Pareció un descuido, un olvido, pero fue una estrategia fríamente calculada. En la tapa que llegó a las disquerías no había casi nada escrito: ni el nombre de la banda, ni el nombre del álbum. Tan solo la leyenda “Decca”, el nombre de la discográfica que editaba la pieza. Y la foto de cinco jóvenes a los que la luz les iluminaba la cara de forma dispar, un poco de brillo y otro poco de sombra. Cinco jóvenes que miraban al lente de la cámara con un gesto desafiante y con ropa que no se repetía entre ellos: no estaban uniformados.

El disco de portada misteriosa llegó a las disquerías del Reino Unido el 16 de abril de 1964, hace exactamente 62 años. Y la falta de información de la tapa era una decisión: querían generar intriga, ser descubiertos. Eran los Rolling Stones y acababan de sacar su álbum debut, que se llama como ellos, The Rolling Stones.

Lograron el objetivo: el disco, una obra construida al calor del blues y el rhythm and blues que sonaba en los Estados Unidos, se tomó el atrevimiento de desbancar a los Beatles de una hegemonía de 50 semanas en el primer puesto de ventas en Londres.

Así, pegando una patada en la puerta de la industria musical, desembarcaron los Stones en las bateas. Ese disco sería el primero de la larguísima producción de una banda que lleva más de sesenta años en la ruta -y que siempre ilusiona a los argentinos con una posible nueva visita-.

“Chicos malos”

Los que miraban desafiantes eran Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Brian Jones y Bill Wyman, la formación casi completa con la que los Stones publicaron su primer disco. Había un integrante más en ese momento, Ian Stewart. Era pianista y había sido parte de la línea fundadora de la banda. Pero, aunque grabó en el álbum, el manager de la banda, el entonces desconocido Andrew Loog Oldham, decidió que su aspecto físico no se alineaba con los demás integrantes y que, entonces, era mejor que no saliera en la foto.

Pero aunque la salida de ese primer disco fue exitosísima, los Stones ya venían agitando la escena londinense desde el año anterior. Elongaban su despliegue escénico en algunos de los clubes nocturnos más importantes de la capital británica, como el Marquee y el Crawdaddy Club. Eran cada vez más afilados en su sonido y más salvajes en su presencia sobre el escenario. Algunas noches tocaban para treinta personas; otras, ya con el rumor sobre su talento desplegado de boca en boca, juntaban cientos de espectadores.

El blues era el sonido que más los caracterizaba. En sus presentaciones, tocaban durante sesiones maratónicas que estaban gobernadas por ese sonido que había conquistado los corazones de Jagger y Richards y que los había puesto a hacer música juntos. Empezaban a tener éxito entre los jóvenes que querían un sonido más crudo que el pop que gobernaba la escena, con los Beatles a la cabeza.

La competencia con los Beatles

Andrew Loog Oldham fue el cerebro detrás de esa tapa porque fue quien supo antes que nadie que los Stones debían presentarse como algo bien distinto a los Beatles. Prácticamente ser su antítesis. Era una manera de buscarse como rival a la banda más exitosa del planeta, subirse al ring ante un contrincante gigante. Una forma de decirle al mundo que esa banda que empezaba a despuntar estaba a la altura del versus con los cuatro chicos de Liverpool que, Beatlemanía mediante, enloquecían al mundo entero.

Oldham tenía apenas 19 años, pero había trabajado muy cerca de Brian Epstein, el manager de los Beatles, así que tenía de dónde aprender. Decidió, entre otras cosas, que los Stones parecieran menos uniformados entre sí, más rebeldes, más desprolijos. Aunque esa desprolijidad estuviera milimétricamente medida.

Era la forma de convertirlos en “chicos malos”, algo que pusieron concretamente en escena al momento de presentarse en la BBC, donde se negaron a vestirse todos iguales. Después de esa sesión, la prensa criticó especialmente a Jagger por “sus movimientos explícitamente sexuales” y por su estilo de canto “demasiado negro”.

Las críticas fueron duras, pero también una forma de darse a conocer, incluso en los círculos más alejados de su música. Y mientras tanto, el disco que acababa de lanzarse se vendía a la velocidad de los grandes éxitos. Sólo en la primera semana, se vendieron 100.000 copias en Reino Unido. Eso catapultó de forma meteórica a los Stones a la cima de los rankings, donde permanecieron por doce semanas.

El sonido rústico de los primeros años

The Rolling Stones, el álbum que inauguró la discografía, se grabó en medio de una precariedad que acompañó el sonido rústico y crudo que impulsaba la banda. Apenas tuvieron cinco sesiones para terminarlo, entre enero y febrero de 1964. Fue en el corazón del Soho londinense, en Regent Sound Studios.

El aislamiento de sonido en la sala donde grabaron estaba improvisado con cartones de huevos adheridos a las paredes, y había tan poco dinero para la grabación que no había ninguna chance de sumar alguna toma extra de lo que hubiera salido no tan bien.

“Bajo esas condiciones primitivas era fácil hacer el tipo de sonido que obtuvimos, pero difícil hacer uno mucho mejor”, diría Keith Richards años más tarde. Pudieron grabar a través de una tecnología de sólo dos canales, es decir que es un disco con sonido mono. Pero ninguna de esas limitaciones iba a ponerles un freno.

El álbum está hecho, sobre todo, de covers de algunos de los artistas más admirados por la banda, especialmente por Jagger y Richards. Allí hay canciones que suenan al Chicago blusero. Canciones hechas por artistas como Willie Dixon, Chuck Berry y Slim Harpo, entre las que se cuentan clásicos como “Carol” y “Route 66”. En medio de esas reversiones, el vocalista y el guitarrista principal se animaron a sumar su composición original, “Tell me (You’re coming back)”.

Además, hay otras dos canciones firmadas por Nanker Phelge, un seudónimo que la banda usaba cuando se trataba de una composición bien colectiva. Son “Little by little” y “Now I’ve got a witness”. Detrás de las ideas de Nanker Phelge, a veces estaban incluso Oldham y también Ian Stewart, el pianista y tecladista que no estuvo en la portada del disco.

El álbum fue editado por Decca, la discográfica que les había dicho a los Beatles que no los ficharían porque no querían “otra banda de guitarras”. Después de ese error garrafal, la empresa no estaba dispuesta a dejar pasar otro diamante en bruto, así que se ocupó del disco de los Stones y el éxito inmediato devolvió las inversiones de todos los involucrados, aunque no subsanó el yerro histórico de perderse a la banda de Liverpool.

Cuando el disco se editó en Estados Unidos, le cambiaron el nombre, que pasó a ser England’s Newest Hit Makers. Era una forma de decir que los Stones eran el último gran suceso de la música inglesa, esa apuesta que había hecho la banda -y también su manager- desde que empezaron a pergeñar su disco debut.

No se equivocaron con la apuesta: se subieron al ring y se convirtieron en la banda de rock más importante de la historia de la música. El tiempo demostraría que había lugar suficiente para coronarlos a ellos sin destronar a los Beatles.

Ya habían pasado casi dieciséis años desde el anuncio que oficializó la disolución definitiva de The Beatles. John Lennon llevaba prácticamente seis años muerto, víctima de los disparos de Mark Chapman en la puerta del icónico edificio neoyorquino en el que convivía con Yoko Ono. Así de tardía fue la legalización de la música de la banda más importante de la cultura popular en la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).

Fue un sábado, el 29 de marzo de 1986, hace exactamente cuarenta años. Ese día, la URSS le abrió la puerta -o la Cortina de Hierro, mejor dicho- a la producción artística de los Fab Four. Fue una de las medidas impulsada en medio de la llamada “Perestroika” impulsada por Mijaíl Gorbachov a partir de 1985. Se trataba de una reforma potente de la política y la economía de todo el bloque soviético, tendiente a abrirse al mundo occidental con el que llevaba enfrentado cuatro décadas.

Ese 29 de marzo el sello oficial Melodiya puso en la calle nada menos que 300.000 copias de dos discos de The Beatles: A hard day’s night y una compilación de algunos de sus grandes éxitos a la que titularon A taste of honey. Aún así, algunas de las canciones de la banda de Liverpool fueron deliberadamente excluidas de esa selección por considerarse “demasiado capitalistas”, “demasiado occidentales”, “demasiado inmorales” o todo eso junto.

Es que, hasta ese día en el que la circulación de la música beatle empezó a liberarse en la Unión Soviética, se los había considerado justamente todo eso. Una condensación del capitalismo y la inmoralidad que el modelo socialista soviético veía del otro lado del Muro.

“Capitalistas e inmorales”

Antes de ese sábado en el que el Estado soviético puso, a través de una discográfica estatal, la obra de The Beatles al alcance del público, se los había considerado el clímax de la “amenaza ideológica” que el socialismo veía en Occidente. Eran, según la censura oficial, pura “contaminación capitalista”.

Desde que la beatlemanía estalló en los sesenta, el Kremlin vio en John, George, Paul y Ringo “demasiada libertad”. Los consideraba peligrosos por sus letras demasiado movedizas y, a veces, demasiado sugerentes en cuanto a la sexualidad. También por la vida rockera que llevaban en medio de las giras que los hacían recorrer el mundo. Y había una característica que enervaba especialmente al régimen estalinista: esos cortes de pelo que sacudían sin parar al ritmo de sus guitarras y de su revolución.

En esos cortes de pelo se condensaba el choque de ese modelo de arte y de vida con la austera estética que el socialismo imponía a sus jóvenes. Los consideraban fuera de lugar, insultantes y provocadores. Era tan así que cualquier joven que quisiera dejarse crecer el pelo podía ser detenido por la Policía soviética: el castigo habitual era una golpiza “aleccionadora” y un corte de pelo completamente involuntario en prisión.

No solo “el pelo Beatle” era motivo de castigo. En los casos más severos, llegó a haber expulsiones de universidades contra aquellos jóvenes que en algún ámbito expresaban su simpatía por la banda. Si no los expulsaban, se calificaba negativamente su conducta y se emitían informes que se remitían a los lugares de trabajo de sus padres, lo que suponía no solo una grave advertencia sino también un motivo de vergüenza para toda la familia.

La cúspide de la denuncia a la producción artística de The Beatles se daba cuando los colegios organizaban actos en los cuales se representaba una especie de juicio a la obra de la banda. Los alumnos eran obligados a emitir una condena contra los artistas por su “conducta contraria al socialismo”.

Contrabando de canciones

Aunque la censura del socialismo hacia The Beatles era feroz, no resultó del todo implacable. Eran un fenómeno demasiado imparable como para no filtrarse de alguna manera -clandestina, peligrosa- entre los jóvenes que crecían bajo la estricta vigilancia del socialismo soviético.

Quienes querían escuchar sus canciones en medio de la prohibición apelaron a un sistema tan ingenioso como precario. Se conoce como Roentgenizdat, un término popularmente conocido como “discos de hueso” o “música en las costillas”, dada la materia prima a la que apelaba para almacenar y reproducir la música prohibida.

El primer paso para poner a circular este mercado subterráneo de música beatle era que alguien contrabandeara un disco de la banda. Ese contrabando ocurría por vía marítima. Habitualmente, los discos llegaban de la mano de marineros que tocaban el puerto de Leningrado, lo que hoy es San Petersburgo: traían los discos cuidadosamente ocultos en su equipaje.

Pero no solo fueron los marineros los que pusieron en marcha ese tráfico. También hay registros de comerciantes, artistas, diplomáticos e incluso algunos funcionarios del régimen o de la KGB que no podían resistirse al sonido de la banda y decidían traer un disco suyo desde Occidente.

La reventa de esos objetos que circulaban a escondidas y que, en un nicho de la población, eran profundamente deseados alcanzaba los 200 rublos en las zonas más remotas del territorio soviético. Había que trabajar dos semanas sin parar para comprar un disco en algún puesto clandestino de los que se instalaban en parques, estaciones de subte o cerca de las tiendas de música.

Nadie quería exponerse a ser descubierto por las fuerzas de seguridad o los servicios de inteligencia, así que quienes vendían los discos acostumbraban hacer algunas preguntas sobre rock occidental a sus presuntos compradores para asegurarse de que fueran verdaderos interesados en la obra, y no espías.

Era habitual, sí, que los vendedores estafaran a los compradores desesperados por escuchar algunas nuevas canciones de The Beatles. En un supuesto disco de la banda podía venir grabada música clásica o hasta alocuciones de propaganda oficialista. El comprador se daba cuenta cuando ya era demasiado tarde.

Una radiografía convertida en música

Pero no todos los jóvenes seducidos por The Beatles podían juntar esos 200 rublos para comprar uno de los codiciados discos contrabandeados. Entonces desarrollaron un sistema de copia para poder escuchar, como pudieran, las canciones de la banda que el Estado les prohibía.

A partir de uno de esos discos contrabandeados, se grababan copias en radiografías que, habitualmente, se robaban de hospitales o se encontraban entre los descartes de esos centros de salud. Para eso había que modificar el tocadiscos, de forma que se pudieran grabar los surcos en el plástico flexible en el que habitualmente se imprime una placa radiográfica.

La placa conservaba las imágenes óseas pero, ahora, almacenaba también algunas canciones de una banda que no podía circular libremente en la Unión Soviética. El agujero central que todo disco tiene se hacía habitualmente con un cigarrillo, y la grabación podía hacerse de un sólo lado de la placa.

El sonido era extremadamente precario, y la vida útil de ese soporte improvisado era cortísima: en el mejor de los casos, las canciones podían reproducirse unas diez veces antes de desvanecerse. Lo habitual era que los “discos de hueso” permitieran cinco reproducciones. Se escuchaba pésimo y apenas algunas veces, pero era casi la única manera en la que los jóvenes podían acceder a The Beatles.

El principio del fin

El fin de la prohibición no solo sacó de la clandestinidad a la banda, sino que además supuso ventas millonarias para la discográfica estatal, que había firmado un contrato con EMI para distribuir en territorio soviético la obra de los de Liverpool.

La legalización de esa banda que el estalinismo había considerado el máximo ícono de la invasión capitalista marcó algo así como el principio del fin, en términos culturales, de las ideas que el régimen socialista había impuesto a sus habitantes. La Perestroika estaba en marcha y el mundo soviético se acercaba a Occidente como nunca antes había ocurrido desde la Segunda Guerra Mundial.

El 24 de mayo de 2003, Paul McCartney dio un concierto en la mítica Plaza Roja de Moscú. Había allí unas 130.000 personas, entre las que se incluían el mismísimo Gorbachov y Vladimir Putin. Ese día, Paul tocó dos veces “Back in the U.R.S.S.”, una canción que The Beatles incluyó en el Álbum Blanco. “¡Por fin puedo tocar esta acá!“, exclamó. La censura había quedado completamente atrás.

Hoy la banda tiene monumentos en la Universidad de Tomsk y en la ciudad de Ekaterimburgo. Sus fanáticos, que ya atraviesan a tantas generaciones, no tienen que esconderse y pueden conseguir los discos sin ser estafados ni perseguidos.

Pero antes de eso, en medio de la censura feroz del estalinismo, la banda logró meterse en las napas subterráneas de un régimen que los prohibía y castigaba a aquellos que quisieran escucharlos. Es que no hubo ni habrá forma de frenar la potencia de su música.

A sus 83 años, Paul McCartney afirma que uno de los momentos más significativos de su vida fue haber restablecido su relación con John Lennon antes de su muerte.

El músico aborda ese capítulo en el documental Paul McCartney: Man on the Run, que se estrena el 27 de febrero en Prime Video y repasa su trayectoria tras la separación de The Beatles.

McCartney y Lennon se conocieron en su adolescencia en Liverpool y forjaron una asociación creativa que marcó la historia de la música popular del siglo XX. Junto a George Harrison y Ringo Starr, integraron The Beatles, grupo que alcanzó reconocimiento internacional durante la década de 1960.

La relación entre ambos compositores, descrita en múltiples ocasiones como cercana y fraternal, atravesó tensiones hacia el final de la trayectoria de la banda.

En 1970, tras la disolución del grupo, Paul presentó una demanda contra sus compañeros en el marco de desacuerdos sobre la gestión financiera y la designación de Allen Klein como representante.

En 1971, John publicó la canción “How Do You Sleep?”, cuya letra fue interpretada como una crítica directa a Paul McCartney. Ese episodio profundizó el distanciamiento entre ambos músicos, que desarrollaron proyectos por separado durante los años siguientes.

El documental, dirigido por Morgan Neville, se centra en la etapa posterior a la separación del cuarteto de Liverpol y muestra aspectos de la vida personal y profesional de McCartney en la década de 1970.

En la película, McCartney recuerda que, antes de la muerte de Lennon el 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, ambos lograron dejar atrás sus diferencias.

“Una de las grandes bendiciones de mi vida es que nos reconciliamos. Es hermoso y triste a la vez. Sabes, nos amamos toda la vida“, señala en el documental.

Entre los episodios relatados figura una visita que Paul y su esposa Linda realizaron al apartamento de John Lennon en Nueva York.

Durante ese encuentro, vieron juntos el programa Saturday Night Live, cuyo creador, Lorne Michaels, había ofrecido al aire una suma de dinero para que The Beatles se reunieran de manera improvisada en el estudio 8H.

Según el testimonio de McCartney, la propuesta generó entusiasmo momentáneo. Sin embargo, tras considerarla, decidieron no acudir.

“Nos emocionamos un poco. Simplemente bajamos, llegamos, ¡y listo! Pero pensamos: ¿por qué? Sería genial para ellos. ¿Sería genial para nosotros? Hemos cerrado el círculo y ahora nos embarcamos en otro viaje. Así que decidimos tomarnos otra taza de té y olvidarnos de la idea", relató.

En el documental, Paul McCartney aborda de manera breve el asesinato de John Lennon en 1980, diciendo que “el tiempo puede aliviar la tensión”.

De hecho, en el documental aparece un testimonio de Sean Ono Lennon, hijo de John, quien afirmó que la conexión creativa entre su padre y McCartney fue excepcional y difícil de repetir.

Además de revisar la reconciliación con Lennon, Paul McCartney: Man on the Run documenta varios episodios importantes en la vida del músico como el período en que el se trasladó a Escocia con su familia y formó Wings, agrupación con la que realizó giras internacionales durante la década de 1970.

Si The Beatles: Get Back de Peter Jackson fue el documento supremo de los momentos finales de los Beatles juntos y de su disolución, Man on the Run de Morgan Neville es una especie de secuela.

Comienza a finales de 1969, pocos meses después del concierto en la azotea de Savile Row. Los Beatles se han separado. Paul McCartney parece haber desaparecido. Incluso corren rumores de su muerte. En una remota granja de Escocia, un McCartney confundido y angustiado se pregunta si volverá a escribir “otra nota, alguna vez”.

Pero lo más sorprendente de revivir este período tumultuoso, propicio para la prensa sensacionalista, de la vida de McCartney es un simple hecho. Cuando los Beatles se separaron, McCartney tenía 27 años. Decir que para entonces ya había vivido toda una vida sería quedarse corto. Tan solo por la magnitud de su producción y su colosal impacto cultural, fácilmente se podría equivocar al considerar a McCartney como un hombre de mediana edad.

Man on the Run, que se estrena el viernes en Prime Video, narra todo lo que vino después. McCartney, productor ejecutivo, nunca aparece sentado para una entrevista, pero sus reflexiones fuera de cámara marcan la película, una crónica de renovación personal. Para McCartney, a quien los Beatles mantuvieron en un estado infantil, el fin de la banda significó una repentina madurez.

“Tuve que mirar dentro de mí y encontrar algo que no fueran los Beatles”, dice McCartney en la película.

Tu opinión sobre la carrera de McCartney después de los Beatles podría influir en tu opinión sobre Man on the Run. Para Neville, el célebre documentalista de Won’t You Be My Neighbor, Piece by Piece y 20 Feet From Stardom, es un período que no ofrece una narrativa clara, sino que, a diferencia de los míticos años de los Beatles, se asemeja más a los altibajos de la vida, con arrepentimientos y triunfos en el camino.

No empezó bien. McCartney, culpado por la separación de los Beatles, se sentía culpable. Sus primeros discos fueron una decepción. Cantar con Linda McCartney, su esposa, no tuvo buena acogida. Un especial de televisión de 1973 que incluía una interpretación de Mary Had a Little Lamb fue, por decirlo suavemente, un error de juicio. Una característica curiosa del carácter generalmente alegre de McCartney es su persistente autodesprecio.

“Si escucho a alguien criticar a Paul McCartney, tiendo a creerle”, dice, haciendo referencia a la separación de los Beatles.

Get Back ofreció una ventana reveladora a la dinámica del grupo, desmintiendo muchas de las antiguas visiones de McCartney. Las comparaciones son difíciles —Get Back es uno de los mejores documentales del siglo—, pero la película de Jackson, basada principalmente en imágenes filmadas por Michael Lindsay-Hogg, también fue increíblemente íntima. Capturó no solo las relaciones individuales de la banda, sino también el proceso de composición en tiempo real. (El surgimiento de Get Back a partir de los rasgueos y tarareo de McCartney se erige como una de las grandes secuencias del cine documental).

Man on the Run carece de esa sensación de cercanía. Al mantener la película en archivo —el documental está repleto de fotos familiares y películas caseras— y sin entrevistas actuales, Neville nos permite experimentar los años de McCartney después de los Beatles como él los vivió. Sin embargo, supone un sacrificio a la cercanía con McCartney —y a la creación de sus canciones en solitario— que podría haber profundizado la película.

El verdadero arco de Man on the Run se centra en la creación de Wings, la primera banda de McCartney post-Beatles. En cierto modo, es una pieza central inesperada. En la composición cambiante de la banda, Denny Laine era el único miembro permanente, aparte de Paul y Linda. Por otro lado, Band on the Run de Wings es el mejor álbum que McCartney produjo después de los Beatles, y la clara culminación de años de lucha. Si necesitabas uno, esta es la señal para poner Jet a todo volumen.

Resulta, para sorpresa de nadie, que es difícil seguir adelante después de ser parte de los Beatles, especialmente para alguien como McCartney, quien creía tan sinceramente en la banda. Al igual que su tema, Man on the Run inevitablemente palidece al lado de las películas de la época dorada de los Beatles. Pero es una pieza complementaria significativa sobre el final de una era y el comienzo de un largo y tortuoso camino.

Man on the Run, un estreno de Amazon MGM, tiene clasificación R (para mayores de 17 años) por la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) debido al lenguaje inapropiado. Duración: 126 minutos. Dos estrellas y media de cuatro.

Fuente: AP

En el plano profesional, Mescal relató las exigencias específicas de encarnar figuras legendarias y la preparación meticulosa que asumió frente a estos desafíos. “Eso es lo que sé hacer. Es para lo que me entrené,” aseguró Mescal, en referencia a lo que denomina su especialidad: humanizar figuras culturales de gran peso, tanto reales como ficticias. “Imaginar por lo que están pasando estos personajes, la vida interior de esas personas, lo que sienten, sus relaciones.”

El entrenamiento incluyó escritura creativa y un cambio en la ejecución musical. En la antesala al rodaje, Mescal escribió poesía para conectar con la sensibilidad literaria de Shakespeare y, ya en fase de preproducción para el biopic sobre Los Beatles, aprendió a tocar la guitarra con la mano izquierda, pese a ser diestro. Así, Mescal destacó que ese tipo de procesos constituían su método para entender las pulsiones artísticas: “Me hace sentir menos loco cuando tengo un día difícil en el set. Pienso: ‘Estoy seguro de que Paul McCartney también tuvo días duros en el estudio y mira lo que creó.’ Lo mismo con Shakespeare. Aunque trabajaron en medios distintos, para mí viven en el mismo lugar.”

El actor reconoció, además, el condicionamiento académico con el que se acercó a Shakespeare durante su formación, distanciándose de la veneración automática. “Siempre sentí que tenía que ir y decir: ‘¡Fue una producción increíble!’ Y en realidad no tenía ni idea de lo que intentaban comunicar sobre la obra,” confesó.

En el terreno de las producciones de alto perfil, Gladiador II marcó su ingreso a las producciones con gran presupuesto y recaudación. El largometraje, bajo la dirección de Ridley Scott, registró una taquilla global de 462 millones de dólares en 2024 y fortaleció la presencia internacional de Mescal, quien asomó a la fama con la serie Normal People en 2020.

El salto a Hamnet lo reencontró con una versión compleja e íntima del drama literario. Al describir la química con Jessie Buckley, compañera de reparto y pieza clave para sostener la estructura emocional de la historia, Mescal rememoró el primer ensayo: “Esa audición fue increíblemente estimulante, física y realmente sensual.” Este vínculo inicial, según indicó, permitió que las primeras escenas entre ambos tuvieran carga romántica y sexual inmediata, al tiempo que prepararon el terreno para los momentos de mayor duelo en la trama.

Mescal opinó sobre el lugar que ocupa la tristeza familiar en la recepción pública de la película. “Es muy fácil para la gente decir que es una película sobre el duelo, que por supuesto que lo es, pero no se trata solo de eso y nunca lo fue para nosotros cuando la filmamos,” expresó. Reconoció que la historia suponía un reto para ciertos sectores del público, especialmente para quienes son padres y dudan de su capacidad para sobrellevar la intensidad emocional: “Hice una película que hace llorar feo a la gente,” admitió, aunque lamentó que dicho punto eclipsara el resto de la narrativa.

El largometraje, inspirado en la novela de Maggie O’Farrell y escrito en colaboración con la premiada diretora china Chloé Zhao, explora la manera en que la tragedia personal se traslada al arte escénico. Mescal interpretó la adaptación que realiza el protagonista, que convierte el dolor por la muerte de su hijo en el núcleo de Hamlet. “El verdadero talento de Shakespeare era lo que estaba dispuesto a compartir con nosotros como artista. Los rincones privados de su corazón y su mente que nos comparte casi de manera devocional en todas sus obras,” afirmó Mescal. “Eso es, para mí, la razón por la que seguimos hablando de él cuatrocientos años después.”

Los jóvenes que alcanzaron la mayoría de edad a la sombra de los Fab Four se mofaban de las credenciales boomer de la banda. Los discos "Anthology", que vuelven ahora después de 30 años, cambiaron todo eso.

Cuando era chico, odiaba a los Beatles.

Bueno, odiar es una palabra muy fuerte. Cuando era adolescente, en las décadas de 1980 y 1990, estaba harto de ellos. Los Beatles representaban a la generación de mis padres, y sus ineludibles canciones me parecían la encarnación musical de la dominación boomer. El rechazo propio de la generación X hacia los Fab Four parecía estar mejor expresado por la mueca punk de The Nation of Ulysses en 1992: "No estoy hablando de una canción de los Beatles / Escrita cien años antes de que yo naciera".

Lo que hizo que mi actitud cambiara --de curiosidad a, finalmente, obsesión-- fue The Beatles Anthology, en 1995, un documental televisivo profundo, autoproducido, junto con tres CD relacionados repletos de material alternativo de estudio. El 26 de noviembre llegará a Disney+ una versión ampliada de la serie en celebración de su 30 aniversario, con imágenes y sonido renovados. Los álbumes, con un nuevo cuarto volumen, se han publicado esta semana. El proyecto también incluye un libro de mesa de café.

Para espectadores como yo, las imágenes de Anthology despojaron a la banda de su santa leyenda y la presentaron como imperfecta pero heroica. En las imágenes de los primeros días de "juventud salvaje" de los Beatles, sudando en cuero en el barrio rojo de Hamburgo o en el subterráneo Cavern Club de Liverpool, casi podían ser punks, y en la era grunge, eso contaba como credibilidad.

El proyecto también ofrecía una seductora gran narrativa, que explicaba la vasta magnitud del fenómeno Beatles y sus efectos en cuatro personas reales. Junto con John Lennon, que hablaba a través de clips de archivo, los tres miembros sobrevivientes en ese entonces --Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison, fallecido en 2001-- expresaban su ambición, su ambivalencia e incluso los rencores y quejas que habían arrastrado hasta los 50 años.

"Los Beatles no se autoeditaban en aquella época", recordó Bob Smeaton, director y guionista de la serie original, en una entrevista reciente. "Simplemente, decían lo que se les pasaba por la cabeza".

La serie sirvió como un nuevo modelo para la historiografía de los Fab Four, un punto de partida para lo que podría llamarse el Universo Cinematográfico de los Beatles: un proceso en constante evolución en el que la banda cuenta y vuelve a contar su propia historia, ajustando los detalles y la lista de reproducción por el camino. Después de Anthology, vino la colección de éxitos 1 (2000), el espectáculo del Cirque du Soleil, Love (2006), y una avalancha continua de reediciones comentadas y proyectos documentales como The Beatles: Get Back (2021), la inmersiva mirada de Peter Jackson a las tensas sesiones del grupo a principios de 1969. Próximamente, habrá cuatro biopics de Sam Mendes, previstos para 2028.

La nueva edición de Anthology --ocho episodios de una hora, editados a partir de la versión original en home video de la serie, más un noveno sobre los miembros sobrevivientes que se reúnen para completar tres canciones dejadas por Lennon-- tiene suficientes escenas familiares para satisfacer la nostalgia boomer. Pero también hay detalles pequeños pero reveladores, como Harrison hablando de su obsesión escolar por el rock 'n' roll, mientras vemos sus bocetos de guitarras en un cuaderno de arquitectura.

La llegada triunfal de la banda a Nueva York en 1964 es toda una tormenta mediática. Hay un metraje increíblemente íntimo rodado por Albert y David Maysles --que ya se ha visto, pero que sigue siendo increíble-- que muestra al grupo desde el interior de un coche en Manhattan mientras son acosados por fans adolescentes que gritan, un eterno ritual de la cultura pop que los conecta hacia atrás en el tiempo con Frank Sinatra y hacia adelante con Taylor Swift y los ídolos del K-pop.

Es un recordatorio de que el hechizo de las celebridades siempre puede reavivarse. Jonathan Clyde, director de producción de Apple Corps, la empresa de los Beatles, recuerda que se sorprendió cuando Get Back de Jackson se hizo viral entre la generación Z. "En cierto modo, parecía hablarles a ellos", dijo Clyde en una entrevista. "Quizá fue una especie de reality show ambientado en 1969".

En 1995, los Beatles seguían siendo una presencia constante en la radio, y escuchar uno de sus éxitos por milésima vez podía sumir a un joven fan del rock en un trance de mal humor. Pero los nuevos clips de audio de Anthology, en versiones en directo o cortes alternativos, podrían sacarte de esa amargura.

Una maqueta desenterrada, no disponible en la época de la serie original, revela que antes de que "Yellow Submarine" se convirtiera en la canción casi infantil que todos conocemos, era un número acústico sombrío en el que Lennon cantaba: "En el lugar donde nací / A nadie le importaba, a nadie le importaba". (Esta grabación, procedente de una "cinta de trabajo de composición" de Lennon y McCartney, se publicó por primera vez en una reedición de lujo de Revolver, en 2022).

El metraje original, procedente de las propias bóvedas de los Beatles y con licencias de decenas de otras fuentes de archivo, se ha restaurado a fondo, haciendo que la acción parezca increíblemente real. La mayor parte de la música ha sido remezclada por Giles Martin, hijo del productor de los Beatles, George Martin, quien utilizó MAL, el sistema de aprendizaje automático desarrollado por el equipo de Jackson en Nueva Zelanda. Ese proceso incluye la "desmezcla": separar las muchas fuentes de audio mezcladas en una vieja grabación ruidosa, lo que permite ajustes como reducir el estruendo de la multitud mientras los Beatles tocan en el estadio Shea.

"Ahora puedo, con la tecnología, estar en una situación en la que puedo aislar completamente la voz de John", dijo Martin en una entrevista. "Y a veces se me ocurre: vaya, él nunca habría oído esto".

Los Beatles empezaron a ocuparse de su historia cuando la banda aún estaba en activo. En 1968, el escritor británico Hunter Davies produjo The Beatles: The Authorized Biography, que, según relatos posteriores, fue censurada para eliminar detalles escandalosos de la vida en la carretera. Los orígenes de Anthology se remontan a 1969, cuando Neil Aspinall, un conocedor del grupo que acabó convirtiéndose en director ejecutivo de Apple Corps, propuso un documental.

A principios de la década de 1970, Aspinall preparó un corte en bruto titulado The Long and Winding Road, pero para entonces los Beatles ya se habían separado. El proyecto quedó engavetado hasta que se resolvieron varias oleadas de litigios en 1989. Dos años después, Aspinall contrató a un equipo para terminar el trabajo. Pero Harrison se opuso al título: "The Long and Winding Road" era una canción de McCartney. En su lugar se utilizó el más neutro Anthology.

El proyecto se promocionó como la historia completa y definitiva de la banda, tras años de que otros contaran su historia. Smeaton recordó que Aspinall, quien murió en 2008, comparó el proyecto con The Civil War (1990) de Ken Burns: un ambicioso enfoque multimedia para contar una historia de época.

Pero los recuerdos difusos y los relatos contradictorios de los miembros de la banda socavaron ese objetivo. "Nuestros recuerdos eran terribles", declaró McCartney a The New York Times en 1995. "Nos dimos cuenta de que, después de tantos años, ninguno de nosotros recordaba las historias igual. Y se supone que esto es lo definitivo, lo autorizado".

En lugar de eso, Anthology es como un álbum de recortes de sucesos asombrosos, contados a veces de dos, tres o cuatro formas distintas. Parece que los Beatles no pudieron ponerse de acuerdo sobre qué ocurrió exactamente cuando conocieron a Elvis Presley, o si estaban drogados cuando recibieron sus honores de manos de la reina Isabel II.

Smeaton recordó haber discutido suavemente con Harrison después de que este mencionara la segunda presentación de la banda en el Shea Stadium, en 1966.

"George dijo: 'No tocamos dos veces en el Shea Stadium'", dijo Smeaton. "Yo dije: 'George, sí lo hicieron'. Me dijo: 'Mira, Bob, yo estaba en la banda; tú no'. Le dije: 'George, tengo las imágenes'. Se lo enseñamos y George dijo: '¿Sabes qué? Sigo convencido de que no volvimos a tocar en el Shea Stadium en el 66'".

Martin ha refrescado el sonido de los álbumes de Anthology, y un cuarto volumen añade más tomas descartadas. Algunas son sorprendentes, como una salvaje toma 17 de "Helter Skelter", al final de la cual McCartney declara: "Guárdala, márcala como 'fabulosa'". (Hicieron falta cuatro tomas más para conseguir la versión del álbum). Otras pueden ser menos esenciales, como una versión de "Every Little Thing" de 1964 que se interrumpió después de que McCartney eructara.

El aspecto más controvertido del proyecto original de Anthology fue la publicación de dos canciones, "Free as a Bird" y "Real Love", completadas a partir de maquetas en bruto que Lennon hizo en solitario a finales de la década de 1970. Se promocionaron agresivamente en la radio, aunque los críticos y los fans estaban divididos sobre su valía, y algunos se sentían incómodos con la idea de que las canciones de Lennon fueran póstumamente "Beatleficadas". (Yoko Ono, la viuda de Lennon, había dado permiso a los demás).

Hace dos años se publicó una tercera canción, "Now and Then", y la explicación de entonces parecía implicar otro argumento modificado. Los tres ex Beatles habían intentado "Now and Then" durante las mismas sesiones de 1995 que produjeron "Free as a Bird" y "Real Love", pero, según se dijo, la tecnología necesaria para terminarla no estaría disponible hasta la década de 2020. No importa que, en 2012, McCartney dijera en un documental que Harrison había rechazado "Now and Then" por considerarla "basura".

No obstante, "Now and Then" entró en el canon como la "última" canción de los Beatles, una nueva oportunidad para los fans de escuchar a los Fab Four tocando juntos.

Y, resulta ser, que "Now and Then" fue escrita por Lennon unos años después de que yo naciera.

Ben Sisario , periodista especializado en música y la industria musical, lleva más de 20 años escribiendo para el Times.

Paul Mescal, el actor irlandés conocido por su destacado papel en Normal People, comenzó a cuestionar su posición como el “chico triste de Hollywood”. En una reciente entrevista con Vanity Fair, Mescal, que también estuvo en el centro de los reflectores como protagonista de Gladiador 2, reflexionó sobre la carga emocional de encarnar personajes vulnerables y planteó la posibilidad de dejar de interpretar ese tipo de roles que marcaron su carrera.

“No sé si tendré más que decir con papeles como Will, Lionel, Connell o Harry… Puede que haya terminado con eso”, afirmó en referencia a sus trabajos en Hamnet, The History of Sound, Normal People y Todos somos extraños.

Una trayectoria marcada por la sensibilidad

Desde que irrumpió en la industria durante la pandemia, Mescal se hizo célebre por dar vida a figuras masculinas definidas por la sensibilidad y el sufrimiento. Su habilidad para expresar emociones profundas lo consolidó como referente de la vulnerabilidad en pantalla.

Según relató a Vanity Fair, esta característica permitió crear una conexión especial con la audiencia, aunque reconoció el elevado coste emocional que conlleva.

Actualmente, ensaya para interpretar a Paul McCartney en la próxima serie de películas sobre los Beatles dirigidas por Sam Mendes y promociona Hamnet, el nuevo filme de Chloé Zhao en el que interpreta a William Shakespeare.

“Creo que necesito un descanso de interpretar a artistas tan conocidos y reverenciados”, admitió, dejando entrever su interés en explorar registros diferentes.

Intensidad en el rodaje y lazos profesionales

El proceso creativo de Hamnet fue especialmente exigente para Mescal y su compañera de reparto, Jessie Buckley. Ambos se involucraron en lo que él describe como un “trabajo creativo intenso”, una experiencia tan absorbente que “abrió el fondo de todo antes de empezar, así que sentíamos que íbamos caminando expuestos todo el tiempo”.

De esa dinámica surgió una relación profesional y personal muy estrecha. “Pensé: esta es una persona para toda la vida ahora”, comentó Mescal a Vanity Fair, subrayando el impacto duradero de esa colaboración.

El temor al encasillamiento y la búsqueda de nuevos retos

A pesar del reconocimiento alcanzado gracias a sus personajes melancólicos, Mescal manifestó cierta inquietud ante la posibilidad de quedar encasillado.

Reconoció que existe una especie de diálogo entre los papeles que interpretó, impulsado por una compulsión artística hacia ese universo emocional. Sin embargo, no descarta la necesidad de buscar desafíos nuevos.

“Las cosas que hice eran las únicas que podía hacer en ese momento”, explicó. Para él, la autenticidad en la elección de proyectos es esencial: “Mientras eso siga siendo cierto, no siento que deba entrar en el concepto de planificar una carrera o pensar en lo que el público espera de mí. Si tomas decisiones de carrera pensando en la audiencia, estás perdido. Entraría al set y tendría un ataque de pánico si empezara a hacer eso”.

Fama, privacidad y referentes

La fama y la exposición mediática supusieron un reto particular para Mescal. Confesó a Vanity Fair que le resulta incómodo verse como una estrella de cine o un galán, y reiteró que aspira a ser un actor comprometido, citando como referentes a Philip Seymour Hoffman, Daniel Day-Lewis y Michelle Williams.

La objetivación que padeció tras el éxito de Normal People, especialmente por las escenas íntimas y su imagen fuera de pantalla, le resultó incómoda. En este proceso de transformación personal, busca preservar su vulnerabilidad emocional sin exponer su vida privada al escrutinio público.

Cambios en la vida personal y equilibrio digital

Respecto a su vida privada, Mescal optó por mayor discreción tras su visible relación con la música Phoebe Bridgers. Actualmente, prefiere mantener ese aspecto en la intimidad.

Sobre las redes sociales, se autodefine como un “cinco” en una escala de presencia online, después de corregirse de un “seis”: “No tengo Instagram. A veces entro en Twitter, lo cual es un error cada vez. YouTube es lo mío. Soy un reciente seguidor de los Boston Red Sox, así que veo los resúmenes de la MLB camino al trabajo”, compartió.

Además, mantiene grupos de WhatsApp con sus colegas de las películas de los Beatles y otros actores como Josh O’Connor, Andrew Scott, Saoirse Ronan y Daisy Edgar-Jones. “No suelo hablar con ellos sobre actuación. Son solo mis amigos. Pero me inspiran”.

Autenticidad y honestidad para el futuro

Mirando hacia adelante, Mescal recalca la importancia de la autenticidad y honestidad en su carrera. Agradece el respaldo de quienes valoran su trabajo, aunque reconoce que no puede preocuparse en exceso por quienes no lo comprenden.

“No espero que la gente me entienda. Estoy agradecido con quienes se interesan por lo que hago, pero no puedo preocuparme demasiado por quienes no lo hacen”, reconoció antes de ironizar con que este tema aparece con frecuencia en sus sesiones de terapia.

Mescal admite que la exposición pública amplifica tanto sus aciertos como sus errores, pero considera que es un precio asumible frente a las oportunidades y experiencias que su carrera le brindó, según compartió con Vanity Fair. El actor sigue decidido a evolucionar, preservando su autenticidad mientras desafía las etiquetas y explora nuevos horizontes profesionales.

El primer duelo que Paul McCartney atravesó en su vida fue apenas a los 14 años. Su madre, Mary Patricia McCartney, murió por una embolia a raíz de una complicación de una cirugía de cáncer de mama.

A finales de la década de los 60, cuando The Beatles alistaba su último álbum antes de su dolorosa separación, Mary lo llamó durante un sueño y le dio un consejo: “Déjalo ser” (Let it be), esa sola frase se convirtió en el título del histórico disco y uno de los más vendidos de su tiempo.

“En los años 60 tuve un sueño en el que mi madre, que había fallecido, se me apareció y me tranquilizaba diciéndome: ‘Todo va a salir bien. Déjalo ser...’”, comentó el músico británico durante su participación en Carpool Karaoke de James Corden.

Tras despertar, recordó el sueño y pensó que era una idea genial. “Entonces me senté y escribí la canción inspirándome en la sensación que me había transmitido ese sueño”, detalló a The Salt Lake Tribune.

La cruel enfermedad volvería a tocar la puerta de su familia en la década de los 90: su esposa Linda McCartney, colaboradora en Wings y compañera de aventuras, fue diagnosticada también con un cáncer de mama.

Paul y Linda vivieron años de felicidad junto a sus cuatro hijos en la Granja High Park, ubicada en el oeste de la península de Escocia —alejada del mundo entero, que no paraba de hablar sobre el fin de los Beatles—, desarrollando un fuerte vínculo con la vida familiar y la naturaleza.

En 1966, el ex Beatle había adquirido los 200 acres de suelo muy cerca de la localidad de Campbeltown. No pasó mucho tiempo para que él y Linda cruzaran sus caminos, luego de que él terminara su romance con Jane Asher en 1968.

“Cuando conocí a Linda y empezamos a salir juntos, ella me dijo: ‘¿No tienes una casa en Escocia?’. Fuimos allí y le encantó. Le encantaba la naturaleza salvaje, montar a caballo y los animales en general”, detalló el cantautor, según recogió la BBC.

La pareja contrajo matrimonio en 1969 y ambos resistieron a la ruptura de los Beatles en 1970. Poco después, Linda se unió a su esposo en Wings, la banda que él co-fundó junto a Denny Laine.

De acuerdo al crítico musical Robert Hilburn, de Los Angeles Times, Paul explicó las razones por las cuales necesitó hacer música con Linda: “Lo que la gente no entiende es que soy yo quien quiere a Linda en el escenario. Con los Beatles, siempre tenía a mis amigos conmigo en el escenario".

“Podía girarme hacia un lado y ver a John [Lennon] o hacia otro y ver a Ringo [Starr]... así que quería tener a mi compañera conmigo en el escenario otra vez”.

Tras la separación de Wings, Paul McCartney continuó con su carrera en solitario, mientras que Linda se dedicó enteramente a la fotografía, una de sus grandes pasiones además de la música.

“Cuando ella vino a Gran Bretaña y nos juntamos, lo mejor de todo era que los dos queríamos ser libres”, recordó Paul en la misma entrevista y agregó en referencia al archivo fotográfico de su familia en esos años: “Hicimos lo que queríamos y ella lo fotografió todo”.

Durante el tratamiento de su esposa contra el cáncer, él la describió como “la persona más positiva del mundo”, según recogió The Angeles Times. Cuando fue consultado acerca de cómo logran mantenerse tan unidos, afirmó: “Supongo que es porque nos adoramos mutuamente”.

Linda McCartney murió a los 56 años el 17 de abril de 1998. “Tanto mi madre como Linda murieron de cáncer de mama”, afirmó el artista, de acuerdo a la BBC. A diferencia de su madre, cuya muerte no entendía del todo en su adolescencia, la pérdida de su esposa tuvo un duelo mucho más libre, permitiéndose sentir todo el dolor.

“Creo que lloré durante aproximadamente un año, de forma intermitente”, confesó McCartney al medio británico. “Esperas verlos entrar, a esa persona a la que amas, porque estás muy acostumbrado a ellos. Lloré mucho. Era casi vergonzoso, excepto porque parecía lo único que podía hacer”.

Paul McCartney reveló la trágica noticia mediante un comunicado oficial que replicó las últimas palabras que le dedicó: “Estás montada en tu hermoso semental Appaloosa. Es un hermoso día de primavera. Cabalgamos por el bosque. Las campanillas están en flor y el cielo es de un azul claro”.

“Apenas había terminado la frase cuando ella cerró los ojos y se fue tranquilamente”, sostuvo en el pronunciamiento.

Años antes de perder a Linda, Paul ya había enfrentado la traumática pérdida de John Lennon, quien fue asesinado a tiros por Mark David Chapman el 8 de diciembre de 1980 en la entrada de su apartamento de Nueva York. El famoso artista y músico británico tenía 40 años.

Paul y John se conocieron en 1957 cuando aún eran adolescentes durante una fiesta de jardín en Woolton, Liverpool. Ambos habían sufrido la muerte prematura de sus madres, y parte de ese trauma les permitió conectar de inmediato.

“Ese fue el día, el día en que conocí a Paul, en que todo empezó a cambiar”, sostuvo Lennon a la prensa una década más tarde, de acuerdo al libro John and Paul: A Love Story in Songs, de Ian Leslie.

En la misma publicación, McCartney describió el origen de su amistad: “Cada uno de nosotros sabía lo que le había pasado al otro... a esa edad no se te permite estar devastado, y sobre todo siendo niños, adolescentes, simplemente te encoges de hombros y sigues adelante”.

El duo McCartney-Lennon fue responsable de 65 canciones de los Beatles, trabajando entre risas, juegos, consejos, peleas, ofensas y todo lo que involucra una verdadera amistad.

“Una de las grandes bendiciones de mi vida es que hicimos las paces”, sostuvo McCartney en su libro Wings: The Story of a Band on the Run, publicado el pasado 4 de noviembre.

Y agregó en su relato: “Nos habíamos querido toda la vida, habíamos tenido nuestras discusiones y nos habíamos insultado. Pero nunca fue nada más grave que lo que pueden tener dos hermanos en una familia”.

La última llamada que compartieron los exBeatles fue “una conversación muy feliz”. En cuanto a la mañana del fatídico día, Paul definió la situación como “confusa”. “No podías asimilarlo. Yo todavía no lo he asimilado. No quiero hacerlo”, admitió.

Otras pérdidas que afectaron a Paul McCartney fueron las de George Harrison y Denny Laine. En 2020, durante la pandemia de COVID-19, el músico aseguró que Harrison, quien falleció por una metástasis cerebral derivada de un cáncer al pulmón, dejó su espíritu en un árbol conífero de hoja perenne que le regaló antes de su deceso en 2001.

“A George le gustaba mucho la horticultura, [era] un jardinero realmente bueno”, contó el intérprete durante una conversación con All Things Considered de la NPR. “Me regaló [el] árbol. Es un gran abeto y está junto a mi puerta”.

El árbol fue plantado en Peasmarsh, en su finca de East Sussex, Inglaterra, y simboliza los recuerdos que tuvieron juntos.

“Es precioso. Él me lo regaló, así que lo planté. Pero luego, con el paso de los años, cada vez que lo miro pienso: ‘Es el árbol que me regaló George’. George ha entrado en ese árbol por mí. Espero que esté contento con eso", expresó.

En 2021, el vigésimo aniversario de la muerte de Harrison, Paul McCartney dedicó un homenaje a su ex compañero de banda mediante sus redes sociales.

“Es difícil creer que hayamos perdido a George hace ya 20 años”, escribió en su perfil de Instagram debajo de una fotografía. “Echo mucho de menos a mi amigo. Con cariño, Paul”.

Fuera de su faceta como Beatle, el músico fue uno de lo fundadores de Wings, la banda en la que se centra su nuevo libro. Tras la muerte de Denny Laine, co-creador de Wings y amigo cercano, reconoció que albergaba esperanza en torno a su estado de salud.

“Oí que Denny estaba mejorando, que había esperanza para el futuro, pero obviamente no fue así”, dijo a Mojo. “Es muy triste porque Denny era genial. ¿Te imaginas intentar formar otra banda después de The Beatles? Con Denny, lo conseguimos”.

Mediante un tributo en Instagram dedicado a Laine tras su muerte, Paul destacó guardar buenos recuerdos con él incluso desde que ambos estaban en sus respectivas bandas originales (The Moody Blues y los Beatles).

Además, recordó cómo era “un vocalista y guitarrista excepcional”, destacando su famosa interpretación de “Go Now”, un tema de Bessie Banks que “cantaba de forma brillante”.

“Nos habíamos distanciado, pero en los últimos años conseguimos restablecer nuestra amistad y compartir recuerdos de los momentos que pasamos juntos. Denny tenía un gran talento, un fino sentido del humor y siempre estaba dispuesto a ayudar a los demás”, puntualizó.

En una revelación poco habitual sobre el impacto emocional que dejó el fin de The Beatles, Paul McCartney admitió haber transitado una etapa de profunda depresión y pérdida personal cuando el grupo se disolvió oficialmente en 1970.

Según fragmentos de sus memorias publicados por The Guardian, el exbajista del cuarteto de Liverpool describió con crudeza el vacío y la angustia experimentados en aquellos meses, agravados por rumores globales sobre su supuesta muerte.

“Un joven de 27 años a punto de convertirse en ex Beatle, inmerso en disputas legales y personales que drenaban mi energía, necesitado de una renovación total de vida”, reflexionó el músico en su libro Wings: The Story of a Band on the Run.

El impacto psicológico de la disolución fue inmediato. El mito acerca de su muerte, propagado globalmente en 1969 tras el comentario de un locutor estadounidense, se entrelazó con la realidad emocional que vivía el músico.

“El mundo decía que estaba muerto, y en muchos sentidos lo estaba. ¿Podría superar las crisis que estallaban a diario?”, escribió. El ex Beatle cuestionaba su capacidad de recomponer su vida tras “una década asombrosa” y de sobreponerse al colapso profesional y personal.

En el otoño de 1969, Paul McCartney y su esposa, Linda McCartney, decidieron alejarse de la presión mediática e instalarse en una remota granja de ovejas en Escocia junto a sus hijos.

“Huimos de Londres precisamente para escapar de ese tipo de rumores malévolos que estaban afectando a The Beatles“, explicó el cantautor. La vida rural, marcada por la rusticidad y el aislamiento, brindó al músico un espacio de reconstrucción.

Y rememoró: “Sentí verdadera satisfacción aprendiendo a hacer todas esas tareas, siendo autosuficiente. Cuando lo pienso, el aislamiento fue justo lo que necesitábamos”.

No obstante, la transición fue áspera. El ex Beatle relató escenas de aprendizaje forzoso, como cortar su propio árbol de Navidad, colocar un piso de cemento, fabricar una mesa sin clavos o esquilar ovejas bajo la guía de un lugareño.

“Una gran dificultad fue esquilar las ovejas”, confesó. Todo esto sucedía en medio de un entorno escocés hostil. Según su hija Stella McCartney, esos años marcaron una conexión profunda con la naturaleza y la familia.

“Nuestros padres cerraron filas y optaron por la vida básica, lejos de la ciudad, haciendo el camino a su manera”, contó en entrevistas recogidas por The Guardian.

“La ruptura de The Beatles golpeó como una bomba atómica“, sostuvo McCartney. Además, recordó cómo la tensión con John Lennon escaló tras el ingreso de Yoko Ono en la vida del cofundador de la banda.

“No puedes culpar a John por enamorarse de Yoko, igual que no puedes culparme por enamorarme de Linda. Probamos escribir juntos algunas veces más, pero pensamos que sería más fácil trabajar separados”, expresó el músico británico.

En ese sentido, recordó con precisión la fecha en que Lennon le comunicó su deseo de dejar el grupo: “‘Quiero el divorcio’, me dijo. Decidimos mantenerlo en secreto. Yo solo pensé: ‘Oh, mierda’”.

Durante los primeros meses tras la disolución y en compañía de su esposa, Paul se mantuvo aislado y con frecuentes recaídas en el consumo de alcohol.

“Paul no estaba en buen estado; bebía mucho y, pese a estar rodeado de admiradores, no era feliz”, relató Linda McCartney, en la misma serie de testimonios.

El músico reconoció que, por momentos, dudó de su futuro como músico: “O dejaba la música y buscaba otra cosa, o debía averiguar cómo seguir adelante”.

Algunos días después del retiro a la vida rural, la familia recibió una visita inesperada de reporteros de Life Magazine. Molesto por la intrusión, Paul McCartney accedió finalmente a un breve reportaje en el que, por primera vez, admitió públicamente el fin del grupo: "La etapa de The Beatles terminó“, declaró en esa portada.

La vida de Paul McCartney tras dejar de ser un Beatle

Tras la ruptura, Paul McCartney enfrentó el desafío de redefinir su camino profesional y personal. La vida en Escocia se tornó una rutina de trabajos manuales y dedicación familiar.

“Nos pusimos manos a la obra y cultivamos de todo en nuestro huerto. Aprendí algunos trucos de mi padre sobre jardinería”, narró el músico en pasajes reproducidos por The Guardian.

La falta de recursos y comodidades obligó a la familia a buscar soluciones prácticas, como improvisar una bañera con una tina metálica destinada al ordeñe.

En este entorno, Linda McCartney alentó a su marido a retomar la música. Así nació la grabación doméstica de piezas instrumentales y canciones que luego integrarían su primer disco solista, McCartney, editado en 1970.

El ex Beatle explicó que la búsqueda de sencillez marcó ese proceso: “Solía grabar en casa únicamente porque me divertía... No pretendía lograr éxito comercial. Era una forma de continuar”.

El álbum incluyó la canción “Maybe I’m Amazed”, donde el británico expresó la mezcla de temor y asombro ante el inicio de una nueva etapa matrimonial junto a Linda.

“Trataba de plasmar cómo se siente comenzar una vida con alguien a quien estás conociendo. Hay nerviosismo y temor; también es algo maravilloso”, relató el músico.

El impulso de Linda McCartney resultó clave en la formación de la banda Wings en 1970, con la que el ex Beatle consolidó una nueva carrera.

“Ella y una hoja en blanco donde podía escribir nuevas canciones fueron mis grandes aliadas”, expresó McCartney. En palabras de su hermano menor, Michael McCartney, “amar a tu esposa y tener hijos es otra forma de ‘Beatles’”.

Años más tarde, la familia recordó esos años en Escocia como un periodo de reconstrucción y contacto cercano con la naturaleza, lejos del escrutinio global.

El propio Paul McCartney finalizó uno de los fragmentos de sus memorias de la siguiente manera: “Puse una semilla en la tierra, llovió, salió el sol y algo creció. Eso es algo que siempre podremos agradecer“.

Cientos de seguidores se congregaron a las puertas del Palacio de Buckingham el 26 de octubre de 1965 cuando los cuatro miembros de The Beatles acudieron a recibir la Cruz de Miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE), una distinción que marcaría un punto de inflexión tanto en la imagen pública de la banda como en las tradiciones de la corona británica. Durante la ceremonia, alrededor de 4.000 personas generaron una atmósfera de euforia y caos, saltando incluso las barreras de seguridad ante la llegada de sus ídolos, en un acto inédito para el protocolo habitual de la realeza.

La decisión de incluir a los integrantes de The Beatles en la lista de condecorados no carecía de contexto político. En 1964, Harold Wilson, al frente del Partido Laborista, logró un ajustado triunfo electoral en el Reino Unido y buscaba en tanto primer ministro, consolidar la simpatía del electorado más joven.

La calle Carnaby Street en Londres simbolizó la influencia de la banda en la moda, los peinados y la actitud que marcó a la juventud en la denominada Swinging London. El lanzamiento en 1962 de Love Me Do, seguido por el éxito del álbum Please Please Me, consolidó la presencia mundial del grupo y sirvió de antesala a su reconocimiento institucional en la segunda mitad de la década.

En ese marco, y mientras la Beatlemanía crecía, la recomendación de Wilson se materializó en el reconocimiento formal para el cuarteto de Liverpool.

Antes de ese reconocimiento, la carta enviada por la Casa Real a los integrantes de la banda, generó desconcierto entre los músicos, quienes desconocían los alcances de la distinción. Paul McCartney expresó sentirse halagado por el homenaje, mientras que Ringo Starr manifestó entusiasmo por la oportunidad de conocer a la Reina Isabel II. Contrariamente, John Lennon se mostró indiferente e incluso consideró no aceptar la medalla. “Al ver el sobre con el membrete de la OHMS (Al Servicio de Su Majestad) creí que me llamaban para enlistarme en el ejército… Pero en realidad, antes de concederte un MBE, el Palacio te escribe preguntándote si vas a aceptarlo, porque no puedes rechazarlo públicamente, entonces primero te sondean. En aquel momento puse la carta con el correo de mis fans hasta que Brian Epstein me preguntó si la tenía. Él y algunos otros me habían persuadido de que no nos interesaba aceptar. Me resultaba violento”, recordó Lennon.

No era la primera ocasión en que los caminos de la reina y los Beatles se cruzaban. En 1963, el grupo se presentó en un espectáculo de variedades para la corona, donde Lennon protagonizó un episodio recordado al dirigirse al palco real con ironía: pidió que “los de los asientos baratos batan palmas” y sugirió a los ubicados en las butacas “más caras” que “batan sus joyas”.

La nominación para los premios es abierta: cualquier ciudadano puede hacerla. Los MBE son reconocimientos a personas destacadas en actividades de caridad, las artes, la cultura, el deporte y otros ámbitos. Cuando se anunció en junio de 1965 que los Beatles serían galardonados hubo reacciones en contra. Una de ellas fue la del coronel Frederick Wagg quien devolvió las doce medallas que había recibido por su servicio en las dos guerras mundiales y renunció al Partido Laborista como acto de repudio: no aceptaban la idea de que una banda de pop recibiera una alta distinción de la realeza. El diputado canadiense Hector Dupuis llegó a declarar: “La realeza británica me ha puesto al mismo nivel que un grupo de vulgares imbéciles”. Y devolvió su reconocimiento.

A pesar del rechazo de sectores conservadores, la reina se mantuvo firme en su decisión. La ceremonia de entrega se llevó a cabo en la Sala del Trono. Allí, los Beatles —Paul McCartney, George Harrison, John Lennon y Ringo Starr— ingresaron mientras la banda de los Coldstream Guards interpretaba melodías tradicionales. Formaron una fila y recibieron la medalla de las manos de Isabel II, intercambiaron algunas palabras con la monarca, realizaron reverencias de rigor y procedieron a firmar autógrafos para algunos miembros de la realeza.

Las anécdotas de aquel día han sobrevivido durante décadas. Lennon contó que la tensión previa al encuentro los llevó al baño del palacio y, según su versión, allí fumaron un cigarrillo de marihuana antes de enfrentarse a la reina. “Sonreíamos como tontos porque acabábamos de fumarnos un porro en el baño del palacio de Buckingham. Estábamos nerviosísimos, no sabíamos qué decir. La reina estaba sentada en una cosa muy grande y dijo algo así como ‘bla, bla bla’, no lo terminamos de entender”, confesó el músico. George Harrison desmintió la historia, asegurando que solo fue tabaco lo que consumieron, mientras que Ringo prefirió no aclarar la situación: “No estoy seguro sobre si habíamos fumado marihuana. De todas formas, el palacio es un sitio rarísimo”.

Durante la conferencia de prensa posterior a la ceremonia, los Beatles describieron sus impresiones ante los medios. McCartney calificó el palacio como “una vivienda estupenda” y aseguró que la reina los trató “como una madre”. Consultado sobre si sentían temor, Lennon respondió: “No tanto como otros”.

A nivel visual, la condecoración tuvo presencia en la iconografía de la banda. Paul McCartney y George Harrison posaron con la medalla en la portada del álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, editado en 1967. Ringo Starr conservó la insignia en su hogar, pero para John Lennon ocurrió algo distinto: decidió obsequiársela a su tía Mimi Smith, quien la colocó sobre la chimenea.

Sin embargo, la relación de Lennon con la distinción cambió radicalmente cuatro años después. En ese entonces, en pleno proceso de radicalización política y acompañado por Yoko Ono, Lennon devolvió la MBE a la reina, junto a una misiva que explicaba sus razones: “Su Majestad, estoy devolviendo mi MBE a modo de protesta en contra del involucramiento de Gran Bretaña en el conflicto entre Nigeria y Biafra, en contra del apoyo a Norteamérica en Vietnam y en contra de la caída de ‘Cold Turkey’ en los charts. Con amor, John Lennon”.

La devolución de la medalla fue interpretada por algunos como una maniobra publicitaria, coincidiendo con las modestas ventas del sencillo “Cold Turkey” que había editado Lennon por fuera de los Beatles. Lennon reconoció tiempo después que había meditado mucho la decisión y que, ante la certeza de que la noticia acabaría trascendiendo, eligió hacerla pública. La medalla original entregada a Lennon fue localizada en 2009, dentro de una bóveda en el Palacio de St. James, en Westminster.

El vínculo entre la banda de Liverpool y la monarquía británica no terminó allí. Con los años, tanto Paul McCartney como Ringo Starr recibieron otros honores por parte de la corona. McCartney fue investido Sir en 1996, ocasión en la que expresó vía comunicado: “Este es un gran honor para mí y para mi familia. Pienso en lo orgullosos que se hubiesen sentido mi madre y mi padre en Liverpool”. Más tarde, Ringo Starr obtuvo el mismo reconocimiento. “Es un honor y un placer ser considerado y reconocido”, afirmó tras la ceremonia de investidura realizada en 2018 con el príncipe William.

La condecoración a McCartney se concedió específicamente por sus servicios a la música, mientras que la distinción a Ringo Starr incluyó la mención de “aportes a causas como el SIDA, el hambre y la pobreza, entre otras”. A raíz del nombramiento, McCartney felicitó a su excompañero mediante redes sociales: “¡Sir Ringo! ¡El mejor baterista y el mejor compañero!”.

Aquel día de octubre de hace 60 años, los Beatles llegaron al Palacio de Buckingham en un Rolls Royce negro con vidrios polarizados. Atravesaron la explanada de Buckingham mientras oficiales y custodios contenían a los admiradores más entusiastas.

Adentro del palacio, los integrantes observaron con atención todos los detalles ceremoniales e hicieron las reverencias correspondientes a su nombramiento. La reina, por su parte, intercambió breves palabras con cada uno, interrogando sobre su carrera y haciendo comentarios distendidos.

Ringo Starr bromeó años más tarde, al recordar que la reina tuvo “una mirada extraña, como que se quería reír o, tal vez, pensaba: ‘¡Córtenles las cabezas!’”, evocando la mezcla de tensión y desconcierto que sobrevoló aquella jornada. Hace 60 años.

Saoirse Ronan interpretará a Linda McCartney en la ambiciosa serie cinematográfica sobre los Beatles que prepara el director Sam Mendes.

La reconocida actriz, nominada en cuatro ocasiones al Oscar, acompañará a Paul Mescal, quien asumirá el papel de Paul McCartney, en una producción que reconstruye la vida y la influencia del célebre grupo de Liverpool desde la mirada particular de cada uno de sus miembros.

Linda McCartney integró la vida personal y profesional de Paul McCartney a partir de 1969, desempeñándose como tecladista y vocalista en el grupo Wings tras la disolución de los Beatles.

Su historia y su vínculo con el músico constituyen uno de los ejes narrativos clave en la visión de Mendes.

Linda falleció en 1998 a los 56 años debido a cáncer, dejando una huella tanto en la música como en la defensa de los derechos de los animales.

La decisión de sumar a Saoirse Ronan al elenco coloca el foco sobre una de las relaciones más icónicas de la música.

La actriz irlandesa alcanzó notoriedad con Atonement en 2007 y consolidó su carrera con filmes como Brooklyn, Lady Bird y Little Women, además de su labor reciente en The Outrun y Blitz.

Por el momento, el estudio Sony optó por no hacer comentarios sobre el fichaje de Ronan para el papel.

La saga cinematográfica que dirigirá Sam Mendes se presentará bajo el formato de cuatro películas, cada una narrada desde el punto de vista de un beatle.

El lanzamiento conjunto de la saga está previsto para abril de 2028 en lo que Sony Pictures promociona como la “primera experiencia maratoniana en cines”.

El propio Mendes explicó durante la CinemaCon que el objetivo es contar “la historia demasiado extensa para encajar en una sola película”.

El director destacó que “no estamos haciendo solo una película sobre los Beatles, estamos haciendo cuatro. Quizás esta sea una oportunidad para comprenderlos un poco más a fondo”.

El argumento explorará la dimensión individual y colectiva de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. La frase que sintetiza el enfoque es “Cada hombre tiene su propia historia, pero unidos son legendarios”.

El personaje de Linda McCartney, desde la perspectiva de Ronan, promete aportar matices sobre el entorno de Paul McCartney en sus años posteriores a los Beatles.

Aún no se ha confirmado en qué medida el personaje formará parte de las otras tres películas que integran el proyecto.

El conjunto de actores elegidos para interpretar al cuarteto se completa con Harris Dickinson en el papel de John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

Los detalles de las películas de los Beatles

El proyecto de Sam Mendes pretende ofrecer un retrato exhaustivo e innovador del fenómeno Beatles. Cada largometraje estará dedicado a uno de los miembros y sus relatos individuales se cruzarán para capturar el ascenso de los cuatro músicos, desde Liverpool hasta el centro de la escena global y su posterior ruptura en 1970.

La producción, que cuenta con la autorización total de Paul McCartney, Ringo Starr y las familias de los ya fallecidos John Lennon y George Harrison, constituyen las primeras películas guionadas en recibir acceso integral al catálogo musical y a la vida personal del grupo.

De acuerdo con Billboard, las películas tendrán el privilegio de utilizar canciones originales como “Let It Be”, “I Am the Walrus”, “Yellow Submarine” y “Strawberry Fields”, una distinción inédita para una adaptación cinematográfica sobre los Beatles.

El estreno simultáneo de las cuatro películas está planificado para abril de 2028, aunque los detalles sobre la estrategia de lanzamiento permanecen indefinidos.

Sony Pictures presenta la tetralogía como “el primer evento cinematográfico para ver seguido en una sola jornada”, una apuesta inédita en la distribución de largometrajes interconectados en salas.

La atención internacional se incrementó tras el anuncio del reparto. Harris Dickinson declaró a Vanity Fair que dar vida a John Lennon representa “un reto”, mientras que Paul Mescal fue elegido por su sensibilidad musical y proyección interpretativa como Paul McCartney.

El elenco también incluye a Joseph Quinn y Barry Keoghan, reconocidos por sus desempeños en producciones de alto perfil.

Ya había muerto. O, al menos, eso se había dicho. Pero el 23 de septiembre de 1969, comenzó a correr la versión de que Paul McCartney había perdido la vida en un accidente automovilístico varios años atrás. Y los medios se hicieron eco de eso. Todo comenzó con un artículo publicado en el periódico universitario The Northern Star, de la Universidad del Norte de Illinois. Y, para intentar frenar la locura que se generó en torno a este rumor conocido como Paul is Dead (Paul está muerto), el mismo integrante de The Beatles tuvo que salir a desmentir la información.

¿En qué se basaban los estudiantes que escribieron el artículo con la teoría conspirativa sobre la muerte del músico? La realidad es que, después de un breve tiempo en el que Paul se habría alejado de los medios, se dijo que había fallecido el 9 de noviembre del año 1966 luego de haber protagonizado un choque con su auto. Pero que, para poder seguir adelante con el éxito de la banda oriunda de Liverpool, el resto del grupo y la discográfica habrían decidido no dar esta noticia y reemplazar a McCartney con un doble. De hecho, hasta se mencionó a un actor llamado William Campbell, como la persona a quien habrían convencido de ocupar su lugar para seguir adelante con las presentaciones engañando al público.

La historia era, a todas luces, disparatada. Sin embargo, se basaba en el análisis minucioso de algunos indicios con los que los mismos músicos habrían tratado de deslizar la “verdad”. El principal tenía que ver con la portada del álbum Abbey Road y la supuesta prueba de que Paul estaba muerto radicaba en el hecho de que los cuatro integrantes de The Beatles marchaban sobre la senda peatonal como en una procesión fúnebre. ¿Qué? Así como suena. John Lennon iba vestido de blanco, lo cual le otorgaba el rol de sacerdote. Ringo Starr era el encargado del cortejo por lucir un traje negro. George Harrison, el único de jeans, era sin lugar a dudas el sepulturero. Y McCartney, que iba con sus pies descalzos y sus ojos cerrados, definitivamente era el difunto. ¿Algo más? En la foto se veía un Volkswagen Beetle con placa 28 IF, la que sería la edad que este último hubiera tenido para esa fecha si hubiera estado vivo.

Pero había otros detalles que avalaban la teoría de que el lugar de Paul había sido ocupado por un intruso. En la estación de radio de Detroit, WKNR-FM, un oyente anónimo advirtió que si se escuchaba al revés la canción Revolution 9 del Álbum blanco de la banda de Liverpool, se podía oír la frase “turn me on dead man” (“enciéndeme, hombre muerto”), que creían hablaba ni más ni menos que de McCartney.

Por otra parte, algunos creyeron escuchar que en Strawberry Fields Forever, John cantaba “I buried Paul” (“yo enterré a Paul”), aunque él mismo explicó que decía “cranberry sauce” (“salsa de arándanos”). ¿Acaso sería una coartada? Como si todo esto fuera poco, en la contraportada del álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, McCartney era el único que estaba de espaldas a la cámara. Demasiadas coincidencias como para que el mito no tomara dimensiones escandalosas.

Cabe señalar que, aunque la oficina de prensa de la compañía Apple insistía en negar esta versión, el hecho de que Paul no se mostrara en público no hizo más que alimentar el rumor. Años más tarde, el mismo músico confesó en la única biografía autorizada sobre su vida que escribió el periodista Philip Norman en 2016, que por entonces había decidido viajar a Escocia con su familia después de un enfrentamiento con John. Y, de un momento o otro, se volvió inaccesible para los medios. De hecho, ni siquiera su padre, Jim McCartney, había aceptado compartir la ubicación del refugio donde se encontraba su hijo al ser consultado al respecto. Algo que resultaba sumamente sospechoso para los periodistas.

En noviembre de ese año, sin embargo, un reportero y un fotógrafo de la revista Life viajaron a una granja de High Park y confirmaron la información que venían barajando: Paul se encontraba escondido allí. Obviamente, al músico no le gustó la idea de sentirse descubierto. Y recibió a sus visitantes con un baldazo de excremento de gallinas. Sin embargo, al comprobar que su reacción había quedado registrada por una cámara, decidió negociar con sus inesperados huéspedes y les terminó brindando una entrevista a cambio de la promesa de que esas imágenes impropias de una estrella nunca vieran la luz.

Así fue como McCartney terminó desmintiendo su propia muerte. La tapa de la revista fechada el día 7 de ese mes, lo mostraba algo desalineado, con su esposa Linda a su lado, su beba Mary en brazos y su hijo Heather, de 6 años, como si estuviera apunto de salir a pastorear. “Paul is still with us” (“Paul sigue entre nosotros”), decía el titular con el que se intentó llevar tranquilidad a miles de fanáticos. Aunque muchos de ellos prefirieron seguir escribiendo la leyenda que daba por muerto al beatle.

“Los rumores sobre mi muerte han sido extremadamente exagerados. Tal vez el rumor se iniciara porque no he aparecido mucho en la prensa en los últimos tiempos. He salido suficientes veces en la prensa para toda una vida y no tengo nada que decir estos días. Me siento feliz de estar con mi familia y trabajaré cuando vaya a hacerlo. He estado encendido durante diez años y jamás me he apagado. Ahora me desconecto cada vez que puedo. Me gustaría ser un poco menos famoso en estos días”, explicaba Paul en la nota.

Tiempo después, la banda grabó su último disco, Let It Be, que se editó el 8 de mayo de 1970. Y luego se disolvió, tal como McCartney había dado a entender en aquella entrevista. Entonces, el músico comenzó su carrera solista. Y, el 15 de noviembre de 1993, sacó su tercer álbum en directo con la compañía discográfica Parlophone, Paul is live (Paul está vivo), grabado durante su gira The New World Tour. Obviamente, se trataba de una broma sobre el rumor de su muerte. Aunque la realidad es que hoy, que ya cumplió los 83 años y sigue activo con su gira Got Back Tour, muchos prefieren seguir creyendo que en realidad es un doble y que el real murió en un accidente, allá por el año 1966.

Ringo Starr, exbaterista de The Beatles, aseguró en una entrevista con el New York Times publicada el 2 de julio que, pese a acercarse a los 85 años, mantiene la misma vitalidad que en su juventud.

“Me sorprende. Me miro al espejo y tengo 24. Nunca tuve más de 24 años”, afirmó al medio estadounidense.

Su cumpleaños será el 7 de julio, y el músico reflexionó sobre cómo vive el paso del tiempo.

Consultado sobre el secreto para sostener esa energía, Starr expresó: “Amo lo que hago”. Además, compartió una anécdota de sus inicios.

“Cuando empecé, mi madre iba a los conciertos. Siempre me decía: ‘Hijo, siempre siento que eres más feliz cuando tocas la batería’. Y tenía razón. Me encanta golpear esos tambores”, relató.

En esa misma línea, el baterista destacó que su pasión por la música es el motor que lo mantiene activo.

En otro tramo de la entrevista, el músico británico destacó la importancia de vivir en el presente y la improvisación en su vida diaria.

“Vivo en el ahora. No planeé nada de esto. Me encanta la vida que se me permite vivir”, explicó.

La idea del retiro apareció en conversaciones previas. En marzo, Ringo Starr declaró a People que, tras finalizar las giras, suele pensar en abandonar los escenarios, pero sus hijos ya se mostraban exasperados por la repetición de ese discurso.

“A veces, cuando termino una gira, pienso: ‘Ya es suficiente’. Y todos mis hijos dicen: ‘Papá, nos lo has dicho los últimos diez años’. Se cansan de mí. Siento que debería ser suficiente, y de repente recibo una llamada: ‘Tenemos unos conciertos, ¿te interesan?’. Y allá vamos de nuevo”, relató.

El músico lanzó en enero un disco de country titulado Look Up y tiene previsto realizar una serie de conciertos junto a la All Starr Band en septiembre. Además, un especial grabado en el auditorio Ryman formará parte de sus actividades recientes.

En febrero pasado, The Beatles obtuvieron el Grammy a Mejor Interpretación de Rock por “Now and Then”, una demo grabada originalmente por John Lennon que fue completada por Starr, Paul McCartney y mediante tecnología de inteligencia artificial.

“No esperaba ganar, pero fue estupendo. Sentí que John estaba con nosotros”, declaró.

El vínculo entre Paul McCartney y Ringo Starr

El lazo entre Paul McCartney y Ringo Starr es uno de los aspectos fundamentales en la actualidad de los dos exintegrantes de The Beatles, únicos miembros vivos del legendario grupo surgido en Liverpool.

Ambos recordaron la importancia de preservar esa conexión en el perfil publicado por el New York Times.

“Con John y George ausentes, creo que nos damos cuenta de que nada es eterno. Así que nos aferramos a lo que tenemos ahora porque sabemos que es muy especial”, afirmó McCartney, de 83 años.

Y añadió: “Es algo que casi nadie más tiene. En nuestro caso, nadie más lo tiene. Solo estamos Ringo y yo, y somos las únicas personas que pueden compartir esos recuerdos”.

En diciembre de 2024, los dos músicos compartieron escenario por primera vez en cinco años. Starr se sumó a McCartney para interpretar “Helter Skelter” durante un concierto en el O2 Arena de Londres.

Pese al carácter intenso de la canción, el cantante y guitarrista reconoció haber sentido cierta emoción al reencontrarse con su amigo sobre el escenario.

Gran parte de la reflexión en torno al perfil de Starr giró en torno a su papel en el grupo y su legado como baterista. Compañeros de la industria, como Max Weinberg y Sheila E., consideraron que su influencia estuvo subestimada.

“Es absurdo y gracioso pensar que había tres grandes compositores al frente, y que el otro tuvo suerte. Eso está muy lejos de la realidad”, opinó Weinberg, quien definió la incorporación del baterista como un acierto para la banda.

Paul McCartney coincidió en el análisis y recordó: “Le preguntamos si quería sumarse a la banda y, por suerte para nosotros, aceptó”.

Aunque Starr cantó en algunos temas de The Beatles, fue el último miembro en componer canciones.

En la entrevista admitió que sus primeros intentos resultaron humorísticos, ya que solía adaptar letras viejas en lugar de crear melodías originales.

La banda editó finalmente dos temas escritos por él, “Don’t Pass Me By” y “Octopus’s Garden”, y participó como coautor en algunas otras canciones.

Sobre el vínculo con McCartney, Ringo Starr señaló en 2023 que la relación se asemeja a la de hermanos.

“Paul me quiere tanto como yo a él. Es el hermano que nunca tuve”. Sobre su paso por la banda, recordó: “Como hijo único, de pronto tuve tres hermanos. Nos apoyábamos mutuamente”.

Sesenta años después de la única visita de los Beatles a España, un hallazgo audiovisual permite revivir, ahora en color, el histórico concierto que el cuarteto de Liverpool ofreció el 3 de julio de 1965 en la plaza de toros Monumental de Barcelona. La filmación, inédita hasta la fecha y realizada por un espectador anónimo, ha sido analizada por el profesor Magí Crusells, director del Centro de Investigaciones Film-Historia de la Universidad de Barcelona (UB).

Según informó la UB en un comunicado, la grabación reproduce dos minutos y medio de la actuación e incluye fragmentos de cinco canciones como escenas del ambiente previo en la plaza. El vídeo se emitirá este jueves 3 de julio en Telenotícies vespre del canal 3Cat. “El documento contribuye a preservar la memoria visual de un momento irrepetible y a dignificar el patrimonio cultural de la ciudad”, ha señalado el profesor.

El material, de formato 16 milímetros, se rodó desde la pista, el área de localidades más exclusiva y costosa en la época. En aquel momento, las entradas de pista alcanzaban las 400 pesetas, cuando el salario mínimo rondaba poco más de 2.000 pesetas mensuales, lo que indica, según Crusells, “que su propietario formaba parte de un estrato social muy acomodada“.

Como ha detallado la universidad, las imágenes muestran la atmósfera que se respiraba aquella tarde de 1965 en la plaza de toros. Antes de la aparición del grupo británico, la película recoge la actuación de uno de los teloneros, los Modern Jazz Dancers, con coreografías y acrobacias al compás de la Orquesta Florida, que también actuó en el espectáculo. En una de las secuencias clave aparecen John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, acompañados en el escenario por el presentador Torrebruno, afinando sus instrumentos segundos antes de que comenzara el concierto.

“Un estallido de libertad” en pleno franquismo

El análisis de la cinta ha permitido identificar cinco temas interpretados durante el concierto: Twist and Shout, She’s a Woman, Can’t Buy Me Love, Baby’s in Black y Long Tall Sally.

Para Magí Crusells, el concierto representó mucho más que un simple evento musical en la Barcelona de los años sesenta. “Fue un estallido de libertad para una generación que vivía dentro del ambiente gris impuesto por el franquismo. Los Beatles simbolizaban espontaneidad, modernidad y una nueva forma de mirar el mundo”, explica el historiador, que desde hace años investiga la cultura popular y el cine contemporáneo.

La familia que posee la filmación, y que prefiere preservar su anonimato, ha depositado el material en la Filmoteca de Catalunya para su conservación y estudio. Parte del metraje podrá verse en la cobertura informativa de 3Cat, coincidiendo con el aniversario del concierto.

Este descubrimiento se suma a otras iniciativas impulsadas por la Universidad de Barcelona y el Centro de Investigaciones Film-Historia para recuperar el patrimonio audiovisual. El grupo, fundado en 1983 y actualmente dirigido por Crusells, ha trabajado en numerosos proyectos de investigación y difusión de documentos cinemáticos inéditos, como la reciente digitalización de los libros de rodaje del No-Do en Barcelona.

* Con información de EFE

“Nosotros somos más populares que Jesús”, afirmó una vez John Lennon a la periodista Maureen Cleave en una entrevista. Era 1966 y los Beatles eran el gran grupo del momento. Así lo atestiguaba la exitosa gira que acababan de realizar en Estados Unidos. Sin embargo, las declaraciones del cantante y guitarrista de la banda no sentaron nada bien: más de 30 estaciones de radio del sur de este país se negaron a emitir sus canciones, el Ku Klux Klan les amenazó y varios fans quemaron públicamente sus discos.

Tal fue la presión que el propio Lennon tuvo que organizar una rueda de prensa y ofrecer disculpas para calmar el asunto. “No soy anti Dios, ni anti Jesús, ni anti religión”, afirmaba, aunque también lamentaba haber iniciado tal controversia. Sin embargo, lo que en aquella ocasión fue una mera metáfora para expresar la popularidad de Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr y el propio Lennon, reapareció más adelante con unas declaraciones que el músico dijo totalmente en serio: “Soy Jesucristo”.

Los años del ácido lisérgico

A medida que avanzaba la década, el sonido inicial y la estética pulcra de los Beatles comenzaron a desvanecerse, dando paso a una fase llena de experimentación y mudanza hacia lo desconocido. La imagen cuidadosamente diseñada que les había asegurado un lugar preeminente en el escenario pop se transformó, rompiendo las barreras de la música tradicional y las expectativas culturales predominantes.

Un elemento clave en esa evolución fue la influencia del LSD. Esta droga, tanto para George Harrison como para Lennon, fue la puerta de entrada a una exploración más amplia que también afectó al enfoque creativo del grupo en su conjunto: mientras Harrison compartía abiertamente sus experiencias y los beneficios de la apertura mental que aportaba, Lennon absorbía estas experiencias y las incorporaba en su trabajo. Las vivencias lisérgicas de Lennon, con frecuencia relatadas por él mismo, se convirtieron en una ventana a su espiritualidad y a los cambios en su percepción del mundo.

“He regresado, soy Jesucristo”

En una de las noches más comentadas de la historia de The Beatles, John Lennon vivió un momento de reconocimiento espiritual autoproclamado durante un intenso viaje con LSD. Este evento marca un hito en la intrincada biografía del grupo. Según relatos de esa noche, Lennon estaba profundamente inmerso en una experiencia alucinógena cuando decidió convocar a una reunión de emergencia con sus compañeros de banda en la sede de su sello discográfico, Apple Records.

Al reunirse, en lugar de encontrarse con una crisis, digamos, ‘tradicional’, se encontraron con Lennon afirmando algo extraordinario: “He regresado, soy Jesúcristo. Esta es mi verdad ahora”. La reacción predecible de sus compañeros pudo haber sido de incredulidad; sin embargo, contrario a lo que se esperaría, el grupo no reaccionó con sorpresa ni preocupación, pues no debía ser la primera vez que ocurría algo así. De hecho, Ringo Starr fue quien respondió a las declaraciones de su compañero con una pragmática salida: “Reunión concluida, vayamos a almorzar”.

La predicción de su propia muerte

Esa misma noche, John Lennon compartiría con sus amigos y compañeros una inquietante premonición: sentía que su tiempo en la Tierra era limitado. “Van a matarme, sabéis. Pero tengo al menos cuatro años para seguir haciendo cosas”, predijo. No ocurrió en ese plazo, pero lo cierto es que en 1980 el cantante sería asesinado por un hombre que le dispararía un total de cinco veces, asegurando que Lennon merecía “la pena de muerte”.

Otro detalle curioso de la noche en la que Lennon predijo su propia muerte es que fue ese fue el día en el que conoció a Yoko Ono, una artista con quien surgiría una conexión reciente y profunda. Juntos pasaron la noche conversando e intercambiando ideas, un encuentro que sería el inicio de una de las relaciones más emblemáticas y fascinantes del siglo XX. Esta mujer, por cierto, estaría junto al cantante en el momento de su muerte, puesto que se produjo cuando ambos salían de un estudio de grabación.

Tras más de 50 años desde su separación, nadie puede negar que Los Beatles transformaran la música. Originarios de Liverpool (Inglaterra), este grupo se formó en 1960 y sus integrantes rápidamente se convirtieron en iconos del rock y la cultura pop mundial: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Un grupo que no solo revolucionó la música con su sonido innovador -gracias a su pionero uso de tecnologías avanzadas en la grabación y la mezcla de géneros-, sino que también influyó en la moda y las actitudes sociales de la época.

No duró mucho, sin embargo, la historia de Los Beatles. Apenas una década después de iniciar su viaje juntos, estos cuatro músicos decidieron separar sus caminos. Una separación que, por un lado, conmocionó al mundo de la cultura y, por otro, tuvo consecuencias muy diferentes para cada uno de ellos. La relación entre todos se había ido deteriorando con el tiempo por distintos motivos, y cada uno tuvo la oportunidad de explicar las razones de la decisión.

En el caso de George Harrison, uno de los guitarristas del grupo y fallecido en 2001, se dejó bien claro en una entrevista que realizó poco después del fin de la banda. “Musicalmente, era como estar en un saco y que no me dejaran salir”, describió. Una afirmación que, para entenderse, debe situarse en el contexto de Harrison, una figura clave en el proceso compositivo de las canciones de Los Beatles que, sin embargo, siempre se sintió infravalorada.

Una joven promesa

En los años cincuenta, John Lennon, un joven de 17 años, lideraba una banda llamada los Quarrymen. Al cabo de poco tiempo, conoció a Paul McCartney, un joven estudiante del Liverpool Institute High School for Boys dos años menor que él que compartía su pasión por la música. A su vez, en uno de los viajes en autobús escolar, McCartney entabló una amistad con George Harrison, un adolescente talentoso de 14 años, también fanático del rock.

McCartney vio algo especial en Harrison y propuso al reacio Lennon que lo integrara en el grupo. La resistencia inicial de Lennon desapareció cuando vio la habilidad de Harrison con la guitarra. Así, este se unió a los Quarrymen, que pronto se convertirían en Los Beatles e incluirían a su último miembro, Ringo Starr, poco antes del lanzamiento de su sencillo debut, Love Me Do.

Harrison no era solo un maravilloso guitarrista, sino también un aventajado compositor que incluyó varias canciones ideadas por él mismo en los álbumes de la banda, como Here Comes the Sun o Something, entre muchas otras. Sin embargo, tal y como contaría el mismo en esa entrevista posterior a la separación de la banda, siempre se sintió el “hermano pequeño” de los cuatro, en especial por la actitud de quien había sido el responsable de su introducción en el grupo, Paul McCartney.

Nueve meses mayor que él

“Para mí, el mayor conflicto musical era con Paul”, explicaba en esa entrevista. McCartney solía asumir el rol de líder de la banda y trataba con mucho paternalismo a su compañero. Por si fuera poco, las tensiones internas en Los Beatles tras las desastrosas sesiones de grabación de Let It Be, el documental que iban a realizar, no hicieron sino agrandar la herida. “Tenía la sensación de que, ya sabes, todo el mundo cambia y a veces la gente no quiere que los demás cambien, o incluso si cambias, no lo aceptarán”. Tras más de diez años juntos, Harrison seguía sintiéndose el menor del grupo. “Guardan en la mente otra imagen de ti, ¿sabes? Gandhi dijo: ‘Crea y preserva la imagen que elijas’. Y así, cada persona tiene una imagen diferente de sus amigos o de las personas que ve”.

De este modo, para el guitarrista fue la tendencia de Paul McCartney de querer liderar el grupo y tener consejos para todo y su trato condescendiente lo que aceleró el final de los Beatles. “Siempre fue nueve meses mayor que yo”, señalaría el propio Harrison en una entrevista en 1995. “Incluso ahora sigue siendo nueve meses mayor que yo”.

Scholz, como manda la tradición y al igual que en su momento hicieron sus predecesores como Angela Merkel o Gerhard Schröder, eligió tres canciones que tocó una banda militar en la ceremonia de despedida, llamada "Zapfenstreich" y sólo reservada a los más altos cargos del Estado y del ejército.

Una de esas canciones fue 'Respect' o "Respeto", compuesta en 1965 por Otis Redding y popularizada a nivel mundial dos años más tarde por la cantante estadounidense Aretha Franklin.

Precisamente la palabra "respeto" fue la que marcó las dos últimas campañas políticas más importantes protagonizadas por Scholz, la de las elecciones generales de 2021, en las que ganó su Partido Socialdemócrata de Alemania (SPD), y la que terminó con la cita con las urnas del pasado mes de febrero, en las que se impuso el bloque conservador.

También sonó en el patio del Ministerio de Defensa a petición de Scholz un extracto del concierto de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach y la canción de los Beatles: "In my Life" o "En mi vida".

La música que pidió el canciller sonó después de una marcha militar, en una tradicional ceremonia que tiene sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y en la que abundantes soldados desfilaron y posaron con antorchas.

Antes de los momentos musicales, que terminaron con el himno de Alemania, Scholz, que tomó la palabra en un breve discurso en el que estuvo por momentos algo emocionado, describió como un honor el ejercicio de la jefatura del Gobierno.

"Servir a Alemania como su canciller federal ha sido y sigue siendo el honor de mi vida", afirmó Scholz, político que ha desarrollado una dilatada carrera en la que, entre otras cosas, antes de liderar el Ejecutivo, fue vicecanciller y ministro de Finanzas, entre 2017 y 2021, y titular de Trabajo y Asuntos Sociales, entre 2007 y 2009, bajo el liderazgo de Merkel.

Este lunes, Scholz ocupaba el cargo de canciller un total de 1.245 días, es decir, 3 años y casi cinco meses, lo que lo convierte en uno de los jefes del Gobierno más breves de la historia reciente de Alemania, marcada por líderes como Merkel, que sumó 5.860 días en la Cancillería Federal, o Helmut Kohl (5.870).

"Siempre he disfrutado llevando esta gran responsabilidad y digo esto porque no siempre se puede ver en la cara de un alemán del norte como yo", abundó el canciller, natural de la ciudad noroccidental de Osnabrück y al que sólo se pudo ver este lunes sonreír brevemente cuando la banda militar entonó los compases de Aretha Franklin.

En presencia de una dilatada lista de autoridades entre las que figuraba el jefe de Estado, Frank-Walter Steinmeier, ministros aún en funciones, como la jefa de la diplomacia, Annalena Baerbock, o su virtual sucesor, el conservador Friedrich Merz, Scholz se dijo "agradecido", una de las palabras más repetidas de su intervención.

A Merz, Scholz, con tono serio, le deseó desde la tribuna, "mucho éxito, valor y suerte para todas las tareas y retos" pues, sin duda habrá "tiempos difíciles".

Precisamente a Scholz, el ministro de Defensa, el también socialdemócrata Boris Pistorius, mostró su reconocimiento por haber sido un "canciller en tiempos tormentosos" debido a la guerra de agresión rusa contra Ucrania, iniciada apenas tres meses después de que el aún canciller en funciones tomara posesión de su cargo a finales de 2021.

"En momentos difíciles, mantuviste la dirección", afirmó Pistorius dirigiéndose a Scholz.

Pistorius, al igual que el canciller en funciones, habló desde una tribuna rodeada de antorchas, frente a dos carpas bajo las cuales se encontraban los asistentes.

Antes de la ceremonia, Scholz comenzó este lunes a recoger sus pertenencias de la Cancillería Federal, que se prepara para la llegada de Merz.

El aún jefe del Gobierno socialdemócrata ha confirmado que cumplirá su mandato como diputado por una de las circunscripciones de la ciudad oriental de Potsdam, muy cerca de Berlín, donde reside. EFE

(foto)(video)

Sean Ono Lennon, hijo menor de John Lennon y Yoko Ono, rompió su silencio en redes sociales el lunes 21 de abril para rechazar los rumores de una disputa con su hermanastro Julian Lennon, fruto del matrimonio entre el ex Beatle y su primera esposa, Cynthia Lennon.

A través de su cuenta de Instagram, Sean replicó un mensaje de un perfil de seguidores donde se desmiente cualquier enfrentamiento entre los hermanos.

“Aquí no aceptamos comparaciones e inventos erróneos de peleas sobre dos personas que John Lennon amó más: sus hijos”, dice la publicación original del usuario “ceoofjohnlennon”, acompañada por una fotografía de Sean y Julian en la ceremonia de incorporación de Elvis Presley al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986.

Ambos hermanos han cultivado trayectorias musicales propias y mantienen una relación cercana, que han hecho visible públicamente en diversas ocasiones.

En diciembre pasado, Julian compartió imágenes en redes sociales de una velada junto a Sean en The Dakota, el edificio de apartamentos de Nueva York donde vivía la familia Lennon-Ono y donde el músico fue asesinado en 1980, cuando Sean tenía solo cinco años.

“Un beso de buenas noches para mi hermano, después de pasar la noche con él, cenando un poco y charlando hasta tarde en The Dakota. Algo que rara vez hacemos… Agradecido”, escribió Julian en aquella ocasión.

En entrevistas anteriores, Julian Lennon ha reiterado el lazo que mantiene con Sean Ono Lennon. En 2022 declaró a la revista People que su hermanastro es su “mejor amigo” y que se comunican a diario.

“Somos hermanos y nos amamos profundamente en ese nivel. Solo hablamos todos los días, como cualquier otra persona lo haría”, dijo.

A mediados de 2024, él volvió a compartir una imagen junto a Sean con un mensaje similar.

“Extrañando a mi hermano Sean… ¡Más tiempo juntos, por favor! (El problema es que ambos trabajamos muy duro y en lados opuestos del océano)”, escribió.

Durante la entrega de los Premios Grammy 2025, Sean habló con la prensa sobre la influencia de sus padres en su carrera musical.

“En cuanto a equilibrar y ser el custodio de la música de mi padre y de la mía, no es una carga. Honestamente, es un gran privilegio para mí”, señaló. “Me siento muy afortunado de poder honrar a mi padre, ¿sabes?”, añadió.

El hijo de John Lennon se acercó a él mediante la música

En una entrevista con People, Sean Ono Lennon explicó cómo su relación con la música comenzó como una respuesta emocional a la pérdida de su padre.

Aprendió a tocar la guitarra no por vocación, sino como una forma de llenar el vacío dejado por el asesinato de John Lennon cuando él era niño.

“Nunca toqué música porque fuera bueno en eso”, admitió. “Perdí a mi padre y no sabía cómo llenar ese vacío. Aprender a tocar sus canciones en la guitarra fue una forma de procesar la pérdida con una actividad que me hizo sentir conectado con él”.

Y agregó: “Cuando has perdido a un padre, cosas como esas te motivan, porque estás tratando de encontrarlo. Hacer música siempre me hizo sentir que lo estaba conociendo mejor”, declaró.

Tras el retiro de la vida pública de Yoko Ono, quien actualmente vive en una finca rural adquirida con John en 1978, Sean ha asumido el papel de administrador del legado artístico de la familia.

“Definitivamente siento que estaba haciendo música y arte antes de pensar en ello como una elección”, señaló.

Entre sus iniciativas recientes, destacó la producción de un cortometraje animado basado en el tema navideño “Happy Xmas (War Is Over)”, interpretado por sus padres.

El film, de 11 minutos, obtuvo un Premio Oscar, lo que sorprendió incluso al propio Sean.

“Mucha gente pensó que estaba siendo demasiado ambicioso ¡Y yo pensé que también lo era! Pero luego ganamos el Oscar y eso en cierto modo validó todo el proyecto para mí”, confesó.

Paul McCartney tenía catorce años cuando perdió a su madre, Mary, por un cáncer de mama. Más de cuatro décadas después, el 17 de abril de 1998, la misma enfermedad lo enfrentó a otra muerte prematura y dolorosa: la Linda McCartney, su gran amor, compañera de vida durante casi treinta años. Tenía 56 años. “Mi madre y Linda murieron de cáncer de mama. No teníamos ni idea de qué había muerto mi madre porque nadie hablaba de ello. Simplemente murió”, dijo en una entrevista con la BBC. Recordó, además, el silencio devastador de su infancia: “Lo peor de todo fue que todos eran muy estoicos, todos se mantenían impasibles, y una noche oíste a mi padre llorar en la habitación de al lado. Era un duelo silencioso y privado ”.

En el caso de Linda, el diagnóstico llegó en 1995. El pronóstico, crudo y directo: dieciocho meses de vida. La enfermedad avanzó con rapidez. Los últimos días los pasó en un rancho en Tucson, Arizona, lejos de los paparazzi, rodeada por su esposo y sus cuatro hijos (Heather, Mary, Stella y James). El cáncer había hecho metástasis en el hígado. Linda murió en la intimidad familiar, con la mano de Paul entre las suyas. “Creo que lloré intermitentemente durante casi un año. Era casi vergonzoso, pero parecía que era lo único que podía hacer”, confesó él más tarde.

El cuerpo fue cremado en Arizona. Las cenizas cruzaron el Atlántico. Fueron esparcidas en Sussex, donde la pareja tenía otra casa de campo lleno de recuerdos de familia. El mismo lugar donde inicialmente habían enfrentado otra pérdida profunda: la disolución de los Beatles.

Una de las historias de amor más sólidas del rock

En 1967, cuando se supo que Paul McCartney tenía nueva novia, pocos apostaban por la duración del vínculo. Él venía de romper su compromiso con Jane Asher, una actriz británica, y era el último Beatle soltero. Su fama convertía cualquier gesto en una noticia o un escándalo público. Cuando anunció su casamiento con Linda en 1969, muchas fans lo experimentaron como una traición. Perdían la última posibilidad de casarse con Paul, el último Beatle soltero, uno de los hombres más deseados del planeta. Así Linda se transformó en “la enemiga pública número uno de las jóvenes” y se lo hicieron saber.

El matrimonio fue un acto sencillo, aunque atestado de fotógrafos, periodistas y fans que lloraban a mares. El paso por el registro civil fue seguido de algunas fotos en la calle, una bendición religiosa breve, con la presencia de Heather, la hija de Linda de su relación anterior. Paul llevaba un sobrio traje negro. Linda y su pequeña hija lucían tapados de paño idénticos, con doble abotonadura, bien británicos. El look poco convencional elegido por la novia para casarse, despojado de todo brillo, y su pelo suelto al natural, marcaría el estilo de la vida que construyeron juntos.

La pareja pasó de las luces del escenario al silencio de la vida rural. Después de la separación de los Beatles, fue Linda quien lo sostuvo emocionalmente. A menos de un año de haberse casado, con dos hijas pequeñas, debió enfrentar a un hombre paralizado por el duelo profesional. Paul lo reconoció públicamente: “Linda me rescató y me salvó”.

Linda antes de llevar el apellido McCartney

Linda Eastman nació en Nueva York en 1941. Su padre, Lee Eastman, era abogado especializado en artistas. Representaba a músicos, pintores y actores. Entre sus clientes figuraban nombres como Mark Rothko, Willem de Kooning, Tommy Dorsey y el compositor Jack Lawrence, autor de varios éxitos de Frank Sinatra. En 1947, Lawrence escribió una canción titulada “Linda” a pedido de Eastman. La pieza, inspirada en la pequeña hija del abogado, llegó al primer puesto del ranking ese año.

Linda también había perdido a su madre de forma temprana. Y especialmente trágica. Louise Eastman, heredera de las tiendas del Departamento Lindner fue víctima de una catástrofe aérea, el vuelo 1 de American Airlines. El avión cayó poco después del despegue y perdieron la vida 87 pasajeros. Luego de la tragedia, Linda se casó con Joseph See, un compañero de la universidad donde cursaba sus estudios de arte, con quien tuvo a su hija Heather. El matrimonio duró tres años. Luego volvió a usar su apellido de soltera y consiguió trabajo como recepcionista en la revista Town and Country.

Apasionada por la fotografía, luchó para conseguir un lugar en el mercado editorial. Lo obtuvo cuando la enviaron a cubrir una fiesta de los Rolling Stones en un yate. Fue la oportunidad de su vida, porque fue la única fotógrafa a bordo y además de ser talentosa, era joven y bella. Sus imágenes se replicaron en revistas de todo el mundo al mismo tiempo que instalaba su nombre y apellido en el medio. Faltaba poco para convertirse en una de las fotógrafas favoritas del rock. En la famosa fiesta del yate, su primera conquista fue Mick Jagger, con quien tuvo un breve romance. En una carta encontrada más tarde, escribió que era “muy amable y correcto”.

El nombre de Linda quedó asociado a Jimi Hendrix, Simon & Garfunkel, Aretha Franklin, Bob Dylan, Neil Young y Eric Clapton, a quienes fotografió en diferentes ocasiones. Este último fue protagonista de una portada histórica: uno de los primeros números de Rolling Stone. Linda fue la primera fotógrafa en lograrlo. Años después, aparecería otra vez, esta vez como fotografiada junto a Paul.

Wings: un experimento musical y familiar

Tras la ruptura del célebre cuarteto de Liverpool, Linda asumió un rol inesperado. Paul decidió formar una nueva banda llamada Wings, y le propuso integrar el proyecto, sin que tuviera algún tipo de formación musical. Ella se resistió. Pero finalmente la convenció y le dio los teclados. McCartney, según relatan sus colegas, era un mal profesor. Linda aprendió sola. Ensayaba con esmero y hacía coros. Pero no era suficiente. No todos los que estaban a su alrededor presenciaban la escena con ojos de enamorados.

El grupo fue blanco de burlas. Los medios cuestionaban su presencia. Se reían de sus peinados, criticaban su técnica, decían que desafinaba. Los músicos de Wings, en cambio, valoraban su papel. El baterista Denny Seiwell dijo años después: “Linda no era importante para Wings, era imprescindible”.

La banda viajó por el mundo en casas rodantes, con los hijos en brazos. Ensayaban donde podían, se presentaban sin anuncios previos, buscaban volver a las raíces. Linda era el clave en mantener la armonía en el grupo. Su aporte autoral también generó controversias. Paul y ella empezaron a firmar juntos las canciones. Ya no era Lennon-McCartney, sino McCartney-Eastman.

Para algunos era una estrategia para evitar que los derechos editoriales de Northern Songs absorbieran sus ganancias. Para otros, una forma de reconocer la convivencia creativa entre ambos. Linda figura como coautora en cinco canciones que encabezaron rankings: Uncle Albert/Admiral Halsey, My Love, Band on the Run, Listen to What the Man Said y Silly Love Songs. También recibió una nominación al Oscar por Live and Let Die.

Escocia: entre neblina y caballos

En 1966, en pleno auge de la Beatlemanía, Paul compró una granja en Kintyre, Escocia. No conocía la zona, pero había escuchado a John Lennon hablar de ella con cariño y despertó su interés. Fue una decisión asesorada por sus contadores, sin mucho conocimiento del terreno.

Linda fue quien le dio sentido a ese lugar. “Cuando conocí a Linda y empezamos a formar pareja, me dijo: ‘¿No tenés una casa en Escocia?‘. Subimos y quedó completamente enamorada. Le encantaba la naturaleza, montar a caballo y los animales en general”, relató Paul. “Cuando ella vino a Gran Bretaña y nos casamos, la vida era más casera”, recordó a su mujer, que además disfrutar de la naturaleza, se dedicaba a fotografiar ancianas y bebés en cochecitos. “Ella siempre tranquilizaba a la gente. Tenía una forma de desarmarte”, aseguró en una entrevista.

Allí pasaron largas temporadas. Los hijos crecían corriendo por los campos, Paul componía, Linda tomaba fotos. Una de esas imágenes muestra a Paul haciendo equilibrio sobre una valla, Heather saltando fardos de heno y Mary jugando en el pasto. El paisaje era agreste, la casa modesta. Pero la libertad, real. La canción Mull of Kintyre, que vendió dos millones de copias, surgió de esa experiencia. “La niebla que llega del mar” fue el disparador emocional.

La vida rural marcó también un cambio musical. Paul abandonó las producciones sofisticadas y buscó un sonido más sencillo, más artesanal.

Veganismo, activismo y comida libre de crueldad

Linda McCartney convirtió su amor por los animales en activismo. Se volvió vegetariana, luego vegana, y promovió con fuerza ese estilo de vida. Publicó libros de cocina y lanzó una línea de productos alimenticios libres de crueldad hacia los animales.

Esa faceta, que algunos vincularon con una moda o una pose, fue para ella una causa profunda. Quería que su familia comiera diferente. Quería que los animales no sufrieran. Quería dejar un legado. A su hija Stella le quedó la enseñanza marcada a fuego, ya que su firma de ropa no emplea cuero ni pieles en sus diseños y apoya a la organización PETA.

Durante los últimos años de su vida, esa parte de su identidad se fortaleció. Vivía en el campo, andaba a caballo, cocinaba, militaba. También seguía fotografiando y participando de las giras de Paul.

En sus últimos días, montó a caballo con sus hijos. Lo hizo mientras pudo. Luego vino la despedida. Después, el silencio. Y más tarde, los homenajes.

“He escrito las canciones de amor más bellas para ella”, dijo Paul McCartney en la revista Paris Match, “Estuvimos casados 29 años, con nuestros altos y nuestros bajos, como cualquier pareja, pero el amor ha sido el cimiento de toda nuestra vida”.

Las cuatro cintas del director Sam Mendes, que contarán la historia de una de las bandas más influyentes y queridas del mundo, se estrenarán juntas en abril de 2028.

No hacen falta películas sobre los Beatles. Pero el director Sam Mendes se está embarcando en un proyecto que destaca por su ambición: cuatro películas, cada una desde la perspectiva de un miembro distinto de la banda, y ahora sabemos quiénes interpretarán a los Fab Four.

Las películas estarán protagonizadas por Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr, según la productora de Mendes.

Las cuatro películas, que contarán la historia de una de las bandas más influyentes y queridas del mundo, se estrenarán juntas en abril de 2028, “creando la primera experiencia teatral en continuo”, escribió la empresa.

Al anunciar las películas el año pasado, Mendes, el director británico más conocido por películas como Belleza americana (1999) y Solo un sueño (2008), dijo que se sentía “honrado de contar la historia de la mayor banda de rock de todos los tiempos, y emocionado por desafiar la noción de lo que constituye una ida al cine”.

Anunció el reparto el lunes en la convención CinemaCon de Las Vegas, según The Hollywood Reporter.

Aunque los Beatles ya han aparecido antes en la gran pantalla --por ejemplo, en Yesterday (2019), de Danny Boyle, y Mi nombre es John Lennon (2009), de Sam Taylor, esta es la primera vez que los miembros del grupo y sus herederos han cedido todos los derechos sobre su vida y su música para un guión cinematográfico, según Sony Pictures.

A continuación enumeramos quién interpretará a los Fab Four:

Paul Mescal como Paul McCartney

El perfil de Paul Mescal se disparó el verano pasado cuando este actor de 29 años protagonizó la epopeya histórica de Ridley Scott, Gladiador II. Sin embargo, ya había hecho aclamadas interpretaciones en el drama romántico Todos somos extraños y la historia de padre e hija, Aftersun, que le valió una nominación al Oscar en 2023 al mejor actor.

Pero fue su primer papel en televisión, como Connell en la serie de Hulu de 2020, Gente normal, el que catapultó al actor irlandés a la fama y lo convirtió en un símbolo sexual. Actualmente protagoniza como Stanley Un tranvía llamado deseo en la Academia de Música de Brooklyn, e interpretará a William Shakespeare en una próxima adaptación cinematográfica de Hamnet, la novela de Maggie O’Farrell.

Harris Dickinson como John Lennon

El actor británico Harris Dickinson, de 28 años, irrumpió con fuerza en la película independiente de 2017, Beach Rats, en la que interpretaba a un joven que lidiaba con su sexualidad. Más tarde tuvo papeles protagonistas en la película de acción King’s Man: El Origen, el misterio de asesinatos La chica salvaje y la comedia negra, El triángulo de la tristeza.

La fama de Dickinson alcanzó nuevos niveles con su actuación en Babygirl: deseo prohibido en 2024. En la película, interpretaba a un becario que se enreda en un romance con su jefa casada, interpretada por Nicole Kidman.

Joseph Quinn como George Harrison

Joseph Quinn, de 31 años, interpretó a Eddie Munson en la cuarta temporada de la serie de televisión Stranger Things. También actuó junto a Lupita Nyong’o el año pasado en Un lugar en silencio: día uno, y apareció junto a Mescal en Gladiador II.

El actor británico se convertirá en una cara conocida del Universo Marvel como la Antorcha Humana, papel que interpretará en Los Cuatro Fantásticos: primeros pasos, que se estrenará este verano, y en las próximas películas Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars.

Barry Keoghan como Ringo Starr

Barry Keoghan se robó muchas escenas en sus papeles secundarios en Dunkerque, La leyenda del caballero verde y Los espíritus de la isla, que le valieron una nominación al Oscar al mejor actor secundario en 2022.

El primer papel protagonista del actor irlandés fue en la transgresora Saltburn (2023), que se convirtió en un éxito sorpresa en los servicios de transmisión en continuo el año pasado.

El padre del hombre más rico del mundo, Elon Musk, ha desvelado que su hijo estaría interesado en comprar el Liverpool, aunque lo ve improbable.

El grupo estadounidense Fenway Sports Group (FSG), que incorporó a los 'reds' a su cartera deportiva en 2010, ha buscado inversión externa, pero en ningún momento se ha planteado seriamente una venta total.

La emisora británica Times Radio preguntó este martes a Errol Musk si su hijo había puesto sus ojos en Anfield. "No puedo comentar nada al respecto porque subirán el precio", declaró.

Sin embargo, no dudó en responder cuando se le cuestionó si Elon querría comprar el Liverpool. "Oh, sí, pero eso no significa que vaya a comprarlo. Le gustaría, obviamente. A cualquiera le gustaría, a mí también", indicó.

El pasado mes de mayo, Forbes calificó al Liverpool como el cuarto club más valioso, con un valor estimado de 5.300 millones de dólares -más de 5.100 millones de euros-. Esa cifra equivale a poco más del 1% del patrimonio neto total de Musk.

Musk padre dijo que este interés por los 'reds' se debía en parte a que había una conexión familiar con la ciudad. "Su abuela nació en Liverpool, y nosotros tenemos parientes en Liverpool, y tuvimos la suerte de conocer a muchos de los Beatles porque crecieron con parte de mi familia. Estamos unidos a Liverpool", afirmó.

FSG ha sido criticado a menudo por un sector de la afición por su falta de inversión en el equipo, que actualmente lidera la Premier League y la Liga de Campeones.

En palabras de Sean en la revista MOJO, “es casi como pasar más tiempo con mi papá”, reflejando el profundo vínculo que esta película logró restaurar con su padre a través de momentos de su vida que nunca había visto.

Una nueva conexión con el pasado a través de grabaciones inéditas

Uno de los componentes más reveladores de la película son las grabaciones telefónicas inéditas de John Lennon y Yoko Ono. Estas grabaciones, que incluyen conversaciones con figuras clave de la época como Jim Keltner o Allen Klein, ofrecen una visión única de la vida de la pareja en los años 70.

Para Sean, escuchar a su padre en estas grabaciones no solo le permite revivir parte de la historia de sus padres, sino también conocer aspectos del activismo político que compartieron en esos años de agitación social y política.

“Me quedé completamente anonadado”, comentó Sean, quien resalta cómo estas grabaciones son una ventana a momentos privados de su padre que nunca había tenido la oportunidad de conocer. Estas conversaciones, llenas de ideas sobre su lucha política y social, abren una dimensión completamente nueva de la figura de John Lennon.

El impacto emocional de revivir el legado de su padre

La película no solo se limita a documentar el activismo de John y Yoko, sino que también ofrece una mirada profunda a los aspectos más personales de su vida, tanto como pareja como artistas. Sean Lennon, al ver el material inédito, experimenta una especie de reencuentro con su padre, quien falleció cuando él era aún muy joven.

La película, de alguna manera, lo transporta a esos años de su infancia, en los cuales, como él mismo dice, “la primera infancia fue muy caótica”, marcada por el constante acoso y las amenazas que enfrentaron sus padres.

Sin embargo, a través de One To One, Sean se reconcilia con los fragmentos del pasado de John que nunca había tenido la oportunidad de conocer en profundidad, lo que le permite comprender mejor el legado de su padre.

El concierto de Willowbrook y el activismo radical de sus padres

Una de las piezas clave del material de la película es el único concierto completo que John Lennon ofreció como solista, en 1972, para recaudar fondos en apoyo a la escuela de necesidades especiales Willowbrook en Staten Island, Nueva York.

Este evento benéfico, aunque fue un acto musical, también fue un manifiesto de los ideales de Lennon, quien usó su influencia para hacer eco de su activismo. Para Sean, la restauración de este material y su participación en la mezcla del audio le permitió una mayor conexión con la energía y la pasión de su padre en esa época.

La obra muestra cómo el activismo de sus padres se fue transformando, adoptando posturas cada vez más radicales, lo que generó conflictos dentro del propio círculo de amigos y activistas.

Sean, con su perspectiva adulta, reflexiona sobre cómo su padre, al final, comenzó a alejarse de ciertos movimientos radicales al percatarse de que, en algunos casos, la violencia era una parte inherente de ellos. Este proceso de distanciamiento resalta el miedo y las dudas que John Lennon enfrentó al percatarse de las implicaciones más oscuras de su activismo.

La vigilancia y la paranoia

El filme también profundiza en los aspectos más oscuros de la vida de los Lennon durante esos años. La pareja fue objeto de una vigilancia constante por parte del FBI debido a su activismo político. Sean, quien fue niño en ese entonces, recuerda cómo esa atmósfera de paranoia lo marcó de por vida.

“Había personajes merodeando por ahí y sucedían cosas que eran como ecos de aquella época”, explicó Sean, al referirse a cómo la vigilancia y las amenazas afectaron no solo a sus padres, sino a toda su familia.

Un agente del FBI que supuestamente debía protegerlos resultó estar involucrado en el robo de objetos personales de la familia, una historia que subraya la intrusión que sufrió la familia Lennon en aquellos años.

Sean revive esas tensiones, reconociendo cómo la paranoia y la vigilancia formaban parte del paisaje emocional de su niñez, una consecuencia directa del activismo político de sus padres.

Finalmente, Sean reflexiona sobre el futuro artístico de John y Yoko, destacando cómo, a pesar de los turbulentos años de activismo, ambos volvieron a ser artistas comprometidos con su arte. Para Sean, lo más importante es comprender que las ideas y los ideales de su padre evolucionaron con el tiempo.

“Lo que él pensaría ahora no sería lo mismo que pensaba entonces”, afirma Sean, subrayando cómo John Lennon, al igual que cualquier ser humano, cambió a lo largo de su vida.

Enrique Rubio

Londres, 16 dic (EFE).- Dice Ringo Starr que su próximo concierto en el auditorio Ryman de Nashville, catedral de la música 'country', lo tiene nervioso. "¡Pero es usted Ringo Starr! Ringo. Starr. El baterista de la banda más legendaria que haya existido", espeta el periodista. "Es que es así. Guau, el Ryman... es muy, muy importante para mi", responde el músico.

El batería de los Beatles decidió hace mucho no atrincherarse en el pasado. Hablar con Ringo es recibir una lección práctica sobre la importancia de habitar el presente, sin perder mucho tiempo en los "y si... " o los "ojalás".

"El pasado que yo conozco es la mayor banda de la Tierra. Me encantaba tocar con esos hombres, los amo. Y me pongo triste al hablar de ellos, porque dos ya no están aquí. Pero eso es la vida. ¿Habríamos vuelto y habríamos estado girando estos 40 años? No lo sé, así que no vivo ahí", reflexiona en una entrevista con EFE.

Ringo (nacido Richard Starkey, en Liverpool en 1940) prefiere mirar hacia arriba, como el título de su nuevo álbum, "Look up". En él vuelve al country, un género que ya había tocado en solitario y que incluso introdujo de refilón en algunos temas de los Beatles.

Podría esperarse una profunda explicación de por qué acude al 'country' en esta etapa crepuscular, que lo vincula con sus gustos musicales (Hank Williams, Kitty Wells) de juventud. Pero él no esconde que todo obedece a una casualidad. O a un "accidente de alegría", como lo califica.

Ringo explica que acudió a la lectura en un hotel de Los Ángeles del poemario que Olivia Harrison, viuda del difunto 'beatle' George Harrison, ha escrito en recuerdo de su marido.

Allí se encontró con T Bone Burnett, totémico productor musical de EE.UU., y le pidió una canción para un EP (minialbum) que estaba preparando: "Nos ponemos a hablar y me dice: 'Oh, tengo canciones'. Se saca un papel del bolsillo y le pregunto: '¿Cuántas tienes?' 'Nueve'. Así que pensé 'hagamos un disco'".

Starr aportó una de cosecha propia, 'Thankful', y así, "sin un gran plan", nació el disco, en el que él toca la batería y canta, acompañado por algunos de los artistas más reputados del 'bluegrass' y del 'country' como Alison Krauss, Molly Tuttle y Billy Strings, todo ello producido y mezclado por Burnett.

Cuando Ringo tenía 18 años, escuchaba con devoción la música que llegaba a la ciudad portuaria de Liverpool desde el otro lado del Atlántico, hasta el punto de que estuvo a punto de emigrar a Houston (Texas) tras el rastro del 'bluesman' Lightnin' Hopkins.

Y ahora presentará el disco en dos actuaciones en enero en el Ryman de Nashville (Tennessee). "Estaré ahí como estrella del pop, pero en mi corazón siento: "Guau, estoy en este escenario, y ahora vamos a ensayar aquí y a tocar este disco junto a un montón de gente del 'country'", dice.

De nuevo, la pasión se le cuela por los poros. La misma que sentía aquel niño enfermizo que se nutría de las referencias que traían los marinos mercantes con los que compartía vecindario.

"Navegaban a Egipto, a América... y siempre traían música de vuelta. Así que en Liverpool tuvimos los primeros destellos del 'country' y del rock. La música estaba cambiando en Estados Unidos... Y después de Elvis, todo cambió", recuerda.

Admite que la reputación forjada a su paso por los Beatles le ha permitido el "privilegio" de haber hecho siempre lo que le ha dado la gana musicalmente.

Por eso, no le resulta fácil adivinar en qué dirección irá su carrera tras 'Look up'. "No hay un plan todavía. No vivo en un mundo en el que tenga que planificarlo todo. Esto ha sido un accidente de alegría, y de esos he tenido muchos".

Mantiene el contacto regularmente con Paul McCartney, y tratan de verse cuando éste viaja a Los Ángeles o Ringo regresa al Reino Unido.

Y no puede pronunciarse sobre si disfrutó más su etapa como beatle o su carrera en solitario: "Soy hijo único, y con ellos tuve tres hermanos con los que tocamos fantástico. Lo pasamos muy bien, trabajamos duro y creamos música estupenda, ¿cómo de genial es eso? Y luego yo seguí mi camino y todos los seguimos, continuamos en la música".

En su remanso 'zen' solo una pregunta lo mueve a la crispación. ¿Sabe Ringo Starr que se acaban de subastar en Londres unos documentos legales que relatan los pormenores de la separación de los Beatles? "¡Odio eso! ¿Qué papeles son esos? ¿Son documentos de abogados o qué son?".

Hay heridas que siguen doliendo por mucho que pase el tiempo. EFE

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Javier Herrero.

Madrid, 16 dic (EFE).- Primeros moldeadores del rocanrol español y artífices de canciones emblemáticas como 'Si yo tuviera una escoba' o 'Que se mueran los feos', los Sírex se preparan para celebrar 65 años (cifra que no han alcanzado aún ni The Rolling Stones) pese a las constantes ofertas para "precipitar" su marcha y hacer caja.

"Nos han venido mil veces promotores que saben más que nadie para decirnos: 'Vamos a hacer gira anunciando que os vais'. Hay gente que lo ha hecho y lleva ahí 5 años, que no se van nunca, actuando más ahora que antes", comenta con humor a EFE el vocalista y letrista del grupo, Antoni Miquel, alias Leslie.

Ellos prefieren ir de frente y celebrar con dos conciertos especiales en 2025 los 65 años transcurridos desde la fundación en Barcelona de los Sírex, cuando eran "cuatro bandidos de barrio con 15 añitos que se compraron una guitarra de caja para jugar".

Aquello coincidió con el momento en el que la flota americana "invadió" la ciudad condal y, con ellos, su música: Eddie Cochran, Chuch Berry, Elvis o el 'The Train Kept a Rollin'' de Johnny Burnette, disco por el que le ofreció 50 pesetas a un militar.

"Me miró así de reojo y, cuando se giró, se lo mangué. Con él hicimos la primera canción puntera de nuestra vida, 'El tren de la costa'", rememora Leslie, hijo de un pescador que siempre encontró comprensión en su familia en unos sueños tan lejanos.

Actuando en un garaje con esas canciones americanas los descubrió el productor de la película 'Superespectáculos del mundo' (1963), José Solá, que les dijo: "Quiero esto, pero en castellano", de lo que surgió otro de sus éxitos, 'Muchacha bonita', coescrita por Augusto Algueró.

"Éramos una puerta de aire fresco que se abría en una España un poco gris", afirma Leslie, antes de recordar cómo, siendo aún menores, les pedían todos los días el permiso paterno necesario para poder actuar. "Nos denunciaban los de las orquestas, porque para ellos éramos los melenudos que invadíamos la música", rememora.

En su carrera comenzaron a alternar los temas más apegados al roncarol con "pachangadas más populares" que les pedían desde la compañía, como la citada 'Si yo tuviera una escoba', un tema que inicialmente se alejaba mucho de su estilo por sus formas flamencas.

"Cuando escuché lo de 'Cuántas cosas barrería', pensé: 'Esta frase es muy buena'", cuenta sobre la razón por la que aceptaron llevársela a su terreno con versos como "Barrería yo el dinero, que es la causa y el motivo de tanto desespero".

"Viniendo de un barrio tieso, qué íbamos a decir. Hay quien dijo que fue la primera canción protesta, pero nosotros no estábamos en política ni molestábamos", apunta Leslie antes de rememorar que se les devolvió una palabra tachada por la censura, "altos mundos", y por eso la canción quedó: "Barrería bien profundo todas cuantas cosas sucias se ven por los bajos mundos".

Llegaron a ser los elegidos para telonear a los Beatles en el concierto que la banda británica ofreció en 1965 en Barcelona y cuenta Leslie que tuvo incluso un pequeño encuentro entre bambalinas con Paul McCartney. "Fue una noche mágica, la prensa nos trató fenomenal, lástima que no pudimos ver todo el concierto porque nosotros teníamos doblete y actuábamos en Cornellá", recuerda.

En 1971, tras haber conocido un gran éxito, Leslie decidió abandonar el grupo, que entró en un paréntesis. "Noté un cambio generacional, donde los solistas como Julio Iglesias o Camilo Sesto subían y los grupos bajaban. Era el momento de dejarlo antes de que nos echaran y creo que acerté, porque los que intentaron seguir se estrellaron", reflexiona.

Fue su único parón. En 1978 el promotor Gay Mercader los convenció para aprovechar el gusto por el "revival" musical y organizó dos conciertos suyos junto a otras bandas como los Relámpagos, los Pekenikes o los Bravos que fueron "un éxito", iniciando así su segunda etapa, ininterrumpida hasta nuestros días.

Aclara que no lo hacen por el dinero. "La música siempre ha sido para mí un hobby", apunta, antes de precisar: "Lo que tenía lo he repartido ya entre mis hijas; yo me he quedado con 40 duros para poder invitar a un gin tonic y soy el tío más feliz del mundo, porque a mi edad ya no necesitas nada".

"Lo de seguir es cuestión de la ilusión que tengas. Yo el día que no me salga la voz o que vaya a actuar y no haya gente, sé que tengo que dejar el micro y no volver más", sentencia, con la mirada puesta ya en su concierto especial el 10 de enero de 2025 en la sala Apolo de Barcelona y el 7 de marzo en la But de Madrid. EFE

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El británico Paul McCartney ha deslumbrado este lunes 9 de diciembre, a sus 82 años, en el primero de sus dos conciertos en el Wizink Center (Palacio de Deportes) de Madrid, donde ha escenificado los compases finales de la gira 'Got Back'.

El artista oriundo de Liverpool ha liderado un repaso de casi tres horas a su trayectoria personal, la banda Wings que formó con su mujer Linda y, muy especialmente, al repertorio de los legendarios Beatles.

Habían pasado casi 60 años desde el primer concierto de la mítica banda británica en la plaza de toros de las Ventas y otros 8 años desde el último concierto de McCartney en el ya extinto estadio Vicente Calderón cuando a las 21.15 de la noche las luces del Wizink se apagaron para ilusión de un recinto lleno hasta la bandera, con más de 17.000 asistentes.

Así, y con el preludio visual del bajo de McCartney en las pantallas con un toque de nave espacial, empezó un viaje por canciones como 'Can't Buy My Love' y la poderosa 'Letting Go'.

Acompañado por su banda, compuesta por Paul 'Wix' Wickens en los teclados, Brian Ray en el bajo y la guitarra, Rusty Anderson en la guitarra y Abe Laboriel Jr. en la batería, además de la banda de metales Hot City Horns, McCartney saludó al público local: "Hola España, buenas noches Madrid; estoy muy feliz de estar aquí de nuevo... Yeah!".

"Esta noche voy a tratar de hablar un pelín (sic) de español", remarcó antes de dar paso a 'Maybe You Can Drive My Car' con el bajo en mano, si bien a lo largo del concierto pasaron por sus manos la guitarra eléctrica, acústica, el piano, la mandolina y el ukelele; mientras en ningún momento flaqueó la agilidad en sus manos y la fuerza en sus cuerdas vocales.

"Tengo la sensación de que vamos a pasarlo bien", apuntó sonriente el británico para tocar temas como 'Got to Get You Into my Life' y 'Come On To Me', mientras se sucedían imágenes de los cuatro Beatles en los años 60.

Tras ese inicio enérgico, McCartney se quitó la chaqueta para júbilo del público y sus silbidos, lo que motivó la tradicional ironía británica del artista: "Es el único cambio de vestuario que habrá", avisó con sorna.

El concierto pasó entonces a un plano más emotivo, lleno de tributos y recuerdos; en primer lugar, un solo de guitarra en memoria de Jimi Hendrix en 'Fox Lady' y, seguidamente, una conmovedora interpretación al piano de 'Let Em In".

"Escribí esta cancion para mi hermosa esposa, Nancy; ella está aquí esta noche con nosotros", pronunció con emoción antes de tocar 'My Valentine' y 'I've Just Seen a Face'.

"Ahora vamos a viajar en el tiempo a Liverpool", adelantó McCartney para clavar 'Spite of All Danger', la primera canción grabada por los Beatles.

En esa línea de memoria, el británico, elevándose en una plataforma, tocó canciones como 'Blackbird' y 'Here Today': "Escribí esta canción para mi gran amigo John [Lennon]", apuntó sobre esta última, a solas en el escenario, con la guitarra acústica bajo el brazo.

LOS BEATLES, SIEMPRE PRESENTES

Los Beatles, sempiternos en la ceremonia, volvían a aparecer en pantalla --incluso con Imágenes generadas por Inteligencia Artificial-- con temas como 'Now And Then', 'Lady Madonna' o 'Something', momento en el que el evocado fue George Harrison.

El concierto cogió tracción en su último tercio de la mano de 'Band On The Run', 'Let It Be' y la emocionante 'Hey Jude', de lejos la canción que generó más entusiasmo entre un público mayormente maduro pero en el que también figuraban perfiles de todas las edades.

El colofón estuvo acompañado de pirotecnia al ritmo de temas como 'I've Got a Feeling', 'Carry That Weight' y 'The End'. McCartney volverá mañana al escenario de Madrid y apenas le restarán entonces cuatro conciertos --dos en Manchester y dos en Londres-- para cerrar su gira.

Madrid, 17 feb (EFE).- El disco “Rock 'n' Roll” del músico británico John Lennon se publicó hace 50 años, un álbum de versiones del género que el artista definió como “maldito” dado que tardó dos años en grabarlo entre demandas judiciales y los problemas con las fiestas y los excesos en ese periodo de su vida que transcurrió en los Ángeles, Estados Unidos.

La última actuación de Paul McCartney en el área de Nueva York tuvo lugar hace tres años en el MetLife Stadium, con una capacidad de 82.500 personas. Su concierto sorpresa la noche del martes en el Bowery Ballroom tenía capacidad, como máximo, de 575. Probablemente fue menos que eso, ya que la consola de sonido y el equipo de McCartney —demasiado grandes para caber tras bastidores— ocuparon una parte del espacio en el piso del venerable teatro del centro de la ciudad. Toda la situación parecía una travesura, y lo fue. McCartney anunció el concierto solo unas horas antes de subirse al escenario.

Como un eco de la Beatlemanía, la noticia se esparció por Manhattan y más allá ese mismo día, haciendo que los neoyorquinos corrieran por la calle Delancey con la esperanza de conseguir una de las pocas entradas en el Bowery. La mayoría de los asistentes, incluido el propio McCartney, apenas podían creer que estaba ocurriendo. “Así que aquí estamos”, dijo McCartney sonriendo. “Un pequeño concierto. Nueva York. ¿Por qué no?”. Más tarde añadió, antes de lanzarse a tocar “Let Me Roll It”: “No puedo creer del todo que estemos aquí haciendo esto. Pero estamos aquí, haciendo esto”.

No era el primer concierto improvisado de McCartney. Los Beatles, por supuesto, ofrecieron su famosa actuación en la azotea de su sede de Apple Corps en el número 3 de Savile Row, en Londres, en 1969. Desde entonces, McCartney ha hecho de ello una especie de costumbre en sus visitas a Nueva York. En 2009, McCartney volvió al Ed Sullivan Theater, lugar del famoso debut de los Beatles en Estados Unidos, y tocó sobre la marquesina. En 2018, apareció en la terminal Grand Central para promocionar su álbum Egypt Station.

Con temperaturas cercanas a 0 grados Celsius (30 °F) el martes, McCartney, de 82 años, esta vez optó por un espectáculo íntimo y bajo techo. Las entradas se vendieron únicamente de forma presencial en el lugar, una por persona. Todas se agotaron en unos 30 minutos. Para aquellos que llegaron a tiempo, fue como ganarse la lotería.

Amy Jaffe, de 69 años, estaba en casa a unos 48 kilómetros (30 millas) al norte cuando vio el anuncio en Instagram. “Pensé: puedo hacerlo”, dijo Jaffe antes del concierto. “Me puse jeans, agarré un abrigo y pedí un Lyft”. Jaffe ha visto a McCartney muchas veces antes, incluso con los Beatles en 1964 en Forrest Hills, Queens. Pero todavía estaba incrédula, sonriendo y sacudiendo la cabeza: “No me lo creo en realidad”.

Phil Sokoloff, de 31 años, iba camino al trabajo cerca de ahí cuando vio la noticia. Entró corriendo y le dijo a su compañero, Mat Fuller, y ambos se apresuraron hacia el Bowery Ballroom. “Tuvimos suerte”, dijo Sokoloff. “Siempre me entero de estas cosas al día siguiente”.

McCartney subió al escenario aproximadamente a la hora esperada, a las 18:30, con su banda regular, junto con una sección de instrumentos de viento de tres integrantes. Habían ensayado solo una vez, el día anterior, señaló McCartney. Alguien gritó: “¡No necesitas ensayar!”.

Si bien el lugar era sencillo, el ex Beatle no ofreció un espectáculo reducido, entregando un recorrido magistral por todo su repertorio, desde clásicos de los Beatles hasta éxitos de Wings. Comenzó con “A Hard Day’s Night” y también interpretó “Got To Get You Into My Life”, “Maybe I’m Amazed”, “Lady Madonna”, “Jet”, “Get Back”, “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, “Let it Be” y “Hey Jude”.

“Blackbird” fue un número solitario con guitarra acústica, y después McCartney reflexionó sobre cómo escribió la canción para el movimiento por los derechos civiles, un recuerdo que trajo de vuelta sus primeros viajes a Estados Unidos. “Éramos solo unos niños”, dijo McCartney. “Ahora tengo nietos más grandes que eso”. En los primeros días, señaló, él y John Lennon siempre escribían pensando en el público, y las canciones trataban de llegar a ellos: “I Want to Hold Your Hand”, “From Me to You”. “Realmente tenía todo que ver con los fans”, dijo McCartney.

Antes de tocar la canción de Wings “Mrs. Vanderbilt”, McCartney habló de cuando la interpretó frente a 350.000 personas en Kyiv, cuando Ucrania celebraba con entusiasmo una libertad recién adquirida. “Esperemos que vuelvan pronto a eso”, expresó. La conversación, mezclada con gritos desde la audiencia, puntuaba el concierto. McCartney reconoció de inmediato un grito particularmente agudo. “Ese fue un grito Beatles”, comentó. Luego pidió más: “Está bien, vamos a sacarlo de una vez. Chicas, denme un grito Beatles”. Todos los presentes cumplieron con su pedido.

McCartney también tocó la llamada última canción de los Beatles, “Now and Then”, una balada compuesta por Lennon a finales de los años 70, pero que no se lanzó hasta 2023 con la ayuda de algunas de las tecnologías utilizadas en el documental de Peter Jackson de 2021, “The Beatles: Get Back”. La canción llenó a McCartney de melancolía por su compañero compositor, quien, destacó, amaba Nueva York. “Un aplauso para John”, dijo.

McCartney, quien fue visto el domingo en el Super Bowl en Nueva Orleans conversando con Adam Sandler, estaba en Nueva York para las próximas celebraciones del 50 aniversario de “Saturday Night Live”. Estará como invitado en el especial televisivo lleno de estrellas el domingo. No estaba claro si McCartney ofrecería un solo concierto o si se estaba preparando para algo más. Concluyó la gira Got Back en diciembre y ha dicho que espera terminar un nuevo álbum este año.

Por ahora, sin embargo, fue un espectáculo único. Alguien en el público le preguntó a McCartney si podría durar toda la noche. “Algunos necesitamos dormir, saben”, respondió. Aun así, McCartney volvió al escenario, rebotando para un bis. Cerró con una animada interpretación del cierre de “Abbey Road” con “Carry That Weight” y “The End”, que concluyó con sus inmortalizadas líneas finales: “And in the end/ The love you take/ Is equal to the love you make”. El público, todavía incrédulo, salió a la calle. Había comenzado a nevar.

Fuente: AP

Ringo Starr, exbaterista de The Beatles, reveló que nunca ha probado la pizza, una confesión que sorprendió a la audiencia de Jimmy Kimmel Live! el pasado 28 de enero.

Su declaración tomó aún más relevancia al recordarse que en 1995 protagonizó un comercial para Pizza Hut, promocionando una de sus variedades.

Durante la entrevista, el presentador Jimmy Kimmel, de 57 años, le preguntó si era cierto que nunca había comido pizza.

“Nunca he comido una pizza”, respondió Starr, provocando una reacción de asombro entre el público.

El músico, de 84 años, agregó que tampoco ha probado el curry y explicó la razón detrás de su estricta alimentación. “Soy alérgico a varios ingredientes”, señaló.

Y añadió: “Con la pizza, no sabes qué estás comiendo la mitad del tiempo, lo mismo con el curry. Así que soy bastante estricto porque me enferma de inmediato”.

La respuesta generó una broma por parte de Kimmel, quien comentó: “Solía pensar que tenías la mejor vida, y ahora me doy cuenta de que la mía es mejor”. A lo que el ex-Beatle replicó: “La tuya es mejor porque has comido pizza”.

Según Billboard, las declaraciones de Starr no resultan del todo inesperadas, ya que el artista ha seguido una dieta vegetariana durante años.

Sin embargo, la misma fuente recordó que, en 1995, participó en una campaña publicitaria para Pizza Hut con un comercial que promovía la pizza de borde relleno de queso.

En el anuncio, Starr aparece junto a una batería y menciona la posibilidad de una reunión de The Beatles.

“Lo haría en un segundo”, dice en el comercial. “A los fanáticos les encantará, han esperado suficiente. Solo necesito que los otros muchachos estén de acuerdo”.

Acto seguido, abre una caja de Pizza Hut y toma una rebanada de pizza. No obstante, en lugar de sus antiguos compañeros de banda, aparecen los integrantes de The Monkees.

“Chicos equivocados”, dice al final del anuncio, mientras los músicos comen sus porciones.

El comercial generó gran atención en su momento, aunque ahora, casi 30 años después, las declaraciones de Starr han dejado en evidencia que, a pesar de su participación en la campaña, nunca llegó a probar el producto que promocionaba.

El concierto que Ringo Starr y la madre de Elton John no soportaron

En una entrevista con The Sunday Times, Ringo Starr recordó una anécdota de 1975 relacionada con su amigo y colega, Elton John.

Durante un concierto del pianista británico en el estadio de Wembley, en Londres, tanto Starr como la madre de Elton John, Sheila Farebrother, abandonaron el evento tras solo tres canciones.

“Elton salió y dijo: ‘Solo voy a tocar el álbum nuevo’”, relató Starr. “Su madre y yo nos marchamos después de tres temas porque no los conocíamos”.

El espectáculo estaba centrado en la presentación de Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy, el entonces más reciente álbum de Elton John, que incluía canciones como “Someone Saved My Life Tonight” y “Tower of Babel”.

Aunque el disco tuvo una gran recepción y llegó a obtener dos nominaciones al Grammy en 1976, en el momento del concierto el material era prácticamente desconocido para el público.

Starr admitió que aquella experiencia le dejó una lección sobre la selección de repertorio en los conciertos. “A finales de los 90, incluía dos o tres temas de un álbum nuevo, y podías sentir cómo la sala se vaciaba”, comentó. “Esto le pasa a todo el mundo”.

El músico también reflexionó sobre su carrera en solitario y la razón por la que nunca se ha sentido completamente cómodo fuera de una banda.

“Solo quiero estar en una banda”, confesó en la misma entrevista. Desde los años 80, ha estado de gira con la All-Starr Band, un grupo conformado por distintos músicos que le permite recrear la dinámica de banda que tanto disfrutó en The Beatles.

“No quiero estar solo. No hay manera de salir y tocar ‘Yesterday’ solo con una batería”, explicó.

A lo largo de su meteórica carrera, los Beatles cambiaron la música y dejaron un legado que perdura hasta hoy. Aunque mucho se ha escrito sobre ellos, sus primeros años guardan anécdotas menos conocidas, reveladoras de cómo un grupo de jóvenes de Liverpool logró conquistar el mundo. Desde sus primeras experiencias en los escenarios hasta reflexiones sobre su propio éxito, estas cinco historias muestran un lado más humano y sorprendente del cuarteto.

Influencia de Hamburgo y la transformación de su estilo

En sus primeros días, los Beatles adoptaron un look inspirado en la escena musical de Hamburgo, Alemania, que incluía chaquetas y pantalones de cuero. Este estilo era perfecto para los clubes nocturnos donde tocaban, pero pronto lo abandonaron. Según reveló Paul McCartney, el cambio surgió por la percepción pública: “Más a menudo que no, demasiada gente se reía. Era simplemente estúpido. No queríamos aparecer como una pandilla de idiotas”.

La decisión final llegó gracias a su mánager, Brian Epstein, quien les sugirió usar trajes convencionales para proyectar una imagen más profesional. “Solo conseguimos lo que pensamos que eran trajes bastante buenos y nos deshicimos del cuero. Eso fue todo”, relató McCartney en una entrevista de 1963 a la BBC.

Pero Hamburgo no solo influyó en su apariencia. Según George Harrison, allí encontraron su estilo escénico: “Había un tipo que solía decirnos, ‘¡Mach schau! ¡Mach schau!’ (Hagan espectáculo). Así que lo hacíamos: John bailaba como un gorila, y todos chocábamos nuestras cabezas”.

Un pasado peculiar: música para “Janice la Stripper”

Una de las historias más llamativas de los primeros días del grupo ocurrió en un club nocturno de Liverpool, donde tocaron música para una stripper llamada “Janice” o “Shirley” (los detalles se perdieron con el tiempo). La banda, que aún era un conjunto de adolescentes, acompañaba sus movimientos en el escenario con un repertorio de covers.

Según una entrevista publicada por Alan Smith en New Musical Express en 1963, esta experiencia fue tan abrumadora como formativa para ellos. Allan Williams, quien los manejaba en ese momento, logró negociar un buen pago por su actuación. Aunque hoy esta historia se ha convertido en una leyenda, muestra cómo los Beatles exploraron todo tipo de escenarios antes de alcanzar la fama.

El liderazgo de John Lennon y las dinámicas internas

En una de sus primeras entrevistas radiales, realizada en 1962 para Clatterbridge Radio, se les preguntó si George Harrison era el líder por tocar la guitarra principal. Harrison lo negó rápidamente, y McCartney aclaró: “Él es guitarra solista, ¿ves? John es, de hecho, el líder del grupo”.

Sin embargo, Lennon no asumía ese rol de manera convencional. Según McCartney, Lennon solía decir, “¡Soy el líder de este grupo!”, y los demás respondían con humor: “Es solo porque gritas más fuerte que los demás”.

El apuro detrás de “She Loves You”

Uno de los mayores éxitos de The Beatles, “She Loves You”, nació bajo presión. En una entrevista de 1963 con el periodista sueco Klas Burling, McCartney explicó que tenían apenas tres días para escribir una canción antes de una sesión de grabación. Junto a Lennon, se encerraron en un hotel para trabajar en la letra y la música.

“Simplemente decidimos que teníamos que escribir una canción muy rápido”, recordó McCartney. Por fortuna, lograron idear la estructura y los versos en poco tiempo. “Fue solo suerte”, dijo. La canción fue un éxito inmediato y marcó un hito en la evolución de su sonido.

Reflexiones sobre el éxito y el futuro

En sus primeros años de fama, los Beatles ya eran conscientes de la incertidumbre que rodeaba su éxito. Durante una entrevista en 1963 con la BBC, se les preguntó cuánto tiempo pensaban que duraría su popularidad. Lennon respondió con ironía: “Puedes ser engreído y decir, ‘Sí, vamos a durar diez años’. Pero apenas dices eso, piensas, ‘con suerte duraremos tres meses’”.

Harrison mostró un optimismo más moderado: “Creo que estaremos en el negocio, ya sea arriba o abajo, al menos otros cuatro años”. McCartney, por su parte, reflexionó sobre la inevitabilidad del cambio: “A los cuarenta, puede que ya no sepamos escribir canciones”.

Julian Lennon, hijo mayor de John Lennon y Cynthia Lennon, compartió detalles sobre su relación con la icónica banda de su padre, los Beatles, y cómo se ha sentido como un extraño en este entorno durante gran parte de su vida.

El músico de 61 años expresó que nunca formó parte del “círculo íntimo” de la icónica banda y que su vínculo con el legado de su padre fue siempre distante, incluso en su infancia.

“No soy parte del círculo íntimo, nunca lo fui”, afirmó Julian en una entrevista con The Guardian. “Tienes que entender que cuando mi papá se fue, cuando tenía entre 3 y 5 años, era solo mamá y yo, y no teníamos nada que ver con los Beatles ni con papá”.

El hijo mayor de Lennon añadió que, aunque ocasionalmente visitaba a John, esa relación era limitada y ellos permanecían “muy afuera” de la esfera de los Beatles.

Julian Lennon, conocido también por su carrera como músico y fotógrafo, comentó que las noticias sobre proyectos y documentales relacionados con el cuarteto de Livepool le sorprenden en ocasiones.

“Es noticia para mí la mitad del tiempo”, expresó Julian al referirse a los recientes estrenos como el documental Get Back o la restauración de Let It Be. Y bromeó: “Me sigo sorprendiendo, ¿cómo es posible que haya otra película de los Beatles?”.

A pesar de su falta de cercanía con los miembros sobrevivientes de los Beatles, como Paul McCartney y Ringo Starr, Julian subrayó su relación cercana con su medio hermano Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon y Yoko Ono.

“Afortunadamente, Sean y yo nos llevamos increíblemente bien, somos mejores amigos, y él me cuenta lo que puede, pero las cosas sobre los Beatles siguen siendo bastante secretas”, dijo Julian. “Es extraordinariamente extraño, pero no estoy molesto por eso. Prefiero emocionarme y sentirme impresionado por lo que hicieron y siguen haciendo”.

La relación de Julian Lennon y su madre

El músico también reflexionó sobre cómo su madre, Cynthia Lennon, desempeñó un papel fundamental en su vida y en la manera en que recuerda a su padre.

“Creo que fue mamá, al ver cómo manejaba todo con amor, gracia y positividad. Vi que esa era la única forma de seguir adelante. Tienes que tomar el camino correcto, ser la mejor persona y tratar de aprender de todo lo malo que te pasa”, indicó en conversación con el diario británico.

A pesar de enfrentar episodios de depresión y ansiedad, Julian Lennon enfatizó que la clave para salir adelante es no “sumergirse” en esos sentimientos. “He estado allí, hecho eso”, concluyó.

En la misma entrevista, Lennon también habló sobre su trabajo artístico más reciente, un libro de fotografía titulado Life’s Fragile Moments, que recopila más de 20 años de su trabajo.

La colección incluye imágenes tomadas durante los viajes para su fundación benéfica, la White Feather Foundation, y una fotografía íntima de su hermano Sean en una gira.

Sobre su incursión en la fotografía, Julian señaló que nunca ha tenido formación formal en la disciplina, prefiriendo aprender de forma orgánica y sin limitaciones técnicas.

“Nunca aprendí a leer ni escribir música, lo hago todo de forma autodidacta”, comentó, destacando que el proceso creativo lo mantiene motivado, sin importar la técnica.

Además, Julian Lennon reveló que está trabajando en su autobiografía, aunque con un enfoque diferente al de una biografía tradicional. “Quiero algo basado más en el arte y las emociones”, explicó.

En cuanto a su carrera musical, el cantante y compositor admitió que se ha sentido frustrado por la falta de oportunidades para presentar su música en la televisión, como en los programas de Graham Norton o Jools Holland.

Sin embargo, subrayó que su pasión por la música sigue intacta, aunque actualmente se ha centrado en otros proyectos creativos.

Por último, Julian Lennon compartió sus reflexiones sobre su evolución personal y profesional a los 61 años.

Después de décadas viviendo bajo la sombra de su padre, John Lennon, ha trabajado en crear una carrera propia, en la que pueda sentirse orgulloso de lo que ha logrado.

“Lo que necesito hacer para mí es construir una obra, una base sobre la que pueda estar y que nadie me pueda quitar”, confesó.

En la década de 1970, cuando la disolución de los Beatles parecía definitiva, Alan Amron, un joven emprendedor de Long Island, concibió un plan inusual para reunir a la banda más influyente de la historia. Lo que comenzó como una idea de crowdfunding, terminó involucrando a Muhammad Ali, una de las figuras más reconocidas del boxeo a nivel mundial.

La separación de los Beatles

Tras una carrera de apenas una década, los Beatles anunciaron su disolución en 1970, dejando a millones de fanáticos con la esperanza de una eventual reunión. La muerte de su mánager, Brian Epstein, en 1967, fue identificada por John Lennon como un punto de quiebre: “Después de que Brian murió, nos desmoronamos [...] Paul tomó el control, pero nos llevó en círculos”, recordó en una entrevista con la revista Rolling Stone. A esto se sumaron tensiones internas, diferencias artísticas y conflictos legales.

Pese a la separación, la música de los Beatles siguió siendo un fenómeno cultural, con ventas millonarias de compilaciones y discos anteriores. La expectativa de un reencuentro no solo era deseada por sus seguidores, sino también por promotores como Bill Sergent y Sid Bernstein, que ofrecieron millones de dólares para una presentación única del grupo.

El plan de Alan Amron para reunir a los Beatles

En 1976, Alan Amron propuso una alternativa al enfoque tradicional de ofrecer grandes sumas de dinero. Creó el Comité Internacional para Reunir a los Beatles con la intención de recaudar fondos a través de un dólar donado por cada fanático de la banda. Según relató Amron a Mental Floss, había al menos 200 millones de seguidores de los Beatles en el mundo, y si solo la mitad enviaban un dólar, podrían recaudar 100 millones.

Amron publicitó su idea en The Village Voice y Rolling Stone, atrayendo atención inmediata. Los fanáticos comenzaron a enviar dinero desde diversos países, utilizando monedas que incluso eran desconocidas para él. Esta respuesta inicial demostró la vigencia del interés por un reencuentro.

Muhammad Ali: el aliado inesperado

Durante unas vacaciones en Miami Beach, Amron se encontró con Muhammad Ali en un restaurante. Reconociendo la influencia global del excampeón de boxeo, Amron lo abordó con su propuesta. Ali, conocido admirador de los Beatles, se interesó y lo invitó a Chicago para discutir la idea en profundidad.

El deportista, quien estaba acostumbrado a organizar eventos de gran magnitud, prometió respaldar la causa. Este apoyo multiplicó las donaciones y dio visibilidad al proyecto, llegando incluso a los titulares de diarios internacionales. Además, Ali invitó a Amron y a su socio, Joel Sacher, al baile inaugural del presidente Jimmy Carter, donde esperaban acercarse a John Lennon para presentar su propuesta directamente.

Obstáculos y reservas de los Beatles

Pese a los esfuerzos de Amron y Ali, la respuesta de los Beatles fue tibia. Según contó a Mental Floss Amron, los mensajes que recibió de los cuatro integrantes fueron variados: “Sí, sí, tal vez, y podría suceder algún día si fuera la situación correcta”. Aunque Lennon aceptó discutir la idea, finalmente declinó. En una entrevista con Playboy en 1980, explicó: “Después de los 200 millones, ¿qué sigue? [...] Tendríamos que dedicar el resto de nuestras vidas a una gira mundial, y no estoy listo para eso”.

George Harrison, quien en un principio había sido optimista, también se mostró desilusionado para 1979: “Nunca sucederá [...] En el fondo, no fue tan divertido para nosotros como lo fue para ustedes”, dijo a The La Crosse Tribune.

El final abrupto del proyecto

La posibilidad de reunir a los Beatles llegó a su fin el 8 de diciembre de 1980, cuando John Lennon fue asesinado frente al edificio Dakota en Nueva York. Según Amron, el proyecto estaba en marcha desde hacía años cuando ocurrió esta tragedia. Hasta ese momento, se habían recaudado alrededor de USD 6.000, que posteriormente fueron donados a la caridad.

Pese al fracaso de la iniciativa, Amron aprovechó su relación con Ali para entrar en el mundo empresarial, ayudándolo a manejar sus negocios durante cuatro años. “Aunque no logramos reunir a los Beatles, Ali me abrió puertas que hicieron mucho más fácil reunirme con estrellas y empresarios importantes”, expresó Amron.

La separación formal de los Beatles cumple este domingo 50 años, un momento doloroso precedido de “muchas tensiones” por diferencias personales, conflictos creativos y la muerte en 1967 de su mánager.

Pese a que rubricaron su disolución en un documento, el 29 de diciembre de 1974, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr habían dejado de trabajar juntos entre 1969 y 1970.

“Descubrieron que eran individualidades y no solo miembros de la banda”, explica Peter Doggett, autor del libro You never give me your money: The battle for the soul of The Beatles [Nunca me das tu dinero: La batalla por el alma de The Beatles], publicado en 2009 y centrado en la separación de la banda.

Aquel documento, conocido como “The Beatles Agreement”, en el que está escrita a mano la fecha del 29 de diciembre de 1974, con las firmas de los cuatro miembros de la banda, permitió al cuarteto dividir de manera estructurada sus derechos sobre la propiedad de las canciones y los asuntos legales relacionados con la ruptura.

“La separación legal en diciembre de 1974 incluyó un acuerdo por el cual, según los términos de la sociedad original, todo ese dinero se dividió en partes iguales entre los cuatro”, añade Doggett.

Entre las causas de la disolución del grupo, señaladas por los diferentes autores que han escrito sobre al cuarteto, aparecen diferencias personales, conflictos creativos y la muerte en 1967 de su mánager Brian Epstein, sin que su sustituto, Allen Klein, lograra la unanimidad en el cuarteto.

Ofertas lucrativas para volver

“Hubo muchas tensiones entre varios miembros del grupo”, afirmó Holly Tessler, responsable del máster que se imparte en la Universidad de Liverpool sobre los Beatles. La separación parecía la única salida posible, según Doggett.

“Habría sido un gran error si no se hubieran separado, porque el sentido de unidad que fue su base entre 1962 y 1969 se había ido. Estaban empezando a verse a sí mismos como individuos fuera de esa asociación”, señala.

Tessler coincide en que el distanciamiento entre los cuatro hacía inviable otra salida. “El hecho de que nunca se reunieran pese a las numerosas y lucrativas ofertas para hacerlo habla de lo profundamente arraigadas que estaban sus tensiones”, afirma.

Philip Norman, autor del libro Shout!: The true story of The Beatles [¡Grita! La verdadera historia de Los Beatles], de 1981, cree también que para sus componentes era difícil soportar la presión a la que se veían sometidos cada día.

“A menudo era muy desagradable, muy estresante y a veces muy aterrador ser un Beatle. Y solo ellos cuatro entendían esa situación”, señala Norman.

Tras firmar el papel del 29 de diciembre de 1974, sus abogados finalizaron poco después todos los aspectos legales de la separación.

“Es muy posible que no se hiciera oficial la disolución en términos legales hasta principios de enero. Pero en lo que respecta a los Beatles, el acuerdo se hizo el 29 de diciembre, cuando John firmó y la fecha se agregó a mano al documento mecanografiado”, explica Doggett.

“Nunca habrá unos nuevos Beatles”

El entramado comercial en torno a los Beatles y el reparto entre sus componentes no era sencillo.

“Con cuatro carreras diferentes en solitario en marcha, los asuntos comerciales del grupo eran muy complicados de desenredar. También hubo considerables implicaciones fiscales, así como el asunto de cumplir con su contrato con Capitol Records que se extendía hasta 1976”, señala Kenneth Womack, autor del libro Solid state: The story of Abbey Road and the end of The Beatles [Estado sólido: La historia de Abbey Road y el fin de Los Beatles], publicado en 2013.

Los Beatles se separaron entre 1969 y 1970 y plasmaron de forma oficial su disolución el 29 de diciembre de 1974, pero su legado sigue vivo cincuenta años después.

“Nunca habrá unos ‘nuevos Beatles’, pese a que se ha estado buscando unos desde 1970. Pero los originales siempre serán un símbolo de libertad, experimentación y optimismo, lo que escasea en el mundo contemporáneo. Simbolizaron todos los increíbles cambios creativos y sociales de la década”, resume Doggett.

Fuente: AFP

Los únicos miembros vivos de The Beatles, Paul McCartney y Ringo Starr, se reunieron nuevamente sobre el escenario en el concierto final de la gira “Got Back” de McCartney, celebrado en el O2 Arena de Londres, Reino Unido.

Paul, de 82 años, invitó a Ringo, de 84, durante el encore del espectáculo, generando una ovación del público cuando el baterista subió al escenario.

“Demos la bienvenida al escenario al poderoso, el único, Ringo Starr”, dijo. Al estar sobre el escenario, Starr indicó: “Quiero decirles que he pasado una gran noche”.

“¿Deberíamos rockear?”, preguntó el cantante mientras la multitud vitoreaba, instando a su antiguo compañero de banda a tomar su lugar en la batería.

Los dos músicos interpretaron juntos “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)” y “Helter Skelter”, temas emblemáticos de la banda británica.

La presentación conjunta de “Helter Skelter” marca una ocasión especial, ya que los artistas solo la han interpretado juntos en contadas ocasiones desde la separación de The Beatles en 1970, incluyendo actuaciones en Londres en 2018 y en el Dodger Stadium en 2019.

Esto se debe en parte a que la agrupación había dejado de realizar presentaciones en vivo dos años antes del lanzamiento de The White Album, que incluye esta canción.

El concierto, que cerró la gira internacional “Got Back”, también contó con la participación especial del guitarrista de The Rolling Stones, Ronnie Wood, quien se unió a Paul McCartney para interpretar “Get Back”.

Durante esta presentación, McCartney utilizó su icónico bajo Höfner 500/1 de 1961, instrumento que había sido robado en 1972 y que fue recuperado a principios de este año por un grupo dedicado de fans de los Beatles.

Entre otros momentos destacados del evento, interpretó “In Spite of All the Danger”, la primera canción grabada por The Quarrymen, banda que integró junto a los fallecidos John Lennon y George Harrison.

El espectáculo en vivo, que se extendió por casi 40 canciones, también incluyó la participación de un coro infantil para la interpretación de “Wonderful Christmastime”, demostrando la versatilidad del músico británico.

La presencia de Olivia Harrison, viuda de George Harrison, también fue registrada en un video entre bastidores capturado por Mary McCartney, hija del músico, quien documentó varios momentos del evento, incluyendo a su padre interpretando “(Theme From) The Monkees”, un guiño a la banda de los años 60 inspirada en The Beatles.

La reunión en el O2 Arena se produce poco después de que McCartney y Starr colaboraran en el estudio para grabar “Now and Then”, considerada la última canción del cuarteto de Liverpool.

El tema, basado en una demo de Lennon recuperada tras su muerte en 1980, incluye además guitarras grabadas por Harrison durante las sesiones de Anthology en 1995.

La canción ha sido nominada a los premios Grammy 2025 en las categorías de Grabación del Año y Mejor Interpretación de Rock, y fue reconocida como una de las mejores pistas de 2023.

Cabe destacar que se trata de la primera nominación de los Beatles a la gala en 27 años. A lo largo de su carrera, recibieron 28 premios Grammy, que incluyeron categorías como Mejor artista nuevo, Canción del año, Álbum del año y Mejor interpretación vocal por un dúo o grupo pop.

La leyenda de los Beatles llegará al cine

El legado de The Beatles continuará siendo honrado a través de cuatro películas dirigidas por Sam Mendes, director de 1917 y Belleza Americana.

Aunque el casting oficial no ha sido anunciado, se especula que el actor Barry Keoghan, conocido por Saltburn, interpretará a Starr, mientras que Paul Mescal, director de Gladiator II, podría dar vida a McCartney en la pantalla grande.

Seguramente estará pensando que ha habido muchísimos libros sobre los Beatles: biografías, recopilaciones de letras, trivias, libros infantiles, libros para colorear. ¿Necesitamos otro? Y si es así, ¿por qué centrarse en Paul McCartney tras la disolución del grupo? ¿Dónde están John y los demás?

The McCartney Legacy, Volume 2 (El legado de McCartney, volumen 2), de Allan Kozinn y Adrian Sinclair, es un argumento convincente no solo para publicar otro libro sobre los Beatles, sino también sobre el que posiblemente sea su mejor compositor. Los autores señalan que casi todos los relatos sobre los Beatles terminan cuando el grupo se disolvió, en 1970.

John, George y Ringo siguieron grabando y tocando en público, por supuesto, pero Paul (en parte debido a su longevidad) los ha superado a todos en su producción: más de dos docenas de álbumes de estudio y múltiples sets en directo, álbumes clásicos, recopilaciones y colecciones, por no mencionar innumerables actuaciones en directo, así como arte visual, poesía, trabajos cinematográficos y mucho más.

Los coautores, un crítico musical y un editor de documentales, son extremadamente detallistas. Por ejemplo, cuando Linda McCartney, esposa de Paul y compañera de banda en Wings, lleva al resto de la familia a un viaje en taxi, se informa de las horas de salida y llegada, la duración del trayecto, el coste y la forma de pago. Esto ayuda a explicar el tamaño montañoso de este libro. Y no olvide que es el segundo volumen: The McCartney Legacy, Volume 1: 1969-73, publicado en 2022, es solo unas páginas más corto.

La mayoría de las biografías de música pop se centran menos en la música que en el sexo, las drogas, los cotilleos y cosas por el estilo, en parte porque es lo que atrae a los lectores y en parte porque las complejidades de las progresiones de acordes y la ingeniería de los estudios de sonido son casi imposibles de explicar a un público profano, y mucho menos de mantener su interés.

Pero a pesar de algún que otro viaje en taxi, la serie The McCartney Legacy se centra casi exclusivamente en la música. Durante el período que abarca este libro, los días salvajes de Paul como Beatle habían terminado, y si él y Linda fumaban marihuana, lo hacían juntos y sin contratiempos, al menos hasta cierto punto. (Estén atentos.)

Este voluminoso libro está dedicado en su mayor parte a cómo se hace la música. Aquí nos enteramos de que cuando un violonchelista tuvo problemas con el obbligato corto de “Live and Let Die”, Paul tomó la batuta del director y cantó la línea del violonchelo utilizando nombres de acordes en lugar de letras (cuando terminó, toda la orquesta le dedicó una ovación).

En otra canción, quería un sonido de calíope, así que se pasaron botellas de whisky escocés para que los músicos soplaran por encima después de haber consumido cuidadosamente el contenido suficiente para conseguir el tono adecuado. En todo momento, Paul estaba en lo que los autores llaman modo de absorción, “aprovechando cualquier oportunidad para escuchar música nueva y extrayendo de lo que oía cualquier pepita que pudiera ser útil”. McCartney no fue entrevistado para el libro, pero sí otros miembros de su círculo. A su vez, los autores también se basaron en archivos impresos, de audio y de vídeo. En su faceta de marido y padre, McCartney se dedicaba a hacer música todo el tiempo, y los entresijos de ese proceso se describen meticulosamente.

Los capítulos se completan con notas anotadas de las sesiones de grabación. El 13 de febrero de 1979, por ejemplo, Paul terminó la mezcla maestra de “Spin It On” y estaba tan eufórico que sacó su guitarra y un micrófono a Soho Square para una breve sesión de música callejera. Un ingeniero de sonido que monitorizaba la actuación en el estudio recuerda que oyó pasar a una pareja mientras Paul tocaba y cantaba en una gélida calle londinense: “Se les oía acercarse y un tipo dijo: ‘Ese es Paul McCartney’. Y su novia dijo: ‘¿Qué? Y él le contestó: ‘Es Paul McCartney’. No seas estúpido. Él dijo, ‘En serio, es Paul McCartney.’ Ella siguió, ‘Si vas a seguir así, te dejo.’ Y estábamos absolutamente aullando".

Es cierto que una cierta uniformidad empieza a apoderarse de la narración central, y las preguntas que surgen en la mitad y el final de este volumen son las que han estado ahí desde el principio. ¿Habrá reunión de los Beatles? (No.) ¿Linda tocaba y cantaba a nivel profesional? (¿Habría tenido tanto éxito Wings si su líder no hubiera sido un antiguo Beatle? (Oh, por favor.) Eso hace que los detalles que rodean estos pasajes predecibles sean aún más bienvenidos, que después de un tiempo, los encontré positivamente adictivos.

En última instancia, toda biografía de un grupo musical trata de una cosa: la gestión del personal. En este caso, gran parte se centra en Jimmy McCulloch, un guitarrista genial aficionado a ir al pub antes, durante y después de las sesiones de estudio y a quedarse “sin piernas”, como dicen los ingleses.

Según su compañero de banda Denny Laine: “Todos hemos tenido nuestros momentos, pero Jimmy parecía tener más momentos que nadie”. Sobrio o no, McCulloch hablaba sin tapujos de las carencias musicales de Linda, y más de una vez la hizo llorar. Por su parte, Linda no quería a otras mujeres en el estudio: puede que hubiera perdonado los tiempos salvajes de Paul, pero no los había olvidado.

Pero el mayor triunfo de Paul como manager es su lucha consigo mismo. “Soy muy bueno olvidando quién soy”, dijo una vez. “Porque por lo que a mí respecta Paul McCartney es un nombre que me dieron al nacer y al principio de los Beatles se separó en una celebridad, y yo seguí siendo [yo]. ... Sólo soy un niño de Liverpool. No hice todo eso”. Su actuación de chico normal funcionó: cuando hizo una pausa durante una improvisada jam session con el solista Harry Nilsson y el batería de Who, Keith Moon, en la casa alquilada de John Lennon en Malibú, Mary McCartney, de 4 años, le dijo: “Papá, ¿eres una especie de estrella del pop o algo así?“. Como músico, Paul McCartney es incomparable. Pero puede que sea incluso mejor como jefe.

Pero incluso los buenos jefes cometen errores. El 16 de enero de 1980, Paul fue detenido en Japón cuando los funcionarios encontraron una bolsa de marihuana en una maleta, y el volumen 2 de The McCartney Legacy termina con él detenido, pero antes de que se resuelva la situación. ¿Habrá un volumen 3? Espero que sí; cuanto más pesado, mejor.

Fuente: The Washington Post

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En este nuevo documental de David Tedeschi, los fanáticos pueden ver el efecto que tuvieron los músicos de Liverpool en la cultura pop de Estados Unidos.

Pocos acontecimientos culturales del siglo XX han resistido tanto escrutinio como el primer viaje de los Beatles a Estados Unidos, pero el documental Beatles '64, dirigido por David Tedeschi, frecuente colaborador de Martin Scorsese, ofrece un sólido compendio de los comienzos de la Beatlemanía.

Tedeschi (quien dirigió junto con Scorsese el documental 50 años de rebeldía) revisa el entusiasmo que rodeó la llegada de los músicos de Liverpool a través de los ojos de los primeros fanáticos. Entre los más improbables entusiastas de los Beatles que aparecen está el cineasta David Lynch, quien asistió al concierto de la banda en 1964 en el Washington Coliseum y recuerda la música que podía inspirar "lágrimas de felicidad".

[Video: Watch on YouTube.]

El escritor Jamie Bernstein recuerda un flechazo infantil con George Harrison. Su ardor seguramente ayudó a convencer a su padre, el compositor y director de orquesta Leonard Bernstein, para que opinara sobre los méritos del rocanrol. "Creo que esta música tiene algo terriblemente importante que decirnos a los adultos", dice en un video de archivo. El músico Smokey Robinson describe su "euforia" cuando los Beatles versionaron "You've Really Got a Hold on Me", aunque, no lo supo hasta que salió el disco. "Hay mil millones de canciones en el mundo", dijo. "Que alguien como los Beatles, que son grandes compositores, de entre esos mil millones de canciones, escojan una de las mías y la graben… No puedo superarlo como compositor".

Las secuencias actuales pueden parecer autorreflexivas hasta el punto de la parodia: Paul McCartney guía al equipo del documental en una visita a la exposición Paul McCartney del Museo de Brooklyn. Ringo Starr aparece pasando el rato con Scorsese, productor de este documental y director de otro anterior sobre Harrison.

Pero en lo que corresponde al estatus de Harrison como Beatle silencioso, la estrella silenciosa de Beatles '64 es el magnífico metraje de los hermanos Albert y David Maysles, a quienes está dedicada la película, y quienes siguieron a los Beatles durante aquellas dos semanas. (Realizaron su propio documental de 1964, What's Happening! The Beatles in the USA). Viendo a la banda en el Hotel Plaza y a los seguidores en las calles, con la esperanza de vislumbrar a sus ídolos, no puedes evitar dejarte arrastrar por un fervor de hace 60 años.

Beatles '64Sin clasificación. Duración: 1 hora y 46 minutos. Ver en Disney+.

El documental Beatles ‘64, una producción de Martin Scorsese dirigida por David Tedeschi, llega este 29 de noviembre a Disney+. La película reconstruye el histórico viaje del legendario grupo británico a Estados Unidos mediante imágenes inéditas restauradas en 4K, capturadas originalmente por los documentalistas Albert y David Maysles.

El film ofrece una mirada íntima a los inicios de la Beatlemanía, incluyendo actuaciones restauradas del cuarteto de Liverpool en el Coliseum de Washington y el emblemático programa de Ed Sullivan. Además, cuenta con entrevistas exclusivas a los únicos dos sobrevivientes de la banda: Paul McCartney y Ringo Starr.

Los Beatles fueron una luz para Estados Unidos

El 22 de noviembre de 1963, John F. Kennedy fue asesinado en Texas, Estados Unidos, poco antes de culminar el tercer año de su mandato. La pérdida del presidente dejó un vacío y un clima de luto que parecía irreparable para la sociedad estadounidense.

De alguna manera, los Beatles sanaron esa herida en millones de ciudadanos norteamericanos. Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr (quienes tenían entre 20 y 23 años) aterrizaron en EE. UU. un 7 de febrero de 1964, y generaron un furor nunca antes visto por un grupo musical extranjero. Este fenómeno ya había sido bautizado como “Beatlemanía” en su natal Reino Unido.

“Cuando llegamos Estados Unidos estaba de luto, poco después de que Kennedy fuera asesinado. Tal vez Estados Unidos necesitaba algo como los Beatles para levantarse por la mañana y pensar que la vida sigue”, expresó McCartney en Beatles ‘64. “La alegría que ves en estas audiencias es como ser elevado fuera del dolor”.

La Beatlemanía en palabras de sus fans

El documental no solo contó con comentarios de expertos musicales, escritores y los propios exBeatles; sino que también incluyó declaraciones de fanáticos de la época. Coleccionistas únicos o fans enamoradas para quienes escuchar la música de la banda en la actualidad despierta un recuerdo único.

Se captura la histeria colectiva de la época, mostrando cómo centenares de fans adolescentes literalmente sitiaron el hotel donde se hospedaban los Beatles. Las jóvenes seguidoras emprendieron una incesante persecución por las calles de Nueva York, ansiosas por conseguir siquiera un fugaz vistazo de los cuatro ídolos musicales.

“Estaban estos policías y avanzamos a través de un pasillo de policías y, de pronto, alguien me agarraba del cabello”, relató Ringo Starr en una entrevista de archivo incluida en Beatles ‘64.

Un histórico rating en el programa de Ed Sullivan

Unos 70 millones de espectadores estadounidenses vieron la emisión de la presentación de los Beatles en el exitoso programa The Ed Sullivan Show de la CBS. Según reportaron los periódicos de la época en base a mediciones de Nielsen, la transmisión tuvo el mayor rating de la historia en el área televisiva de Nueva York.

El puntaje de la cadena fue de 58,8, una cifra que superó por muy lejos a sus competidores: NBC (11,3) y ABC (5,2).

El maltrato que sufrieron en la Embajada de Reino Unido

Una vez que llegaron a Washington, DC, el cuarteto fue invitado a la Embajada de Reino Unido para recibirlos con una fiesta. El embajador les dio una cálida bienvenida, sin embargo, se narra que el trato no fue igual por parte del personal que trabajaba en la embajada británica.

Los llamaron con palabras ofensivas y no se mostraron respetuosos ante los músicos. De hecho, se cuenta en el documental que George Harrison se mostró afectado por lo ocurrido y estaba a punto de llorar.

“Estábamos más o menos acostumbrados. Somos hombres de clase trabajadora”, sostuvo Paul McCartney. “Te imaginas que te van a menospreciar, pero, ¿sabes qué? No nos importó un carajo. Ellos trabajaban en la embajada, nosotros estábamos de gira rockeando”.

Así inició la gira norteamericana de los Beatles

El 11 de febrero de 1964, los Beatles tocaron por primera vez en Estados Unidos. El concierto se llevó a cabo en el Washington Coliseum y agotó por completo sus entradas.

El director David Lynch, un adolescente por ese entonces, admitió en el documental que, si bien le gustaba el rock & roll, no era consciente de que estaba presenciando un evento histórico para la banda y la música. “Era tan ruidoso, que no se podía creer”, reconoció el cineasta. “Fue fenomenal”.

Paul, John, George y Ringo se encontraban confinados en un escenario cuadrangular que evocaba un ring de boxeo, completamente rodeados por una multitud expectante.

Durante la actuación, la disposición del espacio les obligó a girar dramáticamente, con Starr realizando un movimiento particularmente llamativo: debió reposicionar enérgicamente su batería circular para poder enfrentar al público desde el lado opuesto del improvisado escenario.

El documental Beatles ‘64 se encuentra disponible en el catálogo de Disney+ desde este 29 de noviembre.

Los Beatles, sin duda, son una de las bandas más trascendentales de la historia de la música, cuyos ecos aún resuenan en cada rincón del mundo. A lo largo de los años, su legado ha sido explorado en una infinidad de formas: a través de su icónica música, películas y documentales que nos han permitido adentrarnos en las vidas de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Pero más allá de su éxito artístico, los Beatles se convirtieron en un fenómeno que transformó la música y dejó una huella imborrable en la historia cultural global.

En los últimos años, Disney ha destacado por revivir el interés por la banda con proyectos que nos permiten adentrarnos en su historia como nunca antes. The Beatles: Get Back (2021), dirigida por Peter Jackson (franquicia de El señor de los anillos), nos ofreció una mirada inédita al proceso creativo del grupo en un momento clave de su carrera, permitiéndonos presenciar cómo se gestaron algunos de los temas más icónicos de su discografía. Este audiovisual cautivó tanto a fanáticos como a nuevas audiencias, mostrando el corazón, las tensiones, su amistad y mucho más.

Ahora, con Beatles ‘64, Disney+ nos invita a revivir un capítulo diferente: el impacto de la llegada de los Beatles a Estados Unidos. Este documental deja de lado la intimidad de las salas de grabación para trasladarnos a los vibrantes días de 1964, cuando los Fab Four cruzaron el Atlántico y desataron una revolución en una sociedad que necesitaba algo más que música: un fenómeno capaz de inspirar e ilusionar.

El equipo detrás de cámaras y la visión de Martin Scorsese

“Mientras que la Beatlemania se estaba propagando por Europa, casi todo Estados Unidos aún estaba por descubrir a los Beatles,” señala una de las primeras placas del largometraje, marcando el inicio de un viaje inmersivo hacia los años 60. Con una duración de poco más de hora y media, este proyecto logra capturar la atmósfera de una época marcada por la carrera espacial, las tensiones sociales y el impacto que tuvo la trágica muerte del presidente John F. Kennedy en el ánimo colectivo. Este contexto sirve como telón de fondo perfecto para explorar el fenómeno que transformó a cuatro jóvenes de Liverpool en íconos mundiales.

La dirección del proyecto estuvo a cargo de David Tedeschi, un documentalista reconocido por su trabajo en producciones como Vinyl y su colaboración en múltiples proyectos enfocados en la música. Pero lo que realmente eleva la propuesta es la participación del legendario cineasta Martin Scorsese, quien no solo respaldó la obra como productor, sino que aporta su visión apasionada y su sensibilidad única hacia la música. El realizador, cuyo legado incluye títulos como Taxi Driver, El lobo de Wall Street y Casino, ya había explorado el universo de los Beatles en George Harrison: Living in the Material World (2011), una aclamada pieza que profundizaba en la vida del guitarrista de la banda.

El equipo de producción reúne nombres igualmente destacados que enriquecen este viaje cinematográfico. Entre ellos, Margaret Bodde (productora de Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story), Olivia Harrison (viuda de George Harrison y productora de Billy Preston: That’s the Way God Planned It), Sean Ono Lennon (hijo de John Lennon y co-productor de War Is Over!), entre otros nombres relevantes.

Beatlemania: gritos, llantos y una vida marcada por la música

Aunque los músicos son los protagonistas indiscutibles de Beatles ‘64, el largometraje nos ofrece algo más: pone en el centro a las personas que vivieron su música de manera apasionada durante su llegada a Estados Unidos, tanto de forma literal como simbólica. Filmado durante su emblemático viaje de 14 días, el documental revive los momentos de histeria colectiva captados por Albert y David Maysles, pero da un paso más al incluir testimonios y recuerdos íntimos de quienes vivieron ese fenómeno cultural. Desde los gritos ensordecedores hasta las adolescentes que llenaban calles enteras con carteles y empujones para estar más cerca de sus ídolos, cada historia refleja la intensidad de una época irrepetible.

La película rescata historias que muchos hemos oído de generación en generación, pero las revive con frescura y autenticidad. En palabras de Vickie Brenna-Costa, una joven que estuvo presente en el Hotel Plaza, “Las letras eran hermosas. Todas hablaban del amor y de tomarse las manos. Cuando eras joven, eso es algo que te conmueve”. Su testimonio, junto con otros, refleja cómo los Beatles no solo marcaban tendencias, sino que se incrustaron profundamente en las vidas de sus seguidores.

Testimonios como el del productor Danny Bennett, quien muestra objetos únicos como un asiento del mítico concierto en el Shea Stadium, talco, vestidos y una peluca que imita el corte de cabello clásico, nos recuerdan que la locura por los Beatles fue mucho más que un momento pasajero. Estos recuerdos encapsulan un legado que sigue vivo en cada nota y en cada historia compartida. Además, figuras como David Lynch (Twin Peaks), el fotógrafo Harry Benson, el productor Jack Douglas o la icónica cantante Ronnie Spector amplían la perspectiva de la Beatlemania, conectándola con los cambios sociales de los años 60 y su impacto cultural que todavía resuena en la actualidad.

Un viaje entre el pasado y el presente

Desde el punto de vista audiovisual, se distingue por su enfoque no lineal, rompiendo con la tradicional narrrativa cronológica. En lugar de presentar la historia de forma continua, el filme salta entre el pasado y el presente, creando un contraste emocional que permite ver tanto la juventud despreocupada de la banda como la idolatría que se fue generando alrededor de ellos. Gracias a las imágenes remasterizadas en 4K y al uso de un archivo inédito, la película no solo celebra los momentos clave de la banda, sino que también nos sumerge en el espíritu de la época, capturando la conexión entre los miembros del grupo, sus chistes internos y la emoción palpable cuando escuchaban sus canciones por primera vez en la radio.

Los cortes abruptos que marcan el paso del tiempo son una técnica deliberada para provocar una reflexión en el espectador. Al ver a Ringo Starr, primero como un joven armando su batería y bromeando, y luego como un hombre de 84 años tocando las mismas canciones, se hace evidente la huella que ha dejado el tiempo, pero también cómo la esencia de la banda se mantiene intacta en su música y su vínculo. De la misma manera, las reflexiones de Paul McCartney sobre “She Loves You” revelan una faceta más personal, al recordar a sus compañeros ya fallecidos y expresar el deseo de poder decirles cuánto los quería. Estos momentos de nostalgia son intensificados por la fuerza visual de los cortes, que contrastan la imagen vibrante de los Beatles jóvenes con la serenidad de los músicos actuales.

Otro aspecto fundamental del documental es la constante presencia de los elementos analógicos frente a la era digital actual, un contraste que resalta la evolución en la manera en que consumimos música. El merchandising, las entradas físicas, los discos de vinilo, la radio, los teléfonos fijos y los recortes de periódicos son representaciones de una era que hoy parece lejana, pero que definió a muchas generaciones. Este retrato de lo analógico no solo amplifica la magnitud del fenómeno Beatle, sino que también nos recuerda que esa época, con su encanto y su autenticidad, ya no volverá.

Beatles ‘64 se encuentra disponible en Disney+.

Cuando John Lennon, en marzo de 1966, comparó la popularidad y locura colectiva (beatlemania) que estaban suscitando los Beatles con la figura central de la religión más extendida del mundo cuestionó mucho más que el declive –en ese entonces– de la fe cristiana. Sus palabras exactas fueron “Ahora mismo somos más populares que Jesús”.

Los acontecimientos se desencadenaron a raíz de la controvertida declaración, entre ellos las protestas de fanáticos religiosos que precipitaron la cancelación de shows en directo por parte de los músicos británicos, y culminaron con los cinco disparos que años después asesinaron a Lennon. Pero más allá de eso, la noción existente de la “cultura popular” comenzó a redefinirse.

Un año más tarde, los Beatles publicaron Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, su octavo álbum de estudio, con un complejo contenido conceptual que instantáneamente batió récords de ventas mundiales. El álbum colocó a los cuatro músicos en la cumbre del arte popular, anticipando lo que sería conocido como cultura posmoderna.

Iconos literarios

En el diseño de la portada del álbum, Paul McCartney plasmó el principio de la cultura posmoderna: la unión de significados a partir de la fragmentación de significantes, integrando lo popular con lo canónico. La obra artística conectaba en un collage a las personalidades más icónicas del siglo XX, desde Marilyn Monroe y Fred Astaire hasta Karl Marx, pasando por C.G. Jung y S. Freud. Los cuatro Beatles, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, se retrataron rodeados de iconos (post)modernos y como base fundamental del inconsciente colectivo del momento.

La década de los sesenta reivindicó el potencial incuestionable, artístico y literario de lo considerado popular, precediendo tres décadas a las restricciones impuestas por el canon occidental de Harold Bloom (1994). No obstante, haríamos bien en recordar que la música y la literatura se concibieron, desde la Grecia clásica –si no antes–, juntas, y todo “canon” ha sido extraído de la tradición folclórica.

Así, Homero compuso sus poemas épicos para ser cantados e instrumentalmente acompañados; Shakespeare (re)escribió relatos ficticios reconocidos y aclamados, en el Londres isabelino, en sus obras; y Hitchcock transformó la mundanidad estadounidense en un cine extraordinario –hoy día, considerado “de culto”–. Y todavía nos mostramos reticentes a analizar la canción como poesía…

La pregunta no es tanto cuánta literatura podemos encontrar en los Beatles, sino más bien cuál, ya que, como hemos estudiado, los músicos británicos son, en su esencia, eso mismo: literatura.

La reflexión en los Beatles

Si la literatura viene determinada por su carácter introspectivo, son abundantes las instancias de vulnerabilidad, autoconciencia y reflexividad en los Beatles. Así se puede ver en composiciones de Lennon como “Help!”, “Nowhere Man”, “A Hard Days’ Night”, “Yer Blues”, y de McCartney como “Yesterday”, “Let It Be” o “A Day in the Life”.

En esta línea, el uso del “lenguaje figurado” es también definitorio, en muchas ocasiones, del carácter literario de los textos. “Across the Universe” es probablemente la canción de los Beatles más reconocida por el uso de la retórica. En ella Lennon demuestra su talento lírico, muy inspirado por Bob Dylan, pero también por Allen Ginsberg y otros poetas de la segunda mitad del siglo XX.

Words are flowing out like endless rain into a paper cup

They slither wildly as they slip away across the universe

Pools of sorrow, waves of joy are drifting through my opened mind

Possessing and caressing me

(Las palabras fluyen como una lluvia interminable en un vaso de papel / Se deslizan salvajemente mientras se escabullen por el universo / Pozos de tristeza, olas de alegría van a la deriva a través de mi mente abierta / Poseyéndome y acariciándome.)

No obstante, es quizás “Julia”, también de Lennon, la composición que más se acerca a la concepción tradicional (medieval-renacentista) que tenemos del poema: “Ocean child […] seashell eyes […] her hair of floating sky […] shimmering” (“Niña del océano, ojos de concha marina, su pelo de cielo flotante, reluciente”). La estructura es clara y el amor de la persona poética hacia la amada se evidencia en versos plagados de metáforas y símiles.

Dedicado a la madre que perdió siendo todavía un niño, Julia Lennon fue durante mucho tiempo su verdadera musa. McCartney compartía con Lennon la pérdida maternal, y contaba en entrevistas cómo Mary McCartney protagonizaba sus sueños acompañada de melodías aún por escribir y presentes en muchas canciones de Paul.

Quizás la que narra este hecho más explícitamente sea “Let It Be” a través de aliteraciones (mother mary/words of wisdom): “When I find myself in times of trouble, Mother Mary comes to me, speaking words of wisdom” (“Cuando me encuentro en momentos complicados, Madre María viene a mí, con palabras sabias”). Sus dos madres, la biológica y la cristiana, aparecen como la misma persona, entremezclando aspectos religiosos y privados de su vida, dejando ver cómo lo popular se compone siempre de fragmentos de muy diversa índole cultural.

Juegos con la retórica

Como en todos los textos, hay expresiones en la literatura de los Beatles que nos pueden resultar más y menos retóricas. Por ejemplo, en “I Am the Walrus”, el dúo compositor Lennon-McCartney en cierta manera se burla de esta literariedad excesiva que caracteriza la poesía posmoderna: “I am he as you are he as you are me and we are all together” (“Yo soy él igual que tú eres él como tú eres yo y nosotros somos todos juntos”). Lennon, además, era un gran admirador de Edward Lear, el padre de la literatura del absurdo inglesa.

De aquí podríamos derivar que su visión de la literatura era tan rompedora como heterogénea. Si la literatura es fundamentalmente una respuesta a textos anteriores que a su vez desencadena reacciones en otros textos, podemos ver relaciones intertextuales evidentes en “A Day in the Life”, una obra maestra inspirada por una noticia de periódico; “Golden Slumbers”, una reescritura de una nana del dramaturgo renacentista Thomas Dekker; “Within You, Without You”, referenciando enseñanzas budistas; “Savoy Truffle”, cantando el menú de postres de un restaurante; “Paperback Writer”, referenciando al escritor e ilustrador del s. XIX Edward Lear, y “Cry Baby Cry”, con alusiones a una obra de teatro británica de principios del siglo XX, The Queen Was in the Parlour.

El carácter narrativo de muchas de sus canciones, una condición que erróneamente tendemos a considerar opuesta a la poesía, es, probablemente su gesta más aplaudida. En estrofas breves y con acompañamiento musical de dos a tres minutos, los Beatles son capaces de narraciones de extraordinaria complejidad. “Maxwell’s Silver Hammer”, “Rocky Racoon”, “Piggies”, “Norwegian Wood” y el conocido como “Medley” de Abbey Road son solo algunos ejemplos del potencial visual de sus canciones.

Indudablemente, las huellas de los Beatles en la industria musical y el (in)consciente colectivo aún no han sido borradas. Es quizás esta última cualidad lo que convierte su literatura en canónica. Y como preludiaba, alegóricamente, la portada del Sgt. Peppers, Lennon, McCartney, Harrison y Starr se codean con las grandes figuras en la cima artístico-literaria del siglo XX, como James Joyce, Dylan Thomas y Bob Dylan.

Nos damos, así, cuenta, de que la comparación de Lennon al inicio de este artículo no andaba muy desencaminada. Los Beatles canonizaron la cultura popular en la década de los 60, cuando aún esto era impensable. Quizás no fueran tan influyentes como Jesucristo, pero, sin duda, nada borrará del recuerdo a estos héroes populares.

Fuente: The Conversation

Olivia Harrison, viuda de George Harrison, reveló detalles íntimos sobre la extraordinaria conexión entre su difunto esposo y el legendario tecladista Billy Preston en el nuevo documental Billy Preston: That’s the Way God Planned It, que se estrena el 17 de noviembre en el festival DOC NYC.

“Creo que George y Billy conectaron de una manera que los otros no lo hicieron”, afirmó Olivia en el film.

Y agregó: “Él estaba seguro de Billy desde el momento en que lo vio. Lo vio, y creo que Billy vio a George, y de alguna manera se reconocieron mutuamente y realmente vieron quiénes eran. Y creo que eso es lo que los mantuvo unidos”.

El documental, dirigido por Paris Barclay y producido por Stephanie Allain, Jeanne Elfant Festa, Nigel Sinclair y Cheo Hodari Coker, cuenta con la participación de figuras destacadas como Ringo Starr, Eric Clapton y Sam Moore, quienes comparten sus recuerdos sobre Preston.

La colaboración entre George Harrison y Billy Preston comenzó durante las sesiones de Let It Be en 1969, cuando John Lennon lo consideró “como un quinto Beatle”.

Preston tocó el órgano Hammond en “Something”, el exitoso sencillo de Abbey Road escrito y cantado por Harrison. Como agradecimiento, este último produjo el sencillo de Preston “That’s the Way God Planned It” en 1969.

Billy Preston recuerda en una grabación de audio la creación de ese tema: “Esa canción surgió después de que grabamos ‘Let It Be’. Fue inspirada por ‘Let It Be’. Estaba en el estudio tocando y la canción me vino”.

En esa misma línea, el músico añade: “Se la toqué a George, le encantó y dijo: ‘Oh, solo invitaré a algunos amigos para que toquen en ella’. Entonces llegó Eric Clapton. Keith Richards tocó el bajo. Ginger Baker tocó la batería. Hombre, nos divertimos mucho en ese estudio. Fue simplemente genial”.

Tras la disolución de The Beatles en 1970, ambos músicos mantuvieron una estrecha relación profesional. Preston participó en el emblemático álbum solista de Harrison All Things Must Pass (1970) y en The Concert for Bangladesh (1971).

Por su parte, Harrison coprodujo el álbum Encouraging Words de Preston en 1970, que incluía una colaboración conjunta titulada “Sing One for the Lord” y la primera versión grabada de “My Sweet Lord”, que meses después se convertiría en un éxito número uno para el ex Beatle.

Billy Preston falleció en 2006 a los 59 años, cinco años después de la muerte de George Harrison en 2001 a los 58 años.

Según el director Paris Barclay, “el legado de Billy Preston es simplemente que, a pesar de sus luchas personales, se sentó y mejoró a todos los que lo rodeaban: los Beatles, los Stones, Aretha, Elton, Eric Clapton y Barbra Streisand, por nombrar algunos, y mientras tanto creó sus propios éxitos en el Top 10″.

El cuarteto regresa a Disney+ con “Beatles ‘64”

Un nuevo documental producido por Martin Scorsese y dirigido por David Tedeschi explorará la primera visita de The Beatles a Estados Unidos en febrero de 1964, cuando la banda desató la “Beatlemanía” en el país.

Beatles ‘64 incluye metraje inédito restaurado en 4K, filmado por los documentalistas Albert y David Maysles, así como actuaciones en vivo del primer concierto americano de la banda en el Coliseo de Washington DC y sus apariciones en el programa de Ed Sullivan, que alcanzó una audiencia récord de 73 millones de espectadores.

El documental, que se estrenará el 29 de noviembre en Disney+, cuenta con nuevas entrevistas de Paul McCartney y Ringo Starr, los únicos miembros vivos de la banda, y está producido por Scorsese junto a McCartney, Starr, Olivia Harrison y Sean Ono Lennon.

Coincidiendo con el estreno, siete álbumes americanos de The Beatles serán reeditados en vinilo audiófilo de 180 gramos, cortados analógicamente de sus cintas maestras originales en mono.

Estos lanzamientos, que incluyen Meet The Beatles! y Beatles ‘65, entre otros, no han estado disponibles en vinilo desde 1995.

La legendaria banda británica The Beatles fue nominada a dos categorías en los Grammy 2025 por “Now and Then”, su última canción que utiliza inteligencia artificial para separar el sonido de antiguos archivos de audio.

Las nominaciones, en las categorías de grabación del año y mejor interpretación de rock, marcan el regreso del grupo a estas premiaciones después de 27 años. Su última candidatura a estos galardones fue en 1997, cuando se llevaron tres premios.

“Now and Then”, descrita por Paul McCartney como “la última canción de los Beatles”, se originó a partir de una demo grabada por Lennon en los años 70.

La pista incluye instrumentación nueva de McCartney y Ringo Starr, los únicos miembros sobrevivientes de la banda, además de grabaciones de guitarra del fallecido George Harrison realizadas en los años 90.

Esta grabación, junto con “Free As A Bird” y “Real Love”, fue entregada a los miembros sobrevivientes en los años 90 con la esperanza de incluirla en el proyecto The Beatles Anthology.

La tecnología de aprendizaje automático, desarrollada por el equipo del cineasta Peter Jackson, permitió separar la voz y el piano de John Lennon para obtener un sonido más claro, lo que finalmente hizo posible completar la canción. El director ya había empleado su uso en el documental Get Back.

“No hay IA recreando las voces”, explicó el productor Giles Martin a Rolling Stone. “Para nosotros es la vieja escuela. Creo que se trata de no intentarlo deliberadamente: es mucho más fácil dejar que la gente sea ella misma. En cierto modo, eso es lo que da corazón a la canción”.

A pesar de utilizar inteligencia artificial en su producción, el tema cumple con las reglas de los Grammy, que establecen que “solo los creadores humanos son elegibles para ser nominados o ganar un premio Grammy”, aunque se permite el trabajo que contenga “elementos” de material generado por IA.

The Beatles competirá en la categoría de grabación del año junto a artistas contemporáneos como Beyoncé, Taylor Swift, Billie Eilish, Sabrina Carpenter, Charli XCX, Chappell Roan y Kendrick Lamar.

A lo largo de su carrera, el cuarteto de Liverpool ganó siete premios Grammy en total, incluyendo su primer galardón en 1965 como mejor artista nuevo y mejor interpretación por grupo vocal con “A Hard Day’s Night”. En 1968, obtuvieron el premio al álbum del año por Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Principales nominados a los Grammy 2025

La 67ª edición de los premios Grammy, programada para el 2 de febrero de 2025, presenta una destacada lista de nominados. Taylor Swift ha establecido un nuevo récord como la mujer con más nominaciones en la categoría de álbum del año con su séptima nominación por The Tortured Poets Department, superando incluso a Barbra Streisand.

Beyoncé, quien mantiene el récord como la artista más nominada de todos los tiempos con 99 nominaciones, compite en nuevas categorías, incluyendo mejor álbum country con Cowboy Carter. En el género rap, Kendrick Lamar ha recibido cinco nominaciones por su tema Not Like Us, una respuesta musical a Drake.

La categoría de mejor artista nuevo presenta una competencia entre las revelaciones del 2024, Sabrina Carpenter y Chappell Roan. Carpenter ha alcanzado el éxito con su sexto álbum Short n’ Sweet, mientras que Roan se ha destacado con su debut The Rise and Fall of a Midwest Princess.

Por su parte, la estrella de hyperpop Charli XCX captó la atención del público y la crítica con su innovador álbum Brat, apareciendo como fuerte candidata en las categorías de álbum del año y grabación del año.

También destaca la nominación de The Rolling Stones al mejor álbum de rock por Hackney Diamonds. La banda, liderada por Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood, ha ganado tres Grammy en su carrera, siendo el más reciente en 2018 por Blue & Lonesome en la categoría de mejor álbum de blues tradicional. Su primera nominación se remonta a 1978 por “Some Girls”, que compitió en la categoría de álbum del año.

Los Grammy 2025 se llevarán a cabo el 2 de febrero del próximo año en el Crypto.com Arena de Los Angeles,

Esta pieza del icónico cuarteto de Liverpool compite en una categoría repleta de reconocidos artistas contemporáneos.

Entre los otros nominados figuran ‘Texas Hold ‘Em’ de Beyoncé, ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter, ‘360′ de Charli XCX, ‘Birds of a Feather’ de Billie Eilish, ‘Not Like Us’ de Kendrick Lamar, ‘Good Luck, Babe!’ de Chappell Roan y ‘Fortnight’ de Taylor Swift junto a Post Malone.

Esta nominación destaca el impacto duradero de Los Beatles en la industria musical, incluso décadas después de su separación, y subraya el papel innovador de las nuevas tecnologías en la restauración y revitalización de clásicos musicales.

‘Now and Then’ de Los Beatles

‘Now and Then’, una composición de Los Beatles, tiene sus orígenes en una demo casera que John Lennon grabó en la década de 1970. Posterior a su muerte en 1980, Yoko Ono entregó a Paul McCartney en 1994 una cinta que incluía esta y otras grabaciones inéditas.

En 1995, durante las sesiones de ‘The Beatles Anthology’, McCartney, George Harrison y Ringo Starr intentaron trabajar en la canción, pero las limitaciones tecnológicas y la baja calidad del audio impidieron que fuera completada.

En 2021, gracias a los avances en tecnologías de restauración de audio, específicamente las utilizadas en el documental ‘The Beatles: Get Back’ de Peter Jackson, se pudo aislar la voz de Lennon de la grabación original.

Esto facilitó que McCartney y Starr retomaran el proyecto en 2022, utilizando las partes de guitarra que Harrison había registrado en 1995. McCartney añadió bajo, guitarra, piano y un solo de guitarra inspirado en el estilo de Harrison, mientras que Starr incorporó una nueva pista de batería.

Además, se sumó un arreglo de cuerdas y se integraron coros de otras canciones del grupo, tales como ‘Here, There and Everywhere’, ‘Eleanor Rigby’ y ‘Because’.

La producción final fue liderada por McCartney y Giles Martin, con mezcla de Spike Stent. El tema fue publicado el 2 de noviembre de 2023, acompañado de un documental que detalla el proceso creativo y la tecnología utilizada para completar lo que se describe como la última canción de The Beatles.

Normativa de los Premios Grammy en cuanto al uso de IA

Las reglas y directrices de los premios Grammy establecen que el galardón reconoce la excelencia creativa y solo los creadores humanos son elegibles para ser considerados, nominados o ganar un premio Grammy.

Las obras que no contengan autoría humana no pueden ser elegibles en ninguna categoría. Sin embargo, las obras que incluyan elementos generados por inteligencia artificial pueden ser consideradas en ciertas categorías, siempre y cuando se cumplan criterios específicos.

En primer lugar, la autoría humana en la obra presentada debe ser significativa y más que “de minimis”, es decir, no debe ser tan pequeña o insignificante como para ser desestimada. En segundo lugar, la parte humana debe ser relevante para la categoría en la que se inscribe la obra.

Por ejemplo, si se presenta en una categoría de composición, debe haber una contribución humana notable en la música y/o letras; si es una categoría de interpretación, la participación humana debe ser evidente en la ejecución.

Además, los autores de material generado por IA no son elegibles como nominados ni como ganadores del premio en lo que respecta a su aporte en la parte de la obra que contiene dicho material.

El objetivo de esta normativa es la preservación del papel del ser humano en la creación artística, reconociendo los avances tecnológicos pero subrayando la importancia de la intervención creativa humana. La inclusión de la IA se admite siempre que complemente y no sustituya la autoría y relevancia del trabajo humano.

¿Taylor Swift es como los Beatles de esta generación? El ex baterista de la agrupación británica, Ringo Starr, comparó el fenómeno de su legendaria banda con el impacto actual de la cantante estadounidense.

En una entrevista exclusiva con American Songwriter, Starr afirmó que Swift es el equivalente moderno de la “Beatlemanía” en términos de ubicuidad, influencia cultural y base de fanáticos apasionados.

“Creo que Taylor Swift es genial. Está atrayendo a la gente”, declaró. El músico recordó su primer encuentro con Taylor cuando ella tenía 14 años en los premios Grammy, acompañada por su madre.

Starr ha sido un admirador de Swift desde hace tiempo, citando “You Belong With Me” como una de sus canciones favoritas en una conversación con ABC en 2009. “Amo a Taylor Swift. Así soy yo”, añadió en aquella ocasión.

Ringo Starr no es el único ex Beatle en reconocer el impacto de Taylor Swift. Su ex compañero de banda, Paul McCartney, también ha expresado su admiración por la artista.

En una entrevista de 2018 con la BBC, McCartney reveló que se inspiró en Swift y la relación que mantiene con sus seguidores para escribir la canción “Who Cares”.

“Estaba pensando en Taylor Swift y su relación con sus jóvenes fans. Es una especie de cosa fraternal”, explicó por ese entonces. Este año, Paul estuvo presente en el Eras Tour, y se le vio bailando e intercambiando pulseras de la amistad con los swifties.

La comparación de Taylor Swift con los Beatles no se limita a los miembros de la banda. El cantante Billy Joel compartió un sentimiento similar en un artículo del New York Times en 2023, después de presenciar una actuación del Eras Tour en Florida.

“Lo único con lo que puedo compararlo es con el fenómeno de la Beatlemanía”, afirmó Joel.

El nuevo trabajo musical de Ringo Starr

Actualmente, Ringo Starr está promocionando su nuevo sencillo “Time on My Hands”, parte de su próximo álbum Look Up, que será lanzado el 10 de enero.

El disco, producido por T Bone Burnett, marca un regreso de Starr a sus raíces country. “Yo era el tipo country en los Beatles”, comentó, recordando cómo solía cantar las canciones de estilo country del grupo.

Además, explicó cómo surgió la colaboración con Burnett: “Estaba haciendo EPs en el estudio. Y pensé, ‘Sería genial si te apeteciera unirte y hacer una pista, y yo pondré la batería y las voces’”.

Lo que comenzó como una idea para un EP se convirtió en un álbum completo cuando Burnett presentó nueve canciones.

Look Up cuenta con colaboraciones de artistas como Molly Tuttle, Billy Strings, Larkin Poe, Lucius y Alison Krauss.

En ese sentido, T Bone Burnett elogió la voz de Ringo Starr en este trabajo inédito que se suma a su trayectoria como solista. “Nunca ha sonado mejor que en este disco, a los 84 años, y sigue mejorando”, afirmó.

El productor también destacó la importancia de Starr en la historia de la música: “No hay nadie en el mundo que haya generado más buena voluntad que Ringo Starr”.

El músico realizará dos actuaciones en vivo en el Ryman Auditorium de Nashville los días 14 y 15 de enero, con algunos de los músicos que aparecen en el nuevo álbum. Estas actuaciones serán filmadas para un especial.

Además de su nuevo proyecto musical, Ringo también participó recientemente en un nuevo documental sobre los Beatles titulado Beatles ‘64, producido por Martin Scorsese, que se estrenará en Disney+ el 29 de noviembre.

El documental, dirigido por David Tedeschi, incluye entrevistas recientes con Starr y Paul McCartney, ofreciendo una perspectiva contemporánea sobre los eventos de 1964.

Los Beatles, formados en Liverpool en 1960, revolucionaron la música popular durante la década de 1960.

La banda, compuesta por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, produjo éxitos icónicos como “Hey Jude”, “Let It Be” y “Yesterday”.

Su influencia en la cultura popular fue tan profunda que dio origen al término “Beatlemanía” para describir la histeria de sus fans. La banda se separó en 1970, pero su legado continúa como el grupo musical más vendido de la historia.

Hola, ahí.

Pienso que vas a coincidir conmigo en que hay algo pleno de potencia en algunos números, una relevancia simbólica que produce efectos en lo real. Y es que las cifras pueden ser conmovedoras y abrasivas al mismo tiempo. Pueden estremecer y también asustar.

Este que estás leyendo es el envío número 100 de Fui, vi y escribí y me veo obligada a decirte que me impresiona mucho haber llegado hasta acá, con tantos temas, recomendaciones y miradas sobre diferentes fenómenos del arte, la cultura, la política y también la vida.

Es por eso que, antes de arrancar con un correo con temas de coyuntura pero también de más largo plazo, hoy quiero darte las gracias por acompañarme, por leer semana a semana estas botellas al mar que son mis textos pero también por el modo en que desde un comienzo me hiciste saber que estabas ahí. Son tus correos y tus mensajes en las redes el espejo necesario y estimulante que me permite seguir pensando y escribiendo esta forma amistosa de la correspondencia.

Por todo eso, cien veces gracias.

Beatles hasta el fin

El último envío fue el disparador de correos muy conmovedores. Somos muchos quienes venimos teniendo “toda una vida con Paul” porque somos aquellos que ya tenemos muchos años sobre la Tierra pero también nuestros hijos y algunos nietos que heredaron la pasión y la beatlemanía.

Muchos me contaron con emoción y en detalle con quién fueron a ver y escuchar el concierto de McCartney en River. Otros -estoy segura- lloraron mientras me escribían que por primera vez habían ido a ver a Paul sin la compañía de los conciertos anteriores y de toda la vida, mientras algunos lectores -varios muy jóvenes- se propusieron contarme cómo había nacido su amor por los Beatles y por McCartney. Leer cada uno de esos mensajes fue como sentirme parte de un abrazo colectivo, un contacto muy cercano a través de la letra, una forma de comunión cada vez más inusual en un mundo que es pura virtualidad.

Mientras escribo, leo que a fines de noviembre Disney+ va a estrenar un documental que recorre lo que fue el primer viaje de The Beatles a los Estados Unidos. La película se llama Beatles 64, fue dirigida por David Tedeschi y producida por Martin Scorsese (de paso, si no viste el documental que Scorsese hizo sobre George Harrison salí corriendo a buscarlo) e incluirá imágenes inéditas de la banda, filmadas por los documentalistas Albert y David Maysles y restauradas en Nueva Zelanda.

La actuación en vivo en el primer concierto del Washington DC Coliseum y las tres apariciones que hicieron en el show televisivo de Ed Sullivan también fueron recuperadas y procesadas con nuevas tecnologías para el documental.

La primera presentación en el programa de Sullivan ocurrió el 9 de febrero de 1964, dos días después de que los fab four llegaran al Aeropuerto John F. Kennedy -donde los esperaban unas cuatro mil personas y doscientos periodistas-, y fue seguida por 73 millones de espectadores, algo así como el 40% de los habitantes de ese país por entonces. Dos semanas antes de su arribo se había lanzado en Estados Unidos con mucho éxito el simple “I Wanna Hold your Hand”. Los Beatles regresaron a ese país en agosto de ese mismo año y en febrero del año siguiente.

En 1995, la única vez que con W. visitamos el entonces Museo de la Radio y la TV de Nueva York (actualmente The Paley Center For Media), cuando nos preguntaron qué queríamos ver pedimos justamente ese primer programa de los Beatles en lo de Ed Sullivan. Así de obvios y fans fuimos.

Leo en el anuncio que a la música y las imágenes que componen Beatles 64 se suman nuevas entrevistas que les hicieron para el documental a Paul McCartney y Ringo Starr, y también a fans -tal vez, entre ellas, algunas de las chicas que los recibían a los gritos en el aeropuerto o en los estadios- y cuyas vidas, dicen las agencias, “fueron transformadas por la música” de los británicos.

Como mi vida y como la tuya.

Una vegetariana diferente

Ya a esta altura hace una semana que sabemos quién ganó el Nobel de Literatura. Es una mujer, es joven para el promedio de los galardonados anteriores, es coreana. Leí hace varios años, gracias a la insistencia de mi amiga Lucila, una de las novelas de Han Kang, la más conocida, La vegetariana.

Después de leer esa novela perturbadora, sumé una reseña a una nota acerca de diferentes libros que tratan sobre los vínculos familiares. Como no cambié mi manera de ver el libro ni el modo de narrar de la escritora, reproduzco con ligerísmas variantes mi comentario de entonces:

Yeonghye es o parece ser una mujer normal (“ningún atractivo en especial ni defecto en particular”, dirá -falto de gentileza- su marido) hasta el día que, luego de repetidas pesadillas que la atormentan, resuelve dejar de comer carne. “Me llenó la nariz el olor a perro que las semillas de perilla no lograban tapar. Recuerdo sus ojos reflejándose en la sopa, los ojos con los que me miraba cuando vomitaba sangre con espuma”.

Su marido -y junto a él, los lectores- asiste con perplejidad a la transformación de su joven esposa, que una noche se levanta y comienza a tirar los alimentos que hay en su heladera. Yeonghye ya no soporta la carne, todo lo vinculado a ella le parece “espeluznante, sucio, terrible y cruel”. Lo que comienza como un cambio de dieta o de conducta irá convirtiéndose en un viaje hacia la mayor oscuridad y todas las microviolencias que pasaron por la vida de la mujer irán aflorando de manera brutal. Tragedia moderna que alberga todas las crueldades, Yeonghye quiere desaparecer o, mejor, busca dejar de ser humana y convertirse en un árbol.

La novela de Han Kang, escrita en 2007, ahora está publicada por Penguin pero fue traducida por primera vez al español en Argentina por la editorial Bajo la luna en 2012 y recién en 2015 tuvo su traducción al inglés, un trabajo que recibió el prestigioso premio Man Booker al año siguiente. En 2017 el sello independiente español Rata publicó el libro y lo hizo utilizando la misma traducción argentina de Sun-Me Yoon (quien además fue la persona que le acercó la propuesta a Bajo la Luna).

Es muy interesante el itinerario de esta novela ya que el paso del tiempo, con la lucha por los derechos de las mujeres como tópico internacional y con el crecimiento exponencial de personas que deciden eliminar todo tipo de carne en sus dietas, le terminó dando a la novela nuevos y fascinantes sentidos en estos años, a lo que ahora se suma la entrega del Nobel, claro.

Pero además de ser una historia atrapante en su excentricidad y dramatismo, La vegetariana es además muy atractiva en su construcción. Dividida en tres partes con puntos de vista diferentes y que podrían, incluso, leerse por separado, la cuestión familiar aparece como dominante en la dramática situación de Yeonghye. La historia con su marido, la violencia de su padre y el vínculo perverso con su cuñado artista son centrales pero es la relación con su hermana mayor, In-hye, lo que termina siendo sustancial. Ese vínculo, ese cuidado amoroso de una hermana por encima de cualquier situación accidental, revitaliza el concepto de “sororidad”.

“Al otro lado del vidrio del parabrisas de la ambulancia, se despliega el frondoso bosque de verano. Bajo el sol que ha salido a la tarde, todas las hojas de los árboles mojadas por la lluvia brillan intensamente como si hubieran nacido de nuevo. Ella acomoda los cabellos aún empapados de Yeonghye detrás de las orejas. Como le había dicho Heeju, su cuerpo no pesaba nada. La piel, cubierta de un fino vello como los bebés, era blanca y suave. Mientras le enjabonaba la espalda, en donde le sobresalían cada una de sus vértebras, se acuerda de las innumerables veces que se bañó con ella cuando eran niñas, limpiándole la espalda y lavándole los cabellos”.

La vegetariana es una novela distinta, por momentos extraña, siempre dolorosa. Habla de una cultura diferente pero de una sensibilidad humana idéntica. Es una lectura cruda, poderosa e inolvidable.

Caballos, de nuevo

Cuando semanas atrás escribí sobre la película El Jockey, de Luis Ortega, y sobre el libro ¿Por qué son tan lindos los caballos?, de Julieta Correa, de alguna manera sabía que me estaba olvidando de mencionar un libro reciente. Y lo sabía porque me lo habían recomendado mucho y lo tenía en una de esas mesas de “Libros para ser leídos pronto” que pueblan mi casa y de las que te hablé alguna vez (o algunas veces).

Pues bien, afortunadamente lo leí esta semana.

El libro se llama Yo sé lo que sé (Kick the Latch, en inglés) y está escrito en primera persona. Su autora es la estadounidense Kathryn Scanlan, tiene 43 años, y si tenemos que pensar en su género, podríamos llamarlo novela de no ficción o simplemente novela (hoy todo lo que es híbrido o que, aun siendo no ficción, no cabe en la mirada clásica es catalogado como novela) pero podríamos también definirlo como “memorias”, aunque deberíamos aclarar que la escritora narra las memorias de otro. De otra, en realidad.

Se trata de un libro breve, que cuenta la historia de Sonia, una entrenadora de caballos ya retirada, de poco más de 60 años y nacida en Iowa, al igual que la autora del libro. Scanlan llegó a esa historia a través de algunas entrevistas con Sonia -fue la madre de la escritora quien las presentó- y lo que deslumbra en su libro es el trabajo de montaje literario, la reconstrucción de una voz, el sonido de una vida que se cuenta como historia oral en suspiros.

Son doce capítulos compuestos por fragmentos (suspiros) breves, algunos brevísimos y un epílogo. Los títulos parecen versos escapados de algunos poemas, al estilo Lydia Davis (quien, dicho sea de paso, hizo un gran elogio de este libro, publicado en la Argentina por Fiordo). Lo que hay en Yo sé lo que sé es pura belleza comprimida en la que caben el dolor, el amor, el desamparo, la crueldad y la violencia en la vida de una mujer que nació con una malformación, que siente que fue criada por uno de sus caballos y que vivió siempre cerca de sus animales favoritos en studs, hipódromos y carreras.

Es un libro que, a la vez, habla sobre el amor a los animales pero también sobre el maltrato al que se los somete cuando detrás hay un negocio y una mafia. Hay adicciones, accidentes, violaciones. Todo se mira con cierta distancia. No faltan palabras y no sobra ninguna.

En una entrevista con el diario El País, Kathryn Scanlan contó que los textos, escritos en primera persona, “son bloques sueltos con sus palabras, viñetas que armé moviendo la información, las palabras de Sonia. Cuando tuve todos los textos los imprimí y coloqué en el suelo para buscar la afinidad entre ellos y ordenarlos”.

Van algunas frases que marqué en mi ejemplar:

Sobre Rowdy, su caballo: “Siempre me miraba, y yo siempre le devolvía la mirada. Si tus padres se llevan mal, si discuten, si hay una situación de maltrato, tienes a tu caballo. Cuando las cosas andaban mal, yo me iba con el caballo y el caballo siempre mejoraba todo. Por eso siempre digo que fue mi caballo el que me crió”.

“El caballo de un jockey se asustó, salió corriendo, rompió las vallas de afuera y embistió contra una hilera de árboles. Ingresan al jockey en el hospital y el médico pregunta: ¿Cuándo fue de cuerpo por última vez? Un segundo antes de golpearme contra el primer árbol, dice el jockey”.

“Siempre hay caballos enigmáticos. (...) Los mejores entrenadores trabajan con lo que quiere hacer el caballo”.

“Pasas horas y horas con un caballo: te enamoras de él. Los caballos dejan el corazón en la pista por ti. Te das cuenta cuando están doloridos”.

“Se portaban como vaqueros. Yo les caía bien, pero no dejaba de ser una entrenadora mujer. Todo lo tenía que hacer el doble de bien”.

“Las leyes se relajan cuando uno transporta millones de dólares en carne de caballo”.

“Dicen que uno nunca se saca las carreras de la sangre. Sigo soñando con ellas casi todas las noches”.

La vida de Sonia resulta apasionante para el lector por el modo en que Scanlan eligió disponer narrativamente de los materiales, la estrategia literaria elegida para llevar esa vida al formato libro. Es decir, la manera en que eligió contar como algo extraordinario una vida que de otro modo hubiera seguido en sordina, como la enorme mayoría de las vidas humanas.

Cómo frenar la deshumanización

Leo mucho acerca de lo que está ocurriendo en Medio Oriente. Lo hago siempre con regularidad pero se convirtió en una práctica diaria a partir de la masacre del 7 de octubre en el sur de Israel y la brutal respuesta del gobierno de Netanyahu en Gaza, a lo que se sumó luego el enfrentamiento con Hezbollah, en el norte.

Leo las noticias, las columnas de opinión; advierto la perplejidad del resto del mundo ante las guerras que cuestan vidas y calidad de vida. Advierto también el costo en términos de imagen en la opinión pública que estas guerras desatan no solo para Israel sino para los judíos de todo el mundo, algo que sucede por ignorancia, por ceguera y también por antisemitismo.

No todos los israelíes están de acuerdo con el gobierno de Netanyahu. No todos los judíos están de acuerdo con las acciones del gobierno israelí. Desaprobar las políticas y estrategias militares del gobierno israelí no implica de ninguna manera restarle responsabilidad al terrorismo de Hamas sino creer que a los fundamentalismos no se los derrota con un fundamentalismo de otro signo.

Entre todo lo que estuve leyendo, destaco una entrevista de la BBC a un filósofo judío estadounidense, David Livingstone Smith, profesor de la Universidad de Nueva Inglaterra y autor de varios libros, entre ellos Less than Human y Making Monsters. El título de la nota me llamó la atención: “Cuando tratas con ‘monstruos’, no hay piedad ni reglas: la tarea es destruirlos. Me temo que esto es lo que vemos en la retórica exterminacionista en Medio Oriente”. Y ahí me sumergí.

Livingstone es experto en el tema de la deshumanización, un concepto sobre el que escribí en uno de los envíos, meses atrás. El filósofo y académico explica en qué consiste la práctica de restarle humanidad al otro, sobre todo cuando hay de por medio conflictos religiosos o raciales (recuerda, por ejemplo, lo sucedido con los japoneses en Estados Unidos, luego de la Segunda Guerra Mundial) y aplica esta forma de pensamiento para entender la actualidad bélica en Medio Oriente pero también en la guerra en Ucrania (en ambos bandos) y lo extiende a los mensajes del expresidente Donald Trump, candidato republicano que busca regresar a la Casa Blanca.

Desde países como Argentina, podríamos pensar también que esa idea de deshumanizar y convertir a los otros en monstruos o en especies diferentes a las que hay que eliminar no nos es ajena.

Dice Livingstone:

“Cuando un grupo de gente concibe a otro como infrahumano, se crea una situación muy peligrosa, porque podemos tratar a criaturas menos humanas de forma muy diferente a como nos sentimos obligados a tratar a los miembros de nuestra propia especie.

Los insectos pueden ser exterminados, pisados, aplastados. Nadie siente mucha compasión por un gusano. Así que, si se consigue inculcar en la mente de la población que esos otros son infrahumanos, se pueden permitir terribles actos de violencia.

Los monstruos no son reales. Son encarnaciones ficticias del mal. Y cuando empiezas a considerar a un grupo de personas como encarnaciones del mal, tienes una situación muy peligrosa y destructiva. Lo hemos visto una y otra vez históricamente. Cuando tratas con ‘monstruos’, no hay piedad, no hay reglas: la tarea es destruirlos por completo”.

Exterminar a un monstruo resulta así mucho menos costoso en materia de valores y hasta necesario en términos de supervivencia, si se lo compara con matar a un humano. Asistimos a una era de la deshumanización de la que todos formamos parte. Cada vez nos resistimos menos a esa idea que integra el catálogo de la nueva conducta siglo XXI y que es alentada por algoritmos pero también por seres humanos que solo entienden la lógica de “son ellos o somos nosotros”.

Esto escribí a comienzos de abril de este año:

“Nunca como ahora tuvimos como humanidad más acceso a la información ni más posibilidades y plataformas para debatir sobre todos los temas. Sin embargo, lo que debería habernos enriquecido en materia de pensamiento se congeló en la estrechez del binarismo. Estamos acá o estamos allá, no hay matices. Todos pensamos que la razón está de nuestro lado y a nadie le importa -ni le parece necesario- profundizar en el intercambio de ideas.

No recuerdo haber vivido antes momentos de tanta precariedad en la discusión pública. Tampoco recuerdo haber experimentado la hostilidad, el desprecio y el maltrato con los que nos dirigimos unos a otros en las redes, en los medios y en la vida real”.

Reproduzco por último un fragmento muy revelador de la respuesta que le da Livingstone al periodista Gerardo Lissardy cuando le consulta qué se puede hacer para detener y revertir este proceso de deshumanización.

“Si miramos históricamente, todo el mundo tiene las manos manchadas de sangre. Las naciones nacen en la violencia. Es falso que haya algún grupo religioso que haya sido universalmente tolerante y generoso con los demás, a pesar de que se diga lo contrario.

Y es muy importante que la gente sea educada en los actos de atrocidad que su propio grupo ha cometido históricamente, porque eso introduce una medida de humildad. Enseña a la gente: ‘Dios mío, somos capaces de hacer estas cosas; no son sólo los otros, somos nosotros. Así que tenemos que tener cuidado’.

Otro elemento educativo importante es comprender cómo y por qué todos somos capaces de deshumanizar a los demás y entender las formas específicas de propaganda que son tan poderosas para conseguir que pensemos que los demás son menos que humanos”.

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Me despido por hoy, contándote que las imágenes que acompañan este envío son las tapas de los libros mencionados, una foto de los Beatles a su llegada a Estados Unidos en 1964 y también cuadros de Bartolomé Murillo, Keith Haring, Leempoels, Della Valle, Grosz y Piotr Michalowski.

Te recuerdo mi mail por si te dan ganas de mandarme un mensaje: es hpomeraniec@infobae.com. Espero que tengas una buena semana y que, si las cosas no están del todo bien, igualmente consigas encontrar algunos momentos de amor, belleza y felicidad. Ese es mi mayor deseo en este envío de celebración.

Hasta la próxima.

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Paul McCartney, una de las personalidades más conocidas del mundo, el ex beatle que con 82 años sigue haciendo música y girando por todo el mudo, es además un referente de la alimentación saludable. Vegetariano desde hace ya muchos años, el artista lleva adelante una rutina de bienestar que incluye no solo comidas saludables, sino también la práctica del yoga y el ejercicio físico.

El cavolo nero, también conocido como kale lacinato, col negra toscana o col dinosaurio, es uno de los alimentos que consume y se ha ganado un lugar destacado en las dietas saludables gracias a sus múltiples beneficios nutricionales.

Esta variedad de col rizada originaria de la región de Toscana, Italia, ha llamado la atención de personas influyentes, como Paul McCartney, quien lo incluye dentro de su lista de alimentos indispensables para mantener su estilo de vida vegetariano y saludable de cara a los shows que dará en Argentina.

Además de ser un ingrediente versátil en la cocina, su contenido nutricional lo convierte en un aliado para la salud, con propiedades antioxidantes, antiinflamatorias y beneficios cardiovasculares.

El cavolo nero destaca por sus hojas largas, oscuras y rugosas, que le otorgan un sabor terroso y ligeramente dulce, diferente de otras variedades de kale. En la cocina italiana es muy utilizado en sopas como la ribollita, salteados o guisos, por su capacidad de aportar textura y sabor a las preparaciones.

También es conocido como “kale lacinato”, “col negra toscana” o “col dinosaurio” debido a la forma y textura de sus hojas, que recuerdan a la piel de estos reptiles prehistóricos.

Beneficios nutricionales del cavolo nero

1. Rico en antioxidantes: El cavolo nero contiene una gran cantidad de compuestos antioxidantes como polifenoles, flavonoides y carotenoides. Estos antioxidantes ayudan a combatir el daño oxidativo a nivel celular, disminuyendo el riesgo de enfermedades crónicas. Un estudio en Molecules destaca que los vegetales de la familia Brassicaceae, como esta col rizada, poseen efectos antioxidantes y antiinflamatorios que protegen al organismo del estrés oxidativo
2. Propiedades antiinflamatorias: La presencia de glucosinolatos y sulforafano en el cavolo nero le otorga propiedades antiinflamatorias, lo que podría reducir el riesgo de enfermedades inflamatorias crónicas. Estos compuestos modulan la respuesta inflamatoria, contribuyendo a una mejor salud general y previniendo enfermedades crónicas relacionadas con la inflamación
3. Beneficios cardiovasculares: Gracias a su alto contenido en fibra, el cavolo nero ayuda a mantener niveles saludables de colesterol y controlar la presión arterial. La inclusión de vegetales crucíferos como esta col en la dieta puede mejorar la salud cardiovascular, mejorando el perfil lipídico y la presión arterial
4. Fuente de vitaminas y minerales esenciales: Esta variedad de kale es rica en vitamina K, esencial para la coagulación sanguínea y la salud ósea; vitamina A, necesaria para la visión y el sistema inmunológico; y vitamina C, que tiene funciones antioxidantes y fortalece el sistema inmunitario. Además, aporta minerales como el calcio y el hierro, según los NIH.

Paul McCartney y su estilo de vida saludable

Durante su visita a Buenos Aires para la gira “Got Back”, McCartney pidió una selección de alimentos específicos que se adaptan a sus necesidades nutricionales y filosofía de vida.

Entre sus pedidos de comida para el camarín, además de viajar con un chef personal, se incluyen 50 filetes de “pollo falso”, 60 salchichas vegetarianas, hamburguesas veganas, tofu, arroz integral y una variedad de frutas y verduras, entre las que destaca el cavolo nero.

El “pollo falso” es un término utilizado para referirse a alternativas vegetales que imitan el sabor, la textura y el aspecto del pollo tradicional, pero que están elaboradas con ingredientes de origen vegetal. Estas alternativas buscan ofrecer opciones más sostenibles y saludables para quienes siguen dietas vegetarianas o veganas.

En cuanto a las bebidas, solicitó una variedad que va desde la leche de vaca hasta leches vegetales como las de avena, soja, arroz, almendra y coco.

“El objetivo de esta diversidad es asegurar una alimentación equilibrada, manteniendo opciones tanto tradicionales como alternativas”, señalaron fuentes cercanas al músico. Además, pidió bagels al estilo neoyorquino, barras de chocolate orgánicas y bebidas como agua mineral italiana, té japonés, cervezas, licores, vinos y tequila.

McCartney, con 82 años y una vida activa, muestra cómo la alimentación saludable puede ser clave para mantener la energía y el bienestar. En esta gira, que lo lleva a recorrer diferentes países, su dieta refleja su compromiso con la comida consciente y el equilibrio alimenticio.

Yoga y fitness

McCartney incluye también el levantamiento de pesas en su rutina de gimnasio y también es aficionado al running y al yoga. A diferencia de otros músicos, no cuenta con un entrenador personal. “No soy el tipo de persona que necesita un entrenador para mantenerse en forma. Voy, observo lo que ellos hacen y luego les copio”, reveló el artista.

En cuanto al consumo de drogas, McCartney confesó recientemente: “La última vez que fumé marihuana fue hace mucho tiempo. En lugar de fumar un porro, ahora tengo una copa de vino tinto o un buen cóctel margarita”.

Como vegano, entre sus platos preferidos se encuentran los tallarines Pad Thai, las hamburguesas de yaca, la ensalada panzanella y las galletas crujientes de nueces pecanas.

“Hay una anécdota que ilustra cómo pocas la genialidad del joven Paul McCartney. Corría 1965 y se despertaba en la casa de los padres de su novia del momento, la actriz Jane Asher. Inmediatamente, escribió lo que había sonado en su sueño, pero era tan buena, incluso para lo que había compuesto hasta aquel momento, que estaba convencido que no podía ser suya, que debía ser una copia de alguna canción incrustada en su subconsciente. Sabía que estaba ante algo grande, llamó a Lennon, que a la hora estaba en la casa de sus suegros, a pesar de que, por su carácter, nunca era muy bien recibido ahí. Paul ya la había grabado en un magnetófono de cinta, y Lennon lo ayudó con algunos toques, pero poco más. Se la llevó a distintos productores, se la mostró a sus compañeros de banda, a George Martin, y nada, nadie la había escuchado, no existía antes, pero existía ahora. McCartney se la tarareaba a sus compañeros durante meses, ya hartos de escucharla. Terminó siendo la primera canción de los Beatles compuesta casi enteramente por uno de ellos, con el oído y las manos mágicas de Martin, que agregó la sección de cuerdas, la primera vez que se hacía en una canción pop de ese estilo. La canción, que originalmente se llamaba “Scrambled eggs” (“Huevos revueltos”) porque eso era lo que olía en la casa de los padres de Asher mientras la escribía, actualmente es la más versionada de todos los tiempos, y se llama “Yesterday”.

Todo lo que podría escribirse sobre esa canción ya está escrito y reescrito, pero sirve como indicador para intentar dimensionar un poco la genialidad de un hombre que parece que siempre estuvo ahí, porque es parte de la banda de sonido de nuestras vidas a tal punto que no podríamos concebir las mismas sin su obra.

Así empieza el prólogo de Paul McCartney. Siempre Beatle, el libro electrónico que Leamos -la editorial digital de Infobae- ofrece en forma gratuita. (Aquí, cómo registrarse y leerlo de manera muy sencilla).

El libro hace un detallado recorrido por la carrera de McCartney, desde sus éxitos con los Beatles, su faceta como solista, hasta sus polémicas y relaciones personales. También aborda temas como su trabajo con Wings, su constante reinvención y la compleja relación con John Lennon, George Harrison y Ringo Starr. Uno de los artículos hace un recorrido por diez álbumes fundamentales, comenzando con Please Please Me (1963), primer disco de los Beatles, y resaltando la energía de temas como “I Saw Her Standing There”. Luego analiza otros álbumes icónicos de la banda como Help! (1965), que incluye “Yesterday”, la canción más versionada de todos los tiempos, y Revolver (1966), donde Paul se destaca con canciones como “Here, There and Everywhere”. También se menciona el icónico Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), considerado uno de los discos más importantes de la música pop por su carácter conceptual e innovador.

Ahora que el músico está de gira por América Latina, Paul McCartney. Siempre Beatle lleva a los lectores una mirada íntima y reveladora sobre uno de los músicos más influyentes del siglo XX.

En el libro hay artículos de Matías Bauso, Mario Mactas, Marianela Insua Escalante, Fernando Soriano, Daniel Bajarlía, Pablo Andisco y Lala Toutonian. El prólogo, que aquí se reproduce completo, lo escribió Gonzalo Fiore Viani.

Paul McCartney. Siempre Beatle (Prólogo)

A mediados/finales de los años 50, cuando el rock and roll era un fenómeno que prometía arrasar con todas las viejas costumbres, Lennon era el James Dean liverpuliano, con tupé, campera de cuero y jean ajustados. Paul era el chico bueno que toda madre quería para su hija, pero su pasión por el rock and roll y los sonidos que llegaban al puerto desde los Estados Unidos los emparejaban. También su trágica adolescencia, ambos habían perdido a sus madres siendo muy jóvenes, y habían encontrado en los discos de vinilo el refugio a sus problemas. Por sobre todas las cosas, los Beatles fueron una gran banda de rock and roll y ahí están las fotos y las grabaciones que sobreviven de los primeros tiempos para atestiguarlo. Los gritos de Paul en la primera canción del debut, “Please Please Me”, de 1962, lo deja más que claro. Los gritos a lo Little Richard podrían haber sorprendido a los oyentes desprevenidos, pero no a quienes seguían a la banda desde sus días en The Cavern y en los antros sudorosos de Hamburgo. La habilidad de Paul para imitar los sonidos vocales de Richard hicieron que la banda toque muchas de sus canciones en vivo, juntos a otros hoy clásicos del entonces recién nacido rock and roll. Lo que Buddy Holly fue para Lennon, Little Richard lo fue para McCartney, Elvis Presley y Chuck Berry, por supuesto, fueron lo más grande para todos ellos. Cuando se habla de los Beatles en contraposición con los Rolling Stones, suele olvidarse que sus raíces eran prácticamente las mismas, aunque mientras los segundos bebían más del rhythm and blues, los primeros lo hacían más del viejo rock and roll, algo que Paul mantuvo a lo largo de toda su vida.

La historia de cómo se conocieron con Lennon es famosa: a los 15 años fue a ver a los Quarrymen, un grupo de skiffle, una especie de versión británica del rock and roll, allí se los presentó un conocido en común. Al poco tiempo, lo invitaron a ser parte de la banda, y se hicieron inseparables. Su relación se convirtió en algo tan profundo que incluso Jane Asher, novia durante la beatlemania, estaba celosa de la conexión que sentían. Como en muchos romances, tuvieron su caída a finales de los 60, con la separación de los Beatles y el crecimiento personal de cada uno, pero nunca dejaron de frecuentarse. Es conocida la anécdota de cuando estaban los dos juntos en el departamento de Lennon, el mítico Dakota neoyorquino, mirando el programa de comedia “Saturday Night Live”, y el presentador lanzó un desafío a los Beatles para reunirse. Casi se suben a un taxi y lo hacen, pero desistieron en el último momento. Contaba Lennon que durante esta época Paul solía llamarlo o aparecer en su casa sin avisar, a veces junto a Linda, a veces solo, en muchas ocasiones, con su guitarra a cuestas, quizás para tentar a su viejo amigo a volver a componer juntos, siempre sin éxito. Existe una grabación de calidad dudosa, pero que puede encontrarse fácilmente en Internet bajo el título de “A tooth and a snore”, de un valor histórico incalculable por tratarse de la última vez que Paul y John tocaron juntos, en 1974. Con la participación, nada más ni nada menos, que de Stevie Wonder, Harry Nilsson, Jessie Ed Davies y Bobby Keys, la grabación fue registrada durante famoso Lost Weekend, el fin de semana perdido de Lennon, separado de Yoko, en Los Angeles. Paul lo invitó a participar del siguiente disco de Wings, Venus and Mars, de 1975, que se estaba grabando en Nueva Orleans. Lennon estuvo a punto de ir, pero decidió volver a Nueva York para reconciliarse con Ono e inició su retiro por cinco años. El reencuentro musical propiamente dicho nunca se produjo, pero uno puede especular con que lo hubieran hecho en algún momento, quizás durante el Live Aid de 1985 o durante los Anthology.

“Lo único que hiciste fue ‘Yesterday’, y desde que te fuiste solo eres ‘Another day’” le llegó a cantar John Lennon a Paul McCartney en “How do you sleep”, del disco Imagine, de 1971. “Another Day” había sido el single solista debut de Paul, y se había convertido en febrero de ese año en uno de los primeros hits de un ex Beatle tras la separación de 1970. Más allá de lo injusto del ataque, del cual Lennon se arrepentiría poco tiempo después, hay por lo menos tres grandes falsedades allí: la ya comentada, y las frases “So Sgt. Pepper took you by surprise” “”Así que Sgt. Pepper te tomó por sorpresa”) y “Those freaks was right when they said you was dead” (“Esos freaks tenían razón cuando decían que habías muerto”). Aludía irónicamente al famoso mito de que el verdadero Paul había muerto en un accidente de auto en 1966 para luego ser reemplazado por un doble, pero cuando Lennon le dice que Sgt. Pepper… tomó por sorpresa a su amigo, es otro mito, que pasó a la historia como una verdad. Lo cierto es que la idea de la banda ficticia y el disco conceptual fueron de Paul, que fue el último en irse del centro de Londres, cuando todos sus compañeros, incluido Lennon, adquirieron casas en las afueras de la ciudad, se casaron y comenzaron a formar familias, McCartney continuaba frecuentando los eventos de vanguardia londinense y maravillándose por la música clásica contemporánea de compositores como Karlheinz Stockhausen o John Cage. Fue el último del grupo en probar LSD, introducido en el consumo del alucinógeno por su amigo, el malogrado Tara Browne (el hombre del accidente de auto tomado como inspiración para “A day in the life”) en diciembre de 1965, pero se convirtió en el primero de los Beatles en anunciarlo públicamente, lo que provocó un lógico escándalo en la prensa británica, y, por supuesto, el enojo de Lennon. Paul, con su fama de “blandito”, también fue el que compuso “Helter Skelter”, seria contendiente a la primera canción de heavy metal de la historia. También fue el que en el final intentó mantener, como sea, unida a la banda, el que los quiso hacer volver a los escenarios, y también el primero en anunciar la separación, un 10 de abril de 1970, a pesar de que el grupo ya había terminado hace meses, con la partida de Lennon.

“How do you sleep” era una respuesta a “Too many people”, incluida en el disco Ram, publicado en 1971. Allí Paul le lanzaba varios dardos a su ex compañero: “Too many people preaching practices, don’t let them tell you what you wanna be (…) That was your first mistake, you took your lucky break and broke it in two” (Algo así como “Demasiada gente predicando, no les dejes que te digan que es lo que queres ser (…) Ese fue tu primer error, tomaste tu oportunidad y la partiste en dos”). Paul lo admitió en una entrevista a la revista Playboy en 1980: “Él estaba predicando mucho y me tenía un poco harto. En una canción escribí: ‘Demasiada gente predicando’. Creo que era la frase, quiero decir, era una puya contra John y Yoko. No había nada más en el disco sobre ellos. Oh, y también la frase ‘tomaste tu oportunidad y la partiste en dos’”. Lennon, por aquel entonces híper politizado y con vínculos con el antisistema, se lo tomó pésimo y odió Ram, pero también lo hizo la crítica estadounidense, la biblia de la contracultura por entonces. La revista Rolling Stone publicó una crítica escrita por el periodista Jon Landau destrozando el disco: “Ram representa el nadir de la descomposición del rock de los sesenta hasta ahora. Para algunos, incluido yo, Self-Portrait de Dylan tenía segura esa posición, pero al menos este último era un disco que podías odiar, que podías sentir algo sobre él, incluso si solo era arrepentimiento. Ram es tan inconsecuente e irrelevante de manera colosal que no puedes criticarlo. Es difícil concentrar tus energías en él, incluso que no te guste u odiarlo”. Otros medios del momento como la revista británica New Musical Express o el Village Voice neoyorquino también lo despedazaron sin piedad. A día de hoy, Ram está considerado como uno de los primeros ejemplos de indie pop y calificado con notas perfectas por medios hipster como Pitchfork o Uncut. Cuando se separaron los Beatles, Paul, que había hecho todo, sin éxito y hasta el final para mantener unida a la banda, cayó en una depresión de la que solo pudo salir, según sus propias palabras, gracias a su esposa Linda Eastman, el gran amor de su vida. Encerrados en su finca en Escocia, Linda lo ayudó a armar Ram, el primer disco acreditado a ambos, poco después de su debut solista, McCartney I, con muchas influencias folk y vuelta a las raíces de grupos de la época como The Band.

El crítico de The Times, Kenneth Peacock Tynan, escribió en junio de 1967 -unos días después de la publicación de Sgt Pepper- que se trataba de “un momento decisivo en la historia de la civilización occidental”. No se equivocó. Y por más exagerado que pueda parecerle a algunos, Paul McCartney es uno de los hombres más importantes en la historia de la cultura de la civilización occidental. A diferencia del álbum homónimo -que, con su impronta casera y casi amateur, a su vez, también podría ser considerado el primer gran ejemplo de bedroom pop o pop de habitación-, Ram tiene una producción más profesional, que lo emparenta con los siguientes discos de Paul, ya con su banda de los 70, Wings. A partir de entonces, el británico ya no pretendía cambiar la faz de la cultura occidental ni mucho menos, sino, simplemente, hacer buena música pop, tontas canciones de amor. McCartney se acostumbró a ser, salvó excepciones, criticado por la inteligencia rockera que lo trataba de un mero compositor pop cuyos mejores días habían quedado atrás, como si eso en sí mismo fuera un pecado cuando hablamos del tipo que había compuesto las canciones más importantes de la década del 60. Esto, por supuesto, es falso, y queda a la vista cuando uno hace un repaso por los discos no solo de Wings, sino solistas, publicados hasta bien entrados los 2020. Tras nueve días arrestado en Japón por posesión de marihuana en enero de 1980 -cuentan que Lennon también estuvo enojado por esto, ya que el que siempre había sido “antisistema” era él, y solo había sido arrestado por lo mismo, en Londres durante 1968-, decidió disolver Wings y lanzarse como solista, eso sí, siempre con Linda a su lado.

Otra anécdota que habla de una búsqueda e intento de experimentación permanente es la del viaje a Nigeria, en 1973, para grabar “Band on the Run”, que acabaría siendo el éxito más importante de Wings y uno de sus discos más valorados: “Fui a Lagos y lo primero que me ocurrió es que me acusaron de robar la música de las personas negras. ‘¡Ha venido a robar la música!’. Así que pregunté, ¿quién ha dicho eso? Estaba en los periódicos… Era Fela, claro. Lo llamé por teléfono y le dije: ‘Ey, no estoy acá para eso, simplemente adoro la música africana y quiero recrear ese ambiente”. Paul se refería a Fela Kuti, leyenda nigeriana del afrobeat, género que en los últimos años experimentó un gran crecimiento comercial y que, en aquel momento, apenas comenzaba a despuntar fuera de África. Paul decidió ir a Lagos para embeberse del ambiente y la escena del lugar, hastiado de Londres y todavía intentando sacarse de encima el mote de ex Beatle. Pero no fue bien recibido por los lugareños, comenzando por el mismo Kuti, que temía que el inglés fuera a “robarle la música” en un acto de colonialismo más. Después de algunos intentos fallidos donde Fela le aseguraba, quizás en tono de broma, que no sabía quién era Paul McCartney y que no conocía a ningún grupo llamado The Beatles “porque nunca han tocado en África”, terminaron conociéndose, y Paul contó: “No hay nada como la música africana’, me dijo. Así que nos convertimos en buenos amigos y me invitó al Afrika Shrine, su mítico club a las afueras de Lagos. Pasé una noche fantástica, fue una experiencia salvaje. Y él tocó una canción que nunca he sido capaz de encontrar grabada. Pero fue muy intenso, cuando acabó yo estaba llorando”.

La obra de Paul siempre fue contrastada, no solo con lo que hizo durante sus años Beatles, sino también con lo que hicieron sus ex socios, sobre todo Lennon. Más allá de clásicos absolutos como “Band on the run” o discos poco valorados en su momento que adquirieron un estatus mítico con las nuevas generaciones como los ya mencionados McCartney I o Ram, podemos encontrar obras como McCartney II, de 1980 con el hit new wave “Coming Up” o el experimento a lo Devo de “Temporary Secretary” -personalmente me gusta mucho, pero gran parte de sus fans la detestan-. También Tug of War de 1982, que incluye “Here Today”, bellísimo homenaje a Lennon, que llevaba ya dos años muerto, Flowers in the Dirt de 1989 con Elvis Costello como nuevo socio creativo, Flaming Pie de 1997, grabado en medio del diagnóstico de cáncer de Linda y la reunión de los Beatles sobrevivientes para los Anthology, con la participación de Ringo Starr y George Martin en las consolas, Run Devil Run, a finales de los 90, un especial tributo a ese rock and roll primitivo que tanto lo marcó en sus comienzos. En los 2000, volvió a tener un nuevo “renacimiento”, al menos para la crítica, con esa obra maestra crepuscular que es Chaos and creation in the backyard, de 2005, y producido por el hombre responsable del sonido Radiohead, Nigel Godrich, sugerencia del mismísimo Martin. Otros discos como Memory almost full de 2007 o McCartney III de 2020, grabado íntegramente por él mismo en plena cuarentena por la pandemia del covid-19, están lejos de ser meros ejercicios nostálgicos y se encuentran a la altura de la leyenda del hombre que los hizo. No debe ser fácil seguir haciendo música e intentando para alguien que, de acuerdo con prácticamente todo el mundo, alcanzó su cima creativa y de fama a los 30 años. Sin embargo, Paul sigue en la suya.

Más allá de los ataques inmediatamente posteriores a la separación de la banda, Lennon siempre dejó en claro que su admiración por su ex compañero se mantenía intacta. En una entrevista con Playboy en 1980 declaró que “Paul es uno de los bajistas más innovadores”, ya que “la mitad de las cosas que están sucediendo ahora son directamente sacadas de su época en los Beatles”. Eso era tan cierto en 1980 como lo es en 2024 y como probablemente lo será dentro de 15 o 20 años. Es verdad que con muchos más géneros musicales en el siglo XXI que los que existían a mediados de los años 60, hoy, el rock and roll o la canción pop al estilo Beatle hace tiempo que no son los géneros dominantes. No obstante, eso no ha hecho que Paul baje su ritmo musical o su influencia sobre el rock y otros géneros de ninguna manera. En una entrevista de 2022, McCartney comentó que sigue escuchando música nueva cada vez que puede, y que le gustan cosas más contemporáneas como St. Vincent, Khruangbin, Beck o Dominic Fike, aunque su principal pasión sigue siendo el rock and roll de los años 50 y 60, sumado al soul y el R&B de Motown y Stax, que tanto lo influenció desde sus épocas en los Beatles, además de la música clásica. Está claro que absolutamente toda pareja de compositores en cualquier estilo musical remotamente parecido al pop o al rock será siempre comparada con aquella dupla irrepetible que formaron Lennon y McCartney. Tan excepcional que, a pesar de haber durado apenas ocho años de grabaciones, continúa impregnando la cultura popular y siendo la vara con la que se mide todo lo demás.

Paul también es, y por sobre todas las cosas, un preciosista de la canción, quizás, el más importante de todo el siglo XX. Ahí está no solo la obra firmada con la imprescindible y mágica conjunción de personalidades que fueron los Beatles, sino también su obra solista. A finales de 2022 se publicó el box set que incluye todos los singles de 7 pulgadas junto a sus lados B publicados por McCartney a lo largo de su vida, o, por lo menos, hasta esa fecha. Lo primero que uno piensa tras escucharlo es qué se está ante el corpus de trabajo más importante de la historia de la música popular, y lo más probable es que uno no se equivoque. Son 159 canciones, la primera es Another Day de 1970 y la última es Women and Wives en colaboración con St. Vincent, de 2021. Su música es tan atemporal y fuera de todo tipo de modas o tendencias de la industria que artistas actuales mega exitosas como Taylor Swift lo consideran un referente creativo y le profesan su admiración en público. No sólo sorprende la calidad y la extensión, sino los períodos de tiempo en los que se publicó, pocos artistas logran mantener semejante nivel durante tantas décadas. Al momento de escribir estas líneas, Sir James Paul McCartney tiene 80 años, 12 discos de estudio con los Beatles, 26 álbums solistas -incluyendo Wings-, y cientos de clásicos a sus espaldas. Seguramente esta lista mute en los próximos años, porque si algo ha caracterizado a Paul durante toda su vida es que nunca se quedó quieto, siempre atento al siguiente paso.

A pesar de su movimiento permanente, Paul nunca quiso separar realmente a los Beatles. Durante la famosa entrevista del director de Rolling Stone, Jan Werner, a John Lennon en 1970, este definió al fallido proyecto Get Back como “instigado por Paul y para Paul”. Por aquel entonces los Beatles ya estaban prácticamente terminados, Lennon en esa entrevista también contó que, a esas alturas del partido, todos se “sentían solo acompañantes” del bajista. Para aquel momento ya no se soportaban entre sí, y, viéndolo en retrospectiva, también es imposible que hubieran durado demasiado más. En otros grupos de rock británico la situación era diferente, en los Stones, la dupla Jagger-Richards funcionaba y lo sigue haciendo porque uno escribe las letras, pero otro hace toda la música, en los Kinks era Ray Davies quien componía, en los Who, Pete Townshend, pero en los Beatles había dos compositores del calibre de Lennon y McCartney, sumado a un Harrison que cada vez pedía más pista y aportaba mejores composiciones que se sostenían por derecho propio.

A pesar de los intentos desesperados de Paul por volver al grupo a sus raíces de tocar rock and roll en vivo, la suerte estaba echada. Los Beatles podrían haber ingresado bien a la nueva década, la prueba está en que tanto la música de Abbey Road como la de sus integrantes en solitario no desentona para nada con el resto de lo que sonaba por aquel momento. Pero solo quedaba algo para cimentar el mito y era separarse. Eso también lo hicieron primero, y mejor, que nadie.

Antes de cerrar este humilde ensayo que servirá a modo de prólogo, no puedo dejar de contar algo personal. Aunque Paul es uno de mis músicos preferidos -por si no quedó claro-, solo pude verlo una vez en vivo. Fue en Córdoba, en el año 2016, y no lo olvidaré jamás, tocó tres horas y no faltó absolutamente nada, incluso hizo Temporary Secretary, para horror de gran parte del público, lleno de nostálgicos de los Beatles y de Wings. Fui con mi madre, igual de emocionada que yo, y ahí, in situ, terminé de comprender la grandeza del hombre. Generaciones enteras, padres y madres con hijos y hasta abuelos con nietos, disfrutando hasta las lágrimas por igual, escuchando, quizás, por primera vez en vivo, las canciones que los acompañaron durante todas sus vidas. Otra experiencia increíble fue visitar Abbey Road, cruzar la calle donde habían cruzado mis héroes mientras escuchaba Golden Slumbers es algo que no olvidaré jamás. Lo que para mucha gente no es más que un cruce peatonal normal, para cientos de millones de personas es algo parecido a una especie de tierra santa, donde el ambiente se nota electrizado, como si en cualquier momento la magia puede volver a reflotar. No hace falta ver a McCartney en vivo ni cruzar Abbey Road para entender su grandeza, esta ya se manifiesta en su capacidad para crear música atemporal que ha llegado a emocionar y acompañar a millones de personas a lo largo de los años.

Mucha agua bajo el puente pasó desde los tiempos que aquel adolescente tímido de 15 años conoció a John Lennon, aquel joven de pelo revuelto compuso “Yesterday” en la casa de sus suegros o aquel hombre de mediana edad que giró por todo el mundo con su esposa y sus hijos, algo muy poco habitual en el mundo del rock y más aún en el de una mega estrella como él. Hizo mucho después de eso, porque si sos Paul McCartney no hay muchas más opciones que continuar componiendo, grabando y tocando en vivo. Siempre inquieto e interesado por buscar nuevos sonidos, a lo largo de su carrera, McCartney ha explorado una amplia variedad de géneros musicales, siempre ha estado dispuesto a arriesgar y a explorar nuevos territorios, desde el rock and roll hasta la música clásica, pasando por el jazz, el folk o incluso la música electrónica con proyectos como The Firemen junto a Youth de Killing Joke a mediados de los 90. ¿Se puede aportar algo nuevo sobre uno de los músicos más famosos de todos los tiempos que no se haya dicho ya?

Lo cierto es que su obra es tan, pero tan grande y abarca tanto que la respuesta es un rotundo sí, es posible hacerlo sin temor a ser redundante o a caer en lugares comunes. Siempre hay aristas nuevas por descubrir y por analizar de la obra de un genio. Por eso, más de 270 años después de la muerte de Johan Sebastian Bach, se sigue escribiendo sobre él. En términos de importancia para la historia de la música, McCartney no está lejos. Por ello, este libro es un aporte tan interesante como necesario, pero más imprescindible aún es que vayan y escuchen las canciones. El refugio siempre va a estar ahí. Paul cantaba en 1967 si todavía lo íbamos a necesitar cuando tuviera 64. Sin dudas, lo seguiremos necesitando, año tras año, cada día más.

Washington, 30 sep (EFE).- El cantante británico Chris Martin, líder de Coldplay, asegura que su banda solo sacará otros dos discos "propiamente dichos" y se plantará con un total de 12, porque defiende la máxima de que "menos es más".

En una entrevista con el DJ neozelandés Zane Lowe y su programa The Zane Lowe Show adelantada este lunes por la revista People, el intérprete bromeó con que muchos críticos desearían que su grupo lanzara incluso menos.

"Solo vamos a hacer 12 álbumes propiamente dichos, y esto es cierto", dijo Martin, de 47 años.

Para el cantante, es "realmente importante" que Coldplay tenga ese límite.

"Solo hay 12 álbumes y medio de los Beatles. Hay aproximadamente lo mismo de Bob Marley, todos nuestros héroes. Y tener ese límite también significa que el control de calidad es muy alto en este momento y que una canción lo supere es casi imposible, lo cual es genial", dijo.

El cantante precisó que eso no implica que vaya a dejar de hacer música.

"Eso siempre continuará de alguna manera, pero hay algo en esto de Coldplay. No sé de dónde vienen las canciones ni las ideas, pero desde hace unos cuatro o cinco años me pasa un 'Tienes que terminar así', y confío en eso tal como confío en las canciones", añadió.

Si el grupo hace algo después de eso a nivel creativo más allá de las giras "será algo diferente o algo paralelo, o una compilación de cosas que no habíamos terminado", afirmó.

Martin añadió que el grupo se sigue divirtiendo tanto en la carretera como en el estudio y lo atribuye a una multitud de razones: "Hacerse mayor, la covid, todo lo que está pasando en el mundo, lo afortunados que sabemos que somos, los lugares a los que conseguimos ir, el optimismo que nos da ver a todo tipo de gente juntarse, las canciones que llegan de la nada y el ir a un ritmo más lento".

Coldplay se encuentra actualmente en su tour mundial 'Music of the Spheres', que acabará en septiembre de 2025 en Londres y tiene actuaciones previstas en los próximos meses en Australia, Nueva Zelanda, Emiratos Árabes Unidos, la India, Hong Kong o Corea del Sur.

La banda se formó en 1997 y su primer disco fue 'Parachutes', lanzado tres años más tarde. Su último álbum de estudio, 'Music of the Spheres', que da nombre a su actual gira, salió en octubre de 2021. EFE

En la primavera de 1968, Los Beatles, en la cúspide de su éxito, fundaron Apple Corps como una respuesta a la creciente insatisfacción con la industria musical tradicional. Fue concebido como un nuevo negocio y como un refugio seguro para artistas. “Queremos hacer una cosa gratuita donde la gente pueda venir y grabar”, expresó John Lennon sobre la visión detrás del proyecto.

Paul McCartney definió la empresa como “una especie de comunismo occidental”, en la que músicos, cineastas, pintores e inventores pudieran trabajar sin las restricciones del mundo comercial. Y también reveló: “Nos encontramos en el negocio, pero todas las ganancias no irán a nuestros bolsillos, irán para ayudar a la gente. Pero no como una caridad”.

Lo cierto es que, a medida que el grupo se adentraba más en la contracultura, deseaban alejarse de los grilletes de la comercialización y crear un espacio donde la creatividad y el comercio pudiesen coexistir armoniosamente.

El ambicioso proyecto de los Beatles enfrentó dificultades financieras y tensiones internas, culminando con la disolución del grupo. Aunque durante un tiempo la empresa estuvo al borde de la quiebra, logró sobrevivir tras años de litigios. Actualmente, Apple Corps sigue operando en Londres, conservando el control de los miembros sobrevivientes de la icónica banda y los patrimonios de John Lennon y George Harrison.

A pesar de haberse desviado de su objetivo inicial, Apple Corps ha evolucionado para centrarse en la promoción y preservación del legado de los Beatles. La empresa se ha convertido en una mina de oro de material de los Beatles, incluyendo lanzamientos musicales, proyectos cinematográficos, participación digital y licencias. Este cambio de enfoque ha sido crucial para asegurar que todas las generaciones de fanáticos tengan acceso continuo al material de archivo y a aquellos tesoros perdidos con el tiempo.

Según información de un usuario de Reddit (DrRudi), la compañía todavía emplea entre 15 y 30 personas en su oficina principal en Londres, aunque varios empleados también trabajan en Estados Unidos. Esta estructura organizativa permite a Apple Corps manejar varios negocios complementarios bajo su paraguas, incluyendo Apple Films, Python Music y Maclen Music.

A lo largo de su existencia, la empresa ha acumulado un legado propio que probablemente resistirá el paso del tiempo. Incluso después de múltiples disputas con Steve Jobs y la reorganización interna, la compañía se mantiene como una de las lecciones más importantes en el negocio de la música. La esencia de Apple Corps se centra en crear arte por el simple hecho de crear arte, no para obtener ganancias o monopolizar el mercado.

Los Beatles también lanzaron su propio sello discográfico, Apple Records, en 1968, para proporcionar una salida a sus propias grabaciones y a las de una amplia gama de artistas. Peter Asher, ejecutivo musical de Apple Corps, señaló: “Creo que el único plan para Apple era que fuera buena música y tal vez música que idealmente no estaba teniendo una oportunidad de ser escuchada en otros lugares”. Su misión utópica reflejaba el espíritu revolucionario de la época, celebrando la diversidad en un entorno creativo y amable.

Hoy, Apple Corps y sus subsidiarias continúan siendo relevantes. Aunque la música de los Beatles ahora es manejada por Universal, existe una división específica llamada Calderstone Productions que trabaja exclusivamente en productos relacionados con los Beatles, incluyendo lanzamientos en solitario originalmente bajo el sello Apple. El nombre Calderstones tiene una larga asociación con Liverpool y deriva de Quarry Bank High School for Boys, que ahora se llama Calderstones School.

Allen Klein creció entre los callejones grises de Newark, Nueva Jersey, EEUU. Era un niño huérfano que aprendió pronto que en este mundo hay que luchar para obtener lo que se quiere. Eso lo sabía bien y lo aplicó en cada paso de su carrera. De pequeño, mientras otros niños jugaban a las canicas, se obsesionaba con los números, los negocios y cualquier forma de evitar ser uno más en el sistema. La orfandad lo había curtido en ese sentido: si no te ocupás de ti mismo, nadie lo hará.

Cuando se graduó como contador, Klein decidió que su lugar no era una oficina de papeleo. Pronto, su agudo olfato lo llevó a la industria musical, un terreno donde las finanzas se movían a otro ritmo. Aquí, entre contratos y regalías, comenzó a ver cómo las discográficas maquillaban números y estafaban a artistas ingenuos. Fue trabajando con figuras como Bobby Darin y Bobby Vinton cuando descubrió las manipulaciones: las compañías pagaban lo que querían, recortando beneficios mediante contratos plagados de deducciones. Un robo legal, pero robo al fin.

Su primera gran oportunidad llegó en 1963, cuando cruzó caminos con Sam Cooke, la voz seductora del soul. Klein, con su estilo audaz, le dijo a Cooke lo que nadie más se había atrevido a decirle: “Te están robando”. Y fue más allá: le prometió que, si él se encargaba, no solo le devolvería lo que le pertenecía, sino que lo convertiría en millonario. El artista aceptó, confiando en el contador de Nueva York que hablaba como si pudiera mover montañas. Klein, fiel a su palabra, se plantó ante Radio Corporation of America (RCA) con una amenaza clara: no grabaría una nota más hasta que le ofrecieran un nuevo contrato.

La táctica de Klein fue vista como un chantaje descarado, pero funcionó. RCA, temerosa de perder a su estrella, accedió a firmar un acuerdo que parecía revolucionario: los nuevos temas de Sam Cooke saldrían bajo la producción de Tracey Ltd., una empresa aparentemente del cantante, aunque en realidad, detrás de esa fachada, estaba el propio Klein. La maniobra le permitió no solo controlar la música futura, sino también los derechos de las canciones anteriores. Sam Cooke jamás imaginó que esas grabaciones, que en ese momento valían poco, se convertirían en una mina de oro.

Pero el destino tiene giros crueles, y Cooke no tuvo tiempo de disfrutar de su victoria. En diciembre de 1964, fue asesinado en circunstancias sospechosas tras una noche con una prostituta. La noticia sacudió al mundo de la música, pero no a Klein, que vio en la tragedia una oportunidad. Se acercó a la viuda del artista, desgarrada por el dolor, y la convenció de venderle los derechos de las composiciones del cantante. Para Klein, eran diamantes en bruto, adquiridos a precio de saldo.

Con su habilidad para detectar las debilidades ajenas y manipular las situaciones a su favor, estaba forjando una leyenda: un defensor feroz de los artistas… Aunque, en realidad, siempre trabajaba para sí mismo.

El rol de Allen Klein con los Rolling Stones

Cuando puso la mira en los Rolling Stones, su reputación ya lo precedía. Sabía que las grandes estrellas del rock estaban siendo explotadas por las discográficas, y los Stones no eran la excepción. Decca Records, la compañía que los había fichado, les pagaba lo justo para que no se marcharan, pero la banda apenas veía las verdaderas ganancias. Eso, para Klein, era un campo fértil.

En 1965, Klein detectó algo que otros habían pasado por alto: el contrato de los Stones tenía irregularidades que podían explotarse a su favor. Con su implacable estilo, se lanzó al ataque, sabiendo que Decca no podía permitirse perder al grupo. Su táctica fue la misma que había utilizado con Sam Cooke: extorsionar sin decir la palabra. Eric Easton y Andrew Loog Oldham, los representantes originales de los Stones, se vieron completamente sobrepasados por Klein, quien, con la precisión de un cirujano, desmanteló los contratos existentes y logró mejorar las condiciones de la banda.

Pero lo que parecía un trato a favor de los Rolling Stones se reveló como una de las mayores estafas a largo plazo en la historia del rock. Klein, astuto como un lobo, convenció a la banda de crear una compañía, Nanker Phelge, supuestamente para evitar pagar los altos impuestos que imponía el gobierno laborista británico. Así, las enormes sumas de dinero que comenzaban a generar sus éxitos se distribuirían de manera gradual y estarían más protegidas. Sin embargo, los años revelarían que los nombres de los miembros de la banda no aparecían en los estatutos de Nanker Phelge: los derechos de sus canciones y grabaciones estaban en manos de Allen Klein.

Cuando los Stones finalmente rompieron relaciones con Klein en 1970, la verdad los golpeó como una tormenta. Sus nombres no figuraban en los documentos clave, y Klein reclamaba propiedad sobre algunas de las canciones de los álbumes Sticky Fingers y Exile on Main St.. La banda quedó atada en una red legal de la que no pudieron escapar, y Klein siguió haciendo millones mientras ellos apenas veían las migajas.

La relación entre Allen Klein y The Beatles

La entrada triunfal de Klein en el mundo de The Beatles ocurrió en una tarde fría de enero de 1969, cuando John Lennon y Yoko Ono lo visitaron en su lujosa suite del Dorchester Hotel de Londres. John, agotado por los problemas financieros de los Beatles y la lucha interna por el control del grupo, buscaba una salida. Klein, que ya había conseguido hacer maravillas con las finanzas de los Stones, se mostró compasivo y conocedor del arte de Yoko, detallando con precisión la discografía de la banda. Su carisma era irresistible.

En cuestión de horas, Lennon estaba convencido de que Klein era el hombre indicado para salvar a los Beatles. “Tienes que ser nuestro hombre”, le rogó John, y Yoko, siempre protectora de sus intereses, incluso se ofreció a escribir el contrato. Para ellos, era el mesías que necesitaban para poner orden en el caos financiero del grupo.

Pero, como en tantas otras historias, no todos compartían ese entusiasmo. Mientras Ringo Starr y George Harrison seguían el liderazgo de Lennon, Paul McCartney se mantenía escéptico: tenía sus propios asesores financieros, los Eastman, la familia de su esposa Linda, quienes no tenían ninguna referencia favorable sobre las maniobras de Klein. Paul, quien había tomado las riendas del grupo en los últimos años, lo veía como un depredador disfrazado de salvador, y juró que nunca trabajaría con él.

Esta batalla por el control dividió a los Beatles. Paul, siempre meticuloso, no solo desconfiaba de Klein; estaba convencido de que su llegada sería el golpe final para el grupo. Para sorpresa de todos, el 10 de abril de 1970, McCartney anunció públicamente que los Beatles se separaban. No había vuelta atrás. Los años siguientes estarían marcados por interminables batallas legales entre los miembros del grupo, sus abogados y, claro, Allen Klein, quien nunca soltó su presa.

Mientras tanto, el empresario siguió moviéndose en la industria con la misma agresividad. En su mundo, los contratos y las ganancias eran su razón de ser. Y aunque su relación con los Beatles se desintegró, él continuó su cruzada, enfocando su talento en asustar a las grandes corporaciones. Paramount Pictures aprendió esta lección en 1984, cuando Klein descubrió que habían usado Wonderful World de Sam Cooke sin autorización en la película Witness. El resultado: un cheque de seis cifras a su favor. Para Klein, el negocio de la música no era solo un trabajo, era un campo de batalla donde él siempre ganaba.

La ambición empresarial

El éxito financiero no era suficiente para Allen Klein. Aunque ya había hecho fortuna manejando las finanzas de los nombres más grandes de la música, su ambición iba más allá. Con los millones que había sacado de los Rolling Stones y The Beatles, decidió que su próximo objetivo sería el cine. El mundo del séptimo arte, con su glamour y su potencial de ganancias, era un nuevo reto en el que quería dejar su huella.

Klein empezó a jugar fuerte en la bolsa de valores y, con el dinero acumulado, intentó nada menos que tomar el control de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), el estudio de cine que había sido la cuna de clásicos de Hollywood. Su sueño era dominar ese sector, expandir su imperio más allá de los discos y los contratos musicales. Pero, como con muchas de sus inversiones, los riesgos superaron las recompensas.

No logró hacerse con MGM, pero eso no lo detuvo. Con su mirada siempre puesta en lo impredecible, comenzó a financiar producciones B-movies y, más notablemente, invirtió en películas de corte experimental. Fue en esta etapa cuando Klein adquirió los derechos de El Topo, una película de culto dirigida por el excéntrico cineasta Alejandro Jodorowsky. También financió otro proyecto del director, The Holy Mountain, dos películas que se convirtieron en íconos del cine underground. Para Klein, el cine representaba otra forma de poder, una manera de estar en los ojos y mentes de todos, tal como lo había hecho en la música.

Hasta el final de su vida, Allen Klein siguió acumulando enemigos, demandas y, por supuesto, millones. Era una figura ambigua, capaz de salvar una carrera y destruirla con la misma facilidad. Su habilidad para manipular a las estrellas más grandes del mundo dejó cicatrices profundas en la industria de la música, pero también transformó para siempre el juego de los contratos y derechos musicales.

Klein murió en 2009, dejando detrás una estela de victorias legales y fortunas amasadas. Hoy, el legado de este hombre se balancea entre el respeto y la desconfianza, entre los que lo ven como un visionario y aquellos que lo consideran uno de los villanos más grandes del entretenimiento.

En mayo de 1970, los Beatles lanzaron su último álbum antes de la disolución pública de la banda, “Let It Be”. La canción principal, escrita y cantada por Paul McCartney, fue lanzada días antes de que él anunciara su salida del grupo, marcando el fin del cuarteto más aclamado de la historia del pop. Detrás de “Let It Be” hay una historia profundamente personal e inspiradora que McCartney ha compartido en varias entrevistas.

El legendario artista, durante “Carpool Karaoke” con James Corden en 2018, reveló que la inspiración para la canción provino de un sueño que tuvo en los años 60, donde su difunta madre, Mary Mohin McCartney, quien falleció de cáncer cuando él tenía 14 años, le dijo: “Va a estar bien. Solo déjalo ser”. McCartney explicó: “Fue genial verla porque los sueños te permiten reunirte con esa persona por un momento; allí están, y casi parece que físicamente están juntos otra vez. Fue muy reconfortante”.

En el otoño de 1968, McCartney atravesaba por un momento difícil, tanto a nivel personal como profesional. Los problemas internos de la banda se habían intensificado después de la grabación del White Album, y las disputas creativas y personales estaban a la orden del día. Sir Paul recordó: “Era finales de la carrera de Los Beatles y habíamos comenzado a hacer un nuevo álbum. Empezaba a sentir que el grupo se estaba desmoronando, así que me quedaba despierto hasta tarde, bebiendo, consumiendo drogas, yendo de fiesta, como muchos en esa época”.

Fue durante una de esas noches marcadas por el insomnio que tuvo el sueño con su madre. Despertó con una sensación de alivio y acudió al piano, donde comenzó a escribir lo que se convertiría en “Let It Be”. McCartney aclaró que la frase “Mother Mary” no aludía a la Virgen María, como algunos de los fans creían, sino directamente a su madre. Sin embargo, dejó a los seguidores interpretar la lírica como deseen: “No tengo problema si las personas quieren usarlo para reforzar su fe. Creo que es genial tener fe de cualquier tipo”.

La serie de documentales “Get Back”, dirigida por Peter Jackson y estrenada en 2021, rescató 55 horas de material inédito filmado por Michael Lindsay-Hogg en enero de 1969. Este material originalmente iba a ser parte de un especial de televisión donde Los Beatles tocarían en vivo por primera vez en tres años, pero terminó documentando las sesiones de grabación que culminaron en el último álbum de la banda.

Otro resultado del sueño con su madre

El sueño con su madre no solo le permitió escribir un gran éxito, sino que coincidió con el comienzo de su relación con Linda Eastman, quien se convertiría en su esposa. Paul expresó: “No mucho después del sueño, me junté con Linda, lo cual fue mi salvación. Y fue como si mi madre la hubiera enviado”. Durante las dolorosas sesiones de grabación de “Get Back”, ella estuvo a su lado, ofreciéndole apoyo emocional y creativo.

La grabación final de “Let It Be” tuvo lugar el 4 de enero de 1970, con la participación de George Harrison y Ringo Starr, pero sin John Lennon, quien no asistió a esa sesión. En su lugar, Linda se unió al bajista en el estudio de grabación, aportando coros y motivación en un momento crítico. La canción fue lanzada como sencillo ese mismo año, y se convirtió en el último antes de la separación oficial del conjunto en abril de 1970.

El single alcanzó el estatus de himno moderno, llevando el mensaje de esperanza y fe a millones de personas en todo el mundo. En 1986, fue interpretada como cierre de Live Aid en Londres. Más tarde, en 1998, la canción consoló a McCartney tras el fallecimiento de Linda, su esposa, en un emotivo servicio memorial donde 700 personas cantaron “Let It Be”.

Esta canción se convirtió en uno de los temas más emblemáticos de los Beatles. Paul McCartney concluye que, aunque la inspiración fue personal y derivó de un momento onírico con su madre, está contento de que otros incorporen su propio significado espiritual a la canción. Ella era una enfermera que trabajaba mucho para su familia, y dejó una marca indeleble en la vida de su hijo, influyendo en su música y en su historia personal y profesional.

Los Beatles, formados en Liverpool en 1960 por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, transformaron la música y la cultura popular del siglo XX. Su influencia abarca desde la moda hasta los movimientos sociales, y sus álbumes, como “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y “Abbey Road”, siguen siendo referentes indiscutibles en la historia de la música.

Es interesante notar que uno de los elementos visuales más reconocidos del grupo es su logo, que presenta una ‘T’ caída. Sin embargo, un hilo viral en Twitter reveló el año pasado que este diseño nunca apareció en ninguno de los álbumes de la banda. En realidad, hasta que fue oficialmente licenciado en los años 90, el logo apenas tuvo presencia alguna, a excepción de algún lugar muy particular.

Dónde surgió el popular logo de los Beatles

El logo de la ‘T’ caída tiene su origen en la batería utilizada por Ringo Starr. Según explicó Eddie Robson, un novelista y guionista, en abril de 1963 Ringo necesitaba un nuevo set de tambores. Ringo y Brian Epstein acudieron a una tienda en Shaftesbury Avenue, Drum City, para adquirir unos tambores. La tienda, siendo el proveedor exclusivo de tambores Ludwig, quiso que el logo de esa marca fuera prominente en la batería. Epstein aceptó la condición siempre y cuando se incluyera también el nombre de los Beatles en el set. Fue entonces cuando el propietario de la tienda, Ivor Arbiter dibujó el logo de la ‘T’ caída en ese momento: la ‘B’ y la ‘T’ más grandes para enfatizar la palabra “Beat”.

Ese set de batería es el único lugar donde el logo apareció durante mucho tiempo. De hecho, no aparece en ninguna de las portadas de los álbumes de estudio del grupo (muchos de los cuales ni siquiera tienen el nombre de la banda de Liverpool). No fue hasta 1982, doce años después de la separación de la banda, que el logo apareció en un álbum recopilatorio y el sencillo acompañante.

Según The Beatles Bible, el logo no fue registrado como una marca hasta 1994 por Apple Records. Esto marcó un cambio en las actitudes dentro de la compañía, con una mirada más coherente para la gestión del legado del grupo. Desde entonces, el logo ha empezado a aparecer en reediciones de álbumes y en mercancía variada, convirtiéndose en un símbolo emblemático de la banda.

Algo que resalta en esta historia muy poco conocida sobre el logo de la banda es el precio por el que los Beatles pagaron por el icónico logo, que los distingue hasta el día de hoy y que los inmortalizó en el mundo de la música. Resulta que Ivor Arbiter cobró apenas 5 libras esterlinas por diseñar la imagen más distintiva del conjunto, que, actualmente, equivaldrían a unos USD 130.

Ringo Starr y sus baterías

Ringo Starr utilizó seis baterías diferentes mientras estuvo con los Beatles. Al principio, tocaba su batería Premier original de su tiempo con Rory Storm and the Hurricanes. Su primer kit de Ludwig fue un Oyster Black Downbeat de 1963 con una caja Jazz Festival X14 de 5,5″.

Luego, en 1964, durante su visita a Nueva York para el show de Ed Sullivan, adquirió un segundo set Downbeat y mantuvo su caja Jazz Festival original durante todo su tiempo con los Beatles. A finales de 1964, consiguió un kit Super Classic con tambores de 13, 16 y 22 pulgadas. Durante el rodaje de Help!, usó un segundo set Super Classic, uno para el set de cine y otro para presentaciones en vivo y grabaciones.

Finalmente, en 1969, obtuvo un kit Hollywood de arce natural, que tocó en el famoso concierto en la azotea. El kit de nácar blanco era un kit Super Classic que se envió por error al show de Ed Sullivan, con espuelas de doble bombo.

Paul McCartney es uno de los artistas más emblemáticos en la historia del rock. El cantante británico fue miembro y fundador de la icónica banda The Beatles, que revolucionó el género en la década de los sesenta.

Aunque The Beatles se separaron en 1970, Paul McCartney siguió como solista. Durante este tiempo, el artista realizó varios conciertos y giras alrededor del mundo con los que impulsó su carrera.

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Después de su gira Got Back 2023, con la que estuvo en Australia, Brasil y México, el artista británico anunció una segunda parte de este tour, pero esta vez únicamente en países latinoamericanos. Esta gira promete ser un viaje musical a través de la icónica carrera de Paul McCartney, que incluye sus grandes éxitos con la banda y como solista.

McCartney regresa a la región con un show renovado y lleno de energía para deleitar a sus fanáticos con sus grandes éxitos como Yesterday, Hey Jude, Let It Be, Live and Let Die y muchos más canciones escritas durante sus más de 50 años de carrera artisitica.

En su cuenta oficial de Instagram, McCartney anunció que visitará algunos países de Latinoamérica en octubre de este año. Sin embargo, Colombia, esta vez, no clasificó, pues el cantante británico solo incluyó en su tour a Uruguay, Argentina, Chile y Perú.

El compositor e intérprete empezará su gira en Montevideo, Uruguay, el próximo 1 de octubre y finalizará el 27 del mismo mes en el Estadio Nacional, en Lima, Perú.

Fechas confirmadas:

Uruguay: 1 de octubre – Montevideo, Estadio Centenario

Argentina: 5 de octubre – Buenos Aires, Estadio River Plate / 23 de octubre – Córdoba, Estadio Mario Kempes

Chile: 11 de octubre – Santiago, Estadio Monumental

Perú: 27 de octubre – Lima, Estadio Nacional

Aunque no anunciaron fecha en Colombia, hubo rumores de que varios promotores adelantaron negociaciones con McCartney y su equipo de trabajo para traer al vocalista de los Beatles a la capital del país. Una de las fuentes que confirmó las discusiones entre las partes fue Gustavo Gómez, periodista y locutor de Caracol Radio.

A pesar de que no quiso revelar si el cantautor nacido en Liverpool deslumbrará a sus seguidores colombianos con su show, sí afirmó que las conversaciones con el artista son fructíferas. El periodista no quiso entrar en detalles, pues es bien conocido que a McCarthy y su equipo de trabajo no les gusta anunciar una fecha hasta que se firme el contrato.

“Es cierto que un empresario colombiano, con discreción y tacto, trabaja en traerlo. Cuando sea el momento nos contarán. No me interesa esta chiva, si el costo es que no venga. Me interesa que se presente de nuevo en Colombia. Fin del comunicado”, escribió Gómez.

Gómez reavivó la ilusión de los fanáticos colombianos, que esperan que el legendario músico incluya a Colombia en su paso por América Latina. Si el artista regresa al país, sería la segunda vez que McCartney pisa suelo colombiano, luego de su concierto en el estadio el Campín en 2012. En aquella ocasión, el exBeatle deleitó a más de 50.000 personas con un repertorio, repasando canciones como Hey Jude, Yesterday, entre otros grandes éxitos.

De confirmarse el show del intérprete en Bogotá, el Campín albergaría uno de los últimos eventos musicales antes de comenzar con la remodelación y ampliación del predio, que iniciará en julio de 2025 por un periodo de tres años.

El proyecto cinematográfico sobre The Beatles continúa avanzando y ya podría haber encontrado a los rostros que le darán vida al legendario cuarteto de Liverpool. El pasado 20 de febrero, Sony Pictures anunció que el aclamado director ganador del Oscar, Sam Mendes (1917 y Belleza americana), está desarrollando un ambicioso plan para producir cuatro películas sobre la banda de rock más influyente de todos los tiempos.

Estos largometrajes, que se interrelacionarán para narrar la historia de la banda desde las perspectivas individuales de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, se estrenarán mundialmente en 2027.

El reparto tantea la selección de Harris Dickinson interpretando a John Lennon, del nominado al Oscar Paul Mescal como Paul McCartney, de Barry Keoghan como Ringo Starr y de Charlie Rowe en el papel de George Harrison. Según el informante Jeff Sneider, estos actores han sido elegidos para traer a la vida los complejos personajes de los miembros de la banda.

El innovador proyecto de Mendes es financiado por Sony Pictures Entertainment y será lanzado en salas de cine en todo el mundo. La compañía ha tildado este enfoque como “revolucionario” para la narrativa en el cine y como una experiencia que busca cambiar la percepción de las biopics.

Sam Mendes dirigirá y producirá las biopics a través de su compañía Neal Street Productions, junto con Pippa Harris y Julie Pastor. También, Jeff Jones, CEO de Apple Corps, fundada por los mismos Beatles, se desempeñará como productor ejecutivo del proyecto.

El presidente y CEO del grupo de Sony Pictures Motion Picture, Tom Rothman, ha expresado que “la idea audaz y a gran escala de Sam Mendes promete ser culturalmente sísmica. Combinando su equipo cinematográfico de primer nivel con la música y las historias de cuatro jóvenes que cambiaron el mundo, vibrará a las audiencias de todo el globo”.

El cineasta, conocido por su trabajo en películas como Camino a la perdición, 1917 y las secuelas de James Bond (007 Operación Skyfall y 007: Spectre), se siente conmovido por la posibilidad de contar esta historia, afirmando que es una oportunidad para desafiar la noción de lo que constituye una visita al cine.

“Me siento honrado de contar la historia del mejor grupo de rock de todos los tiempos, y emocionado de desafiar la noción de lo que constituye una visita al cine”, declaró Mendes.

Las películas son respaldadas por Paul McCartney y Ringo Star

Uno de los aspectos más notables de este proyecto es la plena colaboración de Apple Corps Ltd., así como de los Beatles que aún viven, Paul McCartney y Ringo Starr, y las familias de los fallecidos John Lennon y George Harrison.

Esta es la primera vez que se otorgan los derechos completos de las historias de vida y música del cuarteto de Liverpool para una película de ficción, lo que marca un precedente sin igual en la representación de la banda en el cine.

La productora Pippa Harris expresó que “pretenden que sea una experiencia cinematográfica única, emocionante y épica: cuatro películas, contadas desde cuatro perspectivas diferentes que cuentan una sola historia sobre la banda más célebre de todos los tiempos”.

Aunque The Beatles han sido objeto de varios documentales, como Let It Be de Michael Lindsay-Hogg y Get Back de Peter Jackson, este es el primer largometraje que cuenta con el respaldo completo de la banda y sus representantes.

The Beatles en el cine

Sin embargo, la historia cinematográfica de los Beatles no ha estado exenta de altibajos. Por ejemplo, el musical A través del universo de 2007 no tuvo éxito en taquilla, aunque películas musicales recientes como Elvis de Baz Luhrmann han demostrado ser grandes éxitos.

Asimismo, los Beatles participaron en sus propias películas durante la década de los años 60, como A Hard Day’s Night (1964), Help! (1965), Magical Mystery Tour (1967) y Yellow Submarine (1968).

Por qué se termina ‘Love’

El cierre se debe a la venta del hotel Mirage, lugar que alojó la producción desde su estreno en 2006. Hard Rock International, la nueva propietaria del casino-resort, no hizo comentarios sobre el futuro del espectáculo. Ringo Starr, miembro de los Beatles, señaló en una entrevista con USA Today: “Tuvimos una buena racha”.

La mudanza de The Mirage hacia el Hard Rock comenzará el 17 de julio, cerrando el casino-resort y reabriendo en la primavera de 2027 con una torre de hotel en forma de guitarra de 210 metros. Esta adquisición marca el fin de una era para “Love”, el único espectáculo en vivo licenciado por Apple Corps, la compañía matriz de Los Beatles.

Desde su inicio, ‘Love’ fue elogiado por la complejidad de su banda sonora, ganadora de un premio Grammy, compuesta por Giles Martin, hijo del productor original de los Beatles, George Martin. Según Kati Renaud, directora artística senior de Cirque du Soleil, “Giles tiene un rol integral para encontrar soluciones y dedicarse mucho al proyecto”.

La noticia causó un impacto emocional entre los fanáticos y el equipo del espectáculo. Renaud, que trabajó con ‘Love’ durante casi toda su existencia, expresó: “Hasta el día de hoy, cuando escucho una canción de Los Beatles, mi corazón va directamente al espectáculo. Es una boda hermosa entre el rock y la poesía”. La directora artística afirmó que los fanáticos de Los Beatles e incluso aquellos que no son aficionados a su música disfrutarán de la experiencia emocionante que ofrece el espectáculo.

Así es ‘Love’, la obra homenaje a Los Beatles

Durante su recorrido, el espectáculo presentó acrobacias aéreas y números de trapecio al ritmo de clásicos como “Help!” y “Something”. La producción constantemente se actualizó, incluyendo una renovación en su décimo aniversario en 2016 y varios ajustes realizados durante el cierre por la pandemia que duró casi 17 meses.

A pesar del cierre, se mantuvieron conversaciones sobre la posibilidad de revivir ‘Love’ en forma de una producción itinerante o en otra ubicación permanente. Starr comentó: “Podría suceder nuevamente, pero me lo estoy inventando, no hay rumores al respecto”. Renaud afirmó: “Porque la música de Los Beatles tiene un aspecto popular y atractivo en cualquier discusión sobre el futuro del espectáculo”.

La noticia representa un desafío para los 60 miembros del elenco, incluyendo a Jimmie Cervera y Eugen Brim, quienes regresaron recientemente para desempeñar sus papeles hasta el final del espectáculo. Se están llevando a cabo audiciones y reuniones con los directivos de Cirque du Soleil para reubicar a estos talentos en otros espectáculos de la compañía, como “Michael Jackson ONE”, que tiene un buen recibimiento tras 11 años de presentación en el Mandalay Bay.

El cierre también significa el fin de una era para los fanáticos de Los Beatles que pudieron disfrutar de esta experiencia única en Las Vegas. Renau aseguró: “Alguien que conozca un poco de Cirque y no sea fanático de Los Beatles vendrá a verlo porque es una experiencia clásica de Cirque. Para aquellos que son fanáticos ávidos de Los Beatles, estarán encantados por la forma en que Giles remasterizó la música y apreciarán los momentos irónicos que solo los fanáticos de los Beatles reconocerán. Cualquier grupo será tocado emocionalmente”.

¿Por qué se separaron los Beatles? ¿Qué llevó a estos cuatro amigos de toda la vida, que conquistaron al mundo con su revolucionaria música rock, a ponerle fin a su asociación en la cumbre de sus poderes? En última instancia, la respuesta es: muchas cosas. Pocas personas tuvieron un acceso tan cercano para presenciar esos tensos últimos días como Michael Lindsay-Hogg, director del documental Let It Be.

Lindsay-Hogg, con su cámara como testimonio, capturó los meses finales de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr trabajando juntos mientras grababan su álbum de despedida homónimo en enero de 1969. Aunque la polémica producción se estrenó un año después, recién ahora el realizador estadounidense ha revelado explosivos detalles tras el relanzamiento de este título en Disney+.

El director insiste en que su obra nunca buscó ser un crudo registro de la ruptura de los Beatles, pero admite que esa triste coyuntura opacó su propósito original. “Fue un daño colateral, no se promocionó porque la banda ya se había disuelto para entonces”, reconoció el cineasta neoyorquino de 84 años en una entrevista con la revista NME.

El documentalista reitera que omitió las escenas más tensas e hirientes entre los músicos. “Ahora no lo llamaría ‘trapos sucios’. Diría que los Beatles no querían una distracción”, precisó. Sin embargo, algunas acaloradas discusiones creativas durante los ensayos inevitablemente se colaron en el metraje final.

Una de las escenas más comentadas y simbólicas es el agrio cruce de palabras entre McCartney y Harrison sobre sus discrepancias artísticas. Pese a esos tensos momentos captados, Lindsay-Hogg afirma que los Beatles aprobaron Let It Be cuando la vieron en privado y que no pidieron cortar esas secuencias.

Si bien el documental evidencia el progresivo distanciamiento de Lennon respecto al grupo por su relación con Yoko Ono, el director aclara que fueron situaciones puntuales. “La mayoría de las cosas que se ven en Let It Be son John y Yoko como parte del grupo. No son John y Yoko a solas, salvo por la maravillosa secuencia del final de la primera parte, cuando bailan”, puntualizó.

La razón detrás de la separación de los Beatles

¿Pero cuáles fueron las verdaderas razones que consumaron la ruptura musical? El cineasta cree que se trató de una tormenta perfecta de múltiples factores, desde las históricas tensiones creativas entre las fuertes personalidades de Paul McCartney y John Lennon, hasta el distanciamiento emocional del reservado George Harrison.

“Sentí que había cierta tensión. Pero la tensión no es inusual en ningún esfuerzo artístico... Es normal y no es algo a lo que nadie preste una atención inusual. Es como un pequeño forúnculo o un grano más que un cáncer”, detalló.

Michael Lindsay-Hogg revela que fue el obstinado McCartney, con su “fuerte personalidad” y tendencia a liderar al grupo, quien insistió con la fallida idea de realizar un concierto que nunca se concretó. En cambio, atribuye al meditabundo Harrison la determinación final de abandonar todos los planes de presentaciones en vivo.

“George era un ser humano muy reflexivo. Podría haber sido una mezcla [de que decidió acabar con eso para poder centrarse en su trabajo en solitario o porque pensó que era lo mejor para el grupo]. Creo que la respuesta podría ser ambas cosas”, especuló el director sobre la misteriosa actitud del “Beatle callado” que precipitó el final.

El director de Let It Be considera que “la disolución de los Beatles en 1970 fue un acontecimiento muy importante y triste”. La banda representó el ocaso del vínculo adolescente que primero remeció y luego definió a la sociedad de la convulsionada década de 1960. “Su disolución fue terrible para mucha gente”, añadió.

Su controvertido documental quedó como un valioso testimonio detrás de bambalinas de ese abrupto e icónico final, una ventana íntima a los entresijos creativos y humanos que finalmente sellaron el adiós de la banda más mítica de todos los tiempos.

En el modernismo, pocos fenómenos culturales lograron tener un nivel de impacto y trascendencia similar al que tuvieron los Beatles en la segunda mitad del siglo pasado. No solo fue por lo revolucionario de su movimiento sino también por la fina tarea de lograr hacer una música compleja pero con estructuras sumamente pop, haciendo que sea muy accesible para todo el mundo.

Por este y muchos otros motivos, esta banda trasciende a su propia música. Trasciende todo en realidad, si me permiten exagerar; pero, si nos reducimos a un análisis musical, sobrepasa su forma de expresión y se convierte en un fenómeno analizable desde muchos puntos de vista. Uno de ellos es el histórico: ¿quiénes eran los Beatles? Todos tenemos una percepción de la realidad propia que puede responder esta pregunta, pero Let It Be es la película que viene a darnos un punto de vista más certero al respecto.

Let It Be es, ante todo, una experiencia íntima. Un pantallazo puertas adentro de lo que significa estar en el día a día de la banda más importante del momento y cómo hacían para trabajar. Pero el foco ni siquiera está puesto en cómo componían las canciones, sino más precisamente en el día a día de sus grabaciones: qué hacían al llegar al estudio, donde ocupaban sus tiempos muertos, de qué hablaban fuera de las canciones.

Más específicamente, el documental se centra en la grabación del disco homónimo. Un disco particular ya que no fue el último en ser creado pero sí fue el último que el mundo escuchó, ya que por un problema legal terminó saliendo más tarde que Abbey Road; la última obra real de The Beatles. La película contempla desde las charlas sobre qué canciones iban a incluir en este álbum hasta el icónico concierto en la terraza (sí, las imágenes famosas que conoces vienen de esta película).

La película de Disney+ arranca con lo único que se diferencia de la versión clásica: una nueva introducción que plasma una charla entre Peter Jackson, director que trabajó con el material extendido de la película para hacer Get Back, y Michael Lindsay-Hogg, el director de la original. Sin profundizar (ni spoilear) nada al respecto, es un buen agregado que resulta dinámico, introduce perfecto al contenido y le suma bastante a la versión original.

Después de esa introducción, el contenido de la película es exactamente igual. No estamos ante una remasterización ni una versión con más contenido: es exactamente la misma película. De hecho, la relación de aspecto es 4:3 para mantener la esencia y la estética de aquella época.

No quiero expandirme mucho en el contenido porque realmente, si te gusta la música, creo que es una película esencial para disfrutar. Sin embargo, voy a destacar alguno de los puntos fuertes. El primero es, sin ningún tipo de duda, la humanización absoluta de los Beatles. Verlos compartir escena con sus hijos, sus parejas, hacer chistes o simplemente trabajar es conmovedor y nos acerca a las mentes de cuatro personas cuya influencia sigue vigente al día de hoy.

Otro de los puntos importantes es la enorme primavera creativa en la que se encontraban. Una época muy conflictuada, sí, y muy premonitoria del final de la banda. Pero en la película podemos ver como empezaban a trabajar en canciones como Octopus Garden o Maxwell’s Silver Hammer que estarían incluídas recién en el disco siguiente. Por supuesto que también hay un repaso por cada una de las canciones de Let It Be.

Sin embargo, lo que más me apasiona de ver esta película es cómo expone totalmente las diferencias que los Beatles tenían en ese momento y que inevitablemente terminaron en su disolución. “Si quieres que toque, toco; y si no quieres que toque, me voy y listo” le dice George Harrison a Paul McCartney en una conversación muy áspera que se eleva ante cámaras y seguramente se elevó más fuera de ellas.

La búsqueda es sincera y no persigue el morbo de “ah, con razón se separaron”. Es una demostración de que ellos, como todos los grupos de trabajo, tenían problemas. Y también se permiten retratar el otro lado, porque hay peleas que terminan con zapadas entre risas y chistes entre unos amigos que ya habían vivido todo lo que una estrella puede vivir en este mundo para ese momento de su carrera.

La frutilla del postre es la representación del recital en la terraza, última vez que se pudo ver a la banda en vivo. Recomiendo ampliamente ver el ya mencionado Get Back si les llama más la atención esta parte de la película, pero no deja de ser interesante poniéndola en contexto con el resto del proceso que significó este álbum en particular.

Me cuesta ponerme en la piel de aquella persona que no puede disfrutar de The Beatles (ojalá que en algún momento encuentres el punto de conexión porque es un camino de ida), pero si en algún momento te interesó aunque sea un poco, a nivel musical, histórico, cómo fenómeno o lo que sea, Let It Be es una obra que no podés dejar pasar.

La emblemática imagen de Los Beatles, reconocidos mundialmente por su influencia en la música y la cultura de los años 60, también se extiende a la moda, específicamente a su distintivo peinado. Este estilo, a menudo descrito como “mod cut”, “corte hongo”, “corte taza” o, simplemente, “corte Beatle”, fue más que un simple estilo: marcó una era y desencadenó un fenómeno global. Detrás de su aparente simplicidad se esconde una curiosa historia que comenzó en los primeros días de la banda en Hamburgo, Alemania, y avanzó a través de encuentros y decisiones personales.

En agosto de 1960, cuando Los Beatles aún estaban en su fase inicial, su estancia en Hamburgo fue de suma importancia. Fue allí donde conocieron a Astrid Kirchherr y Jürgen Vollmer, dos figuras clave en la adopción del famoso peinado. Inspirada por la película de Jean Cocteau “Orfeo” de 1950, Kirchherr fue la primera en crear este look para Stu Sutcliffe, su enamorado y entonces bajista de la banda.

“Luego vino George y me pidió que le cortara el pelo de esa manera”, recordó Astrid, señalando un cambio gradual en la imagen de la banda. Este cambio no fue inmediato para todos los miembros; de hecho, John Lennon y Paul McCartney estaban inicialmente indecisos.

El peinado experimentó su consolidación definitiva como parte de la imagen de Los Beatles cuando, en octubre de 1961, Lennon y McCartney, influenciados por su reencuentro con Vollmer en París, adoptaron el estilo. “Nos sentamos en su hotel y lo conseguimos”, declaró McCartney. Este estilo no solo los distinguió visualmente, sino que también se convirtió en objeto de atención mediática, inspirando una variedad de productos, desde pelucas hasta cepillos para el cabello con la marca Beatles.

Los cambios y desafíos que atravesaron Los Beatles mediante su peinado

Sin embargo, la transición hacia este icónico peinado no estuvo exenta de desafíos. Neil Aspenall, road manager del grupo, recordó cómo el aspecto distintivo de la banda a menudo provocaba burlas y antagonismo, especialmente en sus primeras etapas.“Los chicos eran un blanco fácil para los alborotadores que asistían a esas primeras citas. Las pandillas a menudo se esforzaban en gritarles insultos. Era su forma infantil de buscar pelea o vengarse del grupo porque sus chicas pensaban mucho en ellos”, manifestó. A pesar de estas dificultades, el peinado perseveró y se convirtió en un símbolo reconocible de la banda.

El peinado de Los Beatles también experimentó variaciones entre sus miembros. Por ejemplo, Pete Best, baterista anterior, no adoptó el estilo debido a la textura rizada de su cabello. Este detalle, aunque menor, fue uno de los muchos factores que finalmente lo separaron del grupo. Ringo Starr, su reemplazo, recordó que a pesar de ser bienvenido a la banda, se le pidió que modificara su apariencia, lo que incluía afeitarse la barba pero inicialmente conservar su cabello peinado hacia atrás.

Más allá de la moda, los cortes de pelo de Los Beatles reflejaron la evolución de la banda tanto en términos de imagen como de música. Desde su apariencia en el programa American Bandstand en 1963, donde fueron objeto de risas, hasta su llegada triunfal a Estados Unidos en 1964, describiendo su cabello como “cortes de pelo en forma de hongo” en la revista TIME, la imagen de Los Beatles fue tan revolucionaria como su sonido.

Aunque la banda solía manejar personalmente el cuidado de su cabello, con George cortándoselo durante las giras y Cynthia Lennon y Maureen Cox (futuras esposas de algunos miembros) contribuyendo en casa, es notable que Ringo Starr alguna vez expresó su deseo de poseer una cadena de peluquerías, un objetivo que, irónicamente, nunca alcanzó a pesar de su fama y éxito.

Ringo Starr, el icónico baterista de The Beatles, junto con su All Starr Band, se está preparando para deleitar a los fanáticos de la Ciudad de México con dos fechas espectaculares de concierto en el Auditorio Nacional. Los eventos tendrán lugar durante los días 5 y 6 de junio de 2024.

El Auditorio Nacional, conocido por albergar eventos de gran magnitud y calidad, será el escenario perfecto para recibir a Ringo Starr y su conjunto, quienes se caracterizan por ofrecer actuaciones vibrantes, llenas de energía y nostalgia, repasando grandes éxitos que han marcado la historia de la música moderna.

Si bien los boletos para estos dos conciertos se terminaron hace algún tiempo, recientemente Ticketmaster liberó algunos más de manera sorpresiva. Por lo que aquellos fanáticos que se quedaron sin entradas, ahora tienen una nueva oportunidad para vivir una experiencia inolvidable junto al ex Beatle.

Para adquirir las entradas y consultar la disponibilidad en cada sección, se invita a los interesados a visitar la plataforma de Ticketmaster, donde podrán realizar su compra de manera segura y eficiente, además de obtener toda la información detallada respecto a las opciones de compra y disposición de los asientos.

Ringo Starr, cuya carrera se extendió más allá de su participación en The Beatles, ha sabido mantenerse relevante en la industria de la música gracias a su talento, carisma y la capacidad de reunir músicos excepcionales en su All Starr Band. Este grupo no solo interpreta éxitos de la carrera solista de Starr sino también clásicos de los artistas que forman parte de la banda, lo que resulta en un repertorio variado y lleno de sorpresas.

La visita de Ringo Starr a la Ciudad de México representa una oportunidad única para los seguidores de la música de calidad, de revivir y experimentar en vivo los éxitos que formaron la banda sonora de varias generaciones. Las expectativas son altas y el entusiasmo del público mexicano, conocido por su pasión y calidez, promete hacer de estas noches unas para recordar.

¿Cuánto cuestan los boletos para los conciertos de Ringo Starr?

Los boletos se pueden adquirir a través de Ticketmaster e incluso se pueden comprar a 3 Meses sin Intereses con las tarjetas de crédito de Citibanamex, siempre que el monto exceda los 3 mil pesos mexicanos.

• Preferente A: $4 mil 368 pesos mexicanos.
• Preferente B: $4 mil 99.25 pesos mexicanos.
• Preferente C: $3 mil 879.50 pesos mexicanos.
• Preferente D: $3 mil 513.50 pesos mexicanos.
• Luneta A: $2 mil 781.50 pesos mexicanos.
• Balcón A: $2 mil 220.50 pesos mexicanos.
• Luneta B: $2 mil 415.50 pesos mexicanos.
• Luneta C: $2 mil 74 pesos mexicanos.
• Balcón B: $1 mil 927.50 pesos mexicanos.
• Balcón C: $1 mil 488.50 pesos mexicanos.
• Piso 1A: $1 mil 171.25 pesos mexicanos.
• Piso 2A: $902.75 pesos mexicanos.
• Piso 1B: $1 mil 000.50 pesos mexicanos.
• Piso 2B: $841.75 pesos mexicanos.
• Piso 1C: $927.50 pesos mexicanos.
• Piso 2C: $719.75 pesos mexicanos.
• Piso 1D: $756.50 pesos mexicanos.
• Piso 2D: $585.50 pesos mexicanos.