Mientras el espectáculo llegaba al tercer acto con ‘El redentor’ y sonidos de palmas y cajones acompañaban a Rosalía, la artista catalana se presentaba en el Movistar Arena de Madrid recuperada de sus recientes problemas de salud y agradeció a quienes presenciaron la velada. En este ambiente de celebración, más de 15.600 asistentes se reunieron el lunes para el primer concierto de la gira de Rosalía en España, una cita marcada por la teatralidad, la reinvención estética y una fuerte conexión con el público, según informó El País.

El medio El País detalló que desde el inicio del espectáculo, la artista mantuvo reservado el contenido escénico hasta los instantes previos a su aparición. Una serie de pantallas blancas ocultaba el escenario, y fue a través de una coreografía en la que un grupo de bailarines liberó a la intérprete de una caja, simulando ser una bailarina de juguete, como comenzó la actuación. Vestida con tutú y zapatillas de punta rosas, Rosalía abrió la noche con ‘Sexo, violencia y llantas’ y ‘Reliquia’, tal como arranca su último álbum ‘Lux’.

El show se estructuró a lo largo de cuatro actos, en los que se sucedieron transformaciones escenográficas, desde una caja de muñecas hasta recreaciones que remitían tanto al Museo del Louvre como a la sala donde se expone la 'Gioconda' de Da Vinci. En el foso central del recinto, la Heritage Orchestra de Londres, compuesta por más de veinte músicos, acompañó en vivo a la cantante. Rosalía dirigió la energía de la audiencia a través de momentos de ballet sobre el escenario y canciones de tono delicado, destacándose ‘Divinize’, en la que el silencio entre el público necesitó de la intervención directa de la artista para animar a los asistentes a cantar.

El País consignó que figuras destacadas de la cultura española como el director de cine Pedro Almodóvar, el director del Museo Reina Sofía Manuel Segade y la actriz Jedet, estuvieron entre quienes presenciaron la velada. En varios momentos del evento, Rosalía interactuó con el público de manera directa. En uno de los actos centrales, se rodeó de admiradores que interpretaron el rol de visitantes del Louvre, encarnando ella misma a la Mona Lisa durante la interpretación de ‘Can’t Take My Eyes Off You’. Ese mismo escenario contó también con la participación de la youtuber Soyunapringada, quien subió a confesar sus pecados ante un confesionario diseñado por Rosalía. Tras relatar una experiencia personal, la artista respondió: “Y ojalá no te cruces con una perla nunca más”, dando pie así a la interpretación de la canción ‘La perla’.

La puesta en escena incluyó elementos religiosos como un velo en ‘Mio Cristo piange diamanti’, la disposición del foso de la orquesta en cruz latina y un botafumeiro de luz y humo que dominaba la escena central. Los motivos religiosos coexistieron con una propuesta visual más sensual, sobre todo en la coreografía de ‘Saoko’. La artista cambió de vestuario abandonando los elementos de ballet clásico para dar paso a otra faceta, luciendo una peluca al estilo María Antonieta, interpretando ‘Berghain’ ataviada de negro, botas altas y corsé abierto, y haciendo twerk con un culotte rosa fucsia.

Según publicó El País, la cantante se dirigió especialmente a los “chulapos y chulapas” de la capital para cantar ‘La fama’, y fue ovacionada tras ‘La combi Versace’, en lo que se vivió como el cierre de una gran ópera. La presencia de público vestido predominantemente de blanco, con accesorios que evocaban la portada de ‘Lux’ —como pañuelos en la cabeza o halos en la coronilla— reforzó el sentido de comunidad del evento, clima que la propia Rosalía subrayó al descender del escenario para cantar ‘Dios es un stalker’ cerca de sus seguidores, envuelta en enaguas y tocado.

La cita madrileña tuvo un carácter especial, pues la cantante había suspendido semanas antes un concierto en Milán debido a una intoxicación alimentaria, problema del que manifestó estar plenamente recuperada. Durante la interpretación de ‘Mio Cristo piange diamanti’, la emoción llegó al punto de que Rosalía se detuvo por un instante para limpiarse lágrimas del rostro tras mencionar su afecto por Madrid y agradecer el apoyo de sus seguidores, reportó El País.

Además, temas como ‘Sauvignon blanc’ se integraron a la velada de manera performática, ya que Rosalía brindó con una copa de vino sentada sobre un piano, mientras respondía a una fan que le gritó desde el público, afirmando que tenía pocos vicios, a lo que la seguidora replicó que en realidad ella misma era uno. El tercer acto trajo de regreso a ‘Lux’ y permitió a la artista presentar distintas etapas musicales y personales, acompañada de los Macarines, palmas y cajones procedentes de sus primeros años.

Al encarar la recta final de la presentación, la electrónica de ‘CUUUUuuuuuute’ elevó nuevamente la intensidad en el recinto. Las últimas canciones, como ‘Bizcochito’ y ‘Despechá’, prepararon el cierre, rodeada de sus bailarines representando ángeles con alas. La propia Rosalía anunció que estaba viviendo la noche con intensidad y alegría, según informaciones de El País, y así lo expresó antes de interpretar ‘Novia robot’, tema que llevó al público a cantar “me pongo guapa para Dios”.

El desenlace se produjo con ‘Focu ‘ranni’ y ‘Magnolias’, mientras la artista se despedía del público, pidiendo que cuidaran su nombre en su ausencia. Abandonó el escenario en medio de ovaciones, con una promesa implícita de regresar, tras una noche marcada por una propuesta escénica multidisciplinar, la participación activa de la audiencia y elementos visuales y sonoros que transformaron el recinto en un espacio entre lo místico y lo festivo, según recapituló El País.

El reconocimiento internacional de artistas mexicanos sigue dando orgullo al país. En la conferencia matutina del 20 de marzo, la presidenta Claudia Sheinbaum dedicó palabras de admiración a dos figuras clave del ballet mundial: Elisa Carrillo e Isaac Hernández.

Ambos han llevado el nombre de México a escenarios de primer nivel, consolidándose como referentes y embajadores culturales.

“Una extraordinaria mexicana y un bailarín excepcional”: lo que dijo Sheinbaum

Durante la mañanera, Sheinbaum resaltó:

“Elisa Carrillo es una bailarina excepcional, mexicana, de Texcoco, que hoy es la primera bailarina del ballet de Berlín. Es una mujer extraordinaria, no solamente por sus interpretaciones, por su dedicación, por su disciplina, sino también en su calidad humana“.

Añadió que Carrillo no solo brilla en Alemania, sino que su legado inspira en todo el mundo.

La presidenta destacó también la labor de Isaac Hernández, nombrándolo como otro gran representante de México en la danza clásica:

“Isaac Hernández, que también es algo extraordinario y obviamente también, pues todos aquellos que representan a México en las distintas disciplinas culturales y deportivas.”

¿Quiénes son Elisa Carrillo e Isaac Hernández?

Elisa Carrillo Cabrera es originaria de Texcoco, Estado de México, y actualmente es la primera bailarina del Staatsballett Berlín, una de las compañías más prestigiosas a nivel global.

Carrillo ha recibido los tres premios más importantes del ballet internacional, entre ellos el Benois de la Danse, y es reconocida por abrir puertas para la representación latinoamericana en la danza clásica.

Además de su carrera artística, dirige fundaciones y proyectos que fomentan la cultura y el ballet en México, como el festival Danzatlán y la Gala de Estrellas “Elisa y Amigos”.

Isaac Hernández, nacido en Jalisco, es el bailarín principal del English National Ballet en Londres. Su talento ha sido premiado con el Benois de la Danse y el Premio Nacional de Danza del Reino Unido.

Hernández inició su formación en casa, bajo la guía de su padre, superando obstáculos para llegar a los grandes escenarios. Hoy es considerado el máximo exponente mexicano en el ballet clásico y es admirado por su virtuosismo y disciplina.

Ambos artistas han demostrado que el esfuerzo y la pasión pueden trascender fronteras y servir de inspiración a nuevas generaciones de mexicanos.

Un ballet sobre la vida del legendario bailarín nacido en la Unión Soviética, Rudolf Nureyev, que fue prohibido en Rusia por contener “propaganda gay”, tendrá una nueva vida esta semana en Berlín.

Nureyev, creado por el director ruso de cine y teatro Kirill Serebrennikov, se estrenó en Moscú en 2017, pero después de que Rusia endureciera sus leyes anti-LGBTQ, el ballet fue prohibido en 2023 debido a su representación abierta de relaciones entre personas del mismo sexo.

Serebrennikov, quien dejó Rusia en 2022 y ahora vive exiliado en Alemania, presentará el ballet por primera vez fuera de su país natal en el Ballet Estatal de Berlín el 21 de marzo, con el exbailarín del Bolshói, David Soares, en el papel principal.

Revitalizar el ballet es “algo muy especial para mi corazón y una gran responsabilidad”, dijo el bailarín brasileño Soares, de 28 años, quien también dejó Moscú en 2022 tras la invasión a gran escala de Ucrania por parte de Rusia.

Nureyev cuenta la historia del hombre ampliamente considerado como el principal bailarín de ballet masculino del siglo XX, quien huyó de la Unión Soviética hacia Francia en 1961 y allí murió en 1993 debido a complicaciones derivadas del SIDA.

Christian Spuck, el director del Ballet Estatal de Berlín, ha insistido en mantener la producción lo más fiel posible al original, según Serebrennikov.

El mensaje para las audiencias occidentales es “el mismo” que el destinado a Rusia, dijo Serebrennikov a la AFP, “porque estamos viviendo en una época de falta de libertad, falta de sentido común”.

Tacones altos y drag

Con su “arte disruptivo” y “espíritu rebelde”, Nureyev es alguien “que no pertenece a ninguna época”, explicó Serebrennikov.

“Él está de alguna manera por encima de todo. Por eso esta figura… siempre será un imán para otros artistas y será un gran ejemplo de cómo luchar contra la aburrida y gris normalidad”, señaló.

El ballet pone de relieve las relaciones de Nureyev con hombres y su disfrute de la escena gay en París, donde aparece rodeado de bailarines en tacones altos y drag.

Cuando se estrenó en el Bolshói en diciembre de 2017, Nureyev fue bien recibido por la crítica.

Pero el propio Serebrennikov no pudo asistir, ya que se encontraba bajo arresto domiciliario acusado de malversar fondos estatales.

El estreno estaba inicialmente programado para julio de 2017, pero fue cancelado después de que funcionarios rusos objetaran el desnudo masculino visible en el escenario.

El espectáculo debía presentar un gran telón de fondo de escenario completo con una fotografía completamente desnuda de Nureyev tomada por el famoso fotógrafo Richard Avedon, imagen que fue retirada para el estreno definitivo ese mismo año.

En Berlín, la imagen será restituida en todo su esplendor.

“Expresiones extremas”

Serebrennikov, de 56 años, es uno de los decenas de miles de rusos que han huido a Berlín desde 2022, el año en que estalló la guerra de Ucrania, convirtiendo a la ciudad en la capital no oficial de la oposición rusa.

El director ha reunido a un equipo de compatriotas exiliados para la nueva producción, incluido el coreógrafo Yuri Possokhov.

Para Soares, quien dejó Brasil a los 12 años para cumplir su sueño de bailar en Moscú, es “bastante imposible” encarnar plenamente a Nureyev.

“No es solo una estrella del ballet. Es un personaje, una persona muy, muy poderosa”, dijo el bailarín, quien se sumergió en entrevistas con Nureyev y personas cercanas a él para prepararse para el papel.

Soares, quien compartirá el papel de Nureyev con varios otros solistas durante la temporada, elogia el estilo único del bailarín, caracterizado por “saltos explosivos”, “expresiones extremas” y “libertad artística en todos los sentidos”.

“Fue uno de esos artistas que enseñan al público cómo ver el ballet de una manera nueva”, afirmó.

“Cuando apareció con su forma de bailar, enseñó al público: siéntense y vean lo que hago”.

Fuente: AFP

La nueva gira de Rosalía apenas acaba de echar a andar y ya se ha encontrado con sus primeros detractores. No es que suela ser algo normal para la cantante, acostumbrada a recibir flores y halagos allá por dónde pasa, pero toda novedad conlleva su riesgo. En su primera parada del Lux Tour, la barcelonesa ha querido sorprender a todos con un número de ballet que ha desatado tantos elogios como críticas, la mayoría de ella señalando su desconocimiento de la disciplina artística que tantos quebraderos de cabeza le ha dado a Timothée Chalamet en las últimas semanas.

Saliendo aun de la polémica tras sus palabras en torno al pintor Pablo Picasso, de las que se retractó hace escasos días, Rosalía ha arrancado en Lyon su gira de conciertos que pasará por Madrid y Barcelona los próximos 30 de marzo y 1, 3 y 4 de abril en el Movistar Arena y en el Palau Sant Jordi los días 13, 15, 17 y 18 de abril. Un concierto plagado de grandes sorpresas, y que arrancó nada menos que con la canción del nuevo disco Sexo, Violencia y llantas como introducción para luego seguir con Reliquia, Porcelana o Divinize. Junto a la orquesta situada en el corazón del pabellón LDLC Arena, la cantante se presentaba enfundada en un conjunto de bailarina, con tutú y punteras incluida. Sin embargo, sus movimientos no han convencido del todo a los fans, que se han mostrado algo escépticos con los movimientos de ballet.

“Una grosería para el arte”, resumía una de las respuestas. “Que los cantantes de dediquen solo a cantar”, “Doloroso ver ese empeine”, “Vio Cisne negro de Darren Aronofsky y ahora cree que sabe ballet" son algunos de los otros mensajes que han inundado las redes con los primeros vídeos de Rosalía y su número de ballet. “Este es el problema con mi niña, las bellas artes no son fáciles, no es me hecho una opera al chaz chaz, el ballet no es me pongo unas zapatillas y asi como enchiladas sale rapido, asi se siente su disco, barato. como cuando pintas en dorado algo en vez hacerlo de oro puro”. En definitiva, una gran retahíla de críticas basadas en el intento de la cantante por trasladar a su propio imaginario el mundo del ballet. Hay quien, por otro lado, ha entendido y defendido con todo a Rosalía, esgrimiendo argumentos de por qué no se puede ni se debe exigir un número digno de una obra de la ópera de Bolshoi.

Defensas a pesar de todo

“El arte que vemos de los artistas suele ser solo la punta del iceberg de lo que realmente son capaces de hacer; el consumo excesivo y los beneficios de las grandes empresas tienden a privarnos de eso, hasta que se independizan o deciden pasar de todo. Espero que veamos a más gente dando rienda suelta a todo su talento; es maravilloso verlo“, señalaba otro usuario en X en defensa de la cantante. ”Para ver ballet se va usted al Bolshoi a ver el lago de los cisnes. Para ver una performance de Rosalia, se va al Lux Tour. Y si no entiende la diferencia es q está desubicada y q lo q son del Temu son sus expectativas“, decía otra. ”Cuando van a entender que el álbum no intenta ser de bellas artes, solo tomar su estética“, resumía otra usuaria.

En definitiva, hay voces de sobra a favor y en contra del nuevo número coreográfico de Rosalía, lo que parece evidente es que la artista ha arriesgado y eso siempre conlleva riesgo y exposición a críticas. A la espera de ver qué tiene preparado para sus conciertos en España, el inicio de la gira ya ha levantado una gran expectación y, como vemos, un acalorado debate. Con la ópera y el ballet más en disputa que nunca, quizá Rosalía haya encontrado una nueva manera de poner el foco en estas disciplinas y hacer apreciarlas, aunque no sean practicadas del todo como a muchos les gustaría ver.

Los comentarios de Timothée Chalamet sobre el ballet y la ópera, realizados durante “A CNN & Variety Town Hall Event” y viralizados el 7 de marzo, generaron una ola de críticas que amenazó con descarrilar su campaña por el Oscar a Mejor Actor por Marty Supreme.

El actor había afirmado que no quería trabajar en el ballet o la ópera, disciplinas donde artistas intentan “mantener viva esta cosa”, aunque, según sus palabras, “a nadie le importa esto ya”.

Si bien Chalamet añadió que respetaba a quienes trabajan en esas artes, la frase fue suficiente para desatar la indignación tanto de las comunidades artísticas afectadas como de los propios votantes de la Academia de Hollywood.

Cabe destacar que la votación para los Oscar 2026 había cerrado el 5 de marzo, días antes de que sus declaraciones se volvieran tendencia en redes sociales.

Cuatro votantes anónimos de la Academia —un actor, un director, un editor y un publicista— consultados por Entertainment Weekly describieron con dureza el impacto de las declaraciones del protagonista de Marty Supreme.

“Oh, sí. Que le jodan”, fue la contundente reacción inicial recogida por la revista para resumir el ambiente entre los votantes.

El votante identificado como actor fue más explícito en su comentario. “Es muy rastrero. ¿Atacar a artistas que ganan una fracción de lo que él gana, pero que han dedicado entre 10 y 20 años a perfeccionar su oficio?“, declaró.

Y añadió: “Lo siento, este tipo no es Philip Seymour Hoffman. Y Philip Seymour Hoffman jamás habría atacado a bailarines de ópera o ballet. Ese es un tipo engreído. Lo siento. Perdí mucho el respeto por él”.

El publicista consultado por el mismo medio también vinculó los comentarios con su decisión de voto.

“Creo que hubo una arrogancia en la campaña de Timothée que, en el año 2026, nadie quiere escuchar ni ver: que alguien diga que se merece este Oscar. Resultó poco empático y realmente decepcionante, porque amo esa película”, sostuvo para EW.

El director votante, en cambio, no hizo referencia directa a la polémica, pero dejó en claro su preferencia por Pecadores, sosteniendo que lo que Ryan Coogler logró con esa producción fue “extraordinario”.

Por su parte, el editor tampoco mencionó explícitamente los comentarios de Chalamet, aunque abstuvo su voto de Marty Supreme, indicando que el personaje lo “cansó”.

Más allá de los votantes, la reacción de las comunidades artísticas aludidas fue inmediata y pública.

El Royal Ballet and Opera de Londres publicó en Instagram imágenes de sus artesanos y artistas en lo que pareció una respuesta directa al actor, con el mensaje: “Cada noche en la Royal Opera House, miles de personas se reúnen para el ballet y la ópera. Si quieres reconsiderarlo, nuestras puertas están abiertas”.

La English National Opera también extendió una invitación pública a Chalamet a través de la misma red social, ofreciéndole entradas gratuitas “para ayudarlo a enamorarse de nuevo de la ópera”.

La Seattle Opera optó por el humor, ofreciendo un 14% de descuento en su producción de Carmen con el código promocional “Timothée”, según recogió Variety.

El bailarín colombiano Fernando Montaño publicó una carta abierta en Instagram señalando que “quizás uno de los mayores errores que puede cometer un ser humano es compararse con otros, o comparar una forma de expresión con otra”.

La bailarina británica Anna Yliaho fue más directa, escribiendo que “solo un artista inseguro derriba otra disciplina para elevar la propia”.

Los representantes de Timothée Chalamet no respondieron a las solicitudes de comentario de Variety.

Sin embargo, previamente durante una entrevista durante la promoción de Marty Supreme, el actor abordó la larga historia de su familia con el ballet.

Timothée estudió en la Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts de Nueva York, y su vínculo con el mundo de la danza clásica es, en realidad, profundo y directo: su madre, Nicole Flender, y su hermana mayor, Pauline Chalamet, estudiaron en la School of American Ballet, mientras que su abuela, Enid Flender, fue bailarina profesional del New York City Ballet.

“Mi abuela bailó en el New York City Ballet, mi madre bailó en el New York City Ballet, mi hermana bailó en el New York City Ballet. Crecí soñando en grande entre bastidores del Koch Theater en Nueva York. [...] Soy como un diagrama de Venn de las mejores influencias culturales del siglo XXI y del siglo XX”, reconoció.

La interacción entre la herencia expresionista y dramatúrgica de Johan Inger y el lenguaje abstracto y algorítmico de William Forsythe marcó el tono de la noche inaugural del programa doble ‘ROM’ de la Compañía Nacional de Danza en los Teatros del Canal. Según publicó la agencia de noticias, el programa presentado el jueves 12 de marzo en la Sala Roja de estos teatros de Madrid introduce dos piezas recientes al repertorio de la agrupación, dirigida por Muriel Romero: “The Second Detail”, de William Forsythe, y “Become”, de Johan Inger. La propuesta desplegó frente al público los distintos rangos del movimiento en el cuerpo humano y fue recibida con una ovación.

Según informó el medio, el título del programa, ‘ROM’ (Range of Motion), hace alusión justamente a esa variedad de movimientos posibles, evocando la memoria física y el alcance expresivo del cuerpo. La velada comenzó con la obra de Forsythe estrenada en 1991, considerada una de las más representativas de su carrera, y que ha integrado el repertorio de múltiples compañías de danza clásica internacionales. Esta pieza está acompañada por música electrónica compuesta por Thom Willems y explora, en 22 minutos, una secuencia intensa de pasos de danza con una gran exigencia técnica para los bailarines.

Forsythe, con más de cinco décadas de trayectoria en la coreografía, es reconocido por transformar y redirigir el ballet más allá del repertorio tradicional, abordándolo como una disciplina artística dinámica y adaptable a los códigos y formas escénicas del siglo XXI, detalló el medio. En “The Second Detail”, el público presenció una interpretación marcada por la fuerza y la creatividad, donde el conjunto de bailarines transmitió una energía constante durante toda la duración de la pieza; el formato físico y lúdico del espectáculo generó un ambiente complejo que resaltó la versatilidad y amplitud de estilos presentes en el elenco.

Tras una pausa, la compañía presentó “Become”, una pieza creada por el coreógrafo sueco Johan Inger, quien en 2015 realizó para la CND la exitosa adaptación de “Carmen”. En “Become”, de acuerdo con lo publicado, Inger explora la noción de cambio y transformación, proponiendo una puesta en escena íntima y poética. Esta obra, estrenada previamente por la compañía Take Off Dance en el festival de Itálica en Sevilla durante junio del año pasado, se extiende por 24 minutos y constituye una celebración de la reinvención personal y colectiva.

El medio informó que los intérpretes plasmaron en el escenario dinámicas de unión y cooperación, mostrando que el esfuerzo grupal puede impulsar y renovar la creación artística. La escenografía, cargada de colores y formas en movimiento, convirtió la propuesta en un viaje emocional, donde la transformación se percibió como un proceso colaborativo que involucra al conjunto de bailarines y conecta emocionalmente con los asistentes.

Para la preparación de ‘ROM’, la dirección artística de Muriel Romero incluyó la colaboración de Stefanie Arndt y Amy Raymond como stagers para la pieza de Forsythe, junto a Carolina Armenta, asistente coreográfica de Inger, según consignó el medio. Romero priorizó la incorporación fiel de las visiones coreográficas de ambos autores, asegurando la integración de sus lenguajes al trabajo de la compañía.

El programa doble, según destacó la publicación, representa una fusión entre la tradición coreográfica y la búsqueda contemporánea en el ámbito de la danza, al reunir dos estilos contrastantes y complementarios. La oportunidad de presenciar el espectáculo en Madrid está disponible hasta el 15 de marzo en la sala Roja de los Teatros del Canal, ofreciendo al público la posibilidad de acercarse a una experiencia que combina el potencial físico del cuerpo con la emoción de la creación artística en vivo.

Finalmente, la recepción entusiasta del público ante ambas piezas fue señalada por el medio como un reflejo del interés y reconocimiento que suscita la exploración del movimiento y la innovación estética desarrollada por la Compañía Nacional de Danza bajo la conducción de Muriel Romero.

Carmen Lomana expresó su respaldo a las artes escénicas tras las declaraciones del actor Thimothée Chalamet sobre la ópera y el ballet, surgidas en un contexto de alta visibilidad por el reestreno en el Teatro Real de Madrid de la ópera ‘Sueño de una noche de verano’ de Benjamin Britten. En la presentación, que reunió a personalidades de distintos ámbitos, la empresaria remarcó el valor y la vigencia de estas expresiones artísticas, haciendo referencia directa a la controversia generada por Chalamet, quien manifestó que “la ópera y el ballet no le interesan a nadie”, una declaración que, según explicó Lomana, habría sido sacada de contexto. Según consignó el medio que cubrió la gala, la empresaria señaló: “Lo adoro. Lo han sacado de contexto, claro. Al ballet viene gente joven muchísimo. Hay más gente mayor, pero aquí hay precios muy buenos también para la gente joven. Pero bueno, que además diga lo que le da la gana”.

De acuerdo con la información publicada, el evento marcó el regreso al Teatro Real de una de las óperas más representativas del repertorio moderno, veinte años después de su estreno. ‘Sueño de una noche de verano’, basada en la obra homónima de William Shakespeare, volvió al escenario con la asistencia de múltiples referentes del mundo social, empresarial y cultural. Entre los invitados figuraron Fernando Martínez de Irujo, quien tuvo su primera aparición pública tras no asistir a la inauguración de la exposición sobre la duquesa de Alba por el centenario de su nacimiento, celebrada en Sevilla. También acudieron Amparo Corsini e Isabel Preysler, acompañada por Tamara Falcó e Íñigo Onieva.

El medio que cubrió la función detalló que Isabel Preysler aprovechó la ocasión para informar sobre la situación de su hija Ana Boyer, quien retornó a España junto con Fernando Verdasco y sus tres hijos. La familia, que residía en Catar desde hace varios años, decidió regresar como consecuencia de la escalada del conflicto en Oriente Próximo que involucra a Estados Unidos, Israel e Irán.

La reciente función destacó no solo por el contenido artístico sino también por la presencia de invitados cuya trayectoria mediática concentra atención. Carmen Lomana, en particular, no solo atrajo miradas por su apoyo a la ópera y el ballet tras la polémica generada por el actor de Hollywood, sino también por su indumentaria en la gala, caracterizada por la combinación de prendas notables y accesorios llamativos, según reportó la cobertura del evento.

Según publicó la fuente, la empresaria remarcó que el público joven acude en gran número tanto al ballet como a la ópera, y subrayó la existencia de precios accesibles en el Teatro Real orientados a este segmento. Sus declaraciones se inscribieron dentro de un ambiente festivo, que retomó la programación de clásicos en un escenario emblemático de la capital española, con la asistencia de múltiples generaciones y representantes de diversos ámbitos sociales y empresariales.

El regreso de ‘Sueño de una noche de verano’ se inscribe en el contexto de celebraciones y apuestas por la cultura en el panorama madrileño, según consignó el medio, que además ahondó en la coexistencia de tradiciones y debates actuales sobre el acceso y el interés del público por las artes escénicas. Los recientes comentarios del actor Thimothée Chalamet reavivaron el debate sobre la percepción social de disciplinas como la ópera y el ballet, y generaron respuestas de figuras públicas, entre ellas Lomana, quien optó por una defensa activa de estas manifestaciones culturales ante la repercusión de las declaraciones.

De acuerdo con la información recabada, la velada fue uno de los acontecimientos destacados del teatro madrileño en la temporada, en la que se combinaron la representación de una obra clásica, la reaparición pública de figuras señaladas del panorama social, así como nuevas discusiones sobre el papel y la actualidad de espacios como el Teatro Real en la vida cultural española.

El cantante Andrea Bocelli respondió a los comentarios de Timothée Chalamet sobre la ópera y el ballet, expresados durante el Variety & CNN Town Hall. El tenor italiano afirmó estar “sorprendido” por la visión del actor y defendió la vigencia de ambas disciplinas artísticas, que —según sus palabras— comparten con el cine una raíz común: la emoción humana. Durante la conversación moderada por Matthew McConaughey, Chalamet reflexionó sobre el papel del cine y las preferencias contemporáneas del público. Mencionó que, aunque respeta a quienes buscan preservar géneros como la ópera o el ballet, no aspira a trabajar en ámbitos en los que siente que la relevancia cultural está en entredicho. “No quiero estar trabajando en ballet o en ópera, o cosas donde es como, ‘Hey, mantén esto vivo’. Aunque sea como, ya nadie se interesa por esto. Todo mi respeto para la gente del ballet y la ópera”, dijo el actor.

Las palabras de Chalamet generaron reacciones inmediatas en el mundo de la música lírica y la danza. Entre las voces más destacadas, Andrea Bocelli se pronunció a través de una entrevista concedida a People. El tenor sostuvo que existe un desconocimiento sobre el verdadero alcance de la ópera y el ballet. “Creo que a menudo tendemos a mantenernos alejados de lo que no hemos experimentado realmente”, señaló. Para Bocelli, tanto la ópera como el ballet son “formas de arte que han cruzado siglos y continúan hablando al corazón humano, porque responden a una necesidad profunda de belleza, verdad y emoción”. Insistió en que estas disciplinas no pertenecen al pasado, sino que siguen siendo lenguajes vivos capaces de emocionar, hacer reflexionar y unir a diferentes generaciones.

En su declaración, Bocelli subrayó: “No son artes del pasado, sino lenguajes vivos que aún pueden conmovernos, hacernos reflexionar y reunir a distintas generaciones”. Añadió que la ópera y el ballet “vienen de la misma fuente” de emociones que el cine, invitando a Chalamet a descubrirlo por sí mismo. “Estoy convencido de que un intérprete sensible como Timothée, que entiende el poder de las emociones, algún día descubrirá que la ópera y la danza provienen de esa misma fuente”. El cantante extendió una invitación personal al actor: “Si alguna vez siente curiosidad, estaré feliz de recibirlo como invitado en uno de mis conciertos. A veces solo se necesitan unos minutos para entender por qué, después de siglos, esta música sigue siendo amada en todo el mundo”.

La reacción del mundo del arte

La respuesta de Bocelli se sumó a la de otras figuras e instituciones del mundo de la ópera. Tras la difusión de los comentarios de Chalamet, varias casas de ópera y compañías de ballet de distintos países aprovecharon sus redes sociales para pronunciarse. La mayoría de estas entidades invitaron públicamente al actor a presenciar una función o a conocer de cerca el trabajo de sus artistas. El Royal Opera House de Londres compartió un video en Instagram mostrando a su equipo y sus intérpretes en plena actividad, acompañado de un mensaje dirigido indirectamente a Chalamet: “Cada noche en el Royal Opera House, miles de personas se reúnen para el ballet y la ópera. Por la música. Por la narrativa. Por la magia del espectáculo en vivo. Si quiere reconsiderar, nuestras puertas están abiertas”. Otras instituciones siguieron el ejemplo, reiterando la vitalidad de estos géneros y la respuesta del público. La discusión se viralizó en redes sociales, generando debates entre defensores de la ópera, el ballet y el cine como formas de expresión artística contemporánea.

Andrea Bocelli es ampliamente reconocido como una de las máximas autoridades actuales en el canto lírico. Ha vendido más de 90 millones de discos a lo largo de su carrera y ha sido nominado en cinco ocasiones a los premios Grammy. Su trayectoria lo ha convertido en un referente global, y su voz ha llegado a públicos diversos, traspasando las fronteras tradicionales de la ópera.

Esta posición le otorga un peso especial a sus palabras en el debate sobre la vigencia de la ópera y el ballet. Bocelli no solo defendió la relevancia de estos géneros, sino que propuso un acercamiento abierto y sin prejuicios. “A veces solo hacen falta unos minutos escuchando esta música en directo para comprender por qué, después de siglos, sigue siendo apreciada en todo el mundo”, reiteró el tenor italiano. Las declaraciones de Bocelli y la reacción de la comunidad artística reflejan la persistencia de la ópera y el ballet como expresiones vivas. El intercambio con Chalamet reavivó la conversación sobre el lugar de las artes escénicas en la cultura contemporánea.

El actor, que viene de una familia de bailarines, desestimó el papel del ballet en nuestra sociedad. ¿Se equivoca?

Timothée Chalamet no es la persona que esperarías que menospreciara el ballet y la ópera, especialmente el ballet. Su madre y su hermana estudiaron en la Escuela de Ballet Americano. En París, llevaba una gorra del Ballet de la Ciudad de Nueva York. Creció en el Manhattan Plaza, un edificio para artistas, incluidos actores, cantantes y, sí, bailarines.

Pero allí estaba, en un evento público de la CNN y Variety con Matthew McConaughey, cuando aparentemente le dio una puñalada al ballet y la ópera. El contexto tenía que ver con los géneros cinematográficos --los serios frente a los de entretenimiento-- y con mantener la relevancia de las salas de cine. Entonces, curiosamente, cambió de rumbo: "No quiero trabajar en ballet ni en ópera, ni, ya sabes, en cosas en las que sea como: 'Oye, hay que mantener esto vivo'".

Rápidamente añadió: "Con todo respeto a la gente del ballet y la ópera", y dijo que "lancé comentarios sin motivo".

¿O no? Chalamet no quería decir que el ballet y la ópera no importen, sino que no forman parte de la cultura dominante. Desestimaba el papel de estas formas artísticas en nuestra sociedad, ¿y se equivoca? El valor del ballet y la ópera, y la percepción de la gente en torno a su valor, son dos cosas distintas.

No debería haber planteado una idea que no podía desarrollar adecuadamente --creo que la expresión de su cara demuestra que lo sabía--, pero lo que dijo no era falso. Fue lúcido, incluso práctico. Como miembro de una familia de bailarines, conoce este mundo.

Sus comentarios fueron duros de escuchar, pero esta es la frustración de trabajar en las bellas artes. A quien le interesa el ballet, por ejemplo, le interesa mucho. Y a quien no le importa, en su mayoría piensa en el ballet a través de estereotipos o de imágenes fugaces de bailarines en TikTok.

Disney+ retiró de la plataforma Escuela de ballet, una serie documental sobre los alumnos de la Escuela de Ballet Americano, un retrato auténtico, entretenido y repleto de información sobre el ballet. En cambio, los matices de esta forma de arte quedan anulados por sus representaciones en la cultura pop: El cisne negro, con sus desórdenes alimenticios, su competencia de puñaladas por la espalda y sus escabrosos amoríos, y la rancia tendencia de moda #balletcore, que no es más que una excusa para que adultas se vistan como Lolita. Las bailarinas de ballet no se visten así.

No creo que Chalamet piense que es más fácil ser bailarín que actor de cine. Pero sabe que las películas no solo tienen la posibilidad de perdurar, sino también de llegar a públicos más amplios, mientras que las artes escénicas no.

El ballet es un mundo pequeño, y muchos bailarines han publicado declaraciones sobre Chalamet en las redes sociales, entre ellos Megan Fairchild, una bailarina principal del Ballet de Nueva York, quien publicó en Instagram: "¡Timmy, no me había dado cuenta de que eras un bailarín o cantante de ópera de talla mundial que simplemente decidió no dedicarse a ello porque la actuación es más popular! El ballet y la ópera no son aficiones de nicho que la gente no elige por la fama. Son disciplinas a las que solo puedes acceder si en primer lugar tienes la excepcional habilidad para ellas".

Chalamet debe saberlo. Es casi imposible suponer que no asistiera y apreciara las representaciones mientras crecía a poca distancia de Broadway y el Centro Lincoln, y asistía al instituto que inspiró Fama.

Pauline Chalamet, su hermana y excelente actriz, ha hablado con frecuencia de su paso por la Escuela de Ballet Americano, lugar de formación del City Ballet. Su madre, Nicole Flender, también estudió allí y llegó a tener una carrera en Broadway. Ambas actuaron varias veces en El Cascanueces de George Balanchine.

No sé si Chalamet estudió danza, pero sin duda sabe moverse, no solo en las memorables apariciones de Lil' Timmy Tim de su juventud, sino también en Mujercitas. (¿Recuerdas el baile en el porche?) DE forma más sutil, su cuerpo en Llámame por tu nombre era el reflejo de una mente atribulada y confundida. Hablando como crítica de danza, cuanto menos se diga sobre las escenas de baile en Wonka, mejor, pero en Marty Supremo es la encarnación de la velocidad y el nerviosismo. Es tan evidente que su físico es un don, y está en sus genes.

Lamentablemente, las palabras de Chalamet demuestran otra cuestión sobre el papel del ballet en la cultura popular: la razón por la que los principales medios de comunicación hablan del ballet esta semana es porque una celebridad lo mencionó primero. Si un bailarín dijera que una película no importa, sería como un árbol que cae en el bosque.

Ahora mismo, el mundo debería adorar a Mira Nadon, una magnífica bailarina principal del City Ballet, tanto como a Chalamet. Pero como ha señalado, aunque sea de forma indirecta, eso nunca va a ocurrir. No porque estos jóvenes intérpretes no estén en igualdad de condiciones artísticas, sino porque el ballet es una caja que se guarda en lo más profundo del metafórico armario de la cultura. En las palabras de Chalamet subyace una cuestión más profunda: no es que el ballet no sea importante. Lo que ocurre es que el mundo no es capaz de comprender su verdadero valor.

Gia Kourlas es la crítica de danza del Times. Escribe reseñas, ensayos y artículos de fondo, y colabora en diversas historias.

La bailarina mexicana Elisa Carrillo respondió a los comentarios del actor Timothée Chalamet sobre el ballet y la ópera, luego de que el intérprete afirmara que no le interesaría trabajar en disciplinas que hay que mantener vivas aunque ya “a nadie le importen”.

La polémica surgió después de que el actor, candidato al Oscar, ironizara sobre la relevancia actual de estas disciplinas durante una charla en la Universidad de Texas, lo que provocó reacciones inmediatas tanto en el ámbito artístico como institucional a nivel global.

Qué dijo Timothée Chalamet sobre el ballet y la ópera

Durante una conversación pública con el actor Matthew McConaughey, organizada por Variety y celebrada en la Universidad de Texas, Timothée Chalamet expresó que no le interesaría trabajar en ballet ni en ópera, porque considera que estas disciplinas requieren constantes esfuerzos de promoción para mantener su relevancia.

“No quiero trabajar en ballet, ni en ópera, ni en cosas donde es como: ‘Oye, mantén esto vivo, aunque ya a nadie le importe esto’”, afirmó el actor.

El comentario fue grabado y comenzó a circular rápidamente en redes sociales, justo en la recta final de las votaciones para los premios Oscar 2026, donde Chalamet compite como Mejor Actor, por la película Marty Supreme, donde interpreta a un jugador de tenis de mesa.

Sus dichos encendieron el debate internacional y levantó la polémica. Incluso el propio actor, tras notar el impacto de sus palabras, añadió con ironía: “Acabo de perder 14 centavos de audiencia. Me metí en problemas sin razón”.

“La danza está viva”: Elisa Carrillo

Elisa Carrillo, primera bailarina del Staatsballett de Berlín y directora de la John Cranko Schule Stuttgart en Alemania, contestó públicamente a las palabras de Chalamet con un mensaje claro y respaldado por su amplia trayectoria.

Carrillo, única mexicana y latinoamericana en obtener los tres premios más prestigiosos de la danza mundial —el Prix Benois de la Danse, el Alma de la Danza de Rusia y el Festival Dance Open de San Petersburgo—, publicó en sus redes sociales el mensaje.

“La danza está viva. El arte está vivo. Y sigue inspirando, conectando y conmoviendo a personas todos los días en todo el mundo. @tchalamet...NOS IMPORTA”.

El mensaje fue acompañado de un video que empieza con los desafortunados comentario del actor, para luego pasar a secuencias de presentaciones de ballet, ovaciones del público y el mensaje final “WE CARE” (“Nos importa”) junto a los nombres de su fundación y el Festival Danzatlán.

La publicación de Elisa Carrillo generó comentarios de apoyo, tanto de México como del extranjero. Algunos comentarios que se pueden leer en su post son:

• “La ópera y el ballet han superado pandemias, guerras y siglos… también superarán el comentario de un vato.”
• “La cara de Matthew McConaughey nos representa.”
• “Qué esperaban de alguien que anda con una de las Kardashians?”
• “Este actor de quinta, es tan mediocre que no entiende ni comprende las Bellas Artes. Mi hijo es bailarín de clásico y contemporáneo y baila con pasión y entrega que proyecta lo más bello. Admiro a todos los bailarines del mundo por su esfuerzo y dedicación.”
• “Solo unos pocos pueden trabajar en la ópera y el ballet porque solo los mejores lo logran, él no tiene de qué preocuparse... Nadie ve esos talentos en él.”
• “En cada bailarín que dedica su vida a este bello arte, en cada niña y niño que dejan su hogar, para luchar por sus sueños. En cada mamá y papá que con el corazón en la mano dejamos a nuestros hijos partir para verlos luchar por sus sueños, en cada abrazo a través de una pantalla que no se siente en el tacto pero sí en el corazón. En cada ovación de pie luego de cada espectáculo. En mil y un cosas más... el ballet vive y vivirá por muchos años más. WE CARE.”
• “El día que se den cuenta que el arte en general es lo que nos ha salvado y nos seguirá salvando, quizás ese día tengamos la esperanza de sobrevivir a la extinción.”
• “Debería él pensar en mantenerse vivo con eso que acaba de decir. No puede ser que un actor así de ese nivel de influencia actualmente haya dicho eso, pero ahí es donde se sabe quién es quién. Un poquito de cultura en general en artes no le vendría mal”.
• “A muchos nos importa. Gracias por inspirarnos.”
• “Cuando tu cerebro debería decirte que es mejor quedarte callado y no hablar de arte cuando no sabes.”
• “Ya esperaba tu post. We care.”

La comunidad responde

La comunidad artística también sumó voces relevantes. La directora de orquesta Alondra de la Parra envió un mensaje directo a Chalamet desde Madrid, invitándolo a presenciar un concierto y asegurando: “No estamos intentando mantenerlo vivo. Está muy vivo.”

La mezzosoprano Deepa Johnny y la cantante de ópera Isabel Leonard defendieron la colaboración entre disciplinas y la vigencia de las artes escénicas, mientras que la actriz Jamie Lee Curtis cuestionó la actitud del actor: “¿Por qué algún artista ataca a otro artista?”

Instituciones de gran peso también reaccionaron a la controversia. La Ópera de Seattle lanzó una campaña promocional con un descuento del 14% en entradas usando el código “Timothee”, en referencia directa a la expresión empleada por el actor.

El English National Ballet destacó que más de 200 mil personas asistieron a sus funciones y que sus contenidos digitales superaron los 65 millones de impresiones. La Ópera de Viena sumó su postura en redes sociales: “Sin duda recordaremos a Carmen dentro de 200 años, aunque no estoy seguro de Marty Supreme”, en referencia al filme protagonizado por Chalamet.

El debate se amplificó a través de hashtags como #ArtIsAlive y #WeCare, y fue aprovechado por instituciones y artistas para visibilizar el poder de la danza y la ópera en la cultura contemporánea.

La reciente declaración de Timothée Chalamet, quien afirmó públicamente “no deseo estar trabajando en ballet”, ha generado una ola de respuestas en el mundo de las artes escénicas.

Ahora, el Ballet de Monterrey se suma al debate y publica un mensaje en sus redes sociales defendiendo el valor y la trascendencia del arte más allá de la inmediatez y la popularidad.

¿Qué dijo Chalamet?

Durante una charla pública en la Universidad de Texas, Timothée Chalamet expresó que no tenía interés en trabajar en el mundo del ballet o la ópera.

“No deseo estar trabajando en ballet, ni en ópera, ni en cosas donde es como: ‘Oye, mantén esto vivo, aunque ya a nadie le importe esto’”, afirmó el actor, generando reacciones inmediatas en la industria de las artes escénicas.

Sus palabras se viralizaron en redes sociales, donde numerosos artistas y compañías culturales interpretaron el comentario como una desestimación al valor del arte clásico.

¿Cómo respondió el Ballet de Monterrey?

En su publicación, la compañía mexicana señala:

“Hay cosas que no siempre se miden en números, pero que sostienen el alma de una sociedad: el arte es una de ellas. La danza, la música, el teatro, la pintura y tantas otras formas de creación no están para adornar la vida, sino para darle profundidad, memoria y sentido".

El Ballet de Monterrey advierte sobre la tendencia a valorar solo lo que genera ruido inmediato y defiende la importancia de lo que conmueve y transforma:

A veces pareciera que solo se valora lo que genera ruido, tendencia o consumo inmediato, pero el arte permanece en otro lugar: en lo que conmueve, en lo que transforma, en lo que logra que una persona se vea reflejada, entendida o inspirada".

La compañía también destaca la dedicación y entrega de los artistas:

“Hablar de las artes con ligereza también duele. Porque detrás de cada disciplina hay años de trabajo, disciplina, sensibilidad y entrega. Y aunque unas tengan más exposición que otras, ninguna es menos valiosa".

El mensaje culmina con un llamado a proteger y valorar el arte: “Apoyar el arte no es un lujo. Es defender la capacidad humana de sentir, imaginar y conectar. Y en tiempos donde todo parece ir tan rápido, crear y apreciar arte sigue siendo una forma de resistencia, belleza y verdad.”

La respuesta del Ballet de Monterrey se suma a la conversación internacional sobre el lugar del ballet y la ópera en la cultura contemporánea, defendiendo la vigencia y el impacto social de las artes escénicas frente a visiones que minimizan su relevancia.

La directora de orquesta mexicana Alondra de la Parra irrumpió en la conversación global sobre el futuro de las artes escénicas tras responder de manera directa a Timothée Chalamet, quien cuestionó la relevancia actual del ballet y la ópera.

En un video publicado en TikTok, la artista lanzó un mensaje al actor y mostró una interpretación musical en Madrid, reavivando el debate sobre el lugar de la música clásica en la cultura contemporánea.

¿Qué dijo Timothée Chalamet sobre la ópera y el ballet?

Durante una charla pública organizada por Variety en la Universidad de Texas, Timothée Chalamet expresó:

“No quiero trabajar en ballet, ni en ópera, ni en cosas donde es como: ‘Oye, mantén esto vivo, aunque ya a nadie le importe esto’”.

El comentario, realizado junto al actor Matthew McConaughey, circuló en redes sociales días antes del cierre de las votaciones para los premios Oscar.

Chalamet matizó sus palabras al añadir que respeta a quienes se dedican a estas disciplinas, aunque reiteró que, a su juicio, requieren de estrategias especiales para atraer público.

La repercusión fue inmediata. Instituciones como la Ópera de Seattle reaccionaron empleando el código promocional “Timothee” para ofrecer un 14% de descuento en entradas, cifra alusiva a la frase del actor sobre haber “perdido 14 centavos en audiencia”.

El Royal Ballet and Opera y la Ópera de Viena también respondieron a través de sus plataformas, defendiendo la permanencia y vitalidad de las obras clásicas.

La intervención de Alondra de la Parra y la réplica viral

La discusión alcanzó otro nivel cuando Alondra de la Parra, directora reconocida internacionalmente, subió a TikTok un video dirigido a Chalamet.

En el clip, la mexicana aparece con su orquesta y declara: “Oye, Timothée , lamento que no quieras ser parte de esto. Quizás quieras reconsiderarlo, y no estamos intentando mantenerlo vivo. Está muy vivo”.

Luego, invita al actor: “Si algún día cambias de opinión, ven a Madrid y diviértete con nosotros”. La grabación incluye un fragmento en el que la orquesta interpreta música clásica, reforzando la afirmación sobre la vitalidad del género.

El video desencadenó una ola de comentarios en TikTok. Usuarios señalaron: “La que no entendió lo que quiso decir Timothée ”, “Él dijo ópera y ballet, no sé” y “Nada como México para contestar”.

El gesto de de la Parra fue interpretado como una defensa del sector y una invitación a reconsiderar los prejuicios sobre las artes escénicas.

El actor Timothée Chalamet ha generado un impacto directo en la industria de las artes escénicas después de que un clip viral de una charla pública, organizada por Variety, lo mostrara ironizando sobre la necesidad de convencer al público de asistir a espectáculos como el ballet y la ópera, señalando que, en su percepción, estos géneros insisten en mantenerse vigentes cuando “a nadie le importa”. La reacción a sus comentarios trascendió el espacio digital e incentivó tanto respuestas institucionales como una táctica de promoción directa: la ópera de Seattle estableció un descuento del 14% en entradas, empleando el código promocional “Timothee”, citando la propia frase del actor sobre haber “perdido 14 centavos en audiencia”.

El video, originado en una charla entre Chalamet y el actor Matthew McConaughey en la Universidad de Texas, circula en redes sociales días antes del cierre de las votaciones para los premios Oscar, amplificando su eco entre las comunidades artísticas internacionales. Instituciones como el Royal Ballet and Opera y la Ópera de Viena usaron sus plataformas para responder al actor. La ópera de Viena afirmó: “Sin duda recordaremos a Carmen dentro de 200 años, aunque no estoy seguro de Marty Supreme”, en alusión a un guiño cultural ligado a la permanencia de las obras clásicas.

La polémica escaló cuando reconocidas figuras del sector se sumaron al debate. La mezzosoprano canadiense Deepa Johnny calificó la postura de Chalamet de “decepcionante”, abogando por la unidad entre artistas de diferentes disciplinas y la promoción transversal del arte. El coreógrafo francés Martin Chaix enfatizó la vitalidad de las artes escénicas, destacando la relevancia del ballet y la ópera en un entorno mediático transformado por la inteligencia artificial: “La presencia humana directa del ballet y la ópera se vuelve más esencial, no menos”.

Reacciones institucionales

El English National Ballet aportó datos precisos para contextualizar la vitalidad del sector. La organización indicó que más de 200 mil personas asistieron presencialmente a sus funciones, mientras que sus contenidos en redes sociales generaron más de 65 millones de impresiones. El ballet londinense resaltó su estrategia de expansión y conexión con diversas demografías a través de programas de aprendizaje creativo y participación comunitaria.

Por su parte, la Ópera de Seattle actuó con velocidad, integrando la controversia en una campaña específica para la ópera Carmen. Durante un fin de semana, la institución ofreció el descuento del 14% en asientos seleccionados empleando el código “Timothee”, sumándose a la tendencia de capitalizar fenómenos virales para dinamizar la venta de entradas y ampliar su alcance online.

Chalamet y las artes escénicas

El actor abordó el tema durante la entrevista en la universidad texana, explicando que no le interesaría trabajar en el ballet o la ópera porque, a diferencia de fenómenos cinematográficos recientes como Barbie u Oppenheimer, estas formas requieren estrategias adicionales de promoción para atraer público. “No quiero trabajar en ballet, ni en ópera, ni en cosas donde es como: ‘Oye, mantén esto vivo, aunque ya a nadie le importe esto’”, dijo Chalamet en la conversación moderada por Variety.

Chalamet añadió: “Todo mi respeto para la gente del ballet y la ópera allá fuera”, matizando sus declaraciones tras la polémica generada. Sin embargo, las repercusiones no se limitaron a instituciones. Isabel Leonard, cantante de ópera estadounidense, cuestionó la falta de elocuencia y apertura mental del actor ante otras formas artísticas a pesar de considerarse a sí mismo artista.

Estrellas del cine también opinaron. Jamie Lee Curtis se preguntó desde sus redes sociales: “¿Por qué algún artista ataca a otro artista?”. El artista visual Franz Szony y el coreógrafo Kam Saunders asomaron críticas sobre el desconocimiento y la falta de respeto subyacentes en el comentario viral.

El debate, estimulado por la viralización de la charla, se nutre de argumentos económicos, de marketing y de legitimidad artística. Desde la defensa institucional con cifras de asistencia y visibilidad digital, hasta la réplica humorística mediante descuentos promocionales, la industria de las artes escénicas ha capitalizado el episodio para reafirmar su vigencia.

Desde sus primeros suspiros, Anna Pavlova fue un espíritu frágil que desafiaba sus límites físicos y las expectativas de la sociedad sobre el rol de la mujer y el arte en su época. Nacida prematura en un hospital militar de San Petersburgo, con un cuerpo delicado que parecía poco apto para la danza, encontró desde niña la perfección y la belleza en el ballet. Ver La bella durmiente a los ocho años le reveló el sentido de su vida: quería habitar ese mundo suspendido entre el aire y el suelo.

Nada le fue fácil; su infancia estuvo marcada por la tensión entre la fragilidad de su cuerpo y la fuerza de su espíritu. Los cuidados de su abuela la enseñaron a observar, escuchar y comprender el mundo más allá de las apariencias. Tuvo fama temprana y debió soportar rumores sobre su origen. Pero siempre tuvo algo muy en claro: la danza no era solo movimiento, sino un lenguaje capaz de transmitir emoción, cruzar fronteras culturales y tocar la intimidad del público, más allá de los salones aristocráticos.

Forjada en la disciplina rigurosa de la Escuela Imperial de Ballet, donde la exigencia chocaba con su cuerpo delicado y sus pies arqueados, Anna transformó cada caída y cada dolor en impulso para alcanzar la perfección. Su capacidad de convertir el esfuerzo en belleza definió toda su carrera. Anna siempre fue mucho más allá de lo que de ella se esperaba y llevó su arte a escenarios inesperados, popularizó la danza y la acercó a públicos de todos los orígenes.

La fragilidad que se volvió arte

Anna Pávlovna Pavlova nació el 31 de enero de 1881 según el calendario juliano, vigente en Rusia en ese momento (correspondiente al 12 de febrero en el calendario gregoriano), en el hospital del Regimiento Preobrazhenski de San Petersburgo, donde su padre, Matvéi Pávlovich Pávlov, servía como oficial. Su madre, Liubov Fiódorovna, provenía de una familia campesina y trabajaba como lavandera en la casa del banquero Lázar Polyakov.

Desde muy temprano, la vida de Anna estuvo rodeada de rumores y secretos sobre su origen: algunos sostenían que era hija ilegítima del banquero, mientras que otros afirmaban que su padre tenía raíces en Crimea. Ninguna de estas versiones fue confirmada, pero todas contribuyeron a darle un aire de misterio a su vida. Haber nacido prematura y de salud frágil parecía haber marcado su destino: estar constantemente bajo cuidados especiales. Por ello, fue enviada en varias ocasiones a la aldea de Ligovo, donde quedó al cuidado de su abuela. Allí comenzó a desarrollar una sensibilidad particular hacia la belleza del arte, que la acompañaría y definiría para siempre.

Lo miraba de lejos hasta que llegó el día que todo lo cambió... En 1890, cuando apenas tenía ocho años, su madre la llevó a ver La bella durmiente, de Marius Petipa, en el Teatro Mariinski, interpretada por el Ballet Imperial Ruso. Aquella función despertó en ella un deseo que la consumía por dentro: supo que quería vivir dentro de esa música, de esos movimientos; deseaba habitar un mundo de giros, saltos y arabesques.

A los nueve años se presentó a una audición en la Escuela Imperial de Ballet, pero fue rechazada debido a su fragilidad física. Lejos de desanimarse, insistió en sus estudios y prácticas, e ingresó al año siguiente. Su nueva formación combinaría una disciplina extrema con la búsqueda constante de la perfección artística.

Los años en la Escuela Imperial fueron particularmente duros. Su cuerpo largo y delgado, sus pies fuertemente arqueados y sus tobillos frágiles contrastaban con los cánones de la época, que privilegiaban figuras compactas y musculosas. Sus compañeros la apodaron “La escoba” y La petite sauvage, pero Anna transformó la burla en determinación. Practicaba sin descanso, perfeccionando cada paso, cada giro, cada caída y cada levantamiento. Su talento natural se consolidó bajo la guía de los grandes maestros. “Nadie puede llegar a la cima armado solo de talento. Dios da el talento; el trabajo transforma el talento en genio”, afirmaba, mostrando la filosofía que guiaría toda su vida y su carrera.

Durante su último año de estudios, participó en producciones profesionales y recibió elogios tanto de críticos como de maestros. Su debut oficial en el Teatro Mariinski tuvo lugar en Les Dryades prétendues, de Pável Gerdt, y a partir de entonces su carrera comenzó a ascender sin freno. Su apariencia volátil y delicada desafió los cánones establecidos y significó una transformación profunda en la concepción de la bailarina clásica.

La creación de un estilo único

Luego de graduarse como bailarina profesional en Escuela Imperial de Ballet, en 1899, Pávlova ingresó al Ballet Imperial Mariinski como coryphée, un puesto superior al del cuerpo de baile. Apenas llegó se destacó por su elegancia y su capacidad para transmitir emociones. Bailó junto a figuras como Mijaíl Obújov y Serguéi Legat, y trabajó con Michel Fokine, quien coreografió especialmente para ella La muerte del cisne, obra que condensó todo el lirismo y la intensidad de su estilo. Cada gesto de Pávlova en ese solo era poesía pura; cada arabesque, un instante de delicada perfección.

Su ascenso fue imparable. En 1902 recibió sus primeros papeles protagónicos en La bayadera, Giselle y Paquita, y en 1906 fue nombrada prima ballerina. Su cuerpo delgado —que antes había sido motivo de burla— se convirtió en su sello distintivo, redefiniendo los estándares del ballet clásico. No era solo la técnica lo que impresionaba, sino su capacidad para conmover al público con una mirada, un giro o un gesto mínimo. La crítica y los espectadores la admiraban, y su arte trascendió pronto los muros del Mariinski.

Durante esos años, Anna buscó perfeccionar su arte visitando a maestros como Marius Petipa, repasando escenas de Giselle o Le Corsaire para recibir consejos y refinar su interpretación. Sin embargo, el coreógrafo Michel Fokine resultó decisivo en su desarrollo: la combinación de la expresividad de Anna y la sensibilidad de las coreografías del maestro ruso convirtió a Pávlova en un ícono del ballet romántico. Cada movimiento parecía reflejar su propia vida, marcada por la disciplina, el sacrificio, la delicadeza y una fuerza contenida.

Sin embargo, la ambición de Anna no se limitaba al teatro ruso. Desde sus primeras giras europeas en 1907, junto al bailarín Adolph Bolm y un pequeño grupo de artistas, demostró su deseo de llevar el ballet a todos los rincones, desde Berlín hasta Helsinki, adaptando los grandes clásicos y consolidando un estilo propio que combinaba virtuosismo técnico y lirismo escénico. Su visión era clara: el ballet no debía ser exclusivo de los salones aristocráticos, sino un lenguaje universal de emoción y belleza.

Giras mundiales y legado cultural

En 1909, Pávlova colaboró por un tiempo con los ballets rusos del empresario artístico Serguéi Diáguilev, participando en estrenos de obras como Las sílfides y Cleopatra, junto al prodigioso bailarín Vaslav Nijinsky. Aunque estaba allí, su interés siempre estuvo ligado a repertorios melodiosos y románticos, más cercanos a los maestros del siglo XIX.

Decidió entonces formar su propia compañía, con la que llevó el ballet clásico a escenarios de Europa, América, Asia y Oceanía. Su repertorio incluía adaptaciones de Petipa y piezas creadas especialmente para ella, en las que combinaba técnica, actuación y un refinado sentido dramático, dando lugar a lo que algunos historiadores denominaron “melodeclamación coreográfica”.

Sus giras mundiales fueron históricas y se la considera la bailarina que más viajó para llevar su arte a rincones lejanos de su ciudad.

En América del Sur, por ejemplo, fue pionera en interpretar el Jarabe Tapatío, Baile Nacional de México, vestida con el traje de china poblana, y cautivó al público al bailar La muerte del cisne en los jardines del Palacio Errázuriz-Alvear. En Argentina fue una visitante frecuente: actuó en el Teatro Colón y el Teatro Coliseo en 1917, 1918, 1919 y 1928.

En Buenos Aires, el reconocido fotógrafo Frans van Riel le hizo retratos que hoy son históricos. También se presentó en el Teatro Municipal de Río de Janeiro, donde dio funciones con entradas a precios populares para que personas de todos los sectores pudieran disfrutar del ballet por primera vez. Entre 1921 y 1928 recorrió Estados Unidos, India, Japón, China, Filipinas, Malasia, Egipto y Birmania, dejando en cada ciudad una huella imborrable.

Pávlova no solo enseñaba ballet: acercaba el arte a públicos que jamás habían visto una ballerina, transformando la danza en un fenómeno cultural y social. Ella respiraba danza y quería que, por un instante, todos pudieran hacerlo.

Más allá de los escenarios, también mostró un profundo compromiso humanitario. Adoptó a quince niñas huérfanas en París, fundó un hogar cerca de Saint-Cloud y utilizó su fama y recursos para financiar su educación y bienestar. Su mánager y compañero de vida, Victor Dandré, fue su principal aliado en estas iniciativas, cuidando su carrera y respaldando sus convicciones artísticas y personales. Su relación, discreta y profunda, se consolidó en un matrimonio secreto en 1914, aunque se conocían desde 1904.

El amor de Pavlova por los animales también formó parte esencial de su vida cotidiana. Cuidaba cisnes, perros, gatos y aves, muchos de los cuales aparecieron en retratos fotográficos junto a ella. En su residencia de Golders Green, en Londres, creó un espacio que combinaba parque, estanque y estudio de danza, donde podía ensayar, coreografiar y almacenar vestuarios y escenografía, convirtiendo su hogar en un verdadero santuario del arte.

Durante sus últimas giras, la salud de Anna comenzó a deteriorarse. En 1931, durante una visita a La Haya, fue diagnosticada con pleuresía, una inflamación del revestimiento de los pulmones. Los médicos le recomendaron una cirugía que le permitiría sobrevivir, pero que le impediría volver a bailar. Con la misma determinación que había marcado toda su vida, respondió: “Si no puedo bailar, prefiero estar muerta”. Su decisión reflejaba la entrega absoluta a su arte, un principio que guio cada ensayo, cada función y cada viaje.

El 23 de enero de 1931, Anna murió en el Hotel Des Indes de La Haya, rodeada de su doncella, su médico y Victor Dandré. Sus últimas palabras fueron un gesto final de amor por la danza: “Prepara mi vestuario de cisne”.

Fue vestida con su traje de encaje favorito y acompañada por una ramita de lilas, cumpliendo su deseo de partir como había vivido: como bailarina. Su funeral en Londres y su cremación en Golders Green se convirtieron en un homenaje a una vida de dedicación absoluta al arte, marcada por la belleza, la disciplina y la emoción pura.

Además, aspectos que distinguen sus interpretaciones, como la musicalidad y la autoexigencia, fueron puestos a prueba por una dificultad que desafió tanto su talento artístico como su fortaleza, según relató en una charla con People.

Infancia y vocación con la danza

Desde pequeña, la única obsesión de Mearns era el baile. “A los 12 años llegué a Nueva York y ese era el objetivo: estar en ese escenario”, recordó. Las largas horas en el estudio, las marcas de tiza en el piso y el esfuerzo diario para alcanzar el nivel de las mejores marcaron su infancia y la vocación inquebrantable que la define.

Sobre su pasión, también confesó: “Nada más existía en mi vida. La verdad, todavía es así”. Durante sus años iniciales, el desafío del perfeccionismo se hizo presente constantemente. “Siempre fui la última de la clase, pero eso me empujaba a preguntar hasta dónde podía llegar”, contó.

Esta autoexigencia construyó su vínculo con la música y el escenario. “Siempre me reconocieron como una bailarina muy musical. Estudiaba la música que bailaba. La escuchaba en el Philharmonic o en Carnegie Hall, porque sin esa música no puedo hacer lo que hago”, explicó.

Primeros indicios del problema auditivo

La primera señal de alerta llegó en 2014 durante un ensayo de Carnaval en Brasil, dentro de un gimnasio de metal repleto de percusionistas. “Cuando salí, no pude escuchar nada durante días”, relató. Aquel episodio fue el inicio de síntomas difíciles de identificar en ese momento.

Con el paso del tiempo, comenzó a notar que no captaba las voces de sus compañeros ni los matices de la orquesta. Con respecto a eso, recordó: “Me estaba perdiendo las conversaciones a mi alrededor. Incluso los músicos y mis parejas de baile tenían que hacerme señales cuando no podía escuchar”.

Impacto profesional y emocional

La acumulación de obstáculos la llevó a un aislamiento profundo y a una crisis emocional. “Estaba completamente hundida. No quería ir al estudio. No quería actuar. Iba llorando al trabajo cada día”, describió.

Experimentó una desconexión cada vez mayor de su entorno de trabajo y de la vida grupal. La generalización del uso de mascarillas durante la pandemia agravó el aislamiento, pues la imposibilidad de leer los labios y la dificultad para oír sonidos cotidianos aumentaron su soledad.

“Cuando estás pasando por esto, parece imposible, incluida mi pérdida de audición. No ves la luz al final del túnel”, confesó. Aunque estaba en la cúspide de su carrera, la frustración le impedía disfrutar lo alcanzado.

“Me preguntaba por qué no me sentía agradecida, por qué no era feliz haciendo esto si había trabajado toda mi vida para llegar aquí. Me hundí aún más en la soledad”, compartió. Hizo hincapié en la “espiral descendente” en la que se vio envuelta y en la dificultad de aceptar que necesitaba ayuda.

Proceso de diagnóstico y ayuda

El cambio fue repentino una mañana en Central Park. Sobre ese momento, relató: “Estaba sentada en un banco y me di cuenta de que nadie más lo iba a resolver por mí. Tenía que tomar el teléfono y pedir ayuda”. La decisión de buscar asistencia la llevó a la audióloga Marta Gielarowiec, quien confirmó el diagnóstico de pérdida auditiva neural en 2020.

Durante la adaptación, la bailarina atravesó la incertidumbre: “¿Cuánto mejorará? ¿Voy a recuperar la audición completa? ¿Podré siquiera bailar con los audífonos puestos?”. Afrontó el temor de aceptar que había algo en su vida que no funcionaba como esperaba.

“Fue muy emotivo para mí, porque tuve que afrontar que había algo que no iba bien. Cuando mi audióloga y yo elegimos estos audífonos Phonak, pensé que era especial que existiera algo así para alguien como yo”, remarcó.

Adaptación y superación en el escenario

El regreso a la música fue inmediato y emocionante. “Como intérprete, los audífonos me han devuelto parte de mi vida”, afirmó. La reacción espontánea al volver a oír sonidos cotidianos la sorprendió: “Empecé a oír cosas fuera de la ventana y pensaba: ‘¿Qué es eso?’. No las había escuchado en años”.

“Mi mundo entero se abrió de golpe”, recordó. Subirse al escenario y percibir cada instrumento con claridad resultó abrumador: “Empecé a llorar en escena porque, por fin, podía oír la fuerza de cada instrumento”.

La funcionalidad de los audífonos fue puesta a prueba en los ensayos y funciones. Mearns relató el momento en que, por primera vez, ejecutó correctamente un paso que siempre le resultó complicado. “La directora de repertorio volvió y me dijo: ‘¡Lo lograste!’. Y yo le respondí: ‘¡Lo sé! Ahora escucho todo perfectamente’. Esa vez no fallé el conteo”, reveló.

Reflexiones sobre perfeccionismo, resiliencia y empatía

La carrera de Sara Mearns está marcada por el perfeccionismo y el aprendizaje del error. “Tienes que fracasar. El fracaso es parte del proceso”, sostuvo. Habló de la inspiración que representa para ella la bailarina Natalia Makárova, cuya humanidad en escena le enseñó la importancia de la paciencia y la autenticidad.

En este proceso, la artista de 40 años aprendió a acompañar a otros y brindar empatía. Al compartir su vivencia públicamente, recibió mensajes de personas que habían pospuesto la búsqueda de ayuda por temor o vergüenza. Actualmente reconoce que su experiencia sirve de referencia para jóvenes con discapacidad en las artes escénicas, generando espacios de inclusión y esperanza en el ballet.

El Teatro Colón presentó la programación de su temporada 2026, que incluirá siete títulos líricos, tres óperas de cámara y ocho producciones de ballet, junto con la celebración de los 80 años de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. El anuncio fue realizado por la institución porteña, que también confirmó el regreso de la Berliner Philharmoniker tras veintiséis años y la participación de figuras internacionales como Marianela Núñez.

Entre los ejes principales de la programación se destacan los siete títulos de la temporada lírica, que incorpora el regreso de Die Walküre al escenario del Colón, y reintroduce la obra de Wagner en idioma alemán. También están previstas producciones como Les contes d’Hoffmann, bajo la dirección escénica de Eugenio Zanetti, y el estreno mundial de Dementia, compuesta por Oscar Strasnoy. El repertorio italiano contará con cinco títulos, desde I Capuleti e i Montecchi de Bellini hasta Otello de Giuseppe Verdi. La temporada de ópera de cámara sumará tres obras del siglo XX: Historia del soldado, de Igor Stravinsky; La ópera de los tres centavos, de Weill-Brecht, y Otra vuelta de tuerca, de Benjamin Britten.

En el ámbito de la danza, el Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Julio Bocca, llevará a cabo ocho producciones. La bailarina argentina Marianela Núñez protagonizará la apertura con El lago de los cisnes y también el cierre con El cascanueces. Entre las novedades se incluyen estrenos argentinos y el estreno mundial de Borges, con música de Gustavo Santaolalla y Owen Belton, y coreografía de Goyo Montero.

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, que cumple ocho décadas, programó 19 conciertos en su ciclo de abono y ocho funciones extraordinarias. Su directora principal, Zoe Zeniodi, encabezará una temporada que reunirá a solistas y directores de trayectoria internacional. En tanto, la Orquesta Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Alejo Pérez, ofrecerá tres conciertos propios, además de su participación en ópera y ballet. La Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón sumará un ciclo de ocho conciertos de marzo a diciembre.

El calendario internacional estará marcado por la visita de la Berliner Philharmoniker, dirigida por Kirill Petrenko, que regresará al Colón luego de más de dos décadas. El pianista Daniil Trifonov será el solista invitado en los tres conciertos programados.

La programación de Colón Contemporáneo, a cargo de Martín Bauer, ofrecerá cuatro funciones en la sala principal, incluyendo cinco estrenos latinoamericanos de obras de los siglos XX y XXI y la proyección con interpretación en vivo de la película Blade Runner. El Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC) mantendrá su perfil experimental con doce propuestas de danza, música electroacústica, instalaciones audiovisuales y teatro, entre otras disciplinas.

El ciclo Colón para niños, gestionado por el Instituto Superior de Arte, contará con cinco títulos familiares, entre los que figuran adaptaciones de El rey Arturo, Cuentos líricos, El barbero de Sevilla y El lago de los cisnes, además del ballet cantado Un sueño navideño.

El Salón Dorado ofrecerá actividades organizadas en once ejes temáticos que incluyen música coral, tango, jazz, música de cámara y homenajes a figuras de la música nacional y jóvenes talentos.

La renovación de abonos para la temporada 2026 comenzó el 12 de diciembre, tanto de manera presencial como online a través del sitio oficial www.teatrocolon.org.ar.

Coproducciones como los ciclos Grandes Intérpretes y Aura se sumarán a propuestas como Astor, Piazzolla eterno y nuevas experiencias del ciclo Colón Inmersivo, que presentará Monet y Aida.

Fotos: gentileza prensa Teatro Colón (© Carlos Villamayor; © Máximo Parpagnoli).

La Justicia condenó a 10 años de prisión a la directora del Ballet Salta, Marina Tondini de Jiménez (73), por haber abusado sexualmente de su nieto tras una denuncia impulsada por la víctima y su padre en 2022. La mujer, por el momento, permanece en libertad hasta tanto la sentencia quede firme. “Esto fue Justicia, y ojalá que sea un mensaje para las víctimas y las familias de las víctimas por abuso sexual”, le dijo Emanuel Jiménez a Infobae este jueves tras conocer el veredicto en contra de su abuela.

La causa penal comenzó luego de una denuncia realizada por el joven en junio de 2022 en una comisaría de la Ciudad de Buenos Aires. En su declaración, Emanuel relató que los hechos ocurrieron desde que tenía 10 y durante siete años, en los que visitaba a su abuela y se quedaba a dormir en su casa en la ciudad de Salta.

Según fuentes del caso, los ataques sucedieron en distintas ocasiones, a veces cuando se encontraban solos en el domicilio y otras durante las noches mientras el resto de la familia dormía.

El joven también relató que los abusos se repitieron durante vacaciones compartidas en Mar del Plata. Y aseguró que su abuela lo amenazaba constantemente para evitar que contase todo lo que sucedía.

La investigación siguió con pericias interdisciplinarias y la toma de testimonios de diversos integrantes de la familia y del entorno del ballet. El expediente avanzó hasta llegar al juicio de la mano de la fiscal Nayla Delgado y la posterior condena a Tondini de Jiménez.

El comunicado

El caso impactó de lleno en la comunidad artística provincial y nacional, ya que la mujer tiene una trayectoria marcada por más de cinco décadas al frente del Ballet Salta y como ex directora del Instituto de Música y Danzas de la provincia salteña.

Justamente, el instituto de danzas que dirige desde 1970 emitió un comunicado después de la difusión del fallo, afirmando que “la sentencia no se encuentra firme”, ya que la legislación prevé recursos judiciales que deben resolverse antes de que la condena sea de cumplimiento efectivo.

Firmado por la dirección artística de la institución, en el texto se subrayó en la misma línea que Jiménez continúa eximida de prisión y que seguirá cumpliendo con las obligaciones procesales mientras dure la apelación.

El Ballet insistió en que mantendrán el compromiso institucional y con la comunidad: “Mantenemos un profundo respeto por el funcionamiento de la Justicia, por el trabajo de los organismos intervinientes y por todas las partes involucradas. Por este motivo, la institución se abstiene de emitir valoraciones sobre el contenido del veredicto o sobre aspectos vinculados al proceso”.

La palabra de la víctima

Quien también se expresó públicamente fue la víctima, que en la actualidad reside en Buenos Aires y desarrolla su carrera profesional como bailarín. En diálogo con Gente de Salta, reprochó un reconocimiento que recibió Jiménez: “Es increíble que homenajeen a una violadora”.

Durante la entrevista, el joven sostuvo que la decisión de hablar públicamente surgió por el deseo de dar un mensaje de apoyo a quienes atravesaron situaciones similares.

“Hablar de ella me remueve todo, pero hablo para que la gente diga basta, diga no, hasta acá llegaste. Nunca es tarde para hablar y empezar a sanar”, manifestó, al tiempo que agradeció el acompañamiento de su familia, la ayuda terapéutica y el respaldo recibido de organismos de protección de víctimas durante todo el proceso.

El joven también reconoció que recibió comentarios de personas quienes dudaron de la acusación dada la figura pública de su abuela. Y relató cómo cortó lazos con el entorno familiar y con la danza folclórica salteña, optando por desarrollarse en otros circuitos artísticos.

El cierre de la Temporada 2025 del Ballet Estable del Teatro Colón estará marcado por la presentación de El cascanueces, la célebre fantasía navideña de Piotr Ilich Chaikovski, que se ha consolidado como una de las piezas más emblemáticas del repertorio clásico y de las celebraciones de fin de año. Esta producción, que se inscribe en el año del centenario de los elencos estables del teatro, representa también el final del primer ciclo de gestión de Julio Bocca al frente del Ballet Estable.

La puesta en escena de El cascanueces contará con la coreografía de Silvia Bazilis y la dirección musical compartida entre Emmanuel Siffert y Diego Censabella, quienes estarán al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. La versión que se presentará retoma la estrenada por el Ballet Nacional del Sodre (Uruguay) en 2011 y reúne a un equipo artístico de reconocida trayectoria: la escenografía estará a cargo de Gastón Joubert, el vestuario será diseñado por Gino Bogani, la iluminación estará en manos de Rubén Conde y la dirección de títeres será responsabilidad de Antoaneta Madjarova.

Inspirada en la adaptación de Alejandro Dumas del cuento de E.T.A. Hoffmann, y con libreto de Iván Vsévolozhsky y Marius Petipa, esta versión de El cascanueces se presenta como un homenaje a la tradición y a la renovación artística del Ballet Estable. Las entradas para las funciones ya están disponibles y pueden adquirirse de manera online a través de la página web del Teatro Colón o personalmente en la boletería ubicada en Tucumán 1171, de lunes a sábados entre las 9 y las 20 horas, y los domingos de 9 a 17 horas.

Los papeles principales serán interpretados por bailarines invitados y figuras destacadas del elenco. El personaje de El Cascanueces será asumido por Lucas Erni y Gustavo Carvalho, junto con el primer bailarín Federico Fernández y el solista Jiva Velázquez. El rol de Clara estará a cargo de Camila Bocca y Ayelén Sánchez, ambas solistas del Ballet Estable, así como de Yoshino Horita y Rocío Agüero. El personaje de Drosselmeyer será interpretado por Matías Santos, Alejo Cano Maldonado, Antonio Luppi y David Juárez, todos integrantes del Ballet Estable.

Las funciones se desarrollarán los días 12, 13, 16, 17, 18, 19, 20, 23, 26 y 27 de diciembre a las 20, mientras que las presentaciones de las 17 tendrán lugar el 14, 21 y 28 de diciembre. Entre los invitados, Lucas Erni participará en las funciones del 12, 14 y 17 de diciembre, y Gustavo Carvalho lo hará en las del 21, 23 y 26 de diciembre; ambos forman parte del Ballet de Düsseldorf.

[Fotos: Carlos Villamayor/prensa Teatro Colón]

El Cascanueces, ese clásico del ballet que cada diciembre llena de brillo y magia a la Ciudad de México, regresa en una de las producciones más esperadas del año.

Para quienes buscaban un lugar en la función gratuita del Palacio de Bellas Artes y se quedaron fuera, existe una segunda oportunidad: el espectáculo de la Compañía Nacional de Danza vuelve, con todo su esplendor y música en vivo, al Auditorio Nacional.

El espíritu navideño llega al Paseo de la Reforma de la mano de más de 130 artistas en escena, prometiendo a las familias capitalinas una experiencia inolvidable envuelta en destellos, suites de Tchaikovsky y coreografías para soñar.

¿De qué trata El Cascanueces?

La historia de El Cascanueces inicia en la Nochebuena, cuando Clarita recibe un cascanueces de madera como obsequio. A medianoche, la magia despierta y da inicio una aventura fantástica.

El cascanueces cobra vida y, acompañado por la pequeña y su hermano Fritz, enfrenta al temido Rey de los Ratones. Tras vencerlo, Clarita se sumerge en un viaje onírico por el Reino de los Dulces, donde conoce a personajes entrañables y vive escenas de ensueño entre copos de nieve y caramelos danzantes.

Con música de Piotr Ilich Chaikovski y una puesta en escena heredera de la tradición clásica, este ballet ha conquistado a públicos de todas las edades desde su estreno en 1892. El segundo acto de la obra brilla especialmente por la variedad de bailes y la atmósfera festiva que evoca el corazón de la Navidad.

Así serán las funciones de El Cascanueces en el Auditorio Nacional

La versión que presenta la Compañía Nacional de Danza destaca por su gran despliegue escénico: más de 130 artistas, la participación de alumnas y alumnos de las escuelas del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y la interpretación en vivo de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes.

El espectáculo combina la riqueza coreográfica con escenografías deslumbrantes que recrean la magia de la Navidad y el universo de dulces y aventuras que caracteriza al relato.

Niños, jóvenes y personas adultas encuentran en esta producción un motivo para reunir a la familia y celebrar los valores de la temporada.

Fechas, horarios y puntos de venta para el ballet de la Compañía Nacional de Danza

La temporada de El Cascanueces en el Auditorio Nacional tendrá funciones del 18 al 23 de diciembre de 2025. La cartelera incluye opciones para todos los horarios:

• Jueves 18 y viernes 19 a las 19:30 horas.
• Sábado 20 con funciones dobles a las 12:00 y 18:00 horas.
• Domingo 21 con funciones a las 12:00 y 17:00 horas.
• Lunes 22 y martes 23 con funciones a las 12:00 y 18:00 horas.

Los boletos ya están disponibles en taquillas del Auditorio Nacional y enTicketmaster. La alta demanda habitual de este ballet convierte la compra anticipada en la mejor garantía para asegurar un lugar.

Precios para ver El Cascanueces en el Auditorio Nacional

La experiencia de ballet navideño se adapta a distintos presupuestos. Los precios van de la siguiente desde $420 pesos en el segundo piso hasta los $2,400 pesos en zona preferente VIP.

Las opciones intermedias incluyen:

• Primer piso ($640)
• Balcón ($850)
• Luneta ($1,100)
• Peferente ($1,600).

El rango de costos permite que más familias vivan la ilusión de la temporada en uno de los recintos más emblemáticos de la capital.

Asistir a El Cascanueces es una manera especial de cerrar el año y de compartir la magia que une generaciones en torno a la danza y la música clásica. La tradición continúa iluminando el escenario del Auditorio Nacional con sus historias de sueños, aventuras y esperanza.

En el seno de una familia trabajadora, Enzo encontró en su padre Silvio, camionero, un respaldo fundamental para perseguir su sueño. Desde el principio, Silvio alentó a su hijo a seguir su vocación, mientras que Eugenia, la madre, experimentó temores ante el “qué dirán” del entorno. La decisión de Enzo de dedicarse al ballet no fue sencilla en un contexto donde los estereotipos de género aún pesan. “Cuando fui a una muestra de danza allá en Caseros y vi cómo bailaban las chicas, quise empezar y mami me dijo que sí y bueno, empecé”, relató el joven bailarín, recordando el momento en que su interés por la danza se transformó en una realidad con el consentimiento materno.

El camino de Enzo no estuvo exento de obstáculos. Ser el único niño que baila ballet clásico en Caseros implicó enfrentar miradas y comentarios, además de las limitaciones económicas propias de una familia de recursos modestos. La obtención de becas internacionales para perfeccionarse en Estados Unidos y Uruguay representó una oportunidad invaluable, aunque no exenta de desafíos. Las becas cubren la formación, pero no los gastos de viaje, lo que dificultaba la posibilidad de aprovecharlas plenamente.

La participación de Enzo en Buenas noches Familia marcó un punto de inflexión. Su talento y dedicación conmovieron tanto al conductor del programa, Guido Kaczka, como al público, que decidió premiarlo con una suma superior a 10 millones de pesos. Este reconocimiento no solo le permitirá costear los traslados necesarios para acceder a las becas, sino que también simboliza el respaldo de una comunidad que supo valorar su esfuerzo y perseverancia.

El impacto del premio trasciende lo económico. Durante la emisión, el conductor destacó la importancia de este apoyo: “No pueden costear los gastos porque te dan la beca para que estudies, pero no te dan todo para que viajes”, explicó, subrayando la relevancia del aporte del público para que Enzo pueda cumplir su sueño de formarse en el exterior. La emoción y el orgullo se hicieron palpables tanto en el estudio como en el entorno familiar del joven bailarín.

Las reacciones no se hicieron esperar. Silvio, el padre, expresó con convicción su postura frente al futuro de su hijo, mientras que Eugenia, tras superar sus dudas iniciales, acompañó a Enzo en cada paso de su recorrido. El propio Enzo, al recordar sus primeros pasos en la danza, transmitió la sencillez y la determinación que lo caracterizan.

El logro de Enzo representa mucho más que un premio individual. Para la comunidad de Caseros y para quienes siguen su historia, su triunfo es un ejemplo de cómo el apoyo familiar y social puede abrir puertas y derribar prejuicios. La posibilidad de perfeccionarse en el extranjero abre un nuevo horizonte para el joven bailarín, que ahora cuenta con el respaldo necesario para continuar su formación y proyectar su talento más allá de las fronteras de su pueblo.

La determinación de su familia y el reconocimiento público se conjugan para ofrecerle a Enzo la oportunidad de construir su propio camino, guiado por la pasión y la libertad de elegir su destino.

El centro histórico de Trujillo será escenario esta semana de dos funciones gratuitas de la Compañía de Ballet de Trujillo, iniciativa impulsada por el Ministerio de Cultura para facilitar el acceso de la comunidad al arte y los derechos culturales. El elenco, dirigido por Gonzalo Angulo, presentará sus coreografías el jueves 6 y viernes 7 de noviembre en dos eventos organizados por la Dirección Desconcentrada de Cultura (DDC) de La Libertad.

El Ballet sale a escena para todos

La primera función se llevará a cabo este jueves, a partir de las 7:00 p. m., durante la “Noche Cultural” en un espacio del centro histórico. El público podrá presenciar un espectáculo interpretado por los bailarines profesionales del elenco oficial. Al día siguiente, el viernes 7 de noviembre, la compañía realizará una nueva presentación a las 7:30 p. m. en la Casa de la Identidad Regional, ubicada en el Jr. Diego de Almagro 418. El acceso es libre para ambas actividades, lo que representa una oportunidad para que personas de distintas edades y procedencias se acerquen al universo de la danza y las artes escénicas.

“El acceso a la cultura constituye un derecho fundamental de la ciudadanía”, señala el objetivo de la convocatoria oficial. Al ofrecer espectáculos en espacios públicos y sin costo de entrada, el Ministerio de Cultura busca favorecer el encuentro entre artistas y población, así como fortalecer la identidad y diversidad cultural local.

La experiencia del Ballet en el Perú

El ballet ha estado presente en el Perú desde las primeras décadas del siglo XX, aunque su práctica formal y profesional se consolidó sobre todo tras la fundación de agrupaciones oficiales en Lima y otras regiones. Si bien Lima concentra la mayor cantidad de escuelas y compañías, ciudades como Trujillo han conseguido desarrollar el arte del ballet mediante el impulso de elencos propios y festivales.

A diferencia de otros géneros más difundidos, el ballet ha enfrentado retos para hacerse masivo. El acceso al público suele depender de la programación cultural y las iniciativas de instituciones públicas, que han buscado extender su alcance fuera de los circuitos tradicionales. La presencia de compañías regionales, como la de Trujillo, permite descentralizar la oferta artística y brindar a nuevas generaciones la oportunidad de conocer esta disciplina.

Elencos como el de Trujillo ofrecen programas coreográficos variados, desde piezas clásicas hasta propuestas contemporáneas adaptadas al público local. Esta diversidad contribuye a un mayor acercamiento entre distintas expresiones culturales y facilita la integración comunitaria a través de las artes.

Fomento de los derechos culturales

A través de estas presentaciones, el Ministerio de Cultura reafirma su compromiso de “promover la creación, la difusión y el disfrute de las manifestaciones culturales en todas sus formas”. El evento no solo apunta al entretenimiento, sino que representa una acción concreta para garantizar el acceso equitativo a la cultura.

Las funciones de la Compañía de Ballet de Trujillo se suman a otras iniciativas de la DDC La Libertad dedicadas a impulsar las artes escénicas y la participación ciudadana en eventos culturales.

La fantasía, la esperanza y la alegría de soñar cobran vida en el nuevo Teatro Municipal de Surco, donde se presentará una de las obras más emblemáticas del repertorio clásico: El Cascanueces, bajo la dirección y la coreografía de los renombrados maestros Rosie Schottland Bitterman y Vladimir Issaev. Una puesta mágica para el disfrute de grandes y chicos.

“Elegí esta historia porque valores fundamentales como la empatía, la valentía, la unión familiar, la amistad y la fe son esenciales para devolver ese mensaje de esperanza y alegría que tanto necesitamos”, afirma la directora Rosie Schottland.

Esta producción de dos actos y cuatro escenas, con música del maestro Piotr Ilich Tchaikovsky, conjuga excelencia técnica, sensibilidad artística y un profundo compromiso formativo. Bajo el lema ‘El Cascanueces, cuando los sueños cobran vida’, la obra lleva el sello de su directora, quien reúne a un notable elenco de bailarines con figuras nacionales e internacionales del ballet —Grace Cobián, Avril Wieland, Andrea Liñán, Camila Ambrueso, Ariam León, Damian Medina y Luis García — en un mismo escenario junto a jóvenes artistas independientes y más de 60 alumnos de la escuela profesional RSBC, símbolo del talento y la proyección de la danza peruana.

“Nuestro compromiso es formar personas íntegras a través del arte. En esta obra, los estudiantes viven de cerca la disciplina y la pasión del trabajo escénico profesional, aprendiendo valores que trascienden lo artístico”, añade Schottland.

La puesta en escena —con coreografía original del maestro Vladimir Issaev, música de Tchaikovsky y una propuesta visual de gran belleza— combina danza, escenografía, vestuario, iluminación y efectos especiales cuidadosamente diseñados para crear un universo de ensueño.

Desde su fundación en 1999, la Escuela RSBC ha contribuido al desarrollo del ballet clásico en el Perú, aplicando el método ruso de enseñanza inspirado en Agrippina Vaganova y promoviendo una formación artística integral en sus alumnos. Con 'El Cascanueces, cuando los sueños cobran vida’, la institución reafirma su misión de acercar el arte a la comunidad y fortalecer el tejido cultural a través de la danza.

“Esta obra trasciende el espectáculo: es una celebración del espíritu de la danza y de todos quienes la hacen posible. Queremos que el público salga del teatro con el corazón lleno de ilusión y orgullo por el talento que florece en nuestro país”, expresa la directora.

‘El Cascanueces, cuando los sueños cobran vida’ se presentará del 27 de noviembre al 4 de diciembre de 2025 en el Teatro Municipal de Surco. Las entradas están disponibles en las zonas Hada Confite, Hada de las Nieves, Hada del Rocío y Clara y Fritz, con precios desde S/50.

Entradas a través de la web de Joinnus y en el módulo de boletería del Parque de la Amistad, de miércoles a domingo de 3:00 p. m. a 9 p.m.

Sobre El Cascanueces

El cascanueces, compuesto por Piotr Ilich Tchaikovski en 1892, es uno de los ballets más reconocidos y representados en la historia de la música clásica. Inspirado en la adaptación de Alexandre Dumas del cuento original de E.T.A. Hoffmann, la obra narra la historia de Clara, una niña que recibe un cascanueces como regalo navideño y, tras una serie de acontecimientos mágicos, es transportada a un mundo de fantasía poblado por juguetes y criaturas encantadas.

La música de Tchaikovski destaca por su riqueza melódica y su habilidad para evocar atmósferas mágicas, consolidándose como parte esencial de la temporada navideña en muchos países. Las escenas más emblemáticas incluyen la “Danza del hada de azúcar” y la “Marcha”, que capturan la imaginación del público por su delicadeza y energía. El Cascanueces no solo ha dejado una huella perdurable en el repertorio de ballet, sino que también ha influido en otras manifestaciones artísticas y culturales alrededor del mundo.

La cuenta @marceline.the.ballerina acumula actualmente 14 mil 900 seguidores y 854 mil 700 “me gusta”, mostrando en su primer clip a la perra mientras salta al ritmo de la Danza Rusa de El Cascanueces de 2009, con música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky y coreografía de Peter Wright. Guiada visualmente por las interpretaciones de los bailarines Ricardo Cervera, en el rol del cascanueces, e Iohna Loots como Clara.

Pero Marceline se ha vuelto viral en la red social no solo por sus gráciles movimientos, sino también por su evidente entusiasmo por el arte. Su dueña, quien administra la cuenta, explicó que la afición de la canina surgió cuando era una cachorra, alrededor de los nueve meses.

“Le puse ‘Barbie El Cascanueces’ en Navidad, le gustó mucho, así que le mostré mi actuación favorita”, relató en uno de los videos. Desde entonces, la cánida de pelaje negro ha ampliado sus preferencias y ahora encuentra especial placer en escenas de Giselle y muestra también interés por el ballet contemporáneo.

Una perrita apasionada por el ballet

En total, la cuenta suma ocho videos publicados, con cada uno mostrando aspectos diferentes de la personalidad de la perrita. Según su propietaria, Marceline disfruta también de una variada selección de películas, videojuegos y actuaciones; dentro de estos, sus escenas predilectas incluyen también peleas y otras escenas llenas de acción, además de cualquier aparición animal en pantalla.

La convivencia de la prima ballerina se da junto a seis felinos, a quienes su dueña denomina cariñosamente como “primos gatos”. Además, entre sus rutinas diarias destaca su comida favorita: un huevo cocido acompañado de tomate fresco sobre croquetas.

A pesar de su fama y carisma en cámara, al ser un animal rescatado, la propietaria revela que Marceline “es bastante tímida y tiene un poco de ansiedad social. Ha recorrido un largo camino en su viaje de salud mental y estamos orgullosos de su progreso”, especialmente al verla saltar al ritmo de la bailarina Mia Patton.

Las emocionantes actuaciones de la intérprete canina en las redes han generado respuestas entusiastas, incluso, comentarios como “Ella en su otra vida fue bailarina” y “No cabe duda que es una reencarnación” abundan entre los internautas, quienes siguen su desarrollo y muestras de talento.

La influencia de la música en los perros

Según el sitio especializado PetMD, en 2002 la Dra. Deborah Wells, experta en conducta animal, llevó a cabo una investigación que evidenció cómo la música clásica tiene un efecto tranquilizador en los perros. En dicho experimento, se observó que los animales tendían a estar calmados, permaneciendo acostados y en silencio por más tiempo al escuchar este tipo de música, en comparación con otros géneros.

Más adelante, en 2005, la Dra. Susan Wagner, una neuróloga veterinaria con certificación profesional, identificó que las composiciones de piano solo diseñadas bajo principios psicoacústicos, caracterizadas por ritmos pausados, sonidos simples y arreglos minimalistas, lograban reducir la ansiedad de los lomitos con mayor efectividad que la música clásica convencional. Aunque ambos estilos ayudaron a que se recostaran, “el piano solo fue aún más eficaz”.

En 2012, la Dra. Lori Kogan, de la Facultad de Medicina Veterinaria de la Universidad Estatal de Colorado, amplió esta línea de investigación al evaluar a 117 canes alojados en un entorno de perrera. Su análisis contempló los efectos de la música clásica, el heavy metal y melodías compuestas específicamente para animales. Así, el estudio concluyó que la exposición a música clásica promovía un mayor tiempo de sueño y una reducción en la vocalización.

Años después, un estudio realizado en 2017 añadió una nueva dimensión al tema al descubrir que géneros como el reggae y el rock suave generaban respuestas más relajadas en los canes. Además, estos estilos aumentaban la variabilidad de la frecuencia cardíaca, un indicador fisiológico asociado con bajos niveles de estrés.

Por otra parte, en 2010, el American Kennel Club destacó un evento único en su tipo: la artista Laurie Anderson ofreció un concierto en Sídney, Australia, exclusivamente dedicado a los perros. La iniciativa fue tan bien recibida que repitió la experiencia en Nueva York, donde solo los caninos podían percibir claramente la música, mientras que sus dueños usaban auriculares para seguir la pieza. Posteriormente, la presentación fue adaptada para televisión en un episodio de The Late Show With Stephen Colbert.

La celebración de la vigésima edición de Danzar por la Paz se perfila como uno de los acontecimientos más destacados de la agenda cultural de Buenos Aires para este año.

El evento, que tendrá lugar el 16 de octubre a las 20:30 en el Teatro Coliseo, destinará la totalidad de lo recaudado a los proyectos de UNICEF orientados a mejorar la situación de niñas, niños y adolescentes en contextos de vulnerabilidad. Las entradas, con un valor inicial de $8000, ya pueden adquirirse a través de Ticketek o en la boletería del teatro.

Reconocida como una cita esencial para el público familiar, la gala ha sido declarada de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. En esta edición, la conducción estará a cargo de Gabriela Sobrado, quien guiará una velada que promete conjugar excelencia artística y compromiso social.

El programa de la noche reunirá a figuras y compañías de primer nivel. El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Julio Bocca, encabezará el elenco de artistas.

A ellos se sumarán el Grupo Cadabra, dirigido por Anabella Tuliano; los actuales Campeones Mundiales de Tango BA, Leandro Bojko y Micaela García; el Taller de Danza del Teatro San Martín, con la dirección de Norma Binaghi y Damian Malvasio; los bailarines internacionales Luciana Croatto y Joaquín Crespo Lopes; y la Compañía Folklórica La Biaba, dirigida por Flor Passoni y Toti Forlin.

Como cierre, la gala ofrecerá una propuesta especialmente pensada para el público infantil y familiar: la obra Sancho Panza, Aventuras en La Mancha de Leonardo Reale, interpretada por la Compañía Juvenil del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Esta puesta, que combina humor, virtuosismo y entrega escénica, agotó localidades en sus seis funciones durante las vacaciones de invierno.

A los 36 años, Tiler Peck se mantiene como la bailarina principal con más ballets interpretados en la historia del New York City Ballet, un logro excepcional en una disciplina donde la longevidad profesional resulta inusual.

Tras superar dos lesiones graves que amenazaron con truncar su carrera, Peck se consolidó como una figura inspiradora dentro y fuera del escenario. En diálogo con Business Insider, la bailarina reflexionó sobre su resiliencia, disciplina y pasión, factores claves para permanecer dos décadas en la élite del ballet estadounidense.

Rutinas previas y supersticiones detrás del telón

Antes de cada función, Peck sigue una rutina estricta. “Mi preparación siempre es la misma. Golpeo mis zapatillas en un lugar específico y empiezo a alistarme dos horas antes de salir al escenario”, detalló.

En su ritual figuran la selección y costura de las zapatillas, un almuerzo de mantequilla de maní y plátano para mantener la energía, y la apertura de cartas de admiradores jóvenes.

Peck señaló: “Soy un poco supersticiosa con eso”. El sonido de las zapatillas contra la pared, los ajustes del vestuario y la revisión de cada detalle ayudan a mantener la concentración y la calma frente a la exigencia del escenario.

Su vínculo con el ballet comenzó en la infancia, cuando su padre la llevó a ver El Cascanueces en el Lincoln Center. “Le dije: ‘Papá, algún día voy a bailar en ese escenario’”, recordó.

Un año después ingresó a la academia del New York City Ballet y, con solo quince años, consiguió un puesto como aprendiz, una hazaña poco común en una compañía donde ahora se exige un mínimo de dieciocho años para ingresar.

Su rápido ascenso la llevó, a los dieciséis, a ensayar roles principales; poco después, tras superar su primera gran lesión, fue promovida a bailarina principal, convirtiéndose en una de las más jóvenes en alcanzar ese rango.

Lesiones, recuperación y liderazgo artístico

El primer obstáculo serio apareció en la adolescencia, con una fractura por estrés en la espalda baja que la apartó seis meses de los escenarios, justo cuando iba a ser ascendida a solista.

“Recuerdo entrar a la oficina con una lágrima y decir: ‘Estoy lesionada, voy a tener que parar un tiempo’”, compartió Peck a Business Insider. Su regreso fue decisivo: debutó como Hada de Azúcar en El Cascanueces y poco después fue promovida a principal.

La musicalidad es una de sus marcas distintivas. “Todo el mundo habla de mi musicalidad, pero es algo que me enseñaron desde pequeña. A los ocho años ya sentía la música como alguien de veinte”, afirmó.

Peck protagonizó más de 111 ballets, incluyendo títulos emblemáticos como La Bella Durmiente, Tema y Variaciones y El Lago de los Cisnes. Su capacidad para transmitir emociones a través del movimiento la convirtió en una referente internacional.

En 2019, una hernia cervical puso en riesgo definitivo su carrera. “Seis médicos me dijeron que nunca volvería a bailar y que, si no me operaba, podía quedar paralizada”, confesó Peck. El dolor era tan intenso que no podía mover la cabeza.

Prefirió la fisioterapia y el reposo antes que la cirugía. “No quería que una lesión física decidiera por mí cuándo dejar de bailar”. Tras ocho meses de recuperación, pudo volver al escenario: “Aprendí mucho sobre mi cuerpo y eso me hizo más fuerte”.

La presión de ser bailarina principal es constante. “Lo más difícil es la presión que nos ponemos a nosotras mismas. Se espera que baile al máximo nivel y sé que mi desempeño marca el tono del ballet”, reconoció Peck en la entrevista con Bussines Insider.

La exigencia física y mental es comparable a la de los atletas profesionales, aunque la remuneración está lejos de ese estándar. El salario mínimo para una bailarina principal ronda los USD 105.000 anuales, mientras que los miembros del cuerpo de baile reciben menos de la mitad. “Nosotras somos como atletas profesionales, pero el dinero no es el mismo; lo hacemos por amor al arte”, aseguró.

Diversificación, coreografía y vida personal

Fuera del escenario, diversificó sus actividades: comparte ensayos y su vida cotidiana en redes sociales, colabora con marcas y celebridades, lanzó una línea de mallas para ballet, diseñó mochilas y publicó dos libros, con un tercero en preparación. “He tenido que enfocarme en otras pasiones para poder vivir en Nueva York de manera realista”, explicó.

En su vida personal, el ballet sigue presente: su esposo, Roman Mejia, es bailarín principal y compañero frecuente en escena. “Escuchamos la música de la misma manera, es muy agradable bailar juntos”, comentó.

En los últimos años, Peck se dedicó a la coreografía y es la única bailarina principal de la compañía con esa función. Su estreno con Concerto for Two Pianos la situó entre las 25 mujeres que crearon ballets para la compañía.

“No puedo decir cuál de las dos cosas me gusta más. Como bailarina, das vida a las ideas de otros; como coreógrafa, ves cómo tus ideas cobran vida en otros”, afirmó, señalando que la coreografía también le permite prepararse para el futuro más allá del escenario.

La vida de Peck está marcada por rutinas y supersticiones. Utiliza zapatillas de diferentes tallas en cada pie desde su primera lesión y selecciona con cuidado cuál usará cada noche. Antes de ingresar al escenario, prueba el sonido de las zapatillas para asegurarse de mantener la magia del ballet.

Para Peck, el ballet exige entrega total, pero la recompensa es única. “Requiere trabajo duro y dedicación, pero para quienes lo aman, no existe una sensación comparable”, concluyó en su charla con Business Insider.

La iniciativa de Bocca se difundió el viernes 29 de agosto a través de un video en el que explica que, tras una conversación con Núñez, ella le habría puesto como condición para su regreso la obtención de ese millón de seguidores en la plataforma.

El propio artista expresó: “Marianela me dijo que si llego al millón de seguidores en Instagram, vuelve a bailar en la Argentina”. Este desafío, que combina el alcance de las redes sociales con el deseo de ver a una de las figuras más destacadas del ballet internacional en su tierra natal, rápidamente captó la atención de la comunidad artística y del público general.

Esta semana, desde Viena, Bocca subió otro video -esta vez en compañía de su compañera de toda la vida, Alessandra Ferri- para anunciar que la cuenta había llegado a los 125 mil seguidores y que estaba “más cerca de Londres” para “convencer” a Marianela.

La bailarina, que desde hace años reside en el Reino Unido y es una de las principales figuras del Royal Ballet, mantiene una relación cercana con Bocca, quien ha sido una referencia fundamental en su carrera. El regreso de Núñez a los escenarios argentinos es un anhelo compartido por el público y por la comunidad de la danza, que reconoce en ella a una de las exponentes más sobresalientes del ballet clásico a nivel mundial.

El desafío planteado por Bocca no solo pone de manifiesto el poder de convocatoria de las redes sociales, sino que también evidencia el impacto que una figura como Núñez tiene en el imaginario cultural argentino. La posibilidad de verla nuevamente en el país depende ahora de la respuesta del público y de la capacidad de movilización digital que logre la campaña.

El compositor ruso Rodion Shchedrin, autor de ballets mundialmente conocidos como Anna Karenina y Carmen Suite, falleció a los 92 años, anunció este viernes el Teatro Bolshói de Moscú.

Shchedrin, “uno de los mayores genios contemporáneos” cuyas “óperas, ballets y sinfonías se representan desde hace varias décadas en los escenarios más importantes del mundo”, falleció durante la noche, indicó el Bolshói en un comunicado.

El compositor, viudo de la legendaria bailarina Maya Plisetskaya, fue “un fenómeno único y toda una época en la vida de la cultura musical mundial”, subrayó el texto, lamentando una “enorme tragedia” y una “pérdida irreparable” para el mundo artístico.

Nacido el 16 de diciembre de 1932 en Moscú, el músico se dio a conocer en los países occidentales con Carmen Suite, una partitura escrita en 1967 para ballet, que hizo brillar a su esposa en el escenario del célebre Bolshói.

Plisetskaya, coronada en el Bolshói como “prima ballerina assoluta”, falleció en 2015.

Inspirándose en los cuentos de hadas y la literatura clásica rusa, Shchedrin también compuso los ballets El caballito jorobado, Anna Karenina (basado en la obra de León Tolstói) y La gaviota (de Antón Chéjov).

Autor de la ópera Lolita, compuesta a partir de la controvertida novela de Nabokov y estrenada en 1994 en Estocolmo, Shchedrin también destacó por sus sinfonías y conciertos para piano y orquesta, interpretados tanto en Europa como en Asia y Estados Unidos.

Con más de 80 obras a sus espaldas, “el inestimable legado artístico de Shchedrin sigue resonando en los corazones del público”, afirmó el Bolshói.

Fuente: AFP

El bailarín español Gonzalo García, quien asumió este mes como director artístico del Miami City Ballet (MCB) en medio del cuadragésimo aniversario de la institución, dijo que busca mantener su gran calidad e imprimirle al mismo tiempo su “personalidad”.

García explicó que “el nivel del MCB siempre ha sido muy alto”, algo que sorprende a la gente, pues es una compañía mediana, que “tiene de 45 a 55 bailarines y actúa como si fuera una de estas compañías de 100”.

“Lo pienso mantener y al mismo tiempo darle mi personalidad”, afirmó el prestigioso bailarín, con 25 años de trayectoria. Se propone, dijo, que la gente sepa que existe el MCB", una entidad cultural “muy importante y probablemente la más avanzada dentro de las artes en la ciudad”.

Para conseguirlo, el zaragozano ha pedido a sus nuevos compañeros que le lleven “a todos los eventos” para “llegar a la comunidad e involucrarla”. “Nosotros tenemos que salir a la calle a contar nuestra historia”, aseguró.

“Entiendo esta comunidad y como migrante dentro de este país, que se ha convertido en ciudadano americano, soy un poco parte del sueño americano”, explicó el bailarín, quien se vio “muy reflejado en esas cualidades” que buscaba el MCB.

Recalcó que quiere “que en el escenario seamos una compañía internacional, en una ciudad que representa a inmigrantes de muchísimos sitios”. Entre ellos a los cubanos, de gran presencia en Miami.

La escuela cubana y latina

Para García “es importantísima” la influencia del ballet cubano. “He trabajado muchísimo con la gente cubana y conozco muy bien la pasión latina que hay por el arte, porque los españoles también la tenemos”, remarcó.

“La escuela cubana y la escuela latina tienen mucho que aportar y han aportado mucho dentro de la danza, entonces creo que merecen un hueco y ser parte de la conversación del MCB”, añadió.

García, quien fue primera figura en el San Francisco Ballet (SFB) y en el New York City Ballet (NYCB), considera “una casualidad del destino”, pero a la vez “una gran responsabilidad”, llegar en un momento tan especial para la compañía como es aniversario 40 para la temporada 2025/26.

“Celebras el pasado pero al mismo tiempo no te puedes quedar viviendo en el pasado. Tienes que celebrar también la posibilidad de otros 40 años”, subrayó. “Mi parte favorita de ser director artístico y de ser una persona de liderazgo en las artes es el tiempo que paso con los bailarines en el estudio. Para mí eso es mi pasión”, destacó.

Ansioso por conocer al grupo, García se fue a California en junio pasado para ver a los bailarines interpretar el ‘Lago de los cisnes’ del coreógrafo ruso Alexei Ratmansky. Dijo que este agosto, su primer día en el MCB fue “maravilloso”.

“Me recibieron súper contentos, me aplaudieron muchísimo. Les dije que dentro de un año volveríamos a hablar, a ver si seguían aplaudiendo de la misma manera”, bromeó.

El español es un claro representante del legado del coreógrafo georgiano George Balanchine, fundador del New York City Ballet, y del bailarín estadounidense y coreógrafo de esa institución Jerome Robbins, algo que la compañía de Miami, que basa su técnica y filosofía en ellos, quería mantener.

Al mismo tiempo, García piensa que “buscaban a alguien que tuviera una visión del mundo abierta y con experiencia”.

Para él es “un gran honor” ocupar este cargo que solo han ejercido dos “grandes personas” antes que él: el bailarín y coreógrafo estadounidense Edward Villella, durante 27 años, y la bailarina cubanoestadounidense Lourdes López, durante 13 años, con quienes ha trabajado en el pasado.

“Me dejan el plato muy lleno, con una historia muy importante que yo quiero mantener y elevar todo lo que pueda”, señaló.

Recuerda en ese sentido que se tomó muy en serio cuando el bailarín ucraniano Yuri Pozokov le dijo que tenía una nueva responsabilidad, después de que se convirtiera a los 15 años en el bailarín más joven de la historia en ganar el Prix de Lausanne, conocido como la Champions del ballet.

La clave cree que está en ese amor y pasión por su oficio, que han hecho que “la danza me haya tratado muy bien a mí, y yo le he tratado muy bien a la danza”.

Fuente: EFE

"Trabajaremos en el filme con el mismo equipo de 'El Profeta'", largometraje musical dedicado a la vida del poeta ruso Alexandr Pushkin, dijo, citado por la agencia rusa TASS.

En particular, señaló que la dirección correrá a cargo del joven realizador ruso Félix Umárov, quien llevó las riendas de 'El Profeta', mientras que el Cascanueces será interpretado por Mark Eidelshtéin, llamado por la prensa especializada el "Timothée Chalamet ruso" por su debut en 'La tierra de Sasha' y su éxito en el protagónico de 'Anora', de Sean Baker.

El productor señaló que en la actualidad se estudia la posibilidad de que se incorporen al elenco las actrices rusas Oxana Akinshina, Viktoria Isákova y Svetlana Jódchenkova.

El largometraje, según Anúrov, busca presentar la "historia mágica" de cómo Chaikovski encaró en 1892 la composición de la música del Cascanueces en momentos difíciles para él, ya que poco antes había muerto su hermana.

"A través del universo de su imaginación recrearemos el San Petersburgo en el que veremos a los personajes que sirvieron de inspiración para el libreto del ballet", sostuvo, al señalar que los actores elegidos "deberán interpretar sus papeles en el escenario del Teatro Mariinski".

El Cascanueces, ballet de dos actos compuesto por Chaikovski con libreto de Iván Vsevolozhski y Marius Petipá, fue estrenado en 1892 en el Teatro de Mariinski y desde entonces se ha convertido en una obra indispensable del repertorio de los principales teatros rusos, incluyendo al Bolshói de Moscú, donde no falta en cada Navidad.EFE

“Siempre quise ir a París”, dice Indira Sas. La pantalla del celular, en vertical, la muestra en México, en una ciudad con playa. Allá hace calor. “Siempre quise salir de México para volver profesional. Pensaba en Europa, pero más en París, que siempre amé”. Al lado, su madre, Berenice Apostolo, asiente. Juntas, reconstruyen la historia de aquel día. ¿Cuál día? El que se probó en la Escuela de la Ópera de París. La noche antes de la audición Indira tuvo miedo. No eran nervios —esa sensación ya la conocía, podía lidiar con eso—, era otra cosa, mucho más fuerte, más determinante. Tenía catorce años.

Ya la habían aceptado en Alemania y en Rusia. “De hecho, había empezado a estudiar ruso y alemán”, cuenta Berenice. Pero la idea de París volvió, y forzaron la posibilidad. Un amigo de la familia conocía a la directora de la compañía de danza de la Ópera. Armaron un video, se lo mandaron, pero ella no miraba videos, “no tiene tiempo, vive ocupada”. Un día ese amigo se la cruzó y se lo mostró desde su teléfono. “Esta chica tiene un don”, le dijo. “¿En serio dijo eso?” El muchacho lloraba. “Ahora hay que viajar”. “¿Cómo viajar?“ ”Sí, hay que ir a París: a mostrar que es real lo del video“.

La noche antes no fue fácil. “Yo me fui a su cama, me acosté con ella, porque me decía: mamá, tengo miedo”, cuenta Berenice. “Después se me fueron los nervios”, matiza Indira. La audición duró tres horas. Afuera, los padres se comían las uñas. La llaman al despacho y le dicen que “hay que mejorar muchas cosas” pero que sí, finalmente sí: la aceptaron: lo logró. Desde entonces, agosto del 2021, Indira Sas —criada en México, nacida en Argentina— vive en Francia: hizo tres años en la Escuela de la Ópera de París y el año pasado fue elegida para integrar la emblemática Compañía.

“Entran muy poquitos”, explica la madre. “Y entró, pasó. Ahí ya la contrataron y cambió todo: ya no es ir a una escuela para ver si es o no es, ahora ya está: llegaste”, agrega. “Desde que entré a la Escuela de la Ópera, ese era mi objetivo. No me daba cuenta al principio. Estoy trabajando en un lugar que es soñado para muchos. Estoy muy feliz de estar aquí”, dice Indira contenta, alegre, como si se lo repitiera para por fin creerlo. Es la primera mexicana en lograrlo y la segunda argentina, después de Ludmila Pagliero, que se acaba de retirar. Hace unos días, Indira recibió el Prix Progessioannels en el Concurso Rudolf Noureev, en Italia.

Llegó con su español neutro —una mezcla del mexicano predominante con retazos del argentino que se fue colando en sus viajes recurrentes a Córdoba, a visitar a la familia ampliada: tíos, abuelos, primos—, pero no servía de mucho. Sí su inglés, el gran commodity idiomático. De todos modos, tuvo que aprender francés para hacer la Escuela. “Y me ayudó hacerme muchos amigos. Ahora, en la Ópera, no son los mismos, porque entramos solo tres niñas; a ellas dos no las conocía tanto. Pero ahora nos acercamos mucho. También hay personas más grandes, gente de hasta 42 años, que baila conmigo”, cuenta desde México: está de vacaciones.

Aunque extrañada por un mundo que nunca deja de ser novedad, ahora, integrar la Ópera de París, se convirtió en un trabajo. “Yo entré porque quería ser una profesional. Cuando era chiquita no lo veía como un trabajo. Me decía que solo quería bailar toda mi vida. Es una suerte”, agrega. En época de funciones, ensayan de lunes a sábado, y luego, a la noche, el espectáculo. “Es una empresa enorme. Yo no puedo creer la estructura que tiene, el orden a todas las cosas. Es hermoso”, comenta su madre. “Bailar frente al público es lo que más me gusta. Para eso que es que nos preparamos, para bailar en la función. No es pura técnica, pura práctica. Al final, es para el público”.

A principios de este siglo, los padres de Indira, ambos cordobeses —él arquitecto, ella odontóloga—, se instalan en México, pero al poco tiempo ella queda embarazada. Deciden volver: que nazca en Argentina, que sea argentina. Al mes y medio vuelven al país azteca, a continuar con la vida que estaban armando. Cuenta su madre que, cuando estaba en la panza, le ponían música y se movía. “Pateaba y pateaba, ¡y lo hacía al ritmo, te juro!" Berenice había hecho ballet muchos años, entonces la anotó en una escuela de baile: mucho jazz, mucho hip hop, de todo.

“Ella eligió. Yo la mandé a ahí porque estaba disponible, lo que estaba cerca mío, y vi sus condiciones. También fue a teatro. También a piano. Pero yo siento que el ballet tiene algo que no tienen las otras disciplinas: es un reto muy personal”, dice Berenice, desde la experiencia. En esa escuela de baile, la primera a la que fue, a la que anotó sin más expectativas que la diversión de su hija —lo cual no es poco—, un día, la maestra, de nombre Katia, nacida y criada en Cuba, le comenta con firmeza: “Indira tiene mucho ritmo”.

Tenía siete años cuando vio por primera vez una obra de ballet: El Cascanueces, de Chaikovski. “Se sentó y se quedó todo el espectáculo así. Cuando salió: mamá, quiero ir a esta escuela de ballet, quiero ser bailarina profesional. Mirá: piel de gallina”, recuerda su madre, emocionada. “Me acuerdo perfecto de esa función”, dice Indira y se ríe. “El Cascanueces es mi espectáculo favorito”. Durante los próximos días insistió con la ferocidad de los niños convencidos. A los dos meses estaba bailando frente a una nueva maestra que le decía a su madre que no, que no sabe, que no tiene nivel.

—No venimos más, Indi —le dijo Berenice de camino a la casa.

—¡Yo sí quiero! ¡Yo sí quiero!

—¿En serio? —le preguntó su madre. Ambas sabían que si quería empezar tenía que estar en Primero, el grado más bajo, como si fuera la primera vez en su vida que bailaba. El camino iba a ser largo.

—Sí.

“Yo sabía bailar, pero no sabía bailar ballet, no sabía nada de la técnica. El ballet es un arte. Hay diferentes técnicas y eso yo no lo tenía. No tenía la disciplina del ballet”, dice ahora. Al mes de aquel día, la nueva maestra —Frida Yosif, de la Escuela Coppelias— llama a Berenice. Sin dejar la postura rígida ni torcer sus palabras iniciales, le dijo: “Aprende rapidísimo, es impresionante”. Cuando llegaron las primeras funciones, Indira tuvo los mejores papeles. “Y ya de ahí nunca más dejó de brillar”, dice, orgullosa, su madre, y la mira. Ella hunde la cabeza en sus manos, un poco avergonzada. Ambas se ríen risueñas.

—Indira, ¿qué sentís cuando bailás? ¿Qué te pasa por el cuerpo, por la mente, cuando estás bailando?

—Bailar es lo que más amo hacer. Cuando no bailo por mucho tiempo siento que extraño. Cuando lo hago... pues... siento libertad. Siento que estoy en un lugar donde nadie está a mi alrededor. Siento que estoy sola. Es mi manera de expresarme. La verdad no sé cómo explicarlo. Es algo inexplicable.

Con más de dos décadas dedicadas a la formación de nuevas generaciones de bailarines y un legado pedagógico que ha influido en la escena dancística peruana e internacional, la Escuela Rosie Schottland Ballet Clásico (RSBC) anuncia la apertura de sus audiciones para su próxima producción escénica. Esta convocatoria, dirigida a estudiantes avanzados y bailarines independientes, reafirma su compromiso con la excelencia artística y educativa.

El equipo docente está conformado por reconocidos ex bailarines y maestros del Ballet Nacional del Perú, Ballet Municipal de Lima y otras compañías nacionales e internacionales, todos con formación académica y experiencia profesional de alto nivel.

Las audiciones para la próxima producción se realizarán a partir del 30 de agosto en la sede de la escuela en Lima. Las inscripciones ya están abiertas y pueden realizarse a través de las páginas oficiales o escribiendo al correo: produccionesrsbc@gmail.com.

La convocatoria está abierta a nivel nacional e internacional. Los postulantes que no residan en Lima deberán enviar un video (máximo 3 minutos) interpretando una variación de danza clásica, junto con un CV simple, al mismo correo: produccionesrsbc@gmail.com.

Fundada en 1999 por la maestra Rosie Schottland Bitterman, licenciada en Ciencias de la Educación y actualmente maestría en Estudios en Danza por la Universidad de La Rioja— la escuela se ha posicionado como referente en la enseñanza del ballet clásico en el país. En 2023, RSBC marcó un hito con la puesta en escena del ballet La Fille Mal Gardée, una superproducción que presentó una versión innovadora de la obra original del siglo XVIII, con vestuarios y escenografía inéditos en el Perú.

Ballet en Perú

El ballet en el Perú ha cultivado una rica historia que se remonta a la visita de la icónica bailarina Anna Pavlova en 1917, evento que sembró la semilla de la danza clásica en el país. Sobre esta base se erigieron las dos instituciones más importantes de la escena profesional: el Ballet Nacional del Perú, elenco oficial del Estado que difunde el arte a nivel nacional desde el Gran Teatro Nacional, y el Ballet Municipal de Lima, una compañía con una sólida trayectoria en el repertorio clásico bajo la dirección de su fundadora, Lucy Telge, con sede en el Teatro Municipal. Ambas compañías son los pilares que sostienen la tradición y la innovación del ballet en la actualidad, presentando temporadas que cautivan a un público fiel.

La formación de nuevos talentos es un aspecto crucial para la continuidad y el desarrollo de la disciplina. Esta labor es liderada por la Escuela Nacional Superior de Ballet, la principal institución pública dedicada a la enseñanza profesional. A su lado, una vibrante red de academias y estudios privados, principalmente en Lima, juega un papel fundamental en la iniciación y el perfeccionamiento técnico de futuras generaciones de bailarines. De este ecosistema han surgido figuras notables como la propia Lucy Telge, pionera y maestra, y Vania Masías, quien ha logrado un gran impacto social a través de la danza, demostrando el poder transformador de este arte más allá de los escenarios.

Actualmente, el ballet peruano goza de vitalidad, evidenciada en eventos de talla internacional como el Festival Internacional de Ballet de Trujillo, que fomenta el intercambio cultural y descentraliza la oferta artística.

La última función del ballet Don Quijote en el Teatro Colón reunió a una multitud que colmó la sala y las veredas del teatro. El espectáculo concluyó con aplausos de pie y muestras de entusiasmo tanto dentro como fuera del edificio.

Marianela Núñez, que encarnó el papel de Kitri, fue la figura central de la noche. Al finalizar la función, salió al encuentro de su público y firmó programas mientras posaba para fotos con los asistentes, que ya la esperaban desde temprano en la entrada principal. Junto a ella, estuvo Patricio Revé, su compañero en el escenario.

Durante la función, también se destacó la presencia de Julio Bocca en uno de los palcos, quien recibió una ovación especial de parte del público. El ambiente festivo se extendió más allá de la sala, con largas filas, cánticos, carteles y un clima de celebración. Para la comunidad del ballet, la noche dejó imágenes que reflejan la adhesión y el fervor por una de las producciones más emblemáticas de la temporada.

Fotos: Juanjo Bruzza [Prensa Teatro Colón].

El Ballet Nacional de Japón debuta este jueves en la Royal Opera House de Londres, ocupando el espacio que dejó la cancelación del Ballet Bolshoi de Rusia debido a la guerra en Ucrania.

En 2022, la Royal Opera House suspendió la gira de la reconocida compañía moscovita y propuso ofrecer su prestigioso escenario a los bailarines japoneses.

Fundada en 1997, la compañía residente de ballet de Japón actuará por primera vez en Londres entre el jueves y el domingo. Presentará una producción de Giselle, un ballet romántico clásico que se estrenó en 1841.

La dirección artística está a cargo de Miyako Yoshida, de 59 años, quien fue la primera bailarina principal japonesa en la institución británica de ballet entre 1995 y 2010. Once bailarines japoneses, incluidos tres principales, actúan actualmente en la Royal Opera House y representan cerca del 10% de la compañía.

Regresar a este escenario de prestigio no solo fue “un sueño hecho realidad”, sino también una fuente de “presión”, declaró Yoshida.

Cuando la gira del Bolshoi fue cancelada, el director del Royal Ballet, Kevin O’Hare, contactó a su excompañera Yoshida para discutir la posibilidad de traer a su compañía como reemplazo.

Buscando accesibilidad

La exbailarina “nunca imaginó” que sucedería “tan rápido” y recordó que problemas de agendas y financiamiento retrasaron los planes. La oportunidad de presentarse llegó “demasiado pronto”, afirmó.

Reconoció que la compañía japonesa, aunque presume de su capacidad para bailar un repertorio amplio, quizá no estaba del todo preparada para reemplazar a una de las compañías de ballet más antiguas y prestigiosas del mundo.

La joven compañía llevó sus producciones a Estados Unidos en 2008 y se presentó en el Teatro Bolshoi al año siguiente, pero esta es la primera vez que interpretará un ballet clásico occidental en Europa.

“Intenté hacerlo más fácil de entender”, dijo Yoshida, quien explicó que “la gente joven” no se interesaría en el ballet “si fuera muy anticuado”.

Quiso capturar la esencia del ballet romántico, que relata una historia de amor prohibido.

Con el apoyo del coreógrafo Alistair Marriott, Yoshida espera que la producción se distinga por su simplicidad.

Para Yoshida, las cinco funciones en Londres buscan “dar a conocer al Ballet Nacional de Japón en todo el mundo” y permitir que sus 75 bailarines evolucionen junto a otras compañías europeas y del resto del mundo.

“Quiero que la compañía sea reconocida mundialmente”, concluyó.

Fuente: AFP

La nueva producción de ballet contemporáneo A Single Man llega a Manchester como una colaboración entre The Royal Ballet y Factory International, transformando la novela de Christopher Isherwood en una experiencia escénica que explora la sexualidad, el duelo y la vida interior.

El espectáculo, dirigido y coreografiado por Jonathan Watkins, se presenta en Aviva Studios hasta el domingo 6 de julio, con funciones a las 20 y una matiné el domingo a las 15 hs.

La obra, basada en la novela de 1964 de Isherwood, narra la jornada de George, un profesor gay de mediana edad que enfrenta la pérdida repentina de su pareja, Jim, en la California de los años 60.

El montaje propone una dualidad escénica: el cuerpo de George, interpretado por el ex principal del Royal Ballet Ed Watson (y por Jonathan Goddard el sábado 5 de julio), y su mente, encarnada en la voz y presencia del cantante y compositor John Grant, quien interpreta en directo nuevas canciones originales.

A lo largo del día, George interactúa con personajes como su amiga Charley y el joven estudiante Kenny, mientras revive recuerdos de Jim y busca sentido a su existencia. El espectáculo se describe como “una meditación sanadora sobre la sexualidad, el duelo y la mediana edad”.

En esta versión de A Single Man, el aclamado exbailarín principal del Royal Ballet británico Ed Watson expresa la fisicidad de la vida exterior de George, mientras que John Grant interpreta su monólogo interior. A lo largo del día, George se encuentra con un conjunto de otros personajes mientras recuerda a su amante.

Al contar la historia de George por dentro y por fuera, A Single Man explora lo que significa ser humano.

La música original, compuesta por Jasmin Kent Rodgman y arreglada por Fiona Brice, cobra vida gracias al innovador conjunto clásico Manchester Collective. El equipo creativo incluye a la diseñadora de vestuario Eleanor Bull, la oscarizada Holly Waddington (conocida por Poor Things), la escenógrafa Chiara Stephenson (colaboradora de SZA, Lorde, Florence + the Machine y Björk), la diseñadora de iluminación Simisola Majekodunmi y la diseñadora de sonido Emma Laxton. El dramaturgo Luke Pell y la intérprete de BSL Becky Barry completan el equipo, junto a un elenco de bailarines y músicos destacados.

La nueva versión del clásico El Cascanueces presenta una puesta escénica que utiliza proyecciones, animaciones y técnicas de mapping, integrando la tecnología con la interpretación de sus grandes bailarines.

El espectáculo, dirigido por Federico Fernández y presentado por el Buenos Aires Ballet “Juvenil”, se inscribe en la 35° edición del ciclo “Vamos al Ballet”, una iniciativa de la Fundación Konex que busca acercar los clásicos del arte escénico al público infantil.

Así, la propuesta fusiona la música original de P. I. Tchaikovsky, arreglos contemporáneos de Juan Andrenacci y Adolfo Schmidt, y la participación de primeras figuras del ballet argentino.

La coreografía, a cargo de Emanuel Abruzzo, introduce una visión artística que entrelaza el ballet tradicional con danzas populares, estilos diversos y efectos de sonido en vivo, conocidos como foley. Esta combinación se potencia con un vestuario cuidadosamente diseñado, que aporta un brillo especial a la experiencia visual.

Por otro lado, la Fundación Konex y la Asociación Arte y Cultura han puesto en marcha una política de acceso cultural que permite a organizaciones sociales y educativas solicitar entradas gratuitas. Esta medida posibilita que niños y familias de comunidades acompañadas por instituciones, ONGs y centros culturales barriales puedan asistir al espectáculo. De este modo, el ballet se convierte en una experiencia accesible para públicos que habitualmente no tienen contacto con este tipo de propuestas.

Las funciones de El Cascanueces se realizan en el marco del ciclo “Vamos al Ballet”, que tiene como objetivo principal acercar los grandes títulos del repertorio clásico a los más pequeños, generando un primer encuentro con el mundo del ballet en un entorno pensado para la infancia.

La historia de El Cascanueces se desarrolla en la casa de los parientes de la Abuela Clara, donde la familia se reúne para celebrar la Navidad. Bajo el gran árbol, los niños esperan los regalos. El Tío Drosselemeyer, personaje enigmático y “medio mago”, llega con obsequios: un caballito de madera para Francisco y un muñeco Cascanueces para Clarita. Drosselemeyer monta un pequeño teatro de títeres, donde desfilan un soldado, una muñeca y un turco, entreteniendo a los invitados. Los juegos infantiles se ven interrumpidos cuando Francisco rompe el Cascanueces de Clarita. Para consolarla, Drosselemeyer la adormece con un toque mágico.

En ese instante, Clarita presencia cómo su Cascanueces cobra vida. Junto a la Abuela Clara, el muñeco enfrenta al Rey de los Ratones. Tras la batalla, ambos parten en un trineo hacia una travesía fantástica. El viaje los lleva por el País de las Nieves, el Reino de las Golosinas y el Mundo de los Personajes. Allí conocen a la imponente Mamá Gigogne, de cuyo regazo emergen figuras: la española con Chocolate, los mirlitones con Flautas musicales, los chinos con Té y los rusos con Helados.

La aventura culmina cuando Clarita despierta y descubre que su Cascanueces está intacto. El relato deja abiertas preguntas: ¿Fue un sueño o realidad? ¿Dónde está la Abuela Clara? Estas incógnitas invitan a los niños a sumergirse en la magia del cuento y a imaginar sus propias respuestas.

La producción se presenta como un ballet para chicos en dos actos. La integración de efectos visuales, música en vivo y la participación de figuras destacadas del ballet nacional conforman una experiencia escénica pensada para el público infantil y familiar.

*El Cascanueces, Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131, C.A.B.A. Funciones: 6, 13, 20 y 27 de julio; 3 de agosto; viernes 25 de julio y 1 de agosto y sábados 26 de julio y 2 de agosto. A las 11 hs. Localidades: desde $15.000 en venta en www.cckonex.org

Este año, el Teatro Colón conmemora cien años desde la creación de sus cuerpos estables: el Ballet, el Coro y la Orquesta Estable. La fecha invita tanto a repasar una historia extraordinaria como a reconocer cómo esa decisión estratégica de 1925 sigue definiendo la identidad cultural de Buenos Aires y proyectando su arte en el mundo. En ese marco, el Teatro presenta Cien años de los Elencos Estables del Teatro Colón, una publicación conmemorativa que rinde homenaje a las generaciones de artistas que dieron vida a este proyecto colectivo, reafirmando el compromiso con la excelencia que distingue a la institución.

La historia de estos elencos está estrechamente ligada a la del propio Teatro Colón. Concebido en el siglo XIX e inaugurado en 1908, el Colón fue desde sus orígenes una de las grandes apuestas culturales de la Argentina moderna. Con una arquitectura monumental y una acústica reconocida internacionalmente, pronto se comprendió que su grandeza estructural debía sostenerse con una política artística de largo aliento. La creación de cuerpos estables fue la respuesta a ese desafío: una apuesta por la formación permanente, la transmisión del conocimiento y la consolidación de un lenguaje artístico propio.

Hasta entonces, las temporadas del Teatro se alimentaban de compañías extranjeras que llegaban con sus producciones y artistas, lo que implicaba altos costos y una programación muchas veces discontinua. La fundación del Ballet, el Coro y la Orquesta Estable marcó un punto de inflexión. Permitió reducir la dependencia del circuito europeo y, al mismo tiempo, sentar las bases de una tradición local con identidad y continuidad. Fue una decisión con visión de futuro que, con el paso del tiempo, posicionó al Colón como uno de los grandes teatros de producción del mundo.

El libro recorre esa trayectoria a través de hitos fundamentales y de voces que, a lo largo del tiempo, fueron construyendo la identidad de los cuerpos artísticos del Teatro. Desde los primeros ensayos hasta las grandes noches de estreno; desde la formación de técnicos, maestros y directores, hasta las giras, las crisis y los renacimientos. En sus páginas resuena no solo el legado de los grandes nombres, sino también el trabajo silencioso de quienes sostuvieron, con profesionalismo y entrega, el pulso cotidiano de una institución en permanente movimiento.

A lo largo de estas décadas, el Teatro Colón no se limitó a consagrar artistas. También ayudó a expandir el ecosistema de las artes en todo el país. Muchos de sus músicos, cantantes, bailarines y técnicos se transformaron luego en docentes, gestores y referentes en otras instituciones. La transmisión generacional ha sido, y sigue siendo, una de las claves del Colón como proyecto cultural.

En ese sentido, el libro funciona como homenaje y como reafirmación: la excelencia no es un punto de llegada, sino un trabajo constante. La decisión de formar cuerpos estables fue, ante todo, una política cultural sostenida en el tiempo, que apostó por el desarrollo artístico desde la base. En un presente desafiante para las instituciones públicas, esa lógica de continuidad cobra una relevancia renovada.

Los festejos por este aniversario no se limitan a mirar el pasado. En su labor cotidiana, el Teatro Colón sigue construyendo ciudadanía a través del arte: cada función, cada ensayo, cada instancia de formación es también un gesto de transmisión y de apertura. Desde los ciclos educativos hasta las políticas de accesibilidad, desde la producción de nuevos títulos hasta la participación en grandes eventos internacionales, el Teatro reafirma su vocación pública y su compromiso con una cultura viva, exigente y plural.

El arte nos une. La historia nos inspira. Y en ese entramado de voces, gestos y decisiones que se suceden desde hace un siglo, los elencos estables del Teatro Colón siguen siendo el corazón artístico de un proyecto cultural que nunca dejó de mirar al futuro.

[Fotos: gentileza Teatro Colón]

El drama Étoile, ambientado entre Nueva York y París y centrado en el universo del ballet, no regresará a la pantalla. Prime Video decidió cancelar la serie tras su primera temporada, a pesar de que originalmente la había renovado para una segunda entrega. Esta decisión sorprendió tanto a la audiencia como a la industria, especialmente porque Étoile cosechó comentarios positivos y un índice de aprobación del 85% en Rotten Tomatoes, aunque no logró reconquistar el fenómeno de su referencia directa, La Maravillosa Señora Maisel.

Con Étoile, Amy Sherman-Palladino, responsable de éxitos previos como Mrs. Maisel y Las chicas Gilmore, apostó por trasladar su sello distintivo al exigente mundo del ballet. La serie, compuesta por ocho episodios, narra la historia de los integrantes y directivos de dos relevantes compañías de ballet que, frente a crisis internas, deciden intercambiar a sus artistas más prometedores con la esperanza de revitalizar sus trayectorias y reputaciones. El desarrollo de la trama incluyó giros sentimentales, como el triángulo amoroso entre Jack (Luke Kirby), Cheyenne (Lou de Laâge) y el resto del elenco, cuyo desenlace se mantuvo abierto tras el beso inesperado entre Jack y Cheyenne, haciendo que muchos esperaran una continuación que finalmente no llegará.

Étoile fue un proyecto ambicioso desde su concepción. La producción se llevó a cabo en Nueva York y París, con rodajes en emblemáticos edificios históricos de ambas ciudades, lo que elevó los costos y complejidad logística. El equipo creó una compañía de ballet propia, integrando a bailarines destacados de diferentes partes del mundo, aportando autenticidad y realismo a las escenas sobre el escenario. Sin embargo, el elevado presupuesto acabó siendo determinante para el destino de la serie, pues Amazon priorizó la relación entre costo y rendimiento, especialmente tras el estreno, que no logró posicionar a la serie en el Top 10 semanal de Nielsen. Aunque Étoile alcanzó fugazmente el primer puesto en el listado interno de Prime Video, enseguida fue desplazada por Reacher, mientras otras producciones como La rueda del tiempo —también recientemente cancelada— mantuvieron su vigencia durante más tiempo.

Las razones detrás de la cancelación

La estrategia de lanzar toda la temporada el 24 de abril, facilitando el consumo maratónico, tampoco resultó suficiente para fijarla en el centro de la conversación pública. El contexto de la serie, centrado en el ballet, si bien atractivo para seguidores del género y de Sherman-Palladino, no logró el arrastre masivo de obras anteriores de la showrunner, como sí lo hizo La maravillosa Sra. Maisel, caracterizada por una recepción crítica casi unánime y entusiasmo viral. En el caso de Étoile, las historias personales de sus protagonistas no lograron traspasar al gran público, y el efecto de impacto en redes sociales se desvaneció rápidamente.

El elenco de la serie incluyó nombres ya conocidos del universo Sherman-Palladino, como Luke Kirby y Gideon Glick, ambos con pasado en Maisel, sumados a actores de renombre internacional, como Charlotte Gainsbourg y Lou de Laâge, quien debutó en inglés gracias a esta producción. También participaron David Alvarez, Ivan du Pontavice, Taïs Vinolo, David Haig, LaMay Zhang y Simon Callow. La producción sumó presencias recurrentes de Yanic Truesdale, de Gilmore Girls, y Kelly Bishop, habitual colaboradora de la creadora desde sus trabajos en Bunheads y Las chicas Gilmore.

La cancelación de Étoile no está vinculada a los recientes cambios en la dirección de Amazon MGM Studios, sino al protocolo interno de evaluar los proyectos en cada etapa antes de aprobar nuevas temporadas. Casos similares han ocurrido con otras apuestas de la plataforma, como The Lord of the Rings: The Rings of Power. El equipo de la serie, liderado por Amy Sherman-Palladino, Daniel Palladino y Dhana Rivera Gilbert, concibió Étoile durante el cierre de los teatros en la pandemia, en lo que iba a ser un homenaje al ballet y a la importancia de las artes en tiempos difíciles.

El episodio final dejó sin resolver numerosas historias y, a pesar de la breve vida de Étoile, la serie contribuyó a renovar la conversación sobre la necesidad de sostener y apoyar el arte de la danza. Para los espectadores, la cancelación genera incertidumbre sobre el futuro de los personajes y confirma la dificultad de sostener propuestas diferentes y artísticas en el cambiante panorama de las plataformas de streaming.

En su paso por Londres, Pampita tuvo la oportunidad de asistir a un ensayo exclusivo del Royal Ballet, invitada especialmente por Marianela Núñez, la argentina que llegó a ser la principal bailarina en el Royal Ballet de Londres y que hace algunos meses fue condecorada por el rey Carlos III por su servicio a la danza. La experiencia, marcada por gestos de admiración y afecto mutuo, se vio reflejada tanto en emotivas palabras de agradecimiento como en una serie de imágenes que registraron cada instante del encuentro dentro y fuera de la Royal Opera House.

En las imágenes que documentan el encuentro, se observa a la primera bailarina del Royal Ballet en distintas situaciones dentro del estudio. En la primera foto, camina sola por un salón vacío, vistiendo una camiseta rosa del Inter de Miami con el número “10” de Lionel Messi encima de su vestido de escena, con una falda marrón amplia de gasa y un body beige de encaje.

Dos imágenes inmortalizan el encuentro entre Marianela y Carolina. Primero, en una selfie en la que posan abrazadas, sonriendo relajadas y afectuosas; Marianela lleva el vestido de escena mientras Pampita aparece vestida de negro. En la última toma, ambas se muestran aún más cerca y sonrientes, con miradas de complicidad entre el escenario y el camerino del Royal Ballet. Cabe recordar que Ardohain estudio danza clásica, se dedicó al baile por un tiempo, pero finalmente su carrera tomó otro rumbo.

Nuñez no fue a la única que conoció, sino también estuvo con el resto del elenco: Mayara Magri, Roberto Bolle, Calvin Richardson y Alexander Agadzhanov, profesor de baile. Esta invitación llegó de puño y letra de la argentina, por lo que la modelo no dudo ni un segundo en agradecerle: “¡Gracias Nela querida por esta invitación! ¡Te admiro desde lo más profundo de mi alma y verte bailar en este ensayo es un regalo muy preciado y una alegría inmensa para mí!”.

“¡Que tu magia siga iluminando a todos los que tenemos la suerte de conocerte! ¡Aplauso infinito para nuestra maravillosa bailarina Argentina Marianela Nuñez!!!”, cerró sus palabras para con la bailarina. Pampita también extendió su agradecimiento a otras figuras presentes en el ensayo: “Gracias también… Roberto Bolle, Mayara Magri, Calvin Richardson y Alexander Agadzhanov. ¡Espectacular ensayo de #Onegin!!!”.

La respuesta de la balerina no tardó en llegar. Repostepo una de las selfies con la conductora y escribió: “Pampita te admiro desde siempre. ¡Fue un honor y un regalo enorme conocerte!! Sos luz pura. ¡Bella muy muy bella en todos los sentidos! Tu visita me la guardo en el corazón por siempre”.

La visita de Pampita al Royal Ballet no solo consolidó un vínculo de admiración recíproca con Marianela Núñez, sino que también dejó una huella imborrable para ambas, marcada por gestos de cariño, reconocimiento y la alegría de compartir una pasión común en uno de los escenarios más prestigiosos del mundo de la danza.

Si bien esta experiencia guardara un lugar especial en el corazón de la modelo, durante su tiempo en Inglaterra también aprovechó para hacer turismo junto a su hermano Guillermo y visitaron el barrio de Notting Hill.

En una de las primeras fotos que compartió Pampita se los puede ver a los dos frente al emblemático pub Earl of Lonsdale y le sigue una de ella comiendo un scon al sol. La experiencia gastronómica se enriquece con el entorno de una mesa redonda dispuesta sobre una terraza, decorada cuidadosamente con vajilla blanca de borde dorado y servilletas color ladrillo.

El paseo urbano abarcó la visita a puestos de mercado que concentraron parte del espíritu londinense. Un pasaje empedrado albergó un puesto de sombreros y bufandas, con numerosos modelos de gorras, boinas y sombreros dispuestos en estantes, y una selección de bufandas y pañuelos en tonos diversos que otorgaron un aire cálido a la escena. Cerca de allí, otro puesto ofreció vajilla antigua: tazas, platos y juegos de té con motivos florales y detalles dorados que evocaron estilos vintage y modernos, todos dispuestos de manera caótica pero colorida, como fue habitual en los mercados de antigüedades de Londres.

El coreógrafo Nacho Duato ha lamentado en una rueda de prensa que la danza ""no despunta" en España porque "si a los políticos no les interesa, no le va a interesar a nadie".

"Si tenemos un ministro que no sabe sobre las artes escénicas y sobre la música, pues poco vamos a hacer. Y si en el INAEM tenemos a gente que tampoco sabe nada, pues nunca vamos a entrar a ningún lado", ha criticado Duato en el acto de presentación de la Compañía Nacho Duato (CDND), que presentará en el Teatro Albéniz de Madrid, del 12 al 15 de junio.

El coreógrafo, que ha comentado que no quiere a los políticos "ni a 20 kilómetros", ha asegurado que su espectáculo no tiene "dinero público", pero en cambio "hay libertad de movimiento" y hacen lo que quieren. "No quiero ver a ningún político cerca. No quiero aguantar a ningún ministro ni a ninguna comunidad. Ahora hacemos lo que queremos", ha afirmado.

Durante su intervención, ha lamentado la poca visibilidad que tiene la danza en España, en contraposición, por ejemplo, a los musicales. "No sé lo que pasa en España, que solo gustan los musicales. Vas por la Gran Vía y solo hay musicales, que a mi me gustan mucho, pero es que es lo único que vemos", ha indicado.

A su vez, ha desvelado las trabas que le imponen desde el INAEM para recuperar algunos vestuarios o escenarios utilizados en sus representaciones. "El telón y los vestidos de la obra 'Duende', los tiene la Compañía Nacional de Danza en un desván pudriéndose y comiéndoselo las ratas. Yo fui al INAEM por si me lo podían vender o dar, y me dijeron que me lo tenían que alquilar. Después de muchas cartas y de firmar muchos contratos, tenía que ir a recogerlos yo, pagar un alquiler, lavarlos y devolverlos. Y a la siguiente función volver a firmar lo mismo. Y les dije que no se preocuparan, que ya haría yo un vestuario nuevo", ha admitido.

Con su nueva compañía, formada por más de una treintena de bailarines y "pocos españoles", Duato pretende recuperar parte de sus creaciones que le abrieron "las ventanas hacia la naturaleza". "No puedo recuperar todas porque no tenemos dinero, pero sí quiero tener 'Arenal' o 'Alone, for a second', entre otras. No hacen falta ni hologramas ni 20.000 kilos de vatios de luz. Eso son tonterías", ha afirmado.

"LO DE GAZA ES UN GENOCIDIO"

Duato ha comentado que ha destinado "70.000 euros en becas" a artistas extranjeros de su compañía, que son la mayoría, y ha insistido en que "al ministerio no le ha interesado dar ayudas". De esta manera, Duato regresa a la capital tras más de 15 años de ausencia con un programa que incluye algunas de sus obras más emblemáticas, como 'Gnawa, Liberté', (extracto de Rassemblement) y 'Duende', además de 'Cantus', su última creación coreográfica con música de Karl Jenkins. El repertorio se ampliará con obras clásicas del coreógrafo y nuevas creaciones.

En el ballet 'Cantus', el coreógrafo ha asegurado que está dedicado a los niños de la guerra y ha señalado que la producción es "un canto a la paz" y busca que el público reflexione, especialmente sobre los niños de Gaza, "sin anuncios de por medio u otras noticias".

"Es una denuncia dedicada a los niños de la guerra. He pensado en los niños de Gaza. Es tremendo lo de allí, es un genocidio. Mientras hacía el ballet, las primeras imágenes que me venían a la mente era las de Gaza. En esta media hora invitamos a reflexionar sobre ese tema sin que haya anuncios de por medio u otras noticias porque un ballet no puede ser anecdótico", ha explicado.

"Las compañías internacionales nos dan algunas cosas gratis o por 1.000 euros, mientras que aquí solo me lo alquilan o me hacen hablar con pesados", ha sentenciado.

"Anna Pávlova podría haber elegido otra vida tras la Primera Guerra Mundial, haber actuado en París, Londres y Nueva York y, el resto del tiempo, disfrutar de la vida, pero optó por otro camino", ha afirmado en la presentación el comisario de la exposición y coleccionista de los fondos, Dmitry Yusov.

Ese otro camino le llevó a visitar casi cincuenta países, como EEUU, Canadá, varios en Iberoamérica y Europa, Egipto, Sudáfrica, la India, Australia, Nueva Zelanda "y otros más exóticos como Japón, Birmania o Filipinas", ha resaltado Yusov.

En la exposición se pueden contemplar programas de mano de teatros remotos, recortes de prensa de la época y fotografías, reunidos durante años por este coleccionista en una difícil labor, ya que, tras la muerte de la bailarina, su marido vendió sus objetos personales, que quedaron dispersos por todo el mundo.

Es el caso de un programa con la firma de Pávlova que Yusov encontró en Nueva York y que adquirió a un coleccionista de autógrafos.

"No hay ningún museo en el mundo dedicado a Pávlova, salvo una sala en una galería de San Petersburgo, porque ella vivió en ese edificio a principios del siglo XX", ha apuntado el comisario.

La muestra da cuenta además del paso de la artista por España, que fue en 1919 el primer país europeo en el que actuó después del paréntesis por la Primera Guerra Mundial y tras ser invitada por el rey Alfonso XIII, a quien había conocido en Londres en 1910.

"En cada país, Anna Pávlova intentó estudiar los bailes locales, y en España tomó clases de flamenco", ha señalado Yusov, que ha recordado que la última actuación en nuestro país se produjo en el Liceo de Barcelona en 1930, un año antes de su muerte.

Sobre la faceta personal de la artista, el coleccionista ha resaltado que todos destacan "su filantropía, porque ayudaba a sus compañeros del teatro en San Petersburgo tras la Revolución y compró una casa en París, adoptó a varias niñas huérfanas rusas y las cuidó hasta su muerte".

"Pero también era dura en lo que se refería a los ensayos y a la búsqueda de una técnica perfecta. Ensayaba cada día y su fama está también relacionada con su dureza y con su dedicación al arte. Decía que su único hijo era el arte y difundirlo por todo el mundo", según Yusov. EFE

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Yuri Grigorovich, el legendario coreógrafo del teatro Bolshói de Moscú, que también dirigió, murió este lunes a los 98 años, anunciaron las agencias rusas TASS y Ria Novosti.

“El eminente coreógrafo soviético y ruso Yuri Grigorovich falleció a la edad de 98 años”, anunció el lunes su asistente a la agencia estatal TASS.

Grigorovich dirigió los ballets del famoso teatro Bolshói de 1964 a 1994, bajo la Unión Soviética y justo después de su desintegración.

“Con el fallecimiento de este legendario coreógrafo, se va toda una época”, lamentó el teatro Mariinski de San Petersburgo, en el noroeste de Rusia, en un comunicado, celebrando su “herencia” artística.

El servicio de prensa del teatro Bolshói, contactado por la AFP, no comentó la información en lo inmediato.

Nacido en 1927 en Leningrado, la actual San Petersburgo, Grigorovich fue sobrino de Georges Rosay, el gran bailarín del teatro Mariinski de la antigua capital imperial rusa y de los Ballets Rusos de Serge Diaghilev.

Grigorovich se gradúa en la Escuela Coreográfica de Leningrado y se convierte en solista del teatro Kírov de esa ciudad a finales de la década de 1940.

El bailarín alcanza la celebridad en 1957, tras su innovadora puesta en escena del ballet La flor de piedra, basada en una serie de cuentos populares de los Urales.

Grigorovich se desempeñó posteriormente durante tres décadas como director de los ballets en el Bolshói.

A lo largo de su carrera, dio a conocer al público a bailarines como Natalia Bessmertnova, quien se convertirá en su esposa, o la famosa pareja formada por Ekaterina Maximova y Vladimir Vasiliev.

Tras su dimisión del Bolshói en 1995, Grigorovich creó su propia compañía en Krasnodar, en el sur del país.

Sin embargo, regresó al famoso teatro moscovita, convirtiéndose en 2008 en el coreógrafo principal de la compañía de ballet.

Grigorovich puso en escena a varios clásicos del ballet ruso durante su carrera. Entre ellos figuran El Cascanueces, de Chaikovski, Espartaco, de Khachaturian, Iván el Terrible, con música de Prokófiev, o también, La Edad de Oro, de Shostakóvich.

Fuente: AFP.

Foto: Reuters/ Natalia Kolesnikova/Pool/File Photo.

Sobre esta presentación, que tendrá lugar el 30 agosto en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, Hernández afirmó a EFE en rueda de prensa este martes que con este acto, donde participarán cerca de 30 artistas nacionales e internacionales, busca convencer a los jóvenes de que el ballet es una herramienta de “movilidad social” y un “sueño” por el que vale la pena luchar.

“Yo sigo encontrándome con historias de jóvenes que terminan optando por hacer cosas que no les gustan y eso es un gran reto por cumplir, el convencer a los jóvenes de luchar por sus sueños, por lo que les apasiona. (el ballet) es un motor que puede hacer que tu vida tome otro rumbo”, comentó el artista de 35 años.

En esa misma línea, Emilia Hernández, hermana del bailarín y parte de este proyecto desde hace 11 años, compartió que ‘Despertares’ nació para “inspirar a más jóvenes mexicanos a creer en lo imposible”.

Además, explicó que este espectáculo, apoyado por la firma Citibanamex, era "inexistente en el país”, y aún así se llegó a “dudar mucho de su permanencia en México, porque era financieramente y humanamente imposible continuarlo”.

Por eso “estas últimas dos ediciones han sido especialmente únicas y queremos que sirva de ejemplo y de inspiración para las generaciones que sigan detrás de nosotros porque no somos eternos”, apostilló tras recordar que la familia Hernández ha tenido una amplía trayectoria en la danza mexicana.

A la invitación también asistió el director general de Banamex, Manuel Romo, quien resaltó que Isaac Hernández “es un mexicano que a todos enorgullece al ser un ejemplo de tenacidad, talento, creatividad y aplomo”.

En el marco del encuentro por ‘Despertares’, se recordó que Isaac Hernández ha representado a México en muchos primeros puestos, por ejemplo, ser el primer bailarín de planta en el American Ballet Theatre o el primer mexicano en conseguir el premio Benois de la Danse.

“Este es un evento que es parte de la vida y de la historia cultural de nuestro país (...) Y esta edición me emociona mucho porque traigo a un elenco espectacular”, resaltó Hernández.

En cuanto al programa, el artista enlistó algunos talentos como el español Chey Jurado o estrellas de talla mundial: Tiler Peck, Roman Mejía, Francesco Frola, o su propio hermano, Esteban Hernández, y el pianista Francesco Tristano.

También recordó que habrá representación de miembros del Ballet de la Ópera de París, del English National Ballet, American National Theatre, San Francisco Ballet, entre otros.

Asimismo, Hernández reveló que tendrá dos solos en el programa de ‘Despertares’, uno de ellos será el solo del ballet ‘Carmen’ del coreógrafo Roland Petit, emblemático del letón Mikhail Baryshnikov.

Como reverencia nacional, apuntó que traerá a esta edición una pieza de Frida Kahlo (1907-1954) y Diego Rivera (1886-1957) con música de ‘La Llorona’, que se presentó anteriormente en Jalisco, oeste del país, y estado natal del afamado bailarín.

Así como ha sucedido en otras versiones, a este encuentro con Isaac Hernández se suma una clase magistral en el Cenart (Centro Nacional de las Artes), la conferencia ‘Vivir con propósito’ en el Lunario del Auditorio Nacional y una firma de autógrafos con artistas invitados. EFE

(foto)(video)

Sobre esta presentación, que tendrá lugar el 30 agosto en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, Hernández afirmó a EFE en rueda de prensa que en este acto, donde participarán cerca de 30 artistas nacionales e internacionales.

 También, dijo, busca convencer a los jóvenes de que el ballet  es una herramienta de “movilidad social” y un “sueño” por el que vale la pena luchar.

“Yo sigo encontrándome con historias de jóvenes que terminan optando por hacer cosas que no les gustan y eso es un gran reto por cumplir, el convencer a los jóvenes de luchar por sus sueños, por lo que les apasiona. Ese es un motor que puede hacer que tu vida tome otro rumbo”, comentó el artista de 35 años.

En esa misma línea, Emilia Hernández, hermana del bailarín y parte de este proyecto desde hace 11 años, compartió que ‘Despertares’ nació para “inspirar a más jóvenes mexicanos a creer en lo imposible”.

Además, explicó que este espectáculo, apoyado por Citibanamex, era "inexistente en el país”, y aún así se llegó a “dudar mucho de su permanencia en México, porque era financieramente y humanamente imposible continuarlo”.

Por eso “estas últimas dos ediciones han sido especialmente únicas y queremos que sirva de ejemplo y de inspiración para las generaciones que sigan detrás de nosotros porque no somos eternos”, apostilló tras recordar que la familia Hernández ha tenido una amplía trayectoria en la danza mexicana.

A la invitación también asistió el director general de Banamex, Manuel Romo, quien resaltó que Isaac Hernández “es un mexicano que a todos enorgullece al ser un ejemplo de tenacidad, talento, creatividad y aplomo”.

En el marco del encuentro por ‘Despertares’, se recordó que Isaac Hernández ha representado a México en muchos primeros puestos, por ejemplo, ser el primer bailarín de planta en el American Ballet Theatre o el primer mexicano en conseguir el premio Benois de la Danse.

“Este es un evento que es parte de la vida y de la historia cultural de nuestro país (...) Y esta edición me emociona mucho porque traigo a un elenco espectacular”, resaltó Hernández.

En cuanto al programa, el artista enlistó algunos talentos de dentro del programa como al español Chey Jurado o estrellas de talla mundial: Tiler Peck, Roman Mejia, Francesco Frola, Francesco Tristano o su propio hermano, Esteban Hernández.

También recordó que habrá representación de miembros del Ballet de la Ópera de París, del English National Ballet, American National Theatre, San Francisco Ballet, entre otros.

Asimismo, Hernández reveló que tendrá dos solos en el programa de ‘Despertares’, uno de ellos será el solo del ballet ‘Carmen’ del coreógrafo Roland Petit, emblemático del letón Mikhail Baryshnikov.

Como reverencia nacional, apuntó que traerá a esta edición una pieza de Frida Kahlo y Diego Rivera con música de ‘La Llorona’, que se presentó anteriormente en Jalisco, occidente del país, y estado natal del afamado bailarín.

Así como ha sucedido en otras versiones, a este encuentro con Isaac Hernández se suma una clase magistral en el Cenart (Centro Nacional de las Artes), la conferencia ‘Vivir con propósito’ en el Lunario del Auditorio Nacional y una firma de autógrafos con artistas invitados. EFE

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Actuar y bailar sin decir una palabra ni mostrar alguna señal de agotamiento, ese es el gran reto al que decenas de bailarines y bailarinas de ballet se enfrentan en cada presentación. El reto es aún mayor cuando se trata de “El Corsario”, obra que durante este mes se presenta en el Teatro Municipal de Lima.

En conversación con Infobae Perú, Rodrigo Blanco mencionó que esta será la tercera vez que protagonice la icónica obra basada en un poema de Lord Byron. Recordó que se trata de una apasionante historia marcada por el amor y la pasión a la que cada artista dota de su habilidad para narrar a través del cuerpo. “Trabajamos de lunes a viernes. Acabamos de tener una presentación el domingo y hoy martes ya estamos ensayando para corregir detalles”, mencionó.

El cuidado físico es tan importante como mental en un bailarín de ballet. Blanco asegura que lidiar con ambos aspectos es un reto, pero uno que es alentado por las conmovedoras historias que le ha tocado representar. Su habilidad encanta al conocedor de este arte y deslumbra al que llega por primera vez al teatro. “Muchos basan su idea del ballet sobre prejuicios, desconocen lo que hacemos, pero luego de un primer contacto, salen de la sala deseosos de ver una nueva presentación”, dijo.

El ballet “El Corsario”, una de las obras más emblemáticas del repertorio clásico, se presentará en Lima durante abril de 2025 en el Teatro Municipal de Lima. La temporada está programada entre el 11 y el 27 de abril, con funciones en diversas fechas:

• Sábado 19: 18:00
• Domingo 20: 18:00
• Viernes 25: 19:30
• Sábado 26: 18:00
• Domingo 27: 11:30 y 18:00​

Esta producción del Ballet Municipal de Lima se inspira en las versiones de Marius Petipa y Jules Perrot, y cuenta con una destacada escenografía y vestuario exótico que realzan la narrativa romántica y aventurera de la obra. Los principales bailarines son Rodrigo Blanco, Santiago Gil, Jesús Luzuriaga, Solange Villacorta, Mónica Balbuena y Mara Casafranca .​ Las entradas están disponibles a través de Teleticket.

Memorable aventura

“El Corsario” es un ballet romántico en tres actos, basado libremente en el poema homónimo de Lord Byron. La música original fue compuesta por Adolphe Adam, aunque con el paso del tiempo se han añadido contribuciones de otros compositores como Léo Delibes, Cesare Pugni y Riccardo Drigo. Fue estrenado en 1856 en la Ópera de París y es famoso por sus deslumbrantes escenas de acción, su exotismo y sus exigentes variaciones técnicas.

La historia gira en torno a Conrad, un valiente pirata (corsario), y Medora, una hermosa joven griega. El corsario se enamora de Medora tras verla en un bazar en Turquía, donde es vendida como esclava al pachá Seid. Conrad y sus compañeros, incluyendo al traicionero Birbanto, asaltan el palacio del pachá y rescatan a Medora. Sin embargo, la traición de Birbanto hace que Conrad sea capturado y Medora vuelva a ser prisionera.

En una serie de aventuras llenas de intrigas, rescates y engaños, Conrad logra escapar y volver por Medora. Finalmente, los amantes huyen en barco, pero una tormenta los sorprende en el mar. La escena final muestra el barco naufragando, y en medio del caos, Conrad y Medora emergen abrazados sobre una roca, símbolo del poder del amor verdadero incluso ante la tragedia.

“El Corsario” es célebre por sus espectaculares pas de deux, especialmente el famoso pas de deux del segundo acto, que se interpreta frecuentemente como pieza independiente en galas y concursos. Aunque su trama es melodramática, el ballet destaca por su virtuosismo técnico, colorido escenográfico y la intensidad de sus personajes. Continúa siendo una obra favorita en el repertorio clásico de compañías de ballet alrededor del mundo.

La argentina Marianela Núñez, bailarina principal del Royal Ballet londinense, fue condecorada este martes, “por su servicio a la danza”, como oficial de la Orden del Imperio Británico por el rey Carlos III, en el Castillo de Windsor, al oeste de Londres.

“Hace 28 años llegué a este increíble país con el corazón lleno de esperanzas, sueños y mi amor y pasión por la danza. Unirme al Royal Ballet fue el sueño de mi infancia, pero gracias a esta institución y a este país, pude cumplir muchos otros sueños más allá de mi imaginación más salvaje”, afirmó Marianela Núñez este martes en Instagram.

Núñez se unió al Royal Ballet en 1998, donde ascendió a bailarina principal en 2002, cuando tenía 20 años. La bailarina bonaerense comenzó su formación a los seis años en la escuela de ballet del Teatro Colón de la capital argentina, uniéndose a la compañía de la institución a los catorce.

“Hoy, mi recorrido fue celebrado de la manera más especial al recibir mi OBE (por sus siglas en inglés), algo que nunca imaginé que sucedería”, escribió la bailarina, que acudió al Castillo de Windsor acompañada de sus padres.

“Este honor no solo es para celebrarme a mí, sino a todas las personas que me ayudaron a llegar hasta aquí hoy (...) y por supuesto, a todas las audiencias aquí en el Reino Unido y en el extranjero”, añadió.

En una ceremonia en la que Carlos III, de 76 años, retomaba sus actividades oficiales tras una pausa de para recuperarse de los “efectos secundarios” de su tratamiento contra el cáncer, fueron condecoradas también otras personalidades, como la campeona mundial de heptatlón, la británica Katarina Johnson-Thompson.

El reconocimiento a la carrera de Marianela Núñez con esta condecoración fue acogida con entusiasmo por el Royal Ballet. “Esta noticia llega como el reconocimiento más maravilloso a la distinguida carrera de Marianela y a su dedicación a su arte. Su técnica y destreza fenomenales, combinadas con su devoción a la compañía y su capacidad única de conectar con el público, la convierten en una embajadora brillante del ballet”, afirmó Kevin O’Hare, director del Royal Ballet.

Fátima Nollén, presidenta de la Anglo Argentine Society, fundada en 1948, se unió a las felicitaciones a la bailarina. “Marianela Núñez lleva años poniendo en alto el nombre de Argentina en el escenario del Royal Ballet y del mundo, con el virtuosismo indiscutible de su danza”, afirmó Nollén a AFP.

“Para quienes amamos el arte y la danza en particular, nos llena de orgullo que la distingan, y sabemos cuánto merece esta distinción, que además nos llena de emoción. Le deseamos que siga cosechando éxitos y ofreciendo su arte a todos por mucho tiempo”, añadió.

Fuente: AFP

Este miércoles, el ensayo del ballet folklórico Tierra y Tradición en Río Cuarto se convirtió en un momento de terror para sus integrantes, cuando dos delincuentes irrumpieron en el salón Campo Criollo a punta de pistola.

El inesperado asalto se produjo mientras un grupo de alrededor de 15 personas, entre bailarines y profesores, se preparaba para una clase.

Los delincuentes ingresaron al local con las caras cubiertas y armas de fuego en mano. Tras disparar al aire para generar pánico, uno de ellos apuntó directamente a los presentes y comenzó a exigirles sus pertenencias: dinero, mochilas, tarjetas y otros objetos de valor. A pesar de la gravedad de la situación, afortunadamente, no hubo heridos, ni lesionados.

Según los relatos de los testigos, el ataque ocurrió cuando los integrantes del ballet se encontraban en el salón preparándose para la clase. Los delincuentes, al ingresar al lugar, sorprendieron a los presentes con un comportamiento violento y decidido.

Aquel disparo al aire fue solo el primer acto de intimidación para someter a todos los que se encontraban en el salón. El clima de trabajo artístico y la concentración de los ensayos se transformaron de repente en un escenario de miedo y confusión.

La secuencia de los hechos fue rápida y eficaz para los ladrones. Con la amenaza del arma de fuego, exigieron las pertenencias de los bailarines y profesores presentes.

En cuestión de minutos, las mochilas, el dinero, y otros objetos de valor fueron entregados a los asaltantes. Ante la gravedad de la situación, la actuación de las víctimas fue clave para evitar que la situación fuera aún más dramática. Afortunadamente, el robo fue material y no hubo que lamentar víctimas físicas.

De acuerdo a lo informado por el portal El Doce.tv, a través de su publicación en redes sociales, Tierra y Tradición compartió su angustia y preocupación por lo sucedido, pero también agradeció el apoyo recibido por parte de la comunidad. En el texto, la agrupación expresó: “Con mucha impotencia queremos contar a nuestros amigos lo sucedido en el salón del Campo Criollo. Mientras iban llegando bailarines (éramos ya casi 15 en el lugar) y los profesores se aprontaban para compartir la clase, sucedió algo inesperado y serio”.

Más adelante, los miembros del ballet hicieron énfasis en lo que fue para ellos la verdadera pérdida: “Se llevaron lo que pudieron. Pero peor aún, se llevaron nuestra paz, nuestra tranquilidad y alegría”. Las palabras de los afectados reflejan el dolor por la vulnerabilidad que vivieron, algo que, según la agrupación, nunca había sucedido en el transcurso de su historia. Con un tono de frustración, el mensaje concluyó con una crítica a los delincuentes: “Vulneraron nuestra casa cobardemente. Cruzaron el campo y huyeron como ratas”.

El sentimiento de impotencia y frustración ante un acto tan violento quedó claro en las palabras del comunicado, pero también se destacó el agradecimiento por la solidaridad recibida. “Gracias a todos por la solidaridad y la preocupación. A los alumnos, mil disculpas y gracias por su paciencia y comprensión. Nunca había sucedido algo tan grave y desagradable”, cerraron los miembros del ballet.

Otro caso policial, esta vez en Santa Fe

En la madrugada del último sábado, un hecho delictivo estremeció la ciudad santafesina de Funes, cuando un hombre de 74 años fue víctima de un violento robo y privación ilegítima de la libertad en su domicilio.

El episodio, que inicialmente pasó desapercibido para las autoridades, fue rápidamente esclarecido gracias a un operativo de la Policía de Investigaciones (PDI) que culminó con la detención de dos personas y el secuestro de elementos clave para la causa.

A raíz del robo y la posterior liberación de la víctima, la investigación dirigida por la fiscal Verónica Ballari se enfocó en determinar las circunstancias exactas del crimen.

En menos de 48 horas, el Departamento Operativo de la PDI Región II, Distrito Rosario, realizó dos allanamientos en el marco de una operación de gran envergadura que logró identificar y detener a los presuntos responsables del hecho.

El hecho delictivo ocurrió en la casa del hombre de 74 años, ubicada en General López al 1700, en la localidad de Funes, al sur de la ciudad de Rosario.

Según fuentes de la investigación, al menos dos delincuentes ingresaron al domicilio con el fin de robar dinero en efectivo. La víctima, de acuerdo con los testimonios recabados, fue maniatada por los delincuentes, quienes lo obligaron a entregarlos lo que tenían a su disposición. En medio de este ataque, el hombre fue retenido en su hogar durante varias horas, sin poder pedir ayuda.

Sin embargo, la suerte cambió para la víctima tuvo un giro favorable cuando un grupo de operarios de Aguas Santafesinas, que realizaban trabajos en la zona, escucharon sus gritos de auxilio. Estos trabajadores, al advertir la situación, no dudaron en intervenir de inmediato, y rápidamente alertaron a la Central de Emergencias 911. La pronta respuesta de los operarios permitió que el hombre fuera liberado antes de que los delincuentes pudieran llevar a cabo su plan por completo.

La temporada 2025 de “El cisne negro”, una reinterpretación contemporánea del clásico ballet “El lago de los cisnes”, llega a su fin en el emblemático Castillo de Chapultepec, un recinto que además de su riqueza histórica y arquitectónica, alberga a menudo eventos culturales como presentaciones de ballet que se llevan a cabo en sus jardines o en su interior para brindar una experiencia única, donde la danza y la historia se entrelazan, ofreciendo al público maravillosas experiencias.

Este 2025, el Castillo fue nuevamente el escenario de esta obra dirigida por Rodrigo González, protagonizada por Paulina del Carmen en el papel de Odette, con la participación de Carlos Coronel como el príncipe Sigfrido, Arturo Huerta como Von Rothbart, Domingo Rubio como el padre de Odette, y Lilia Castaños como madre de la protagonista, además de en elenco compuesto por 20 bailarines, una escenografía diseñada por Mario Marín y un vestuario creado por la diseñadora Concha Orvañanos.

Para cerrar la temporada, las últimas funciones se llevarán a cabo hasta el domingo 30 de marzo, marcando el cierre de un ciclo que comenzó el pasado 27 de febrero.

Cuáles son los horarios y costos de los boletos

Los boletos para “El cisne negro” se han vendido en las categorías General A, General B y Preferente, sin embargo, debido a la alta demanda, solo quedan algunos lugares disponibles en la zona Preferente, cuyo costo es de $1,296 pesos por persona, más cargos por servicio.

Las últimas funciones de esta temporada tendrán una duración aproximada de 60 minutos y se llevarán a cabo de jueves a sábado a las 20:00 horas, y el domingo a las 19:00 horas. Según información oficial proporcionada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), se recomienda a los asistentes llegar con al menos 45 minutos de anticipación para garantizar una experiencia fluida, ya que el acceso al castillo es únicamente peatonal.

El ingreso al Bosque de Chapultepec se realizará por la Puerta Reforma Gandhi, ubicada frente al Museo Tamayo, o por la Puerta Pasillo Metro, pero es importante tomar en cuenta que el recorrido hasta el castillo puede tomar entre 15 y 30 minutos, dependiendo del ritmo de cada persona. No obstante, se ha dispuesto de transporte gratuito para facilitar el ascenso, aunque se da prioridad a personas mayores o con movilidad reducida.

La producción señaló en sus cuentas oficiales que no se permite el acceso con boletos digitales, por lo que, aquellos que hayan adquirido sus entradas a través de plataformas como Ticketmaster deberán imprimirlas en la taquilla del castillo, ubicada al pie de la rampa de acceso, mínimo una hora antes de la función.

Finalmente, la producción recomienda utilizar el estacionamiento autorizado ubicado junto al Museo de Arte Moderno para quienes lleguen en vehículo. Asimismo, se sugiere llevar ropa abrigada y calzado cómodo, ya que el clima puede ser fresco durante la noche.

¿De qué trata El Cisne Negro?

La trama de esta versión de “El cisne negro” inicia con la celebración de la mayoría de edad de Odette, donde, Von Rothbart, consejero y pariente lejano de su padre, busca casarse con ella. A pesar de las expectativas de Rothbart, y del aparente respaldo del padre, Odette rechaza el ofrecimiento del mago, lo que desata su ira y decide castigarla, transformándola a ella y a su corte en cisnes. Este hechizo, de naturaleza cruel, permite que Odette recupere su forma humana únicamente durante las noches, con la intención de forzarla a cambiar de opinión.

En el transcurso de su condena, Odette conoce a Sigfrido, quien promete liberarla del hechizo, pero para lograrlo, deberá superar la prueba del “amor absoluto”, sin embargo, Von Rothbart, decidido a mantener su maldición intacta, interviene transformándose en cisne con la intención de sembrar confusión tanto en los pensamientos como en los sentimientos de Sigfrido, obstaculizando así cualquier posibilidad de que el hechizo sea roto.

Esa noche, impulsada por la desesperación de liberarse del hechizo, Odette se dirige al lago, seguida por Sigfrido, quien intenta alcanzarla. Ambos perecen durante el intento, mientras que Von Rothbart, atrapado en su propio maleficio, queda condenado por su propia magia.

París, 4 ene (EFE).- La Ópera de París conmemora mañana el 150 aniversario de la inauguración del Palacio Garnier, su majestuosa sede del noveno distrito de la capital francesa, en un momento de dificultades para la institución por sus extensas necesidades de reformas entre dificultades financieras.

Concebido por Charles Garnier bajo el auspicio de Napoleón III, que venía de sufrir un atentado en la sala de ópera de Le Peletier por parte de republicanos italianos, el edificio -declarado monumento histórico en 1923- mezcla influencias clásicas, barrocas y renacentistas.

Garnier era un arquitecto entonces apenas conocido, de 35 años, pero su proyecto de teatro con dos entradas (una para los abonados y otra para el emperador) y con capacidad para 2.000 espectadores fue elegido por unanimidad.

La imponente fachada del edificio llega deslucida a este 150 aniversario, ya que una lona y andamios la mantienen cubierta desde hace meses debido a reparaciones que se prolongarán más allá de 2025.

Eso no ha impedido que continúen las visitas a sus áreas públicas, que cada año ascienden a un millón, ni las representaciones, que atraen anualmente a unos 350.000 espectadores.

El Palacio Garnier es el escenario más prestigioso de los que posee la Ópera parisina -que cuenta con otro teatro de grandes dimensiones y más moderno en la plaza de la Bastilla- y el techo de su gran auditorio es célebre por las pinturas que realizó Marc Chagall en los años sesenta, a petición del entonces ministro de cultura, André Malraux.

Esa obra tapó el techo original, que se mantiene intacto debajo, firmado por Jules-Eugène Lenepveu y con 63 figuras que representaban la belleza, la música y las musas con las horas del día y de la noche.

El escenario tiene 48 metros de ancho, 60 metros de altura y 27 de profundidad, y por él no solo han pasado figuras legendarias, como la soprano Maria Callas, sino que también ha sido un lugar de inspiración para los artistas, como Gastón Leroux, autor de la novela 'El fantasma de la ópera' (1910).

Aunque el 150 aniversario se cumplirá mañana, ya que la inauguración oficial del Palacio Garnier tuvo lugar el 5 de enero de 1875 tras algo más de una década de construcción y ya con la III República, la Ópera prepara todo un 2025 de celebraciones que tendrán su primer plato fuerte con una gala especial el 24 de enero.

Estará inspirada en la programación de la apertura de 1875 y en ella participarán todos los artistas y estudiantes de las escuelas de la Ópera -músicos, cantantes y bailarines-, bajo la dirección musical de Thomas Hengelbrock y la puesta en escena de Victoria Sitjà.

También contará con artistas invitados como el tenor peruano Juan Diego Flórez.

Unos días antes, el 17 de enero, habrá un concierto dedicado a Georges Bizet y sus contemporáneos, que ha sido encargado a artistas que hacen su residencia en la ópera.

En mayo habrá otro evento especial de aniversario, un concierto de embajadores Rolex que contará con la orquesta filarmónica de Viena, y los espectáculos se complementarán también con una exposición en la Biblioteca Nacional, encuentros y visitas especiales para el público, entre otras iniciativas.

Y al margen de eso, por supuesto, se seguirá desarrollando la programación de la temporada en curso.

Pese a las celebraciones, el aniversario del Palacio Garnier llega en un contexto de dificultades y con un horizonte que requerirá amplios cierres por renovaciones, hasta 2030, en todas las sedes de la Ópera parisina.

Las necesidades de reforma se estiman en 200 millones de euros, según una auditoría publicada en octubre pasado.

Ese estudio también reveló una apurada situación financiera global, con un aumento muy grande de los costes de producción en los últimos años, que han coincidido con crisis como la pandemia de covid-19.

Durante el pasado mes de diciembre, además, los espectáculos programados del ballet se vieron afectados por una huelga ya suspendida de los bailarines, que reclamaban mejoras de sus condiciones de trabajo y denunciaban una falta de financiación cronificada. EFE

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El Teatro Cafam de Bogotá será el escenario donde, los días 12 y 13 de marzo de 2025, el Ballet Clásico de San Petersburgo presentará una de sus producciones más destacadas: Carmen. La obra, basada en la novela homónima de Prosper Mérimée y con la célebre música de la ópera de Georges Bizet, se interpretará en una versión para ballet en un solo acto.

La función contará con la presencia de solistas de renombre internacional, reafirmando a Bogotá como una de las grandes capitales culturales que han acogido esta obra en los últimos meses, junto con ciudades como Roma, París y Buenos Aires.

La puesta en escena cuenta con la interpretación de la primera bailarina del Ballet Grigorovich, Maria Tomilova, en el papel de Carmen. Junto a ella está Ivan Oskorbin, exintegrante del Ballet Mariinsky de San Petersburgo, quien le da vida a “El torero”. La dirección artística está a cargo del maestro Kirill Safin, quien ha formado parte del Mariinsky y del Stanislavsky de Moscú, garantizando un espectáculo de alto nivel técnico y artístico.

Carmen es una historia de pasión y destino trágico que se desarrolla en Sevilla, España. En esta versión adaptada para ballet, los asistentes podrán disfrutar de una coreografía inspirada en la versión original de Marius Petipa.

La historia sigue a Carmen, una gitana de espíritu libre que cautiva a Don José, un soldado que cae rendido ante su encanto. Sin embargo, la obsesión y los celos llevan a un desenlace fatídico, consolidando la trama como una de las más intensas del repertorio operístico y ahora, del ballet.

Como complemento a Carmen, en la segunda parte de la velada se presentarán fragmentos del tercer acto de Don Quijote, con música de Ludwig Minkus. Esta selección incluirá piezas de gran exigencia técnica y expresiva, con una explosión de color y energía característica del repertorio clásico.

Entre las interpretaciones destacadas se encuentra el grand pas de Don Quijote y La muerte del cisne, entre otras obras icónicas.

El Ballet Clásico de San Petersburgo es reconocido como una de las compañías más prestigiosas del mundo. Sus solistas han formado parte del Ballet Mariinsky de San Petersburgo y del Bolshoi de Moscú, las dos compañías más importantes de Rusia. Su tradición se remonta al siglo XVIII, y en la actualidad, es una de las agrupaciones itinerantes más relevantes, habiéndose presentado en más de 150 países en la última década. Su legado ha sido fundamental en la conservación y evolución del ballet clásico, manteniendo la rigurosidad técnica y la elegancia que caracterizan este arte.

La llegada del Ballet Clásico de San Petersburgo a la capital colombiana es un hito en la agenda cultural, pues permite a los espectadores presenciar una de las interpretaciones más refinadas de “Carmen” y otros grandes clásicos del ballet.

Además del espectáculo, la visita de esta prestigiosa compañía pone de relieve la importancia del ballet en el mundo contemporáneo. A lo largo de su historia, el Ballet Clásico de San Petersburgo ha sido un referente para nuevas generaciones de bailarines, que encuentran en su técnica y en su estilo una fuente inagotable de inspiración. Cada una de sus presentaciones es una muestra de disciplina, pasión y entrega, cualidades que han consolidado su prestigio a nivel mundial.

Con esta presentación, el Ballet Clásico de San Petersburgo reafirma su compromiso con la difusión del ballet clásico, ofreciendo espectáculos que destacan por su calidad artística y respeto por la tradición.

Esta gira representa una oportunidad única para los amantes del ballet en Bogotá, quienes podrán disfrutar de una producción de alto nivel internacional. La boletería para el evento está disponible con precios que oscilan entre $123.100 y $268.600.

Moscú, 12 dic (EFE).- Un lote de cuatro entradas para el ballet "El Cascanueces", que se representará en el teatro Bolshói el próximo día 28, fue subastado este jueves en 1,25 millones de rublos, casi 12.000 dólares.

La puja por las cuatro localidades, la 10, 11, 12 y 13 de la fila 12 del patio de butacas, comenzó con un precio de salida de 200.000 rublos, poco menos de 2.000 dólares.

Ante la gran demanda de entradas para disfrutar de "El Cascanueces" en vísperas del Año Nuevo, el Bolshói decidió sacar a subasta parte de estas.

La subasta para el día 28, el último día laboral del año, comenzó este miércoles y concluyó la madrugada de hoy tras más de 17 horas de puja.

El precio máximo que se pagó por una localidad aislada fue de 105.000 rublos, unos 1.000 dólares, poco más del doble del precio inicial.

Un paquete de dos entradas fue subastado en 420.000 rublos, poco más de 4.000 dólares.

"El Cascanueces", de Piotr Chaikovski, será representado 18 veces, entre el 17 y el 31 de diciembre, algunos días en doble función.

El Bolshói anunció que este año transmitirá en directo a todo el país una de las representación de este ballet, que tradicionalmente pone en cartelera en vísperas de Año Nuevo. EFE

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Herman Cornejo, un bailarín de precisión y energía desbordantes, está en la cúspide del ballet internacional. Con una carrera consolidada en los escenarios más prestigiosos del mundo, el artista argentino que integra el elenco estable del American Ballet Theatre desde 2003, regresa con un proyecto que no solo desafía su capacidad interpretativa, sino que reescribe la historia de la danza.

Este martes 25 de febrero, en el New World Center de South Beach, Miami, su obra Anima Animal revivirá un capítulo inconcluso de la historia del ballet. A principios del siglo XX, Vaslav Nijinsky, visionario y trágico, había sido convocado para crear Caaporá, el primer ballet argentino inspirado en un mito guaraní. La locura interrumpió su genio, y la obra quedó en el umbral del olvido. Más de un siglo después, Cornejo la rescata y la transforma en una pieza que es tanto un tributo como una reinvención: una exploración visceral sobre la conexión perdida entre la humanidad y la naturaleza.

El espectáculo es el núcleo de la gala Herman Cornejo & Ballet Stars, que reunirá a figuras icónicas del American Ballet Theatre, Miami City Ballet y Joffrey Ballet School. La noche también marcará el estreno mundial de Vingt Deux, una audaz propuesta de Briana Reed, inspirada en las hermanas Serena y Venus Williams, donde el ballet y el tenis se fusionan en una nueva forma de atletismo escénico. Además, el público podrá disfrutar de fragmentos de clásicos como Don Quijote y El lago de los cisnes, antes de la esperada interpretación de Sinatra Suite, junto a Cassandra Trenary.

Detrás de esta celebración del movimiento está la Ballet Support Foundation, que bajo la dirección de Lola Abigail Koch, ha convertido la danza en un espacio de innovación y diálogo con otras artes. La fundación impulsa la creatividad más allá del ballet tradicional, explorando sus conexiones con la moda, la música y el cine. Con Miami como escenario y una audiencia dispuesta a presenciar el cruce entre la tradición y la vanguardia, la gala se anuncia como un hito en el calendario cultural del año.

En esta entrevista con Infobae Cultura, el bailarín argentino repasa su conexión con la figura de Vaslav Nijinsky, cuya historia inspiró su más reciente creación, Anima Animal, que reflexiona sobre la relación entre la danza y la naturaleza, y la resonancia de su obra en tiempos de crisis ambiental. Además, habla sobre la innovadora fusión de ballet y deporte en Vingt Deux y la experiencia de interpretar Sinatra Suite. Finalmente, comparte sus vivencias junto a la legendaria Alessandra Ferri, con quien ha protagonizado momentos memorables en la historia del ballet.

—¿Cuál es tu historia personal con la figura y la significación de Nijinsky? ¿En qué lugar de la historia del ballet lo ubicas y cómo lo definirías?

—Gracias a Vaslav Nijinsky el ballet tuvo un empuje en Argentina y conllevó a la creación de la compañía de Ballet Estable del Teatro Colón, lugar donde él hizo su última presentación pública un 30 de septiembre de 1917 y luego a la creación de la Escuela de Danza con la técnica rusa que tenía Vaslav, la técnica de Vaganova. La imagen de Nijinsky es clave en el desarrollo artístico de los bailarines argentinos. Tenía como característica no sólo su danza sino una increíble interpretación y eso es lo que se ve y destaco de la enseñanza y el talento surgido en Argentina.

—¿Cuál ha sido el recorrido de Anima Animal desde su estreno en San Juan en 2022? ¿Crees que la pieza cobra especial significación en tiempo de emergencia del medio ambiente en el planeta Tierra?

—Anima... tiene como inspiración la transformación de la leyenda Guaraní del Urutaú. Mi principal idea era incorporar esta ave mística como reflexión de que tenemos segundas oportunidades en la transformación animal, ser vivo que está plenamente en conexión con la naturaleza. Quería traer al escenario que es así cómo los guaraníes pensaban y actuaban. Con mucho respeto por la naturaleza y con una conexión muy profunda con las estrellas. Creo que hablar de volver a reconectar entre nosotros mismos y volver al respeto por el planeta es un tema muy apropiado para los momentos en que vivimos.

Está obra está creada a nivel espiritual, así que puede resonar con todos. Incluso con gente que no suele ver danza. Está obra no requiere conocimiento artístico, es un viaje que te llega al alma. Desde que se estrenó en Argentina, que es como tenía que ser, su segunda casa fue acá en New York, mi segunda casa. Fueron dos años de trabajo ya que como bailarín estable del ABT por 26 años ya, mi agenda es muy ajustada. Y también fue realizada por iniciativa privada, lo que lleva mucho trabajo y tiempo de reuniones y logísticas.

— ¿Cómo podrías resumir el encuentro de ballet y deporte que propone la pieza Vingt Deux de Briana Reed? ¿Cuánto sabías de las hermanas Williams antes de conocer esta obra? ¿Encontrás algún punto de contacto entre ambas actividades: tenis y ballet?

—El deporte y la danza son movimiento, coordinación, reflejos y disciplina. Tienen un nivel de entendimiento físico, mental y espiritual. Poder reflejar en deporte en la danza es como la danza tiene destellos en el deporte cuando se ve a las hermanas Williams o a Messi, son puro arte.

—Sobre Sinatra Suite ¿Cuáles son tus sensaciones mientras bailas tan famosas canciones? ¿Sentís alguna conexión especial siendo música popular y no clásica, como la que habitualmente te toca bailar? ¿Hay diferencias entre ambos géneros, crees?

—La música clásica fue la música popular en su momento. Creo que toda música proyecta momentos en la vida. Los temas de Sinatra al tener letra, te llevan a cosas específicas que uno las reconecta con momentos personales en la vida. Y para mí es un clásico. También elegí bailar Sinatra como cierre de noche, celebrando los 60 años de Twyla Tharp. Así la noche está enmarcada con una celebración y en honor a Vaslav Nijinsky y a Twyla Tharp.

—Participaste de las últimas funciones de Alessandra Ferri en junio de 2024. Cómo viviste esos momentos y cuáles fueron tus sensaciones? Siendo ella una estrella de la historia del ballet ¿Tomaste alguna enseñanza de ella?

—Con Alessandra Ferri vivimos muchos encuentros que pasarán a la historia, desde su vuelta al escenario con el Romeo y Julieta que interpretamos en muchos países del mundo con el American Ballet Theatre en New York incluido, como en Cheri, la creación de trío concert dance, innumerables galas, y su última función en Wolff Works de Wayne McGregor. Siempre fue un lujo poder conectar con una artista de tanto calibre. Creo que la enseñanza fue que la edad y el talento artístico no tiene límites. Que la creación y la interpretación es muy profunda cuando el objetivo es buscar muy profundamente de cada uno la esencia y el porqué hacemos lo que hacemos. Cuando uno encuentra ese espacio de vulnerabilidad, de tu propia esencia es cuando uno puede trascender lo visual y vivir un momento en el escenario espiritual.

[Fotos: Emma Zordan; Félix Busso; archivo AP]

El fotógrafo Gérard Uféras obtuvo acceso total al detrás de la escena del cuerpo de ballet de La Scala de Milán durante seis años para producir una serie de sinceros y emotivos retratos que integran una exposición en el museo de la sala lírica más famosa del mundo. Será por eso que el gerente general del teatro, Dominique Meyer, admite que una muestra sobre ballet en el teatro más asociado con la ópera era algo “raro”.

Sin embargo, la retrospectiva fotográfica titulada La Mirada Oculta, la Danza Detrás del Telón también enfatiza que el ballet ha sido parte de la misión del teatro desde su fundación. Una línea de tiempo en la primera sala recuerda que la actuación inaugural de La Scala, L’Europa riconosciuta de Antonio Salieri, el 3 de agosto de 1778, fue acompañada por dos ballets.

Manuel Legris, director del cuerpo de ballet de La Scala, dijo que otorgó a Uféras “total libertad” para desplazarse por los bastidores y las salas de ensayo con el fin de “encontrar estos momentos especiales”.

Entre ellos se encuentra la estrella y primera bailarina Nicoletta Manni, captada en un abrazo detrás del escenario con su esposo, el primer bailarín Timofej Andrijashenko, con el reflejo en su rostro después de haberlo dado todo en el escenario. La cautivadora fotografía que da título a la exposición muestra a una joven bailarina en un tutú blanco desde atrás, mientras asoma la cabeza entre el telón del escenario, recordando el trabajo del impresionista francés Edgar Degas.

Los bailarines son fotografiados desde arriba de las luces del escenario, colapsados con las piernas extendidas en el suelo detrás del escenario, iluminados desde atrás mientras se preparan para su entrada. “Tu trabajo da vida a nuestro arte”, le dijo Legris a Uféras en un video que acompaña la exposición.

Las fotografías —algunas en blanco y negro, otras en color— están intercaladas con esculturas de papel blanco que reproducen trajes de ballet diseñadas por Caterina Crepax, desde faldas fluidas de la era romántica hasta vestidos cortos más contemporáneos. Un vestido de ballet inspirado en una libélula fue dedicado a Carla Fracci, la fallecida estrella y primera bailarina de La Scala.

La exposición en el museo del Teatro alla Scala estará abierta desde hasta el 14 de septiembre. Y un libro que acompaña la exposición será publicado a finales de febrero.

[Fotos: Luca Bruno/AP]

El bailarín ruso Vladimir Shklyarov ha fallecido de manera prematura a los 39 años, según ha anunciado el Teatro Mariinsky, donde era el bailarín principal desde 2011.

"Anunciamos con profunda tristeza el fallecimiento prematuro del bailarín principal Vladimir Shklyarov. El señor Shklyarov, un artista muy querido y favorito del público, falleció trágicamente el 16 de noviembre. Su pérdida es sentida profundamente por toda la familia Mariinsky y el mundo del ballet en general", ha publicado la institución este lunes en su página web.

Según el medio ruso 'Fontanka', Shklyarov falleció tras caer desde un quinto piso el pasado sábado. "Vladimir Shklyarov sufrió una lesión en la espalda y para el lunes 18 de noviembre estaba prevista una operación compleja de la columna. Durante todo este tiempo estuvo tomando analgésicos fuertes", dijo al medio ruso, Anna Kasatkina, jefa del servicio de prensa del Teatro Mariinski.

Shklyarov se unió a la compañía del Mariinsky en 2003 tras graduarse en la Academia Vaganova del Ballet Ruso. Fue ascendido a bailarín principal en 2011, cautivando al público con su expresividad artística y brillantez técnica. Su talento fue reconocido con numerosos premios, que culminaron con el título de Artista Honorario de Rusia en 2020.

La institución rusa destaca su versatilidad y su cautivadora presencia escénica. Además, Shklyarov se destacó en un vasto repertorio que abarcaba obras tanto clásicas como contemporáneas. "Fue igualmente convincente como el noble Príncipe Désiré en La Bella Durmiente y como el joven rebelde en Manon de MacMillan . Sus actuaciones se caracterizaron por una técnica impecable, una intensidad dramática y una musicalidad innata que lo convirtieron en un verdadero artista de la escena", añade el comunicado de la institución rusa.

La Royal Ballet y Ópera de Londres se ha sumado a las condolencias en su perfil de X, donde ha recordado que Shklyarov formó parte de la compañía como artista invitado. "Estamos profundamente entristecidos por la noticia. Nuestros pensamientos están con su familia y amigos", afirman.

Buenos Aires, 12 nov (EFE).- Un muy emocionado Julio Bocca fue presentado este martes como el nuevo director de Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires, parte del flamante equipo a cargo de una de las salas más importantes del mundo, liderado por el uruguayo Gerardo Grieco.

“Para mí fue, es y va a ser un desafío, pero creo que tengo mucho que devolver al teatro, el teatro tiene mucho que devolverme", dijo el exbailarín argentino en el escenario del Colón tras el aplauso de la sala llena, al encabezar el acto de presentación con Grieco, además del alcalde de Buenos Aires, Jorge Macri; la ministra de Cultura de la ciudad, Gabriela Ricardes, y el nuevo director de Ópera, Andrés Rodríguez.

"Mi idea es (...) tratar de cumplir un sueño, que el ballet viaje por el mundo, que sea una de las diez primeras (compañías)", contó Bocca, quien integró en 1981 la Compañía de Ballet de la Cámara del Teatro Colón, de donde salió hacia Caracas y Río de Janeiro y trabajó como primer bailarín antes de regresar al coliseo de Buenos Aires para integrar su elenco estable.

"Para mí es un privilegio", dijo Bocca, quien se retiró como bailarín profesional en diciembre de 2007 al actuar en un escenario callejero en Buenos Aires ante unas 300.000 personas, tras haber pisado los principales escenarios del mundo.

Agradeció "la confianza" porque saben de sus "locuras y exigencias", y arengó: "A divertirnos".

Macri dijo que “haber recuperado" a Bocca "es un orgullo infinito" y que "él tenga la chance de estar donde tiene que estar" lo "llena de emoción", y que hoy demuestran que "él tiene tanto para dar y este teatro tiene tanto para desafiarlo todavía”.

En la ceremonia que fue enmarcada con música de la Camerata Bariloche, el alcalde reconoció que "tienen un desafío inmenso".

Grieco -quien fue director general del Auditorio Nacional del Sodre, cuyo Ballet Nacional estuvo bajo la dirección artística de Bocca entre 2010 y 2017, director del Teatro Solís y creador de la Sala Zitarrosa, en Montevideo- fue presentado como nuevo director General del Colón.

Grieco anticipó que es “un cambio de modelo de gestión y no es un simple cambio de personas en la dirección de un teatro" con el fin de "estar a la altura de las grandes capitales del mundo".

"Es un teatro mundial, el mejor del mundo y hoy nosotros somos conscientes que tenemos la obligación de resignificar aquel sueño de los fundadores”, sostuvo Grieco sobre el Colón, que fue fundado en 1857 y en 1908 se estableció en su actual sede, en la céntrica avenida 9 de Julio de Buenos Aires.

El nuevo equipo directivo está conformado, además, por el director de Música, Gustavo Mozzi; la directora Ejecutiva, Thelma Vivoni; la directora principal de la Filarmónica de Buenos Aires, Zoe Zeniodi; la directora invitada del Teatro Colón, Beatrice Venezi, y la directora de Ópera Studio, Verónica Cangemi.

Así como por el director del Coro del Teatro Colón, Miguel Martínez; el director Escenotécnico, Enrique Bordolini; la directora de Producción, Marcela La Salvia, el director de CETC y Contemporáneo, Martín Bauer, y el director del Instituto Superior de Arte, Marcelo Birman. EFE

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Con la llegada de diciembre, la ciudad se ilumina con una amplia variedad de eventos que capturan la esencia de la Navidad. Desde los imponentes escenarios del Teatro Municipal y sus presentaciones del clásico ‘Cascanueces’, hasta las experiencias interactivas de la ‘Villa Navideña’ y la encantadora ‘Fabulosa Casa de Papá Noel’, hay opciones para todos los gustos y edades.

Los amantes del arte y la música podrán disfrutar de la Gala de Navidad 2024, que combina tradición peruana con melodías universales, o sumergirse en la mágica historia musical de ‘Siete Estrellas’, presentada por Sinfonía por el Perú. Para los pequeños, eventos como ‘Ropoponpom’ de Almendra Gomelsky ofrecen una experiencia inolvidable, llena de color y villancicos.

Explora las fechas, sedes y precios en nuestras recomendaciones y prepárate para vivir una temporada llena de alegría, cultura y momentos especiales en familia. ¡Que esta Navidad sea una celebración mágica e inolvidable!

Cascanueces: La magia del ballet ilumina la Navidad limeña

Del 6 al 26 de diciembre, el Teatro Municipal de Lima se convierte en un mundo de sueños con la presentación de Cascanueces, el clásico navideño que une generaciones. Más de 100 bailarines del Ballet Municipal de Lima, bajo la dirección de la maestra Lucy Telge, darán vida a esta mágica historia que combina la emblemática música de Piotr Tchaikovsky y la coreografía de los maestros Marius Petipa e Ivan Levanov.

Sigue a Clara y su muñeco Cascanueces en una aventura inolvidable, desde la batalla contra el Rey Ratón hasta el encantador Reino de los Dulces. Cada escena está llena de color y fantasía, cautivando a espectadores de todas las edades.

Esta tradición, presentada por la Municipalidad Metropolitana de Lima y el Patronato Amigos del Ballet Municipal, es perfecta para celebrar las fiestas en familia. Asegura tus entradas y vive una Navidad mágica llena de arte y cultura. Las entradas están a la venta en Teleticket con precios que van desde los S/ 20.

Villa Navideña: Un mundo mágico para toda la familia

La Villa Navideña regresa para llenar de alegría y sorpresas a chicos y grandes. Del 6 de diciembre al 5 de enero, disfruta de esta experiencia única en Plaza Norte y Mall del Sur, donde Papá Noel y sus traviesos duendecillos te esperan para compartir la magia de las fiestas.

Con horarios de lunes a viernes de 3 p.m. a 10 p.m., y sábados, domingos y feriados desde las 12 p.m., encontrarás atracciones inolvidables como la Zona de Nieve, la Casa de Papá Noel, la Casa del Grinch, realidad virtual, un Túnel sin equilibrio, el Laberinto mágico y mucho más.

Las entradas están disponibles en Joinnus a S/ 31.50, con descuento a S/ 26.50 para pagos con Tarjeta W. Los niños menores de 3 años ingresan gratis. ¡No te pierdas esta oportunidad de crear recuerdos especiales en una Navidad llena de color, luces y diversión!

Gala de Navidad 2024: Noche de música, danza y mucha tradición

Este 18, 19 y 20 de diciembre, a las 8:00 p.m., el Teatro Nacional se llena de espíritu festivo con la Gala de Navidad 2024, un espectáculo que fusiona tradición, arte y cultura. Bajo la dirección de la maestra Mónica Canales, el Coro Nacional de Niños del Perú, el Ballet Folclórico Nacional y la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario se unen en una experiencia multidisciplinaria que celebra tanto la Navidad cristiana como las expresiones culturales de nuestras regiones.

Desde villancicos tradicionales como Caminito y Diospa Churin hasta piezas icónicas de Chabuca Granda, cada presentación está diseñada para evocar la identidad y el patrimonio del Perú. Además, la gala integra danzas como la marinera y el huayno, ofreciendo un recorrido lleno de emoción y color.

Las entradas están disponibles en Teleticket desde S/ 15. Vive una Navidad inolvidable, en compañía de lo mejor de la música y el arte nacional.

Siete Estrellas: Una historia musical de Navidad

Descubre la magia de “Siete Estrellas: Una Historia Musical de Navidad”, un espectáculo único presentado por la Orquesta y Coro Infantil Sinfonía por el Perú, con la participación especial de integrantes del Coro Juvenil.

Esta entrañable obra, escrita por Mateo Chiarella, relata cómo siete estrellas, extraviadas en la Tierra, descubren la importancia de la solidaridad para iluminar el espíritu navideño. A través de conmovedoras piezas corales y orquestales, como “White Christmas” y una selección de El Cascanueces, este espectáculo nos invita a reflexionar sobre la esperanza y la unión.

Con dirección escénica de Fernando Castro y musical de José Zamora y Marianela Vale, las funciones se realizarán el 19 y 20 de diciembre a las 8:00 p.m. en el Teatro NOS PUCP (San Isidro). Las entradas están disponibles en Joinnus desde S/ 30. Edad mínima sugerida: 5 años. ¡Una experiencia que llenará tu corazón de espíritu navideño!

Ropoponpom: La magia navideña de Almendra Gomelsky

Esta Navidad, déjate envolver por la magia de ‘Ropoponpom’, el nuevo musical de Almendra Gomelsky, que transforma el interior de un árbol de Navidad en un escenario lleno de vida y color. Con más de 40 artistas en escena, incluyendo a Anahí Vargas, Diego Dibós y Gustavo Carrizo, esta obra ofrece un viaje único lleno de luces, música y la esencia más pura de la celebración.

Producido por Macanudo Producciones y diseñado por Pepe Corzo, el espectáculo combina una escenografía deslumbrante y clásicos navideños que cautivarán a toda la familia. Con funciones los sábados y domingos hasta el 22 de diciembre en la carpa Ropoponpom, junto a la Cúpula de las Artes en Surco, es una experiencia imperdible esta temporada.

Las entradas están disponibles en Teleticket desde S/ 50. No te pierdas la oportunidad de vivir una historia llena de guirnaldas, villancicos y la magia del espíritu navideño. ¡Un plan perfecto para compartir en familia!

La Fabulosa Casa de Papá Noel: Una experiencia mágica para la familia

La Navidad cobra vida en la Fabulosa Casa de Papá Noel, un evento único que llega en su quinta edición con más personajes, actividades y diversión para toda la familia. Sumérgete en un recorrido guiado y exclusivo, donde un guía navideño te llevará a conocer a Santa Claus, El Grinch, Mamá Noela, Blancanieves, Rapunzel, y muchos otros icónicos personajes. Además, disfruta de la pista de hielo, zona de nieve, musicales, estaciones de fotos, juegos interactivos y la oportunidad de enviar tu carta a Santa.

Este mágico evento está disponible en tres sedes:

• Miraflores (Av. Arequipa 4701)
• Surco (Jockey Plaza)
• Trujillo (Real Plaza Trujillo)

Las entradas están a la venta en Teleticket, con precios que varían según la ubicación. Los menores de 2 años ingresan gratis. ¡Vive esta inolvidable experiencia navideña que estará disponible hasta el 24 de diciembre!

Clásicos de Navidad 2024

Este concierto de fiestas de fin de año llevará a su público por un viaje con un repertorio festivo nacional e internacional que generará un ambiente de reflexión, amistad y reconocimiento de nuestra identidad. Javier Súnico está a cargo de esta dirección artística y Fernando Valcárcel de la dirección musical.

El evento se realizará el 22 de diciembre a las 5:30 p.m. Las entradas están a la venta en Teleticket y también la boletería del Teatro de martes a domingo de 10 a.m. a 9 p.m.

Patinaje sobre hielo por Navidad

Para salir de la rutina, Real Plaza Puruchuco abrió su pista de patinaje sobre hielo, un espacio en el que las familias podrán pasar un momento juntos como si estuvieran en el polo norte. El precio es de 25 minutos a S/40 y de 25 minutos a S/30 con ticket de compra desde s/50. Puedes acercarte todos los días de 12:00 p.m. a 9:00 p.m.

Villa Mágica

Como parte del Circuito Mágico de las aguas, existe una exposición temática en cada temporada. Esta vez, por Navidad la Villa Mágica te muestra espacios para tus fotos y que vivas el espíritu navideño todo el mes. Cabe señalar que este espacio tiene un costo adicional a la entrada de S/5 y puedes adquirirlo en la misma boletería del lugar.

Concierto Panatonazo

El centro comercial Mega Plaza de Independencia ofrecerá al público un evento con ingreso gratuito para disfrutar de la salsa en vivo. Este show se llevará a cabo el próximo 20 de diciembre a partir de las 6:00 p.m. en el escenario principal del recinto.

La Temporada Lírica 2025 del Teatro Colón incluirá siete títulos destacados, comenzando en marzo con Aida de Verdi, en una histórica puesta de 1996 dirigida por Roberto Oswald.

Entre las propuestas más relevantes se encuentran El tríptico de Puccini, con la dirección musical de Beatrice Venezi y escénica de Pier Francesco Maestrini, así como cuatro nuevas producciones: Billy Budd, de Britten, dirigida por Marcelo Lombardero; Werther de Massenet, con Rubén Szuchmacher a cargo de la escena; Salomé, de Strauss, bajo la concepción de Bárbara Lluch; y La Traviata, de Verdi, con dirección escénica de Emilio Sagi.

Además, habrá una versión en concierto de Los puritanos, de Bellini. Según Andrés Rodríguez, director de ópera, las audiciones internacionales realizadas recientemente han permitido reunir talentos excepcionales para garantizar la calidad artística de toda la temporada.

En el ámbito del ballet, bajo la dirección de Julio Bocca, el Ballet Estable del Teatro Colón presentará cinco títulos, comenzando en abril con Carmen, de Bizet, coreografiada por Marcia Haydée. Otras propuestas incluyen un programa mixto con Paquita, Por vos muero y Chacona; Don Quijote, de Minkus, con coreografía de Silvia Bazilis y Raúl Candal; Onegin, de Tchaikovsky, en una adaptación de John Cranko, basada en la obra de Pushkin; y el clásico navideño El cascanueces, de Bazilis.

En agosto, se celebrará una Gala Internacional que conmemora el centenario del Cuerpo Estable del Ballet, que contará con artistas invitados. Además, se han convocado audiciones abiertas para bailarines profesionales, con inscripciones abiertas hasta el 15 de diciembre y audiciones programadas para el 1 de febrero de 2025.

En el ciclo de 18 conciertos de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, se presentarán destacados directores y solistas internacionales como Baldur Brönimann, Khaki Solomnishvili, y la nueva directora principal, Zoe Zeniodi, quien expresó su compromiso de “llenar la ciudad de música inspiradora y fortalecer los lazos con la comunidad”. Este esfuerzo también incluye el primer Ópera Studio de Latinoamérica, liderado por Verónica Cangemi, con el objetivo de formar jóvenes talentos en el arte lírico y proyectarlos a nivel internacional.

El anuncio de esta ambiciosa temporada se realizó en un acto celebrado en el Salón Dorado del Teatro Colón, encabezado por la ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes, y el director general del Teatro, Gerardo Grieco. Según Grieco, el equipo del teatro se ha enfocado en una programación que honra el legado de sus fundadores y prioriza la excelencia artística. Ricardes añadió que el inicio y cierre de la temporada estarán marcados por conciertos al aire libre de la Filarmónica, en línea con un nuevo paradigma que busca ampliar el alcance del teatro y fortalecer su vínculo con la comunidad.

La venta y renovación de abonos para la temporada 2025 estará disponible a partir del 12 de diciembre, tanto de manera presencial como en línea, a través de la página oficial del Teatro Colón.

[Fotos: Arnaldo Colombaroli / prensa Teatro Colón]

Nueva York, 23 oct (EFE).- El premiado bailarín español Sergio Bernal estrena este miércoles en Nueva York 'Una noche con Sergio Bernal', un espectáculo en el que hace un recorrido por el "repertorio español tradicional" y con el que busca "conmover" al público, según dijo a EFE.

En el pase de prensa previo, el exbailarín del Ballet Nacional de España ofreció un adelanto del programa, que mezcla flamenco y ballet, y se mostró feliz de volver a la Gran Manzana con su propia compañía, que creó hace cuatro años con Ricardo Cue como director artístico.

Junto a los bailarines Cristina Cazorla y Carlos Romero, Bernal guiará el camino con coreografías clásicas y modernas por 'El sombrero de tres picos', de Manuel de Falla, 'Bolero', de Maurice Ravel, y hasta canciones de Silvia Pérez Cruz o Alberto Iglesias ('Hable con ella').

"Lo que más me gusta es subirme al escenario, sentir la emoción que puedo desprender en ciertos momentos y ver esa emoción en el público", cuenta el artista frente al Joyce Theater, en el que se presentará cada noche hasta el domingo y que luce su nombre en la marquesina.

"Los políticos se sienten con mucho poder, pero cuando tú estás en escena y puedes sentir un silencio, ver la cara del público y sentir que le estás emocionando... Ese es el poder más grande que uno puede tener: el sentir que tú puedes conmover la vida de los demás", asegura.

Cue, también bailarín y coreógrafo, asegura, a su lado, que este espectáculo es Bernal "en todo su esplendor" y que hace justicia a una trayectoria brillante, por la que ha sido distinguido en España con el Premio Talento Emergente y en Reino Unido como Embajador de las Artes.

Pese a ello, Bernal (Madrid, 1990), una de las figuras más influyentes de la cultura española según Forbes, dice que le queda "mucho por aprender" y la etapa actual es "el principio de un todo": "Prácticamente estoy empezando. Este es mi cuarto año con la compañía y espero que haya 40".

"Es el primer bailarín que viene de raíz flamenca y de la escuela flamenca que hace, a su vez, danza clásica. Ha llegado a bailar el 'Apollo' de Balanchine, y es algo que sucede por primera vez", explica Cue, que lleva trabajando 15 años con Bernal y coincide en su visión de la danza.

"Nuestro 'motto', nuestro propósito, es emocionar a través de la belleza", concluye. EFE

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Madrid, 19 oct (EFE).- El ex director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España, el bailarín Joaquín de Luz, dirigirá la próxima edición de los Veranos de la Villa de Madrid, un festival en el que ha participado en más de una ocasión y que considera “foco cultural y festivo”.

La delegada de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, le ha encargado la programación de la próxima edición del festival ”por la valoración de su proyecto, junto por su mérito y capacidad”, han explicado fuentes del departamento.

El bailarín, participante y espectador de los Veranos de la Villa, ha manifestado que la cita siempre le ha hecho sentirse parte de una ciudad “extraordinariamente cosmopolita y vibrante, y de un foco cultural y festivo en el que se siente y se aporta energía”.

“Todo ello ha de poderse hacer, ver y trasladar al espectador”, ha asegurado tras expresar su compromiso con una programación transversal y para todos, con espectáculos para todas las edades y para cualquier individuo o grupo, generación o colectivo.

A lo largo de su extensa carrera internacional, que le llevó desde la prestigiosa escuela de ballet de Víctor Ullate a Estados Unidos (donde bailó en el American Ballet Theatre y el New York City Ballet) ha actuado con las compañías más prestigiosas y recorrido los teatros más emblemáticos del mundo.

Además, ha recibido numerosos reconocimientos como la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Ballet Rudolf Nureyev en Budapest (2006), el prestigioso Benois de la Danse al mejor bailarín masculino (2009) en Moscú, y el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2010), entre otros.

Tras haber dirigido su propia compañía, De Luz asumió la dirección de la Compañía Nacional de Danza de España, puesto en el que ha gestionado un presupuesto anual de 5 millones de euros y un equipo de más de cien profesionales. EFE

Madrid, 17 oct (EFE).- Tal día como hoy, de 2019, fallecía Alicia Alonso, una de las más grandes figuras del ballet clásico. Primera bailarina, directora y fundadora junto a su marido del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

DancingAmerican Ballet TheaterJaffe, SusanRojo, TamaraHernandez, IsaacGuadalajara (Mexico)San Francisco (Calif)Etudes (Ballet)La Bayadere (Ballet)

Hernández, de 34 años, se incorpora a la compañía como bailarín principal en su temporada de otoño, que comienza el miércoles en el David H. Koch Theater del Lincoln Center.

Era la segunda semana de Isaac Hernández en el American Ballet Theater, y estaba adolorido por los ensayos. Sin embargo, en cuanto la persona a cargo del piano comenzó a tocar, su cuerpo y sus ojos se activaron de inmediato. Era su gran entrada. Cruzó el estudio con una serie de saltos rápidos. Sus piernas chocaban con fuerza en el aire. Giró con una pierna extendida hacia un lado. Hizo un círculo de saltos que casi rozaban las paredes. Logró que el espacio pareciera pequeño.

"Increíble", exclamó la entrenadora de ballet Irina Kolpakova, en un inglés con acento ruso, con los brazos y los ojos muy abiertos. "Me alegras mucho". Mientras Hernández jadeaba frente a ella, esbozó una amplia sonrisa. "Mi estado de ánimo está mejorando", dijo.

Desde septiembre, Hernández, de 34 años, se ha estado preparando para su debut en el Ballet Theater durante su temporada de otoño, que comienza el miércoles y se extenderá hasta el 3 de noviembre en el Teatro David H. Koch del Lincoln Center. Para eso ha trabajado de manera cercana con Kolpakova, de 91 años, una antigua estrella del Ballet Kirov, en ensayos enfocados en la intención y la calidad del movimiento. En un momento determinado, ella le puso su mano en la caja torácica para mostrarle exactamente cómo debía sentirse una posición; él inmediatamente recreó la forma con su propio cuerpo.

Hernández es un bailarín inteligente que asimila la información con rapidez. Pero su confianza en sí mismo, su hábil trabajo de pareja y su aspecto de ídolo de matiné, también es un retorno a una generación previa de bailarines masculinos del Ballet Theater, muchos de ellos de origen latinoamericano o español, cuya histriónica presencia en escena solía ser tan célebre como su baile (la lista incluye a José Manuel Carreño, Ángel Corella y Fernando Bujones).

Hernández, quien es de Guadalajara, México, ya es un veterano de las mejores compañías, entre ellas el English National Ballet y el San Francisco Ballet, que dejó en mayo. Por eso, cuando este verano buscó a Susan Jaffe, directora artística del Ballet Theater, para hablarle sobre la posibilidad de unirse a la compañía, ella no dudó ni un instante.

"Pensé: 'Esto es milagrosamente perfecto'", dijo Jaffe. "Su estilo, su energía, su técnica, su dominio de la teatralidad. Ahí está; lo tiene todo". Empezará como invitado en la temporada de otoño, bailando en Études y como Solor en un fragmento de La Bayadère, antes de unirse a la compañía a tiempo completo en enero.

Jaffe explicó que Hernández cubría una necesidad en el Ballet Theater. "Tenemos muchos bailarines principales brillantes", dijo, "pero no todos van a bailar papeles como Solor", uno de los más difíciles del repertorio, desde un punto de vista técnico. "También tenemos bailarines más jóvenes, que aún no están preparados".

La compañía presentará la secuencia onírica de Bayadère, El reino de las sombras, un pasaje de danza pura considerado la cumbre del clasicismo ruso del siglo XIX, que requiere un estilo elegante pero muy virtuoso. También exige un trabajo de pareja impecable.

Hernández perfeccionó su técnica de pareja trabajando con bailarinas experimentadas como Alina Cojocaru y Tamara Rojo en el English National Ballet, donde pasó siete años. Fue Rojo, entonces directora artística de la compañía, quien lo trajo desde Amsterdam, donde había estado bailando con el Ballet Nacional de Holanda.

Con el paso del tiempo, Rojo también se convirtió en su pareja sentimental. La revelación de su relación causó revuelo en el mundo del ballet y generó cuestionamientos sobre el liderazgo de Rojo, que tanto la compañía como la pareja lograron superar. En 2021 tuvieron un hijo, Mateo, y al año siguiente, cuando Rojo aceptó la dirección artística del San Francisco Ballet, Hernández también se fue para allá. Entre otras cosas, comentó que le alegraba estar cerca de su hermano Esteban, que también es bailarín principal en San Francisco.

Pero este año, cuando llegó el momento de renovar su contrato, Hernández sintió que era el momento de seguir adelante, dijo, "tanto por razones personales como de oportunidad". Rojo y él se han separado, dijo, aunque siguen criando juntos a Mateo desde costas opuestas.

Y Hernández es ambicioso: "Quería que mi carrera volviera a ser mi prioridad. Tengo un sentido del deber hacia mi carrera, hacia mi padre, hacia mis profesores, hacia desarrollar realmente mi potencial".

Su trayectoria profesional refleja ese impulso. Isaac, uno de 11 hermanos, creció en Guadalajara y tomó clases de ballet con una barra improvisada en el patio trasero de su familia con la orientación de su padre, Héctor Hernández, antiguo bailarín del Dance Theater of Harlem y del Houston Ballet. A los 12 años, Isaac empezó a participar en competiciones internacionales y pronto acabó en la Rock School de Filadelfia.

"Desde entonces he estado en general por mi cuenta", dijo. Tras un año en la compañía junior del Ballet Theater en 2007, se marchó a San Francisco para la primera de sus dos estancias en esa compañía. Cuatro años más tarde, cuando sintió que empezaba a estancarse, se trasladó al Ballet Nacional de Holanda, donde ascendió al rango de bailarín principal.

Luego llegó el English National Ballet, donde participó en la creación de obras como la Giselle contemporánea de Akram Khan y la reinterpretación de Raymonda de Rojo. "Durante mucho tiempo", dijo Hernández, "mi prioridad ha sido trabajar para la visión artística de Tamara. Fue increíblemente significativo poder hacerlo juntos".

Ahora, comentó, sentía que necesitaba un cambio. "Tenía muchas ganas de desafiarme", dijo, "ponerme en situaciones realmente difíciles para ver de lo que soy capaz".

Entre esas situaciones difíciles está la de dar sus primeros pasos como actor. Estuvo en la película El rey de todo el mundo, de Carlos Saura, y tuvo un papel importante en Alguien tiene que morir, una serie de Netflix para la que tuvo que hacer una escena desnudo. "Fue en mi primer día de rodaje", dijo. "Creo que pensaron que eso rompería el hielo". El año pasado rodó una historia de amor con Jessica Chastain, Dreams, que probablemente se estrenará el año que viene.

Hernández no se ha olvidado de las dificultades de crecer sin grandes recursos. Desde hace 10 años, Soul Arts, la productora mexicana creada por Hernández con su hermano Esteban y su hermana Emilia, produce el festival internacional de danza Despertares. "Todo el mundo me decía que a nadie le gustaba el ballet en México", dijo. "Ahora lo presentamos en un recinto con 10.000 localidades".

La organización también ofrece audiciones gratuitas en las que aspirantes a bailarines mexicanos pueden mostrar sus habilidades para escuelas y compañías internacionales.

Sin embargo, durante las últimas semanas Hernández se ha estado enfocando en su debut en el Ballet Theater, trabajando con entrenadores de ahí, especialmente con Kolpakova.

"Cuando alguien como Irina te enseña algo", dijo, "es como abrir un libro de historia y ver la intención, el significado. Me recuerda a una versión muy antigua de la danza, increíblemente bella en su esencia".

También ha estado trabajando para ser menos reservado sobre el escenario. "Durante mucho tiempo quise ser un poco más seco, porque creía que así el público se identificaba más", dijo. Ahora se está abriendo.

"Tienes que sentirte príncipe", le dijo Kolpakova durante un ensayo de Bayadère, levantándose y demostrando lo que quería decir: el pecho hacia delante, la mirada en alto.

"Ha cambiado mucho desde que llegó", dijo Kolpakova, mientras él volvía a ensayar. "No todo el mundo puede".

Tras el ensayo, Hernández comentó que ha sido "divertido ver hasta dónde" puede llevar las cosas. "Quiero permitirme la posibilidad de sorprenderme incluso a mí mismo", dijo.

Isaac Hernández bailará en Études y en Kingdom of the Shades en la temporada de otoño del American Ballet Theater en el David H. Koch Theater del Lincoln Center. (George Etheredge/The New York Times)

Hernández cubre una necesidad de la compañía, comentó su directora artística, Susan Jaffe. (George Etheredge/The New York Times)

Moscú, 9 oct (EFE).- El coreógrafo español Nacho Duato estrena mañana, jueves, la ópera 'Yevgueni Oneguin' de Piotr Chaikovski en el Teatro Mijáilovski de San Petersburgo, cuyo ballet dirige desde 2019.

'Yevgueni Oneguin', cuyo libreto está basado en la novela homónima en verso del padre de las letras rusas, Alexandr Pushkin, es la segunda ópera que presentará Duato en tierras rusas.

Esta legendaria ópera lírica fue estrenada por primera vez en 1879 en Moscú con dirección de Nikolái Rubinstein, amigo íntimo de Chaikovski.

Hace un año ya llevó al escenario de la antigua capital zarista 'Carmen' de Georges Bizet, a la que le dio un toque más expresivo y español, según sus propias palabras.

En 2022 Duato revolucionó 'El Quijote', un ballet clásico de Petipa, al que despojó de guitarras y castañuelas, y le devolvió la austeridad más manchega.

El coreógrafo valenciano se atrevió un año antes con 'El lago de los cisnes', otro clásico universal de Chaikovski al que adelantó "cinco siglos" para acercarlo a nuestro tiempo.

Duato, que se siente muy querido en Rusia, recaló en este país en 2011, se marchó a Berlín en 2014 y hace cinco años regresó al Mijáilovski, teatro fundado en 1833.EFE

Londres, 27 sep (EFE).- La princesa de Gales, Catalina, asistió a un espectáculo de ballet en el teatro londinense Sadler's Wells este jueves tras haber anunciado a comienzos de mes que había concluido su tratamiento de quimioterapia, según recogen este viernes los medios locales.

La esposa del heredero al trono británico, Guillermo, asistió a la representación de la mañana de 'Giselle', de Akram Khan.

En un mensaje colgado en su cuenta de X, la princesa, de 42 años, dio las gracias al Ballet Nacional Inglés y al Sadler's Wells por "la actuación maravillosamente poderosa, conmovedora e inspiradora".

"Lo mejor de la creatividad", apuntó Catalina, de 42 años, que firmó el mensaje con su inicial, "C".

Según indica hoy 'The Times', la princesa también mantuvo una reunión con asesores y miembros de su Fundación Real en el castillo de Windsor el pasado martes para hablar sobre el servicio de villancicos de Navidad anual, que se espera que organice.

Catalina fue fotografiada en público por primera vez el pasado domingo desde el término de su tratamiento por un cáncer no desvelado -por el que recibió sesiones de quimioterapia desde febrero-, cuando se la vio en Balmoral (Escocia) junto con su marido, el príncipe de Gales, y sus suegros, el rey Carlos III y la reina, Camila.

A comienzo de la pasada semana, Catalina regresó al trabajo con su primera reunión del año celebrada en el castillo de Windsor para hablar del progreso realizado por su equipo dedicado a la educación en los primeros años de la infancia.

El pasado junio, cuando aún estaba siendo tratada por la enfermedad, asistió al tradicional desfile militar Trooping the Colour por el cumpleaños del monarca y presentó el trofeo al ganador de la final masculina del torneo de tenis de Wimbledon en julio. EFE

Protagonizó los ballets más conocidos y exigentes. Copelia y Cascanueces, por ejemplo. Pero su gran papel fue La Cenicienta. Parecía la historia de su vida, hecho a su medida. La chica postergada, la que no iba a tener oportunidades, logra ser feliz pese a tener todo en contra.

Ni siquiera, en su caso, se puede afirmar que sus sueños se hicieron realidad. Salió tan de abajo, de tan lejos, que difícilmente se hubiera animado a soñar tanto. Pero lo consiguió.

Michaela DePrince quedó huérfana a los dos años en medio de la guerra civil de Sierra Leona, un pequeño país de la costa occidental de África. Hambre, desnutrición, enfermedades, desamparo. Todo en su contra. A pesar de eso, y después de ser adoptada por una pareja norteamericana, se convirtió en una bailarina reconocida. Brilló en los escenarios europeos y de América, estuvo en éxitos televisivos y fue convocada por Beyoncé para participar en Lemonade, siendo parte de un elenco afroamericano estelar.

Cuando todo parecía superado, la tragedia volvió a aparecer en su vida.

En medio del éxito, murió la semana pasada. Tenía 29 años.

¿Cómo esa nena huérfana de Sierra Leona internada en una institución para niños abandonados en un país limítrofe llegó a Estados Unidos y y se convirtió, con los años, en una bailarina destacada?

Es una historia en la que dos revistas fueron determinantes. Dos fotos que cautivaron la atención, que hicieron detener al lector ocasional que hojeaba desinteresadamente. Dos fotos que cambiaron radicalmente la vida de Michaela DePrince.

La futura bailarina nació el 6 de enero de 1995 en una zona rural de Sierra Leona. Su nombre era Mabinty Bangura. Su padre, el señor Bangura, se ganaba la vida como podía, ningún trabajo era fácil y mucho menos bien pago en ese lugar. Cosechaba arroz y lo emplearon en una mina de diamantes según la época.

Mabinty nació con vitíligo, su piel tenía manchas, en especial en el torso y las extremidades, provocadas por la falta de pigmentación. Era un estigma para ella. En una zona en las que las supersticiones tienen una amplia influencia muchos creían que esa condición cutánea la señalaba como alguien que traía mala fortuna o que auguraba desgracias. La llamaban “La niña del Demonio”. De los más necesitados era la más postergada. Fue rechazada hasta por miembros de su propia familia. Su padre le decía que no hiciera caso y que el destino estaba en sus manos, que existía una manera de salir adelante y triunfar: estudiar.

El señor Bangura fue asesinado por un grupo revolucionario mientras trabajaba en la mina de diamantes. La madre de la niña murió poco después. De hambre. Mabinty quedó a cargo de un tío que la maltrataba física y psicológicamente. A las pocas semanas el hombre dejó de hacerse cargo de la chica y la internó en un orfanato.

En la institución su vida no mejoró. Las chicas estaban numeradas, un orden de prelación. Los números más bajos indiciaban preferencia para ser adoptadas y una posición privilegiada en el trato interno. Los números más altos recibían menos atención y, en especial, menos alimento: no malgastaban comida en los que menos posibilidades tenían, en las que nadie iba a aceptar. A ella le dieron el último número, el 27. Su piel manchada la rezagaba, era “La Hija del Demonio”. La número 26 también se llamaba Mabinty. Las dos Mabintys, las número 26 y 27, se hicieron amigas.

La guerra civil empeoraba y los bandos traspasaban todos los límites. Una tarde el orfanato quedó en medio de un ataque. Buena parte del edificio fue destruido a cañonazos. Los chicos pudieron ser evacuados y trasladados a Guinea.

La Guerra Civil de Sierra Leona duró más de una década. Hubo casi 70.000 muertos y 2.500.000 personas desplazadas. Fue un desastre humanitario que sumió a toda la población en el hambre, las enfermedades, la desesperación. Las dos Mabinty y sus familias biológicas fueron de las tantas víctimas.

Elaine DePrince era una profesora de educación especial norteamericana que se había jubilado hacía poco. Pasaba un periodo muy triste en su vida. Tres de sus hijos habían muerto de HIV en los últimos años. En los años ochenta había adoptado, junto a su esposo Charles, tres chicos que sufrían de hemofilia. Elaine se decidió a hacerlo cuando comprobó que ninguna familia quería niños enfermos. En alguna de sus múltiples transfusiones, los tres se contagiaron. Uno de ellos, Michael, en medio de su agonía le dijo a su madre que si podía adoptara algún chico más, que valía la pena, que a ellos tres los habían hecho muy felices. Y le recomendó que se fijara en niños provenientes de países que estaban en guerra. Elaine quiso hacerle honor al pedido de su hijo. Se puso en marcha tras ver en una revista una foto de una nena sonriente de Sierra Leona llamada Mabinty. Esa sonrisa era lo único que resplandecía en un panorama aterrador, repleto de muerte y destrucción. La chica había sido trasladada a un país vecino, a Guinea, luego de que el orfanato en el que se encontraba hubiera sido destrozado por una bomba. Elaine pensó que esa foto en esa revista se trataba de un mensaje de su hijo Michael y viajó al país africano. Al llegar al lugar en el que estaban los niños huérfanos y refugiados descubrió que había dos Mabintys. Elaine no intentó averiguar cuál era la que ella iba a buscar. Eran muy amigas y, le dijeron, estaban siempre juntas. La mujer adoptó a ambas. A una la llamó Mia Mabinty DePrince, a la otra, en un explícito tributo a su hijo muerto, Michaela Mabinty DePrince.

Michaela conocía el momento exacto en el que había nacido su vocación para el ballet. Cuando era muy chica, encontró en el orfanato una pila de revistas viejas. Esa tarde aburrida, monótona, transformaría su vida. Pasaba las páginas distraídamente hasta que una imagen la subyugó. Estaba en la portada de una revista de baile, Dancemagazine. Una bailarina rubia en escena parada sobre la punta de un pie con una sonrisa enorme. Parecía ingrávida y el movimiento natural, hecho casi sin esfuerzo (para la chica era como si la tapa se moviera). Esa mujer hacía algo que ella imaginaba imposible y, sobre todo, se veía feliz y libre. Quedó deslumbrada. Ella quería hacer eso, quería poder pararse en punta y hacerlo con esa gracia.

El día que su madre Elaine se las llevó con ella, al llegar al hotel les tenía preparada una sorpresa. Abrió la valija que descansaba sobre una de las camas y sacó juguetes para sus flamantes hijas. Mia los recibió con alegría y sorpresa. Michaela se tiró sobre la valija y rebuscó en ella. Ella esperaba un par de zapatillas de baile. Así siguió siendo por un buen tiempo: mientras su hermana pedía juguetes, ella quería tener un tutú y zapatillas de punta. Entre las mínimas pertenencias que conservó de su tiempo en el orfanato se encontraba esa revista.

Al año siguiente, las dos chicas, ya instaladas en su hogar de New Jersey y escolarizadas, comenzaron a realizar actividades extraescolares. Michaela eligió, para sorpresa de nadie, baile.

A Elaine no le importo que la escuela de danza de su reciente hija de 5 años estuviera a 45 minutos de distancia de su casa. Ella había adoptado a sus hijas para darles posibilidades, para que cumplieran sus sueños. Así que durante años, esa madre manejó cada día 45 minutos hasta la academia, esperó en el auto mientras se desarrollaba la clase y regresaba a su casa con Michaela para preparar la cena para el resto de sus hijos (con el tiempo adoptó otros 6).

En poco tiempo sus maestros reconocieron sus dotes naturales y la pasión que ella volcaba en la danza. Pero eso parecía no bastar.

A los 8 años, una de sus docentes le aseguró que no tenía futuro, que la danza norteamericana no estaba preparada todavía para bailarinas negras. A los 10 años otros profesores le dijeron que estaba gorda, que tal vez lo mejor sería cambiar de actividad. Ella no lograba entender cómo privilegiaban su peso a la técnica (cuando creció declaró que tampoco entendía cómo se podía ser tan cruel con una chica de 10 años). Poco después, el director de la escuela le aconsejó a la madre que no pagara la siguiente matrícula de su hija: “No pierda más dinero señora. Siempre pasa lo mismo con las bailarinas negras. Al final les crecen los pechos y los labios y ya no nos sirven”.

Michaela no escuchó estas voces, nunca abandonó.

En el mundo del ballet siguieron existiendo durante décadas las desigualdades, un ambiente en el que persistían los recelos raciales o al menos los estereotipos.

Cada vez que podía, Michaela mencionaba a las escasas bailarinas de color que la habían antecedido, afirmaba que ella había logrado llegar por el camino que sus antecesoras habían abierto. Pero siempre aclaraba que había muy poca gente afroamericana en el ballet y que eso debía cambiar.

Cuando tenía 14 años se dio a conocer en First Position, un documental dirigido por Bess Kargman que seguía a siete jóvenes que intentaban avanzar en el muy exigente mundo del ballet.

Obtuvo una beca en la Escuela Jacqueline Kennedy del American Ballet en Nueva York. Llegó a ser primera bailarina del Dance Theater de Harlem (fue la integrante más joven de la historia) y luego fue contratada como primera solista por el Ballet Nacional de Holanda. Años después regresó a Estados Unidos debido a la frágil salud de su padre adoptivo y fue contratada por el Ballet de Boston.

Los especialistas destacaban su fuerza en el escenario, su gran capacidad atlética. “Poder y energía es lo primero que a uno le viene a la cabeza cuando la ve”, escribió un crítico sobre sus primeras performances profesionales.

Junto a su madre Elaine DePrince escribió una memoir (Taking Flight: From War Orphan to Star Ballerina) en la que contó la historia de su corta vida, cómo fue la inserción en su familia y, en especial, la manera en que logró abrirse paso en el exigente mundo del ballet. “El arte te puede cambiar como persona. Bailar me ayudó a compartir mis emociones y a conectar con mi familia. Me ayudó a sentirme especial y no la Hija del Demonio. Los otros chicos no tuvieron mi suerte, no tuvieron las posibilidades que me dieron a mí y no creo que se merezcan lo que pasan”, escribió.

Además de triunfar en el ambiente específico del ballet, Michaela tuvo cuatro apariciones que ampliaron de manera exponencial su público y que trajeron mayor repercusión a su historia y su arte. El documental de Kargman, la participación en Dancing With The Stars con 17 años, una intervención en Lemonade, el largo video (o el álbum visual) de Beyonce y varias campañas que hizo para promocionar los sostenes deportivos de Nike. Había logrado hacer el crossover que varios artistas de la danza nunca logran y quedan encerrados en un estrecho círculo de conocedores.

Michaela nunca olvidó su infancia. Colaboró con la recaudación de fondos para los chicos que las guerras dejan huérfanos a través de la fundación War Child: encabezó varios eventos en los que recaudó varios cientos de miles de dólares. La guerra y la infancia aciaga no sólo tenían lugar en sus tareas benéficas. Esos recuerdos y vivencias la atormentaban y volvían recurrente a ella, la merodeaban todo el tiempo. En 2020 tras la muerte de su padre debió frenar la actividad, dar de baja varios compromisos laborales ya comprometidos para dedicarse a su salud mental.

Unos años antes había tenido una larga lesión en el tendón de Aquiles que la hizo descansar muchos meses. “Me vino muy bien el parate. Para pensar y para acomodar asuntos del pasado en mi cabeza. Cosas que tenía postergadas, tapadas con la actividad frenética. A veces es necesario lidiar con esas cosas”, declaró en su momento.

Al anunciar la muerte de Michaela, su hermana Mia, la otra Mabinty de Sierra Leona, le dedicó un mensaje desgarrador que dio a conocer en sus redes sociales: “Me encuentro en un verdadero estado de shock y con una profunda tristeza. Mi hermana hermosa no está más acá. Desde el principio de nuestra historia en África, durmiendo juntas en una colchoneta en el orfanato, Michaela (Mabinty entonces) y yo inventábamos nuestras obras musicales y las actuábamos. Creábamos nuestros propias ballets. Cuando nos adoptaron, nuestros padres rápidamente procuraron cumplir nuestros sueños y surgió la bella, fuerte y repleta de gracia bailarina que ustedes conocieron. Ella fue una gran inspiración. Será realmente extrañada”.

Todavía no se dieron a conocer los motivos de su deceso. La familia habló de muerte súbita en el comunicado oficial. Pero, por contexto, no parece estar refiriéndose al término médico, sino a mostrar lo inesperado de la noticia. Los rumores circulan y muchos brindan diferentes versiones de la manera en que murió Michaela. Cuando los hermanos fueron consultados en busca de más precisiones respondieron que las causas no quedaban “claras inmediatamente”. Los informes forenses explicarán los motivos.

Un día después, murió su madre. No pudo superar un estudio previo a una cirugía programada. Sus familiares agradecen que Elaine no se enteró de la muerte de su hija, esa nena indefensa que había adoptado en Sierra Leona, 27 años antes y a la que ella le dio una oportunidad única.

Fundación Julio Bocca celebró la inauguración de De Punta al Arte 2024 en el Teatro Colón, un evento diseñado para recaudar fondos destinados a su Programa de Becas Académicas. La muestra, compuesta por zapatillas de ballet intervenidas por personalidades del mundo del arte, deporte y negocios, se llevará a cabo en el Grand Foyer del Teatro Colón entre el 30 de agosto y el 28 de septiembre. La exposición incluye un par especial donado por Paloma Herrera, exbailarina del American Ballet Theatre con una rúbrica única por haber sido usadas por ella misma.

Este evento cuenta con el patronaje de Banco COMAFI y el auspicio institucional de la Embajada de Uruguay en Argentina. De Punta al Arte 2024 ha sido declarado de interés cultural por la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, según informó la fundación. La exposición de las zapatillas intervenidas comenzó en el vestíbulo del Teatro Colón, y permanecerán allí hasta fines de septiembre. Posteriormente, se trasladarán a la sede de la Fundación Julio Bocca antes de ser subastadas.

El objetivo central del evento es apoyar el Programa de Becas Académicas de la Fundación, que ha otorgado más de 3000 becas desde su creación en 1998. La totalidad de los fondos recaudados será destinada a este programa educativo, el cual fomenta la formación en artes y danza para niños y jóvenes en Argentina y América Latina.

Las zapatillas intervenidas por artistas como Ernesto Pesce, Ariel Mlynarzewicz y Liliana Golubinsky estarán a la vista del público y serán subastadas a través de una plataforma online. Los interesados podrán hacer ofertas desde cualquier parte del mundo, y la subasta se llevará a cabo bajo la supervisión de un escribano público antes de fin de año. Entre las personalidades colaboradoras se encuentran el cantante argentino Ricardo Mollo, la actriz uruguaya Natalia Oreiro, el exfutbolista y entrenador Martín Palermo, la exmodelo Valeria Mazza y la presentadora de televisión Susana Giménez. Mollo y Oreiro, en particular, aportaron un par adicional decorado por su hijo, Merlín Atahualpa.

La curaduría del evento estuvo a cargo de Cristina Santa Cruz, contando con la producción e idea original de Grace Grisolia. Participaron en la jornada inaugural invitados especiales como la diseñadora Ágatha Ruiz de la Prada. Esta iniciativa busca apoyar a la juventud argentina necesitada de mecenas para progresar en la danza, enfatizando que la subasta de estas piezas podría ser el medio por el cual un niño de una provincia lejana logre formarse en Buenos Aires. Esta subasta representa una esperanzadora oportunidad para muchos jóvenes talentos, quienes, gracias a las becas otorgadas, podrán recibir formación en danza en la capital argentina y aspirar a alcanzar sus sueños de ser bailarines profesionales.

Desde 1998, la Fundación se ha dedicado a democratizar el acceso a las artes y a proporcionar oportunidades de formación a jóvenes apasionados por la danza y el teatro musical. Esta organización no solo ha sido un pilar en el ámbito de las artes performáticas en Latinoamérica, sino que también busca proyectar el talento argentino e inspirar a futuras generaciones a través del compromiso con la excelencia artística y la responsabilidad social. El 100% de la recaudación será utilizada para el programa de Becas Académicas de la Fundación. Los que estén interesados en ofertar puede ingresar a la página web de la fundación donde dan más detalles de la convocatoria.

[Fotos: Gentileza COMAFI]

Buenos Aires, 31 ago (EFE).- El "sueño" de jóvenes que aspiran a convertirse en bailarines profesionales es el horizonte que persigue una iniciativa en Argentina que expone 27 pares de puntas de ballet intervenidas artísticamente o con firmas de personalidades de diversos ámbitos para su posterior subasta.

La Fundación Julio Bocca, creada en 1998 por el exbailarín argentino y nuevo director artístico del Teatro Colón de Buenos Aires, convocó a diversas personalidades del mundo de la moda, del deporte, del arte y el espectáculo para decorar 26 pares de zapatillas de ballet con la idea de rematarlas en una puja benéfica para dotar de becas a jóvenes sin recursos que quieran formarse en la danza.

Lentejuelas, pinturas de color, arte vinculado a la naturaleza y autógrafos de famosos son algunos de los motivos que pueden verse en esas puntas, convertidas ahora en piezas de coleccionista; especial valor tiene el vigésimo séptimo par, una donación de la exbailarina Paloma Herrera, unas zapatillas usadas por ella y con su rúbrica.

"Me pareció que era más personal si daba las mías, le puse mi firma y unas marquitas que siempre hago, pero, bueno, pienso que lo especial es eso, que son las que yo usaba. Es más, tienen mi nombre porque fueron hechas a medida. Cada uno siempre tenía sus propias zapatillas", indicó a EFE la exbailarina de 48 años que fue, con solo 19, la artista más joven en alcanzar el rango de figura principal en el American Ballet Theatre (ABT), de Nueva York.

Pese a ser amiga de Julio Bocca, con quien ha trabajado en varias ocasiones, y conocer el trabajo de fundación "hace un montón de tiempo", reconoció que "nunca" había colaborado con ellos, por lo que, en cuanto tuvo esta oportunidad, no lo dudó.

La familia de artistas formada por el cantante argentino Ricardo Mollo y la actriz uruguaya Natalia Oreiro -la única vitrina que tiene tres puntas y no solo un par, porque incluye una por su hijo, Merlín Atahualpa-; el exfutbolista y entrenador Martín Palermo; la exmodelo Valeria Mazza; y la exactriz y presentadora de televisión Susana Giménez son algunos de los nombres descollantes de una lista en la que también hay empresarios, diseñadores y artistas plásticos.

Uno de ellos, el artista plástico Yari Casanova, criado en Gualeguaychú (noreste de Argentina), ciudad marcada por la tradición de su carnaval, "empapado de arte y carros estudiantiles", optó por crear una pieza única, en la que las puntas, cual frutos, están imbricadas en un complejo tallo, según explicó a EFE.

"Me imaginé un árbol de cristal que sale de un cuadro donde su fruto más preciado son las zapatillas de ballet y sus cisnes. Traté de darle mucho brillo y que se refleje mucho las luces de la obra", detalló a EFE este artista de 43 años, que usó sus conocimientos en plástica, escenografía y arquitectura para este trabajo.

Los pares de zapatillas permanecerán expuestos en el vestíbulo del Teatro Colón de Buenos Aires, considerado el mejor templo lírico de toda América Latina, hasta fines de septiembre, cuando pasarán a la sede de la Fundación Julio Bocca, también en la capital porteña, antes de ser subastados.

Durante la presentación de esta exposición y posterior puja, el director ejecutivo de la fundación, Carlos Repetto, destacó que "la juventud argentina necesita mecenas, con el esfuerzo que significa ser bailarín".

Por ello, resaltó la importancia de la puja de esas piezas de coleccionismo: "Aquí dentro hay un sueño de un pibe en un rincón de Jujuy que necesita venir a Buenos Aires a bailar. Hagamos eso posible".

Una de las figuras presentes en dicha presentación fue la diseñadora española Ágatha Ruiz de la Prada, quien en esta ocasión no intervino ninguna zapatilla, aunque expresó su deseo de hacerlo "el año que viene".

La creadora y empresaria de 68 años, quien se encuentra en Buenos Aires hasta el 3 de septiembre en plena promoción de varios trabajos suyos, se definió como "loca de amor por el Teatro Colón" y "muy amiga" de Bocca, quien le encargó el vestuario de 'La bella durmiente', cuando este era el director artístico del Ballet del Sodre, en Uruguay.

Quienes ahora podrán despertar serán quienes, gracias a las becas concedidas por esta fundación, puedan estudiar danza en Buenos Aires y así cumplir su sueño.

Concepción M. Moreno

[Fotos: Nicolás Stulberg, Manuel Pose Varela y Carlos Furman]

La Habana, 27 jun (EFE).- El Ballet Nacional de Cuba (BNC) celebrará los 20 años de colaboración con la organización benéfica Los Amigos Británicos del BNC con el estreno mundial del ballet 'Lucile' y la reposición de 'Celeste', confirmó este jueves la compañía.

La primera de las piezas fue concebida especialmente para el BNC por el destacado coreógrafo y bailarín danés Johan Kobborg; mientras que 'Celeste', una obra estrenada en Cuba en 2014 fue el primer ballet producido por el grupo británico, precisó la compañía cubana.

Kobborg, quien estaba presente en los ensayos en la sede del BNC en el Vedado habanero, ha sido primera figura del Real Ballet de Dinamarca y del Royal Ballet del Reino Unido.

La primera bailarina y directora del BNC, Viengsay Valdés, comentó a la prensa que “la preparación ha sido muy ardua por parte de los bailarines”, y refirió que son piezas que "le aportan tecnicismo a la compañía" que dirige desde 2020.

Valdés recordó que "la cooperación comenzó cuando la prima ballerina assoluta Alicia Alonso (1920-2019) les propuso (a los amigos británicos) restaurar el salón nombrado como el bailarón y coreógrafo inglés Anton Dolin". Ello fue en 2004.

Otras obras que tienen el sello conjunto de los Amigos Británicos y el BNC son 'Oscurio', 'Próspera' y 'La hora novena', estrenadas por los cubanos entre 2016 y 2022.

La temporada de seis funciones serán entre el 6 al 14 de julio en la sede habitual del Teatro Nacional de Cuba.

El BNC distinguió en 2022 al colectivo británico con la Medalla “Centenario de Alicia Alonso” por el valor de sus aportes al contribuir con la ampliación del repertorio de la compañía y a la mejora de las instalaciones.

El BNC es la compañía de danza clásica más importante de la isla y se ha destacado internacionalmente por el rigor artístico-técnico de sus bailarines y una línea con predominio de la tradición romántica y clásica.

Surgió en 1948 bajo el nombre de Alicia Alonso, su directora, principal fundadora y primera figura.

En 2018 fue declarado Patrimonio Cultural de la Nación por ser “máxima expresión de la escuela cubana de ballet”, condición extendida al repertorio de la compañía, su archivo de imágenes, los objetos y documentos relacionados con la institución.

Era un día cualquiera de 2017, cuando Maricarmen Silva, cargando el legado de su pasión por el ballet y las enseñanzas acumuladas a lo largo de su vida, entró al colegio estatal Brígida Silva de Ochoa en el distrito de Chorrillos. No era la primera vez que la idea de llevar el arte a lugares inesperados cruzaba por su mente, pero sí fue el inicio de un viaje que marcaría su vida y la de muchas niñas en este rincón de Lima.

En ese momento, el propósito de Maricarmen iba más allá de enseñar posiciones y movimientos; buscaba democratizar el ballet, hacerlo accesible y relevante para niñas que, de otro modo, no tendrían la oportunidad de conocerlo. La música y los pasos de baile se convirtieron en un lenguaje común que desafiaba las barreras socioeconómicas, permitiendo a sus estudiantes soñar más allá de las limitaciones impuestas por su entorno.

El ballet, una disciplina que a menudo evoca imágenes de escenarios majestuosos y atuendos costosos, se estaba transformando en algo mucho más significativo: un vehículo de empoderamiento y cambio.

Entre saltos y sueños: la lucha de jóvenes talentosas por superar barreras

En lo alto de Chorrillos, donde las casas parecen desafiar tanto la gravedad como la escasez, viven Nicole y Keith, hermanas cuyo día a día es un testimonio de resistencia y esperanza. La realidad de su barrio, marcado por la ausencia frecuente de servicios básicos y el azote del frío invernal, contrasta con el ensueño al que se entregan cada tarde: el mundo del ballet.

Maricarmen, figura central en su desarrollo, no solo les ha enseñado los pasos y movimientos del ballet clásico, sino que se ha convertido en una guía hacia posibilidades más prometedoras. Su academia, situada en la tranquila zona de Miraflores, en la parroquia de Fátima, se distingue por ser un espacio donde la solidaridad y el arte van de la mano, un refugio donde jóvenes de diferentes estratos sociales se unen a través de la danza.

Tras la jornada escolar, Nicole, Keith, Layra, María José y Victoria —esta última, junto con sus compañeras, proveniente de distritos marcados por la desigualdad como San Juan de Miraflores y Villa El Salvador— emprenden su camino hacia dicho santuario. La academia se convierte en el escenario donde sus diferencias se desvanecen, cediendo paso a un vínculo forjado por la disciplina y amor por el ballet.

Este sentimiento es eco del sacrificio, la dedicación y el esfuerzo compartido no solo en las coreografías que practican, sino en cada paso que dan juntas fuera del escenario.

El regreso a casa no es menos desafiante; terminan sus clases a las 9 de la noche, y el camino de vuelta se torna en un acto de coraje. La oscuridad y sus peligros, sin embargo, no son rivales para la fuerza y solidaridad del grupo. Juntas, enfrentan las adversidades con una valentía forjada en la constancia y unión de sus horas de danza, demostrando que más allá de las técnicas y presentaciones, el ballet les ha enseñado a enfrentar la vida con determinación y gracia.

“En el Perú hay muy poco apoyo al arte”

En el Perú, un país de gran diversidad y riqueza cultural, el apoyo al arte enfrenta desafíos críticos que obstaculizan su desarrollo y promoción. Los artistas se ven confrontados con la escasez de financiamiento, tanto público como privado, y la falta de espacios adecuados para la exhibición y el fomento de sus obras.

La creatividad y el empeño de estas jóvenes se extiende a la participación de ferias de ropa de segunda mano. Cada artículo vendido se convierte en un aporte crucial hacia la meta de participar en concursos de ballet, cruciales para su desarrollo artístico. “Es muy difícil porque además el arte es caro. Entonces, hemos encontrado en el reciclaje y la venta de ropa de segunda un medio para conseguir el dinero necesario para costear nuestras actividades”, compartió Maricarmen a Infobae Perú, dando voz a la inventiva y determinación del grupo.

Adicionalmente, el mundo digital se ha convertido en un valioso aliado. Las redes sociales ‘El ballet de Maricarmen’ sirven como plataforma para organizar actividades de recaudación como polladas y rifas. Estas iniciativas virtuales no solo han abierto nuevos canales de financiamiento sino que también han enseñado a las jóvenes importantes lecciones sobre trabajo en equipo, perseverancia y autonomía.

El arte de soñar en grande: un camino de resiliencia y valentía

En las entrañas de Perú, donde los prejuicios y la discriminación podrían fácilmente ensombrecer los sueños, la iniciativa de Silva se alza como un faro de posibilidad y cambio. Más allá de ser un simple grupo de ballet, es una comunidad donde cada pirueta y cada paso es un desafío a los estigmas, un puente que conecta mundos distintos a través de la elegancia y disciplina de la danza clásica.

Lo que estas niñas demuestran a la sociedad es que el arte, en su expresión más pura, no conoce de barreras ni de límites. Ellas bailan no solo para alcanzar su propio sueño de grandeza en el ballet, sino para ser testimonio vivo de que con determinación y trabajo duro, lo inalcanzable se convierte en posible.

Cada giro, cada salto en el escenario es un acto de valentía, una declaración de que importa más el talento y la pasión que el origen o los recursos. “El ballet de Maricarmen” se transforma así en una historia que nos invita a creer, a luchar por nuestros sueños, no importa las veces que tengamos que levantarnos después de caer. Con cada movimiento, estas jóvenes no solo están moldeando su futuro; están tejiendo un nuevo tejido social en Perú, uno donde el arte es un vehículo de unión y superación.

Alice McDermott se acomodó en su asiento del New York City Ballet un reciente viernes por la noche, emocionada por ver su primera actuación de ballet. Esta manhattanita de 31 años, que trabaja en selección de personal, estaba en una divertida noche de chicas con tres amigas que había conocido en el trabajo y que empezó con una cena.

“Me dijeron que me encantaría el ballet”, dice McDermott, que también se emocionó al darse cuenta de que ya estaba familiarizada con uno de los artistas de la noche, Tiler Peck, a través del popular Instagram de la bailarina. “Me dijeron que puedes ponerte un vestido bonito y simplemente sumergirte en otro mundo, mientras te maravillas de lo que el cuerpo humano puede lograr”.

Parece que tenían razón: al final de la velada, McDermott, una nueva fan, se fue a casa y vio un documental de ballet.

¿Quizá podría llamarse Ballet y la ciudad? Cualquiera que sea el término para la velada de ballet de McDermott con sus amigos, el escenario sería sin duda música para los oídos de la compañía –que este año celebra su 75 cumpleaños con fanfarria– y especialmente de sus directores artísticos de los últimos cinco años, Jonathan Stafford y Wendy Whelan.

Los dos, antiguos bailarines de la célebre compañía fundada por George Balanchine, se han fijado como objetivo principal atraer a un público más joven para garantizar la salud de la compañía a largo plazo y, más en general, preservar la vitalidad de una forma de arte centenaria.

Y parece que funciona. Aunque algunas iniciativas llevan más tiempo en marcha, en los últimos cinco años se ha producido un cambio notable, según cifras facilitadas a Associated Press: en 2023, el 53% de los compradores de entradas tenían menos de 50 años, y los treintañeros constituían el mayor segmento de edad por década. Cinco años antes, en 2018, el 41% de los compradores de entradas eran menores de 50 años, y las personas de 60 años constituían el segmento de edad más numeroso.

Ahora, los seguidores del ballet de toda la vida señalan que en una bulliciosa noche de viernes se puede mirar desde el primer anillo del Teatro David H. Koch del Lincoln Center y no ver simplemente, bueno, un mar de grises.

Una generación de jóvenes profesionales

Un factor importante para atraer a los jóvenes, sobre todo a los menores de 30 años, ha sido el precio asequible. También se organizan veladas para jóvenes profesionales, con recepciones después de los espectáculos. Y se han producido colaboraciones con artistas visuales o musicales con seguidores jóvenes, como el músico Solange, que en 2022 recibió el encargo de componer un ballet de la coreógrafa Gianna Reisen, de 23 años.

En una entrevista reciente, Whelan y Stafford comentaron que la colaboración con Solange fue un momento importante, y repasaron los últimos cinco años mientras el golpeteo de los pies de los bailarines resonaba en el techo de la oficina de Stafford.

“Se agotaron las entradas para todos los espectáculos”, señaló Whelan. “Fue una pequeña pepita, pero memorable”.

Tal vez aún más importante fue el hecho, dice Stafford, de que alrededor del 70% de esos compradores de entradas eran nuevos en la compañía –lo que contribuyó a “una generación de jóvenes profesionales de la ciudad que están en nuestro teatro cada noche ahora”–.

Katherine Brown, directora ejecutiva del ballet, dijo que la compañía había echado un vistazo al teatro y reducido enormemente el precio de ciertas localidades, y vio cómo se llenaban. También destacó el programa 30 por 30, por el que los socios menores de 30 años pueden comprar cualquier asiento por 30 dólares. “El número de socios se ha disparado”, afirma Brown, que ha pasado de 1.800 en la última temporada completa antes del cierre forzado por la pandemia a unos 14.000 en la actualidad.

Wendy Perron, escritora de danza y antigua editora de Dance Magazine, afirma que no se puede descartar la “economía pura” de una velada de ballet, especialmente para los jóvenes. “Cuando vivía en Nueva York, en los años 70 y 80, no podía permitirme ir al ballet”, dice.

Conocerse mejor

Tampoco hay que descartar el efecto de las redes sociales en la promoción de los bailarines como personas con personalidad.

“Tenemos esta cosecha de bailarines realmente apasionantes, pero también cercanos y accesibles, y a través de las redes sociales, el público puede conectar con ellos de una manera que no podía cuando nosotros bailábamos”, dice Stafford, que se retiró como bailarina en 2014.

Pensemos en Peck, una de las bailarinas más populares de la compañía (y coreógrafa en ascenso), cuyo feed de Instagram había llegado a McDermott antes de verla bailar. Peck ofrece a su medio millón de seguidores vídeos cortos y contundentes sobre todo tipo de temas, desde sus 10 papeles de danza favoritos hasta cómo se maquilla en el escenario. En sus vídeos suele aparecer su pareja dentro y fuera del escenario, el prometedor bailarín principal Roman Mejia.

Todo es muy diferente de la época en que, como Odette en El lago de los cisnes, las bailarinas solían ser misteriosas y, sobre todo, silenciosas.

Las redes sociales, ya sean utilizadas por la compañía o por los propios bailarines, también pueden responder a preguntas. Si asistió a una representación de El Cascanueces hace unas temporadas, se habrá preguntado por qué la bailarina Mira Nadon, en el papel del Hada de Azúcar, desapareció de repente del escenario en un momento clave. La respuesta apareció más tarde en su Instagram: Se le había salido la zapatilla de punta.

“Ahora puedes encontrar todas las respuestas en Instagram”, bromea Whelan, que también tiene una cuenta activa.

Establecer una asociación

Hace unos meses, Whelan, una ex directora muy querida del NYCB que también se jubiló en 2014, recibió un mensaje de felicitación de Stafford por la mañana: habían pasado exactamente cinco años desde que las dos habían tomado el timón tras un período turbulento en el que las acusaciones del #MeToo provocaron un escándalo.

Históricamente, la compañía había estado dirigida por un solo hombre: Balanchine hasta 1983, y después Peter Martins. Esta vez, la junta intentó algo nuevo: un dúo. Stafford ya era director interino, y Whelan había solicitado el puesto.

“Nos metieron en una habitación y cerraron la puerta, y nos quedamos en plan: “¿Hola?””. cuenta Whelan. Y nos dijeron: “¡Descubridlo! Y lo hicimos”. Stafford, director artístico, sirve de puente entre la parte creativa y la empresarial. Whelan, directora artística asociada, se centra en la delicada tarea de programar.

Los conocedores de la empresa describen un ambiente distinto al de los días en que una personalidad desmesurada y todopoderosa gobernaba desde arriba. Por un lado, la pareja afirma que han instituido conversaciones anuales con cada bailarín para hacer balance.

La diversidad –el ballet está cambiando poco a poco, pero sigue siendo abrumadoramente blanco– es también una prioridad, dicen, y eso incluye diversificar “la tubería”, es decir, los estudiantes de la afiliada Escuela de Ballet Americano.

Recientemente, la compañía anunció que sus dos primeras bailarinas negras interpretarían el papel de Dewdrop, el segundo papel femenino más importante del Cascanueces: India Bradley y la artista invitada Alexandra Hutchinson, del Dance Theater of Harlem. Aún está por llegar un Hada de Azúcar negra. La compañía afirma que el 26% de sus bailarines se identifican como personas de color, mientras que hace 10 años esa cifra era del 13%. Stafford y Whelan han encargado 12 ballets a coreógrafos de color en los últimos seis años.

“Sabemos dónde están las lagunas y nos lo tomamos en serio”, afirma Whelan.

Ella y Stafford dicen que también están prestando más atención al bienestar, ya se trate de entrenamiento físico para evitar lesiones, dietas sanas o un debate más franco sobre la salud mental.

En cuanto a la salud financiera de la empresa, es sólida, dice Brown, cuatro años después de que la pandemia costara decenas de millones en pérdidas El presupuesto para 2024 es de unos 102 millones de dólares, frente a los 88 millones de 2019. La capacidad de público ha superado los niveles anteriores a la pandemia.

En cuanto a la nueva aficionada McDermott, está planeando más visitas, junto con sus amigos.

“Creo que tenemos una nueva tradición entre las cuatro”, dice. “Definitivamente lo convertiremos en algo habitual”.

Fuente: AP. Fotos: AP Photo/Bebeto Matthews, Andy Kropa/Invision/AP, File.

Ahora, con 12 años y un par de hojas de currículum escritas, el niño oriundo de Quilmes, le cuenta a Infobae: “No recuerdo exactamente cuándo me empezaron a dar ganas de bailar, pero mis papás me contaron que desde muy chiquito ya miraba videos de ballet. Lo que recuerdo es que vi muchas veces una película animada llamada Ballerina, que empezaba a bailar a los seis”. Gracias a las aventuras de Félicie —la niña huérfana de la película de Pixar que menciona y que deja todo de lado y escapa en busca de su sueño: llegar a la Ciudad Luz y danzar, simplemente danzar—, que él descubrió su inspiración y su propio camino.

“En casa nadie miraba videos de danza clásica, no sabemos cómo, pero los descubrió y le gustó. No para de mirarlo. Los observa, estudia al detalle. Cuando se despierta antes que nosotros, su mamá y yo, nos damos cuenta porque escuchamos música clásica”, confía orgulloso Leonel, su papá, que cuenta los detalles del viaje que realizó hace un año la familia completa (son cuatro) para acompañarlo a París durante el tiempo que duró el curso de verano, en Europa.

Allí llegó gracias al trabajo que el niño comenzó con apenas 6 años en el estudio de Ariadna y Teresa Costantini, sus maestras de baile y exalumnas del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Como un cuento

Leonel y Linda, papá y mamá de León, se conocieron estudiando música. Él estudió dirección orquestal, es psicólogo y fotógrafo; ella, estudió profesorado de música. “Somos músicos aunque no nos dedicamos a eso, y somos cero danza. Por eso no sabemos cómo nació su pasión. Pero él sólo buscaba en el celu videos de ballet y de ejercicios para estirar las piernas; ya de muy, pero muy chiquito tenía mucha elongación y, como te contó, se volvió loco cuando vi una película Ballerina que justo es en la Ópera de París. No tengo idea de cuántas veces la miró, unas quince, creo, pero evidentemente eso lo ayudó a darse cuenta de lo que le gustaba”, cuenta el padre.

En ese “durante”, le enseñaron a jugar el ajedrez, a tocar el piano y demás, pero él quería bailar. “Es hiper disciplinado, una cualidad que va muy bien para la danza. Lo anotamos en una escuela de danza y cuando terminó el segundo año una de las profesoras me dijo que quería que aplicara para entrar en la Ópera de París, para hacer aunque sea ese curso de verano. Lo empezó a preparar cuando acababa de cumplir 8 años... Empezó a tomar clases de francés tres veces por semana y a prepararse de lleno para entrar a los 11 años”, resume.

Cuando faltaba poco para que los videos de León fueran enviados a la Ópera, la familia aún no tomaba real dimensión de lo que sucedía. “Particularmente parecía como un delirio todo porque nosotros no teníamos referencia de qué tan bueno era porque estudia en una escuela chiquita de Quilmes y no hay otros varones, entonces no sabíamos a dónde estaba parado hasta que fuimos a París. Ahí lo vimos de verdad. Imaginé que habría monstruos imposibles de alcanzar, pero nada que ver... Vimos chicos muy buenos, pero Leo está recontra en la altura de ellos y de cualquier otro”, dice orgulloso.

De hecho, esa experiencia hizo que el niño se llenara de confianza. “Creo que estando ahí se dio cuenta de que está al nivel de los demás y nosotros queremos que él cumpla sus sueños, así que hacemos todo lo posible para acompañarlo. Estamos, básicamente todo el año juntando plata para poder llevarlo a París”, admite.

En abril del año pasado, 2023, la familia se León se entera de la buena nueva: el niño, de entonces 11 años, había aplicado para sumarse al curso de verano que ofrece la Ópera de París. Un tiempo antes, su maestra de danza mandó videos en los que mostraba sus aptitudes y fue observado por los profesores franceses, junto a otros mil. De ellos, unos 200 aplicaron al curso. León entre ellos.

“La noche previa a volar a París terminé de armar la valija y el bolso de danza; me fijé que no me faltara nada para rendir el examen del lunes 6 de mayo porque, en realidad, éste viaje fue para rendir el examen para ingresar al curso de un año que brinda la escuela de la Ópera de París”, cuenta el niño que acaba de volver de rendir un examen y que en unas semanas regresará a esa ciudad para tomar el segundo curso de verano.

El momento supremo para él y su familia fue saber el resultado: “Cuando rendí el examen me sentí muy tranquilo y no me puse nervioso, y cuando me dieron los resultados me puse feliz. La noticia me la dio mi hermanita, Amy”, recuerda el bailarín que admite quiénes son sus favoritos de la danza.

La posibilidad de hacerlo realidad

Lo que ocurrió hace dos semanas fue el momento que puede ser clave en la carrera de León. “Rindió un examen para convertirse en alumno de la Ópera. Ese examen fue mucho más exigente porque es para convertirse en alumno regular de la escuela. Ya había aplicado para hacer el curso de verano, pero ahora ser alumnos fijo de la escuela en la que cada año ingresan ocho varones, al menos ese es el cupo actual. Lo rindió hace unos quince días y entró”, detalla el padre y cuenta que para cumplir con beca, debería ingresar a partir de septiembre de este año.

“Como familia tenemos que ver cómo hacer para que pueda implementarlo este año porque nosotros no tenemos ninguna estructura armada para mudarnos por un año a Paris y para ir solo es muy chico”, admite y dice que el 25 de junio su hijo volverá a Francia a tomar su segundo curso de verano.

Entusiasmado por lo que pueda llegar a pasar, la promesa del ballet nacional confía: “El sueño máximo que me gustaría cumplir con la danza es entrar a una compañía tan importante como es la Ópera de París y bailar”. El primer gran paso fue haber sido becado por esa institución donde compartió experiencias con estudiantes de otras ciudades del mundo.

Esperando que en antes de volver a la escuela que lo tendrá algún día como alumno, León suspira y admite: “Admiro a varios bailarines. Me gusta mucho Marianela Núñez, Julio Bocca, Hugo Marchand, Mijaíl Barýshnikov... Hay muchos que me gustan”.

Seguramente, en algunas décadas, otro niño que sueñe con bailar lo nombre a Leonel cuando le pregunten a quien admira.