La Administración de Donald Trump presentó este viernes los diseños de un nuevo arco del triunfo que planea construir en Washington como parte de las celebraciones por el 250 aniversario de Estados Unidos. Los bocetos, elaborados por Harrison Design y difundidos por el Departamento del Interior, muestran una estructura de más de 75 metros de altura, con la inscripción dorada “Una nación bajo Dios”, coronada por una estatua alada de la Dama de la Libertad y flanqueada por cuatro leones dorados en la base.

El proyecto está previsto para una parcela situada entre el Monumento a Lincoln y el Cementerio Nacional de Arlington, en un área conocida como Memorial Circle, un espacio que urbanistas han considerado durante más de un siglo para la posible instalación de monumentos. El arco superaría el tamaño del Monumento a Lincoln, que alcanza aproximadamente 30 metros, y también sobrepasaría en altura al cementerio cercano, generando preocupación entre arquitectos y urbanistas por el impacto visual y la distorsión que podría provocar en una de las zonas más emblemáticas de la ciudad.

Funcionarios del gobierno presentaron los planos ante la Comisión de Bellas Artes, un panel encargado de revisar proyectos arquitectónicos en la capital y que actualmente cuenta con asesores afines al presidente Trump. La comisión tiene previsto analizar la propuesta en una reunión programada para el jueves próximo, siendo esta la primera vez que la administración formaliza la solicitud para el polémico monumento. El costo estimado de la obra no ha sido divulgado y ni la Casa Blanca ni Harrison Design respondieron de inmediato a las consultas sobre el presupuesto.

La iniciativa ha generado controversia desde su anuncio. Organizaciones de veteranos militares y defensores del patrimonio histórico han presentado demandas para frenar la construcción, argumentando que la obra obstaculizaría las vistas hacia Arlington y alteraría el sentido de los monumentos adyacentes. El grupo de vigilancia gubernamental Public Citizen exige que el proyecto no avance hasta obtener la autorización del Congreso y la aprobación de los paneles federales pertinentes. Legisladores demócratas se han sumado a las objeciones en las últimas semanas.

La propuesta de construir el arco del triunfo en Washington ha sido percibida por críticos como un gesto de vanidad. “Me gustaría que fuera el arco más grande de todos”, declaró Trump en enero, haciendo referencia al Arco del Triunfo de París, que mide 50 metros, y defendió la altura planeada como símbolo de que “somos la nación más grande y poderosa”.

En paralelo, otros proyectos de construcción impulsados por Trump durante su segundo mandato también han enfrentado obstáculos. El mes pasado, un juez federal detuvo el plan de edificar un salón de baile en la Casa Blanca valorado en 400 millones de dólares, argumentando que la administración debía contar con la aprobación del Congreso, pese a que el ala este de la residencia presidencial ya había sido demolida.

La ley federal establece que zonas como Memorial Circle son terrenos protegidos y cualquier nuevo monumento en ese espacio requiere autorización legislativa. Trump ha minimizado las objeciones legales, asegurando ante la prensa que “nuestros veteranos son quienes deberían aprobarlo”. El debate sobre el futuro del arco del triunfo se mantiene abierto mientras las autoridades revisan el alcance y las implicancias del proyecto.

Durante una reciente visita al estadio Santiago Bernabéu para presenciar el derbi entre el Real Madrid y el Atlético de Madrid, Felipe Cortina y Amelia Millán compartieron con la prensa sus primeras impresiones sobre la espera de su segundo hijo. La pareja, conocida por su discreción en asuntos personales, manifestó su satisfacción ante la inminente llegada de un nuevo integrante a su familia, un acontecimiento que había sido confirmado previamente por Myriam Lapique, madre de Felipe Cortina, durante la Feria de Arte Contemporáneo ARCO. Según consignó el medio, Amelia Millán expresó: “Muy bien, gracias. Estoy llevando el embarazo muy bien, muy felices”, al responder a las felicitaciones de los reporteros tras el partido. Con estas palabras, la pareja confirmó públicamente que el bebé será un niño.

De acuerdo con la información difundida por el medio, Myriam Lapique, quien está a punto de convertirse en abuela por cuarta vez, indicó su entusiasmo ante la noticia y compartió: “Estoy encantada, otro chico”, reflejando la alegría familiar. Lapique conformó su familia con el empresario Alfonso Cortina, fallecido en 2020, y ahora espera a su cuarto nieto. La noticia trascendió durante un entorno social y artístico como ARCO, donde Lapique no ocultó su satisfacción.

Según reportó el medio, Felipe Cortina y Amelia Millán se casaron en 2021 y ya son padres de Alfonso, nacido el 23 de agosto de 2023. El primer hijo de la pareja recibió el nombre en honor a su abuelo paterno. El nacimiento de Alfonso coincidió, además, con la llegada de Perico, el primer hijo de Carlos Cortina y Carla Vega-Penichet, el mismo día, lo que generó una particular alegría en la familia por la doble celebración.

Felipe Cortina, por su parte, tras abandonar el estadio, confirmó a los medios que se siente “muy contento” por la próxima paternidad. Su hermano menor, Carlos Cortina, aclaró ante la prensa que no es él quien espera otro hijo, sino que celebrará dentro de pocas semanas la llegada de un nuevo sobrino, dado que él ya es padre de dos niños.

El medio destacó que Amelia Millán lució un atuendo cómodo durante el evento deportivo y mostró su avanzado embarazo. También reveló cómo vive Myriam Lapique este periodo, describiéndola como “felicísima”. De este modo, la familia celebra la ampliación del clan con la llegada del segundo hijo de Felipe y Amelia, reforzando la continuidad generacional iniciada por Alfonso Cortina.

La pareja, que manifestó en más de una ocasión su afinidad con el Real Madrid, compartió este momento especial en un contexto deportivo, agradeciendo discretamente las muestras de cariño y felicitaciones. Tanto Felipe Cortina como Amelia Millán mantienen una postura reservada en la vida pública, pero en esta ocasión han aceptado compartir con los medios la expectativa y alegría por el nuevo miembro de la familia. Según resaltó el medio, la noticia fortalece los lazos familiares y coincide con otros recientes nacimientos en el entorno familiar Cortina, consolidando el carácter familiar de los eventos que rodean a este grupo.

El segundo aniversario de Albert Rivera y Carla Cotterli incluyó un viaje a la Costa Oeste de Estados Unidos, momento que la pareja compartió a través de sus redes sociales y que evidencia su preferencia por vivir experiencias lejos del escrutinio directo de la prensa. Según publicó el medio que distribuyó estas imágenes, ambos decidieron subir de forma individual algunas instantáneas de aquel recorrido, evitando así una exposición conjunta y manteniendo cierta reserva sobre los detalles más íntimos de su relación. Esta elección refuerza la dinámica privada que Rivera ha venido construyendo tras su paso por el escenario político y su posterior transición hacia el entorno empresarial.

Albert Rivera, quien fuera líder de Ciudadanos y conocido por su presencia en la vida pública española, se ha distanciado voluntariamente del foco mediático, enfocándose de lleno en sus responsabilidades como presidente de un club financiero y empresarial en Madrid. Este giro en su actividad profesional lo ha llevado a mantener una postura mucho menos visible en el ámbito social, con especial énfasis en resguardar su esfera personal. De acuerdo con la misma fuente, este distanciamiento coincide con el cierre de la etapa que compartió con la cantante Malú, con quien tiene una hija llamada Lucía, y el inicio de una nueva vida junto a Carla Cotterli.

El medio informó que, recientemente, Rivera y Cotterli fueron vistos en ARCO, la feria internacional de arte contemporáneo celebrada en Madrid, donde ambos recorrieron las distintas galerías en actitud distendida. Durante la visita, la pareja mostró interés por numerosas obras, intercambiando comentarios y disfrutando del ambiente sin mostrar incomodidad ante la posibilidad de ser reconocidos. El arte, según consignó la fuente, se ha convertido en una de las aficiones compartidas que fortalece su relación cotidiana y les brinda oportunidades para compartir intereses comunes fuera del entorno mediático.

La relación entre Rivera y Cotterli se hizo pública en verano de 2023. El medio detalló que, desde esa fecha, la pareja no ha buscado ocultarse pero sí prefieren manejar su exposición en sus propios términos, seleccionando cuidadosamente los aspectos de su vida privada que desean compartir. Estas elecciones parecen formar parte de una estrategia orientada a priorizar la normalidad y la tranquilidad en su vínculo, especialmente luego de las experiencias anteriores de Rivera bajo el constante escrutinio.

Rivera, tras la mencionada ruptura con Malú, ha cambiado sustancialmente sus rutinas y prioridades personales. Según informó la fuente, mantiene su actividad principal dedicada a asuntos empresariales en la capital, desligado de los debates políticos y priorizando una agenda profesional con un componente social mucho más acotado. Los momentos de ocio junto a Cotterli, como su visita a ARCO o los viajes en pareja, marcan una nueva etapa centrada en la estabilidad y en la convivencia diaria porque ambos valoran espacios donde desenvolver su relación sin interferencias externas.

Durante su recorrido por ARCO, Rivera y Cotterli se mostraron en actitud relajada, exhibiendo complicidad, atravesando distintos puntos del recinto y conversando sobre las piezas artísticas. A pesar de la presencia de otras personas y de la posibilidad de ser observados debido a la notoriedad pasada de Rivera, ninguno se mostró incómodo. Según reportó el medio, la pareja parecía disfrutar del anonimato relativo, a diferencia de épocas anteriores en las que Rivera era continuamente seguido por los medios.

Adicionalmente, la cobertura publicada resalta que la pareja ha consolidado un estilo de vida más tranquilo y enfocado en proyectos personales, entre los cuales se incluye el arte como pasatiempo compartido. La gestión de su relación a través de redes sociales, según detalló la fuente, sigue una línea de compartir únicamente fragmentos selectos de lo que consideran significativo, reforzando así la intención de mantener su intimidad.

El periodista que cubrió la información remarcó que la actual fase personal y profesional de Rivera muestra una clara diferencia con la exposición previa que tuvo durante su trayectoria como político y la etapa en la que su relación con Malú acaparaba titulares. Desde su salida de la política, Rivera ha evitado pronunciarse sobre su vida privada y mantiene esa actitud también en su vínculo con Cotterli, apostando por escenarios menos visibles. La atención en las actividades artísticas y empresariales, sumado a sus apariciones públicas únicamente en contextos seleccionados como ARCO, reflejan esa preferencia. La fuente original subraya el contraste entre su vida actual y la notoriedad pública de años anteriores, destacando el giro hacia una normalidad buscada y sostenida en el tiempo, donde su relación sentimental forma parte de un ámbito reservado.

En suma, la reconstrucción de la vida de Albert Rivera lejos del discurso político y ajustada a nuevos parámetros de privacidad cobra relevancia en eventos como la visita a ARCO con Carla Cotterli, que según documentó el medio, refuerzan la idea de una etapa caracterizada por el disfrute de intereses comunes y la consolidación de una rutina alejada del foco informativo.

Ciudad de México, 12 mar (EFE).- La economía de las distintas regiones de México mostró un mejor desempeño hacia el cierre de 2025, tras el bajo dinamismo previo, aunque para este año la incertidumbre por las políticas comerciales de Estados Unidos y la próxima revisión del T-MEC podrían condicionar las perspectivas de crecimiento, señaló el Banco de México (Banxico).

“Las economías regionales continúan enfrentando un entorno complejo e incierto. No obstante, hacia delante se anticipa un desempeño más favorable que el observado durante 2025, si bien sujeto a retos importantes”, señaló el Banco central en su ‘Reporte sobre las Economías Regionales’ del cuarto trimestre 2025, difundido este jueves.

"En el ámbito externo, persiste la incertidumbre asociada con las políticas que pudiera implementar nuestro principal socio comercial y con la próxima revisión del T-MEC", indicó la institución.

En ese sentido, dijo que esto podría incidir de manera particular en las entidades del norte y en las regiones centrales, “dada su elevada integración con Estados Unidos”, y adicionalmente apuntó que aquellas entidades con alta emigración histórica hacia EE.UU. podrían resentir ajustes en los flujos de remesas.

“Especialmente en algunos estados del centro norte y del sur donde estos recursos representan una proporción relevante del ingreso de los hogares”, puntualizó.

En el ámbito interno, la institución señaló que la inseguridad pública continúa “siendo un desafío”, pues los directivos siguen reportando afectaciones en el funcionamiento de sus empresas en diversas zonas del país.

A ello, agregó la "creciente exposición a eventos climáticos extremos, cuyos efectos inciden de manera diferenciada sobre sectores productivos y entidades federativas".

El Banco de México indicó que ante estos desafíos, “se deben fortalecer las fuentes internas de crecimiento y consolidar condiciones propicias para la inversión".

Por lo tanto, consideró como prioritario "avanzar" en la construcción y modernización de infraestructura de transporte, digital, energética e hídrica, dada su relevancia estratégica para reducir costos y facilitar el acceso a mercados nacionales e internacionales y fortalecer la competitividad regional.

Aunado a ello, indicó, es “indispensable” fortalecer la formación de capital humano y acelerar la adopción de nuevas tecnologías, para robustecer la capacidad productiva y elevar el crecimiento potencial de las regiones.

Precisó, por último, que los directivos empresariales entrevistados han subrayado "la importancia de reforzar la seguridad pública y el estado de derecho, como condiciones necesarias para detonar la inversión y sostener el crecimiento".

El reporte llega apenas unos días antes de que inicie el proceso de revisión del T-MEC, algo que defienden Canadá y México mientras que el presidente estadounidense, Donald Trump, ha presentado dudas al respecto en medio de la guerra comercial lanzada por su Administración.

De acuerdo con la información publicada, la inauguración de Vega Members Club, considerado el proyecto más ambicioso de Íñigo Onieva hasta la fecha, reunió a una amplia representación del entorno personal y profesional de la pareja. Entre los presentes figuraron Isabel Preysler, madre de Tamara Falcó, quien hizo una destacada reaparición en el evento, y otros miembros de la familia como Manolo Falcó y su esposa Amparo Corsini, así como Álvaro Falcó Chávarri, primo de Tamara, y su mujer Isabelle Junot, quien está próxima a dar a luz a su segunda hija. A ellos se sumaron amigos cercanos como Alessandra de Osma, Christian de Hannover, Luis Medina y Enrique Solís, además de compañeros de trabajo de Tamara en el programa de televisión 'El Hormiguero', entre quienes estaban Pablo Motos, Juan del Val y Cristina Pardo, según detalló el medio.

Durante la velada, que se extendió hasta altas horas de la madrugada, los invitados pudieron disfrutar de una propuesta gastronómica exclusiva, incluidos productos como jamón ibérico y ostras, un aspecto que Tamara Falcó destacó en las imágenes compartidas. Este repertorio culinario formó parte de una noche en la que la anfitriona optó por un diseño negro de corte ajustado y escote palabra de honor, una elección que atrajo la atención de los asistentes, conforme recogió la fuente principal.

En las fotografías difundidas, la marquesa de Griñón mostró la relación de complicidad y apoyo en la familia Onieva-Falcó, con instantáneas donde resalta la sintonía entre Tamara y su cuñada Amparo Corsini, así como la cercanía con su primo Álvaro Falcó, al que le une un vínculo especial. Las imágenes también inmortalizaron momentos de convivencia con otros asistentes y retratos espontáneos durante los festejos, lo que ofreció una visión íntima y detallada del evento, según reportó el medio.

En el mensaje publicado junto a las imágenes, Tamara Falcó expresó su satisfacción por la apertura del club y el esfuerzo invertido por Íñigo Onieva en el proyecto. Según recogió la fuente informativa, la marquesa agradeció el respaldo recibido de familiares y amigos, haciendo una mención especial a Manuel Campos, socio de Íñigo en esta iniciativa, así como al diseñador Lázaro Rosa-Violán, responsable del interiorismo del club. “Qué emoción ver @vega_membersmadrid por fin abierto. Íñigo, se ve todo el trabajo y la lucha que hay detrás de este proyecto. Qué alegría verlo hecho realidad. Gracias a todos los que habéis apoyado desde el principio, a nuestros amigos y familia que vinisteis a compartir este momento con nosotros, y también a Manuel Campos, socio de Íñigo, por formar parte de este camino, y al maravilloso Lázaro Rosa-Violán por dejarlo así de bonito. Y recordad: Casa Vega está abierta para todos. ¡Bienvenidos!”, recogió el medio de su publicación.

Por su parte, Íñigo Onieva utilizó ese espacio para dedicar unas palabras a Tamara Falcó, destacando el papel fundamental que desempeñó en el desarrollo de Vega Members Club. "Sin tu apoyo incondicional en todas mis aventuras, y sin tus exigentes y valiosos feedbacks durante todo el proceso, nada de esto habría sido posible. Eres, sin duda, coautora de este proyecto. A por muchas aventuras más juntos! Te quiero!", destacó Onieva, según lo consignado por el medio.

La celebración, además de marcar la puesta en marcha de un espacio exclusivo que promete posicionarse como punto de encuentro destacado en Madrid, puso en evidencia la buena sintonía en el entorno social y familiar de la pareja. Según publicó el medio que difundió la noticia, la combinación de invitados de diferentes sectores —familiares, amigos, figuras del mundo del arte y de la televisión— reforzó el perfil selecto del club en su primera noche.

El evento de inauguración del Vega Members Club coincidió con una de las semanas de mayor movimiento cultural en Madrid, donde la presencia de ARCO y otras actividades relacionadas con el arte contemporáneo atrajeron la atención nacional e internacional. Esta coincidencia contribuyó a que la apertura del club recibiera aún más proyección en la escena social de la ciudad, de acuerdo con reportes del medio original.

En las redes sociales, la publicación de Tamara Falcó recibió una amplia respuesta, evidenciando el interés y la expectación generadas alrededor del lanzamiento. De acuerdo con el medio, las imágenes no solo ofrecieron una perspectiva detallada de la fiesta, sino que también sirvieron para resaltar el trabajo conjunto y el apoyo mutuo entre los protagonistas del proyecto, reflejando el alcance del club y las aspiraciones que encierra su apertura en la capital.

Dentro de la serie 'Pan, trabajo, libertad', la artista afgana Kubra Khademi ha representado a figuras femeninas internacionales en escenas cargadas de simbología, seleccionando a destacadas líderes como Jacinda Ardern, Roselyne Bachelot, Claudia Sheinbaum, Sanna Marin y Ellen Johnson Sirleaf. Según detalló Europa Press, Khademi ha planteado estas imágenes como respuesta al silencio de estas figuras frente a la situación de las mujeres en Afganistán. El centro de la noticia gira en torno a la venta en ARCO de tres pinturas de Khademi por un total de 60.000 euros, en las que aparecen representadas líderes mundiales como Ursula von der Leyen, Angela Merkel, Hillary Clinton y Kamala Harris en escenas explícitas que han generado debate a nivel internacional.

Según consignó Europa Press, la galería Eric Mouchet, que cuenta con sedes en París y Bruselas, participó en ARCO presentando obras de Khademi que exploran temas feministas a través de representaciones provocadoras, una de ellas mostrando una orgía entre líderes femeninas del poder mundial. Las otras dos pinturas adquiridas presentan, respectivamente, a varias de estas figuras contemplando el arca de Noé y una interpretación de 'La Libertad guiando al pueblo', obra de Eugène Delacroix.

El catálogo de Khademi incluye desnudos de personalidades como Margaret Thatcher y Benazir Bhutto, ambas fallecidas. Según reportó Europa Press, la artista explicó que, al incluirlas en escenas sexuales y afectuosas, busca señalar la posibilidad de un modelo social alternativo al patriarcado dominante. Khademi justificó en sus declaraciones que la representación de estas mujeres responde al papel que han ocupado o que, según su opinión, no han desempeñado de forma activa frente a las violaciones de los derechos de las mujeres afganas.

La presencia de Khademi en el circuito artístico europeo se consolidó tras su exilio en Francia hace diez años. De acuerdo con información de Europa Press, la artista abandonó Afganistán en 2015 después de una ‘performance’ pública en la que lució una armadura al pasear por las calles de Kabul. Esta acción representativa, que pretendía denunciar la vulnerabilidad de las mujeres, desembocó en una condena a muerte emitida en su país natal.

El precio alcanzado por las piezas, de 60.000 euros en conjunto, fue confirmado por fuentes de la galería ante Europa Press. Esta cuantía ha subrayado no solo el valor artístico de la obra, sino también la atención que han generado los contenidos de Khademi en el mercado internacional y en medios de comunicación. El enfoque de la autora, que presenta a las máximas representantes del poder femenino en situaciones sexualizadas, ha provocado diversas reacciones, posicionando el debate sobre los límites del arte contemporáneo, la crítica política y el feminismo.

De acuerdo con los datos proporcionados por Europa Press, las escenas realizadas por Khademi no se limitan al desnudo, sino que están impregnadas de simbolismo, como ocurre en la recreación del famoso cuadro de Delacroix, en la que introduce nuevos sujetos históricos. En una de las piezas, las líderes femeninas vislumbran el arca de Noé, introduciendo referencias bíblicas para sugerir otros modelos de salvación o liderazgo desde una óptica contemporánea y feminista.

Durante la cobertura de Europa Press, la artista relató que ha desnudado pictóricamente a diversas mandatarias internacionales como respuesta a lo que considera una actitud pasiva ante la situación en Afganistán. A través de estas composiciones, Khademi propugna la viabilidad de estructuras políticas ajenas al sistema patriarcal, señalando explícitamente la necesidad de romper el silencio y revisar el papel que desempeñan las figuras femeninas en los espacios de poder.

La trayectoria de Khademi en el arte político ha estado marcada desde sus primeras intervenciones públicas en Kabul, donde la ‘performance’ con armadura buscó posicionarse frente a la represión y la discriminación. A raíz de estas manifestaciones, según publicó Europa Press, la artista se vio obligada a solicitar asilo en Francia, desde donde ha continuado explorando el tema del cuerpo femenino y el poder en su producción artística.

La serie presentada en ARCO por la galería Eric Mouchet ha representado un punto de inflexión al colocar en primer plano obras críticas con líderes reconocidas en el escenario global. La venta de estas piezas en una de las principales ferias de arte contemporáneo ha impulsado la discusión sobre la relación entre arte, activismo político y repercusión mediática, según lo difundido por Europa Press.

A través de sus declaraciones a Europa Press, Khademi reivindicó que su trabajo se sostiene sobre la necesidad de visualizar la opresión que sufren las mujeres en contextos donde se restringen sus derechos. La selección de líderes como protagonistas de sus pinturas responde, según explicó, al deseo de señalar responsabilidades individuales y colectivas, introduciendo a las figuras en el debate sobre la complicidad internacional ante el sufrimiento ajeno.

La recepción de estas obras en ARCO plantea interrogantes acerca del grado de libertad otorgado al arte contemporáneo en la denuncia social, el uso del cuerpo y la representación del poder. La atención mediática e institucional generada por la serie de Khademi evidencia el interés y la controversia que suscitan propuestas artísticas comprometidas con el feminismo y la crítica política, según la información obtenida por Europa Press.

El proceso de adquisición incluyó este año a artistas de edades muy distintas, que van desde los 34 años de María Alcaide, la más joven seleccionada, hasta los 94 años de Claudia Andujar, una de las creadoras de mayor trayectoria, según reportó el Ministerio de Cultura. Estas adquisiciones, realizadas en la feria ARCO 2026, permitirán incorporar a las colecciones del Museo Reina Sofía piezas de catorce artistas, de los cuales nueve son mujeres y ocho son de nacionalidad española. De acuerdo con la información proporcionada por el Ministerio de Cultura y el propio museo, estas adquisiciones alcanzaron un valor total de 402.760 euros, y marcan un esfuerzo por incrementar la representación femenina y la diversidad de procedencias en los fondos históricos y contemporáneos de la institución.

Tal como detalló el medio, el 64% de los creadores cuyas obras han sido adquiridas en esta edición de ARCO son mujeres. La mayoría de estas piezas proceden de artistas y galerías españolas, fomentando la visibilidad del arte nacional en el contexto internacional de la feria. Durante la Comisión Permanente del Real Patronato del Museo Reina Sofía, celebrada en el marco de ARCO, Jordi Martí, secretario de Estado de Cultura, junto con Manuel Segade, director del Reina Sofía, destacaron la decisión de profundizar el compromiso del museo tanto con la presencia femenina como con la actualización de su colección. Segade subrayó el interés por visibilizar proyectos que consideran relevantes para el futuro del museo, lo que incluye no sólo adquisiciones sino también reorientaciones en las líneas de investigación y conservación.

De los catorce artistas seleccionados, seis son de origen extranjero, principalmente latinoamericanos, una cifra que refuerza la vocación internacional de la colección según consignó el Ministerio de Cultura. Entre los nombres incluidos se encuentran Annette Messager, Claudia Andujar, Ester Chacón, La Ribot, Kapwani Kiwanga, Venuca Evanán, Amparo de la Sota, Ana Laura Aláez, María Alcaide, Pere Noguera, Oriol Vilanova, Ángel Bados, Joan Gelabert y Roberto Jacoby. ARCO ha servido de plataforma para adquirir obras que atraviesan un siglo de prácticas artísticas, integrando creadores jóvenes junto a veteranos del arte contemporáneo.

Según detalló el museo, el proceso de selección de las piezas se basó en varios criterios: entre ellos, aumentar el número de mujeres artistas en la colección, explorar terrenos inéditos o poco representados hasta ahora en los fondos, y completar trayectorias de artistas que aún no figuraban en el acervo del Reina Sofía. La selección abarca manifestaciones como el arte de acción, la performance, el arte textil, conceptual matérico y relacional, líneas que se consideran estratégicas para el museo. En la lista de adquisiciones, nueve de los catorce artistas incorporados no figuraban previamente en la colección, por lo que pasarán a formar parte por primera vez de los fondos del museo.

El secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí, señaló que durante 2026 el Ministerio ha destinado ya más de 1,3 millones de euros a adquisiciones, cifra que incluye la inversión realizada en ARCO, según confirmó el propio ministerio y publicó el medio fuente. Además, Martí recordó que durante el año anterior el gasto en compras para museos estatales ascendió a 3,6 millones de euros, lo que pone de manifiesto una política de inversiones sostenida para el desarrollo de las colecciones nacionales.

El director del museo, Manuel Segade, resaltó en declaraciones recogidas por la fuente la importancia de visibilizar las compraventas realizadas en la feria y la voluntad de seguir incrementando la presencia de mujeres. Actualmente, explicó Segade, las artistas femeninas representan el 15% de las aproximadamente 27.000 piezas que alberga el Reina Sofía, por lo que el museo busca avanzar hacia una colección más equilibrada. Estas compras no sólo añaden obras, sino que abren nuevas líneas de trabajo y consolidan el compromiso con determinados lenguajes artísticos y una mayor diversidad de voces.

La fuente también indicó que, de las adquisiciones concretadas, una gran parte incluye nombres inéditos dentro de la institución, lo que redundará en la ampliación del espectro artístico representado y cubrirá áreas poco exploradas en la colección permanente. Entre las prioridades figura también fortalecer la presencia del arte contemporáneo español y promover el diálogo entre artistas nacionales y extranjeros.

Las compras concretadas en ARCO permiten al Reina Sofía avanzar en la renovación de su colección, incorporar nuevas voces y reforzar su apuesta por la creación artística femenina y española, según reportó el Ministerio de Cultura. Esto se enmarca en un contexto más amplio de crecimiento presupuestario e interés institucional por consolidar museos estatales como referentes internacionales en cuanto a la diversidad y la actualidad de sus acervos.

Durante la primera jornada de la feria ARCO, celebrada en IFEMA, decenas de artistas españoles expresaron su descontento frente a la situación fiscal que atraviesa el sector del arte, reuniéndose en la entrada del pabellón 7 y posando con pegatinas donde reclamaban “IVA Cultural ¡Ya!”. Este acto de protesta amplificó la discusión sobre las diferencias fiscales que afectan a artistas y galeristas españoles en comparación con sus pares de otros países europeos. En ese contexto, el secretario de Estado de Cultura, Jordí Martí, abordó la problemática, subrayando la urgencia de reducir el impuesto y responsabilizando al Ministerio de Hacienda de tomar las medidas necesarias para implementar la rebaja. De acuerdo con Europa Press, Martí explicó que, para hacer efectivo un IVA cultural reducido, es imprescindible trasladar a la legislación española la Directiva Europea aprobada en 2022, algo que según sus palabras aún no se concretó en España.

“Es una Directiva Europea, uno no se la puede saltar. Estoy convencido que cuando esto pase, que espero que sea lo antes posible, resolvamos esta cuestión sobre las diferencias de IVA en distintos estados miembros de la Unión Europea que pone en una situación —y comparto absolutamente— extremadamente difícil a los galeristas españoles”, afirmó el secretario de Estado, según informaciones recopiladas por Europa Press. Mientras tanto, países como Francia, Alemania, Italia o Portugal ya aplican al sector del arte un IVA reducido que varía entre el 5% y el 8%, frente al 21% que actualmente se aplica en España. Martí detalló que esta diferencia crea una situación de ‘dumping fiscal’ y constituye lo que denominó una “competencia imposible de igualar”, ya que un mismo artista puede vender una obra gravada con distintos tipos impositivos dependiendo del país en que se realice la venta.

Tal como detalló Europa Press, Martí señaló que el Ministerio de Cultura ha defendido la reducción del IVA en el sector artístico desde el primer momento. Agregó que el actual ministro de Cultura ya se manifestó a favor de esta medida desde su primera participación en ARCO como titular del área. Sin embargo, el secretario de Estado remarcó que, aunque la cuestión pueda parecer técnica, su solución depende de la adaptación de la normativa nacional a la citada Directiva europea, un proceso que no puede resolverse “de un día para otro”.

Martí hizo especial énfasis en que la transposición de la directiva es necesaria no solo por motivos de equidad entre artistas nacionales y extranjeros, sino también para resolver una “diferencia entre Estados” que afecta al mercado del arte español. Señaló que la feria ARCO es un reflejo visible del problema, manifestado por los propios galeristas con quienes ha conversado durante el evento. Según reportó Europa Press, el funcionario expresó su esperanza de que el proceso se resuelva en el corto plazo.

El reclamo de los artistas se fundamenta en alcanzar igualdad de condiciones, no sólo respecto a sus colegas de otros países miembros de la Unión Europea, sino también al compararse con otros actores culturales dentro de España. Fuentes del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo declararon a Europa Press: “No estamos hablando de privilegios, solo de igualdad, tanto con otros sectores culturales españoles, como con otros países en el sector del arte. No es algo ilógico”.

Además, Martí reconoció ante los medios reunidos que el retraso en la aplicación del IVA reducido sitúa a los galeristas y artistas españoles en una posición de desventaja competitiva y que el problema se ha transformado en uno de los puntos centrales de discusión en la feria ARCO. Insistió en que la solución se encuentra en manos del Ministerio de Hacienda, responsable de adaptar la legislación nacional a las normativas comunitarias y, de ese modo, poder homologar el impuesto a los estándares vigentes en Francia, Alemania, Italia y Portugal.

Según publicó Europa Press, la Directiva Europea de 2022 abrió la posibilidad a los estados miembros de ofrecer un IVA reducido en la venta de obras de arte a través de galerías. Varias naciones han implementado ya este cambio, mientras España permanece a la espera de que se complete el proceso normativo. En ese contexto, el secretario de Estado reiteró su apoyo y manifestó su deseo de que la rebaja fiscal se establezca “lo antes posible”.

Las movilizaciones de artistas y galeristas y la presión ejercida durante la feria ARCO han renovado el debate en torno a la fiscalidad en el sector artístico nacional, destacando la urgencia de avanzar en la equiparación impositiva para evitar la perpetuación de prácticas competitivas desiguales dentro del espacio europeo, según documentó Europa Press.

Al término de su visita a la feria ARCO, Carmen Lomana compartió que recientemente coincidió en Bruselas con Cósima Ramírez, hija de Ágatha Ruiz de la Prada, a quien le une una relación amistosa pese a las diferencias mantenidas con su madre. Según lo detallado por el medio consultado, Lomana afirmó: "He estado yo ahora en Bruselas con su hija, que la quiero mucho. Y pues mira, no hemos coincidido, pero ¿por qué no? No tengo ningún problema", precisó refiriéndose a la diseñadora. Esta anécdota familiar, sumada a sus comentarios sobre el ambiente distendido de la feria y sus impresiones sobre distintas personalidades del sector cultural, subraya el papel de Lomana como figura habitual en encuentros sociales y culturales.

De acuerdo con la información de la fuente, Carmen Lomana vivió un momento que calificó de especial durante la inauguración de ARCO, al cruzarse de forma inesperada con la Reina Letizia. Según relató la empresaria, el protocolo del evento la alertó: "Me ha llamado el que lleva protocolo y me ha dicho, te ha visto la Reina y quiere saludarte, ha sido un detallazo". Lomana manifestó que sintió ilusión por este gesto y señaló su admiración personal hacia la monarca. El medio informó que fue la propia Reina Letizia quien tomó la iniciativa para el encuentro, saliendo del stand en el que se encontraba para acercarse a saludar a la empresaria. Lomana recalcó la espontaneidad del momento y subrayó la cortesía del gesto: "Sí, sí, ella además ha salido del stand y me ha venido a saludar".

Durante su presencia en ARCO, que es considerada la feria de arte contemporáneo más importante de España, Lomana mantuvo su estilo característico y mostró interés por las obras expuestas. Saludó a varios conocidos del mundo de la cultura y la sociedad, y según lo consignado por la fuente, su asistencia generó de nuevo expectativas en el evento. El medio detalló que la empresaria se mostró entusiasta respecto al ambiente que define cada año a la cita cultural, y expresó satisfacción tanto por el arte como por el entorno relajado de la feria.

El acompañante de Lomana en esta ocasión no fue revelado, ya que la empresaria prefirió mantener la discreción sobre su identidad, descartando ofrecer detalles adicionales. Cuando se le preguntó al respecto, comentó con humor: "Yo siempre estoy bien acompañada (...) ¿ah, sí? Pues le va a encantar. Bueno, bueno, si te gusta a ti", según reportó la fuente. Estas respuestas reflejan su decisión de separar su vida personal de su presencia pública en eventos.

Además de referirse a su encuentro con la Reina Letizia y su participación en ARCO, Lomana quiso destacar sus impresiones sobre el ministro de Cultura, Ernest Urtasun. Según publicó el medio, la empresaria declaró sentirse "fan total" del ministro, demostrando así su interés por el ámbito cultural y político que rodea a estos eventos.

La jornada, según narró el medio consultado, estuvo marcada por múltiples encuentros y momentos espontáneos, en los cuales Lomana fusionó su interés por el arte contemporáneo con su red de contactos en la cultura y la vida social española. La interacción con la Reina Letizia constituye uno de los pasajes que más relevancia cobró durante la jornada, tanto por la iniciativa de la monarca como por la reacción positiva y pública de la empresaria sobre el encuentro.

La cobertura difundida resalta que el paso de figuras como Carmen Lomana por ARCO no solo responde a una cita anual con el arte, sino que contribuye a dinamizar el ambiente social y mediático de la feria, sumando episodios de interés para el público y reforzando la conexión entre la sociedad civil, la cultura y las instituciones.

El almuerzo de gala en el Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid reunió a los Reyes Felipe VI y Letizia con los Grandes Duques de Luxemburgo, Guillermo y Stéphanie, como parte central de la primera visita oficial de los monarcas luxemburgueses a España desde que ascendieron al trono tras la abdicación de Enrique y María Teresa el pasado mes de octubre. Según informó el medio, la cita protocolaria se inscribió en una jornada especialmente relevante para las relaciones bilaterales entre España y Luxemburgo, marcada por actos solemnes junto con gestos de cercanía entre ambas casas reales.

Tal como consignó la fuente, la mañana de los Reyes españoles estuvo dedicada inicialmente a la inauguración de la 45ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO en IFEMA, escenario que congregó a delegaciones y galerías de arte de 30 países y 211 exposiciones, consolidando a Madrid como referente internacional en el ámbito artístico. Concluida su presencia en el evento cultural, Felipe VI y Letizia se dirigieron precipitadamente al Palacio Real para recibir a los Grandes Duques luxemburgueses, quienes concluyeron así su primera visita oficial desde el traspaso de la jefatura del Estado en su país.

El recibimiento protocolario se realizó en la Plaza de la Armería del Palacio Real, donde la Guardia Real rindió honores y se ejecutaron los himnos nacionales de ambos Estados. Una salva de 21 cañonazos acompañó el acto, otorgando solemnidad a la jornada. De acuerdo con los detalles publicados, el momento estuvo marcado por muestras públicas de cordialidad y afinidad entre los Reyes y sus invitados, quienes intercambiaron saludos afectuosos y dialogaron distendidos, reflejando la buena sintonía existente entre ambas familias reales.

Durante el acto oficial, la Reina Letizia y la Gran Duquesa Stéphanie optaron por vestir en tonalidades verdes, elección señalada por el medio por la coincidencia cromática en los atuendos de ambas. Letizia repitió el vestido de tweed verde esmeralda previamente lucido en la inauguración de ARCO y en el día de las Fuerzas Armadas, sin alterar su vestimenta ante el apretado calendario. Stéphanie, por su parte, seleccionó un vestido largo de inspiración helénica, ceñido a la cintura y con efecto capa en un verde oliva. Tras el acto, ambas delegaciones se presentaron formalmente antes de trasladarse al interior del Palacio Real.

Según la crónica, el encuentro diplomático supuso la ocasión idónea para que las dos casas reales reforzaran su relación. El viaje de los Grandes Duques Guillermo y Stéphanie se enmarca así en una etapa de consolidación de los vínculos hispano-luxemburgueses después de la transición en el Gran Ducado, que generó expectativas sobre el futuro de las relaciones entre ambos Estados. La recepción y el almuerzo de gala funcionaron como plataformas para intercambios entre las delegaciones y para la potenciación de la cooperación y el diálogo bilateral, remarcó la fuente.

La agenda de la jornada reflejó el carácter institucional y, al mismo tiempo, el ambiente distendido entre las familias reales. El programa de la visita incluyó tanto la participación de los Reyes en actividades culturales vinculadas al arte contemporáneo internacional como la organización de solemnes actos protocolarios en el Palacio Real, destacando el compromiso de ambas partes por fortalecer los lazos de amistad y colaboración entre sus respectivos países.

El recorrido de los Reyes Felipe VI y Letizia por la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid, ARCO, incluyó momentos de interacción limitada con los asistentes debido al protocolo de seguridad. Según consignó el medio, la empresaria Carmen Lomana y su acompañante, Antonio Gutiérrez, se encontraron con la comitiva real mientras visitaban las diferentes galerías del evento y trataron de acercarse a los monarcas para saludarlos, aunque sin éxito. En medio de una multitud interesada en el arte y en la presencia real, los escoltas de la Casa Real intervinieron para impedir el acceso directo de Lomana y su pareja a los Reyes, a pesar de que la socialité mantuvo la distancia prudencial requerida e intentó un acercamiento con discreción.

De acuerdo con la información publicada, la pareja acude con frecuencia a este tipo de eventos culturales. En esta ocasión, la atención mediática se centró especialmente en el intento de Lomana de transmitir personalmente su admiración por la Monarquía y, en particular, por la Reina Letizia, cuya labor al frente de la Corona ha elogiado públicamente en otras oportunidades. Los escoltas, cumpliendo con las normas de seguridad establecidas para los actos públicos de los Reyes, llegaron incluso a tomar del brazo de forma cuidadosa a Lomana para solicitar que se apartara y permitiera a Felipe VI y Letizia proseguir su recorrido sin interrupciones.

El episodio en ARCO ejemplifica la rigidez de los protocolos que acompañan a los miembros de la Familia Real en sus apariciones públicas. La organización de seguridad busca evitar aglomeraciones y encuentros inesperados para garantizar el desarrollo adecuado de las actividades oficiales. Según detalló la fuente, la reacción de los escoltas se ajustó a los procedimientos habituales para este tipo de situaciones, independientemente del reconocimiento social o del interés de las personas implicadas en saludar a los monarcas.

En cuanto al contexto personal de Carmen Lomana, el medio explicó que su aparición en la feria se produjo en compañía de Antonio Gutiérrez, con quien mantiene una relación discreta desde hace varios meses. Su presencia durante la inauguración generó expectación entre los asistentes, tanto por su afición al arte como por su conocida trayectoria mediática y su relación pública con destacados personajes del ámbito social y cultural de España.

La secuencia en la que los escoltas intervinieron para impedir el saludo quedó registrada por las cámaras presentes en el evento, lo que amplificó la repercusión del incidente. Además, el medio destacó que el momento no opacó la elección de vestuario de Lomana en la cita, que acudió con un conjunto de dos piezas en tono burdeos con franjas blancas, compuesto por pantalón tipo palazzo y un top estructurado de corte péplum, acompañado por complementos en colores a juego.

La inauguración de ARCO representa uno de los puntos de encuentro más esperados para coleccionistas y aficionados al arte contemporáneo en España. La participación de los Reyes Felipe y Letizia, marcada por una agenda de visitas protocolarias, suele atraer a numerosas personalidades que aprovechan la ocasión para intercambiar palabras con los miembros de la Casa Real. Sin embargo, el control de acceso impuesto por los dispositivos de seguridad limita la posibilidad de encuentros espontáneos entre los monarcas y miembros del público.

Durante su recorrido por los pabellones, los Reyes mantuvieron contacto solo con aquellas personas previamente autorizadas por el protocolo, mientras que los asistentes, entre ellos Lomana y Gutiérrez, observaron desde la distancia. El incidente pone de manifiesto cómo las medidas de seguridad afectan el desarrollo de eventos con alta concurrencia y presencia institucional, según reportó el medio.

El Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo subrayó que el sector enfrenta una situación que califica de insostenible debido a la diferencia en el impuesto sobre el valor añadido (IVA) aplicado a la venta de obras de arte en España respecto a países de la Unión Europea. Según consignó el medio fuente, las galerías españolas deben soportar un IVA del 21%, mientras que en Portugal este tipo impositivo se sitúa en el 6%, en Italia en el 5% y en Francia en el 5,5%. Esta diferencia incide de forma directa en la competitividad y en la capacidad de internacionalización del arte contemporáneo nacional, según argumentó el propio Consorcio a través de un comunicado.

De acuerdo con la información publicada, las galerías de arte contemporáneo planean una acción reivindicativa con motivo de la inauguración oficial de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO), un evento al que está prevista la asistencia del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, y de los Reyes de España. El objetivo de la protesta, precisaron los portavoces del sector, es visibilizar la falta de diálogo y de respuesta por parte de las autoridades ante una problemática que afecta a la totalidad del ecosistema artístico español.

El Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo remarcó que la protesta, programada para las 11 horas del día inaugural de ARCO, no se dirige contra la Casa Real ni contra la figura de Su Majestad el Rey, cuya presencia institucional afirmaron respetar plenamente. Según publicó la fuente, la acción reivindicativa se centra exclusivamente en denunciar la falta de soluciones desde los ministerios de Cultura y de Hacienda, así como la ausencia de una política cultural coherente que atienda las particularidades de las artes visuales en el país.

El sector sostiene que la actual carga fiscal representa una desigualdad respecto al resto de países europeos, lo que considera un agravante para la sostenibilidad de las galerías españolas. De acuerdo con el comunicado difundido por la asociación nacional de galerías de arte contemporáneo, la petición del sector no busca privilegios, sino avanzar hacia una fiscalidad equiparable a la del resto de actividades culturales y de ámbito europeo. La demanda abarca además un apoyo estructural al mercado del arte y a la internacionalización de la cultura y el patrimonio españoles, dos aspectos que el sector considera esenciales para la viabilidad de su actividad.

La nota de la fuente recuerda también que la protesta prevista para la inauguración de ARCO sucede a otra acción previa desarrollada por parte de artistas visuales. Esta última, tuvo lugar en el Pabellón 7 de IFEMA, donde artistas afectados por la diferencia fiscal expusieron públicamente su malestar por el trato comparativo desfavorable que perciben.

El medio señala que las reclamaciones del sector se centran en alcanzar un marco fiscal que facilite tanto el crecimiento interno como la proyección internacional de las galerías españolas. Una fiscalidad ajustada al estándar europeo, indican, permitiría fortalecer el mercado del arte nacional y mejorar la posición de los profesionales y creadores españoles en el ámbito global. El sector también insiste en que la adaptación de políticas específicas por parte de las autoridades favorecería la sostenibilidad a largo plazo y evitaría la merma de competitividad frente a otros mercados culturales de Europa.

Durante la jornada inaugural de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO 2024 en IFEMA, Piru Urquijo, con 90 años de edad, expresó sentirse en excelente estado y sostuvo que nunca se pierde la cita cultural, según consignó el medio. El evento, que dio inicio este miércoles con una asistencia restringida a un selecto grupo de invitados, reunió a diversas personalidades del arte, la cultura y la alta sociedad, marcando así el comienzo del foro bajo el lema “ARCO2045: El futuro, por ahora”, cuyo objetivo consiste en invitar a la reflexión sobre el devenir del arte en las próximas décadas.

Tal como publicó el medio, aunque la inauguración oficial de ARCO corresponde a los Reyes Felipe y Letizia y está prevista para este jueves como parte de una de las actividades que forman parte de su calendario habitual, el acceso anticipado permitió que reconocidas figuras recorrieran los pabellones y mostraran su interés en las propuestas de distintas galerías. Entre los asistentes destacaron Elena Cue y su hija Alejandra Cortina, quienes se mostraron sonrientes a través de paseos distendidos entre las exhibiciones, consolidando su tradicional vínculo con la feria. Elena Cue optó por una combinación de pantalón, blazer y top en tonalidades claras, mientras que su hija vistió un traje gris junto con una camisa satinada en rosa, una elección que, según detalló el medio, se alineó con estilos ejecutivos presentes en el evento.

Borja Thyssen, conocido por su vínculo con el ámbito artístico y museístico español, acudió en compañía de Blanca Cuesta, presentándose con el brazo en cabestrillo tras un accidente reciente. Pese a las preguntas de los reporteros en el recinto, la pareja mantuvo su habitual reserva y prefirió no ofrecer detalles adicionales sobre el motivo de la lesión, informó el medio.

Entre los asistentes reconocidos también se encontró la diseñadora Ágatha Ruiz de la Prada. El medio reportó que Ruiz de la Prada, instalada recientemente en un piso de soltera en el Barrio de Salamanca, ironizó sobre la posibilidad de adquirir nuevas obras, considerando la cantidad de arte que ya existe en su vivienda. Su presencia colorida y su declaración llamaron la atención dentro del ambiente, que acogió a otros personajes de la cultura y la televisión como Ana Duato y su hija María Bernardeau, Boris Izaguirre y Luz Casal acompañada de su pareja.

El arranque de ARCO también tuvo un componente social marcado por la asistencia de parejas conocidas. Alaska y Mario Vaquerizo, quienes optaron por atuendos coordinados con estampados geométricos, generaron expectativa entre los asistentes. Asimismo, los recién casados Gigi Sarasola y Sara Zaldívar participaron del recorrido inaugural, mientras que Luis Medina y Clara Caruana hicieron su primera aparición pública como matrimonio. Según detalló el medio, el hijo de Naty Abascal y su esposa evitaron deliberadamente compartir información sobre su reciente boda, acontecida tras la absolución judicial de Medina en relación con un proceso vinculado a la adquisición de mascarillas durante la pandemia.

El inicio de ARCO2045 generó amplias expectativas por el enfoque temático de esta edición, que invita a galeristas, coleccionistas, artistas y público a explorar los posibles rumbos del arte contemporáneo hasta mediados del siglo XXI. De acuerdo con la información publicada en el medio, la convocatoria privada de este miércoles anticipó el clima de debate y análisis previsto para los días siguientes, en los que la feria continuará recibiendo a visitantes, especialistas y autoridades.

El evento, que se consolidó como un espacio fundamental del panorama artístico español, volverá a abrir sus puertas a una mayor afluencia durante las próximas jornadas, destacando el protagonismo que tienen tanto las figuras consagradas del arte como las nuevas voces invitadas a reflexionar sobre el futuro. El medio puntualizó que la atmósfera de la feria estuvo marcada por conversaciones entre asistentes ilustres, encuentros intergeneracionales y presencias habituales como la de Piru Urquijo, quien reiteró su compromiso y entusiasmo con este escaparate cultural.

La sala Guest Lounge de la feria ARCO, construida íntegramente con madera recuperada de bosques incendiados, ha servido como escenario simbólico para las primeras declaraciones sobre el carácter y dirección de la edición 45 de esta cita internacional de arte en Madrid. Según informó Europa Press, el espacio, erigido sobre cicatrices ecológicas recientes, remite a la idea de reconstrucción y esperanza que, de acuerdo con la directora de ARCOMadrid, Maribel López, impregna el encuentro de este año. López abrió oficialmente la feria en el recinto IFEMA, destacando que las obras expuestas constituyen un reflejo del presente y transmiten perspectiva de futuro para el sector.

En diálogo con la prensa, Maribel López afirmo que "el arte que hay aquí es un arte del presente, es un arte que los coleccionistas compran por pasión. El arte aporta esa idea de esperanza y de posibilidad". Como consignó Europa Press, la directora subrayó que la muestra, que desembarca en Madrid con motivo de los 45 años del nacimiento de ARCO, cuenta con la participación de 211 galerías procedentes de 30 países. Esta cifra muestra una ligera disminución frente a la del año anterior, ya que la edición previa reunió a tres galerías y seis países más. Entre las galerías presentes, 175 integran el Programa General, mientras que las secciones comisariadas incluyen 17 en 'ARCO2045: el futuro, por ahora', 19 en Opening. Nuevas Galerías y 12 en Perfiles. Arte latinoamericano, según detalló el medio.

Para resaltar la trayectoria de la feria, López recordó ante los asistentes que este aniversario se celebra con una “historia larga, que trabajamos para que se mantenga muy viva, para que el interés vuestro, de todos los visitantes, coleccionistas y de todas las personas se vea bien alimentado por los contenidos que trabajamos durante todo el año”. Destacó que, durante la primera jornada, a las 12:45 horas, galeristas y artistas españoles planeaban realizar una fotografía con una pancarta en protesta contra el IVA cultural, aunque aclaró que ARCO como institución no participaría en esa acción reivindicativa.

De acuerdo con Europa Press, en la sala Guest Lounge, López mencionó que cada presentación de los stands tiene un componente de novedad porque “cada obra al lado de cada otra es la novedad. Cada galería piensa con sus artistas cómo va a presentar los stands, eso es lo más increíble que aquí ocurre”. Indicó que la variedad de propuestas artísticas, que abarca desde las vanguardias hasta los creadores más jóvenes, permite ofrecer un panorama diverso de situaciones y temáticas globales.

Una de las piezas que ha captado el interés de los asistentes es “Pan, trabajo, libertad”, obra de la artista afgana Kubra Khademi. Según detalló Europa Press, la autora ha pintado desnudas a conocidas líderes políticas mundiales como Usula Von der Leyen, Angela Merkel, Hillary Clinton y Kamala Harris. Consultada al respecto, López descartó que se trate de una pieza polémica, aunque reconoció que todavía no había tenido la oportunidad de verla de primera mano.

Los curadores de las principales secciones de la feria han acompañado a la directora durante la apertura, perfilando cada uno las especificidades de sus propuestas. Sobre la exposición central, el proyecto ‘ARCO2045: el futuro, por ahora’, el curador José Luis Blondet explicó que se trata de “una sola exposición que sucede en dos lugares de manera simultánea”. Blondet señaló que tanto él como su compañera Magali Arriola recibieron total autonomía para seleccionar artistas y galerías, y que la invitación a reflexionar sobre el futuro de ARCO supuso un desafío que les llevó a explorar el concepto de “déjà vu”, con el objetivo de hacer sentir al público la experiencia de asistir a algo novedoso aunque parezca familiar.

En lo referido a la sección Perfiles. Arte Latinoamericano, que agrupa once galerías, el curador Jose Esparza apuntó que se entregó un espacio singular a aquellos proyectos que muestran prácticas individuales a través de la presentación de un único artista por galería. Explicó que esta modalidad permite una comprensión más exhaustiva de las prácticas artísticas seleccionadas y de los discursos sociales que las atraviesan.

Por el lado de Opening. Nuevas galerías, la sección dedicada a espacios con menos de ocho años de existencia, los curadores Rafa Barber y Anissa Touati expresaron que las 19 galerías participantes asumen un esfuerzo considerable, ya que llegan sin garantías sobre el perfil del público o del resultado comercial. Según recogió Europa Press, Touati mencionó que la valentía de estos espacios se evidencia en la singularidad de los proyectos presentados, y Barber expresó que algunos de estos proyectos serían difíciles de encontrar en otras secciones de la feria.

Durante la cita, los visitantes tienen acceso a una amplia gama de obras representativas de tendencias diversas, con participación tanto de instituciones consolidadas como de galerías emergentes. Según publicó Europa Press, la programación destaca la multiplicidad de voces, estilos y disciplinas, subrayando la intención de la organización de mantener la feria en sintonía con los temas y preocupaciones de la actualidad artística global.

El programa general de la feria integra propuestas históricas y contemporáneas, permitiendo a quienes asisten encontrar tanto referentes de vanguardias consolidadas como nuevas expresiones. En las secciones comisariadas, la exploración de contextos como el latinoamericano pone en primer plano el papel de las geografías y dinámicas culturales específicas en la escena internacional. Según el balance presentado por Europa Press, la edición 45 de ARCO Madrid transcurre bajo el signo de la afiliación global y la reivindicación sectorial, en una mezcla de pasado y futuro que busca recomponer el diálogo entre tradición, experimentación y conciencia social dentro del ámbito artístico.

Kubra Khademi, refugiada en Francia desde hace una década, tuvo que abandonar Afganistán en 2015 tras realizar una acción artística que motivó amenazas contra su vida, según informó Europa Press. En aquella ocasión, Khademi vistió una armadura y caminó por la calle en Kabul, hecho que le supuso recibir una condena a muerte. La experiencia personal de la artista, marcada por la persecución tras la caída de Kabul bajo control talibán en 2021, se refleja en la serie de obras que ahora presenta en la feria de arte contemporáneo ARCO en Madrid.

De acuerdo con Europa Press, la pieza central de la exposición, titulada 'Pan, trabajo, libertad', representa a figuras políticas femeninas de gran repercusión internacional, entre ellas Ursula von der Leyen, Angela Merkel, Hillary Clinton y Kamala Harris. Khademi ha retratado a estas líderes sin ropa y en actitudes afectuosas y sexuales, describiendo su trabajo como una manifestación de que es posible aspirar a otro tipo de sociedad, alejada de estructuras de poder tradicionales. Según reportó Europa Press, la artista expresó que eligió esta representación para evidenciar el silencio de estas dirigentes frente a las violaciones de derechos de las mujeres afganas.

Tal como detalló Europa Press, la exposición acoge también las imágenes desnudas de otras líderes como Jacinda Ardern, Sanna Marin, Ellen Johnson Sirleaf, Roselyne Bachelot, y la presidenta de México, Claudia Sheinbaum. Igualmente, aparecen figuras históricas como Margaret Thatcher y Benazir Bhutto, ambas fallecidas. En la explicación que ofreció a Europa Press, Khademi afirmó que su intención no es transmitir odio, sino mostrar humanidad y reclamar atención sobre la situación de millones de mujeres que han perdido derechos fundamentales en Afganistán, como el acceso a la educación o al empleo.

La artista, que pertenece a la minoría étnica hazara, un grupo que representa menos del 15% de la población afgana y que sufrió persecución, relató que tras la reconquista de Kabul por los talibanes escribió cartas a distintas mandatarias globales sin recibir respuesta. Esta ausencia de reacción sirvió como motivación para llevar a cabo su nueva obra, según consignó Europa Press.

La muestra llega a Ifema Madrid, recinto donde se desarrolla la feria ARCO desde el 4 hasta el 8 de marzo, a través de la galería Eric Mouchet, con presencia en París y Bruselas. ‘Pan, trabajo, libertad’ agrupa varios retratos casi a tamaño real, sobre los cuales Khademi ha inscrito repetidas veces el lema que identifica las manifestaciones de las mujeres afganas en Kabul, utilizando pintura dorada según describe Europa Press.

Además de los retratos individuales, la exposición despliega escenas colectivas: líderes representadas en ambientes como un hamán o baño árabe, observando el arca de Noé, posando de pie con armas y recreando episodios históricos como la pintura ‘La Libertad guiando al pueblo’ de Eugène Delacroix. La artista explicó al medio que al ilustrar estos escenarios buscó cuestionar el imaginario común acerca del poder y la gobernanza, poniendo el énfasis en la permanencia de esquemas patriarcales.

En declaraciones recogidas por Europa Press, Khademi señaló que “si decimos que no necesitamos a los hombres para gobernar el mundo, surgen estas imágenes”, argumentando que la historia reciente gestionada en su mayoría por varones ha desembocado en conflictos y divisiones. A su vez, criticó el desconocimiento o desatención de las dirigentes políticas frente a la situación en Afganistán, subrayando la urgencia de pronunciamientos públicos para aspirar al respeto de los derechos de las mujeres afganas.

La programación de la feria ARCO 2024 incluye también una intervención de la artista afganesa el 8 de marzo en Réplica Teatro, coincidiendo con el Día Internacional de la Mujer, tal como informó Europa Press. La propuesta de Khademi, lejos de centrarse en el ataque personal, busca canalizar un mensaje sobre la dignidad humana y la ausencia de represalias contra quienes han callado, remarcando la importancia de mantener el diálogo y la expresión artística en un contexto global donde los derechos fundamentales continúan en disputa.

Según publicó Europa Press, la iniciativa presentada por la galería Eric Mouchet amplía el espacio de la reflexión sobre la implicancia de líderes femeninas en el debate sobre el papel de las mujeres afganas. Así, la protagonista de la exposición invita al público a examinar tanto las responsabilidades políticas como las oportunidades de transformación social a partir del arte contemporáneo.

La historia de Arco sigue a un chico que descubre que puede viajar al pasado al ponerse una capa de colores. Ese gesto tan simple abre la puerta a un viaje en donde el tiempo, la memoria y las decisiones se unen en una aventura sobre lo que significa crecer y lo que le espera al futuro de la humanidad.

En un momento en donde estamos acostumbrados al estímulo constante y a la animación sobrecargada que apunta únicamente a un público infantil, hay que destacar lo hermoso que es que Arco apueste a un estilo de animación más tradicional.

De hecho, resulta imposible no ver algunos guiños al cine de Hayao Miyazaki en paisajes rodeados de naturaleza y temáticas que tienen algo de la impronta de producciones de Studio Ghibli como Mi Vecino Totoro o Kiki: Entregas a Domicilio. En el marco de su estreno, en Malditos Nerds pudimos hablar con Ugo Bienvenu, que nos dijo que el motivo por el que se decidió por esta tecnología se debe simplemente a que hay más magia en la animación 2D y que la sencillez es la clave para narrar.

Con respecto al género, si bien estamos ante una película de ciencia ficción, Arco no busca crear futuros extraños y alejados del nuestro sino que intenta crear nuestro mismo mundo agrandando los conflictos que ya tenemos, como el del cambio climático.

En definitiva, lo más lindo de estos proyectos independientes es que se puede ver el amor y el esfuerzo de todos los involucrados por ver esta historia en la pantalla grande: Ugo cuenta que invirtió mucho dinero de sus propios fondos durante tres años con oficinas y un pequeño equipo de animadores hasta conseguir una distribuidora para el lanzamiento global de la película. La productora de Natalie Portman (que además pone la voz de uno de los personajes en su versión en inglés) fue la que terminó de apostar por Arco poniendo el resto de la financiación y ayudando a su distribución.

Con una muy merecida nominación al Oscar en el rubro de animación, Arco es una propuesta sumamente original que demuestra que todavía hay espacio para contar historias con personalidad. Por más historias así.

Sucedió el domingo 4 de enero. Serena Campos Lobos (46) pedaleaba desde su casa en Ramos Mejía rumbo al trabajo cuando sonó el celular. Faltaban quince minutos para las 14 y la noticia que recibió la desesperó: su hijo Joaquín (12) había tenido un accidente y lo estaban trasladando de urgencia a un hospital de alta complejidad en San Martín de los Andes, Neuquén.

“Joa”, como lo llamaba su papá, había viajado el día anterior con los Exploradores de Don Bosco a un campamento en Junín de los Andes. Era la primera vez que iba. Mientras jugaba con sus compañeros, se colgó de un travesaño, el arco cedió y cayó sobre su cuerpo. El impacto afectó principalmente la zona del pecho.

Cuatro horas después de ese llamado, Serena y su marido, Adrián Gatto (40), estaban en Aeroparque. Consiguieron dos pasajes para volar esa misma tarde, aunque por separado. Ella salió a las 18; él, a las 20. Les dijeron que fueran a Neuquén porque planeaban trasladarlo a una terapia intensiva pediátrica que hay allí. Pero cuando Serena estaba en viaje, el cuadro de Joaquín se agravó y debieron operarlo de urgencia. “Se moría”, les dijeron.

Serena aterrizó en Neuquén y desde allí recorrió cinco horas por ruta hasta el Hospital Carrillo de San Martín de los Andes. Llegó cerca de las dos y media de la madrugada del 5 de enero. Esa misma tarde, los médicos le confirmaron que Joaquín tenía muerte encefálica. El caso, caratulado como “homicidio culposo”, es investigado por la fiscalía de Junín de los Andes, a cargo de Gastón Ávila.

A un mes y siete días del trágico hecho, sus padres impulsan un proyecto de ley para que los arcos deportivos estén obligatoriamente fijados al suelo. “Esto era completamente evitable. La pérdida de un hijo es un vacío que no tiene… no tiene palabras. Es inimaginable el dolor”, le dicen a Infobae.

Antes del campamento

Adrián y Serena son una familia ensamblada. Ella trabaja como administrativa en el Hospital Durand por la mañana y como cajera en un supermercado por la tarde; él es vendedor en la misma sucursal. Aunque ambos tienen hijos mayores de relaciones anteriores, Joaquín era el único que compartían y con quien convivían en su casa de Ramos Mejía. Entre los dos, cuentan, se turnaban para llevarlo y retirarlo de la escuela, la N°126 “Prof Daniel Daleffe”.

“Joa era fanático del Fortnite. Le gustaba jugar al fútbol y grabar videos para TikTok. Soñaba con ser un youtuber famoso”, cuenta Adrián. Juntos disfrutaban de mirar capítulos de Demon Slayer, una serie de manga y animé japonés. “En el último tiempo, había empezado a escucharla en su idioma original, en japonés”, agrega.

Serena lo describe como un chico “dulce, cariñoso y solidario”. “Cuando sus compañeros se peleaban, él mediaba para que se arreglaran. Siempre fue de unir”, cuenta. A la noche, antes de acostarse tenían un ritual: él le pedía que le acariciara la cabeza o le rascara la espalda. “Era un nene muy inocente”, dice. “La semana próxima, el 18 de febrero, cumple 13 años. Hablo en presente porque sé que él está con nosotros”, dice Serena.

Joaquín llegó a los Exploradores de Don Bosco hace dos años. No estudiaba allí, pero el grupo lo entusiasmó. Adrián había sido explorador cuando era chico y quiso que su hijo viviera esa experiencia. “Lo animamos para que vaya y expanda su círculo de amigos. Es un lugar sano para estar”, explica.

El accidente

El campamento se realizó en el predio del Colegio Salesiano Ceferino Namuncurá, en Junín de los Andes. Habían viajado 190 chicos y la estadía estaba prevista por ocho días. “Viajaron el 3 de enero, llegaron el 4, bajaron las cosas del micro, armaron las carpas y se pusieron a jugar”, repasa Serena. Mientras los coordinadores organizaban la siguiente actividad, Joaquín se colgó del travesaño de un arco de fútbol. La estructura cedió y cayó sobre su cuerpo. El golpe fue directo en el tórax y lo dejó inconsciente.

Según la reconstrucción de sus padres y la información preliminar incorporada a la investigación, el arco no estaba fijado al suelo. Medía aproximadamente ocho metros de largo por dos de alto y estaba construido con caño tubing de siete centímetros de diámetro. “Una persona sola no lo podía levantar, era muy pesado”, describen.

Tras el impacto, Joaquín fue trasladado en una camioneta hasta el hospital de Junín de los Andes, donde sufrió un paro cardiorrespiratorio. Lograron reanimarlo, pero el cuadro era crítico: tenía una contusión pulmonar, fracturas costales múltiples, una lesión en la aurícula del corazón y había perdido una importante cantidad de sangre.

Ante la gravedad, lo derivaron en código rojo al hospital de San Martín de los Andes, con custodia policial. Ingresó directamente a terapia intensiva. Allí los médicos constataron una laceración de dos centímetros en el corazón y lo operaron de urgencia para colocarle un catéter cardíaco.

Mientras era intervenido, sus padres volaban desde Buenos Aires hacia Neuquén.

—¿Qué recuerdan del momento en que pudieron verlo por primera vez?

Serena: Entramos a la madrugada. Antes de dejarnos pasar a la habitación nos explicaron qué era lo que íbamos a ver. Estaba con respirador y drenajes en los pulmones. Su corazoncito no funcionaba solo. Nos dijeron que le habláramos, que lo tocáramos, pero que no nos iba a responder porque estaba totalmente sedado. A la mañana siguiente vimos que lo movían para hacerle una tomografía y ahí se nos encendió una pequeña esperanza. “Si lo movieron, es porque mejoró”, pensamos. Después volvieron y nos dijeron que la tomografía había confirmado muerte encefálica. Yo estaba desorientada. La médica me miró y me dijo: “Tu hijo ya no está en ese cuarto”. Fue la forma más sutil y amorosa que encontró para decirme que Joaquín había partido.

—¿Cómo fue la decisión de donar los órganos de Joaquín?

Serena: Enseguida se acercaron del INCUCAI y, con mucho respeto, nos preguntaron si queríamos donar. Al principio dijimos que no, porque Joaquín había pasado por mucho. Nos dejaron pensarlo a solas un ratito y cuando volvieron dijimos que sí. Dio sus riñones y sus córneas. Le cambió la vida a cuatro niños.

—Ese 3 de enero, ¿qué se dijeron antes de que subiera al micro?

Adrián: Yo siempre le decía “Te quiero mucho”. Pero ese día, no me preguntes por qué, le dije: “Te amamos mucho”. Me abrazó y lo abracé. Eso fue lo último. “Te amamos mucho”.

Serena: Yo, el “Te amo” se lo decía todo el tiempo. Ese día fue lo mismo. Lo abracé y le dije: “Te amo mucho. Cuidate. Portate bien. Hacé caso. No te separes del grupo”. Las recomendaciones que da una mamá. Todas menos: “No te cuelgues de un arco”. Eso nunca me lo imaginé. Lo despedimos con un abrazo y regresamos con sus cenizas en una urna.

—¿Cómo nació la idea de impulsar una ley con su nombre?

Adrián: La idea fue de ella. Lo sintió.

Serena: Es un norte para levantarnos todos los días. La pérdida de un hijo es un vacío que no tiene… no tiene palabras. Es inimaginable el dolor. Creo que la misión de Joaquín, quizás su propósito, fue dejarnos esta tarea: que él sea el último. Que no vuelva a pasar. Hay varios antecedentes.

Adrián: Sí, buscando información encontramos cinco casos en 2025. Y, en 2022, 2021 y 2020 hubo al menos un caso fatal cada año. Hace un mes no lo sabía. Hoy me parece algo completamente evitable. Por eso proponemos una ley nacional. De hecho ya nos reunimos con dos diputados nacionales y la idea es presentar el proyecto. Esto es sin bandera política, por Joa y por los que se fueron antes que él. Es por y para los chicos. No puede pasarle a nadie más.

Serena: Si la gente quiere apoyarnos, tenemos una cuenta en Instagram, leyjoaquin_, y en TikTok, ley_joaquin, para que esto se visibilice y no quede en la nada. Sé que Joaquín va a salvar muchas vidas.

Los puntos principales del proyecto “Ley Joaquín” incluyen:

• Obligatoriedad de medidas de seguridad: Instalación, sujeción y mantenimiento obligatorio de arcos de fútbol, hockey, handball, rugby, aros de básquet y postes de vóley en espacios públicos y privados destinados a prácticas deportivas recreativas.
• Anclaje o contrapeso obligatorio: Los arcos de más de 20 kilos deberán contar con sujeción, anclaje o sistemas de contrapeso permanentes o removibles.
• Protección de superficies: Colocación de protectores acolchonados en columnas, paredes y postes para amortiguar impactos.
• Controles e inspecciones técnicas: Verificación periódica a cargo de profesionales matriculados, quienes deberán emitir certificaciones de aptitud técnica.
• Adecuación en plazo determinado: Las instalaciones tendrán un plazo máximo de un año para cumplir con la normativa.
• Multas y sanciones: Se establecen penalidades para las instituciones que incumplan la ley.

Arco es una película animada de ciencia ficción estrenada en 2025, escrita por Ugo Bienvenu y Félix de Givry, dirigida por Ugo Bienvenu y Gilles Cazaux y coproducida por Natalie Portman. La historia sigue a Arco, un niño de diez años que vive en el año 2932 y que, por un accidente, viaja al año 2075. Allí conoce a Iris, una niña de su misma edad que lo ayuda a intentar regresar al futuro después de que su dispositivo de viaje en el tiempo se rompe, mientras ambos son perseguidos por tres conspiracionistas empeñados en demostrar que Arco viene del futuro. La película se presentó en una proyección especial en el Festival de Cannes y fue nominada a importantes premios como los Oscar, los Globos de Oro y los Critics’ Choice Awards.

El proyecto se desarrolló de una forma poco convencional, ya que Bienvenu construyó la película a partir de dibujos e ideas visuales antes de contar con un guion completo. Tras varios años de trabajo en storyboards y un animatic financiado de manera independiente, el equipo logró asegurar apoyo económico y completar la producción en poco más de un año. Arco se define como una historia optimista y colorida que transmite un mensaje de esperanza y ternura, usando el viaje en el tiempo como metáfora de un futuro mejor para la humanidad. Según su director, la película busca ser “un gran abrazo” y un recordatorio de la importancia de creer en un mañana más luminoso.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Ugo Bienvenu en video, o a leer una transcripción.

—Felicitaciones y también por las nominaciones. En primer lugar, quería preguntarte, porque hoy en día tenemos tantas películas animadas y son… Uhm, utilizan una tecnología increíble y muy cara, y aquí tenemos una animación mucho más sencilla… Y quería preguntarte, ¿por qué sentiste que esta era la mejor manera de contar esta historia?

Ugo Bienvenu: —Porque, de hecho, para mí, uhm… No hay tanta magia en el 3D como en el 2D. Como has dicho, hay mucha técnica y aspectos tecnológicos en… La nueva industria de la animación. Y, de hecho, creo que con tanta tecnología perdemos la esencia de lo que nos hace humanos. Y, para mí, lo que nos hace humanos no es… La perfección. Lo que reconocemos en nosotros no es la perfección y… Y también lo que suelo decir es que… Uhm, que el dibujo me enseñó que, uhm… Uhm, lo que nos hace ser lo que somos es la calidad de nuestros errores. No son nuestros logros, de hecho… Los seres humanos no logramos tantas cosas, ya sabes, nunca hacemos todo perfecto.

Así que nosotros… Por ejemplo, siempre prefiero los errores humanos a los errores informáticos. Y cuando trabajas en 3D, siempre estás limitado por la máquina y no por ti, ya sabes, y para mí los límites de los seres humanos son mucho más interesantes que los límites del 3D. Y también, como… Sí, se trata de magia y, para mí, las películas que más me gustan, son las películas en 2D. Y, además, yo mismo soy diseñador gráfico y quería que la película se viera exactamente como mis dibujos, así que para mí era normal que fuera así… Ni siquiera me lo pregunté.

—Claro, fue una elección natural, claramente. Uhm, así que también quería hablar de la historia y, en particular, de la fuerte conexión entre los dos personajes, entre los dos niños. ¿Qué era tan importante mostrar sobre esta conexión en particular?

Ugo Bienvenu: —Siento que nos estamos adentrando en un mundo de indiferencia. Y quería mostrar en esta película que lo que nos hace humanos y lo que hace que la vida sea más hermosa es… Compartir esta vida juntos y el tiempo y el espacio juntos. Y, sí, la película se trata sobre… Uhm, lo que nos hace humanos, lo que… Lo que hace que la vida sea más bella y creo que es el amor y la amistad, y parece estúpido… Puede parecer estúpido, pero hoy en día creo que es importante volver a decirlo.

—Completamente. Sí, no está de más. Y entiendo que eres padre y, uhm… Y estabas pasando por este proceso y rodando esta película. Así que quería preguntarte si esto cambió tu perspectiva de alguna forma.

Ugo Bienvenu: —Quería tener hijos antes de empezar la película y tuve mi primer hijo un año después de empezar y… Mi segundo hijo, seis meses antes de terminarla. De hecho, no cambió mucho lo que quería hacer, pero, uhm… Y cómo lo hice, porque cuando empecé la película, era, como… Uhm, cuando era niño, pensaba que nadie respetaba al adulto que había en mí cuando era niño. Y ahora que soy adulto, siento que mi niño interior no es respetado, ya sabes, en cierto modo. Así que intenté hacer las películas, esta película, para toda familia y, ya sabes, estas… Estas cuatro personas, los niños que son adultos y los adultos que son niños. Pero desde el principio supe que quería hacer una película para mis hijos, tal vez, y para los niños… De todo el mundo. Para darles un poco de esperanza en un mundo, en el mundo en el que están viviendo, ¿sabes? Y porque el mundo es duro y quería darles ternura y esperanza. Quería darle un abrazo a todo el mundo.

—Bueno, sí, sin duda es un verdadero consuelo y… Y así es como se siente, así que… Así que, de nuevo, felicitaciones. Y también quiero hablar de… El aspecto, como, futurista de la película sobre las casas, las cúpulas y… ¿Cómo...? Quiero decir, ¿cómo quisiste mostrar todo eso? ¿Cuándo decidiste hacerlo? ¿O quizá fue un proceso realmente largo?

Ugo Bienvenu: —De hecho, llevo trabajando en ciencia ficción desde hace más de 10 años. Entre 10 y 15 años… Uhm, el mundo de Iris para mí, ya aparece en mucho de mi trabajo, y para mí no es un futuro… Ni siquiera es futuro. Es nuestro mundo. Solo lo hago un poco más atrevido, ya sabes, yo solo le pongo esteroides a las cosas. Uhm, Mikki solo está encarnando a la IA. Nuestras sesiones de Zoom se convierten en sesiones holográficas, pero, de hecho, ya estamos en el mundo de Iris. Solo hago las cosas más grandes para que puedas ver los problemas y lo que estamos pasando. Los incendios, ya sabes, todo el… Aspecto climático de la película, ya está aquí. Yo no... No añadí nada.

También porque quería decirles a los niños y a los padres que… ¿Cómo decirlo? Que los miraran a los ojos y les dijeran: “Este es el mundo en que vivimos.” Y no es que por ser así no pueda cambiar, pero nuestros actos, lo que… Pensamos, lo que imaginamos, puede hacer… Quizá pueda cambiar el mundo, ya sabes, así que… Y también era para hacer que la gente se sintiera responsable en cierto modo y decir: “Sí, si quieres que las cosas cambien, tienes que luchar por ello.” “Tienes que pensar en ello. Tienes que imaginarlo.” Sobre todo, tienes que imaginarlo porque… Todo lo que imaginamos termina en el mundo, como seres humanos, ¿sabes? Y es mucho más fácil imaginar lo peor… Uhm, pero creo que… Y esa es la tendencia más fácil. Pero creo que si nosotros… Ahora realmente tenemos que intentar imaginar lo mejor y eso es, honestamente, más agradable. Así que, deberíamos. Pero tenemos mala predisposición para eso.

—Y quiero hablar del doblaje de la película sobre, ya sabes, terminas con voces en inglés como Mark Ruffalo, Will Ferrell, America Ferrera, Andy Samberg… Bueno, Natalie Portman, por supuesto, quien también forma parte del proyecto. Y... ¿Cómo lo hiciste? Quiero decir, sé que es un proceso muy largo y sé que es importante tener nombres como estos para, ya tú sabes, destacar y salir ahí fuera. Así que… ¿Puedes decirme cómo...? ¿Cómo fue? ¿Cómo conseguiste lograrlo?

Ugo Bienvenu: —De hecho, vendimos la película en todo el mundo con el doblaje francés, la versión francesa, que es la original. Y en Francia contamos con unos actores realmente buenos, y… En Francia, hicimos la película con amigos nuestros, que son bastante conocidos, pero queríamos divertirnos. Y queríamos jugar, ¿sabes? Así que… Y, nosotros… Félix y yo, mi compañero, actuamos en una película hace 10 años, de Mia Hansen-Løve. Y allí, en esa película, conocimos a toda la generación de actores que ahora son muy conocidos. Así que fue muy divertido actuar con grandes actores que conocíamos, y sin ningún tipo de… Uhm, cómo se dice... Por dinero, ya sabes, solo disfrutando. Y queríamos hacer lo mismo con la versión en inglés. Así que, Natalie, Sophie y Félix, mi compañero, me pidieron que hiciera una lista de las personas con las que me gustaría trabajar. Así que hice la lista y… Teníamos a todos los que quería porque Natalie los llamó ella misma y no a través de su agente, ya sabes, así que… Todos dijeron que les enviáramos la película y que lo pensarían, ¿sabes? Así que enviamos la película y dos horas más tarde, todos dijeron que sí.

Y ni siquiera hablamos de dinero, ¿sabes? Así que fue realmente algo… Creo que todos lo hicieron por sus hijos, por… Lo que significaba la película en ese momento. Así que fue así, sí. Y también lo que suelo decir es que… Había actores tan locos que no quería que simplemente copiaran y pegaran la versión francesa porque habría sido como sujetar los caballos, ¿sabes? Solo quería que se sintieran lo más libres posible para… Poner todo lo que necesitaban y querían en la película. Así que sí, yo no quería copiar y pegar. Solo quería mantener la esencia. Así que cambiamos ligeramente las frases para que quedaran mejor, ya sabes, cosas como esas. Y vi algunas de las… Pequeñas partes de la versión española y… Me siento muy afortunado también. Porque es súper divertido.

—Tengo muchas ganas de ver la versión española. La vi en francés, pero tengo muchas ganas de ver las otras versiones para compararlas. Además, para terminar… Ya sabes, ¿qué opinas...? ¿Qué crees que es lo más importante? Porque sé que fue un proceso muy largo. Invertiste tu tiempo, tu dinero. Para que esto pudiera existir. Y ahora, quiero decir, hay muchísimas, ya sabes, recompensas y agradecimientos por parte de todos. Entonces, ¿qué crees que es lo más importante para ya sabes, mantener las esperanzas y no frustrarse en el proceso? ¿Qué dirías que es?

Ugo Bienvenu: —¿A qué te refieres? ¿Lo que… Más me gustó de hacer esta película o...?

—Sí, pero también, uhm, ya sabes, en momentos en los que piensas: “Okey...” Estoy segura de que hubieron momentos en los que te sientes frustrado y piensas: “Dios mío, quiero avanzar...” ¿Cómo logras, ya sabes, sobreponerte y decir “¿Sabes qué? Vamos, vamos. Podemos hacerlo.”? ¿Cuál es tu consejo o qué dirías que te ayudó a lo largo de este proceso?

Ugo Bienvenu: —Sinceramente… Tienes que trabajar con personas que amas. Porque… Cuando las cosas se ponen difíciles, son… Son las personas… Que amas quienes te traen de vuelta al juego, ¿sabes? Y cuando caes, son las personas que amas las que hacen que vuelvas, ¿sabes? Y también… Sí, me encanta estar con alguien, incluso en tu vida privada con alguien que… Cree en ti, y… El amor es muy importante.

—Esa es la respuesta perfecta. Muchas gracias por tu tiempo. Y, de nuevo, felicitaciones por una película tan hermosa.

Ugo Bienvenu: —Muchas gracias, gracias por tu tiempo. Adiós.

Existe la posibilidad de que las virtudes que convierten a esta película en una curiosidad atractiva para los aficionados a la ciencia ficción de todas las edades puedan alejar, en realidad, a los niños. Quienes esperen una experiencia ruidosa y frenética como Shrek o Zootopia probablemente se aburran. Pero niños más pacientes y adultos de mente más abierta probablemente se conmuevan ante este extraño encanto.

En el centro de la película está el vínculo entre dos preadolescentes precoces: Iris (voz de Romy Fay), una niña que pasa muchas horas sola en el incierto año ecológico 2075, y Arco (Juliano Krue Valdi), un viajero accidental en el tiempo que aterriza en la solitaria vida suburbana de Iris desde varios siglos en el futuro.

Como Marty McFly 120 años antes que él, Arco queda varado en una era primitiva con una máquina del tiempo sin energía, obligado a evitar ser descubierto hasta que él y su peculiar aliada encuentren la manera de devolverlo al futuro lejano. Si eres de los que creen en la posibilidad de que los arcoíris sean evidencia de turistas temporales entre nosotros —como sugiere Bienvenu—, te espera una aventura encantadora y sutilmente provocadora.

Provocadora porque Bienvenu (quien comparte el guion con Félix de Givry) introduce conceptos como el viaje en el tiempo, la conciencia de la inteligencia artificial e incluso la virtud, sin precisar cómo funcionan en ese mundo. Estas ideas son tan omnipresentes y misteriosas como la mayoría de los aspectos de la vida adulta y la responsabilidad para un niño. Los guionistas también evitan explicar en exceso los detalles sociológicos de las dos épocas de la historia, permitiendo que el espectador interprete por qué ambos periodos parecen curiosamente despoblados según su propio optimismo o pesimismo.

Iris y sus vecinos parecen formar parte de una capa privilegiada de la sociedad de los años 2070, con casas unifamiliares protegidas de tormentas eléctricas y incendios por biocúpulas transparentes. Los padres de Iris, doblados en inglés por Portman y Mark Ruffalo, trabajan en “la ciudad”, aparentemente a más de un simple viaje en tren de distancia. Salvo por cenas familiares mediante hologramas y algunos cuentos antes de dormir, los adultos regresan con Iris y su hermano pequeño Peter solo los fines de semana, delegando las tareas cotidianas de crianza al ingenioso robot doméstico Mikki. (Portman y Ruffalo ponen voz al androide, sugiriendo que ha sido personalizado para reflejar a sus dueños, algo ausente en la versión original francesa, donde el director Bienvenu da voz a Mikki).

Más allá de robots privados como Mikki, parece que todos los trabajos públicos esenciales, incluidos maestros y servicios de emergencia, están en manos de robots en 2075. Las aulas inmersivas tipo “esfera” de la escuela de Iris, completamente autónomas y sin adultos de carne y hueso, son uno de los recursos visuales más impactantes que “Arco” presenta sin comentarios.

La visión que ofrece la película del tiempo natal de Arco es más limitada. La humanidad vive entre las nubes, en viviendas parecidas a casas en árboles lujosas más que a rascacielos, para permitir que la Tierra “descanse”, según le cuenta Arco a Iris. Sus padres y su hermana mayor realizan excursiones regulares al pasado para recuperar y repoblar especies de flora y fauna extintas.

Arco debe quedarse atrás porque los menores de 12 años no pueden volar, un requisito aparentemente necesario para viajar por los siglos. No queda claro si las capas multicolores —auténticos abrigos de ensueño que envidiaría el mismo José— son para viajar en el tiempo o solo para desplazarse por el aire, un detalle que Bienvenu y su equipo dejan a la imaginación. (Aviso para padres: “Arco” incluye más de una escena en la que su protagonista salta desde una azotea para probar la capacidad antigravitatoria de la capa que tomó prestada de su hermana).

La mayor parte de la película transcurre en la relativa edad oscura de 2075, donde Iris debe proteger a Arco de un trío de individuos con gafas de sol, vestidos cada uno de rojo, azul y amarillo, que lo persiguen con intenciones desconocidas. Las voces en inglés son de Will Ferrell, Andy Samberg y Flea, lo que deja claro desde el principio que son más torpes que amenazantes. Aun así, representan suficiente peligro como para que Iris termine solicitando ayuda a sus padres, enfrentándose como tantos otros protagonistas jóvenes al desafío de convencer a los adultos de que la increíble historia que cuenta es cierta.

Arco recuerda que la suspensión de la incredulidad es una cualidad juvenil que vale la pena conservar.

Fuente: The Washington Post

Un biombo realizado por Salvador Dalí a los 19 años, encargado por su hermana y con influencias asiáticas, forma parte destacada de las 81 obras adquiridas mediante compra por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía durante el año 2025. Según informó el propio museo a través de un comunicado y consignó el medio de origen, la incorporación de estas piezas, junto con otras donaciones y depósitos, eleva a 404 el total de nuevas obras sumadas a la colección, cuyo valor global asciende a 10,6 millones de euros. Esta ampliación refuerza la representación femenina y la integración de artistas internacionales y emergentes en el repertorio institucional.

De acuerdo con lo publicado por la fuente original, en el conjunto de adquisiciones del Reina Sofía durante 2025 figuran nombres relevantes como Juan Genovés, Joan Fontcuberta, Victoria Civera, Manuela Ballester y Ángela de la Cruz, junto con figuras extranjeras entre las que destacan Judy Chicago, Giuseppe Campuzano, Marta Minujín y la artista palestina emergente Lara Salous. En total, estas obras proceden de 130 artistas diferentes, manifestando tanto la diversidad como el enfoque internacional en la selección reciente.

Tal como detalló el medio de comunicación, la obtención de las nuevas piezas artísticas se efectuó a través de varias vías: donaciones, compras financiadas por el propio museo o por el Ministerio de Cultura, y el depósito de la Fundación Museo Reina Sofía. Dentro del conjunto comprado, el Estado, por medio del Ministerio de Cultura, destinó una aportación especial de 2.206.389,11 euros, que permitió adquirir 81 obras por un total de 2,4 millones de euros. El resto corresponde a donaciones y obras depositadas, con 249 piezas donadas por diversos artistas y familias, y un valor contable de 3,065 millones de euros.

Un aspecto subrayado por la institución, según recogió la fuente, se refiere a la inversión orientada a incrementar la presencia de mujeres artistas: el 58,6% de los fondos empleados en compras correspondieron a obras realizadas por mujeres. No obstante, la distribución por número de artistas favoreció a los hombres: se adquirieron obras de 12 mujeres frente a 23 hombres entre las compras gestionadas por el Reina Sofía y el Ministerio de Cultura.

El proceso de adquisición y expansión de la colección del Reina Sofía se sostiene en tres pilares: compras efectuadas con recursos del museo y donaciones directas a la institución; adquisiciones sufragadas por el Ministerio de Cultura, que incluyen tanto compras efectuadas en la feria ARCO como en subastas avaladas por la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico; y depósitos procedentes de la Fundación Museo Reina Sofía. El objetivo, según el comunicado citado, apunta a incluir creadores previamente ausentes en la colección o cuyo trabajo estaba insuficientemente representado, así como piezas que dialoguen y establezcan vínculos conceptuales o históricos con obras ya presentes en el museo.

La ampliación también refleja un interés por fortalecer las líneas curatoriales del Reina Sofía, que abogan por la visibilización del arte creado por quienes promueven la igualdad de género, racial o cultural, de acuerdo al museo. La estrategia curatorial se orienta, según reportó la fuente, a diversificar la colección a través de trabajos que exploran y amplifican discursos sociales del siglo XX y las primeras décadas del XXI.

Entre las 81 adquisiciones figura el ya mencionado biombo de Dalí, obtenido mediante una puja en una subasta, un retrato de José de Togores, un bodegón de Celso Lagar, tres obras modernistas catalanas de Alexandre de Riquer y la pieza titulada 'Indolencia de 1920', creación de Ramón Jou Senabré. El museo también incorporó trabajos de Maruja Mallo, Delhy Tejero, Esther Boix, Carmen Pagés, Amèlia Riera, Judy Chicago, Isidoro Valcárcel, Isaac Díaz Pardo, Manuel Colmeiro y Urbano Lugrís, entre otros.

El segmento de donaciones aportó al patrimonio del museo 249 obras provenientes de 42 artistas, incluyendo seis piezas de Juan Genovés cedidas por su familia y la empresa familiar Trabajo ETRA. A las donaciones se suman obras de Soledad Sevilla, Juan Uslé, Miguel Benlloch, José Luis Tirado, Chus Burés, Alberto García Alix y Cees Van Gelderen. La Colección Baez-Tavárez donó un conjunto de 19 obras, con trabajos de Ernest Lothar, George Hausdorf, Joan Junyer Pascual-Fibla y José Vela Zanetti, y también se añade el Archivo de Ignacio Gómez de Liaño.

Recientes incorporaciones muestran una orientación hacia la recuperación y valorización de la obra de mujeres artistas, incluyendo la inclusión de cerámicas de Mercedes Amat, elaboradas en colaboración con Jacint Bofarull en los años 1965 y 1966, donadas por familiares. Instituciones como la Galería Juana de Aizpuru han cedido una escultura inicial de Cristina Iglesias, mientras que de la colección de Laia Abril han ingresado tres piezas de la serie 'On Rape', relacionadas con el ensayo fotográfico sobre la violación a raíz del caso de La Manada, según puntualizó la fuente mencionada.

En suma, según informa el medio de origen, la política de adquisiciones y ampliación de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2025 ha priorizado la introducción de artistas y discursos poco representados previamente, con una atención especial a la diversidad de género, origen y generación, además de fortalecer el fondo artístico con piezas de relevancia histórica y social.

Según el testimonio, el accidente ocurrió tras finalizar un entrenamiento, cuando el arco cayó e impactó la cabeza del niño. “Tuvo un impacto tan certero que se le desconectó la cabecita y quedó simplemente asistido y mecánicamente para que pueda tener el mejor final posible, fue en el hospital de El Cruce, ya al día siguiente”, detalló la familia. La desesperación movilizó a padres y profesores, quienes trasladaron a Benicio en auto al Hospital Isidoro Iriarte. Allí, el niño ingresó en estado crítico, con paro cardiorrespiratorio, y los médicos evaluaron la posibilidad de una intervención neurológica de urgencia.

El club no brindaba soporte ni ayuda suficiente a la actividad de básquet, según denunciaron los padres. “La actividad no tenía ayuda del club, en absoluto. Si faltaba una pelota, si había que arreglar una red o un tablero, éramos los padres quienes lo hacíamos y quienes pagábamos de nuestro bolsillo”, expresaron en diálogo con Radio Mitre. Los arcos de handball nunca estuvieron amurados, pese a que padres y entrenadores habían señalado la situación en cartas y reclamos, pero la respuesta, afirman, fue siempre nula.

La relación con la dirigencia quedó marcada por la distancia. “A La Rosa (presidente) lo vi ayer en el hospital, nunca participó de la actividad, no conocía a Benicio, ni a ningún otro niño. La respuesta del club fue háblenle al profe, que es otro papá más”, denunciaron. Para los padres, las prioridades del club estaban en el fútbol, mientras que otras disciplinas carecían de atención e inversión.

El impacto del hecho dejó una huella inolvidable entre los compañeros y familias. “Hoy para nosotros el tiempo se detuvo y nuestro interés es que esto sea visible, que alguien sea responsable y que deje un precedente para que no le pase a otro chico”, afirmaron. También remarcaron: “Los compañeritos y la gente de básquet están aterrorizados, no quieren volver, tienen miedo. Mi hijo mayor, de doce años, vio a su hermano tendido en el piso con un charco de sangre y el arco encima. Eso lo vieron todos los nenes”.

Tras el accidente, Benicio fue sometido a estudios tomográficos y cirugías. El pronóstico era grave desde el primer momento debido al traumatismo craneoencefálico severo y hemorragias internas. Los profesionales del hospital quilmeño lograron estabilizarlo, pero el cuadro se agravó y tuvo que ser derivado al Hospital de Alta Complejidad El Cruce, donde finalmente confirmaron su muerte cerebral.

El Club Atlético Argentino de Quilmes informó la muerte de Benicio Farji mediante un comunicado oficial en el que expresó sus condolencias a la familia y resolvió suspender todas las actividades hasta el lunes 3 de noviembre. La noticia generó un profundo dolor en Quilmes, donde la comunidad educativa y deportiva sigue conmocionada por lo ocurrido.

“Agradecemos mucho tu presencia. Que esto sirva para que no le pase a otro chiquito”, cerraron los padres en la entrevista.

Benicio, alumno del colegio Nazareth, participaba de una actividad grupal en las instalaciones de la entidad cuando ocurrió el accidente. Según testigos, uno de los chicos intentó treparse a un arco de handball. El elemento, al no encontrarse debidamente amurado al suelo, cedió y cayó sobre él, generando un impacto directo en la región occipital de la cabeza.

La fuerza del golpe desencadenó consecuencias severas: traumatismo craneoencefálico, hemorragia otorrinofaríngea y un episodio de paro cardiorrespiratorio que requirió intervención médica inmediata, según le indicaron a Infobae.

El niño fue sometido a estudios tomográficos, los cuales confirmaron la presencia de graves lesiones craneales y hemorragia intracraneal, complicaciones que condicionaron de entrada el pronóstico.

En un intento por estabilizarlo, el personal médico identificó además un cuadro abdominal agudo, por el cual fue necesaria una cirugía de urgencia. La intervención en el quirófano del hospital quilmeño resultó positiva, aunque el cuadro general del paciente seguía siendo de máxima gravedad.

El Ministerio de Cultura, en su cuenta de X, se hace eco de la muerte de Helga y recuerda que, "tras toda una vida dedicada al arte", recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2008.

"Su trayectoria y su legado pervivirán siempre en nuestra memoria a través de su colección y del Museo Helga de Alvear", indica el departamento que dirige Enerst Urtasun.

Para el ministro, la galerista alemana, con quien se encontró hace un año cuando recibió la Medalla al Mérito Cultural de la República portuguesa, "ha educado, durante décadas, nuestra mirada sobre el arte contemporáneo" y ha generado "espacios de libertad en torno a la creación artística".

También el Museo de Arte Reina Sofía lamenta en la red social X el fallecimiento de Helga de Alvear, "una figura fundamental para el arte contemporáneo de nuestro país".

"A lo largo de su vida, Helga desempeñó un papel crucial como coleccionista, mecenas y galerista, contribuyendo de manera significativa al enriquecimiento del panorama cultural internacional" , pone de relieve el museo madrileño, tras resaltar también que su destacada colección dio origen al Museo de Arte Contemporáneo que lleva su nombre en la ciudad de Cáceres, "un espacio fruto del compromiso de la coleccionista con el arte contemporáneo".

Igualmente, ARCO, la feria de arte de la que fue impulsora, se despide de ella en X "con profunda tristeza" y la define como "figura esencial en la historia del arte contemporáneo", además de destacar su "papel fundamental en el impulso del coleccionismo".

Desde Extremadura se destaca el gran regalo que Helga le ha hecho a Cáceres con su Museo de Arte Contemporáneo, inaugurado el 25 de febrero de 2021 por los reyes, que alberga unas 3.000 obras y reúne la más importante colección privada de arte contemporáneo internacional de España y de las más relevantes de Europa.

La presidenta de extremeña, María Guardiola, indica en X el legado que deja la desaparecida coleccionista "perdurará en el Museo de Arte Contemporáneo de Cáceres, y en la inspiración que deja en creadores y amantes del arte".

El Ayuntamiento de Cáceres, en la misma red social, señala que Alvear "deja un legado cultural impagable, que sitúa a Cáceres a la vanguardia del arte contemporáneo en el mundo y por el que la ciudad estará eternamente agradecida".

También el secretario general de los socialistas extremeños y presidente de la Diputación de Badajoz, Miguel Ángel Gallardo, le da las gracias en su perfil de X por su "afán incansable por desarrollar y promover el arte contemporáneo en Extremadura" y por haber elegido Cáceres para erigir su museo, "meca de artistas y fanáticos de este tipo de arte". EFE

Nacida en 1936 en la ciudad de Kirn/Nahe (Renania, Alemania) Helga de Alvear se afincó en Madrid tras casarse en 1959 con el arquitecto español Jaime de Alvear y en 1967 compraron su primera obra de arte.

El Museo de Arte Contemporáneo Helga Alvear, inaugurado el 25 de febrero de 2021 por los reyes, alberga unas 3.000 obras y reúne la más importante colección privada de arte contemporáneo internacional de España y de las más relevantes de Europa.

Cuenta con pintura española de los años 60 y 70 y obras de escultores nacionales de los 80 y 90, así como de creadores internacionales y clásicos contemporáneos. Entre otros nombres destacan los de Jeff Wall, Donald Judd, Rebecca Horn, Marina Abramovic, John Baldessari, Jean-Marc Bustamante y Mona Hatoum.

En una entrevista con Efe, la galerista y mecenas admitía que su "vicio" por comprar obras era cada vez mayor y que el arte, como le ha ocurrido a ella, hay que aprenderlo con los años, como una carrera universitaria.

Contaba que, siendo niña, le gustaba coleccionar piedras duras que encontraba en el río Nahe, provenientes de un yacimiento cercano a su casa y que, posiblemente, las formas, texturas y colores de esa primera colección de objetos naturales allanaran el camino hacia su posterior fascinación por el arte abstracto.

Tras la Segunda Guerra Mundial, que acaba cuando ella tiene 9 años, Helga de Alvear estudió en el colegio de Salem en el lago de Constanza, así como en Lausana y Ginebra, Suiza.

Después amplió estudios en Londres durante un año; en 1957, con 21 años, viajó a España para aprender el idioma, se casó con Jaime de Alvear y junto a él visitó con frecuencia el Museo del Prado, donde quedó prendada de obras como La Anunciación de Fra Angelico o la última etapa de Goya, artista del que adquiriría una primera edición de Los Caprichos décadas más tarde.

El origen de la Colección Helga de Alvear se remonta a 1967, momento en el que la galerista alemana conoce a Juana Mordó, entra en contacto con los artistas del grupo de Cuenca y de El Paso y se va interesando cada vez más por la escena artística española.

Su primera adquisición fue una pintura de Fernando Zóbel pagada a plazos y, desde entonces, Helga sigue adquiriendo obras que en muchas ocasiones regala a sus amigos y personas queridas de su entorno.

En enero de 1980 entra a trabajar en la galería Juana Mordó: son años de aprendizaje, tanto en cuestiones de gestión como en un mayor conocimiento del mundo artístico internacional, especialmente a través de ferias como Art Basel y la Fiac en París.

En 1982 se convierte en una de las galeristas que apuestan por innovar la escena española con la creación de la feria de arte contemporáneo ARCO.

Con el paso del tiempo, la implicación de Helga de Alvear en la galería de Juana Mordó se hace cada vez más importante hasta que, con la muerte de Juana en 1984, toma las riendas.

Durante los siguientes diez años seguirá las enseñanzas y el modelo, tanto artístico como de gestión, de su mentora.

Sin embargo, en 1995 decide dar un giro a su carrera abriendo una nueva galería bajo su propio nombre en un espacio de más de 900 metros cuadrados junto al Museo Reina Sofía. En este nuevo proyecto apuesta por el arte contemporáneo más internacional con un especial interés por la fotografía y el vídeo que en el momento son casi desconocidas en España.

El deseo de compartir su pasión por el arte contemporáneo con el mayor número de personas posible y de forma permanente le llevó a dar un paso más allá: crear un museo propio acorde al siglo XXI.

En 2006 se constituyó la Fundación Helga de Alvear, en el 2010 se inauguró el Centro de Artes Visuales y en 2021 se dispuso ya de un espacio a medida para una colección que pasa a ser de todos gracias a su donación.

La revista 'Art Review' situó a la mecenas alemana entre las 100 personas más influyentes del mundo del arte internacional. Ha recibido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (Ministerio de Cultura, 2008); la Cruz de la Orden del Mérito Civil de Alemania (2014) y Premio Ceán Bermúdez de las Artes en la Real Academia de San Fernando (2023), entre otros. EFE

Madrid, 31 ene (EFE).- En 2024, Cultura invirtió 14.624.510 euros en 250 adquisiciones de pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, mobiliario, indumentaria, cerámicas y fotografías, además de fondos documentales y bibliográficos para enriquecer las colecciones de 35 instituciones públicas, un 4,7 % más en relación con el año anterior.

La obra de mayor precio ha sido 'Virgen de la Merced con dos frailes mercedarios' de Francisco de Zurbarán, en la que se han invertido 650.000 euros.

Una obra destinada a las colecciones del Museo del Prado, que también han visto incrementados sus fondos con 'La procesión de gigantes en Bruselas el 31 de mayo de 1615', de David Noveliers por un importe de 504.450 euros.

La Biblioteca Nacional de España se ha visto beneficiada con el 'Novus atlas absolutissimus', un conjunto de mapas del siglo XVII comprado por 594.000 euros.

También con el manuscrito de 'Nada' y el fondo personal de la escritora Carmen Laforet por un importe de 305.000 euros. "Se trata de dos adquisiciones que refuerzan las colecciones de archivos de escritores custodiados en la Biblioteca Nacional de España y, en concreto, incrementa los fondos documentales de mujeres creadoras", ha señalado este viernes el ministerio.

En ARCO 2024, Cultura adquirió para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía un total de 20 obras, 15 de ellas de mujeres artistas. Las compras ascendieron en esta feria, la más importante de arte contemporáneo de España, a 401.372 euros.

Para el Centro Nacional de Fotografía, cuya apertura se prevé para 2026, se ha adquirido tres fotografías de la artista Marisa González, adquiridas en ARCO por un importe de 50.820 euros.

Asimismo, 14 de los 16 Museos Estatales gestionados por el Ministerio de Cultura han recibido nuevas adquisiciones. Para el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, se han comprado dos nuevas piezas de la escultora Luisa Roldán: 'Éxtasis de la Magdalena' y 'Nacimiento', adquirida por 330.000 y 350.000 euros respectivamente.

El Museo Nacional de Artes Decorativas ha sido uno de los más reforzados con más de 162 expedientes de adquisición por un importe total de 2.196.994 euros.

Por su parte, el Museo Nacional de Arqueología (MAN) ha visto enriquecida su colección de monedas islámicas con la incorporación de piezas de la colección Tonegawa en diferentes subastas, en las que se han invertido 362.734 euros.

Con el fin de ampliar y reforzar la colección dedicada a Joaquín Sorolla, con motivo de la celebración del centenario de su muerte, el ministerio ha adquirido tres nuevas obras destinada a su casa-museo ubicada en Madrid: 'Plasencia', adquirida por 300.000 euros; 'Retrato del Dr. Francisco Rodríguez Sandoval', por 275.000 euros; y 'Jardín', por 250.000 euros.

El Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias 'González Martí', ubicado en Valencia, ha incorporado a sus colecciones bienes por un valor total de 642.600 euros. Destacan una colección de cerámica española de los siglos XV-XIX, a la que se han destinado 377.600 euros.

Entre las adquisiciones realizadas para el resto de los Museos Estatales resaltan las obras de artistas mujeres contemporáneas como las de Irene Grau, adquiridas por 55.865 euros y destinadas al Museo Nacional de Altamira, en Cantabria; de Aurèlia Muñoz, por valor de 100.000 euros, para el Museo del Traje, ambas adquiridas en ARCO; o de Sandra Gamarra, con una inversión de 154.000 euros, para el Museo Nacional de Antropología y el Museo de América.

Cultura también ha realizado compras para ocho museos estatales de gestión autonómica. Los de Albacete, Ávila, Burgos, Guadalajara, el Palencia, Santa Cruz de Toledo y Zamora han visto incrementadas sus colecciones con distintos bienes adquiridos por el Ministerio de Cultura, por un valor total de 588.483 euros.

En cuanto al Museo de Bellas Artes de Valencia, ha sido el museo estatal de gestión trasferida que más inversión ha recibido con la adquisición de una obra de Zurbarán, el óleo ‘Santa Faz’, por valor de 320.000 euros; y ‘San Martín compartiendo su capa con un mendigo’ del pintor valenciano Juan Ribalta, por 90.000 euros.

En el balance de la adquisición de patrimonio documental y bibliográfico destaca la compra de los archivos de los marqueses de Astorga, Altamira, Medina de las Torres, Lajayosa y Monasterio, por un total de 300.000 euros, con destino al Archivo Histórico de la Nobleza, archivo estatal del Ministerio de Cultura.

Por su parte el Centro Documental de la Memoria Histórica ha incrementado su fondo fotográfico con las imágenes de Manuel Díaz Escalona que recogen la vida cotidiana en Tetuán a principios de los años 30 del siglo XX, compradas por 70.000 euros. EFE

Madrid, 28 ene (EFE).- La colección Patricia Phelps de Cisneros ha sido reconocida con el Premio 'A' Honorífico, de la Fundación ARCO, por su apoyo al arte, mientras que la de Juan Carlos Maldonado ha sido galardonada en la categoría de Coleccionismo Internacional.

Junto a estos dos venezolanos, la fundación de la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid también destacó la labor del brasileño Álex Ruas Wege con el Premio 'A' a la Colección Joven Internacional.

Fundada en la década de los setenta por los venezolanos Patricia Phelps de Cisneros y Gustavo Cisneros (1945-2023), la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) tiene como misión preservar y promover el arte y la cultura de América Latina y el Caribe, según destaca un comunicado de ARCOmadrid.

Con sede en Caracas y Nueva York, la colección está presidida desde 2008 por una de las hijas de la pareja, Adriana Cisneros de Griffin.

Las obras de abstracción geométrica moderna de América Latina es la parte más conocida de una colección que abarca cinco áreas principales: moderna, contemporánea, período colonial, artistas viajeros y Orinoco, dedicada a las expresiones culturales de comunidades indígenas del Amazonas venezolano.

Cuenta con obras de artistas que retrataron el paisaje latinoamericano entre los siglos XVII y XIX, arte colonial de Venezuela y el Caribe, y obras contemporáneas de artistas latinoamericanos y caribeños.

También es venezolano el origen de la Colección Juan Carlos Maldonado, perteneciente a un destacado empresario cuya pasión por el arte "lo ha llevado a convertirse en un referente en el coleccionismo de abstracción geométrica".

Su colección, iniciada en 2005, ha crecido de forma cronológica y geográfica en el tiempo, incluyendo el núcleo de la abstracción geométrica, contemporánea, indígena ye’kwana de Venezuela y precolombina del Perú.

Los artistas que conforman la colección, establecida en Miami (EE.UU.) en 2016, abarcan desde latinoamericanos, norteamericanos, y europeos, como Lygia Clark, Joaquín Torres García, Jesús Rafael Soto, Josef Albers, Leon Polk Smith y Max Bill, entre otros.

Mientras que Alex Ruas Wege es un joven diseñador de interiores brasileño que ha vivido fuera de Brasil durante casi una década y actualmente reside en Lisboa.

Recibirá el premio 'A' Colección Joven Internacional como "apasionado coleccionista de arte" que busca "transmitir emociones y belleza a través de la cuidada curaduría de la colección".

La colección se encuentra en sus residencias de Lisboa y Londres y es "una rica mezcla de artistas brasileños e internacionales, reflejando su amplia visión y profunda apreciación por las expresiones innovadoras".

Los galardones de esta edición se completan con el Premio 'A' al Coleccionismo en España para la Colección de Arte Contemporáneo Alkar Contemporary Collection (ACC) Bilbao, fundada por Fernando Arriola y Yolanda Zugaza, y el de Colección Corporativa para la Fundación Sorigué.

La colección de Arriaga y Zugaza se ha consolidado como un referente del arte contemporáneo en España, con más de 450 obras de 210 artistas internacionales y emergentes (de Eduardo Chillida a Miquel Barceló y Georg Baselitz) y una amplia gama de disciplinas como pintura, escultura, fotografía, instalación y video, reflejando la diversidad y riqueza de la expresión artística contemporánea.

Y la Fundació Sorigué, creada en 1992 por Julio Sorigué y Josefina Blasco, nació como un centro para personas con discapacidad intelectual. Años más tarde se inició la creación de su destacada colección de arte contemporáneo.

El acto de entrega de los premios, que están en su vigésimo novena edición, tendrá lugar el martes 4 de marzo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. EFE

Madrid, 04 ene (EFE).- Museos, fundaciones, ferias y galerías de toda España trazan en 2025 un recorrido por la historia del arte, desde Zurbarán a Rubens, pasando por las últimas novedades contemporáneas en una nueva edición de ARCO dedicada al Amazonas, y en un año que presenta especial atención a las mujeres y celebra importantes aniversarios en la Fundació Miró, el MACBA y Tabakalera.

Madrid se prepara para acoger del 5 al 9 de marzo su esperada feria internacional de arte contemporáneo ARCO, que celebrará su 44ª edición con el Amazonas como proyecto central y contará con más de 200 galerías, además de dos secciones comisariadas de nuevas galerías y de arte latinoamericano.

El Museo Thyssen Bornemisza recuperará entre marzo y junio un rostro clásico de la literatura con la exposición 'Proust y las Artes', que retratará la importancia que el arte tuvo en la obra de uno de los escritores más influyentes del siglo XX, Marcel Proust. También se podrá disfrutar entre febrero y mayo de 'Marina Vargas: Revelaciones', un recorrido de las mujeres en la historia del arte, en la imaginería y el relato sagrado, con el que se busca romper su silencio.

Sobre grandes mujeres artistas, también destaca en el Museo Reina Sofía 'Huguette Caland. Una vida en pocas líneas', que a partir del 19 de febrero mostrará la primera gran retrospectiva en Europa de la artista libanesa, cuya vida y obra supuso un constante desafío a las convenciones estéticas, sociales y sexuales de su tiempo.

Asimismo, en el Reina Sofía se podrá acudir desde el 21 de mayo a la exposición 'Retrospectiva de Marisa González', que transita por la obra de la artista bilbaína, Premio Velázquez en 2023, en las intersecciones entre la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Las exposiciones del Museo del Prado de 2025 son, de momento, aquellas que han arrancado en 2024 y se prolongarán durante algunos meses del nuevo año.

Barcelona espera la llegada de la exposición 'Pintar el cielo. 50 años de historias de la Fundació Miró', que el 10 de junio inaugurará oficialmente la conmemoración del medio siglo de la apertura del museo en la montaña de Monjuïc, una muestra que abordará los momentos clave de la historia de la entidad y del centro de referencia del arte mironiano.

Entre las galerías barcelonesas, destacan en 2025 nombres propios clásicos como Zurbarán o Rubens. El Museo Nacional de Arte Contemporáneo (MNAC) inaugurará en marzo 'Zurbarán (sobre)natural', en la que se podrán ver las tres versiones de 'La visión de san Francisco por el Papa Nicolás V', obra cumbre del pintor del siglo de Oro español, Francisco de Zurbarán.

Por otro lado, Caixaforum exhibirá entre mayo y septiembre en la exposición 'Rubens y los artistas del Barroco flamenco' obras y objetos procedentes de los fondos menos conocidos del Museo del Prado, que muestran la creatividad inigualable de Pedro Pablo Rubens, su influencia y la renovación estética que promovió en diálogo con obras de artistas como Van Dyck, Jordaens o Brueghel.

El Museo Tàpies inaugurará en febrero 'Antoni Tàpies. La imaginación del mundo', un proyecto que profundiza en la creación del imaginario del barcelonés, que empezó a tomar forma cuando, estando enfermo, muy joven, en su cama leyó y escuchó música como nunca, un poso que no le abandonó y que tomó forma en sus creaciones.

Por último, destaca allí la exposición del 30 aniversario del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), donde habrá una colección permanente que invita a reflexionar sobre la representatividad de las piezas más antiguas del catálogo y cómo éstas se resignifican y dialogan con las adquisiciones últimas; en paralelo presentará la exposición 'Proyecta un planeta negro. El arte y cultura de Panáfrica'.

El foco artístico mira también hacia el Museo Picasso de Málaga, donde dos exposiciones en torno a la obra del genio de Figueres destacan en la programación expositiva del año 2025. La primera de ellas, 'Picasso: Los cuadernos de Royan', que se inaugurará el 31 de enero, recoge los ocho cuadernos de dibujos a lápiz y tinta que realizó el malagueño entre septiembre de 1939 y agosto de 1940 en esta ciudad francesa.

La otra exposición, que pondrá el broche final a las exhibiciones del museo, será, a partir del 14 de noviembre, 'Picasso. Memoria y deseo', que pretende reflexionar sobre el sistema de las imágenes y su relación con el devenir del sujeto moderno en la obra del artista malagueño y sus contemporáneos.

El Museo Guggenheim de Bilbao ofrecerá, por su parte, una programación totalmente femenina con cuatro exposiciones de mujeres artistas: la pintora modernista brasileña Tarsila do Amaral, la expresionista abstracta estadounidense Helen Frankenthaler, la artista norteamericana Barbara Kruger la ilusionista Maria Helena Vieira da Silva.

En San Sebastián destaca la doble exposición de Tabakalera y el Kursaal de Maider López a partir de octubre, con una retrospectiva del trabajo realizado por la artista en los últimos diez años, aprovechando el décimo aniversario de Tabakalera como centro de creación artística.

Información elaborada conjuntamente con diversas delegaciones de la Agencia EFE. EFE

“El arte latinoamericano ya no es una moda pasajera; está integrado plenamente en el circuito”, afirma la coleccionista y filántropa venezolana Patricia Phelps de Cisneros, quien ha dedicado su vida a impulsarlo a nivel mundial, un trabajo por el que ha sido reconocida en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, ARCO.

“Ya hace tiempo que los museos, las universidades, las colecciones, las ferias, las bienales, incluyen el arte latinoamericano como algo natural, como parte fundamental de la historia del arte y del arte actual”, señala Phelps de Cisneros (Caracas, 1947), considerada una de las principales mecenas internacionales, y galardonada con el premio “A” Honorífico en la 44 edición de la Feria que cierra sus puertas este domingo.

Creadora en la década de los setenta junto a su esposo, el empresario Gustavo Cisneros, de la Fundación Cisneros (FC), con sede en la capital venezolana y Nueva York, es también referencia cuando se habla de descolonización en el arte y en los museos.

“En las últimas décadas, ha surgido un deseo natural de ampliar las referencias de la historia del arte para ser más inclusivo con otras culturas y otras geografías. He podido poner mi grano de arena para que se reconozcan los aportes de América Latina a la cultura global, así como otros lo han hecho para otras regiones del planeta”, dice.

La educación ha sido la base de la trayectoria de la coleccionista venezolana y del programa (La Fundación Cisneros) que levantó con el “apoyo incondicional de su marido”, fallecido en 2023, y encabezado ahora por su hija Adriana.

“No se podía tratar solo de una colección - remarca -, debía ser también un proyecto educativo, que pudiera organizar exposiciones en diferentes museos del mundo, prestar obras, publicar libros, organizar eventos y alianzas académicas, “todo para poder fomentar la curiosidad y la investigación sobre nuestro arte”.

“Fueron muchos años de esfuerzo que han llevado a un cambio de panorama sobre el arte latinoamericano. Hoy es parte intrínseca de la historia del arte universal”, valora.

En ese camino, considera “absolutamente fundamentales” a las instituciones, donde “se forman las personas y la historia”. Por eso, donó más de 400 obras a 12 museos y creó el Instituto Cisneros de Investigación en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), “para fortalecer y garantizar la presencia del arte latinoamericano a largo plazo”.

Para la venezolana lo más importante del arte es “la libertad de expresión y el apoyo a los valores democráticos”: “Sin eso no hay arte, y de allí viene su gran valor educativo para la sociedad. No es suficiente simplemente mostrar la obra de arte, es importante entender y apoyar la libertad espiritual e intelectual que tienen los artistas”.

Es consciente de que la irrupción de las nuevas tecnologías hace que la información fluya de manera más rápida también en este sector, pero le preocupa la preservación a largo plazo de materiales y archivos digitales, por lo que la Fundación Cisneros ha colaborado con el MoMA en un proyecto de ayuda que ya está disponible en la web del museo.

De ese futuro formarán parte los jóvenes coleccionistas de hoy, a quienes la filántropa recomienda que “se lo piensen muy bien”, que tengan claro un objetivo a largo plazo, y que consideren toda la responsabilidad que significa cuidar bien de las obras y de los legados intelectuales que representan.

“Es relativamente fácil adquirir una obra, pero luego hay que cuidarla, documentarla, compartirla, y eventualmente encontrarle un destino adecuado. Además siempre recomiendo que sean cercanos y apoyen a los museos de sus ciudades”, indica.

Muchos de los nuevos coleccionistas han elegido Madrid como base para sus proyectos, lo que parece estar convirtiendo “sin duda” a la capital española en foco para el arte latinoamericano, según Phelps de Cisneros.

“A todos les recomiendo que pasen muchas horas en el Museo de América que tiene una de las grandes colecciones hispanoamericanas y prehispánicas del mundo, y donde se puede aprender muchísimo”, concluye la venezolana.

Fuente: EFE

Un lavavajillas cargado de platos con rostros de políticos como el presidente de Estados Unidos, Donald Trump y su asesor Elon Musk; el de Argentina, Javier Milei, o la primera ministra italiana, Giorgia Meloni, se convirtió este miércoles, primer día de ARCO, en una de las obras más comentadas.

La pieza, titulada White washing (‘Blanqueamiento’), del artista Eugenio Merino, está a la venta por 25.000 euros (algo más de 26.300 dólares) en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid.

“No creo que haya ninguna polémica”

Merino asegura que su obra hace referencia a “la limpieza que se le ha realizado a la extrema derecha en los últimos 20 años” y por eso el lavavajillas contiene 16 platos con la cara de líderes mundiales, como Donald Trump, Santiago Abascal, Marine Le Pen o Elon Musk, entre otros.

“España es el lugar perfecto para hablar de las dictaduras, puesto que tuvimos una y tuvimos la desgracia de que se tradujera en una monarquía. Eso fue una cosa que fue pensada desde el movimiento fascista”, ha señalado Merino durante el primer día de ARCOmadrid 2025.

El artista, cuya obra está valorada en 22.000 euros, asegura que es una crítica “muy directa” a quienes han elevado o blanqueado a los políticos anteriormente mencionados. “No creo que haya ninguna polémica. Es una pieza muy clara que representa la situación y el estado actual del mundo”, defiende.

“Normalmente a la extrema derecha se le aplicaba un cordón sanitario, pero ahora estas formaciones son el post-fascismo. Antes el fascismo destruía la democracia. El problema es que esos partidos de extrema derecha se han convertido en formaciones que aceptan la democracia y actúan desde dentro”, ha recalcado.

En los platos aparecen la cara de Donald Trump, Elon Musk, Giorgia Meloni, Marine Le Pen, Santiago Abascal, Benjamín Netanyahu, Javier Milei, Herbert Kickl (Austria), Mateusz Morawiecki (Polonia), Alice Weidel (Alemania), entre otros. “Es la imagen clara de lo que es el fascismo en Occidente”, subraya.

La obra es un lavavajillas original y como señala Merino está listo para utilizarse. “El lavado ocurre en tu mente porque es un lavaplatos que es de verdad y se puede usar. Los platos se han fabricado para que se pueda comer en ellos”, explica. La obra persigue que con el uso y el paso del tiempo los rostros vayan desapareciendo.

Eugenio Merino considera que si existe polémica en torno a su obra se debe a la “forma que tiene España de ver el arte”, aunque añade que no le preocupan las posibles críticas. “El arte expresa una idea y una opinión de alguien y eso se llama libertad de expresión y no debería ser polémico en un país como España”, ha incidido.

“ALWAYS FRANCO”, su pieza anterior

Esta edición de ARCOmadrid es la 25ª para Merino, quien recuerda que solo faltó en 2013 “por cuestiones de censura”. El artista se refiere a su obra Always Franco, exhibida en 2012, en la que metía al dictador en una nevera de refrescos.

Esta obra despertó las críticas de la Fundación Francisco Franco, que denunciaron a Merino en dos ocasiones. Sin embargo, la justicia dio la razón al artista. “Me denunciaron dos veces y gané las dos. A pesar que, desde Ifema, el presidente de entonces apoyó la denuncia”, señala.

Al respecto, critica que ese momento fue uno de los que le llevo a pensar que “en España hay mucho fascismo”. “Por ello, hablar del ‘Lavado de cara’ tiene sentido”, reitera. Merino es conocido en ARCO por sus obras polémicas, como Fidel Zombi, exhibida en 2008 cuando mostró un espectro del expresidente cubano, o un ninot de Felipe VI en 2019. “La provocación debe estar en el arte. Toda obra desafía alguna lógica”, remarca.

Otras obras que sobresalen en ARCO

Junto a la obra de Merino, destaca otra compuesta por fotografías de activistas negros mirando desafiantes a cámara y portando pancartas con lemas como ‘Da una oportunidad a la violencia’, ‘Devastemos las avenidas en las que viven los ricos’ o ‘No somos vuestros esclavos’.

Muy impactante también la obra que la fotógrafa española y Premio Nacional de Fotografía 2024, Laia Abril, que investigó varios sucesos de supuesta histeria colectiva en fábricas textiles de Camboya y en un colegio de niñas indígenas de México como parte de su Proyecto Historia de la Misoginia.

En ARCO presenta una serie de fotografías realizadas con un collage de fotos de mujeres camboyanas desmayadas sacadas de los periódicos de la época y sobreimpresas, junto a las declaraciones con las que las autoridades pretendían explicar el fenómeno: “Se desmayan por sus sentimientos”, “Deberían comprar más pastillas o caramelos”, o “Usaban demasiado maquillaje”.

Otra obra crítica es una pieza del artista y poeta Miguel Benlloch, impulsor en los años 70 del Frente de Liberación Homosexual. Consiste en un mono de trabajo azul cubierto con pedazos de espejo, que recuerda a los trabajadores acuchillados durante una protesta laboral.

Y en otro lugar de la feria, el artista portugués Nuno Ferreira contrapone dos portadas de periódico con el texto censurado y en los que solo se ve la cabecera, que los identifica parcialmente como los periódicos La izquierda y La derecha.

Work of Art. In the Age of Copyright Restrictions (‘Obra de Arte. En tiempos de Restricciones del Copyright’) se titula una obra del artista Mario García Torres, que es un gran lienzo en blanco con esa frase impresa en el centro.

Son algunas de las piezas que más llamaron la atención en la primera de las cinco jornadas de que consta la feria, que hoy comenzó a recibir la visita de profesionales del arte y de los medios de comunicación y que inauguraron oficialmente los reyes de España.

Tras la apertura de puertas por la mañana, el empresario argentino y mecenas del arte, Eduardo Constantini; los coleccionistas Blanca y Borja Thyssen, o el director de la Fundación Banco Santander, Borja Baselga, paseaban entre los stands de las 214 galerías de 36 países que participan en esta edición de la feria.

La oferta de arte contemporáneo y moderno, desde principios del siglo XX hasta hoy, es inabarcable y va desde Picasso, Miró o Chillida, al japonés Takashi Murakami, el chino Ai Wei Wei, que presenta una delicada Ola azul en porcelana, o el polaco Xawery Wolski, que muestra sus piezas “aéreas, etéreas, para huir de la realidad”.

Con información de EFE y Europa Press

Madrid vive la semana artística más importante del año, con el desarrollo de ARCOmadrid, su tradicional feria de arte que celebra su 44° edición; UVNT, evento que desarrolla su novena edición, y JustMad, que va por su16ª edición, de la que participarán 12 galerías argentinas, además de una muestra con participación nacional en Casa de Américas.

El punto de partida fue la entrega del Premio Internacional de Mecenazgo al empresario y coleccionista argentino Eduardo F. Costantini, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y continúa hasta el 9 de marzo, en que se desarrollará un programa de promoción de sus artes visuales, tal como ya sucedió en México y Miami, en una inicitiva llevada adelante en una asociación entre el Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto; la Embajada de Argentina en España; la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional; la Secretaría de Cultura de la Nación, Meridiano, Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo, y la Fundación arteba.

La iniciativa, informaron, “busca consolidar la proyección internacional del arte contemporáneo argentino, con actividades estratégicas orientadas a coleccionistas, curadores, críticos y compradores internacionales” a partir de una serie de actividades diseñadas para maximizar el impacto de la presencia nacional, entre las que se destacan encuentros de networking, visitas guiadas exclusivas para compradores potenciales y acciones de posicionamiento en plataformas clave del sector.

Entre las galerías asociadas a Meridiano y las que no, la participación se produce a través de Del Infinito, Herlitzka & Co, Nora Fisch, Rolf Art, Ruth Benzacar, W-galería, Isla Flotante, en ARCOmadrid; NN y Valerie’s Factory, en UVNT, y Julia Baitalá, Azur y Valk Gallery, que se presenta en conjunto con el proyecto Skiascope, en JustMad.

ARCOmadrid

ARCOmadrid, de la que participan 214 galerías de 36 países en IFEMA, tendrá como eje temático el Amazonas, bajo el título “Wametisé: ideas para un amazofuturismo”, en un programa curado por Denilson Baniwa y María Wills, en colaboración con el Institute for Postnatural Studies, en la que se explorará nuevas formas de creación que integran elementos humanos, vegetales, físicos y metafísicos.

Del Infinito

La galería de Recoleta presenta una selección de piezas de Teatro Proletario de Cámara, del escritor y artista plástico argentino Osvaldo Lamborghini, realizada a partir de su exilio en Barelona, en la década del ‘80, compuesto por más de 500 páginas que reunían manuscritos, dibujos, collages, pinturas y experimentos gráficos inclasificables, muchos de ellos elaborados en soportes precarios, como “hojas cuadriculadas de cuadernos escolares”.

Hermano del escritor Leónidas Lamborghini, Osvaldo se convirtió de manera póstuma en una figura de la literatura y el arte contemporáneo, ya que en vida, en la que sólo publicó tres libros, sus obras circulaban de forma “clandestina, contracultural, en fotocopias o de mano en mano”.

En España, el autor de El fiord emprendió una producción de material literario y artístico, trabajando aislado en su vivienda, conocida como “el tallercito”, donde convivió junto a su úlltima pareja, Hanna Muck, hasta su muerte en 1985.

El proyecto Teatro Proletario de Cámara, un “dispositivo escrito, visual y objetual”, revela a un creativo al margen de las normas establecidas por la industria cultural, utilizando materiales de bajo presupuesto, lo que refuerza su distinción como un artista contracultural.

Las intervenciones visuales creadas en esta etapa suelen partir de “fotografías de revistas pornográficas” baratas que compraba su pareja en mercados de segunda mano, a los que Lamborghini transformaba estas imágenes con “témperas, lápices, microfibras y otros materiales”, desfigurando y desrealizando los cuerpos retratados.

Herlitzka & Co.

Con un stand en el pabellón 7, el espacio llega a la feria con una selección de obras de once de sus representados, buscando “invitae a reflexionar sobre temas como la identidad, la memoria y las tensiones entre tradición y modernidad”.

Entre las obras más destacadas que se exhibe se encuentra una pieza del emblemático Alberto Greco, quien dejó una huella imborrable en el arte contemporáneo al convertir su propio suicidio en su última obra y que tuvo en 2023 una retrospectiva en el Museo Reina Sofía. De Greco se presenta con un trabajo de su mano realizado en crayón sobre lienzo, que incluye la firma y una dedicatoria en su parte frontal.

Por su parte, de Alicia Herrero, cuya obra fue adquirida por el Reina Sofía en la edición anterior de ARCO, está con Escena (1998), un óleo sobre tela, mientras que de Marta Minujín se exhibe Viaje en mescalina, una obra realizada en tinta sobre papel vegetal en 1970. Minujín, considerada la “reina del pop” en el arte latinoamericano, también será protagonista este año con una exhibición en el mencionado museo español.

La representación de la temática queer es otro de los ejes destacados en el stand a través de las obras de artistas como Leandro Katz, el colombiano Álvaro Barrios y el argentino Marcelo Benítez, cuya producción artística permaneció oculta durante décadas y que ha sido objeto de un reciente rescate.

Además, la abstracción también tiene un lugar importante con trabajos de Alejandro Puente y Anita Payró, dos figuras clave en el desarrollo de este lenguaje artístico en América Latina, y junto a ellos, se presentan obras del brasileño Artur Barrio, de Candelaria Traverso y la peruana Gaudencia Yupari Quispe.

Isla Flotante

La artista argentina Mariela Scafati, reconocida por su enfoque multidisciplinario y su capacidad para fusionar arte y activismo, es la protagonista de un solo show, a partir de una selección de obras que abarcan desde finales de los años 90 hasta su producción más reciente.

Con curaduría de José Esparza Chong Cuy, la tercera participación de Scafati en la feria se llevará a cabo en el stand 9P08, dentro de la sección Perfiles | Arte latinoamericano, un espacio dedicado a fortalecer los lazos históricos entre la feria y el arte de la región.

La muestra incluye instalaciones y esculturas que la artista sigue denominando “pinturas”, desafiando las categorías tradicionales del arte. Este enfoque refleja su interés por explorar los límites de la pintura como medio, incorporando elementos como telas cosidas, muebles y técnicas de suspensión.

Nora Fisch

El espacio de San Telmo se presenta con tres artistas: Claudia Fontes, Fernanda Laguna y Juan Tessi, quienes a pesar de sus diferentes enfoques, comparten una reflexión sobre la cotidianidad, el ámbito íntimo y lo social.

Fontes, quien representó a Argentina en la Bienal de Venecia en 2017, exhibe piezas de su reciente serie Foreigners, pequeñas esculturas hechas en porcelana “que exploran la experiencia del inmigrante a través de nociones de refugio en la intimidad y la ternura”. Estas figuras también reflexionan sobre “la relación entre los seres humanos y la naturaleza”. Complementando estas esculturas, sus collages “realizados con páginas de la revista National Geographic”, en los que combina imágenes de vegetación e insectos fantásticos.

La obra multifacética de Laguna abarca desde el arte visual hasta la literatura y proyectos sociales en territorios vulnerables, habiendo trabajado durante más de dos décadas en Villa Fiorito, orientando sus prácticas artísticas para transformar positivamente la vida de mujeres y jóvenes de esta comunidad marginada.

En la feria pueden verse su serie Formas abstractas parecidas a algo, en la que resuenan tradiciones tales como el surrealismo y la abstracción geométrica, pero abordadas “desde una perspectiva autobigráfica y feminista”, como telas perforadas y marcos de mimbre que reflejan su interés en integrar referencias vernáculas, como “moños, brillantina, y elementos asociados a lo popular”. Asimismo, se exhibe una pieza de los años noventa que retoma las figuritas de purpurina coleccionadas por niñas de su generación, un guiño a las memorias de infancia y a la subjetividad femenina.

Por su parte, entre las piezas que presenta Tessi destacan óleos sobre lino y gesso que reafirman “una evolución siempre tumultuosa y profunda en su lenguaje visual”, con su lenguaje visual original en el que explora lenguajes que referencian la figuración, lo arcaico y la abstracción.

Rolf Art

La galería presenta un ambicioso proyecto en el Programa General, reuniendo a artistas latinoamericanos que, en colaboración con comunidades indígenas, exploran las complejidades de la amazonía, tema central de la feria.

Entre las obras más destacadas se encuentra “La Apoteosis del Indio Amazónico” (2025), una pieza inédita del colombiano José Alejandro Restrepo, considerado un referente del videoarte en América Latina. Esta obra dialoga con su serie de grabados históricos “América Equinoxial” (1991-1996).

Además, el peruano Roberto Huarcaya, figura clave de la fotografía contemporánea, colabora por primera vez con el artista y activista indígena Rember Yahuarcani, también de Perú. Juntos enseñan un fotograma intervenido de la serie “Amazogramas” (2025), una obra que ya ha captado la atención internacional tras su participación en la Bienal de Venecia 2024.

El proyecto no solo reúne a artistas visuales, sino que también destaca por su enfoque colaborativo con comunidades indígenas. El argentino Marcelo Brodsky, reconocido por su activismo en derechos humanos, exhibe nuevas piezas que amplían su obra previa “Territorios” (2022), realizada en colaboración con Fernando Bryce. Estas creaciones abordan la relación entre los pueblos originarios y sus territorios, reflexionando sobre las tensiones históricas y contemporáneas que los atraviesan.

Por su parte, el colectivo colombiano Mapa Teatro, conocido por su enfoque transdisciplinar, presenta “La vorágine más allá: Macharoko” (2024), una obra desarrollada en colaboración con la Comunidad Nukak y el artista Javier Navarro.

Este proyecto se basa en un proceso de intercambio de saberes que traduce un mito fundacional de la comunidad Nukak a un lenguaje plástico, utilizando linóleo para crear un “fósil contemporáneo” que encapsula la memoria y los gestos de esta tradición ancestral.

Ruth Benzacar

En el booth 9A17, convergen las obras de artistas de distintas generaciones: Marie Orensanz, Carlos Herrera, Florencia Rodríguez Giles y Stella Ticera.

El stand, explicaron, articula “un diálogo intergeneracional que reafirma el compromiso con la potencia del arte contemporáneo”. En el centro de la propuesta se encuentra la obra de Marie Orensanz, pionera del conceptualismo latinoamericano, cuyo trabajo combina “palabra y materia para construir significados abiertos”.

Por su parte, Carlos Herrera contribuye con piezas que exploran “la historia del ornamento, la sexualidad y la espiritualidad”. A través de una combinación de materiales orgánicos e inorgánicos—como cadenas, madera, flores y carne— Herrera crea instalaciones que invitan al espectador a reflexionar sobre cuestiones fundamentales como el paso del tiempo y la mortalidad.

En el ámbito del performance y la imaginación expandida, Florencia Rodríguez Giles propone una fusión radical entre “prácticas artísticas y terapéuticas”. Su trabajo, centrado en “estados entre la vigilia y el sueño”, utiliza máscaras, trajes, prótesis y materiales blandos para disolver límites perceptivos y fomentar nuevas narrativas colectivas.

Finalmente, Stella Ticera aporta una visión renovadora al arte contemporáneo. Su enfoque se centra en traducir “las fuerzas simbólicas y emocionales de su entorno” a lenguajes como el dibujo, el video y la performance. Con formación en artes visuales, danza y teatro, Ticera construye paisajes oníricos y caóticos que trabajan sobre “la inminencia de los sucesos y la información del cuerpo”. Su obra se caracteriza por la convergencia de referentes simbólicos con un enfoque experimental.

W-Galería

El espacio de San Telmo llega con un potente diálogo artístico entre las latinoamericanas Elba Bairon (Bolivia) y Cristina Schiavi (Argentina), en el que explora “la fuerza poética y crítica” de lo cotidiano, en el stand 7C22.

El concepto central radica en cómo estas dos artistas, activas desde los años noventa, recurren a “lo pequeño y lo singular para construir, desde lo cotidiano, un mundo de posibilidades”, con propuestas que ponen en duda las ideas preconcebidas sobre lo doméstico y rebasa los límites visuales y conceptuales establecidos.

Schiavi, a través de su aclamada serie “Cuerpo fofo”, explora desde una perspectiva incisiva la representación de los cuerpos voluptuosos, fluidos y blandos. Su propuesta no solo desafía la gordofobia, sino que “reivindica las formas sinuosas y voluptuosas” tanto humanas como abstractas.

En piezas como las pertenecientes a “Naturaleza quieta”, las composiciones geométricas generan bodegones contemporáneos en los que dichos cuerpos redondeados, descritos como “esponjosos” y “tibios”, se sitúan como protagonistas. Esta actualización de géneros clásicos como la naturaleza muerta presenta una visión crítica sobre la percepción de la belleza, el deseo y los vínculos sociales que se ritualizan a través de los objetos.

Por su parte, Bairon utiliza un enfoque minimalista, trabajando a partir de la geometría y la naturaleza muerta para crear bajorrelieves y esculturas en pasta de papel y yeso, a las que despoja estas formas de “toda referencia visual”, creando espacios vacíos, socavados en el material, que generan imágenes a través de la ausencia. En palabras de la galería, su obra “sostiene el misterio”, al no ilustrar historias ni crear narrativas lineales, sino al invitar al espectador a formar asociaciones subjetivas.

JustMad

En JustMad, por otro lado, se dan cita 40 galerías de 13 países diferentes en el Palacio de Neptuno, con el eje puesto en las tendencias del arte emergente. Por segundo año, se lleva adelante la sección Just Latam, que cuenta con curaduría de la argentina María Lightowler, del que forman parte 19 artistas y 9 galerías de 6 países de latinoamérica, entre ellas dos argentinas: Julia Baitalá y Skiascope+Valk Gallery.

Azur

La galería del barrio de Recoleta, que además posee sedes en Berlín, Miami, Nueva York y Montevideo, presenta una selección de 20 obras de las artistas Susana Saman, ecuatoriana-venezolana, y la argentina Delfina Collazo.

Saman llega con la serie Illusion, Dreams, Vission y Platinum que destacan por su introspección y el uso de texturas y matices que generan una experiencia sensorial profunda en el espectador. Por su parte, Collazo expone su nueva serie Sur en la que explora materiales y formas de manera experimental, desafiando los límites de la percepción y la interpretación del arte contemporáneo.

Julia Baitalá

La historia argentina y las luchas políticas del pasado se convierten en el eje central de la obra de Miguel Ángel Lorenzio, uno de los cuatro artistas -junto a Aku Menditeguy, Rosario Mainoli y Gloria Matarazzo- que serán presentados por el espacio de Villa Crespo.

Lorenzio encuentra en las vivencias de su padre una fuente de inspiración que conecta con los conflictos históricos del país. Su estilo, marcado por elementos surrealistas, busca transmitir un simbolismo profundo en cada una de sus composiciones.

Aku Menditeguy presentará dos series tituladas “Matrix” y “Nimbus”, ambas pertenecientes a su proyecto más amplio llamado “Prima Vita”, obra que se caracteriza por ser una narrativa poética que utiliza el cuerpo como medio de expresión, materializándose en formatos de video y fotografía, mientras que Rosario Mainoli aporta una visión completamente distinta con su serie “Patrones del Universo”, que se inspira en las dinámicas del movimiento, el origen de la materia y la naturaleza cambiante del cosmos y que utiliza los materiales como protagonistas de su narrativa, explorando cómo estos pueden revelar perspectivas ocultas y nuevas formas de entender el mundo que nos rodea.

Por su parte, Gloria Matarazzo tiene una propuesta que combina lo personal y lo onírico, con una serie fotográfica que incluye imágenes de su archivo personal, capturas realizadas en su estudio y otras encontradas en internet, con un enfoque que le permite crear composiciones que exploran temas como los sueños, los pensamientos y la imaginación, ofreciendo una ventana a la intimidad de su mundo interior.

Skiascope + Valk Gallery

La galería de arte y espacio de diseño de Belgrano acude, en asociación con el proyecto de representación de artistas Skiascope, con un solo show de la fotógrafa Mono Giraud, artista reconocida por su singular capacidad para plasmar atmósferas suaves y cargadas de simbolismo.

La obra de Giraud se caracteriza por un enfoque espiritual, en una propuesta que “invita a la contemplación” con piezas que conectan profundamente con el espectador al estimular su naturaleza introspectiva y mística, a través de una técnica depurada que mezcla materiales y procesos de impresión de alta calidad.

La artista, quien creció en un entorno matriarcal, desarrolla su práctica artística explorando la conexión de las emociones humanas con la naturaleza interior. “La intuición es su principal guía creativa, permitiéndole navegar mundos imaginarios sin un destino fijo y construyendo narrativas visuales en las que la simbología tiene un papel central”, expresaron desde la galería.

Finalmente, en el marco de la feria, en la galería de Casa de América se presenta Cartografías cruzadas. Diálogos del arte latinoamericano, con curaduría de Óscar García García y Lightowler, una muestra centrada en la identidad, el multiculturalismo y la naturaleza de la región, de la que forman parte los artistas Delfina Collazo (Galeria Azur); Tranquilo (Impulso Galería, México); Gloria Matarazzo, Mariángeles Blanco y Aku Menditeguy (Julia Baitalá Galeria), Carla Piacenza y Patricia Viel (Skiascope), y Mono Giraud (Valk Gallery).

UVNT

UVNT (Urvanity Art), que regresa a su sede de Matadero y se centra en el arte emergente y las nuevas tendencias, contará con más de 40 galerías de distintas ciudades del mundo y más de 160 artistas, con una inclinación hacia obras en cerámica, entre las que se encuentras NN y Valerie’s Factory.

NN

La galería de La Plata se presenta con tres artistas jóvenes: Eva Moro Cafiero, Amanda Tejo Viviani y Porkería Mala, quienes exploran conceptos como la tecnología obsoleta, la identidad fragmentada y la crítica social, utilizando medios que abarcan desde la impresión 3D hasta el óleo sobre lienzo y el uso de materiales cotidianos como birome y lápices de colores en papel.

Moro Cafiero combina tecnología y arte visual en sus series “Fósiles de mi cuerpo dormido” y “La desterritorialización de mi avatar”. En la primera, con piezas creadas en 2025, propone una “prospección paleontológica” a través de piezas fabricadas con impresión 3D, cemento, displays tecnológicos recuperados y videoarte, generando esculturas de tamaños variados que evocan cuerpos humanos inmovilizados en el tiempo.

Por otra parte, en “La desterritorialización de mi avatar”, utiliza materiales como desechos tecnológicos recuperados, plástico y videoarte combinados con impresión 3D para dar forma a esculturas de gran tamaño, que se centran en la idea de un “avatar” que se libera del espacio físico para existir en un entorno virtual.

Mientras tanto, Mandi Tejo Viviani recurre al óleo sobre lienzo para explorar temas de la vida cotidiana y conceptos existenciales. Su producción transita desde lo íntimo a lo universal, como se observa en su serie “Dios los crea y el diablo los amontona”, que incluye las obras “1AM”, “2AM” y “3AM”. A través de estos títulos, la artista parece reflexionar sobre las conexiones y tensiones humanas, ofreciendo un vistazo a las complejidades emocionales y relacionales que forman parte de la experiencia diaria.

Porkería Mala, cuya obra encuentra su fuerza en la protesta social y la cotidianidad urbana, se encuentra con su serie “Antiyuta” (2020), que destaca por su uso exclusivo de birome sobre papel, generando piezas que denuncian y documentan vivencias callejeras y tensiones sistémicas. Los dibujos presentan trazos espontáneos y cargados de intención, abordando visiones contestatarias. A través de la serie “Bichoteka” (2020), con trazos en lápices de colores sobre papel explora un imaginario más introspectivo y orgánico, con formas que parecen surgir de observaciones biológicas o fantásticas.

Valerie’s Factory

El espacio, cuya misión se centra en ”explorar el tejido de la realidad a través de las artes visuales, la tecnología y el espíritu de comunidad”, se presenta con cinco artistas: Julián Brangold, Nana Schlez, Vladimir Maruts Ballet, Elías Leiro y Julieta Proto Boca.

Brangold, especializado en cine y arte digital, desarrolla su práctica alrededor del uso de nuevas herramientas como la inteligencia artificial y el blockchain. Sus obras investigan el ecosistema cultural en línea, “los fenómenos virales, las subculturas y los mitos que emergen en el universo digital”. En su serie “Ángeles de la Historia”, presentada en 2025, Brangold apuesta por retratos que no representan identidades individuales, sino “interfaces” donde “los rostros se ensamblan como reliquias de un imaginario colectivo”.

Por su parte, Nana Schlez utiliza su obra para explorar el vínculo entre naturaleza y artificio. Su serie “This brings nature to your home, great value for your money” refleja la ironía del consumo de imágenes artificiales de la naturaleza en la era digital, donde “la experiencia de lo natural” a menudo se traduce en “una representación idealizada y domesticada”, mientras que Vladimir Maruts Ballet, quien fusiona elementos del graffiti, el punk y las subculturas urbanas, combina pintura, murales y NFTs con referencias a la cultura popular para construir obras que oscilan entre lo absurdo y lo crítico, como en su serie textil “Zamalek Sporting Club” (2024), realizada a partir de tapicerías colectiveras para representar un punto de cruce entre lo kitsch y lo esotérico.

Elías Leiro, artista y teórico, mezcla fotografía, video, pintura e instalaciones, abordando escenas cotidianas con “humor y asombro”. Define su producción como una búsqueda de sentido a través de eventos simples: “despertarse, comer, comprar, leer...”. En su serie “Meditaciones”, combina acrílico sobre fotografías digitales impresas y dota al proceso artístico de cualidades mecánicas que encuentra “similares a los procesos de meditación”.

En el caso de Julieta Proto Boca, encarna una obsesión por el límite entre la figuración y la abstracción en la pintura. Su trabajo, que fusiona el dibujo, el graffiti y la reconstrucción de fotografías, se inspira en su vida diaria, viajes y recuerdos oníricos. Proto Boca refiere que cada una de sus imágenes “surge al deformar la figuración”, generando un balance delicado entre lo abstracto y lo figurativo.

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2025 trabaja para promocionar el arte, dar a conocer a los nuevos artistas y atraer a coleccionistas y compradores nacionales e internacionales, como los iberoamericanos, con estrategias “muy dirigidas y a veces muy invisibles”.

“Pasada la etapa de establecer la feria como punto de contacto internacional, ahora estamos centrados en potenciar el éxito comercial y profesional de todos los que participan en la feria, tanto galeristas como artistas; los cuidamos mucho”, asegura su directora, Maribel López.

Con su equipo se afana en ultimar la organización de un encuentro internacional de 214 galerías nacionales e internacionales de 36 países, que se inaugura el próximo 5 de marzo.

La organización ha impulsado un Programa Internacional de Coleccionistas a propuesta de las galerías, a los que se ha invitado personalmente y se les ofrecerán visitas y asesoramiento personalizado.

Son unos 350 coleccionistas internacionales y otros 100 más “que antes eran invitados y ahora residen en Madrid”, sobre todo iberoamericanos, apunta López.

También han sido invitadas especialmente instituciones públicas, fundaciones y medio centenar de asesores internacionales de arte, siempre a la búsqueda de obras para sus clientes y de talentos nuevos.

Para todos ellos, ARCOmadrid organiza encuentros, foros, puntos de reunión “visibles o privados”, recorridos guiados por la feria y toda una serie de facilidades para las compras de arte, explica López.

Los compradores y coleccionistas suelen adquirir las obras en “diferentes escalas, pero por lo general en transacciones muy privadas y discretas”, asegura. Y explica, con una sonrisa, que el paso de ser comprador a ser coleccionista se da “cuando necesitas más espacio para las obras”.

La mayoría de estos expertos internacionales también acuden a ARCO gracias al impulso de los galeristas, de otros coleccionistas como la italiana Patricia Sandretto Re Rebaudengo, el argentino Jorge Pérez, o la fundación TB21 de Francesca Thyssen, e incluso de museos como el Bass Museum de Miami, el MALBA de Buenos Aires o el Medows, de Dallas.

Además, los nuevos coleccionistas también tendrán un tratamiento y asesoramiento especial gracias al programa ‘First Collectors by Fundación Banco de Santander’ y a ‘Young Collectors’, que ha invitado a más de 50 jóvenes coleccionistas internacionales.

“Uno de los grandes objetivos es dar a conocer el arte español y vamos viendo resultados”, dice López, quien destaca iniciativas puestas en marcha por ARCO para que en el extranjero se conozca a los grandes clásicos del siglo XX más allá de Jaume Plensa, Miquel Barceló o Cristina Iglesias, y potenciar a artistas nuevos.

Así, se ha establecido un premio para los artistas que no llegan a los 40 años, se ha impulsado la participación de galerías con menos de 7 años, que suelen representar a jóvenes y ser más audaces, y se ha facilitado la presentación de ‘proyectos de artista’ organizados por galerías que dedican un espacio a uno solo de ellos.

“Este años tenemos 32 proyectos, que suelen ser más radicales y con más riesgo comercial, pero que debemos dar a conocer porque el arte no es solo lujo o inversión, es apostar por nuestro patrimonio y por la marca España”, concluye.

Fuente: EFE

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO 2025 reunirá en Madrid a 214 galerías nacionales e internacionales de 36 países, un apartado dedicado al Amazonas y un programa especial para coleccionistas internacionales

“Va a ser una muy buena feria, por la calidad de las galerías participantes y por el interés demostrado por compradores nacionales e internacionales”, ha subrayado este miércoles la directora de la feria, Maribel López, en la rueda de prensa de presentación.

América Latina y el Amazonas, en el foco de ARCO

Así, del 5 al 9 de marzo, se instalaran en Ifema 178 galerías incluidas en el Programa General, a las que se suman otras 43 en los programas comisariados, que este año girarán entorno a tres ejes:

- ‘Wamisté: ideas para un amazofuturimo’, centrado en el Amazonas y en el que participan 15 galerías de 6 países diferentes, en especial Brasil y Argentina.

- ‘Opening. Nuevas Galerías’ en el que estarán representadas 18 galerías de 13 países que llevan menos de 7 años en funcionamiento con el objetivo de aportar nuevos artistas a la feria.

- ‘Perfiles/ Arte Latinoamericano’, una selección de 10 galerías de 7 países que permitirán ampliar la colaboración entre artistas y galerías procedentes de Iberoamérica.

Un programa para coleccionistas

Como parte del esfuerzo para que la feria sea un éxito de visitantes y de compras, la organización ha impulsado un Programa Internacional de Coleccionistas que incluye a coleccionistas y compradores en activo a propuesta de las propias galerías y a quienes se ofrecerán acceso a la feria y visitas exclusivas.

Se trata de unos 350 coleccionistas internacionales y otros 100 más “que antes eran invitados y ahora residen en Madrid”, ha apuntado López.

Los nuevos coleccionistas también tendrán un tratamiento y asesoramiento especial gracias a ‘First Collectors by Fundación Banco de Santander’ y al programa ‘Young Collectors’ que ha invitado a más de 50 jóvenes coleccionistas internacionales.

La feria incluirá también la celebración de foros específicos sobre coleccionismo, el futuro del Amazonas y un Foro de Artistas organizado por Mujeres en las Artes Visuales (MAV), además de un apartado especial que, bajo el nombre de ‘Arts Libris’ incluirá la presencia de editoriales y libros de artistas y publicaciones.

“Trabajamos mucho por el éxito de las galerías y para que los artistas tengan voz y apoyo para seguir trabajando”, ha resumido la directora de la feria.

Fuente: EFE

El Latin American Games Showcase (LAGS) se ha consolidado como una plataforma esencial para destacar el talento de los desarrolladores de videojuegos de la región. En su cuarta edición, celebrada como parte de la programación oficial de The Game Awards 2024, LAGS presentó una selección de 56 juegos latinoamericanos. Durante apenas más de 60 minutos, los espectadores pudieron sumergirse en la creatividad y diversidad de estudios provenientes de varios países latiroamericanos como Brasil, Argentina, México, Chile, Colombia, Venezuela y muchos más. Este evento, respaldado por sponsors de renombre en el ambiente independiente como Annapurna, Raw Fury e ID@Xbox, destacó la riqueza cultural que los desarrolladores latinos aportan a la industria global del gaming.

Además, el showcase marca vino acompañado con su ya clásico evento especial en Steam, disponible hasta el 17 de diciembre. Este espacio digital ofrece descuentos exclusivos y demos de más de 150 juegos desarrollados en América Latina, incentivando tanto a jugadores como a profesionales de la industria a descubrir nuevas joyas del gaming provenientes de nuestra región. La iniciativa no solo pone en el mapa a estos títulos, sino que también refuerza el acceso a oportunidades globales para los estudios latinoamericanos gracias a una plataforma tan popular como la tienda de Valve.

LAGS continúa manteniendo su compromiso de potenciar la visibilidad de los videojuegos creados en la región. La inclusión del evento en The Game Awards no solo es una muestra de su relevancia, sino que también abre puertas para que los desarrolladores locales accedan a una audiencia internacional. A medida que LAGS crece, se consolida como un símbolo de orgullo para la industria de videojuegos latinoamericana.

Su evolución desde su participación en el Summer Game Fest hasta formar parte de uno de los eventos más populares e importantes del gaming global como lo es la ceremonia de premios conducida por Geoff Keighley, demuestra que los desarrolladores de esta región tienen mucho que ofrecer. LAGS, sin duda, seguirá ayudando a transformar las narrativas y paisajes del gaming en los años por venir dándole una plataforma a la región para que pueda demostrar de lo que es capaz en materia de desarrollo.

A continuación, compartimos el listado de juegos que se presentaron en el evento, con el país donde se desarrolla cada uno de ellos:

• ARCO (México)
• Arranger (Argentina)
• Bloodless (Brasil)
• Cyberwar Neon City (Brasil)
• Dagger Froggy (Brasil)
• Debtor’s Club (Brasil)
• Dunjungle (Argentina)
• Enigma of Fear (Brasil)
• Hannah (México)
• Hidden in my Paradise (México)
• Last Vanguard (Argentina)
• Mexico 1921 (México)
• Mullet MadJack (Brasil)
• Kernel Hearts (Argentina)

• Popslinger Vol2 (México)
• Unlinked Mask (Chile)
• COLD VR (Venezuela, Argentina)
• Dont Kill Rumble (Argentina)
• Gaucho and the Grassland (Brasil)
• Idle Waters (México)
• Knock Off (República Dominicana, Puerto Rico)
• Slime Heroes (República Dominicana)
• Super Farming Boy (Argentina)
• Travel On, Pigeon! (Colombia)
• Arashi Gaiden (Brasil)
• Kentum (Argentina)
• Prisma (Colombia)

• Take Us North (Guatemala, Colombia, México)
• SOPA (Colombia, Argentina, México)
• Wander Stars (Venezuela)
• AstroBrawl (Argentina)
• AM ARCHAIC MEMORIES (México)
• Below, Rusted Gods (Argentina)
• Cozy Dungeons (Chile)
• DarkDawn: The Chornicles of a Doll (Paraguay)
• Escape Of The Hammer Princess (Argentina)
• Go Slimey Go! (Argentina)
• Kraino ReBirth (México)
• KULEBRA (República Dominicana)
• La Salamanca (Argentina)
• Mark of the Deep (Brasil)
• Dreamcore (Argentina)

• Minegeon: Renegades (Chile)
• Motorslice (Brasil)
• Projéct Timi: Sasha’s Curse (México)
• Shadows of Chroma Tower (Brasil)
• Shippin (Argentina)
• Sin Squad (Brasil)
• Sky Dust (Brasil)
• Space Hunters (Argentina)
• Spaceman Memories (Honduras)
• Subversive Memories (Brasil)
• The Last Grape (Brasil)
• The war in Chiapas (México)
• Toni Island Adventure (Brasil)
• Wind Runners (Brasil)

En despelote podremos recorrer las calles de Quito, Ecuador, en el 2001, previa a la primera clasificación de la selección ecuatoriana para la Copa del Mundo. En esta historia semiautobiográfica controlaremos a Julián en primera persona teniendo la posibilidad de patear nuestra pelota por la ciudad, viendo cómo la población de Quito se ve cada vez más cautivada por el fútbol ante este suceso histórico para su selección. Como pueden verse en los tráilers, despelote contará con voces completamente en español, además de presentar un estilo visual altamente llamativo.

La distribuidora de este peculiar juego no es otra que Panic, compañía conocida por publicar grandes títulos independientes como Firewach y Untitled Goose Game. Desde entonces, la compañía no solamente se ha dedicado a la distribución de otros juegos indies como el reciente Arco, sino que también han sido los responsables detrás de la consola portátil Playdate. Este pequeño dispositivo, que a principios de este año ya había alcanzado las 70.000 unidades vendidas, es una consola retro que además de botones tradicionales cuenta con una manija, con juegos que ofrecen experiencias pequeñas pero únicas pensadas para el dispositivo.

Como se anunció en el tráiler, despelote estará disponible a principios del año próximo para PlayStation 5, PlayStation 4, Xbox y PC.

En esta ocasión, muchos juegos argentinos dijeron presente, pero quizás el más conocido es The Path Into The Abyss. Este juego, que se volvió viral a principios de este año, fue calificado como “el Fallout argentino”, y cautiva con su estética postapocalíptica, pero más que nada con sus actuaciones de voz. A diferencia de muchos otros videojuegos con doblaje en español, el título de MXR Productions elige abandonar una dialecto neutro en favor de un acento marcadamente argentino. Lamentablemente, el juego aún no ha anunciado una fecha de lanzamiento.

Otro de los juegos interesantes que se mostraron en el Latin American Games Showcase fue Dreamcore, otro juego argentino. Este título de terror en primera persona presenta una estética que podría describirse como bizarra, haciendo uso de amplios espacios vacíos que difuminan la línea entre lo real y lo irreal para construir una atmósfera que constantemente genera inquietud. Como broche de oro, el juego posee un filtro que hace que todo lo que vemos parezca como material grabado en video, sumando todavía más a esa excelente atmósfera.

SOPA - Tale of the Stolen Potato, desarrollado por StudioBando, es quizás uno de los proyectos más ambiciosos de los que se mostraron en el evento. Este juego es uno de los pocos que reúne desarrolladores de varios países, entre los que se encuentran Colombia, México y Argentina. El título será una aventura que promete ser muy emotiva, transportándonos a una tierra fantástica donde exploraremos qué valor tiene nuestro legado. Los desarrolladores mencionaron que el juego está inspirado en varias obras reconocidas como El Principito, la película Coco y las historias de Miyazaki.

Volviendo al reino del terror, Tenebris Somnia fue otro de los juegos que se presentaron en el Latin American Games Showcase. Este título tiene la particularidad de mezclar jugabilidad en 2D, con sprites que hacen uso de pixel art, y escenas live-action filmadas con actores reales dirigidas por el argentino Andrés Borghi. El juego nos permitirá resolver diferentes acertijos a la vez que escapamos de terroríficas criaturas, mostrando su inspiración en títulos como Resident Evil y Silent Hill.

Para cambiar a algo un poco más colorido, SoulQuest de SoulBlade Studio también se mostró en el evento. Este juego será un frenético hack & slash en 2D inspirado en mitología celta. Nuestra protagonista buscará obtener el poder de la diosa de la muerte para revivir a su amado, en una aventura que la llevará a enfrentarse a una gran variedad de enemigos, que van desde esqueletos básicos hasta dioses celtas.

Para los amantes de los juegos en primera persona, Avix Games presentó lo nuevo de Deep Beyond, un thriller donde protagonizamos a una exploradora marina. El juego posee una estética muy estilizada, con un interesante uso de colores tanto en escenas en tierra como en las profundidades del océano.

Estos fueron solamente algunos de los juegos que se presentaron en el Latin American Games Showcase, y para aquellos que hayan quedado cautivados por alguno de estos títulos, varios de ellos poseen demos en Steam. Entre los títulos que pueden probarse se encuentran los previamente mencionados Dreamcore, SoulQuest y Tenebris Somnia, además de varios otros juegos como Runa & the Chaikuru Legacy, Desvelado, Goblin Cleanup y Arco. En Steam además podrán encontrarse entrevistas con los desarrolladores y ofertas de juegos presentados en ediciones anteriores.

La lista completa de los títulos anunciados:

• ABYSS X ZERO (Brasil)
• Among The Stars (Brasil)
• Arco (México)
• Astor: Blade of the Monolith (Colombia)
• Astral Rot (Chile)
• ATOMIC PICNIC (Brasil)
• Beacon of Neyda (Argentina y Uruguay)
• Bit & Quantum: Save the Earth! (Argentina)
• Bittersweet Birthday (Panamá)
• Bloodrush: Undying Wish (Brasil)
• Boyscout - Patrick’s town (República Dominicana)
• Century of Anticipation (Brasil)
• Codex Eternal Eclipse (México)
• Curilemu (Chile)
• Dark Crown (Brasil)
• Deathbound (Brasil)
• Deep Beyond (Argentina)
• Despelote (Ecuador)
• Desvelado (Argentina)
• Diesel Legacy (Brasil)
• Digital Exorcist Case File 1 (México, Argentina, Uruguay y Perú)
• Dreamcore (Argentina)
• Dreamsweeper (México)
• Dungeon Drafters (Brasil)
• Eagle Knight Paradox (México)
• Extinction Rifts (Brasil)
• Glory Hunters (México)
• Goblin Cleanup (Argentina y Uruguay)
• Gurei (Brazil)
• Heaven Crawler (México)
• Hidden in my Paradise (México)
• Hollow Flowers (Argentina y Colombia)
• I Was Lost (Brasil)
• Into the Grid (Argentina)
• Ironhive (Brasil)
• Keylocker (Brasil)
• Kid Pilot (México)
• Mariachi Legends (México)
• Mark of the Deep (Brasil)
• México, 1921: A Deep Slumber (México)
• Mullet MadJack (Brasil)
• Naughty Geese (Brasil)
• One Card One Shot - Mafia (Brasil)
• Payloaders Strike! (Argentina)
• Pipistrello and the Cursed Yoyo (Brasil)
• Prisma (Colombia)
• Project Timi: Sasha’s curse (México)
• Read Only Memories: NEURODIVER (México)
• RKGK / Rakugaki (México)
• RoadOut (Brasil)
• Runa & the Chaikuru Legacy (Argentina)
• Saborus (Brasil)
• Saviorless (Cuba)
• Sky Oceans: Wings for Hire (Chile)
• Slime Heroes (República Dominicana)
• SOPA - Tale of the Stolen Potato (Colombia, México, Argentina)
• SoulQuest (Argentina)
• Stay with Me! Alien Abduction Story (Chile)
• Super Crane Bug 2 (México)
• Super Farming Boy (Argentina)
• Tenebris Somnia (Argentina)
• The Amazing Crackpots Club (Chile)
• The Cabbage Effect (Brasil)
• The Coldest Winter (Estados Unidos)
• The Midnight Crimes (Chile)
• The Path Into The Abyss (Argentina)
• The War in Chiapas (México)
• Travel On, Pigeon! (Colombia)
• Under Canopies (México)
• Vinebound: Bloom & Boom (Brasil)
• Vultures - Scavengers of Death (Colombia)
• Wind Runners (Brasil)
• Zet Zillions (Brasil)

Lisboa, 25 may (EFE).- Interesarse por el arte contemporáneo y empezar una pequeña colección no es algo únicamente para gente adinerada, defiende la feria ARCO Lisboa, que quiere democratizar esta forma de cultura y en la presente edición exhibe obras que pueden empezar en los 200 euros.

La 7ª edición de la feria, que se desarrolla hasta este domingo en la Cordoaria Nacional de la capital lusa, busca contribuir a que los portugueses vean el arte contemporáneo como una manifestación cultural accesible a todos.

"Coleccionar arte no es una cosa de una élite, puede ser para cualquiera", afirmó en declaraciones a EFE una de las curadoras de ARCO Lisboa, Luiza Teixeira de Freitas, que consideró que "todavía hay un camino enorme por hacer" en Portugal en este sentido.

Teixeira de Freitas realizó la curadoría de Opening, una sección dedicada a las galerías jóvenes y donde, por lo general, se pueden encontrar las obras más asequibles de la feria.

En el centro de este espacio se ha instalado este año una pared en la que cada galería de Opening ha colocado una de sus obras, con la condición de que el precio de la misma no superase los 3.000 euros.

Pero se pueden encontrar piezas asequibles para muchos bolsillos. La más económica de toda la feria cuesta 200 euros, es del artista portugués João Motta Guedes y está en el stand de la galería lisboeta Nave.

"Traemos siempre una propuesta que tiene obras que son más institucionales, de grandes colecciones, y también obra para el pequeño coleccionista privado o el que está queriendo empezar a crear su colección", explicó a EFE la directora y fundadora de la galería, Mercedes Cerón.

Cerón, de madre española y padre luso, aseguró que Portugal "no tiene una educación cultural y artística" como sí va existiendo en países como España: "Venir a una feria de arte es una barrera, porque se entiende que viene quien tiene una capacidad económica muy alta".

Esa diferencia se nota aún entre ARCO Lisboa y Madrid, aseguró la curadora Teixeira de Freitas, que ha trabajado en ambas.

"En Portugal es difícil todavía que el público entienda que la cultura es un derecho, que debería ser obligatoria. Creo que todavía no estamos ahí", defendió, aunque reconoció que cada vez hay más "curiosidad" e "interés" en el ciudadano luso.

El trabajo para democratizar el arte, continuó, deben hacerlo los curadores, directores de museos y galerías, no los propios artistas, un camino que pasa por su "internacionalización".

Ese proceso está más avanzado en España, que tiene decenas de galerías en ARCO Lisboa.

Una de ellas es la madrileña Silvestre, que este año dedica su stand íntegramente al artista gallego Vicente Blanco y es otra de las opciones más económicas de la feria, con dibujos a 250 euros, aunque también tiene obras a 15.000.

El codirector Pep Anton Clua Monreal señaló que esa idea de que el arte es para las élites empezó, porque en su momento sólo era accesible a los reyes o la nobleza, pero "afortunadamente" cada vez se piensa menos así.

"Hay un proceso paulatino, que va poco a poco", dijo el galerista, que aseveró que "cualquier persona que se acerque a las ferias, que hable con los artistas, verá luego que hay todo tipo de precios".

La entrada general en ARCO Lisboa son 20 euros en la web y 25 en taquilla, con algunos descuentos por edad.

Con estos precios, la democratización de la cultura en Portugal "es un poco difícil", ya que "todavía no es asequible para muchas personas", se quejó en declaraciones a EFE Elia Gonçalves, una apasionada del arte que visitaba la feria con una amiga.

Para despertar el interés y fomentar nuevos coleccionistas, la feria permite entrar gratis a los menores de 25 años durante la tarde del sábado, pero ese cambio pasa también por dar a conocer el arte y "desmitificarlo", según Blanca Soler, una joven española aficionada a visitar ferias de arte.

A veces se siente como si se entrase "en una tienda de lujo": "Si no vas a comprar algo da un poco de respeto. Se tendría como que implementar más la idea de ir simplemente por disfrutar del arte y de conocer, más que con la idea de si me lo puedo permitir o no", apuntó Soler.