama de eventos de alto perfil en museos londinenses no es nuevo. La Serpentine Summer Party atrae cada año a celebridades del cine, la música y la moda, mientras que la Tate celebró en junio su 25º aniversario con una fiesta que reunió a estrellas de Hollywood y miembros de la realeza. Estas iniciativas podrían multiplicarse, ya que, ante los recortes del gobierno británico al financiamiento público, las instituciones culturales del país se ven impulsadas a adoptar modelos de recaudación de fondos al estilo estadounidense, como galas y fondos de dotación.

“Cuestionar la legalidad de prestar una obra de Gran Bretaña a un país de la Unión Europea sería muy extraño”, afirmó el profesor de arqueología contemporánea de la Universidad de Oxford, Dan Hicks, al referirse a la polémica por el posible regreso de los Mármoles del Partenón a Grecia. En medio de un debate que involucra a figuras políticas y grupos de presión, la disputa por la propiedad y el destino de estas esculturas ha escalado a nuevas dimensiones legales y culturales en el Reino Unido.

La controversia se intensificó cuando la ex primera ministra británica Liz Truss, junto con el historiador David Starkey y otros 32 firmantes, envió una carta al actual primer ministro Keir Starmer, a la secretaria de cultura Lisa Nandy y a los fideicomisarios del Museo Británico.

Según informó Sky News, la misiva, impulsada por el grupo derechista Great British Pac, acusa al museo de participar en una “negociación encubierta” y de llevar adelante una “campaña acelerada” para retirar los valiosos mármoles de su colección. Los firmantes amenazaron con acciones legales, incluyendo la posibilidad de solicitar “una orden judicial para detener cualquier negociación en curso o futura” sobre la devolución de las esculturas.

El British Museum confirmó a Artnet News la existencia de la carta y señaló que las conversaciones con Grecia sobre una posible colaboración en torno al Partenón continúan de manera “constructiva y en curso”.

Un portavoz del museo explicó por correo electrónico: “Creemos que este tipo de colaboración a largo plazo lograría el equilibrio adecuado entre compartir nuestros objetos más importantes con audiencias de todo el mundo y mantener la integridad de la increíble colección que custodiamos en el museo”.

La intervención de Great British Pac, liderada por la activista conservadora Claire Bullivant y el ex sublíder de Reform Ben Habib, ha recibido duras críticas de parte de la comunidad académica. Dan Hicks calificó la carta como “un ejercicio desesperado de guerrilla cultural basado en el alarmismo y la intimidación, desarrollado por actores políticos indefinidos”, según declaró a The Guardian. Además, comparó las acusaciones de negociaciones encubiertas con la “opaca y preocupante” identidad del grupo derechista, cuya financiación ha sido objeto de escrutinio.

El debate sobre la legalidad de un posible préstamo internacional de los mármoles se enmarca en la práctica habitual de los museos de todo el mundo. Hicks recordó que préstamos internacionales, como el del histórico tapiz de Bayeux desde Francia, que se exhibirá en el Museo Británico el próximo año, forman parte integral de la actividad museística global. A pesar de la incertidumbre sobre la forma que adoptará la colaboración con Grecia, Hicks subrayó que “los préstamos internacionales son una práctica común y legal”.

La disputa por los Mármoles del Partenón, también conocidos como Mármoles de Elgin, se remonta a su extracción del Acrópolis de Atenas entre 1801 y 1815 por Lord Elgin, quien posteriormente los vendió al museo. La propiedad legítima de estas piezas ha sido objeto de controversia durante décadas, con Grecia reclamando su devolución desde la década de 1980. Las conversaciones formales entre el museo y las autoridades griegas comenzaron en 2021, y el año pasado se informó que un acuerdo podría estar más cerca tras una reunión entre Starmer y el primer ministro griego Kyriakos Mitsotakis.

No obstante, la legislación vigente, específicamente la British Museum Act 1963, impide que la institución retire objetos de su colección salvo en circunstancias muy limitadas. Hicks y otros críticos han cuestionado por qué los directores y fideicomisarios de los museos nacionales no han solicitado una reforma de estas “leyes anticuadas de los años 60”.

Mientras tanto, Grecia está conformando una coalición cultural para fortalecer su campaña internacional y lograr el retorno de los Mármoles del Partenón.

“Este préstamo es un símbolo de nuestra historia compartida con nuestros amigos en Francia, una relación construida a lo largo de siglos y que sigue perdurando”, afirmó la secretaria de Cultura Lisa Nandy al anunciar la llegada de la Tapisserie de Bayeux al Reino Unido. La célebre obra medieval, que narra la conquista normanda de Inglaterra, será exhibida en territorio británico por primera vez en casi un milenio.

El British Museum recibirá el tapiz en calidad de préstamo desde Francia, donde ha permanecido expuesto en distintos lugares, el más reciente el Museo de Bayeux en Normandía. La pieza, de 70 metros de longitud, representa los acontecimientos previos a la conquista de Inglaterra por Guillermo el Conquistador en 1066. Se atribuye su encargo al Obispo Odo de Bayeux.

La noticia del préstamo se hizo pública durante la visita de Estado del presidente francés Emmanuel Macron al Reino Unido. Según informaron las autoridades, la obra llegará el próximo año y será la protagonista de una gran exposición en el British Museum entre septiembre de 2026 y julio de 2027.

En palabras de Lisa Nandy, “la Tapisserie de Bayeux es una de las piezas de arte más emblemáticas jamás producidas en el Reino Unido y me complace que podamos recibirla aquí en 2026”. La funcionaria subrayó el valor simbólico del intercambio cultural entre ambos países.

Como parte del acuerdo, el British Museum enviará a museos de Normandía objetos de la colección de Sutton Hoo, un conjunto de artefactos hallados en una tumba de barco anglosajona del siglo VII. La excavación de Sutton Hoo fue llevada al cine en 2021 con la película “The Dig”, protagonizada por Ralph Fiennes y Carey Mulligan.

Entre los objetos que también viajarán a Francia figuran los Lewis Chessmen, piezas de ajedrez medievales talladas en colmillo de morsa y dientes de ballena, datadas en torno al siglo XII y descubiertas en la isla de Lewis en Escocia.

Fuente: AP

El Parlamento del Reino Unido debatirá si debe ilegalizarse la publicidad y el patrocinio de empresas de combustibles fósiles en los museos. La discusión surge tras una petición ciudadana que superó las 100.000 firmas, lo que obliga a los diputados a abordar el tema en sesión parlamentaria. El detonante fue el acuerdo de USD $63,3 millones entre BP y el British Museum, que ha reavivado el debate sobre la relación entre instituciones culturales y grandes compañías energéticas.

“Por demasiado tiempo hemos permitido que quienes más saquean nuestro planeta—los gigantes de los combustibles fósiles—blanqueen sus reputaciones sucias mediante la publicidad y el patrocinio”, denunció el presentador y activista ambiental Chris Packham.

“A través de acuerdos multimillonarios con el British Museum, el Science Museum y muchas otras instituciones culturales queridas, empresas como BP y Shell compran efectivamente su licencia social para seguir operando. Decimos basta. La publicidad del tabaco se prohibió en 2002 porque todos sabemos que fumar mata. Los combustibles fósiles también matan, así que aprobemos la prohibición”, agregó.

Quienes impulsan la prohibición sostienen que el gobierno debe impedir la promoción de empresas de carbón, petróleo y gas, responsables de agravar la crisis climática. Recuerdan que en 2003 el gobierno laborista cedió a presiones similares al vetar la publicidad del tabaco. La administración actual, por su parte, ha declarado que está “comprometida a reducir las emisiones de productos con alto contenido de carbono”, pero que “no tiene planes de restringir la publicidad de combustibles fósiles”. Además, subraya que cualquier restricción recaería en los comités independientes de prácticas publicitarias y la autoridad reguladora del sector.

La presión social ha llevado a que varias instituciones culturales británicas se distancien de las petroleras. Mientras el British Museum mantiene su alianza con BP, la National Portrait Gallery, las galerías Tate y la Royal Opera House han puesto fin a sus acuerdos de patrocinio con la energética en los últimos años.

Frances Morris, directora de Tate Modern entre 2016 y 2023, expresó a The Art Newspaper su indignación por el papel de los museos en el “blanqueo ecológico” de las petroleras. “Mientras el Reino Unido se apresura a cumplir sus objetivos de emisiones netas cero, la necesidad de combatir la extracción de combustibles fósiles nunca ha sido más urgente”, afirmó.

Morris considera que “la legislación para prohibir estos acuerdos es crucial. Liberaría a nuestras instituciones de los conflictos de interés que enfrentan en la recaudación de fondos, les permitiría reenfocar sus funciones y responsabilidades, y ayudaría a reconstruir la confianza pública que ahora corren el riesgo de perder”.

El British Museum ha debido justificar el acuerdo firmado con BP en 2023, destinado a financiar su ambicioso plan de renovación para la próxima década. Nicolas Cullinan, director del museo desde junio del año pasado, defendió la donación de BP al afirmar: “Creo que hay que tener razones muy buenas y claras para rechazar dinero que ayudaría a mantener el British Museum gratuito para el público”.

El debate se intensifica en un contexto en el que BP anunció en febrero que recortaría sus inversiones en energías renovables para centrarse en aumentar la producción de petróleo y gas, tras presiones de inversores descontentos con sus beneficios y cotización bursátil respecto a la competencia.

Al mismo tiempo, el Science Museum de Londres ha sido criticado por su patrocinio con Adani Green Energy, parte del Adani Group, el mayor productor privado de carbón del mundo. El mes pasado, representantes del National Education Union protestaron frente al museo en apoyo a trabajadores del sector cultural, científicos, docentes y familias que piden boicotear la institución por sus vínculos con Adani.

"Con esta exposición viajaremos a las Islas del Pacífico, un océano que ocupa un tercio casi de la superficie terrestre y presenta una enorme diversidad medioambiental (...) para acercarnos a su gente", ha anunciado en el acto de presentación la directora de CaixaForum Madrid, Isabel Fuente.

La exposición reúne los préstamos del British Museum y dos objetos procedentes del Museo de América de Madrid y del Museo Etnológico de Barcelona, todo piezas históricas y contemporáneas que trazan lazos entre las distintas generaciones y sus tradiciones.

Además de su valor estético y simbólico, las piezas sirven para "conocer un poco mejor a los habitantes de esas islas, para nosotros remotas, su historia, sus creencias, sus tradiciones artísticas, su relación con el mar y con la naturaleza, con Occidente", ha rematado la comisaria de Oceanía del Departamento de África, Oceanía y las Américas del British Museum, Julie Adams.

Oceanía comprende cerca de 1.800 culturas y grupos lingüísticos diferentes que comparten en su mayoría unos ancestros comunes, por ello, las figuras reflejan objetos de uso cotidiano y ceremonial originales como tallas, canoas bélicas, ropas rituales y otras recreaciones hechas por artistas actuales.

En un recorrido guiado por la muestra, Adams ha destacado singulares piezas, como el vestido de boda hecho con corteza de árbol, armas cubiertas con dientes de tiburón o la armadura de fibra coco que vestían en una ceremonia ritual los guerreros de las islas Kikiba (Kiripati, Oceanía).

A partir de secciones divididas en colores, 'Voces del Pacífico' se estructura en siete partes: innovación y tradición (con paredes negras), innovadores (verde), tejedores (amarilla), bailarines (naranja), guerreros (rojo), tallistas (gris) y viajeros (azul); un entramado creado para que el visitante se ubique a partir de la vista y los sonidos ambientales que trasportan a las islas del Pacífico.

Además, los objetos están ubicados geográficamente por medio de mapas que localizan su origen y desmienten los estereotipos tales como "que la región está aislada, es pequeña, remota y distante", ha explicado Adams.

"Son cosmopolitas, las islas son pequeñas, pero la región es amplia. No son remotas. El océano es como una carretera que los conecta (...). Finalmente, no son distantes. Están aquí, frente a ti. Hablando de ello", ha indicado la comisaria al presentar a uno de los artistas de la exhibición, le neozelandés George Nuku, presente en el acto y en la exhibición a partir de su obra 'Bottled Ocean 2123'.

Por su parte, el neozelandés ha aprovechado la muestra de su instalación, una gran estatua de la diosa del océano creada a partir de botellas y otros plásticos reciclados, para transmitir un mensaje de sostenibilidad a los presentes.

"Espero que mi obra sea un camino a la empatía, a que entendamos al otro. Podemos coger toda la basura hecha de plástico y hacer arte para recordar que estamos a un paso del precipicio por el este material es como la naturaleza, tan bella como temida", ha concluido el artista.

La exhibición es la novena colaboración de la fundación "la Caixa" con el British Museum fruto de una alianza estratégica entre ambas y que ha permitido en el pasado presentar una gran variedad de exposiciones como 'Los pilares de Europa', 'La Edad Media en British Museum, sobre el arte y culturas medievales'; '¡Agón! La competición en la Antigua Grecia' o 'Faraón. Rey de Egipto'. EFE

Londres, 25 ene (EFE).- El Museo Británico se ha visto obligado a cerrar parcialmente este fin de semana después de que un exempleado de la institución, que ha sido detenido, apagase el viernes parte de sus sistemas informáticos.

El antiguo trabajador del British Museum entró en el edificio del centro de Londres y accedió a los sistemas informáticos antes de ser arrestado, señaló la BBC.

El incidente llevó a que algunas galerías tuviesen que cerrar en la tarde del viernes, así como parte de sus exposiciones temporales.

El ataque reducirá la capacidad del museo para recibir a visitantes este fin de semana, con prioridad para aquellos que ya disponían de billetes.

Según dijo un portavoz del museo a la corporación pública, un contratista informático que fue despedido la semana pasada se metió en el edificio y apagó varios de los sistemas antes de ser detenido en el lugar por la policía.

"Estamos trabajando dura para que el museo vuelva a estar operativo, pero, con pesar, nuestras exposiciones temporales han sido cerradas hoy y permanecerán así durante el fin de semana", subrayó el portavoz, que dijo que se devolverá el dinero a quienes ya tenían su entrada para esas muestras.

En la actualidad hay tres exhibiciones temporales en el museo, entre ellas una dedicada a Picasso y otra a la Ruta de la Seda. EFE

Raúl Martín Lorenzo

El Cairo, 15 oct (EFE).- Egipto abrirá mañana, miércoles, las puertas al público de tres nuevas salas del Gran Museo Egipcio (GEM), donde se exhibirán 14.000 nuevas piezas trasladadas al museo de "la cuarta pirámide", en la inauguración parcial prevista y anunciada para el 16 de octubre.

El jefe del Departamento de Antigüedades del GEM, Al Tayeb Abbas, aseguró a EFE que se abrirán hasta tres "principales galerías del Gran Museo Egipcio, divididas en tres temas principales: sociedad, infancia y eternidad".

"Hasta la fecha hemos trasladado más de 57.000 artefactos al museo, y alrededor de 14.000 se exhibirán en esta apertura. Aunque algunos estarán en almacenamiento, la mayoría estarán a la vista del público", dice Al Tayeb.

Por otro lado, Al Tayeb asegura que están trabajando en la repatriación de reliquias y antigüedades pertenecientes a la antigua civilización egipcia y, por ende, a Egipto, para las que tienen "espacio especial reservado para ellos cuando regresen".

"Nos encantaría que piezas como la Piedra de Rosetta y el busto de Nefertiti volvieran a Egipto. Son objetos icónicos que pertenecen a nuestra historia y deberían estar en nuestro museo", dice.

De esta forma, Egipto quiere recuperar estas piezas históricas que se encuentran en el British Museum, en Londres, y el Neues Museum, en Berlín, respectivamente.

La nueva sala, que se abrirá al público a partir de mañana, ofrece un recorrido extenso por estatuas, bustos y antigüedades tanto del antiguo Egipto como de las civilizaciones romana y griega que pasaron por la región, acompañado de modernas pantallas ilustrativas e iluminación de las reliquias.

Así también, la sala albergará la mayor colección de Tutankamón, exhibidas en "en un espacio de 7.200 metros cuadrados con más de 106 vitrinas", además de otras destacables piezas como la barca solar de Keops.

El gobierno egipcio también trabaja en la remodelación de los alrededores del museo, situado a pocos metros de las pirámides, "para hacerlas más atractivas para los visitantes".

"Es importante para el gobierno egipcio facilitar el acceso al museo y mejorar la infraestructura turística en la zona", asevera Al Tayeb.

Sobre para cuándo se espera la inauguración completa, Al Tayeb sostiene que "las instalaciones ya están listas", pero aún están "esperando el momento adecuado" para hacer el anuncio mundial.

Tras más de 20 años de construcción, el Gran Museo Egipcio empieza a ver luz hacia su apertura total, un proyecto que se inició bajo el mandato del ex presidente egipcio, Hosni Mubarak, en 2002 y se vio interrumpido por la pandemia y las revoluciones en la región, con una inversión hasta el momento de más de mil millones de dólares. EFE

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